El cine bélico tiene muchas aristas, pero es gracias a la simpleza argumental unida al indudable mérito técnico que San Mendes consigue hacer de «1917» una obra hipnótica, delicada y potente. ¿De qué se trata «1917»? En abril de 1917, durante la Primera Guerra Mundial, dos jóvenes soldados británicos, Schofield (George MacKay) y Blake (Dean-Charles Chapman), deben atravesar el campo enemigo para entregar un mensaje. Su misión es alcanzar al 2° batallón de Devonshire para cancelar un ataque a las tropas alemanas, quienes han fingido retirarse para armar una emboscada. La épica de la simpleza «1917» comienza siguiendo a estos dos soldados británicos decididos a cumplir con su deber. La cámara los sigue en plano secuencia y ahí vamos, detrás de ellos, a su lado, infatigables, omnipresentes. La cámara no los abandona nunca y poco a poco vamos siendo hipnotizados. No se los puede dejar de mirar. Avanzando, en la carrera de obstáculos más peligrosa y atroz, estos dos jóvenes, niños, son guiados por un férreo sentido del deber. En trincheras interminables, regados los cadáveres y las trampas, no se puede bajar la guardia. Infinitos son los méritos de Sam Mendes. El primero es la capacidad de hipnotizar y falsear estos planos secuencia que tanta sensación de cercanía y realidad generan. Es difícil ver «1917» y no preguntarse cómo logró filmar algo así. El segundo gran acierto es la falta de morbo. La sangre, esa que nunca abunda tanto fuera de su sitio como en guerra, apenas si aparece. No se trata de la acción, en tanto estallidos, bombadeos y disparos, sino de la inquebrantable voluntad de avanzar. Una de las escenas finales lo deja más que claro. En tercer lugar, el tono. Mendes evita el golpe bajo y se guarda la música incidental para las secuencias finales. Claro que hay muerte y claro que hay drama, pero el director prefiere la sorpresa, reforzando la potencia dramática y el realismo, una y otra vez. En resumen «1917» es una película que no falla en nada. Sostenida en la estupenda actuación de sus protagonistas y en una dirección sublime que sabe dar los pasos correctos, «1917» se pone al frente de las mejores películas bélicas de las últimas décadas. Puntaje: 10 / 10 Duración: 119 minutos País: Reino Unido / Estados Unidos Año: 2019
Tras varios años abriéndose camino en la escena mundial , llegó «Parasite» y el cine coreano finalmente captó la merecida atención internacional. ¿Qué es esta película coreana de la que todos hablan? ¿Cómo obtuvo 6 nominaciones al Oscar y le arrebató el Premio del Sindicato de Actores a la creme de la creme de Hollywood? Hace unos 15 años, un profesor de la facultad nos dijo que viéramos «Oldboy«. Aquel film de 2003 fue el primer gran paso para que hoy el cine coreano reciba graduación con honores. ¿De qué se trata «Parasite»? Una familia pobre se va metiendo en el seno de una familia rica. ¿Quién es bueno y quién es malo? ¿Quién víctima y victimario? La definición de la RAE da cuenta de lo acertado del título: Que se alimenta de las sustancias que elabora un ser vivo de distinta especie, viviendo en su interior o sobre su superficie, con lo que suele causarle algún daño o enfermedad. Bong Joon-ho y el cine coreano Bong Joon-ho ya filmó películas con actores de Hollywood («Snowpiecer», «Okja», que está en Netflix) y, bastante antes, la genial «Memorias de un asesino». Con la experiencia de haber transitado relatos de lo más diversos y considerado hace tiempo uno de los máximos exponentes del cine coreano, Bong presenta «Parasite», una historia de apariencia sencilla pero profunda y, sobre todo, universal. La lucha de clases en clave de comedia, drama y suspenso, porque si algo sabe hacer el cine coreano es mezclar géneros. La historia desborda ingenio. Te reís, sentís vergüenza, satisfacción, bronca, miedo. Todo junto, mientras ves a unos y otros luchando por