La guerra en las calles El incansable Kenneth Branagh, que a esta altura se ha animado a todo, desde dirigir y actuar dramas shakesperianos hasta filmar películas de superhéroes, regresa ahora con una obra de carácter autobiográfico sobre su niñez a fines de los años sesenta en Belfast, capital de Irlanda del Norte, que se adentra en los inicios del conflicto entre católicos y protestantes, cuestión que estampó sus esquirlas durante décadas sobre la política irlandesa y británica y aún presiona fuerte sobre los conflictos de Gran Bretaña con la Unión Europea e Irlanda. Para adentrarse en el pasado, después de unas breves escenas panorámicas en color de la Belfast actual, Branagh pasa al registro en blanco y negro para narrar esta historia familiar en medio de los disturbios de agosto de 1969 que desencadenó una guerra civil entre católicos y protestantes aún no completamente resuelta, que cada cierto tiempo estalla nuevamente aunque en menor escala. Desde la perspectiva de un niño, el director de Enrique V (Henry V, 1989) explora la infancia para desenvolverse en medio de la dinámica de una familia protestante que vive en un barrio obrero en el que también habitan parentelas católicas, lo que le permite analizar el comienzo del conflicto desde un lugar privilegiado que atemoriza por su cercanía. El pequeño Buddy (Jude Hill) es un niño de nueve años, soñador, que juega en las calles con un palo y la tapa de un tacho de basura, que simulan una espada y un escudo, con sus amigos y su prima adolescente hasta que una manifestación de protestantes intenta destruir los hogares de católicos de un barrio obrero, situación que deviene en un agrio enfrentamiento con la policía. Ante la violencia imperante en la calle, su madre (Caitriona Balfe) acude al auxilio de su pequeño para llevarlo de nuevo a la casa en medio del caos de piedras y bombas molotov que caen y estallan, de los que se protege y resguarda a su hijo con la tapa del basurero que el mocoso utilizaba en su juego, ahora sí transformada realmente en escudo como un símbolo de la fantasía idílica que se transforma en pesadilla, situación que los rostros de los actores ejemplifican a la perfección, una alegoría de la pérdida de la inocencia, de una temprana introducción en un conflicto permanente con treguas más o menos breves seguidas de estallidos sociales. Mientras la tensión en el barrio y en toda la ciudad aumenta y las organizaciones radicales protestantes abogan por llevar el conflicto a las calles, la familia de Buddy se ahoga en sus deudas impositivas con el fisco de la corona británica, por lo que el padre (Jamie Dornan) debe ir y venir de Londres para ganarse el pan, pasando semanas sin visitar a su adorada familia. Entre la desesperación de su madre ante los problemas financieros y la ausencia de su marido y la distancia con su padre, Buddy pasa mucho tiempo con sus abuelos, interpretados por Ciarán Hinds y Judy Dench, una pareja de ancianos que aún se ama, que ayuda al joven con las matemáticas y siempre tiene un consejo para su nieto preferido. La enfermedad pulmonar de su abuelo, producto de su labor como minero en el pasado, y la aparición de un nuevo líder que busca cobrar impuestos para la organización terrorista protestante de Irlanda del Norte empeoran una situación ya de por sí inestable mientras el pequeño Buddy se mete en problemas con su prima, generándole grandes disgustos a su atribulada madre. Branagh hace colisionar este mundo idílico de Buddy en un barrio obrero habitado por católicos y protestantes, donde los inocentes juegos de guerra en las calles abren paso a una batalla campal que deviene en barricadas improvisadas por los vecinos en conjunto con el ejército para impedir que los manifestantes protestantes regresen a atacar las casas de los católicos y de sus cómplices. Por otra parte y a la par de esta trama, el film también trabaja sobre la cuestión de la inmigración irlandesa, obligada a partir de su tierra debido a la violencia y la desocupación. De esta forma el padre de Buddy debe viajar constantemente a Londres para ganar el sustento, lo mismo que su progenitor, que una vez partió de Belfast para trabajar en las minas de carbón y ahora debe lidiar con los problemas pulmonares heredados de su insalubre labor. El film también hace hincapié en las injustas cargas impositivas de la corona inglesa sobre los irlandeses, que terminan siempre en deudas impagables con el fisco. Jude Hill ofrece una actuación fenomenal como un niño que descubre el mundo, que disfruta de su niñez a la vez que ve con sorpresa cómo todo cambia mientras que Judy Dench y Ciarán Hinds brillan como los abuelos del pequeño y Catriona Balfe como su madre. Jamie Dornan, con un papel un poco más modesto como el padre, también realiza una gran labor al igual que Colin Morgan como el villano de la organización protestante de Irlanda del Norte que se enfrenta a la cálida familia. La fotografía de Haris Zambarloukos, con quien Branagh trabajó en varias oportunidades desde la remake de Sleuth (2007), la obra de teatro de Anthony Shaffer llevada al cine a principios de la década del setenta por Joseph Mankiewicz, resalta la combinación de emotividad y zozobra alrededor de la dinámica filial y la situación política que influye en el humor de los integrantes de la familia, trabajando codo a codo con la idea de Branagh de film de múltiples capas que recorre distintos géneros y registros, incluso aquel de la Nueva Ola Británica de los sesenta. Branagh, en muchas ocasiones hoy siguiendo los pasos del John Boorman de La Esperanza y la Gloria (Hope and Glory, 1987) y Reina & Patria (Queen & Country, 2014), aprovecha al máximo las canciones compuestas por su coetáneo, Van Morrison, el cual ofrece un repertorio extraordinario que demuestra su vigencia en una época signada por la falta de originalidad y la estandarización de la cultura. Las canciones de Van Morrison no solo dan vida a las calles de Belfast sino que otorgan una vitalidad inusual a las escenas del film. A nivel cinematográfico Branagh explora aquí el drama familiar alrededor del conflicto político para llegar hasta el western vía un típico enfrentamiento de cowboys en el Lejano Oeste entre el padre del pequeño Buddy y el líder de los tumultuosos protestantes que deplora su actitud pacifista y conciliadora. Las canciones de Van Morrison y Everlasting Love, tema escrito por Buzz Cason y Mac Gayden, interpretado por Robert Knight y popularizado por Love Affair en 1967, llevan al film incluso al borde del musical en una obra que se distingue por su particular abordaje de la nostalgia. Los recuerdos se cargan de cierta añoranza y algo de tristeza pero también hay una alegría desbordante y una inocencia infantil que contrasta con la violencia que se cierne sobre el barrio y la ciudad. La mirada infantil es lo que le permite al director de Hamlet (1996) recorrer estos sinuosos tonos que van transformando a la película con maestría y astucia sin caer en la severidad de la mirada adulta, que tampoco es dejada de lado, dado que tanto la abuela como la madre de Buddy siempre se encargan de bajar a todos a la tierra, resaltando los distintos problemas de cada una de las visiones de los varones. El romanticismo tampoco es excluido de Belfast, dado que la relación entre la madre y el padre por un lado y la abuela y el abuelo por el otro tiene sus escenas románticas, atentamente observadas por el embelesado niño, que a su vez gusta de una compañera de clase, a la que no se atreve a hablarle pero a la que intenta acercarse siempre con la timidez y la lógica infantil para despedirse prometiéndole regresar. Tampoco falta aquí la cinefilia, un amor muy profundo por el séptimo arte, donde Buddy vive solo ante la televisión, o con su hermano y sus padres o con toda su familia en el cine, las fantasías que encandilaron y fascinaron a Branagh, una pasión que afortunadamente lo llevó a canalizar su sensibilidad hacia el séptimo arte y el teatro. Lo que más sorprende de Belfast es que no se empantana en la nostalgia del pasado, por el contrario, se apoya en esta historia de la capital de Irlanda del Norte para construir un film cálido y cándido que explora los problemas de una familia atrapada por un conflicto que no promueve ni apoya, con un padre que ha tomado la decisión de emigrar debido a la desocupación y las deudas para comenzar de nuevo y una madre que no puede imaginar su vida lejos de las calles y la gente que conoce y la vio crecer, con las que ha convivido toda su vida. De esta forma Branagh explora las decisiones y la responsabilidad de madres y padres alrededor de situaciones intolerables que exigen una acción rápida y radical ante una hostilidad que crece día a día en las calles del barrio. Belfast es sin duda alguna un film íntimo, en el que Kenneth Branagh expone su corazón para revivir un período de su niñez que marcó su personalidad y su porvenir. Aquí Branagh resalta el sacrificio materno y la partida de los hombres que deben abandonar su hogar para trabajar lejos de su tierra, entre recuerdos inolvidables por su belleza o su emotividad pero también por su tristeza o violencia, cuestiones que se combinan en Belfast con la música de Van Morrison y el cine fantástico y los westerns para crear una obra encantadora y dura sobre la felicidad y la tristeza que surcan como oleadas la vida.
