El cuarto film de Diego Lublinsky, "Amor urgente", es un divertidísimo coming of age sobre el despertar sexual de dos adolescentes muy particulares. En medio de una filmografía fructífera en la que muchos realizadores filman de acuerdo a un esquema y moda impuesto, es para celebrar que existan realizadores tan atípicos como Diego Lublinsky. Un creador en todos los sentidos del término. En 2007, su ópera prima "Tres minutos", lo ubicaba dentro del cine de género. Pero lejos de querer imitar el terror o la acción hollywoodense, su propuesta apostaba a una lírica muy particular, armoniosa, cercana al mejor Subiela, para nada moroso, y siempre curioso. Tres films después, "Amor urgente" ya no aborda temáticas fantásticas, aunque tampoco podemos decir que se aferra a nuestra realidad. Lublinsky es de esos directores que crearon un universo propio. Al diablo con el MCU, esto es el LCU. Más cerca de su última película "Hortensia", que de tres minutos (aunque los correlatos entre todas sus obras son notorias), "Amor urgente" cuenta la historia de Agustina (Paula Hertzog), quien junto a su madre (Paola Barrirentos) se mudan a Resignación, pequeño pueblo del interior. Allí, de inmediato llamará la atención de Pablo (Martín Covini), un compañero de colegio, ambos de quince años, que se sentirá atraído por su presencia. ¡Ah el amor adolescente!, ¡qué lindo es!, o no, porque en el universo Lublinsky las cosas nunca son tradicionales, y aquí la sal de "Amor urgente". Pablo es un joven retraído, le falta bastante para avisparse y ponerse a la par de sus compañeros; y desea dar su primer paso con Agustina. Agustina no quiere saber nada, para ella, estar de novia, tener sexo, no está en sus planes, ni jamás va a estarlo. No, no quiere ser religiosa, simplemente, rechaza todo tipo de contacto con el sexo opuesto. ¿Podrá Pablo romper con semejante barrera? No por nada el pueblo se llama Resignación. Probablemente, la actitud de Agustina tenga que ver con un contrapuesto con su madre, una mujer extrovertida, que va de pueblo en pueblo (hasta caer en Resignación) tratando de ser una mujer independiente, pero siempre cae en los brazos de un hombre. Una personalidad avasalladora, sexual, dueña de una casa de lencería (y también ex modelo), Su nueva presa será el intendente del pueblo (Fabián Arenillas). Una palabra define perfectamente a "Amor urgente", simpatiquísima. Desde la primera secuencia hasta el final se ve con una sonrisa amplia, y más de una vez soltaremos la carcajada. Pero nunca apela al gag tradicional, no es una comedia típica, bordea el drama, se mete dentro de los films más intimistas, pero lo hace con un brío, una inventiva, y una chispa en los diálogos que encanta. Nuevamente el director hace una gran apuesta estética. Nos habla de una atemporalidad. Pareciera ubicarse en las modas de los años ’50, al igual que su arquitectura, y la construcción de personajes; pero con elementos de la vida cotidiana actual, o de épocas anteriores a la nuestra, pero muy posteriores a los ’50. Covini y Hertzog son dulces y logran hacer creíbles a sus personajes tan particulares. Barrientos y Arenillas son grandes comediantes, y acá otra vez se lucen. Quienes aquí componen a madre e hija, repiten luego de la lograda "Ciencias naturales", por lo que la conexión entre ellas es perfecta, y es un placer poder volver a verlas juntas. En medio de ese mundo imaginario y disparatado. Con utilización de retroproyección de un modo deliberadamente notorio (hasta se ven los bordes de la pantalla escenario) y acertado. Amor urgente habla también de problemas reales. Agustina tiene claramente un comportamiento retraído, y sus compañeras, todo lo contrario, desean ser adultas antes de tiempo, y el camino fácil es el sexo y al alarde del mismo. Desde la gracia infinita, nunca apelando al golpe ni a la bajada de línea. Lublinsky también está diciendo algo. Presentada en el marco del último BAFICI, es un placer que este tipo de películas puedan romper su marco festivalero. "Amor urgente" es una propuesta alegre, simpática, amena, inteligente, disparatada, pero a la vez coherente consigo misma. Desbordada en talento y carisma; pero sobre todo, única y particular. La nueva película de Diego Lublinsky es una muy grata sorpresa en la cartelera local, y ya estamos ansiosos por esperar el nuevo capítulo de este universo mágico.
