El mundo de LEGO, como el de los Rasti, Mecano y hasta Playmobil (que son de otro tipo), u otro sistema de encastre, siempre ha permitido que los niños activen su costado más lúdico para construir mundos soñados y deseados para así atravesar las aventuras más increíbles, obviamente, alejados de los más grandes. Con ese punto de partida es que “La aventura LEGO”(USA, 2013) captura la esencia de mundos imaginarios creados por los que alguna vez jugamos con estos pequeños mecanismos de encastre daneses, y los pone en la pantalla con la avanzada del 3D y el aval en la dirección de los talentosos Phil Lord y Chris Miller (“Lluvia de Hamburguesas”). Hay un mundo, autoritario, en el que el malo absoluto de la película (Negocios –Will Ferrel en el original) erige un sistema de control con una sinergia de artefactos (y con límites al mejor estilo muro de Berlín). Desde que un LEGO se levanta hasta que se duerme TODO, absolutamente TODO está digitado. Pero hay una leyenda que dice que si se encuentra la “pieza” de la resistencia, una ancestral reliquia poderosa, ese mundo disciplinado puede cambiar. Y ahí entrará en la historia Emmet (Chris Pratt en la V.O), un constructor a quien el sistema ha vaciado de ideas y que por casualidad terminará siendo “El Elegido”, el héroe de esta película, en donde el juego y la posibilidad de cambio es lo que impera y se necesita. Estilo Libre (Elizabeth Banks), una maestra constructora, deslumbrará con su belleza e inteligencia a Emmet desde la clandestinidad y lo impulsará a que tome un cambio en su vida para que pueda así tener sus propias ideas (basta de seguir las instrucciones de los manuales). Claro está que el malvado Negocios no permitirá que de manera fácil le quiten el poder y su imperio, por lo que sacará a relucir una vieja arma letal: EL PEGAMENTO. Es decir, la posibilidad de más unificación y estaticidad. A esta altura ya se dieron cuenta que lo dinámico atenta al orden. Emmet y Estilo Libre lucharán por encontrar el momento de detener al malvado Negocios aliándose con un sinfín de personajes de la cultura popular (Batman, Superman, Linterna Verde, miembros de la saga Star Wars, etc.) que irán aportando ideas para poder superar los obstáculos que les irán apareciendo por el camino. Las ideas son lo que ayudarán a salir de la dictadura. Las hordas oprimidas necesitan de ideas. Toda una declaración de principios. Y Emmet no tiene muchas, pero intenta al menos rebuscar en su cerebro (una de las mejores secuencias es justamente el viaje a la mente de Emmet) alguna posibilidad creativa que los aleje de la oscuridad y la opresión a la que están siendo sometidos sin siquiera saberlo. El slapstick y la ironía estallan en la pantalla y hacen que el discurso se dinamice constantemente (Lord y Miller ya demostraron con maestría este tipo de narración en “Lluvia…”) con claras referencias a lo popular y al séptimo arte. El debut en la pantalla grande de LEGO es positivo y genera las ganas de salir del cine para volver a jugar con los ladrillitos, construir algo y bailar al ritmo del pegadizo hit lavacerebros del malvado Negocios “TODO ES INCREIBLE”.
