Una película que halla un ecosistema dentro de cuatro paredes. Crítica Hacer la vida. El filme argentino “Hacer la vida” recupera en pequeñas locaciones grandes historias donde la directora y guionista Alejandra Marino descubre secciones narrativas que convergen en la salida del cascarón con personajes o situaciones complicadas. Por. Florencia Fico. El argumento de la cinta se sitúa en un conventillo viejo de Buenos Aires en el cual se entrelazan relatos que permanecen ocultos. Lucy (Bimbo Godoy) tiene ganas de escapar de su mamá Elisa (Luisa Kuliok) y guarda en secreto quien es el papá de su hijo. La Rusa (Raquel Ameri) y Mercedes ( Florencia Salas) anhelan un espacio en el país aunque Lorenzo(Pablo Razuk) se ve conquistado por la Rusa. La bailarina Gaby (Luciana Barrirero) ansía ser Odette y Mariano(Joaquín Ferrucci) ser ella en silencio. Mónica(Victoria Carreras) sueña con la maternidad pero ya cuenta con Sergio su marido( Darío Levy) y su dogo Aquiles. Las experiencias de este grupo de individuos se chocarán y ninguno conservará la forma que sostenían luego de ingresar a las vías de sus propios gustos. La dirección y el guión de Alejandra Marino hace palpitar un filme donde el “deseo” es un concepto con múltiples capas en los diferentes personajes ya sea la búsqueda de identidad de género o una clara posición con perspectiva crítica del modelo binario(hombre o mujer). La maternidad enquistada y accidental hasta renegada. Las idealizaciones de las carreras y la realidad laboral. Los encuentros versus los desencuentros. La vida sin destino y la muerte planificada. También los prejuicios en la búsqueda laboral y los cánones de belleza a mujeres mayores como Lucy que se ven reducidas a la prostitución. La falta de integración con extranjeros.La extorsión a los sectores más necesitados haciendo hincapié en los adolescentes mediante beneficios económicos. El amor frente a la perversión u acoso. Marino encuentra la susceptibilidad con diálogos costumbristas, amargos y humorísticos con la firmeza para que sus protagonistas pongan en acción emociones vibrantes. Marino se atreve a tanto que en éste filme que incluye el lenguaje inclusivo un sello de su compromiso social y las libertades individuales. La música de Pablo Sala le da un señalador a cada escena bajo la cumbia a los adolescentes Mercedes y su novio, a la pareja de Gaby y Mariano la obra del compositor ruso Piotr Ilich Chaikovski como El cisne negro que evidencia el descubrimiento de alguno de ellos de otra forma como lo narra la historia original del ballet, el carpintero Gonzalo con melodías de tango melancólico, Lucy bajo temas más rockeros, Elisa con géneros espirituales y Raquel con ritmos folclóricos. La fotografía de Mariana Russo se caracteriza por planos cerrados y primeros planos que dan lugar a apreciar los estados anímicos de los personajes. Una iluminación natural, opaca o neutra casi almibarada. También juega con figura y fondo para dar la sensación de poner atención a los discursos. En torno al reparto las actrices: Victoria Carreras como Mónica(una ex artista) se desempeñó espléndidamente con una amplia gama variables brindando tomas que derraman amabilidad, locura y hostilidad. En torno a Lucy encarnada por la artista Bimbo Godoy transita por la comicidad como una maestra en su métie. La celébre actríz Luisa Kuliok interpretó a la madre de Lucy con lúcidas escenas con arrebatos emocionales. Es relevante contar las revelaciones actorales donde hallarán a Florencia Salas en la piel de Mercedes con una impronta intensa y la bailarina Luciana Barrirero quien debuta como intérprete aplicando su trayectoria en danza clasica y la soltura recreativa que le propone su nueva faceta teatral. Y Raquel Amieri como La Rusa con un temperamento particular y dureza expone su vivencia áspera. En cuanto a los actores Pablo Razuk desprende un personaje como lo es Gonzalo (zapatero) misterioso e inquietante que rompe con la tranquilidad del edificio. Asimismo Joaquín Ferrucci en el papel de Mariano perfila un sujeto que se sale de su molde. La película alcanza la madurez para conectar con temas complicados ya sea en la esfera pública o privada. Transmite dentro de un conventillo una versión metafórica que ensambla a los vecinos y los enfrenta con debates introspectivos. La huella de la conducción de Alejandra Marino teje cada hilo con la excusa de seguir interpelando a la sociedad sobre la maternidad como lo hizo en El sexo de las madres. y en éste caso con relatos corales haciendo visibles lo que arde en sus vidas. Puntaje:70