el espacio con el mismo ímpetu con el que luchan por el wi-fi. Ahí están, estos y aquellos, devorándose con sutileza. Podríamos hablar del excelente reparto encabezado por el experimentado Song Kang‑ho, del fabuloso manejo de los espacios, del guion de telaraña y de cómo la película te mantiene atrapado en cada minuto. Pero en casos como estos, no queda más que recomendar y buscar los adjetivos pertinentes: original, inesperada, incorrecta, lúcida, molesta, astuta, sorprendente, ingeniosa. Así es «Parasite». No te la pierdas. Puntaje: 10 / 10 Duración: 132 minutos País: Corea del Sur Año: 2019
«El Robo del siglo» es la nueva película de Ariel Winograd («Mi primera boda», «Mamá se fue de viaje»), protagonizada por Guillermo Francella y Diego Peretti. El film está basado en el caso real del robo al Banco Río de Acassuso. El primer gran estreno del cine argentino en 2020 viene con todos los condimentos para ser un éxito. Argentina tiene casos de sobra para generar ficción basada en hechos reales, aunque no se da con tanta frecuencia. Aquí, Winograd encuentra una historia que parece nacida para ser película. En clave de comedia y con un ritmo impecable, «El Robo del siglo» muestra el proceso de planificación y robo de la sucursal Acassuso del Banco Río. Un relato siempre bienvenido, pero más que nunca en la era post «La casa de papel». Guillermo Francella y Diego Peretti se unen por primera vez para garantizar el éxito. Pero no solo eso: la química entre los dos actores entrega los mejores momentos y saca carcajadas. El contrapunto entre sus personalidades hace que sea más que una simple película de robo. Completan con eficacia el elenco Rafael Ferro, Pablo Rago, Mariano Argento y Luis Luque, a quien tan bien se le da siempre interpretar a la autoridad. Vale destacar, por último, el gran nivel de producción, que no escatima en nada. Además, gran dirección de fotografía, algo a lo que el cine argentino no siempre acostumbra. En resumen Con casi dos horas de duración, Winograd consigue entregar una película absolutamente entretenida, que no decae en ningún momento. Un guión lleno de humor (que no por eso pierde seriedad), un montaje ágil que no se dispersa en nimiedades y un elenco con supremo sentido del timing hacen de «El robo del siglo» una película sin fallas. Imperdible. Puntaje: 9 / 10 Duración: 114 minutos País: Argentina Año: 2020
En 1977 llegaba a las salas de cine la primera entrega de una saga de películas que tendría un impacto único en la cultura pop. 42 años más tarde, llega el momento de darle un final épico, pero «Star Wars: Episodio IX – El ascenso de Skywalker» parece no estar a la altura de su historia. Nada que reprocharle a la realización. Cuando suena la mítica música algo retumba por dentro. Cuando aparecen R2-D2, C-3PO y Chewbacca, algo nos recuerda que no es una película más. Pero, qué lástima, lo es. El amor vence al odio pero… No importa demasiado de qué va la historia: el amor vence al odio con distintas estratagemas. Sería una buena película entretenida -porque que entretiene no se le puede negar- si no fuera por todo lo que trae detrás. Es la última de Star Wars, por el momento, y eso debería implicar un esfuerzo extra, una motivación para hacerla memorable. La película tiene algunas sorpresas tiradas de los pelos así como lanza líneas de diálogo a las que cualquier espectador se adelanta. «Star Wars: Episodio IX – El ascenso de Skywalker» se regocija en que su nombre alcanza y se desliga de todo ingenio, de todo intento por no licuar el peso de la historia. Desde las anteriores hay algo con el casting que hace ruido. Adam Driver es un actor de la ostia, con una voz estupenda para hacer «de malo», pero , ¿era el indicado para ser Kylo Ren? La Rey de Daisy Ridley tiene fuerza, claro, pero tampoco es Leia. Desprovista de mística, «Star Wars: Episodio IX – El ascenso