La complejidad de la simpleza

Ya desde el título, el director Philippe Le Guay se sitúa desde un punto en especial para narrar el film. Las mujeres son aquí el eje de la cuestión. La película nos transporta a lo que pasaba en Francia cuando paralelamente en España se vivía el franquismo. El contraste social de la época se logra mediante un edificio en el que conviven tanto las empleadas domésticas como las damas adineradas que contratan su servicio.

Con la llegada al poder del general Francisco Franco muchos de los españoles deciden exiliarse como método de escapar de ese régimen autoritario y hostil. Uno de los lugares de escape, sin duda debido a la distancia, fue Francia. Philippe Le Guay construye el exilio de seis mujeres españolas que van a parar a Francia. Ellas son amigas y parientes y fortalecen sus vínculos trabajando como empleadas domésticas en las casas de varios ricachones. Lo particular es que todos van a convivir en un mismo ambiente, en un edificio en el que por un lado estarán los pisos de los empleadores y por el otro el piso en el que viven todas las empleadas, el sexto.

Es una gran obsesión el hecho de que la empleada conquiste a su empleador. Perder o abandonar la asimetría por un sentimiento más importante que el dinero sería tal vez la hipótesis. Pero en este caso no es un amor deslumbrante lo que destruye al poder dominante y lo vuelve par. Es una nueva visión del mundo la que María (Natalia Verbeke) le presenta al señor Jeaubert (Fabrice Luchini). Después sí, este hombre tendrá la posibilidad de conocer a las demás mujeres que hacen que rompa todas aquellas estructuras de cómo había que vivir.

Cuando aparece, el humor sólo lo hace para aplacar la melancolía y la nostalgia de la época; y las imágenes y los colores cumplen el objeto de transportar en el tiempo. Asimismo, los detalles de las casas son muy importantes: de un lado tenemos la belleza y los lujos que en ningún momento se cuentan sino que son las imágenes las que hablan. Por el otro lado aparecen las habitaciones de las empleadas domésticas, pequeños cuartos que no tienen nada más que lo esencial. El baño era compartido por las mujeres que vivían en el sexto piso y su ducha era mediante una palangana.

En cuanto a las mujeres, como expresaba en un principio, constituyen el tema central. Además del contraste de dinero entre francesas y españolas, está la diferencia de personalidades. Quedan muy expuestos los modos de las mujeres de cada nacionalidad. Más allá de que cada mujer sea un mundo, la crianza y los valores son propios de la sociedad en que se vive y definen sin duda el trato con los demás. Quizás al ser mujeres de un mismo país la película pasaría a ser una más, pero sin embargo explora contrastes continuos y atractivos. Es muy notable la alegría española (llamativa por los pesares que les tocaba vivir) y en definitiva es la que hace mover los pisos del edificio convulsionando a sus propietarios. Aunque en realidad lo que está haciendo es modificar los cimientos, construir una nueva forma de ver la vida mediante la mezcla de dos percepciones diferentes.

Por último, es bueno resaltar que el director no cierra a sus personajes, sino que los representa en un momento. Sí hay un final marcado y el mayor conflicto se soluciona, pero no condena a los protagonistas principalmente a ser felices para siempre por tratarse de un film de amor. Porque este amor sobrepasa al de dos personas y pasa a ser colectivo.

Resignificación de los cuentos de hadas

Sin ninguna razón válida llega a Mar del Plata Espejito, espejito sólo en versión doblada al español. Definitivamente no es una película para niños. Más bien su público podría ser adolescente o por qué no, adultos. Es por tal razón que no se entiende bien por qué no podemos contar con los tan deseados subtítulos que nos ahorrarían unos cuantos disgustos.

Ahora sí, en cuanto la argumentación el film es bastante alucinante. Ya tenemos el ejemplo de Shrek como pionero de la parodia de películas infantiles. Pero en este caso se centra en un cuento más específico y sobre un tema: la visión que el mundo de hoy en día tiene de la mujer. Los grandes símbolos del clásico se trastocan para decir una cosa totalmente contraria. Los personajes se adaptan a una fisonomía contemporánea sin dejar de situar la narración en un tiempo lejano de castillos, reyes y vestidos armados.

Para empezar, el eje de la película no se basa en la envidia por la belleza como en sus versiones anteriores. Es el dinero y solamente el dinero lo que moviliza a la madrastra de Blancanieves a tomar la decisión de matarla. Por supuesto, el dinero aparejado con el poder y el prestigio que este da. Ya partiendo desde ahí las bases son otras.

La figura de la mujer es muy importante en Espejito, espejito. La heroína deja atrás todas sus antecesoras débiles y dependientes absolutas de los hombres para empezar a transitar un camino más acorde a los tiempos modernos. Esta Blancanieves peleará a la par de los hombres y no se afligirá por rasgarse el vestido. Los hombres también mostrarán otra faceta. Se les permitirá verse débiles y ayudados por una mujer.

