La deuda a la que alude el título de la nueva película de Gustavo Fontán es la que tiene Mónica (Belén Blanco) por no haber pagado una cuenta de un cliente de la oficina en la que trabaja. El dinero que usó para cuestiones personales no es demasiado (15.000 pesos), pero suficiente como para generar un conflicto con el compañero que la descubre (Walter Jacob) y probablemente con sus jefes. “Mañana lo resuelvo”, asegura. Mónica no está pasando precisamente por un buen momento personal en lo económico, pero tampoco en lo afectivo, con relaciones tirantes tanto con su hermana Laura (Andrea Garrote) como con su parejas actuales y pasadas (Marcelo Subiotto, Edgardo Castro). Angustiada, simbolizando un malestar social que la excede pero de la que es un claro exponente, nuestra antiheroína inicia un viaje de 14 horas a lo profundo de la noche y del conurbano bonaerense en busca de dinero, sexo efímero y encuentros casuales en un bingo con ruido de máquinas tragamonedas de fondo. La deuda tiene un envoltorio de thriller psicológico, pero Fontán (quien se ha dedicado en su carrera más al cine experimental que al narrativo) decide escamotear los elementos más ligados al cine de género para construir una película bressoniana que resulta siempre enigmática y por momentos subyuga con sus climas sórdidos (notable trabajo del DF Diego Poleri), en su exploración de la dolorosa intimidad y las extrañas motivaciones de una mujer en crisis, sin contención y sin rumbo en un mundo cínico donde sobra alienación y falta ternura.
Sergio Garces (Diego Peretti) se gana la vida como extra en múltiples rodajes (incluidos algunos de cine porno). Apodado “El Francés” por sus amigos, supo ser de joven cantante de covers de Serge Gainsbourg, con quien comparte las iniciales S.G. a las que alude el título. Ya cerca de los 50 años, actúa con la irresponsabilidad y el desenfado de un adolescente, mientras debe lidiar (incluso en estrados judiciales) con una incapacidad absoluta para controlar sus ataques de ira y su tendencia a la fabulación. Además, la vida lo enfrentará a una racha de infortunios y le dará unos cuantos golpes (literales): desde un fuerte accidente en bicicleta hasta alguna golpiza. En el marco de un festival simil BAFICI, conoce a Jane (Julianne Nicholson), una vulnerable programadora estadounidense que se obsesiona por él, aunque el protagonista parece más interesado en el fútbol (estamos en pleno desarrollo del Mundial 2014 en Brasil) que en algún compromiso afectivo. Con una omnipresente narración en off con la voz de Daniel Fanego, esta película codirigida a cuatro manos por la libanesa Rania Attieh y el texano Daniel García apuesta por la comedia negra, premeditadamente desafiante, que remite a cierto patetismo del cine de los hermanos Coen y por un humor muchas veces deforme que ubica a Peretti en la línea del Barry Egan de Adam Sandler en Embriagado de amor, de Paul Thomas Anderson. Así, cinéfila, melómana y futbolera a la vez, se trata de una propuesta provocativa, que escapa siempre de la norma, de las convenciones y de lo previsible. Una auténtica rareza.