Chloe Coleman hace nacer a una detective y entrena al recio Dave Bautista. Crítica de Grandes espías. La película estadounidense crece por las interpretaciones de Dave Bautista y Chloe Coleman. Una dupla imbatible por su vínculo, la compatibilidad y las diferencias entre ellos producen una cinta cómica, sensible e intrigante. Por. Florencia Fico. El filme “Grandes espías(My Spy)” cuenta con la dirección de Peter Segal. Un realizador que sigue hipnotizando con sus cortes, donde propicia climas humorísticos. El espectador se hace parte de sus obras. La formula funcionó igual con: “Locos de ira” con Adam Sandler y Jack Nicholson y “Como si fuera la primera vez” con Drew Barrymore. El argumento de la cinta se ancla en uno de los agentes más renombrados JJ(Dave Bautista) que tras un objetivo de la CIA piensa no posee emotividad; ésto lo ubica en vigilancia de una chica de 9 años Sophie(Chloe Coleman), luego de darle como misión averiguarla y a sus parientes. El guión en manos de Erich Hoeber y Jon Hoeber prolonga el universo gracioso con condimentos de espionaje lo que le da espesor al filme. Además tratan temas como el ciberacoso, los duelos, la desigualdad de género en el mundo de los espacios de inteligencia o pesquisa y la inteligencia emocional. Los diálogos mezclan jerga detectivesca y chistes bajo una trama que dio espacio al suspenso. Resultado de imagen de grandes espias pelicula El encargado de la música fue Dominic Lewis se destaca cuando el agente JJ(Dave Bautista) se topa con estilos musicales fuera de su gusto hard con temas de Celine Dion o Britney Spears, asimismo demuestra su torpeza al bailar en géneros salseros o rap. La fotografía de Larry Blanford usa su lente siempre ágil en locaciones de acción. Una captura pendular que provoca vértigo y las persecuciones dieron tomas arriesgadas. En las secuencias de lucha se usó la cámara lenta, para aprovechar la esencia del riesgo en las averiguaciones secretas y también para dar toques graciosos. El reparto brilló por dos protagónicos el oficial JJ en la piel de Dave Bautista quien pudo distender y calmar al puro músculo JJ, lo dotó de habilidades en combate(él fue ex – boxeador) y afecto en conjunto con su compañera Sophie(Chloe Coleman) una actriz de corta edad pero de larga aptitud en escena; su espectro dio drama, inocencia y perspicacia, extorsión y disfrute. Resultado de imagen de grandes espias pelicula Otros personajes interesantes fueron: “Bobbi”(Kristen Schaal) colega de JJ, ella propone una agente extrovertida y siempre optimista a veces ridículamente ingeniosa asimismo a Ken Jeong como David Kim un jefe disparatado. Y la pareja gay compuesta por el dúo bromista: Devere Rogers y Noah Dalton Danby. Por último un villano para olvidar por lo básico y poco motivado “Marquez”(Greg Bryk). La película funciona a partir de la relación entre los actores Dave Bautista y Chloe Coleman que con su atractivo deleita al público. Bajo el lema de buddy movie o filme en base a la amistad y no cualquiera una que atrapa a la familia con espionaje cursi y burlesco. Puntaje:75.
Los elfos, la dragona leona y el policía centauro.Crítica de Unidos Florencia Fico Hace 2 horas 0 1 La película estadounidense “Onward” compone un universo fantástico en los suburbios con un claro mensaje contra el avance de la tecnología; que restringe los vínculos sociales ya sea con un reproductor de música, un programa televisivo, celulares y videojuegos. Por. Florencia Fico. El argumento del filme se ve montado en un universo imaginario suburbano, dos adolescentes hermanos elfos, Ian(Tom Holland) y Barley(Chris Pratt), inician una caravana en la que se disponen hallar si es posible algo de la magia que les posibilite estar un día con su papá ya fallecido en el momento de sus infancias con el fin de recobrar su memoria. El director y guionista Dan Scanlon continúa planteando escenarios juguetones al mejor estilo Monster University su trabajo anterior con la productora Pixar aunque no eleva la vara mezcla criaturas mitológicas humanizadas. En la progresión de su filme puede combinar paisajes fantásticos y transformándose en espacios urbanizados donde la adaptación es natural. Los diálogos manifiestan la adaptación de las sociedades a la tecnología en desmedro del encanto mágico, la ausencia paterna, la epopeya de la época de las cruzadas y los rituales de la hechicería en plena era del click. La carencia de la figura del padre; es un reflejo de lo que vivió el realizador cuando muere su papá quien se inspiró cuando escuchó un audio del suyo. La animación no hay dudas que hubo trabajo en cada personaje ya sea Ian con la voz dulce de Tom Holland con un estilo intelectual y neutral encaja idealmente. Su hermano Barley va por otro lado es mucho mayor, delirante y desaforado posee un look punk rock. Son opuestos complementarios. Otros protagonistas interesantes fueron La Mantícora(originaria de la mitología persa) con la composición vocal de la cómica Octavia Spencer un rol clave para que los chicos recopilen información sobre el mundo ancestral en brujería, su aspecto da múltiples interpretaciones se percibe una dragona leona u osa con cola de escorpión. Lo mismo sucede con el novio de la mamá de los hermanos un policía centauro Colt Bronco(Mel Rodriguez), otros oficiales como faunos o cíclopes. Animación y reparto ensamblan de forma ideal. Y recicla figuras antiguas como pegasos, sirenas, unicornios, hadas y troles. La cinta animada bajo la tutela de Scanlon recrea una obra fantástica urbana con un flujo balanceado entre ambientación y su narrativa conmovedora. Logra una alquimia magnética entre los hermanos Ian y Barley, en ellos ahonda la noción de confianza, valentía y travesura lo que da como resultado una aventura humorística con Octavia Spencer. Puntaje: 75.