Tal como en el cuento original, Blancanieves y el príncipe se enamoran a primera vista. Pero invirtiendo todos los códigos de los cuentos de hadas, él se encontrará frágil y ella con una gran fortaleza (recordemos que en el cuento de los hermanos Grimm, el hijo del rey se encuentra con el ataúd de cristal donde estaba Blancanieves y se enamora básicamente de una persona que cree muerta). Se expresa el cambio de visión desde este punto, que se podría considerar indirecto, hasta lo más directo, que sería cuando la heroína le explica al príncipe que ya es hora de cambiar la posición de las mujeres en las historias como esa. Es interesante porque justamente el posicionamiento que toma la muchacha con respecto a los enanitos no es de una sirvienta sino de una colega de batalla.

Hay también un resignificado en los enanos, que ya no cantan felices y trabajan duramente, sino que emiten un gran juicio de valor sobre los prejuicios humanos. Tampoco tienen un trabajo decente sino que se dedican a robar. No son agradecidos con la vida. No es que disfrutan de la naturaleza y por eso viven en el bosque sino que fueron expulsados. No son inocentes como niños por ser bajitos, son adultos enanos y se comportan como tal, con las debilidades amorosas que presenta cualquier hombre. Por eso pueden babosearse con Blancanieves y no verla con carita tierna de un niño.

Asimismo, la vestimenta y la estética resultan sumamente atractivas. Aunque no sea eso lo principal, como tampoco son los actores, igualmente hacen del film un producto más acorde a la época que se relata. Es la parodia la base de la película pero para identificar de qué se habla, ciertas cosas son necesarias que se respeten. Es genial el hecho que se presenten los mismos elementos pero con una simbología adversa. Es, sin duda, una crítica que va más allá de una burla. Es más, resulta un film bastante feminista, ya que saca a la mujer de la cápsula patriarcal con la que contaban todos lo cuentos de hadas.

Una burla sin sentido

Mi ilusión por indagar en algo de la historia de parte de los pueblos originarios se vio totalmente frustrada ante la falta de respeto a esas culturas que significa Tiempos menos modernos, de Simón Franco. Si bien la mayoría de las críticas fueron positivas hacia esta película argentina vista en el último Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, desde lo personal quedé totalmente enojada con esta propuesta.

El director intenta hacerse el chistoso dejando de una forma muy ridícula al personaje principal y cuando lo quiere salvar, ya es tarde. Payaguala es hijo de tehuelches, vive en la Patagonia alejado de todo tipo de tecnología. Sus actividades cotidianas son su único quehacer, ya que vive solo. El mismo se provee de alimento. Es su tarea, o él lo siente así: cuidar los terrenos de sus antepasados que son acechados a menudo por extranjeros.

Para generar algún conflicto, en Tiempos menos modernos se hacen presentes un televisor y un teléfono que llegan hasta la casa de este hombre por medio de un plan del gobierno (menemista). Sin dudas, todo el discurso que Franco plantea, aquellos valores incorruptibles de Payaguala, se destruyen mostrando al hombre como un bobo frente al televisor.

Realmente resulta muy poco creíble que un pariente de tehuelches con tradiciones tan fuertes como se marcan en un principio y también al final, aparezca cantando con su guitarra las canciones de la novela de las tres de la tarde (literalmente), abandonando sus canciones en lengua natal. Y si eso les parece mucho, imagínenselo haciendo ejercicio con la tele. Realmente patético.

Ensamble de actores acartonados

Para empezar hay que aclarar que La suerte en tus manos, junto a su predecesora Mi primera boda, de Ariel Winograd, nos lleva a replantearnos un nuevo rumbo en las comedias argentinas. Ambas plantean un estilo diferente de film, abandonando esa cuasi implícita lástima o compasión que uno como espectador tenía que tenerle a las producciones nacionales por sus bajos presupuestos. Es importante decir que cuando hago este tan despectivo comentario, excluyo muchas de las películas que no han entrado en el círculo comercial y también poseen nacionalidad argentina (ya personificando y dándole entidad de humano al film). En fin, a lo que quiero referirme es a la prolijidad con la que ha trabajado el director Daniel Burman. Se nota y deja una marca ese esfuerzo porque se respeten los enfoques y los estilos de música. Parece un tanto conformista resaltar que da una sensación de armonía. Pero considerando que desde hace ya mucho tiempo convivimos con la desprolijidad de los directores, parece buena la oportunidad de resaltarlo.

Más allá de todos estos halagos debo decir que el contenido del film es bastante pobre. Los actores resultan acartonados y absolutamente distanciados de sus sentimientos. Es Jorge Drexler una de las grandes incertidumbres. ¿Qué hace una persona que no sabe actuar siendo protagonista? Sabe cantar (es más, lo hace muy bien) pero en ningún momento su papel es ese. Demás esta decir que Valeria Bertuccelli hace siempre de ella, aunque debo resaltar que en películas como Un novio para mi mujer su papel es mucho más atractivo que el que se le da aquí.

