Daniel Melero es un músico conocido por todos los que conocen algo de música. Aunque parezca que creció a la sombra de los artistas que él mismo influyó, para varias generaciones Melero es considerado uno de los grandes. Gran tecladista y compositor, dueño de una personalidad definida e ideas claras, su trabajo brilla desde la década del ochenta cuando sacó el primer y único disco de su banda Los encargados, el primer grupo tecno del país, que comenzó su trayectoria en 1982, cuando el rock en Argentina seguía atado a los viejos estilos y formas. El documental Retrato incompleto de la canción infinita, escrito y dirigido por Roly Rauwolf, simplemente lo muestra, respetando su mundo y sus ideas. Cuando uno ve la película puede creer que todos sus méritos están en Daniel Melero, pero hay que reconocerle al director que esto se vea así. En dirección contraria al egocentrismo de muchos realizadores que intentan lucirse, Rauwolf logra desaparecer para mostrar al objeto de su documental. El resultado es impecable, Daniel Melero es retratado sin obsecuencia pero desplegando todo su talento y sentido del humor. La frase final de esta nota es de él: “La fama es algo que te dan los demás, el éxito es propio.”
El documental es un gran género. Sus posibilidades son infinitas. El documental Los versos salvados, del montevideano Gabriel Szollosy, narra la historia en primera persona de Celina Galeano, militante en los 70 que debió dar a luz en cautiverio, perdió a su esposo (hoy desaparecido) y se mueve entre el dolor de lo vivido y la responsabilidad que siente por continuar aún con vida. La recuperación de esa memoria y la culpa que la sobrevuela son uno de los ejes del film. Ningún tema está agotado hasta que los espectadores dejen de interesarse en esos temas. Pero en Argentina esos documentales no tienen espectadores, su consumo es mínimo y su existencia es casi desconocida. Aun así, quien quiera tratar el tema para construir una memoria audiovisual de los horrores de aquellos años, está en todo su derecho de hacerlo. ¿Pero cómo lograr que alguien se interesa? ¿Cómo conseguir que la película rompa la barrera de un espacio mínimo donde todos conocen las historias? No es culpa de Los versos salvados formar parte de esa multitud de films y si alguien de forma honesta desea contar una historia, puede hacerlo. Cada cineasta busca hacer la diferencia, la inmensa mayoría no lo logrará, pero eso pasa con todos los temas y todos los géneros de la historia del cine. La película hace un intento genuino de cuidar la estética y narrar de la manera más eficiente la historia que quiere contar. Pero todo, absolutamente todo, se ve parecido a lo conocido, más allá del eje central vinculado con la escritura y la poesía. Más que una reconstrucción de la memoria estos films conforman una catarsis que no tiene fin. Nadie se pregunta ni se cuestiona realmente nada. El gran problema de estos documentales es que no tienen matices, ni complejidades, algo le falta a este cine y los cineastas en estos últimos años parecen alejarse cada vez más de una mirada profunda y compleja.
Una madre insatisfecha y ambiciosa (Amparo Noguera), un padre ingenuo y torpe (Boris Quercia), una hija tramposa y mentirosa, un hijo que sufre bullying y está a punto de explotar. Esta es la familia Ahumada, ellos quieren ser felices a toda costa y no les importa sacrificar a otros en el camino. Sólo que la felicidad, no siempre está donde uno la busca. El sueño de que la hija compita en natación en Japón los empuja a conseguir dinero de manera urgente. ¿Podrán conseguirlo? Esta comedia chilena dirigida y protagonizada por Boris Quercia tiene un cuarteto protagónico disfuncional pero poco carismático. A medida que avanza la trama los personajes se van hundiendo cada vez más y despliegan sus miserias, su corrupción, y su egoísmo de forma creciente. Esta mirada contra las miserias humanas tiene poco espíritu crítico y es más bien una apología comprensiva de esas conductas. Pero antes que eso ocurre algo más grave: la película no es graciosa, no tiene muchos chistes, el timing es nulo y estas formas de cine comercial chileno muestran que hacen tan mal cine como en cualquier otros país. Cine sin identidad ni entretenimiento.
