Rambo: Last Blood es la épica conclusión del personaje de guerra más emblemático en la historia del cine. El despliegue técnico y una última actuación de su protagonista principal están a la altura de las circunstancias. Sylvester Stallone es uno de esos iconos de la cultura pop al que se lo suele emparentar estrictamente con la saga de Rocky. Y si bien ese mote lo tiene más que bien ganado, el bueno de Sly supo ser más que solo un boxeador representando el sueño americano, ya que en 1982 se encargó de co-escribir y protagonizar las desventuras de John Rambo, un ex boina verde y veterano de la guerra de Vietnam al que su país le dio la espalda y a medida fueron pasando los años, tuvo que ir buscando permanentemente un lugar en donde poder erradicarse y permitirse olvidar su tumultuoso pasado. A lo largo de cuatro películas, el mito de Rambo se fue agigantando y a medida que se iban realizando nuevas entregas, el nivel de pólvora y sangre desparramada por doquier, y sin sentido en muchas ocasiones, fue aumentando considerablemente. Como un plus, Stallone no es muy fanático de los efectos visuales por computadora entonces cada una de sus películas fue orquestada de una manera en donde las explosiones y coreografías de acción eran realizadas de la forma más “a la vieja escuela” posible. Pero como toda franquicia merece un cierre digno de lo que fue su historia, Sylvester regresa a interpretar a su mítico personaje 11 años después de lo que ya de por sí se creía era el final de la historia de Rambo. En Rambo: Last Blood (2019) el director Adrian Grunberg (Get the Gringo, 2012) se encargará de mostrar cómo fue la vida de John una vez regresado a su hogar natal en Arizona y ya decididamente retirado de las maniobras militares del gobierno de Estados Unidos. Viviendo lo más tranquilo que puede, a pesar de sus constantes recuerdos de tiempos pasados, Rambo vive con María (Adriana Barraza) y su nieta Gabriela (Yvette Monreal) a quienes les abrió la puerta de su hogar luego de que ambas fueran abandonadas por el padre de la jovencita. Pero la tranquilidad para John y compañía se acabará cuando un impulso lleve a Gabriela a cruzar la frontera con México para reencontrarse con su padre, pese a las advertencias de su abuela y Rambo. Luego de que le tiendan una trampa, un cartel de drogas y que también manejan la trata de personas y prostitución al mando de los hermanos Victor y Hugo Martinez (Óscar Jaenada y Sergio Peris-Mencheta) secuestraran a Gabriela sin saber que su fiel protector irá por ella y no se hará problema en dejar cadáveres a su paso. A la dirección de Grunberg y a la participación de Stallone en el guion, se le suma el guionista Matthew Cirulnick para lograr concretar la última gran historia de John Rambo y el resultado termina siendo positivo. A pesar de que en un primer vistazo ésta entrega pueda ser la más genérica de todas, ya que su trama es para nada original y ya se ha visto en reiteradas oportunidades, la forma tan dura y cruda en la que se lo muestra es lo que la vuelve una película entretenida y con un alto nivel de tensión a lo largo de sus 100 minutos de duración. Obviamente que todo el relato contiene reminiscencias a películas anteriores provocando un gran sentimiento de nostalgia entre los más fans de la franquicia, pero que al mismo tiempo logran hacer funcionar este film como una cinta que puede verse de forma individualmente sin ningún tipo de problemas. A diferencia de las tres primeras partes de la historia de Rambo, en donde la visualización de la sangre era más controlada y teniendo en cuenta que la última del 2008 ya había ido un poco más allá en ese aspecto, ésta última entrega hace una oda al gore de acción y la sangre cómo no se lo había visto antes produciendo las muertes más estrafalarias y violentamente ridículas de toda la saga, de esas que llegado el momento logran robarle una carcajada al espectador. Obviamente que el verosímil en este tipo de películas es fácilmente reconocible y si el espectador no sede en algunos aspectos es muy difícil que el film guste. A diferencia también de los otros films, acá sí se nota la utilización de efectos especiales por computadora ya que el guion busca la forma más épica de lograr el clímax del cinta y lo logra de la mejor manera. Como en toda película de Rambo las actuaciones son dejadas medio de lado, no importa tanto la performance individual de los actores pero sí el desarrollo de los personajes y sus motivaciones. En ésta oportunidad se repiten estos aspectos pero el que una vez más vuelve a encandilar con su actuación y con su prestación física es Stallone, quien ahora con 73 años vuelve a retomar un personaje que supo potenciarlo al cine de acción noventoso trasformándolo en un icono de la época. No sólo en cuestiones físicas es donde logra destacar Sly, sino que cómo viene demostrando hace rato en la duología de Creed (2015-2018) es un actor que tiene una capacidad para el drama que viene en aumento y que de saber aprovecharlo, su carrera podría estirarse por muchos años mas. Rambo: Last Blood es el cierre que merece uno de los personajes con más historia dentro de las sagas de acción. El desempeño titánico de su protagonista y una gran coordinación de efectos prácticos logran que una película que no tiene grandes vueltas argumentales sea un disfrute total y brinde el entretenimiento esperado.
