Desde los tiempos de la fundación de Hollywood, a mediados de los años ’10 del pasado siglo, como esquema solvente y con una clara orientación hacia el espectáculo, que reditúe en buenos negocios a la hora de colocar un producto en cartelera, la industria instauró el denominado ‘Star System’, un diagrama de contratación de actores y actrices a largo plazo, al que echaban mano las grandes majors (estudios de filmación) del momento. Bajo tales fines, se identificaba, con pretexto puramente comercial, a determinado intérprete con una película en particular, lo cual garantizaba el éxito de la misma y tipificaba cierto tipo de audiencia cautiva, para la que tal actor o actriz cobrara el valor de auténtica deidad. Definiendo la imagen del film de modo indisociable, había nacido el término estrella de cine. Las celebridades adoraban ver sus nombres escritos en la marquesina o sus relucientes siluetas ilustrar el póster publicitario de determinado film. Así es como, mal que le pese a la crítica especializada y a su corriente de Teoría de Autor -aquella que buscaba devolver, con honestidad, al director todo rol preponderante sobre los designios de cada obra-, a menudo la figura del realizador se veía empequeñecida al lado de las radiantes estrellas que protagonizaban los mismos. Esas estrellas que cimentaron el viejo latiguillo que, de boca en boca y generación tras generación, se esparció a través de millares de cinéfilos: ‘vamos a ver la última película de…’ Coloquemos, a continuación, el apellido de aquel galán o aquella diva que nos cautivara. Estrellas del celuloide, actores haciendo de sí mismos o cine dentro de cine para que podamos viajar con aquellos intérpretes, lo más profundo posible, a través de mundos extraordinarios. En palabras del especialista Edgar Morin, filósofo y sociólogo francés, <<las estrellas cimentaron el legado imaginario y colectivo de un territorio ficticio que nació con el fin de establecer una normativa funcional a las relaciones que contrajeron cada intérprete con las empresas bajo las cuales éstos trazaron ligazón comercial>>. Cabe aclarar, que el fenómeno no fue exclusivo a Hollywood y que, a la llegada del cine sonoro, incipientes industrias cinematográficas europeas (Francia, España, Italia) adoptaron los cánones genéricos del modelo. Así llegamos a “La Verdad”, el debut fuera de Oriente del director Hirokazu Koreeda, laureado, a nivel mundial, por su anterior obra “Shoplifters” (2018). La presente película nos cuenta la historia de Fabienne, una de las grandes estrellas del cine francés en franca decadencia, aunque su ego le permita mantenerse intacta en la admiración que despierta en su entorno. Sin embargo, a la publicación de las memorias de la actriz y a punto de interpretar un nuevo papel, su mundo interior se sacudirá dejando en evidencia la conflictiva relación que mantiene con su hija, así como las numerosas cuentas pendientes de dicho vínculo. “La Verdad” posee una poderosa matriz metatextual. Es cine que dialoga con su esencia, interpelando al espectador desde el título mismo. ¿Cuánto hay de verdad y autenticidad en el comportamiento de esta actriz, para quien la cámara parecería no apagarse nunca? ¿Qué hay de verdad en las líneas de un argumento que se pronuncian en boca de aquella actriz? ¿Qué hay de verdad en la ligazón emocional que despierta ese rol que se interpreta? ¡Qué hay de verdad en la vida real que refleja la ficción? O viceversa. Que hay de falible, de falaz, de embuste, de falacia y engaño. Allí, detrás del maquillaje, la identidad y la máscara. Y allí está la verdad que suponemos como tal y el instante en el que mundo interior de Fabianne que acaba por derrumbarse en pleno set: está rodando una ficción que recrea una relación conflictiva con su madre, que por esas razones extrañas de la ciencia ficción luce físicamente como una hija, más que como su progenitora. Y allí está Fabianne, en permanente pose, pero enamorada de su oficio y vocación, dice, sabiamente, que el cine no debería olvidar la poesía. Koreeda, condescendiente con su estrella, no deja detalle librado al azar e inunda al film de una serie de