Historias para no dormir Las antologías de terror son todo un subgénero en sí mismo. El susto, si es corto, doblemente bueno, parecen estar diciendo. Muchos clásicos del género han recurrido a este formato de reunir tres o más historias de horror y suspenso dentro de una película que las englobe. Body Bags y Tales From the Darksides son los títulos que ahora se me vienen a la cabeza. El terror británico también ha sabido dejar su huella elegante distintiva, y en materia de films episódicos la mítica productora Amicus ha hecho escuela allá por los años ‘60. Justamente, en el medio de Amicus y su competidora local Hammer, se ubica el estilo de Historias de ultratumbra, que se convirtió rápidamente en uno de los films más comentados del género del año. En realidad, Dyson y Nyman adaptan su propia obra de teatro homónima estrenada con éxito en 2012, pero lejos está Historias de ultratumba de poseer un esquema teatral. ¿Qué es lo que la hace tan particular? Su capacidad de lograr terror en base a un buen clima y manejo de recursos escasos, si bien no necesariamente es una producción “clase B”. Historias de ultratumbasugestiona más de lo que asusta, y pone el foco en la historia, la profundidad de sus personajes, y el armado del escenario. Características propias del cine de la época a la que rinde homenaje sin recurrir al gancho fácil. Creer o reventar Historias de ultratumba presenta tres historias dentro de otra historia general. Típico estilo de Amicus (en Argentina utilizado en Obras maestras del terror), que recurría a un personaje narrador con una historia propia tratando de espantar a otros personajes que hacían las veces de oyentes. El propio Andy Nyman compone a Phillip Goodman, un profesor y presentador de TV dedicado -por un trauma y epifanía de la niñez- a desenmascarar estafadores de lo paranormal. Mentalistas en un teatro, familias que dicen tener un espíritu en su hogar, son puestos a juicio por el escéptico Goodman que siempre le encuentra el truco o explicación racional a todo. Él mismo recibe una invitación de Charles Cameron (Leonard Byrne), el hombre que lo inspiró en su niñez desenmascarando casos paranormales también desde la TV. Su empeño por aferrarse a lo real y tangible le sirvió para sobrellevar los malos tratos de su padre ortodoxo judío para con él y su hermana. Cameron, a quien creían desaparecido luego de un confuso episodio, reaparece de la nada, invitando a Goodman. De inmediato tira por la borda sus preceptos escépticos: le ofrece tres expedientes con un caso cada uno sin explicar. Por supuesto, serán estos los que veremos. Un guardia de seguridad en un psiquiátrico abandonado, un joven que tiene un accidente manejando el auto de su padre, y un padre de familia atormentado por algo en su hogar. Ante cada caso Goodman irá sumiéndose cada vez más en la confusión, y la relación con Cameron se hará más tirante. No tanto por lo espeluznante, todo lo contrario, porque Goodman parece emperrado en seguir ateniéndose a lo fáctico y realista. Mil gritos tiene la noche Dyson y Nyman apelan a lo básico. No van directo al jump scare, al susto fácil. Tampoco necesitan del gore ni la violencia extrema. Al igual que Cámeron juega con Goodman, ellos jugarán con nosotros. El clima lúgubre se respira permanente, la atmósfera pesada es palpable, introduciéndonos al horror paulatinamente. El escenario está plagado de detalles, con una puesta que aprovecha los lugares cerrados (no olvidemos que proviene de una puesta teatral) para crear sensación de encierro y ahogo; pero también el abierto, para sentir soledad, desamparo, y desesperación. Los más puristas podrán encontrar que la resolución final es traicionera, que nos juega una pasada, como si no hubiese confiado en sí misma. Cuestión de gustos. Aún así, ese detalle no derriba lo construido hasta el momento. Con buenas dosis de humor inglés, personajes simpáticos y una gran creación de clima y atmósfera, Historias de ultratumbra es uno de esos films que cada tanto se animan a salir de los cánones habituales del cine de género.
Basada en la novela homónima de Pablo Ramos, "El origen de la tristeza", de Oscar Frenkel; es una historia sobre un grupo de chicos alejados de las grandes urbes, que tropieza por su fallido modo narrativo. Cada una de “las artes” tiene su modo particular de expresarse. Una novela puede ser una escritura atrapante, precisa, meticulosa, vigorosa; y al ser adaptada al cine fallar en todos los aspectos; o viceversa. De pobre novelas ("Los puentes de Madison", "Tiburón") salieron grandes películas, de grandes novelas ("El amor en los tiempo de cólera", "El nombre de la rosa"), han salido películas mediocres. Tampoco sirve demasiado analizar el nivel de fidelidad de la adaptación. Puede ser muy respetuosa con el original, y aún así ser fallida como película; o adaptar muy libremente y obtener un gran film. "El origen de la tristeza", adapta la novela que Pablo Ramos escribiera en 2007, sobre un grupo de niños durante los años ’80 en un barrio llamado El Viaducto. Lo primero que llamará la atención es que el propio Ramos forma parte de la película, no como actor, sino como narrador, además de encargarse del guion. Lo cual pudo ser un recurso curioso, llamativo. En realidad, es el origen de los problemas. Gavilán tiene 12 años y está obsesionado con una chica de un viejo almanaque de gomería. Junto a sus amigos, integra un grupo, cuasi pandilla, que pasa sus días en las calles de El viaducto, el barrio que los cobija. Es una edad difícil, de muchos cambios e indefiniciones, y la preocupación mayor para ellos es el debut sexual; que por una cosa u otra resulta infructuoso. En el contexto, la explosión e incendio de una fábrica en el barrio le agrega un tono de apuro y extrañeza. El origen de la tristeza tiene una duración corta, poco más de 70 minutos. Sin embargo, no parecieran quedarle cortos. A diferencia de la novela, que entreteje historias y anécdotas, la película no cuenta demasiado. Ambas coinciden en plantear más un estado de situación que un relato homogéneo, pero los resultados en el film son diferentes. La voz en off de Ramos en primera persona relatando su niñez como el personaje principal es omnipresente; y ni siquiera hay una adaptación del texto, es el propio Ramos leyendo páginas del libro. Las imágenes acompañan, pero nunca adquieren fluidez narrativa propia, y resultan una reiteración de lo que dice la voz en off. Es esa voz en off que va captando todo, como en "Casa tomada" de Julio Cortazar. Los diálogos tampoco abundan ni suman, todo se expresa tal como si asistiésemos a una presentación del libro en la que el autor lee párrafos a los presentes. Falta cohesión, ilación común. Varias escenas son inconexas, lo que, sumado, nuevamente, al relato en off, dificulta el seguir qué sucede. En el elenco sobresalen la naturalidad de los chicos, que deben atravesar varios tramos dramáticos. No siendo actores profesionales, sacan adelante su labor. Germán De Silva nuevamente demuestra todo su talento, su presencia es otro acierto de la propuesta. Eduardo Pinto se encargó de la fotografía, y se nota la mano del realizador de "Corralón", su trabajo es impecable, con recursos escasos, maneja un juego de tonalidades, colores, aprovecha los campos abiertos, y logra varios cuadros narrativos aún por sobre el trunco guion. Hay errores de continuidad, y algunos elementos que debieron ocultarse. Todos esto resulta un detalle que pudo no haber hecho en el resultado final. Lo que sí afecta, es la dificultad para seguir una historia simple, para seguir con empatía esta suerte de Cuenta conmigo local, hasta para lograr ubicarnos en época. El origen de la tristeza eligió como adaptación tomar un extracto del texto y trasladarlo tal cual, con imágenes que (sobre) explicaran el texto. Lo dicho, cada una de las artes tiene un lenguaje diferente, y el de esta película se complica asimilarlo con el cinematográfico.