Existe últimamente en el cine y en la televisión esa suerte de costumbre de poner a dos o tres actores reconocidos para que salven o nivelen la poca calidad de los demás. Esto también se ve en La suerte en tus manos. Pero, como es de esperarse, el resultado no varía mucho al incorporar a Luis Brandoni y Norma Aleandro. Cuando la argumentación y los actores no acompañan, difícilmente un parche como tal conduzca a la salvación. Pero son estos dos últimos quienes aportan (más que nada Brandoni, porque Aleandro está medio pintada) ese tono de chascarillo y humor al producto.

El argumento es una historia de amor con un toque de comedia y drama (si se puede decir que se logra). Uriel, interpretado por Drexler, es un cuarentón separado y con dos hijos. Hace una vida de galán encontrando aventuras con cuanta mujer se cruce por su camino. Como todo galán, miente para lograr que sus chicas escuchen lo que quieren escuchar. A esto se le agrega su afición al póker: es un amante de las fichas y las cartas. Para todo esto, del otro lado aparece Gloria (Valeria Bertuccelli). Ella recién llega de España y su situación es de absoluta desolación. Su padre ha muerto y con su madre no mantiene una buena relación. Peor que eso, porque se ven pero no congenian en nada. La suerte los encontrará en un evento de póker. Allí recordarán la relación que tuvieron de jóvenes e intentarán conocerse más.

Así de vacía, como este resumen del argumento, es la película. Sin más que entretener un rato, está destinada al olvido. Es de esos films correctos (en lo que refiere a imagen y sonido) pero que no dejan absolutamente nada.

Cuando el hablar fue el principio

Hay temas que no pierden vigencia, heridas que no cierran. El dolor causado a las personas de color negro aún sigue latente. Lo que más inquieta y perfora nuestro ser es ver cómo se hablaba de superioridad cuando se actuaba como enfermos que no utilizaban la razón. El guionista y director Tate Taylor vuelve a sacar las imágenes de las personas que fueron condenadas a la esclavitud por el sólo hecho de tener la piel más oscura.

En la década del 60´ Estados Unidos vivía el racismo con bastante intensidad. Las clases más pudientes, con ideas más conservadoras, eran las que más discriminaban. Sin embargo ya empezaban por aquella época a circular por la sociedad algunas corrientes de igualitarismo y derechos civiles para todas las personas sin importar raza. En Historias cruzadas es la letrada Eugenia Skeeter quien propicia una nueva visión en Mississippi, su lugar natal al que vuelve después de haberse graduado. Aunque la protagonista siempre resultó distinta entre sus amigas, nunca se habían acentuado tanto esas diferencias como en su regreso.

Con la idea de empezar su carrera como escritora y periodista, Eugenia ingresa a trabajar en un periódico haciendo una columna de limpieza, con lo cual realiza el primer contacto con las sirvientas de las amigas para que le expliquen del tema. La gran idea de hacer un libro vendrá a su mente después de enterarse que la señora que la había cuidado toda la vida, la sirvienta de la casa, ya no estaba más entre sus padres. Sin saber con ciencia exacta qué había pasado, ella suponía que la habían echado. Esa ausencia, sumada a los aires de nuevos pensamientos que obtuvo en su paso por la Universidad, la llevan a proponerle a una de las sirvientas de sus amigas hacer unas entrevistas sobre la situación de vida que tenía junto a las personas blancas. Después de mucho insistir sobre el tema, Eugenia logra establecer varias visitas que la ayudarán a la conformación de su libro. A pesar de lo peligroso que resultaba en Mississippi que una mujer blanca visitara a personas negras la protagonista, con mucho cuidado, logra sumar a varias mujeres más a su propuesta.

Historias cruzadas, a pesar de su extensa duración, logra mantener al espectador atento durante toda la proyección. Resulta conmovedora y triste, pero combina momentos graciosos que hacen posible un desahogo después de oír tanto sufrimiento. Representa el compromiso de Taylor con su sociedad aunque ya hayan pasado varias décadas y no lo complique tanto hablar del tema. Es la ayuda necesaria para no cerrar una herida, para despertar quizás al pueblo sobre las discriminaciones del siglo XXI, aquellas que hoy se ejercen cotidianamente sobre los sectores de más bajos ingresos.

