Si bien por momentos se va al demonio, en “La hora de tu muerte” hay una relectura del género y un tomarse a la ligera su estructura y narración que fortalece su predecible propuesta y termina triunfando. Lo bueno de las películas que no pretenden esconder sus verdaderas intenciones y propuestas es que a los pocos minutos de iniciada se revela el “rulo” o plot principal y a partir de ahí todo es in crescendo. El terror es un género que ha sabido construir relatos apoyándose en la actualidad y en este caso en “La hora de tu muerte” una aplicación que anuncia la hora del deceso de quien la utiliza es el tema para construir alrededor de ella una interesante propuesta y fábula que nos advierte sobre los peligros de estar todo el día conectados a las redes y nuestros móviles. A los pocos minutos del arranque la aplicación mortal comienza a matar personas, y en lo que luego se enturbia un poco, con un acoso sexual, vínculos filiales extrañísimos, al ingresar el humor como vector, todo comienza a salir a flote. Una joven enfermera iniciará una carrera de supervivencia para escapar de la siniestra aplicación que le augura pocas horas de vida. Aquello que parecía un inocente juego, comienza a tomar cada vez más víctimas y la decisión acertada del director Justin Dec (que también es el guionista) es evitar tomarse en serio y apostar a la relectura del género y el humor para narrar. “La hora de tu muerte” potencia todo lo visto, y redobla la apuesta con geeks que utilizan tinders, curas fanáticos del oscurantismo, y muertes bizarras, para construir una historia en la que a la necesidad de acompañar al personaje central en su desesperado intento por salir intacta de la aplicación malvada, al dinamismo puesto en las escenas, al lúdico ejercicio de releer el género, se suma su afortunada decisión de nunca tomarse en serio.
Anclada en un género cinematográfico del cual la industria hollywoodense ha sabido hacer escuela, El Robo del siglo es una gran apuesta del cine argentino hacia lo popular y que visita el caper movie, con un tamizado local que la potencia, apoyandose en grandes interpretaciones del elenco protagónico, el humor y un despliegue de producción acorde al formato. Tras desarrollar una fuerte carrera en la comedia, el realizador Ariel Winograd es el encargado de dirigir “El Robo del siglo”, thriller que traspone la épica cinematográfica del robo más importante que la prensa y la sociedad recuerde hasta el momento y que ya en su germen poseía la posibilidad de ser llevada a la pantalla grande. Guillermo Francella, Diego Peretti, Rafael Ferro, Pablo Rago, Mariano Argento, se ponen en la piel de la banda que imaginó y llevó adelante la tarea, confrontándose con Luis Luque (a la cabeza), mediador encargado de poner el “orden” durante el operativo que intentó detener el robo y a los delincuentes. Durante la primera parte de la historia, la narración nos presenta a cada uno de los personajes centrales. Se toma el tiempo para detallarlos, describirlos hasta en su mínima expresión, ver cómo se conocieron, cómo comenzaron a formar lazos que servirían luego para desarrollar el plan y llevarlo adelante. Esa primera parte calma, morosa, casi como “la calma que antecede a la tormenta”, sirve de base para desarrollar luego el trepidante plan que permitió que la banda se llevara el botín más grande de robo que un hecho policial haya tenido en el país hasta el momento. La puesta, ambiciosa, ampulosa, mantiene en vilo y atrapa, desprendiéndose de esa primera parte, empática, descriptiva, el tono necesario para luego compatibilizar con los ladrones, hombres de códigos y de palabras, hacia un desenlace titánico y con un nivel de ejercicio de género notable. Si bien su desarrollo es predecible, por el conocimiento previo que se posee de los hechos, Winograd hábilmente recrea en imágenes los sucesos, sin juzgar a los protagonistas, de uno u otro lado, depositando al espectador la capacidad de reflexionar ante los sucesos (aunque al final un epílogo sí subraye algunas ideas). “El Robo del siglo” propone una mirada cruda y descarnada sobre la institución policial, sobre su corrupción, sobre mecanismos antiguos de acción, en donde unos pocos intentan hacer algo distinto, si es que los dejan, ahí entra el personaje de Luque como vector moral del relato. En otras ocasiones la agudeza está puesta en los vínculos, en esa hija cansada de las mentiras de su padre, en esa familia que se erige alrededor de falacia, en esa pareja fogosa que termina revelando y dando pistas a la policía para dar con el paradero de todos. Entre ambos puntos y con la necesidad de abrirse terreno en un género pocas veces realizado en el cine local “El Robo del siglo” juega un partido que termina ganando, y en donde el que más ambiciona termina por triunfar ofreciendo un espectáculo visual y de suspenso único que nada tiene que envidiarle al cine foráneo, pero que, además, suma el color local para convertirse en lo que sin dudas será un fenómeno local de asistencia a los cines.
