Llega a los cines Llaman a la puerta, la nueva película de M. Night Shyamalan, director que suele dividir aguas con sus historias de corte sobrenatural y sus infaltables vueltas de tuerca. Sus películas no pasan desapercibidas: con sus aciertos y sus errores, ha construido una filmografía a la que se le pueden reprochar algunas cosas, pero no la falta de originalidad, giros y suspenso. Así lo demostró en Viejos (2021), que aun con críticas no tan buenas, tenía una premisa irresistible. ¿Pasa lo mismo con Llaman a la puerta? Sinopsis de Llaman a la puerta Basada en la novela de Paul Tremblay, La cabaña del fin del mundo, Llaman a la puerta cuenta la historia de la pequeña Wen (Kristen Cui) y sus padres (Jonathan Groff y Ben Aldridge), quienes están descansando en una cabaña cuando cuatro desconocidos irrumpen asegurando que la familia deberá hacer un sacrificio para evitar el fin de la humanidad. Crítica de Llaman a la puerta: Creer o reventar La película empieza con unas bellas imágenes de la pequeña Wen atrapando saltamontes en un frasco, animalitos de los que toma registro en un cuaderno y a los que encierra para poder estudiarlos. Suena a anticipo: sabemos que nuestros protagonistas también quedarán encerrados en una cabaña, pero sus captores serán algo más radicales que Wen. Lo que parecía un indicio interesante (la intriga de predestinación, como a los teóricos les gusta llamar a lo que anticipa que pasará en el resto de la película), se va diluyendo. Lo siguiente es creer o reventar. Evitando el spoiler, el problema con Llaman a la puerta es el verosímil. Tenemos a cuatro personas exigiéndole un determinado sacrificio a una familia de tres, asegurando que, si no lo hacen, la humanidad de extingue. Aja. ¿Por qué? Porque tuvieron ciertas visiones. Ok. ¿Qué vieron? ¿Quién pide ese sacrificio? ¿Cómo supieron que era esa cabaña o esas personas? Como espectador, cuesta que te convenzan y el pensamiento, claro, es que deliran. Entonces, tenemos a cuatro chiflados secuestrando a tres inocentes: no sería la primera vez. Pero esta presunta locura, aun con sus acciones extremas, nunca llega a convencer. No te lo crees. Los tres miembros de esta familia logran un mayor desarrollo, mientras que los captores, liderados por Leonard (Dave Bautista), no tienen profundidad, historia o, siquiera, carácter. Cuando la acción mejora, esperás el giro argumental, la vuelta de tuerca, el plot twist que tan bien le sale a M. Night Shyamalan. Casi que por eso ves sus películas: querés ver qué cómo te va a sorprender. Quizás por lo dilatado de las acciones o porque lo anterior no llega a ser convincente, el plot twist no aparece, al menos no con la fuerza suficiente. Los aciertos de M. Night Shyamalan Voy a coincidir con una reflexión que leí en Twitter: hay que destacar como Shyamalan logra normalizar a una pareja homosexual como protagonistas de un film de terror, haciendo que su orientación sexual sea irrelevante. Si es un dato más, se ha dado la verdadera inclusión. En este sentido, la historia de Eric y Andrew, los padres de Wen, está contada con gran tacto, así como el proceso de adopción de la niña. La pequeña, por cierto, es un gran acierto, haciendo un trabajo excelente a su corta edad. Por otro lado, rescato que, en tiempos en que sobra sangre y morbo en cuanto relato visual se estrene, Shyamalan se lo ahorra, sin mostrar más de lo necesario en una historia que le da pie para la violencia total. Gracias, Señor Noche. En resumen Llaman a la puerta propone una interesante historia de debate moral, pero no consigue la profundidad suficiente para entenderla de esa forma. Escenas entretenidas, con acción y suspenso, se intercalan con otras que no ofrecen mucho; del mismo modo que las variadas actuaciones no terminan de lograr un equilibrio. Como fan incondicional de Shyamalan, me quedó sabor a poco. ¿Donde ver Llaman a la puerta? Llaman a la puerta se estrena exclusivamente en salas de cine. Su estreno en Latinoamérica es el jueves 2 de febrero de 2023. El viernes 3 de febrero llega a España y Estados Unidos. “Llaman a la puerta” (Knock at the Cabin) Puntaje: 5 / 10 Duración: 100 minutos País: Estados Unidos / China Año: 2023