En cuanto a las actuaciones, Emma Stone (Eugenia Skeeter) no logra realizar una producción que se amolde con el personaje que encara. Resulta un tanto insulsa y hasta poco comprometida (absolutamente lo contrario al personaje). No está a la altura del personaje que le tocó hacer. Sus gestos y reacciones parecen sobreactuadas. En contraposición a Stone aparece Viola Davis, quien encara su personaje de una manera alucinante. Mantiene en todos sus movimientos y actitudes el dolor y sufrimiento. Davis se compromete y entra en el personaje mostrándonos el dolor de una raza, pero también a una mujer sensible y adorable capaz de criar a una niña como si fuera su hija siendo sólo su sirvienta. El potencial que despliega tapa varias de las nebulosas que tiene el film, sobre todo esos momentos cursis que no aportan a la historia.

Un mar de sensaciones

Como el mensaje que recorre el mundo en una botella en el mar, va un niño buscando su lugar. Son varios los planteos que trabaja Pedro González Rubio en la película que dirige. Pero por sobre todo sabe imponer su estilo y experiencia de vida tanto en el sonido como en las imágenes. Alamar es una pequeña historia que provoca un cúmulo de sensaciones. El film transcurre con la serenidad que tiene el mar, pero así como este es impactante e imponente.

Uno de los grandes dilemas del Siglo XXI es los hijos de padres separados. Esta película trabaja sobre este punto pero se le agrega algo más. Natan con sólo 5 años vive la separación de sus padres quizás un poco más extraña que cualquier chico. Su padre vive en México y su madre en Francia, distancias que hacen que el niño tenga que hacer el trastornado viaje y separarse no sólo de su padre, sino de una cultura y un país. Asimismo, a la madre y al padre los diferencia algo físico, ella una mujer de ciudad y él un hombre de mar. La película encara la llegada de Natan a México. El pequeño conocerá un mundo totalmente distinto al que había vivido hasta ahora. Pasará del asfalto a dormir en una cama paraguaya en una casa en el mar. De todos los lujos y ruidos de cuidad pasará a entretenerse con los animales y despertar con el cantar de los pájaros. Y una más, dejará de ser quien consuma el producto terminado y pasará a pescar y preparar el alimento para su distribución (no hablo de trabajo infantil, Natan sólo es observador de esto).

Difícil es precisar cuál es su mayor acierto. Posiblemente es porque sea una combinación de cosas. Por un lado, ese constante y hermoso sonido de fondo que funciona casi como un somnífero. Es alegre y bella la combinación del sonido del mar con el de los animales. Después, las imágenes son fantásticas. La delicadeza con la cual se toma enfoque a los pies pequeños de Natan junto de los de su padre es genial. Todo el tiempo logra mostrar con las imágenes de una manera muy dulce el afecto padre e hijo. Así como también la demostración de protección. De más esta decir que el lugar donde acontece la película es muy hermoso y beneficia por los colores y la vitalidad.

Un pequeño siempre llama la atención, en este caso Natan es ideal para el film porque muestra una personalidad tan serena como el mar; una sonrisa más bella que el desplegar de los pájaros; la tenacidad y paciencia de una tortuga. Natan es una especie de guía para el espectador que nos lleva a la infancia, al disfrute máximo de cada momento. La sonrisa con la que mira el mundo es la mejor imagen que trasmite la película.

Sin duda, Pedro González Rubio logra explotar al máximo el lugar de la filmación. Realiza una combinación de imágenes y sonidos excelente. Pero así también el guión es importante. Los diálogos no son demasiados. Es como si volviéramos a la teoría de por qué sirven los sonidos y por qué el cine empieza a tener sonido. Rubio demuestra en su film que la imagen y el sonido no se pisan sino que se complementan. Entiende que con los dos recursos está trasmitiendo su mensaje.

¡Oh que sufrimiento es ser rico y bello!

Parejas, pruebas de amor e infidelidad: he aquí La última noche. Aunque los tiempos han cambiado y las reglas también, los cuernos siguen siendo una gran problemática. Sobre todo porque casi siempre denotan un problema anterior en la pareja. Massy Tadjedin trabaja sobre este tema, que si bien resulta liviano y superficial sabe cómo manejar los tiempos para que no resulte aburrida.

Voy a contar el argumento con un tono de burla, sepan disculpar mi atrevimiento. Michael y su esposa Joanna viven una vida sin preocupaciones, con trabajos más que buenos y grandes comodidades. El pobre Michael realiza un viaje de negocios durante el cual la pareja tendrá que sobrepasar el dilema más grande de su trágica vida: decidir sobre ser fiel o no serlo. Michael se verá buscado por una hermosa compañera de trabajo y Joanna se reencontrará con un colega (ambos escritores) que disputará un lugar mayor en su corazón. Esto es sencillamente el argumento, sin más.

“Soy sólo una película de amor”, esta sería la frase que emitiría la película si hablara. Pero sin irnos al delirio (sin continuarlo) vamos a enfocarnos en este tema. Da pena que se hagan películas tan vacías de contenido como esta. La directora tiene una idea concreta, la sigue y la concluye. Perfecto, mantiene una línea correcta. Pero es un film fácil de olvidar, como todos aquellos que manejan temas livianos. No desmerezco la infidelidad, pero me parece un tema bastante superfluo.

