La temática que refiere “Al borde del abismo” se puede resumir como la lucha de un condenado por la justicia acusado de un hecho criminal del cual es inocente y su intento por demostrarlo.

Asger Leth es un reconocido documentalista del cual hemos detectado dos trabajo en tal condición (“De fem benspaends”, como guionista, 2003, y “Ghosts of cité Soleil”, guionista y codirector, 2006), para quien “Al borde del abismo” es su ópera prima de largometraje como realizador de obras de ficción.

Ante todo, para memoriosos e investigadores, cabe aclarar que el título de esta producción, en lo temático y narrativo, nada tiene que ver con “Al borde del abismo” que en 1946 dirigió Howard Hawks, inspirada en la novela “The big slepp” de Raymond Chandler, segunda producción protagonizada por la inolvidable pareja fílmica (y en la vida real) Humphrey Bogart y Lauren Bacall.

Hecha esta aclaración veamos de qué se trata.

Nick Cassidy es un ex policía que se encuentra cumpliendo una condena a 25 años, acusado de haber sido el responsable del robo de un valiosísimo diamante perteneciente al millonario David Englander, hecho respecto del que desde siempre a sostenido su inocencia. A raíz de la muerte de su padre las autoridades autorizan su asistencia al acto del entierro, por supuesto que bajo correspondiente custodia policial. Al acto también asiste su hermano Joey con quien aparentemente las relaciones no son las mejores, a punto tal que se produce un violento incidente entre ellos que genera una gresca generalizada, lo que posibilita a Nick emprender la huida. A partir de ese momento comienza una sostenida persecución, en tanto Nick comienza a ejecutar un plan que estima le permitirá descubrir al, o los, verdaderos culpables del hecho delictivo que le imputan. El propósito tiene como eje su ingreso al Hotel Roosvelt, de Nueva York. Solicita una habitación que da a la calle en un de los últimos pisos. Después de una cena con champaña, abre la ventana, sale al exterior y se para en la cornisa a más de 60mrtros de altura con intención de arrojarse al vacío. Detrás de esta peligrosa maniobra Nick tiene planes absolutamente impredecibles que el espectador tendrá que ir descubriendo a medida que se va desarrollando la historia. En la calle los transeúntes se reúnen de inmediato, por curiosidad o morbo. Cuando llegan los detectives exige la presencia como negociadora de la psicóloga de la policía Lydia Spencer (Elizabeth Banks), quien recientemente había fracasado estando a cargo de disuadir a un suicida en su intención. De allí en más el espectador irá descubriendo un entramado de traiciones y corrupción

.Se trata de un filme interesante que cuenta con un guión bien desarrollado, tratado por una realización muy profesional, técnicamente equilibrado con una compaginación que gradualmente acentúa el ritmo de la progresión narrativa. Un buen elenco cubre los distintos personajes con solvencia, destacándose la presencia de un actor como Ed Harris que asume el suyo (David Englander) de taquito.

Sin ser original le brinda al espectador lo suficiente como para que lo disfrute.

Steve Carrell (“Virgen a las 40” -2005-, “Pequeña Miss Sunshine”-2006-) llega nuevamente a la pantalla, en esta ocasión dirigido por Glen Ficarra y John Requa (“Una pareja despareja”, 2009).

En esta producción interpreta a Cal casado con Emily (Julianne Moore), su gran amor desde el secundario. Después de 25 años de matrimonio su mundo se desploma cuando ella sorpresivamente le pide el divorcio, confesándole que lo ha engañado con David, un compañero de oficina, encarnado por Kevin Bacon, actor desaprovechado en esta oportunidad por los realizadores.

Cal se refugia en un bar, en cuya barra se desahoga todas las noches repitiendo su historia a quien se le ponga a tiro, producto de la crisis que lo deprime. Una de esas noches conoce a Jacob, corporizado por Ryan Gosiling, muy buen interprete como lo demostró en "Diario de una pasión"(2004) y “Blue Valentíne” (2010, un seductor al que le gustan todas las mujeres y la buena vida, quien se ofrece para asesorarlo a fin de que cambie su imagen nada seductora para el sector femenino, colaborando con sus consejos para que recuperar su masculinidad y olvidar a su ex mujer. Cal acepta la propuesta y comienza el cambio que ni él mismo se lo cree. Empero en su soledad sigue ligado a Emily sin manifestárselo, con algunas visitas nocturnas a la casa de su ex sin acceder a su presencia, por ejemplo, cortando el cerco o regando el jardín, observarla a ella y los hijos a la distancia y en silencio.

Con la base de un guión correctamente estructurado, la historia, sin ser original, se va desarrollando a través de una narración que mantiene el interés por la trama, más allá de dejar en el aire algunos personajes y subtramas, con algunas situaciones de humor bien jugado, en atmósfera que identifica la típica familia estadounidense, sus valores y sueños, revelado mediante diálogos punzantes.

El resultado es positivo para los espectadores que disfrutan la comedia norteamericana, fundamentalmente por el plantel de intérpretes, con Marisa Tomei, como la profesora Kate, Jonah Bobo, quien animan a Robbie, que por su ternura y espontaneidad se hace acreedor a ser observado en sus trabajos futuros. El toque romántico del relato lo aporta Emma Stone, personificando a Hannah, hija de Cal y Emily, que sorprenderá al espectador al ser revelada su alma gemela. En lo técnico, se destaca la fotografía y la banda de sonido.

La historia comienza cuando Beatriz (Beatriz Spelzini), reconocida traductora, se encuentra dedicada a los preparativos para ir a buscar a su marido Luis (Luis Luque), profesor universitario, a una clínica neuropsiquiátrica, donde fue dado de alta después de haber sido tratado de un brote psicótico muy violento e imprevisto, consecuencia de considerar que su amigo y colega le había robado un proyecto en el cual venia trabajando desde hacía mucho tiempo.

Cuando llega a su casa Luis busca a Donatello, su gato negro, para jugar con él, pero éste, imprevista y extrañamente, lo rechaza, lo ataca arañándolo. Cuando en los días siguientes lo busca para tratar de desentrañar su misteriosa actitud, comprueba que el minino ha desaparecido sin causa aparente.

El matrimonio inicia una búsqueda por el barrio consultando a los vecinos, colocando volantes, pero el susodicho Donatelo no aparece.

Beatriz, de frágil personalidad, temerosa, asustada por algunas actitudes inusuales de Luis, también asume reacciones por las que el espectador llega a preguntarse si realmente el estado psicótico no los afecta a ambos. Más allá de ir acentuándose una atmósfera gradualmente densa en la relación matrimonial, Beatríz propone con entusiasmo realizar un viaje a Brasil, con la esperanza de que se produzcan cambios auspiciosos a la situación planteada.

Como guionista, Carlos Sorín estructuró un relato interesante, con una mirada entre juguetona e irónica, más allá de algunos hilos sueltos que no terminan de cerrar, con diálogos medidos que van acentuando el desconcierto en Beatriz, en tanto dejan interrogantes respecto a las actitudes de Luis. Como realizador, maneja con seguridad la resolución audiovisual de las escenas y el ritmo de las acciones, con encuadres muy elaborados para una estética casi de obra de cámara, mediante planos medios y primeros planos concebidos en un espacio interno muy amplio, debidamente utilizado. Respecto a la marcación de los personajes, reafirma su dominio en la dirección de los intérpretes. De allí las muy buenas actuaciones de Luis Luque y Beatriz Spelzini, quienes marcan transiciones y acentúan ajustadamente la progresión de las acciones, incluso en los toques de humor, y la espontaneidad lograda por todos los integrantes del elenco.

Carlos Sorin denota una vez más buen oficio, sensibilidad y ternura, aunque sin llegar a repetir los resultados logrados en sus tres mejores realizaciones: “La película del rey” (1986), “Historias mínimas” (2002) y “La ventana” (2009).

La historia gira alrededor de la familia. Brewer (Susan Sarandon y Pierce Brosnan), cuyas vidas sufren un giro imprevisto con la muerte del hijo mayor (Bennett) en un accidente automovilístico.

El padre, la madre y su hermano enfrentan el hecho de manera distinta asumiendo el duelo de manera muy diferente. El padre no lo vuelve a mencionar y trata de llevar la vida sin que ello gravite en los días siguientes; la madre busca respuestas respecto a conocer todo los detalles de los últimos minutos de su hijo; el hermano menor se droga y busca refugio en un grupo de autoayuda.

Hay tanto dolor reprimido, en cada uno de ellos manifestado a su manera, que los vínculos van adquiriendo sucesivos grados de desesperación. Al tenso clima familiar se agudiza tres meses más tarde cuando llega a la casa Rose, informándoles que está esperando un hijo de Bennett. Se integra a la familia buscando conocerla más, y tratando de hablar con cada uno de ellos.

Se van sucediendo una serie de situaciones, a partir de la obsesión de la madre, que culmina en un estallido emocional del jefe de familia y el reconocimiento del hermano al poder asumir que lo extraña y lamenta roces circunstanciales que los habían distanciado. Rose, con la confirmación del haber sido amada por Bennett y el nacimiento de la hija, abre nuevas esperanzas a este grupo humano.