La historia comienza con un cartel que describe las tensiones alrededor de la segunda presidencia del General Juan Domingo Perón. Luego un montaje repasa los eventos previos a 1955, el año de su derrocamiento. Rosa (María Soldi) es ama de casa y esposa. Su marido (Manuel Vigneau) la trata a los usos más habituales de esa época. En esa sociedad machista y convulsionada en lo político se desarrolla la historia. Rosa no consigue quedar embarazada y eso suma una frustración a su vida. Es la mujer que espera la llegada de su marido limpiando y arreglando la casa. Pero Rosa es testigo de un asesinato y eso abre en su vida todo un espacio de aventura y novedad. Una mezcla de film noir y melodrama, la película es una versión humilde de films como Lejos del paraíso, el gran film de Todd Haynes, que a su vez buscaba emular a los grandes exponentes del Hollywood clásico. Mientras su marido la ningunea, ella se transforma en la protagonista de su propia historia. Varias metáforas se mezclan dentro de Algo con una mujer, y aunque el contexto político es el más flojo, no hay error algunos en la pareja realizadora, eso es lo que quisieron contar. Como suele ocurrir, las metáforas hablan de la época que describen y a la vez sirven para hablar de otros momentos. La dirección de arte y la ambientación están utilizadas con inteligencia y de forma práctica. Pero la película se siente algo acartonada y poca fluida. Sus ambiciones estéticas son innegables, aunque al final ese cuidado no se transforma en una narración dinámica o un suspenso atractivo. Algo con una mujer entra en la categoría de películas argentinas que apuestan y buscan, que no se conforman con lo básico sino que intentan ir un poco más allá.
Este documental que fue filmado en más de diez países tiene justamente en esta proeza su máximo interés. No hablamos del rodaje, sino del hecho de que la cumbia haya podido ser rastreada, interpretada, disfrutada o descubierta en Argentina, Bolivia, Perú, Colombia, Chile, pero también en Brasil, Portugal, Japón, Camboya, Vietnam y Filipinas. En Argentina hemos asociado a la cumbia con expresiones muy acotadas, pasando por alto gran parte de su sofisticación y variedad. Si alguien dice que le gusta la cumbia en base solo a lo que conoce de Argentina, entonces se sorprenderá con la película de manera absoluta. Lo mismo si detesta la cumbia local. El equipo de rodaje, en un idea práctica y económica, está compuesto por gente que a su vez es música. Filman e interpretan la cumbia. Para cuando la película llega a Japón, el espectador ya aprendió mucho sobre el género, pero allí se encontrará con las mayores sorpresas. Tal vez la película se vuelva muy larga y solo algunos puntos podrán atraer más allá de la música. Pero en su genuina exploración del género que ama, el director al menos se gana el derecho a decir que cumplió con lo que prometía.
La casa acecha narra la historia de una pareja (Mike Amigorena y Leonora Balcarce) que viaja para reparar un caserón en el campo por pedido de un amigo de él. Ella tiene dudas acerca de las intenciones del arreglo y le preocupa lo destruida que está la casa. Pero ese es el menor de los problemas. A media que pasan los días empiezan a notar que hay una presencia en la casa, una entidad que sigue presente y afecta a sus habitantes temporales. La película tiene un buen manejo del suspenso y técnicamente es irreprochable. Intenta mantener la dignidad de no caer en los lugares más usados del género y los actores son buenos. El inconveniente está en que su estilo de terror de la vieja escuela, su concepto de caserón entre las sombras requiere un refinamiento mucho más mayor que el cine de terror de golpes de efecto. Entonces cuando llega el momento de asustar de verdad o generar climas verdaderamente angustiante la película delata ciertas limitaciones. Las apuestas más ambiciosas elevan la exigencia, por lo que aunque la película no consiga plenamente su objetivo, se eleva por encima de la mediocridad de muchos otros exponentes del género en su versión local.
Tres amigos inseparables llevan una larga y feliz vida juntos, hasta que uno de ellos, Santiago, decide a sus 50 años confesar que es gay. El cambio drástico que tendrá lugar en sus vidas, lleva a Raúl, el homofóbico macho alfa, a intentar por todos sus medios, convencer a su amigo de que es solo pasa por un momento de gran confusión sexual, que no puede ser gay. Eduardo será el conciliador del grupo que intentará convencer a Raúl de que deje sus prejuicios y decida acompañar a Santiago en su nueva vida gay. Esta es la versión chilena de Hazlo como hombre (2017), película mexicana escrita y dirigida por Nicolás López. Gabriela Sobarzo dirige esta nueva ola de remakes hispanoparlantes, donde insólitamente un mismo film se hace en distintos países que comparten el mismo idioma. Lo curioso es que suelen tratarse en muchos casos de films mediocres empeorados en cada nueva versión. No vi la película mexicana, así que le vamos a dar el beneficio de la duda, pero la película chilena es rutinaria y antigua, una comedia que podría haber sorprendido un poco si se hubiera hecho cuarenta años atrás. Nadie le niega a los países fuera de Estados Unidos el hacer películas con un fuerte deseo de taquilla, pero al hacer película sin autor, sin identidad, y solo queriendo dar productos efectivos, o se logra el objetivo con mucha calidad, o se queda la película sin nada. Comedia con lugares comunes, chistes previsibles y toda la corrección política posible que, con los tiempos que corren, probablemente no le alcance.