Hay que hablar de lo malo pero también resaltar lo bueno. Es increíble que no sea pesada una película con tan poco para contar. Destaco así la estructura narrativa que permite que sea llevadera y agradable. Repito, el tema está bien trabajado no se pierde en ningún momento del objetivo. Entretiene pero no sorprende ni impacta. Falta ese gustito de quedarme con alguna parte inconclusa o encontrada por la cual dialogar y rever el significado o por qué no construirlo como espectador. No hay impacto, es absolutamente lineal y trascurre por un solo camino. No abre puertas ni invita a pensar un poco más. Es sólo una historia de amor encontrada por el dilema de enfrentar la tentación que representa hacer lo prohibido o dejarse llevar por el momento sin medir consecuencias a posteriori.

Es una película ideal para un domingo por la tarde en la que no te interesa pensar demasiado, al contrario querés descansar la cabeza. Un producto masticado que requiere que el espectador sólo lo consuma.

Una Navidad posmoderna

Como bofetada a todas las cursis películas de Navidad llega Operación regalo. La gran pregunta antes de verla era: ¿podrán actualizar a Papá Noel sin sacarle la mística a la Navidad? La respuesta fue: sí. Desde una visión más renovada y tecnológica, Sarah Smith demuestra que se puede hacer una película interesante y divertida sosteniendo algunas cosas del pasado e incorporando ese toque 2.0.

Y sí, Papá Noel ya quedaba viejo y con el crecimiento exponencial de la población mundial era muy poco creíble que llegara a todas las casas solo. Operación regalo muestra cómo el Polo Norte se organiza mediante un escuadrón de duendes y tecnología de última moda para poder hacer la Navidad perfecta, que cada niño reciba el regalo que pidió. Para esto, además del entrenamiento y ayuda de los duendes, Papá Noel debió modernizarse dejando atrás el viejo trineo para empezar a lucir una gran nave espacial. No más renos ni polvo mágico en el 2011 2.0.

Sarah Smith cuenta que ser Papá Noel es una herencia familiar con lo cual eso cubre las intrigas de los niños que preguntan cuántos años tendría si fuera siempre el mismo y si él alguna vez dejaría de existir. El Papá Noel de esta Navidad tiene dos hijos, dos futuros herederos del título, el mayor aficionado a la tecnología y Arthur, un sentimental amante de todo lo navideño. Después de una Navidad perfecta, se dan cuenta que un niño ha quedado sin regalo. Allí desembocará una gran aventura que vinculará el pasado con el presente y hará rever todo lo que se hizo hasta el momento.

El film resulta muy simpático porque plantear una Navidad tecnológica resulta muy alocado. Pero a su vez es muy impresionante ver cómo el guión no subestima para nada a los chicos. Se sitúa al espectador en un mundo real, fuera del “din don dan din don dan esto es Navidad”, para decirle que hay guerras entre los países y un mundo realmente feroz que atenta contra la afectividad de la entrega de regalos.

La innovación también está con lo cómico de la película y lo bizarro. Esto hace que sea muy divertida tanto para los chicos como para los adultos. Los detalles son muchísimos, realmente interesantes. Inclusive la lógica de armar un escuadrón de duendes es alucinante. Ver el entrenamiento para envolver regalos es muy cómico, así como también la obsesión de los duendes de obedecer a la familia de Papá Noel.

Hay una crítica visible a la tecnología y la falta de sentimiento de todas las tareas que reemplaza del hombre sin darles el mismo toque. Arthur y su hermano tendrán que aprender que uno no puede ser sin el otro. La tecnología es eficiente siempre y cuando no deje de ser vigilada por el hombre y no se ponga en sus manos los sentimientos.

Operación regalo es un propuesta interesante para toda la familia. Bienvenidos a la última tecnología, al mundo moderno. Pero siempre mirando nuestro pasado y vigilando a la ciencia, porque puede llevar a la destrucción del ser humano. Una película con mucho sentimiento posmoderno.

Ni piano, ni gracia, ni sentido

Piensen en la vida de una ama de casa. Una mujer sin hijos. Alguien que vive para cocinar y limpiar, aunque también trabaje un poco pero es algo absolutamente aburrido. Un marido que no le da mucha bolilla. Agreguen a esto una personalidad aburrida, chata y sin incentivos. Cha chan, he aquí la película de la que me toca hablarles hoy. Claramente si el sentido de relatar esto no tiene una base fuerte, la producción se cae en los primeros minutos. Uno espera atento encontrar algo nuevo y llamativo entre la nada, pero pasan los minutos y nunca llega.