Ectoplasma de los ochenta En plan retromaniático de los ochenta, la saga de Ghostbusters regresa a la pantalla con una nueva versión que homenajea a las dos películas originales y hace a un lado a la horrenda versión del 2016 dirigida por Paul Feig, hoy utilizando todos los recursos de la nostalgia y la añoranza de la época y recurriendo a adolescentes y preadolescentes de series populares que siguen la misma línea de la retromanía. La historia narra el derrotero de la hija de uno de los cazafantasmas fundadores, Egon Spengler, una madre soltera que tras ser desalojada por sus deudas y enterarse de la muerte de su padre, viaja junto a sus dos hijos de doce y quince años al pequeño y alejado pueblo de Summerville en Oklahoma para hacerse cargo de la sucesión de los bienes de su progenitor. En la granja abandonada en la que vivió el científico, la nieta menor, Phoebe (McKenna Grace), quien comparte con Egon su interés por la ciencia, inicia una comunicación paranormal con su abuelo, cuyo fantasma aún habita la casa. La niña descubre junto a su hermano mayor, Trevor (Finn Wolfhard), y un reciente amigo de la escuela, Podcast (Logan Kim), un chico peculiar con interés por lo paranormal, que su abuelo había descubierto que Gozer, el demonio al que los cazafantasmas habían enfrentado en la primera película, preparaba su regreso para el año 2021. Los chicos comienzan así una investigación que los lleva a una mina de selenio abandonada desde la década del cuarenta en una montaña que contiene varios petroglifos. Mientras tanto Gary Grooberson (Paul Rudd), un docente de la escuela de los chicos, comparte con Phoebe su teoría sobre los incomprensibles y constantes sismos que sufre el pueblo. Carrie Coon interpreta aquí a una madre que ama a sus hijos pero que no puede superar el encono contra su padre por haberla abandonado cuando era niña, mientras que Paul Rudd compone a un cómico docente de una escuela pública que intenta conquistar a la madre de Phoebe y Trevor. El adolescente, por su parte, intenta salir con Lucky (Celeste O’Connor), otra púber un poco mayor que él que trabaja en un local de comida rápida, y Phoebe y Podcast inician una amistad que los conducirá a enfrentar a la nueva encarnación de Gozer. Si en un comienzo la historia de la hija y los nietos de Egon Spengler funciona como film nostálgico luego Jason Reitman parece desquiciarse en la conclusión, acelerando innecesariamente todo para no pasarse de las dos horas de duración y creando una sensación vertiginosa en un film que hasta ese momento transcurría con otra velocidad completamente diferente. Muchas escenas del final son incluso una copia de las de la película original de Ivan Reitman, padre de Jason. Finalmente todo el convite es una excusa para homenajear a Harold Ramis, fallecido en 2014 en una reunión de casi todo el elenco original que incluye a Dan Aykroyd, Bill Murray, Ernie Hudson, Annie Potts y hasta Sigourney Weaver en una breve escena del desenlace. Si bien no hay grandes problemas narrativos -salvo en el final- y las actuaciones son correctas, nada en el film destaca, ni siquiera la música de Rob Simonsen. Tan solo la frescura de la amistad y la personalidad de Phoebe y Podcast resaltan un poco en una propuesta que apuesta todo a sorprender con el regreso de Peter Venkman, Raymond Stantz y Winston Zeddemore a su viejo oficio de cazar fantasmas y reencontrarse con su gran enemigo, Gozer. Ghostbusters: El Legado (Ghostbusters: Afterlife, 2021) adolece de todos los problemas de este tipo de films nostálgicos que intentan homenajear o parecerse a los originales, películas icónicas que marcaron una época y forjaron un imaginario cultural. A pesar de sus falencias, el film de Jason Reitman logra su cometido de construir una trama que remita a la película de su progenitor y el componente nostálgico funciona a la perfección, al igual que la conexión con el nuevo público adolescente e infantil al que la obra apunta. La última entrega de Ghostbusters es un film para que los fanáticos del neoclásico de 1984 y su secuela de 1989 disfruten con las nuevas generaciones y se emocionen volviendo a ver a los cazafantasmas originales y a su Cadillac destruyendo una ciudad para salvarla del Apocalipsis de un más allá a su vez interconectado con el más acá.