Steven Spielberg nos lo ha dado todo. El señor cine nos hizo temblar de pánico con tiburones, perseguir el Santo Grial y emocionarnos con extraterrestres. Nos había dado todas las historias, menos la suya. Los Fabelman viene a marcar el casillero restante: la película del cineasta sobre su propia vida. ¿De qué se trata Los Fabelman? Sammy es un niño que siente fascinación por filmar películas caseras y demuestra gran talento para ello. Su lente será testigo no solo de historias inventadas, sino de la propia: su niñez y su juventud entre cámaras, mudanzas, conflictos familiares y vínculos escolares de amor y de odio. Nacido en el seno en una familia judía que cambia de residencia constantemente, filmará guerras y momias, pero también a su madre, una pianista frustrada (Michelle Williams); su padre (Paul Dano), un hombre trabajador e innovador; y sus tres hermanas. Crítica de Los Fabelman, la nueva película del mejor Spielberg Steven Spielberg se embarca en su proyecto más personal y entrega una película de esas que te hacen salir de la sala sintiendo esto es cine. ¿Y quién mejor que él para dárnoslo? La historia está maravillosamente contada, con la simpleza de solo ver a un niño crecer y descubrir su pasión por el cine. Es el rollo de película el que va tejiendo su vida, el que revela secretos, el que cambia relaciones, el que une e incluso separa. Y es su mirada joven la que entiende que las películas pueden ser mucho más que eso. Michelle Williams y Paul Dano se lucen como los padres de este niño, padres tan amorosos como humanos. Gabriel LaBelle, quien interpreta al protagonista en la mayor parte del film, brilla en este papel, a la altura de los consagrados. Mención aparte para Judd Hirsch que a sus 87 años protagoniza una de las mejores secuencias de Los Fabelman. ¡Inolvidable! También es fabulosa la escena final brutalmente cinéfila y con un cameo especial sobre el que no diré para no arruinar la sorpresa. Los Fabelman tiene también un magistral manejo de los tonos. Es comedia y es drama, es risas, sobre todo, pero también es bullying, discriminación, locura y frustraciones. Lo más doloroso es contado con la sensibilidad justa y lo más divertido es hilarante. En resumen Estamos ante una de las mejores películas de Steven Spielberg y eso es mucho decir. Su cinta más personal no podía fallar y es, además de un gran film, una lección de cine y una oda al séptimo arte. Da placer verla. Aplausos, por favor, porque esto es cine del mejor. ¡No te la pierdas! “Los Fabelman” (The Fabelmans) – Puntaje: 10 / 10 Duración: 151 minutos País: Estados Unidos Año: 2022
Palpitando la euforia mundialista, llegó a Paramount+ El gerente, la nueva película de Ariel Winograd con Leonardo Sbaraglia, inspirada en la historia real de la audaz campaña de marketing de Noblex. ¿De qué se trata? Álvaro, gerente de marketing de Noblex, propone una temeraria estrategia para aumentar las ventas de televisores en las eliminatorias del Mundial de Rusia 2018: devolver el dinero a los compradores si la Selección Argentina no clasifica. Esta audaz idea también sacude su vida personal, que al igual que su carrera, estaba estancada en la monotonía. El gerente, una comedia que no falla El director Ariel Winograd ya ha demostrado un excelente manejo del timing de la comedia y ha hecho de este género su especialidad en films como Cara de queso, Mi primera boda, Sin hijos y El robo del siglo. Con El gerente, se da la eficaz combinación de una historia real poco habitual con un elenco estupendo. Y aun cuando, si el espectador es argentino, sabe cómo termina el asunto, la película mantiene la intriga hasta el final, a la espera -agónica- de oír el grito sagrado del fútbol y que nuestro protagonista no haga fundir la empresa. Sobra decir que Leonardo Sbaraglia está maravilloso. Junto a él se lucen del primero al último, desde las caras más conocidas, como Carla Peterson, Cecilia Dopazo, Luis Luque y Marco Antonio Caponi, hasta los jóvenes asistentes del protagonista. Mención aparte para el logradísimo personaje que interpreta Mónica Raiola, como una secretaria superdotada para las estadísticas. Genial. Winograd, otra vez, dio en el ángulo y se llevó el partido. Para pasar el rato, distenderse, reírse y hasta sufrir un poco, El gerente es una película que vale la pena ver. De esas que te dejan sintiéndote bien y con ganas desaforadas de gritar gol. El gerente Puntaje: 7 Duración: 105 minutos País: Argentina Año: 2022