El segundo ataque de Johannes Roberts y sus tiburones no logra convencer a pesar de un gran despliegue técnico y una muy buena puesta en escena. La relación entre el cine y los tiburones podría denominarse cómo mucho más que estrecha. A partir del boom que produjo la hoy clásica Tiburón (1975) hasta Megalodón (2018), por alguna extraña razón que se le es ajeno a casi todo el mundo, las películas que tienen como principal amenaza a estos animales acuáticos suelen ser un atractivo masivo para el público de todas las latitudes del mundo. De más está decir que la calidad de éstas películas, salvo JAWS de Spielberg, no son del todo convincentes. Cómo los ejemplos más claros pueden mencionarse las múltiples secuelas de Sharknado (2013-2018) y aquellas de bajo presupuesto que inundan la programación de los últimos canales de la grilla del cable. Pero en 2017 Johannes Roberts, autor entre otras cosas de Los Extraños: Casería Nocturna, ideó una cinta llamada Terror a 47 Metros (47 Meters Down), en donde se combinaban elementos de terror y home invasion en la que dos turistas quedaban “sepultadas” a 47 metros bajo el nivel del mar y ambas se encontraban rodeadas de tiburones hambrientos. A pesar de que la crítica no tuvo una valoración demasiado positiva, la audiencia le brindo el apoyo suficiente cómo para que aquella película logre tener una segunda parte. Esta secuela denominada Terror a 47 metros: El Segundo Ataque (47 Meters Down: Uncaged, 2019), vuelve a estar escrita y dirigida por Johannes Roberts y Ernest Riera y cuenta una historia totalmente diferente a la original en donde no se repiten protagonistas ni trama, pero si se mantiene la esencia. En esta oportunidad, las protagonistas serán Nicole (Sistine Stallone), Jennifer (Nia Long), Sasha (Corinne Foxx) y Mia (Sophie Nélisse), cuatro jóvenes compañeras de secundaria que terminan por accidente en las ruinas de una antigua ciudad perdida, apenas debajo de las tierras mexicanas que usualmente transitan. Pero en ésta excursión sin programar, las chicas se verán atrapadas en ésta ciudad que hará las veces de laberinto submarino con un agregado extra, la presencia de una antigua raza de tiburones que les presentará una amenaza a la que nunca se habían enfrentado. A pesar de querer evolucionar en cuanto a la escritura de guion y al desarrollo de una trama e historia, esta secuela queda muy lejos de su predecesora y pareciera olvidar por completo aquellos elementos de suspenso que supieron hacerla fuerte. Para empezar la seriedad que requiere un filme de éstas características nunca se ve alcanzada debido a la incontable cantidad de diálogos irrisorios e inverosímiles que llevan a cabo las protagonistas. Ya cuando desde el discurso de los protagonistas es poco creíble la película pierde todo el poder para lograr asemejarse en algo con los espectadores. Al mismo tiempo, el desarrollo de la trama termina siendo más extenso de lo que el propio poder de la historia requiere. Durando apenas 89 minutos, la película termina quedando extensa y por momentos aburre y teniendo en cuenta que la premisa original es la de tener un tiburón como principal amenaza (no debe haber peor miedo terrenal) que la trama se vuelva densa y poco atractiva es un gran fracaso. Pero la película también tiene aspectos positivos, por lo menos algunos. La mayor parte de los aciertos del film tienen que ver con la parte técnica y el desarrollo de la ambientación y la puesta en escena. Los movimientos de cámara son los encargados de generar la poca tensión que se termina generando y junto con la gran fotografía que presenta la cinta, terminan redondeando una gran labor. Las actuaciones de todas las actrices cumplen en sus respectivos roles pero no hay ninguna que pueda llevar la película a un mejor puerto. Ni siquiera las ganas de Sistine Stallone, hija del mismísimo Sylvester, logran contagiar su entusiasmo al espectador debido mayoritariamente a la poca veracidad de los diálogos y a las acciones que su personaje toma. Estas características se encuentran en cada uno de los personajes presentados y no se puede crear ningún tipo de vínculo. Terror a 47 Metros: El segundo Ataque, termina siendo una película más sobre una temática en donde el mercado ofrece posibilidades infinitamente mejores. Pésimo desarrollo de personajes y una trama sin vuelo narrativo alguno terminan concretando una película que dista mucho de su predecesora y de cualquier otro material que tenga como protagonista a un tiburón.
