Entre la camada de cineastas argentinos dedicados al cine fantástico y de terror, Laura Casabé se ganó un lugar de privilegio gracias a sus largometrajes El Hada Buena: una fábula peronista y La valija de Benavidez. También hizo ruido con su corto La vuelta del malón, de 2010, que inspiró su tercera película: Los que vuelven. La acción transcurre en Misiones, a principios del siglo XX. Julia (María Soldi), la esposa del patrón de una estancia (Alberto Ajaka), le pide a la selva, a La Iguazú, que se devuelva la vida a su hijo, nacido muerto. El milagro sucede, pero las consecuencias serán trágicas. Este detalle crucial de la trama es apenas el punto de partida del film, que tiene una estructura no lineal y, sobre todo, está provisto de muchas capaz. Por un lado, es una variación del cuento “La pata del mono”, de W.W. Jacobs (en el que Stephen King se inspiró para su novela Cementerio de animales); lo que perece en la jungla suele resucitar, aunque con propósitos más oscuros. Como si La Iguazú pudiera manifestarse y castigar más directamente a través de esos cuerpos. Casabé logra plasmar esta premisa mediante un clima cada vez más enrarecido, en el que por momentos hasta la vegetación parece viva. Algunas escenas recuerdan a los mejores momentos de I Walked with a Zombie, obra maestra de Jacques Tourneur. También hay explosiones de sangre y violencia, pero la directora se encarga de que nunca dejen de ser funcionales a lo que está contando. Al igual que en sus films anteriores, Casabé demuestra su capacidad para construir microcosmos con sus propias leyes, con sus propias miserias y esperanzas. En este caso, recrea una época y un entorno en el que la supuesta civilización se comporta con crueldad e intolerancia (contra las tierras, contra los aborígenes, contra las mujeres), y en el que la naturaleza responde de la manera más brutal. Por el lado del elenco, María Soldi sobresale gracias a una presencia magnética y por interpretar a una mujer que anhela ser madre y debe lidiar con la desesperación y la pérdida. Soldi deja en claro su talento para llevar adelante ella sola una película. Tampoco se queda atrás Lali González, la actriz paraguaya que se hizo conocida por su protagónico en 7 cajas; ella transmite la fiereza de un personaje que padece varios cambios. A través de una estupenda historia de horror, con un riguroso trabajo de arte y fotografía, Los que vuelven habla sobre la tensión entre leyenda y modernidad, e indaga en los aspectos más primales del ser humano.
Además de ser un medio perfecto para contar historias vibrantes y atractivas, el thriller también es un vehículo para tratar temas delicados. En el caso de Lo habrás imaginado, las redes de pedofilia son el punto de partida para una historia con personajes complejos y manejos turbios que alcanzan niveles insospechados. El eje está puesto en Abril (Diana Lamas), una mujer distante, que carga con un trauma de origen impreciso y no puede empatizar con quienes la rodean. Por un lado está su tío, Ángel (Mario Pasik), un político de destacada trayectoria, responsable de obras benéficas. Por otro lado aparece Guillermo Guillermo (Carlos Portaluppi), un amigo de la juventud que, junto a su colega Uribe (Osmar Nuñez), investiga el vínculo de Ángel y de otros políticos con una red de pedofolia. Será cuestión de tiempo para que Abril, con ayuda de Guillermo, comience a abrir los ojos en torno a una serie de siniestras revelaciones. La película tiene momentos de suspenso y acción, con persecuciones y tiroteos bien resueltos. Hasta hay una situación de individuos apuntándose mutuamente, como en los viejos films de John Woo. Pero lejos de apostar a un tono frenético, el foco está puesto en la intimidad de los personajes. Ya en las películas Eso que llaman amor y A oscuras, y en la serie Los pibes del puente, Victoria Chaya Miranda había indagado en la vida de seres urbanos y sus complejidades. Esta vez los muestra en su cruzada por hacer lo correcto, aun cuando la corrupción y la perversidad parecen brotar de las calles y de las residencias de primer nivel. Un ámbito donde nadie está limpio, donde no queda lugar para la pureza. Miranda vuelve a demostrar su capacidad para sacarles el jugo a los actores. Diana Lamas brinda una actuación desafiante y audaz; Abril se ve mayormente catatónica, pero suele expresar sus sentimientos mediante recursos calculados, sin caer en la sobreactuación. Carlos Portaluppi sobresale gracias a un rol que también es exigente desde lo físico y lo emocional. Tampoco dejan de ser correctos los aportes de Osmar Nuñez, Mario Pasik y Gustavo Pardi. Pasik, en especial, consigue transmitir la esencia de su personaje evitando los clichés y el trazo grueso. Aun cuando a veces las intensiones de la propuesta quedan algo subrayadas (“Qué país de mierda”, dice Guillermo dos veces en una misma escena), Lo habrás imaginado cumple de lleno con su función de thriller policial y nos recuerda las injusticias de una clase política que no conoce límites.
