Alejandra Marino (Hacer la vida) vuelve a la pantalla grande dirigiendo una mirada precisa sobre la justicia en el país a partir de la desesperada búsqueda de un niño por parte de su madre (Paula Carruega). El relato transita la difícil tarea emprendida por la mujer en una narración que mixtura géneros para un relato que vibra al compás de los pasos de la protagonista, en una historia valiente y necesaria.
Recuperando temáticas que le son afines en sus trabajos anteriores, la muerte, el duelo, la vida de pueblo, los vínculos, el realizador Eduardo Crespo (Tan cerca como pueda) logra en Nosotros nunca moriremos (2020) su película más madura y potente, resolviendo cinematográficamente, el doloroso momento por el cual aquellos que quedan tras la pérdida de un ser querido deben asumir y enfrentar, iniciando un largo proceso que incluirá, la inevitable y sorprendente necesidad de aferrarse a todo lo que se pueda para no olvidar y avanzar. Cuando una madre y su hijo (Romina Escobar, Rodrigo Santana) se enfrentan ante el hecho inesperado y fortuito de una pérdida, no sólo la tristeza y melancolía que albergan en sus personajes permitirá comprender un estadío que va más allá de sus cuerpos y temporalidad, conectando, a través de flashbacks, el pasado de ese ser que no está más y del que, les es revelado, que poco y nada sabían. Una primera etapa dedicada a explorar el especial vínculo filial, en donde Eduardo Crespo deposita la cámara en hoteles de pueblo, calles tierra adentro, automóviles que en vez de ser desechados continúan alcanzando a sus dueños a donde deben llegar, habilita un segundo segmento en donde aquel que no está regresa de manera espectral en los recuerdos y anécdotas de quienes lo acompañaron en sus últimos días, un personaje que se arriesgaba por los demás (bombero) y que poseía una vida tan rica como compleja. El registro de la noche y el acompañamiento entre los habitantes del pueblo por una lectura colectiva de aquel que no está, contrasta con el aire campechano con el que se pinta a los secundarios, los que, en realidad, poseen un capital cultural aun mayor del que se muestra y evidencia. Y en esa conexión con la literatura, y también con la música, con diálogos de una noble profundidad como “estaba tan cansada que hubiese dormido la vida eterna”, la poesía comienza a brotar de las imágenes, confluyendo con un tempo narrativo diferente, el que, seguramente, se condice con el tiempo del duelo que comienzan a atravesar y transitar los dos personajes centrales. No hay estridencias, no hay llantos exagerados, no hay gritos, pocas palabras y sollozos, porque todo es contenido gracias un notable trabajo de dirección y estructura narrativa que logra que tanto en aquellos intérpretes experimentados, como en los que no, la plasticidad sea la justa para transmitir emociones que subrayan un particular estado de situación de personas en “trance” ante el dolor de la pérdida. Cada escena se posiciona al lado de la otra con una energía que posibilita una progresión narrativa diferente, la que, gracias al hábil guion que va y viene en el tiempo, potencian, con sutileza, ideas asociadas a la muerte, pero también sobre la vida, y sobre aquello que se pretende de ambas. “Eligió un lindo lugar señora”, le dicen a la madre tras depositar una suma sideral de dinero para asignarle un lugar de descanso eterno a su hijo, y ella no reacciona, porque también sobre eso profundiza el film, sobre la eterna burocracia y negocio que hay tras la muerte, un ciclo que no termina nunca, y que no deja siquiera, llorar al que se ha ido en paz y ni siquiera atender a su emocionalidad y trance. Notables interpretaciones, en especial la de Romina Escobar, que se afirma como una de las actrices más potentes de la pantalla local, hacen de Nosotros nunca moriremos un ejercicio cinematográfico plagado de belleza y verdad, depositando en un pequeño punto de partida, la capacidad para hablar de cuestiones inmensas, universales, únicas, y, en un punto, hermosas.
