“Ojos de Arena” es una película tan actual y pertinente, hablándonos con marcado lirismo acerca de emociones tan a flor de piel como lo son encrucijadas afectivas y deseos contenidos, dolores prolongados y causalidades del destino que unen a dos parejas de padres con un motivo en común. El tiempo cronológico que transcurre y se escapa “como arena entre los dedos” sirve como declaración metafórica que emplaza este film bajo un cariz poético, ahondando en climas atravesados por vínculos rotos y panoramas desconcertantes. Técnicmente lograda y bajo el formato de thriller dramático, un guión escrito por la directora Alejandra Marino -a dúo junto a Marcela Marcolini- nos habla acerca de la consecuencia de la trata de personas y de la toma de conciencia que este tipo de sensibles temáticas requiere en el ojo de cada espectador. Este dilema de profundo trasfondo psicológico, siembra pistas a lo largo de la incesante pesquisa que establecen los protagonistas del relato, activando una trama rica en matices simbólicos: el cambio de paisaje que muta de lo urbano a lo rural, espeja la reconstrucción del vínculo de pareja, acaso, la desaparición que afrontan ambos explora la culpabilidad y los riesgos de un hecho nos atañe en lo social: la soledad ante el aparto judicial nos llevará a empatizar íntimamente. En la motivación en común de la búsqueda por descubrir la verdad se resguarda el valor intuitivo que hace frente a aquellos miedos que suelen paralizarnos, ante el desasosiego de una pérdida que pareciera irreversible. Sin morbo ni golpes bajos en lo emotivo, que victimicen en el cliché a sus criaturas, la justicia moral que la directora ejerce para con ellos -ante el desamparo del aparato que debería protegerlos- nos ilustra acerca de su gran pulso narrativo y su fina concepción cinematográfica.
El director Sebastián Muro parte de una idea tomada como primigenio ejercicio académico, transformando la experiencia lúdica en un suceso revelador que contará una historia personal y, través de la cual, establecerá un diálogo paterno-filial en un tono íntimo que jamás antes se había materializado entre ambos. De esta forma, el relato de episodios cotidianos muta en un sanador saldo de cuenta pendientes entre ambos, y este retrato de intimidad en situaciones personales cobra un hondo matiz. El personaje de Rafa, en sus quehaceres diarios, otorga un sello de liviandad a semejante caudal emocional con su excéntrica personalidad, al tiempo que ciertos patrones familiares se nos revelan en esta radiografía cronológica que recurre a la digitalización del archivo genealógico, consistente de registros en fílmico, super 8 y VHS familiares. El cine, en su eterna quimera como motor de búsqueda identitaria y resignificando su naturaleza en la mirada autoral, se adivina aquí como puente para el vínculo indestructible que una al cineasta y su objeto de observación.
La fenomenal “Pequeños Secretos” nos interpela como espectadores llevándonos a cuestionarnos si existe, en definitiva, una clara línea divisoria entre el bien y el mal. Esta indagación moral sobre la condición humana, que se centra en una investigación policial y en el cauce de las vidas privadas de los oficiales de la ley que llevan a cabo dicha pesquisa, nos arroja una considerable cantidad de preguntas sin respuestas. La hondura psicológica que ofrece la nueva película de John Lee Hancock nos remite a abordajes similares que el género ha realizado con anterioridad, como la imprescindible “Pecados Capitales”. En el presente film, conoceremos el modus operandi de un escurridizo asesino (¿uno o más?), también la incertidumbre que se posa sobre una serie de víctimas desaparecidas y masacradas. Por momentos la duda gravita sobre un asesino aún no identificado que replica a serial killers