El dolor perdurara siempre, pero el amor ayudará a que, grupal e individualmente, podrán seguir adelante con sus respectivas existencias.

Drama intenso correctamente desarrollado en el guión y emotivamente tratado en la realización, más allá de algunas marcaciones acentuadas en demasía, rayanas al melodrama. Buenas actuaciones, con sólidos aportes en el protagonismo asumido por Susan Sarandon y Pierce Brosnan, con un aporte adecuado de los distintos rubros técnicos.

“Un despertar glorioso” es una comedia que tiene su desarrollo en el particular mundo de la televisión estadounidense, pero no difiere en mucho a la argentina. El relato se inicia describiendo el ámbito, las tensiones y los intereses en juego que gravitan en el armado y sostenimiento de una programación.

La historia tiene como eje a uno de los personajes clásicos que gravitan en todo programa con salida al aire: la productora ejecutiva. Todo el peso de la historia que se narra recae sobre Becky Fuller (Rachel Mc Adams), productora ejecutiva de un canal de segunda línea, quien es despedida por falta de presupuesto, y baja audiencia, sin atender sugerencias para una reactivación del programa en cuestión..

Después de inundar con curriculum a los directores de todo canal posible, finalmente logra ser aceptada para integrar un noticiero matutino, “Draybreak”, en Nueva York, de poco rating, responsabilidad que asume como un desafío para sacarlo adelante. Propone la incorporación como co-conductor al veterano profesional Mike Pomeroy (Harrison Ford), en la actualidad venido a menos, que gozó de gran protagonismo televisivo, siendo varias veces galardonado como cronista de importantes acontecimientos mundiales, además de agudo entrevistador), a quien el canal lo mantiene contratado aunque sin aparecer en pantalla por desacuerdo en cuanto al tipo de programa en el cual quieren incluirlo. Admirado por Becky, la emprendedora productora ejecutiva libra sus batallas para convencerlo a fin de que acceda a retorar a la pantalla chica, objetivo que logra merced a una cláusula contractual que lo obliga a participar en temas que no le interesan, tales como cubrir moda y cocina, no aceptando, además, compartir cartel en la co-conducción con Colleen Peck (Diane Keaton), una celebridad en programas matutinos.

A esta altura comienza la segunda parte del relato, enfrentamientos y guerra de egos como, por ejemplo, quien dice la última palabra de cierre de cada emisión, el último “adios” de la jornada en pantalla.

Todo se convierte en una pesadilla para la protagonista, donde priva la presión de su jefe Jerry Barnes (Jeff Goldblum), quien le anticipa que de no mejorar la audiencia el programa serálevantado. Beeky negocia la situación, acordando una semana más de tiempo, incluido el minuto a minuto, para alcanzar un determinado rating para permanecer en el aire y de esa manera que todo el equipo conserve su trabajo.

No falta el toque romántico, con Adam Bennett (Patrick.Wilson), otro productor del canal, que llega a comprenderla por lo que está pasando y le enseña a tener vida propia, aún desde el pequeño todo de humor de guardar el teléfono celular en la heladera para disfrutar los momentos de intimidad con él.

En suma, se trata de comedia bien planteada y desarrollada en un guión dinámico con situaciones y diálogos que, sin ser originales, resultan simpáticos, sustentando un ritmo muy apropiado para el género. Rachel McAdams denota estar bien dotada para el juego de comedia al cubrir con solvencia a la protagonista, columna vertebral de la historia, afirmándose en el recuerdo de su labor en "El diablo viste a la moda" (2006). Por su parte Diane .Keaton asume con autoridad un personaje al que el guionista no supo extraerle mejor partido, aun así supo aprovechar aportándole una buena cuota de humor. En Harrison Ford se nota el paso de los años, pero conserva su perfil, ahora como galán maduro, moviéndose con comodidad como el periodista algo ermitaño, de mal genio, afecto a la bebida, decepcionado y con voz impostada. El elenco se completa con una muy apropiada selección de intérpretes para cubrir los personajes secundarios y circunstanciales.

El realizador de origen sudafricano (nació en Pretoria, hace 61 años) Rogel Michell, con carrera teatral, televisiva y fílmica desarrollada en Inglaterra, ratifica ser un realizador dueño de un sólido oficio, de quien el título más representativo para el espectador argentino es “Un lugar llamado Notting Hill” (1998).

Jess (Sarah Michelle Gellar} es una mujer con una vida casi perfecta, enamorada de su esposo Ryan (Michael Landes) quien en todo momento le demuestra su amor con mucho romanticismo, y siempre sorprendiéndola gratamente. Con ellos vive Roman (Lee Pace), hermano de Ryan, con una personalidad muy conflictiva, que los está observando permanentemente.

Todo cambia cuando el esposo y cuñado de Jess sufren un terrible accidente y ambos hermanos terminan en coma con muy pocas posibilidades de sobrevivir. Hasta que un día Roman sale del estado de coma convencido que es el esposo de Jess, hecho en el que insiste dando pruebas de hechos privados vividos por el matrimonio de los cuales sólo ellos tienen conocimiento. Jess comienza a preguntarse que esconde este cambio de personalidad. La sospecha la lleva a un gran desafío.

A partir de ese momento se van sucediendo una serie de situaciones confusas, con el entramado de una historia que no terminan de cerrar, con lo cual el misterio planteado carece de consistencia y los sucesos no resultan creíbles por su incoherencia.

Es muy poco lo que se podría rescatar respecto a la labor del binomio de realizadores, quienes contaron con un soporte rutinario en lo técnico y la presencia de un elenco profesional que se limita a aportar su experiencia.

Lograda simbiosis de acción y humor por veteranos que se divierten... y divierten

Escrita por Jon y Erich Hoeber, “Red” es una adaptación del comic sobre la vida de Frank Moses (Bruce Willis), un agente secreto retirado que decide volver a la acción cuando intentan asesinarlo, para lo que recurre a su antiguo equipo a fin de que lo ayuden para juntos descubrir por qué, habiendo sido los mejores de la CIA, ahora los persiguen por los secretos que ellos conocen, y por ese camino también se darán cuenta de grandes conspiraciones del gobierno por que son el blanco de la agencia.

Este es una realización que contiene mucha acción, algo de romance y bastante humor. Los productores parece haber sostenido un guión que en el desarrollo de la historia se haya pensando en Helen Mirren para animar el personaje de Victoria, espía y asesina retirada. John Malcovich ratifica una vez más, si ello fuera necesario, su gran calidad de actor al realizar una excelente composición de Marvin Buggs, quien fuera víctima como miembro de la CIA, al ser tratado durante 11 años con la aplicación diaria de LSD, un muy calificado especialista en explosivos, ahora ser solitario y ermitaño. Como no es de extrañar se destaca Morgan Freeman como Joe Matheson, quien en su retiro no ha perdido la costumbre de coquetear con las mujeres, que se une al grupo para ayudar a su amigo Frank y combatir al enemigo. El toque romántico femenino, junto a Willis, lo aporta Mary-Louse Parker animando a Sarah incursionando en la historia de manera equívoca. Ante una elenco tan sólido no desentonan Richard Dreyfus y Ernest Borgnine, dos reconocidos valores actorales con una extensa historia profesional.

Todo el plantel de intérpretes contaron con una muy buena dirección de Robert Schwentke, quien supo aprovechar la capacidad del elenco guiándolos con mano segura en un relato equilibrado donde la acción se integra a un humor fresco, fluido y muy bien dosificado. Los equipos del área técnica aportan a la obra oficio necesario para dar el marco apropiado.

En suma, una comedia muy lograda que el espectador disfruta en toda su extensión, últimamente ausente en los productos procedentes desde la fábrica de los sueños.

Una historia sencilla, con pinceladas de la realidad, es lo que esta obra le aporta al espectador, mediante la mirada, tan absorta como inocente, de la niñez que, inconscientemente, tratan de integrar en su mundo de juguete los conflictos cotidianos de los adultos con sus ficciones y fantasías.

Yuki y Nina son dos criaturas de 9 y 10 años, amigas desde las primeras travesuras en sus vidas, comparten sus existencias en el transcurrir de los días en la escuela, los juegos, sus casas, los sueños, entre estos, por ejemplo, vacacionar juntas. Practican ingenuamente, casi como un juego más, la amistad franca, profunda y desinteresada. Ellas, por sobre todo son eso tan simple: Amigas.

Cuando Yuki se entera que sus padres se van a separar desconcertada observa que todo comienza a cambiar, para ella inexplicablemente. Su padre es francés, su madre japonesa. No comprende el por qué de esa separación, menos aún la razón por la cual su madre irá a vivir a Japón y que ella deberá acompañarla. Yuki se resiste a ese traslado porque tiene su vida en Paris. Con Nina como cómplice hacen planes para intentar la reconciliación de los padres, que incluye la redacción una carta que remiten al padre y la madre firmada como “Hadas del amor”. Como el resultado fue contrario a sus aspiraciones, resuelven huir perdiéndose en un bosque donde piensan que encontrarán la protección como solución al problema.

