Las películas postapocalípticas no tienen una amplia tradición en el cine argentino. El ejemplo que viene a la mente es Los últimos, con Peter Lanzani, pero también entra en esa categoría -y en muchas otras- la epopeya de terror y ciencia ficción Daemonium. Justamente su director, Pablo Parés, cumple la misma función en Soy tóxico. En el futuro, Buenos Aires es un desierto usado como basurero por las superpotencias durante un conflicto bélico. Perro (Esteban Prol) despierta en medio de mugre y cadáveres. No sabe cómo llegó ahí. No sabe su verdadero nombre. Y por los alrededores pululan los Secos, especie de zombies derivados de personas que, por la desesperación, comenzaron a alimentarse de cadáveres. Cuando está por ser devorado por un Seco, Perro es rescatado por un misterioso individuo (Horacio Fontova) que lo lleva con su clan, compuesto de sobrevivientes con simpatía por el sadismo. Perro deberá escapar de ellos, no sin antes descubrir la verdad sobre sí mismo. El fuerte de la película es su excelente ambientación y el universo que plantea. La estética, como la mayoría de los films postapocalípticos, tiene deudas con la saga de Mad Max. Pero el trabajo de arte y fotografía, más el agregado de una especie más novedosa de zombie (en aspecto, similares a los de Lucio Fulci y otras producciones europeas de los 80), le otorgan a esta historia su propia personalidad. En las películas que dirige y codirige, Pablo Parés muestra personajes en medio de situaciones límite que sacan su costado más valiente y los llevan a enfrentarse a la adversidad, sin importar cuál sea su magnitud. De alguna manera, Parés siempre está contando su propia historia: desde Plaga zombie, que realizó junto a Hérnan Sáez cuando ambos eran adolescentes, se convirtió en un pionero del cine de género independiente argentino y nunca paró de filmar, con todas las dificultades que eso significa aún hoy. En Soy tóxico lleva esta máxima a su extremo, ya que Perro no tiene enfrente más que adversidades. Así y todo, no se rinde. Si bien vuelve a dejar en claro su garra a la hora de grabar secuencias de acción y de horror, también se toma el tiempo para profundizar en la psiquis del protagonista. De hecho, es el film más serio del director. Esteban Prol, siempre relacionado con papeles de comedia o al menos livianos, resulta convincente como este atormentado ciudadano de un mundo sin mañana. Horacio Fontova disfruta encarnando al líder de los salvajes, entre los que se destacan Sergio Podeley, tan amenazante como un animal salvaje, y Gastón Cocciaralle, ideal para papeles de depravado. La relevación es Fini Bocchino, hija de Andrea Frigerio, que tiene con qué para hacer una interesante carrera. Como los mejores relatos de corte postapocalíptico, Soy tóxico deja al espectador pensando sobre cuánto de humanidad puede conservarse cuando ya no quedan leyes, ni civilización, ni esperanza.
El cine fue ajeno a retratar las complejidades de la maternidad. Un director que viene preocupándose por el tema es Diego Lerman, en films como Refugiados y Una especie de familia. Justamente él es uno de los productores de Hogar, ópera prima de la italiana Maura Delpero. La acción se desarrolla en un hogar para madres jóvenes, a cargo de un grupo de monjas. Allí las chicas pueden convivir con sus hijos pequeños y realizar actividades que les permitan una salida laboral. Entre ellas están Fátima (Denise Carrizo), mamá de un varón y embarazada de nueve meses, y Luciana (Agustina Malale), la impulsiva mamá de una nena. Dos amigas que se entienden, pese a sus distintos grados de madurez. En ese contexto, desde Italia llega Sor Paola (Lidiya Liberman), una nueva monja. Luciana enseguida conecta con ella, pero no así Luciana. De hecho, ella escapa del hogar, y la pobre hija encontrará una figura materna en Sor Paola. Un gesto de amor que, sin embargo, inquietará a los altos mandos del establecimiento. Aun cuando tiene a su alcance los elementos para hacerlo, la película evita los golpes bajos innecesarios y retrata con realismo a estas mujeres, que representan tres aspectos distintos de la maternidad: la que ama ser madre, la que evita ese rol para seguir de parranda y la que se convierte en madre aunque su fe se lo impida. Delpero jamás emite juicios acerca de ninguna de las tres -ni sobre las monjas-, y permite que el espectador pueda comprender las actitudes de cada una. Otra decisión clave de la directora fue combinar actrices profesionales y no actrices, basándose en los requerimientos de cada personaje. La italiana Lidiya Liberman cuenta con experiencia, mientras que Denise Carrizo y Agustina Malale, no, de modo que el desempeño delante de cámara es de un naturalismo exacto. En el caso de Malale, pasó gran parte de su vida en un verdadero hogar. Mención aparte para los chicos, especialmente la hijita de Luciana, que se roba sus escenas transmitiendo tanto ternura como desazón. Otro gran trabajo de María Laura Berch, coach de actores especializada en niños, por lo que es la más requerida en el cine nacional. Hogar habla de maternidad, pero fundamentalmente habla de amor en un mundo donde parece no haber más lugar para los sentimientos más profundos.
