Emily Blunt y Dwayne Johnson recuperan el cine de aventuras Aggiornando el discurso a los tiempos vigentes, la propuesta, dirigida por el catalán Jaume Collet-Serra, entretiene de principio a fin con su dinámica narración que recupera el mejor cine familiar de aventuras, potenciado por la química y lograda interpretación de la dupla protagónica. Inspirada en la atracción del mismo nombre, que durante años entretuvo a los visitantes del parque de diversiones más famoso del mundo, hábilmente el guion de Jungle Cruise (2021) recupera la leyenda de un mágico árbol que puede sanar de manera milagrosa y varios personajes que intentan dar con él por diferentes motivos. Así, con una primera etapa en la que conoceremos a uno de los personajes motores del relato, Lily (Emily Blunt), una joven científica, y su hermano (Jake Whitehall), quienes intentarán, de manera frustrada, convencer a una asociación de investigadores sobre las propiedades y beneficios del árbol para conseguir fondos para dar con él. Sin lograr su objetivo, pero “obteniendo” una pieza fundamental que podría acercarlos a él, se unirán al particular comandante de una embarcación turística (Dwayne Johnson) para llegar al misterioso árbol y evitar así que sus poderosos beneficios caigan en las manos equivocadas. Entre Lily y Frank (Johnson) se configurará la clásica historia de opuestos que se atraen, incorporando la dosis necesaria de romance y coqueteo a la aventura, mientras luchan con aquellos que, primero, quieren lo mismo que ellos, apropiarse del árbol mágico, y, segundo, no ven con buenos ojos que una mujer lidere una expedición arqueolgógica por las peligrosas aguas de Brasil. Refiriéndose a ella como “la mujer de los pantalones”, la joven científica deberá impedir que su género no continúe siendo un impedimento para alcanzar su meta, y menos cuando la amenaza del pasado, encarnada en el ambicioso conquistador español Aguirre (Edgar Ramírez) y sus secuaces (Dani Rovira, Quim Gutiérrez), y en la del presente, un “príncipe” nazi (Jesse Plemons), quieran hacerla desistir de todo y quedarse con el botín. Jungle Cruise encarna la versión actual de un género que supo aglutinar a los espectadores en las salas, y que década tras décadas reunía a la familia para conocer lugares exóticos e inspiradores romances, educando a generaciones acerca de estereotipos y lugares comunes sobre aquello que Hollywood entendía como parte de su maquinaria. Es imposible pensar aisladamente a esta producción sin recordar propuestas precedentes como La reina africana (The African Queen, 1951), Tras la esmeralda perdida (Romancing the Stone, 1984), cierta reminisencia a Los cazadores del arca perdida (Raiders from the lost ark, 1981), e inevitablemente, la reciente saga de Piratas del Caribe (Pirates of the Caribbean, 2003-2017), con quienes mantiene varios puntos en común, los que recupera, reelabora, y reivindica. Jungle Cruise gracias al carisma del elenco supera la prueba de revisitar un género ya olvidado por Hollywood, el que, gracias a esta nueva aventura, podría resurgir y no sería raro ver en poco tiempo una nueva aventura de Lily y Frank, en busca de otro objeto preciado para la humanidad.