Dentro de los directores de cine argentinos dedicados al género fantástico y de terror, Gabriel Grieco se destaca por una marcada temática social. Naturaleza muerta, su ópera prima, le permitió hablar del veganismo. Hipersomnia tocaba la trata de mujeres. Respira, su tercer opus, va por el lado de la contaminación indiscriminada. Leonardo (Lautaro Delgado Tymruk), un piloto comercial desempleado, acepta un trabajo como fumigador en plantaciones de soja. Esto lo lleva a mudarse a las afuera de la ciudad con Leticia (Sofía Gala Castiglione), su esposa, y Manuel (Joaquín Rapalini Olivella), el hijo de ambos. La situación no es cómoda para ninguno, ya que implica un cambio rotundo de vida, aunque ponen la mejor voluntad. Sin embargo, a las pocas horas van a descubrir que aquel ámbito rural posee sus propios secretos, sus propios malestares, y una guerra está a punto de desatarse. La película cuenta con una estructura similar a la de Los perros de paja, de Sam Pekimpah: tenemos a personajes urbanos y modernos que llegan a un ámbito pueblerino, donde no son demasiado bien vistos (o vistos con lascivia, en el caso de la mujer), y la situación se sale de control. Grieco no busca las vejaciones más crudas, aunque el tercer acto es lo suficientemente apoteótico. Sí apuesta por una intriga creciente, y una vez más logra que la denuncia, aun estando presente, no tape la historia. Lautaro Delgado Tymruk vuelve a interpretar -de buena manera- a otro antihéroe atormentado que debe hacerse cargo de una situación delicada. Sofía Gala Castiglione compone a una mujer parecida a su personaje en La sabiduría, de Eduardo Pinto: es de la ciudad y llega al campo, se topa con sorpresas desagradables pero sabe dar pelea. Y como en aquella ocasión, y en otras ocasiones, brinda toda su potencia actoral. Por su parte, el joven Joaquín Rapalini Olivella viene haciendo una carrera interesante, luego de participar en Las Ineses y Natacha, la película. Como es habitual, Leticia Brédice logra lucirse en sus escenas, y del lado de los villanos sobresalen Daniel Valenzuela y Gerardo Romano. Mención especial para el siempre infalible Chucho Fernández, uno de los duros del cine argentino de los últimos tiempos. Más un thriller que una de terror (como se la vende), Respira es un nuevo e interesante paso creativo de Grieco, del que aún podemos esperar mucho más.