Basada en la novela homónima del celebrado autor alemán Ferdinand von Schirach, el último film del realizador bávaro Marco Kreuzpaintner narra un juicio por un resonante asesinato que se convierte en una búsqueda de la verdad para un joven abogado defensor que necesita entender las causas del crimen para comprender qué impulsó al hombre a cometer el brutal homicidio. Elyas M’Barek interpreta a Kaspar Leinen, un joven abogado defensor con raíces turcas que tras ser asignado para la defensa de un hombre acusado de asesinato se entera de que la víctima del crimen es Hans Meyer, el presidente de una importante compañía industrial alemana, padrino y patrocinador de sus estudios legales. El caso se convierte en una cuestión personal para Leinen, que se reencuentra debido a esta situación con la nieta de Meyer, Johanna (Alexandra Maria Lara), con la que tuvo una relación amorosa cuando eran adolescentes. El reencuentro revive la pasión con la mujer que debe hacerse cargo de los asuntos corporativos de la empresa dirigida por su abuelo, y las cuestiones legales se mezclan con los sentimientos. Durante el juicio Leinen rememora un capítulo de su niñez que rápidamente relaciona con el arma homicida, y la investigación lleva al abogado a investigar un crimen de lesa humanidad ocurrido en un pequeño pueblo de Italia durante la Segunda Guerra Mundial que se relaciona con el asesinato. El Caso Collini (Der Fall Collini, 2019) es un film vertiginoso que indaga en la culpa alemana ante los crímenes nazis cometidos durante el conflicto mundial y hace hincapié en cuestiones legales con la finalidad de exponer un episodio histórico ominoso ocurrido a fines de la década del sesenta, un cambio en el estatuto legal de los crímenes de guerra y de lesa humanidad que permitió la nulidad de los procesos contra los genocidas nazis en la República Federal de Alemania a partir de 1969. El film es completamente fiel a la novela de Ferdinard von Schirach incluso en sus flashbacks, diálogos y escenas, tiene excelentes actuaciones de un elenco que se destaca por la presencia de Franco Nero como Fabrizio Collini, el acusado, en un papel taciturno. La película es representativa de un cine alemán más interesado en la forma que en el contenido, representación que responde a los nuevos cánones industriales y a una mirada del mundo globalizada y estandarizada, lo que a postre genera una sensación de artificialidad. Lo mejor del film es la denuncia de los crímenes nacionalsocialistas en Italia y el manejo de los protocolos jurídicos mientras que el estilo aséptico de la narración cinematográfica solo produce extrañamiento ante el caso en lugar de la empatía que el protagonista y su abogado defensor deberían generar. Marco Kreuzpaintner logra en El Caso Collini una obra correcta producto de un guión respetuoso de Christian Zübert, Robert Gold y Jens-Frederik Otto que se ciñe a la novela original para aprovechar las excelentes reconstrucciones de los procesos jurídicos que caracterizan la narrativa de Ferdinand von Schirach, un autor que también es abogado, profesión que ejerció antes de convertirse en un exitoso escritor traducido a más de treinta idiomas.
Emprendedores del nuevo capitalismo El cineasta británico Ken Loach ha sido siempre un gran crítico del avance del Estado sobre la vida privada, el desmantelamiento de los sindicatos y la precarización del trabajo, proponiendo a la solidaridad como motor del progreso de una Nación y única forma de ponerle un freno al ansia empresaria. Durante toda su carrera como director ha indagado en distintos tópicos de la relación entre el capitalismo y los trabajadores, los problemas sociales, las consecuencias sobre la psiquis y las secuelas de la explotación. En su último film, Lazos de Familia (Sorry We Missed You, 2019), el realizador de la aclamada Kes (1969) y sinónimo de cine social en Gran Bretaña sigue a un hombre que comienza a trabajar en una empresa de logística y reparto en Londres con una lógica de contratación precaria encubierta, muy utilizada por las nuevas empresas basadas en las aplicaciones de pedidos por Internet. La falsa promesa de ser su propio jefe y la posibilidad de convertirse en emprendedor estimulan a Ricky (Kris Hitchen) a vender el auto de su esposa, Abby (Debbie Honeywood), para pagar el depósito de la adquisición de una camioneta para hacer entregas de pedidos de compras por Internet para una empresa que en lugar de contratar trabajadores terceriza absolutamente todo, considerando a los trabajadores emprendedores que invierten en una franquicia, ocultando así la relación laboral, nuevo engaño de los empresarios para no pagar cargas sociales ni hacerse cargo de los gastos que acarrea la logística de su rubro. Ricky y Abby son una típica pareja de clase media con dos hijos en Londres, hundida en deudas, con un hijo adolescente rebelde. Ricky, un fanático del Manchester United, pone todo su empeño en convertirse en un empleado ideal bajo su disfraz de emprendedor trabajando todo el día mientras su esposa viaja en colectivo para cumplir con su rol de asistente social ayudando a personas en situación de vulnerabilidad a lo largo y ancho de Londres. Rápidamente Ricky descubre que sin importar sus esfuerzos, los imponderables surgen y su rol como padre afecta su trabajo, por lo que debe elegir si ayudar a sus hijos o quedar atrapado en sus obligaciones con la empresa. Con sus padres afuera todo el día, los hijos de la pareja se las apañan como pueden. El adolescente Seb (Rhys Stone) evade sus obligaciones escolares para pintar murales e intervenir artísticamente carteles publicitarios con sus amigos con la certeza de que la educación en Inglaterra ya no es un camino hacia una mejora de la posición social, sino tan solo una trampa para endeudarte y terminar trabajando en alguna forma de contact center, modelo de organización corporativo de casi todas las formas laborales administrativas en la actualidad. La pequeña Liza (Katie Proctor), de once años, estudia, es una buena alumna que ama a su familia, ayuda a su padre en sus recorridos los fines de semana e intenta encarrilar la suerte de su hermano mayor mientras ve cómo su familia se desmorona ante sus jóvenes ojos. Si el nuevo trabajo de Ricky pone patas para arriba a su parentela, destruye su vida y solo logra endeudarlo aún más en lugar de sacarlo de la lógica del sobreendeudamiento permanente que marca la realidad de la mayoría de la clase media en prácticamente todos los países que promueven alguna forma de liberalismo, el trabajo de su esposa, Abby, pone en relieve la necesidad de la ayuda social sobre un número cada vez más alto de personas que ya no pueden valerse por sí mismas. Loach regresa aquí a la indagación de las consecuencias del nuevo capitalismo en la psicología del trabajador, al igual que en It’s a New World… (2007), para encontrar nuevamente la explotación más brutal escondida detrás de los nuevos eufemismos emprendedores. La presión del exceso de trabajo y la reelaboración de la relación entre empleador y empleado por parte de la empresa para evadir todas sus responsabilidades y costos en favor de un sistema de premios y castigos en base a objetivos imposibles de cumplir, son los ejes de esta trama que busca develar los nuevos mecanismos de explotación capitalista en una época de desintegración de las utopías, descreimiento en la política y neoliberalismo descarnado. A través de la dinámica familiar y de la relación de Ricky con su trabajo y su empleador, Maloney (Ross Brewster), el film de Loach hace estallar las contradicciones de la lógica laboral del nuevo capitalismo que busca anular el riesgo de invertir trasladando todo el peso del riesgo y la inversión sobre el eslabón más débil de la cadena, el trabajador, único perdedor de esta nueva