La épica de sacrificios, familia y distopía de Denis Villeneuve Una vez más la inabarcable e inasible novela de Frank Herbert es llevada a la pantalla grande y en esta oportunidad, bajo la batuta de Denis Villeneuve. Villeneuve recupera la épica que las páginas proponían y reduce la expresividad lingüística de los protagonistas para concentrarse en una parafernalia visual, en donde la aridez del desierto y los cálidos colores elegidos para la propuesta, son sólo la excusa para empoderar un relato de lucha de castas y supervivencia, de amor y sueños, de poderes y legados. Paul (Timothée Chalamet) se desvive por comprender cuál es su lugar en el mundo, ya que si bien sabe que sus padres, y particularmente su madre, le dicen constantemente cuáles son los mandatos que debe cumplir, a partir de presagios y reglas, intentará transitar un camino propio en donde la previsión será algo secundario para sus días. Sueños recurrentes lo acechan, en donde una misteriosa y bella joven (Zendaya), tendrá protagonismo hasta que, claro, abra los ojos o despierte de su descanso, otorgándole allí al espectador la potestad de completar un puzzle en el que, independientemente del conocimiento previo sobre la historia, todo se reinventa, se recicla, y se presenta como nuevo. Duna (2021) además de esconder subtramas asociadas a la ecología con el agotamiento de recursos naturales, la explotación de clases (o castas, según la novela), los vínculos, la sociedad, y el amor; se permite jugar desde el deseo de los protagonistas un relato en presente, en donde los flasbacks, flashfowards y predicciones, sirven para potenciar aquello que se sugería en la novela. Así, Paul pasa de ser heredero poderoso al fugitivo del relato, entendiendo que esta fuga podría alejar malos presagios y malas compañías a su pueblo pero, principalmente, le evitarán ser parte de una historia que escapa a lugares comunes, diezma la posibilidad de alimento de otros pueblos y solo perpetúa mecanismos de sujeción y control. De esta forma comenzará la aventura en la árida superficie en pos de un futuro idílico para los habitantes de esta distopía, que en manos de Villeneuve, se transforma en una épica shakespereana. Gracias al carisma del trío protagónico -Chamelet, Rebecca Ferguson, Oscar Isaac- esta primera entrega cierra con intrigas y expectativas hacia lo que vendrá, nuevas aventuras plagadas de traiciones y enconos familiares, pero con el amor como objetivo final.
La animación británica sobre bullying, amistad y tecnología Una propuesta que llega desde Inglaterra y se permite una reflexión sobre temas que circundan con humor y personajes pintorescos. Desde hace tiempo que la animación permite sentarse unos minutos a reflexionar sobre la vorágine de la vida actual y sobre cómo la tecnología, ha venido para transformarnos de una manera única. Esta película no es la excepción. Con la llegada de un nuevo artefacto, un niño que vive con su padre y abuela, con una educación completamente atemporal, verá cómo ese objeto deseado lo transforma por completo aunque nunca deja de sostenerse en los valores impartidos en su hogar. Estas son las premisas de Ron da error (Ron’s gone wrong, 2021), film que tiene en la construcción de los personajes el principal impulsor de la empatía. Roles trazados con pinceladas conocidas, queribles, aún en aquellos investidos con cierta “maldad” pero que, en realidad, no operan conscientemente en ese plano. Nueva versión de relatos en donde la diferencia marca el tempo e impulso de la estructura dramática, y en la que, el potente guion de Peter Baynham y Sarah Smith (también directora), refuerza la sensible pintura de Barney, un personaje protagónico que sabe de carencias económicas y afectivas fuera de su casa, pero que posee grandes riquezas en cuanto a lo inmaterial. Barney emerge entre ellos cuando, tras insistir, el objeto tecnológico bautizado como Ron, errático/fallado (con una escena de “educación” a lo E.T. El extraterrestre), comienza a generar más problemas que soluciones. Hay una idea romántica (a lo Steve Jobs) del para qué de la tecnología. Algo que también define a Barney por oposición. El capitalismo y la precarización laboral dicen presente, dentro del universo de Barney y su núcleo familiar, un mundo en donde el hogar, además de ser el refugio del hostil exterior, será también el centro de la economía del grupo, vendiendo novedades “made in china” por parte del padre, y cocinando extraños bocadillos por parte de la abuela. De este modo la experiencia de ser diferente en el colegio es atravesada por la llegada de un nuevo amigo cibernético y se convierte en una oportunidad para reencontrarse con uno mismo. Desde allí el film avanza a paso firme con un relato conocido, sin sorpresas, pero con muchos valores y amor.
