Para aquellos que vemos mucho cine argentino de todas las épocas, una película como Soy Tóxico genera una simpatía inicial inevitable. La ciencia ficción y terror, dos géneros que durante el siglo XX tuvieron escasos exponentes en una cinematografía que luego de su edad de oro renegó cada día un poco más de los géneros. En el siglo XIX la cosa cambió y una docena de películas de estos géneros aparecen por año, en particular de cine de terror. Dentro del cine de género Soy tóxico entra en la categoría de ciencia ficción ambientadas en un futuro distópico, en un planeta arrasado por una guerra bacteriológica y un hemisferio sur habitado por escasos sobrevivientes rodeados de hordas de zombies. Provincia de Buenos Aires, año 2101, el protagonista, al que llamarán Perro, despierta sin saber quién es ni como ha llegado hasta ese desierto donde está rodeado de cadáveres. Cuando un zombie está a punto de atacarlo es salvado por un desconocido. Lejos de ser un amigo, este extraño personaje lo llevará a su refugio donde junto con su pandilla tomarán a Perro como prisionero. Otra situación muy conocida del cine de terror es la de la banda de sádicos que toma a alguien de rehén sin que se sepa muy bien cuál es su objetivo final. A favor de la película hay que decir que los primeros minutos de película se desarrollan sin diálogos, con una buena elección de locación y con un logrado clima. Luego cuando aparezcan todos los personajes la cosa será menos interesante. El maquillaje, la dirección de arte y el vestuario están impecables, logrando un clima, junto con la fotografía, cercano al cine de terror europeo de los setentas o al de las películas de bajo presupuesto. Pero a medida que la película avanza no se desarrolla un interés por los personajes, no nos preocupa tanto su destino ni sus intereses, no llegamos a generar la más mínima empatía. Esto es especialmente notable con el líder de la banda, interpretado por el músico Horacio Fontova, quien nos saca del clima de ciencia ficción y terror y nos recuerda en su estilo antiguo de actuación que estamos viendo una película. Soy tóxico pierde fuerza escena tras escena, no porque empeoren, sino porque no logran sumar. Volviendo al comienzo, es fácil sentir simpatía porque quienes quieren hacer cine de género en Argentina, pero al mismo tiempo, y por amor al género, hay que ser exigente con la calidad de las películas, no solo saludar sus intenciones. Lo que sigue faltando son guiones más sólidos, de esos que hagan la diferencia, a partir de allí las películas de terror y ciencia ficción, aun siendo humildes, podrán lograr el objetivo de calidad que se espera de cualquier título.
La mañana del 12 de agosto del año 2000 el submarino nuclear K-141 Kursk, perteneciente a la Armada rusa, sufre un terrible accidente durante unas maniobras, desencadenando dos gigantescas explosiones. Esta historia, muy conocida por todos, es llevada ahora al cine por Thomas Vinterberg en una película de ficción que reconstruye la previa y el momento del desastre, así como sus consecuencias y todo lo que ocurrió después cuando el gobierno ruso pasó de la negación al pedido de ayuda. Thomas Vinterberg pasó de su momento de gloria dirigiendo La celebración a quedar un poco al margen de la historia con películas de menos repercusión. Incluso aquí, con Kursk, su película más clásica, Vinterberg no tuvo la repercusión que un proyecto de esta calidad merecía, incluso con algunos actores importantes en roles pequeños – Colin Firth, Max von Sidow- para llamar aún más la atención. Pero Kursk tiene todo los elementos de un gran film. Tiene todo el drama de una tragedia anunciada, tiene incluso pequeños rastros de humor dentro de la angustia, tiene el suspenso llevado al límite y tiene un trabajo de dirección que consigue captar todas los matices de la historia. Tanto los familiares que esperan con desesperación como los marineros que esperan encerrados en el submarino, todos los personajes conmueven y generan empatía. También está claro que la película es implacable con la burocracia rusa y la orgullosa y fatídica decisión del gobierno de no pedir ayuda a los británicos y los noruegos. La figura del presidente Vladimir Putin salió del guión a último momento, aunque él estaba en el gobierno hacía solo hacer tres meses y el guión era muy favorable en su mirada de él. El padre de Putin fue submarinista y el presidente se tomó las cosas personalmente. Aun así, los mandos de la marina tardaron y la película los expone no solo por esta decisión sino las que hicieron en el pasado. Por otro parte, los británicos son los héroes que no consiguen hacer su trabajo debido a esta traba. La película consigue emocionar es muchos momentos y todo el trabajo dentro del submarino demuestra que Vinterberg domina a la perfección su oficio. Alguna vez alguien dijo que todas las películas que transcurrían en submarinos son interesantes. Kursk parece confirmar esta regla.