El antagonista fue el actor Damien Bonnard en el papel del “Brigadier Stéphane Ruiz, dit Pento” que se encuentra con este grupo de oficiales que lo entrenan bajo un sistema de trabajo despreciable y vil. Bonnard es el la válvula que siempre sostiene la reflexión de los actos desmedidos de Chris y Gwanda, adquiere un lugar amistoso y pensante en un conjunto de personalidades en constante ebullición. En la película hay dos personajes más que cabe la pena nombrar con los actores infantiles Issa Perica y Al Hassan Ly que le dan vida a Issa un pequeño revoltoso, contestatario y travieso donde Perica se desata como un gran atleta para su papel y Buzz por Al Hassan Ly hijo del director quien vigiló a todo el reparto con su dron lo que lo puso en ocasiones como un mirón y un sujeto cerrado en su realidad. El filme en rangos generales cumple con la idea de llamar la atención con problemáticas sociales complejas. Varios focos que incentivan el suspenso y verdadera incomodidad para el espectador. Es una cinta que mediante los personajes y sus conversaciones empieza a formular una crítica sobre la permeabilidad de la violencia, la segregación y las víctimas – victimarios como dos caras de una misma moneda. Ly encierra a la bestia oculta de Francia y su cachorro que solo copia las leyes de la sobrevivencia. Disponibles un un cautiverio suburbano donde ningún político se hizo cargo y el arrebatamiento de los derechos humanos es una constante. Puntaje:95
El filme enternece a un indomable Harrison Ford. Crítica El llamado salvaje. La película estadounidense “The Call of the Wild” ingresa al mundo animal con Buck un perro animado y sus ancestros. El resultado una cinta dramática que con lógica tiene a Chris Sanders como director quien dispuso de forma coherente los elementos tanto imaginarios como reales. El director Chris Sanders ya confeccionó filmes animados como: “Lilo y Stich”, “Cómo entrenar a tú dragón” y “The Croods”. Organizó las ilustraciones de: Mulán, El rey león, La bella y la bestia y Aladdin. En éste caso se propuso un desafío, como combinar imagen real y generada por computadora. En El llamado salvaje se nota su capacidad para recrear espacios inimaginables y hacer las transiciones adecuadas para que la narración se comprenda. El guion de Michael Green toma como punto de partida la novela La llamada de la selva de Jack London quien en su historia cuenta las vivencias de un perro Buck; que con sus sensaciones primarias regresan después de una tanta de hechos; que le pasaron cuando lo exponen a conducir un trineo. Mientras todos perseguían una pizca de oro donde los canes eran cotizados como vehículos para llegar a él.Green pone adecuadamente al perro como narrador y protagonista; con una líneas cómicas infantiles y giros tenebrosos que evidencian el maltrato animal y la escenas de alto voltaje violento. Harrison Ford in The Call of the Wild (2020) Narra el relato de Bueck un perro peludo a quien se le transforma la vida de un momento a otro. En el instante que su amo se traslada a California a las raras estaciones de Alaska, mientras se da la Fiebre de Oro a fines del siglo XIX. El canino es aprendiz en un conjunto de perros de trineo( y luego su guía). Buck siente que su camino es una travesía que nunca podrá borrar de su memoria, hallando su espacio en el mundo y dándose a sí mismo su valor sin ser propiedad de alguien solo de él. La música de John Powell siguió lineas orquestales, sinfónicas, folclóricas o folk nórdica. Lo que trajo esa esencia autóctona con instrumentación con guitarras criollas, panderetas, flautas; frente a la naturaleza. Además flautas, percusión, piano y violines en los momentos de tensión. La fotografía de Janusz Kaminski empleó gruas y brazos robóticos para las escenas que comparten CGI. Los actores podían conectar con los ojos de un perro inexistente y locaciones hipotéticas. Los efectos fueron por momentos desconcertantes y sólidos. En el filme los actores y actrices que se destacaron fueron Harrison Ford como John Thornton, un ex buscador. El intérprete brinda una lúcida aparición, ermitaño pero conmovedor, sensible con Buck; su otro yo en versión animal. Un can que estaba acostumbrado a la soledad y la lealtad. La dupla da un salto de acción en la película y agiliza la cinta que tuvo muchos baches sin fuerza. Por otro lado, la actriz Cara Gee en el papel de Françoise y el actor Omar Sy como Perrault son los maestros de Buck que le enseñan a ser un perro de trineo. Son dúo cómico ella es irónica y él un disparatado. Ellos dan servicios de entrega de correo a larga distancia. Cada carta posee mensajes de: amor, deseos, malas noticias y nostalgia. Ellos se dan cuenta de la velocidad y puntualidad que obtienen del vigor del can que es mezcla San Bernardo y Collie. El primer amo de Buck era el Juez Miller(Bradley Whitford) que lo mantenía como una mascota doméstica y cómoda aunque lo pierde. Cuando un empleado ludópata lo vende al hombre de la casaca roja, quien lo aproxima a su lado más bestial. El sometimiento al animal es abrumador lo lleva a un extremo perturbador bajo el nombre:”La ley del garrote y el colmillo”. Los villanos son un trío: la artista Karen Gillan como Mercedes, Dan Stevens encarna a Hal y Colin Woodell en la piel de Charles un poco predecibles una dama opulenta, su marido Charles diluido por Hal el gran oponente de John Thornton. Stevens demuestra impiedad, agresividad con su propia defensa el “látigo” sobre Buck. Lo compra con el fin de encontrar oro y convertir a su equipo en ricos, su vestuario es intimidatorio e impresiona con su rabia. Los actores Harrison Ford y Dan Stevens se desarrollan grandes escenas de western. El actor de voz Terry Notary le pone su tono a Buck evidencia: sus descuidos, inconsciencia, los constantes abandonos, la necesidad de comida, su desorientación, su nexo instintivo con sus predecesores los lobos, su persistencia al anteponerse a cada impacto de vida o muerte, las veces que un perro escucha y a la vez reflexiona por medio de sus emociones. La película se mueve dentro del género de aventuras donde Harrison Ford es la proa del barco y su popa Buck. El filme navega en las sensaciones de un animal ellas son los marcadores que le dan impulso al filme. Una típica fórmula de cintas sobre mascotas que apunta al sentimentalismo y un obvio público infantil. Puntaje:60.