Michal Aviad construye en “El acoso” un relato que dialoga de manera directa con los tiempos de empoderamiento femenino y #metoo pero termina por traicionar la salida previsible del relato en un final que sorprende por lo arriesgado. En un momento en el que ya nada es lo que era, ni nunca volverá a ser lo que es, Aviad decide reflejar la vida de una joven madre, agobiada por rutinas asociadas al cuidado de sus hijos y el acompañamiento de su marido en un emprendimiento gastronómico. Cuando le llega la propuesta de comenzar a transitar junto a un poderoso empresario de la construcción el universo de la venta inmobiliaria, Orna (Gil Ben Slush) mira para adelante y redobla los esfuerzos diarios. Como en “Secretaria Ejecutiva”, la recién llegada irá transformando su vida, su manera, su cuerpo, su forma de transitar el día a día. En ese avanzar “El acoso” gana por, principalmente, la construcción de Orna, una mujer urbana, deseante, joven, bella que se paraliza ante el hecho que da nombre al título local de la película. Menashe Noy encarna a Benny, ese lascivo y oportunista jefe que aprovecha cualquier momento, hasta el menos pensado, para avanzar sobre la mujer, dos cuerpos que se rechazan pero que ante la necesidad continúan reunidos en el ámbito laboral. El guion trabaja sobre estos dos personajes, juega con algunos secundarios periféricos, y logra tensionar con un nervio único, los momentos en los que la soledad los invade. El fuera de campo, la oscuridad, todo construye un posible escenario para avanzar en la enfermiza relación que se termina por presentar. La película posee los tres actos clásicos, reservando el primero y segundo para las presentaciones y la dinámica entre ellos, hasta que, un hecho particular desencadene el tercero con dos miradas totalizadoras sobre ambos personajes. Si bien el guion no juzga nunca a ambos, prefiere que esa naturalidad con la que se presentaba un Israel urbano, moderno, retroceda con la resolución sobre ambos protagonistas. Allí, cuando comienza a cuestionarse el discurso de Orna, la película gana potencia y suma al me too desde la deserotización de la cuestión. Pero cuando “El acoso” prefiere ir por el lado más sensacionalista, el del subrayado de los hechos que determinarán los caminos de los protagonistas, pierde fuerza, pero no su valiente registro de una violencia ejercida diariamente sobre los cuerpos desde una posición patriarcal del empresariado y el mundo de la venta.
Saltando niveles Presentada como una secuela de la nueva etapa del juego que cobra vida Jumanji: El Siguiente Nivel (Jumanji: The next level, 2019) mantiene el tono humorístico de su predecesora para recuperar el cine familiar de aventuras de los años ochenta, con dosis de juego, acción y emoción por partes iguales. Era inesperado que la primera entrega de Jumanji, luego de la partida de Robin Williams, pudiese atrapar a nuevas audiencias. Más cuando espectadores más jóvenes tal vez ni siquiera hayan jugado alguna vez en su vida con un entretenimiento que incluyera un tablero y dados y sin pantallas. Cuando se estrenó la primera parte, el cambio a la consola de juegos, permitió el acceso universal a la idea de inmersión de la acción, y esa propuesta fue parte de una estrategia calculada por parte de los estudios más grandes de reescribir sagas a partir de fórmulas probadas. En ese volver sobre lo ya conocido, algo que el público ama, en caminar sobre lo seguro para fundar nuevas historias y sentidos, es que Jumanji pudo sortear con buena fortuna, el difícil camino de las comparaciones, odiosas por cierto, SIEMPRE. Mientras las primeras entregas buscaban en el retorno de ese niño desaparecido, ya convertido en un adulto, la posibilidad de una historia que mezclara acción, animales, corridas, y más corridas, se potencia en Jumanji: El Siguiente Nivel. Más allá de haber pactado no volver nunca más a la realidad/no realidad, del juego, el grupo de amigos que pudo salir con vida de los juegos, Spencer (Alex Wolff) intenta una vez más vivir otra vida, una llena de sobresaltos, alejado de la timidez y oscuridad que todos los días vive. El dato que suma en esta oportunidad, que anteriormente no se había “jugado”, es la incorporación de adultos mayores, en este caso Danny DeVito y Danny