La fórmula Transformer

"Batalla Naval" es lo nuevo de Hasbro, famosa compañía de juguetes que parece empecinada en arruinar potenciales buenos productos para vender cajitas felices y promocionar el poderío militar norteamericano. Los productos garpan... de eso no hay dudas, sobretodo si tenemos en cuenta que las "Transformers" fueron películas gigantes de la taquilla con sólo buenos efectos especiales y dos protagonistas femeninas para el infarto. En este caso se apela a una dinámica parecida, con muchos efectos especiales, una morocha elegida como la mujer más sexy de 2011 por "Esquire" y una rubia debilidad con más curvas que la cordillera de los Andes. De trama original y entretenida ni hablar... y es que pensándolo bien, ¿qué tan interesante puede resultar un film sobre un juego de mesa? Más bien parece una excusa barata para poner en pantalla naves gigantes y marcianos, que como siempre, quieren exterminarnos y quedarse con nuestro increíble planeta tan preciado en la comunidad universal.
Muchachos, ¡los marcianos ya cansaron!! Al menos si van a usarlos inventen algo nuevo, algo que no hayamos visto más de 100 veces en distintas películas.
Como aspecto positivo, rescato que al menos "Battleship" utiliza un humor mucho más rescatable que el impresentable de Michael Bay (se nota que no me gusta ¿no?) en "Transformers", donde se encargó de pegarle la fama de descerebrado al pibito Shia LaBeouf. Por otra parte, también noté que se la encaró con un poco más de seriedad, contratando a buenos actores que hicieron un poco más tolerable la cinta. Estoy hablando por supuesto del gran Liam Neeson y de Alexander Skarsgard, que más allá de sus breves intervenciones, dejan su sello y suman un par de puntos a la propuesta. Taylor Kitsch es buena opción como anti héroe de acción, simplemente no ha seleccionado bien sus últimos proyectos.
Una peli para los incondicionales de las invasiones extraterrestres y los efectos visuales zarpados. Quizás para verlas a Brooklyn y a Rihanna también vale la pena. En lo que respecta a mi experiencia, la pasé mucho mejor con un pedazo de papel borrador, dos lapiceras y un par de inadaptados que querían escaparse de Química.

Policía Estudiantil

"21 Jump Street" es la adaptación de una serie ochentosa que lanzó a la fama al conocidísimo Johnny Depp y que vuelve en formato de largometraje, con 2 nuevos protagonistas que creo se complementaron bastante bien durante su trabajo en este film. Jonah Hill demuestra que es una de las nuevas caras para tomar en serio en el mundo de la comedia aportando los mejores momentos de la película, mientras que Channing Tatum cumple como parte complementaria del dúo pero sin grandes momentos de talento humorístico.
Para los que no conocen la historia, la policía crea un escuadrón de agentes con las características físicas necesarias para infiltrarlos en colegios secundarios y hasta universitarios con el fin de investigar los crímenes que tienen lugar entre los más jóvenes de la sociedad. Originalmente era un equipo de varias personas, pero para la adaptación cinematográfica se decide hacer foco en la pareja conformada por los dos actores del cartel. Otro gran cambio tiene que ver con el enfoque humorístico que se la dio a la película, un humor que está mucho más cerca de la bizarreada de "The Hangover" que del típico humor ochentoso, que se podría decir, era más sano y apelaba mucho menos a las situaciones ridículas. Personalmente no soy un gran fan de este nuevo tipo de comedia, más allá de que disfruté muchísimo la 1ra Hangover, sobre todo porque percibo que algunos imitadores del género cada vez van más lejos con el mal gusto, léase "Pase Libre", "Bad Teacher" y "Si fueras yo".
Hay escenas realmente divertidas, pero como en estos otros casos nombrados, también hay otras de mal gusto e innecesarias para la dinámica de la trama. La parte policial y de acción también creo que podría afinarse un poco más, sobretodo si va a haber secuela como se viene comentando luego de su éxito comercial en USA.
No es una de las mejores comedias que vas a ver en tu vida, pero combina de manera muy efectiva el humor bizarro con el género de acción, lo suficientemente bien como para entregar al menos una cinta más sobre las andanzas de los 21 Jump Street.

Publicitar al nene...

"The Lucky One" o "Cuando te encuentre" (muuuy similares los títulos...) es según mi punto de vista, una de las peores películas de Scott Hicks, que sin ser un prodigio de la dirección, llegó a entregar films como la inolvidable "Shine", con la cuál el gran Geoffrey Rush se ganó un merecido premio Óscar.
En esta ocasión cae en una historia boba, desgastada, cuyo público objetivo está ubicado mayormente al sur de los Estados Unidos, donde el Marine y el ejército norteamericano son idolatrados como dioses del Olimpo. En realidad reflexionando un poco, me di cuenta que el problema no es tanto filmar sobre alguna historia suscitada en la milicia estadounidense, de hecho Kathryn Bigelow entregó una muy buena "Vivir al límite", sino que lo insoportable es la sensiblería barata que se pretende activar de manera torpe en el espectador para que éste simpatice con el mayor poder militar del planeta, idea que de entrada, me eriza los pelos de todo el cuerpo.
Por otro lado, la historia de amor planteada funciona a los ponchasos, alternando momentos de buena química con situaciones ridículas como el desenlace final en el que de repente hay gente que se ahoga y el Marine todo poderoso acude al rescate... nada que ver con la trama amorosa y representa 10 minutos totalmente innecesarios.
Lo único bueno que puedo decir, es el entendimiento inteligente que tiene Hicks sobre las estrellas que pone a protagonizar el film. Zac Efron es el protagonista y Marine en cuestión que es explotado como el cliché comercial del producto, que viejo pero todavía efectivo, ofrece momentos varios del joven que ya está bastante crecidito (de músculos), sin remera, en boxers, teniendo sexo y hasta hay una situación de mano femenina en nalga masculina de 1er plano. ¡Las adolescentes seguidoras de Zac quedan extasiadas al menos por 2 semanas consecutivas!
Un poquito de Blythe Danner para darle más jerarquía y seriedad, mezclado con otra pizca de Taylor Schilling para la escasa audiencia masculina en sala. Aún así, no logra entretener casi en ningún momento de sus 100 minutos de duración.
Un propuesta chata que no aporta nada a la vida de nadie, que no entretiene y que parece ser una publicidad doble donde los productos promocionados son los Marines de USA y el nuevo look "macho sexy" del nene Zac Efron.

La Ausencia Adictiva

¿Alguna vez quisiste ser otra persona? Que idea tan poderosa y magnífica para trabajar en el cine. Ya se ha hecho, con resultados muy buenos y muy malos también. Armando Bo (Jr.) tiene que estar orgulloso de debutar en largometrajes haciendo un trabajo tan emotivo y bien ejecutado, elaborando una trama simple pero llena de riquezas. ¿Quién nunca se visualizó cantando como Axl Rose, Madonna o Chris Martin de Coldplay? ¿Quién nunca fantaseó con recibir todo ese reconocimiento? ¿Quién nunca envidió, aunque sea un poco, la vida de otra persona? En el film, se encara la trama teniendo en cuenta esta idea pilar, pero además se trabaja sobre otro abanico de matices que incluye la interacción familiar, la tragedia, la pateticidad, el amor a la música y sobre todo el convertirse en un ánima ausente, todo con gran profesionalismo y con un ojo enfocado en lo que el público va a validar en el cine cuando disfrute la propuesta. Tiene la capacidad de dejar contento al espectador comercial y al que gusta más del cine independiente también.
Yendo más al desarrollo de la peli, no se deben confundir los tantos. La historia de fondo, la importante, es la de Carlos Gutiérrez, un tipo que se ha obsesionado tanto con su ídolo que por momentos realmente cree que es él, un tipo que se ha perdido a sí mismo para poder convertirse en alguien que no es, que nunca va a poder ser y que va a significarle la infelicidad perpetua. Es una tragedia, con algunos toques cómicos por supuesto, con momentos de enseñanza y gran virtuosismo de su protagonista, que encarna a un personaje tan patético como querible, tan admirable como reprochable. El hecho de que sea Elvis no es lo más relevante, eso es un aspecto que enriquece al film, que ofrece entre otras cosas, momentos musicales buenísimos, sobre todo para un ignorante (como es el caso de quien escribe) que hasta el momento no tenía idea quien es este gran artista llamado John McInerny.
Un muy buen producto "made in Argentina" que va a sorprender a más de uno y va a emocionar hasta las lágrimas a quien se deje tocar por este último Elvis.

El sentido de la palabra Sinergia

¡Alucinante!, es lo 1ro que voy a decir para aquellos que piensan que no hay manera de hacer un blockbuster de calidad y menos de superhéroes. "Los Vengadores" es una de las películas más entretenidas que he visto en años, que tiene un secreto que en realidad es muy básico y sencillo: Combina de manera extraordinaria el buen humor con calidad de efectos y acción vertiginosa. Se apela al enorme poder de la risa y de la sorpresa. Cuando menos lo esperamos, el director Joss Whedon introduce algún comentario sarcástico de Iron Man, alguna brutada de Thor, alguna ñoñada del Capitán América y acto seguido, da vida a las secuencias de acción más espectaculares que se hayan visto en pantalla.
Tiene momentos en que la sala completa se despanzurra a carcajadas, con chistes físicos y no físicos que hacen que uno enseguida vaya eligiendo a sus personajes favoritos. Hay una escena de Hulk con Loki que se ganó a todo el público presente con sólo 10 segundos en pantalla... cuando la vean van a entender de que les hablo.
La trama no es la más original, aunque es bien entretenida, está bien elaborada y cierra el ensamble de todos los superhéroes. Las personalidades se complementan a la perfección, sobre todo en este 1er planteamiento de batalla de egos y búsqueda de posicionamiento de cada uno dentro del equipo de defensores de la Tierra.
Por otro lado, se respetan las historias de cada uno de los protagonistas, se mantienen las características distintivas de cada héroe y nos introducen en la historia de los 2 personajes nuevos, Black Widow y Hawkeye. Los momentos de peleas y batallas son increíbles, muy vertiginosos y bien planteados. Se notó un trabajo bien cuidado y pensado en este aspecto para diferenciarse de lo que hemos visto hasta el momento en este tipo de género. Uno se involucra con lo que pasa, se maravilla como loco, y a la vez no se produce esa mala sensación de algunas películas de acción donde se piensa "¡qué ridículo!, eso es asquerosamente exagerado" (Michael Bay, tome nota), sino que uno piensa... Hay que tener talento para cubrir las expectativas del público mundial, entretener a los amantes del cómic y a los que no lo son también.
En conclusión, recomiendo totalmente este film, sobre todo si sos "héroe adicto" ya que te vas a retirar extasiado del cine. Si no sos del palo comiquero pero querés pasar un momento muy entretenido que va más allá de la típica de superhéroes, también te la recomiendo a vos. ¡Bravo Marvel y aplausos al Sr. Whedon!

Acción vibrante sin sello distintivo

"Contrabando" es una buena peli de acción que llega directamente en formato DVD por nuestros pagos argentinos. No es un producto excelso, pero quizás merecía un poco más de atención y no pasar directamente al videoclub (hoy en día léase, internet).
En esta historia, Chris Farraday (Mark Wahlberg) es un ex genio de la piratería y el fraude que se ve forzado a volver al ruedo para saldar una deuda contraída por su inexperto cuñado con gente áspera de la delincuencia. El nuevo trabajo le demandará uno de los mayores esfuerzos de su carrera criminal para poder completar la misión como es debido, y por momentos todo parece marchar 10 puntos, pero como suele suceder en este tipo de films, todo se complica cuando la traición y la ambición se apoderan de la trama poniendo en peligro el bienestar de su esposa y sus pequeños hijos.
Lo mejor de esta propuesta está en la ejecución, con muy buenos momentos de suspenso y acción que entretienen al espectador y lo mantiene alerta durante todo el metraje. El reparto de actores es bueno, agregan talento y jerarquía a la historia, sobre todo Wahlberg que demuestra una vez más que puede llevar adelante un protagónico digno y creíble. Giovanni Ribisi hace lo que mejor le sale, el rol de loco impredecible con quien nadie quiere tener que tratar.
El punto más débil y que creo le valió el pase directo a las estanterías, va por el lado del aporte de esta película a los géneros del Thriller y la Acción, ambos bastante desgastados en los últimos años. Las estafas abundaron como locas en el último tiempo por Hollywood ("Ocean's Eleven" y sus secuelas, "La Estafa Maestra", "El Golpe Maestro" y muchas más), con buenos y malos exponentes. "Contrabando" es una peli más que puede ubicarse de la media para arriba, pero hoy en día eso no es suficiente para llevar al público a la sala de cine. Creo que le faltó algún factor distintivo, algo que deje una impresión duradera, algo que la haga resaltar de entre tantos productos similares. Mientras escribo esta crítica, trato de acordarme algún momento fabulosamente particular de la cinta que haya quedado dando vueltas en mi mente... no puedo encontrarlo. Se concentraron más en cuidar los aspectos técnicos, las trompadas bien filmadas, la lluvia de balas, la tensión del peligro inminente, pero en lo referido a destacar un sello trascendente, tanto el director como los productores, se quedaron sin ideas y ofrecieron algo que ya hemos visto en la gran pantalla.
Para los fans de las historias de estafas y golpes maestros bien elaborados que deseen pasar un buen momento de entretenimiento aunque éste no dure mucho tiempo en la memoria cinéfila de cada uno.

Diversión en Stop Motion

"¡Piratas! Una loca aventura" es una película divertida, amable, que a priori no atrae demasiado, pero cuando uno se deja llevar por la historia lo envuelve y lo hace pasar un buen rato de entretenimiento.
No creo que sea tan fabulosa como exclaman algunos, sino que es un producto que vale la pena ver en cine y que creo será del agrado de los más chicos, aunque no es de esas producciones que uno termina llevando para siempre dentro suyo, sino más bien una linda peli para disfrutar el momento y pasar hacia otra cosa a los 5 minutos de finalizado el metraje.
La versión latina no la recomiendo, escuchar a personajes ingleses hablando en neutro no favorece mucho el espíritu del film, sino que por el contrario, hace que se pierda un componente importante de su atractivo. Ya sé... me quejo siempre de lo mismo, pero cada vez más soy defensor de los idiomas originales. Imagínense sino, a Ricardo Darín puteando pero doblado al mandarín... ¿como que se pierde la esencia no? Acá pasa lo mismo.
En fin, la historia es divertida y moderna, el pirata Capitán y su tripulación quieren ganar a toda costa el premio del "Pirata del Año", sobre todo para demostrarle a los demás piratas adversarios que son un grupo de granujas temibles y no el centro de las cargadas generales cómo suele suceder habitualmente. Esto los llevará a vivir una aventura que tiene algunos momentos realmente buenos y divertidos, aunque me costó mantener el completo interés hasta el final. Quizás el abuso de parodias a situaciones actuales que obviamente serían absurdas para la época de los piratas de la era victoriana resultó ser un arma de doble filo.
En conclusión, creo que es una película que sin ser una maravilla y estar un poco lejos de la frescura de "Pollitos en Fuga" se deja ver y entretiene al punto tal de justificar la entrada al cine para disfrutarla. Los más chicos estarán seguramente más entusiasmados que lo adultos, pero es una buena opción para ver algo distinto a la animación que nos tiene acostumbrados Pixar.

Haciendo el ridículo por Puerto Rico

"The Rum Diary" o "Diario de un Seductor" (título que no tiene nada que ver con la película) es el último trabajo de Johnny Depp en estrenarse en Argentina, un film insulso que promete mucho más de lo que realmente ofrece. No tuvo mucha promoción, pero lo poco que se comunicó fue inflado de una manera que el espectador esperaba otra cosa cuando asistiera a ver la película. ¿Diario de un seductor? La trama no tiene nada que ver con Depp desplegando su facha y encanto, sino que sólo incluye una o dos escenas en las que trata de levantarse a otra protagonista, la bellísima Amber Heard, que dicho sea de paso, es una de las pocas razones por las que uno podría pagar por este film. Lo demás, son payasadas pensadas para el actor, con gestos a lo Capitán Sparrow.
Por otro lado, el trailer la vendía como una comedia con toques de acción, que a raíz de un buen trabajo de edición, terminaba convenciendo de que podría tratarse de un buen entretenimiento. Pues nada que ver... No es ni muy divertida, ni la acción logra comprometer al público con lo que está pasando en pantalla. Tiene algunos toques bizarros que pareciera quieren emular a otro trabajo del actor en una historia de Hunter S. Thompson, "Pánico y Locura en las Vegas", pero la verdad es que le faltó mucha sopa para llegar a ese nivel. Acá no hay un hilo consolidado, no hay una historia interesante y el resultado termina siendo Johnny Depp haciendo el ridículo por Puerto Rico acompañado de un grupo de buenos secundarios que están desaprovechados.
Hay quienes dicen que en realidad la historia original escrita por Thompson es mala de por sí, y puede que sea verdad, pero considero que un buen cineasta debe tener la capacidad de volver algo insignificante en algo fabuloso. Este no fue el caso del director Bruce Robinson que dejó ver su falta de training tras las cámaras.
Una cinta para los incondicionales de Johnny y los que quieren deleitarse con la presencia de Amber Heard, que informo, para pena de muchos o fantasía de otros, tiene pareja de su mismo sexo.

Melancólica Adolescencia

¡Vuelve la banda completa!, se encuentran luego de 10 años, algunos casados, otros son famosos, algunos con hijos y otros son gays, pero lo que realmente quedó intacto es el espíritu original de esta saga, que puede agradar o no, pero es indiscutible que dejó su marca en el género de las comedias para adolescentes.
Lo mejor del film pasa por reunir al cast original, cuestión que a cualquier seguidor de las American le encenderá la melancolía y los buenos recuerdos, haciéndolo reír y extrañar la edad del pavo. Quizás le faltó un poco más de humor, o chistes más inteligentes, seguro, pero es innegable que la reunión puso contento a más de uno, sólo basta con chequear el puntaje que la gente le otorgó en IMDB más allá de las malas críticas. La intención del director fue buenísima, la ejecución en cambio buena, aceptable, que de seguro dejará conforme a los fans pero que dudo maraville como para revivir la historia como sucedió con las "Rápido y Furioso". Si nunca te gustó mucho esta franquicia, seguramente tampoco te agrade esta nueva entrega.
Lo novedoso es el crecimiento de los personajes, que siguen manteniendo su personalidad intacta pero con un toque más maduro, más adulto. Va a haber sexo y situaciones disparatadas en torno a él, por supuesto, sino no sería una verdadera American, pero en esta ocasión el foco vuelve a estar en ese mensaje principal que siempre pregonó la saga original: la Amistad.
Lo mejor como siempre siguen siendo el loco Stifler y el torpe de Jim, ambos son los personajes más entrañables y carismáticos de toda la saga.
Por la parte negativa creo que se quedó corta con el humor y la degeneración de las 2 primeras entregas con la excepción de algunas pocas escenas. Hay algunos personajes que sólo vuelven unos minutos en pantalla para justificar el retorno completo de la banda, pero en realidad no tienen ninguna relevancia y era casi lo mismo incluirlos o no. Es un retorno disfrutable, que reivindica el espíritu original, pero que no tomó la fuerza suficiente como para seguir dándole rosca a la tuerca.

Neeson en el Infierno (Blanco)

"The Grey" es una peli rara de encontrar, es de esas experiencias en las que el espectador va esperando una cosa y de repente se lleva una sorpresa, pero grata. Se combinan 2 géneros difíciles de conjugar como lo son el Drama y la Acción, ofreciendo un entretenimiento de calidad muy bien elaborado. Cuando comenzamos a verla pensamos que es un film donde el asperísimo de Liam Neeson se va a trompear salvajemente con los lobos y sus mismos compañeros de tragedia y nada más. En realidad parte de esto sucede, pero tiene lugar en un marco dramático acerca de la vida del protagonista, que interesa, que suma poema a la historia y le da un toque especial de adultez. Quizás hay momentos donde se pasa un poco de rosca, en los que se insiste demasiado con el conflicto existencial del protagonista, donde la poesía viene muy endulzada, pero no es algo tan molesto como para bajarle demasiada calidad a la narración.
Los 1ros 20 minutos son excelentes, con acción, dinamismo, drama, suspenso. El accidente aéreo... Ahhh! que lindo ver accidentes aéreos en el cine. Son la pesadilla de todo viajero frecuente, pero a la vez es tan excitante ver la secuencia... cuando está bien hecha, claro está. Se pasa de momentos de camaradería y charlas de fogón a situaciones de ataque y batalla violenta contra los señores del territorio, los lobos. Aquí creo que sí hay una pifia, con el tema de los canes salvajes que representan el punto más atractivo y débil de la película. Está bueno ver animales salvajes interactuando con los protagonistas, dificultando su supervivencia, agregándole color a la trama, pero a su vez, creo que se exageró en la violencia e insistencia de los animales para cazar a los sobrevivientes que van cayendo uno a uno. El animal cinematográfico que asesina porque sí ya fue... es muy década del '90.
Por otro lado, es muy acertado que Liam Neeson sea "El Líder" (no me agrada la traducción, hubiera preferido "Infierno Blanco"), ya que asegura 117 minutos de carisma, talento actoral y un tono de voz que debería patentar. Me confieso fan absoluto de Neeson. "El Líder" es una buena página más en su carrera, que merece ser vista y que satisface tanto el intelecto como las ansias salvajes de ver acción de la buena con toques de suspenso y drama.

El clásico que no será...

"El príncipe del Desierto" es una película épica y de aventuras de las que le gusta filmar a Jean-Jacques Annaud, veterano del género y responsable de entregarnos algunos trabajos fabulosos como "Enemy at the Gates", "El Oso" y "El Nombre de la Rosa".
En esta caso vuelve con una gran apuesta cuyo resultado no está siendo muy favorable, sobre todo en los resultados de taquilla. Quizás el problema haya sido la promoción o la poca difusión... En el plano de lo cinematográfico, creo que parte del problema está en la trama, que siendo en su esencia muy interesante, no toma el vuelo que debería tener una épica de este estilo. La enemistad entre las dos casas, el descubrimiento de petróleo en la tierras del rey menos honesto, el choque entre occidente y oriente, la historia de amor, todo es buenísimo y debería haber sido mejor manejado para realmente dejar una huella en el mundo del cine y pasar a ser un nuevo clásico de la gran pantalla, lamentablemente le faltó un poco más de fuerza. Hay grandes baches de narración y algunas escenas mal actuadas, el rol de Freida Pinto es pobre y Antonio Banderas como jeque árabe es menos creíble que un turco queriendo hacerse pasar por yanqui. Aún así, tiene encanto aventurero y de cine clásico, es de esas pelis para ver un domingo de aburrimiento, de esas que transportan a otro mundo donde la aventura es la moneda corriente y puede vencer la resaca más dura del fin de semana.
Por momentos Annaud juega con el género de aventura pop y en otros se pone dramático, cuestión que también creo le jugó en contra. Debería haberse concentrado más en uno de los dos géneros. Es como que todo el mundo que tuvo la oportunidad de verla dice; "está buena... que se yo... es entretenida...", no noté a nadie copado y es la misma sensación que me produjo a mí. Como entretenimiento sirve, sobre todo para esos días en que extrañás las pelis épicas o estás con ganas de ver una de aventuras con buena fotografía y muchos gente en cámara antes de una buena batalla. Mark Strong en su papel del Sultán Amar está muy bien y definitivamente le suma unos puntos extras a la peli al igual que Tahar Rahim como el Príncipe Auda. Lo demás es aceptable y entretenido sin maravillar ni dejar una marca significativa en el género.

La muerte en vida

"We need to talk about Kevin" es una de las películas más aterradoras que vi en mi vida. La historia es tan siniestra que hace que cualquier bosta de exorcismos baratos que andan por la cartelera (sí, estoy hablando de vos "Con el Diablo Adentro") parezca una comedia de Ben Stiller.
Lo 1ro que hay para resaltar es la narrativa de la historia, fabulosa, intrigante rompecabezas que va tejiendo una estructura que vuela los sesos y hace crecer escena a escena el nerviosismo y el horror. En este aspecto un aplauso para la directora Lynne Ramsay, que supo tomar una buena historia y agregarle un plus cinematográfico espléndido. Por otro lado, pero relacionado a la trama, tanto el libro como el guión adaptado juegan a la perfección con la idea de ¿La maldad de una persona, está influida por el comportamiento de los padres o puede ser que simplemente haya una maldad innata en ciertas personas? Este planteo lleva al espectador a estar muy atento a lo que sucede en ambas partes, como lidian los padres con el problema y como va evolucionando el comportamiento del hijo. Es una de las pocas películas que conjugan el drama y el terror de tal manera que se genera un combo poderoso y terrorífico. Kevin podría ser el nene que va al colegio con mi hermanito, con mis hijos, con mis sobrinos... quizás compartí el colegio con un Kevin que no llegó a explotar, quizás todavía pueda hacerlo.
El pibe es un pendejo de mierda, intolerable, pero a su vez es una mente maestra, un genio seducido por la maldad que nos hipnotiza y nos atrae hacia la trampa, aún sabiendo que va asesinarnos.
Por último, se habrán hartado de leerlo pero Tilda Swinton es sencillamente INCREÍBLE. Su trabajo interpretativo es el corazón de la película, y sin este componente, "Tenemos que hablar de Kevin" sería otro buen film de suspenso y nada más. El proceso de muerte en vida del personaje que compone es excelente. La escena cuando comienza a creer que su hijo puede cambiar es desgarradora.
A los amantes del cine netamente comercial puede llegar a parecerles un poco lenta de más, pero si se dejan atrapar por su historia, van a entretenerse y horrorizarse en iguales proporciones, habiendo asistido a una experiencia que los dejará pensando.

Super Zylberberg

"Extraños en la Noche" marca la vuelta de Diego Torres al cine, o al menos así se estuvo promocionando por la prensa, en una comedia que resulta divertida y amena, mucho más de lo que se comentaba por los blogs cinéfilos de la web. Para algunos, que signifique la vuelta del cantante a la gran pantalla no es buen signo, por lo que no estoy seguro si fue la mejor estrategia. No es la comedia del año, pero debo decir que superó la expectativa de más de uno que la veía con muy poca Fe (yo entre ellos). Diego Torres hace un papel aceptable y puede ser considerado para más trabajos de este tipo con un poco más de training, pero la gran estrella del film es sin dudas Julieta Zylberberg, que demuestra que puede ser una comediante de calidad y que debe ser tenida en cuenta para futuros trabajos de este tipo. El plantel de secundarios acompaña muy bien y ciertamente le suma un par de puntos a la propuesta, sobre todo Betiana Blum que tiene una empatía especial con el público.
La trama resulta interesante y disparatada, sobre todo la interacción de la pareja y la situación en la que deciden convertirse en una suerte de investigadores de crímenes con todo tipo de torpezas que funcionan bien en pantalla. En la variedad que ofrece la cinta se presentan algunos baches, pero no creo que sean determinantes para vetar el guión. El que es reacio al género comedia en el cine argentino, seguramente no encontrará en esta peli una motivación fuerte para asistir a verla en el cine y quizás lo mejor sea esperarla a que salga en DVD, pero para el entusiasta y creyente de un cine nacional cada vez con más matices, "Extraños en la Noche" puede ser una buena opción para escapar al cine norteamericano y reírse un poco en el trayecto. Creo que si nos animamos se puede pasar un buen momento y disfrutar de una buena comediante en ascenso como lo es Zylberberg.

¿Cuál es la peli más flojita?

