El cine ruso de género llega a la Argentina de forma sistemática desde hace más de un año. Es divertido conocer un poco otras cinematografías en sus aspectos menos conocidos. Ojalá pasara eso con todos los países. Pero claro, salvo algunos hallazgos la calidad es limitada. Muchas, como Boda negra, parten de buenas ideas, pero no siempre pueden alcanzar a cerrar una película realmente buena. Si de buenas ideas iniciales hablamos, esta vez hablamos de una muy interesante. Zhenya es una joven madre con el corazón roto porque su marido la ha abandonado. En la desesperación, recurre a la magia negra y particularmente a un hechizo poderoso llamado boda negra. El joven marido vuelve gracias a ese hechizo, pero con un amor obsesivo y violento que lo convierte en un monstruo y no en un enamorado. Ahora Zhenya deberá encontrar la manera de revertir la situación, si acaso esto es posible. La película es más interesante de guión que de puesta en escena. No evita los lugares comunes visuales del género y consigue su mayor logro en los apuntes acerca del amor y la pareja. Como en el buen cine de terror, detrás de los sobresaltos hay siempre algún tema interesante. La película no consigue de todas formas mantener el interés de su gran premisa inicial.
Rifkin´s Festival es la nueva película de Woody Allen, estrenada en un momento crítico de su filmografía. Luego de que las viejas acusaciones en su contra aparecieran una vez más, Amazon Studios quiso cajonear su largometraje anterior, Un día lluvioso en Nueva York (2018), lo que terminó en tribunales con una victoria de Woody Allen que recibió la indemnización correspondiente. Por ese motivo ocurrió algo raro: En el 2018 no hubo un largometraje de Woody Allen en salas. Pero si bien varios artistas salieron a condenarlo, otros los defendieron y ninguna de las nuevas acusaciones llegó a la justicia. Allen seguía con su carrera. Rifkin´s Festival se estrenó en el 2020, pero la pandemia afectó su circulación mundial. En el 2021 no hubo, una vez más, película de Woody Allen, una mala noticia para sus admiradores y para la carrera de cualquier director veterano. Entre tanta incertidumbre esta película es la suma de todos los lugares seguros para el realizador. Tiene referencias concretas y homenajes a sus films favoritos, tiene problemas de pareja, tiene una mirada misántropa del mundo, está filmada en una ciudad preciosa y el protagonista, Wallace Shawn, es uno de los actores que más veces ha trabajado con Woody Allen. Rifkin´s Festival transcurre durante el festival de San Sebastián y Allen lo filma con absoluta devoción, llenando la película de postales turísticas de la ciudad fotografiada espléndidamente por el gran Vittorio Storaro. La felicidad del entorno se siente y a esta altura queda claro que Woody Allen también busca disfrutar de la experiencia del rodaje. Pero eso no altera el guión, una clásica historia suya. Mort Rifkin (Wallace Shawn) es un profesor de cine que lleva mucho tiempo sin terminar una libro. Su mujer Sue (Gina Gershon), es la agente de prensa de un joven realizador (Louis Garrel) que está de moda y es la estrella del festival. Mort está fastidiado con el cine actual, mira con recelo la relación más que amistosa entre Sue y el joven director y, como era de esperar, tiene algunas angustias de salud. Esto lo lleva a cruzarse con una joven doctora local llamada Jo Rojas (Elena Anaya) que le hace olvidar de sus problemas físicos y le despierta un interés romántico inesperado. Los mismos personajes que Allen ha escrito desde hace más de cincuenta años. Empujado por la sensación de ser engañado, nostálgico del cine que más ama, Rifkin pasea por la ciudad con sueños de sus películas favoritas, recreadas por el propio Woody Allen, desde El ciudadano (1941) a Persona (1966) vemos escenas parodiadas y homenajeadas por el director. Siempre disfrutó Allen el hablar de sus cineastas favoritos. La parodia y la sátira fueron los modos en los cuales él eligió moverse al comienzo de su filmografía y nunca abandonó eso del todo. Como ocurrió luego de su película de quiebre, Annie Hall (1977), que lo llevó a ganar el Oscar y lo dejó en un lugar inesperado en su carrera. Allí comenzó una búsqueda entre arriesgada y caótica, como con un sentimiento de culpa por ser prestigioso que lo llevó a imitar a Ingmar Bergman en Interiores (1978) y a Federico Fellini en Recuerdos (1980). Filmó en blanco y negro varios títulos mientras seguía explorando. El desenlace de este período fue Zelig (1983) donde fue capaz de burlarse de su propia condición camaleónica, entre muchas otras cosas. No solo era una película compleja, también era muy pero muy divertida y graciosa. Algo de aquella búsqueda aparece nuevamente aquí, acompañado con otro tema recurrente: la sensación de no estar a la altura de los grandes. La lealtad y coherencia de Woody Allen es una rareza en la historia del cine. Puede que no sea uno de los grandes maestros, pero nadie puede negarle una mirada y un camino firme y constante. Esta película, más allá de los siempre efectivos chistes, posee una delicada y resignada melancolía. Una pequeña historia con una mirada muy profunda de la vida. Cada película de su cine es una pincelada más de su obra. Acá toca una cuerda un poco más amarga, pero no todos sus films son así. Ya no tiene tantas estrellas a su alrededor, porque más allá de lo ideológico, cada uno cuida su carrera. Los actores que aún siguen con él lo hacen con la alegría que hace treinta años hacía que todos formaran fila para acompañarlo. Europa lo ayuda a seguir filmando y ya tiene un proyecto listo para volver a París. Lejos han quedado las obras maestras del director, aunque la película más taquillera de toda su carrera ha sido Medianoche en Paris (2012) lo que muestra un recambio generacional en su público. Veremos si el siguiente proyecto lo vuelve a poner otra vez en la primera línea, pero mientras tanto Allen sigue haciendo cine por encima del promedio de lo que vemos a diario.