Jim Carrey suma un humor invencible al filme . Crítica de Sonic. El actor canadiense hace una aparición fabulosa en película con un cóctel surrealista y cómica. El espíritu buddy movie lo da Sonic quien abre una puerta a la infancia con videojuegos. Por. Florencia Fico. El argumento de la película estadounidense se centra en Sonic un disparatado erizo azul proveniente de la conocida serie de juegos de consolas Sega. Transita diversas peripecias y obstáculos. En el momento que se choca con su compañero policía humano, Tom Wachowski(James Marsden) ambos se juntarán para lograr salvar la Tierra del malicioso itinerario del perverso Dr. Robotnik(Jim Carrey). Étre procura capturar a Sonic con el objetivo de usar sus potenciales energéticos con la meta de ejercer su dominio en mundo. La dirección de Jeff Fowler quitó de su ambiente natural a Sonic en sus islas fantásticas; a la Tierra a un pequeño pueblo. Éste recurso como personaje anónimo dio un giro a la historia. Aunque no delineó completamente al animal interplanetario. Le agregó un aspecto dramático al ser un completo forastero. Lo dotó de una personalidad irreverente pero siempre con ganas de hacer amigos. El guion de Patrick Casey, Josh Miller, Oren Uziel provienen de la serie Mega Drive o Master System en los años 90′. Ahí se presentaban los personajes como el Dr. Robotnik quien era una gran amenaza al finalizar sus oraciones. Sonic era una mascota muy revoltosa pero amistoso con canciones y vídeos asimismo otros protagonistas como Tails y los anillos mundiales. La música que dispuso Junkie XL se valieron de himnos rockeros ochentosos como Don’t stop me now de Queen o Ramones asimismo los ritmos salientes de esa época como el hip hop y el rap. Ben Schwartz in Sonic the Hedgehog (2020) La fotografía que combinó imagen real y generada por computadora estuvo en manos de Stephen F. Windon acertó en los rediseños que pidieron los fanáticos decepcionados por el trailer tan repudiado por su baja calidad. En este caso uso colores contrastantes entre héroe “Sonic” en el un azul eléctrico y un rojo en su enemigo histórico Dr. Robotnik, los hologramas y las texturas del pelo del erizo, su haz de luz, su movilidad. El uso de cámara lenta cuando Sonic es casi imperceptible por su velocidad y steadicam en las etapas de evasión. En el reparto se halla a James Marsden como el sheriff Tom Wachowski que reside en Green Hills. El actor no tuvo mucho mérito se limitó a ser un buen muchacho y hábil en las peleas. Más carácter tuvo Ben Schwartz quien le puso la voz a Sonic le dio un tono insoportable pero afable, lo hizo conmovedor, como un niño revoltoso pero imposible de no querer. La dupla entre Tom y Sonic dio esa esencia de película familiar; en la que se consolidan hermandades, lealtad y valores solidarios en pos del compañerismo. Jim Carrey in Sonic the Hedgehog (2020) El que da la nota es Jim Carrey quien compuso a Mr. Robotnik con una forma de hablar acelerada. Sus secuencias fueron delirantes y con comicidad adulta. Insuperable en el humor físico dio ritmo al filme. Sus trajes, gafas y bigote a lo Salvador Dalí; fueron su sello para la consolidación de su virtud como intérprete. El compone un robot de forma tan orgánica. Mezcla ingenio, baile y control en su papel como villano. La película es solvente por la robusta actuación de Jim Carrey que reafirmó su astucia gestual. Una cara que esculpe reacciones inesperadas, un cuerpo dotado de dinamismo y una hiperverbalidad chistosa auténtica. Sobre el texto por tramos dio emoción, diversión y comedia y una animación que no incomodó ni dejó mal parado al justiciero Sonic. Puntaje:80.