metáforas interesantes de discernir, que vinculan el comportamiento de sus falibles seres de carne y hueso a la conducta animal. Tramando una suerte de fábula, cuyos simbolismos se vertebrarán a través de múltiples interpretaciones, el desarrollo de la trama recurre, de modo llamativo, a diversos ejemplares de la variopinta fauna que puebla la cotidianeidad (real o imaginaria) de sus criaturas. Y allí está Deneuve, haciendo equilibrio con su propio narcicismo y jamás escatimando una gota de autoestima. Quien, con todo su esnobismo a cuestas, repite de memoria, en voz alta, los nombres de las grandes actrices de todos los tiempos que llevan la inicial repetida como un talismán de éxito. Pero, curiosamente, no nombra a Briggite Bardot. Y supera la enésima afrenta familiar para afirmar que continúa orgullosa de ser antes actriz que madre. Y allí está Binoche, radiante, sutil e intensa como siempre, haciéndole saber a la actriz que antes debería preocuparse, en realidad, por aprender el papel que indica la forma correcta de afrontar el deber de ser madre. Desde recreaciones de la ficción como “El Crepúsculo de los Dioses” (1950), “Fedora” (1978), “Conociendo a Julia” (2004) o “Las Estrellas de Cine Nunca Mueren” (2018), la historia del séptimo arte se ha poblado acerca de mitos intocables, leyendas vivientes, fenómenos fugaces o tragedias inexplicables que conforman ese enorme mosaico de estrellas, constituyentes en un pilar sobre el cual la gran pantalla testimonió parte de su profuso andar, tendiendo un puente imaginario que abraza tres siglos. Recreando grandezas y miserias de quienes, por derecho propio, marcaron el rumbo, iluminaron el camino y nos hipnotizaron con su magia, cada vez que la cámara se posó sobre sus siluetas. Divas o femme fatales, protagonistas o intérpretes de reparto, el mundo siempre gira alrededor de ellas, al menos durante un par de horas de proyección. Y aquí están Binoche y Deneuve, esperando nuestro aplauso de pie. Entendiendo la actuación como el oficio que nace desde la interiorización del ser, llega hacia lo más profundo de sí y se transforma en un personaje íntegro que deslumbra nuestro asombro, como un principio irrenunciable, nos dejamos llevar hacia mundos de ficción insondables, mimetizándonos con actores y actrices que nos maravillan a través de interminables viajes, de sumo placer y regocijo cinéfilo. Ser parte del acto interpretativo es visitar mundos de imaginación. Abandonar toda lógica posible y sumergirse en paradigmas de ficción, colocándonos bajo la piel de personajes que nos permiten vivenciar situaciones que en nuestra vida cotidiana no atravesaríamos jamás. Una gran actuación nos convida de aquella magia intransferible, al sentirnos subyugados por historias que desafían los límites de nuestra fantasía. Desliguémonos por un momento de la trama narrativa y su eje de disfuncionalidad familiar que nos ofrece “La Verdad”. Intentemos comprender la actuación en su génesis y la valía de un intérprete: allí, en el reparto del film, está el notable Ethan Hawke retratando a un actor mediocre, subestimado, postergado y frustrado. Resignificando ese ‘actuar para vivir’ que despliega sobre nosotros la gloriosa faena camaleónica, a la hora de colocar cuerpo y alma al servicio de su arte, en la suma de experiencias que brinda el hecho de encarnar roles tan alejados de sí mismos como sea posible. Esto requiere la esencial capacidad de observación que otorga aquel bagaje tan valioso, fundamento técnico insoslayable a la hora de contar con recursos para extraer la mayor cantidad de matices y tensiones de determinado personaje. Si el abrazo inicial que, durante los primeros minutos de metraje, se dieron Binoche y Deneuve derritió nuestra memoria cinéfila y vale oro, el hecho destaca en tanto aquel instante reunía por primera vez en pantallas a dos de las más grandes actrices de todos los tiempos. Y si las realidades espejadas de ambas van tejiendo una sugestiva y atractiva subtrama, que dialoga con la historia del cine mismo, no podríamos obviar la mención a una serie de guiños insoslayables. Binoche y Deneuve atravesadas por la esencia de