Llega a las salas de cine una nueva adaptación de la película basada en el libro de Stephen King que fue protagonizada en 1984 por Drew Barrymore. Charly (Ryan Kiera Armstrong) tiene poderes piroquinéticos y debe luchar por intentar salvar a su familia de un grupo de fuerzas siniestras que desean controlarla con fines terribles. Sus padres, Andy (Zac Efron) y Vicky (Sydney Lemmon), huyen desde hace tiempo de la agencia que los usó para experimentar, saben que si llegan a ser capturados les espera una vida oscura y sometidos a controles y experimentaciones permanentes. El punto de partida de la película es el escape de la familia cuando esta agencia intenta capturarlos. Ciencia ficción y suspenso intentan alternarse para crear climas, pero fallan en su objetivo. Si bien el argumento de la película no resulta tan interesante como otras obras literarias de King llevadas al cine, en esta adaptación el director no pudo sortear lo peor que puede suceder en una pelicula: resultar monótona y por momentos extremadamente aburrida. «Llamas de venganza» versión 2022 cae en los lugares típicos de esta tipo de filmes donde el «malo» persigue al «bueno», y hay muerte, sangre, y algún que otro momento triste. El cliché aquí está a la orden del día y ni los protagonistas principales ni los secundarios logran performances que permitan destacar aunque sea el trabajo actoral. La película de Keith Thomas no causa terror, ni suspenso. No causa nada. Desde lo técnico podría rescatarse la banda sonora de la mano de John Carpenter (Halloween, Christine, La Niebla) y sus compañeros de la franquicia Halloween, Cody Carpenter y Daniel Davies, pero ni siquiera resulta estimulante, pues aparece de forma forzosa, y por más reconocibles que sean estas melodías lo cierto es que estamos frente a una adaptación que podría haber arriesgado a utilizar otra banda de sonido y no caer también en el lugar común de recurrir a compositores tan conocidos y escuchados en este tipo de ´géneros cinematográficos. Una fallida nueva adaptación que quedará en el olvido. Opinión: Mala.
Llegó a las salas de cine del país «El buen patrón«, película española que tuvo un excelente paso por festivales internacionales (6 premios Goya y 4 premios platino, entre otras nominaciones). La película relata una semana en la vida de Julio Blanco (Javier Bardem), empresario y dueño de «Balanzas Blanco», fábrica donde todo funciona como «una gran familia» , de acuerdo a palabras del protagonista. En el filme se narran las diferentes situaciones que le acontecen a Blanco, desde un empleado que es despedido y desata una tragedia, a un conflicto de índole íntimo, todas ellas en un in crescendo muy bien elaborado de principio a fin. Si de contar matices en las relaciones laborales – personales se tratara, sin duda «El buen patrón» es un buen ejemplo como película. Más allá de todo lo que Blanco tiene que atravesar persigue un objetivo claro: mantener la reputación de su empresa cueste lo que cueste. No hay moralidad que valga. «El buen patrón» alterna el humor negro y la tragedia con inteligencia. Desde su comienzo mantiene al espectador atento a cómo las diferentes situaciones que se presentan logran (o no) resolverse. Con gracia e incomodidad, el realizador de «Escobar, la traición» y «Un día perfecto» reflexiona a través de su material sobre el poder y la ambición. El elenco, muy sólido, se encuentra liderado por un gran trabajo de composición de Javier Bardem. «El buen patrón» es un filme muy bien ejecutado que no hay que perderse.
El pasado jueves llegó a las salas de cine «La ciudad perdida», una película de humor protagonizada por Sandra Bullock que logra entretener al espectador y sorprende por su frescura y originalidad: es un delirio y se hace cargo de ello sin pretensiones. Bullock encarna a Loretta Sage, una escritora de novelas de romance cuyo personaje principal «Dash» (Channing Tatum) se ve envuelto en un sinfín de riesgos y desafíos de los que sale siempre ileso. Cómo en las novelas, la película relata la travesía que la escritora y Alan («Dash») se ven envueltos tras el secuestro de Loretta en manos de un excéntrico multimillonario (Daniel Radcliffe) que dice estar cerca de encontrar una antigua ciudad en una remota isla y necesita de la escritora para descifrar el lugar exacto donde este lugar se encontraría. El conflicto principal, escapar con vida de esa isla, se sortea con muchísimo humor, escenas de acción, un guión divertido y simple que cumple con lo que se propone: divertir al espectador durante sus dos horas de duración, algo nada sencillo. La historia totalmente disparatada es coherente dentro de su argumento y no busca un objetivo distinto al de entretener. Los personajes están muy bien delineados y dentro de sus estereotipos, cumplen con las expectativas. La elección del cast es muy atinada y la dupla Bullock – Tatum funciona en este tipo de producciones. Una divertida propuesta para toda la familia, para olvidarse de los dramas y pasar un buen rato.