Representante de un estilo de cine argentino tradicional, "Viaje inesperado", de Juan José Jusid, habla de las problemáticas del mundo adolescente desde la óptica y la realidad de un adulto. Andrés tiene problemas ¿Hasta cuándo los vamos a desoír? Juan José Jusid parece estar gritándole al espectador que tenemos que hacer algo, que no podemos seguir viendo hacia el costado y seguir con nuestras vidas sin asumir las responsabilidades; nuestros adolescentes nos necesitan. El tema es que Juan José Jusid tiene 77 años, y la visión de Viaje inesperado es la de la adolescencia actual con el lente de alguien de su edad. No necesariamente este dato es algo negativo. La distingue de otras películas, y uno como espectador ya sabrá a qué abstenerse. En efecto. "Viaje inesperado" no le habla a los adolescentes, se diferencia de títulos como la reciente "Los vagos". No, le está hablando a los padres, o a la vista de los números (sin herir susceptibilidades), a los abuelos, para que vean cómo sus hijos descuidan a sus nietos. Andrés (Tomás Wicz) tiene a sus padres separados. Vive con su madre Ana (Cecilia Dopazo), y su padre Pablo (Pablo Rago) vive en Brasil, en pareja con otra mujer que al inicio del film le avisa que está embarazada (de un modo bastante raro, por cierto). Andrés es amonestado en el colegio luego de haber llevado un machete al colegio. No, no se copió, es un machete de los de cortar ramas o gente a lo Jason Vorhees (sí, en la película hacen el chiste). Desesperada, Ana llama a Pablo, que está a full con el trabajo, pero deberá hacerse de un tiempo para, después de mucho tiempo, venir a visitar su hijo. Pablo tiene que hablar con Andrés, y para eso decide llevarlo de mini vacaciones a su ciudad/pueblo natal Bolivar. "Viaje inesperado" será la cronología de ese período que pasarán juntos padre e hijo, redescubriéndose entre sí, pero más aún, a sí mismos. Viaje que se vivirá menos como road movie que como escapada de la rutina. La mayor parte del film sucederá en Bolivar, no en la ruta; y algunas tomas extras en Brasil para darle colorido, y aprovechar los drones tan de moda. Lo que sigue, no difiere mucho de lo típico. Andrés al principio ignora a su padre, en seguida se engancha con un grupo de jóvenes del lugar, y empieza su propia historia, que también es problemática. Pablo es de ese tipo de personajes cuarentones que mezclan costumbres de antes, con actitudes de adolescencia tardía. Deberá aprender a comunicarse con su hijo, desconectarse de su trabajo y sus propias andanzas, y también focalizar en lo que quiere para su vida de ahora en más. El guión, escrito por el propio Jusid, junto a César Copello (Francisco, el Padre Jorge), y Oliver Kolker (que también actúa); recurre a varios subrayados, lugares comunes, y sobre todo, a frases declamatorias sentenciosas. La construcción de diálogos responde a una estructura de cine argentino de hace por lo menos veinte años, el período de brillo de Jusid. Pero nuevamente, no lo convierte en algo de por sí negativo. ¿Es casualidad que Dopazo (que aparece menos de lo necesario) y Rago hayan sido la pareja noventosa joven de Clave de Sol? "Viaje Inesperado" parece hablar de esos jóvenes. También se asemeja a un institucional, o un capítulo largo de "Atreverse" o "Alta Comedia". Todo esto, que visto desde una visión en donde la vanguardia es "100 días para enamorarse" y su abordaje de cuestiones de género, huele a anticuado, nos hace olvidar que, por ejemplo, detrás de "Atreverse", estaba Alejandro Doria; y detrás de "Viaje inesperado" está Juan José Jusid. Todo lo que al director de Bajo Bandera le falta de “modernidad” le sobra en talento. Esta película está filmada con experiencia y garra narrativa, con el pulso necesario para que la atención nunca se disperse; y está lejos de ser otro de esos representantes de un cine estático. Aquí la acción y las palabras van de la mano. Rago y Dopazo son dos grandes actores de su generación y aquí demuestran solvencia. Luchan contra algunos diálogos difíciles, pero siempre convencen. Repetimos, Dopazo aparece muy poco, y siempre en intervenciones algo exageradas, pero su labor es comprometida. Rago es carisma puro, se sabe, y su personaje lo aprovecha al 100%. Tomás Wicz, a quien ya vimos en cine y TV, es un joven con mucho talento, y también resulta un gran elemento a favor del film. La química padre-hijo con Rago es natural, y Jusid los guía por buen camino. "Viaje inesperado" es una propuesta de adolescentes para adultos. Cálido, potente, declamatorio, y seguro de lo que quiere decir. El talento de su director para narrar, y de sus actores para resaltar los personajes rescatan de los errores que podemos encontrar.
