El film arranca con grabaciones en video de un bebé. Se nota que es un registro real, el puntapié inicial para la película de ficción que empieza a continuación. La historia que cuenta Camping gira en torno a una niña que está entrando en la adolescencia. Estafanía tiene doce años y está de vacaciones con su familia en un camping. Se trata de un film de iniciación, de despertar, y a los apuntes de la vida cotidiana de esta protagonista que deja de ser niña se le suma la crisis de sus padres y la claustrofobia de un espacio al aire libre pero a la vez cerrado como es un camping. La historia de los niños es todo un subgénero en el cine argentino, habiendo muchos ejemplos de películas protagonizadas por ellos. A pesar de la espontaneidad que puedan tener, las actuaciones no fluyen de manera auténtica. Los apuntes de la vida cotidiana conforman una clase de cine alejado de las fórmulas narrativas convencionales no tanto en la fórmula sino en el concepto de ritmo e interés. La película no pertenece ni al cine más arriesgado ni tampoco a una variable más comercial pero atrapante del cine.
Heloise es la madre de tres hijos. Jade, su “hija pequeña”, acaba de cumplir dieciocho años y pronto abandonará su hogar materno para continuar sus estudios en Canadá. A medida que se acerca la partida de Jade, el estrés de Heloise aumenta y recuerda sus momentos compartidos con ella. A pesar de tener varios momentos de genuina humanidad, la película pierde demasiado tiempo en pasar por todos los lugares comunes del cine francés contemporáneo. La relación madre e hija podrá llegar a conmover, pero esas emociones no son suficientes para poder establecer un vínculo con el espectador. Algo de sentido común irreverente, también al estilo francés, completa el cuadro de esta película sin muchos defectos pero tampoco con demasiadas virtudes.
Paulo es un taxista que recorre noche a noche las calles de Río de Janeiro a bordo de un auto alquilado. A lo largo de esas jornadas laborales extensas y agotadoras, se cruza con la violencia social, las tensiones entre colegas y también los pasajeros agresivos. Como el protagonista de Taxi Driver absorbe esa locura, pero a diferencia de aquel, Paulo busca mantener la cordura dentro de un mundo que parece haberla perdido. No es un solitario total, tiene un hijo y una exmujer a la que le debe dinero. Paulo desea recuperar y mantener el vínculo con el pequeño mientras las tensiones con su mujer aumentan. También busca una nueva relación con una mujer y debe haber malabarismos entre todas las cosas. Una serie de situaciones que van desde lo interesante a lo trivial, con una estética que también hace ese camino. La promesa de un film arriesgado que termina por no serlo, aun cuando se adivinan destellos de lo que pudo haber sido.
Martín Perino es un pianista virtuoso diagnosticado con una enfermedad mental. Sufrió una crisis nerviosa que lo llevó a un hospital psiquiátrico. El documental lo sigue en su intento de regresar a lo que más le gusta: tocar el piano. Aunque la película, en su respetuoso seguimiento del protagonista nunca resulte invasiva, tampoco aporta grandes novedades y lo que un espectador espera es que en algún momento ocurra algo que le de fuerza a la película. Ese momento llega, por suerte, al final del primer tercio de película. El protagonista habla con su amiga sobre su nueva obra y dice: “… y por sobre todas las cosas siento que hay ansias de libertad”. Se queda en silencio, la cámara quieta, el plano se extiende. Ahí se resume toda la película y consigue su máxima emoción. La tarea del director está cumplida, ha logrado entender a su personaje.
Natalio (Diego Velázquez) es un maestro que ama su trabajo. Vive en un pueblo salteño con su madre. En su casa da clases particulares a Miguel, hijo de Susana, su la empleada doméstica que trabaja para él. Miguel sufre situaciones complicadas en la escuela y de violencia familiar en casa con la pareja de su madre, Hugo. Cuando Juani, un amigo de Natalio, llega a vivir al pueblo y los habitantes confirman los rumores sobre su sexualidad. Los padres de los alumnos sacan a sus hijos de la obra de teatro que está preparando Natalio, dejándola sin protagonista. A pesar de la situación, el maestro decide seguir adelante y le dará una oportunidad a Miguel cuando lo elige para interpretar al protagonista de la obra. Los padres hostigan a la directora para que Natalio no siga al frente del aula. El maestro deberá enfrentar a su entorno para defender su vocación. La película es sobria y contenida, aunque trata de un tema que fácilmente genere indignación y angustia. La homofobia y los prejuicios que rodean al protagonista y la injusticia que debe sufrir movilizan a cualquier espectador y la película prefiere con cargar las tintas, sabiendo que solo con mostrar alcanzará para que se entienda lo terrible de la situación. La verdadera vocación del maestro, su amor por enseñar y por poder dar algo más que una mera educación rutinaria conmueven y le dan aún más tristeza al derrotero del protagonista. Las películas no solo deben tener ideas, también deben mostrarlas con escenas concretas, no solo con diálogos. La película tiene una cometido y lo logra sin problemas.
