La segunda película de Armando Bo, "Animal", transita por varios géneros para trazar una historia demasiado afectada por cuestiones ideológicas que la perjudican. Armando Bo regresa triunfante. Su ópera primera, "El último Elvis", resultó un sorpresivo éxito que lo puso en boca de todos más allá de su célebre apellido. Como guionista, su premio Oscar por "Birdman", y la firma en el anterior film de Alejandro Gonzáles Iñarritu, "Biútiful", no hicieron más que otorgarle prestigio internacional. Con esos antecedentes, Bo regresa al país para realizar su segunda película como director, una propuesta ambiciosa por donde se la mire, diferente a la sencillez conceptual de "El último Elvis". La primera observación que se desprende de "Animal" es que, por la historia que cuenta, bien podría haber formado parte del tanque de Damián Szifrón, "Relatos Salvajes". Lo suyo también será la historia de un hombre llevado hasta el límite de las consecuencias. A partir de allí, comienzan a configurarse las diferencias. El nuevo Guillermo Francella serio es Antonio Decoud, gerente de un frigorífico. Trabajador incansable, alejado de las oficinas, más cercano a los controles de calidad de la media res. Su conducta es intachable, no levanta su voz, y lleva un actuar modélico en cada aspecto de su vida, familiar, profesional, y social. La vida lo premio con una familia tan modélica como él, su esposa Susana (Carla Peterson) y sus dos hijos adolescentes (Joaquín Flammini y Majo Chicar) lo quieren y completan su armonía. Pero también lo castigó. En la segunda escena del film ya podemos ver que es víctima de una enfermedad que atacó sus riñones, por lo cual necesitará un trasplante con el tiempo. Mientras la diálisis hace efecto, y sus compañeros de internación van falleciendo, Antonio comienza un camino que lo llevará hasta zonas impensadas. Necesita de un riñón, su hijo se arrepintió a último momento de ser donante, y tiene dinero como para poder comprar un órgano (lo de tener dinero para hacerlo es un diálogo que se repite al menos seis o siete veces en el film). El mercado negro parece estar al alcance de su mano. Es así como Antonio se contacta con una pareja, Elías y Lucy (Federico Salles y Mercedes De Santis), pertenecientes a otra clase social, necesitados de subsistencia, ella embarazada. Elías le donará un riñón a cambio de que Antonio les compre una casa. Todo parece solucionado, pero esto recién comienza. Elías y Lucy verán el medio de aprovecharse de Antonio, lo harán sufrir de varias maneras mediante caprichos ilógicos, y así Antonio se irá transformando. Lo dicho, lo de Antonio es un Relato Salvaje. Principalmente, su historia hace recordar al más controversial de los cinco relatos. Aquel protagonizado por Oscar Martínez sobre un hombre que, también, decidía torcer la justicia a su modo mediante dinero. Pero allí dónde el film de Szifrón, específicamente en esa historia, optaba por no generar empatía con el personaje de Martínez, y en el mejor de los casos, mostraba cómo hay “suciedad” en todos nosotros, Bo, y su co-guionista habitual Nicolás Giacobone, ponen todo su empeño en crear una víctima sobre Antonio, o mejor dicho, dejar bien en claro quiénes son los villanos del cuento. Técnicamente correcta, con un montaje y una fotografía que pecan de exceso de preciosismo hasta el límite publicitario (¿era necesario tanto travelling?), "Animal" es un relato torpe, con elipsis continuas y decisiones antojadizas por parte de sus personajes. La idea claramente es demostrar la lenta transformación de un personaje correcto en alguien que pierde los cabales. Retomando, algo así como el Darín de Relatos Salvajes, pero aún en aquella historia corta, se ejemplificaba y justificaba mejor dicha transformación. Aún en sus 112 minutos, "Animal" resulta abrupta como manifestación de esa serie de infortunios que convierten a una persona. Antonio aguanta, aguanta, aguanta, y aguanta, hasta lo irrisorio, cuando desde la platea podemos pensar ¿por qué no toma otra decisión? No, sigue aguantando. Hasta que en un momento X no aguanta más, casi porque sí. No hay sorpresa en "Animal", todo lo que sucede es esperado, y sólo exagerado y de por más remarcado. Bo y Giacobone pretenden ponernos en el lugar del protagonista, pero más allá de que aquel parte de una mala decisión, todo lo que sucede es tan ilógico, irreal, y subrayado a trazo grueso, que se dificulta ese posicionamiento. Como dijimos, los arcos narrativos de los personajes son antojadizos, actúan de determinado modo, hasta que deciden no hacerlo más. Antonio se cansa, su hijo se arrepiente, y la parejita es jodida a un límite inexplicable. Hay claramente una cuestión ideológica tangencial en "Animal". Antonio y su núcleo pertenecen a una clase a la que jamás se juzga. Algunos secundarios muestran miserias, pero de tono más bien liviano y jocoso. Al hijo arrepentido que puede dejar morir a su padre, hasta se le crea una línea de diálogo posterior explicativa y declamatoria para justificarlo. Elías y Lucy son marginales, casi caricaturescos, capaces de esbozar toda su ideología de vagancia en frases explícitas. Buscan a toda costa vivir de arriba, son capaces de inventar lo que sea, y vivir de quien sea, con tal de lograrlo. Como si esto no fuese poco, adoptan actitudes contradictorias hasta para sus propios fines, de modo caprichoso, por el simple hecho de joder un poco más. Sí, se nota y mucho, que alguien estuvo viendo "Cabo de miedo" de Scorcese. Entre esos dos polos en los que hay gente muy bien intencionada y con conducta irreprochable; y marginales vividores per se, iletrados ufanados de serlo, y pérfidos gustosos; uno se imagina un sueño húmedo de cierto sector reaccionario de la sociedad, representado por algunos oficiales de medios de comunicación en el prime time. Más allá de estas cuestiones ideológicas, y de lo antojadizo y reiterativo del guion, "Animal" sufre de una indefinición de tono que la lleva del suspenso, al drama, al humor negro, y un absurdo inentendible en su último y muy forzado tramo. Francella repite sus nuevos mohines de actor serio, que remplazaron sus viejos mohines de comediante. No está mal, pero no aporta nada que no le hayamos visto desde "El secreto de sus ojos" en adelante. Carla Peterson luce desencajada, falta de química para con quien hace de su esposo, y nunca encontrándole una razón de ser a Susana. Salles y De Santis son buenos actores, pero sus personajes los dejan respirar tan poco, que apenas si se lucen. "Animal" es una propuesta que antepone su mensaje al hecho cinematográfico. Una bajada de línea que no deja sacar nuestras propias conclusiones, y que atenta contra un guion ya de por sí dificultoso. Una propuesta a gran escala a la cual le haría falta tener un poco más sus pies sobre la tierra.