La ópera prima de Agustina Macri, Soledad, adaptación de la novela "Amor y anarquía", es un exponente tan estilizado como frío de un tema que necesitaba la pasión de la que el film carece. El cine argentino tiene larga trayectoria en representar historias de lucha y persecuciones sociales. Fuertemente signado por nuestra historia reciente durante la última dictadura militar; pero no abocado únicamente a ese período. "Soledad", de Agustina Macri, escribe otros renglón dentro de esa tradición, y lo primero que llama la atención es la historia escogida. Basada en la novela "Amor y anarquía" de Martín Caparrós, relata la historia real de María Soledad Rosas, una joven, descendiente de Juan Manuel Rosas, que en 1997 fue arrestada en Italia como miembro del grupo anarquista conocido como Squatters. La figura de Soledad rosas se convirtió en mito de la resistencia de lucha para muchos militantes de ese movimiento en nuestro país e Italia, y la película toma eso para contar su versión. Será importante tener algún conocimiento previo sobre la historia real antes de llegar a la sala. De entrada, un flashforward nos adelanta un destino trágico, para inmediatamente devolvernos a los comienzos. Luego de finalizar sus estudios, Soledad (Vera Spinetta) quiere iniciar una vida nueva. Sus padres (Silvia Kutica y Luis Luque) la convencen de aceptar el viaje turístico por Europa que le regalaron, en compañía de Silvia (Fabiana García Lago), una amiga de la familia. El primer destino del viaje es Italia, de casualidad, terminarán en una pensión en la que ella conocerá a Baleno (Giulio Maria Corso), un joven anarquista que luego descubriremos que en verdad se llama Edoardo, o Edo. Rápidamente, Soledad y Edo se enamoran, y ella pasa a inmiscuirse en la rutina de los Squatters, ocupando los edificios abandonados conocidos como El asilo. Soledad decide terminar ahí su tour, abandona a Silvia, y se integra al grupo y su lucha sin saber lo que le esperaría. El gobierno de Italia los culpa del atentado a la creación de un tren bala, y los arresta sometiéndolos a torturas y un juicio de lo más injusto. Soledad Rosas también es juzgada, y ella ni siquiera se encontraba en Italia cuando fueron los hechos. Centrándonos en el título de la novela, "Soledad" cuenta más una historia de amor que de anarquía; y cuando hablamos de amor, entiéndase romance. A través de sucesivos flashbacks e intermitentes intervenciones de una entrevista a su hermana mayor (Florencia Dyszel), iremos conociendo como Soledad y Edo fueron cimentando su amor contra todas las barreras hasta llegar a las trágicas consecuencias pre anunciadas. A Soledad se la presenta casi unilateralmente como una joven rebelde. Tampoco se explaya demasiado acerca de la razón de esa rebeldía. En palabras de sus personajes (no en acciones), sabremos que proviene de una familia de clase media, que se esforzó por darle una educación de elite a su hija, y que buscan que ella tenga un futuro asegurado. A lo que ella responde contradiciéndolos, maltratándolos, ignorándolos, y abandonándolos. La empatía que el film propone para su protagonista reside en que quiere ser libre, y está enamorada (aunque a razón de determinados elipsis, a veces, pareciera un capricho). Como consecuencia, se nos hace difícil como espectadores seguir el trayecto de Soledad Rosas a la par. El romance es apurado, resumido en escenas fugaces, y con alegorías propias del “Basado en una novela de Nicholas Spark”. Ni hablar de un sentimiento de lucha, cuando la misma protagonista se cansa de repetir una y otra vez que no tiene nada que ver, que si no abandona la lucha es por amor a su compañero. Los personajes secundarios aparecen y desaparecen, y abundan las reacciones que, en los hechos reales, habrán tenido un sentido y significado que en el film no existe. Tanto narrativa como estéticamente, Agustina Macri parece haber asumido como inspiración la miniserie (adaptada luego como película de dos partes) "La mejor juventud". Pero allí donde la epopeya de los hermanos separados por cuestiones ideológicas hacía pie en el devenir social a la vez que personal, en "Soledad" el contexto está dibujado apenas como un marco de situación (remarcado con una banda sonora ganchera que se agota con lo visto en el tráiler), y en lo personal tampoco parece poder penetrar mucho más allá del romance. Cuando el año pasado Ernesto Ardito y Virna Molina estrenaron Sinfonía para Ana, uno de los mejores films de 2017, trazaron todos los lineamientos necesarios para hablar de la juventud atravesada por la militancia social haciendo foco también en las cuestiones personales propias de una edad convulsiva. Toda la carnadura, sensibilidad, carisma, pasión, y garra que desbordaba en "Sinfonía para Ana" es lo que no encontramos en "Soledad", que desaprovecha a una Vera Spinetta que da todo de sí, que conmueve con su rostro – junto con algunos secundarios como los de Kutica y Luque que se sobreponen a fuerza de talento a lo escueto de sus pesonajes en el guion –, pero que no alcanza. "Soledad" es una cáscara elegante, cuidada, pero de contenido gélido, distante, y sobre todo ajeno.
Basada en la novela de John Bellairs, "La casa con un reloj en sus paredes", es un antecedente tardío de las adaptaciones de novelas fantásticas infantiles sin mucho nuevo que aportar, tampoco mucho que reprochar. Año 2001, el boom literario del momento escrito por J. K. Rowling, finamente estrenaba su primera película "Harry Potter y la piedra filosofal". El éxito de la novela, y de la posterior película nos traería una nueva moda. Incontable cantidad de libros con niños protagonistas descubriendo mundos fantásticos; incontable cantidad de adaptaciones cinematográficas de estas historias, de antes y de después. Hasta una productora, Walden Media, que pareció especializarse en eso. Digamos, hasta la llegada del nuevo boom, el salto de edad, las adaptaciones de novelas fantástico-románticas adolescentes a partir de "Crepúsculo". A diecisiete años de aquel boom hollywoodense, aparece en cartelera "La casa con un reloj en sus paredes", clara deudora de ese cine. Basada en la novela homónima que John Bellairs escribiera en 1973, y que dio inicio a una serie literaria protagonizada por el personaje principal de esta película, más uno que aquí sólo se presenta, su amiga Rose Pottinger. ¿Qué puede distinguir a "La casa con un reloj" en sus paredes del resto de películas de aquella moda? Los más cinéfilos podrán hablar del sello de calidad que le otorga la productora de Steve Spielberg, Amblin; pero principalmente los comentarios apuntan a su director, el hasta ahora sólo conocido por cine de género ligado al gore (tiene films de acción y suspenso, siempre muy sangrientos y de calificación original R) Eli Roth. ¿Cómo abordaría un director de cine de terror una película de tono infantil? ¿Es esto una novedad? Para quienes se pregunten lo segundo, les recomiendo correr ya a ver algo de Joe Dante o John Landis, y son los primeros dos célebres apellidos