Lo sabemos, el terror es un género predispuesto al cliché y lo inverosímil. Suele prestarse a ridículos de tamaña dimensión. Si pensamos fríamente a través de números de taquilla, lucía rentable una secuela de aquella gema llamada “La Huérfana”, impensado éxito que recaudara cuatro veces su inversión a su estreno, una década atrás. Basado en la historia real ocurrida en 2007, en República Checa, nos trae el extraño caso de una mujer, quien sufría de hipopituitarismo, una enfermedad que no produce las cantidades normales de hormonas de crecimiento. Proveniente de la oscura factoría del entonces incipiente maestro del terror Jaume Collet-Serra, aquel film marcó a una generación por completo. Todo fan del género podrá presumir que cuenta con (al menos) uno que impactara de lleno en su niñez y adolescencia. Pregúntenle a aquellos millennials: el rostro del mal no abandonó sus pesadillas, por años. Poco queda en pie, de aquellas buenas intenciones a esta parte. “La Huérfana: El Origen” se erige como una precuela innecesaria por donde se la mire. Acaso, nunca vemos el origen, solo repetimos sin cesar. Asesinatos a diestra y siniestra vertebran una escena y otra. De antemano, ya sabremos cual es el giro. Todo es bastante previsible en este ejemplar de pobre aspecto estético. Un thriller manufacturado para desconectarnos de todo verosímil habido y por haber. He aquí unas de las incursiones en el género de horror más ridículas que haya podido rodarse en el último tiempo, bajo la responsabilidad creativa de escritores e incapaces más que de copiar al carbón referencias previas. Resulta inevitable pensar en obras de culto noventosas, del estilo de “El Ángel Malvado”, protagonizada por dos tiernos (o no tanto) Macaulay Culkin y Elijah Wood. Lo peor no es ello, sino que ciertas decisiones narrativas borran con el codo lo dictaminado narrativamente para el film original. Por ende, atentando contra toda credibilidad posible. Relato sangriento sin emoción, “La Huérfana: El Origen” persigue la ruta iniciática tomada por la otrora reina del terror y su desembarco en Norteamérica, infiltrándose en familias. Diluido el encanto, tan solo el acento siniestro perdura en esta bizarra ilusión: la espeluznante niña actuando como una adulta asesina se ha convertido en una mujer adulta actuando como una mujer adulta fingiendo ser una niña. William Brent Bell se coloca tras la lente y vuelve a recurrir a las dotes interpretativas de Isabelle Fuhrman, en decisión sumamente extraña. De nueve a veinticinco años de edad, se nota la diferencia de modo abismal. La estupenda y novel actriz de entonces se ha convertido en una mujer y sus rasgos ya no portan la misma inocencia. La perspectiva forzada intentará maquillar lo inevitable: zapatos de plataforma y muebles gigantescos pretenden hacernos creer lo imposible. Fallido truco carente de magia. Perdida toda aspiración macabra, el absurdo nos hará reír hacia adentro, confirmando la máxima: segundas partes casi nunca fueron buenas.
La génesis desde este proyecto nace de lo puramente autorreferencial. Una historia personal a través de la cual Guadalupe Yepes, indaga en terrenos de ficción. Un proceso personal, tan interno y visceral, que se convierte en la síntesis de una obra fílmica, cuando crisis se escribe con mayúsculas. A la hora de canalizar el dulce caos, es natural del artista recurrir a las herramientas que tiene a mano: la escritura, la narración y la dirección son tres áreas en donde Guadalupe encuentra fértil terreno de exploración. En esta oportunidad, labores de guion, realización y producción nos hablan de una tarea múltiple por parte de la autora. Tres actos son anunciados en idéntica cantidad de encuentros que mantiene la (ex) pareja en la piel de Gilda Scarpetta y Alejandro Catalán, dos intérpretes de fuerte estirpe teatral; y es así como se nos induce en una historia que transita las distintas etapas de duelo -cinco en total- para ambos. El cine dentro del cine funciona aquí como gran ensayo, guion en bruto y gancho inagotable para estos seres atrapados en un círculo viciado. “Corte” es una experiencia narrada en tiempo real, en donde el ritmo emocional se acompasa al lenguaje audiovisual -notable elección estética en paleta de colores, movimientos de cámara- engrandeciéndose con la participación especial de los consagrados intérpretes Cristina Banegas y Luis Machín (la voz del psicoanálisis que busca comprender las neurosis). El descubrimiento de una infidelidad, la separación, la continuación del vínculo en otros términos y la contradicción entre dos deseos contrapuestos, fraccionan en instancias a la propuesta. El dilema vincular se presta al siempre bienvenido juego metatextual: observamos a una mujer dentro de su objeto retratado, sorteando los traumas propios del trance, rumbo a una superadora transformación. El vocablo del título se inscribe como necesidad impostergable remite a la drástica decisión a tomar sobre un síntoma que se repite, y reincide en el regreso a los mismos ciclos enfermizos. El daño que se alimenta, el modo incesante que lleva a transitar idénticos lugares oscuros, melancólicos… “Corte” adquiere forma y fondo. Yepes aborda el acto de transformación de sus criaturas, cuestionando posturas y decisiones, lo hace acercándose en primerísimo plano. El final del amor suele indicar que la horma no era digna de propios zapatos; el montaje sabrá compaginar los motivos acumulados de malos entendidos. Sanar para no volver a repetirnos.