La madrugada del 2 de enero de 1921, en medio de una espesa niebla el barco Santa Isabel, con 260 emigrantes con destino Buenos Aires, se hundió frente a la costa de la isla de Sálvora. Esa noche no había hombres en la isla, estaban celebrando las Navidades en tierra firme. Tres jóvenes isleñas, María (Nerea Barros), Josefa (Victoria Teijeiro) y Cipriana (Ana Oca), deciden lanzarse al mar en una pequeña embarcación. Remando sólo de oído, debido a la espesa niebla y a la noche cerrada, logran salvar a 50 personas. Un periodista argentino, León (Darío Grandinetti), acude a Sálvora para cubrir la noticia del naufragio. Pero poco a poco empiezan a descubrirse informaciones que vuelven más compleja la historia. Rápidamente el gobierno sale a festejar el heroísmo de las tres mujeres, pero algo subyace debajo de la aparente calma de la isla. La película, académica, clásica, prolija, recuerda al cine español del regreso a la democracia en ese país. Fuerte contenido, dureza, infierno grande en pueblo chico y una desconfianza hacia el poder y la historia oficial. El elenco es sólido, salvo Dario Grandinetti, que como siempre resulta falso en este entorno de actores mucho más sólidos. Lejos de ser una excelente película, La isla de las mentiras es de todas maneras una historia interesante contada de forma efectiva.
Canela, dirigida por Cecilia del Valle, cuenta la historia de una mujer trans de sesenta años que está atravesando el proceso de hormonización y se enfrenta a todos los cambios con esperanza pero también con incertidumbre. Busca sentirse bien con ella misma y el reconocimiento de su familia, sus pares y la sociedad. Canela vive en Rosario, dirige obras de construcción, da clases de arquitectura, maneja una espectacular camioneta Chevrolet clásica color naranja y tiene también un Dodge Coronado, aunque más sobrio. Tiene hijos y recién después de los cuarenta años descubrió su identidad de género. Es decir que el cambio es grande y complicado, pero no por eso Canela se arrepiente o pierde convicción. La película, que no olvidemos que es un documental, tiene muchas escenas donde la cámara presencia momentos importantes, claramente pactados con la protagonista y su entorno. Por eso algunas situaciones parecen algo artificiales por los nervios de tener una cámara delante, pero Canela, a puro carisma y sinceridad, consigue que sigamos sus pasos sintiendo una absoluta empatía con ella. Lo mismo con todos los personajes que aparecen. No importa que tanto compromiso político tiene la película, su victoria consiste en mostrar la humanidad de la protagonista y su mundo. No baja línea, no da clases, no se sube a un púlpito para decirnos que tenemos que pensar. Simplemente vive, ama, siente, teme, sueña, trabaja. La vida de las personas trans va cambiando en la sociedad y en la actualidad las cosas son un poco mejor que hace unos años. Hay mucho cine argentino documental sobre temática de género en general y de la problemática trans en particular. Muchas son correctas, otras son malas películas, pero Canela es la que hace la diferencia. Porque incluye y supera la temática de género. Es una película bella y luminosa, llena de vida.
Un grupo de desconocidos despiertan encerrados en un extraño edificio. No saben quién los llevó ahí ni con qué fin. A lo largo de una noche irán descubriendo con sorpresa que en el exterior de ese complejo está ocurriendo una invasión. Y este ecléctico puñado de extraños, por un motivo que tendrán que intentar descifrar, son los elegidos para intentar detenerla. Un film de género en estado puro. El cine argentino posee una diversidad mucho mayor de lo que sus detractores creen. Si bien fue víctima de modas y estancamientos, las nuevas generaciones y las nuevas tecnologías permitieron que se multiplicaran ejemplos interesantes y personales en los géneros cinematográficos. Así varios universos poco tratados en nuestro cine, como el western, el terror y la ciencia ficción, se han vuelto moneda corriente en películas que por ahora siguen estando un poco al costado de la taquilla grande del cine nacional. Aunque es saludable y festejable esta búsqueda no necesariamente significa que todos los films de género sean buenos. Aunque sus aires de John Carpenter hacen que la película se haga querer, la puesta en escena no está a la altura de ese director u otros de ese estilo. Los actores también se ven un poco por debajo de la calidad para que fluya todo, pero tampoco el cine de este estilo se ha destacado por grandes actuaciones. Buenas intenciones, varias ideas, un amor por los géneros. Un camino que el cine argentino sigue transitando y que más tarde o más temprano dará una gran película.
Leónidas, joven destinado a ser el líder de su comunidad huarpe, se enamora de Lourdes, la hija del terrateniente blanco del Pueblo. Luego de ser separados cruelmente por sus familias, se reencuentran para emprender una sangrienta venganza. La película cuenta, de forma muy hábil y atrapante, el proceso que llevó a esa separación y también la venganza, alternando ambos tiempos y construyendo un guión original y a la vez clásico. La directora Tamae Garateguy tiene un claro manejo de los géneros cinematográficos y aquí lo vuelve a demostrar en esta película con no pocos elementos del western. Varias imágenes son verdaderamente espectaculares, por encima del promedio de lo que se puede ver en el cine argentino. El uso de la violencia, particularmente cruda y perturbadora, tal vez provoque algo de rechazo, pero estas son las reglas de esta película, no se le puede objetar nada. Algunos actores dan con el papel y a otros les cuenta estar a la altura de las ambiciones de la directora. Todo el trabajo de dirección y fotografía tiene como único lastre algunos vicios y rostros de un cine que está un paso por detrás de las posibilidades de la película. Aun así, la película muestra un deseo genuino por la narración cinematográfica en estado puro.