El director de `Agente Salt', `Cerca de la libertad' y `Juego de patriotas', Phillipe Noyce, nos presenta en esta oportunidad una historia que relata la desesperación de una madre al enterarse que su hijo puede verse involucrado en un tiroteo que sucedió en la escuela. Amy (Naomi Watts) enviudó hace muy poco tiempo y luego de la partida de su esposo debió hacerse cargo sola de sus dos hijos, la pequeña Emily y el adolescente Noah, con quien la relación se ha vuelto tensa y distante. `La hora desesperada', a la que hace referencia el título original del filme, es una expresión cuasi literal del conflicto: a Amy la contactan mientras está corriendo para decirle que hubo disparos en la escuela a la cual asisten sus hijos. Alejada de su casa y del lugar donde ocurrieron los hechos, decide hacer todo lo que está a su alcance para proteger a su familia. El guion previsible y un tanto elemental de Chris Sparling no permite revelar mucho más sin caer en un spoiler. La película de Noyce se apoya en una actriz muy valiosa como Naomi Watts para relatar una historia plagada de lugares comunes, escenas previsibles y diálogos poco creíbles entre la protagonista y los personajes periféricos con los que habla a través de su teléfono durante toda la película. La cámara que sigue a Watts durante casi los noventa minutos se enriquece con los planos cortos y el poder interpretativo de la actriz, siempre sólida en sus roles. De todas formas, la trama no logra captar la atención del espectador pues el guion atenta contra la propia película. Naomi Watts logra lucirse pero de todas formas la pieza cinematográfica resulta intrascendente y obvia.
Luego de las dos primeras entregas de `Animales fantásticos' llega a los cines la tercera película que forma parte de la saga creada por J.K Rowling y que mantiene a los fanáticos de Harry Potter muy al acecho de cada entrega. En esta oportunidad la historia se centra, por un lado, en los secretos de un joven Albus Dumbledore, interpretado por Jude Law, y por otro lado, en el ascenso al poder (y lo que eso implica) del malvado Grindelwald (Mads Mikkelsen). Los animales fantásticos de Newt Scamander, las aventuras y desafíos, el humor y los duelos mágicos que caracterizan a este tipo de películas también se encuentran presentes. El poderío de Grindelwald está en ascenso, más allá de los crímenes atroces que cometió, tiene un plan armado para alcanzar la victoria en las próximas elecciones de la Confederación Internacional de Magos y así convertirse en la personalidad más importante del mundo mágico. Dumbledore, ligado a Grindelwald a través de un secreto que se revela apenas comienza la película y que no vale la pena spoilear, también tiene un plan para lograr que triunfe el bien y para ello convoca a Newt Scamander (Eddie Redmayne), protagonista también de las anteriores entregas de la saga; su hermano Theseus (Callum Turner), Eulalia Hicks (Jessica Williams) y al atrevido y gracioso panadero Jacob Kowalski (Dan Fogler). El ecléctico equipo liderado por Dumbledore deberá seguir un plan lleno de riesgos y desafíos, e incluso duelos con el ejército de Grindelwald para cuidar a una criatura poderosa llamada Quinill, fundamental para detener el plan siniestro de Grindelwald. El director David Yates toma los elementos típicos de este tipo de películas y los amalgama de forma tal que nunca deja de ser entretenida. Desde el comienzo los efectos visuales del mundo mágico captan al espectador y mantienen su atención durante el desarrollo del filme. Cada personaje está muy bien delineado, y en esta oportunidad los seguidores de `Harry Potter' y de `Animales fantásticos' pueden conocer aún más sobre la historia de Albus Dumbledore, su pasado y los secretos que no habían sido revelados antes. Un personaje muy fuerte, vinculado a la bondad y a la sabiduría, y sobre el cual aquí se revelan otros aspectos desconocidos. ESPECTACULARIDAD Los efectos visuales y la fotografía son impecables, desde cada animal fantástico que aparece hasta las escenas de duelos entre los magos. Todo lo que sucede en la pantalla es de gran espectacularidad y disfrute. Yates utiliza en dosis justas los variados recursos técnicos a su disposición. La película también se sostiene por una trama bien construida y actuaciones notables. La dupla de Jude Law y Mads Mikkelsen es muy sólida; ambos actores se hacen cargo con mucho compromiso de roles que poseen una carga emocional muy fuerte. Lejos de subestimar a sus personajes, los interpretan con profesionalismo. Una dupla de lujo para esta entrega. `Animales fantásticos: Los secretos de Dumbledore' es puro entretenimiento y disfrute de comienzo a fin, una película muy bien lograda en todos los aspectos.