El segundo largometraje de Manuel Ferrari propone un viaje junto a un personaje único, el que, en una ciudad extraña, fotografiada de manera increíble, potencia las particularidades de sus padecimientos y miedos. Ignacio es un arquitecto, docente universitario, que acepta la propuesta de viajar a Chile para exponer en un congreso. No tiene mucha más precisión, pero acepta el desafío en medio de una noticia personal que modificará su percepción sobre su lugar en el mundo. De la noche a la mañana (2019) mantiene el interés por el personaje protagónico por dos razones que se potencian al progresar la dramaturgia la apuesta, una, Esteban Menis, como este Ignacio dubitativo, errático, que se abre a aquello que la nueva experiencia le propone, y por otro, una cuidada fotografía de Fernando Lockett que se obsesiona con los recovecos de Valparaíso, la ciudad en donde todo acontecerá. En la multiplicación de situaciones absurdas, en el recorrido de la cámara por la laberíntica Ciudad, en el acercamiento de Ignacio a nuevos personajes, De la noche a la mañana, muestra, cómo, de un momento a otro, las certezas del personaje se desmoronan, lo conocido no es una chance de acercarse al mundo, y la reinvención, sin valijas, sin teléfono, sin dinero, le permitirán re descubrirse y construir una película que se mueve entre el patetismo y el humor, para presentar una entrañable historia de transformación y expedición. POR QUE SI: “Entrañable historia de transformación y expedición”
El experimentado realizador y productor Tomás Lipgot estrena un documental diferente, que tiene a la niña que da nombre a la propuesta como disparador de ideas e impulsar a otros a seguir sus pasos. Particular realización que conjuga divulgación y entretenimiento y que se apoya en el carisma de su protagonista para avanzar en el relato.
La favorita de la temporada de premios Con una cuidada fotografía, una cámara íntima, que se acerca a su personaje protagónico, la película habla de cómo la economía atraviesa los cuerpos de las personas. A pocos minutos de iniciada Nomadland (2020) de Chloé Zhao, y tras presentar de manera detallada y precisa a la protagonista, Fern, interpretada por la enorme y siempre efectiva Frances McDormand, comprenderemos el presente de una mujer que tras haber sufrido varias pérdidas decidió encarar una vida nómade para subsistir. Pero esa elección no es fácil, al contrario, cada día pesa más en su presente el desarraigo, el frío, que se cala en los huesos cada noche, la mala alimentación. “Necesito trabajo, me gusta trabajar”, le dice a una posible empleadora, de una manera sencilla y directa, pero el mercado laboral sólo le tiene reservado algún temporario puesto en empresas despersonalizadas con jefes que tienen, como mínimo, 40 años menos que ella. Lo más valioso de una propuesta como Nomadland, en un contexto crítico y de alerta como el que se atraviesa, es su lúcida construcción de espacios, lugares sin alma, pero que en la solidaridad de los solitarios cuerpos que también buscan acompañamiento y amistad, su protagonista, una mujer que ha visto como su trabajo, su marido, su pueblo, ha ido desapareciendo, y en el aferrarse a vieja vajilla y algún que otro traste más, se mantiene suspendida en el tiempo, encuentra, de alguna manera, una razón para vivir. Trabajos temporales mal pagos, el frío que le cala los huesos en su destartalada van, con la que recorre caminos y caminos, un puñado de vínculos (Charlene Swankie, Linda May) y la férrea convicción que los recuerdos le otorgan sobre un pasado de “gloria” por contraste a un presente calamitoso, son los puntos que harán avanzar narrativamente un relato sobre pérdidas, heridas y sobre un Estados Unidos en el que el avance de la automatización de tareas laborales, la precarización, la marginalidad y el descarte, marcan el pulso de la economía. La realizadora Chloé Zhao se permite combinar dos géneros, el drama social y la road movie para relatar la historia de Fern, una mujer que ama la música, caminar, y errabundear por el mundo, convirtiéndose, aún con su entrada edad, en una especie de trabajadora golondrina, nómade, que atraviesa el país en búsqueda de subsistir. La hija de una excompañera de trabajo le dice “mi mamá me dijo que vos sos una homeless”, a lo que Fern, estoica, responde “soy una houseless”, resistiendo siempre frente a la mirada del otro. Porque de eso también habla la propuesta, del constante ejercicio y evaluación ante la atenta mirada del otro, que desconoce el pasado, presente y futuro de esa frágil y a la vez fuerte mujer, y que debe rendir examen ante un mundo que le ha pasado por encima sin siquiera detenerse a voltear la cara y observar qué dejó en el camino. “Creo que paso mucho tiempo recordando” enuncia a una especie de gurú de los nómades Fern, y en su constante devenir y andar, Zhao registra cada instante de la mujer como si fuera la última oportunidad que tuviera el espectador para verla. Resiliencia, fortaleza, identidad, pero también sororidad, amistad, compañerismo, con una puesta en escena modesta, ascética, que construye en la idea de registro cuasi documental la no injerencia de su mirada en un relato que sorprende por la notable interpretación de McDormand, un verdadero camaleón escénico, que se desnuda en cuerpo y alma en sus acciones, pero que no deja de reiterar algunos lugares comunes y subrayados en su estructura, clásica y lineal, narrativa.