iniciativa del capital para reducir costos. Si la lógica del trabajo está en crisis y la pandemia puso al mundo patas para arriba desafiando a empresarios y trabajadores a discutir y reelaborar las relaciones laborales y el control sobre el trabajo y la productividad, no es de extrañar que uno de los pocos cineastas que piensan al cine como instrumento para examinar las paradojas que esta problemática genera haya creado esta obra que cada día parece cobrar más actualidad a medida que crecen las compras por Internet y la precariedad laboral como forma de contratación. Al igual que films como Recursos Humanos (Ressources Humaines, 1999), de Laurent Cantet, Lazos de Familia tiene en una de sus escenas la explosión de todo el trasfondo de una situación que se vuelve cada vez más insoportable y alienante para el trabajador, que se ve atrapado, endeudado y esclavizado por un sistema que lo hunde completamente. El desmantelamiento de los últimos resabios del Estado de Bienestar, el resquebrajamiento de las instituciones como la educación para garantizar un futuro mejor, la precarización del trabajo escondida bajo el velo emprendedor y los esbozos de una nueva forma de concebir el mundo a partir de las manifestaciones de la rebeldía ante el fracaso de las viejas ideas, son algunas de las cuestiones que el film de Loach trabaja desde la realidad más acuciante que muchos otros directores no se atreven a mirar. Loach consigue aquí encontrar una forma de alienación de la relación entre empleador y trabajador a la vez que explora la deshumanización de las relaciones laborales en una época de búsqueda desesperada de mejorar la productividad en un mundo que se hunde cada vez más en el descontento. En Lazos de Familia Ken Loach logra una vez más poner el dedo en la llaga sobre la relación entre capital y trabajo en un film que se posiciona desde distintos protagonistas para indagar en las consecuencias de las contradicciones en cada uno y en la actitud que cada cual toma ante la erosión de la identidad del trabajador. Loach marca con agudeza el engaño en el que el trabajador entra, harto de perder, convencido de que como emprendedor logrará salir de su situación precaria, para entrar en una trampa aún peor de la que se encontraba antes, estafa de la que solo se sale con unidad y solidaridad ante la adversidad y los abusos empresarios, visión que hoy parece perdida en la era del egoísmo y el odio controlado por la propaganda en las redes sociales.
Puja extraterrestre En esta nueva entrega del personaje de Venom, uno de los enemigos del Hombre Araña en los cómics de Marvel creado por Todd McFarlane, cuya historia fue desarrollada por el escritor David Michelinie a partir de mediados de los ochenta, el extraterrestre se enfrenta con otro alien simbiótico que se adhiere a uno de los personajes de la primera entrega dirigida por Ruben Fleischer, Cletus Kasady, interpretado por Woody Harrelson, un asesino serial encerrado en la cárcel que tras morder al anfitrión de Venom, el periodista Eddie Brock, interpretado por Tom Hardy, se convierte en Carnage, otro alien simbiótico pero de color rojo. Después de separarse de Anne (Michelle Williams), la carrera de Eddie Brock y su vida personal se vienen abajo mientras se dedica a intentar que Venom se alimente de chocolate y gallinas en lugar de cerebros humanos. Cuando Cletus Kasady lo convoca para que se convierta en su vocero desde la cárcel, Venom descubre dónde Kasady esconde los cadáveres de sus víctimas por sus dibujos en su celda, por lo que su carrera toma un giro ante la suspicacia del Detective Mulligan (Stephen Graham). En una visita a la prisión antes de ser ejecutado, Cletus muerde a Eddie y nace Carnage cuando se lleva a cabo la ejecución de su condena a muerte, desatando una matanza en el presidio en su fuga hacia la libertad. Cletus accede a mantener la unión con Carnage para eliminar a Venom si el extraterrestre lo ayuda a recuperar a su novia, Frances Barrison (Naomi Harris). Y así sigue la trama en este film en el que nada tiene sentido ni razón de ser. Venom: Carnage Liberado (Venom: Let There be Carnage, 2021), escrita por Kelly Marcel, guionista de la entrega anterior, en base a una historia del propio Hardy, y dirigida por Andy Serkis, responsable de Breathe (2017) y Mowgli: Legend of the Jungle (2018) y reconocido actor de reparto, es una comedia fantástica de aventuras que intenta aprovecharse del fanatismo por los films de superhéroes y antihéroes y que reproduce todos los problemas de este tipo de obras hasta el desastre. El film de Serkis malogra un reparto espectacular liderado por Tom Hardy, Woody Harrelson, Michelle Williams y Stephen Graham, quienes caen presas de una historia incongruente, llena de bromas estúpidas, efectos especiales que no sorprenden y una corrección política que aburre. Más allá de esto el film discurre sobre las dificultades de convivencia, la aceptación de uno mismo, la amistad como fuente de entendimiento y la necesidad de empatía para con los problemas ajenos, cuestiones comprimidas en una hora y media llena de sinsentidos y prácticamente sin las matanzas prometidas en el título. Si por un lado el título anuncia un enfrentamiento descarnado, en Venom: Carnage Liberado apenas hay una escaramuza de la que solo Woody Harrelson sale parcialmente airoso en su papel de lumpen norteamericano, producto del abuso infantil y el maltrato en las instituciones de corrección y castigo, temáticas caricaturizadas en uno de los pocos momentos sinceros y reales del film para diluir la crudeza de una situación que no va con la ligereza de la propuesta. La dirección de Serkis es correcta dentro de todo y el principal problema parte de las ideas de Hardy. El personaje de Carnage decididamente no funciona desde ningún punto de vista, la introducción forzosa en cada escena del Detective Mulligan es ridícula, el guión de Kelly Marcel es muy pobre y con diálogos sosos, Michelle Williams no cumple un rol de ninguna índole y las composiciones de Marco Beltrami son anodinas ya que los temas musicales se pasan de insustanciales y ni siquiera representan el espíritu del film. En el universo Marvel y en el acervo de los superhéroes, uno de los pocos géneros que aún generan fanáticos en un segmento pequeño en términos poblacionales pero considerable en términos del público consumidor cinematográfico, la saga de Venom intenta seguir los pasos de Thor: Ragnarok (2017), el bizarro film del realizador neozelandés Taika Waititi, en materia de mezclar la comedia con la epopeya fantástica de aventuras, dándole una vuelta de tuerca al drama que suele imperar en el género pero aquí nada funciona. Los actores parecen sombras de sus mejores interpretaciones, no están compenetrados con los personajes ni con sus diálogos: todo, absolutamente todo, está fuera de lugar, especialmente Venom, una contrafigura del Hombre Araña que no se luce con un Tom Hardy irreconocible que lo compone con la misma técnica de alteración de la voz que usó para el personaje de Bane en El Caballero de la Noche Asciende (The Dark Night Rises, 2012), la última entrega de la trilogía de Batman de Christopher Nolan. Lo que en el cómic, e incluso en los dibujos animados del Hombre Araña, funcionaba a la perfección, aquí decididamente solo reproduce lo peor de los films de superhéroes y antihéroes. Ya incapaz de atraer a un público que no sea ultra fanático de este tipo de obras, alejado de la fantasía que descubre nuevas posibilidades y de la ciencia ficción que propone futuros en los cuales reflejarnos y reflexionar sobre nuestra realidad, Venon: Carnage Liberado es un intento de parodia de los films de superhéroes que no funciona siquiera como parodia de sí mismo, dejando un gran sinsabor por el desperdicio de un elenco que merecía algo mejor.
