Cincuenta años atrás una estrella del cine llamada Clint Eastwood debutaba como director con Play Misty For Me. Tenía cuarenta años y varios éxitos en su carrera. 1971 también fue el año de otro salto gigante al protagonizar Harry el sucio. El actor y el director crecieron en paralelo durante las siguientes décadas y poco a poco se transformaron en uno. También productor de muchos de sus films, cuando le preguntaron a Clint Eastwood como pudo construir una filmografía tan prolífica, taquillera y personal él solo se limitó a decir: Nunca me pasé de presupuesto, nunca me pasé de los días de rodaje planificados. En un mundo que hace culto del artista caótico, autodestructivo y problemático, Eastwood hizo una carrera extraordinaria sin tanto show ni provocaciones. Esa carrera personal tuvo toda clase de films, más livianos, más siniestros, más ambiciosos o más humildes. Algunos se volvieron clásicos de todos los tiempos, otros pasaron sin pena ni gloria. Pero tanto como actor como director, Clint Eastwood ha logrado construir una obra gigantesca. Cada nueva película es una marca más en ese camino. Cuando uno analiza una nueva película de Clint Eastwood, sabe que con cada papel incluye todos los que ha hecho antes como actor y todos los temas, obsesiones y estética de toda su filmografía como realizador. Él también lo sabe y Cry Macho no es una excepción a esta regla. Cada nuevo film charla con todos los anteriores. Mike Milo (Clint Eastwood) es una vieja estrella del rodeo cuya edad dorada ha quedado atrás hace mucho tiempo, luego de una lesión. Un viejo amigo y empleador, Howard Polk (Dwight Yoakam) quien lo había despedido en 1979, lo llama un año más tarde para pedirle un favor. Mike deberá ir a buscar a Rafael (Eduardo Minett), el hijo de su exjefe, a México, donde vive con su madre. El joven, ahora adolescente, es más problemático de lo que parece y la madre tal vez no quiera que se lleven a su hijo. El trabajo no es tan sencillo como parece. Para Clint Eastwood esta es una historia que le permite volver sobre sus temas favoritos. La idea del legado, de la enseñanza, de la paternidad. Desde Honkytonk Man a Gran Torino, pasando por Un mundo perfecto, Poder absoluto y Million Dollar Baby, Clint Eastwood se pregunta acerca de los modelos que van marcando la vida de los jóvenes. Este tema aparece en más títulos, pero en estos títulos está más presente. Cry Macho invierte algunas de sus fórmulas favoritas, pero siempre juega con ese tema. En algunos de sus films su personaje es capaz de cuidar y salvar a los jóvenes, dándoles un mejor futuro, a veces fracasa y el tono del film es oscuro y desesperado. En la mayoría él se ofrece en sacrificio para la salvación de la siguiente generación. En Cry Macho hay tres personajes importantes, una trinidad que se une y se protege. Mike, Rafael y Macho, el gallo de riña del joven. La ausencia de uno haría la supervivencia de los otros. Mike se convertirá en el maestro de Rafael, quien desde México idealiza y ama la vida de los cowboys. Pero Mike aprenderá también del joven e iniciará un camino hacía su redención. Mike no tiene un pasado malo, tan solo un dolor el cual no ha podido escapar durante años. Ya no es el viejo malhumorado de gran parte de los últimos films de Eastwood, sino más bien un hombre que carga con una angustia que lo ha ido consumiendo poco a poco. Estéticamente la película sigue la línea clásica de Clint Eastwood y en la escena inicial está todo dicho. El viejo cowboy yendo en su viejo pickup a ser despedido. Eastwood hace westerns crepusculares desde el comienzo de su carrera, más allá de algunas despedidas más concretas. Pero se mantiene leal a su estilo y a la nunca llamativa forma clásica de filmar. ¿Cuántos directores