Esta no es la guerra de la que nos hablaron. Cuando nos hablan de películas bélicas probablemente pensemos en grandes despliegues, grandes escenarios, y un elenco numeroso interactuando en medio de ese conflicto que involucra naciones. Ninguno de estos tres conceptos los vamos a encontrar en QTH, segundo film nacional en el año en tratar la Guerra de Malvinas. Con algunos arreglos, QTH podría ser tranquilamente una obra de teatro. Cuatro personajes, soldados, un espacio acotado, y un clima más bien intimista; y sin embargo habla abiertamente de la guerra, de nuestra guerra. Basada en una serie de comunicaciones reales producidas durante ese período, QTH se ubica dentro de un destacamento en el Canal del Beagle a inicios de la Guerra, cuando se creía que no habría respuesta por parte del Reino Unido a la intervención militar que el ejército argentino realizó sobre la tierra de las islas. Dos soldados marinos novatos en el Servicio Militar, uno porteño y otro tucumano, se encuentran bajo el mando de un Suboficial. La relación es tensa y con principios déspotas, propia del rango de milicia. Están ahí, dicen, “por las dudas”, para defender la zona, porque desconfían de un contrataque. Pronto aparecerá un cuarto personaje, un Cabo. Pero ese contrataque llega, y estos personajes quedarán aislados, sin una respuesta clara, y a la espera de una ayuda desde la base central. Las relaciones se irán resquebrajando y aflorarán personalidades diferentes. La filmografía de Tossenberger: Tossenberger tiene antecedentes en su cine de tomar hechos y causas reales y construir alrededor de ello un contexto de ficción. Lo hizo con la caza de ballenas en Gigante de Valdés, la situación habitacional de los internos del Hospital Borda en Desbordar, y lo vuelve a hacer acá. De alguna forma, sus películas pesan más como testimonios que como producto fílmico; y aquí radica el problema. QTH desnuda otra cara de la locura tiránica de la junta militar que nos gobernó hasta octubre de 1983, traslada esa sensación de desamparo y desesperación sufrida por este minúsculo grupo de personajes perdidos en un lugar solitario. Pero el desarrollo ficcional, a la hora de armar una historia alrededor de eso, presenta algunas fallas. Un desnivel interpretativo: El ritmo nunca termina de arrancar, el tono se estanca, y se siente un desnivel interpretativo. No hay dudas de que Osqui Guzmán es un todoterreno interpretativo, un actor de base teatral, formado en el independiente, y al que vimos componer todo tipo de personajes. La forma en que le pone el cuerpo al Suboficial, los diferentes matices con los que lo arropa serán lo mejor de la propuesta, más allá de alguna sobreactuación histriónica inevitable cuando deba demostrar su poder con sus súbditos. Jorge Sesán (como el Cabo) no cuenta con el suficiente tiempo en pantalla para desplegarse, pero en sus intervenciones convence. Gonzalo López Jatib y Juan Manuel Barrera, los dos soldados pertenecientes al Servicio Militar, son los que más sufren las consecuencias de estar donde no deberían estar. Claramente el peso protagónico recae en ellos. Ambos actores parecieran contar con pocos lineamientos para componer, y dan como resultado un peso poco convincente. Hay algunos detalles en el guión que no terminan de despegar o aclararse, y estos dos personajes quedan con poco espacio al que referirse. Conclusión: QTH es un film de buenas intenciones, con el no menor mérito de hablar de una guerra desde un lugar poco común. Se apoya en los escenarios naturales, y sabe hacer uso de recursos limitados. Sumado a la arrolladora interpretación de Osqui Gúzman, pudo ser un cuadro realmente prometedor. Lamentablemente no todos los elementos se encuentran al mimo nivel.