La ópera prima del director tucumano Martin Falci, es un retrato del último campamento de varones que se realizó en el Gymnasium, colegio universitario público de Tucumán. Por sus bautismos y rituales, el evento es parte del imaginario colectivo de la provincia desde hace más de 50 años. Los niños de 10 años que ingresan al colegio y viven el campamento por primera vez, son los personajes de este documental que no subraya ni juzga nada de lo que ve, simplemente decide mostrarlo. Quienes conozcan desde adentro la experiencia podrán tal vez establecer los niveles –siempre presentes- de subjetividad que para la mayoría de los espectadores nos resultarán imperceptibles. Lo que la película muestra es un discurso favorable, sin que nadie lo cuestione y sin otros puntos de vista, el conflicto está en que aunque no las juzgan las imágenes y situaciones producen un efecto crítico. Gran mérito un documental que no necesita agregar cosas para tener una mirada crítica. Un elemento particularmente inquietante es que todo el film tiene un personaje que está fuera de campo y que posee una presencia absoluta: Matías Albornoz Piccinetti, apodado Paver. El campamento que aparece en el film, el del 2017, lleva su hombre en homenaje al joven asesinado en una gresca entre jóvenes antes de que se realizara el campamento. No se explica nada del caso, pero en un entorno de jóvenes en un campamento, con elementos de violencia latente, ese fantasma atraviesa todo el film. Es posible que para muchos esta película sea un homenaje a estos campamentos y a la figura del joven asesinado, pero de lo primero no estaría tan seguro. Quienes crean que lo que se en la película es genial, sentirán el homenaje, para los demás será la descripción de un mundo primitivo de violencia masculina, en un colegio que resistió todo lo que pudo para que no se incorporaran mujeres. Justamente el campamento que muestra el film era uno de los espacios que querían conservar solo para hombres.
Ron Howard se inició como actor de cine y televisión para luego convertirse en director en a partir de 1977, logrando grandes éxitos desde los ochentas y hasta la actualidad. Un repaso pequeño de esta extensa carrera incluye Splash (1984), Cocoon (1985), Willow (1988), Apollo 13 (1995), A Beautiful Mind (2001), Frost/Nixon (2008) para nombras algunas, no necesariamente las mejores. Pero Ron Howard, al igual que otros colegas como Martin Scorsese, parece decidido a tener una carrera también el género documental musical. En el año 2016 entregó la genial The Beatles: Eight Days a Week- The Touring Years (2016) que contaba toda la época en la que el grupo realizaba actuaciones en vivo. En Pavarotti no hay mucho que explicar, se trata de una biografía de Luciano Pavarotti, cantante lírico, estrella de la música, uno de los tenores más famosos y prestigiosos del mundo. El film es un recorrido cronológico de su obra, su carrera, su vida personal y todo lo referido a él. Ron Howard cuenta con un presupuesto y un material a su disposición que le permite hacer un documental visualmente impactante, un lujo tan grande como una ficción. Con menos chances de taquilla pero mayor cercanía al personaje, el documental muestra el carisma arrebatador que tenía el cantante y muestra, incluso diríamos que prueba, los motivos por los cuales se convirtió en la figura que hoy todos conocemos. Moviliza y emociona, consiguiendo ser un homenaje y a la vez un relato didáctico sobre Luciano Pavarotti.
En medio de la naturaleza en algún lugar de Latinoamérica, un grupo rebelde de comandos adolescentes realiza ejercicios de entrenamiento militar mientras vigilan a una prisionera conocida como La doctora y una vaca lechera otorgada para una fuerza sombría conocida como La Organización. Después de que una emboscada empuja al grupo hacia la jungla, el grupo entra en crisis. Entre el sexo, la violencia, el peligro y la inocencia se mezclan hasta generar un ambiente asfixiante y salvaje. Con aires de El señor de las moscas, la película tiene el mérito de mostrar los conflictos armados desde los márgenes y no en su centro. Pero la manera en la que muestra ese mundo parece más destinada a asombrar al público del primer mundo en los festivales que a decir algo concreto sobre el conflicto que relata. Sin lograr la potencia visual de directores como Herzog o Coppola adaptando a Conrad, la película no termina de encontrar su rumbo ni construir un mundo propio que nos haga reflexionar acerca de los temas que trata.