revolucionarios llegaron y se fueron en estos cincuenta años mientras Clint sigue adelante? Aquí va, como los grandes veteranos que él tanto admira, a lo sencillo, lo simple, lo esencial. Sus temas y su estética despojadas de cualquier elemento extra. Con citas visibles a varios de sus films, haciendo un film contemporáneo y a la vez dentro del western, entrando en otra nueva década de su obra. Tiene su personaje femenino fuerte y noble, tiene una referencia religiosa poderosa, tiene la sabiduría de dudar y la grandeza de reconocer que las certezas se vuelven complicadas con el correr de los años. Estas son cosas que siempre han estado en su obra, pero aquí se concentran más, aparecen en estado puro. Hay una mirada más optimista que en algunos de los films mencionados. Este giro, paradójicamente, puede ser la señal de una despedida. Pero la verdad es que hace décadas que se despide. En lugar de pontificar y bajar línea, como suelen hacerlo con firmeza los mediocres, Clint Eastwood se sienta a escuchar y aprender. Es el héroe cowboy que siempre ha sido, pero se reserva un lugar más amable y menos espectacular. Sabe que sus años de gloria han quedado atrás. La novedad es que ahora no solo le preocupa su legado, también quiere encontrar un lugar feliz para él. Otro paso en una obra enorme. Clint Eastwood, cincuenta años dirigiendo cine de verdad.
Un ladrón de bancos que ha acumulado una fortuna de nueve millones de dólares en sus robos sin violencia ni armas. Cuando conoce a una mujer de la cual se enamora decide reiniciar su vida y ofrece devolver todo el dinero -que por algún motivo no ha gastado- a cambio de una condena mínima. Pero ese es solo el comienzo, porque cuando intenta hacer un acuerdo se encuentra con agentes corruptos que quieren quedarse con el dinero. El nombre original de la película es Honest Thief, mientras que el falso y estúpido título en argentina es Venganza implacable. Una traducción que explica mal la película y subestima al espectador. El talento de Liam Neeson para estos roles está intacto y Kate Walsh es una de las actrices más carismáticas y talentosas de su generación. Juntos hacen una pareja con mucha química y uno podría creer que con eso alcanza para disfrutar de esta entretenida película. Sin embargo el guión es muy pobre y está llenos de problemas. Situaciones que llaman la atención por lo mal resueltas, situaciones que no se sostienen de ninguna manera y hasta el espectador más distraído se da cuenta de que está mal resuelta gran parte de la trama. Un desperdicio actoral para una película que podría fácilmente haber sido mejor, como hemos visto en otros títulos protagonizados por este actor en los últimos años.
Escape Room 2: Reto mortal (Escape Room: Tournament of Champions, 2021) es una secuela de Escape Room (2019). Como su nombre lo indica, la película es una serie de escenarios creados artificialmente para que los protagonistas escapen antes de un tiempo límite. Si no lo consiguen, mueren. Una vuelta de tuerca le da una explicación a todo pero nada evita que sea una excusa para repetir la fórmula. Imaginación en la dirección de arte, ingeniosos artefactos y enigmas imposibles que los protagonistas resuelven de forma ridícula. En Estados Unidos y otros países del mundo están de moda los juegos de escape. Aunque nunca fui a uno de ellos, la película -salvo por las muertes- parece uno de esos films basados en juegos, es decir cosas no narrativas imposibles de transformar en buenas películas. Al mismo tiempo, la película juega con el sueño de ser una franquicia de muchos films. Difícil imaginar eso, pero peores cosas han logrado sobrevivir más años. Para ver algo más interesante con elementos parecidos recomiendo la serie japonesa Alice en Borderland.