Gestada como una tesis de alumnos en la carrera de Imagen y Sonido, "El corte" es un fresco social que impacta por su realismo y su sensibilidad a la hora de exponer problemáticas sin disfrazarlas. En el año 2014, un apagón prolongado dejó a oscuras, y en buena parte aislado, al municipio de Quilmes. Sus vecinos se vieron sumidos en una desesperación tal que recurrieron a todo tipo de recursos para subsistir. De esa experiencia surge, "El corte", un largometraje que surgió como tesis de 14 alumnos de la UBA en la carrera de Imagen y Sonido. Felizmente, ese trabajo pudo lograr su estreno en pantalla grande. Dirigida por Agustina Gonzalez Bonorino y Regina Braunstein, este origen no es algo intrascendente en la valoración de "El corte".La mirada de un grupo de jóvenes sobre el comportamiento humano es lo que más impacta en este film abocado a lo social. Las crisis sociales trastocan inmediatamente la representación cultural. "El corte" indefectiblemente hace recordar a una camada de films que se produjeron a principios de este sigo en nuestro país. Películas que reflejaban el quiebre económico y la anomia general de una población que se la rebuscaba para vivir cuando se agotan los recursos. Si bien el contexto de El corte es particular, puede ampliarse su espectro hacia otros horizontes. Una historia coral. Julia (Paloma Contreras Manso) realiza changas, está pintando y limpiando una casa deshabitada a encargo de su dueña que no aparece. Su hermano Ruben (Nicolás Goldschmidt) no tiene trabajo y es parte de una juventud que perdió el rumbo y sólo tiene como base el juntarse con los amigos del barrio. Matías (Nicolás Mateo) regresó a la casa de su madre (Roxana Berco) a la que un perro mordió la pierna, y observa con mirada ajena el devenir del barrio de su infancia. Franco (Mateo Pona Silos) aporta la mirada de la inocencia, es un niño, en preparación a tomar la comunión, que recorre la degradación de sus vecinos, y también la de su propio padre violento (Aldo Onofri). Estas tres o cuatro historias (la de Julia y Rubén pueden considerarse juntas o separadas) se entrelazan esporádicamente, como la vida de cualquier vecino, en una rutina diaria que transcurre a lo largo de los 30 días que pasarán mientras continúa el apagón de electricidad y la consiguiente precariedad de otros servicios. Julia pareciera ser quien lleva adelante buena parte del relato. Su desesperación es cada vez mayor, y veremos a su paso como, a medida que la crisis del barrio se acrecienta, su situación personal es cada vez más apremiante. De escasos 66 minutos, "El Corte" expone una realidad, no desarrolla grandes historias, su claridad estará en ubicar a sus personajes en un contexto desesperante, y expresar como las crisis externas repercuten en lo interno, como una suerte de muñecas mamushkas inversas. Bonorino y Braunstein optan por una mayoría de exteriores, sus personajes recorren el barrio, y serán sus miradas las que revelen el clima social, entre protestas y degradaciones. Paulatinamente, se desarrolla una tensión creciente que podemos palpar, estallará de modo abrupto en el momento menos pensado. Si bien "El corte" no es un film de suspenso, sus directoras manejan mediante el montaje y la fotografía un clima similar que se transmitirá en la atención del espectador por saber qué sucederá. Paloma Contreras Manso y Nicolás Goldschmidt logran una interpretaciones magistrales. Ambos nos tienen acostumbrados a trabajos actorales sobresalientes, y en "El corte" hallan personajes con capas a sus medidas. Cada palabra que sale de sus bocas, cada gesto, muestra verdad. El resto del elenco, en el que encontraremos también a Esteban Meloni como secundario, acompaña de manera acorde. "El corte" es una propuesta pequeña pero con el espíritu de una fiera, de rigor formal correcto, y con una sinceridad que se refleja en cada detalle. Logra transmitir un sensación de dura realidad, aquella que golpea, y nos convoca a actuar, antes de que sea demasiado tarde.
Propuesta atípica. "Receta para microondas" de Matías Szulanski aborda cuestiones que podrían se complicadas de un modo pretendidamente naïf y en cierta forma, bizarro. Una mujer que vive sola, que ve a los hombres como un objeto. Una mujer con pasado. En su tercer largometraje, Matías Szulanski, se perfila como uno de los realizadores argentinos con mirada más personal y atípica de la actualidad. Si en sus trabajos anteriores ya había rechazado los convencionalismos de la tradicionalidad en sus personajes, en "Recetas para microondas" le suma una puesta narrativa, por lo menos, audaz. Graciela (Verónica Intile), perfectamente podría haber sido uno de los personajes del anterior opus de Szulanski, Pendeja, Payasa, y Gorda. Quizás menos visceral que aquel trío, pero igual de intenso. Una mujer de alrededor de treinta años, que apenas si subsiste. Vive en un departamento chico, no trabaja, ni le gusta trabajar ¿Cómo se mantiene? De alguna forma a través de los hombres. "Recetas para microondas" ubica a Graciela en el centro del relato, pero no se limita a ser un film de mirada femenina. Su protagonista será el vehículo para desplegar otros personajes, mayoritariamente masculinos. Graciela mantiene amantes esporádicos, no busca ningún compromiso, pero sí tiene otras intenciones. Haciéndoles creer que está embarazada y quiere abortar, buscará sacarles dinero a estos inexpertos muchachos. Hablamos de una mujer apática, pragmática para el sexo ¿Por qué es así Graciela? Quizás se deba hurgar en su pasado. Luis (Fabián Arenillas), acaba de salir de prisión, purgando una condena por violación. Tiene otros modos, pero también muestra la apatía de Graciela. ¿Qué los une? Sí, Graciela era la menor con la que Luís perpetuó su delito, y fruto de ese hecho, nació Ramiro (Camila Saggio) actualmente al cuidado de los padres de Graciela, y creyendo que su madre es su hermana. Luís se pondrá en contacto con Graciela, para llegar a Ramiro, y ahí surgirá una de las varias aristas que despierta "Recetas para microondas". Aristas que no siempre terminan por desarrollarse en historias aparte, varias quedan dentro de la curiosa extrañeza del todo. Lo primero que sorprende del nuevo film de Szulanski es que no esquiva el escabroso asunto que maneja. Una historia de violación, una mujer quebrada que usa a los hombres, un adolescente con una identidad de género no del todo asumida (no en vano su intérprete es una actriz), y varias cuestiones que apenas quedan en actitudes o líneas de diálogos, pero que encienden una luz de alerta sobre algo que se quiere decir. Estéticamente, Szulanski, se separa del trash