Una reunión navideña en un caserón en la campiña inglesa donde se reúnen un grupo de amigos para festejar la Navidad. Al principio parece una especie de comedia dramática del género navideño, pero ciertas frases y situaciones avisan que hay algo más allá de lo que hemos visto. Y es así. No es una reunión normal aunque los participantes intenten fingir que lo es. La humanidad está llegando a su fin y esa reunión es la despedida del mundo. La historia juega con el humor negro pero se vuelve cada vez más dramática. Más aún cuando entre los participantes hay niños que tienen frente así el mismo destino que sus padres. Esa mezcla de film familiar navideño y relato apocalíptico consigue poco a poco generar claustrofobia e independientemente de los trucos del género, la película consigue transmitir una profunda angustia. Esto no es fácil de definir si es una virtud o un defecto. Su gravedad algo cruel no termina de cerrar completamente con respecto al inicio algo más ligero y ambiguo. La presencia de varias estrellas hace que la historia genere un interés extra en el espectador, porque como cualquier sabe, un rostro identificable logra una empatía más rápida. Keira Knightley, Matthew Goode y Roman Griffin Davis son tres de los integrantes del elenco de esta oscura comedia melancólica.
El último gran éxito del cine argentino antes de la pandemia fue El robo del siglo (2020) dirigida por Ariel Winograd. El primer estreno argentino con ambición comercial luego de la pandemia es Hoy se arregla el mundo (2022), también dirigida por Ariel Winograd. Esto es cualquier cosa menos la casualidad que uno podría imaginar. El 90% del cine argentino se hace sin la menor intención de llevar público y los pocos que sí apuestan por hacer películas para llenar salas son siempre los mismos. David “Griego” Samarás (Leonardo Sbaraglia) es el productor general de un programa televisivo llamado Hoy se arregla el mundo, donde dos personas en conflicto debaten hasta encontrar un acuerdo. Soltero, adicto al trabajo, tiene un hijo de 9 años llamado Benito (Benjamín Otero) que tuvo con Silvina (Natalia Oreiro) una relación ocasional que ahora le avisa que se mudará a España con el niño. Dos eventos inesperados se dan cita en la misma noche y cambian toda la vida de David. Silvina muere luego de avisarle que Benito no es su hijo. Con esa noticia David y el pequeño buscarán al verdadero padre para eventualmente dejarle la crianza del niño. Pero no tienen por donde empezar y la búsqueda por supuesto será el centro de la historia. Winograd tiene una filmografía sólida, bastante pareja, con film más logrados que otros, pero siempre buscando hacer películas en serio, que valgan la pena ser vistas. Parafraseando a Billy Wilder: películas que se vean más caras que la entrada del cine. Algo no muy común en Argentina. Comedias con emoción, basada en vínculos familiares o de pareja, con buen timing y guiones prolijos que si bien son de fórmula no dejan de ser mejores que el promedio local. Hoy se arregla el mundo tiene las virtudes del director ya conocidas. Chistes muy graciosos, buena dirección de actor, narración clásica con ritmo y cuidado visual que se ve real y no armado para una película. En casi todos sus films aparece un elemento también destacable y es que no tiene un humor desagradable ni un maltrato al espectador. El cine argentino, campeón mundial del golpe bajo y del discurso de dudosa ideología, no logra generalmente ir al grano de la diversión y la emoción. Aquí se logran muy bien ambas cosas y es uno de los mejores films de Ariel Winograd. La universalidad de sus películas queda demostrada por la cantidad insólita de remakes por todo el mundo que tuvo, por ejemplo, Mamá se fue de viaje. Hoy se arregla el mundo tiene una historia todo lo previsible que el espectador desea para disfrutar. Desde el minuto uno conoce el camino y solo resta disfrutar. Se ríe cuando se ríe y se llora cuando se llora. Y si alguien cree que eso está mal, se pierde la gracia de buenas películas como esta. La calidad cinematográfica no está reñida con los géneros o la felicidad.