La primera secuencia de Ad Astra es extraordinaria: en un “futuro cercano” (sic) un grupo de astronautas se encuentra trabajando en una gigantesca antena pensada para detectar vida extraterrestre. Cuando decimios gigantesca es porque mide kilómetros y kilómetros de altura. Una explosión genera una tragedia con decenas de víctimas, pero Roy McBride (Brad Pitt) nunca pierde la calma, alcanza a cortar la energía, se lanza al vacío, logra controlar su cuerpo en la caída y luego termina apelando a un paracaídas (agujereado por la cantidad de elementos que se desprenden tras el estallido) para un aterrizaje de emergencia y decididamente forzoso. Tras recuperarse de esos cimbronazos, Roy -un hombre experimentado, curtido, solitario (no ha tenido hijos y su pareja interpretada por Liv Tyler lo ha abandonado harta de su obsesividad laboral, su permanente distancia, su ensimismamiento y los riesgos que la misma conlleva)- es convocado para encabezar una misión espacial. Sus superiores le informan que su padre, un famoso astronauta llamado Clifford McBride (Tommy Lee Jones), a quien todos creían muerto desde hace 30 años, en verdad podría estar vivo en el espacio sideral en el marco de un viejo proyecto denominado Lima (sin reminiscencias peruanas). Y no solo eso: también podría ser el causante de la acumulación de desastres que azotan la Tierra (sobrecargas eléctricas producidas por estallidos radioactivos que derivan en incendios y accidentes aéreos) y que tuvo solo uno de sus episodios en la explosión vista en la secuencia inicial. Según los jerarcas militares, esa amenaza que pone en riesgo incluso al Sistema Solar se debe a rayos cósmicos que surgen de explosiones cercanas a Neptuno. Conmovido, fascinado y movilizado por las noticias y por el encargo, Roy sale hacia Neptuno (con escala intermedia en Marte) en busca de su padre. No conviene adelantar nada más de una trama que tendrá más de una sorpresa y vuelta de tuerca, pero -si bien habrá varias escenas en el espacio que Gray filma con buenas dosis de tensión y suspenso- hay que aclarar que Ad Astra está más cerca de 2001: Odisea del espacio, de Stanley Kubrick; Solaris, de Andrei Tarkovsky; Interestelar, de Christopher Nolan y -sin llegar a semejante experimentalidad- de la reciente High Life, de Claire Denis, que de la ciencia ficción pura y dura, aunque en verdad si tuviésemos que definirla sería algo así como una nueva versión de Apocalipsis Now en el espacio más algunas ínfulas de Malick. Lejos del crowd-pleaser, se trata de una película que exige un compromiso que, quizás, cierto sector del público más ávido de estímulos constantes y cierta demagogia no esté dispuesto a otorgarle. Puede que la película peque también por momentos de cierta solemnidad (en especial en el uso de la voz en off), que desperdicie a buenos intérpretes (Donald Sutherland, Ruth Negga, John Ortiz, Natasha Lyonne) en papeles secundarios sin demasiado desarrollo, pero el corazón de la película (un cowboy del espacio que puede manejar todo... menos sus sentimientos) late a la perfección. Brillante narrador lleno de ideas formales, James Gray aprovecha los efectos visuales y el aporte del excepcional DF Hoyte Van Hoytema (Criatura de la noche, El topo, Ella, Interestelar, Dunquerke) no para regodearse (como la inmensa mayoría de sus colegas) sino para usarlas en función de las búsquedas dramáticas. En ese sentido, Gray encontró en Pitt al rostro perfecto, a su aliado natural. Cuando muchos lo habían encasillado como un galancito sin ductilidad, a los 55 años el bueno de Brad les contestó este año con un uno-dos inapelable: su Cliff Booth en Había una vez... en Hollywood y este atribulado y conmovido (conmovedor) Roy McBride. A sacarse entonces el sombrero. O el casco.
Miembros del colectivo ContraImagen y colaboradores de La Izquierda Diario (un muy buen portal digital de orientación trotskista), Violeta Bruck y Javier Gabino codirigieron este documental (con algunos pocos momentos de ficcionalizaciones que no agregan demasiado) con cuatro historias de vida, cuatro experiencias revolucionarias (incipientes, pioneras) en la Argentina: Mateo Fossa, Pedro Milesi, Mika Etchebéhère y Liborio Justo; es decir, dos jóvenes obreros, una estudiante de clase media y el hijo del dictador Agustín P. Justo de origen aristocrático. La película va trazando relaciones, asociaciones, analogías (a veces un poco caprichosas) entre aquellos hechos del pasado (todos inspirados al calor de la revolución bolchevique de 1917 en Rusia) y el presente de una Argentina sacudida por la profunda crisis económica y la marea verde del movimiento feminista. Pero, claro, son cuestiones entre ensayísticas e ideológicas que habría que discutir en otro ámbito y otro contexto. Lo mejor del film es su trabajo de investigación, su uso del material de archivo, sus entrevistas con historiadores y analistas (la propia Bruck aparece en varios momentos en pantalla dialogando con quienes ofrecen sus testimonios) y, en ese sentido, la historia más fascinante es la de Liborio Justo a.k.a. Quebracho (1902-2003), quien no solo se despegó de los mandatos familiares sino que se dedicó a viajar por el mundo (con hermosos registros literarios y fotográficos), abrazando en cada destino distintas reivindicaciones revolucionarias que -más allá de las peleas y disputas internas propias de la izquierda- lo convirtieron en referente de varias generaciones de militantes hasta pasados los 100 años de edad. Las luchas estudiantiles y obreras, las grandes huelgas proletarias, la reforma universitaria, la Semana Trágica, la Guerra Civil Española y la inevitable reivindicacion de León Trotsky en las internas de la izquerda son los principales hitos que conforman el trasfondo en el que luego se desarrollan las cuatro interesantes historias de vida que merecían una reconstrucción y, sobre todo, esta reivindicación.
