Los porteros de los edificios.
Nunca confíes en ellos, especialmente si usan barba candado.
Igual que los tipos que fuma pipa o los calvos que se dejan una colita de caballo en la nuca, no preguntes por qué pero no son de fiar. Son leyes del universo.
Por supuesto no podemos poner a todos en la misma bolsa y hay también porteros muy copados por ahí dando vueltas, pero son pocos. La mayoría son más falsos que una moneda de cobre.
El chisme corre por sus venas y les encanta el conventillo, una cualidad sumamente patética en un hombre.
Uno de los directores de REC, Jaume Balagueró realizó muy buen triller donde el portero es el gran villano de la historia y la verdad que no pude evitar disfrutarla.
Debo ser honesto también, Mientras duermes es una historia super trillada que se contó un millón de veces pero la película ofrece un buen entretenimiento gracias a la narración de Balagueró y el trabajo de los protagonistas Luis Tosar y Marta Etura.
En este caso el director dejó de lado el gore y las mutilaciones para presentar un film de suspenso de corte más clásico que evoca el cine de Roman Polanski y Alfred Hitchcock.
Aunque uno de los puntos importantes por los que funciona la película es la manera en que fue construido el villano y la interpretación de Tosar.
El portero César no es Jason Voorhes, es el tipo querido del barrio al que todos quieren y le confían las llaves de su departamento si salen de vacaciones. Sin embargo detrás de la mascara que usa para camuflarse en la sociedad se esconde un freak reprimido que no pudo realizarse como persona y disfruta amargando la vida de los demás.
Mientras duermes en un punto se destaca por trabajar una visión más cotidiana de la maldad y eso convierte a esta propuesta en un film interesante.
Balagueró retomó con este trabajo esas ambientaciones opresivas que tenían su trabajos previos como Los sin nombre y auque mas o menos te podés hacer una idea de cómo va a terminar la historia el film te mantiene enganchado hasta el final.
Una buena producción de suspenso que se suma a la cartelera.

Gracias al esfuerzo de un productor perseverante Misión secreta es una película que logró llegar milagrosamente a las salas de cine, ya que tenía todos los ingredientes para terminar director en video.
El film representa la ópera prima de Michael Brandt, quien hizo un gran trabajo como guionista en la remake de El tren de la 3: 10 a Yuma pero acá ofrece un film sumamente trillado que tiene dos problemas graves.
En primer lugar Topher Grace (de la serie That ´70 Show), quien resulta absolutamente inverosímil como agente del FBI.
Su labor simplemente no es creíble y es difícil comprarle que es una gente de la ley porque es un actor que no convence en ese tipo de roles.
La trama tiene que ver con el clásico cuento del agente experimentado de la CIA retirado, (Richard Gere) que vuelve para un trabajo final cuando reaparece un asesino de de la Guerra Fría, que supuestamente estaba muerto, y trabaja para los diabólicos rusos.
El nombre del criminal encima es conocido como Cassius, que debe ser la identidad más trillada que existe en la literatura de espionaje.
Sean libros de Tom Clancy o Robert Ludlum siempre aparece alguien que se llama Cassius. Es un clásico.
El segundo problema es que al revelarse tan rápido la identidad del asesino, Misión secreta pierde el único elemento de interés que podría llegar a mantenerte enganchado si encontrabas este film en la televisión.
Mentira, probablemente hubiera cambiado de canal, pero si estás en el cine sí te quedás para ver quién es Cassius, que por como está hecha el film resulta bastante obvio en la trama.
Son complicadas estas películas porque por un lado no son buenas pero la gente las elige para entretenerse un rato y tampoco me parece mal.
En el video club de mi barrio un propuesta como Misión secreta la rompe los fines de semana y es muy complicada encontrarla disponible porque vuela.
Seguramente va ocurrir lo mismo cuando se estrene este film en dvd.

El afiche de la película te vende este estreno como una nueva producción de la gente que hizo la excelente comedia inglesa Muerte en un funeral.
Si bien es cierto, ya que el guionista es el mismo, la verdad es que esta película no tiene absolutamente nada que ver con esa gran historia que se estrenó hace unos años.
Los padrinos de la boda es algo así como la versión australiana de ¿Qué pasó ayer?
Desde que Warner estrenó ese film parecería que se desató una gran competencia internacional por ver quién es el director que estrena la comedia más zarpadita con un humor donde la escatología y las drogas son elementos principales para generar risa.
Por eso marco la diferencia con Una muerte en el funeral que estaba más en sintonía con el humor inglés tradicional.
Esta producción en cambio está emparentada con el estilo que vienen teniendo las últimas comedias hollywoodenses.
Si en el super clásico de Tom Hanks, Despedida de soltero, en la trama tenías a un burro y en ¿Qué paso ayer? un tigre, acá hay situaciones graciosas con una oveja.
La película tiene sus momentos divertidos pero sufre el desgaste del hecho que últimamente el humor en el cine viene por el mismo lado y no deja de ser más de lo mismo.
De todos modos los que no se agotaron de ver este tipo de historias seguramente encontrarán un buen entretenimiento.

Elefante blanco no es la primera historia de marginalidad que se hace dentro de la producción nacional.
Sin embargo, en este caso el motivo principal por el que salís satisfecho del cine, luego de haber disfrutado una gran película, es que el director Pablo Trapero nunca se olvida en sus trabajos que ante todo es un narrador de historias.
Es decir, ni el El bonaerense ni este estreno fueron concebidos como los filmes de denuncia social definitivos que aspiran a recibir un premio de Amnesty.
Son relatos que te trasladan como espectador a mundos densos y violentos, de mucha marginalidad, que no dejan de ser un retrato de la sociedad en la que vivimos y funcionan porque se cuentan con honestidad.
Elefante blanco es un gran cuento y es probablemente la película más compleja de Trapero hasta la fecha.
No porque sea una historia complicada de seguir, sino porque (y esto es otra virtud del film) a lo largo de su desarrollo combina varias temáticas profundas como el poder de los narcos en la villa, la realidad cotidiana de los vecinos, las internas políticas de la Iglesia, la burocracia gubernamental y el trabajo de los asistentes sociales y curas que tratan de hacer la diferencia en estos lugares.
Todas estas cuestiones se trabajan desde la óptica de los tres protagonistas que a su vez tienen sus propios conflictos personales.
Es una historia que logra hacerte reflexionar sobre estos temas sin convertir la trama en una gran ensalada.
Lo cierto es que no abundan las películas nacionales donde tenés la posibilidad de disfrutar una buena historia con una puesta en escena cuidada e interesante, por eso también están buenas las películas de Trapero.
Algunos argumentos te pueden enganchar más que otros pero en general son filmes que logran envolverte desde la narración.
Por ejemplo, la escena en que Jérémie Renier (Escondido en brujas) tiene que entrar en un cuartel de narcos y negociar un asunto tiene más tensión y suspenso que varios thrillers estrenados en el último tiempo.
Es un momento tremendo y aterrador por el realismo con el que fue filmado.
Esto me lleva a otra cuestión que para mi fue clave en el resultado de esta película.
Los tres protagonistas son grandes profesionales y están a la altura de lo que uno espera de ellos.
Sin embargo la gran sorpresa de este film son todos los actores secundarios, que en algunos casos son vecinos del lugar donde se desarrolla esta historia y están excelentes.
Sin un buen trabajo de dirección un personaje secundario que habla dos palabras te puede arruinar por completo una escena o directamente la película como sucedió en otras ocasiones.
Me parece muy importante lo que hicieron en esta cuestión y creo que tuvo un rol clave dentro de la experiencia que Elefante blanco le ofrece al espectador a la hora de conectarlo con ese mundo en el que se desarrolla el relato.
La verdad que esta es una gran película que merece su recomendación y no hay que dejarla pasar en el cine.

Después de trabajar en varios bodrios infumables consecutivos Vincent Gallo finalmente presenta un gran film que se puede recomendar y encima llega al cine.
Gallo es un tremendo actor pero su filmografía está llena de pajas pseudo intelectuales y producciones pretenciosas que por lo general terminan siendo más huecas y vacías de contenido de lo que parecen.
En Essential Killing no sólo brinda una de las mejores interpretaciones de su carrera sino que es el primer film decente que hizo desde su ópera prima Buffalo ´ 66, de 1998.
Realmente hace mucho tiempo que no se podía asociar a este sujeto con una buena propuesta cinematográfica.
El mérito de esta obra corresponde también al director polaco Jerzy Skolimowski, quien suele aparecer cada tanto en el cine como actor.
Actualmente lo podemos ver en Los Vengadores como uno de los mafiosos rusos que amenaza a la Viuda Negra (Scarlett Johansson ) al principio de la trama.
El hombre estuvo alejado mucho tiempo del cine porque se dedicó a la pintura y volvió con todo en el 2010 con esta historia tremenda.
La trama es muy sencilla.
Un hombre encarcelado y torturado por realizar un atentado contra el ejército de los Estados Unidos logra escaparse al mejor estilo Richard Kimble y desde ese momento vive una tremenda odisea para sobrevivir.
Ahora bien, hasta acá podría ser una película que vimos un millón de veces pero lo interesante es lo que hace Skolimowski con este concepto y la manera en que te cuenta el relato.
El director convirtió este cuento en una experiencia visceral de supervivencia donde el espectador acompaña al protagonista en un ambiente árido y desolador, donde la única salida que tiene es convertirse en un animal para poder vivir en una hábitat al que no pertenece y encima es acechado por los soldados yankees que lo buscan como si fuera una presa de caza.
El trabajo de Gallo es impresionante y no se cuantos actores se hubieran bancado llevar adelante un personaje tan desgastante desde lo físico y emocional como el protagonista de esta historia.
Prácticamente sin decir una sola palabra en toda la trama Gallo logra que nos conectemos con las emociones y las cosas terribles que vive su personaje a través de los que manifiesta con su expresión corporal y sentimientos.
Algunos flashbacks nos permiten indagar un poco en el pasado del fugitivo pero tampoco llegamos a conocerlo a fondo.
Lo interesante de Essential Killing es que el director Skolimowski no brinda un panfleto político sobre la invasión de Irak o las torturas que hacen los soldados norteamericanos tratando de hacer el gran film definitivo de denuncia.
Claro que la historia trabaja en un punto esos temas, pero el corazón de la película es la experiencia de este hombre que debe despojarse de su humanidad para poder continuar con vida, lo que no deja de ser una gran paradoja.
Con un trabajo espectacular de fotografía y la narración del director que te envuelve por completo en la trama, Essential Killing es una muy buena película que se incorpora a la cartelera.

Battleship o Batalla naval es una de las más grandes contribuciones que brindó Hollywood en los últimos años dentro de las películas bizarras.
En esencia es cine clase Z pero con un presupuesto millonario.
Si te divertiste recientemente con los delirios que produjo Roger Corman para el canal SyFy, como Pirañaconda, Sharktopus, Dinoshark y Dinocroc Vs. Supergator con esto no vas a salir defraudado, ya que está en la misma sintonía.
Lo más gracioso es que si esta producción hubiera sido de Corman, los mismos que hoy la destruyen la hubieran terminado recomendando.
Battleship es un claro exponente de lo que yo denomino “películas malas que divierten”.
El director Peter Berg (Hankcock, The Kingdom), lo que ofrece básicamente es una parodia del cine de Michael Bay.
Berg tomó descaradamente todos los elementos clásicos del estilo de Bay como el uso de la banda sonora, la fotografía, la edición, la realización de las secuencias de acción, el humor, el perfil de los personajes y el militarismo, para reírse de todo eso con un film absolutamente desquiciado.
De hecho, si en los créditos de dirección apareciera el nombre de Bay, pese a que no tuvo nada que ver con esto, te lo creerías por completo porque parece hecha por él.
Esta película brinda algunos de los más desopilantes momentos que yo viví frente a una pantalla de cine en los últimos años.
Ejemplos:
-La inexplicable inclusión de la música de la Pantera Rosa en una escena (¡Cualquiera!).
- Los jubilados de Pearl Harbor volviendo a la acción para salvar al mundo es genial y me hizo llorar de risa. El momento en que aparecen en cámara lenta es simplemente maravilloso.
-Un soldado lisiado con prótesis en las piernas se agarra a trompadas mano a mano con un alienígena y el director filma la escena como si fuera el combate de Rocky 4.
Una belleza.
Creo que este film en el fondo tiene muchísimos puntos en común con Día de la Independencia, de Roland Emmerich, que también fue malinterpretada por la prensa en su momento.
En este caso el director Berg no se toma tan en serio, como si lo hace Michael Bay, el concepto de los soldados yankees que salvan el mundo y por eso la películas es entretenida y graciosa.
La única referencia concreta que hay al juego de mesa en que se inspira el film es de un delirio descomunal y ahí queda claro también las intenciones de su realizador.
Esto no es Batalla: Los Ángeles que era una oda inmunda a los marines. Acá los militares son retratados como ineptos o psicópatas. El personaje principal de Taylor Kitsch (John Carter), por ejemplo, es un looser absoluto que termina siendo héroe por accidente.
Es realmente increíble que el director consiguiera el apoyo de la Armada para un film así, ya que en realidad la trama no los deja muy bien parados.
Lo siguiente es una mirada personal, pero creo que en esta historia los aliens en realidad son los buenos de la película. De hecho, no matan inocentes porque sí cuando tienen la oportunidad de hacerlo (la escena que tienen frente a un pibito o el científico es un claro ejemplo de ello).
Los psicópatas prejuiciosos que le temen al extranjero son los humanos. Es muy interesante repasar los hechos de la trama desde la perspectiva del extraterrestre.
Los que comienzan la guerra en realidad son los yankees.
Cuando el norteamericano se topa con una cultura que no entiende lo primero que hace es acudir a las armas para defenderse por miedo.
Es un tema que da para largo y tendría que adelantar detalles de la historia y los personajes, pero a lo que apunto es que Battleship no es tan estúpida como parece.
Que el tema final de la película sea un himno anti bélico de la era de Vietnam como “Fortunate Son” de Creedence tampoco me parece casual.
Un aspecto negativo que si le marco a este estreno es la duración.
El director pierde demasiado tiempo al comienzo cuando presenta los protagonistas y me pareció que la película se hizo larga sin necesidad.
No sé si es para todo el mundo, pero el amante del cine bizarro y las películas malas que divierten creo que la puede ver por otro lado y pasar un gran momento.

Comando especial fue una serie ícono de los años ´80, que más allá del concepto facho que presentaba (policías encubiertos operando en escuelas secundarias) y de haber catapultado a la fama a Johnny Depp, fue un programa que rompió en su momento con muchísimos tabúes en la televisión norteamericana.
Comando especial se animó a tratar temas como el SIDA, los suicidios y embarazos adolescentes, la homofobia y la adicción a las drogas de una manera contundente como no lo hacían otras series.
Era divertida y tenía su contenido dramático.
La historia fue creada por Stephen Cannell, responsable de la gloriosa Brigada A.
Es notable como las adaptaciones cinematográficas tuvieron caminos diferentes.
El film de los cuatro magníficos fue un peliculón tremendo de acción que brindó Joe Carnahan y capturó el espíritu del programa.
Comando especial, en cambio, resultó una comedia pedorra que parece realizada por un equipo de rengos mentales.
En realidad ni siquiera es una adaptación ya que tomaron muy por arriba el concepto de la serie para brindar una película malísima que no hace otra cosa que reflejar la visión que tiene Hollywood de los adolescentes, al menos en Estados Unidos.
Hay una escena contundente al respecto en la que Ice Cube dice en referencia a los alumnos de un colegio: “Son adolescentes, son estúpidos”.
En un punto esa frase del guión explica el alto contenido de imbecilidad que tiene esta película.
Yo realmente creo que los productores de este film están convencido que los adolescentes son todos estúpidos y en consecuencia desarrollan productos de este tipo.
Después de ver a Channing Tatum tratando de ser comediante pienso bancar a muerte la carrera de Robert Pattinson.
Tatum es horrendo como actor y la dupla que hace con Jonah Hill es deplorable.
Realmente es deprimente y angustiante ver en que situación se encuentra hoy el subgénero de las buddies movies.
Hace 20 años atrás nos reíamos con el equipo que formaban Mel Gibson y Danny Glover, Dolph Lundgren y Brandon Lee (Masacre en el barrio chino), Bruce Willis con Damon Wayans (El último boy scout) o Stallone con Kurt Russell (Tango y Cash).
Hoy los representantes de los filmes de policías que combinan acción y humor son Channing Tatum y Jonah Hill.
El argumento de esta película es horrendo y en materia de humor da vergüenza ajena. Por momentos el film no tiene nada que envidiarle a Los Superagentes: Nueva generación, con Fabián Gianola.
De hecho (y esto no es broma), la persecuciones automovilísticas tuvieron un mejor nivel de realización en la producción argentina que en este estreno.
El problema de Comando especial no es que se haya desarrollado por el lado de la parodia, sino que el humor del film es irritablemente estúpido y forzado, como si hubieran hecho la película para el club de fans del programa Jackass.
Lo peor encima es la duración donde los 112 minutos se vuelven una tortura con persecuciones aburridas que son un insulto para el género de acción.
Hay un par de cameos locos de los protagonistas de la serie original donde hay que destacar la coherencia en la vida de Johnny Depp.
Definitivamente es un tipo íntegro y fiel a sus convicciones. Toda su vida odió haber formado parte de Comando especial porque el programa lo convirtió en un ídolo adolescente y el quería ser tomado en serio como actor.
Son conocidas sus anécdotas donde hacía todo lo posible para que los echaran del programa. Si algo le faltaba para coronar todo su odio a Comando especial era formar parte de esta película que destruye todo lo que represento la serie.
Tal vez haya gente que disfrute de este tipo de humor o no se enganche con el género de acción y esto lo consideren un film digno. Lo único que tengo claro es que necesitamos urgente en el cine el regreso de los Expendables.
Como diría el querido Roger Murtaugh de Arma Mortal: “Estoy demasiado viejo para esta mierda”.

Radu Mihaileanu.
Tengo un gran afecto por este sujeto ya que en 1999 cuando era estudiante de periodismo tuvo la humildad y amabilidad de darme una larga entrevista sin importarle que sus declaraciones fueran para un trabajo práctico.
En ese momento vino a Buenos Aires como invitado de la primera edición del BAFICI donde, si no recuerdo mal, competía en la selección oficial con El tren de la vida, una gran película que abordaba con humor el tema del Holocausto. Mucho más profunda que La vida es bella, de Roberto Benigni, que también trabajó de una manera similar ese hecho histórico
Lo cierto es que conseguir la entrevista con él en ese momento fue un golazo y Radu me hizo un enorme favor para un trabajo importante.
Desde entonces siempre seguí sus filmes que realmente están muy buenos.
Lo que me gusta del cine de Mihaileanu es que a diferencia de otro colegas suyos no confunde el arte con el aburrimiento y las historias que cuenta suelen ser muy emotivas.
El tipo logra engancharte con los conflictos y sus personajes y además trabaja muy bien con el humor.
Las otras películas de él como El concierto y Ser digno de ser estuvieron muy buenas y llegaron al cine en Argentina.
Esta semana se estrena La fuente de las mujeres que en mi opinión es uno de sus mejores trabajos desde El tren de la vida.
En un pueblo que nunca se especifica cuál es y se encuentra entre el norte de África y Oriente Medio, por una cuestión de tradición las mujeres tienen que llevar cabo tareas pesadas, como subir a una montaña para traer agua a la comunidad, ya que no cuentan en el lugar con luz o agua corriente.
Mientras los hombres se encargan de sus negocios y pasan literalmente horas al pedo sin hacer nada, muchas mujeres pierden bebés al sufrir abortos y accidentes en la tarea de conseguir el agua.
Un día Leila, una joven de la aldea entonces propone hacer una huelga de sexo que consiste en suprimir las relaciones entre las parejas hasta que los hombres decidan colaborar con ese tipo de tareas.
Esto genera una enorme revolución en el pueblo donde las mujeres se atreven a cuestionar las tradiciones y el funcionamiento de la sociedad en la que viven.
Más allá del humor y las historias de amor con el que el director encara este relato La fuente de la mujeres no deja ser una historia contundente que denuncia la manipulación de la religión por parte del hombre y las injusticias aberrantes que sufren muchas mujeres en estas culturas por cuestiones que en el fondo no resisten análisis.
En este caso varios personajes femeninos sufrieron abortos trabajando en esas tareas por la simple razón que lo dicta la tradición y eso se mantiene desde hace muchos años.
Lo interesante del film es que tampoco el hombre es el enemigo y la trama muestra como hay tipos que comprenden a sus mujeres y están dispuestos a generar un cambio en la comunidad y mujeres que son más machistas que sus propios maridos y les aterra la idea de desafiar la tradición.
Otro aspecto notable del film es el papel que juega la música dentro del argumento, donde las protagonistas denuncian lo que viven a través de cánticos que exponen abiertamente las cosas que suceden en el pueblo y de las que nadie quiere hablar.
El director Mihaileanu construye muy bien las distintas tramas que forman parte del conflicto y sumado al excelente trabajo de los actores logra que uno se preocupe e interese por las situaciones que viven las protagonistas. La fuente de las mujeres es una gran película que merece su visión.

La gran paradoja de este estreno es que se llama El último Elvis pero en realidad tiene poco que ver con Presley, la magia de su arte o el mundo loco de sus imitadores.
La trama en realidad gira en torno a un hombre con serios problemas psicológicos que en la obsesión por tratar de ser alguien más se desconectó por completo de su verdadera identidad y vive totalmente ausente del mundo que lo rodea.
A Carlos, el personaje principal, le pegó el fanatismo por el lado de Elvis pero creo que podría haber sido fanático de Palito Ortega y su vida no hubiera sido muy distinta.
El film es interesante por ese lado al seguir la rutina diaria de este hombre que quedó atrapado en su propia trampa de fantasías adolescentes y no lograr encontrar una salida para encaminar sus relaciones familiares y su vida.
Carlos vive en un mundo de espejos tratando de ser alguien que no es.
Desde la realización El último Elvis es impecable y trabaja estas cuestiones de un modo interesante, al menos hasta los últimos minutos del film
El director Armando Bo (quien fue guionista de Biutiful, de Alejandro Gonzáles Iñárritu) lleva muy bien el relato desde la narración, que se apoya más en la fuerza de las imágenes que en las grandes escenas de diálogos.
También se destaca la fotografía de Javier Julia y la realización de las secuencias musicales que son muy buenas.
Esto nos llevar directamente a mencionar lo mejor de la película que es el trabajo del protagonista John McInerny.
No tengo idea donde sacaron a este tipo pero es genial. Sus interpretaciones de las canciones de Presley son brillantes y sorprende con algunas obras muy difíciles de replicar como “Unchained Melody” que hace en un piano y remite a un momento histórico del verdadero Elvis.
Antes de morir, cuando ya estaba muy enfermo, Presley hizo ese tema en un piano durante un concierto que se registró en video y es un momento de su carrera totalmente desgarrador porque literalmente entregó su corazón y alma en esa canción. Es muy escalofriante y doloroso de ver porque al poco tiempo se murió y dejó todo en ese escenario.
Deben ser muy pocos los imitadores de Elvis en el mundo que pueden brindar una interpretación tan apasionada de esa canción como la que entrega John McInermy en esta película. Por eso lo suyo es excelente.
Lamentablemente el film decae luego en lo argumental.
El último Elvis es una muy buena película hasta los 10 minutos finales donde los guionistas derraparon por completo y se estrellaron en la banquina con un cierre inverosímil y grotesco que me pareció completamente tirado de los pelos.
Salvo que explicaran que el personal de seguridad de Graceland (muy bien recreada, por cierto) fue entrenado por el jefe de policía Gorgory de los Simpsons, no hay manera de creerse las acciones del protagonista hacia el final.
Es como que se desesperaron por darle un cierre emotivo a la historia y terminaron haciendo algo bizarro que no está en sintonía con el tono que tenía la trama hasta ese momento.
Una lástima porque venían ofreciendo un buen cuento.

El sueño del pibe comiquero hecho realidad.
Probablemente al leer estas líneas todavía no viste la película y lo que puedo asegurarte es que Los Vengadores es todo lo que te imaginás y más.
Hablamos de una de las fiestas pochocleras y comiqueras más importantes de las últimas décadas.
Es muy loco porque estás en el cine sentado en tu butaca con los anteojitos y mirás a la pantalla y no podés creer lo que está sucediendo frente a tus ojos.
Todos esos íconos populares del universo Marvel que siempre vimos juntos en el papel ahora cobraron vida en un film live action que para los amantes del género (tanto en la historieta como en el cine) es sencillamente inolvidable.
La trama de Los Vengadores se vino construyendo desde la primera entrega de Iron Man y la virtud del trabajo del director Joss Whedon reside en que supo ensamblar a la perfección todos estos personajes fuertes para brindar una gran aventura épica de superhéroes.
El film dura 142 minutos y no da respiro desde la primera escena. No pierden tiempo en presentaciones. Todo el mundo ya conoce los orígenes de los personajes y en este caso los reunieron para que trabajen juntos en una misión.
La historia es super sencilla y clásica pero funciona por la manera en que te la cuentan.
El director Whedon, desde mi punto de vista, consiguió darle el espacio necesario a cada personaje y de esa manera logró que el gran protagonista del film sea justamente el equipo que forman los héroes.
Por ejemplo, Robert Downey Jr, no sólo es uno de los mejores actores que existen en el cine desde hace décadas, sino que además sobresalió como el mejor casting que se hizo de un superhéroe desde el Superman de Christopher Reeve.
Lo que hace con Tony Stark es tan grande y soberbio que una película de Iron Man sin él hoy ya no sería lo mismo.
Si este film no hubiera estado bien construido desde la dirección y el guión Los Vengadores tranquilamente se habría convertido en Iron Man y sus amigos por el tremendo carisma y talento de Downey Jr.
Sin embargo, el director Whedon logró darle su espacio, donde tiene diálogos desopilantes, pero siempre dejando claro en la historia que Stark es un integrante más del grupo.
Me encantó que dentro de la ficción Iron Man le cediera el rol de liderazgo al Capitán América y lo dejara comandar las acciones del equipo, que es como debe ser, por una cuestión de trayectoria y tradición comiquera.
La película, al igual que los filmes de Iron Man, combina muy bien el humor con la acción y entre las escenas donde interactúan los héroes entre sí hay momentos fabulosos.
En materia de acción la película es extraordinaria y Whedon brinda secuencias maravillosas, especialmente hacia el final donde te volvés loco. En un momento hay una toma en plano secuencia donde la cámara va siguiendo a todos los Vengadores en acción que es maravillosa.
Hay algo de este estreno que merece un párrafo aparte.
REVELACIÓN TOTAL DE LA PELÍCULA: HULK!!!
Es loquísimo porque lo que no pudieron hacer dos largometrajes dedicados a este personaje Joss Whedon lo logró en el film de Los Vengadores. Hulk no sólo se roba mal la película, con un par de escenas memorables que quedarán en el recuerdo de los fanáticos, sino que además Marvel brindó la mejor interpretación que se hizo del personaje en el cine.
En este film uno puede ver y disfrutar la cualidades que hicieron de este antihéroe uno de los personajes más queridos de este universo de ficción.
Acá finalmente retrataron al Hulk zarpado y desatado que mucho de nosotros conocemos de las historietas y nunca terminaba de aparecer por completo en las otras producciones.
El intercambio ideológico que en un momento el gigante verde tiene con Loki es sencillamente de antología. Con todo respeto, pero si esa escena no te roba una sonrisa deberías saber que sos un zombie o miembro de FIPRESCI, que para el caso es lo mismo.
Es una pena que Edward Norton no regresara para interpretar a Bruce Banner porque la película hubiera sido perfecta, pero es justo reconocer también que Mark Ruffalo hizo un muy buen trabajo en el rol del científico.
Los Vengadores es una fiesta que no tiene desperdicio y no se puede dejar pasar en el cine.
Un auténtico bálsamo de felicidad para tu niño interior.

Amanda Seyfried necesita cambiar urgente de representante.
Dentro de las actrices de su generación claramente sobresale entre las mejores que surgieron en los últimos años y tiene un gran potencial para hacer una gran carrera en el cine, pero en el último tiempo no para de elegir proyectos mediocres que no están a la altura de lo que ella pueda dar como artista.
De hecho, es tan buena actriz que por lo general siempre sale bien parada de los filmes malos que vienen haciendo últimamente como Miedo al amanecer, Diabólica tentación, Caperucita Roja y Querido John.
Por eso da lástima verla en este tipo de trabajos porque que es una figura que da para mucho más.
El film presenta una premisa que en principio funcionaba para una buena película de suspenso.
En este caso una mujer que fue víctima de un secuestro en el pasado es la encargada de buscar a su hermana que habría sido raptada por el mismo asesino serial que la capturó a ella un tiempo atrás.
A esto se le suma que la policía cree que la protagonista está enferma y aparentemente su secuestro nunca habría ocurrido.
Había elementos para hacer un film entretenido y es muy probable que la misma historia con un director competente hubiera presentado una película más decente.
En este caso la dirección corrió por cuenta del realizador brasileño Heitor Dhalia, quien no hizo otra cosa que ofrecer una película mediocre y previsible donde cuenta esta trama con todos los clichés posibles del género.
Por no mencionar que el personaje principal investiga, usa armas y maneja autos mejor que todos los policías de la trama.
Lo cierto es que el suspenso brilla por su ausencia.
12 horas es la típica película clase B hecha para televisión que canal 9 te pasa un domingo por la tarde para rellenar la programación. Se puede invertir la salida al cine en otras propuestas mejores.
La verdad que es un milagro que esto se haya hecho para la pantalla grande. Ojalá podamos ver pronto a Amanda Seyfried en una buena película otra vez porque es una actriz que debería trabajar en producciones de mayor nivel.

Si algo queda claro después de ver esta película es la compresión de por qué el escritor Hunter S. Thompson mantuvo archivada esta historia en un cajón durante décadas (Ver Dato Loco).
La verdad que “The Rum Diary”, el libro sobre el que se basa este film, no es ni por asomo su mejor material.
Hunter S. Thompson, no sólo fue un ícono entre esos “escritores malditos” de la literatura norteamericana como Jack Kerouac, Charles Bukowski y William S. Burroughs, sino que además fue un auténtico revolucionario del periodismo.
Thompson fue el creador de los que se conoce como el “periodismo Gonzo” que es un estilo narrativo donde el reportero se involucra en la noticia narrando los hechos en primera persona.
En realidad esto ya existía antes que este autor fuera conocido, pero es cierto que él fue que lo hizo popular con sus trabajos a partir de los años ´70.
Su obra más conocida es “Panico y locura en la vegas” que fue muy bien adaptada en el cine por Terry Gilliam, en una loca película con Johnny Depp y Benicio del Toro de 1998.
Los que esperen encontrar en Diario de un seductor algo parecido a ese trabajo de Gilliam van a salir desilusionados del cine.
Principalmente porque se trata de una historia diferente que evoca los comienzos de Thompson antes de que se convirtiera en ese particular personaje que brindó libros como “Pánico y locura”.
En este caso se narra sus comienzos en el periodismo en Puerto Rico durante fines de los años ´50 y los miembros del reparto tienen el mérito por evitar que este estreno no resultara un bodrio.
Johnny Depp, especialmente, Giovanni Ribisi y el resto de los actores fueron los que terminaron por hacer llevadera una historia que carece de un conflicto interesante.
Salvo por el hecho de seguir al protagonista dando vueltas por Puerto Rico no hay ninguno elemento atractivo que genere una atracción por la cosas que suceden en la trama.
No en vano Thompson tardó décadas en conseguir que se publicara “The Rum Diary”, que escribió a los 22 años, porque ningún editor le veía potencial a la historia.
No deja de ser llamativo también que Depp como productor ejecutivo de este film delegara la dirección en Bruce Robinson, un tipo que hace muchísimo tiempo estaba desaparecido del mundo del cine.
Su último trabajo fue en 1992 cuando estrenó Jennifer 8, un thriller de medio pelo con Andy García y Uma Thurman. Diario de un seductor tampoco es otro gran aporte a su filmografía.
En fín, lo cierto es que los actores en este caso fueron los responsables de salvar una película que podría haber sido mucho peor.

Piratas es un simpático regreso de los estudios Aardman al arte de la animación con plastilina y arcilla que en el pasado brindó grandes historias como Pollitos en fuga y Wallace & Gromit: La maldición de los vegetales.
El nuevo film no está al nivel de esas producciones y se nota que el director Nick Park no trabajó personalmente en esto, pero es una propuesta dentro de todo entretenida, al menos durante la mayor parte de la historia.
Una cosa que me llamó la atención de Piratas es que creo que se trata de la producción más políticamente incorrecta de Aardman.
La película tiene un humor mucho más acido y negro que otras producciones de esta compañía, a tal punto que tuvieron que cambiar una escena del film que no cayó bien en Europa (ver Dato Loco).
Es como que los guionistas estuvieron un poco más filosos. Es muy raro encontrar un film inglés que apunta comercialmente a un target familiar y se burla con saña y malicia de la monarquía inglesa.
En este caso trabajaron con personajes reales como Charles Darwin y la Reina Victoria que no quedan precisamente bien parados.
Piratas es una buena película de Aardman pero no es lo mejor que brindaron en el cine.
El inconveniente que tiene pasa por una cuestión argumental.
La trama comienza muy bien pero hacia la mitad de la película surgen algunos baches narrativos donde se vuelve algo aburrida.
El problema es que tiene demasiadas escenas de diálogos donde los personajes se la pasan planeando cosas y la diversión se estanca y puede resultar un bodrio, sobre todo para los más chicos.
Después cuando se acerca la resolución de la historia la película recupera el entretenimiento otra vez.
Creo que esto tuvo que ver con el hecho que el film es una adaptación de una saga literaria “Pirates!”del autor inglés Gideon Defoe.
La película condensa los primeros dos libros y combinaron dos tramas sin demasiada necesidad, cuando se podrían haber concentrado en una historia concreta.
Lo mejor de este estreno es el tremendo trabajo de realización que es impresionante. Todos los detalles que tienen los personajes, tanto en sus vestuarios como en sus rasgos personales y los escenarios realmente te dejan impactado.
Este tipo de animación donde sobresale un espíritu artesanal, que perdieron en la actualidad la mayoría de la producciones realizadas íntegramente en CGI, cuya estética es similar en todos los filmes, requiere un trabajo descomunal de dedicación y paciencia que no se puede dejar de destacar.
Al margen de esas cuestiones argumentales mencionadas, que me parece afectaron un poco a la trama, Piratas es una buena obra de los estudios Aardman que merece su visión.

Si amás las películas de zombies es imposible que las pases mal con estas propuestas aunque en el fondo sabés que siempre ofrecen lo mismo.
Por alguna razón los muertos vivos suelen resultar divertidos inclusive cuando los filmes no son buenos.
REC 3 es una producción española que presenta cambios radicales con respecto a las entregas anteriores.
De movida, creo que es una comedia de terror donde hay escenas que están más en sintonía con Shawn of the Dead ( Simon Pegg) que las cosas que vimos en los capítulos previos.
El humor negro y disparatado acá cobró un protagonismo importante y eso ya brinda claramente una película distinta.
REC en su momento fue una experiencia original y aterradora en el cine. Con la tercera parte lo que vas a experimentar es risa.
Algunos personajes como el camarógrafo barbudo (que debió tener más presencia en la historia), Johnny Esponja y los tipos que combaten zombies con armaduras medievales son elementos grotescos que generan que esta historia sea más bizarra y graciosa.
Es entendible que después de dos películas el factor sorpresa se perdiera y los realizadores intentaran hacer algo distinto.
Sin embrago, la paradoja de este estreno es que en ese esfuerzo por brindar algo diferente los productores generaron que REC dejara de ser REC y es como que la magia se perdió.
Inclusive esto está planteado desde la narración.
Sólo los primeros 20 minutos, donde se presenta el conflicto, fueron filmados con el estilo documental que hizo tan especial a la primera entrega.
El resto de la historia es narrado como una típica película de terror donde seguimos a un grupo de personajes tratando de sobrevivir el ataque de los zombies.
En REC 3 el director Paco Plaza ofreció un film más sangriento y grotesco que las películas anteriores donde parecería que la intención principal de esta propuesta fue la de evocar clásicos del género como El regreso de los muertos vivos, Braindead (Peter Jackson) y Noche Alucinante (Sam Raimi), que en el pasado combinaron de la misma manera el humor con el terror.
Hay programada una cuarta entrega de esta serie, titulada Apocalipsis, que será realizada por Jaume Balagueró.
Esperemos que el director lleve a los zombies españoles a sus raíces y ofrezca un buen film de terror en lugar de una parodia.

Uno de los mejores trhillers que vas a ver este año en el cine.
El líder es otra gran producción entre los hermanos Scott (Tony y Ridley) y el director Joe Carnahan, quien para mí es uno de los grandes realizadores que brindó la producción independiente norteamericana.
Pese a tener una corta carrera (Sangre, balas y gasolina, Narc, La última carta y Brigada A) el tipo hizo muy buenas películas en los últimos años dentro del género del suspenso y la acción.
No es de esos directores que hacen un film todos los años por el cheque de un estudio de Hollywood, porque que el tipo es gestor de sus propios proyectos, donde además suele ser el guionista, y se toma su tiempo para estrenar algo nuevo.
Después del despliegue pirotécnico y escenas zarpadas con tanques que disparaban mientras caían en el cielo, que presentó en Brigada A, Carnahan regresó con una propuesta totalmente distinta que tiene un mayor contenido dramático que sus filmes anteriores.
El líder es una gran historia de supervivencia que se destaca por combinar varios géneros.
Se trata de un film donde está muy presente la aventura, pero también tiene bastante fuerza el suspenso e inclusive el terror.
Los lobos de esta película son mucho más aterradores que los fantasmitas neuróticos de Actividad Paranormal.
En este caso vos como espectador vas a tener la sensación de que sos uno más del grupo que sobrevivió un accidente aéreo y quedó varado en Alaska rodeado de lobos hambrientos.
Por ahí pasa el gran trabajo de Carnahan que logra que no puedas quitar los ojos de la pantalla durante toda la historia por la intriga de saber como van salir de esa situación los protagonistas.
Liam Neeson la rompe una vez más con un personaje que recuerda esos a esos viejos héroes de Hollywood que en el pasado interpretaron John Wayne y Clint Eastwood.
Ottway, su personaje, puede ser un cabrón pero antes una situación de peligro como la que propone la trama es el sujeto que te gustaría tener de tu lado.
Esto ya parece una oda a Joe Carnahan, pero no puedo evitar mencionar el tremendo laburo que hizo con el retrato de los paisajes naturales que son increíblemente hermosos, más allá de las cosas terribles que ocurren en la historia.
Escenarios, que por otra parte, se vieron embellecidos por la fabulosa fotografía de Masanobu Tayanaka (Babel).
Me encantó este film.
El líder es una de las mejores películas que vi en estos primeros meses del 2012 y definitivamente merece su recomendación.
IMPORTANTE: Después de los créditos finales hay una breve escena extra.

Tenemos que hablar sobre Kevin es uno de los filmes más perturbadores e interesantes que se estrenaron en el último tiempo.
Se trata de un viaje por el lado oscuro de la mente humana que ofrece una experiencia mucho más aterradora que los decadentes filmes de horror que pudimos ver en el cine recientemente.
La directora Lynne Ramsay, quien se destacó en la producción independiente, con su loca película Morven Callar (estrenada en Argentina hace unos años) en este caso brinda un fascinante estudio sobre los orígenes de un asesino serial con un enfoque narrativo muy interesante.
Ramsay construye la historia como si se tratara de un rompecabezas, donde brinda las distintas piezas como escenas fragmentadas que representan los recuerdos de la protagonista.
Lo que en un principio parece algo caótico, a lo largo del film, cuando empezamos a conocer los detalles de la vida de Kevin y su familia, luego todo cobra más sentido.
De haber tenido una edición lineal la experiencia de ver este film me parece que no hubiera sido la misma.
La historia está basada en la novela homónima de Lionel Schriver, que sobresalió en su momento por la manera en que encaró esta temática.
Tenemos que hablar sobre Kevin va más allá de los crímenes que cometió un psicópata, ya que la película se centra en otras cuestiones como la responsabilidad de la maternidad, el rol de los padres y su influencia en el desarrollo de sus hijos y la interrelación entre ellos en la vida cotidiana.
La gran paradoja del título es que nadie jamás habló sobre Kevin y a la larga su destino tuvo mucho que ver con eso.
Uno de los aspectos notables del trabajo de la directora Ramsay es que su narración no se detiene a juzgar a los familiares o la educación que le dieron al chico, sino que nos conduce a modo de viaje voyeur por los hechos que desencadenaron el horror.
Todo esto es narrado desde la psiquis de la madre del asesino, interpretada por una tremenda Tilda Swinton, que compone a una mujer muerta en vida.
Los tres actores que interpretan a Kevin, en distintas etapas de la historia, son increíbles, especialmente Ezra Miller, quien encarna al protagonista en su adolescencia, y se nota también en este aspecto el gran trabajo de dirección.
La verdad que no vas a salir con un sonrisa del cine, porque la experiencia que ofrece la película es perturbadora, pero es una propuesta que permite reflexionar sobre varias cuestiones que afectan a la sociedad que vivimos y eso es mucho más de lo que brindan otros estrenos.

El director francés Jean-Jacques Annaud (Siete años en el Tibet, El Nombre de la Rosa) regresó al cine con una propuesta clásica de aventuras que por estos días son especies en extinción.
Me refiero a esa clase de filmes donde tenés dos ejércitos que combaten entre sí y los guerreros no son creados por animación computada, sino que podés ver en acción a los extras de carne y hueso como antes.
Si sos amante del cine es absolutamente imposible sentarte a ver este film sin pensar en la legendaria obra de David Lean, Lawrence de Arabia, a la que el director nos recuerda con distintos elementos como la música, la fotografía y esos increíbles paisajes en el desierto.
No estoy diciendo con esto que la película esté al mismo nivel que ese gran clásico, pero si me parece obvio que Annaud intentó evocar ese tipo de relatos de aventuras.
Es interesante porque desde aquella producción de 1962 la verdad que no se hicieron grandes filmes memorables con esta clase de historias que los tiene a los sultanes como los heroicos protagonistas.
Una de las virtudes de esta producción es que conserva ese espíritu artesanal que tenía el viejo cine hollywoondense donde las secuencias de acción contaban con cierto realismo.
Annaud hizo un muy buen trabajo con la reconstrucción histórica y la manera en que trabaja el choque de culturas entre Oriente y Occidente que es uno de los principales motores del conflicto.
Lo mejor de este film y el motivo por el que en mi opinión vale la pena darle una oportunidad son los trabajos de Antonio Banderas y Mark Strong.
Banderas compone un villano inescrupuloso, que por momentos llega a ser algo grotesco, pero te saca una sonrisa por su falsedad y capacidad de manipulación. Algunas de las escenas más simpáticas de este film son protagonizadas por él. La verdad que no sé si me convenció del todo que era un jeque árabe, pero es muy divertido lo que hace.
Al menos logra capturar mejor tu atención que el verdadero protagonista de la historia, interpretado por Tahar Rahim, cuya ultra pasividad frente a los conflictos que enfrenta lo convierten en un héroe flojo y aburrido.
Por otra parte, tuvo que ser una producción francesa la que le permitiera a Mark Strong demostrar su talento como actor.
Últimamente en Hollywood lo encasillaron en el papel de villano y si revisás sus últimos trabajos vas a ver que viene interpretando personajes muy similares.
El Sultán Amar que encarna en El príncipe del desierto no sólo es el rol más humano de su filmografía reciente, sino que es un papel interesante porque le permitió desarrollar un trabajo más dramático
En esta película Strong está excelente y me atrevería a decir que es la figura más destacada del reparto.
En términos generales El Príncipe del desierto está bien hecha pero le juega en contra una narración algo lenta, que hace más larga a la trama de lo que debería, y un guión que nunca termina ser del todo emocionante para la clase de género que aborda.
El director Annaud no logró superar con esta producción su labor en la excelente Enemigo al acecho (Jude Law), pero dentro de todo ofreció un film decente de aventuras

Espejito, Espejito es un film que zafa como propuesta familiar, pero no deja de ser una producción mediocre sobre Blancanieves, que no está para nada a la altura de otros antecedentes que tuvo este personaje en el cine live action.
Dos ejemplo de ello son Blancanieves: Un cuento de terror, que abordó la historia desde otro género y Snow White: The Fariest of Them All, que produjo el Hallmark Channel en el 2001 con Kirstin Kreuk (Smallville), que continúa siendo la adaptación más fiel que se hizo en el cine con esta clásica heroína.
Dos buenas películas que merecen su recomendación.
Esta versión insulsa que llega esta semana a las salas fue dirigida por Tarsen Singh, responsables del fiasco de Inmortales.
Como suele ocurrir con sus trabajos, Singh suele poner todo el foco de atención en los aspectos visuales, donde abusa descaradamente de la animación computada, mientras que los personajes y el argumento quedan a la deriva.
Pero bueno, esto es parte de su estilo y está en cada espectador si se engancha o no con esa manera de hacer cine.
Hay gente a la que le encantan estas elecciones estéticas, en mi caso me parecen demasiado artificiales.
De todas maneras, el gran problema de Espejito, espejito es que aburre, no tiene corazón ni magia y los escenarios que presenta, más que trasladarte a un reino de fantasía donde cobran vida los cuentos de hadas, lucen como un estudio de televisión.
No ayudó tampoco que el guión se tomara varias libertades del relato original, para no ofrecer nada creativo e interesante. La trama parece improvisada durante el rodaje.
Lo mejor de la película son los trabajos de Julia Roberts y Armie Hammer (J. Edgar), quienes son los únicos actores del reparto que se divirtieron trabajando en el film y eso lo transmitieron en sus interpretaciones. Gracias a ellos dos esta producción se hace dentro de todo llevadera.
También es justo destacar el excelente vestuario de Eiko Ishioka, clásica colaboradora del director, que también sobresalió por su labor en Drácula, de Francis Ford Coppola.
Ishioka, quien falleció hace unos meses, es considerada la diseñadora más importante en Japón desde hace varias décadas. Su última labor para el cine representa uno de los mejores aspectos de este estreno.
Después, Espejito, espejito, en lo que se refiere a la calidad de su realización, parece un film de los ´90 hecho para la televisión
Blancanieves tendrá su revancha en el cine el próximo 31 de mayo cuando se estrene otra película con este personaje que protagonizan Kristen Stewart y Charlize Theron y promete ser mucho más interesante.

La verdad que se extraña el viejo cine clase B de David Cronenberg cuando ofrecía historias totalmente bizarras y delirantes como Scanners, Exitenz o Spider, que tenían escenas memorables que quedaron en el recuerdo del espectador durante mucho tiempo.
Sin embargo, cuando el director apuesta por una temática distinta en su filmografía y brinda buenas películas como Un método peligroso, uno no puede dejar de estar agradecido por el hecho que este tipo sigue activo en el mundo del séptimo arte.
Su nuevo trabajo presenta un relato fascinante sobre los comienzos del psicoanálisis en un momento en que esa práctica terapéutica estaba en pañales.
Lo genial de este film es que lo que un principio parece una producción diferente de Cronenberg, con el transcurso de la historia descubrimos que este conflicto acerca de la turbulenta relación entre Carl Jung y Sigmund Freud en realidad trabaja muchas cuestiones que el realizador ya abordó en algunos de sus clásicos como las obsesiones, los celos, los demonios interiores con los que lidia todos ser humano, el sexo y la violencia.
La diferencia es que acá esos elementos son tratados en otro contexto.
No hay mutantes ni ciudades futuristas, sino que el escenario principal de la historia es la sociedad de principios del siglo 20.
El núcleo del film gira en torno a la relación que se forma entre Freud (Virggo Mortensen), Jung (Michael Fassbender) y Sabina Spielrein (Keira Knightley) que en un comienzo fue paciente de ambos doctores y luego se terminó convirtiendo en una de las primeras mujeres psicoanalistas de la historia.
Cronenberg hizo un gran trabajo como narrador a la hora de capturar la atención del público con el retrato de esos tiempos donde el psicoanálisis todavía era una práctica novedosa.
Un problema que tal vez tiene esta propuesta es que el guionista Chistopher Hampton (autor de la obra de teatro “A Talking Cure” sobre la que se basa este estreno) da por sentado que todos los espectadores que van a ver esta película son egresados universitarios de la carrera de psicología.
En consecuencia, hay varias cuestiones técnicas relacionadas con la neurosis y las terapias analíticas, que se tratan en algunas escenas, de un modo que si no estás interiorizado en estos temas sólo te quedás con la cáscara de las cosas que se discuten.
Ojo que tampoco es un film incompresible o complejo de seguir, pero es claro que un estudiante de psicología o un analista profesional va a tener una mirada mucho más profunda de esos momentos de la trama que el espectador común.
En pocas críticas vas a leer esto, ya que esta semana parece que son todos discípulos de Freud.
Lo mejor de Un método peligroso es el trabajo de los tres protagonistas.
Muy especialmente, Keira Knightley, quien es una actriz totalmente subestimada por la prensa y acá brinda una composición muy creíble donde se destaca en varias escenas.
Viggo Mortensen (Freud) sigue consolidando sus colaboraciones con el cineasta canadiense, donde una vez más tiene la oportunidad de lucirse como actor de un modo que no acostumbra hacerlo con otros realizadores y Michael Fassbender, con una asombrosa versatilidad, directamente se roba la película en el rol de Jung.
En definitiva, el nuevo trabajo de David Cronenberg es una propuesta recomendable que merece su visión, muy especialmente si te interesan estos temas que se abordan.

Después de ver a los dioses griegos retratados como un grupo de alfeñiques en la mediocre Inmortales, acá podemos disfrutar de un entretenimiento decente donde se le hace un poco más de justicia a estos clásicos personajes.
La secuela de Furia de Titanes es una producción totalmente superior a la película estrenada en el 2010.
Queda claro que los productores se preocuparon por remendar todas las cuestiones que se le objetaron a la primera entrega y el resultado por consiguiente es más satisfactorio para el espectador.
Después del papelón que hicieron con la conversión del 3D, en este caso la filmaron directamente en tres dimensiones y los anteojitos no están de decoración en los cines, sino que hacen una diferencia en la visión del film. Sobre todo porque te permite disfrutar con mayor profundidad el tremendo laburo que hubo en el diseño de producción.
El cambio más importante es la calidad de los efectos visuales que brindan momentos realmente espectaculares. Lo que hicieron con los monstruos y las secuencias de acción es mucho más notable y el uso de la animación computada no es desproporcionada como ocurrió recientemente en Inmortales.
Se trata de un gran espectáculo pochoclero que sin duda garpa disfrutarlo en la pantalla IMAX.
En este caso el director Louis Leterrier, que llegó a pedir disculpas en su momento por lo que habían hecho con el 3D, fue reemplazado por Jonathan Liebesman (Batalla: Los Ángeles) quien se desempeña muy bien con este tipo de propuestas.
Otro punto a favor es que eliminaron muchos personajes secundarios que no tenían razón de ser en la primera entrega y acá se concentraron en una historia concreta donde Liam Neeson y Ralph Fiennes tienen muchísima más presencia.
La trama es el aspecto más débil del film, ya que el foco de la película está puesto en la acción y al durar 99 minutos, que pasan rápido, el director tampoco tuvo el espacio para desarrollar un relato más elaborado y la interacción entre los personajes.
Es decir, en un punto, Furia de titanes 2 es una continuación innecesaria que no le aporta nada la historia original, pero ofrece un buen escapismo pochoclero que claramente cumple con el entretenimiento.

El Lorax es en mi opinión la obra maestra de Dr. Seuss, un genio de la literatura infantil que en Latinoamérica nunca tuvo la difusión que se merece, a tal punto que hoy todavía es complicado conseguir sus trabajos en las librerías.
Lo genial de su arte, como ocurre también con L. Frank Baum, responsable de la saga de Oz y Michael Ende (Momo), es que detrás de la fantasía y diversión que tienen los libros, las historias brindan excelentes valores de vida que no está mal recordarlos una y otra vez. Especialmente en los tiempos que corren.
Este relato siempre fue mi cuento favorito de Seuss porque representa la labor más oscura y controvertida de su carrera, donde el poderoso mensaje que dejó fue muy criticado cuando se publicó por primera vez en 1971.
El Lorax fue muy polémico en su momento porque el autor se tiró en contra de las grandes corporaciones que en Estados Unidos generaban contaminación en el medio ambiente, además de criticar la filosofía de vida capitalista y la obsesión que tienen en esa sociedad con el tema de hacer dinero a cualquier costo.
Lo cierto es que el libro estaba tan bien hecho que su mensaje inclusive hacía reflexionar a grandes y chicos sobre la importancia de respetar a la naturaleza y no perder el contacto con ella.
De hecho, la primera adaptación televisiva dentro de la animación que hicieron en 1972 David DePatie y Fritz Freleng (responsables de la serie de La Pantera Rosa) llegó a ser censurada en algunas ciudades norteamericanas porque las compañías industriales presionaban a los canales para que no se emitiera, ya que el mensaje anticapitalista en contra de los empresarios afectaban su imagen y los negocios.
Por todas estas cuestiones El Lorax es especial en la obra de Seuss.
Esta nueva versión animada que llega al cine realizada por el director de Mi villano favorito, Chris Reanaud, se destaca por conservar el espíritu y el mensaje del libro, pese a los numerosos cambios que le hicieron al relato.
Modificaciones, que por otra parte, eran bastante predecibles, ya que resultaba imposible llevar el cuento (que no supera las 30 páginas) a la pantalla grande sin expandir situaciones o agregar cosas en un largometraje.
A diferencias de otras producciones donde estos retoques terminan haciendo desastres, acá dentro de todo el mensaje del Lorax se mantuvo intacto.
La mejor prueba de esto son las reseñas negativas de los críticos yankees conservadores, que en varios medios le pegaron a este film por considerarlo una “propaganda socialista”. Los mismos sujetos que después recomiendan mamarrachos fascistas y ultrapatrioteros como Act of Valor o Batalla. Los Ángeles que le rinden pleitesía a sus adorados marines.
El Lorax sigue siendo un grano en el trasero para determinados sectores de esa sociedad y este film volvió a demostrarlo.
Visualmente la película es fascinante por los escenarios coloridos y psicodélicos que tiene la historia, que además cuenta con un muy buen uso del 3D. En este caso le agregaron más humor y persecuciones al conflicto, donde inclusive incorporaron un nuevo villano como es el empresario enano O´Hare que no existía en la obra original.
El único problema que le encuentro a esta adaptación es que entre los cambios que le hicieron al relato, terminaron por generar que el Lorax quedara relegado a un rol muy secundario, cuando el título del film se refiere a él.
Es una pena porque el personaje es maravilloso y Danny DeVito hizo un gran trabajo con el doblaje en castellano.
Me hubiera gustado ver una mayor presencia del Lorax.
Pese a todo, reitero, la historia conserva el espíritu del libro original y eso ya la convierte una gran producción para los más chicos. La verdad que está bueno tener en la cartelera una película que no se hizo únicamente para vender muñequitos en restaurantes de hamburguesas, sino que es una propuesta entretenida que tiene algo para decir.

No es tan fácil encontrar una gran película policial o de acción por estos días, por eso cuando la cartelera ofrece propuestas como esta no hay que dejarlas pasar.
El guardia, es junto con Hot Fuzz (Simon Pegg) una de las mejores buddies movies de policías que se hizo en el último tiempo.
Hubo una época en la que propuestas como estas abundaban en las salas de cine y era un placer disfrutar de este género en la pantalla grande, pero en la actualidad las buenas producciones se convirtieron en una rareza, especialmente en Hollywood.
El cine independiente otra vez sale al rescate del género, en este caso con una propuesta de Irlanda, que representa la ópera prima de John Michael McDonagh, cuyo hermano Martin, dirigió Escondido en brujas, con Colin Farrell.
La película presenta una típica trama de dos policías que no tienen nada en común entre sí y se ven obligados a trabajar juntos en un mismo caso.
Si bien ya vimos un millón de veces este tipo de historias lo que hace especial a El Guardia es el trabajo de los dos protagonistas y la zona rural irlandesa donde se desarrolla la trama.
Brendan Gleeson interpreta a Gerry Boyle, un policía que tranquilamente podría ser amigo de Torrente y que debe trabajar en serio por primera vez en su carrera cuando una operación de tráfico de drogas llega a su jurisdicción; un lugar en el que ser policía es el trabajo más aburrido del mundo.
De esta manera, este irlandés racista y prejuicioso, amante de la cerveza, tiene que investigar el caso junto a un agente del FBI interpretado por Don Cheadle.
Desde que se hizo reconocido internacionalmente por su trabajo en Corazón Valiente, Brendan Gleeson brindó grandes interpretaciones en varias películas, pero con El Guardia consiguió probablemente el mejor papel de su carrera.
En esta película está excelente y es el alma de la historia que te mantiene enganchado por el cinismo y la apatía con la que su personaje emprende la investigación del caso.
El Guardia es una muy buena comedia cargada de humor negro y bastante cinismo donde los paisajes rurales de Irlanda, que se destacan por la excelente fotografía de Larry Smith, el mismo de Drive, le dan a la historia un escenario especial donde confluyen varios personajes patéticos que logran hacerte reír durante el desarrollo de la trama.
La verdad que la película cumple con lo que uno puede esperar del género y vale la pena verla principalmente por la dupla que conforman Gleeson y Cheadle que es excelente.

Protegiendo al enemigo es otro hijo cinematográfico de la trilogía de Jason Bourne donde desde la realización queda claro, una vez más, que el director Paul Greengrass dejó un enorme legado en Hollywood con esos dos filmes que dirigió con ese personaje de Robert Ludlum.
El cineasta sueco Daniel Espinoza (que en realidad nació en Chile) no solo tomó como influencia el trabajo de Greengrass en Bourne a la hora de narrar esta historia, sino que además trabajó con Oliver Wood, el mismo director de fotografía de esa saga con Matt Damon.
Otro motivo por el que la herencia Bourne está tan presenta en esta película.
Denzel Washington debe ser uno de los pocos actores en Hollywood que ganas millones de dólares por trabajar en este tipo de filmes y tiene merecido cada centavo que le pagan porque se carga la producción al hombro y la saca adelante con su interpretación.

Esa ambigüedad con la que interpreta esta clase de antihéroes, que resultan impredecibles en sus acciones, es una de las grandes atracciones de la trama.
Es difícil pasarla mal en el cine con una propuesta de este tipo que lo tiene a este actor como protagonista, por eso también Protegiendo al enemigo es una apuesta segura en el cine.
Ponele la firma que no te vas a clavar con un bodrio o con un film mediocre de acción.
La historia es muy entretenida y la química que tienen Washington y Ryan Reynolds es una de las claves de este film que con otros actores sinceramente no sé si esto hubiera sido lo mismo.
Como mencioné en la reseña de El guardia es tan difícil encontrar una buena película hollywoondense de acción por esto días que cuando se estrena algo como esto, ya ni esperás que sea un aporte importante al género, sino que por lo menos esté bien hecha y sea entretenida.
En ese sentido el nuevo trabajo de Denzel Washington no defrauda para nada y merece su recomendación.
Especialmente si no la vas con las colegialas que juegan a ser Rambo.

Acá tenemos un caso bastante loco en lo que se refiere a adaptaciones de cómics en el cine.
Por lo general cuando se estrena una secuela de este tipo de filmes los estudios tienden a levantar la apuesta en materia de producción y presupuesto.
No es lo que ocurrió con Ghost Rider al que Marvel le recortó la mitad del dinero invertido en el 2007, algo que no tenía antecedentes en la compañía.
De los 110 millones de dólares que costó la primera entrega pasaron a invertir 57 millones de dólares en el nuevo film, que es una reducción importantísima en este tipo de propuestas.
Esto no es un dato menor, ya que define claramente el tipo de película que te vas a encontrar en el cine.
Espíritu de venganza es una propuesta totalmente distinta a la primera película.
Básicamente se trata de una aventura de Ghost Rider dentro del cine clase B.
En un punto es un auténtico milagro cinematográfico teniendo en cuenta quienes fueron los responsables de este estreno.
No porque se trate de una gran obra precisamente, sino que podría haber sido muchísimo peor.
El caso de los directores Mark Neveldine y Brian Taylor es un auténtico misterio porque no paran de hacer fracasos comerciales en el cine desde hace años, pero los grandes estudios de Hollywood les siguen dando trabajo.
Hace poco hicieron un mamarracho impresentable con Jonah Hex, clásico de DC cómics, que arruinaron por completo con un film estúpido con Megan Fox que resultó uno de los fracasos más notables del 2010 y en Argentina Warner ni siquiera lo estrenó.
En este caso se nota que estuvieron un poco más controlados y por lo menos no lo desvirtuaron al motorista fantasma como hicieron con el famoso cowboy de DC.
La nueva Ghost Rider más que una secuela en realidad es una re-interpretación del personaje en el cine, donde desarrollaron la historia como si nunca hubiera existido el film del 2007.
Algo similar a lo que Marvel hizo con El increíble Hulk en el 2008 con la particularidad que acá el actor protagónico es el mismo.
En algunos aspectos visuales el film está un poquito más cerca del cómic de lo que fue la entrega anterior pero le faltó un guión un poco más atractivo y entretenido.
Johnny Blaze ahora aparece más pelado y parecería que se incorpora al conflicto simplemente porque andaba por ahí con la moto.
También le faltó un productor a esta película que dirigiera mejor el trabajo de Nicolas Cage, ya que en ese punto se nota que los directores estuvieron pintados. Por alguna razón inexplicable Cage entiende que Johnny Blaze es un freak oligofrénico y se comporta como tal en toda la historia. Su interpretación es desmesurada y en varias escenas sobreactúa con su locura y gestos sacados.
De todos los cómics que por lo menos yo leí con este personaje jamás vi a Blaze y las otras encarnaciones de Ghost Rider actuar de esa manera, por eso lo de Cage es muy bizarro.
Como punto a favor merece destacarse el trabajo que hicieron con la caracterización de Ghost Rider que es totalmente superior al film anterior. Algo muy loco, teniendo en cuenta que el presupuesto fue menor, pero es evidente que utilizaron mejor la plata.
El personaje no sólo se ve mejor, sino que cada intervención que tiene es contundente en la trama. Me encantó, que como sucede en las historietas, Ghost Rider manipulara el fuego y utilizara ese elemento para castigar a los villanos.
Las escenas de acción están muy bien logradas pero lamentablemente son pocas a lo largo de la historia. Con toda la furia a Ghost Rider lo vemos cinco veces durante toda la película y esto también tiene que ver con el presupuesto, ya que esa calavera en llamas sale una fortuna cada segundo que aparece en escena. Por eso también el personaje no tiene diálogos (a diferencia de los cómics), salvo cuando se convierte en Johnny Blaze.
El 3D en realidad es bastante prescindible en esta propuesta pero el formato se destaca en las secuencias de acción donde se luce el motorista fantasma.
Espíritu de venganza no es ni por asomo lo mejor de Marvel en el cine pero es buen escapismo clase B para entretenerse un rato con este personaje.

Hay géneros en el cine que por lo general no son compatibles
La comedia romántica de enredos y el cine de acción rara vez van de la mano.
A veces puede haber buenas intenciones pero el resultado final por lo general termina siendo olvidable.
Esto es la guerra es un estreno engañoso que se vende por el lado de la acción pero en realidad es una comedia romántica muy tonta donde las secuencias de acción no tienen razón de ser y el conflicto que impulsa esas situaciones está totalmente tirado de los pelos, como el humor que tiene la trama.
El director McG (Los ángeles de Charlie), quien había hecho un film decente con Terminator: Salvation regresó a su nivel habitual de mediocridad para presentar el peor trabajo de su filmografía.
Lo que no es poco teniendo en cuenta los antecedentes de este sujeto.
Durante el transcurso de Esto es la guerra en realidad hay muy poca acción y la mayoría de las escenas están en el trailer, ya que el núcleo central del conflicto reside en los enredos románticos de los protagonistas que parecen tener 15 años.
El gran problema de este estreno que nunca termina de quedar claro que es lo que querían hacer con la historia.
Por ejemplo, en un momento tenés escenas de Reese Whiterspoon con la conductora del canal E! Chelsea Handler que parecen salidas de un episodio de Sex and the City y al minuto siguiente ves a los protagonistas peleando con unos mafiosos rusos en una trama infantil de espionaje que está totalmente descolgada.
Por otra parte, el villano de la historia que interpreta Til Schweiger está desaparecido durante el 90 por ciento del film y hacia el final regresa de la nada tratando de matar a Chris Pine y Tom Hardy para justificar el cierre de la película.
El director Doug Liman trabajó mejor esta fusión de géneros en Señor y Señora Smith donde por lo menos las secuencias de acción tenían un sentido dentro de la trama y eran visualmente atractivas. La verdad que después de ver esto ese trabajo de Angelina Jolie y Brad Pitt merece ser reivindicado como propuesta pochoclera, ya que no solo estaba bien realizado, sino que no tomaba a los espectadores de estúpidos.
Esto es la guerra ni siquiera zafa como propuesta romántica, ya que la historia en realidad tiene que ver con dos tipos alzados que usan recursos de la CIA para tratar de encamarse con una mujer. El romance y el amor brilla por su ausencia en esta historia.
Si te gustan las comedias malas que viene haciendo Hollywood últimamente tal vez encuentres a este estreno desopilante y lo recomiendes.
En mi caso resultó otro Mc bodrio para el olvido.

El precio de la codicia es una producción independiente que tiene la virtud de hacer apasionante el mundo de las finanzas y además darse el lujo de trabajar estos temas a través del thriller.
Se trata de un film producido por Zachary Quinto (el señor Spock de la última Viaje a las estrellas) que está inspirada en la quiebra de la compañía Lehman Brothers y la crisis económica que se desató en Estados Unidos en el 2008.
Esta es probablemente la mejor película que abordó temas de economía de una manera atractiva desde el clásico de Oliver Stone, Wall Street, de 1987.
En este caso la trama se desarrolla a lo largo de 36 horas en las que el director J. C. Chandor retrata ese gran mundo de pirañas que componen el mundo de las finanzas y las acciones que emprenden que emprenden una serie de personajes que tienen un impacto internacional.
La película plantea un interesante y realista retrato de lo que pudo haber sido las horas previas en varios despachos de Wall Street antes que se desatara la crisis del 2008.
No es necesario ser economista para entender el conflicto ya que el guión sobresale por trabajar toda la información técnica de un modo dinámico y sencillo que termina por engancharte con el relato.
El trabajo del reparto es soberbio y si bien todos tienen momentos para destacarse el actor que más sobresale es por lejos Jeremy Irons.
Su personaje, John Tuld, por momentos hace que Gordon Gekko (Michael Douglas en Walls Street) sea visto como un monje budista. Un gran regreso de un actor que hace rato no veíamos en el cine.
Lo mejor de El precio de la codicia es la dirección de Chandor que logró hacer un film de suspenso con una temática complicada que en principio no resulta muy atractiva pero acá lograron hacer una muy buena película.

El director Gaspar Noé es al mundo del cine lo que Pomelo, el personaje de Diego Capusotto, al rock.
Son tan burdas sus intenciones de demostrar que es un cineasta profundo y controvertido que sus trabajos terminan siendo obras tediosas y vacías de contenido que a la larga generan risa.
No te queda otra que verlas como comedias bizarras.
En un punto sus filmes no son tan distintos a lo que suelen ser los trabajos pretensiosos de Lars Von Trier, otro gran generador de pajas pseudo intelectuales, cuyos personajes con vidas ultra sufridas y atormentadas son tan realistas y creíbles como el combate de Arnold Schwarzenegger, solo contra un ejército, en Comando.
En el caso de Noé el problema es que su cine es burdo y repetitivo. Es como un nene caprichoso que quiere llamar la atención y entonces realiza esta clase de bodrios con los que se propone generar una provocación en los medios.
El tema es que al ser tan burdo todo lo que hace se complica mucho tomarlo en serio y ya directamente terminó por aburrir.
Enter the void, de movida, comienza con un plagio burdo al clásico de Jean Luc Godard, Una mujer es una mujer, que en 1961 sorprendió con una secuencia loca de créditos iniciales que fueron “homenajeados” en más de una ocasión.
El refrito de Noé es un cartel luminoso donde grita a los cuatros vientos “miren como le rindo tributo a Godard!”
Luego viene la historia de un vendedor de drogas que lo mata la policía y su espíritu continúa flotando en las calles de Tokio mientras sigue la vida de su hermana stripper a la que prometió no abandonar.
Toda la trama es filmada desde el punto de vista de una cámara subjetiva que representa la mirada del protagonista. En un principio sus experiencias lisérgicas son visualmente atractivas y están muy bien logradas, si bien no brindan nada nuevo que no se haya visto en los clásicos del cine lisérgico de los años ´60 como The Trip, de Roger Corman o Pasaporte a la locura (Psych-Out) con Susan Strasberg, la gran actriz de este subgénero.
El problema de este estreno es que te satura con la repetición. Noé es tan burdo en sus intenciones que su trabajo termina resultando hueco.
Las mismas experiencias lisérgicas que un comienzo parecían interesantes luego se vuelven molestas por la repetición y la duración que tienen esas escenas.
Pese a todo, eso no es lo peor.
Si en Irreversible te mostraba una violación de diez minutos entonces acá retrata en primer plano un aborto y luego filma un accidente con cuerpos mutilados.
Pero todo esto no le basta y encima le suma a la trama las enseñanzas de “El libro tibetano de los muertos” que le otorga al film un contenido espiritual, que tiene la misma profundidad que un seminario de El Arte de Vivir.
Lejos de hacer un film profundo lo que logra con todo esto es generar un gran aburrimiento.
Los 160 minutos de duración son realmente una tortura y la historia hueca que intenta venderte como una experiencia visual introspectiva se vuelve insufrible.
En Irreversible, con todas las cosas que se le podría criticar por la crudeza de la violencia, al menos narraba un cuento coherente. Enter the Void es puro cotillón.
Otro festival de esnobismo que nos regala el Pomelo del cine.

Roman Polanski sumó otra buena película en su filmografía con esta historia que adapta en el cine la famosa obra de teatro God of Carnage de Yazmina Reza.
En Broadway hace unos años tuvo su versión protagonizada por James Gandolfini, Jeff Daniels, Hope Davis y Marcia Gay Harden, mientras que en Argentina la obra se hizo con Gabriel Goity, Fernán Mirás, María Onetto y Florencia Peña.
Esta versión para cine es una obra redonda de Polanski que sobresale, además de su talento como narrador, por el tremendo trabajo de los cuatro protagonistas y una trama que toca temáticas universales.
En primer lugar brinda una interesante reflexión sobre la decadencia cultural que se viven en estos días y la extinción de la falta de valores, donde la disculpas o la actitud de pedir perdón son vistas como debilidades humanas, entonces frente a cualquier conflicto la respuesta inmediata es cortarle la cabeza al otro como si viviéramos en la época de los samuráis.
Los cuatro personajes de este relato viven condicionados por la mirada ajena y el ritmo frenético que imponen las sociedades modernas donde la hipocresía y la corrección política están a la orden del día.
Tal vez el personaje de John C. Reilly (que es el más querible de esta historia) sea el único del grupo que vive en paz consigo mismo y no se ve afectado por las aspiraciones burguesas y prejuicios que tiene el resto del reparto.
Lo cierto es que lo que comienza como una amena reunión de dos matrimonios para limar asperezas por una pelea tonta que tuvieron sus hijos, luego se convierte en una batalla campal donde las dos familias terminan revelando con bastante crudeza sus peores miserias y pases de facturas que estuvieron reprimidas entre las dos parejas.
Está muy bien trabajado el desarrollo de los personajes que en un principio conocemos como un grupo de personas amables, pero cuando se caen las máscaras de la corrección políticas afloran entre ellos verdades que mantuvieron calladas y que nada tiene que ver con el conflicto que los reunió.
La dirección de Polanski es brillante.
Toda la historia se desarrolla en un departamento y con varias angulaciones y movimiento de cámaras logra mantener el suspenso durante 80 minutos.
Ver Un dios salvaje es como ir a una fiesta donde todo está bien hasta que una pareja empieza a gritarse entre sí y el ambiente se pone tenso y ya no tenés ganas de estar ahí.
Polanski apoyado por el tremendo trabajo de los actores logra que sientas eso con su narración. Ese departamento que en un principio parece ameno y agradable se termina convirtiendo en un espacio claustrofóbico y agobiante por la tensión que se genera entre los cuatro personajes.
El disparador del conflicto es la pelea de dos chicos pero la trama la podrías trasladar también al mundo intolerante de la política local y obtenés una excelente radiografía del país en que vivimos.
Por eso la obra funcionó con éxito en todas partes del mundo porque trata temáticas universales que llegan a cualquier sociedad.
El trabajo de los cuatro protagonistas en este film es excelente, aunque se disfruta un poco más la labor de Christopher Waltz, quien brinda un personaje distinto a lo que fueron sus últimos trabajos en el cine.
Es cierto que en el pasado clásicos del cine memorables como ¿Quién le teme a Virginia Wolf? y El ángel exterminador, de Luis Buñuel, abordaron propuestas similares. En ese sentido, Un Dios salvaje no ofrece nada nuevo pero si aporta una muy buena película de Polanski que se suma a la cartelera y está para tener en cuenta.

John Carter es la producción live action de Disney más lograda e importante desde el estreno de Tron en 1982.
Tuvieron que pasar 80 años y centenares de proyectos frustrados para que este glorioso héroe tuviera la película que se merecía, pero la espera valió la pena.
Tal vez esta sea la primera vez en tu vida que te enterás de su existencia, pero lo cierto es que Carter tuvo una influencia descomunal en infinidades de películas e historietas queridas y populares como Star Wars o Flash Gordon.
El personaje fue creado en 1911 por quien es en mi opinión uno de los tres más grandes escritores de aventuras (junto con Robert L. Stevenson y Emilio Salgari), como fue el maestro Edgar Rice Burroughs.
Su novela “Una princesa de Marte” (ver reseña del libro) representó una bisagra en el género de ciencia ficción y marcó a fuego la vida de muchísimo escritores, directores de cine y científicos.
Por culpa de Tarzán (lo explico en la nota de la novela), otra gran creación de Burroughs, John Carter luego quedó en el olvido dentro de la cultura popular hasta que lo resucitó Marvel en 1977 con una gran serie de cómics (ver John Carter:Warlord of Mars) y hace poco el cine bizarro clase z brindó la primera adaptación cinematográfica de esta obra (ver Princess of Mars) que resultó un bochorno desopilante.
El director de Wall-E y Buscando a Nemo, Andrew Stanton, hizo una película memorable que sobresale por haber capturado a la perfección el espíritu de aventura, acción y romance que siempre caracterizó a la obra literaria de Burroughs y en especial a la saga de Carter .
Si no conocías a este personaje lo que vas a encontrar en este film es una gran propuesta pochoclera que evoca el cine clásico de aventuras de Hollywood.
En películas como El planeta de los simios, Star Wars o la serie de Indiana Jones siempre estuvo muy presente el espíritu de John Carter porque el personaje marcó fuerte a los directores que brindaron esas obras y frente a este estreno uno se encuentra con la misma emoción que tenía cuando vio esa clase de películas por primera vez.
Se trata de una de las adaptaciones literarias más logradas que se vieron en mucho tiempo. Por el respeto y la fidelidad a la esencia de la historia que tuvo el director Stanton, su labor en este campo está al mismo nivel de excelencia que El Señor de los Anillos.
Es muy interesante lo que hicieron con el guión, porque presenta varios cambios, pero son modificaciones que enriquecieron la historia.
Por ejemplo, en la novela de Burroughs el motivo por el que Carter termina en Marte es un bolazo de aquellos que el autor nunca profundizó demasiado. John se escondía en una cueva y cuando se despertaba estaba en Marte. Así de simple.
Había una complicidad entre el autor y los lectores para aceptar esas cosas porque sí. De la misma manera que compramos que en Metrópolis nadie se aviva que Clark Kent es Superman.
En esta película los guionistas elaboraron un poquito más esta cuestión sin distorsionar la trama central. Es interesante lo que hicieron porque conectaron este conflicto con personajes que más adelante, si hacen la secuela, tendrán mayor importancia. El personaje de Mark Strong, Matai Shang, es el villano principal de las historias que siguen, sobre todo en el tercer libro, “El señor de la guerra de Marte”.
Otros de los cambios notables que presenta el film eran más esperables.
La gran heroína de esta historia, Deja Thoris, en la obra original anda prácticamente en pelotas por la vida. Su vestimenta se limita a una tanga y unos parchecitos que cubren sus pezones. Esto tiene que ver con que en la cultura marciana las mujeres consideran un acto repugnante “cubrir sus cuerpos con telas”.
En un film producido por Disney esto era inadmisible y es muy gracioso que en las primeras escenas en las que aparece la princesa, a la actriz Lynn Collins la taparon como si fuera una monja.
Después esto cambia un poco en la historia y Deja recupera su sensualidad.
El casting de Carter y Deja Thoris estuvo excelente. Taylor Hitch, sobre todo, capturó a la perfección la personalidad y actitudes del protagonista y se desempeña muy bien como héroe de acción, mientras que Lynn Collins resultó una gran elección para la heroína.
A nivel visual el film es extraordinario y el director brinda una cátedra de cómo usar la animación computada sin saturar ni contaminar con artificios la película.
El trabajo que hicieron con los escenarios, las naves espaciales, las razas alienígenas y el mundo de Marte es impresionante y estuvo muy influenciado por el universo que describía Burroughs en su novela.
Me encantó también que incluyeran al propio autor dentro de la historia que es un gesto cariñoso de los realizadores a este gran clásico. En “Una princesa de Marte” Burroughs narra la trama como si fuera un hecho real y John Carter es su tío que le dejó un manuscrito con sus experiencias.
Está muy piola como en la película incorporaron esta cuestión. Los últimos cinco minutos son geniales.
Ojalá este estreno no quede relegado a convertirse en el futuro en un film de culto como ocurrió con todas mis obras favoritas de Disney (como Tron, Aventuras de una bruja y El Caldero Mágico), así se pueden hacer las secuelas.
Esta es una historia sobre el origen del protagonista y las continuaciones son mucho más emocionantes, pero para concretar eso el guerrero de Marte va a necesitar el aguante de la gente.
Como fan de la saga de John Carter no tengo más que palabra de agradecimiento hacia el director Andrew Stanton por hacerle justicia este personaje con una gran película pochoclera de aventuras que te transporta a ese maravilloso mundo de fantasía que creó Edgar Rice Burroughs.

Sólo por dinero fue aniquilada por la crítica norteamericana y me parece que se ensañaron un poco con esta propuesta. Realmente no es para tanto.
Creo que este film es mucho más decente que el 90 por ciento de las filmografías de Jennifer López y Sarah Jessica Parker.
Es más, es un film más entretenido que El caza recompensas, ese desastre que hicieron hace poco Gerard Butler y Jennifer Aniston que presentó una historia similar.
Stephanie Plummer es un personaje literario muy exitoso en Estados Unidos. Desde 1994 las aventuras de esta particular anti heroína se convirtieron en populares best sellers cuya saga lleva más de 20 libros publicados.
Janet Evanovich es una autora que empezó escribiendo novelas románticas para mujeres y la pegó a nivel comercial cuando encaró sus trabajos para el género del suspenso con este personaje.
Cuando cambió el romance por los policiales se convirtió en una de las autoras mejor pagas de los Estados Unidos.
En Argentina Alfaguara publicó dos libros de la saga (el quinto y el sexto),“Sobre la pista”, que es una muy buena novela de suspenso, y “Cuestión de suerte”.
Las historias de Stephannie Plummer son raras porque tienen mucho humor absurdo (como la abuela de la protagonista que quiere ser como la nieta y la sale a perseguir gente con un revólver pese a que no ve nada) pero también te sorprenden con situaciones oscuras y violentas.
En el caso de esta película que adapta la primera novela el principal incoveniente es que la directora Julie Anne Robinson (quien ya había dirigido a Catherine Heigl en la serie Grey´s Anatomy) tuvo dificultades para encontrar el balance adecuado entre la comedia y el misterio, que es algo por lo que se destacan las historias de Stephanie Plumer.
En este film el humor está algo forzado y la intriga policial no es gran cosa, entonces es como que la trama se queda a mitad de camino.
Lo mejor de este film es Katherine Heigl, quien hace su trabajo con mucha dignidad pese a no contar con un gran guión. Resultó una buena elección para el papel de Stephanie Plumer porque supo capturar esa torpeza que tiene el personaje a la hora de involucrarse en asuntos turbios que la terminan por convertir en una caza recompensas por accidente.
Sólo por dinero es una película que a lo mejor enganchás un día en el cable o te la pasan en un avión y la podés seguir viendo para matar el tiempo. No es una obra memorable del cine pero tampoco es tan terrible como dicen.
Antes que ver otra comedia romántica de Gary Marshall pongo plata como productor para que hagan la secuela de este estreno sin dudarlo.

Drive es una buena película que se disfruta mucho más si no te dejás llevar por el cotillón de los elogios exagerados.
Están pasando cosas raras en los medios últimamente donde la ponderación en la reseña cinematográfica está a la orden del día y no hace otra cosa que vender humo.
Por ejemplo, sucede con esta producción que ya fue catalogada como una de las mejores películas de acción de las últimas décadas.
Bueno, en lo personal creo que eso tiene sentido si no vistes muchas películas de acción en los últimos diez años. Tampoco hay que exagerar.
En la actualidad creo que las mejores obras de este género vienen del continente asiático. Muy especialmente de Corea del Sur donde hace rato está pisando fuerte una nueva camada de realizadores que elevaron los contenidos de los filmes de acción.
Una muy interesante movida cinematográfica que no se daba en este género desde los años ´70 cuando aparecieron en Australia directores como George Miller (Mad Max) y Brian Trenchar Smith (The Man from Hong Kong).
No hay que olvidarse tampoco de Tailandia que también viene sorprendiendo desde hace tiempo con las obras de A. Venkatesh (Chocolate) y Prachya Pinkaew(Ong-Bak) que hicieron tremendos peliculones y pudieron verse en el Festival de Cine Independiente de Buenos Aires.
Hago esta aclaración porque parecería que con Drive muchos medios descubrieron la pólvora y no es tan así.
Reitero, esta propuesta dentro de todo es una película decente. Ahora si la tengo que comparar con la joya coreana The Man from Nowhere (si no la viste buscala en dvd) de Jeong Beon Lee (The Good, The Bad, The Weird), la verdad que es un film de medio pelo.
De movida, la trama es un refrito del clásico de Walter Hill de 1978, The Driver, que brindó una de las mejores persecuciones automovilística en la historia del cine.
El personaje que interpreta Ryan Gosling en este estreno prácticamente es igual al que hizo Ryan O´Neal en su momento.
El protagonista es un misterioso antihéroe solitario que apenas habla durante el transcurso de la trama y se ve envuelto en problemas con unos mafiosos.
Drive es un film con buenas intenciones que trata de evocar el tipo de relatos que eran cotidianos en los años ´70 en el cine norteamericano.
Sin embargo, la estética del film remite al cine de los años ´80 apoyada por una banda de sonido que recopila melodías pop con muchos sintetizadores que tranquilamente podrían haber sonado en un capítulo de División Miami.
El director danés Nicolas Refn se toma su tiempo para presentar a los personajes e incrementar la tensión pero cuando el conflicto estalla las cosas se ponen intensas y algo sangrientas.
Desde la realización hay algunas escenas de acción muy bien hechas con persecuciones de autos que tienen tensión y son un placer de ver en la pantalla.
El inicio es excelente pero luego la trama decae un poco por la naturaleza de los personajes y sus conflictos que son algo aburridos.
Lamentablemente el director no pudo evitar caer en la actitud tilinga de creer que una narración lenta con muchos silencios y un par de escenas sangrientas hacen a un film de acción más artístico y profundo.
Es difícil conseguir eso cuando contás una historia tan trillada como esta que se hizo un montón de veces en los últimos 40 años.
Por eso creo que no hay que irse de mambo con los elogios. Es una película que se deja ver y podés disfrutar pero tampoco es para tanto.
Carrera de la muerte año 2000 (1975), producida por Roger Corman, es un film con mucho más contenido que Drive y en su momento la mataron los mismos que hoy ponderan a este estreno como la gran revolución del género.
Si pasás por el video club y te fijás lo que están haciendo en otras partes del mundo con el cine de acción va a ver que no es tan así.

Inframundo es una de las sagas más divertidas en materia de acción que se hicieron con vampiros y hombres lobos en el último tiempo.
No sé si será por la presencia de Kate Beckinsale y su sexy atuendo pero disfruté todas las entregas de esta serie.
El despertar es un capítulo que aborda la eterna lucha entre los vampiros y los Licántropos por un nuevo camino.
La trama transcurre 12 años después de los hechos de Evolución y Selene vuelve a los tiros en un mundo muy diferente.
Los humanos finalmente descubrieron la existencia de estas razas de seres que venían peleando entre ellos desde hace siglos y los exterminaron a todos en una gran purga.
Los pocos que sobrevivieron viven en la clandestinidad y ahora tienen que huir de los militares y los científicos que están preparados para matarlos.
En este caso la historia se alejó un poco de la premisa original y es entendible, ya que después de las tres entregas anteriores donde desarrollaron los orígenes de la guerra entre los vampiros y los lycans es como que explotaron bastante la historia.
Para ser honesto en la nueva película no hay mucho argumento.
El Despertar es un capítulo que se enfoca principalmente en la acción. De hecho, creo ninguna de las películas previas tuvo tantas secuencias de tiroteos y peleas como esta.
Inclusive la acción es mucho más intensa y sangrienta. Selene está sacada en toda la película y además incrementaron las dosis de gore.
Tal vez esto haya tenido que ver con el tema del 3 D donde se destacan más estas cuestiones.
En lo personal me gustó que recuperaran en este film los escenarios urbanos, que se destacaron en la película original, y la realización de las secuencias de acción que son muy buenas.
El film está bien hecho y ofrece la clase de entretenimiento que uno más o menos espera encontrar en una producción de este tipo.
Si querés ver algo con mayor contenido dramático va a ir a ver El Artista, no las aventuras de la vampira Selene.
Inframundo llegó a su cuarta entrega por las ventas millonarias que generaron los dvds, ya que tampoco ninguno de estos filmes fueron fenómenos espectaculares de taquilla en el cine. Sin embargo tienen su público y es claro que los productores se dirigen a ellos.
Es imposible entender algo de El Despertar si no vistes las entregas anteriores, más allá del resumen de la trama que se hace al principio de la trama.
No es algo tan distinto a Resident Evil, donde en realidad siempre ofrecen la misma película, pero disfrutamos ver a Milla Jovovich masacrando zombies en la pantalla grande.
Con Kate Beckinsale y su personaje de Selene pasa lo mismo.
Entretenimiento pochoclero, de eso trata de todo esto.

Charles Bukowski dijo una vez sobre Thomas Mann que el problema que tenía este sujeto era que confundía el arte con el aburrimiento.
La verdad que es una buena frase que también podría servir para John le Carré, uno de los autores más tediosos y sobrevaluados que existen en el mundo literario, responsable de la novela en que se basa este estreno.
Otros colegas de este autor como Tom Clancy con la saga de Jack Ryan o Robert Ludlum con la serie original de Jason Bourne brindaron historias mucho más inteligentes relacionadas con el mundo del espionaje en la Guerra Fría que los bodrios que produce este tipo.
Pero bueno, calavera no chilla. Después de todo si vas a ver una película basada en un libro de este escritor sabés con lo que te podés encontrar.
El director Tomas Alfredson (Déjame entrar) la verdad que hizo un gran trabajo con esta adaptación de le Carré porque realmente supo trasladar a través de un lenguaje cinematográfico el tedio que representa fumarse una novela de este muchacho.
La idea de la trama no está mal e inclusive los primeros 15 minutos del film son interesantes.
Resulta que en la cúpula del MI-6, la central de inteligencia inglesa, se sospecha de un miembro importante que podría ser doble agente de los soviéticos. Entonces el personaje principal interpretado por Gary Oldman sale de su retiro para investigar este tema y llegar al traidor.
Este es un buen disparador para un conflicto de este tipo, sino fuera porque El Topo es una película sin emoción que parecería desarrollarse en el mundo de Alan Pauls, donde todos los personajes viven sus vidas en coma cuatro.
La manera antiséptica que el director Alfredson aborda las relaciones humanas entre los protagonistas genera que el interés por lo que sucede frente a la pantalla se desvanezca enseguida y esta producción se vuelva un bodrio.
Inclusive el trabajo de los actores sigue el mismo patrón con algunas escenas donde Gary Oldman y Colin Firth más que actuar parecen que estuvieran sedados.
En el fondo es un film que se esfuerza demasiado en tratar de destacarse como una obra compleja e inteligente, con una narración rebuscada, para desarrollar un conflicto que en realidad es muchísimo más simple de lo que parece.
El problema es que lo hacen confuso.
Uno recuerda esa joya tremenda sobre espionaje que dirigió Sydney Pollack en 1975, como Los tres días del cóndor (con Robert Redford), que era totalmente apasionante y te mantenía pegado a la pantalla sin la necesidad de hacer una obra pretenciosa y no deja de sorprender la impunidad con la que por estos días se regalan elogios como “obra maestra” o “logro cinematográfico” a cualquier película.
La gran paradoja es que el director Alfredson en este trabajo intentó evocar ese cine de los ´70, pero con una narración densa que se contrapone a las producciones que realizaban artistas como Pollack o Sydney Lumet en aquellos años.
El Topo, lejos de trabajar el género del thriller, en realidad es un film que se limita a retratar el mundo burocrático de los organismos de inteligencia, con personajes que abordan cuestiones de espionaje con la misma pasión que emprende su rutina el cajero de un banco.