La cara oculta del rock. Dice el dicho que detrás de todo gran hombre, hay una gran mujer. En El club de los 50 la máxima a aplicar sería que detrás de toda estrella del rock, hay grandes músicos que la respaldan. Artistas que más de una vez se ocultan en las sombras, que quizás son nombres lejanamente familiares, pero no gozan de esa masividad de las estrellas; cuyos rostros a veces desconocemos, y son celebrados dentro del séquito de cultores del rock. Sergio “Cucho” Costantino le dedicó trabajos documentales a Miguel Abuelo y Federico Mouras, líderes de bandas icónicas, legendarias, íconos de nuestro rock. Ahora, parece mirar al bosque detrás del árbol y posa su mirada sobre quienes se ubican detrás, sobre esos músicos que siempre están, y que atravesaron gran parte de la historia rockera vernácula. Claudia Puyó, Willy Crook, “El Vasco” Bazterrica, Cuino Scornik, Ica Novo, y Tito Losavio, son los nombres que aparecen en este documental. Todos ellos formaron parte de bandas estelares o fueron músicos soportes de distintas estrellas. De algún modo opacados, de algún modo con luz propia. Costantino sigue sus historias por separado, los observa y entrevista, y los hará confluir en un punto en común. De música, industria y otras yerbas: Estos seis músicos harán un repaso por los temas más “candentes” del mundillo rockero. De sus bocas saldrán frases sobre la tradición y los ritos; sobre la fama, su peso, su paso y su ausencia; sobre la industria musical; sobre el estar y no estar; sobre el músico y su público, entre un enorme etcétera. Todo con el particular toque que ellos pueden otorgarle. Está claro que los destinatarios de este trabajo serán quienes conozcan a estos artistas y quieran saber algo más de sus vidas y sus opiniones, no hay necesidad de prólogos o introducciones a modo de presentación para recién llegados. Pero esta estructura de entrevistas y pareceres otorgadas a un púbico que ya los conoce, no es impedimento para que Costantino innove a la hora de presentar el documental. Por supuesto que, si hablamos de música, esta se siente y no puede faltar, habrá momentos, a modo viñetas, de zapadas y archivo poco conocido; esos momentos que hacen que estas películas quieran ser atesoradas por los fanáticos. Su estética también es llamativa, de tonalidades blanco y negro, con un montaje ágil, y algunas animaciones para cerrar ese espíritu entre juguetón y rebelde de estos músicos que, como su título lo indica, ya pasaron los cincuenta y aun fuera de la masividad se mantienen vigentes. Conclusión: El club de los 50 es mucho más disrruptiva desde la imagen que desde la presentación de las historias que presenta. De gran disfrute para melómanos, Sergio “Cucho” Costantino, plantea una postura y deja que sean sus protagonistas los que se adueñen de su película, imprimiéndoles sus sellos personales. Algunas opiniones o abordajes inteligentes terminan por redondear un documental diferente aún dentro de su subgénero.
De Rusia con terror. El cine ruso mantiene una larga tradición con el cine de género. En él podemos encontrar desde emblemáticas cintas animadas y/o infantiles, adaptaciones de cuentos clásicos; hasta joyas ocultas (y no tanto) del cine de ciencia-ficción. Si algo caracteriza a este país en la frontera entre Oriente y Occidente, es su particular visión artística: intensa y recargada, sea desde lo arquitectónico, lo pictórico o lo musical. En el cine también mantiene una propuesta en este estilo. Sus filmes de género suelen llevar el emblema de experimental; desde las temáticas, pero más aún desde lo estético, de las puestas y las técnicas utilizadas. El cine de Podgayevskiy –de quienes algunos quizás recuerden Queen of Spades del 2015– nos trae una propuesta más tradicional, cercana al terror que nos propone Hollywood en sus formatos estándares, aunque manteniendo el sello de su origen en el tratamiento oscuro y tenebroso de algunas cuestiones que en otras manos hubiesen sido más lavadas. Fotos del alma: El guión es sencillo y comienza con una historia de hace mucho tiempo a modo de prólogo. Un fotógrafo acaba de enviudar. Desesperado por la pérdida, intenta practicar un rito para traer el espíritu de su amada de regreso. Determinadas circunstancias hacen que el ritual quede truncado, a mitad del proceso. Inmediatamente nos trasladamos al presente y conocemos a Nastya (Viktoriya Agalakova), una chica joven que acaba de casarse intempestivamente con Iván (Vyacheslav Chepurchenko), desoyendo a quienes le dicen que hace poco se conocen y que casi no sabe nada de su vida pasada. Por eso, deciden irse -como suerte de Luna de Miel- al pueblo de la infancia de Iván; todo para que una vez allí comiencen a sucederse los sucesos extraños. Sí, adivinaron. Ivan es descendiente de la familia del fotógrafo. Nastya conocerá lo que queda de aquella familia sin saber el secreto que ocultan. Un alma capturada: La que parece llevar las riendas es Liza (Aleksandra Rebenok), la hermana de Ivan, con dos hijos pequeños. Nastya entra de inmediato en una buena relación con Liza, en medio de ese pueblo de tradiciones antiguas y colores opacos, como si el tiempo se hubiese detenido ahí. Sin embargo, comienzan a ocurrir accidentes sin explicación, la conducta de todos es errática, y hasta Iván empieza a no ser el de antes, hasta prácticamente desaparecer. El control de situación de Liza es evidente. Claro, hay una leyenda que nos dice que al sacarle una foto a un cadáver reciente, se captura el alma en ella. Por eso, los fotógrafos dedicados a eso, le dan a la familia del muerto una foto del cadáver a modo de mantener con ellos su alma. Esta técnica existe y es lo que lleva al afiche a decir que La novia está basada en hechos reales. En la familia de Iván hay una de esas fotos, pero hay algo más… y es lo que Nastya deberá descubrir. Un cuerpo para mi mujer: La novia comienza con esta premisa lo suficientemente original. La idea de estas fotos que capturan el alma es un puntapié interesante para un conflicto a desarrollar en una película de terror. Pero planteado este esquema, el desarrollo opta por caminos mucho más tradicionales. Si bien se intenta mantener algo de sorpresa, todo lo que irá ocurriendo es obvio y no genera mayor asombro. Se sabe desde el principio que la familia busca un cuerpo joven para el ente que habita ahí dentro y los tortura con su presencia. Así, Podgayevskiy opta por los recursos habituales del género: golpes de efecto, ritmo altisonante, una puesta más bien medida pero con recursos en una fotografía ocre que inspira temor, tintes de drama, y el clásico enfrentamiento entre la protagonista cándida y el entorno oscuro. Salvo que esta vez, esos recursos ya gastados funcionan más o menos bien. Conclusión: Svyatoslav Podgayevskiy presenta en La Novia una historia que pudo haber permitido entregar mucho más de lo que termina ofreciendo. Con todo, cierto rigor formal y un uso correcto de esos elementos ya conocidos, termina por redondear una propuesta aceptable si se adentra con pretensiones moderadas.