Una vieja casona alejada de todo y todos es el marco ideal para que una familia, tras la misteriosa desaparición del padre, exponga sus diferencias y miserias sin importar las consecuencias. Casi una “intervención” en la pantalla grande, eso es “Agosto” (USA, 2013), adaptación que John Wells realizó de la aclamada obra ganadora del Pulitzer de Tracy Letts, si se tendría que resumir en pocas palabras. Wells tiene mucha experiencia en la TV (The West Wing, ER, etc), pero poca en cine (“The Company Men”), razón por la cual en “Agosto” no se encuentra una grandilocuencia o maestría en las imágenes o puesta de cámara, pero si un reemplazo de esto con las increíbles actuaciones de cada uno de los participantes de la película. En “Agosto” hay un duelo actoral entre Meryl Streep y Julia Roberts que opaca cualquier otra actuación secundaria, y eso que tiene a varios/as de los grandes del séptimo arte de todos los tiempos como Ewan McGregor, Chris Cooper, Abigail Breslin, Benedict Cumberbatch,Juliette Lewis y Margo Martindale (entre otros). Al lado de Streep, quien en esta oportunidad se pone en la piel de Violet, una adicta a las pastillas empedernida, aún más luego que un cáncer de garganta -no por casualidad- le sea detectado, y Roberts (Barbara, su hija) nada pueden hacer. Es que ya desde su origen la obra teatral estaba pensada para el lucimiento de esos dos personajes, y la cinta hace lo mismo. El calor de agosto en Pawhuska, Oklahoma, condado de Osage, favorece la determinación de Barbara de poder repasar su historia, para pararse en el presente y ver qué quiere hacer de ahora en más con su matrimonio (en crisis) y con su familia. Y en medio de ese viaje casi iniciático y de análisis se enfrenta a Violet, su madre, alguien a quien nadie puede decirle qué hacer o cómo hacerlo y al que todos los integrantes de la familia le ocultan cosas (aunque ella sospeche todo). Es que si bien su padre (Sam Shepard) hasta el momento logró mantener a Violet en su lugar, (apoyándose también con la ayuda de una empleada) con su desaparición todo es más complicado. Porque Violet es difícil, y en cada escena en la que aparece, Wells, y también Letts (que autoadapta su obra) dejan en claro que detrás de esa mujer, a la que el paso del tiempo y los tratamientos han desmejorado, sigue existiendo una fuerte ambición por mantener el poder y las decisiones sobre todo. El padre que sigue sin aparecer y las reuniones familiares con cada vez más integrantes sentados a la mesa (y con más secretos ocultos). Cada uno que se suma se esconde para no ser atacado por la verborragia resentida de Violet, porque saben que el veneno que destila es hiriente, hasta para los más jóvenes. Hay una intención de desenfocar el conflicto entre Violet y Barbara, agregando a la película escenas fuera de la vivienda entre los secundarios, pero uno más allá de seguir con atención esas digresiones, espera con ansiedad cada nuevo encuentro entre la madre y la hija mayor. En un momento Barbara avanza subida a la vieja cuatro por cuatro familiar en búsqueda de respuestas por el camino polvoriento (reflejado con largos planos y tomas fuera de la cabina de la misma). Sabe que el camino no le devolverá más que certezas acerca de su enfermiza relación familiar, pero se abandona al mismo, porque sabe que nunca nadie podrá cambiar a su madre. Tenso y punzante análisis sobre la familia y los vínculos, que en las mismas palabras de Letts, pueden llegar a hacer más daño que las acciones de alguien desconocido. Para asombrarse una vez más con Streep y Roberts.