No da para más.
Aunque suene reiterativo lo voy a seguir escribiendo mientras se sigan estrenando películas de este tipo.
Con el Diablo adentro es otro intento de un par de productores de Hollywood por conseguir un éxito comercial como fue Actividad Paranormal y El Proyecto Blair Witch, film que se estrenó hace más de diez años y todavía siguen copiando de manera burda con total impunidad.
La decepción de este estreno es mayor porque la verdad que brindaba una premisa interesante, con algunos momentos muy bien realizados.
Si bien es difícil escaparle a los clichés en las historias de exorcismos, por la cantidad de producciones que se hicieron en los últimos años, esta película del director William Brent Bell presenta en su comienzo algunas cosas interesantes.
En principio, una excelente introducción de la historia, con un material de archivo que recrea la perfección un noticiero de los años ´80. Un punto en el que falló miserablemente la última entrega de Actividad paranormal.
La secuencia inicial que muestra las imágenes tomadas por la policía en la escena de un crimen horrible está muy bien hecha y contribuye a cimentar con solidez el misterio de la trama.
A partir de ese momento se inicia un documental ficticio donde la protagonista se propone indagar sobre la supuesta posesión demoníaca de su madre.
Debido a esa gran secuencia inicial con la que se dispara el misterio en un principio el film parece llevadero pero enseguida se termina hundiendo cuando el director pierde el hilo de la historia.
De repente, lo que era un documental ficticio se convierte en un confesionario de Gran Hermano donde los personajes expresan sus opiniones sobre situaciones mundanas que no hacen otra cosa que tirar abajo la trama que se venía construyendo hasta ese momento.
Lo único rescatable de este film es el trabajo de la actriz Suzan Crawley, en la ficción la madre de la protagonista, quien brinda una intensa interpretación en una escena, que probablemente sea el mejor momento del film.
El problema es que el personaje luego queda en el olvido cuando el director decide con poca imaginación iniciar su festival de clichés burdos que generan todo tipo de emociones menos asustar al espectador.
No sirve de nada tener poseídos contorsionistas sino ofrecés una mirada distinta a una temática tan trillada como esta.
Como mencioné antes, a lo largo de la película habrá dos escenas como mucho que están bien logradas en materia de suspenso y despiertan cierto interés por el conflicto, pero en términos generales es una película pobre.
Tanto desde lo argumental como en los recursos narrativos.
Si te genera curiosidad podés esperarla en la televisión cuando la pasen por cable y aprovechar la entrada de cine en alguna propuesta más satisfactoria.

Caballo de guerra es una de las mejores novelas que se escribieron sobre estos animales junto con la saga de “El corcel negro”, de Walter Farley y el súper clásico “Azabache” de Anne Sewell.
Lo loco es que esta historia que el escritor Michael Morpurgo publicó en 1982 recién ahora logró trascender a nivel internacional gracias a esta película.
El libro recibió premios en su momento y tenía cierto reconocimiento en Inglaterra pero era imposible de conseguir hasta no hace mucho tiempo.
En el 2007 la historia fue adaptada para el teatro en Londres y gracias a que un productor de esta producción asistió a una función fue que surgió la idea de la película.
Caballo de guerra es uno de los mejores trabajos de Steven Spielberg realizados en estos últimos años que trae al recuerdo los grandes filmes familiares que hizo en el pasado.
La historia original básicamente es una historia para chicos que retrataba historias de la Primera Guerra Mundial desde los ojos de un caballo.
Spielberg trasladó el concepto de la trama a la perfección con una perfecta y detallada reconstrucción de ese conflicto.
El film no tiene la crudeza y violencia gráfica de Rescatando al soldado Ryan, sobre todo porque es un film que apunta a un target más familiar, pero el drama de la guerra es trabajado con mucho realismo.
El argumento de este film tiene una estructura idéntica a Azabache donde el caballo funciona como un nexo de conexión de distintas historias a medida que vemos su experiencia en la guerra.
Tal vez la diferencia más notable con el clásico de Anne Sewell es que el caballo Joey film pese a todas las situaciones de peligro que enfrenta siempre tiene la suerte de encontrar a un ser humano compasivo que se apiada de él, algo que no ocurría con Azabache.
Spielberg tomó una historia sumamente sentimentalista, cuyo núcleo central en realidad no es la guerra, sino la relación del protagonista con su caballo, y la convirtió en una tremenda película épica que nos trae al recuerdo ese cine clásico de aventuras y dramas que hoy no encontramos con frecuencia en la cartelera.
Esta cuestión es un aspecto interesante de film ya que desde sus aspectos más técnicos se puede percibir un marcado tributo a los viejos clásicos de Hollywood.
Un ejemplo de ello es la espectacular fotografía de Janusz Kaminski que parece evocar el trabajo de Ernest Haller en Lo que el viento se llevó y el modo en que Spielberg aborda el retrato de los paisajes rurales y los campos de batalla que remite claramente al cine de John Ford.
Salvo que seas un zombie o un crítico de cine depresivo esta es una gran historia emotiva para disfrutar.

El artista es una original y creativa historia de amor que tranquilamente podría haber filmado Frank Capra de haber iniciado su carrera en la época del cine mudo.
Al igual que Hugo, acá tenemos otra producción que celebra la historia del séptimo arte en un período muy especial en Hollywood cuando las películas mudas se vieron afectadas por la llegada del sonido que dio comienzo a una nueva era.
Muchos artistas que fueron estrellas e intérpretes magníficos terminaron en la miseria y el olvido porque no pudieron o no supieron adaptarse a los cambios revolucionarios que se produjeron en la industria del cine.
Hoy cualquier nabo se para frente a una cámara y los departamentos de marketing de los estudios pueden venderlo como una estrella. En los comienzos del cine los actores tenían que tener un verdadero talento histriónico para transmitir con sus expresiones corporales las emociones de los personajes que no se podía trabajar con diálogos.
Lo interesante del film del director Michel Hazanavicius es que aborda todas estas cuestiones a través una producción que presenta todas las características narrativas de los filmes mudos que se hacían a comienzos del siglo 20.
Como ocurrían con aquellas obras el reparto está compuesto por excelentes actores, quienes son los que se cargan al hombro la película.
Muy especialmente los protagonistas Jean Dujardin y Bérénice Bejo, que los fans de Corazón de caballero (gran film con Heath Ledger) seguramente recordarán en el papel de Christiana, la doncella de Shannyn Sossamon.
Al igual que su personaje en este estreno, Peppy Miller, la actriz con este trabajo pasó de tener papeles secundarios a un gran protagónico donde pudo destacarse a lo grande.
Sin duda esta película marcará una nueva etapa en su carrera.
Mención aparte merece el perro Uggie, quien tiene más mérito a ganar un premio Oscar este año como mejor actor que Gary Oldman y Brad Pitt por sus respectivos filmes El Topo y El juego de la fortuna.
Los clásicos del cine mudo, muy especialmente los que pertenecen a la corriente del expresionismo alemán, siguen siendo apasionantes de ver en la actualidad y la verdad que El artista nos acerca la maravillosa oportunidad de experimentar un poco lo que sentía el público a comienzos del siglo 20.
En cierta manera el film de Hazanavicius es como una máquina del tiempo que te transporta a esa época que el director celebra con este trabajo.
Hacia el final la historia se alarga un poco y el film cae en algunas situaciones redundantes, pero al margen de esta cuestión, El artista es una experiencia fascinante que para disfrutarla en su plenitud es necesario hacerlo en una sala de cine.

Acá tenemos otro estreno basado en un gran libro.
“La dama de negro” es uno de los mejores relatos góticos de fantasmas que se escribieron en las últimas décadas. De hecho, creo que es lo mejor que se hizo en el género desde los cuentos del maestro Joseph Sheridan LeFanu, el mejor escritor que trabajó con estos personajes en el pasado.
El libro de Susan Hill hoy es un clásico y en Europa es super popular principalmente por la adaptación teatral inglesa que es un éxito en Londres desde hace muchísimos años.
También se hizo un film para la televisión del Reino Unido en 1989.
La película que llega a los cines esta semana producida por la emblemática productora Hammer, que resucitó hace unos años con el film Wake Wood, es una propuesta que evoca el espíritu que tenían los viejos filmes de esta compañía en los años ´60 y ´70.
La dirección corrió por cuenta de James Watkins, responsable de la excelente Eden Lake.
Es interesante ver la manera en que trabajó el género en esta historia, ya que el terror acá es elaborado desde un enfoque completamente diferente. Eden Lake era una historia más realista, cruda y brutal en lo referido a la violencia, mientras que La dama de negro se centra más en las atmósferas y los climas de misterio que creó el director con su narración.
Watkin en definitiva recuperó los dos elementos clásicos del cine de la Hammer de aquellos días que se destacaban por ser historias con buenos actores y terroríficos escenarios.
Hay un montón de cosas que me gustaron de este film como la ambientación gótica y depresiva del pueblo donde se desarrolla el relato, todos los detalles que tiene la macabra mansión donde Daniel Radcliffe pasa una noche y los efectos sutiles con los que el director tortura a los personajes.
El problema que tiene esta película es que la hicieron demasiado tarde.
Desde el estreno de La llamada, los relatos con fantasmitas vengativos se explotaron a más no poder tanto en el cine asiático como en Hollywood y el concepto de este film la verdad que se ve muy afectado por eso, ya que no aporta nada nuevo.
Cuando la novela de Susan Hill salíó a la venta en 1983 fue un furor porque no había demasiadas historias como estas en ese momento, pero en la actualidad el desgaste de estos conflictos se sienten en el cine.
La dama de negro hoy la verdad que está lejos de ser una propuesta aterradora y el giro sorpresivo que funcionaba en los ´80 por estos días está demasiado quemado y la verdad que no resulta muy efectivo.
No ayudó tampoco que en este film le dieran al conflicto un cierre más sentimental que el que escribió la autora en el libro.
Daniel Radcliffe, quien prácticamente está en todas las escenas del film, brinda un muy buen trabajo en esta producción y la verdad que eligió una buena opción para desprenderse de Harry Potter.
Acá lo vemos en un rol totalmente diferente y la verdad que está muy bien.
Lo que vayan al cine en busca de un film nostálgico que evoca el terror inglés de la vieja escuela son los que probablemente disfrutarán más este film.
Reitero, está muy bien hecha la película y tiene algunos momentos interesantes, pero se acordaron tarde de llevar esta historia a la pantalla grande.

La invención de Hugo Cabret, libro de Brian Selznick que hace años está disponible en las librerías y nadie en los medios le dio pelota hasta ahora, es una de las obras literarias más extraordinarias que surgieron en los últimos años.
Un libro especial que combinó la literatura de prosa con el arte del cómic en una propuesta interesante.
Su lectura es fascinante porque cuando abrís el libro no tenés la sensación de estar leyendo una típica novela, sino que en realidad te ponés a disfrutar de una película muda que cobra vida en tus manos.
Hugo Cabret es un libro loquísimo por la manera en que el relato es narrado y en ese sentido la adaptación cinematográfica presentaba un interesante desafío que Martin Scorsese logró superar con creces.
No deja de ser llamativa la impunidad con la que algunos críticos califican sin escrúpulos este film como “la película infantil de Scorsese”, algo que me parece un enorme disparate.
Con ese criterio entonces el Disney Channel debería emitir más seguido Cinema Paradiso y Sunset Boulevard ya que son filmes que están a la par de este estreno.
La verdad que Hugo es tan infantil como “La guerra de los botones” de Louis Pergaud.
Si bien para el amante del cine la propuesta puede ser una experiencia inolvidable como propuesta familiar, que es como se la intenta vender desde la campaña de marketing, puede resultar complicada.
De hecho, creo que los chicos menores de 12 años van a pegarse un embole padre con este film producto de estas confusiones.
Lo mismo pasó con el libro, cuyo seguidores más entusiasta son adolescentes o personas adultas que tenían la madurez para disfrutar mejor la propuesta de Selznick, pero el marketin de la editorial estaba dirigido a chicos de 9 años que obviamente no le dieron bola a esta historia.
Hugo es un tributo sentimental y romántico a la historia del cine.
Muy especialmente a los comienzos de este arte cuando la gente recién empezaba a descubrir un nuevo medio donde se narraban historias.
La trama no deja ser también un emotivo y original homenaje a uno de los grandes magos del arte y padres del cine pochoclero, como fue George Méllèis.
Un artista que creía en la magia y la trabajaba en sus producciones que son recreadas con mucho cariño por Scorsese, quien además en esta producción brinda un mensaje poderoso y contundente sobre la preservación del cine.
Desde los aspectos técnicos la película es increíble y el director da una cátedra sobre como sacarle provecho a las herramientas modernas como la animación computada y las tres dimensiones (que no es igual a la que se trabajaba hace 30 años) que en este caso están al servicio de una buena historia en lugar de limitarse a ofrecer un cotillón visual; la esencia del cine de Mélliès que en la actualidad olvidan muchos cineastas.
El plano secuencia (una de las grandes especialidades de Scorsese) con el que se inicia este film es contundente al respecto.
El 3D en este caso tiene la función de acentuar con mayor profundidad de campo las imágenes que le permiten al espectador apreciar al máximo todos los detalles de la espectacular dirección de arte que te dejan con la boca abierta en más de una escena.
La única objeción que se le puede hacer a Scorsese en el tratamiento de esta historia es que en la película, desde el momento en que aparece Ben Kinsley en la trama, Hugo queda pintado al olio y su historia personal termina por perder fuerza y no resulta tan emotiva como en el libro.
Los protagonistas Assa Butterfield y Chloe Moretz están muy bien en sus personajes y se destacan también Sacha Baron Cohen y Ben Kingsley dentro del reparto.
Hugo representa otra muy buena película de Scorsese que se suma a la cartelera y que me atrevería a decir es de visión obligatoria en una sala de cine.

En el 2008 se estrenó Viaje al Centro de la Tierra 3D en un momento en que el formato de tres dimensiones todavía no estaba instalado en Argentina y recién empezaba a resurgir con fuerza en Estados Unidos.
La película con Brendan Fraser era una decente aventura familiar que al exhibirla en 2D se perdíó por completo su atractivo, ya que había sido filmada para ser disfrutada con los anteojitos.
Hoy esa situación cambió por completo y Viaje se puede ver como corresponde.
Esta continuación que se estrena esta semana es una película superior al film anterior en varios aspectos.
Por una cuestión de agenda personal Fraser no pudo ser parte de esta secuela y los productores cambiaron todo el reparto, con excepción de Josh Hutcherson, quien es el único miembro del elenco original que regresó para esta nueva historia.
Creo que la clave del éxito de este film pasa por dos elementos concretos.
En primer lugar armaron un muy buen reparto con excelentes actores como Michael Caine y Luis Guzmán que son dos monstruos de la actuación todo terreno que te reman cualquier cosa que hagan y ellos siempre quedan bien parados con su labor.
Además sumaron a The Rock, quien siempre hace el mismo papel y todo sabemos que no es un egresado del Actor´s Studio, pero el tipo es muy carismático y le pone onda a los personajes que interpreta.
Los tres actores conformaron un buen equipo y un elenco más fuerte que el film anterior, donde la única figura que se destacaba era Brendan Fraser.
Lo interesante de estos filmes es que de manera sutil y sin llegar a la predica literaria, rescatan la magia de la obra de Julio Verne y la transmiten a una nueva generación a través de una historia original que toma elementos de sus novelas. Acá los libros también son parte del misterio y te dejan con las ganas de saber más sobre las historias y personajes a los que se hacen referencia.
Creo que estas dos películas hicieron más por la difusión de Verne que muchas adaptaciones cinematográficas de sus obras filmadas en el pasado.
Otro aspecto importante es que en este caso contaron con un mayor presupuesto y los efectos especiales son claramente superiores. Toda la geografía de la Isla Misteriosa es deslumbrante y el director Brad Peyton le sacó el jugo a las tres dimensiones con muy buenas secuencias de acción como el bizarro vuelo de las abejas gigantes, que son divertidas de ver.
La narración de Peyton mantiene en constante movimiento a los personajes y el desarrollo del conflicto y la verdad que como propuesta familiar de aventuras no se le puede objetar mucho porque es un film decente y bien hecho para el público infantil.
Puro escapismo pochoclero que resulta totalmente recomendable si se busca una buena opción familiar para pasarla bien con los chicos.

Hasta Uwe Boll podría haber realizado un film menos superficial y cobarde si le encargaban la dirección de esta historia.
La Dama de Hierro es una enorme decepción que tiró por la borda la posibilidad de ver una película interesante sobre uno de los personajes de la política internacional más controvertidos y nefastos de las últimas décadas.
Margaret Thatcher fue una de las figuras más poderosas de la segunda mitad del siglo 20.
Al igual que J. Edgar Hoover fue un ícono del conservadurismo que lidió durante su período como primer ministro del Reino Unido con muchísimos hechos históricos importantes, como la Guerra de Malvinas, los atentados del IRA, las crisis de los mineros (que inspiró esa gran película con Ewan McGregor que fue Tocando el viento) y la Guerra Fría entre otras cosas.
Sus decisiones lograron dividir a una nación.
Más allá de la opinión que se pueda tener de ella, su historia es muy interesante y daba un tremendo material para hacer una buena película.
El gran problema que tiene este estreno es el enfoque que eligió la directora Philippa Lloyd, responsable del infumable musical Mamma Mia!
Peor elección para contar la vida de Thatcher imposible.
¿Dónde está Stephen Frears cuándo se lo necesita?
Desde lo cinematográfico este film es la cara opuesta del último trabajo de Clint Eastwood.
La directora Lloyd, con una indulgencia descomunal, prefirió brindar un retrato más amable y sentimental de Thatcher dejando la política en un segundo plano.
Gran parte del film se concentra en brindar una biografía endulcorada de esta mujer con sus problemas familiares y de salud como si el único objetivo fuera recordarle al espectador que más allá de su trabajo los políticos también son humanos y tienen sentimientos.
Por el contrario, todos los hechos importantes e históricos en los que esta mujer formó parte, en La Dama de Hierro se trabajan con una superficialidad digna de un reality show del canal E!
A través de varios flashbacks le dedican unos minutitos a la Guerra de Malvinas, otros minutitos a los atentados del IRA y así cubren toda su carrera política.
La prioridad la tiene en cambio las conversaciones de la protagonista con su marido muerto. Un toque Shyamalan inexplicable que con el correr del tiempo se vuelve denso.
Si algo queda claro después de ver esta película es que la biografía de Thatcher fue demasiado grande para esta realizadora, quien no tuvo la menor idea de cómo abordarla.
Por otra parte, la directora presenta uno de los peores usos de material documental de archivo que se vieron en los últimos años.
Lloyd no solo explota este recurso hasta el hartazgo en su narración para recrear la historia, sino que además parecería que utilizó esas imágenes para sacarse de encima lo más rápido posible los conflictos políticos.
Sí, Meryl Streep pese a todo está muy bien en lo suyo y es el único motivo por el que valdría la pena ver este film. Simplemente para disfrutar de otra gran interpretación de ella con un personaje complicado, que lamentablemente se vio desaprovechada por una película floja que brinda una biografía demasiado light sobre una figura política compleja
La verdad que para ver esto hubieran hecho directamente Maggie: El Musical.

Es un capricho cinéfilo.
Amo las películas de acción o suspenso cuyas tramas se desarrollan a lo largo de un día, como Duro de matar 3, Enlace mortal o la serie 24.
Al borde del abismo es una gran propuesta dentro de este estilo que logra mantenerte enganchado frente a la pantalla grande con un thriller sin demasiadas pretensiones, más que entretener al espectador un rato con un misterio de policías suicidas, robos imposibles y conspiraciones policiales.
La película fue dirigida por Asger Leth, un realizador que viene del género documental y dio un buen primer paso en Hollywood con esta producción que la verdad está muy bien hecha.
El argumento por momentos se convierte en una combinación loca de El fugitivo con El mediador (Kevin Spacey) y Enlace Mortal (Colin Farrell) donde nos encontramos con algunos personajes parecidos que ya vimos en otros filmes.
Otro punto a favor de este estreno es el reparto, donde Sam Worthington se sigue consolidando como uno de los nuevos héroes de acción y en este caso trabaja junto a Ed Harris, quien siempre es un placer de ver en el cine. Muy especialmente cuando hace de villano.
Una sorpresa la hija del Puma Rodríguez, Génesis Rodríguez, quien en un rol secundario hace lo suyo con mucha dignidad y seguramente empezaremos a verla más seguido en el cine norteamericano.
Salvo por una de las escenas finales donde Worthington emprende una acción digna de Chuck Norris en las películas de los ´80, que a lo mejor se podía haber resuelto de otra manera, la trama está bastante bien construida y es muy llevadera.
Al filo del abismo es puro cine pochoclero que dentro del género de suspenso es una gran alternativa para tener en cuenta.

No son pocos los historiadores que creen que J. Edgar Hoover en algún momento fue el hombre más poderoso del planeta y tenía más influencia en los Estados Unidos que el propio líder de la Casa Blanca.
Nunca fue un gran policía pero tuvo la habilidad suficiente para llegar al poder y manejar una de la instituciones más importantes de los Estados Unidos por 37 años.
Sobrevivió ocho cambios de gobierno y la Segunda Guerra Mundial sin que nadie lo pudiera sacar de su cargo.
Si bien hoy es recordado como un personaje infame por todas las actividades ilegales que emprendió para extorsionar a políticos y activistas de los derechos humanos, también fue un hombre que revolucionó la criminología, al darle prioridad a la ciencia forense en 1935 (cuando nació el FBI) en un momento que esa actividad no era tomada muy en serio.
Un figura compleja y contradictoria.
El film de Clint Eastwood trabaja muy bien estos temas pero a la vez retrata la vida personal, detrás de la figura pública de este personaje tan controvertido.
Su homosexualidad reprimida, que fue un factor importante en sus desequilibrios emocionales, la relación enfermiza con su madre (interpretada por una genial Judi Dench) y su visión de la vida política y del mundo totalmente intolerante y fascista que junto su ambición desmedida de poder lo terminaron por convertir en uno de los personajes estadounidenses más oscuros del siglo 20.
Temáticas, que por otra parte, siempre fueron evitadas en otras producciones que se hicieron sobre este personaje en el pasado. Eastwood fue al hueso y lo grandioso de su trabajo es que manejó estas cosas con tacto sin caer en el sensacionalismo y respetando por sobre todas las cosas la inteligencia del espectador.
El director no es complaciente con el personaje y retrata todas sus contradicciones sin dejar de lado sus miserias y mediocridades.
Leonardo DiCaprio brinda uno de los mejores trabajos de su carrera, donde llevó muy bien un personaje difícil al que interpreta en distintas etapas de la vida.
Que su labor haya sido ignorada por la Academia de Hollywood y Brad Pitt fuera nominado por El juego de la fortuna, con un rol que nadie va recordar dentro de dos meses, es una nueva muestra de la fantochada en que se convirtió el Oscar.
DiCaprio está soberbio en este film y lo mismo puede decirse de Arnie Hammer (Red Social).
Clint Eastwood y el guionista Dustin Lance Black (Milk) salieron victoriosos del complicado desafío de contar la historia de Hoover en un film de un poco más de dos horas.
Pocos maestros de la narración como Eastwood pueden desarrollar una biografía que lidia con tantos hechos históricos importantes y como película logra cautivarte desde las primeras escenas.
Si a esto se suma el gran trabajo que hicieron con la reconstrucción de época y la banda sonora a cargo del director (que incluye el infaltable pianito loco de Harry, el sucio), estamos ante otro gran trabajo de este grande del cine que merece su visión.

Películas como esta te inspiran a gritar a los cuatro vientos otra vez: Gracias Ridley Scott!!
En materia de épica de acción la verdad que no hay con que darle. Es el más grande por lejos.
De todos modos estas elecciones a la larga pasan por una cuestión de gustos personales y estilos cinematográficos.
Aquellos que ven a 300 como una obra maestra reciente del cine no van a coincidir seguramente con esta reseña.
El director indio Tarsen Singh, responsable de Inmortales, es un artista que se caracteriza por ser un auténtico maestro del cotillón visual.
Como demostró en sus trabajos anteriores como La celda o El sueño de Alexandría es un realizador que apuesta más a la imagen de sus trabajos que a la historia y al desarrollo de sus personajes.
El problema es que al igual que el ruso Timur Bekmamvetov (Se busca) es un sujeto que tiende a abusar hasta el hartazgo de la animación computada, tanto en la creación de los escenarios como en las secuencias de acción y el resultado por lo general termina siendo un producto insípido y artificial que en un principio logra atraerte por la opulencia visual, pero después te das cuenta que no hay mucho más que eso.
Son películas a las que les falta corazón y parecen una larga presentación estilizada de un video juego de play station.
Por eso elijo toda la vida el arte de Ridley Scott, quien por lo menos sabe como filmar de manera decente una gran batalla final sin la necesidad de abusar con la tecnología CGI y la cámara lenta.
La secuencia extendida de la batalla final de Robin Hood, que se puede ver en dvd en el corte del director, es un millón de veces más emocionante que los 110 minutos que dura este film.
Algo para destacar de este estreno, porque tampoco todo es negativo, es el trabajo de los actores, quienes con un guión sumamente pedorro, que presenta el retrato más flojo y débil que se hizo de los dioses griegos, brindan buenas actuaciones teniendo en cuenta el material con el que trabajaban.
Henry Cavill, no es Russell Crowe y la arenga que hace a sus compañeros en un momento antes de una batalla es una de las peores que vi en los últimos años, pero de todas maneras se las arregló para componer un héroe digno y carismático. Va a ser interesante ver el año que viene que hizo con Superman.
Por otra parte, Mickey Rourke, quien probablemente ya borró de su mente la filmación de esta película, tiene sus buenos momentos y también se celebra el regreso de Stephen Dorff que estaba desaparecido de las películas que llegan al cine.
Los actores son los que hacen llevadero este film.
En el horrendo trailer de Mirror, Mirror, el nuevo trabajo de Tarsen Singh sobre el cuento de Blanca Nieves, que conoceremos este año con Julia Roberts, se puede ver que la cosa va por el mismo camino.
Es su estilo personal y hay gente a la que le encanta y otra a la que no.
Reitero, aquellos que les gusten este clase de realizadores seguramente van disfrutar más esta historia.
En ese caso recomiendo que eviten mirar el trailer porque los productores quemaron casi todas las secuencias de acción en el avance.
Algo incomprensible que no terminan de solucionar en Hollywood.

Hace varios años que esta producción venía dando vueltas en Hollywood sin poder concretarse.
Originalmente nació como un proyecto personal de Eddie Murphy que iba a ser interpretado por un elenco de actores negros donde iban a formar parte, entre otros, Chris Rock y Martin Lawrence.
Por distintos motivos nunca se llegó a concretar.
Luego el director Brett Ratner (Rush Tour) tomó las riendas del proyecto e hizo regresar a Murphy cuando consiguió incorporar a Ben Stiller, Matthew Broderick y Alan Alda.
Robo en las alturas al final resultó una película decepcionante teniendo en cuenta las figuras que protagonizan esta historia.
Stiller y Murphy, especialmente son dos grandes indiscutidos de la comedia, pero en este estreno fueron desaprovechados por completo con una historia tonta donde el humor brilla por su ausencia.
Eso tal vez es lo más loco del film. Por los actores que tenía uno hubiera esperado encontrarse con una propuesta desopilante pero la realidad es que son bastante escasos los momentos graciosos que se presentan en la trama.
Lo que hace Eddie Murphy es realmente pobre. No porque él esté mal en su personaje, por el contrario, creo que es lo mejor de esta producción, pero es bastante poco el tiempo que se lo ve en pantalla. Es una lástima porque el ladrón que compone en esta historia remite muchísimo a esos personajes carismáticos que interpretó en sus primeros trabajos a comienzos de los ´80.
A esta altura uno ya sabe que no va a encontrar un gran espectáculo cuando se trata de un film de Brett Rattner, pero por los actores que habían reunido se podía esperar mucho más. La película recién se vuelve entretenida cuando comienza la ejecución del robo, para lo que hay que esperar un tortuoso primer acto de casi una hora hasta que se presentan los personajes.
Para ver una buen film de acción con buenos momentos de humor, Misión Imposible 4 sigue siendo la mejor opción que tiene la cartelera por estos días. La de Ben Stiller se puede esperar en el cable.

Los trabajos de George Clooney como director suelen ser interesantes.
Su nueva producción si bien no está al mismo nivel de la genial “Buenas noches y buena suerte” es una película correcta.
No sólo presenta un drama político bien narrado, sino que además reúne un reparto de lujo donde tenemos la posibilidad de disfrutar en una misma historia de Paul Giamatti, Philip Seymour Hoffman, Ryan Gosling, Evan Rachel Wood, Marisa Tomei y el propio Clooney.
El reparto es realmente excelente y es en definitiva lo que hace a la visión de este film una experiencia amena teniendo en cuenta la temática trillada que trabaja.
Tal vez ese sea el punto más débil de este estreno.
El mundo sucio de los políticos fue retratado infinidades de veces en el cine y Secretos de estado no aporta nada nuevo ni original en esta cuestión que no hayamos visto antes.
De hecho, la película trae al recuerdo en más de una ocasión a Colores Primarios, de Mike Nichols, con John Travolta, que también abordó en su momento las mismas cuestiones que la producción de Clooney.
La diferencia que se puede destacar es que en este caso el director encaró esta temática más por el lado del thriller.
Secretos de estado no es lo más interesante que hizo Clooney como realizador pero es un film que está para ver si a uno le atraen estas historias.

Los Muppets son un ícono absoluto relacionado con el arte de las marionetas que desde 1974 vienen entreteniendo y educando a distintas generaciones de espectadores.
Si uno se deja llevar por este estreno y el enfoque que tuvo la campaña de publicidad parecería que Disney resucitó esta genialidad del Maestro Jim Henson de la nada, algo que no es tan así.
Los Muppets nunca se fueron, siempre estuvieron ahí a través de especiales y filmes para la televisión. Sin ir más lejos en el 2005 los pudimos ver en El Mago de Oz de los Muppets, donde brindaron una fabulosa adaptación del clásico de Frank L Baum.
Esta nueva película que llega a los cines no es un film de Los Muppets, sino un tributo nostálgico del actor Jason Segel, realizado con buenas intenciones.
Es importante dejar bien en claro este punto porque las diferencias que hay con las viejas películas para cine de estos personajes son abismales y no se pueden pasar por alto.
Comparado con otros filmes que dirigieron Jim Henson (The Great Muppet Caper), Frank Oz (The Muppets takes Manhattan) y Brian Henson (The Muppets Christmas Carol) este estreno se queda a mitad de camino.
Por supuesto esto no la convierte en una mala película, pero no se puede dejar de mencionar que es diferente.
Frank Oz y otros veteranos animadores que trabajaron con las marionetas rechazaron formar parte de este film de Disney justamente por este tema y es comprensible.
El elemento en común que tuvieron todas las películas de Los Muppets (especialmente las que llegaron al cine) es que los muñecos siempre fueron los grandes protagonistas y los actores humanos acompañaban a los personajes en roles secundarios.
En la nueva versión de Disney ocurre exactamente lo contrario y los actores humanos terminaron teniendo más presencia en la pantalla como nunca había ocurrido con un film de los Muppets.
La nueva producción cumple con el entretenimiento pero pierde la frescura que tenía la creación de Henson debido a esos musicales insufribles que protagonizan Jason Segel y Amy Adams, que están fuera de lugar y alargan la película sin sentido.
En realidad este film es más un tributo nerd realizado por un fanático que una verdadera producción de Los Muppets. Basta con repasar el archivo de estos personajes en la pantalla grande para comprobarlo claramente.
La buena noticia es que pese a estos cambios el espíritu de los personajes se mantuvo intacto y por lo menos no los distorsionaron.
La historia tiene muy buenos momentos donde a través de la sátira se habla sobre la enorme cantidad de porquerías que hoy se producen en la televisión. Un medio donde joyas como Los Muppets actualmente son difíciles de encontrar.
La nueva película si bien no tiene el peso suficiente para relanzar con toda su gloria a estos grandes de las marionetas, ofrece un ameno reencuentro con estos personajes que brindaron muchas alegrías.

Después de hacer un papel lamentable y patético en la impresentable adaptación del Avispón Verde, Seth Rogen logró redimirse con esta producción personal que ofrece una gran historia de amistad que merece ser recomendada.
En este caso decidió llevar al cine la experiencia personal que vivió su amigo y escritor Will Reiser cuando le diagnosticaron un cáncer espinal que le daba un 50 por ciento de probabilidades de sobrevivir.
50/ 50 es una muy buena película cuya máxima virtud es que logra hacer reír al espectador con una temática delicada, que en este caso fue trabajada con inteligencia y ofrece un mensaje inspirador sobre como llevar adelante este tipo de situaciones.
El propio Reiser fue el guionista del film y Seth Rogen prácticamente se interpretó a si mismo, ya que fue el amigo que acompañó al escritor durante el proceso de su enfermedad.
Joseph Gordon-Levitt en este último tiempo se convirtió en una garantía de buen cine. Inclusive si la película no es gran cosa el tipo siempre queda bien parado y ofrece muy buenas actuaciones.
En 50 /50 está brillante y junto con Rogen representa el alma de esta producción, cuyas mejores escenas son las que comparten juntos los dos actores.
Otro punto a favor de la película es la dirección de Jonathan Levine, quien supo encontrar el balance adecuado entre la comedia y el drama y como resultado obtuvo, más allá de los momentos graciosos, una historia muy emotiva que sin caer en golpes bajos y sentimentalismos forzados explora con realismo el tema del cáncer a través de una película muy entretenida.
Los seguidores de Gordon-Levitt, especialmente, no deberían dejar pasar este estreno, ya que en este caso presentó uno de los mejores trabajos de su filmografía.

Después de 40 años de ausencia en la pantalla grande, Tintín volvió a los cines en lo que representa su primera producción hollywoodense.
Un ícono absoluto del cómic europeo que tuvo un origen oscuro (ver historia de Tintín) para luego convertirse en un gran fenómeno internacional dentro de este arte.
Algunas de las historias de este personaje todavía generan polémica (ver Tintín en el Congo), pero la realidad es que su imagen cambió por completo con el paso del tiempo.
La última película con el periodista francés había sido Tintín y el lago de los tiburones, de 1972, que luego fue narrada en el cómic.
Lo primero que hay que saber sobre este estreno es que no se trata de una adaptación de los libros de Hergé, sino que brinda la visión personal (y respetuosa) de los directores Steven Spielberg y Peter Jackson, que no es lo mismo.
Si entramos en el terreno de la adaptación, queda intacta la gloriosa serie animada de los años ´90, que en Latinoamérica conocimos a través de HBO, y en la actualidad sigue siendo una obra maestra de los dibujos animados y por lejos, el retrato más fiel y certero que se hizo de la obra de Hergé.
Ni Spielberg ni Jackson pudieron superar eso. En parte esto tiene que ver con que ellos enfocaron al personaje por otro lado.
En esta película Tintín prácticamente es una versión juvenil de Indiana Jones, que vive eternamente perseguido a lo largo de todo el conflicto. Las investigaciones quedaron un poco relegadas por las secuencias de acción.
Es loco porque el retrato más puro del personaje el director lo presenta en los excelentes créditos iniciales. Después, el modo en que encararon la trama va por otro lado.
Tintín es otra cosa y para conocerlo bien hay que leer los cómics.
Un problema que tiene la película, en mi opinión, es que cometieron el error de combinar tres historias de los libros de Hergé en un solo conflicto y al final los terminaron desaprovechando.
Esto ya había ocurrido en la película de 1969, Tintín y el Tempo del Sol, que adaptó “La siete Bolas de Cristal” y “Prisioneros del Sol”, que justamente no funcionó bien por esta cuestión.
En este caso Spielberg condensó en una sola trama “El secreto del Unicornio”, “El cangrejo de las pinzas de oro” y “El tesoro de Rackham el Rojo”.
Es una lástima que hicieran esto porque los argumentos de Hergé eran bastante sólidos y al combinarlos los terminaron arruinado.
Ahora bien, debo ser justo y reconocer también que Spielberg y Jackson más allá de los cambios que hicieron se manejaron con un respeto absoluto a la hora de construir los personajes.
Todo lo contrario a lo que hizo Frank Miller con el fiasco de The Spirit, otro gran clásico de la historieta, que distorsionó por completo simplemente para satisfacer sus estúpidos caprichos egocéntricos.
En las aventuras de Tintín por los menos podés reconocer a los personajes de Hergé, que dentro de todo, mantienen las características principales de sus personalidades. Inclusive el mundo en el que se desarrolla la trama es el mismo de los cómics.
La animación es extraordinaria y como suele ocurrir cuando se trabaja con el estilo de captura de movimiento, una de las grandes claves de la película es el elenco.
En este caso el reaparto fue excelente y los que más sobresalen son Jaime Bell (Tintín) y Andy Serkis, quien ofrece una gran interpretación del Capitán Haddock.
Quienes no estén familiarizados con este personaje se van a encontrar con un gran film clásico de aventuras que claramente supera a lo que hizo Spielberg en la última entrega de Indiana Jones.
En definitiva, Las aventuras de Tintín es una interesante combinación del arte de Hergé con el cine de Spielberg que logra brindar un tremendo entretenimiento.

Cameron Crowe no hace películas todos los años, pero cuando regresa a los cines sus historias nunca pasan desapercibidas. Inclusive cuando el estudio Fox en Latinoamérica vende su trabajo como si fuera una comedia familiar de Guillermo Francella.
La verdad que cuando leí por primera vez sobre este proyecto de Crowe no me entusiasmé demasiado, ya que no se trataba de una historia original de él, sino de la adaptación del libro de memorias de Benjamín Mee, “We Bought a Zoo” que tuvo repercusión en Estados Unidos.
Era una película por encargo para un estudio de Hollywood.
Esto no es algo necesariamente negativo. De proyectos por encargo salieron filmes como El Padrino, El Exorcista y Superman que hoy son clásicos del cine.
Inclusive cineastas tan personales como Richard Linklater hace unos años hizo para los estudios Paramount, Escuela de Rock, que en mi opinión es una de las mejores comedias estrenadas en la última década.
Este estreno en particular con el que cerramos el 2011 originalmente fue escrito por Aline Brosh McKenna, responsable de la “Chandler movie”, El Diablo viste a la moda, la horrible remake de Fama y la más espantosa todavía, No se cómo lo hace, con Sarah Jessica Parker que se estrenó hace poco.
Afortunadamente (y esto no lo supe hasta después de ver la película) Cameron Crowe aceptó hacer este film para Fox con la condición que le dejaran reescribir el guión otra vez.
Gracias Cameron por eso.
De esta manera el director tomó algo que no era suyo y lo hizo propio al trabajar la narración y el desarrollo de los personajes con su estilo personal.
Un Zoológico en casa yo la definiría como una prima de otras películas de Crowe como Jerry Maguire y Elizabethtown donde hay temáticas que se vuelven a trabajar, pero en esta oportunidad tienen un enfoque distinto producto de la situación personal del protagonista, que en este caso tiene hijos.
Benjamín Mee en un punto no es tan distinto a Jerry Maguire, ya que ambos deciden apostarlo todo por un sueño y un proyecto complicado lleno de obstáculos que valen la pena ser enfrentados.
Lo que cambia es el contexto que rodea al protagonista, quien tiene que lidiar con la muerte de su esposa y la manera en que sus hijos intentan adaptarse a ese hecho.
La relación entre padres e hijos es otra temática importante en este proyecto que el cineasta no había abordado con tanta fuerza en el pasado.
Con una maestría absoluta en la narración, Crowe ofrece una historia muy emotiva que combina como los dioses el drama con el humor.
A diferencia de la gran mayoría de las historias de amor que se hacen en Hollywood, la relación sentimental de los protagonistas en este film fluye naturalmente, sin la necesidad de forzar el romance para concretar en 90 minutos el típico final feliz.
Pocas películas de estos días ofrecen personajes tan realistas como los que crea este director, con los que uno puede conectarse y sentir las emociones que viven en sus historias.
En este caso se suma también la construcción de un reparto brillante donde cada actor, inclusive los que tienen un rol secundario, están perfectos en su rol.
Una mención especial merece Maggie Elizabeth Jones, quien a sus siete años ofrece una interpretación dulce, madura y espontánea como pocos niños pueden hacerlo.
Por otra parte, Matt Damon brinda uno de sus mejores trabajos actorales que se vieron de él en el último tiempo. En este film es el corazón de la historia y le dio mucha humanidad a su personaje.
Por supuesto una película de Cameron Crowe no estaría completa sin una banda de sonido decente donde suenan los eternos Tom Petty, Neil Young y Bob Dylan que ya son clásicos infaltables en su filmografía.
Es como que a través de la música también le deja su sello personal al film.
Un zoológico en casa es una gran película familiar con la que se cierra a lo grande la cartelera de este año y que no va a defraudar a los seguidores de este director.

Terror en lo profundo es una de las peores producciones de este género que se estrenaron en el último tiempo.
Es increíble que el mismo director que fue responsable de una película original y entretenida, como fue en su momento la primera entrega de Destino Final, haya caído tan bajo al presentar un trabajo mediocre como este.
Los que criticaron negativamente a Piraña 3 D les puedo asegurar que después de ver esto la van a terminar reivindicando.
Aquel film de Alexander Aja resultó divertido porque el director trabajó la historia con un enfoque totalmente grotesco, donde las pirañas brindaban ataques zarpados en los que abundaba el gore.
Era una película clase B entretenida con la que inclusive te podías reír un rato con esos bichos que estaban totalmente sacados.
Terror en lo profundo, por el contrario, no sólo es una falta de respeto a la memoria de Tiburón y las historias de este tipo, sino que es un film aburrido y estúpido donde nada de lo que uno ve en la pantalla tiene sentido.
El director David R. Ellis quien en el pasado brindó un film bizarro y divertido como Snakes on a plane que acá se llamo Terror a bordo en este caso parece haber perdido el tacto para el humor y los climas de suspenso.
Los tiburones, que parecen haber consumido esteroides, apenas tienen espacio para lucirse y ni siquiera resultan atractivos.
La trama, por otra parte, está plagada de situaciones que no tienen explicación. En una escena un tiburón le arranca un brazo a un flaco (de puro jodido que es, ya que no se lo come) y diez minutos después el tipo como si fuera Namor, el superhéroe de Marvel, se arma una lanza para salir a nadar y vengarse de los peces!
Cualquiera.
Si la historia se hubiera desarrollado por el lado del humor vaya y pase, pero no es la manera en que encaró esta producción Ellis.
El 3 D es bastante bueno pero nunca se llega a lucir debido a la historia de la película.
La verdad es que el terror brilla por su ausencia por lo que no vale la pena perder el tiempo con esto.
Un estreno para el olvido.

El estreno de esta película es un verdadero milagro de la cartelera argentina.
Por lo general las historias sobre deportes como el béisbol, el fútbol americano y el hockey sobre hielo no suelen llegar el cine, ya que tienden a tratar temas muy localistas de los Estados Unidos que acá no generan atracción.
Sin embargo, si el afiche de un film de este tipo muestra a Brad Pitt sentado en una tribuna, parece que la cosa cambia por completo.
Lo gracioso de esta situación es que de todas las películas sobre deportes que brindó el cine norteamericano en los últimos años, El juego de la fortuna es por lejos una de las más complejas.
La historia tiene que ver con el gerente de un equipo de béisbol que logró reconstruir un equipo y salvar a su club de la desaparición de las Grandes Ligas gracias al uso de sofisticadas estadísticas y promedios.
Tal vez en este punto se encuentre la mayor virtud del film.
El guionista Aaron Sorkin, ganador del Oscar por Red Social, junto a Steve Zaillian (La lista de Schindler) tomaron el libro de economía y estadísticas, “Moneyball” de Michael Lewis y lograron convertirlo en una interesante película que se expresa sobre el riesgo de animarse a romper los paradigmas de pensamientos tradicionales.
Creo que El juego de la fortuna va más allá del béisbol y si uno se atreve verla desde otro lugar puede encontrarle su atractivo.
La tarea que hizo Billy Beane (Brad Pitt) con los Atléticos de Oakland es la historia de un hombre que decidió pensar diferente e ir en contra de todas las reglas implementadas por el sistema para empezar a concebir esta disciplina con un enfoque fresco y distinto, que en este caso tiene que ver con la manera en que se construye un equipo de béisbol.
Sin embargo, creo que esta cuestión se podría aplicar en cualquier otro asunto de la vida que no tenga que ver con el mundo deportivo y eso es lo que convierte a El juego de la fortuna en una propuesta interesante.
De todas maneras creo como película deportiva tampoco está mal, ya que evita todos los clichés que suelen tener este tipo de producciones y retrata el otro mundo del béisbol que no se acostumbra a mostrar en el cine, donde el aspecto físico de un jugador cuenta más que su talento en el campo de juego a la hora de firmar un contrato.
Inclusive no sé hasta que punto las situaciones que vemos en este film sobre los pases de jugadores, los gerontes que dirigen los equipos y se niegan a aceptar propuestas de cambio, son tan distintas a lo que viven algunos clubes del fútbol argentino.
Por eso el tema de que este estreno es un film muy localista de los Estados Unidos por tratarse del béisbol creo que puede ser discutido.
Bennett Miller, el director de Capote, narra muy bien estas cuestiones con muy buenos momentos de humor y un gran elenco donde se destaca sobre todo Brad Pitt, pero brilla también Jonah Hill en un excelente trabajo.
Finalmente demostró que puede hacer otro personaje más allá del nerd modelo siglo 21.
El Juego de la fortuna es una película que deja varios temas para discutir y conversar después de la función y eso siempre se agradece cuando uno sale del cine.

Junto con la película de 1969, realizada por Hayao Miyazaki y Kimio Yabuki, responsable de Rainbow Brite (clásico dibujito ochentoso para niñas) esta nueva producción de los estudios Dreamworks es una de las mejores interpretaciones que se hizo del famoso cuento creado por Charles Perrault.
El gato, cuya versión más famosa, apareció por primera vez en 1697, en la recopilación de Perrault “Cuentos de mamá Ganso”, siempre trascendió por ser un personaje políticamente incorrecto dentro de los cuentos de hadas y este relato en particular sobresalió en la bibliografía del autor por el humor picaresco que tenía la trama.
En Dreamwoks entendieron esto a la perfección desde que presentaron al gato en la secuela de Shrek y acá hicieron un gran trabajo al evocar el espíritu de la obra original.
Esa primera escena donde el gato se viste luego de pasar un buen rato con su amante, cuyo nombre no recuerda, es un retrato perfecto de este héroe literario, que siempre fue un gran embustero.
La verdad que esta película es una producción mucho mas sólida que cualquiera de la secuelas de Shrek.
El director Chris Miller ofrece una muy buena aventura, que con una banda sonora digna de un spaghetti western, le rinde un tributo a otros cuentos populares clásicos como “Humpty Dumpty” ( personajes bizarros si los hay) y “Las habichuelas mágicas”.
El trabajo en la animación es impresionante, especialmente en lo que se refiere a la construcción de los escenarios y la secuencias de acción, donde Dreamwoks vuelve a demostrar que hoy no tiene nada que envidiarle a Pixar, su gran rival hollywoondense.
Antonio Banderas, por otra parte es el corazón de la película, y su interpretación es una de las principales razones por la que existe este estreno.
De haber sido interpretado por otro actor en Shrek 2 no sé si el gato hubiera conseguido tener su propio film. Acá está excelente y tiene muy buenos momentos en la historia.
En definitiva este film resultó una muy buena propuesta de animación que no defrauda a quienes se engancharon con este personaje en la saga del ogro.

Año nuevo es otro intento fallido del director Garry Marshall por tratar de emular esa excelente película romántica que fue Realmente Amor (Hugh Grant).
El realizador de Mujer Bonita ya había presentado el año pasado el fiasco de Día de los enamorados y ahora volvió a repetir la misma fórmula con varias historias que transcurren en la víspera de año nuevo.
Un largo desfile de figuras de Hollywood protagonizan distintas tramas que tiene un mismo punto en común: ¡Son aburridas!
Año Nuevo por el lado de la comedia está lejos de ser una película desopilante, el romance es tan cursi como las tarjetas empresariales de fin de año y el drama está plagado de clichés absolutamente previsibles.
Un misterio cómo terminó Robert De Niro involucrado en esto. Tapoco entiendo lo de Jon Bon Jovi, pero al menos su trabajo lo hizo con dignidad.
En definitiva esta película es otra clara muestra de la decadencia absoluta en la que se encuentra este género.
La única historia romántica decente que vimos este año la brindó Woody Allen con Medianoche en París, donde por lo menos te enganchabas con la trama.
El otro problema de este estreno es que al tratarse de tantas historias, las pocas que pueden generar un poco de interés (como la de Michelle Pfeiffer y Zac Efron) tampoco llegan a ser muy desarrolladas.
Mención aparte, la patética escena de Halle Berry con su marido soldado.
¿Era necesario en esta historia incluir a un representante de las fuerzas armadas?
¿No podía ser un médico trabajando en Europa?
Todo es tan cutre en Año Nuevo que se complica recomendarla. La escena más graciosa de la película la protagonizan Carla Cugino y Jessica Biel recién en los créditos finales.
Ya está Garry Marshall. Es hora de un descanso.

Sara Jessica Parker necesita tomarse unas largas vacaciones de la actuación y el mundo del cine.
Como le ocurrió en el pasado a tantas figuras del mundo del espectáculo cuando la pegaron con un personaje exitoso, el rol de Carrie Bradshaw, la protagonista de Sex and the City se la devoró por completo y la actriz perdió el rumbo en su trabajo.
En esta película, además de presentar una historia que temáticamente atrasa 50 años, Parker vuelve a replicar en sus gestos, su modo de expresarse y encarar el personaje lo mismo que hizo en Sex and the city.
Su personaje se llama Kate Reddy pero en realidad es Carrie Bradshaw con hijos. Otra vez vuelve a darle vida a un clon del rol que tuvo en la televisión que con el desarrollo de la historia no hace otra cosa que aburrir.
Esta es una película bastante loca porque retrata a las mujeres que trabajan y además crían hijos como si fuera un descubrimiento de los últimos años. De a cuerdo a esta historia la mujer ejecutiva es mejor madre por el simple hecho que está más ocupada, algo que es un desquicio absoluto.
Aunque lo más insólito es que las mujeres que no trabajan son retratadas como vagas perezosas que lo hacen por vagancia. Prácticamente se las muestra como si fueran el enemigo.
Hubiera sido más interesante de ver como la protagonista se manejaba para balancear la vida familiar con la laboral sin una niñera full time y una asistente personal en la oficina, como lo hacen la mayoría de las mujeres.
Más allá del tratamiento que tuvo el tema, la película es un fiasco absoluto como comedia. Sara Jessica Parker no tiene gracia y el guión, exageradamente predecible, tampoco contribuye con el entretenimiento.
Por lejos este es el trabajo más mediocre que presentó en su filmografía el director Doug McGrath, quien en el pasado brindó muy buenas películas como Infame, sobre la vida de Truman Capote y excelentes adaptaciones de clásicos literarios como Emma (Gwyneth Paltrow) y Nicolas Nickleby, de Charles Dickens.
Su nueva película es para el olvido.

Antes que nada quiero expresar que es un golpe bajo y macabro hacia el espectador la idea de la compañía Sony de incluir, antes de la película, un video completo de Justin Bieber (la mediocridad y estupidez encarnada en un ser humano), quien destruye una clásica canción navideña con un horrible cover.
Entiendo que lo dictan las reglas del marketing y el mercado pero escuchar a este mamerto en un cine es una experiencia insufrible. Tendrían que exhibir el clip únicamente para las fans después de los créditos finales.
Por suerte Operación Regalo es una excelente propuesta de animación que enseguida logra borrar de tu mente el mal trago.
Los Estudios Aardman una vez más sorprenden con otra gran producción, que en este caso sobresale como una de las mejores historias de navidad que se contaron en los últimos años.
La mayor virtud de este film reside en el excelente guión de Peter Bayhham (uno de los responsables de Borat) y Sarah Smith, que combinó a la perfección una emotiva historia navideña con situaciones disparatadas y diálogos desopilantes.
Es esa clase de películas donde los más chicos se pueden entretener con una gran propuesta familiar, pero lo adultos también se pueden reír con las reacciones de algunos personajes que son fabulosas.
Operación Regalo presenta una original explicación de cómo Papá Noel entrega todos los regalos en una noche desde hace décadas, que está muy bien desarrollada, y no deja de ser una sátira de toda la mitología que existe alrededor de la Navidad.
Lo que hicieron con el Santa Claus abuelo es excelente y se roba más de una escenas con líneas maravillosas.
La directora Sarah Smith es una artista con mucha trayectoria en la comedia británica que llegó a trabajar con Simon Pegg (Paul) e inclusive fue guionista de una gran serie de animación como fue Bob y Margareth.
En esta película se nota la experiencia de los realizadores en el campo de la comedia y esa es una de las grandes sorpresas de este film, que resultó mucho más gracioso y divertido que lo que prometían los avances.
Los Estudios Aardman son reconocidos por su trabajo en la animación stop motion con plastilina, donde brindaron producciones magníficas como Pollitos en Fuga y Wallace y Gromit.
En este caso desarrollaron la película íntegramente a través de la animación computada y la verdad que hicieron un muy trabajo. Sin embargo, Operación Regalo sobresale por su guión y los personajes que son muy divertidos.
No puedo dejar de mencionar el excelente doblaje latino donde se distingue Jesse Conde (el señor Cara de Papa de Toy Story), un gran veterano de este arte que la rompe en el personaje del abuelo Papá Noel y Noé Velázquez como la duende Byrony.
Una gran película de animación que se destaca entre los estrenos de este año dentro del género.

En 1974 el director Michael Winner y Charles Bronson impactaron en Hollywood con El vengador anónimo, un controvertido film donde el protagonista era un hombre común y corriente que decidía hacer justicia por mano propia, cuando unos delincuentes violaban a su esposa y su hija.
Desde entonces esta historia se convirtió en un clásico que fue refritado centenares de veces en las últimas décadas, tanto en Hollywood como el cine europeo y asiático.
Sin ir más lejos en el último tiempo tuvimos estrenos con temáticas parecidas como Sentencia de muerte (Kevin Bacon) Días de ira (Gerard Butler) y Valiente (Jodie Foster), que no pasó por los cines locales.
Fuera de la ley es una película que en principio parece ser otro refrito más de esta típica historia de venganza hasta que a los diez minutos del film, el violador de la esposa de Nicolas Cage es asesinado.
Ahí es donde este estreno se vuelve realmente interesante, ya que el director Roger Donaldson (El discípulo) presenta una vuelta de tuerca diferente a esta clásica temática.
Lo interesante de Fuera de la ley es que el protagonista tiene que enfrentarse a los justicieros anónimos que vengaron el crimen de su mujer, que forman parte de una misteriosa organización que actúa con complicidad de la ley.
A diferencia de lo que muestra el afiche local del film el personaje de Nicolas Cage nunca llega a convertirse en un justiciero, sino que por el contrario le escapa a la violencia. Un detalle que diferencia a esta producción de otras películas similares.
El film está bien hecho y cuenta con muy buenas actuaciones de Cage y Guy Pearce, quienes son los que más se destacan dentro del reparto.
El director logró desarrollar un thriller con algunos giros sorpresivos que permiten que te mantengas interesado con las situaciones que atraviesan los personajes.
No es una de las grandes películas del año ni va a recibir premios, pero es un decente entretenimiento dentro del género de suspenso.

Happy Feet, la película original del 2006 ganadora del Oscar fue una gran producción de George Miller (Mad Max) que se destacó principalmente por la historia que narraba y la manera que combinó el humor con grandes escenas musicales.
Lamentablemente la secuela es un film que parece hecho para cumplir un compromiso comercial, más que para volver a contar un buen cuento con estos personajes.
La continuación perdió el humor que tenía la primera entrega y presenta un conflicto mucho más dramático donde los pingüinos están constantemente en peligro.
El guión de la primera entrega brindaba una gran aventura donde el protagonista atravesaba un proceso de búsqueda personal en la que trataba de resolver las dificultades que tenía para relacionarse con el resto de los animales.
En la nueva película la trama es una gran ensalada que mezcla varias historias de las cuales ninguna llega a ser interesante.
Tenemos la relación de Mumble, el héroe del primer film, con su hijo que no llega a conectarse, la aparición de un misterioso pingüino gurú que es adorado como un salvador, el peligro que enfrenta la colonia de pingüinos emperador debido al calentamiento global y una pareja de krills que directamente parecen salidos de otra película.
Estos bichos al menos, hay que reconocerlo, son los únicos que brindan un poco de humor dentro de esta producción que perdió el brillo que tuvo la primera entrega.
La narración de Miller también es bastante despelotada porque va y viene todo el tiempo con distintos personajes y hasta la mitad de la película la verdad que no queda muy claro en claro cuál es el verdadero conflicto del film.
Tal vez la diferencia más grande que sobresale con la película del 2007 es la pobrísima banda de sonido que reúne una horrible colección de canciones pop y hip hop.
Salvo por la escena de “Under Pressure” los musicales son bastante pobres y carecen de la emoción y entusiasmo que tuvieron en el film previo. Tampoco ayudan las canciones dobladas que suenan bastante feas en la versión en castellano.
Lo mejor de esta producción pasa claramente por la animación, donde hicieron un gran trabajo a la hora de darle vida al mundo marino con mucho realismo. En los aspectos técnicos Happy Feet 2 es donde presenta sus méritos más importantes.
Queda la sensación que el director no estuvo tan comprometido con esta película como lo hizo en la primera entrega y desarrolló esta secuela simplemente para cumplir un contrato con el estudio Warner.
Una decepción.

En los últimos años aparecieron nuevos directores jóvenes en el cine italiano que se dedicaron a revivir los viejos policiales que se hacían en ese país en la década del ´70.
Especialmente el tipo de historias que eran comunes en el “giallo”, ese subgénero cinematográfico que combinaba con una cuota de erotismo (y a veces con elementos fantásticos) el noir con las historias de terror.
Darío Argento, Lucio Fulci y Sergio Martino fueron algunos de los grandes directores de este estilo que en la actualidad los nuevos cineastas suelen homenajear con sus trabajos.
Dos ejemplos recientes de ello fueron La chica del lago, una buena película policial de Andrea Molaioli, que no llegó a cartelera argentina y La hora del crimen, que tuvo más suerte con la distribución y se estrena esta semana.
El film de Giussepe Capotondi es un thriller psicológico que claramente evoca al giallo italiano con una marcada influencia también del cine de Brian De Palma.
Se trata de una historia que comienza con una narración bastante lenta hasta que sucede un hecho violento que dispara el conflicto y a partir de ese momento la trama se vuelve interesante.
Es una de esas películas en las que tenés que estar bastante atento a lo que sucede en la pantalla, ya que cada escena es una pieza importante de ese rompecabezas que representa el conflicto.
Me pareció interesante que la película te desconcierte con los géneros que combina durante el desarrollo de la historia. ¿Es un policial negro? ¿Una historia de fantasmas? ¿Una romántica?
De alguna manera eso es lo que hace diferente a esta propuesta que te mantiene enganchado con los constantes giros que tiene la trama.
Tal vez la película decae un poco cuando el director se mete en el terreno del melodrama que desentona un poco con el resto del film, pero esto tampoco llega a arruinar la historia.
Sumado a un gran trabajo de los protagonistas, Kseniya Rappoport y Fillipo Timi, la verdad que La hora del crimen es un decente film de misterio que está para tener en cuesta si se busca una propuesta de este estilo.

Acá tenemos un claro ejemplo de como los actores que se especializan en la rama del doblaje pueden tomar un material en otro idioma y mejorarlo por completo.
La verdadera historia de Caperucita Roja, estrenada en el 2005, fue una de las joyas recientes de la animación independiente.
Un film totalmente desopilante y creativo que narró el clásico cuento de hadas como si fuera un capítulo de La Ley y el Orden. Con muy poco presupuesto y una buena idea la película llegó a recaudar a nivel internacional más de 110 millones de dólares.
Afortunadamente los responsables del doblaje en castellano decidieron contratar a los mismos actores para la secuela que hicieron un gran trabajo en el primer film.
Rubén Moya es uno de los artistas más grosos que existen en este campo, responsable de la memorable voz de He-Man y de Jack Palance en el recordado programa Crease o no de Ripley, entre tantas otras cosas.
Lo que hace con la rana detective Nick Flipper en este film es fantástico.
Escuchar esa voz tan poderosa que impone respeto y seriedad en una rana que tiene un cuerpo escuálido y actúa como si fuera un personaje de un thriller de Paul Greengrass te hace descomponer de la risa.
Quería empezar por destacar esto ya que esta segunda parte lamentablemente es una producción muy inferior a la primera entrega.
El doblaje latino es lo que hizo amena a la propuesta y por eso merece ser resaltado.
Es loco porque los realizadores contaron con el doble de presupuesto (30 millones de dólares) que la obra del 2005, pero no lograron mejorar la historia original.
Los números hablan por si solos.
La primera superó en la taquilla a nivel internacional los100 millones de dólares, la secuela ni siquiera consiguió recuperar la inversión. Es claro que algo no funcionó.
Creo que el gran problema de esta película pasa estrictamente por una cuestión de guión.
En este caso los productores cometieron el gran error de alejarse por completo del espíritu de la primera película y en consecuencia, la historia perdió su gracia.
En lugar de brindar otro policial disparatado, la trama se desarrolla dentro la de la infame, maldita e insoportable parodia de James Bond y todos los agentes secretos que te imagines.
El mismo motivo por el que Cars 2 fue un fiasco absoluto.
Ese concepto lo explotaron tanto en las películas de animación que no da para más.
El film comienza con una muy buena secuencia relacionada a la toma de rehenes de Hansel y Gretel, pero después se desvirtúa por completo.
La dirección en este caso corrió por cuenta de Mike Disa, un experimentado artista de Disney, que el año pasado estrenó en dvd un interesante animé como fue Dante´s Inferno: An Animated Epic, basado en un video juego y el famoso poema de Alighieri.
Con Caperucita Disa parece totalmente perdido y no le supo encontrar la vuelta a los personajes.
La animación es claramente superior a lo que vimos en el 2005 porque esta vez los realizadores tuvieron más dinero, pero el humor disparatado se perdió y ese era el principal elemento que hizo especial a La verdadera historia de Caperucita roja.
La película dura 85 minutos y parece mucho más larga producto de un guión flojo que propone una historia de aventuras que no termina por convencer.
Reitero, el doblaje dentro de todo hizo un poco más entretenida a esta secuela que en términos generales resultó una gran decepción.
De todas maneras, gracias Rubén Moya por la rana Nick Flipper.

En términos esotéricos, el fenómeno del 11: 11 no tiene nada que ver con la estupidez que se plantea en este film, donde una vez más Hollywood distorsionó el tema como ocurrió hace poco con las profecías mayas y la tonta película de Roland Emmerich, 2012.
Hay un montón de información en la web sobre esta cuestión que pueden buscar y se escribieron varios libros al respecto. Hasta Regina Spector tituló su disco debut haciendo alusión a ese número.
Es un tema que da para largo.
En esta película tomaron esa cuestión y la desarrollaron como un relato de terror.
La dirección corrió por cuenta de Darren Lynn Bousman, quien se hizo famoso en el cine por los ultra violentos y sangrientos capítulos 2, 3 y 4 de El juego del miedo y el musical Repo! The Genetic Opera.
Hace unos meses estrenó también la remake de Mother´s Day, el clásico slasher de 1980 de Charles Kaufman que resultó un fiasco ya que no logró conseguir una distribución masiva y apenas se exhibió en festivales de cine.
11-11-11 es un film interesante dentro de su filmografía por la sencilla razón de que no corre una gota de sangre y tampoco hay secuencias de torturas ni mutilaciones.
En este caso abordó el género de terror por otro lado con una propuesta que evoca por momentos a los viejos filmes sobre actividades paranormales y demonios de los años ´70, como Posesión diabólica (Burnt Offerings) y No temas a la oscuridad, por citar algunos casos.
Lamentablemente este estreno ni siquiera se acerca a ser una producción tan buena como aquellas películas.
Debo ser justo y destacar que Bousman comienza muy bien la narración de esta historia creando muy buenos climas de suspenso que de a poco van construyendo el misterio.
Dos elementos claves fueron la excelente banda sonora de Joseph Bizara (quien este año la rompió también en La noche del demonio) y la fotografía de Joseph White.
El trabajo de White parece muy inspirado por lo que hizo Owen Roizman en El Exorcista. Al menos trabajó con una paleta similar de colores.
El gran problema de esta producción es que la trama es demasiado tonta. Bousman lleva la historia con mucho suspenso para cerrarla con un final totalmente pedorro que te deja indiferente.
Por otra parte a la película le faltaron más escenas de terror. Hacia la mitad la historia se vuelve un poco pesada con las discusiones religiosas y la investigación del protagonista.
Bousman llega a ofrecer algunos momentos brillantes, como la breve escena con una silla mecánica, de esas que se usan para trasladar personas inválidas por las escaleras, que es soberbia.
Una de las pocas situaciones destacables que tiene el film. Creo que le faltaron más escenas como esa.
Después los demonios que irrumpen en el final parecen salidos del Tren Fantasma de los parques de diversiones. Flojo.
En ese sentido lo que hizo el director James Wan en la Noche del demonio fue mucho más efectivo.
Tampoco ayudó el giro sorpresa, que argumentalmente es olvidable y encima tiene la típica edición de los finales de Saw, que la verdad se podía haber evitado.
Me pareció interesante que este director se propusiera abordar el género con otros recursos, pero la historia la verdad que no ayudó demasiado.
No es una mala película pero tampoco se destaca entre las cosas que se estrenaron este año dentro de este estilo

Se habló mucho de la relación entre Antonio Banderas y Pedro Almodóvar en los medios, donde se decía que estaban alejados y era imposible que volvieran a trabajar juntos.
Al final nada de eso resultó cierto ya que volvieron a reunirse otra vez para brindar la mejor película que hicieron ambos artistas en muchos años.
Almodóvar es un buen director que hizo filmes importantísimos dentro de la producción española, pero en el último tiempo empezó a aburrir.
Sus melodramas tediosos terminaron por saturar y el cineasta no hizo otra cosa que repetirse a si mismo contando relatos que eran más de lo mismo.
Algo similar le ocurrió también a Woody Allen hasta que empezó experimentar con elementos diferentes en sus trabajos y volvió a filmar buenas películas.
Para quienes le veníamos pidiendo al director español una propuesta distinta, La piel que habito es una respuesta contundente.
Finalmente Almodóvar se despertó de su siesta y realizó un thriller totalmente absorbente que te mantiene intrigado desde las primeras escenas y que además brinda una de las historias de venganza más retorcidas que se filmaron en los últimos años.
La piel que habito es una película totalmente influenciada por el viejo “giallo”, que es con el nombre que se conocía a los policiales eróticos italianos de los años ´70, que solían filmar directores como Darío Argento y Lucio Fulci.
La particularidad es que en este caso Almodóvar combinó ese tipo de cine con los thrillers clásicos de Alfred Hitchcock, quien también representó una notable influencia en esta producción.
Este film es una gran bocanada de aire fresco para la filmografía del cineasta español, donde pudo mostrar su maestría como narrador dentro de un género que nunca había explorado de esta manera.
El reparto para variar es excelente y Antonio Banderas con este trabajo se redimió de todas las películas malas que hizo en Hollywood . Es loco verlo en este film porque uno descubre nuevamente a ese actor talentoso que surgió con Almodóvar en los años ´80.
El psicópata que interpreta en esta historia, que por cierto, tranquilamente podría haber sido amigo de Jigsaw (El juego del miedo), ya que los dos están totalmente pirados, es claramente uno de los mejores personajes que brindó en su filmografía.
La trama demencial que presenta este film estuvo basada en la novela “Tarántula” de Thierry Jonquet, que ya había despertado polémica en 1995 por el relato depravado que brindaba el autor.
Por supuesto el film no puede escaparle a ciertos elementos desconcertantes como el sujeto brasilero vestido de tigre que aparece en una escena y el musical de Concha Buika que no aportan absolutamente nada a la trama, más que para satisfacer un capricho del director con el objetivo recordarnos que él está detrás de cámaras y no puede dejar afuera sus incompresibles excentricidades.
Al margen de estas cosas que se le pueden objetar al film, La piel que habito es lo más interesante que hizo Almodóvar en muchísimo tiempo y ofrece un buen cuento de suspenso.

Los Tres Mosqueteros es por lejos uno de los clásicos de la literatura que mayor cantidad de adaptaciones tuvo en el cine y la televisión.
Para buscar los primeros antecedentes de esta genial historia de Alejandro Dumas tendríamos que remontarnos a los comienzos del cine, a principios del siglo 20, cuando aparecieron varias producciones mudas con estos personajes.
Se estima que la primera película es de 1903.
Desde entonces se hicieron muchísimas producciones, inclusive desde la animación.
Hace poco, sin ir más lejos, se editó en dvd un film para niñas que adapta esta historia con Barbie.
Los mosqueteros son inmortales en el cine y cada tanto reaparecen en la cartelera.
Esta nueva versión que llega esta semana, para bien o para mal, presenta una visión de este clásico totalmente distinta a todo lo que se hizo en el pasado.
El director de Resident Evil, Paul W. S Anderson abordó este relato como si los mosqueteros en lugar de haber sido creado por Dumas hubieran surgido de un cómic disparatado de Frank Miller.
Desde la primera escena el director deja en claro este tema con la bizarra presentación que hace de Athos y Milady, interpretada por Milla Jovovich, quien directamente parece salida de Sin City.
Para los puristas de Dumas esto seguramente resultará un espanto, pero en este caso en particular, esta visión lisérgica que ofrece Anderson es lo que hace divertido a esta propuesta que fue trabajada muchísimas veces en la pantalla grande.
Hay que recordar que Los Tres Mosqueteros son un ícono absoluto del cine pochoclero hollywoondense.
Las versiones con Douglas Fairbanks de 1921 y la que se hizo después en 1948 con Gene Kelly y Lana Turner brindaron algunas de las mejores secuencias de acción en la historia del cine. Especialmente en lo que se refiere a los combates de esgrima.
Es imposible superar esas obras y creo que a la larga si no se juegan con estos cambios locos, como los que propuso el director Anderson, a esta altura la propuesta pierde la gracia, porque terminan haciendo siempre la misma película.
La mejor virtud de este film es el casting de Logan Leman (Percy Jackson) como D ´Artagnan.
Este pibe capturó a la perfección con su trabajo el espíritu impulsivo y arrogante del espadachín de Dumas como no lo vi en ninguna otra versión. Realmente hizo un gran trabajo y se destaca muy bien en las secuencias de acción.
Un problema que siempre tuvieron todos los actores que interpretaron a D´Artagnan como Douglas Fairbanks, Gene Nelly, Michael York o Chris O´Donnel es que por lo general no eran mucho más jóvenes que quienes encarnaban a Athos, Porthos y Aramis.
En esta película, en cambio, hay una profunda diferencia entre las edades que tiene D ´Artagnan con los mosqueteros y en consecuencia, la dinámica de las relaciones entre los personajes, es mucho más fiel a lo que plateó Dumas en su novela que todas las versiones que se estrenaron en el pasado.
Esto es loquísimo porque este film, salvando este tema, no tiene nada que ver con la obra literaria, ya que es un divague total, pero no deja de ser interesante que en este punto si fueron bastante fieles al libro.
Las secuencias de combate de espadas estuvieron muy bien elaboradas y las batallas de barco aéreas son un delirio magnífico que se destacan hacia el final.
Para variar, esto es un tema que el director lleva en la sangre y no puede evitar, el film deja la puerta abierta, al mejor estilo Resident Evil, para una secuela que el tiempo dirá si llega a concretarse.
Lo cierto es que más allá del delirio argumental que plantea la trama esta producción es un producto ameno y bien realizado desde la parte técnica que brinda un buen entretenimiento.

Para evitar decepciones dentro del cine con la entrada comprada, lo primero que hay que saber de esta película es que los trailers que hicieron para promocionarla no tienen absolutamente nada que ver con lo que vas a encontrar después en este trabajo de Steven Soderbergh.
Si esperabas ver una película como Epidemia, de Wolfgang Petersen, vas por el camino equivocado ya que si bien la trama está relacionada con una pandemia que amenaza el mundo el enfoque de esta producción fue totalmente distinto a ese film de 1995.
Por eso los trailers son engañosos, ya que venden otra cosa.
Los primeros 40 minutos de este estreno son realmente soberbios.
La manera en que el director presenta el conflicto y construye la tensión y el suspenso en la trama es extraordinario y es donde más se resalta el talento de Soderbergh como realizador.
Con una enorme y lograda rigurosidad científica, el film describe con mucho realismo y una narración minimalista lo que sucede con distintos personajes cuando el mundo enfrenta una pandemia que los científicos no tienen idea cómo controlar.
La película cumple con creces en trasmitirle el pavor al espectador ante una posible crisis sanitaria como la que se plantea en este relato.
Ya el sólo hecho de escuchar a alguien toser te va a poner los pelos de punta a la salida del cine y en ese aspecto el film logra su cometido.
La narración del director sumado a un excelente manejo de la música incidental son los elementos que más sobresalen en esta producción a la hora de trabajar este conflicto.
La edición también es genial porque es muy dinámica y favorece la falta de acción que tiene la historia.
Queda la sensación que el director intentó evocar un poco los viejos filmes del cine catástrofe de los años ´70 como Terremoto, Aeropuerto y La Torre del Infierno que tenían un ensamble de los mejores actores de Hollywood que había en ese momento.
Con el reparto de Contagio se da algo similar y la película tiene el lujo de tener en roles breves a muy buenos artistas como John Hawkes (Lazos de sangre) y Gwyneth Paltrow.
Un inconveniente del film es que el argumento presenta algunas subtramas que nunca se llegan a profundizar y tampoco tienen la misma fuerza que los conflictos que viven otros personajes.
El mejor ejemplo de esto son los hechos que tienen como protagonista a Marion Cotillard, totalmente desaprovechada en este film, que parecen formar parte de otra película y no encaja demasiado con el conflicto central.
Caso distinto es la historia del periodista blogero que interpreta Jude Law, cuyas acciones plantean cuestiones interesantes dentro de la película, como los engaños de las instituciones gubernamentales y las fallas que se cometen para controlar la pandemia.
Contagio es un film que presenta un concepto trillado en el cine estadounidense, pero que fue trabajado desde una óptica distinta y en definitiva eso es lo que hace atractiva a esta propuesta.

Actividad paranormal es probablemente una de las sagas de terror más flojas que se hicieron en los últimos años, que logró tener trascendencia más que nada por una brillante campaña de marketing y una base de entusiastas fans adolescentes que creen haber descubierto el género con estos filmes.
Para el momento en que salió la continuación de la producción original el modelo estaba totalmente agotado y ya no quedaba mucho más para hacer con la historia.
Hace unos días encima pudimos ver la horrible remake japonesa que resultó un bodrio infernal.
En consecuencia, frente a este panorama de tedio absoluto que representa Actividad paranormal la nueva entrega tiene mucho más valor, ya que se trata de la película más lograda de la saga.
Los directores Ariel Schulman y Henry Joost fueron quienes mejor entendieron lo que debe ser un film de terror y brindaron una película decente que tuvo la difícil tarea de enfrentar todo el desgaste que se produjo de esta historia con las entregas anteriores.
Schulman y Joost, quienes vienen del género documental y trascendieron el año pasado con su película Catfish, hicieron un film mucho más sólido en términos narrativos que trabaja de manera efectiva el género de terror.
En este caso no es necesario sufrir 40 minutos de escenas intrascendentes hasta que finalmente se manifiestan los hechos paranormales.
Los realizadores fueron al grano y construyeron muy bien todo el misterio que rodea a esta sufrida familia desde las primeras escenas.
La verdad que el film tiene muy buenos momentos de suspenso y por lo menos lograron que te enganches con las situaciones que enfrentan los personajes en la historia.
Las dos nenas que son las figuras principales de este capítulo están muy bien dirigidas y se destacan más que las actrices adultas que protagonizaron las películas previas.
Los fenómenos paranormales también estuvieron mejor realizados y los directores crearon en estas escenas una atmósfera mucho más cercana a lo que debería ser una película de terror, que en mi opinión, no tuvieron los otros capítulos de la serie.
La trama transcurre en 1988 pero la verdad que nunca te das cuenta de eso porque no se calentaron demasiado en reconstruir con detalles ese período.
Es probable que el Doctor Emmett Brown le haya regalado a esta familia una de las cámaras digitales que compró en Buenos Aires durante un viaje al futuro, ya que de otro modo no se explica que la calidad de imagen que tienen las filmaciones de los protagonistas estuviera disponible en los años ´80.
Pequeños detalles.
Lo cierto es que Actividad paranormal 3 es la entrega de esta serie que más se acercó a ser un film de terror en serio y creo que no es casualidad que también es el capítulo que más referencias concretas tiene a otros clásicos del género como Terror en Amityville, Poltergeist, El resplandor y Halloween inclusive.
El mérito es de los nuevos directores que supieron encontrarle la vuelta a este concepto que propone esta saga y hacer una película más entretenida.

Una película distinta de la misma productora que realizó el film de Don Gato, Illusion Studios.
Eva de la Argentina es una producción que combina la animación con el material documental para narrar la vida y obra de Eva Perón
La historia es narrada desde la figura del periodista Rodolfo Walsh, quien durante la etapa que pasó a la clandestinidad en 1977 se pone a reconstruir en este film la figura de Eva.
Es interesante el rol que le dieron a Walsh en la trama, quien investiga el misterio del cadáver ultrajado de esta mujer como si fuera un enigma policial.
Francisco Solano López, uno de los grandes maestros de la historieta argentina (el dibujante de El Eternauta), quien falleció este año, llegó a colaborar con el film y la estética de la película claramente remite al cómic.
De hecho uno llega a tener la sensación por momentos que se encuentra frente una novela gráfica cuyas viñetas cobraron vida.
La estética de la animación y la música de Gustavo Santaolalla son los elementos que más se destacan en este estreno.
El gran problema que tiene para mí esta película es el enfoque que presenta la directora María Seoane sobre esta figura histórica.
El film prácticamente es una canonización cinematográfica de Eva Perón, donde por momentos parece que estamos viendo la historia de una heroína de los cómics, más que la mujer de carne y hueso que fue, con sus defectos y debilidades, que como todo ser humano tenía.
Eva fue una de las grandes mujeres del siglo 20 y su historia y su obra son apasionantes, pero este retrato que presenta la directora es la Evita del bronce y en más de una escena el film se va de mambo con un excesivo romanticismo idílico hacia el peronismo que por momentos roza la obsecuencia.
La película tampoco llega a convertirse en un panfleto de propaganda política pero la verdad es que no estuvo lejos de serlo.
Lo que rescato de esta producción es que tenemos en la cartelera un estreno de animación para adultos que es algo muy saludable para la producción nacional frente a tantas propuestas locales que se limitan a brindar más de lo mismo.

Una de acción en serio.
Después del fiasco de Identidad secreta, una película de tiros concebida para la generación Justin Bieber, que placer encontrarse con una ópera prima que le hace justicia al género.
Asesinos de elite es un gran debut del director Gary McKendry quien dio su primer paso como realizador con un sólido film de acción que está inspirado en hechos reales.
Esta producción estuvo basada en la polémica novela de Ranulph Fiennes “The Feather Men” que a comienzo de los ´90 generó todo un escándalo en Inglaterra.
El autor inglés, quien fue parte del Servicio Aéreo Especial (SAS) y participó en operaciones militares clandestinas en distintas parte del mundo, denunció estos temas en su trabajo, además de revelar la existencia de una sociedad secreta integrada por ex miembros del SAS que estuvieron involucrados en negocios sucios y asesinatos.
La historia real que recrea el concepto de esta película tiene muchos puntos en común con los acontecimientos de Munich (el film de Steven Spielberg), ya que en el fondo se trató de actos de terrorismo realizados de manera clandestina por miembros de una fuerza de elite militar.
Estos hechos ocurridos en la década del ´80 se desarrollaron durante un período de 17 años, que en la película condensaron bastante.
El director McKendry tampoco hizo un film como Munich, sino que adaptó esta historia y la desarrolló como una película de acción con Jason Staham, quien una vez más vuelve a demostrar que es el mejor actor de este género en la actualidad.
Lo interesante de Asesinos de elite es que no hay héroes impolutos. Todos los personajes son escorias de la sociedad que no tienen inconvenientes en matar gente por dinero.
El personaje de Statham por momentos presenta algunos códigos morales y un poco de humanidad, pero en el fondo es un asesino con un pasado oscuro que no lo diferencia demasiado de los tipos que tiene que eliminar.
Salvo por alguna que otra pirueta loca del protagonista, en términos generales, la acción es trabajada de manera realista y es probable que en este punto el director haya tomado como influencia a varios filmes de los años ´70.
Especialmente los que solían dirigir Michael Winner (El vengador anónimo) y Don Siegel (Harry, el sucio).
Con respecto al reparto, Robert De Niro tiene un rol secundario en esta historia pero las escenas en la que aparece se las roba por completo.
Por otra parte, Clive Owen interpreta un digno antagonista de Statham y quien se destaca también con un buen trabajo es Dominic Purcell, conocido actor de la serie Prison Break.
Dentro de las producciones de acción que se estrenaron en el año, esta película es claramente una de las mejores que vimos hasta ahora y merece su recomendación.

Don Gato es una de las creaciones más brillantes de esos genios de la animación que fueron William Hanna y Joseph Barbera.
Sin embargo, en los Estados Unidos este personaje nunca tuvo mucha repercusión, a tal punto que la serie original fue cancelada en 1962 luego de sietes meses en el aire y 30 episodios realizados porque los índices de audiencia no fueron auspiciosos.
Don Gato, Benito y el resto de la pandilla quedaron literalmente en el olvido y el protagonista obtuvo más tarde un rol secundario en otras series del estudio como Las olimpíadas de la risa.
Lo loco de esto es que el mismo dibujo animado que en la televisión yankee pasó sin pena ni gloria en Latinoamérica se convirtió en un enorme e importantísimo fenómeno de culto.
Muy especialmente en México donde Don Gato fue un furor impresionante a tal punto que el personaje siempre tuvo la misma popularidad que El Chavo.
En Argentina ocurrió lo mismo y es notable porque estos personajes pegaron en la gente mucho más que cualquiera de las otras creaciones de Hanna-Barbera.
Creo que este fenómeno tiene que ver con la idiosincrasia de los países latinos.
Es decir, me parece que para el público latino es mucho más fácil conectarse con Don Gato que con Los Picapiedra o Los Supersónicos que eran personajes muy estadounidenses.
Don Gato, en cambio, podría haber sido un típico chanta porteño que inclusive tenía puntos en común con Isidoro Cañones y si nos ponemos a hilar fino los episodios de la serie vamos a descubrir cosas de Cantiflas en sus reacciones y actitudes.
En consecuencia, era natural que si estos felinos callejeros de Nueva York alguna vez conseguían llegar a la pantalla grande la película fuera una co producción entre México y Argentina.
Este estreno fue realizado por las productoras Ánima (México) e Illusion (Argentina) que el año pasado brindaron el film de Gaturro.
Ambas productoras suelen ser bastante castigadas por la calidad de sus animaciones, pero la verdad es que en este caso presentaron un muy buen trabajo que se destaca principalmente por el cariño y el respeto que tuvieron los realizadores hacia la obra original.
El film es claramente superior a Gaturro y creo gran parte de esto tuvo que ver con que el guión presenta una historia mucho más entretenida y fluida, que además está plagada de referencias a los capítulos de la serie de los años ´60.
No es sencillo sostener un largometraje con personajes que solían ser explotados en cortos de 20 minutos y si bien por momentos el film cae en algunos baches narrativos, donde la trama se alarga sin sentido, en general hicieron un muy buen trabajo y tiene momentos graciosos.
Está bueno también que adaptaron los personajes al mundo de hoy, pero sin distorsionar la esencia del trabajo de Hanna- Barbera.
En ese sentido Anima e Illusion fueron muchos más cuidadosos que los grandes estudios hollywoondenses, que en más de una ocasión arruinaron clásicos animados. La reciente película de Los Pitufos es un ejemplo de ello.
Lo mejor de este estreno es por lejos el trabajo de las voces que contó con la participación de dos monstruos legendarios del mundo del doblaje. Un enorme lujo.
La dirección de voces corrió por cuenta del Gran Maestro Francisco Colmenero, la histórica voz de los dibujos de Disney, además de haber sido el narrador de los Super Amigos (“mientras tanto en el Salón de la Justicia”) Los Dukes de Hazzard y Papá Pitufo entre cientos de personajes queridos y populares.
En la película Francisco además interpreta al Alcalde de Nueva York.
El único artista de la serie original de Don Gato que regresó para este film es el legendario Jorge “Tata” Arvizú, quien le dio vida a Benito Bodoque y Cucho.
El Tata Arvizú es un prócer en este arte y además fue responsable de las voces de otros personajes queridos como Pedro Picapiedra, El Pájaro Loco, Bugs Bunny, El Pato Lucas y El Super Agente 86.
Cuando lo escuchás en esta película en el rol de Benito automáticamente te roba una sonrisa.
La voz original de Don Gato en la serie estuvo a cargo de Julio Lucena, quien junto a Arvizú y Colmenero, fue uno de los grandes pilares del mundo del doblaje latino. Lamentablemente falleció en 1985 y en este film el personaje estuvo a cargo de Raúl Ayana, quien capturó muy bien el estilo de voz que tenía Don Gato y que todos recordamos de los dibujos.
Dentro de las producciones que brindaron Illusión y Ánima en el último tiempo esta es la mejor película que hicieron.
Una muy buena propuesta para los nostálgicos de la animación y las nuevas generaciones de chicos que pueden descubrir a estos maravillosos personajes.

Después de tantas remakes fallidas que hizo Hollywood sobre filmes de terror japoneses en los últimos años era cuestión de tiempo que los orientales se cobraran su venganza.
Actividad paranormal 0 es la versión japonesa de la película que presentó en el 2007 el director Oren Perli, que fue inflada con una gran campaña de marketing.
La segunda parte dentro de todo resultó un film mucho más sólido en términos narrativos, donde el misterio se presentaba desde las primeras escenas con una dirección mucho más fluida.
Lamentablemente no ocurre lo mismo con la versión japonesa que es un bodrio absoluto.
Un panorama similar a lo que pasó hace poco con Apollo 18.
Se trata de una propuesta que si querés podés entrar al cine a verla cuarenta minutos tarde que no te vas a perder de nada importante.
Los momentos más interesantes que nos recuerdan que este estreno en teoría se suponía que era un film de terror vienen al final y tampoco son gran cosa.
La verdad que es una falta de respeto al género ubicar este film dentro de la categoría de horror.
El único espanto que causa esta producción es el tedio que genera la historia durante casi 90 interminables y tortuosos minutos.
Creo que ya se le está tomando el pelo a la gente con estas muestras de vagancia descomunal a la hora de producir un largometraje.
Tomar una cámara para filmar boludeces que no tienen un mínimo sostén argumental no significa necesariamente hacer una película. Los planos y los montajes son herramientas que existen por una razón dentro de este arte.
La única diferencia notable de esta versión con el film original es que los japoneses usaron cámaras de alta definición y la imagen es mejor.
Después en esta producción no hay ningún tipo de tensión, misterio y no ayuda tampoco que los momentos de sustos encima recurren a los mismos recursos que se vieron en la primera película.
Otra propuesta mediocre e intrascendente que aburre y la larga refleja claramente que esta fórmula de contar historias de terror está totalmente agotada.
Una vez más, gracias James Wan por La noche del demonio.

Justicia final podría haber sido una típica novela de John Grisham de no haber sido porque esta historia ocurrió realmente y es un caso legal muy famoso en Estados Unidos.
Una producción que tiene algunos puntos en común con Erin Brockovich por la hazaña que logró su protagonista Betty Anne Waters, interpretada en esta película por Hilary Swank.
En ambas propuestas tenemos como personaje principal a una mujer que se enfrentó al sistema judicial estadounidense y con mucho sacrificio logró algo que parecía en un principio imposible.
Supongo que era inevitable que este caso llegara al cine.
El film fue dirigido por Tony Goldwyn, un actor muy conocido que vimos en películas como Ghost y El último samurai, quien en este caso ofrece su mejor trabajo como director.
Antes había realizado la remake del film italiano El último beso y filmes románticos como Alguien como tú (Hugo Jackman) y La Tentación (Viggo Mortensen).
Justicia final es por lejos su mejor producción y también la más interesante.
Goldwyn no trabajó esta historia tratando de convertir el caso real en un trillado melodrama hollywoodense, sino que trabajó con bastante realismo el aspecto más humano del relato y las experiencias que vivieron sus protagonistas.
En este ocasión demuestró que es un gran director de actores donde logró sacar lo mejor de Sam Rockweell y Hilary Swank, quienes están brillantes en este film.
La películas tampoco cae en sentimentalismos forzados que muchas veces se encuentran en este tipo de películas y las interpretaciones de los dos protagonistas son muy honestas y realistas en ese sentido.
Justicia final es un muy buen drama que vale la pena descubrir especialmente por Sam Rockwell y Hilary Swank que explotan todo su talento.