que caracterizó a su anterior película. Pero lejos está de optar por un sendero tradicional. Un montaje en el que predomina un fundido con un cuadro celeste azulado, música incidental de órgano, planos cerrados, y una fotografía oscura, ascética, pero suave, predominan la escena, introduciéndonos en una ensoñación vintage, casi como una telenovela naïf de los años ’80. Todos los personajes toman sangría ¿o sangre?, miran VHS’s, se comportan sexualmente borders, entre otras cuestionas más extrañas que alejan a la propuesta deliberadamente de la realidad. El de Recetas para microondas es un mundo paralelo. Szulanski crea ese imaginario en el que no juzga a sus criaturas, ni a una ni a otras, aunque algunos diálogos parezcan hurgar en los sentimientos. En esa atmósfera en la que ninguno está limpio, y la marginalidad es parte de la rutina, encontramos la tangente más cercana a sus film anteriores. Verónica Intile le aporta el tono justo a una Graciela que no genera empatía pero tampoco desencanto. Hay en ella alegatos feministas, pero como todo, fuera de lo normativo. Es un personaje difícil, al que Intile le impone su cuerpo y su decir, y sale triunfante del desafío. Fabián Arenillas se aparta de los típicos personajes cómplices que normalmente le vemos hacer en pantalla. Luís es desagradable, pero no más que otros seres de este universo. Entre todos estos elementos; sobre abundancias de máscaras de aloe vera, una suerte de homenaje explícito a Mariano Galperín (un director tan o más peculiar que Szulanski con quien trabajó en Su realidad), y regodeo por los objetos del recuerdo. "Recetas para microondas" termina creando una película que habla de muchas más cuestiones de las que se notan a primera vista. Es difícil hablar de sutilezas en un film con momentos tan bizarros, pero transitando dramas de tintes melodramáticos, mucho humor negro, y el ritmo propio de la cotidianeidad alterada; se construye una historia sobre las relaciones y la posibilidad de continuar ante hechos quiebres en cualquier vida. Recetas para microondas es más de lo que su envase ligero pareciera ofrecer.
El nuevo spin off de la franquicia Star Wars, "Han Solo", se favorece de tener entre sus firmas nombres pertenecientes al más clásico Hollywood de los blockbusters. ¿Cuánta agua corrió desde que se anunció la venta de Lucasfilm, y por consiguiente su franquicia principalísima "Star Wars", a manos de Disney? Desde el estreno de Episodio VII en 2015, transcurrieron tres films y otros productos como series animadas que ampliaron este inagotable universo. Las dudas sobre qué haría el emporio del ratón con la saga creada por George Lucas se han ido disipando y algo va quedando claro, Disney busca lucrar, como cualquier empresa, y "Star Wars" es una mina de oro. Lucas también buscó lucrar desde el principio, pero por lo menos es el padre de la criatura. Habiendo asumido esto sin falsos romanticismos, hay que decir que el Disney de "Star Wars" ha tenido altas y – por lo menos para quien escribe la primera – baja. A cómo serían los nuevos episodios, se le sumó la “controversia” de los spin off. "Rogue One" funcionó muy bien, con una épica increíble, mucho dramatismo, y probablemente la mejor escena de Darth Vader desde "El Imperio contraataca". Pero "Han Solo" es otra cosa. Ya no se trataba de la historia de los mártires que inauguraron la primera rebelión contra el Imperio, sino la historia del humano con más carisma de toda la galaxia, el (¿anti?) héroe de chicos y chicas; para colmo, muy identificado con un actor. Por suerte, "Han Solo" es bien diferente a "Rogue One". Para dejarlo en claro antes de explayarme, si "Rogue One" fue "El Imperio Contraataca" del Siglo XXI, Han solo es "El regreso del Jedi" de la misma generación. En las otras experiencias Disney de "Star Wars", el espectador ya más o menos sabía qué iban a contar. Era ir a ver en pantalla aquello que ya nos habíamos imaginado. "Han Solo" presenta ese nuevo desafío, salvo que uno sea muy lector y espectador televisivo del universo expandido de "Star Wars", Han Solo era un enigma de historia a descubrir alrededor de un par de personajes conocidos. Así, plagada de desafíos transcurre esta nueva experiencia de la franquicia. Primera parada, su historia es bien sencilla. Olvídense de las complejidades de películas anteriores de "Star Wars". "Han Solo" es entretenimiento, y todo lo que se cuenta está al servicio de ese fin. Más bien conviene verla, disfrutarla. Este Han Solo de Alden Ehrenreich (otro gran interrogante) es una mezcla de Harrison Ford con aportes propios. Sí, tiene cosas lógicas del Han de Harrison Ford, hasta le hicieron la misma hendidura en el mentón para que pueda imitar sus gestos. Pero Ehrenreich también hace suyo al personaje, le aporta un carisma propio, y cierto andar particular, no es una simple copia del original. Es más, hasta por la aventura que vive, este Han Solo no solo recuerda a ese Harrison Ford, sino al de Indiana Jones. Estamos más que nunca frente a un cazador de tesoros y básicamente de eso se trata la nueva película. Ubicada antes de la trilogía original y de "Rogue One" (hay un datito que nos dirá justo dónde se ubica en la línea de tiempo, pero si buscan que se los diga, no, sólo genero expectativa). A la aventura de Han Solo se le sumará un nuevo compañero, Beckett (Woody Harrelson, un actor que merecía su lugar en esta saga) con casi tanto carisma como Solo, unidos por la desgracia. Mediante la búsqueda y rescate de una codiciada fuente de energía, se irán presentando distintos acontecimientos que todos queríamos ver desde que vimos "Star Wars" por primera vez. Al encuentro de Han con Chewbacca (mejor que nunca) y su unión en dúo indisoluble; el otro encuentro con Lando Carlissian (Donald Glover, algo más atado a los convencionalismos pre escritos de su personaje blaxpoitation), y la conquista del Halcón Milenario. También conoceremos a su primer gran amor pre Leia, la carismática (sí, acá el carisma abunda) Qi’ra (Emilia “sonrisa indestructible” Clarke), y el nuevo androide con personalidad, hazte a un lado BB8, amen a L3-37. También tendremos a un villano, Dryden Vos (Paul Bettany), que no será de mayor importancia en la historia global, pero acá cumple su función dentro de una historia en la que el foco no es el destino sino el viaje. ¿Cuál es el mayor acierto de "Han Solo"? Contar entre sus filas con gente de la mejor época del Blockbuster hollywoodense. Luego de la experiencia Rian Johnson en Episodio VIII, que parecía haber encarado la película sin haber visto las anteriores, Han Solo pisa sobre seguro. Son conocidas las