Quinta película del personaje John Rambo interpretado por Sylvester Stallone. Aunque ya no necesita presentación y su público actual es mayormente el que siempre ha seguido las otras películas, la pregunta era acerca de cómo sería esta nueva entrega de la serie. Un breve repaso de las películas: Rambo (First Blood, 1982) dirigida por Ted Kotcheff, Rambo II (Rambo: First Blood Part II, 1985) dirigida por George P. Cosmatos, Rambo III (1988) dirigida por Peter MacDonald, Rambo (2008) dirigida por Sylvester Stallone y finalmente Rambo: Last Blood (2019) dirigida por Adrian Grunberg. El cuarto film encontraba a Rambo volviendo a su hogar en Arizona luego de años de haber ido. Diez años más tarde se retoma la historia en el rancho de Arizona que pertenecía al padre de Rambo y en donde él vive ahora junto con la que fuera empleada de su padre, María, y la nieta de ella, Gabrielle. Abandonada por su padre y sin madre, Gabrielle ve a Rambo como un tío o un padre. A pesar de estar retirado de toda acción, Rambo ha construido alrededor del rancho un sistema de túneles como los que había visto en la guerra del Vietnam. Sus traumas de guerra jamás lo abandonaron. Cuando la joven Gabrielle decide escaparse a México para conocer a su padre, las cosas se complicarán y Rambo deberá volver a tomar las armas. A partir de este momento se adelantan elementos de la trama, quien quiera no saber nada del guión y sus giros pueden dejar de leer hasta ver la película. El primer film de Rambo era un drama de ex combatiente y su difícil vida al volver a Estados Unidos. Este retrato se transformaba en un film de acción que hoy ya es un clásico. La secuela tenía un aire más espectacular, jugaba con los fantasmas de los prisioneros de guerra allá en Vietnam y apostaba más al entretenimiento bélico que al retrato de su héroe. La tercera era en Afganistán y nunca encontraba el tono, aun cuando se trata de la más costosa y enorme de las películas, la cuarta era particularmente violenta y hasta parecía una denuncia contra la violencia de la guerra. Solo la tercera fallaba a la hora de entretener, pero todas eran muy diferentes entre sí. Para esta quinta parte era un desafío salir airosa del desafío de ser original y a la vez tener algún valor en sí misma. La buena noticia es que lo logra, de forma alborotada pero efectiva, como ocurría con aquel primer film de 1982. Los enemigos esta vez son dos hermanos que tienen una red de prostitución en México y en la cual cae la joven Gabrielle. Rambo va a buscarla pero falla en su misión en primera instancia, y al insistir consigue rescatarla pero no salvarle finalmente la vida. Solo con la ayuda de una periodista logró sobrevivir él en primera instancia. Esto llevará a una venganza implacable por parte Rambo contra los dos hermanos. La versión que llega a la Argentina tiene un prólogo que muestra que Rambo sigue ayudando de forma voluntaria allí en Arizona, aun cuando no pueda, todo el tiempo, salvar al mundo. Ese prólogo no se da en todos los países donde el film se exhibe, pero tiene valor para mostrar quien es Rambo y como sigue siendo un héroe, casi un cowboy en este quinto film. Luego la película adquiere un aire melancólico y oscuro, porque todo anuncia la tragedia que se cierne sobre los personajes. A pesar la dureza del personaje, este quinto film tiene una enorme e inesperada carga de emoción, siendo tal vez la más emocionante de las cinco películas. El final es particularmente movilizador. Como la película de 1982, a Rambo: Last Blood le costó encontrar su camino. Varios montajes llevaron a que la narración fuera pulida al extremo, lo que le da un ritmo trepidante y enloquecido por momentos, tal cual ocurría con el primer film. El director Adrian Grunberg se lanza a la misma locura que ya había demostrado en esa maravilla protagonizada por Mel Gibson llamada Get the Gringo (2012) con la cual Grunberg debutó en la dirección. A la mencionada emoción y las dramáticas escenas de la trata de personas en México le sigue un clímax de venganza que es un festival gore para los fanáticos de Rambo. Sin ser humorística, toda la batalla final está totalmente pasada de rosca, con brillante y efectiva violencia que supera incluso a la de Rambo (2008) y sin crítica que se esbozaba en aquel film. A estas escenas brillantes, por momentos escalofriantes, que terminan en una literalidad sublime en lo que a la venganza refiere, le sigue un epílogo que parece despedir al personaje y a una época. Estoy rodeado de fantasmas dice el viejo Rambo, asumiendo también la edad del actor y el personaje. Con destellos fordianos que le ponen un poco de sal extra a esta rara mezcla, con unos muy buenos villanos y con un actor que ama a su personaje, John Rambo parece cabalgar definitivamente hacia el atardecer. Sea o no su último saludo en el escenario, la historia del cine le estará por siempre agradecida. Muchos pasaron y ya se fueron, Rambo hace rato que se ha instalado para siempre.
