Anthony es un hombre de 80 años bastante terco, inteligente y sarcástico que rechaza con su habilidad y picardía a todas las cuidadoras que su hija Anne intenta contratar para que lo cuiden. La situación se complica y Anne deberá resolver la situación de alguna manera, ya que desea vivir su propia vida. El padre es una obra de teatro. No es necesario leer sobre la película para averiguarlo. Varias escenas gritan a los cuatro vientos que lo es, que surge de ese medio y que fue escrita la historia para el teatro. Sin embargo, no es teatro filmado. Si bien arrastra el lastre de su origen, la película aprovecha al máximo ciertos recursos del cine. En teatro, seguramente, no se podían crear con tanta ambigüedad ciertos climas, no sin la complicidad del espectador. Si bien la película no es del todo sutil, sí es cierto que juega todo lo que puede con cierta ambigüedad que el montaje cinematográfico le ofrece. Logra poner en imágenes el universo mental de su protagonista y con eso gana toda su batalla. Hace que el espectador entienda lo que pasa por la cabeza de Anthony, algo que pocas veces el cine ha hecho desde el punto de vista de un personaje. Por supuesto que esta clase de films cae en la tentación del show actoral y esta no es una excepción. No lo hace hasta el final, por lo cual se nota el esfuerzo de aportar cierta dignidad. Aunque en muchos momentos se vea como una obra de teatro, El padre es un ejercicio interesante que tiene, incluso, algo de suspenso. Al menos para los espectadores que no estén del todo atentos o no puedan aceptar el dolor de lo que ven.
De la noche a la mañana es una coproducción entre Argentina y Chile que cuenta la historia de un joven arquitecto que luego de una clase en la Facultad es invitado por dos estudiantes chilenas a que viaje a Chile a dar un seminario. Aunque él no lo recuerda con claridad, ellas ya lo habían contactado vía mail. Con dudas, decide viajar. Se paga su propio pasaje esperando que se lo reintegren al llegar, deja de lado un encuentro con su suegro y la noche antes de salir se entera que su novia está embarazada. Todo el viaje es un delirio surrealista porque no logra nunca contactar a las personas adecuadas y los incidentes que complican todo se suceden inmediatamente al arribar a Chile. El protagonista, torpe, inseguro, neurótico, parece ser el protagonista de After Hours (1986) de Martin Scorsese interpretado por un Woody Allen argentino. Es más efectivo el guión que su ejecución y los apuntes políticos laterales que acompañan todo el film son menos interesantes que el absurdo en sí mismo. Con sentido del humor pero también con cierta angustia, la trama sigue al desesperado y al mismo tiempo curioso aventurero en sus no siempre malos momentos en otro país. Que no haya manera de pensar en la película de Scorsese al ver De la noche a la mañana no sé si es una virtud o un defecto. En comparación, las ideas de puesta en escena son pocas, todos los aciertos están aquí en el guión, como por ejemplo el creciente temor a terremotos que finalmente no sabemos si están ocurriendo o sí están en la cabeza del atribulado personaje principal.
Nomadland es una de las estrellas de la temporada de premios correspondiente al inusual y deprimente 2020. Las temporadas de premios son siempre arbitrarias y absurdas. Una docena de películas compite en al menos medio centenar de lugares. Busquen como era el cine hace setenta años. Los más grandes maestros realizaban películas extraordinarias y había solo un par de premios dando vueltas. Ahora hay más premios que películas. Esto lleva al aburrimiento, al negocio del lobby y a la alimentación desmesurada del ego de los artistas. Hacer películas para los premios es un arte en sí mismo. Un arte muchas veces reñido con el cine. En lo personal me resulta agotador ver como un actor o una película va recibiendo el galardón de cada grupo, país, sindicato, raza, género y la mar en coche que anda dando vueltas por ahí. Pero ocurre algo más: Cuántos más premios gana una película, más enojo despierta en aquellos que no la disfrutan. Gente que se siente defraudada al creer que un premio es un sello inequívoco de realidad. Todos los años la gente se pregunta con renovada inocencia si tal o