En Francia, a fines del siglo XVIII, una pintora llega con el encargo de realizar un retrato de bodas de una joven próxima a casarse para cumplir con el designio de su madre. El vínculo que establecen la muchacha (quien acaba de abandonar un convento) y la retratista acrecentará las dudas que la primera posee sobre su futuro matrimonio, al tiempo que despertará sentimientos entre ambas. Estéticamente e históricamente, situándonos en dichas coordenadas, su mirada se inspira en el romanticismo pictórico, esa corriente que sucede a la pintura neoclásica imperante de finales del XVIII, y que se manifestó en diversas expresiones, propiciados por la revolución francesa. Esta poderosa premisa argumental, encierra en su sencillez una profunda indagación de caracteres. Es un elogio al cortejo, a la mirada y al misterio que encierra todo acto creativo, en donde pintor y retratado se ven como protagonistas de un amor cronológico contado con las herramientas que proporciona el cine. El dialogo creativo se puesto en escena por la potente voz autoral de Céline Sciamma: quién observa y quién es observado nos devuelve la imagen espejada de una mujer mirándose en la otra, un acto que exige reciprocidad. También, como una metáfora para entender los designios de una obra y el acto creativo en sí. ¿De dónde proviene la inspiración? ¿Cómo se manifiesta? Para ciertos artistas, una imagen aparece acompañada de un color, una sensación, un despertar. Para otros, a veces es se trata, tan solo, de un diálogo: ellos se pronuncian y la imagen, mágicamente, responde. Esta correspondencia entre las partes nos habla, a las claras, de un diálogo amoroso como forma de abordaje a la obra. A quien se ha de embestir creativamente, debiendo saber que el arte está primorosamente atravesado por el factor lúdico. El artista se coloca máscaras y no persigue reglas, por el contrario, explora el lenguaje y sus perspectivas. ¿Qué sucede cuando los sentimientos entran en juego excediendo el lienzo, como aquí? El acto amoroso, claramente, cobra otra magnitud. La directora de “Tomboy” y “Girlhood” nos convida con el enésimo paralelismo que traman cine y pintura. Los trazos sobre el lienzo que van conformando un retrato se convierten en instrumento para un relato austero que abreva en los simbolismos existentes entre arte y relaciones afectivas. El amor como acto para saber aquello de lo que se es capaz. El elogio del amor en su rango poético y también una reivindicación a las mujeres pintoras de la época, relegadas o ignoradas en su tiempo, como tantas veces el cine ha abordado. El artista encierra misterios insondables en su condición y en su camino persiste, buscando aquello que no aún encontró y denodadamente persigue. También de eso se tratan vínculos humanos. Comprendiendo el arte es una forma de manifestarse, innata a todo ser humano, entendiéndolo como un dispositivo, a través del cual, el ser creativo encuentra un instrumento para expresar su mirada del mundo, aquí el impulso creativo se traduce en ese llamado inconsciente que cada artista recibe, algo semejante a una fuerza desconocida –fuera de todo parámetro y capacidad de control sobre ella- a la que se ha de obedecer, consecuentemente. “Retrato de una Mujer en Llamas” nos deja en claro que la pérdida de libertad y capacidad de fascinación sobre aquello que lo rodea restringe, indefectiblemente, al ser creativo. Y en este acto creativo, podríamos trazar un enésimo paralelismo: el proceso creativo arroja al artista hacia un estado particular, convirtiéndolo en un definitivo integrante de otra dimensión espacio-temporal. El acto de pintar es irracional, inconsciente e ingobernable, y ese horizonte creativo se convierte en pulsión de vida. De esa necesidad imperiosa de manifestarse, a través de una mirada estética de concebir el mundo y sus cosas, la existencia del artista cobra sentido. Infinita cantidad de artistas, pensadores y también consumidores de arte, se han preguntado, desde tiempos inmemoriales, de donde proviene la inspiración. Aquel tesoro tan preciado y, en ocasiones, extraviado. Hipnótica y sutil, “Retrato de una mujer en llamas” expone un dolor físico como metáfora del acto creativo. El artista se alimenta de quimeras, busca transmutar su piedra filosofal, navega aguas profundas de universos paralelos, pretende dar vida a aquello que no existe, surcar los sentidos de un lenguaje, desafiar utopías. A través de su sensibilidad manifestada, el artista confluye en la obra de arte sus más íntimas inquietudes. Aunando aptitudes, teorías y prácticas sobre el lenguaje, consuma su acto final: la expresión artística como ejercicio absoluto de libertad. Ese que también desafía mandatos de época, con consecuencias emocionales devastadoras. La realizadora francesa subversiona mandatos de la época y conquista a la crítica obteniendo el Gran Premio de Cannes.
