Vecinos de una realidad

Fiel al estilo visual y narrativo que el director Pablo Trapero viene desarrollando a lo largo de sus films, y que llevó a posicionarlo como uno de los mas talentosos y principal referente del denominado Nuevo Cine Argentino, Elefante Blanco integra y resalta aquella virtud que mejor supo exponer en El Bonaerense, como la simpleza narrativa, la marginalidad del tema y el cuidado estético de los planos.

Dos curas y una asistente social que misionan dentro de una Villa son la excusa para
situar la cámara en el corazón de una realidad social tan real y cotidiana como abrumadora, observando, sin juzgar, con crudeza y naturalidad a los personajes y la comunidad.

Tal vez sea el punto de vista elegido por el director su mayor logro, que permite al espectador sentirse un visitante más de ese espacio en el que, a medida que caminamos, vamos descubriendo la dinámica de una comunidad que ni la más producida de las cámaras ocultas e informes documentales logró reflejar.
Basta ver la escena en la que Jeremie Reñiré (Jerónimo) va en busca del cadáver de un niño.

El retrato de una realidad social que nos muestra una comunidad convulsa, agitada por una ira provocada por el continuo sentimiento de injusticia en el que viven sumidos sus ciudadanos, que deben luchar contra la burocracia, las drogas, la necesidad y el instinto de supervivencia.

En un registro casi documental pero con una puesta en escena muy cuidada, estupendamente iluminada y una fotografía de fuertes contrastes, logra amalgamar muy bien actores que desfilan con naturalidad y diálogos reducidos a lo estrictamente interesante, para mostrarnos una realidad y llamar a reflexión sobre la fe, la religión, el deber y el hacer, el amor y la pasión en una comunidad que parece no debatirlo.

Si bien el relato nunca decae, ya que los puntos de inflexión están muy bien ubicados para que ello no ocurra, hay un punto en el que la cruda realidad y la diversidad de temas expuestos no tienen la suficiente acción, o el publico, hasta aquí “vecino” quiere dejar de serlo.

También hay lecturas interesantes que da la sensación que solo serán aprovechadas por el público local, como la paradójica situación de una villa ubicada detrás de una de las zonas más cara del país, algo que en el exterior tardarán en descifrar. O, simplemente, una escena magistral que me quedó en la retina y resume el imaginario socio cultural que rige y manipula toda una comunidad. Escena que sutilmente expresa la posición del director.

Los curas rezando en la calma noche de la villa con un sonido muy particular de fondo, que sale de cada una de esas casas.

Un talibán en la nieve

Con un estilo muy particular el director polaco Skolimovski nos introduce en la piel de un talibán que es capturado por los militares de EE.UU. en Afganistán y logra huir de un centro secreto de detención en Europa.
Los bosques nevados, en una especie de cuento de hadas pero sin magia donde el peligro acecha silencioso en la naturaleza, es el escenario donde el protagonista emprende su huida. Así como en Viven, el núcleo del relato se centraba en la odisea de los sobrevivientes, aquí el centro del film será el relato de dicha huida.

Filmada con mucho detallismo, en un registro muy realista y casi sin diálogos, procura mostrar visual y visceralmente lo que el protagonista debe padecer para sobrevivir en un entorno hostil (desorientado, confuso, famélico y descalzo en la nieve) y perseguido por sus captores.
La majestuosidad de los bosque nevados y la muy buena interpretación de Vincent Gallo en el papel de este prófugo que se va mimetizando con su entorno, con el salvajismo de los paisajes y convirtiéndose en un animal más que habrá de ingeniárselas para sobrevivir a toda costa, son los elementos que hacen que el espectador más que compenetrarse en el relato lo contemple.

Un relato de desarrollo lento que con cámaras subjetivas y muy buen uso de los planos generales observa sin juzgar un hombre, cuya imposibilidad de comunicarse y desesperado por sobrevivir, debe recurrir a la violencia, aun cuando ésta deba alcanzar a personas que no representen para sí mismo una amenaza a su libertad.

Pero a pesar de la tragedia y lo imponente de la puesta, la narración introduce desvíos que rompen con el realismo (las alucinaciones por ejemplo) y por momentos desconectan al espectador de la tragedia.
Una pequeña historia sobre el instinto de supervivencia de un fugitivo que huye a ninguna parte y cuyo final condice con la realidad.

PD: Aunque su director lo niegue, una suave crítica política está presente. Ya que nos pone en la piel de un enemigo colectivo (flashbacks que explican el pasado del protagonista, flotando entre rituales y una voz densa que reitera “Todo sea por Alá”) y nos desafía a medir hasta dónde puede llegar nuestra empatía por ese ser humano.

La sociedad iraní

Este film, cuyo titulo funciona como una especie de McGuffin (en términos hitchconianos), nos sumerge en los tiempos modernos de una sociedad iraní, que pese a sus señaladas diferencias culturales, se asemejan innegablemente a la nuestra y a cualquier tipo de sociedad.

Un matrimonio con una hija que, tras varios años de casado, decide separarse sirve de plataforma para exponer dos universos de la sociedad iraní actual, una pobre y anclada en valores tradicionales y otra más moderna, con más medios y más flexible con la ley y las creencias, que dejan ver un amplio abanico de temas como el divorcio, la religión y las diferencias sociales en una sociedad controlada por un patriarcado obstinado en silenciar la voluntad de las mujeres.

Pero el film va mas allá, y el divorcio del matrimonio funciona como punto de ruptura que dará lugar a una serie de acontecimientos y conflictos secundarios que con justas dosis de suspenso realista dejaran ver la ambigüedad moral de los personajes cuyos miedos, rencores y deseos incumplidos serán sus razones para actuar.

El director Farhadi decide no tomar partido y ubica la cámara para contar de manera natural la verdadera naturaleza de estos personajes que temen, mienten y engañan, todos ellos con justa razón, dejando que sea el espectador quien desarrolle su respuesta personal.

Una historia sencilla profunda y humana en la que se ponen a prueba los valores, el sentido de la responsabilidad y la mentira, con actuaciones convincentes y diálogos muy bien dosificados, que invita al espectador a reflexiónar y sacar sus propias conclusiones.

Una eficaz parodia

Esta entretenida comedia parodia aquella serie de tevé de los años 80 emitida por Fox, que iniciara la carrera artística de Johnny Depp y en la que jóvenes oficiales se hacían pasar por alumnos en un instituto para desarticular una red de narcotráfico, finalizando siempre sus historias con algún mensaje moral.

Así es como 21Jump Street (título original de la película y la serie) tendrá a Schmidt (Jonah Hill) y Jenko (Channing Tatum), dos policías incompetentes que son reasignados a una vieja unidad que no activaban desde los 80, para infiltrarse como estudiantes en una escuela superior y detener una nueva droga sintética que ya causó la muerte de un adolescente.

El film no sólo se burla de la corrección política de aquella serie sino que ironiza tanto al genero de acción como a aquellos films de travesuras adolescentes tan característicos en aquella época.

Comando especial

En la inversión de roles de sus protagonistas radica la mayor de las virtudes del film, ya que permite burlarse de los estereotipos y resaltar los cambios culturales que llevaron a considerar cool leer los cómics, cuidar el medio ambiente o estar conectados a la red todo el tiempo, así como auto burlarse si consideramos que los interesados en la ecología resultan ser narcotraficantes.

Este y otros gags como el “viaje” alucinógeno de sus protagonistas (con una estética bizarro), la persecución por la autopista o la auto referencia del jefe policial cuando menciona "Todo lo que hacen ahora es reciclar mierda del pasado y esperar que nadie se dé cuenta", logran subvertir las convenciones y conformar algunos de los mejores momentos del film.

Con gran irreverencia, clichés propios del genero y la buena química de sus protagonistas, Comando Especial logra entretener aunque la historia sea simple, predecible e intrascendente, dejando su rastro en el cameo imperdible con la mayoría de los actores de la serie original como Peter DeLuise, Holly Robinson Peete y Johnny Depp incluido, reviviendo sus roles del elenco original.

El juego y el amor en las mismas manos

El nuevo trabajo de uno de los precursores del llamado Nuevo Cine Argentino, y que lanzara a su vez la carrera cinematografía de su actor fetiche Daniel Hendler, parece haber encontrado un punto de inflexión.

SI bien es cierto que La suerte en tus manos mantiene los temas distintivos de aquel universo construido a partir de Esperando al Mesías (2000), El abrazo partido (2003) y Derecho de familia (2005), en el que conflictos existenciales, familias distanciadas, la búsqueda del verdadero amor y las segundas oportunidades eran el eje de un relato capaz de capturar una perspectiva profunda y cotidiana a la vez, este octavo largometraje con producción argentino-española presenta ligeros cambios que, lejos de sumar, llevan a preguntarse los porqué del cambio.

Así es como los afectos, el amor y la religión quedan librados al azar y la fortuna del destino en una comedia romántica de reencuentros y segundas oportunidades que profundiza muy poco en dichos temas volviendo reiterativas y previsibles muchas de las situaciones.

Llamativamente, Burman se distancia un poco de la construcción de los personajes, algo que llevó a distinguirlo del resto en sus comienzos, y lo reemplaza por la naturalidad y jerarquía de un gran elenco. Esta vez sin Daniel Hendler, pero con un descubrimiento muy parecido que marca el debut actoral de Jorge Drexler (reconocido cantante uruguayo que adquirió popularidad al recibir el Oscar por la canción "Al otro lado del río" por la película "Diarios de motocicleta") más extrovertido y carismático que aquel; una Valeria Bertuccelli, cuyo registro actoral invariable a lo largo de su carrera pareciera posicionarla siempre en el mismo papel, logra en esta oportunidad interesar más que el protagonista; y un gran elenco secundario conformado por Norma Aleandro, Luis Brandoni, Lucciano Pizzichini entre otros, que aportan presencia y naturalidad a sus personajes pero no logran crear una empatía con el espectador y terminan siendo indiferentes.

A pesar de la excelente factura técnica y visual a la que ya nos tiene acostumbrados, puede verse algunos cambios estéticos en cuanto a luz y claridad en la puesta, así como algunos cambios de registro a lo largo del relato que logran confundir un poco hacia donde va su estilo. (Al comienzo, la charla del protagonista con su médico y la escena del entierro, con saltos de cámara sobre el eje, por ejemplo, o la innecesaria incorporación de cierto homenaje musical para reforzar la idea de las segundas oportunidades con “la Trova Rosarina de Baglietto-Goldín-Garré-Abonizio”). Tampoco aportan nada dramáticamente ciertas escenas surrealistas, aunque si forman parte de su firma personal.

Por momentos este film remite a Y si la cosa funciona, una de las ultimas producciones de Woody Allen que no se caracterizó por presentar grandes atributos, pero aun así lejos está de aquella.

La suerte en tus manos es una película con muy poco de aquella idiosincrasia judía tan arraigada en sus primeras producciones, algún que otro momento de humor, poco atractiva narrativamente y sin mayores pretensiones que fluye gracias a la gran dirección de actores. Merece ser discutida tal vez, pero sólo “la próxima mano” nos develará el destino del estilo Burman.

Un plato diferente con ingredientes conocidos

Con todos los recursos de un género trillado, el film propone una vuelta de tuerca más. Haciendo la analogía con un chef en su cocina, podríamos decir que la película toma los ingredientes de Alien abduction, El proyecto Blair Witch, REC, Cloverfield, Actividad paranormal y Apollo 18, entre otros, para mezclarlos y sazonarlos a gusto con una pizca de moraleja y el uso creativo del registro audiovisual y sus puntos de vista.

El resultado, un plato conocido que a medida que degustamos le encontramos nuevos sabores. Poder sin límites es el primer largometraje del director Josh Trank (director y escritor de la miniserie Kill Point), que incursiona el género de la ciencia ficción valiéndose del recurso de la cámara en mano y una historia sencilla y predecible.

A pesar de tener una trama muy sencilla -tres colegiales encuentran un extraño objeto enterrado en un bosque y después de exponerse a su radiación comienzan a manifestar poderes telequinéticos- Trank se sirve del formato de video doméstico en sus más diversos soportes (video cámara analógica, digital, cámara de seguridad, celulares, etc.) para desarrollar un relato que lentamente va intercalando el drama, la tensión, y acción sin perder verosimilitud hasta gran parte del film, en el que los jóvenes comienzan a volar.
A partir de ese momento la película pasa completamente al género fantástico y comienza a desarrollar la lucha de los personajes para imponer lo políticamente correcto y su cuota de fábula, quitándole la intriga, el suspenso y virando al film al puro entretenimiento pochoclero.