de Skywalker» se queda en un resultado promedio. Para quien la vea como una película más, funciona. Hay relato, hay ritmo, grandes efectos, buena música. Nada falla demasiado. Pero, para el resto, queda sabor a poco. ¿Cómo es que sucede eso con una película de tal magnitud? Pasa. El temor a correr riesgos, aquellos que George Lucas no temió tomar hace 42 años, convierte a este noveno episodio en un producto complaciente sin demasiadas pretensiones. La ves, te entretiene y punto. Pasar a la historia es otra historia. Puntaje: 6 / 10 Título original: Star Wars: Episode IX – The Rise of Skywalker Duración: 141 minutos País: Estados Unidos Año: 2019
A casi 40 años del estreno de «El resplandor», llega «Doctor Sueño», secuela y homenaje de aquel clásico del cine que inmortalizó Jack Nicholson. El desafío no era menor. Adaptar al cine una historia de Stephen King, pero no cualquiera, sino la continuación de un universo que muchos espectadores ya vieron representado por el mismísimo Stanley Kubrick. Simbolismos, escenas icónicas, terror del que no necesita oscuridad. Y, encima, las expectativas. Mike Flanagan ya había demostrado su talento para adaptar a Stephen King en la genial «El juego de Gerald» y su capacidad para sobresaltar a cualquiera con la serie «La maldición de Hill House». Sin pretender emular a Kubrick sino homenajearlo, Doctor Sueño tiene baches pero también una buena cantidad de grandes momentos. ¿De qué se trata Doctor Sueño? Danny Torrance nació con un resplandor, una capacidad extrasensorial que se exacerbó cuando era niño y su familia se mudó a un extraño hotel. Hoy es un hombre adulto que lucha por mantenerse sobrio mientras trabaja como enfermero. Pero su resplandor sigue ahí. Cuando Abra, una niña con capacidades similares, lo conecta, ambos unen fuerzas ante una aterradora amenaza. Lo bueno y lo malo El comienzo de la película nos introduce en el mundo de Danny adulto y su lucha por mantenerse sobro, al tiempo que vemos el espantoso actuar de un grupo de seres con toques vampirezcos que cometen crímenes atroces. Esta presentación me resultó lenta, como haciendo un esfuerzo pretencioso por crear algo demasiado especial sin éxito alguno. Entonces, cuando notás que las expectativas te están jugando en contra y te preparás para hora y medio de bodrio… llega ese resplandor que todos esperábamos. Cuando Danny y Abra entran en acción, empieza lo mejor. Lucha metafísica, juego de poder, espíritus, terror, la mente peleando con sus demonios y desafiándolos. Ahí se pone bueno, hasta llegar a un gran final, digno de Stephen King. Porque lo que la película tiene a favor, como toda obra basada en las historias del gran maestro, es la inevitable originalidad. Sin llegar a la maestría visual de Kubrick, la película cumple más que bien desde lo visual. Ewan McGregor – que ni es ni pretende ser discípulo de Jack Nicholson- cumple con lo suyo y no decepciona. Destaca el trabajo de la pequeña Kyliegh Curran como Abra y de la poderosa Rebecca Ferguson como Rose the Hat. Doctor Sueño, aun con sus fallas, con su tiempo excesivo (152 minutos tienen sabor a mucho), ofrece un relato original y diferente. Eso es King. Pero además, logra homenajear tanto como puede todo el imaginario de Kubrick, para que sonriamos -o saltemos- al ver esos personajes que tomaron forma cuatro décadas atrás. Puntaje: 6/10 Título original: Doctor Sleep Duración: 152 minutos País: Estados Unidos Año: 2019