Las piezas del rompecabezas Soprano Los Santos de la Mafia (The Many Saints of Newark, 2021), la precuela de la exitosa y popular serie Los Soprano (The Sopranos, 1999-2007), que se emitió por el canal HBO, indaga en el pasado de las familias Moltisanti y Soprano para develar los pormenores de la niñez y juventud de Tony Soprano, el protagonista de la obra del productor David Chase. Alan Taylor, director de varios capítulos de Los Soprano y de múltiples series como Games of Thrones, In Treatment, Mad Men, Deadwood y Sex and the City, toma aquí las riendas de un proyecto orientado a adentrarse en el pasado de Tony Soprano y de su familia siguiendo las huellas de la televisión para responder los interrogantes que la serie había planteado a partir del tratamiento psicoanalítico del protagonista. Al igual que la historia original de David Chase, la precuela de Alan Taylor, escrita junto a Lawrence Konner, retoma mafiosos de la vida real, como el traficante de heroína Frank Lucas, que importó heroína durante la Guerra de Vietnam a Estados Unidos desde el sur de Asia con la ayuda de oficiales y soldados del ejército norteamericano, historia retratada brillantemente por Ridley Scott en American Gangster (2007), film protagonizado por Denzel Washington y Russell Crowe. El film se centra en la relación de Dickie Moltisante (Alessandro Nivola), un líder mafioso de la ciudad de Newark en el Estado de Nueva Jersey, padre de Christopher y mentor de Tony Soprano, aquí interpretado por el hijo de James Gandolfini, Michael, en su adolescencia y por William Ludwig en su niñez, con su sobrino preferido a fines de la década del sesenta durante la rebelión popular de 1967 en la ciudad más populosa de Nueva Jersey para continuar a principios de los setenta con las transformaciones que sentarán las bases de la personalidad de Tony. En plena efervescencia de fines de los sesenta, el padre de Dickie Moltisanti, apodado Hollywood Dick (Ray Liotta), regresa de Italia casado con una reina de la belleza italiana que no habla ni una pizca de inglés, Giuseppina (Michela De Rossi), mientras su hijo mantiene el control de los múltiples negocios ilegales con la ayuda de uno de sus subalternos, Harold McBrayer (Leslie Odom Jr.). El pequeño Tony, fascinado por la atractiva y carismática personalidad de su tío, lo sigue a todos lados y lo imita, metiéndose en problemas constantemente con apuestas en el colegio, fumando y escapándose de su familia. El padre de Tony, Johnny (Jon Bernthal), cae preso por asalto a mano armada y recibe varios años de condena, lo que sume en una depresión a la madre de Tony, Livia Soprano (Vera Farmiga). La constante brutalidad policial contra la población afroamericana desata una rebelión popular que decanta en disturbios generalizados en el centro de la ciudad alrededor de la comisaria y la avenida principal. La personalidad de Dickie lo llevará a cometer diversas barbaridades, pero será su sentido del humor el que selle su suerte. Debido a los disturbios y a sus actividades delictivas, Harold abandona la ciudad pero regresa siete años después para aprovechar el negocio de la droga abierto por Frank Lucas en Nueva York para los afroamericanos. Mientras tanto, Johnny Soprano sale de la cárcel y se reencuentra con su familia y Tony oscila entre sus deseos de jugar al fútbol americano y sus inclinaciones delictivas que afloran. El tiempo pondrá a Dickie y a Harold en bandos opuestos en un enfrentamiento que tendrá nefastas consecuencias para ambas familias. Tras la muerte de su madre, Dickie realiza distintas maniobras que cambian su vida, toma a la esposa de su fallecido padre como amante, iniciando así una relación que también tendrá un fin trágico, comienza a visitar a su tío preso en la cárcel por asesinato y realiza distintas acciones de caridad para redimir sus crímenes. Los Santos de la Mafia es un friso de la mafia italiana que Chase siempre vio de cerca en Newark, una mirada descarnada y realista sin golpes bajos que retrocede en el tiempo para reconstruir la historia de las familias Soprano y Moltisanti y sus vínculos mafiosos, que eventualmente llevarán a Tony hasta la cima del poder. Mezcla de drama social con toques de comedia y film de mafiosos, Los Santos de la Mafia es una excelente precuela de Los Soprano que respeta su espíritu con un tono más clásico de film que busca retratar las contradicciones de las familias conservadoras italianas de los sesenta y los setenta y su relación con la comunidad afroamericana de Newark. Si lo mejor de Los Santos de la Mafia es su gran guión y la dirección de Alan Taylor, lo peor son algunas de las actuaciones de los secundarios, especialmente las de Jon Bernthal, Billy Magnussen y Corey Stoll, actores que no dan con la talla de los personajes que representan, especialmente si se compara por ejemplo a Stoll con Dominic Chianese o a Mangussen con Tony Sirico. Aunque el hijo de James Gandolfini, Michael, logra una buena interpretación en su rol de Tony adolescente, se extraña el carisma de su padre, un actor verdaderamente magnífico que cautivaba la cámara. Vera Farmiga cumple muy bien como la madre de Tony, personaje que tendrá mucha influencia en el desarrollo de la personalidad del protagonista de Los Soprano durante sus sesiones de psicoanálisis. Ray Liotta, interpretando al padre de Dickie y a su tío, ofrece como siempre un trabajo formidable con personajes diametralmente opuestos, opacando aún más a los actores secundarios que tienen esa presencia tan firme ante la cámara. Alessandro Nivola y Leslie Odom Jr., dos hombres primero unidos y después enfrentados, ofrecen una actuación muy buena, al igual que Michela De Rossi, que se luce en su papel de italiana que descubre el lado oscuro del sueño americano. Al igual que la serie de Chase, el film de Alan Taylor logra retratar la cotidianeidad de la mafia, sus lazos con la comunidad y la violencia latente que pocas veces aflora, pero cuando lo hace tiene consecuencias horrorosas difíciles de olvidar. Al igual que muchas de las mejores películas sobre el crimen organizado, Los Santos de la Mafia narra las raíces de las organizaciones delictivas en las urbes estadounidenses, ofreciendo una mirada no tan luminosa del sueño americano que atrajo a los inmigrantes italianos a la Costa Este de Estados Unidos. Para los que nunca se adentraron en la serie de Los Soprano, el film es una buena oportunidad para descubrir esta historia de la mafia de Newark, cómo funciona su lógica y cuáles son las prácticas que la caracterizan, y para aquellos que ya conocen la serie, el film proveerá numerosas claves para interpretar y entender la historia de Tony y Christopher y una buena razón para comenzar nuevamente a rememorar la gran obra de Chase.