Trayendo a colación aquella vieja enseñanza del tío Ben en Spiderman: “un gran poder conlleva una gran responsabilidad” y considerando las personalidades radicalmente distintas de sus tres protagonistas (Andrew, un perdedor que es abusado en el colegio y en su casa por su padre alcohólico; Matt, su primo, único amigo y consejero, y Steve, el popular de fachada superficial pero amable y de buen carácter), la realización intenta dejar cierta moraleja sobre la responsabilidad de llevar a cabo un poder y cómo el mismo puede corromper a una persona inestable interiormente y socialmente rechazada. Mensaje que supiera exponer con gran jerarquía Brian De Palma en la película Carrie, en 1976.

Pero el film no se detiene mucho en las reflexiones ni cuestionamientos, sino en la acción que da curso al entretenimiento. Es de destacar la buena perfomance del trío de actores, que sabe plasmar el cambio interno que sufren sus personajes dando naturalidad al desarrollo de la trama durante la primera parte del film, y el aspecto técnico muy bien resuelto para una producción de bajo presupuesto del género que dan a Poder sin límites un aire nuevo, donde lo importante no son los ingredientes sino un sabor agradable y diferente que se disfruta mientras se come.

Tras un gran éxito de taquilla en EEUU y posible candidata al Oscar en varias categorías, Historias Cuzadas parece ser un film producido para que su gran elenco se lleve algunas estatuillas.

Basada en la best seller de The help de Kathryn Stockett, que narra los testimonios de las mucamas negras en los años ’60 en el sur de EEUU cuando la segregación, el racismo y la injusticia social conformaban la cruda realidad de dicha comunidad, Historias Cruzadas propone sumergir al espectador en esta revisión de los hechos pero de manera emotiva, políticamente correcta, y en dosis justas de drama y comedia.

Skeeter (Emma Stone), una chica de la alta sociedad sureña que regresa de la universidad dispuesta a convertirse en escritora, será quien hilvane los testimonios de estas mujeres afro americanas dedicadas al servicio doméstico y a la crianza de los niños en las familias blancas.
El film cimenta su relato en las notables actuaciones de Viola Davis, Octavia Spencer, Emma Stone, Jessica Chastain y Bryce Dallas Howard que con intensidad y realismo logran atrapar al espectador en sus historias, pero no logra escaparle a los lugares comunes y personajes algo estereotipados que terminan haciendo las situaciones previsibles.
Muy rápidamente se presentan los arquetipos de buenas y malas, incluso algunos personajes como Hilly (Dallas Bryce Howard) logra reunir todos los rasgos del típico racista.

HC_reparto

A pesar de ello Tate Tylor logra, mediante una estructura convencional, darle fluidez al relato durante las dos horas y veinte que dura el film y narrar un drama que entretiene y emociona (aún con los golpes bajos justos y necesarios).

Puede que Vidas cruzadas, peque de cierta superficialidad a la hora de abordar los temas, ya que la persecución racial sufrida por la población negra estadounidense en aquella época, las intolerables discriminaciones a las que eran sometidas dichas amas de casa, los mandatos sociales, la violencia doméstica, y la referencia al Ku Klux Klan que jugó un papel importante en el tema de la discriminación al infundir terror a aquellos que apoyaban los movimientos de los derechos civiles, no son profundizados.

HC_candidatasPero Tate Tylor priorizo entretener y conmover con el soberbio trabajo realizado por cada una de las actrices y una excelente ambientación, tanto en la puesta en escena como en la fotografía. Dejando un pequeño espacio para reflexionar sobre la idiosincrasia de la sociedad norteamericana.
Espacios que si supieron dar grandes films como El color Púrpura o Missisipi en llamas.

Casi igual, pero diferente.

Daniel Hendler, actor que supo posicionar su nombre en la ultima década del cine argentino, incursiona ahora en la escritura y dirección cinematográfica con esta ópera prima donde traslada, todos sus matices y variaciones actorales así como las influencias estilísticas de Daniel Burman.

Vale recordar aquellas películas en las que el uruguayo Daniel Hendler participó como actor (Esperando al Mesías, El abrazo partido, Derecho de familia y Fase 7, entre otras) y ciertas producciones cinematográficas uruguayas de referencia como Whisky o 25 Watts, para comprender cuáles fueron sus fuentes de inspiración.

Así es como esta coproducción uruguayo-argentina narra una pequeña y sencilla historia sobre un joven treintañero cuya vida se desmorona y descubre casi a tiempo que puede modificarla.

Un relato intimista centrado en un personaje medio perdedor y con cierta crisis existencial, pero muy semejante a la gente común, que logra generar cierta empatía con el espectador.

Caracterizado con todos los matices que el mismo Hendler suele usar en sus interpretaciones, Norberto (Fernando Amaral) nos sumerge en la vida de un joven sin carácter, tímido, dominado por su pareja y fracasado en todos los ámbitos de su vida, que un día descubre en el teatro vocacional un costado de su personalidad que desconocía y le ayudará a tomar otro rumbo a su vida.

Con una puesta en escena sencilla y una cámara siempre contemplativa Hendler logra retratar con mucha naturalidad la cotidianidad de Norberto, pero nunca logra entrar en la psicología del personaje y solo se limita a mostrar el discurrir de Norberto de una etapa a la otra.

Una historia demasiado simple y pocas situaciones tracendentes, sumado a la mirada distante de la cámara y el ritmo pausado con el que su protagonista intenta resolver su problema existencial, hace que pequeños gags se repitan o dilaten interminablemente y algunos personajes se vuelvan reiterativos, estirando el final y decayendo el interés del espectador.

Una película simpática al comienzo y agradable hacia al final que no logra entretener demasiado pero propone un cine diferente.

Ser o no ser

Un documental sencillo e intimista que sólo cumple con su objetivo especifico.

JUDIOS POR ELECCIÓN no sólo da titulo al film, sino que sintetiza a modo de conclusión el objetivo central de éste documental. A través de una serie de entrevistas a distintos hombres y mujeres conversos que residen en Argentina e Israel, como así también a rabinos pertenecientes a las distintas corrientes judías, el documental intenta esclarecer una serie de interrogantes que surgen en todas aquellas personas que deciden adoptar no sólo una religión sino un modo de vida.

La realizadora abordó con una mirada mas intimista y sin muchas entrevistas los diferentes “caminos o formas” de lograr esa conversión. Una cámara testigo que ve, escucha y acompaña la cotidianeidad de los entrevistados, indagando sobre las diferentes razones que llevan a estas personas al cambio y los obstáculos que encuentran en una religión cuya corriente ortodoxa prohíbe la conversión en nuestro país desde 1920.

Aunque las razones y fundamentos que motivan dicha búsqueda son todas genuinas, incluso con sus contradicciones reales o aparentes, por momentos se vuelven reiterativas y muchas veces los entrevistados no encuentran las palabras exactas y racionales para responder al interrogante del cambio.

No se profundiza mucho sobre los orígenes de los entrevistados y su contexto de vida previo a la conversión, tornándose un documental cuya mirada apunta más a sensibilizarse con los protagonistas e intentar comprender su decisión que por cifras duras y datos contundentes que den certeza al tema.

La redundancia de las razones, y tal vez, la falta de mayores testimonios sumado a un ritmo pausado del relato donde los espacios y paisajes se convierten en algo anecdótico, hacen que por momentos cueste adentrarse del todo en las historias.

JUDIOS POR ELECCIÓN es un documental sencillo y clásico en su forma, cuya función no es entretener, pero su temática ayuda bastante a esclarecer a aquellos que eligen pertenecer a una religión que como dicen los testimonios “no es proselitista. No busca adeptos” pero da la bienvenida a todos aquellos que la elijen como modo de vida.

La intensidad de los vínculos

El film propone reflexionar sobre las inquietudes de un hombre de 40 años, urbano y cosmopolita, con sus preguntas, sus respuestas, sus miedos y sus amores.

Un hombre que ha llegado a los cuarenta años de edad con una gran duda que no para de atormentarlo: ¿A quién llamar si algo le sucediera en la calle y una ambulancia se lo tiene que llevar?.

Esta pregunta que da nombre al film, utilizada como una especie de Mac Guffin (según el genial A. Hitchcock), en realidad sólo sirve de disparador para relatar la crisis por la que atraviesa un hombre pasados los 40 años que está solo en la vida aunque tenga a la familia y amigos. Lo que trae a mi memoria aquella frase del filósofo y escritor español Miguel de Unamuno que decía “No estés nunca con aquellos que quitan la soledad y no dan la compañía”

Pero lamentablemente, la pregunta aparece en el contexto de largos diálogos inconclusos, aburridos y reiterativos, sumados a que el “fisic du rol” de los interpretes no logra adaptarse (o por lo menos convencer al espectador) a lo que proponen dramáticamente los personajes.

El film tiene muy buena fotografía, pero con un montaje que no ayuda a la fluidez del relato ni a compenetrarse en la historia, resultando mas un homenaje (o más bien recuerdo) de aquellos films franceses de la década del 60 donde directores que conocían muy bien las reglas del montaje decidían trasgredirlas para generar otro impacto.

A quién llamarías es una película que plantea un tema interesante, pero falla tal vez en la historia en que está inserto y la forma de relatarla, lo que da lugar a otro interrogante: ¿A quien llamarías, para verla?

Un relato contra la intolerancia

Una pequeña e interesante historia, muy bien narrada y de excelente factura técnica que logra atrapar al espectador en el drama de sus personajes.

Esta ópera prima de Javier Van de Couter, cuyo guión inédito resultó ganador en el Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana, basa sus pilares fundamentales en la gran actuación de sus protagonistas y la acertada dinámica del relato, que si bien tiene una estructura lineal bien marcada sabe darle la duración justa a cada plano para narrar dramáticamente lo que la historia y sus personajes necesitan para llegar al espectador.

Camila Sosa Villada, Mención Camila y Maiteespecial como Mejor Actriz en los Premios Teatro del Mundo de la Ciudad de Buenos Aires por el espectáculo “Carnes Tolendas, retrato escénico de un travesti”, hace su debut cinematográfico componiendo magistralmente a un travesti cartonero que descubrirá en un diario intimo una esperanza de vida. Y Maite Lanata (La chica autista de "El Elegido"), que también realiza su primer protagónico en cine, en la piel de una niña carente de afectos ante la perdida de su madre y un padre alcohólico se desenvuelve con tal naturalidad y comprensión emocional que vuelve creíbles situaciones por momentos inverosímiles, transmitiendo una empatía muy particular con el público. Bien acompañadas por Rodrigo De La Serna, un poco alejado del nivel de aquellas pero justificado por el lugar que se le ha dado en la historia, logran una química en pantalla que envuelven al espectador en la historia de sus Aldea Rosapersonajes.

Mia pone en juego el derecho a la libertad y a la felicidad, a poder formar parte de la comunidad de quienes han elegido una forma diferente de la moralmente aceptada por la mayoría, y nos permite repasar el tema de la discriminación, la intolerancia, la marginación, la necesidad de igualdad y la exclusión social.
Como expresó su director “Un melodrama que nos muestra un mundo que conocemos poco y parece lejano pero es, curiosamente, muy cercano a todos.”

Nadie esta exento

Un relato diferente para una historia conocida que aprovecha un temor instaurado en la sociedad. Basta con pensar en la gripe Aviar o H5N1, que en el 2009 puso en jaque al mundo provocando pánico y dando luz al famoso Tamiflú, para que CONTAGIO nos recuerde que una pandemia está a la vuelta de la esquina.

Contagio narra de una manera muy realista el rápido progreso de un virus letal que se transmite por el aire y mata en cuestión de días. A medida que va creciendo la epidemia, el miedo comienza a ganar a la población y la comunidad médica mundial lucha contra reloj para encontrar una cura y controlar el pánico, que se extiende incluso más rápido que el propio virus.

Una historia conocida si recordamos OUTBREAK (Epidemia-1995) de Wolfgang Petersen, donde un virus parecido al ébola que proviene de África de la mano de un simio contagiado, cobra víctimas en los Estados Unidos y el equipo de Control de Enfermedades Infecciosas del Gobierno (capitaneado por Dustin Hoffman) busca las causas de la plaga mientras militares intentan arrasar la ciudad infectada con una bomba.

Pero el prolífico Soderbergh, director surgido del cine indie con Sex, Lies, and Videotape en 1989 y con gran capacidad para variar de géneros y temáticas (Erin Brockovich (2000), Traffic (2000), Ocean´s Eleven (2001), Solaris (remake del clásico de Tarkovsky), El buen alemán (2006), Che:El argentino y Che: Guerrilla (2008), toma un tema trillado dentro del genero de cine catastrofe para darle nueva forma con sus rasgos distintivos y su propia estética narrativa.