cual film era para ganar el Oscar. No importa si es una obra maestra o una porquería a todo vapor. Es parte de la industria, es parte del negocio, pero no debería ser parte de la experiencia de los espectadores el luchar contra los premios. Cómo sería Nomadland si hubiera sido olímpicamente ignorada en esta temporada? Lo mejor, cuando se puede, es centrarse en la película. Muchas veces se usa un premio para elevar una película, pero muchas veces se lo usa para confirmar que no nos gustó. Nomadland cuenta la historia de Fern (Frances McDormand) quien en el año 2011 se queda sin trabajo al cerrar la planta donde trabajaba. Recientemente viuda, ella deja todo atrás y se convierte en nómada. Vive con trabajos temporales en diferentes lugares según la estación del año, mientras conoce a otros nómadas y sus historias en el camino. Eso es todo lo que cuenta la película que se mueve entre los recursos de la ficción y el documental, como los anteriores films de su directora, Chloé Zhao. Chloé Zhao es una realizadora nacida en Beijing, China, en 1982, estudió en Gran Bretaña y luego se radicó en Estados Unidos, donde ha desarrollado su carrera cinematográfica. Sus primeros dos films se caracterizaron por el retrato de personajes no urbanos interpretados por actores no profesionales. Songs My Brothers Taught Me (2015) transcurría en una reserva india y The Rider (2017) en el mundo de los cowboys de rodeo. En ambos casos los límites entre la ficción y el documental se diluían. Historias minimalistas con algunos de los vicios del cine independiente pero que ambos casos terminaban mostrando un gran corazón y un enorme cariño por los personajes. Ambas eran buenas. Se notaba, además, un camino. La ópera primera era más descarnada, salvaje, de verdad buscando lo documental, mientras que la segunda ya mostraba más estructura clásica y una intervención más grande de la ficción. Esa línea no le quedaba mal a la directora. En Nomadland el salto es muy grande para quienes vieron los dos títulos anteriores. Para empezar pone a la actriz más prestigiosa del mundo de los premios en Estados Unidos, Frances McDormand. La actriz también es la productora. Otro actor importante, David Strathairn, es el segundo personaje clave de la historia. Ellos conviven en la narración con los actores no profesionales, algunos de los cuales se interpretan a sí mismos, como Bob Wells, el gurú de la vida nómade. McDormand y Strathairn son excelentes intérpretes. Hay momentos en los cuales ella actúa de parecer actriz no profesional y es un show secreto que merece un estudio aparte. Pero aun así es una estrella de cine. Verla ir al baño en un balde no parece un documental, parece una estrella de cine haciendo de pobre. Es decir, a veces deslumbra y a veces nos distancia. No es culpa de ella, es el problema de jugar a dos puntas. Es difícil mostrar la marginalidad y la pobreza. La película, como en los films anteriores de la directora, nos muestra cosas que no son tan conocidas. Casi se podría decir que conforma una trilogía con estas películas. Primero retratando a los indios, luego a los cowboys y finalmente a los pioneros que se movieron por Estados Unidos en su período fundacional. Son los indios marginados, los cowboys frustrados y los pioneros sin destino. En los primeros dos films la familia los salva y los recupera. Acá la soledad se impone, aunque con ella también la libertad. No es una película demoledora porque no va hasta el fondo con respecto a la crudeza de la vida que llevan los personajes, en eso no está claro si es pudorosa o si simplemente busca idealizar ese mundo. Muchos realizadores no nacidos en Estados Unidos se han fascinado por la América profunda y la han retratado en cine. Zhao no busca la belleza de, por ejemplo, Win Wenders, su estética es más primitiva y simple, aunque los cielos de Estados Unidos a veces ayuden a cualquiera a dar un buen marco para las historias. El siguiente film de la directora es una superproducción de Marvel, por lo cual sí podemos decir que aquí cierra una etapa de su carrera. En cuanto a los premios hay que decir que esta será la temporada más fácilmente olvidable de todos los tiempos, así que con los años no le jugarán ni a favor ni en contra.
