El santo con un oído en el pueblo y el desertor de la tiranía. Crítica de Gauchito Gil. Lo llaman para combatir en las luchas partidarias y no acepta por eso es perseguido, detenido y asesinado. La ópera prima de Fernando del Castillo reflexiona con giros poéticos la última parte de la vida del Antonio Mamerto Gil Núñez un representante de la identidad gauchesca. En la piel del actor Roberto Vallejos quien conmovió con su interpretación sensible, corajuda y fraternal de la figura espiritual. Por. Florencia Fico. El argumento de la película inicia en la provincia de Corrientes, en la etapa de la Guerra de la Triple Alianza (1865 a 1970) se daba la peste amarilla y los conflictos armados entre autonomistas y liberales, la figura del “gaucho” estaba en una condición de esclavitud. Algunos “desertores” de los buenos modales y las buenas costumbres; los llamados: “Los gauchos alzados correntinos”. El más relevante Antonio Mamerto Gil Núñez, más conocido como “Gauchito Gil”. Un valiente personaje de la región de Mercedes que meta payé, sapucay y rebeldía se opuso al orden establecido y se manifestó en contra de las injusticias sociales. Él regresa de esa guerra en cual Argentina, Brasil y Paraguay dieron fin a incontables vidas del país vecino Paraguay. Viene con un anhelo de establecerse en el territorio aunque la violencia toca su puerta nuevamente. Antonio es llamado para combatir en las luchas partidarias y no acepta por eso es perseguido, detenido y asesinado. Fernando del Catillo director y guionista de “Gauchito Gil”; revela un western gaucho desde una estética propia del romanticismo artístico y realista. En las contiendas que suceden entre gauchos y figuras del poder político se funda el carácter mágico del Gauchito Gil y el sentimiento patriótico. Esa lucha entre el oprimido y el mandatario donde la víctima busca la soñada libertad. Donde los ideales revolucionarios franceses de: “Libertad, igualdad y fraternidad” son el motor de la acción del Gauchito Gil. Asimismo toma la perspectiva objetiva de un sector marginado y registra las problemáticas de esta comunidad: la pobreza, las detenciones, las violaciones a las paisanas o chinas realizadas por autoridades cercanas al Partido Liberal , los asesinatos dentro de su comunidad entre ellos mismos, los maltratos, descalificaciones, precariedad y la carga de las muertes en campo de batalla. “Los hermanos sean unidos porque ésa es la ley primera. Tengan unión verdadera en cualquier tiempo que sea, porque si entre ellos se pelean, los devoran los de afuera”, recita uno de los fragmentos de la novela argentina insignia de ésta colectividad el “Gaucho Martín Fierro” del autor José Hernández. En paralelo Antonio comenta en su texto: “Nos estamos matando entre nosotros sin saber para qué ni para quién”, “No tenemos que matar a nadie, no más sangre, amigo”, “Prefiero la muerte antes que el dolor de matar a mi gente”; lo que evidencia una clara semejanza e identidad a los hechos y protagonistas además el sello del realizador quien fue documentalista. Castillo revitaliza la narración oral, las leyendas, las fábulas del interior y los cuentos del saber popular correntino. El director de fotografía de Mauricio Heredia despliega jugadas con figura y fondo, el enfoque y desenfoque, lo nítido y lo borroso. Tomas ingeniosas para captar la atención del espectador como el angulo de captura nadir en la que se llega a sentir mareo o vértigo. También aplicó contrapicado cuando aparecía el Gauchito Gil y en el Coronel Salazar lo que denota jerarquía en sus espacios. El tratamiento de la imagen es maravilloso en iluminación en escenas en momentos de conflicto del personaje y enfrentamiento se usa tonos fríos gélidos y en conversaciones íntimas con Gauchito Gil cálidas hasta acarameladas. La locación privilegiada fue en el Paso de los Libres con panorámicas en senderos de llanura y altura. A la vez en chacras, estancias, iglesias y quintas. La música de Fernando Castillo expuso el estilo folclórico preponderante en Corrientes y en el Paraguay el “chamamé”, dicha expresión melódica también se conjugó con el baile típico y ritual. La instrumentación se ancló en violines, guitarra, trompeta y corno muchos de ellos asociados al género rítmico. Mención destaca a las directoras de arte Gabriela Aguero y Aixa Torres con su perspectiva del ambiente rural, austero y colonial que dispusieron. El diseño de vestuario por Majo Fuertes dio en la tecla al darle personalidad al gaucho con su sombrero de ala ancha, poncho, pañuelo, faja, faca bombacha y botas. A las mujeres con su faldón amplio, blusas de algodón amplias con bordados, zapatos o alpargatas. En torno a los uniformes de los funcionarios como el Coronel Salazar y la dama de buen pasar “Estrella”, se dispuso otro estilo con más formalidad vestidos para ella y para él camisas y pantalones más acercándose a un traje. El maquillaje y peinado de Flores Tucci sumó a la radiografía del momento histórico. Sobre el elenco estuvieron presentes el actor Roberto Vallejos quien personificó al Gauchito Gil en su última etapa de vida luego de ser miembro en la Guerra de la Triple Alianza y mostró los vestigios del trauma de haber sido parte de aquella batalla. El intérprete supo amoldarse con la tonada correntina, el porte duro y contestatario, enamorado, lujurioso, amigable y querible. Como opositor encontramos al actor Claudio Da Passano como el Coronel Salazar un recluta para las filas de combate del Partido Liberal, el artista lo compone como un sujeto irascible, discriminador, temible e impune. La actriz Paula Brasca deslumbra como Estrella una mujer de buena posición con una impronta tenaz y firme asimismo la artista Éstel Gomez como Irupé una paisana tierna y chistosa que también pone su voz como narradora omnisciente del filme. El filme recrea un western gauchesco con el fin de demostrar toda la simbología épica del Gauchito Gil. El realizador Fernando del Castillo le da voz no sólo a la leyenda si no a los pueblos originarios, subraya el vínculo chamánico que le da contexto al filme y la noción de fe. Puntaje:75
