No es la primera vez que el cineasta Andrés Di Tella aborda en sus obras aspectos autobiográficos en ensayos audiovisuales que parten de lo familiar para alcanzar luego inesperadas dimensiones históricas, económicas y/o sociopolíticas. Tras La TV y yo (2002) y Fotografías (2007), el director de Prohibido, Montoneros, Hachazos y 327 cuadernos se centra en Ficción privad a en la relación entre su padre Torcuato y su madre Kamala, una mujer muy especial nacida en la India. Con elementos íntimos (el realizador aparece en pantalla con su hija Lola), ficcionales (dos intérpretes como Denise Groesman y Julián Larquier "actúan" a partir de las cartas que durante más de tres décadas se fueron enviando Torcuato y Kamala), participaciones especiales como las del también director Edgardo Cozarinsky, quien conoció de cerca a los padres de Andrés, y un frondoso material de archivo que permite reconstruir una historia que va de un kibutz en Israel en 1952 hasta Hampstead en Londres, pasando por una etapa en Madras en la India, Di Tella va de lo privado a lo universal, de las historias mínimas de sus seres queridos a una mirada más abarcativa sobre el siglo XX con incesantes viajes, encuentros y desencuentros, las utopías socialistas y las rebeldías frente a los mandatos familiares. El resultado es un film catártico y melancólico, triste y doloroso por momentos, pero siempre bello y fascinante.
Bernarda es la patria son muchas películas en una. Y, aunque no todas las partes son igual de interesantes y profundas, el todo no deja de ser valioso y en varios pasajes fascinante. En los poco más de 70 minutos de este primer largometraje documental del director de Las hermanas L., 8 semanas y La noche del lobo (aquí con Albertina Carri como coguionista y coproductora) se aborda la puesta en escena del clásico (aunque en una versión nada clásica) La casa de Bernarda Alba, de Federico García Lorca; pero también la historia del movimiento under de la primavera alfonsinista con eje en el mítico Parakultural de la calle Venezuela al 300 (aunque algunos protagonistas se burlan diciendo que ellos empezaron antes y luego les copiaron la fórmula), del transformismo en la Argentina y, más puntualmente, de Willy Lemos, quien luego de un inicio con estructura coral y espíritu generacional se convierte en el eje principal del relato. La producción se extendió durante cinco años (algunos participantes incluso fallecieron en ese lapso) y el proyecto fue mutando, especialmente con el ingreso de Carri. La película pone en cuestión (y por momentos en tensión) esos cambios de rumbo, un poco como la directora lo había hecho en su influyente Los rubios. Más alla de su estructura de cine dentro del cine (y de teatro dentro del teatro), la película crece y encuentra su rumbo (y su corazón) cuando Lemos reconstruye su historia personal y la del transformismo que tan violentamente fue reprimido desde fines de la última dictadura e incluso durante varios años de democracia (y a eso hay que sumarle la posterior paranoia y los prejuicios sociales por el SIDA). Con desenfado y desparpajo, con una nostalgia -por suerte- no demasiado exacerbada, se produce un viaje a aquellos tiempos de “La Gran Markova”, Alejandro Urdapilleta, Batato Barea y Humberto Tortonese, El Clú del Claun, las Bay Biscuit, Gambas al Ajillo, Los Peinados Yoli y Besos de Neón. Incluso varios de los héroes y heroínas de la época, como Mosquito Sancineto, Verónica Llinás y Fernando Noy, aparecen con mayor o menor preponderancia en distintos momentos del documental. Si bien Lemos y Noy terminan en el Xirgu, en (lo que queda de) Cemento y el Parakultural, Bernarda es la patria no tiene pretensión de ser un trabajo sobre el movimiento contacultural en su conjunto, sino sobre todo del de aquellas primeras drag queens: el transformismo como el under dentro del under. Por momentos un poco caótico y derivativo, el film de Schipani (quien no tiene miedo de definir a su proyecto como “pastiche”) abarca demasiados terrenos y la sensación (por la riqueza de muchos testimonios y materiales de archivo) es que se podría haber profundizado en varios de ellos. No es una queja, quizás sí un poco de desilusión. De todas formas, Bernarda es la patria no deja de ser un trabajo disfrutable y querible, tan tierno como doloroso. Un canto a la diversidad sexual y artística. Una oda a la libertad.