Glover, como personajes dentro y fuera de la escena. Así, a aquello probado y potente, se agrega un factor asociado a un público mayor, que disfrutará de la despedida de dos amigos de toda la vida, y, de la mejor manera, atravesando desiertos, montañas nevadas y cielos más azules que el mar. Jumanji: El Siguiente Nivel se posiciona como una relectura de la épica de transición y transformación de personajes, que más allá de aprender lecciones y de buscar el trabajo en equipo para atravesar el relato y la narración, se independiza por momentos con ese tratamiento que acerca la propuesta a Antes de partir (The Bucket List, 2007), que tuvo a Jack Nicholson y Morgan Freeman en sus roles principales. Entre la historia más clásica, que apela a desarrollar lo lúdico del tablero de juegos devenido realidad y videojuego, y el entrañable relato de una amistad que superó un silencio de 40 años, Jumanji: El Siguiente Nivel se posiciona como un entretenimiento familiar, apoyándose en las sólidas interpretaciones de Jack Black (como siempre), Dwayne Johnson (riéndose de sí mismo), Kevin Hart, Nick Jonas y Awkwafina, explorando su espíritu lúdico con humor y aventuras.
Hasta que la muerte los separe El vodevil funda su sentido en la equivocación como punto de partida narrativo, y la comedia francesa se ha especializado en los últimos tiempos en generar un sinfín de propuestas que toman la confusión como bandera de largada, el problema es ver cómo llegan a la meta, algo que en Lo mejor está por venir (Le meilleur resté a venir, 2019), es su principal inconveniente. Dos amigos, polos opuestos, diferentes, algo tan viejo como el cine mismo y que ya hemos transitado en Extraña Pareja (The Odd Couple, 1968), Dos Viejos gruñones (Grumpy Old Men, 1993) y muchas más, recorren en esta oportunidad un camino en el que la amistad es el gran tema que impulsa la progresión narrativa pero que en además suma al cáncer como motivo. Si bien se profundiza en las personalidades de los dos personajes centrales para avanzar en una historia que a pocos minutos de descubierta la confusión, todo se hace cuesta arriba, el principal inconveniente de la película es su constante apelar al golpe bajo para empatizar. Arthur (Fabrice Luchini) y César (Patrick Bruel) son el agua y el aceite, pero se sostienen el uno al otro más allá de los escenarios y compañías circunstanciales que cada uno tenga. En la primera etapa de Lo mejor está por venir, los directores Alexandre de La Patellière y Matthieu Delaporte deciden describir los universos de cada uno y el contraste de dichos mundos. A la estructuración y organización del primero, se le corresponde el desenfado y la irreverencia del segundo, y entre las piezas que pueden desprenderse de cada uno es que el guion introduce la enfermedad como pátina para avanzar en reflexiones efímeras y poco sólidas sobre amistad, familia y vínculos, entre otros. Aquello que en esa primera instancia del relato se presenta casi como un torbellino, apelando a una edición vertiginosa, gags, slapstick y más, con subrayado énfasis en la confusión generada a partir del tratamiento médico de uno con el seguro social del otro, al poco tiempo todo deviene en un melodrama lacrimógeno, que apela a la emoción fácil, apoyándose en su banda sonora, con diálogos inverosímiles aún dentro de las reglas de género y un abandono del sentido real del relato. Lo mejor está por venir se debilita minuto a minuto, y comienza a transicionar su espíritu cinematográfico cercano al vodevil hacia lugares asociado a la puesta teatral. La rapidez del inicio se estanca, como sus personajes, los que, luego de presentarse y diferenciarse, terminan por asimilarse, amalgamando esa distinción entre agua y aceite por algo parecido. Bruel y Luchini, dos verdaderos maestros de la actuación, hacen lo que pueden con el devenir de la historia, convirtiéndose en el único y válido pretexto para continuar visionando todo el relato. Por su traición al género, en ese congelamiento del dinamismo narrativo inicial, y en ese buscar el golpe de efecto, más allá de la previsibilidad de todo, es que Lo mejor está por venir se pierde en un laberinto de propuestas, múltiples, que terminan por debilitar sus carcajadas iniciales, cambiándolas por fastidio y hasta enojo.