Voy a decir algo que seguro todos los que vieron la película están pensando... Sí, se le fue la mano a Tarsem Singh con el ancho de las cejas de Blancanieves y los vestidos que usa Julia Roberts como la bruja malvada hacen muy mal a la vista. Ya está, lo dije.
Con respecto al film, debo decir que esta adaptación en clave de comedia me resultó insípida, cursi y como diría mi cuñadito: Default... algo que no sorprende, que sigue los pratones predeterminados del género.
Comienza bien, haciendo una introducción a lo Hellboy 2 sobre la historia principal y cómo se llegó a la situación de envidia y maltrato hacia la tierna Blancanieves por parte de su malvada madrastra (sí, acá la bruja es la madrastra). Hay un muy buen despliegue de efectos y colores que dejan bien en claro el sello del director indio Tarsem Singh, un genio de lo visual que introduce al espectador a mundos fantásticos y totalmente atractivos. El problema es que su capacidad narrativa no es comparable ni un poco con su talento creativo. Se nota un cuidado casi obsesivo en el planteo visual, mientras que en la trama se presentan huecos y descuidos del novato más inexperto.
Una experiencia que debería haber sido muy entretenida y divertida, terminó siendo un poco pesada y bizarra de más, falta de ángel cinematográfico. Hay diálogos y situaciones absurdas, que se suponen deberían haberme hecho reír, pero en vez de eso, me irritaban y me resultaban totalmente artificiales.
A medida que iba avanzando la película, la trama se iba convirtiendo en algo cada vez más chato, con ciertos elementos que hacen honor a lo más berreta del cine, sobre todo hacia el final. Los enanos no me convencieron de nada, no me resultaron cómicos ni adorables y el príncipe es un estúpido de primera. Lo mejor de la cinta fue el gran Nathan Lane, que ni siquiera era un personaje importante. No la recomiendo salvo que tengas ganas de deleitar sólo la vista.

¿Quién no está un poquito loco?

"A Dangerous Method" es una película compleja, quizás una de las más complicadas del director David Cronenberg por el uso de tecnicismos propios de una disciplina que no maneja el público común y por el entramado de temas que va tocando a lo largo del metraje. Tiene su sello por todos lados, en los diálogos, en la frialdad y la personalidad frontal de los personajes, en la forma de filmar las interacciones, en la relación amor-odio que establece entre los personajes entre sí y entre los personajes y el espectador. Quizás el tema con este director es que es apto para un cierto tipo de público, que gusta del entretenimiento dramático, crudo, bizarro y profundo. Sus ritmos son ágiles, con foco en lo que quiere contar sin reparar en detalles narrativos que no aportan al objetivo puntual de su puesta. A su vez, juega con la escenas y nos entrega momentos estéticos, sutiles y cristalinos seguidos de otros donde la consigna es oscura y la incomodidad que produce dista de ser sutil. Hay siempre un factor violento en la filmación de este director, ya sea físico o intelectual.
Se hace un acabado análisis de lo que sucede dentro de la cabeza de las personas, a nivel consciente e inconsciente, de como uno va descubriendo los impulsos más reprimidos y la batalla que se libra con la razón para dejarlos ser o no. Cronenberg trabaja los temas que más le interesan como la dualidad, el sexo, la transformación de la persona y la fría inteligencia de los personajes, pero esta vez, desde una óptica más descriptiva, nos cuenta con precisión casi histórica los 1ros pasos del psicoanálisis, y también nos sumerge en un momento particular de la vida de 3 personajes de la psicología que no acostumbramos ver caracterizados en la gran pantalla. Los actores Michael Fassbender, Keira Knightley y Viggo Mortensen hacen un trabajo estupendo como Carl Jung, Sabina Spielrein y Sigmund Freud respectivamente, sumando talento y elevando el nivel de la película. Vincent Cassel también aparece en un rol menor pero memorable, que con pocos minutos en pantalla logra dejar una impresión que gusta y bastante.
"Un Método Peligroso" no es una propuesta pochoclera ni cerca, tampoco es ligera, por lo que hay que tener cuidado antes de ir a verla. Aconsejo, leer un poco sobre su director y los trabajos que ha hecho para entender por donde viene la onda.

Todo es reversible

La suerte en tus manos es la nueva y más comercial comedia de Daniel Burman, director de algunos títulos como "Todas las azafatas van al cielo", "El abrazo partido" (muy recomendable) y "Dos Hermanos". En esta ocasión vuelve con una película de humor irónico, que mezcla acidez y suavidad en una justa media para ofrecer un entretenimiento, que sin ser de lo mejor de su carrera, logra el objetivo de hacerle pasar un buen momento al público que quiere ver una comedia de calidad "made in Argentina".
La dupla Drexler/Bertuccelli funciona muy bien, aportando frescura por parte del 1ro y el talento cómico de la 2da. Como debutante de la actuación, se puede quedar tranquilo el cantautor uruguayo ya que compone un personaje más que interesante, con bastantes problemas personales y una manera tragicómica de ver la vida. ¿Le falta un poco más de expresión?, seguro, pero eso no quita la credibilidad de su rol.
El cast secundario sigue la línea cuasi bizarra de la historia, con una fauna actoral que incluye a Norma Aleandro, Luis Brandoni, Gabriel Schultz, Silvina Bosco y Tomás Sala entre otros, que hacen un buen aporte a la dinámica y al espíritu del film.
La trama tiene un poco de cine norteamericano sin perder las raíces argentinas, proponiendo protagonistas complejos que se pasean entre lo convencional y lo bizarro, pero aún así, termina cayendo varias veces en los típicos clichés del género.
En la variedad exagerada de situaciones y personajes que se ven incluidos en la trama se evidencia un desorden que por momentos dificulta el ritmo narrativo. No me malinterpreten, incluso, la peli es buena, pero podría haber sido mucho mejor, más divertida y enfocada para pelearle el puesto a la recordada "Un novio para mi mujer".
El fuerte lo tiene en el planteo de 2 personas con fracasos personales que se dan cuenta que todo puede revertirse, incluso sus vidas.
Para los que disfrutan del nuevo cine argentino, la comedias románticas y buscan pasar un momento agradable lejos de los tanques hollywoodenses.

Mitología made in Hollywood

"Wrath of the Titans" marca la vuelta de las aventuras de Perseo superando bastante a su entrega anterior, aunque debo decir que sigo percibiendo falta de carisma y profesionalismo en la trama. Tiene todo para triunfar, pero finalmente no enamora, no hipnotiza al espectador que seguramente va con una expectativa más alta de la que el film puede llenar.
Vamos 1ro con lo bueno. La puesta es épica, ambiciosa, monumental, los efectos visuales son impresionantes y muy atractivos. Los monstruos mitológicos que van apareciendo como la Quimera, el Minotauro, los Cíclopes, los saldados Makhai y el titán Cronos están perfectamente elaborados, son feroces e inspiran respeto. Uno fantasea con verlos a todos juntos en una batalla épica entre el bien y el mal. En este sentido, se eleva la apuesta y podemos disfrutar de momentos de peleas más violentos y vertiginosos que en la 1ra entrega. Se incorpora a su vez, personajes más interesantes que reman para mejorar el guión aunque no lo logran del todo. Acá viene la parte no tan buena... muchachos, ¿tanto cuesta armar una historia como la gente? Por momentos la película parece ser una secuencia sin sentido de peleas contra monstruos maravillosos de la mitología griega y nada más, como si fuera el demo de un nuevo video juego para Play Station 3. ¿Y los personajes nuevos como Ares, Agenor, Efesto? Se les da una participación pobre y hasta ridícula en algunos casos (Efesto), por ejemplo Andrómeda, que parece tener un rol sólo porque está buena.
Obvio que nos gusta ver esas peleas magníficas, pero por favor, conéctenlas con algo de drama, de mitología. Se olvidan de hacer los deberes y nos dicen que estamos viendo "Furia de TitaneS", en plural, cuando en realidad muestran a sólo 1 de ellos y del cuál no se cuenta casi nada de la historia. Sí, sí, Perseo tiene que ir a salvar a su padre que fue secuestrado y está en el inframundo preso para que Cronos puede absorber sus poderes y cobrar vida, pero con eso nos quedamos muy cortos. Parece una pequeña historieta excusa para justificar la realización de la cinta.
A los que les gustó la 1ra de seguro disfrutarán mucho más esta secuela, a su vez, la franquicia podrá ganarse algunos adeptos nuevos que sean amantes de la ciencia ficción, los efectos especiales y las batallas. Para los que buscamos una combinación de trama y todo lo nombrado anteriormente, significará una mejora en el producto, pero no llegará a convencernos. A los productores, por favor tomen nota del equipo de escritores que trabaja con Christopher Nolan y con Zack Snyder.

Ecología para los más chicos

El Lórax es otro personaje del famoso escritor Dr. Seuss que llega a la pantalla grande con la dinámica y el espíritu con el que fue concebido: mensajes educativos, diversión y surrealismo. En este sentido respeta la obra original y ofrece un buen entretenimiento para los más chicos, aunque se agregan varias cuestiones que no estaban en el cuento. No es de esos filmes animados que son principalmente para niños pero que contienen varios ingredientes para atraer a los adultos que deben acompañar a esos niños en el cine, sino que su puesta es exclusivamente para los más chicos, cuestión que puede provocar el rezongue de más de uno. Aquí creo que le erraron un poco ya que seguramente los que conozcan bien quien es Dr. Seuss y sus historias sean personas de más de 30 años. No pude identificar momentos en los que se apuntara al público más adulto, aunque quizás el director y los productores hayan querido hacerlo en algunas escenas.
La parte visual está muy bien lograda, con una mezcla de colores envidiable y un mundo, tanto en su faceta artificial como en la que aparecen las trúfulas, que logra manifestar a la perfección la visión del ya fallecido escritor norteamericano. El trabajo de voces incluye figuras como Danny DeVito, Ed Helms, Zac Efron, Taylor Swift y Betty White. Debo aclarar que no me gustó el trabajo de doblaje, por más esfuerzo que haya implicado hacer que el mismo DeVito pusiera la voz para la versión en castellano. Suena horrible, forzado y no respeta la dinámica del idioma original. Claro que entiendo que hace falta el doblaje para los más chicos, pero debería darse la oportunidad para que el espectador no tan niño pueda disfrutar de la versión original sin tener que bancarse traducciones malas y que lo embrutecen. A muchas salas de cine parece no importarle esta cuestión.
Para concluir, la recomiendo para llevar a los más pequeños (de 5 a 11) que podrán aprender valores nobles como el cuidado del ambiente y la precaución para con las grandes corporaciones que no siempre están pensando en el bienestar de la sociedad. Para los más grandes... ¡Warning! NO es Shrek.

Humor para irlandeses

Lamento no compartir el entusiasmo de la mayoría de la crítica, pero esta película me pareció más que una comedia distinta, una comedia aburrida y pasada de rosca, con un aire "independiente" de esos a los que se la va la mano en los matices bizarros. Aquí la ridiculez no entretiene, no arranca sonrisas, es sólo ridiculez.
El personaje de Brendan Gleeson, el sargento Gerry Boyle, es sin dudas entrañable, entretenido y atractivo en una manera que genera culpa en el espectador por lo incorrecto. Es racista, putero, desalmado y frontal como toro ciego, pero esto sumado al lado humano y tierno que demuestra en algunas escenas, resulta irresistible. Sólo por Gerry le doy crédito a esta comedia con pretensiones snobistas.
Lo demás fue totalmente ridículo, presentando situaciones sin sentido que se iban poniendo cada vez más estúpidas y bizarras a medida que avanzaba el metraje. La película duró unos 95 minutos que parecieron 150 minutos, en los que cada tanto se escuchaba alguna sonrisa vaga por la sala. Tiene algunos momentos divertidos, pero son muy pocos, además de que está plagada de humor regional que por estos pagos no entendemos ni a palos. Abundaron los chistes citando a personajes que supongo serán irlandeses o europeos, lo que provocaba mirarse la cara con el de al lado para ver si alguno sabía a quien se estaba refiriendo.
Me dio la sensación de que podría haber sido una comedia mucho más divertida ya que se notaba una mano inteligente en los diálogos, pero creo que se pasaron de rosca par agradar en los festivales idólatras del cine bizarro.
El ritmo es de tortuga, pero eso no fue lo que más me molestó, sino el constante esfuerzo por ridiculizar la trama queriendo convencer al espectador de estar frente una comedia "distinta", cuya traducción sería, una comedia con "clase". A mí me resultó aburrida y totalmente densa.

Enorme Pie Derecho

¡Aplausos largos y cascabeles! "The Hunger Games" tiene la combinación exacta de acción, suspenso, drama, política y personajes que hacen que sea una propuesta de verdadero disfrute cinematográfico. Tiene ese atractivo que pocas películas pueden lograr, que supera la expectativa que uno tiene sobre un producto hollywoodense (sin dejar de serlo) y por supuesto, la tiene a Jennifer Lawrence, actriz destinada a convertirse en una gran estrella de esas que dejan su marca indeleble. Ya lo adelanté el año pasado cuando aseguré que esta joven revelación iría adquiriendo cada vez más valor dentro del medio, ¡y vaya que lo está haciendo!
Confieso que no leí ninguno de los libros, pero si estuve investigando acerca de ellos y la forma en que se decidió darles vida en la gran pantalla, por lo cuál puedo asegurar que es una adaptación que cumple con el contenido esencial de la obra literaria sin olvidarse de que debe entregar un film entretenido y fiel en vez de una transcripción gráfica de lo escrito. Para los que no tienen idea de que se trata, la historia se plantea en un escenario post apocalíptico en el que un país está dividido en 12 distritos controlados por el gran Capitolio, gobierno corrupto y de unos pocos. Para conmemorar la revuelta de los distritos, cada uno de ellos selecciona una mujer y un varón entre 12 y 18 años para competir a muerte contra los demás en los llamados "Juegos del Hambre", capricho de la sociedad snob que sacia su sed de morbo a partir de la televisación de esta sangrienta batalla. Cualquier similitud con la realidad...
El ritmo y la dinámica son hipnóticos, al punto tal de que uno se olvida que el metraje se extiende por más de 2 horas y lo deja con ganas de ver más, de vivir y conocer mejor a estos personajes, que en algunos casos, les bastó con menos de 10 minutos en pantalla para dejarnos enganchados y querer saber mucho más acerca de ellos.
Con mis disculpas a los fanáticos de "Twilight", pero ésta es un verdadera franquicia "Pop" de calidad, que no insulta la inteligencia del público y le plantea una historia adulta y entretenida que merece respeto y atención. Inicia su camino para convertirse en la Madonna del Pop y no una simple, cursi y ordinaria Miley Cyrus.
Hay momentos de adrenalina total, momentos para reírse y otros para horrorizarse, para compenetrarse y sorprenderse, "Los Juegos del Hambre" me dejaron con la boca abierta. Bien merecido tiene su 3er puesto de mejor estreno de la historia del cine.

Fórmula Segura

"Protegiendo al Enemigo" es una de esas películas de acción y espionaje bien elaboradas que salen cada año en el cine, bien filmada, con un cast interesante, con acción de la buena y realista, intrigas varias y suspenso que mantiene en vilo. Es una de cada 6 aproximadamente, que sin aportar algo innovador al género, termina siendo valiosa para la colección de thrillers de calidad de nuestra videoteca.
En esta ocasión se conforma la dupla Reynolds/Washington que funciona de maravilla sumándole puntos a un producto que, por no presentar un guión brillante, los necesitaba. Ambos hacen un muy buen trabajo destacándose como siempre la interpretación de Denzel, un profesional increíble que a la hora de agregar personalidad a sus personajes lo hace con mucho talento, leyendo de cierta manera el deseo del público acerca de lo que quiere ver en ese rol. Expresivo, hipnótico, sinónimo de buena actuación, el hombre ha sabido ganarse su buena fama, lo que significa en casi todas las ocasiones, entretenimiento garantizado. Reynolds se sigue afirmando en su papel de nuevo héroe de acción, tomando un poco de Ethan Hawke en "Día de Entrenamiento" y otro poco de Matt Damon en la saga de Bourne.
Como aclaración y advertencia, debo decir que si sos de esas personas que está siempre a la espera de algo que le vuele la cabeza porque ya está cansado de ver la misma dinámica de los films de espionaje, ¡Ojo!, puede que te parezca más de lo mismo con un toque de calidad visual e interpretativa y estarías absolutamente en lo cierto, el tema es dejarse llevar por la trama y tratar de pasar un buen momento de acción y suspenso con una historia conocida, pero bien contada.
La recomiendo a los amantes del cine de espionaje y traiciones que seguramente se sentirán muy a gusto siendo confundidos por el gran Denzel. Para disfrutar de buenas peleas, tiros, complots e intrigas con una rica cervecita en la mano.

Cold Street

Lo 1ro que pensé cuando comencé a ver esta peli fue "Que bueno que Paul Bettany volvió a los filmes serios y se dejó de hinchar los huevos con ser caza vampiro y ángel de la Legión de la berreteada". Hablando en serio, este trabajo logró sacar interpretaciones de mucha calidad, cuestión que creo, conformó el pilar fundamental del producto elevándolo a un resultado de lo más eficaz. ¡Gran despliegue de talentos!
"Margin Call" es un thriller impecable sobre el mundo financiero norteamericano, allí donde se mueve la economía global y donde suceden cuestiones tan impactantes como secretas, fuera del alcance de los ciudadanos normales a los que sólo nos llega con delay un "estamos en crisis financiera".
El director J.C. Chandor dirige la historia con una frialdad muy calculada, en la que se refleja claramente lo que está sucediendo sin tanto subrayado ni perdiendo el tiempo en explicaciones largas. La carga dramática llega de manera natural, no por inducción obligada del director, sino por la manera de poner en pantalla los sucesos que van teniendo lugar. En realidad trata sobre un hecho financiero que a la media del público que asiste al cine podría parecerle de lo más irrelevante y aburrido, pero con mucha pericia termina convirtiéndolo en un thriller impactante que está a la altura de "Wall Street". Es como la hermana más seria y adulta de este último film de culto.
Como dije antes las interpretaciones son el alma de la cinta, Kavin Spacey, Jeremy Irons, Stanley Tucci y Paul Bettany están super bien, conformando un equipo de gran talento para el deleite del espectador. Zachary Quinto, Demi Moore, Simon Baker y Penn Badgley también aportan lo suyo pero con menos trascendencia que los anteriormente nombrados.
Una peli elegante, inteligente, fría y corrupta que garantiza un buen entretenimiento para los amantes de los dramas financieros y políticos.

La Caravana Mágica

Si alguna vez fantaseaste con una joda descontrolada en la que sos el ídolo de la fiesta o estuviste en una parecida, "Proyecto X" definitivamente te va a encantar. Joda fuerte, mucho descontrol y situaciones tan bizarras como divertidas que te van a asegurar 90 minutos de entretenimiento puro y carcajadas varias. Eso sí, tenés que ir dispuesto a ver una peli que te ofrece locura adolescente, momentos divertidos y adrenalina fiestera, no mucho más. Si estás esperando una historia de amistad, que te deje algún mensaje de vida o te desafíe intelectualmente, vas muerto, incluso los personajes no son ni muy entrañables ni lo mejor de la película, salvo por el gordito que se pasa.
El film está producido por Todd Phillips, el mismo tipo que dirigió las dos "The Hangover", "Todo un Parto", "Old School" y "Viaje Censurado", todas producciones alocadas en las que se puede identificar su sello característico: Situaciones comunes que se salen de control a un punto tal de provocar un humor tan bizarro como efectivo. Ése es el gran acierto de Phillips, que sin ser santo de mi devoción, logró sacarme varias sonrisas con este trabajo. Por otro lado el director Nima Nourizadeh cumple muy bien con su debut en las grandes ligas, cayendo en algunas mañas hollywoodenses típicas de estos flms como la publicidad descarada de productos, pero nada grave que valga la pena remarcar. Utiliza el método "cámara en mano" que parece haber vuelto para quedarse, y al igual que "Poder Sin Límites", su puesta es cuidada y de calidad. Es una propuesta en la que la forma de filmación resultó fundamental para darle ese espíritu de "verdadero", esa sensación de que la festichola loca que vemos en pantalla, está sucediendo realmente o sucedió en algún momento no muy lejano.
Una película para revivir fantasías de "ídolo de la noche", dejarse llevar y meterse mentalmente en un caos total de cuerpos moviéndose al ritmo de la locura. La fantasía de todo Nerd hecha realidad.

Demonio venido a menos

Ghost Rider (2007) fue un estreno polémico, que disgustó a varios y que a su vez, supo ganarse a un puñado de público que le fue fiel y al cual tiene cautivo. Por mi parte debo decir, que por más que no me sienta incluido en ese grupo, disfruté la 1ra entrega como un exponente distinto del Clase B en el mundo de los superhéroes. ¿Podría haber sido mejor?, seguramente, sobre todo si le daban la dirección a alguien como Guillermo del Toro y no a Mark Steven Johnson que venía de dirigir el fiasco "Daredevil". Aún así, logró captar la atención y recaudar un monto dinerario que permita continuar con la saga. Con el cambio de dirección, creo que tomaron una decisión equivocada y corren un serio riesgo de quedarse sin franquicia, sobre todo por cómo se le viene dando con un caño a esta 2da entrega que sin ser horrible, es de una calidad inferior a lo que fue la "Ghost Rider" original. Los villanos de la 1ra eran más atractivos y más tenebrosos, la historia romántica (accesoria) también resultaba más interesante con la participación de Eva Mendes. Quizás el recorte de presupuesto haya influido en la caída de esta nueva entrega, y lo lamento por eso porque creo que si se hubieran hecho las cosas bien se podría haber evolucionado y sacar la historia adelante, pero la realidad es que no convence, no seduce y por momentos aburre.
La parte de efectos está muy bien, se nota que pusieron mucho empeño en lograr secuencias de acción de calidad, pero esto no alcanza para entretener y cubrir la expectativas de mejora que se tenía acerca de este producto. El trabajo en este aspecto puede llegar a salvar al motociclista del infierno del desastre total, entregando al menos un despliegue vistoso y colorido de efectos que atonten al seguidor de la saga y los convenza de pagar nuevamente una entrada para ver una futura "Ghost Rider 3", pero la paciencia tiene un límite muchachos, no jueguen demasiado con ella.

Esto es.. lo mismo de siempre

Que flojas que vienen las comedias románticas en lo que va del año... Se podría decir que al menos esta es un poco más atractiva que los recientes fiascos "Amor por Siempre" y "Sólo por Dinero", pero aún así no le alcanza para entretener como es debido. Es una película que potencialmente tenía todo para ser de calidad, un cast muy bueno que incluye a la ganadora del Óscar Reese Witherspoon y a los nuevos galanes de Hollywood, Tom Hardy y Chris Pine. Por otro lado contó con el presupuesto y la mano del director McG que demostró en trabajos pasados como "Terminator: Salvation", que puede ofrecer entretenimiento del bueno. Algo salió mal en el proceso y se terminó poniendo en pantalla una comedia romántica que más allá de algunos destellos de humor y despliegue de escenas de acción, termina siendo lo mismo de siempre, sin innovaciones ni sorpresas que motiven al espectador a pensar que valió la pena la entrada al cine. Dos pibes, en este caso espías, se disputan el amor de una rubia linda y simpática que está indecisa acerca de cuál es el hombre indicado para ella. En el proceso, ambos usarán no sólo sus talentos como galanes, sino que también dispondrán de los recursos tecnológicos de su unidad para vigilar los movimientos del otro. Eso es todo. Lo "sorpresivo" se supone que es el final, que por supuesto no les contaré, pero adelanto que a mí no me movió un pelo. Quizás McG quiso acentuar que es un creativo del uso de efectos visuales y dispositivos tecnológicos para hacer films de todo tipo, pero en el plano de la trama y lo que debería ser el "core" de una película de este estilo, se queda corto y cae en la misma fosa que muchos otros ya han probado. No es malísima, pero no trae nada nuevo. Sólo para incondicionales del género y fans de los actores protagonistas.

El Hongo de la Vida

"Enter the Void" es lo último del director argentino radicado en Francia, Gaspar Noé. Película difícil de ver por el cruce de conceptos sobre lo que uno considera cine y lo que pone en pantalla el director. Una de la 1ras escenas es parecida a la del Big Bang de "El Árbol de la Vida" pero versión drogona y morbosa, cuestión que creo yo, describe en pocas imágenes lo que Noé está tratando de hacernos ver.
Me encanta que me provoquen en el cine, que me hagan pensar, incluso sentirme incómodo si es necesario para ver un punto de vista distinto, pero esa provocación que busco debe ser desde lo intelectual y lo visual, ambas herramientas como disparadores de la mente. Noé se olvida de la cabeza y trata de horrorizar con lo visual, maravillosamente filmado, pero con una mala leche increíble que provoca mucho rechazo, no por lo fuerte, sino por el intento de menospreciar la inteligencia del espectador. Me hace acordar a aquel capítulo de Los Simpsons en el que Homero comienza a dedicarse al arte, habiendo creado accidentalmente una obra que en realidad era un asador mal armado. Llega una fulana snob y de repente lo convierte en el artista del momento por algo que en realidad es absolutamente torpe. Con "Enter the Void" parece suceder algo muy parecido, como mostrar una pareja haciendo el "perrito" mientras su hijo de 8 años observa pensando que es artístico, o filmar una escena de conversación entre 2 drogadictos como si fuera un ensayo filosófico fundamental sobre la vida. Para mí no es arte, es torpeza.
Que el tipo es un prodigioso de la cámara no hay dudas, que provoca y se sale de la línea habitual del cine tampoco, pero a veces esto no basta para ser un buen cineasta. No me vengan con el tema de "Irreversible", sí, fue una muy buena película de Noé, pero eso no basta para ganarse el título de genio del cine, para eso hace falta constancia y muchos más éxitos de los que ha cosechado hasta el momento.
La vida es una mierda total, una pesadilla, eso nos quiere inculcar Noé a lo largo de todo el metraje, cuestión bien incoherente viniendo de alguien que disfruta de ella como pocos privilegiados tienen la suerte.

Gladiador en Marte

John Carter es lo último de Disney en materia de live-action que debo decir, me dejó sensaciones encontradas, una mezcla de "me gustó" con "le faltó picante". Esperaba más, que me dejara boquiabierto, que me convenza de estar frente a una nueva saga épica de calidad, pero en vez de eso, se me plantearon bastantes dudas acerca de cómo adaptaron la obra de Edgar Rice Burroughs y los actores que seleccionaron para darle vida a la historia.
Como cuestiones positivas resalto en 1er lugar la forma de presentar la visión del escritor, poniendo en pantalla un mundo marciano colorido, rico y diverso, con un muy buen trabajo en los aspectos visuales y por eso los aplaudo a Andrew Stanton (director de animaciones fundamentales como "Buscando a Nemo" y "Wall E") y a su equipo. La premisa también es atractiva y le da ese carácter "épico" que lleva sin dudas el sello Disney. En contraste a esto último, la elaboración del film en cuanto a sus diálogos, dinámica y picante narrativo es bastante pobre. No entiendo porque sucedió de esta manera ya que el proyecto contó con el trabajo grupal de muchos talentos del "script" y con el mismísimo Stanton, pero la realidad es que el resultado fue un híbrido medio confuso que se hace querer y odiar en magnitudes similares. Lo mejor es sin dudas el mundo virtual, los Taraks magníficamente elaborados y actuados por Willem Dafoe, Thomas Haden Church y Samantha Morton, mientras que la pareja protagónica de Taylor Kitsch y Lynn Collins resultó acortonada y poco carismática, sobre todo ella que a mi parecer, actuó horrible. Deberían haber invertido los roles y poner a los que actuaron de Taraks como actores principales y poner a los más novatos a hacer de marcianos.
Creo que es un comienzo accidentado y mal condimentado que logra de alguna manera salir un airoso de un posible desastre cinematográfico. Si sos un incondicional del cine fantástico y las historias épicas seguramente la disfrutes más allá de sus evidentes carencias de guión e interpretación.