El realizador japonés Nabuhiro Suwa (50, años, autor de cinco largometrajes) y el actor francés Hyppolite Girardot (55 años) en su debut como corealizador cinematográfico, concibieron y concretaron una producción donde relato y personajes son tratados con ternura respecto a la infancia, planteando los conflictos con sobriedad y delicadeza, pero también abre la reflexión a los adultos respecto a hechos doliente de un tema que afecta a más familias de las que uno pueda suponer en la sociedad contemporánea, donde las verdaderas victimas son los hijos, inocentes de las causas que originaron el resquebrajamiento del núcleo familia.

Contaron con el aporte efectivo de técnicos que supieron captar la intencionalidad que guió a los guionistas-realizadores, particularmente en cuanto a fotografía, ambientación y cámara. Por otra parte, se destaca una muy buena dirección de actores, y la muy acertada selección de los dos chicos para interpretar a las pequeñas protagonistas, Arielle Moutel como Nina, y especialmente Noë Sampy que como Yuki tiene la responsabilidad de ser el eje de toda la obra.

Un comando de mercenarios conocido como Los indestructibles no tiene afiliación a ningún país ni identidad "oficial", por lo tanto cuentan con total libertad. Lo integran un amante de los cuchillos, un experto en artes marciales, un especialista en artillería pesada y un par de aficionados a los explosivos. Eligen los trabajos que desean realizar, generalmente no por dinero sino por que se sienten emocionalmente conectados con las víctimas o con sus causas. Sus servicios son solicitados para asesinar a un malvado dictador de un pequeño país en una isla sudamericana, un general que corrupto que somete al pueblo, mediante el miedo y la tortura, mientras acumula poder y fortuna en sociedad con un ex agente de la CIA. La fotografía de un niño brutalmente masacrada los induce a aceptar la misión. Una vez en la isla son emboscados por los hombres del malvado General, complicándose más situación cuando descubren que también son perseguidos por un traidor infiltrado que supuestamente coopera con la CIA El equipo resuelve abandonar la empresa, para luego resolver vuelve a completar y salvar a una chica inocente que sabe toda la verdad detrás del complot contra ellos.

Tal es el resumen de esta aventura que involucra a “Los Indestructibles”, por lo que es muy fácil deducir que promete acción sostenida desde el principio hasta fin, con luchas permanentes empleando todo tipo de armas imaginables, con enfrentamientos cuerpo a cuerpo, un esplendoroso marco de efectos especiales y visuales, y muy generosas balaceas, todo ello para coronar el imperio de violencia que siempre acompaña a este grupo de mercenarios.

El espectador que gusta de estas manifestaciones fílmicas no se sentirá defraudado, pues contiene todos los ingredientes para una receta muy frecuentada por guionistas, productores y realizadores dedicados a la cinematografía-espectáculo de acción por la acción, incluso con un apropiado final abierto a un romance, por ahora apenas insinuado, y merced al animo predispuesto del equipo para involucrarse en una nueva aventura.

“Los indestructibles” les resultará satisfactoria particularmente a quienes les traiga reminiscencias de aquellas producciones de acción por acción características de las décadas del 70 y 80 del siglo pasado, con sus clisés y códigos, incluida la presencia de algunos de sus iconos masculinos entre los intérpretes, con sus físicos musculosos, tatuajes varios, camperas de cuero, que podrán reconocer no sin cierta saludable nostalgia, en tanto que a las nuevas generaciones es posible les resulte entretenida, particularmente por el ritmo logrado por la bien articulada compaginación, y los toque de humor aportado por comentarios o frases sueltas en los diálogos, con un gags que queda para la historia: en una escena aparece Arnold Schwarzenegger, uno de aquellos iconos –hoy gobernador de California- cuando le preguntan a Stallone “ese, ¿quién es?”, la respuesta no se hace esperar: “ese quiere ser presidente...” Puede también descubrir al gigantesco contrincante que enfrenta a Stallone en “Rocky IV” (1985), Dolph Lundgren, u otros más frescos en la memoria como Bruce Willis o Mickey Rourke.

Los excesos de arbitrariedades y artificialidad no lo invalida como buen producto de entretenimiento, aunque resulte muy discutible, o polémico, al ser considerado ideológicamente por estar en las antípodas de la actual política estadounidense al sustentarse en la que rigió en ese país durante los años ochenta.

Por otra parte, pueden encontrarse puntos de coincidencia, salvando distancias conceptuales y artísticas, con títulos de otros realizadores que reivindican a los “viejos”,

quienes otrora integraban los consejo de los sabios, en tanto hoy son considerados carne de geriátrico. Por ejemplo, lo hizo con gran nivel, y cierto humor e incluso una dosis de ironía, Clint Eastwoon particularmente en “Los imperdonadles” (1992) y en ”Jinetes del espacio” (2000)

Con Stallone de por medio, y una segura buena taquilla en su explotación internacional, no es de extrañar futuras secuelas de “Los indestructibles”, como lo fueron sus anteriores exitosas incursiones con Rocky y Rambo, si tenemos en cuenta que ha declarado seguir activo en el negocio fílmico.

La producción narra la historia de Joe Warr (Clive Owen), un exitoso periodista deportivo, especializado en tenis, casado con Katy (Laura Frasser), su segunda esposa, madre de uno de sus hijos, Artie (Nicholas Mcanulty), quienes viven en Australia una existencia casi perfecta, de amor y dulzura, conformando una familia plena. Todo esto cambia cuando a Katy le descubren un cáncer, a cuya consecuencia muere en muy poco tiempo. El hecho tan imprevisto le cambia la vida a Joe, quien de pronto se ve obligado a asumir el rol de padre de tiempo completo. A esta circunstancia se suma el arribo repentino desde Inglaterra de Harry (George MacKay), su hijo de 14 años producto del primer matrimonio, radicado en Londres junto a su madre, Su llegada se debe a la vivencia londinense poco feliz, lo que lo impulsó a buscar una respuesta por parte de su padre respecto al por qué lo abandono siendo muy pequeño, dejándolo con su madre para emigrar a Australia donde conformó un nuevo núcleo familiar del que es producto un medio hermano.

Para llegar a un equilibrio muy deseado, Joe tendrá que superar numerosos obstáculos y situaciones conflictivas, para finalmente comprender las necesidades afectivas y humanas de Artie y Harry, reestructurar sus vidas, desde la suya propia, a fin de emprender una nueva integración familiar.

Un relato dramático, que por momentos bordea el melodrama, trasunta la sensibilidad del guionista y del realizador para abordar con ternura un planteo donde están en juego los problemáticos vínculos y convivencias, siempre latente, entre padres e hijos. Conmovedora y emotiva realización, con apropiados toquecitos de humor que apuntan a distender las persistentes tensiones dramáticas. Un buen plantel de intérpretes cubren apropiadamente los distintos personajes, destacándose el trabajo de Clive Owen. La atinada dirección Scott Hicks se apoyó, además, en muy eficientes equipos técnicos.

Protagoniza esta historia una familia integrada por Catherine, ginecóloga exitosa, David, profesor de música, y Michael, hijo adolescente de ambos. Aparentemente se trata de una familia de clase media casi perfecta pero, como advierte un recordado proverbio, “No todo lo que reluce es oro”. En la intimidad Catherine sospecha que su marido la engaña, lo que se acentúa cuando David le comunica que perdió el vuelo desde Nueva York (donde dictó un curso) para retornar a su hogar en Toronto, por lo que llegará recien a la mañana siguiente. El hecho la afecta especialmente en razón de que había organizado una fiesta sorpresa para agasajarlo junto a los amigos con motivo de celebrar su cumpleaños. Al día siguiente, con David de regreso, Catherine circunstancialmente atiende su celular para encontrarse con un mensaje de texto de una de sus alumnas, quien alude con humor a lo que supuestamente sucedido en la jornada anterior. La decepción de la noche pasada y el mensaje en cuestión avivan sus sospechas de engaño. Circunstancialmente conoce a Chloe, una joven bellísima, muy sensual y seductora, a la que contrata para que intente seducir a David, poniendo así a prueba su fidelidad. Se ven regularmente narrándole Chloe, en detalle, cómo se van desarrollando sus encuentros. Pero entre ellas se va creando una rara conexión, entretejiéndose un peligroso juego que propone Chloe. Catherine descubrirá lo peligroso que puede llegar a resultarle a ella y su familia la vuelta de tuerca. Cuando creía que tenía todo bajo control, se encuentra al borde de un detonante que la puede conducir a resultados inesperados.
La historia no es desdeñable, siempre y cuando resultase ingeniosa la trama narrativa, algo que brilla por su ausencia. Prometedora en el comienzo, entra luego en una sucesión de acciones muy previsibles para el espectador. Etom Egoyan es un realizador con oficio y profesionalidad, que a demostrando saber dirigir actores. En esta ocasión pareciera haber asumido el proyecto sin convicción. Un buen plantel de intérpretes cumplen con decoro los roles asumidos, destacándose particularmente Amanda Seyfried, quien en su carrera aportó ponderable interpretaciones románticas, como lo apreciamos en “Mamma mia” o “Cartas para Julieta”, sorprendiendo en esta oportunidad con la composición Chloe, al asumir un personaje tan diferente a los que venia encarnando, y lo hizo con resultados positivos.