Steven Spielberg y Robert Zemeckis, productores de este estreno, brindaron una de las películas más entretenidas y originales relacionadas con el boxeo en estos últimos años.
La historia es una interpretación muy libre del cuento de Richard Matheson (Soy leyenda) “Steel”, que previamente fue adaptado en 1963, en un recordado episodio de la serie La Dimesión Desconocida.
Con el tiempo esa historia se convirtió en uno de los capítulos más populares de ese programa.
Esta película dirigida por Shawn Levy (Noche en el museo) sólo toma el concepto de las peleas de los robots para brindar un relato muy diferente.
De alguna manera Gigantes de acero es parecida a Halcón, el super clásico de Stallone de los años ´80, con la particularidad que en este film el catalizador que contribuye a reconstruir la dañada relación que tiene un padre con su hijo no es un torneo de pulseadas, sino un campeonato de peleas entre robots gigantes.
La temática central de las dos películas es muy parecida y cito esta referencia porque Gigantes de acero me recordó muchísimo a ese clásico de Sly.
La película sorprende también por este punto. A diferencia de lo que se vendía en los trailers, la trama tiene mucho más contenido dramático de lo que uno podía haber esperado.
En el fondo el corazón de este film reside en la relación de Hugo Jackman con su hijo, más que en las peleas de los robots, que también son una gran atracción.
La historia presenta un panorama futurista bastante realista donde salvo por la tecnología de los robots, el mundo en el que transcurre este relato es el mismo de la actualidad.
Las secuencias de acción son realmente espectaculares y salvo que no hayas tenido infancia es imposible que no te diviertas con los combates de los robots.
El concepto es muy divertido y ya se hizo realidad en el memorable programa de televisión de culto La Batalla los Robots, que el canal I-Sat emitió en Argentina hace años.
Claro que aquellos contrincantes eran mucho más primitivos que los que aparecen en este film, sin embargo, el público enloquecía igual.
Gigantes de acero es una típica fantasía infantil que los realizadores de este film lograron plasmar con éxito.
Los efectos especiales son fabulosos y las peleas por mas delirante que suene son realmente emocionantes.
Como suele ocurrir con estas propuestas el espíritu de Rocky Balboa se da un paseo por la trama.
Creo que la historia del robot Atom que sale literalmente del fango para competir con el gran campeón tiene también algo de eso.
De hecho, en la pelea final hay un par de referencias que remiten al combate de Balboa con Ivan Drago en Rocky 4.
Por otra parte el coprotagonista Dakota Goyo, que interpreta al hijo de Jackman, es realmente muy bueno y sorprende con una interpretación muy espontánea, donde se destaca con sus reacciones en más de una escena.
Gigantes de acero es una gran propuesta familiar muy entretenida que brinda una linda historia sobre un padre y un hijo que intentan darse una segunda oportunidad en la vida.
Una de las películas que más disfruté este año y definitivamente recomiendo.

Kevin James es un muy buen comediante que en los últimos años logró hacerse conocido a nivel internacional a raíz de las series Everybody loves Raymond y The King of Queens que se emitieron en Latinoamérica por el canal Sony.
También llegó a la pantalla grande con filmes como Hitch y Yo los declaro Marido…y Larry, donde estuvo amparado por figuras populares como Will Smith y Adam Sandler.
El guardián del zoológico es la primera película que se estrena acá con él como protagonista y lamentablemente resultó un proyecto totalmente fallido.
James es un buen artista, pero en este caso lo dejaron muy solo remando una película mediocre, donde los realizadores no tuvieron muy claro el target de público al que querían llegar.
Ese es el gran problema de este estreno.
Se trata de una película familiar que no termina de funcionar.
Para los adultos la historia resulta demasiado estúpida, pero tampoco es lo suficientemente infantil como para atraer la atención de los chicos con lo animales que hablan.
Este concepto que era el principal gancho para los niños no estuvo bien aprovechado y los animales tienen un rol muy secundario y deslucido en esta historia.
El film es un refrito aburrido de Hitch combinado con el Doctor Dolittle. En este caso el consejero sentimental de Kevin James no es Will Smith, sino los animales del Zoológico donde trabaja.
La dirección es absolutamente mediocre y debido a este tema los 107 minutos se hacen eternos.
El realizador Frank Coraci (Click) tarda una eternidad en mostrar a los animales hablando y a lo largo del film es como que no supo hacerlos interactuar adecuadamente con el protagonista e intentó sostener toda la película con escenas bobas de comedia física, que la verdad no causan mucha gracia.
Te podés reír una vez cuando Kevin James se tropieza y se cae en el piso. Ahora cuando repite lo mismo cada cinco minutos deja de ser gracioso.
Hay un par de momentos simpáticos con un gorila, pero esta no es una propuesta que te robe una carcajada.
No ayuda tampoco el doblaje latino que es insoportable, sobre todo el de algunos animales.
Tal vez la versión original con las voces de Stallone, Cher, Nick Nolte y Adam Sandler hacían un poco más llevadera la película, pero al tener una mala dirección no sé si esto resolvía las falencias de esta producción.
Como propuesta familiar la mejor recomendación que se puede hacer es apostar a la película del delfín Winter que por lo menos brinda una historia superior y está mejor realizada.

Junto con Solomon Kane, que pudimos ver el año pasado, este estreno es por lejos una de las adaptaciones más fieles que se hicieron en el cine sobre un personaje creado por el verdadero padre de la literatura fantástica, Robert E. Howard (ver historia de Conan).
El director Marcus Nispel brindó un film superior en varios aspectos a la producción de 1982, que dirigió John Millius, por la sencilla razón que trasladó con más fidelidad ese mundo maravilloso de fantasía que desarrolló ese tremendo artista que fue Howard.
Este es el verdadero Conan.
Cuando me senté en la butaca a ver este film, mi único deseo como fan del personaje era que retrataran al verdadero guerrero cimmerio que conozco de toda la vida de los libros y los cómics y la verdad que el director Nispel hizo un buen laburo en este aspecto.
Conan es una fantasía grotesca que representa en un punto el lado más salvaje y oscuro del ser humano.
Es la bestia desencadenada que desprecia la civilización y que pese a todo, en el fondo, tiene un noble corazón. Por eso el personaje logra despertar simpatía pese a su violencia y machismo exacerbado.
Desde la primera escena, con ese nacimiento bizarro que presenta la historia de este ícono de ficción, la película deja en claro que su director entiende esta fantasía loca de Howard y está dispuesto a divertirse con ella.
Como se muestra correctamente en los primeros minutos de esta producción, Conan nació en pleno campo de batalla cuando el pueblo cimmerio fue atacado por los invasores de Vanir, un hecho que terminaría marcando su destino al vincular su vida eternamente con la violencia.
El director Nispel hizo un trabajo brillante al recrear la Era Hiboria, con una impresionante labor en la ambientación y los vestuarios que estuvieron muy influenciados por las descripciones de los cuentos de Howard y los cómics.
A nivel visual la película, especialmente la fotografía, es espectacular y está totalmente inspirada en la última y excelente colección de historietas de la editorial Dark Horse y las memorables ilustraciones de Frank Frazetta.
Por otra parte, la acción es muy brutal y está en sintonía con la naturaleza del personaje. Conan es así.
Esta es una producción bastante violenta con alto contenido de gore que en más de una escena se evoca a esas historias sangrientas que solían publicarse en la revista “La espada salvaje de Conan”, destinada a lectores adultos.
El corte del director, que de cabeza va a tener esta película en dvd, seguramente expandirá este tema.
Nispel brinda muy buenos momentos en materia de acción. La pelea de Conan con el Kraken y el duelo final con el villano (gran trabajo de Stephen Lang) son escenas tremendas que se disfrutan en la pantalla grande y están muy bien elaboradas.
Con respecto al protagonista, Jason Momoa presenta una correcta interpretación de este personaje. Por fin un Conan que no habla como un retardado!
Su enfoque del personaje es muy distinto a lo que hizo Arnold Schwarzenegger.
El guerrero de Arnold era más callado y reflexivo debido a sus limitaciones expresivas. De hecho, al austriaco le quitaron muchísimas escenas de diálogo que escribió Oliver Stone en su momento porque su interpretación era desastrosa.
Momoa, que es un poco más expresivo, interpreta muy bien al Conan reo y sacado que conocemos de la literatura y que en un punto fue un reflejo de su propio creador, quien desde chico fue un inadaptado social.
De todas maneras creo que es una perdida de tiempo detenerse a comparar demasiado las dos películas porque son producciones totalmente distintas.
John Millius en su obra tomó elementos del universo de ficción creado por Howard y desarrolló su propia visión de Conan y la mitología nórdica.
Marcus Nispel, en cambio, se dedicó a recrear con más detalles la visión y el mundo que creó el autor de esta obra en el cine, algo que nunca se había hecho hasta la fecha. Por eso la película es mucho más fiel a los cuentos y los cómics. Las referencias en la trama a relatos clásicos como “La Torre del Elefante” son geniales y es uno de los varios guiños que hay hacia los fans del cimmerio.
La trama argumental es un típico relato de Conan, que tal vez podría haberse mejorado.
Creo que le faltó un poco más de trabajo al desarrollo de los villanos y al personaje de Tamara, quien pasa en pocos minutos de ser una doncella virginal a un guerrera experimentada.
Sin embargo, estos defectos tampoco son para cortarse las venas. Leí cosas peores del cimmerio.
Me cuesta mucho entender la psicología de los snobs que se ponen a analizar filmes como Conan como si fuera una obra de Milton.
La película es una invitación para disfrutar de ese mundo loco creado por el genio de Howard, donde los hombres son guerreros fuertes, las mujeres son todas bellezas espectaculares y la vida de los personajes está marcada por la aventura y la acción.
Literatura pulp trasladada a la pantalla grande.
Buscás reflexiones sobre la humanidad y la vida probá con una conferencia del Dalai Lama. Esto es Conan, el bárbaro y creo que brinda un gran entretenimiento.

El Dato Loco: Ron Perlman, quien está excelente en este film como el padre del protagonista, es la tercera vez que trabaja en un proyecto relacionado con este personaje.
Previamente interpretó al guerrero cimmerio en el video juego del 2007 y luego en la película animada Conan: Red Nails, cuya producción se encuentra suspendida.

Después de brindar una muy buena película de acción en el 2005 como fue Cuatro Hermanos, el director John Singleton regresa con una propuesta del mismo género que está destinada a la generación Crepúsculo.
Las chicas de 13 años que tienen en su cuarto los posters con la imagen de los actores de la saga Twilight son quienes más van a disfrutar esta propuesta, ya que ese es el target al que apuntó claramente este estreno.
El concepto del film no está mal, pero esta producción tuvo dos graves problemas.
En primer lugar la película esta protagonizada por uno de los peores actores jóvenes que existen en Hollywood por estos días como es Taylor Lautner.
A Robert Pattinson se le pegó bastante pero comparado con este sujeto es el sucesor de Marlon Brando.
Las marionetas de Jim Henson tenían más carisma y expresividad que este pibe que es realmente malo para expresar emociones. La escena en este film donde descubre que es adoptado es uno de los peores momentos actorales que se vio en el cine este año.
Que Hollywood intente venderlo como héroe de acción es ridículo porque no lo compra nadie.
Esto nos lleva al otro inconveniente que tiene este film y es el enfoque que le dio Singleton a la trama.
En menos de dos minutos, Taylor Lautner en esta historia pasa de ser un típico adolescente que cursa el secundario a un comando de la Fuerza Delta. Es joda.
Por eso no funcionan las películas de acción con adolescentes, salvo que haya algún elemento en la trama que explique (como ocurrió en la genial Hanna) la habilidad del protagonista para enfrentarse a asesinos entrenados, de otro modo no resultan creíbles.
Como propuesta de acción este film es bastante mediocre y es claro que los buenos actores que aparecen en roles secundarios aceptaron participar de esto porque les dieron un buen cheque.
Que esta película lleve la firma de John Singleton la verdad que da lástima. En los ´90 este realizador irrumpió en el cine como una de las grandes promesas del cine independiente. Sus primeros trabajos como Los chicos del barrio (Boyz n the Hood) y Poetic Justice tenían un marcado compromiso social con la problemáticas que vivían los jóvenes de la comunidad negra en Los Ángeles y eran muy buenos filmes.
Sin embargo, desde que trabaja para los grandes estudios de Hollywood no paró de hacer películas olvidables simplemente por el cheque. El problema no es que haga un cine más comercial (Cuatro Hermanos lo fue y estuvo genial), sino que los proyectos que elige son horribles y es un director que da para muchísimo más.
Ojalá algún día John Singleton recupere su nivel.

Winter, el delfín, es una emotiva película basada en un hecho real que ocurrió hace unos años en el acuario marino de Clearwater, en Florida, Estados Unidos.
La historia de esta delfín recorrió el mundo y se convirtió en todo un ejemplo de perseverancia e inspiración especialmente por la manera en que superó su rehabilitación luego de perder su cola a raíz de un accidente.
El film fue dirigido por Charles Martin Smith, un actor muy conocido (aunque su nombre no te suene en el acto), quien en el pasado se destacó en clásicos del cine como American Graffiti, de George Lucas y Los Intocables (era el contador del grupo de Eliot Ness), de Brian De Palma, entre tantos otros filmes.
Su trabajo en esta película es genial porque la trama está muy bien contada y logró encontrar la sensibilidad exacta para llegar al corazón del espectador, sin la necesidad de exagerar con golpes bajos o escenas melodramáticas.
Tampoco cayó en los clichés de las películas con animales de Hollywood, onda Liberen a Willy, y eso es un plus que tiene esta propuesta, porque desde su narración es muy honesta y brinda un gran mensaje positivo.
Si bien a los hechos le agregaron una estructura dramática para contar esta historia desde la ficción, el trabajó de Smith se concentró en describir la experiencias que vivió Winter en el acuario y el grupo de personas que le salvó la vida.
El director eligió como protagonistas a dos niños muy espontáneos que no contaban con grandes experiencias en el cine, como Nathan Gamble y Cozi Zuehlsdorff y los rodeó de veteranos que tienen muy buenos momentos a lo largo del film.
Especialmente Morgan Freeman y Harry Connick Jr.
De todas las producciones que se hicieron con animales en el último tiempo la historia de esta delfín es claramente una de las más logradas, ya que lidia con temáticas serias, como las discapacidades físicas, y se encarga de expresar un mensaje positivo al respecto.
Winter es una gran película familiar que merece su recomendación.

Cameron Crowe volvió a su primer amor.
Me refiero, por supuesto, al rock and roll. Mucho antes de convertirse en director de cine Cameron trascendió como periodista en la revista Rolling Stone, donde se destacó por la particular cobertura que hizo de los tours de grandes artistas como Led Zeppelin, los Allman Brothers, Rory Gallagher y los Eagles entre tantos otros.
Esa etapa de su vida la retrató muy bien en el film Casi famosos, que estuvo inspirada por situaciones que vivió en su carrera como periodista.
Pearl Jam Twenty es un típico trabajo periodístico de Crowe con la particularidad que fue desarrollado en un medio audiovisual.
Si te ponés a leer las notas que hizo el director en el pasado (disponibles en su página web) vas a descubrir que su manera de abordar este film es muy parecida a lo que hacía en la gráfica.
No es necesario ser un ultra fanático de Pearl Jam para poder disfrutar este gran documental. Cualquiera que ame la música, especialmente el rock, va a saber apreciar, este film que narra la historia de una de las bandas más trascendentes de las últimas décadas.
Crowe no deja nada librado al azar y cubrió todo los aspectos claves e importantes retratando los altos y bajos de la banda a lo largo de 20 años.
Desde los orígenes de Mother Love Bone, el grupo que integraron previamente los músicos de Pearl Jam, hasta el meteórico ascenso a la fama, el famoso conflicto con Ticketmaster y la tragedia del Festival Roskilde en Dinamarca, en el 2000, donde murieron nueves fans en un accidente durante un show.
Uno de los aspectos más fascinantes de la película es el increíble material inédito de archivo que el director recopiló de distintas fuentes.
Hoy si Pearl Jam brinda un concierto en Suiza al día siguiente uno puede ver fragmentos del show por You Tube que suben los propios espectadores.
En los ´90 esto era imposible y el material visual al que uno podía acceder de todo lo que fue la movida del grunge en Seattle la recibías a través de los videos clips o imágenes que trasmitían los canales de música.
Pearl Jam Twenty, además de narrar la historia de estos músicos, la primera parte del film brinda un gran retrato de todo lo que fue esa movida musical nueva que surgió en los ´90, donde se destacaron bandas como Nirvana, Soundgarden, Alice in Chains y Green River entre tantas otras.
Todas esas imágenes del backstage de esos primeros shows de Eddie Veder y sus compañeros y la camaradería que tenían con las otras bandas es fantástico y hoy tiene un valor impresionante.
Por ejemplo, hay un momento fabuloso donde se recuerda la fiesta de promoción de la película de Cameron Crowe, Singles, donde tocó Pearl Jam, con los miembros totalmente escabiados que terminó en un descontrol absoluto.
En los ´90 era imposible acceder a ese tipo de material que hoy es todo un tesoro de archivo.
Crowe a lo largo del film también se toma un momento para conocer la historia personal detrás de cada integrante, sin dejar de lado el presente, que es otro aspecto de esta película sumamente interesante.
La madurez y evolución de Pearl Jam a lo largo de su historia es notable y al escuchar el testimonio de los artistas, uno entienden cómo lograron sobrevivir tantos años en el medio y llegar con su arte a distintas culturas del mundo.
El montaje final con el que cierra el documental, donde el director fusiona el pasado y presente de la banda es muy emocionante y cuando la película termina uno no puede dejar de estar agradecido porque este tipo estuvo a cargo de la realización.
Para los fans de Pearl Jam (y también de Cameron Crowe) este estreno es una cita obligada en el cine.

Acá tenemos un claro ejemplo de cómo la realidad siempre supera a la ficción.
Si esta historia hubiera sido creada por un guionista de Hollywood probablemente a su autor le hubiera costado vender su trabajo a un estudio porque hubieran considerado la trama inverosímil.
Sin embargo, es un hecho real que cuesta comprender y en Europa fue un tema de debate durante un largo tiempo.
¿Cómo es posible que una persona que tenía todas las posibilidades para ser alguien importante en el mundo del deporte y vivir una vida tranquila sin inconvenientes económicos, tirara todo por la borda para convertirse en una leyenda del mundo del crimen?
La respuesta a esa pregunta es simple y desconcertante.
La adicción por la adrenalina.
Johan Kastenberger fue uno de los criminales más importantes en la historia de Austria, que se convirtió en el delincuente más difícil de atrapar en la historia de ese país. 450 policías trabajaron en el caso para detenerlo.
Con una máscara de Ronald Reagan, al mejor estilo Punto Límite (el clásico de Patrick Swayze), robó fortunas de los bancos de Viena, durante los años ´80.
Después la jodió cuando empezó a matar gente.
Lo interesante de esta historia es que Shot Gun Ronnie (como era su apodo) no robaba por el dinero, sino por la adrenalina que le generaba cometer esos actos. No era un criminal que necesitara robar para vivir o que hubiera elegido el camino más fácil para acceder a comodidades.
La plata era un souvenir. Lo que le atraía era la emoción que le generaba el acto de robar y luego escaparse.
Algunas personas juegan al golf o coleccionan cosas como un hobby.
El hobby de Shot Gun Ronnie era robar bancos. Simplemente porque le divertía.
Kastenberger, quien tranquilamente podría haber sido un villano de un cómic de Batman, era uno de los atletas australianos más prometedores de ese país que inclusive rompió récords deportivos, pero tenía su inexplicable lado oscuro que lo llevó por un mal camino.
Sin escape es una muy buena producción alemana que recrea estos hechos.
La película está basada en la novela homónima de Martin Prinz, que trabajó esta historia desde la ficción.
En este caso el protagonista se llama Johan Rettenberg. Si bien la trama se toma unas cuantas libertades (no esperen ver un documental del caso) cubre muy bien esta historia que es realmente interesante.
El director Benjamín Heisenberg presenta un thriller que se destaca sobre todo por la realización de los escapes del protagonista que están muy bien filmados y tienen bastante tensión, además del trabajo actoral de Andreas Lust (Munich).
Un inconveniente que tiene el film es que Heisenberg no explora demasiado en la psicología del maratonista Rettenberg y muchas de sus reacciones en la trama al final resultan un enigma, ya que es un personaje al que nunca llegamos a conocer.
A la larga es el espectador quien tendrá que sacar sus propias conclusiones sobre las acciones del protagonista.
Sin escape es una muy buena propuesta que está para tener en cuenta entre las novedades de esta semana.

La Hora del Espanto, como siempre se conoció popularmente a esta historia, es uno de los clásicos de terror más grande de los años ´80.
Creo que si nos referimos a historias de vampiros realizadas por aquellos años, las dos más queridas y populares por lejos son The Lost Boys y esta.
El film original del director Tom Holland, quien años después nos presentó a Chucky, el muñeco diabólico, fue una propuesta que se destacó por el modo en que combinó el terror con el humor. (ver crítica)
Después de ver grandes filmes del género arruinados por las remakes que se hicieron en los últimos años, creí que esta película iba a correr por el mismo camino y por suerte me equivoqué.
La nueva versión mantiene el espíritu de la historia original pero presenta a los personajes trabajados con un enfoque diferente.
El director Craig Gillespie (Mr Woodcock), quien viene del género de la comedia, se tomó a los vampiros en serio y su trabajo presenta muy buenos momentos de suspenso, que se construyeron también con una gran interpretación que brindó Colin Farrell como el gran villano del cuento.
Su trabajo como el recordado vampiro Jerry es excelente, ya que lo convirtió en una figura peligrosa y seductora pero sin exagerar ni presentar una copia de lo que había hecho Chris Sarandon en la película de 1985.
Sarandon, por cierto, tiene una divertida participación hacia el final de la historia.
Otro personaje que presenta un cambio notable es el de Peter Vicent, el aliado del héroe que en la versión original era un homenaje a la era de la productora Hammer.
De hecho el nombre de ese personaje nació como una referencia a Vicente Price y Peter Cushing don grandes actores del género.
En la remake, Peter Vicent, interpretado por David Tennant, es un ilusionista que parece inspirado en el famoso mago Criss Angel, protagonista del programa Mindfreak.
No sé si será porque fue producida por Disney pero esta remake tiene menos desnudos y referencias sexuales que la original, algo que me llamó la atención.
El trabajo del director Gillespie hizo más hincapié en el misterio, que en definitiva es el género que inspiró esta historia. La Hora del Espanto básicamente fue La ventana indiscreta de Alfred Hitchcock, pero narrada con vampiros.
Con un buen uso del formato 3D, la verdad que esta versión moderna de un clásico del cine de terror ochentoso brinda un gran entretenimiento.
En estos tiempos donde la figura del vampiro quedó humillada por telenovelas descerebradas como la saga Crepúsculo está bueno encontrarse con una película que rescata a estos personajes como las grandes figuras que son dentro del cine de terror.

Con este estreno se dio algo similar a lo que ocurrió la semana pasada con La
revelación.
Acá también tenemos en roles protagónicos a dos artistas excelentes como Adrien
Brody y Sarah Polley (Mi vida sin mí, el amanecer de lo muertos), más una buena
premisa argumental relacionada con la ciencia ficción que auguraba una película
interesante.
Splice es una historia sobre científicos que violan todas las reglas éticas y morales que
existen en la vida para llevar a cabo un peligroso experimento.
Hay un montón de historias en el cine que trataron este tema y tal vez La mosca, sea la
madre de todas ellas.
La película comienza muy bien pero luego derrapa por completo cuando entra en juego
la atracción sexual, por llamarlo de alguna manera, de uno de los protagonistas por la
criatura que nace del experimento.
Es en ese momento en que la historia se va literalmente al carajo y ya sin retorno lo que
sigue son escenas que no hacen otra cosa que levantar la apuesta en lo que se refiere al
absurdo.
Me dio la sensación que el director Vicenzo Natali (Cube) intentó emular los primeros
trabajos de David Cronenberg como Cromosoma tres (The Brood) y en su intento por
hacer un film retorcido le salió algo totalmente ridículo. Se pasó de rosca con una serie
de situaciones y terminó por arruinar la premisa de la trama que no estaba mal.
Para ser una producción que se hizo con un presupuesto bajo, Splice presenta muy
buenos efectos especiales y Dren, la criatura que nace de la manipulación genética,
estuvo muy bien lograda. Sobre todo al final donde se vuelve intimidante.
Es lo único bueno que se puede destacar de este film. Después es un milagro que los
productores consiguieran filmar esta historia con dos grandes figuras como Brody
y Polley que por momentos da pena verlos en una película como esta porque son
excelentes artistas que merecen trabajar en producciones mejores.

Una de las peores películas estrenadas en este 2011.
Apollo 18 no ofrece otra cosa que 80 minutos de aburrimiento irritante, producto de una realización mediocre que arruinó por completo una premisa que tenía su potencial.
La semana pasada Chandler subió al blog de próximos estrenos un corto realizado por un director argentino realizado con 100 dólares que es mucho más creativo y está mejor logrado que esta bazofia que logró conseguir distribución internacional.
Comparado con esto, Actividad Paranormal (inexplicable éxito taquillero si los hay) es una montaña rusa de pura adrenalina.
La idea de la conspiración de la NASA sobre una misión secreta espacial que salió mal era una buena idea y probablemente habría funcionado mejor si no se desarrollaba con el mismo estilo de El proyecto Blair Witch, un formato que deberían dejar descansar en Hollywood hasta que presenten una idea original.
Apollo 18 fue dirigida por el español Gonzalo López-Gallego quien hunde el film en el tedio absoluto en sus primeros cinco minutos y nunca logra rescatar esta producción de ese pozo de aburrimiento que se convierte en una tortura con el paso del tiempo.
La ineptitud de Gallego para generar tensión y suspenso es impresionante.
Oren Peli, el director de Actividad Paranormal, comparado con este tipo es Alfred Hitchcock.
No ayudó tampoco que en la trama los protagonistas sean atacados por unos bichitos pedorros que aparentemente serían piedras lunares que tienen vida y nunca se llegan a ver.
Salvo que seas geólogo este concepto no podría resultar menos atractivo.
Uno recuerda lo que hizo hace poco el director Duncan Jones (el hijo de de David Bowie) con Moon, una historia completamente superior, que también tenía que ver con astronautas con problemas en el espacio y al ver esto te deprimís.
El terror brilla por su ausencia a lo largo de toda la película, al igual que el suspenso.
El film ni siquiera logra establecer una empatía con los personajes principales, cuyo destino no podría importarnos menos, pese a que el director intenta conmover al público con imágenes de archivo donde vemos a los astronautas con sus familiares.
Tampoco es de extrañar que esta película sea mala teniendo en cuenta que fue producida por un director mediocre de películas de acción como es Timur Bekmambetov (Wanted).
Un sujeto que cree que el cine de acción y la consola Play Station son la misma cosa.
Lo más gracioso de todo esto es que el productor Bob Weinstein, quien piensa que la gente que vive fuera de Hollywood es estúpida, intentó vender en los medios la idea que Apollo 18 no era una película de ficción, sino que se trataba de una cinta clandestina que habían encontrado!
Por supuesto nadie se tomó en serio semejante huevada y la campaña de marketing fracasó por completo.
Hacia el final de la historia utilizaron un discurso de John F.Kennedy, sacado totalmente de contexto, para darle mayor realismo a la trama de un modo tan infantil que resulta gracioso.
Esta película es impresentable y sería una falta de respeto al género catalogarla como una propuesta de terror.
La mejor recomendación que se puede hacer es esperar a la semana que viene el estreno de La noche del miedo que es una propuesta superior y mucho más entretenida.

El director Neil Burger, quien hace unos años brindó esa excelente película que fue El ilusionista regresa con otro buen thriller, que cumple con el objetivo de brindar un buen entretenimiento bien realizado.
Probablemente lo más importante de Sin Límites es que se trata de un film que le permitió a Bradley Cooper demostrar lo buen actor que es y lo subestimado que está en Hollywood.
Con este film probó que está para mucho más que hacer de galán cancherito en las comedias románticas.
Burger presentó en este caso un film con una narración muy ágil que presenta el conflicto sin muchos preludios y logra mantenerte enganchado hasta el final.
En esta película trabajó con más hincapié en los efectos visuales, que en este caso tienen que ver con lo efectos que le produce al protagonista una droga que es la que dispara todo el conflicto,
Los efectos están muy bien elaborados y le otorgaron un interesante estilo visual al film
El mensaje que deja la historia sobre las drogas es un poco ambiguo y parecería por momentos que consumir basura es el camino para que la gente desarrolle sus máximos potenciales, aunque por otra parte, no crea que este sea un film para analizar el tema en serio.
Algo que se le puede objetar a la película es la manera en que trabajaron a la mafia rusa que es totalmente estereotipada, pero esto ya es algo normal en Hollywood.
Sin límites es esa clase de películas como 8 minutos antes de morir (Jake Gyllenhaal) que no son producciones emblemáticas pero están bien hechas, tienen buenos actores y lograr hacerte pasar un buen rato en el cine.
Al menos cuando la historia termina no vas correr a la boletería a reclamar el dinero de tu entrada (como si te estimula hacer Apollo 18) y eso es una buena noticia.

Amigos con beneficios cuenta con la gran desventaja de ser la tercera comedia romántica en lo que va del año que trata exactamente el mismo tema.
Otra vez todo gira en torno a una pareja de amigos que se proponen tener sexo sin compromiso y después se terminan enamorando.
Primero fue el turno de Amigos con derechos, con Natalie Portman y Ashton Kutcher, luego le tocó el turno a De amor y otras adicciones con Jake Gyllenhaal y Anne Hathaway, que si bien tenía elementos dramáticos, el conflicto que vivían los protagonistas era muy similar, y ahora llega un nuevo film que explora otra vez la misma temática.
La particularidad de esta propuesta producida por los hermanos Zucker (La pistola desnuda) es que dentro de estas tres opciones es por lejos la más entretenida y gran parte de esto se debe a que Amigos con beneficios de alguna manera es una sátira de las comedias románticas norteamericanas.
El film está muy bien llevado por Mila Kunis y Justin Timberlake, quienes tienen buena química y hacia el final cuando las situaciones dramáticas tienen más peso en la trama, los dos presentan buenas interpretaciones.
Otro punto a favor que tuvo esta producción, con el que no contaron las dos películas anteriores que trabajaron el mismo tema, es el reparto secundario.
Woody Harrelson, Patricia Clarkson y Richard Jenkins se destacan en cada escena en la que aparecen y para una historia trillada como esta la verdad que sumaron bastante.
Es difícil por estos días encontrar grandes comedias románticas, como Medianoche en París, que uno pueda recomendar con entusiasmo porque este género en Hollywood no atraviesa desde hace unos años su mejor momento.
Frente a ese panorama, Amigos con beneficios, sin llegar a ser una gran película, dentro de todo zafa un poco si la idea es entretenerse un rato con este tipo de historias.

La verdad oculta es un muy buen thriller político que se destaca por presentar otro gran trabajo actoral de Rachel Weisz y un tema que es de máxima actualidad como el tráfico de personas y la explotación sexual.
La historia es muy interesante porque está basado en un hecho real que debería haber tenido mayor repercusión en los medios y en las Naciones Unidas.
Kathryn Bolkov, es una ex policía de Nebraska que trabajó en Bosnia en 1999 en el Destacamento Policial Internacional (DPI), que en coordinación con las Naciones Unidas se encargaron de mantener la paz luego de la guerra civil que se produjo en esa región.
Bolkov, que en la película es interpretada por Rachel Weisz, denunció el lado oscuro de las misiones internacionales de paz relacionado con la trata de blancas y la explotación sexual que cuenta con la complicidad del DPI, la OTAN y la ONU.
La película es muy interesante porque se enfoca también en las empresas privadas norteamericanas que contratan gente para colaborar en las misiones de paz.
A diferencia de otros países que cuentan con cuerpos de seguridad nacional como la gendarmería, en Estados Unidos el personal reclutado para el DPI proviene de contratistas privados que ganan una licitación y envían al personal a las misiones de paz.
Al no tener ningún tipo de control la corrupción en estas compañías está a la orden del día.
Se hicieron varias películas sobre el tráfico de personas, pero en este caso abordaron un aspecto que no es tan conocido y sigue vigente.
Este estreno es un film duro que retrata esta temática con mucho realismo y se apoya en el talento de la protagonista para narrar la historia de esta policía que reveló un tema oculto por el simple hecho de hacer lo correcto.
Otra buena película con Rachel Weisz.

Destino Final fue una de las grandes sorpresas que presentó la cartelera en el 2000.
Un propuesta distinta que trabajo de manera original el subgénero de los slashers film (películas de asesinos) con un villano abstracto que no se podía vencer.
Un muy buen film que además estuvo bien realizado.
Desde entonces se hicieron varias secuelas que más que continuaciones en realidad fueron remakes de la producción original sin aportar demasiado, más allá de aumentar la cantidad de personajes muertos.
Sin embargo, lo peor de todo fue que a partir de los últimos capítulos Destino Final se convirtió directamente en una comedia de humor negro.
La nueva entrega es por lejos uno de los mejores filmes que se hicieron en esta saga y se destaca por traer de regreso a sus raíces a esta historia.
Comparado con la bazofia de la cuarta parte esto es otro mundo.
En primer lugar, Destino Final 5 sobresale por un excelente uso de las tres dimensiones.
El trabajo que hicieron con el 3D es genial y la verdad que en este caso vale la pena ver la película en ese formato. Los créditos iniciales son fabulosos y en este punto la diferenta es abismal con Destino Final 4.
La dirección en este caso corrió por cuenta de Steven Quale, un discípulo y colaborador de James Cameron, quien estuvo a cargo de la segunda unidad de Titanic y Avatar.
Quale hizo muy buen trabajo construyendo los momentos de suspenso previos a las mutilaciones y el espectáculo gore.
Otro aspecto para destacar es lo que hicieron con los efectos visuales, especialmente con las escenas sangrientas que claramente están mejor trabajadas que los últimos filmes.
Lamentablemente la película no aporta ningún elemento nuevo a la historia y en el fondo todo es más de lo mismo.
Algo que si está bueno es como conectaron la trama de este film con la de la primera película, que es el único aspecto que se puede destacar a nivel argumental.
Destino Final hace rato que no da para más, porque ya exprimieron la serie al límite.
Si esta película es realmente es la última entrega (y a juzgar por la pobre recaudación que hizo en la taquilla norteamericana es probable que lo sea) por lo menos cerraron la saga con dignidad.

Hace poco leía una crítica sobre este film donde el ignorante que escribía expresaba que no se podía esperar mucho de esta propuesta si la producción estaba basada en una película para televisión de los años ´70.
Menos comprensión del cine y el género que Osvaldo Quiroga, que ya es un límite al que puede llegar el esnobismo y la ignorancia dentro de la crítica cinematográfica.
Los años ´70 fueron emblemáticos para el cine de terror y las cosas que se hacían eran tan grosas que inclusive las producciones televisivas eran realmente geniales.
Hubo dos películas que sobresalieron especialmente.
Una de ellas fue Trilogía de Terror (1975), del director Dan Curtis, el mismo de Posesión Diabólica (Burnt Offerings), que protagonizo Karen Black y estaba basada en relatos de Richard Matheson (Soy leyenda).
El otro caso es el de No le temas a la oscuridad, de 1973, que en su momento recibió críticas excelentes de la prensa y hoy es considerado uno de los clásicos más importantes de aquellos años.
A lo que voy con esto es que esta remake que produjo Guillermo Del Toro se basa en una película que fue realmente importante en su momento.
La nueva versión si bien toma el concepto del film original, la trama que presenta es muy distinta.
Uno de los puntos fuertes de film es la temática que brinda esta remake que me pareció muy buena porque no se trata demasiado en el cine.
Por lo general cuando se trabaja con duendes y hadas en las películas siempre se retrata a estos seres desde la mirada más positiva.
Sin embargo, dentro de la literatura, muy especialmente la que pertenece a la cultura celta y germánica, son numerosos los relatos que existen donde los duendes y las hadas hacen cosas terribles.
El rapto de personas y niños sobre todo, son un clásico de estas viejas leyendas.
No le temas a la oscuridad tiene que ver con estas historias y la verdad que el tema estuvo muy bien trabajado.
El inconveniente de este film me parece que pasa cuestiones narrativas.
La versión original se destacaba por los climas de tensión y suspenso que generó el director John Newland a través de las sutilezas. La película lograba asustarte por medio de las cosas que no te mostraba, además de una soberbia banda de sonido de Marco Beltrami.
La remake, en cambio, es más burda en ese sentido y me parece que al exponer tanto a los duendes diabólicos el film perdió la gracia enseguida.
Además los efectos especiales no funcionan bien en todas las escenas y en algunos momentos se ven artificiales.
Mejor trabajo hicieron con el diseño de producción que es fabuloso.
No es de extrañar que los aspectos estéticos de este estreno representen las mejores cualidades de esta remake, teniendo en cuenta que el director Troy Nixey es un artista de cómics que se destacó por sus ilustraciones para la revista de Batman y la miniserie “Jenny Finn” de Mike Mignola (Hellboy) y la tiene clara a la hora de crear los ambientes perfectos para estos relatos.
Toda la ambientación de la mansión donde transcurre el film es fabuloso y el reparto también hizo un buen trabajo. El tema es que el director no llegó a lograr lo mismo a la hora de trabajar el suspenso y la tensión.
No le temas a la Oscuridad no es una película precisamente aterradora.
En el Fantasia Film Festival, donde Guillermo Del Toro presentó oficialmente la película expresó que el film estaba dirigido a la generaciones más jóvenes de fans del terror de 12 y 13 años que es la edad en la que él descubrió la versión original de esta historia.
En ese sentido la película cumplió su objetivo, ya que es el segmento del público que más va a disfrutar este estreno.

Quiero matar a mi jefe es una comedia entretenida que zafa para pasar un rato en el cine, pero podría haber sido un film mejor si los productores no hubieran estado desesperados por emular el éxito de ¿Qué pasó ayer?
Es claro que la película se desarrolló debido al suceso de aquel film con Bradley Cooper e inclusive copiaron la misma dinámica de relaciones entre los tres protagonistas que es muy similar a la que tenían los actores de aquella comedia que sorprendió en el 2009.
En 1999 Jennifer Aniston protagonizó una muy buena comedia como fue Enredos de oficina, dirigida por Mike Judge (El creador de Beavis and Butthead y Los reyes de la colina) que con mucho sarcasmo y cinismo se reía de las relaciones laborales.
Una muy buena película donde unos empleados de una compañía se rebelaban contra sus maléficos jefes.
La diferencia principal que presenta Quiero matar a mi jefe con aquel film es que este estreno directamente parece dirigido por Beavis and Butthead.
Parecería que a raíz del éxito de ¿Qué pasó ayer? en adelante todas las comedias van a ser desarrolladas por el mismo camino, como si el humor ahora pasara por mostrar a un tipo que se pasa un cepillo de dientes por el culo y otras escenas de ese tipo.
El tema es que cuando la comedia se centra exclusivamente en esa clase de situaciones la película deja de ser graciosa porque se vuelve repetitiva.
La verdad es que por el reparto que tenía Quiero matar a mi jefe se podía esperar una película mucho mejor.
La primera parte de la historia (antes que caiga de manera burda en la copia pobre ¿Qué paso ayer?) es la más lograda de esta producción, donde se destacan un poco los personajes de Kevin Spacey y Colin Farrel, pero después el film comienza a decaer cuando te das cuenta que el director Seth Gordon quería hacer otra comedia zarpadita con un argumento flojo.
Una pena que no lo aprovecharan más a Farell en la historia, quien es por lejos el actor más gracioso de esta película.
Quiero matar a mi jefe tiene momentos divertidos, pero por los actores que trabajaban yo por lo menos esperaba mucho más.

¿Cuándo le van a dar un Oscar a Andy Serkis? ¿Qué más tiene que demostrar para que los miembros de la Academia se aviven que es uno de los grandes artistas de la actualidad?
Gollum en El Señor de los Anillos, King Kong y ahora el inolvidable mono César en esta gran película.
Tres soberbios trabajos que van a quedar grabados en la mente de los espectadores mucho más que los papeles por los que fueron premiados recientemente Jeff Bridges y Colin Firth.
Lo que hace Serkis es una fusión maravillosa de un gran trabajo en los efectos especiales con la actuación clásica. La tecnología CGI en este caso es el maquillaje virtual que termina de componer al personaje, que no sería lo mismo sin el talento e histrionismo de este gran artista
Esta semana se estrena uno de los grandes tapados del 2011.
Una película por la que nadie daba un peso.
La verdad que este no era uno de los estrenos más anticipados del año, porque todavía estaba fresco el recuerdo de lo que hizo Tim Burton con esta historia en el 2001.
Diez años después de aquella producción los estudios Fox decidieron relanzar esta clásica saga de ciencia ficción con una nueva trama que representa uno de los mejores trabajos que se hicieron en el cine con esta franquicia, inspirada por la novela francesa “El planeta de los simios”, de Pierre Boulle.
De hecho, creo que es la mejor película que se hizo desde la original de 1968.
Más allá de haber sido impecablemente realizada, el film sobresale por un gran guión que se enfoca en el factor humano y el soberbio trabajo interpretativo de Andy Serkis.
La historia es un gran thriller pero además tiene una carga dramática importante que permite que uno pueda comprender, por ejemplo, algunas decisiones drásticas que toma en su desesperación el científico que interpreta James Franco.
Es la primera vez que se hace una película de esta saga con escenas realmente emotivas. Es como si el director Ruper Wyatt le hubiera escapado a toda las estupideces que incluyó Tim Burton en su trabajo con estos personajes.
La historia del mono César es brillante y por eso es tan importante el trabajo de Serkis, ya que con su interpretación le dio vida a este personaje de un modo especial, que le permite al público conectarse con las emociones que vive el animal a lo largo del conflicto.
Toda la trama de cómo los monos se sublevaron frente a los humanos está muy bien construida y aborda un tema que nunca se había explorado de este modo en los filmes clásicos de los años ´70.
Es cierto que La rebelión de los simios ( Conquer of the Planet of the Apes), de 1972, trabajó una premisa similar en su momento, pero la historia del origen de cómo los animales comenzaron a apoderarse del planeta en este estreno es mucho más profunda y emocionante.
El director Wyatt narra muy bien la película y desde las primeras escenas te mete de lleno en la trama y logra que te mantengas enganchado hasta el final.
Una de las grandes sorpresas del 2011 que no debería dejarse pasar.

El Weird Western es un loco subgénero literario que hizo popular a comienzos de los años años ´70 un señor llamado John R. Lansdale, quien además de escribir muy buenos cómics fue responsable de varios capítulos emblemáticos de la memorable serie animada de Batman, que hizo Bruce Timm en los años ´90.
Este subgénero se caracteriza por combinar las historias clásicas de vaqueros con elementos fantásticos.
En la década del ´70 este tipo de relatos eran super populares a tal punto que la editorial DC publicó con éxito la revista “Weird Western Tales”, donde surgió el personaje de Jonah Hex, que hoy es un clásico de los cómics.
Ahora bien, lo que tuvo una buena recepción en las historietas o en los dibujos animados (la serie animada Bravestarr, de la productora Filmation, es otro gran ejemplo exitoso del Weird Western) en Hollywood también tuvo su momento de gloria décadas atrás dentro del cine clase B.
Con este estreno el director de Iron Man, Jon Favreau, revivió un subgénero olvidado que brindó clásicos memorables como Riders of the Whistling Skull (el primer western sobrenatural de 1937), La Bestia de Hollow Mountain (que combinó cowboys con dinosaurios en 1956) y por supuesto los super clásicos de 1966, Jesse James contra la hija de Frankenstein y Billy The Kid Vs. Drácula.
En las ultimas décadas se destacaron también Volver al futuro 3 (que jugó con en este subgénero) y House II.
Los fracasos de Wild Wild West y Jonah Hex también son partes de este estilo de relatos.
Cowboys & Aliens está basada en la novela gráfica homónima creada por Scott Mitchell Rosenberg, quien es uno de los productores principales de este estreno.
Si había un cómic que jamás pensé que sería adaptado en el cine era este, ya que no es una historia muy conocida que digamos.
Para mi gran sorpresa el creador de esta propuesta decidió cambiar toda la trama en la versión cinematográfica.
La historia original tenía que ver con la alianza que formaban los vaqueros y los indios para combatir una invasión alienígena en 1873. Los indígenas tenían un rol clave en el conflicto.
Este elemento que era interesante lamentablemente fue aniquilado en el film, donde los indios tienen una breve participación.
La trama en este caso es mucho más bizarra que la del cómic, pero no por eso deja de ser entretenida.
Jon Favreau se manejó muy bien con este subgénero y la verdad que Cowboys & Aliens es lo mejor que se hizo con este tipo de historias dentro del cine en muchísimo tiempo.
No creo que sea una propuesta para todo el mundo, pero el que más o menos entiende por donde viene la mano con esta fusión de géneros, que representa el Weird Western, se puede entretener un rato.

La oscuridad es una propuesta cuya premisa tranquilamente podría haber formado parte de un capítulo de la serie La Dimensión Desconocida.
Esta es una historia apocalíptica donde la amenaza que enfrentan los protagonistas no son zombies ni virus letales, sino la oscuridad.
Las personas que quedan atrapadas en la oscuridad, por razones misteriosas desaparecen y para sobrevivir los protagonistas deben permanecer siempre en la luz.
La idea de la historia está muy buena y el director Brad Anderson hizo un muy buen trabajo al comienzo del film, a la hora de presentar la trama con logrados climas tenebroso.
Lamentablemente no consiguió mantener el mismo nivel de suspenso en el resto de la película.
La Oscuridad es el clásico film que comienza muy bien con una historia que te engancha y después se desinfla mal.
Un problema de la película es que a lo largo de su desarrollo la trama deja abiertos demasiados interrogantes básicos que nunca se llegan a responder, como qué demonios es la supuesta fuerza diabólica que ataca a la gente a través de la oscuridad.
En el fin de los tiempos, de M Night Shyamalan, por lo menos sabíamos después que toda era una venganza de la naturaleza.
Por más ridículo que resultara el concepto, dentro de todo uno por lo menos entendía por qué la gente se suicidaba de repente en las calles.
En este estreno todo queda a la deriva. Supongo que si le escribís al director por mail te cuenta que de iba la historia y lo que quiso hacer con ella.
Es una lástima porque la idea era atractiva, pero al no tener un rumbo definido, el film se volvió monótono y repetitivo.

Después de tantos años finalmente el sueño de muchos fans de Linterna Verde finalmente se concretó y el superhéroe llegó a la pantalla grande.
Si bien la película es muy entretenida creo que no llega a estar al mismo nivel de Thor y Capitán América, por la sencilla razón que le faltó más dedicación y trabajó al guión que crearon para el cine.
Es loco porque Warner en los últimos años viene haciendo cosas maravillosas con los largometrajes animados de superhéroes que realiza Bruce Timm, pero no logran armar equipos del mismo nivel, salvo por el caso de Batman o Superman, cuando tienen que desarrollar este tipo de producciones live action.
Hace poco pudimos ver el desastre que hicieron con Jonah Hex, otro clásico de la editorial DC que ni siquiera llegó a los cines argentinos.
Este film tiene sus virtudes, pero en general es una producción muy despelotada, donde el director intentó abarcar más cosas de las que podía manejar y en un punto la historia se le fue de las manos.
En ese sentido, el largometraje animado (disponible en dvd) Linterna Verde: Primer Vuelo a nivel argumental presenta un trabajo superior a este estreno.
La trama estuvo claramente inspirada en el cómic “Linterna Verde: Secret Origins”, de Geoff Johns, (excelente historieta, por cierto) que hace poco narró el origen definitivo del personaje.
El gran problema de la película es que al director se le complicó equilibrar los momentos que el protagonista vive en el universo de los Corps y las situaciones que enfrenta en la Tierra. El personaje va y viene todo el tiempo de un lado para el otro y hay un montón de cosas que quedan en el aire.
Por ejemplo, al comienzo del film se nos presenta a los hermanos y al sobrino de Hal Jordan que después nunca más vuelven a aparecer en la historia como si no hubieran existido.
Luego de promocionar durante meses con posters a personajes entrañables y queridos por los seguidores del cómic como Killowog y Tomar- Re, en el film ambos tienen una breve participación.
Esto es tal vez lo más decepcionante. Hal Jordan apenas interactúa con el resto de los Corps y su entrenamiento cuando recibe el anillo se resume en dos minutos. Todo el proceso del origen del héroe se narra demasiado rápido y Hal pasa de la nada, de ser un tipo común y corriente a un superhéroe que salva el mundo.
Por otra parte, no se entiende que los productores convocaran a un actorazo de primer nivel como Geoffrey Rush, quien interpreta con su voz a Tomar-Re, y apenas tenga una escena para destacarse.
Es una lástima porque el trabajo que hicieron con los efectos especiales es brillante. Todos los escenarios del planeta Oa y estos personajes mencionados, que fueron realizados por animación computada estuvieron excelentemente recreados.
Lo mismo ocurre con el trabajo de los actores, Blake Lively (Carol Ferris), Peter Saarsgard (Hector Hammond) y Mark Strong (Sinestro), quienes capturaron a la perfección con sus actuaciones la personalidad de esos clásicos personajes.
Ryan Reynolds dentro de todo hace un trabajo decente, pero es probable que los fans de este superhéroe encuentren su interpretación más cercana a Kyle Rayner, el Linterna Verde, que surgió en los ´90, que el tradicional Hal Jordan.
La secuencia de acción final es totalmente épica y el 3D estuvo muy bien trabajado.
Linterna Verde, en términos generales, es una buena película pochoclera y entretenida, pero la realidad es que por el material que brindaba la historieta se podía haber hecho un film superior.
Linterna es un personaje muy importante que da para muchísimo más. Sus seguidores lo saben.
No en vano el cómic sigue vigente desde hace 70 años, si bien Hal Jordan recién apareció en 1959.
De todas maneras, si pulen estas cuestiones argumentales y le dan más espacio al resto de los Corps pueden hacer una gran secuela porque el material ya lo tienen y hay todo un universo de ficción muy interesante que queda por ser explorado.

Pasaron 15 años desde que Tom Hanks debutó como director con Eso que tú haces, una entretenida comedia sobre el mundo de la música de los años ´60.
Después de mucho tiempo el actor decidió volver a la dirección con un proyecto que escribió junto a Nia Vardalos, la protagonista de Mi gran casamiento griego.
Larry Crowne es supuestamente una comedia romántica que tiene la particularidad que no es cómica y mucho menos romántica.
El film no hace otra cosa que demostrar lo alejado que se encuentran Hanks y Vardalos de la gente común de la clase trabajadora de Estados Unidos, cuyas problemáticas intentaron retratar en esta historia.
Así al menos lo aseveró el director en varias entrevistas.
Larry Crowne es un sujeto de cuarenta y pico que es despedido de su trabajo, pese a ser un buen empleado, por no tener una educación universitaria.
Al quedarse sin empleo el personaje decide emprender un nuevo rumbo en su vida al retomar sus estudios y hacer un montón de estupideces como unirse a una banda de motoqueros que andan en scooter.
Una comedia protagonizada por dos figuras importantes de Hollywood como Hanks y Julia Roberts no fracasa en los cines por casualidad, más allá que la pareja que hacen los dos no tenga demasiada química.
Larry Crowne es un film insípido y aburrido, donde al margen de las cosas que se le puede objetar al guión, la gran falla de este film pasa por la dirección.
Tom pierde demasiado tiempo en su narración durante gran parte de la película con situaciones intrascendentes que no le aportan nada a su personaje y tampoco avanza en el conflicto.
Recién en los últimos 20 minutos la trama se pone un poco más interesante.
Hace mucho tiempo que no se veía una actuación tan desganada como la que presentó Julia Roberts en esta película. Parecería que participó en este film simplemente para saldar un favor con Hanks.
Uno recuerda las memorables comedias románticas que Tom hizo con Meg Ryan, por lejos su mejor pareja en el cine, y la realidad es que esta película está muy por debajo del nivel de aquellas historias que hoy son clásicos populares
Larry Crowne es otra prueba de lo difícil que es encontrar una gran propuesta de este género por estos días.

Los Pitufos son unos de los íconos más importantes que existen dentro del cómic europeo que en América por lo general se los relaciona con la brillante serie animada de Hanna-Barbera de los años ´80.
Más de 50 años de vigencia en mundo de la historieta hizo que los duendes azules tengan el mismo prestigio que otros grandes como Tintín o Asterix.
Claro que la historia de estos personajes no siempre fue color de rosa. Los Pitufos fueron acusados por más de un trasnochado de ser criaturas diabólicas que generaban mala suerte e inclusive de ser un instrumento de propaganda comunista.
Sin embargo nada de esto impidió que la más famosa creación de Peyo, un gran artista de cómics, resultara un éxito en todo el mundo.
Esta película que llega esta semana a los cines es la primera producción live action que se hizo con estos personajes. En el pasado (ver Dato Loco) hubo otro largometraje animado que sigue siendo hasta ahora el mejor trabajo realizado con los duendes en el cine.
Creo que esta reseña debe dividirse en dos partes.
El aspecto más positivo que puedo rescatar de este estreno es que el film, pese a sus fallas, contribuye de alguna manera a difundir estos fabulosos personajes, con los que muchos de nosotros nos criamos en la infancia, entre las nuevas generaciones de niños que no los conocían.
Me parece que en su gran mayoría, los chicos que se engancharon con Alvin y las ardillas van entretenerse un rato en el cine.
Sin embargo, tampoco puedo dejar pasar que más allá de este tema Los Pitufos 3D es una decepcionante película mediocre que poco tiene que ver con los personajes de Peyo.
El estudio Sony no hizo otra cosa que refritar de manera burda la misma fórmula que usó Fox con Alvin y las ardillas y que hace poco copió Warner con el Oso Yogi.
La dirección corrió por cuenta de Raja Gosnell, quien hizo un muy buen laburo con los filmes de Scooby Doo, muy especialmente en la segunda entrega que estaba plagada de referencias a episodios clásicos de la serie animada.
Más allá de los gustos personales, lo que nadie le puede objetar a esas películas es que distorsionaran el dibujo animado. Gosnell capturó a la perfección el espíritu de la serie de Scooby.
Con los Pitufos no ocurre lo mismo y se nota que no tuvo la misma libertad con la que trabajó en Warner. Los únicos momentos decentes de este film son los primeros 10 minutos cuando presenta a los personajes en su aldea y una muy linda secuencia hacia el final donde se le rinde un pequeño tributo al cómic de Peyo. Después la película es cualquier cosa.
El problema es que al trasladar a los duendes a la ciudad de Nueva York, en el mundo real, se perdió toda la magia que tenían los Pitufos. Es algo similar a lo que ocurrió en su momento con la malograda película de He-Man, con Dolph Lundgren.
Si Sony hubiera desarrollado este film exclusivamente por la via de la animación , probablemente hubiera sido mejor artísticamente, pero de ese modo el estudio se perdía de explotar el desfile burdo de chivos publicitarios con los que facturaron a lo grande.
Esa es la gran decepción. Explotaron a los personajes de Peyo con el único objetivo de brindar un catálogo de publicidades, sin preocuparse por hacer una buena película.
Hay una secuencia que transcurre en un shopping que parece dirigida por Carlos Mentasti.
Sabemos que todas las películas de este tipo tienen chivos (Chandler suele hacer buenos informes al respecto) pero acá es obsceno como lo manejaron.
El 3D es absolutamente inservible. Salvo por algunos efectos en un par de escenas no aporta nada, por lo que no vale demasiado pagar más caro la entrada.
En fin, un regreso de los Pitufos desperdiciado.

El Dato Loco: Los Pitufos y la Flauta Mágica fue una gran producción animada belga de 1976, dirigida por Peyo, que llevó a estos personajes por primera vez a la pantalla grande.
Una muy buena producción que adaptó la trama del cómic de “Johan y Peewit”, donde los Pitufos debutaron por primera vez en una historieta. En este caso no aparecían ni Gargamel ni Pitufina.
En América recién se conoció en los cines en 1985, cuando ya se emitía la serie de Hanna Barbera y fue un tremendo éxito taquillero junto con la película de los Ositos Cariñosos.
Según cuenta la leyenda, el cine Helios de Palomar se incendió poco después que exhibieran el film y se dice que en el piso del cine quedó dibujado por el fuego el rostro de uno de los Pitufos. Un mito urbano que contribuyó a alimentar el lado oscuro de los duendes.

Super 8 es un gran film nostálgico que trae al recuerdo memorables producciones de los años ´80 que marcaron a fuego la vida de mucho fanáticos del cine como Los Goonies, The Monster Squad, Cuenta Conmigo y E.T.
En algún punto si se quiere, se podría decir que es la versión Bob Marley de Cloverfield.
Lo que en aquella historia de monstruos era todo destrucción, violencia y muerte acá es más …
One Love.
One Love. One Heart. Let´s get together and fell all right.
Es más, creo también que es la contracara de la descerebrada Batalla: Los Ángeles, donde en este caso sin llegar a la emotividad de E.T, el concepto de la amenaza alienígena es trabajada de otra manera.
Super 8 es una película con corazón, donde más allá de la aventura y la acción el director J. J Abrams presenta un muy buen cuento sobre la amistad.
Lo interesante de la historia es que a lo largo de su desarrollo la trama pasa por distintas etapas emocionales.
Hay aventura y acción, pero también tiene escenas graciosas y momentos más emotivos.
El reparto de chicos que seleccionaron es excelente y sobresale la hermana de Dakota Fanning, Elle Fanning con un muy buen trabajo.
Hace 30 años películas como Super 8 eran moneda corriente en los cines y esta clase de historias fantásticas luego fueron mutando en otro tipo de entretenimiento, con trabajos más centrado en los aspectos técnicos, pero sin corazón y vacíos de contenido.
El director Abrams acá fue por otro lado y creo que hizo un gran trabajo con esta historia.
Una de mis favoritas del 2011 que tendrá su lugar en el Top Ten.

EXCELSIOR!!
Después de más de 60 años de proyectos fallidos, el Capitán América finalmente obtuvo la película que se merecía y le hace justicia a esta gran creación de Jack Kirby y Joe Simon.
El peor enemigo de Steve Rogers nunca fue Calavera Roja, sino Hollywood.
Desde que el personaje apareció en 1941, por distintos motivos, siempre se le complicó la posibilidad de tener una gran película, como si ocurrió con otros clásicos del género.
Primero fue el serial de 1944 con el Capitán gordo que no tenía nada que ver con el cómic.
Luego vinieron las impresentables películas para televisión de 1979, que parecían dirigidas por Palito Ortega.
El film de 1990, que sólo fue un éxito en los cines argentinos (en Estados Unidos se estrenó directo en video), protagonizada por Matt Salinger se acercó un poquito a la esencia del personaje, pero no ayudó el bajísimo presupuesto que tuvo aquella producción.
Después vino la frustración por la cancelación de una serie animada de 1996 que se veía prometedora y había reunido a un buen equipo de artistas.
Este año finalmente la filmografía del Capitán América encontró su redención con la que es por lejos una de las propuestas pochocleras más logradas del 2011.
La versión del director Joe Johnston, quien ya nos había dado una alegría con esa gran adaptación que hizo de Rocketeer, en 1991, (gran cómic de Dave Stevens) no defrauda a nadie que siga al personaje de la historieta o aquellos que no son comiqueros pero disfrutan de estas películas.
Capitán América es una de las más grandes adaptaciones que se hizo de un cómic en el cine en las últimas décadas y claramente se puede asociar con el Superman de Richard Donner, el Dick Tracy de Warren Beatty o las producciones de Batman de Tim Burton y Christopher Nolan, por citar algunos casos.
Es decir, dentro de su género, es excelente y capturó la esencia de la historieta.
Lo que hace especial a este estreno de Marvel, que lo diferencia de otras propuestas como Thor o Spiderman, es el espíritu retro que tiene el film, donde más allá de hacerle justicia a este personaje, el trabajo de Johnston es una celebración también de los héroes de la era pulp como The Shadow, el Avispón Verde, The Spirit o El Fantasma.
El trabajo del director se centra en la primera etapa del cómic de Jack Kirby, pero el mundo de ficción que evoca, con sus escenarios y personajes secundarios, es el mismo que rodeaba a estos íconos mencionados.
Por ejemplo, la interpretación que hace Hayley Atwell en esta producción de Peggy Carter, la heroína de la historia, está más cerca de Margo Lane, la compañera de The Shadow, que la agente secreto que apareció en 1966 en la revista del Capitán América.
Este tipo de detalles, que probablemente al público general no le interesa, pero a mi sí me importa destacar, son lo que hicieron de este estreno una experiencia especial.
Desde lo cinematográfico la película es impecable, donde sobresale el trabajo brillante que realizaron con la construcción de la década del ´ 40 que se retrataba en los cómics de aquellos días y los efectos especiales.
La película tendría que estar nominada al Oscar el año que viene por este rubro. Lo que hicieron con Chris Evans al comienzo del fílm es sencillamente impresionante.
Hay otro aspecto importante que me gustaría resaltar.
El los últimos años, especialmente desde el 11 de Septiembre, el Capitán América se convirtió en un grano en el culo para los escritores que trabajan en el arte de la historieta, por todo lo que el personaje encarna simbólicamente.
Lo que el héroe representaba en la Segunda Guerral Mundial (recordemos que el cómic se utilizaba para levantar la moral de las tropas aliadas) poco tiene que ver con las políticas internacionales actuales de Estados Unidos, y en ese sentido la posición del Capitán podría ser complicada en el resto del mundo.
Afortunadamente este film evitó caer en el patrioterismo barato (y si querían tenían el marco perfecto para hacerlo) como probablemente hubiera ocurrido si la dirección terminaba a cargo de Michael Bay.
Desde las primeras escenas el director Johnston deja en claro que el universo de ficción en el que se desarrolla la trama es de fantasía y la película siempre se mantiene en este camino e inclusive se burla, en una muy buena secuencia, del perfil patriotero del personaje.
De hecho, los grandes villanos de este film no son los nazis, sino los soldados de Hydra, la organización que lidera Calavera Roja, interpretado de manera brillante por ese actorazo que es Hugo Weaving. La verdad que este tema lo resolvieron muy bien.
Lo que me encantó de esta película es que no es un prólogo de Los Vengadores, sino que tiene identidad propia. Deja todo preparado para lo que promete ser el año que viene una histórica reunión de superhéroes en el cine, pero esta es la película del Capitán América y tiene un enorme potencial para convertirse en una saga independiente.
Uno de los grandes estrenos del 2011.
GRACIAS JOE JOHNSTON!!

George Romero logró algo que nunca pensé que iba a llegar a ver en mi vida.
Una película aburrida de zombies!
Siempre fui un gran defensor de este tipo de historias dentro del género de terror.
Los zombies son por lejos uno de los mejores villanos que existen porque no se les puede ganar. Ellos representan el fin de la humanidad y la civilización, tal cual la conocemos.
Por eso son personajes muy interesantes para trabajar y se pueden hacer cosas divertidas con ellos.
Me encantan las historias de muertos vivos, inclusive las malas del cine clase Z, como Hard Rock Zombies, que es desopilante.
Lo único que no tolero es que los filmes sean aburridos.
La reencarnación de los muertos es una verguenza y duele mucho verla porque la dirigió un hombre importante del cine, que con este trabajo demuestra que tiene que tomarse un unas largas vacaciones del género.
Me parece que únicamente alguien que jamás vio una película de zombies en su vida puede recomendar esto en un medio de comunicación.
El film no sólo es tediosamente aburrido, sino que presenta una historia pobre que parece que la hubieran improvisado durante el rodaje.
Romero falló por completo a la hora de crear situaciones de tensión y suspenso y los zombies ni siquiera presentan una amenaza peligrosa. De hecho, es imposible clasificar este film dentro del género de terror, ya que no tiene nada que ver con este estilo.
Después de lo que hizo el director Frank Darabont con el fabuloso piloto de la serie de Fox, The Walking Dead, te encontrás con esto en el cine y te deprimís.
En este caso los zombies prácticamente son un elemento de decoración, ya que el rol principal lo tienen los habitantes de un pueblo que se matan entre sí por situaciones estúpidas.
Hay largas escenas con estos personajes que ni siquiera son interesantes. Los efectos especiales además son lamentables. Llama la atención que un director como Romero presente un trabajo tan deficiente en este campo.
La película está repleta de efectos digitales pobrísimos que se ven artificiales. Si esos momentos los hubieran trabajado como se hacía antes, cuando no existía la tecnología CGI, el resultado hubiera sido superior.
En los últimos años pude ver filmes amateurs con mejores efectos especiales que los de esta producción.
La reencarnación de los muertos es un patético intento de director en trabajar el subgénero de zombies dentro del western y el resultado es catastrófico, producto de una mediocre realización.
Intentó hacer lo mismo que John Carpenter con Vampiros y no le salió porque la historia es malísima.
Reitero, es imperdonable hacer una película de zombies aburrida.
Hace mucho que venimos esperando el gran regreso de Romero en el cine con estos personajes y a esta altura creo hay que olvidarse de eso. No da para más.
Por el cariño que se le tiene al director se le dejan pasar muchas cosas en los medios y lo entiendo, pero tampoco se le puede vender fruta a la gente. Por más que intenten intelectualizar este estreno con frases pajeras como “un estudio de las dinámicas sociales” en el fondo todos sabemos que es una producción mediocre.
“Un hombre debe conocer sus limitaciones”.
Sabias palabras de Harry, el sucio, que George Romero debería tomar para su vida.

Hace diez años que John Carpenter, uno de los grandes maestros del cine fantástico, no dirigía una película.
Su último trabajo había sido Fantasmas de Marte que acá pasó directo al video club.
En el último tiempo el director estuvo muy metido revisando su obra en las ediciones especiales en dvd que se editaron de sus grandes clásicos.
Atrapada no es un regreso memorable de Carpenter, ni una película que uno incluiría en la colección de dvds, pero brinda un entretenimiento decente.
El problema que tiene esta historia es su argumento, cuyo final resulta totalmente trillado, no sólo por que se narró un montón de veces en el cine, sino que en el último tiempo se estrenaron películas que presentaron conclusiones similares.
Si las menciono le arruino la visión de esta historia porque van a sacar en seguida la resolución.
Lo mejor de Atrapada pasa por la dirección de Capenter, quien hasta el momento en que se revela el “giro sorpresivo” de la trama, presenta un buen thriller entretenido que te mantiene interesado en el misterio que presenta el conflicto.
El director no participó del guión y la música y se nota porque esta es una producción menos personal del cineasta.
Sin embargo, como profesional y gran artesano del cine que es se las ingenió para brindar buenos momentos de suspenso, respaldado por un sólido trabajo en la fotografía y un muy buen reparto de actrices, que también merecen ser destacadas.
Especialmente la protagonista Amber Heard.
Atrapada no es un peliculón imperdible pero entretiene y su estreno se celebra por la sencilla razón que un maestro como John Carpenter sigue haciendo cine.

Hace rato aprendí a ver estas películas como una propuesta pochoclera más, que presenta en un universo alternativo una excelente saga literaria de fantasía que creó J.K Rawling.
Debo reconocer que la saga cinematográfica mejoró muchísimo con la incorporación del director David Yates y claramente era el hombre indicado para concluir la serie.
Comprendo también que los fanáticos fundamentalistas, que organizan marchas impresentables por las calles de la ciudad y creen que Ursula K. Le Guin y Philip Pullman son diseñadores de moda, se vuelvan loco con esto, pero en lo personal me cuesta vivir los filmes con esa intensidad por la sencilla razón que en la pantalla grande Harry Potter es otra cosa.
En términos generales la entrega final es una gran producción, que pese a no ser perfecta, concluye de manera satisfactoria esta historia en el cine.
Como propuesta pochoclera es un excelente producto que sobresale por los efectos especiales y el tratamiento épico que le dieron a esta entrega.
La narración de David Yates es bastante loca.
Después de brindar una primera parte exageradamente larga, con varias escenas que tranquilamente se podían haber evitado, la conclusión tiene un ritmo totalmente distinto al tal punto que su dirección parece acelerada como si Yates intentara trabajar la mayor cantidad de cosas en el menor tiempo posible.
De todas maneras se las ingenió para brindar muy buenos momentos que son visualmente impresionantes, como el escape de Gringotts y la batalla final.
Esta secuencia es bastante caótica, aunque en este caso creo que fue un enfoque pensado por el director.
A diferencia de Transformers 2, donde las peleas de los robots, eran confusas por una falencia en los efectos especiales, en este film me parece que David Yates buscó sumergir al espectador en el caos de una batalla como si estuviera haciendo un film bélico y el resultado es excelente porque consiguió ese objetivo.
Lo único que le pudo objetar a este film es la manera en que manejaron ciertos momentos emocionales, relacionado con el destino de algunos personajes, que me parece podrían haber tenido más peso y espacio en la narración. Por lo que representaban esos personajes creo que se lo merecían.
Como fan de la literatura fantástica lo que hicieron con Fred Wesley directamente me pareció un insulto. Sobre todo cuando el director le dedicó tiempo a otras situaciones en la primera parte que se podían haber evitado.
En general el cierre de este film parece hecho a las apuradas.
Estas cosas generan que las películas de Harry Potter sean una recreación superficial de lo que fue una gran serie literaria.
Al margen de estos detalles, la entrega final de Potter es una muy buena película pochoclera que se disfruta a pleno y concluye de manera digna esta saga.

Malas enseñanzas es otra comedia fallida con Cameron Diaz que intentó refritar la premisa de una película exitosa como fue Un Santa no tan santo (Bad Santa) con Billy Bob Thornton, un inesperado suceso de taquilla en el 2003.
El concepto del film y del personaje principal es similar, con la diferencia que esta producción tiene una actriz como protagonista y el escenario principal es una escuela.
Diaz interpreta un rol políticamente incorrecto que se droga, se emborracha y trata mal a los alumnos y sus colegas, además de dormirse en las clases que debería dar.
El problema con este personaje es que a diferencia del impresentable perdedor que interpretó Billy Bob Thornton en aquella producción mencionada, la profesora que compone la protagonista no es graciosa ni genera simpatía.
Está bien que no es culpa de los actores ni del director que los momentos más divertidos de la historia los quemaron todos en el trailer, pero la realidad es que la película está lejos de ser una propuesta desopilante.
Son esa clase de filmes a los que les ponés onda una vez que ya estás sentado en la butaca del cine, pero si la volvés a enganchar un día por cable sabés que ni a palos la vas a ver otra vez.
Malas enseñanzas es una película cuya historia todo el tiempo presenta situaciones que intentan ser graciosas de manera forzada y por eso no te saca una carcajada.
Todo el humor pasa por ver a la protagonista insultando y comportándose como un ser miserable. Billy Bob Thornton encara un personaje así y te hace morir de risa e inclusive logra que te pongas de su lado en la trama.
Cameron Diaz genera exactamente lo opuesto, por eso la película no termina de convencer.
De todas maneras supongo que el film también tendrá su público.
Para los fanáticos de Beavis and Butthead es el peliculón del mes.

En algún cine del mundo, Rango y Po, el héroe de Kung Fu Panda, están celebrando el estreno de esta película.
Los imagino sonriendo y frotando ansiosos sus manos frente a la pantalla grande. Ambos saben que el Oscar del año que viene a la mejor película animada se definirá entre ellos dos.
Cars 2 es por lejos la producción más decepcionante en la historia del estudio Pixar.
La película deja la sensación que la hicieron sin ganas con el único propósito de llenar el bache que tenían en el 2011, mientras preparaban películas importantes para el año que viene como John Carter de Marte y Brave, que evocará los viejos filmes de fantasía animados de los ´80 como El Caldero Mágico y El último Unicornio.
Si uno compara lo que hizo este estudio con las secuelas de Toy Story realmente el resultado de esta nueva entrega de Cars es vergonzoso.
El problema más grande de esta película pasa por una cuestión argumental.
En mi opinión, los realizadores se equivocaron al construir toda la historia sobre las espaldas de Mate, el personaje más pedorro de esta propuesta. El Jar Jar Binks de los autos.
En Toy Story, por ejemplo, estaba el Señor Papa, que es simpático y ameno, pero si Toy Story 2 se hubiera centrado en él, el resultado del film hubiera sido muy distinto porque la papa es un buen soporte humorístico como personaje secundario, pero no tiene el peso para llevar un conflicto central por sí solo.
Lo mismo ocurre con Mate. No se entiende que el Rayo McQueen y el resto de los autos terminaran en un rol secundario para brindar una aventura tan floja como esta, donde la prioridad la tiene un personaje tedioso.
Llama mucho la atención que un artista del calibre de John Lasseter terminara por acudir a uno de los peores clichés del cine como es la parodia de James Bond.
¿Era necesario Lasseter? ¿Qué les pasó muchachos?
La realidad es que Pixar también necesita hacer dinero.
El muñequito de Wall- E lo compraron Chandler y el director de esa película. Con Up ni stickers con el jubilado podían vender.
De última no está mal hacer una película más comercial, el problema es que Cars 2 destruyó por completo el espíritu del film original para brindar una historia trillada y densa sobre agentes secretos con explosiones y armas de fuego que poco tienen que ver con los personajes que conocimos en el film del 2005.
Las carreras quedaron relegadas a un segundo plano para darle prioridad a una historia aburrida y pretenciosa, que además se propone dejar un mensaje sobre los combustibles ecológicos.
Es absolutamente injustificable que por la trama que tenían para contar hicieran una película de 113 minutos!! Una barbaridad.
El conflicto de Cars 2 se podía narrar en un film de menos de 90 minutos. Si tuviera la profundidad de los filmes de los estudios Ghibli vaya y pase, pero no es el caso.
Pixar es un gran estudio de animación y se le puede exigir más. Esperemos que el año que viene Brave (película a la que le tengo mucha fe) nos haga olvidar el mal trago de este estreno.

Medianoche en París es una original historia de amor que se destaca como uno de los mejores trabajos de Woody Allen en estos últimos años.
A diferencia de su última producción, Que la cosa funcione, la nueva película del director sobresale por ser una propuesta mucho más inspirada que le rinde tributo, con bastante romanticismo, a la capital de Francia y su cultura.
De hecho, creo que hizo mucho más esta película por esa ciudad que todos los cortos que integraron la antología Paris, I love you.
El género de la comedia romántica viene golpeado desde hace rato, ya sea por la producción hollywoodense o europea.
No es fácil encontrar por estos días una gran historia romántica y que además sea entretenida.
En la primera parte de la historia, donde se introducen los personajes principales, Allen retrata su fascinación por la ciudad con un fabuloso recorrido por las calles francesas, donde uno puede imaginarse a Woody totalmente embobado detrás de cámaras por la belleza de ese lugar.
Las cosas se ponen interesantes cuando en la trama entran en juego los elementos fantásticos y el escritor que interpreta Owen Wilson termina transportado al París de los años ´20, donde conoce a los ídolos de toda su vida como Ernest Hemingway, Scott Fitzgerald, Gertrude Stein, Picasso y Salvador Dalí entre otros.
Por momentos la película parece una versión inversa de La rosa púrpura del Cairo, que presentaba a un personaje cinematográfico que salía de la pantalla del cine para codearse con el mundo real.
En este caso es el escritor que interpreta Wilson, quien escapa de la realidad para sumergirse en un proceso de búsqueda interior que le permite regresar a su siglo y vivir con otra perspectiva su vida.
Lo interesante del film es que lejos de ser una historia puramente nostálgica Allen habla sobre aprender a vivir el presente y apreciarlo.
Hasta hace no mucho tiempo era impensable imaginar a Owen Wilson, el modelo Hansel de Zoolander, en una película de Allen.
Woody evidentemente no pensaba lo mismo y le dio al actor un rol protagónico donde se destaca a lo grande con una encarnación más joven del propio director. Esto supongo que debe haber sido parte de la dirección que tuvo el personaje.
Owen Wilson se expresa exactamente como lo hacía Woody cuando trabajaba como actor, donde inclusive a través de la expresión corporal capturó todos sus gestos.
El reparto del film en general es excelente pero sobresalen, para mi gusto especialmente, Adrien Brody como Dalí y Michael Sheen (que gran actor), como un pseudointelectual impresentable, de esos que van a ver una película como esta y le pegan por considerarla “un entretenimiento ligero que no tiene la profundidad de la viejas obras de Allen”.
Allá ellos.
Medianoche en París es una muy buena romántica y está para tenerla en cuenta entre las novedades de la cartelera.

Michel Bay hizo los deberes.
El director tomó nota de las críticas que se le hicieron a su último trabajo y los corrigió para brindar una gran película pochoclera que presenta a los Transformers en una fabulosa aventura épica.
El lado oscuro de la luna es el primer film de esta serie donde los verdaderos protagonistas finalmente son los robots y no los humanos. Los Autobots y los Decepticons nunca tuvieron tanta presencia en escena en los filmes anteriores como en esta entrega.
Bay modificó varias cosas en este film que hizo que en términos generales sea probablemente el capítulo mejor realizado de la serie.
En primer lugar eliminó de manera drástica todas esas escenas estúpidas dignas de American Pie que tenía Shia LaBeouf con sus tediosos padres, que acá vuelven aparecer en un rol menor.
Si bien la película tiene su cuota de humor, con muy buenos aportes de John Malcovich y John Turturro, los momentos tontos estuvieron más controlados y el film no pierde el foco del conflicto central como ocurría con la entrega anterior.
Se podría decir que esta es la película más “seria” que hizo el director con estos personajes.
Otro avance importante es que pulió muchísimo los efectos especiales y las secuencias de acción, especialmente las peleas de los robots, donde acá se puede entender mejor quien es cada personaje.
Me daba gracia cuando la veía porque hay una escena fabulosa con Optimus Prime donde entra en acción volando y el director acude a la cámara lenta como para que nadie tenga dudas de quienes son los buenos y los malos.
La verdad que en materia de acción a Bay no hay con que darle. Transformers 3 tiene escenas absolutamente imponentes cuya realización es impecable.
Por supuesto no faltan los típicos “elementos Bay” como las tremendas supermodelos que aparecen como extras (no existen mujeres normales en los filmes de este tipo) y un gran despliegue de vehículos militares que suelen ser un clásico en sus trabajos y que a esta altura uno ya aprendió a dejarlos pasar.
Por ejemplo, hay una escena maravillosa donde la nueva chica de la película, Rosie Hunthington-Whiteley, famosa modelo de Victoria´s Secret, anda de acá para allá en el medio de una tremenda batalla campal corriendo con tacos altos. Todo un mérito, por cierto.
¿Es cualquiera? Absolutamente, pero la escena es ridículamente divertida. Después de todo es Transformers no La insoportable levedad del ser.
La batalla final en Chicago es de una opulencia visual descomunal, donde además el director da una cátedra de cómo usar el 3D en este tipo de películas.
La única objeción que tengo para este film es que el final podría haber sido mejor trabajado. Teniendo en cuenta que era el cierre de la trilogía (si hay una cuarta no será dirigida por Bay) se le podría haber dado a la historia un cierre general que concluyera mejor la saga.
La última escena antes de los créditos me pareció muy abrupta como si el estudio hubiera apurado al director para que terminara rápido la película.
No puedo dejar de destacar el trabajo de Peter Cullen, la voz oficial de Optimus Prime en los dibujos animados, que le da una presencia tremenda al personaje. Un acierto que lo convocaran para estas películas, que si bien presenta diferencias con la serie animada que vimos de chico, vuelven a brindar un gran entretenimiento con estos queridos personajes.

Dentro del cine, las historias sobre padres que atraviesan un duelo por la muerte de un hijo son más trilladas que las aventuras del Vengador Tóxico.
Desde la ganadora del Oscar, Gente común (1980), de Robert Redford, estos relatos se contaron infinidades de veces con el correr de los años.
Sin ir más lejos, hace poco se estrenó el film Prueba de amor, con Susan Sarandon y Pierce Brosnan, un bodrio manipulador totalmente olvidable, que buscaba la lágrima fácil del espectador a cualquier costo y estaba relacionado con este tema.
Esta producción de Nicole Kidman que llega esta semana a los cines es el caso opuesto.
El Laberinto es por lejos el mejor drama que tocó este tipo de conflicto desde La habitación del hijo, una gran película del director italiano Nanni Moretti estrenada hace unos años.
La película sobresale por la honestidad, espontaneidad y realismo con el que se toca el tema y un trabajo inolvidable de sus protagonistas.
La dirección corrió por cuenta de John Cameron Mitchell, el creador de ese gran y bizarro musical que fue Hedwig and the Angry Inch, cuya versión cinematográfica se estrenó hace unos años en Argentina.
Su nuevo trabajo es una adaptación de la obra de teatro “Rabbit Hole” de David Lindsay Abaire y narra la vida cotidiana y el proceso de duelo de un matrimonio que meses atrás perdió a su hijo de cuatro años.
El film aborda cómo los protagonistas intentan reconstruir de cero sus vidas luego de un golpe terrible. Lejos de ser una película deprimente y contra todos los pronósticos El Laberinto sorprende por la manera en que trabajó el humor dentro de una temática muy difícil de desarrollar, ya que en principio el conflicto no da para ningún tipo de chistes.
Sin embargo, a veces el humor como se demuestra en esta producción es un vía de escape para hacer llevadera situaciones muy dolorosas.
Aaron Eckhart y Sandra Ho comparten una escena desopilante que es más graciosa que los 90 minutos que dura ¿Qué pasó ayer? parte 2 y funciona a la perfección en el contexto de la historia.
Momentos como ese son lo que hacen especial a esta película. El laberinto no busca deprimir gratuitamente al espectador como las repetitivas películas de Alejandro Gonzáles Iñárritu que intentan ser profundas de la manera más burda posible.
Acá todos los personajes son desarrollados de un modo realista y la empatía que se genera con ellos es automática, porque como espectador te podés conectar con las experiencias que atraviesan.
En uno de los mejores trabajos de su carrera, Nicole Kidman interpreta a una mujer
que prácticamente está muerta en vida y busca la manera de hallar una salida de ese laberinto de emociones en el que se encuentra atascada. En ese sentido la traducción del título (Rabbit Hole) no podía haber sido más acertada.
Por otra parte, Eckhart representa la cara opuesta de esa situación. Es un hombre que socialmente puede manejarse mejor con sus obligaciones, pero en la intimidad cuando está solo vive un infierno por la perdida de su hijo.
Es una pena que Eckhart no fuera reconocido por la Academia de Hollywood por este trabajo, ya que nunca se lució tanto en un rol dramático como en este film.
El laberinto a larga es la lucha de una pareja por reconstruir su vida otra vez luego de una perdida irreparable.
Lo mejor de este trabajo de Mitchell es que sin caer en golpes bajos ni escenas manipuladoras brindó un film auténtico que logra conectar al espectador con el corazón de estos personajes.
Una gran película que merece su recomendación.

El hijo de David Bowie, Duncan Jones, hace poco sorprendió a la industria del cine con su ópera prima, Moon, una historia de ciencia ficción protagonizada por Sam Rockwell que recibió excelentes críticas en todo el mundo e inclusive obtuvo el reconocimiento de la NASA.
Lamentablemente no consiguió distribución en Argentina.
A partir de este film Jones comenzó a recibir ofertas de los grandes estudios de Hollywood e inclusive fue uno de los principales candidatos de Warner para dirigir la próxima película de Superman, que finalmente quedó en manos de Zack Znyder.
Este año presentó su segundo trabajo, 8 minutos antes de morir, donde volvió a trabajar con la ciencia ficción pero con un presupuesto seis veces mayor al que tuvo en su debut.
Su nuevo film trae al recuerdo el clásico de Bill Murray, El día de la marmota, con la particularidad que acá los problemas con el tiempo son más oscuros y están relacionados con el suspenso y la acción.
El director ofrece un film que cumple con lo que se propone transmitir, que no es ni más ni menos que un entretenimiento bien hecho.
No es una historia emocional como Moon, pero si una película de acción que no insulta la inteligencia del espectador y te mantiene enganchado hasta el final.
La historia, que tranquilamente podría haber sido un capítulo de La Dimensión Desconocida, está muy bien construida y Jake Gyllenhaal se destaca en el rol protagónico con una muy buena interpretación.
Otro muy buen trabajo del cineasta Duncan Jones, quien tiene por delante una carrera muy prometedora.

El director francés Olivier Assayas ( Irma Vep, Clean, Boarding Gate) vuelve a los cines locales con uno de los trabajos más apasionantes y ambiciosos de su carrera.
Carlos es una historia épica que gira en torno a la vida de uno de los más peligrosos terroristas y criminales del siglo 20 como fue el venezolano Ilich Ramírez Sánchez, más conocido como Carlos, el Chacal.
Un delincuente que durante décadas fue buscado por la policía internacional y cobró notoriedad en los años ´70 por la atención que generó entre las organizaciones fundamentalistas de extrema izquierda.
Este interesante trabajo de Assayas es una larga historia de cinco horas y media que en Francia se exhibió en la televisión a modo de miniserie.
En resto del mundo se hicieron varios cortes para cines con distintas duraciones (ver Dato Loco) y la versión que llega a Argentina dura dos horas y 45 minutos, que es la versión que se estrenó en la mayoría de los países.
La visión de Assayas sobre Carlos poco tiene que ver con el enfoque romántico e idealista que presentó Steven Soderbergh sobre el Che Guevara, especialmente en la primera entrega titulada El Argentino.
En Carlos, desde las primeras escenas al espectador le queda claro que el Chacal es un psicópata ultra violento cuyas ideas políticas están totalmente regidas por el odio y la violencia.
Me pareció genial que la película dejara en claro esto de entrada. Especialmente en estos tiempos donde trasnochados como el presidente de Venezuela, Hugo Chavez y organizaciones árabes, integradas por psicópatas fundamentalistas, que distorsionan el Corán y expresan sus ideas políticas a través de la violencia y la muerte, abogan por la libertad de este asesino al que reivindican como “un verdadero revolucionario”.
Carlos no era un revolucionario, sino un criminal mercenario y ególatra que se movía por el dinero.
La única causa a la que siempre sirvió el Chacal fue a la de su propio bolsillo, motivo por el cual se desvincularon de él, muchos grupos terroristas de los años ´70, ya que ni siquiera ellos le tenían confianza. Lo utilizaban como un títere cuando lo necesitaban y después lo descartaban cuando era necesario.
Este tema está muy bien trabajado y la película más allá de esta historia en particular sobresale por el excelente retrato que hace el director de la sangrienta década del ´70. En ese sentido es una obra que está a la par de Munich, de Steven Spielberg.
Creo que ambos filmes son una excelente herramienta para entender el origen del terrorismo moderno.
Assayas describe con mucho detalle cómo operaban y pensaban los grupos terroristas de ese momento y acompaña su narración con material de archivo que insertó muy bien en el film.
Desde lo cinematográfico lo mejor de Carlos es que la trama se cuenta desde el género del thriller. Aunque ya conozcas la historia el film te mantiene hipnotizado en la pantalla, especialmente por la soberbia actuación de Édgard Rámirez (El ultimátum Bourne), quien se roba cada escena en la que aparece.
Me parece que Carlos va a repercutir en la carrera de este actor de la misma manera que Chopper lo hizo con Eric Bana en su momento. Hay un antes y un después en su filmografía a partir de este film y no va a ser raro verlo más seguido en roles protagónicos dentro de producciones importantes.
El único inconveniente que tiene esta versión para cines que se estrena en Argentina es que cuando la trama llega a 1979 se produce un corte abrupto y la historia sigue directamente en la década del ´90. En este caso quedaron a fuera todos los hechos relacionados con los años ´80 donde el Chacal tuvo una hija y organizó varios atentados.
Es como que la trama se aceleró para concentrarse en el último acto que tiene que ver con la caída del criminal. De todas maneras es muy importante destacar que el film no pierde coherencia en su narración y los hechos más importantes están en la historia.
La verdad que por como está realizada esta película no hubiera tenido problemas en ver la versión completa, ya que la historia es apasionante.
Para quienes les interesan estos temas es una gran recomendación. Carlos es uno de los estrenos más importantes de este 2011.

EL DATO LOCO:
-La versión original de cinco horas y media se exhibió en el Festival de Cannes el año pasado. La versión para cines de 165 minutos es la que llegó a la mayoría de los países, pero también hubo otras variaciones. Por ejemplo, en Alemania el corte para cines es de 185 minutos y en Estados Unidos decidieron dividirla en dos películas de 140 minutos, aunque en algunas ciudades como Chicago también exhibieron la versión completa de 330 minutos.