La nueva película producida por DreamsWorks está basada en los libros ilustrados de Aaron Blabey `Los chicos malos', una entretenida historia animada para toda la familia en la cual cinco expertos delincuentes malvados se convierten, en el devenir de la historia, en buenos tipos. Conocido en la ciudad por su maldad, ambición y frivolidad, el grupo de animales liderado por Lobo se pone como meta robar el objeto más preciado por la urbe donde viven: el llamado Delfín de Oro, que se entrega cada año al ciudadano más querido por la comunidad. Cada uno de los integrantes de la banda funciona como una pieza de reloj en su expertise para que toda la operación salga bien y así poder reírse una vez más de las autoridades policiales que no pueden atraparlos. Pero la sucesión de los hechos no favorece a estos chicos malos, que finalmente eligen someterse a un plan para tratar de convertirse en buenos. Con unos giros de tuerca muy entretenidos que permiten reflexionar sobre cómo las apariencias muchas veces engañan, y un relato ameno y efectivo, `Los tipos malos' entretiene y brinda un valioso mensaje sobre la amistad, la lealtad y lo bien que se siente ser buena persona, algo que los personajes de la película no habían descubierto antes. Un filme para disfrutar con la familia y pasar un agradable rato.
Ambientado en Belfast a finales de los 60, la última película escrita y dirigida por Kenneth Branagh nominada al Oscar como mejor película y que se llevó el Globo de Oro a mejor guion, se estrenó el pasado jueves en los cines de Argentina. La película es una bellísima historia con tintes autobiográficos de la infancia del director, emotiva y sensible Por Manuel Germano Los conflictos entre católicos y protestantes que sucedieron en Belfast enmarcan el contexto del filme, una zona rodeada por militares y donde los conflictos sociales entre los propios vecinos no tardan en sucederse. Buddy, el hijo menor de un joven matrimonio protestante que no está de acuerdo con la violencia como forma de expresión, es la figura principal que Branagh elige para contar esta historia. A través de sus ojos el espectador podrá adentrarse no solo en lo agitado que fue ese momento histórico para Belfast y la política nacional, sino también en aquello que a el como niño lo mantiene atento, la incertidumbre de lo que podría pasar, el primer amor de la infancia, la estabilidad de la familia en la ciudad o fuera de ella y el vínculo con sus entrañables abuelos (Judi Dench y Ciaran Hinds ofrecen escenas bellísimas) Emociona la sencillez con la que los vínculos son retratados en Belfast y el humor que genera la inocencia de la mirada de Buddy ante el mundo adulto. Branagh trabaja la totalidad del film en blanco y negro y esa decisión (que nos recuerda a ROMA, de Alfonso Cuaron) es un gran acierto, le aporta a la historia climas y momentos preciosos que calan hondo en la audiencia. El elenco compuesto por Jude Hill, Caitriona Balfe, Jamie Dornan, Lewis McAskie, Judi Dench y Ciaran Hinds es otro acierto de Branagh, todos los roles están muy bien delineados y trabajados. La múltiple nominada a los premios de la Academia es una pieza cinematográfica de gran sensibilidad que tiene grandes posibilidades en la entrega de los Oscar del próximo 27 de marzo.
e Granchio» se presenta en la sección Competencia Internacional del festival tras su paso por la quincena de realizadores de Cannes, donde ha cosechado muy buenas críticas. Rigo de Rihi y Zoppis en la dirección y guión presentan aquí la historia sobre un particular hombre y su devenir. Un grupo de cazadores y copas de vino de por medio son el puntapié inicial para que la leyenda de Luciano comience a desarrollarse en la pantalla grande. Italia, fines de siglo XIX: A Luciano lo señalan como un loco y un borracho. Deambula con su mal aspecto,sucio y desalineado y si no fuera el hijo del médico del pueblo no se sabe ya que le hubieran hecho. Luciano se enamora, pero ese amor prohibido desencadena una tragedia en manos del protagonista, por lo que se obligado con ayuda de su padre a trasladarse a Tierra del Fuego, donde decide buscar un tesoro. «Re Granchio» se estructura en dos partes, separadas desde lo narrativo por títulos que hacen alusión a ello. La primera parte presenta al protagonista del film y su entorno. Allí, la poesía, los mitos, y el drama del amor prohibido toman protagonismo para dar paso, en la segunda parte, a un western que transcurre en Tierra del Fuego, donde Luciano se adentra en un viaje junto a mercenarios para encontrar un lugar mítico que podría devolverle la ilusión que perdió. Rigo de Righi y Zoppis enmarcan estos dos contextos y sus tramas de forma impecable, y si bien algunas escenas y pasajes se vuelven repetitivos y monótonos, es valioso desde el guión hacia donde gira la historia en su segunda parte. La locación cambia así como la vida del protagonista, hay una transformación, un cambio de dinámicas que enriquece el filme. La fotografía, la edición de sonido y la música hacen de «Re Granchio» una película muy disfrutable en la pantalla grande. Opinión: Muy buena.