A pesar de un sólido arranque y una premisa más que interesante, las ganas por querer ser más de lo que se puede le termina jugando en contra al film, convirtiéndolo en un calvario que dista mucho de ser una película que da gracia. Escrita y dirigida por el cineasta uruguayo Carlos Ameglio y en colaboración con Leonel D’Agostino, Bruno Cancio y Nicolás Allegro, Porno para Principiantes (2018) es una comedia negra que se centra en la vida de Víctor (Martín Piroyanski) un joven cineasta que al no tener un empleo estable como tal, trabaja en el banco de su suegro y mientras tanto aprovecha su tiempo libre para hacer diferentes cortos junto con su novia Leticia (Nuria Fló). Pero todo cambiará para Víctor cuando de buenas a primeras su buen amigo, y empleado del videoclub que él frecuenta, Anibal (Nicolás Furtado) le deslice una posibilidad de realizar su primera película como profesional. Lo que Victor no sabe es que esa película dista mucho de los clásicos que a él tanto le gustan y el film que deberá dirigir es ni más ni menos que una película porno con Ashley (Carolina Manica), una actriz del mundo xxx reconocida a nivel mundial y con un currículum más que importante. En medio de este contexto Víctor deberá arreglar su agenda para poder hacerse cargo de su película, lidiar para que su familia no se entere y coordinar su casamiento con Leticia. A pesar de tener una premisa interesante y de catalogarse como comedia, la película sólo logra mantener la atención y el entretenimiento durante la mitad del metraje. A lo largo de la historia del cine han habido películas que retratan cómo es manejarse en la industria cinematográfica de menor presupuesto cómo Ed Wood (1994) y Bowfinger (1999), filmes que utilizan la comedia de manera efectiva para reflejar las complejidades que llevan a cabo realizar una película y que si bien tratan de géneros diferentes en sus tramas ambas logran concretar la fiel representación que se proponen. Lamentablemente para la película de Carlos Ameglio esto en su película no se da y en lugar de explotar todos los elementos que les brinda el género, el guion termina pecando de pretencioso y en la búsqueda de querer generar una trama con giros imprevistos, relaciones interpersonales y guiños cinéfilos por doquier, se termina desviando el foco y lo que durante poco más de media hora logró ser una buena comedia termina desinflándose de manera pronunciada y alarmante. En cuanto a cuestiones técnicas la película no de destaca demasiado en ningún aspecto a excepción de la puesta en escena y la fotografía que dan un panorama bastante realista de un Uruguay de fines de los setenta y principios de los ochenta bastante convincente. Las actuaciones van de la mano con la poca solidez del guion y a medida que éste se va desinflando, las diferentes interacciones de los personajes sucumben ante las mismas dificultades. El único que logra sostener durante mayor tiempo su performance es la de Nicolás Furtado y eso se da gracias al rol de comic relief que tiene su personaje. Ni siquiera la preponderancia en escenas que tiene Piroyanski lo ayudan a conformar una actuación totalmente solida y su personaje termina siendo tedioso y bastante insoportable. Porno para principiantes no termina de aprovechar las buenas intenciones de su premisa, principalmente por las pretensiones de un guion que en lugar de aferrarse a la simpleza busca la complejidad en la trama, buscando giros innecesarios y sin lograr conformar personajes que puedan generar alguna conexión con el espectador.