René Magritte es recordado por su célebre serie de cuadros “La traición de las imágenes”, en la que destaca “Ceci n'est pas une pipe”(Esto no es una pipa) como la obra que puso en juego los límites de interpretación del espectador y sus significantes. Con esa idea de utilizar al público como cómplice y coautor, el realizador iraní Jafar Panahi, que se encuentra en su país privado de la posibilidad de dirigir nuevamente, aun cuando sus filmes (“El Globo Blanco”, “El espejo”, “El círculo”, entre otras) han sido premiados en los festivales más importantes del mundo, es que imaginó y plasmó “Esto no es una película” (Irán, 2011). Junto con Mojtaba Mirtahmasb logra llevar en imágenes la idea de su último guión de una manera particular, que no voy a desarrollar aquí para que puedan acercarse de natural e ingenuamente a ella. La cámara lo sigue durante su rutina diaria, dentro de su departamento, atendiendo llamados (algunos de ellos con mucha ansiedad, ya que contienen información sobre su situación legal), comiendo, alimentando a su iguana, y de a poco vamos conociendo su intimidad y sus ganas de sacar de su mente todas las ideas. La inmensa necesidad de filmar y de hablar de cine están presentes todo el tiempo, y la imposibilidad de hacerlo lo expulsan a que cualquier disparador dentro de su clandestina realización lo lleven hacia el séptimo arte y a repasar su carrera. “Los cineastas iraníes no hacen películas” le dice el camarógrafo siempre que él intenta darle una orden para ubicar la cámara en un plano que le sirva a su propósito, y él se contiene, pero le duele y trata de retomar alguna actividad hogareña para olvidarse. Sigue concentrado. Nada lo saca de su foco. La misma dificultad que erige esta película, la que lo devuelve a las pantallas le presenta más obstáculos, porque pese a haber creado un clima ideal para volver al mundo del cine, las trabas que se le van presentando lo obligan a buscar alternativas, no ya desde lo visual (donde se sigue con planos casi fijo su día), sino desde lo conceptual. Más allá de las anécdotas de lo que le pasa a Panahi dentro de su departamento, hay una nueva posibilidad de exposición de su situación, que recientemente en el 28 Festival Internacional de Cine de Mar del Plata también fue denunciada.Siglo XXI y aún métodos del pasado para coartar la expresión. En “Esto no es una película”, una vez más el cine dentro del cine y la posibilidad de una cámara que registra en imágenes una situación particular, y que gracias a las nuevas tecnologías termina viajando en pendrive de Irán a París y haciéndose pública. Planos fijos de un realizador que necesita expresarse y que la prohibición de hacerlo impulsan alternativas que impactan de una manera no convencional en nuestras retinas. Relato digno y honesto desde el cine y para el cine.
Néstor Montalbano ha logrado forjar una carrera en la realización cinematográfica apoyándose en la utilización de figuras televisivas populares para narrar historias poco convencionales (por lo absurdas) aunque de manera básica y tradicional. Y si en su último largometraje (“Pájaros volando”) construía una épica historia de acercamiento a seres del más allá (con cosmogonía incluida) en su nueva propuesta “Por un puñado de pelos” (Argentina, 2012) se acerca a la imaginería popular que encuentra en las falsas deidades y la religiosidad instantánea su cohesión e impulso de existencia. Hay un looser bien estereotipado (Nicolás Vázquez), calvo, que intenta mostrarse de una manera que difiere con la realidad, y que en su soledad se autoafirma algo que no es y que nadie se anima a decirle: SOS UN PERDEDOR. Por casualidad, o mejor dicho, por interés, decide acompañar al portero de su edificio (Daniel Ferreyra) a viajar a San Luis a festejar los 100 años de su abuela, y todo para cambiar algo que le molesta de sí mismo. Es que en esa decisión de ser el “chofer” radica en que una vieja leyenda que le contó su “nuevo amigo” dice que si se moja la cabeza con el agua de una olla en la que el “Chapi” (un conquistador español enamorado de una indígena, de larga cabellera) desapareció, su problema capilar desaparecerá milagrosamente. Porque de eso se va a ocupar Montalbano en “Por un puñado…” de milagros que cambian la vida y la percepción sobre las mismas, y para hacerlo utilizará recursos como la animación 2D (para narrar la leyenda del Chapi) y el claro homenaje a westerns de los años setenta. La película tratará de encontrar su rumbo principalmente basándose en la dinámica que se generará entre la visita de Tuti (Vazquez) y los familiares de Héctor (Rubén Rada, Norma Argentina, Ivo Cutzarida, etc.). Civilización VS Barbarie. Humildad VS la opulencia. Pueblo VS Ciudad. Y así y todo, entre ambos bandos se armará una sinergia que posibilitará la construcción de un futuro fecundo negocio en el que hasta un Luis Miguel (el doble, para ser más exacto) querrá probar. El slapstick puesto en el cuerpo de Vázquez (se carga la película al hombro) y el extrañamiento como verosímil de construcción de sentido van erigiendo un discurso narrativo errático que pierde su potencia inicial rápidamente pero que intenta en esto de “vender el pueblo” o mostrar cómo afecta la alteración del orden establecido en los lugareños la visita de Tuti, hablar de una búsqueda personal. Atentos a la participación del pibe Valderrama.