Miseria que Divierte

Carnage es una comedia distinta, psicológica y ácida, que seguramente amarán u odiarán. No es ni de cerca un producto liviano y bien intencionado, por el contrario, se ríe y utiliza la pateticidad humana para hacer humor, cuestión que puede resultar muy atractiva para algunos y muy tediosa para otros. En lo personal la encuentro totalmente fascinante e inteligente, provocando risas, claustrofobia, empatía, asombro y vergüenza ajena en un mismo paquete.
El director Roman Polanski ("El Bebé de Rosemary", "Chinatown", "El Pianista") es el encargado de darle vida en la gran pantalla junto a un cast estelar que incluye a los talentosos Jodie Foster, Kate Winslet, John C. Reilly y Christoph Waltz.
El film cuenta una historia universal simple, en la que dos matrimonios se reunen para discutir civilizadamente acerca de una pelea entre sus dos hijos. El encuentro comenzará de la manera más educada posible, pero poco a poco la situación se irá saliendo de control dejando en evidencia lo peor de cada uno al punto tal de que el espectador no podrá sentir otra cosa que incomodidad y lástima por los personajes. Si se dejan llevar, se van a reír muchísimo de las miserias humanas y los problemas de pareja.
Creo que Polanski capta muy bien las sensaciones adecuadas para cada momento de la película, explotando las enormes capacidades del guión y la genial transformación de parejas adultas felices con mucho auto control a niños/adultos frustrados y amargados con mucho resentimiento. Los diálogos son sencillamente geniales, la atmósfera es por momentos irrespirable y todo esto es logrado en un set mínimo que simula el living de un departamento.
Creo que no es un producto apto para todo los públicos, pero si gustan de las situaciones irreverentes con humor ácido y se dejan llevar por el barco de la pateticidad, la van a disfrutar como locos.

Gas Lacrimógeno

A little bit of Heaven es un nuevo producto al estilo drama/comedia que no logra convencer en su historia central y deja una sensación de guión medio berreta que se quedó a mitad de camino. En cuanto a la pareja protagonista, no concuerdo con muchas críticas que le siguen dando con un mazo a Kate Hudson gratuitamente cuando creo que el tropiezo, al menos esta vez, es de Gael García Bernal, actor al que percibí perdido, desencajado, con poco carisma y lejos de su talento interpretativo. Entiendo que es una oportunidad de entrada a la mecánica protagonista de Hollywood, pero defender su participación en algo tan desabrido sería falso de mi parte.
Algunos públicos más sensibles al combo amor/enfermedad terminal encontrarán atractiva la propuesta que busca la herramienta sentimentalista constantemente y combina risas con lágrimas. A mí ni me emocionó, ni me hizo reír mucho tampoco, quizás porque ya he visto este tipo de fórmula muchas veces en el cine y no me sorprende. El tema del cast fue acertado con la excepción de Bernal que no perteneció en ningún momento, aunque ni la presencia de talentosas figuras, ni la vuelta de la gran Whoopi Goldberg pudieron disimular la carencia de la trama. Hay algunas intervenciones individuales que son buenas como es el caso de Kathy Bates o Peter Dinklage, pero nada relevante como para subirle el puntaje a este "Amor por Siempre".
Insisto en que hay espectadores que van al cine buscando un poco de romance y momentos lacrimógenos a los que podrá parecerles atractiva la película, para los demás será una pérdida de tiempo y dinero que dejará gusto a poco.

Mal Paso

"One for the Money" es la adaptación de uno de los best sellers norteamericanos de la escritora Janet Evanovich que mezcla comedia con acción y suspenso. La realidad es que no logra ni una, ni otra cosa. Hay algunos momentos divertidos, sí, pero son muy pocos y además están encarados con cierta subestima por el espectador. Ni hablar de la parte de acción y suspenso, que no llega nunca a su objetivo. En mi humilde opinión, la directora Julie Anne Robinson debería haberse decidido más claramente por algunos de los géneros, es decir, hacer una parodia bien divertida de la novela o ponerse un poquito más seria y encarar la lucha contra el crimen con más aplomo y algunos toques de humor como para cumplir con espíritu de la novela.
La cuestión es que no lo logra, se queda a mitad de camino y termina pasando al cajón de las pelis mediocres que cuando llegan al cable uno la encuentra y se acuerda de haberla visto, pero no recuerda casi nada de la trama porque era demasiado boba como para ocupar lugar en el cerebro.
Katherine Heigl pone un poco de su carisma que salva al producto del desastre total, demostrando que es buena protagonista incluso cuando lo demás no acompaña.
Si este trabajo representa el lanzamiento de las novelas de Evanovich en cine, debo decir que ha sido torpe y con poco espíritu, perjudicando la percepción que el público va a tener cuando asista a ver la próxima historia.
Recomendable sólo si fuiste hasta el cine y en la boletería te avisaron que están todas las funciones agotadas y únicamente podes elegir entre ésta opción y "Con el Diablo Adentro".

Resident Underworld

Vuelve Selene con una secuela de la saga "Underworld" que debo decir, fue un poco exagerada y estuvo a punto de no contar con mi gracia. Me confieso seguidor entusiasmado de la franquicia, pero creo que esta vez se le fue un poquito la mano con el gore y la historia.
El Despertar retoma la trama de la 2da entrega (Evolución), mostrándonos como los vampiros y los lycans salieron a la luz pública e infectaron a los miembros de la sociedad humana. Para frenar este apocalipsis, las autoridades pusieron en marcha un exterminio llamado "La Purga" durante la cual Selene es apresada y congelada por más de 15 años junto a Michael en las instalaciones de Biocom. A partir de aquí, se construye una historia que inevitablemente tiene muchos aspectos en común con la franquicia de Milla Jovovich, "Resident Evil" (los que siguieron Resident van a entender bien lo que digo). En este sentido, debo decir que no me agrada mucho la idea de que se termine tomando esa senda... si quiero ver corporaciones diabólicas que experimentan genéticamente con los protagonistas voy a ver al cine "Resident Evil" y no "Underworld". De ésta última espero una dinámica más al estilo de su predecesora, con un guión un poco más dramático y no una copia vampírica de la saga zombie.
En el plano de la acción está muy bien, se incrementaron notablemente las secuencias de pelea y violencia, cuestión que hará que los seguidores de la saga den el visto bueno, aunque creo que se les fue un poquito la mano con el morbo y descuartizamiento de cuerpos. Los efectos están impecables y comienzan a aparecer nuevos personajes que dan un poco de frescura al producto.
En mi opinión es la más flojita de las 3 entregas que protagoniza Kate Beckinsale, aunque termina cumpliendo con su cometido. Los productores se encuentran en un momento de transición decisivo, del que pueden salir fortalecidos o directamente destruir la franquicia. Espero que se tomen las decisiones correctas y haya más Underworld de calidad creciente y no a la inversa.

Violencia Lírica

Drive es una de las gratas sorpresas del 2011 a cargo del director danés Nicolas Winding Refn, que sin dudas nos entrega el mejor film de su carrera.
No se equivoquen... no tiene nada que ver con el estilo de acción automovilística, ni es un producto "pop" del cine como creyeron algunos espectadores antes de ir a verla. Es una historia dramática que devuelve al spotlight los crímenes mafiosos y la violencia sin tapujos sin dejar de lado el drama que cubre la vida de su protagonista, en este caso el magnífico Ryan Gosling en el rol de Driver, un tipo con espectaculares habilidades al volante que trabaja como doble de acción para películas que incluyen escenas automovilísticas y a su vez, ejerce como chofer de escape de delincuentes. Es un tipo solitario, sombrío, dedicado 100% a su trabajo y todo parece marchar normalmente, hasta que se involucra con la familia de su vecina Irene. En una de esas vueltas locas que tiene la vida (amor), termina enfrentado con un grupo de tipos más malos que el mismísimo Padrino, los que desatan una ola de violencia fantástica que no veía desde "Los Infiltrados".
Drive combina de manera muy atractiva e inteligente la miseria de sus personajes (todos son deprimentes) con ciertos aspectos que parecieran destinados a otro tipo de gente como la amistad, el amor, la lealtad y hasta la solidaridad. Hay escenas fantásticas y tiernas de amor, pero al momento siguiente a alguien le están reventando la cara a patadas y volándole la cabeza.
Los personajes son raros pero increíblemente hipnóticos, muy bien elaborados en el guión y por supuesto, por la interpretación de los actores que participan del film.
Tiene un ritmo que algunos les puede parecer lento, pero se compensa totalmente en la intensidad que demuestra cada situación de la historia, filmada por momentos, con un sello artístico muy creativo y particular. Las escenas de acción son pocas, pero contundentes y maravillosamente violentas.
Una cinta muy recomendable teniendo en cuenta lo que se aclara al principio de la crítica, no es una película de acción vertiginosa plagada de efectos visuales, sino una experiencia innovadora de una historia dramática simple. A mí me compró totalmente.
La banda sonora es buenísima!

Espías como Dios manda

"Tinker, Tailor, Soldier, Spy" es un excelente thriller drama que da vida en la gran pantalla a la novela del escritor inglés John le Carré que lleva el mismo nombre. El director Tomas Alfredson elabora con mucha clase un film misterioso, elegante, oscuro y que mantiene intrigado al espectador hasta el minuto final. Recordemos que este director fue quien estuvo a cargo de la versión sueca de "Déjame Entrar", un trabajo magnífico muy difícil de encontrar en nuestro país por su baja promoción, salvo por su versión americana que está disponible en DVD.
La película reune un reparto envidiable que incluye a Gary Oldman ("Bram Stocker's Dracula", "Harry Potter y el prisionero de Azkaban"), John Hurt ("V de Vendetta"), Mark Strong ("Sherlock Holmes"), Colin Firth ("El Discurso del Rey"), Toby Jones ("Historia de un Crimen") y Tom Hardy ("The Dark Knight Rises") entre otros. La inversión en talentos rinde sus frutos y elevan notablemente la jerarquía de una historia de espionaje, traiciones y crímenes que sin ofrecer nada increíblemente innovador para el género, logra cautivar y transportar al público a una red de mentiras y caretas que resulta muy entretenido desenmarañar. ¡Ojo!, es una peli europea hasta los huesos, es decir, tiene un ritmo más lento del que suele tener el cine americano, por lo que aconsejo tener esta cuestión bien clara antes de entrar a la sala. Quienes no sean simpatizantes del cine inglés pueden llegar a decepcionarse con el ritmo.
Por otra parte, es una cinta que requiere de mucha atención del espectador debido a que las situaciones no son remarcadas y sobre explicadas como sucede en otros trabajos, sino que comunican de manera muy sutil. Un ejemplo claro es la revelación de la homosexualidad del personaje de Benedict Cumberbatch, que pasa casi desapercibida.
Como conclusión, "El Topo" es una adaptación inteligente, que si uno se deja llevar y presta atención va a disfrutar seguramente. No hay grandes persecuciones, ni explosiones varias, ni efectos fantásticos, simplemente es una historia de espionaje bien centrada en la trama que pretende enganchar desde sus diálogos y su evolución en el descubrimiento de quien es el traidor de la organización.

Te Extraño Emily Rose!

Bue... este año largamos temprano con la huevada. Una entrega más del gastadísimo subgénero de terror "Exorcismo" para tirar aún más abajo lo que venían destruyendo películas como "Anneliese", "El Último Exorcismo" y "El Exorcista: El Comienzo" entre otras.
Nada nuevo, nada interesante y por momentos totalmente rídiculo. Ya me imaginaba que resultaría un producto mediocre, pero no tan malo.
¡La chica poseída (siempre es una chica) se lo quiere voltear al sacerdote diciéndole cochinadas que supuestamente él quiere oír en su inconsciente y camina por las paredes!! Wow... que original... Ah, y no olvidemos que también se puede dislocar el brazo.
No cómo hizo, pero logró enojarme más que al Tano Pasman cuando River Plate descendió. ¡Qué estafa!
Otra cosa, ¿alguien me puede explicar qué carajo tiene que ver la monja con cara de poseída en los carteles promocionales con la trama de la película? Es sólo otro patético recurso para engañar al espectador y hacer quedar mal a la Iglesia, cuestión que también está gastadísima en el cine.
La historia se centra en Isabella Rossi, hija de la infame María Rossi que asesinó a 3 personas del clero durante un exorcismo fallido. Para entender que fue lo que realmente sucedió con su madre, se dispone a filmar un documental sobre la historia y tratar de captar en cámara una práctica exorcista real, cuestión que por supuesto logra conseguir. En un ¿curso abierto para todo el público? sobre la materia conoce a 2 curas rebeldones que exorcizan por su propia cuenta banquineando la autoridad de la Iglesia, a la que basurean durante todo el film aunque se reconocen como miembros indispensables de la misma. Menos creíbles que Clint Eastwood haciendo de travesti. Cuándo logran practicarle el exorcismo a María Rossi, se desata el apocalipsis que supuestamente es el plato fuerte de la cinta y nos matará de miedo (nunca sucede).
Ni siquiera hicieron bien los deberes y se mandan algunos bolazos como poner a un sacerdote diciendo que los bebés que mueren antes de ser bautizados van directo al infierno, cuestión que la Iglesia ha desmentido hasta el cansancio.
Presenta diálogos aburridos y mal actuados que sacan hasta la más mínima sensación de tensión que se podía haber provocado en el público.
Final predecible y estúpido que corona 83 minutos de basura cinematográfica.

Superhéroes sin Sermón

"Poder sin Límites" es una propuesta conocida pero distinta, es decir, las historias de "cámara en mano" hace rato que vienen atacando la gran pantalla, desde su precursora más comercial "El Proyecto Blair Witch" pasando por un sin fin de películas de terror, hasta "Cloverfield", historia que en este formato presentaba efectos visuales espectaculares. En este caso, el director debutante Josh Trank nos ofrece una cinta de superhéroes (o anti héroes) "filmada por ellos mismos" al descubrir que han adquirido espectaculares poderes al ingresar a una cueva misteriosa en una noche de fiesta y borrachera.
Lo original y atractivo de este trabajo tiene que ver con la cercanía que presentan los protagonistas con el espectador. Son 3 jóvenes como cualquier otros, medios boludones, terminando la secundaria, con sus problemas particulares y sin ninguna historia trágica o heroica que les haya hecho merecer sus poderes. Poco a poco irán descubriendo todas las cosas fantásticas que pueden hacer con sus nuevas adquisiciones atrayendo al público a una relación de complicidad que resulta divertida y vertiginosa. Como toda película debe tener un nudo, las cosas se irán saliendo de control cuando uno de ellos intente "solucionar" por mano propia los problemas que aquejan a su familia y él mismo, poniéndose en contra de sus propios amigos.
¡Ojo! no es una superproducción de Marvel o DC Comics, con aires de heroísmo y grandes efectos visuales, sino que es un producto con varios matices que lo colocan dentro del Drama, de la Ciencia Ficción, Acción, Terror e incluso Aventura. Hay despliegue de poderes en cámara, de buena calidad pero con alma casera, haciendo hincapié en el relato en 1ra persona y tratando de imprimir ese toque de "realismo" del formato Cámara en Mano.
Creo que "Chronicle" es un muy buen entretenimiento, que se hace tomar en serio sin desplegar pretensiones innecesarias. Una historia distinta de superhéroes que no termina con la bandera de USA flameando detrás del protagonista ni nos quiere sermonear acerca de la vida, sino que su pasión es pasearnos por una montaña rusa de entretenimiento.

Tan forzado

¡Que decepción!, es lo 1ro que se me viene a la cabeza. Teniendo todo, un director como Stephen Daldry, responsable de "Billy Elliot" (película que amé), "Las Horas" y "El Lector", un cast soñado que incluyó a Tom Hanks, Sandra Bullock, Max von Sydow, un novato virtuoso como Thomas Horn y la valentía de ser la 1ra película que contara la historia de una familia que haya perdido un ser querido en los ataques del 11-S, no se pudo lograr un film decente, que involucre y que haga valer la entrada al cine.
Sinceramente no comprendo como se quiso encarar el proyecto. Para comenzar el guión es acartonado y pobre, culpa que quizás deba caer sobre el libro en el cual está basado este trabajo, aunque no lo puedo asegurar ya que no lo leí. La cuestión es que todo el tiempo se lo está pinchando al espectador para que llore con recursos que resultan poco naturales y tediosos. A mí la verdad, no se me cayó más que varios bostezos a lo largo de los 129 minutos de duración. Aburrida a full, con algunas excepciones individuales en el plano interpretativo y algunas vueltas de rosca que son pasables.
Por otro lado, hay un total desperdicio de los actores que forman parte de la historia. Tom Hanks y Sandra Bullock interpretan a 2 personas extremadamente desabridas y que aparecen muy poco en pantalla. Lo de Max von Sydow sube un poco el nivel, pero no logra salvarla del fiasco. El niño Thomas Horn es sin dudas un joven precoz, con infinito carisma, basta con ver las entrevistas que le hicieron como parte de la promoción del film para sorprenderse y deleitarse con su presencia. El problema es que su personaje en "Tan Fuerte, Tan Cerca" es totalmente infumable, pone los pelos de punta y provoca ganas de tirarle con balde lleno de pochoclo a la pantalla. Como dije antes, quizás por culpa del libro o se le fue la mano al maestro Daldry.
Es por momentos confusa, pesada con los subrayados que se utilizan para darle el carácter lacrimógeno y sentimentalista al mango. Un film que no debería haber sido nominado al Oscar y que aún teniendo todas las herramientas no pudo lograr un relato de calidad. Maestro Daldry... lo lamento, pero su último trabajo es un moco.

Pesadilla por 2

Woww... No se que les pasó por la cabeza a esta gente para poner en pantalla semejante basura. Lo lamento por Adam Sandler, que más allá de hacer generalmente películas mediocres, me cae bien y ha tenido una que otra producción que me ha hecho reír, pero en este caso, la estupidez fue demasiado lejos.
Otra cuestión... ¿qué hacía Al Pacino en un film como este? No lo entiendo... 6 veces nominado al Óscar y ganador de uno... ¿Tanto afecto le tiene a Sandler?
En fin, la comedia trata sobre 2 hermanos gemelos y su relación amor/odio desde que eran niños hasta la adultez. Jack (Adam Sandler) es un conocido publicista que está casado y tiene 2 hijos, uno de ellos es un niño indio adoptado, tierno y divertido, pero que aporta a los típicos chistes escatológicos del comediante que ya son viejos y carentes de buen gusto. Jill (Adam Sandler) es una solterona insoportable que se siente sola durante las fiestas y decide visitar a su hermano y su familia. A partir de allí se producirán una serie de eventos ¿divertidos? que incluirán a un Al Pacino calentón que anda desesperado por conquistar al Sandler femenino.
La trama es estúpida de principio a fin, improvisada, con poco esfuerzo y con base en el talento individual de los comediantes que aparecen en escena. Esto no es lo peor, lo más irritante y nada divertido de la cinta es justamente el personaje de Jill, un Sandler con peluca que en ningún momento nos hace creer que sea otra persona que él mismo, que grita toda la película y trata de hacer humor físico que no le sienta para nada bien. Es lejos el peor trabajo del comediante y de su director personal Dennis Dugan, que terminan ofreciendo un film bizarro, no en el sentido de rareza o extravagancia, sino en la incomodidad que genera.
Hay algunas apariciones divertidas de ex comediantes de SNL (Saturday Night Live) y uno que otro chiste cómico... lo demás es una pesadilla para el olvido.

Todo lo viejo vuelve a ser nuevo

Snobistas y contra snobistas, amantes y detractores, la película del director francés Michel Hazanavicius ha despertado grandes amores (en su mayoría), pero también abrió la polémica sobre si se trata de una obra maestra del cine o es puro artificio en forma de homenaje que se ha puesto de moda. Creo, en mi humilde opinión, que "The Artist" es un muy buen producto cinematográfico, que homenajea al cine y eso está claro, que entretiene con una historia de amor muy bien planteada y que nos devuelve a una época distinta, romántica (en el sentido histórico) y glamorosa del celuloide. Eso creo que representa este film, un muy buen entretenimiento, inteligente, distinto para nuestros tiempos, que no es para todos los públicos y que tampoco pretendió ser, al menos en el inicio, una obra maestra. Si la comparamos con otras películas de la época muda del cine, es también un buen producto, pero nunca la ensalzaríamos de la manera en que se lo está haciendo en este momento. Algunos dicen que viene con el timing justo ya que la Academia busca recuperar las raíces del cine, otros han quedado anonadados por la extravaganza de ir al cine a ver una peli muda y que encima les haya gustado... yo creo que hay mucho de ese fenómeno extraño y contagioso que es enamorarse de lo que es "bien", lo que es "cine bueno", una forma del séptimo arte que vuelve para decirnos que todo tiempo pasado fue mejor. Para curarse de esto, recomiendo ver "Medianoche en París" de Woody Allen.
Me gustó mucho "El Artista", la historia es atractiva, muy visual, por momentos divertida y por momentos muy dramática, pero la trama no aporta nada genial al presente del cine ni es una bestialidad de guión.
Lo del actor Jean Dujardin es muy merecido y Bérénice Bejo no se queda atrás.
No creo que sea una obra de arte ni que se merezca el Óscar, pero sí se merece definitivamente mi recomendación para pasar un momento distinto en el cine.

El Amigo Fiel

Aahhh... el eterno y nunca pasado de moda vínculo entre el Hombre y su mascota... encima si lo pone en pantalla Spielberg, tiene garantía de calidad y emotividad. De un gran trabajo técnico sumado a una historia que es interesante e inspiradora, nace esta aventura/drama que podría haber sido en mi opinión, más entretenida de lo que resultó finalmente.
War Horse es el 2do trabajo que Steven Spielberg dirigió en 2011, 1ro se estrenó "Las Aventuras de Tintín" (gran película) y ahora este trabajo tan esperado por muchos, que debo decir, cumple con creces el objetivo de contar una historia inspiradora, de fortaleza y vínculos sanadores, pero que carece de ese factor que hipnotiza y fusiona al espectador con lo que sucede en pantalla. Es extraño, porque disfruté la película, pero me quedó esa sensación amarga de no haberme podido conectar con sus personajes, especialmente con el caballo que es la estrella del film.
Tiene el sello de Spielberg sin dudas, pero quizás un sello que se desgastó un poco en el camino. Cuando me refiero al "sello" del director, estoy haciendo alusión a su visión experta acerca de las relaciones interpersonales, su increíble mano para contar historias emotivas, su genialidad técnica y su talento para entretener al espectador entre otras virtudes. Esta vez creo que se le complicó con el manejo del entretenimiento, el espectáculo, haciendo foco en los demás aspectos y dejando de lado esta parte importante de su sello. No sentí que estuviera ante una fantástica cinta de Spielberg, cuestión que sí me sucedió con Tintín.
En fin, es un film emotivo con momentos cinematográficos fabulosos, mucho amor humano-equino e historias entrelazadas por la presencia de un animal amigo y fiel como lo es el caballo. La disfruté, pero no es lo mejor de Spielberg ni cerca.

La Magia del Cine

Hugo es la nueva obra maestra del afamado director Martin Scorsese, responsable de films como "Taxi Driver", "Casino", "Pandillas de Nueva York" y "Los Infiltrados". En esta ocasión deja bien en claro la versatilidad y la increíble calidad que puede mantener más allá del género que decida filmar, ya sea una historia violentísima, una biografía o una de aventuras.
Todo en esta cinta es magnífico y pulido, desde la trama que resulta apta para todos los públicos sin insultar la inteligencia de nadie, los aspectos técnicos de efectos, sonido, vestuario y fotografía, las actuaciones impecables de todo el cast y ese "ángel" que nos convence de estar frente a un clásico del cine.
Si me preguntan a mí, creo que el Oscar 2012 debería debatirse entre esta película y "Los Descendientes" de Alexander Payne, haciendo a un lado a la favorita "El Artista" que siendo muy buena película, creo es inferior a los dos títulos citados.
Hugo cuenta la historia de un niño que queda sólo en este mundo, 1ro al morir su madre y luego la trágica muerte de su padre en un incendio. Hugo era extremadamente unido a su papá (Jude Law) y juntos estaban reconstruyendo un robot autómata que podía escribir por sus propios medios. Al fallecer su padre, el niño decide continuar con la tarea, robando si es necesario, para conseguir todas las piezas y dar vida a este amigo mecánico con el objetivo de no sentirse tan solo y triste. En el camino conocerá a un puestero de la estación de tren en la que vive y a su nieta, interpretados por Ben Kingsley y la ascendente Chloë Moretz respectivamente. A partir de ahí, comenzará una aventura que lo llevará a descubrir ciertos secretos que tratará de sacar a la luz con el fin de sanar las heridas de personajes olvidados y rescatar una partecita importante de la historia.
Un film brillante, que divierte y enternece, que demuestra que la magia está en las cosas cotidianas de la vida si uno se decide a descubrirlas. Un trabajo que viene a decirnos que el cine es magnífico, que cumple un rol fundamental en la vida de las personas y que es el instrumento para dar vida a nuestros sueños. Un gran homenaje al séptimo arte que se merece sin dudas, mi recomendación.

Espectro que cumple pero no maravilla

The Woman in Black es la 1ra película de terror que llega a nuestras pantallas este 2012 y debo decir que es una historia respetable, que atrae y que por momentos produce un poco de miedo y tensión en el espectador, algo que es mucho decir para los últimos exponentes del género. El problema es que estamos ante un producto "bueno" y no "excelente", ya que la trama del fantasma que viene a atormentarnos con su arsenal de malicias, apariciones misteriosas y ansias asesinas está muy agotado. Habiendo tantas mentes creativas y talentosas en el mundo del cine, ¿A nadie se le ocurre una trama donde el factor de miedo sea algo o alguien no convencional del género?, digo... algo que no sea un fantasma con ganas de vengarse, una joven poseída, monstruos del infierno o asesinos con doble personalidad. Recuerdo un gran peli de terror en la que el hijo con discapacidades mentales debe hacerse cargo de su madre enferma por unos días mientras el padre está de viaje... para demostrarse a sí mismo que puede controlar su problema, deja de tomar la medicación y poco a poco va perdiendo la noción del tiempo, de espacio, el control mental, se olvida de su madre enferma y suceden las cosas más terroríficas que se puedan ver en pantalla. A eso me refiero... ¡quiero algo nuevo, innovador y que me sorprenda!
Como la falta de originalidad es generalizada, no puede ensañarme con "La Dama de Negro", que dentro de todo ofrece el mismo terror de siempre pero bien ejecutado.
La historia trata sobre un joven abogado viudo con un hijo que es enviado a un pueblo tenebroso para vender una propiedad. El problema es que en esa casa deberá convivir con un espectro terrorífico que lo asechará hasta el final.
La ambientación, el clima de la escenas, lo colores, la escenografía y las actuaciones son buenas, cumpliendo con lo que el espectador mínimamente quiere ver en un film como este. Me cuesta todavía despegar a Daniel Radcliffe de Harry Potter... por momentos pensaba... "WTF! Harry Potter con un hijo!! Esto no es creíble".
"La Dama de Negro" es terror clásico y poco original puesto en pantalla con buenos recursos técnicos que realzan su valor y que logra entretener sin ser fantástica.

Muerte en Hawai

Los Descendientes es lo nuevo del talentoso director y escritor Alexander Payne ("Las Locuras del Sr. Schmidt", "Entre Copas"), un drama familiar que pisa fuerte para los próximos Oscars.
Debo confesar que me encantan las historias que crea Payne, esa combinación de drama y humor ácido que pasea al espectador por escenas de lo más convencionales y al instante lo sumerge en una dimensión desconocida de bizarreadas que resultan tremendamente atractivas. El hecho de que un film dramático tenga lugar en Hawai es genial.
El ojo cinematográfico que posee el director y escritor está muy bien entrenado, sabe que resaltar para crear una gran historia a partir de una premisa simple.
Los Descendientes profundiza sobre los dramas familiares, algo efectivo pero ya visto miles de veces en el cine, por lo que la clave pasa en el cómo retratar la interacción familiar. En este caso, un padre distante debe hacerse cargo de sus dos conflictivas hijas luego de que su esposa sufrieran un grave accidente que la dejó en coma irreversible. En la búsqueda de recomponer la relación, Clooney se enterará de que su entorno le ocultaba ciertas cuestiones que lo harán replantear su vida y sus decisiones. La película trata en unos de sus puntos fuertes sobre esta cuestión, las decisiones, como ciertos eventos pueden cambiar el punto de vista de una persona al punto tal de producir un cambio real en su forma de encarar la vida. Por otro lado, expone las interacciones familiares magníficamente, con la seriedad que merece, pero a su vez le imprime un poco de bizarreada a lo "Padre de Familia" (salvando las diferencias, claro está). Gran actuación de Clooney.
Es profunda, dramática, inteligente, con humor ácido del bueno y momentos que hacen reflexionar y emocionar sin golpes bajos. Una muy buena opción para disfrutar cine del bueno.