que vinieron a mi cabeza. Lo cierto es que a Roth, famoso por el hito de la porno tortura "Hostel", últimamente la fortuna no le estaba sonriendo, "Knock Knock" es de esas películas que en el cable recortan un poquito y se eternizan en la programación de la tarde, y "The Green Inferno", levantó más polvareda antes de su estreno que luego de su presentación oficial festivalera. Su versión de "El vengador anónimo" estrenada este año, algunos la catalogan como lo peor de 2018: el público casi no la vió. Entonces, a probar suerte en otras aguas! Son los años ’50, Lewis Barnavelt (Owen Vaccaro) se dirige a casa de su tío luego de sufrir la muerte de sus padres en un accidente. Jonathan (Jack Black) es el tío en cuestión. Un hombre excéntrico, histriónico (sino no sería Jack Black), dueño de una mansión gótica tan peculiar como su dueño. A su lado vive la Señorita Zimmerman (Cate Blanchett), que mantiene una cosquillosa rencilla con Jonathan. Se insultan inocentemente, pero a la vez se admiran y hacen compañía. Como se pueden imaginar, Lewis es el típico outsider. Nunca queda demasiado en claro que sea un ratón de librería, sí se lo nota (no exageradamente) retraído. Lo cierto es que en el colegio lo rechazan, y sólo se hará con la amistad de Woody (Braxton Bjerken) un chico que aspira a ser el presidente de la clase. De inmediato, Lewis nota cosas extrañas en la casa, además de mucho secreteo entre Jonathan y Zimmerman. La verdad no tardará en llegar. Jonathan y Zimmerman son magos, los objetos de la casa tienen vida, y la misma casa está hechizada. Un tercer mago ex compañero, Isaac Izard (Kyle McLachlan) sufrió una conversión a la magia negra, por lo que debió ser derrotado luego de realizar un terrible hechizo. Antes de morir hechizó el lugar y escondió todo el poder para torturar la tranquilidad de Jonathan en un reloj (¿Peter Pan estás ahí?) del que nadie sabe su ubicación dentro de la mansión. Jonathan le irá enseñando a Lewis (que ni siquiera se sorprende mucho ante la existencia de lo paranormal) los primeros trucos para convertirlo en el legado de la magia. Toda esta larga explicación, prácticamente el espectador la sabe a los diez minutos de iniciado el film, lo que queda es ver cómo sucede, y el camino de Lewis. De hecho, el guion escrito por el televisivo Eric Kripke ("Supernatural", "Timeless") parece más el piloto de una serie de Tv al estilo "Sabrina", o "Charmed" – para niños – . En efecto, La casa con un reloj en sus paredes no desborda en originalidad, tampoco es que hace demasiado esfuerzo por lograrlo. Todos los elementos del post Harry Potter están ahí. Jack Black, y en especial Cate Blanchett serán lo mejor de la propuesta, a puro talento y carisma. Black ya se probó en este tipo de películas (como la más lograda "Escalofríos") y aquí repite sus típico personaje con buenos resultados. Por la ambientación de no podemos verlo tocando la batería ni la guitarra eléctrica, pero tiene un saxo. Blanchett es tan talentosa que hasta con un doblaje al castellano se nota que actúa de maravillas. El jueguito entre ambos es lo que distinguirá a esta propuesta. Kyle MacLachlan tarda en aparecer, pero cuando aparece están querible como siempre. Otro buen aporte. Los niños están bien, tienen carisma; al igual que la gran mayoría de los niños de estas películas. Cumplen. Finalmente, el toque Roth quedará apenas para algunas secuencias sobre el final de la película, algo de terror pasteurizado, y poco más. En realidad, lo suyo es más piloto automático que otra cosa. La nombrada "Escalofríos" (que el mes que viene estrena secuela) tuvo mejores resultados en esto de meter terror para chicos; y ni que hablar de los "Gremlins" revulsivos de Dante. Lo que distingue a un maestro como el director de "Pequeños Guerreros" de alguien tan promedio como Roth. Sólo el éxito dirá si "La casa con un reloj en sus paredes" fue el inicio de una nueva franquicia, o es otro intento infructuoso (que los hubo más que aciertos). Con la muestra de este primer film, no es mucho lo que hay para que quede en la memoria popular, ni siquiera para odiarla. Se deja ver, los chicos la pasan bien, los adultos más o menos también; no mucho más.
Un depredador entre nosotros En 1987, Depredadorlogró posicionarse como una rara avis dentro de lo que hoy se reconoce como cine ochentoso. Una mezcla de acción y terror, dándole un giro al cine bélico, con ÉL héroe de acción del momento, producción de cine mainstream, historia propia de estilo clase B, y altas dosis de sangre. El resultado fue un ícono inmediato, instalando a su director, reafirmando a su protagonista, y creando un personaje para la posteridad. Pasaron más de treinta años en los que se intentó replicar el éxito y expandir el universo de aquella propuesta. Sin hablar de comics, videojuegos, y afines, contamos dos secuelas y dos spin-off crossover. Cada uno aplicando un nuevo estilo a la franquicia. Ahora es el turno de Shane Black en la silla de director y Fred Dekker como guionista, una dupla que asegura algo: el espíritu de la década original. El depredador es una coctelera. Mezcla la sangre de la primera, con la ciudad de la segunda, pero en un espacio abierto. Le agrega un elemento que hasta ahora se encontraba ausente: un desborde de humor autoconsciente. En definitiva, es todo lo que Alien Vs Deprepador: Requiem no pudo ser… y eso que esos spin-off son dejados fuera del canon. ¿Cuál es el gancho? Ver al depredador en medio de gente común. Ya están aquí La primera secuencia nos presenta la primera marca de su guionista. Al mejor estilo El terror llama a su puerta una nave tripulada por un Depredador colisiona con un satélite y se estrella en nuestro planeta siendo confundida por un meteorito. Un grupo de soldados de élite dan con la nave, y el extraterrestre, como es su costumbre, los liquida. Sobreviviendo solo uno, Quinn (Boyd Holbrook), quien debe tomar una drástica decisión para salvar a la humanidad. Antes de ser apresado por sus superiores que lo responsabilizan por sus acciones, Quinn se traga un mini artefacto y logra enviar a su esposa el casco que traía el extraterrestre. En la ciudad conocemos a Rory (Jacob Tremblay en otro de sus personajes de niño con problemas), autista, introvertido, hijo de Quinn. Como es Halloween hay que ponerse un disfraz… ¿Y adivinen qué encuentra? Cuando la máscara emita una señal de rescate, vendrán más depredadores hacia nuestro planeta ¿Y el que colisionó realmente está muerto? El depredador presenta a un grupo de personas integrado por soldados con problemas de conducta (Quinn es enviado a una suerte de reformatorio de soldados en donde será juzgado), agentes del gobierno, científicos (con Olivia Munn a la cabeza como una bióloga), y por supuesto, Rory. Los depredadores quieren recuperar lo que es suyo, de paso nos toman como entrenamiento y se cazan entre ellos. En el medio, queda toda la diversión. Como dijimos, es imposible verla y no recordar a Night of the Creeps. La pandilla salvaje El gran acierto