Las películas acerca de familias separadas, contadas desde el punto de vista de los hijos, y en clave de comedia dramática, ya constituyen un subgénero con buena cantidad de adeptos. Para poder destacarse por sobre las demás, cada una debe tener corazón, alma, una cualidad que permita vislumbrar su autenticidad. Las buenas intenciones brilla porque cuenta con esos indispensables requisitos. Ambientada en 1993, la historia tiene como eje a Aman (Amanda Minujín), la hija preadolescente de un padre rockero (Javier Drolás) y una madre más formal (Jazmín Stuart). La joven y sus tres hermanitos menores ya están acostumbrados a la rutina de pasar un tiempo con cada uno. Lo más divertido siempre viene del lado del progenitor: un músico que también es responsable de una disquería y lleva una vida bohemia entre cerveza, amigos y partidos de su adorado River Plate. Pero todo se altera cuando la madre anuncia su decisión de irse a vivir a Paraguay con su nueva pareja (Juan Minujín) y los chicos. Una situación difícil para Aman, que no quiere estar tan lejos de su padre, y una cuestión especial también para él, que adora a sus hijos y deberá dar un gran paso en su vida. La directora Ana García Blaya se basó en su propia niñez, junto a sus hermanos y a su padre, Javier García Blaya (integrante de la banda Sorry). El resultado es un tributo personal a una época, que genera un cariño inmediato gracias a personajes entrañables. Sobre todo, el homenaje a un padre como el que muchos quisieran tener, que no por ser algo inmaduro deja de ser responsable cuando se trata de sus hijos. Además de la historia de ficción, la directora agrega fragmentos rodados en Super 8 que pertenecen a su propia vida. Un detalle emocional, que por momentos queda descolgado, principalmente cuando también se recurre a filmaciones caseras de los actores interpretando a sus personajes. Amanda Minujín se roba sus escenas, convirtiéndose en la revelación de la película; al igual que Carmela Minujín, que hace de su hermana, ambas son hijas del consagrado Juan. Por su parte, Javier Drolás compone a otro antihéroe querible, uno de los padres más encantadores del cine argentino. Las escenas que incluyen a ambos son las más dulces, graciosas y emotivas del film. Las buenas intenciones funciona como un coming of age tanto por el lado de Aman como del padre, y lejos de ser un mero ejercicio de nostalgia ombliguista, envueve al espectador con sus emanaciones de ternura y simpatía.
Las historias de marginales en los barrios bajos son habituales en el cine argentino. Lo que no es habitual es que estén protagonizadas por mujeres, y mucho menos común es que eviten los tópicos más lastimeros. La botera se centra en Tati (Nicole Rivadero). Tiene 13 años, vive en la Isla Maciel con su padre (Sergio Prina), pasa las tardes con un amigo y suele colaborar con un comedor infantil. Pero también le va muy mal en el colegio, incurre en robos menores y, en pleno despertar sexual, se fija en una atractiva compañera que parece lejos de su alcance. Su único anhelo es ser botera, aunque hay tres impedimentos: es muy joven, es un trabajo realizado por hombres y está cerca de desaparecer. Sin embargo, Tati no renunciará a su sueño. En su ópera prima, Sabrina Blanco sigue cada paso de la protagonista, sin emitir juicios y sin subrayar los momentos más duros. Bastan los sucesos y los diálogos exactos para contar algo específico y transmitir emociones. La directora también consigue un estilo neorrealista, con buena cantidad de planos secuencia, pero sin abusar de la cámara en constante movimiento. Y como si fuera poco, logra darle un giro a las metáforas más evidentes, como la del bote. Otro detalle que hace única a la película es el mostrar cómo las mujeres de las zonas humildes, aun cuando son denostadas, tienen más espíritu que los hombres. Lo vemos en Tati, capaz de persistir en su deseo de ser botera y a la hora de defender a su amigo cuando quieren robarle la bicicleta y de tomar la iniciativa en materia sentimental. Pero también se aprecia en otros personajes femeninos, entre los que se destaca la profesora y la responsable del comedor. Las figuras masculinas resultan contenidas o impulsivas o incapaces. Para empezar, el padre de Tati, con sus malas decisiones y su inestabilidad para cumplir con su trabajo de remisero. La excepción es el botero adolescente, que le enseña el oficio y se convierte en su nuevo amigo. Nicole Rivadero tiene la difícil tarea de ponerse la película al hombro, y supera con creces el desafío. Su naturalismo para actuar Una auténtica revelación, más teniendo en cuenta que nunca había estado frente a cámara. Tampoco dejan de ser notables los trabajos de Sergio Prina y de Alan Gómez como el botero. La botera es una película de madurez (subgénero conocido como Coming of Age, término algo remanido ya), que también permite ser interpretada como una fábula de superación y un testimonio sobre el abandono de las clases bajas por parte del Estado. Y además, presenta a una promisoria directora para seguir de cerca.