Un thriller dramático y los dilemas morales que inician la venganza .Crítica de “La fiesta silenciosa” La película tuvo presentación en el 34° Festival Internacional de Cine de Mar del Plata Florencia Fico Los directores Diego Fried y Federico Finkielstain hallan los secretos en los countries. La perversión y perturbación en jóvenes y adultos tras un abuso sexual. Los realizadores exponen a quien sobrevive con ansias de revancha. Donde la actriz Jazmín Stuart se anima con su manejo corporal encabezar un papel en combate físico y emocional magistral. Por. Florencia Fico. El argumento de la cinta se sitúa un día antes de la celebración de la boda de una pareja Laura(Jazmín Stuart) y Daniel (Esteban Bigliardi). Regresan a la estancia de campo donde está el padre de ella “León”(Gerardo Romano), con el fin de finalizar los planeamientos de la fiesta. Al parecer por nerviosismo, sensación de incertidumbre sobre lo que conlleva el acontecimiento o una crisis inminente, Laura se ve trastocada. En el anochecer, toma la decisión de pasar a una casona contigua. En el lugar hay jóvenes que experimentan su propia fiesta. Lo que sucede allí cambia la vida de Laura. La dirección de Diego Fried y Federico Finkielstain exponen un claro filme de género thriller gore con una entrada laberíntica. Las puertas de ingreso a la historia son múltiples ese es el juego que promete diversas reflexiones. Asimismo la salidas de cada uno de los personajes se apoya en el drama que va en aumento a la par de la intriga. Sobrevuela un filme con tintes de acción con algunas escenas de persecución. La mixtura de géneros hace un cóctel tan extremo que deja debate; y al espectador palpitante. Al modo Kill Bill de Quentin Tarantino. Diego Fried, Nicolas Gueilburt y Luz Orlando Brennan son los guionistas de ésta película retomaron el cine de violación y venganza donde la inmoralidad, el crimen, el consumo de drogas, el comportamiento sexual y agresivo es el detonante de la revancha de la víctima que sobrevive a ese hecho. Sin embargo, lo perturbador y tenebroso está sin control. El límite de lo ético se ve borroso. Laura no es una víctima estereotipada tiene grises. Los antagonistas tienen como cabecilla a León quien le da el marco, áspero y conflictivo pero de él derivan otros, que sin contar con su preparación e influencia entran en ese ámbito. Los autores incluyen el sueño o flashbacks como elementos para relatar los momentos de encierro y abuso sexual; donde los fragmentos son como adrenalina para el castigo o desquite. Abre discusión sobre: el lugar de la mujer en contextos machistas y a su vez empoderada. Lo mismo pasa con los mandatos a los hombres con cánones de belleza o valentía casi irracionales. La paternidad agridulce. La naturaleza como personaje instintivo y depredador. Y un desarrollo con componentes sorpresivos y peleas con intensidades de alto voltaje. Hay un trance al peligro que es un arma de dos filos: insaciable y encantadora de serpientes. La música de Pedro Onetto suscribe al estilo suspenso con instrumentos para generar esa percepción de incomodidad, aturdimiento,desajustes emocionales, angustia con pianos y violines. En el tema electrónico “Espiral” se usaron baterías y la voz de Luciana Godoy quien deja ver con la composición cómo se encuentra Laura: “Un sentimiento inusual, el sol ya sale y vos te quedas sola bailando, es un mejor modo de escapar”,”Un mundo perfecto gira en espiral en el reflejo tendría que brillar”, “Un sueño profundo todo parece real”; éstas frases evidencian su estado desencajado de la realidad. Las alucinaciones de la droga, el retrato de las oscuridades de la sociedad que vive desconectada de sus sentimientos. La fiesta es un vacío perfecto para las perversiones y las transgresiones. La percusión se usó en las partes de persecución. El director de fotografía Manuel Rebella hace que su cámara serpentee en todo momento, con planos secuencia impresionantes donde el acceso a la casona es un anticipo del zigzagear de la historia. Las tomas con iluminación cálida son al picante hervor de la agresividad y las frías cuando el bosque se apodera de los bajos instintos. Las capturas con grúa o traveling dan esa esfera de vértigo al filme. En el elenco se encuentra el actor Gerardo Romano a quien se lo ha envejecido de una forma brusca con el pelo al estilo pelón. Su interpretación como León expone su rol como villano, evidente donde le puso el cuerpo a un padre agresivo, cruel y tirano. La actriz Jazmín Stuart compone a Laura, dotándola de una personalidad ingeniosa, contradictoria, dura y desafiante. El actor Esteban Bigliardi como Daniel tiene un proceso de cambio de un hombre tierno y amigable, transita por su lado más insolente. El victimario “Maxi” en la piel del artista Gastón Cocchiarale desató una figura en principio pícara asimismo retorcida. El actor Lautaro Bettoni como “Gabriel” da vida a un seductor y esquivo personaje. El filme de Diego Fried y Federico Finkielstain ondula en un thriller sangriento con influencias del cine explotación donde la temática inquietante es la reconstrucción mental de una situación de abuso. El papel de Jazmín Stuart condensa un personaje complejo, espinoso y suave, tridimensional. La película revaloriza con suspenso; un gran armado del subgénero de violación y venganza. El filme de Diego Fried y Federico Finkielstain ondula en un thriller sangriento con influencias del cine explotación donde la temática inquietante es la reconstrucción mental de una situación de abuso. El papel de Jazmín Stuart condensa un personaje complejo, espinoso y suave, tridimensional. La película revaloriza con suspenso; un gran armado del subgénero de violación y venganza.