El juego del miedo (Saw, 2004) y El conjuro (The Conjuring, 2013) convirtieron a James Wan en uno de los grandes realizadores de cine de terror contemporáneos. No fue su único vínculo con el terror, pero esas son dos películas que marcaron al género. Lamentablemente la multiplicación de secuelas, algunas buenas, algunas malas, hace que se pierda un poco el legado del realizador. Wan también pasó por la saga de Rápidos y furiosos, dirigiendo el film siete con notable oficio y fue el elegido para desaparecer como auto al quedar tras las cámaras dirigiendo las películas de Aquaman. Maligno (Malignant, 2021) es su nuevo propuesta dentro nuevamente del cine de terror. Madison (Annabelle Wallis) está embarazada y vive en Seattle junto a su pareja (Jake Abel), un hombre golpeador. Una noche, en medio de una violenta discusión él la ataca, golpeando su cabeza contra la pared. A partir de allí Madison comienza a tener visiones de crímenes horribles, particularmente sangrientos. Esas visiones son crímenes que ocurren en la realidad, por lo que Madison tiene una información que la convierte en una posible sospechosa. Nadie puede entender lo que realmente pasa, ni Madison misma. Tal vez algo en su pasado pueda explicar estos eventos. Los espectadores sabemos que es así por el prólogo de la película. James Wan tiene talento y eso se ve en la resolución de muchas escenas. Hay buenas ideas y momentos logrados, muy por encima del promedio. Pero a la vez, Wan hace algo que va en dirección contraria a sus mejores films, se lanza demasiados efectos visuales, es decir aquellos que se hacen con post producción, y no en rodaje. Los combina con los efectos especiales, claro, pero terminan ganando la batalla los primeros. El problema es que el abuso de este recurso vuelve inverosímil el esfuerzo por volver reales las escenas. La historia es un disparate de antología, pero cuando una película está lograda, los disparates los compramos sin dudar ni un segundo. Una buena dosis de sangre y asesinatos violentos renuevan el cariño de James Wan por el gore, pero una vez más, lo digital le gana a los físico y le quita impacto.
Dorados 50 cuenta muchas historias. Cuando su director, Alejandro Vagnenkos, entra en crisis por cumplir cincuenta años comienza a reflexionar sobre los cincuenta años de matrimonio que muchas parejas han alcanzado. Esa es la historia principal, la de la búsqueda del realizador. Pero a ese se le sumarán muchas otras, en particular la de un grupo de parejas que sentadas en un sillón sobre el escenario de un teatro contarán su relación. Con humor, un poco de emoción, con momentos muy logrados y con otros muy simples pero simpáticos. Este sillón con parejas de gente mayor es una idea completamente tomada de las parejas de Cuando Harry conoció a Sally… pero sin Nora Ephron ni Rob Reiner. El cine de Hollywood ayuda a mejorar nuestra cinematografía. No es un plagio, tan solo un punto de partida, después cada situación tiene su propia vida, sus detalles, su propio encanto. Menos efectivo es cuando el director busca ponerle simpatía y humor a su propia historia. Aunque logre transmitir la idea, algunas resoluciones no son tan felices como la dinámica de las parejas del sillón. El cierre es bastante obvio pero allí aparecen por suerte las parejas para derrochar simpatía y cerrar esta película.