dificultades que tuvo su realización por cambio de director y guionistas. Haber optado por Ron Howard y Lawrence Kasdan (que conoce "Star Wars" casi tanto como George Lucas) junto a su hijo Jonathan, le aseguraron a "Han Solo" un ritmo de aventura clásica que la hace deliciosa. "Han Solo" posee un ritmo trepidante, emocionante, vigoroso, pero no abruma. Mantiene un primer tramo más lento, algo oscuro, para luego arrancar a todo ritmo, y se toma su tiempo para descansar y que conozcamos más de los personajes. Su poco más de dos horas, pasan volando y dejan deseos de más. No hay ni un montaje vertiginoso, ni humor canchero de referencias pop. Sí mucho humor, efectivo, del bueno, de ese que nos hace acordar a los buenos films de aventuras ¿Alguien dijo "Flash Gordon"? Su diseño de arte y vestuario, y lo colorido de su fotografía es otro de los puntos más altos. Simplemente maravilla. Han Solo se ve con los ojos de chico, invita a aplaudir, a reír, y a saltar de la butaca. Todo lo que nos despertó "Star Wars" alguna vez. Afortunadamente puede ser disfrutada tanto por fans como por recién llegados. Dejando atrás, la debatible "El último Jedi", "Han Solo" nos demuestra que "Star Wars" es material de aventura inagotable y variada. Una propuesta así, que nos recuerde por qué el cine es un gran espectáculo, es justo lo que esta franquicia estaba necesitando.
El trío Jason Reitman, Diablo Cody, y Charlize Theron se unen nuevamente en "Tully", una mirada sobre la maternidad que profundiza sobre el ser mujer pasado los 40; por supuesto, con la acidez esperada. ¿Qué rol debe cumplir la mujer en la sociedad? ¿Debe cumplir un rol (pre)determinado? La cultura moderna se encarga de derribar los preceptos instalados históricamente, de ubicar al femenino como un receptáculo de bebés, criadora de niños, y encargada de las tareas del hogar. Es una lucha larga, incansable, y e la que aún queda un largo tramo. No hace falta mirar muy lejos para observar la actualidad de nuestro país atravesada por gloriosas conquistas del colectivo feminista, el movimiento Ni una menos, y el proceso por la legalización del aborto. El cine también hace su aporte, y películas como Tully adquieren un matiz necesario desde esa subjetividad. Hace siete años, el director Jason Reitman, recurría nuevamente a la guionista de "La joven vida de Juno", Diablo Cody, en "Jóvenes adultos". Ácida comedia dramática en la que Charlize Theron desplegaba todo su talento interpretativo para interpretar a Mavis Gary, una escritora de una saga de libros juveniles, estancada creativamente, y en su vida llena de aspectos sin resolver. Lamentablemente, "Jóvenes adultos" no gozó del éxito de taquilla, ni siquiera llegó a estrenarse en nuestro país, pero de inmediato se convirtió en un film de culto y admiración. Ese mismo trío, repite en "Tully", una película que, como era de esperarse, mantiene varios puntos en común con aquella. Charlize ahora es Marlo, madre de un niño y una niña, más un tercero que carga en el vientre. Sí, a esta altura, es una carga. Definitívamente Marlo está sobrepasada. Entre encargarse de la casa y de los hijos, más un trabajo (actualmente en licencia por maternidad) que no la satisface y no sabe si podrá retomar luego del tercer hijo; tiene como para mantenerse muy ocupada. Su marido Drew (Ron Livingston) colabora como padre “en los labores del hombre como padre”, los cuales no implican ni levantarse de medianoche. Ni hablemos de ser esposo – amante. El cuadro lo completa el hecho de que Jonah (Asher Miles Fallica) presenta un cuadro de ansiedad, con el que el colegio parece no querer lidiar. Marlo se olvidó de ser mujer. Cuando el bebé finalmente nazca, su hermano Craig (Mark Duplass), de mejor posición económica, le ofrece pagar una niñera nocturna. Una mujer que se hará cargo de todas las labores de cuidado durante la noche, permitiendo que los padres puedan descasar. Que sí, que no, un buen día, como una Mary Poppins sin magia, llega "Tully" (Mackenzie Davis). Pero esta mujer joven, lo opuesto a vitalidad a Marlo, terminará no sólo ocupándose del bebé, sino siendo una amiga y apoyo, para Marlo. Probablemente la Mavis de "Jóvenes adultos" observaría con cierto desprecio a Marlo, vería en ella todo lo que no quiere ser. Es que la propia Marlo se mira con desprecio, no es feliz, pero tampoco encuentra el modo de expresarlo, más allá de una apatía cada vez mayor. Anahí Berneri ya lo había expuesto en "Por tu culpa". La maternidad, per se, no tiene por qué ser un estado de felicidad plena y absoluta que complete a la mujer. Más si por parte del hombre hay aceptación de que determinadas tareas (más allá de las lógicas físicas) corresponden sólo a la madre, y no están dispuestos a alterar su vida como sí lo hace la mujer. Pero Reitman y Cody van más allá. La maternidad es transversal, pero también son los años de matrimonio, la rutina, el umbral de los 40, y el paso indefectible de la vida sin cumplir todas las metas que nos propusimos cuando éramos más jóvenes. "Jóvenes adultos" y "Tully" se abrazan y forman una perfecta simbiosis. Con menos simpatía impuesta que la "Bienvenido a los 40" de Judd Apatow, y mucho más realista, "Tully" oscila entre el humor negro, la acidez, el drama (que puede ser muy profundo sin ser trágico), y la comedia existencial, generacional. Entre todos esos “tópicos”, encuentra un tono justo, adecuado, nada edulcorado, que nunca traiciona. Tully ofrece sonrisas, carcajadas, reflexiones, y diálogos muy punzantes. El ritmo, por supuesto es el de la marca registrada del director de "Gracias por fumar". Charlize Theron es la otra pata de este trípode. Marlo no sólo es guion de diálogos mordaces y respuesta rápida, es cuerpo y actitud, y eso es pura obra de esta actriz que puede ser la bomba de "Atómica" o la criatura opaca de "Monster". Es en ella dónde más de diferencia Jóvenes adultos de Tully. Theron e encarga de interpretarlas distinto, pero sobre todo de ponerles el cuerpo de modo diferente. No es sólo que Mavis mantenía su figura, y Marlo se ve gorda y descuidada, es un andar, una postura, y una expresión hacia el mundo exterior. Quizás el camino que ambas recorran tenga el mismo destino, pero parten de lugares distanciados. Ron Livingston, Mackenzie Vega, y Mark Duplass también encuentran su lugar de modo convincente en una historia con personajes bien delineados. De mirada actual, generacional, con momentos graciosos, dramáticos, y un sabor amargo, realista, pero no pesimista. "Tully" es otra bocanada de aire fresco para la cartelera por parte de un trío que sin lugar a dudas, debería mantenerse unido.