Una Familiar Bien Construida

Journey 2 o La Isla Misteriosa es la nueva y superior entrega acerca de las aventuras de Julio Verne llevadas a cabo por los actores adolescentes top del momento, Josh Hutcherson y Vanessa Hudgens.
La historia viene dirigida por el novato de la gran pantalla, Brad Peyton, el mismo que dirigiera en 2010 la secuela de "Como Perros y Gatos" que fue repudiada fuertemente por toda la crítica. Esta vez parece haber encontrado el camino y se luce con una película de aventuras familiar como Dios manda.
Viaje 2 es simple, Sean es un adolescente rebelde que está a la búsqueda de su aventurero abuelo que desapareció hace muchísimos años para encontrar una isla que nadie cree que exista. Debe lidiar con su nuevo padrastro y una mudanza que sólo logró incrementar su furia y rebeldía. Para ablandar las tensiones, el padrastro interpretado por Dwayne Johnson decide darle con el gusto y viajar a una isla cerca de Palau con él. Lo que no se imaginaba es que realmente encontraría una mundo de fantasía con elefantes diminutos y abejas gigantes donde el abuelo Alexander (Michael Caine) es el único ser humano sobreviviente. A partir de allí se verán envueltos en una cantidad considerable de aventuras que darán al espectador una buena dosis de acción y humor.
Un gran acierto fue incluir momentos de buen humor entre las escenas de acción y peligro, combinando tensión y relajación para el disfrute familiar. Dwayne Johnson demuestra una vez más que posee versatilidad y es buen humorista.
Creo que el producto es entretenido tanto para los más chicos como para los adultos, con muy buenos efectos y algunos chistes para que no se aburran los mayores.
Es una cinta sin grandes pretensiones que logra ampliamente con su cometido. Uno de los pocos films familiares que logra ser fuerte en todos sus aspectos.
Grata sorpresa para largar la temporada familiar 2012.

Golpes bajos y revoque fino

a Dama de Hierro cuenta la historia de un personaje importantísimo del siglo XX, de la mismísima Margaret Thatcher, una mujer bastante respetada por la sociedad conservadora inglesa, a su vez, representa una figura repudiada por muchos y con bastante razón.
El problema de este tipo de film es que es muy difícil retratar de manera objetiva y cruda la verdadera esencia del personaje histórico, cuestión que sí logra el viejo Clint Eastwood en su biopic sobre la figura de J. Edgar Hoover (muy recomendable), donde no se lo intenta mostrar como un santo o un pobre viejito tierno, sino como un ser humano, con toda su maldad, sus aciertos y sus errores, su HUMANIDAD que puede servir para entender su comportamiento y sus decisiones, pero no nos engañemos gente... ni Edgar Hoover, ni Margaret Thatcher, ni la reina de Inglaterra fueron o son personas queribles, tiernas y mucho menos santos. Es como si en 40 años hacemos un biopic sobre la figura de George W. Bush y nos enternecemos todos con los problemas familiares, su adicción a los drogas y la manera en que debió luchar contra el terrorismo... ¡no seamos ingenuos! Más allá del resentimiento histórico que tienen muchos argentinos por la guerra de Malvinas, la Thatcher no debería ser recordada como prócer de nada.
A Meryl Streep deberían darle el Oscar por cargarse la película al hombro, que en algunos pocos momentos resulta interesante, mostrando los rasgos de carácter verdaderos de una mujer ambiciosa y con una personalidad de hierro como bien dice su título. Lo demás es un intento poco profesional para "enternecer" al público que espero, no deje insultar su inteligencia. Retratar a Thatcher como una viejita senil no va con lo que supuestamente vende la cinta, de hecho arroja por la borda lo más interesante de este trabajo biográfico que en términos técnicos no estaba tan mal.
Repito, Meryl Streep demuestra una vez más porque es una de las mejores actrices de todos los tiempos, sin duda, pero la trama y la forma de exponer a la figura en cuestión dejó mucho que desear, incluyendo algunos golpes bajísimos para atontar al espectador, sobre todo hacia el final de la película. No la recomiendo salvo por Meryl.

Piquete Extremo

Man on a Ledge es un buen film, de esos que entretienen, que no son descerebrados, con buena acción y actuaciones decentes, pero le faltó ese factor "picante" que hace que una película sea realmente buena. De esta manera, el director Asger Leth, debutante en la gran pantalla, nos pasea por 100 minutos de suspenso y acción que tendrán un efecto positivo de corto plazo en la memoria, ya que a las 48 horas recordaremos poco de los detalles cinematográficos relevantes y sólo quedará el esqueleto de la historia central.
¡Ojo!, me gustó la cinta, pero me quedé con ganas de más trascendencia, con ganas de vivirla más, me quedó un poco desabrida.
Comienza con muy buen ritmo, Sam Worthington entra a un hotel, pide una habitación, come y se sube a la cornisa de un edificio en Nueva York desde donde amenaza con suicidarse. Obviamente se produce un gran despliegue de policías, bomberos, prensa, público curioso y por supuesto, un mediador, en este caso una mediadora interpretada con mucha decencia por la cada vez más solicitada, Elizabeth Banks. A partir de que toma contacto con el personaje de Worthington, se comienza a desmarañar un historia oculta que complica la reputación de gente importante de Nueva York.
La premisa es buena, juega con la inmediatez del tiempo presente, todo se da en tiempo real (supuestamente) y tiene algunos toques a lo "Misión Imposible" que son encarados con profesionalismo, sin aparentar demasiado pero entreteniendo al espectador.
Un buena peli de suspenso y acción que lamentablemente no formará parte de lo más destacado del año, ni siquiera del mes, aunque podría haberlo logrado si se lo hubiera propuesto seriamente.

Hasta los más siniestros son humanos

J Edgar es el último film del reconocido director Clint Eastwood que vuelve al cine con un personaje muy controversial, al que muchos odiaron con toda su vida, un tipo cuya crueldad sólo se equiparaba con su genialidad, un villano de la vida real al que podemos ver en su faceta más humana gracias al profesionalismo del viejo Clint.
La película fue (según mi punto de vista) ignorada de manera injusta para la próxima entrega de premios Oscar que incluye en su lista de nominados trabajos como "El Árbol de la Vida", obra de Terrence Malick que sin ser para nada mala, no encaja en una competencia de cine comercial como esta. También se encuentra nominada "El Juego de la Fortuna", una cinta de buena calidad, pero que es a mi entender, inferior a J. Edgar... en fin... son esas injusticias típicas de los Oscars.
La producción es un pantallaso de la vida pública y privada de J. Edgar Hoover, director por más de 48 años del FBI, personaje infame y temido por el acceso que tenía a información confidencial de presidentes, artistas, políticos y demás tanto de Estados Unidos como del mundo entero.
El viejo Clint hace un juego inteligente en el que va exponiendo de manera cruzada situaciones de la vida pública de Hoover junto a situaciones de la vida privada que contrastan y develan al imperfectísimo hombre detrás de la figura pública. Racista, conservador, gay, ambicioso, compañero, hijo devoto, genio, loco... se pueden dilucidar todas estas características en el film, lo que equilibra su detestable imagen con un manto de humanidad que le arroja Eastwood. Es fabuloso ver todas las facetas de Hoover tratadas con profesionalismo infinito y objetividad.
Todos los actores están super prolijos, pero lo de Leonardo DiCaprio es bestial. A la academia debería darle vergüenza haber cometido el error de ignorarlo.
Lo mejor tiene que ver con la historia sentimental con su compañero Clyde Tolson (Armie Hammer), como naturalmente se va creando el vínculo amoroso y como esto le generaba internamente fuertes trastornos por la educación ultra conservadora que había recibido de su madre interpretada increíblemente por Judi Dench.
Una película para disfrutar de la pericia del viejo Clint y darse cuenta que hasta los más villanos son seres humanos.

Entretenimiento Visual

Inmortales es la nueva producción al estilo "300" a la que le han dado con un caño por todos lados... la verdad que a mí no me pareció mala, tampoco es una obra maestra épica, pero creo que se merecía un poco más de crédito.
La película está dirigida por el nuevo chico "It" de las cámaras Tarsem Singh, responsable de "La Celda" en el año 2000, la única película buena que hizo Jennifer López en su carrera en el cine. También dirigió "El Sueño de Alexandría" en 2006 y este año estrenará "Blacanieves" en versión comedia con Julia Roberts y Lily Collins. Su dotes van por el lado de lo visual sin dudas, ya que con una imaginación envidiable crea escenarios, personajes y vestuarios increíbles, pocas veces vistos en la gran pantalla y con un sello original que lo distingue entre la camada de nuevos directores. El problema que debe solucionar es el como ensamblar toda esa creatividad en una buena historia, limada y cuidada en los detalles de narración, cuestión en la que evidentemente falla en Inmortales. No creo que la trama haya sido desastrosa, de hecho creo que es un producto superior a lo que fue la fallida "Furia de Titanes", pero está claro que no cubrió las expectativas de ser la sucesora de "300" y despertó la ira de más de un crítico de cine que la quiso hundir hasta el Hades.
En la historia Theseus (Henry Cavill) debe aceptar su destino como líder de los ejércitos helénicos para frenar la cruenta conquista que viene llevando a cabo el rey Hyperion (Mickey Rourke) como venganza hacia los dioses del Olimpo. Entre medio hay una Oráculo (que está más buena que comer pollo con la mano) que puede ver el futuro y que intenta complicar la trama mostrando una visión en la que Theseus en vez de enfrentar a Hyperion, se muestra abrazado con él aceptando unirse a sus fuerzas.
Con una trama precaria logra entretener de todas maneras al espectador, desplegando algunas batallas de muy buena acción, una explosión de colores y escenarios fantásticos que deleitan la vista. La labor de los actores es merecedora de una mención por haber remado la película con mucho pulmón y salir airosos de la situación, sin entregar un clásico del cine épico, pero que cumple con la premisa de entretenimiento vertiginoso pochoclero de verano.

Pocas Nueces

Supuestamente "Robo en la Alturas" iba a ser la gran comedia del verano con su estreno que ya lleva más de 1 mes y medio en cartelera (inexplicablemente para mí). No me pareció muy divertida en absoluto, de hecho me fastidió bastante el fallido intento de hacer una Misión Imposible con comediantes. A Ben Stiller y Eddie Murphy los voy a ver al cine para que me hagan reír, me diviertan con su talento vocal y físico, no para que intenten imitar a Tom Cruise con algunos chistes de por medio. Algunas escenas lograban entretener un poco, pero la dicha culminaba a la velocidad del rayo para sumergirme otra vez en una parodia de acción que me sacó varios bostezos.
El film comienza bien, con ritmo, introduciendo una comedia que parece va a ser algo distinto, ¡y lo fue!, el tema es que fue "distinto malo" y no "distinto bueno" como había imaginado en mi cabeza. La trama no fue el problema, sino que le pifiaron en la definición del género y la composición de la historia, es decir, por momentos no sabía cuando era una película de acción y cuando era comedia, si estaba tratando de sorprenderme con lo vertiginoso de la escena o si en realidad quería hacerme reír con lo que estaba viendo. Eddie Murphy tiene apariciones sin sentido durante todo el film, que no me resultaron gratas en ningún momento y no me daban ni un poquito de gracia. Lo de Casey Affleck también fue bastante pobre y desordenado. No había casi nada de química entre los protagonistas y daba la sensación de haber varios actores que sólo figuran para justificar la entrada al cine, aunque para mí claramente no lograron que me quede con esa percepción.
Un film pretencioso que terminó siendo insípido y poco entretenido, que no logró capturar mi empatía y que tiene uno de los peores desenlaces que he visto últimamente. No recomendable.

Combinación Perfecta de Cine y Literatura

¡Esto es entretenimiento del bueno! The Girl with the Dragon Tattoo es la adaptación que hizo el increíble director David Fincher del 1er libro de la trilogía Millenium de Stieg Larsson. La verdad que cuando se anunció que Fincher sería el encargado de hacer la remake norteamericana (hay una muy buena versión del cine danés) del 1er libro me quedé tranquilo y no esperaba menos de lo que ofreció en lo que promete ser una de las trilogías más famosas del cine.
Recordemos que el director ha sido responsable de algunas joyas de la gran pantalla como "Red Social", "Pecados Capitales", "The Game" y "El Club de la Pelea", asique imagínense de quien estamos hablando. Para empezar tiene la carga justa de suspenso, drama y humor, combinación explosivamente efectiva si se sabe mezclar como lo hizo el maestro Fincher en este film.
La puesta es espectacular tanto desde lo visual como en sus aspectos técnicos de edición, musicalización (nuevamente a cargo de los talentosos Trent Reznor y Atticus Ross), sonido y por supuesto en las interpretaciones.
Los personajes son increíbles, sobre todo Lisbeth, que si bien la creación es mérito del escritor, Rooney Mara la interpreta maravillosamente. Lo de Christopher Plummer como Henrik Vanger es absolutamente espléndido. Los demás como Daniel Craig, Stellan Skarsgard, Robin Wright y Joely Richardson también hacen un trabajo profesional que suma mucho a la grandeza de esta película.
La química entre Craig y Mara funciona muy bien, dándole dinamismo y naturalidad a las escenas que debieron compartir. Si se fijan bien, la interacción entre los personajes de ambos no se da hasta pasada la 1ra hora de película. Si hay algo importante en el cine es la química entre los protagonistas, ya que sin ella todo parece falso, acartonado y eso no atrae a nadie.
Los momentos de tensión son extremadamente efectivos, desesperan y transportan al espectador a la situación horrible que se está viviendo. Literalmente dan ganas de taparse los ojos con las manos, en el buen sentido!
Un trabajo excelentemente realizado, sofisticado, sexy, con mucho suspenso, drama e inteligencia. Gracias Larsson por esta buena novela y gracias Fincher por llevarla al cine con tanta perspicacia y pericia.

El Fin Justifica los Medios

The Ides of March o Secretos de Estado es la última producción del ya consagrado, tanto por su labor como actor como por su trabajo como director, George Clooney, que una vez más nos regala un film interesante, no tanto por su temática, sino por la manera de encarar la historia, con dramatismo, oscuridad y suspenso, cuidando como él sabe de los aspectos técnicos y la cinematografía.
El talento ya se dilucidaba en su 1ra película detrás de las cámaras "Confesiones de una Mente Peligrosa" que nos entregó a un Sam Rockwell formidable. También es digna de resaltar la película "Buenas Noches y Buena Suerte" que obtuvo 6 nominaciones para los premios Oscar. Se puede decir que Clooney está consolidando de muy buena manera su lugar entre los actores/directores que consiguen el éxito, muy al estilo Clint Eastwood.
Como resalté anteriormente Secretos de Estado no es de esos films que son atractivos por su temática, de hecho la corrupción en la política estadounidense ya se ha filmado millones de veces, en producciones malas y buenas por igual. Lo interesante de esta cinta es el prolijo trabajo que se realiza con los actores y el clima de las escenas, empezando por un reparto soñado que incluye nombres de peso como el ascendente Ryan Gosling ("Diario de una Pasión", "Drive") y los galardonados Philip Seymour Hoffman ("Capote", "Antes que el Diablo sepa que Estás Muerto"), Marisa Tomei ("El Luchador"), Evan Rachel Wood ("El Luchador", "A los 13"), Paul Giamatti ("Entre Copas") y el mismo George Clooney ("La Gran Estafa", "Michael Clayton") ensamblando un cast de profesionalidad irrefutable.
Las vueltas crudas y adultas que se le aplican a la trama agregan gran parte del entretenimiento, que sin ser lo mejor de Clooney como director, ni lo mejor que van a poder disfrutar en este período de películas que compiten para el Oscar, es una buena opción a la hora de elegir una película seria, adulta y atractiva para pasar el tiempo. Tiene buen suspenso, los personajes son elaborados con la crueldad de la vida real, en la que muchas personas ligadas a la política tienen más de una cara y donde el fin muchas veces justifica los medios. Definitivamente es una buena opción aunque no esté en el top 10 de recomendadas de la temporada.

La Guerra Más Aburrida del Mundo

Este año las malas películas comienzan a aparecer temprano inaugurando la categoría "Lo Peor del 2012" con The Darkest Hour, una producción que aborda la ¿inagotable? trama de alienigenas que atacan el planeta Tierra para quedarse con nuestros recursos y exterminarnos de la manera más cruenta posible.
Para comenzar, debo decir que es muy poco original la forma en que decidieron que los marcianos exterminan a los seres humanos... ¿desintegrarlos en partículas? ... es un herramienta que usó con mucha más clase y drama el gran Steven Spielberg en "Guerra de los Mundos", y no es su mejor producción ni cerca.
Que los atacantes del espacio sean invisibles y estén envueltos en una especie de camuflaje amarillo luminoso es bastante pedorro también.
Creo que la premisa original quizás funcionaba mejor en la cabeza de sus creadores, pero a la hora de darle forma y ponerla en pantalla no supieron como generar las sensaciones de terror, suspenso y drama que debe tener un buen producto de la ciencia ficción. Los efectos son buenísimos y el hecho de que suceda en Moscú es muy pintoresco, pero eso no alcanza en absoluto para lograr buen entretenimiento.
¿Qué hace Emile Hirsch en este proyecto de 2da categoría? Es una cuestión que no se si algún día entenderé... capaz quería pasarse desesperadamente al cine de acción para competir con Shia LaBauf o se cansó de los films serios....
Para resumir es otra historia pésima de invasión alienigena, que recién se pone más o menos emocionante en los últimos 15 minutos del metraje. Pasando de los efectos visuales y algunas muertes en orden sorpresivo, no hay nada para rescatar. ¿Los extraterrestres son una raza super avanzada que nos vienen a exterminar pero no son lo suficientemente vivos como para fijarse detrás de un auto o una mesa si hay algún cristiano escondido? Parece una tomada de pelo.
El discurso de victoria de uno de los soldados rusos con los que se topan los protagonistas es de los peores de la historia del cine al igual que el decepcionante y horroroso final que tiene esta cinta. Definitivamente no la recomiendo.

Alegría Henson

Los Muppets de Jim Henson vuelven con toda la fuerza de la mano del director James Bobin, un tipo que tiene basta experiencia en la conducción de proyectos televisivos, lo que seguramente facilitó su entendimiento sobre el universo de estos queridos títeres americanos.
La producción contó con algunas ventajas claras como por ejemplo, el amor incondicional que tienen los fans de los Muppets, entre ellos el actor, escritor y productor Jason Segel ("Bad Teacher", "Mi Villano Favorito"), que más allá de sus dotes actorales (que pueden ser del gusto o no del público) se nota que puso pasión y mucho esfuerzo en el proyecto. La participación de Amy Adams ("Encantada", "La Duda") y Chris Copper ("Belleza Americana", "El Ladrón de Orquídeas") es un lujo que no se puede pasar por alto debido al talento de ambos artistas, que son tan versátiles que pueden cantar, ser villanos, hacer llorar o hacer reír con la misma efectividad y profesionalismo de siempre.
Otra ventaja es la historia que arrastran estos títeres, que ya se han convertido en una insignia americana que es un clásico, que demuestra de manera muy clara el humor norteamericano en su mejor expresión. Dicho esto, la historia es divertida, con mensaje de buena vibra y con el infalible arte de satirizar las producciones de moda en Hollywood (Crepúsculo, Paul, El Diablo Viste a la Moda), pero definitivamente no es una obra maestra como he leído por ahí. El éxito se ha dado sobre todo por el aguante de su público, los actores que le dieron el sí y por un trabajo prolijo de dirección que representa un buen punto de partida para una posible franquicia.
La película tiene mucho de musical, cuestión que a más de uno le quitará las ganas de ir a verla. ¡Ojo!, no es que el musical sea malo, sino que hay cuestiones de gustos que están bastante polarizadas como es el caso de este género, al que se puede amar u odiar con la misma intensidad, pero casi nunca en un punto medio.
Es una cinta recomendable si eras fan del programa televisivo o si te gusta la comedia física, si no estás dentro de estas 2 categorías puede que te pegues un embole.

Magníficas Mujeres

The Help o Historias Cruzadas como lo indica su título latino es una gran, gran sorpresa de esas que alegran el corazón cinéfilo del habitué de la gran pantalla.
La historia es simple y no es nueva, pero la manera en que está contada en este film es impecable y emotiva. Tiene ese "Ángel" de los grandes clásicos, donde todo encaja a la perfección más allá de sus imperfecciones, donde las interpretaciones del reparto son tan efectivas como emotivas, donde nacen las grandes estrellas de Hollywood.
¿De qué se trata la historia?, es sobre la situación de la gente de color en los años '60, en los que todavía eran marginados brutalmente por la alta sociedad del sur de los Estados Unidos. El relato se centra en el servicio doméstico y su relación diaria con el racismo ejercido por sus empleadoras, que por miedo, tradición e ignorancia las trataban como si fueran marionetas de su propiedad. Como apreciarán es un tema que se ha tratado muchas veces en el cine con distintos matices, algunos más cómicos, otros más dramáticos, pero lo que hace tan interesante a The Help es la combinación exacta de humor y drama, paseando al público por estadíos de alegría, y en el instante siguiente, le provoca un nudo en el pecho que asemeja una trompada de un boxeador peso pesado. También se mete con la violencia de género y el machismo predominante de la sociedad de ese tiempo sumándole un poco de picante a la peli.
Otra cuestión contundente para el éxito de esta cinta son las interpretaciones de todas las actrices que conformaron el cast, desde una Jessica Chastain ("El Árbol de la Vida") que encarna con gran ternura a una ingenua sureña un poco vulgar pero de buen corazón y una Emma Stone ("Loco y Estúpido Amor") carismática y muy precisa cuya estrella está brillando cada vez más, hasta unas Viola Davis ("La Duda") y Octavia Spencer ("Siete Almas") que dan vida a dos grandes mujeres llamadas Aibileen Clark y Minny Jackson respectivamente. Bryce Dallas Howard ("La Aldea") también está fabulosa como la malvada Hilly Holbrook al igual que Sissy Spacek ("Carrie") como su divertida madre, completando un equipo soñado.
Para cerrar, creo que es una excelente opción de verano, con una historia emotiva pero no sentimentalista, que divierte y hace reflexionar, que más allá de sus imperfecciones cinematográficas enamora al espectador. Una película para disfrutar de mujeres super talentosas recreando con gracia un poco de historia social.

Ritchie Rock & Roll

Sherlock Holmes 2 marca la vuelta del investigador más famoso de la literatura consolidando la franquicia del famoso director, ex de Madonna, Guy Ritchie.
La película es un claro ejemplo de una buena mezcla de aspectos técnicos, trama y el irrefutable carisma de Robert Downey Jr que tira para arriba cualquier producto que se centre en un antiheroe picarón y con toda la onda.
El mecanismo de la historia no ha cambiado mucho, poniendo en pantalla al dúo dinámico conformado por Holmes y Watson (Downey Jr. y Law) que deben luchar contra las fuerzas del mal, esta vez encarnadas por el Dr. Moriarty (Jared Harris). La película tiene esa dinámica bizarra y compulsiva de Ritchie, que tiene un sello claro y lo identifica en todas sus producciones. Hay mucho Rock & Roll cinematográfico, situaciones cómicas y de buena acción, justamente lo que estaban esperando los fans de esta nueva franquicia. Los más conservadores ya se habrán enojado bastante con la 1ra entrega, asique mejor no entrar en ese juego. Si te gusta la visión que Ritchie tiene del cine vas a disfrutar muchísimo esta peli. Tiene acidez, ritmo convulsivo, esa mezcla de cuadros cinéfilos que tanto le gustan el director (cámaras lentas, cámaras rápidas), mucho carisma y acción de la buena.
Creo que el mayor acierto fue convocar a Downey Jr como protagonista y a un segundo de gran calidad como es Jude Law. La dupla podría ir rumbo a convertirse en un clásico de la gran pantalla, de esos que son recordados muchos años después de la desaparición del producto franquiciado. Los actores de reparto como Jared Harris, Rachel McAdams y sobre todo Stephen Fry están magníficos completando una historia que es mucho más sólida y entretenida que su predecesora.
Muy recomendable para estas vacaciones de verano que se viene bien cargado de grandes producciones. Si querés escapar a la orda de films dramáticos candidatos al Oscar, "Sherlock Holmes: Juego de Sombras" tiene muy buen ritmo y de seguro te mantendrá interesado durante todo su metraje.

Un Nuevo/Viejo Héroe

Las Aventuras de Tintin es de esos proyectos que uno piensa: "Ojalá, por favor, que se lo den a un capo del cine, porque sino puede ser realmente desastroso...". Afortunadamente se hizo cargo nada más y nada menos que el gran Steven Spielberg, director que maravilló y acompañó a gente de mi generación (nací en el '84) durante todo su crecimiento con películas como "E.T.", "Indiana Jones y la última cruzada", "Jurassic Park", "La lista de Schindler" y muchos más títulos que enmarcan una de las carreras más exitosas en la historia del cine. Como si esto fuera poco, también participó en la producción Peter Jackson, otro gran talentoso que nos dejó esa trilogía que pasará a la historia grande del cine, "El Señor de los Anillos".
Dicho esto, era de esperarse que la 1ra entrega (habrá varias más, espero) fuera de gran calidad tanto en lo visual, como en la trama, pero a decir verdad, quedé muy sorprendido porque terminó excediendo totalmente mis expectativas. La historia es interesantísima, te atrapa desde el principio y te mantiene en vilo durante los 100 minutos de duración. Por momentos me olvidaba que estaba ante un producto animado, más allá de lo caricaturesco de todos los personajes que formaban parte.
Lo mejor de todo es que fue muy respetuoso con el espíritu de Tintin, tanto en el humor característico de los dibujitos que veía de chico, como con toda la aventura que significaba resolver los misterios que se le iban planteando. Creo que Tintin es una película que será disfrutada por los chicos en general, pero sobre todo, va dirigida a nosotros que crecimos con sus libros y sus dibujos animados, al niño interno que llevamos dentro y que dejamos salir cuando se presentan oportunidades como esta. Los niños de ahora disfrutarán más la cuestión del 3D, la animación y sus colores, pero los que seguimos a Tintin desde chicos, viviremos estas cuestiones como un plus a la intriga, el suspenso y la acción que conforman el alma de las historietas de este periodista juvenil animado.
Aplausos para Spielberg, Jackson y Nickelodeon Movies, que tendrá compitiendo en los Oscars 2012 a 2 productos de su factoría, "La Aventuras de Tintin" y a "Rango", ésta última con serias posibilidades de ganar la categoría "Mejor Animación".