Desde el vamos, los cuentos infantiles tienen una esencia tenebrosa. Pretenden enseñar valores, pero no le escapan a los detalles más incómodos. Muchas adaptaciones suavizan las partes más oscuras, pero otras deciden potenciarlas con orgullo, como Gretel & Hansel: Un siniestro cuento de hadas. El esqueleto argumental sigue siendo el de siempre: dos hermanitos se pierden en el bosque y llegan a la casa de una bruja que tiene planes horripilantes para ambos. Pero una vez más, la gracia está en la manera de ser contada. No es un capricho coyuntural que Gretel (Sophia Lillis) figure antes que Hansel (Sammy Leakey) en el título, ya que ella es quien tiene más peso en la trama. Aquí es una adolescente que debe cuidar de su hermanito de las injusticias que les tocan vivir por parte de los adultos que los rodean, incluyendo la madre de ambos. Además, cuenta con un don especial, y la bruja (Alice Krige) parece ser la única que puede guiarla. G&H es la tercera película de Osgood “Oz” Perkins, luego de las muy atendibles The Blackcoat’s Daughter y I Am the Pretty Thing That Lives in the House. Además de ser hijo de Anthony Perkins, está demostrando ser uno de los nuevos nombres fuertes del terror actual. Su estilo se encuentra a medio camino de los golpes de efecto de James Wan y los climas opresivos de Robert Eggers y Ari Aster. De hecho, con su atmósfera sobrenatural que va in crescendo, varias secuencias remiten a La bruja, de Eggers, y a los mejores aspectos del folk horror. Sin embargo, Perkins evita la cita fácil y los recursos baratos para asustar, y siempre guarda bajo la manga algún giro sorprendente, sin tomarle el pelo al espectador. La única desinteligencia del director fue usar la voz en off de Gretel para sobreexplicar algunos pasajes, aunque eso no estropea el resultado final. Sophia Lillis le otorga a Gretel algunos rasgos ya vistos en la primera parte de It: joven torturada que ante una situación extrema debe sobrevivir sacando lo mejor de sí. Eso no impide que el personaje sea creíble y rico en complejidad, de modo que uno no deje de preocuparse nunca por su arco dramático. En tanto, Sammy Leakey es un descubrimiento, mientras que la sudafricana Alice Krige nos recuerda que sabe componer a mujeres misteriosas, cautivantes, incluso letales, como en La maldición de los sonámbulos y Silent Hill, sin olvidar la extraña Institute Benjamenta, de los hermanos Quay. Gretel & Hansel levanta la bandera de la extravagancia y la perversidad, y demuestra que, cuando hay creativos audaces detrás, las historias ya conocidas se sienten como nuevas.
Ocho (Juan Barberini) llega a Barcelona, se instala en un departamento, mira por el balcón, va a la playa… y siempre aparece aquel hombre como de su edad, con la remera de Kiss. Ocho y Javi (Ramón Pujol) -el individuo en cuestión- se hablan, ríen, tienen sexo, charlan más, y está la sensación de que ya se conocen. Este es apenas el punto de partida de Fin de siglo, ópera prima de Lucio Castro. Una historia del amor centrada en dos personajes, pero que juega con los tiempos, con épocas bien distintas en la vida de la pareja, sin que se indique el paso de un período a otro. Un recurso que puede confundir al espectador desprevenido, aunque la desorientación es momentánea y la historia sigue fluyendo sin problemas. Castro elije no ponerse explicativo para justiciar los repentinos cambios, y a la larga es un acierto de su parte. El director acumula más méritos. Uno es el de seguir a los protagonistas por las calles barcelonesas evitando los lugares turísticos, priorizando en el estado de ánimo de Ocho y de Javi, lejos de toda postal turística. Por otro lado, no teme plasmar escenas de sexo realistas, directas, por momentos al borde de lo pornográfico, pero sin caer en el mal gusto; queda claro que la idea es mostrar la intimidad de la pareja, con sus deseos y pasiones, sin culpa y sin complejos. La película se apoya en la presencia de Juan Barberini, ya que está contada desde su punto de vista, y el actor sostiene la historia sin inconvenientes. No menos destacada es la participación del catalán Ramón Pujol como el amante, que también tiene sus propios sueños y conflictos. Mía Maestro es la menos aprovechada del elenco, aunque sus pocas escenas funcionan como un nexo importante entre sus compañeros. Fin de siglo integra la corriente de cine queer nacional, que tiene como principal estandarte a Marco Berger en films como Plan B y Taekwondo. Pero, al igual que la obra de Berger, el debut de Lucio Castro nunca deja de funcionar como una historia de amor a secas, que lleva a pensar en el devenir de cualquier relación sentimental, sin importar el género de cada persona.