Una muy grata sorpresa de cartelera. "Bruno Motoneta" es un gran festejo a las películas que no se limitan creativamente por ser de tono familiar. ¿Se acuerdan del escándalo que "Re-Animator" causó en los ’80 por sus escenas de gore explícito asqueroso? ¿Y si les digo que una película infantil/juvenil argentina la homenajea? Todo es posible en el mundo de Bruno Motoneta. Pablo Parés es conocido por ser uno de los directores precursores del nuevo cine de género nacional con su mítica trilogía Plaga Zombie y la productora FARSA Producciones. De aquellas películas que expresaban el sueño de querer hacer ellos mismos las películas que veían de chicos en VHS, los FARSA pasaron a más producciones, videoclips para bandas famosas, y la secuela "100% Lucha: El amo de los clones". Ya en aquella película de 2009, habían demostrado exitosamente la posibilidad de trasladar su estilo a films infantiles. Ahora, Parés redobla la apuesta con "Bruno Motoneta", con la que claramente contó con mayor libertad creativa. No siempre el avance del tiempo es mayor progresismo y rotura de tabúes. A mediados, fines de los ’80, principio de los ’90, era muy común encontrarse con películas infantiles que tenían un pie dentro del cine de terror. El mercado del VHS le abrió un mercado de aceptación al estilo Clase B que estas películas abrazaban. Desde "Querida encogí a los niños" a "Monsters Squad", pasando por propuestas más arriesgadas como "Little Monsters", "Shrunken Heads", "Ghoulies", "Prehisteria", y hasta "Puppet Master"; todas presentaban una ambigüedad entre el terror y lo infantil. Algo que hoy en día, de modismos más light, sería impensado. "Bruno Motoneta" recoge el guante, y es imposible no pensar en esas películas al verla. Eso sí, hay que advertir que no estamos frente a un film para chicos muy chiquitos. Lo mejor es una edad a partir de los 10 años. Bruno (Facundo Gambandé que ya había sorprendido en "Cantantes en Guerra") es un chico que se encarga de los deliverys de Extraordinarios objetos, la pyme que comandan sus tíos. El tiene dos preocupaciones en su vida, entregar todos los paquetes con satisfacción, y poder salir con sus amigos. Entre sus clientes se encuentra el Dr. Marquez (Fabio Alberti), un científico que posee unas gotas capaz de revivir a los muertos, o a las extremidades de los muertos (les dije que era Re- Animator). Un buen día, la tía Elvira (Mirta Busnelli) sufre un accidente doméstico que la llevará a necesitar de las gotas de Márquez; y ya que estamos, el tío Beto (Claudio Rissi) podría resucitar a su perrito embalsamado. Tratando de solucionar el percance de la tía, Bruno llega hasta el Dr. Márquez, para así, conocer a Auxilio (Cande Molfese), su ayudante algo extraña. Los dos formarán una dupla aventuresca que terminará enfrentándose a una banda alienígena que también necesita de los gotas para sus fines. Efectivamente, el guion de Néstor Petrucelli posee la gracia desenfadada del delirio, acompañada por el desparpajo creativo visual que Parés imprime a sus trabajos. La combinación de ambos es explosiva. "Bruno Motoneta" no esconde responder a un estilo Clase B, recurre a efectos artesanales, y a una puesta visual llamativa, recargada. Pero su acabado técnico es de destacar. Una fotografía muy colorida, el montaje vibrante, y repetimos, efectos de la vieja escuela muy elaborados que resultan muy adecuados para el caso. "Bruno Motoneta" se ve muy bien. Gambandé y Molfese son una dupla que se conoce desde los tiempos de la exitosa serie "Violetta", la química entre ellos es excelente, y ambos cumplen con la frescura y la soltura para la comedia. Los secundarios son un punto alto a destacar, Busnelli y Rissi son simplemente brillantes, con un histrionismo mágico. Esteban Prol y Brian Bulley como un dúo alien muy bizarro también están a la altura de la propuesta, y hasta se permiten homenajear a "Critters" y "Pesadilla 6". Por último, se recupera al cómico Fabio Alberti y a la Divina Gloria madonnesca de los ’80 (cada una de sus participaciones como una curadora de arte a lo Marta Minujín/reina del pop son maravillosas). Destacamos aparte a Vic Cicuta, un actor muy asiduo al estilo Parés, quien se luce como un crítico de arte de frases filosas. "Bruno Motoneta" es pura diversión, sus únicos puntos débiles, serán dos o tres diálogos, en los que recurre a un humor burdo fuera del tino general del film. Por el resto, es una película que irradia alegría, que permite ser vista con una amplia sonrisa desde su inicio hasta el final. Desenfadada, irreverente, graciosa, y muy original para estos tiempos, se define como una propuesta puro corazón, corazón por el cine de género.