de Dekker desde el guion es crear personajes variados, que nos preocupan por lo que les sucede y nos divierten con su características. Son peones, pero interesantes. En sus 107 minutos se toma su tiempo para entrar en acción, se detiene, explica, desarrolla, crea clima, y luego arremete con una escena de acción tremenda. Y sigue. No es una secuencia sin fin de cacería, se aleja del estilo actual de asimilar los tanques de acción a un videojuego. Sin necesidad de tirar ganchos vintage, su estilo recuerda al de los films en el que la franquicia fue creada. Hasta introduce a un extraterrestre para que nos encariñemos (E.T. alert). Shane Black se encarga de darle dinamismo, de hacer que la historia fluya, y nos desparrama un gore muy bienvenido. Las escenas de acción no se cuentan en modo cíclico, pero cada vez que llegan dan ganas de aplaudir a la pantalla. No es casualidad que Black se haya iniciado con los guiones de Arma Mortal, ni que Dekker haya actuado en la película original y haya dirigido varios clásicos de esa década. Es más, ambos unieron fuerzas en The Monster Squad, película de la que El depredador en cierta forma es deudora. Holdbrook y Munn tienen química y carisma. Trevante Rodhes compone a un villano que se deja odiar. Los seguidores de Tremblay podrán enternecerse otra vez con su hablar timorato (ojo que ese chico está creciendo y estamos expectantes a sus últimos cartuchos explotando esta veta). El plato fuerte son los secundarios, con un grupo de soldados desquiciados comic relief muy logrados, en especial un Thomas Jane divertidísimo. La franquicia necesitaba una renovación, y El depredador trae el aire fresco para que todavía creamos que Hollywood es capaz de hacer una película que reemplaza el barullo por el entretenimiento desquiciado y violento. Así, vale la pena decir ¡Que vuelvan los ’80!
Atención personalizada Hay películas donde cualquier análisis sesudo parece estar de más. Hotel de criminales es una de ellas. Veamos su premisa: un hotel en el que todos sus huéspedes son criminales buscando refugio del exterior, con fuerzas de seguridad dispuestas al extremo por capturarlos. No suena como algo que vaya a profundizar demasiado, ni a necesitar demasiadas vueltas. No siempre se logra, pero Hotel de criminales lo hace. Entiende todo, ni asoma a tomarse en serio, y gana en su autoconvencimiento de ser diversión al por mayor. Drew Pearce viene del mundo de los guionistas (Misión Imposible: Nación secreta, Iron Man 3), y aquí debuta en la dirección manteniéndose fiel al estilo que ya le funcionó en la escritura. Acción en base a una historia sólida que no necesita de enrollarse en vueltas y giros extraños. En este caso, nos situamos en una Los Ángeles de un futuro inmediato. No tendremos más que unos datos iniciales para ubicarnos. Se llevó a cabo una guerra por los recursos naturales, especialmente agua. El control de la sociedad quedó devastado, reina el caos. Lo que vemos, en sí, no parece muy distante a nuestra realidad, salvo por algún artefacto que nunca será vital para el desarrollo. Dos hermanos (Sterling K. Brown y Brian Henry) realizan un robo a un banco que acaba mal. Ambos logran huir, pero se llevan consigo una pieza que no saben ni sabremos qué es. Están heridos. El destino, el Hotel Artemis. No, no van a asaltar el lugar y tomar prisioneros. Al contrario, allí serán bienvenidos. Siéntase como en casa Luego de este comienzo (algo trillado y desalentador, es cierto), el eje corre hacia el verdadero centro del relato: ella, la enfermera. El hotel de marras está dirigido por una señora mayor que adivinamos no es en sí una anciana, sino una mujer a la que la vida le jugó malas pasadas. Ella fue enfermera, pero ahora, sin título habilitante, sigue dedicándose a curar pero desde otro ángulo. Cura a los huéspedes del hotel que regentea. Al Hotel Artemis no se llega buscando una estadía de relax, ni siquiera a pasar la noche para dormir y descansar. Al Artemis se llega buscando refugio cuando se los quiere apresar y cuando se está herido. La mujer posee tecnología de avanzada para curar heridas de bala, armas blanca, y otras consecuencias de hechos delictivos. Mientras, las paredes protegen con máxima seguridad de un exterior al que apenas vemos. Desde ese punto, el hotel de Hotel de criminales ofrece una estadía como ninguna otra. El huésped de honor Una vez instalados en el lugar, conoceremos a sus habitantes; y allí Pearce jugará al ¿Quién es quién? o al Clue. Dentro del hotel, sus huéspedes son una fauna variopinta de personajes bien delineados, todos criminales de diferente personalidad pero que entre ellos manejan una delgada camaradería vigilada por la enfermera, quien a su vez hace de una cuasi madraza. La primera escena dentro del hotel, con la enfermera recorriendo las habitaciones, es para aplaudir. Gangsters, estafadores de alta y poca monta, mujeres fatales, matones, en el Artemis hay de todo. Puntualmente, lo que la historia cuenta es una noche en la que todo estalla. El Artemis se maneja con ciertas reglas que, por ejemplo, impiden el uso de armas y hasta insultos dentro del lugar. Pero esa noche empezarán los problemas. Cae un mafioso mayor, al que sí o sí habrá que atender. Desde afuera, el hijo de este busca pleitos. También por primera vez cae una policía con quien la enfermera tiene una deuda del pasado. El hilo fino que maneja la armonía va a cortarse en medio de sucesivos cortes de luz. La armonía del lugar Hotel de criminales plantea varias aristas pequeñas y las confluye todas en una historia coral cuyo centro es una enfermera que, interpretada por Jodie Foster, se convierte en un gran personaje. El secreto de la actriz de Taxi Driver es creerse el personaje. Jodie actúa con su cuerpo, con su forma, y hasta con el modo de caminar. Es imposible no querer a esta mujer, que a su vez, infunde respeto. El resto de los personajes son llamados con un nombre secreto asignado en referencia a una ciudad turística, entre los que contamos con actuaciones de Sofía Boutella, Jenny Slate, Charlie Day, Jeff Goldblum, y un sorprendente Dave Bautista. Acompañan bien y saben aprovechar las posibilidades que los mismos le dan. Quizás el único que desentone sea Zachary Quinto en un rol algo incómodo para él. Hotel de criminales no abruma con una catarata de escenas de acción, pero las escenas de acción que tiene conquistan con buenas coreografías más un interesante y bienvenido salvajismo. La fotografía acompaña la puesta entre noir y apocalíptica, entre ruinosa, de neón y aire de tugurio. La atmósfera que plantea el film es otro de sus puntos altos. La ópera prima de Drew Pearce, Hotel de criminales, no se va a ubicar entre las mejores películas del año, tampoco quiere hacerlo. Es un gran entretenimiento con aires de estilo clase B y buenas armas para jugar. Si a esa simpleza de su original propuesta le sumamos buena acción, buenos personajes y actuaciones acorde, el resultado es una bocanada de aire fresco dentro de la cartelera pochoclera.