Argentina, 1985, la nueva película de Santiago Mitre, protagonizada por Ricardo Darín y Peter Lanzani, llega para inscribirse en esa categoría tan poco visitada por el cine nacional: films sobre historia argentina. Qué reticencia, la nuestra, a navegar el pasado con los hechos como protagonistas. ¿De qué se trata Argentina,1985? Tan reciente la historia y, a veces, tan poco recordada. Como alguien que nació en el año y en el país que dan título a la película, puedo decir que el secundario no pasó de Rosas, y el CBC, con suerte, llegó al primer Perón. ¿Y lo demás? Si la curiosidad de leer un libro no fue suficiente, aquí llega el cine para traer de vuelta un hecho que, para los sub-40, puede no ser más que un título: El Juicio a las Juntas. Qué, quién y cómo son los detalles sobre los que «Argentina,1985» viene a echar luz. La película se centra en cómo el fiscal Julio Strassera (Ricardo Darín) debe llevar adelante el juicio contra las autoridades militares responsables del denominado “Proceso de Reorganización Nacional”, o sea, la dictadura militar que gobernó Argentina entre 1976 y 1983. El joven abogado Luis Moreno Campos (Peter Lanzani) junto a un grupo de jóvenes lo ayudarán a recopilar pruebas y testimonios con el fin de lograr lo que, en 1985 y con los militares aun soplando en la nuca, parecía imposible: meter presos a Videla, Massera, Viola, Agosti y demás responsables de la dictadura. Análisis de la película «Argentina,1985» La Justicia, ay, pobre, tan vapuleada y manoseada, alguna vez funcionó. Y alguna vez no fue cualquier vez. Fue cuando parecía imposible, cuando los cuarteles no eran de adorno y la democracia era una realidad frágil y sensible a cualquier ventisca. Y fue, además, Justicia real: no símbolos, no palabras vacías, no fotos. Fue sentencia. Imperfecta, sí, pero Justicia al fin. Santiago Mitre logra en esta película, no solo narrar con toda la objetividad posible, si es que tal cosa existe, lo que fue el Juicio a las Juntas, sino también presentar algo que, en lo personal, sentí catártico: saber que, alguna vez, hubo Justicia. Independencia de poderes, como desliza en un simple pero poderoso comentario Alejandra Flechner, como la esposa del fiscal Strassera. Otro logro de la película es tomar los lugares comunes, poner lupa y comprender que, como casi todo en la vida, es más complejo. Me refiero al fiscal adjunto Moreno Ocampo. El peso que tiene en la historia su familia de origen militar y una madre que “va a misa con Videla”, viene a demostrar que el maniqueísmo no es tan así y que ese juicio por la verdad sirvió mucho más que para meter presos a estos militares: hizo que el pueblo sepa lo que pasó. Memoria, verdad y justicia pasando del slogan a la realidad. Ricardo Darín se convierte en Strassera, en el tono justo, en otra gran actuación de quien ya no necesita elogios, mientras que Peter Lanzani está cada vez más enorme como actor. Todo el elenco se luce, desde la contundente voz de Carlos Portaluppi, la eficacia del maestro Norman Briski hasta la gracia instintiva del pequeño Santiago Armas, el actor que interpreta al hijo de Strassera. Imposible no mencionar la excelencia de la dirección de arte y su ambientación histórica, lo que da cuenta también de un titánico trabajo de producción – y presupuesto. Esos colectivos curvos, los teléfonos públicos curvos… el tiempo nos ha vuelto más rectos. O quizás no. «Argentina, 1985» navega con soltura y sensibilidad en esa delgada línea de narrar una historia real de forma tan apartidaria como es posible, tan apartidaria como la Justicia que retrata y tan apartidaria como la Justicia debería ser. “Los hechos son sagrados, las opiniones son libres”, se dice y así lo entiende la película. La memoria no es solo un slogan, sino saber lo que pasó. Si un film logra refrescar la memoria o tan solo que los espectadores sepan que el Juicio a las Juntas existió, misión cumplida. Si, además, es una gran película, bien contada y entretenida, ¿qué más se puede pedir? Argentina, 1985 Puntaje: 9 Duración: 140 minutos País: Argentina Año: 2022