Apoyada en una gran actuación de María Canale, "Respirar" de Javier Palleiro es una película tan profunda como necesaria para plantear temas en la sociedad actual. El cine no es ajeno a las coyunturas. La actualidad más de una vez se ve atravesada por el séptimo arte que actúa como un espejo de lo que debe discutirse. Este 2018 despertó a la sociedad argentina con un fuerte debate (que ya viene planteándose desde hace muchos años) sobre la legalidad del aborto. Hace semanas llegó a la cartelera Invisible, el inspirador film de Pablo Giorgelli, Ahora llega el estreno de "Respirar", co-producción argentino-uruguaya, del uruguayo Javier Palleiro que vuelve sobre la misma temática, aunque dentro de una esfera mucho más amplia. El contexto es diferente al nuestro. Estamos en Uruguay, donde el aborto es legal en todos los casos, pero la mujer debe pasar por todo un proceso previo de consultas con especialistas y un período adicional para tomar la decisión definitiva. Eso será lo trascendental en Respirar, la toma de esa decisión. La excelente María Canale es Julia, una mujer que atraviesa la crisis de los 30, y lo hace como puede, sí, a los tumbos. Llegó a esa etapa de la vida en la que creemos que ya todo debe estar más o menos establecido, que debemos tener las raíces de lo que será nuestra vida de aquí en más. Cláramente los que ya cruzaron ese umbral saben que no siempre es así. Pero Juli vive en su caos. Nada es estable alrededor de ella. Va y viene con su pareja, no tiene estabilidad laboral, y tiene proyectos que no concreta. Sufre las presiones de una familia que parece comprensiva pero no deja de ser regla, y un círculo de relaciones complicadas. Para cerrar el círculo, una serie de pesadillas en las que se ahoga (tienen que ver con deseo de ser buzo) lo aquejan permanentemente. Y claro, en el medio, en el centro, está su embarazo, y su deseo de no tenerlo ¿Puede tomar esa decisión? En su ópera prima, Palleiro opta por un tono intimista, cercano, taciturno, que puede parecer dificultoso para quienes aspiran a un cine con otros tiempos más veloces. Pero que sin dudas, son los adecuados para "Respirar". El timing buscado, en conjunto con la elección de planos y fotografía, nos habla de un cine de sensaciones y sentimientos, Palleiro pretende que acompañemos a Julia a través del momento que transcurre, que la veamos sentir en la pantalla. Para ese objetivo, cuenta con los elementos adecuados, un guion preciso que parece disperso, pero en realidad no se pierde, secundarios logrados a cargo de Esteban Bigliardi y César Bordón, y sobre todo un protagónico atrayente como el de Julia, a la que maravillosamente María Canale le pone todo su ser. Es que en realidad, Respirar no es una bajada de línea sobre el aborto, habla de un período universal de la vida. Plantea cuestiones como las pérdidas, la necesidad de un centro, y las imposiciones afectivas. En medio de esto, se ubica un embarazo no deseado. Respirar habla de un cine comprometido. Interpela al espectador, y expone en primera persona una cuestión primordial del debate sobre la legalización del aborto, no es una decisión fácil, ninguna mujer va a abortar feliz. Por estas cuestiones, por la franqueza con la que habla, y por sus valores como película, Respirar se convierte en una gran propuesta de cartelera.
Haciendo su aporte al gran momento que atraviesa el cine de género en nuestro país, "Aterrados" de Demián Rugna, es una apuesta al terror más puro y escalofriante. Nadie podría pensarlo. Hace apenas una década o menos, hablar de una película de terror en nuestro país, era encontrar un oasis en el desierto. "Aterrados", la nueva película del director de "The Last Getaway", viene a colocarle un broche de oro a lo que viene siendo un tiempo maravilloso para hablar de horror autóctono en la cartelera. Hace ya un par de años que las producciones aumentaron en cantidad, y los más importante, en calidad. Y ahora, este 2018 nos encuentra diciendo que estamos frente al quinto estreno de ese género en estos primeros cinco meses ("No dormirás", "Necronomicón", "Los Olvidados", y "Luciferina", son las anteriores) ; todas películas diferentes entre sí, con diferentes niveles de producción, todas muy valiosas y aprobadísimas en lo suyo. Y eso que excluimos del conteo algunas que tratan al terror tangencialmente como la muy recomendable El sereno y Lucy en el infierno. Aterrados viene recorriendo un camino increíble, y no es para menos. Desde sus primeras pasadas en festivales como el de Mar del Plata, Buenos Aires Rojo Sangre, Blood Window Pinamar, Sitges, Mórbido, FrightFest, o BIFFF, los comentarios son solo elogiosos; y se corrió el más que fundado rumor, "Aterrados" es la película de terror argentina definitiva. ¿Por qué semejante calificativo? Luego de tres películas como "The Last Getaway", "Malditos Sean! "(en conjunto a otro gran realizador como Fabián Forte), y la aún inédita comercialmente (a ver cuándo encuentra lugar esta otra desopilante joya) No sabés con quién estás hablando, Rugna modifica su estilo en el que perfectamente conjugaba el cine de género (terror, acción, o policial) con el humor negro, paródico y bizarro; por un tono clásico, seco, serio, y absolutamente aterrador, valga la redundancia con el título. Todo comienza en un típico barrio de suburbano. Una pareja (Agustín Rittano y Natalia Señoriales) escucha ruidos extraños, de pronto, veremos cómo uno de ellos culmina en una reacción inesperada y pavorosa. En el mismo barrio, el vecino de al lado (Demián Salomón), también es acosado por ruidos permanentes, y una presencia extraña; y Alicia (Julieta Ballina), la vecina de en frente, sufre la pérdida de su hijo trágica y confusamente. ¿Creían que todo terminaba ahí? No, esto recién empieza, faltan varias desapariciones abruptas, y algunas reapariciones no tan felices. El guion, también a cargo de Rugna, se encarga de fragmentar la historia, hacer juegos de campo, espacio y tiempo. Así, se estructura en dos “segmentos”. Por un lado, los hechos paranormales sufridos por los vecinos, a cargo de unos seres espectrales que pueden salir de donde menos los esperamos. Por el otro, la investigación policial liderada por el inspector Funes (Maxi Ghione). Funes, que se relaciona directamente con el caso a través de su ex pareja Alicia, contará con la ayuda del forense Mario Jano (Norberto Gonzalo), y dos exponentes