de antología. En este punto, cabe mencionar que la atención que cada guiño merece sembrará las claves que resuelvan (o no) la incógnita final. En “Pequeños Secretos” ningún plano desestima su valor simbólico ni ninguna línea de diálogo del guion prescinde de información que el espectador deberá codificar, exigiendo al máximo su atención. Pistas se nos revelarán en forma de guantes, maleteros, kilometrajes, llamadas misteriosas, objetos punzantes, latas vacías, botas, cruces, autos misteriosos y un sinfín de elementos íntimos como prueba del crimen. Sabremos también, que no hay acusación posible sin cuerpo de delito ni evidencia que no pueda ser plantada (o bala por accidente disparada luego desaparecida por arte de magia). En los pliegues de la historia se desliza la ambigüedad permanente, sin jamás abandonar su tono crítico hacia el abuso de poder de las fuerzas policiales, en franca directriz a una de las instituciones más cuestionadas de Estados Unidos, reescribiendo la típica historia policial de héroes y villanos enfrentados bajo los más previsibles antagonismos. Si se quiere, también, trama un pormenorizado replanteo argumental sobre las típicas películas buddy-movies: la dupla despareja de policía veterano versus novato que forman los personajes de Washington y Malek dista completamente del canon instituido por años. Las carreras y vidas familiares espejadas hasta la más llamativa coincidencia, entre uno y otro, no hacen más que confirmarnos la riqueza de detalles que pueblan un diseño de caracteres de perfecto acabado y en peligrosa sincronía. Veterano y especie en extinción de Hollywood, la artesanía de un director como John Lee Hancock, responsable de obras como “El Sueño de Walt” y “El Álamo”, remite al corte clásico de un Clint Eastwood y nos prueba la inteligencia de un thriller orquestado como una precisa pieza de relojería. Sobre su figura recae la responsabilidad de que el film jamás defraude. Recurriendo a los diálogos elaborados, aquí ninguna pista se verá librada al azar. Su conclusión no da respuestas tranquilizadoras ni conciliadoras, aspecto que nos habla de un final anti-convencional para lo que suele ofrecer la industria. Epílogo a un laberintico desarrollo argumental que al Hollywood del nuevo milenio parece ya no importarle. El acompañamiento musical no resulta un simbolismo menor. Canciones melódicas de la época conforman la banda sonora y parecen filtrarse con absoluta gracia en ambientes tan claustrofóbicos y macabros; también en tensas persecuciones tomando la carretera o haciendo de nuestro ánimo un puñado de nervios, testigos de los clásicos embotellamientos de tránsito en la siempre bulliciosa y colorida L.A.. Magnífica en sus rubros técnicos, vestuario y escenografía, laboriosos emplazamientos nos legan esta precisa adaptación de época, sobre una historia que el propio Hancock escribiera hace casi treinta años. Conozcan al mito, al hombre y la leyenda. Tan grato resulta ver nuevamente a Denzel (pasaron tres años de ausencia en pantalla luego de “El Justiciero”), arriesgándose a un producto poco convencional. El eterno magnetismo del oscarizado intérprete afroamericano muta bajo la forma de un lenguaje corporal de inusual tono sombrío. ¿Cuánto esconde y deja ver realmente el personaje de Denzel? Lejos de su habitual retrato del policía seguro de sí mismo y en control total de la situación, observamos capas de profundidad bajo la aparente calma: tras su máscara, los fantasmas y el andar cansino de un ser atrapado en su pasado asoman amenzantes, también su conexión paranormal como prueba de su inclaudicable obsesión. La gloriosa escena en la sala de interrogaciones paga la entrada. El peso de cuatro Premios Oscar se hace sentir (dos de Washington, uno de Malek y uno de Leto) rubrica una