El conocido realizador alemán Christian Petzold, que ha contado con la colaboración del director alemán Harun Farocki en dos de sus mejores films, Barbara (2012) y Phoenix (2014), regresa después de su última obra, la desconcertante Transit (2018), con Undine (2020), un film fantástico sobre una apasionada mujer que se debate entre el amor y la maldición que la persigue. Undine (Paula Beer) es una joven historiadora que trabaja como freelancer en un museo de historia urbana de Berlín que expone maquetas de los cambios de la inquieta ciudad, visiones de los urbanistas que la soñaron y diseñaron a lo largo de los años, puntos que Undine aborda con vehemente interés, cautivando a su versátil público. El film comienza cuando Johannes (Jacob Matschenz), el novio de Undine, la abandona, ante lo cual ella lo amenaza con matarlo si se retira del café en que discuten sin cambiar su actitud y lo invita a retractarse de sus intenciones para salvarlo de su trágico destino. Mientras Undine busca a Johannes en el café después de una exposición en el museo conoce a Christoph (Franz Rogowski), un buzo industrial del que se enamora perdidamente y con quien entabla una bella relación romántica, olvidando así a su anterior pareja. El noviazgo de Undine y Christoph se consolida en sus rituales amorosos pero se resiente cuando Undine ve por casualidad a Johannes con otra mujer. Esa misma noche Christoph la llama por teléfono para que defina sus sentimientos pero al día siguiente Undine se entera que es imposible que Christoph la haya llamado dado que éste tuvo un accidente de trabajo buceando y ha sido diagnosticado con muerte cerebral. Con su maldición a cuestas, Undine decide matar a Johannes, que desea volver con ella, y regresar al mar para que Christoph pueda vivir, un acto de valentía y abandono de sí misma pero también un regreso a su solitario hogar anfibio, desde donde cuidará de su amado buzo a la distancia. Cuando Christoph despierte intentará encontrar a Undine, que ha desaparecido de la faz de la tierra, lo que lo lleva a rehacer su vida con su socia, Monika (Maryam Zaree). Undine retoma el mito griego de la ninfa acuática recuperado para la cultura occidental y reinventado por un filósofo, alquimista y teólogo del Renacimiento, Paracelso. Petzold construye una historia de amor perfecta marcada por la tragedia de la maldición y lo fantástico en un film encantador cargado de símbolos mitológicos y de la historia de una ciudad que se ha convertido en un museo urbano. Undine hace carne esa frase de que el amor todo lo puede en un relato dramático que juega con lo fantástico para finalmente dejarse llevar por el mito, permitiendo que lo fantástico tome el control. Al igual que en Transit, Paula Beer y Franz Rogowski logran una química extraordinaria en una película inquietante sobre el poder del amor, los mitos griegos y urbanos y la imposibilidad de olvidar las relaciones que marcan el corazón.
Las lágrimas de un cowboy Ya desde fines de los años ochenta Clint Eastwood había demostrado interés en la adaptación de la cautivadora novela de N. Richard Nash, Cry Macho (1975), que el autor había concebido como un guión para luego transformar en novela tras varios rechazos por parte de productoras que finalmente le compraron el mismo guión que éste había presentado debido al éxito de la obra literaria. A lo largo de los años varios productores y directores intentaron llevar al cine el trabajo de Nash pero todas las tentativas terminaron en cancelaciones por diversos y disímiles motivos. Aquí, Clint Eastwood, a sus 91 años emprende nuevamente la dirección de un film que también protagoniza y produce, regresando a uno de sus géneros favoritos, el western tardío, en una road movie de autodescubrimiento y sanación por parte de un hombre mayor que viaja con un adolescente rebelde que debe llevar con su padre desde Ciudad de México a Estados Unidos en una travesía llena de contratiempos. Mike Milo (Clint Eastwood) es una estrella del rodeo ya retirada después de un terrible accidente, un verdadero y anciano cowboy deprimido por la muerte de su esposa e hijo hace ya varios años, que trabaja para un amigo, empresario que se dedica a criar caballos y ganado en su amplio rancho en Texas, personaje interpretado por Dwight Yoakam. Después de despedirlo por su ineptitud a lo largo de los últimos años en su labor de criar a los caballos para el rodeo y no sin antes recordarle los favores que le hizo a lo largo del tiempo, el empresario le solicita a Mike que vaya a buscar a su hijo adolescente a México para traerlo a Texas a vivir con él, dado que ha recibido información de que el chico ha sido víctima de abusos en el hogar materno, una imponente mansión en plena Ciudad de México. El cowboy encuentra fácilmente al adolescente, Rafael (Eduado Minett), que vive en las calles para escapar de los abusos de la casa materna, en una pelea de gallos, garito que el chico frecuenta con su ave, Macho. Contra la voluntad de su madre, Mike convence a Rafa de que se embarque en su periplo a Estados Unidos junto a su gallo de pelea para vivir con su padre, pero la progenitora, interpretada por Fernanda Urrejola, envía a uno de sus guardaespaldas a seguirlos para impedirlo. En el camino Mike y Rafa se convertirán en amigos, encontrarán el amor y se transformarán durante algunos meses en una familia en un pequeño pueblo mexicano donde el adolescente aprenderá a montar y Mike a valorar su vida mientras se esconden de la policía y de los secuaces de la madre del preadolescente de trece años. El nonagenario Clint Eastwood vuelve a ofrecer aquí una actuación inolvidable, llena de frases y anécdotas de un personaje entrañable, para reflexionar sobre la vejez como una etapa de la vida que es necesario aprender a disfrutar, fase en la cual los personajes mayores suelen dedicar mucho tiempo a lamentarse y a cuestionarse las malas decisiones tomadas en el pasado que los atormentan en el presente. El guionista Nick Schenk, que ya había adaptado las historias de Gran Torino (2008) y La Mula (The Mule, 2018) para Clint Eastwood, retoma el trabajo de N. Richard Nash, ambientado en la segunda mitad de la década del setenta, con un resultado desparejo, diálogos poco creíbles y situaciones no muy bien desarrolladas ni aprovechadas en un film demasiado dependiente de la figura del protagonista de Por unos Dólares Más (Per qualche Dollaro in Più, 1965), película dirigida por el genial Sergio Leone. Cry Macho (2021) es un film paulatino en el que la narración va tomando color a medida que avanza, con un principio un tanto insulso y poco atractivo, con un personaje principal que de a poco va dejando su pose masculina para dejar entrever su sensibilidad. El viaje de aprendizaje se convierte en una odisea romántica que regresa a la carretera para convertirse en una película de acción en una extraña combinación no del todo bien resuelta pero que Eastwood lleva con su carisma eterno y su frente en alto para decir que los cowboys también lloran y que no hay cura para la vejez. La nueva obra de Eastwood hace discutir a dos generaciones para que converjan en un retrato conjunto, dejando entrever que las fases de la vida se asemejan y que muchas veces la juventud y los mayores suelen ser espejos en los cuales podemos mirar hacia dónde vamos, en qué nos hemos convertido o qué queremos ser. Clint Eastwood elude las complicaciones para simplificar las dicotomías intencionalmente, buscando en la simpleza de un tamal o en un baile o una cena en familia momentos en los cuales la vida puede cambiar y la angustia dejar paso a la