Ya no es ningún misterio que vida del actor tiene sus vaivenes. En especial, si se vive en un país como Argentina, donde nadie puede dar nada por seguro. ¿Y qué pasa cuando se consigue algo de atención, pero por otros motivos? La protagonista parte de esa cuestión. Paula (Rosario Varela) tiene poco más de 30 años y es actriz, pero se las rebusca de muchas maneras, como dando clases de idiomas a extranjeros. Está en un bar justamente haciendo eso, durante la primera escena de la película, cuando entra un hombre a robar. De manera involuntaria, ella provoca la caída del ladrón y se convierte en la justiciera de la jornada. Vienen algunas notas en televisión y otros medios, lo que le trae una inesperada visibilidad. La saludan en la calle, le piden selfies… Pero en su nueva película como directora, Clara Picasso va más allá de contar los efectos de la fama repentina e indaga en el después, en cómo sigue siendo la vida de Paula luego de su 15 minutos de gloria. De hecho, aquel episodio termina siendo una excusa para adentrarnos en la verdadera historia: la de una joven adulta que está a la deriva desde el punto de vista personal y profesional. Seguimos a Paula en su trayectoria como participante de muestras (donde debe fingir no conocer a su compañera ocasional, que también desempeña la misma función) y en reuniones con amigos, en las que no faltan esas preguntas incómodas sobre su verdadero modo de vida. Y no nos olvidemos de otra situación particular: la de toparse con conocidos que ya triunfan en la actuación y están cerca de lograrlo, o que al menos tienen una vida encaminada. El gran mérito de Picasso es narrar estas idas y venidas como una tragicomedia moderna, sin estridencias pero con personajes sólidos y reconocibles. Paula es interpretada por Rosario Varela, quien sostiene cada plano gracias a una composición contenida, pese a la bola de sentimientos que rebota en el interior de esa antiheroína. Otro acierto es la banda sonora, compuesta por El Mató a un Policía Motorizado, banda que suele tener un vínculo cercano con el cine; aquí nos entregan una canción que tiene con qué para convertirse en otro éxito indie, e incluso en un himno del cine independiente nacional de esta época. La protagonista es un cuento agridulce que nos hace reír y nos deja pensando en aquellos objetivos aun no realizados y cómo impactan en uno cuando ya no se es tan joven.
Fernando Salem es una de las mentes creativas más fascinantes que surgieron del suelo argentino durante las últimas décadas. No es exagerada esta afirmación si se aprecian su corto Trillizas Propaganda y su ópera prima, Cómo funcionan casi todas las cosas, claro que sin olvidar su iniciativa más popular: Zamba, el chico animado que hizo más amena la experiencia de aprender historia. En La muerte no existe y el amor tampoco, sigue consolidando una gran carrera. Emilia (Antonella Saldicco) es psiquiatra y tiene su vida en Buenos Aires, pero debe volver a su pueblo de la Patagonia por una cuestión personal: los restos de Andrea, su mejor amiga de la juventud, serán cremados y esparcirán sus cenizas. Un regreso que también le permite reencontrarse con la familia de Andrea, con su padre y con Julián (Agustín Sullivan), un viejo amor. La premisa no suena muy diferente a la de muchos otros films, pero Salem le imprime su propia identidad a la historia, y sobre todo, corazón y alma. Al igual que en Cómo funcionan casi todas las cosas, sobresalen temas como la familia, la identidad y la pérdida, con un viaje como motor principal. En este caso, Emilia recupera contacto con el pasado (tanto lo agradable como lo más incómodo), y también se da cuenta de lo que pudo haber sido si seguía allí, especialmente cuando retoma la relación con Julián, que ahora es padre y está casado. Al mismo tiempo, se replantea cuestiones actuales junto a su novio, quien pretende que vaya con él a Alemania por una beca recién obtenida. Pero a diferencia de Cómo funcionan…, que contaba con un poco más de comedia, aquí el tono es dramático, aunque sin la acentuación de los recursos para la lágrima fácil. El director sabe cómo y cuándo añadir al plato pizcas de humor, ternura y romance. Una vez más, el director sabe incorporar el paisaje a la trama. El frío y la aridez de Santa Cruz, donde se realizó el rodaje, funcionan como una extensión del estado emocional que viven los personajes. En ese sentido, tampoco se queda atrás la banda sonora, a cargo de Santiago Motorizado. En su primer papel protagónico, Antonella Saldicco se luce en el rol de Emilia, quien puede ser tan decidida como vulnerable. El siempre excelente Osmar Nuñez compone al padre de Andrea, responsable de mantenerse fuerte y cuidar de su frágil esposa, interpretada por la no menos destacable Susana Pampín. Justina Bustos sale airosa de un papel delicado, ya que no tiene diálogo, pero transmite desde gestos y acciones. Por su parte, Agustín Sullivan está muy bien aprovechado en las pocas escenas que le corresponden; un joven actor que, tras este personaje y su participación previa en la serie sobre Sandro, merece más participación en cine. La muerte no existe y el amor tampoco nos presenta un duelo, y lo hace con honestidad y humanidad, sin trazos gruesos, y confirma a Fernando Salem como un autor al que siempre se debe seguir de cerca.