Una película sobre amarga adolescencia y difícil compañía. Crítica de “Camping”. La directora mendocina Luciana Bilotti expone un escenario disruptivo familiar con toques de thriller dramático y coming of ege. Un filme donde las personas se van a ver identificadas con sus conflictos personales o los trajines de sostener la idea de unión parental en apariencia. Por. Florencia Fico. Llega el estreno de la película mendocina "Camping" | MendoVoz El argumento del filme se basa en el personaje de “Estefanía”(Martina Pennacchio) quien comienza a notar la crisis familiar que tienen sus padres; en pleno trayecto a un camping. En ese momento se halla en una novedosa etapa de su vida: la adolescencia. La dirección y el guion estuvieron en manos de la directora Luciana Bilotti propone una cinta familiar provocativa que retoma el género Coming of ege. Bilotti incorpora archivos audiovisuales de su propia vida como prólogo y epílogo para mostrar el pasar del tiempo y las relaciones parentales asimismo las distancias de ellos. En su guión se centra en de desarrollo etario de la protagonista, donde las conversaciones y las contestaciones son el puntapié fundamental. Su mirada atenta a los estados de ánimo de los personajes llega al punto de detallarlos psicológicamente y también agrega momentos de tensión en una travesía de suspenso. Además tiene un continuo interés en escenas costumbristas y lúdicas. Hoy se estrena la película mendocina "Camping" | MendoVoz La fotografía de Mariano Cócolo se sirve de la naturaleza para capturar momentos de diversión entre amigas y amigos en el camping. En la pileta con tomas subacuáticas, planos detalle en los juegos entre niños. Los cortes lineales en los planos que retratan el distanciamiento entre los papás de Estefanía. En el tratamiento de la iluminación es suave en las grabaciones matutinas y en las nocturnas se define más el contraste entre colores cálidos y fríos. Se apreció panorámicas del Club Mendoza Regatas. Críticas: Crítica de “Camping”, de Luciana Bilotti - Otros Cines La música de Coiffeur o Guillermo Alonso tiene bases instrumentales como el rasgueo de la guitarra como cortinas de apertura y cierre de la película que se asocia con ese ambiente que está entre cuerdas o tirante. Las letras tienen una composición que hace referencia a cómo se encuentra Estefanía y su familia: “Entre tus manos se escondió mi secreto”, “Parecidos pero nada iguales” y “Yo me voy; éstas frases demuestran en cierta forma: la manera de ocultar las situaciones complicadas en la pareja o el continuó deseo de salirse de ese lugar. Las tristezas, las peleas, la forma de aislarse de cada uno de los personajes, quienes están más ocupados en irse que en quedarse y los que viven preocupados por el estar presentes. El director de sonido Nahuel Palenque incorporó los ruidos de los animales al filme lo que le dio color: truenos, murmullos de una pelea entre los padres y el eco de los pájaros o los grillos al anochecer. Camping» (Estreno en línea: 28 de mayo de 2020) – GPS Audiovisual El elenco lo componen la actriz debutante Marina Pennacchio como Estefanía una joven que le puso mucho esfuerzo a recrear una adolescente desobediente, contestataria, tierna y sensible. La artista Zoe Gatica como “Sofía” su amiga quien compone un personaje más provocativo, confiable e intenso. La actriz Ivana Catanese le pone la piel a la mamá de Estefanía “Sara”, un papel que supo llevar con mucha virtud, sus gestos dan en la tecla en cada emoción ya sea ira descontrolada, enfado, bronca y cariño a su hija. El actor Diego Velázquez como “Marcos”, el papá que le suma su carácter ermitaño, sofocado y poco sociable. Cine.ar: Crítica de Camping de Luciana Bilotti | Leedor.com En personajes secundarios aparece la artista Pato Christen como Patricia quien es una amiga de Sara que trae a sus hijos y marido al mismo camping, ella consolida una interpretación que va en sintonía con su compañera quienes están cansadas de hacerse cargo de la tutela de los jóvenes y a veces adultos. Se destacan también en sus roles como actores Mateo Alessio como Matías y Valentina Iniesta como Micaela, le dan un toque de picardía y rebeldía. La ópera prima de Luciana Bilotti avanza en una película familiar con rasgos de suspenso, coming of age y drama. La realizadora muestra las heridas internas y externas de las familias disfuncionales o al límite. El trío de Martina Pennacchio, Ivana Catanese y Diego Velázquez hacen visibles las gritas de un destino incierto, dividido; y la batalla personal de una adolescencia teñida de diversión y amargura. Puntaje:80
¿Qué pasa cuando no le creemos a los chicos cuando sufren abuso? Crítica de La Chancha. La dirección de Franco Verdoia en “La chancha” reproduce una composición y un relato que por momentos toma esencias del suspenso, terror y drama psicológico. La combinación de lo inesperado, el miedo y la exposición de una confesión tan desbordante; a la vez encapsulada surten un filme intrigante y representativo sobre el acoso infantil. Por. Florencia Fico. El argumento de la película se basa en los personajes de Pablo( Esteban Meloni) y Miguel (Puma Goity) quienes han residido en Las Varillas, luego de unos años se encuentran en La Cumbre en el momento que los dos están en vacaciones con sus parejas. Lo que apareja declaraciones sorpresivas cuando la esposa de Pablo halle el por qué le incomoda la aparición de Miguel a su marido. El director y gionista cordobés Franco Verdoia calibra con solidez, sutileza y respeto la exposición de una parte delicada de su vida en la piel de Pablo o Esteban Meloni. Ellos se amalgaman con un ensamblaje perfecto sin caer en una autobiografía si no un retrato intimista y realista. En cuanto al guión pone en jaque al protagonista quien en su camino de sanación ya es adulto y ese punto de partida lo hace atractivo. La narración de Vedoia sobre lo encapsulado se convierte en un insumo para crear el clima de thriller. Esa confesión retenida es la clave de la tensión descriptiva. La vigilia hacia la huella traumática se vuelve de principal interés. Asimismo la visualización del victimario es en ocasiones metafórica visualmente, la representación dual del perverso apreciada y aterradora. En el texto del filme hay mucha personalización simbólica entre Pablo y Miguel en animales. La fotografía de João Castelo Branco aprovecha todo el caudal de locaciones disponibles