El estreno de ‘It’ en 2017 fue un verdadero suceso. Andy Muschietti había conseguido aunar un elenco de niños con mucha química, un payaso escalofriante y unos cambios en el guion que no diluyeron la esencia del relato de Stephen King. ‘It: capítulo 2’ supuso el desafío de, por lo menos, estar a la altura de la primera entrega, pero con el reto de hacer funcionar un nuevo elenco y lidiar con ellas, las malditas expectativas. Pero además de lo anterior, ‘It: capítulo 2’ se atreve a hacer algo que en contadas ocasiones sale bien: durar casi 3 horas. ¿Funciona? Lo bueno y la malo de ‘It: capítulo 2’ Dan ganas de tomar la película y desmenuzarla en secuencias: esta funciona genial, esta parece estar de más. El primer punto positivo es Bill Harder como Richie. En un elenco que sorprende por el gran parecido físico de los actores adultos con los niños a los que interpretan, deja sabor agridulce que no consigan lucirse. ¿Será que los niños conectan mejor? Bill Harder es, sin dudas, quien se roba los mejores momentos gracias a su don para la comedia (en un film de terror). Los demás actores, incluyendo nombres como los de Jessica Chastain y James McAvoy, no generan una conexión del mismo nivel. Y pasa algo curioso. Si bien el director se toma su tiempo para introducir a cada uno de los personajes al comienzo de la película, sus versiones adultas no parecen conseguir un gran desarrollo, lo que resulta extraño teniendo 3 horas de metraje. James Ransone, como Eddie, si logra mantener -además de un parecido bestial- parte de esa esencia hipocondríaca de su yo infantil. Por otro lado, ‘It: capítulo 2’ tiene un grupo de escenas memorables. La primera, sin dudas, es el cameo a Stephen King y los guiños a Argentina. La segunda es el encuentro de Jessica Chastain con la perturbadora anciana. Ahí, en una habitación a plena luz del día, sin mucho más que recuerdos y unas tazas de café, tiene lugar, para mí, la escena más escalofriante de todas. Sin oscuridad, sin litros de sangre, sin alcantarillas. Los monstruos a la vuelta de la esquina, sí, esos asustan más. Es interesante también que Andy Muschietti sí consigue condensar el verdadero mensaje que Stephen King plantea en el libro: los miedos y cómo vencerlos. La forma en que esto se resuelve en el film es bien acertada. ¿Qué hubiera pasado si el extenso final apelara más a lo psicológico, a estos miedos infantiles que determinan la adultez de las personas en vez de crear escenas de lucha física y sanguinaria? Difícil saberlo. ‘It: capítulo 2’ es una película que hay que ver para cerrar la historia, aunque no sea tan entrañable como la primera. Puntaje: 6 / 10 Título original: It: Chapter 2 Duración: 170 minutos País: Estados Unidos Año: 2019
‘La odisea de los giles’ tiene todos los ingredientes para ser la película argentina más taquillera del año: Ricardo Darín a la cabeza de un elenco notable, argumento de Eduardo Sacheri (autor de ‘El secreto de sus ojos’) y Sebastián Borensztein en la dirección. Todo este equipo dispuesto a contar una historia que gira en torno a la justicia, las hecatombes económicas argentinas y la viveza criolla, sin perder nunca su carácter universal. ¿De qué se trata ‘La odisea de los giles’? Los vecinos de un pueblo deciden unirse para crear una cooperativa y dar nueva vida a instalaciones agrícolas abandonadas. Pero cuando juntan el dinero y lo ponen en el banco, ocurre lo peor: el ‘corralito’ de 2001. Darín, Darín y compañía Maravilloso elenco ha conseguido reunir ‘La odisea de los giles’, que además es la primera en la que Darín (Ricardo) y Darín (Chino) son protagonistas y productores. Unos actores de identidad y personalidad inconfundibles interpretan a los miembros de la cooperativa. Hablamos de Luis Brandoni (en su reencuentro con Ricardo Darín desde aquel recordado ‘Mi cuñado’) y Verónica Llinás. También destacan los eficientes Carlos Belloso y Daniel Aráoz, en papeles que no podrían irles mejor. Rita Cortese y un irreconocible Marco Antonio Caponi se lucen como madre e hijo. El elenco se completa con el actor colombiano Andrés Parra que logra con éxito ser profundamente detestable. Otra dupla que repite es Darín y Borensztein, que en 2011 filmaron «Un cuento chino» y en 2016, «Koblic». «La odisea de los giles» no es ni una ni la