Una animación que llega desde Australia El experimentado realizador de animación Alexs Stadermann bucea en el mundo de los licántropos, imaginando que sucedería en una casta en la que la ambición podría afectar el destino de la humanidad. Al comienzo de la propuesta todo es confusión, hay un niño llamado Freddy que corre desesperadamente mientras gigantescos lobos acechan una ciudad en donde la noche es el momento ideal para cometer atrocidades. Pero rápidamente sabremos luego, que ese niño, pequeño, indefenso, es el heredero a ocupar el lugar de líder de manada de lobos que debe esconderse de los malignos intereses de un grupo de desafortunados miembros y que sólo quiere controlar el mundo. Cuando, inesperadamente, su padre muere (hay mucho de El Rey León en la aventura) y él continúa aguardando tener la edad suficiente para transformarse en lobo, nada lo haría suponer que su destino estaría controlado por uno de sus malvados tíos, el que, en la ambición de ser el alfa, lo engañará para obtener un elemento clave en la vida de todos, un anillo que permite controlar el destino de los lobos. Así, 100% Lobo (2020), avanza en la construcción de estereotipos para reforzar la clásica fábula en donde aquello que se anhela con gran expectativa, podría convertirse en un doloroso presente en donde las pérdidas y la soledad pueden ser el peor consejero. Pero esta es una película familiar, que sabe que con el humor la tragedia puede relajar sus mecanismos narrativos, y así, más allá de la maldad encarnada en las amenazas intra y extra familiares, se decide optar por una exageración de las características del protagonista, complicándole aún más su difícil existencia. Así, en el esperado momento de alcanzar la edad suficiente para recibir su legado de lobo, en vez de transformarlo en el animal que a la luna llena despliega sus habilidades, lo convierte en un simpático perro que deberá encontrar el anillo que transforma a hombres en lobos para encontrar su verdadero destino. Y así, dejándolo a la deriva, con el acompañamiento de Batty, conocida también como Houdini, por su habilidad para escapar del control canino, deberá asumir una doble tarea, la de, por un lado encontrar el anillo para transformarse en lobo y así recuperar el lugar en su familia, lejos de los inescrupulosos planes de su siniestro tío, y, por el otro, comprender que con el trabajo en equipo, amistad y esfuerzo, podrá resolver un presente conflictuado. Basada en la serie de libros de Jayne Lyons, y de la que también, y con los mismos personajes, se ha hecho una serie animada, 100% Lobo, cumple con las dosis necesarias con las que sus premisas de aventura y misterio comienzan la película. Una animación simple, personajes con trazos gráficos firmes y potentes, disponen del relato cuya fábula final va acumulando durante el largometraje la potencia de una historia imaginada para los más pequeños que puede resultar como un entretenimiento ideal para la familia entera.