en Córdoba desde sus sierras con tomas panorámicas, las capturas aéreas en las aerosillas, el seguimiento en el Camino de Las 100 curvas. Además el tratamiento de enfoque y desenfoque en los animales de granja es el caso de los chanchos, en ellos hay particular atención con planos detalle y entero ya que hay una connotación melancólica que lo conecta con el protagonista y su violador. El sonido directo recolectado por Federico Disandro es fundamental con el gruñido, chillido y los gritos del chancho provocan diversas sensaciones al espectador y en el relato fílmico son como signos de violencia, muerte, nerviosismo, alerta y despiertan en los personajes de Miguel y Pablo una memoria sensorial y emotiva que los hace irritar y estremecer. La música original de Leo Heinkin y Kiko Ferraz con la canción “Cuchillito” alcanza para desatar el clímax de la ira de ambos personajes. Los dos artistas Esteban Meloni como Pablo y Gabriel Goity como Miguel llegan a copar el filme. El primero Meloni tiene grandes momentos de interpretación que recorren desde la desilusión, un pensamiento que lo hostiga y lo hace preso de un cazador, también una minuciosa escena de ataque de pánico, y una sed de resarcimiento personal.El segundo Goity es el contrapunto, la criatura sin vergüenza, oscura, intimidante y sociable, pedófilo hasta psicópata aunque construye una versión querible. La actriz brasilera Raquel Karro, interpreta a Queli la esposa de Pablo, ella encarna un personaje contenedor aunque disperso, tiene matices que desarrolla su costado molesto y carácter fuerte. La comediante y actriz Gladys Florimonte despliega a la esposa de Miguel “Alicia”, muy carismática, chistosa aunque en su justa medida y a veces enigmática. Como hijo de Pablo y Queli, está en la piel del actor Rodrigo Silveira como Joao con una impronta inquieta y rebelde le pone una cuota de inocencia y preocupación. Verdoia incorpora y hace visible a una actriz con síndrome de Down que aparece en los márgenes como una clara declaración a poner frente a cámara sectores menores de edad que quedan segregados y la voz de los chicos muchas veces es descreída. El filme con los actores Esteban Meloni y Puma Goity le dan personalidad a la película donde lo perturbador se pone en la piel y en foco. Verdoia tras plasmar un drama psicológico sube la vara con una película de suspenso y una destacable denuncia sobre la vulneración de los derechos en las infancias a ser escuchadas y protegidas. Puntaje: 85
El rincón de los pedazos rotos vibra con su inquieta melodía. Crítica de “Solo” El director francés Artemio Benki repasó los ritmos de vida, procesos e intercambios del protagonista Martín Perino con astucia al mostrar sus temores, manías y comentarios propios o ajenos del pianista. Por. Florencia Fico. El argumento del documental se basa en la figura de Martin Perino; un talentoso pianista argentino que tras una crisis psicológica estuvo cuatro años en el hospital psiquiátrico más conocido en Latinoamérica “El Borda”. Desde pequeño era muy habilidoso y virtuoso con el instrumento que ahora fuera de la institución mental se reúne con una existencia con varios interrogantes y su futuro. La dirección y el guión de Artemio Benki propone un registro documental al estilo observación. El cual genera un contacto directo con el personaje principal y le cede el control a los sucesos frente a cámara. Aunque Benki propicia un nexo muy íntimo con Martín Perino desde su mirada perdida, el teclear incesante de Perino, las conversaciones con internos o dados de alta. Su dificultad para vincularse con otros, su reflexión personal sobre: la soledad, su descontrolada energía, su fragmentación que pudo unir gracias a su instrumento de cabecera, su confusión entre realidad y fantasía.Las disputas entre la vida o la muerte que supo ubicar; dentro de su esquizofrenia paranoide. Sus primeros pasos afuera del hospital con agorafobia o ataques de pánico, sus caminatas y rehacer su agenda cotidiana. La necesidad imperiosa de estar cerca de la música ya sea en un bar, una escuela, en su cumpleaños y en el sanatorio psiquiátrico. Su ayuda al intentar sanar con su arte a los pacientes de la clínica. Benki recupera otra pasión de Martín como la natación asimismo la relación con sus padres y su madre que lo lleva a la música desde nada más ni nada menos que el compositor polaco Frédéric Chopin. Un nivel que lo dejó en oportunidades una sensación de auto exigencia poco sana. La fotografía de Diego Mendizábal hace planos detalle en Martín como una radiografía de sus actividades diarias, en sus manos que repite las notas musicales una y otra vez, su vicio el cigarrillo. Algunos planos generales cuando toca y lo hace parecer invisible asimismo con mucha destreza casi desmesurada. Las tomas en el hospital El Borda también son representativas de los marginados por las sociedad, los que sufren, los que pintan para dar color a un edificio de gris concreto y los que gritan, bailan o lloran por ser ignorados. La música de Martín Perino vuela y aterriza por todo el documental. Ya sea un tarareo de “Ahora qué…” de Juan Martinez Sabina, una frenética performance del tema Danza de la mosa Donosa. Su propia composición “Enfermería” que el pensó como esa transición interna que lo hizo aceptarse a si mismo, un toque de nostalgia y libertad. “La música está entre nota y nota, hay un tiempo infinito, puedo manejarlo”, dice Perino frente a una clase que lo escucha. Demuestra como domina su vida a través de los ritmos, armonías y su interpretación que bien puede aparentar solitaria pero se halla llena de pasión, público y destacado ímpetu. El filme navega profundamente en la mente de un artista brillante, esboza sus máscaras y las destapa; además trata de entenderlas. La idea de bucear en la locura abre un abanico de perspectivas a debatir: la auto exigencia, la soledad, la fragmentación interna, marginación, los mundos paralelos que pueden formarse y el refugio de los desbordes: la música. Puntaje:85 Dirección Guion Música Reparto Arte El filme navega profundamente en la mente de un artista brillante, esboza sus máscaras y las destapa asimismo trata de entenderlas. La idea de bucear en la locura abre un abanico de perspectivas a debatir: la auto exigencia, la soledad, la fragmentación interna, marginación, los mundos paralelos que pueden formarse y el refugio de los desbordes: la música.