De los mitos más antiguos, el del Golem sigue ejerciendo una fascinación especial. Creado de barro para proteger al pueblo judío, se volvió un precursor de los autómatas y del monstruo de Frankenstein. Pero a diferencia de la criatura inventada por Mary Shelly, no tuvo una presencia fuerte la literatura y el cine. El exponente más destacado sigue siendo la novela El Golem, de Gustav Meyrink, y Jorge Luis Borges le dedicó un poema. Por el lado de la pantalla grande, fue tema en producciones alemanas del período mudo (precursoras de la vanguardia expresionista de ese país), pero nunca fue tenido en cuenta seriamente en films de Universal Pictures o de Hammers Films para que pudiera volverse un ícono de la cultura pop. En Europa jamás pierde vigencia, y es la figura central de la producción israelí Golem: La leyenda. Hanna (Hani Furstenberg) vive atormentada por la pérdida de su hijo. Hace lo posible por no quedar embarazada y volver a sufrir, pero sufrimiento es lo que abunda. Los altos mandos de la aldea no tienen un buen concepto de ella por no volver a procrear, lo que consideran el mandato básico de una mujer. Y como si fuera poco, un grupo de forajidos antisemitas amenazan la seguridad de los lugareños. Ella decide dar pelea, y para eso se adentra en los estudios de la Kabbalah con un fin específico: crear un Golem. Lo consigue, aunque el ente sobrenatural aparece encarnado en la forma de un chico. Hanna se encariña con él, pero sabe que su razón de ser sigue siendo la de matar… y no sólo a los enemigos del pueblo judío. Aun sin proponérselo, la película mezcla el subgénero de los monstruos y el de los niños diabólicos, con buenas dosis de suspenso, muertes y un clima heredero del terror gótico. Pero los hermanos Doron & Yoav Paz logran darle profundidad a la historia y a los personajes para que no quede un producto sin alma. Esta criatura puede ser tan tierna como intimidante y feroz, y mantiene un lazo especial con Hanna. La historia también toca temas como la maternidad, el odio, la venganza y los oscuros encantos del Mal, con un enfoque feminista. Hanna tiene iniciativa, elije no seguir los mandatos de su comunidad (parte de las bendiciones del rabino incluyen la fertilidad), y para defenderse, buscar aprender conocimientos que sólo parecen exclusivos de los hombres. El surgimiento del niño Golem representa una segunda oportunidad como madre, pero también la lleva a perder la razón y actuar de manera impulsiva, perversa. Golem: La leyenda es una interesante vuelta de tuerca al mito hebraico, y deja en claro por qué tiene las condiciones para ser recibido, alguna vez, en el Monte Olimpo de los monstruos de la cultura pop.