La mujer sin piano es un film realmente insulso y con falta de gracia. Los diálogos son escasos y no hay reflexiones más que unos cuantos silencios. La vida de Rosa es patética pero que el director haya elegido hacer esta película tan vacía, más patético aún. Ni un hilo de caridad brota en mí como para resaltar algún merito del director, al cual se ve que no se le caía una idea. Sin embargo, hay un poco de mérito tras la nube negra y les hablo de los paneos, que construyen la información para los espectadores de una forma atractiva. Pero siempre llevando a un objetivo muy lejos de lo llamativo.

Ya les digo, si el interés del director era simplemente contar cómo una mujer rompe con su rutina en una noche que escapa de su vida por un rato podríamos decir que lo logra. Y siendo mala diría que ni siquiera, porque cuando está fuera de su casa vistiendo inclusive diferente, con peluca también, para sentirse otra, actúa de forma tan aburrida como acostumbra.

Hay una especie de moraleja escondida dentro del hombre polaco con el que Rosa habla en la noche que desea escaparse. Hay en él un gran ánimo de lucha que Rosa no tiene. El hombre le enseña con su propio ejemplo lo que significa no rendirse ante los obstáculos. El le cuenta cómo odia no poder arreglar las cosas (en general) y cómo disfruta de arreglarlas, pero a su vez cómo busca siempre las soluciones. ¿Suena un poco cursi no? Bueno, imagínense el resto si esto es lo único interesante para contar.

Asimismo el film es demasiado largo por lo poco que tiene para decir, si es que quiere decir algo (me lo sigo preguntando). Pensaba que quizás esa lentitud o falta de diálogo llevarían de una vez por todas a un material desafiante para el espectador, algo que provocara aunque sea disgusto. Pero nada, no provoca absolutamente nada.

La familia no se elige

Bien a lo italiano, la familia toma un lugar preponderante entre los temas de La prima cosa bella. Paolo Virzi realiza un film que oscila entre el pasado y el presente para poder explicar el vacío existencial de Bruno. De esta forma, vamos conociendo en el trascurso de la narración los dilemas que pasó la familia del muchacho.

Bruno se siente perdido, sin ánimos de vivir. Se comporta de a ratos como adulto y la mayoría de las veces como un niño. Se rehúsa a formalizar con su novia y sin querer le hace difícil toda convivencia. El alcohol y la droga son sus auxilios en los momentos más críticos de su ánimo. Con el tiempo perdió contacto con su familia. Mientras que intentaba dejar atrás al pasado, su hermana menor, Valeria, lo buscaba. En uno de los contactos que realizaron, ella le comentó lo enferma que estaba su madre, Anna, y el poco tiempo de vida que le quedaba. Con esas palabras Bruno decide, empujado por su hermana, visitar a su madre. Pero así visitará también su pasado. Se volverá a encontrar con todo lo que aún le hace doler. Tendrá entre las manos su vida para observarla. Con su madre verá el problema en carne viva pero también la solución.

La prima cosa bella tiene todo el tiempo un tinte de tristeza, un color pálido como melancólico. Las imágenes son muy importantes para definir las personalidades de los personajes. Quizás Bruno es el más notable. El mantiene siempre una preocupación en su rostro como si desde chico cargara en sus hombros a su mamá, literalmente hablando. Bruno siente el peso de cuidar tanto a su hermana como a su madre cada vez que el padre se distancia de ellos. Sólo una vez se lo muestra al protagonista sonriendo de chico y es justamente en una foto que muestra cómo la madre y el padre les brindaban contención a sus hijos.

Los padres de Bruno son algo descuidados e inconcientes, más bien inmaduros. Pero sin embargo hacen todo lo posible para que sus hijos estén bien. Son la antinomia de la tía que representa un modelo más antiguo de familia y pensamientos. Ella quiere mantener las estructuras de su niñez en un mundo que no se lo permite por los cambios constantes. Logra darse cuenta de su error pero su rigidez mental no le permite salirse de la estructura con lo que vuelve loco al hermano por el cuidado de sus sobrinos. Anna y su marido a diferencia de la tía están más acordes al mundo moderno. La crianza de los hijos fue a la par, casi como si se estuviera hablando de amigos.

Anna tiene una personalidad avasalladora a pesar de la tranquilidad que trasmite su rostro. Con una actitud de negación absoluta, llámese salvación psicológica, mantiene oculto todo problema. Hasta llegando a su muerte se la ve erguida y con una sonrisa. De todas maneras esto no representa fortaleza. Anna es una persona débil e indefensa debido a su ingenuidad.

Valeria siendo un poco más fuerte que su madre también es débil, aunque sepa aparentarlo desde su pose firme. Ese caparazón es rápidamente destruido por su hermano, que representa toda la protección para ella. Valeria mantiene una actitud bastante parecida a la de la madre en cuanto a fingir estar bien sin estarlo.

