Geraldine Chaplin y UdoKier se embarcan en un rodaje que intenta honrar al fallecido escritor director y productor caribeño Jean-Luis Jorge.Podría imaginarse que la resultante sobre semejante acercamiento concibe un extraño y encantador mosaico de los años ’70, que los realizadores Amelia Guzmán e Israel Cárdenas intentan realizar con su film en rodado en conjunto “Holy Beasts” El objetivo de esta obra era realizar una especie de meta film en honor al excéntrico realizador, escritor y productor teatral Jean-Luis Jorge una figura emblemática que fuera un miembro activo en las tendencias underground de la escena, en eclosión en aquellos setentas. Tomando como referentes a artistas transgresores como Andy Warhol y las vanguardias europeas, esta singular figura se convirtió una leyenda en Santo Domingo gracias a sus excéntricas películas ‘clase B’ hasta que su carrera fuera trágicamente acotada por su asesinato. Cabe aclarar, que Jean-Luis Jorge murió a mano de tres adolescentes en el año 2000 y su trayectoria no resulta frecuentemente conocida fuera de Santo Domingo. No cabe duda que su impronta vale la pena este ejercicio retrospectivo. Tarea nada sencilla resulta clasificar el estilo de sus películas: bizarras, irritantes. Aunque visualmente encantadoras.La historia de un grupo de antiguos amigos que conocieron a Jorge tiempo atrás -cuando todos eran miembros de un club de la escena under-, planean, ya septuagenarios, grabar una película inédita sobre un guión acerca de la propia isla que cobijó al artista en sus mejores años. El personaje de Geraldine Chaplin asume el rol de director del film mientras busca un productor que acceda a financiarlo. Es una película caótica que dialoga con los propios códigos fílmicos, la eterna Geraldine luce arriesgada, osada e inspirada. “HolyBeasts” recrea la atmósfera tropical, amparándose en una excelente fotografía, en un moderno diseño de interiores y en una fantástica música como acompañamiento. A juzgar por las intrigantes decisiones que signaron la vida artística de Jorge, la transgresión de la que hacía un culto su persona y lo misterioso acerca de su muerte remarca la estética de este film, cuya línea divisoria entre el testimonio documental y la ficción parece difuminarse.
“Encandilan Luces: viaje psicotrópico con los litoraleños” es un documental fruto de nueve años de trabajo, presentado en la competencia del último Festival Internacional de Mar del Plata en la categoría de Banda de Sonido Original. Proveyendo dinamismo y entretenimiento, este documental ofrece una extraña combinación de melodías y seres por demás singulares. Pretendiendo convertirse en una fábula sobre el éxito-más allá de ser un documental-,reflexiona sobre los caminos emprendidos por este conjunto de talentosos en búsqueda de expandir su propio potencial artístico. Aportando a la imagen un bienvenido tono lúdico y sin pretender abordar las vidas personales de estos personajes, el retrato elegido prefiere el acompañamiento desde el registro de archivo sobre una gira europea (en los Paises Bajos), poniendo en relieve las entrevistas y las imágenes capturadas junto a a los autores del "Sonido Chipadelico". Completando la historia gracias a los testimonios de quienes conocieron a’ Los Síquicos litoraleños’, el documental se sitúa en la región deCuruzú, como fértil semillero de estos ritmos.El director Alejandro Gallo Bermúdez, con guión a cargo de Santiago Van Dam, lleva a cabo unpintoresco documental que indaga en el contraste entre el Chamamé clásico con su vertiente psicodélica.