Contagio repite la fórmula narrativa que le dio el éxito a Steven Soderbergh en Traffic, película por la que ganó el Óscar en el 2000.
Con un montaje acelerado y sirviéndose de pequeñas historias va retratando distintos aspectos de una realidad, pero sin profundizar dramáticamente en ellas y cediendo todo el protagonismo de la historia al origen de la misma: el virus.
En ese contexto, Soderbergh retrata cómo afecta el virus a un padre de familia que ha perdido a su mujer y su hijo, al equipo de médicos que lo investiga en busca de una cura, al bloguero crítico con el Gobierno que ve una conspiración y a otros personajes menores. De forma muy realista, con una puesta en escena fría y aséptica y los suficientes tecnicismos para dar verosimilitud a lo contado pero sin abandonar al espectador, Contagio nos muestra los diferentes puntos de vista que intervienen en todo el proceso expansivo de una pandemia en un mundo globalizado donde las comunicaciones y la tecnología han reducido las distancias.

Soderbergh hilvana una trama con un estilo tipo documental, sin grandes escenas ni efectos especiales destacados, con fluidez narrativa y un gran elenco, en el que se suceden las tensiones y momentos de escalofrío a medida que el virus, el miedo y el pánico avanza. El director consigue contagiarnos ese pánico, tan sólo con unos primeros planos de objetos que ha podido tocar la gente Steven Soderberghinfectada, y logra influenciarnos aun pasados los créditos finales del film.

Con un reparto de grandes estrellas como Matt Damon, Kate Winslet, Jude Law y Gwyneth Paltrow, donde cada uno contará y vivirá su historia entrecruzándose con la de los demás y explotando los rasgos definitorios de sus personajes (Kate Winslet su sacrificio, Jude Law sus principios, Matt Damon su sufrimiento, Marion Cotillard su rigor, Laurence Fishburne su bondad, Gwyneth Paltrow su ingenuidad, Jennifer Ehle su heroicidad, Elliott Gould su ambición...), pero nunca por encima de la historia.
Soderbergh consigue que estupendos actores tengan un destino trágico en cualquier momento del filme sin importarle la popularidad del intérprete.
No alcanza a construir complejos personajes, pero tampoco pretende hacerlo ni que al espectador le importe, de tal modo que prestamos más atención a sus papeles que a las estrellas que están detrás de ellos.
Tal vez la ausencia de cargas emocionales, como el momento en el que Matt Damon recibe la noticia de la muerte de su esposa, resulte demasiado aséptica, provocando que nos alejemos de los personajes. Pero en Contagio no hay héroes, tan solo personas como nosotros que ante una emergencia no se para a pensar cuál será la mejor manera de salvar el mundo, sino cómo nos podremos salvar a nosotros mismos y a nuestros seres queridos.

CientíficaA diferencia de la referenciada Epidemia, Soderbergh no se concentra en filmar tomas espectaculares ni grandes escenas dramáticas, sino de exponer, de manera fría y sin implicación emocional alguna, el mecanismo por el que un virus muta y se disemina por todo el mundo en un tiempo récord.
El miedo, el terror, la solidaridad, el coraje, encarnados en pequeños gestos de gente que lucha por sobrevivir y resguardar a sus seres queridos en una situación de crisis global.
Un valioso retrato de la realidad social, política y mediática que demuestra que la naturaleza muchas veces va mas alla de teorías conspiratorias y los fundamentalismos.

El temor a las pandemias continúa presente en la población mundial y Soderbergh juega con este miedo y nos introduce de lleno en una situación que, por desgracia, no estamos exentos.
La realidad es el miedo al contagio y hará que uno mire donde toca y se lave las manos seguido después de ver el filme.

Parrafo aparte merece la llamativa y moderna banda sonora de Cliff Martínez, que con excelentes arreglos electronicos mezcla de Bangelis con Paul Oakenfold, logra generar climax que atrapan al espectador e innovar musicalmente un genero acostumbrado a otros sonidos.
Aquí les dejo un link para escuchar un tema de Paul Oakenfold y asociarlo con el film.
Paul Oakenfold: - Signs
http://www.buenamusicagratis.com/electronica/paul-oakenfold/

PD: Haciendo memoria, creo que la unica vez que un virus salvoóa los humanos fue en WAR OF THE WORLDS (La Guerra de los Mundos-1953) de Byron Haskin, donde los marcianos son derrotados por las bacterias de nuestra atmósfera, para las que los invasores no tenían resistencia.

Una entretenida lucha con robots

Un nuevo producto de la factoría Spielberg y DreamWorks que reafirma la intención del consagrado realizador en sus ultimas producciones, la de entretener a los niños.

Basta con nombrar a la recientemente estrenada Súper 8 y ahora Gigantes de acero, para encontrar un común denominador que nos lleva a pensar que el prolífico director-productor esta decidido a volcar su producciones al target infantil.

Gigantes de acero_1Si bien la gran mayoría de sus films fueron ATP (aptos para todo publico), podían descubrirse dentro de su temática algunos cuestionamientos o interrogantes interesantes. Sus ultimas producciones carecen de ello y da la extraña sensación que eligiera los directores para realizarlas de tal manera que parecieran estar dirigidas por el, pero sin tomarse el trabajo que ello exige.

Así es como en Gigantes de acero podemos ver todos los tips característicos de Spielberg pero filmados por otro director, Shawn Levy (caracterizado por realizar comedias como Una noche fuera de serie (2009), Una noche en el museo (2006), La pantera rosa (2005), etc). Sólo que en esta oportunidad parecería haber dejado de lado cierta profundidad temática en detrimento de entretener a los niños.

Gigantes de acero_p3Gigantes de acero es una predecible historia cuyo principal acierto es no haber recurrido a la tecnología 3D y limitar los efectos visuales a la lucha de los robots, que aun así, parecen pelear como humanos. (Mucho tuvo que ver en ello la intervención de una de las leyendas del box, Sugar Ray Leonard, asesorando a la producción en las escenas de entrenamiento y lucha.

Pero en su construcción pueden verse claras marcas de Rocky (un boxeador fracasado que tuvo sus 15 segundos de fama y sobrevive haciendo pelear robots de poca monta en circuitos ilegales o amateur en este caso), con anécdotas y lugares de Inteligencia Artificial (la llegada de Charlie y su hijo Max al desarmadero de chatarra en búsqueda de partes para armar un robot me trae a la memoria aquella escena de la feria de robots de I.A. donde se cuestionaba cierta humanización de aquellos), la influencia de video games japoneses (el invicto Zeus, un gigante controlado por un diseñador japonés interpretado por Karl Yune, será el desafío final), y una pincelada estética en las batallas a lo Rápido y furioso pero de robots (véase las previas de los entrenamientos y las luchas), todo ello amalgamado por la excelente banda sonora a la que ya nos tiene acostumbrado Danny Elfman (compositor de la música de Desperate Housewives, Los Simpson, Número 9, Milk, El hombre araña 3 y Chicago, por nombrar solo algunos)

Gigantes de acero_p4Las buenas actuaciones y la muy buena química entre H. Jackman y Dakota Goyo (el niño de Thor), el pequeño que interpreta a Max en la ficción, sumado a lo expuesto anteriormente hacen de este film un entretenimiento asegurado para padres y niños, donde no falta el robot que puede llegar a sentir emociones, los primeros planos de los personajes para conmover cada vez que uno de ellos afronta una decisión difícil y el reencuentro padre-hijo que contra todos los pronósticos, tendrán una última oportunidad de triunfar.

Pero el gran maestro Spielberg, que no deja nada librado al azar, tenia que dejarnos algunos detalles que resultan interesantes destacar. Atom o Átomo (nombre que refiere al origen desde un punto científico, podríamos decir) es el nombre del robot que afianzará la relación padre-hijo y enfrentará en una batalla final nada menos que a Zeus (Dios), donde “el ganador del pueblo” termina siendo Atom. Una interesante analogía para expresar el terreno perdido por la religión en un tiempo donde parece que las cosas se obtienen con esfuerzo y trabajo, no por tener fe. Aunque a muchos les cueste reconocer.
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Otro dato curioso tiene que ver con el espacio-tiempo en el que se desarrolla el relato, un futuro cercano en el que el boxeo como lo conocemos desapareció, cediendo su lugar a las peleas de robots tanto de forma ilegal como en ligas mundiales, pero los autos y construcciones parecen haber sido victimas de la actual crisis y depresión del país del norte, ya que no reflejan progreso alguno.

Todo cambio es mejor

- Martina Gusmán, silencio prolongado, premio Revelación en los "Martín Fierro y jurado oficial en el Festival Cannes 2011.
- Pablo Trapero, silencio prolongado, uno de los referentes más importantes del nuevo cine Argentino.
- Un pueblo, silencio prolongado, algo pasa, silencio prolongado, todo cambia.

No es la promo de cortos I-sat ni el adelanto del próximo estreno del programa conducido por unos de los protagonistas de este film. Pero bien podría serlo si Alan Pauls la presentara.

La vida nueva nos sitúa en la provincia de Buenos Aires para contarnos una historia donde los planteos de sus protagonistas suelen ser bastante frecuentes en la vida de un pueblo que se precie como tal.

Así es como Laura (Martina Gusman), una profesora de piano que acaba de enterarse que esta embarazada, Juan (Alan Pauls), su marido un próspero veterinario que es testigo de un grave incidente que involucra altos funcionarios y Benetti (Germán Palacios), un viejo amor de Laura que vuelve y cambia todas las piezas del tablero, son los personajes de una trama que promete ser interesante.

Pero tanto las acciones como los silencios y los diálogos son de una lentitud y frialdad que distancian la narración del espectador. No desarrolla ninguna de las vetas propuestas al comienzo y narrativamente va y viene por diferentes géneros sin anclarse en ninguno y desorientando la mirada. Vale destacar, a modo de ejemplo, aquella escena muy bien lograda en la que Laura escucha ruidos y sale al campo a ver que pasa manteniendo la tensión hasta el final de la misma. Momento infaltable en los grandes clásicos de terror de los 80`en los que jóvenes adolescentes eran asesinados uno a uno en las afueras de la ciudad, pero en La vida nueva sólo es un hecho aislado y desaprovechado que poco aporta.

La película posee muy buena factura técnica a nivel visual y sonora (algo que comienza a ser denominador común desde hace un tiempo en todo el cine argentino considerando la gran capacitación de nuestros técnicos y los avances tecnológicos sea en las emulsiones para el fílmico y el HD para el digital), con una destacada dirección de arte de Laura Caligiuri y fotografía a cargo de Fernando Lockett, pero no alcanza.

Desaprovecha la geografía, los personajes y sus móviles, sobre todo la trama policial que atraviesa la obra, y un reparto que podrían haber hecho de esta historia un interesante thriler de costumbres locales. Me viene a la memoria Lazos de sangre (Winters Bone), un muy buen thriller cuya historia transcurre en un perdido pueblo americano donde la expresión "Lo que pasa en el pueblo o la familia queda en ......" mobiliza el relato. Pero en este caso quedará en la anécdota. Como dice el titulo de esta nota, todo cambio en la vida (de esta historia) será mejor.

Manual de la comedia romántica

Tema y fórmula repetida para otra comedia hollywodense que intenta abordar la nueva tendencia en vínculos amorosos.

Poco más de veinte años pasaron de Cuando Harry conoció a Sally (1989), el film dirigido por Rob Reiner que nos preguntaba si un hombre y una mujer podían ser amigos sin que el sexo se interponga.
Hoy, las nuevas tendencias, modas o costumbres culturales (llámelas como quiera) nos invitan a preguntarnos justamente todo lo contrario.
¿Puede el hombre y la mujer tener sexo sin comprometer la intimidad emocional, esa capacidad de revelar tus secretos más profundos, con todas sus imperfecciones, a la otra persona?

Así es como dos guionistas diferentes, bajo la misma premisa - Dos amigos que deciden tener una relación netamente sexual obviando todo lo sentimental para evitar las responsabilidades y complicaciones de una relación amorosa hasta que uno se enamora y todo se complica -, acudieron a dos productoras distintas para hacer su película.
Unos meses después vieron la luz dos simpáticos e insulsos gemelos que con el mismo apellido y nombres mmm……casi iguales (Amigos con derechos o No Strings Attached con Natalie Portman y Ashton Kutcher estrenada el 24 Febrero y Amigos con beneficios o Friends with benefits con Mila Kunis y Justin Timberlake estrenada ahora), desaprovecharon un tema que da para jugar un poco mas desde el relato y exponer ideas mas controvertidas.

Los primeros veinte minutos del film, donde citando intencionalmente los lugares comunes del género con un ritmo y estética interesante que promete pero no cumple, y alguna que otra divertida escena sobre sexo es lo que queda tras el fatídico y obsecuente happy end de manual de las comedias románticas más clásicas.