Ser bebé es lo mejor del mundo En esta revisita al universo creado por Marla Frazee en sus libros, el esfuerzo por querer impulsar una nueva historia sólo queda en la intención de recuperar tópicos, que si bien dialogan con actuales paradigmas, pierde la oportunidad de transitar un nuevo camino con gracia e impacto. Cuando hace cuatro años la precuela de Un jefe en pañales 2: Negocios en familia (The Boss Baby: Family Business, 2021) llegaba a las salas, el protagonista, con un aire a Baby Herman, el bebé de ¿Quién engañó a Roger Rabbit? (Who Framed Roger Rabbit, 1988), había un aire nostálgico que impregnaba, desde la comedia, un espíritu diferente al relato. Tom McGrath vuelve a ponerse al mando, y comienza la historia con un adulto Tim, haciendo malabarismos en su casa, con sus hijos, quehaceres domésticos, mientras su mujer, es la encargada de llevar el dinero para solventar todo. Bien, no sólo las mujeres son las responsables de organizar el hogar, pero, se lo percibe tan forzado el planteo, que sólo queda en eso. Ese dibujo del personaje, padre administrador, se lo hace para contrastar con su hermano Ted, director de una empresa poderosa, quien sólo se dedica al trabajo y nada más que el trabajo, y ambos mundos volverán a conectarse a partir que la pequeña hija de Tim, que se presenta también como una agente secreta de Baby Corp, e intentará desarmar el plan del siniestro Dr. Armstrong, cuyo objetivo es eliminar de la faz de la tierra a los padres. Una vez más, en las propias premisas, aun en su plan ligero, esta comedia animada destinada al público familiar, expone el contraste entre el deber ser y lo políticamente correcto. El punto más alto de un entretenimiento, en el que el echarse en cara a generaciones parece ser sólo el objetivo, de manera cómplice en la sala, y puede despertar carcajadas, es rápidamente olvidado, tejiendo una vez más viejas narraciones y perdiendo la posibilidad de construir una secuela superadora. A los pocos minutos de iniciado el relato, se percibe la pérdida del halo nostálgico que su predecesora poseía, y que en el guiño a Baby Herman, pero también a Looney Tunes, anclaba la gracia de su historia en el recuerdo de algo que se añoraba y en la frescura con la que se presentaba a Ted como un hábil empresario. En Un jefe en pañales 2: Negocios en familia no hay evolución de los personajes, más allá que el cambio de cuerpo y el crecimiento, sea la manera con la que McGrath y equipo entienda que esta historia debía continuar y con esta forma, no se logra la atracción a la pantalla y menos, a los personajes. En vez de revisitar el universo, lo subvierte, pero sin gracia, y en donde el chiste del bebé con talentos para gerenciar, ya llega gastado, principalmente, porque una serie televisiva continuó con el personaje, profundizando en sus virtudes, sin exigirle mucho más que alguna morisqueta y risa.
Ni con los avances tecnológicos recupera el mito En esta nueva era, la película sólo sirve para exponer el poderío del estudio productor como una gran publicidad desabrida y sin gracia. Con algunas comedias en su haber, y un parentesco con Spike Lee, Malcom D. Lee es el encargado de recuperar la saga que cruzó animación, personajes clásicos, y el básquet, hace más de 20 años. Sale Michael Jordan y entra Lebron James para acompañar a los clásicos Looney Toones en una nueva vuelta de tuerca al match espacial que podría definir el futuro del mundo. En este caso, el basquetbolista en cuestión debe lidiar con su hijo adolescente, quien se las ingenió para especializarse en un videojuego con características muy similares a la del juego del que su padre es una estrella y en el que, caprichosamente, y sin mucha explicación, terminarán dentro lidiando con un siniestro villano de turno, encarnado por Don Cheadle, quien exigirá que para salir de ese espacio virtual deban batirse a duelo en una partida, para la cual los “humanos” contarán con la ayuda de los entrañables personajes animados. Allí están todos, o casi, los cancelados recientemente por Hollywood brillan por su ausencia, como también las ideas para lograr un relato original dentro de los parámetros que establecía la predecesora. Entonces la película en vez de lanzar nuevas líneas argumentales, recupera casi de manera calcada, la necesidad de generar una dupla entre jugador/caricaturas, para así viabilizar su narrativa, la que, además, y excesivamente, apunta a valerse del universo de los estudios Warner, toda su sinergia, para promocionar y publicitar sus productos previos y venideros. Que Space Jam: Una nueva era (Space Jam: A New Legacy, 2021) llegue a días del arribo a la región de la plataforma HBO MAX, tampoco es casualidad, convirtiendo a la película, en un eterno y aburridísimo aviso publicitario que carece de la originalidad y la gracia de su predecesora, la que, aun en sus limitaciones tecnológicas, en comparación, termina saliendo victoriosa al contrastarla con esta copia burda y sin sentido. Algunos gags, humor, pero también mucha, mucha publicidad, terminan debilitando una propuesta que bien podría haberse valido de la nostalgia por la original y los icónicos personajes, pero tal como el villano de turno, Al G. Ritmo, Malcom D. Lee, sólo se puso a responder a los intereses de una industria que expulsa las ideas y pretende ir siempre a la zona de confort de lo probado, el éxito garantizado, sin darse el permiso para explorar nuevas opciones ante franquicias que tienen un lugar en el corazón de los fanáticos, a quienes, una vez más, termina por defraudar.