Fanny Navarro impactaba con su escultural belleza. Nacida en marzo de 1920, llegó a ser primera vedette del mítico Teatro Maipo durante 1945. Fue estudiante del Instituto Di Tella, y sus pasos profesionales la vieron alternar el teatro de revista, la tragedia y a la comedia sofisticada. Su carácter jamás paso desapercibido; tampoco su cercanía con el poder de turno. Ligada con Eva Perón, su carrera se desarrolló aún mas gracias a su alianza con el partido justicialista. De gran popularidad en el público, acabó convirtiéndose en una actriz proscrita, perseguida y torturada, al derrocamiento de Perón, por parte de la Revolución Libertadora, en 1955. Esta es apenas una semblanza acerca de la magnética figura de una artista que vuelve a convertirse en el foco de nuestra gran pantalla. En la sala Leopoldo Lugones del Complejo Teatral San Martín, sito en calle Corrientes del centro porteño, podremos disfrutar de una nueva perspectiva sobre la vida y obra de la protagonista de “Deshonra” (1952), en un largometraje en donde Alfredo Arias e Ignacio Masllorens comparten créditos de dirección. “Fanny, Camina” intenta hacernos reflexionar sobre toda forma de fanatismo castigada con igual proporción de extremismo. La de Fanny es una historia atrapante, una leyenda negra convertida en una frágil sombra de sí misma, que se balancea entre el estatismo de una historia decidida a escuchar uno de dos relatos posibles. En el envés, encontramos la estigmatización de una víctima del sistema imperante, quien supiera ser una de las actrices argentinas con mayor proyección internacional. Alejandra Radano encarna a la ferviente confidente de Eva y simpatizante peronista. Su abordaje nos trae a la memoria la sensual y magnética interpretación que llevara a cabo Leticia Brédice, para el film “Ay, Juancito” (2004, Héctor Olivera). Rodada en blanco y negro y apelando a registros de melodrama, vemos a Fanny recorrer unas calles porteñas que intenta reconocer como propias, recreando episodios de una vida signada por las pasiones, los ideales y el injusto olvido de la historia.
Comedia romántica dirigida por Ol Parker, escritor de ambas entregas de “El Exótico Hotel Marigold” (2011-2015) y realizador de “Mamma Mia, una y otra vez” (2018). No pasa desapercibido que los buenos amigos en común George Clooney y Julia Roberts vuelvan a encontrase en la gran pantalla luego de la brutal “Money Monster” (2016, de Jodie Foster); este tipo de duplas escasean. Vale preguntarnos si está el género más dulce en capa caída, lo cierto es que este producto respeta, a rajatabla, la estructura y el concepto que la industria indica. Y lo hace superando expectativas. Una pareja divorciada, unidos por la decisión de boda de su recién graduada hija, se encontrarán en el paraíso de Bali. Más allá de lo previsible y standard que devendrá en derredor a estas historias de amor paralelas, resulta el atractivo de ver juntos a dos superestrellas, garantía de química innegable y en plan sabotaje. Las improvisaciones, los pasos de baile de Clooney y la risa contagiosa de Roberts alcanza para pagar la entrada. Brindamos con y si hay turbulencia todo final feliz apacigua cualquier disfuncionalidad familiar. Ambos intérpretes se han encontrado por el camino en varias ocasiones; recordemos la saga “Ocean’s Eleven”, allá por comienzos del nuevo milenio. En “Pasaje al Paraíso”, la dupla se luce conociéndose de memoria, a lo largo de un recorrido en donde salvaje y choques culturales en extremo estereotipados. A la imperecedera belleza que porta Mrs. Roberts, con su sonrisa del millón de dólares, resplandeciente e imperturbable, se acompasa el carismático Clooney, quien aporta honda sabiduría en un par de líneas ejemplificadoras al reflexionar acerca del paso del tiempo, los sueños truncos, la paternidad y las crisis de pareja. No hay malas intenciones en una cinta manufacturada bajo los cánones old-fashioned. Finalmente, los astros siempre sabrán como cautivarnos.