Fabricio Oberto tiene entre sus laureles el haber sido parte de la Generación Dorada y también el ser campeón de la NBA con los San Antonio Spurs. Eso lo ubica entre las máximas figuras del básquet argentino de todos los tiempos. Pero como todo deportista, llegó el momento del retiro y este documental sigue los pasos de Oberto por su nueva vida. No hablamos de una mega estrella como Manu Ginóbilli, pero sí de alguien que estuvo en lo más alto de su deporte, codo a codo con lo mejor de su época. Apagar eso y encender nuevamente es un complicado proceso que no todos pueden llevar de forma armoniosa. La película tiene el perfil bajo, amable y sincero de Oberto y también esa combinación de serenidad con convicción. Se le ve la pasión por el básquet y la angustia del retiro, pero la certeza de no darse por vencido y de reinventarse con alegría. Tantas historias de deportistas caídos en desgracia que ver a uno que mantiene el equilibrio parece una rareza. Deben haber quedado muchas cosas afuera, más aun con tres años de rodaje, pero no hay en la película ni la búsqueda triunfalista y un apego al exceso o el exhibicionismo. Varias ausencias funcionan bien en la película tanto como ahorro narrativo así como una noble forma de pudor.
El día antes de la realización de su fiesta de casamiento, una pareja llega a la casona de campo del padre de ella para ultimar los preparativos de la boda. Por algún motivo ella está inquieta. Tal vez son los nervios antes del gran paso, tal vez hay algo más profundo. En mitad de la noche, decide cruzar a la casa vecina, donde un grupo de adolescentes viven su propia fiesta. Lo que parece un simple acto de rebeldía termina trayendo graves consecuencias que desatan un espiral de violencia sin retorno. La película consigue pasar de cierto camino rutinario del cine argentino al estilo de films de la década del setenta como Perros de paja o Deliverance. Este sorprendente giro sin duda es lo que hace que la película funcione y se separe de los lugares comunes. Una vez que la historia toma un rumbo lo lleva hasta las últimas consecuencias. Siempre es bueno ver cineastas que saben lo que quieren contar y como contarlo.
Su cabeza dada vuelta a la espera del degüelle es la imagen que inmortaliza en la ficción a Roberto Vallejos como Antonio Mamerto Gil Núñez, conocido como el Gauchito Gil, el mítico personaje argentino que trascendió las creencias populares y que hoy tendrá una nueva reproducción cinematográfica en las pantallas de Cine.Ar. Los últimos films basados o inspirados por la vida de Antonio Mamerto Gil Nuñez, conocido como el Gauchito Gil son: Gracias Gauchito, estrenado el 8 de noviembre del 2018, Antonio Gil, estrenado el 14 de febrero del 2019, Un Gauchito Gil, estrenado el 7 de noviembre del 2019, y finalmente llega ahora Gauchito Gil, dirigido por Fernando del Castillo. La popularidad del personaje no se condice con este batallón de películas sin público. Cabría preguntarse porque realizan una tras otras historias basadas en un personaje que ya fue tratado anteriormente sin relevancia alguna por otros directores. De estos cuatro films el más interesante y complejo es Antonio Gil (2019) el documental dirigido por Lía Dansker, que se diferencia por mucho de los otros tres. Y tampoco se espera de un documental que sea taquillero. Los otros tres films van de lo malo a lo mediocre y no más allá. En este caso se trata de una película con un sensible aumento presupuesto y ambición. Afectado por un exceso de parecidos con el clásico de Leonardo Favio Juan Moreira (1973). Y justamente, si Favio pudo hacer de este personaje uno de los más grandes (y merecidos) fenómenos de taquilla de la historia del cine argentino no se debió a que fue menos personal de fácil aceptación. Favio logró hacer la película que hasta ahora el Gauchito Gil no ha conseguido. Taquilla o no taquilla, todavía seguimos esperando que el personaje protagonice una película buena. O no, tal vez sea hora de dejarlo en paz.