La ópera prima de Alberto Romero, "Carne Propia", desdobla el género documental para hablarnos de todas las circunstancias intermedias en la costumbre de consumir carne. Para un público acostumbrado cada vez más a la adrenalina en pantalla, hablar de documentales significa, en su cabeza, tener que ir a ver algo sin relato ni ritmo de narración. En los últimos años, fueron apareciendo otras propuestas, que se valen de los mecanismos propios de la narración de ficción para traernos documentales que le escapen a esa estructura básica que todos conocemos de las entrevistas, la observación, y el archivo complementario. "Carne Propia" se inscribe en un punto intermedio de estos dos extremos. No rehúsa de los testimonios y se vale fuerte del material de archivo, pero lo enmarca en medio de un entorno de cuasi ficción narrativa. ¿De qué va "Carne Propia"? Del consumo de carne. Algo tan arraigado en las costumbres culinarias de nuestro país, y que mantiene un trasfondo quizás oculto para la mayoría de quienes puedan asistir a verla. No, no es un documental del estilo del polémico Earthlings o similares. No se vale del morbo para establecer una postura en contra del consumo de carne y el maltrato animal… aunque probablemente algo de eso termine habiendo. Su carril está más emparentado con el reciente trabajos de la dupla Cohn-Duprat Todo sobre el asado, aunque, por suerte, de un modo menos burlón y estigmatizante, sin perder la chispa. También es imposible que en determinados tramos no nos haga acordar a la maravillosa El Patrón, Radiografía de un crimen, y sus denuncias detrás del producto en carnicería. El actor Arnaldo André le presta su voz a un toro Aberdeen Angus, una de las razas más populares en cuento al consumo de su carne. Este toro va camino a su destino final, el matadero, y el trayecto será la voz guiadora de este trabajo, repasando su vida y así la historia detrás del mercado de carne vacuna. El toro recordará sus días de estancia, su paso como campeón en la Sociedad Rural; y de algún modo, como si fuese el Forrest Gump de los toros, se ubicará en distintos hechos históricos relacionados a la materia. Habrá un repaso socio-histórico-político, se hablará de los frigoríficos recuperados mediante el testimonio de un caso puntual, y entrará al archivo para remontarse a sucesos que todos recordamos intentando darle una nueva mirada; sumado al paso por un pueblo atravesado por la producción. En definitiva, lo que propone Romero (quien también participó en el armado de "¿Quién mató a Mariano Ferreyra?") es un repaso del comportamiento humano, de los acontecimientos históricos en la lucha trabajadora, vistos desde el animal que será parte del producto a comercializar. Todo se sigue con interés, la implementación de estas técnicas narrativas, sumadas al humor negro que propone, ayudan a que se cree un ritmo muy atractivo. Por otro lado, ese contexto ficcional, en determinados momentos juega en contra del proyecto documental, se ofrece una mirada algo superflua sin profundizar en determinaos puntos que hubiese sido interesante focalizar, y no se amalgama del todo bien; algo similar a lo que sucedía en "¿Quién mató a Mariano Ferreyra? " "Carne Propia" es una propuesta atractiva, que ahonda en una temática interesante y trata de innovar en sus formas. Lo logra, aunque una mirada más atenta la hubiese favorecido.