Ya no recuerdo que tan mala era Scream 4, si acaso era mala. Sí sé que Scream 3 era menos de lo mismo y que Scream 2 estaba bien. Pero ninguna pudo estar a la altura de Scream (1996) la obra cumbre de Wes Craven y su guionista Kevin Williamson. El director ya había realizado grandes películas dentro del cine terror y cuando parecía que no quedaba nada por descubrir fue Scream la película que logró reinventar todo. Porque esa película era parodia, homenaje, metalenguaje, comedia brillante y, por encima de todo, una gran obra de terror. Scream, que no es otra cosa más que Scream 5 intentando engañar a los espectadores para que entren como caballos si no saben lo que pasa, es una película mediocre en el sentido más puro del término. El producto ideal para un público desprevenido y desganado, que se conforma con entender guiños y claves secretas metidas en la trama. Nada más necesita esta película, porque si necesitara algo más no tendrían ni que haberla hecho. ¡Está llena de referencias! ¿Y eso qué valor tiene? Exprime la trama hasta la indiferencia, no hasta el enojo. Los chistes no son solo repetidos, son inútiles. No le importa a nadie la protagonista y su trauma. Uy, sí, amigos, la película menciona el fandom, lo que es tomado como una muestra de genialidad. El aporte de la película es acuñar el término recuela, mezcla de remake y precuela. Tanto nos están aburriendo con estas nuevas versiones que hasta inventan palabras para definirlas. En la película aparecen también Dewey Riley (David Arquette), Gale Weathers (Courteney Cox), Sidney Prescott (Neve Campbell), los tres en roles secundarios, para jugar a que este regreso viene con todo. Arquette y Campbell están muy bien, pero con todo el cariño del mundo hay que decir que Cox está sepultada en un rostro transformado por operaciones de cirugía estética que hacen imposible cualquier expresión facial. Scream de Wes Craven es insultada en cada escena de esta nueva película. El guión tiene serios problemas, deja personajes, abandona situaciones, fuerza todo de forma visible y la resolución es un chiste, más allá de las arbitrariedades que se le puede permitir a una película así. Sí, un personaje se llama Wes y la película está dedicada a Wes Craven. El mejor homenaje habría sido no mencionarlo, si es obvio que el motivo para Scream 5 no es otra cosa más que perder el tiempo de los espectadores dándole la peor versión de aquello que alguna vez amaron. Uno de los personajes dice amar otra clase de películas de terror, por ejemplo El Babadook, por considerarlas más complejas y profundas. Esa mención parece inicialmente una ironía, pero cuando Scream 5 termina yo también pensaba: Me gusta más El Babadook. Ojalá Scream 5 sea la última de las películas de esta serie, porque hasta Scary Movie ha demostrado mayor dignidad y respeto por Wes Craven.
Secuela de Sing ¡Ven y canta! (Sing, 2017) que repite la idea de comedia musical de la original, donde los personajes interpretan covers de temas muy conocidos. Ahora Buster (Matthew McConaughey) tiene pensado estrenar un espectáculo sin precedentes en la Crystal Tower Theatre en Redshore City. Pero el poderoso empresario a cargo de montar el espectáculo es despiadado y solo lo han convencido de darles un oportunidad a Buster y su pandilla porque le prometieron que tendrían a la leyenda del rock, el león Clay Calloway (Bono) como parte del show. Es una carrera contrarreloj donde habrá todo tipo de canciones, humor y algunas enseñanzas. Si la ven en inglés las voces son un casting fuera de serie. Si la ven doblada, no. La película es un eficaz producto demagógico que no aporta novedad alguna, pero las canciones son buenas y algunas interpretaciones son aceptables. Algunos chistes son graciosos y nada más. Fácil para pasar el rato si uno tiene una exigencia muy baja y aun más fácil de olvidar. Secuelas son secuelas y esta película es la confirmación de todos los lugares comunes. Definitivamente no está a la altura de la original.