Eryk Rocha sigue con actitud reflexiva las tinieblas brasileñas y globales. Crítica de “Miragem” El director brasilero resucita en cada filme el Neorealismo ese movimiento que mira a su pueblo con una cámara sobre los conflictos de un personaje como “Paulo”(Fabricio Boliveira) quien es un ejemplo de las necesidades económicas que pasa el país. Además la marginación social a su sector social como taxista y deja entrever varios relatos que suman otras crisis. Por. Florencia Fico. Breve Miragem de Sol - YouTube El argumento de la película se basa en la figura de un hombre Paulo que empieza a trabajar de traxista para recaudar dinero para poder ver a su hijo Mateus tras 7 años de no verlo. Ya que no puede darle la pensión a su ex esposa. Con el deseo de juntar dinero ve como una salida laboral ser remisero. Con la dirección de Eryk Rocha se destapan muchas problemáticas un personaje principal como lo hizo con “Igor” en “El aula vacía” un largometraje anterior. Reversiona esa idea intimista e improvisada con Paulo que representa a una comunidad en las sombras pero existente en Brasil. Donde su guión es notoriamente dramático, pero abre espacios para indagar esa ciudadanía de forma documental. Desde lo ficcional impregna todo el potencial angustiante, melancólico, sensible, soñador, danzante, festivo, enloquecedor, nervioso y preocupado de Paulo que a su vez está en el clima actual brasilero. MIRAGEM - Dir. ERYK ROCHA - YouTube También lo dota de otras voces los pasajeros es decir establece otros ángulos dramáticos ellos asimismo comunican sus padecimientos ya sea: sus ansias de apariencia acaudalada, la juventud desbordada con soberbia y adicciones nocivas, la ambición desmedida, frente a la precariedad salarial, los ataques entre bandos para conseguir más viajes es la batalla taxi versus Uber, la desconfianza, el alarde al consumismo, las balaceras nocturnas, el trabajo en al anochecer es duro, el sueldo es malo, no alcanza para pagar servicios básicos ni el alquiler y evidencia los laburos informales gente que vende de forma ambulante, gente sin techo ni comida, la guerra entre ya sean hinchas de fútbol o la sobreinformación que aliena a la sociedad y los aumentos en la nafta o gas lo que perjudica totalmente a los taxistas; los ciberataques a países latinoamericanos. El filme con el que entrenó ésta sumatoria de testimonios fue “Transeunte” donde un personaje sin esperanzas observa otras dificultades. Breve Miragem de Sol (Burning Night), de Eryk Rocha - Teaser - YouTube En el reparto brasileño se destacan: el actor protagonista Fabricio Boliveira quien efectivamente concreta la misión de ponerse en la piel de Paulo un taxista aguerrido, papá divorciado y un luchador buscavidas. La actriz Bárbara Colen da un matiz intrigante, romántico y cercana a las dificultades de Paulo, da el elemento de inquietud y curiosidad por la condición de las personas como empleada de un instituto sanitario y pasajera frecuente de Paulo. Y el elenco Argentino estuvieron presentes: Inés Estevez y Luis Ziembrowski que interpretan a una pareja de turistas en el país vecino en plena situación de crisis económica. Estevez una esposa que harta de las fachadas de buen pasar y Ziembrowski un marido que le escapa a su incapacidad de ver la verdad de su matrimonio y sus finanzas; el empuja a un montaje de fantasía ella le pincha el globo. El director de fotografía Miguel Vassy impresiona con sus tomas en contrapicado en los pomposos rascacielos en Brasil, el picado en los ojos de Paulo en sus peores momentos y el enfoque, desenfoque en el espejo retrovisor interior donde hace hace de hilo conductor en las charlas que Paulo tiene con sus pasajeros, el plano flip over lo que intenta con éste movimiento es dar esa sensación vertiginosa e inesperada como los acontecimientos que le pasan a Paulo, esos momentos son fascinantes cuando la cámara rota 180 grados y se percibe un efecto de mareo. La iluminación saturada en blanco y las capturas oscuras cuando pasa por los accesos bajo tierra llegan a un nivel de proximidad con el personaje que se transforman en sus estados de ánimo. La música de Gustavo Montenegro y Edson Secco brilló con una canción “Pé do meu samba” del vocalista Caetano Veloso y “Pájaro negro” que en sus versos recita: “Soy un pájaro negro en la noche que alumbra tu cielo”, esa frase lo conecta a Paulo con Mateus su hijo que siempre esta presente. En fotos, recuerdos o en su imaginación y resignado comenta “Extrañar debería ser algo bueno”. El filme es una coproducción entre Argentina y Brasil ambos países se ven reflejados en sus pérdidas económicas, el fingir un estatus social que no les pertenece y una profunda herida en su desconexión entre su pueblo y los altos poderes ya sean: mediáticos, empresariales o políticos. Rocha sigue alzando la bandera “Una cámara en la mano y una idea en la cabeza”, un símbolo del “cinema novo” brasileño nacido en los años 60′. Un ferviente cineasta que reinventa una película dramática a una crítica de las estructuras hegemónicas. Puntaje:90.