Brandon Christensen explora miedos y tópicos del género Esta propuesta del canadiense Brandon Christensen logra trascender más por su logrado retrato que por la originalidad de su discurso. La película está anclada en el clásico subgénero de posesiones o apariciones espectrales, que sacuden la "normalidad" de la perfecta familia que el capitalismo busca fomentar para perpetuar su modelo. Un niño es guiado por un misterioso amigo imaginario en un vínculo conocido como Z, que da título al film. Esto impulsa al pequeño a realizar un sinfín de acciones que alertaran a su madre, una mujer que intenta mantener algunas cuestiones de su pasado ocultas, hasta que la tragedia se desencadene y nadie pueda contener a ese "compañero" que vigila a su niño desde el fuera de campo. Z (2019) vale más por su profunda critica al status quo que por su discurso de género, el que pierde fuerza al trabajar con sustos y estruendos sonoros. En tiempos dónde la estructura dramática y la progresión narrativa del cine de horror se deconstruye, es una verdadera lástima que Christensen (El no nacido) no decida soltar las ataduras de lo convencional y especule con ese terror que anida en los rincones y secretos de una familia. La madre del niño desea ocultar la siniestra compañía de su pequeño con dosis de psicofármacos (sin poder evitarla) en una involuntaria crítica sobre la maternidad que, ante la primera señal de “anormalidad", desea ocultar todo con drogas legales. Z pierde la oportunidad de seguir indagando en el American way of life y criticarlo (aunque la película es canadiense). Sin embargo, bien vale la pena prestarle atención a la propuesta y seguir los pasos de este lucido realizador.
La inmediata respuesta del cine ruso más comercial a la superproducción de HBO, contando la tragedia del reactor nuclear a partir de la mirada de un grupo de personas que intentaron, en medio del caos y la inercia gubernamental, proponer soluciones a algo completamente inesperado. Drama, lágrimas, emoción, un tono telenovelesco para relatar una de las más grandes negligencias humanas de todos los tiempos.
Protagonizada por Miguel Di Lemme, la propuesta analiza, desde la ficción, modos de producción y hábitos, la obra de Silvio Gesell, los vínculos y cómo, el otro, determina sobre uno una mirada que puede determinar la vida. Rodada en medio de la situación pandémica.
“Conozco muchas personas que quieren ser mejores y por eso hacen teatro”, afirman en el arranque de esta propuesta que, con la excusa de registrar una gira teatral, se encierra en sus propios límites. Aun así, algunos apuntes sonbre la demostración del trabajo en equipo, la pasión por los clásicos de la dramaturgia y afirmaciones sobre la profesión, reimpulsan su relato. Tal vez, el excesivo protagonismo de uno de los realizadores, reciente las buenas intenciones iniciales.
Documental que se nutre de archivo, pero también de grabaciones actuales para analizar vínculos familiares, la política atravesando legados, y el mandato patriarcal sobre aquello que las mujeres podían o no hacer y decir. Al avanzar en la potente construcción de algunas personas, devenidas en personaje, el relato se potencia.
Lazos de Familia, la nueva propuesta del realizador Ken Loach, marca su regreso a las pantallas con una historia que desnuda cómo el neoliberalismo, en pos del progreso, arrasa con la clase trabajadora. Sin convertirse en un panfleto, y fiel a su ideología, su inteligente guion desarrolla el relato a partir de premisas concretas, basadas en la falsa idea de libertad que determinadas actividades laborales han inculcado en sus trabajadores. “Nosotros no te contratamos, trabajas con nosotros”, le dicen a Ricky (Kris Hitchen) en una de las primeras escenas, antes de aceptar ser parte de una multinacional que realiza delivery de paquetes. “Es lo que siempre esperé”, responde ante esa afirmación, para luego comenzar un derrotero imparable de jornadas de 14 horas los siete días a la semana, al igual que su mujer (Debbie Honeywood), una cuidadora de personas enfermas, que sale de su casa muy temprano para llegar a horas inciertas. Y mientras ambos buscan un futuro mejor para la familia, sus hijos hacen lo que pueden, esperando un abrazo reconfortante ante días de soledad y tristeza. Lazos de Familia, una vez más, y fiel a la firma autoral de Loach, quien supo rubricar cada una de sus películas con dosis de realismo único, desnuda las miserias más ocultas de un sistema capitalista atroz, que atropella y vulnera a sus miembros, sin importarles nada más que el beneficio económico, y en donde familias enteras postergan sus sueños en pos de algo que nunca llega. POR QUE SI: «Desnuda las miserias más ocultas de un sistema capitalista atroz, que atropella y vulnera a sus miembros»
Potente relato iniciático en el que un joven, deslumbrado por la belleza y pasión de una mujer mayor que él, se verá envuelto en un relato de traiciones, abusos, desconciertos, en el que sólo habrá una manera para escapar. Gran debut del productor Daniel Werner en la realización, transitando el cine de género con solvencia y profesionalismo.
Tras varias postergaciones, pandemia y restricciones mediante, llega a las salas esta nueva entrega del antihéroe encarnado por Tom Hardy, quien en esta oportunidad deberá luchar con un simbionte de características similares al que constantemente lo acecha a él. Película con muchos efectos visuales, que, seguramente, delirará a los fanáticos, y que suma al gran Woody Harrelson como el villano de turno, pero que nunca encuentra un rumbo cierto.