Con la polémica como prólogo, llega a los cines «No te preocupes cariño», la nueva película de Olivia Wilde con Florence Pugh y Harry Styles en los roles protagónicos. ¿Vale la pena? De qué se trata «No te preocupes cariño» Alice (Pugh) y otras mujeres viven en una pequeña población idílica a la que se mudaron para acompañar a sus maridos, quienes trabajan en un proyecto secreto que promete mejorar el mundo. Algunos sucesos y comportamientos empiezan a generar dudas en Alice: ¿qué es lo que oculta este lugar? Lo positivo de la película Olivia Wilde nos presenta una historia que, si bien toma elementos y hace recordar inevitablemente a otras películas («Las mujeres perfectas», por ejemplo, pero también otras que no nombraré porque es spoiler), no deja de tener cierto grado de originalidad. La intriga respecto a qué sucede persiste y se mantiene el misterio. Pero lo más destacado de «No te preocupes cariño» es el trabajo de Florence Pugh. La actriz se pone la película al hombro y se convierte en protagonista absoluta, opacando a todos los demás. Sufre, vaya si sufre, y nos hace sufrir con ella. El tercer acierto del film es la dirección de arte. Wilde ambienta la historia en un vecindario salido de los ’50 y ’60, con sus vestidos soñados, sus peinados a lo Brigitte Bardot, sus coches de colección, una estética cuidada al milímetro. Visualmente, es un placer de colores y formas. Lo no tan bueno de «No te preocupes cariño» Queda la sensación de que le faltó poco para ser mucho mejor. Si bien es entretenida y tiene buen ritmo, el final parece estirarse demás, con una escena fuerte de tensión pero otras que, entre lo fragmentadas y dilatadas, diluyen un poco la fuerza que podría haber tenido esta resolución. Conclusión «No te preocupes cariño» es una propuesta interesante de suspenso psicológico con toques de ciencia ficción. Entretiene y engancha, sin dejar que los detalles opaquen un resultado por demás digno. «No te preocupes cariño» (Don’t Worry Darling) – Puntaje: 7 / 10 Duración: 122 minutos País: Estados Unidos Año: 2022
¡Bienvenidos al verdadero multiverso de la locura! «Todo en todas partes al mismo tiempo» es, hasta ahora, el estreno más audaz del año, y sí, quizás, la película más atrevida y arriesgada en mucho tiempo. ¿De qué trata? Evelyn (Michelle Yeoh) y su familia tienen un lavadero de ropa, pero un problema con la declaración de impuestos del local hace que tengan que asistir a una cita con hacienda para aclarar las inconsistencias. En medio de la reunión, Evelyn descubre la existencia de multiversos, universos paralelos en los que su vida es diferente, lo que deriva en una experiencia que jamás imaginó. Análisis de «Todo en todas partes al mismo tiempo»: el multiverso de la locura Cuando parecía que todas las historias estaban contadas, llegan los Daniels y presentan esta película loca, rara, delirante, pero a la vez coherente y probablemente más profunda de lo que parece. Los efectos y la vorágine visual (venga un premio para el montajista) encandilan y te trasportan a un viaje que, a contramano de lo que suele pasar(me), hacen que la película sea absolutamente dinámica y el tiempo vuele. «Todo en todas partes al mismo tiempo» es una película distinta desde todo punto de vista: primero, porque tenemos una mujer asiática de 50 y tantos como protagonista. Eso no pasa. Segundo, porque los directores le han dado rienda suelta a su creatividad de formas poco habituales, incluidos gags que podrían salir en una comedia de mal gusto, pero convertido en solo unas escenas de una película que, al margen de detalles burdos, coquetea con la reflexión filosófica. ¿Qué es, finalmente, el multiverso que recorre Evelyn, sino las infinitas posibilidades de «ser»? No por nada uno de los conflictos de la historia es la relación con su hija Joy y los problemas para decirle a su abuelo que es lesbiana. O el hartazgo de Evelyn con una vida que la supera. «¿Qué hubiera pasado si…?» como disparador. ¿Quién no se lo preguntó alguna vez? Y si esto o aquello hubiera sido diferente, un detalle, una anécdota, un sí o un no alterado, un llamado no hecho, un paso en falso. ¿Cómo se