Robert Bilott (interpretado por Mark Ruffalo), es un abogado corporativo que da un vuelco drástico a su carrera para enfrentarse a quienes defendió: una todopoderosa multinacional por sus prácticas que dañan el medio ambiente y envenenan a un pequeño pueblo. En su búsqueda de exponer la verdad, arriesgará, no solo su futuro profesional, sino su vida familiar, convirtiéndose en el enemigo público número uno de la siniestra empresa. El cineasta californiano Todd Haynes, director de grandes films como “Velvet Goldmine” (1998), “Far from Heaven” (2002), “I’m Not There” (2007) y “Carol” (2015, que obtuviera el premio a Mejor Película Extranjera en los Premios Cóndor de Plata) se inspira en una impactante historia real que remite a films exitosos como “Silkwood, “Una Acción Civil”, “Erin Brokovich” y “Tierra Prometida”, referentes del cine social e denuncia que aborda Hollywood, y que descubrían oscuros secretos de grupos de poder al tiempo que denunciaban el accionar y los intereses detrás de la contaminación ambiental. Nutriéndose de un gran elenco (Tim Robbins, Bill Pullman, Anne Hattawhay) y mostrando gran astucia narrativa, se observa la experiencia del director para involucrar al espectador en este entramado de tragedias, descubriendo el costado más débil y vulnerable de una sociedad. Con espíritu de denuncia, ofrece cierta urgencia en su enunciado y un impacto dramático que pretende indignar al espectador, cuestionando las turbias maniobras de esta corporación. “El Precio de la Verdad” provee un planteamiento al servicio de una causa cuyo mensaje no deja lugar a segundas interpretaciones. Efectivo, aún sin tratarse de una gran obra, este thriller judicial se apoya en la camaleónica labor de Ruffalo y demuestra el amplio abanico genérico del que es capaz de abordar este ecléctico realizador.
Conozcan a Mickey Pearson, un hombre de negocios que triunfó en Londres gracias al tráfico de drogas y posee enemigos que quieren derrumbar su imperio, desatando una auténtica guerra de pandillas mafiosas. Una circunstancia que suscitará todo tipo de conspiraciones, intrigas y chantajes, que implicarán a peligrosos grupos de poder. Este esquema de situación es el molde temático a través del cual Guy Ritchie patentó su carrera, probándose como un efectivo cineasta abonado a la acción. Este productor y guionista ha otorgado una estética reconocible a películas como como “Revolver”, “Juegos, Trampas y dos armas humeantes”, “Snatch: Cerdos y Diamantes” y “Rock n’ Rolla”, proporcionando también relevancia internacional a un héroe de acción como Jason Statham. Luego de llevar a la pantalla el histórico personaje literario de Arthur Conan Doyle (“Sherlock Holmes”) en un par de oportunidades, Ritchie regresa al terreno que mejor le sienta, con un lúdico y entretenido ejercicio de género, narrado con habilidad. “Los Caballeros” ofrece sus habituales elencos corales (se destacan Hugh Grant y Collin Farrell), un antihéroe bajo amenaza (Matthew McCounaghey, un texano que debe forzar de forma convincente un acento londinense), personajes marginales viviendo fuera de la ley, planes delictivos que sufrirán giros imprevistos y una sucesión de diálogos ingeniosos. Esta mixtura pareciera una vuelta a las fuentes de la comedia criminal británica que marcara su estilo desde fines de los años ’90. Sin demasiada hondura argumental, pero conservando la frescura de antaño, podría decirse que el cineasta se coloca ‘en piloto automático’ para concebir un producto que recurre a todos los detalles caricaturescos que poblaron sus antiguas historias criminales. Como desafío al espectador, lo más interesante de esta trama in medias res resulta el constante uso de saltos temporales, con flashbacks que pretenden colocar las piezas de este rompecabezas de intriga en su lugar, describiendo sucesos en retrospecciones que nos invitan a resolver el enigma como un inglés de pura cepa haría: tomando el five o’clock tea. El bueno de Richie supo ir ‘a la cama con Madonna’, de manera que, como comprobarán, esta película no representa el más mínimo aprieto…