Las historias de marginales en los barrios bajos son habituales en el cine argentino. Lo que no es habitual es que estén protagonizadas por mujeres, y mucho menos común es que eviten los tópicos más lastimeros. La botera se centra en Tati (Nicole Rivadero). Tiene 13 años, vive en la Isla Maciel con su padre (Sergio Prina), pasa las tardes con un amigo y suele colaborar con un comedor infantil. Pero también le va muy mal en el colegio, incurre en robos menores y, en pleno despertar sexual, se fija en una atractiva compañera que parece lejos de su alcance. Su único anhelo es ser botera, aunque hay tres impedimentos: es muy joven, es un trabajo realizado por hombres y está cerca de desaparecer. Sin embargo, Tati no renunciará a su sueño. En su ópera prima, Sabrina Blanco sigue cada paso de la protagonista, sin emitir juicios y sin subrayar los momentos más duros. Bastan los sucesos y los diálogos exactos para contar algo específico y transmitir emociones. La directora también consigue un estilo neorrealista, con buena cantidad de planos secuencia, pero sin abusar de la cámara en constante movimiento. Y como si fuera poco, logra darle un giro a las metáforas más evidentes, como la del bote. Otro detalle que hace única a la película es el mostrar cómo las mujeres de las zonas humildes, aun cuando son denostadas, tienen más espíritu que los hombres. Lo vemos en Tati, capaz de persistir en su deseo de ser botera y a la hora de defender a su amigo cuando quieren robarle la bicicleta y de tomar la iniciativa en materia sentimental. Pero también se aprecia en otros personajes femeninos, entre los que se destaca la profesora y la responsable del comedor. Las figuras masculinas resultan contenidas o impulsivas o incapaces. Para empezar, el padre de Tati, con sus malas decisiones y su inestabilidad para cumplir con su trabajo de remisero. La excepción es el botero adolescente, que le enseña el oficio y se convierte en su nuevo amigo. Nicole Rivadero tiene la difícil tarea de ponerse la película al hombro, y supera con creces el desafío. Su naturalismo para actuar Una auténtica revelación, más teniendo en cuenta que nunca había estado frente a cámara. Tampoco dejan de ser notables los trabajos de Sergio Prina y de Alan Gómez como el botero. La botera es una película de madurez (subgénero conocido como Coming of Age, término algo remanido ya), que también permite ser interpretada como una fábula de superación y un testimonio sobre el abandono de las clases bajas por parte del Estado. Y además, presenta a una promisoria directora para seguir de cerca.
