Ya se estrenó RIFKIN’S FESTIVAL, UN ROMANCE EQUIVOCADO, EN EL LUGAR ADECUADO, la nueva película escrita y dirigida por Woody Allen. El protagonista de esta historia Mort Rifkin (Wallace Shawn) es un intelectual que acompaña a su esposa Sue (Gina Gershon) a un festival de cine en San Sebastián. La pareja norteamericana tras largos años de matrimonio atraviesa por una crisis, pues Mort sospecha que ella tiene un romance con su cliente Philippe, un joven y exitoso director de cine (interpretado por Louis Garrel, hijo del reconocido director Philippe Garrel), a quien Mort considera un snob. En el acontecer del festival, la pareja protagonica se irá abriendo a nuevas aventuras y nuevos personajes aparecerán convirtiendo al relato en una típica comedia de enredos (screwball comedy). Las reflexiones pesimistas del protagonista Rifkin, sobre que todo tiempo o arte pasado fue mejor (lo cual nos recuerda a la formidable Midnight in Paris) hacen que el protagonista funcione como una especie de alter-ego del propio Woody Allen. Del mismo modo, el título de la película remite a que producto del imaginario de Mort, a través de sus fantasías, él realizará su propio festival de cine en donde sus sueños tendrán la estética de grandes hitos de la historia del cine como el Film noir, Orson Welles, Federico Fellini, Jean-Luc Godard, Luis Buñuel e Ingmar Bergman. Al respecto la relación intertextual con el mito de Sísifo cobra relevancia, en un relato que es cíclico y se divide estructuralmente en tres partes, donde la primera y la última encuadran el relato. La vida de Mort parece repetirse de forma frustrante y absurda. Hace años tengo la hipótesis de que la gran producción que mantiene Allen quien prácticamente realiza una película por año, quizás sea el mismo problema de por qué la mayoría de sus obras no resultan al mismo nivel que nos tenía acostumbrados, pues lo importante no es la cantidad sino la calidad. Igual que el mito de Sísifo que cita, últimamente su trabajo es algo repetitivo y carece de originalidad. En conclusión, el film es entretenido pero poco sorprendente.
Hoy se arregla el mundo: “La familia también se elige” David/ “el griego” -interpretado por el siempre convincente Leonardo Sbaraglia- ha sido un exitoso productor de televisión que actualmente lucha porque su talk show, que da nombre al título de la película, siga al aire. Paradójicamente el programa resuelve toda clase de conflictos sociales, sin embargo, en su vida personal, David no logra conectar ni siquiera con su hijo Benito (encarnado carismaticamente por el pequeño Benjamín Otero) a quien ve esporádicamente. Luego de un juego del destino, David se verá forzado a cambiar las prioridades en su vida. Al inicio, la primera sensación que se percibe es que al filme le cuesta construir sólidamente la verosimilitud del universo diegético que propone. Sin ánimos de encasillar la narración en un género determinado, esto se debe principalmente a que al relato le cuesta encontrar el tono poético. No es predominantemente un drama, ni tampoco los chistes son constantes o efectivos para que predomine la comedia, hay una alternancia agridulce en el tono que aún no termina de estallar. Esto es peculiar si pensamos que una de las premisas esbozadas a través del parlamento de los personajes es que “algo no tiene que ser verdadero, tiene que ser creíble”. Sin embargo, hay que rescatar que tanto aquí como en sus otras películas, Ariel Winograd y su excelente equipo técnico, siempre cuidan la estética y técnica ofreciendo un gran deleite visual. El filme se toma su tiempo para encontrar el tono, es recién en el tercer acto donde fluye y logra conectar con el espectador a través de su emotividad y presunta originalidad. Una de las ideas más interesantes de la película es que contrariamente a lo que nos hizo creer la tradición y la institución familiar normativa, la familia también se elige, es decir, la familia o sus lazos también pueden ser elegidos. Del mismo modo, no es casual que una figura emblemática de la niñez como los payasos sean representados aquí de forma nefasta. En adición, en esta especie de Road movie que reflexiona sobre el vínculo padre-hijo, y sobre la paternidad en sí misma, los elementos tradicionalmente considerados como masculinos como por ejemplo los automóviles o caballos mecánicos, están presentes de forma visual en función de la trama. Como, por ejemplo, el set del programa en el que trabaja “el griego” que es un taller mecánico. Curiosamente y en oposición, los walkie-talkies considerados en la película “de niña” por su color rosa y su forma de corazón, son los que metafóricamente posibilitan la comunicación entre David y Benito, y por ende la mejora en la relación entre ambos, como si el vínculo paternal a diferencia del maternal es algo que debe construirse a posteriori. En adición, este viaje de autoconocimiento y conocimiento entre los personajes de David y Benito puede pensarse como una doble novela de aprendizaje (Bildungsroman), donde ambos harán su trayecto de crecimiento en paralelo hasta lograr conectarse entre sí. En conclusión, Hoy se arregla el mundo es una película pasatista apta para todo público con un final conmovedor, que la ubica dentro de la filmografía del director en un punto intermedio entre lo mejor (Sin hijos, 2015/El robo del siglo, 2020) y lo peor (Mamá se fue de viaje, 2017).