“Las Facultades” es un documental sobre estudiantes de distintas carreras (como Arquitectura, Imagen y Sonido, Física, Derecho, Filosofía y Sociología, entre otras), a quienes se les realiza un examen final oral en diferentes materias. Con reminiscencias del documental observacional clásico y sus recursos técnicos habituales, el registro documental coloca el foco de atención en radiografiar ese típico ritual del diálogo ocurrido entre el estudiante y el docente, destacando usos, modos y costumbres en claro abordaje sociológico. Con rigor, Solaas narra la intimidad universitaria. En las aulas se dirime aquel momento clave para todo estudiante de cara a una examinación. Como punto de partida argumental, esta excusa inicial es potenciada por la realizadora para observar la situación sucedida en diferentes carreras, desde un lugar privilegiado desde donde mirar esa práctica universitaria coloca en un lugar más íntimo de exposición a la relación alumno/docente, prefiriendo enfocar rostros que transmitan las emociones de cada instancia definitoria. Por otra parte, el contraste que se crea entre cada facultad y la atmósfera que prima sobre algunos episodios captados es elocuente. “Las Facultades” fue una de las películas que integró la cartelera del BAFICI en el pasado mes de abril. La directora fue premiada como la mejor realizadora de la competencia Argentina de la edición número 21 de la clásica cita anual porteña.
Un grupo de policías encabezados por el detective Cruz (Víctor López) están encargados de dilucidar -no sin cierta torpeza a la hora de seguir las pistas- una serie de violentos crímenes cometidos en determinados lugares inhóspitos de la capital mendocina. La trama de la investigación policial involucra mujeres decapitadas como víctimas en común de una serie de asesinatos, cuya sospecha recae sobre David (Esteban Bigliardi). He aquí el disparador principal, por lo tanto, la investigación en torno al caso remite al esquema argumental bajo el género del thriller policial pero también psicológico. Bajo esta premisa, Alejandro Fadel, el director de “Los Salvajes” (2012), nos sumerge en una historia que no oculta la influencia estilística de realizadores que han abordado el género del terror anteriormente, con la suficiente habilidad como para fusionar el mainstream y el cine clase B, en un espectro que va desde el cine gore precursor de Mario Bava al suspenso psicológico de David Lynch, pasando por guiños al emérito John Carpenter. El realizador, como buen artesano, no deja detalle librado al azar: todo elemento dispuesto en la escena responder a un concepto autoral en función al complejo rompecabezas argumental que propone, distante de cualquier tipo de narración convencional sencilla de anticipar. Para tales fines, existe un tratamiento singular de los espacios en donde se desarrolla la acción y en la relación que cada personaje establece con su entorno se percibe el trazo fino de Fadel. Haciendo gala de sus dotes de artista demiurgo, concibe el mal como una masa maleable que contamina a todo ser que transita este alucinante relato. Interpretados por actores mayormente no profesionales, las criaturas que habitan este universo se verán presas del horror. Promediando el relato, el principal acusado de los crímenes es internado en un hospital psiquiátrico, donde atribuye las muertes a la aparición de un ser monstruoso. En este punto existe un quiebre narrativo que lleva a la película a transitar terrenos de enajenación y la locura rozando con lo sobrenatural (la leyenda urbana, lo mitológico). Allí, la fertilidad narrativa del film se desdobla, y fluye hacia una zona de absoluto riesgo que transforma el verosímil del relato y convierte toda posible certeza en una pista falsa. Ante lo expuesto, “Muere, monstruo, muere” es una película que se trata de sugestiones y acercamientos más implícitos a la raíz del miedo y sobre cómo se confronta aquello horripilante. Al enfrentar la locura y verbalizar aquello siniestro, el personaje de Esteban se convierte en un primordial instrumento para Fadel, bajo el cual se pueden responder una serie de incógnitas acerca del verdadero origen del mal y su real alcance. El director se siente absolutamente cómodo en este registro, ante lo cual observaremos continuos movimientos de cámara y un ojo inquieto que busca ser testigo y narrador de esta pesadilla de muerte. El autor encuentra belleza en la extrañeza de los cuerpos mutilados y nos hipnotiza, captando la monstruosidad, lo insano, lo repulsivo y lo espantoso. Sin embargo, no persigue un impacto facilista que se ampare ni encuentre su zona de confort en el artilugio visual. Además, como