Esta realización apunta a ser una comedia sobre cinco amigos que se reencuentran después de treinta años, convocados por la muerte de su entrenador de basketball para despedirlo y rendirle homenaje.

Se reúnen todos acompañados de sus esposas e hijos en la casa del lago, donde ellos celebraban el campeonato ganado en la infancia.

A pesar que sus vidas han tomado distintos caminos, los amigos empiezan a reconectarse, rememorar y poner en practica los que hacían de chicos, volver a repetir esos recuerdos y contarse lo que pasa en sus vidas. Trasmitirles a los hijos malcriados que valoren la vida al natural y los juegos en familia.

A ellos se suma el soltero con adicciones, el amo de casa maltratado por su mujer

y su madre, el de New Age que esta en pareja con alguien que lo dobla en edad, y por ultimo el vendedor que se quedo sin trabajo.

Hay algunas escenas de humor aceptable, pero resulta ínfimo para que el espectador apenas tenga oportunidad de insinuar una sonrisa, fracasando como pretendido entretenimiento, aunque pueda incluir situaciones sólo entendibles para el publico estadounidense.

Se trata de una mezcla de elementos de comedia en el marco de la amistad y los lazos familiares más lo sentimental, que no funciona, al menos entre el espectador argentino, por carecer de ingenio y frescura, pese al esfuerzo de un buen elenco.

El agente secreto Roy Miller (Tom Cruise) comienza una complicada relación con una bella mujer, June (Cameron Diaz) en el aeropuerto donde abordan el mismo vuelo a Boston, donde le tienden una trampa a Roy, quien se revela al espectador como experimentado peleador aniquilando a una decena de agresores. El avión se precipita en aterrizaje de emergencia en un maizal con Roy y June como únicos sobrevivientes. A partir de ese momento June se encuentra involucrada en los conflictos de Roy en una persecución sin cuartel, por ejemplo, saltando por techos en Austria, recorriendo calles de Sevilla o entre la suelta de toros en la tradicional festividad de San Fermín en Pamplona, entre otras locaciones turísticamente atractivas.

Entre escapes insólitos, identidades falsas, traiciones, persecuciones sin respiro y un archirepetido romance apropiado a las circunstancias, se va desgranando una trama simpática aunque lineal, con resoluciones basadas en la arbitrariedad narrativa donde los personajes van superando sin ton ni son los obstáculos ideados sin mayor esfuerzo imaginativo por el guionista

“Encuentro explosivo” tiene buen ritmo, adecuada técnica y presenta una dupla actoral con mucha química, por lo que no sería extraño que vuelva a ser reunida en algún otro proyecto de comedia romántica, por ejemplo. Tom Cruise y Cameron Díaz, ya vista en “Vainilla Sky” (2001), cumplen con la expectativas que su presencia puede despertar en quienes buscan un pasatiempo sin relieve sobre la base de acción sostenida con ribetes de comedia, sostenida por personajes frescos animados con desenvoltura por quienes los encarnan, cuyo final es previsible al cumplirse los primeros cinco minutos de proyección.

Planteo subliminal denso y reflexivo sobre la fe y sus limites

“La fe y la pasión” se refiere a una joven novicia obsesionada por la fe hasta llegar a un castigarse sin limites.

La narración sigue el proceso de una joven, de origen burgués católico, recluida en un convento. Se pasea por los jardines desabrigada, no come, debilitada, muy delgada, su alimento se lo arroja a los pájaros, y nunca se separa de un rosario. Incondicional en su amor a Dios, con quien dice dialogar, aguarda el momento de convertirse en monja. Por sus extrañas actitudes la Madre Superiora se ve obligada a expulsarla, por lo que retorna al seno familiar.

Consecuentemente, vuelve a ser la joven parisina Celine, hija de un ministro francés, con padres ausentes, habitando en la mansión de su familia, lugar tan sombrío como el convento. En una de sus incursiones por el pueblo conoce a dos jóvenes palestinos, uno de ellos fanático religioso como ella, pero de creencias en principio muy distintas. Yessine comienza a ejercer influencia sobre Celine, desde su posición fundamentalista, a punto tal de resolver huir con ellos hacia Medio Oriente, donde, sin perder sus convicciones, integra un grupo terrorista participando de un violento atentado, forma diferente en la búsqueda de la redención, y también, según su apreciación, servir a Dios aún desde el extremismo.

El relato implica un desarrollo lineal y dramático, que en su análisis afloran momentos de ingenuidad, agresividad, sexualidad, además de un misticismo que de inocencia pasa a ser fanatismo.

Es una historia sencilla, no exenta de cierta poesía, a la vez que compleja y reflexiva, muy bien desarrollada en el guión y realizada con delicadeza en el relato y densidad expositiva por parte de un realizador, quien hace pesar la atmósfera reinante y el planteo psicológico de los personajes. Julie Sokolowski cumple una excelente labor, su rostro es tan expresivo que aporta toques justos a Celine, poniendo de relieve sus padecimientos, su vida confusa y vacía volcada ciegamente en la fe católica,

La puesta en escena, la fotografía de Yves Capes y la música gravitan en el ánimo del espectador trasmitiéndole las fuerzas entremezcladas del bien y del mal.

Obra sumamente densa e interesante respecto de la cual cada cinéfilo llegará a las conclusiones, conforme su lectura e interpretación de los hechos y las situaciones propuesta por sus responsables.

“Triangulo” trata la vida de tres personajes atrapados en su soledad, culpa, pasión desesperanza, vacío, que no forman parte de la prosperidad alemana.

Thomas (Benno Furmann) acaba de enterrar a su madre, un hombre atlético expulsado del ejercito, con ocupaciones transitoria y muchas deudas para afrontar. Los acreedores se llevan su dinero que tenía escondido en el jardín de su madre y le dan una golpiza.

Una vez recuperado se cruza con Ali (Hilmi Sozer), hombre primitivo, astuto para los negocios y desconfiado, cuya única preocupación es que los empleados de los bares de los que es propietario no le roben.

Thomas saca de un apuro a Ali en una situación en la cual interviene la policía, la que le quita el registro de conductor por manejar alcoholizado. En agradecimiento lo contrata Thomas como su chofer permanente.

Al le presenta a su mujer Laura (Nina Hoss), una hermosa mujer con pasado no muy claro que conforma su pareja muy lejana del amor y próxima a la seguridad económica, situación que trae al recuerdo la novela y las versiones fílmica de “El cartero llama dos veces”.

Laura y Thomas se atraen, la relación se hace cada vez mas intensa y planean la muerte de Ali, para que se termine el maltrato que le daba a su mujer y de esa manera para conseguir la libertad que tanto desean. Quieren amor y también seguridad, camino los lleva a la traición.

Hay dos frases en esta realización, cuando Ali afirma “vivo en un país que no me quiere, con una mujer que compre”, y cuando Laura dice, “si no tienes dinero no puedes amar.”

La base de todo es a base del dinero, convirtiéndose en el cuarto personaje que juega un rol importante en la trama de este triangulo.

El desenlace sorprende, induce al espectador a preguntarse si un crimen cabe que ocurra en esta trama.

Una historia interesante desarrollada con una trama atractiva y diálogos precisos en el guión, que contó con una muy buena dirección de Christian Petzold, quien contó con un reducido pero muy efectivo plantel interpretativo y un equipo técnico muy idóneo.

Esta producción se basa en una historia real ocurrida en Japón en la década del 20 del siglo pasado, sobre un perro de raza akita llamado Hachiko y su relación con un profesor universitario, trasladando el relato a los comienzos del siglo XXI ambientándo en los Estados Unidos.

Comienza en una localidad del Japón desde donde se despacha en una jaula a un cachorro akita con destino a los Estados Unidos. Todo se desarrolla normalmente hasta la jaula llega a la estación ferroviaria de un pueblo en la nación del Norte. Al ser traslada se despende en el hall, al caer se abre y el pequeño queda liberado y comienza a rondar el amplio espacio del recinto. Entre los pasajeros que arriban a ese destino se encuentra Parker (Richard Gere), un profesor de música en su diario viaje para cumplir con su trabajo docente en la ciudad. Dirigiéndose hacia la salida descubre al cachorro perdido. Es viernes, el jefe de la estación manifiesta no poder hacerse cargo, sugiere al profesor que lo conserve hasta el lunes y si nadie lo reclama lo entregue a la perrera. Parker trata de alejarlo, pero el animalito ya lo ha adoptado. Ante esta situación se apiada y lo lleva a su casa con la esperanza que alguien lo reclame. Al llegar Cate, su esposa (Joan Allen), no ve con buenos ojos la decisión, aunque a los hijos les cae simpático, pero finalmente accede con el compromiso que el lunes sea restituido a su ignoto dueño. Nadie lo reclama, la perrera lo tendía unos días para luego sacrificarlo. Ante esa perspectiva Parker logra el consenso de Cate, cuando ésta observa la fuerte relación que se establece, y la felicidad de los chicos, para finalmente Hachiko ser incorporado a la familia.