El Amor Cura

50/50 es una comedia que pasó fugazmente por la cartelera argentina y aún más rápido por la cordobesa. Es ese tipo de film muy poco promocionado que en realidad vale muchísimo la pena ver, por su temática, la forma de encarar la comedia y las actuaciones que son realmente divertidas y creíbles.
El director Jonathan Levine (junto al escritor Will Reiser) cuenta la historia de Adam, un joven de 27 años que es diagnosticado con un extraño tipo de cáncer en etapa bastante avanzada y sobre como hará para lidiar junto a su familia, su novia y su mejor amigo con esta terrible situación, pasando por momentos super graciosos y por momentos muy dramáticos también.
La grandeza de la película radica en mezclar algo tan feo como el cáncer con el género de la comedia y producir un entretenimiento que no sólo te hará pasar un muy buen rato, sino que además te hará reflexionar sobre este tipo de situación, que debo decir en un comentario no tan grato, que nos ha pasado a muchos o nos puede llegar a pasar.
Otra cuestión muy buena pasa por los actores, sobre todo Joseph Gordon-Levitt (Adam) y Anna Kendrick (Katherine la terapeuta) que están increíbles. Seth Rogen cumple muy bien con su parte del amigo bruto pero de buen corazón y Anjélica Huston como la madre de Adam cumple con el mismo profesionalismo de siempre.
50/50 es una historia de la vida real, de esas cotidianas que suceden todos los días, pero aquí está contada con buena vibra, con aire de film independiente pero con mucha luz y una idea bien clara sobre lo que se pretende mostrar con una comedia centrada en un enfermo de cáncer. Los diálogos son inteligentes, con mucho picante, además hay miles de cuestiones que se dicen en gestos faciales y corporales, y esta es una cuestión que no todos los directores saben explotar.
Muy recomendable para pasar un buen rato de cine entretenido y bien hecho, que te hará reír muchísimo y te va a emocionar también.

Acción Nuestra de Cada Día

Protocolo Fantasma marca la 4ta entrega de Misión Imposible, esa historia de agentes secretos, complots y acción adrenalínica que nos regaló Brian De Palma en 1996 y que ya se ha convertido en un clásico de la gran pantalla. En esta oportunidad el film viene dirigido por Brad Bird, responsable de grandes animaciones como "Ratatouille" y "Los Increíbles", bajo la tutela de J.J. Abrams y el también productor Tom Cruise.
Para comenzar debo decir que las secuencias de acción son espectaculares, dinámicas, con ritmo y de muy buena calidad. Tiene algunos elementos que sencillamente son hipnóticos como las herramientas tecnológicas que utilizan (la pantalla móvil que asemeja el fondo del pasillo de un espacio cerrado es una cosa de locos). Ahora... como secuela de la gran obra de Abrams en la 3ra entrega, no deberíamos esperar menos pericia en los momentos de acción, es decir, se puede considerar que la calidad es prácticamente un factor característico más que algo para resaltar. Quizás sí la mano creativa de J.J. que se nota en cada escena.
Una cuestión refrescante es que el humor ha mejorado considerablemente, sobre todo el timing que se da en los momentos adecuados. Por lo demás no hay muchos cambios... es la misma ecuación de siempre. Detener a un villano, preferentemente de Europa del Este, que quiere destruir la civilización con bombas nucleares. Tiene algunos disparates y cuestiones ilógicas propias de este tipo de película, mucho más pulidas que en el trabajo de John Woo (2da Misión Imposible) pero inferiores a los de la 3ra entrega. Terminar luchando contra el sistema de estacionamiento no es de lo más lógico y emocionante que podrían haber mostrado. Faltó un poco más de drama y espionaje, cuestiones que en la 1 y 3 eran más elaboradas.
En general Protocolo Fantasma es buena, entretiene y por momentos agita, pero a esta altura espero un poco más de innovación en la saga. Las nuevas incorporaciones están muy bien, sobre todo Simon Pegg como el "geek" de la tecnología.
Un film para disfrutar en un día con mucho antojo de acción y revivir lo que significa Misión Imposible.

Emmerich se pone serio

Anonymous es la 1ra producción "seria" del director Roland Emmerich que parece haberse hartado de los alienígenas y los cavernícolas de ojos claros para ponerse más dramático y demostrar un poco más de versatilidad cinematográfica. Recordemos que Emmerich es el responsable de la incansable "Día de la Independencia" (en la TV por aire es como si estuvieran obligados a transmitirla al menos una vez por mes) y algunas películas poco felices como "10.000 A.C.", "Godzilla", "El Día Después de Mañana" y "2012". No todo fue malo en la carrera del director alemán, también dio vida a buenas producciones como "El Patriota" y "Stargate". En esta ocasión nos trae un tipo de film al que no nos tiene acostumbrados y debo decir que me gusta el camino que está tomando.
Sin ser una obra maestra para la posteridad, Anonymous cumple con el objetivo de plantear de forma convincente un punto de vista distinto acerca de la historia del famoso escritor inglés William Shakespeare. ¿No fue realmente él quien escribió maravillosas obras como "Otelo", "Hamlet", "Sueño de una noche de verano" y la famosísima "Romeo y Julieta"? Eso es lo que viene a plantear Emmerich en su faceta más seria y madura. ¿No respeta a rajatabla las versiones de los detractores históricos de Shakespeare? La verdad que respeta poco y se pone a inventar toda una red de traiciones, engaños y relaciones tormentosas que poco tienen que ver con el rigor histórico, pero así y todo, logra salir airoso con un film entretenido y que tiene algunos muy buenos momentos actorales de Vanessa Redgrave (Reina Elizabeth I), Rhys Ifans (Earl of Oxford) y Edward Hogg (Robert Cecil).
Es una lástima que a nuestro país llegue sólo en formato de DVD, pero con una temporada tan fuerte de grandes estrenos de verano resulta difícil competir por un lugar en salas comerciales.
Recomendable para aquellos que andan con ganas de ver un film de época que plantea una teoría interesante. A mí se me hizo un poco larga y con demasiados enrosques, aunque debo admitir que tiene sus momentos brillantes.

Tres son multitud...

Alvin y las Ardillas 3 es una gran alerta a la franquicia de estos roedores parlantes que quizás se deba tomar un largo descanso para volver al ruedo con algo un poco más innovador y entretenido.
Es lo mismo de las 2 entregas anteriores... las ardillitas son tiernas, algunas son divertidas y se meten en problemas que están diseñados especialmente para demostrar los efectos visuales que son accionados.
Toman elementos del personaje Buck de "La Era del Hielo 3", un poco de "Lost" satirizado y algo de "El Náufrago" para entregar este híbrido que no logra superar a sus 2 predecesoras. Por momentos (muy pocos) entretiene, pero apenas pasan 2 minutos de la escena uno recapacita y se da cuenta que está ante una producción de baja calidad, no en lo visual por supuesto, sino en lo que se refiere a la trama. Este año se han estrenado películas increíbles para los más chicos, con efectos visuales fabulosos, tramas realmente divertidas e interesantes, por lo que ya no basta con poner ardillas tiernas a bailar y decir gansadas... la competencia es mucha y de muy buena calidad como para salir impunes de esta puesta.
Se convocó a varias estrellas de Hollywood que sólo aportan el nombre ya que en el efecto sonoro característico de las ardillitas se pierde la personalidad de cada una. No digo que le cambien las voces a los personajes, pero al menos que se aviven y dejen de gastar tanto dinero en actores y actrices que podrían ser reemplazados sin que nadie se de cuenta. El producto evidentemente funciona, los niños disfrutan ver al trío de ardillas haciendo de las suyas, pero usando el ojo crítico, no hay nada magnífico que pueda aportar este film y entre tanta oferta animada, Alvin 3 queda muy por detrás de su competencia. Sinceramente espero que este fracaso signifique el largo descanso de la franquicia.

La Aventura Sanadora

Un Zoológico en Casa es la última producción del famoso director de cine Cameron Crowe, responsable de películas como "Almost Famous", "Jerry Maguire" y la reciente "Pearl Jam 20" (muy recomendable). En esta ocasión saca su lado más Spielberiano para ofrecernos un drama/comedia familiar que saca nuestro niño interno, recurso que maneja a la perfección el gran Spielberg. Así mismo, el director californiano deja impreso su sello en el ida y vuelta de las diversas situaciones del film, que muchas veces son dramáticas pero abordadas con humor y toques de ternura que alivianan la carga respetando la esencia de la cinta como entretenimiento familiar. Otro sello particular es la musicalización excelente que incluye en sus trabajos.
La historia se centra en Benjamin Mee, personaje que en realidad existe y sobre el cual se basa la película. Luego de que su esposa muriera de cáncer, Mee decide renunciar a su trabajo como editor y dedicarse más a la relación con sus hijos que se encontraba un tanto desgastada. En su búsqueda de una nueva vida, decide invertir y comprar una propiedad que viene con una mochila particular... un zoológico con staff y todo. A partir de esto, el film trata sobre las dificultades de la interacción familiar luego de una pérdida importante, la sanación, las segundas oportunidades y la búsqueda de la felicidad, todas cuestiones totalmente convencionales en el cine, pero que en este caso adquieren una fuerza distinta debido en gran parte, al manejo de su director. Otro pilar importante de We Bought a Zoo pasa por las interpretaciones, en 1er lugar de un cada vez mejor Matt Damon, actor recontra versátil que ha venido trabajando sin parar en los últimos años. Thomas Haden Church aporta su gran talento para la comedia, mientras que la joven Elle Fanning llena la pantalla de frescura. Scarlett Johansson también cumple muy bien, pero no es lo mejor del film.
Es un entretenimiento familiar liviano pero trabajado de manera estupenda. Es entretenida, emociona, hace reír y deja la sensación de haber disfrutado de 2 horas bien invertidas. Si no vamos al cine por eso, ¿para qué vamos?.

Poliamor a la Francesa

Canciones de Amor o Les Chansons D'Amour es una película difícil de encasillar, que trata temas interesantísimos y ofrece la mirada acerca del amor de un director desafiante como es el francés Christophe Honoré.
¡Cuidado!, tiene mucho de musical, ya que los protagonistas interpretan 11 canciones distintas del compositor Alex Beaupain a lo largo de la cinta, por lo que si sos de los que no soportan los musicales... quizás esta película no sea una buena opción. Debo decir que soy casi archienemigo de los musicales... no sé por que... simplemente no me gustan, sin embargo Les Chansons me pareció muy soportable, elegante, entretenida y francesa hasta los huesos.
La historia se centra en un trío amoroso compuesto por Ismael, Julie y Alice, 3 jóvenes que deciden comenzar un "Ménage à Trois" como parte de su experimentación sexual. Todo parece ir bien, naturalmente se comienzan a manifestar celos por parte los miembros del trío, pero nada muy grave para la relación. El problema surge cuando la tragedia se posa sobre uno de los protagonistas, golpeando fuertemente la armonía que se había alcanzado como trío amoroso, debiendo lidiar con sentimientos de amor, dolor, desgaste, pérdida y nuevos despertares sexuales (aquí entra un 4to protagonista que queda para la sorpresa del espectador). Honoré no repara en mostrar con notable cotidianeidad las relaciones poliamorosas, homosexuales y heterosexuales de los jóvenes que dan vida a este film, ofreciendo un ensayo personal acerca de los estándares del amor y las relaciones sentimentales en los tiempos que corren. La temática de la sexualidad está muy presente, pero la trama se centra sobre todo en los amores, como se construyen, como se destruyen y como se superan.
Es por momentos una comedia, luego da lugar al drama, es musical pero no todo el tiempo, tiene mucho de homenaje a otras películas del cine francés (Los Paraguas de Cherburgo), nos muestra París pero con ojos locales y no los típicos lugares turísticos, es gris y habla del amor y la sexualidad, es simplemente una buena producción que no tiene una sola etiqueta sino varias para pasar por una verdadera experiencia cinematográfica. Puede gustar o no, pero uno no puede negar el talento.
Un dato loco... la cinta es del 2007!! pero recién se estrenó este mes en Argentina sólo en las salas de Buenos Aires. Los del interior tendremos que alquilar el DVD.

Tiburones Clase B

Terror en lo Profundo (casi todo sucede a escasos metros de la superficie asique la traducción es absurda) es la nueva película de terror de David R. Ellis, conocido por dirigir "Destino Final 2", "Serpientes en el Avión" o "Destino Final 4" (la peor de la 5 que se estrenaron), por lo que deben imaginarse un poco como viene la cuestión.
Ellis en sus trailers de promoción prometía casi exactamente lo que se terminó viendo... unos universitarios con cuerpos hot se van a la casa de campo de uno de ellos ubicada a las orillas de un lago de agua salada. Se ponen los trajes de baño, se toman unos copetines y salen a hacer surf con la lancha. Todo es risa y diversión hasta que un tiburón ataca al pibe que estaba surfeando y le arranca una parte del cuerpo... lo que sucede es que el lago en realidad, está infestado de tiburones de distintas razas que no se sabe como llegaron ahí... La lancha se rompe, las comunicaciones no funcionan y algún "twist" más, hacen que no pueden salir del lago y tengan que ingeniárselas para combatir a los bicharracos y salir vivos de esta pesadilla.
La trama no es ninguna obra maestra y seamos sinceros... estás yendo al cine a ver a unos actores carilindos de 2da categoría ser atacados y comidos por tiburones... no esperes mucho más que eso mismo. Quizás podría haber utilizado sus recursos con mayor cuidado y seriedad, como por ejemplo algunos errores de historia ridículos que un niño de 8 años tranquilamente puede identificar. Hay decisiones estúpidas por parte de todos los protagonistas, a varios se los comen (o mordisquean) y hay bastante sangre. Los tiburones no se ven tanto como uno quisiera, lo que hace concluir que el presupuesto era bastante acotado y faltó un toque más de dramatismo o por el contrario, sentido del humor para hacer ese tipo de género terror/comedia que le ha funcionado a tantos otros.
Es una de esas pelis para fans del 3D y las B-Movies, donde no importa tanto la trama sino el hecho de que tiene que haber sangre, exageración y actuaciones embarazosas. Para los demás, es una opción para un domingo a la siesta después de una resaca en el cable local.

Vencer las Frustraciones

El Juego de la Fortuna o Moneyball es una película a tener en cuenta, no sólo porque es una de las que suena fuerte para la próxima entrega de los Oscars, sino porque es una muy buena historia que tiene como marco de desarrollo ese deporte tan extraño para nosotros que es el Baseball (sobre todo para los que estamos bien al sur). Entre tantas cosas que no me copan, los films sobre historias de Baseball están a la cabeza, pero esta vez debo admitir que me gustó bastante, sobre todo esa especie de radiografía que hace el director sobre como funciona realmente el mundo profesional de este deporte en particular. En los últimos años se han presentado algunas muy buenas películas que incluyen un pantallaso al mundo del deporte de competición ("El Luchador", "El Cisne Negro", "Millon Dolar Baby"), cuestión que junto a la historia principal se convierte en algo irresistible y revelador. Una buena trama inmersa en un marco deportivo bien elaborado.
En Moneyball hay un desfile de pesos pesados como Brad Pitt, Philip Seymour Hoffman, Robin Wright y el ascendente Jonah Hill, pero a diferencia de algunas cintas bobas de este año llena de actores y actrices famosos desperdiciados, aquí cada uno tiene un rol conciso y muy bien trabajado. Las apariciones de Hoffman o Wright son pocas, pero son algunos minutos muy valiosos que le dan mucha presencia al film.
¡Ojo!, no es una peli sobre Baseball, sino que es parte importante de su trama, la historia en realidad está enfocada en el personaje que interpreta Pitt, Billy Beane, un ex jugador devenido en caza talentos que debe arreglárselas para ensamblar un equipo ganador con uno de los presupuestos más bajos de toda la liga profesional. Se suma al desarrollo también el equilibrio que debe mantener Beane entre sus problemas familiares, sus frustraciones y su trabajo.
No es una película sobre algo raro, innovador, extravagante o fantástico, simplemente es la historia de un hombre con una vida interesante contada con mucha pericia cinematográfica y talento, todo eso gracias al director Bennet Miller ("The Cruise", "Capote"). Es divertida y es dramática en una combinación que mantiene atento y entretenido al espectador. Sin dudas, una buena opción de fin de año.

Toshiba, Times Square y actores desperdiciados

Año Nuevo... ¿qué se puede decir?. Es una película sobre la nada, con algunos toques de esperanza y amor acartonado. Es increíble que se gaste tanto dinero en producciones como esta que más que arrancarle una sonrisa al espectador, le produce enojo por la pérdida de tiempo que significa ver esto.
Garry Marshall fue director de "Mujer Bonita", es verdad, pero también dirigió una serie de productos chatos como "Día de los Enamorados", "Novia Fugitiva", "Diario de una Princesa", "Las Reglas de Georgia" y puedo contar más. Es conocido que Marshall tiene los medios para ensamblar repartos espectaculares que emboban como lo ha hecho con esta película y algunas otras. No se dejen engañar... la sensación de que un film con tanta gente talentosa no pueda ser malo es traicionera.
La cinta muestra distintas historias que suceden ¿¿en dónde??... En Nueva York, obvioooooo. Algunas de esas historias se cruzan con otras, son todas color rosa y tratan sobre el amor. Auspicia el Año Nuevo la marca Toshiba (la guita que habrán puesto) que aparece más en el film que algunos personajes famosos de Hollywood. Otro gran protagonista es Times Square y su famoso conteo de fin de año, ceremonia que hemos visto en pantalla hasta un nivel vomitivo. ¡Ojo! no tengo nada en contra de la pobre ceremonia que debe ser muy divertida, pero la explotación de la misma para vender que Estados Unidos es el paraíso del amor y las oportunidades me tiene realmente cansado. Ni al americano promedio le gusta este tipo de film... basta con ver el puntaje que le dieron los lectores de IMDB (la mayoría son norteamericanos).
¿Hay algunas partes simpáticas? Por supuesto, pero no son mérito ni del director, ni de los productores, sino de la mera presencia individual de algunos grandes talentos como Michelle Pfeiffer, Robert De Niro y Abigail Breslin. Se podría decir que hay algunas individualidades que son atractivas, más allá de eso... la nada misma.
Si querés ver un desfile de gente famosa haciendo papeles mediocres, muchas postales de la ciudad de Nueva York o te interesa ver que estrella de Hollywood se besa con quien al final de la historia, esta es tu peli. Si querés algo más interesante, estás en el horno y de seguro perderás tu tiempo. Mejor alquilate "Love Actually" (Realmente Amor) que presenta también varias historias distintas cercanas a las fiestas y que son muchísimo más inteligentes, divertidas y de buena calidad.

La Leyenda Gatuna

El Gato con Botas es la última producción de los estudios DreamWorks en estrenarse en nuestro país y nos trae la divertida historia de ese personaje entrañable que pegó tan bien al incorporarse a la saga de Shrek en su 2da entrega. Tiene ese aura de la saga del ogro verde en el que el humor utilizado tiene una chispa atractiva para el público adulto, aunque en el resultado final termina siendo un poco más infantil.
La película nos muestra un Gato (voz de Antonio Banderas) forajido, solitario y mujeriego que anda por la vida en busca de problemas. Como es de esperarse, los encuentra. En el camino se vuelve a reunir con Humpty Dumpty (voz de Zach Galifianakis), un viejo amigo de la infancia con el que las cosas no habían terminado muy bien, y su nueva socia Kitty (Salma Hayek), una gata sexy que es tan linda como peligrosa. Juntos intentarán arrebatar a los forajidos Jack y Jill los famosos frijoles mágicos con los cuales podrán acceder a la gansa de los huevos de oro que se encuentra en el castillo del gigante y hacerse ricos.
Como se puede ver, la trama está llena de clichés, por lo que en ese punto no hay mucho para resaltar o loar. Quizás sí está buena la cuestión de mezclar varios cuentos y personajes de fábulas famosas con algunos toques personales del director y el ejército de escritores que usaron para adaptar al gato con botas que originalmente escribió Charles Perrault. Más allá de una evidente carencia en el aspecto innovador del relato, la película es entretenida y demuestra madera para una posible franquicia basada en este gatito tierno con voz de macho áspero.
Por momentos es muy divertida, utilizando un humor perspicaz que produce una buena carcajada sincera en el espectador (me hace bosta el gato de la cantina que agita y hace caras cuando hay alguna frase incómoda). También tiene buenas secuencias de acción western dándole un plus al producto.
Como aspecto negativo debo decir que la percibí muy cargada, con adornos cinematográficos, escenas, personajes y vueltas al pasado del protagonista que creaban sensación de saturación y cansancio por momentos. Se quiso incorporar mucho en una historia que en realidad podría haber sido más sencilla y producir el mismo efecto o mejor incluso.
La animación está impecable, pero este aspecto ya se está volviendo un factor base de la industria de la animación. Casi no recuerdo alguna peli animada de este tipo que haya sido de mala calidad visual.
Una buena opción de vacaciones, aunque si tengo que elegir entre las animaciones que hay en cartelera, me quedo mejor con "Operación Regalo".

Una cuestión de corazón y no de logística

Operación Regalo es una animación acerca de la Navidad, un acontecimiento que estaremos todos de acuerdo, está más que explotado en el cine. Abundan, llenan la pantalla y sobran películas sobre la temática, que se establece más que como una oportunidad de hacer arte, como una palanca para llenar las arcas hollywoodenses. Dicho esto, Arthur Christmas (título original) se destaca entre tanto intento fallido de innovar acerca de la Navidad.
En 1er lugar se nota un buen trabajo de guión, con una historia completa y atractiva, con personajes bien elaborados y concordancia con el escenario que plantea. En el film ser Santa Claus es una tradición que se pasa de generación en generación entre los Claus, un clan familiar bastante disfuncional, que en este trabajo resulta bien adaptado a las interacciones de una familia normal humanizando la puesta y creando un vínculo más cercano con el público. Otro aspecto interesante e innovador es la evolución a través del tiempo de la "operación regalo" (reparto de los regalos por el mundo) que se lleva a cabo cada Navidad, mixando en el nudo de la película los métodos anticuados de repartir los regalos a todos los niños del globo (el viejo trineo tirado por los renos) y los avanzados métodos tecnológicos que utiliza la nueva generación a cargo de la tarea (trineo con forma de nave espacial repleta de duendes que parecen sacados de una película de James Bond). En este contexto, encontramos a Arthur, que vendría a ser el hijo torpe pero de buen corazón del actual Santa Claus y la 2da opción como su sucesor. Como 1ra opción está Steve, el hermano mayor de Arthur y gran cerebro de la fastuosa operación tecnológica, que está más enfocado en cumplir tiempos y procesos que en hacer felices a los niños. Completan la familia el muy divertido abuelo Claus y el Sr. y la Sra. Claus.
La animación es impecable y colorida, marcando una buena transición del estudio Aardman de los muñequitos de plastilina en stop motion de "Pollitos en Fuga" y "Wallace y Gromit" a la animación digital.
Para cerrar, la historia es innovadora y divertida, la animación está muy bien lograda, los personajes son bien divertidos (quizás el menos divertido es justamente Arthur, pero se lo perdonamos) y dura unos gloriosos 97 minutos. Una buena opción para llevar a los chicos en estas épocas y pasarla bien uno mismo, ¿por qué no?.

Malabarista Light

¿Cómo lo hace? o I don't know how she does it (eterno el título) es una nueva comedia romántica de la ya figurita repetida Sarah Jessica Parker... (Sarah, existen otros géneros... ¡Posta!). No es la comedia del año ni cerca, pero tampoco creo que sea tan desastrosa como se la viene criticando por todos los medios. ¿Es una historia poco innovadora? Totalmente, ¿plantea un tema un poco chato y machista? seguramente, ¿es divertida? por momentos sí y tiene unos personajes secundarios que hacen muy bien su trabajo (el personaje de la asistente Momo se roba las escenas donde aparece, todas!).
La película trata sobre una esposa y madre de 2 niños que debe hacer malabares para organizarse entre su vida familiar y su trabajo como ejecutiva de cuentas en una importante empresa norteamericana. En la búsqueda de equilibrio, se topará con algunas tentaciones externas y algún que otro paradigma interno que hará peligrar su desordenada pero feliz vida familiar.
Como verán la historia no es muy compleja que digamos, es poco picante y tiene ese aura maldito de "film familiar y esperanzador cercano a las fiestas que dice: festejemos, festejemos, que la linda que es la vida". En eso estoy de acuerdo con todos sus detractores. Por otro lado, tiene algunos momentos o mejor dicho gestos en los que se nota la buena mano del director Douglas McGrath. Para el ojo y el oído despierto, hay varias escenas en el film donde se dan algunos gestos, muecas, frases que son perspicaces y divertidas. Lo mejor de la cinta son sin dudas sus actores de reparto, la asistente Momo (Olivia Munn) y el esposo (Greg Kinnear). Pierce Brosnan también hace un buen papel como el empresario seductor. No son muchísimos los momentos divertidos, pero si los hay y me reí un par de veces, que es mucho más de lo que puedo decir de otros exponentes del género.
Quizás lo peor de la película son los momentos en que la protagonista le habla a la cámara explicando todo lo que hizo, hace o va a hacer... resulta un poco pesado.
Los desenlaces también carecen de fuerza y pasan bastante rápido sin despertar mucho en el público. No soy fan de este género, pero a mí no me pareció tan calamitosa. Le subo una estrella por Momo!

Capitarwinismo

El Precio del Mañana es una de esas pelis que uno quiere, añora, desea que esté buena y le gane a esa sensación de... "seguro es un moco más". Lamentablemente es otro caso fallido de deseos no cumplidos y expectativas demasiado altas.
La idea es muy buena, innovadora y hasta con un poco de denuncia social, una premisa que podría haber resultado mucho mejor que lo que rindió realmente. Creo que el 1er error viene de haber querido mostrar una versión teen de una historia que podría haber sido tan seria y buena como la de "El Origen" o dinámica y adulta como "8 Minutos antes de Morir". Finalmente se queda muy corta, con escenas que tienen chistes que no suman nada al momento de tensión, diálogos superfluos y descerebrados, situaciones absurdas que en vez de maravillar provocan un "what the fuck?" en la mente del espectador.
No todas las escenas son malas, de hecho tiene algunas secuencias de acción bastante buenas, pero por otro lado, hay otras que claramente fueron concebidas para esa nueva generación teen que ama las situaciones amorosas empalagantes y cursis. Como muchas otras producciones empieza bárbaro, con ritmo, secuencias que sitúan al público es ese nuevo mundo futurista donde el tiempo es dinero, pero poco a poco se va derrumbando hasta llegar a una construcción mediocre de lo que realmente podría haber sido.
El 2do error es Amanda Seyfried... Amanda, Amanda... Tiene menos carisma que una babosa de jardín. En esta película elabora un personaje parecido al de "La Chica de la Capa Roja", pesado, artificial y que parece haber tenido un derrame cerebral que la dejó un poco lenta para moverse por la vida. Lo de Justin Timberlake es bastante aceptable y le suma algunos puntos a la peli, aunque aclaro que no es santo de mi devoción, ya que creo que le falta un poco de training para protagonizar grandes producciones de acción todavía.
El resultado final es una muy buena historia mal contada (o mal mostrada). Habrá momentos que nos engañen y pensemos... "Esto va a estar bueno"... lamentablemente no termina siendo así. Hay buenos efectos, alguna que otra escena de acción picante y una idea dando vuelta por el aire que atrae por su creatividad. Lo demás... es tiempo perdido.

Asesinos SRL

Fuera de la Ley es lo nuevo de Nicolas Cage y el director australiano Roger Donaldson, que en el pasado dirigió algunas películas conocidas como Dante's Peak (Pierce Brosnan, Linda Hamilton) y El Recluta (Al Pacino, Colin Farrell), productos que si bien no eran de la mejor calidad, lograron entretener a los espectadores. Con este último trabajo se vuelve a dar la misma situación, en la que se cumple con un buen entretenimiento, movido, con ritmo y acción, pero que por momentos resulta un poco absurdo y contradictorio.
El trío protagonista está formado por el controversial Nicolas Cage que despierta halagos y críticas por igual, un Guy Pearce que cumple muy bien con su rol y la siempre linda January Jones, que aporta lo suyo demostrando versatilidad y un aire nuevo en la cintas de acción.
La historia plantea una premisa que todo aquellos que hayan sufrido alguna injusticia en manos de criminales ya sean ladrones, violadores, abusadores, traficantes y demás basuras, se han imaginado en su cabeza varias veces... "¿y si me convierto en un super asesino a sangre fría y lo rastreo a este HDP para ajusticiarlo yo mismo?". Una idea realmente poderosa que permite desatar la furia asesina en la mente de las personas que desean vengarse de la injusticia que les tocó vivir, y es por eso que han habido varias producciones que trabajan la temática. "Fuera de la Ley" es otra más que se suma a la lista, pero con una vuelta de rosca que resulta interesante: Una sociedad clandestina formada en gran parte por ciudadanos comunes que están hartos, cansados de que se les abusen en la cara, comandados por un frío asesino quien alguna vez fuera también un ciudadano común. Esta cuestión creo que es la parte más atractiva del film, que si bien presenta algunas irregularidades en la trama como por ejemplo, la personalidad del personaje de Cage que va de tipo zonzo anti violencia a cuasi héroe de acción, se configura como una buena opción para despejar la cabeza y ponerse en la piel de un justiciero de justicieros.
No es la gran película de acción del año, pero entretiene a buen ritmo, con momentos de tensión y acción que son respetables. Entre tantos mocos de Cage, esta se podría decir que está de la media para arriba.