crónica de las relaciones que establecen los miembros de esta comunidad sacudida por la serie de crímenes, el film se permite llevar a cabo un estudio pormenorizado al respecto. Las víctimas, decapitadas, asesinadas con saña, son mujeres y, los hombres, están al mando de la investigación. Otro hombre, el acusado, es el centro de todas las sospechas. Allí, el foco de atención también nos lleva la mirada hacia elementos de connotación social. A través de lo cual se puede pensar acerca de una crítica subliminal sobre ciertas formas de poder masculinas y hacer analogía acerca de grado de violencia directamente proporcional a una cuestión eminentemente de género, en resonancia con temas de contingencia actual. El autor busca sacudir al espectador y llevarlo al epicentro de esta pesadilla dantesca. Por ende, la sensación de extrañeza tiñe toda mirada invadiéndola de una sensación de incomodidad a medida que nos vamos insertando en la vorágine que este viaje al centro del misterio propone. Parte del cual se esconde a la espera de la aparición del siguiente cadáver tras la teoría del detective Cruz acerca de la simetría del paisaje (las letras ‘M’ que dibujan las cimas de las montañas), bajo la cual se desprende el título del film. La estética que trabaja el largometraje se apoya en el uso de lentes anamórficos que favorecen tomas panorámicas, sumado a una variada gama de colores saturados, un exquisito empleo de las texturas de sonido y un preciso uso de la iluminación que favorecen el rodaje en exteriores y la grandiosidad del paisaje. Las labores en dirección de fotografía de Julián Apezteguía y Manuel Rebella resultan, en este sentido, destacadas, efectivos al brindar preponderancia a un entorno que captura una atmósfera inquietante que reviste al relato en todo momento. “Muere, monstruo, muere” es una rara avis dentro de nuestro cine nacional, un film de gran factura técnica que sabe jugar con nuestra capacidad de fascinación sobre lo macabro. Extraer belleza del horror y convertir la extrañeza en virtud poética es una tarea cumplida con creces aquí. Elogioso trabajo de su joven realizador, inspeccionando aguas profundas de un terreno de infrecuente tránsito en nuestra industria.
Presentada en el último festival de Cannes como parte de la sección “Upcoming Fantastic Films”, la reciente creación de los hermanos Onetti ofrece un ritual de magia y sangre que incluye misteriosos asesinatos y posee una inconfundible estética setentosa. La cuarta película de Luciano y Nicolás Onetti -que vienen de presentar ‘Los olvidados’ en la plataforma Netflix- se titula “Abrakadabra” y clausura la singular trilogía Gialloque comenzara con “Sonno Profondo” (2013) y continuara “Francesca” (2015). El giallo, es un famoso subgénero italiano, heredero directo del thriller y del terror hollywoodense de los años ‘60, caracterizado por plasmar mundos violentos y profanos. Maestros italianos como Darío Argento, Mario Bava y Lucio Fulci dieron vida a estos dantescos universos de sangre y crímenes por doquier, que constituyeron todo un emblema de la industria cinematográfica con bajo presupuesto de los años ’70. Los realizadores argentinos demuestran su cinefilia hacia un subgénero hoy semi perdido, pionero de un estilo inigualable. Las marcas de culto de una concepción bizarra y fetichista están omnipresentes en esta película, que tuvo su estreno mundial en el Festival Internacional de Cine Fantástico de Sitges, celebrado el pasado mes de octubre. El amante del giallo recordará con nostalgia el camino trazado por ciertas obras de culto, precursoras del slasher y en donde se evidencia un uso visceral y lujurioso de la violencia. Como es usual en este tipo de relatos, el enigma que se develará al final, al tiempo que el delirio y el descontrol se apoderan de la trama para –literalmente- acribillar cualquier tipo de decoro posible, gracias a altas dosis de violencias y un sentido lúdico del morbo. Gracias a una elaborada puesta en escena y apoyado en una cuidadísima fotografía, en cuyos tonos, sombras y texturas se evidencia un estilismo notable, “Abrakadabra” juega con los nervios del espectador sólo como los grandes exponentes del género saben. El uso de la banda sonora como efecto dramático que potencia el suspenso consolida la propuesta, en donde sus autores hacen gala de un virtuosismo y una inventiva visual notables. La dupla de realizadores demuestra un contundente manejo del lenguaje audiovisual para poner de manifiesto toda una serie de guiños a las obras predecesoras, portadoras de un cine en cuyo ADN se recrean universos altamente perturbadores. El artilugio cinematográfico en estado puro.
