Fallida propuesta de apocalíptica situación en la que un hombre debe asumir la inevitabilidad de la muerte en manos de un grupo de inadaptados que desean terminar con todo. La propuesta no logra transmitir emoción y reitera muchos planos y situaciones vistas en este tipo particular de films, y en Argentina (“Los Olvidados”).
Master en paternidad Los adoptantes (2019), realizada por el director de arte Daniel Gimelberg (El último Elvis), posee la virtud de construir un relato desprejuiciado acerca de un tema sensible como la adopción, sumando un código en clave comedia que potencia la naturalidad con la que se lleva adelante la relación de los protagonistas y la narración. La propuesta, que desarrolla las idas y venidas en una pareja interpretada por Diego Gentile y Rafael Spregelburd, derriba, por primera vez, censuras autoimpuestas en el cine argentino mainstream, por definirlo de alguna manera, sobre la representación del amor entre hombres y aquellos estereotipos a los que se debería ajustar siendo gays los protagonistas. Si en los años ochenta Otra historia de amor (1986) o Adiós Roberto (1985) acercaban una imagen lavada, alejada de la realidad LGBT, acá la abierta pareja que además desea adoptar un hijo para ampliar su vínculo, responde a un modelo que suma status social, dinero, y roles que en otros momentos serían impensados para los personajes. La pareja tiene sexo, se busca, se desea, se ama, con la misma intensidad que pelean, gritan y transitan sus vidas personales luchando por sus sueños e ideales. El quiebre principal de la propuesta es la construcción precisa y detallada de cada rol, los que, sin prejuicios, avanzan con un contraste día/noche para sumar dinamismo al film. Martín (Gentile) es un exitoso conductor de televisión, con una exposición muy grande, que se encuentra en el momento clave de su carrera, mientras que Leonardo (Spregelburd) se encarga de llevar adelante las tareas rurales en un campo de su propiedad. Durante el día cada uno se dedica a lo suyo, mientras que por las noches la cena es el lugar para debatir sus deseos y anhelos profundos. Cuando el tema de adoptar a un hijo comienza a circular entre ellos, no sólo las diferencias aflorarán, sino que la participación de familiares, amigos y algunos entrometidos complicarán todo, otorgándole a Los adoptantes la posibilidad de jugar con el vodevil, el humor físico y hasta el gag que refuerzan, desde lo simple del humor, su mensaje integrador. Algunos agregados, como personajes que están a la “pesca” del éxito de Martín (Florencia Peña), el empleado que desea conseguir más en su trabajo (Guillermo Arengo), el jefe que busca explotar el costado más mediático de Martín (Agustín Radagast), la hermana conflictuada y conflictiva (Valeria Lois), la madre que no quiere compromisos (Soledad Silveyra), componen obstáculos y posibilidades para continuar el relato. Mención especial a la dirección de arte de Romina Del Prete, quien construye el universo de la pareja sin medios tonos, con una plástica estridente que acompaña el ánimo de los protagonistas y un cuidado en detalles que posibilitan un nivel de verosimilitud de la historia aún mayor. Los adoptantes transita el humor con mensajes sobre la diversidad como hasta ahora no se había trabajado, buceando en la comedia más popular, para, justamente, amplificar la llegada de su discurso, el que, por momentos deja el costado más gracioso, invitando a reflexionar sobre un tema que ha sido motivo de discusión y lo seguirá siendo, la adopción.
Un juego macabro entre hermanos. Una propiedad que inspira los más oscuros instintos y que los realizadores logran, con potencia y solvencia, crear el espacio propicio para desnudar situaciones extremas en torno al dinero y los vínculos.
Con momentos logrados visualmente, y un Ewan McGregor que cumple, el relato se pierde entre el querer ser otra cosa y despegarse de su predecesora, de la que inevitablente termina, en su último tramo, por homenajear hasta la copia. A Mike Flanagan le quedó grande el traje.
Daiana Rosenfeld regresa al cine con una historia de un viaje personalísimo a lo más profundo de las emociones humanas, conectándose con una mujer llamada Fedra y sus experiencias ancestrales. El resultado es una película morosa que será de interés sólo por aquellos interesados en su propuesta.
El realizador Joaquín Pedretti recupera el mito del legendario santo pagano reubicándolo en el contexto de una narración que apela al realismo mágico para bucear en la identidad e idiosincrasia local. El resultado, un viaje exótico y subyugante que revaloriza el folclore autóctono y la cultura popular.