La legendaria franquicia de videojuego de lucha Mortal Kombat tuvo su comienzo cuando arrasó en la década del noventa, volviéndose un clásico instantáneo y generando, además, algunas polémicas con respecto a la violencia en los videojuegos. El éxito llega hasta la actualidad y también tuvo un paso por la televisión y el cine. Los fanáticos pueden dedicarse a analizar las mil y una diferencias entre cada juego, serie de animación o película, pero la que se estrena en el año 2021 no requiere tener un conocimiento previo para disfrutar de la espectacularidad visual. Corrijo: el espectador novato no sabe que lo requiere, por eso solo le queda disfrutar. Si uno espera de Mortal Kombat peleas, entonces ha llegado al lugar adecuado. Hay pelea tras pelea. En el prólogo, en la presentación de personajes, en los entrenamientos y en las batallas finales. También hay sangre, mucha, lo que muestra respeto por el origen de la historia. Ver una producción de alto presupuesto sangrienta hoy en día casi un milagro. No es una película del costo de una de superhéroes, pero tampoco un film clase B. Y las fatalities son una maravilla gore que sorprende en el año 2021. No hay otra cosa en la película. Los roles secundarios tienen buenos actores y los principales son los clásicos gestualidad reducida que se necesitan aquí. No se equivocaron en el casting. No es una película para todos los gustos, no conformará a la mayoría, no busca congraciarse con públicos opuestos. O les gusta Mortal Kombat o vayan a otra sala. Hay algo de dignidad en elegir y no buscar la demagogia de querer abarcar todo.
La lucha voluntarista del cine de animación que no hacen los grandes estudios de Hollywood pero intenta copiarlos tiene aquí otro exponente irrelevante y mediocre. Freddy es el joven heredero de una manada de hombres lobo buenos cuyos únicos enemigos son los perros. Cuando intenta seguir a su familia durante una patrulla nocturna utilizando una Piedra Lunar mágica, termina convirtiéndose en un caniche, víctima de la burla de unos niños que lo tiñen y lo convierten en una ridícula mascota perruna y no en un poderoso lobo. Solo y perdido, encontrará inesperados aliados en los perros callejeros. Inesperado para él, porque se trata del lugar común más visitado de todo el cine de animación con protagonistas animales. Todo es irrelevante y de segunda línea. Fácil de comprar para la distribución internacional y tal vez del agrado de algún niño que ya de chico tiene poca exigencia como espectador. Solo un par de gags subidos de tono y algo pesados le dan identidad a esta película sin importancia.
Robert De Niro nació el 17 de agosto de 1943 en Greenwich Village, Nueva York. Comenzó su carrera en cine en la década del sesenta, ascendiendo a lo más alto en la década siguiente. Sus trabajos junto a grandes directores como Brian De Palma, Francis Ford Coppola y en particular Martin Scorsese lo convirtieron en leyenda. Un gigante entre gigantes. Supo también reinventarse y hacer algunos excelentes roles ligeros, mostrando verdadera versatilidad. Pero también apareció en películas como En guerra con mi abuelo, un título que nos empuja a recordar todo lo bueno que hizo para no enojarnos con él. La única pregunta que suena en la cabeza del espectador al ver esta porquería es: Por qué Robert De Niro hace algo así? No contesten por dinero, por dinero se pueden hacer películas mediocres, pero no estas cosas insalubres. Ed (Robert De Niro) ha enviudado. Sus conductas algo alocadas muestran que no está en condiciones de vivir solo. Por eso su hija (Uma Thurman) decide que se mude con su familia. Pero esto provocará que Peter, el nieto de Ed, pierda su cuarto para que lo ocupe su abuelo. Esto desatará una batalla entre ambos parientes testarudos. La película es una comedia. Al menos eso se deduce de los golpes y porrazos que abundan en esta batalla entre generaciones. Los amigos de Peter y los amigos de Ed (Nada menos que Christopher Walken, Stephanie Seymour y Cheech Marin) son parte de esta guerra. El elenco es de lujo, pero no hay manera de reírse. Todo lo contrario, la película provoca que la cara se petrifique por la ausencia absoluto de gags efectivos. Al final habrá orden y un final feliz. Pero la mayor felicidad es la de saber que la pesadilla terminó y que nunca más nos volveremos a cruzar con este titulo infame que produce más pena que otra cosa.