Antártida Simpaticona

Happy Feet 2 es la última animación de los estudios Warner Bros, que debo decir, a pesar de que los pingüinos me caen gordos (no me maten... me pasa desde chiquito) y el film no está teniendo mucho éxito mundial, a mi me gustó. No es una cosa de locos, ni te va a cambiar la vida, pero si sos de los que disfrutan de las películas animadas o tenés hijos, sobrinos o hermanitos para llevar la vas a pasar bien. La calidad de la animación es buenísima y muy colorida, pintando la pantalla de azules y blancos que transportan al público a un ambiente helado lleno de animales interesantes y divertidos, anaranjados, grises, marrones, amarillos y verdes muy bien utilizados, por lo que en el aspecto técnico se merece un aplauso.
La historia es quizás lo más flojito... El calentamiento global va avanzando y pone en peligro el hábitat no sólo de los pingüinos, sino de todos los animales que conviven en la Antártida. En uno de los desprendimientos de hielo toda la colonia de pingüinos emperadores (raza de Happy Feet) queda atrapada entre gigantes glaciares a la merced de los predadores y sin alimento, por lo que Mumble (Elijah Wood) y su hijo Erik deberán ingeniárselas para sacarlos de ahí utilizando la ayuda de sus amigos y de sus no tan amigos. Casi toda la historia principal gira en torno a esta situación, que no es la más original, ni la más copada, pero si es entretenida y hace pasar un buen rato, sobre todo a los más pequeños que aman a estos animales. La pequeña historia paralela de 2 personajes ínfimos del océano llamados Will y Bill, cuyas voces fueron prestadas por Brad Pitt y Matt Damon, es lejos una de la cuestiones más interesantes y divertidas de la película. Junto a ellos, se destacan los personajes de Ramón y Lovelace, cuyas voces corresponden al gran Robin Williams. Algo que no me gusta y lo digo siempre, es que la opción de ver el film en su idioma original es prácticamente nula, al menos en las salas de la ciudad de Córdoba, por lo que no podremos disfrutar del histrionismo y talento de los actores anteriormente nombrados.
Para concluir, creo que más allá de algunas carencias en la trama que pueda tener Happy Feet 2, es un producto bueno y de calidad, que entretiene y transporta a un mundo de hielo animado que deja buenos mensajes y maravilla la vista. No es lo mejor que van a ver en animación en el cine, pero lejos está de ser una propuesta pobre como se la estuvo catalogando en la web.

Droga para Ellas

Como diría mi amigo Peter Travers, Perdón Padre Todopoderoso del Séptimo Arte porque he pecado... Me gustó un poco Amanecer Parte 1...
Creo que nunca voy a poder entender ese fanatismo intenso que produce esta saga en el interior de las mujeres (no todas, ojo), no por su premisa, que es de hecho el sueño de muchas de las mujeres del mundo, sino por el planteo de las películas, que en las 3 primeras entregas fue de lo más cursi, lento e irritante como pocas veces vi en el cine. En esta 4ta entrega (1ra parte) algo parece haber cambiado en el ritmo y sobre todo en el humor, que lo noté más despierto y con mucha más chispa que en las anteriores que parecían un tributo insoportable a lo más recóndito de la tristeza Emo. En ese sentido, le doy las gracias al director Bill Condon (Kinsey , Dreamgirls) que hizo mucho más llevadero este Amanecer.
Con el tiempo pude ir aprendiendo que esperaban las fans de esta historia, qué querían ver, cómo lo querían ver, y la verdad es que la puesta está pensada minuto a minuto para dejarlas contentas a ellas. Realmente tiene un deseo verdadero de satisfacer y estremecer a sus seguidoras, que disfrutarán con cierta melancolía, como se va cerrando este triángulo amoroso entre Bella, Edward y Jacob.
Stephenie Meyer sabe muuy bien con que sueñan las mujeres... Un pibe fachero, sensible, bueno y fiel que la ame infinitamente, disputándose su amor contra un morocho que está fuertísimo y que también la pretende desesperadamente. El 1er flaco tiene además una torta de guita, islas privadas y jets, mientras que el 2do le aporta el lado salvaje a la cuestión, los músculos y las hormonas se ponen como locas. Como frutillita del postre, está la cuestión del vampirismo y el licantropismo, que podrá convertirla en una vampiresa hot inmortal o en una loba voraz al mejor estilo Shakira. ¿Quién se puede resistir a eso?
Como aspectos negativos, está la cuestión del morbo e histeria adolescente, que si bien en Amanecer Parte 1 no es tan densa como en la trilogía anterior, sigue estando presente con el drama... el dramón... el super drama que es la vida de Bella y Edward. Ambos son medio boludones, tórtolos eternos que no saben expresarse bien y que llegan a niveles tan empalagantes que desesperan, pero bueno... eso ya lo sabíamos de antemano.
Para redondear, mucho más entretenida y con más ritmo que sus antecesoras, presentando escenas un poco más jugadas y con mayor tensión. Tiene además el plus de ir cerrando algunas situaciones de la historia, lo que la convierte en una propuesta interesante. Mucho mejor el sentido del humor. Los resultados están a la vista... 238 millones de dólares en su 1er fin de semana de estreno.

El efecto de las personas

¡Cuánto hace que esperaba un film como este! Este es cine argentino del bueno, del que anhelamos ver en nuestras pantallas. Una simple historia de amor adolescente y sus secuelas 30 años después, termina convirtiéndose en una experiencia absolutamente inspiradora, reflexiva y melancólica. La directora Paula Hernández le imprime un encanto fabuloso, de esos que sólo el buen ojo puede construir con tanta eficacia. No es un ensayo conceptual, ni una experiencia artística del más allá, simplemente es una historia menuda contada con mucha grandeza y entendimiento de lo que el público común va a disfrutar en el cine.
"Un Amor" nos muestra una de esas particularidades que tiene la vida, que siempre resulta difícil de entender, la situación de que el amor no siempre responde a la razón, a lo lógico, que el pibe que tiene todas las de ganar porque supera ampliamente las capacidades del adversario no siempre es el que se queda con la chica y esto sucede por la sencilla verdad de que el amor es ciego, de que hay una cuestión "de piel" que es inmanejable y que más allá de los esfuerzos que uno pueda hacer para revertir la situación, la mayoría de las veces termina venciendo la ceguera emocional que tiene la pretendida (o el pretendido) sobre otra persona que no somos nosotros. En esta interacción radica lo mejor del film, que dividido en 2 segmentos temporales (uno cuando son adolescentes y otro cuando ya son adultos) nos sumerge en la nostalgia y la frescura de revivir los amores de verano, la importancia de la amistad y los pasos iniciales hacia la adultez en el primero, mientras que en el segundo segmento nos entrega grandes actuaciones, emociones y tristezas por el efecto que puede causar el paso de una persona por la vida de la otra, un paso que a veces se supera y a veces no.
Algo más que me gustaría resaltar es lo bien que se impregna a la película con la cultura argentina, nuestras costumbres, nuestra esencia, nuestras creencias, con sus cosas buenas y sus cosas malas, logrando que el público se sienta identificado con todo lo que va sucediendo. ¡Muy recomendable!

Policía Cristiana

Courageous o Reto de Valientes es un producto raro para nuestros pagos, ya que se trata de un film con marcada tendencia religiosa producida por 2 miembros activos de la Iglesia Bautista en Estados Unidos. Los hermanos Kendrick son pesos pesados en el país del norte, donde además de ser conocidos por sus productos fílmicos (con este van 4), son también reconocidos escritores de varios best sellers.
¿Tiene propaganda religiosa?, sí la tiene, de hecho va creciendo a medida que va avanzando la película, por lo que aquellos espectadores que no gustan de cintas con contenidos religiosos... ABSTENERSE.
¿Más allá del contenido religioso, es una buena película?, la verdad es que como producto cinematográfico me pareció bastante pobre, sobre todo la trama que se presentó como todo lo que uno puede esperar de una propaganda religiosa. Comienza muy bien, con una escena dinámica, picante, de acción y bastante bien filmada, lo que hace pensar que quizás sea un film cristiano con una visión innovadora para el cine, pero con el correr del metraje se va convirtiendo en un ensayo empalagoso y bastante cursi acerca de ser un buen ciudadano bautista. Que quede claro que no tengo nada en contra de los bautistas, simplemente me dedico a hacer la reseña de un producto que no logró llenar mis expectativas y me resultó un poco soso.
La historia se centra en 4 oficiales de policía de un pueblo que deben lidiar con situaciones complejas que ponen a prueba su Fe. Como protectores de los ciudadanos deben equilibrar sus creencias con su trabajo y además tener el tiempo suficiente para dedicarle a sus familias. Todo es bastante idealista, con buena intención, pero ingenua al fin. La policía no hiere de muerte a nadie, todos hacen lo correcto y parecen ángeles caídos del cielo. La peli en general tiene este aura utópico.
Los Kendrick producen estos films con la firme intención de atraer adeptos a su Fe y eso está más que bien, quizás un poco más de sutileza tendría un mejor efecto en los prospectos que acceden a ver algo como Courageous.
Buena fotografía y algunos recursos de acción bien utilizados. Por otro lado, las actuaciones son medias flojas, la trama es chata y usan algunos golpes bajos para despertar el sentimentalismo, herramienta que tiene un doble filo y puede molestar al público que puede llegar a sentirse subestimado.

Las Secuelas Familiares

La Prima Cosa Bella es una de esos lindos films "de barrio", sobre la importancia de la familia y sus interacciones (muy trabajado en el cine italiano), sobre la vida misma tomada en un marco de tragicomedia. Su puesta es simple, sin pretensiones exageradas, contando con pericia la historia de muchas familias disfuncionales. Por supuesto tiene ese plus de suceder en un pueblito de Italia en los años '70, cuestión que le suma un aire de melancolía y belleza cultural.
El director Paolo Virzi nos ofrece la historia de Bruno, un tipo amargado y medio depresivo que es obligado por su hermana a ir a visitar a su madre que está muriendo y a quien no ve hace tiempo. El motivo del alejamiento y las relaciones familiares son contadas en un juego de tiempos que van desde los '70 cuando él era un niño y debía sobrevivir a las locuras de sus padres, hasta la actualidad cuando ya es un hombre adulto al que le cuesta mucho ser feliz.
Hay 2 aspectos muy atractivos en la película: El 1ro es la actuación de los niños... le dan al film un importante regalo que es la pureza, inocencia y ternura de expresar los pesares del crecimiento junto a una familia que está bastante loca (como la mayoría de las familias de todos). El 2do aspecto es el personaje de Anna (la madre) tanto en su juventud de madre bellísima, como cuando está muriendo ya de grande. La personalidad es tremendamente hipnótica, con esa dualidad de espíritu libre de buen corazón y ser humano descuidado, inocente, ingenuo, que no mide la consecuencia de sus actos.
Quizás lo que le juega un poco en contra es la cuestión de contar una historia que se puede decir FUE universal. Creo que en lo tiempos que vivimos la interacción familiar ha cambiado mucho, no en la esencia de los conflictos madre-hijo, padre-hijo, madre-hija, etc., sino que el mayor cambio se da en la forma de afrontar esos conflictos familiares. Los espectadores de 25, 30 años para arriba podrán sentirse identificados, pero creo que las generaciones más nuevas no.
De todas maneras es una película disfrutable con el sello característico italiano de la comedia trágica.

Excusa para el 3D

Las Nuevas Aventuras de Caperucita Roja 3D (hasta el título es cansador) es la fallida vuelta del cuento de hadas convertido en policial que tanto gustó en 2005 y recaudó más de 100 millones de dólares. En esta ocasión parece haberse quedado sin power, ofreciendo una historia chata, que no atrae, que poco tiene que ver con ese humor adulto que nos ofreció en la 1ra entrega. Parece una mera excusa para vender el 3D sin darse cuenta que no sólo el formato es suficiente para convencer a alguien de pagar una entrada al cine.
Por un lado creo que se perdió el factor sorpresa que hizo que su antecesora tuviera tanto éxito, ese factor que sorprendió con un humor ácido y vueltas de rosca policiales que uno no esperaba ver. La trama si bien no creo que se pueda considerar malísima, no es atractiva y por momentos se torna un poco densa, cosa que nunca debería suceder con una película de este estilo.
La traducción... la bendita traducción... Yo no se ustedes, pero la verdad es que estoy mucho más habituado a que me parezca divertido un chiste en su idioma original y no en el neutro latino este que ponen como doblaje... no es mexicano, ni argentino, ni venezolano, ni nada... es una híbrido neutro que pierde su gracia y sentido en la traducción.
Dirige Mike Disa, un tipo que ha pasado más tiempo en los departamentos de arte y animación que en la coordinación de una historia, cuestión que creo le pesó en este film. Cuando analizo parte por parte, me queda la sensación de que podría haber sido una película mucho más divertida, más ácida y menos ruidosa. La verdad es que me resultó totalmente ruidosa, me aturdió y me cansó bastante a pesar de que solo dura 88 minutos. La elección de Disa para llevar a cabo el proyecto claramente fue una mala decisión, basta con comparar las recaudaciones de la 1ra y esta 2da entrega. Vuelven a poner sus voces para los personajes Glenn Close (Abuelita), Patrick Warburton (Lobo) y David Ogden Stiers (Nicky Flippers). Se suman Hayden Pannetiere (Caperucita Roja) en reemplazo de Anne Hathaway, Joan Cusack (Verushka), Bill Hader (Hansel) y Amy Poehler (Gretel)... dato que en realidad poco importa ya que resulta más difícil encontrar la versión en idioma original que tratar de morderse el codo (no trates... no se puede, jeje).
La verdad que resultó bastante decepcionante, con pocos momentos divertidos, con una historia poco atractiva y un final más que predecible.

Se abrió el Portal... del Cine Berreta

11-11-11 es una película sobre otra fecha más (si si... otra más) que habla de la apertura de portales energéticos, el fin del mundo, profecías y demás cuestiones que ya están llegando a su estado de saturación total por la cantidad de huevadas que profesan y por supuesto, la falta de credibilidad ya que ¡oh sorpresa!, seguimos vivos y no se acabó el mundo.
La idea del film se puede decir que no es mala... pero aprovechando todo el revuelo causado por esta fecha que ocurre cada 100 años, se podría haber construido algo de mejor calidad, ya que como digo, no es tan malo en su premisa, sino que falla estrepitosamente en su realización. Es una historia bastante pretenciosa para el talento que se dispuso para la puesta (el director y los actores), además de que se nota un bajo presupuesto y algunos errores fatales que la convierten en "cine berreta" como solían decir los pájaros presentadores de "Cine Z" en el I-Sat (¿Alguien se acuerda de los pajarracos esos? jaja).
Algunos datos locos para los esotéricos: Los ataques al World Trade Center en USA fueron un 11 de Septiembre, mientras que el 1er avión en colisionar con una de las torres gemelas era el vuelo 111 y así mismo, la disposición de ambas torres formaba el número 11!!! También está la profecía de Malaquías que dice que cuando haya 112 Papas, vendrá el apocalipsis bíblico... Benedicto XVI es... el PAPA 111!!! jaja, y así hay miles de historias que involucran estos números, que pasaron sin pena ni gloria, como seguramente lo hará su versión cinematográfica.
La película a medida que va avanzando se va tornando cada vez más ridícula. Un ejemplo claro de esto es hacer que el 90% de la historia suceda en Barcelona, donde todos parecen hablar y entender con mucha fluidez el inglés, cuestión que es imposible porque cualquiera que conozca a un catalán se dará cuenta que no sólo aborrecen el inglés, sino que les cuesta muchísimo aprenderlo y pronunciarlo debidamente. El director Darren Lynn Bousman (El Juego del Miedo 2, 3 y 4) no supo captar la esencia de Barcelona en absoluto... el espectador prácticamente ni se da cuenta de que todo sucede en aquella ciudad. Los demonios que acechan a los protagonistas son también de lo más chongo que se ha visto en el cine de terror últimamente.
Lo actoral... bastante paupérrimo también... no podía evitar la desconcentración que me producía pensar que el protagonista Timothy Gibbs es una mezcla de George Clooney y Javier Bardem!! Los gestos que hacía eran muy parecidos a los del 1ro.
Para cerrar, ¡¡no es recomendable en absoluto!! Quizás solo para aquellos incondicionales del cine apocalíptico. Una película digna de ingresar en el catálogo de Cine Z, Cine Berreta del I-Sat.

Diversión Descargada

Jhonny English Recargado marca la vuelta del espía más disparatado del servicio de la reina, que en esta ocasión retorna con mejor producción y con algunos aspectos más pulidos en cuanto a acción y humor, pero que no le alcanzan para conformar una buena parodia del 007.
Rowan Atkinson es lejos lo mejor del film, pero da la sensación de estar desperdiciado en una trama que no está bien elaborada y que no aporta nada interesante a la gran pantalla. La jefa que lo odia, la espía que está secretamente enamorada de él, el villano... no hay nada original o disparatado en ese sentido, y esto creo es el mayor pecado de la historia. Seamos sinceros... ¿cuántos piensan "Qué groso! Se estrena la nueva de Jhonny English... Hay que ir a verla!"? En el mundo no deben ser muchos.. y en Argentina menos. Creo que los productores (si logran salir bien parados de esta) tienen que reinventarse radicalmente ofreciendo algo que impacte, que explote lo mejor de Atkinson y deje de mostrar historias pedorras que están quemadas hasta las cenizas.
Tiene algunos momentos muy divertidos que salvan la imagen del actor principal, pero eso no es suficiente para ofrecerle al espectador un entretenimiento de calidad que valga una entrada al cine.
El director Oliver Parker es un tipo que ha dirigido películas tan disímiles como Othelo y Dorian Gray por el lado de las aceptables, mientras que por otro lado también ha sido el responsable de bazofias como St. Trinian's 1 y 2 (películas que uno nunca debe ver)... Jhonny English Recargado vendría a ubicarse en un punto medio de calidad entre los trabajos de Parker.
Si son muy fanáticos de Rowan Atkinson o de las parodias, quizás disfruten de algunas escenas y en el redondeo final no sientan que perdieron 101 minutos de su vida... sino ni se gasten.

Humanidad Bizarra

La Piel que Habito es el flamante último trabajo del pervertido favorito del mundo, Pedro Almodóvar. Nos fascina, nos da asco, nos incomoda, nos complace, nos hace reír y nos hace pensar que el mundo se fue al carajo... Pedrito. Lo podés amar u odiar, pero si has visto al menos 2 películas de su autoría (recomiendo "Todo Sobre Mi Madre" y "Hable con Ella"), no te puede pasar desapercibido.
En esta ocasión nos ofrece una historia provocadora, tan tétrica como absurda, que tiene tanto enredos y tragedias que la única forma de hacer una sinopsis sin develar algún secreto importante de la trama, es explicar lo que dice en todos lados... Un brillante cirujano plástico (Antonio Banderas), luego de perder a su esposa a causa de un accidente que le quemó casi todo su cuerpo, decide crear un tipo de piel que sea resistente a cualquier daño que se le pueda infligir, pero que a la vez, sea sensible a una caricia o tipo de contacto que no sea malicioso. Para llevar a cabo su plan, deberá probar sus experimento sobre un humano, en este caso, la misteriosa Vera (Elena Anaya). Si hasta ahí les pareció un poco bizarro, no tienen idea idea de lo que les espera.
En el aspecto técnico, cada vez está mejor, creando planos interesantísimos y muy vistosos, de una siniestra belleza visual. El sexo, siempre presente en los films de Almodóvar, además de formar parte de su sello característico, es un pilar importante de la trama de esta historia y de la creatividad del realizador. Almodóvar sin sexo, es como El Chavo sin Chespirito... no tendría gracia, ni expresaría la esencia del autor. En la Web se comentaba bastante sobre una secuencia en particular en la que aparece un tipo vestido de tigre y tiene sexo con la protagonista femenina, diciendo que es un acontecimiento que no aporta nada a la trama, que está colgada, que es un capricho del director... y sí... es un capricho, pero que demuestra su esencia creativa, y eso creo, es lo que diferencia a un artista. Lo tomo como una autorreferencia de Pedro que creo, quiso reírse de sí mismo y de toda la polémica que lo envuelve por lo sexual y bizarro de sus creaciones.
La película tiene suspenso y drama, accidentes, asesinatos, gente perversa, pero también tiene sentido del humor... retorcido, pero humor al fin. Una historia de venganza, locuras y problemas familiares que resulta muy entretenida en la medida que uno se deja llevar por el "Mundo Almodóvar".

¡Hay equipo!

De Caravana es la 3ra producción cinematográfica del nuevo y flamante sello "Cine Cordobés", que ya estrenó anteriormente "El Invierno de los Raros" e "Hipólito", 2 pendientes que trataré de ver en breve.
Protagonizan la película Francisco Colja (Juan Cruz) y Yohana Pereyra (Sara), una dupla romántica que si bien tiene formato conocido (niño bien, chica humilde), posee un plus que la convierte en algo hipnótico para los espectadores, tanto cordobeses como de toda la Argentina, y que es la inconfundible personalidad del cordobés, que todo el país conoce, pero que casi nunca puede apreciar en la gran pantalla. Acompaña un reparto muy colorido y bien trabajado, como la muy divertida travesti Penélope, interpretada por Martín Rena, Rodrigo Savina como Maxtor, el mafioso simpaticón y Gustavo Almada como el asperísimo "Laucha", más un grupo de extras. Dirige el film, Rosendo Ruiz, un ¿sanjuanino? (leí por ahí) que supo retratar de manera muy efectiva la esencia de La Docta, mostrando locaciones que más que emblemáticas, son esos lugares o calles de paso que la mayoría de los cordobeses tenemos que haber frecuentado en algún momento, lugares familiares a la vista.
A lo largo de la cinta se puede apreciar el profesionalismo y la pericia del director, que parece no haber dejado absolutamente nada al azar en cuanto a aspectos técnicos.
La historia mezcla comedia con un poco de drama, y cuenta como Juan Cruz, un fotógrafo que vive en el Cerro de la Rosas (barrio cordobés que simboliza la clase alta de la ciudad), se mete en un baile de La Mona Jiménez (cantante insignia de Córdoba y rey de los marginados) para hacer una producción fotográfica que presentará en un concurso del Museo Caraffa. En ese baile conoce a Sara, una morocha infartante con la que conecta enseguida, sin prestarle atención a que ambos provienen de 2 mundos bastante diferentes y que se excluyen mutuamente todo el tiempo, el mundo de villa y barrios carenciados que odia al "cheto", y por otro lado, el "tipo bien" que desprecia y margina al cuartetero de barrios bajos. Este encuentro provocará la colisión de resentimientos e indiferencias que son moneda corriente en Córdoba, pero tomados con un punto de vista dirigido, de manera muy inteligente, hacia lo cómico, con algunos pequeños toques de drama que nos recuerdan que nos podemos reír de nuestros defectos, pero que también podemos reflexionarlos.
Como negativo me pareció que hay algunas actuaciones que estuvieron por demás exageradas, con algunas tonadas medias pasadas de vuelta, algunos gestos y actitudes poco sutiles, pero supongo que son cuestiones lógicas en algo que recién está naciendo, un cine cordobés que ya da sus 1ras muestras de versatilidad.
De Caravana es cuarteto, es el cerro de las rosas, es choripán, es countrys, es joda fuerte, es humor, es diferencias sociales... es Córdoba. Muy recomendable.

La tristeza seductora

"Melancholia" es una película que llega tarde a nuestra cartelera cordobesa, de hecho, creo que duró sólo una semana en cartel, algo que resulta una lástima porque representaba una buena oportunidad para disfrutar de un cine distinto, de autor, con planteamientos reflexivos.
El controversial Lars von Trier le pifió muy fuerte al defender con un comentario a una figura nefasta como la de Hitler en un festival internacional de cine, cuestión que le valió una sanción tácita de muchas distribuidoras que no quisieron comercializar su film y lo condenaron al rápido olvido.
En este proyecto, el director danés se centra en un aspecto negativo del Hombre, la melancolía, la depresión, la desesperanza, una afección que sufren muchas personas en el mundo retratada con una visión poética que pretende sacudir al espectador. No entiendo a aquellos que dicen que es una de las películas menos provocativas de von Trier, en lo visual puede ser, pero en el planteo y la reflexión mueve a un trabajo mental que resulta difícil de digerir. Una de las protagonistas (Kirsten Dunst), se deja seducir reiteradas veces por la melancolía, en algunas escenas de manera muy gráfica, abandonando todo su ser a la sensación, dejándose copar por el sentimiento, poniendo a la luz la peteticidad de su personaje. ¿Cuántas veces nos dejamos seducir por la melancolía?, ¿a veces el abandono es consciente?, ¿qué dice eso de nuestra persona? Todas estas cuestiones están latentes en la trama junto a otro grupo de preguntas existenciales.
Como todo film no convencional resultará complicado de seguir y aburrirá a más de uno, pero para aquellos dispuestos a una experiencia distinta de narración, con ganas de reflexionar lo que está viendo, puede llegar a ser una buena alternativa. Visualmente es espectacular, con una estética bien al estilo von Trier, con un uso de los colores excepcional que crean la atmósfera necesaria para cada momento de la cinta.
Sus intérpretes no son lo más importante de la historia y el director deja entrever claramente esta cuestión, aún así, el trabajo de cada uno de ellos es impecable.

Rescatando a Latinoamérica

Violeta se fue a los Cielos es una coproducción chilena, argentina y brasileña que cuenta la historia de vida de la cantautora Violeta Parra. Me da vergüenza admitirlo, pero no tenía ni idea de quien se trataba... Mal! Muy Mal!! porque la ignorancia me estaba privando de descubrir un verdadero tesoro de nuestras tierras latinoamericanas, una mujer con un talento innato increíble y con una historia de vida muy dura, pero de lo más interesante. Me puse como propósito conocer un poco más de su vida antes de ver el film, cuestión que me resultó especialmente placentera y me ayudó a comprender mejor lo que iba a ver luego en pantalla.
Como muchos otros genios y talentos incomprendidos a Violeta no le fue fácil vivir consigo misma. Padre alcohólico, familia pobre, la dureza del campo, decepciones amorosas y una gran sensibilidad por el folclore chileno y su gente, la llevó por un camino en el que debía equilibrar su gran talento con su depresión crónica. Expresaba todo lo que sentía a través de su arte y eso se ve muy bien reflejado en este film. El director Andrés Wood hizo un fantástico trabajo poniendo en pantalla una propuesta fuerte pero a la vez totalmente humana, en la que el personaje principal se engrandece por su propio mérito (o al menos así parece), de manera natural, y no por un esfuerzo de dirección que se perciba artificial y escarchado. Es un homenaje a Violeta en todas sus dimensiones, con sus locuras y genialidades, con sus errores y sus virtudes.
Por otro lado el trabajo de Francisca Gavilán interpretando a la protagonista es ENORME, apropiándose del que seguro es el rol más importante de su carrera. Esperemos verla en más producciones de este tipo.
Para ir cerrando, "Violeta se fue a los Cielos" es una película que nos ofrece la posibilidad de conocer parte de la vida de una personalidad realmente interesante, que representa (o debería representar) una parte importante de la cultura latinoamericana. Nuestra propia Mercedes Sosa en Argentina se inspiró en Violeta para hacer su magia musical.
Chile seleccionó esta cinta para competir por un puesto en la categoría de "Mejor Película Extranjera" para los próximos premios Oscar... ¡Ojalá logre entrar!