La pianista Anat toca el piano momentos antes de dar a luz. Trágicamente, su hijo nace sordo. Sin embargo, la voluntad de esta madre de criar a un genio del piano, haciéndolo escuchar a Mozart a modo de adaptarlo a su respetada familia de tradición musical se vuelve una adicción, llegando a tomar medidas drásticas con tal de que ello suceda. Esta es la premisa argumental del último film del cineasta israelí Itay Tal. Estrenada en el pasado festival BAFICI, en el marco de la Selección oficial de largometrajes a concurso, “The God of the Piano” es una película sobre genios musicales, pero es aún más intrigante lo que subyace debajo de sus finas capas narrativas. Esta película de múltiples caras nos muestra, por un lado, a una madre que se preocupa por su hijo prodigo y, desde otra perspectiva, la relación entre generaciones que se establece en el vínculo paterno y materno filial. También, la inclinación de tomar un talento como camino para obtener amor y aceptación. Nuestra protagonista no pudo cumplir las expectativas que su padre, amante de Mozart, tenía para ella; entonces traslada a su pequeño recién nacido aquello que ella no pudo concretar. Y proyecta sus frustraciones, deseos y sueños más profundos. Estamos ante un film que desafía nuestras emociones y genera atmósferas sumamente tensas. Una herida abierta que deposita en su hijo, el siempre determinante llamado de la vocación. El piano es, también, una metáfora acerca del encanto que produce un instrumento, simbolizado en lo que representa la cámara cinematográfica para todo director. Un drama potentemente actuado exhibe una tendencia subyacente en formato thriller, que muestra una mixtura genérica a la hora de describir la tensión que caracteriza el actuar de cada personaje, creando un puente entre la obra y el espectador, acercándonos a la naturaleza de estos seres disonantes. Un retrato psicológico y complejo de personalidades, con ciertos matices sórdidos y un final grandioso.
Su estreno se contextualiza en el marco del Día Internacional del Orgullo LGBT que se celebra el 28 de Junio, dado que es una película que aborda la homofobia en el Chile contemporáneo, retratando la relación de amor entre dos hombres que prima por sobre el entorno que suele influir. Aún incurriendo en ciertas reiteraciones narrativas, nos habla “Los Fuertes” de la valentía de un proceso de cambio que se abre a visibilizar problemáticas acalladas por años y generaciones. Un aspecto que deja ver el atraso ideológico de cierto sector más conservador del país, a la hora de asumir la homosexualidad sin tomar una postura discriminatoria. En medio de un entorno rural y bucólico, una cámara que sigue a sus personajes con planos medios y primeros planos inspecciona vínculos, deseos y obstáculos a sortear, insertos en una sociedad aún no despojada de tabúes, a fin de realizar un sólido aporte al pluralismo, la inclusión y la tolerancia.
“Princesita” es un oscuro cuento de hadas que aborda temas urgentes. Nos encontramos con el abuso infantil tratado desde el punto de vista de la víctima; atrapada y manipulada. Una niña que despierta al horror y rompe el circulo de abuso en el que se ve sumida, como una metáfora de la identidad femenina, construida bajo la aceptación de una cosmovisión que abusa, toma posesión y somete, siendo estos crímenes acallados. Se trata de la indefensión ante un predador y de observar la masculinidad avasallante como metáfora de un tiempo y una sociedad en donde el hombre heterosexual y blanco se instituye como fantasía para la mujer. Despojada de conceptos arcaicos, “Princesita” nos invita a pensar como funciona una mujer en la sociedad hoy en día. Mérito de una directora que recurre a la narración de voz en off, desde la subjetividad de su protagonista atrapada en esta secta. El uso de cámara lenta y la coloración fotográfica utilizadas como impacto emotivo en la incomodidad que repercute en el espectador, resultan dos virtudes técnicas a tener en cuenta. En la búsqueda del propio camino sanador, desde los ojos de esta niña la película nos habla de la identidad femenina que en ella se revela, presa en un mundo regido por hombres. Una realidad que, indudablemente, nos interpela.
Del productor de la serie “Alma Naranja” (DEPORTV), Maxi Dubois, llega “Reset”. Alejandro Harttman dirige este documental, en donde la voz en off de Fabricio Oberto traduce el término reset como “la puesta en condiciones iniciales de un sistema”. La figura de este ex basquetbolista cordobés, dueño de una trayectoria que alcanzó su cénit en la NBA y con la Generación Dorada de la selección nacional, se erige como una de las más destacadas en su disciplina durante los últimos años. Epítome de garra, tesón y perseverancia, supo cumplir un rol auxiliar fundamental para el equipo de San Antonio Spurs que ganara el anillo de Campeón de la NBA en 2005. Seis años después de su retiro, luego de un problema cardíaco detectado, Oberto echa la mirada atrás y reflexiona acerca de este nuevo comienzo. Desde los escenarios musicales, con su banda de rock New Indians, hasta la práctica del deporte extremo en el desierto del Sahara, Fabricio es un eterno buscador, un alma inquieta que persigue la auto superación. Con guión de Iván Tokman (director de la película “Tiempo Muerto”) y post-producida en tiempos de cuarentena, “Reset, volver a empezar” no sólo es un abordaje documental recomendable sobre uno de los más grandes del básquet nacional que hizo historia junto a la selección, sino que también es una pieza que transmite, en su heterogeneidad, emociones, un documental que muestra lo sensible y maravilloso del formato a la hora de contar una historia de vida con la que muchos podrán verse reflejados. La magia de mostrar la vida, la pasión y los sueños que nos toca vivir nos lleva a colocarnos bajo la piel de aquellos imperecederos exploradores de nuevos desafíos.