Buena química de la pareja Kunis – Timberlake, que podría haber dado mas frutos si juntaban a Ashton Kutcher y Mila Kunis, la pareja que tanto hizo reír y entretuvo en That '70s Show: la sitcom americana ambientada en los 70 y centrada en un grupo de amigos adolescentes que debuto en la cadena Fox en 1998 y tuvo ocho temporadas en el aire.

Sobrevivir en el extranjero

Producido por Luis Puenzo y dirigido por Misael Bustos, este documental reconstruye a través de entrevistas y material de archivo, la historia de dos marineros rusos. Dos personajes que han quedado varados en la ciudad de Mar del Plata, en la década del noventa, lejos de sus familias y sin dinero para regresar.

Se trata de Victor Yasinskiy y Anatoli Atankievich, dos marineros de la ex URSS, y trabajadores del ex barco mercante Latar II. A bordo, quedaron sesenta tripulantes de un barco que cambió su rumbo. Y las vidas de todos.

Esta es la historia de El fin del Potemkin, en la que Misael Bustos juega con la notalgia y el difícil proceso de adatación que sufrieron estos extranjeros que llegaron a La Feliz. Una contradicción en un film también rico en contrastes (la llegada de los veraneantes y ellos observando todo desde lejos) que no subraya más de lo que debe, sino que se limita a contar una historia que combina nostalgia, recuerdos y un presente incierto donde la falta de trabajo es moneda constante.

El desafío de los verdaderos protagonistas consiste, veinte años después, en sobrevivir y pelear en el destierro al que fueron sometidos. La distancia, la visión de los familiares a miles de kilómetros y los ojos húmedos de Victor hablan por sí solos.

La actualidad en la pizarra

Una clásica comedia americana donde la excelente interpretación de Cameron Diaz y algunos gags predecibles pero efectivos, teñidos de humor negro en ocasiones y escatológicos en otras, sostienen el relato de una película entretenida.

Podríamos decir que Malas Enseñanzas cimienta su relato en la actuación de Cameron Diaz, que frecuentemente interpreta papeles cómicos o frívolos pero que también supo incursionar airadamente en el drama en films como The invisible circus.

Malas Enseñanzas retoma varias características de aquel personaje que supo componer en el film En tus zapatos, una atractiva, superficial, vaga y materialista con un patológico deseo de encontrar la pareja que solucione su vida económica, combinándolo con lo mejor de la Cameron de comedias.

Malas enseñansas

Elizabeth es una maestra que solo transita por la enseñanza hasta conseguir una pareja que la aleje definitivamente de la tarea laboral alguna para dedicarse al óseo y las compras. Alcohólica, malhumorada, cínica, corrupta y antisociable tiene a su cargo el dictado de clases en un colegio de clase media en el que pareciera es mas importante la armonía institucional que lo que se enseña.
Una maestra que remplaza los libros por películas y da todas las lecciones incorrectas de la peor manera.

Si bien el relato nunca abandona la predecible estructura de la típica comedia americana cargada de clichés, ciertos gags escatológicos y otros con tinte de humor negro, hacen que el relato se torne entretenido. El hecho de abordar la historia en el marco de la escuela secundaria nos permite indagar entre líneas y ver como a pesar de la distancia y la cultura, los vericuetos propios del contexto de la escuela en dicha instancia se repite por estos pagos. Aunque aquí la actitud para las convivencias y tareas extracurriculares estan mas cerca de Cameron que el resto.

Llama la atención el raro mensaje politicamente incorrecto que deja traslucir a sus adolecentes este film de procedencia americana, donde a veces comportamientos imperdonables quedan sin castigo si trae a colación mejores beneficios o mas vale malo conocido que……, pero se ve opacado y pasa casi inadvertido por el obligado hapy end característico del género.

¿Lobo estás?

Una versión que combina el clásico cuento infantil con el mito popular para componer un relato donde predomina el misterio.

Caperucita01Catherine Hardwicke, directora de Twilight y Thirteen, traslada su mirada pop adolecente a este film que combina el famoso cuento de los hermanos Grimm, Caperucita Roja, con el mito del hombre lobo adaptándolo a un público adolescente.
Lo interesante de este film, mas allá de la excelente puesta en escena a cargo del nominado dos veces al Oscar® Tom Sanders (Rescatando al soldado Ryan, Dracula) y la fotografía de Mandy Walker (Australia), surge del trabajo de su guionista David Leslie Johnson (La Huerfana), quien habilmente estructura el relato dotandolo de misterio, mas que suspenso, en el cual todos son sospechosos y donde cada uno de los personajes tiene un momento en el que el espectador comienza a desconfiar.

Caperucita02La pelicula esta ambientada en un escenario frío y hostil de naturaleza fantástica y aire gótico, que no denota un lugar o tiempo específico pero bien podría ser el medioevo, prometiendo más de lo que cumple.
La combinación del cuento con el mito brinda elementos que resultarían fascinantes para un thriller psicológico que aborde con terror y suspenso el lado oscuro y siniestro de sus personajes, que ya están en el cuento original si leemos entre líneas.

Pero aquí, La Chica de la Capa Roja, solo continúa la línea temática de Crepúsculo haciendo alegoría al amor juvenil, cuidado y artístico, más ciertos elementos universales presentes del cuento y el mito, como sus personajes, la capa roja, el lobo y el engaño.
Amanda Seyfried (Letters to Juliet, Mamma Mia!) interpreta muy bien a esta adolente atrapada entre dos apuestos pretendientes y cuya conexión única con el lobo la llevara a desconfiar de todas las personas en su vida.
Algunas indicios de transgresión temática pueden rescatarse si se juega un poco con la escena del sueño donde Valerie y la Abuela se encuentran en la cama, o el sugestivo baile de Valerie con su amiga. O tal vez cuando salen a relucir los secretos de su madre. Pero en su conjunto prima aquella moraleja que nos dejaba la infantil lectura del cuento original.
Caperucita03Así es como toda la acción y la intriga de la película queda reducida a la clásica explicación de quién es el lobo, cómo y porqué atacó a sus víctimas, dotando el relato de misterio, mas que suspenso.
La música, con melodías y acordes demasiados pop y románticos, contribuye muy poco o nada para acentuar el suspenso en el relato.

Un acierto del film, a diferencia de la saga Crepúsculo, es no haber puesto el acento en la transición del hombre a lobo y viceversa, evitando luchas y efectos digitales innecesarias e inverosímiles, acentuando en cambio el personaje de la bestia a través de sus ojos. Pero no alcanza.
Caperucita04Más allá del cuento de hadas (una niña inocente con una capa roja, camino a casa de su abuela), Caperucita Roja es una adolescente, en su despertar sexual, con sus miedos, dudas e interrogantes donde el Lobo cambia su forma de vestir para atraerla. Si a ello le sumamos el mito del hombre Lobo y su planteo de apariencias engañosas, donde aquel en quien confías y amas profundamente puede ser tu asesino, el resultado podría ser fantástico, en manos de Tim Burton o Christopher Nolan por ejemplo.

Un barrio particular

A un año de su exhibición en la pasada edición del BAFICI [12], galardonada en Cannes, Venecia, Londres, Jerusalén y tras competir con El secreto de tus ojos en los Oscar 2010 por Mejor Película Extranjera, estrena finalmente en nuestro país este film dirigido por la dupla de directores Palestino-Israelí Scandar Copti y Yaron Shani.

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Todo el mundo sabe como el Oscar repercute comercialmente sobre un film, pero no siempre la película valida dicha nominación.
A diferencia de otros films, Ajami justifica muy bien los premios y nominaciones conseguidos.
Con una estructura narrativa interesante que combina características del registro documental con las del género policial, Ajami va conformando un estilo propio que no se queda en el conflicto Israel-palestino, la idea de víctimas y victimarios y lecturas meramente políticas.Ajami3

Una de las virtudes más importantes de este film radica en la capacidad de transmitir una mirada sobre la pluralidad de la sociedad israelí contemporánea a partir de dos visiones del mundo tan disímiles como el origen de sus directores. El Israelí Yaron Shani y el árabe Scandar Copti se unen para contarnos un policial que integra ambos mundos a la perfección. La película entrelaza con fluidez y contundencia narrativa diversas historias que ocurren en el conflictivo barrio de Ajami, un suburbio situado en la ciudad israelí de Jaffa, donde conviven judíos, cristianos y musulmanes.

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Dos hermanos objetivo de la venganza de un clan criminal, un trabajador ilegal y un policía israelita obsesionado por la desaparición de su hermano soldado, son algunos de los personajes cuyas historias se entrecruzan hábilmente para construir un relato que en su comienzo nos recuerda a Amores perros, La virgen de los sicarios o Ciudad de Dios, y que en su progresión logra conformar un estilo narrativo y estético propio.

Una excelente película cuya historia, actuaciones y factura técnica se aúnan para mostrarnos a través de los ojos de varios personajes una sociedad donde enemigos históricos deben convivir como vecinos.

Un juego conocido

Como en esos juegos de suspenso, donde cada carta que se saca es una pista que dilucida nuestras dudas y nos permite resolver el caso, Desconocido dosifica muy bien el suspenso y la acción construyendo un relato que entretiene y sostiene la intriga casi hasta el final, cuando recordamos que con esas cartas ya jugamos.

Liam Nelson, de excelente interpretación, es un científico que llega a Berlín con su esposa para una conferencia, pero su realidad cambiara abruptamente cuando se de cuenta que olvidó su maletín en el aeropuerto y regrese a buscarlo.Foto1
Tal vez esta breve sinopsis esta orientada a destacar lo que considero el elemento mas atractivo del film, que el espectador sabe lo mismo que el personaje y solo el suceder de los hechos develara el misterio.

La perdida de la memoria y la identidad son meros disparadores en un relato que privilegia la acción, con persecuciones de autos, accidentes y explosiones, sosteniendo el suspenso con giros y vueltas de tuerca que cumplen con los cánones estándares de este genero, pero que sus personajes explican demasiado alterando por momentos la atención del espectador. “No arrojar al espectador información constantemente” Algo que en los manuales de guión no se recomienda y viene destacado en negrita, ya que el cerebro actúa por ciclos y no puede al mismo tiempo recibir la información, procesarla y pretender seguir con fluidez el hilo de la historia. A no ser que se valga de ingeniosos recursos expresivos como lo hiciera P. Greengrass en Identidad desconocida (2002), donde la cámara en mano y el re-encuadre dentro de los mismos planos potenciaban el relato.

Foto2Pero lejos está este film de innovar expresivamente, aunque es de destacar la muy buena fotografía, en una fría Berlín que tiene su homenaje en el detective privado y ex agente de la Stasi (Bruno Ganz), orgulloso de sus recuerdos y tan eficiente como antes.
Así es como la paranoia y conspiración solo son motivos temáticos desaprovechados en este film que lo alejan del thriller psicológico para reconocer cada vez más sobre el final la contundente influencia de Identidad desconocida, que renovaba en cierto sentido el cine de espías.

Secretos de familia

Ganadora del premio más importante en Festival de Sundance y con cuatro nominaciones al Oscar, entre ellas a mejor película, Lazos de sangre
se interna en los frías montañas de Ozark, Missouri para proponer una mirada independiente y realista del viejo lema “Lo que pasa en las Vegas queda en las Vegas.

La historia trascurre en Missouri, en un pueblo pobre del interior de Estados Unidos donde casi todos sus habitantes tienen algún tipo de parentesco y se centra en Ree Dolly (Jennifer Lawrence), una joven de diecisiete años que se ve obligada a cuidar de su madre enferma y sus dos hermanos pequeños tras la ausencia de su padre. Tras recibir la noticia que la casa en la que viven es garantía de la fianza de su padre y que puede perderla al no presentarse éste al juicio, Ree comienza la búsqueda de su padre desafiando todos los códigos de silencio que la rodean y enfrentando los riesgos que ello supone.
Jennifer LawrenceUna historia sencilla muy bien contada, en la que poco se dicen y mucho se sabe, donde la excelente interpretación de Jennifer Lawrence (nominada al Oscar como Mejor Actriz Protagónica) será el centro de un relato que cautiva al espectador sumergiéndolo poco a poco en un viaje donde nadie sabe nada y si menos preguntas Dios perdona.
Con una protagonista que se ve forzada a madurar, buscando la verdad rodeada de personajes sórdidos y hostiles, ambientes amenazantes y costumbres de una comunidad cerrada donde el miedo, la desolación y la miseria absoluta retratan una realidad que habita en el interior Norteamérica.
Un pueblo donde el sheriff les teme a sus propios habitantes que viven bajo sus propias leyes.