Masterclass de actuación e improvisación. Otorgando tiempo de lucimiento a sus más jóvenes estrellas, el film confronta la transformación física del siempre inmenso Jared Leto con la intensidad gestual del cada vez más sorprendente Rami Malek. Del primero, nos asombra su perversidad sin límites. Del segundo, empatizaremos con su grado de obsesión y compenetración a fin de desentrañar el misterio. Mientras la incógnita habita reinante en la tierra angelina, la eminente cuestión acerca de la fe y la maldad humana atraviesan tangencialmente el relato. A lo largo de sus dos horas de metraje, “Pequeños Secretos” nos agobiará con su atmósfera inquietante, adentrándose en la psicología de tres seres lúgubres bajo una fórmula probada: nadie es lo que aparenta ni nos conforma la posibilidad de aquel que dice realmente ser. Aún escudriñando el rostro de Leto y su enésimo tic gestual no sabremos, en el fondo, si nos encontramos frente a un fanático del culto de Helter Skelter (observamos un ejemplar guardado en su biblioteca), quien no es más que un psicópata que juega con los nervios de la cúpula policial. En un momento, el personaje del siempre inconmensurable Denzel dice: <<Son los pequeños detalles los que te atrapan>>: podría referirse tanto al criminal atrapado en su coartada como a nosotros espectadores, atrapados en tamaña intriga. Un seductor tour-de-forcé actoral nos provocará un cautivante desasosiego, para este auténtico juego de gato y ratón que posee el infrecuente acierto de no otorgar a su historia ninguna vuelta de tuerca de más, sabiendo que será la audiencia quien deba colocar las piezas del rompecabezas en el lugar indicado. Relato profano que recuerda también a la sordidez en su máxima expresión, presente en relatos cinematográficos previos como “Nightcrawler” y “La Dalia Negra”, la cosmopolita ciudad californiana aquí es dimensionada en su más profunda oscuridad. No hay ángeles en la ciudad de Los Ángeles.
Revelándose como una pequeña gran historia que nos narra un vínculo familiar conflictivo entre padre e hija, “Una Casa Lejos” representa el debut de Mayra Bottero en el terreno ficcional, colocando la duda sobre la supuesta maldad inherente en el ser humano y nuestra siempre superadora capacidad de desconfiar de todo semejante, incluso sensibilizado el juicio de valor por el vínculo cercano. ¿Creeremos en las buenas intenciones de su protagonista principal? ¿O es que este hombre de la tercera edad persigue otras motivaciones sobre la joven a quien protege? En las relaciones interpersonales que narra y la motivación argumental central, favorece al resultado final del film el verosímil de una historia que se atañe a un realismo que no apela a ciertos relatos de dolor ya transitados por nuestro cine. Su autora nos deja en claro que la fuerza movilizadora de todo sentimiento genuinamente altruista resulta, a la postre, el principal motor de este ejercicio audiovisual. Un elenco de profesionales desconocidos al mainstream, provenientes del teatro independiente y la publicidad para TV, dan vida a esta inteligente formulación sobre el concepto de solidaridad, una fábula familiar hábil para trabajar el equilibrio dramático en la soledad intrínseca que habita a sus seres, así como la emoción exacerbada que requiere el melodrama, un género a veces subestimado pero siempre efectivo. El arco dramático de la historia escapa de los lugares comunes mientras nos visibiliza a personajes que dudan y se encuentran unos a otros; desnudando su esencia de íntegra nobleza. Solventada en la abundancia de diálogos y acompañada por una cámara que prefiere utilizar planos largos, “Una Casa Lejos” contrapone sueños de liberación y poco agradables descubrimientos a buenas intenciones ocultas y secretos planes que saldrán a la luz.