A lo largo de la trayectoria de Mateo Bendesky, algunos de su films lidian con la visión del realismo mágico y el autor se interesa en esta vertiente proveniente de la literatura para contar una historia. Según palabras del mismo, existen en esta obra elementos autobiográficos basados en propias experiencias, lo que convierte a “Los Miembros de la Familia”, quizás en su film más personal, no obstante la huella autoral puede rastrearse a lo largo de sus anteriores obras. En este film en particular, el enfoque parte desde el momento de la vida que sus personajes atraviesan, una instancia de dolor y pesar en donde el realismo mágico cobra vida y el lazo entre lo real y lo imaginado comienza a diluirse. Bajo este verosímil, ese mundo de fantasía se hace realidad validándose como una acertada forma para contar una historia que recurrirá a variados registros genéricos. Aquí la trama toma lugar en un ámbito pueblerino de la costa argentina. Filmado en siete diferentes locaciones que recrean un lugar ficticio y arquetípico, el desafío autoral consiste en inventar un nuevo pueblo y dotarlo de vida propia: el aire melancólico de la costa argentina es trasladado a este ámbito, un submundo que representa el refugio veraniego da la clase media argentina turística, de allí también proviene su carácter especial. En épocas de invierno, una atmósfera de misterio rodea estos parajes, en donde observamos, con un dejo de tristeza, la ciudad costera desierta. Utilizando como metáfora la idea de ‘un lugar que fue hecho para otro fin’, a través de ese sentimiento de despojo se prolonga dicha inquietud a sus personajes y su inconformismo. A través de una variada gama de sensaciones, se potenciará su emotividad desde el escenario físico hacia la hostilidad y la proyección de sentimientos encontrados. Existe un particular abordaje al género de la comedia, el cual funciona de forma eficiente cuando la seriedad de una situación dramática es connotada con el absurdo. Bajo este tono lúdico, el director trabaja una marca personal que busca descontracturar los tradicionalismos de la comedia dramática, apelando a una cadencia de tonos y una precisión de climas y humores que afectan positivamente al relato. Desde el personaje de Lucas, una serie de observaciones enriquecen la mirada sobre el film y sus texturas. Resulta particular el acercamiento que se hace desde su postura y sobre la tecnología a través de la cual la gente se comunica, como lazo indispensable para establecer vínculos en nuestro tiempo. Viviendo inmersos en un mundo de redes y teléfonos -un símil de mundo paralelo que genera una segunda vida dentro de la rutina social que atravesamos-, percibimos en este personaje la timidez propia de la adolescencia, el descubrimiento de los vínculos y la sexualidad y el culto a la estética desde la mirada de un coming of age afectado por lógicos conflictos. Potenciar la herramienta virtual para acercarse a las personas refleja la forma en que las generaciones jóvenes viven y se comunican hoy día, resultando éste un factor al que el autor presta suma atención. Pensando en ‘la vida en línea como un lugar que antes no existía’ permite indagar en cuestiones filosóficas complejas de asimilar. Bajo esta posible teoría de ver el mundo de hoy y conectarse con el, “Los Miembros de la Familia” captura el tema principal de su búsqueda: construir las necesidades para el mundo en que vivimos. Otra interesante observación de matiz social resulta el deporte desde la mirada sesgada de la masculindad, como tradición cultural en Argentina. Desde el absurdo del prototipo conservador y como una critica social a la pacatería de antaño, el film se cuestiona sobre el alcance del pensamiento radical en otros tiempos menos progresivos como un indudable llamado de atención y un compromiso para las nuevas generaciones. Bajo una óptica similar, la recreación en el uso de drogas y esteroides como vía de escape a la insatisfacción cotidiana se revela como un acertado retrato de la juventud y los excesos, algo que está presente en las generaciones que están en contacto aquí, persiguiendo una forma de realismo emparentada al mundo que los rodea. La relación entre