Dirigida por Destin Cretton, cuenta la historia real del joven abogado Bryan Stevenson (interpretado por Michael Jordan, actor consagrado como hijo de Apollo Creed en la saga “Rocky”), quien después de licenciarse en Harvard recibe ofertas de trabajo muy lucrativas. Pero él prefiere enfocar su carrera en defender a personas que han sido condenadas erróneamente o que carecían de recursos para tener una representación legal adecuada, contando con el apoyo de la activista local interpretada por Brie Larson (ganadora del Osacar por “La Habitación”). Residiendo en Alabama, recibe el complejo caso de un afroamericano (interpretado por Jamie Foxx), que en 1987 fue sentenciado a la pena muerte por el asesinato de una chica de 18 años, a pesar de que las pruebas demostraban ostensiblemente su inocencia. El letrado se verá envuelto en un laberinto turbio de maniobras legales y políticas perpetradas por un sistema legal racista y corrupto. Este drama judicial ofrece una mirada sensible a las falencias del sistema judicial que perjudican a ciudadanos de raza negra y nos retrotraen a magníficos retratos que el cine ha hecho como en “Huracán”, de Norman Jewison, en donde el enorme Denzel Washington brindó un impresionante retrato del boxeador Rubin Carter, erróneamente condenado a mediados de los años ‘60. Aún pecando de ciertos esquematismos y absolutismos que grafiquen la dudosa moral de quienes deben dictaminar justicia y proveer a todo ciudadano un trato igualitario, nos habla este film de una América dividida por la segregación racial, contándonos una historia conmovedora y basada en hechos reales, que enaltece la búsqueda de justicia de un profesional que persigue el ejercicio noble de su vocación. Foxx, un actor que tiende a la ampulosidad gestual, se encuentra sumamente acertado en la piel del condenado y ofrece una memorable interpretación, a la altura de su oscarizado personaje en “Ray” (Taylor Hackford, 2004). El thriller judicial, por otra parte, se ha consolidado como un fiable producto con gran éxito de taquilla, principalmente en las novelas adaptadas de John Grisham, un escritor especialista en la materia, cuyas transposiciones en la gran pantalla se cuentan de a docenas, desde “El Cliente” hasta “Tribunal en Fuga”. Tampoco podemos olvidar la pertintencia de una película como “Matar a un Ruiseñor” (1962, Robert Mulligan), cuyos valores refleja este film, indudablemente inspirado en esos dramas valientes y honestos que buscan denunciar una cruda realidad y las falencias de la pena capital.
Basada en hechos reales y dirigida por Jay Roach -un efectivo cineasta responsable de varias entregas de la saga “Austin Powers” así como de “The Fockers”-, cuenta la historia de la presentadora de Fox News, Gretchen Carlson (interpretada por Nicole Kidman), quien se decide a hablar sobre el abuso sexual de su jefe: el productor al frente del canal, el despreciable Roger Ailes (aquí protagonizado por un irreconocible John Lithgow), destapando un escándalo mayúsculo. Será entonces el efecto en cadena que lleve a sus compañeras de redacción a verse envueltas en el dilema moral sobre si dar o no su testimonio acerca del cuestionado productor, sacudiendo los cimientos del poder de turno. El escándalo de turno está sazonado por un elemento en absoluto menor: el debate presidencial acontecido en la ciudad de Cleveland (en el estadio de los Cavaliers, sede de la franquicia de NBA) durante la campaña presidencial de 2016 que enfrentó ferozmente a demócratas y republicanos y que, a la postre, llevaría a ocupar el preciado sitial en la Casablanca a un ser tan cuestionado como repugnante, el magnate Donald Trump. Esta película, de indudable pertinencia social, recibió tres nominaciones a los Premios Oscar (Mejor Maquillaje, Mejor Actriz para Charlize Theron y Mejor Actriz de Reparto para Margot Robbie) y mismas distinciones para los Premios Globos de Oro. Detrás de una impresionante caracterización, Theron y Lithgow brindan actuaciones poderosas, al tiempo que Robbie se confirma como una de las más gratas revelaciones del firmamento estelar hollywoodense y la calidad brindada por el camaleónico personaje de Kidman recuerda a su oscarizado rol en “Las Horas” (Stephen Daldry, 2002): breve, pero intensamente emotivo. “El Escándalo” es una denuncia al sistema amparada en un sólido retrato femenino de tres de las más destacadas intérpretes del Hollywood contemporáneo, conformando una recreación fidedigna de las maquinarias que mueven los multimedios corporativos de noticias. Con un profundo espíritu autocrítica hacia la sociedad americana, no persigue la necesidad de virar hacia la indulgencia feminista satanizando a ‘ellos’ ni de omitir la complicidad por conveniencia y el silencio de muchas de ‘ellas’. Sin ser lo suficientemente explícita, opone víctimas y victimarios sin difuminar zonas grises propias de