felicidad. En el pequeño pueblo, perseguidos y atrapados, Mike y Rafa encuentran su lugar en el mundo, un sitio al que no pertenecen, del que saben que se deben ir pero en el cual se descubren a sí mismos y encuentran y recuperan la felicidad. Tanto Dwight Yoakam como Eduardo Minett ofrecen actuaciones deslucidas, especialmente cuando se los compara con el carismático Eastwood. Natalia Traven, como la dueña de una fonda que se enamora de Mike, Marta, cumple bastante mejor en su papel, al igual que Fernanda Urrejola como la acaudalada madre de Rafael, en un rol demasiado exagerado, y Horacio García Rojas como el guardaespaldas de la madre que sigue a Mike y al joven, ya en un secundario más convencional. No sin un dejo de caricatura, Eastwood se despacha contra los oficiales de frontera, los comisarios apuntados por sus parientes y la inmoral clase alta mexicana denunciando la corrupción moral que reina en México y reivindicando la dignidad del trabajador y el pequeño emprendedor que lucha por su parcela para ganarse el sustento. Cry Macho es un regreso sin gloria que no cuadra del todo con el estilo clasicista de Eastwood y que no siempre logra el tono que pretende pero que demuestra una vez más que el director de Río Místico (Mystic River, 2003) siempre tiene algo importante para decir sobre el presente, aunque a no todos les guste.
Amarga venganza Justicia Implacable (Wrath of Man, 2021), el último film de Guy Ritchie, un director que deslumbró en sus dos primeras obras con su estilo rudo, su mezcla de crimen y comedia y sus logradas escenas de acción para luego perder la frescura repitiéndose hasta llegar a una anodina redundancia, se adentra en las traicioneras arenas de la venganza lisa y llana como motor de una trama inspirada en el film francés Le Convoyeur (2004), dirigido por Nicolas Boukhrief y escrito por éste junto a Éric Besnard. El film de Ritchie consta de cuatro capítulos y comienza con un violento robo armado por parte de un grupo comando disfrazado de trabajadores de la construcción que abordan un camión blindado de caudales y terminan matando a los agentes de seguridad que lo custodian. Cada capítulo revela información que va construyendo una narración en cadena que conduce al predecible final. Después del robo la película sigue a un hombre taciturno y recio, H (Jason Statham), que empieza a trabajar como agente de seguridad para una empresa de transporte de caudales en Los Ángeles, Fortico. A pesar de su actitud displicente y sus calificaciones ajustadas en el entrenamiento, H parece estar bastante seguro de sí mismo y tener una agenda secreta respecto de su reciente trabajo, por lo que sus compañeros sospechan de sus motivos. En uno de sus viajes un grupo intenta asaltar el camión pero los asaltantes son duramente reprimidos y ejecutados por H, que se convierte en una inspiración para sus alicaídos compañeros. En cada capítulo nueva información será revelada sobre el pasado de H, que no es quien parece y esconde una secreta misión de venganza contra quienes asesinaron a su hijo en el atraco de la escena inicial. La estructura del relato es muy similar a la del film de Nicolas Boukhrief, especialmente en las escenas clave de la narración, pero a diferencia de Le Convoyeur, Ritchie elige el camino de remarcar todo el tiempo la dureza de su personaje principal como su atributo más preciado, una especie de exacerbación hasta el ridículo de las características de los últimos films protagonizados por Liam Neeson como tipo recio, pero aquí llevado a un paroxismo poco creíble. En Le Convoyeur el protagonista es un financista que busca venganza por el asesinato de su pequeño hijo y logra realmente convertirse en uno más de los agentes de seguridad a pesar de su inexperiencia, mientras que en Justicia Implacable H es un sociópata que ni siquiera intenta entablar una conversación con sus compañeros. Por otra parte, en el film francés hay una construcción de los personajes secundarios verdaderamente maravillosa y un gran desarrollo del contexto social, mientras que en el film de Ritchie tan solo se hace hincapié en que la banda de asaltantes es un batallón de ex soldados que han retornado de Afganistán y buscan hacer valer su experiencia en la única profesión posible para un ex soldado en un país atiborrado de psicópatas armados, el crimen. Ritchie presenta un mundo de organizaciones criminales que se disputan el botín de los camiones blindados cuyo equilibrio es roto por la introducción del nuevo equipo liderado por el Sargento Jackson (Jeffrey Donovan). Statham se dedica a lo que sabe, poner cara de tipo duro sin mover un músculo durante toda la película y resucitar después de que lo batan a tiros varias veces para completar su venganza contra el eslabón más débil de la cadena, el más psicópata del grupo de ex soldados psicópatas encantados con la idea de asaltar camiones de caudales como si todo su entrenamiento militar fuera una preparación para crear una organización criminal cuyo sueño final es vivir una vida holgada sin trabajar, propaganda del sueño americano metamorfoseada en pesadilla. El resto del elenco cumple en un film desparejo que cuenta con las actuaciones de Holt McCallany, Scott Eastwood, hijo de Clint, y hasta Andy Garcia, que tiene un papel completamente innecesario. Si bien Ritchie vuelve aquí a las bases de su filmografía más personal, la adaptación del clásico de Disney, Aladino (Aladdin, 2019), y su versión de la leyenda del Rey Arturo, King Arthur: Leyend of the Sword (2017), golpearon categóricamente una carrera que desde Revolver (2005) no había logrado encontrar completamente su norte para sobresalir como lo habían hecho sus dos primeros films, los geniales Lock, Stock and Two Smoking Barrels (1998) y Snatch (2000). Sin duda alguna lo mejor de la propuesta es la música de suspenso de Christopher Benstead, que ya había compuesto la partitura de The Gentlemen (2019), el film anterior de Ritchie, y que aquí logra crear una sensación de desasosiego y rescatar la tensión en un film demasiado predecible, sin ideas, que tan solo demuestra que el director conserva sus dotes narrativas pero aún tiene pendiente reencontrarse con su mejor versión. El guión de Ritchie junto a Ivan Atkinson y Marn Davis arma una historia de grupos mafiosos que se enfrentan entre sí como un “toque norteamericano” agregado a la trama de Le Convoyeur que conforma el esqueleto del film. Statham compone a un enajenado propuesto más como una máquina cercana a la interpretación de Arnold Schwarzenegger en Terminator (1984) que a un padre que busca venganza por el asesinato de su hijo. Statham ya estaba encasillado en este tipo de papeles de hombre parco pero aquí pareciera ser un androide que cumple órdenes en un film donde la trama tiene muchos baches y ad docs, que solo en parte son ocultados por la acción. Tampoco hay un buen desarrollo de los personajes secundarios y además nos topamos con un par de escenas demasiado explícitas y grotescas que desnudan el desinterés total de los empresarios por los trabajadores. Justicia Implacable es una mezcla de cine negro, caper y periplo de venganza que intenta homenajear sin demasiado tino al realizador francés Jean-Pierre Melville, director de clásicos como Le Samouraï (1967) y Le Cercle Rouge (1970), que cumple con su misión de entretener un rato con una historia simple y un personaje rudo, pero que carece de ideas y diálogos y se dedica a repetir lo que otro film ya había hecho mejor sin agregarle nada más que un par de críticas a la locura del sistema norteamericano de fabricar psicópatas armados.