Animación tradicional y efectiva Laika es una de las productoras más creativas y sorprendentes del cine de animación y una de las pocas (junto a la británica Aardman, por ejemplo) que todavía apuestan por la artesanal técnica de stop-motion. Entre sus notables películas figuran Coraline y la puerta secreta, ParaNorman y Kubo y la búsqueda del samurai. Con semejantes antecedentes, el estreno de Sr. Link generaba no pocas expectativas, que el film escrito y dirigido por Chris Butler cubre solo de manera parcial. El perfecto antihéroe de esta comedia de aventuras es sir Lionel Frost (la voz de Hugh Jackman), un valiente y apuesto explorador al que vemos en un principio descubrir un monstruo en una laguna. Claro que el atribulado protagonista siempre falla a la hora de conseguir una prueba irrefutable que le permita ser aceptado dentro de la élite científica, un grupo por demás conservador y endogámico que lo considera un fabulador. Incansable y entusiasta, Lionel viajará por el mundo para encontrar las huellas del ancestro más primitivo del hombre, el eslabón perdido al que alude el título original (la voz de Zach Galifianakis). La animación (sobre todo en una larga secuencia ambientada en los hielos del Himalaya) es portentosa, deslumbrante, pero el humor no es todo lo eficaz que uno podría esperar, sobre todo porque el Sr. Link resulta más torpe que simpático. En las funciones con la versión subtitulada se pueden disfrutar, además de las voces originales de Zoe Saldana, Emma Thompson, Stephen Fry, Timothy Olyphant y Matt Lucas. Hay equipo.
Retrato descarnado y fascinante Premiado en el Festival de Berlín, este retrato descarnado y fascinante de Linn da Quebrada, artista transgénero que se convirtió en referente de la minoría negra y queer de las favelas, se estrena en la Sala Lugones. Ella canta, baila y rapea en vivo, habla en la radio y prolonga su mirada cuestionadora y provocativa incluso en su cotidianidad en San Pablo. El documental de Cláudia Priscilla y Kiko Goifman es tan visceral e íntimo que por momentos incomoda y perturba, sobre todo cuando nos acercamos a las contradicciones y a los problemas de salud que la incansable heroína padece. La protagonista conmueve sobre y fuera de los escenarios.