Margot Robbie conquista a puro western feminista .Crítica de Birds of Prey (And the Fantabulous Emancipation of One Harley Quinn) Margot Robbie conquista a puro western feminista .Crítica de Birds of Prey (And the Fantabulous Emancipation of One Harley Quinn) Florencia Fico Hace 48 mins 0 14 El spin – off del Escuadrón Suicida, “Aves de presa” tuvo mejor puntería al elegir una película de acción con mujeres donde la realizadora Cathy Yan aprovechó la brecha con actrices dispuestas a ser feroces. Además hubo humor entre villanas y superheroínas. Por. Florencia Fico. Margot Robbie in Birds of Prey: And the Fantabulous Emancipation of One Harley Quinn (2020) El argumento de la cinta se sitúa luego de rompimiento amoroso con el payaso diabólico Joker, Harley Quinn a la que se le suman tres anti heroínas Canario Negro, Cazadora y Renée Montoya se juntan para auxiliar a una chica Cassandra Cain del malicioso Máscara Negra. La directora sinoestadounidense Cathy Yan desarrolla su visión de la ciudad Gotham y un universo lleno de inspiraciones basadas en los cómics en éste caso DC. Además extendió la posibilidad al mostrar no solo a Harley si no otras protagonistas sin tener la típica idea de amistad si no de supervivencia. Combinó con el realizador David Leitch darle a ésta película de aventuras algunos reshoots o retoques al mejor estilo John Wick. Asimismo contó con un coordinador de dobles Jonathan Eusebio quien dio grandes momentos con acrobacias y movimientos con esencia Jakie Chan. El guión de Chuck Dixon, Jordan B. Gorfinkel, Christina Hodson se anclaron en la historia de Greg Land aunque siguieron los lineamiento de Yan quien quiso representar el relato desde la perspectiva de Harley una mujer solitaria que no tiene más escapatoria que encontrar fuerza en otras. Asimismo jugar con elementos coloridos y fantásticos desde su duplicidad entre azul y rosa, psiquiatra y asesina. Dar cuenta de las ambigüedades es un excelente punto de exploración del personaje que encarna la actriz Margot Robbie. Un texto que evidenció sus aptitudes antagónicas y su mentalidad que roza lo sensato y lo enloquecido, disfrute y banalidad, inteligencia y corazón lo que le agregó matices y un punto focal complejo. En torno al reparto introdujo a otros personajes castigados como Harley aunque un poco más conectados a Tierra de forma separada. “Canario Negro” en la piel de la actriz Jurnee Smollett-Bell una protagonista que ya estaba delineada en los cómics hace 70 años y sale por primera vez en el cine. Smollett Bell le da su toque duro y una coraza en defensa propia, mantiene el potencial de sus poderes ya que es meta humana y Jurnee se atrevió con destreza a cantar. Margot Robbie como doctora Herleen Quinzel o villana “Harley Quinn” tuvo gran parte de la atención dado a su impredecible forma de presentarse a cámara, ahora sin tatuajes y dos nuevos vestuarios; su inseparable mazo y una insipiente femineidad aunque no llega al cliché de femme fatale. Ella se ubicaría dentro de los anti héroes, hacen algo bueno pero a la par no piden disculpas por sus fechorías, no son perfectos hay un desorden y al mismo tiempo están descifrando algo. Robbie se roba las escenas con una gestualidad muy humorística, osada pero atolondrada y salvaje en todas las tomas. La actriz Mary Elizabeth Winstead como Helena Bertinelli o “Cazadora” es una vigilante e hija de un mafioso sindicato Franco Bertinelli. La intérprete se destaca por su agilidad al matar a los malhechores, más parece un hobbie aniquilar. Ese costado retorcido es impecable desde su sonrisa y rareza. Su tono peculiar dio misterio en la película. La artista Rosie Perez como “Renée Montoya ” compone a una investigadora del Departamento de Policía de Gotham City es lesbiana, es subestimada en la agencia de detectives y se rebela en el momento que no le dejan seguir con un caso propio que está investigando. Ella se desenvuelve con una comicidad innata. La joven actriz Jay Basco como “Cassandra Cain” expone a una adolescente carterista de ascendencia asíatica hija de dos célebres supervillanos Lady Shiva y David Cain que corre riesgo su vida ya que la persigue “Máscara Negra” con la intención de obtener una joya muy cotizada. Margot Robbie and Ella Jay Basco in Birds of Prey: And the Fantabulous Emancipation of One Harley Quinn (2020) El actor Ewan McGregor encarna a Roman Sinois o Máscara Negra da rienda suelta a su faceta como un jefe gánster asimismo líder de secta y desollador, su pasión es despellejar gente con su secuaz Victor Zsasz (Chris Messina). McGregor evidencia su maestría en el cinismo y un ser temible. La música de Daniel Pemberton ya emparentado con las películas de cómics ya que hizo la banda sonora de Spider-Man: Into the Spider-Verse y en éste caso la partitura no falló hubo muchos covers con letras distintas que iban al ritmo de lo que se contaba en la historia, el repertorio se llenó de voces femeninas desde Edith Piaf, Joan Jett y Lucy Woodward con It’s Oh So Quiet. Ewan McGregor and Chris Messina in Birds of Prey: And the Fantabulous Emancipation of One Harley Quinn (2020) El encargado de fotografía es ni más ni menos que Matthew Libatique quien ha participado de “Venom”, “Star is a Born”,”Black Swan” e “Ironman”, sus tomas rompieron con la cuarta pared pero a estallidos, tomas en picado en los peores momentos de Harley, escenas brumosas y humeantes dieron impacto visual. En las tomas de acción hubo mucha utilización de grúas y arneses en algunos instantes donde Margot usa patines; casi llega a levitar en varias ocasiones. La película tiene la facultad para crear un western feminista donde las peleas no terminan y el género no se lamenta ya que son personajes que arrastran problemáticas como: desprotección familar. Un filme que deconstruye la imagen del arlequín una persona que le sirve a su amo, cada una de ellas rompe sus ataduras ya sean románticas, la intimidación machista y el abandono. El filme logró situar a una pandilla de chicas que batallan con distintos hombres a la vez donde el motivación nace del valor que yace en ellas. Tiene el atractivo circense que rememora a los cómics y animación.