la subjetividad de la mirada y lo falible del comportamiento humano. La caída de este imperio mediático (¿acaso la dimisión de Ailes sería un recurso lampedusiano?) sacudió las conservadoras estructuras de un aparato social patriarcal que validaba arcaicas y repugnantes modas y conductas abusivas, toleradas en silencio y naturalizadas hasta la ridiculización del género. La reciente repercusión del movimiento #MeToo que comprometió a varias figuras de la industria (como por ejemplo a Harvey Weinstein, mandamás de Miramax) saca a relucir la mezquindad humana en su condición de detentar el poder. Por supuesto que el análisis amerita una interpretación mucho más sutil a la guerra de intereses que se esconde detrás. Y a todo un aparato que solventa la ‘verdad’ que un medio puede sostener, tejiendo su propia narrativa de los hechos. Que el presidente electo sucesor de Barack Obama haya sido la misma persona que de forma artera y despreciable acosara, denigrara y vilipendiara a la periodista interpretada por Theron no solo desprestigia la investidura presidencial que con autoritarismo porta, sino que traza un curioso paralelismo con la no menos cuestionada figura de Ailes, un empresario con un pasado turbio (un escándalo de xenofobia y racismo lo colocó en el centro de las polémicas mediáticas hacia 1994). El respaldo de votantes que convirtió a Trump en presidente de todos los norteamericanos también grafica la violencia espejada en un amplio sector de la ciudad. ¿Quién es de verdad el monstruo?
El fenómeno del blockbuster es la otra cara del Hollywood de alto presupuesto que ha prefigurado su esquema industrial de las últimas décadas mediante una fórmula sumamente exitosa: poco riesgo artístico y grandes efectos especiales que solamente buscan el rédito económico. Podríamos primero definir que entendemos por blockbuster: un término acuñado al nacimiento del relato posmoderno, sucedido en aquel cambio de paradigma que posibilitara fenómenos masivos como un modelo de film que excedió claramente la pantalla para convertirse en ícono popular. Como parte del aparato publicitario que el sistema de estudios avala, un blockbuster debe poseer un argumento high-concept. Esto significa que la sinopsis se puede resumir en una única frase o imagen impactante. Es decir, vincula el gusto del espectador contemporáneo con una extensa estrategia publicitaria, un fenómeno característico del citado relato posmoderno, evidenciado en la anodina repetición en la que se ha visto sumida Hollywood, ante lo cual esta reinvención de “Bad Boys” viene a corroborar la regla. Una corriente que termina cimentando a sagas, secuelas y remakes como las propuestas comerciales más rendidores los últimos años. Designando fórmulas originales en los últimos años, el cine de animación y la ciencia ficción se convierten en un referente de la experimentación virtual para el desborde (el llamado cine hiperbólico y de vocación consumista), que buscan unos propósitos menos arriesgados y personales, como indican los estudios de mercadeo. Michael Bay, cineasta que dirigiera los primeros dos episodios de “Bad Boys”, pareciera la persona más oportuna para llevar a cabo semejante empresa, habiendo saturado su filmografía de títulos prescindibles y pasatistas, que utilizan la parafernalia visual como centro motor del relato y no como instrumento anexo, saturando el film de acción incesante que cubra baches narrativos, en las antípodas del ritmo entendido como elemento gramático unificador. Similar estilo persiguen las mega producciones de Jerry Bruckheimer, rey del cine de acción más pochoclero y rendidor en taquilla en las últimas tres décadas. La pareja protagónica está conformada por Martin Lawrence, exitoso comediante americano y Will Smith, convocante y carismático intérprete, efectivo en el terreno dramático cuando se lo propone. Lejos de ese registro y en el eterno personaje que siempre intenta reestablecer el orden, recurre al héroe prototipo que encarnara en “Yo, Robot”, “Men in Black”, “Soy Leyenda” e “Independence Day”. Smith saltó a la fama con la serie televisiva “The Prince of Bel Air” y dos años después tuvo su bautismo de fuego cinematográfico con “Bad Boys”, una película que veinticinco años después luce pasada de moda. El viejo ardid de la buddy cop movie con toques de comedia y la pareja despareja que lucha contra el crimen es otro de los tantos clichés imposibles de sortear en esta ópera prima de Bilall Fallah y Adil El Arbi.