Con un falso mensaje integrador, esta nueva entrega, centrada en el día de la purga que ha forjado una de las sagas más queridas y elegidas por el público, traslada su acción hacia la frontera entre Estados Unidos y México en donde una pareja de inmigrantes verá cómo el odio contenido de un pueblo que aún exige para sí mismo todos los beneficios convertirá su vida en una pesadilla. Ana de la Reguera una vez más al frente de la acción en una película olvidable.
En la España de los años setenta, una joven con aspirante a triunfar en la televisión sufre en carne propia el siniestro mecanismo de censura franquista, en donde las melodías de una cantante llamada Bárbara, y sus exóticos bailes, son objeto de disputa. Mientras se enamora y desamora, la película homenajea a una de las grandes de la canción mundial recientemente fallecida, Rafaella Carrá, con inventiva, emoción, y, principalmente, un conocimiento profundo sobre el género.
Un trabajo de acompañamientos y anhelos, de sueños y de deseos, que lamentablemente, a la distancia, terminan por construir una desesperanzadora radiografía sobre la vida en la región, un espacio que aniquila a sus habitantes y aspiraciones.
Catherine Deneuve y Juliette Binoche son madre e hija con reclamos en la ficción Una película donde ficción y realidad se mezclan, donde el paso del tiempo es un aditamento más a los conflictos presentados, y en donde la esencia de la actuación se transforma en la verdad. En un momento de La Verdad (La vérité, 2019), la cámara de su director, Hirokazu Koreeda (Somos una familia), se reposa en el escritorio del personaje central, Fabienne Dangevile (Catherine Deneuve), lo recorre, describe sus muebles con la lente, sus paredes, y en una de ellas el afiche enmarcado de una película, The Belle of París, nos hace dudar acerca de la verdad del relato, una película de cine, sobre cine, con una madre que priorizó su carrera artística, desatendió sus vínculos y, principalmente, no acompañó a una colega, un fantasma que la sigue acechando, en un momento transcendental de su vida, en donde el paso del tiempo y las nuevas generaciones vienen amenazando su futuro. Son muchas las películas que toman al universo del cine para apropiárselo y narrar otras historias, pero, en el caso de La Verdad, hay un adicional que tiene a Deneuve como eje del relato e ícono del cine, y ese afiche remitiendo a una de sus máximas interpretaciones en Belle de jour (1966), no hacen otra cosa que transformar el metadiscurso en la verdad de la película, y en la que la publicación de las memorias de Fabienne, es la excusa perfecta para que su hija Lumir (Juliette Binoche), junto a su familia (Ethan Hawke, Clémentine Grenier) viajen a París a visitarla. Claro está que a los pocos minutos de realizado el reencuentro, los conflictos aflorarán, y más aún cuando Lumier lea el libro de Fabienne, un relato sobre su vida con muchas licencias, y más ficción que autobiografía. Desde ese punto, la película convierte ese encuentro en el alimento para que el cine, sea por las anécdotas del libro, las entrevistas que Fabienne de a la prensa especializada, o su retorno a la pantalla en una producción en la que deberá compartir escena con una joven actriz (Manon Clavel) a la que todos la comparan con esa amiga a quien no ayudó y terminó muerta en una playa, sea el principal vector del relato. Pero también hay espacio para ideas sobre la familia, el amor, la pareja, los hijos, la vocación, el esfuerzo, tópicos que ingresan para potenciar el relato y el duelo entre Deneuve y Binoche, las que, en sus respectivos roles, permiten, además, volver a disfrutarlas haciendo lo que mejor saben hacer, deslumbrar interpretativamente. La reflexión sobre el momento actual del cine, en donde las plataformas impulsan figuras como estrellas, incluyendo a su yerno (Hawke), “cualquiera puede ser actor en una serie”, dispara Fabienne, o sobre el rol del actor, como cuando Lumir le reclama a su madre el no contar la verdad en el libro que acaba de editar, “soy actriz, no voy a contar la verdad”, son algunos de los puntos más altos de esta entrañable historia potente y sólida, disfrutable de principio a fin.
