Una historia de amor entre el fuego y el mar Retrato de una Mujer en Llamas (Portrait de la Jeune Fille en Feu, 2019) es un largometraje extraordinario con resonancias del erotismo, las luchas de poder y el placer pictórico del cine de Peter Greenaway. Su talentosa guionista y directora Céline Sciamma en el pasado Festival de Cannes ganó el premio al Mejor Guión, además de la Queer Palm, y estuvo nominada a la Palme d’Or. Retrato de una Mujer en Llamas también estuvo nominada como Mejor Película Extranjera en los últimos Golden Globes y ha recibido numerosos premios en todo el mundo. Retrato de una Mujer en Llamas es un relato muy valioso no sólo desde su contenido sino también a nivel formal, ambientado hacia fines del Siglo XVIII. A una joven pintora se le encarga realizar un retrato de otra muchacha de la aristocracia pronta a casarse. La ejecución del retrato es vital para la familia aristocrática en cuestión, sobre todo para la matriarca, la Condesa, interpretada por la reconocida Valeria Golino. En esa misma casona cerca de la playa se esconde un misterio familiar vinculado al suicidio de otra integrante del clan y el misterio de un retrato sin terminar a partir de la figura del doble femenino, tan utilizado en el cine clásico. A partir de allí la película vincula varias temáticas interesantes: el rol de las mujeres artistas en aquella época, el lesbianismo, el aborto, los cánones sociales y su hipocresía. Hay al menos dos aspectos de las mujeres pintoras de aquella época que bien expresa Retrato de una Mujer en Llamas y se corresponden con la realidad histórica. Por un lado, la secuencia inicial en un atelier, donde varias jóvenes artistas están frente a un modelo vivo, otra mujer; esto es muy acertado ya que en ese entonces las artistas debían preferentemente contar con modelos vivos de mujeres y niños, sobre todo si se trataba de desnudos. Asimismo, en aquel entonces el rol del artista en general estaba relegado principalmente a hombres, era poco frecuente que a las mujeres se les permitiese desarrollarse a nivel artístico. Generalmente las que podían ejercer dicha profesión eran hijas de un padre artista, tal como sucede en este film, en el cual el progenitor de la pintora protagonista, Marianne (Noémie Merlant), ha hecho otros retratos para la misma familia. Por otro lado, la película también reflexiona sobre el arte en sí mismo, preguntándose si un retrato debe sólo expresar la apariencia física o debe transmitir también la personalidad de quien es retratado. Mediante la utilización metafórica del fuego y el agitado mar, Retrato de una Mujer en Llamas corporiza en la naturaleza la pasión creciente entre la pintora y su modelo, Héloïse (Adèle Haenel). A su vez la oposición entre las personalidades de ambas, en consonancia con una permanente tensión sexual, es expresada no sólo por sus diferentes características físicas sino también mediante el color de sus vestuarios, que se corresponde a su vez con el fuego y el mar. Mientras que Marianne es morocha y viste de rojo (pasión, amor, peligro), Héloïse -al igual que su madre- posee el cabello rubio y viste de azul (serenidad, fidelidad, amistad, realeza). Ambos colores no sólo están vinculados a la posición social de cada una de ellas sino también a sus personalidades, y lo curioso es que por momentos ambas visten de modo intermitente aquel vestido verde del retrato que parecerá ser la conexión sentimental entre ellas. Asimismo, una segunda metáfora será utilizada para representar el vínculo entre Marianne y Héloïse, el mito griego de Eurídice y Orfeo, el cual es citado mediante una lectura conjunta y a través de una pintura en un salón de arte. En dicha leyenda la muerte trágica de una joven -igual que aquí- está presente y mientras que Orfeo apeló a la música para recuperar a su amada, Marianne establecerá su vínculo con Héloïse a través de la pintura, lo que además incluye el hecho de que hablamos de un amor imposible en ambos casos. Por esa misma razón, como las relaciones entre mujeres -y encima de distinta clase social- no estaban permitidas en el Siglo XVIII, la figura del matrimonio que le espera a Héloïse es retratada como fantasmagórica a través de la iluminación a oscuras que la rodea, junto a su tétrico vestido blanco nupcial. Es fundamental comprender que la narración y el punto de vista del relato coinciden con la perspectiva de la artista Marianne. La película se encuentra estructuralmente dividida en tres partes que abarcan un prólogo, un gran flashback (que es casi la totalidad del film) y un epílogo. Retrato de una Mujer en Llamas nos presenta entonces un relato realizado por mujeres, desde su autora hasta sus protagonistas (casi no aparecen personajes masculinos a lo largo del metraje), en el que la amistad y el compañerismo entre mujeres constituyen los valores fundamentales. Cada escena a nivel visual es de una belleza digna de contemplación y de cualquier pintura de la época en cuestión, algo que incluso se extiende a la banda sonora en esa secuencia más que notable que le da el título a la obra, en la cual un coro polifónico de mujeres que llena el encuadre resulta de una calidez inigualable.