La Malparida Colombiana

Venganza Despiadada o Colombiana como indica su nombre original (es el colmo ya que hagamos traducciones obvias y estúpidas de títulos en nuestro propio idioma) cuenta la trágica historia de Cataleya (Zoe Saldana) y su familia, que por estar ligada con el narcotráfico en Colombia es eliminada frente a sus propios ojos. A partir de ese día, se desatará en la protagonista una furia asesina implacable que será impulsada por sus deseos de venganza.
La película está llena de clichés típicos de las historias de vendettas... Ella es una inadaptada social que no puede intimar con la gente pero a la vez es una femme fatale con todas las letras, tendrá un maestro que la instruirá en el arte de ser asesina y la vulnerabilidad del amor le jugará una mala pasada. En este sentido, no tiene nada innovador e incluso se torna por momentos bastante ridícula demostrando serios problemas en la trama. La relación amorosa con Danny Delanay (Michael Vartan) no tiene mucho goyete e incluso ofrece momentos de drama romántico teenager al mejor estilo Crepúsculo.
El asesinato de toda la familia como modus operandi de la mafia colombiana es ya bien conocida y la temática del malísimo colombiano corrupto ya está bastante agotada en el cine de acción hollywoodense.
La parte positiva podría ser la presentación de Zoe Saldana como futura estrella de acción, que creo hace un trabajo bastante atractivo como la "Malparida Colombiana" que no tiene ningún problema de meterte un tiro en el pecho o echarte herido a una pileta llena de hambrientos tiburones. En este sentido resulta similar a un Jason Stathan ("Transportador" 1, 2 y 3, "El Mecánico") en versión femenina. También se podría decir que hay algunas escenas de acción respetables en las que se nota la mano del famoso escritor, productor y director francés Luc Besson.
La cinta pasó directamente a DVD en una decisión acertada. Para un domingo de tiros o engancharla en el cable está bien y puede ser entretenida, pero debo decir no es de lo más memorable del cine de acción de este año.

Grotesco y Trillado

The Change Up o Si Fueras Yo en su traducción latina, es otra representante del nuevo humor americano, que comenzó a surgir tímidamente con esa gran película llamada "Virgen a los 40", para luego mutar en algo un poco más zarpado como "¿Qué Pasó Ayer?", que también tuvo mucho éxito y que se podría decir, es la representante más icónica de esta nueva manera de hacer comedias. A uno puede o no gustarle este tipo de humor, pero es innegable que ha tomado muchísima fuerza en los últimos tiempos con lanzamientos como "¿Qué Pasó Ayer? 2", "Pase Libre", "Malas Enseñanzas", etc.
Por mi lado, me quedo mil veces más con el humor (un poco menos asqueroso) de "Virgen a los 40", que tiene algo de comedia física y bizarra, pero sobre todo tiene diálogos realmente divertidos. Si pasamos al análisis de films como "Pase Libre" o esta misma película que estamos comentando, se evidencia una exageración en la elaboración de este nuevo tipo de comedia, que pasa de ser "aceptablemente vulgar" a "vulgar" a secas, produciendo sensaciones de incomodidad y malestar en muchos de los espectadores. Por supuesto que habrá siempre un grupo de gente dispuesto a morirse de la risa cuando un chorro de diarrea salte directamente desde el ano de un niño a la boca de su padre... pero bueno, ese no es mi caso.
Dirige el norteamericano David Dobkin, responsable de otros títulos como "Los Rompebodas" y "Shanghai Knights", películas divertidas, pero que no han sido la gran cosa. "Si Fueras Yo" está definitivamente muy por debajo de los 2 títulos nombrados.
Protagonizan Jason Bateman ("Quiero Matar a mi Jefe", "Arrested Development") y Ryan Reynols ("Linterna Verde", "Enterrado"), una dupla que se mostró con muy poca química en esta historia, más allá de que por separado debo reconocer que me caen bien y me parecen divertidos. Acompañan Leslie Mann, la hermosísima rubia que actuó en "Ligeramente Embarazada" como hermana de Katherine Heigl, Olivia Wilde interpretando un papel que le quedó muy chico y el gran Alan Arkin, que realmente no se como se metió en este producto mediocre.
Para finalizar, creo que la mayor falencia estuvo en juntar a un grupo magnífico de comediantes para dar vida a una historia, que además de estar re contra mil trillada, no atrae ni está bien ejecutada... El tema de cambiar de cuerpos para cumplir el sueño de tener otra vida ya pasó muchachos... es viejísimo y no le aporta nada nuevo al género. ¡Con tanta guita que ganan podrían hacer trabajar un poco más la cabecita! Recomendable sólo para fans del humor grotesco y poco innovador.

H1N1 con delay

Contagio es el nuevo trabajo como director del reconocido Steven Soderbergh, que logró juntar a un gran número de estrellas para entregar un drama de suspenso, que es bueno, pero que nada tiene que ver con el despliegue que uno se imagina después de ver el Trailer que nos venía machacando la cabeza por todos lados, sobre en You Tube donde lo vi al menos, 15 veces.
La película tiene el sello de su personalidad, imprimiéndole seriedad y credibilidad a la historia que quiere contar. Un ejemplo parecido a este, aunque con distinta temática (y ritmo) es "Traffic", también dirigida por Soderbergh, con la que se ganó a sí mismo en el 2000 por la competencia del Oscar al Mejor Director (también estaba nominado por Erin Brockovich).
El tipo tiene talento para la filmación, eso es innegable, logrando que el espectador se crea totalmente lo que está queriéndole vender. El manejo del contagio de la epidemia, los organismos que intervienen, la composición de los personajes que se exhiben, son todas aspectos muy bien logrados que hacen que uno se de cuenta que está ante una producto de calidad. Ahora... hay una cuestión donde es bastante irregular y donde a veces no logra enganchar al público... Esto es, en el impacto de la historia, que en este caso parece el relato de un noticiero durante la gripe A H1N1, pero actuado por grandes luminarias de Hollywood. Definitivamente le faltó un poco de más de suspenso, de drama, de chimi churri, de picante.. no se si se entiende.
Leí por ahí que Steven Soderbergh estaba super divertido con el hecho de matar a sus estrellas en el film, cuestión que está muy bien, porque impacta y desconcierta de una manera interesante, que no pasa desapercibida para el público, pero por otro lado un se queda pensando... se le subió un poco los humos y se creyó que sólo con su narración y puesta en escena le bastaba para generar el gran "boom" taquillero... hay algunos artistas que están poco aprovechados y que parecen colocados en la historia por puro capricho del director, como diciendo... "miren los lujos que me puedo dar con mi reputación", "puedo matar a Gwyneth Paltrow en los 5 primeros minutos de la película". El trailer vende otra cuestión, otra participación de los actores, que seamos sinceros, fueron el atractivo principal para asistir al cine a ver esta cinta. Bueno.. si esperás más de 10 minutos de Kate Winslet o Gwyneth Paltrow, te vas a decepcionar, aunque si superás ese tema, hay otras cuestiones interesantes.
Una peli disfrutable, que engañó un poco por haber vendido un trailer que no es, pero que plantea un tema actual como lo son las epidemias, con madurez, precisión y pericia fílmica. En el campo de la trama picante... se quedó un poco corta.

Dumas Pop

The Three Musketeers es la nueva versión "by Paul W.S. Anderson" del ya conocidísimo clásico de Dumas, que debo decir, tuvo buenas intenciones, pero que finalmente se quedaron cortas y se desinflaron en el camino.
Analicemos un poco. Paul W.S. Anderson es un director que viene del cine de acción 100% pochoclero, con producciones exageradas y fantasiosas, pero que han logrado establecer una estética que ha captado la simpatía de un gran grupo de espectadores. Es conocido sobre todo por ser el director y escritor de varias entregas de la famosa franquicia "Resident Evil". También dirigió otros films como "La Carrera de la Muerte" y "Alien vs Depredador", por lo que se podrán dar una idea del tipo de acción que le gusta poner en pantalla.
Debo reconocer que el tipo tiene un talento comercial bastante desarrollado, con su sello característico, y que logra que algo tan gastado como los zombies produzcan una franquicia que en breves presenta su 5ta entrega ("Resident Evil Retribution"). Esta vez, creo que le erró y dejó muy de lado la cuestión de la trama, creando un mundo que atrae por su mezcla de pasado y futuro (se conjuga personajes de época con personalidades modernas), pero que repele por el lado de la historia.
Todo lo que sucede en los 110 minutos de metraje es por demás "Light", eliminando aspectos mucho más sórdidos e interesantes de la novela original de Dumas, que creo habría funcionado mucho mejor que esta versión infantil.
Está claro que la película va dirigida a un público bien adolescente, con escenas tan efervescentes como absurdas, con secuencias de peleas a lo Matrix y armas ultra modernas escondidas detrás de elementos de época como una peineta, pero eso no quiere decir que no se pueda mixar con una trama picante y más madura. Los diálogos están llenos de clichés, los mosqueteros no se destacan para nada salvo el joven D'Artagnan, y los villanos no convencen, con excepción de la siempre grata Milla Jovovich que compone a una Milady de Winter tan linda como letal.
Hay algunas escenas de acción muy bien filmadas que recuerdan a un buen "Piratas del Caribe" mezclado con "Resident Evil", pero la verdad es que con sólo algunas escenas entretenidas no se compra al espectador, o al menos no me pudo comprar a mí. El resultado termina siendo mediocre, maravillando por momentos y provocando sensación de vergüenza ajena en otros. Insisto, la intención creo que fue buena, pero la composición final se termina desinflando por falta de carácter y guión.

Nerd Power

Glee 3D Concert Movie es la inminente producción para la gran pantalla de la serie furor entre los jóvenes del mundo, en la cual un grupo de alumnos "Nerds" aprenden a sobrevivir en conjunto y expresarse a través de la música que se elabora en "New Directions", el coro que tan famoso se ha hecho en la vida real y que ya lleva vendido más de 5.5 millones de discos en el mundo.
En el plano de lo cinematográfico, Glee no aporta absolutamente nada innovador más que un buen despliegue visual de sus performances simulando que los personajes son los que salen de gira, y no los actores y actrices que los interpretan. De esta manera logra interesar a sus seguidores, que seguro le reportarán una buena suma a las arcas de Fox y Ryan Murphy, creador de la serie. La estrategia es inteligente, ya que Glee se ha hecho muy famosa, entre otras cosas, por las temáticas que trata en sus temporadas, relacionadas con la sexualidad, la elección sexual, la baja autoestima, la discriminación, etc., todas cuestiones totalmente hipnóticas para los adolescentes. Por otro lado, acompaña esta nueva ola que declara "Ser Nerd es lo Más!", donde el típico deportista universitario popular no existe o de repente es un tipo sensible, como Finn, el personaje de Cory Monteith, acabando de esta manera con el estereotipo de lo que un joven popular y picante debería ser.
En lo personal, creo que es entretenida y tiene sus muy buenos momentos coreográficos, aunque debo confesar que no soy un asiduo televidente de la serie. Algo que no me gustó, son las historias paralelas a las de los personajes de la serie, donde gente real con problemas físicos o de sexualidad se expone ante los espectadores que en realidad fueron a ver Glee en concierto, y en todo caso, las historias de los personajes de la serie. Creo que el recurso es un golpe bajo, que trata de agregarle un toque emotivo o dramático a un producto que en realidad está vendiendo otra cosa.
En el plano de las presentaciones musicales está el fuerte de esta película, con interpretaciones de canciones famosas de Britney Spears, Katy Perry, The Beatles y más, todas con una puesta en escena impresionante en la cual se puede ver bien el espíritu Glee. En este sentido, es una "obligada" para los fans de la serie y de los musicales, que pasarán un muy buen momento y se divertirán como locos.

La Vuelta del "Julepe"!

Vuelve el fenómeno Actividad Paranormal, esta vez con una precuela de las 2 anteriores, donde se cuenta la historia de como comenzó la maldición de acecha a las hermanas Katie y Kristi.
La verdad... me sorprendió! y hasta diría que me dejó un poco sugestionado (llamese "con miedito")... ¿me estaré ablandando? ¿o será que realmente se pulieron algunos aspectos de esta saga que parecía estar llegando a su triste fin? Analicemos un poco la cuestión.
Sin aportar algo significativamente distinto de lo que se vio en las 3 entregas anteriores, logra mantener ese concepto hipnótico de la 1ra, donde uno está expectante a lo que está pasando... aunque en realidad no pase nada la mayor parte del tiempo. El concepto terrorífico que aportó la película original fue esa sensación de realismo, de que esos eventos raros podrían pasar en cualquier rincón de nuestras propias casas, donde las sombras, la oscuridad y los objetos comunes se vuelven una pesadilla incansable que viene a arruinarnos la vida. Ese concepto justamente, vuelve con bastante fuerza en esta precuela que fue dirigida por la dupla Henry Joost y Ariel Schulman, dos jóvenes directores que se hicieron conocidos con el documental de 2010 "Catfish", que dicen es muy bueno.
Lo más destacable de este trabajo es como lograron pulir algunas cuestiones que estaban estancadas, como por ejemplo la ambientación, de tipo ochentera y que ahora exuda terror en cada rincón. Otra cuestión importante es el aporte de las niñas que protagonizan la historia, con momentos muy buenos que despiertan desesperación en el espectador. Hay escenas donde el terror se manifiesta con sutileza pero de manera efectiva, provocando un escalofrío que se manifiesta in crescendo y que surte efecto tardío, pero efectivo.
La parte que le baja calidad a esta cinta, tiene que ver con seguir la línea de las anteriores, cuestión que supongo, viene como bajada de línea por parte de la producción. Un ejemplo claro de esto, es la clásica cara de monstruo que se ve obligatoriamente en primer plano en una de las escenas. Es la misma que se vio en las 2 películas anteriores, y la verdad es que es una de las partes que menos miedo produce. También hay algunas torpezas de guión, con situaciones absurdas como no prender una luz cuando está lleno de interruptores toda la casa, aún cuando se demuestra que durante el día, también se puede crear terror efectivo.
En fin, si te gustaron las 2 primeras (o al menos la primera) la vas a disfrutar seguro. Si sos medi@ cagoncit@, también te vas a ir un poco sugestionad@, y si no te gustan las películas de terror con un poco de humor negro, no pierdas el tiempo con esta.

La Santísima Trinidad del Género

Killer Elite marca el debut en largometrajes del irlandés Gary McKendry, que se hizo reconocido con el corto "Everything in this country must". En esta ocasión nos trae una película de tiros que es tan absurda como entretenida, con actores de alto calibre, que al papel de "duro de la gran pantalla" se lo hacen de taquito.
Creo que es uno de esos casos donde el status o credibilidad de los protagonistas juega un rol fundamental, sobre todo porque pensando luego de verla, que si el trío asesino hubiese estado conformado por artistas de más bajo perfil, no le habría perdonado varias cuestiones que finalmente decidí dejar de lado para hacer esta crítica.
Como principal atractivo está la conformación del cast, que exuda violencia y acción con un cierto toque de buen gusto en cada una de las escenas en las que participan. Robert de Niro es malo, el pelado Statham está asperísimo y Clive Owen conforma un rival difícil que intimida bastante (no esperen tantas participación de De Niro ya que tiene un rol mas secundario que los otros dos).
Por otro lado, pensé que iba a ser un producto más descerebrado, pero la verdad es que si bien, la premisa de asesinos a sueldo con corazón sensible es bastante absurda, está enfocada de una manera que le da cierto toque creíble, realista y convincente. Dicen que está basada en un hecho real... pero la verdad es que no creo que los asesinos reales hayan tenido los comportamientos morales que presentó en pantalla el director McKendry.
No aporta mucho a la innovación en el género de acción, ya que hay dos bandos, se conforma una especie de "Dream Team" asesino para realizar la misión encomendada y varias persecuciones y explosiones... Se podría decir que es la clásica peli del género, pero el valor agregado está en la calidad de las escenas, que están muy bien filmadas, manteniendo la exageración al mínimo y ofreciendo buenas peleas cuerpo a cuerpo, conformando una cinta muy entretenida. Otra virtud que tiene es el ritmo, que comienza ya en los 1ros 10 minutos con mucha acción y va familiarizando al espectador con las relaciones que se dan en pantalla.
Un peli totalmente recomendable, que despeja la cabeza, nos transporta a un mundo de espías, asesinos y sociedades secretas sin marearnos en el proceso.
Como dato a tener en cuenta, hay un personaje secundario que simpatiza e hipnotiza con su carisma. Les tiro una pista... patillas.

Mecanismos de Defensa

Dream House o Detrás de las Paredes como se titula en nuestro país, es la controvertida última obra del afamado director irlandés Jim Sheridan ("Mi Pie Izquierdo", "Hermanos"). Resulta que se armó un liaso ya que al finalizar la filmación, no se pusieron de acuerdo los productores y Sheridan para darle la edición final, lo que produjo que se recortara un gran número de escenas y la furia del director que vio como su trabajo creativo era mutilado por empresarios ávidos de dinero. Esto generó que gran parte de la crítica mundial le pegara con un caño a esta película que en mi opinión, más allá de la estupidez de los productores y falta de respeto hacia su director, sí creo que entretiene y logra su objetivo.
¿No es maravillosa? No, no lo es. ¿Entretiene y brinda buenas actuaciones? Sí, si lo hace. He visto varios films del género este año mucho más mediocres y aburridos que este.
Quizás el mayor problema sea pensar en lo que hubiera pasado si se respetaba la versión original de Sheridan, que no dudo, debe haber sido más osada y oscura que la que quedó finalmente. Pero si evaluamos el resultado que tendrá en el público, creo que varios van a simpatizar y pasar un buen momento de suspenso.
Como indica el cartel publicitario, protagonizan Dream House las estrellas Daniel Craig (Will Atenton), que se lo ve bastante suelto y con talento, la siempre grata Rachel Weisz (Libby, la esposa de Will) y la versátil Naomi Watts (Ann Patterson), conformando un trío soñado, que podría haberse aprovechado mucho más, pero que al fin de cuentas, termina cumpliendo bien su labor.
Creo que lo mejor de la cinta reside en sus intérpretes y ciertos momentos de tensión que han sido creados por la dirección. Lo más flojo es justamente la parte donde metieron la mano los productores, con algunas ediciones pobres y que por momentos confunden al espectador, sobre todo hacia los últimos momentos del film.
Para cerrar, debo aclarar que no todos van a disfrutar esta película a full, ya que encontrarán ciertas similitudes con otras producciones del género y percibirán algunos baches en la historia, pero eso no quiere decir que sea mala o justifica que se la haya basureado tanto como leí por ahí. Para pasar el rato con un poco de suspenso está bien y vale la entrada más que otros bodrios que han circulado por la pantalla grande este año.

Los Hermanos Sean Unidos

Justicia Final o Conviction es una de esas películas basadas en hechos reales que se han vuelto famosos por la determinación de su protagonista y la historia emotiva que lo caracteriza. En ese sentido, no aporta nada nuevo a la gran pantalla, sumada a la cuestión de estar relacionada con los procesos judiciales estadounidenses, puede generar un efecto de hartazgo en algunos espectadores. Para los que no están cansados con este tipo de dinámicas, Conviction es una buena opción, que ofrece una historia linda y emotiva, de esas que uno piensa... "ojalá todos fuéramos como los protagonistas", produciendo una sensación de esperanza y afecto por la vida. Por otro lado, pone en pantalla a grandes actores que hacen un muy buen trabajo, desde Hilary Swank hasta la intermitente Juliette Lewis, pasando por un Sam Rockwell ENORME, demostrando una vez más, lo poco valorado que está en Hollywood. Trabaja bastante, es verdad... pero se merece roles mucho más protagónicos que los que interpreta normalmente.
Para los que no saben, el film trata sobre una mujer ya casada y con hijos que decide entrar a la escuela de derecho y recibirse como abogada sólo para poder sacar a su hermano de la cárcel, ya que éste fue acusado de un crimen que supuestamente no cometió. Toda la historia se centrará en la lucha constante de Betty Anne Waters (Hilary Swank) para hacer malabares entre su propia familia a la que ha ido descuidando y la ardua tarea de recuperar viejas pruebas que le den una oportunidad a Kenny (Sam Rockwell) para demostrar su inocencia.
Dirige el actor y director Tony Goldwyn al que seguramente recordarán como el mal amigo de Patrick Swayze en "Ghost" o como el Coronel Bagley, archienemigo de Tom Cruise en "El Último Samurai". Como director ha estado a cargo de pocos largometrajes, siendo este el más importante de su carrera.
Para cerrar, se puede decir que se ha abordado esta trama con seriedad y precisión, ofreciendo un drama entretenido y emotivo, pero sin buscar ese sentimentalismo que empalaga y cae como una bomba al estómago cinélico. En ese sentido, la aplaudo.

La Excentricidad del Cuerpo

Pina es el homenaje que el cineasta Win Wenders le dedica a la coreógrafa y bailarina alemana Pina Bausch, una personalidad reconocida de la danza contemporánea que falleció en 2009 a causa de un cáncer fulminante. Admito que no tenía ni idea quien era Pina, por lo que quizás mi crítica sea más distante de lo que puede significar en la vida de alguien que conocía en detalle su trabajo y su aporte al mundo de la danza.
Para comenzar, lo 1ro que me atrajo muchísimo de este documental fueron las coreografías y puestas en escena que creaba Bausch, lo que fue muy buena señal, ya que me dio la pauta de que estaba asistiendo a la muestra de algo especial, artístico e interesante. La danza que diseñaba era salvaje, jugada, violenta, conceptual, pero sobre todo, tenía el sello de su locura y excentricidad, y eso siempre es digno de ver. Para hacer una película que funcione, debe estar construida sobre un base atractiva, sobre algo que de cierta manera "hipnotice", y la verdad es que a mí me pasó. Me vi fuertemente atraído a disfrutar del trabajo expuesto y en eso la responsabilidad es compartida entre la genialidad de Pina y la pericia de Wenders para captarla en cámara sobre escenarios outdoor en la Wuppertal donde vivió sus últimos días Pina.
Quizás el enfoque con el que se decidió mostrar la vida y personalidad de la coreógrafa es lo más pobre de la producción, debido a que en ningún momento se cuenta como vivió y que acontecimientos marcaron su vida, sino que se decide exhibir en cortos testimonios de los bailarines de su compañía (Tanztheater Wuppertal Pina Bausch), algunos aspectos sueltos sobre su labor como directora de danza y bailarina. Esta cuestión pone al espectador frente a un film que resulta más interesante desde lo visual, que en su historia y entramado.
Hay que ir con la idea de ver 106 minutos de danzas contemporáneas y algunos comentarios sueltos de la protagonista y sus bailarines. No hay una historia sórdida por detrás, ni lecciones morales, ni siquiera es sobre la vida de Bausch, sino que el documental muestra en una muy buena combinación de colores y danzas locas, la mente de una gran artista. Definitivamente no es un producto para todo el mundo, sino para aquellos que van buscando ver algo distinto a lo que solemos ver en la gran pantalla y están con ganas de deleitar la vista.

El Robot del Pueblo

Real Steel o Gigantes de Acero es una de esas películas que uno está esperando que sea una fallida movida hollywoodense, una cinta a la que prejuzgamos y de la que no esperamos nada más que efectos especiales y peleas CGI... pues NO. Me llevé una muuuy grata sorpresa cuando fui a verla al cine (sin muchas expectativas debo admitir) con mi novia y sus hermanos. La verdad es que me pareció increíblemente entretenida, con ese tipo de "halo" que se da cada tanto en estos tipos de películas puramente comerciales. Debería empezar a confiar más en las elecciones del gran Hugh Jackman, que algunas veces le ha pifiado como con el Bodrius Eternus "Van Helsing", pero que en general es muy cuidadoso para seleccionar sus proyectos, que en su mayoría han resultado ser de mi agrado.
La historia trata sobre el ex boxeador Charlie Kenton (Hugh Jackman), un tipo con una vida bastante desastrosa, que incluye un hijo sin reconocer, negación para comprometerse con nada ni nadie, ni siquiera con él mismo, y un pésimo talento en los negocios, lo que lo convierte en un tipo bastante buscado por sus acreedores. Para ganarse el día a día, está metido en el sub mundo del boxeo con robots, participando en ferias de mala muerte que lo único que hacen es traerle más gastos. Como para empeorar la cuestión, le notifican que su ex novia ha muerto y como único pariente directo de su hijo al que no ve hace 11 años, debe hacerse cargo de la tutela. Este nuevo acontecimiento lo llevará a descubrir un nuevo Charlie que deberá ganarse el afecto del pequeño Max, pasando por una serie de situaciones que resultarán divertidas y emocionantes para los espectadores. ¡A mi casi se me cae una lágrima de emoción!!... En un film de ROBOTS BOXEADORES... He allí el toque del productor Steven Spielberg que sabe de estas cosas, y mucho.
En 1er lugar, algo que me pudo de este film, fue que me llevó por 2 horitas a mi infancia, a esa inocencia de sorprenderme con los robots boxeadores que aparecían en pantalla dibujándome una sonrisa en la cara en más de una pelea. Los efectos están muy bien ejecutados, transmitiendo la personalidad de cada personaje robótico que aparecía... Noisy Boy, Atom, Midas, Zeus... me los acuerdo a todos y me quedó bien marcado sus sellos particulares.
En 2do lugar, la historia central no es la pelea de robots, sino las idas y vueltas de la relación entre Charlie y su hijo Max, una cuestión que hemos visto mil veces en el cine, pero que por la calidad de los 2 protagonistas, se torna realmente entretenida. Hugh Jackman ("El Gran Truco", "X-Men") cumple muy bien su rol, yendo del tipo duro y langa, al padre tierno con ganas de superarse, pero el que realmente se robó la película es el pequeño actor Dakota Goyo ("Thor", "Defendor"), interpretando a Max Kenton con una frescura y actitud que resulta irresistible. Evangeline Lilly ("Lost", "The Hurt Locker") tiene un papel bastante secundario, pero que suma lo suyo como pilar de apoyo del desbandado Charlie.
Para resumir, no hay nada nuevo o artístico en la trama de "Gigantes de Acero", pero está tan bien combinada en la acción, el "drama" padre/hijo, los efectos, el ritmo y el humor, que la convierten en un producto particularmente irresistible. Muy recomendable para aquellos que quieren hacer una pequeña regresión a la infancia sin morir del aburrimiento en el intento (como me pasó con Transformers).