-El apodo de “Chacal” se lo puso a Carlos la prensa inglesa y luego se hizo popular en el resto del mundo. Lo llamaron de esa manera en los diarios ya que cuando cayó el terrorista entre sus pertenencias tenía la novela de Frederick Forsyth, “El día del Chacal”.
En la película de Olivier Assayas nadie llama de esa manera al protagonista.
-En las novelas originales del espía Jason Bourne, de Robert Ludlum, Carlos formó parte de la trama, aunque en las películas con Matt Damon no lo incluyeron. Tom Clancy también lo utilizó en “Operación Raimbow” donde el venezolano producía un atentado en España.
-El cine lo tuvo como referencia en Mentiras verdaderas, de James Cameron, donde Bill Paxton era un criminal acusado de ser Ramírez.
En El día del Chacal, con Bruce Willis y Richard Gere también se lo mencionaba en la historia.
La película que se centró más en el terrorista fue The Assignment (1997), con Ben Kingsley y Donald Sutherland, que trataba sobre el plan de la CIA para capturar a Carlos, interpretado por Aidan Quinn (Leyendas de pasión).
-El verdadero Carlos quedó indignado con la película de Olivier Assayas e intentó detener por medio de sus abogados el estreno del film, ya que entiende que la manera en que se lo retrata puede complicarlo en juicios que tiene pendiente por distintos atentados en Francia cometidos entre 1982 y 1983, donde murieron 11 personas. Estos hechos no se ven en la versión que llegó a los cines argentinos.
Una de las cosas que más le molestó a Ramírez, que llegó a leer el guión del film, es la manera en que se interpretó a sus compañeros en la toma de rehenes de 1975 en Viena, donde se ve a los terroristas nerviosos y violentos amenazando a la gente. Según Carlos, las cosas no sucedieron así y sus compañeros eran “comandos profesionales”.

Los agentes del destino es una película extraña.
Comienza como un drama centrado en la política y cuando menos lo esperás da un vuelco rotundo a la ciencia ficción y el romance donde el espíritu de los filmes de Frank Capra (Que bellos es vivir) por momentos está presente.
La historia estuvo inspirada por uno de los primeros cuentos que escribió Philip K Dick, The Adjustment Bureau” (1954), de cuyas obras surgieron también películas como Blade Runner, Minority Report y El Pago, entre otras.
Este film con Matt Damon casi no tiene nada que ver con el relato de Dick salvo por el hecho que toca las temáticas del destino y el libre albedrío.
La película se aleja de las teorías conspirativas sobre los que consideramos que es la “realidad”, para centrarse en el hecho que la humanidad se encuentra constantemente observada por una misteriosa corporación de ángeles que intervienen cuando las personas se desbandan en la vida.
Este film levanta el nivel de lo que fueron las últimas producciones románticas de Hollywood, donde los repetitivas historias con Kate Hudson y Jennifer López terminaron por aburrir ya que son siempre lo mismo.
Los agentes del destino remite un poco a las viejas historias románticas de Hollywood con un guión inteligente, que tiene sus giros sorpresivos y no cae nunca en situaciones melosas o sentimentalistas.
Matt Damon y Emily Blunt tiene muy buena químicas juntos y llevan muy bien sus personajes en la historia.
La ciencia ficción y el romance no siempre van de la mano, pero en este caso la película funcionó y brindó una historia entretenida.

No es tan mala como afirmaban las críticas norteamericanas.
La verdad que se estrenaron cosas peores.
Paul Bettany sigue cebado con la idea de ser un héroe de acción y no para de interpretar a este tipo de personajes.
Luego que terminó la filmación de Legión, se reunió otra vez con el director Scott Stewart para trabajar en Priest, una adaptación bastante libre del cómic coreano homónimo de Hyung Min-woo.
Este film presenta una historia que combina el spaghetti western con el terror y la ciencia ficción.
Es notable como después de tantos años, las películas de Mad Max, especialmente la segunda parte, siguen siendo una influencia importante para este tipo de producciones.
Priest no es una propuesta donde uno va encontrar un gran contenido argumental o gran desarrollo de los personajes, ya que en los 87 minutos de duración, que se pasan volando, el enfoque del director se concentró básicamente en la acción.
Ahora bien, tampoco todo es un completo desastre.
Hay cosas que estuvieron muy bien hechas como el trabajo de fotografía y diseño de producción que ofrece un planteamiento visual que remite a filmes como Dark City.
Por otra parte está muy bien lograda la secuencia de animación con la que se presenta la trama y las escenas de acción.
Lo que le juega en contra a Priest es que el guión es bastante trillado y la temática ya viene muy desgastada por películas anteriores como la saga Underworld, El libro de Eli y Daybreakers, vampiros del día, que lidiaban con conflictos similares.
En materia de 3 D no se puede esperar demasiado ya que Priest fue filmada en 2 D y luego la convirtieron en tres dimensiones, como Furia de titanes, una elección que ya quedó demostrado es la peor manera de utilizar este formato.
El film deja la puerta abierta para una secuela que dependerá de cómo le vaya en la recaudación internacional, ya que en Estados Unidos resultó un fiasco.

La doble vida de Walter es una muy buena película de Jodie Foster que presenta uno de los mejores trabajos actorales en la carrera de Mel Gibson.
Acá el actor explota todo su talento con un personaje complicado que vive una profunda depresión y usa una marioneta para comunicarse mejor con el mundo que lo rodea.
Más allá de sus problemas personales y los escándalos en los que se vio envuelto en el último tiempo, Gibson demuestra una vez más que es un actorazo con otra poderosa interpretación que representa el mejor atributo que tiene este estreno.
La historia es bastante extraña porque cuesta aceptar la premisa que un tipo que tiene una profunda depresión se cure solo usando un títere, pero bueno, esto tampoco es un documental.
Más allá de algunas escenas graciosas, que realmente son muy divertidas por las situaciones absurdas que presentan, Jodie Foster brinda un film que se refiere a cómo las enfermedades mentales no sólo afectan a las personas que la sufren, sino también a los familiares que los rodean.
Foster ofrece un muy buen trabajo en la dirección donde se toma el tiempo para desarrollar las historias que viven los personajes secundarios que están relacionados con el conflicto central.
Al margen de las escenas graciosas que tiene la historia, el film se toma muy en serio la problemática de la depresión y sin desbordarse en los aspectos emocionales ofrece un muy buen cuento al respecto.

Hanna es una muy buena incursión en el género de acción del director Joe Wright.
Si alguien me decía que el sujeto que hizo el bodrio de Expiación, Deseo y Pecado iba a terminar filmando una historia de tiros y persecuciones como esta me hubiera costado creerlo.
La historia parece salida de un cómic de Frank Miller que presenta una versión más adolescente de Salt, el personaje de Angelina Jolie, que tiene varios puntos en común, con la protagonista de esta historia.
Si hay algo que le faltaba a la actriz Saoirse Ronan para demostrar la versatilidad de su talento es lucirse como heroína de acción.
Su trabajo es el corazón de la película y es impresionante lo que hizo con un personaje complicado, que demandaba mucho trabajo emocional y físico.
Después de Saoirse, los otros grandes protagonistas de este film son los Chemical Brothers quienes brindaron una fabulosa banda de sonido que se luce en muchas escenas importantes de la historia.
Lo mejor de Hanna es que no es una película pretensiosa donde su director se pone analizar cuestiones existencialistas tratando de demostrar que es un film de acción “inteligente”.
La película una producción decente de este género que trabaja muy bien el suspenso con grandes interpretaciones del reparto secundario. Muy especialmente de Cate Blanchett, quien encarna una extraña villana carente de humanidad.
Hanna es como un cuento de hadas con tiros y en ese sentido creo que las referencias a los Hermanos Grimm no son una casualidad.
El director Joe Wright sorprendió con un trhiller sólido y entretenido que me parece no va defraudar a los seguidores del género.

El Dato Loco:
Saoirse Ronan se entrenó en artes marciales para trabajar en esta película con Dan Inosanto, un discípulo de Bruce Lee.
El sueño de Dan era seguir una carrera actoral y Bruce le dio su primer trabajo en The Game of Death. Sin embargo, Lee murió en pleno rodaje e Inosanto nunca llegó a trascender como actor.
Finalmente emigró a Estados Unidos donde se convirtió en coordinador de dobles de riesgo y trabajó para directores como John Carpenter. Actualmente es uno de los profesionales más requeridos de la industria de Hollywood para entrenar actores y actrices que trabajan en filmes de acción.

Kung Fu Panda 2 debería ser un ejemplo para el resto de los estudios hollywoodenses.
En estos días donde la cartelera se ve invadida por secuelas pedorras que no son más que refritos impunes de los filmes originales, es un placer ver una continuación donde no le ofrecen al espectador más de lo mismo, sino que levantan la apuesta con una segunda entrega superior.
Las películas del panda definitivamente son bichos raros dentro de las producciones animadas norteamericanas de estos días.
Por alguna razón desconocida esta historia logró tener un equipo de artistas que realmente cuidan a los personajes y las tramas y se preocupan por brindar un producto digno que puede ser entretenido y a la vez emocionante.
A diferencia de otras continuaciones producidas por Dreamworks, Kung Fu Panda 2 tiene un muy buen argumento que se encarga de desarrollar las relaciones de los personajes que conocimos en el film original, al mismo tiempo que brinda una muy buena aventura.
Una historia que claramente evoca a través de un dibujo animado, protagonizado por animales, los clásicos filmes de los hermanos Shaw de la década del ´60 sobre guerreros desterrados que caían en desgracia y buscaban venganza y el héroe que emprendía su viaje de auto descubrimiento para lidiar con sus problemas personales.
El memorable clásico de culto de los estudios Shaw, Five Deadly Venoms, de 1978, por ejemplo, es un caso contundente de esto que menciono.
Un film, que por cierto, tuvo una tremenda influencia en estas dos películas del panda.
Lo cierto es que si el guión de este estreno lo desarrollaban por la vía live action con actores y personajes humanos obtenían como resultado una gran película clásica de artes marciales.
Es importante destacar esto porque Kung Fu Panda por los mensajes que tiene su historia y la manera en que trabaja las filosofías orientales está por arriba de los estrenos hollywoodenses que llegaron a la cartelera en los últimos tiempos.
El trabajo de la animación es impresionante y sorprende por los detalles y precisión que tienen los personajes cuando entran en combate.
Hay escenas de peleas donde no parece que uno esté viendo un dibujo animado por la manera en que se retrataron los distintos estilos de lucha.
Todo el arte de los escenarios donde transcurre la trama también es hermoso.
Por otra parte, no debería sorprender que la película tenga este nivel teniendo en cuenta que en esta secuela la dirección estuvo a cargo de Jennifer Yu, una de las realizadoras que se destacaron en la soberbia serie animada de Spawn, de fines de los ´90.
Si a esto se suma que artistas grosos como Guillermo Del Toro y Charlie Kaufman (¿Quieres ser John Malcovich), que fue supervisor del guión, son parte de la producción, es fácil llegar a la conclusión que las historias de Po tienen un cuidado especial y se nota en el cine.
Muy especialmente si te gustó la primera, esta no hay que dejarla pasar.

Vanessa Paradis es una artista francesa muy completa que es más reconocida en Europa por sus trabajos en la música que en el cine, pese a que hizo muy buenas películas. En América es más famosa por ser la pareja de Johnny Depp que por sus discos y filmes. La última película de ella que llegó a los cines argentinos fue La chica del puente, en 1999, una gran y loca historia de amor del director Patrice Leconte, que protagonizó junto a Daniel Auteuil.
En este caso se destaca en una entretenida comedia de enredos que seguramente a más de uno le va a traer al recuerdo otros títulos hollywoodenses como Los rompebodas (Vince Vaughn) y Las seductoras (Sigourney Weaver) que también tenían que ver con sátrapas que interferían en parejas ajenas.
De hecho esta última película mencionada comparte el título original, Heartbreakers
(Rompecorazones), con este estreno.
Dentro de las cosas que llegaron a la cartelera, en lo que se refiere a la comedias
románticas, esta propuesta dentro de todo es una muy buena opción.
La narración de la historia es entretenida y tiene varios momentos graciosos que están
muy bien llevados por los dos protagonistas. Rompecorazones está más en sintonía con
las viejas comedias románticas hollywoodenses de los años ´60 que por el cine francés.
La dirección corrió por cuenta de Pascal Chaumeil, otro discípulo de Luc Besson que se
lanzó a dirigir películas luego de trabajar como asistente del famoso cineasta en filmes
como El perfecto asesino, El quinto elemento y Juana de Arco.
Actualmente se encuentra en producción la remake norteamericana de Rompecorazones
por lo que es una buena oportunidad para ver la original con la bella chica de los dientes
separados

Blue Valentine es una película que los amantes de las historias depresivas seguramente coleccionarán en dvd junto con la filmografía completa de Alejandro Gonzáles Iñárritu. Esta producción cuyo título evoca un maravilloso y brillante disco de Tom Waits se dedica a examinar con mucho realismo el nacimiento y decadencia de un matrimonio. Una propuesta que tiene varios puntos en común con Sólo un sueño, el film de Sam Mendes con Leonardo Di Caprio y Kate Winslet, que también trabajaba los altos y bajos de la relación de una pareja joven en los años ´50. Blue Valentine es menos melodramática, aunque más directa y brutal a la hora de narrar los esfuerzos que hacen los protagonistas para sostener una relación bastante complicada que poco tiene que ver con las historias de amor que suele brindar el cine norteamericano.
La trama desarrolla a través de una narración no lineal varias etapas de la relación de los
protagonistas a lo largo del tiempo y muestra como sus sentimientos van cambiando a
medida que ellos transitan distintos momentos de su vida.
Se trata de un film triste y desgarrador por momentos que llega a tocar las emociones
del espectador por las tremendas actuaciones de los dos protagonistas.
La película sobresale principalmente por los trabajos de Michelle Williams y Ryan
Gosling, quienes brindaron sus mejores interpretaciones en el cine hasta la fecha.
Cuesta entender después de ver este film que Gosling haya quedado afuera en las
nominaciones al Oscar, cuando su labor en esta producción con el tiempo va a ser
mucho más recordada que la actuación de Jesse Eisenberg en Red social.
Una buena recomendación para quienes busquen un drama maduro y emocional que no
se va a borrar de la mente a los cinco minutos de haber salido del cine.

X-Men: Primera Generación no sólo es otra gran producción de los estudios Marvel, sino que además es un gran debut para esta nueva trilogía que se enfoca en las historias previas a los eventos del primer film de Bryan Singer.
Esta película se desarrolló a partir del éxito inesperado que resultó para la editorial Marvel el cómic X-Men: First Class, una miniserie publicada entre el 2006 y el 2007 que se convirtió en best seller y tuvo excelentes críticas.
La historieta expandía las primeras aventuras del grupo con la formación original que creó Stan Lee en los años ´60, integrada por El profesor X, Cíclope, Iceman, Jean Grey y Bestia .
A raíz del interés que despertó esta serie los estudios Marvel decidieron llevar este
concepto al cine.
La película tomó la premisa del cómic (además del título) para adaptarlo a la saga
cinematográfica que inició Singer y concluyó el director Brett Ratnner.
En este caso trabajaron con muchos personajes nuevos que no habían aparecido en los
filmes anteriores. Algunos clásicos como Moira Mactaggert (Rose Byrne), Banshee
y Havok y otros más recientes creados en los últimos años como Angel Salvadore
(Zoe Kravitz) y Azazel (padre de Nightcrawler, interpretado en X-Men 2 por Alan
Cumming).
Esta era una película complicada porque los mutantes ya contaban con el desgaste de
la trilogía inicial, más la reciente “aventura solista” de Wolverine que también fue una
precuela.
Pese a todo, el director Matthew Vaughn se las ingenió para brindar un film entretenido
que casi dura lo mismo que el bodrio de Piratas 4 pero en este caso la experiencia en el
cine es mucho más gratificante.
Resultó un acierto narrar la trama en Plena Guerra Fría y desarrollar la amistad que
tenían el profesor Charles Xavier con Magneto antes que tomaran caminos opuestos en
la vida.
La película de alguna manera retoma el espíritu de los trabajos de Bryan Singer que
tenían mucha acción, pero también se enfocaban en las emociones e historia de los
personajes, que en definitiva siempre fue una de las claves por las que X-Men se
convirtió en un clásico emblemático de la historieta norteamericana.
James McAvoy y Michael Fassbender (Magneto) se lucen en los roles principales junto
con un excelente Kevin Bacon, quien brinda una gran interpretación como el villano
Sebastian Shaw.
El personaje tiene muy poco que ver con el de la historieta, pero lo usaron muy bien en
la película.
Salvo por el error geográfico relacionado con Argentina en una parte de la historia,
que es gracioso por lo ridículo y Chandler, ya destacó en otra nota, X-Men: Primera
generación es una muy buena película que no defrauda a quienes se hayan enganchado
con los mutantes en el cine.

Equipo ganador no se toca.
Parecería que ese fue el concepto con el que el director Todd Phillips desarrolló la secuela de esa gran comedia que fue ¿Qué pasó ayer?
Aquel film sorprendió hace dos años por ser una propuesta que levantó la apuesta en materia de humor al tratar situaciones que por lo general no se ven en el cine norteamericano.
Era una película un poco más zarpada frente a lo que ofrece Hollywood en ese género.
La original funcionó muy bien por el guión que tenía y la química que se formó entre los actores.
Esta segunda parte si bien tiene sus momentos zarpados y situaciones graciosas que te hacen reír deja una sensación de decepción porque los realizadores se limitaron a presentar exactamente una réplica del film anterior con la particularidad que cambiaron el escenario.
En lugar de Las Vegas ahora todo transcurre en Bangkok.
En consecuencia, es como que se perdió la magia porque la historia no te sorprende ni te mantiene intrigado por la historia, porque ya sabés como va a terminar.
Tanto el disparador del conflicto, como su conclusión es igual a la película anterior entonces la secuela perdió su gracia.
Hay escenas divertidas e inclusive una persecución automovilística muy bien filmada, pero a larga es más de lo mismo. Una pena la ausencia de Heather Graham, quien estuvo muy bien en la primera parte.
¿Qué paso ayer? Parte 2 no es una mala película y te entretenés un rato, pero más que una continuación parece una remake.
La versión de Las Vegas fue más divertida.

El cine de terror volvió a la cartelera!
No tengo problemas en afirmar que La noche del demonio es la gran película de horror de este 2011.
Bienvenido sea si la superan porque entonces tendremos un año magnífico, pero creo que no va a ser tan fácil.
El creador de Saw volvió al género con el mejor trabajo de su carrera, que en lo personal me hizo vivir una experiencia que no voy a olvidar en mucho tiempo.
Se podría decir que La noche del demonio es como Actividad Paranormal, pero bien hecha.
En este caso el director Wan no te hace perder una hora al pedo en el cine con escenas tontas e intrascendentes hasta que al final se manifiesta el peligro.
Desde el primer minuto, con esa soberbia y magistral secuencia de créditos iniciales, el cineasta te mete en el clima de la trama por completo, como si te diera la bienvenida al cine de terror después de mucho tiempo.
La película combina a la perfección las historias de casas embrujadas con posesiones demoníacas a través de una propuesta que sobresale por las atmósferas aterradoras que creó el director con su narración.
El guión no es una obra maestra, pero esta propuesta en particular no se destaca por su argumento, sino por la manera en que te cuentan el relato.
Es cierto que se hicieron miles de historias como esta en el cine, pero La noche del demonio sobresale por el ingenio con el que cautiva al espectador en el film a través de una trama clásica que logra asustarte en serio.
Lo que hizo este muchacho con un presupuesto de apenas 800 mil dólares es soberbio.
En este caso volvió a trabajar con el guionista y actor Leigh Warnell, con quien creó El juego del miedo, para ofrecer un trabajo diferente.
La noche del demonio no es una película sangrienta y ultraviolenta. El que espere ver un film descerebrado a pura violencia extrema como El juego del terror (The collector) o Escupiré sobre tu tumba, glorificados por los autodenominados “verdaderos fans del terror” tal vez salga decepcionado.
La noche del demonio se destaca por la sugestión que genera en el espectador, gracias a un excelente trabajo en la dirección, diseño de producción, un buen grupo de actores y la tremenda música de Joseph Bishara.
Es un film que está muy en sintonía con clásicos setentosos como Posesión diabólica, con Bette Davis y Olive Reed.
Con pocos recursos los realizadores de esta historia lograron hacer un film intenso que te mantiene enganchado hasta el final.
Este trabajo consolida claramente a James Wan como uno de los mejores cineastas que trabajan en Hollywood el género de terror.
Su nueva obra es una de las mejores producciones de este estilo que se hicieron en Estados Unidos en estos últimos años junto con Arrástrame al infierno, de Sam Raimi y Trick ´r Treat, de Michael Dougherty.
No hay que dejarla pasar en el cine.

Acá tenemos la cara opuesta de Rápido y Furioso 5.
En esa serie con Vin Diesel este año los realizadores sorprendieron con una soberbia quinta entrega que superó en materia de acción a los episodios anteriores y resultó una fiesta en las pantallas IMAX.
La causa de esto es que en cada film de la saga los productores se calentaron en buscarle alguna vuelta para ofrecerle algo distinto a los seguidores de esa historia.
Desde juntar a todos los actores en una misma aventura a cambiar los escenarios y levantar la apuesta en la realización de las persecuciones. Podrá ser cutre y todo lo que quieras pero por lo menos te divertís!
Con Piratas del Caribe 4 sucede exactamente lo contrario.
Es un film tedioso donde tiraron todo el peso de la película en los hombros de Johnny Depp, quien en las próximas Olimpíadas debería integrar la selección de remo de Estados Unidos.
Que una historia de piratas genere aburrimiento es imperdonable.
El cisne negro, con Tyrone Power, de 1942, la mirás hoy y es un millón de veces más entretenida que esto.
A favor se puede destacar que los guionistas presentaron una trama mucho más clara y definida que las secuelas anteriores. También eliminaron en gran cantidad todos esos elementos fantásticos que hicieron de esta historia un cambalache a nivel argumental. En ese sentido, la película retoma por momentos el espíritu del film original (por lejos el mejor) donde tenías fantasía, pero no se zarpaban con escenas grotescas como en los capítulos posteriores.
El gran problema de Piratas 4 y lo peor del film es la lamentable dirección de Rob Marshall (Chicago), quien cobró su cheque y filmó la película sin ganas, como si sólo se hubiese limitado a dirigir las escenas que estaban en el guión, sin importarle que ofreciera un producto frío y carente de emoción.
Por la historia que cuentan es una bestialidad que este estreno dure 135 minutos y eso que es la más corta de la saga. En este punto es donde sobresale la ineptitud del director para hacer un film de aventuras.
Arranca bien con la presentación del Capitán Sparrow, pero la diversión enseguida se desvanece cuando el personaje se ve envuelto en situaciones que se repiten una y otra vez con los numerosos escapes del protagonista. Ni siquiera las secuencias de acción son atractivas.
El trabajo de Johnny Depp, de todos modos, es destacable porque es muy difícil repetir el mismo personaje en cuatro películas. Pese a que Sparrow ya no genera sorpresa, con su interpretación logró hacer divertidas un par de escenas.
La presencia de Penélope Cruz tampoco logró darle una renovación a la serie, algo que necesitaba luego del desgaste que tiene los personajes después de tres largas historias.
Los piratas dieron todo lo que tenían y ya no se los puede explotar más, al menos con la dirección que le dieron a este film.
Es hora que Jerry Bruckheimer salga de su letargo y ofrezca un entretenimiento nuevo y fresco.
Sparrow aburrió, prefiero seguirlo a Dominic Torreto.

Esta película recrea en el cine un gran escándalo mediático que ocurrió hace unos años, durante la administración de George Bush, cuando la Casa Blanca reveló la identidad secreta de una agente de la CIA, para restarle credibilidad a los artículos que escribió el marido de la mujer, donde aseguraba que las armas de destrucción masiva que supuestamente tenía Sadan Hussein era una mentira creada por ese gobierno para invadir Irak.
El film narra cómo el matrimonio se enfrentó a los medios de comunicación y operaciones políticas para denunciar la corrupción del sistema político de su país.
La historia es muy interesante pero como propuesta cinematográfica no termina de convencer.
Poder que mata se vendía como un thriller político y la verdad que el suspenso acá brilla por su ausencia.
El director Doug Liman, responsable de Identidad desconocida y Sr. y Sra Smith, se limita a narrar cronológicamente los hechos que vivieron los protagonistas pero nunca llega a crear tensión con el conflicto ni con la relación entre los personajes.
Sería una falta de respeto catalogar a este film como thriller político si recordamos lo que hizo Alan Pakula con Todos los hombres del Presidente, sobre el famoso caso Watergate, donde pese a que uno ya sabía como iba a terminar la historia, la película era apasionante.
Otra producción que conseguía lo mismo es El informante de Michael Mann.
No es el caso de Poder que mata que termina por aburrir pese a sus buenas intenciones de denuncia.
Sean Penn y Naomi Watts, volvieron a reunirse en este proyecto luego de esa tertulia depresiva que fue 21 gramos, con interpretaciones sobrias que no alcanzan para engancharte con la historia.
Mucho diálogo e información técnica para un film con un enfoque narrativo que nunca logra cautivarte, pese a que el tema que trabaja es interesante.

Que la cosa funcione es una historia que Woody Allen escribió a comienzos de los años ´70 pero nunca llegó a filmar.
Hace unos años decidió revisarla otra vez y finalmente concretó este viejo proyecto que marca su regreso a Nueva York, luego de filmar sus últimas cuatro películas en Europa.
En esta ocasión el director eligió al comediante Larry David, como su alter ego, para interpretar a un científico pesimista que prácticamente odia a la raza humana.
David además de haber sido uno de los creadores de Seinfeld, fue la principal influencia en esa serie del personaje de George Constanza, interpretado por Jason Alexander, que por momentos esta película trae al recuerdo.
Su personaje, Boris Yellnikoff, es un ser absolutamente desagradable e insoportable, que vive quejándose de todo, como él mismo lo reconoce en ese excelente monólogo inicial, donde David le habla a los espectadores al mejor estilo Alfie.
Un recurso que Allen ya había utilizado en Annie Hall y que probablemente es la escena más graciosa de este estreno.
Comparado con los trabajos recientes que hizo el cineasta como Match Point y El sueño de Cassandra, Que la cosa funcione es un film menor y olvidable, donde Woody acudió una vez más a su clásico personaje neurótico, esta vez interpretado por otro actor, para reciclar temáticas y situaciones que ya vimos en filmes anteriores de él, con las particularidad que en esta ocasión los chistes son realmente malos.
Lo más rescatable del film es el trabajo que presentan Patricia Clarkson y Evan Rachell Wood, quienes son las que más se destacan en el elenco con muy buenas interpretaciones y logran sacarte una sonrisa en un par de escenas.
Larry David repite la misma clase de personaje detestables por la que se hizo conocido con Seinfeld y la serie de HBO, Curb Your Enthusiasm.
La película no es mala, pero la historia de Allen es pobre.
En un artista que cuenta con el récord de nominaciones al Oscar por mejor guión (14 exactamente) cuando la trama no es buena las falencias sobresalen con mayor fuerza.
Sólo para fans acérrimos de Allen.

Michael Connelly es uno de los autores más exitosos que surgieron en el género policial en los últimos 20 años.
Su serie de novelas con el policía Harry Bosch se convirtieron en best seller internacionales que fueron traducidos a 35 idiomas. Como suele ocurrir con muchos escritores que producen libros en masa, su trabajo después de un tiempo se volvió (al menos en mi opinión) sumamente repetitivo y el personaje de Bosch es como que terminó por cansar un poco.
En el 2005 Connelly le dio un giro a su carrera con la novela “Culpable o inocente (The Lincoln Lawyer” , con la que brindó un trabajo totalmente distinto a lo que venía haciendo hasta ese momento.
La historia estaba protagonizada por un nuevo personaje, el abogado Michael Haller, hermanastro de Harry Bosch, y brindó una excelente trama de suspenso relacionada con los conflictos judiciales.
Una historia en la línea de los trabajos que suele escribir John Grisham.
La película que se estrena esta semana es una brillante adaptación del trabajo de Connelly que no va a defraudar a nadie que le gusten los thrillers con temáticas judiciales.
Parecería que los abogados son los personajes perfectos para Matthew McConaughey.
En 1996 impulsó su carrera en Hollywood con su trabajo en Tiempo para matar, gran historia de Grisham, y ahora vuelve a presentar su mejor interpretación que brindó en los últimos años.
El actor capturó a la perfección al abogado Michael Haller y la verdad que está excelente en toda la película. Connelly debe estar contento con lo que hicieron en este film porque trasladaron su novela con muchísima fidelidad.
La película al igual que el libro te mantiene interesado por los constantes giros que presenta la trama y por el personaje de Haller que es atractivo por sus atípicos métodos de trabajo.
El guión está muy bien construido y hubo un gran trabajo de los personajes secundarios a cargo de Marisa Tomei, Josh Lucas, Ryan Phillippe y William H. Macy.
Cualpable o inocente no es una obra maestra del cine, pero sí una gran propuesta de suspenso para quienes deseen ver una película entretenida y bien hecha.
Hay dos libros más con este personaje que tranquilamente podrían ser llevados al cine.
Para quienes disfrutaron de este film recomiendo que consigan la novela “El Veredicto”, que continúa los hechos de esta historia y reúne a Michael Haller con el policía Harry Bosch.
Otro gran laburo de Connelly.

Gnomeo y Julieta es una loca producción de Elton John que brinda una parodia de la famosa tragedia de Shakespeare, con la particularidad que los protagonistas son enanos de jardín.
El film dirigido por Kelly Asbury (Shrek 2, Spirit, el corcel indomable) está orientado al público infantil y tiene algunos momentos graciosos, pero en general la historia está plagada de escenas similares a las que vimos en decenas de estreno de animación computada en este último tiempo.
Por momentos es más de lo mismo.
Lo mejor del film pasa por la animación, donde trabajaron muy bien a los enanos de cerámica que se ven reales y la banda sonora que prácticamente es un recorrido por los grandes éxitos de Elton John, que incluye un dueto del músico con Lady Gaga.
Esa versión del tema “Hello, Hello” sólo se puede escuchar en la película, ya que no se incluyó en la banda de sonido.
No es para nada el mejor estreno del género que llegó a la cartelera este año, pero puede funcionar para los más chicos a la hora de elegir un film para llevarlos al cine.

Después de dirigir cuatro películas de esta saga, el director Justin Lin logró atravesar un desafío que no es fácil de conseguir en este tipo de propuestas pochocleras.
En este caso brindó, por lejos, la mejor secuela que tuvo Rápido y Furioso, que una vez más logra engancharte hasta el final, si sos fanático de los autos y las persecuciones cinematográficas.
Hay dos elementos importantes que contribuyeron a que este film se destaque dentro de la saga.
En primer lugar, reúne a todos los actores de las entregas anteriores (salvo los personajes que están muertos) que por primera vez interactúan juntos entre sí en una misma aventura.
Se podría decir que Rápido y Furioso 5 en este caso exploró el terreno de filmes como La estafa maestra y Ocean´s Eleven donde los héroes y protagonistas no son Vin Diesel y Paul Walker, sino el equipo que forman entre todos.
Creo que este fue un elemento atractivo que tuvo la película y contribuyó a brindar algo diferente, en una serie donde tampoco podés hacer muchas modificaciones, porque el público que sigue estas historias quiere ver a los autos en acción.
Otro acierto fue la incorporación de The Rock con un personaje que recuerda los roles que solía interpretar Arnold Schwarzenegger en su época de gloria. Su personaje es un excelente contrincante de Dominic Torreto (Diesel) que hasta ahora se había enfrentado a rivales medio pedorros.
Es interesante destacar que esta película fue la que recibió las mejores críticas en Estados Unidos en la historia de la saga, algo que es muy loco porque en definitiva la esencia del film es la misma de siempre, pero me parece que estos dos puntos que destaqué hicieron la diferencia.
En materia de acción el director Lin ofrece secuencias de acción fabulosas que nos recuerdan por qué nos gustan ver persecuciones automovilísticas en el cine.
La escena final con los autos por las calles de Río de Janeiro es soberbia y creo que está a la par de esa maravillosa persecución que Michael Bay brindó en Bad Boys 2.
Por lo general cuando una serie tiene tantas secuelas el nivel de las películas empieza a decaer. No es caso de Rápido y Furioso 5 que ofrece un entretenimiento superior a los capítulos anteriores.
No se olviden de ver la escena de yapa durante los créditos finales que hay una interesante revelación.

Scream 4 es como esas fiestas donde se reúnen viejos compañeros de la escuela secundaria que hacen mucho tiempo que no se veían.
Wes Craven presenta su trabajo más sólido como director dentro del terror probablemente desde la primera entrega de esta saga que hizo historia en el cine.
Scream revivió en 1996 el cine de terror en un momento que se encontraba en una crisis severa, que venía arrastrando desde hace años, donde no había películas decentes y tampoco surgían cineastas interesantes.
Entonces apareció esta historia que con gran ingenio combinó el humor con el horror a través de una gran trama de suspenso que te mantenía pegado a la butaca hasta el final.
Quienes tuvieron la posibilidad de descubrirla por primera vez en el cine seguramente recordarán el furor que causó y el impacto del público en el final.
Después vinieron las secuelas y las imitaciones que intentaron general lo mismo, pero no lo consiguieron, aunque algunas al menos brindaron un buen entretenimiento.
Scream 4, en mi opinión es la mejor secuela de la serie, donde se nota claramente, sobre todo al compararla con la tercera, que el guión fue escrito por Kevin Williamson, el creador de esta historia.
Con una trama plagada de referencias cinéfilas, que por momentos presenta un estudio casi revisionista de lo que ocurrió en el género en los últimos años, la nueva película se destaca por brindar un misterio que evoca con ingenio las historias clásicas de asesinos.
En el fondo, las tramas de Scream son como un capítulo de Scooby Doo para adultos donde el misterio pasa por descubrir, quién se esconde detrás de la máscara de Ghostface.
Eso es lo divertido de Scream, además del ingenio con el que los realizadores se adaptaron al tiempo y costumbres culturales en que se estrenó cada entrega.
En este caso está muy bien como incorporaron las nuevas tecnologías digitales, que inclusive son analizadas por los personajes en la trama.
Scream 4 no es una película que haga historia en el género, ni tiene la fuerza para revivir el fenómeno de la original, pero ofrece un buen entretenimiento nostálgico que representa un final más digno para la saga.

Thor es la producción más impactante y espectacular que brindó hasta el momento el Estudio Marvel.
En materia de realización llevaron las historias de este universo de ficción a otro nivel con una memorable épica de fantasía que le hace justicia a esta creación de Stan Lee, que es una de mis favoritas.
El motivo por el que amo esta historieta es que siempre se destacó por combinar a la perfección el género literario de fantasía y la mitología nórdica con las historias de superhéroes.
Reinventar a Thor como un superhéroe del universo Marvel fue una de las máximas genialidades que brindó en su carrera Stan Lee, ya que en su momento cuando surgió el personaje, presentó un cómic diferente donde las aventuras del Dios del Trueno en Asgard se destacaron a lo grande.
Para un fan de Thor, el director Kenneth Branagh convirtió en realidad un sueño porque le dio vida a través del cine a todos esos personajes y lugares maravillosos que hicieron especial a este cómic.
Gracias a Dios la dirigió él y no Catherine Hardwicke.
Branagh equilibró muy bien en el film los acontecimientos en el reino de Asgard y en la Tierra a través de un conflicto que fue trabajado numerosas veces en la historieta.
El caso más reciente fue el relato “Las Edades del Trueno” donde Odín lo baja del caballo a Thor y le da una lección de humildad.
Hace un tiempo el director declaró que había aceptado hacer esta película porque era fan del personaje desde que era chico.
No fue una declaración para vender su nueva producción, al ver Thor se percibe que es el trabajo de un cineasta que conocía a fondo a los personajes y tenía una visión de cómo llevarlos a la pantalla grande. Sabía donde estaba parado.
Branagh es un tipo que tiene mucha experiencia para dirigir actores y esto se ve reflejado en la película.
Los trabajos que presentan Chris Hemsworth (Thor) y Tom Hiddleston (Loki) son excelentes y se nota que se calentaron por preparar sus personajes y conocerlos a fondo antes de comenzar la filmación.
Hemsworth capturó muy bien con su interpretación los distintos matices de la personalidad del Dios del Trueno y Hiddleston hizo lo mismo con Loki, que no lo representó como un villano acartonado de dibujos animado, sino como esa figura trágica y conflictiva que es el “maestro de engaño”.
Branagh retrató muy bien en su trabajo la relación de amor y odio que existen entre los dos hermanos. Pese a las cosas terribles que hace Loki, Thor lo sigue amando porque lo ve como el chico con el que creció en su infancia.
Este conflicto entre los dos personajes que brindó tantos cómics fabulosos en las últimas décadas se trabajó de manera perfecta en la película, igual que la relación del protagonista con sus guerreros amigos de Asgard.
Por otra parte, hay que destacar Anthony Hopkins le dio autoridad y presencia a la figura de Odín, quien tiene muy buenas escenas en la trama.
Al igual que Iron Man, la historia tiene muy buenos momentos de humor que funcionan bien, pero con el cuidado necesario de no convertir la película en una comedia.
Como toda adaptación siempre hay algunos cambios (en este caso modificaron la profesión del personaje de Natalie Portman, Jane Foster, que ahora es científica en lugar de enfermera), pero son cosas que no afectan al espíritu de la historia.
Branagh introduce muy bien a Thor en el universo Marvel que se está armando en el cine, donde inclusive nos regala una participación especial de Hawkeye, interpretado por Jeremy Renner (Vivir al límite), quien el año que viene tendrá un rol mayor en Los Vengadores.
Es una linda escena que se hizo más que nada para los fans de los cómics.
Además de las secuencias de acción y los efectos especiales que son espectaculares, en Thor hubo un gran trabajo en las relaciones que tienen los personajes y claramente estamos frente a una de las mejores adaptaciones que se hizo de un cómic de superhéroes en los últimos años.
Más allá que estés familiarizado o no con el personaje, la película brinda una gran historia de fantasía que puede ser disfrutada por todos los espectadores que busquen un buen entretenimiento.
No se olviden de quedarse hasta el final de los créditos que viene una escena extra, más larga de lo habitual, donde se adelanta un poco por donde va a pasar el conflicto en Los Vengadores.
Hugo Zapata

EL DATO LOCO:
-20 años llevó la concreción de esta película. Stan Lee y Sam Raimi empezaron en 1990 a trabajar en la producción de Thor pero tuvieron muchos problemas para conseguir financiamiento de los grandes estudios, que por aquellos días no le veían futuro a las películas basadas en cómics de Marvel.
Thor pasó en los años siguientes por varias compañías como Fox y Sony hasta que el proyecto cayó en Paramount y volvió a recobrar fuerza en el 2006.

-En la película Stellan Skarsgard interpreta al científico Eric Selvig. Su hijo Alexander Skarsgard, conocido por la serie True Blood, estuvo a punto de quedarse con el papel de Thor, pero finalmente el director optó por Chris Hemsworth .

-La actriz mexicana Adriana Barraza (Amores Perros, Babel) tenía un papel en el film pero sus escenas tuvieron que ser eliminadas para el corte de los cines. Es probable que su trabajo se reintegre en el dvd cuando se estrene el clásico corte del director.

Las últimas comedias de Adam Sandler y Jennifer Aniston fueron tan olvidables que con este trabajo que los reúne por primera vez en el cine, la verdad que ambos levantaron un poquito la puntería.
No es una obra memorable ni te vas a reír a carcajadas como en ¿Qué pasó ayer? pero tampoco es tan terrible como adelantaron en sus reseñas los críticos norteamericanos.
Digamo que si te la pasan en un avión las podés ver, sino tenés a mano algo bueno para leer.
Esta semana hay estrenos peores.
Sandler en este caso produjo una remake de La Flor de Cactus, una comedia muy taquillera que protagonizaron en 1969, Walter Matthau, Ingrid Bergman y Goldie Hawn.
Una historia que adaptaba una obra de Broadway, que a su vez era una adaptación de una obra de teatro francesa.
La versión de Sandler sólo tomó el concepto de la esposa falsa que inventa el protagonista, ya que después la trama no tiene nada que ver con el film de 1969.
Dennis Dugan, quien ya trabajo con el comediante en Happy Madison, Big Daddy, Yo los declaro marido y… Larry, No te metas con Zohan y Son como niños, se hizo cargo otra vez de la dirección del film.
Como es costumbre la película cuenta con algunos cameos de amigos de Sandler, donde llama la atención la ausencia de Rob Schneider, quien suele interpretar personajes alocados y siempre se destaca en alguna escena.
Si bien la trama es sumamente predecible, la película resulta entretenida dentro de todo gracias a la buena química que se generó entre los dos protagonistas.
Los escenas más graciosas en realidad no tienen que ver con el conflicto central, sino con los chistes que se hacen sobre las cirugías estéticas.
También hay algunos momentos divertidos con las participaciones de Nicole Kidman y el músico Dave Mathews, quien ya había aparecido en otros filmes de Sandler.
Sería muy interesante poder acceder al balance de presupuesto de esta película, ya que los 80 millones de dólares (una bestialidad) que costó no se ven representados en la pantalla.
Los seguidores de este comediante, que no se hayan hartado de los filmes que estrena año tras año con la misma fórmula, son los que probablemente más van a disfrutar esta propuesta.

Se estima que los primeros relatos de Caperucita Roja nacieron en el siglo 14 en Europa, como una tradición folclórica que se narraba de manera oral entre las familias.
El escritor Charles Perrault fue el pionero en incluir esta vieja leyenda en un libro de cuentos en 1697.
En las primeras versiones, que eran mucho más sangrientas, Caperucita terminaba comiendo la carne descuartizada de la abuelita. La historia, que era bastante aterradora, había nacido con el propósito de aleccionar a las niñas para que no entablaran contactos con desconocidos.
En 1800 el escritor Ludwig Tiek escribió una versión más sangrienta todavía con elementos eróticos que se tituló “Vida y muerte de la pequeña Caperucita Roja: Una tragedia”.
Entonces aparecieron los hermanos Grimm y en 1812 cambiaron la historia tomando elementos de los laburos de Perrault y Tiek pero con la particularidad que incluyeron un final más feliz, que es la versión que todos conocimos en la infancia.
A lo que voy con este repaso histórico es que si existía una leyenda grandiosa para jugar en el cine con los géneros del terror y la fantasía era esta!
La chica de la capa roja, que se anunciaba como una propuesta con potencial, que iba a trabajar este clásico en la pantalla grande con un enfoque más oscuro resultó una decepción.
Por las primeras imágenes que se habían conocido uno podía esperar ver algo del estilo de Blanca Nieves: Un cuento de terror, un muy buen film con Sigourney Weaver que recreó la historia de este personaje a través del género de horror hace unos años.
No es el caso de este estreno.
El gran problema de esta producción es que estuvo totalmente influenciada por la nefasta saga de Crepúsculo, esa gangrena inmunda que desde hace un tiempo carcome los géneros de fantasía y romance.
En lugar de vampiros acá tenemos al famoso lobo y el interés romántico de Amanda Seyfried es una mala copia del personaje de Edward Cullen.
Siloh Fernandez, el actor que interpreta ese rol inclusive luce un peinado similar al de Robert Pattinson.
Por lo menos se podrían haber preocupado por incluir en la trama al personaje del “estilista de la aldea” por que es ridículo que en el contexto de la historia un flaco de la Edad Media se viera de esa manera.
Una vez más quedó demostrada la incompetencia absoluta de la directora Catherine Hardwicke para trabajar el género de fantasía. Realmente su labor es horrible.
No tiene la más pálida idea de cómo narrar la historia con suspenso y las secuencias de acción son paupérrimas. Tampoco ayuda que la trama transcurra en el Era Medieval y los personajes se expresen como en series actuales de televisión estilo Gossip Girl.
Por otra parte, los castillos y poblados realizados por computadora son una vergüenza. En la actualidad existen videos juegos que presentan paisajes muchos más realistas que esta producción que lleva la firma del estudio Warner.
Uno recuerda lo que hizo el director Neil Jordan con esta leyenda en ese peliculón que fue En compañía de los lobos y te dan ganas de llorar al ver esto, porque es una muestra contundente de la mediocridad que existe en Hollywood por estos días.
Inclusive el desquiciado film animado La verdadera historia de Caperucita Roja, presentaba un guión con más cerebro que este trabajo de la realizadora Hardwicke.
Un bodrio para el olvido que solo puede ser recomendado por las seguidoras de Justin Bieber.

Hop es una nueva producción de la compañía Illumination Entertainment (Mi villano favorito) que rescata en el cine la figura del legendario Conejo de Pascua, este personaje que es un clásico de las leyendas infantiles y tuvo su origen en las culturas germánicas y anglosajonas.
Es llamativo que con los años que tiene la existencia del conejo, en Hollywood recién ahora se acordaran de hacer una película para la pantalla grande.
La dirección de este film corrió por cuenta de Tim Hill, responsable de la primera entrega de Alvin y las ardillas y esa la cruz con la que carga este estreno.
Hop combina los dibujos animados con la acción en vivo explotando una vez más la misma fórmula que vimos recientemente en la secuela de las ardillas y hace unos meses en el Oso Yogi.
Otra vez tenemos un personaje animado simpático que se cruza con un humano tonto o vago y juntos viven distintas situaciones de enredo que brindan más de lo mismo.
En el caso de este film es justo destacar el soberbio trabajo que hicieron con la animación y el mundo de fantasía que crearon alrededor de los conejos que es formidable.
De hecho, creo que Hop hubiera sido una película superior si se encaminaba exclusivamente por el terreno de los dibujos animados.
Los mejores momentos de este film y probablemente los que más van a ser disfrutados por los chicos son los que tienen como protagonistas a los conejos. Se nota que pusieron toda la energía en los aspectos técnicos de la animación pero dejaron a la deriva el guión que es pobre y repetitivo.
En ese sentido hay que destacar lo que se hizo en Argentina con El Ratón Perez (película que tiene algunos puntos en común con Hop) que brindó una historia más creativa y original.
De todas maneras, pese a estas fallas, los más pequeños que se quedaron dormidos con Rango podrán entretenerse un poco más con el simpático conejo rockero.

Prueba de amor es una película dirigida a un público especial.
Me refiero a los espectadores que no compran refrescos o pochochos en un cine, sino pañuelos para llorar.
Este es un melodrama meloso, de esos que buscan la lágrima fácil a cualquier costo.
La película remite un poco a Gente Corriente, que se llevó varios Oscars en 1980, tratando una temática similar, con la particularidad que no fue narrada con la inteligencia de Robert Redford, quien supo evitar los lugares comunes y realizó un film más honesto.
Acá también tenemos la historia de un matrimonio que atraviesa un duelo por la muerte de su hijo y de un día para el otro tiene que lidiar con la novia del chico fallecido que quedó en la calle y está embarazada.
Con esta premisa la directora Shana Feste presenta un collage de situaciones forzadas que buscan hacer emocionar al espectador de cualquier manera posible.
Carey Mulligan, quien también se destacó en el estreno de la semana pasada Nunca me olvides, es quien más sobresale por su trabajo, dentro de este elenco que por las figuras que tiene se hubiera esperado una mejor película.
Lo peor de todo es que ya vimos a Susan Sarandon en un rol idéntico en Moonlight Mile, hace unos años, que también se centraba en la relación de un matrimonio con el novio de su hija fallecida.
Al menos aquel film era mucho menos manipulador y tenía una gran banda de sonido.
Prueba de amor, en cambio, es un bodrio difícil de soportar si no sos seguidor de las telenovelas de Thalía.

Los Marziano es una película de la directora Ana Katz que vuelve a trabajar con algunos elementos que vimos en su ópera prima, El juego de la silla.
El reencuentro familiar, en este caso a raíz de un cumpleaños, nuevamente es el catalizador que dispara todos los conflictos que vive una familia dividida por viejos rencores de situaciones pasadas.
Las películas de la directora Katz, responsable también de La novia errante, se destacan por ser historias agridulces que nos hacen reír más que nada por las situaciones tristes o las miserias que revelan sus personajes.
El film retrata el micromundo artificial de los countries, donde vive el personaje de Arturo Puig, que se contrasta con la vida de sus hermanos que no pueden permitirse por cuestiones económicas acceder a esos lugares.
Los marziano es desde su realización el mejor trabajo de Katz, donde se destaca la fotografía y la música del Chango Spasiuk. Se nota que esta vez trabajó con un mayor presupuesto y me gustó que en roles secundarios aparecieran actores de El juego de la silla, que son muy buenos.
Esta historia presenta un drama sobre las relaciones familiares, que lamentablemente nunca llega a explotar del todo el potencial que tenían los personajes y los conflictos que viven entre sí.
La cámara nos permite espiar como si fuéramos intrusos la intimidad de los Marziano y cuando las cosas se ponen realmente interesantes es como que te echan del country y se terminó la película.
Algunas situaciones irresueltas y el clásico final abierto argentino que el espectador cerrará en su casa, ya que el esperado encuentro entre Arturo Puig y Francella es totalmente anticlimático, son algunos elementos que le juegan en contra a este estreno, pese a que para algunas personas estas cosas son símbolo de un cine cool, inteligente y sensible.
Concluir una historia de esta manera no me parece que sea un símbolo de cine inteligente, sino que más bien es algo molesto y decepcionante. Sobre todo por la frecuencia con la que se presenta este recurso en la producción nacional.
Los Marziano, pese a este enfoque que utilizó la directora para desarrollar la trama, es una película que se disfruta principalmente por las interpretaciones de Rita Cortese y Francella, quienes brindan las mejores escenas de esta propuesta.

La masacre de Marzabotto es uno los capítulos más terribles y oscuros de la Segunda Guerra Mundial.
Entre el 29 de septiembre y el 5 de octubre de 1944 las fuerzas alemanas de la SS perpetraron una terrible matanza contra la población civil del pequeño pueblo de Marzabotto, ubicado al sur de Bologna, en represalia por el apoyo que les brindaban a los partisanos de la resistencia italiana.
Se estima que murieron 770 personas en su gran mayoría ancianos y niños menores de 10 años.
Recién en el 2007, diez ex miembros de las SS fueron condenados a cadena perpetua por un tribunal militar italiano, que además les obligó a todo a pagar 100 millones de euros a las familias de los sobrevivientes.
Pese a que hasta hace poco este hecho estuvo vigente en las noticias y se trata de una de las historias más terribles de la Segunda Guerra Mundial, El hombre que vendrá es la primera película que se refiere a este tema en el cine.
Se trata de una muy buena producción italiana que recrea los acontecimientos desde los ojos inocentes de una niña.
Una propuesta que recuerda por momentos a la película argentina Kamchatka, de Marcelo Piñeyo que se refería a la última dictadura militar, vista desde los ojos de un chico.
La primera parte de la historia, donde el director Giorgio Diritti, parece evocar el neorrealismo italiano, es un poco lenta, pero después se pone más interesante cuando el tema de la guerra cobra más importancia y el film entra en el terreno del suspenso.
Con un gran trabajo en la fotografía y la música, El hombre que vendrá se destaca entre las mejores producciones italianas que se conocieron en los últimos años y es una propuesta muy interesante para ver.

Hace muchísimo tiempo que no miraba una producción nacional que al terminar me dejara con ganas de querer ver más.
La historia de San Martín es tan grande y poderosa que probablemente se necesitaría una trilogía de filmes para contar toda su vida en el cine.
Revolución es un film que se enfoca principalmente en el Cruce de los Andes, que es considerada una de las máximas campañas logradas en la historia militar y la famosa batalla de Chacabuco de 1817.
Esta producción dirigida por Leandro Ipiña es narrada desde la mirada de Manuel Esteban de Corvalán, un joven de 15 años que por el hecho de saber leer y escribir se convierte en uno de los secretarios principales de San Martín en el momento en que el militar emprende la campaña hacia Chile.
Es un personaje ficticio que funciona como el narrador de la historia y representa la figura del héroe olvidado. Una imagen, que por cierto, llama a la reflexión en la última gran escena de este estreno.
El director Ipiña le sacó el jugo a este capítulo de la historia argentina y brindó una película sumamente interesante y entretenida, cuya mayor virtud reside en que retrató a San martín como lo que fue, un ser humano de carne y hueso que hizo cosa extraordinarias en su vida, pero que tampoco era un superhéroe.
Al dejar los bronces y las estatuas de lado, la película se convirtió en una historia apasionante y permitió que su figura del Libertador de América sea todavía mucho más grande.
Rodrigo De la Serna brinda uno de los mejores trabajos de su carrera con una interpretación fabulosa que presenta distintos matices de la personalidad de San Martín.
El personaje principal es un hombre de carácter irascible afectado por dolencias físicas que inclusive llega a dudar de la confianza de los altos mandos de su propio ejército.
De la Serna encarnó a un líder sumamente humano que no es perfecto, tiene sus equivocaciones y se juega por sus convicciones personales.
Lo que me encantó de esta película es que no es un resumen de Billiken, que insulta la inteligencia del espectador en su misión de ser didáctico.
Un error en el que cayeron otra producciones en el pasado como El Santo de la espada (1970), de Lepoldo Torres Nilson que tenía momentos absolutamente patéticos, como la secuencia del Cruce de los Andes. Ya no hablemos de las escenas de acción que eran para llorar.
Desde su realización Revolución es absolutamente impecable por donde se la mire y retrata los hechos con un mayor realismo.
Las secuencias de acción, por ejemplo, son excelentes y describen con precisión la brutalidad y barbarie con la que se combatía en aquellos tiempos. Hay escenas fuertes donde corre sangre, como un par de empalamientos y algunas decapitaciones, pero son momentos muy bien logrados que describen con acierto la violencia de aquella época.
Otro detalle que no es menor, es que la película rescata la figura de los afro-argentinos e indígenas que combatieron en el Ejército de San Martín y fueron totalmente olvidados en los libros de historia.
Revolución es una gran película épica que resucita un género olvidado en el cine nacional y que tampoco nunca fue explotado como corresponde.
Si hay algo que no se le pude objetar a la historia argentina es que no brinde material para hacer filmes apasionantes que logren capturar el interés del público.
Ojalá que estas nuevas producciones como la de San Martín y Belgrano, que se emitió por televisión, cambien esta situación.
El talento para hacer grandes películas está y estos últimos títulos lo dejaron claro.

Cuando entrevisté al director Carlos Saldanha por el estreno de La Era de Hielo 3, él destaco que Río era un proyecto muy personal que hace años venía con ganas de concretar, ya que estaba relacionado con la cultura de su país natal.
Al ver la película se puede percibir la dedicación que le brindó a esta producción que es por lejos su mejor trabajo para la pantalla grande.
El título del film no es casualidad.
La historia tiene que ver con un guacamayo azul que redescubre sus raíces, pero la gran protagonista de la historia es la ciudad de Río de Janeiro.
Saldanha presentó con este trabajo un film que celebra la cultura de esa localidad y rescata el aspecto más positivo de esa gran ciudad brasilera.
Es realmente impresionante como capturó a través de un film animado los colores y todos esos lugares fabulosos que forman parte de Río con una precisión en los detalles sorprendente.
Las calles, la vestimenta de la gente, los modelos de autos, la transformación de la ciudad en la víspera del carnaval, realmente me olvidé por momentos que estaba viendo un dibujo animado.
Tengo la suerte de conocer muy bien esta ciudad y me sorprendió como en la película recrearon escenarios reales que no se inventaron para el film. La callecitas de las favelas, por ejemplo, o el tranvía que recorres los cerros que es fabuloso.
Por supuesto que Río, como todas las ciudades del mundo, también su lado oscuro y peligroso que también podés ver retratado en filmes como Tropa de Elite.
Al ser un film familiar Saldanha capturó los aspectos más positivos del lugar, que no deja de ser una muestra de amor por la cultura de su país.
Otra particularidad de esta producción es que la historia incluye muy buenos musicales, que era algo que no tenía la trilogía de La era de hielo. Las canciones son divertidas y retratan el espíritu de la samba y la Bossa nova.
Río es un muy buen film animado que entretiene con sus personajes y puede ser disfrutada tanto por chicos como adultos.

Al director Mark Romanek le llevó ocho años concretar un nuevo proyecto desde que
estrenó Retrato de una obsesión con Robin Williams.
Fue uno de los realizadores que pasaron por la última producción de El hombre lobo,
pero se bajó del proyecto por problemas con los productores.
Al final regresó al cine con una buena y extraña historia de ciencia ficción basada en la
novela “Never let me go” de Kazuo Ishiguro, autor también de “Lo que queda del día”,
que fue llevada al cine en 1993 con Anthony Hopkins y Emma Thompson.
Nunca me abandones es un interesante relato que se centra en un triángulo amoroso
muy particular.
Los personajes principales son especímenes científicos creados en un laboratorio, que
fueron criados desde niños con el único propósito de ofrecer sus órganos a pacientes que
se encuentran gravemente enfermos.
En la realidad alternativa que presenta el film la humanidad solucionó el problema de
los donantes de órganos creando clones que viven específicamente para contribuir con
las pacientes que corren peligro.
Por lo general, luego de la tercera donación las personas clonadas mueren.

Lo interesante de este trabajo de Romanek es que más allá de las cuestiones científicas
y bizarras que plantea la trama, como la macabra escuela donde se educan los niños,
donde luego se les explica el verdadero motivo por el que nacieron, la película explora
distintas temáticas filosóficas durante su desarrollo relacionadas con al vida, el alma del
ser humano y el amor.
El film sobresale por las tremendas actuaciones de Andrew Garfield (Red social), Keira
Knightley y muy especialmente Carey Mulligan (Orgullo y Prejuicio, Wall Street 2),
quienes representan con sus personajes un aspecto distinto de la humanidad.
La ausencia absoluta de rebelión por parte los protagonistas frente al destino que
enfrentan es bastante irascible por momentos y afecta la credibilidad de lo que ya es un
extraño conflicto, pero esto de alguna manera creo que sirvió para retratar con mayor
crueldad y terror las consecuencias de la manipulación genética.
Por supuesto la película cuenta con la espectacular fotografía que caracteriza el arte de
Romanek, algo con lo que se hizo famoso años atrás en el campo de los videos clips,
antes de incursionar en el cine.
No sé si es una historia popular que atraiga a todo el mundo, su fracaso comercial en
las salas de varios países, demostró que no todos los públicos se enganchan con esto,
pero es un buen drama que no manipula al espectador ni cae en golpes bajos y narra la
historia de manera genuina.
Un buen regreso al cine del director Romanek .

El mecánico fue uno de los filmes de suspenso y acción más destacados de la década del
´70.
Una película distinta, que hoy es recordada por ser un ejemplo perfecto del estilo del
cine que se hacía en aquellos años.
Esta fue una de las grandes producciones que brindaron uno de los mejores equipos que
hubo en el género de acción, como el que formaron Charles Bronson con el director
Michael Winner.
Además de realizar clásicos como Chato, el apache (1972), América Violenta (1973) y
los primeros tres episodios de la saga del Vengador Anónimo (1972-1985), ellos fueron
responsables de El mecánico.
Esta historia es celebrada por la secuencia inicial, donde se presentaba al personaje
principal, en la que el director lograba mantener la tensión durante los primeros 16
minutos sin diálogos.
Sumado a grandes escenas de acción, como una excelente persecución en moto, la
actuación de Bronson y Jan Michael Vicent, (recordado actor de la serie Airwolf), más
un final inesperado, El mecánico se convirtió en uno de los filmes más elogiados por la
prensa en 1972.
La nueva versión que llega a los cines esta semana con Jason Statham presenta un
enfoque diferente, pese a que mantiene la misma premisa argumental.
El director Simon West (Con Air) tomó la historia de Michael Winner pero la encaró
exclusivamente por el género de acción, a través de una producción donde los tiros y las
persecuciones son constantes durante los 88 minutos que dura el film.
West mantiene todo el tiempo en movimiento a los personajes de la primera a la última
escena.
Statham interpreta la clase de anti héroe que estamos acostumbrados a ver en sus
trabajos, pero quien realmente brinda una muy buena actuación es Ben Foster (30 Días
de Noche), uno de los actores jóvenes más subestimados que existen en Hollywood.
Por supuesto el film original, es imposible de superar por el simple hecho que la
protagonizó Bronson, pero esta nueva versión por lo menos presentó un film decente
de acción, que quienes no vieron la película de 1972, la pueden disfrutar si buscan
entretenerse un rato con una historia de asesinos a sueldo.

En la cultura celta y escandinava las ondinas son personajes mitológicos importantes que fueron protagonistas de cientos de relatos y fábulas.
Estos seres eran ninfas acuáticas que poseían una extraordinaria belleza y poseían la virtud de ser inmortales.
Su mayor peligro era terminar enamoradas de un mortal, ya que si tenían una relación con un humano y peor aún, terminaban embarazadas, las ninfas perdían la vida eterna.
Otros personajes populares en Irlanda y Escocia, principalmente, que también brindaron centenares de relatos son las Selkies.
Las Selkies eran focas que tenían la capacidad de convertirse en humanos. Debajo de la piel animal siempre aparecían mujeres hermosas.
A diferencias de las ondinas no tenían prohibido entablar relaciones con los humanos, pero sólo podían hacerlo por un breve período de tiempo ya que su corazón pertenecía al océano, aunque se enamoraban y formaran familias entre los humanos.
Existen centenares de relatos fantásticos también con este tipo de personajes.
Para los interesados les recomiendo el libro Tradiciones Irlandesas, de la editorial Círculo Latino y The Irish Fairy Book, de Alfred Percival Graves que brindan excelentes recopilaciones de cuentos relacionado con estas leyendas
Amor sin límites es una gran película romántica que no hace otra cosa que brindar un hermoso cuento de hadas para adultos.
Después de trabajar con historias oscuras y violentas en el último tiempo como Valiente, ese gran director que es Neil Jordan (El juego de las lágrimas, Entrevista con el vampiro) regresó a la pantalla grande con una propuesta romántica que trabaja con mucha originalidad e ingenio las leyendas de las Selkies y las ondinas.
La particularidad del relato es que la realidad se mezcla todo el tiempo con la fantasía y pese todos los momentos dramáticos que viven los personajes, lo divertido es que a larga cuando la película termina te das cuenta que la intención de Jordan fue claramente la de narrar un cuento de hadas.
Colin Farell brinda otra interpretación excelente a las que nos tiene acostumbrados, en este caso, como un pesquero atormentado por su relación con el alcohol y los problemas de salud de su hija que encuentra una nueva esperanza al pescar literalmente del mar a una misteriosa mujer.
Alicja Bachleda-Curus, la co-protagonista no podía haber sido mejor elección de Jordan para el personaje de Ondine, ya que tiene la belleza que se describía en las leyendas celtas.
Esta pareja de actores, que en la vida real tuvieron un hijo, tienen una excelente química en escena que fue un elemento clave en esta producción.
Jordan brindó una historia romántica magnífica que además se destaca por una tremenda fotografía de Christopher Doyle, clásico colaborador del cineasta Wong Kar Wai, y la música compuesta por Kjartan Sveinsson, tecladista de la banda Sigur Rós.
Frente a los filmes insulsos románticos que brinda Hollywood últimamente, acá por lo menos tenemos una producción excelentemente realizada con actores talentosos que juega con esos maravillosos personajes de la cultura celta.
En lo personal me encantó esta película y definitivamente la recomiendo.

Por las venas de Zack Snyder no corre sangre sino viñetas de cómics.
No deja de ser una paradoja graciosa que su primer proyecto personal, que no revisita un clásicos del cine (como lo hizo en la remake de El amanecer de los muertos) o adapta una historieta (300, Watchmen) parece inspirada por una loca e imaginativa novela gráfica.
Sucker Punch es un film que no acepta término medio. Hay gente que le va a encantar y buscarán disfrutarla de vuelta y otros que la odiarán y elegirán borrar el recuerdo de su mente.
En mi caso me gustó y celebro que el director presentó una fábula original y creativa que no te permite predecir lo que va a pasar en cada escena, porque cada momento te sorprende con una secuencia surrealista más loca que otra.
La película, en principio parecería que tomó como influencia el manga y el animé japonés, que brindó en el pasado historias de este estilo con guerreritas adolescentes e historias personales conflictuadas que le pateaban el culo a sus adversarios.
En lo personal rescato que el director brindó una experiencia visual distinta que se destaca por todo el despliegue de imaginación que Znyder plasmó en esta obra.
También hubo un manejo notable de la animación computada, donde supieron aplicarla en escenas de acción maravillosas, que no resultan artificiales como ocurrió con otros estrenos.
La trama es muy sencilla pero es su ejecución en la narración lo que convirtió a Sucker Punch en un film diferente.
Es importante destacar lo que hizo Snyder con la musicalización y la banda de sonido en general, que claramente se destaca entre los mejores trabajos que brindó el cine en el último tiempo.
El director rescató el concepto de la banda sonora como un complemento más de su narración, en lugar de usar la música para tapar baches de silencio.
Desde el cover de Eurythmics (“Sweet Dreams”) interpretado por la protagonista Emily Browning (Lemony Snicket), la música presenta clásicos de Jefferson Airplane y Queen, entre otras canciones, a cargo de artistas como Emiliana Torrini, Skunk Anansies y Bjork, responsable de “Army of me (Sucker Punch Remix)”.
Es claro que Moulin Rouge tuvo su influencia en esta película y supongo que no es casualidad que en la música incidental trabajara Marius De Vries, colaborador de Baz Lurhmann en aquel film.
Sucker Punch es un interesante historia de fantasía y acción, que tal vez no sea popular y entretenida para todo el mundo, pero para los que ya disfrutaron del cine de Snyder es un gran evento.
El relanzamiento de Superman en el cine no podía estar en mejores manos.

Esta nueva producción de Guillermo del Toro (Hellboy) presenta una buena historia de suspenso que entretiene con una premisa original.
En este caso el personaje principal que interpreta Belén Rueda (El orfanato) emprende una carrera contra el tiempo para descubrir el misterio que se cierne sobre el suicidio de su hermana gemela.
La particularidad de este conflicto es que el límite del tiempo lo impone la salud del personaje principal, quien mientras más investiga el caso, por razones de stress empieza a perder su visión, debido a una enfermedad degenerativa que sufre la mujer.
Este es un excelente gancho para una historia de suspenso que, salvando las distancias, se podría relacionar más con los viejos misterios de Alfred Hitchcok o las primeras películas de Darío Argento, que el cine de terror, como se daba a entender en los avances.
De hecho no sería raro que Sola en la oscuridad (1967), la película de Terrence Young con Audrey Hepburn hubiera representado alguna influencia en esta historia, ya que tienen algunos puntos en común.
Lo cierto es que la trama es interesante, además de entretenida, y está muy bien llevada por los actores.
La película pierde fuerza por momentos cuando intenta de manera forzada convertirse en un film de terror con escenas de susto burdas que podrían haberse evitado.
Si bien no está a la misma altura de El Orfanato es un thriller decente que se disfruta

Sanctum es una típica película de esas que suele producir el canal SyFy que tuvo la suerte de llegar a los cines por el simple hecho que James Cameron es uno de los nueve productores responsables de este proyecto.
Cuál habrá sido su labor concreta en este film es un misterio, porque no hay un solo momento en esta historia que indique que Cameron estuvo vinculado con esto.
Es interesante la movida publicitaria que hicieron con este film porque te la venden como una historia del mismo tipo que hizo Titanic y Avatar pero al ver la película todo indicaría que el director solo prestó su nombre para los posters.
El problema de Sanctum es que ya de por si la historia no es demasiado atractiva y fue narrada sin emoción, algo que convierte a esta producción en un bodrio, como propuesta de acción.
Lo mejor del film pasa por la fotografía y el uso del 3D que en este caso contribuyó a que esta propuesta sea un poquito más atractiva desde lo visual.
De hecho, estoy convencido que todo este film fue un ejercicio del director Alister Grierson para darse el gusto de probar las mismas cámara 3D con la que se hicieron Avatar y Resident Evil 4.
En este caso lo positivo es que utilizaron la tecnología de tres dimensiones para crear esa sensación de claustrofobia que viven los personajes en la historia. Eso está muy bien logrado porque Sanctum consigue que el espectador se meta de lleno en esas cavernas tremendas en las que los personajes viven su aventura.
Desde lo técnico hicieron las cosas bien pero lamentablemente no ayudó la historia.
Con un conflicto que generara interés hubiera resultado un film mucho más entretenido.

Un despertar glorioso es una comedia romántica extraña donde la gran historia de amor pasa por la que vive la protagonista con su trabajo. Es ese su gran amor.
El film por momentos es una versión de El Diablo viste a la moda pero desarrollada en el mundo de los medios de comunicación.
De hecho, los mismos guionistas de aquel film fueron los autores de esta trama y se nota.
Si uno la tiene que comparar con historias similares que se hicieron en el pasado y que hoy son clásicos del cine, como Al filo de la noticia (1987) película producida por J. J.Abrams la verdad que es pobre.
En aquella gran película de James L. Brooks con Jeff Bridges y Holly Hunter también se ofrecía una historia romántica con gente adicta al trabajo como el personaje de Rachel McAdams, pero además brindaba un brillante retrato sobre cómo se trabaja en los noticieros televisivos de Estados Unidos y el mundo de los medios de comunicación
Un despertar glorioso es un film sumamente superficial y banal en ese sentido y el foco principal de la historia pasa más que nada por las típicas situaciones de enredo que se trabajan en este género.
Lo bueno es que tiene un elenco excelente que permite que uno disfrute la historia y se entretenga un rato.
Harrison Ford, quien no suele hacer demasiada comedia, está muy bien acá y tiene
buenos momentos en las escenas que comparte con Diane Keaton.
Comparado con las cosas que se estrenaron en este género últimamente la verdad que esta es por lo menos una película decente que está para ver.

Un gran regreso a los cines del director Paul Haggis (Crash).
Solo tres días es un muy buen film de suspenso que va a contramano con la mayoría de las cosas que se hacen actualmente en Hollywood.
No sólo presenta un elenco excelente donde todos los actores están bien aprovechados, sino que el director se preocupó por construir bien los personajes.
Haggis no intentó hacer una remake de El Fugitivo, sino que desarrolló un relato que entretiene y permite que el espectador se pueda conectar con las emociones que viven los protagonistas.
Russell Crowe no interpreta a un clásico héroe de acción. En este caso es un profesor universitario que nunca tuvo problemas con la ley y tiene que recurrir a medidas extremas cuando descubre que por la vía legal no puede ayudar a su esposa, quien cumple una condena por un crimen que no cometió.
Es muy interesante ver a Crowe, quien interpretó a tipos duros que enfrentaban todo tipo de adversidades, en este personaje que es mucho más vulnerable y se tiene que endurecer a los golpes para lograr su objetivo.
En esta película está brillante y me atrevería a decir que es la principal razón por la cual no se debería dejar pasar este estreno.
Su personaje vive cambios importantes a lo largo del film y esa transición del profesor que conocemos en las primeras escenas al hombre que vemos al final de la trama está muy bien trabajada por el director y el propio Crowe.

Cuando creíamos que nadie iba a poder hacer una comedia más mala que Norbit, Martin Lawrence levantó la apuesta y logró una tarea que en principio parecía imposible. Supongo que un sociólogo podría explicar mejor cómo es posible que una película como Mi abuela es un peligro recaudara más de 170 millones de dólares en los Estados Unidos. Esto generó una secuela en el 2006 que generó otros 138 millones de dólares. Si el chiste de ver a Martin Lawrence disfrazado de una señora mayor se agotó en la primera entrega, la secuela ya era un despropósito. Para la tercera parte los propios actores que formaron parte del reparto de los filmes anteriores, salvo Lawrence, se negaron a trabajar en esta producción porque ellos mismos sentían que no daba para más la historia.
Jascha Washington, quien interpretó al hijo de Lawrence, tuvo que ser reemplazado por otro actor porque no hubo manera de hacerlo volver para la nueva película. Lo mismo
ocurrió con Nia Long, quien interpretaba la esposa del protagonista y ahora al personaje lo eliminaron directamente de la historia, ya que la actriz se negó a participar en el film. Tenían razón. Si ya es un tormento fumarse esta comedia, no quiero imaginar lo que debe ser trabajar
en ella y eso que les pagan. Lo más gracioso de Mi abuela es un peligro 3 es que el
propio Martin Lawrence se ve incomodo en el film como si quisiera terminar con cada
escena lo más rápido posible para irse a su casa. Algunas cosas no deberían hacerse por
dinero.
El personaje de Big Mama ya ni siquiera causa gracia y que el hijo de Lawrence en la
historia se vista de mujer en esta continuación tampoco ayudó demasiado.
Ver la escena musical en la escuela de arte donde este nuevo personaje se pone a cantar
y golpearse los dedos de una mano con un martillo es exactamente lo mismo.
En fin, otra secuela innecesaria que no hace otra cosa que ocupar espacio en la cartelera.

Batalla: Los Ángeles es una película estúpida.
El gran problema de este estreno es que se trata de un film que se tomó muy en serio a si mismo y utilizó el concepto de la invasión alienígena con el único propósito de glorificar a los marines norteamericanos y toda la parafernalia militar de ese país. Esta película es el resultado de algún ejecutivo trasnochado de los estudios Sony, quien creyó que combinar La caída del Halcón Negro con Día de la Independencia era una idea fantástica, cuando se generó totalmente lo opuesto.
El film tiene una estructura muy similar a la de aquella película bélica con la diferencia que en lugar de somalíes los ultra valientes y sacrificados soldados yankees pelean con extraterrestres. En ese sentido, la última escena donde intervienen Aaron Eckhart y Michelle Rodríguez es una falta de respeto absoluta a Ridley Scott y a lo que hizo en aquel trabajo sobre la batalla de Mogadishu. En el pasado las historias clásicas de invasiones extraterrestres, como La Guerra de los Mundos o la serie V funcionaron porque tenían como protagonistas a personas comunes. Seres ordinarios que se enfrentaban a situaciones extraordinarias. En Batalla: Los Ángeles los únicos héroes de la trama son los corajudos marines, quien aparentemente son los únicos seres humanos que pueden salvar al planeta. La población civil siempre se muestra aniquilada o como individuos débiles y atemorizados que buscan refugio en los valientes militares.
La verdad que esta película da vergüenza ajena. Hay una escena patética donde muere el padre de un pibito y Aaron Eckhart se acerca a consolarlo. Sus palabras son contundentes y retratan el espíritu de este film: “Tienes que ser valiente amigo. Ahora eres mi pequeño marine y los marines nunca dejan a nadie atrás” Acto seguido el protagonista se pone a recordar a sus camaradas muertos con una música que trae al recuerdo los peores momentos de Pearl Harbor, de Michael Bay. La ciencia ficción brilla por su ausencia, nunca llegamos a saber demasiado de los invasores, ya que la película parece una campaña descerebrada para limpiar la imagen de los marines, los mismos tipos que en la vida real en los últimos años hicieron desastres en Irak.
Todo este enfoque de la historia es tan irritante que los realizadores lograron que como espectador te pongas del lado de los extraterrestres!! Por otra parte, la dirección de Jonahan Libiesman (La masacre de Texas: el origen) es lamentable. Otro caso de un cineasta que sufre el “síndrome Jason Bourne” Prácticamente no hay una maldita escena donde la cámara se quede quieta. Todo el tiempo se mueve como si el operador sufriera Parkinson. Le quisieron dar a la historia un aspecto documental y salió mal porque inclusive hay escenas de acción desprolijas donde no se entiende nada.
El final es un capítulo aparte.
Si se hacía un concurso abierto en escuelas con chicos de sexto grado para que le dieran una conclusión al conflicto de esta historia estoy convencido que hubieran surgido ideas más inteligentes. Los que se quejaron del cierre de Skyline no vieron nada todavía.
¿Hay algo positivo para destacar?
Sí, en varios aspectos técnicos hubo gente que hizo muy bien su trabajo. Principalmente en los efectos visuales y el sonido, pero no hay mucho más. Los diseños de las naves también estuvieron muy logrados.
Pero bueno, la película es un gran collage de escenas de acción sin parar, que solo se dedica a enaltecer al ejército norteamericano, más que entretener con una buena historia de fantasía. Comparado con esto Infierno al volante 3D es una obra de Arthur Miller.

Rango es una de las películas animadas más originales y creativas que brindó el cine norteamericano en los últimos tiempos.
Tal vez no sea una propuesta super popular. Los más pequeños pueden asustarse con algunos personajes y escenas de violencia y algunos adultos tal vez no se enganchen con el estilo de humor que es raro.
Sin embargo, la película ofrece una propuesta distinta a las últimas cosas que vimos en los cines, entre los filmes realizados por animación computada, que estaban vacíos de contenido o brindaban más de lo mismo.
Acá tenemos un poco de aire fresco y creatividad en la cartelera.
No es casualidad que Johnny Depp, que no suele trabajar en este género, haya aceptado participar en este proyecto, ni que la película lleve la firma de Nickelodeon, una compañía responsable de series emblemáticas y originales de la última década como Rugrats, Doug y Oye Arnold.
Rango es una parodia y un tributo maravilloso también al subgénero de los spaghetti westerns que se hicieron a fines de los años ´60 y mediados de los ´70 en Europa.
Desde su título ya se hace referencia al emblemático Django, interpretado originalmente por el Gran Franco Nero en 1966 y además la historia cuenta con un cameo del famoso “Hombre sin nombre” que Clint Eastwood encarnó en las legendarias películas de Sergio Leone, Por un puñado de dólares, Por unos dólares más y El Bueno, el Malo y el Feo.
Es un estreno muy cinéfilo donde las referencias son constantes pero sutiles a la vez.
Algunas son más obvias que otras, pero están ahí y las vas a descubrir si sos fan de ese estilo.
El director Gore Verbinski (Piratas del caribe) tomó como modelo los westerns europeos, más que los hollywoodenses, y esto se nota claramente en el perfil que tienen los personajes, la música y los escenarios.
Por ejemplo, el pueblo principal, bastante lúgubre y corrupto, donde se desarrolla este cuento es un retrato perfecto de esos escenarios donde tuvieron lugar clásicos italianos memorables como Los cuatro del Apocalipsis o Keoma.
Es muy impresionante como tomaron personajes cotidianos de estas historias y a través de animales cobraron vida nuevamente en un dibujo animado.
Este es un estreno donde la versión original con la voz de Johnny Depp hace la diferencia.
El director Verbinski, que incursionó en la animación con este trabajo, brindó un film muy entretenido con buenas secuencias de acción y bastante humor que en mi opinión estuvo más dirigido a los adultos que al público infantil.
Acá tenemos personajes que se insultan y buscan matarse entre sí, pero bueno, es un western.
Lamentablemente en las copias dobladas al castellano, si bien la película se disfruta mucho no es lo mismo.
Hay algo que no puedo dejar de mencionar. Creo que el director de doblajes que estuvo a cargo de Rango debería ser desterrado de la industria del cine.
No sé si esto ocurrirá también en otros países latinos pero en esta versión que llega a los cines locales hay un momento sumamente extraño.
De la nada, en la mitad de la historia aparecen unos villanos que hablan con acento argentino y dicen palabras como “che”, “boludo” y “loco”.
Me pareció totalmente fuera de lugar porque el resto de los personajes hablan en neutro y dan la sensación que salieron de otra película. Arruinaron un par de escenas sin sentido.
Inclusive uno de estos cowboys argentos habla como un gaucho de la pampas!
Es cualquiera y no entiendo como el estudio dejó pasar una cosa así porque quedó mal.
Al margen de esta cuestión Rango es una gran producción animada que merece su visión, en lo posible en su versión original.

La revelación es un claro ejemplo de que a veces tener importantes actores en un elenco no asegura necesariamente una gran película.
Había mucha expectativa por este estreno debido a la reunión en el cine de Robert De Niro y Edward Norton que ya habían trabajado juntos en Cuenta final, que representó además el último trabajo de Marlon Brando.
Sin embargo es un film que en otras partes del mundo, especialmente en Estados Unidos, pasó sin pena ni gloria por los cines.
La película tiene buenos momentos con De Niro y Norton en un par de escenas donde es un placer verlos participar de un duelo psicológico, pero la historia en general es sumamente aburrida
Para la clase de figuras que tenía el reparto uno hubiera esperado ver algo más interesante.
La revelación comienza como una especie de thriller pero cuando el director John Curran se pone a explorar las personalidades de los personajes y se centra en el terreno del drama intimista la historia se pone totalmente tediosa.
Especialmente en los momentos que Curran satura con los simbolismos religiosos que no hacen otra cosa que convertir a esta historia en una propuesta pretenciosa.
Stone (Norton), que es un psicópata que en la vida real nunca tendría acceso a la libertad condicional, dentro de todo es el personaje más simpático del film.
El resto son seres miserables cuyas tribulaciones en la trama no despiertan el mínimo interés.
Milla Jovovich como la chica sexy adicta al sexo apenas puede levantar una historia que comienza bien pero luego cae en picada.
Si se tiene en cuenta las figuras que reunió este film, La revelación fue una oportunidad desperdiciada.

Infierno al volante 3D es la hermana drogadicta de Matar o Morir, un loco film con Clive Owen estrenado hace unos años.
Esta producción estuvo claramente encaminada en esa línea, con la particularidad que acá nos encontramos con una propuesta mucho más lisérgica y grotesca.
Lo que no es poco, si se tiene en cuenta el parentesco con aquel trabajo de Owen junto a Monica Belluci, que ya era bastante disparatado.
Es importante destacar esto para saber bien con que te vas a encontrar.
El director Patrick Lussier (My Bloody Valentine 3 D)hizo un film absolutamente insano que tiene sus mayores virtudes en la primera mitad de la trama, que está influenciada por las viejas películas de acción clase B con automovilistas rebeldes, que Quentin Tarantino homenajeó también en Death Proof.
De hecho, creo que la primera mitad de Infierno al volantes es lo que debería haber sido la segunda entrega de Grindhouse, luego de Planet Terror de Robert Rodríguez, si el ego de Tarantino como escritor no hubiera sobre poblado la trama de conversaciones intrascendentes en su intento clásico por emular a Elmore Leonard.
Cuando entran en juego los elementos fantásticos esta propuesta pierde un poco de fuerza pero como a esa altura el film ya se fue al diablo, en materia de situaciones bizarras, como espectador creo que aceptás lo que venga.
Nicolas Cage regresó a lo grande al género de acción con uno de los personajes más extraños y zarpados que interpretó en los últimos años.
Me encantó que el director Lussier convocara nuevamente en este trabajo a Tom Atkins, veterano actor del clásicos del cine de terror como Maniac Cop y Night of the Creeps.
Lo divertido de Infierno al volante es que desde los primeros minutos se deja en claro que las cosas no se pueden tomar en serio y solamente hay que sentarse en la butaca a divertirse con un film plagado de acción y escenas sangrientas exageradas.
Hay que destacar también la banda de sonido y el brillante uso del 3D, donde Lussier supo sacarle jugo como corresponde.
No es un film para todo el mundo, pero quienes se enganchen con la clase de historia que propone este estreno la pueden encontrar entretenida.
Para los seguidores del escritor de cómics Garth Ennis, directamente es una fiesta.

Natalie Portman no paró de sufrir en el cine con las últimas historias intensas y dramáticas en las que trabajó.
Después de un personaje difícil, como el que interpretó en El cisne negro, era entendible (y saludable para ella supongo) que eligiera a continuación filmes como Amigos con derechos.
Esta comedia le brindó la oportunidad de ganar algo de dinero, divertirse un poco y mostrarse sensual en la pantalla grande sin ser atormentada psicológicamente o vivir dramas intensos con personajes complicados.
Por otra parte, después de la patética Asesinos con estilo, Ashton Kutcher vuelve a demostrar que se puede desenvolver bien en la comedia sin no lo hunden con un guión mediocre.
En esta película los dos están muy bien y lograron tener buena química en la historia.
El director Ivan Reitman es una leyenda de este género que hizo filmes memorables junto a Bill Murray como El pelotón chiflado, Meatballs y Los Cazafantasmas.
Si bien con su último trabajo brindó un film mucho más decente que la olvidable Mi super ex novia, con Uma Thurman, la película tampoco llega nunca a ser desopilante como lo fueron las producciones que hizo en el pasado.
Ojo, que hay algunos “momentos Reitman” que se relacionan con su estilo de humor, como el particular cd con recopilaciones que Kutcher le regala a Portman (probablemente la mejor escena de este estreno), pero son breves momentos de un film que en general sigue los covencionalismos del género.
De todas maneras es entretenida y se deja ver. No sé si es una gran propuesta romántica, pero como comedia funciona bien.

Lo más loco de esta historia es que Aron Ralston, el montañista que tuvo el accidente en Utah, que se recrea en este film, sigue escalando montañas con la misma pasión de siempre.
Hace unos años estuvo en Argentina, en la provincia de La Rioja, escalando el Monte Pissis, un volcán inactivo que es una de las cumbres de mayor altura en Sudamérica.
127 horas es una película que tranquilamente podría haber terminado convertida en una de las tantas producciones que se hacen para la televisión en Hollywood y después se encuentran en el cable.
Sin embargo, en este caso se dio que el director Danny Boyle se interesara por esta historia ocurrida en el 2003 y la convirtiera en una experiencia cinematográfica especial.
Boyle logró narrar este hecho, que salió en los noticieros de todo el mundo y uno ya sabe como va a terminar, en un film atrapante y lo que es más interesante todavía, entretenido.
La película tiene un punto en común con ese gran thriller estrenado el año pasado que fue Enterrado.
Más allá de que la trama se cuenta en su gran mayoría con un personaje en una locación, ambas películas no se hubieran podido realizar si el protagonista no era un gran actor.
James Franco es uno de los mejores artistas jóvenes que trabaja en Hollywod por estos días y acá ofrece una interpretación memorable.
Su trabajo, sin desmerecer la impecable dirección de Boyle, es lo que hizo que esta producción trascienda. El actor está frente a la cámara solo durante la mayor parte del conflicto y se carga la película en sus hombros con un trabajo emocional intenso, que probablemente fue el desafío más grande que enfrentó hasta ahora en su carrera.
El trabajo de Boyle también fue clave.
Más allá de su adicción a la estética y edición frenética, digna de video clips de MTV, en 127 horas logró con su cámara que el espectador viva la odisea de Aron Ralston como si estuviera atrapado en ese lugar con él.
Están muy bien logradas la alucinaciones que tiene el protagonista donde Boyle logra meterse dentro de la mente de Ralston durante las horas en que estuvo atrapado.
Es gracioso que los títulos del film aparecen recién cuando Franco tiene el accidente dando inicio a una experiencia terrible.
Hay un momento maravilloso donde la cámara toma al brazo del montañista atrapado y luego se aleja hasta convertir la toma en una panorámica absolutamente desoladora que retrata la situación en la que se encuentra el personaje principal.
Esa escena sola es más aterradora que varias películas de horror que pasaron por el cine en el último tiempo.
Hacia el final hay un par de escenas fuertes, pero comparado con las cosas que se vieron en filmes como la saga del Juego del miedo, es cosa de niños. El tema es que el enfoque documental con el que abordó Boyle la dirección genera que momentos como esos sean más impactantes.
Es raro que de las seis nominaciones al oscar que recibió la película justo en el rubro dirección haya sido ignorada, cuando el cineasta hizo un muy buen trabajo.
Más allá de esa cuestión 127 horas representa otra gran película de su filmografía.

Las pirañas en el cine se convirtieron en personajes célebres dentro del género de terror gracias a los delirios bizarros de ese gran artista que es Roger Corman, quien hasta el día de hoy sigue apostando a filmes de este tipo.
La primera película de 1978 con estos bichos se concibió como una parodia de Tiburón, la obra de Steven Spielberg y fue un éxito porque el concepto de que estos peces resultaran más jodidos y peligrosos que los grandes tiburones era un disparate entretenido.
Con esta producción debutó en el cine el director Joe Dante, que luego se consagró en el género con Aullidos, (en mi opinión la obra maestra de los hombres lobos en el cine) y Gremlins 1 y 2.
Luego vino la secuela con la que debutó en la dirección James Cameron, quien en la actualidad no quiere saber nada con esta película ya que a él le pareció horrible lo que hizo. En varias entrevistas destacó inclusive que Terminator es su verdadera ópera prima.
En 1995 Corman hizo una remake olvidable de la primera entrega dirigida por Dante y después de varios años de ausencia, las pirañas regresan a la pantalla grande de la mano de Alexander Aja.
Esta es una película diferente en su filmografía por la manera en que encaró esta propuesta.
Aja se hizo conocido en el cine por filmes intensos y muy violentos como Alta tensión y la remake de El despertar del Diablo, de Wes Craven.
En este caso desarrolló las cosas por un camino diferente.
Piraña 3D es una comedia de terror muy divertida donde queda claro desde la primera a la última escena, que todo la gente que intervino en este film no se tomó en serio la historia.
La película es totalmente delirante y evoca con éxitos los viejos filmes de terror que se hacían en los ´70 y ´80 dentro de este estilo. Si hay algo que nadie le va poder decir al director es que no le hizo justicia al espíritu que tienen las producciones de Corman.
De hecho, el viejo Roger sigue produciendo películas de esta clase por estos días como las recientes Sharktopus y Dino Croc Vs Supergator.
Piraña inclusive se divierte con el sistema 3D donde ofrece un par de secuencias de desnudos que no tiene ningún tipo de sentido, salvo robarle una sonrisa a la platea masculina con un par de escenas locas.
Por supuesto no hay que olvidarse que la dirección corrió por cuenta de Aja y esto significa que las pirañas regresaron al cine más sacadas y violentas que nunca.
Hay secuencias totalmente repugnantes y otras que son desopilantes por la manera en que actúan los bichos, que inclusive tienen un aspecto diabólico que los hace muy graciosos.
El cameo de Richard Dreyfuss al comienzo del film como pescador (todo un símbolo la presencia del héroe de Tiburón) y la participación de Christopher Lloyd son dos regalos impagables de este estreno.
Especialmente el trabajo de Lloyd que por momentos tiene reacciones que nos recuerdan al querido profesor Brown de Volver al Futuro.
En pleno siglo 21 intentar hacer una película de terror seria con pirañas hubiera resultado ridículo porque el concepto del film no se puede tomar en serio y la obra original de 1978 tampoco se pensó de esa manera.
Ajá manejó las cosas de la manera correcta y brindó una película muy divertida que no va a defraudar a los nostálgicos del género.
Hugo Zapata

EL DATO LOCO:
El hijo mayor de Elizabeth Shue en la historia es interpretado por Steven R. McQueen, nieto del célebre Steve McQueen.
Piraña marca el debut de Steven en el cine. Su abuelo también obtuvo su primer rol protagónico importante en un film de terror como fue The Blob, la famosa gelatina asesina, de 1958.