Viaje al pasado La realizadora Rita Azevedo Gomes (La venganza de una mujer, Altar) siempre se posicionó con su cámara en universos que le permiten construir una reflexión sobre roles y situaciones que describen un estado de situación. A portuguesa (2018) no es la excepción y propone, en esta oportunidad, un viaje a una época en la que la mujer sólo tenía algunos roles establecidos y, pensar en otros o transgredir el orden impuesto, era motivo de sanción y rechazo. Inspirada en el cuento del alemán Robert Musil y protagonizada por Clara Riedenstein, la portuguesa del título es una noble que debe encerrarse en un castillo venido a menos en Italia para poder, primero, tener su embarazo alejada de la problemática de conquista que impera a su alrededor, y además, parir lejos de su tierra, para luego, y no por decisión propia sino para acompañar el crecimiento de su hijo. La directora decide contar esta historia a partir de la construcción de situaciones que son plasmadas con planos generales, simulacros de cuadros, imágenes de una belleza única que no hacen otra cosa que reafirmar la habilidad de Rita Azevedo Gomes para componer artesanalmente en la pantalla. Sin la contundencia de sus anteriores propuestas, pero con la sensación de respetar el género histórico en el que siempre se puede reinventar y construir desde otro lugar, no intenta acercarse a la pedagogía documental, sino utilizar la referencia temporal como un elemento más del motor creativo que otorga el marco del relato. Así, si bien los hechos acontecen durante las guerras en Europa por territorios, en las que los hombres tenían su primacía, la directora prefiere reposar la cámara en esta mujer que posterga su presente en pos de un futuro mejor para su hijo e invisibilizar a esos hombres en pugna. La asombrosa delicadeza y estilismo de la puesta convierten en testimonio a cada escena en la que esta portuguesa sólo quiere continuar su vida en paz alejada de conflictos. Con intervenciones de coros a modo de cierre de cada situación planteada al estilo griego, y una fotografía de un preciosismo único que crea una imagen con una paleta de colores primarios para destacar desde el cabello de la mujer (sólo un punto más de coincidencia con aquella Orlando de Sally Potter) a los verdes que rodean el espacio corroído por el tiempo en el que está esperando, A portuguesa sirve para comprender, una vez más, que con ideas y talento nada es imposible llevar a la pantalla.
Registro documental de valientes, de mujeres y hombres que en el ocio y descanso de otros se arremangan para vender y ganarse la vida. Un documental que evita juzgar y que contempla oficios y rebusques bajo el sol del verano.
Sólido y potente documental acerca de Vito Dumas. Una celebración de cine e historia, que abraza una multiplicidad de materiales para reivindicar a un grande olvidado.
Sebastián Díaz propone una revisión del pasado, y en particular de caciques de pueblos originarios, para imaginar una identidad fragmentada y olvidada. Multiplica texturas y materiales, suma una de las últimas entrevistas de Osvaldo Bayer, argumentando sobre el tema, pero se queda a medio camino, sin resolver y con más dudas que respuestas.
Vamos a recordar a Tom Hopper por esta nefasta y HORRIBLE transposición del clásico musical de los años ochenta que se ha reversionado hasta el hartazgo, pero nunca de esta manera tan penosa. Inexplicable todo, inentendible la utilización del CGI para determinadas partes de la transformación en gatos de sus protagonistas. Gritos, horribles decisiones de escenografía y puesta, pero más horrible la intención de exigir a este cast que sean gatos por unos instantes. Ian Mckellen bebiendo leche de un plato cual gato, pasará a la historia como el momento más ridículamente desafortunado que le ha tocado interpretar. Canciones que no transmiten nada, interpretaciones penosas y gente talentosa desaprovechada. Ni siquiera Jennifer Hudson cantando Memories logra transmitir algo. A la basura.