Una precuela con espías, paternidad y guerra mundial Luego de "Kingsman: El servicio secreto" (Kingsman: The Secret Service, 2014) y su menos lograda secuela "Kingsman: El círculo dorado" (Kingsman: The Golden Circle, 2017), llega a las salas de cine una tercera entrega de la saga basada en la novela gráfica Kingsman. En esta ocasión se trata de una precuela titulada King’s Man: El origen (The King’s Man, 2021) que narra la génesis de la agencia secreta de espías. Si bien los tres largometrajes están bajo la dirección de Matthew Vaughn al igual que la escritura del guión, esta vez hay un cambio en quién lo acompaña en dicha tarea, Karl Gajdusek. Quizás debido a ello se deba su cambio en el tono de King’s Man: El origen respecto a las obras anteriores que se caracterizaron por ser películas de espías en las cuales se fusionaban los géneros de acción y la comedia. King’s Man: El origen si bien sigue manteniendo un peculiar sentido del humor, su tono es menos exagerado y más dramático también, incluso desde su título marca la separación de la palabra Kingsman (rey) en King´s Man (hombre del rey). Asimismo, el cambio en la entonación narrativa en la que se oscila entre la acción y el drama, también se debe a que esta historia centra su conflicto en una guerra mundial, por ende, es lógico que traiga consigo más carga trágica. Si bien el relato incluye varios personajes históricos en su esquema actancial como por ejemplo Rasputín, el Zar Nicholas II, el Kaiser Wilhelm, entre otros, los hechos narrados se distancian de los acontecimientos reales con el fin de servir a la poética propia del universo cinematográfico de Kingsman, ambientado en esta ocasión a principios de 1900. A pesar de dichos cambios, King’s Man: El origen es muy entretenida y dinámica, y se considera que ajusta mejor la comicidad, debido a que en las entregas anteriores su paroxismo hacía que pierda verosimilitud el relato. En este caso, a nivel argumentativo o desde la construcción de los villanos o por no abusar de los efectos especiales digitales, cobra solidez. Sin embargo, hay que admitir esta cuestión de no mostrar el rostro del gran villano del film, si bien es propio del género, ya resulta algo trillado y su resolución es bastante predecible para el espectador atento. Por otro lado, al ajustar la comicidad sin excederse, la película quizás se queda escueta en los momentos que construían su esencia, a excepción de la picardía que se observa en una escena particular de tensión y consecuente disputa física entre Rasputín y Orlando junto a su hijo Conrad. Dicha secuencia, mediante la coreografía corporal que compone prácticamente una danza al ritmo de la música de la obertura 1812 de Tchaikovsky, es maravillosa. King’s Man: El origen posee algunas ideas interesantes, deslizadas como tesis social a través del personaje del duque Orlando Oxford, interpretado de forma mas que verídica por Ralph Finnes. Estos conceptos apuntan sobre la diferencia entre la aristocracia y la caballerosidad, exponiendo el repudio de la primera y su violenta colonización imperialista. También Orlando expresa su postura anti bélica al pronunciar que las guerras las planifican los “nobles” pero que en ellas mueren los soldados. Del mismo modo, al educar a su hijo (personificado de forma poco carismática e insulsa por Harris Dickinson) distingue entre reputación y carácter, la reputación es aquello que la gente piensa, el carácter es lo que realmente eres, un mensaje propio de los ideales Kingsman. Todo el relato parece estar bajo la premisa del obrar íntegro de los “invisibles”, sean espías preparados o sirvientes. Por último, la película oscila entre la estereotipación y caricaturización de ciertos personajes, mientras que representa con solemnidad y entereza los futuros integrantes Kingsman. El desenlace del film dejará expectante al público con el deseo de una próxima entrega, al igual que su imperdible gag en la escena post créditos.
