“Delfín”, la tercera película del director argentino Gaspar Scheuer (“El desierto negro”, “Samurai”), pone el foco en la historia de un niño de once años que vive solo con su padre en un pequeño pueblo de la provincia de Buenos Aires, y que hará todo lo que está a su alcance para cumplir aquello que anhela. A Delfín Valdez (Valentino Catania) pocas cosas le resultan fáciles. Dada la situación económica precaria en la que vive, tiene que madrugar cada día para ir a trabajar a una panadería, asistir a clase y ocuparse de los quehaceres de la casa mientras su padre (Cristian Salguero) trabaja sin horario en una constructora. Scheuer elige relatar la rutina de este niño a lo largo de una semana muy especial: la orquesta del Teatro Municipal de Junín tomará audiciones para su conformación y Delfín no dudará en participar. La oportunidad representa un hecho muy importante para él, más allá de la incredulidad y las objeciones de su padre. TERNURA Y ESPERANZA A pesar de no tener formación en música, el amor que siente Delfín por el corno francés, y la emoción que le genera tocarlo, lo empuja a tomar desde un primer momento la decisión de responder a la convocatoria de la orquesta. La experiencia de viajar a Junín implicará para él una travesía de gran aprendizaje. Resulta interesante que más allá de la simplicidad del relato que construye Scheuer, existen interrogantes que el espectador podrá responder por sí mismo y que no se desprenden de forma obvia. Con inteligencia y sutileza se revelan algunos aspectos interesantes de la vida íntima de este padre y su hijo. El trabajo de composición de Valentino Catania y Cristian Salguero es conmovedor. Ambos construyen un vínculo cargado de ternura. Al clima de por sí intimista planteado por el director se suman escenas entrañables en donde las conversaciones entre ambos personajes lo dicen todo. De los rubros técnicos se destaca la música original de Ezequiel Menalled, que desde las primeras escenas nos interpela con sensibilidad y potencia. Un pequeño y valioso relato lleno de ternura y esperanza.
De la mano de los gigantes Disney – Pixar y con la producción de Mark Nielsen y Jonas Rivera llegó a las salas de nuestro país uno de los estrenos más esperados del año. La historia de Woody, Buzz y sus amigos lograron cautivar a la audiencia a lo largo de las tres películas que conformaban la historia y que parecía que había llegado a su fin con el muy buen cierre de “Toy story 3”. Sin embargo, esta última entrega no sola logra darle un final ingenioso y tierno a la saga, si no que transmite mensajes nobles y valiosos sobre la amistad, como estos personajes nos tienen acostumbrados. Al irse a la Universidad, Andy decide darle los preciados amigos que lo acompañaron durante su infancia a Bonnie, una tierna niña que le dedica a sus juguetes el amor y la dedicación que se merecen. En esta entrega, Bonnie crea a un nuevo mejor amigo en su primer día de jardín: Forky, a quien le cuesta entender que no pertenece más a la basura y que muy por el contrario, pasó a convertirse en el juguete favorito de la niña. Tras un inconveniente durante las vacaciones de Bonnie en un parque de diversiones, Woody y sus amigos tendrán que rescatar a Forky, quien quedó encerrado en una casa de antigüedades junto a Gaby Gaby, una muñeca antigua que lidera la tienda y que tiene un objetivo muy claro que cumplir. Toy Story superó durante el sábado 22 el millón de entradas y con comodidad! Así se convirtió en la primera película en la historia de la exhibición en la Argentina en llegar a solo dos días después del estreno. CINES ARGENTINOS. En 3 días (Jueves a Sábado) #ToyStory4 ya igualó el arranque récord de #AvengersEndgame en 4: 1.180.000 