Las historias de los grandes clásicos que estuvieron a punto de no llegar a buen puerto son siempre interesantes. Cuanto más grande es el clásico, más absurdo se ve todo en retrospectiva. La dolce vita (1960) es uno de los grandes títulos del cine italiano de todos los tiempos y pensar que tuvo problemas para realizar hoy es sorprendente, pero no tanto cuando ve este documental. La película no es solo una forma de recuperar el film de Federico Fellini, sino principalmente la de su productor Giuseppe Amato. Fellini tenía ya una trayectoria espectacular y dos de sus films, La Strada y Le notti di Cabiria habían ganado el Oscar a mejor película extranjera. Sin embargo, su nuevo proyecto no era mirada con total confianza y fue justamente su productor quien tuvo que conciliar los intereses del director con los del otro productor del film, Angelo Rizzoli, encargado de la distribución. El documental tiene testimonios, muchos anteriores a su realización y un material de archivo interesante donde se destacan las cartas entre Amato y Fellini, testimonio fundamental para entender las tensiones del proyecto. Para que no se trate de un documental común, el director Giuseppe Pedersoli reconstruye escenas donde se lo ve a Giuseppe Amato mirando La dolce vita y tratando de resolver el dilema que tiene delante suyo. No son escenas particularmente inspiradas, pero si tenemos en cuenta que el director es nieto del mencionado productor, entonces todo cobra un sentido más emocionante. Hay que agregarle la presencia de Carlo Pedersoli, padre del director, más conocido por su nombre artístico internacional: Bud Spencer. Aunque no hay mucho vuelo más allá de lo contado aquí, la película tiene cosas muy bellas, en particular los testimonios de personajes menores, no los más grandes, que viven con la felicidad de haber formado parte de una de las cumbres cinematográficas de todos los tiempos. Películas de verdad, obras de artes que trascendieron, logros definitivos.
King’s Man: El origen (The King’s Man, 2021) dirigida por Matthew Vaughn es el tercer film de la trilogía comenzada con Kingsman: El servicio secreto (Kingsman: The Secret Service, 2014) y continuada por Kingsman: El círculo dorado (Kingsman: The Golden Circle, 2017). Tres films que difícilmente puedan ser tomados como una unidad, porque esta precuela destruye y traiciona el espíritu de los primeros dos films. King’s Man: El origen es un drama ambientado en los días previos a la Primera Guerra Mundial. Un alegato antibelicista que crítica el colonialismo británico y discute el patriotismo del Reino Unido. Un relato solemne que evita hacer chistes o generar situaciones simpáticas a lo largo de gran parte de sus dos horas de duración. Quien conozca y disfrute de los dos films anteriores tal vez crea que esta descripción del nuevo título es imposible. Pero lamentablemente es así. Pasan los minutos y no hay nada que se parezca al espíritu de los films de Kingsman. Asumimos que el prólogo ambientado en Sudáfrica en 1902 es dramático para ponernos en clima, pero no. La bajada de línea política antibritánica asoma su nariz por primera vez allí para cerrar con una promesa de pacifismo por parte de un marido a su esposa que por supuesto será difícil de cumplir, ya que luego pasamos al contexto que ya anunciamos antes. El espectador que pagó la entrada para ver más de ese humor provocador y esas adorables escenas de sangre y locura que caracterizaron a los otros films, tardará en notar que todo ha cambiado. No hay más chistes, no hay más simpatía, no hay nada que hacer para salvar la película que ha decidido ir en dirección contraria a su esencia. A medida que pasan los minutos cobra algo de vida al usar personaje históricos y deformarlos para estar al servicio del guión. Cuando se vuelve irresponsable y atrevida, algo de la simpatía original parece cobrar vida, pero luego retrocede para generar golpes bajos absurdos y forzados. Promete un misterio que no es tal, al ocultar un villano que es más que obvio. Solo dos escenas de acción funcionan un poco, pero están pobremente ejecutadas. Es raro, porque el director de los tres films es el mismo. Pero King’s Man: El origen tiene un problema más complicado y es que no se sabe quien es el protagonista. Ralph Fiennes interpreta a Orlando Oxford, un duque que ha sido condecorado en su paso por el ejército. Intenta que su hijo Conrad (Harris Dickinson) no siga sus pasos, ya que le ha prometido a su madre que lo alejaría de la guerra. Orlando y Conrad se disputan ese protagonismo en la historia pero no queda muy claro hacia donde va el relato. Esa confusión hace que toda la película esté algo fuera de tono, buscando un centro. Más interesante son los personajes secundarios, aunque son desaprovechados por la falta de humor del guión. Los disparates históricos pueden hacernos creer que se trata de una parodia. Pero Orlando Oxford bajando línea todo el tiempo rompe cualquier esperanza de que la ironía sea lo que anime el espíritu del film. Es normal que el primer film sea el mejor, pero es muy raro el cambio de tono y género que se acá. El potencial era extraordinario, el resultado es lamentable. Es una película mediocre, pero sabiendo como son los dos títulos anteriores, es realmente un insulto.