Todos los días, cachorro primero y luego ya adulto, lo acompaña por la mañana a la estación, y a las cinco de la tarde aguarda su regreso Esta rutina sigue su curso uniéndolos emocionalmente, hasta que un día el profesor no retorna debido a un infarto mientras dicta una de sus clases a cuya consecuencia muere. Durante la próxima década, hasta su muerte, la lealtad de Hachiko se manifiesta esperando a Parker todas las tardes a la misma hora, ocupando el mismo lugar a la intemperie frente a la estación, desafiando lluvias, vientos, calores y nevadas.

Parker y Hachiko resultan ser dos personajes entrañables, cuyo amor y lealtad conmueve en términos generales, pero muy particularmente a quienes en algún momento de sus vidas tuvieron una conexión similar con algún cachorro. Ante este caso no extraña cuando alguien nos cuenta que un perro a la muerte de la persona con la cual convivía se dejó morir sobre su tumba

La historia tiene buen desarrollo en un guión debidamente articulado, realizado con delicadeza y ternura por Lasse Hallström, sensaciones que supo materializar dirigiendo un elenco que aportan sensibilidad a los personajes con Richard Gere, los animales que cubrieron las distintas etapas de vida de Hachiko, y Joan Allen en primer plano, secundados por quienes encarnan al amigo nipón, el jefe de la estación o el vendedor de panchos.

En suma, se tarta de una realización conmovedora sobre la amistad y la lealtad que a más de un adulto hará empañar sus ojos, y a los chicos quizá comprender y valorar a su mascota, cualquiera que ella sea.

Cabe acotar que Hachiko para Tokio es uno de los héroes japoneses. Ha sido objeto de cuentos infantiles. Le han levantadas tres estatuas de bronce en tres lugares distintos de Japón, que tienen a su vez una historia, que constituían uno de los puntos de encuentro más famosos del país. En la actualidad queda una frente a la estación ferroviaria, en el mismo lugar donde esperaba a su amo.

El lado desconocido de una leyenda de la mano de Ridley Scott

Robin Hood (Rusell Crowe) el héroe de la leyenda llevada a la cinematografía en muchas oportunidades, quedando en el recuerdo particularmente las protagonizadas por Fiarkanks (“Robin de los bosques”, 1922), Errol Flynn (“Las aventuras de Robin Hood”, 1938), Sean Conery (“Robin y Marion”, 1973) o Kevin Costner (“El principe de los ladrones”, 1991) En todos los casos se hace una parcial, y muy somera, referencia a la vida del personaje anterior al momento de sus hazañas en el bosque de Sherwood, centrando todo el relato en las aventuras que se supone allí se registraron. En tanto “Robin y Marion” (1973), con Sean Conery, abordaba los últimos años del héroe legendario.

En el caso que nos ocupa, en cambio, el relato nos retrotrae a la niñez de Robin Hood narrando todas las incidencias de su vida que finalmente, por decisión de Juan sin Tierra, hermano de Ricardo I, coronado rey ante la supuesta muerte de éste, es obligado a convertirse en un fugitivo, para iniciar como tal su lucha por la libertad y la justicia desde el famoso bosque británico. Consecuentemente, esta nueva visión de la historia del Robin Hood, protagonizado por Russell Crowe y dirigida por Ridley Scott, a diferencia de todas las que le anteriores, finaliza cuando Robin va a comenzar su camino hacia la leyenda.

Al regreso de las cruzadas, y considerado muerto en una batalle Ricardo I Corazón de Leon (1157-1199), le es encomendada a Robin la misión de entregar la corona en Londres, para lo que asume el nombre del noble Loxley, hombre fiel del Rey, muerto en batalla a quien Robin promete llevar la espada a su padre. Después de cumplir la misión que le fuera encomendada entregando la corona al principe Juan, parte con destino a Nottinghan donde conoce a Lady Marian (Cate Blanchett) esposa de Loxley y al padre éste Sir Walter Loxley (Max Von Sysow), a quienes les confiesa toda su verdad al momento de cumplir con la entrega de la espada, gana la confianza del anciano considerándolo digno de que siga usando el nombre de hijo, revelándole a Robin aspectos de sus antecedentes familiares. Ahora Robin Longstride interviene en las luchas contra los invasores franceses, que actuaron merced a traiciones en el entorno del Rey Juan. Por su actuación en las batallas gana un reconocimiento que molesta al soberano británico, quien lo considera un peligro para la corona y es obligado a actuar como un fugitivo. Robin cansado de injustas amenazas, del aumento desmedido de impuestos, el vandalismo de las autoridades y la hambruna, violencia e injusticias que debe soportar Nottinghan resuelve resistir esos embates, actitud que avalan los ciudadanos para comenzar a reivindicar sus derechos humanos tomando las armas en defensa propia.

Los quionistas nos traslada a la Inglaterra del siglo XII con una historia plena de lealtades, traiciones, amores y aventuras, desarrollada con inteligencia en cuanto al tratamiento del relato y los personajes que la animan, en una interesante vuelta de tuerca que mantiene interés sostenido en las acciones engarzadas con buen criterio.

El realizador británico Ridley Scott tiene 72 años, en los últimos 33 dirigió 19 producciones desde “Los duelistas” (1977) hasta “Robin Hood” (2010), incluyendo títulos como “Alien, el octavo pasajero” (1979), “Blade Runner” (1982), “Thelma y Louise” (1991), “Gladiador” (2000), “Red de mentiras” (2008). Recordando estas obras estamos ante un cineasta avalado por una trayectoria de indiscutible calidad artística, con sus más y sus menos según la apreciación de cada cinéfilo. “Robin Hood” suma méritos presentes en los títulos mencionados por tener como punto de partida buenos guiones, a los Ridley supo interpretar acabadamente en contenido y forma, armonizándolas al materializarla en imágenes y sonidos. Denota conocimiento, gusto y estilo para aprovechar todas las posibilidades tecnológicas al servicio de la cinematografía, y de los equipos técnicos que la aplican en justa medida sin sobrecarga de efectismo, en este caso la calidad de la fotografía, el trabajo de las cámaras, la dirección de arte y el uso de los planos sonoros, y una compaginación que sostiene ritmo y cadencia narrativa. Esto último particularmente notorio en la utilización de la música placentera, incluidos los coros, tratamiento que en algunos pasajes recuerdan a “Gladiador”. Por otra parte, tiene el mérito de una inteligente selección de intérpretes, a quienes conduce por sendas claras y mano segura logrado buen nivel en todos los estratos, apreciado desde Russell Crowe y Cate Blanchett encarnando a Robin y Marion cuarentones, hasta el rescate de un excelente actor sueco Max von Sydow, por lo general desperdiciado por los realizador de Hollywood.

La historia invita a disfrutar de la acción y la aventura, en tanto la realización alcanza un muy buen nivel artístico que sostiene sin desmayo los 138 minutos de proyección.

Se abre una incógnita: ¿puede haber una segunda parte cubriendo lo que algunos espectadores esperaban encontrar al concurrir a la sala?

James Reece (Jonathan Rhys Meyers), el actor de la recordada “Match Point” (2005) trabaja como asistente en la embajada de EE.UU. en Francia con aspiraciones de llegar más alto en su profesión, y mantiene contacto telefónico con la persona que le da encargos para realizar como espía encubierto.

La oportunidad se le presenta cuando le dan otra misión en la que tiene que ir a buscar a su nuevo compañero Charlie Wax (John Travolta), un agente de la CIA acostumbrado a aplicar métodos pocos ortodoxos. Hombre de pocas palabras, violento y muy irónico.

Ambos causan destrozos por todo Paris en busca de narcotraficantes y peligrosos terroristas. Espectaculares persecuciones, gran despliegue de exteriores e interiores, enfrentamientos donde no se escatimaron municiones ni violentas acciones cuerpo a cuerpo escalonan esa búsqueda implacable por múltiples locaciones de la Ciudad Luz.

En las situaciones planteadas por el guión se alternan acciones tratadas –verbal y visualmente- efectivos toques de humor, por ejemplo durante la mayor parte de las persecuciones y enfrentamientos Reece debe llevar y cuidas la integridad de un valioso gran jarrón chino conteniendo una considerable cantidad droga como prueba, lo que lo obliga a ir esquivando balas y golpes de karate a granel que les propinan.

Como cuadra a toda producción de acción por la acción no olvida una dosis de romanticismo. En este caso a cargo de Caroline (Kasia Smutniak) como la novia francesa de Reece, con la mirada burlona de Charlie.

Sorprende el look calvo y con barba candado de Travolta animando con actitudes de matón a un espía experimentado, donde se lo ve cómodo, desenvuelto, simpático, en un trabajo serio con el cual se debe de haberse divertido, estado de ánimo que trasmite al espectador. Meyers cumple su parte como coprotagonista muy a tono con el enfoque definido por el realizador para Reece, en tanto Kasia Smutniak es el toque femenino bien puesto en la trama.