Esta nueva incursión en la gran pantalla de una figura tan icónica como la de Mamerto Gil, se convierte en el tercer abordaje que nuestra industria audiovisual ha realizado a lo largo de los últimos años, luego de la lograda adaptación de Cristian Jure y la original reformulación del mito llevada a cabo por Joaquín Pedretti. Aquí, bajo la dirección del correntino Fernando del Castillo, se nos relata la historia de un soldado que se resiste a seguir peleando en el frente de combate. Reclutado para la guerra de la Triple Alianza, desertó y fue perseguido; siendo este asedio político el hecho que lo convierte en un proscrito de la ley. El ídolo popular está encarnado por el actor y director Roberto Vallejos, de destacada trayectoria teatral (dirigió “Las 20 y 25” sobre la figura de Eva Perón y televisiva (co-protagonizó para Netflix la miniserie biográfica sobre Carlos Tévez); tamaño desafío de dotar de carnadura y profundidad a un auténtico objeto de devoción popular argentino. La figura del Gauchito Gil porta los misterios de una muerte injusta, acaso la historia personal que trama su posterior legado se convierte en tal desde la premonición que Gil da a su propio verdugo. El disparador dramático de su primer milagro forja el aura mística de un bandido rural que reniega de su condición. Más allá ciertas elecciones narrativas y estéticas cuestionables que privan de mayor vuelo creativo a la obra al momento de trasladar a la gran pantalla semejante legado, es indudable que los orígenes del realizador contribuyen a la inquietud con la que plasma su propuesta: conoce la esencia del folclore popular que, de generación en generación, narró la historia de un hombre simple, noble a sus ideales e injustamente perseguido.
Rodada íntegramente en La Merced (Salta), nos habla de relaciones humanas. A través de la figura de un maestro con gran vocación docente, su vida sufre un vuelco con la llegada al pueblo de un colega docente. Se trata de una historia dramática y emotiva que explora los conflictos y prejuicios irracionales de la sociedad. “El Maestro” es una película incómoda, que retrata -con sencillez pero sin superficialidades- un conflicto atávico y primitivo, que parece pertenecer a otro tiempo. Protagonizada por un cast conformado por Diego Velázquez, Ana Katz, Ezequiel Tronconi y Valentín Mayor Borzone, entre otros intérpretes nativos salteños, este reciente estreno está inspirada en un maestro real (Eric Satler), docente en la escuela primaria de la directora, quien toma un retrato vívido de lo que el docente provocó en la autora y sus alumnos, del pueblo Ucacha, donde ella es oriunda, para ficcionalizar la figura de un hacedor cultural de incansable labor como gestor cultural de su entorno. Amor, amistad y sexualidad conforman el esquema central del relato. También las relaciones paterno-filiales así como el acompañamiento que se genera en el vínculo docente y alumno, involucran las contradicciones existentes en un micromundo despojado de una mirada bella o idealizada, en donde el mandato social impone sobre aquello que los personajes deben o quieren hacer. De forma austera, este abordaje forma parte del espectro dramático que trama el film en sus lineamientos generales, pretendiendo dignificar una historia denunciando la doble moral imperante y la indignación que produce la discriminación sexual latente y arraigada en ciertos sectores de nuestra sociedad.