Liam Neeson se copó últimamente con las persecuciones y los tiros en el cine y parece que no lo para nadie.
De hecho, tiene varios proyectos dentro de este estilo programados entre sus próximos trabajos.
Desconocido es esa clase de película como El centinela (con Kiefer Sutherland) que a lo mejor no es un gran éxito de taquilla en el cine, pero después la rompe en el video club y siempre está alquilada cuando la vas a buscar.
El director Jaume Collet-Serra después de ingresar en Hollywood con filmes de terror como La casa de cera y La huérfana incursiona en el suspenso con un film que logra entretener principalmente por la presencia de Neeson.
Un gran actor quien siempre se disfruta en cualquier género, pero en el último tiempo le encontró la vuelta a estos personajes y parece él se enganchó bastante a juzgar por los proyectos que viene eligiendo.
La historia comienza con una muy buena premisa que se mantiene interesante hasta los momentos finales donde descubrimos más cosas del personaje principal.
A mí por lo menos no me terminó de cerrar del todo la resolución de la historia. No puedo dar más detalles sin arruinarles la película.
De todas maneras, el director construye bien el misterio y el film tiene muy buenos momentos con las participaciones especiales de Bruno Ganz y Frank Langella.
Desconocido está bien hecha y tiene muy buenos actores que hacen que la película se disfrute más allá que la historia no sea un thriller memorable.

Es interesante como se dieron las cosas.
Después de El luchador, el director Darren Aronofsky iba a dirigir El ganador, la biografía del boxeador Mickey Ward, que casualmente se estrenó también esta semana.
Sin embargo luego se bajó del proyecto porque no quería volver a repetir otra historia de deportistas si bien las disciplinas y los conflictos eran distintos.
Lo cierto es que abandonó esa producción para hacer El cisne negro que paradójicamente tiene más puntos en común con El Luchador de lo que uno se podía haber imaginado.
En ambos casos tenemos como protagonistas a dos personas que buscan la gloria y en el camino de esa meta inician toda una odisea de autodestrucción personal, que de a poco los va consumiendo física y emocionalmente.
Lo loco de todo esto es que el mundo del ballet, que en teoría es el polo opuesto de la lucha libre, desde la visión de Aronofsky resultó mucho más oscuro e intimidante.
En El luchador lo vimos a Mickey Rourke participando de combates muy violentos, pero cuando terminaba el show todos los deportistas tenían una gran camaradería entre sí. Nadie buscaba matar a su oponente en el ring.
El fílm hizo mucho hincapié en esta cuestión.
Ahora bien, el mundo en el que se desenvuelve la atormentada Nina Sayers (Natalie Portman) en El cisne negro es un gran nido de serpientes donde la competencia saca lo peor de las bailarinas.
A través de ese contexto el director desarrolla un intenso cuento sobre la búsqueda obsesiva de la perfección, que en más de una ocasión ofrece momentos surrealistas dignos de películas de David Lynch y David Cronenberg.
Natalie Portman brinda una interpretación increíble con este rol protagónico que representa probablemente el mejor trabajo de su filmografía hasta la fecha. Nina Sayers era un rol que demandaba un serio desafío psicológico y físico al que Portman enfrentó con éxito para destacarse en el cine como nunca.
Una sorpresa también es Mila Kunis, quien está muy bien en en su papel y hasta hace menos de un año estaba trabajando en producciones clases B que se editaban directamente en video.
El cisne negro es una experiencia interesante y oscura con la que Darren Aronofsky suma otra buena película en su filmografía.

Mickey Ward es un boxeador muy famoso en los Estados Unidos, principalmente idolatrado por la comunidad irlandesa en ese país.
Que hicieran una película sobre su vida era cuestión de tiempo, ya que contaba con una canción que le hizo la banda de punk celta Dropckick Murphys a modo de homenaje e inclusive existe una línea de video juegos que recrean sus peleas.
Ward se coronó campeón en la categoría de peso superligero, pero fue la trilogía de peleas con Arturo Gatti en el 2002, el factor que lo convirtió en un personaje popular.
Tres combates super intensos que parecían salidos de una secuela de Rocky Balboa y sobre los que no se hace referencia en El ganador.
Esto se debe a que el film narra el ascenso del pugilista a las grandes ligas de boxeo con un enfoque bastante particular.
El director David O. Russell (Tres Reyes) se centró en la historia familiar del boxeador que es mucho más interesante que su carrera deportiva por las cosas que vivieron los Ward, antes que Mickey se coronara campeón.
El alma de la historia es la relación entre Mickey (Mark Wahlberg) y su hermano Dicky Eklund (Christian Bale), quien también fue boxeador y luego se convirtió en entrenador.
El único logro importante de Eklund en el ring fue aguantarse en 1978 una pelea completa con Sugar Ray Leonard , quien tiene un divertido cameo en este film.
Después, como narra muy bien esta película, su vida estuvo muy complicada a raíz de sus adicciones.
En El ganador, el boxeo prácticamente pasa a segundo plano, ya que el film se centra en el drama humano como si el verdadero ring se encontrara en el hogar de los Ward.
Más allá de las tres figuras principales, Wahlberg Bale y Amy Adams, el reparto completo brinda un trabajo excelente.
Los artistas que eligieron para los roles secundarios, como las intimidantes hermanas de Mickey, son increíbles.
Esta es una película que sobresale principalmente por el trabajo de los actores y el drama realista que cuenta.
Bale hace rato que viene brindando muy buenas actuaciones pero acá sobrepasó todas las expectativas. Christian no interpretó a Dicky Eklund, sino que literalmente se convirtió en él. En la última escena del film, una muy buena idea del director que destaca más todavía su trabajo, queda más que claro.
Con respecto al boxeo, El ganador en materia de realización es claramente un descendiente de Rocky Balboa.
El director Russell encaró las secuencias de acción exactamente de la misma manera que Stallone trabajó la entrega final de Rocky.
Es decir, recreó una transmisión televisiva, tal cual se veía en los años ´80, donde los actores boxean en serio. Las peleas no fueron editadas de manera cinematográfica, sino como en un típico programa de HBO, algo que profundizó más todavía el realismo con el que se narró esta historia.
La verdad que hay que destacar la tarea de Wahlberg como productor porque la manera en que resucitó este proyecto cuando todo se le vino abajo es admirable.
Originalmente la iban a filmar con Matt Damon y Brad Pitt, con dirección de Darren Aronofsky, pero después cada uno de ellos se bajó del proyecto por distintos motivos. En el blog de próximos estrenos seguimos toda la historia a medida que surgían las novedades.
Cuando Bale se sumó a la película la producción renació otra vez y pese a que el film tuvo en su gestación muchas complicaciones el resultado final es más que excelente y terminó nominada al Oscar.
El ganador es uno de los grandes estrenos de este año.
Hugo Zapata

El Dato Loco:
Aunque en la película Christian Bale interpreta al hermano más grande de Mark Wahlberg, en la vida real Wahlberg es tres años mayor que Bale.

Si esta película no la hubiera filmado el director Tom Hooper, la Academia de Hollywood la hubiera inventado.
Es el clásico film de los Oscars sobre historias de superación personal que los yankees principalmente no se aburren de ver.
El tema es que después se zarpan con los premios.
Todavía no se explica demasiado como Una mente brillante (otra historia de superación personal) consiguió ser votada como la mejor película en el 2002.
Acá tenemos otra típica Tugg Speedman Movie, de esas que interpretaba Ben Stiller en Una guerra de película para tratar de ganarse un Oscar.
En este caso el director Hooper ofrece una particular biografía del rey inglés Jorge VI, padre de la actual reina Isabel II, quien se vio obligado a reinar tras la abdicación de su hermano Eduardo VIII.
Jorge era un hombre tímido con cero carisma que encima era tartamudo y le costaba comunicarse con facilidad en ambientes sociales.
La película se centra en la historia de como el rey logró combatir sus graves problemas de dicción gracias a un terapeuta, interpretado por Geofrfey Rush, que lo ayudó a recuperar su autoestima y enfrentar las responsabilidades de su cargo.
Nos referimos al mismo hombre que en 1939 en un discurso por radio le declaró la guerra a Alemania, cambiando el curso de la historia en Europa para siempre.
El trabajo del director Hooper se enfoca principalmente en la amistad de estos dos hombres que trabajaron juntos por un bien en común y lograron superar obstáculos que eran importantes para la monarquía inglesa en ese momento.
La historia es narrada con bastante humor donde Colin Firth y Rush se roban cada escena en la que aparecen juntos.
El resto del elenco que presenta grandes figuras está muy bien, pero en esta película ellos dos son claramente el corazón de la historia.
Confieso que soy un ferviente enemigo de las películas sobre la monarquía inglesa que me parecen un bodrio absoluto.
Difícilmente me atraen, pero esta debo reconocer que está muy bien narrada y las dos horas que dura no caen en ningún momento en el tedio, gracias a un muy buen guión que convirtió los problemas de Jorge VI en un film interesante y entretenido.
Hugo Zapata

EL DATO LOCO:
En lo que representa el colmo de la pacatería, El discurso del Rey recibió en Estados Unidos la calificación “R” que representa una de las máximas restricciones de censura en ese país, que impide ver el film a menores de 17 años. ¿Hay escenas de sexo explícito o ultra violentas?
No, Colin Firth dice muchas veces la palabra “fuck” durante un ejercicio que le propone Geoffrey Rush durante la terapia para mejorar la dicción y eso parece que es algo terrible.
En Inglaterra ocurrió lo mismo pero después cambiaron la calificación otra vez. Una vergüenza.

Las historias sobre posesiones demoníacas son complicadas porque siempre tienen que lidiar con el fantasma de El Exorcista, que es la obra cumbre del cine de terror, que hasta el día de hoy no pudo ser superada.
No es sencillo hacer un film más intenso y aterrador que el que dirigió William Friedkin en 1973.
Esta película que se estrena esta semana estuvo producida por la misma gente que hizo El exorcismo de Emily Rose, donde se vuelven a tocar temas similares.
En lo personal, no creo este film pertenezca al género de terror, si bien tiene momentos dignos de ese estilo.
Creo que El rito tiene que ver más con el misterio y el género del thriller.
De hecho, el director Mikael Hafstrom (1408) evitó con éxito caer en los clichés que suelen tener las historias de exorcismos y se concentró en tratar este tema con el mayor realismo posible.
Algo que logra durante la mayor parte de la trama.
El problema con esta película, además que este tipo de relatos se volvieron repetitivos, es que por momentos parece una campaña de reclutamiento del Vaticano, para levantar un poco la imagen de una institución como la Iglesia Católica que cada vez pierde más adeptos.
Lo mejor de esta propuesta es por lejos el trabajo de Anthony Hopkins que logra destacarse con un personaje que al comienzo de la trama tiene muy buenos momentos cómicos y hacia el final sorprende con un perfil distinto. Es mejor no adelantar nada.
Si revisamos las películas que trataron esta temática en el último tiempo, El rito es dentro de todo lo más decente que llegó a la cartelera y está para ver.

Temple de acero es un clásico de la literatura norteamericana de las últimas décadas.
Su autor, Charles Portis, se destacó con sus novelas por combinar a la perfección el género western con el humor.
Las novelas de cowboys solían ser demasiado serias o dramáticas hasta que apareció este tipo con sus trabajos.
Esta historia en particular se conoció por primera vez en 1968 y al año siguiente fue adaptada en el cine por el director Henry Hathaway, en una película que no sólo fue uno de los principales éxitos de taquilla de aquel año, sino que además representó el único Oscar que ganó en su carrera John Wayne, por el papel del marshall Rooster Cogburn.
Su labor fue tan bien recibida por el público que el actor volvió a interpretar al personaje en la secuela, Rooster Cogburn (1975), con Catherine Hepburn.
Warren Oates luego tomó la posta de Wayne con la segunda secuela, Temple de Acero: Una aventura más (1978), que se hizo para la televisión y quedó en el olvido.
La mejor de todas es la original que hoy es considerada un clásico del género.
Esta nueva versión de los Hermanos Coen es probablemente una de las adaptaciones cinematográficas más fieles que se hizo de una novela en los últimos tiempos.
Los directores capturaron a la perfección el trabajo de Portis, por eso la película desde los primeros minutos se aleja del trabajo de Hathaway.
El film de los ´60 estuvo construido en base a la figura de John Wayne que era una leyenda del western por entonces. De hecho, el guión se escribió especialmente para él.
Los Coen, en cambio, optaron por contar la trama, al igual que la novela, desde la perspectiva de la verdadera protagonista, Mattie Ross, que fue interpretada brillantemente por Hailee Steinfeld.
No es un dato menor que la actriz tiene 14 años, igual que la protagonista en el libro. Kim Darby cuando hizo la película con Wayne tenía 21 años y el personaje por motivos obvios era muy distinto.
Es muy interesante esta versión de Temple de acero porque al igual que la novela en que se basa tiene mucho más humor, pero a la vez es una película más violenta y oscura que el clásico de los ´60.
El ejemplo más claro de esto es lo que hizo Jeff Bridges con su personaje, que se acerca más a los anti héroes de los spaghetti westerns, que al marshall idílico que interpretó Wayne.
Rooster Cogburn, que mantiene su clásico parche en el ojo (un genial invento del cine que no aparecía en la novela), acá se lo ve con un aspecto mucho más recio y sucio.
Lo mismo ocurre con el personaje de LaBeouf, a cargo de Matt Damon, que es menos ingenuo.
Todos estos cambios que brindaron los Coen hicieron que la historia sea mucho más apasionante y realista. Retrataron la era del viejo oeste como un lugar peligroso y violento para vivir, tal cual lo marcan los libros de historia.
Es gracioso porque mirás de vuelta la película de los ´60 y a lado de esta parece una de Disney.
Por otra parte, todo el trabajo que tiene esta producción en la fotografía, sonido y dirección de arte es tremendo.
Una enorme sorpresa que no termino de entender es la exclusión en las nominaciones al Oscar del compositor Carter Burwell, quien brindó una soberbia banda de sonido, mucho más adecuada para la historia, que el trabajo de Elmer Bernstein en la versión anterior.
No estaba mal el trabajo de Elmer, que fue un groso en lo suyo, pero brindaba la típica música de filmes de cowboys que se hacía en Hollywood por aquellos días. Nada especial.
La labor de Burwell resultó mucho más funcional a la historia. La escena del enfrentamiento final entre Jeff Bridges y Barry Pepper es un ejemplo más que contundente.
En fin, un estreno que se celebra, ya que hace rato que no teníamos un western en la cartelera y que además adaptó con mucha fidelidad una muy buena novela.
Gran película de los Coen.
Hugo Zapata

EL DATO LOCO:
Al igual que ocurre por estos días con Hailee Steinfeld, en 1969, Kim Darby fue elogiada internacionalmente por su interpretación de Mattie Ross en Temple de acero.
Es importante destacar que este personaje es todo un emblema del género western.
Históricamente en estos filmes las mujeres siempre tuvieron dos roles definidos. Putas o amas de casa cariñosas. No había término medio.
Esto cambió con el surgimiento de la puta con corazón de oro que interpretó Claudia Cardinale en Érase una vez en el Oeste (1968), de Sergio Leone.
Por eso pegó fuerte también el personaje de Mattie, ya que nunca se había visto hasta ese momento una chica joven que estuviera a la altura de los protagonistas masculinos en este tipo de historias.
La actriz fue nominada al Oscar y los diarios más importantes de Estados Unidos la destacaron como una de las jóvenes promesas de Hollywood.
Sin embargo este reconocimiento resultó una maldición para Darby, ya que después de los Oscar su carrera se vino a pique. No tuvo una vida personal dramática ni participó de escándalos, pero no volvió a conseguir trabajos en producciones importantes y de a poco su nombre quedó en el olvido.
Su trabajó más notable lo brindó en el clásico de culto, No temas a la Oscuridad, de 1973, cuya remake producida por Guillermo del Toro se conocerá este año. Ahí se destacó con una muy buena interpretación pero no alcanzó para que regresara a las grandes ligas de Hollywood.
Es uno de esos misterios del cine que también vivieron Bo Dereck (10) y la recientemente fallecida Maria Schneider (El último tango en París), quienes también recibieron una gran atención de la prensa en su momento por una película en particular, pero luego no pudieron sostener sus carreras con otros papeles importantes.
Haley Joel Osment (Sexto Sentido) es otro caso reciente. Esperemos que a la nueva Mattie Ross le vaya mucho mejor porque es una buena actriz.

Un ultraje.
Esta bazofia titulada El Avispón Verde 3D es la peor película basada en personajes de cómics que se estrenó desde Gatúbela, otro desastre reciente que también arruinó a un ícono de las historietas.
Si Michael Gondry (Soñando despierto) hubiera hecho esto con Batman, en este momento se debatiría en los medios si la muerte violenta del cineasta, producida por fanáticos del vigilante de Ciudad Gótica, no fue una reacción exagerada. Lo hubieran linchado!
Sin embargo, como el Avispón en este momento no tiene la misma popularidad que el héroe de DC, frente la mediocridad épica que presenta está película algunos críticos suelen ser más indulgentes. Al menos buena parte de ellos, que escriben inclusive en revistas de cine fantástico y no tienen la más remota idea quién es este personaje.
Michael Gondry abordó a una leyenda de la literatura pulp y los cómics, como es el Avispón Verde, con el mismo nivel de incompetencia, mediocridad y estupidez que usó Joel Schumacher en Batman y Robin.
La verdad que son películas gemelas en materia de imbecilidad.
En este caso hicieron una parodia sin gracia sobre este personaje que en sus 74 AÑOS de vigencia nunca brindó elementos para ser tratado de esta manera.
El Avispón siempre fue un par de Batman, de hecho, cuando el Hombre Murciélago todavía no había sido creado, en 1936, Brett Reid ya era un héroe popular a través de un programa de radio, que luego tuvo una clara influencia en el justiciero de Ciudad Gótica, cuando debuto en los kioskos de revistas años después.
Mucha gente recuerda a este personaje por la serie de los años ´60, con Bruce Lee, que al compararla con la película de Gondry debería ser calificada directamente dentro del género documental.
Este estreno hace agua por todas partes.
De movida Seth Rogen no pudo ser peor elección para interpretar al Avispón.
Es inconcebible pensar que porque el tipo se tomó un frasco de Reduce Fast Fast hizo un trabajo creíble interpretando a este legendario héroe. Es como poner a Jack Black de protagonista en el Capitán América.
Si fuera un actorazo de esos que se lucen en cualquier papel podría haber tenido más chances, pero no es el caso de Rogen, quién acá interpreta exactamente al mismo personaje que hace en todas sus películas, sólo que ahora aparece disfrazado de héroe de cómic y se ve ridículo.
Brett Reid es retratado como un imbécil frívolo y narcisista que durante todo el film no tiene idea donde está parado.
Teniendo en cuenta la trayectoria que tiene este personaje, sobre la que se cagaron por completo, para complacer al club de fans de Jackass, lo que hicieron es realmente penoso.
Cameron Diaz, en plena decadencia de su carrera, no aporta absolutamente nada, salvo su imagen en el poster y Christopher Waltz totalmente desperdiciado brinda un malo infantil de dibujo animado. Cuesta creer que es el mismo tipo que se llevó un Oscar por el villano que compuso en Bastardos sin gloria.
Es muy triste ver como un personaje que era un justiciero duro, que combatía el crimen en las calles sin superpoderes terminó convertido en una típica parodia de Show Match.
La película está llena de conversaciones sin sentido que no conducen a nada y hacen de esta propuesta un bodrio absoluto.
La última escena de Brett Reid con Kato en el cementerio da vergüenza ajena y las secuencias de acción son de medio pelo. Nada interesante para destacar por ese lado.
Lo más triste es que el Avispón en estos días vive una etapa gloriosa en los cómics gracias al director de cine Kevin Smith, quien adaptó un guión cinematográfico que no pudo filmar en una excelente miniserie, que fue fiel al personaje a la vez que logró capturar nuevos lectores.
Una lástima que Sony le entregara la película a un grupo de ineptos.
Si tenés dignidad Gondry, volvé a lo tuyo.

Sudor Frío es la sexta película del director Adrían Garcia Bogliano, quien hace años trabaja el género de terror en el cine nacional con títulos como Masacre esta noche, 36 pasos o No moriré sola.
Sin embargo, esta es la primera vez que un film del cineasta logra llegar a las salas comerciales y cuenta con una campaña de publicidad.
Es probable que a partir de este estreno mucha gente que no conocía sus producciones anteriores se acerque a esos títulos que se exhibieron en festivales de cine y terminaron editados en dvd.
El punto más fuerte de Sudor Frío reside en la realización donde se puede apreciar desde su estética un trabajo claramente superior a lo que fueron las películas anteriores de Bogliano.
Acá se destaca un gran trabajo en la fotografía de Ernesto Herrera y el sonido.
En realidad desde el punto de vista técnico la verdad que la película es impecable y no se le puede objetar nada.
Es un producto bien hecho.
Las falencias pasan por cuestiones argumentales.
Si bien el director presentó un cuento relacionado con la última dictadura militar, el film nunca cae en un panfleto pseudo político como ocurrió con otras películas recientes. Aparecidos fue un claro ejemplo de ello.
En Sudor Frío nunca perdieron el foco de que se trataba de una película de terror y eso está bien.
El problema es la manera en que se enfocaron los personajes. Los villanos, por ejemplo, parecen salidos de Los bañeros más locos del mundo con Emilio Disi y Gino Renni.
Más que una dupla de psicópatas, los asesinos resultaron un matrimonio de viejos gay que discuten todo el tiempo entre sí.
En ningún momento se ven intimidantes y frente a esta cuestión, algunas reacciones de los protagonistas son incomprensibles. Creo que esto de alguna manera arruinó el concepto de la trama, que no era malo, pero con los asesinos encarados de ese modo el terror se desvaneció por completo.
Otro inconveniente son las actuaciones.
Facundo Espinosa y Marina Glezer son actores con oficio, que hace rato trabajan y eso se nota en sus interpretaciones.
Inclusive Camila Velasco, que es más conocida por su perfil mediático, que su faceta actoral, zafa y hace los suyo con convicción.
Sin embargo, el resto del reparto son de madera y no se entiende como llegaron a quedar en el casting. Especialmente los secundarios. Hay una diferencia abismal en los niveles de actuación que se nota claramente en la película.
Por otra parte, la decisión de musicalizar la historia con una banda de sonido a puro rock pesado, además de un cliché horrendo que debería ser erradicado de este género, arruinó varias escenas que podrían haber funcionado mucho mejor sin el heavy metal, que quedó totalmente colgado en esta historia.
Sudor Frío es una buena producción en términos visuales pero como cuento de terror no convence demasiado.

Lazos de sangre es uno de los thrillers más interesantes que brindó el cine norteamericano en el último tiempo.
Se trata de una historia que tiene todos los elementos e ingredientes de una típica novela policial, con la particularidad que la directora desde su narración le escapó a la convenciones del género.
De alguna manera, es un policial disfrazado de “cine arte”.
Podría hacer una larga lista mencionando clásicos del film noir donde también podrías encontrar a los personajes de este estreno.
Acá no hay detectives ni grandes persecuciones, sino una adolescente de 17 años que tiene la enorme responsabilidad de llevar adelante su familia en una zona rural de Missouri, que no deja de ser un importante personaje en esta historia.
Una región que parece una radiografía de un país olvidado, que no suele retratarse en el cine y la televisión hollywoodense, pero que no dejan de mostrar la otra cara del primer mundo.
De hecho, por momentos la trama y los personajes parecen salidos de esas canciones que Bruce Springsteen compuso en el disco “Nebraska”.
Ree, la protagonista, tiene unos pocos días para encontrar a su padre y evitar que le rematen la casa por problemas con la Justicia.
A partir de que la chica entra en acción la película se mete de lleno en una odisea sumamente absorbente que con el tiempo se vuelve apasionante.
Los que parecían villanos se vuelven aliados y los que podían ayudar a la heroína resultan todo lo contrario.
Todo el pueblo conoce a Jessup, el padre de Ree, pero nadie quiere ayudar demasiado a la hija y meterse en el tema porque hay algo turbio.
Es genial la tensión que creó la directora con estos enigmas que hacen atrapante a la historia.
Lo interesante es que frente a todas estas cuestiones se suma el hecho que la protagonista tiene que hacerse cargo del cuidado de sus hermanos como puede, ya que está completamente sola durante una temporada invernal desoladora.
Jennifer Lawrence brinda una interpretación fabulosa, que se destaca por la naturalidad con la que compuso su personaje. Una gran revelación.
Sin embargo, la gran figura de este film es John Hawkes, uno de los actores más subestimados del cine norteamericano que acá pudo brillar como nunca.
Hawkes es uno de esos grandes artistas que la gente no suele reconocerlo por su nombre, pero si por su rostro, ya que apareció en todo tipo de filmes populares como American Gangster, Del crepúsculo al amanecer, Identidad, Una tormenta perfecta y la serie Lost, entre algunos de sus laburos más conocidos.
En este caso interpreta al tío de la protagonista que es un sujeto intimidante e impredecible. Un personaje que le valió la nominación al Oscar como mejor actor secundario. Un reconocimiento totalmente merecido.
Otro gran acierto de la directora fue trabajar con los vecinos de las zonas rurales donde se filmó la película que contribuyeron a darle un gran realismo a ese enigmático lugar donde se desarrolla el misterio.
No sé si Lazos de sangre va a ser una película popular que enganche de la misma manera a todo el mundo, pero en lo personal me encantó y la recomiendo.

Después de filmar Pasajeros, una historia de misterio con Anne Hathaway que en Argentina terminó directamente en dvd y varios años trabajando en series de televisión como Six Feet Under y Carnibale, el director Rodrigo García regresó a la pantalla grande con un sólido drama que está en sintonía con lo que fue su ópera prima, Con sólo mirarte.
Un muy buen film estrenado hace varios años.
Al igual que esa propuesta y Nine Lives (2005) con Robin Wriht Penn, las mujeres vuelven a ser las grandes protagonistas en esta historia de García.
Amor de madres es una historia poderosa sobre la adopción, donde una vez más se destacan en trabajos tremendos Annette Bening , Naomi Watts y Kerry Washington (Ray).
Es raro que ninguna de las tres hayan sido tenidas en cuenta en la temporada de premios de Hollywood por lo que hicieron en este film porque están excelentes.
Especialmente Bening que últimamente viene con muy buena racha a la hora de elegir personajes en el cine.
Lo interesante de este film es que una historia que probablemente en manos de otro directo hubiera terminado en un melodrama infumable, de esos que apuestan a la lágrima fácil.
Rodrigo García, en cambio, tiene la capacidad para trabajar este género con mucho tacto donde logra que vos como espectador te intereses por las situaciones que enfrentan los personajes.
Además utiliza su narración de la manera adecuada para desarrollar bien cada personaje e inclusive logra que los secundarios se destaquen y no estén en los distintos conflictos de relleno.
Por otra parte, Amor de madres es una muestra contundente de por qué Samuel L Jackson es uno de los mejores actores con los que cuenta el cine en la actualidad.
Muchos nominados recientes al Oscar tendrían que volver a encarnar en otra vida para lograr lo que hace este tipo con su trabajo.
Un día lo ves como un personaje de cómic de Marvel y después en otra película distinta te lo encontrás en un rol dramático excelente donde no pasa desapercibido.
En este caso interpreta al jefe del personaje de Naomi Watts y juntos tienen muy buenos momentos en el film.
Otro buen trabajo de este director, cuyas películas siempre son interesantes de ver.

La casa muda es un interesante experimento del director uruguayo Gustavo Hernández que le dio un poco de aire fresco a la cartelera, que últimamente no viene muy bien con los estrenos de terror.
La película tiene la particularidad de haber sido filmada en una sola toma, algo que no tiene precedentes en el género y además el rodaje se hizo con una cámara de fotos digital Canon Mark II que grabó en alta definición.
El film tiene su punto fuerte durante la primera mitad de la historia, donde el espectador no tiene demasiadas pistas sobre lo que ocurre en la casa y el misterio pasa por averiguar si los responsables de los hechos extraños que ocurren en ese lugar son humanos o están relacionados con espectros.
El aspecto siniestro de la casa brinda esa posibilidad.
Me pareció fabuloso en este film como el director logró convertir ese lugar aterrador, una locación fantástica para este tipo de historias, en un personaje importante más de la trama.
Florencia Colucci, la protagonista, lleva excelente un personaje complicado que interpreta con convicción.
La historia no es perfecta y el giro tal vez ya lo vimos en otras películas, pero me parece que La casa muda es una propuesta que no pasa tanto por su guión, sino más bien por la experiencia visual que genera en el espectador esa toma única de 78 minutos.
Confieso que en todo momento me mantuvo enganchado con la curiosidad de saber cómo se resolvía la historia.
Hace rato que no encontraba eso en un estreno de este género y la verdad que tiene momentos de tensión muy bien elaborados.
Es muy complicado desde la realización sostener una historia de misterio en una sola toma y acá hicieron un muy buen trabajo.
Para una producción que se hizo con una cámara de fotos digital la verdad que la calidad de imagen es sorprendente y la banda de sonido que remite por momentos a algunos trabajos de John Carpenter son dos elementos que sumaron mucho a esta propuesta.
Está bueno que en Latinoamérica se empiece a apostar más seguido al cine de terror y fundamentalmente que las producciones lleguen a los cines y no mueran en los festivales de cine.
Muy buena apuesta de Uruguay.

El Dato Loco: Luego de los créditos finales hay una escena extra.

Después de 46 años de ausencia en las salas de cine, el Oso Yogi regresa a la pantalla grande con una nueva película, en este caso en una producción live action.
Este personaje de esos genios de la animación que fueron William Hanna y Joseph Barbera, debutó con su propia película animada, dirigida por estos maestros, en 1964, cuando el personaje se encontraba en su máximo pico de popularidad.
Yogi había nacido a fines de los años ´50 como un personaje secundario de la serie de Huckleberry Hound y pegó tan fuerte en el público que luego obtuvo su propio programa.
La película de 1964 fue un éxito.
La nueva producción que presenta al oso desarrollado a través de la animación computada es una réplica exacta de lo que fueron las películas recientes de Alvin y las ardillas.
Es gracioso porque si prestan atención hasta los extras parecen los mismos!
Con esto me refiero a que Warner tomó el mismo modelo de los filmes de Alvin y lo trasladó al Oso Yogi.
Apostaron a lo seguro.
Tom Cavanagh, de la serie Scrub, que interpreta al famoso guardabosque Smith del parque Yellowstone, representa el mismo rol que tenía Jason Lee, en la historia de las ardillas.
Inclusive los villanos de los dos filmes se comportan y actúan de la misma manera!
Tengo que reconocer que en el cine, Yogi y Boo Boo se ven muchísimo mejor que en el trailer.
Si bien conservan en sus facciones los rasgos de caricatura, todo el pelaje que tienen los osos y sus movimientos son bastantes realistas y estuvieron muy bien hechos.
Afortunadamente en la versión local que se estrena esta semana nos evitamos el garrón de escuchar a Justin Timberlake interpretar a Boo Boo, que es lamentable.
No figuran en los créditos el nombre de los actores que hicieron el doblaje, pero si en el caso del oso pequeño, el actor no es el mismo de la serie animada original, pega en el palo y se trata de una brillante imitación.
La película es infantil y estuvo pensada para los espectadores más chicos. Los pibes que se divirtieron con Alvin la van a pasar bien con Yogi.
Inclusive esta no tiene chistes escatológicos y los personajes no hacen cosas reprochables. En la secuela de Alvin, por ejemplo, las ardillas tiraban por una escalera mecánica a una mujer en silla de ruedas. Eran más zarpadas.
Como propuesta familiar, reitero, es una película en la que los más chicos (y me refiero a niños menores de siete años) se van a entretener.

A veces las remakes sirven para mejorar una obra original.
Esto no sucede muy a menudo, pero cada tanto surgen casos de este tipo.
Epidemia, remake de The Crazies, de George Romero, es un caso reciente elocuente.
La nueva versión con todas las cosas que se le pueden criticar superó a la original en varios aspectos, que ya de por sí era una película de medio pelo.
Sin embargo, a veces hay casos donde las remakes son un espejo de la obra original y no se pueden hacer milagros.
Escupiré sobre tu tumba fue una película malísima de 1978, dirigida por Meir Zarchi, que en su momento generó un escándalo tremendo por las escenas de sexo y violencia que tenía la historia.
Hasta el día de hoy no termino de entender que tiene que ver con el género de terror filmar de manera morbosa la violación de una mujer y su posterior predecible venganza sangrienta.
En ese momento, cuando se estrenó, este tipo de propuestas que se conocían con el nombre de “exploitation films”, eran bastante populares y habían surgido a partir del furor que generó en 1972, The Last House on the Left , de Wes Craven que tuvo una influencia real e importante en cine de terror.
Escupiré sobre tu tumba simplemente trató de llamar la atención con escenas fuertes y nada más. La película fue muy criticada por la prensa en general por considerar que glorificaba la violencia contra la mujer, un argumento, por cierto, que es imposible de refutar.
Esta remake que se estrena esta semana no ofrece un panorama distinto de lo que fue la versión de 1978.
Los actores, esto lo tengo que reconocer, son un poco más decentes, pero después es la misma bosta que hace 30 años con un envase diferente.
De todas maneras, creo que películas como estas tienen su público que las consideran grandes obras de terror porque entienden que el género sólo pasa por filmar secuencias de violencia extrema con grandes galones de sangre.
Lo vimos hace poco con El juego del terror, película pedorrísima, que sin embargo tuvo sus adeptos, pero porque buscaban justamente entretenerse con ese tipo de propuestas.
Hasta el episodio más flojo de Saw, que fue una serie sangrienta, tenía una estructura argumental más sólida que Escupiré sobre tu tumba, que de tan predecible que es, termina siendo tonta y aburrida.
La versión original todavía era más enferma, ya que la protagonista luego de haber sido brutalmente violada, volvía a utilizar sus cuerpo para seducir nuevamente a los agresores con el fin de vengarse de ellos.
En la remake, por razones que no tienen explicación, la actriz principal luego de ser atacada reaparece como la hija que podrían haber tenido la asesina Nikita y Jigsaw.
Es claro que en esta remake el director Steven Monroe intentó levantar la apuesta en materia de morbo y violencia con una película mediocre que no tiene mucho que ofrecer salvo por ese tipo de escenas.
Pero bueno, los que se entretengan con violaciones y mutilaciones de todo tipo supongo que tienen la propuesta adecuada para ir al cine.
El género de terror quedará pendiente para la próxima

En Estados Unidos a los críticos les deben haber suspendido las medialunas, ya que no se explica de otro modo el ensañamiento que tuvieron con este estreno en las reseñas.
El Turista está muy lejos de ser una obra maestra del cine, pero tampoco es esa película malísima que anunciaron los medios en ese país.
No es para tanto.
Se trata de una remake del film francés del 2005, Anthony Zimmer, que tampoco fue un peliculón memorable, pero era una propuesta entretenida con Sophie Marceau e Yvan Attal (Munich).
Aquella producción se destacó por el trabajo de los protagonistas y en la versión hollywoodense ocurre lo mismo.
Si disfrutás de Johnny Depp en el cine la vas a pasar bien con esta película porque él está muy bien y la trama ofrece un thriller con buenas dosis de humor.
No es un film que requiera de un riguroso análisis intelectual.
La película presenta una historia de policías y ladrones habilidosos, donde se destacan en roles secundarios Paul Bettany y Timothy Dalton, principalmente, más una pequeña participación de Rufus Sewell (Corazón de caballero).
El director del apellido largo, que es conveniente limitarse a llamarlo por su nombre, Florian, hizo un gran trabajo retratando bellísimos paisajes europeos, especialmente en Venecia, que no deja de ser un personaje más en el film.
El guión de Christopher McQuarrie (Los sospechosos de siempre) juega claramente con una historia de misterio que recuerda al clásico de Alfred Hitchcock, El hombre equivocado por el tema de las identidades cambiadas, y la verdad que brinda un entretenimiento decente.
Depp es el que tiene a cargo con su personaje el humor en la trama y las mejores escenas de la película son todas las que aparece él, porque hizo a su personaje divertido con pequeños detalles, como el cigarrillo artificial.
Sam Worthington, quien iba a protagonizar esta película y terminó reemplazado por Johnny, creo que hubiera estado más complicado con este personaje. Al menos me parece que hubiera sido menos gracioso.
El Turista se deja ver y está bien para entretenerse un rato.
El que busque ir a verla como un drama profundo para reflexionar sobre la vida se equivocó de estreno.
A los críticos yankees definitivamente les pasó eso.

El retrato de Dorian Gray, de Oscar Wilde, es considerada una de las máximas novelas góticas del siglo 19 que en la actualidad se suele destacar como uno de los grandes clásicos de la literatura occidental.
Sin embargo, cuando fue publicada por primera vez en 1890 causó un enorme escándalo en la sociedad europea por ser considerada una obra pervertida y nausebunda, ya que los críticos de entonces se sintieron ofendidos por el tono homoerótico que tenía el libro.
Con el tiempo adquirió notoriedad otra vez y Wilde fue reconocido por su maestría para criticar con ironía a la sociedad burguesa londinense.
Esta novela, que fue la única que escribió Oscar en su carrera, ya que se hizo famoso por sus obras de teatro, fue adaptada varias veces en la pantalla grande.
La versión que llega esta semana a los cines es una de las más pobres y en este caso la decepción que brinda este film se vive por partida doble.
En primer lugar porque convirtieron una historia compleja y fascinante en una película trivial y olvidable, algo que requiere un esfuerzo descomunal de incompetencia.
Pero lo peor de todo es que la dirección corrió por cuenta de Olivier Parker, quien ya había abordado con éxito otros trabajos de Wilde en el cine.
En 1999 dirigió una excelente adaptación de Un marido ideal (en mi opinión la mejor y más divertida obra deWilde) con Julianne Moore, Cate Blanchett y Ruper Everett como ese maravilloso dandy que es Lord Goring.
En el 2002 adaptó La importancia de llamarse Ernesto, otra gran comedia de enredos, con Judi Dench, que también estuvo muy buena.
Si bien las películas presentaban algunos cambios argumentales, como suele ocurrir en todas las adaptaciones cinematográficas, Parker se habían mantenido fiel al espíritu de las obras de Wilde.
Con Dorian Gray sucedió exactamente lo opuesto a tal punto que el afiche debería decir “inspirada en la novela de Oscar Wilde” ya que la historia fue muy distorsionada y poco tiene que ver con el libro.2
Al ver esta película queda la sensación que los realizadores ni siquiera se molestaron en averiguar de qué iba trataba la trama original.
Agregaron personajes sin sentido que no aportan nada y los importantes terminaron inevitablemente distorsionados por todos los cambios que le hicieron al relato.
El director Parker en este caso estuvo más interesado en llenar el film con escenas grotescas de sexo, para retratar el libertinaje de la era victoriana, que centrarse en la relación entre los dos personajes principales, Dorian Gray y Lord Henry, interpretado en este caso por Colin Firth, quien hace lo que puede con el guión pedorro que tuvo para trabajar.
Intentaron narrar esta historia clásica como si fuera una película de Freddy Krueger y ahí la jodieron por completo con un enfoque equivocado.
Lo que era una historia interesante e inteligente se convirtió en un relato burdo y superficial. El final que debió haber sido impactante terminó convertido sin necesidad en una mala copia de los filmes de terror de Sam Raimi.
La edición, por otra parte, es lamentable y Parker utiliza los recursos de flashbacks de manera torpe, que no hace otra cosa que confundir al espectador con interrupciones sin sentido.
Tampoco ayudó demasiado el trabajo pobre de Ben Barnes (El príncipe Caspian de Narnia) a quien el personaje principal le quedó demasiado grande para interpretar.
Dorian Gray es un tropiezo en la carrera de Olivier Parker, que es buen director que hizo muy buenos filmes basados en obra de Wilde y además nos brindó ese gran clásico de terror que fue Hellraiser.
Sin embargo acá la pifió feo.

Después de filmar la remake de Rescate en el Metro 123, Tony Scott decidió volver a las vías con una propuesta distinta que recrea un incidente verídico, ocurrido con los trenes en el 2001, en Estados Unidos.
Creo que Imparable va a quedar con el correr del tiempo como uno de los trabajos más subestimados de este director, quien es uno de los grandes artistas de Hollywood que laburan en el campo de la acción y sabe brindar productos entretenidos.
Tal vez no reciba la misma atención que otros trabajos de Scott como Escape salvaje (True Romance), Top Gun, Hombre en llamas o Marea Roja, pero es un film donde el cineasta logró destacarse, una vez más, como uno de los mejores realizadores del género.
Esta es una propuesta bastante particular del director ya que acá no hay terroristas, asesinos, grandes tiroteos ni villanos.
La película es una recreación de un incidente que se produjo en Ohio, el 15 de mayo de 2001, cuando un tren fuera de control, que transportaba materiales químicos tóxicos acaparó la atención de todos los medios de ese país, que siguieron en vivo paso a paso como los empleados del ferrocarril trataban de parar una locomotora con 47 vagones que viajaba a más 82 kilómetros por hora.
Scott básicamente se dedicó a recrear con su estilo visual y narrativo lo que se vivió aquel día en esa ciudad con algunos cambios para hacer un poco más dramática la película.
La sorpresa de Imparable es que la trama que brindaba en principio no parecía muy atractiva, pero fue la dirección del viejo Tony lo que convirtió a este film en una propuesta recomendable.
En breve minutos el director presenta a los personajes principales y a partir del momento en que un empleado ferroviario pierde el control del tren, la película se vuelve totalmente atrapante y logra engancharte por completo hasta el final.
Sin acudir a grandes villanos ni esos tiroteos que tan bien suele dirigir, Scott mantiene el suspenso constante con una producción que sorprende por la imponente logística que tuvo la realización.
Los trenes que se ven en la historia no son de juguete o recreados con animación computada y hay algunas secuencias de acción que son espectaculares por el trabajo que requirieron concretarlas. El tipo filmó esos momentos con el estilo de la vieja escuela, donde los directores no se dormían con la tecnología digital porque no existían esas herramientas.
Cuando Tony Scott vuelca una locomotora y la estrella contra otros autos lo hace en serio y esa escena que dura segundos tiene detrás un equipo enorme de laburo, que planificaron durante meses ese tipo de secuencias.
Como la crítica de cine suele subestimar a este género estas cosas nunca se mencionan y creo que está bueno destacarlas cuando hacen un gran laburo.
Imparable tiene sus puntos flojos en algunas cuestiones argumentales.
Por ejemplo, en la historia, los medios de prensa son implacables y siempre tienen la información correcta. A los pocos minutos de ocurrido el incidente, la televisión ya identifica al empleado que perdió el control del tren.
En la vida real eso no sucede con tanta precisión, de hecho, al día de hoy la compañía ferroviaria de Ohio nunca informó la identidad del empleado responsable de los hechos.
Pero bueno, este estreno tampoco es una película intelectual que requiera un desarrollo profundo de los personajes principales.
Denzel Washington, con todo el respeto que merece como actor, en esta historia su participación sirve para que el poster tenga una cara conocida, ya que los grandes protagonistas son los trenes.
Rosario Dawson es quien más logra destacarse un poco en el reparto.
De todas maneras la gran vedette de esta producción es claramente el suspenso y la acción y en ese sentido el director Scott cumplió con su objetivo.
Imparable es una apuesta segura para los que busquen entretenerse con una historia de supenso bien dirigida por un veterano de Hollywood.

Este es un estreno loco.
No sólo porque se trata de un extraño caso donde la remake supera a la obra original, sino que además tiene que ver con uno de los filmes más olvidados en la carrera del Gran George Romero (La noche de los muertos vivos).
The Crazies fue una película particular de Romero que se estrenó en 1973 y resultó un fracaso enorme en los cines.
La verdad es que salvo para los fans del director, esta película es completamente desconocida por la mayoría de la gente, ya que muy pocas veces se emitió por televisión y durante varios años fue difícil de conseguir en video.
The Crazies quedó por completo en el olvido en parte también porque Romero hizo filmes superiores en su carrera.
La película presentaba un muy buen concepto que lamentablemente no funcionó en el cine, entre otras cosas, porque tenía un reparto lamentable.
Más allá de que esta remake contó con un presupuesto superior, creo el director Breck Eisner (Sahara) trabajó con mucha más precisión e intensidad el concepto de The Crazies.
La historia sigue siendo la misma. Un accidente del ejército ocasiona una epidemia donde los afectados por un extraño virus se convierten en psicópatas asesinos.
A su modo, en 1973, Romero reflejó con este cuento la paranoia que existía en ese momento en Estados Unidos por la Guerra Fría, un tema que trabajó con más precisión John Millius en Red Dawn (1984), cuya remake también se conocerá en unos meses.
Lo que cambió en la nueva versión de Eisner es el enfoque.
El director realizó un film mucho más atrapante, con un muy buen reparto, donde además juega con el concepto de zombies que creó Romero, al menos la segunda camada de muertos vivos en el cine que surgió con su famoso film de 1968.
En este caso se incluyeron ciertos elementos fantásticos que hace que los infectados se vean como zombies.
A diferencia de The Crazies que básicamente era una película clase B de acción, La epidemia se centra más en el género de terror.
Es cierto, que en definitiva la película es más de lo mismo, si la vemos por el tema de los muertos vivos, pero está bien hecha y es una de las buenas que está para ver.

Más allá de la vida es el film más sentimentalista que brindó Clint Eastwood como director desde Los puentes de Madison.
Se trata de una película que pasó sin pena ni gloria por los cines de Estados Unidos y que al estudio Warner le costó bastante vender.
El trailer, por ejemplo, se centra principalmente en Matt Damon, cuando él es apenas una pieza más del rompecabezas que presenta el conflicto, ya que no hay un protagonista especial.
Tampoco es un thriller de los que suele hacer M Night Shyamalan, como se había anunciado en los medios en un comienzo. No hay elementos fantásticos ni grandes momentos de suspenso.
El tema de los psíquicos no es un asunto de ciencia ficción y existe gente que realmente cuenta con una percepción especial, como la que tiene el personaje de Damon.
Claro que también existen los chantas que lucran con eso como muestra muy bien el film.
Con este trabajo Eastwood reflexiona acerca de la muerte y Más allá de la vida en realidad se enfoca en las perdidas humanas y las dudas y planteos que se hace el ser humano frente a estos temas.
De alguna manera es la contracara del fiasco de Peter Jackson, Desde mi cielo, estrenado el año pasado, que tocaba temáticas similares, donde la atención estaba puesta en los efectos especiales realizados por computadora y los actores quedaban a la deriva.
Clint se enfoca en la emociones y se toma su tiempo en presentar bien a los personajes, a tal punto que el film, desde la narración tiene un ritmo diferente a lo que fueron sus últimos trabajos.
La historia es interesante porque comienza con la escena de un tsunami, digna de las películas de Roland Emmerich (2012), algo que Eastwood nunca había hecho en su carrera hasta ahora y luego se convierte en un drama muy interesante sobre la muerte y la soledad que evitan todo tipo de moralina religiosa.
Salvo por la banda de sonido, donde se destaca el clásico pianito y guitarra, que el director siempre utiliza a la hora de componer la música de sus filmes, Más allá de la vida es una película distinta de Eastwood y para quienes son seguidores de este gran artista ese es un gran motivo para no dejar pasar esta película.
Tal vez no genere la misma atención que Río Místico o Gran Torino pero merece su visión.

El ilusionista es el nuevo trabajo del cineasta francés Sylvain Chomet, quien dirigió hace unos años Las trillizas de Belleville, que terminó nominada al Oscar.
En esta oportunidad presenta una película de un tono más melancólico que su trabajo anterior, que se destaca por una cuestión en particular.
La historia está basada en un guión incompleto de Jacques Tati, quien es considerado uno de los mejores directores en la historia del cine.
Su caso es interesante porque le bastaron seis películas apenas para dejar una huella importante en este arte.
Tati fue un director que se destacó por hacer comedias super populares, que fueron muy exitosas entre 1949 y 1974, como “Las vacaciones de señor Hulot”, que tuvo tres secuelas.
Estos filmes se caracterizaron por presentar historias muy graciosas que hacían hincapié en los chistes visuales y la comedia física, como en las viejas películas de Chaplin o Buster Keaton.
Inclusive las ves hoy y siguen vigentes porque son muy divertidas.
Tati, que interpretaba al señor Hulot, prácticamente no usaba diálogos en sus trabajos y se centraba en la sátira visual.
Menciono esto porque el cine de Chomet está totalmente influenciado por el arte de Tati, más allá que en este caso se inspirara en un guión incompleto del viejo Jaques.
De hecho, en La trillizas de Belleville hay referencias a las películas del señor Hulot.
El Ilusionista desde lo argumental no tiene la misma fuerza que el film anterior del director, que era mucho más divertido.
En este caso salvo por dos personajes, todas las personas que aparecen en la historia son absolutamente deprimentes. Es como que a Chomet le pintó el bajón y mató sus penas escribiendo esta historia, que de haber sido dirigida por Tati, no tengo duda hubiera resultado más divertida.
Lo mejor del film es el trabajo de animación. Con las películas de Chomet pasa algo muy similar a lo que ocurre también con los filmes de Hayao Miyazaki (El viaje de Chihiro), donde los escenarios y los extras en la trama tienen un realismo poco habitual en este género cinematográfico.
En el caso de El ilusionista, cuando el director retrata esos fabulosos paisajes europeos, los detalles en los dibujos son tan abundantes que no parece que estuviéramos viendo una película animada.
La otra virtud del film es la dirección. Prácticamente sin diálogos, Chomet se las ingenió para hacer llevadera la trama desde lo visual como en los viejos dibujos animados.
Este estreno, al menos en la copia que pude ver yo, no viene con subtítulos pero eso no afecta en ningún momento la comprensión de la historia, justamente por el gran trabajo que hicieron con la dirección.
Para los amantes de la animación es una propuesta que no se puede dejar pasar, ya que son esa clase de películas que no llegan con frecuencia a los cines y hay que aprovechar.
Hugo Zapata

EL DATO LOCO:
Hay un momento en que el protagonista entra a un cine y se puede ver la escena de una película. Ese fragmento (que por cierto quedó muy bien editado dentro de esta historia) corresponde a “Mi tío” (1958) de Jacques Tati y es la secuela de “Las vacaciones del señor Hulot”.

Personalidad múltiple es la remake del extraño film coreano Addicted, que fue un éxito moderado en Asia en el 2002.
Una historia muy difícil de catalogar en un género en particular, ya que era dramón romántico, que también tenía suspenso y jugaba con elementos fantásticos.
La película estuvo protagonizada por ese gran actor que es Lee Byung-hun (GI.Joe, The Good, The Bad, The Weird) al que algunos medios suelen llamar el Brad Pitt asiático.
Esta versión norteamericana protagonizada por Sarah Michelle Gellar tuvo bastante problemas en lo que se refiere a la distribución y termino directamente en dvd en los Estados Unidos el año pasado.
La remake dentro de todo tiene el mérito de no ser un refrito que calca escena por escena la obra original, algo que es patético y suele ocurrir a menudo.
Esta versión se enfocó más por el lado del thriller, aunque tampoco es un film que te enganche por el suspenso precisamente.
Desde la narración es un poco más dinámica que la película coreana, que por momentos se hacía aburrida con escenas lentas que alargaban el desarrollo del conflicto.
Es una película distinta donde los personajes son más oscuros e inclusive el final resultó un poco más retorcido.
El film coreano es mucho más emocional y dramático y hacía hincapié en la historia de amor entre los personajes principales. En Personalidad múltiple encaminaron las cosas por otro lado.
Llegaron a filmar una conclusión que estaba más en sintonía con la historia coreana pero lo dejaron como extra del dvd.
Estas son las clásicas películas que uno engancha en cable cada tanto y se la pone a ver sabiendo que si fueras al cine sacarías la entrada para otra cosa.
Tampoco es tan terrible y Sarah Michelle Gellar tiene títulos peores en su filmografía, pero no es un film que uno recomendaría con entusiasmo.

Tron: El legado es claramente uno de los eventos cinematográficos del 2010.
Los 28 años de espera que se tomó Disney para hacer esta secuela valieron la pena porque el espectáculo de ciencia ficción que propone este film es imponente y sumamente entretenido.
Tron fue una película atípica de Disney que en 1982 generó muchísima polémica en Hollywood al presentar por primera vez en la historia de este arte efectos visuales generados por computadora. Para muchos artistas esto era una desgracia ya que entendían que arruinaba al cine y lo convertía en otra cosa.
Hoy la animación digital es una herramienta imprescindible para las grandes propuestas pochocleras de todo tipo de género y dejó de ser visto como un enemigo del cine.
Lo cierto es que Tron tuvo la mala suerte de ser un film absolutamente adelantado a su tiempo y la gran mayoría del público le dio la espalda cuando se estrenó en su momento.
Sin embargo, con el tiempo se convirtió en un fenómeno de culto importante cuando se editó en video y se pasó por televisión.
La película tuvo una gran influencia en muchos artistas que luego trabajaron en Hollywood, como por ejemplo, John Lassetter, el fundador de Pixar, quien descubrió en Tron un potencial enorme en la animación computada para ser trabajada en el cine.
Durante años Disney ocultó a Tron como la oveja negra de la familia, a tal punto que llegamos a diciembre de 2010 y la película todavía no fue editada en dvd y el 90 por ciento del público que va a ir al cine este fin de semana no recuerda o directamente ni registra la existencia de Tron. Hasta la serie de Los Simpsons hizo chistes con este tema.
Una enorme estupidez de esta compañía que tranquilamente podía haber sacado antes el dvd para ayudar a difundir la secuela.
Este error de Disney convirtió a El legado en una propuesta muy jodida de vender, porque es complicado desarrollar la continuación de una historia que se hizo hace más de veinte años y mucha gente desconoce.
De todas maneras, creo el enfoque que le dieron a esta producción fue inteligente.
Tron: El legado tiene un espíritu retro ochentoso que captura la esencia de la obra original, pero a su vez brinda una gran aventura pochoclera que puede ser disfrutada por todo el mundo, aunque no conozcan la primera.
Es interesante porque trabajaron muy bien la trama con el personaje principal que interpreta Garret Hedlund, uno de los mejores actores jóvenes que laburan hoy en día en Hollywood, pese a que su nombre no es muy conocido.
De alguna manera, Sam Flynn representa a los espectadores nuevos que al igual que el héroe del film va a descubrir el mundo de Tron por primera vez.
Los fans veteranos van a seguir esta historia desde la visión de Jeff Bridges, quién se destaca con la interpretación de dos personajes totalmente distintos, cortesía de la tecnología actual.
Con una banda sonora de Hanz Zimmer, que por momentos nos remite a los últimos filmes de Batman de Christopher Nolan, esta secuela te engancha desde el comienzo y te sorprende con una experiencia visual maravillosa para ser disfrutada en 3D desde el momento que el protagonista entra al mundo virtual de Tron.
Sí, el guión no es una obra de Isaac Asimov precisamente, pero tampoco lo fue el argumento de la primera que se centró más en los efectos visuales.
La secuela va por el mismo camino con la particularidad que la tecnología de hoy te permite vivir el concepto del mundo Tron desde un lugar diferente.
Las secuencias de acción son impresionantes y en la pantalla del IMAX se van a convertir directamente en un espectáculo inolvidable.
Creo que lo más importante de esta película es que ofrece un gran entretenimiento que adapta a este clásico a las nuevas generaciones sin distorsionar el espíritu de la original.
Imperdible la participación de Michael Sheen .
Es increíble que se trate del mismo tipo que actualmente podemos ver en El día del juicio final. Esos son los actores de verdad.
Tron: El legado no es una película emblemática que te va a cambiar la vida como cinéfilo, pero sí se destaca como una de las mejores producciones de Disney en estos últimos años fuera de los dibujos animados.
Grandes secuencias de acción, un admirable buen uso del 3D, la banda sonora de Zimmer y Daft Punk, más el regreso de Jeff Bridges como Kevin Flynn son los elementos principales que componen esta gran secuela que merece su recomendación.

EL DATO LOCO:
La película representa la ópera prima de Joseph Kosinski, quien se hizo conocido por su trabajo con la tecnología CGI en la publicidad. Al comienzo del film cuando Jeff Bridges habla con su hijo se puede ver el disco de la película El abismo negro, otro clásico emblemático de Disney, de ciencia ficción, de 1978.
Hace unas semanas el estudió confrmó que Konsinski será el encargado de dirigir la remake de esa historia programada para el 2012.

The Circle Tour fue una revancha contundente para los que nos pudimos estar en el recital de River que Bon Jovi dio a fines de octubre en Buenos Aires y un recuerdo soberbio de lo que vivieron los fans que si pudieron estar en ese show.
La película es un recital tremendo de dos horas que se compone de varios momentos de cuatros shows que la banda dio este año en la ciudad de New Jersey.
Igual no te das cuenta porque el film se presenta como un largo espectáculo tal cual vienen dando alrededor del mundo.
Antes del concierto se emite el último video que hicieron de la canción “What do you got?”.
No es una exageración afirmar que este estreno fue como asistir a otro recital de Bon Jovi en Buenos Aires, porque eso fue lo que se vivió en la sala del Showcase Belgrano. En la función del día viernes en ningún momento sentías que estabas a punto de ver una película porque había clima de recital y eso es lo que hace muy especial a estos eventos. Es gracioso porque el martes pasado cuando se hizo la función para la prensa no pude llegar a tiempo y me la perdí. Algo que por cierto me dejó bastante molesto.
Sin embargo, a los diez minutos de empezado el show en la sala de cine me sentí agradecido de no haber estado el martes porque no hubiera sido lo mismo.
Ver este recital con todos los fans fue una experiencia alucinante y extraña a la vez porque estabas en un cine, pero el entusiasmo del público te hacía sentir que estabas en un estadio!
Cada vez que terminaba un tema la gente aplaudía como si la banda se hubiera presentado en el Showcase Belgrano. Es bizarro.
De todas maneras me parece que en este tipo de estrenos ese comportamiento es totalmente válido. Es un recital loco, no una película de Christopher Nolan.
Podés cantar, gritar, aplaudir que está todo bien porque el público lo vive como un show más y eso es lo grandioso de la tecnología digital que permite este tipo de espectáculos. Si vistes la película de U2 o la de Iron Maiden ya sabés con que te vas a encontrar en materia de calidad de imagen y sonido. Esto es lo mismo.
El show se ve impresionante y suena como los dioses.
Tengo que destacar la dirección de Anthony Bongiovi, hermano de Jon, quien hizo un trabajo fantástico a la hora de capturar lo que se vive en un concierto de la banda. Especialmente en esta última gira donde los músicos están totalmente afilados. El set list de la película es genial porque combina los mejores temas nuevos que sacaron en el último tiempo con los clásicos de siempre y algunas sorpresas inesperadas.
Un ejemplo de ellos son la interpretaciones que brindan de “Raise Your Hands” (esta la tocaron en River también), del disco “Slippery When Wet” y “Something for the pain” y “Diamond Ring” del album “These Days”.
Otra punto interesante es que en la película casi no hay baladas, salvo por “I´ll be there for you” en su gran mayoría son todos temas de rock. Para los seguidores de la banda sin duda este estreno se destaca como uno de los eventos especiales de este año.
Gracias Bon Jovi por esta película!

El inmortal resultó un estreno sumamente decepcionante y aburrido de ver por todos los ingredientes que brindaba esta propuesta que prometía ser una gran película.
Taníamos a Jean Reno, una historia de gángsters basada en un apasionante hecho real y la producción de Luc Besson.
Era una buena combinación pero en este caso las cosas no se dieron de la mejor manera.
La premisa argumental que presenta esta película no es ficción y tiene que ver con un oscuro capítulo en la historia del crimen organizado en Francia. Lo voy a contar ya que dudo que lo mencionen en otros lugares y además es más interesante que escribir sobre esta película, donde no hay mucho para destacar.
Durante la década del ´70 la ciudad de Marsella fue el escenario de una terrible guerra entre dos clanes mafiosos.
Por un lado estaba el grupo de Jaques Imbert, alias Jackie Le Mat . El otro capo era Tony Zampa, un muchacho muy pesado, con el que Jackie se distribuía los negocios sucios de esa localidad.
Todos los grandes conflictos entre los grupos mafiosos siempre surgen por cuestiones de dinero. Ganan millones pero quieren más y las cosas se terminan descontrolando.
La sociedad entre Imbert y Zampa no duró demasiado y Tony decidió ordenar el asesinato de Jackie para quedarse con el control de la ciudad.
Por esas cosas que no tienen explicación en la vida, Jackie Le Mat fue acribillado el 1 de febrero de 1977 por 22 balazos y sobrevivió.
Su brazo derecho quedó paralizado de por vida, pero no fue un gran problema, ya que aprendió a disparar con la mano izquierda.
Jackie se vengó matando a 11 socios de Zampa, algo que lo dejó sin ningún tipo de aliados.
Lo loco es que nunca lo pudieron condenar por esos crímenes y al “Último Padrino” como lo llaman en Francia hace poco lo metieron en cana por extorsionar boliches bailables.
La historia de esta guerra mafiosa en Marsella es super interesante pero no la vas a conocer en este estreno, ya que Luc Besson prefirió producir una típica película pedorra de Steven Seagal, con la figura de Jean Reno.
La historia arranca bien en un principio pero decae enseguida cuando el director Richard Berry (que ya había trabajado con Reno en Ruby y Quentin) empieza a incluir todos los clichés posibles de las películas malas de Hollywood.
La escena en que lo acribillan a Reno al comienzo, por ejemplo, es cualquiera. Si a Jaquie Le Mat le hubieran disparado con esa potencia de fuego hubiera muerto en el acto.
Sin embargo, no es el caso de Reno que revive como Robocop enseguida.
En una escena está moribundo en el hospital y dos minutos después anda como si nada por las calles en busca de venganza.
La película es muy tonta en ese sentido y no permite que se desarrollen los hechos, ya que todo se narra demasiado rápido.
El director no para de presentar nuevos personajes para intentar construir un thriller complejo y hace una ensalada donde si no estás atento te perdés por la manera en que cuenta las cosas.
La película hace hincapié en las escenas de tortura y la violencia brutal pero al no sostenerse con una buena historia, el resultado es sumamente aburrido de ver ya que no hay ninguna sorpresa y todo se vuelve predecible.
Si hubieran narrado la verdadera historia de la guerra entre los mafiosos Imbert y Zampa la película hubiera resultado más interesante.
Una decepción.

Este film se promocionó como “la película nunca estrenada en Estados Unidos” como si fuera una obra polémica que sufrió la censura.
La verdad que es una buena producción que simplemente por problemas de distribución no logró llegar a los cines en ese país y terminó directamente en video.
Es una lástima porque con el elenco que tiene y el trabajo que brindan los actores tal vez no le hubiera ido mal en la taquilla.
Por lo general en ese país cuando una película no pasa por los cines se debe a que es mala y en la funciones de testeo fracasó miserablemente.
Bueno, no es el caso de El día del jucio final que ofrece un thriller decente muy bien actuado sobre el terrorismo internacional.
Samuel Jackson y Michael Sheen se roban la película con interpretaciones excelentes.
A Sheen lo pudimos ver el año pasado como el protagonista de Frost/Nixon y acá sorprende con un personaje totalmente distinto.
El film plantea dilemas morales interesantes donde con el transcurso de la historia la percepción que uno tiene de los personajes va cambiando.
El terrorista, que está pirado debido a una ideología fundamentalista, por momentos parece más humano que los interrogadores del gobierno norteamericano que no parecen estar más sanos que él.
Que la vida de miles de personas en la historia se encuentren en manos de estas dos clases de psicópatas es lo que genera que la trama mantenga enganchado al espectador hasta el final.
A la película le juega en contra el desgaste que tiene la temática que trabaja.
En los últimos años se han estrenado muchas películas de este estilo como El sospechoso (Reese Whiterspoon), Syriana o Red de Mentiras que pese a que fueron abordadas con enfoques distintos el tema es exactamente lo mismo.
De todas maneras, para aquello que no se hayan aburrido todavía con esta clase de historias El día del juicio final es un thriller decente que está para ver.

Originalmente este estreno fue concebido como una precuela de la primera entrega de Saw pero afortunadamente los productores desecharon la idea y decidieron desarrollar esta historia como una película independiente.
Con esta producción los guionistas de El juego del miedo Marcus Dunstan y Patrick Melton intentaron repetir el mismo éxito que aquella serie pero los resultados son muy distintos.
Si bien El juego del horror es un film mediocre y pedorro que se apoya unicamente en escenas sangrientas para catalogarse como propuestas del género de terror, no tengo dudas que también va a tener su público.
Es decir, los que salieron contentos con la última entrega de Saw y sólo se engancharon con la historia de Jigsaw por el gore y la violencia este estreno es para ellos.
La película es cero creativa y la trama tiene más agujeros que un colador, pero para el que solo busca entretenerse viendo escenas ultra sangrientas y considera grandes producciones los filmes de Hostel, de Eli Roth se va sentir a gusto porque si la mirás por ese lado la verdad que no defrauda.Vas a encontrar lo que buscás.
En lo personal creo que si a las escenas sangrientas no se sustentan con un mínimo elemento interesante que logre engancharte con con los personajes el resultado final termina siendo un bodrio.
Saw funcionó porque más allá del gore que presentaba (especialmente en la tres primeras entregas) era una historia totalmente atrapante con un villano maravilloso como fue Jigsaw que resultaba apasionante por su ambigüedad moral.
No era un loquito que mataba por qué sí. Tenía un plan y sus víctimas no eran elegidas al azar.
El villano de El juego del horror, al que nunca llegamos a saber demasiado de él, es un híbrido pedorro entre Jason Voorhees y Jigsaw.
El tipo aparentemente colecciona gente muerta ¿Y?
¿De dónde salió? ¿Por qué se aparece en la casa donde se desarrolla el conflicto?
Son temas que nunca se aclaran ya que el director estaba más preocupado por retratar escenas violentas que contar un cuento.
Este también se maneja con trampas, pero la diferencia con Jiogsaw es que se involucra de manera directa a la hora de torturar a sus víctimas.
En realidad más que una película de terror el film parece un capítulo de Itchy y Scratchy (la parodia de Tom y Jerry de los Simpsons) sólo que acá son interpretados por humanos.
Más allá del gore y la violencia Marcus Dunstan no ofrece nada interesante en este debut como director.
El que tenga afición por el sadismo tal vez la disfruté más, a mi me pareció un bodrio que queda para el olvido.

La reunión del Diablo es la primera entrega de The Night Cronicles, una trilogía de historias fantásticas que el director M. Night Shyamalan, escribió y se encargó de producir, aunque delegó la dirección en otros cienastas.
En este caso, el film fue dirigido por John Eric Dowdle, responsable de Cuarentena, la remake de REC.
Esta propuesta ofrece una muy buena historia de suspenso que logra mantenerte enganchado hasta el final.
Lamentablemente si sos muy fanático de la literatura policial la trama no las vas a vivir con la misma intensidad que el resto del público, ya que la trama es una adaptación clandestina del súper clásico de Agatha Cristie, "Diez Negritos".
La reunión del Diablo presenta la misma estructura dramática que aquel famoso relato, con la particularidad que acá jugaron con elementos fantásticos y el conflicto no se desarrolla en una isla, sino en una ciudad.
De todas maneras, aunque hayas leido "Diez Negritos" el director Dowdle hizo un muy buen laburo construyendo el misterio de la trama y el suspenso la verdad que está bien trabajado.
Una vez que se presenta a los personajes principales y el conflicto se empieza a desarrollar la película se pone interesante y brinda un buen entretenimiento.
No puedo dejar de destacar la fotografía de Tak Fujimoto (El silencio de los Inocentes) que ya había colaborado con Shymalan en Señales y Sexto Sentido y acá hizo un gran trabajo con esta historia.
La reunión del Diablo es una producción que por momentos parece un capítulo doble de viejas series de televisión como La dimensión desconocida y Los cuentos de la Cripta.
Tal vez pertenece más al género del thriller que del terror pero no decepciona en absoluto a la hora de brindar un buen cuento de misterios sobrenaturales.

Un gran año para Dreamworks.
Después de esa excelente y memorable producción que fue Cómo entrenar a tu dragón (en mi opinión la mejor película del estudio hasta la fecha) vuelven a sorprender con otra gran historia que remite a las primeras películas de Pixar más que a los títulos clásicos de esta compañía.
Megamente es una excelente comedia de animación que juega con la mitología de los cómics de superhéroes como pocos dibujos lograron hacerlo desde la sátira.
Los increíbles, fue una muy buena propuesta de Pixar que también trabajó este tema pero este estreno que llega esta semana es mucho más comiquero y trabajó con mejor precisión todos los elementos clásicos de este subgénero de la historieta.
El director Guillermo del Toro, que entiende bastante del tema e hizo un gran trabajo con la adaptación de Hellboy, trabajó como consultor creativo en este film y aunque no tengo idea cual habrá sido su aporte concreto, queda claro que quienes escribieron el guión algo entendían de cómics porque hicieron humor con varios elementos que demuestran cierto conocimiento del tema.
Megamente básicamente narra la historia de Superman al revés.
Es decir, cambiaron cierta características de los personajes principales (para evitarse un juicio por plagio) y jugaron con la idea de que hubiera pasado si al estallar Kriptón, Superman en lugar de ser criado por los Kent hubiera tenido una vida de mierda.
Probablemente se hubiera convertido en un ser resentido que luego lo habría llevado a convertirse en un super villano poderoso.
Megamente podría haberse dedicado al bien pero no tuvo la suerte de criado con amor en su vida y eligió otro camino. Claro que este personaje es mucho perdedor y todo el tiempo se lo presenta como la contracara de La Garrapata (el más looser de los superhéroes) por la estupideces que hace y su gran incompetencia para generar caos.
Hace mucho tiempo que Dreamworks no brindaba una comedia tan graciosa como esta, que además tiene valores y mensajes importantes para expresar en el cuento.
El laburo que hicieron con el guión se destaca por lejos entre lo mejor que brindó este estudio desde Shrek. Los chistes realmente funcionan muy bien y el humor llega tanto a los adultos como a los chicos.
Algo que realmente me sorprendió muchísimo desde la animación fue el increíble trabajo que hicieron con las expresiones faciales de Megamente. Hubo momentos de este film donde me olvidé que era un personaje animado.
Por lo general los personajes humanos son bastante chatos en estas producciones (Pixar recientemente le encontró la vuelta a este tema con Up), sin embargo acá el personaje principal parece un actor humano.
Con una gran banda de sonido donde se destacan temas de AC/DC, Ozzy Osbourne, Guns´n Roses, Elvis, Jeff Lynne, Michael Jackson y George Thorogood, Megamente se destaca entre los estrenos animados de este 2010 y merece su visión.

Robert E. Howard es el gran padre de la literatura fantástica.
Mucho antes que aparecieran autores como J.R.R Tolkien o Lloyd Alexander (Las crónicas de Prydain), este hombre fue el fundador de ese subgénero literario que se conoce popularmente como "Espada y Brujería" que se inició con la aparición de Conan, el bárbaro.
Conan hizo de Howard un escritor famoso en todo el mundo y luego aparecieron otros personajes como Red Sonja, Rey Kull y Solomon Kane que influenciaron las carreras de muchos autores famosos que vinieron después.
En materia de adaptaciones cinematográficas la obra de Howard nunca tuvo mucha suerte.
La primera película de Conan, de John Millius, que estuvo muy buena, en realidad estuvo más inspirada en los cómics de Marvel (especialmente La espada salvaje de Conan) que en los relatos de Robert.
Lo mismo ocurrió con los filmes de Kull con Kevin Sorbo y Red Sonja que se alejaron de las fuentes literarias.
Ahora bien, Solomon Kane nunca fue demasiado popular.
Es probable que más de un lector descubra a este personaje a raíz de este estreno. Lo cierto es que es un clásico de la literatura pulp que nació en 1928 en la famosa revista Weid Tales, donde hizo sus primeras armas en la literatura otro pibe llamado H.P.Lovecraft.
Los cuentos de Kane se publicaron hasta 1932 y después el personaje quedó en el olvido absoluto hasta que la editorial Marvel lo resucitó con una serie de cómics en la década del ´70 y el año pasado el cazador de demonios volvió a las librerías con otra muy buena miniserie de cinco números editada por Dark Horse.
Esta pelicula que trae a Solomon al cine es realmente fabulosa por el compromiso con el que el director Michael J. Bassett adaptó la obra de Howard.
La película es totalmente fiel al espíritu de los cuentos de Kane y quienes nunca oyeron hablar de este personaje lo van a conocer con este estreno. Ningún otro personaje de este autor fue tratado con el respeto y la fidelidad que tuvo esta adaptación en el cine.
Este es sin dudas el Solomon Kane de Robert Howard que el actor James Purefoy interpretó como los dioses.
La película más allá de ser entretenida lo que tiene de bueno es que capturó a la perfección esos ambientes sombríos que presentaban los cuentos de Howard.
Es gracioso porque mucha gente hoy mira el poster o el trailer de esta película y lo asocia con Van Hellsing, el personaje de Hugh Jackman que vimos hace unos años.
Bueno, en realidad Van Hellsing fue un robo de Solomon Kane, sobre el look del personaje, que era muy similar.
La diferencia es que esta es una película muy superior con secuencias de acción muy bien realizadas.
Ya sea porque son fan de la literatura fantástica o simplemente querés disfrutar de una buena película de aventuras bien hecha, Solomon Kane es una gran recomendación entre las novedades de esta semana.

Machete es una atípica película de Robert Rodriguez pese a que en principio parece más de lo mismo.
Esta resultó por lejos la producción más politizada del director, quien por lo general se centra en el mundo de la ficción y la fantasía y no suele tratar con temáticas sociales.
Machete puede ser tomada en joda e inclusive ser analizada como una producción clase B que tuvo la suerte de llegar a la cartelera.
Sin embargo, más allá del festival ultra sangriento que ofrece el film (otro elemento atípico con el que no se suele relacionar a Robert) y los personajes estereotipados, la historia de este anti héroe protagonizada por Danny Trejo retrata la problemática de la inmigración ilegal en Estados Unidos con bastante crudeza, donde más allá de los chistes y el humor del director se dice más de una verdad sobre lo que ocurre en ese país.
En ese sentido Machete recuerda bastante al cine de Roger Corman que presentaba cuentos que en principio parecían banales pero detrás tenían mensajes interesantes. George Romero es otro director que siempre se destacó en estas cuestiones.
A lo que voy con esto es que esta película de Rodríguez es mucho más que una celebración del cine de los años ´70 clase B, que se evoca claramente. Que después el espectador prefiera o decida no fijarse en esas cosas es otro tema, pero están ahí..
Sólo en este 2010 Danny Trejo trabajó en más de diez películas. Claro que esta es la única que llegó a los cines. Después de años de remarla como extra y actor secundario Machete le dio la oportunidad de aparecer solo en el afiche de uno de sus trabajos. La gran paradoja de este tema es que en la película el personaje que interpreta Danny terminó siendo un personaje secundario más en la trama.
Ya sea por sus limitación como actor o porque resultara así planteado el guión, la realidad es que Jeff Fahey (excelente actor subestimado si los hay) y Robert De Niro tienen en la historia más peso que el protagonista.
Machete sobresale en las escenas de acción pero no tiene la misma fuerza que el Mariachi, que era un personaje mucho más atractivo.
Con participaciones bizarras de Don Johnson y Steven Seagal (que te hace morir de risa con un par de palabras que tira en castellano) la película es un muy buen entretenimiento para los amantes del cine clase B y el gore.
La trama se hace por momento un poco larga porque Rodríguez se toma su tiempo para presentar la premisa que se trabajaba en el trailer ficticio de Grindhouse, pero al final el balance es positivo.

El nombre de Jennifer Aniston se convirtió últimamente en sinónimo de mediocridad a la hora de ver una película protagonizada por ella, con esos personajes insulsos que interpreta, donde ni siquiera cambia su look, ya que siempre se ve igual en todos los filmes.
Papá por accidente es el primer proyecto decente que Aniston pega en bastante tiempo, donde demuestra que es una buena actriz cuando no pone la firma para laburar en cualquier cosa.
A este estreno lamentablemente le juega en contra los trabajos malos que Jennifer hizo hace poco y que pasaron por los cines locales como El caza recompensas y Nuevamente amor que desgastaron su imagen.
Si sufristes esas historias podrías llegar a creer que esta nueva película es lo mismo pero la verdad que no es el caso.
La figura principal de esta propuesta en realidad es Jason Bateman, un actor que viene creciendo en el cine y se destacó con muy buenos laburos en Juno y Amor sin escalas.
Acá es el gran protagonista que genera el conflicto cuando decide reemplazar el semen de un donante por el suyo, para que su amiga (Aniston) quede embarazada a través de un proceso de inseminación artificial.
La historia se enfoca principalmente en su personaje que es un tipo pesimista y negativo al comienzo del film y va cambiando la mirada de la vida cuando nace el hijo de su amiga que no deja de ser también su hijo biológico.
La idea de la trama es interesante por las situaciones que atraviesan los personajes principales y en este caso los protagonistas está rodeados por grandes actores como Jeff Goldblum y Juliette Lewis que tienen buenos momentos a lo largo del film.
Especialmente Goldblum.
Hace poco tuvimos en la cartelera otra comedia malísima como fue El plan B, con Jennifer López que tocaba una temática similar, pero en este caso se nota que detrás del film estuvieron los productores de Pequeña Miss Sunshine y Juno.
Acá los personajes son mucho más interesantes.
Si bien Papá por accidente no logra evitar estancarse en la fórmulas ultra trabajadas en la comedia romántica hollywoodense de estos días, es justo destacar que es un película entretenida donde no te vas a comer el mismo garrón que los últimos fiascos de Aniston y eso ya de por sí es un alivio.

El director Alejandro Amenábar vuelve a los cines con otra película interesante que platea un tema que tiene más vigencia de lo que parece.
Agora es una producción atípica del cine español, por el costo de producción que tuvo, que retrata las consecuencias nefastas que acarrean las religiones, que no hacen otra cosa que sembrar divisiones y esclavizar la mente de la gente cuando se practica con un fanatismo que no conduce a nada.
Tal vez eso sea lo más deprimente de este film.
Si bien la Iglesia Católica ya no quema a las personas que tienen una mirada distinta sobre Dios, que poco tiene que ver con los dogmas que predica esta decadente institución, todavía existe en el mundo gente como los personajes siniestros que aparecen en este film (ya sean paganos o cristianos) y la verdad es que la humanidad avanzó poco y nada en este tema.
Basta con ver lo que ocurre en Medio Oriente donde la raíz del conflicto entre Israel y Palestina tiene una base religiosa.
La realización de Agora es deslumbrante y ofrece un espectáculo visual imponente que recuerda las viejas producciones históricas de Hollywood, en la época en la que no existía la tecnología CGI.
La película es bastante artesanal en ese sentido, donde sobresale un increíble trabajo en el diseño de producción y los vestuarios.
Un inconveniente que tiene Agora es el guión de Amenábar, que además de presentar personajes fríos con los que cuesta empatizar, trata muchas temáticas complejas a la vez y por momentos el conflicto se embrolla con explicaciones astronómicas que se vuelven densas.
Rachel Weisz sobresale como la famosa astrónoma Hypatia, quien pagó un duro precio por negarse a convertirse a una religión en la que no creía. Acá presenta uno de sus mejores trabajos que brindó en el último tiempo.
Si bien le faltó un poco de emoción a la historia del personaje principal, Agora es una interesante película que para quienes se interesan por los temas históricos debería ser tenida en cuenta.a

Actividad Paranormal 2 es un refrito pulido del film estrenado el año pasado.
Es la misma propuesta pero con un poco más de presupuesto y un director que supo hacer más llevadera la trama.
El realizador Tod Williams (Una mujer infiel) presenta rápidamente a los personajes principales y a los cincos minutos de iniciada la historia enseguida plantea la primer situación conflictiva que anticipa la odisea que vivirán los protagonistas.
Desde la narración esta nueva entrega está mucho mejor llevada, ya que el cineasta a cargo de la historia no pierde el tiempo con circunstancias mundanas y aburridas, sino que empieza a construir el misterio desde la primer situación extraña que se presenta en la casa.
Al contar con más cámaras y personajes la película es mucho más fluida y en este caso el espectador no va a estar 40 minutos en el cine mirando como una pareja duerme en una cama hasta que al final se manifiesta el espíritu diabólico.
Tengo que reconocer que el film tiene muy buenos “momentos de susto” totalmente efectivos que van a funcionar con el público.
Hay una escena en particular que tiene como escenario principal una cocina y la madre de la familia que está excelentemente lograda e integra uno de los mejores momentos de este estreno junto con la secuencia del paseo del bebé por la casa.
No obstante, creo que Actividad Paranormal 2 hubiera funcionado mucho mejor si se desarrollaba como una historia independiente.
La trama en realidad es una precuela del film que vimos el año pasado y muchas situaciones están tiradas de los pelos, además que el director pierde un buen tiempo en la mitad del film en explicar el asunto de la maldición que sufre la familia.
El epílogo que narra los hechos ocurridos luego de la primera película es totalmente estúpido y si los productores siguen estirando la historia Actividad Paranormal se va a convertir en una comedia ya que la trama no da para mucho más.
Supongo que los que se volvieron fanático del primer film van a disfrutar esta historia también, que por lo menos tiene momentos más logrados.

Por ser una historia que nunca fue concebida como una serie, ya que las secuelas se fueron construyendo a partir de que el éxito comercial de un film le daba luz verde al episodio siguiente, El juego del miedo llegó al séptimo capítulo con dignidad.
Si recordamos que Jason Voorhes en la saga de Martes 13 terminó asesinando gente en el espacio, la conclusión de SAW podríamos decir que dentro de todo es decente.
Esta última película de alguna manera funciona como un epílogo extendido que se hizo para contemplar a los fanáticos del gore que se engancharon con esta historia por la violencia.
Creo que para cada espectador funciona de manera diferente.
Mi atracción por SAW nunca pasó por las secuencias de violencia extrema y el gore, sino por la trama y los personajes.
La ambiguedad moral que presentaba Jigsaw y su compleja historia de cómo se terminaba convirtiendo en un asesino serial fue apasionante y lo consagró como uno de los mejores villanos que se crearon en el cine en las última décadas.
John Kramer no era un criminal facho que mataba adolescentes por tener sexo como Jason Voorhes y sus clones. Tenía motivaciones que lo llevaban a actuar de esa manera y sus víctimas por lo general o eran escorias de la sociedad o gente que había perdido el camino en su vida y escondía unos cuantos muertos en su placard.
Ese concepto me resultó fascinante y creo que fue explorado muy bien en los primeros tres filmes. Todas las relaciones entre los personajes y la expectativa por descubrir el plan final de Kramer hicieron que nos engancháramos con esto por completo y pidiéramos más.
Además, la investigación policial y la incapacidad del FBI para detener al asesino hicieron de SAW una serie fascinante. En el fondo, creo que El juego del miedo tiene sus raíces el thriller policial, más que en el terror, y eso siempre me enganchó y es algo que hizo distinto a la saga.
Las trampas, mutilaciones y la sangre para mi eran cotillón.
Con esta última entrega creo que los productores perdieron el rumbo. La verdad que la historia podía haber quedado cerrada en el film anterior, ya que este capítulo no es más que un ajuste de cuentas entre dos personajes que se podía haber evitado.
En SAW 7 la prioridad se la dieron al gore y a las torturas y el argumento quedó convertido en una excusa para mostrar secuencias ultra violentas.
Las breves apariciones del muñeco Billy, y el propio Jigsaw son lo mejor del film, justamente porque SAW siempre se trató de Jigsaw y cuando murió, la historia central perdió por completo el interés.
De todas maneras, los fans que se engancharon con esta serie por el gore no van a salir decepcionados con este estreno ya que la séptima entrega es la más violenta de todas. La película es un desfile constante de trampas y torturas que se convirtieron en el principal foco de atención en este capítulo final.
No hay grandes revelaciones inolvidables y la reaparición del doctor Gordon, interpretado por Cary Elwes (que gordo que esta!) resultó un poco tirada de los pelos, algo que convirtió a la visión de este film en una experiencia decepcionante. Desde el punto de vista argumental.
Por otra parte el trabajo que hicieron con el 3D fue pobrísimo y salvo por un par de escenas el sistema no aportó absolutamente nada a la película. Al pedo total.
La verdad que por el film que hicieron la actitud de Lionsgate de no mostrar la película a la prensa es totalmente ridícula. Deberían estar agradecidos que todavía hay medios que se tomaron la molestia de verla.
En fin, El juego del miedo 7 no está para nada a la altura de las otras entregas pero al menos cerró de manera definitiva (al menos eso espero) esta serie que tuvo grandes momentos con ese tremendo actor que es Tobin Bell.

Si uno se dejara llevar por las descaradas críticas españolas parecería que El lince perdido es un evento que no tiene precedentes en la historia de la animación.
Entiendo que es saludable el apoyo a la industria local pero en este caso volcaron por completo con los elogios.
Es como que a los medios españoles les agarró un ataque de patrioterismo radical donde realmente están convencidos que este film es lo más grande que hay en Europa y es ridículo.
Estoy seguro que los propios artistas que trabajaron en esta película son concientes que lograron una producción decente con un montón de logros en este género, para lo que eran los antecedentes en su país, pero también saben que no hicieron la obra maestra sublime que pintaron los diarios. No es para tanto, muchachos.
El lince perdido es una propuesta que apunta a los más chicos con personajes que ya vimos en otras películas y una buena labor en la animación teniendo en cuenta el presupuesto con el que contaron, que no se puede comparar con las grandes producciones de Hollywood.
Las secuencias de acción y los escenarios representan los mayores logros dentro del campo técnico.
El Parque Natural de Doñaña y las playas de Bolonia fueron recreadas tal cual se ven en la realidad con una gran cantidad de detalles.
La música compuesta por Sergio de la Puente es extraordinaria y creo que otras películas españolas no tuvieron en los últimos años la suerte de tener una banda sonora de este nivel.
El problema del lince pasa por el guión.
90 minutos es demasiado tiempo para el target de chicos al que apunta y hacia el final la película se vuelve pesada. Tampoco ayuda que la historia sea algo confusa para el público infantil y las motivaciones de uno de los villanos que después resulta que es bueno, no queden demasiado claras.
Hay que destacar que los personajes, que son más bien rígidos y estereotipados, levantaron muchísimo con el doblaje neutro que tiene la versión que se estrena en Argentina.
El lince, especialmente, suena mucho más amigable y simpático y le dieron más vida desde el doblaje.
En resumen, la película está bien y es un buen logro del cine español pero tampoco es para alquilar balcones.

Esta película es a los bebés lo que Mircrocosmos fue a los insectos.
Sé que suena raro el concepto pero ese fue el enfoque que le dio a este excelente documental el director Thomas Balmès.
El film presenta un fantástico retrato del mundo de los bebés que nos inspira a conectarnos con las cosas simples de la vida, que cuando recién llegamos al mundo solían ser mágicas.
Me refiero a cosas sencilla como poder caminar, oler, ver, los pequeños milagros que por lo general se dan por descontados.
La película narra la historia de cuatro bebés de distintas partes del mundo desde el día que nacen hasta que cumplen el primer año de vida.
Son dos nenas de Estados Unidos y Tokio y dos varones de Namibia y Mongolia.
La cámara de Bàlmes no fuerza situaciones sino que se dedica a contemplar la adaptación de los niños en el mundo durante sus primeros meses. No hay narraciones explicativas ni siquiera se traducen las conversaciones que tienen los adultos ya que el foco principal del documental son los chicos.
Uno de los aspectos más interesantes del film es el retrato de las culturas tan diferentes que presenta esta propuesta.
En la actualidad existe una industria multimillonaria dedicada a los productos para recién nacidos que facturan millones de dólares por año donde no dejan nada librado al azar. Tenés productos de todo tipo.
En ese contexto es loco ver como los bebés de Namibia que se crían en una tribu indígena que no tienen accesos a todas esas cosas, se crían félices y sanos en la naturaleza, donde crecen literalmente a través del contacto con la tierra que se convierte en su segunda madre.
No tienen sonajeros ni juegos sofisticados sino que juegan con huesos de animales muertos y no son chicos que tengan problemas de salud. La película lo muestra claramente. Es interesante también que en esta primera etapa de los bebés los padres de Namibia no participan de la crianza de sus hijos, ya que esa tarea está a cargo de las mujeres.
El caso de Estados Unidos es bastante loco también las personas que eligió el director no representan precisamente a la clásica familia norteamericana que se desayunan con huevos fritos a las ocho de la mañana.
Los padres de Hattie son una pareja de hippies de San Francisco con una fuerte conciencia ecológica que no siguen los principios de la clásica familia del Tío Sam.
Algo que es importante destacar si vas a ver este film es que con tu entrada vas a ver en realidad dos películas!
Una es el documental central y otra aparte es la que protagoniza Bayar, el bebé de Mongolia que tranquilamente se podría titular Cuidado, bebé suelto 2.
Bayar es lo más cercano que vi en mi vida a Mogly, el personaje principal de El Libro de la Selva.
Este nene se roba el film con momentos impresionantes. Desde que nace y sus papás lo trasladan a la granja donde viven en moto, hasta que su hermanito lo saca a pasear en cochecito y lo deja a la intemperie rodeado de animales, su vida es una aventura.
Es loco porque de los cuatro niños es el que menos dependencia tiene de sus padres.
Para la película fue fantástico porque el director pudo retratar como Bayar va descubriendo el mundo como si se tratara de una gran aventura, donde vuelve loco a los animales de la granja y anda por las suyas en los paisajes rurales de Mongolia.
La reacción de los animales es mortal también porque vemos prácticamente como lo integran a la vida de la granja y la cámara muestra claramente que ellos no son una amenaza para el bebé.
La escena final es totalmente épica. Si no te emocionás con ese momento estás muerto y no te distes cuenta.
Un estreno totalmente positivo que nos alienta conectarnos con las cosas realmente importantes en la vida.
Bebés es una de mis películas favoritas del 2010 y definitivamente la recomiendo.