Lo peor que le puede ocurrir a una comedia es que no tenga gracia, que no divierta, que su humor no funcione. Y eso es lo que pasa en buena parte de su algo menos de hora y media de duración con Claudia, la nueva película del director de Recortadas y 20.000 besos. Hay problemas de guión, de estructura, de tono, de verosímil, pero hay algo todavía mucho más grave dentro de este género: la narración no fluye, no tiene ritmo. Es como una acumulación de ideas que pueden parecer ingeniosas en el papel o en el marco de una charla cinéfila, pero que en la película -que insólitamente fue elegida para inaugurar un festival como el BAFICI- no logran amalgamarse y lucen casi siempre forzadas, artificiales. La protagonista de Claudia es... Claudia Segovia (Dolores Fonzi), una organizadora de eventos obsesiva hasta lo enfermizo. Tiránica, perfeccionista, está en cada mínimo detalle y no permite que nadie se entrometa en cada una de sus miles de decisiones cotidianas. La muerte de su padre y un inesperado encargo para suplir a último momento a una wedding planner le generan un estrés adicional, que se potenciará aún más con los sucesivos problemas que se le presenten: desde el lugar de la fiesta hasta las actitudes de Jimena (Paula Baldini), una novia al borde de un ataque de nervios, pasando por un suegro insoportable (Jorge Prado) o la aparición de un misterioso mago (Santiago Gobernori). La película está lleno de guiños y citas cinéfilas (Quentin Tarantino, David Lynch, Alfred Hitchcock y sigue la lista), pero esas referencias poco aportan cuando lo esencial (la comedia de enredos) avanza sin rumbo para luego coquetear (también con escaso éxito) con el suspenso y el terror. Dolores Fonzi hace lo que puede con el material que le toca en suerte y entre los personajes secundarios también se desaprovechan el talento de intérpretes como Laura Paredes (la asistente de Claudia) con personajes secundarios sin vuelo ni sustancia. En definitiva, una película hecha con las mejores intenciones de incursionar en distintos géneros nobles y populares, pero decididamente fallida en su resultado final.
Tras una larga carrera como actor en películas en su mayoría prestigiosas, el irlandés Liam Neeson se convirtió bien pasado los 50 años en un inesperado héroe de acción con el personaje de Brian Mills en Búsqueda implacable (una franquicia surgida luego del boom de sagas como las de Jason Bourne). Algo más joven, el escocés (también de padres irlandeses) Gerard Butler hizo lo propio gracias a su interpretación de Mike Banning, el ladero de presidentes en peligro. Ya no está en la Casa Blanca el Benjamin Asher de Aaron Eckhart, pero sí el Allan Trumbull de Morgan Freeman (algo así como una versión más veterana y más reaccionaria de Barack Obama). Lo cierto es que, en medio de fuertes lobbys por conseguir multimillonarios contratos en el área bélica, el pobre Banning terminará siendo acusado de intentar matar al presidente cuya misión es custodiar. En un típico juego de gato y ratón, no solo deberá escapar con su habitual inteligencia y destreza física (aunque las secuelas de tantos años de acción se empiezan a notar cada vez más en su cuerpo) de la persecución de su propia agencia y del FBI, sino también desbaratar una amenaza generada por quienes alguna vez fueron sus compañeros (el famoso enemigo interior). El conflicto central y sus derivaciones, las motivaciones y la construcción psicológica de cada personaje (los secundarios son todos directamente caricaturescos), las escenas de acción, los diálogos y las resoluciones se ubican por debajo no ya de la media de la producción actual de Hollywood sino incluso de cualquier serie de segunda línea. El principal problema de Presidente bajo fuego -además de la escasísima creatividad de sus hacedores, claro- es que se pretende una película seria cuando funcionaría mejor en el terreno de la Clase B con vuelta de tuerca irónica o autoparódica. En ese sentido, lo mejor de esta tercera entrega es la aparición de Nick Nolte como Clay Banning, el patético (y por lo tanto querible) padre de Mike. Con su look de larga barba blanca (tiene ya 78 años) y su permanente sobreactuación, se incorpora con honores al club de los “ya no me importa nada y estoy más allá del bien y del mal” que presiden Mel Gibson y Nicolas Cage. Quizás por eso, luego de un final totalmente previsible y descartable, vemos tras los créditos finales una escena de padre e hijo con un tono delirante que las casi dos horas previas de narración no se atrevieron a adoptar. Una pena.
