Cyberthriller esquemático y vertiginoso R oboCop, Soldado Universal, Misión: Imposible, El vengador del futuro... La enumeración de películas a las que Bloodshot les debe sus ideas sería interminable. Más allá de estar basada en la historieta publicada por Valiant Comics, a nivel de elementos dramáticos, estilo narrativo y recursos visuales de alto impacto no excede demasiado el ejercicio de imitación, acumulación y reciclaje. Tráiler "Bloodshot" - Fuente: Sony Pictures Entertainment02:53 Ray Garrison (Vin Diesel) es un marine que, tras sobrevivir a pura acción en una misión suicida en África, se reencuentra con su bella novia en la Costa Amalfitana. Ambos son secuestrados y, sí, asesinados (todo esto ocurre antes de los títulos de apertura). Como nadie reclama el cadáver, el ejército se lo cede a una corporación liderada por un multimillonario científico, Emil Harting (Guy Pearce), que logra convertirlo en una suerte de robot implacable implantado en un cuerpo humano. El problema es que el resucitado sigue sintiendo y recordando los traumas de su vida previa y hará todo lo posible para concretar su venganza. Bloodshot resulta un cyberthriller esquemático, más allá de su incesante despliegue de efectos visuales. Hay una obsesión por sostener un vértigo construido a fuerza de constantes cortes de montaje y música machacante, pero entre la obviedad del guion y la inexpresividad de los intérpretes (empezando por el propio Diesel) nunca supera el vuelo rasante de un típico film de acción con muchos golpes, tiros y testosterona, pero poco sentido del humor, ingenio y creatividad.
Atendible film noir entrerriano De elogiada trayectoria en el ámbito del documental con films como Orquesta roja y Vuelo nocturno , Nicolás Herzog debuta en el largometraje de ficción con un thriller que apuesta no solo a una construcción dominada por el suspenso sino que combina también elementos propios del western, del policial negro, del melodrama romántico y hasta de las historias de fantasmas. Tras haber cumplido ocho años de prisión por la muerte de su padre, un excomisario, Román Maidana (Lautaro Delgado Tymruk), él también expolicía, recibe el permiso para una salida transitoria. Regresa entonces a la decadente casa familiar en una localidad entrerriana, se reencuentra con familiares (como el Barani de Claudio Rissi) y empieza a sentirse cada vez más acosado por los recuerdos de un viejo amor (la Angélica de Rita Pauls). Durante esa vuelta al pago (típico pueblo chico-infierno grande) irá descubriendo una red dedicada al narcotráfico, la prostitución y la trata de mujeres. Entre el film noir y la denuncia social, La sombra del gallo cumple parcialmente con sus objetivos. La permanente mixtura de géneros y la descripción psicológica del atribulado y torturado protagonista no siempre genera el interés, la tensión ni los climas buscados, pero a nivel actoral, visual (valioso trabajo del director de fotografía Fernando Lorenzale) y musical (notable aporte de Matías Sorokin) no deja de ser una película atendible.