En un cine donde el factor tecnológico gana terreno cada vez más y donde el componente humano queda relegado a expensas de ceder protagonismo, podemos ver cómo actores de carne y hueso son piezas de ajedrez en un tablero donde la tecnología decide el destino de los mismos. Hoy en día ha cobrado fundamental preponderancia la imagen virtual, en cuanto al aspecto preponderante que otorga en pantalla la presencia de efectos especiales, la manipulación de imágenes y el alcance de lo virtual. Solemos prestar excesiva atención a como se fragmenta lo humano y lo mecánico cada vez más, haciéndose por momentos prescindible la labor del primer factor. Sin dudas, problemáticas contemporáneas que van desde los programas de animación computarizada hasta el uso de la cámara digital, dos innovaciones que -por nombrar entre tantas- dictaminan las nuevas reglas en cuanto al desempeño de la estética. Normas aplicadas a causa de la manipulación tecnológica, por parte de una o por el nulo uso de efectos especiales por parte de la otra. Está claro que el “nuevo cine de blockbuster” imperante desde los ’80 y posibilitado por enormes presupuestos, mega producciones, innovaciones en el sonido y la utilización de técnicas digitales, ha favorecido un cine de la sensación. Se ha creado, entonces, un cine del espectáculo, incrementado en los últimos años por la irrupción y rápida propagación de los films en 3D. Y he aquí otro aspecto negativo a analizar: en detrimento muchas veces del guión, al que -para llenar ‘huecos’ narrativos- se lo inunda de efectos especiales de absoluta nimiedad. Este juego es parte de lo que ciertos teóricos denominaron la estética de la repetición, vale decir, una sucesión de imágenes tal que hace que la misma se construya en relación con otra, y así sucesivamente. Como resultado, prolifera hoy en día la multiplicidad de lenguajes, alejándonos cada vez más del romanticismo presente en la individualidad de la teoría de autor, propuesta por los primeros estudiosos del cine a mediados del siglo XX. En ese sentido, verificamos la tendencia más y más frecuente de hacer films animados con actores caracterizados en una computadora destinados para consumo infanto-juvenil, pero con temáticas adultas. La apuesta, puede comprobarse, termina distanciándose de la tradicional recurrencia de hacer films animados con personajes animados para chicos, género inobjetable y necesario. Por el lado de la tecnología, el género animado y la ciencia ficción, Hollywood ha progresado acorde a los avances de estos tiempos: vertiginosamente. Resulta pertinente mencionar la actualidad de una película como “Sonic”, ejercicio de live-action basado en el videojuego de SEGA sobre un erizo de color azul, se concibe como un entretenimiento para toda la familia. El ‘live action’ es una técnica por la cual, actores animados o de animación, pasan a ser interpretados por personas de carne y hueso, caracterizados como los dibujos originales. Así que cuando tenemos frente a nosotros un actor “humano” caracterizando un ser “animado”, podríamos traducir dicho fenómeno como “acción viva”. Partiendo de la base de que el mismo es empleado para dar vida a personajes animados, podemos establecer que su aplicación abarca los personajes de anime y/o comic, donde suele intercalarse con la técnica 3D. Es decir, un mismo personaje de comic será caracterizado en un actor real, pero habrá tramos donde podremos ver que el personaje de comic puede ser caracterizado a través de la animación 3D, en un mundo audiovisual también generado con mixturas por una simple razón de abaratamiento de costos. Esta película se iba a estrenar en noviembre de 2019, pero luego de la publicación del primer trailer donde los fans reaccionaron negativamente frente al aspecto del erizo, el estudio decidió rediseñarlo completamente postergando así su estreno. Este antecedente nos sirve para evaluar al cine actual de entretenimiento en su estado presente. Podemos comprobar, mediante este ejemplo, que la dinámica entre creadores y consumidores está cambiando a pasos agigantados, gracias a un poderoso instrumento que ingresa en la ecuación como son las redes sociales. Síntomas de la transformación continua que vive el medio audiovisual y también un veto unánime que habla de que la tarea de diseño del personaje no guardaba fidelidad con su concepción original.