Renée Zellweger retrata el dolor de las estrellas. Crítica de Judy. La película inglesa “Judy” demuestra el calibre que tiene el director Rupert Goold a la hora de reflejar tanto contexto histórico como la biografía de la singular diva Judy Garland. Su as en la maga fue la actriz Renée Zellweger quien magnetizó la escena teatral y fílmica. Por. Florencia Fico. El argumento se sitúa en 1968 tras 30 años del lanzamiento de “Mago de Oz”. La icónica Judy Garland(Renée Zellweger) se traslada a Londres para brindar una tanda de conciertos. Los tickets se acaban rápidamente; conscientes de lo desmejorada que se encuentra su voz y vitalidad. Judy se organiza para ingresar al escenario y regresan los fantasmas que la torturaron en su adolescencia en Hollywood. Ya con 47 años, se topa en éste trayecto a la indecisión que la siguió desde su inicio, sin embargo en esta ocasión se ve un desafío rotundo: volver a su hogar con su familia con el fin de hallar estabilidad. El realizador Rupert Goold compuso un drama realista que no esquivó las problemáticas sociales y personales de la sociedad y el Star System. En cuanto a la primera están dos personajes Dan (Daniel Cerqueira) y Stan(Andy Nyman), ambos fanáticos de la música de Garland. Ellos son una pareja gay que se veía perseguida por la legislación británica que los castigaba con detenerlos en la prisión. Por un lado Judy los nombró sus aliados y por otro el filme refleja la homofobia existente. En torno a la segunda el reconocido Star System también tuvo mucho que ver en la excelencia de la actriz y cantante en sus comienzos en la compañía Metro-Goldwyn-Mayer. Distribuyó sus exitosas películas : “El mago de Oz” y “Ha Nacido una estrella”. Ambas la posicionaron como mejor intérprete juvenil en los Óscars y afamada comediante musical además de su aporte al renacer del género vodevil llevándose un Tony. Sin embargo, Goold sacó a relucir mediante flashbacks las negligencias de ese sistema. Evidenció la manipulación a la actriz con: prescribirle pastillas para controlar su descanso, la explotación laboral, la intervención en sus hábitos alimenticios sembrando la idea de la delgadez y los cánones de belleza. También el abuso sexual por parte del director Victor Fleming (Mago de Oz) y su constante mirada prejuiciosa sobre los orígenes pueblerinos en Minnesota. Lo que denuncia el director es la presión a la artista en los tiempos que corrían. Ella era el símbolo de la juventud y alegría lo que le daba a Estados Unidos que salía de la Gran Depresión ánimos de esperanza. Asimismo conceptualizó una de las primeras tragedias en la industria del entretenimiento. Cómo han sido tratadas las mujeres en los estudios de grabación casi una precursora del Me Too con diversos enfrentamientos. El guion de Tom Edge se basó en la obra de Peter Quilter con su libro “Al final del arcoíris”. Tiene como punto de partida los últimos meses antes del fallecimiento de Judy. Ella se fue a Londres para su estadía de cinco semanas en el The Talk of the Town para dar conciertos. Acompañada por su quinto marido Mickey Deans(Finn Wittrock). Durante ese lapso de tiempo ella batalla su adicción a las drogas y relaciones poco confiables con hombres. Aunque la cinta también devela manifiesta que Judy encontraba felicidad en el escenario, ante el público. Pero era una mujer con una dificultad enorme para hallar un buen compañero de vida, tenía muchos matrimonios, parejas sin embargo se sentía una honda soledad. La película tiene una rigurosa investigación y ambientación. Se puede percibir el traspaso de lugares y climas. Por ejemplo en California una comunidad ortodoxia y pulcra cuando viaja a Londres se reune con un espacio bohemio, onírico y psicodélico. En el que Judy participa en extrañas experiencias en bares y hoteles; tolerante a sus debilidades. Goold dio una pieza cinematográfica con una unidad al caos, personajes extraños en zonas exóticas y el mensaje del regreso a casa como premisa indeleble que surge en El mago de Oz y continúa Judy en sus ensoñaciones. La selección de Renée Zellweger como “Judy” cumplió con todos los criterios que debía poseer para rendirle tributo a Judy Garland. Quien tamizó la rareza caricaturesca de Judy. Se descubre en Chicago a Renée una cantante que no le temía a las tablas. Ahora a una vocalista del registro y técnica tan típica de Garland; que destacaba el principio y el final de cada frase. Lo que aseguró el triunfo fue componer su costado afligido y preocupante. Ya que Judy era madre soltera y trabajadora con dificultades para obtener la tenencia de sus hijos menores. Renée fue el gran rubí en los zapatos de Judy Garland. Por último se le hizo un tratamiento de envejecimiento con maquillaje y su vestuario respetó la etiqueta propia de los atuendos que usaba Judy. Renée Zellweger in Judy (2019) La fortaleza de la película es sin dudas la interpretación de Renée Zelweger. Su transformación fue camaleónica con matices cómicos y teatrales. La sensación conmovedora se apropia de los latidos del espectador. La biopic sugiere un repertorio insinuante y provocativo sobre temas que afectan a las mujeres en la actualidad en sintonía con el #MeToo. Puntaje:80