Una película que abre inquietudes y necesidades en la comunidad trans. Crítica “Canela” La realizadora rosarina Cecilia del Valle consigue un filme que toma muchos elementos del documental estilo “historia de vida” y plantea una crítica social sobre las problemáticas económicas, sanitarias y marginación al colectivo transexual. Por. Florencia Fico. Una película que acompaña y acerca | Canela se estr... | Página12 El argumento de la película “Canela”se centra en la figura de la arquitecta Canela Grandi pero en un paréntesis de su vida. Los avatares de una persona que tiene 48 años con tres hijos. Asimismo reconocida por su labor profesional y docente de la Facultad de Arquitectura de Rosario. Toma la elección hace 14 años de comenzar su transición a otro género. Luego de un período, Canela se pregunta si necesita hacerse una vaginoplastía, es decir intervenir su cuerpo para ser esa mujer que quiere ser. La dirección de Cecilia del Valle inserta a los espectadores en un enriquecido relato donde la voz de Canela es narradora. La ubica específicamente en su trabajo. Su inicio en la hormonización con el doctor Claudio Bertone en el Centro de Especialidades Médicas Ambulatorias de Rosario (CEMAR). Manifiesta carácter dictando clases como profesora en la Universidad Nacional de Rosario. Las nuevas amistades, sus gustos cinematográficos, las sesiones psicológicas, su búsqueda la lleva a un espacio espiritual. La reconstrucción muy madura de su transformación de Ayax Grandi Mallarini a Canela; en la casa de su madre. Su relación con sus hijos también con viejos amores. Estrena la película "Canela" sobre una mujer trans: Solo se vive ... Las guionistas del filme son: Cecilia Del Valle y Romina Tamburello quienes dejaron y sembraron climas cargados de reflexión constante. Ya sea con una explicación académica pero a la vez parte de la realidad de Canela. Por ejemplo: “La verdad de la arquitectura está en el espacio interior no en las paredes que lo encierran”, una visión que emerge en los interrogantes más profundos del ser y no en su estructura o etiqueta social. Fue un logro fundamental la sanción de la Ley de Identidad de género 27.743. Con la captura a un cartel que dice: “Lo imposible se consigue en cuotas”, es un paratexto que sugiere lo duro que es pasar por la transición de género desde su aceptación, su cambio en la fisionomía, el déficit patrimonial. Estrena la película "Canela" sobre una mujer trans: Solo se vive ... “Los tres males del capitalismo eran: el interés, el alquiler y la sustitución del esfuerzo(…) Así como está garantizada la salud, educación debiera estar garantizada la vivienda”, comenta Canela en la facultad como un eje central que padecen los sectores menos favorecidos. Un guiño para los trans que como ella. Han perdido sus casas, trabajos por prejuicios y están en la pobreza. Los encargados en fotografía Lucas Pérez, Marcos Garfagnoli, Ariel Frazzeto enfatizaron en hacer capturas panorámicas del escenario local. Tomas en contrapicado que reforzaron la jerarquía de Canela en los espacios de construcción donde los obreros, capataces y colegas no deslizaron ni mostraron algún vestigio machista lo que sí sucede en otros lugares. El tratamiento de imagen con algunos fundidos o transiciones hacen buenas pausas para dejar entender el contexto. Canela Grandi, la historia de una mujer trans que será llevada a ... La melodía en manos de la banda El melancólico Robinson y su orquesta de señoritas emplea un rock de denuncia con una letra que la pinta a Canela con sus miedos y aislamientos. “Llevo aquí tanto tiempo, un no se, si soy real. Si existe el mundo donde viví tal vez. Vengo de un laberinto o me perdí pero no era un callejón sin salida lo que descubrí después”, los versos de una canción que dibuja sus incógnitas y el camino de la identidad de género. CANELA GRANDI 1957 – UN DIA | UNA ARQUITECTA 4 Cabe recordar que la operación de la reafirmación de género o en éste caso la vaginoplastía aparejan una serie de etapas. Los análisis pre quirúrgicos y post que necesitan de un cuidador, ya que debilita al que se somete a la cirugía. Hay pérdida de sangre, cincos días de internación, debe permanecer en reposo y no trabajar por 40 días al menos. La hormonización en cambio es una terapia que induce a la modificación donde se aplican medicamentos para el desarrollo del género deseado. En éste filme se demuestra cómo Canela sufre cambios de ánimo y se subraya la falta de contención. Después de la operación en materia económica, acceso a la información y escasos puntos de atención. Soy papá, travesti, arquitecta, docente | Canela Grandi ... Le suma al filme el testimonio de Canela una exponente de la oportunidad que tiene la colectividad trans de aprender y tener un oficio que les aporte a sus familias. Sin embargo se sabe que muchos de los empleos desplazan a su comunidad y desatan desigualdad social hasta las deja en situación de trata. La ópera prima de Cecilia del Valle atraviesa y revela una aproximación a una persona en vías de debatir la sexualidad con diversos matices. Una jubilada trans que ha dejado ver las heridas de la discriminación, preocupación, angustia y valor, con la observación atenta, risueña y denunciante de la directora. La película tiene fines solidarios se lanza el 14 de mayo en la plataforma virtual Puentes de Cine y el ingreso tiene un valor de 160 pesos; de ellos 50 se destinarán a la campaña del colectivo de diversidad sexual. Mediante la Liga LGBTIQ+ de las Provincias se notificó que es un sector vulnerable por la pandemia del coronavirus. Puntaje:85