MissouriPero los principales méritos del film residen en la atmósfera y clímax que su directora Granik logra componer al lo largo del relato, con una excelente fotografía y un pausado pero cautivador desarrollo de la historia merced a las buenas actuaciones.
Acompañada por una muy buena banda sonora (cualquiera arriesgaría que G. Santaolalla tuvo algo ver aunque es de Dickon Hinchliffe) que por momentos nos traslada a Secreto en la montaña.

Tal vez no

Lejos de Manhatan y mas cerca de Barcelona, Woody Allen vuelve a filmar en Inglaterra. Una comedia dramática que dista mucho de aquellos films que consagraron su carrera para semejarse más a las últimas producciones, donde no falta su cínica mirada sobre el absurdo cotidiano y la condición humana, pero mucho más superficial y liviana.

Retomando aquella reflexión que indagara en Match Point sobre el destino y la suerteJosh Brolin que rige la existencia humana, Conocerás al Hombre de tus Sueños nos presenta un relato a medio andar entre el drama y la comedia que nos sumerge en las historias de dos parejas insatisfechas que en busca de sus pasiones, ambiciones y obsesiones descubren también su egoísmo y frustración.

Alfie (Anthony Hopkins) un viejo que se niega a envejecer y sale en busca de la juventud perdida, deja a su esposa Helena (Gemma Jones) que, desconsolada y angustiada, caerá en los extravagantes consejos de una adivina que le dice lo que quiere oír. Su hija Rally (Naomi Watts), infeliz en su matrimonio que se va enamorando de Greg (Antonio Banderas), el atractivo galerista para quien trabaja, mientras que Roy (Josh Brolin) su marido y frustrado escritor se fascina espiando a Día (Freida Pinto), la vecina de enfrente.

Gemma JonesToda una galería de excelentes actores componiendo interesantes personajes en los que Allen no ahonda demasiado y los deja fluir para traer nuevamente a escena su desconcertante y cínica visión sobre los anhelos, miedos, miserias, engaños y grandezas de la condición humana, donde sólo cuenta el azar, y la solución a sus frustraciones son tan escasas como efímeras.

Pero mas allá de su repetido discurso, pareciera que esta ves este extraordinario narrador de historias se conformó con una simple y superficial.
Tal vez la clave de este film esté en la cita del comienzo “Todo es estruendo y furia y, al final, no significa nada" Macbeth, que resume los valores de una sociedad actual que vive la vida con igual superficialidad y donde la inmadurez, mediocridad e irresponsabilidad son moneda corriente.
Será por ello que las tragicómicas reacciones de los personajes ante el desconcierto nos resulten tan verosímiles. Aunque en ocasiones se tornan excesivamente reiterativas.

Anthony HopkinsCabe destacar, aun siendo predecible y estereotipado, el estupendo trabajo de Anthony Hopkins, ridículo y entrañable junto a Lucy Punch en el papel de Charmaine, la amante que llena su vacío de juventud dejando al descubierto lo terrible de envejecer solo, el miedo al fracaso y la auto justificación como respuesta al destino.
A Gemma Jones en un papel que se ilusiona y deprime con tal facilidad que conmueve y desquicia al mismo tiempo.
Y la escena donde Roy (Josh Brolin) cierra la ventana cambiando con inteligencia la perspectiva de la mirada como lo hiciera en Macht point con la pelotita en el final.
Lejos de New York quedaron los chistes de judíos, pero fiel a su estilo y genialidad, no faltan los diálogos que se hilvanan a ritmo de jazz y la música clásica que en esta oportunidad abunda en la banda sonora.

Algunos films serán mejor que otros, gustaran más o menos, pero nadie puede dudar del talento de Woody Allen. Esta vez creo bastó con entretener y mostrar, porque no, una realidad mas actual.

El niño que jugaba con la suerte

Una encantadora comedia dramática del joven y talentoso director polaco, Andrzej Jakimovski, que combina la realidad del mundo adulto con la mirada inocente y mágica de la infancia.

Galardonado con más de 30 premios internacionales y fiel exponente del cine de autor, Un cuento de verano narra con una mirada contemplativa, ingenua y enternecedora, una historia sencilla y realista sobre la relación entre un niño, su hermana y su padre ausente.

En un pequeño y rutinario pueblo del interior de Polonia, donde nunca pasa nada, un niño de seis años que pasa sus horas vagando y jugando en la estación de ferrocarril descubrirá a un hombre que podría ser su padre.

Mientras su hermana intenta conseguir desesperadamente un trabajo y su madre atiende el negocio, Stefek (Damian Ul) desafía la suerte e intenta alterar el destino de ese hombre, para que vuelva con su madre.
Su hermana mayor Elka (Ewelina Walendziak), le enseñara trucos cotidianos para sobornar a la suerte y manipular el destino, que mas tarde también usará para controlar la vida amorosa de la misma.

Embebida de un realismo, personajes costumbristas y la presencia de los vínculos familiares propios del Cinema Verite y el Neorrealismo italiano, Andrzej Jakimowski, nos aporta un cine polaco con estilo propio mixturando lo poético con lo cotidiano y contrastando la ingenuidad de la infancia con una realidad familiar y social de una Polonia en crisis.

La belleza y excelente interpretación de estos actores no profesionales (Damian Ul ganó el premio al Mejor Actor en el Festival de Tokio 2007 y fue candidato al Polish Eagles 2008), dotan a los personajes de un naturalismo y espontaneidad que sumados a la muy buena fotografía y la banda sonora que discurre entre el jazz y divertidas tarantelas, logran transportar al espectador al pueblo mismo.

Ante el vertiginoso ritmo de los films de acción, el abuso de la cámara en mano y montaje de atracciones que actualmente invade la pantalla, Un cuento de verano es la oportunidad de disfrutar de un cine de autor que resalta lo bello de lo cotidiano.

Vivir soñando o soñando vivir

Esta superproducción que recaudó más de sesenta y dos millones de dólares en su estreno en Estados Unidos, reúne a una excelente historia, sorprendentes efectos visuales y convincentes actuaciones, pero sobre todo, consagra a Christopher Nolan como uno de los directores mas creativos e interesantes, capaz de combinar en un thriller la dosis justa de acción, suspenso, drama, romance, ciencia ficción y espionaje para incursionar en las más oscuras obsesiones, preocupaciones y secretos de la mente humana.

Al igual que en todas sus producciones anteriores, Christopher Nolan vuelve a demostrar su fascinación por la psique humana y un obsesivo desarrollo de la psicología de sus personajes, que en esta oportunidad nos invita a conocer a través de los sueños.

Desde Following, su primera película, pasando por Memento, Noches Blancas, El gran truco hasta Batman Inicia (2005) y Batman: el caballero de la noche (2008), Nolan viene exponiendo una original tesis sobre la mente humana, donde la obsesión y paranoia en la primera; la memoria, el inconciente y la culpa en la segunda; la insomnia en la tercera; el engaño en la cuarta y los miedos y la conciencia moral en las dos ultimas, conforman un abanico temático que se hace presente en El origen, su proyecto más personal cuyo guión desarrolló por casi diez años.

Si Memento nos sorprendió con una compleja narrativa no lineal donde los saltos en el tiempo y los flashbacks son una constante, El origen nos propone, como en un juego de cajas chinas, sumergirnos en el mundo de los sueños y contarnos una historia donde el robo de la propiedad intelectual se hace posible a través de los sueños.

Dom Cobb ((Leonardo Di Caprio), es el mejor espía corporativo cuya virtud reside en apropiarse de los secretos del subconsciente mientras sus victimas sueñan.

Fugitivo internacional y anhelando volver a su antigua vida, tiene la oportunidad justa cuando un magnate japonés Saito (Ken Watanabe) lo contrata para una misión que lo lleva a un nuevo desafío, la Incepción, que consiste en implantar una idea en el subconsciente en lugar de sustraerla.

Pero todo se complica cuando Cobb enfrente sus secretos y el fantasma de Mal (Marion Cotillard), sensual y sospechosamente angelical que cual femme fatal en el film noir, conducen al héroe a su perdición.

El excelente guión se ve plasmado en una compleja estructura narrativa, que cual pieza de relojería, desarrolla en forma lineal y fluidamente cuatro hilos narrativos paralelos (un sueño dentro de un sueño dentro de un sueño), dosificando inteligentemente la información y jugando con la mente del espectador pero sin que este pierda la trama.

Durante la primera hora se establecen las reglas del juego, se definen los roles y se exponen algunos secretos y se detalla la misión para luego dar rienda suelta a la acción y el suspenso.

Al igual que Memento, el film requiere el cien por cien de atención. ya que los continuos cambios de ritmo y los giros inesperados pueden hacernos perder el camino. Las casi dos horas y media que dura el film puede volverse en contra y provocar en el espectador cierta fatiga en su atención que por momentos lo haga dudar cuantos sueños vemos realmente, o en que nivel estábamos (pregunta que en cierto momento de la trama lanza, a manera de gags, la arquitecta (Ellen Page) al grupo y que pareciera estar preguntándonos a nosotros espectadores si estamos entendiendo).

A la hora de los efectos visuales El origen corre con ventaja si consideramos que en el mundo de los sueños todo es posible, sin embargo, las espectaculares secuencias con imágenes surrealistas como la de un viejo tren yendo a gran velocidad por el carril central de una avenida, personajes peleando en gravedad cero cual efecto Matrix, o armar y desarmar cual Rasti (o Lego para los mas jóvenes) la ciudad de París, nunca pasan a primer plano ni distraen el desarrollo de la historia.

La estilizada y fría fotografía y arte logran desarrollar una atmósfera onírica y tecnológica al mismo tiempo que se complementan con la excelente banda sonora de Hans Zimmer que regula a la perfección los diferentes momentos de acción, suspenso y drama.

La sólida actuación de Di Caprio, cuyo personaje tiene varias similitudes con el que interpreto en La isla siniestra, es acompañada por las buenas actuaciones de Ellen Page (la nueva arquitecta de los sueños), Joseph Gordon-Levitt, Tom Hardy, Dileep Rao y la breve y poco significativa aparición de Murphy, Pete Postlewhite, Tom Berenger y Michael Caine cuyos personajes no tienen un desarrollo interesante y slo sirven a la sucesión y transformación de los acontecimientos que componen la trama.

Es indudable la multiplicidad de referencias que El origen toma o sugiere vaya a saber si a modo de homenaje o simple inspiración; De Matrix (los mundos paralelos, la arquitecta, el súper slow motion), Sueños de un Asesino, La Isla Siniestra, la psicología Freudiana, los film de James Bond (de los que Nolan es fanático), Misión: imposible (un grupo de especialistas embaucados en una misión casi irrealizable), Minority Report y, por qué no, de Las ruinas circulares o El jardín de senderos que se bifurcan (1944) de Jorge Luis Borges, del cual C. Nolan se declarara en alguna oportunidad ferviente admirador.

Lo cierto es que Nolan nos propone un thriller original, con rasgos de varios géneros y con una buena historia de espionaje que bien podría ambientarse en la guerra fría o en los experimentos hitlerianos de la segunda guerra, pero que en el fondo del subconsciente de su director, mas allá de plantear el implante de ideas a través de los sueños, esta el poder de los vínculos afectivos y el amor.

Tal vez la complejidad de la trama, las demasiadas explicaciones acerca del funcionamiento del sueño, la exhausta y agotadora tarea de prestar atención durante todo el film y el rápido desenlace (en comparación al tiempo demandado para el desarrollo de la trama hasta aquí) generan algunas dudas que conspiran contra el espectador y lo llevan a demandar, como lo hiciera Memento, a futuras revisiones.

El mundial que ya vimos

Ambientado en la convulsionada Argentina de 1978, el film narra la historia de un corresponsal Italiano que llega para cubrir el mundial y su trágica estadía tras enamorarse de una joven activista.

Con una recreación de la época bien lograda y buenas actuaciones, este primer largometraje resultante del convenio entre (INCAA) y la Direccione Nacionale de Cinematografía Italiana, pareciera haber llegado tarde al estreno.

Estructurada en un relato clásico, cargada de clichés, golpes bajos y con algunas situaciones inverosímiles que por momentos dotan de humor (no buscado) a ciertas situaciones de la trama (basta con ver aquel gendarme en el aeropuerto reproduciendo una situación impensada por aquellos días, o aquella huida de Florencia Raggi por los bosques a lo Lara Croft en Tom Raider), el film no logra prender al espectador en la historia de amor y funciona más como revisión histórica en clave de ficción.