la Nouvelle Vague. La primera, descubierta por Godard en “Yo te Saludo, María” (1985). La segunda, estableciendo una relación sentimental con Truffaut, la cual se prolongaría al plano profesional, a través de la inolvidable “El Último Metro” (1980). Los mundos de metaficción no son ajenos a ambas. Binoche había interpretado, hace algunos años, a una actriz en pleno punto de inflexión creativo en “Cloud of Sils Maria” (2014, de Olivier Assayas). Mientras que de Deneuve, recordamos su rol plagado de autorreferencias en “Mis Estrellas y Yo” (2008, Laetitita Colombini). La curiosidad de inspeccionar sendas trayectorias nos lleva a comprobar que, las aquí protagonistas, realizaron una eximia transición desde el cine francés al cine internacional, llegando Deneuve a rodar con directores de la talla de Roman Polanski (“Repulsión”, 1965) y Luis Buñuel (“Belle de Jour”, 1967) o Binoche bajo la lente de Anthony Minghella (“El Paciente Inglés”, 1996) y Lasse Hallström (“Chocolate”, 2000). Vidas íntegramente dedicadas al acto de interpretar. Como un pintor con en su lienzo o un escritor con su pluma, un actor ejecuta su arte corporal y la manifestación adquiere mayor dimensión: un rito simbólico que se reitera desde la Grecia Antigua hasta el Teatro Isabelino. De allí a la pantalla de cine y TV. Del Método Stanislavski a los Sistemas de Jerzy Grotowski o Antonin Artaud. Actuar como una forma de vida y convencernos de la ilusión. Ofrenda al espectador que descubre aquello apasionante de vivir una vida disímil a la propia, en el ejercicio constante y superador del propio instrumento creativo. La habilidad y el control que determinado actor o actriz posea sobre dichas herramientas, favorecerán la naturalidad y espontaneidad a la hora de transmitir a su papel, una variada gama de colores en cantidad de emociones. Como la adorable cinéfila Cecilia, interpretada por Mia Farrow en el film “La Rosa Púrpura del Cairo” (1985), de Woody Allen. Aquellas luminarias que nos esperan, esplendorosas, al otro lado de la pantalla, o de ser necesario atravesándola…siempre dispuestas a entregarnos esa línea de diálogo inolvidable o ese sutil gesto que guardaremos en nuestro corazón, por siempre. Estrellas incandescentes y brillantes en un cine a oscuras, tan eternas e inasequibles como en el infinito firmamento.
“Ojos de Arena” es una película tan actual y pertinente, hablándonos con marcado lirismo acerca de emociones tan a flor de piel como lo son encrucijadas afectivas y deseos contenidos, dolores prolongados y causalidades del destino que unen a dos parejas de padres con un motivo en común. El tiempo cronológico que transcurre y se escapa “como arena entre los dedos” sirve como declaración metafórica que emplaza este film bajo un cariz poético, ahondando en climas atravesados por vínculos rotos y panoramas desconcertantes. Técnicmente lograda y bajo el formato de thriller dramático, un guión escrito por la directora Alejandra Marino -a dúo junto a Marcela Marcolini- nos habla acerca de la consecuencia de la trata de personas y de la toma de conciencia que este tipo de sensibles temáticas requiere en el ojo de cada espectador. Este dilema de profundo trasfondo psicológico, siembra pistas a lo largo de la incesante pesquisa que establecen los protagonistas del relato, activando una trama rica en matices simbólicos: el cambio de paisaje que muta de lo urbano a lo rural, espeja la reconstrucción del vínculo de pareja, acaso, la desaparición que afrontan ambos explora la culpabilidad y los riesgos de un hecho nos atañe en lo social: la soledad ante el aparto judicial nos llevará a empatizar íntimamente. En la motivación en común de la búsqueda por descubrir la verdad se resguarda el valor intuitivo que hace frente a aquellos miedos que suelen paralizarnos, ante el desasosiego de una pérdida que pareciera irreversible. Sin morbo ni golpes bajos en lo emotivo, que victimicen en el cliché a sus criaturas, la justicia moral que la directora ejerce para con ellos -ante el desamparo del aparato que debería protegerlos- nos ilustra acerca de su gran pulso narrativo y su fina concepción cinematográfica.