El thriller judicial inspirado en hechos reales goza de buena salud y prueba de ellos es este film basado en el caso de unos granjeros afectados por derrames tóxicos de una planta de la multinacional Dupont. Con algo del espíritu de Erin Brockovich, una mujer audaz, esta película muestra al director de Velvet Goldmine, Lejos del Paraíso, I'm Not There y Carol alejado de sus búsquedas autorales, pero como un eficaz y contundente narrador dentro de este género. Hace pocos días se estrenó en la Argentina Buscando justicia (Just Mercy); ahora es el turno de El precio de la verdad (Dark Waters), otra reconstrucción de un caso legal que tuvo importantes resonancias. Es que el thriller judicial basado en historias reales es un subgénero siempre seductor para los estudios, los directores y las estrellas de Hollywood. En la línea de Erin Brockovich, una mujer audaz, de Steven Soderbergh, El precio de la verdad –cuyo guion está basado en una nota publicada en 2016 por New York Times Magazine titulada The Lawyer Who Became Dupont’s Worst Nightmare– tiene como eje la problemática ecológica y se sustenta en el siempre atractivo enfrentamiento entre ciudadanos comunes y poderosas corporaciones. En esta oportunidad, las víctimas son unos simples granjeros del pueblo de Parkesburg, en West Virginia, que sufren la contaminación de las aguas por los desechos tóxicos de una fábrica de productos con teflón perteneciente a la multinacional Dupont. El resultado es tan trágico como previsible: desde la masiva muerte de animales hasta el cáncer. Lejos de su veta más autoral (aunque con alguna lejana conexión en su exposición de la paranoia con Safe), Todd Haynes se muestra aquí como un sólido narrador. Algunos podrán argumentar que es como tener a Messi en el equipo y ponerlo a jugar de defensor, pero lo cierto es que el realizador de Lejos del Paraíso y Carol se muestra seguro y convincente a la hora de exponer el largo y complejo entramado (la historia tiene su germen en la década de 1950 y se desarrolla luego a lo largo de varias décadas) con antihéroes en un principio incomprendidos, grandes estudios de abogados, abusos de las corporaciones y avatares del poder judicial. Es Mark Ruffalo quien se carga la película al hombre con el personaje de Robert Bilott, un abogado que en 1998 acaba de incorporarse como socio a Taft Stettinius & Hollister, una de las firmas más prestigiosas del mundillo legal de Cincinnati, y -en vez de tomar casos rentables para clientes poderosos- se obsesiona cada vez más con el de los residuos tóxicos de la planta de Dupont, al punto de empezar a descuidar el resto de su prometedora carrera y hasta su vida familiar. Con un protagonista tan omnipresente, no alcanzan a lucirse del todo como podrían (y deberían) los personajes secundarios de Anne Hathaway (la esposa) y Tim Robbins (el jefe de Robert). En cambio, sí es conmovedor el de Wilbur Tennant (un irreconocible y notable Bill Camp) como el testarudo y tosco granjero que inicia la movida contra Dupont. Las teclas emotivas que toca El precio de la verdad son las imaginables en tiempos de corrección política: seres anónimos, hombres comunes a-lo-David demostrando que se puede enfrentar a los Goliath de turno que tantas veces son amparados por un sistema injusto y en muchos casos corrupto. El tema aquí, por lo tanto, no es el qué (podrán imaginar o googlear el desenlace si es que aún no vieron el documental The Devil We Know) sino el cómo. Y, en ese sentido, Haynes y Ruffalo (más el siempre brillante aporte visual del fotógrafo Ed Lachman) nos acompañan durante el intrincado camino de este docudrama -lleno de obstáculos y sinsabores- con la promesa de llegar a un destino un poco más feliz. Será justicia.
La cámara fija apunta siempre hacia las chicas y las filma en un expresivo blanco y negro. Las médicas y asistentas sociales les preguntan desde el fuera de campo. Ellas cuentan sus desgarradoras experiencias íntimas. Una, con apenas veinte años, ya va por el cuarto embarazo; otra es víctima de la violencia de género. Muchas sufren de desinformación, descontención familiar, falta de recursos. Andrea Testa (realizadora de Pibe chorro y codirectora de La larga noche de Francisco Sanctis ) se instaló durante tres meses en hospitales públicos de La Matanza y Tres de Febrero para indagar en el drama del embarazo adolescente. Y lo hace con sensibilidad (respetando las distintas posturas de cada una de las participantes) y rigor, sin forzar ni manipular las cosas para exponer en toda su crudeza, dimensión y alcances emocionales, las injustas situaciones que atraviesan muchas de ellas y la crisis general del sistema de salud (por ejemplo, la imposibilidad de conseguir un quirófano para practicar una ligadura de trompas). Con una extraña belleza y lirismo pese a la crudeza de las situaciones que expone, incómoda, dolorosa (en algunos testimonios en primera persona aparecen desde el consumo de drogas hasta el aborto clandestino), Niña mamá surge como un valioso aporte para la discusión (hoy tan extendida en la sociedad argentina) sobre qué hacer a nivel de educación y salud con las adolescentes que desean (o no) ser madres. El debate, por supuesto, sigue abierto.