hubiera alterado todo? ¿Cuántas Evelyn podría haber habido? ¿Qué hace Joy con todo eso que le pasa y, de alguna forma, se ve obligada a reprimir? ¿La explicación de una época? Quizás quedé encandilada. Es difícil que no suceda. Pero lo confieso: en algún momento, mientras veía la película, me pregunté si no estaba siendo testigo de la nueva «Matrix» (1999). No solo por el planteo de otras realidades, del despertar a una visión diferente del «mundo», sino porque, tal como la película de las Wachowski, hay en todo eso una gran metáfora respecto al ser y la identidad. «Matrix» fue también la película que dio paso al nuevo milenio. Su historia de despertar, de cambio de paradigma en varios sentidos se adelantó a lo que hoy es la realidad. «Todo en todas partes al mismo tiempo» también puede entenderse como un producto de su época y, quizás, un adelanto de lo que viene. No, no habrá viajes otros universos, pero sí hay redes sociales donde cada uno decide qué parte suya mostrar, cuál de las vidas es la que rige, la que manda. Los pequeños multiversos que se cuelan al usar distintas fotos, presentaciones y comentarios en Linkedin o Tinder, o la doble cara de quien en las redes es un troll. A su modo, «Todo en todas partes al mismo tiempo» también es un llamado a despertar: ¿por qué seguir en el lavadero si hay posibilidades infinitas? Conclusión Cuando una película da para tanto, para que uno se permite analizar e interpretar cosas, acertadas o erradas, pero que sea al menos un disparador para pensarlo, entonces algo bueno pasó. En la sala hubo risas, tensión, pero también momentos de seriedad. Esa multiplicidad del título invita a eso, a la mezcla de todo, incluidas las emociones. Quizás «Todo en todas partes al mismo tiempo» no sea un film que todo el mundo disfrute ver, pero su mérito es enorme. Una nueva película de culto ha nacido, de eso no hay dudas. «Todo en todas partes al mismo tiempo» Puntaje: 9 / 10 Duración: 139 minutos País: Estados Unidos Año: 2022
La casa Gucci es una de las películas más esperadas del año. Basada en hechos reales, reúne un elenco soberbio, dirigido por el inoxidable Ridley Scott. Con todos los condimentos para tentar al espectador… ¿cumple las expectativas? De qué trata La casa Gucci Maurizio Gucci (Adam Driver), miembro de la familia italiana productora de artículos de lujo, conoce a Patrizia (Lady Gaga), una ambiciosa mujer de origen humilde. Los juegos de relaciones y codicia ponen en jaque a la firma de moda, allanando el camino para un desenlace fatal. Con qué te vas a encontrar En primer lugar, te recomiendo no googlear la historia real antes de ver la película, así el desenlace tendrá más impacto. Yo fui a ver la película con una vaga idea de lo que iba a pasar y aun así no dejó de resultarme atrapante. A veces, la gracia no es saber cómo termina sino cómo se gesta ese final que ya conocés. Ahora, más allá de lo asombroso de la historia, el punto fuerte de la película es el sólido elenco protagonista. Jeremy Irons y Al Pacino interpretan a los patriarcas de la familia Gucci, mientras que Adam Driver y Jared Leto son los herederos. Entre ellos –los Gucci y los actores experimentados- aparece Lady Gaga / Patrizia en un papel mucho más desafiante que “Nace una estrella”. En su primer gran protagónico en la película que dirigió Bradley Cooper no había nada que cuestionar, pero también es cierto que, al fin y al cabo, interpretaba a una cantante, como en la vida misma. Ahora es cuando realmente tenemos la oportunidad de apreciar su potencial, al dar vida a una mujer que no se le parece ni en el acento. Una transformación total en la que se luce. Otra de las interpretaciones que no deja indiferente es la de Jared Leto. Su Paolo Gucci es el personaje más cómico –el único- de La casa Gucci. Un rol genial que coquetea con lo caricaturesco y en el que, lo admito, no me lo imaginaba. Y no quiero olvidarme de Salma Hayek, quien cumple muy bien en un rol secundario pero clave para la historia, como una vidente que se vuelve confidente y amiga de Patrizia Gucci. Aun con las 2 horas y media de metraje, la película fluye y entretiene. La historia amerita su duración y no se dispersa en detalles. Además de la impecable