Años '90. Un matrimonio y sus cuatro hijos viajan para pasar unas vacaciones en Mar del Plata. Lola (Umbra Colombo) y Ricardo (Beto Bernuez) son profesionales, tienen proyectos laborales, pero hay algo que ya no funciona en la pareja. Las contradicciones entre ambos adultos no tardan en aparecer, la insatisfacción y el malestar de ella es creciente y cada vez parece estar más disociada de esa dinámica familiar durante un verano en un balneario. Los miedos, la angustia, la sensación íntima de que bien podría tratarse de una despedida son evidentes. Inspirado libremente en la historia de su propia madre, este primer largometraje de Sabrina Moreno se sustenta en la creación de climas y estados de ánimo en muchos casos melancólicos (la presencia del mar en ese sentido está reforzada a cada instante) y en las actuaciones, en especial la de Colombo, que logra transmitir su complejo y doloroso proceso introspectivo. Austera y minimalista, con una duración que apenas supera la hora, Azul el mar incursiona en terrenos que podrán no ser demasiado novedosos en el universo del nuevo cine argentino pero lo hace con convicción, elegancia, recato y sensibilidad. No se trata de un mérito menor para una ópera prima argentina.
En medio del aluvión de producciones hechas en pleno confinamiento hogareño ( Netflix acaba de estrenar Hecho en casa y en simultáneo se lanzó la rumana 9 relatos de amor y odio en cuarentena ), llega esta antología de ocho cortos dirigidos y protagonizados por un auténtico seleccionado del cine argentino. Si bien ciertas problemáticas se repiten en relación con esas y otras producciones extranjeras (la angustia por el aislamiento, la soledad, las crisis de pareja o las nuevas relaciones a distancia), hay en Murciélagos varias cuestiones que solo podían filmarse en la Argentina, como las del corto "El médico", de Daniel Rosenfeld , en el que Oscar Martínez interpreta a un doctor gay que es intimidado, amenazado por sus vecinos del edificio por el supuesto riesgo de contagio, al extremo de no animarse a abrir la puerta cuando le tocan el timbre: un encierro íntimo dentro de un encierro general. Las desventuras de un padre recientemente divorciado ( Luis Ziembrowski ) que se ha mudado a una casa prestada y debe lidiar con la crianza de su hija preadolescente en "Separado", de Paula Hernández ; o la tragicómica relación de amor solapada y a distancia entre un ferretero ( Carlos Belloso ) y una joven que se ha quedado sola ( Moro Anghileri ) en "El desacato", de Hernán Guerschuny , son dos de los mejores segmentos de un proyecto irregular, con inevitables desniveles, pero también con unos cuantos hallazgos de humor negro (y con unos cuantos murciélagos, "culpables" de la pandemia, sobrevolando en pantalla) que intentan sintonizan con las sensaciones propias de estos tiempos de nuevas experiencias individuales, familiares y sociales.
El prolífico director recupera buena parte de la potencia y la capacidad de sorpresa de sus primeras películas con esta historia que, desde la ficción, reconstruye aspectos reales de las historias de vida de varias transexuales y travestis del sur del conurbano bonaerense. Morena (Morena Yfrán) ha trabajado desde los 16 años en un taller textil y, entre el acoso de alguno de sus compañeros y la solidaridad de otros, ha experimentado durante esa larga etapa su transición y su nueva forma de vida. En el terreno afectivo, ella mantiene una relación con un hombre que le oculta que en verdad está casado, es padre y lleva una doble vida. Claudia (Maryanne Lettieri) se ha recibido de profesora e inicia su primera suplencia, pero pronto descubrirá que no es precisamente bienvenida por la directora del colegio ni mucho menos por la madre de uno de sus alumnos. Myriam (Emma Serna, es una joven y atractiva travesti que ejerce la prostitución con protección policial y a la que le cuesta todavía más que a sus dos amigas conseguir algún mínimo de estabilidad. Ellas son las protagonistas (aunque en la estructura coral hay espacio para otras historias como la de la Marcia de Belén D'Andrea) de una película en la que Campusano -sin por eso esconder o minimizar los miedos, riesgos y desafíos que sus heroínas enfrentan- luce particularmente mesurado. Hay desnudos, hay encuentros sexuales, hay escenas de violencia que exponen los prejuicios sociales que todavía imperan y las tienen como principales víctimas, pero Bajo mi piel morena es una película bastante recatada, más enfocada en lo psicológico, en los sentimientos de sus personajes, que en provocar impacto a partir de un regodeo en la sordidez. Cuando Campusano se pone al servicio de sus tres protagonistas (las deja fluir frente a cámara) la película gana en empatía, encanto y vitalidad. En cambio, cuando son ellas las que quedan a merced de ciertos diálogos algo ampulosos y sobre-escritos es cuando lucen más forzadas y menos creíbles. El uso de las locaciones reales (o muy similares a las verdaderas) en las que viven, trabajan o se divierten las personas / personajes de Bajo mi piel morena le otorgan a la película una verosimilitud y una autenticidad muy intensas incluso dentro de una filmografía como la de Campusano que suele desarrollarse en lugares muy particulares del Gran Buenos Aires (aunque últimamente ha viajado con sus historias por otros lugares del país y hasta del exterior). No es que Campusano se haya convertido de golpe en un director austero, demagógico y calculador, tampoco que haya perdido la esencia de su cine que por momentos puede lucir algo torpe y ampuloso, pero que generalmente resulta potente, fascinante y audaz. En ese sentido, Bajo tu piel morena es una lograda, respetuosa y sensible incursión en un micromundo dominado por la marginalización y que en general suele ser abordado desde la estigmatización, el prejuicio o -con una postura muchas veces militante- desde la denuncia horrorizada. Campusano cuenta una realidad dura y compleja, pero afortunadamente no cae en ninguno de esos dos extremos.