Los enlaces letales del terrorismo de estado con marca estadounidense. Crítica de “Operación Cóndor” El documental abre un paraguas testimonial que narra las vejaciones a ciudadanos y sus derechos humanos con la curadora más adecuada Andrea Bello. Quien en conjunto con Emilio Serra trazan un material de la coordinación que tuvieron las dictaduras latinoamericanas con licencia para matar a cualquier persona en América Latina con la colaboración de la CIA o servicios de inteligencia locales. Por. Florencia Fico. Operación Cóndor", documental que indaga en el plan de las ... La dirección de Andrea Bello y Emiliano Serra enfatizó en las voces de los familiares y sobrevivientes como hilos conductores. Se desarrolla un crisol o mamushkas al tejer la historia. Los directores con las declaraciones de figuras relacionadas: Stella Calloni, Miguel Ángel Estrella, Marta Rodríguez Santamaría, Pablo Oubiña, Alejandrina Barry y Edy Binstock recrean un documental histórico. Narran el mecanismo de asesinato sistemático de dirigentes latinoamericanos, ejercidos por las dictaduras de América del Sur con asistencia y referencia de la CIA en la época de 1970. Sobre Andrea Bello fue detenida y desaparecida asimismo la mantuvieron en cautiverio en la ESMA durante casi dos años. Le interesaba la militancia y en especial los derechos humanos, asistió en juicios por lesa humanidad. Falleció el año pasado. Su codirector Emiliano Serra graduado en Diseño de Imagen y Sonido en la UBA, hoy en día continúa el legado de Bello además es montajista y posproductor de cine y televisión lo que se demuestra en este filme con diferentes transiciones, los sonidos de cadenas, fundidos con dibujos y el retrato realista. El guión elaborado por la periodista Stella Calloni y Eduardo Walger recopiló material de archivo del momento: documentación, fotografías, vídeos y audios. Como ella comentó en el mismo filme: “Cuando uno destapa la montaña rusa del Cóndor va encontrando no sólo los caminos de lo que sucedió aquí, si no los personajes que intervinieron a dónde fueron a trabajar después y siempre en la misma línea los crímenes, los atentados y asesinatos a referentes importantes”. La música de Aldana Bello se basa en sonido nativo. Suenan redoblantes de murga presentes en manifestaciones sociales, géneros folclóricos y rock nacional a partir de la banda “Las Pelotas”. Cánticos como: “A donde vayan los iremos a buscar”. Se adhirió una mezcla entre el himno de Estados Unidos y la canción de feliz cumpleaños en ingles dio un guiño contestatario. El toque especial de Aldana con charabgo, cavaquinho y aerofonos andinos. La fotografía de Juan Pablo Chillón inserta al espectador en un clima oscuro con tomas generales de todos los espacios de encierro o “centros clandestinos de detención”, con iluminación roja muestra el calvario que muchos sufrieron allí dentro. Asimismo dio lugar a capturas panorámicas de los países en cuestión Brasil, Argentina, Chile y Perú. El juicio por la Operación Cóndor terminó en mayo de 2016. Los participantes chilenos como la abogada Paulina Veloso Valenzuela contó la detención y desaparición de su esposo suizo/chileno. El doctor Patricio Bustos compañero de cuativerio de Jorge Fuentes Alarcón miembro del Movimiento de Izquierda Revolucionaria. El médico creó un hospital informal para atender a los dirigentes sociales marginados por la dictadura. Jorge Robotham Bravo con su descripción de la Operación Colombo que secuestró y asesino a 119 chilenos un plan de encubrimiento de las desapariciones y exterminios que sucedían tanto en Argentina como en Chile. El periodista e investigador Jorge Gato Escalante explicó que en 1992 en una comisaria de Paraguay aparecen trozos de documentos policiales de lo que fue un archivo organizado catalogados como Archivos del Terror. Lo que se descubrió es que no era una banda de pandilleros que salían a torturar si no que era el Estado en si, ese sistema represivo no estaba solamente integrado por policías, militares, jueces, fiscales, embajadores y cónsules. Y fichas de agrupaciones, presos políticos es decir espionaje liso y completo de la actividad ideológica y gremial. El documental “Operación Cóndor” desembarcó este jueves en Cine.ar ... Una médica genetista Gladys Meilinger que por su propio oficio encontró el sistema, cuando un grupo se la llevó cuando estaba atendiendo a sus pacientes. Ella vuelve a su país natal Paraguay y escribe un libro titulado “Operacion Cóndor”(1989 año de publicación) en el que detalla sus movimientos en distintos centros clandestinos de detención y las torturas; cuando había caído el régimen de Alfredo Stroessner. A la par de la investigación de Stella Calloni también pionera en la exploración del mecanismo represor en latinoamérica también a partir del asesinato del político socialista, economista y embajador chileno Marcos Orlando Letelier del Solar. La orden de su muerte fue dada por Augusto Pinochet. En éste caso se involucró e imputó al agente de la CIA Michael Townley, todavía caratulado como “testigo protegido”. El hecho llegó a estar en artículos de The Washington Post. Posicionados en Argentina se halló el testimonio de Miguel Ánguel Estrella un reconocido pianista y compositor internacional secuestrado. La ex esposa de Vinicius de Moraes testigo de la captura de Joajo Tenorinho militante; también pianista brasileño. Los afiliados a partidos políticos o sindicatos eran perseguidos en su momento por proscripción. El fiscal Pablo Oubiña a cargo de Jueicio Oral realizado en Argentina sobre la Causa Cóndor. “La desaparición habla, hace ruido, genera preguntas, movilizaciones, las Abuelas y Madres de Plaza de Mayo, una marcha todos los jueves en la pirámide, una marcha silenciosa como es la desaparición para pedir respuesta”, exclamó Oubiña. El documental “Operación Cóndor” se podrá ver a través de Cine.ar ... Alejandra Barry que padeció el fallecimiento de sus padres; lo particular es la apropiación de Andrea fue para denostar la su madre activista por parte de la prensa como un ejemplo de una de las tantas muchachas con hijos se les decía peyorativamente: “fabricadora de huérfanos”. Edy Binstok esposo de Mónica Pinus de Binstok secuestrada. Gustavo Molfino hijo de Noemi Gianetti de Molfino activista de los derechos humanos como Madre de Plaza de Mayo. Él estuvo presente en su detención ilegítima en la ciudad de Lima en Perú; posteriormente asesinada, encontrada en España . Ya por último el cineasta Andrés Habegger hijo de Norberto desaparecido. Operación Cóndor», documental que indaga en el plan sistematizado ... Desde Uruguay contactaron a Jorge Pérez hijo de Washigton “Perro” Pérez que junto a su padre vivenció su secuestro y tuvo que negociar la libertad a cambio de dinero de Gerardo Gatti Antuna (secretario Partido por la Victoria del Pueblo) de tendencia comunista. Además a la exiliada Lilian Celiberti; docente, anarquista y feminista; detenida desaparecida en Porto Alegre, Brasil con su marido y sus hijos. La apresaron en una cárcel de Montevideo durante 5 años. Del lado paraguayo participaron Federico Tatter testigo del secuestro de su padre Federico y llegó a averiguar en los Archivos del Terror. La ex Directora de la Comisión de Verdad y Justicia Judith Rolón que remarca la desaparición de más de 120 paraguayos en Argentina. Y la aparición del escritor José Méndez Méndez cubano, asimismo profesor y autor de los libros “Bajo las alas del Cóndor”, “La Operación Cóndor contra Cuba” y “Demócratas en la Casa Blanca y el terrorismo contra Cuba”. Crítica de "Operación Cóndor": Valiosa, pero plagada de ... El documental hasta se atreve a parodiar al superhéroe estadounidense Capitán América quien es abucheado por una multitud que no lo conoce, resiste su autoridad como una metáfora de salir de las hegemonías imperialistas que surgen del consumo. Una segunda lectura la crítica al enemigo invisible o silencioso que en ésta cinta se devela. El documental alberga una consistencia robusta con cada historia una profunda investigación. La recuperación de los diversos operativos, atentados como el Vuelo 455 de Cubana que fue destruido a causa de un proceder terrorista. En el filme se evidencia como muchos individuos vinculados con la CIA o servicios de inteligencia organizaban espionajes, intercambiaban prisioneros, falsificaban documentos para dar rienda suelta a su libertinaje criminal y sicario. Puntaje:85
Animación en clave irónica, rebelde y contestataria. Crítica de “Homeless”. Florencia Fico La película de orígenes chilenos y argentinos“Homeless” seduce con humor negro al espectador. Denuncia la falsa felicidad promovida por Disney, el consumismo, la líquida seguridad de estatus por el dinero es decir el capitalismo y la incredulidad al sistema neoliberal. Por. Florencia Fico. Los directores José Ignacio Navarro, Jorge Campusano y Santiago O’Ryan desarrollan un relato con animación que evidencia que al desatarse la máxima crisis financiera de la historia un conjunto de vagabundos combaten a la dictadura de la última organización que hay con el objetivo de revitalizar el sistema que odian y tener su casa abajo de un puente. El guión trata la segregación a los sectores menos favorecidos económicamente, la sectaria aptitud de algunas personas al acceso de recursos, la riqueza no necesariamente sugiere llegar a cumplir con los deseos de los sujetos. El filme constantemente acierta al usar la sátira o la parodia, alusiones a la alienación que provoca el factor financiero, su seguida división y ruptura de los valores humanos y la tecnología como herramienta de control social al mejor estilo Mátrix. Lo relevante es la construcción del concepto de la comunidad vagabunda lo que baja línea política ya que visibiliza la desigualdad con altura, registra sus malas condiciones de vida. Ya que la calle es la gran locación y escenario de explosivas discusiones. Deja ver sus egoísmos, sus artimañas y su explotación ante cualquier oferta laboral. En torno a los personajes tratan de ubicar a tres antihéroes, un niño millonario que quiere salirse de su comodidad llamado Quesillo, la figura malvada de un renacido Walt Disney y su secuaz una rata. Todos ellos comparten una estética y comedia similar a Los Simpson, South Park, Family Guy y Rick and Morty. La película asombra por una animación rica en debate para adultos. En una hora se detonan diferentes frentes de combate contra la discriminación, la falta de compromiso de funcionarios e instituciones como la Organización de las Naciones Unidas(ONU) con las tareas para resolver las urgencias sociales y el desencanto del mundo ideal vendido por las historias fantásticas de Disney que proclaman un canon y consumo asimismo su modelo fascista. Puntaje:80
Un filme que invita al laberinto surrealista del delirio. Crítica de “Alma Pura” Florencia Fico La película argentina “Alma Pura” gesta una cinta donde Ingrid Grudke es la punta de lanza con el fin de brindar un autoretraro expresionista con su papel.¿ Alma pura» (Estreno en línea: 16 de abril) El argumento recrea la historia de una artista plástica Sofía(Ingrid Grudke)recién salida de rehabilitación por consumo de estupefacientes, alcohol y surménage. Ella decide residir en una antigua casona familiar en las sierras. Allí encuentra diferente sonidos y las situaciones extrañas que van aconteciendo evalúa sus debilidades. Empieza a dudar de los pobladores de la región que aparentemente están elaborando planes en contra de ella. Los hechos fantásticos concluyen por exponer que los individuos sensibles pueden aparecer y mostrar un mundo que no es propio, aunque su vida peligre. La dirección de Roberto Salomone entrega un filme en el que emergen diversos géneros combinados desde un thriller psicológico hasta una película de terror paranormal. Alma pura " (2020) - Trailer | vídeos - Filmaffinity El reparto tiene un protagónico el de Ingrid Grudke como Sofía en el cual se aprecia sus lecturas en francés, una interpretación que rompe su belleza natural para hacer crecer su porte dramático. Con su compañera de elenco Malena Sánchez quién encarna a Paula su hermana y tiñe su personaje con su propia impronta fuerte, áspera y sensible. En pequeños personajes como Raúl por el actor Guillermo Pfening suma humor, juego y reflexión. La música de Pablo Salas incrementa las sensaciones con tonos ambientales, gritos e instrumentación a base de cuerdas que despiertan las palpitaciones. Además la fotografía en manos de Jorge Dumitre agrega efectos especiales, fundidos y tomas atractivas. El filme despliega debate sobre traumas con toques trágicos, un tratamiento expresivo y artístico en la interpretación de Ingrid Grudke. El realizador Roberto Salomone ingresa suspenso e intriga en la película. Puntaje:70.