Seguramente no quedará en la historia del cine como un exponente del género pugilístico, pero sí como una comedia entretenida que logró fusionar a dos clásicos de filmes de boxeo como “Toro Salvaje” y “Rocky” y a sus protagonistas, Silvester Stallone y Robert De Niro (éste último cada vez más orientado hacia el cine cómico). El realizador Peter Segal (“Super Agente 86”, “Golpe Bajo”) trae en “Ajuste de Cuentas”(USA, 2013) a estos monstruos de la pantalla grande en plan boxeadores retirados, que se odian entre sí y que deciden darse una revancha ya entrados en años (muchos). Henry “Razor” Sharp (Stallone) y Billy “The Kid” McDonnen son convocados por Dante Slate Jr. (Kevin Hart) para un último encuentro en el que podrán sacarse las ganas de destruir al otro delante de miles de espectadores. Luego de muchas idas y venidas, los gerontes peleadores, deciden aceptar el match y se dejan utilizar (de las miles de maneras que se los pueden utilizar comercialmente en una sinergia sin igual) como centro de atención para poder de esta manera sumar adeptos a la contienda y ganar más dinero. El por qué de la eterna rivalidad entre ambos será revelado al promediar la película, una mujer (Kim Basinger), por la cual hasta uno de ellos decidió alejarse para siempre (nunca digas nunca) del mundo del box. Pero esto será sólo una excusa para presentar otras problemáticas (no ya la de la infidelidad) como la paternidad y el orgullo por aquello que se perdió, que impulsan al filme hacia un lugar más dramático. La propuesta de la pelea los encuentra en diferentes lugares. 30 años después del último match cada uno de ellos posee un estilo y un status de vida bien diferente y contrastante. Razor es un austero empleado de una empresa metalúrgica con apenas el dinero para llegar a fin de mes (y con deudas, muchas, por cancelar). The Kid es opulento, con una dinámica de vida que incluye mucho alcohol y mujeres. Así, entre ambos, las mismas diferencias que los separan serán las que irán fortaleciendo cada una de las decisiones que deberán tomar para poder encarar la pelea de la mejor manera. La película posee un adicional, que es la utilización de viejas imágenes de archivo para desnudar la comercialización de la contienda con escenas que desmantelan el negocio detrás de este “deporte” (avisos, exageración de los mensajes en las publicidades, etc.). La exposición mediática, la viralización de los escándalos, el consumo de televisión basura, son algunos de los tópicos trabajados con humor en una película con dos actuaciones contundentes (más la de De Niro que la de Stallone) pero que no bastan para suplir algunas lagunas en el guión y una dirección y puesta en escena básica (esperamos toda la película el match final entre Razor y Kid y Segal lo muestra con una simpleza que hasta genera aburrimiento). El otro tema vector de todo el film es la vejez, trabajada desde la “actividad” versus la “pasividad”. Los dos boxeadores, cada uno en lo suyo, son mostrados como seres mayores pero vitales, mientras que, por ejemplo, el personaje del entrenador de Razor llamado Louis Conlon (Alan Arkin), es una persona muy grande, que no oye ni puede caminar y con el único fin en su vida de ver “Dancing with the stars” (“Soy una persona mayor, tengo que ver Bailando con las estrellas”, grita). Bromas sobre los cuerpos de los boxeadores (“cuando saltas parece que tuvieras senos de Baywatch”, le dicen a “Kid” De Niro), o un examen pre pelea que incluye un “tacto” particular a Stallone para saber el estado de su próstata), reflexiones sobre la fama, y principalmente la búsqueda de la identidad a través del esfuerzo, permiten que por algunos momentos “Ajuste de Cuentas” vuele en un intento de construir un discurso más allá de la obviedad pero no le alcanza. Stallone correcto y De Niro impagable.