Cuando nos preguntamos cómo el cine argentino ha reflejado el neoliberalismo en la ópera prima de Emiliano Serra, tenemos una respuesta concreta a partir del relato de la vida de un joven (Tomás Raimonidi) que comienza a trabajar en el Correo Argentino, en medio de la crisis que desembocó en exceso de privatizaciones y aumento del sector privado, como así también en la mecanización de procesos y el estallido de 2001. Potente propuesta que tuvo su estreno en el 21 BAFICI y luego transitó un largo recorrido por festivales y muestras hasta su llegada a los cines.
Ezequiel Yanco bucea en el derrotero que desde tiempos inmemoriales ha tomado el lema "civilización o barbarie" a ultranza y que aún hoy en día continúa diezmando identidades. En acompañar la rutina de niños y adolescente, que mantienen vivas sus costumbres, se narra parte de la continua conquista local.
Una de las experiencias cinematográficas del año. Una película que sorprende con su terror "de día". Un grupo de jóvenes se introducen en un universo del que será imposible salir, en un relato que desentraña las miserias más humanas. Ari Aster nuevamente propone un juego imposible de evadir, en una película que trasciende el género con su mirada única sobre vínculos, instituciones y creencias.
Mujer escindida En su regreso al cine, la directora Paula de Luque (El vestido, Juan y Eva) propone con La forma de las horas (2019) un viaje hacia la mente de Ana (Julieta Dìaz), una escritora, que pelea con sus recuerdos, su presente, su futuro, confluyendo todo en un mismo tiempo, que por momentos no es el de la película, sino que es el de la separación que está atravesando y que da cuenta el relato en sus múltiples líneas con las que juega. Hay muchas películas de amor, pero también muchas más de desamor, y esta es de los dos tipos y ninguno, porque curiosamente la propuesta de la directora en esta oportunidad es la de transitar en un mismo tiempo narrativo los encuentros y desencuentros entre la protagonista, su ¿ex? (Jean Pierre Noher), su nueva vida, con ella misma y aquello que deja atrás, mientras se encarga de vaciar una casa compartida y hacer inventarios. En apariencia esa sería la “sinopsis”, pero la película comienza a transitar espacios asociados a la psicología del personaje protagónico, que terminan de configurar un derrotero narrativo en el que el espectador, con inteligencia, deberá posicionarse ante los hechos presentados en las escenas y reconfigurar el relato. Ana es una y es tres, o es más, pero siempre se la muestra desarrollando sus tareas con lo mejor que tiene a su alcance. Mientras está con su computadora trabajando, otra Ana baila en la arena, otra se zambulle en la pileta y otra guarda viejos trastos en una caja, ¿o son otras personas? En ese multiplicar, en ver una y otra vez desde diferentes puntos de vista los hechos y en el jugar con la banda sonora, que hábilmente construye climas y atmósferas propicias para el enigma del film, La forma de las horas se propone como un estilizado y armónico ejercicio cinematográfico que evita llegar a lugares emocionales de los personajes cayendo en estereotipos o subrayados. Este punto, más la revalorización de la mujer como sujeto deseante, destacan en la propuesta. La forma de las horas comienza, y avanza, pero también concluye una y mil veces, apoyada en un guion cíclico que refleja cual espejo las aristas que desarrolla. Julieta Dìaz logra componer a esta mujer que debe tomar decisiones y avanzar, a pesar de sus dudas y sus idas y venidas, con un oficio y precisión únicos. A cara lavada se enfrenta a la cámara, valiente, frágil, fuerte y desnuda, sin estridencias, transmite cada uno de los estados por los que Ana atraviesa con profesionalismo y naturalidad. Paula de Luque la filma en interiores y exteriores jugando con la cámara, la casa es un actor más del relato, y también el objeto que impulsa a transitar las horas a todos. A los bellos travellings (lineales y circulares) que se utilizan, el nerviosismo de algunas tomas, que transmiten la sensación de espiar y acompañar a Ana todo el tiempo, se suma una cuidada fotografía que reposiciona la imagen en aquellos momentos en los que el drama de la historia gana espacio, traduciéndose en escenas de una belleza única, que contrastan con el dolor que atraviesa la protagonista y que terminan por convertir a la película en una historia que, sin panfletos, logra dialogar con la agenda de género actual, desarrollando su propia mirada sobre las separaciones y reivindicando a la mujer desde sus más profundos deseos y sentimientos.