El proceso creativo nace en 2012, cuando, en Uruguay, una noticia impacta a los medios: se conoce la historia de dos enfermeros, que compiten entre sí, exponiendo sus motivaciones y miserias, al momento de aplicar la eutanasia a dos de sus pacientes. Sobre este caso no resuelto y la investigación policial en la que desembocó, Martín Kraut escribe un guión propio que también se basa en casos acontecidos alrededor del mundo (en Alemania, Japón, España y otros países). Este largometraje es la ópera prima de este joven director, y aborda la falta de emoción empática, la manipulación y la reacción calculada que persigue un objetivo. Buscando correr el límite de aquellos que concebimos como piedad y encendiendo la polémica, nos inserta en este laberinto moral en forma de thriller y platea un debate. La búsqueda por transmitir esta serie de inquietudes, otorga a “La Dosis” una factura loable. Reformulando el caso en el cual se inspirara, nos coloca en el centro de un dilema que examina el sistema de salud y el uso de la eutanasia. De peculiar abordaje narrativo, se aparta de otros relatos que han abordado la temática desde la ficción, invitándonos a generar nuestra propia mirada, como espectadores, frente a las distintas posiciones que pueden adoptarse acerca de la elección de vida.
La primera película cordobesa enteramente accesible, a través de la plataforma Teilú, incluye subtitulado para sordos y audio texto para ciegos. La idea de “Paraíso” parte desde un cortometraje, punto de desarrollo desde el cual la mirada de la actriz y productora del film, Marina Arnaudo, se trasluce en su historia personal como disparador para interpelar al espectador. Desde el punto de vista del personaje y su subjetividad, la película y su director (Pablo Falá) se preocupan más por la forma narrativa y el juego que establece simbólicamente con su interlocutor, a la hora de explorar la sensorialidad de sus personajes. El Valle de Traslasierra sirve de escenario para esta singular historia de reencuentros afectivos, a través de la búsqueda interior de una pareja protagonista, como vehículo de cuestionamiento a ciertos paradigmas narrativos por parte de este atípico, valiente y llamativo ejemplar.
Dos mujeres y una amistad protagonizan este drama experimental, en donde la inmensidad del océano se convierte en inesperado protagonista. Confrontarse con el océano como punto de partida creativo resulta un disparador de potentes imágenes y múltiples posibilidades. La directora se pregunta y nos interpela: ¿qué significa esa gran proyección de espacio para nosotros? La investigación personal la llevará por diversos caminos, teniendo en cuenta su dimensión mítica, literaria, académica y, también, cinematográfica. Previos documentales han abordado la temática desde un costado convencional antropológico (inevitable resulta pensar en el guiño del título a “Drifters”, el precusor documental social de John Grierson), tanto como la ficción lo ha hecho desde la reflexión metafórica. Y en esta especie de híbrido, complejo y críptico, la autora Helena Wittmann se sumerge en un período de descubrimiento, en búsqueda de captar las señales que este gigante emite, en un modo de conceptualizar la historia ficcional que toma parte en el relato. Puede la inmensidad de un paisaje traducirse en el vacío igualmente vasto e inabarcable del alma humana. Puede el mar y su magia apoderarse de la atmósfera circundante e inundarnos de sus sonidos, su fuerza y su poder de fascinación. La deriva es interior.
Según sus palabras, Victor Cruz concibe al cine como una experiencia transformadora. Y con el séptimo arte como herramienta, esta historia nace en Costa Rica, en una localidad ubicada en una península (Nicoya), donde existen comunidades conformadas por personas sumamente longevas. A partir de este dato vital, el documentalista parte en búsqueda de reconocer distintos lugares en el mundo (Cerdeña, Okinawa) con iguales características. El rodaje de la película se hizo a través de cuatro años, desde 2014 a 2017 y fue posible gracias al apoyo de distintas instituciones cinematográficas a nivel mundial. Resulta un desafío abordar un proceso de investigación enfocado en este singular hecho humano durante un período de tiempo tan extenso. Su realizador lo sabe y el resultado ha sido más que loable. Este docente de la Facultad de Cine es conocido por sus anteriores largometrajes “El Perseguidor” y “Boxing Club”, y aquí nos transmite la vitalidad y los sueños de la tercera edad; sentimientos que se ponen de manifiesto en este documental, con la intención de cambiar la perspectiva que tenemos acerca de la vejez. La alegría, la intensidad y la emoción afloran en el maravilloso mundo de aquellos afortunados que superaron la barrera de los cien años. Estrenado virtualmente a través de la plataforma CONTAR, “Que Vivas 100 Años! nos regala pequeñas fábulas sobre estos seres unidos por las ganas de vivir. Una mirada inspiradora y plena de cariño. Una manera distinta de observar la tercera edad, despojada de todo lugar común.