dirección de arte, vale destacar la poderosa banda sonora, por momentos pop, por momentos tan italiana. Finalmente, un comentario sobre lo único que me hizo ruido apenas comenzó la película: los actores hablando inglés con un fuerte acento italiano. ¿Debieran haber hablado con su inglés real o está bien que finjan un inglés con un acento exagerado? ¿Será que no terminó de sentirse del todo natural? Esto no opaca la película, pero es como un zumbido que no molesta, pero está. En resumen Mezcla de glamour, ambición y una tragedia cocinada a fuego lento, Ridley Scott logra una película sólida que, aunque sin ser extraordinaria, cumple con lo que promete: un elenco estelar contando una buena historia que entretiene de principio a fin. La casa Gucci (House of Gucci) Puntaje: 7.5 / 10 Duración: 158 minutos País: Estados Unidos / Canadá Año: 2021
El terror y el glamour se mezclan en El misterio de Soho, la nueva película de Edgar Wright, protagonizada por Thomasin McKenzie, Anya Taylor-Joy, Matt Smith y Diana Rigg. ¿De qué se trata El misterio de Soho? Eloise (Thomasin McKenzie) viaja a Londres para estudiar Diseño de Moda, pero adaptarse a la gran ciudad y su gente no será fácil. Tras dejar la residencia estudiantil y mudarse sola a una habitación, tendrá vívidas visiones de los años ’60, adentrándose en ese pasado junto a Sandy (Anya Taylor-Joy), una glamorosa aspirante a cantante. Con qué te vas a encontrar El misterio de Soho llega a los cines dos años después de su rodaje, en 2019, y también luego del furor mundial de “Gambito de dama”, dato no menor para quienes quedamos encantados con –nuestra- Anya Taylor-Joy y cuya aparición en la película es uno de los puntos atractivos. Pero dejando por un momento de lado a la reina de los churros y el dulce de leche, hablemos de El misterio de Soho, una película distinta, con una identidad muy particular y que difícilmente te deje indiferente: tres características que de por sí le suman puntos. Con el suspenso que la película propone desde su título en español, Wright comienza su relato adentrándonos en un Londres de sueños, música y glamour. Un Londres tan seductor e irresistible como peligrosos son los secretos que esconde. El misterio de Soho es también una historia de sueños rotos, los de Eloise y los de Sandy, que mutan en pesadillas, en historias paralelas del triste camino de la decepción. Es el retrato de dos mujeres que buscan triunfar en una ciudad idealizada, que no tarda en hacerlas chocar de frente con sus puras aspiraciones. Y cuando ni la música consuela, ni la ropa deslumbra lo suficiente, llega el terror, ese que estaba latente desde el comienzo. Un terror psicológico al que Edgar Wright homenajea tanto como a los años ’60, con referencias a películas como “Vértigo” de Alfred Hitchcock, por nombrar una. Los aciertos de El misterio de Soho Junto con presentar una historia original de terror psicológico, género que no se ve tan seguido en la cartelera, uno de los mayores aciertos de El misterio de Soho es su clara identidad. Desde una cuidada selección de vestuario con promesa de hacerse icónico hasta la magnífica banda sonora de una época de ebullición musical. La fotografía también se encarga de mostrar un Londres que fascina y encandila, con sus encantadoras noches, sus luces de neón, sus colores saturados. Un pasado y una cuidad idealizados que no podrían verse de otra forma más que así, tan deslumbrantes como abrumadores. Thomasin McKenzie hace un gran trabajo acompañando la transformación interna del personaje, al igual que Anya Taylor-Joy, fiel a ese halo de misterio que quién sabe cómo hace para aportarle a todas sus interpretaciones. Matt Smith, por su parte, está cómodo como ese seductor en el que quizás no habría que confiar. Mención aparte para Diana Rigg, en un papel que fue su último trabajo en cine. Tanto ella como Margaret Nolan (recordada por su papel en “Goldfinger” con Sean Connery como James Bond), íconos de los ’60, fallecieron en 2020, antes de que la película llegara a estrenarse. En resumen Con una premisa interesante, una impronta visual impactante y un talentoso elenco, El misterio de Soho es una película distinta que te hará salir de la sala cantando Petula Clark, mientras disimulas el temor a mirar un espejo. Sin mayores sobresaltos hasta bastante avanzado el metraje, logra entretener y mantener en vilo. Si unas dosis de terror y sangre no te espantan… ¡súper recomendada! El misterio de Soho (Last Night in Soho) Puntaje: 7.5 / 10 Duración: 116 minutos País: Reino Unido Año: 2021