Joe Deacon (Denzel Washington), un oficial de policía del condado de Kern, debe ir a Los Ángeles para recoger una evidencia. Pero estando allí queda involucrado en la búsqueda de un asesino serial. Jim Baxter (Rami Malek), del departamento del sheriff de Los Ángeles, quien está a cargo de la búsqueda, ve en el veterano Deacon una ayuda para resolver el caso. Ambos policías unirán fuerzas, pero el pasado de Deacon y las contradicciones de Baxter los pondrán en peligro a ambos. La película está escrita y dirigida por John Lee Hancock, responsable de los guiones de Un mundo perfecto (1993) y Medianoche en el jardín del bien y del mal (1997) dos clásicos de Clint Eastwood de aquella década. Como director Hancock es más desparejo, pero aun así su obra tiene interés. Su film anterior, The Highwaymen (2019) estaba muy bien. Aquí se mete en un policial lleno de elementos oscuros y un trío protagónico que muchos asociaron a Pecados capitales (1997) aunque este proyecto es anterior al film de David Fincher. Pero mientras que el clima y los personajes son dignos de atención, el casting tiene serios problemas. Es fácil imaginar la idea de juntar a tres ganadores del Oscar en una sola película. El problema es que sus estilos no son iguales y el guión no necesitaba justamente a algunos de ellos en sus roles. El policía veterano con un pasado traumático interpretado por Denzel Washington está muy bien, pero Rami Malek es un bochorno. No tiene un segundo en el cual el actor de con el personaje. Haber interpretado a Freddie Mercury en una película lo llenó de premios, pero también de tics intolerables. No parece el policía que interpreta, es un marciano en esta película. Y el villano, el sospechoso, el que tal vez sea el asesino cayó en manos de Jaret Leto. Su ambición no descansa, siempre encuentra la manera de estar peor. Se puso panza, se maquilló para estar distinto y hasta inventó una forma de caminar. Al verlo recuerdo a Alfred Hitchcock odiando a Charles Laughton por estas mismas cosas. Pero claro, Laughton era, a pesar de su exceso, un excelente actor. Jared Leto y Rami Malek juntos son un catálogo de lo que una película como esta no necesita. Justo ahora que Denzel Washington ha madurado y sabe como encontrar cada personaje sin fisuras, se cruza con estos dos. La más perjudicada es la película, porque es imposible entrar en la trama. Sin estos dos shows, la película podría haber funcionado un poco mejor. Pero esa película no existe, así que nunca lo sabremos. Algunas buenas escenas y pequeños detalles, valga el juego de palabras con el título original, le dan algo de dignidad al resultado completo.
Las aventuras de Pinocho (Le avventure di Pinocchio) es una obra literaria escrita por Carlo Collodi. Se publicó originalmente en el periódico Giornale per i bambini, desde 1882 hasta 1883, con el título Storia di un Burattino (Historia de un títere), acompañada de las ilustraciones de Enrico Mazzanti. Su fama universal desde entonces ha convertido el libro en uno de los grandes clásicos de todos los tiempos. Aun así, todavía se discute que tan para niños es este libro, sin duda una de las piezas más oscuras de la llamada literatura infantil. En el cine ha tenido también una fama descomunal que incluyó, por supuesto, al clásico de Walt Disney de 1940. Como suele pasar, las muchas adaptaciones cinematográficas, incluyendo una de cine argentino, fueron tapando al libro y este ha quedado cada vez más lejos del recuerdo general. La última adaptación famosa fue la que dirigió e insólitamente protagonizó Roberto Benigni en el año 2002. El pobre resultado no opacó del todo su taquilla, pero definitivamente no tuvo el destino de clásico con el que el cineasta soñó al dirigirla. Nuevamente desde Italia llegó en el 2019 una nueva versión, cuya distribución internacional se vio afectada por la pandemia. Vuelve a aparecer Roberto Benigni, pero esta vez como Geppetto, el padre del niño Pinocho. La dirección y el guión quedaron a cargo de Matteo Garrone, director de Gomorra (2007), Tale of Tales (2015) y Dogman (2018). Estos antecedentes hacían prever que se trataría de una versión parecida a la obra maestra literaria en la que se basa. Como consecuencia, era de esperar que fuera un film oscuro y por momentos muy inquietante. Garrone no defrauda y a la vez sorprende con una película que posiblemente sea el mejor acercamiento al libro de Carlo Collodi que se haya hecho para el cine. Las escenas iniciales parecen tradicionales, sin sobresaltos, como la ilustración de la obra en la que se basa. Pero los primeros avisos de una mirada dura de la vida hacen pensar en que la película no esquivará las situaciones más preocupantes. La película es un verdadero cuento de hadas, con esos villanos que meten miedo, con esas escenas inolvidables por lo perturbadoras que son. A medida que avanza la historia se confirman esas virtudes, Pinocho es una historia terrible, un cuento moral acerca de un muñeco que deberá comportarse como un gran ser humano si desea convertirse en un niño. Desde lo visual la película es abrumadora. Claro que el maquillaje se destaca, como lo hacen también el vestuario y la dirección de arte. Pero lo mejor viene de la forma en la que se reconstruye ese mundo a mitad de camino entre la fantasía más alocada y el realismo más crudo. La película tiene escenas que parecen un sueño y muchas que parecen la visualización de una pesadilla. El director recibió muchos reclamos por lo dura que es la película, pero él contestó que esos problemas eran de los adultos, que los niños recibieron la película sin problema. Más allá del público puntual al que está destinada o al cual puede llegar, el libro de Carlo Collodi cobra vida con todo su esplendor y la película es inolvidable, bella, poética y a la vez potente. Una sorpresa, teniendo en cuenta las muchas veces que el libro ha sido llevado a la pantalla.