A pesar de un arranque sólido y conciso, la película no logra dar un salto de calidad y queda toda la sensación de que algo más se podría haber hecho cómo para no sólo ser una obra pasajera y quedar rápidamente en el olvido. Basada en la saga de libros juveniles de nombre homónimo escrita por Alvin Shwartz, Historias de Miedo para Contar en la Oscuridad (Scary Stories To Tell in the Dark, 2019) llega a los cines de todo el mundo de la mano en la dirección de André Øvredal (The Autopsy of Jane Doe, 2016) y con un guion escrito por Dan y Kevin Hageman, con la participación del propio Guillermo del Toro que al mismo tiempo que aportó en el desarrollo de la historia, también fue uno de los productores más significativos a la hora de concretar ésta adaptación. Situada en los años 80s en un pueblo ficticio, la película se centra en Stella Nicholls (Zoe Colletti) una joven con aires de escritora que pasa la mayor parte de sus días con sus dos amigos Auggie (Gabriel Rush) y Chuck (Austin Zajur) quienes constantemente sufren el acoso de los bullies de la escuela. Todo cambiará para ellos luego de que en Halloween se encuentren con un extraño diario que supo pertenecer a Sarah Bellows (Kathleen Pollard), una joven que sufrió una extraña desaparición largo tiempo atrás y que ahora pareciera manifestarse en el diario de una forma por demás extraña y peligrosa, atentando con la vida de los protagonistas. Al mismo tiempo que los tres jóvenes intentarán detener ésta amenaza embrujada, Ramón Morales (Michael Garza) -un aliado inesperado- se sumará a su misión mientras lidia con los maltratos constantes del pueblo para con él. En una aventura que los hará enfrentarse a sus peores miedos, estos jóvenes deberán descubrir cómo parar la amenaza de Sarah Bellows sin padecer en el intento. A lo largo de las casi dos hora de duración (111 minutos) André Øvredal logra construir un relato eficaz que sabe combinar aventura y terror en partes iguales. A pesar de la simpleza del guion, la película se las rebusca para poder generar sustos y emoción en partes iguales sin perder de vista el único propósito real del film que es el entretenimiento. Aunque está muy bien elaborada y desarrollada, Historias de Miedo… no puede dar un salto de calidad para poder trascender en ningún género estrictamente y al andar entre dos tipos de películas diferentes, pareciera no explotar en ningún momento y el entretenimiento se transforma en pasajero y a futuro inmediato olvidable. La construcción de los sustos es la correcta pero no por su sorpresa, de hecho es bastante obvio todo, sino por su ejecución con efectos prácticos, maquillajes, juegos de luces y puesta en escena en conjunto con movimientos de cámara. La trama en sí es simple y viene un poco de la mano de todo lo que se viene viendo, de hecho se puede comparar bastante a las dos películas de Escalofríos (2015, 2018) pero con un plus terrorífico en donde sin dudas se ve la mano de Guillermo del Toro. Las actuaciones de parte de todo el elenco son correctas pero si alguien logra destacarse del resto es Zoe Colletti quién se carga en la espalda todo el peso de la importancia de la historia y de la sensación de que es la única con la que el espectador puede crear un lazo o empatizar un poco y teniendo en cuenta que es su primer papel protagónico es más que destacable su labor. Después el resto acompaña y si bien por momentos las relaciones entre personajes parecieran forzadas, así como sus ideas y venidas en cuanto a desarrollo, cada quién logra tener un momento en donde el protagonismo les queda muy bien. Scary Stories To Tell in the Dark termina redondeando una buena labor pero con escaso poder de repercusión en un futuro cercano. De más a menos a lo largo de todo el filme, la combinación de estilos y géneros pareciera jugarle a favor en un primer vistazo, pero que quizás no lo haga tanto en un segundo visionado. Lo que más logra destacarse es su protagonista y un par de construcciones de sustos que claramente vienen de la mente de Guillermo del Toro.
Ad Astra logra cautivar al espectador desde el momento inicial gracias a un despliegue visual de calidad suprema y a una implementación de recursos dramáticos que van de menor a mayor, pero que nunca merma en la intensidad. Ad Astra es una película dramática y de ciencia ficción dirigida y co-guionada por James Gray, un autor reconocido por películas cómo The Lost City of Z (2016) y The Immigrant (2013). En esta oportunidad el director americano se encarga de configurar un drama familiar con tintes de opera espacial y se da el lujo de tener a un actor como Brad Pitt en el papel principal. Ad Astra: Hacia las Estrellas, está seteada en un futuro no muy lejano y cuenta la historia de Roy McBride (Pitt) un astronauta cuyo padre Clifford (Tommy Lee Jones), astronauta también, desapareció en el espacio exterior en la búsqueda de vida por fuera de la Tierra. Ahora 20 años después, extraños sucesos empiezan a ocurrir en las cercanías a la Tierra y los estudios que realiza la NASA parecen indicar que todo proviene desde las afueras de Neptuno, el último lugar de donde se supo que Clifford estaba vivo. Es por eso que Roy es seleccionado de parte de los organismos espaciales para encabezar la búsqueda de su padre y determinar que causa estas anomalías y terminar con ellas. A lo largo de poco más de dos horas de duración James Gray en conjunto con Ethan Gross, co-guionista, logran establecer un drama emocional que va mucho más lejos que cualquier otra película dramática “clásica”. Utilizando como entorno el espacio. El director se encarga de combinar de manera categórica todo lo que una película espacial puede ofrecer junto con drama personal y familiar de lo más simple, que aunque parezca una contradicción no es nada fácil. La banda sonora, la fotografía y el guion conviven armoniosamente durante toda la película y van rotando permanentemente en nivel muy alto a lo largo de todo el film. En todos los aspectos visuales, Gray logra desarrollar un viaje espacial de un realismo increíble al mejor estilo Interstellar (2014) gracias, entre