La ópera prima de Miya Hatav, Entre dos mundos, presenta un drama hondo e intimista con un espíritu optimista que puede emocionar. Aunque el tratamiento estándar de un tema ya conocido no permite un desarrollo mayor. El conflicto entre árabes e israelíes fue tratado por la ficción de todos los modos posibles, y otorgando los resultados más diversos. Cine, teatro, literatura, televisión, documentales o ficcionales, ningún formato quedó afuera de esta temática actual y preocupante. Especialmente el cine israelí lo ha abordado infinidad de veces, aun variando de géneros, demostrando ser un tema inabarcable y en el que siempre se puede encontrar una arista nueva. Entre dos mundos vuelve a revisitarlo, y lo hace apostando al drama intimista de tono familiar emotivo. Un joven de 25 años, Oliel es una de las víctimas de un atentado terrorista, lo que lo lleva a quedar internado en grave peligro. Ahí, en ese hospital de Jerusalén, se hace presente Bina (Maya Gasner), la madre de Oliel, hace años distanciados por las decisiones de aquel de no continuar con las tradiciones. Ahí se encontrará con Amal (María Zreik), una mujer que supuestamente cuida de otro hombre. Entre ambas nacerá una unión de apoyo mutuo. Pero hay algo de Bina no sabe, Amal no cuida de otro enfermo, es la novia de Oliel, que debe ocultarse por su condición de árabe. armó una suerte de micromundo alrededor de estas dos mujeres, a tal punto que Entre dos mundos funciona, aun aireada, casi como una obra teatral entre estos dos personajes. Los escenarios varían, y aparecen más personajes, pero siempre se converge en ese hospital suerte de punto de encuentro y conflicto, y en la visión de estas dos mujeres sobre algo que las excede, pero las incluye. El guion apunta a una emoción directa, abordando la veta familiar, el amor entre la pareja y el maternal, y pone a las tradiciones como unión, centro, pero también punto de desapego, desunión, y distancia. Si bien nunca cae en un golpe bajo de remarcar sus posturas y no se inclina marcadamente por ninguno de los “sectores”, permanente se busca la emoción del espectador, y hay una bajada de línea disimulada entre el llanto. Gasner y Zreik se complementan muy bien y logran interpretaciones destacadas, valiéndose de esa puesta sin grandes artilugios, pero cuidada. Habrá mucha angustia frente a las imposibilidades impuestas, y determinados puntos de quiebre para que el conflicto estalle; aunque en su totalidad el conjunto apunte a un mensaje con algo de optimismo. Así, Enttre dos mundos, es un drama interesante, con un enfoque comprador también para un público que mira desde afuera, pero nunca llega a ser un tratamiento novedoso. Basta con haber ahondado un poco en los filmes que se adentran en las diferencias entre estas dos culturas para toparse con gran cantidad de dramas, de tono intimista, centrados en familias, y con la madre como figura central. Lo más que se puede decir desde su aporte de originalidad es que intenta alejar las cuestiones de la guerra, lo lleva a un plano ciudadano, rutinario. Entre dos mundos es un drama correcto, destacado en las actuaciones y en su puesta sencilla. Puede no aportar nada demasiado nuevo a algo que ya se vio y en productos de mayor calidad, pero sirve para mantener una idea activa de lo que pueden hacer las diferencias impuestas por el propio hombre.
Ahora de la mano de Marvel Studios, la quinta película del Hombre Araña, segundo reboot de la saga, presenta, como era de esperarse, un personaje mucho más adolescente sumergido en una historia con ribetes que intentan evitar encarar directamente al género. Luego de presentarlo en el tanque de 2016, Capital América Civil War, este “nuevo” Spiderman obtiene su película propia en la que, si bien no nos cuentan nuevamente sus orígenes, se enfocan en mostrarnos el después de aquella intervención y los primeros pasos del personaje en su lucha contra el crimen. Sí, De Regreso a Casa será otro peldaño más de esa historia global hasta llegar al próximo film de los Avengers; y ese contexto afectará por completo a la película. Será necesario haber visto CW para entrar en el clima de este film. Peter Parker (Tom Holland) filma una película casera en un auto mientras se dirige al encuentro con Tony Stark (Robert Downey Jr.); esa será la escena presentación del personaje. En efecto, el adolescente de 14 años se encuentra en plena preparación para transformarse, o no en uno de los Avengers; mientras que, para sus conocidos, se encuentra cumpliendo con una beca como interno en las Industrias Stark. De eso trata el film de Jon Watts, un adolescente que se debate entre su vida como tal, mayormente enfocada en el ámbito escolar, y la preparación como superhéroe. Peter tiene un amigo gordo e inocente; un interés romántico cándido y más popular que él; obligaciones escolares; una tía que se preocupa por él, pero no lo suficiente como para darse cuenta de su secreto; y un grupito variopinto de jóvenes que lo rodean y que cada uno representa un ícono de la adolescencia distinto. De Regreso a casa podría ser un film de John Huges, o una de sus imitaciones; pero si no llega a serlo no es tanto por su inscripción al área de los superhéroes, como por su chatura a la hora de imprimirle carisma a ese mundo. Ya es sabido que las películas que llevan el sello de Marvel suelen hacer