El silencio que lastima En La Fiesta Silenciosa (2019) desde el inicio del relato, y posteriormente mediante la acumulación que es propia del espectador cinematográfico, entendemos que algo no anda bien, hay una tensión latente que mantendrá intrigado al público de principio a fin, como es propio del género del thriller. En dicho largometraje lo que se supone es un momento de celebración en la estancia familiar, debido al futuro casamiento entre una pareja de jóvenes, Laura -interpretada con excelencia por Jazmín Stuart- y Daniel (Esteban Bigliardi), devendrá en tragedia. Tal como plantea la superstición popular, el novio nunca debe ver el vestido mujeril antes de la boda, porque trae “mala suerte”. Desde el comienzo la pareja en cuestión se plantea como poco sólida en algunas cuestiones, con recursos sutiles pero claros, a través de ciertos gestos y parlamentos de los personajes. Al igual que el vínculo peculiar de la joven Laura con su padre, personificado verosímilmente por Gerardo Romano, quien posee un gran cambio en materia de su “physique du rol” a través del gran trabajo de maquillaje FX. El patriarca en cuestión es representado como un hombre grandilocuente y con algunas costumbres excéntricas, y un tanto iracundo. En varios momentos se hace hincapié en el carácter impredecible de Laura, y a su vez en las similitudes de ella con su padre. Por supuesto, pues cada sujeto se ve afectado por su crianza. El personaje de Laura resulta muy interesante porque no es femeninamente estereotipado, por el contrario, es ambiguo, débil y fuerte a la vez, según la circunstancia. El segundo grupo de personajes del relato está compuesto por un grupo de jóvenes que decide también realizar una fiesta en otra estancia cercana en la que se inmiscuye Laura, en busca de liberar la tensión previa a su boda. Ambos espacios se conectarán a través del follaje y será allí donde surja el conflicto, entre los preparativos de un casamiento y una fiesta que ya ha comenzado. A lo largo de todo el relato, el título del film se resignifica una y otra vez, principalmente en tres sentidos: el casamiento que aún no es y del que sólo está presente su mobiliario, la fiesta de los jóvenes que bailan con los auriculares puestos y por ende es en apariencia “silenciosa”. Al respecto, el tercer sentido está dado por el hecho de que lo que es considerado una “fiesta” por determinada persona, puede ser un silencio tortuoso y paralizante para otra. En conclusión, se considera que La Fiesta Silenciosa no avala ni justifica el comportamiento violento de ninguno de los personajes, mantiene la distancia respecto de los mismos, y no hay ninguno de ellos que no obtenga un castigo simbólico en el relato. No se apoya la justicia por mano propia, y también se esboza una sutil crítica hacia la juventud alienada tecnológicamente, que parece no involucrarse. Por ende, la película dejará pensante al espectador, que ha sido testigo de una vorágine de violencia que se retroalimenta a sí misma, una y otra vez. Al respecto, hay que destacar que la película selecciona muy bien qué escenas mostrar directamente vía la cámara y cuáles sugerir, es decir, no abusa de la violencia explícita. Por último, puede considerarse que La Fiesta Silenciosa tiene elementos del subgénero cinematográfico del “rape and revenge”. Dicho subgénero, tal como su nombre lo indica, generalmente posee una protagonista femenina víctima de una violación que luego buscará venganza sobre el abusivo. Se plantea que La Fiesta Silenciosa posee algunos elementos, porque no sigue todas las reglas principales de este subgénero, sino más bien comparte algunas cuestiones temáticas. Por ende, si bien es novedoso para el cine nacional, hay que recordar que en el ámbito mundial actual hay muchas películas con dicha temática, que ha retornado después de su aparición en los 70. En consecuencia, debido a su constante suspenso y el excelente manejo de la intriga, La Fiesta Silenciosa es muy entretenida para el espectador que se sienta a gusto con este tipo de géneros.