Entre tantas películas que se estrenaron estos años basadas en cómics esta es una propuesta loca porque es la primera vez que la adaptación cinematográfica supera a la obra original.
Red o La venganza del jubilado (como me gusta llamarla a mi) es una novela gráfica de Warren Ellis que precisamente no se destaca entre los mejores trabajos de este autor, que tiene mucho prestigio en el mundo de la historieta.
Al ser una historia corta de 66 páginas, donde el 90 por ciento del relato se va en escenas de acción, la adaptación en el cine requería expandir la historia, ya que de otro modo hubieran filmado un corto.
Los guionistas John y Erich Hoeber, quienes arruinaron el año pasado Terror en la Antártida, otro gran cómic de Greg Rucka, acá se redimieron al convertir a Red en una excelente comedia de acción, que no va a defraudar a los seguidores del género.
La premisa de la trama dentro de todo sigue siendo la misma que tenía la historieta, pero en este caso desarrollaron mucho más el personaje de Frank Moses, interpretado por Bruce Willis y agregaron nuevos personajes muy divertidos que generaron que Red se disfrute en el cine con más intensidad.
El director Robert Schwentke, responsable de Te amaré por siempre (Eric Bana), abordó esta producción con un enfoque similar al que tienen las películas de acción de Robert Rodríguez, donde todo se desarrolla dentro de un universo de ficción en el que la fantasía y el humor tienen prioridad sobre el realismo.
Desde las primeras escenas el director deja en claro que este no es un cuento para tomarse en serio.
Red es un delirio donde hay más de una escena que por la manera en que fue trabajado el humor remite por momentos a la trilogía del Mariachi, con secuencias de acción loquísimas, que en este caso son más divertidas por los actores que participaron de esta producción.
La verdad que el elenco es impresionante y ver a Helen Mirren como una implacable francotiradora ya de por sí vale la pena la entrada al cine.
Dentro del género de acción este estreno es uno de los más divertidos que pasaron por el cine este año.

¿Por qué Jackie? ¿Por qué?
Es realmente desconcertante tratar de entender los motivos por los que una estrella del cine de acción y las artes marciales de la envergadura de Jackie Chan se quema con estos mamarrachos a esta altura de su carrera.
¿Tanto le habrá pagado Lionsgate para ser parte de esta producción?
Una leyenda como Chan debería respetarse más a si mismo y evitar aparecer en películas malas como esta.
Por lo general ocurre con las propuestas familiares que las criticas suelen ser más indulgentes, total “es una película para chicos”.
Sin embargo lo que hicieron con este film es imposible de defender.
Mi vecino es un espía es un film realmente terrible donde Jackie hace un papel triste tratando ser gracioso en un rol que ni él se siente cómodo junto con Amber Valleta, que como una reina rema las situaciones pedorras que le brinda el guión.
Ambos no tienen ningún tipo de química en escena pero es claro que a los productores tampoco les importó.
La película es un robo burdo a Niñera a prueba de balas, que Vin Diesel hizo para Disney con algunos cambios menores, que evitaron que los productores se comieran un juicio por plagio.
Con villanos y escenas de acción dignas de Bañeros 3, la que hicieron Freddy Villareal y Pablo Granados, este trabajo de Chan es muy triste de ver para los seguidores de esta leyenda del cine.
Hay cosas que no deberían hacerse por dinero. Después de las actuaciones memorables que brindó en la remake de Karate Kid y The Shijunku Incident es fuerte ver a Chan en esto.
Ni los bloopers del final tienen gracia!
Sumado a un guión deplorable y una pobre dirección, Mi vecino es un espía es una película totalmente olvidable de Jackie Chan con la que no vale la pena perder el tiempo.

Antes que nada quiero expresar que la persona que tradujo el título de esta película merece la misma pena que los ladrones de bancos de la historia.
Cómo llegaron de The Town al pedorrísimo nombre de Atracción peligrosa es algo que no comprendo.
Podría aceptarlo para un policial ochentoso con Gerardo Romano y Rodolfo Ranni pero para este gran trabajo de Ben Affleck me parece una falta de respeto.
Lo cierto es que The Town (me niego usar la traducción local) es una de las mejores películas que vas a encontrar este año en el cine.
En la actualidad la supremacía absoluta del género policial es patrimonio de Corea del Sur que en estos últimos años no paró de brindar títulos memorables,que desde todo punto de vista, superan a las propuestas que vienen de Estados Unidos y Europa.
Este trabajo de Affleck claramente está a la altura de títulos policiales coreanos memorables como The Chaser, Memories of Murder o No mercy y en el caso de China la extraordinaria saga de Johnnie To, P.T.U, que pronto reseñaré en mi blog.
Ben demuestra con este film que su ópera prima Gone Baby Gone no le salió de carambola.
El tipo tiene un claro manejo del género y con esta historia vuelve a presentar un trabajo donde la prioridad ante todo la tienen los personajes.
Sus relaciones personales y los conflictos que atraviesan logran que nos interesemos por ellos y no miremos el reloj durante el film para ver cuando termina.
Me encantó lo que hizo con el personaje del agente del FBI que investiga el caso que es totalmente realista.
Últimamente ocurre con este género, sobre todo se dio con las novelas pseudo policiales de Millenium, que mientras más patéticos y sufridos son los personajes parecería que mejor es la trama y eso es una mentira.
Afortunadamente Affleck no presenta en su película policías atormentados porque mataron a una embarazada por accidente en un tiroteo o tipo perdidos por el alcohol que se convirtieron en un cliché nefasto.
Acá tenés policías reales como los que suelen aparecer en las series grosas como La Ley y el Orden que simplemente hacen su trabajo y no andan con tantas vueltas.
Por otro lado están los ladrones y mafiosos que también tiene sus motivaciones y el espectador llega a comprender las decisiones y caminos que toman en su vida.
Eso es lo grandioso de The Town. Es un policial inteligente que no cae en el conflicto tonto de buenos contra malos.
En este caso, Affleck se enfocó mucho más en la acción, apoyado por un gran director de segunda unidad como es el chileno Alexander Witt (Residente Evil 2), y en los procedimientos de investigaciones policiales.
Desde las primeras escenas se construye un clima de tensión que el director logra sostener de manera contundente y no decae hasta el final, debido al buen desarrollo que tienen los personajes.
El trabajo del elenco es fabuloso y Jeremy Renner y Affleck son los que roban el film con muy buenos momentos.
Hace bastante tiempo que Hollywood no brindaba un gran policial de este nivel y la verdad que esta nueva etapa en la carrera de Ben se celebra.
Ojalá siga por este camino. Los fans del género van a estar más que agradecidos.
Unos de los grandes estrenos de este año.

Después de ver la nueva película de David Fincher uno comprende por qué el creador de Facebook, Mark Zuckerberg donó 100 millones de dólares hace unas semanas al sistema educativo de New Jersey y no paró de desfilar por todos los programas de televisión en Estados Unidos tratando de limpiar un poco su imagen.
Debe ser fuerte que se haga un film sobre vos y que te retraten de la manera en que lo hizo el director.
Red Social no se refiere tanto al boom de Facebook y al fenómeno de las redes sociales, sino a lo que ocurrió con las personas que concibieron este proyecto.
Lo interesante de este estreno es que con una maestría de narración absoluta Fincher hizo atrapante y dinámica una historia que en manos de otros cineastas tal vez hubiera resultado un bodrio.
No hay mucha emoción que digamos en contar la historia de una página web, sobre todo cuando tampoco se trata la repercusión social que tuvo en el mundo y acá le encontraron la vuelta.
Era una película difícil porque el guión no presenta un solo personaje con el que el público pueda empatizar, ya que todo el conflicto se desarrolla entre garcas narcisistas, donde uno es peor que el otro.
El único que zafa dentro de todo y queda mejor parado es Eduardo Saverin, el co-creador de Facebook (interpretado por Andrew Garfield), que lo bancó a Zuckerberg desde el inicio y después lo terminaron acostando de una manera sucia.
El retrato que hace Fincher de Zuckerberg es sorpresivamente duro donde lo presenta como un ser arrogante, frío y calculador que traiciona a los pocos amigos que tenía y apenas puede mantener una relación social decente.
Su proyecto no nació, de acuerdo al film, con el objetivo de revolucionar las comunicaciones y conectar al mundo, sino por un patético intento desesperado de un estudiante de ser aceptado entre la elite de Harvard.
Lo mismo ocurre con el personaje de Sean Parker (Justin Timberlake), creador de Napster, que es presentado como el Gordon Gekko de internet, que además es un drogadicto paranoico al que nadie en su sano juicio le compraría un auto usado.
La verdad que Fincher y el guionista Aaron Sorkin les salieron con los tapones de punta a los jóvenes empresarios.
La película apunta a expresar básicamente que sin integridad y amigos de verdad, no los contactos sociales que en Facebook se definen como amigos, los billones de dólares al final te los metés en el traste.
Hay cosas que en la vida sencillamente que no se pueden comprar. En ese aspecto, la última escena es genial y no deja de ser una historia triste para el personaje principal.
Es como que la película los bajó a estos tipos de ese pedestal virtual al que muchos periodistas, especialmente los especialistas en internet y tecnología, intentaron ubicarlos en los últimos años simplemente porque se hicieron millonarios.
Lo cierto es que Justin Timberlake vuelve a demostrar que es mejor actor que cantante con una gran interpretación, junto con Andrew Garfield, quien también tiene muy buenos momentos. Ellos dos son los que más se destacan en el reparto.
Por otra parte Jesse Eisenberg, el protagonista, una vez más vuelve a trabajar con el único personaje que sabe hacer en el cine.
Prácticamente no hay muchas diferencias entre sus labores anteriores y el nerd exitoso al que le da vida en Red Social. Es el mismo personaje de siempre pero desarrollado en un contexto diferente. En su último trabajo (Zombieland) combatía con zombies y ahora es un estudiante universitario.
En fin, otro gran trabajo de David Fincher que presenta un film interesante y entretenido sobre estos billonarios accidentales del siglo 21 obsesionados por el estatus social que tienden a creerse estrellas de rock.

El poster de este estreno es engañoso.
Tal vez si mostraban a George Clooney sentado en una mesa tomando un café era más
apropiado, ya que es lo que el tipo hace durante gran parte de esta historia más que correr con armas.
Lo quiero dejar bien claro.
El ocaso de un asesino no es para nada una mala película, pero atrasa más de 30 años con una propuesta ultra trillada que ya no da para más.
Los asesinos a sueldo necesitan de manera urgente una renovación en el cine porque ya no se puede seguir refritando el mismo cuento de siempre.
La culpa la tiene un señor francés llamado Jean Pierre Melville, quien en 1967 revolucionó el género policial con una película llamada El Samurai, que protagonizó Alain Delon.
Ese film estableció de manera contundente el modelo del asesino a sueldo en la pantalla grande al presentar a un personaje inédito hasta ese momento, cuyas características fundaron la base de este tipo de sujetos en el cine.
El criminal parco, de vida solitaria, con códigos muy especiales que se enfrenta a una última gran misión, nació con El Samurai.
La película que tuvo una narración minimalista se convirtió en uno de las producciones más importantes de la movida del cine francés de los años ´60.
El tema es que fue tan groso lo que hizo Melville con esta historia en su momento que desde entonces los asesinos a sueldo en la pantalla grande se convirtieron en una maldita copia de lo que hizo este tipo hace tres décadas!
Algunos cineastas inteligentes lograron encontrarle una vuelta de rosca al tema y darle personalidad.
The Killer, de John Woo, que estuvo totalmente influenciada por el trabajo de Melville tuvo su propia identidad debido al particular estilo narrativo del Gran Woo.
Ghost Dog: el camino del samurai, de Jim Jarmush, es otro ejemplo contundente, donde tomaron la influencia de Melville pero su director le agregó algo propio.
La mayoría de las propuestas restantes cayeron en lo mismo al copiar el film con Delon.
Escondidos en Brujas, con Colin Farell, estrenada hace unos años, es otra excepción decente donde los criminales de este tipo fueron trabajados con un poco más de originalidad.
En El ocaso de un asesino el director Antón Corbijn evoca con su narración esa clase de policiales franceses que se hacían en los años ´60 con el problema que brinda una historia que ya se contó un millón de veces.
A los cinco minutos que te presentan a George Clooney, quien brinda su versión personal del famoso “samurai” ya sabés lo que va a ocurrir en cada maldita escena del film, porque es totalmente predecible.
Corbijn es un gran director visual que adquirió notoriedad por sus videos clips, que hizo para Depeche Mode (“Personal Jesús”) U2 (“One” y “Pride”) y Metallica (“Mama Said”) entre tantos otros artistas, que se destacaron por una estética muy particular.
En este film se nota que él estuvo detrás de cámaras y este estreno se ve realmente espectacular.
El tipo le sacó el jugo a esas espectaculares locaciones europeas con un trabajo de fotografía fabuloso.
Clooney brinda un buen trabajo actoral pero a este film le jugó en contra el guión. Al no aportarle nada especial la película se vuelve un bodrio pretensioso de aquellos
Al menos para los seguidores de los policiales que no descubrieron el género con Pecados Capitales.

El 3D salvó a esta entrega de Resident Evil que ya entró con esta secuela en su ocaso.
Creo que los espectadores como Chandler que recién se sumaron a la serie con la última película son quienes más la van a disfrutar porque tienen fresco a los personajes y la trama.
Para los que seguimos la saga desde la primera me parece que el panorama es distinto.
La ya eterna lucha entre Alice (Milla Jovovich) y la corporación Umbrella se volvió absolutamente tediosa.
El problema es que Resident Evil se convirtió en el cuento de la buena pipa.
Los personajes enfrentan peligros muy similares a los filmes anteriores y cuando todo parecía que la conclusión llegaba de una vez por todas con una batalla final, en los últimos minutos le dan un giro para extender la trama en otra secuela y los protagonistas otra vez quedan atascados en punto muerto.
A ver si lo ponemos claro.
A Milla ya no le queda más gente para matar de la corporación Umbrella!!
Ya se cargó a todos los jefes, gerentes y directivos de la empresa que gestó el virus letal.
¿Hasta dónde van a extender la historia?
Encima en este caso los zombies son prácticamente extras, ya que los protagonistas enfrentan todo tipo de monstruos y los clásicos muertos vivos están casi de relleno.
En un momento inclusive aparece un gigante con un hacha, que nunca se explica de donde salió, y carece por completo de sentido su presencia, pero sirve para justificar una secuencia de acción.
Tal vez sea un guiño a los jugadores del video, aunque en el film quedó totalmente colgado.
Me quedó la sensación que el propio director Paul W. S. Anderson ya no sabe que carajo hacer con la trama y los personajes y en esta entrega los abandonó por completo para centrase en las cuestiones visuales.
Hace poco Milla Jovovich anunció en su cuenta de Twitter que los fans van a poder aportar ideas para la próxima película y ahora le encuentro sentido a su mensaje después de ver Resident Evil 4, porque se nota que no tienen idea como seguir con esto.
Reitero, el sistema 3D en este caso hizo llevadera la propuesta.
Desde el punto de vista visual la película es espectacular y se percibe claramente que el director aplicó toda su atención en este aspecto.
Las secuencias de acción, que en más de una ocasión nos recuerdan lo groso que hubiera sido ver la primera Matrix en 3D, son fabulosas y se ven espectaculares.
En materia de acción a Anderson no se le puede objetar nada, pero después de tres películas la trama y los personajes comienzan a aburrir y esta nueva entrega sufrió inevitablemente el desgaste de los episodios previos.
Anderson es un director que se maneja bien con las secuencias de acción y Milla siempre es un placer de ver en este género.
Estaría buenísimo que trabajaran en una historia distinta.

Enterrado es una de las mejores películas de suspenso que pasaron por el cine en este 2010 y demuestra claramente lo que se puede hacer en el género cuando detrás de cámara hay gente creativa de verdad.
Acá presentaron una historia totalmente atrapante con un tipo enterrado vivo durante los 95 minutos que dura el film.
No hay trampas.
Ni escenas de flashbacks ni momentos protagonizados por otros personajes que aparten al espectador o le den descanso de la pesadilla que vive el personaje principal.
Ryan Reynolds está solo todo el tiempo en la pantalla y la historia siempre se narra desde su perspectiva.
El trabajo que hizo el guionista Chris Sparling es brillante. Se necesitan nervios de acero para sentarse a escribir algo así y lograr que el cuento nunca decaiga.
En este caso es como que se alinearon todos los planetas para que todo saliera bien, ya que labor del director y de Reynolds no es para nada menor.
Enterrado es una experiencia interesante para disfrutar en el cine.
Salvo que te encierres en una baulera con un televisor las emociones que experimenta el protagonista las vas a vivir con mucha más intensidad en una sala de cine.
Es algo similar a lo que pasaba con REC, si la primera vez no la descubrís en el cine no es lo mismo.
Lo interesante de este estreno es que el guión está tan bien construido y Ryan Reynolds lleva tan bien la película que el cuento brinda distintas emociones.
Si alguien dudaba de la capacidad para actuar de este tipo después de ver este film va a cambiar de opinión porque acá brindó el mejor trabajo de su filmografía.
La trama es tan intensa que el único personaje que vemos en cámara atravieza por todo tipo de emociones durante el conflicto y un actor mediocre no hubiera podido sostener cinco minutos este relato.
Hay momentos de pánico, otro más emotivo e inclusive logran que te rías con algunas cosas increíbles que le pasan a Reynolds cuando intenta comunicarse con el celular que tiene.
Me encantó esta película y me hizo recordar a la experiencia de ver El juego del miedo por primera vez que lograba que te olvidaras de todo y sólo te concentraras en lo que estabas viendo en la pantalla.
Algo que pocos estrenos de este género, especialmente lo del cine norteamericano, logran últimamente. Esta es una de las buenas.
Una gran propuesta de suspenso que para mi se va a destacar entre los mejores estrenos de este año.

Si está película hubiera tenido actores un poco menos conocidos, no tengo dudas que hubiera pasado totalmente desapercibida por los cines norteamericanos.
Mi familia es un film con muy buenas intenciones.
En un país donde el matrimonio gay y la posibilidad que las parejas de un mismo sexo puedan criar niños es visto todavía como cosas del Diablo, esta producción brinda un mensaje poderoso.
La directora Lisa Cholodenko retrata claramente que las parejas gays viven las mismas experiencias y aprendizajes cotidianos a la hora de criar chicos que las familias heterosexuales.
Eso está muy bien trabajado y es lo mejor de la película.
Que los actores brinden buenas interpretaciones no sorprende demasiado porque son todas artistas de primera línea. Tal vez la que más llama la atención es Mia Wasikowska, quien recién comienza su carrera en el cine y tiene momentos excelentes en la historia.
Ahora bien, en lo personal creo que la película que venía bárbaro en la primera parte decae por completo cuando Juliane Moore se acuesta con Mark Ruffalo.
Me pareció un giró totalmente forzado, burdo y cliché donde la directora generó un conflicto de la manera más fácil porque no tenía la más puta idea cómo seguir explorando las relaciones de todos los personajes.
Es cualquiera que una pareja de lesbianas maduras que están juntas desde hace varias décadas y tienen hijos adolescentes de un día para el otro tengan un conflicto en su relación por un tipo.
Poner al personaje de Ruffalo como antagonista de los personajes principales me pareció al pedo y creo que se podía haber trabajado los problemas emocionales de la mujer que interpreta Julianne Moore desde otro lugar.
Es como que Mi Familia tiene por momentos una mirada sexista de las lesbianas, como si en el fondo necesitaran la atención permanente del hombre.
Inclusive en las escenas sexuales se puede percibir esto. Los momentos de intimidad de Annette Bennig y Julianne son light y hasta graciosos, mientras que los encuentros sexuales de Moore y Ruffalo son más fogosos y apasionados como si el personaje de Moore fuera gay porque no había encontrado el tipo adecuado hasta ese momento.
Creo que la relación de los chicos con el hombre que aportó el esperma para su concepción perdió fuerza cuando encaminaron la trama por ese lado.
Lo que me queda claro es que si la misma película la dirigía Kevin Smith, al gordo lo hubieran acusado de cerdo sexista y machista, pero como detrás de cámaras hubo una mujer resulta que es una comedia inteligente y sensible que ahora la piden para el Oscar.

La leyenda de los guardianes es una propuesta complicada.
Para los más chicos es un film oscuro y violento y los que se pueden enganchar más con la trama, no referimos a niños de a partir 8 años, ya vieron esta clase de historias un millón de veces.
Los mayores logros de este debut en la animación del director Zack Znyder (Watchmen) tiene que ver con los aspectos visuales que son maravillosos.
La animación en general es algo deslumbrante y hay escenas impecables, como las secuencias de acción o los vuelos de las lechuzas, que se ven increíbles en el sistema 3D.
La historia no es para nada infantil y sorprende por la violencia que tiene el relato, que no es algo común de encontrar en las producciones animadas de Occidente.
Si es más cotidiano en la animación japonesa, pero inclusive en las propuestas familiares como las que producen los estudios Ghibli (Ponyo) nunca tenés momento violentos como en este estreno.
No es broma. Las lechuzas se dan con todo en las batallas y en la secuencia final de acción no queda duda que el director de 300 estuvo a cargo de la dirección. El conflicto entre el personaje principal y su hermano es terriblemente triste y dramático.
Por eso está bueno dejar en claro que no es una propuesta infantil.
El film flaquea con el guión que por momentos se hace aburrido.
No porque sea mala la historia, sino porque este tipo de aventuras del bien contra el mal ya las vimos un millón veces contadas de la misma manera. Lo que cambian son los personajes.
La película está basada en la saga literaria de Kathryn Lasky, que me da la sensación no respetaron demasiado, ya que de otro modo, no entiendo como con una historia así la autora consiguió publicar 16 novelas exitosas.
Está bien que si Twiligh es best seller todo es posible, pero los libros de la saga de Lasky tuvieron muy buenas reseñas, de hecho, mejor que la de los vampiros.
Supongo que la versión literaria de estas lechuzas debe ser más apasionante.
La película está bien en términos generales y no es fácil contar una gran historia de aventuras con estos animales que no son precisamente muy carismáticos.
Para quienes disfrutan el cine de animación es una alternativa para tener en cuenta.

Una pareja despareja es una película que de no haberse basado en hechos reales probablemente algún guionista la hubiera inventado.
Si bien en todas las variantes de afiches que hicieron los productores se vende la historia como una comedia, este estreno está lejos de serlo.
Es un gran drama que narra la vida de película que tuvo Steven Jay Russell, uno de los mayores estafadores en la historia de los Estados Unidos, que puso en ridículo a la administración de George Bush, durante su etapa como gobernador de Texas.
Las escenas más ridículas que vas a ver en este film, esa que te dan la sensación que son cualquier cosa, sucedieron realmente y eso es lo más increíble de todo esto.
La película logra hacerte reír en varios momentos por las situaciones disparatadas que vivió el protagonista, pero esta no una típica comedia de enredos de Jim Carrey.
El Discovery Channel hizo hace un tiempo un gran documental sobre este caso policial que hizo historia.
Ningún otro delincuente se escapó en ese país tantas veces de prisión como lo hizo Russell con un ingenio que es difícil de cree.
No en vano se ganó el apodo de “Houdini”
No lo voy a quema acá con detalles, pero la capacidad de este tipo para estafar al sistema penitenciario fue fabulosa.
Lo más loco, como retrata muy bien el film, es que sus motivaciones tenían que ver con el amor que sentía por su pareja Philip Morris, interpretado a lo grande por Ewan McGregor, quien está excelente en esta película.
No tengo duda que si Steven Russell hubiera sido heterosexual o hubieran cambiado este tema en la película, Una pareja dispareja podría haber tenido más repercusión en los cines estadounidenses.
De hecho, Luc Besson fue el que se puso las pilas como productor para llevar esta historia al cine, ya que los grandes estudios de Hollywood no querían saber nada con este film.
Esta es la mejor película que hizo Jim Carrey desde Eterno resplandor de una mente sin recuerdos, donde tuvo la posibilidad de mostrar todo su potencial como artista y vale la pena tenerla en cuenta.
Buen estreno de esta semana.

EL DATO LOCO : (revela datos de la historia, seleccionar texto para leerlo) A raíz de esta producción de Besson, la figura del verdadero estafador adquirió muchísima notoriedad en Estados Unidos y se creó un petitorio en internet para que el estado de Texas libere a Steven Russell, ya que no es un delincuente violento ni asesinó a nadie y fue condenado a 144 años en una prisión de máxima seguridad. Una decisión que parece más un acto de venganza que de justicia.

El descenso 2 es una secuela pedorra que no tiene razón de ser y arruina de alguna manera el buen recuerdo que dejó el film inglés original de Neil Marshall.
La hicieron para explotar el éxito de la primera sin ningún tipo de originalidad que permita destacar algún aspecto interesante.
Básicamente es un refrito tonto del primer film carente de todo tipo de inspiración.
Es como una típica continuación de Pesadilla donde te cuentan la misma historia de siempre, pero al menos en esa serie se las arreglaban para mostrar los ataques de Freddy con originalidad.
Krueger nunca hacía lo mismo y cada víctima moría de alguna forma diferente.
Por lo menos había un mínimo cambio.
En el Descenso 2 el director Jon Harris cometió el error de exponer demasiado a los bichos mutantes de las cavernas y es como que la gracia se perdió.
Especialmente cuando la historia no difiere demasiado de la película anterior y repiten situaciones similares.
Ese es el problema.
No se calentaron en lo más mínimo en darle personalidad propia a la película, que no hace otra cosa que repetir lo que hizo el director Marshall con otros actores, que encima son malos.
Al menos la gran mayoría de ellos.
Tal vez el que quiera ver el film simplemente para entretenerse con escenas sangrientas la pase bárbaro con esto, pero a mi me pareció un bodrio totalmente olvidable imposible de recomendar.

Gordon Gekko, rol que le valió a Michael Douglas un Oscar en 1987, es considerado uno de los mejores villanos del cine y uno de los personajes cinematográficos más importantes de la década del ´80.
Este regreso con Wall Street 2 brinda una continuación entretenida y muy bien realizada, pero que apenas tiene el impacto y la fuerza del film original.
La primera entrega es un clásico. Esta segunda parte ni cerca está de lograr la misma repercusión.
Oliver Stone presenta una película dinámica donde vuelve a trabajar con un gran personaje conocido en un contexto diferente, que en definitiva es lo que genera la atracción principal en esta propuesta.
El problema de la secuela es que el film decae en la última parte cuando Stone se propone redimir a Gekko de un modo similar a lo que hizo Francis Ford Coppola con Michael Corleone en El Padrino 3.
El final Disney que le dieron a la historia justamente genera que la secuela quede como un film menor comparado con la trama original de 1987.
Cuando Gekko se ablanda y se pone sentimentalista pierde su encanto porque se ve totalmente forzado. Es un giro hollywoodense que se podía haber evitado.
Especialmente cuando el espectador sabe claramente que el tipo es un soberano garca que no tendría reparos en joder a su familia para saciar sus ambiciones personales.
Un tipo como Gekko no cambia de la noche a la mañana por pasar un par de años en la cárcel o por recibir una buena noticia familiar.
De hecho, los mejores momentos de este film tienen lugar cuando vemos al Gordon Gekko que conocimos en el pasado volver a las andadas nuevamente sin ningún tipo de escrúpulos.
Este gran personaje interpretado por Michael Douglas y el melodrama no van de la mano y ahí reside el punto más débil del film.
Dentro del reparto Shia La Beouf presenta un trabajo convincente como protagonista, pero quien se roba el film en más de una escena, al margen de Douglas, es Josh Brolin.
La fotografía de Rodrigo Prieto (Amores Perros) es uno de los grandes aciertos de Wall Street 2.
Stone la pegó con semejante colaborador y la verdad que la ciudad de Nueva York se luce de manera espectacular.
Pese a no tener el mismo entusiasmo de la primera, el nuevo trabajo de Stone es un film bien hecho que por lo menos logra mantenerte enganchado para ver como se resuelve la historia.

Otra corona fúnebre que se suma al entierro de la comedia romántica en Hollywood.
Asesinos con estilo es una de esas películas donde los actores desde la pantalla transmiten en sus interpretaciones que ni ellos tenían ganas de contar esta historia.
Es una película que intentó combinar la acción con el humor como Sr. y Sra Smith sin éxito.
La diferencia es que mientras Brad Pitt puede ser creíble y gracioso interpretando un asesino a sueldo, Ashton Kutcher a veces puede ser divertido si tiene un buen guión.
De otro modo sólo es un sujeto que tiene muchos seguidores en Twitter, nada más.
El film arranca bien con la presentación de los personajes principales, donde la pareja se conocen y se revela la verdadera ocupación de Kutcher.
Sin embargo, cuando pocos minutos después se presenta a los protagonistas casados todo se encamina cuesta bajo y el director Robert Luketic no logra remontar una historia que se hunde en el aburrimiento y la estupidez, debido a un argumento trillado al que ni siquiera le pusieron la mínima onda como para que de última resultara un entretenimiento decente.
Catherina O´Hara (Mi pobre angelito) es quien mejor queda parada con algunas escenas graciosas pero el trabajo del resto del elenco es totalmente olvidable.
La película no funciona como comedia, mucho menos como propuesta romántica y desde la acción las escenas que se ven son patéticas. Especialmente las coreografías de pelea.
Salvo que las últimas versiones de la Pantera Rosa, con Steve Martin, te hayan parecido películas memorables este es un estreno para el olvido.

Gaturro es desde su realización la mejor película de animación que brindó el cine nacional en muchísimo tiempo.
La productora Ilumination Studios presentó su trabajo más fino que claramente sienta un importante precedente en la historia de la animación argentina.
El trabajo que hicieron con el sistema 3D es excelente y supera a unos cuantos estrenos internacionales de este género que pasaron por el cine en los últimos años.
Acá los anteojitos no son de utilería.
Realmente vivís la historia en tres dimensiones y toda la profundidad de los escenarios, más la acción y lo efectos visuales estuvieron muy bien trabajados.
Es loco porque al aprovechar tan bien el 3D lograron darle vida de una manera especial al universo de ficción del querido gato del cómic.
Si bien Gaturro siempre fue un robo a mano armada de Garfield, su creador Nik, logró darle identidad propia y convertirlo en un importante personaje de la historieta argentina, cuyos libros se convirtieron en un éxito de ventas internacional.
La verdad que la película tiene poco que ver con el humor de Nik, ya que el film está claramente dirigido a los niños.
De hecho, creo que apunta al mismo target que Tinkerbell, que es la franja de espectadores pequeños que más se van a divertir con la película.
Para los mayores de 7 años la experiencia podría resultar diferente porque la historia es demasiado infantil.
El punto más flojo que tiene la película de Gaturro reside en el guión.
La historia no es graciosa ni divertida y salvo que tengas cinco años difícilmente te enganches con la trama.
Creo que hubo demasiadas manos metidas en un guión que presenta un argumento sin gracia que no llegó a explotar el potencial del gato. Al lado de Gaturro los filmes de Campanita, que también presentan historias inocentes, parecen escritos por Christopher Nolan.
Otro punto para resaltar son las voces de los personajes, donde se destacan principalmente Mariano Chiesa como Gaturro y Leto Dugatkin como Max, el gato garca que le complica las cosas al protagonista.
Era todo un tema como podría sonar el personaje principal y la verdad que encontraron el tono de voz adecuado.
En resumen, Gaturro es una buena película para los más chicos que presenta un gran trabajo de realización que merece ser destacado, ya que no todos los meses tenemos propuestas locales de este nivel.

Como suele ocurrir con esta clase de historias cada vez que llegan al cine, en todos lados la referencia inmediata que se hace es el Proyecto Blair Witch, que para mucha gente es la primera obra de este estilo.
Eso no es cierto y lo voy a seguir repitiendo cada vez que se estrene una película desarrollada en esta línea.
La leyenda de Boggy Creek, de Charles B. Pierce, fue la gran pionera en combinar en 1972 el género documental con el terror y El último exorcismo está especialmente conectada con esta película ya que fue desarrollada de una manera similar.
Esta producción de Eli Roth nos presenta un documental con musicalización y cortes de edición que retrata el trabajo cotidiano de un pastor chanta que practica exorcismos sin creer en ellos.
La verdad que si bien se vende como una historia de terror esta propuesta en realidad es un buen film de suspenso que tiene algunos momentos aterradores, que no es lo mismo.
Comparada con las cosas que se vienen haciendo últimamente en el género esta película es una producción decente donde los realizadores se preocuparon por contar una historia que no se enfoca tanto en los clichés baratos para asustar al espectador de cualquier forma, como golpecitos en las paredes o chirridos de puertas sin aceitar, sino en las emociones que viven los personajes.
La historia de posesiones demoníacas no son fáciles de trabajar ya que siempre cuentan con ese tremendo antecedente en el cine que es El Exorcista, la obra maestra de William Friedkin, que en mi opinión es la mejor película en la historia del terror.
Las comparaciones siempre van a ser inevitables y director Daniel Stamm logró superar este obstáculo al hacer un film que evitó la mayor cantidad de clichés posibles en lo que se refiere a los exorcismos y las posesiones satánicas.
El trabajo de Stamm se enfoca más en las emociones de los protagonistas más que en las escenas impactantes y luego de presentar muy bien a todos los personajes comienza a construir un thriller que te van enganchando por completo, gracias al manejo que tuvo el director de la tensión y los momentos de suspenso.
Me pareció muy interesante que el conflicto estalle entre un pastor chanta, al que nadie le compraría un auto usado y se aprovecha de la desesperación de la gente y un grupo de fanáticos religiosos que tienen la cabeza totalmente quemada.
La combinación es explosiva.
Dentro de los últimos filmes que se hicieron con el estilo del falso documental o material fílmico perdido El último exorcismo presenta por lejos el mejor reparto que vimos hasta ahora.
Si encima sumamos que el guión trabajó muy bien el desarrollo de los personajes no es difícil percibir que el film es un trabajo superior a Actividad Paranormal (último antecedente dentro de este estilo) y los mejores momentos de la trama se destacan por la cosas que el director evitar mostrar de manera gráfica, sino que más bien las insinúa.
Por ejemplo, la escena en que la chica poseída toma la cámara y se pone a caminar sola es brillante. No muestra gran cosa pero en el contexto de la historia es un momento aterrador.
El problema que tiene El último exorcismo es que para mi los realizadores asumieron un riesgo en la conclusión que al final arruinó de alguna manera el cuento.
Los dos minutos finales están totalmente tirados de los pelos y resultan forzados.
Todo lo que venían trabajando con sutileza lo tiraron por la borda y lo peor de todo es que generaron que la película carezca por completo de sentido, ya que el enfoque cinematográfico es totalmente opuesto a lo que hicieron durante toda la historia.
Salvo que el propio Satán se encargara de la postproducción del documental la escena final no cierra para nada.
Más allá de esa conclusión que no me pareció acertada la historia está muy bien construida y es un thriller que se disfruta hasta ese momento.

Este tipo de estrenos suelen ser completamente subestimados por la prensa cinematográfica, ya que están dirigidos a niños pequeños.
Motivo por el cual es una buena oportunidad para que en está página la ficha no quedara vacía.
Tinker Bell: Hadas al rescate es una película que Sir Arthur Conan Doyle hubiera recomendado entusiastamente.
Poca gente sabe (y muchos de sus biógrafos intentaron ocultarlo durante mucho tiempo porque les daba verguenza) que el creador de Sherlock Holmes estaba convencido de la existencia de las hadas y otro espíritus de la naturaleza.
En 1992 escribió un artículo periodístico en la revista Strand titulado “La llegada de la hadas” donde daba cuenta de numerosas apariciones de estos seres en Inglaterra e Irlanda.
Muchos creyeron que era el final de su carrera porque decían que estaba loco pero hasta el día de su muerte el escritor se mantuvo firme en lo que había expresado en esa nota y estaba convencido que las hadas realmente existían.
Tinkerbell 3 juega con mucha inocencia con esta idea con un personaje humano adulto que expresa los argumentos que usaban los detractores de Conan Doyle, algo que me hizo reír bastante mientras disfrutaba este film.
La película consolida con esta entrega una de las mejores serie animadas que Disney produjo en mucho tiempo.
Estos dibujos lograron capturar a la perfección el espíritu de los viejos filmes de Walt Disney que capturan la atención de los más chicos de una manera especial.
Cuando las películas de Tinker Bell comienzan no vuela una mosca en las funciones y los chicos quedan cautivados con estos personajes.
El director Bradley Raymond, responsable de los capítulos anteriores, brindó un film fabuloso desde lo visual al mismo tiempo que se permitió expandir la historia de los personajes y vincularlos con el mundo humano.
Raymond se dirige directamente a los más chicos y no hay un fotograma del film donde esto no quede claro. Acá no hay chistes escatológicos ni guiños hacia los adultos. Los mayores pueden acompañar y si rompen la coraza disfrutarla como sus hijos o sobrinos pequeños.
Queda el final de la serie que cubre las cuatro estaciones para el año que viene que se titulará Tinker Bell: Una historia de invierno.
Me gustó esta secuela.
Es el episodio que mejor capturó la esencia del Peter Pan de J. m Barrie que también hablaba de fe, confianza y un poco de polvo de hada que cada tanto no viene mal para abstraerse de la vida en la tercera dimensión.

Silvester Stallone brindó con The Expendables (me niego a mencionarla con el título que le pusieron en nuestro país) la mejor película clase B de los últimos 20 años que evoca un estilo de cine que ya no existe más.
Así como Grindhouse de Quentin Tarantino y Robert Rodríguez le rindió homenaje al viejo cine de terror de los años ´70, Stallone hizo lo mismo con el cine de acción de la década del ´80 que se caracterizó por el exceso de testosterona en los personajes y la opulencia visual, con grandes explosiones.
Desde su concepción este film es mucho más retro que Rambo 4 y tiene el espíritu de recordadas obras ochentosas como las que protagonizaron Franco Nero y Chuck Norris, entre otros, en su momento.
Hay una larga lista de filmes populares que en el pasado enloquecieron a los fanáticos del género y que hoy son clásicos queridos del cine, le guste o no a la crítica paleolítica.
Después de la mariconada que hizo Tarantino con Bastardos sin gloria, que parecía una creación de Cris Morena, más que un comando de renegados, acá tenemos una historia de mercenarios en serio que reunió a un elenco histórico dentro de este género donde los grandes veteranos interactúan con las nuevas figuras como Jason Statham que sigue los pasos de Sly.
Tengo que ser honesto y admitir que si bien la pasé bárbaro con la película me gustó mucho más el trabajo de dirección que brindó Stallone en la última entrega de Rambo que en Expendables.
Las secuencias de acción me parecieron mucho mejor filmadas, más allá de la brutalidad de algunas escenas que era bastante fuertes. Inclusive los efectos digitales estuvieron más pulidos en Rambo y no se veían tan artificiales.
Yo no sé si antes de filmar su nuevo trabajo Sly se dio una pansada de películas de Sergio Leone, pero acá abusó de los primero planos.
Si bien ese es un recurso que funciona muy bien en escenas impresionantes como la que brinda Mickey Rourke durante una conversación bastante emocional que tiene con Stallone, en las secuencias de acción, como la pelea entre Jet Li y Dolph Lundgren, creo que arruinó por momentos el laburo de los actores y las coreografías que creó Corey Yuen, un grosso de las artes marciales que hizo un muy buen laburo.
Esto también se da en la espectacular pelea que tiene él con Steve Austin (un figura de la lucha libre) donde no permite que fluya la coreografía con los constantes cortes de edición que tiene la escena.
En Rambo 4 me parece que estas cuestiones estuvieron mucho mejor manejadas.
Es lo único que se le puede objetar (junto con los actores horribles que hacen de latinos y hablan con acentos extraños) porque la verdad que brindó un peliculón donde es imposible pasarla mal si sos fan del género.
Su desempeñó físico a los 64 años es verdaderamente impresionante y demostró una vez más por qué es el más grande del cine de acción en Hollywood.
Otro punto a favor de su labor es la manera en que ensambló al reparto, donde todos los actores tienen su momento para destacarse dentro de la historia.
A nivel actoral, Mickey Rourke, sin intervenir en secuencias de acción, se los comíó crudo a todos y se destaca claramente con una escena dramática fabulosa.
La escena de antología donde aparecen Arnold Schwarzenegger y Bruce Willis es genial y te deja con las ganas de que hubiera sido un poquito más larga porque es emocionante verlos a los tres juntos en una misma película.
The Expendables es menos oscura y sangrienta que la última entrega de Rambo y acá el director se permitió trabajar un poco más con el humor en la línea de Tango y Cash, donde los personajes se la pasan desafiando entre sí constantemente, para ver quién la tiene más grande.
No puedo dejar de destacar la excelente banda de sonido a puro Rock and Roll donde suenan Creedence, Thin Lizzy, Georgia Satelites y para mi gran sorpresa Mountain, emblematico grupo de los ´70, liderado por Leslie West.
El guión no lo escribió precisamente Christopher Nolan, pero la película sin ser perfecta brindó uno de los momentos más divertidos que viví este año dentro de un cine.
Una vez más, gracias Sly!

Probablemente la mejor película de terror que vamos a ver este año.
En realidad esta película es tan grosa que excede al cine de horror y no se la puede catalogar en un solo género.
Hansel y Gretel es otra clara muestra del buen momento que atraviesa el cine de Corea del Sur, donde no paran de brindar propuestas de gran calidad en diversos géneros.
Muy especialmente en lo que se refiere a policiales e historias de suspenso donde hoy están por arriba de las cosas que se hacen en Hollywood y Europa.
Hanzel y Gretel es la segunda película del director Pil-Sung Yim, quien en el 2005 se destacó con el thriller de horror Antarctic Journal, donde demostró un gran dominio de la narración a la hora de establecer atmósferas aterradoras y de suspenso.
Este director todavía no la pegó en su país con un éxito comercial pero creo que va a ser cuestión de tiempo para que pueda combinar los filmes interesantes que brinda con el suceso en la taquilla.
Hoy mucho se llenan la boca elogiando a Chan Wook-Park (Old Boy) por su últimos filmes cuando la realidad es que sus primeros trabajos fueron horribles y no llevaban gente a los cines.
Cuando estaba a punto de dedicarse a otra cosa la pegó en el 2000 con esa gran historia que fue Joint Security Area y su carrera no volvió a ser la misma.
En el caso de Pil-Sung Yin con sólo dos filmes se convirtió en un cineasta muy interesante para seguir que recibió más elogios de la prensa internacional que la de su propio país.
El relato de Hansel y Gretel es una joya literaria de los Hermanos Grimm, que aunque siempre se presentó como un lindo cuento de hadas es un relato que tiene todos los elementos de una buena propuesta de terror.
Dos niños descubren una casa hermosa fabricada con dulces donde en su interior reside un macabro secreto. Es la residencia de una bruja caníbal.
Este estreno no es una adaptación literal de ese cuento pero brinda un gran film aterrador que toma los elementos clásicos de la famosa obra de los Grimm.
La película presenta un gran combo de cosas que últimamente no se ven en Hollywood en este género.
En primer lugar tenemos un director que sabe narrar una historia y enganchar al espectador con grandes climas de suspenso de manera creativa, sin caer en clichés vistos miles de veces.
Como mencioné antes Hansel y Gretel es difícil de clasificar en un solo género ya que atraviesa por distintas etapas durante su desarrollo.
Si bien gran parte del film se centra en el terror psicológico, tiene algunos momentos de humor e inclusive el final resulta muy emotivo, cuando se revelan todos los secretos.
Se trata de una película que está emparentada con lo que hizo Guillermo del Toro en El laberinto del Fauno, que tampoco se enfocaba exclusivamente en el horror y la historia generaba distintas emociones.
Los actores son increíbles, especialmente los niños que son protagonistas de algunos momentos escalofriantes que hacen que este film sea fascinante.
Desde los aspectos técnicos la película es excelente.
El trabajo impresionante que presentó el diseñador de producción Ryu Seong-hee (The Host, Memories of murder) es alucinante, y te deja sorprendido con esa casa supuestamente idílica que luego se convierte en una pesadilla para el protagonista.
En una época donde el cine de terror, especialmente el norteamericano, se volvió artificial con efectos visuales pedorros generados por computadora, ver escenarios tan artesanales como los que presenta Hansel y Gretel que llevaron meses de laburo es un placer que se celebra.
Lo mismo se puede decir de la espectacular fotografía y los efectos especiales y una muy buena banda sonora que por momentos nos recuerda a los trabajos de Danny Elfman.
No es otra historia de fantasmitas vengativos de Asia.
Hansel y Gretel brinda un cuento original, que tiene sus sorpresas al final donde se tocan temas serios y jodidos que no voy a mencionar para no adelantar nada de los personajes.
No cierro la puerta para alguna sorpresa que se pueda estrenar de acá a fin de año, pero dudo que Hollywood ofrezca en este género algo a este nivel.
A mi me encantó y definitivamente la recomiendo.

Agente Salt es un thriller pochoclero bien realizado que presenta en la pantalla grande a la hermana de Jason Bourrne.
El director Philip Noice, quien en los ´90 fue el cineasta que mejor adaptó grandes novelas de Tom Clancy, relacionadas con el espionaje, como Juegos de Patriotas y Peligro Inminente acá desarrolló una propuesta muy entretenida donde tipo estuvo en su salsa.
Orginalmente (lo comentamos en el blog de Próximos Estrenos) este film escrito por Kurt Wimmer (director de Ultravioleta, con Milla Jovovich) iba a ser protagonizado por Tom Cruise, quien se bajó del proyecto porque sentía que iba a repetir un rol muy similar a lo que hizo en Misión Imposible.
Finalmente decidieron hacerla con Angelina Jolie, quien ya había trabajado con Noice en ese entretenido film que fue El coleccionsita de huesos, y el guionista y director Bryan Helgeland (Corazón de Caballero) se encargó de adaptar la trama original para Angelina.
Si bien la historia es un poco absurda y queda la intriga de cómo habrá sido el argumento original, la verdad que la película es muy divertida gracias a la narración de Noice y la interpretación de Angelina, quien es la figura que se carga todo el film a sus hombros.
Ponerse a analizar en serio la historia o los agujeros que tiene la trama en Salt es tan ridículo como analizar los filmes de James Bond por sus conflictos.
Con esta película se puede apreciar la enorme influencia que tuvieron los filmes de Paul Greengrass en la saga Bourne dentro de este género, donde sentó un precedente desde la realización en el último tiempo y Salt proviene de ese lugar.
Especialmente por la manera en que se encaró la acción.
Sin grandes escenas artificiales generadas por CGI, el director presenta secuencias de tiroteos y persecuciones muy bien elaboradas, donde algunas acrobacias de Angelina pueden ser un poco exageradas, pero visualmente quedaron espectaculares.
Otro punto que no es menor es que en roles secundarios Salt se da el lujo de tener grandes actores como Liev Schreiber y Chewitel Ejiofor que son esa clase de artistas que siempren quedan bien parados en cualquier film que participen.
Es evidente que los productores le tenían mucha fe a la protagonista en este film, ya que se arriesgaron a cortar de manera abrupta el final de la historia dejando todo el escenario preparado para la secuela.
Veremos si se concreta. Por lo pronto esta primera entrega de Salt es un film entretenido y bien realizado que se disfruta.

Chloe ofrece un ameno reencuentro en el cine con ese buen director que es Atom Egoyan, que hacía rato que no teníamos novedades de él en las salas argentinas.
Su último trabajo que pasó por los cines locales había sido Ararat, en el 2002, una muy buena historia sobre el genocidio armenio.
Los tres trabajos que hizo luego de esa producción no consiguieron distribución en nuestro país.
Esta nueva película de Egoyan entra en la categoría de lo que muchos críticos suelen etiquetar como “thriller erótico” que es un término que nunca me terminó de cerrar del todo.
La verdad que se tendrían que haber dado muy mal las cosas para que un film que reúne a Liam Nesson, Julianne Moore, Amanda Seyfried y Egoyan resultara decepcionante.
Chloe es la clase de película que se disfruta por la interpretación que entregan los actores y en este caso la narración del director.
La historia no es un cuento de Hitchcock precisamente pero esta bien contada y engancha hasta su conclusión.
Amanda Seyfried, quien este historia está más atractiva que nunca, se luce por componer un personaje que en otra actriz (digamos Jessica Alba) hubiera resultado un culto al cliché.
La enigmática prostituta que interpreta está muy bien cuidada y nunca cae en lugares comunes.
Es muy loco ver que se trata de la misma actriz que hace poco vimos en Cartas para Julieta en un rol totalmente diferente. Pero bueno, eso es lo que generan los grandes actores de verdad y Amanda claramente es una de las mejores de su generación.
Es importante destacar que Chloe es una remake de Nathalie, la película de Anne Fontaine, protagonizada por una inolvidable Emmanuelle Beart que acá se estrenó en el 2004.
La diferencia con el film original es que en la versión de Egoyan la tensión sexual entre los personajes principales está mucho más marcada y el final se podría decir que lo hicieron más hollyoodense.
De todas formas es una buena película, que no está a la altura de otros laburos superiores de Egoyan como Ararat, El dulce porvenir o Exótica, pero los que no hayan visto Nathalie se pueden enganchar.

Muy buen regreso de los extraterrestres rastafari.
Después de lo que fue la última entrega de Alien Vs Depredador, esta producción de Robert Rodríguez le devolvió la dignidad perdida a estos personajes.
Depredadores es una entretenida y correcta propuesta de acción que sobresale principalmente por la dirección del cineasta Nimród Antal.
Desde Control, su ópera prima del 2003, el directo pulió muchísimo su trabajo como narrador y acá se luce durante gran parte del film.
La película de alguna manera regresa un poco a la raíces de lo que fue la historia original que hizo John McTiernan con Arnold Schwarzenegger.
En esto tuvo mucho que ver Robert Rodríguez que como productor definió el enfoque por el que debía encaminarse esta historia.
Depredadores fue filmada con el estilo de la vieja escuela, principalmente el cine de acción de los años ´80.
Si bien trabajaron con muchos efectos digitales, como suele ocurrir con las últimas producciones de Rodríguez, la animación computada la usaron para pulir o mejorar cosas pero no abruman a los espectadores con escenas artificiales que parecen salidas de un video juego.
Algo que particularmente me sorprendió de este film es la narración del director.
Antal se toma bastante tiempo para desarrollar el conflicto y la aparición de los Predators se hace esperar más de lo pensado.
Lo grosso de todo esto es que mientras tanto la trama te engancha por completo desde la primera escena donde la historia no te da respiro.
La presentación de los protagonistas, que no voy a adelantar en este comentario, es genial porque construye un clima de tensión y suspenso desde los primeros minutos.
El espiritu de Lost se pasea por momentos en este film.
Por supuesto al director Antal no se le hace fácil sostener toda la película con esta intensidad y hacia el final la trama flaquea un poco.
Por ejemplo, toda la secuencia en la que aparece Lawrence Fishburne, se podría haber quitado y no cambiaba un ápice la película.
Es un momento al pedo cuya funcionalidad es justificar el sueldo de Fishburne que no aporta absolutamente nada.
Por otra parte, Adrien Brody vuelve a demostrar por qué es un actorazo de verdad. Al flaco lo podés ver en un dramón tremendo como El Pianista y después te lo encontrás acá como héroe de acción y es totalmente creíble.
La antítesis de Jake Gyllenhaal, quien no hubiera podido llevar este rol protagónico de la misma manera por más que se matara haciendo abdominales.
Es una cuestión de actitud y cuando lo vemos a Brody en este film parecería que el tipo se dedicó a este género toda la vida.
Depredadores está buena como propuesta de acción y si sos seguidor de estos personajes no la vas a pasar mal en el cine con esta nueva historia.

Sería fácil ponerme la capucha y la túnica blanca que usan lo miembros del Ku Klux Shyamalan y con mi garrote en llamas pedir por la cabeza del director.
La haría mucho más corta todavía si me pusiera a repetir como un lorito lo que opinan lo demás para estar en sintonía con Rotten Tomatoes y lo que la manada de la crítica determina.
Sin embargo, pese a que siempre banqué a este director (y sigo hacíendolo), tampoco puedo mandar fruta y defender lo que a mi entender no se hizo bien.
Avatar (el verdadero nombre de esta historia, que tuvo que ser modificado por la última película de James Cameron) es una obra maestra de la animación occidental de los últimos años que representa por lejos la mejor producción de dibujos animados que surgió en la última década.
Una historia brillante plagada de filosofía oriental y espiritualidad que logró capturar la atención del público de distintas edades en todo el mundo.
La adaptación cinematográfica deja cierto sabor amargo porque no le sacaron todo el jugo al material que tenían disponible y algunas decisiones del director no fueron las más acertadas.
Para el Ku Klux Shyamalan todas las películas que hizo M .Night desde El protegido en adelante son las peores obras filmadas en las últimas décadas.
Yo que no comulgo con el grupo y sigo reivindicando (aunque me hay gustado a mi solo) La dama del Lago, creo que El último maestro del aire es un trabajo regular de un artista que puede dar mucho más.
Ahora bien, sólo un trasnochado puede pretender también que el director adapte a la perfección una historia de 480 minutos (eso es lo que dura la primera temporada de Avatar que adapta este film) en una película que dura 103 minutos.
Es sencillamente imposible.
Peter Jackson necesitó tres horas para narrar bien La Comunidad del Anillo y pese a todo no faltaron algunos idiotas que lo destrozaron en su momento porque había eliminado un par de personajes secundarios.
Todavía recuerdo las críticas por la ausencia de Tom Bombadil.
Dentro de todo Shyamalan siguió bastante de cerca el conflicto principal pese a algunos cambios inevitables. La historia la hizo más seria y le quitó el humor tonto que tenía por momentos el dibujo que principalmente estaba dirigido a los chicos.
De todas maneras, el gran problema de este film creo que pasa por otro lado, más allá de los detalles que seguramente van a reclamar los fans del dibujo.
No se puede esperar una gran película cuando el estudio Paramount se empacó en contar toda la historia en menos de dos horas.
Me quedó la sensación después de ver este estreno que los productores (entre ellos los creadores del dibujo) consiguieron los 150 millones de dólares de presupuesto a cambio de comprometerse a contar todo en un poco más de 100 minutos, que es algo ridículo para la clase de propuesta que estaban adaptando.
De hecho Shyamalan llegó a filmar más material que quedó afuera. Si entran en You Tube van a encontrar avances para televisión con escenas que ni siquiera se ven en los cines.
El gran problema que tiene este estreno pasa por la masacre que hicieron en la edición.
La historia va demasiado rápido y te queda la sensación que estás viendo un gran trailer extendido más que una película en serio.
Es como la primera entrega de Crepúsculo, pero con un cambió más.
La narración no permite el mínimo desarrollo de los conflictos que enfrentan los protagonistas y durante la trama desfilan sin sentido personajes secundarios totalmente desaprovechados.
El otro tema con el que yo disiento con el amigo M. Nigth es el reparto, pese a que no hicieron un mal trabajo.
Esta idea supuestamente progre de Shyamalan de armar un elenco Benetton con actores norteamericanos, asiáticos e indios, en esta historia en particular, me pareció un cambalache.
O sea, en un cuento que está relacionado principalmente con la cultura asiática reunir actores de diferentes continentes se ve forzado, como cuando John Wayne interpretó al Gengis Khan. Era cualquiera.
Ahora bien, pese a estos puntos que le jugaron en contra al film hay un montón de cosas para destacar de este estreno también.
Visualmente El último maestro del aire es deslumbrante.
La labor más destacada pertenece al artista argentino nominado dos veces al Oscar, Pablo Helman, el supervisor de efectos especiales.
Helman hace años que viene colaborando con grossos como George Lucas (en Star Wars Episodio 2) y Steven Spielberg (en la Guerra de los Mundos) y acá me parece que brindó su trabajo más ambicioso hasta la fecha.
Todo el manejo de los elementos naturales en las peleas, que dominan los personajes, son increíbles y se nota que el laburo que hubo detrás de cada escena fue infernal.
Por otra parte, las secuencias de artes marciales resultaron espectaculares con movimientos muy estilizados que no tienen nada que envidiarle a las buenas producciones de Oriente.
Lo mismo se puede decir del equipo a cargo del diseño de producción que presentó escenarios impresionantes que te dejan con la boca abierta cuando los ves en la pantalla grande y la fotografía de Andrew Lesnie (ganador del Oscar por la trilogía del Señor de los Anillos) que es hermosa.
El compositor James Newton Howard volvió a ofrecer otra gran banda de sonido.
Desde lo visual el film es fantástico y Shyamalan reunió excelentes colaboradores.
No te podés sentar a ver esta película en el cine y cagarte en todas estas cosas como si nada.
Decir que hicieron todo mal y es la peor película del año como aseguran los locos fundamentalistas de la capucha, no sólo es falso, sino que además es un concepto ignorante que desconoce el gran trabajo que hicieron muchos artistas, pese a que el film no es perfecto.
Con respecto al 3D, la conversión fue mucho más decente que en Furia de Titanes y el sistema se luce de manera notable en la primera parte del film y en la batalla final. Después no hay gran diferencia con verla en el formato común.
En términos futbolísticos, para las dos secuelas que faltan, yo no cambiaría al DT sino el planteo de juego.
No podés contar esta historia en una hora y media. Hay que darle más aire a los personajes y al conflicto para que puedan ser bien desarrollados sin la locura de tener que entregar un corte de 100 minutos en los cines.
Sino ¿para que invierten 150 millones de dólares?
Los colaboradores de Shyamalan son muy grossos y los actores protagónicos hicieron un laburo decente dentro de todo. Especialmente Nicola Peltz como Katara.
A diferencia de la Brújula Dorada que quedó trunca (entre otras cosas) porque fue un fiasco comercial, El último maestro del aire, por más que le pese al Ku Klux Shyamalan funcionó muy bien en la taquilla y en pocas semanas alcanzó los 181 millones de dólares, sólo en los Estados Unidos.
Hay una oportunidad para remendar las cosas pero va a depender que Shyamalan mejore el enfoque de la narración y la edición (sobre todo) y los creadores del dibujo, Michael Dimartino y Bryan Konyestko, productores ejecutivos, cuiden mejor su creación.
Ojalá que se de porque la historia se pone mejor.
Ah, una cosa más a los interesados. La vi dos veces la película, en castellano y en inglés. Por favor busquen como sea la opción con subtítulos porque el doblaje es patético.

Un loco viaje al pasado volvió a reunir al guionista de Alta fidelidad, Steve Pink, con John Cusack.
En este caso Pink debutó como director en una buena película que brinda una comedia del estilo de ¿Qué pasó ayer? con la particularidad que esta tiene elementos fantásticos.
El director presenta rápidamente a los protagonistas y enseguida se mete de lleno en el conflicto principal, que tiene la gracia que todo se desarrolla en 1986, cuando los personajes principales viajan al pasado.
Es una película nostálgica ideal para quienes vivieron su adolescencia en los ´80.
La película está plagada de referencias a todo lo que era la cultura de esa década.
Desde películas como Red Dawn o la serie de Johnny Depp, Comando Especial hasta la música de Poison, el humor juega mucho con este tema.
Inclusive hay un cameo de Chavy Chase, quien para 1986 era uno de los actores mejores pagos que hacía exítos taquilleros y hoy participa en filmes que casi ni llegan a los cines.
Otra miembro del elenco que se destaca en un pequeño papel es Crispin Glover (Volver al Futuro), quien acá tiene un rol secundario y la verdad que debieron darle un rol más importante porque es genial para este tipo de propuestas.
Un loco viaje al pasado es una comedia retro que emula lo que eran los filmes de este género en los ´80, donde la referencia a Volver al Futuro es más que obvia por los inconvenientes que enfrentan los protagonistas.
La verdad que la película es más entretenida de lo que vendían los trailers.
John Cusack es quién se carga toda la producción al hombro y representa lo mejor de este estreno.
No es un peliculón memorable pero después de ver lo último de Adam Sandler esto por lo menos entretiene y no te hace tirar la plata en el cine.

El origen es una historia que en manos de otro director probablemente hubiese resultado uno de esos bodrios pretenciosos que a muchos críticos les gusta ensalsar simplemente porque su producción lleva la banderita de Francia o Rumania.
Christopher Nolan brinda un thriller fabuloso que no sólo presenta una historia compleja e interesante, sino que además ofrece un espectáculo visual sorprendente.
Parecería que Nolan es un genio super perfecto que sacó este proyecto de la galera, pero la realidad es que le llevó más de una década de esfuerzo concretar este film.
Sólo el guión lo creó y reescribió durante diez años hasta que encontró la historia que quería llevar a la pantalla grande.
La trama fue inspirada por los cuentos de Jorge Luis Borges, “El Milagro Secreto” y “La Ruinas Circulares” y de acuerdo a lo que declaró en una entrevista después de hacer los filmes de Batman recién se sintió capacitado para contar esta historia en el cine.
El tema de los sueños lúcidos es sumamente fascinante y en el pasado dio pie a muy buenos filmes como El vengador del futuro o Abre los ojos.
Acá Nolan trabajó la temática desde una óptica sumamente original donde pudo desplegar toda su creatividad como cineasta.
Si bien no coincido para nada con los trasnochados lectores de IMDB que votaron a este film como la “tercer mejor película en la historia del cine”, lo que habla claramente del nivel de estupidez e ignorancia que reina en la web por estos días, sin duda estamos ante una de las mejores producciones que brindó el cine norteamericano en el terreno de la ciencia ficción en la última década.
Pero tampoco hay que exagerar.
El tema de la invasión del subconsciente y el sueño, dentro del sueño, dentro del sueño es un concepto muy difícil de trasladar en el cine y el director sorprende por la manera en que narró esta historia a través de un thriller que captura tu atención en las primeras escenas y no pierde interés hasta que termina.
Como propuesta de suspenso es fabulosa porque no tiene baches. De hecho si prestan atención desde el comienzo van a notar que la excelente banda sonora de Hanz Zimmer arranca desde los créditos iniciales y no deja de sonar durante todo el film.
Es como que Nolan se las ingenió para mantener a la trama, la música y los personajes constantemente en movimiento.
Otro punto fuerte del film es el increíble trabajo que hicieron con los efectos especiales. La película está plagada de escenas digitales pero cuando las estás viendo ni te percatás de eso, inclusive en las secuencias surrealistas.
Nolan subió la apuesta con los efectos especiales y obliga a los resto de los estudios a que se pongan las pilas con este tema.
No se pueden seguir estrenando súper producciones con efectos digitales paupérrimos como los que vimos en Príncipe de Persia.
Como si todo esto no fuera poco, El origen además presenta un elenco impresionante que reúne a un grupo de los mejores actores jóvenes que tiene el cine norteamericano en este momento.
La verdad que Joseph Gordon Levitt es un comando de la Fuerza Delta. El pibe es un actor todo terreno.
No importa el rol que agarre, su trabajo nunca pasa desapercibido, ya sea con un villano de G.I Joe o el misterioso personaje que interpreta en este film.
Me encantó que Nolan, fiel a su esencia, continuara con su Cruz Roja Cinematográfica dedicada a rescatar actores olvidados en Hollywood.
Así como lo hizo con Rutger Hauer y Eric Roberts en los últimos filmes de Batman acá resucitó a Tom Berenger (Pelotón), quien llegó a ser una figura de renombre en los años ´80, para luego convertirse en una figura del cine clase B.
La última vez que los vimos en la pantalla grande había sido en el 2002 con D-Tox, una película con Silvester Stallone que terminó directamente en dvd, salvo por nuestro país que llegó a los cines.
Lo que mejor de este estreno es que como los grandes filmes de Terry Gilliam o David Lynch, El origen le propone al espectador una experiencia cinematográfica fascinante que no queda en el olvido cuando salís del cine y ofrece un gran cuento que permite descubrirle cosas nuevas en visiones posteriores.

Acá tenemos la contracara perfecta de lo que fue ese bodrio pseudo que se tituló La carretera.
Un historia apocalíptica con muchos puntos en común con ese trabajo de Viggo Mortensen, con la particularidad que esta contó con dos directores en serio que supieron narrar con precisión un buen cuento.
Infectados presenta la misma premisa que La carretera. Por razones que nunca se llegan a explicar en detalles la raza humana se encuentra en jaque debido a una peligrosa epidemia que no para de cobrarse víctimas.
Un grupo de sobrevientes, al igual que Viggo, deciden viajar a una zona costera para alejarse de la enfermedad.
Parece que las playas y el mar son el destino preferido de los personajes que viven este tipo de conflictos.
Los directores españoles Alex y Davis Pastor brindan una clase de lo que se puede hacer con poco presupuesto y un poco de imaginación.
En lugar de presentar un collage de situaciones que se repiten una y otra vez sin sentido, acá mantuvieron muy bien el ritmo del relato con un cuidado manejo del suspenso.
Los directores logran que el espectador se conecte con las situaciones que viven los personajes.
En lo personal no la ubicaría dentro del género de terror que es como se vendió este estreno, ya que la película estuvo más encarada por el género del thriller, que no es lo mismo.
Otro punto para destacar es que a diferencia de los personajes chatos y aburridos de Cormac McCarthy (escritores inflados si los hay) que se dividían en buenos heroícos (el papá valiente y sacrificado) y los villanos diabólicos (los terribles caníbales), Infectados nunca cae en esa pendejada.
No hay héroes ni villanos, sólo personas que intentan sobrevivir como pueden a un mundo que llegó a su fin.
Eso es algo que me gustó mucho de esta película. Los protagonistas no se enfrentan con zombies o infectados asesinos sino con una enfermedad a la que tratan de escaparle.
Si bien no es un film con escenas de acción cada cinco minutos y mucho menos secuencias sangrientas, los directores se las arreglaron para hacer llevadera la historia al mantener el suspenso a lo largo del film al mismo que tiempo que desarrollan los personajes.
No es una obra maestra dentro de las historias apocalípticas pero sí es una película bien hecha que por lo menos logra engancharte con el cuento que propone.

Esta es la clásica película donde los actores la pasan mejor filmándola que los espectadores viéndola.
Adam Sandler es un artista extraño que cada tanto te sorprende con excelentes interpretaciones como la que brindó en Embriagado de amor, Reign over me y recientemente en Funny People, de Judd Apatow, pero después te sale con estas mediocridades que no tienen explicación.
Acá se juntó con su grupo personal de amigos con lo que hace años trabaja y seguramente el rodaje debe haber sido una fiesta, pero el resultado del film no es bueno.
Ya de por si a la película la aniquilaron desde el trailer donde pusieron todas las escenas graciosas.
Si viste el avance entonces ya conocés la película y vistes los mejores momentos.
El problema de Son como niños es que no tiene una trama concreta y vende un concepto equivocado.
El título no hace creer que se trata de un grupo de amigos inmaduros que se comportan como chicos cuando todos lo que vemos es a un grupo de borrachos inadaptados que se juntan para bardearse entre sí.
El filme es como un rejunte de escenas supuestamente graciosas al que el editor luego le intentó dar el formato de un largometraje.
Rob Schneider es quien tiene algunos buenos momentos que no quemaron en el trailer, pero no hay mucho más.
Para la clase de film que hicieron los 102 minutos se hacen eternos.
Después de las buenas películas que hizo en el último tiempo, donde pudo mostrar otra faceta como actor, Adam Sandler ya está viejo para estas comedias que hacía cuando recién arrancaba en su carrera.
La verdad que hay mejores propuestas en la cartelera a la hora de comprar una entrada al cine.

La historia del aprendiz de brujo es un clásico emblemático de la obra de Walt Disney que trascendió con ese gran segmento de la película Fantasía protagonizado por el Ratón Mickey.
El viejo Walt creó esa secuencia inspirado en el poema de Paul Dukas, de fines del siglo 19 y la balada de Goethe de 1797.
Nicolas Cage siempre fue fan de esa historia y a él se le ocurrió la idea de hacer una película basada en este relato.
Al Rey del Pochoclo, Jerry Bruckheimer que no deja pasar una, le pareció interesante la propuesta y decidió desarrollarla a través de una fórmula con la que tuvo éxito en los últimos años.
Me refiero al buen equipo que integraron el director John Turtelaub y Cage, responsables de La Leyenda del Tesoro Perdido.
Desde todo punto de vista Bruckheimer ofrece una producción superior a lo que fue El Príncipe de Persia, muy especialmente en lo que se refiere al trabajo con los efectos especiales.
El director Turtelaub trabajó con más cautela la animación computada y no llenó la historia de secuencias artificiales que se ven truchas en la pantalla.
Acá todas las escenas digitales están muy cuidadas y las batallas entre los magos se ven espectaculares junto con la gárgola que cobra vida.
Es interesante que en este film el gran protagonista es un personaje que por lo general siempre obtiene un rol secundario en los filmes de Bruckheimer.
Me refiero al nerd que suele aparecer como el amigo del héroe.
Jay Baruchel, quien se había destacado en Tropic Thunder, hizo un muy buen trabajo con el rol del aprendiz y tuvo muy buena química con Cage que acá tiene un papel secundario, pero no por eso menos importante.
La película capturó muy bien la esencia de lo que solían ser las viejas películas familiares de Disney de los ´80 que combinaban a la perfección la fantasía con la aventura y generaban un buen entretenimiento. Otro caso reciente fue Encantada.
Al igual que La leyenda del Tesoro Perdido el director Turtelaub vuelve a demostrar su maestría para sacarle el jugo a las locaciones en la que trabaja.
Acá convierte a la ciudad de Nueva York en un personaje más de la historia que no pasa desapercibido y suma bastante en esta propuesta.
Por supuesto no falta el esperado homenaje al segmento de Fantasía que está muy bien logrado.
La verdad que es una película muy divertida que está bien llevada y cumple claramente con lo que se propone ofrecer, que no es más que pasar un buen momento en el cine con un buen cuento de fantasía.
Si se quedan a ver los créditos finales cuando terminan hay una escena extra con un guiñó loco al trabajo de Disney.

Encuentro explosivo es la película perfecta para las seguidoras de Sex and the City, o Crepúsculo que no tiene conexión con el cine de acción pero te miran una película cada tanto.
La verdad que después de esto Joe Carnahan te banco a muerte con Brigada A.
Que clara que la tenés maestro.
James Mangold es un gran director que en los último años demostró una gran versatilidad en su filmografía al presentar muy buenas películas de distintos géneros como Copland (Stallone), Johnny y June (la biografía de Johnny Cash), Identidad (John Cusack) y la remake del Tren de la 3: 10 a Yuma entre otros títulos.
Encuentro explosivo (que solo Dios sabe por qué la titularon Knight and Day) es la producción más grande en la que trabajó y al mismo tiempo su film más flojo.
Esto no quiere decir que su labor sea mala, pero si lo venías siguiendo a Mangold no es complicado de percibir que esto no está para nada a su nivel y es un artista que puede dar mucho más porque realmente es un muy buen cineasta.
Su nuevo trabajo es Misión Imposible con un toque de humor y una trama tonta.
Me quedó la sensación que quisieron hacer algo como Mentiras Verdaderas (James Cameron) y no les salió.
Es de público conocimiento que la producción de este estreno fue una auténtica odisea, ya que numerosos guionistas metieron manos en la historia y lo que quedó es un rejunte del laburo de muchos escritores. Vaya uno a saber cual sería la historia original.
En la película esto se nota claramente y las presencias de Tom Cruise y Cameron Diaz no pudieron hacer demasiado.
El personaje de Cruise arranca muy bien donde en principio se nos presenta como un sujeto que parece estar totalmente pirado, pero luego se convierte en un héroe de telenovela de Facundo Arana que termina siendo un bodrio.
Roy Miller es prácticamente perfecto. No pifia un solo tiro, es brillante en el combate cuerpo a cuerpo y siempre sale bien parado en todo lo que hace, lo que genera que no tenga demasiada gracia.
Todo lo contrario a Charlie Wax, el genial personaje de John Travolta en Sangre y Amor en Paris que estaba totalmente pirado de la primera a la última escena y por eso generaba empatía. No era un héroe inmaculado, era un psicópata con principios y eso lo hacía divertido.
El director Mangold hizo lo que pudo con una historia refritada que vimos un montón de veces con el clásico agente secreto que encima se enfrenta a villanos pedorrísimos como los que interpretan Jordi Molla y Peter Saarsgard (La huérfana).
El film tiene sus buenos momentos donde sobresalen las persecuciones automovilísticas que están muy bien logradas y algunos tiroteos pero no hay mucho más. La secuencia filmada en España está muy buena.
Reitero, no es un película desastrosa y si no tenés nada mejor que hacer zafa para ver algo en el cine pero es muy importante destacar que no tiene nada que ver con los que suelen ser los trabajos de James Mangold.
Si Tom Cruise quiere volver a lo grande en este tipo de propuestas tiene que jugarse con personajes distintos en el futuro porque con estos ya cumplió un ciclo.

Es extraño pero siempre me quedó la sensación que a Shrek le pegó mal el matrimonio.
La primera película fue uno de los grandes estrenos animados del 2001 que sorprendió por su irreverencia y la manera original en que se narraba un atípico cuento de hadas.
Cuando el ogro se casó y tuvo hijos sus historias de alguna manera perdieron cierto encanto y al sumarse más personajes en la saga las cosas no volvieron a ser las mismas.
Es evidente que algunos de los realizadores de este estreno habrá pensado lo mismo porque en esta entrega final de la serie la encaminaron por un rumbo totalmente diferente.
En consecuencia, la buena noticia es que Shrek para siempre es un film superior a la tercera parte y la clave de esto es que en esta historia el ogro vuelve a sus raíces.
Si bien la magia ya no es la misma la verdad que es una película divertida con la que se cierra de manera correcta esta saga.
La trama estuvo bien pensada.
Las relaciones entre los personajes principales ya venían gastadas después de tres películas y acá le dieron más frescura al desarrollar el 90 por ciento de la historia en un universo alternativo donde Shrek debe construir su relación con su esposa y sus amigos nuevamente ya que nadie lo conoce.
Es gracioso porque este tema que mencionaba al principio sobre la domesticación familiar del ogro es justamente el puntapié inicial del conflicto de esta cuarte parte.
Es claro que el clásico de Frank Capra, Que bello es vivir, tuvo una gran influencia en esta historia, donde el protagonista a lo largo de la aventura va descubriendo la manera que afecta su presencia a la vida de sus amigos y como las cosas serían distintas si nunca hubiera rescatado a la princesa Fiona.
El Gato con Botas una vez más es quien se roba los momentos más graciosos de esta película, que también hay que decirlo nunca llega a ser tan desopilante como las dos primeras.
Al ser desarrollada desde su origen en 3D, que por cierto estuvo muy bien aplicado, en Shrek para siempre hicieron más hincapié en las escenas de acción y los efectos especiales que los filmes previos.
Algo interesante para destacar es que Dreamworks delegó la dirección de este film en Mike Mitchell, quien no contaba con antecedentes en la animación.
Entre sus trabajos anteriores hizo Escuela de Superhéroes para Disney y la comedia de de Rob Schneider, Deuce Bigalow.
Lo cierto es que después de lo que fue la película anterior, que para algunos de nosotros, resultó una decepción, esta despedida del ogro superó las expectativas y merece ser disfrutada en el cine.

Está bien pero no termina de convencer.
Verónika decide morir es una adaptación de la novela best seller de Paulo Coehlo. Es una muy buena historia que me dejó la sensación que no le explotaron a full el potencial que tenía.
Cohelo en este caso ofrece una interesante reflexión sobre qué es lo “normal” y la locura en la sociedad que vivimos.
Desde su temática creo que la adaptación del libro estuvo mejor trabajada en la versión japonesa del 2005 que protagonizó la actriz coreana Lee Wan.
La versión norteamericana tiene sus puntos más flojos en el guión. De entrada se plantea la situación del suicidio y luego acompañamos a la protagonista en el hospital, pero nunca llegamos realmente a conocerla del todo.
Sufre el efecto Crepúsculo de ir a los pedos, donde los conflictos se desarrollan demasiado rápido. Al ser la historia tan intensa es como que ese enfoque termina por afectar al film, sobre todo en lo que se refiere al desarrollo de los personajes.
El director japonés Kei Horie me parece que trabajó mucho mejor este tema al igual que la relación entre Veronika y su doctor, que acá quedó relegada a un aspecto más secundario
De todas maneras el mensaje de la historia, más allá de estas falencias quedó dentro de todo plasmado.
Lo mejor es por lejos el trabajo de los actores, especialmente el de Sarah Michelle Gellar, quien brinda una de las mejores interpretaciones que tiene su filmografía. Acá demuestra que está para mucho más que las películas de terror y Scooby Doo.
Es una actriz subestimada que con un buen material tiene mucho para dar.
Lo mismo podemos decir de David Thewlis (el mago Lupin de Harry Potter) y Erica Christensen, quienes sobresalen en roles secundarios.
No es para nada una mala película, pero me quedo con la versión japonesa.

Jacques Perrin es un conocido actor francés que en los últimos años se rebeló como uno uno de los mejores directores que trabajan en el género documental con peliculones increíbles como Microcosmos y Tocando el cielo, que tuvieron las suerte de pasar por las salas argentinas.
Perrin nos sumergió en el mundo de los insectos y luego las aves con una intimidad que no había logrado el cine hasta entonces y este año creo que presenta su trabajo más ambicioso.
Océanos es un documental bastante especial del sello Disney Nature, donde el director francés abordó el género desde una óptica distinta.
El film es una experiencia para sentir.
Lo que vas a vivir con este estreno sólo lo podés conseguir en una pantalla grande de cine y es imposible de recrear en tu hogar por más grande que sea el televisor que tengas o el sistema de sonido con el que cuentes.
La película es un fantástico paseo por todos los océanos del planeta con la particularidad que vas a vivir y sentir el mundo de las especies marinas como nunca lo hicistes con anterioridad.
Este es un filme especial de Perrin por dos motivos.
En primer lugar lo hizo pensando en los chicos. De hecho, la historia arranca con un pibe que quiere saber qué son los océanos.
Ese es el puntapié inicial del viaje.
En la actualidad tenemos canales de televisión que emiten 24 horas documentales sobre estos temas.
Sin embargo a diferencia de sus trabajos anteriores a Jacques no le interesó darle a los chicos una lección de biología, donde les llenara la cabeza de infomación, su intención fue que vivieran el mundo marino como nunca lo experimentaron en una película.
La información técnica creo que se puede conseguir en otro lado.
Ahí es donde entra en juego el talento de este maestro. Océanos recorre 50 países (incluido Argentina) y captura también las riquezas de los mares y las especies marinas como si la cámara fuera un ser vivo más que pertenece a ese ambiente.
Muchos momentos espectaculares que a lo mejor duran segundos, como las secuencias de las ballenas, llevaron meses de planificación.
Por supuesto, el film hace hincapié también en los desastres que el hombre genera con la pesca ilegal y la contaminación.
Sólo hay una escena, bastante dura de ver, donde el director recrea las masacres que los pescadores hacen con los tiburones. Todo eso se hizo con animación computada pero es tan real que mucha gente piensa que toda la película es igual.
Pobre Perrin con su equipo estuvieron cuatro años laburando en este ambicioso film y la gente después cree que todo son efectos especiales.
Me pareció genial la manera en que se trabajó el mensaje ecológico. En lugar de llenarle la cabeza a la gente con lo mal que están las cosas y más mensajes apocalípticos, el director trabajó su mensaje haciendo hincapié en la belleza de los océanos y las especies que viven en ese ambiente.
Es como que Perrín expresa “esto es por lo que vale la pena pelear y cuidar”.
Esto es por lo que vale la pena comprometerse, esto es por lo que vale la pena hacer algo para detener el daño que generamos en los mares y océanos como humanos.
De regreso en las casas o las aulas después se puede profundizar sobre las cuestiones técnicas de las especies, pero esa no es la intención del film.
Como mencioné antes Océanos se hizo para sentir.
La única crítica negativa que tengo con este estreno, pero no va afectar mi calificación, ya que no tiene que ver con el laburo del director, es que a la versión para el continente americano Disney le corto 20 minutos.
En Europa la van a ver completa y es una pena porque la película es tan grossa y está tan bien realizada que genera intriga el material que quedó afuera.
Más allá de eso Océanos es un gran estreno para no dejar pasar en los cines.

A fines del año pasado cuando surgieron las primeras noticias de La carretera se genéro una gran expectativa por esta adaptación de la novela de Cormack McCarthy.
Inclusive se la mencionó como una de las grandes candidatas para los Oscars de este año algo que no llegó a suceder, ya que no tuvo repercusión en las entregas de premios y su estreno en Argentina se demoró varias veces.
La película encuentra sus virtudes en el trabajo de fotografía y la interpretación de Viggo Mortensen, quien es el que más se destaca en el reparto.
Al margen de estos puntos el film es un bodrio que califica entre las peores historias apocalípticas que se conocieron en el último tiempo.
La trama no tiene tanto que ver con el fin del mundo, sino con el fin de la sociedad tal cual la conocemos.
Una temática que George Romero y John Carpenter trabajaron en el pasado pero como hacían películas plagadas de acción o escenas violentas a la crítica tradicional le llevó una vida tomarlas en serio.
Dentro de este estilo de relatos estos directores brindaron propuestas que al menos lograban engancharte con los problemas que atravesaban los protagonistas y el conflicto en general.
El tema es como que no tiene acción o grandes momentos de suspenso para algunas personas es más artística, cuando en realidad es un embole pretensioso que te deja totalmente indiferente ante las situaciones que atraviezan los personajes principales.
La carretera es una larga tortura de 111 minutos donde se presentan a los buenos, los malos (los caníbales) y una serie de situaciones que no tienen explicación, ya que la historia tampoco brinda mucha información sobre lo que ocurrió en el escenario donde se desenvuelven los aburridos personajes de McCarthy.
Es una película que no va a ninguna parte. No es entretenida, tampoco aborda ninguna reflexión en particular y por eso desde lo emocional no genera nada porque es difícil conectarse con los personajes por la manera en que se encaró el relato.
De todas maneras, para los que se enganchen con una historia densa y ultra deprimente esto es como pasar un día en un spa.

Karated Kid es un clásico memorable de John Avildsen (Rocky) que se destacó como uno de los filmes más populares de los años ´80 y dio pie a tres secuelas.
La segunda estaba buena, el resto mejor olvidarlas.
Cuando nos enteramos que Will Smith iba a hacer la remake con su hijo Jaden, muchos puteamos porque la idea sonaba ridícula.
Lo cierto es que la nueva película es genial y me atrevo a decir que en algunos aspectos supera a la original.
Una enorme sorpresa que yo por lo menos no esperaba.
Si bien la trama es la misma, la película es totalmente distinta porque tiene otro enfoque y ahí es donde la pegó Smith, quien fue uno de los principales productores de este estreno.
Tomaron un cuento conocido y lo convirtieron en una experiencia diferente en lugar de caer en el refrito burdo.
Acá no existen Daniel Larusso ni en el señor Miyagi y los protagonistas son totalmente distintos y tiene otra relación entre sí.
En realidad la película debió estrenarse con el título de Kung Fu Kid, como se va a conocer en Oriente, ya que en esta versión el karate no tiene nada que ver.
La disciplina en la que se centra la historia es el Kung Fu, que se trabaja más allá de las secuencias de acción también desde lo filosófico.
El protagonista aprende que todo es Kung Fu en la vida, más allá de las peleas.
Supongo que debe existir alguna razón vinculada con el marketing que explique por qué Sony estrenó el film con el nombre de Karate Kid que es totalmente ridículo.
Es lo único que puedo objetarle, ya que después hay un montón de cosas positivas donde superaron a la original porque más que le cueste reconocerlo a los fans del film de 1984.
1- La relación entre el protagonista y su madre:
Acá tiene mucho más peso en la historia, tal vez porque el personaje es más chico, y hay muy buenas escenas dramáticas relacionadas con este tema.
2- El maestro.
Jackie Chan es la razón por la cual no se puede dejar pasar esta película. Me encantó que no salió a copiar el memorable personaje de Pat Morita, sino que creó algo totalmente nuevo. Jackie brinda la mejor interpretación de su filmografía junto con su labor en The Shinjuku Incident, que no se estrenó en Argentina. Su personaje del señor Han es mucho más intenso y emocionante de lo que fue la primera aparición de Miyagi y la relación entre maestro y alumno acá está mejor desarrollada. Hay una escena muy emocional que tiene con el pequeño Smith que es memorable. Nunca lo vimos a Jackie de esa manera.
3- El villano.
En este punto la remake humilla directamente a la original. Los malos de la película de Avildsen eran los Village People comparados con los pendejitos sacados y violentos que hay en esta historia.
Zhenwei Wang, el villano principal, es una revelación absoluta. El pibe es una versión miniatura de Jet Li y no tengo dudas que tiene un carrerón en el cine por delante. Cuando lo ves en acción es imposible no reírte al recordar lo que eran los matones de la historia original. Este es realmente malo.
Algo que me sorprendió de la película es el contenido de violencia que es mayor al de los episodios anteriores y el hecho que los personajes sean más chicos genera que este aspecto sea más intenso todavía.
Por otra parte el trabajo de Jaden Smith es increíble. Más allá de tener carisma y moverse muy bien en escenas dramáticas, la manera en que se esforzó para no hacer el ridículo en las secuencias de acción es admirable.
Hay un momento donde lo vemos extender las piernas en un entrenamiento a lo Jean Claude Van Damme que es sorprendente.
Tenía 11 años cuando filmó esas secuencias de entrenamiento y la verdad que resultó mucho más convincente que Ralph Macchio (que tenía 23 cuando hizo la primera) en las escenas relacionadas con las artes marciales.
No puedo dejar pasar el trabajo del director Harald Zwart quien le sacó el jugo a los fantásticos paisajes naturales de China. Hay un par de escenas en la Gran Muralla que son bellísimas.
Teniendo en cuenta que este sujeto dirigió previamente Agente Cody Banks y La Pantera Rosa 2, esta película no parece filmada por él.
Fui a verla con cero expectativa esperando que fuera un desastre y me sorprendí con uno de los mejores estrenos que tuvimos en los últimos meses que merece su visión.