The Matrix (1999 Lana y Lilly Wachowski) la cual posee una relación intertextual directa (por no decir de plagio, como el diseño de créditos) con el anime, basado en el manga homónimo de 1989, Ghost in the Shell (1995) del cual toma varios elementos tanto estéticos como narrativos, aunque realiza su principal cambio respecto del esquema actancial. Luego de casi 20 años en que parecía completa la trilogía integrada por las secuelas The Matrix Revolutions y The Matrix Reloaded (2003), y esta vez dirigida solo por una de las hermanas, Lana Wachowski, se ha estrenado The Matrix Resurrections. Adentrémonos en este cuarto filme del futuro distópico que plantea The Matrix perteneciente al subgénero de ciencia ficción llamado cyberpunk. A simple vista esta secuela parece una fusión pochoclera entre The Truman Show y Terminator, pero ahondando en el análisis lo cierto es que es la metadiscursidvidad constante, es decir una película que reflexiona sobre sí misma y sobre la saga. Este mero capricho de la directora, a diferencia que los filmes pretenciosos del 2003, es más honesto. La película al igual que el concepto de Matrix, simula ser algo nuevo, cuando en realidad lo que pretende hacer es reflexionar sobre la industria audiovisual actual. Por ejemplo, velozmente plantea que el cine está contando las mismas historias una y otra vez (algo que ya exponía Godard en El libro de Imagen) pero, aunque su tono es de crítica lo cierto es que ella está siendo parte de esa circularidad con esta entrega. También se explicita el concepto de la franquicia a la que dio lugar la saga, desde historietas hasta videojuegos, pues Thomas/Neo es ahora en la Matrix un diseñador de videojuegos. En este sentido, las ideas más fuertes de la primera Matrix son reforzadas aquí (a diferencia de la falta de lógica interna de las otras dos secuelas), para volver a traer la filosofía de Baudrillard respecto de que la vida posmoderna es comercializada e impulsada por los medios de comunicación y las nuevas tecnologías. En esa empresa de videojuegos se deslizan frases como “mantenemos a los jóvenes entretenidos” o “las ideas son lo nuevo sexy” bajo un enorme cartel para el ojo observador que explicita que todo eso es en realidad Deus ex Machine, al igual que el café de encuentro entre Neo y Trinity/Tiffany se llame Simulacro, o un gato llamado Deja Vu. En dicho sentido, uno de los aspectos más interesantes de la película es el concepto de pensar la memoria como ficción. En conclusión, para quien escribe que no es para nada fan de la saga, la película se sostiene sólo si la vemos como una excusa metadiscursiva que tiene ganas de reírse de sí misma, quizás a algunos fans les moleste esto. Aquí se considera eso su mayor y sincero acierto. Aunque hay que admitir que fastidia un poco que, a tono con la corrección política actual, se encarne un feminismo demodé representado en el personaje de Trinity, quien ahora deberá revelarse frente a un marido violento. Del mismo modo, hay un nuevo y más joven Morpheus que viste excéntrico y parece pertenecer a lo queer, lo no normativo…
Tras una gran espera para sus fanáticos, ha llegado a las salas de cine, la película Spider-Man: Sin camino a casa (Spider-Man: No Way Home, 2021) perteneciente al género cinematográfico de superhéroes, que ha crecido a pasos agigantados -como lo suelen ser sus grandilocuentes villanos- en los últimos años. La saga que tuvo su comienzo con Spider-Man: De regreso a casa (Spider-Man: Homecoming, 2017) protagonizada por Tom Holland, inicia la presente entrega exactamente en donde había dejado la acción Spider-Man: Lejos de casa (Spider-Man: Far From Home, 2019), con el villano Mysterio revelando la identidad del Hombre-araña al mundo, poniendo en consecuencia en jaque la vida del adolescente Peter Parker. Debido a ello el abrumado Peter, recurre a la experiencia de su compañero de los Avengers, Doctor Strange (Benedict Cumberbatch), quien realiza un hechizo con el fin de revertir los hechos para devolverle la tranquilidad al joven. Sin embargo, una serie de desencadenantes erróneos en la ejecución del mismo harán surgir nuevos problemas con amenazas de otras líneas temporales y espaciales, es decir, el multiverso se hace presente. Es pertinente recordar que esta no es una idea novedosa en sí misma, ya en la serie animada televisiva de los ´90 se bromeaba al respecto, y recientemente el concepto fue explorado en la sorprendente película animada Spider-Man: Un nuevo universo (Into the Spider-Verse, 2018). Asimismo, en algunos comics tanto de Marvel como de DC, también es representado el multiverso. Si bien es cierto que por momentos parece desmedido su “fan service”, pues Spider-Man: Sin camino a casa cumple con todo lo que sus fans esperaban encontrar en esta entrega – e incluso también con alguna sorpresa extra- de igual modo, hay que mencionar que en este caso está justificado a nivel argumental. Asimismo, la utilización del CGI, que tiende a ser desmedida en los films del MCU (Marvel Cinematic Universe), en esta ocasión se