Algo que nunca esta demás recordar pero que en los 80, con el surgimiento de la democracia, se encargaron la catarata de películas sobre la crueldad del terrorismo de Estado, de buena factura técnica y cuyos guiones, de una manera u otra, intentaban hacernos tomar conciencia de la reciente historia argentina.
Una época donde aquellos films eran necesarios aunque no proponían nada nuevo en materia de relato o puesta en escena salvo películas como Juan, como si nada hubiera sucedido (1987) de Carlos Echeverría o Un muro de silencio (1993) de Lita Stantic, una película diferente acerca de la dictadura, sin concesiones y sin golpes bajos.

Tal vez en aquel entonces este film hubiera llegado a pisar la alfombra roja americana, pero hoy en día el espectador Argentino, que ya tiene un ojo entrenado en esta temática, espera algo diferente, una relectura que aporte un nuevo dato o una nueva visión de los hechos hasta ahora desconocida.
Cómplices del silencio no propone nada de ello y sólo se queda en la historia que predecimos con cada plano que se sucede y que sabemos terminará con la copa y el monumento.

Intrigas en el papel

Uno de los directores más importantes de la cinematografía mundial, tanto por su obra como por su cuestionada vida personal, vuelve con un thriler político cargado de suspenso que combina a la perfección todas las cualidades de un género con el sello característico de un consagrado realizador.

Basada en la novela EL PODER EN LA SOMBRA (THE GHOST) del autor Robert Harris, el film narra la historia de un Escritor profesional, encarnado por Ewan McGregor, que es contratado para escribir anónimamente la autobiografía de un ex primer ministro ingles interpretado por Pierce Brosnan.
Pero la sospechosa muerte de quien comenzara a escribir las memorias y fuera por muchos años ayudante del ex funcionario, mas la repentina acusación del mismo ante la justicia por crímenes de guerra, serán determinantes para componer un relato donde la intriga y el suspenso ganan la escena.

Con un guión cuidadosamente elaborado, diálogos precisos y un relato sencillo -a la manera del genial Hitchcock- el film va acaparando desde el comienzo la atención del espectador y dosificando hábilmente cada cuota de suspenso, ubicándonos en la posición de un personaje que ira mutando de escritor free lance a investigador y pieza esencial de una conspiración en la que nada es lo que parece y la sospecha sella cada momento del relato.

El director de grades films como El bebé de Rosemary (1968) o Barrio Chino (1974), vuelve en El Escritor Oculto a demostrar sus grandes dotes de cineasta, retomando aquellos films marcados por la Guerra Fría que signaron todo un género y una época como La ley del silencio (1954), El Espía que surgió del frío (1965) o Intriga internacional (1959), pero adaptándolos a un nuevo escenario político con temas de la más absoluta actualidad, e introduciendo a la ves nuevos verosímiles desde la puesta en escena vinculados a una nueva realidad tecnológica y cultural –Vasta con ver la escena donde el GPS de la camioneta se convierte en un nuevo elemento narrativo que contribuye a la intriga y mantener el suspenso a la vez que permite el desarrollo de la historia.-
Roman Polanski se vale de estos elementos para construir un relato sólido, y lleno de suspenso donde cada uno de sus personajes, sea por su aspecto, diálogos o gestos, esconden cierto halo de misterio y sospecha que contribuyen a crear un mundo de mentiras y verdades ocultas que solo develaremos al final.

Vale destacar las actuaciones de Ewan Mc Gregor, en la figura de un escritor que por reglas del mercado debe ocultar su nombre y se vera en el centro de la historia cuando decida tratar de resolver un acertijo que lo pondrá entre la vida y la muerte; y un aceptable Pierce Brosnan en el papel del ex ministro atrapado por su propio ego y manipulado por Olivia Williams (en el papel de su esposa) que logra, cual espía profesional, conmover y ocultar al mismo tiempo su telaraña.

La fotografía y puesta en escena cuidada hasta el mínimo detalle que logra transmitir la frialdad que suscriben las relaciones de sus personajes, y una excelente banda de sonido que se vuelve pieza fundamental del film y un personaje mas que por momentos nos transporta a aquellos films de los 50 - mas precisamente aquella música de crímenes que supo imponer el compositor Bernard Herrmann, colaborador inseparable de A. Hitchcock - y en otros toma las riendas del relato distrayendo nuestras sospechas o preparando el terreno para una nueva mentira o descubrimiento, consuman un film que explota todo el potencial de un genero donde la mentira, el poder, la ambición, el engaño y la traición condicen de maravilla con la historia política que cuenta.

Acción x Acción

Titulo en castellano que resume a la perfección un film que retoma los rasgos fundamentales de un género que signó la producción Hollywoodense de finales de los 80 a mediados de los 90 siendo su mas fiel exponente la exitosa Arma Mortal (1987) y su dupla explosiva Riggs y Murtaugh.

Sangre y amor en Paris reutiliza casi todos los elementos de un cine que lleva la acción al límite invitando al puro y exclusivo entretenimiento, donde prima la espectacularidad de las imágenes y la puesta en escena con grandes persecuciones, accidentes espectaculares, luchas cuerpo a cuerpo, tiroteos y explosiones por doquier; donde la trama es anecdótica y se destacan un conjunto reducido de clichés entre los que suele estar la infaltable dupla de policías compuesta por un experto/novato y el políticamente correcto y su contrapuesto.

El director Pierre Morel (Venganza, 2008) y Luc Besson, aquí como productor, quien sabe dotar a sus historias de la irreverencia y el estallido necesarios para ser efectivo e inteligente con relativamente poco en términos narrativos, se valen de todos estos elementos y cierta dosis de sátira para construir un film en el que dos agentes secretos americanos totalmente opuestos se ven envueltos en una misión para salvar a Paris de un atentado terrorista.

A juzgar por su secuencia de créditos inicial en la que una música anempatica anticipa al espectador que algo que no esperamos ocurrirá en la calmada y glamorosa Paris, Sangre y amor en Paris podría ser una gran película de acción.
Pero lejos esta de aquellas producciones de Besson como Niñita (1990), El profesional (1994) también conocida como El Perfecto Asesino con Jean Reno, Gary Oldman y Natalie Portman en su primer papel cinematográfico, en la que la acción complementaba perfectamente el argumento como al fondo psicológico que presentan sus personajes; y por que no la costosa producción de ciencia ficción El quinto elemento (1997), con Bruce Willis y Milla Jovovich.
John Travolta no tiene ni el peso ni la presencia de aquel actor fetiche de Besson y emblema del cine francés, que es Jean Reno, y las pocas escenas de persecución por las calles y túneles de París (raro para ser un film de Luc Besson) no son suficientes para explotar dicho recurso como lo hiciera la excepcional Ronin (1998), dirigida por John Frankenheimer, escrita por David Mamet y protagonizada por Robert De Niro y Jean Reno.

Sangre y amor en Paris solo nos pasea por una sucesión de predecibles pero entretenidas secuencias de acción que tiene a John Travolta como protagonista principal matando todo lo que se interpone en su camino y Jonathan Rhys Meyers en el papel de su compañero políticamente correcto, dos actores que parecieran haberse divertido mas que trabajado. Los acompañan un reparto adicional que solo aparece dosificado con suma precisión para dar continuidad al relato, malvados estereotipados de nuestros días y algunas escenas absurdas e inverosímiles que por su duración no alcanzan a sacar al espectador de la trama y sirven a la sátira (véase la escena de Travolta y Meyers cargando con un espectacular jarrón de porcelana china lleno de cocaína en un ascensor rodeados de turistas y dándose ocasionales saques -según la jerga- de dicha sustancia), para burlarse no solo de ciertas convenciones sino del género mismo.
Basta referenciar al titulo original From Paris With Love, para encontrar una cita más que evidente al film Desde Rusia con Amor (From Russia with Love, 1963), de James Bond.
La incorrección política con que actúan estos personajes americanos en suelo Francés y el sentido del humor utilizado en ciertas escenas podrían vislumbrar cierta visión de sus creadores que marcarían una diferencia entre este film y aquellos que signaron el cine de acción de los 90. Pero el argumento no entrega más que ello. Su trama sencilla y las viejas ideas que se repiten solo conforman un relato previsible, conciso y entretenido que funciona como eficaz pasatiempo.

Una historia que centra su potencial en los temas que aborda y las buenas actuaciones.

El relato plantea dicotomías propias de la religión y la razón, puestas en jaque cuando el amor y el despertar sexual aparecen en una cultura donde las privaciones rigen el curso de sus vidas.

Sarcelles, un suburbio parisino habitado por inmigrantes judíos ortodoxos, será donde dos hermanas confronten sus ideales ante una realidad que las toma por sorpresa y que las lleva a replantear su existencia.
Laura (Fanny Valette), una escéptica estudiante de filosofía y esclava de su educación religiosa, deberá afrontar una lucha entre el deseo y sus convicciones cuando conoce a Djamel (Hedi Tillette de Clermont-Tonerre), un algeriano musulmán que la confunde y perturba.
Mientras su hermana Matilde (Elsa Zylberstein), devota esposa judía y fiel a las creencias, debe afrontar problemas de pareja que la llevan a replantearse el deseo y el placer sexual dentro de las leyes de una religión que (con cierta ironía en los diálogos) no establece claramente los limites entre fidelidad a Dios y a su marido.

La Pequeña Jerusalén es un film intimista, donde la filosofía, la religión, la fe y el deseo atraviesan los replanteos existenciales de estas dos hermanas en el descubrir de su cuerpo, pero que también nos permite asistir a una realidad cultural y social a la que hoy en dia asiste gran parte de europa.

Karin Albou nos propone un estilo narrativo que cuida mucho la luz y la fotografía, se mete en la psique de los personajes y trabaja cuidadosamente los diálogos (que por momentos se tornan interesantes y en otros vuelven al film sumamente pretencioso), pero la historia progresa en forma irregular, dotando al relato de momentos muy interesantes y otros donde el tiempo de proyección se hace presente en la sala.

Vale destacar, las muy buenas actuaciones de Valette, Zylbertein y Sonia Tahar en un film que invita a la reflexión.

La pintura en movimiento

Varias son las películas que abordaron la vida de pintores famosos, pero pocas supieron recrear o transmitir de manera interesante dichas historias, tal es el caso de Muerte en Venecia (1971), adaptación que hizo Luchino Visconti de la novela de Thomas Mann, Pollock (2000) con Ed Harris que narra la vida de este genial pintor, precursor del expresionismo abstracto y la adaptación biográfica más explícita que fue Frida (2002), de Julie Taymor, sobre la vida de la mexicana Frida Kahlo.

Esta nueva producción, basada en la biografía de una pintora naïf conocida como Seraphine de Senlis, narra la historia de una sirvienta de pocos modales y pasado incierto que comenzó a pintar de grande y cuya obra trascendiera en el periodo de entreguerras, volviéndose una de las representantes de la pintura Naif.

Una historia sencilla, estructurada en tres partes, que sirve de disparador para la excelente actuación de Yolande Moreau y una sorprendente puesta en escena.
La actriz y directora belga, recientemente premiada con un Cesar a la mejor actriz por su papel en este film, logra componer de forma extraordinaria un personaje que manifiesta en la pintura su carencia afectiva y locura inminente.
Basta una mirada, en algunas tomas, para transmitirnos cierto alo de locura e impotencia en su personaje, que en varias oportunidades recurre a un sutil humor para afrontar sus tragedias.
Un personaje incomprendido por la sociedad, con la particularidad de aquel grupo de artistas denominados naifs que concebían el arte como reflejo de la tranquilidad y despreocupación interior, donde el hombre era representado en sus tareas normales y el tema de la fatiga se convertía en motivo de inspiración, hecho que sale a relucir en varios fragmentos del film.

Un relato cuya puesta en escena pareciera ser una sucesión de cuadros que recrean
Con asombrosa fidelidad, temáticas propias del naturalismo con la simetría y perfección de las reglas impresionistas.
El manejo de la luz, la proporción y ubicación de los objetos dentro del cuadro, y los movimientos de cámara logran construir en cada plano verdaderos cuadros pictóricos.

Cierta prolongación innecesaria del relato, sobre lo que fueron los últimos días de la artista en el manicomio, hace decaer un poco sobre el final un film que centra sus atributos en la estética, la interpretación de su personaje principal y el interesante uso de los, silencios y la música.

El legado Burton

Son conocidos los rasgos y componentes distintivos que utiliza el consagrado Tim Burton para recrear los clímax, ambientes y caracterización de sus personajes, como puede verse en la recientemente estrenada Alicia en el país de las maravillas 3D.
Pero es Numero 9, opera prima de Shane Acker, Escritor, director y animador del cortometraje de igual nombre que fuera nominado a los Premios Óscar en 2004, quien parece presentarnos el legado de Burton.