Joe Carnahan (Narc, Smokin Aces) con muy pocas películas se destacó en los últimos años como uno de los mejores realizadores que trabajan en Hollywood dentro del cine policial y de acción y ya se hizo habitual encontrarlo en muchas ediciones especiales en dvd de películas clásicas de estos géneros, donde brinda sus opiniones en los documentales.
Su último trabajo es uno de los grandes peliculones de acción que vamos a ver este año. Alguno les gustará más a otros menos.
Lo que nadie le podrá objetar es que adaptó en la pantalla grande la clásica historia de los Magníficos.
La película de Brigada A no sólo es un glorioso tributo a una de las mejores series de los años ´80 sino también a un estilo de cine que ya no existe más y que tuvo su pico máximo de popularidad en esa década.
El trabajo del director Carnahan es una celebración del cine de Stallone, Schwarzenegger, Bruce Willis, Chuck Norris y todas los grossos que se destacaron en aquellos años.
Es gracioso e interesante, porque las mismas críticas que recibió este estreno en Estados Unidos son exactamente las que le hicieron a Brigada A cuando apareció en la televisión.
La serie se hizo famosa, entre otras cosas, por presentar todas las semanas secuencias de acción totalmente desquiciadas que eran imposibles de encontrar en otros programas.
Todo era exagerado.
Las persecuciones automovilísticas y las explosiones eran trabajadas de manera desmesurada por la sencilla razón de que el programa no se tomaba en serio a si mismo.
Esa era la esencia de Brigada A que Joe Carnahan capturó a la perfección y lo desarrolló en este trabajo.
El director se toma un tiempo bastante largo para presentar y establecer el conflicto principal, algo que puede ser una tortura para quienes no son fans del género.
Sin ambargo, para el resto es una delicia porque el film es una locura absoluta, a tal punto que los últimos filmes de James Bond parecen documentales de Michael Moore a lado de las cosas que vas a ver acá.
Hay una secuencia maravillosa donde a los protagonistas los derriban en un avión y los tipo caen en un tanque con paracaídas a la tierra, mientras combaten en el aire!
Una belleza. Ni hablar de los vuelos en helicóptero de Murdock o el rescate de Mario en la cárcel que son un desquicio total y está perfecto que así sea.
Si la película hubiera sido distinta, Carnahan hubiera fracasado miserablemente con esta propuesta.
Reitero, es Brigada A no La caída del Halcón Negro.
El elenco es buenísimo y todos los actores capturaron la esencia de los personajes al mismo tiempo que le aportaron cosas nuevas.
El trabajo más complicado (y por eso lo banco) fue para Quinton Rampage que le tocó la dura tarea de interpretar a Mario Baracus.
Mario era un personaje muy complicado porque en la serie estuvo a cargo de Mr. T, un tipo bastante carismático y excéntrico que básicamente se interpretaba a si mismo en el programa.
Mr. T era Mario fuera de las cámaras y viceversa.
Rampage no interpretó a Mr. T sino a Baracus y tuvo que trabajarlo desde otro lugar.
El tipo es un deportista, campeón de artes marciales, cuyos antecedentes en el cine eran películas malas clase Z dirigidas por el argentino Héctor Echavarria (Brigada Cola, Extermineitors) y la verdad que su trabajo estuvo correcto.
S bien el Mario de la película es menos colorido funciona bien en el grupo.
El Murdock más border que interpreta Sharlto Coldplay (Distrito 9) es quien ser roba el film pese a los buenos trabajos que también brindan Liam Nesson y Bradley Cooper.
Salvo para aquellos que se sientan a ver estas películas buscando mensajes sobre el significado de la vida, Brigada A es una gran película de acción que se destaca junto con Sangre y Amor en Paris entre las mejores cosas que pudimos ver en el género este año.
Una gran antesala de lo que será The Expendables, de Stallone, que viene encarada por el mismo camino.
El DATO LOCO:
-Después de los créditos finales hay una escena extra donde aparecen Dirck Benedict y Dwight Schultz, los actores que interpretaron a Faz y Murdock respectivamente en la serie.
Mr.T también iba a aparecer pero luego rechazó el cameo porque consideró que merecía más participación. Benedict hace poco también se quejó porque su escena aparece después de los créditos finales y lo consideró un insulto.
-El hombre al que Liam Nesson llama “jefe” al comienzo de la película cuando llegan al hospital es el director Joe Carnahan.

¿Y dónde está el romance?
La pregunta del millón relacionada con este estreno.
New York, i love you, es una película insulsa y fría que no le hace justicia a la famosa ciudad norteamericana, que en el cine fue escenario de grandes historias de amor.
El film es como una especie de secuela de Paris, Je Taime, estrenada hace unos años donde un grupo de directores presentan distintas historias relacionadas con el amor que tiene en común el escenario principal.
Es raro que en una antología de cortos todos sean grandiosos, pero en este caso en particular el resultado es decepcionante por la cantidad de gente talentosa que participó de este proyecto.
En You Tube, podés encontrar cortometrajes románticos mucho más emocionantes e interesante que los que vas a ver en este film.
Los artistas que trabajaron en esta película tenían 8 minutos para contar un relato, que debía ser filmado en dos días.
El límite de tiempo la verdad que no es excusa para justificar la falta de pasión que hay en la gran mayoría de las historias.
Son muy pocos los directores que lograron contar un pequeño cuento que al verlo no te deje indiferente.
Destaco la labor de la directora Mira Nair, quien brinda una linda historia con Natalie Portman, la última contribución del Maestro del Bodrio, Anthony Minghella (El paciente Inglés) con dirección de Shekhar Kapur (Elizabeth), que también presenta un buen relato protagonizado por Julie Cristie y el corto de Joshua Marston (María llena eres de gracia), probablemente el mejor y más emotivo, con Elly Wallach (Tuco de El Bueno, el Malo y el Feo) y Cloris Leachman ( El joven Frankenstein).
Este último es una larga charla entre una pareja de ancianos donde podemos apreciar a dos grossos de la actuación en su esplendor.
La revelación es el trabajo de Brett Ratner (Rush Hour) con James Caan, quien ofreció una de las historias más entretenidas. No es la mejor pero es divertida.
Que la labor de Ratner se pueda destacar habla bastante de este estreno.
La verdad que el resto de los cortos son una paja donde los guionistas brillaron por su ausencia.
No son historias de amor sino encuentros sociales filmados (algo muy distinto) que en la gran mayoría de los casos ni siquiera resultan interesantes.
Una diferencia con París es que los cortos no están segmentados en este caso y por momentos la película se vuelve confusa. Sobre todo con los cortos más flojos que no sabés cuando terminaron.
Lo mejor de la película es el gran laburo de fotografia que hay en general en las historias y la tomas de la ciudad que son fabulosas.
Cabe destacar que Scarlett Johansson debutó como directora en esta película pero su corto fue tan malo que los productores decidieron no incluirlo en los cines. Si se va a poder ver en la edición en dvd.
La próxima parada de esta serie de antologías será Río de Janeiro, otra gran ciudad, que ojalá brinde mejores historias que las que hicieron hasta ahora.

EL REGRESO DEL HIJO PRÓDIGO!!

Luego de los melodramas que brindaron en el último tiempo con personajes aburridos que carecían por completo de carisma y la insoportable prédica de corrección política, el estudio de animación de la famosa lamparita volvió a las raíces con una propuesta divertida donde se animaron a jugar con chistes y guiños que hace 5 años atrás eran impensables de concebir en un film de esta compañía.
Es un enorme alivio ver a Buzz y Woody otra vez en una aventura épica con muchísimo humor que tiene sus momentos emocionantes pero sin ser forzados con el objetivo de conmover al público a cualquier precio.
Toy Story 3 es la película más graciosa que brindaron desde Monsters.
Esto era exactamente lo que yo le venía pidiendo a Pixar.
Relájense y hagan una buena comedia divertida con una historia bizarra y personajes locos.
Toy Story 3 rompe desde lo argumental con varios esquemas de esta productora.
Ya de por si la trama es un delirio absoluto.
Los protagonistas se enfrentan a una mafia de juguetes que mantienen el control de un jardín de infantes.
El malo de la película es el clásico osito cariñoso que en este caso es la versión peluche de Tony Soprano. Lo que hicieron con este personaje es maravilloso.
A diferencia del clásico malo de Pixar que después en el final siempre encuentra la redención y descubrimos que no era tan terrible, porque dentro suyo había un buen corazón, el malo de esta película se mantiene fiel a su esencia hasta el final.
El osito es un bastardo resentido y manipulador que no desea cambiar para nada su manera de ser.
En esta ocasión incorporaron también a Ken, el famoso novio de Barbie, con el que Mike Amigorena se hizo un festín en el doblaje argentino.
En la cultura popular ya sean cómics o series de televisión siempre se hicieron jodas con la sexualidad de Ken, quien nunca se vio muy masculino que digamos. La verdad que la vestimenta con la que lo vendían no ayudaba demasiado.
En Toy Story 3 no paran de joder con este tema con mucha sutileza y hay escenas desopilantes donde Ken, por ejemplo, se enoja porque un robot lo tilda de ser un juguete para niñas o Barbie amenaza con destruirle su vestuario si no le da una información. La escena de la carta que lee Buddy al final es mortal.
Son pequeños chistes que uno podría asociarlos más con Shrek que con esta serie y funcionan muy bien, además de darle un poco de aire fresco a la trilogía.
La labor del guionista de Pequeña Miss Sunshine, Michael Arndt, quien colaboró con John Lasseter (creador de los personajes) en el guión y trabaja con un humor diferente al que suelen tener las producciones de Pixar, sobresale un poco más en esta historia y me parece que su participación en este film fue clave.
En este caso la dirección corrió por cuenta de Lee Unkich (co director de Monsters y Buscando a Nemo) que trabajó más con el suspenso y la aventura.
Los momentos finales de la trama donde la acción se desarrolla en un basurero son visualmente espectaculares y emocionantes.
Unkich logra engancharte en la historia como si estuvieras viendo un thriller.
Lo único que le puedo objetar a Tory Story 3 es la banda de sonido, donde yo por lo menos extrañé alguna canción nueva de Randy Newman. En este caso trabajaron con el mismo material de las anteriores y no hay novedades.
Más allá de eso, el film es una gran comedia que mantiene la esencia de las primeras películas al mismo tiempo que exploraron nuevos territorios desde el humor.
La función arranca excelente desde el corto, “Día y Noche” que precede a la película y expresa sutilmente un mensaje poderoso.
Bienvenido a casa Pixar, te extrañé en los últimos años.

Cartas a Julieta es de lo mejor que llegó a los cines en lo que va del 2010 dentro del género de la comedia romántica.
No es una película inolvidable pero comparada con los filmes que protagonizaron recientemente Jennifer Aniston y Jennifer Lopez es una propuesta superior.
Si bien la historia es bastante predecible y no sorprende para nada con su resolución el director Gary Winick (Guerra de novias) que ya cuenta con experiencia en este estilo hizo llevadera la trama al apoyarse en los espectaculares paisajes de Verona y zonas rurales de Italia que son un importante personaje más de la película.
Con semejantes escenarios enseguida quedás enganchado al cuento cuando el conflicto se traslada a Europa.
Amanda Seyfried está muy bien en el rol protagónico pero su química con Christopher Egan es inexistente, algo que en este género es vital. Es muy difícil comprar las situaciones que vive en el film con Egan porque no hay chispa en las escenas que comparten juntos.
De todos modos, en Cartas a Julieta la historia principal de amor no es la que vive el personaje de Amanda sino el de Vanesa Redgrave con el Gran Franco Nero, quienes en la vida real están en pareja desde 1967, algo muy extraño en el mundo del cine.
Si querés saber de que se trata la química en este arte mirá las escenas que tienen ellos juntos en este film y en las otras 10 diez películas que hicieron en las últimas décadas.
Ningún productor de casting puede crear eso.
Nero en los últimos años se retiró un poco de la actuación y sólo trabaja en roles secundarios, óperas primas y cortometrajes de cineastas nuevos que recién arrancan con su carrera. En los cines argentinos no se lo veía desde Duro de Matar 2 que fue su último trabajo en Hollywood y es genial encontrarlo de vuelta en la pantalla grande.
Me pareció un guiño divertido que el director Winick lo presente en esta historia montando a caballo en el campo, teniendo en cuenta que es uno de los máximo íconos del spaghetti western, donde sobresalió en clásicos como Django, Vamos a matar compañeros, Keoma y Viva la muerte tuya entre otros filmes memorables.
No puedo dejar de destacar a Gael García Bernal, quien una vez más demuestra su capacidad increíble para crear personajes insoportables.
En esta película no para de hablar de manera acelerada en cada maldita escena en la que aparece y te dan ganas de tener la entrada mágica de El último gran héroe (Schwarzenegger) para entrar en la historia y quitarle las cuerdas vocales. Insoportable el personaje.
En fin, la verdad que la comedia romántica está en crisis en el cine norteamericano con cada porquería que se estrena últimamente, pero esta es una buena película y vale la pena si te gustan estas historias.

Los senderos de la vida es una película coreana que pasó sin pena ni gloria por los cines de ese país pero fue muy bien recibida por la critica extranjera.
La trama está inspirada en un suceso que vivió la directora So Young Kim cuando era chica y su madre la dejó a cargo de sus abuelos junto a sus hermanos para irse a los Estado Unidos a buscar una vida mejor.
Es una historia dura sobre chicos que tiene que lidiar situaciones fuertes de abandono y sobreponerse a muy temprana edad para salir adelante.
Junto con la producción de terror inglesa The Children, la película presenta los mejores niños actores que pude ver en el cine en mucho tiempo.
La dirección de Young Kim es buenísima y logró capturar interpretaciones totalmente espontáneas y creíbles en las pequeñas protagonistas que no son actrices con experiencias.
La dirección de niños es una excelente vía para comprobar las dotes de un realizador. Los chicos pueden ser excelentes pero si están mal dirigidos el resultado final de una película puede ser desastroso.
Sin aturdir al espectador con golpes bajos pedorros e inverosímiles como el film Preciosa, Los senderos de la vida narra un buen cuento sobre el abandono evitando el melodrama.
Todo se narra desde la óptica de las niñas que deben lidiar con un mundo diferente a partir del momento en que su madre las deja con una tía.
El problema de este estreno me parece que pasa por el guión, donde la historia durante gran parte del film cae en el clásico cine paja donde no sucede nada relevante para los personajes. Y cuando digo nada es nada.
Son escenas con las que la directora tal vez se sintió contenta al tratar de homenajear o emular a Terrence Malick (La delgada línea roja) pero no le aporta nada a la historia.
El cine no es más artístico por ser aburrido.
La excelente película coreana Camino a casa, que se estrenó hace unos años y presentó una historia similar sobre un chico que debe acostumbrarse a vivir con su abuela cuando su madre debe dejarlo para hacer un viaje, también tenía una dirección con un enfoque minimalista pero estaba apoyado por un guión que tenía un trabajo mucho más desarrollado en los que se refiera a la relación entre los personajes. El chico vivía experiencias y tenía conflictos.
Lo mejor de El sendero de la vida viene cuando las niñas se van a vivir al campo con sus abuelos y finalmente las vemos experimentar cosas distintas mientras buscan adaptarse a una nueva vida y un futuro mejor.
Lamentablemente eso ocurre en la última parte del film y la directora pierde gran parte de su trabajo en situaciones redundantes que no llevan a ningún lado.

Que película loca!
Me asombra que en una industria estructurada como Hollywood donde aniquilaron La Brújula Dorada en su adaptación para no herir las susceptibilidades de la Iglesia le dieran luz verde a esta historia.
El concepto de Legión de Ángeles es el siguiente.
Dios se hinchó las pelotas de los humanos y manda una legión de ángeles, personajes que históricamente siempre estuvieron relacionados con la paz y el amor para que acaben con el mundo de una vez por todas. Todos los seres vivos sin excepción.
Sin embargo, al arcángel Miguel, interpretado por Paul Bettany, le parece un poco zarpada esta actitud de Dios y llega a la Tierra para organizar un piquete con otros humanos y evitar que se concrete el plan divino.
Se trata de un film muy bizarro por la trama que plantea, donde el Diablo y las fuerzas malignas acá no tiene nada que ver. Los que matan gente son ángeles y fueron enviados por el Gran Jefe.
La película está bien pero podría haber sido mucho mejor en manos de otro director.
Legión de ángeles representa la ópera prima de Scott Stewart, un reconocido especialista en efectos especiales que trabajó en producciones importantes como Blade Runner, Harry Potter, Superman Regresa, Sin City, Iron Man y Jurassic Park 2 entre otro títulos.
El 90 por ciento del film se desarrolla como una típica propuesta apocalíptica de zombies con la particularidad, que acá los muertos vivos son en realidad ángeles.
Si quitáramos todo el conflicto central entre Miguel y Dios es una más de zombies.
Como suele ocurrir con muchos artistas que se lanzan como realizadores y viene del palo de los efectos especiales o trabajaron mucho tiempo como directores de segunda unidad elaborando secuencias de acción, la película de Stewart flaquea en los momentos dramáticos donde trabaja las relaciones entre los personajes.
Todos los tiroteos están muy bien logrados pero cada vez que la historia frena la acción el film se estanca.
Paul Bettany es lo mejor de este estreno y ejemplifica a la perfección lo que escribí la semana pasada sobre los pseudos héroes de acción como Jake Gyllenhaal en el Príncipe de Persia.
Sin matarse en el gimnasio ni mostrar un físico torneado, Bettany en estos personajes le patea el culo a cualquiera. Sin bien es un gran actor con mucho más talento y recursos que Jake, el tipo interpreta de manera convincente estos roles como si toda la vida hubiera hecho películas de acción.
A Legión de ángeles le podés pegar desde un montón de lados, ya sea por el guión tonto o algunos efectos digitales que se ven artificiales, pero Bettany está excelente y es el mejor del reparto.
En realidad todos los actores los actores en general están muy bien, pero Paul sobresale más por su personaje.
Parece que pegó buena onda con el director Stewart ya que hace poco terminaron de filmar Priest, una adaptación del cómic de Min-woo Hyung que acá conoceremos en marzo del año que viene y se encuentra en post producción.
Es la historia de un cura rebelde que se enfrenta con vampiros.
En fin, Legión es un estreno que probablemente van a disfrutar más quienes se enganchen con el cine clase B que los espectadores que busquen ver un gran film pochoclero.

Al fin una película de animación occidental distinta!
Batalla por Terra es por lejos la mejor producción independiente que llegó a los cines dentro del género de animación en los últimos años.
La verdad que no va a ser una sorpresa si en el futuro el director Aristomenis Tsirbas termina dirigiendo alguna película para Pixar o Dreamworks porque el trabajo que hizo con su ópera prima es buenísimo.
De hecho, Brad Bird, responsable de Los Increíbles y Ratatouille, arrancó así.
Es imposible no pensar en Avatar cuando uno se pone a ver este film, ya que la historia es muy parecida y el mundo de alienígenas que creó Tsirbas remite bastante al Pandora de James Cameron.
Aunque los personajes son físicamente distintos tienen muchas cosas en común y enfrentan al mismo enemigo, que son los humanos.
Vale destacar que esta producción se hizo antes que se conociera el proyecto de Avatar.
Batalla por Terra es una película de aventuras que no fue concebida para vender productos en la cajita feliz de McDonalds. Es una película familiar que puede ser disfrutada por chicos de siete años en adelante, especialmente los varones que son los que más se pueden enganchar con la historia.
No hay mucho humor ni tenés personajes comediantes. Es una historia con un mensaje interesante sobre la guerra y el racismo.
Es loco porque en este caso los alienígenas son super pacíficos y tiene armamentos mucho menos desarrollados que los seres humanos por la sencilla razón que no están acostumbrados a pelear.
Viven en su mundo y no joden a nadie. Esto cambia cuando los terrestres invaden el Planeta para apoderarse de sus recursos y no les queda otra que defenderse.
La verdad que para ser un film que se hizo con 8 millones de dólares las secuencias de acción y toda la ambientación de la historia es realmente espectacular.
Las producciones animadas de los grandes estudios en el último tiempo no bajan de los 150 millones de dólares algo que en este género marca una diferencia importante en lo que después vemos en la pantalla.
Con un presupuesto muy moderado el director Tsibas no sólo presentó un producto super digno, sino que además superó claramente a otras películas independientes que pasaron por los cines como Astro Boy, Planeta 51 o Vamos a la luna.
En Estados Unidos le pegaron bastante varios medios por el tema de la violencia y el hecho que los aliens resuelvan las cosas peleando, algo que me parece una reverenda boludés.
El film se llama Batalla por Terra no Plaza Sesamo en el espacio.
Que hubiera sido de Star Wars si Luke Skywalker y Darth Vader hubieran resuelto sus diferencias hablando pacíficamente. Un bodrio!!
Es una historia de fantasía y si sos chico esperás ver esas batallas espaciales que ofrece la película y son fabulosas.
La verdad que resultó una sorpresa porque no tenemos muchos estrenos de animación por año en los cines que ofrezcan algo distinto de las típicas comedias de Dreamwoks y los melodramas de Disney.
Acá tenemos una producción chiquita de aventuras espaciales que se disfruta y está para ver.

El príncipe de Persia es una popular serie de de video juegos que logró mantenerse vigente entre los consumidores de este tipo de entretenimiento desde 1989.
Con la cantidad de propuestas nuevas que surgieron en la última década esto no es un dato menor.
Los productores del juego se la rebuscaron muy bien para reinventar al personaje con nuevas aventuras en los últimos años.
Con esta adaptación cinematográfica el Rey del Pochocho Jerry Buckheimer se jugó a repetir con Disney el mismo éxito que tuvo con la franquicia de Piratas en el Caribe, que cuando surgió el primer film nadie apostaba un peso y muchos medios auguraban que iba a ser un fracaso.
En los próximos días veremos si Bruckheimer puede repetir el mismo resultado.
Por mi parte me cuesta ver una saga duradera.
O sea, es una película de aventuras decente pero no salís del cine con ganas que se estrene ya la secuela como pasó con la primera de Piratas.
No tiene la misma emoción y varios factores tienen que ver con esto.
En primer lugar, el protagonista.
Jake Gyllenhaal es un ejemplo perfecto de que los héroes de acción no se crean con nutricionistas y preparadores físicos.
Te podés matar en el gimnasio que si después no le ponés actitud o no das con el papel no hay nada que hacer.
La verdad que después de verlo a Gyllenhaal como el príncipe de Persia respeto más a Sam Worthington. Es más, a partir de ahora soy su seguidor. El flaco no tendrá el histrionismo de Johnny Depp pero si hace de guerrero recio compro lo que veo.
El trabajo de Jake no es desastroso pero me costó creerme que es un aventurero rebelde.
Al margen que algunos diálogos tontos del guión no colaboraran con él, como héroe de acción no encaja demasiado.
Otro tema es que a diferencia de Piratas se zarparon con el uso de animación digital. Hicieron un gran trabajo con los escenarios que recrearon pero en las secuencias de acción se ven artificiales.
Lo mejor de la película es por lejos el trabajo del chileno Alexander Witt (Resident Evil 2) quien estuvo a cargo como director de la segunda unidad y fue responsable de todas las escenas de acción.
Las peleas con espadas y persecuciones estuvieron muy bien realizadas (por eso zafa Gyllenhaall) y queda claro por qué este tipo es uno de los más requeridos en Hollywood en los últimos años. Especialmente por Ridley Scott, quien lo adoptó desde Gladiador como principal colaborador en este campo.
Alexander hace mucho tiempo que le está dando bola al pakour en el cine.
El pakour, para los que no les suena el nombre, es una disciplina muy loca practicada por personas con un excelente estado físico que se desplazan por lugares urbanos y naturales superando todo tipo de obstáculos con movimientos corporales muy fluidos. Es algo que no es para cualquiera. No se trata de saltar a la rayuela precisamente.
Lo cierto que el director Witt viene trabajando con profesionales de esta actividad hace rato en el cine donde presentó secuencias de acción fabulosas como las que hizo en La identidad Bourne y Casino Royale entre otros filmes.
Justamente su trabajo en aquella persecución a pie en el film con el glaciar Daniel Craig generó que el parkour cobrara más fuerza en Hollywood, tanto en el cine como en la televisión.

En el Príncipe de Persia me parece que se dio el gusto de explotar el parkour como no pudo hacerlo anteriormente y dirigió escenas muy divertidas de ver.
Está bueno destacar esto porque los directores de la segunda unidad son realizadores fantasmas a lo que nadie tiene en cuenta y en este tipo de propuestas los laureles siempre se los lleva el director principal cuando son ellos los responsables de la planificación y realización de las grandes secuencias de acción. Al menos en el 90 por ciento de los casos.
El laburo de Witt en el Príncipe de Persia es lo más destacable de esta producción, que no es lo mejor de la factoría Bruckheimer, pero zafa para entretenerse un rato con una historia de aventuras.

El plan B es la confirmación absoluta que el género de la comedia romántica está completamente muerto en Hollywood.
Las películas son cada vez peores y las propuestas nuevas que se conocieron últimamente están estancadas en un pozo de mediocridad.
La década del ´90 brindó buenos filmes de este estilo con los trabajos de Meg Ryan, Julia Roberts e inclusive Robert Downey Jr.
En Only You, por ejemplo, el actor estuvo excelente junto a Marisa Tomei y era una muy buena historia, pero en estos días es cada vez más difícil encontrar propuestas de ese nivel, que tampoco eran obras maestras, pero al menos eran buenas películas.
La gran paradoja de este estreno es que Jennifer Lopez es lo mejor de este film.
Más allá de que se ve espectacular en cada escena que aparece su trabajo es decente e hizo lo que pudo en un proyecto donde tenía todo en contra.
En primer lugar, la química con el coprotagonista, Alex O´Loghlin es totalmente inexistente, algo que es vital en este género.
No se entiende como no corrigieron esto en preproducción.
Después está el tema del guión que es desastroso.
La temática estaba buena pero no supieron encontrarle la vuelta para hacerla entretenida.
La película es aburridísima y los momentos de humor son totalmente forzados.
El trabajo del director Alan Poul, quien viene de la televisión, es impresentable.
No permite que el espectador conozca a los personajes y haya una relación entre ellos.
Jennifer Lopez se somete a un tratamiento de fertilización asistida y a los dos minutos conoce al hombre de su vida.
En la segunda cita el flaco ya está totalmente comprometido en construir una familia con una mujer que recién conoció y espera gemelos. Dos minutos después ya están viviendo juntos. Luego sigue una insoportable saga de peleas y reconciliaciones que hacen a la visión de este film insufrible.
Por supuesto no están ausentes los clásicos clichés a los que recurren una y otra vez como el amigo negro bonachón del protagonista y la vejita sabia que nunca falta en la comedia romántica de Hollywood que es la única que entiende a la heroína y una banda de sonido pedorra donde usan canciones malas de relleno sin ningún tipo de criterio.
Para buena comedias románticas hoy no queda otra que probar con el cine asiático. Propuestas coreanas como Casado con la Mafia, El arte de la seducción y Mi esposa es un gángster son un millón de veces más divertidas que estos bodrios hollywoodenses que ni siquiera vale la pena alquilarlas en dvd.
Para el olvido.

Antoine Fuqua (Día de entrenamiento) es uno de los mejores realizadores que surgieron en estos últimos años en Hollywood.
Después de trabajar en superproducciones como Rey Arturo y Lágrimas del sol (Bruce Willis) volvió al policial con un film que hizo con menos de la mitad de presupuesto que costaron sus últimos trabajos.
En este caso abordó el género desde un lugar que no es para nada sencillo desarrollar en el cine y son las historias corales.
Robert Altman es un genio manejando este tema pero no todo los realizadores pueden llevarse bien con muchos personajes y subtramas.
Los mejores de Brooklyn presenta tres historias independientes, cuyos protagonistas se van cruzando durante el desarrollo del film, aunque los conflictos están bien delimitados.
La película se centra más en el drama que la acción (a diferencia de Día de entrenamiento) y se destacan las historias que protagonizan Ethan Hawke y Don Cheadle.
La subtrama de Richar Gere todavía no le encuentro razón de ser y creo no hizo otra cosa que alargar la duración del film sin sentido. Tipíco cuento del policía conflictuado y acabado que busca la redención. Un bodrio.
La situaciones que atraviezan Cheadle como un agente encubierto que no le encuentra salida al mundo del crimen y Hawke como un policía y asesino que cruza todos los límites morales y humanos para brindarle una vida mejor a su familia son muchos más interesantes.
Me quedó la sensación que el guionista Michael Martin intentó brindar un policial similar a Los Ángeles al desnudo pero la pifió en la ejecución. En aquella historia de James Ellroy también tenés tres subtramas paralelas que con el tiempo se desembocan en un mismo conflicto.
Acá las historias no tienen nada que ver entre sí y por eso la de Gere, que es la más debil termina por hacer ruido. Si la eliminaban del film no alteraba para nada la propuesta.
Es como que presentan un montón de personajes con problemas pero falta un elemento o causa que los reúna a todos como ocurría con ese trabajo de Ellroy. Acá es como que vemos tres películas distintas.
El director Fuqua, de todas maneras, se la arregló para hacer llevadera la película y hay momentos de tensión y suspenso muy bien trabajados.
Me encantó lo que hizo con las locaciones y el ambiente que eligió para desarrollar la historia. En la actualidad Nueva York es un lugar complicado para narrar policiales porque la ciudad se aburguesó desde hace varios años y hay muchísima seguridad.
Brooklyn, sin ir más lejos, hoy es un barrio donde no viven precisamente los más pobres. De hecho, muchas comedias románticas se filman por ahí ya que hay propiedades caras que componen un lindo paisaje urbano.
Sin embargo, Fuqua al igual que hizo con Día de entrenamiento buscó la zona de ese barrio que mejor se adaptaba para la historia que quería contar y que rara vez se ven en el cine o la televisión.
Todas las calles del distrito 75 y la zona de Junior Street difícilmente las vas a conocer si viajas a la ciudad como turista y es un lugar donde este tipo de historias tranquilamente podrían suceder. Es la otra parte de Brooklyn que no se ve en los folletos de las agencias de viaje.
Esos detalles a los que el director siempre les presta atención me parecen geniales.
No puedo dejar pasar el excelente trabajo de Wesley Snipes. La verdad que es un actor totalmente subestimado. Acá está excelente y brinda una gran interpretación en muy buenas escenas con Don Cheadle. Es increíble que no lo convoquen más seguido en producciones importantes y pierda el tiempo con filmes malos clase B que se editan directamente en dvd.
Los mejores de Brooklyn no es la gran película de Fuqua pero dentro de todo es un policial decente. Si disfrutaron el año pasado de Código de Familia, con Edward Norton se van a enganchar con esto.

Samarra es una historia de ficción que se inspira un hecho real que fue en el asesinato y violación de una chica iraquí de 14 años por parte de un grupo de soldados norteamericanos.
Lo que me impactó de este film es que es la primera película de ficción realizada por un artista de los Estados Unidos, que retrata a la perfección lo que la gran mayoría de la comunidad internacional siente sobre la invasión a Irak y el desastre que la administración de George Bush generó en esa región del mundo con una guerra totalmente inventada.
De Palma refleja con mucho realismo lo que se siente vivir en este momento en Irak donde podés morir victima de un atentado terrorista o en la incursiones del ejército estadounidense.
Como tal vez recuerden, el cineasta ya había trabajado en Pecados de Guerra (1990), con Sean Penn, un hecho similar que se refería a la guerra de Vietnam.
La particularidad de Samarra es que fue filmada con cámaras digitales, a lo Cloverfield o Diario de los Muertos (de George Romero) que en este caso retrata la visión de un soldado, quien decide registrar todo lo que sucede en su pelotón con su cámara personal.
La historia además es narrada desde otros puntos de vista, que incluye a un documental francés (también ficticio) que habla sobre la vida en Irak luego de la invasión norteamericana. El realismo que tiene la historia se intensificó con la decisión del cineasta de trabajar con actores no profesionales, que en mi opinión hicieron un gran trabajo.
De Palma, quien se convirtió de la noche a la mañana en el Enemigo Público número 1 de su país con este trabajo, comentó en varias entrevistas que estaba cansado de la mirada con la que los medios mostraban al Ejército de su país en películas y noticieros y él quería retratar la otra cara de lo que ocurre en Irak que mucha gente no esta dispuesta a aceptar.
De alguna manera Samarra describe de manera contundente el fracaso de las estrategias de la administración Bush en materia de política internacional. El mensaje del realizador es claro: El Ejército de un páis no puede actuar como policía internacional imponiendo su ley en el mundo.
Voy a ser honesto, este trabajo de De Palma, que es lo mejor que hizo en muchos años, es un film deprimente que te deja con una sensación de angustia al final. Los últimos 30 segundos donde se muestran imágenes terribles de víctimas civiles de Irak, son fuertes. Muchas de esas fotos no son reales y fueron armadas para la historia pero igual te golpean.
Samarra es una experiencia fuerte pero que es muy interesante de ver ya que constituye un documento honesto y contundente de los tiempos que corren.

Luego del bodrio de Oliver Twist, el director Roman Polanki regresa al cine con un buen thriller que evoca las viejas historias de misterio de Alfred Hicthcok.
La película juega con la interesante figura de los escritores fantasmas que son esas personas que se dedican a escribir y editar las memorias de personalidades famosas.
Cuando sale una autobiografía por lo general parecería que los famosos son grandes escritores pero en realidad, en la gran mayoría de los casos, hubo un profesional que se encargó de darle una narración a las entrevistas que se hicieron con el protagonista del libro.
Polanski presenta al protagonista en los primeros minutos del film y enseguida nos sumerge en el misterio al que se enfrenta Ewan McGregor que incluye conspiraciones políticas y asesinatos.
Desde la realización este es uno de los mejores trabajos que hizo junto con El pianista.
Estamos frente a una película con un elenco espectacular donde se destacan además Olivia Williams (Sexto Sentido), Pierce Brosnan y una pequeña participación de Elly Wallach, el querido y recordado “Tuco” de El Bueno, el Malo y el Feo.
Es claro que de alguna manera Polanski intentó en su narración rendirle un homenaje principal a Hitchcock, algo que se puede apreciar también en la banda sonora de Alexander Desplat que evoca las composiciones de Bernard Herrman, clásico colaboradoR del viejo Alfred.
La trama es una adaptación de la novela homónima de Robert Harris que esta buena hasta el final pelotudo con el que cierra el relato.
La película viene bien hasta esa última escena antes de los créditos finales que termina por tirar abajo el conflicto construido hasta ese momento.
No tiene sentido que un protagonita que actuó de manera inteligente en toda la maldita historia se comporte tan estúpidamente al final. Me pareció un cierro al pedo que no era necesario.
Es loco porque desde lo cinematográfico la última escena está muy bien trabajada por Polanski pero no deja de ser una conclusión pedorra la que escribió Harris para el cine.
Más allá de este punto, El escritor fantasma es una buena película para tener en cuenta entre las novedades de esta semana.

Robin Hood es uno de los personajes populares con mayor cantidad de producciones realizadas en el cine desde 1908, cuando el director Percy Stow incursionó por primera vez con esta historia en un film mudo.
Desde entonces se hicieron infinidades de versiones entre las cuales para mi se destacan tres títulos esenciales.
1-Robin Hood, de 1922, la espectacular versión de Douglas Fairbanks que sorprendió con increíbles secuencias de acción que no tenían precedentes en este arte e influyeron a las cosas que se vieron después en el género.
2- La aventuras de Robin Hood, de 1938, con Errrol Flyn que se convirtió en el gran clásico de Hollywood.
3- Robin Hood: Príncipe de los ladrones, 1991, que representó para muchos de nosotros el primer contacto con este personaje en la pantalla grande. Pueden encontrar más información en los links.
También podríamos agregar otra versión de ese mismo año protagonizada por Patrick Begin y Uma Thurman que quedó opacada por el film con Kevin Costner y era muy buena también.
Lo cierto es que este año el director Ridley Scott aportó a la larga filmografía del justiciero de Sherwood otro film memorable que se destaca como lo mejor que se hizo con este personaje en las últimas décadas.
La gran virtud de esta película es que trae de regreso una historia super popular con una mirada totalmente fresca que no tiene antecedentes en la historia del cine.
Originalmente el proyecto de Scott se centraba en la figura del Sheriff de Nottingham que iba a ser más simpático y Robin sería el villano.
Lo cierto es que el guión no convenció demasiado a los productores y convocaron al director Brian Helgeland (Corazón de Caballero) para que escribiera una nueva historia.
La nueva versión se centra en la figura de Robin Hood antes que se convierta en la leyenda inglesa.
Ninguna versión profundizó en este tema. Acá vemos cuales fueron los hechos, según la imaginación de Scott y Helgeland que lo convirtieron a Robin y sus seguidores en los renegados de Sherwood.
El único antecedente que existía de esto es la excelente novela del Gran Walter Scott (Ivanhoe), “Robin Hood”, que trabajó este tema de un modo similar, con la particularidad que el protagonista era más joven (ver link).
Cuando terminé de ver este estreno me preguntaron si era mejor que la versión con Kevin Costner y la verdad que es inútil la comparación porque son dos propuestas totalmente distintas.
El film de Kevin Reynolds fue una producción clásica de aventuras plagada de acción con mucho humor, donde se destacaba ese Sheriff de Nottingham grotesco y genial de Alan Rickman, más la inolvidable banda sonora de Michael Kamen.
La película de Scott se centra en el drama y las intrigas políticas y está más en sintonía con Rey Arturo, de Antoine Fuqua, donde trabajaron toda la mitología de esa historia con un enfoque más realista.
Eso es lo grosso de este estreno.
La película funcionaría como una especie de precuela de la leyenda clásica que todos conocemos.
Otra vez nos encontramos en el cine con Robin, Marian, el Pequeño Juan, Will Scarlet, Alan A´Dayle y el fraile Tuck como si los descubriéramos por primera vez y con la historia que tiene esta leyenda el laburo que hicieron es formidable a la hora de hacer algo distinto.
El que se quedó afuera de los personajes clásicos es Guy de Gisborne, que en este caso fue reemplazado por un personaje nuevo llamado Godfrey, que es el principal villano de este film interpretado por un genial Mark Strong.
Me gustó mucho también Cate Blanchett como una Lady Marian más fuerte y activa que la que se vio en otras versiones en el cine y la banda sonora de Mark Streitenfeld donde sobresale una influencia notable de la música celta.
Scott presenta otro gran film épico en el que se toma su tiempo para desarrollar las relaciones entre los personajes sin olvidarse de la acción, donde ofrece secuencias espectaculares como las que solo él sabe filmar.
Algo que me sorprendió es que la violencia fue trabajada un poco mas light de lo que fueron sus últimos trabajos.
No es tan sangrienta como Cruzada y en una película de Ridley esto llama mucho la atención.
Si algo quedó claro en estos últimos años es que Scott presenta sus filmes completos en dvd, ya que las versiones para cine siempre se les corta algo.
Creo que su nuevo trabajo va de cabeza a tener una edición con el corte del director o versión extendida antes que termine este 2010 y probablemente esto sea modificado.
De todas maneras, esta versión para cines es un peliculón memorable que trae de regreso a este héroe clásico con una mirada fresca y divertida que no defrauda para nada a los fans del justiciero del bosque de Sherwood.

Para el espectador ocasional es una más.
Para el fanático del cine de acción es un películón que se va a destacar entre las grandes propuestas del 2010 dentro de este estilo.
Desde ese lugar va mi reseña.
El que busque un análisis trivial y frío que siga a Catalina Dlugi.
Pierre Morell es uno de los mejores discípulos de Luc Besson que más se destacó en el cine de acción en estos últimos años y su carrera es muy prometedora.
Morell no hace estos filmes con vergüenza esperando la oportunidad para convertirse algún día en el nuevo Eric Rohmer.
El tipo ama el género y pone toda la carne al asador en su trabajo.
En el 2004 sobresalió con su excelente ópera prima Distrito 13, donde demostró que no es necesario trabajar con presupuestos multimillonarios para brindar una buena película de acción. Esa es la excusa de los inútiles.
Después vino Búsqueda Implacable con un soberbio Liam Nesson que evocó los viejos filmes de Charles Bronson y Lee Marvin de la década del ´70.
Con su nuevo trabajo encaró el género desde un lugar completamente distinto sin repetirse.
Sangre y Amor en París es un interesante híbrido entre el cine asiático de los ´90 (representado principalmente por John Woo y Johnnie To) y el cine ochentoso hollywoodense de Stallone, Schwarzenegger y Chuck Norris.
Salvo que no te guste la acción, es difícil que la pases mal con este film.
El director se toma su tiempo al principio para presentar a los protagonistas, pero desde el momento en que aparece Travolta, con un personaje fabuloso, la película explota y no para hasta el final.
También jugó mucho con la comedia pero sin pasarse de la raya y convertir al film en una Rush Hour.
Así como en Búsqueda Implacable Morrel laburó con el estilo que tenían aquellos filmes en los años ´70, donde la violencia era más brutal y realista, en su nueva película las secuencias de acción son más grotescas y elaboradas.
Creo que es una película que está más en sintonía con Matar o Morir con Clive Owen, otra de mis grandes favoritas de estos últimos años.
En los primeros tiroteos, por ejemplo, se puede apreciar la clara influencia del cine de John Woo con movimientos de los actores más coreografiados y un mayor uso de la cámara lenta.
Después entra en el terreno del cine ochentoso y es muy divertido porque lo ves a Travolta persiguiendo terroristas por una autopista con una bazooka al hombro en una secuencia totalmente desquiciada.
Charlie Wax es el mejor personaje que interpretó en mucho tiempo y la verdad que me hizo reír mucho.
Se nota en su actuación cuando ves la película que se divirtió realmente en el rodaje e hizo una buena pareja con Jonathan Rhys Meyers que viene de otro palo y está muy bien en este film.
La historia no es gran cosa pero tampoco lo era Cobra de Stallone o Infierno Rojo con Arnold y la pasamos bárbaro en su momento.
La escena donde los protagonistas cenan con dos chicas es tremenda y es el momento en donde más sobresale el trabajo actoral de Travolta y Meyers. Toda la tensión que se genera en esa escena está muy bien construida por el director Morell, quien no vuelve a defraudar.
Una muy buena recomendación para los fanáticos del género y seguidores de Travolta.

La verdad que el regreso de Freddy recibió palos exagerados en los Estados Unidos
No es una joya del género pero tampoco es una película desastrosa.
De hecho, dentro de lo que produjo Michael Bay en los últimos años en este estilo es de lo más presentable que hizo junto la nueva versión de La masacre de Texas.
Las remakes de Está vivo, La niebla, Prom Night, La profecía del no nacido, Miedo al amanecer y Alone in the dark, de Uwe Boll, fueron películas realmente malas.
Pesadilla trae de regreso desde una óptica diferente a uno de los íconos del terror.
En este caso cambiaron la historia del origen de Krueger, quien ahora es un pedófilo y la relación que tiene con las víctimas que ataca en los sueños es totalmente distinta a lo que vimos en la saga original.
Es interesante este punto porque hicieron al personaje más ambiguo, ya que durante la historia se pone en duda si realmente cometió los hechos por los que resultó luego asesinado y sus motivaciones para atacar a los jóvenes son más oscuras.
Como aspecto positivo se puede destacar el trabajo de los actores que no es un dato menor.
Comparada con la lamentable remake de Martes 13 el reparto es totalmente superior donde se destacan Rooney Mara (la nueva Nancy Hoolbrock), Kyle Gallner (Evocando espíritus) y Jackie Earle Haley.
A diferencia de Jason Voorhes que puede interpretarlo cualquier tipo robusto con una máscara, Freddy fue una creación de Robert Englund.
Me refiero a la interpretación. Más allá del maquillaje el actor le dio vida al personaje con su trabajo y tratar de superar eso es imposible.
Haley interpreta a otro Krueger que algunos les gustará más o menos, pero me pareció bien que no fuera una copia del original. En este caso la labor de Jackie está más relacionada con el Freddy de la primera película de Wes Craven que el Freddy Seinfeld que vino después donde siempre tenía un comentario gracioso para hacer.
El problema que tiene la nueva Pesadilla para mi es la dirección.
El director Samuel Bayer es un realizador de video clips que debutó en el cine con esto y se nota.
Bayer no conoce la sutileza y no pasaron cinco minutos de la historia cuando lo ves a Freddy en primer plano matando gente, algo que destruye por completo el misterio del personaje.
Me quedó la sensación que hicieron mucho hincapié en el gore pero no hay demasiada creatividad en el film que es bastante predecible.
En las secuelas viejas por lo menos te sorprendían con asesinatos surrealistas muy creativos y nunca sabías cómo iba a atacar Freddy porque justamente era un personaje impredecible.
No es el caso de la remake.
La película zafa pero con esta primera entrega es difícil imaginar una saga duradera de Pesadilla en los próximos años.

Iron Man 2 es una muy buena secuela donde Jon Favreau se luce otra vez como director en un gran trabajo de realización.
La verdad que me impactó mucho la manera en que encaró esta segunda parte.
Este estreno en realidad debería titularse Tony Stark 2 ya que Iron Man como personaje quedó totalmente relegado a un rol secundario.
De hecho de los 124 minutos que dura el film, Iron Man tiene poca presencia en la pantalla para lo que se espera de una película de este tipo.
Favreau se concentró a pleno en los conflictos personales de Stark y con el soberbio trabajo de Robert Downey Jr. logró que te olvides por completo del superhéroe.
Es realmente muy loco.
Se lo comentaba a Chandler cuando terminamos de verla. Sería imposible desarrollar de esta manera una secuela de Spiderman o Batman.
Christian Bale es un actorazo pero Christopher Nolan no podría sostener nunca gran parte de una película con la figura de Bruce Wayne.
En Iron Man la presencia de Downey Jr es tan fuerte que no necesita usar todo el tiempo la armadura para enganchar al espectador en la historia.
Las secuencias de acción son fabulosas, especialmente en los últimos minutos, pero no es lo que abunda en este film.
Favreau incorporó más elementos de los cómics como el clásico maletín de Stark y las apariciones de Ivan Vanko (genial Mickey Rourke), War Machine (con excelentes momentos de Don Cheadle) y la Viuda Negra que para mi resultó un fiasco.
Scarlett Johansson es una muy buena actriz, tiene un lindo rostro y le queda bárbaro el traje de cuero pero en este personaje no termina de convencer.
¿Dónde está Milla Jovovich cuando se la necesita?
Favreau la pifió con esa elección. Scarlett parece la hija petisa de la heroína que conozco en la historieta.
Tampoco hizo un mal trabajo pero no da ni a palos como la Viuda Negra, quien tras 46 años de vigencia en el universo Marvel este mes debuta con una nueva revista.
Milla o Carla Cugino, cuya sensualidad no tiene nada que envidiarle a Johansson, se hubieran lucido mucho más con ese personaje que además no tiene mucho peso en la trama pero la presencia de ellas hubiera sido más fuerte.
Angelina Jolie, que era otra gran candidata para ese papel, en un comienzo fue una de las opciones del director pero no se pudo concretar.
Otra decepción que no puedo pasar por alto es la banda de sonido. Después del bombo que hicieron con la promoción del disco de AC/DC apenas se escuchan dos canciones de los australianos en toda la maldita película.
Yo pensé que Iron Man 2 iba a ser como Maximun Overdrive, la ópera prima de Stephen King donde el grupo sonaba a full durante toda la historia aunque lamentablemente no fue así.
Lo que si estuvo muy bueno es el trabajo de Tom Morello, guitarrista de Rage Against The Machine, junto al compositor John Debney en la banda de sonido incidental.
Más allá de algunos detalles el balance del nuevo trabajo del director Favreau es totalmente positivo y representa otra gran producción de Marvel en el cine que vale la pena.

“Es una película terrible, es mucho más que mala y le pido a los seguidores de mis filmes que traten de evitarla”.
Palabras textuales del Gran Larry Cohen, productor ejecutivo de este estreno en una entrevista que dio sobre este film antes que se editara en dvd en los Estados Unidos.
No hay mucho más para agregar. Las palabras de Larry son contundentes.
Cohen es uno de los grandes maestros del cine clase B y a lo largo de su carrera fue responsable de filmes sumamente bizarros como la trilogía de Maniac Cop, que dirigió William Lustig y clásicos memorables del Blaxploitation como Black Caesar y Hell up in Harlem.
Está vivo es su gran obra dentro del cine de terror que fue un suceso espectacular en 1974.
Puede encontrar más información sobre ese clásico en el link.
Larry escribió un guión donde adaptó esta historia en la actualidad con un nuevo enfoque que fue rechazado por el director alemán Joseph Rusnack, quien desde hace años realiza fiascos hollywoodenses que se estrenan directamente en los videos clubes.
En este caso cambiaron el escenario de la historia de Nueva York a Nueva México que en realidad es Bulgaria.
La historia del bebé mutante que devora gente era muy divertida y no en vano se hicieron varias secuelas del film original, pero acá se la ingeniaron con una incapacidad admirable para hacerla totalmente aburrida.
El director fracasó por completo a la hora de construir el conflicto y crear climas de tensión como había hecho Cohen en el ´74 para presentar una versión más sangrienta que no funciona debido a que los efectos visuales son truchísimos.
Es ridículo creer que los ataques del bébé son impactantes.
Los actores son terribles y el trabajo que hicieron con los efectos digitales para crear al bebé mutante, que se ve por unos segundos al final, es patético. Le pusieron más garras y colmillos al pedo.
Parece más una mala imitación de Critters que otra cosa.
Argentina es uno de los pocos países en el mundo donde esta bazofia consiguió llegar a las salas de cine. A veces las películas malas resultan mucho más desopilantes que las comedias que se proponen hacer reír al espectador, pero acá no hay ninguna diversión.
Sólo una perdida de tiempo.
Sí, Larry Cohen tiene razón. La película es terrible y la mejor recomendación que se puede hacer es que la eviten.

Hombres de mentes resultó un film mucho menos gracioso y divertido de lo que anunciaba el trailer.
La película es el segundo trabajo como director Grant Heslov, un viejo amigo de George Clooney con quien produjo y escribió Buenas noches, buena suerte en el 2005.
En este caso presenta un intento fallido de emular el cine de los hermanos Cohen sin grandes resultados.
Clooney vuelve a interpretar al clásico personaje idiota que tranquilamente podría ser familiar de los protagonistas de ¿Dónde estás hermano? y Quémese después de leer y Jeff Bridges encarna un soldado que en más de una ocasión nos recuerda al Dude de El gran Lebowski.
Ellos son los mejor de este estreno y tienen un par de escenas graciosas que te sacan una sonrisa.
Lamentablemente el director no logra mantener el ritmo de la comedia durante el resto del film y en consecuencia, Hombres de mentes es sorpresivamente más aburrida de lo que se esperaba.
El problema es que construyeron la historia a partir de un par de escenas graciosas pero el conflicto principal es realmente flojo y estúpido.
Si el fuerte del guión se apoya en las escenas de flashbacks solamente (como ocurre con este film) y el núcleo central de la trama no tiene fuerza, la historia decae por completo.
Hay una sátira a las filosofías New Age, la era Reagan y la mitología de Star Wars pero todo es tan tonto que la crítica irónica quedó en el olvido horas después que saliste del cine
Hombres de mentes es más un compilado de sketchs del programa Saturday Night Live que un largometraje en serio. La resolución del conflicto en los último minutos es tan tonta que queda la sensación que el director estuvo más enganchado con desarrollar las escenas de flashbacks que la trama principal.
Con los nombres grossos que reunió la producción podía esperarse mucho más de esta comedia que al menos para mi resultó decepcionante.

La caja mortal es una película basada en el cuento “Botón, Botón”de Richard Matheson (autor también de las novelas Soy leyenda y Más allá de los sueños que fueron llevadas al cine), que publicó la revista Palyboy en junio 1970.
El relato fue muy bien recibido en su momento y más tarde fue adaptado en radioteatros y un memorable episodio de la serie La Dimensión Desconocida de 1986, que se emitió en la televisión argentina.
La primera hora del film sigue la misma estructura que el capítulo de televisión y luego se dispara para otro lado.
Al escritor Matheson nunca le gustó lo que hicieron en La Dimensión Desconocida y en los créditos del programa usó el seudónimo de Logan Swanson ya que le pareció lamentable como distorsionaron su trabajo, sobre todo el final.
Es probable que esta película tampoco le haya gustado ya que difiere bastante de la obra original y también le cambiaron la conclusión.
El director Richard Nelly, quien se hizo conocido con su ópera prima Donnie Darko, que tuvo muy buena repercusión en Estados Unidos, hizo un muy buen trabajo durante la primera etapa del film al presentar el conflicto y desarrollar buenos climas de misterio.
Lamentablemente después tira todo a la basura con un guión pretensioso donde involucra sin sentido elementos como la NASA y la Agencia de Seguridad Nacional.
La historia de Matheson original que no tenía nada que ver con eso era mucho más atrapante y una propuesta que se podía haber contado en 90 minutos se extiende con situaciones tontas sin explicación.
Tampoco queda claro con que propósito adaptaron el film en 1976 cuando ese año no tiene ningún tipo de importancia en el conflicto, más allá de complicarle la vida a los vestuaristas y el diseñador de producción.
La reconstrucción de época hay que reconocer que es excelente pero se podrían haber ahorrado el dinero para mejorar algunos efectos digitales que son paupérrimos.
Por ejemplo, la cicatriz que tiene el personaje de Frank Langella parece un trabajo desechado por Christopher Nolan para el rostro de Dos Caras.
El desfiguramiento del personaje se ve totalmente artificial y podían haberlo hecho mejor con un buen laburo de maquillaje como se hacía antes cuando no existía la tecnología CGI.
Lo mejor de La caja mortal son los actores que pese al guión deficiente tienen varias escenas donde logran destacarse. Especialmente Cameron Diaz y James Marsden.
No es para nada una película mala pero no le hicieron justicia al material de Matheson que era mucho más simple y atrapante.

Otra película más como esta y fundo un club de fans de Robert Pattinson.
A una semana del estreno de Recuérdame, una historia romántica madura y decente con buenas actuaciones llega a los cines otro mamarracho escrito por este pirata del asfalto literario que es Nicholas Sparks.
Este sujeto se hizo conocido por dos libros como fueron El cuaderno de Noah (The Notebook) y Un paseo para recordar, que ya fueron llevadas al cine. La primera novela tuvo mejor suerte en la adaptación.
A partir del éxito conseguido con esos trabajos este chanta no paró de publicar desde 1996 y todos los años saca una nueva novela con la particularidad que el muy ladrón repite siempre las mismas historias.
Vendría a ser como el Big Mac de los best sellers. Te cambia la cajita o los condimentos pero la esencia es la misma.
Querido John es otra historia estúpida que logra que uno se aleje cada vez más de este género con un pastiche de clichés que parecen estar dirigidos a nenas de 11 años que tal vez no tienen demasiado películas vistas y experiencias en el terreno sentimental.
El film presenta a la pareja protagónica con menos química que se pudo ver en los últimos años.
Amanda Seyfreid es una de las mejores actrices nuevas que surgieron recientemente pero acá no tuvo piel con Channing Tatum (GI.Joe) y se nota claramente en la pantalla.
Tatum por otra parte, debería seguir con las películas de acción porque los momentos dramáticos no son lo suyo. En las escenas de llanto, comparado con este, Pattinson es el sucesor de Philip Seymour Hoffman.
De todas maneras, así la película hubiera sido protagonizada 15 años atrás por Tom Hanks y Meg Ryan la tortuosa experiencia de ver este estreno hubiera sido la misma.
La trama es una larga telenovela de Thalía donde los personajes descubren que son almas gemelas en 15 minutos y el resto es un pastiche de situaciones trágicas donde no faltan las enfermedades (un clásico de Sparks) y el 11 de Septiembre explotado de manera patética en este relato.
Por supuesto tampoco está ausente otro cliché mediocre del escritor como es la diferencia de clase sociales.
Amanda Seyfreid viene de una familia rica que posee mansiones y caballos y Tatum es el soldado valiente y humilde de Carolina del Norte que sacrifica el amor de su vida por su país cuando el Tió Sam más lo necesita a la hora de invadir Irak.
Llama la atención que un director con la experiencia de Lasse Hallstrom, quien en el pasado ofreció una gran historia romántica como fue Chocolate presente semejante bazofia.
Es claro que le dieron el cheque para que dirija y no toque el guión porque no querían arriesgarse con nada que no fueran fórmulas explotadas que capturaran la atención del público de 13 años.
Querido John es un bodrio insípido totalmente olvidable que nos recuerda que las buenas historias románticas no son fáciles de encontrar en el cine de estos días.

Es interesante porque cada vez que se estrena una película como esta aparecen de repente todos los eruditos en mitología griega y guión cinematográfico.
No deja de ser gracioso que los críticos que le pegaron a esta película en Estados Unidos son los mismos que elogiaron la última historia que escribió James Cameron, cuyo argumento no era precisamente una genialidad.
Furia de Titanes no es para nada mala como decían y creo que es una buena propuesta pochoclera.
Básicamente refritaron para nuevas generaciones de espectadores un clásico de fantasía de 1981 que se destacó principalmente por el trabajo del reparto (donde figuraban grossos como Lawrence Olivier, Maggie Smith y Burgess Meredith) y los fabulosos efectos especiales de Ray Harryhousen, un maestro del cine recordado por su labor en los viejos filmes de Simbad, el marino y Jason y los Argonautas.
Aquella película tampoco fue una clase de mitología griega y brindó un entretenido escapismo pochoclero en su momento.
La nueva versión narra una adaptación bastante libre del mito de Perseo que reúne muchos elementos del film original pero se aleja más de la historia griega.
Por ejemplo, acá Andrómeda quedó relegada a un insólito rol superficial y secundario y las motivaciones del protagonista para cumplir su misión son distintas al igual que el interés amoroso.
Si Warner hubiera querido hacer una película más profunda le hubiera delegado la dirección a Christopher Nolan o Ken Loach (eso hubiera sido loco).
El director en cambio fue Louis Leterrier (Danny, the dog), un muchacho francés, discípulo de Luc Besson, que viene del palo de la acción y la tiene clarísima en ese campo.
Acá lo vuelve a demostrar.
El tipo cumplió con su trabajo y ofrece una película de aventuras plagada de acción que es la clave de todo esto.
Hacia la mitad el film flaquea un poco en los pocos momentos donde Sam Worthington no anda matando criaturas y enemigos de todo tipo, pero en general es muy llevadera.
El protagonista interpreta en este caso lo que ya se está perfilando como un “clásico personaje Worthington” donde tenemos a un héroe rebelde con voz rasposa que le patea el culo a los malos y por lo general al final suele quedarse con la chica.
Es importante destacar que junto con Furia de Titanes va para atrás en materia de 3D.
Warner cometió el error de filmarla en 2D y después convertirla en tres dimensiones a raíz de la fuerza que cobraron los anteojitos en la industria.
No funciona!!
El 3D presentado de esa manera no aporta absolutamente nada en tu experiencia como espectador, salvo que vas a pagar más caro la entrada.
El propio director Laterrier pidió disculpas la semana pasada en los medios por el pedorro 3D y explicó que en la actualidad la conversión de 2D a tres dimensiones no pudo ser mejorada todavía como quisieran en Hollywood y la máxima calidad llega hasta lo que hicieron en Furia de Titanes.
Es una lástima porque esta era una película ideal para el 3D y si Warner hubiera desarrollado la producción por esa vía de entrada habría sido un golazo.
Hay secuencias de acción realmente espectaculares como las batallas con los escorpiones gigantes o la aparición del Kraken que hubieran resultado mucho más impactantes.
El film no es una joya cinematográfica pero está bien hecho y brinda una buena fantasía de acción que se disfruta mucho más en los cines normales.
Comparado con el fiasco de Percy Jackson, que trabajó con varios de estos personajes y la lamentable Troya, cuyas secuencias de acción parecían creadas por los coreógrafos de Mamma Mia, Furia de Titanes es un alivio.
Buen laburo de Leterrier.

Una extraña paradoja.
Recuérdame es un drama protagonizado Robert Patttinson, quien por estos días es el actor hollywoodense con más prensa en los medios de comunicación, que además tiene miles de seguidoras adolescentes en todo el mundo a raíz de su trabajo en la serie Crepúsculo.
Sin embargo, cuando el flaco hizo otro film romántico, que encima es mejor que los filmes de la saga Twilight, resultó uno de los fiascos comerciales de este 2010.
Creo que la explicación de esta cuestión reside en que la gran mayoría de las seguidoras de Pattinson no lo siguen a él sino al personaje del vampiro.
Cualquier otro nabo que hubiera interpretado ese papel habría adquirido la misma atención.
Recuérdame es un drama decente que no está dirigida al público preadolescente y narra una historia de amor madura con personajes que logran engancharnos con las situaciones que viven.
No es poco teniendo en cuenta las últimas cosas que se estrenaron en este género.
La dirección corrió por cuenta de Allen Coulter, uno de los principales realizadores de Los Sopranos quien lleva muy bien la historia y se encargó de cuidar que Pattinson no arruine el film.
Acá la verdad que está muy bien y si bien por momentos intenta emular a James Dean en Rebelde sin causa se nota que hubo detrás de cámaras un director que se encargó de contenerlo para que no vuelque.
Emily DeRavin (El despertar del Diablo), la coprotagonista, es quien más se destaca dentro del reparto, pese a que la mejor historia de amor que se narra en la historia es la que se desarrolla entre Pattinson y su pequeña hermana que es la más emotiva.
La verdad pensé que Recuérdame iba ser otra historia romántica insulsa y tonta como las que suele escribir últimamente Nicholas Sparks y resultó todo lo contrario.
El director Coulter presentó un drama decente que no cae en sentimentalismos baratos y lo que es más importantes tiene personajes creíbles.
Para alguien que no es fanático del género es un alivio.

Réene Zellweger filmó esta película en el 2006 pero por razones absolutamente incomprensibles del estudio Paramount se postergó su estreno en los últimos años y en Estados Unidos al final la editaron directamente en dvd.
La verdad que estrenaron películas peores recientemente por lo que no queda claro por qué patearon tanto este estreno.
Caso 39 es una historia relacionada con historias de niños siniestros que es una temática bastante trabajada en el género de terror.
En realidad esta película se desarrolló dentro del thriller más que el horror y pese a que ya vimos en el pasado esta clase de cuentos la trama está bien contada con muy buenas escenas de suspenso.
Las actuaciones entre Réene y Jodelle Ferland (quien tiene 16 años pero parece mucho menor) son lo mejor de la película y la causa principal por la cual este estreno se vuelve
entretenido.
Los efectos especiales podrían haber sido mejor si hubieran tenido más presupuesto, pero el fuerte de Caso 39 no pasa por los impactos visuales, sino las situaciones de tensión que construye el director Cristian Alvart con los actores
El cineasta alemán el año pasado también se destacó con Pandorum, otro film de terror que no pasó por los cines.
Pese a que la temática viene bastante explotada últimamente con filmes como La huérfana o la producción inglesa The Children este trabajo de Zellweger zafa a la hora de brindar una historia de suspenso.

Una noche fuera de serie es exactamente la cara opuesta de El caza recompensas que se estrenó la semana pasada.
Acá tenemos otra comedia de enredos que juega bastante también con el género de acción pero la diferencia es que la historia es graciosa y los protagonistas son muy buenos comediantes.
En consecuencia, es más difícil que salgas del cine decepcionado si la idea es pasarla bien con una propuesta de este estilo.
El director Shawn Levy (Noche en el museo) narra toda la historia en 88 minutos, donde presenta a los personajes, desarrolla el conflicto y se permite jugar con algunas escenas de acción, donde se destaca una muy buena persecución en taxi por las calles de Nueva York.
Por lo general la gente no le da mucha bola a la producción que requiere esospocos minutos que vemos después en la pantalla, que en este caso debe haber sido la escena más difícil de realizar en todo el rodaje.
La historia, que trata temáticas universales de las elaciones en pareja, junto con el dominio que tienen Tina Fey y Steve Carrell de la comedia convirtieron a este estreno en una de las propuestas más destacadas de esta semana que está para tener en cuenta.

Otra película que se desarrolla en el terreno del documental ficticio, como lo hizo años atrás El proyecto Blair Witch, The Last Broadcast y más recientemente Actividad Paranormal.
Un estilo cinematográfico que no nació con la bruja de Blair como suele asociar la mayoría de la gente, sino que fue creado en el cine por Charles B. Pierce, con su clásico La leyenda de Boggie Creek, que fue un fenómeno espectacular de taquilla en 1972.
Ninguno de estos filmes hubiera sido lo mismo sin este trabajo de Pierce. Pueden encontrar más información en el link.
Si Contactos del cuarto tipo se hubiese filmado 10 o 13 años atrás hubiera resultado uno de los fenómenos de taquilla del año.
En la actualidad, debido al enorme crecimiento y desarrollo que tuvo Internet en el mundo donde la información corre a la velocidad de la luz, armar una campaña viral donde se intenta hacerle creer a la gente que los hechos de este film son reales es mucho más difícil.
Al director Olatunde Onsunsanmi se le complicó este tema y antes que el film llegara a los cines se supo que la doctora Abbey Tyler, quien daba su testimonio en el film en realidad era una actriz llamada Charlotte Milchard.
Por pedido de la producción y en un gesto de onda del sitio IMDB, Milchard no figuró en la ficha de la película de esa página pero no sirvió demasiado.
De todas maneras esto no impide que como espectadores no podamos engancharnos con esta propuesta que no nació de hechos totalmente ficticios. Después retomo ese tema.
La película arranca con Milla Jovovich caminando hacia la cámara donde nos informa que los que estamos a punto de ver es una recreación de hechos ocurridos en el año 2000 y que al finalizar la historia cada uno sacará sus propias conclusiones si lo que vimos fue real o no.
A partir de ese momento el film combina la recreación de los actores con material de archivo de la verdadera historia de la doctora Tyler.
Si te sumás al juego que proponen el director y Milla la pasás bien con una historia locas de abducciones extraterrestres.
A diferencia de Acvtividad Paranormal acá por lo menos te cuentan una historia concreta con buenos momentos de tensión logrados por el laburo de los actores.
Milla, Elias Koteas y Will Patton (Armaggedon) tienen muy buenas escenas juntos.
El director combinó muy bien los supuestos elementos reales con la recreación que hacen los actores.
Si no la tomás en serio la podés pasar bien.
Es ridículo creer que si los acontecimientos hubieran sido reales la mujer que sufrió los hechos le va a entregar cintas que documentan su experiencia a un flaco que quiere hacer una película pochoclera.
Creo que habría otros organismos a los que hubiera acudido primero.
De todas maneras vale destacar que la premisa que sirvió como inspiración del film es real. En la localidad de Ome, en Alaska, se produjeron muchas desapariciones de personas desde 1960 que el FBI investigó y nunca pudo resolver.
Es un misterio real que no tiene respuesta. Las personas desaparecieron y nunca se encontraron rastros o pistas que pudieran permitir armar una hipótesis. La leyenda urbana indica que esto tendría que ver con abducciones extraterrestres y el director hizo una película sobre el tema.
No es un estreno imperdible, pero si te atrae la temática entretiene.

El caza recompensas es una propuesta que se vende como película romántica pero en realidad entra en el terreno de la comedia de acción, donde no faltan los tiros y las persecuciones.
Lamentablemente hace agua en todos los campos y al final resulta un film totalmente olvidable.
El director Andy Tennant se manejó muy bien con la comedia en el 2005 con Hitch, protagonizada por Will Smith, pero acá no pudo concretar una producción entretenida como aquel film.
El gran problema es el guión que ofrece una historia mediocre y aburrida que no tiene nada que envidiarle a ese fiasco que fue Amor y Tesoro con Matthew McConaughey y Kate Hudson.
Jennifer Aniston presenta un trabajo pobre donde parecería que nunca hubiera hecho comedias. Uno la ve en este estreno y realmente llama la atención que haya logrado hacer una carrera en la actuación.
Gerard Butler, por otra parte, es un gran actor que trató de hacer lo que pudo con el guión pedorro que le dieron y no se entiende como acepta este tipo de trabajos cuando es una figura que hoy no le deben faltar propuesta de trabajo precisamente.
Por el mismo cheque podría hacer cosas mejores.
El caza recompensas se esfuerza demasiado en presentar situaciones graciosas que se ven forzadas y las secuencias de acción parecen salidas de una serie de televisión de los años ´80.
El enfrentamiento final que tienen los protagonistas con el villano, por ejemplo, no tiene nada que envidiarle a cualquier capítulo de los Dukes de Hazzard.
Parecería que intentaron hacer algo similar a Sr. y Sra. Smith, con Brad Pitt y Angelina Jolie, pero ni siquiera llega a hacerle sombra a esa película que sin ser una joya del cine, por lo menos era entretenida y tenía muy buenas secuencias de acción.
A la larga es otra muestra clara de la crisis de creatividad que hay en Hollywood por estos días.
Si te la pasan gratis en un avión, asegurate de tener cerca un buen libro.

Hermanos es un estreno que va ser disfrutado por los afortunados espectadores que hasta ahora evitaron ver el trailer, ya que los productores idiotas de este film permitieron que el avance te contara de manera cronológica toda la película. Increíble.
Si vistes el avance ya sabés por donde viene el final.
No importa que no sea un thriller, realmente es un desastre lo que hicieron con el trailer.
Lo cierto es que la falta de creatividad y vagancia que hay en Hollywood por estos días genera que la remakes ya no se hagan de filmes clásicos, como solía ocurrir en el pasado, sino de producciones recientes.
En este caso Hermanos es un refrito de la película danesa protagonizada por Connie Nielsen (Gladiador) en el 2004 que pueden conseguir en los videos clubes.
La historia es un buen drama que habla sobre los efectos psicológicos que causa la guerra en las personas que intervienen en estos tipos de conflictos.
Si bien no está ni a palos a la altura de El Francotirador, la obra maestra de Michael Cimino con Meryl Streep y Robert De Niro, que trabajó este tema de una manera más cruda, la trama ofrece una muy buena historia que en ambas versiones se destaca por el laburo de los protagonistas.
En el caso de la remake, el trabajo de los actores (Tobey Maguire principalmente) son quienes reman como dioses este refrito dirigido por un cineasta en decadencia como es Jim Sheridan.
En el pasado hizo grandes filmes como En el nombre del padre, El Boxeador y En América, pero en los últimos años volcó por completo por motivos que son un misterio.
Primero con la patética biografía del rapero 50 Cent (Get Rich or Try Die Tryin´), un desastre que no parecía dirigido por él y ahora con este refrito donde calcó prácticamente el trabajo de la directora danesa Susanne Bier.
Es difícil objetarle cosas a este estreno porque es prácticamente igual a la producción danesa que ya brindaba una buena historia.
La única diferencia entre la versión original y la remake es que en el refrito hollywoodense cerraron más la historia en algunas cuestiones argumentales como para que el público norteamericano entienda bien la historia.
La versión danesa deja algunas cuestiones relacionadas con el personaje que interpreta Maguire más abiertas.
Después es la misma película. No está mal pero Sheridan trabajó sobre un terreno seguro al copiar la obra de otra artista y no ofrece nada original en su versión de la historia.
Un drama correcto por el que cobró su cheque y siguió adelante con otro proyecto.

Los hermanos Hughes (Desde el infierno) regresan al cine con una muy buena película de acción relacionada con las historias post apocalípticas, donde el espíritu de Mad Max (muy especialmente la segunda parte, El guerrero del camino) está presente durante toda la trama.
Los directores desarrollaron esta propuesta como una especie de western futurista que sobresale por la hermosa fotografía de Don Burgess (Spiderman, Forrest Gump), un fabuloso uso moderado de la animación computada y un elenco tremendo donde se destacan Denzel Washington, Gary Oldman (que siempre garpa como villano) y una participación especial de Tom Waits, que tiene un pequeño papel.
El tema de los efectos especiales es notable porque muchísima gente trabajó en el film en este campo pero lo que hicieron con los escenarios y algunas secuencias de acción estuvo tan bien realizado que ni te das cuenta hasta que ver los nombres del numeroso equipo en los créditos iniciales.
Me quedó la sensación que los Hughes fueron muy cuidadosos con este tema y se preocuparon por brindar un film de acción como los que se hacían antes. Hay muchísimo CGI pero estuvo bien trabajado y las secuencias de acción no se ven artificiales como si fueran un malo video juego estilo Se Busca.
Otro aspecto técnico que no quiero dejar pasar es el excelente laburo que hicieron con los efectos de sonido. Hace mucho tiempo que no disfrutaba del sonido de las balas en el cine!
En El libro de los secretos hay momentos donde sentís que las balas te rozan la cabeza y los tiroteos tienen el sonido típico de los spaghetti westerns donde los disparos sonaban con un silbido especial.
Denzel Washington, por cierto, interpreta un típico anti héroe de los viejos westerns italianos que recuerda bastante al Hombre sin nombre de Clint Eastwood y el memorable Django de Franco Nero.
Hasta los 10 minutos finales este estreno es un peliculón que no defrauda a quienes disfruten del buen cine de acción.
Lamentablemente en la conclusión los Hughes se van al carajo en cuestiones argumentales, sobre todo cuando el film entra en el terreno religioso. El final está muy tirado de los pelos en ese aspecto, pero con total impunidad voy a expresar que la pasé tan bien con esta película que se las dejo pasar.
Sí, la jodieron en los últimos minutos, pero el balance general es más que positivo y la verdad que después de ver lo que hicieron con esta historia futurista les tengo fe para la próxima adaptación de Akira, una de las grandes obra maestras del manga japonés.

Si la historia del jugador de fútbol americano Michael Oher no fuera cierta probablemente Hollywood la hubiera inventado.
La cosas que vivió este deportista parecen creadas por un guionista especializado en melodramas pero lo cierto es que los hechos ocurrieron tal cual se cuentan en este estreno.
Oher, quien en la actualidad tiene 23 años, es uno de los jugadores de fútbol más prometedores que surgieron en los últimos años y su historia de vida personal se hizo conocida en el 2006 con la publicación del libro “The Blind Side: Evolution of a game”, del periodista Michael Lewis.
El libro se centraba en cuestiones de estrategia y tácticas de ese deporte y en la segunda mitad se contaba el origen de este jugador.
La historia pegó tan fuerte en los medios que el trabajo de Lewis enseguida se convirtió en best seller y en Hollywood no tardaron en llevar esta historia al cine.
La película fue dirigida por John Lee Hancock, quien en el 2002 hizo un film similar para Disney, The Rookie (con Dennis Quaid), no estrenado en nuestro país, sobre un jugador de béisbol que a los 40 años debutó en las grandes ligas de ese deporte.
El motivo principal por el que Un sueño posible no terminó editada en dvd como The Rookie se debe a que Hancock no se concentró en cuestiones deportivas, sino en el drama humano y la vida del protagonista que es sumamente interesante y accesible la película para el público fuera de los Estados Unidos.
Probablemente en manos de otro director como Lee Daniels (Preciosa) Un sueño posible se hubiera transformado en un dramón meloso insoportable.
Hancock narró este film con tacto sin exagerar las situaciones fuertes de la vida de Oher a la vez que aportó un poco de humor a la trama.
Sandra Bullock después de mucho tiempo encontró con este proyecto un papel donde pudo destacarse como actriz y vuelve a demostrar que está para mucho más que las últimas comedias tontas en las que apareció.
Me pareció acertado que los productores cerraran el film con fotos de los protagonistas reales que formaron parte de esta historia que parece salida de un cuento de hadas, pero que para estas personas simplemente fueron los hechos que enfrentaron en su vida en los últimos años.
Un sueño posible es film entretenido que se destaca principalmente por el trabajo de Bullock que finalmente se pudo destacar en una buena película.

Gengis Khan Inicia.
Tranquilamente se podría haber titulado de esa manera este estreno, ya que la frase es un resumen perfecto de lo que vas a encontrar en esta excelente película del director ruso, Sergei Bodrov, nominada al Oscar el año pasado como mejor film extranjero, que narra el origen y ascenso al poder de uno de los más grandes bastardos en la historia de la humanidad.
Mongol es la primera entrega de una prometedora trilogía que narró como nunca se había hecho hasta ahora en el cine la vida de este personaje histórico.
La segunda parte tiene su estreno planeado para este año.
Gengis Khan fue uno de los más grandes genocidas que pasaron por este mundo, que pese a la enorme imagen negativa que tiene en muchos países, no son pocos los historiadores que lo rescatan como uno de los máximos estrategas militares.
En Turquía, por ejemplo, es considerado un héroe y es muy común que los chicos lleven su nombre.
El fundador del imperio más extenso de la Historia fue un pionero de la guerra psicológica que se concentraba en sembrar el terror en las poblaciones que conquistaba con la perpetración de numerosas masacres donde no excluían a las mujeres y los niños.
En el cine Gengis no tuvo mucha suerte.
Su vida que es digna de una película épica fue desaprovechada muchas veces con filmes pedorros como los que protagonizaron John Wayne en la controversial (ver Dato Loco) The Conqueror, de1956 y Omar Shariff en Gengis Kahn, de 1965, que presentaron versiones hollywoodenses de este personaje que poco tenían que ver con el líder mongol.
En el 2007 se estrenó otra impresentable versión japonesa, To the end of Eart and Sea donde hicieron cualquier cosa con la vida de Kahn.
Mongol es la posta.
El director Bodrov presenta la versión que más se acerca a la verdadera historia de Gengis, algo que no es para nada un dato menor debido a que este hombre siempre resultó un enorme desafío para los historiadores.
Hasta el día de hoy se debate el año de nacimiento exacto del líder mongol y las circunstancias de su muerte tampoco son claras.
Esto se debe a que los mongoles solían conservar su historia a través de relatos orales, por lo tanto no abundan demasiados textos originales que describieran los hechos.
Bodrov realizó su film a partir del libro “La Historia secreta de los mongoles” que es un poema épico que narra el ascenso al poder del Gengis Kahn y el resto de la familia real. Es el único material escrito que procede de los propios mongoles.
Lo cierto es que esta película es la producción que más se tomó en serio el trabajo de los historiadores sobre este personaje y de todas las cosas que se hicieron en el cine es por lejos la más interesante.
Esta primera entrega de la trilogía nos presenta al joven Tedmujin antes que se convirtiera en Gengis Khan, que fue el nombre que adoptó después como emperador.
El director hizo un trabajo fabuloso al presentar a este personaje en su juventud, mucho antes que llegara a liderar su ejército.
A diferencia de otros filmes que nos mostraron a Khan directamente como un guerrero sanguinario, acá tenemos la posibilidad de ver cómo un joven común y corriente que podía haber tenido un destino diferente se transforma en esa figura temible que terminó por convertirse en uno de los hombres más poderosos del mundo.

Desde la realización Mongol presenta una producción impecable que sobresale por su hermosa fotografía, la acertada reconstrucción de época y espectaculares secuencias de acción.
En la media hora final, donde el director Bodrov deja un poco la rigurosidad histórica para meterse de lleno en el terreno de Corazón Valiente y 300, Mongol ofrece una batalla épica brillantemente planificada.
Es imposible contar esta historia en un solo film y esta primera entrega de la serie augura una trilogía que apunta a ser espectacular.
Mongol es una película para ser disfrutada en su primera visión en una pantalla de cine, ya que tiene todos los ingredientes de un gran espectáculo cinematográfico.
Por estos días el director trabaja en la post producción de la segunda parte, The Great Khan, que se concentrará en la vida de Gengis como emperador y sus campañas militares.
No se pierdan el primer capítulo de la trilogía que es uno de los mejores estrenos de este mes.

EL DATO LOCO:
Una historia tremenda relacionada con Gengis Khan y el cine.
En 1956, Howard Hughes produjo The Conqueror, donde se contó la historia de este personaje con John Wayne como protagonista. Los exteriores de esa película se filmaron cerca de una zona militar de Utah, donde el ejército norteamericano hacía pruebas de armas nucleares. Es famosa y recordada la imagen de Wayne junto a un contador Geiger, que permitía medir la radiactividad en el set.
Lo cierto es que el director Dick Powell, los protagonistas John Wayne, Susan Hayward y Pedro Améndariz junto con varios miembros del equipo técnico fallecieron de cáncer en los años posteriores. Una investigación de la revista People reveló que 91 miembros de los 220 que conformaban el equipo del film murieron por esta enfermedad a raíz de la exposición radioactiva.
Howard Hughes que siempre se sintió culpable por lo que había ocurrido compró todas las copias e impidió que el film se exhibiera durante más de 17 años.

Loco corazón es una película que sin el trabajo de Jeff Bridges probablemente no hubiera recibido una distribución internacional.
Se trata de una producción independiente chiquita que narra una historia de redención y segundas oportunidades en la vida que vimos en más de una ocasión.
Sin ir más lejos, El luchador, con Mickey Rourke planteó una temática similar, sólo que en este caso se desarrolló en el mundo de la música country.
Bridges interpreta a un personaje claramente influenciado por Waylon Jennings (el creador del tema de los Duke de Hazzard), una leyenda de este género musical que tuvo en su vida problemas similares a los que enfrenta en la trama el personaje de Bad Blake.
Al margen del trabajo de Jeff, cuyo Oscar estuvo más que merecido, el trabajo de todos los actores hicieron posible que esta historia contada en otras oportunidades resultara atractiva.
Hay que destacar la participación de Colin Farell, quien hizo un trabajo más que digno como cantante country. La escena en la que interpreta una canción junto a Bridges es realmente muy buena. Yo por lo menos no lo tenía cantando y la verdad que lo hizo muy bien.
Los actores junto a la fabulosa banda de sonido producida por T Bone Burnett son lo mejor de este estreno, que pese no tener la misma pasión que Johnny y June (Joaquín Phoenix) que también estaba relacionada con el mismo ambiente musical, brinda un cuento ameno.

Martin Scorsese y Leonardo DiCaprio vuelven a ofrecer una buena película de suspenso con esta adaptación de la novela de Dennis Lehane (Ríos Místico) que hasta los últimos 20 minutos brinda un thriller fabuloso.
El director desarrolló esta historia en la línea de los que solían ser los viejos policiales negros de las décadas del ´50 y los filmes de misterio de Alfred Hitchcok.
Desde esa primera escena con niebla donde se nos presenta a los protagonistas, Scorsese nos mete de lleno sin perder el tiempo en un ambiente absolutamente aterrador en el que el se puede percibir que el peligro está cerca.
Con una banda sonora tremenda, que fue supervisada por el gran Robbie Robertson, miembro de la legendaria banda de rock The Band, quien ensambló piezas musicales que creó para Scorsese en el pasado y nunca se habían utilizado, la introducción a la isla siniestra (nunca mejor puesta la traducción de un título) es espectacular.
La escena en que una paciente del hospital psquiátrico le pide a Di Caprio que haga silencio en los primeros minutos del film, cuando entra al edificio principal, es por lejos uno de los momentos más aterradores que vi en el cine en el último tiempo.
La cara de esa mujer no me la voy a olvidar enseguida. Genial.
Si la hubieran estrenado a fines del año pasado no hubiese sorprendido que DiCaprio obtuviera una nominación al Oscar porque está excelente y tiene varias escenas donde sobresale junto a otros grossos del cine como Jackie Earle Haley (Watchmen) Patricia Clarkson , Ben Kingsley y Max Von Sidow ( El exorcista).
Esa es una particularidad interesante del film, ya que todos los roles secundarios están a cargo de actorazos importante que Scorsese no desaprovechó y logró sacar lo mejor de ellos.
La historia es muy atrapante y está tan bien construida que es difícil no engancharse con este relato.
Esos ambientes claustrofóbicos en los que se desarrolla la trama y las secuencias oníricas, junto con la dirección de los actores, son otros elementos del trabajo de Scorsese que merecen ser destacados.
Lamentablemente lo que podría haber sido una brillante historia se viene a pique con el final que es exactamente igual a otra gran película estrenada hace unos años (muy entretenida), que también tuvo actores grossos
Como el final es similar no puedo mencionar ese título porque la van a sacar enseguida y no tiene sentido. Especialmente los seguidores del género del terror.
Igual más allá de este film en particular, esa clase de conclusión que le dieron a La isla siniestra es uno de los más grandes clichés que existen en el cine y tiene su origen en la era de las películas mudas e inclusive se trabajó también en varias series de televisión clásicas.
El principal responsable del robo en esta cuestión, no es Scorsese, sino Dennis Lehane que escribió esa conclusión afanosamente inspirada en un clásico del cine.
Es más, creo que el único motivo por el cual el autor no fue demandado por plagio es que ese film hoy es de dominio público y lo que hizo es legalmente lícito.
Es una lástima porque venía tan atrapante la película que este punto me resultó decepcionante.
La isla siniestra es un buen estreno pero podría haber sido una gran película.

En 1992 el cine independiente norteamericano brindó un film llamado Bad Liteneaunt, dirigido por Abel Ferrara, un sujeto que se especializa en contar historias oscuras y deprimentes.
La película es considerada hasta el día uno de los trabajos más importantes que hizo Harvey Keitel en su carrera, quien interpretó a un policía decadente y corrupto que se enfrentaba a sus demonios personajes cuando se ponía a investigar la violación de una monja.
Por supuesto que esto traducido en la visión de Ferrara es otro tema.
Aquel film un poco ensalsado por la crítica tampoco narraba una gran historia, más allá de las alegorías religiosas y de mostrar al policía más corrupto del mundo abusar de su poder y la drogas.
Es como que Ferrara estaba demasiado preocupado por hacer una película controversial y oscura que narrar una buena trama.
Cualquier episodio de Los Sopranos es mucho más profundo y apasionante que ese film, pero es cierto que Keitel ofreció una actuación sumamente convincente.
Un maldito policía en Nueva Orleans es un film inspirado en esa obra de Ferrara.
En realidad no es una remake oficial ni una continuación, pese a que se repiten varias situaciones del film de 1992.
La dirección corrió por cuenta del alemán Werner Herzog, quien en el pasado se destacó con películas como Aguirre, la ira de Dios y Fitzcarraldo.
En este caso Herzog y Cage decidieron abordar la historia del policia corrupto más en joda sin tomarse demasiado en serio el género. Esa es la principal característica de Un maldito policía.
Lo que era un drama depresivo en el film original acá se tomaron las cosas en solfa.
Nicolas Cage, quien parece llevarse bien con los personajes con problemas de adicciones, es el que salvó la película y la verdad que está muy bien en este personaje.
Es loco porque si bien el trabajo de Herzog de alguna manera es un poco más entretenido que el de Ferrara, por las situaciones disparatadas y absurdas que presenta, la película no termina de convencer del todo como propuesta policial.
Werner es un gran documentalista pero queda claro que este género no es lo suyo.
Hay un tiroteo al final de la historia que en manos de otros realizadores como Brian De Palma o Antoine Fuqua (Dia de entrenamiento) se hubieran lucido con más intensidad en el film.
Lo mismo ocurre con la investigación que lleva a cabo el personaje principal que se resuelve en una escena de manera ridícula donde se atan todos los cabos sueltos como si fuera una serie clase B de televisión.
Tampoco ayudan una serie de secuencias surrealistas que Herzog filmó con unas iguanas, donde parece intentar emular a David Lynch. Son momentos que representan alucinaciones del protagonista que no aportan nada y detienen el desarrollo del conflicto sin sentido.
Todo esto sumado a un final Hollywodense hacen que la opción más recomendable con respecto a este film sea recordar la película original, que sin llegar a ser una obra maestra dentro de todo era mejor que esto.

Alicia es un ícono popular que en el cine tiene la misma trayectoria que Drácula o Robin Hood.
La novela creada por Lewis Carroll en 1865 fue llevada a la pantalla grande infinidades de veces.
El primer antecedente fue el film mudo de 1906 que dirigió Cecil Hepworth y antes que llegara el sonido al cine se hicieron dos adaptaciones más en 1910 y 1915.
Este popular personaje tiene una larga filmografía y su historia inclusive fue retratada hasta en un musical porno que hizo bastante ruido en 1976.
Sin embargo, la gran mayoría de la gente suele asociar a Alicia directamente con la producción animada de Disney, de 1951, que en su momento fue un fracaso, tanto en las críticas como en la taquilla, aunque también se debió a que fue una propuesta psicodélica adelantada a su tiempo.
El viejo Walt (al igual que Tim Burton) siempre detestó ese film porque sentía que los directores fallaron a la hora de retratar la magia y el espíritu de la obra de Carroll. De hecho, hasta su muerte rara vez se pasó por televisión y el artista se negó a reestrenarla en los años posteriores.
Recién a fines de los ´60, en plena era del Flower Power, el éxito del film de los Beatles, Yellow Submarine, que era totalmente fumado, generó que el estudio Disney reestrenara con éxito rotundo la peli de Alicia que fue amada por los amigos del LSD.
Hay mucha historia detrás de este personaje.
En consecuencia, tomar un clásico de semejante envergadura y presentar una visión totalmente original es una tarea que sólo un genio como Tim Burton podía llevar a cabo y en ese punto reside para mí la principal virtud de este estreno.
Burton tomó el cuento clásico de Alicia y lo narró con un enfoque inédito hasta la fecha.
La película fue desarrollada con un tratamiento similar al que utilizó Steven Spielberg en Hook.
Es decir, el film vendría funcionar como una secuela ultra lisérgica de la obra original, donde la protagonista ya más grande regresa a esa tierra de fantasía que visitó en su infancia.
No son pocos los historiadores y escritores que creen que Lewis Caroll podría haber consumido alguna droga mientras escribía esta historia y en el libro hay muchas referencias claras a este tema.
De hecho, Alicia se la pasa consumiendo distintas sustancias que la llevan a experimentar transformaciones en su cuerpo. Es un tema que da para largo, pero no es casualidad que en la actualidad la plancha de LSD que contiene el producto más puro de ácido lisérgico se conozca con el nombre de “Alicia en el País de las maravillas”.
Bueno, la versión de Burton es la más fumada de todas.
Ver a la protagonista vestida con armadura y espada enfrentarse al viejo y querido Jabberwocky (un monstruo que aparecía en un poema del segundo libro de Alicia) es algo que seguramente va a alterar a los puristas de la novela, pero como propuesta cinematográfica resulta totalmente divertido.
Cacarear porque Burton no adaptó en detalle la obra de Caroll me parece que no tiene sentido. Sobre todo cuando la película juega con un montón de elementos de las novelas originales.
La historia clásica ya la vimos miles veces en numerosas versiones y está bueno el esfuerzo que hicieron el director y sus colaboradores para brindar algo distinto en este cuento que tiene tantos antecedentes en el cine.
Acá Alicia por momentos se parece más a Lyra Belacqua, la heroína de la Brújula Dorada, que al personaje tradicional que vimos en otras películas.
En este caso el viaje al País de la maravillas representa una experiencia introspectiva para la protagonista que le permite tomar el timón de su vida y descubrir lo que quiere realmente para su futuro. Al cambiar la edad del personaje principal lo hicieron más interesante, además que narraron el cuento dentro de un contexto sociopolítico relacionado con la era victoriana.
Lo cierto es que Burton ofrece una experiencia diferente y ese mundo de fantasía surrealista que creó es fabuloso.
Junto con Avatar es probablemente el film que mejor trabajó el formato en tres dimensiones y la animación digital en el último tiempo.
Si bien la película se promocionó principalmente con la figura de Johnny Depp, es Helen Bonhan Carter, quien se roba el film con su interpretación de la Reina Roja, que tiene escenas geniales junto a Crispin Glover (Volver al futuro).
Creo que Burton expresó su locura creativa de manera equilibrada donde agregó cosas loquísimas de su propia cosecha, pero a la vez hizo un film fabuloso que puede ser comprendido por chicos de 9 años.
Definitivamente este es el mejor trabajo del director en mucho tiempo.