“Los que Vuelven” tiene sus génesis en el cortometraje rodado en 2010, titulado “La Vuelta del Malón”. Convertido en película, fue desarrollado tomando elementos propios del monte misionero para trazar una película de género fantástico, que fusiona el melodrama histórico, anclándose en un imaginario 1930. Relatándonos el devenir de una familia para la cual trabajan un grupo de mensúes, la directora Laura Casabe rompe la linealidad argumental y convierte a la historia en una suerte de ‘caja de muñecas’ de intriga, trabajando con el punto de vista y la noción de saber, en la focalización del espectador, resignificando ideológica y narrativamente lo contado al inicio. Al correrse tangencialmente del realismo narrado, la selva y su fuerza natural (también su incertidumbre climática) se convierte en un protagonista extra, donde los espíritus que la albergan se posicionan como elementos extra del relato. Un viaje sensorial, hipnótico, que sumerge al espectador en una atmósfera que se apoya en Leo Martinelli, creador de sonoridades e instrumentos propios de la zona que, en su uso, generan el tipo de sensorialidad necesaria a la propuesta. Asimismo, podemos observar una fotografía contrastada, que revela una selva lluviosa e interiores oscurecidos, en búsqueda del relato realista de época que representa, quizás inspirados en los climas lumínicos de algunas pinturas de Ernesto de la Cárcova.
“Historia de mi Nombre” presenta una búsqueda de identidad personal y familiar, a través de archivos ajenos de la directora Karin Cuyul. Una pesquisa que persigue una fotografía y una lectura sobre varias instancias del pasado que no admite perdón ni olvido. Sin testimonios fotográficos de su infancia, en Antofagasta, retorna en su adultez a los lugares que vivió de niña y reconstruye un retrato íntimo y autobiográfico. Presenciamos un singular híbrido de cine documental de mujeres que cruza la variable política con la más personal. La película, de esta manera, recrea un gran viaje de familia acontecido en 1995, desde el Norte al Sur de Chile, en búsqueda de un intercambio que devela una travesía personal por la historia de Chile, un modelo de país y sus paisajes, paralelamente a una imagen romántica que se proyecta al mundo. Inspirándose en la figura de Karin Eitel -mujer emblemática que enfrentó la dictadura-, el film visibiliza el cambio abrupto de escenarios, desde el desierto árido chileno a la particular isla sureña que albergará los días de la joven (futura cineasta) en este amplio espectro, pueden verificarse algunos hechos vitales; no solo de la historia personal de la realizadora, sino de la historia política de Chile, proveyendo una interesante reflexión al respecto. A nivel narrativo y sonoro, es menester para Cuyul valerse del sonido ambiente que capte las diferentes capas y superficies del espacio físico que transita. Por enésima vez, percibimos un arduo viaje como excusa para abordar una discusión que reflexione sobre la realidad socio-histórica latinoamericana.
Clara acaba de perder a su padre y está trabajando en procesar esa pérdida. En su desesperación y dolor, intenta encontrar algunas pistas que hacen pensar en que su padre tenía una vida paralela. Descubrimiento que la lleva a través de un viaje físico y emocional. En la travesía de encontrarse a sí misma y reconocerse como tal, emprende un camino doble, empatía con el espectador que despierta toda pérdida de una figura de cabal referencia. El quiebre en su vida y la escritura propia de la existencia se tornan un punto de giro vital, en este drama protagonizado por Agustina Muñoz, Dominique Sanda y Soledad Silveyra, junto a la participación especial de Luis Brandoni y Gabriel Corrado. Allí, la trama de “Karakol” indaga en el tránsito hacia un viaje espiritual, directamente exponiendo la experiencia troncal de un dolor que convierte a la protagonista en una suerte de detective que busca recomponer esa figura secreta y blindada, develando ese interior secreto que estaba alejado de la mirada de su hija. Atravesar un duelo en estado de suspensión y descubrir respuestas a interrogantes acerca de lo que fue, amó y deseó su padre, se convierte en el leitmotiv de Clara. La extrañeza real acerca del indicio de la doble vida de su progenitor cobrará mayor magnitud en aquel lugar remotamente alejado, inspirado -según palabras de la directora- en las crónicas de Marco Polo; un paraíso perdido y desolado, donde la búsqueda se llevará a cabo.