anclaje en otros géneros para hablar de los superhéroes; casi siempre la comedia. Esta vez no será la excepción. Este Spiderman será el más cómico de todos, que no tan seguro el más gracioso. Sus líneas de diálogo tienen, la gran mayoría, un sentido de comicidad, moderna, ágil, con referencias a la cultura pop, y guiños permanentes; lo usual, lo mismo de siempre. Sin embargo, aquí el contexto podría haber sido bien utilizado para otorgar buenos matices de comicidad sin que queden fuera de lugar como otras veces. Y ahí está la historia intentando homenajear un estilo, pero no acercándose a él. Esta Spiderman pudo funcionar a modo de un Teen Wolf (la película, no la serie de MTV); pero falta carisma, chispa, conexión entre el chico y la chica, y esa vibra que nos hacía sentir que aunque el argumento era torpe la identificación era inmediata porque sabían de lo que hablaban. Robert Downey Jr. Y su Stark/Iron man, nunca terminan de encajar bien, haciendo su típico show aparte. Jon Favreu como el empleado de Tony, Happy, corre con bastante mejor suerte. Marisa Tomei es puro talento, y aunque su personaje de Tía May sea de trazos gruesos, ella lo interpreta a pura solvencia actoral. Holland no es un mal Peter Parker para lo que pide esta propuesta en la que encontraremos poco de lo que conocimos en las anteriores películas. Es un adolescente atribulado, ya lejos de ser nerd, digno protagonista de una teen movie. Pero hasta ahora no hablamos del superhéroe en sí. Hay un grupo de malechores comandados por un villano, Adrian alias Volture (Michael Keaton); y esto ya parece repetitivo, pero otra vez hay problemas en su composición. Básicamente son un grupo de contrabandistas que de casualidad se topan con un armamento muy pesado (Ver Avengers 1) que manipularan para hacer más armas y venderlas en el mercado negro. Para ser el único villano de una película de superhéroes, es reamente poco. Se entiende que quisieron demostrar que este Spiderman combate al crimen callejero, pero además su participación es escasa. O sea, estamos frente a otro film de superhéroes que teme serlo. A esto habrá que sumare algunas líneas de remarcado patriotismo, no tan visible en entrega anteriores, que sobrevuela de manera bastante impuesta. De duración innecesarimente algo extensa y con algunos baches que no terminan de cerrar muy bien. En el general, Spiderman: De Regreso a Casa, es un film correcto, entretenido, cumplidor para los que simplemente busquen algo pochoclero. También es un producto indefinido, sin el alma para ser una gran película coming of age que reposicione a un buen lugar a ese estilo que hizo grande al cine de los ’80; ni la presencia heroíca como para hablar de un gran film de aventuras. A medio de todo, este Spiderman cumple sin sobrarle nada y dejando ese gustito a que pudo ser más rico.
Oscura creadoraAlptraum. Es extraño el camino de Piterbarg en la dirección de cine, si se quiere inverso a cierta lógica impuesta. Su debut fue con un título mainstream y anunciado con toda la parafernalia del caso como Todos tenemos un plan, uno de los primeros intentos en esta nueva camada de cine de género industrial, con la presencia del astro Vigo Mortensen y todo el despliegue de una filmación en el Delta del Tigre. Una propuesta misteriosa que siempre vale la pena volver a descubrir. Cinco años después regresa la pantalla con Alptraum, una película que tiene bastante de la citada, pero alejada completamente de lo industrial; pequeña, intimista (aunque aquella en su forma también lo era), experimental, y urbana. A Piterbarg parecen obsesionarle los personajes que ocultan algo, que callan, que son prisioneros de un entorno que los ahoga. Prefiere las atmósferas ominosas, un lenguaje visual cargado de inquietud. Lo hizo antes, y explota en Altraum. Mito y realidad: La historia nos introduce dentro de la leyenda del Krampus, ser de la mitología nórdica, alpina; para algunos un equivalente perverso de Papá Noel –como lo pudimos ver en el film que llevaba ese nombre del 2015–. Este ser persigue al linaje de los Andreas, y si no le entregan lo que él pide, dulces u otras cosas, les hace tener horribles e interminables pesadillas en las que se irán transformando en ese monstruo. Así, pasamos a los hechos actuales. Andreas (un impresionante Germán Rodriguez) es actor y director de teatro. Está en pareja con Rosaura (Florencia Sacchi), pero es muy celoso, y lo vemos desde las primeras escenas en las que todo se arruina. Pasa el tiempo, Andreas ya no está con Rosaura y quiere volver. Vive casi de polizonte en un departamento de su tío, en una pensión pensada para turistas extranjeros. Está preparando una obra. Como siempre, su cabeza le juega en contra. Andreas parece un hombre común, como el Agustín de Todos tenemos un plan, hasta amistoso. Pero las sombras lo aquejan. Pronto lo iremos conociendo y veremos que es un hombre que no tiene paz. Sufre de profundas pesadillas, confunde lo que sueña con lo que vive, y tiene un trastorno paranoico grave. Entre otras cosas, su nuevo objeto de obsesión es Hanna (Bárbara Togander) una vecina traductora de alemán, a la que Andreas espía, intenta acercarse y -a la par que siente una atracción- crece la idea de que ella (como otros) forman parte de una conspiración peligrosa para la humanidad. Alptraum maneja su propuesta por varios