Los miserables tiene, como su título lo indica, algunas conexiones con la novela publicada en 1862 por Victor Hugo y, de hecho, transcurre en la misma zona (Montfermeil) que ese clásico de la literatura francesa, pero la ópera prima de Ladj Ly (un artista nacido en Malí) está ambientada poco después de la obtención de la Copa del Mundo de Rusia, en julio de 2018. El film comienza con una imponente escena previa a los créditos iniciales que muestran las masivas celebraciones en los Champs-Élysées parisinos, aunque luego los personajes regresan a los monoblocks del suburbio ( banlieue ) de Les Bosquets, donde se hacinan inmigrantes ilegales llegados sobre todo desde Africa. El director sabe de lo que habla porque vivió allí y experimentó varias de las situaciones que se exponen en el film, que tienen que ver sobre todo con el racismo y la brutalidad policial incluso contra los niños y adolescentes de bajos recursos que, sin demasiado que perder, suelen responder también de forma muy violenta. Stéphane (Damien Bonnard) es un joven agente que se incorpora junto a Gwada (Djibril Zonga) a una brigada dedicada a operaciones callejeras en zonas de riesgo que está bajo el mando de Chris (Alexis Manenti), un cínico y autoritario jefe que maneja el grupo con mano dura y disciplina extrema (en este aspecto, el film tiene algo de Día de entrenamiento , el thriller de Antoine Fuqua con Denzel Washington y Ethan Hawke). El problema de Los miserables es que, tras ese auspicioso e impactante arranque, opta por una explosión de violencia, una creciente solemnidad y un entramado dramático básico y con moralejas no demasiado sutiles que diluyen su eficacia. No es la primera vez que el Festival de Cannes selecciona y galardona películas de esta temática ( Los miserables obtuvo el Premio del Jurado y luego alcanzó una nominación al Oscar a Mejor Film Internacional). De hecho, el francés Jacques Audiard ganó la Palma de Oro en 2015 con Dheepan , largometraje que tiene varios puntos en común con Los miserables , un relato de fuerte impronta documental con coreográficas e inmersivas escenas de acción, intenso y político, incómodo y provocador, que deja muy en claro que habrán pasado más de 150 años desde la aparición del libro de Victor Hugo, pero la miseria, la marginación, la violencia, la rabia popular y las profundas diferencias sociales se mantienen intactas en amplios sectores de la población.
Este largometraje de Eliza Capai registró con una sensación de cercanía y urgencia las revueltas callejeras (y la brutal represión oficial) de los grupos de estudiantes secundarios que lucharon contra el cierre de casi 100 colegios públicos y contra los aumentos en las tarifas del transporte público. Espero tu (re)vuelta describe cinco años de movilizaciones (mientras por el gobierno nacional pasaban Dilma Rousseff, Michel Temer y ahora Jair Bolsonaro) en asambleas estudiantiles, tomas de escuelas, cortes de calles y enfrentamientos cara a cara con la policía, siempre bajo el lema “ocupar y resistir”. Los testimonios de las jóvenes lideresas (porque las mujeres han tenido un lugar protagónico en todo este movimiento) conforman el corazón de un film que -a pesar de los golpes que reciben las protagonistas y la crisis de la educación pública que retrata- nunca pierde su reivindicación de la libertad sexual, artística y política ni su espíritu festivo. Agitprop a la brasileña.