espectadores. Diego Battle. Otro de los personajes fundamentales de esta nueva (¿y última?) entrega es la reaparición de Bo Veep, quien lejos de encontrarse amargada por ser un juguete abandonado, se enorgullece de su libertad y de lo que ha logrado. El rol de Bo es de vital importancia para rescatar a Forky, misión a la cual también Buzzlightyear se suma más tarde. Con divertidos nuevos personajes, canciones hermosas (acá la playlist con las canciones), y una “voz de la conciencia” muy presente en Woody que hará que tome decisiones fundamentales para su destino, “Toy story 4” no defrauda y cumple con creces las expectativas de los espectadores que esperaban con ansias la continuidad de la historia. Todos los rubros técnicos son de excelencia. No hay nada que objetar en este sentido a esta historia en la cual niños y grandes disfrutarán y se emocionarán por igual: el sentido de la amistad, la lealtad y la fidelidad traspasan la pantalla, y el resultado es un producto lleno de risas y emoción. Opinión: Excelente
La película francesa que se estrenó el pasado jueves en nuestra cartelera nos relata la historia Mia, una niña que junto con su familia debe adaptarse a vivir en un granja de leones de Sudáfrica. Si bien las ganas de volver a su antigua vida en Londres generan en ella una inconformidad constante, la llegada de Charlie (un león blanco) modifica su realidad: el hermoso animal se transforma no solo en su mascota, sino también en su mejor amigo. Charlie y Mia construirán un vinculo lleno de ternura y complicidad a lo largo de los años (es interesante ver el crecimiento de la niña y el león en la película, un trabajo digno de destacar debido a que esta se filmó a lo largo de tres años). Llegado a la adultez, el león será la estrella del parque donde vive Mia, hasta que se entera que la vida de su mejor amigo corre peligro. Si bien el eje principal de toda la película es la relación entre Mia y Charlie, el conflicto que surge y la resolución del mismo se vuelve predecible e inverosímil. Es destacable el trabajo de Melanie Laurent (Daniah De Villiers): las escenas con el león y las que comparte con su hermano en la ficción, Ryan McLennan, están muy bien logradas. Los rubros técnicos son impecables y las locaciones donde se filmó la película son visualmente bellas. Sin embargo, le juegan en contra a la historia su linealidad narrativa y los puntos obvios que atraviesa.
Una película a puro Almodóvar: melodrama del mejor (ese que sabe exagerar y sin embargo despierta la empatía; ese que construye memorables guiños de humor mientras sacamos los pañuelos de los bolsillos), colores primarios plenos, guiños autoreferenciales, close-ups que revelan la emoción de actores icónicos. Sí, es una vez más Almodóvar sobre Almódóvar, un Almodóvar maduro como el barbado Antonio Banderas que seduce, conmueve y enternece encarnando a Salvador Mallo, un director que ya no filma, paralizado por sus dolencias (mostradas en un despliegue de efectos digitales) y sus adicciones. Con esta reflexión sobre las desventuras de directores de cine como él, Almodóvar parece completar así una suerte de trilogía junto a La ley del deseo y La mala educación. Los personajes que vuelven del pasado, los recuerdos de su infancia que se entremezclan con alucinaciones, nos muestran la vulnerabilidad de Salvador ante la realidad de envejecer que el éxito no logra amortiguar. La trama se apoya en actuaciones excelentes de Antonio Banderas (que le valió el premio a mejor actor en Cannes), Leonardo Sbaraglia, Penélope Cruz, Asier Etxeandia y Nora Navas. Una película sobre hacer películas, que juega con los límites de la ficción y la memoria. ¿Cuál es la película que estamos mirando? ¿Cuáles de las líneas