Hollywood no agota jamás su capacidad para recurrir a viejos y queridos éxitos que reciclen por enésima vez la fórmula de la efectividad en taquilla. Hollywood clasifica, encasilla y selecciona de acuerdo a firmes características temáticas y narrativas. Una mirada a la cartelera veraniega nos ayuda a comprobar una serie de films cuyo target destinatario está más que claro. Tomemos como ejemplo el mentado recurso del remanido spin off, evidente en la recientemente estrenada “Aves de Presa”. Esta película retoma la senda del famoso personaje de Harley Quinn luego de “Escuadrón Suicida” (aquel mediocre pastiche de David Ayer), recurriendo a la cada vez más frecuente moda en donde personajes secundarios de ven evolucionar su importancia de determinada manera que acaban convirtiéndose en fenómenos de culto y gran arraigue popular, liderando historias independientes y propias. Este fenómeno ocurre muy a menudo en el cine de super héroes, como sucediera con Wolverine de “X-Men” (para “Logan”) o más recientemente con “Guasón”, la premiada cinta de Todd Philips. Tampoco excluye al ámbito de las series y “Breaking Bad” resulta su epítome: “Better Call Saul” y “El Camino” son los hijos directos de una franquicia con excelente marketing. De igual forma sucede con las eternas remakes, otra forma organizativa que codifica intereses para un público sectorizado, como sucede aquí con el género del terror. “La Maldición Renace” nos presenta la historia de un vendedor inmobiliario, que tiene a su cargo la venta de una casa embrujada acechada por la presencia de un fantasma que lanza una maldición a quienes deciden ingresar en ella, causándoles una violenta muerte. Con tan predecible argumento se presenta esta película que inaugura de modo mediocre el 2020 para el siempre transitado género de terror, cada vez más lejos del esplendor que viviera hacia los años ’70 y ‘80. Este ejercicio dirigido por Nicolas Pesce está pobremente concebida y escasean sus valores, a pesar de estar producida por un especialista en el género como Sam Raimi, quien durante los primeros tramos de su trayectoria se especializara en el cine de terror de posesiones infernales como lo demuestran películas de su autoría como la saga “The Evil Dead”. Aquí, se vuelve por enésima vez a recurrir narrativamente a la casa encantada y el fantasma vengativo que se presenta como una concreta amenaza. Bebiendo de las fuentes de películas comerciales como “Destino Final” y el tan mentado j-horror (la vertiente de terror oriental que causara furor a comienzos de los 2000). “La Maldición Renace” se construye de un compendio de clichés anticipables y repetidos infinitas veces, que persiguen el susto fácil para la rápida consumición de público mayormente adolescente, están lejos de la decencia y originalidad de la que hacían gala auténticos ejemplares del j-horror, como “The Ring” de Hideo Nakata, también llevado a Hollywood por Gore Verbinski en el año 2002. Burda, pretenciosa y endeble, pretende ser una segunda remake de “The Grudge” de Takashi Shumizu (ya apropiada por Hollywood en 2004) que dista en novedad y riesgo con su original. Solo recomendable para fieles incondicionales del género.