El Maestro es una película argentina dirigida por Cristina Tamagnini y Julián Dabien (ópera prima de ambos), fue estrenada el pasado 14 de mayo en Cine Ar TV y a partir de hoy, 28 de mayo, pueden verla en Cine Ar ESTRENOS, con un costo de tan sólo $30, que les aseguro vale la pena. El Maestro es una historia costumbrista argentina, que nos recuerda una vez más el dicho popular "Pueblo chico, infierno grande", puesto que en ese pequeño pueblo en donde todos se conocen, pocos saben y muchos hablan. El largometraje narra la historia de Natalio, interpretado cálida y verosimilmente por Diego Velazquez, un dedicado maestro de escuela primaria, cuyas enseñanzas intentan ir más allá de un plan de estudio, él se preocupa además por el bienestar emocional de sus estudiantes. Aún así debido a la llegada de un ajeno al pueblo, Juani un par de Natalio, todo se agitará en esa comunidad, donde los rumores y la violencia por parte de terceros emergerán. Dichos rumores son cuestionamientos, no hacía la labor de tan correcto maestro, sino hacia las conductas de su vida privada, lo cual por supuesto no deberían ser del interés de nadie, ni mucho menos repercutir en su calificación como profesional. Salvando las distancias, el filme remite por su argumento a The Man Without a Face (1993) protagonizada por Mel Gibson, cuyo personaje era acusado injustamente de pedofilia, tán solo por ser un hombre solitario y tener una cicatriz en su rostro, cuando en verdad el futuro académico de Charles fue posible gracias a este gran maestro. En esta ocasión, El maestro muestra qué sucede cuando algo sale de la "norma", cuando aquello que estaba latente sale a la superficie y se manifiesta pacificamente. El prejucio social en ese microcosmos dominado por los "machos", quienes son los realmente violentos, harán que aflore como efecto "dominó" la injusticia. Mediante una fuerte crítica hacia los mandatos sociales, los estereotipos de género y de sexualidad, El Maestro expresa que todo vale la pena si el verdadero mensaje llega al menos al alma de un niño, Miguel. Evidencia de ello es que dicho filme está inspirado en la historia de Eric Sattler, que fue maestro de Cristina Tamagnini en la escuela primaria, a quien ella reconoce como "un gran hacedor de la cultura en su pueblo natal". Por último, no es casual que la relación intertextual que atraviesa todo el relato sea El principito (1943), puesto que al igual que en Hamlet de Shakespeare, en El Maestro hay una obra de teatro por llevarse a cabo dentro de la representación y ésta es una adaptación de El principito por Natalio, interpretada por Miguel. Recordemos que El principito posee una fuerte crítica de la adultez y varios planeteos existencialistas, lo cual cobra significancia en El Maestro porque justamente es el pequeño Miguel, el alumno, el único que ve realmente la esencia de Natalio y el ser más puro libre de tabúes sociales del pueblo, el único que parece entender que "sólo con el corazón se puede ver bien; lo esencial es invisible a los ojos".