otras cosas, al aporte fotográfico de la NASA y obviamente a la utilización de efectos especiales de una gran valía. A lo largo que avanza el metraje y los protagonistas van cambiando de escenario, el trabajo de los encargados de manejar la cinematografía y fotografía dan una clase de cómo construir paisajes de una manera hiperrealista, sin caer en los recursos que suelen ser habitué en este tipo de películas. A nivel guion, el film bien podría haber tratado problemas más terrenales pero explorar la soledad y la desazón en el medio del espacio sirve como una clara pero no menos valiosa metáfora sobre la vida. La actuación de Brad Pitt en el rol principal es realmente brillante y concreta un año excelente para el actor luego de haber sido una de las estrellas en Había Una Vez… En Hollywood (2019). Gracias a miradas, silencios y postura corporal, él logra demostrar que está mas vigente que nunca y que es uno de los grandes candidatos a por lo menos encabezar todas las encuestas de cara a la temporada de premios que se viene. Brad Pitt demuestra que puede hacerse cargo de un papel totalmente profundo sin problemas y casi que completamente solo, ya que sólo él es protagonista y todo el resto del elenco cumple un rol completamente secundario. Tommy Lee Jones aprovecha al máximo cada uno de sus minutos en pantalla y si bien ha estado fuera del panorama en los últimos años, demuestra que aún está para las producciones importantes. Después hay varios personajes que insinúan importancia pero que luego pareciera que se esfuman y no se vuelve a saber de ellos, incluso hay algunos que tienen una relevancia preponderante en la trama que luego terminan sin siquiera volverse a nombrar desdibujando bastante todo el desarrollo de la historia. Ad Astra: Hacia las Estrellas demuestra que es más que una película espacial y más que un simple drama. Una brillante actuación de su estrella protagónica y un despliegue visual de alto vuela logran teletransportar al espectador directamente al espacio apenas comienza la película. La pantalla más grande que se encuentre con el mejor sonido posible completaran una experiencia que lo llevará fuera de este mundo.
Aburrida y golpe bajista por demás, El Jilguero es la clara muestra de como no adaptar un best seller a la gran pantalla. John Crowley, director reconocido por su trabajo en Brooklyn (2015), es el encargado de llevar a la gran pantalla una historia que supo ser escrita por la novelista Donna Tart y que cuyo libro se consolidó como el número uno en ventas en diferentes partes del mundo y además ganó el Premio Pulitzer a Obra Literaria de Ficción en 2013. Ahora esa historia que supo conmover a millones de personas llega al cine con un elenco de lujo y con aspiraciones concretas de figurar en la temporada de premios. Theodore Decker (Oakes Fegley) era un joven de no más de 13 años cuando en un día de paseo con su madre, el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York fue bombardeado en un acto terrorista con ellos dentro, perdiendo así a su madre. Este evento repercutió permanentemente en la vida del joven y en los constantes cambios de domicilio que tuvo que tener, primero con la familia Barbour con Samantha (Nicole Kidman) a la cabeza, luego con el regreso de su padre biológico Larry (Luke Wilson) y más tarde con Hobie (Jeffrey Wright), un hombre que le ensañará un oficio para lograr dejar de lado y para siempre el evento que lo marcó tanto. Pero a lo largo de todos los años Theodore ha mantenido un secreto muy importante y es que desde el día del atentado él se quedó con un cuadro que aún no se había quemado y que jamás devolvió. Ese cuadro es El Jilguero y casi una década después del incidente, el ahora adulto Theodore (Ansel Elgort) se encontrará con problemas que nunca se hubiese imaginado. Cuando se dice que mayoritariamente las adaptaciones de libros a la gran pantalla suelen ser fiascos, quizás una de las mayores razones es que la estructura de un formato literario a otro no puede darse de la misma manera. Y ahí está el mayor problema de El Jilguero (The Goldfinch, 2019), una película que no sólo se apega concretamente al material original sino que transmite una solemnidad no propia del libro. El guion, escrito por Peter Straughan, demuestra la manera equivocada de mostrar flashbacks y flashforwards haciendo el relato muy tedioso, por demás aburrido y sobre todo repetitivo, dándole un esquema más rígido de lo que debería ser. En cada uno de estos segmentos, tanto en el pasado como en el presente, el guion busca permanentemente conmover al espectador y fracasa estrepitosamente escena a escena. A su vez los aspectos propios de la dirección están muy bien llevados a cabo. Ya sea por lo movimientos de cámara, la iluminación, la fotografía y hasta la música dan a cuenta de que John Crowley es un director que sabe generar clima a través de las cámaras. Si bien el elenco está constituido por un grupo de actores y actrices de primerísimo nivel con nombres como Ansel Elgort, Nicole Kidman, Sarah Paulson, Luke Wilson y Jeffrey Wright entre otros, las mejores actuaciones las llevan a cabo dos actores que están haciendo sus primeras armas en el cine a pesar de ya llevar varios años figurando en series y en películas menores. Finn Wolfhard (Stranger Things, IT) y Oakes Fegley (Mi Amigo el Dragón, 2016) son los que decididamente se llevan todos los elogios y demuestran que son actores que ya tienen las armas suficientes como para figurar en películas con otro perfil, más similares a ésta, donde pueden demostrar todas sus capacidades. Por otra parte los actores más conocidos y de más renombre no logran demostrar todo lo que sus pergaminos dicen y el gran motivo es la floja estructura y desarrollo en cada uno de sus personajes. El Jilguero termina siendo una mediocre película teniendo en cuenta el material original de la obra y el elenco con el que cuenta. Un guion aburrido, solemne, repetitivo y que busca constantemente el golpe bajo termina arruinando la buenas decisiones del director y no logran consolidar este film cómo uno de los mejores del año.