Hay algo interesante en “El sueño de Walt”(USA, 2012) que trasciende la horrible traducción que hicieron del título original “Saving Mr. Banks” (tampoco era muy apropiado) y es la épica por reflejar una puja comercial, enmarcarla dentro de un contexto histórico y devolver algo que termina siendo un homenaje al séptimo arte. Ya no importa si en la puja participan el legendario Walt Disney (Tom Hanks), del cual no hace falta aclarar nada, y Pamela Travers(Emma Thompson), la escritora que creó Mary Poppins, porque John Lee Hancock (gracias al guión de Kelly Marcel) hablará del proceso de creación de un filme, que como en este caso, fue arduo y complicado. ¿Por qué acepta Travers dejarse seducir por Disney para legar su libro?, ¿Qué esconde la escritora de su pasado?, estas son algunas preguntas que se disparan al iniciar la película, cinta que deambulará entre el presente urgente y el pasado que agobia. Porque “El sueño…” permite conocer en profundidad los miedos y pesadillas de Travers, una mujer que escindida entre lo que realmente desea y lo que muestra de su personalidad. Más allá de desnudar el proceso creativo, con mecanismos de producción a la vista, y que el director haga hincapié en cómo la escritora complicará la adaptación con cada decisión que el equipo creativo (Jason Schwartzman, Bradley Whitford) que Disney puso a su disposición (por ejemplo rechazar el color rojo para la adaptación), el filme enfocará en el pasado de Travers para intentar afirmar el porqué es hoy en día una mujer complicada, fría y distante (y que a través del personaje que creó intentará propagar su teoría sobre infundir orden para restaurar esperanza). Hancock decide contar con flashbacks (una reconstrucción de época interesante) la historia de la escritora durante su niñez, con imágenes y planos amplios, de una textura polvorienta y árida, que contrasta con la opulencia y colorido que le ofrece Disney al presente de la mujer. Y con ese ir y venir en el tiempo se consolidará una justificación sobre el comportamiento de Travers, principalmente en su exagerado distanciamiento y frialdad con los demás y el rechazo a cualquier pizca de alegría y desborde que pueda intentar el equipo con el que trabajará. Sabemos cual fue el resultado final del difícil proceso de adaptación del libro, punto a favor para el espectador, pero eso es tan sólo una información que se manejará y que irá perdiendo peso a medida que avance la historia, porque el interés no recaerá ya en “a ver si logran hacer la película de Mary Poppins”, sino en Travers y los vínculos que irá construyendo (la relación con su chofer –Paul Giamatti- en plan “Conduciendo a Miss Daisy”) y en la superación de traumas y recuerdos del pasado. El título original, ese que acá se decidió cambiar por algo que pasó en realidad y que fue el esfuerzo de Walt Disney (al que Hanks no se acerca, aunque lo intenta) por adaptar el clásico infantil (en un momento desesperado Disney le pregunta a Travers ¿Qué tengo que hacer para complacerte?, luego de haber respondido a todos sus caprichos), hace referencia al intento de la escritora por “rescatar” el recuerdo de su padre (interpretado con sobriedad por Colin Farrel), un ser que la marcó de por vida. Película de cine sobre el cine, de desnudar las dificultades para llevar a la pantalla las ideas de otros, con una actuación impecable de Thompson (gran olvidada en los Oscars 2014), “El sueño de Walt” es una propuesta interesante para conocer los pormenores de un clásico infantil y ver en detalle el pasado de una industria en la que se respetaba a todos más allá de las diferencias.