El director Sebastián Muro parte de una idea tomada como primigenio ejercicio académico, transformando la experiencia lúdica en un suceso revelador que contará una historia personal y, través de la cual, establecerá un diálogo paterno-filial en un tono íntimo que jamás antes se había materializado entre ambos. De esta forma, el relato de episodios cotidianos muta en un sanador saldo de cuenta pendientes entre ambos, y este retrato de intimidad en situaciones personales cobra un hondo matiz. El personaje de Rafa, en sus quehaceres diarios, otorga un sello de liviandad a semejante caudal emocional con su excéntrica personalidad, al tiempo que ciertos patrones familiares se nos revelan en esta radiografía cronológica que recurre a la digitalización del archivo genealógico, consistente de registros en fílmico, super 8 y VHS familiares. El cine, en su eterna quimera como motor de búsqueda identitaria y resignificando su naturaleza en la mirada autoral, se adivina aquí como puente para el vínculo indestructible que una al cineasta y su objeto de observación.
La fenomenal “Pequeños Secretos” nos interpela como espectadores llevándonos a cuestionarnos si existe, en definitiva, una clara línea divisoria entre el bien y el mal. Esta indagación moral sobre la condición humana, que se centra en una investigación policial y en el cauce de las vidas privadas de los oficiales de la ley que llevan a cabo dicha pesquisa, nos arroja una considerable cantidad de preguntas sin respuestas. La hondura psicológica que ofrece la nueva película de John Lee Hancock nos remite a abordajes similares que el género ha realizado con anterioridad, como la imprescindible “Pecados Capitales”. En el presente film, conoceremos el modus operandi de un escurridizo asesino (¿uno o más?), también la incertidumbre que se posa sobre una serie de víctimas desaparecidas y masacradas. Por momentos la duda gravita sobre un asesino aún no identificado que replica a serial killers de antología. En este punto, cabe mencionar que la atención que cada guiño merece sembrará las claves que resuelvan (o no) la incógnita final. En “Pequeños Secretos” ningún plano desestima su valor simbólico ni ninguna línea de diálogo del guion prescinde de información que el espectador deberá codificar, exigiendo al máximo su atención. Pistas se nos revelarán en forma de guantes, maleteros, kilometrajes, llamadas misteriosas, objetos punzantes, latas vacías, botas, cruces, autos misteriosos y un sinfín de elementos íntimos como prueba del crimen. Sabremos también, que no hay acusación posible sin cuerpo de delito ni evidencia que no pueda ser plantada (o bala por accidente disparada luego desaparecida por arte de magia). En los pliegues de la historia se desliza la ambigüedad permanente, sin jamás abandonar su tono crítico hacia el abuso de poder de las fuerzas policiales, en franca directriz a una de las instituciones más cuestionadas de Estados Unidos, reescribiendo la típica historia policial de héroes y villanos enfrentados bajo los más previsibles antagonismos. Si se quiere, también, trama un pormenorizado replanteo argumental sobre las típicas películas buddy-movies: la dupla despareja de policía veterano versus novato que forman los personajes de Washington y Malek dista completamente del canon instituido por años. Las carreras y vidas familiares espejadas hasta la más llamativa coincidencia, entre uno y otro, no hacen más que confirmarnos la riqueza de detalles que pueblan un diseño de caracteres de perfecto acabado y en peligrosa sincronía. Veterano y especie en extinción de Hollywood, la artesanía de un director como John Lee Hancock, responsable de obras como “El Sueño de Walt” y “El Álamo”, remite al corte clásico de un Clint Eastwood y nos prueba la inteligencia de un thriller orquestado como una precisa pieza de relojería. Sobre su figura recae la responsabilidad de que el film jamás defraude. Recurriendo a los diálogos elaborados, aquí ninguna pista se verá librada al azar. Su conclusión no da respuestas tranquilizadoras ni conciliadoras, aspecto que nos habla de un final anti-convencional para lo que suele ofrecer la industria. Epílogo a un laberintico desarrollo argumental que al Hollywood del nuevo milenio parece ya no importarle. El acompañamiento musical no resulta un simbolismo menor. Canciones melódicas de la época conforman la banda sonora y parecen filtrarse con absoluta gracia en ambientes tan claustrofóbicos y macabros; también en tensas persecuciones tomando la carretera o haciendo de nuestro ánimo un puñado de nervios, testigos de los clásicos embotellamientos de tránsito en la siempre bulliciosa y colorida L.A.. Magnífica en sus rubros técnicos, vestuario y escenografía, laboriosos emplazamientos nos legan esta precisa