Este largometraje de animación en 3D para adultos llega a los cines luego de un proceso de trabajo de cuatro años, en donde Fernando Sirianni y Federico Moreno Breser se dividen créditos de dirección. Adaptado al lenguaje cinematográfico desde la serie en formato web y televisivo “Tierra de Rufianes” (2015), autoría del propio Breser, “El Paraíso” encuentra en su génesis un terreno de exploración fértil para articular, a través de un relato que se ancla en las coordenadas históricas de la Argentina de principios de siglo pasado, más concretamente, en la ciudad de Rosario. Un año y medio de labor de guion demandó a Sirianni este ambicioso proyecto, sin antecedentes en nuestro medio. Para un profesional proveniente del universo del Live Action, y quien ha producido variedad de comerciales, la apuesta se asumía arriesgada. A lo largo de un total de cien minutos de duración, el factor de innovación prima en un producto inédito en Latinoamérica y realizado íntegramente con el motor de render para videojuegos denominado “Unreal Engine”. El blanco y negro surge como declaración de intenciones de una obra que se inspira en el cine noir de pura cepa, al tiempo que, puestas de cámara, modos de narración y montaje son colocados al servicio del clasicismo policial. “El Paraíso” combina elementos genéricos prototípicos, y la magia sensorial de disfrutarlo en una sala a oscuras, en la pantalla grande, se asume como paso obligado. Estrenada en treinta salas comerciales y contando con las voces de destacadísimos intérpretes del medio (Jorge Marrale, Norma Aleandro, Alejandro Awada), esta gran producción animada del cine nacional nos brinda una propuesta estética y conceptualmente sólida.
La nueva película del mítico George Miller, responsable de una ecléctica filmografía en la que destaca la franquicia “Mad Max”, está adaptada de “El Genio en el Ojo del Ruiseñor” (de A. S. Byatt), una historia corta publicada en 1994. El destacado director australiano imprime aquí su esencia y alma como artista, si bien se trata de un film mucho más íntimo y específico que otros de su factura, fuera de todo estereotipo comercial. Una rareza que, curiosamente, mixtura elementos extraños y anticonvencionales, y cuyo reparto está liderado por rostros conocidos como Idris Elba y Tilda Swinton. Incontrovertible, Miller es un cineasta en total control de la herramienta audiovisual, quien pervive como un clásico imperecedero del séptimo arte y nos obliga a disfrutar sus obras en la pantalla grande. Fuera del radar del cine blockbuster, prefiere explorar la plasticidad de mundos fantásticos y situaciones que conviven en una narrativa que escapa a lo mundano. Con referencias al cine de Zack Snyder y Terry Gilliam, la cinta amalgama el poder de historias que nos nutren bajo dilemas existenciales: ¿Cuál es la clave de la felicidad? Viñetas del ayer resuenan en el presente, gracias a un tratamiento del flashback que posee cierto halo místico en visión onírica. De disfrutable belleza visual, “3000 Mil Años Esperándote” es una experiencia placentera, aunque no atrapante. Fotografía y banda sonora excelsas brindan un fondo apreciable para que el realizador indague en su costado más metafísico y filosófico para reflexionar acerca del destino, la soledad, el amor, la edad moderna y las telecomunicaciones. ¿Quién mucho abarca poco aprieta? Un genio funge como factor conector: la humanidad y nuestro paso por este plano no representa un asunto menor acerca del cual pronunciarse. Tenemos aquí una pieza cinematográfica que no se parece a nada. No es poca fortuna, en tiempos donde la originalidad es un valor que escasea.