El padre de Bruno es una ausencia absoluta. Por momentos padre y por otros nada. Culpa al destino de no tener a sus hijos cerca. Su inmadurez es tan grande que le pide al hijo que se ocupe y cuide de las dos mujeres. Es personalidad violenta y suele no hacerse cargo de los problemas.

Son las personalidades y descripciones psicológicas quizás el mayor atractivo de la película. Por lo que intenté enfocarme claramente en un análisis de los personajes. Sin duda la narración ha ayudado ha dar con la personalidad de cada uno de ellos. Las imágenes dicen mucho más que los diálogos, con lo cual es rica en argumento y manejo de la información.

Un amor con minúscula

Cuando todos objetamos saber de “amores”, muy pocas historias sobresalen de las comunes. El amor está a tan punto idealizado que hasta, a veces, muchas parejas rompen por no soportar la desilusión que provoca la realidad de lo cotidiano. Imagínense entonces cuánto tiene que hacer un director para llamar nuestra atención sobre esta sensación tan polémica: mucho. No alcanza con hablar simplemente de una historia bonita, tiene que tener algo sumamente especial. Paula Hernández realiza una película simpática, pero que no llega a conmover. A pesar de estar muy bien hecha no deja nada, no provoca al espectador nada en especial.

Lalo y Bruno son los protagonistas de esta historia de amor junto a Lisa. Sí, es un trío de amigos con algunas confusiones. Son dos hombres enamorados de una misma mujer pero aquí no hay lugar a ninguna competencia, ella sólo ama a uno de ellos. Lisa fue la revolución de dos chicos pueblerinos cuando llegó a Victoria en 1970. Con actitudes alocadas y rebeldías propias de adolescencia, esta mujercita les muestra otro mundo, los hace divertirse en medio del tedio de un pueblo en el que no pasa nada. Pero acorralada por las decisiones de sus padres, Lisa tendrá que partir sin avisar a sus amigos. Los progenitores de la muchacha eran perseguidos políticos por eso viajaban de una parte a otra sin dar aviso de su salida.

Pasarán 30 años para que los adolescentes vuelvan a encontrarse. Lisa buscará recuperar ese amor que perdió en su adolescencia y, que a pesar de conocer en esos años a muchos hombres, nunca había podido olvidar.

Es uno de los fuertes de la película las actuaciones. Conectar el pasado con el presente requiere que los actores que hacen de los protagonistas crecidos tengan mucha compenetración con el personaje de adolescente. Si este pasaje no resulta creíble, difícil podemos tomar en serio a la narración. En este caso Luis Ziembrowski con Agustín Pardella haciendo ambos de Lalo realizan unos muy buenos papeles. Es muy impresionante ver cómo manejan una mirada tan similar y cómo llevan consigo ese aire pacífico. Los demás actores están bien, pero este dúo sobresale del resto.

La historia plantea de trasfondo la persecución política que vivían los padres de Lisa, pero aún así resulta muy poco, es un aderezo que sólo aporta el porqué de los viajes de la protagonista. Al film le falta algo de chispa, de emoción. Hay sufrimiento, hay tristeza y depresión pero no está bien trasmitida. Le falta alma, quizás. No es empalagosa, como muchas otras, pero tampoco emotiva.

Dibujos poco animados

Con un público al que va destinado difícil de precisar, hace su aparición un film que vuelve a trabajar sobre una de las figuras de la política más renombrada de la historia de nuestro país: Eva Perón. María Seone, luego de años dedicados al periodismo, incursiona en el cine con Eva de la Argentina, planteando una nueva forma de contar la historia: mediante dibujos animados. De la mano del famoso dibujante Francisco Solano López, autor de El Eternauta, Seone relata la historia de Eva Duarte de Perón haciendo hincapié en el mito que se ha formado en torno a su figura.

Eva de la argentina está pensada por la directora para que sea vista a partir de los 12 ó 13 años. Pero lo cierto es que no basta con que se entienda y esté hecha en dibujos animados. Es una película de chicos pensada por un grande, con alma de grande. No es un capricho pensar que el adulto tenga que tener alma de niño, porque si su destinatario son los más pequeños y los adolescentes, tiene que llamarles la atención para que puedan aprender, junto a un film divertido, parte de la historia. Sin embargo, la película vuelve a remarcar algo que piensan muchos adolescentes: que la historia es aburrida. El ritmo, sin duda, le juega en contra.

El film también está apuntado para adultos y se podría decir que está, claramente, dedicado a aquellos que en su infancia se criaron con los cómics en sus manos y los antagónicos discursos de los familiares sobre Juan Domingo Perón y Eva Duarte. Resulta por momentos propagandístico de la época pero, sin duda, con el correr de la película, Seone demuestra que es propio del mito que se ha creado alrededor de Eva. La simbología es una constante que se trabaja en el film, que corresponde muy bien a cómo fue dado el gobierno de esta famosa pareja. Asimismo, el aporte documental que se entrelaza entre los dibujos refuerza las argumentaciones que se exponen.