del saber sobrenatural, la doctora Mora Álvarez (Elvira Onetto), y e Doctor Rossentock (George Lewis). La investigación irá tomando forma, hasta llegar a la clásica exploración de campo, en la que todos los personajes deberán pasar una noche encerrados junto a estos seres con pérfidas intenciones. Si creen que conté demasiado, no se preocupen, Aterrados tiene mucho más para ofrecer. Este modo de estructutar entre la historia de las víctimas, y la investigación que deriva paranormal, claramente nos remontará a Insidious – La noche del demonio. Sin embargo, Rugna pisa fuerte allá donde la dupla James Wan – Leigh Whannell flaqueó. En aquel film de 2010, el drama de la familia protagónica que veía cómo su hijo era utilizado como canal interdimensional, dejaba lugar a una cacería a cargo de un grupo de cazafantasmas con tintes cómicos y relajados,, cambiando el tono del film totalmente. Rugna, por otro lado, mantiene un ritmo constante, siempre en ascenso, apretando las clavijas allí dónde hay que ajustarlas, y no dejando lugar para la parodia. Como espectadores nos aferramos a la butaca de la tensión, y podemos ser víctima de varios sobresaltos adecuados, nunca traicioneros o propios del falso jump scare. Demián Rugna hizo una de terror en serio. Con un acabado técnico riguroso, que prescinde de grandes artilugios, y vuelve al horror más básico, apoyado en una potente banda sonora, y monstruos que realmente causan espanto; Aterrados se destaca también por ubicarse a la par de varias producciones clásicas a las que homenajea pero no imita. Podemos ver indicios de "Poltergeist", "The Changelling-Al final de la escalera", y hasta "El exorcista"; pero no se siente como copia menor, sino como inspiración y actualización; tal como debe ser. Otro gran y definitivo acierto son los personajes. Las víctimas sufren y trasladan el dolor y la desesperación a la platea. Los encargados de la investigación se ven como personajes reales, bien argentinos y puteadores sin caer en el exagerado ni pisar el neutro. Todo esto, obra del guion y de las interpretaciones logradas en su conjunto. Mención aparte para Elvira Onetto, puro carisma y compromiso para un personaje de esos que pasan al recuerdo de la historia del terror. La doctora Móra Álvarez es pasión. Demián Rugna da un paso definitivo dentro de los grandes realizadores de terror con "Aterrados", una película que sólo el tiempo dirá pueda cumplir su destino de clásico del género. Elementos elogiosos le sobran.
Siguiendo la historia de la mítica banda El Reloj, "Alguien más en quien confiar" de Matías Lojo y Gabriel Patrono, repasa de forma entrañable gran parte de los mejores años de nuestra música under. El llamado documental musical ha hecho escuela descubriendo las mejores historias detrás de lo que se esconde en los escenarios. Con una mirada más ajena o más personalista, permite visualizar a la persona detrás del músico. "Alguien más en quien confiar", además, le suma a estas características ampliar su mirada hacia un repaso histórico sobre un buen pedazo de la historia del rock. Reveer los años que fueron y que difícilmente vuelvan a ser como aquellos. El reloj fue una banda rosarina de rock pesado, formada y liderada en 1971 por el bajista Eduardo Frezza y el guitarrista Fernando Gardi, Willy. Con fuertes influencias de rock sinfónico, su mito dentro del ambiente es inmenso; considerándose pioneros del hard rock y hasta de la inclusión del heavy metal posteriormente. Lamentablemente, esta movida under no trascendió a las grandes masas; por lo cual el reloj no logró alcanzar una popularidad masiva por fuera del cerco del habitué clásico. En este sentido, "Alguien más en quien confiar" (título de una de sus canciones más conocidas), logra traspasar esa barrera, y permite no ser sólo un homenaje para entendidos, sino un modo de descubrimiento a los tardíamente llegados. No es fácil captar el interés en un documental musical de un posible espectador que desconozca la historia y hasta el nombre de la banda homenajeada. "Alguien más en quien confiar" lo logra, mediante recursos narrativos válidos y hasta novedosos. La historia de El reloj parece bastante particular, sin embargo, es probable que en muchas otras bandas se repitan varias características. Es una historia de idas y vueltas, de subidas y caídas, de finales, regresos, y nuevos comienzos; de alegrías y muchas tragedias, ¿por qué no? es una historia de superación. Por lo menos eso es lo que nos transmiten el dúo de realizadores. Matías Lojo es conocido por ser uno de los directores junto a Pablo Marini, de esos hermosos homenajes a los ’80 como 2 Locos en Mar del Plata y Masacre Marcial IVX. Gabriel Patrono tiene en su haber "Blues de los plomos", bellísima carta de amor a la trastienda del rock. No podría existir mejor unión para esta "Alguien más en quien confiar". El documental se mira con nostalgia y respeto; un total conocimiento sobre la temática que están abordando, y sin duda alguna, pasión sobre lo que hacen. Más allá de las correcciones técnicas que le permiten un lenguaje visual muy llamativo y dinámico, como una línea de tiempo real; en Alguien más en quién confiar lo que se palpa es la pasión en el armado del material. No hay ni intenta tener una mirada fría, distante y objetiva, sus realizadores están convencidos de estar hablando de una de las bandas más grandes del rock autóctono; una que se merece un debido homenaje a su altura, y así terminan convenciendo al espectador. Con un material de archivo riquísimo, el traspaso nunca decae, permanentemente captura la atención. El reloj pasó por diferentes etapas y formaciones. Lejos está de haber sido un camino sembrado de rosas sin espinas. En cada uno de sus intentos de regreso, la banda fue mutando, quizás intentando recuperar un tiempo, una historia, una mítica, que será difícil recuperar tal como fue. Es en esa mirada desde la posmodernidad, expuesta por los mismos entrevistados, que "Alguien más en quien confiar" crece y expande las fronteras de la banda citada. Habla de otras cuestiones, y nos puede llevar a alguna reflexión. Realizada desde el cariño y el respeto, con una lograda edición de archivo y entrevistas, sumado a una lectura visual potente, esta cinta de Matías Lojo y Gabriel Patrono es mucho más de lo que se muestra, y permite más de una lectura sobre una banda que sí, merecía tamaño homenaje.