carriles. Su historia no es lineal y tiende a parecer dispersa. Es que, en verdad, se nos están contando varias capas a la vez. Deudora del buen David Lynch y del más perseguido interiormente Polansky, el espectador se va a perder y hasta creerá que la mente de Andreas puede no estar tan equivocada, que hay algo de verdad en esa paranoia. Al tratarse de un actor y director teatral, no se esquiva el trauma propio de la creación artística. Del mismo modo que dentro de unas semanas podremos ver en Ojalá vivas tiempos interesantes, la frustración del artista que no progresa deviene en un caos mental con consecuencias inimaginables. De sueños y pesadillas, Piterbarg se valió de un apartado técnico poderoso para aprovechar al máximo una propuesta que puede parecer de envase chico sin descuidar jamás su estética. La fotografía en blanco y negro profundo y granulado de Alan Badan, Alejandro Giuliani, Germán Costantino y Lucía Vassallo nos habla de esa pesadilla, de ese clima ominoso, muy cercano a lo noïr, que incomoda, que nos pone a tono con lo que la propuesta pide. Lo mismo sucede con los tonos de Claudio Baroni y la dirección de sonido de Sebastián Gonzalez y Mariana Delgado. Sonidos que confunden, acordes que interrumpen y ponen los nervios activos, todo para ofrecer un suspenso clásico y al por mayor. El trabajo de Germán Rodriguez es sencillamente formidable. Andreas es un personaje con muchas caras, que va y viene en ellas dentro de una misma escena, que nos da pena y miedo al mismo tiempo. Todo eso lo logra Rodriguez con gestos medidos, nunca cayendo en la sobreactuación, y haciendose totalmente creíble aun dentro del entorno pesadillezco. El resto del elenco no desentona, ofreciendo todos lucimientos convincentes. Conclusión: Ana Piterbarg innova en el cine argentino independiente sin moverse demasiado de su eje. Entrega una propuesta única como Alptraum, capaz de presentar varias lecturas, de desorientar, traer de vuelta y volver a perder al espectador. Con cuidados apartados técnicos y logradas interpretaciones. Estamos frente a esas propuestas que, quienes buscan algo diferente, no pueden perderse.
¿Y dónde está mamá? La fórmula de Winograd aplica a tomar ideas conocidas y probadas en éxitos hollywoodenses y trasladarlas a nuestra idiosincrasia. El reflejo más fiel de esto fue su segundo opus Mi gran boda, con la que pegó un volantazo frente a su ópera prima más costumbrista y local, Cara de queso. Hay una premisa que funciona a modo e gancho y que moviliza ciertas ideas establecidas en nuestra sociedad: la necesidad de formalizar a pedido de un tercero, la posibilidad de ser una familia de dos sin necesidad de procrear, o la chance de incorporar a terceros a la pareja. Así como en los ’70 el dúo conformado por Alberto Olmedo y Jorge Porcel plasmaban, en el entorno de sus comedias, los tabúes de la infidelidad, del desapego al matrimonio, o el qué dirán, Winograd (o en todo caso sus guionistas, en esta ocasión Juan y Mariano Vera) huelen qué sucede en la cabeza del argentino promedio actual. Ahora ponen a prueba los roles femeninos y masculinos dentro de la familia, desde una postura canchera, fresca, y pretendidamente actual. Los Garbor llevan 20 años de casados, tienen cuatro hijos y una vida acomodada (no nos olvidemos que estamos en el universo Winograd). Ella, Vera (Carla Peterson) es la que se encarga de llevar el hogar adelante, se siente agotada pero su función no tiene vacaciones, o no; porque toda la historia gira en torno a ese disparador: mamá se agota y se va de vacaciones por diez días. Victor (Diego Peretti) se verá obligado entonces a hacerse cargo de las tareas que antes realizaba su esposa, balanceándolo con la vida laboral, que, casualmente, se encuentra en un momento complicado en plena lucha con un compañero interpretado por ese fetiche de Winograd llamado Martín Piroyansky. Una comedia con vista al norte: No será difícil encontrar paralelismos en Mamá se fue de viaje. Más allá de que su puntapié inicial (y casi todo su desarrollo troncal) nos haga acordar mucho a un capítulo clásico de Los Simpson; es fácil pensar que esta película pudo ser realizada en Hollywood hace un par de años. Pensemos en una etapa previa a la irrupción de Judd Apatow, a ese estilo desprejuiciado de chistes sexuales sobre adolescentes que pasaron los treinta años. Había un terreno en el que los reyes de la comedia triunfaban dentro de la comedia familiar. El Victor Garbor de Peretti perfectamente pudo ser Ben Stiller o Adam Sandler en sus productos más amables, y Peterson cualquiera de sus partenaires, desde Drew Barrymore a Kate Beckinsale o Jennifer Aniston. Winograd dirige con lo que ya es una marca propia, un estilo universal que le escapa a localismos básicos, aunque deja entrever algo de la idiosincrasia nacional. Para eso serán fundamentales los dos actores probados, rostros familiares con los que al espectador de uno y otro sexo no le costará empatizar. Esa identificación que logran, sobre todo Peretti (un todoterreno de la actuación, pero sobre todo de la comedia, infalible), tiende a perderse -nuevamente- en el contexto en que se desarrolla ese universo Winograd. ¿Cuántos de quienes asistan a sala vivirán como los Garbor? En el mudo en que se desarrollan sus películas no existe ya la clase media baja, la que cualquier estadística