El nuevo largometraje animado de los estudios Pixar, Unidos fusiona el universo fantástico de la mitología nórdica y de la mitología persa, como por ejemplo la figura de la mantícora, con un mundo contemporaneo con celulares, y autos, pero con viviendas con forma de hongo en donde viven los protagonistas que son dos hermanos elfos: Ian (Tom Holland) y Barley (Chris Pratt). El contraste de sus personalidades es marcado no solo desde su apriencia física sino tambien desde su personalidad, mientras que Ian, el menor de ellos es más introvertido y racional, Barley es como un "torbellino" impulsivo. El conflicto se presenta cuando su madre (Julia Dreyfus) al otrorgarle un significativo regalo de cumpleaños a Ian que ha dejado preparado su difunto padre puede mediante un hechizo y un báculo con una piedra, ambos fuente de magia traer de vuelta al mundo por un día la presencia de su añorado padre. El problema es que este espíritu regresa solo hasta la cintura y ambos hermanos emprenderán una aventura para poder completar el hechizo y así lograr compartir al menos un día con su padre. En esta especie de roadmovie animada, entenderemos que esto es una excusa que plantea el filme para realmente profundizar sobre el significado de la hermandad, la paternidad y sobre todo lo que implica tener alguien en nuestras vidas que nos guie, acompañe nuestro crecimiento y crea en nosotros. Este aspecto es el toque emotivo con el que los filmes de Pixar siempre saben llegarnos al corazón. A su vez, la película resulta muy entretenida, y todos sus chistes realmente son eficaces, generando gran divertimento en el público. Además de enaltecer el valor de la familia y la fraternidad, Unidos propone una vuelta a los orígenes, a lo "salvaje" lo cual se ve bien encarnado en la mantícora (Octavia Spencer), a través de los elementos mitológicos pero también con varias relaciones intertextuales hacia los juegoscomo Magic The Gathering que ya forman parte de la cultura nerd. Si bien Onward está a la altura de las producciones de Pixar y supera nuestras expectativas (pues no se guien por el trailer) no estará en los primeros puestos de mis favoritas de Pixar, pero es muy atractiva y merece ser vista por grandes y chicos.
Dalí, salvador de la eterna genialidad artística Después de dos años desde su realización, llega a proyectarse en Argentina el documental Salvador Dalí: En Busca de la Inmortalidad (2018), sobre el inigualable artista plástico. Dicho largometraje, realizado por el documentalista David Pujol, además de numerosas y pertinentes imágenes de archivo, cuenta con los testimonios de Montse Aguer (experta en la figura de Salvador Dalí, filóloga y directora de los museos de la Fundación Gala-Salvador Dalí) y Jordi Artigas (coordinador de las casas-museo de Púbol y Portlligat, de la Fundación Dalí). La composición retórica espacial de Salvador Dalí: En Busca de la Inmortalidad remite instantáneamente -para los conocedores de la obra de español- a sus formas, sus juegos entre figura y fondo, sus horizontes lejanos y sus figuras inquietantes. La finalidad principal de Salvador Dalí: En Busca de la Inmortalidad es la difusión global de la obra del artista. Sin dudas logra cumplir su objetivo, puesto que después de contemplar el documental es posible que el público tenga ganas de visitar y ver personalmente las maravillas que este hombre ha creado, las cuales incluyen la arquitectura de los tres espacios en los que transcurre principalmente esta obra audiovisual. En primer lugar, la ciudad de Figueras en la que Dalí ha nacido (1904) y -no azarosamente- fallecido (1989), en la cual tiene sede el Teatro-Museo Dalí. En segundo lugar, la que también actualmente es la Casa-Museo situada en Portlligat, Cadaqués, que constituyó el lugar de veraneos familiares y de consolidación artística y personal de Dalí. Y por último Púbol, Girona, específicamente un castillo originario del Siglo XI que obsequió a su pareja Gala en los 70. Cada uno de estos tres espacios está ligado estrechamente a tres momentos distintos de la vida de Salvador Dalí, los cuales -como la metafórica circularidad de sus “huevos gigantes” de plástico- se superponen en la vida de quien logró volverse eterno e inmortal a través de su arte. Aquellos huevos, representación de su efervescencia creativa, son síntoma del constante renacer de un artista polifacético que nunca dejó de reinventarse, saliendo de un nuevo huevo una y otra vez. Después de todo, este documental expresa también la mirada nostálgica de Dalí sobre su pasado y su miedo constante a la muerte, su pelea con la misma, que es lo que ha formado su temperamento y hecho su vida tan prolífera. En dicho sentido, Portlligat representa su juventud y dicha casa -que se fue expandiendo conforme el nivel creativo de Dalí- representa también el comienzo de una vida junto a su pareja Gala. Espacio que se fue modificando también de acuerdo a los distintos movimientos artísticos del contexto cultural de los que Dalí lograba participar de diversas maneras. Por otro lado, el castillo de Púbol, su más profunda demostración de afecto hacia Gala y lugar de los más