El film nos ubica en un mundo post apocalíptico, en el que la especie humana fue aniquilada totalmente por las maquinas (Terminator, James Cameron, 1984), y donde los únicos sobrevivientes son unas criaturas hechas de trapo, botones, cierres y otros resabios de la civilización, que se refugian de la bestia robótica que los persigue.
El misterio, instaurado desde el comienzo cuando vemos elementos de sastrería hilvanando la hechura de un muñeco de trapo con un número, será un factor determinante durante todo el relato.
Cuando 9 (voz de Elijah Wood) cobra vida, emprende un viaje en el que va descubriendo otros pares, también identificados por números (ver comentario aparte), y en el cual asumirá la responsabilidad de investigar quienes son, como llegaron allí y que ha sucedido en un mundo donde solo las máquinas parecen haber sobrevivido, desatando nuevamente el Apocalipsis.
Conocer el pasado será determinante para encontrar respuestas a sus interrogantes existenciales y descubrir que el futuro de la civilización puede depender de ellos.

Lejos de las maquinas y efectos especiales de Terminator (James Cameron, 1984) y mas cerca de los planteamientos filosóficos de Blade Runner (Ridley Scott, 1982), Acker nos presenta una visión oscura y un poco metafísica de un futuro donde la humanidad gobernada por un estado fascista se ha destruido a sí misma con la creación de maquinas inteligentes en busca de la perfección.

Un escenario retrofuturista donde cada uno de sus componentes nos remite a un pasado no muy lejano y bien conocido por todos. El universo visual de 9 (Nueve) esta cargado de íconos industriales de la Europa de post guerra, donde los escenarios y personajes están inspirados en una estética steampunk, subgénero de fantasía y Ciencia Ficción que propone una retorcida idealización de una época (finales siglo XIX y la Inglaterra de la era victoriana, aunque abarca también parte del siglo XX hasta el final de la I Guerra Mundial) donde los problemas de superpoblación, racismo, pobreza y desempleo conviven con los más extraños inventos propulsados por carbón y vapor. Un mix de elementos predominantes de la ciencia ficción o fantasía, inventos tecnológicos ficticios como los encontrados en las obras de H. G. Wells y desarrollos tecnológicos reales como la computadora.

La apocalíptica realidad de 9 NUEVE y sus personajes, plantea una interesante critica al pensamiento positivista y su incidencia en las guerras, instalando reflexiones sobre el valor, la solidaridad, la amistad y esperanza. Explora la voluntad de vivir, el poder de la unión y cómo el alma puede cambiar al mundo. Una revalorización de lo humano simbolizado a través de cada uno de los personajes, especie de replicantes (Blade Runner) dormidos que tras la llegada de su verdadero líder se unen cual grupo revolucionario en busca de respuestas.

El abanico de criaturas que componen el espeluznante mundo de 9, diseñadas en base a texturas reales, tecnología antigua y desechos del pasado, se traslucen en personajes muy humanos en sus interacciones. Los modismos, sus diseños y actitudes logran atrapar al espectador en su mundo.
Tanto la maquina como el hombre están representados principalmente en dos criaturas contrapuestas que buscan lo mismo, asimilar la esencia, el alma. Encontrarla significará para Nueve (Elijah Wood) su lugar en el mundo y para La Gran Máquina (una especie de araña mecánica gigante salida de la novela La guerra de los mundos de Herbert George Wells, 1898, con la capacidad de inventar mas maquinas para gobernar el mundo) la perfección.
Ocho personajes más acompañan a 9 en la búsqueda de la verdad, simbolizando cada uno facetas diferentes del ser humano:
Número 1 (Christopher Plummer), un veterano de la guerra, de carácter dominante y líder del grupo hasta la llegada de 9 (nueve)
Número 2 (Martin Landau), un generoso y frágil inventor
Número 3 y Número 4, gemelos eruditos que se comunican gestualmente entre sí
Número 5 (John C. Reilly), un ingeniero leal
Número 6 (Crispin Glover), un artista atormentado por las visiones
Número 7 (Jennifer Connelly), una valiente guerrera autosuficiente y de armas tomar.
Número 8 (Fred Tatasciore), el musculoso y poco listo guardaespaldas de Número 1.

La excelente puesta en escena, los asombrosos personajes y efectos especiales y la muy buena banda sonora, acompañada de una temática que invita a la reflexión, son las características sobresalientes de este film animado que puede marcar el comienzo de un legado.

La Kábala esta presente

Pareciera que la numerología ocupa un lugar significativo en los nombres de los personajes. Basta inmiscuirse un poco por la Kábala (ciencia de los números, cuyo padre es el gran maestro griego Pitágoras y en la cual cada numero representa un aspecto de nuestro ser, de nuestra realidad, de nuestra relación con nosotros y con el exterior y con un significado determinado), para descubrir la coincidencia entre el perfil de los personajes y el significado de sus números.
Según esta, el 9 (Nueve) simboliza el idealismo, los sentimientos y la nobleza, Confiere una visión de la verdad impersonal, pero justa, generosa, benévola y paciente. Es el número del amor incondicional, el amor universal, el sanador y el perdón.
Llamado por los pitagóricos "El Alfa y la Omega", la Enéada, el primer cuadrado de un número impar (3x3=9). También se le ha llamado el número del Hombre, porque su gestación dura 9 meses. Es el único número capaz de "dar vida" a cualquier otro número. Al sumar todos los números de nuestro sistema numérico (1-9) se obtiene 45, que sumado da 9, de aquí que se le llame "El Perfecto", por ser un número que nunca se destruye.
El 9 se halla preparado para devolver en cierta medida al universo lo que aprendió durante los ocho grados previos del ciclo. Cuando se acepta así, la perfección alcanzada bajo el 9 aporta sólo alegría como un regalo de la vida, además de la libertad para entrar en el próximo ciclo sin impedimentos.
La coincidencia que surge de comparar los números de los personajes con sus respectivos significados según la Kábala, pone en evidencia que dicha asociación fue buscada deliberadamente por su realizador como una manera de enriquecer el perfil de sus criaturas y dotar al relato de un alo de misterio que sustenta gran parte del film.
Las particularidades de los números descriptas en la Kábala pueden verse reflejadas en los personajes de la película durante todo el relato, fundamentando claramente el final.

Para aquellos curiosos e interesados en Pitágoras los dejo con la Kábala

1* DOMINIO, EMPUJE, DOTES DE MANDO
El Genio, el inventor, el líder, el solitario. Tiene que aprender a estar solo, pero también la compañía, porque sino se puede convertir en Ermitaño. Es el pionero.

*2* LA PAREJA
Es el número de la decisión, la cooperación y la diplomacia. Es el poder detrás del trono. Equilibra los dos pares de opuestos, por eso es el diplomático, el mediador y la capacidad de decisión

*3*EL PODER GENERADOR
Creatividad. La expresividad, la auto expresividad. También puede ser la dispersión de energía.

*4*PERFECCION, SOLIDEZ, EQUILIBRIO
(Es el albañil, el que construye). Le llaman la sal de la vida. La construcción.

*5*EL CAMBIO
No soporta la rutina, necesita fluir continuamente. Es un camino de encrucijada es como la Y. Suelen ser escritores, periodistas, viajantes y aventureros.

*6*UNION FAMILIAR Y FIDELIDAD
Es el amor a la familia y el servicio a los demás. Se puede dedicar a las cosas artísticas y a la sanación.

*7*EL DOLOR
Es un número muy espiritual, el místico. Es el arquetipo del Buscador, el que se hace continuamente preguntas (por qué), pero no se hace la pregunta adecuada (para qué). Es el filósofo que busca a Dios. En negativo es el científico pragmático.

*8*TRIUNFOS MATERIALES
Es la fuerza, el poder, el dinero, la ambición, la responsabilidad y la vejez.

*9*EL GRAN LOGRO
Es el número del amor incondicional, el amor universal. Entrega a los demás. El sanador. El perdón.

Terapia para viajera

El maravilloso mundo de Tim Burton vuelve al cine con una historia basada en la novella de Lewis Carroll (1865), clásico inmemorial de la literatura infantil y fuente inspiradora de numerosas adaptaciones al cine, el teatro y la televisión.

Fiel al libro clásico de Carroll, esta nueva versión de Alicia en el País de las Maravillas combina extraordinariamente el formato 3D, con efectos especiales, buenas actuaciones y la particular visión de Burton, recreando un mundo exótico, cargado de detalles interesantes y con un abanico de extraños personajes.

A diferencia de la historia clásica que nos presentaba una niña pasiva viviendo una serie de aventuras con personajes maravillosos, Burton propone un tono un poco más adulto, misterioso y oscuro fiel a su estilo. Con diálogos mas punzantes y profundizando en la psicología de sus personajes.
Ya no esta la niña de vestido azul y blanco, sino una adolescente de 19 años en plena búsqueda de su identidad.
ALICIA Kingsleigh (Mia Wasikowska) no es una tonta y frívola adolescente, sino una joven rebelde, insegura de si misma pero que se anima a desafiar las normas culturales de la aristocracia victoriana.

Un sueño recurrente la atormentaba en su infancia hasta que un día, a punto ya de convertirse en adulta, vuelve a enfrentarlo.
El descenso a la Infra tierra, un mundo onírico que visitaba de niña, pero del cual no recuerda nada, y que ahora la reclama para tomar las riendas de la situación, desafío para el cual no esta tan segura de poder cumplir.
Un viaje fantástico que a la manera de terapia le ayuda a encontrar su verdadero destino.

Una excéntrica y variada fauna acompañan a Alicia en este viaje a la Infra tierra que comienza como un lugar oprimido y lúgubre, de aspecto fantasmagórico con colores apagados y que con el correr del relato ira ganando en luminosidad y color en coincidencia con los personajes y acontecimientos que se suceden.

Una galería de personajes donde, en palabras de Tim Burton “todo está un poquito descentrado, incluso las buenas personas”, se destacan:
EL SOMBRERERO LOCO (Johny Depp, séptima colaboración con Tim Burton desde que realizaron su primer trabajo juntos en la película El joven manos de tijera) que no esta del todo en sus cabales y presenta cierto trastorno de personalidad que lo vuelve excéntricos y gracioso.
IRACEBETH, LA REINA ROJA (Helena Bonham Carter, pareja de Burton en la vida real), Una tiránica monarca, amalgama de la Reina de Corazones de Alicia en el País de las Maravillas y la Reina Roja de A través del espejo, que gobierna a través del temor. Con una enorme cabeza y algunos problemas emocionales que la tornan cómica por momentos pero insufrible. De temperamento irascible y propensa a pedir la decapitación inmediata de sus súbditos. MIRANA, LA REINA BLANCA (Anne Hathaway), su hermana menor, que parece flotar en lugar de caminar y que detrás de la dulzura y luminosidad que irradia esconde un costado mucho más oscuro.
ABSOLEM, LA ORUGA (Alan Rickman), sabelotodo y guardián absoluto del Oráculo, fumando siempre de un narguile y que ayudará a Alicia a resolver sus problemas existenciales. Una LIEBRE (Paul Whitehouse) paranoica y ansiosa que adora cocinar y se le da por lanzar objetos y CHESSUR, un gato atigrado con la habilidad de aparecer y desaparecer cuando lo desea y con una sensualidad engañosa propia de los felinos.

El poder, la ambición, la locura y la lucha por los ideales son algunos de los temas que propone un relato donde los efectos especiales y el formato 3D se integran perfectamente a la narración, realzando cada composición de los escenarios y personajes, para conformar una puesta en escena, una estética y clímax con el sello indiscutible de Burton; que sumados a la excelente banda sonora a cargo de Danny Elfman (Charlie and the Chocolate Factory, Chicago, Batman, Spiderman) definen una experiencia cinematográfica ineludible que permanecerá en las vitrinas del séptimo arte.

Un bonus musical: el tema de los créditos finales de la película, escrito e interpretado por Avril Lavigne forma parte del álbum ALMOST ALICE, una recopilación de 16 canciones de numerosos artistas de la talla de All American Rejects, 3OH!3, Franz Ferdinand y Shinedown entre otros. El tema posee un video musical y es la única canción del álbum que aparece en la película.

La sombra de un Thriller

Tras ocho años de su último protagónico, Señales (2002), de M. Night Shyamalan, y luego de dirigir la controvertida La Pasión de Cristo (2004), hablada en arameo y hebreo antiguo, y la extraña Apocalypto (2006), hablada enteramente en maya cuyas polémicas repercusiones no se vieron reflejadas en la taquilla, Mel Gibson vuelve a la actuación de la mano de Martin Campbell, director de la aclamada Casino Royale.