Las primeras películas de Quentin Tarantino (Perros de la calle y Pulp Fiction) y las primeras de Guy Ritchie (Juegos, trampas y dos armas humeantes y Snatch) fueron influencias decisivas para los films con gangsters modernos de los últimos veinte años. Dentro de esa camada surgieron exponentes interesantes, que adquirieron vuelo propio (Go, viviendo sin límites, de Doug Liman, por nombrar uno). En Argentina, el director Matías Szulanski es el cineasta más cercano a eso, aunque no suele nombrar ni a Tarantino ni a Ritchie como sus referentes (aunque sí al VHS, que desde ya pesa en la obra de QT). Pendeja, payasa y gorda fue apenas un preámbulo de la actual El gran combo. La trama va y viene en el tiempo, e involucra a una serie de personajes de los bajos fondos (un grupo de jóvenes con más pose que inteligencia) y su relación con paquetes de drogas y un bolso repleto de dinero. Como corresponde, hay encargos, robos, traiciones, asesinatos, sorpresas y mucho, mucho humor negro. Szulanski sabe imprimirle un pulso dinámico a cada secuencia, aunque sin marear al espectador. Además de las inevitables comparaciones con Tarantino y Ritchie, la estética y la banda sonora remiten a la obra de Nicolas Winding Refn. Sin embargo, el director evita el guiño cómplice y se las arregla para que la película tenga su propia identidad. Otro mérito de Szulanski -también visto en Pendeja, payasa y gorda– es la importancia que le otorga a las mujeres como figuras de poder, capaces de tomar el control y de liderar iniciativas ambiciosas (y peligrosas). Un detalle que se vuelve más interesante si tenemos en cuenta que algunas de las actrices vienen de programas de televisión juveniles o, al menos, de papeles asociados a la comedia más pasatista, como Maida Andrenacci (se luce componiendo a una temible narcotraficante) y Nicole Luis (una bomba sexy que merecería más papeles cinematográficos). Por su parte, Clara Kovacic y Laura Laprida son dos presencias fuertes y perfectas para roles duros. Por el lado de los hombres, Ezequiel Tronconi encarna a un criminal que no separa su trabajo de la familia. El gran combo le hace honor al título y ofrece un muy buen rato de delirio gangsteril. Además, deja con ganas de seguir las aventuras de varias de sus antiheroínas.
No hay dudas de que La masacre de Texas, de Tobe Hooper, es una de las películas más influyentes del cine de terror. Una influencia que se extiende a la Argentina, gracias a un puñado de interesantes films: El bosque de los sometidos, de Nicolás Amelio Ortiz, y Los olvidados, de Luciano y Nicolás Onetti, sin olvidar Habitaciones para turistas, a cargo de Adrián García Bogliano. Mediante La sabiduría, Eduardo Pinto se mete en un territorio muy parecido al planteado por Hooper, aunque también logra una película con toques originales. Luego de una noche de diversión en una fiesta electrónica, tres amigas viajan a pasar un fin de semana en La Sabiduría, una estancia lejos de la ciudad. Alli se encuentran con lugares y ropas del siglo XIX, y lo toman como algo simpático. La diversión sigue cuando conocen a dos lugareños (Diego Cremobesi y Lautaro Delgado), quienes las invitan a un festejo privado. El jolgorio parece interminable, pero esa noche será el principio de una lucha por la supervivencia, con oscuras tradiciones invadiendo el mundo actual. Pinto ya había demostrado en Corralón, una de sus películas anteriores, que era capaz de realizar un estupendo film de terror; a excepción de la muy dulce Natacha, la película, lo suyo es indagar en el costado más oscuro de la mente. Aquí continúa explorando esas cuestiones, pero con elementos propios del subgénero que recuperó fuerza en estos años: el folk horror. Tenemos una comunidad rural, que practica ritos ancestrales, donde los sacrificios humanos son parte esencial. En este caso, el condimento novedoso es la historia argentina, con sus gauchos, sus indios y sus secretos más tenebrosos. Pinto también ofrece un choque entre el pasado y el presente al mostrar tres mujeres que, lejos de caer en simples víctimas, se enfrentan a la amenaza. Las actuaciones de Sofía Gala Castiglione, Analía Couceyro y Paloma Contreras son fundamentales para fortalecer esta idea. No menos destacable es la labor del plantel masculino. Daniel Fanego sabe componer personajes macabros, Diego Cremonesi continua exhibiendo su imponente presencia (no desentonaría en absoluto como uno de los desquiciados hermanos de Leatherface en alguna secuela de La masacre…) y Lautaro Delgado Tymruk interpreta al más impredecible del clan. Luis Ziembrowski y Juan Palomino también hacen aportes breves pero destacados. La sabiduría sumerge al espectador en un ambiente que se va volviendo extraño, opresivo, que en medio del horror y la desesperación, habla de los males de antaño invadiendo la realidad actual.