EL TIEMPO DE LOS AMANTES ¿Cuántas historias de amor han comenzado con un cruce de miradas en un tren? ¿Cuántas películas han reflejado este flechazo instantáneo en un medio de transporte? Una vez más este fenómeno llega a las pantallas desde Francia y es “El tiempo de los Amantes” (Francia, 2012) de Jeromme Bonnell (Le Chignon d'Olga), pero con un estilizado sentido de la inmediatez de los cuerpos y de la urgencia de la piel. Alix (Emmanuele Devos) es una joven actriz nómade no profesional que deambula de un lado para otro. Corre. Siempre. Pero nadie la espera. Durante toda la película intenta comunicarse con Antoine, su novio, el único que al menos debería notar su presencia, pero siempre da con el contestador automático. Se desespera. No tiene dinero. Sigue corriendo. Se sube a un tren. Allí encuentra un poco de quietud, de paz, de sosiego a su eterno movimiento (y el director se encarga muy bien de mostrar este constante andar con constantes Zooms hacia la mujer en las calles parisinas). Sin quererlo fija su atención en un misterioso caballero (Gabriel Byrne). Se miran. Se desean. Se celan. Pero al llegar a la estación terminal se pierden cada uno en su vida. Y vuelven a ser extraños. Pero lo inevitable del encuentro comienza a latir en la mujer. Bonnell relata su ansiedad con detalles del rostro de la actriz, quien con pequeños gestos (morderse el labio, pestañar rápidamente), nos habla de su urgencia de encontrarse con la otredad. Y hacia el encuentro del otro se apresura. ¿Qué es lo que hace que Alix se entregue a un amor furtivo sin ningún tipo de condicionamiento? ¿Por qué la ciudad alberga historias basadas en la disrupción de la rutina? ¿Se puede construir un romance que surge en la inmediatez de la necesidad corporal? “El tiempo de los amantes” va mostrando el universo de la mujer para que podamos hacernos una idea del porqué de su decisión (su trabajo, sus relaciones familiares, la ausencia del compromiso, etc.) y del animarse a ingresar a un velatorio para acercarse a su objeto de deseo y terminar con él en una habitación de hotel. El encuentro, con titubeos, torpe, es reflejado con una naturalidad que incomoda, pero que a Alix la hará sentirse segura, tan segura como para enfrentar a su familia y tomar decisiones que afectarán o no a su futuro. Retrato de la urgencia en las grandes urbes y de la incomunicación entre seres humanos “El tiempo de los amantes” bien podría haberse titulado “Animarse a estar con el otro” ó “Encontrando un lugar diferente en la rutina”, porque estos amantes en realidad no hacen otra cosa que amarse por un instante para que el recuerdo dure una eternidad y esconda la promesa de volverse a sentir. PUNTAJE: 7/10
Si uno no se concentra en que el punto de partida del largometraje es algo particular y no universal, y que se enfoca en una fecha de festejo particular de un país, “Dos Pavos en Apuros” (USA, 2013) de Jimmy Hayward (“Horton”) tiene un humor particular que la acerca más al público adulto que al infantil. Ya desde el vamos los tres protagonistas (en su versión original), Owen Wilson, Woody Harrelson y Amy Poehler, le otorgan su particularidad a las aves que les tocó interpretar desde las voces. La historia es sencilla, un pavo llamado Reggie (Wilson), el más despierto de toda la parvada, decide cuestionar el orden establecido de la granja en la que vive. Sabe que el dueño de la misma los está engordando para luego venderlos como el principal alimento del banquete del día de acción de gracias. Pese a que año a año le dice a cada uno el destino que tendrán, es excluido del grupo por sus ideas “excéntricas” y un día es “indultado” por el presidente de EE.UU, en otra de las tradiciones previas al festejo, perdonarle la vida a un pavo, y lo llevar a vivir con él a la casa blanca. Allí Reggie conocerá la TV, la pizza y la sociedad de consumo, una sociedad que en el zapping y el comer a toda hora, lo hará sentirse mucho mejor que en la granja. Pero una noche, en la que su telenovela latina preferida (que cuenta el emporio que un excluido logra armar, y que él espera poder imitar) está en lo mejor de la acción, es secuestrado por el pavo Jake (Harrelson), para acompañarlo en una riesgosa misión, viajar al pasado para eliminar a los pavos del menú de la cena del día de acción de gracias. Inmiscuyéndose en una máquina de viaje en el tiempo (S.T.E.V.E, curiosamente con la forma de huevo) llegan a 1621 y terminan encontrándose con una parvada, que a fuerza de intentos terminará por incluirlos como propios hasta el punto