Al Filo de la Oscuridad esta basada en una premiada mini serie televisiva británica de 1985, también dirigida por Martin Campbell y cargada de misterio, suspenso y tensión política que reflejaba muy bien aquel momento histórico, donde la guerra fría y la amenaza nuclear signaban la agenda de cuanta producción apareciera.

En este nuevo thriller, Gibson es Thomas Craven, un veterano detective de homicidios de Boston que recibe la visita de su única hija y que a las pocas horas de arribada es asesinada brutalmente en la puerta de su casa.
Al igual que en la antigua miniserie, el tema central de la historia es el de un hombre que busca justicia y la redención a la vez que va descubriendo la vida secreta de su hija y una red de conspiraciones entre la política y grandes empresas.

Esto funcionaba muy bien por aquel entonces, pero hoy en día dicha temática no llega a provocarnos demasiado interés, y en lo que respecta a la búsqueda de justicia por parte del detective, el relato prioriza los diálogos a las acciones.
Por otro lado la relación entre padre e hija en pantalla es muy breve y no logra generar un vínculo muy sólido para que el espectador se identifique con dichos personajes.
Una de las virtudes del thriller es que puede incursionar por varios caminos. Así podremos ver por ejemplo, aquellos que optan por lo sobrenatural (Millennium I: Los hombres que no amaban a las mujeres, 2009), algunos por la presencia de un asesino serial (Seven, 1995), otros por el policial (Río Místico, 2003), de espionaje o conspirativos como Conspiracy Theory, 1997, donde Mel Gibson interpreta a un excéntrico taxista de Nueva York obsesionado con la existencia de conspiraciones de la NASA para controlar el mundo. Pero todos ellos están signados por el misterio y la intriga por algo que desconocemos y precisamos develar, siempre a través de la acción y el suspenso.

En Al filo de la oscuridad la temática poco actual, el poco desarrollo de los personajes y la baja cuota de acción hacen que el relato sólo se sostenga por dos motivos: la astuta decisión de Martin Campbell al asumir la narración desde el punto de vista del personaje, posicionando al espectador en el mismo lugar del detective que desconoce la verdad hasta el final; y a través del muy buen manejo de los tiempos dramáticos por el cual ciertas escenas de acción logran sobresaltarnos de la butaca justo antes de que los párpados comienzen a juntarse.
Cabe destacar la gran actuación del británico Ray Winstone, que compone a Jedburgh, un especialista en seguridad que trabaja para el gobierno, cuya tarea es la de "limpiar los platos sucios y atar los cabos sueltos”, enriqueciendo el film en los momentos que esta junto a Gibson.

Al acabar el film puede que quede una mera sensación que aquel policía (Martin Riggs) con tendencias suicidas que interpretara Mel Gibson en Arma Mortal (1987) ya este viejo para esos trotes y trate de solucionar las cosas por vías razonables y didácticas, pero hay algo indiscutible, cuando un policía no quiere mas acción debe retirarse y trabajar detrás del escritorio.

Una película americana para americanos

En el cine, por lo general, rara vez condice el tiempo dramático de la historia con el tiempo real de proyección, y esta vez no fue la excepción. Por desgracia el victorioso fue el tiempo dramático que supero ampliamente los 90 minutos que dura el film para dejarnos la sensación de que asistimos al día completo de San Valentín.

Un especie de Dream Team de actores reconocidos protagonizan esta comedia romántica filmada en el paraíso de Los Ángeles, Malibú y Hollywood, entre otros, y que pretende mostrarnos, a través de historias entrelazadas, el amor desde distintos ángulos y en distintas generaciones durante este día especial.
Pero a medida que la narración avanza va dejando de lado dicha pretensión y dando luz a un guión de manual, donde cada acción es predecible desde el comienzo hasta el final y solo nos queda disfrutar de las formidables actuaciones del elenco soñado.

Por momentos pareciera que estamos viendo fragmentos de Pretty Woman, y en otros, que asistimos a un nuevo episodio de la aclamada serie americana That 70’s Show.
Lejos esta este film de abordar las relaciones de pareja como si lo hace el excelente film italiano El ultimo beso (L'ultimo bacio), de Gabrielle Muccino, donde ocho personajes de distintas edades entrecruzan sus vidas en una sucesión paralela de pasiones.

Solo tres pétalos logran salvar este flor de elenco de la última calificación:
Edison (Bryce Robinson), un niño de 10 años educado por sus abuelos y chapado a la antigua, que comienza a experimentar el amor; y dos vueltas de tuerca en los personajes de Julia Roberts y Eric Dane (El Dr. Mark Sloan de la serie Grey’s Anatomy) que contribuyen para soportar el film hasta el final.

Valentine’s Day bien podría haber sido un cortometraje para difundir en cuanta cadena televisiva se les ocurra para homenajear a los enamorados en su día, con efectos seguramente devastadores. En su defecto solo asistimos a un film típicamente americano construido en función de y para una cultura que ve el romanticismo asistiendo a una proyección de cine clásico en un cementerio.

Adrenalina sin reflexión

Pareciera ser la traducción que mejor sintetiza el argumento de esta multipremiada película dirigida por Kathryn Bigelow, ex esposa del director James Cameron, y con quien parece estar repartiéndose la mayor parte de los premios del 2010.

El film esta protagonizado por un trío de desconocidos, hecho que permite centrar el hilo narrativo en la acción misma, que comienza cuando el líder de un escuadrón especialista en desactivar bombas pierde la vida y llega en su reemplazo un nuevo sargento. James (Jeremy Renner) tendrá dos subordinados Sanborn (Anthony Mackie) y Eldridge (Brian Geraghty) que no pueden comprender el comportamiento imprudente de su superior y sólo piensan en los días restantes para abandonar suelo iraquí sanos y salvos.

Tal vez la cita introductoria "la guerra es una droga", extraída del libro “La guerra es la fuerza que nos da sentido” de Chris Hedges (ex-corresponsal de guerra de The New York Times y ganador del Pulitzer en 2002) al comenzar el film, sirva para explicar el comportamiento del sargento James y comprender que ésta no es una película sobre la guerra de Irak.

La ciudad de Bagdad solo es el escenario para narrar la tensión y adrenalina que viven los hombres de una unidad antibombas que enfrentan la muerte todos los días. Cualquiera podría haber sido el país o la guerra que la acción se mantendría de igual modo.

Narrada en un registro casi documental y con mucha cámara en mano, el film logra mantener la tensión del espectador ante la posibilidad de que una de las bombas explote, pero no alcanza a conformar un argumento sólido que devele un interés por la historia. Por momentos, se llega a desear que explote una bomba y acabe con el film.

La excelente banda sonora (a la altura de La caída del Halcón Negro) y el acertado criterio de encuadre en el juego de miradas sedimentan el merito de este film que no se interesa en profundizar sobre las causas de dicha guerra. En su discurso solo hay lugar para un par de líneas de reflexión verbalizadas por un soldado que sobrelleva el miedo mediante atención psicológica y Beckham, un niño que vende películas, y que nunca sabremos si fue utilizado como bomba humana o simplemente para mostrar como un país prepara a todos los niños por igual para un mismo objetivo final.

Bigelow se limita a filmar una película bélica, con un estilo propio, donde el principal objetivo es mantener la tensión del espectador situándolo en un escenario donde todos son potenciales terroristas suicidas y hasta una mirada puede hacernos volar.

Dato curioso: Su próxima película, Triple frontier, será otra de acción, centrada en la frontera entre Paraguay, Argentina y Brasil. Si consideramos que en el 2008 dicho lugar fue escenario de una movida política internacional de la cual nunca supimos demasiado, ni lo sabremos, será interesante ver que sale de dicho film.

De músico a funebrero

Es el cine una de las expresiones artísticas mas populares y conocidas que nos permite conocer un poco mas las diferentes culturas del mundo a la vez que nos recreamos y reflexionamos.
Un buen ejemplo de ello es este film japonés ganador del Oscar a la Mejor Película Extranjera en 2009, que aborda un tema tan complejo y universal como la muerte. Sabemos que la cultura oriental tiene concepciones diferentes sobre ella, pero desconoceos realmente sobre rituales y costumbres.

Final de Partida, comienza con una ceremonia de Nokanshi (Una costumbres ancestral, incluso desconocida para muchos en el Japón contemporáneo, que consiste en entregar los muertos de la mejor forma posible al otro mundo –limpiándolos, maquillándolos, etc.- ante la presencia de sus familiares), y nos ira introduciendo en una experiencia que va desde el rechazo absoluto a la reflexión y conocimiento de lo que dicha ceremonia representa.
Valiéndose de una excelente fotografía, una muy buena banda sonora y firmes actuaciones, el film nos va atrapando en la historia de Daigo Kobayashi (Masahiro Motoki), un músico que toca el violonchelo en una orquesta sin rédito económico cuyo dueño decide disolver.
A partir de ese momento decide regresar a su ciudad natal en compañía de su esposa Mika Kobayashi (Ryoko Hirosue) y buscarle un sentido a su vida.
Allí consigue un empleo ayudando Ikuei Sasaki (Tsutomu Yamazaki), especie de padre y guía espiritual muy particular, que lo ayudara a descubrir en este ritual de muerte el comienzo de su existencia.
Salvo por el comienzo, especie de presentación de la ceremonia, la historia se desarrolla en forma lineal (cual proceso de aprendizaje) permitiendo que el espectador se vaya comprometiendo con el personaje y al mismo tiempo conocer una visión de la muerte diferente, que lo lleva a recordar y reflexionar sobre varios de los interrogantes y cuestionamientos que inevitablemente en algún momento todo ser humano se hace o evita hacerse.

Y para comenzar a despedirme, en alusión a la curiosa traducción para Argentina de esta película cuyo titulo original en ingles es "Departures", me gustaría compartir cierta paradoja que me surgió al reflexionar sobre este filme, que nos invita a ampliar el conocimiento aprendiendo algo nuevo sobre un tema que ya sabemos, pero que no deseamos conocer nunca.

Sin actividad

Con un solo precedente de hace diez años, El proyecto Blair Witch, que basó gran parte de su éxito en la ingeniosa campaña de publicidad que lanzaron sus creadores y que jugaba con la posibilidad de que las imágenes del film fueran reales, llega una película de terror rodada en siete días con sólo 15.000 dólares, cámara en mano y actores desconocidos. Escrita, producida y dirigida por Oren Peli, el film se respalda en una campaña de marketing y un boca a boca de similares características al de El Proyecto Blair Witch, demostrando una vez mas como una campaña de relaciones públicas barata pero efectiva puede vencer a los multimillonarios esfuerzos tradicionales.
En este caso también se filtró en la Web información que pretendía sugerir que la historia era real y había sido suministrada por un contacto no identificado en la policía de San Diego, donde acontecen los hechos.
El film, que fue adquirido luego de presentarse en el Festival de Screamfest 2007 (un festival de culto del género de terror que se realiza en el legendario Teatro Chino de Hollywood Boulevard) por la Paramount gracias a una recomendación de Steven Spielberg, narra la historia de una joven pareja que se muda a una casa en los suburbios de San Diego. Pronto, en su nuevo hogar, comienzan a sentir que hay una presencia, demoníaca que se intensifica durante la noche. La pareja decide grabar con una cámara su habitación durante la noche para intentar descifrar que es esa presencia que los atormenta mientras intentan dormir.
Si bien el film se enmarca dentro del género de terror y su historia se centra en presencias fantasmales, no esperen encontrar Poltergueis ni demonios con tridente. Hecha con una videocámara casera y sin apelar a efectos especiales, lo que justifica la mala calidad de imagen y la falta de técnica, el film carece de una trama interesante y solo apuesta a la narrativa que permite manipular al público con poco más que una sombra o una puerta que se mueve lentamente mediante el aprovechamiento del fuera de campo que permanentemente incomoda al espectador pendiente de lo desconocido y lo oculto. El director se toma sus tiempos y mediante la acumulación de pequeños acontecimientos crea cierto clima de tensión e incomodidad en el espectador, de modo que cuando ocurre algo sorprendente, se multiplica el impacto. Pero esto no funciona correctamente durante la hora y veinte que dura esta producción y solo en los últimos quince minutos el film se vuelve efectivo.
El elemento mas fuerte de la película esta en haber apostado el escenario donde se desarrollan los hechos y que genera el peor de los miedos, nada da tanto miedo como un elemento real al alcance de nosotros y donde inevitablemente iremos luego de ver el film.

A los interesados les adelanto que Paramount ha dado a este director un presupuesto de cinco millones de dólares para su próxima película, Área 51, donde contará la historia de tres adolescentes cuya curiosidad les traslada al sector mencionado, en la base aérea de Nellis en el desierto de Nevada, donde a menudo se divisaron presuntos aliens.