ajusta también a la trama sin excederse, sobre todo teniendo en cuenta los despliegues visuales a cargo de los artilugios del Doctor Strange, que poseen juegos ópticos similares estéticamente a El Origen (Inception, 2010). Además, la utilización del recurso del multiverso no se queda en lo superfluo de la trama, sino que va un paso más allá para quienes quieran tomarse el trabajo de interpretar las reflexiones metadiscursivas que en la película se exponen y que vinculan de forma intertextual todo el universo audiovisual de Spider-Man. Por ejemplo, cuando un Spider-Man reflexiona sobre su desempeño como tal -al decir “Soy el peor Spider-Man”- al mismo tiempo está reflexionando sobre su star system y su lugar dentro de la saga. De igual modo, se expresan fugazmente otras ideas interesantes en boca de los personajes como “soy la persona más famosa del mundo, pero no soy rico”, evidenciando las contradicciones del mundo posmoderno, los mass media y las redes sociales en la mente de un centennial. Por otro lado, otra cuestión fundamental es que al ser el protagonista del film un adolescente, es evidente que toda la trilogía está ligada a la búsqueda de identidad del personaje y su camino del héroe. Es decir que el relato se acerca bastante a las características narrativas de la llamada Bildungsroman, novela de aprendizaje, que se centra en la transición de la juventud hacia la adultez. En el caso de Spider-Man es un camino en el que, en todas sus versiones dentro del multiverso, ha tenido que hacer grandes sacrificios, como perder seres queridos y lidiar con su doble identidad, porque como enuncia la frase popular del tío Ben “Un gran poder conlleva una gran responsabilidad”. Paralelamente mientras Peter Parker termina la escuela secundaria y debe ingresar a la universidad, Spider-Man también deberá alcanzar la madurez y dejas ciertas cosas atrás. En conclusión, Spider-Man: Sin camino a casa es un relato entretenido que logra cumplir con las expectativas del público y en donde su extensa duración no se siente debido a su dinamismo. Desde la primera aparición del Spider-Man interpretado por Holland en Capitán América: Civil War (2016) hasta ésta, su tercera película individual dentro del MCU, se ha logrado un sólido desarrollo en la psicología del personaje que aquí lo encuentran fiel a sus valores y su propio instinto más allá de las consignas de los experimentados Avengers. Por último, el star system se hace presente una vez más en los momentos de romance entre Parker y MJ, interpretada por Zendaya, actual pareja en la vida real del joven, elemento que enfatiza la convocatoria de las masas a la sala de cine. Al igual que las reiteradas entregas de los distintos superhéroes dentro de este género cinematográfico y sus nuevas versiones a lo largo de los años, este relato también plasma la moraleja de creer en las segundas oportunidades.
El pasado jueves llegó a los cines argentinos, la película biográfica #reyrichard , la cual narra los inicios en el deporte de las célebres tenistas Venus y Serena Williams. Al parecer, el objetivo de la película es retratar y rendir homenaje a una figura fundamental en sus vidas: su padre, y su primer entrenador. Impulsado por una visión contundente respecto del futuro de sus dos hijas menores y utilizando métodos poco convencionales, Richard Williams (interpretado de forma conmovedora y más que convincente por Will Smith) posee un plan que, según él, llevará a Venus y Serena Williams de las calles de Compton, California al tenis profesional. Junto a su esposa Brandi (Aunjanue Ellis) hacen toda clase de esfuerzos y sacrificios como padres para poder cumplir con cada ítem de dicho plan, porque según él "Hay que planear cada día". En este trayecto que muestra los inicios de las hermanas atletas y que han logrado tantos triunfos y revolucionado el mundo del tenis gracias al apoyo y perseverancia de su padre. Asimismo, la película al ahondar en su contexto histórico y sociocultural expone temas como la desigualdad de clases y la discriminación étnica en Estados Unidos, y particularmente dentro del universo del tenis, un deporte históricamente de blancos de élite. A pesar de construir un relato entretenido (aunque extenso) y muy conmovedor #kingrichard , pone en evidencia que es una de esas típicas narraciones sobre el American Dream, en donde sus protagonistas que forman parte de una minoría social, después del sacrificio y la resiliencia logran alcanzar el éxito. Es decir, un relato esperanzador de "espíritus ganadores". La película expresa además que el padre de las tenistas Williams no sólo les enseñó las técnicas y disciplinas del deporte, sino también valores fundamentales como respeto y humildad. Es pertinente mencionar también que si bien al comienzo parece ser un relato idealizado de un padre, según avance la acción, esta figura también será cuestionada, y como cualquier humano se mostrarán de igual modo sus defectos, porque como explicita la canción de Nina Simone utilizada en el filme "Todo hombre necesita redención".