Hasta hace algún tiempo, sagas como “Superman” o “Batman” poseían una presencia en pantalla y una contundencia que hoy día no se encuentra; pareciendo que el traje de superhéroe se lo calza cualquiera. El rejunte de héroes del cómic que super transitan la cartelera contemporánea en “The Avengers”, parece más un intento taquillero, furioso y desmedido que un proyecto serio, consecuente y acabado. Tan impensado como el desaprovechado talento dramático de Robert Downey Jr. y su (no tan) nueva etiqueta de héroe de acción del cómic, una desproporción gigantesca. Siguiendo las pautas que las moda indican, la flamante “Aves de Presa” retoma la historia luego de “Escuadrón Suicida” (2016), recurriendo a la cada vez más frecuente moda de los spin offs, en donde personajes secundarios de determinada historia ven evolucionar de determinada manera que acaban convirtiéndose en héroes populares y protagonistas de historias independientes. Este fenómeno ocurre muy a menudo en el cine de super héroes, como sucediera con “Wolverine” de X-MEN (en “Logan”, de James Mangold) o más recientemente con “Guasón”, de Todd Phillips. Justamente, “Aves de Presa” cuenta la historia de la secuaz y compañera de ‘Joker’ (el rol que interpretara el músico y actor Jared Leto); se trata de Harley Quinn, quien se une a las super-heroínas para salvar a sus compañeras de un malvado criminal. El personaje de la ‘chica superpoderosa’, toma las riendas de la historia en una suerte de empoderamiento femenino, protagonizado por Margot Robbie (recientemente nominada al Oscar por “El Escándalo”) y su inclusión otorgó algo de prestigio a esta secuela a la irregular película de David Ayer, constituyendo uno de los títulos más esperados de los seguidores de la saga. Warner Bros encaró este nuevo proyecto, con dirección de la realizadora asiática Cathy Yan, en relación a esta serie de personajes de DC Comics que cuenta con Ewan McGregor como el villano ‘Black Mask’. De modo absolutamente previsible, la trama se debate entre superhéroes de fantasía y batalla por super poderes: la guerra contra del sistema está declarada. Como suele ocurrir en este tipo de propuestas, la eterna lucha entre el bien y el mal por la supervivencia cobrará vida cuando la oscuridad parece cernirse sobre los protagonistas de esta fábula, interpretados por un elenco sin mayor relevancia, salvo los nombres ya apuntados. “Aves de Presa” dista de ser un homogéneo producto de acción, sin cumplir a la altura de lo esperado. ¿Será su leve tránsito en cartelera el remanido anuncio de un siguiente capítulo por venir?
Dirigida por el británico Rupert Goold (un cineasta de vasta experiencia en el teatro shakesperiano y en series de TV), la película que recrea la vida de un auténtico mito del ámbito cinematográfico, se sitúa durante el invierno de 1968, treinta años después del estreno de ‘El mago de Oz’ (1939), icónico film de Victor Fleming cuyo éxito comenzaría a otorgarle a la estrella el apodo de “Mrs. Showbusiness”. En esta relevante biopic, la leyenda Judy Garland llega a Londres, prácticamente auto-exiliada de su comunidad artística, para brindar una serie de conciertos que revivan su crepuscular carrera. Podría decirse que Hollywood proveyó a Garland de todo lo bueno y lo malo que la fama puede asegurar. Aquel antológico rol la propulsó hacia el éxito precoz y desmedido, exponiéndola a la cara más amarga de aquello que llaman celebridad En la madurez de su carrera, y producto de su inestable estado emocional y el abuso de pastillas, Judy se había convertido en una sombra de aquella adolescente fulgurante y talentosa. Sin embargo, todavía era una artista sumamente convocante. En las vísperas de su curtain call y mientras se prepara para subir al escenario con miras a revitalizar su carrera -como si de una auténtica fábula hollywoodense se tratara-, regresan a ella los fantasmas que la atormentaron durante su maltrecha juventud. El film nos comienza a relatar, mediante flashbacks, el penoso trato que recibió de parte de la maquinaria de estudios (ella trabajaba para la MGM, con quien había firmado un contrato en exclusividad) siendo aún una adolescente y sufriendo