Comedia costumbrista que emula a “Esperando la Carroza”, concepción del arte cinematográfico que atrasa. La ridiculez, más que gracia, da vergüenza ajena. Marcos Carnevale hace un cine anclado en un prototipo de humor que nos retrotrae a lo más banal y básico que nuestra industria ofrecía luego del vaciamiento cultural producido en tiempos de la dictadura. Adaptado de la exitosa obra teatral de Hernán Casciari, en este film abunda el chiste malo que no contagia. Para colmo, el mal gusto para realizar bromas busca sacar una carcajada con una situación que involucra a una mascota que perdió la vida. Imposible. Reincidiendo, tal búsqueda, en una olvidable escena perteneciente a “Granizo” (2021). Aquí, tropieza con una piedra aún más grande que la previsible y torpe película que estrenara Netflix. En “Más Respeto que soy tu Madre” se palpa falta de elaboración a la hora de delinear un grotesco paisaje social. El ofrecido es un vuelo audiovisual que se acomoda mejor al formato televisivo; las salas de cine le quedan grandes. Florencia Peña, en el rol de matriarca, encabeza un elenco que posee otro nombre propio de fuste: Diego Peretti. Capas de maquillaje encima intentan disimular a un intérprete forzado a más no poder. Su flojo tino para elegir papeles llama poderosamente la atención, encadenando una serie de participaciones prescindibles (“Ecos de un Crimen”, “La Ira de Dios”). El retrato es el de una familia disfuncional. No hay alegrías para el abuelo y el fin de siglo se aproxima. Tramo a tramo, todo se plaga de inconsistencias; lugares comunes y estereotipos vertebran una narrativa emprendida con trazo grueso. Alevosos primeros planos que dejan de lado toda sutileza. ¿Qué quedó del director de “Elsa y Fred” e “Inseparables”? Una dirección perezosa, un falso sentimiento de nostalgia y una bajada de línea político-económica que no acaba de cuajar emergen como las características principales de un producto que extravió el tono por completo.
Producido por la señal HBO y recurriendo a profuso material de archivo indaga en la vida y eventos trágicos que conforma la existencia de Diana Spencer, «The Princess» ofrece como resultado una crónica de hechos que nos sitúa en coordenadas sociales y políticas muy precisas. Podríamos preguntarnos, ¿qué nos puede aportar de nuevo a todo lo previamente dicho escrito y filmado acerca de semejante figura? Un objeto de estudio inagotable, de cuyo interés apreciáramos la enésima aproximación de ficción en la reciente “Spencer” (2021), de Pablo Larraín. Aquí, sin recurrir a voces en off, el documentalista Ed Perkins sabe que tiene en sus manos el poder de comunicar una historia que definen nuestra era. Su prematura muerte marcó la vida política del Reino Unido. Entre múltiples fuentes incorporadas mediante un sorprendente acercamiento, se incluye la famosa entrevista brindada por Diana a la BBC, en donde reconoce su bulimia y acusa de adulterio al Príncipe Carlos. Tristemente, a partir de allí se despliega ante nuestros ojos una consecución de situaciones que se asemejan a una saga shakesperiana. Su trágica muerte, ocurrida un domingo de agosto de 1997 fue captada por los medios masivos, enlutando al mundo entero. La de Diana es una fábula trágica, hecha de ironías: su funeral fue visto por más personajes que su mismísima boda. Perkins, sin morbo alguno, persigue el fin documental de llevar un mejor entendimiento a lo que pudo haber contribuido a semejante desenlace. No busca el autor necesariamente meterse dentro de la cabeza de la princesa y entender su psicología. La pregunta que le interesa contestar, en cambio, conseguirá interpelar nuestra empatía. Innegable resulta el efecto del encantamiento colectivo que despertara la figura de Diana. Un singular aura emanaba de este disidente miembro de la realeza que obsesionó a los más conservadores ejes del Imperio, rumbo a un punto de inflexión que convergería en el fatídico accidente ocurrido en el túnel Pont de l’Alma de París. Acaso, ni ella misma fue inmune a tal efecto. Una combinación de belleza y vulnerabilidad se confunden en un perfil carismático y agradable. Cotejamos el fervor casi religioso que despertaba admiración y compasión, en símiles proporciones. Lo ocurrido a su muerte, no es menor curiosidad mencionar, anticipa una era en donde la privacidad de personajes públicos y poderosos era violentada ante la falta de escrúpulos de la prensa paparazzi.