"Estilo, poder y dinero" Por Denise Pieniazek La casa Gucci (House of Gucci, 2021) es un largometraje inspirado en hechos reales que tienen como protagonista a la familia Gucci y su respectiva marca de diseño de moda, fundada en 1909 por Guccio Gucci. El relato basado en el libro La Casa Gucci: una historia sensacional de asesinatos, locura, glamour y codicia (The House of Gucci: A Sensational Story of Murder, Madness, Glamour, and Greed, 2001) escrito por Sara Gay Forden, tiene principalmente como protagonistas a Maurizio Gucci -nieto del fundador de la marca- y a su esposa Patrizia Reggiani, a quien recordemos la prensa italiana apodó mediáticamente como "la viuda negra" por planificar el asesinato de su ex marido. La película inicia con un prólogo situado en 1995 en donde la cámara sigue a Maurizio Gucci, interpretado de forma contundente y acertada por Adam Driver, dejando la secuencia en suspenso. Luego, mediante el hilo conductor de la voz over del personaje de Patrizia Reggiani, la escena se sitúa en Milán, Italia en 1978, para dar comienzo al inicio del vínculo sentimental de la pareja protagónica. En esta historia que gira entorno a los conceptos de dinero, familia, poder, ambición, romance, traición y asesinato, Patrizia Reggiani (interpretada carismáticamente por Lady Gaga) es representada como una “cazafortunas”, como una mujer calculadora, temperamental, a quien le gusta atraer la atención masculina, en contraste con la ingenuidad inicial del personaje de Maurizio, caracterizado como ingenuo e inocente. Sin embargo, a pesar de esta rotunda determinación de los personajes, según avance el relato, veremos que acertadamente también se complejiza el estatuto de los mismos transformándolos in crescendo en el desarrollo dramático. Asimismo, La casa Gucci construye su narrativa de forma acertada y exhaustiva desde varios puntos de vista, es decir que muestra cierta empatía con cada uno de sus personajes, pero exponiendo también sus características “negativas”. Patrizia, la única protagonista femenina dentro del esquema actancial, es caracterizada no sólo de acuerdo al phisique du role de Gaga respecto a Reggiani, sino también como explicita el personaje de Maurizio Gucci en su primer encuentro, con un aire de las divas del cine como “Elizabeth Taylor”, Gina Lollobrigida, Ava Gardner y Sophia Loren, quien además aparece personificada fugazmente en la película vistiendo la marca Gucci. Esto no es para nada casual si pensamos en los tipos de personajes que dichas estrellas representaban, en la mayoría de los casos mujeres belicosas, o como por ejemplo Loren en That Kind of Woman (1959) en donde dos hombres se enamoran de dos mujeres que van en busca de sus “sugar-daddies”. La película dirigida por Ridley Scott (All the Money in the World, Gánster Americano, Gladiador, Thelma y Louise, etc.) se centra en los vínculos emocionales y las tensiones de poder entre los integrantes de la familia Gucci, es decir, desde el punto de vista económico, más que desde el diseño de moda o la creatividad. La casa Gucci narra entonces, la caída de una dinastía, de un imperio del cual nadie quiere desprenderse, porque Gucci es “sinónimo de seducción, riqueza, estilo y poder… pero ese nombre también era una maldición” parafraseando el relato del personaje de Patrizia. En consecuencia, el filme en donde predomina el tono shakesperiano que oscila entre el deseo, la codicia y la traición de esta familia descendiente de La Toscana, puede compararse -salvando las distancias- con aquellos relatos de Scorsese en donde se muestra la vertiginosa caída de los lideres de la mafia. En dicho sentido, el personaje de Aldo Gucci, encarnado por el siempre convincente Al