Fallida propuesta de apocalíptica situación en la que un hombre debe asumir la inevitabilidad de la muerte en manos de un grupo de inadaptados que desean terminar con todo. La propuesta no logra transmitir emoción y reitera muchos planos y situaciones vistas en este tipo particular de films, y en Argentina (“Los Olvidados”).
Amamos a Butler, pero esta nueva participación en la saga del célebre guardaespaldas que a regañadientes sigue protegiendo al presidente nos agota. Trillada, pequeña, básica.
Documental que recorre el origen de los movimientos de izquierda en el país, con información, investigación y con la necesidad de demostrar el esfuerzo que exijió a cada uno de sus involucrados. Poderoso.
Atravesada por realismo mágico y con una interpretación de Érica Rivas que destila talento y pasión, la nueva película de Marcelo Páez Cubells tiene habla de una bruja que tiene miedo de asumirse abiertamente como tal, que luchará por encontrar a su hija desaparecida, sola, aislada por la mirada demonizante del otro, pero con la convicción de que está haciendo todo lo posible para que el final feliz llegue en una propuesta de género potente.
En tiempos en los que las disidencias sexuales son arrasadas bajo la mirada atónita de una derecha agresiva e intolerante, esta propuesta nos permite acercarnos a un universo en el que la identidad sexual es sólo el punto de partida de una narración apasionante.
Comedia ligera en la que el futbol, las cábalas y la amistad, marcan un tempo narrativo televisivo débil a una propuesta que podría haber redondeado mejor sus ideas, apoyándose en el oficio de sus protagonistas.
Una boda y dos funerales Sebastián de Caro (20.000 Besos) es un cinéfilo apasionado. Cada fotograma de su nueva realización, Claudia (2019), destila amor al cine, por la multiplicidad de referencias, por las innumerables evocaciones, por algunos climas que remiten a otros realizadores, aunque justamente, ese mecanismo de homenaje se convierte en el peor aliado a la hora de contar la historia del personaje principal. De Caro presenta a Claudia (Dolores Fonzi) como una versión actualizada de la Pam Grier de Jackie Brown (1997), con la misma vestimenta y peinado, similares tonos de fotografía, automóvil parecido, pero con un universo completamente diferente, el de una organizadora de eventos a la que le obsesionan de sobremanera los detalles, perdiendo el norte real de su vida y compitiendo con cualquiera que se ponga delante de sus objetivos. Por eso tras la pérdida de su padre, la boda que debe reorganizar se transforma en un verdadero desastre. El guion la detalla a Claudia en cuerpo y forma, una mujer que cree en sí misma pero que se pierde entre adicciones, ansiedades y miserias. Claudia es obsesiva, sí, pero también es metódica, y con esas dos fuerzas comenzará a transitar los extraños recovecos de la historia que en el devenir se distancia de aquello que debería estar más cercano, su protagonista. Al avanzar en la boda Claudia debe lidiar con la inseguridad de una novia intensa (Paula Baldini), el despiste del novio (Julián Kartún), el asedio del primo de la novia y su pareja (Gastón Cocchiarale y Julieta Cayetina), un misterioso mago (Santiago Gobernori) y un suegro severo (Jorge Prado), que desea que todo sea como se había planificado originalmente. Por suerte Claudia cuenta con la complicidad de su asistente (Laura Paredes), quien servirá de acompañante cuando intente develar las verdaderas razones por las cuales la novia no desea concretar el matrimonio, virando el timón de la historia hacia una de detectives que termina por desdibujar los límites de la ficción y los géneros con los que juega. Ni siquiera los gags más elaborados pueden sortear una historia pequeña, sin mucho vuelo, y reiterativa. A la notoria falta de timing, y un tono desacertado en las actuaciones, se suman problemas de estructura y de coherencia, como así también una traición hacia aquello que supuestamente Claudia debería contar, porque en su disfraz de aparente comedia no logra trascender su propuesta, disolviendo aquella promesa de carcajadas originales en la triste realidad de un híbrido que considera que sólo con el artificio de la imagen (por cierto muy lograda) y homenajes a cineastas como David Lynch (tal vez uno de los momentos más logrados de la película, junto con una escena en la que la protagonista se pone a dar órdenes en un velatorio) puede suplir la gracia que carece y que desde el primer momento se le reclama.