marca como mayoritaria dentro de los habitantes de este país. Gente de un pasar acomodado, con problemáticas algo superficiales, que se disputan puestos de gerentes y se plantean una rutina recargada de gastos. Esto funciona bien en el marco de los suburbios en los que Sandler y Stiller (por tomarlos como ejemplos) desarrollan sus juegos, quizás como un ideal de lo que muestran hacia el mundo. Acá, donde el espectador ve algo más palpable, no deja de sonar a un poco de artificio. Sacando estos asuntos que ya son moneda corriente en el cine del director -y que su éxito garantizado son prueba de la aceptación del público- Mamá se fue de viaje es un producto eficaz. Tiene en su elenco, además de los mencionados, a un grupo de secundarios destacados como Mario Alarcón, Pilar Gamboa, Muriel Santa Ana o Guillermo Arengo; y a los más jóvenes Martin Lacour, Agustina Cabo, Julian Baz, y Lorenzo Winograd que rebozan de carisma. Su puesta es elegante, ágil y a gran escala, como para captar de inmediato al público amplio. Conclusión: Ariel Winograd repite su fórmula con sus pros y sus contras en Mamá se fue de viaje. El elenco talentoso, la gracia de la puesta, y la mirada actual a cuestionamientos tradicionales, apuntalan para arriba por sobre el típico alejamiento de clase.
La muerte les sienta bien. Baltazar Tokman es uno de los documentalistas más eclécticos y particulares del cine argentino. En su filmografía podemos encontrar las disímiles Tiempo Muerto, Planetario, y I Am Mad, que no guardan demasiada relación entre sí salvo por huir de los formatos clásicos de lo que se supone un documental debería ser. Sí, Casa Coraggio es un documental, pero se sigue con el mismo interés con el que abordamos una película de ficción. Nos cuenta una historia, plantea una búsqueda y a su modo construye personajes que se gana nuestra total atención. Los Coraggio son una familia tradicional de la ciudad de Los Toldos, hace 120 años crearon una empresa que se volvió imposible de rehuirle, manejan la cochería más importante de la zona. La cámara sigue a Sofía Urosevich, heredera de la familia Coraggio, pero que se mantiene alejada del negocio familiar. Sus padres están divorciados y es él quien se quedó con el manejo de la funeraria. Determinados hechos, incluyendo problemas de salud del padre, traerán a Sofía de regreso a Los Toldos y otras revelaciones son las que la llevarán a revisar la historia familiar. Lo primero que viene a nuestro recuerdo al ver Casa Coraggio es otro documental revelación argentino como Buenos Aires, Beirut, Buenos Aires de Hernán Belón siguiendo a la actriz Grace Spinelli en un viaje por las mujeres de su familia que llevaba a cruzar el continente. Aquí Sofía no sale de Argentina, ni siquiera de Buenos Aires, pero viaja de La Plata a Los Toldos para enfrentar su destino. Hay una historia que tiene que ver con los fundadores de la cochería, con la tatarabuela de Sofía y un amor clandestino entre familias de orígenes y nacionalidades diferentes. Pero también está la historia de ese legado al que Sofía deberá enfrentar en el presente con su padre enfermo que debe operarse y una abuela que maneja los hilos del clan con mucha amabilidad y firmeza. Tokman logra que nos interese el destino de cada uno de los personajes que no son entrevistados, son vividos. Hay una placa a inicios de film que aclara que, al conocer a la protagonista, Baltazar le prometió hacer una película de su familia solo si sus padres se animaban a interpretarse a ellos mismos, claramente Tokman tiene buen ojo para saber dónde hay personajes reales con el carisma natural para captar nuestra atención. Muchos son las personas/personajes que atraviesan esta historia, el padre, la madre, los empleados, la abuela, la pareja de Sofía, y hasta los clientes en mudos pero llamativos cameos. Casa Coraggio no puede ni quiere evitar hablar de la muerte, es necesario que en una familia que vive de ese negocio la muerte los atraviese, y ahí están, expresándola, debatiéndola, de modo totalmente desacralizado, aunque siempre con respeto, nunca burlona. Habrá momentos de humor, o gracia, que provengan del accionar normal de los intervinientes, pero nunca se los ve forzados a algo. La muerte como un negocio, como un paso más, como una ceremonia, como algo que a la larga todos afrontaremos; y también como parte de ese destino. Porque, así como hay muerte, todo se desata a través de un festejo de quince, visto como el comienzo de las experiencias propias. La cámara de Tokman, aunque nunca interviene y se mantiene alejada, es un personaje más, capta momentos bellísimos, planos únicos, momentos que prescinden de la palabra porque expresan todo. La lente imprime un gran dinamismo y permanentemente desde el montaje y la elección de la fotografía hay un clima ameno, de familiaridad, que hasta es capaz de recordarnos a Familia rodante. Conclusión: Casa Coraggio expresa todo lo que se puede lograr desde el género documental alejado de la denuncia. Borra los límites entre la ficción y la realidad y hace que no nos importe cuánto de armado persiste, todo parece real. El carisma de las personas delante de cámara, la sutileza con la que aborda su temática, y la belleza con que se nos es presentada, componen un cuadro de gran riqueza. Baltazar Tokman logró nuevamente ubicarse muy por encima de la media.