CODA: Señales del corazón bien podría ser otra película más sobre una adolescente haciéndose adulta, pero es mucho más. Es un lúcido retrato de una familia marcada por la sordera y el desafío -para todos los involucrados- de integrarse a un mundo diferente y enfrentar los cambios. Si todavía no volviste al cine, esta es una buena excusa. ¿De qué se trata CODA: Señales del corazón? Ruby (Emilia Jones) es la única de su familia que no es sorda. Mientras ayuda a su padre (Troy Kotsur), su madre (Marlee Matlin) y su hermano mayor (Daniel Durant) en el negocio de la pesca, descubre su vocación por cantar. Al sumarse al coro escolar se debate entre seguir su sueño o ayudar a su familia. Los aciertos de la película: el triunfo del humor Basada en la película francesa La Famille Bélier (2014), muchas veces estas adaptaciones quedan a mitad de camino, pero el trabajo de la directora Sian Heder es impecable. Aunque no vi la original, esta nueva versión triunfó en Sundance, lo que ya era una buena señal. CODA (Child of Deaf Adults) toma un tema como la sordera y lejos de entregar una película de golpe bajo, solemnidad y bajada de línea, apuesta todo al humor y gana. ¿Te vas a emocionar? Sí, a veces. Pero el mayor logro del film es quitarle dramatismo al tema sin perder veracidad. El elenco hace un trabajo impresionante, están todos para ganarse premios. La protagonista aprendió lenguaje de señas para el film, pero los otros tres actores realmente son sordos en la vida real (y se nota porque lo que hacen desborda realismo). Entre ellos, uno mejor que el otro, está Marlee Matlin, la madre de la familia, quien ganó un Oscar en 1986 como Mejor Actriz. Del resto del elenco, está estupendo Eugenio Derbéz, a quien se lo suele ver en roles algo ligeros y acá de verdad se luce. En resumen CODA: Señales del corazón es de esas películas que se disfrutan o se disfrutan. ¡Mega recomendada! CODA: Señales del corazón (CODA) Puntaje: 8 / 10 Duración: 111 minutos País: Estados Unidos / Francia / Canadá Año: 2021
Más que justificados son los miedos y prejuicios ante el estreno de secuelas que surgen, más que por necesidad narrativa, porque la original funcionó. Doble es el mérito entonces de aquellas películas que logran estar a la altura. Este es el feliz caso de Un lugar en silencio 2. ¿De qué se trata? La familia protagonista de la primera entrega sigue intentando sobrevivir en un mundo donde si hablás o hacés ruido, un monstruo te caza. Mientras que en la película de 2018, ella (Emily Blunt) está embarazada (andá a dar a luz sin gritar), en la segunda siguen su camino con el bebé (que como todo bebé llora a grito pelado). Un lugar en silencio 2: ¿terror o suspenso? Suelo decir que no me gusta el cine de terror, pero en realidad creo que no me agradan las películas de zombies, posesiones, casas embrujadas y todo eso. Un lugar en silencio, tanto la 1 como la 2, es terror de monstruos, pero tiene mucho de suspenso. La mayor parte del tiempo no hay monstruos, solo temor a que alguien haga ruido. Segundas partes que sí son buenas Si bien esta segunda película no agrega ni amplía mucho, tampoco parece forzada. La historia sigue y se siente natural. John Krasinski (director de ambas y esposo de Emily Blunt en la historia y en la vida) consigue incluir el personaje de Cillian Murphy perfectamente, pero a la vez apoya buena parte de la historia en los hijos de la familia. Me gustó mucho la relevancia que tienen, sobre todo hacia el final. Fanáticos de la primera no saldrán decepcionados. Un lugar en silencio 2 es una secuela digna, que sigue poniendo el foco justo en cada personaje al tiempo que maneja el sonido con astucia. El fuera de campo le gana al morbo del monstruo, entregando una película de gran nivel en todo sentido. ¡Súper recomendada! Un lugar en silencio 2 (A Quiet Place 2) Puntaje: 8 / 10 Duración: 97 minutos País: Estados Unidos Año: 2021