Cuarenta y cinco años cumplen “los Playmobil”, como le decíamos a la popular marca alemana de juguetes. El festejo es con una película a gran escala que llega a los cines del mundo. Con excusas más absurdas que esa se han hecho grandes películas. Cualquier punto de partida sirve, el tema es que alguien quiera ver esas historias en cine. Y Playmobil tiene muchos seguidores, suficientes para hacer esa apuesta. Antes de adentrarnos en el análisis resumamos el argumento. Marla, que toda su vida ha soñado viajar y tener aventuras, vive con su pequeño hermano. Cuándo él desaparece en una exhibición de Playmobil, ella descubrirá que se ha metido junto con él dentro de ese universo. Ahí terminan los actores de carne y hueso y empieza la animación con los famosos muñecos. Lo que la película intenta mostrar, con humildad pero también con inteligencia, es que significa el juguete Playmobil en la vida de los niños. Los universos que se mezclan sin problema, el verosímil donde conviven cowboys, con soldados romanos, con hadas y vikingos, sin que falten piratas, autos contemporáneos y hasta un agente secreto. Todo tiene lógica en esta historia donde se logra captar el mundo Playmobil y, en definitiva, el mundo de los juguetes. En esa lealtad y ese homenaje está toda la emoción de una película que triunfa porque reivindica la fantasía y la aventura en lugar de condenarla o subestimarla.
Una noche, el hijo de Sarah (Seána Kerslake) desaparece entre la maleza que hay tras su casa rural. Aunque parece ser la misma persona cuando regresa, su comportamiento comienza a ser cada vez más errático. Pronto, Sarah descubre que puede que el niño que ha vuelto no sea su hijo. Esta película de origen irlandés, cuyo título original es The Hole in the Ground, tal vez no realice ninguna proeza dentro del cine de terror, pero está filmada con tanto cuidado por la belleza y con un sentido estético tan claro que parece estar a años luz de otros films de género contenido parecido. Aunque no alcanza jamás a dar con un punto narrativo memorable, sí consigue algunos momentos de enorme potencia visual. Es complicado evaluar negativamente algo que tiene tanto para ofrecer con su uso del lenguaje. En comparación con la media del género el resultado es positivo.
Montevideo, 1980. Víctor es un cineasta amateur a punto de vender su cámara para poder financiar una ínfima parte de su casamiento y no darle el placer de pagar todo a su futuro suegro, que le propone un puesto poco deseable en el banco que maneja. Hasta que a través de su amigo videclubista llega una oferta salvadora de un empresario no muy legal que les encarga hacer una película a él y a su amigo. Pero se trata de una película porno y Victor queda atrapado entre la espada y la pared luego de aceptar el dinero antes de enterarse del contenido. Victor, como Frankenstein, solo cuenta con su cinefilia absoluta y una actriz porno llamada Ashley Cummings, estrella internacional, proveniente de Brasil. La conexión con ella y su propia osadía lo llevarán a planificar una versión triple X de La novia de Frankenstein. Al mismo tiempo se acerca su boda y debe mantener en secreto el contenido de su película. Comedia moderna, al estilo de la nueva comedia americana, con ritmo, humor sofisticado y un protagonista que no tiene nada que envidiarle a Ben Stiller o Seth Rogen. Martín Piroyansky es naturalmente gracioso y aquí, en su rol de atormentado que intenta mantener la compostura y el orden donde no es posible, está brillante. Solo le queda mal a la película algún momento dramático que pasa volando para luego recuperar el disparate. Un inteligente y logrado trabajo de comedia que vale la pena ver.