adaptación de época, sobre una historia que el propio Hancock escribiera hace casi treinta años. Conozcan al mito, al hombre y la leyenda. Tan grato resulta ver nuevamente a Denzel (pasaron tres años de ausencia en pantalla luego de “El Justiciero”), arriesgándose a un producto poco convencional. El eterno magnetismo del oscarizado intérprete afroamericano muta bajo la forma de un lenguaje corporal de inusual tono sombrío. ¿Cuánto esconde y deja ver realmente el personaje de Denzel? Lejos de su habitual retrato del policía seguro de sí mismo y en control total de la situación, observamos capas de profundidad bajo la aparente calma: tras su máscara, los fantasmas y el andar cansino de un ser atrapado en su pasado asoman amenzantes, también su conexión paranormal como prueba de su inclaudicable obsesión. La gloriosa escena en la sala de interrogaciones paga la entrada. El peso de cuatro Premios Oscar se hace sentir (dos de Washington, uno de Malek y uno de Leto) rubrica una Masterclass de actuación e improvisación. Otorgando tiempo de lucimiento a sus más jóvenes estrellas, el film confronta la transformación física del siempre inmenso Jared Leto con la intensidad gestual del cada vez más sorprendente Rami Malek. Del primero, nos asombra su perversidad sin límites. Del segundo, empatizaremos con su grado de obsesión y compenetración a fin de desentrañar el misterio. Mientras la incógnita habita reinante en la tierra angelina, la eminente cuestión acerca de la fe y la maldad humana atraviesan tangencialmente el relato. A lo largo de sus dos horas de metraje, “Pequeños Secretos” nos agobiará con su atmósfera inquietante, adentrándose en la psicología de tres seres lúgubres bajo una fórmula probada: nadie es lo que aparenta ni nos conforma la posibilidad de aquel que dice realmente ser. Aún escudriñando el rostro de Leto y su enésimo tic gestual no sabremos, en el fondo, si nos encontramos frente a un fanático del culto de Helter Skelter (observamos un ejemplar guardado en su biblioteca), quien no es más que un psicópata que juega con los nervios de la cúpula policial. En un momento, el personaje del siempre inconmensurable Denzel dice: <<Son los pequeños detalles los que te atrapan>>: podría referirse tanto al criminal atrapado en su coartada como a nosotros espectadores, atrapados en tamaña intriga. Un seductor tour-de-forcé actoral nos provocará un cautivante desasosiego, para este auténtico juego de gato y ratón que posee el infrecuente acierto de no otorgar a su historia ninguna vuelta de tuerca de más, sabiendo que será la audiencia quien deba colocar las piezas del rompecabezas en el lugar indicado. Relato profano que recuerda también a la sordidez en su máxima expresión, presente en relatos cinematográficos previos como “Nightcrawler” y “La Dalia Negra”, la cosmopolita ciudad californiana aquí es dimensionada en su más profunda oscuridad. No hay ángeles en la ciudad de Los Ángeles.
Revelándose como una pequeña gran historia que nos narra un vínculo familiar conflictivo entre padre e hija, “Una Casa Lejos” representa el debut de Mayra Bottero en el terreno ficcional, colocando la duda sobre la supuesta maldad inherente en el ser humano y nuestra siempre superadora capacidad de desconfiar de todo semejante, incluso sensibilizado el juicio de valor por el vínculo cercano. ¿Creeremos en las buenas intenciones de su protagonista principal? ¿O es que este hombre de la tercera edad persigue otras motivaciones sobre la joven a quien protege? En las relaciones interpersonales que narra y la motivación argumental central, favorece al resultado final del film el verosímil de una historia que se atañe a un realismo que no apela a ciertos relatos de dolor ya transitados por nuestro cine. Su autora nos deja en claro que la fuerza movilizadora de todo sentimiento genuinamente altruista resulta, a la postre, el principal motor de este ejercicio audiovisual. Un elenco de profesionales desconocidos al mainstream, provenientes del teatro independiente y la publicidad para TV, dan vida a esta inteligente formulación sobre el concepto de solidaridad, una fábula familiar hábil para trabajar el equilibrio dramático en la soledad intrínseca que habita a sus seres, así como la emoción exacerbada que requiere el melodrama, un género a veces subestimado pero siempre efectivo. El arco dramático de la historia escapa de los lugares comunes mientras nos visibiliza a personajes que dudan y se encuentran unos a otros; desnudando su esencia de íntegra nobleza. Solventada en la abundancia de diálogos y acompañada por una cámara que prefiere utilizar planos largos, “Una Casa Lejos” contrapone sueños de liberación y poco agradables descubrimientos a buenas intenciones ocultas y secretos planes que saldrán a la luz.