Nos encontramos frente a una valiente película que nos muestra la desintegración que ocurre en la vida de una profesora de sociología universitaria a partir de un hecho traumático que atraviesa. Bajo esta premisa argumental, “Un Crimen Común” resulta un film comprometido, que nos habla acerca de las víctimas inocentes acaecidas por las fuerzas represivas del estado y que, al posicionarse sobre el rol que cumple la protagonista -en el desenlace de los hechos en los cuales accidentalmente se ve inmersa-, nos lleva a indagar sobre como cualquier individuo podría éticamente transitar lo delicado del caso, una vez que un acto criminal deja ser de un hecho noticioso para invadir el territorio de lo real y cotidiano. La película nos coloca, invariablemente, en la piel de la protagonista y su entorno degradado. Un profesional instruido y con formación académica, con quien empatizamos en su estado anímico alienado. El espacio laberíntico en el que se mueve, como clara alegoría, nos presenta su interior resquebrajado, pleno de dilemas morales. Dentro de sus profundas capas de análisis, “Un Crimen Común” nos permite reflexionar acerca de la crueldad de aquellos que detentan el poder, también de la condena que implica vivir en lo indigno para las clases más desfavorecidas. Con gran acierto, interpela desde el dolor sin juzgar, sino involucrándonos intelectualmente para generar un pensamiento bienhechor. Indagando en nosotros espectadores, en lo colectivo e individual, como mecanismo fílmico de discurso abierto que presenta ciertas fisuras sociales en donde el problema se verbaliza, podemos apreciar las delicadas connotaciones que la trama propone. Mixturando el uso de actores y actrices no profesionales, muestra un abordaje sensible a la historia, al tiempo que nos alerta acerca del abuso de poder que visibiliza grietas sociales como factor naturalizado. Conceptual y estéticamente, es interesante el trabajo que se hace desde el uso del lenguaje fílmico: desde lo minimalista lo sutil, destaca la fina artesanía en donde el trabajo sonoro y visual se complementa para la construcción del sentido. En tal dirección, resulta interesante observar como operan los simbolismos y el uso del espacio como medio narrativo y su fin expresivo, faceta que enriquece la propuesta. Su director, Francisco Márquez, realiza una inteligente tarea, prefiriendo la construcción de un sentido desde una mirada cercana, íntima e invasiva, como forma honesta de comprometerse con el conflicto que plantea. Lo común que refiere el título llama nuestra atención: la poca trascendencia y la acepción que alude a la normalidad de estos casos agrava la elocuencia de cifras alarmantes cuando la injusticia social está sostenida por instituciones corruptas.
Apoyado por el instituto de cine de Misiones, esta película cuenta la trágica historia de este aguerrido guardaparque, inmerso en un triángulo de celos que tiene lugar en el calor de la selva. Filmada en locaciones naturales y protagonizada por Pablo Echarri y Mora Recalde, “El Silencio del Cazador” nos habla de cazadores furtivos y pasiones humanas, en donde la escalada de violencia en la que se verán envueltos los protagonistas representa el síntoma de una sociedad que porta conflictos ancestrales. Partiendo de un proceso de investigación en el lugar que demandó años, “El Silencio del Cazador” destaca en la habilidad por mixturar los elementos del género thriller y western. Martín Desalvo denota una notable capacidad para utilizar a los mismos en función de trabajar una problemática social y humana real y concreta. El realizador de “Unidad XV” apuesta a la heterogeneidad de registros dramáticos para contar una película atrapante sin quitarle importancia a la preocupación ecológica por los animales autóctonos, proveyendo una mirada a la ecología desde una verdad despojada de liviandades. Acaso también busca posicionarse como una válida película testimonial, denunciando el peligro de extinción del yaguareté de la selva misionera. La aparición en escena del mítico animal, constituirá una metáfora particularmente llamativa como disparador argumental de estas rivalidades sosegadas, buscando el autor una verdad consecuente y comprometida y visibilizando el impacto en los pobladores de allí, fresco social que otorga al film un fuerte sesgo documental.
Nos trae la historia de un violador serial que cometió delitos impunemente mientras aparentaba ser un padre y esposo ejemplar. La película involucra un largo proceso de investigación, escritura y planificación que llevó cinco años al director Moroco Colman para ver plasmada en esta propuesta. “La Noche más Larga” lleva al presente un caso real ocurrido en el pasado, entre los años 1985 y 2004, cuando Marcelo Sajen cometió 93 ataques sexuales. Se cree que la lista de víctimas es de más del doble, ya que es usual que las mujeres no se animen a hacer la denuncia. Las víctimas, estudiantes muy jóvenes, eran raptadas en la vía pública. La película se estrenó mundialmente en el Festival Internacional de Oldenburg en la Competencia Internacional y la filmación se llevó a cabo en los escenarios reales donde sucedieron los hechos. Aclarando la historia de lo ocurrido, pone en presente una situación que abre el debate y provee información acerca de los hechos. La brutalidad evidente en el tratamiento explícito con el que se muestran los hechos nos ayuda a tomar conciencia. Reflexionamos acerca de los monstruos que crea la sociedad y la proliferación de este tipo de aberraciones que hablan de las estructuras arraigadas y síntomas de una sociedad machista y patriarcal. Con respecto a la estética del film elegida para visibilizar tan crudo relato, destaca una iluminación que se relaciona claramente con el claroscuro del expresionismo alemán, que busca ambientar el relato y resonar en esta atmósfera oscura y lúgubre que habita en las zonas ocultas donde opera criminalmente el personaje. Válida a la hora de revisar valores, mostrar la necesidad del cambio y la existencia de una justicia que se haga cargo y que no ignore ni abandone a esas mujeres, “La Noche más Larga” se nutre de un notable elenco (liderado por Daniel Aráoz, en la piel del infame atacante) capaz de interpretar este complejo drama verídico.