El filme pone en crisis la desconfianza virtual con abrazos y mimos. Crítica de Espías a escondidas. La película estadounidense “Spies in Disguise” tiene un fuerte diferentes mensajes para los chicos dentro del filme uno de ellos es la posibilidad de romper con los prototipos de varones. Es evidente en el personaje del jóven Walter Becett(Tom Holland) un inventor sensible, él rompe la idea que propone combatir el fuego con fuego, si no con mecanismos más respetuosos con el otro. También pone en jaque la violencia ejercida por agentes sin medir las consecuencias en el protagonista Lance Sterling(Will Smith). Por. Florencia Fico. El argumento del filme ubica al prestigioso espía Lance Sterling(Will Smith) y el científico Walter Beckett( Tom Holland) son el contrapunto entre ellos. Lance es sereno, amigable y educado. Walter todo lo contrario. Aunque lo que carece Walter de aptitudes sociales lo suple con inteligencia e imaginación, con la que desarrolla trucos que Lance aplica en sus desafíos. Sin embargo en el momento los acontecimientos cambian a última hora, Walter y Lance pronto deben comprender lo que es colaborar uno con el otro. Si ellos no establecen un buen equipo el mundo correrá riesgo. Los directores Troy Quane y Nick Bruno mostraron una comedia de amigos que engancha con todos los componentes de las películas de espías: explosiones, aventura, viajes por el mundo aunque con la responsabilidad de hacer el primer material audiovisual sobre espionaje para niños. La idea fue plantear una reflexión sobre las formas en las que se desenvuelve la sociedad actual en la que nadie confía en nadie aunque el trabajo colectivo puede dar una nueva oportunidad a la vida humana. Will Smith in Spies in Disguise (2019) Los guionistas Brad Copeland y Loyd Taylor adaptaron un filme de un corto de animación llamado “Pugeon:Imposible”, realizado y redactado por Lucas Martell en el 2009 allí habita lo importante para condimentar “Espias a escondidas” que mezcló el estereotipo bien masculino y agresivo del mundo de los agentes secretos elegantes, en la misma frecuencia de Misión Imposible, Hombres de Negro, Bad Boys y lo transformó en un espectáculo para los chicos y adultos. El conflicto que se plantea es cuando Lance consume un experimento de Walter que lo termina convirtiendo en una paloma. El texto da chistes simpáticos, diálogo ágil y entretenimiento para la familia. De los creadores de “La Era del Hielo” y “Río” la animación por parte de Blue Sky puso manos a la obra en el reparto y fotografía. Lo que fue un arduo trabajo hebra en hebra; entre los directores y los 550 artistas que le dieron existencia a los personajes. En éste caso aves perfectas especies que se las encuentra en cualquier localidad y nadie las percibe es decir que pasan desapercibidas. Los pájaros en específico las palomas pueden volar rápido 150 kilómetros por hora, ojos a los lados con visión 360°, ven la luz ultravioleta por lo tanto detectan sensores láser. Will Smith in Spies in Disguise (2019) La incorporación en el diseño del personaje animado Lance en la voz y carácter del actor Will Smith llegó a tener la altura de héroes del pasado como James Bond, Jason Bourne o Ethan Hunt quienes poseen una aspecto icónico que traspasa la pantalla grande y Smith aseguró su reconocimiento como estrella de acción, su estilo, pavoneo y humor. Aunque al cambiar de forma humana a animal, una paloma, le sacaron todas las habilidades geniales pone una dificultad en su camino, él trabaja solo no tiene equipo, encima es una especie común de parvada rodeado por otros, perdió toda su fuerza y atractivo. En consecuencia Walter en el tono y frescura propia de un ex Spider Man, el artista Tom Holland. En su papel balancea con inventiva la escena. Elabora artefactos que Lance emplea en sus misiones. Como adolescente usa el encanto conmovedor de dispositivos como: el abrazo inchable, una lapicera que desprende una goma de mascar que atrapa los enemigos además proyecta vídeos de gatos que distrae cualquiera, un perfume como suero de la verdad y polvo de brillantina que deja sin anonado al que lo ve. Asimismo como joven posee una mirada tierna, sin cánones, adora las películas románticas y su valentía es en honor a su madre una oficial de la policía que dio su vida por otros. El encargado de la música Theodore Shapiro le confió al productor musical Mark Roson una parte escencial en la cinta. Se evidencia en el tema principal “Then There Were Two” que tuvo la colaboración del rapero Anderson Paak. La melodía presenta toques de soul, que da un clima indicado para películas de espías y energía funk lo que dio en la tecla dando como resultado una sonoridad contemporánea. La película acierta en ésta pareja despareja Lance y Walter ambos son un dueto placentero tanto en comedia como en parodia del acartonado mundo de los agentes encubiertos. Los actores como Smith y Holland sienten que sus nuevos disfraces le calzan bien y consiguen legitimidad y zonas de comicidad para ver con niños y mayores que se atrevan a renacer su niñez oculta. Puntaje: 80.