narrativas que se superponen como capas de hojaldre son las que podemos identificar sobre el argumento de esta peli? Cuanto más prestamos atención a los detalles (el color de los ojos de los personajes, una frase repetida, la intervención instrumental de alguna actriz favorita del director, una escena de La niña santa de Lucrecia Martel en un televisor…) más nos deleitamos con la multiplicidad de sentidos. Pero el cine es imagen, y de eso Almodóvar sabe mucho, y nos deja su sello distintivo en escenas memorables, como el reencuentro entre Salvador y un añorado amante (en la piel de Leonardo Sbaraglia) que es una narrativa en sí misma, un punto de inflexión a partir del cual el dolor puede, todavía, llevar a la gloria. Reseña de CLAUDIA FERRADAS para www.ociopatas.com
El dramaturgo y cineasta cordobés es sin duda una de las cabezas más interesantes de nuestro país: sus ideas, la forma en que logra plasmarlas en ficciones, sus obras de teatro, películas y novelas han conmovido a miles de espectadores y a la crítica en general. Su última película, “Breve historia del planeta verde” se alzó con el Premio Teddy a Mejor Película y el Teddy Reader’s Award-Berlinale, y la Mención Especial del Jurado Competencia Argentina BAFICI , entre otros premios. Como cineasta, dirigió EXTRAÑO, LA INVENCION DE LA CARNE, ROSA PATRIA, LA PAZ, SI ESTOY PERDIDO NO ES GRAVE, entre otros premiados largometrajes, mientras que como dramaturgo escribió, solo por mencionar algunas: AMARAS LA NOCHE, NADA DEL AMOR ME PRODUCE ENVIDIA, LA VIDA TERRENAL, HE NACIDO PARA VERTE SONREIR, MATAR CANSA, PUDOR EN ANIMALES DE INVIERNO, TODO VERDE, LA MUJER PUERCA, representadas en la escena porteña con gran éxito. Su obra es enorme y los universos que atraviesa son de diferente índole, aunque hay un patrón que puede encontrarse en varias de sus creaciones: la particular mirada de la mujer sobre situaciones diversas. “Breve historia…” no es la excepción, pues a través de la mirada de Tania (una chica trans que hace shows en boliches) nos adentramos en un insólito viaje lleno de fe, confianza, ternura y valía. Junto a sus amigos Pedro y Daniela, Tania decide viajar a la casa de su abuela, quien acaba de fallecer, para hacerse cargo de su herencia y una peculiar misión que le es encomendada. En este road trip a pie los amigos lograran vencer cada obstáculo que se les presenta y además de encontrarse con ciertos aspectos de ellos mismos, se descubrirán entre sí, con sus personalidades, miedos y esperanzas. Este viaje los completa, les da la fuerza que necesitan para adoptar determinadas decisiones, los redescubre. Mas allá que la película fue premiada en la Berlinale por su temática LGTBQ+, lo interesante de “Breve historia del planeta verde” es que trasciende esta temática, es la historia de estos tres amigos y lo que juntos son capaces de hacer lo que vuelve a la historia una singular oda a la amistad. Tania, Pedro y Daniela no encuentran en la sociedad en la que viven un espacio donde sean escuchados, amados y/o reconocidos, Daniela atraviesa una profunda melancolía tras la ruptura de una relación, Pedro solo encuentra placer en la noche, donde puede liberarse y dar rienda suelta a su pasión: ambos encuentran en Tania la fortaleza y la confianza que en ellos falta, su amistad los completa, y este viaje a los tres, los transforma, los hace crecer. Un relato donde los géneros se fusionan, difícil de encasillar: como la vida misma. El trabajo de actuación de Romina Escobar, Paula Grinszpan y Luis Sodá es impecable, y los rubros técnicos acompañan la estética que propone la película. En relación al trabajo de dirección y guión, Loza construye un filme cargado de poesía y emoción. Opinión: Excelente.