de que Jennie (Poehler) se convertirá en el amor de Reggie y por el cual renunciará (o no) a su vida en el “futuro”. Nuevamente la historia de pertenecer a algo (el año 2013 trajo varias historias con este disparador: “Monster University”, “Caminando con dinosaurios”, “TURBO”, etc.) como disparador de acción y tópico principal para contar una historia de amistad y trabajo en equipo. Lo interesante de la tradicional propuesta radica en que Hayward dota al trío protagónico de particularidades (el ojo que se vuelve “loco” ante alguna situación tensa, los músculos como protección frente a las inclemencias externas, la razón por encima de la mera suposición) que hacen más interesante un relato lineal y que en cuestiones de animación se plantea como simple. Valor, coraje y el “nunca rendirse por más obstáculos que se presenten en el camino” como moraleja, hacen de “Dos pavos en apuros” una película dinámica y que hará reír más a los grandes que a los pequeños.
Más allá que se le pueden criticar muchos puntos relacionados a la trama, un giro hacia el final y hasta lo poco arriesgado de su dirección, “Familia Peligrosa”(Francia, 2013) marca el regreso al cine de acción de Luc Besson. Este es un regreso esperado, ya que ha logrado varias películas memorables en el género como director y productor(“Nikita”, “Taxi”, “El profesional”, “Búsqueda implacable”, etc.). En esta oportunidad cuenta además con el aval en la producción de Martin Scorsese y el guión (realizado en conjunto) de Michael Caleo (“Los Sopranos”), para construir una ágil comedia en la que un padre de familia (Robert De Niro) debe ser reubicado en Francia por el FBI para mantener su identidad secreta. Giovanni (De Niro) delató a la mafia (a la que pertenecía) y es buscado MUERTO, no vivo, por el jefe del clan que anteriormente lo albergaba. Pero Giovanni no está solo, lo acompaña su mujer Maggie (Michelle Pfeiffer) y sus hijos Belle (Dianna Agron) y Warren (John D´Leo), cada uno con sus hábitos bien aprendidos y afianzados durante su paso por la cosa nostra y cada uno queriendo dejar de ser trasladado de ciudad y país en país para no ser asesinados. El agente Stanfield (Tommy Lee Jones) es el encargado de velar por la integridad de la familia y tratar que se mantengan alejados de los conflictos y problemas con los lugareños, pero esto es imposible. Belle se enamora de un docente (“el amor es lo único que me puede hacer escapar de mi vida”, afirma), Warren arma una red de tráfico de tabaco y extorsiona a todos sus compañeros, Giovanni quiere que el agua de la canilla salga cristalina y hasta Maggie es capaz de crear una explosión en un pequeño y tradicional mercado de pueblo al no poder conseguir su amada mantequilla de maní. Además, mientras intentan ganarse el afecto de sus vecinos, Giovanni comienza a escribir sus memorias, y se presenta ante los demás como un escritor norteamericano, y ahí tenemos otra película, una que habla del pasado y repasa con imágenes su relación con sus pares mafiosos. La familia Blake/Manzoni es un volcán a punto de explotar por el mínimo detalle y más cuando las diferencias culturales se intensifican. La comida (“acá le ponen a todo manteca”), la vestimenta, los hábitos, todo puede ser un detonante para que los descubran. Hay un trabajo sobre la dupla bondad/maldad que erige Besson que es más que interesante. Los buenos, en este caso los Blake, pese a haber tenido un pasado mafioso y continuar con algunos vicios de esa época, son presentados como honestos (de incuestionable moral) y cálidos, mientras que los malos, los que los persiguen, son caracterizados hasta el extremo (sobretodos negros y sombreros), exagerando sus enojos y la cantidad, por ejemplos, de armas con las que enfrentarán a la familia para liquidarla. Y al tratarse de una comedia, esto está muy bien. El acercamiento de Giovanni a la literatura posibilita la digresión de la acción y contemplar algunas máximas que dichas por el maestro de De Niro (cada día trabaja más y mejor) suenan con una entidad especial. “La escritura es intensa, es como verme en el espejo”. Guiños cinéfilos (“Buenos Muchachos” es proyectada con la asistencia de Giovanni a un debate) y la elección de actores que siempre están presente en este tipo de filmes como Vincent Pastore, Anthony Desio y Jimmy Palumbo (y hasta Pfeiffer tiene su pasado en el género con “Casada con la Mafia”) posicionan a “Familia Peligrosa”, más allá de algunas lagunas en la trama (qué hace Maggie con los agentes del FBI, por ejemplo), como una entretenida comedia.