Daniel Melero (62) es uno de los músicos más importantes del rock nacional de las últimas cuatro décadas. Sin embargo, cuando parecía que su destino inexorable era el de convertirse en estrella, decidió correrse del mainstream, optó por caminos laterales, independientes, experimentales y hasta podría decirse que incómodos. Tampoco sus opiniones han sido complacientes ni demagógicas (basta escuchar lo que dice de su participación en el disco Oktubre de Los Redondos) y todas esas características (su audacia, su rebeldía y su capacidad de provocación) surgen por momentos en este documental de Roly Rauwolf. Cuando llegan los créditos finales aparece un cartel que dice “Primera parte” y, aunque por el momento no hay una segunda en camino, queda claro incluso desde el título que este retrato es “incompleto” a la hora de explorar las múltiples facetas y períodos artísticos de Melero. Pero no nos quedemos con el vaso medio vacío sino con los hallazgos de un film que recupera aquellos primeros tiempos con Los Encargados, banda pionera del tecno local, y como artista que hizo múltiples y no menores aportes para el éxito de Soda Stereo. Figura de culto, admirado más por sus colegas y los críticos musicales que por las masas, Melero siempre se sintió una rara avis, un poco marginal e incomprendido y, en ese sentido, hasta alimentó la autoparodia como su recordada participación en el programa Todo x dos pesos del año 2000, en el que terminaba siendo linchado por una turba (más de una vez en la vida real las huestes rockeras le habían demostrado su violencia en el marco de festivales masivos). Con discos como Silencio o Conga, Melero llegó a varios de los picos creativos de los años '80; el primero, con Los Encargados (“hoy siento que ya estábamos separados cuando lo grabamos”, admite), y el segundo ya como solista pero todavía con mucho material de aquella etapa. En un momento del film, el protagonista recuerda que Los Encargados grababa de madrugada (de 2 a 9 AM), porque antes Virus estaba concibiendo Relax y un día apareció en el estudio Luis Alberto Spinetta, que por entonces registraba Privé, y les dijo que le gustaba mucho la banda liderada por Melero, quien hasta hoy se lamenta por la penosa respuesta que tuvo. Más allá de la anécdota, lo cierto es que en ese ámbito se estaban cocinando varias de las mejores canciones del rock ochentista. Queda la sensación de que una hora es poco para sintetizar la carrera de Melero y que Rauwolf no siempre logra sintonizar desde la estética y la forma con la constante experimentación del artista. De todas formas, la posibilidad de ingresar en la intimidad de los ensayos y grabaciones muchas veces vedadas por un músico bastante secreto, de conocer su pensamiento siempre lúcido y de acceder a los materiales de archivo aportados por el propio Melero (no se pierdan la versión casera de esa gema llamada Orbitando que se muestra completa después de los títulos de cierre) hacen del documental una experiencia disfrutable. En ese sentido, Retrato incompleto de la canción infinita podría verse como una suerte de demo, un primer acercamiento a una figura clave que, ojalá, tenga nuevas aproximaciones desde un universo audiovisual que él también supo cultivar con asiduidad en su multifacética y brillante carrera.
Inquietante acercamiento a las desventuras de una niña sometida por el líder de una secta en el sur de Chile con la siempre provocadora mirada de la directora de Joven y alocada. Tras su elogiado debut con Joven y alocada (2012), la directora chilena Marialy Rivas filmó esta fascinante y al mismo tiempo desgarradora historia ambientada en el seno de una secta en el sur de su país. Miguel (Marcelo Alonso), líder y profeta de una comunidad neo-hippie, autogestionaria y religiosa, ha elegido a Tami (Sara Caballero), una niña de 11 años que vive allí, para que -apenas tenga su primera menstruación- engendre el hijo puro y santo que tanto desea para que sea su heredero y continuador. Sin embargo, como es la única integrante de ese clan -que vive aislado en el medio del bosque- que concurre a la escuela, Tami comienza a vincularse con uno de sus compañeros y su maestra empieza a sospechar que algo extraño ocurre. No conviene adelantar nada más, pero el film -que comparte algunos elementos con la estadounidense Martha Marcy May Marlene- contrapone el universo cerrado de la secta con el del pueblo donde está el colegio. Princesita -inspirada en un caso real- tiene cosas que funcionan muy bien (una puesta en escena hipnótica, casi propia de un cuento de hadas perverso, que remite por momento al cine de Lucile Hadzihalilovic y en el que mucho aportó el director de fotografía Sergio Armstrong, el mismo de El club y Neruda) y otras que distancian demasiado (una voz en off abrumadora y machacantes efectos de sonido), pero el balance final es tan valioso como inquietante. Aunque en principio poco tiene que ver con el tono bastante más lúdico y desprejuiciado de Joven y alocada, esta nueva película de Rivas comparte la apuesta por la provocación y la reivindicación de sus jóvenes heroínas.