Tras su paso por el Festival de Cannes, llegó a nuestra cartelera la biografía de uno de los iconos de la música pop de todos los tiempos: Elton John (quien demostró su emoción y felicidad durante la proyección de la película en el festival). Con dirección Dexter Fletcher, un actor y director de cine inglés, que ha manifestado las ganas que tiene de ahora dirigir una película sobre Madonna (corren tiempos de biopics), y el protagónico impecable de Taron Egerton (“The smoke”, “Kingsman”), cuyo nombre saltó al estrellato y a la popularidad masiva luego de esta película. Tras el éxito en ventas de la biopic de Freddy Mercury (“Bokemian Rhapsody“), que se alzó con varias nominaciones y premios (entre ellos el Oscar a mejor actor a Rami Malek el año pasado), la vara para el espectador de este tipo de filmes no había quedado baja: el filme de Bryan Singer logró transmitir la emoción y el espíritu de Freddy para muchos de los seguidores de la banda, espectadores de cine y parte de la crítica. Rocketman por su lado alcanza el objetivo con creces: transmite la emoción y la calidad cinematográfica que se esperaba y sorprende con una estética impecable, actuaciones sólidas, y una fluidez narrativa que no encuentra fisuras. Elton John (quien también es productor ejecutivo de esta película) decide trasladarnos a su infancia y recorrer junto a él sus vínculos personales (relaciones que lo marcaron como persona y con las cuales tuvo que luchar durante toda su vida para seguir adelante), su pasión por la música, sus sueños, y por supuesto, su salto a la fama a muy temprana edad y las consecuencias de volverse millonario y de tener todo lo que podría un artista desear, y sin embargo no sentirse realizado en su faz personal. El pequeño Reginald Dwight frente al piano y sus primeras notas, el chico de 11 años que logra acceder a la Royal Academy Of Music por su talento, el joven que decide dedicarse a la música para toda la vida, compositor talentoso y empedernido, trabajador incansable, artista revelación en su época, icono pop millonario, apasionado, todo eso fue y es Elton John, y la película lo expone con alegría, emoción, glam y estilo, pero lo más logrado sin duda es como Fletcher también recorre el lado más oscuro del artista y que decide contar desde la primera escena, un Elton desmejorado, adicto, devastado emocionalmente, extasiado, y que decide pedir ayuda para seguir luchando: porque no todo fue brillo y éxitos en la vida de uno de los hombres más talentosos en el campo de la música. Y al mencionar la palabra música hay que destacar, más en este tipo de películas, no solo los cuadros musicales de gran despliegue visual si no también a la banda sonora de Rocketman, integrada por temas compuestos y grabados por Elton John para que sean interpretados por Taron Egerton. En un comunicado, el artista confesó que le confió al productor musical, compositor y multiinstrumentista británico Giles Martin el trabajo musical de Egerton. Y lo cierto es que el resultado es muy logrado, la banda de sonido encuentra en la voz e interpretación del joven actor todo aquello que cada tema tiene como objetivo transmitir. Les comparto el link de la banda sonora completa, que pueden escuchar en Spotify: Con rubros técnicos de primer nivel, donde se destaca, por supuesto la música Matthew Margeson, el diseño de producción, la dirección de arte y el vestuario (a cargo de Julian Day), esta biopic es una de las opciones cinéfilas más recomendables. ¡Contundente, ambiciosa y muy bien lograda: más que recomendable!
“Infierno grande”, el último filme de Alberto Romero, co-guionista de “¿Quién mató a Mariano Ferreyra?” y director del premiado corto “La loca matilde”, es una pequeña pero muy lograda historia con elementos de road movie y de western moderno que pone el eje en el poder de una mujer que ha decidido escapar para encontrar la liberación que anhela. La historia plantea el retorno de María (Guadalupe Docampo) al lugar donde nació, un remoto pueblo del cual nadie habla bien pero que para ella significa el escape que necesita. Maltratada por su marido (Alberto Ajaka), María toma la decisión de emprender este viaje con un embarazo avanzado a cuestas. Una mujer que toma una decisión y está dispuesta a todo por cumplirla. Muchas veces los temas en el cine se vuelven esclavos de las formas. Rompamos todas las cadenas que podamos, las formales, las creativas y sobre todo aquellas que nos impone un orden social injusto que, como bien sabemos, se va a caer. Alberto Romero La estepa pampeana, los indios que allí vivieron, la mística de aquellos lugares, se convierten en un contexto en donde lo real se mezcla con lo fantástico y las posibilidades de “creer” o no en ciertas situaciones que la película plantea se convierte en decisión del espectador. Con sutileza e inteligencia el director nos hace participes de una historia que mantiene el climax hasta el último minuto. Su mirada está enfocada en el protagónico de Guadalupe Docampo, quien desde un primer momento se hace cargo del filme con el profesionalismo que la caracteriza. Con un elenco muy acertado y roles bien delineados, “Infierno grande” es sin duda una sólida propuesta de cine argentino.