todo tipo de humillaciones y torturas. El férreo control psicológico que los magnates del estudio ejercieron sobre Judy es mostradas con absoluta simplicidad y plagado de todos los estereotipos posibles (una bajeza si consideramos que se trata de algo tan delicado como el maltrato psicológico infantil), aspecto que merma los valores de un film destinado a hacer lucir a su protagonista principal. Si bien este aspecto, en absoluto sutil, resta autenticidad a un retrato previsible acerca de la caída en desgracia de un icono de la gran pantalla, cabe mencionar la analogía trazada con su vida privada: en su ápice interpretativo, Judy fue la protagonista -en 1954- de la remake de “Nace una Estrella”, un relato ficcionado acerca de las tribulaciones y excesos de una estrella. Como una cruel burla del destino, esta biopic certifica que el grado de tragedia alcanzado en vida por Garland provee su existencia de todos los condimentos necesarios que una buena biopic exige; tal como las modas indican. A tales efectos, la actuación que brinda Renee Zellweger, más allá de las limitaciones narrativas del film, es sumamente poderosa, copiando al detalle el lenguaje corporal de su musa inspiradora. Desnudando las inseguridades de un ser corroído por el estrellato nos lleva hacia el epicentro de su pesadilla. VaciadA de autoestima, sin embargo, logrará una interpretación final redentora, como todo manual condescendiente indica. Al regreso de su tour por Londres, esta diva caída en desgracia, quien peleaba por la custodia de sus hijos y había estado casada con el director Vicente Minelli, fallecería en Beverly Hills por sobredosis, en 1969. Tenía 47 años.
‘Los horrores de la guerra’, también llamado ‘Las consecuencias de la guerra,’ es una alegoría de las guerras que habían asolado a Europa, pintada por Peter Paul Rubens en 1637, con destino al Palacio Pitti del duque Fernando II de Médici. También podríamos citar a ‘Los desastres de la guerra’, una serie de 82 grabados del pintor español Francisco de Goya, realizada entre los años 1810 y 1815. Allí el horror de la guerra se muestra especialmente crudo y penetrante, desnudando las crueldades cometidas en la Guerra de la Independencia Española. Un siglo después, en plena Primera Guerra Mundial, la desidia humana no ha cambiado, ni su ambición dominadora menguado un ápice. El reconocido director responsable de joyas del cine americano contemporáneo como “Belleza Americana” (1999) y “Camino a la Perdición” (2002) se apunta una de las más destacadas películas que engalanan la presente temporada de premios. “1917” representa el regreso de Mendes al género bélico luego de su incursión en la fallida “Jarhead” (2005) y el resultado es un producto absolutamente sorprendente. El germen de esta película se encuentra en las vivencias de Alfred Mendes, veterano de la Primera Guerra Mundial y abuelo del director. De sus historias al frente de batalla y las anécdotas transmitidas de generación en generación es que surge este guión firmado por el propio realizador. Y en la misión heroica e improbable que debe cumplir el personaje principal de “1917” se recrea una Odisea de míticas proporciones, directamente dirigido hacia una tierra de nadie. El desafío será atravesar un rosario de dificultades, que incluyen notables exigencias físicas y una entereza mental a toda prueba. También, una cuota de suerte que la ficción cinematográfica exagera a la enésima potencia a fin de conseguir un crescendo dramático acorde a las circunstancias que apremian a nuestro héroe de turno atravesando el territorio enemigo. Si el cine de guerra se ha especializado, a lo largo de su profusa historia, en ilustrarnos la crueldad de los conflictos bélicos y la futilidad de su fin en sí, “1917” no agrega nada nuevo a lo ya abordado. Pero es su suculenta cuota de realismo, crudeza e impacto las que sustentan a un guion sumamente hábil como para explotar las aristas dramáticas de su devenir. Y allí está la prodigiosa cámara de Mendes para registrarlo todo. El uso que hace del plano secuencia es, sencillamente, magnifico. Su lente, inquieta y movediza persigue ángulos originales e improbables, surca