No quiero dejar de destacar el adecuado aprovechamiento Paris como locación general para la historia, ciudad de la cual el realizador capta los lugares más bonitos y frecuentado por franceses y turistas, como la torre Eiffel, pero también incorpora lugares que la gente no llega a descubrir de la otra cara Paris, quizá la más auténtica que no muestran las tarjetas postales, oscuros y lóbregos. La acción permanente bien dosificada y un ritmo muy ajustado a este tipo de realizaciones asegura a los amantes de la acción por la acción con buenos toques de humor un entretenimiento asegurado.

Esta comedia gira alrededor de varias historias sobre la pareja, con encuentros y desencuentros, marchas y contramarchas, relaciones que empiezan con toda la fuerza del amor y finalizan por elección o por error de sentimientos, plantea que el amor no es para siempre, pero el “ex” es de por vida.

Historias de amor que se cruzan, plagadas de conflictos, que sufren hasta llegar al final previsible, al estilo de las producciones en episodios entrelazados, en estos casos, con vínculos familiares, profesionales o de amistad, animados básicamente por seis parejas. Casos como el de un psiquiatra divorciado que debe asumir el cuidado de sus hijas adolescentes por la perdida de su ex mujer en un accidente, hecho que lo lleva a la reflexión y a descubrirse; un juez encargado de casos de divorcio enredado en el suyo; un sacerdote ante el dilema de seguir su vocación sacerdotal o retornar a la vida civil con su ex; padres que no desean obtener la tenencia de los hijos menores, en tanto estos no desean convivir con ninguno de los dos; Un policía celoso que vive amenazando al novio actual de su ex.

Se trata de una comedia costumbrista muy italiana que cuenta con un guión aceptable que desgrana situaciones graciosas, algo reiterativas, diálogos amenos, dirigida con oficio, sostenida con buen ritmo, aunque algo excedida en tiempo por los 120 minutos de duración que hubiera ganado con su reducción a 90 minutos, y animada por un elenco muy apropiado al género,

Fue muy exitosa en su país de origen, y es muy posible que entre nosotros tenga buena aceptación, máxime con las comedias inconsistentes estrenadas este año, sobre todo con los amantes de la comedia romántica.

Narra la historia de John Tyree (Chaning.Tatum), un joven soldado que está de vacaciones en la casa de su padre Tyrnn, un coleccionista de monedas, obsesivo, y con leve autismo, en una muy buena actuación de Richard.Jenkins, lo mejor para apreciar en esta producción.

Conoce a Savannah (Amanda Seyfried), una estudiante muy altruista de la cual se enamora.

Viven días intensos y con muchas promesas en esas vacaciones de primavera, pero él debe reintegrarse a su cuerpo y regresar al frente: Durante mucho tiempo se mantendrán en contacto, según lo acordado, a través de las cartas que se intercambiarán contándose todas sus mutuas vivencias.

De pronto John deja de recibir las misivas, lo que le produce sorpresa, desconcierto y dolor Al ser herido en un combate lo retornan a su casa, agudizándose la relación con su padre y para enfrentar el encuentro inevitable con Savannah.

El final de una historia más de amor y guerra, de un soldado y la novia, que pueden imaginarla o, si les seduce la propuesta, comprobar cómo lo resuelvan los responsables de esta producción que apunta a la sensibilidad femenina, con la intención de conmover su corazón y activar los lagrimales, aunque para mi gusto mediante un relato demasiado almibarado. La novela en que se basa es un best-seller, razón por la cual llega a la pantalla grande, y siempre habrá románticas a la expectativa. .

La producción narra la historia de un viudo, Burke (Aaron Eckhart), quien llega al éxito al escribir un libro de autoayuda que se convierte en un Best Seller, cuya temática se que refiere a como superar la muerte de un ser querido. Su socio organiza una gira para promocionar la obra. Una de los destinos que tiene que visitar, con muy pocas ganas, es la ciudad de Sattle, que él abandonó tras la muerte de su esposa, para olvidar lo sucedido, alejarse de sus suegros y de cuanto le recordara ese etapa feliz de su vida. En uno de los seminarios que debe dictar conoce a Eloise (Jennifer Aniston) una hermosa florista. La relación se inicia con equívocos, pero a poco andar Eloise se va convirtiendo en la única persona capaz de ayudarlo a enfrentarse a su propia perdida, y a todo lo que tiene interiormente y que nunca contó ni elaboro. Como usted seguramente lo presume, finalmente comieron perdices y fueron felices por siempre.

El tema del grupo en autoayuda esta bien tratado, existen en muchos lugares del mundo, donde se encuentran pares que han sufrido perdidas y pueden hablar de lo que sienten.

La trama está bien planteada, con situaciones no siempre creíbles pero resueltas con profesionalismo, animadas por una pareja que tiene química, secundada por un elenco con oficio. El resultado es una comedia atendible que conforma al espectador que disfruta del género

Sensibilidad y fuerza dramática en una obra mesurada y profunda

Esta es la tercera realización de la guionista y directora francesa Mia Hausen Love (29 años, “Après nûre rêfexion” -2003-, “Tout est pardonné” -2007-), primera estrenada comercialmente en el país, a quien considero como uno de los talentos de la nueva generación de la cinematografía gala.

Gregoire (Louis Dode Lencquesaing) tiene todo, una bellísima mujer y tres hijas adorables. Dedicado a la producción cinematográfica independiente transita su carrera afrontando los avatares de quien, en cualquier latitud, se aventura en encarar obras de auténticos valores artísticos. Hiperactivo, trata de resolver encarar y los problemas que provocan directores y personal de los filmes que encara, transcurriendo sus vivencias con intensidad la entre familia y el trabajo disfrutándola plenamente.

Con su personalidad y carisma parece que nada afectará su felicidad, pero su empresa Moon Films atraviesa serios problemas económicos, aunque estima que dispone de una última carta: pedir un préstamo a sus hermanos, empresarios de los cuales esta alejado hace mucho tiempo, cuyo resultado resulta negativo. Este quiebre financiero lo lleva a al suicidio. Atrás queda su familia, sus deudas, una producción inconclusa y otras en proyecto, además de un catálogo artísticamente importante del cual nunca quiso despenderse. Sylvia, su viuda, intenta seguir adelante como él lo deseaba, se hace cargo de la empresa pensando que logrará reactivarla, pero deberá someterse ante la cruda realidad, debiendo aceptarla y encarar lo porvenir.

A través de la narración queda abierta al espectador definir si la decisión trágica de Gregoire respondió a un acto planificado o, como piensa Sylvia, un momento desesperación, de locura.

Un guión inteligente y sin fisuras impulsa una progresión dramática muy medida que en su primera parte plantea los conflictos con apropiada cadencia narrativa, para luego, a propósito del suicidio, producir una abrupta inflexión que agudiza las acciones hacia la culminación de la historia.

Mia Hansen-Love como realizadora denota sensibilidad, pero sin caer nunca en la sensiblería, y habilidad para generar y sostener latente la atmósfera requerida por la trama, desarrollada con delicadeza, inyectándole una dosis mordacidad y sutiles toque de humor. Técnicamente prolija desde la concepción de los encuadres hasta la compaginación del material registrado. Otro de los méritos de Mia es la muy ajustada dirección de un excelente plantel interpretativo, que tuvo una guía firme en el tratamiento de los diálogos de palabras, de miradas y de silencios.

Esta es la segunda realización de Allen Coulter (“Hollywoodlands”, 2007), con una trayectoria importante en series televisivas como, por ejemplo, "The Sopranos" "Sex and the City".

La historia es el eterno tema humano de los vínculos. Tyler Hankins (Robert.Pattison protagonista la saga “Crepusculo”) es un joven rebelde que no ha superado la muerte de su hermano mayor Michael (se ha suicidado), y todo su dolor y enojo lo lleva a una confusión de sentimientos, en una familia esta desintegrada por lo sucedido. La relación con su padre Charles (Pierce Brosnan) es conflictiva, de aparente indiferencia, y viven un permanente enfrentamiento. Se trata de un empresario exitoso, pero ausente en el vínculo con sus hijos, excepto en las obligaciones económicas. Tyler cuida de su hermana menor (Caroline), con la que mantiene cierta complicidad y acuerdo en las charlas que tienen cuando la pasa a busca por la escuela. En una pelea callejera Tyler es detenido con cierta saña por el Sargento Neil Craig (Chris Cooper), debido a diferencias pendientes. Tyler es liberado por la fianza depositada por su padre lo que suma otro motivo al enfrentamiento. Su mejor amigo Aidan (Tate Ellington) en un desafío lo convence que conquiste a Ally (Emile de Ravin), hija del Sargento, quien presencio la violenta muerte de su madre durante un asalto, cuando ella tenía sólo 10 años, la que se enamoran de él. Superando el conflicto que genera el descubrirse la verdad resuelven luchan ante otra oportunidad que se les presenta sobre la base de creer en sí mismos.

El guión entrama conflictos dramáticos familiares con diversos giros temáticos que incluye un relato romántico, no exento de un toque con reminiscencias de Romeo y Julieta, con un giro final sorprende e inesperado.