“Cada casa es un mundo”, dice una frase. Es cierto. Y muchas veces, un mundo tenebroso, perturbador. Si no, pregúntenle a los personajes que habitan la morada donde transcurre Piedra, papel y tijera. Magdalena (Agustina Cerviño) llega desde España al departamento que perteneció a su padre, fallecido poco tiempo atrás, y que ahora es habitado por sus medios hermanos: Jesús (Pablo Sigal) y María José (Valeria Giorcelli). Pero los intentos por tramitar lo que le corresponde por la vivienda enseguida se evaporan cuando cae por las escaleras. Con las piernas en pésimo estado, queda postrada en una habitación, al cuidado de Jesús y María José. En realidad, ninguno de los dos pretende cuidarla demasiado, y Magdalena comienza a ser torturada psicológicamente. Deberá ingeniárselas para escapar de juegos cada vez más oscuros. Este thriller psicológico remite a dos películas concretas: ¿Qué pasó con Baby Jane?, de Robert Aldrich, y Misery, dirigida por Rob Reiner, basada en la novela de Stephen King. Sin embargo, los directores Macarena García Lenzi y Martín Blousson evitan las referencias fáciles y hacen su propio camino. De hecho, está basada en la obra Sangre de mi sangre, de García Lenzi. Hay citas explícitas a El mago de Oz, pero para enriquecer aspectos de una trama que se va poniendo tensa, incómoda. Por su enfoque anticonvencional -incluso siniestro- de los lazos familiares, conecta con films en los que Blousson había participado como guionista, como La memoria del muerto y El eslabón podrido, de Valentín Javier Diment (también productor de Piedra, papel y tijera) y Hermanos de sangre, de Daniel de la Vega. Como en el largometraje de Aldrich y el de Reiner, el peso recae más que nunca en el guión y en las actuaciones. Y no sólo no falla en esos rubros, sino que allí alcanza todo su potencial. El trío protagónico se luce en cada escena, al punto de que los hermanos que componen Giorcelli y Sigal ya forman parte de los desequilibrados mentales más emblemáticos del cine argentino. También son muy destacables los trabajos de arte, fotografía y sonido, que contribuyen a sumergir al espectador en un microcosmos de encierro insoportable. Piedra, papel y tijera nos recuerda que a veces nuestra propia familia puede ser nuestra peor amenaza, y que con pocos actores, pocos escenarios, pero buenas ideas bien ejecutadas se puede hacer una estupenda película.
Es algo muy común: todo artista aspira a triunfar, pero muy pocos lo consiguen. Y están los casos de quienes alcanzaron la cima, o estuvieron a centímetros de alcanzarla, pero pronto cayeron en un abismo… o peor, en el olvido. ¿Y qué pasa con quienes se niegan a ser una anécdota para volver al candelero o ponerse en marcha nuevamente? El director Gabriel Nesci no es ajeno a esa premisa, que exploró en la serie Todos contra Juan y en las películas Días de vinilo y Casi leyendas. Junto a su hermano, Mariano Nesci, continúa siendo fiel a sus preocupaciones en el documental Los Knacks, déjame en el pasado. A fines de los ’60, Los Knacks era una de las bandas beats argentinas que comenzaban a llamar la atención gracias a una serie de canciones pegadizas y al carisma de sus integrantes. Tenían todo para obtener el éxito, pero las circunstancias le jugaron en contra. Para empezar, el presidente de facto Juan Carlos Onganía prohibió que los músicos argentinos cantaran en inglés –justamente como Los Knacks- y todas las grandes posibilidades se esfumaron. Ante ese panorama, y por no querer ir en contra de sus principios creativos, cada uno de los miembros del grupo hizo su vida, la mayoría incluso lejos de los instrumentos y los micrófonos. Pero décadas más tarde, ya en el siglo XXI, al descubrir que sus discos son piezas de culto aquí y en otros países, deciden reunirse para volver a tocar y alcanzar la gloria que les fue esquiva. No es tan sencillo: casi nadie los recuerda y deben empezar de cero, tocando en lugares que no hacen honor a su talento. Y para colmo, ahora son personas mayores y la salud suele tambalear. Pero nada de eso les impide seguir adelante, con la pasión de siempre. Los Nesci acompañan a Los Knacks en este regreso, tanto en sus incursiones arriba de los escenarios como en la vida privada. Por sus ocurrencias y sus testimonios, se destacan Carlos “Charly” Castellani, vocalista y dueño de un negocio de teléfonos celulares, y Vicente “Chito” Bulotta, tecladista y ex responsable de una disco swinger. La cámara permite conocer a las personas detrás de los músicos, su visión de lo que fue, de lo que pudo haber sido y de las expectativas con la vuelta. En todo momentos, los Nesci tratan con cariño y respeto a estos antihéroes del rock nacional, de manera que los espectadores pueden conectar con ellos y acompañarlos en cada paso. La película también cuenta con testimonios de periodistas como Alfredo Rosso y Claudio Kleiman, y de músicos del calibre de Alejandro Medina, Willy Quiroga y Ciro Fogliatta. Los Nesci intercalan sus participaciones en momentos concretos, para aportar información específica, sin olvidar que el foco está puesto en la banda. Los Knacks, déjame en el pasado nos lleva por diferentes estados de ánimo -curiosidad, alegría, esperanza, decepción, emoción-, y nos recuerda que los sueños y los amigos nunca se abandonan y que el verdadero éxito está más lejos de lo material y más cerca de lo humano.