El detrás de un artista de música popular contado con poesía y sensibilidad, por recobrar antiguas pasiones olvidadas. ¿Que hacer creativamente cuando se logró todo? Ese recorte artístico es el que recupera la película: el proceso interno que atraviesa un artista para reencontrarse con su arte e inspiración para volver a cantar. Reflexionar sobre que le sucede a un artista sobre el escenario y en el contacto con el público, también indagar en su reverso, en el detrás de escena de aquello que no podemos ver. Las crisis en la madurez de una carrera musical, en donde un ídolo masivo se replantea si seguir o no con su trayectoria. “Bandido” visibiliza una historia de regresos y vuelta al ruedo luego del momento de gloria que parece haberse esfumado. Esas postales de ocaso que al cine le gusta tanto retratar, encontrando en ese crepúsculo un romanticismo que siempre deja abierta la posibilidad de un enésimo resurgir.
Retratando a este grupo de personas que lleva adelante una serie de talleres sobre la bio sustentabilidad, “Sintientes” cumple con creces la tarea que se preocupa de registrar. Un documental observacional de valioso testimonio, que intenta comprender como la manera de pensar de un grupo de personas se traslada a un pueblo invadido por factores externos del sistema que termina relegándolos. “Sintientes” nos lleva a repensar la vida en las grandes ciudades y el cambio de ciertas conductas que se torna necesario. Esta película, se estrena en el marco del Festival Internacional del Cine Ambiental, un espacio que surgió de la necesidad de ampliar las perspectivas culturales desde un enfoque social y comprometido hacia la problemática ambiental, a través de la imagen cinematográfica como medio sensibilizador. En estos cánones se inscribe el presente documental, un ejercicio de cine de autor que busca concientizar a través del mensaje. Nos lega el deseo de la transformación desde la política de estado que pueda garantizar determinadas condiciones de vida dignas.
Al cine le ha maravillado por siempre abordar la temática de las divas descartables. Desde el inolvidable y decadente personaje ficticio de Norma Desmond en “El Crepúsculo de los Dioses” y retratos descarnados más recientes como los de Annette Bening para “Conociendo a Julia” y “Las Estrellas de Cine Nunca Mueren”. En esta ocasión, el director patagónico Simón Franco toma el molde de las femme fatale clásicas de los años ’70. Para dar su mirada acerca del glamour perdido, una serie de fotogramas mentales que traen a nuestra memoria la nostalgia del cine dentro del cine, cobran vida para manifestarse acerca de la fragilidad femenina que sufre el paso del tiempo. Al frente del reparto y eje argumental, encontramos a la reconocida actriz, recientemente galardonada con el galardón a la trayectoria en los Premios Goya, quien se luciera en films ibéricos claves de los años ’80 como “Demonios en el Jardín” y “La Sala de las Muñecas” y llegara a trabajar a las órdenes de grandes como Pedro Almodóvar en “Carne Trémula” (1997) o Bigas Luna en “Lola” (1986). Con complejidad, y valiéndose del amplio abanico emocional que Molina es capaz de representar, “Charlotte” indaga, no sin cierta dosis de extravagancia, en la cronología propia que tan cruelmente la industria impone a la hora de desechar al olvido a sus otrora estrellas.