Se acercan las vacaciones de invierno y las carteleras de cine dan cuenta de ello: este jueves llega a los cines “Aladdin”, la nueva “live action” de Disney, dirigida por Guy Ritchie (Sherlock Holmes, The Man from U.N.C.L.E.), escrita por John August (Dark Shadows, Big Fish) y Ritchie, y protagonizada por Will Smith, Mena Massoud, Naomi Scott, Marwan Kenzari, Navid Negahban, Nasim Pedrad, Billy Magnussen, Numan Acar. Basada en el clásico animado de Disney de 1992, Aladdin narra la historia de amor que surge entre un joven que vive en las calles y se rebusca la vida robando objetos junto a su simpático y pícaro mono y la princesa Jasmín, única hija de su padre, el Sultán de Agrabah. Para cumplir su sueño de estar junto a la bellísima Princesa, el joven Aladdin deberá contar con la ayuda de un ser extraordinario y poderoso, que además se convertirá en uno de sus mejores amigos (al ritmo de la canción “Friend like me”): el Genio, interpretado en esta entrega por Will Smith (Ali, Hombres de negro). De las gratas sorpresas que tiene esta película destinada al público infantil, no cabe dudas que la actuación de Smith es la principal. El reconocido actor admitió que se inspiró en ‘EL PRÍNCIPE DE BEL AIR´para componer este personaje, a la vez que confesó tener miedo de no ser tan bueno como el Genio que en su momento compuso el inolvidable Robin Williams. Lo cierto es que Smith crea un Genio divertido, sensible, y con mucha energía que no decepciona. Otro de los personajes que logra lucimiento en varias escenas es el de la princesa Jasmin, interpretada por Naomi Scott: la actriz, modelo y cantante indio-inglesa tiene un rol fundamental, pues el poder de la mujer es representado con su potente y hermosa voz en una de las escenas más emotivas de la historia. Naomi Scott is the beautiful and self-determined princess jasmine in Guy Ritchie’s live-action adaptation of Disney’s animated classic ALADDIN. Esta versión, mas allá de algunas licencias artísticas, no se aleja demasiado de la película animada y eso es una garantía: el relato es efectivo, tierno y con un mensaje que atraerá a los más chicos. El ritmo, no solo de la película, sino también de la música de Alan Menken mantiene al público con una sonrisa esbozada durante varias escenas del filme. Con rubros técnicos de primer nivel e impecables efectos visuales, Aladdín tiene un background que la favorece: La película animada de 1992 fue protagonizada por Robin Williams y presentó canciones tan memorables como la ganadora del premio Óscar “A whole new world” (“Un mundo ideal” en español) y “Friend like Me” (“Un amigo fiel” en español). Recaudó más de 502 millones de dólares de taquilla mundial, lo que llevó a exitosas producciones teatrales en Broadway y en el extranjero, como también a giras por Norteamérica. Veremos que pasa con esta nueva versión que tiene gran encanto y divertidos momentos. Opinión: Buena +.