El primer plano de “Spencer” ubica al espectador en los campos de Norfolk, locación donde transcurre toda la “fábula”, como el propio film se define en los primeros segundos de metraje. Los planos retratan la llegada de cajas en manos de un personal que desfila hacia las cocinas de la mansión donde transcurre la Navidad que reunirá a toda la familia real. Por otro lado, alejada de la puntualidad inglesa, Diana (Stewart) se demora en llegar, se detiene un bar para preguntar dónde está, luego corré hacia un espantapájaros que le recuerda a su infancia y a su padre (este recuerdo tendrá un significado profundo que se desarrolla en el film), y llega finalmente al lugar, donde el oscuro Allistair Gregory (Spall) la recibe con desdén y mirada furtiva. En aquel fin de semana se alternan por un lado los preparativos lujosos para cada comida, las fotos protocolares, las actividades tradicionales (tiro, caza, misa) y por otro, la pesadilla que vive Diana, quien lucha por sostenerse. Su matrimonio con Carlos (Farthing) está en decadencia, se siente rechazada y lo unico que desea es huir de allí. Pasar ese fin de semana con la familia real no le causa otra cosa que angustia y ahogo (la utilización del collar de perlas como símbolo de lo que le pasa a Diana en su fuero interior es muy inteligente). ¿Su cable a tierra? Sus adorables hijos William (Jack Nielen) y Harry (Freddie Spry), y el vínculo que la une con Maggie (Hawkins), su asistente personal. Las escenas con estos personajes contrarrestan con alegría y amor la oscuridad y solemnidad de aquellos días grises. “Spencer” profundiza con sensibilidad en una Diana frágil, casi siempre a punto de caer. Ella no quiere estar allí, ni pertenecer a ese ámbito y las formas que Larrain elige para contar esa sensación son atrapantes desde lo cinematográfico. El vuelo psicológico que se plasma en el film con la figura de Ana Bolena es efectivo e inesperado, le aporta una tensión a la película que incomoda y expone, desde otro lugar, el tormento de Diana. La fotografía de Claire Mathon (a cargo del mismo rubro en “Retrato de una mujer en llamas”) es excepcional, y la música de Jonny Greenwood aporta los climas que el guión requiere, acompaña la tensión dramática y por otros momentos musicaliza la alegría y sensación de libertad del personaje. La nominada al Oscar como mejor actriz protagónica Kristen Stewart ofrece un trabajo de composición sólido, con una carga emocional que afronta con profesionalismo y entrega. Su trabajo bien merece el premio de la Academia. Timothy Spall y Sally Hawkins también se destacan en sus respectivos roles con muy buenas interpretaciones. Larraín, tras dirigir “Jackie” y “Ema”, vuelve a la carga con otro personaje femenino, esta vez uno irónico y también polémico. Una “Diana” que trata con sensibilidad y riesgo a la vez. Su mirada detallista en cada plano hace que Stewart se luzca desde la primera escena. “Spencer” es una opción cinéfila más que recomendable, un trabajo de dirección formidable con una actriz protagónica que cautiva al espectador desde el comienzo. Opinión: Muy buena.
Se estrenó en salas la película argentina dirigida por Cristian Bernard y protagonizada por Diego Peretti, Julieta Cardinali, Carla Quevedo, Diego Cremonessi y Carola Reyna ,que si bien como producto tiene intenciones dentro del thriller muy interesantes, su resultado final no es más que un filme pretencioso y cargado de clichés. En la película Julián Lemar (Peretti) es un escritor de renombre que tras un pico de estrés decide aislarse en una casona alejada junto a su mujer (Cardinali) y los niños de la familia. Al llegar la noche y desatarse una tormenta, una mujer desesperada (Quevedo) que huye de su marido asesino pide la ayuda de Lemar y su mujer para poder esconderse. A partir de ese planteo inicial Bernard construye una historia que recorre los elementos del thriller (ya vistos en infinidad de otras películas) una y otra vez: muerte, violencia, traumas y pesadillas encuentran lugar en el filme que si bien tiene un comienzo prometedor, se vuelve cada vez más monótono y cargado de repeticiones (que «encuentran sentido» en el trauma que vive el personaje principal»), elementos comunes y previsibles. El guión de Gabriel Korenfeld es ambicioso y subestima al espectador al sobre explicar la historia, lo que resulta a todas luces innecesario. La inestabilidad mental del protagonista funciona como argumento para que se sucedan los diferentes acontecimientos de la película que no logran otra cosa que generar aburrimiento y monotonía. “Ecos de un crimen” tiene una buena idea que no se ejecuta con originalidad. El trabajo del elenco, muy bien logrado, no logra contrarrestar un filme fallido y poco atrapante.