Este film es el primer documental sobre la historia de la prohibición de drogas en Argentina, y se encuentra basado en el libro "La Prohibición" de Juan Manuel Suppa Altman, co-director de la película. Un documento histórico, que nos lleva de recorrido a la historia de prohibiciones y política de drogas a lo largo de América Latina y Estados Unidos. Aquí vemos el caso concreto de Eric Sepúlveda, quien viviera en la ciudad de Córdoba y cumpliera condena por tenencia ilegal, epítome de una ecuación injusta que los realizadores intentan visibilizar, inmiscuyéndose en la polémica y otorgando vigencia presente a las inquietudes que plantean. ‘La prohibición’, vista como política sanitaria y represiva desde el Estado, nos habla de ciertas conductas adquiridas en lo social a través de décadas. Colocando el objetivo en desnaturalizar la prohibición, el documental pesquisa el relato quitando el velo moral con miras a repensar la opinión pública al respecto. La consecuencia del narcotráfico, mal entendida como causa y problema a combatir a nivel internacional, es otro punto en donde el film hace foco. El director de “Selva”, Martín Rieznik, concreta este documental libre pensante con miras a encontrar una forma de relacionarse en relación a los hábitos y consumos desde un lugar pacífico y superador.
De un director de dilatada trayectoria como Beda Docampo Feijóo, el último producto cinematográfico que habíamos conocido de su autoría fue “Francisco, el padre Jorge” (2015), sobre la biografía de Jorge Bergoglio, interpretado en aquella ocasión por Darío Grandinetti. Un lustro después, regresa a la gran pantalla con “La Maldición del Guapo”, una coproducción argentino-española rodada enteramente en España. La imprevisibilidad de una película de estafadores donde nada es lo que parece suele siempre aportar ingredientes atractivos a la mirada de todo espectador. Los giros del final y estirar la sorpresa más allá de lo previsible, son siempre bienvenidos factores que tuercen aquello que se espera del argumento, de antemano. Un mandamiento o ABC ineludible, que todo buen film que alimente la tradición de este subgénero debe cumplir a rajatabla. Pistas sembradas, a medida que avanza la historia, nos permitirán descubrir como se ingenia cada personaje para conseguir sus deseos y objetivos, aunque se trate de deslizarse en las fronteras de la ley y la moral, proveen a “La Maldición del Guapo” un encanto innegable. Un aire de cine clásico, desde la comedia con emociones de “El Apartamento” de Billy Wilder a la química exhibida por Paul Newman y Robert Redford en “El Gran Golpe”; sin dudas se erigen como notorias influencias en el bagaje cinéfilo de Docampo Feijóo. El film nos presenta un esquema argumentativo y de relaciones entre personajes a la manera de espejos engañosos de sus intenciones, parábola que remite a una estructura de muñecas rusas que el género ha convertido en mentada. La estafa sucesiva y personajes que se engañan a sí mismos poblarán la trama. Sin embargo, se trata de personajes queribles en su debilidad y en la ceguera que éstos poseen con respecto a la realidad que los circunda. Tropiezos y frustraciones que incitan a la complicidad del espectador, evidentemente. La dificultad de rendir honor al género de comedia de acción, como porción de ficción universal que cuenta tramas emocionales de absoluta empatía, forma parte del acervo cultural cinéfilo al que el realizador busca rendir homenaje. Imposible resulta no pensar en un epítome del cine argentino del nuevo milenio: “Nueves Reinas”, de Fabián Bielinsky. Meternos en la piel de un ardid delictivo, calzarnos el incómodo traje amoral de un disfraz. Salir airoso de una estafa ausente de violencia o derrochar la elegancia del artista de guante blanco, sin crueldad. Estar a la altura de semejante listón no resulta un desafío menor.
Esta bailarina y coreógrafa estadounidense es considerada pionera de la danza moderna. Producto de una familia disfuncional, a temprana edad abandonó sus estudios para dedicarse de lleno a su pasión: el ballet. Llegaría a la meca de esta disciplina, en New York, en el año 1896. Premiaciones en los Festivales internacionales de Locarno y Mar del Plata conforman la carta de presentación de este film. De su autobiografía, titulada “Mi Vida”, podemos intuir el clima de honda melancolía que atraviesa la entera existencia de esta artista. Tal aura es la que busca expresar Damien Menivel, por medio de este relato dividido en tres partes cuyo hilo conductor lo conforma un solo de la prestigiosa bailarina. “Madre” es una emotiva pieza que ella bailo y coreografió diez años después de la muerte de sus dos hijos, quienes murieron ahogados en el río Sena, en parís, en 1913. La memoria emotiva del tema del duelo inunda el arco compositivo de esta película. La danza, en su ejecución, habla por sí misma: la dimensión trágica de la vida de Isadora Duncan es notable. Cada uno de los personajes logran plasmar, en sus diferentes rangos etarios la melancolía de una criatura creativa en permanente conflicto. Film que aúna el cine y la danza, como alguna vez lo hiciera el recordado Robert Altman en su crepuscular film, “The Company” (2002), “Los Hijos de Isadora” es una sensible y poderosa gema visual, una apasionada mirada sobre la soledad humana.