Un despliegue técnico de primer nivel no logra sacar a flote una historia mediocre con un guion redundante y que si bien tiene buenos actores, sus personajes tienen un desarrollo poco consistente. Escrita y dirigida por Rania Attieh y Daniel Garcia, Inciales S.G. (2019) es una película protagonizada por Diego Peretti en donde el ex simulador interpreta a Sergio Garcés, un actor en decadencia al que las propuestas de trabajo no le abundan y aquellas que logra conseguir son para películas porno de bastante bajo presupuesto. En sus ansías de querer sobreponerse del mal momento que lo persigue también en su vida personal, Sergio conocerá a Jane (Julianne Nicholson), la organizadora de un festival de cine que se está llevando en Buenos Aires y que se le es presentada a Sergio por su representante. Esta incipiente relación los llevará a ambos a transitar caminos a los que no están acostumbrados y terminarán siendo participes de un crimen que luego los atormentará bastante. A pesar de llevar adelante una propuesta arriesgada por parte de sus directores, Iniciales S.G termina quedando a mitad de camino en cuanto a donde quiere llegar. El guion da vueltas sobre sí mismo y en la búsqueda de querer generar intriga a la hora de la resolución, sólo termina alargando de manera poco redituable para con el espectador una trama que parecía agotada. El gran problema de ese aspecto es que la película es corta (93 minutos) y el desarrollo del segundo acto se hace eterno, bastante monótono y muy poco gracioso. Un aspecto en donde este filme sí se destaca es en cuanto a la resolución técnica. Con un gran uso de luces, sombras, efectos especiales y movimientos de cámara, la fotografía y la cinematografía constituyen un salto de calidad por sobre otras películas argentinas del mismo género, o similares, que si bien intentan parecerse más a filmes foráneos no logran acertar. En cuanto a la performance de los actores, sólo Peretti y Nicholson pueden tenerse en cuenta para evaluar ese aspecto y mucho más él que ella. Si bien la estadounidense logra desenvolverse de una manera casi natural, incluso hablando español en un 90% de sus diálogos, el mayor problema que tiene su personaje es la falta de desarrollo y la mera y simple utilización del guion para con ella para ser una leve motivación del protagonista. Por el lado de Peretti, su papel si tiene una construcción eficaz y concreta pero al mismo tiempo simple y por momentos insulsa. Sólo gracias a él, algunos pasajes de la cinta se pueden considerar divertidos y graciosos y aún así allí no se ve su mejor versión. Cuando mejor se lo ve a Peretti es cuando se aferra al drama y logra con la postura corporal transmitir desazón y hartazgo. Inciales S.G. termina quedando a mitad de camino en cuanto a lo que quiere mostrar y cómo es transmitido. Un gran despliegue técnico no logra tapar las falencias de guion e historia y ninguno de los géneros que quiere abarcar terminan siendo explotados de manera correcta, decretando así una película insulsa y olvidable.