El eslabón encontrado Con mucho de aquellos viejos y bellos films de antaño, en donde la aventura proponía un viaje hacia lugares inimaginados, Sr Link (Missing Link, 2019) de Chris Butler (ParaNorman 3D) desarrolla un relato sobre la pasión, la amistad y el trabajo en equipo, a la vez que reafirma a los estudios Laika como uno de los pilares de la animación mundial. El “chanta” Lionel Frost (voz de Hugh Jackman en el original) recibe la curiosa propuesta de encontrar bajo la presentación de algunas evidencias al eslabón perdido, en medio de la inmensidad de nieves lejanas. A regañadientes, pero sabiendo que el ingreso de dinero le permitirá tapar varios agujeros que tiene en su tambaleante economía, se embarca en la travesía. Para no revelar muchos más detalles, el eslabón perdido aparece, y como Edgar Rice Burroughs hizo con su Tarzan, se lo intentará disfrazar a pesar de su aspecto desafiante, dimensiones y enorme altura, de un ser que llega a la ciudad como cualquier otro e introducirlo en la sociedad como alguien más, sin particularidades. Como en las producciones anteriores de estos estudios, el mensaje que comienza a emerger de esta propuesta, que no deja de utilizar estereotipos y canciones para reforzar ideas, sin jugar con trazos gruesos, es la de permitir entender al otro como un vehículo para exorcizar miedos propios y subjetividades. Ante la imagen de “chanta” con la que se construye a Frost, se le contrapone la impecable presencia de Link, un ser que si bien estuvo habitando en soledad durante años, la civilización que se aprehendió le posibilita una integración armónica hasta cierto punto, algo que, más allá de la comunicación, desnuda la imperante necesidad del hombre blanco por avanzar y arrasar aquello que no comprende. El guion de Chris Butler revoluciona su estructura a partir de revertir las cargas sobre sus personajes, y a diferencia de producciones animadas similares y recientes como Pie pequeño (Smallfoot, 2018), que también exploran el mito del hombre de las nieves, en esta oportunidad la calidez y carisma con la que envisten a Link (voz de Zach Galifianakis en el original), supera cualquier previsibilidad sobre la trama y su narración, dotando al personaje de una inteligencia y sabiduría única la que obviamente, lo mantuvo a salvo hasta el momento. La paleta de colores escogida por el realizador y animador, entre cálidos y fríos, pero predominando los fríos y negros, permite que ante el avance de Link en la vida de Frost, se construya un relato pleno de valentía y tesón, de transformación y necesarios cambios, para que luego en su finalización, cualquiera de las decisiones que tome Link sobre su vida y lugar de vida final, no sorprenda al espectador y la calidez se expanda. El equívoco en Sr Link, tan imprescindible de la aventura, como también del vodevil, resuena en cada escena de esta película animada con un humor único que no prejuzga a sus espectadores, ofreciendo calidad en un producto pensado para disfrutar en familia.