Nueva adaptación cinematográfica del clásico videojuego La vuelta al cine del clásico relato de contienda entre fuerzas del bien y del mal, naufraga entre la solemnidad de un rancio estilo de narrar, plagado de estereotipos y lugares comunes, y la necesidad de impulsar una nueva franquicia para solventar los abultados costos de producción, impulsando un híbrido entre serie de televisión y película que aburre a los pocos minutos de iniciado. Con el antecedente de una fallida versión de 1995, con Christopher Lambert como cabeza de elenco, el debutante Simon McQuoid, con el aval de James Wan, se embarca en la tarea de reimaginar el universo de Mortal Kombat para la pantalla grande, reclutando estrellas de todo el mundo para plasmar la eterna lucha del bien y el mal, y que ha convertido al juego en uno de los más exitosos de todos los tiempos. Un arranque potente, con la presentación de Hasashi y su familia, en una idílica escena que podría ser parte de cualquier clásico oriental, antes de ser abordados por el siniestro Bi-Han para teñir de sangre todo, auguran una continuidad interesante, pero no. Corte a, el presente, en donde un luchador profesional en decadencia (Lewis Tan) descubre el misterio tras la marca del dragón que lleva en su pecho y que no es otra cosa que la invitación al combate mortal que da nombre al film y del cual dependerá el destino de la humanidad si no logran destruir a las fuerzas oscuras que desean profundamente apoderarse de todo. Tras proteger a su familia luego de aceptar el desafío propuesto, Cole se alineará a Jax (Mehcad Brooks), un poderoso guerrero, Blade (Jessica McNamee), una mujer fuerte que sin tener la marca, también quiere ser parte de la aventura, y a Kano (Josh Lawson), un traficante charlatán que por tres millones de dólares desea combatir al mal. En el medio de todo, la reaparición de Bi-Han ahora como Sub-Zero, un asesino que tiene la capacidad de congelar todo a su paso, y al que, en cada escena precedente a su aparición, McQuoid se encarga, de repetir el recurso musical y de efectos visuales para advertir su llegada. Y ese recurso, reiterado hasta el hartazgo, opera en Mortal Kombat (2020) como un recurrente de su narración, una película trazada con débiles premisas, las que, iniciada la historia se desvanecen, especulando con la nostalgia que despertará en los espectadores la incorporación de los emblemáticos e icónicos personajes luchadores, para, con esa explosión de sonido y golpes, hacer olvidar sobre aquello que carece y no logra sostener, una trama que contenga todo. Para sumar decisiones desafortunadas, en el personaje interpretado por Lawson, que despierta inentendibles risas en las proyecciones con la prensa especializada, lo más revulsivo de la sociedad patriarcal, misoginia, homofobia, violencia innecesaria, se cristaliza en cada aparición del mismo. Película infantil, caprichosa, y que en la idea del “corre por tu vida”, se motoriza la progresión dramática, la que, ni siquiera en sus contiendas, potencia algo de aquello que se podría esperar de una historia como esta. En resumidas cuentas, para aquellos que desean pasar un momento de entretenimiento, lo mejor que pueden hacer es encender su consola de juegos, elegir un luchador, y pasar dos horas de su vida practicando virtualmente las peleas, algo que será mucho más productivo que ingresar a la sala de cine para ver una débil propuesta que no está a la altura de las circunstancias y que trata a los espectadores de ingenuos.
El regreso de Robert De Niro a la comedia Un elenco de grandes figuras se suma a esta adaptación cinematográfica de Tim Hill de la exitosa novela de Robert Kimmel Smith, donde se analiza el vínculo entre abuelos y nietos desde una óptica completamente diferente. El mundo de Peter (Oakles Fegley) se desmorona cuando su madre (Uma Thurman) le comunica que su abuelo (Robert De Niro) irá a vivir con ellos, y a pesar del cariño que le tiene, y de la buena relación que poseen, drásticamente esto cambiará al enterarse que su cuarto será ahora el del hombre de tercera edad. Así, con esa simple premisa, y con la sentencia de guerra que Peter le hace a su abuelo para recuperar su habitación, En guerra con mi abuelo (The War with Grandpa, 2020), propone un sinfín de lugares comunes, pero necesarios, para relatar la clásica historia de rivales, los que, en este caso, tendrán el mismo techo como escenario de contienda. El humor depositado en cada escena, posibilita el avance en la historia, la que, indefectiblemente, necesita del histrionismo de De Niro en plan salvaje, para potenciar la narración, la que, gracias al gag y el slaptick, funciona como comedia familiar con mensaje, aún derrapando en algunas decisiones de las humoradas que se hacen el uno al otro. Sin llegar al salvajismo que demostró en Mi abuelo es un peligro (Dirty Grandpa, 2016), donde hacía la vida imposible a su nieto, encarnado por Zac Efron, aquí, al tratarse de una comedia familiar, ese tono más desprejuiciado y políticamente incorrecto se disuelve en chistes blancos e ingenuos. Pero En guerra con mi abuelo no se queda sólo con este relato, ofrece a sus personajes más propósitos, los que, por ejemplo, en la recuperación de vínculos para el personaje de De Niro, suman la fuerza necesaria para que el relato avance. Así, éste es visitado en el encuentro con Jerry, encarnado por Christopher Walken, o en la aparición de Cheech Marin, recuperado para la ocasión, donde la nostalgia por verlos nuevamente juntos en pantalla grande, supera cualquier desacierto de guion. Además, escapa a la clásica construcción del abuelo recientemente viudo, agregándole la posibilidad de conocer a una bella dama (Jane Seymour) que lo hará rememorar sus épocas de picaflor, condimentando los días de lucha con su nieto, con la añoranza de una nueva vida posible para sí mismo. Si bien su estructura es predecible, la buena energía que se percibe en cada una de las escenas, y la importancia con la que además de este análisis de vínculos, se toma para reflejar la violencia dentro de las escuelas, En guerra con mi abuelo, gana la pulseada entre lo obvio y el apostar por lo seguro, en una propuesta que no se toma en serio sus premisas y desde allí afianza su fuerza e impulso narrativo como mero entretenimiento.