exuberantes deseos decorativos por parte de ambos, fue el espacio de la plena adultez y paradójicamente el castillo que albergó el amor y el duelo, como si fuese un cuento de hadas. Por último, la ciudad de Figueras representa el apogeo de su madurez y en palabras de los expertos, su máxima obra y el último legado que nos dejó antes de partir físicamente de este mundo. Ciudad en la que Dalí fue bautizado y en la que significativamente decidió ser enterrado. El documental en cuestión está dividido estructuralmente en más de veinte partes, que enuncian los diversos momentos artísticos y personales en la vida del artista, en los cuales Gala siempre está presente. Hay que reconocer que este documental le otorga a Gala el lugar en la historia del arte que se merece puesto que ella era una intelectual que -entre muchas otras cuestiones de gran relevancia- conseguía los mecenas para Dalí. El largometraje también esboza la complicada relación entre Dalí y su familia, los acercamientos y las diferencias. Salvador Dalí: En Busca de la Inmortalidad es un recorrido muy completo que logra desarrollar casi todas las aristas de este magnífico y excéntrico artista, quien ha incursionado en varias técnicas y lenguajes: pintura, escultura, dibujo, fotografía, cine, performance, grabado y arquitectura. David Pujol logra establecer a lo largo del relato la conexión entre las obras y la vida, pero sin perder de vista que su existencia en sí misma es su obra. Quizás le ha faltado ahondar en la formación de Dalí como artista, su aprendizaje previo y sus estadías en París, e indagar en las cuestiones referentes a su sexualidad o prácticas por fuera de las normas de aquel entonces, más allá de su profundo vínculo amoroso con Gala. Pero es cierto que con una vida tan extensa es imposible abarcarlo todo, y siempre hay que proponer un punto de vista y una selección. Aunque parezca extraño para un derrotero tan extenso de 84 años de edad, y muy productivo en cuanto a la creación cultural y artística, no hay tantos documentales sobre Dalí y menos aún sobre la figura de Gala. Uno de ellos es Salvador Dalí: A Soft Self-Portrait (1970), dirigido por Jean-Christophe Averty y narrado por nada menos que Orson Welles, que alterna entre el género documental y una performance de Dalí. Por dicha razón, es más que pertinente y un gran aporte la realización del presente trabajo, el cual consigue retratar la mentalidad y personalidad de un genio contemporáneo que ha logrado a través de su obra trascender los tiempos e historias, logrando su lugar de pertenencia en la eternidad. Porque volviendo al inicio, lo espacial es fundamental en este documental, ya que parece que a Dalí todos los espacios le resultaban pequeños. Desde los lienzos de sus pinturas hasta donde vivía. El hombre se iba expandiendo cada vez más, de lo plano a lo tridimensional, de lo pequeño a lo escenográfico y grandilocuente, incluso esta esfera que llamamos mundo le quedó minúscula… Pues, ¿qué hubiese sido del Siglo XX sin estos artistas-genios?
Ha llegado la versión cinematográfica live action del querido personaje Sonic . Varias generaciones han crecido jugando con Sonic The Hedgehog mediante las consolas Sega . Resulta pertinente recordar que además del sinfín de videojuegos del personaje, hay varias series animadas sobre el mismo (1993-1994/1999-2000/2003-2006/2014-2017) y un largometraje animado de 1996. Lo primero que debemos preguntarnos frente a un personaje tan emblemático es si se respeta su esencia. En lo que a quien escribe respecta diría que sí, adhiriendo gran ternura a Sonic haciéndolo adorable para el público. Según el experto en video juegos Gabriel Farisello "Por un lado se respeta la esencia del personaje y por otro hay una nueva construcción del mismo. Porque Sonic siempre fue orgulloso y líder. Acá van por otro lado. Y desde lo respetado está la velocidad y que se pone en forma de pelota. También están los valores de la amistad y atesorar tu hogar." La apariencia física de Sonic es lograda, después de los supuestos arreglos despues del primer avance. Con respecto a la película creo que apunta principalmente a un público infantil y que algunos fans se sentirán algo decepcionados debido al tratamiento del mismo que posee algunos errores evitables como la falta de interacción verosímil entre los humanos y Sonic (sobre todo visible en el raccord de miradas), algunos errores de continuidad, y el poco aprovechamiento de los recursos estéticos. Para los fans de la pop culture hay muchas referencias explícitas y chistes con respecto a la misma. Incluso en una escena del personaje en cámara lenta donde acomoda los objetos con un fin cómico igual que Quicksilver en X-men:Days of the future past. Así como la estética de la apertura de los anillos (elemento esencial desde la génesis de Sonic) visualmente remiten a Doctor Strange. El clásico villano y rival de Sonic, Robotnik interpretado por el carismático Jim Carrey otorga al personaje algunos momentos de comicidad mediante su expresión corporal y gestual. La película tiene dos escenas post créditos que dejan abierta la puerta a una secuela...