Pacino, dialoga implícitamente con sus actuaciones anteriores (The Godfather y Scarface) como líder o patriarca de las familias y sus respectivos negocios, porque como pronuncia en una escena “Gucci es lo que yo digo que es”. Al respecto, es preciso mencionar que todos los integrantes del elenco se destacan y tienen una escena celebre de lucimiento actoral. Cada uno de ellos es caracterizado tanto física como psicológicamente con sus respectivas excentricidades, acompañados por un decorado que, si bien es impactante, es utilizado en función de resaltar la psicología de cada personaje en su entorno. De este modo, Rodolfo Gucci (Jeremy Irons), el padre de Maurizio, parece representar la versión masculina de Norma Desmond en Sunset Boulevard (1950), puesto que es un hombre en su ocaso, solitario en su gran mansión, que no logra superar el pasado, desde la nostalgia por sus días de actor de cine (su nombre artístico en sus cuarenta películas realizadas era Maurizio D´Ancora, por eso llamó a su hijo igual), hasta la pérdida de su esposa. Por otro lado, Paolo Gucci, hijo de Aldo, es interpretado por Jared Leto quien por primera vez después de mucho tiempo no abusa de las prótesis maquillaje y la máscara que éste produce, de forma que logremos ver al personaje y al actor en acción, es decir que hay un equilibrio entre el artificio y la actuación. Paolo es representado en cierta forma como una caricatura, lo que causó varias molestias en quienes lo conocieron realmente, porque es configurado como un personaje torpe y patético, utilizado como el comic-relief del filme. Quien se pronunció al respecto fue Tom Ford, diseñador de moda y director de cine (A Single Man, Nocturnal Animals), quien escribió sus pensamientos tanto positivos como negativos respecto de la película en un ensayo para Air Mail. Su palabra es más que autorizada, puesto que fue director creativo de Gucci de 1994 a 2004, e incluso como personaje tiene una breve aparición en la película.Por ejemplo, respecto al talento de Paolo, nunca se menciona que colaboró en diseñar el famoso logotipo de la doble G, característico de Gucci, aunque también es cierto que al parecer no era hábil para los negocios como se muestra en la película. En adición, la mayoría de lo que se narra cinematográficamente se apega a las versiones que se conocen del caso, a excepción de algunos detalles que son simplificados y condensados respecto a los últimos años del matrimonio y a sus dos hijas. En la preproducción de La casa Gucci, François-Henri Pinault, el dueño de Gucci al momento de la producción de la película (y esposo de Salma Hayek, quien también actúa en el filme), mostró su apoyo otorgando el acceso al equipo técnico a los archivos de la compañía. El resultado de todo lo descripto anteriormente es una película muy entretenida y atrapante, en donde cada uno de estos peculiares personajes se destacará gracias a las grandes actuaciones de sus intérpretes. En La casa Gucci cuyos escenarios oscilan principalmente entre New York e Italia, se esbozan cuestiones que van más allá de los sentimientos y valores antes mencionados, como por ejemplo la evasión de impuestos, la administración empresarial y la falsificación de marcas de moda que permiten el acceso a las mismas por parte de las clases bajas. Mediante la música pop ecléctica de los ´80 y el esquema de personajes entorno a los enfrentamientos familiares, se deja entrever que -citando uno de los parlamentos de la película-“Versace es el rock, Ralph Lauren el cine y Gucci, el Vaticano de la moda”, porque parece ser que “La casa/familia Gucci” posee sus propias reglas y jurisdicciones por fuera de la ley, allí es donde conviven y se enfrentan ángeles y demonios.