los hermanos (Lucas y Gilda) resulta un aspecto esencial de la narración y en donde convergen una serie de tópicos de fructífero análisis. En los abordajes que se realiza sobre cuestiones como la depresión y la salud mental, el director denota una absoluta franqueza en evidenciar cuestiones muy presentes en la vida de adolescentes que están atravesando un duelo. Como esencial tramo del proceso, el abordar verbalmente estas cuestiones termina por liberarlos, si bien en realidad es el autor (como un auténtico demiurgo cinematográfico) quien suelta a sus personajes de dicha carga estigmatizada. A través de la profundidad de análisis que brinda, el film nos invita a reflexionar (sin despojarse de una mirada tierna) acerca de la vulnerabilidad y las debilidades que refleja esta etapa de la juventud, en plena búsqueda de la identidad, del destino y de su lugar en el mundo. La complejidad de los sentimientos expuestos facilita un acercamiento psicoanalítico: como se expresan aquella relación fraternal tamizada por la culpa, el hermetismo, la confusión y el enojo. Esta mixtura de sensaciones nos interpela acerca de las elecciones que tomamos y como nuestras experiencias afectan la forma en que procesamos/exteriorizamos los sentimientos: el misterio que rodea a cada relación y su extrañeza constituye la exclusividad de cada vínculo. Subjetivizando la mirada hacia una bienvenida libertad interpretativa de esta obra, el mensaje llegará al espectador para completar un posible sentido intelectual dentro de tantos probables, adquiriendo allí vida propia. ¿Se trata, finalmente, del suicidio de su madre? Los espacios de la casa que parecen vedados nos inclinan a pensar que sí . Otorgar la cantidad de espacios inconclusos a su desarrollo resulta una apuesta atractiva para que la película crezca notablemente en la mente del espectador.
La idea de esta película parte desde una imagen que proviene de la infancia del autor y que está relacionada a una visita que el mismo hiciera a Basavilbaso, el pueblo de origen de su padre, a partir de lo cual cuestiones referentes a su propia procedencia comenzaron a interpelar su fibra íntima. Casi dos décadas le llevó al realizador concretar este film y es por ello que, a partir de este disparador, “La experiencia judía” intenta desandar el camino de una imagen que permaneció en forma de interrogante acerca de la identidad, la procedencia y el desandar el camino acerca del exilio judío, la diáspora que terminó haciendo de esa huida su asentamiento. Estos recuerdos de viejos tiempos se instalaron en su memoria, permaneciendo hasta hoy, cobrando vida en la travesía concretada en “La Experiencia Judía”. Según la mirada del autor, aún existen lugares remotos que el mundo globalizado desconoce afortunadamente, y en aquellas locaciones el realizador reconstruye la historia acerca de la llegada de la comunidad sefaradí que huyó de la Inquisición hacia la selva de Surinam. En la obra de Kohan existe una indagación que se manifiesta a través de dos temáticas primordiales. Por un lado, del espacio y el lugar que cada uno se hace para sí y , por otro lado y en consecuencia, la posibilidad de que se pueda a partir de dicha conquista inspeccionar acerca de uno de forma más profunda, como el autor ya había plasmado en “Lluvia Cósmica”; film de su factura. Resulta paradójico examinar la convivencia de la comunidad con los indígenas que poseen una idiosincrasia africana como Surinam. Igualmente sorprendente, todo lo que ocurre en el rodaje en locaciones de Brasil nos remite a personas que hoy en día dudan de su procedencia, tienen costumbres judías y son todos descendientes de aquellos perseguidos que escaparon Inquisición. Resulta atractivo el trabajo de investigación previo que formó parte del proceso de gestación del film, se nota aquí muy intuitivo al autor en hacer una lectura pormenorizada de cada locación y potenciales protagonistas que intervendrán, como sobrado ejercicio de cine documental. En este sentido, “La Experiencia Judía” se torna una película reveladora: una historia tan desconocida como la presencia judaica en lugares tan inhóspitos y remotos invita a despertar nuestra curiosidad.