interminables trincheras, se arrastra en travelling o sigue a sus personajes cuerpo a tierra, prescindiendo del montaje a fin de envolvernos en la barbarie del campo de batalla. El extremo realismo de Mendes y su preciosismo visual se fusiona con la adrenalínica banda sonora compuesta por Thomas Newman para entregar escenas antológicas. Asimismo, la plástica fotografía empelada consigue entregar auténticos lienzos del horror: campos minados, ciudades de devastadas, artillería estallando por los aires, los cazabombarderos surcando el cielo de un territorio que no conoce ni de Dios ni de piedad. Allí se posa la mirada, desde el subjetivo punto de vista británico, inserto en una improbable misión de rescate que se extenderá por toda una jornada, sazonada por episodios dantescos, donde la vida pende de un hilo. Las vicisitudes que debe atravesar nuestro protagonista nos lleva a reflexionar sobre la fragilidad de la vida humana y el trágico destino sellado para estos jóvenes, abandonados a la suerte de una contienda demencial. Víctimas inocentes aquí y allá. El caos imperante en el frente de combate y las familias destrozadas que aguardan la peor noticia desde sus hogares. Dos jóvenes soldados enarbolan la responsabilidad de un cometido en extremo dificultoso. La misión comienza en un día brumoso, acaso la dificultad climática ensombrece aún más este cuadro fatalista. El paisaje es atroz: animales sin vida esparcidos a lo largo de un océano de lodo, un cementerio de cuerpos apilados de veteranos que brindaron su vida la causa bélica, más allá cuervos devorando cadáveres y un enjambre de moscas revoloteando el hedor de los restos animales apilados. Hacia el otro lado del batallón, un estremecedor campo de enfermería que atiende a soldados mutilados. Sin quererlo, “1917” se convierte en el mejor film de terror posible. Una realidad que cala en los huesos. Vale la pena hacer mención a los efectos colaterales. Al finalizar la Primera Guerra Mundial se comenzó a hablar de ‘neurosis de guerra’, un término utilizado para describir el trastorno por estrés postraumático que afectó a muchos soldados cuya patología se trata de una reacción ante la intensidad de los bombardeos y la lucha que produce una impotencia que se traduce en múltiples síntomas físicos y psíquicos de desequilibrio. De esta forma, Mendes inspecciona el alma corrompida de unos hombres al comando de una guerra que perdió el rumbo y no teme asomarse al abismo de lo inhumano y lo sanguinario de la condición enfrentada a la propia finitud. Un par de escenas antológicas nos llevan a pensar que estamos ante un nuevo clásico del género. Este tándem de pasajes destaca por su belleza poética, extrayendo poesía del más puro horror para brindar un mensaje esperanzador. Una anécdota contada a manera de fábula de un solado a su compañero nos interna en un verde bosque mientras dejan atrás la brumosa ceniza del paisaje que dominaba el deteriorado frente alemán. Luego, una bella metáfora acerca del florecimiento de los árboles de cerezos blancos como alegoría del ciclo de la vida y el poder redentor de la naturaleza que asemeja a la pulsión vital que vence la ceguera de una ambición bélica inútil. Por último, las sabias y turbulentas aguas de un río salvaje depositan al sufrido soldado a las puertas de su tierra prometida. Espectacular y conmovedor, este film nos lega un desenlace a la altura de lo esperado, con la virtud de conseguir destacar lo pavoroso de un cuadro de situación que configuraría el destino político del mundo a corto plazo, colocando en perspectiva el endeble valor de la vida humana, directamente proporcional a la maldad que propelen los acontecimientos. En este viaje al corazón de las tinieblas, el mal originario habita en el sinsentido del enfrentamiento, sin embargo el mensaje final otorga una luz de esperanza: la solidaridad naciente en los momentos más acuciantes y el valor emotivo que representa el honor por la palabra hacia una promesa cumplida son capaces de vencer a este temido enemigo llamado miedo. El plano final, mostrando a un añoso y gigante árbol y a un soldado exhausto rendido a sus pies hace que sobren las palabras.