Scarlett Johansson y Florence Pugh enfrentan al patriarcado En diálogo con temas actuales y asuntos de género, la nueva película de Marvel es una metáfora de la mujer escapando/enfrentando/cambiando al sistema opresivo y normativo patriarcal. En una de las primeras escenas de Black Widow (2021) conoceremos a unas jóvenes Natasha y Yelena, protagonistas del relato, transitando un apacible verano en Ohio, Estados Unidos, en 1985. Junto a sus tutores (David Harbour/Rachel Weisz) conforman un círculo pequeño de apoyo, pero que rápidamente es destruido al tener que abandonar el lugar y regresar a su verdadero hábitat, en donde el núcleo será disuelto. Cate Shoreland (Lore) decide con esta intro humanizar a sus personajes centrales, convirtiendo a la película en una de las primeras en donde la familia es esencial para superar cualquier obstáculo presentado, aun cuando luego el relato decida desplegar un arsenal narrativo que no impugna lo presentado, al contrario, potencia sus ideas, ofreciendo pirotecnia audiovisual al servicio de la historia. También en un momento de esa primera escena, y ante un accidente, Melina (Weisz) le dice a Yelena joven, “eres una muchacha valiente, el dolor te hace fuerte”, algo así como la reinvención de ese dogma absurdo de “los muchachos no lloran”, subrayando, una vez más, aquello que luego devendrá con las protagonistas ya adultas, mujeres “fuertes” que arrasarán con los hombres. El nudo de la película es “La habitación roja”, una organización que mantiene, cual secta, a miles de jóvenes mujeres en todo el mundo, “hipnotizadas”, entrenándolas bajo una estricta rutina, transformándoles en viudas negras, asesinas de sangre fría, que hacen TODO lo que se les solicita en pos del beneficio de su líder, el siniestro Dreykove (Ray Winstone). Pero cuando Yelena (Florence Pugh) es liberada del “hechizo” que la mantenía cumpliendo órdenes, y descubre una poción que podría liberar a todas las viudas negras del mundo, y salir de ese régimen autoritario que las mantiene anestesiadas, sumisas, y dedicadas únicamente al perfeccionamiento de sus habilidades mortales, la aventura que la pantalla ofrece, tendrá un plus adicional, el de permitirse transgredir, de alguna manera, las leyes del género “películas de superhéroes” para adentrarse en una discusión políticamente correcta sobre el rol de la mujer en la sociedad, dentro y fuera de la pantalla. Ese espacio conocido como habitación roja, bien podría ser visto, y no metafóricamente, como la opresión masculina durante años, y en donde mujeres como Natasha (Johansson) o Yelena, ya no quieren habitar, deseando continuar con sus vidas y sueños, pero desde un lugar que respete sus vidas y sus intereses. “Esa tiene fuego en su interior” dice uno de los soldados que recibe a Natasha en su vuelta a la habitación roja, ese fuego es la pasión de la que Johansson se agarra para llevar adelante la tarea de esta primera película en solitario del personaje, una de espías y fugitivos, internacional, en donde salir de la “secta” es el impulso principal para sus acciones, pero también el evadir a Thunderbolt Ross (William Hurt), su eterno perseguidor, al igual que tratar de comprender, qué ha pasado con la disolución de los Avengers y cuál podría ser su rol en un nuevo intento de aunarlos. La pirotecnia visual, acompañada de humor, y reflexiones que tienen que ver, por ejemplo, con las poses que Natasha asume en cada lucha y contienda, convierten a Black Widow en la película más feminista del MCU, y aun en sus trazos gruesos, estereotipos, y frases de manual (“antes no tenía control sobre mi vida y ahora sí”), el espectáculo permite una reflexión en los espectadores, los que, ante tanto panfleto y oportunismo, recibirán esta película como una lograda aceptación de la industria del cine de girar el volante que la guía, al menos, hacia otro lugar, apoyándose, además, en potentes interpretaciones, como la de la joven Pugh en el papel de Yelena.
Hombre gris. Harto de la rutina. Embebido en sus propias miserias, se transforma en una máquina de matar. Este planteo lo vimos muchas veces. Muchas. Lo diferente, aparentemente, es su desborde y exceso en las escenas más violentas. Ni un ápice de originalidad corona esta propuesta estruendosa, que sólo apela a la empatía con un personaje al que deberíamos acompañar en su nueva vida.
Alejandra Marino (Hacer la vida) vuelve a la pantalla grande dirigiendo una mirada precisa sobre la justicia en el país a partir de la desesperada búsqueda de un niño por parte de su madre (Paula Carruega). El relato transita la difícil tarea emprendida por la mujer en una narración que mixtura géneros para un relato que vibra al compás de los pasos de la protagonista, en una historia valiente y necesaria.