Tercer documental de Pablo Zubizarreta, "No viajaré escondida", recorre la vida Blanca Luz Brum, rindiendo un perfecto homenaje a su figura. Hechos que se acomodan solos azarosamente. La misma semana en que se estrena la hollywoodense "La esposa", con Glenn Close como una mujer que a su edad avanzada se cansó de ser ninguneada como literata por su esposo Premio Nobel, se estrena en los Espacios INCAA (Incluido el capitalino Gaumont), y en el MALBA, No viajaré escondida, de Pablo Zubizarreta; trabajo documental sobre una figura femenina injustamente escondida en nuestra historia oficial. Toda la fuerza que a la superficial película de Björn Runge le falta (los invito a leer su reseña en este mismo sitio), la encontraremos en este documental narrado con pasión y garra de lucha, muy acorde con la presencia de lo que fue Banca Luz Brum. Para quienes no la conozcan, Blanca Luz Brum fue una poetisa, escritora, pintora, periodista, y también política nacida en Uruguay a principios del Siglo XX. Tanto su variada obra artística en la que, como vemos, abarcó varios rubros; como su vida pública, se vio atravesada por la coyuntura social, como una habitante de Latinoamérica. Participo en diferentes movimientos políticos, integró diferentes vanguardias artísticas; siempre ligada a las ideas de izquierda y el comunismo como bandera principal. Blanca es una cabal muestra de la importancia del rol femenino en la formación de nuestra región. Siempre estuvo ahí, al frente, y sin embargo, son pocos los registros actualmente de ella. En Perú, se convirtió en la heredera artística de José Carlos Mariategui, integrando el grupo de la revista "Amauta"; en Chile formó parte del Frente Popular durante la época gobernante; fue la musa de Siqueiros para el famoso mural pintado en el sótano de la casa de Natalio Botana, habiendo integrado el grupo de muralistas comunistas mexicanos; y en Argentina fogoneó el mítico 17 de octubre peronista además de ser Secretaria de Prensa del General. Su vida privada también guarda aspectos de avanzada, polémicos para la época. Con muchos amantes, libre, siempre a tono con la conveniencia de lo que sucedía en la región. ¿Podría decirse que usó a los hombres para posicionarse? No sé, lo cierto es que nunca fue sombra. La historia las escriben los que ganan, y la presencia de Brum fue desapareciendo de los libros oficiales, en medio de tragedias y persecuciones políticas. Por eso mismo, No viajaré escondida adquiere una importancia vital en vista a los momentos de lucha feminista vividos en la actualidad. La historia de Blanca Luz se reconstruye de a pedazos, tal como fue “extraviada”, y se la confunde con su propia ficción literaria ¿Qué es realidad, qué es mito? Quizás Blanca Luz Brum fue un mito viviente. Zubizarreta (quien ya realizó los destacables "4 de julio: la masacre de San Patricio" y "Grete – La mirada oblicua") se vale del poquísimo material de archivo existente, de entrevistas a historiadores, y de una ficcionalización teatral, acompañado con la voz en off de Mercedes Morán como la propia Blanca relatando su autobiografía. El director amalgama armoniosamente los diferentes registros, como un collage, dejando la marca de esos faltantes que formaron parte de la vida de Brum. No viajaré escondida se vive como un misterio a descubrir que atrapa al espectador, y por eso mismo, no conviene adelantar demasiado, como un buen film de suspenso. En buena medida hace recordar a "Yo no sé qué me han hecho tus ojos", el formidable documental sobre Ada Falcón. Y hablando de casualidades, no es casual que una de las directoras (junto a Raúl Manrupe) de aquel documental, Lorena Muñoz, luego haya hecho otro trabajo sobre el mural de Siqueiros. No viajaré escondida pondera el rol de la mujer, y se cruzan necesario puentes entre el antes y el ahora. Enarbola banderas de izquierda desde los ideales que nunca mueren, y deja bien en claro que no se puede escindir las luchas. La lucha femenina tiene también mucho que ver con la lucha de los desprotegidos, de los desclasados. Poética, potente, atrapante, inspiradora, y arrolladora, No viajaré escondinda es una de las mejores películas documentales del año. Su visión para seguir avanzando, para comprender que las luchas nunca se pierden, es obligatoria.