Nos encontramos frente a una valiente película que nos muestra la desintegración que ocurre en la vida de una profesora de sociología universitaria a partir de un hecho traumático que atraviesa. Bajo esta premisa argumental, “Un Crimen Común” resulta un film comprometido, que nos habla acerca de las víctimas inocentes acaecidas por las fuerzas represivas del estado y que, al posicionarse sobre el rol que cumple la protagonista -en el desenlace de los hechos en los cuales accidentalmente se ve inmersa-, nos lleva a indagar sobre como cualquier individuo podría éticamente transitar lo delicado del caso, una vez que un acto criminal deja ser de un hecho noticioso para invadir el territorio de lo real y cotidiano. La película nos coloca, invariablemente, en la piel de la protagonista y su entorno degradado. Un profesional instruido y con formación académica, con quien empatizamos en su estado anímico alienado. El espacio laberíntico en el que se mueve, como clara alegoría, nos presenta su interior resquebrajado, pleno de dilemas morales. Dentro de sus profundas capas de análisis, “Un Crimen Común” nos permite reflexionar acerca de la crueldad de aquellos que detentan el poder, también de la condena que implica vivir en lo indigno para las clases más desfavorecidas. Con gran acierto, interpela desde el dolor sin juzgar, sino involucrándonos intelectualmente para generar un pensamiento bienhechor. Indagando en nosotros espectadores, en lo colectivo e individual, como mecanismo fílmico de discurso abierto que presenta ciertas fisuras sociales en donde el problema se verbaliza, podemos apreciar las delicadas connotaciones que la trama propone. Mixturando el uso de actores y actrices no profesionales, muestra un abordaje sensible a la historia, al tiempo que nos alerta acerca del abuso de poder que visibiliza grietas sociales como factor naturalizado. Conceptual y estéticamente, es interesante el trabajo que se hace desde el uso del lenguaje fílmico: desde lo minimalista lo sutil, destaca la fina artesanía en donde el trabajo sonoro y visual se complementa para la construcción del sentido. En tal dirección, resulta interesante observar como operan los simbolismos y el uso del espacio como medio narrativo y su fin expresivo, faceta que enriquece la propuesta. Su director, Francisco Márquez, realiza una inteligente tarea, prefiriendo la construcción de un sentido desde una mirada cercana, íntima e invasiva, como forma honesta de comprometerse con el conflicto que plantea. Lo común que refiere el título llama nuestra atención: la poca trascendencia y la acepción que alude a la normalidad de estos casos agrava la elocuencia de cifras alarmantes cuando la injusticia social está sostenida por instituciones corruptas.
Apoyado por el instituto de cine de Misiones, esta película cuenta la trágica historia de este aguerrido guardaparque, inmerso en un triángulo de celos que tiene lugar en el calor de la selva. Filmada en locaciones naturales y protagonizada por Pablo Echarri y Mora Recalde, “El Silencio del Cazador” nos habla de cazadores furtivos y pasiones humanas, en donde la escalada de violencia en la que se verán envueltos los protagonistas representa el síntoma de una sociedad que porta conflictos ancestrales. Partiendo de un proceso de investigación en el lugar que demandó años, “El Silencio del Cazador” destaca en la habilidad por mixturar los elementos del género thriller y western. Martín Desalvo denota una notable capacidad para utilizar a los mismos en función de trabajar una problemática social y humana real y concreta. El realizador de “Unidad XV” apuesta a la heterogeneidad de registros dramáticos para contar una película atrapante sin quitarle importancia a la preocupación ecológica por los animales autóctonos, proveyendo una mirada a la ecología desde una verdad despojada de liviandades. Acaso también busca posicionarse como una válida película testimonial, denunciando el peligro de extinción del yaguareté de la selva misionera. La aparición en escena del mítico animal, constituirá una metáfora particularmente llamativa como disparador argumental de estas rivalidades sosegadas, buscando el autor una verdad consecuente y comprometida y visibilizando el impacto en los pobladores de allí, fresco social que otorga al film un fuerte sesgo documental.