El retiro es el momento más traumático para cualquier deportista de élite y ese es precisamente el punto de partida de Reset: Volver a empezar , documental de Alejandro Hartmann (AU3: Autopista Central, Escrito con sangre, Hospital público) sobre Fabricio Oberto . A los 45 años, este integrante de la Generación Dorada y campeón de la NBA con los San Antonio Spurs nos abre la puerta de su intensa vida persona l (recorre el país dando clínicas para jóvenes, hace deportes extremos que incluye, por ejemplo, escalar el Aconcagua, comenta partidos en ESPN, es el vocalista de la banda de rock New Indians), pero confiesa que aún añora aquellos tiempos de competencia y adrenalina. Oberto se va reencontrando con el entrenador ( Rubén Magnano ) y con los campañeros con los que ganó la medalla de oro en los Juegos Olímpicos de Atenas 2004 ( Alejandro "Puma" Montecchia, Carlos Delfino, Rubén Wolkowyski, Hugo Sconochini, Pepe Sánchez, Luis Scola, Chapu Nocióni y Manu Ginóbili , entre otros) para recordar hitos y anécdotas de la Generación Dorada, pero también para compartir sensaciones sobre cómo lidiar con el inexorable final de la carrera profesional. Rodado entre 2016 y 2019 por un equipo técnico de brillantes profesionales , Reset es bastante más que un documental tributo: resulta una sensible, íntima e inteligente reflexión de alguien que se sobrepuso a múltiples dificultades (incluida una arritmia) y hoy buscar -como lo dice el subtítulo del film- volver a empezar, encontrar esa segunda oportunidad en la vida ya alejado de los focos y la gloria deportiva.
Todo lo que Catorce no puede hacer por falta de presupuesto lo compensa con creces a partir de una sensibilidad, un talento (narrativo e interpretativo) y una intensidad emocional que va creciendo a medida que avanzan sus 94 minutos. Ads by El quinto largometraje de ese realizador ultraindependiente que es Dan Sallitt tiene como protagonistas casi exclusivas a Mara (Tallie Medel), una aspirante a escritora que prepara su tesis doctoral mientras se gana la vida como maestra jardinera, y Jo (Norma Kuhling), una atractiva y conflictuada asistenta social. Mara y Jo son dos veinteañeras de Brooklyn decididamente opuestas entre sí, pero que mantienen una amistad desde las épocas del secundario. La primera es morocha, bajita, responsable, contenida, cerebral; la segunda, alta, rubia, seductora, errática y proclive a las adicciones.
Artemio Benki nació en París, desde 1992 está radicado en Praga, pero a fines de 2014 conoció en el hospital Borda a Martín Perino y supo que ese joven debía ser el protagonista de su primer largometraje. Perino comenzó a estudiar piano a los cuatro, a los diez ya dio su primer concierto y se perfeccionó con grandes maestros, ganó varias becas y hasta tocó en el Teatro Colón. Sin embargo, en medio de la creciente (auto)exigencia por sobresalir y alcanzar la perfección, fue diagnosticado con esquizofrenia e internado durante casi cuatro años en ese neuropsiquiátrico. A los 35 años, Perino sale del Borda y la cámara atenta pero jamás intrusiva de Benki lo acompaña en su difícil tarea de volver al mundo real. Tras aquel trance marcado por la disociación de la realidad y lo fragmentario, el protagonista intenta -más allá de las dificultades y los miedos- alcanzar una vida lo más normal posible: logra recuperar la casa familiar y lucha por cubrir "la necesidad fisiológica" (así la llama) de tocar el piano. Sin testimonios a cámara, con sonido directo, un enorme respeto y una indudable capacidad de observación, Benki va exponiendo la deriva y la fragilidad de Perino, pero también la progresiva reconexión y el proceso creativo de EnferMaría, una obra ligada a su experiencia curativa concebida en asociación con una bailarina y coreógrafa llamada Sol. Solo resulta un retrato bello y cristalino sobre la superación y las segundas oportunidades.