Una versión adulta de un clásico literario que siempre lucha por todas. Crítica de Mujercitas. La película estadounidense “Little Women” logra mantener la atención en dos horas, gracias a la magistral coherencia que mantuvo la realizadora Greta Gerwing al conducir una gran orquesta de genios. Cada elemento ya sea una trama actualizada donde cada una de las hermanas: Jo, Amy, Meg y Beth dan un contundente manifiesto feminista y lucha de clases sociales. El argumento de la película gira alrededor de cuatro hermanas Amy, Jo, Beth y Meg en etapa de juventud residen en su hogar con su mamá en Norte América que padece a distancia su Guerra Civil. Con sus múltiples oficios artísticos y sueños adolescentes, hallaran el romance y lo relevante de los vínculos parentales. La directora y guionista Greta Gerwig adaptó la novela “Mujercitas”; obra de Louisa May Alcott. Gerwig comienza su relato de la adultez a la infancia. Una vuelta de tuerca que explora una narrativa que emula lo que sintió Greta al leerlo otra vez. En éste momento más maduro halló temas modernos, urgentes y apremiantes. La historia se posiciona desde la vista de Jo March, la escritora del grupo de adolescentes. Ella hizo estallar el texto y logró regresar a sus vidas haciendo un entretejido inteligible. Los diálogos expresan la dificultad por conseguir la autoría intelectual. Greta hizo una amplia observación sobre la escritora e institutriz original Alcott quien fue una de las primeras personas que mostraron las vidas de niñas a mujeres como algo relevante y que vale la pena redactar; y darle a conocer al público. Greta Gerwing se reunió con el equipo técnico y actores para filmar la película. Dentro del primer grupo estuvieron en fotografía el camarógrafo francés Yorick Le Saux quien impregna al filme con claroscuros, filtros que denotan diferentes tiempos en los constantes flashback, iluminación natural y luz del ambiente, hubo un tratamiento detallado en el “antes” con colores cálidos y el “después” fríos. Le Sauk dominó todos los paisajes ya sea un gélido bosque, una opaca mansión colonial, un hogar acogedor, los viajes a otros puntos del mundo sólo con su lente. Controló tiempo y espacio en sus manos. En torno a la música Alexandre Desplat conformó piezas orquestales a base de piano y violín, asimismo editó la banda sonora muy influida por Mozart y David Bowie que le dieron pulso y ritmo. Mozart ya como compositor tenía siempre vivo su niño interior y Bowie era extravagante como lo son las jóvenes de ésta película. El comodín fue la actriz irlandesa ella es Saoirse Ronan que dio vida al personaje Jo March, la revolucionaria escritora. Pasó frete a cámara con sus manos manchadas de tinta, llena de lágrimas, ironía y raptos de furia. Ronan ya había trabajado con Greta en su anterior filme “Lady bird”. “Las mujeres tienen mente, tienen alma, no solo corazón, también ambición también talento no solo belleza. Estoy harta que la gente diga que una mujer únicamente valga para el amor”, opinó Jo; una frase que demuestra una clara denuncia al pensamiento machista de aquella época donde la mujer ejercía su libertad siendo actriz, prostituta, o casada con un hombre. La artista británica Emma Whatson interpretó a Meg March una promesa de actriz siempre inconforme aunque nos provee un mensaje que subyace la lucha por pertenecer a un estatus social que no le pertenece. La actriz inglesa Florence Pugh como Amy March dio la imagen envidiosa y caprichosa que le tocaba ella tenía un talento por las artes plásticas sus cuadros muestran el surgimiento del impresionismo gracias a los nuevos adelantos en la creación de los pomos de pintura que permitían salir con los tubos y el caballete. En éste movimiento se aprecia esa pincelada gestual es decir con gran carga matérica y capturaba el movimiento del pintor, asimismo la sensación de circulación y la luz en diferentes momentos del día. Cada fotograma replica algún cuadro realista y romántico. La australiana Eliza Scalen compuso a Beth March poseía dotes como pianista aunque como se conoce su camino fue trunco. La actriz dio el matiz de una joven inocente tampoco santa, realista y extremadamente rara aunque esa ambivalencia le dio un toque particular. La aclamada actriz estadounidense Meryl Streeep como la Tía March sigue disfrutando de su humor sarcástico y sus comentarios crueles. Dos personajes un poco secundarios Laura Dern en la piel de Marmee March le dio contundencia al poder de cada una de sus hijas Amy, Jo, Beth y Meg. Y el actor franco- estadounidense Timothée Chalamet como Theodore ‘Laurie’ Laurence predominó con su porte con un papel de don juan, quien conquistó el corazón de Amy y la amistad eterna de Jo. Marmee March ayudó en la Guerra de Sección estadounidense a los familiares y los más necesitados. Mientras los hombres estaban luchando. Fue necesaria la asistencia de las mujeres en aquel momento y al mismo tiempo bregaban por sus derechos sufragistas, independencia económica con diversos oficios, la solvencia financiera y la potestad de sus hijos. Éstos lemas los portaba Jo quien dentro de su familia intentaba que sus hermanas tengan esa idea de autonomía frente a las exigencias de una comunidad patriarcal. En la batalla civil se ponía en juego la abolición o permanencia de la esclavitud y Loissa May Alcott fue férrea militante de la corriente que pugnaba por la libertad contra la servidumbre. La película reafirma a Greta Gerwig como una cineasta estratégica en una adaptación monumental que reúne todos los conceptos del texto original; con una innovadora perspectiva temporal y feminista. Un punto focal moderno que abarca una profundización en las líneas de Mujercitas; para encontrar un tono conmovedor y reflexivo sobre las relaciones de propiedad que daba la época a las jóvenes y la sociedad. El personaje de Jo rescribió enfáticamente la experiencia propia como una matrioshka de autoras: Greta, Jo y Loissa ensambladas en una pieza cinematográfica digna y emocionante. Puntaje:90.