Es un gran acierto de Seone que el personaje encargado de contar la historia de Eva sea el prestigioso periodista asesinado en plena dictadura cívico militar, Rodolfo Walsh. El respeto que existe sobre este profesional del periodismo de investigación hace que sea más atractivo ver la película y, sobre todo, que tome más credibilidad lo que se está contando.

La película no sólo trabaja la vida de Eva en vida, sino que, también, la recrea en su muerte. Como también narra parte de la vida de Juan Domingo Perón, a quien muestra derrotadazo después de la muerte de Eva. Seone juega mucho con lo que significan las raíces. La figura de Eva como niña dándole la mano a la Eva grande es claramente un símbolo por el cual la autora representa cómo esta figura de la política nunca se olvidó de dónde venía y quién era, a pesar del poder con el que contaba y la riqueza que poseía.

A pesar de tener un buen material de archivo y el privilegio de contar con uno de los dibujantes más renombrados, Eva de la Argentina resulta por momentos bastante lenta. Sin embargo, la duración del film es relativamente corta lo que permite que la cantidad de información que expone no sature.

Si bien cuesta entender a qué público está dirigida, seguro será utilizada como material de estudio por las escuelas debido a la carga documental que tiene y la forma didáctica con la que fue hecha. Lástima que no pudieron romper con la frase que indica que “la historia es aburrida”, interesando a los jóvenes en un periodo tan atractivo como este con un material más llamativo.

Le sientan mejor los cortos

Después de algunos años de haber realizado el corto Medianeras, Gustavo Taretto retoma su idea con un largometraje. Aunque la propuesta del director resulta llamativa e interesante, es imposible dejar de contrastar el largometraje con el corto. La película por momentos resulta aburrida y abre puertas que no llevan a nada, pero claramente quedan opacados esos momentos por la calidad del planteo y cómo se lo lleva adelante. Resulta todo un desafío generar un largometraje con la misma idea que un corto: ¿si se puede decir con menos tiempo lo mismo, por qué alargarlo? Obviamente la difusión que tienen los cortos no es la misma que los largometrajes y es, sin duda, un error que los directores se tengan que adaptar a ese requisito.

El director encara la problemática de vivir en la ciudad, desde la visión de dos personas que no se conocen, Mariana (Pilar López de Ayala) y Martín (Javier Drolas). Ambos, con actividades e intereses distintos, van mostrando con sus monólogos a la ciudad y sus interrogantes. Los protagonistas cuentan cada uno su experiencia y quedan planteados varios dilemas posmodernos en sus comentarios. Martín es diseñador de páginas web, trabajo lo ha hecho o ha fomentado su introversión. Pero él da cuenta de cómo la sociedad moderna le otorga todo lo necesario para vivir encerrado y no tener que salir. Su novia lo dejó y va perdido por la web buscando alguna cita favorable. Mariana, por su parte, sufre de la sobrepoblación de profesionales. Ella es arquitecta pero trabaja en el diseño de vidrieras. Trata de reponerse de cuatro años de noviazgo tirados al tacho.

Taretto plantea un análisis de la estructura de la cuidad, en cuanto a lo arquitectónico, y de cómo termina recayendo en la calidad de vida de la gente. A su vez, el film refleja una ciudad cargada de cosas y es coincidente con la saturación de ideas e imágenes que aparecen en la película. Asimismo, resultan efectivos los recursos que utiliza el director para sacar al espectador del automatismo que vive día a día en su rutina. El análisis minucioso de algunos detalles de la ciudad es muy atractivo, así como también los interrogantes y las afirmaciones que cada uno de los protagonistas exponen.

Si hablamos de desaciertos podemos decir que es, quizás, un poco descolocado el planteo que realiza de la falta de publicidad por la crisis del país, pero ha quedado esa parte del guión igual que el corto, que corresponde a una fecha más cercana al 2001. A su vez, la actuación de Jorge Lanata como médico, no tiene mucho fundamento más que poner una figura conocida en el reparto. Cumple la función de ser un médico “piola”, pero no es necesario para el guión, que tiene con qué sostenerse solo sin recurrir a un famoso.

Los actores principales encaran muy bien su rol reflexivo, resultan naturales y llevaderos sus monólogos. En cuanto a Carla Peterson e Inés Efrón cumplen estereotipos de mujer moderna: la primera representa la saturación de saber y la pedantería; la segunda una vividora del instante, sin pensar mucho en el mañana. Ambas realizan buenas actuaciones, quizás Peterson resulta un poco más llamativa, pero debido al papel que le toca.

La calidad de la propuesta no está en duda. Pero algunas ideas quedan viejas; hay escenas que se alargan sin sentido; la intervención de Lanata y algunas ideas que se abren y no llevan a nada, dejan ver que se puede decir lo mismo con menos.