Egresado de la FUC, Nicolás Torchinsky es director de cine, sonidista y docente. Con “La Nostalgia del Centauro” concreta su opera prima, la cual será exhibida en el festival “FestiFreak” de la ciudad de La Plata.Próxima también a ser presentada en el Festival Internacional de Mar del Plata, la película es un acercamiento a la tradición gauchesca a través de un matrimonio de ancianos. A partir del retrato documental de esta pareja, que vive en los cerros de una localidad al norte de Tucumán, el director bucea en sus realidades, trascendiendo recuerdos, sueños y –porque no-la proximidad de la muerte. “La Nostalgia del Centauro” es un documental de observación, con pocas intervenciones dialogadas, que prefiere explorar la magia de esos lugares y esos seres nativos que los habitan, con belleza tan singular, profundamente desconectados de la vertiginosa vida en las grandes urbes. Quizás la contemplación necesaria como para limitarnos a ser partícipes de esa magia ritual: el director capta con gran poder sensorial los sonidos de la naturaleza, como se aprecia la contundencia visual que exhibe remarcando la presencia del fuego en medio de la oscura noche. Si concebimos la figura mitológica de los centauro, como las de seres salvajes, esclavos de las pasiones animales, son evidentes las marcas del paso del tiempo en dos personajes que parecen habitar otra época, en su propia ley universal, conformando la propia memoria de un lugar. La cámara captura la esencia de lo campestre, buscando reflejar los misterios que esa naturaleza oculta, con reminiscencias visuales que dejan ver una influencia estética del cine de Tarkovski. Luego de haber circulado en los festivales internacionales de Reél (Suiza y Leipzig (Alemania), Torchinsky se estrena en el plano local, concibiendo una sensible visión del mundo desde el retrato de dos seres anónimos para la sociedad.
Participante de la competencia oficial del último Festival de Cine de Mar del Plata, “El Día que Resistía” es la ópera prima de su autora, Alessia Chiesa. La película aborda la mirada infantil de tres hermanos (Fan, Clara y Tino) durante horas en soledad. A medida que una espera prolongada y misteriosa toma dimensión, el hecho transforma el universo de dos hermanos, evento que trastocará la percepción que tenemos del mundo de los más chicos. Partiendo de un mundo infantil habitado por la imaginación, la directora construye una fábula que se apoya en un concepto estético primordial. En este caso la autora se propone, según sus palabras, ‘contar la experiencia sensorial a través de la imagen y el sonido, dejando la palabra en un segundo plano’. Con la sensibilidad y la profundidad necesarias para explorar la paleta estética, Chiesa consigue contar sin decir aquello implícito que el sonido construye desde dicha composición narrativa aquello que está pasando, sin enunciarlo. ‘El dia que resistia’ es una película que retrata el paso del tiempo y la transformación del mundo infantil durante la ausencia paterna. Basándose en recuerdos de su propia infancia y en un trabajo propio de investigación, la autora retrata una historia contada por niños, hecho que constituye todo un desafío personal, llevado a cabo con autenticidad y originalidad.