otra, sino un relato mucho más coral, que aborda el género película de robo pero en clave rural, con iguales dosis de policial y comedia. A su manera, y tal vez de una forma menos cínica que ‘Relatos salvajes’, plantea la venganza / justicia / revancha cinematográfica como catarsis. No es casual que, de entre todas las opciones posibles, el botín sea una cantidad de dinero obscena, tan obscena como quienes no dudan en robársela frente a todos. En la película. O no. Borensztein, uno de los cerebros detrás de aquella maravilla que fue ‘Tiempo final’, lleva adelante una narración de pulso preciso, sin baches y con una banda sonora más que eficiente. Dirige una orquesta de inspirados músicos y el final recibe su merecido aplauso. No te la pierdas. Puntuación: 9/10 Duración: 120 minutos País: Argentina Año: 2019
Apostando por el realismo visual y una historia que conquistó a varias generaciones, llega la versión live action de «El Rey León», una de las más esperadas del año. ¿Consigue estar a la altura de las circunstancias? «El Rey León» supo ser un conglomerado de decisiones acertadas que la convirtieron en la película clásica que es hoy en día: una historia inspiradora, una música soberbia y unos personajes entrañables. La nueva versión tiene todo eso, ya que respeta la historia a rajatabla y crea con animación unas imágenes de un realismo sorprendente, magistral. Y aun así, con su música magnífica, con sus efectos deslumbrantes y la misma historia que, sí, sigue haciendo llorar en los momentos cumbres, parece faltar algo. Vi la película hace varios días y le sigo dando vueltas. ¿Como es que, si abro YouTube para ponerme a escuchar «Circle of life», «Can you feel the love tonight?», «I just can’t wait to be a king» o «Hakuna Matata» y aun me asombra el realismo de las imágenes, siento que la película me decepcionó? Sabor a poco. «El Rey León» comienza con la presentación de Simba. Todos los animales se convocan para ver al heredero. Y de golpe, ese leoncito tan adorable habla. Habla como un niño, claro, porque es un cachorro, pero hay algo que este Simba no puede hacer y el otro podía: sonreír. Gesticular. Expresarse, más allá de una mirada o un rugido. Y tal vez sea ahí que «El Rey León» versión 2019 siente que su alma se diluye un poco. Le falta la magia. Eso sí: el carisma de Timón y Pumba sigue intacto y logran llegar tanto como antes. El espíritu Hakuna Matata es imbatible. Por lo demás, no hay más que elogios al film dirigido por Jon Favreau. Uno debe recordarse a sí mismo que lo que está viendo es pura creación digital, porque el realismo visual de la película (aunque nos quite la sonrisa de un león salvaje) es maravilloso. Y el otro punto fuerte es poder volver a disfrutar de ese genial catálogo de canciones de Elton John, en nuevas versiones, igual de bellas y emotivas. Los cuadros musicales son todo. Impecable y nostálgica, hay que verla más allá de cualquier crítica. Todos hicieron bien su trabajo, pero algunas cosas son irrepetibles y quizás está bien que así sea. Puntaje: 6/10 Título original: The Lion King Duración: 118 minutos País: Estados Unidos Año: 2019
Al igual que meses atrás sucedió con el estreno de ‘Avengers: Endgame‘, ‘Toy Story 4’ se presenta como un auténtico acontecimiento cinematográfico para una saga que, no solo marcó un hito en el cine animado sino que llegó a los cines por primera vez hace 24 años. El público que la disfrutó durante su infancia en 1995, hoy ha pasado los 30 años. Hemos pasado los 30 años, aunque confieso que no vi aquella película en el cine. Por todo esto, ‘Toy Story 4’ es mucho más que una secuela. Es de esas películas que uno va al cine a disfrutar, guardando al crítico de cine en un cajón. Aun así, haré el intento. ‘Toy Story 4’ retoma la historia de Woody, Buzz Lightyear y los demás juguetes justo después de lo acontecido en ‘Toy Story 3’ (2010). Bonnie comienza a ir al jardín y tiene que adaptarse a una nueva etapa. La hermandad de los juguetes y su razón de ser en el mundo se ve puesta a prueba cuando aparece Forky, un tenedor devenido muñeco que se niega a salir de la basura, y el regreso de la intrépida Betty. Resta decir que todos los personajes desbordan ternura. Los nuevos, como Forky, pero también la muñeca Gabby Gabby, Duke Caboom (con la voz de Keanu Reeves -oh si-) y los extraños (¿perturbados?) peluches Ducky and Bunny se suman aportando personalidad y encanto a un universo que no podría ser más perfecto. Atravesando generaciones, esta cuarta entrega cumple, convence y, aunque se plantea como la última, nada está dicho. Emocionante y graciosa. Tierna y adorable. Así es ‘Toy Story 4’ y no podía ser de otra forma. Puntaje: 8/10 Duración: 100 minutos País: Estados Unidos Año: 2019
Las canciones de Elton John parecen haber sido hechas para narrar su vida en un musical que alguna vez se iba a hacer. «Rocketman» presenta el costado más amargo y oscuro del señor de los mil y un colores durante dos horas de relato intenso, talento y fantasía. ¿Cuántos caracteres me voy a demorar en compararla con Bohemian Rhapsody? Listo, ya está hecho. Pero es que tiene sentido: después de que la película de Queen se convirtiera en una de las más exitosas de 2018, el estreno de otra biopic musical de otro ídolo británico hace que el juego de siete diferencias surja sin chance de evitarlo. Básicamente, Rocketman es todo lo que Bohemian Rhapsody no es: ni mejor, ni peor. Diferente. En primer lugar, lo primero que me sorprendió de la película es que efectivamente es un musical, en el sentido más clásico. Es decir, se cantan las canciones para narrar el contenido argumental de la historia. Y sucede que es ese inmenso y formidable repertorio de Elton John, hay una letra y una melodía para cada situación. Lo segundo que hay que decir es que Rocketman nos presenta una historia que, para muchos, es desconocida. Un niño con un oído privilegiado que crece en un hogar hostil, crece y conoce a Bernie Taupin, un letrista brillante, con quien conforma una de las mejores duplas de compositores de la historia, no sin transitar el infierno en cada nuevo paso hacia la gloria. Rocketman, la fantasía musical Elton John, quien también es productor del film, definió Rocketman como una fantasía musical y no hay dudas de que ese es el género. Cuadros visuales ilustran el paraíso y el infierno -sobre todo- de la vida del artista con escenas realmente conmovedoras. Y necesito volver a Bohemian Rhapsody. La película sobre Freddie Mercury apeló a la nostalgia a través del humor, la amistad y los himnos que elevan las endorfinas, sosteniendo un tono en general alegre para equilibrar ese final trágico que no muestra. Y está bien que así haya sido: una celebración de lo que fue Queen. La estrategia de Rocketman es justo la opuesta: con un tono dramático, cuenta la historia de un sobreviviente que logró salir a flote. Lo mismo pasa con el estilo: mientras una se apegó a lo clásico y entregó una película amena y disfrutable para todo público, Rocketman opta por mostrar el costado más oscuro de la consigna «sexo, drogas y rock&roll» mediante escenas poco convencionales y plenas de fantasía y alucinaciones. Y hasta acá llegué sin hablar aun del estupendo trabajo del elenco, encabezado por un Taron Egerton desbordante de talento. Lo que canta y lo que actúa, soberbio. Es un placer verlo. A él lo acompañan Bryce Dallas Howard (la madre de Elton John), Jamie Bell (Bernie Taupin) y Richard Madden (el manager John Reid), todos estupendos en sus papeles. Sin pretensiones de realismo, Rocketman es una película que se anima a ofrecer una mirada personal y única, fiel al hombre que la protagoniza. Puntaje: 8/10 Duración: 121 minutos País: Estados Unidos / Reino Unido Año: 2019