Casi como contrapunto, como reacción a la provocativa y radical La noche, Familia muestra una faceta muy distinta de Edgardo Castro. Si bien vuelve a ser guionista, director y protagonista, en este caso la exploración no es tan interna sino más en función de observador bastante extrañado de una dinámica familiar que es y no es la suya. Los primeros 20 minutos lo muestran al propio Castro cortándose el pelo, agarrando el auto y enfilando hacia la ruta, parando para hacerle una ofrenda al Gauchito Gil, almorzando con suma parsimonia en el camino, parando en un motel y, finalmente, llegando a Comodoro Rivadavia para visitar a su familia algo disfuncional (un poco como todas, bah). Su padre escucha poco y nada, su madre está más interesada en seguir los episodios de la telenovela El sultán (la televisión siempre prendida y con el volumen al mango es un “personaje” más que no solo acompaña sino que incluso tapa ciertos vacíos comunicativos) y él participa poco, come, bebe, fuma sus Parisiennes fuertes y mira todo como alguien bastante ajeno. Es que el protagonista parece ir allí una vez al año, en la previa de Navidad, como quien cumple un ritual, una convención, una rutina, pero sin involucrarse demasiado con la suerte de ese núcleo. La película -sencilla, diáfana, pura, cristalina- consigue algunos momentos de intensidad emocional (y cinematográfica), ciertas irrupciones de ternura, pero al mismo tiempo resulta un trabajo algo convencional en comparación con la revulsiva y audaz La noche, en la que Castro se exponía de una manera mucho más íntima y descarnada. Como dato de color para la industria, Castro contó para este segundo largometraje con el apoyo de El Pampero Cine. En ese sentido, en la última humorada del film, los créditos cierran con “Presidente del comité cinematográfico de FAMILIA: Alejo Moguillansky; Miembro honorario del comité cinematográfico de FAMILIA: Mariano Llinás”.
Un padre ausente, un adolescente introvertido con un hermano desaforado y un universo lleno de criaturas mitolológicas son los elementos que el realizador de Monsters University utiliza para construir una tragicomedia siempre fascinante desde lo visual y por momentos emotiva. Sin alcanzar las cumbres artísticas de la factoría Pixar (es menos sutil y sorprendente que otras películas previas de la misma compañía), se trata de todas formas de una más que digna y entretenida propuesta. Desde que en noviembre de 1995 se estrenó en los Estados Unidos Toy Story ha pasado ya casi un cuarto de siglo. Durante ese período, Pixar estrenó 21 largometrajes (y muchos otros cortos) que marcaron a varias generaciones y elevaron mucho la vara artística dentro del masivo negocio de la animación. En medio de varias secuelas (Buscando a Dory, Cars 3, Los Increíbles 2 y Toy Story 4) y de algunas valiosas historias originales (Intensa-mente y Coco), llega la película número 22 de la factoría, Unidos (Onward), que -si bien no se ubica entre las mejores propuestas del estudio- mantiene una calidad visual y una solvencia narrativa dignas de los pergaminos de Pixar. El film de Dan Scanlon (Monsters University) tiene como protagonista (antihéroe) a Ian Lightfoot (Tom Holland en la versión original), un adolescente elfo que justo cumple 16 años. Tímido y solitario, este introvertido joven no se anima ni siquiera a invitar a su casa a alguno de sus compañeros de colegio, pese al entusiasmo que le ponen al asunto su hermano mayor Barley (Chris Pratt), que funciona casi como el opuesto complementario (desaforado, exagerado, caótico), y su bienintencionada pero poco convincente madre Laurel (Julia Louis-Dreyfus), que de manera paralela está tratando de rearmar su vida con una nueva pareja (un hilarante policía centauro llamado Colt Bronco al que le presta su voz Mel Rodriguez). En un universo de personajes con sesgos mitológicos (además de elfos y centauros, hay gnomos, cíclopes, dragones, unicornios y monstruosas y divertidas criaturas como la Manticore de Octavia Spencer), el eje de este film lleno de rituales de iniciación y desventuras a bordo de una camioneta destartalada marcado por la pérdida, el dolor y la búsqueda de sanación y redención pasa por la falta del padre (no conviene adelantar demasiado pero a partir de un hecho mágico el progenitor tendrá una suerte de “resurrección”) y por cómo dos hermanos muy distintos entre sí pueden unirse y ayudarse en medio de la angustia, la añoranza, la tristeza y la decepción. Agradable, vistosa, por momentos simpática y en otros emotiva, Unidos no logra sacarle del todo el jugo al universo fantástico que se ha construido alrededor de los personajes centrales. Y, en determinados pasajes, lo afectivo está articulado y desarrollado de forma un poco obvia, sin demasiadas sutilezas ni matices. De todas formas, esta historia pura y cristalina no defrauda. Como siempre, uno puede (y debe) exigirles más a quienes más nos han dado. Y, en ese sentido, Unidos no es todo lo extraordinaria que uno querría encontrar en el universo de Pixar. Dicho esto, no deja de ser un film para admirar y disfrutar.