Tras su paso por el Festival de Cannes el año pasado, el filme de Stéphane Brizé se presentó en “Les avant premiere” y estrenó recientemente en una cartelera en donde el cine social y político no abunda. Afortunadamente, esta opción se convierte en la ideal para quienes buscan una historia comprometida en donde los conflictos gremiales y la lucha por los derechos laborales gritan presente. Vincent Lindon (“La aparición” 2017, “Rodin” 2017) , es el líder de un grupo de trabajadores, que frente al cierre de la industria automovilística donde trabaja, decide encabezar un reclamo sindical a fin de que esta cumpla con lo acordado tiempo atrás (recortes salariales a cambio de mantener el trabajo del personal), y así evitar que mas de 1000 obreros queden en la calle. Cámara en mano, Brizé fragmenta la película en dos grandes momentos, el primero, donde nos pone en situación del reclamo y la protesta de los trabajadores frente a los que manejan la compañía: los intentos fallidos de llegar a un acuerdo, la desigualdad de estos frente a los directivos, las innumerables reuniones burocráticas con diferentes responsables sin solución alguna, y otra segunda parte, donde una posible solución parece asomarse. Resulta interesante como la problemática social es relatada a lo largo del filme: los diferentes puntos de vista, el significado de la protesta y el sacrificio que implica mantener una posición frente a una realidad que constantemente parece estar en contra de lo “más justo”. Sin embargo, por momentos el hilo conductor resulta redundante, pues salvo por unos minutos en donde se exhibe el vínculo entre el protagonista, Laurent Amédéo (Lindon) y su hija, el resto del relato está por momentos sobrecargado de asambleas, discusiones y protestas. Con notables trabajos actorales, y un duro, pero necesario mensaje que contar, “La guerra silenciosa” es una película inquietante con un excelente guión, que sin dudas, no dejará indiferente a ningún espectador. Cinéfilos: están avisados.
Una de las apuestas más esperadas de este 2019 llegará “volando” este jueves 28 a las salas del país, y son muchos los que la están esperando: los que vieron la película original de Disney de 1941 (cuarto largometraje de Walt Disney Studios, basado en la novela infantil homónima de Helen Aberson e ilustrado por Harold Pearl), que ganó un premio Óscar a Mejor Banda Sonora de una Película Musical, y fue nominada a Mejor Canción Original por Baby Mine, y también aquellos que disfrutan del particular y vanguardista Tim Burton como director de cine (ALICIA EN EL PAÍS DE LAS MARAVILLAS, Charlie y la fábrica de chocolate). Además de la dirección de Burton, “Dumbo” tiene un poderoso equipo creativo detrás de cámara: el guión es de Ehren Kruger (Ophelia, Dream House) y la producción es de Justin Springer (TRON: EL LEGADO), Kruger, Katterli Frauenfelder (Miss Peregrine’s Home for Peculiar Children, Big Eyes) y Derek Frey (Miss Peregrine’s Home for Peculiar Children, FRANKENWEENIE). En esta versión donde los personajes son interpretados por reconocidos actores del Hollywood, es dable destacar el impecable trabajo de producción y rubros técnicos en general: se aprecia desde el comienzo del filme cada detalle (diseño de producción, ambientación, vestuario, maquillaje, etc). Sobre todo, en las escenas que cuentan con la gran estrella de la película, Dumbo, podemos disfrutar de una dosis de ternura extrema. El elefante, tecnología y equipo de creativos mediante, logra atrapar las miradas y cautivar al espectador. No importa que edad tengas ni cuales sean tus expectativas, nadie puede negar el nivel de calidad con el que se le da vida a este pequeño gran héroe. A través de la historia mediante la cual Dumbo se convierte en la estrella del circo, con el fin de poder reencontrarse con su madre, Burton relata vínculos de amistad, la fuerza para alcanzar los sueños, el amor por la familia, de forma dinámica y emotiva. Como en la historia original, en esta versión los puntos sensibles también están presentes, por supuesto, pero sin hacer abuso de los mismos en ningún sentido, una escena bien lograda con la banda sonora del filme es suficiente para que la emoción aparezca. El elenco es sin dudas, otro gran acierto de “Dumbo”, Colin Farrell, Dani DeVito y Michael Keaton llevan adelante roles muy bien delineados, mientras que Eva Green (“Miss Peregrine…”), Finley Hobbins y Nico Parker, quienes realizan una notable labor, le aportan al filme ternura y simpatía. Como si estos nombres fueran poco, también podremos ver a Alan Arkin (“The Kominsky Method”) es un pequeño pero más que acertado personaje. “Dumbo” es un viaje sin escalas al corazón, que tanto grandes como chicos disfrutarán por igual, por eso recomiendo que no se la pierdan en la pantalla grande, a partir de este jueves 28 de marzo.