Sobre una idea de los mismos protagonistas de la película (Guadalupe Docampo y Nicolás Goldsmith), “Las Furias” nos cuenta la historia de Leónidas, joven indígena destinado a ser el líder de su comunidad, quien se enamora de Lourdes, la hija del terrateniente blanco del pueblo. Luego de ser separados cruelmente por sus familias, se reencuentran para emprender una sangrienta venganza y descubren que los une un profundo sentimiento y un secreto, que el espectador deberá descubrir. Este esquema argumental, con marcada reminiscencia shakesperiana, nos sitúa en un drama que exhibe las tensiones de poder que existen en la comunidad de un pequeño poblado. Filmada en locaciones mendocinas y dirigida por Tamae Garateguy, “Las Furias” opone valores e idiosincrasias de vida en ciudad versus vida rural. La directora del reciente documental “50 Chuseok” posa su mirada sobre los hombres poderosos que quieren apropiarse de tierras y también de personas. Sin miramientos, éstos villanos buscan imponerse sobre otras culturas, y dicho prototipo está encarnado en el avasallante y sombrío personaje que interpreta Daniel Aráoz, actor de primer nivel que potencia un elenco compuesto por otro nombre relevante como el de Juan Palomino. La directora prefigura cierto tipo de inquietudes narrativas que remiten a una estructura de amor clásica y también al género del western. La paleta de colores utilizada ofrece un interesante trabajo fotográfico, prefiriendo una puesta con sombras marcadas y personajes a contraluz, como todo buen aprendiz western. La presencia de la lluvia potencia climas que contrastan con las sombras duras y el sol intenso que visten a este tipo de relatos. La fuerza natural se concibe como un personaje más, que plasma la atmósfera de este drama que orbita alrededor de la traición de la sangre.
En medio de una pandemia de insomnio, que cobra lentamente dimensiones catastróficas, Laura (Jazmín Stuart) y Augusto (Agustín Rittano) huyen de la ciudad en su motorhome para alejarse del caos. A medida que avanzan por la ruta, el mundo se vuelve un lugar cada vez más extraño y peligroso. A medida que se alejan, el camino se va despoblando, el silencio crece, cada vez resulta más difícil diferenciar la realidad del ensueño. Un escenario caótico puebla las calles de gente usando máscaras y barbijos. La realidad, una vez más, supera a esta ficción inspirada en el brote de gripe A de 2008. Profético, su visionado puede resultar una bienvenida catarsis y toma de conciencia para el público, también una notable dosis de impacto al contemplar una película que transcurre en una situación similar a la que nos encontramos actualmente. Extrañezas del desitno que prefiguran este abordaje del cine argentino al género de ciencia ficción, vertiente que resulta poco habitual. Podemos mencionar reciente exponentes como "La parte Ausente" (con Alberto Ajaka y Celeste Cid) y “Fase 7” (también protagonizada por Stuart junto a Daniel Hendle). "Tóxico", de Ariel Martínez Herrera, se anticipó a los tiempos de pandemia que hoy tristemente atravesamos. Este relato fantástico en clave de road movie nos transmite la atmósfera asfixiante dentro del motorhome -filmado con la técnica backproyecting, todo lo que se proyecta fuera da sensación de movimiento-, explorando los vínculos de pareja igualmente contaminados. Los protagonistas atraviesan un proceso interior que narrativamente se resuelve de forma interesante: espejado en el exterior que parece desmoronarse, un progresivo resquebrajamiento se torna en un simbolismo más que adecuado. Un mal contagioso aqueja a la humanidad, distópica ecuación que excede los límites de nuestra pantalla.
El peligro se presenta en la vida de Abril (Diana Lamas), cuando reaparecen su tío Ángel (Mario Pasik) y su gran amigo de la adolescencia Guille (Carlos Portaluppi), en vísperas de las fiestas de fin de año. Ambas apariciones esconden estrecha relación con una investigación judicial acerca de oscuros secretos de la familia de Abril, que deberá entonces encontrarse con la inevitable trama política que esconden sus vínculos. Una batalla entre la justicia y el poder demostrará que la trata de niños es un poderoso negocio internacional con demasiados cómplices y poco culpables. El cine negro se nutre de la literatura noir, reformulando aquí las bases de un género ultra transitado, con mayor o menor suerte dentro de nuestro terreno nacional. Este policial, un tanto esquemático a la hora de caracterizar a situaciones y personajes que abundan en lugares comunes genéricos, nos muestra a la directora Victoria Chaya Miranda desenvolviéndose hábilmente a la hora de manejar los hilos de tensión. El relato pretende mostrarnos que es aquello que sucede bajo los estamentos de la justicia, acaso la oscuridad en donde se desarrolla se corresponde con los sombríos espacios en donde transcurre el mismo, en permanente puesta en evidencia de una realidad que vive en el silencio -como en tantos estamentos de nuestras instituciones-, dejando librada a la imaginación parte de esta verdad acallada. Qué se imagina de aquello que no se verbaliza acerca del abuso infantil quedará a juicio del espectador. Aún con previsibilidad, la eterna búsqueda de justicia colocará en el centro de la historia a personajes que se mueve al margen de la ley, enfermizos y atestados de corrupción. La construcción de personajes a través del dialogo y la acción apela a un elenco de notables intérpretes (Mario Pasik, Osmar Nuñez, Diana Lamas y Carlos Portaluppi) para denunciar los ojos ciegos de la justicia, y también del ámbito familiar. Un cine de denuncia que expone aristas del poder que ocultan bajo impune accionar, perpetrando la corrupción que avala sus prácticas.