La gran paradoja de este estreno es que si Heath Ledger no hubiera fallecido este trabajo de Terry Gilliam hubiera terminado directamente en los videos clubes.
No es que sea una producción mala pero es raro en estos días que un estudio norteamericano se arriesgue a exhibir internacionalmente este tipo de obras que tienen un público sumamente limitado. No es un film para todo el mundo.
Lo que ocurrió recientemente con el último trabajo de Spike Jonze (Donde viven los monstruos), que no se desarrolló dentro de lo que son las fórmulas comerciales refritadas es un claro ejemplo de este tema. En muchos países Warner la mandó directamente a video.
Hay que acostumbrarse.
Si la película es original y distinta puede terminar en dvd.
El imaginario mundo del Doctor Parnassus es uno de los filmes más lisérgicos y bizarros que se estrenaron en Argentina en mucho tiempo, donde el director Terry Gilliam ofrece una experiencia única que ni siquiera se puede comparar con otros trabajos de él.
Si bien tiene algunos puntos en común con lo que fueron Las aventuras del Baron Munchausen y algunos de sus filmes con el grupo Monty Pitón, Parnassus llevó su locura creativa a otro nivel.
Queda claro que de no haber sucedido la tragedia de Ledger, la película hubiera sido mucho mejor. Acá Gilliam más que presentar su verdadera visión de Parnassus lo que hizo fue completar la producción de la mejor manera posible para que la última interpretación de Heath no quedara en la basura.
Si bien el principal protagonista en la historia es Christopher Plummer, quien interpreta a al personaje principal, Ledger estuvo a cargo de un rol secundario que cobra importancia con el transcurso de la trama.
La realidad es que antes de morir el actor llegó a filmar bastantes escenas y es genial que de ese material el director creó este gran tributo para quien fue uno de los artistas jóvenes más importantes que surgieron en los últimos años.
Por eso también es un poco triste ver Parnassus, ya que si bien el trabajo de Ledger tampoco está a la altura de su memorable Guasón, es clarísimo que el tipo iba a camino a convertirse en uno de los mejores actores de su generación. Era uno de los buenos.
La trama es un oscuro cuento de hadas, que al menos desde mi experiencia, me remitió bastante a las historias locas que Neil Gaiman escribía para la serie de cómic The Sandman, donde te encontrabas con personajes y lugares imaginarios que nunca viste en ninguna otra historia.
Gilliam le encontró la vuelta de manera original a la trama para que los reemplazos de Johnny Depp, Jude Law y Colin Farell quedaran bien conectados con el conflicto.
Aunque Farell está un poco más en escena que el resto, los tres hicieron un gran trabajo con una tarea que no era para nada sencilla, ya que en poco tiempo tenían que continuar con sus interpretaciones el personaje que había construido Ledger.
De todas maneras, la gran estrella del reparto es Tom Waits, quien se come la película con su soberbia e inolvidable interpretación del Diablo.
Un personaje perfecto para él al que le sacó el jugo. Las escenas que tiene con Plummer son fantásticas.
Las secuencias de efectos especiales estuvieron muy bien logradas (pese a que el director no contó precisamente con el presupuesto de Avatar) y logran transportarte a esos mundos surrealistas creados por Gilliam.
El problema de Parnassus está en la trama, donde la muerte de Ledger, claramente obligó al director a ir por otros caminos que tal vez no tenía pensado cuando concibió este proyecto.
No todo lo que se ve tiene un sentido argumental y todo el simbolismo que despliega Terry a lo largo de la película hacen que el film sea mucho más complejo de lo que parece.
El cuento es algo caótico y confuso por momentos y no todo el mundo va a salir encantado con esta propuesta. Sin embargo, para quienes busquen disfrutar de una experiencia totalmente distinta a la que ofrecen la mayoría de los estrenos por estos días, la nueva película de Gilliam merece su visión.

Acá tenemos otro claro ejemplo de cómo un trailer puede distorsionar por completo la propuesta que ofrece realmente una película.
Si mirás el avance de Al filo de la oscuridad parecería que es un refrito de Búsqueda Implacable (Liam Neeson) y lo cierto es que no tienen nada que ver.
El director Martin Campbell (Golden Eye) y Mel Gibson ofrecen un gran policial mucho más dramático de lo que mostraban los trailers.
No es una obra maestra, ni un film que brinde una propuesta sin precedentes, pero hay algo que no se le puede discutir: Es un policial sin discusión.
Frente a las pedorradas que se estrenan en estos días dentro de este estilo, lo celebro.
La historia está basada en una importante miniserie inglesa que paralizó al Reino Unido cuando se estrenó en la televisión y que el propio Martin Campbell dirigió en 1985. También es muy recordada por la música de Eric Clapton.
En este caso, Campbell y Gibson (que también es productor) tomaron la trama y la desarrollaron en el estilo de los viejos policiales norteamericanos de la década de ´70. Me pareció interesante como un director tomó un viejo trabajó suyo y lo reinterpretó desde una óptica totalmente diferente.
No esperés ver Arma Mortal o a Mel emulando a John McClane porque esto pasa por otro lado.
De hecho, tampoco hay grandes secuencias de acción Hollywoodenses, pero la violencia y los tiroteos fueron trabajados de un modo más realista y brutal.
El personaje de Gibson no sale a buscar solamente justicia por mano propia tras el asesinato de su hija. Matar a los asesinos es fácil, lo complicado es encontrar la verdad y ahí es donde la historia se pone interesante.
El protagonista, que ya esta jugado en la vida, va más allá de la venganza y la película se vuelve más atractiva cuando entra en el terreno de las conspiraciones políticas.
Acá la resolución del misterio es más importante que la venganza.
El director Campbell carga todo el film en las espaldas de Gibson, quien está presente en el 95 por ciento de las escenas, rodeado de un buen reparto donde se destaca principalmente Ray Winstone, con un personaje que originalmente iba a interpretar Robert DeNiro.
Gibson volvió a la actuación con un típico personaje de esos que interpretaban Clint Eastwood y Charles Bronson en los ´70 y está en su salsa en esta historia donde sobresale con su personaje en los momentos dramáticos.
Ya sea que sos seguidor de Mel o del género Al filo de la oscuridad es una apuesta segura y brinda un buen entretenimiento.

Desde mi cielo es el peor trabajo en la filmografía de Peter Jackson hasta la fecha.
Esto no significa que el film opaque sus logros anteriores, pero la realidad es que tampoco tiene inmunidad diplomática por las grandes cosas que hizo en el pasado.
La película es un desastre donde él tiene la responsabilidad como guionista, productor y director.
Cuando entrás al cine a ver la historia de un crimen sobre una chica que fue violada y asesinada y al finalizar te queda la misma sensación que hubieras tenidos si veías Sintonía de amor 2 hay algo que falla.
En este caso es la incompetencia absoluta del director para retratar una historia sobre el dolor humano, que terminó convertida en un lamentable pastiche digital meloso donde parecería que a Jackson lo sacás de los efectos especiales y no tiene mucho para decir.
El mejor ejemplo para contraponer a este estreno es El Laberinto del Fauno.
Ahí tenías un dramón tremendo con bastante suspenso que se fusionó a la perfección con secuencias de fantasía.
Sin embargo, el director Guillermo Del Toro nunca perdió el rumbo del film porque sabía desde un comienzo lo que quería contar. La atención estaba puesta en las relaciones humanas no en los efectos especiales.
No es el caso de Jackson.
Acá no se entiende que es lo que quiso hacer.
Retratar a la víctima de un crimen terrible como una ninfa poeta que vive feliz en una especie de antesala al Paraíso, mientras los familiares sufren en la vida es deplorable, sobre todo porque el asesino prácticamente queda como un héroe que les hizo un favor a las chicas que mató.
Las jóvenes encontraron la felicidad eterna en el Paraiso y para sus familiares después todo sigue adelante sin problemas. Me pareció un poco perverso.
Tengo que admitir que desde mi cielo arranca muy bien con gran potencial hasta que se produce el crimen.
Hasta ahí vamos bárbaro. La presentación de los personajes, especialmente los de Stanley Tucci y Saoirse Ronan están muy bien y te meten de lleno en la trama. Inclusive la escena en que la protagonista se da cuenta que fue asesinada está muy bien realizada.
Lamentablemente Jackson después entra en el terreno del País de Nunca Jamás con situaciones ridículas (como el insólito regreso de la protagonista para experimentar su primer beso) que no se pueden sostener y tira por la borda todo lo bueno que había construido hasta la primera parte de su trabajo.
Es una pena porque el elenco es impresionante y reman como los dioses los diálogos ridículos de director.
La excepción de esto es Susan Sarandon que directamente parece salida de una comedia de Kevin Smith. Su personaje está totalmente descolocado en la historia como si trabajara en un film aparte y la película falla a la hora de mitigar el drama con un poco de humor.
Queda la sensación que el director Jackson estuvo más enganchado con los efectos especiales que en retratar las relaciones humanas entre los personajes.
Desde mi cielo deja una importante lección a futuros directores de cine: Las historias de asesinos seriales pedófilos y los cuentitos de hadas sentimentalistas no van de la mano.

Percy Jackson y el Rayo Dorado es un film que se destaca por haber sido desarrollado por sus productores sin confianza en la historia que contaban.
Parecería que los estudios Fox tenían miedo a que este film terminara como Eragon o Los seis signos de la luz que pasaron por los cines sin pena ni gloria y apostaron a fórmulas repetidas que ya se usaron en este género, en lugar de brindar algo original, con el objetivo que les fuera un poco mejor en la taquilla.
En este caso compraron los derechos de una saga de libros para preadolescentes que tiene una respetable cantidad de fans en los Estados Unidos (mucho más que los otros dos títulos citados) y dejaron la adaptación literaria en manos de la productora 1492, con el director Chris Columbus a la cabeza, responsable de llevar la serie de Harry Potter al cine.
Sin embargo los resultados fueron muy distintos por la sencilla razón que a Percy Jackson nunca le tuvieron fe.
Queda la sensación que Columbus filmó a las apuradas y no le importó nada el desarrollo de los personajes o plantear la primera entrega de una futura saga que tenía mucho potencial, porque la historia en general está buena.
La premisa de los dioses griegos interactuando con los humanos en el siglo 21 es muy atractiva pero no es un tema que aprovecharon en esta producción.
En lugar de eso prefirieron hacer una mala copia de los filmes de Harry Potter.
Uno de los problemas que tiene la película es que al igual que Crepúsculo, la narración va demasiado rápido y no le dan tiempo al espectador a que conozca a los personajes y el mundo de fantasía que los rodea. Todo transcurre de manera acelerada.
Percy Jackson es presentado en el comienzo como un chico adolescente con dislexia y diez minutos después lo vemos peleando contra criaturas mitológicas como si se hubiera dedicado a eso toda la vida.
En un solo día el pibe flogger se convierte en un experto en el manejo de espadas y enseguida se lanza pelear contra todo tipo de enemigos que vence sin problemas.
Creo que la gran falla argumental que tiene este film es que a Percy le faltó un Voldemort.
Un villano peligroso que lograra preocuparnos por los problemas que enfrenta el personaje principal y que además lo desafiara como héroe.
El hecho que al protagonista le salga todo bien y supere obstáculos sin problemas lo convierten en un personaje sumamente aburrido.
Columbus no deja ninguna puerta abierta para algún conflicto futuro y la historia pierde interés a medida que se acerca al final, además que hay escenas donde su dirección deja bastante que desear.
Por ejemplo, el protagonista en un momento se entera que su madre murió (al principio del film) y el pibe reacciona como si hubiera perdido un celular. Lo que tendría que haber sido un momento emocional importante pasa como si nada, ya que enseguida viene un combate de espadas patéticamente coreografiado.
Hay secuencias de acción que están bien realizadas con los efectos especiales, pero las peleas de espada son lamentables. Cualquier profesor de esgrima las podría haber mejorado.
Por otra parte, los grandes actores que aparecen en pequeñas participaciones como Sean Bean, Pierce Brosnan, Uma Thurman, o Rosario Dawson estuvieron desaprovechados y es poco lo que aportan en la historia.
Mentiría si escribo que la película es aburrida. Zafa como propuesta familiar y seguramente los más chicos pasarán un buen rato en el cine, pero es esa clase de filmes que al día siguiente borraste de tu mente.
Salvo que hagan severos cambios en una potencial continuación, por lo que se vio hasta ahora, cuesta bastante imaginar a Percy Jackson como una duradera franquicia para los Estudios Fox.

Podría hacerla simple y seguir al trencito de la crítica con frases como “una obra maravillosa y sensible sobre el poder del espíritu humano frente a las adversidades de la vida”.
Quedaría como un duque, pero no estaría siendo honesto y escribiendo lo que realmente pienso.
Preciosa es una película que parece haber sido escrita por los guionistas de los talks show que hacía Moria Casán hace unos años.
Se destaca por ser una de las propuestas más deprimentes realizadas en los últimos tiempos que por muy poquito casi le quita la corona en esa categoría a Combat Shock (en mi opinión el film más deprimente en la historia del cine norteamericano), la obra maestra de la productora Troma, de 1986.
Ojo, que sea deprimente no es para nada un inconveniente ni algo negativo, el tema es que la trama se pasa de rosca con el exceso dramatismo y me parece que termina siendo pretenciosa y superficial en la manera que trabaja la temática de la violencia y los abusos familiares. Se fueron de mambo mal en ese aspecto.
Un breve repaso.
Precious es una chica que vive en un ghetto de Nueva York en los años ´80. Sufre un severo problema de obesidad y a los 16 años tiene dos hijos que tuvo con su padre.
Como si esto no fuera poco, su primera nena tiene síndrome de Down y la llama “Mogo” como abreviación de mogólica y su madre es un ser abominable que parece salida de la comedia Norbit (Eddie Murphy) que se aprovecha de ella y la maltrata física y emocionalmente. No tiene amigos y apenas sabe leer. Su sueño es ser blanca, rubia y famosa. Me reservo otros datos terribles importantes para no arruinarles la historia.
Realmente faltó que al final de la película se rapara la cabeza y decidiera matar un político, estilo Taxi Driver, para hacerla completa.
El director Lee Daniels ofrece otro dramón sumamente manipulador lleno de golpes bajos dentro de lo que es su zona de comodidad.
Sus películas anteriores Cambio de vida (Halle Berry) y Shadowboxer estuvieron encarados en la misma línea y con su nuevo trabajo no hace otra cosa que ofrecer más de lo mismo.
110 minutos de constantes golpes a los testículos. Si querés llorar, llorá.
Lejos de ser una historia inspiradora el film no hace otra cosa que retratar situaciones durísimas y ultra dramáticas que vive la protagonista como si trataran de emular las viejas novelas de Charles Dickens.
La diferencia es que el viejo Charlie lograba conectar al lector con los personajes principales debido a que estos se sacrificaban por salir adelante y tenían esperanzas por más terribles que fuera su realidad en conseguir un futuro mejor.
Precious hace lo que puede y sus banales fantasías de fama y popularidad son el único refugio que tiene para seguir adelante. La protagonista genera empatía simplemente porque nos da lástima.
Por supuesto que existen este tipo de historias en la vida real, pero no es creíble que una sola persona tenga todos los boletos de la lotería de la miseria extrema.
Lo más gracioso de todo esto es que el propio director Daniels concuerda en que se les fue la mano con las situaciones fuertes de la trama y por eso en un principio (fueron declaraciones de él) le dio vergüenza presentar el film en Cannes porque le parecía que mostraba a la comunidad negra norteamericana desde una óptica demasiado negativa.
Un aspecto que no se puede obviar es el trabajo del reparto donde sobresalen en participaciones especiales Mariah Carey (no es joda) y Lenny Kravitz.
Mariah se redimió en la actuación después de su lamentable trabajo en Glitter y acá sorprende con una labor muy cuidada y creíble en situaciones emocionales fuertes que son las que abundan en todo este film.
Garbourey Sidibe, por otra parte, lleva muy bien el rol protagónico por ser su primer trabajo en el cine, pero su actuación tampoco es para alquilar balcones.
Va a ser muy interesante ver como sigue su carrera en adelante, si puede hacer otras cosas o se queda estancada con esta clase de personajes.
Pero bueno, hay público para todos los gustos y seguramente Precious tendrá sus seguidores.
Para los amantes de las historias depresivas esta película es como un pase libre a Disneylandia.

Tras la versión Village People presentada en Luna Nueva, el Hombre Lobo finalmente recuperó su dignidad.
Nos referimos a un ícono del cine de terror que debutó en la pantalla grande por primera vez en 1924 en un film mudo dirigido por Edmund Mortimer.
La gran paradoja es que esa película en realidad era una historia romántica. El personaje hizo su primera aparición en el género de horror en 1935 con el film El Hombre Lobo de Londres, de Stuart Walter, que fue un enorme fracaso comercial.
Sin embargo, en 1941, los estudios Universal decidieron relanzar otra vez al personaje con una gran producción protagonizada por Lon Chaney, Jr y Béla Lugosi que consolidó a este monstruo para siempre y lo convirtió en un ícono de la cultura popular.
Esa película del director George Wagner fue la que estableció la historia clásica del personaje.
Algo muy loco es que pese a la enorme popularidad que tuvo en su momento, cuando se conoció por primera vez en los cines, el hombre lobo nunca llegó a tener su propia secuela y reapareció en el rol de “monstruo invitado” en otros filmes como La casa de Frankenstein (1944), La casa de Drácula (1945) y Abbott y Costello encuentran a Frankenstein (1948), donde terminaba siendo uno de los buenos de la historia.
Muchos historiadores consideran a Frankenstein y el Hombre Lobo (1943) como la secuela del film original, pero otra vez, el personaje no tiene el protagonismo absoluto ya que comparte la pantalla con Franky.
La película que llega a los cines esta semana es una remake del clásico de 1941.
Más allá de algunos que otros cambios, el film de Joe Johnston (Rocketeer) narra la misma historia con una interesante particularidad.
Esta es la película más sangrienta y brutal en la historia del Hombre Lobo, que volvió al cine totalmente sacado!
Nunca se lo había visto así.
Se han hecho en el pasado otros filmes sangrientos con este personaje pero la nueva versión en materia de gore los dejó a todos atrás.
Acá tenés mutilaciones, decapitaciones y ataques zarpados de todo tipo y la verdad que el personaje resulta aterrador.
Esta remake tuvo muchísimos problemas en su producción sobre los que ya escribí en detalle en el blog de próximos estrenos.
La verdad que con todos los inconvenientes que enfrentaron los productores el balance es más que positivo.
Desde el punto de vista visual la película es realmente espectacular. La secuencia que el Hombre Lobo ataca en el centro de Londres es maravillosa. En general todas las escenas de acción son bárbaras.
Lo cierto es que hubo un montón de gente grossa y talentosa en esta producción que hizo un muy buen laburo que no se puede dar por descontado.
El diseño de producción de Rick Heinrichs (Piratas del Caribe, Lemony Snickett), la fotografía de Shelly Johnson (Jurasic Park 3), los efectos de maquillaje de Rick Baker y la banda sonora de Danny Elfman se combinaron muy bien para brindar una gran espectáculo visual.
El trabajo del reparto no es para menos y Benicio del Toro es quien se carga al hombro el film compañado por Anthony Hopkins y Emily Blunt.
Geraldine Chaplin también se destaca como la clásica gitana Maleva que forma parte de la historia clásica del personaje.
Tal vez puedo imaginar que se coma un par de palos por algunas cosas del guión pero la historia me parece que en general estuvo muy bien. Es el Hombre Lobo no La insoportable levedad del ser y Johnston hizo bien su trabajo.
Tomaron un personaje super clásico cuya historia fue retratada infinidades de veces y la narraron con un enfoque más oscuro y tenebroso que el personaje no había tenido en el cine en mucho tiempo.
No es una obra maestra pero frente a otras remakes impresentables que pudimos ver en los último años esta la verdad que está buena.
Por cierto, el director Johnston repetirá buena parte de su equipo de colaboradores en la próxima película del Capitán América que empieza a filmar en breve.

Kathrym Bigelow es una directora distinta y por eso siempre me atraparon sus trabajos.
Desde que comenzó su carrera en el cine a fines de los ´70 apostó de manera incondicional a los thrillers y el cine de acción. Las comedias romanticonas y los dramas melosos no son lo suyo.
En sus historias es muy raro que no se dispare algún tiro o haya alguna persecución.
Pese a no tener una larga filmografía en el pasado hizo muy buenas películas que siempre son agradables volver a ver.
Near Dark (1987), por ejemplo, es una de las mejores historias de vampiros realizadas en los últimos años que se convirtió en un fenómeno de culto.
Strange Days (1995), escrita y producida por James Cameron luego del divorcio con la directora, fue otra gran historia atrapante de ciencia ficción protagonizada por Ralph Fiennes.
Ni hablar de Púnto Límite, una de las grandes joyas de acción de los ´90, K-19 (que brindó un muy buen entretenimiento) o ese maravilloso comercial para Pirelli con Uma Thurman donde presentó una tremenda persecución de autos.
Es loco porque a diferencia de otros cineastas Bigelow siempre contó con el respaldo de la prensa en sus laburos pero salvo por Punto Límite y K-19 sus filmes nunca fueron éxitos taquilleros.
Sí, soy fan de Kathryn y me encanta todo este reconocimiento que está teniendo en estos días con su último trabajo, ya que más allá que se lo tiene merecido, se trata de su mejor obra hasta la fecha.
Vivir al Límite es un tremendo peliculón que se destaca principalmente por ser un thriller que no da respiro desde la primera escena.
Filmada con un enfoque documental que remite a los trabajos del Gran Paul Greengrass (El ultimátum Bourne), el film retrata la vida cotidiana de un escuadrón de bombas en Irak.
Casualmente la directora trabajó con el mismo director de fotografía de Vuelo 93, Barry Aycroyd (frecuente colaborador del cineasta Ken Loach) quien se caracteriza por darle un aspecto realista a la producciones en las que colabora.
Si ya de por si dedicarse a desactivar bombas es un trabajo estresante, llevar a cabo esa tarea en Bagdad puede ser un verdadero infierno, especialmente si tu jefe es un psicópata como el que interpreta Jeremy Renner, en una labor extraordinaria.
Bigelow logró mantener la tensión y el suspenso a lo largo del todo el relato sin dejar de lado las emociones y conflictos personales de los personajes principales, que es lo más importante en esta historia, más allá de la acción.
Se trata de un film apolítico que no juzga ni emite una postura sobre el conflicto en Irak, sino que se centra en retratar lo que la guerra genera en la personas desde el punto de vista emocional.
Pese a no contar con un gran presupuesto la directora presenta varias secuencias de acción que superan en materia de realización a varios tanques hollywoodenses que vimos en el último tiempo. El duelo de francotiradores que se produce en la mitad de la historia es mortal.
Sin embargo, es el reparto el que lleva la historia con sus interpretaciones, donde se destacan también cameos locos de Guy Pearce y Ralph Fiennes.
Entre las películas que se hicieron recientemente sobre este tema, la historia de Vivir al límite es la mejor de todas y merece su visión.
EL DATO LOCO:
James Cameron se encargó de convencer a la directora para que dirigiera este film que en un principio a Bigelow no le atraía demasiado. Al final siguió el consejo del director de Avatar y Vivir al límite se convirtió en la película más importante de su carrera, además de la producción independiente más taquillera de los Estados Unidos en el 2009.

No es otro dibujito que llega al cine para entretener a los chicos.
Se trata de uno de los más grandes íconos que existen en la historia de la animación que logró mantenerse vigente desde hace más de 50 años.
El artista Ozamu Tezuka, quien es considerado el gran padre del animé, creó al personaje en 1951 inicialmente como una serie de historietas que se publicaron entre 1951 y 1981.
En 1963 el niño robot debutó en la animación y desde entonces logró renovarse y entretener a distintas generaciones de chicos.
En Japón Astro Boy es considerado un importante patrimonio cultural de ese país que contribuyó a difundir la animación japonesa en el resto del mundo.
Había muchas dudas por cómo sobre cómo quedaría esta versión hollywoodense realizada para el cine y la verdad es que la película resultó mucho mejor de lo que se esperaba.
Habrá gente que le gustará más o menos pero lo que no se le puede objetar a los realizadores es que hayan sido irrespetuosos con la obra original de Tezuka.
La verdad que el director David Bowers (Lo que el agua se llevó) hizo un gran trabajo al retratar el drama humano que existe detrás de la creación del protagonista.
Astro Boy nace a partir de la frustración de un padre por no poder superar la muerte de su hijo. Esto es un tema que sin duda da lugar a momentos dramáticos importantes que fueron muy bien trabajados en el film.
La película presenta a un Astro Boy mucho más introspectivo y vulnerable que otra versiones recientes que se han trabajado en series de televisión y escenas como
el rechazo que sufre el protagonista cuando el Doctor Tema se arrepiente de haber creado al androide son momentos emocionales que estuvieron muy bien realizados.
Tuve la oportunidad de ver este film con chicos y quedó claro que la película funcionó para el target de pibes de siete años en adelante a la perfección.
Lo que se le puede objetar al film, al menos para mi gusto, es que a la trama le faltó un poquito más de acción.
Hay muchas secuencias de pelea donde Astro hace de las suyas, pero me quedó la sensación que al director se le fue demasiado el hilo de la historia presentando personajes secundarios que tienen mas importancia de lo necesario, como un grupo de “niños perdidos” que terminaron marginados por Metro City.
Ya sea para los nostálgicos que quieran revivir viejas épocas o simplemente compartir este clásico con sus hijos Astro Boy es una muy buena película que merece su recomendación.

88 minutos de pura diversión.
De eso se trata todo esto. Tierra de zombies es una muy buena comedia de terror relacionada con los muertos vivos que representa un gran debut del director Ruben Fleischer.
La película brinda una historia muy entretenida en la línea de lo que fue Shawn of the Dead, con Simon Pegg, sólo que con un humor más norteamericano.
El director Fleicher no pierde el tiempo con grandes introducciones de personajes ni explicaciones del origen de la plaga de zombies y directamente se concentra en la acción.
Esto no es REC donde en los primeros 20 minutos conocés a los personajes en situaciones distendidas.
Acá desde que arrancan los títulos iniciales el film se mete de lleno en la masacre de los zombies y las mutilaciones y así continúa hasta el final.
Woody Harrelson se roba la película con un personaje con el que se nota se divirtió a lo grande en el rodaje.
Jesse Eisenberg, por otra parte, bueno, hace de Jesse Eisenberg, que es probablemente el rol que tendrá en el cine junto con Michael Cera en los próximos 20 años.
Me refiero al nerd amigable que siempre tiene comentarios graciosos para hacer.
A diferencia de Shawn of the dead que era una comedia de principio a fin, el trabajo de Fleischer se relaciona más con el género de terror y presenta muy buenos momentos de tensión con los zombies.
Este director hizo el mejor uso de la cámara lenta que pude ver en mucho tiempo, probablemente desde Apocalypto.
Hay un par de secuencias, que más allá de los hechos que muestran, se ven realmente espectaculares en el cine.
Fleischer no escatimó en el gore y a los que les gusten las historias de muertos vivos bien sangrientas van a quedar encantados con esto, ya que la violencia de Tierra Zombies es bastante brutal.
Sin embargo, como la historia se desarrolla en el campo del humor esos momentos no resultan chocantes, salvo para los que no sean amigos del humor negro.
Hace poco se anunció la secuela para el 2011 que contará nuevamente con el mismo director, así que esto recién comienza.
Si te gustan los zombies no la podés dejar pasar.

Después de varios años de no poder participar en competencias deportivas, debido al régimen racista que gobernó Sudáfrica durante décadas, la selección de Rugby de ese país ganó el mundial de 1995 al vencer a los temibles All Blacks de Nueva Zelanda que eran los grandes candidatos.
Sin embargo, el triunfó deportivo generó un hecho más importante en ese país que tuvo que ver con la unión de un pueblo tras un largo período de violencia y segregación racial.
La última película de Clint Eastwood narra la historia detrás de aquella gran final, que es considerada uno de los eventos deportivos más relevantes de la década del ´90.
Invictus no es un film sobre rugby, sino sobre Nelson Mandela y la enorme revolución que causó en su país al convertirse en presidente de ese país, luego de pasar 30 años en prisión.
Poco cineastas retrataron a Mandela y su pensamiento con la precisión que lo hizo el viejo Clint en este film.
En ese sentido este estreno deja más de una lección profunda e inspiradora que más de un dirigente político argentino debería tener en cuenta.
La película se centra en la difícil tarea que tuvo Mandela para unir a un país marcado por el odio y el resentimiento que dejó el final del Apartheid y como su liderazgo jugó un rol fundamental en el triunfo de los Springboks
Si bien Eastwood hizo un gran trabajo desde la dirección el 50 por ciento de los méritos de este film le corresponden al guionista Anthony Peckham (Sherlock Holmes), quien es responsable de algunos diálogos fabulosos y Morgan Freeman con su soberbia interpretación de Mandela que es el alma de esta propuesta.
Aunque en la vida real Matt Damon parece un pigmeo al lado del verdadero ex capitán de los Springboks, Francois Peinaar, a quien interpreta en Invictus, su trabajo resultó bastante creíble para un tipo que jamás podría liderar un equipo de rugby.
Es claro que Eastwood lo convocó principalmente para que llevara adelante las escenas que no tenían que ver con la acción deportiva en lugar de terminar enloquecido en el rodaje por tratar de hacer actuar a un rugbier sin capacidad de expresión. Es una elección inteligente.
De hecho, Clint utilizó un par de truquitos de cámaras para mostrar a Damon más grande de lo que realmente es físicamente y que su rol de rugbier no quedara tan descolocado.
Hay que reconocerle al director que logró también ponerle onda a un deporte que en el cine nunca fue atractivo de ver. Las películas de rugby no abundan precisamente en el séptimo arte y pese a que uno ya sabe como va a terminar la historia, Eastwood logró hacer atractiva la gran final del mundial de 1995.
En definitiva, más allá de brindar una muy buena película, Invictus es un gran homenaje a uno de los grandes líderes políticos del siglo 20.
EL DATO LOCO:
-El jugador sudafricano, Joel Stransky, que conecta el gol del triunfo en la final del mundial fue interpretado por Scott Eastwood, el hijo del director.

-El entrenador de rugby que tuvo Matt Damon para prepararse en el rodaje fue Chester Williams, una de las estrellas de la selección sudafricana de 1995. Varias escenas del film hacen referencia a Williams.

Los vampiros existen en el cine desde que los hermanos Lumiere inventaron el proyector cinematográfico.
Poca gente recuerda por lo general, que mucho antes que Bram Stoker creara a Drácula, las famosas criaturas bebedoras de sangre ya habían aparecido en la pantalla grande.
El gran pionero en llevar a estos personajes al cine fue el Gran George Mellies, padre de los efectos especiales, en 1896 con Le Manoir Diable.
Desde entonces la infinidad de películas que se hicieron hasta la fecha generaron que hoy presentar una gran propuesta con estas historia no sea nada fácil, debido a que no hay más nada por inventar.
Daybreakers es una muy buena película que le devuelve con toda su gloria la dignidad a los vampiros en Hollywood que en el último tiempo se presentaron con un enfoque demasiado light con filmes como Crepúsculo o la serie True Blood que se centraron en aspectos más románticos.
Los vampiros no tienen nada de romántico y los hermanos Spierig se encargan de dejarlo claro en los primeros minutos de este film donde marcan de manera contundente el tono que tendrá la película.
Acá los vampiros son aterradores y corre mucha sangre durante toda la historia. Los amantes del gore definitivamente no van a salir defraudados ya que hay escenas tremendas.
Daybreakers se destaca principalmente por combinar muy bien los géneros del terror y la ciencia ficción y hasta me animaría decir el policial negro con una historia futurista muy entretenida que presenta una estética que evoca un poco esos cómics oscuros de Steve Niles (30 días de noche).
La verdad que es un placer poder disfrutar de dos actorazos como Ethan Hawke y Willem Dafoe en un film de este estilo.
Las secuencias de acción están muy bien elaboradas y los directores manejan muy bien la narración de la historia.
Si en el pasado disfrutaste de filmes como Del crepúsculo al amanecer, Vampiros, de John Carpenter, o más recientemente 30 Días de noche este es un estreno para tener
muy en cuenta.

No hay mejor público que los chicos para evaluar este tipo de propuestas.
Las dos películas de Alvin y las ardillas que se estrenaron hasta ahora, que trajeron a la pantalla grande a estos personajes que tiene más de 50 años de vigencia, tuve oportunidad de verlas en una función con niños.
Al comparar lo que sucedió en las dos funciones con el público infantil la conclusión es más que clara: La secuela no resultó tan divertida como la primera parte.
Recuerdo que el primer film arrancaba muy bien con mucho entretenimiento y después caía al estancarse en situaciones redundantes.
La nueva historia directamente ya arranca estancada en un pozo del que nunca logra salir.
Es evidente que Jason Lee (protagonista de la anterior) estuvo comprometido con otro proyecto durante el rodaje y los productores sólo lo podía tener disponible un par de días, ya que su trabajo es muy breve.
Esto le jugó en contra a la película porque el actor se desenvolvió muy bien en el film anterior y el reemplazo que consiguieron para la secuela, Zachari Levi, es realmente impresentable.
Nunca termina de quedar claro cuál era la función de su personaje.
El mayor logro del film son los efectos especiales donde pulieron mucho más el aspecto, las expresiones faciales y movimientos de las ardillas que parecen totalmente reales.
De hecho, en la secuencia inicial los animalitos demuestran que tiene más carisma que los Jonah Brothers.
La incorporacion de la Chipettes, que son la versión ardilla de Destiny Child tampoco aportó demasiado.
Los espectadores más pequeños probablemente sean los que más disfruten de esta historia, a los adultos no les queda otra que remarla.

Rob Zombie nunca quiso hacer esta película.
El único motivo por el que aceptó hacer la secuela fue que no quería que otro director jodiera su visión personal de Halloween.
El cheque que le dieron los hermanos Weinstein es anecdótico.
Zombie no es un artista que tenga problemas para llegar a fin de mes. De hecho, estaba trabajando en otra película (Tyranossaurus Rex, que se conocerá en el 2013) cuando surgió el tema de la secuela.
Esta segunda parte deja la sensación que el espíritu de Lucio Fulci estuvo visitando los sueños del director mientras laburaba en la pre producción.
Halloween 2 es un film que se caracteriza por ser una propuesta mucho más brutal, morbosa y violenta que la primera entrega.
Las acciones de Myers en esta película convierten a la última versión de Jason Voorhes en una princesa de Disney.
Todo el aspecto introspectivo relacionado con el protagonista quedó afuera, acá el asesino no para de matar gente desde el momento en que aparece en la pantalla con escenas ultraviolentas.
Es como si Zombie hubiera manifestado su bronca de tener que hacer una secuela que no había planificado en el modus operando del asesino.
Michael ya no se contenta con apuñalar, sino que además hace una carnicería con los cuerpos.
La visión personal de director con esta historia pasa por evocar el cine Grindhouse de los años ´70 y ´80 y en esta segunda parte me parece que esto está mucho más claro.
La trama, como era de esperarse, tiene más huecos que un colador, porque el final de la primera parte no daba para una continuación.
Pese a todo, Zombie se las arregló para generar buenos momentos de tensión y dramatismo. Hay una serie de secuencias de sueño relacionadas con un personaje que están magníficamente elaboradas.
Algo que llama la atención es que los protagonistas presentan cambios radicales.
Laurie Strode pasó de ser una adolescente ingenua a una groupie sucia que colecciona postres de Charles Manson, mientras que el Doctor Loomis ahora es un completo imbécil despreciable que no tiene nada que ver con el hombre que conocimos en el primer film.
En el segundo caso principalmente, me parece que Zombie la pifió porque el cambio le jugó en contra al personaje que ahora no genera ningún tipo de simpatía.
Un sorpresa en el reparto (y esto es loco porque no lo esperaba) resultaron Tyler Mane quien interpretó a un Myers absolutamente aterrador, especialmente cuando está sin la máscara, y Sheri Moon Zombie como el fantasma de la madre de Michael que está excelente en ese personaje.
Lamentablemente en la continuación se quedó afuera Daeg Faerch, el chico que había brindado un gran trabajo como el pequeño Myers. Esto se debió a que en el último tiempo creció bastante y ya no daba para que repitiera el personaje.
El nuevo actor a cargo de ese rol no tiene el talento de Faerch y es claro que el director evitó exponerlo demasiado.
Lo mejor de la película es el increíble diseño de producción, donde hicieron un trabajo excelente en algunas secuencias surrealista de sueños y los efectos especiales.
Hay algunos momentos de violencia que son duros de ver y están realizados con mucho realismo.
Por supuesto no falta una banda sonido decente donde se escuchan temas de Lynyrd Skynyrd, Rod Stewart y Motorhead.
Halloween 2 no es para nada una obra maestra, pero frente a otras porquerías que se estrenaron el año pasado como Destino Final 4 o Actividad Paranormal, es una propuesta decente dentro de este género.

¿Por dónde empezar?
Asesino Ninja no sólo es la clase de película que hace rato le faltaba a la cartelera, sino que además representa uno de los mejores y más divertidos filmes de acción que pude ver en el último tiempo.
Los hermanos Wachowski, responsables principales de esta joya, le devolvieron a los ninjas la dignidad que habían perdido en estos últimos años.
El público occidental se los tomaba en joda y los misteriosos asesinos a sueldo no deberían hacer reír, sino ser aterradores e implacables como se muestran en este film.
Lo más importante de este estreno es que brinda el regreso memorable y esperado porque quienes somos fans del género y las artes marciales del gran maestro Sho Kosugi, quien es el Gran Ninja del cine.
Sin el aporte de Kosugi en el cine clase B tal vez los ninjas hubieran tenido otra historia en el séptimo arte, por lo menos en Occidente.
Kosugi trajo el concepto del ninja al continente americano con la memorable trilogía de la productora de Menahen Golam, integrada por los filmes La justicia del Ninja (con Franco Nero), que marcó la primera aparición de estos personajes en el cine estadounidense, La venganza del Ninja y Ninja 3: La dominación.
A partir de ahí los asesinos enmascarados comenzaron a aparecer por todas partes, inclusive en dibujos animados y otra sagas cinematográficas populares como El guerrero americano con Michael Dudikoff.
En nuestro país Sho Kosugi es muy recordado también por la serie de televisión de los ´80, Maestro Ninja (con Lee Van Cleef) y la película que este grosso filmó con Ulises Dumont en 1988, Contacto Ninja en la Argentina (Rage of Honor).
En los links pueden encontrar más información sobre esas propuestas.
La verdad que me emocionó mucho verlo de vuelta en el cine.
Aunque está un poco más viejo no perdió su talento para interpretar a bastardos desalmados como el que encarna en su último trabajo.
Me encanta Kosugi cuando es bueno, pero como villano creo que siempre se destacó
más y para mi grata sorpresa los Wachowski y el director James Mcteigue le dieron mucho más protagonismo del que esperaba.
Asesino Ninja es una propuesta especial porque, al menos en mi experiencia, nunca sentí que estaba viendo una película, sino un manga japonés que por arte de magia cobró vida.
Se trata de un híbrido entre el cómic y la animación japonesa que fue ejecutado como una película de acción en vivo.
Creo que en esto tuvo mucho que ver que los productores delegaran el guión en un grosso del cómic norteamericano como es J.Michael Straczynski, quien en las últimas décadas se destacó por sus trabajos en la revistas de Spiderman, Los Cuatro Fantásticos y Thor entre otras cosas.
Ninja Asesino es un manga de Straczynski.
Por otra parte, el cine de animación de ese otro gran maestro que es Yoshiaki Kawajiri me parece que también tuvo una enorme influencia en esta película.
Las espectaculares secuencias de acción, sin ir más lejos, parecen salidas del film animado Ninja Scroll.
Lo que me gustó y destaco de esta producción es que no se reprimieron con las secuencias de acción.
El director realmente se tomó en serio, tal vez demasiado, el concepto del título.
La película es totalmente zarpada en materia de gore y claramente está a la altura de la saga de SAW.
Los primeros 10 minutos son mortales y le dejan al espectador bien claro por donde va a pasar esta propuesta.
No puedo dejar de destacar el trabajo de Rain como protagonista. Este muchacho es un cantante pop y modelo coreano super famoso en Oriente que planteaba muchas dudas en esta película.
Para ponerlo en términos elegantes. El flaco en principio no daba para interpretar a un ninja asesino. Es la última persona que te imaginarías para este film.
Es como que Zack Znyder hubiera convocado a Ricky Martin para el rol de Leónidas en 300. No da.
Sin embargo, si no conocés los antecedentes de Rain y sus coreografías de baile maracas que por alguna razón que nunca voy a entender atraen a ciertas mujeres, parece que el pibe toda la vida hubiera hecho filmes de artes marciales.
La realidad es que está muy bien en la película y su trabajo es totalmente creíble y digno, dentro del universo loco en que se desarrolla la historia.
En materia de acción Asesino Ninja tiene todos los ingredientes que espero en este tipo de filmes y no puedo evitar recomendarla.
Un gran peliculón para arrancar este 2010.

La Princesa y el Sapo es la mejor película animada estrenada por Disney desde Tarzán.
Claro que sacaron buenas producciones a través de Pixar, que con los años desarrolló un estilo propio, aunque cada vez tienen menos que ver con lo que fue alguna vez el arte clásico de Walt Disney.
Muchas de las películas de animación computada que acapararon este género en los últimos años se volvieron productos sumamente insulsos que pese a que logran entretener en muchos casos carecen por completo de magia.
Basta con comparar los estrenos que pasaron recientemente por la cartelera con las últimas producciones de Hayao Myazaki (El viaje de Chihiro, Ponyo) para notar la diferencia.
Existe toda una generación de chicos que hasta ahora no tenían idea lo que era disfrutar un film de animación tradicional en la pantalla grande.
Pudieron haber visto ese tipo de filmes en la televisión o en dvd pero no vivieron esa experiencia especial que brinda la animación 2 D en un cine.
El nuevo film de Disney rescata la verdadera magia de la animación en un cuento de hadas inolvidable, realizado por los directores Ron Clements y John Musker, quienes en el pasado se destacaron con La Sirenita, Hércules, Aladdin y el Planeta del tesoro, que sigo bancando a muerte aunque haya sido un fracaso.
El guión brinda una historia original (que no es poco en estos días), con personajes muy bien desarrollados y una excelente reconstrucción de la cultura de New Orleans en los años ´20.
Pasaron 63 años desde que una producción importante de Disney estuvo relacionada con la comunidad negra de los Estados Unidos.
El último antecedente había sido Song of the South, de 1946, que combinó la acción en vivo con la animación. Desde entonces los personajes negros no lograron tener relevancia en las historias.
La Princesa y el Sapo es un proyecto del estudio que hace mucho años venía demorado y finalmente cobró fuerza otra vez cuando John Lasseter, uno de los principales directivos de Pixar, se hizo cargo de la dirección del departamento de animación de Disney en el 2006.
La espera valió la pena porque desde lo artístico este fue el logro más importante del estudio en mucho tiempo.
Tiana es por lejos una de las mejores princesas de Disney que surgieron en los últimos años. A diferencia de otros personajes similares la protagonista de este film es una mujer fuerte con sangre y pasión y claramente más inteligente que el príncipe de turno.
También se destaca el malvado Hombre Sombra que es mucho más aterrador y serio que los villanos pedorros de James Cameron en Avatar.
Creo que uno de los grandes aciertos de este film fue la decisión de Lasseter de delegarle la banda de sonido a Randy Newman, quien vuelve a ofrecer un trabajo brillante.
Originalmente la música iba a estar a cargo de Alan Menken (El Rey León), pero para no repetir el mismo estilo de canciones que se escucharon en el pasado, Lasseter prefirió confiarle esa tarea a Newman.
Las canciones son fantásticas y no todos los días tenemos la posibilidad de ver un gran film de animación con temas de blues, gospel y jazz. Gracias Randy por esto!
El musical de Mama Odie (el mejor personaje de la película), cuya canción tiene como bajada de línea un interesante mensaje espiritual sobre el auto descubrimiento, es maravilloso.
Ojalá consiga algunas nominaciones al Oscar porque Newman se lo merece. Aunque después que premiaran a Slumdog Millonaire en ese rubro por un mamarracho que ya nadie recuerda nunca se sabe.
Esperemos que este estreno no represente una rareza de Disney, sino un renacimiento para el estudio que nos permita disfrutar más seguido este tipo de filmes que son la razón por la que gente de todas la edades ama el cine de animación.

Avatar es una película un poco inflada que marca el regreso a la pantalla grande de James Cameron después de 12 años.
Se trata de una muy buena propuesta pochoclera que para mi no produce una bisagra en el cine como se venían anunciando en los medios norteamericanos en el último año, pero sumerge a la gente en una experiencia visual maravillosa.
El director brinda una película sumamente entretenida que sobresale por toda la creatividad que Cameron despliega en ese universo que inventó en su imaginación y retrató en el cine.
Las naves, los aliens y su cultura y espiritualidad estuvieron muy bien elaborados y junto con las espectaculares secuencias de acción representan el mayor logro de este film.
Desde la realización es soberbia y no se le puede objetar nada.
De hecho, la película está mucho mejor de lo que mostraban los trailers, que dejaron la sensación que los estudios Fox o el propio director no tenían idea por donde vender el film.
Aclaro esto porque Avatar realmente está mucho mejor de lo que se esperaba.
El gran problema con este estreno para mi pasa por el guión.
Si la tengo que comparar con esa joya que disfrutamos haces unos meses llamada Sector 9, la verdad que es una pendejada.
Es decir, el universo en el que se desarrolla el cuento es excelente, pero el conflicto que presenta y la mayoría de los personajes son bastantes flojos.
Yo no tengo duda que el guión de GI.Joe no tiene absolutamente nada que envidiarle al de Avatar.
El coronel villano, por ejemplo, que cobra más presencia hacia el final tranquilamente podría haber formado parte de GI.Joe o Meteoro.
Los buenos son muy buenos y honorables y los villanos malísimos y crueles. Todo es blanco o negro, los grises no existen para Cameron, por eso hay personajes que parecen salidos de dibujos animados.
En consecuencia, como ya los vimos infinidades de veces en otras películas la trama se vuelve sumamente predecible.
En Sector 9 hasta las últimas escenas uno no sabía si el protagonista iba a llegar vivo al final de la historia, además que tenía todo un comentario social inteligentemente elaborado.
Por ese motivo, en este género, creo que es el mayor logro realizado en la última década.
Avatar es mucho menos compleja y se apoya principalmente en los efectos especiales, que es donde Cameron, claramente aplicó su atención.
El trabajo que hicieron con la animación computada es brillante y la experiencia de disfrutarla en un cine es muy grossa.
En este punto disiento con mi amigo Chandler.
Yo creo que Avatar es obligación verla en 3D ya que la opulencia visual y la dirección de Cameron es el fuerte de esta propuesta que vas a disfrutar a pleno en ese formato, ya que la historia es pobretona.
De hecho, creo que la película animada de la Mujer Maravilla para adultos que este año estrenó Warner en dvd tuvo un guión mucho más maduro y mejores diálogos.
El tema es que si los efectos no los sostenés con un buen conflicto, la película pierde fuerza, que para mi es lo que le ocurrió a Avatar.
La historía en lo personal me aburrió bastante, sobre todo porque me gustó más como la contó Kevin Costner en 1991.
Avatar básicamente es Danza con lobos en el espacio.
Inclusive el director Edward Zwick hizo algo parecido en El último samurai que tiene una escena similar a este estreno. Pero bueno, los guiones nunca fueron el fuerte de Cameron.
En su último trabajo hay diálogos entre los actores que parecen salidos del dibujito animado Ben 10.
De James “Fucking” Cameron, “King of the World” y “Padre de Terminator” jamás hubiera esperado un villano digno de 100 por ciento lucha como el pedorro Coronel Quaritch.
El film está más en sintonía con la última Viaje a las estrellas que también estuvo muy bien hecha y brindó un gran entretenimiento.
Creo que Cameron hizo filmes mucho mejores en el pasado.
De todas maneras está bueno tenerlo de vuelta en las salas con este gran espectáculo pocholero que brinda un excelente entretenimiento, que no es poco.

Eden Lake es el film de terror más perturbador que llegó a los cines argentinos desde El cazador de Wolf Creek.
Esta película inglesa dirigida por James Watkins, que representa su ópera prima, es un claro ejemplo de las cosas que se están haciendo en Europa en este género con un nivel totalmente superior a las producciones que vemos de Hollywood.
Eden Lake no tiene nada que ver con monstruos, fantasmitas pedorros o asesinos desquiciados, estilo Jason Voorhes, sino con un mal que afecta a muchos países en todo el mundo: La delincuencia juvenil de estos días.
Watkins brinda una fabulosa reflexión sobre como la falta de educación y perdida de valores culturales tienen una responsabilidad enorme de que pibes que no llegaron a cumplir 18 años cometan actos horribles.
Es un tema muy profundo y complicado que no se soluciona poniendo límites a los horarios de los boliches o bajando la edad de imputabilidad en las leyes.
Todo empieza por la familia y en este punto el director hizo un laburo brillante con esta historia.
La pareja protagónica es acechada durante buena parte de la trama por un grupo de pibes muy violentos que convierten sus vacaciones en una pesadilla.
Sin embargo, cuando conocemos a los padres de los adolescentes descubrimos que los adultos son todavía peores que los chicos que no tuvieron otra salida que ser criados por esas personas.
Lo grosso de este estreno es que a la salida del cine deja muchos temas para debatir, algo que prácticamente es imposible de encontrar por estos días en el género de horror.
Uno de los puntos más interesantes del trabajo del director es que el comentario social fue elaborado de manera sutil sin hacerle olvidar al espectador que pagó una entrada para ver una película de terror.
Desde el momento en que se sientan las bases del conflicto, Eden Lake no da respiro. El director hizo un trabajo brillante a la hora de generar situaciones de alta tensión con escenas brutales que funcionan dentro del contexto de la trama.
Sí, corre mucha sangre, pero esos momentos no están al pedo con el puro objetivo de ofrecer secuencias morbosas, tienen una funcionalidad dentro del cuento que se brinda.
El trabajo de los actores, especialmente los chicos, es increíble.
Acá tenemos otro elemento importante. ¿Cuántos filmes de terror podemos ver al año con actuaciones brillantes?
Muy pocas. Eden Lake tiene un reparto que lograr hacernos creer cada una de las situaciones terribles que ocurren en esta película.
Si a esto le sumamos la habilidad del cineasta para sacarle el jugo a los ambientes naturales donde se desarrolla la historia, comprendemos mejor por qué este es una de la mejores propuestas de terror estrenadas en los últimos años.
Esta producción inglesa genera en el espectador las mismas emociones que The last house on the left, de Wes Craven produjo en 1972 cuando se conoció por primera vez. La diferencia es que acá no tenemos momentos cómicos que alivien las situaciones densas como ocurría en aquel clásico.
Independiente del mensaje que deja sobre el hecho de que la violencia no debe combatirse con violencia, porque no hace otra cosa que empeorar las cosas, creo que como propuesta cinematográfica es un claro ejemplo de cómo debe trabajarse este genero.
Eden Lake no es perfecta, pero es una película de horror sin discusión, bien filmada, con un excelente manejo del suspenso que mantiene hipnotizado al espectador frente a la pantalla durante 90 minutos.
Dentro de este género es lo mejor que llegó a los cines en este 2009.

“El fenómeno más grande en la historia del terror”.
Cuando terminó la película me di cuenta que en efecto, la frase publicitaria no mentía, sólo que no se refería al film, sino a la magistral campaña publicitaria.
Una auténtica obra maestra de marketing que consiguió convertir a una película mediocre, mala y terriblemente aburrida en un éxito taquillero.
Creo que para la industria de la publicidad y el marketing lo que ocurrió con este estreno representa un importante caso de estudio para la gente que se dedica a ese trabajo.
Es importante destacar esto porque se trata de un film pobre que en mi opinión sólo puede ser considerada como propuesta de terror por un sector muy concreto del público.
1- Los chicos de 11 años que recién empiezan a ver filmes de horror.
2- La gente que ve propuestas de este género como mucho una vez al año o cada muerte de obispo.
La realidad es que en el festival de cine fantástico y horror, Rojo Sangre, que se realiza en Buenos Aires desde hace varios años se estrenaron películas y cortos nacionales mucho más logrados que este trabajo práctico amateur del director Oren Perli, que fue desarrollado en el mismo estilo que El proyecto Blair Witch.
La diferencia es que esa película al menos tenía una historia concreta para contar.
Actividad paranormal ofrece una trama tonta de posesiones demoníacas.
Una pareja se muda a un departamento donde suceden hechos extraños.
Con una cámara deciden registrar lo que ocurre en el lugar y eso es todo.
Hasta los últimos cinco minutos, donde se puede ver la única escena interesante, no sucede gran cosa en la trama y durante la mayor parte del tiempo vemos a los protagonistas durmiendo y charlando entre ellos.
Al margen de este punto, el film se desarrolla a través de una serie de situaciones sumamente estúpidas que carecen por completo de sentido.
El novio de la protagonista, por ejemplo, se niega a buscar ayuda profesional porque afirma en un momento que es él es el hombre de la casa y su deber es proteger a su mujer.
Luego lo vemos en otra escena insultando al supuesto demonio como si quisiera agarrarse a piñas con el espíritu. ¿Quién sos? John Constantine!
Por otra parte, la posesión del personaje principal es cualquier cosa menos aterradora. Más que poseída la protagonista parece una fan de Juana Molina luego de un recital de tres horas.
Por el lado de las actuaciones la película está muerta.
En materia de dirección el director Oren Perli fracasa por completo a la hora de brindar climas de tensión y suspenso y acude a recursos más viejos que la injusticia, como puertas que se cierran solas o efectos de sonido para tratar de generar miedo.
No me vengan con la patética excusa del bajo presupuesto.
Este año pudimos ver una escena brillante en Arrástrame al infierno, donde Sam Raimi generaba tensión con la actriz Alison Lohman encerrada en un auto y un pañuelo que flotaba en el aire.
Nada más!
Esos eran los elementos que trabajaba el director y su genialidad para enganchar al espectador en la historia. En ese film Raimi tampoco contó con un presupuesto millonario y utilizó los silencios como los dioses.
Invocando espíritus que también fue una producción modesta estrenada este año, tenía muy buenos momentos con efectos especiales similares a los que utilizó Perli.
Entonces ¿por qué funcionaban en esas películas los mismos recursos?
Porque tenían una historia para contar y los personajes lograban una conexión con el espectador.
Actividad paranormal es aburridísima, cero creativa y poco tiene que ver con el cine de terror.
El único momento decente de este estreno se lo debemos a Steven Spielberg que al cambiarle el final le puso un poco más de onda a este bodrio.
Sí, la escena es un poco cliché, pero por unos breves instantes al menos levantó un poco la historia que venía del tedio total.
A la larga esto es otra clara muestra de la decadencia absoluta en la que se encuentra este género en los Estados Unidos.
Con las cosas que se están haciendo actualmente en Europa, donde abundan las propuestas verdaderamente intensas dentro de este estilo es imposible catalogar a Actividad Paranormal como una película de horror.
La buena noticia es que en lo referente a este género el año se va a cerrar a lo grande con el estreno la próxima semana del mejor film de terror del 2009!
Una película intensa que realmente logra perturbar al espectador sin pendejadas y lo que es más importante permite el debate del tema que trata.
Se llama Eden Lake y en mejor momento no podía caer en los cines argentinos para contrarrestar el fiasco de esta semana.
Es una gran recomendación y la espera vale la pena. Actividad paranormal la pueden ver después cuando la pasen en Disney Channel.

Cada día de que pasa estoy más convencido. En materia de historias de fantasmas hoy no hay con que darle al hijo de Stephen King, Joe Hill.
Uno disfruta de los trabajos grossos que este artista brinda en novelas y cómics y después se encuentra con semejantes pelotudeces en el cine y no se puede creer.
Aparecidos es el ejemplo perfecto de lo que ocurre cuando un director pretensioso no tiene la prioridad de contarle un buen cuento al espectador sino hacer un film de denuncia con un marcado comentario social para que su trabajo sea tomado como una obra de arte inteligente.
Este film es la ópera prima del realizador español Paco Cabezas que fue filmada en Argentina y combina de manera desastrosa el generó de terror con la última dictadura militar ocurrida en nuestro país.
El film tiene un comienzo prometedor pero a partir del momento en que se presenta bien el conflicto todo se hunde en el abismo.
Ya de por si el catalizador del conflicto es una estupidez sin sentido que no resiste análisis.
El protagonista se obsesiona con tratar de salvar a una familia que fue asesinada en un hotel del sur argentino hace más de 20 años.
¿Pero si están muertos como va a salvarlos?
Bueno, esa es la primera incoherencia de una larga serie de situaciones que se desarrollan a lo largo de la película que no tienen razón de ser.
El fantasma malvado del director Paco Cabezas, por ejmplo, se sube en un momento a una camioneta y ataca al vehículo de los protagonistas en la ruta como si fuera Jeepers Creepers.
Desde cuándo los fantasma manejan vehículos libremente por las calles es un misterio.
Dos minutos después que el malo destroza el auto de los personajes principales, la pareja protagónica entra a un bar a tomar un café con leche como si no hubiera pasado nada.
En ese sentido también la dirección de actores brilla por su ausencia.
Ni las motivaciones de los protagonistas ni la del villano tienen un fundamento definido por eso la película es un rejunte de situaciones incoherentes.
En un momento el fantasma que interpreta Pablo Cedrón inclusive se pone a torturar a uno de los protagonistas como si fuera Michael Meyers. No recuerdo haber visto una historia de fantasmas donde los espíritus operen de esa manera. Realmente todo lo que sucede es cualquiera.
La realidad es que más que un film de terror Aparecidos es un supuesto thriller con elementos sobrenaturales.
Uso la palabra supuesto porque el suspenso brilla por su ausencia. Cabezas intentó hacer un film distinto de fantasmas con un comentario social absolutamente ridículo.
Los desaparecidos y la expropiación de bebés son temas que están totalmente tirados de los pelos y que además fueron trabajados con todos los clichés posibles.
La contracara de este bodrio sería El laberinto del Fauno, donde Guillermo Del Toro trabajó el tema de la guerra civil española con elementos de fantasía de manera brillante.
Aquella película no sólo era atrapante sino que además tenía momentos dramáticos fuertes muy emocionales.
Aparecidos es un cambalache que combina fantasmas, con milicos represores y muertos políticos sin el menor sentido y lo peor es que además aburre.
De todas maneras, es justo destacar que el equipo técnico que colaboró con el director
hizo un trabajo excelente. Esto también hay que destacarlo y hay que separar los tantos.
El diseño de producción es fabuloso y toda la ambientación que armaron para la historia, como el hotel donde ocurren los crímenes, está muy bien lograda.
Lo mismo ocurre con la soberbia fotografía de Andreu Rebés, quien supo sacarle jugo con maestría a los paisajes de la Patagonia.
Hay escenas que registran paisajes naturales en las rutas del sur que se ven espectaculares.
Pero bueno, lamentablemente la historia es un desastre y por eso no sorprende que el film haya pasado sin pena ni gloria por los cines en España y Estados Unidos.
De las últimas producciones españolas que vimos en este género en el último tiempo esta es la más pobre de todas.
En materia de terror, la gran propuesta de esta semana es Criatura de la noche.

Al fin una película de terror decente!!
Cada vez se hace más difícil encontrar una gran propuesta de este género en la pantalla grande.
Criatura de la noche es una de los mejores filmes de vampiros que se han hecho en el último tiempo.
Esto no hay que darlo por descontado porque con la enorme trayectoria que tienen estos personajes en el cine, no es fácil brindar un espectáculo original e interesante en estos días.
Más allá del terror, el film es una gran historia de amor y amistad, al menos desde mi punto de vista, entre un joven adolescente y una vampiro.
Sería como la versión inversa de Crepúsculo sólo que con más cerebro.
Si le quitamos la sangre y los elementos sobrenaturales, Criatura de la noche se centra en la relación que tiene dos chicos muy solitarios que están desesperados por tratar de encontrar alguien con quien puedan conectarse y expresarse sin represiones.
Para mi el film va a más allá de los vampiros.
Esta película sueca del director Tomas Alfredson es una adaptación de la novela de John Lindqvist “Dejame entrar” que se puede conseguir en la librerías locales.
Los personajes principales ya de por si son tan raros como la trama.
Por un lado tenemos a Oskar, un chico solitario, cuyo hobby es coleccionar recortes de diarios de crímenes violentos, quien suele ser humillado constantemente por sus compañeros de escuela que lo toman de punto y lo maltratan.
Eli, por otra parte, es una chica vampira que es nueva en el vecindario de Oskar y entabla una particular amistad con el joven.
A diferencia de los vampiros fashion de Twilight, para Eli su condición es una verdadera pesadilla.
La protagonista no conoce el programa vegetariano del doctor Cullen y cuando no se alimenta su cuerpo apesta y su apariencia es absolutamente desagradable.
Como si esto no fuera poco, conseguir presas humanas cada vez se le hace más difícil.
En este contexto surge la relación de los personajes principales
La película se desarrolla en Estocolmo en 1981, donde la recreación de época que hace el director no es menos aterradora que la vampiro que mata gente para alimentarse.
Hay como una atmósfera extraña en esa ciudad y ambientes que presenta la película que contribuyen a que el cuento sea más escalofriante todavía. Por lo menos así lo viví yo.
El motivo por el que la remake hollywoodense que se prepara para el año que viene va a ser un fiasco se debe a que Criatura de la noche es un film que sobresale, más allá de la historia, por el trabajo de sus protagonistas.
No podés reemplazar a Kade Hederbrant (Oskar) y Lina Leandersson (Eli). Ellos son el alma del film y están brillantes.
Especialmente Lina, quien tiene una enorme capacidad de expresión a través de sus ojos, algo que el director supo capturar a la perfección.
Más allá de la exitosa saga de Stephenie Meyer en los últimos años hubo una tendencia, sobre todo en el cine de mostrar al vampirismo como algo cool.
La película sueca presenta un enfoque más tradicional sobre este tema donde el vampiro es una figura más trágica.
La secuencia final que transcurre en la pileta en mi opinión es uno de los grandes momentos cinematográficos del 2009.
Criatura de la noche es una de mis películas favoritas de este año que recomiendo no dejar pasar ya que realmente es un gran historia para disfrutar en el cine.

2012 es una película que parece escrita por Homero Simpson.
Es como si al gordo de Springfield le hubieran encargado que investigara sobre las predicciones mayas referidas al 2012 y en base a eso luego se puso a escribir el guión de este film.
La nuez que habita en su cerebro finalmente concibió esta historia.
La trama es un disparate épico que distorsiona, como lo vienen haciendo los medios de comunicación (también hay que destacarlo), las famosas predicciones mayas relacionadas con el año 2012 que no tienen absolutamente nada que ver con la desaparición del planeta o el fin de la humanidad.
De alguna manera la película, desde el guión, contribuye a propagar la estupidez que hay con este asunto por estos días. Sobre todo en Internet.
Hay muchísimos investigadores serios que siguieron este tema y coinciden en que los mayas se referían a un importante cambio de conciencia en la humanidad que comenzaría el 21 de diciembre de ese año.
Por supuesto la destrucción del planeta en el futuro eventualmente es posible si no hay una toma de conciencia de la gente de cuidar nuestro medio ambiente y políticas serias de las grandes potencias mundiales, que son las que más contaminan, para frenar de alguna manera los cambios climáticos que ya se están viviendo en el mundo.
Sin embargo, las profecías mayas no tienen nada que ver con una cuestión apocalíptica, sino con un proceso de evolución espiritual que tampoco se logra de un día para el otro. Es un tema mucho más positivo de lo que se cree, pero es una larga historia.
De todas maneras no hiciste click en esta ficha para leer sobre temas espirituales sino sobre la película ¿no?
Vamos a eso.
Afortunadamente el director Roland Emmerich es un tipo mucho más inteligente de lo que sus detractores en la crítica creen y en realidad apenas toca el tema de los mayas en su último trabajo.
La película es de alguna manera una extensión de El día después de mañana donde el cineasta utilizó la inexplicable paranoia mediática sobre el 2012 para brindar un gran espectáculo pochoclero que no va a decepcionar a ningún espectador que en el pasado haya disfrutado de los filmes de Emmerich.
En lo personal, lo que más me gusta de este director es que nunca se toma en serio el cine catástrofe y en su trabajo suele ofrecer situaciones totalmente desopilantes.
En Día de la independencia el presidente de los Estados Unidos se subía a un jet y lideraba el combate contra los aliens.
En El día después de mañana el FMI cancelaba la deuda externa a Latinoamérica para que los países de la zona permitieran que los yanquis que sobrevivieron la catástrofe tuvieran un lugar para vivir.
En 2012, entre otros momentos fabulosos de este tipo, hay una escena maravillosa donde aparece el gobernador de California Schwarzanegger, interpretado por un doble, asegurando a la gente que el gobierno tiene todo bajo control.
No termina de hablar cuando Arnold desaparece bajo un terremoto junto con toda la ciudad. Ese es el humor de Emmerich y si al igual que él no te tomás en serio sus películas realmente la pasás bárbaro.
Su nuevo trabajo está repleto de situaciones ridículas que no tienen sentido, pero de todas maneras te enganchás igual con la propuesta.
Yo quiero destacar la tarea del reparto que reúne un elenco de gente muy talentosa como John Cusack, Danny Glover, Tandie Newton, Woody Harrelson, Amanda Peet y (muy especialmente) Chiwetel Ejiofor quienes tomaron un guión totalmente ridículo y lo interpretaron como si estuvieran haciendo “La tempestad” de Shakespeare.
La verdad que son unos grossos.
La historia es una pedorrada pero desde la realización 2012 es impecable y cuando vez lo que hizo el director con las secuencias de acción que no dan respiro te quedás helado.
Si te gusta Emmerich o el género no la podes ver en dvd. La catarata de secuencias de destrucción masiva en la pantalla grande es un espectáculo magnífico (aunque suene raro) y lo más importante es que se ven totalmente creíbles.
Sí, las situaciones que viven los personajes son disparatadas pero el trabajo que hicieron con los efectos visuales es impactante y no tengo duda que la película va a ser una firme candidata a competir en el Oscar por varios rubros técnicos el año que viene.
Emmerich acá puso toda la carne al asador y es como que intensificó todo lo que hizo anteriormente en este género.
En esta ocasión el director trabajó con cámaras digitales, que si no son el mismo modelo que viene usando Michael Mann pega en el palo y hay escenas que filmó bajo el agua y en ambientes oscuros que se ven espectaculares.
Reitero, si no te la tomás en serio la pasás bárbaro porque la película está muy bien hecha, pero no busques profundidad.
Andá ver Goodbye Solo, que es un gran film, si querés una historia pensante, esto es una propuesta de entretenimiento que pasa por otro lado.
Me encantó que John Cusack atraviese situaciones de peligro terribles y nunca se quite la corbata que lleva durante el 90 por ciento de la historia. Maravilloso. Esas son las cosas que me matan de las películas de Emmerich!
Hacia el final se alarga un poco sin necesidad la trama pero los 158 minutos pasan rápido.
Cine pochoclero para distenderse un rato. Está bien.

Un director iraní con sentido del humor no es algo tan común de encontrar en el cine por estos días.
El cineasta Ramin Bahrani (Chop Chop) claramente lo tiene y en su último trabajo ofrece una poderosa historia sobre la solidaridad humana y la lucha por no renunciar a los sueños personales.
La película está protagonizada por dos personas que hasta ahora no tenían nada que ver con la actuación y el cine.
Por un lado tenemos a un taxista senegalés llamado Souleymane Sy Savane que inspiró la historia de este film desde el momento en que el director se subió un día a su vehículo para hacer un viaje.
Después de hablar y conocer al taxista el cineasta se dio cuenta que era un personaje fantástico para una película y lo convenció para que animara a actuar en esta producción.
El coprotagonista es Red West, que para quienes somos fans de Elvis es una cara muy conocida ya que lo vimos en centenares de documentales. Red fue durante más de 30 años el principal guardaespaldas de Presley.
Muchos biógrafos del músico coinciden en que este hombre fue uno de los poquísimos amigos reales que tuvo Elvis en su vida.
Se conocieron en la escuela secundaria y cuando el músico empezó a grabar sus primeros discos West se incorporó al staff del cantante.
Finalmente se distanciaron a fines de los ´70 cuando Red le quebró un pie a un primo de Elvis que le suministraba drogas al artista y no hacía otra cosa que perjudicar su salud.
Cómo se le ocurrió al director reunir a estos dos hombre en una película es un misterio.
West interpreta a un anciano que sencillamente se cansó de vivir. No quiere seguir más y desea matarse.
Con este objetivo contrata a un taxista por 1000 dólares para que lo lleve a un montaña que el hombre eligió para arrojarse al vació.
El taxista resulta ser un optimista incansable que decide entrometerse en la vida del hombre y frustrar sus planes.
La trama se centra en la relación que se gesta entre estos dos personajes y como el deseo de terminar con todo para un hombre representa el nacimiento de una nueva vida para el otro.
La película es realmente muy interesante y forma parte de esa clase de propuestas que a la salida del cine y probablemente durante los días siguientes despierta la discusión y reflexión de los temas que trató el director.
Goodbye Solo es una gran historia que me parece deja un poderoso mensaje sobre la compasión y el enorme poder que tiene la energía positiva en el ser humano.
El director Bahrani logra engancharte con la historia desde las primeras escenas en la que nos presenta los personajes y la trama se vuelve más interesante con su desarrollo.
Recién hacia el final el cuento se vuelve más emocional y dramático, pero durante gran parte del film la película presenta las situaciones que viven los protagonistas, que pertenecen a dos culturas muy distintas, con bastante humor.
La verdad que el trabajo de los actores es realmente fabuloso y deja en ridículo a más de una estrella de Hollywood que cobra millones de dólares en estos días y creen que son grandes artistas.
Esta es una producción independiente que narra una historia emotiva sin manipular al espectador ni sentimentalismos forzados.
Eso es para mi lo mejor de Goodbye Solo. Es una película que se nota fue hecha desde el corazón y transmite su mensaje con honestidad.

Planeta 51 es la producción animada más importante realizada hasta la fecha en España y la verdad que no tiene nada que envidiarle a algunas de las cosas que vimos en los últimos años de lo grandes estudios de Hollywood.
El film escrito por Joe Stillman, guionista de Shrek, presenta una historia totalmente influenciada por el viejo cine de ficción de los años ´50.
Toda la trama se desarrolla en un planeta alienígena que combina un mundo futurista con la cultura norteamericana de los añós ´50.
El escenario principal de alguna manera remite al Hill Valley de Volver al Futuro y el pueblo de American Graffiti de George Lucas con la particularidad que sus habitantes no son humanos.
Planeta 51 juega con la clásica historia de E.T pero narrada desde el punto de vista de los aliens. En este film los verdaderos extraterrestres son los humanos y a partir de la llegada de un astronauta se desata toda una serie de enredos.
No sé si será porque Stillman estuvo a cargo del guión pero Planeta 51 tiene todo el estilo de las producciones del estudio Dreamworks.
El trabajo de la animación es realmente muy bueno y de los 60 millones de dólares que invirtieron se nota que no desperdiciaron ningún centavo.
El tema es que como ya vimos centenares de veces este tipo de historia a través de Dreamworks y Pixar, que como Mc Donalds ofrecen constantemente el mismo producto con un envase distinto, la producción española no ofrece nada interesante por lo que podría ser recordada en el futuro.
Sin embargo, consigue entretener por un tiempo al público infantil y ese no es un logro para nada menor.
A diferencias de Los fantasmas de Scrooge los espectadores más chicos pueden disfrutar de este film sin inconvenientes ya que todo fue desarrollado desde la veta del humor.

Un cuento de Navidad (1843), de Charles Dickens, no sólo es la mejor novela que retrató el verdadero espíritu de la navidad antes de la llegada de Coca Cola que cambió el sentido de la festividad con el consumismo, sino que además es la obra literaria más adaptada en la historia del cine.
Desde 1901 hasta la actualidad esta historia se contó infinidades de veces en la pantalla grande, por no mencionar la enorme cantidad de referencias que se hicieron en series de televisión y dibujos animados.
No hay mucha discusión al respecto. El trabajo de Dickens representa la gran historia de Navidad.
En consecuencia, sentarse a ver una adaptación de Disney dirigida por Robert Zemeckis, la verdad que no generaba muchas expectativas ya que es un cuento que vimos muchísimas veces y las posibilidades de encontrar algo novedoso eran escasas.
Lo cierto es que este estreno se convirtió en una enorme sorpresa de este año.
El impacto más grande es que no se trata de una típica película animada de Disney.
Históricamente la compañía del viejo Walt siempre distorsionó los grandes clásicos de la literatura como Tarzán, Peter Pan, El libro de la selva o Las Crónicas de Prydayn (El caldero mágico), que en realidad son mucho menos inocentes e infantiles de lo que la mayoría del público piensa.
Disney las adaptó para que pudieran ser disfrutadas por los más chicos.
Con Los fantasmas de Scrooge brindaron una enorme sorpresa al presentar una adaptación súper fiel a la obra de Dickens con una visión absolutamente tenebrosa y más oscura de lo que esperábamos.
Esta no es un film para llevar niños pequeños porque pueden asustarse de verdad con los fantasmas de la historia.
Especialmente el que representa a la Navidad del futuro que es totalmente escalofriante.
Es más, me atrevería afirmar que se ve mucho más aterrador que los fantasmitas boludos orientales que llegaron a la cartelera en el último tiempo.
La visión que presentó Zemeckis es realmente espectacular en todo sentido.
Se preocupó por ser fiel a la obra, pero al mismo tiempo le aportó toques de humor que funcionan muy bien y logró que la aparición de los fantasmas no sólo fuera aterradora para el viejo Scrooge, sino también para el público.
Para vivir la experiencia de este estreno en toda su plenitud es necesario disfrutarla en la pantalla IMAX en 3D porque el sistema te permite contemplar el trabajo del director en su máxima expresión.
Queda claro que Zemeckis es el gran Rey del 3D y sabe trabajar el formato como nadie.
Las escenas que Scrooge vuela por los cielos con los fantasmas son imponentes y por unos instantes el director logra que vos como espectador sientas que estás volando junto con los personajes.
Uno de los grandes placeres que no permite este estreno es poder de disfrutar de Jim Carrey interpretando estos clásicos personajes.
Por una cuestión que soy más fan de la literatura de fantasía y la mitología nórdica en mi opinión me gustó mucho más Beowulf dentro de las propuestas que brindó Zemeckis en los últimos años dentro de este género.
Sin embargo, Los fantasmas de Scrooge es otra gran película de este gran visionario del cine que aunque trabaje con historias super conocidas con más de 100 años de vigencia, el tipo logra que la disfrutes como si fuera la primera vez que la conocés.

La mala noticia que acarrea este estreno es que este film representa el último trabajo en el cine de Joaquín Phoenix, quien hace un tiempo anunció su retiro definitivo de la actuación para dedicarse a la música.
Lo cierto es que se lo va extrañar en la pantalla grande, ya que entre los actores de su generación es uno de los mejores que surgieron en estos últimos años.
Su supuesta despedida decidió llevarla a cabo con el director John Gray, quien fue el cineasta con el que más colaboró y entabló una amistad fuera del trabajo.
El primer film que hicieron juntos fue La traición (que se conoció en Argentina en el 2001) y el año pasado estrenaron Los dueños de la noche, con Mark Wahlberg y Robert Duvall.
En ambos casos se trataban de propuestas policiales. Con Los amantes Phoeniz y Gray tomaron un rumbo diferente.
La historia está vagamente basada en la novela corta de Fiodor Dostoevsky, “Noches Blancas” que representa probablemente su trabajo más autobiográfico. Al menos sus biógrafos coinciden que la historia está relacionada con la juventud del escritor en San Petersburgo.
La película en realidad tiene poco que ver con la obra del autor ruso. Es como que arrancaron con la idea de hacer una adaptación moderna de la historia y durante la escritura del guión el argumento se les disparó para otro lado.
Salvo por el tema del triangulo amoroso Los Amantes no tiene puntos en común con “Noches blancas”.
Gray presenta una historia de amor que va a contramano de lo que se suele hacer en Hollywood con este tipo de propuestas.
El director brinda un muy buen drama que se destaca por presentar personajes que enfrentan conflictos que cualquier persona podría enfrentar a lo largo de la vida.
Que la historia transcurra en Brooklyn es anecdótico. Los amantes podría funcionar en cualquier ciudad del mundo, ya que los temas que se tratan el film son universales.
El film se centra en la cruzada emocional que el personaje de Phoenix tiene que atravezar para descubrir que es lo que quiere de la vida y más importante todavía, que es lo que lo hace realmente feliz.
No sé si este es el mejor trabajo de Phoenix, pero si realmente fue su última película se retiró a lo grande porque ofrece una magnífica interpretación, que encima se destaca más todavía gracias al buen reparto con el que estuvo acompañado.
Finalmente Gwyneth Paltrow encontró el proyecto indicado que le permitiera lucirse como actriz y esta es por lejos la mejor película en que la vimos en los últimos años.
La película no es precisamente un canto a la vida y quienes tengan problemas de depresión los domingos por la tarde con esto terminan aniquilados, pero es una muy buena propuesta para disfrutar una vez más (y ojalá que no sea realmente la última) del talento de Joaquín Phoenix.

MR 73 es el nuevo trabajo del director Olivier Marchal, quien en estos últimos años resultó una gran revelación en el género policial con sus filmes Gángsters y El Muelle.
Marchal, quien durante muchos años fue policía, luego decidió cambiar su vida profesional por la actuación y recientemente sorprendió como realizador con muy buenas películas.
Su nuevo trabajo es el más flojo que presentó hasta ahora.
MR 73 es una propuesta que se destaca principalmente por un fabuloso trabajo de fotografía y la interpretación de ese actorazo que es Daniel Auteuil, quien ya es una garantía a la hora de pagar una entrada en el cine.
Es raro pasarla mal con una película donde trabaje él. No importa el género en que labure siempre sobresale con su labor y esta no es la excepción.
El problema que tiene MR 73 es el guión.
En El muelle Marchal brindó un policial realista que se centraba en la corrupción de la fuerza policial y la lucha por el poder.
Una historia atrapante con personajes realistas.
No puedo decir lo mismo de este estreno.
Lamentablemente el director sostiene toda su película con el máximo cliché de este género que debería ser erradicado de una vez por todas del cine y la literatura.
BASTA DE POLICIAS BORRACHOS Y ACABADOS QUE PENAN POR SU FAMILIA MUERTA EN UN ACCIDENTE AUTOMOVILÍSTICO!!
Cumplieron un ciclo muchachos, ya está. Desde Harry, El sucio (1971) hasta la actualidad el detective solitario con un pasado triste que lucha solo contra el sistema es un modelo totalmente agotado que ya se usó demasiado y no da para mas.
Justamente por ese motivo esa soberbia y adictiva obra maestra de Dick Wolf, que es la
serie de televisión La Ley y el Orden va a cumplir pronto 20 años de éxito en el aire a nivel internacional.
Dos décadas en el aire! ¿Cuántas series pueden lograr eso?
La clave del suceso reside en que Wolf y sus colaboradores nunca perdieron el foco. Hace casi 20 años que trabajan en la ficción con historias y policías realistas.
Si todos los detectives que persiguen asesinos seriales fueran como los que representa Marchal, criminales como la familia Manson, Ted Bundy y Andrei Chikatilo todavía estarían sueltos.
En El muelle el director había logrado combinar muy bien el drama humano con el suspenso.
En su nueva película se fue de mambo con el melodrama al presentar todos los clichés juntos de la vieja novela policial.
En consecuencia, la película es demasiado obvia y lamentablemente esto genera que la trama se vuelva predecible.
La historia presenta un caso de crímenes seriales que hacia la mitad de la película queda totalmente opacado por otra subtrama relacionada con el pasado del protagonista, cuyo único fin es justificar el uso de otro gran cliché, que es la redención del policía acabado.
Reitero, en sus filmes anteriores Marchal había logrado mantenerse alejado de los lugares comunes y por eso sus películas fueron buenísimas.
Con MR 73 hizo exactamente todo lo contrario y a la larga la película deja cierto sabor amargo porque el director tiene la capacidad para evitar estas cuestiones.
Ojalá la próxima sea mejor.

Seguimos en la misma.
Después de Identidad sustituta se suma otro caso de un buen cómic que llega al cine adaptado por productores y guionistas ineptos.
Terror en la Antártida es un film basado en una muy buena novela gráfica titulada “Whiteout” que lanzó a la fama al escritor Greg Rucka, quien en la actualidad es uno de los mejores guionistas de historietas en los Estados Unidos.
Rucka se destacó por combinar con muy buenos resultados el arte del cómic con la novela policial negra y en estos últimos años hizo cosas muy buenas.
En el link pueden acceder más información sobre Whiteout.
Lamentablemente la adaptación cinematográfica no logró sacarle el jugo al cómic que presentaba una trama mucho más interesante y menos tonta.
Hicieron un montón de cambios que no tienen explicación y sólo contribuyeron a que el film sea más light y tenga menos suspenso.
La dirección corrió por cuenta de Dominick Sena (60 segundos, Swordfish), quien en el pasado hizo buenas películas de acción y dentro de todo hizo llevadera la trama con su narración pese a que es poco lo que podía ofrecer con un guión tan berreta.
Los mismo pasa con el reparto.
Kate Beckinsale y Tom Skerrit (Top Gun) la remaron lo mejor que pudieron frente a una historia que no les permitía hacer demasiado.
Lo que debería haber sido una buena historia policial terminó convertido en una pseudo Martes 13 en la nieve sin mucho sentido.
Otro cómic desperdiciado.

Una de las grandes sorpresas del año.
SAW 6 es un tremendo film de terror y suspenso que cierra finalmente una de las mejores sagas cinematográficas estrenadas en los últimos tiempos.
La historia de Jigsaw se convirtió en un vicio anual que muchos de nosotros esperamos con ganas en esta época del año.
Sin embargo, no fuimos pocos los que quedamos algo decepcionados con la quinta entrega.
Se trataba de un film de transición que le aportaba poco a la serie y estancaba la trama en un punto muerto.
La nueva película representa la conclusión de la segunda trilogía que comenzó tras la muerte de Jigsaw.
Claramente se trata de una de las mejores secuelas de toda la serie. No sólo por las cosas que ocurren en la trama, sino por su realización.
El director Kevin Greutert salvó la saga con un thriller impecable que no da respiro desde la primera a la última escena. El tipo logró que no podamos despegar los ojos de la pantalla durante 90 minutos.
Esta es la película que queríamos ver!
Greutert ya pertenecía la familia SAW, donde se desempeñó como el editor de todos los filmes previos.
En mi opinión el éxito de este film reside en que el director supo encontrar el balance perfecto entre la obra original de James Wan y las secuelas intensas y sangrientas de Darren Lynn Bousman (SAW 2, 3 y 4).
Los que creen que El juego del miedo se convirtió en un fenómeno internacional porque mostraba mutilaciones y asesinato sangrientos no entendieron nada.
La pasión y el enganche con SAW siempre tuvo que ver con la historia y sus personajes. El gore fue un complemento.
Greutert no se olvidó de eso y realizó una película que se enfoca principalmente en el drama y las emociones que viven los protagonistas.
El macabro juego de Jigsaw finalmente llega a su fin y muchas de las cuestiones que quedaron sin respuesta son resueltas en este capítulo, además que se hace hincapié en cuestiones interesantes como la relación entre algunos personajes importantes.
¿Qué contenía la caja que John le entregó a su esposa en el testamento?
¿Qué decía la carta que alteró a Amanda en SAW 3?
Todo se responde acá.
La historia tiene un rumbo definido e inclusive se dieron el lujo de incluir toda una bajada de línea política sobre la situación de la medicina prepaga en los Estados Unidos que actualmente tiene un importante debate en ese país.
De hecho el comentario social que presenta SAW 6 está bastante en sintonía con lo que fue el documental de Michael Moore, Sicko! Es muy loco.
Otro golazo de esta película es que Tobin Bell sigue siendo el gran protagonista de esta historia y en esta ocasión le dieron mucho más tiempo en pantalla que en la cinco, algo que en lo personal me dio mucha alegría.
Lo escribí el año pasado. Sin él, El juego del miedo no es lo mismo porque Hoffman no es un personaje carismático y fuerte como Jigsaw.
Esta vez se las ingeniaron para que Bell esté más presente a lo largo del conflicto y tiene escenas tremendas donde la rompe con su actuación.
Al margen de lo bien llevado que está el suspenso y las sorpresas que prepararon en materia de giros inesperados, SAW 6 es la más zarpada de toda la saga en materia de violencia.
Yo creí que ese terrible prólogo que tuvo el capítulo 4 iba a ser el punto máximo de sadismo y violencia pero Greutert levantó la apuesta.
La escena inicial de la sexta es tremenda y algunos de los nuevos juegos macabros son duros de ver y saben que no tengo problemas con el gore, pero hay escenas donde creo que se fueron al carajo.
La calificación de no apta para menores de 18 es comprensible aunque también es una gran hipocresía ya que en la televisión se ven antes de las 22 horas cosas más graves que escenas violentas de un film de terror.
En fin, el gran problema con esta película es que tranquilamente podría funcionar como el final definitivo de la serie.
Sin embargo, hace unos meses confirmaron que van a filmar la séptima que se estrenará en octubre del año que viene en 3D.
La verdad que es absolutamente innecesaria otra secuela y lo peor de todo es que la dirección correrá por cuenta de David Hackl, el responsable de la 5 que fue la más floja de todas.
Ojalá que la próxima no arruine este excelente film que brindó el director Kevin Greutert que no tengo claro va a ser recordado como uno de los capítulos más notables de la saga.
No se la pierdan en el cine que vale la pena.

Este es un comentario especial ya que a diferencia de muchos de ustedes que siguen la página habitualmente y son fanáticos del cine, recién descubrí El extraño mundo de Jack hace unos días.
Cuando se estrenó originalmente en 1993 la ignoré por completo, ya que estaba harto de los musicales animados de Disney que por aquélla época estaban muy de moda.
Salvo por una serie de excepciones ( El Mago de Oz, Tommy, The Rocky Horror Picture Show, Viva Las Vegas (mi favorito), Jailhouse Rock, Moulin Rouge y Chicago) encuentro a este estilo por lo general sumamente aburrido y no me engancho para nada.
Después de las repetidas recomendaciones que recibí sobre esta historia escrita por Tim Burton intenté verla varias veces, pero por alguna razón la oportunidad nunca se concretó. Siempre que quise verla en televisión la enganchaba empezada.
En consecuencia, no tenía mucha idea cuando finalmente la vi esta semana con qué me iba a encontrar.
Antes que nada tengo muchas ganas de expresar que es una VERGÜENZA que popularmente se asocie este film con Burton, cuando él en realidad no formó parte del rodaje ya que en ese momento se encontraba ocupadísimo con la filmación de Batman Vuelve y la pre producción de Ed Wood. Por eso no pudo dirigirla.
Sí , estos son sus personajes y sus particular estilo de humor y universo gótico están claramente presentes en el film, pero esta es una película de HENRY SELICK!
Los meritos de este musical animado, especialmente la dirección, le corresponden a él y es una falta de respeto que mucha gente lo ignore.
No se lo merece, ya que como realizador hizo un trabajo brillante! La animación es maravillosa y 15 años después de su estreno original esta propuesta te brinda una experiencia fascinante en la pantalla grande.
En materia de guión, me gustó más lo que escribió Burton en El cuerpo de la Novia.
La música de Danny Elfman es fantástica pero confieso que me aburrí un poquito con las canciones.
Ahora bien, no quiero imaginar lo que debe ser para los fans de este film de HENRY SELICK revivir este cuento en 3D. Van a enloquecer ya que esta vez no van ver la película,
sino que la van a vivir como una experiencia inolvidable y distinta.
La verdad que es fabuloso lo que hicieron con esta versión especial para los cines Real D, ya que el film nunca fue pensado para ser disfrutado en tres dimensiones.
A diferencia de Viaje al Centro de la Tierra, donde cada plano y secuencia fue elaborado para que sobresalga en este sistema, El Extraño Mundo de Jack requirió de un tratamiento especial para que el público pudiera revivir esta historia con un enfoque diferente.
Disney logró que uno como espectador sienta que viaja a ese mundo tenebroso y siniestro habitado por monstruos que crearon Selick y Burton.
Es realmente un espectáculo inolvidable que recomiendo que no desaprovechen mientras se encuentra en cartel.
El 3D logra que vivas con un realismo impresionante esta aventura de fantasía fabulosa.
Uno de los grandes estrenos de esta semana que no tiene desperdicio.

El dato loco de Hugo Zapata

* En el 2001 Disney convocó a Tim Burton para que escribiera y dirigiera una secuela de este film pero el proyecto se fue pique cuando el director rechazó la propuesta. Para el cineasta la continuación era innecesaria y temía que terminara arruinando el recuerdo de la película original. Por esos motivos no aceptó ser parte de la producción.