Dentro del cine de género argentino de los últimos años, el thriller psicológico se hizo un lugar pequeño pero más que digno. El exponente insuperable sigue siendo El aura, de Fabián Bielinski. La cordillera, dirigida por Santiago Mitre, y El hijo, a cargo de Sebastián Schindel, también pueden ser incluidas. Por el lado de las producciones independientes hay casos decididamente extravagantes, que juegan aun más con la concepción de los personajes gracias a la utilización de elementos fantásticos, como Presagio. Es por este camino que transita Crímenes imposibles. El detective Lorenzo Brandoni (Federico Bal) es un individuo quebrado por la vida. Un trágico accidente lo dejó sin su esposa (Carla Quevedo) y sin el hijo de ambos. Y antes de eso, su hermana murió tras una penosa enfermedad. En ese contexto, debe investigar una serie de asesinatos tan misteriosos como brutales. La pista más inesperada llega por el lado de Caterina (Sofía del Tuffo), una joven monja que afirma ser la responsable de las muertes. Lorenzo no tardará en descubrir que la chica está bajo el influjo de fuerzas oscuras, y que él mismo deberá enfrentar a sus propios demonios. El director Hernán Findling cuenta con amplia experiencia como director y productor de películas de terror y suspenso. Crímenes imposibles deja en claro su conocimiento de la materia, y se nota en la ambientación lúgubre -digna de Pecados capitales– y en las escenas escalofriantes. De hecho, la trama deriva en el subgénero del horror religioso, con posesiones demoníacas y un héroe que debe recobrar la fe para combatir el Mal. Pero la historia es parte de un mecanismo de relojería que exige prestar atención a los detalles para comprender la vuelta de tuerca del final. Un recurso específico posibilita atisbar el giro, aunque no resulta tan subrayado como para estropear la sorpresa. Federico Bal tiene la responsabilidad de sostener la película, ya que la historia está contada desde su punto de vista. Pese a su poca experiencia en el cine (también protagoniza la todavía no estrenada Rumbo al mar), consigue salir airoso. Le sienta mejor la faceta más dura del personaje, la de detective recio, y hace pensar que sería interesante verlo interpretando más roles de ese estilo. Sin embargo, es menos convincente en los momentos dramáticos. Sí es más destacable la participación de Sofía Del Tuffo (vista en Luciferina, estupendo film de terror nacional) y Carla Quevedo, en un papel secundario aunque importante. A Crímenes imposibles le alcanza con sus méritos para entretener y atrapar, lo que no es poco.
El cine cordobés no se detiene, e incluso van surgiendo propuestas cada vez más variadas. Historias ambientadas en aquella parte de la Argentina, pero que logran trascender fronteras porque hablan de cuestiones muy comunes en todos los ámbitos. Los hipócritas es una muy buena muestra. Nicolás (Santiago Zapata), es contratado como camarógrafo de la boda de Martina (Camila Murias), la hija de Marcelo Sánchez (Pablo Limarzi), uno de los políticos más importantes de Córdoba. Al dejar la cámara prendida mientras atiende un llamado, y sin que nadie se dé cuenta al principio, registra una situación comprometida que involucra a la chica y a su hermano, Esteban (Ramiro Méndez Roy). A partir de ese momento, habrá tensión entre Nicolás y Esteban, que es apenas una parte de un malestar creciente debido a cuestiones vinculadas al gobernador de la provincia. En su ópera prima, Santiago Sgarlatta y Carlos Ignacio Trioni se despegan un poco de los films intimistas que suelen caracterizar a la cinematografía cordobesa y crean una comedia negra disfrazada de thriller sutil, que satiriza a la clase alta y la corrupción política, sin dejar de mostrar la tensión entre la clase alta y quienes están debajo. Podemos descubrir las miserias de unos y la compleja situación de otros: Nicolás odia su trabajo, odia su vida, odia todo, y está harto de su lugar en el mundo, mientras que su jefe, su compañero y otros individuos (el chofer de los Sánchez, para empezar), se conforman con su rol en la sociedad o deciden permanecer ahí porque de esa manera creen estar seguros, lejos de los problemas. Además, los directores consiguen que el espectador se involucre con un protagonista apático, resentido, no más impoluto que el cada vez más desesperado Esteban. Esos grises permiten la conexión. Y de paso, entre sesiones de fotos y canapés, manejan una subtrama sobre los turbios manejos de las altas esferas. Todo esto, con una puesta en escena y una puesta en cámara precisas, con planos largos que permiten el lucimiento de los actores. Ya enfocándose en el elenco, las interpretaciones de Santiago Zapata y Ramiro Méndez Roy son la columna de la película. Ambos hacen creíbles a estos individuos que, de pronto, se ven involucrados en una situación que podría cambiar sus vidas. El resto del elenco tampoco desentona. La siempre estupenda Eva Bianco reafirma su estatus como figura principal del cine cordobés y una de las más sobresalientes del cine argentino actual; aquí encarna a la madre de Esteban, que parece muy estricta pero también tiene sus secretos. Los hipócritas habla de poder, de codicia, de intereses oscuros, de miserias (y no sólo de los ricos), pero a través de intrigas y de situaciones que provocan risas amargas, y nunca juzga a los personajes. Por otra parte, evidencia el paso firme del cine cordobés.