El miedo a lo que no se ve, a lo que se encuentra del otro lado de la puerta, sin prevenir los peligros interiores, son el jugo principal de Viene de noche, segunda película de Trey Edwards Shultz. Una cabaña alejada en medio de un bosque apartado, el lugar ideal para una película de terror ya desde antes de Evil Dead. Una familia que habita en ella. Hay algo afuera, y se deben hacer sacrificios. El camaleónico Joel Edgerton es Paul, un padre de familia que afronta la decisión de tener que defender a su familia de un mal que desconoce ¿Cuál es el límite para esa defensa? En las primeras escenas del film veremos cómo junto a su hijo Travis (Kelvin Harrison Jr.) toman una decisión radical en pos de un bien mayor. Desde entonces sabremos que la oscuridad puede estar en cualquier lado. Paul y los suyos se protegen de algo eterno, aparentemente una epidemia que no da tregua. Por lo que no deben tener contacto con nadie ni nada. Ellos se guarecen y viven una vida más primitiva y alerta. ¿Qué puede salir mal? Del bosque asoma Will (Christopher Abott), un hombre que se encuentra huyendo y ruega por ayuda a su familia. Ese será el puntapié para que comiencen los conflictos que serán centrales en Viene de Noche. La falta de confianza, el temor, el peligro ante lo desconocido, la ambición de la supervivencia; todo se acrecentará ante la presencia de Will y posteriormente cuando este traiga a su propia familia. Viene de noche conjuga el suspenso, el terror, pero sobre todo el drama. Los personajes encerrados frente a un peligro que desconocemos nos harán recordar a The Mist, The Walking Dead, y sobre todo a la local El desierto. Pueden ser zombis, una peste terminal, monstruos alienígenas, o lo que sea; es lo que se esconde detrás de la puerta, más allá de lo que capta el lente de la cámara; y que hace comportar a los personajes de un modo particular más instintivo. Viene de noche se juega por el vértigo de lo que puede llegar a suceder, nos mantiene expectantes, y eso es lo que nos genera tensión; sumado a las actitudes de los personajes que causan gran angustia. Paul es otro personaje servido en bandeja para Edgerton. En detrimento de los demás, Paul es el centro del relato. Un ser con el que cuesta empatizar pese a que ¿parcialmente? comprendamos la razón de sus actos. Tiene varias facetas, y el talento interpretativo del actor de El Regalo las aprovecha todas para un gran lucimiento. Trey Edward Shults decide no apurar su relato e ir contando lo que sucede al ritmo de la tensión. Esto, que en un primer momento va atrapando mientras se construye el relato; provoca que promediándola mitad del film se haya fagocitado a sí misma. Viene de noche es un film abrumador, en un sentido adverso. Shults no encuentra el tono para que la historia se relaje, y lo que sucede, en realidad, no es algo tan inmenso. Tampoco se decide por un fuerte análisis social como lo que sucedía en la excelente The Mist; todo el mensaje de Viene de noche puede ser interpretado en los primeros veinte minutos del film. Sobre el final, retoma un sentido salvaje, y aunque de modo previsible, atrapa. Sus poco más de hora y media, en la experiencia, pareciera mucho más; quizás porque lo que se cuenta queda demasiado corto para el permanente ritmo que lleva. Su director a había demostrado en su anterior film Krisha que sabe cómo plantear una puesta de estética sobria, y aquí repite. Visualmente, Viene de noche transmite la angustia de los personajes, y colabora con esa tensión propia de la soledad. Junto con la interpretación protagónica serán los puntos altos de la propuesta. Finalmente, Viene de noche prometía más de lo que ofrece su resultado. Genera un suspenso permanente que no llega a explotar como debía, funcionando mejor dramáticamente sin ser del todo original. Un viaje emocional a mitad de camino.