El segundo film de Gonzalo Tobal, "Acusada", traspasa el thriller, el drama, y el género “judicial”, para interpelar al espectador sobre nuestra propia mirada de los hechos. Eterna disputa entre el cine industrial/comercial, y el cine “de autor” ¿Pueden ir de la mano? La idea de que al público masivo hay que ofrecerle siempre el mismo producto de molde, sin mayores riesgos, prolijo y estilizado; aquello que ya se probó, funciona. Cada tanto, hay películas que se permiten desafiar esa encrucijada. Casos recientes, "Relatos salvajes", "Al final del túnel", y en menor medida "Zama" (que no respetaba tanto los cánones de un cine comercial). "Acusada", segundo trabajo del director de "Villegas", Gonzalo Tobal, entraría en ese selecto grupo. permanentemente pendulando entre una historia compleja, actual, incómoda, con un lenguaje visual propio; y a la vez, ofreciéndolo en un envase popular, de figuras reconocidas, tónica y producción del cine más industrial. Ese juego, es el mayor atractivo de Acusada, y sale ganando por goleada. No será difícil encontrar paralelismos con hechos reales en lo que cuenta "Acusada". Dolores Dreier (Mariana ”Lali” Espósito) es una joven de 21 años que, por lo que sabemos, es la principal sospechosa y única acusada del asesinato de su mejor amiga, hace dos años y medio atrás; luego de una noche en la que volvían de bailar y había corrido el alcohol junto con otras sustancias. Es el momento del juicio, y la vida de Dolores está atravesada por la mediatización y la subjetiva mirada de la opinión pública. Sus padres, Luis y Betina (Leonardo Sbaraglia e Inés Estévez) controlan todo lo que hace, segundo a segundo, qué ve, con quién se junta, qué dice, cómo actúa, todo. Su abogado, Ignacio (Daniel Fanego) es el que da las directrices de cómo debe ser el comportamiento de Dolores, mientras intenta elucubrar las estrategias que favorezcan a su defendida. En el medio Dolores, que no deja de ser una adolescente, los amigos de ella y un posible novio, el hermano menor al que los padres descuidan, la madre de la víctima; y por supuesto, nosotros, que seremos tan manipulados como los que siguen el caso de Dolores por los medios. A Tobal y Ulises Porra (que colabora en el guion) no les interesa tanto hablar del crimen en sí, como del juicio y todo lo que rodea la causa. Prescinden de flashbacks (salvo de la escena del crimen), y de hacer de la víctima un personaje más. Todo lo que sabemos, lo sabemos de boca de alguno de los involucrados, y será cuestión de creerle o no. En definitiva, Acusada nos interpela sobre cuánto de lo que vemos y creemos es real, cuánto hay de manipulación, y cuánto nos dejamos llevar por ponernos a opinar sin saber. Habla de los juicios previos, de los medios como principal alegato, de la banalización del sistema judicial, y de la necesidad de tergiversar la realidad para llegar al centro del conflicto. Hay una familia que se destruye y deconstruye a medida que se acerca el Día D, hay secretos, hay cosas que se dicen sin expresarlas verbalmente; y muchos, todos, personajes con dos o más caras. Acusada no para de arrojar interrogantes ¿Cuántas veces fuimos manipulados? ¿Qué es lo que les interesa a los padres de Dolores? ¿Está bien que Dolores quiera seguir llevando su vida de adolescente? Entre todos esos planteos, el más secundario, termina siendo si es inocente o culpable. No importa, porque el foco está puesto en otro lado, e igual querremos saberlo. Tobal esconde información y maneja los hilos sutilmente. Hay diálogos que suenan más rimbombantes y ampulosos que otros, y una tensión que va en un crescendo permanente (más allá de un pequeño y necesario estancamiento en el segundo acto para permitirse retomar vuelo sin apabullar). Hay alegorías, que a algunos les pueden resultar obvias, pero que a la propuesta le sirven, mucho, para mantener ese diálogo entre el autor y el público amplio. Hay un gran manejo del control en todos los rubros. Así como Luis, Betina e Ignacio digitan cada aspecto de la vida de Dolores y nuestra percepción; Gonzalo Tobal, digita cada aspecto de su film para que fluyan en perfecta armonía. Una banda sonora medida, no invasiva; un gran trabajo en la fotografía de la mano de un riquísimo lenguaje visual en el que debemos prestar atención no sólo a las palabras, sino a los gestos y movimientos. Por último, Tobal se luce como un artesano director actoral. Como una gran puesta de tablero de ajedrez, o teatral sin encerrarse. Cada personaje está ahí por una razón, cada escena tiene un justificativo, cada diálogo es preciso; manejando los tonos de las relaciones. Lali Espósito hace su propia apuesta. Alllí donde pudo descansar en su popularidad de estrella pop y seguir incursionando en el cine dentro de una propuesta liviana y acorde a su público adolescente. Se la juega, opta por un film para Mayores de 16 años, y un personaje que la expone como una presunta asesina, y como un lobo con piel de cordero, un puma entre la sociedad, o una inocente juzgada por un estilo de vida que no difiere del de muchos otros jóvenes, con la diferencia de que no terminan en hechos como el de ella. Juega con sus gestos, con su rictus, con su voz y su impostura, y sorprende. Si bien no es su primer trabajo, se trata de una revelación. Leonardo Sbaraglia y Daniel Fanego vuelven a demostrar sus inmensos talentos. Son anguilas en el agua, convencen en sus personajes, y logran adueñarse de muchas escenas. Inés Estévez y Gerardo Romano (como el fiscal) no logran lucirse tanto, no por falta de talento – se ven sus destellos – sino por un guion que no balancea tan bien a sus personajes, y les da menos espacio que a los de Sbaraglia y Fanego. "Acusada" tiene todo para llegar al público grande, un ritmo trepidante sin abrumar, un lenguaje directo y conciso, una perfecta dinámica e identificación con la realidad, y un excelente acabado técnico en la producción: A su vez, mantiene la mano creativa de Tobal como un autor atento y destacado, que no hace concesiones, y expone su propia óptica. Arriesgada y más profunda de lo que parece, "Acusada" toma cabeza como uno de los títulos más interesantes y logrados del cine industrial argentino en los tiempos más inmediatos.