Los adolescentes recibirán esta realización con cierta preferencia por su romanticismo y la presencia Robert Pattinson, a quien, palpito, se lo perfila, en presencia y estilo interpretativo, como el James Dean de esta generación.

La historia gira en torno a Otto (Christian Ulmen) y Leo (Simon Verhoeven) dos alemanes que viajan por negocios a Japón desde donde importan Koi un pez japonés bellisimo, exclusivamente para coleccionistas. En este viaje conocen a Ida (Alexandra Maria Lara), una turista alemana diseñadora de telas, quien se siente atraída por Otto el buscador de los peces. El encuentro culmina en un casamiento en una ceremonia japonesa tradicional. Otto esta tan enamorado que le dice que es todo para él, que con su trabajo, ella y la casa rodante donde viven disfruta de una existencia plena.

Al tiempo Ida queda embarazada, le pide de ir a vivir a una casa con jardín y luego de dar a luz quiere seguir con su carrera. Otto la ayuda, será él quien cuidara al hijo, aun en perjuicio propio. Llega un momento en que esto a ella no le resulta suficiente, le reclama a Otto que sea ambicioso, que presente más batalla, no reconociendo lo que sacrifica su marido en la convivencia, le cuestiona todo a punto tal que resultan inevitables los choque y los consecuentes conflictos. Ambos sienten la tentación por la infidelidad, están a un paso, pero no se concreta porque los sentimientos recíprocos operan como salvavidas, empero el enfrentamiento culmina con la separación en coincidencia con la pérdida de la fortuna lograda por la venta de un pez Koi, campeón de una especie en extinción. La crisis familiar y económica los llama a la madurez, el crecimiento y la reflexión respecto al panorama futuro que deberán afrontar.

Doris Dörrie, la recordada realizadora alemana (54 años) de “Nadie me quiere” (1995), “¿Soy linda? (1998) y “Las flores del cerezo” (2008), una joyita cinematográfica, el mejor de sus trabajos vistos en el país, estrenada en la Argentina el 17 de septiembre de 2009, llega con cuatro años de demora “El pescador y su mujer”, segunda de sus obras rodada – esta parcialmente- en Japón, antecedida por “Sabiduría garantizada” (1999), y seguida por “La flores...”

En esta oportunidad denota, como en los títulos anteriores, la búsqueda de propuestas interesantes por la historia que narra y el tratamiento cinematográfico utilizado exponela, aunque trasmite cierta sensación de frialdad para el sentir del espectador latino. Sus trabajos, y este no es la excepción, son inteligentes, prolijos, realizados con buena técnica y bien definida dirección de un plantel de intérpretes que responden a su estilo fílmico.

Es para pasar un buen momento y pensar que las cosas cotidianas siempre son valiosas e importantes en la vida de cada uno. Alexandra Maria Lara fue galardonada como mejor actriz en Milan InternationalFilm Festival

Eli (Denzel Washington) es el protector de un libro sagrado que debe llevar al lado Oeste de los Estados Unidos para salvar a la humanidad.

La travesía se desarrolla en medio de la violencia y el desamparo en los seres humanos que sobreviven librados a su propio destino y fuerza.

Eli deberá defender su vida y, a la vez, resguardar la tan codiciada obra literaria, particularmente por la empecinada actitud del tirano Carnegie (Gary Oldman) para adueñarse de ese libro a cualquier precio, pues le significará alcanzar el poder total y el dominio del mundo.

En el trayecto Eli permanentemente se va diciendo a sí mismo "no te apartes del camino", mientras se desplaza en paz por un territorio hostil que no dejará de provocarlo, lo que obligará a poner en juego sus habilidades en la lucha cuerpo a cuerpo, con el sólo aporte adicional de un machete manejado con gran destreza.

El enfrentamiento entre Eli y Carnegie fundamenta, una vez más, la lucha entre el bien y el mal esta vez tres décadas después del apocalipsis que sacudió al planeta.

Finalmente el bien triunfará sobre el mal, no sólo en la exitosa defensa del singular libro (que no es otro que la Biblia) con el cual arribará al destino final que tenía fijado, sino que en su periplo rescata de las garras del mal a la hermosa Solana (Mila Kunis) y su madre ciega Claudia (Jennifer Beals), sometidas a la escavitud por Carnegie.

El “Libro de los secretos” es una producción que parte de un guión bien estructurado, aun sin apartarse de lugares comunes clásicos en las obras donde predomina lo espectacular, sobre la base de una historia nada original, que cuenta con apropiado tratamiento técnico y un elenco muy atendible, encabezado por dos actores de reconocida valía como Denzel Washington y Gary Oldman, quienes le sacan muy buen partido de los personajes que les fueron confiados.

Esta realización se basa en un hecho real sobre una familia del Sur estadounidense de clase alta que ayuda, y finalmente adopta, a un joven marginado.

La historia es la de Michael Oher, un muchacho negro de unos 130Kg. sin hogar, recogido por los Tuohy.

Leigh Anne, madre de la familia (interpretado por Sandra Bullock) es la que un día al observar a Michael deambulando por la calle lo invita a su casa, donde le ofrece alimento y una cama por esa noche, lo que se prolongará en jornadas posteriores. Finalmente, el matrimonio y sus dos hijos lo aceptan como parte de la familia, ayudándolo en los estudio e impulsándolo en su gran potencial para lograr el protagonismo en la práctica del fútbol americano, deporte que le sirve para integrarse a la sociedad y afianzar su futuro.

La presencia de Michael (Quinton Aaron) ayuda a los integrantes de la familia Tuohy a descubrir aspectos de ellos mismos que desconocían.

Leigh Anne no sólo protege a Michael, sino que habla con su esposo e hijos y toman la decisión de adoptarlo para que sea parte oficial de la familia.

Esta manera de ser, con tanta energía para dar, hace que logre todo lo que se propone con su hijo adoptivo. Hay momentos que le indica como integrarse al juego pasando por encima del entrenador, avasallante, sugiriéndole que en el campo debe moverse como lo hace protegiendo a su familia, fórmula que al ponerla en práctica supera bloqueos sicológicos modificando sustancialmente su vida de relación.

Actualmente el real Michael integra como tackle ofensivo el equipo de los Baltimore Ravens.

El tratamiento de la historia es lineal, con situaciones muy previsibles, poco consistentes, y un desarrollo progresivo que presenta altibajos en lo narrativo, cuya realización la enmarca en un cuasi cuento de hadas moderno, que lejanamente nos trae reminiscencias emparentadas con Cinicienta. La realización de Hancock se limitó a presentar el relato con oficio, pero sin relieve dramático ni conceptual, animado por un elenco que acompaña esa dirección cuyo protagonismo ejerce Leigh Anne, encarnado por Sandra Bollok quien cumple muy buena labor, cuyo mayor mérito lo constituye el perfil simple, sencillo y cotidiano que logra trasmitir al espectador, trabajo que, empero, resulta muy discutible para consagrarlo con el Oscar como mejor actriz protagónica del 2009.

Ante esta producción podríamos empezar diciendo que nos encontramos ante una nueva saga al estilo Harry Potter.

Percy Jackson es hijo del poderoso Poseidon y su madre humana trata de protegerlo ocultándole que él es un Semidios.

En esta saga se aplica la mitología griega.

Poseidon mantiene una larga disputa con su hermano Zeus, agravada ahora porque le han robado su poderoso rayo, hecho del cual culpa a Percy. Este semidios tiene problemas de concentración y es dislexico. En su escuela hay un profesor en silla de ruedas y un amigo de estudios que lo ayudan, pero, en realidad, son figuras mitológicas, un centauro (Pierce Brosnan) y un sátiro, Grover (Brandon T. Jackson), a quienes se les suma Annabeth (Alexandra Daddario), hija de Athenea. Este grupo se encargara de recuperar el rayo robado para rescatar a la madre humana de Percy que se la han llevado sus enemigos.

La superproducción es admirable merced a los muy buenos efectos especiales, a un apropiado ritmo narrativo sostenido que entretiene en buena ley al espectador, al que hace participe de la historia, y lo retrae a la lectura de los clásicos griegos con base en Homero.

A la buena realización técnica se suma un plantel de intérpretes que se mueve con comodidad, como, por ejemplo en la versión subtitulada, la Medusa interpretada por Uma Thurman, de aparición sorprendente para el espectador al que esta dirigida la obra, el Poseidón de Kevin Mcidd, el Zeus de Sean Bean

“Percy Jackson...” destinada al publico adolescente en quienes reactivaría –y en los demás también- los conflictos entre los dioses del lejano Olimpo con repercusión en los humanos, meros títeres, víctimas inocentes de sus pasiones y rencores. Aquella mitología con sus dioses, semidioses, Centauros, Minotauros, Sátiros, stc. e

“Días de Ira” narra la venganza de Clayde Shelton (Gerard Butler), afectuoso padre de familia, que al abrir la puerta de su casa es agredido violentamente por dos delincuentes que ingresan, violan a su mujer y la matan junto a su hija, habiendo agredido previamente a Clayde, a quien dejan moribundo, testigo impotente de reacción ante los acontecimientos. Las investigaciones derivan en la detención de los responsables quienes son sometidos a un juicio que culmina con la condena a uno de ellos a diez años de reclusión y la liberación del otro, merced a la negociación encarada por el exitoso fiscal Nik Rice (James Foxx). Una década después, en tanto el agredido se recuperó físicamente e intenta rehace su vida, conteniendo la bronca por considerar injusta la acción de la justicia, el delincuente cumple su condena y sale en libertad. El hecho afecta profundamente en quien confiaba en la acción del sistema pero, al considerase burlado como ciudadano, aflora en él la ira contenida en forma de venganza para estallar en una furia descontrolada que se manifiesta con la misma violencia de los agresores e igual, o aun más sangrientas, consecuencias.