Peter Rabbit, el personaje creado por Beatrix Potter, tuvo una versión cinematográfica en el año 2018. Ahora en esta secuela se busca explorar el delirio sin límites de otro film de animales que hablan en versión digital, Paddington 2. De ninguna manera se alcanza ese nivel, pero se agradece un humor de diferentes niveles que explora el mundo de los gags inteligentes sin pasarse de rosca. La aventura suma personajes, muchas situaciones brillantes y la tecnología para integrar a los animales con los humanos es todo lo perfecta que pueda imaginar. Tal vez lo más raro, absurdo o incluso interesante de la película es uno de sus conflictos principales. Bea (Rose Byrne, en un alter ego de Beatrix Potter) recibe una oferta para convertir sus bellos libros sobre Peter Rabbit en una franquicia gigante con historias de acción y mil productos a la venta. La malvada empresa que le propone esto pone en riesgo el corazón mismo de la escritora y su personaje. Pero la película ofrece justamente todo lo que los malos ofrecen: acción, secuestros, humor alocado, locaciones varias. Literalmente la lista de cosas que ella no quiere hacer con su personaje es lo que la película hace con él. Hay que recordar que Beatrix Potter había recibido, a fin de la década del treinta, una oferta de Walt Disney para hacer una película con sus libros pero ella la rechazo. Fue mucho antes de que Disney fuera lo que es ahora, hay que aclarar. Potter murió en 1944 y nunca sabremos que hubiera opinado de estas nuevas películas. Pero la cosa no termina allí, en la historia el empresario malo finge conocer a Charles Dickens y le habla de sus historias a Bea. En la película Peter Rabbit vive un par de aventuras sacadas de Oliver Twist, el clásico de Dickens. Como se puede ver, el guión trabaja un nivel de autoconciencia total y controlado. Pero esta tensión entre las convicciones y el cinismo que tiene la película es algo misterioso, digno de análisis, pero no le impide a la película ser estéticamente muy bella y tener actores maravillosos. Además de Rose Byrne está nuevamente Domhnall Gleeson interpretando a un joven Thomas McGregor y David Oyelowo como Nigel Basil-Jones, el malvado con poderes de convicción muy graciosos. Es muy graciosa toda la historia y muy entretenida. En su idioma original tiene un trabajo de voces que es muy bueno y vale la pena descatar, aunque al ser una película para niños la mayoría la termine viendo doblada al castellano.
Este documental es una emotiva despedida del cineasta Tomás Lipgot a su amigo Moacir Lima Dos Santos. Juntos realizaron varias películas, donde el primer aprovechó la extraña y carismática figura del segundo. Se conocieron cuando Lipgot realizaba un documental sobre instituciones psiquiátricas. Moacir estaba el Borda y el director adivinó en él algo así como un actor fetiche, un cantante particular con una historia siempre interesante detrás. El corazón honesto de la película no alcanza para convertirla en una gran obra, tan solo da cuenta de la enorme humanidad del realizador y de su viejo amigo. No es un film casero, pero en algún sentido no trasciende desde lo estético para ir más allá. Algunos de los entrevistados, más bien todos, están muy detrás del interés que despierta Moacir. Irónicamente o tal vez de manera intencional, es Moacir el que parece más mentalmente ordenado de todos los que aparecen en el film.
El nuevo film de Costa-Gavras es una adaptación del libro escrito por el exministro de Finanzas griego Yanis Varoufakis durante la crisis griega de 2015. El legendario realizador político, autor de films como Estado de sitio, Z y Desaparecido hace años que no realiza una película a la altura de aquellos clásicos. Habría que, por otro lado, que tan bien han envejecido aquellas películas. Pero lo que importa acá es que el director vuelve a combinar sus ideas de género como el contenido político. Lamentablemente todo en él ha envejecido. Basta compararla, por ejemplo, con un título reciente como The Big Short para darse cuenta de que el pulso de Costa-Gravas ha quedado muy lejos de ser interesante o entretenido. El didactismo de algunas escenas, entre los propios personajes, que se explican entre sí la economía delante del espectador, es bastante ridículo. El concepto de buenos y malos estereotipados choca de frente con la propuesta adulta que el film anuncia. Y dos o tres momentos artificiales, teatrales, poéticos, le dan el golpe de gracia a esta película sin gracia, fuera de época a pesar de tratar un tema reciente.