El clásico personaje creado por Carlo Collodi, y visitado en un sinfín de oportunidades por realizadores de ficción y animación, vuelve al cine en esta superproducción del director de "Gomorra". En esta oportunidad, la mirada se deposita en la oscuridad y lo siniestro de un relato que no apela a la fábula para cerrar su desarrollo, reinventando el espíritu fantástico de la historia. Un Gepetto (Roberto Benigni) con muchas necesidades económicas, ve en la llegada al pueblo de un espectáculo de marionetas gigantes, la posibilidad de crear una de ellas para ofrecer shows al pasar en las calles. Nada le haría imaginar que tras horas de tallado de un tronco, esa estructura cobraría vida, convirtiendo a Pinocho (Federico Ielapi) en algo mucho más grande que un simple juguete. Así, ambos convertirán sus días de encuentro y de conocerse en la posibilidad de acompañarse, estableciendo algunas reglas para la convivencia armoniosa que deberían sostener. Pero como el cuento lo marca, Garrone recupera varias de las peripecias de Pinocho, algunas más conocidas, como las clásicas mentiras que le agrandan la nariz, o sus huidas de la escuela para conectar con un joven que lo llevará por el mal camino. Pero hay otras, que nunca se han profundizado tanto, como aquellas que tienen que ver con su vínculo y promesas con el hada (Marine Vatch), su relación con el misterioso tiritero, y ese momento particular en el que Pinocho decide ir al mundo maravilloso de los juegos, desatendiendo el estudio y sin saber que su próximo destino podría ser transformarse en un asno. Como todo cuento infantil, y más de los que han trascendido generaciones y generaciones, Collodi deposita valores necesarios para la sociedad de ese momento y desde allí, por oposición y contraste, busca validar aquella línea argumentalmente política que se baja: los niños en la escuela, decir mentiras es pecado, no hay goce sin sacrificio previo. Pero Garrone es mucho más astuto, y si bien toma como punto de partida muchas de ellas, prefiere transitar por un sendero mucho más riesgoso, creando nuevas épicas “pinochescas”, buceando en la oposición cultura alta/baja, para hablar de la verdadera oscuridad que se esconde en la sociedad, una mirada dolorosa sobre las diferencias económicas que rigen los destinos de los seres. Hay escenas de una belleza extrema, encuadradas con maestría y solvencia, y otras en donde el temor por el muñeco, que luego se convertirá en un niño, prevalece, más cuando es amenazado por adultos, por animales, por humanos, entre otros, que sólo quieren aprovecharse de su inocencia para sacar su propio rédito y beneficio. En ese relato, en donde Pinocho siempre se mantiene en el difícil lugar de convertirse en la próxima presa fácil de cualquier depredador que circunda su camino, el guion se nutre de lo mejor de autores como Federico Fellini, Tim Burton y Mel Stuart, para imaginar un universo completamente nuevo, colorido, delirante, donde brilla su lucidez para crear climas y atmósferas, pero también para desarrollar, junto al trabajo de maquilladores, fotografía, efectos especiales, entre otros, una épica narración, potente visualmente, y que facilita, gracias a su nostalgia inherente, una rápida inmersión en ella.
Semblanza de un padre, su padre e hijos, y en la búsqueda de respuestas, también crecen las figuras femeninas de esta historia, las que, con su acompañamiento y palabras, pero también con su egoísmo e imposiciones, estuvieron al lado de esta casta de hombres.