#avesdepresa y la fabulosa emancipación de una Harley Quinn ( #birdsofprey inicia con un prólogo narrado en primera persona, la cual continuará todo el relato, que condensa desde la infancia toda la vida de #harleyquinn ( #margotrobbie ) la cual incluye un padre borracho, un colegio de monjas, su carrera de psiquiatra y posteriormente la ruptura del romance con el #joker. Para los fundamentalistas del comic se advierte que la película dista bastante de los mismos, así cómo también de la serie televisiva homónima del 2002-3. BoP escrita y dirigida por dos mujeres con corta experiencia Cathy Yan y Christina Hodson, si bien pretende tener perspectiva de género carece bastante de la misma. Aunque tenga elementos aparentemente feministas en su superficie, en su resultado total carece bastante del mismo. Si vamos a entender al feminismo como en medio de una pelea pasarle una colita de pelo a una compañera, qué problema. Tampoco el feminismo puede subsumirse a una simple lucha entre los sexos (como la batalla final de mujeres vs hombres). Por otro lado, el principal problema de BoP es su guion vacuo en todos los aspectos. La falta de profundidad de la psicología de los personajes, el desperdicio de un villano que solo un gran actor como Ewan McGregor puede sostener con un guión tan pobre. El único personaje que me resultó convincente en sus motivaciones y accionar es “Cazadora”, seguramente sea porque es una versión lavada de Beatrix Kiddo en Kill Bill. Si bien está mejor lograda a nivel argumental que la paupérrima #escuadrónsuicida (2016), la película individual de HQ presenta otras dificultades como grandes errores narrativos respecto a la voz-yo, y al tono cómico que pretende alcanzar. El error más grave está en el nivel de la enunciación, mientras que su voz proviene de otro plano diegético, por ejemplo, en un stop frame su “yo del pasado” habla a cámara y se superpone con la voz-yo que está en el otro plano estructural del relato.Además, que se abusa del recurso de interrumpir el relato constantemente para agregar otra información, lo cual quita fluidez a la acción y la sobre explicación subestima la inteligencia del espectador.
"Desde las trincheras" Luego de ganar dos premios Golden Globes y de ganar siete premios BAFTA, la película 1917 posee diez nominaciones a los premios Oscars, entre ellas Mejor Película del año, Mejor Director y Mejor Guión Original, posicionándose como una de las favoritas. La entrega de los Academy Awards se llevará a cabo el próximo domingo 9 de febrero. Por Denise Pieniazek 1917 (2019) es una excelente película bélica que inicia el 6 de abril de 1917 (año que por supuesto da título al filme), y posee un significado peculiar para su director y guionista Sam Mendes. El director inglés de Belleza Americana (1999), 007: Operación Skyfall (2012) y Sólo un sueño (2008), le dedicó 1917 a su abuelo Alfred H Mendes “quien nos contó historias”, dado que se inspiró en dichos relatos para crear esta obra cinematográfica. La Historia es que el abuelo del Sam Mendes, sirvió al ejército durante la primera guerra mundial y posteriormente se convirtió en un prestigioso escritor. 1917 inicia el seis de abril de dicho año, en unas trincheras en el territorio enemigo que tienen como contexto histórico la Primera Guerra Mundial. Allí un par de soldados tienen una misión: llevar un mensaje a otra tropa con el fin de evitar que se dirijan hacia una trampa. El relato mezcla algunos acontecimientos históricos con otros ficcionales que tienen como resultado una película perteneciente el género bélico que logrará mantener concentrado e intrigado al espectador de principio a fin. A pesar de ser las guerras mundiales los temas más utilizados en la historia del cine, Mendes mediante la simulación del plano secuencia (toma larga y sin cortes) y la audaz elección de sus escenarios logra cautivar nuestra atención y emocionarnos, evidenciando que a través de los mecanismos narrativos y formales dicha temática es inagotable. El recurso del plano secuencia, el cual implica un planeamiento y un rodaje minucioso con un sinfín de cuestiones técnicas complejas, que se acentúan en esta ocasión por rodar casi totalmente en exteriores, permite seguir bien de cerca al protagonista en cuestión, consiguiendo que el espectador sea un testigo cercano en esta historia. Espacialmente la propuesta de 1917 es más que interesante, en virtud de que el protagonista lucha contra los avatares de la guerra y tiene un límite temporal que agrega tensión a la narración. La representación espacial expresa formalmente estas ideas, puesto que las trincheras y los caminos sinuosos se vuelven opresores y asfixiantes. Los alambres de púa, los cuerpos muertos en el espacio, lo putrefacto, metaforizan las