Eternals (2021) la nueva entrega del MCU (Marvel Cinematic Universe) realiza una transposición del comic "The Eternals", creado por Jack Kirby y publicado por primera vez en julio de 1976. La versión cinematográfica al parecer realiza una mezcla de elementos de los orígenes de la historieta con su "Edad Moderna", cambiando varios aspectos argumentales y algunas características del sistema de personajes. En cuanto a la estética del comic cambia por completo su escala cromática pasando de los colores saturados y brillantes de la historieta, a una paleta y estética que acercan más sus rasgos a colores terrenales y formas de civilizaciones milenarias. Sin embargo, mantiene la idea principal de que los Celestials -unas criaturas extraterrestres muy poderosas y colosales- crearon a los Eternos, para que éstos fuesen los protectores del planeta Tierra frente a los Deviants, unas criaturas amenazantes. El largometraje dirigido por Chloé Zhao, una mujer, lo cual se celebra en el universo de los comics mayormente dominado por hombres, y con la actual tendencia de este tipo de género de dar participación a directoras que provienen de otro tipo de estética cinematográfica como Cate Shortland (Black Widow, 2021) y desde DC Comics Patty Jenkins (Wonder Woman, 2017/WW 1984, 2020) . Esto no es casual dado el tono de "corrección política" actual que posee la película (coescrita por Zhao, Ryan y Kaz Firpo y Patrick Burleigh), sin embargo, dichos mensajes inclusivos a diferencia de otros filmes están bien integrados a la trama y no resultan superficiales, como por ejemplo la inclusión de un matrimonio gay (y por si fuera poco negro) que posee un hijo, esto último si algo démodé, pero con un beso en pantalla que no es poca cosa (recordemos que el MCU ahora pertenece al monopolio de los Disney Studios) . En dicho sentido, #eternals apunta a un público no familiar, sino más adulto puesto que hasta se incluye llamativamente una escena de sexo, algo poco frecuente en las películas de superhéroes. Otro aspecto a destacar del filme es su despliegue de escenografía y vestuario, que maravilla con la grandilocuencia y exotismo de sus decorados ancestrales. Honestamente la película cumple, pero no sorprende ni conmueve. Uno de los problemas que parece tener es el mal manejo de un elenco coral, en donde si bien los personajes parecen tener una profundidad, es el estatuto de los mismos lo que no termina de desarrollarse. A diferencia de X-Men, en donde a pesar de poseer un elenco coral, siempre logramos compenetrarnos con cada uno de los mutantes. En Eternals, solo logramos conectar con el personaje de Sersi, puesto que el relato brinda más información sobre ella. En contraposición, se desperdicia por completo la historia previa del personaje de Thena (Angelina Jolie) cuyos orígenes eran interesantes para ser representados. Por otro lado, no se puede dejar de mencionar que este tipo de cine cuyo fin es entretener al espectador, si bien cumple de modo pasatista con esta premisa, por otro lado resulta totalmente olvidable a corto plazo. En adición, otra falencia que posee es la poca eficacia de sus chistes, cuyos remates no producen gracia, a excepción del juego del personaje de Kingo y su "star-system" ficcional y metadiscursivo. En conclusión, Eternals es todo lo contrario a sus protagonistas, no resistirá el paso del tiempo. Posee 2 escenas extras post-créditos.
Hoy se estrena Duna (Dune,2021) en las salas de cine, una nueva transposición de la novela homónima de ciencia ficción escrita por Frank Herbert, publicada en 1965. No es la primera vez que se realiza una transposición cinematográfica del texto literario, en 1984 se estrenó una versión dirigida por el gran David Lynch y en el 2000 una miniserie de tres episodios. Al comenzar el filme, aparece en pantalla un intertítulo que indica "Primera Parte", es decir, que la película ya está pensada como una parte a completarse con una segunda entrega. Si bien es cierto que ya es tediosa esta cuestión de que en el cine actual todo este pensado con el fin comercial de una saga, esto no sería un problema si el relato no se viera limitado por esta premisa. El mayor problema de la película es que es una primera parte que narrativamente no le brinda nada al espectador hasta la última media hora, de su injustificada duración de dos horas y media. Si bien Duna tiene el acierto de despegarse de sus precedesoras y crear una maravillosa estética propia (tanto de escenografía como de vestuario) y de generar una peculiar atmósfera, en cuanto a lo rítmico y la acción es poco convincente y demasiado pausada. El relato parece reducirse lamentablemente a un prólogo extenso que deja sabor a poco, incluso pocas ganas de ver su segunda parte. A pesar de desarrollar muy bien, como un viaje de autoconocimiento, el estatuto de personaje de Paul Atreides (interpretado de forma convincente por Timothée Chalamet), el resto del sistema de personajes queda algo desdibujado. Aparecen muchos personajes relevantes y bien actuados pero que carecen de peso en el eje de acción. Hasta ahora parece ser una fallida transposición de la novela, que no supo bien qué acciones seleccionar para hacer avanzar el relato de forma intrigante. Situada temporalmente en un futuro lejano, un elemento interesante y algo esbozado es la cuestión del intercambio y las diferencias culturales entre los planetas Caladan (casa de la familia noble de Atreides), Arrakis (el planeta de los siempre colonizados pero con recursos naturales), y el planeta de los Harkonnen.