Hay una solemnidad en “El Juego de Ender”(USA, 2012) que juega en contra todo el tiempo contra sí misma. Desde el vamos hay algunas cuestiones que rozan el plagio a filmes como “Harry Potter” (la saga entera), “Top Gun” o más recientemente “Battleship”, pero no es el interés ahora de contar cuántas secuencias se copiaron a otras películas. Quizás el trabajo del realizador y guionista Gavin Hood (“Wolwerine”, “Tsotsi”) estuvo más orientado a una puesta en escena que finalmente atrasa años, que en despertar el interés en una historia que sólo por la participación de Harrison Ford (Coronel Graff) y algunos intensos momentos de la actuación de Asa Butterfield (Ender Wiggin) la hacen interesante. Niños nativos en el mundo del 3.0 y los videojuegos de estrategia son enlistados por la “Flota Internacional” (una elite de pilotos mercenarios) para destruir a unos antiguos enemigos alienígenas. Hace unos años el reality “Boot Camp” tuvo una versión con niños, y esta película parece ser la versión cinematográfica de esa experiencia pero en el espacio. El Coronel Graff apuesta a que Ender sea el líder del grupo y extermine en una misión secreta a la amenaza. Pero Ender (el hijo menor de una familia de clase media), si bien ansía con todo su ser pertenecer, tiene algunos problemas consigo mismo que aún debe solucionar antes de encarar una travesía, que más allá de alguna escena de vuelo en gravedad cero, nunca despega. Con una estructura narrativa clásica y filmada de manera tradicional, la riqueza que en la saga de Orson Scott Card genera las ganas y el interés de pasar al siguiente libro, el que nos aclarará algunas cuestiones pendientes, acá sólo potencia las intenciones de levantarse de la sala e irse. Después de ascender a comandante de Flota, Ender tiene un altercado con un excompañero y sin lograr contenerse y manejar su conducta hacia un lugar más positivo (en la película no se encuentran valores positivos, sino todo lo contrario) lo termina dejando en coma. Ahí está el problema, Butterfield no posee el cuerpo ni la cara para poder reflejar el fuego interior y las contradicciones de Ender. El actor no se cree su papel y nosotros tampoco. Pero él no es el único, el resto de los jóvenes tampoco logran transmitir la lucha interna y terminan convirtiendo sus actuaciones en parlamentos sin espíritu dignos de cualquier serie que transcurre en una escuela/colegio/secundario. Pertenecer o no. Ser elegido. Luchar contra los propios demonios. Trabajar duro. Dejar la vida de lado para convertirse en una máquina de matar. Eso elige contar Hood más que el incipiente amor entre Ender y Petra (Hailee Steinfeld), los vínculos que genera con sus compañeros y la relación con los altos rangos (Ford y Viola Davis) que bien podrían haber llevado a este juego, el de Ender, a otro lugar.