Sr. Link no será la más recordada de los Estudios Laika ni mucho menos, aún así su historia simple y convencional regalará un lindo momento al verla. Después de tres años, Laika vuelve a hacerse presente en la cartelera con su última película Sr. Link (Missing Link, 2019). En esta nueva aventura animada, los responsables de Coraline (2009) y Kubo (2016) se encargarán de llevarnos a una aventura que relevará una incógnita que ha mantenido al ser humano desde hace décadas: la existencia o no de Pie Grande, mejor conocido como el eslabón perdido o Sasquatch. Esta nueva película estará situada en Inglaterra y tendrá como protagonista al aventurero Lionel Frost (Hugh Jackman), un joven con muchas ganas de trascender en la historia. Tras recibir una misteriosa carta en su despacho con una prueba de la existencia de Pie Grande, Lionel deberá aprovechar al máximo esta oportunidad ya que depende de su éxito entrar o no a la Sociedad de los Grandes Hombres, el club presidido por Lord Piggot-Dunceby (Stephen Fry). Luego de haber dirigido ParaNorman (2012), otra de las películas de Laika, y de haber desarrollado el guión de Kubo, el realizador Chris Butler es el encargado de dirigir y escribir esta nueva aventura animada en stop motion, que no abunda en formas novedosas de narrar una historia sino que se abraza a la calidad técnica del estudio para marcar una diferencia para con las otras compañías de animación. Si bien la película tiene un subtexto bastante claro, amistoso y conmovedor, las formas que el director elige para desarrollarlas terminan quedando a mitad de camino en cuanto a la atención y al interés que se puede generar en el espectador. A los largo de poco más de una hora y media de metraje la estructura del film no permite que se genere una sorpresa, o un giro o algún mínimo traspié que pueda hacer peligrar a los protagonistas y hace que el viaje a la aventura y a lo desconocido termine resultando algo previsible, por momentos aburrido y hasta desganado. Obviamente que en cuanto a las cuestiones técnicas, ningún estudio de animación puede seguirle el paso a Laika, ya que película a película han logrado mejorar lo que parecía inmejorable desde El Cadáver de la Novia (2005), su primera gran participación mainstream. La calidad del detalle es algo alucinante y las expresiones faciales de los personajes es cada vez más real. Pero a la hora del diseño de éstos, el estudio parecería haber dado un paso atrás con respecto a lo realizado con Kubo, no así sus expresiones y movimientos donde el realismo conseguido si es mejor que en su última producción, pero no hay un nuevo corte corporal, por decirlo de alguna manera, sino que es bastante más convencional de lo que Laika tiene acostumbrado a su público. Las voces del casting seleccionado están realmente muy bien. Hugh Jackman, Zach Galifianakis, Zoe Saldana y Emma Thompson están magistrales en sus roles y crean un lazo perfecto entre lo que se ve y lo que se escuche. Sr. Link puede que no sea la mejor película de los Estudios Laika, pero sin dudas que cada vez que estos genios de la animación estrenan una película vale la pena ir a verla. A pesar de su poca inventiva narrativa y a un “retroceso” en cuanto al diseño de los personajes, Sr. Link termina siendo una película disfrutable pero de igual medida olvidable.
El poco desarrollo de personajes secundarios y los incontables diálogos que rozan lo ridículo, terminan conduciendo una buena idea con una muy buena protagonista a un caos narrativo absoluto. Dirigido por Marcelo Páez Cubells y escrito por Matías Caruso llega a los cines de Argentina Bruja (2019), un thriller sobrenatural como nunca se había visto en la industria de cine local. En ella se presenta a Selena (Érica Rivas) una mujer que desde joven ha convivido con la magia y gracias a eso ha sido casi que excluida y maltratada por toda la gente del pueblo en donde vive. Ya con su hija Belén (Miranda de la Serna) siendo una adolescente y con una fama ganada, bastante mala por cierto, Selena debe enfrentarse a los “problemas” lógicos que mantiene en el día a día con su hija mientras recibe el hostigamiento permanente de los integrantes del pueblo. Pero de repente, una red de trata de personas y prostitución liderada por una proxeneta llamada Marisa (Leticia Brédice) terminará secuestrando a Belén y a otras jóvenes del pueblo y allí es donde Selena deberá recurrir a todos sus poderes para poder recuperar a las chicas. Con la ayuda de Ricardo (Pablo Rago), padre de una de las chicas secuestradas, Selena encontrará un aliado para llegar hasta el final de todo esto cueste lo que cueste. A pesar de que la trama es a priori llamativa y el elenco puede generar algún tipo de entusiasmo, el resultado final de esta producción nacional (de muy bajo presupuesto), no logra alcanzar las expectativas y termina quedando en el debe en más de un aspecto. Desde el desarrollo del guion en el cuál hay escenas de más, otras con muy poco despliegue narrativo y otras con poco sentido argumental. Diálogos irrisorios y situaciones totalmente sin sentido y poco creíbles, también abundan en una película que solo tiene breves momentos serios, pese a que el tema que se lleva a cabo es lo suficientemente rico cómo para desarrollarse mejor. Esto provoca una sensación extraña en el espectador y es normal que sienta un letargo propio de la re-utilización de escenas y de un montaje muy malo. A la película bien podrían sacarle media hora de metraje y teniendo en cuenta que el corte final dura apenas un poco más de una hora y media, eso deja mucho que desear del film. Lo destacable, dentro de todo, es el tono de la película y la estética con la juega la puesta en escena permanentemente. Y, a pesar de que su ejecución puede dejar dudas, la utilización de lo sobrenatural está ejecutada de manera convincente y teniendo en cuenta lo extraño que es que esto suceda en producciones locales merece ser destacado. Las actuaciones rozan lo bochornoso salvo por Érica Rivas, quién muestra que el papel de bruja le queda a la perfección y agradado a eso, ella demuestra ser una actriz a la que los desafíos como estos no le pesan en lo más mínimo. A ella sí que el guion la ayuda, ya que éste le da un propósito, un background necesario y un sentido a todo lo que hace y que encima lo puede relacionar con su pasado. El resto del elenco no muestra ninguna de las cualidades que sus pergaminos presuponen y, sumado a que el guion no los ayuda demasiado al darles diálogos increíblemente ridículos, nadie del cast logra estar a la altura de las circunstancias. A pesar de una buena premisa inicial, una estética un y tono que van de la mano con el género, Bruja termina haciendo agua por todos lados y su protagonista no logra hacer que la película pueda pasar por satisfactoria.