¿Dónde está Danny? El otrora disruptivo y poco complaciente realizador Danny Boyle se embarca con Yesterday (2019) en una aburrida película que se desinfla a los pocos minutos de relatada la anécdota/plot principal y que ni en la evocación de la música de los cuatro de Liverpool puede remontar su trillada trama. ¿Qué sucedería si un día nos levantamos y nadie, nadie, sabe ni supo nada de The Beatles? ¿Nos animaríamos a jugar con ese vacío que hay en las radios, televisión y, principalmente, industria de la música? Con ese disparador Richard Curtis (Un lugar llamado Notting Hill, Realmente Amor) arma el guion de cómo un loser de la música se permite triunfar a escalas inimaginadas para su triste existencia. Jack Malik (Himesh Patel) es un joven cantautor que se reparte sus días entre sueños aspiracionales y trabajo en un supermercado en donde recibe el peor de los tratos por parte de su empleador. Atravesado por la angustia de aquel que no puede realizarse, pero que a fuerza de tesón y empeño cree que en algún momento todo cambiará, su vida dará un giro radical de un momento a otro cuando un extraño suceso sobrenatural termine por eliminar de la faz de la tierra la música de los Beatles. Nadie recuerda más sus melodías, aquellas entrañables y virtuosas canciones, y mucho menos, a sus miembros. Jack ve una oportunidad que no quiere perderse y reversiona cada una de las célebres canciones que acompañaron a la humanidad, saltando al éxito de un momento al otro al punto de perderse en el intrincado, competitivo y desafiante mundo de la música profesional. A la narración clásica, en donde el camino del héroe -o antihéroe- termina por ser la excusa para hablar del amor (una amiga incondicional interpretada por Lily James), amistad, fama, sueños, perdiendo su ironía y mirada lúcida sobre el negocio de la música rápidamente. Del director de Trainspotting (1996) siempre esperamos más, su cine alocado y vívido de los primeros tiempos ha caído en desgracia, razón por la cual a Yesterday se le agota la broma de la música y el plagiador rápidamente, desarrollando una tradicional trama de chico ama a chica y viceversa en el marco de una propuesta que pierde rendimiento. A la ausencia de una crítica consciente sobre la industria, y el preferir traicionar su espíritu lúdico, la película termina convirtiéndose en una romcom básica y fuera de tiempo, en dónde se continua afirmando que hay que esperar algo sobrenatural para triunfar y, si así y todo llega, siempre va a ser mejor estar abrazado a la mujer/hombre que se ama.
Hugo Giménez ofrece en “Matar a un muerto” la posibilidad de reflexionar sobre la reciente y sangrienta dictadura de la región a partir de la interacción de tres personajes en medio de un limbo generado por circunstancias políticas y sociales que los sobrepasan y atraviesan. En ese limbo imaginario, o no, dos “enterradores“ de muertos, y un recién llegado, convivirán mientras los dos primeros deciden qué hacer con ese que viene a modificar la cotidianeidad y rutinas en las que están inmersos. Pocos diálogos, algún que otro recurso extradiegético, la naturaleza que avanza sin pedir permiso, reforzando la intervención ocasional del hombre en la comunidad en la que habitan, y describiendo de cuerpo entero a cada uno de los personajes. Curiosamente, en la austeridad y minimalismo de la puesta, “Matar a un muerto” transmite muchísimas más ideas sobre nuestro pasado que superproducciones que reposaron la mirada en un fenómeno que superaba fronteras, demostrando que cuando hay ideas y convicciones sólidas sobre la narración es más fácil generar relatos. Primera película paraguaya (en coproducción con Argentina) que se sumerge tan de lleno en la dictadura de Stroessner, originalmente iba a responder a desenterradores de “tesoros” escondidos por ahí. Tema que el cine paraguayo explotó en varias producciones. Por eso celebra el espíritu de Giménez, quien además, en sus colaterales y en ese presente en el que las acciones respondían a decisiones piramidales, pero que en la complicidad y ejecución no hacían otra cosa que configurar un sistema habilitado para “desaparecer” personas y dañar a pueblos enteros. Aquello que la gran pensadora Hanah Arendt manifestaba acerca de la banalidad del mal, que no era otra cosa que el responder servilmente sin reflexionar (o sí, pero sin decirlo) a un régimen nefasto y oscuro, en cada fotograma de “Matar a un muerto” se respira un conjunto de respuestas, las que, curiosamente, vuelven a decir lo mismo des y a. A la hora de mostrar esos gestos y acciones el guion busca, con una progresión dramática laxa, reconstruir un pasado del que poco y casi nada se conocías, en las periferias de las grandes urbes, en la selva misma, peleando por aquello que se considera necesario. “Matar a un muerto” cala hondo, desnudando a los espectadores una verdad, no LA verdad, tras aquellos que decidieron no ser cómplices y los que sí, configurando un tejido sociopolítico favorable para el asesinato, la sangre, la muerte y sus derivados.