Una casa sin cortinas es un documental centrado en la figura de María Estela Martínez de Perón, más conocida Isabel Perón o simplemente Isabelita. La primera mujer presidente de Argentina y el continente vive en Madrid desde hace décadas. Estuvo presa cinco años y aunque ha regresado de su exilio algunas veces, desde hace más de veinte años que no da entrevistas. La película no la entrevista tampoco, aunque lo intenta de forma algo sencilla y sin esfuerzo el realizador. Pero aparecen muchos testimonios que hablan sobre ella. Algunos son interesantes, otros no tienen importancia alguna y son una perdida de tiempo y algún otro nos muestra personajes curiosos que no tienen tanto para aportar pero son divertidos. Los mejores momentos son los que la película muestra y no profundiza, tal vez en el misterio o en el pasar rápido está su encanto. No hay demasiada complejidad ni análisis político, aunque tal sin buscarlo la película expone un puñado de personajes antiguos, abandonados por el tiempo, pero reflejo fiel de un país sin destino. El volver una y otra vez sobre la catastrófica historia del peronismo sin hacerse cargo del desastre es un género que ya aburre e irrita. El cine argentino sigue sin animarse. Tal vez la película es demasiado sutil o tal vez busca un distanciamiento que no resulta atractivo. Burócratas, personajes trastornados, empleados estatales, abogados apolillados, una troupe decadente que no sabe, salvo alguna excepción, porque las cosas son como son. La casa museo destruida, abandonada, la muestra cabal de un país del tercer mundo que dice una cosa pero hace otra. Y sí, varios momentos que muestran el cambalache violento y sin salida que atrapó a la Argentina. Los más curioso del film es la necrofilia de Isabelita, como una versión de Rebecca más siniestra, y lo más divertido es la estatua del Chapa Suñé, que no es el tema de la película. Y finalmente una reflexión que no se dice pero se infiere: la certeza de que el exilio es la mejor forma de alejarse de toda la locura de este país.
Desde la legendaria Saw (2004), estrenada en Argentina como El juego del miedo, pasaron muchos años y con este nuevo estreno se suman ocho películas. La primera es parte de la historia del cine de terror, las demás son variaciones más o menos logradas de esa idea inicial, pero ninguna a la altura de la premisa y la sorpresa que consiguió el film de James Wan. La idea, para los que no conocen esta franquicia, es que el villano pone a sus víctimas en una situación en la que solo podrán escapar de la muerte sin son capaces de automutilarse. Deben ceder para ganar, deber perder mucho para mantenerse con vida. Hay variaciones de esta premisa, pero ese es el centro. Esta ramificación de aquel film, con el villano ya muerto, es más bien un policial de asesino serial donde los espectadores somos testigos de los horribles crímenes aun cuando la narración sigue a un detective que no es testigo de estos, sino que los investiga. Una licencia de punto de vista para servir a dos amos, a la franquicia y a la trama del policía, interpretado por Chris Rock, mucha estrella tal vez para esta clase de films. Rock, declarado fan de las películas, es también uno de los productores. Rock interpreta a Zeze Banks, un detective de estilo muy particular con algunas cuentas pendientes con el departamento de policía. Empieza a trabajar con un nuevo compañero, William Schenk (Max Minghella) y ambos deberán investigar el crimen de quien resulta ser un policía. Ese crimen es la escena inicial de la película, una formula que ya vimos en otros films de Saw. A su vez, el padre de Zeze es el policía retirado Marcus Banks (Samuel L. Jackson), quien le recuerda el pasado complicado con el resto de la jefatura. Hay muchos cabos sueltos y los asesinatos tal vez no sean como los que llevaba adelante el Jigsaw original. A los usos de la película son igual de sangrientos y truculentos, pero montados, pero sin exceso, al menos no para los seguidores de estos films. Lo que no vieron nada de esto, el consejo sano es huir. Chris Rock funciona en las escenas iniciales donde tiene un poco de espacio para desplegar un humor cínico de detective desencantado, pero cuando la pesadilla se desata su rostro y su forma de actuar no llegan ni lejos de lo necesario que requiere el personaje. Pone caras de espanto y la película utiliza recursos muy tontos para subrayar su alienación, pero nada de eso sirve. Habiendo heredado una franquicia, Espiral: El juego del miedo continúa se desmarca del bloque general del género porque es fácil de identificar. Pero más allá del formato de los crímenes no tiene ningún aporte nuevo al género, porque la trama central es un policial salpicado, en todo sentido, por el cine de terror. Muy mal casting y una trama con un remate muy insatisfactoria y previsible, esto último muy malo porque la película jugaba al misterio. A diferencia del film del 2004, no hay sorpresa posible en los últimos minutos.