La permanente llegada de estrenos de cine de terror produce un cansancio en el gusto y una resignación a que nada nuevo bajo el solo puede sorprender o divertir. Pero por suerte siempre hay sorpresas. Freaky es una comedia de terror producida por Blumhouse, estudio especialista en el género, que toma una idea y la aprovecha al máximo, construyendo un pequeño film de terror y comedia que se diferencia notablemente del resto. La dirección estuvo a cargo de Christopher Landon, el realizador de Scouts Guide to the Zombie Apocalypse (2015) y Feliz día de tu muerte (2017). Nota: Sí, Christopher es el hijo del famoso actor Michael Landon. ¿Y cuál es esa idea que funciona tan bien? Una adolescente que sufre el maltrato de sus compañeros en su secundario se encuentra una noche cara a cara con un despiadado asesino en serie. Por el poder del arma que él casualmente está usando para intentar matarla, ambos terminan ocupando el cuerpo del otro. Es de decir al amanecer la joven tiene el cuerpo del asesino y a su vez él despierta teniendo el cuerpo de ella. La pobre joven deberá probar quién es realmente y el asesino puede mezclarse entre sus víctimas sin que nadie tenga la más mínima sospecha. La película es una versión terror gore Halloween de Un viernes de locos (Freaky Friday, 1980) y de muchas otras comedias de intercambio de cuerpos. Puntualmente se nota la conexión por el hecho de haberle llamado Freaky a la película. De hecho el título original iba a ser Freaky Friday the 13th. Cuando la película tiene que ser violenta y sangrienta lo es y mucho, cuando tiene que hacer reír, lo consigue sin ningún problema. Toda la estética es el leal al cine de terror, por lo que se ve como una película de género. Kathryn Newton es la joven protagonista y Vince Vaughn el asesino serial. Ambos están brillantes, pero claramente ver al gran actor haciendo de una adolescente en el cuerpo de un brutal criminal de 1.96 de altura es muy gracioso. Los chistes son efectivos y los asesinatos también. Al final, tal vez, la película insiste en parecerse a los films de género de los ochenta, incluyendo sus lugares comunes. En promedio es, de todas formas, una sorpresa agradable y terriblemente entretenida.
Documental que recupera la historia de las enfermeras de la Fuerza Aérea que trabajaron en un hospital móvil ubicado en Comodoro Rivadavia durante el Conflicto del Atlántico Sur, la guerra de Malvinas. Allí murieron más de seiscientos soldados argentinos y más de mil resultaron heridos. Muchos de esos hombres fueron atendidos por catorce enfermeras. Después de treinta y siete años de silencio, tres de ellas, Alicia Reynoso, Stella Morales y Ana Masitto, dan su testimonio y vuelven al lugar donde vivieron la guerra. El documental arranca un poco a los tumbos, con las tres mujeres vestidas con uniforme, caminando de forma algo confusa por el lugar donde estaba el hospital. Pero poco a poco se va ordenando y organiza el material valioso que tiene frente a sí. Tal vez le falta insistir en el tema del silencio, del no decir lo que se vio y se vivió allí, aun luego del paso del tiempo. Sí queda mucho más claro, por apuntes sutiles y no por subrayados, el machismo del ejército de aquella época y de los años siguientes. La película tampoco carga las tintas con el tema político, porque confía en que los hechos hablen por sí solos y se aferra a ellos. No hay mucho para decir más que recuperar la historia de estas mujeres y su paso por el otro lado de la guerra, tan duro e impactante que aun en el presente sigue mostrando la marca que dejó en ellas.