La fachada del nuevo edificio del Colegio Nacional, inaugurado en 1938, replica el estilo predominante del academicismo parisino y monumentalista, percibido en las columnas y los arcos de entrada en el frente principal. Las puertas se abren, hagamos primero un poco de historia. Su sede se ubica en la calle Bolívar 263 de Buenos Aires, siendo uno de los edificios del tradicional casco histórico de “Manzana de las Luces”, en el barrio porteño de Montserrat. Fue fundado por el presidente Bartolomé Mitre, en marzo de 1863. Un nombre como el de sAmadeo Jacques pervive en el tiempo como su rector más emblemático. Para más precisión, “El Nacional” fue incorporado a la Universidad de Buenos Aires en 1911, por intervención del entonces mandatario Roque Sáenz Peña. Rodada en 2018, la película “El Nacional” nos presenta la autenticidad de una historia que muta dentro de las paredes de la casa estudios; el estudiante de hoy asume riesgos y posturas con idénticas honestidad y franqueza. Con semejante tradición a sus espaldas, imaginamos el nivel de pertenencia que porta esta institución, sinónimo de prestigio. Como todo recinto educativo, una sociedad a microescala. Un colegio cargado de mística y memoria, atada a la cronología del país. Generadora de un tipo de comunidad muy particular, habitante en su seno privado. Para el prolífico documentalista Alejandro Hartmann (“Reset”, “Carmel”, “El Caso Cabezas: el Fotógrafo y el Cartero”), el desafío implica ingresar en el universo cerrado de un ámbito público dentro de cuya imagen emerge, también, la paradoja: apreciamos una perspectiva elitista que incide en el relato que ha tramado su devenir. Este ícono cultural y pedagógico aviva recuerdos en Hartmann, quien admira el ámbito educativo en el que se formó, y que hoy revisita como realizador y padre. Acaso, despierta en su interior la paradoja de entonces pertenecer y regresar como testigo; el eco nostálgico en las aulas y los claustros no aparta su fino ojo de observador a la hora de examinar la trascendencia de aquellos que en el presente encarnan otro tipo de paradigma, apropiándose del mito tradicional. Partícipe de transformaciones a nivel social como las presentes, impulsadas por nuevas generaciones que reclaman su lugar y derechos, el colegio cobija en la actualidad a jóvenes encargados de romper la mística de pertenencia clasista, en vías hacia una democratización y apertura superadora respecto a otras épocas. La preocupación a nivel social y político resulta evidente en la participación del centro de estudiantes, en discusiones por la ley de aborto y disputas por la postulación de una rectora. “El Nacional” visibiliza la coyuntura actual: se llevan adelante asambleas para impulsar y lograr el cambio, el manejo político ha cambiado de manos. Tales son las experiencias que nos son compartidas por una cámara atenta, en el intento de radiografiar la realidad que atraviesa a un estudiante modelo, reflejo de la frescura y el desparpajo de una adolescencia que cuestiona la tradición rigurosa. Protagonistas de un nuevo tiempo, quienes persiguen aperturas ideológicas y bregan por la conciencia sobre los propios derechos y obligaciones, en vías de espacios de expresión y formación más tolerantes. A casi un lustro de haberse registrado, el material no ha perdido un ápice de pertinencia.
Tras su paso por festivales europeos de tradición (Venecia, Sevilla), una de las directoras polacas de mayor proyección en el cine internacional, estrena, junto a su compañero creativo y director de fotografía -en labores de co-dirección- el film “Nunca Volverá a Nevar”. Malgorzata Szumowska y Michal Englert nos traen aquí la historia de un niño afectado por la tragedia de Chernobyl, luego convertido en un enigmático masajista, quien trastoca las vidas de sus pacientes con tratamientos al borde de lo milagroso. Magia visual fascinante atraviesa los cuerpos y detalles que maridan lo cómico y lo surrealista conforman las virtudes de una película luminosa, aún radiografiando el marco de una tragedia. Plagada de metáforas, todo sea por hacer justicia poética a la hora de satirizar una porción de la sociedad. ¿Es la alteración climática un mal augurio? Gestada alrededor de un verosímil que rescata el elemento fantástico y deslumbrante, más sugerente que explícita, esta fábula moral abreva en las obsesiones que circundan a sus personajes. Sin embargo, la fuente de la esperanza jamás vaciará la última gota. Sugestiva e hipnótica, ofrece bellos pasajes rodados con absoluto esteticismo y una originalísma puesta de cámara.