Recuerdos de un mundo inundado Era de esperarse de que después de que la voz en off fuera removida de Blade Runner (1982) en todos sus relanzamientos desde principios de la década del noventa nadie iba a subestimar tanto al espectador de ciencia ficción como para imprimirle explicaciones innecesarias a un film de género. Era una suposición equivocada. Reminiscencia (Reminiscence, 2021) abusa sin ningún tipo de pruritos ni respeto por el espectador de este recurso narrativo para explicar la trama del film y el contexto distópico post apocalíptico, dejando como resultado una obra tan mediocre como olvidable. El debut como realizadora de Lisa Joy, productora responsable de Westworld (2016), serie que ya lleva tres temporadas y tiene una cuarta a punto de estrenarse, inspirada en el gran film del escritor, guionista y director Michael Critchton, protagonizado por Yul Brynner, no podría ser peor. En un mundo donde los océanos han desbordado a las ciudades, Inglaterra ha desaparecido bajo el mar y muchas metrópolis de Estados Unidos están luchando por no ser devoradas por los océanos, Nick Bannister (Hugh Jackman), un ex soldado, conduce un inusual negocio junto a una empleada y amiga, Emily (Thandiwe Newton), apodada Watts. Juntos ayudan a las personas que acuden a su suntuosa pero descuidada oficina a revivir sus recuerdos mediante un proceso físico químico que los sumerge parcialmente en un tanque y mediante la guía de Nick los lleva a recordar ese momento en que fueron verdaderamente felices. El negocio no va bien y no es lo que era cuando el pasado era el boom: los recuerdos ya no tienen un público masivo y la justicia es una de las pocas fuentes de ingresos del emprendimiento de Bannister. La monotonía de las visitas de los últimos adictos al pasado se ve sacudida cuando una seductora cantante, Mae (Rebecca Fergusson), acude con el pretexto de hurgar en sus actividades de las últimas horas de su desordenada existencia para buscar las llaves extraviadas de su hogar. Nick cae completamente bajo el influjo seductor de la cautivadora mujer e inician una relación amorosa. Cuando desaparece misteriosamente sin dejar rastro, Nick se adentra en sus reminiscencias para intentar descubrir las claves que le permitirán encontrarla a partir de su pasado, lo que revela una trama para asesinar a la amante de un terrateniente y el hijo de ambos. Lisa Joy retoma el matrimonio entre el policial y la ciencia ficción para construir una obra muy despareja que hace un pésimo uso de los recursos a mano. La introducción de la voz en off, para explicar el argumento y la situación desgraciada del mundo tras la inundación, no solo es desafortunada sino que incluso va en detrimento de la credibilidad del film. Por otra parte, en su estética la película es completamente deudora de Blade Runner (1982) en su creación de una visión post apocalíptica del mundo, cercana a su homóloga de Philip K. Dick y aún más a las distopías que discurren sobre desastres ecológicos del escritor inglés James Ballard. Esta estética claramente no tiene ni las ideas ni el presupuesto ni la dedicación de ninguno de los artesanos del film de Ridley Scott, quedando más cerca de la visión de Looper (2012), el opus de Rian Johnson. Joy utiliza muchos de los recursos narrativos de la serie Westworld, en la que dirigió un episodio de la segunda temporada y coescribió y produjo muchos capítulos junto a su marido, Jonathan Nolan, hermano de Christopher Nolan. Las escenas de acción de Reminiscencia son innecesarias y poco logradas y las reflexiones filosóficas son rebuscadas, devaneos absurdos sin demasiado sentido en momentos de tensión que solicitan más acción y menos palabras. El guión es ciertamente malo y tiene filosofía donde debería haber acción y acción donde debería prevalecer la retórica. En parte culpa del guión, en parte de actuaciones muy mal dirigidas y una dirección de fotografía poco acertada, Hugh Jackman y Rebecca Fergusson tampoco logran construir una química como la que habían logrado parcialmente en El Gran Showman (The Greatest Showman, 2017), el poco acertado film de Michael Gracey sobre el creador del modelo de circo itinerante, P.T. Barnum, lo cual termina de poner a la propuesta en un lugar incómodo y desagradable. Los problemas de clase son explicados con voz en off sin ofrecer demasiado desarrollo, incluso proponiendo una rebelión que se gesta y se menciona al pasar para ofrecer un final sin glamour, con un villano patético, una clase alta en plena decadencia que vive en el pasado y se encierra en sus refugios para disfrutar y padecer de los últimos elixires de la vida mientras el resto sobrevive como puede y se droga con unas adictivas pastillas que aturden los sentidos. Por supuesto la policía no sirve para nada si es que aún existe, las instituciones son fantasmas del pasado, la justicia un conjunto de idealistas que nunca pueden imponerse ante el capital y los empresarios terratenientes son los que mandan en un mundo que no se termina de entender cómo funciona, clichés mal armados y poco argumentados de un film que se apoya completamente en la pobre voz de un Jackman que tampoco encuentra el tono. Reminiscencia es un ensamblaje de ideas de Ballard, Dick, Blade Runner, Looper y Westworld que no sorprende ni encandila sino más bien decepciona en todo sentido. Ni siquiera la música del compositor alemán Ramin Djawadi, responsable del rubro en films como Warcraft (2016), de Duncan Jones, y Titanes del Pacifico (Pacific Rim, 2013), de Guillermo del Toro, y en la misma Westworld, encuentra su personalidad y hasta pasa desapercibida sin pena ni gloria en un film del que solo se pueden destacar sus intenciones de construir un mundo inundado, por la depredación capitalista de los recursos naturales por parte de empresas y Estados, para alertar sobre las consecuencias del deleznable camino que recorremos hacia nuestra destrucción.