Una historia de amor entre el fuego y el mar Retrato de una Mujer en Llamas (Portrait de la Jeune Fille en Feu, 2019) es un largometraje extraordinario con resonancias del erotismo, las luchas de poder y el placer pictórico del cine de Peter Greenaway. Su talentosa guionista y directora Céline Sciamma en el pasado Festival de Cannes ganó el premio al Mejor Guión, además de la Queer Palm, y estuvo nominada a la Palme d’Or. Retrato de una Mujer en Llamas también estuvo nominada como Mejor Película Extranjera en los últimos Golden Globes y ha recibido numerosos premios en todo el mundo. Retrato de una Mujer en Llamas es un relato muy valioso no sólo desde su contenido sino también a nivel formal, ambientado hacia fines del Siglo XVIII. A una joven pintora se le encarga realizar un retrato de otra muchacha de la aristocracia pronta a casarse. La ejecución del retrato es vital para la familia aristocrática en cuestión, sobre todo para la matriarca, la Condesa, interpretada por la reconocida Valeria Golino. En esa misma casona cerca de la playa se esconde un misterio familiar vinculado al suicidio de otra integrante del clan y el misterio de un retrato sin terminar a partir de la figura del doble femenino, tan utilizado en el cine clásico. A partir de allí la película vincula varias temáticas interesantes: el rol de las mujeres artistas en aquella época, el lesbianismo, el aborto, los cánones sociales y su hipocresía. Hay al menos dos aspectos de las mujeres pintoras de aquella época que bien expresa Retrato de una Mujer en Llamas y se corresponden con la realidad histórica. Por un lado, la secuencia inicial en un atelier, donde varias jóvenes artistas están frente a un modelo vivo, otra mujer; esto es muy acertado ya que en ese entonces las artistas debían preferentemente contar con modelos vivos de mujeres y niños, sobre todo si se trataba de desnudos. Asimismo, en aquel entonces el rol del artista en general estaba relegado principalmente a hombres, era poco frecuente que a las mujeres se les permitiese desarrollarse a nivel artístico. Generalmente las que podían ejercer dicha profesión eran hijas de un padre artista, tal como sucede en este film, en el cual el progenitor de la pintora protagonista, Marianne (Noémie Merlant), ha hecho otros retratos para la misma familia. Por otro lado, la película también reflexiona sobre el arte en sí mismo, preguntándose si un retrato debe sólo expresar la apariencia física o debe transmitir también la personalidad de quien es retratado. Mediante la utilización metafórica del fuego y el agitado mar, Retrato de una Mujer en Llamas corporiza en la naturaleza la pasión creciente entre la pintora y su modelo, Héloïse (Adèle Haenel). A su vez la oposición entre las personalidades de ambas, en consonancia con una permanente tensión sexual, es expresada no sólo por sus diferentes características físicas sino también mediante el color de sus vestuarios, que se corresponde a su vez con el fuego y el mar. Mientras que Marianne es morocha y viste de rojo (pasión, amor, peligro), Héloïse -al igual que su madre- posee el cabello rubio y viste de azul (serenidad, fidelidad, amistad, realeza). Ambos colores no sólo están vinculados a la posición social de cada una de ellas sino también a sus personalidades, y lo curioso es que por momentos ambas visten de modo intermitente aquel vestido verde del retrato que parecerá ser la conexión sentimental entre ellas. Asimismo, una segunda metáfora será utilizada para representar el vínculo entre Marianne y Héloïse, el mito griego de Eurídice y Orfeo, el cual es citado mediante una lectura conjunta y a través de una pintura en un salón de arte. En dicha leyenda la muerte trágica de una joven -igual que aquí- está presente y mientras que Orfeo apeló a la música para recuperar a su amada, Marianne establecerá su vínculo con Héloïse a través de la pintura, lo que además incluye el hecho de que hablamos de un amor imposible en ambos casos. Por esa misma razón, como las relaciones entre mujeres -y encima de distinta clase social- no estaban permitidas en el Siglo XVIII, la figura del matrimonio que le espera a Héloïse es retratada como fantasmagórica a través de la iluminación a oscuras que la rodea, junto a su tétrico vestido blanco nupcial. Es fundamental comprender que la narración y el punto de vista del relato coinciden con la perspectiva de la artista Marianne. La película se encuentra estructuralmente dividida en tres partes que abarcan un prólogo, un gran flashback (que es casi la totalidad del film) y un epílogo. Retrato de una Mujer en Llamas nos presenta entonces un relato realizado por mujeres, desde su autora hasta sus protagonistas (casi no aparecen personajes masculinos a lo largo del metraje), en el que la amistad y el compañerismo entre mujeres constituyen los valores fundamentales. Cada escena a nivel visual es de una belleza digna de contemplación y de cualquier pintura de la época en cuestión, algo que incluso se extiende a la banda sonora en esa secuencia más que notable que le da el título a la obra, en la cual un coro polifónico de mujeres que llena el encuadre resulta de una calidez inigualable.