La historia del cine está llena de thrillers legales del tipo "basado en una historia real" como Buscando justicia. Lo que hace particularmente valioso a este film coescrito y dirigido por Destin Daniel Cretton ( Short Term 12) es la eficacia con que están construidas en términos dramáticos las más de dos horas de relato, las implicancias sociopolíticas del caso y, sobre todo, la excelencia de las actuaciones de los protagonistas Michael B. Jordan y Jamie Foxx. Michael B. Jordan ( Creed, Pantera Negra) interpreta a Bryan Stevenson, un joven afroamericano recientemente egresado de la Universidad de Harvard que, en vez de enfilar hacia los grandes estudios de abogacía, decide abrir en 1989 las oficinas de la organización Equal Justice Initiative en Monroe County, Alabama, para ocuparse de apelar varios casos (muchos de ellos considerados perdidos de antemano) de condenados a la pena de muerte. Uno de ellos es el de Walter "Johnny D" McMillian (Jamie Foxx), un hombre negro de clase baja que se ganaba la vida con un pequeño emprendimiento maderero hasta que fue encarcelado y luego sentenciado a la pena capital por el asesinato de una adolescente blanca. Apenas lee el expediente, Stevenson descubre las evidentes inconsistencias del proceso judicial basado exclusivamente en el dudoso testimonio de un preso (Tim Blake Nelson), que de manera simultánea negoció una reducción en su pena y mejoras en sus condiciones carcelarias. Lo que sigue es la épica, la epopeya del abogado (en un principio con el resquemor de su defendido y de los amigos y familiares de éste) no solo para evitar que McMillian sea ejecutado sino para que se le conceda la oportunidad de un nuevo juicio en condiciones dignas. Buscando justicia -basado en el libro de memorias que Stevenson publicó en 2014- es la reconstrucción de una historia que alcanzó una inmensa notoriedad pública por las vergonzosas irregularidades de un sistema legal dominado por el prejuicio y el racismo, pero no solo es un contundente manifiesto contra la pena de muerte (Stevenson demostró el desatino de fiscales y jueces en más de un centenar de casos) sino también un entrañable y por momentos emotivo retrato de la amistad que se va entablando entre defensor y defendido cuando todos los integrantes de un sistema de poder parecen haberse confabulado para que la verdad y la justicia jamás salgan a la luz.
El director de Rezeta y de la elogiada serie de HBO Los Espookys se centra en su segundo largometraje en la historia de Ulises Samperio, un adolescente de 17 años que vive en las colinas de Monterrey e integra Los Terkos, un grupo que combina la cultura Cholo con su amor por la vieja música colombiana y su pasión por el baile. Tras la muerte de su hermano y en medio de unos violentos enfrentamientos entre pandillas dedicadas al tráfico de drogas, se ve obligado a huir de urgencia y radicarse en la no menos decadente zona de Jackson Heights, en el Queens neoyorquino. Mientras añora su tierra, a sus amigos, a su música y a su danza, nuestro querible antihéroe (siempre con vestimentas y peinados extravagantes) comienza a comunicarse de a poco (él no habla una palabra de inglés) con Lin, una inmigrante de 16 años de origen chino que se siente atraída por el particular universo personal de Ulises. Entre pegadizas cumbias y vallenatos, bellas coreografías de baile y una sensibilidad que le permite eludir el pintoresquismo, el guionista y realizador Fernando Frías de la Parra concibe una película de iniciación, de desarraigo y desamparo en un mundo globalizado, multicultural y cosmopolita que en ciertos momentos puede ser fascinante, pero en muchos otros resulta hostil, sórdido y desgarrador.