El cine argentino tiene sus propios westerns. Generalmente las películas gauchezcas suele ser incluidas en esta categoría (con La guerra gaucha como máximo exponente), pero también están los que se acercan a los arquetipos propios de los films de Hollywood, incluso de los eurowesterns. La comedia Los Irrompibles, de 1975, es un buen ejemplo, y también, en clave más serie, Aballay, el hombre sin miedo, de Fernando Spiner. También en Argentina hay ejemplos de westerns urbanos, donde se destacada Un oso rojo, de Israel Adrián Caetano. Pistolero tiene la impronta de un western clásico, pero ambientado en los ’60, durante la presidencia de Juan Carlos Onganía. Isidoro Mendoza (Lautaro Delgado Tymruk) no es un simple bandido rural. Junto a su banda, que tiene como miembros estables a su hermano Claudio (Sergio “Maravilla” Martínez) y el Tano Petri (Diego Cremonesi), componen un grupo de ladrones que le roba a los poderosos, a los que más tienen, y no dudan en ayudar a los más necesitados. Isidoro es un mito, una suerte de Robin Hood de las Pampas, y un poco disfruta de esa condición. No puede dejar esa vida ni siquiera cuando conoce a Sofía (María Abadi), una maestra recién llegada de Buenos Aires; ambos se enamoran y ella le enseña a leer y a escribir. Pero Isidoro y su pandilla son acechados por la ley, representada por Maidana (Juan Palomino), un policía chapado a la antigua. En su ópera prima, el productor y guionista Nicolás Galvagno se inspira en la historia real de los hermanos Velázquez (forajidos del Chaco con más de héroes que de villanos) para contar un western al estilo estadounidense, pero con un sabor nacional. Si bien hay tiroteos y otras situaciones violentas, el director se apoya en los personajes y la relación entre ellos, la verdadera esencia del film. Todos tiene códigos de honor, se respetan, se quieren y son capaces de sacrificarse por el otro. Isidoro y los suyos solo quieren ser libres en un sistema cada vez más oscuro y represivo, sin olvidarse de la clase obrera que agradece sus buenas acciones para con ellos. Incluso Maidana se aferra a valores que amenazan con perderse, sobre todo cuando parece que los militares pretenden imponerle otra manera de hacer su trabajo. Galvagno también sabe sacarles el jugo a las locaciones de la provincia de Mendoza, creando un microcosmos en el que conviven elementos de los ’60 y pasajes y personajes propios de tiempo atrás. Lautaro Delgado Tymruk se luce como el protagonista, siendo convincente para la acción como en las escenas intimistas. Diego Cremonesi vuelve a demostrar por qué es una de las presencias más fuertes del cine argentino actual; aquí también sale airoso del desafío de hablar en italiano. El otrora boxeador Sergio “Maravilla” Martínez es una verdadera revelación: su porte y su histrionismo son perfectos para componer a Claudio. María Abadi encarna a Sofía con humanidad, sin caer en el estereotipo de la dama que se limita a ser la compañía del personaje principal. Juan Palomino se calza el rol de otro individuo duro, pero evitando todos los tics. Pistolero es un nuevo western argentino, presenta a un director promisorio y nos recuerda por qué es imposible no amar a los “malos” de la película.