Basada en el best seller homónimo, "Yo soy Simon", responde a un típico coming of age actual. Pero falla a la hora de contradecirse en sus planteos. Cuenta la “leyenda”, que allá por 1943, cuando se estrenó el clásico argentino "Safó, Historia de una pasión"; en realidad, su director, Carlos Hugo Christensen, estaba queriendo encubrir la historia de una relación homosexual, imposible de ser llevada al cine en esos momentos. Por suerte, los tiempos han cambiado, y hoy en día, el cine de temática LGBTIQ está más vigente que nunca, con propuestas de todo tipo que atraviesan los géneros y subgéneros más diversos. (Casi que) no quedan tabúes por vencer en el séptimo arte respecto al amor o sexo entre personas del mismo sexo. "Yo soy Simón", de alguna forma, es deudora de esta apertura. Una película de un estudio grande, dispuesta a convertirse en un gran éxito, con un target de audiencia masiva como el joven, y con un personaje gay como protagonista central. Todo sería para celebrar… hasta que la película comienza, y en segundos nada más, la voz en off de Simón (Nick Robinson), nos hace dudar de haber celebrado. Basada en el best seller "Simon vs. the Homo Sapiens Agenda" (traducido acá con el mismo título de la película) de Becky Albertalli, "Yo soy Simón" cuenta precisamente la historia de Simón, un adolescente común, como vos, como yo, como cualquiera… salvo que tiene un gran secreto, es gay. Pongamos el freno. Esto es casi textualmente lo que nos dice el protagonista en off como primera frase, aún antes de verle siquiera la cara. Una persona común pero gay; repito, PERO gay. Básicamente de esto tratará toda la película. ¡Ay! Simón no se animó a contarles de su “condición” a su grupito de amigos del colegio compuesto por Leah (Katherine Langford, la suicida de "13 reason why"), Abby (Alexandra Shipp), y Nick (Jorge Lendeborg Jr.). Menos que menos, se animó a decirles a mamá psicóloga Emily (Jennifer Garner), papá apenas homofóbico Jack (Josh Duhamel), y la hermanita aprendiz de chef Nora (Talitha Bateman). Todo iría más que bien, hasta que una serie de hechos comienzan a suceder, todos juntos. Primero, hay un blog escolar en el que los chicos divulgan chismes anónimos. Allí, aparece un chico, apodado Blue, que relata estar en la misma situación que Simón, es gay y no se anima a salir del closet. Hay un gay, hay otro gay; listo, tienen que enamorarse, aunque sólo se escriban y nunca profundicen demasiado. La película no necesita más que saber que los dos son gays para enamorarlos. Hay otro chico gay en la escuela, pero como es más abierto y es afeminado, no sirve, no es amigo de Simón, es sólo decorado. Segundo, un compañero de Simón, Martin (Logan Miller) está enamorado de Abby, aunque esta no le presta mucha atención, porque Martín es muy nerd y porque Abby y Nick son los dos afroamericanos y entonces tienen que estar juntos. Simón va a chatear con Blue a la biblioteca del colegio y se olvida Gmail abierto, Martin va después de Simón, se entera de todo y chantajea a Simón con que este haga cualquier cosa para que Abby se fije en él, sino todos sabrán el secreto de Simón. Estos son los dos caminos por los que transita "Yo soy Simón", por un lado, el protagonista tratando de descubrir quién es Blue, y topándose con varios chicos que insinúan poder serlo del modo más ambiguamente gay posible. Por el otro, Simón tratando de tapar su sexualidad cumpliendo los deseos de Martin, aunque tenga que vulnerar a sus amigos. Dirigida por Greg Berlanti, con más experiencia como un mecenas de la TV, que como director (cuenta en su haber con otro cliché en forma de largometraje llamado Bajo el mismo techo), "Yo soy Simón" es un film técnicamente prolijo. De ritmo sostenido, con un tono liviano de comedia, personajes que intentan ser comic relief como el director, la profesora de musicales (convenientemente lesbiana), y Martin – tres personajes mucho más interesantes que Simón y que merecen su film aparte –, y un protagonista carismático. No hay mucho que reprochar de "Yo soy Simón" como película en ese aspecto. Pertenece a un grupo de films de una era post Nicholas Spark. Aquella que adapta best Sellers juveniles de tono romántico y coming of age, como "Bajo una misma estrella", "Ciudad de papel", "Todo Todo", o "Yo antes de ti". También hay mucho de la serie "Glee" (incluido un musical sacado de la galera y muy ofensivo) o "13 reasons why" -más allá de la Leah y otro actor más –. Hasta podríamos decir que es mejor que aquellas al no apostar a golpes bajos ni un tono pretendidamente dramático, melancólico, edulcorado. El asunto es el mensaje que deja a la generación a la que va dirigida. El colegio es burdamente variopinto a lo United Color of Benetton (incluído los colores que usan). No hay clase humilde, ni gente “fea”; el protagonista no solo maneja su auto para ir al colegio, es una van familiar. Todos tienen buenas intenciones, aun los que cometen actos errados, como Martín. Permanentemente se baja sentencia sobre lo que está bien o está mal, y hasta es capaz de juzgar abiertamente a Martin (por favor, rescaten a ese personaje y denle una mejor película para él, lo amamos) por cómo se viste y por sus gustos nerd vintage. En este punto, las películas de John Hughes recaían en los mismo; pero pasaron más de treinta años. Las escenas están plagadas de clichés, y hasta llegan a decirnos con beneplácito cómo debe vestirse y actuar un gay; o acepta con gracia los chistes homofóbicos de Jack por el sólo hecho de que no sabe que su hijo es gay. Para una película que promulga el ser aceptado por como uno es, se ve con bastante soltura el no aceptarse. Nick Robinson le aporta frescura a Simón, pero el personaje es sólo definido por ser gay. Nos dicen que es común, normal (¡Ayyyyyy!), pero que es especial, por ser gay (¡Noooooo!). Lo mismo sucede con el resto de los personajes, todos simpáticos y alegres, pero definidos por el puro cliché de guion y funcionalidad alrededor de Simón. Por último, más anecdótico, el misterio alrededor de Blue, es bastante obvio, aunque lo disimulen. Cuando "Secreto en la montaña" se presentó como EL film LGBTIQ en 2005, varios sentimos que en realidad se trataba de un film timorato, pacato, a la medida de un Hollywood que quería ser inclusivo, pero solo un poquito (lo que pasó en la ceremonia de los Oscars de esa temporada nos dio la razón). Yo soy Simon transita el mismo camino, es una carta de presentación masiva al ser aceptado… pero no se olviden que siguen siendo especiales, son comunes, pero con la marca rosa impregnada.