Sexo desafortunado o porno loco (Babardeala cu bucluc sau porno balamu, Rumania, 2021) es una película original, que más allá de sus discutibles decisiones estéticas, es diferente a lo que en este año se ha podido ver en las pantallas grandes y chicas. La originalidad no lo es todo, y tampoco es que la película sea del todo única, es el entorno aplastado del cine actual lo que hace que uno le preste más atención. No es poco, no es suficiente. La protagonista de la película es Emi, una profesora que se graba teniendo sexo con su marido pero cuando mandan a reparar su computadora, esas imágenes son robadas y subidas a una página web de pornografía amateur. La difusión del video la afectará a ella y generará un revuelo en la comunidad educativa a la que pertenece. La película, con mucha inteligencia, con el video de sexo casero, completo. Es la mejor manera de que todos sepan, de ahí en más, de lo que se habla. Luego sigue a la protagonista por la ciudad durante treinta minutos. Es una mirada casi documental donde la vemos hablar por teléfono y hacer diferentes cosas mientras una ciudad ruidosa, violenta y fea la rodea. Los ruidos son insoportables, la gente es mala y todo es una mezcla de hostilidad y aburrimiento. Una búsqueda estética algo estirada, por cierto. El segundo bloque parece ser una enciclopedia de la condición humana. Una especie de diccionario de hechos, situaciones, cosas y definiciones de lo más variadas y absurdas. Material de archivo, fotos, fragmentos de programas de televisión, poemas y reflexiones de todo tipo. Divertido, sin sentido aparente, simplemente alejarse mucho, mostrar el mundo y luego volver a la protagonista. La parte final es la reunión de padres donde discuten si la profesora debe seguir en su cargo o debe ser expulsada. Otros treinta minutos de argumentaciones varias. Algunas graciosas, otras obvias, de lo espontáneo a lo completamente escrito, como si fuera un libro leído en voz alta. Algunos trazos gruesos muy tontos, aunque le daremos un margen de error al humor rumano, que es raro y poco gracioso. Se podría emparentar este film con cineastas de otras épocas y autores varios. El director sabe el marco teórico que lo trajo hasta acá. Pero en el sentido puramente cinematográfico, lo que quiere contar no es un largometraje, por eso inventa todo un show perteneciente a otro. Todas las semanas se estrena una película a la que todos consideran la mirada más inteligente sobre las redes sociales. La verdad es que una vez por día debe ver la luz una película que lo hace, tal vez muchas más. Hoy es el nuevo lugar común. En cuanto a las discusiones que la película ofrece, están charladas, pero no resueltas. La humorada final de la película es decir que todo es un chiste absurdo y tirar la pelota afuera.
El aro: Resurrección (China, 2020) utiliza en su título en castellano la palabra excusa para decir que ahí vamos de nuevo. ¿Por qué seguir viendo estas cosas? Las fórmulas agotadas a veces logran encontrar una vuelta de tuerca que las hace revivir. Por alguna extraña situación hace mucho tiempo que nos ponemos a felicitar a quien se escapan de lo que parece un callejón sin salida en lugar de ignorar el enésimo intento de ir por el terreno seguro de lo probado comercialmente. Deberíamos empezar a considerar seriamente la posibilidad de ignorar estos intentos y si nos perdemos un film decente, mala suerte, porque en general siempre nos moveremos en una mediocridad con pocas excepciones. La película tiene un par de ideas de base que son su única razón de ser y al mismo tiempo la novedad que nos llevaría a prestar atención. Para empezar la película es China, no japonesa, con lo cual la serie de El aro se vuelva insiste en su periplo mundial, luego de sus pasos por Estados Unidos y Corea del sur. La historia se sitúa en una ciudad al sur de China, allí una joven llamada Tang Jing encuentra una historia web, escrita por un grupo al que ella solía pertenecer. En ese relato aparece un nuevo capítulo de autoría desconocida. Todos los que lo leen comienza a fallecer y sus muertes se incorporan de manera misteriosa al relato web. Y eso es todo, ahí termina el interés y la curiosidad, todo lo demás es rutina y lucha por convertirse en un producto digno. El objetivo no se consigue y el espectador perdió noventa minutos de su vida.