Nos trae la historia de un violador serial que cometió delitos impunemente mientras aparentaba ser un padre y esposo ejemplar. La película involucra un largo proceso de investigación, escritura y planificación que llevó cinco años al director Moroco Colman para ver plasmada en esta propuesta. “La Noche más Larga” lleva al presente un caso real ocurrido en el pasado, entre los años 1985 y 2004, cuando Marcelo Sajen cometió 93 ataques sexuales. Se cree que la lista de víctimas es de más del doble, ya que es usual que las mujeres no se animen a hacer la denuncia. Las víctimas, estudiantes muy jóvenes, eran raptadas en la vía pública. La película se estrenó mundialmente en el Festival Internacional de Oldenburg en la Competencia Internacional y la filmación se llevó a cabo en los escenarios reales donde sucedieron los hechos. Aclarando la historia de lo ocurrido, pone en presente una situación que abre el debate y provee información acerca de los hechos. La brutalidad evidente en el tratamiento explícito con el que se muestran los hechos nos ayuda a tomar conciencia. Reflexionamos acerca de los monstruos que crea la sociedad y la proliferación de este tipo de aberraciones que hablan de las estructuras arraigadas y síntomas de una sociedad machista y patriarcal. Con respecto a la estética del film elegida para visibilizar tan crudo relato, destaca una iluminación que se relaciona claramente con el claroscuro del expresionismo alemán, que busca ambientar el relato y resonar en esta atmósfera oscura y lúgubre que habita en las zonas ocultas donde opera criminalmente el personaje. Válida a la hora de revisar valores, mostrar la necesidad del cambio y la existencia de una justicia que se haga cargo y que no ignore ni abandone a esas mujeres, “La Noche más Larga” se nutre de un notable elenco (liderado por Daniel Aráoz, en la piel del infame atacante) capaz de interpretar este complejo drama verídico.
El detrás de un artista de música popular contado con poesía y sensibilidad, por recobrar antiguas pasiones olvidadas. ¿Que hacer creativamente cuando se logró todo? Ese recorte artístico es el que recupera la película: el proceso interno que atraviesa un artista para reencontrarse con su arte e inspiración para volver a cantar. Reflexionar sobre que le sucede a un artista sobre el escenario y en el contacto con el público, también indagar en su reverso, en el detrás de escena de aquello que no podemos ver. Las crisis en la madurez de una carrera musical, en donde un ídolo masivo se replantea si seguir o no con su trayectoria. “Bandido” visibiliza una historia de regresos y vuelta al ruedo luego del momento de gloria que parece haberse esfumado. Esas postales de ocaso que al cine le gusta tanto retratar, encontrando en ese crepúsculo un romanticismo que siempre deja abierta la posibilidad de un enésimo resurgir.
Retratando a este grupo de personas que lleva adelante una serie de talleres sobre la bio sustentabilidad, “Sintientes” cumple con creces la tarea que se preocupa de registrar. Un documental observacional de valioso testimonio, que intenta comprender como la manera de pensar de un grupo de personas se traslada a un pueblo invadido por factores externos del sistema que termina relegándolos. “Sintientes” nos lleva a repensar la vida en las grandes ciudades y el cambio de ciertas conductas que se torna necesario. Esta película, se estrena en el marco del Festival Internacional del Cine Ambiental, un espacio que surgió de la necesidad de ampliar las perspectivas culturales desde un enfoque social y comprometido hacia la problemática ambiental, a través de la imagen cinematográfica como medio sensibilizador. En estos cánones se inscribe el presente documental, un ejercicio de cine de autor que busca concientizar a través del mensaje. Nos lega el deseo de la transformación desde la política de estado que pueda garantizar determinadas condiciones de vida dignas.