Tras una primera entrega de "apenas" 135 minutos y 35 millones de dólares de presupuesto estrenada hace dos años, el cierre de It ha duplicado el costo de producción, incorporó un elenco de figuras de primera línea (James McAvoy, Jessica Chastain y Bill Hader, entre otros, se suman al Pennywise de Bill Skarsgård) y tiene una duración insólita (169 minutos) para los estándares actuales del género. En ese sentido, y más allá de algunas buenas dosis de sustos, humor negro, tensión y estallidos de sangre, podríamos definir a It - Capítulo dos como la " Avengers del cine de terror" por su despliegue de recursos, la gran cantidad de personajes centrales, las múltiples capas narrativas y la permanente búsqueda de la espectacularidad. Esa grandilocuencia, esa necesidad de provocar impactos y generar estímulos constantes, es a la vez uno de los mayores atractivos y uno de los principales problemas de la propuesta: la mayoría de las escenas analizadas de forma independiente tienen sus hallazgos y en varios casos incluso están muy bien construidas, pero la tendencia a la acumulación a veces un poco caprichosa también puede distraer o incluso irritar. Es que, más allá del respeto al espíritu y la lograda transposición de muchos aspectos de la novela de Stephen King, sus 169 minutos no se justifican demasiado. El director argentino se da todos los gustos (incluidos cameos del mismísimo Stephen King, Peter Bogdanovich, Xavier Dolan y el suyo), pero hay algo de regodeo presuntuoso en un corte final de esas dimensiones. Ads by Ambientada en 2016 (27 años después de los sucesos narrados en la primera parte), este cierre presenta las versiones adultas de aquellos niños de 1989: Mike (Isaiah Mustafa) es el único que se ha quedado en Derry, Maine, mientras que Richie (un extraordinario Bill Hader), Eddie (James Ransone), Bill (James McAvoy), Beverly (Jessica Chastain), Stanley (Andy Bean) y Ben (Jay Ryan) han intentado rearmar sus vidas y superar aquellos traumas infantiles. Pero, claro, Pennywise reaparece (también recargado tanto en inteligencia como en violencia) y Mike los convencerá de regresar al pueblo. Desde entonces, Muschietti pendula no siempre con igual eficacia y fluidez entre el presente de los adultos y los flashbacks con las desventuras del Club de los Perdedores en sus instancias preadolescentes. Más allá de cierto trazo grueso psicológico, y de sus excesos y desniveles (narrativos), It: Capítulo dos no defraudará a los fans del universo literario de King. Hay escenas para todos los gustos: desde un parque de diversiones hasta momentos de corte surrealista y tono alucinatorio elaborados con sofisticados efectos visuales. Para Muschietti, además, es la confirmación de que puede lidiar no solo con una ambiciosa estructura coral, sino también con múltiples estrellas que se vieron obligadas esta vez a compartir su protagonismo. Su carrera en Hollywood, sin dudas, continúa en ascenso.
Luego de trabajar 50 años como médico obstetra y tras quedar viudo, Rodolfo ( Luis Brandoni) decide jubilarse. Como casi toda su vida ha girado en torno de su profesión, ha quedado solo y amargado en una vieja y amplia casona. Pese a las constantes invitaciones de un amigo mujeriego (Gabriel Goity) y de los coqueteos pícaros de una exjueza ( Soledad Silveyra), nuestro perfecto antihéroe se mantiene huraño e irritado. En el otro extremo está su hija Laura ( Nancy Dupláa), con quien mantiene una relación más que tirante. Cuando su empleada doméstica le deja (sin avisarle) a su hijo Diego ( Marcos Da Cruz) y parte hacia Santiago del Estero, el mundo de Rodolfo cambia por completo. El protagonista -más allá de su proverbial malhumor- es esencialmente un buen tipo y, por lo tanto, tratará de cumplir de la mejor manera posible con semejante responsabilidad. Laura irá a ayudarlo y, a partir de ese acercamiento, ambos intentarán recomponer los afectos castigados por la distancia y los prejuicios. El coguionista y director Ricardo Díaz Iacoponi ( Industria argentina) construye una tragicomedia sencilla y cristalina sobre las diferencias generacionales, la redención y las segundas oportunidades. No hay demasiadas sutilezas, pero sí una apuesta genuina por reivindicar los sentimientos más puros y nobles. Una película ideal para saltar la grieta (política y afectiva) y sanar las heridas.