trampas constantes a las que debe someterse el héroe en cuestión, quien hace avanzar la acción. Incluso en una de las pocas secuencias a oscuras con un gran trabajo de iluminación, a través de un enfrentamiento en unas ruinas, las mismas son confeccionadas como un complejo laberinto. Esta concepción espacial es fundamental ya que una de las ideas principales del filme radica en comprender como en tiempos de guerra los territorios son “tierra de nadie”. En adición, Sam Mendes expresa en 1917 varias reflexiones respecto de la guerra. En primer lugar, se esboza cómo la Primera Guerra Mundial cambió por completo la concepción de las batallas, generando el inicio de la guerra moderna. También se menciona el discutible valor del reconocimiento o de las medallas a un soldado, lo cual se plantea en la película en la expresión “medalla a las viudas”, quizás el soldado ha muerto, pero se actúa como si esto pudiese revertirse con una “medalla a su viuda”. En este relato la guerra parece ser un mundo particularmente de hombres, solo aparece una sola mujer en todo el relato. Asimismo, la crueldad de la guerra, las manipulaciones de los superiores a cargo y las mentiras, pues parece que “algunos solo quieren pelear”. Después de todo, en unas ruinas mediante un plano podemos observar los resabios de un poster de circo como una metáfora de que la guerra es también una gran puesta en escena. En cuanto a la representación de cada bando los alemanes son representados como mejor capacitados y con mayores recursos y planeamiento, como así también negativamente como traicioneros y crueles, a diferencia de los británicos que son caracterizados como bondadosos y sensibles. Sin embargo, a pesar de esta obvia representación y punto de vista 1917 es una sobresaliente película con varios momentos de clímax, y al verla se comprende porque posee tantos premios y nominaciones…Pero sobre todo nos invita a reflexionar ¿quién sobrevive realmente a la guerra?
"Nadie sospecharía jamás de una paloma" Por Denise Pieniazek Espías a escondidas es una divertida animación sobre espías que sorprende gratamente. Una película para disfrutar en familia, tanto grandes como chicos, que posee entrelíneas un lindo mensaje pacifista sobre la política actual de trasfondo. Espías a escondidas (Spies in Disguise, 2019) es una lograda animación producida por Blue Sky Studios y 20th. Century Fox Animation. Para sus dos directores Nick Bruno y Troy Quane, es la primera experiencia como directores de largometrajes, sin embargo, ambos poseen grandes experiencias en reconocidas obras animadas dirigidas principalmente a un público infantil. Espías a escondidas nos trae la historia del incombatible espía norteamericano Lance Sterling (cuya voz es realizada por el carismático Will Smith, la cual está bien imitada en la versión doblada al español), quien pasa de ser el más exitoso agente a ser acusado de traición por la agencia secreta para la cual trabaja. A su vez Walter Beckett (con la voz Tom Holland) es un joven científico que realiza inventos extravagantes para la misma agencia situada en Washington DC. Tras dicha acusación, Lance acude a Walter para que lo ayude a camuflarse, mientras intentan juntos atrapar al verdadero villano. El universo de espías y “crimen” está muy bien retratado desde el comienzo del relato a través del sistema de créditos iniciales cuya estética remite al gran Saul Bass (quien diseñó créditos de notables películas de Hitchcock, entre muchísimas otras). A partir de allí Espías a escondidas se torna muy divertida en los avatares en que Lance Sterling debe transitar convertido en una paloma, que resulta ser el camuflaje perfecto para poder continuar con su misión. Al comienzo del relato se establece la tradicional rivalidad entre Estados Unidos (del lado del bien) y Japón como los villanos (por supuesto desde la perspectiva norteamericana). Posteriormente el verdadero villano, cuya motivación radica en hechos sufridos en el pasado –bajo la premisa “la violencia trae más violencia”- posibilita la disolución de la dicotomía binaria entre buenos y malos, evidenciando que ninguno de los dos bandos actúa de forma éticamente correcta para los ideales que propone la película. En dicho sentido, la originalidad de Espías a escondidas radica en una moraleja pacifista, propuesta por Walter quien cree que es posible combatir el “mal” sin recurrir a la violencia, con nuevas “armas”. Mediante constantes y acertados momentos de comicidad, algunos de ellos con apelaciones divertidas a la pop culture, y un excelente empleo del soundtrack (ideal sobre todo para los amantes del Hip-Hop) Espías a escondidas es una contundente y alegre propuesta para disfrutar, que agradará tanto a los más chicos, como a los más grandes.