La venganza por mano propia es una temática muy recurrente en la cinematografía internacional.

F. Gary Gray, realizador neuyorkino de 40 años, con seis títulos como antecedente, entre ellos “La Estafa Maestra” (2003); Gerard Butler deja los personajes heroicos (“300” -2007-) o románticos (“El fantasma de la ópera” -2004-) para interpretar al psicópata Clyde, y lo hace muy bien; Kurt Wimmer como guionista se mantiene, en cierta medida, en la línea de “El secreto de Thomas Crown” (1999) y “Dueños de la calle” (2008); Jamie Foxx recordado por “Ray” (2005) y “El solista” (2009) como Nick, el exitoso fiscal que recurre a cualquier arreglo o artilugio para ganar los juicios, pone en juego su solvencia profesional para trasmitiendo credibilidad.

Esa suma de aportes deja como resultado una producción que se inscribe a otras tantas similares en contenido y forma, con similares falencias y buena apoyatura técnica. Como cuadra en la consideración habitual de la temática no faltan las situaciones con acciones de desbordante violencia. Por momentos apunta a una mirada interesante sobre el fondo de la cuestión en algunos los diálogos intensos entre los protagonistas sobre los artificiosos juegos de la ley y la justicia.

La historia narrada y la trama entretejida provocan, subjetivamente, en el espectador el enjuiciamiento a la ley y la justicia, en circunstancia como la que ocupa a este film, propenso a ser cómplices del accionar del vengador.

Retrato de un creador en crisis

“Nine, una vida de pasión” se inspira en “8 y ½”, que Federico Fellini realizó en 1963, protagonizada por Marcello Mastroiani, con Claudia Cardinale, Anouk Aimée, Sandra Milo, Rossella Falk, Barbara Steele.

La historia se desarrolla en la Roma de los años 60, cuando el director Guido Contini esta por empezar el rodaje de su nueva producción, en momentos que sufre una crisis creativa, perseguido por los periodistas (léase paparazzi), su productor y las mujeres con las que estuvo vinculado sentimental y profesionalmente.

Vive un presente desorientado, vacío de ideas para plasmarlas en un nuevo proyecto acosado por su productor, mientras sus días se suceden con una existencia cada vez más confusa, tanto lo que hace a su carrera como a los acontecimientos personales más allá de los sets. La realidad se le confunde con el pasado, con los sueños, los delirios y los fantasmas de los que no puede desprenderse.

“Nine, una vida de pasión” es un gran musical con un potencial de importantes intérpretes, con un Daniel Day Lewis (Guido) que se brinda en una actuación impecable, mientras Marion Cotillard (Luisa) compone con mesura y sensibilidad a la esposa del realizador, sin desentonar Judi Dench (inolvidable Lillí su cuadro musical), Penélope Cruz, Kate Hudson, Nikole Kidman y la presencia señorial de Sophia Loren, como la madre del protagonista.

Escenográficamente logra el marco apropiado para que las acciones trasmitan al espectador el mundo del creador. La música es agradable, en tanto la coreografía aporta dinamismo y reflexión a la atmósfera ideada por Rob Marshall y plasmada visualmente por la fotografía de Dion Beebe. En algunos momentos me trajo algunas reminiscencias, salvando distancias, de “All That Jazz” (1979), de Bob Fosse.

En el 2017 (es decir dentro de apenas 7 años) una rara plaga ha transformado a una parte de la humanidad en vampiros, y la sangre humana es el faltante para poder alimentarse.

Un científico trabaja para poder encontrar la formula de reemplazar a la sangre humana y evitar el deterioro físico de ellos.

Al tener algunas experiencias con humanos el científico (Ethan Hanke) se une a ellos encontrando lo que buscaba y así poder luchar contra el vampirismo.

Para los amantes de las historias de vampiros es una producción con mucha acción y una historia que atrapa.

Las escenas sangrientas no faltan y hay para entretenerse hasta el final del relato dentro de las reglas del juego y los códigos que caracterizan a esta temática.

Muy bien dirigida, con adecuados efectos especiales y sonoros, apropiado tratamiento de la fotografía y un plantel interpretativo que asume sin esfuerzo la encarnadura de los personajes, seguramente lo hacen de Daybreakers, vapìros del día” en un producto a satisfacción para los fanáticos de del vampirismo fílmico.

La cinematografía de Gran Bretaña, por sí o en coproducciones, se ha ocupado con frecuencia en reflejar los avatares de su realeza a lo largo de la historia. En esta ocasión se ocupa, una vez más, de la Reina Victoria (Alexandrina Victoria, 1819-1901), quien durante casi 64 años gobernó como soberana de Inglaterra e Irlanda y Emperatriz de la India, período que es reconocido como La era Victoriana, por la transformación sustancial experimentada por el imperio debido al impuso con que apoyó a la revolución industrial y los cambios significativos operados a nivel social, político y cultural.

“La joven Victoria” relata la primera etapa de su vida, que comprende su niñez, adolescencia, asunción al trono a los 18 años, y casamiento con el príncipe Albert en 1840, a quien le otorgó el tratamiento de Su Alteza Real, y que fuera su compañero, amigo y concejero desde entonces y hasta su muerte en 1861

La historia comienza con su nacimiento y relata someramente los entretelones de luchas políticas por el poder en torno a la inocente criatura, quien mantiene su inocencia también respecto de los conflictos que se generan hasta el momento en que asciende al trono a la muerte de su tío Guillermo IV. En los primeros años gobierna con Lord Melbourne como concejero, quien ejerce una gran influencia política sobre la inexperta soberana.

Victoria en esa etapa era joven, feliz, despreocupada, a la vez que apasionada y estaba en medio de una lucha política intestina sobre lo que va tomando conciencia luego de su coronación Odia a su madre y al consejero que le impone (Lord Melbourne), en razón de que trataban de controlarla y alejarla de la corte para lograr sus propios intereses y aspiraciones.

Los acontecimientos producen un giro sustancial desde el momento en que deposita la confianza en su marido quien la orienta con lealtad a ella y al reino en la ejecución de su accionar como gobernante..

Narrativa, visual y estéticamente la realización de Jean-Marc Vallée denota el cuidado estilo británico al servicio de un espectáculo exquisito. Emily Blunt aprovecha la oportunidad que le ofrecieron para encarnar a Victoria con una interpretación excelente, que se constituye en un importante eslabón en su carrera como actriz de la nueva generación. La secundan con acertadas composiciones Paul Bettany (Lord Melbourne), Ruper Friend (principe Albert), Jim Broandbent (Rey Guillermo IV) y Miranda Richardson (Duquesa de Kent, madre de Victoria).

Jane (Meryl Streep) hace una década que está separada y se lleva muy bien con su ex marido Jake (Alec Balwin). Tiene tres hijos, uno de ellos esta por graduarse, hecho que motiva la reunión de la familia.

Jake se ha vuelto a casar con una mujer mucho más joven con quien la convivencia matrimonial es aparentemente feliz, pero subterráneamente no todo es color de rosa.

La reunión familiar produce el reencuentro de Jane con Jake, una cosa trae a la otra, una copa a la siguiente, con un porro de por medio, recordando los años jóvenes, les hace redescubrir sus verdaderos sentimiento y retomar las relaciones.

A la historia se incorpora Adam (Steve Martin), un arquitecto contratado por Jane para remodelar su casa, quien se siente atraído hacia ella, la que no le es indiferente. Así planteada la nueve situación, los hechos se van complicando para culminar la historia a satisfacción del espectador.

Sin mayor esfuerzo ni imaginación para poner en funcionamiento un relato convencional Nancy Meyers, empero, en su doble condición de guionista y realizadora, dota a la narración de algunas situaciones entretenidas.

Meryl Streep no oculta su edad para seducir con su labor no sólo a los dos galanes maduros, sino también a los espectadores. Lo hace acompañada muy eficazmente por Alec Baldwin, excelente comediante, sin ningún problema de mostrarse como un Adán su físico excedido en peso, con orgullo y simpatía, y Steve Martin encarnando, con su reconocida profesionalidad. a un personaje que no termina de integrarse plenamente a la historia, luciéndose en la acción del baile durante la fiesta de graduación. El trío cuenta con el apoyo de un buen plantel de intérpretes secundarios.

Se trata, pues, de una obra técnicamente bien resuelta, amena, que invita a pasar un buen momento, con sus aciertos y desaciertos.