Guasón no se parece a ninguna de las películas se superhéroes de la última década. Ninguna de las realizadas en el mainstream y basada en personajes conocidos. Aunque hubo varios intentos de un cine más adulto, ninguno se atrevió a llegar al corazón de uno de los personajes más populares que existen: The Joker. Claro que en un sentido estricto no se trata de un film de Batman, pero sí de su universo y con Bruce Wayne como personaje secundario. Al centrarse en el villano la libertad para plantear un mundo oscuro se vuelve más aceptable, aunque hay que repetir que no se trata de un film de superhéroes parecido a lo que hoy está de moda. Quienes se hayan criado viendo los films de Marvel y su inagotable y agotador universo cinematográfico, Joker puede ser un golpe en la mandíbula. Este impacto puede producir que la película se convierta en la película favorita de toda una generación o que sea odiada de forma absoluta. Posiblemente logre un poco de ambas cosas. Pero todo esto es para reforzar la idea de que las búsquedas de este film son más cercanas al cine de los setenta que al del siglo XXI. Dejemos de lado por un momento a Batman y todo lo que sabemos de él y de DC Comics. Dejemos descansar al incomparable César Romero, al burtoniano Jack Nicholson y al memorable Heath Ledger. Y no por capricho, sino porque esta película se podría haber llamado de otra manera y poco y nada nos hubiera hecho reconocer al personaje del Guasón. Aunque hay muchas pistas de narrativa contemporánea, en muchos aspectos la película, por ambientación y estética, parece filmada en la época en la que transcurre. No solo por ser una relectura de Taxi Driver (1976) y El rey de la comedia (1982) de Martin Scorsese, sino también por su herencia de El vengador anónimo, Tarde de perros, Network, Los guerreros y tantos otros títulos del cine norteamericano de los setenta y principio de los ochenta. El remate de citas es que la familia del joven Bruce Wayne sale del cine de ver La última locura del zorro (Zorro: The Gay Blade, 1981) del gran Peter Medak. Sabemos que el personaje del Zorro es el origen del personaje Batman. Una pequeña cita para el nacimiento del más grande de los héroes del comic. Pero las citas no hacen el cine. Guasón no cita a Taxi Driver y El rey de la comedia. Guasón sostiene todo su mundo en esos dos títulos. Sin esos dos títulos la película no existiría, de hecho no tiene grandes ideas propias, solo construye a partir de las ideas de esos dos films. Robert De Niro ahora en lugar de ser el payaso que persigue a la estrella en El rey de la comedia se ha convertido en el personaje que allí interpretaba Jerry Lewis. La historia de amor también parece calcada y así las conexiones son muchas. No está prohibido hacer eso si luego se llega a algo y Guasón elige su propio camino en algún momento. Otras tantas escenas, aunque menos, provienen directamente de Taxi Driver. Pero como un mérito inesperado Guasón reivindica a El rey de la comedia, uno de los mejores films de la historia del cine y posiblemente mucho menos conocida que el resto de la filmografía de Martin Scorsese. Todd Philips, director de comedias de dudosa calidad, aunque indudable efectividad, se lanza aquí a un trabajo de reconstrucción de clásicos como lo han hecho otros grandes cineastas de la historia del cine, incluyendo en algunos aspectos al propio Scorsese, o Brian De Palma, Quentin Tarantino y otros tantos. La historia busca explicar –tal vez en exceso- el origen de todos los traumas, abusos y violencia que han llevado a Arthur Fleck a un camino de locura ya comenzado antes de la cronología del film, pero que estalla a lo largo de la trama. Este Guasón no es un bromista, sino un stand-up fracasado, un payaso que acepta changas y golpea una y otra vez contra un mundo hostil y violento. Fleck no tiene sentido del humor como tampoco tiene una noción clara de la realidad. No entiende los chistes, no comprende muy bien lo que pasa, su risa es una mueca monstruosa y molesta, no una risa feliz o inteligente. Este personaje psiquiátrico se desarrolla a lo largo del largometraje y la narración coquetea con su mente enferma y la realidad a la hora de representar a Fleck. Pero Todd Philips se equivoca –o nos manipula- en algunas escenas donde el ingenio, una canción entradora y una puesta en escena linda nos llevan más a una mirada banal de lo que pasa que a la oscura construcción del personaje que tanto ha intentado mostrarnos. Su conexión chaplinesca es tan forzada como falsa, dicho sea de paso. Pero a Guasón no le falta potencia. Aunque es despareja e incoherente, aunque cambia de discurso y finalmente no tiene ninguno, lo cierto es que logra algunas buenas escenas, filmadas con un estilo clásico y seco, como se filmaba en la época donde transcurre la historia. El protagonista Joaquin Phoenix juega con sus propios límites, pasando de ser insoportable, pretencioso y sobreactuado a conseguir instantes genuinos y profundos. Su personaje es patético y al actor le queda el rol, aunque no pueda dominarlo el director. Si volvemos al comienzo y comparamos a este título para público adulto con las interminables sagas marvelianas, sin duda Guasón cae del lado del cine. No es una obra maestra, no es perfecta, pero busca el camino del cine. Ojalá no la destrocen con la lógica de las secuelas, esperemos que brille como una película única, sin exprimir sus méritos hasta romperlos. Y si acaso su único legado es que volvamos a hablar de El rey de la comedia (The King of Comedy, 1982) de Martin Scorsese con Robert De Niro y Jerry Lewis, entonces también habrá valido la pena. Cine vinculado con el cine, películas que pueden conversar entre sí, historias de un arte que no ha muerto.