Una sociedad circularmente parasitaria Este jueves se estrena en Argentina la esperada película Parasite, la cual cuenta con seis nominaciones a los premios Oscars, y ya ha ganado un Golden Globe a Mejor Película extranjera y la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes, entre otros reconocimientos internacionales. Por Denise Pieniazek Parasite (Gisaengchung, 2019) fue estrenada previamente en Argentina en el Festival Internacional de Cine de Mar Del Plata y durante la semana del Festival de Cannes llevada a cabo en el cine Gaumont (Espacio INCAA), y afortunadamente su estreno comercial se da en más de 60 salas del país. El largometraje de Corea del Sur, Parasite (2019), escrito y dirigido por Bong Joon Ho –Okja (2017), Snowpiercer (2013), Mother (2009)- , cuyo título en español significa “parásitos”, inicia con la presentación de una “familia tipo” que posee un peculiar estilo de vida. Al comienzo los hábitos de dicha familia parecerán ser una inocente costumbre parasitaria de los recursos ajenos, con el fin de vivir sin el menor esfuerzo. Según irá avanzando interesantemente el relato, la manipulación de este clan familiar, que actúa de forma tal que todo parece una especie de puesta en escena, llegará a sitios insospechados al inicio del filme, y ahí reside la originalidad y audacia de su realizador que nos sorprenderá hasta el final del relato. En un nivel más profundo de análisis Parasite, demostrará en primera instancia que siempre hay alguien peor y dispuesto a “caer más bajo” en cuestiones morales. En dicho largometraje los lindes de lo que se considera moralmente aceptable son cuestionados constantemente, por esta familia que parece no tener límites. Pero fundamentalmente Parasite apunta a hacernos reflexionar sobre la sociedad actual, donde la brecha entre ricos, la clase media y los pobres es cada vez mayor. Por sobre todo, puede leerse en la película una fuerte crítica a la cuestión clasial en el que las clases bajas siempre permanecerán en un “sótano” es decir por debajo, evidenciando la circularidad y crueldad del sistema social en el que vivimos. Es decir, que la construcción espacial -mediante el gran diseño escenográfico- que propone el filme es una metáfora del cruel sistema piramidal social. La familia, compuesta por estos cuatro integrantes, siempre vive por debajo del nivel del suelo, incluso en una brillante escena podemos observar que literalmente puede taparlos la cloaca, pueden ser “fumigados”, y el agua puede llegarles hasta el cuello ahogándolos. El largometraje sin dudas invita a la reflexión, a partir de ella nos preguntaremos, entre muchas otras cuestiones, ¿a quién refiere realmente el título de la obra? Teniendo en cuenta que el significado de parásito es parafraseando “un organismo que se alimenta de otro causándole algún daño” ¿quiénes son los parásitos de este microcosmos realmente? ¿Los ricos que tienen a las clases bajas por sirvientes o las clases bajas que creen aventajarlos y sacarles provecho? Para obtener respuestas, se les recomienda vean esta propuesta innovadora de Bong Joon Ho, la cual reflexiona también sobre los excesos, las apariencias, y la hipocresía de dicha sociedad, mediante un poético epílogo que resignifica todo el relato.