Danny Boyle logra de manera satisfactoria combinar un relato amoroso sencillo pero concreto, con una dosis justa de fantasía y un despliegue artístico de alta calidad. Después de haber finalizado la cruzada lisérgica de Renton y compañía en Trainspotting 2 (2017), Danny Boyle regresa a la dirección en una comedia romántica con tintes de fábula fantasiosa que plantea un escenario en donde el mundo ha olvidado la existencia de The Beatles y hay sólo una persona que los recuerda. Jack (Himesh Patel) es un músico under con muchas pretensiones y talento pero con poco éxito a pesar del constante apoyo de su mánager Ellie (Lily James) y sus amigos. Luego de varios intentos de ella para que él pueda seguir intentando tener una carrera estable, Jack decide de buenas a primeras abandonar su carrera de músico debido a los continuos fracasos que lo atormentan. Pero luego de que él sufra un accidente y quede internado por unos días, Jack empezará a notar que algo no anda bien y ese algo es ni más ni menos que la inexistencia de Los Beatles y es solo él quién los recuerda. Ahí Jack, fanático de la banda, empezará a tocar las fantásticas canciones que sólo él recuerda y su carrera empezará a tomar una relevancia preponderante a nivel global sin precedentes. ¿Podrá lidiar Jack con las presiones de la industria musical y cargar el peso de ser el único que recuerda a Los Beatles? Para empezar hay que tener en cuenta que esta película no es un musical, ni tampoco pretende serlo. Con un guion perteneciente a la pluma de Richard Curtis y Jack Barth, Danny Boyle se encarga de alinear a la perfección su visión a la hora de mover las cámaras con la trama creada por los guionistas y termina formando una película que derrocha amor por la música de Los Beatles y su influencia en las personas, al mismo tiempo que lo combina con una dosis de romance que si bien por momentos es bastante reiterativo, termina siendo efectivo. A lo largo de las casi dos horas de metraje Yesterday (2019) logra su cometido que es el de estrictamente entretener y por momentos emocionar. Utilizando de manera correcta el poder que conlleva entonar las canciones de Los Beatles, los diferentes segmentos musicalizados no pasan desapercibidos y la música juega un rol determinante a la hora de contextualizar sentimientos y situaciones. Aunque la trama por momentos termine quedando chata y el tercer acto carece de fuerza teniendo un clímax bastante pobre e inconsistente, el camino por el cual los personajes llegan al final es satisfactorio. Quizás uno de los mayores aciertos de la trama es que su punto clave no termina siendo sobre explicado y tampoco el guion da un vuelco de 360 grados para deshacerse de lo construido, sino que abraza conscientemente su particularidad. La mano de Boyle a la hora de narrar la película es incuestionable y su ojo de director se logra ver en cada toma y cada escena de la película gracias a la calidad artística con la que supo acostumbrar a lo largo de su filmografía. Las actuaciones cumplen con su cometido a la perfección. Tanto Himesh Patel como Lily James (Mamma Mia 2, 2018) no dan lugar a ningún tipo de recriminaciones ni dudas y ambos brillan en sus roles. Él, teniendo más participación que ella por motivos obvios, redondea un primer papel protagónico sin fisuras y encima le aporta al personaje su talento para cantar y ser él quién toca los instrumentos e interpreta cada canción. Los actores secundarios son un gran alivio para la trama ya que todos aportan a la causa y hacen que el relato y la historia fluyan de una manera más que natural. Desde la participación de Ed Sheeran hasta Kate McKinnon cada uno acepta el rol que le toca y dan lo mejor de sí. Yesterday es una convincente y satisfactoria historia de amor que utiliza la música como vía para transmitir un subtexto claro. Para quienes sean fanáticos de Los Beatles el viaje será de disfrute total en donde durante toda la película, y luego de ella, las canciones perduraran durante horas en la mente del espectador y para quienes no lo sean, la trama y su desarrollo convencerá y divertirá de igual manera.