Arte Visual y Reflexivo

The Tree of Life es la nueva película (ganadora de la Palma de Oro en Cannes 2011) del talentoso director Terrence Malick, un norteamericano cuya manera de filmar difiere totalmente de lo que uno se imaginaría de un típico director "yanqui". Para empezar, ¡una advertencia! Este film NO tiene una narración convencional, ni un hilo conductor delineado por donde el espectador recorrerá sin obstáculos la trama, sino todo lo contrario, lo pondrá en un ejercicio de reflexión (y paciencia) para absorber la visión experimental de Malick. Esto quiere decir, que el que va esperando ver un drama convencional con Brad Pitt, en el que el rubio debilidad de Hollywood derrocha carisma por todos los cuadros en lo que aparece, lamento comunicarle ¡que está yendo al muere! Lejos de ser una historia estándar, "El Árbol de la Vida" es un ensayo artístico, que puede o no gustarnos, pero que definitavamente no pasa desapercibido.
Podríamos decir que es lo más raro que ha puesto en pantalla el director de grandes films como "La Delgada Línea Roja" y "El Nuevo Mundo", como así también podríamos señalar que es el más controvertido, ya que gustará y disgustará apasionadamente a quienes concurran a verla.
Por mi parte, lo que 1ro que quiero remarcar y que realmente me maravilló, es la grandeza del director para captar la esencia y la belleza de las cosas que filma, ya sean personas, animales u objetos. Sabe exactamente como poner la cámara, como sacarle la mejor toma a algo tan simple como un vestido. Todo es pulcro y puro en las tomas de Malick. The Tree of Life tiene algunas de las imágenes más lindas que vi en el cine. Creo que nunca me las voy olvidar.
Por otra parte, la narración no tiene forma, o mejor dicho, tiene una forma que no estamos acostumbrados a ver, en la que la historia va y vuelve en el tiempo caprichosamente, en la que se plantean situaciones que jamás se retoman y en la que se resaltan gestos, sensaciones, que no responden a ninguna narrativa conductora. Esto resulta difícil de digerir para muchos, pero creo que la mayor dificultad no está centrada en este tema, sino en lo que plantea la cinta. Hay una reflexión claramente religiosa, que cada uno trabajará en la medida que tenga ganas. Habla del sentido de la vida, del amor, de Dios, de la familia, de la naturaleza, todo entrelazado en un uso conceptual que por momentos se pasa de rosca y hace que uno se pierda del concepto que tenía picando en la cabeza.
El resultado final es una experiencia cinematográfica distinta, artística y reflexiva, que puede fascinar o aburrir hasta el suicidio. A mí, me encantó.

La Cruda Mente

Vaquero es último trabajo como director y actor de Juan Minujín, joven argentino sobrino de la excéntrica artista plástica Marta Minujín, aunque el dato es sólo una curiosidad ya que Juan se abrió camino por su cuenta en el teatro y el cine independiente.
Puede que lo conozcan por su interpretación en la película del 2005 "Un Año Sin Amor" que cosechó premios en Berlín, Mar del Plata y Nueva York. Para los más comerciales, quizás lo hayan visto en "Zenitram", el film sobre un super héroe argentino.
En esta caso es realmente para resaltar los 2 roles que tuvo a cargo. En 1er lugar, su debut como director es muy bueno, ofreciendo un ensayo moderno, crudo y sincero de la frustración de un artista que busca triunfar en el mundo del cine, exhibiendo con audacia y humor (negro) la realidad del caretaje que se dinamiza en las relaciones interpersonales de un mundo con poco espacio para la autenticidad y la franqueza. ¡Ojo!, la culpa no es solo del "brillante" mundo del cine, sino que en esta ocasión se encuentra con una personalidad quebrada, resentida y vencida, que por algún dejo de soberbia no puede ver el pozo de barro en el que está nadando.
Los planos en las distintas situaciones que se suceden en Vaquero están filmados con mucho timing, sin desperdiciar ningún detalle de la interpretación gestual de los actores, captando los cambios de ánimo de manera espectacular. Cada vez que en la película se ponía a carburar el personaje principal (Julián - Juan Minujín), se me aceleraba la cabeza mal y me metía en ese momento de angustia con él, y eso para mí, conforma una muy buena experiencia cinélica. ¿Quien nunca se cebó carburando algo que le daba mucha bronca o envidia?
En 2do lugar, resalto la actuación, tanto de Minujín como la de los personajes secundarios que son bastante buenos. Leo Sbaraglia está muy bien en su rol de "winner" de la vida, Guillermo Arengo, Daniel Fanego y Pilar Gamboa aparecen en momentos específicos pero que marcan aspectos importantes de la frustración del protagonista, y finalmente Juan Minujín se come un papel que debería colocarlo en un lugar más visible de la escala de artistas argentinos.
Es sombría, es por momentos despiadada y no tiene final feliz, por lo que recomiendo tener cuidado cuando se decide ir a verla. Es drama y es comedia, o quizás se ríe para no llorar, pero definitivamente es una experiencia interesante.

Sangre, Pochoclo y Nachos con Queso

Vuelve "Conan: The Barbarian" a la gran pantalla de la mano del director Marcus Nispel, excéntrico alemán que estuvo a cargo de otras carnicerías varias como "La Matanza de Texas" y "Viernes 13". Menos conocido, pero importante para que fuera seleccionado para dirigir Conan, está su trabajo con "Pathfinder", film que cuenta la historia de un niño vikingo que es abandonado por su propia gente en una de las aldeas que saquearon, por lo cual el joven crece con esta nueva cultura y se convierte en su guardián, aún en contra de su propia naturaleza.
El film no fue bien recibido por la crítica debido a la historia y actuaciones que ofrecía, pero sí se podía evidenciar la experiencia y buen gusto en lo visual, en el armado de escenarios muy bien diseñados y en esos vikingos gigantes que intimidaban bastante.
En esta ocasión, nos trae el reboot del Conan de 1982 (protagonizado por Arnold Schwarzenegger), con una visión más moderna y con buenas intenciones en cuanto a la creación de un mundo mágico de guerreros y hechiceros, cuestión que por momentos parece funcionar, pero por otros se pierde en una trama media pobre y en una fantasía que da la sensación de no haber sido explotada en su totalidad.
El anti héroe es ahora interpretado por Jason Momoa, difícil elección, que por lo menos a mí, me costó asimilar. Recordemos que Momoa viene de hacer papeles insignificantes como chico lindo en películas de mala muerte como "Vacaciones en Familia", o también se lo puede encontrar en los viejos capítulos de Bay Watch. El curriculum de este actor me mal predispuso, no lo voy a negar, pero cuando terminé de ver la peli no me quedó ese gusto amargo de ver un personaje arruinado por quien lo interpreta, sino que, me pareció que sin ser una cosa de locos, el tipo cumplió bastante bien con su labor de guerrero duro y sanguinario. Completan el cast Stephen Lang (el coronel malo de Avatar) como Khalar Zym, Rachel Nichols (G.I. Joe, Star Trek) como Tamara, el gran Ron Perlman (Hellboy) es el padre de Conan y Rose McGowan (Planet Terror, Charmed) como la malvada hechicera Marique.
Es un film pochoclero de acá a la China y hay que verla con esos ojos, teniendo en cuenta que es un entretenimiento de acción y aventura donde va a haber muchas piñas y poca reflexión, mucho efecto visual y no tanta actuación brillante.
Creo que no es el comienzo más picante para la nueva franquicia, pero tampoco es el peor, ya que logra entretener en sus 113 minutos de duración y darnos una buena dosis de puños y sangre, nada más que eso.
Si sos de los que odian los filmes de fantasía y acción descontrolada, ni te gastes en ir a ver Conan porque de seguro no la vas a pasar bien. Si te gusta de vez en cuando disfrutar de un entretenimiento pochoclero hollywoodense al estilo "Príncipe de Persia" o "Rápido y Furioso", seguro pasas un buen momento y salís con ganas de clavarle una espada a alguien.

El Guardián del Zoológico es la última comedia de Kevin James, el gordito divertido de "Yo los declaro Marido y Larry" y "Hitch, especialista en seducción", que debo decir es un moco total y carece de inteligencia humorística casi en el 100% de la duración total del film. Creo que hay 2, a lo sumo 3 momentos realmente divertidos en toda la película a cargo de James y eso es todo. Los animales de este Zoo, son de los más aburridos y cursis que he visto de todas los animales parlantes que han tenido lugar en la gran pantalla... y eso que no han sido pocos, basta con recordar las insufribles Dr. Doolittle 1, 2, 3, 4 y ¡¡5!!... sí sí, 5 películas sacaron de ese fiasco.
Para empezar, el animal con más protagonismo en Zookeeper, es un gorila escenero y cursi que está triste todo el tiempo, por otro lado está el elefante que es realmente insoportable, en especial la voz que se encargó de darle Judd Apatow, y luego viene una fila de bichos (con voces de Sylvester Stallone, Nick Nolte, Adam Sandler, Maya Rudolph, Jon Favreau y Cher) con bajo carisma que aparecen bastante poco a lo largo del metraje y que no aportan casi nada en lo cómico.
La historia es trilladísima, mostrándonos a un tipo enamorado de una linda chica con poco cerebro que no lo acepta como es y quiere cambiarlo para que sea digno de estar con ella, mientras frente a sus narices, nuestro protagonista tiene al verdadero amor de su vida (Rosario Dawson), que por ser una compañera de trabajo y amiga, no entraba en la categoría de posibilidades románticas. Los animales del Zoo intentarán ayudar a Griffin (Kevin James) elaborando un plan para recuperar a su Ex (Leslie Bibb), cuestión que obviamente no saldrá como lo tenían planeado y que supuestamente derivará en una serie de situaciones graciosas (que en realidad brillaron por su ausencia).
Dirige Frank Coraci, un tipo que en el pasado nos entregó algunos bodrios como "El Aguador" con Adam Sandler, o "La Vuelta al Mundo en 80 Días" con Jackie Chan, por lo que, si tuvieron la mala suerte de ver estos films, se darán cuenta del tipo de humor que le gusta ofrecer en pantalla. Para rescatar de su trabajo en el campo de la comedia podemos acordarnos de "El Cantante de Bodas", también con Adam Sandler, aunque tampoco es una perlita regia del género.
Para redondear, creo que ni los niños se van a divertir mucho con esta película, que carece de algún tipo de inteligencia narrativa para atraer a los adultos y que es lo suficientemente insulsa como para embolar a los más pequeños.

Cursilería Acuática

Dolphin Tale es un largometraje familiar de bajo presupuesto (37 Millones se considera un gasto bajo para un film de este tipo) que lamentablemente se percibe como tal, produciendo esa sensación de estar viendo una de esas pelis para la TV que pasan en Disney Channel a las 15 hs de un jueves, cuando no hay nadie viendo, como para rellenar la programación.
Quizás soy un poco duro, pero la verdad es que me aburrí bastante con Winter (pobre, el animalito no tiene la culpa) y hasta hubo momentos en que me sentí empalagado de tanta cursilería berreta.
Dirige el californiano Charles Martin Smith (¿alguien conoce un nombre más yanqui que ese? jaja) que anteriormente estuvo a cargo de algunas basuras como "Air Bud" y "Comando de Alto Riesgo". La verdad es que ha tenido mucha más suerte en su carrera como actor, ya que según IMDB, participó en 84 títulos que incluyen a "Los Intocables", "Los Lobos No Lloran" y varias series conocidas de TV. Como director de cine... parece gustar de este tipo de historias sentimentalonas que resultan ser un bodrio tanto para los adultos como para los niños.
Protagonizan el film, una nena y un nene de unos 10 años que se hacen amigos e impulsan toda una movida para salvarle la vida a Winter, un delfín que perdió gran parte de su cola al quedar atrapado en redes de pescadores. Con la ayuda de algunos doctores y sus familias, consiguen que se fabrique una prótesis especial para que Winter pueda seguir nadando y no pierda su vida. Eso es todo... entiendo que la historia real es algo peculiar y esperanzadora, pero no creo que eso baste para hacer un película de 113 minutos... con un buen video motivador de 10 minutos viralizado en You Tube habría bastado para hacer conocida la historia a nivel mundial y no matar del embole al espectador que paga una entrada al cine.
Otro problema que presenta esta cinta familiar, es la interpretación de los 2 niños protagonistas, que tienen muy poco carisma y son de lo más cursi que he visto en años. Esto seguramente es culpa del director que parece no saber en que tiempos vivimos, y que los niños de ahora son muchos más despiertos y picantes que el estereotipo que decidió poner en pantalla. Participan también los actores Morgan Freeman (Dr. McCarthy), Ashley Judd (Lorraine Nelson) y Harry Connick Jr. (Dr. Clay), 3 famosos veteranos del cine que quedan deslucidos y desaprovechados.
Hay muchos aspectos flojos para resaltar, pero me parece que ya dejé más o menos clara la idea. Es cursi, es aburrida, todos son divinos y se quieren un montón... quizás en otro mundo funcionaría una película así, pero en el nuestro, ver este tipo de historias sin nudos o tramas turbulentas, resulta bastante tedioso e insoportable.

Los Celos son Divertidos

Bridesmaids es la nueva comedia de los productores que nos trajeron "Virgen a los 40" y "Ligeramente Embarazada", con el director y actor Paul Feig a la cabeza de este proyecto en el que claramente se puede ver la influencia del humor bizarro de aquellas películas y el estilo Saturday Night Live. Feig ha estado a cargo de la dirección de capítulos de series para la TV con un humor ácido y desopilante como "The Office", "Arrested Development" y "Nurse Jackie", lo que se trasluce en momentos de comicidad realmente espectaculares.
La historia se centra en la vida de Annie, una mujer madura que por algunos reveses de la vida, se ha convertido en un desastre andante, lo que empeora al enterarse que su mejor amiga va a casarse. En un intento desesperado por demostrar que no ha tocado fondo y que puede ser la mejor madrina de bodas del mundo, se ve envuelta en situaciones realmente absurdas pero divertidas, a las que arrastrará a las demás damas de honor, cuyas personalidades son bastantes particulares también.
Protagonizan el film la actriz formada en SNL y recientemente vista en la cinta "Paul" Kristen Wiig (Annie), la también SNL Maya Rudolph (Lillian, la que se casa), Rose Byrne (Helen, la nueva mejor amiga), Wendi McLendon-Covey (Rita, ama de casa desesperada), Ellie Kemper (Becca, la tierna) y Melissa McCarthy (Megan, la gordita machona y ordinaria).
A decir verdad, esperaba mucho menos de "Damas en Guerra" que pensé sería otro subproducto fallido del humor SNL (Saturday Night Live), pero sorpresivamente la pasé muy bien y me reí bastante, sobre todo con la protagonista Kristen Wiig que se come la película. Hasta me animo a decir que es la nueva Gran Comediante de la pantalla cinéfila, que de seguro será tentada para aparecer un muchas comedias más.
La historia no es de lo más original y la trama no es una locura, pero utiliza un humor que camina por la cornisa de lo ordinario sin caerse nunca de ella, lo que la hace muy atractiva. A diferencia de películas como "Pase Libre" donde se utiliza un humor de mal gusto, este film logra equilibrar muy bien lo safado para nunca irse hacia el extremo de lo asqueroso.
Trata los celos en la amistad vista con una mirada muy divertida, y también ofrece una pequeña historia de amor para los más romanticones.
No es un humor para todo el mundo, pero si la acidez y el humor físico te entretienen, "Damas en Guerra" te va a gustar mucho. Tiene la característica de ser políticamente incorrecta y bizarra, pero siempre con "buena leche", muy al estilo "Virgen a los 40".

Debería haberse quedado así...

Abduction o Identidad Secreta, es una pifia del cine de esas que dan un poco de vergüencita ajena y lástima a la vez, sobre todo por un tipo que había demostrado tener talento en el mundo del cine... estoy hablando por supuesto del director John Singleton y no del protagonista Taylor Lautner que en breve recibirá lo suyo. Singleton es un conocido director que comenzó con películas sobre gangsters, que por su color de piel y raíces retrató en sus films la dura vida de los afroamericanos en los barrios de mala muerte de Estados Unidos. Luego, con los buenos resultados de taquilla de películas reconocidas como "Más Rápido, Más Furioso" o "Cuatro Hermanos" le dieron la oportunidad de dirigir esta nueva saga comercial... definitivamente debería haber declinado la oferta. Identidad Secreta es una copia ordinaria, infantil y descerebrada de "The Bourne Identity", que no sólo no aporta nada nuevo al género, sino que lo perjudica gravemente al proponer como nuevo héroe de acción al morocho cara de bebé Taylor Lautner, que tiene serios problemas de actuación y un perfil de tipo rudo menos creíble que la hombría de Ricardo Fort. Eso sí... verán cuadros creados especialmente para mostrar su dotes físicos... no me extrañaría que en la secuela (sí, sí! ya está anunciada la continuación de este bodrio) aparezca más ligerito de ropa como gancho publicitario para las chichis. Creo que Lautner debería trabajar más en su actuación, tomar más clases interpretativas y aflojarle un poco al gym, o tal vez podría seleccionar papeles en comedias románticas que de seguro le cuadrarían mucho mejor y haría más felices a sus seguidoras.
Hay algunas escenas realmente vergonzosas, como por ejemplo una de las finales donde se lo felicita por su labor ¿? (pasa de ser un pibe normal a un espía con conocimientos extraordinarios en 10 minutos)... donde se le dice que es "un amigo de la casa", refiriéndose a la CÍA como su Hogar... un verdadero asco propagandístico. Los momentos de acción inclusive son bastante desabridos e infantiles, donde se cuida de que no sean tan fuertes o violentos como para que una chica de 12 años puede ir a ver a su hombre lobo favorito al cine.
Como suele pasar con estos films, se contratan a actores secundarios de renombre para levantarle el nivel a la producción, pero en esta ocasión ni Sigourney Weaver, María Bello, Alfred Molina o Michael Nyqvist pueden salvarla de la catarata de malas críticas. Salvo que estés perdidamente enamorad@ de Taylor Lautner, no pierdas tu tiempo y tu dinero.

Amor con gusto a poco

Juan y Eva es una película revisionista que elabora la directora Paula de Luque acerca del nacimiento de la relación entre Juan Domingo Perón y Eva Duarte. La narración tiene un claro sello de homenaje, que más allá del esfuerzo, muestra un montón de cuestiones de personalidad que son poco apreciables y queribles en sus 2 protagonistas. Aclaro que no soy partidario de ningún movimiento político y no entiendo la fascinación de mucha gente con estos dos personajes históricos, o mejor dicho, la entiendo pero no la comparto. Creo que sin querer, Luque pone en pantalla a un Juan y una Eva con defectos y virtudes bien humanas, que en mi caso provocó más rechazo que enamoramiento de los personajes, y creo que esa no era la idea inicial de la directora. Sea como sea, en la puesta en escena de estas dos personalidades, creo que hay un trabajo honesto más allá de la reacción final que suscite en cada espectador y eso siempre es bueno, aún siendo un acto involuntario.
Como historia de amor... no me convenció del todo. Hay un juego constante entre la relación de Perón y Evita, y los hechos históricos que marcaron el nacimiento del Peronismo que se termina inclinando hacia este último lado. La película se vende como una gran historia de amor, pero en realidad esa parte de la narración se muestra fragmentada e insuficiente más allá de una o dos escenas que logran captar la pasión entre los dos protagonistas. Hay un poco de sexo entre los próceres, algunas peleas apasionadas y una que otra secuencia tierna entre los dos, nada más que eso.
Creo que la mayor falencia fue no decidirse del todo por la historia de amor, debido a que al querer resaltar la parte histórica, pierde fuerza y no logra lucirse en la primera dimensión. Ciertamente, tampoco se luce en la parte histórica más allá de algunas imágenes de archivo.
Los actores Osmar Núñez (Juan) y Julieta Díaz (Eva) están muy bien en sus roles al igual que el reparto secundario que incluye nombres como Fernán Mirás, Alfredo Casero y María Ucedo.
Para redondear, creo que como historia de amor es insuficiente, por lo que aquellos que vayan esperando conocer más en profundidad sobre este tema no saldrán satisfechos. Quizás para aquellos que tienen un gran afecto por la figura de estas dos personalidades argentinas en cuanto a su forma de ser resulte interesante y les aporte algo nuevo. A mí me quedó gusto a poco.

La Banda está "Alive"

PJ 20 o Pearl Jam Twenty es un muy buen pantallazo de la historia de una de las bandas de rock más grosa de todos los tiempos. El documental está dirigido por el gran Cameron Crowe, escritor y director talentoso responsable de algunos films como "Almost Famous" (Kate Hudson, Billy Crudup), "Jerry Maguire" (Tom Cruise) y "Elizabethtown" (Kirsten Dunst, Orlando Bloom).
Para empezar, es una buena historia ya sea uno fan o no de Pearl Jam, sirve para conocer cómo se formó la banda, quienes la conformaron y que hechos los llevaron a ser lo que representan hoy en día para muchas generaciones del rock. Quizás el problema en este sentido sea que no se profundiza mucho en detalles que podrían haber sido interesantes para los espectadores, limitándose más a lo descriptivo de los acontecimientos y al endiose de los miembros de Pearl Jam. Poco se amplia sobre los conflictos internos (diferencias entre los miembros) y externos (de credibilidad como representantes originales del Grunge), aunque es entendible para que el producto final no sea de 3 horas de duración.
Se puede ver el comportamiento rockero de la banda y las demás bandas de la escena, se puede apreciar el talento musical que tiene como materia prima la ciudad de Seattle y también se puede conocer más de ese especímen tan raro y genial que es Eddie Vedder.
Crowe claramente hace un tributo a la música, 1er amor que lo llevó a estar cerca de leyendas del rock como Bob Dylan, Neil Young, David Bowie y por supuesto Eddie. El tipo está en su salsa y muy cómodo en este tipo de documentales, ofreciendo material interesante e inédito que está editado de manera muy inteligente y atractivo, evitando que el público se aburra.
Una propuesta que llega en un buen momento, en el que se está experimentando un auge a nivel documental y de recitales en vivo impulsado por el 3D con propuestas como Pina, Carmen, Phil Collins, Glee y más. Aunque este producto no está en esta ola del 3D (cosa que agradezco), conforma una perlita documental del rock que un fan de Pearl Jam y la música no debería desestimar.

Enemigo en Casa

The Resident es un thriller de esos del montón, que se podría decir que está de la media para abajo, previsible y con poco suspenso verdadero. Hilary Swank (ganadora de 2 Oscars, uno por "Million Dolar Baby" y el otro por "Los Chicos No Lloran") pifia una vez más con la elección de un film, en una carrera que ha tenido muchos más éxitos que fracasos, pero que de vez en cuando se tropieza con algunas piedras en el camino, algunas más grandes como "Prueba de Fe" y "El Núcleo", y otras de mediano tamaño como es el caso de esta película.
Dirige en esta ocasión, el finlandés Antti Jokinen, conocido director de videos musicales para bandas como Nightwish, pero que en el campo de los largometrajes está debutando (y no de la mejor manera). Nos trae una historia simple, una mujer sola, separada, se muda a un departamento para comenzar otra vez, respirar nuevos aires. Conoce a Max (Jeffrey Dean Morgan), un soltero fachero que le alquila un piso espectacular a un precio ridículamente barato... o eso es lo que ella creía, ya que con el pasar de los días se dará cuenta que su nuevo vecino y pretendiente, tiene algunos problemitas de voyeurismo y psicosis que la harán arrepentirse de haberlo alquilado. Y lamentablemente... eso es todo. No hay giros extraños, no hay una trama creativa o una historia con picante y no hay verdadero suspenso.
El reconocido actor Christopher Lee (Saruman en "El Señor de los Anillos", Conde Dooku en la última trilogía de Star Wars) tiene un pequeño papel que parece le va a levantar el suspenso a la cinta, pero se lo desaprovecha y sólo se lo hace hablar en 2 escenas muy cortas. (Nota al margen: Lo vi muy viejito en este film... con sus 89 años en sus trabajos anteriores no se le notaban tanto.)
Algo positivo puede ser la forma de retratar al obsesivo Max, con algunas escenas donde realmente se puede apreciar la pateticidad del personaje y hacer que uno se sienta un poquito incómodo con lo pirado que está. También está el tema del voyeurismo y la fijación enfermiza con una persona, comportamientos que resultan, por momentos, interesantes de ver en el cine y creo que Jeffrey Dean Morgan lo encarnó bastante bien. Pero como expliqué anteriormente, el problema principal es la trama, que a medida que va avanzando la película, se pone cada vez más chata y aburrida.
En conclusión, creo habrá gente que se entretenga con "Invasión a la Privacidad", pero no será la mayoría. La lentitud en ciertos momentos, más los escenarios por demás oscuros y la pobre creatividad tienen la culpa de que este film pasa sin pena, y definitivamente sin gloria.

Fumanchi E.T.

Paul es un film de Ciencia Ficción/Comedia que devuelve a la pantalla a la dupla cómica británica de Simon Pegg y Nick Frost, vistos anteriormente en otros productos similares donde se combina la ciencia ficción con la burla y el humor nerd como "Shaun of the Dead" (película de zombies increíblemente estúpidos) y "Hot Fuzz" (donde los increíblemente estúpidos son ellos dos).
Debo admitir que no soy para nada fan de esta dupla cómica del cine, que me parece hacen un tipo humor irritante que mezcla moralismos con lo políticamente incorrecto en tono burlón. Quizás en "Shaun of the Dead" me simpatizaban un poco más, pero para mí ya han dejado demostrado que no tienen mucha capacidad de reinventarse a sí mismos y van siempre sobre la misma línea.
En esta historia vuelven bajo el mando de Greg Mottola, que dirigió anteriormente películas juveniles como "Superbad" y "Adventureland", que en mi opinión son bastante superiores a este último trabajo que parece ser la versión marihuanera del clásico de los '80 de Steven Spielberg, E.T. En esta historia, dos nerds fanáticos de la ciencia ficción viajan a Estados Unidos para asistir al mundialmente conocido Comic-Con, un evento anual donde se expone lo mejor del género fantástico mundial. En su viaje, sufrirán un accidente que derivará en un encuentro con un marciano poco convencional llamado Paul (con la voz de Seth Rogen). El alien ha estado viviendo varios años en el Área 51 asesorando a la NASA luego de que su nave espacial de reconocimiento se estrellara, pero últimamente notó que su ayuda ya no estaba siendo valorada como antes, por lo que decide escaparse para tratar de volver con su gente antes de que sea demasiado tarde.
El marcianito fuma, cigarrillos y marihuana, es medio exhibicionista, le encanta decir malas palabras y a la vez tiene un buen corazón, y la verdad es que es muy simpático, pero no hay mucho que más que resaltar sobre este film. Hay algunas participaciones de actores conocidos como Sigourney Weaver, Blythe Danner y Jason Bateman que parecen ser sólo compromisos comerciales con el estudio, que están de relleno y a los cuales no les sienta para nada bien el rol que se les dio. La dupla protagonista me parece que tiene un estilo bien definido, que al espectador le puede gustar o no, y como dije anteriormente soy claramente del 2do grupo.
Si te gusta el humor al estilo Seth Rogen ("Ligeramente Embarazada", "Superfumados"), o viste los trabajos anteriores de la dupla protagonista, seguramente disfrutes esta película, pero si no sos simpatizante de estos actores, abstenete porque seguro te vas decepcionado del cine.

Reciclado Ochentero

Fright Night o Noche de Miedo en su título latino, es una remake de la película de 1985 que lleva el mismo nombre y que tuvo bastante éxito al combinar los géneros de Terror y Comedia en una misma historia. En 2011 vuelve renovada de la mano del director Craig Gillespie, cuyos trabajos anteriores en la gran pantalla no han sido de lo más destacable, como es el caso de "Mr. Woodcock". En esta ocasión creo que hace un buen trabajo al actualizar esta historia ochentosa, reuniendo un cast interesante y dándole un toque de acidez a la comedia. De manera muy inteligente, los estudios DreamWorks recuperan este clásico, justo en un momento en que los vampiros están super de moda, basta con sólo mirar el fenómeno "Crepúsculo", que estrenará su capítulo final a fines de 2011, divido en 2 partes para generar más expectativa comercial, o las nuevas series vampíricas como True Blood (premiada serie de la pantalla chica) y The Vampire Diaries.
Lo interesante u original que plantea este film es el mix de comedia y terror, que resulta muy atractivo para algunos espectadores, aunque para otros no les será fácil conciliar los 2 géneros. El que va esperando una película de terror puro... puede que se decepcione, ya que claramente los momentos de miedo no son los elementos más importantes de la cinta, sino que se configuran como accesorios a una historia más encasillada en el género Aventura.
Los actores están muy bien, resaltando la presencia de Colin Farrell como el vampiro Jerry que es de lo mejor del film, lejos. Por otro lado están el joven Anton Yelchin (Star Trek, The Beaver) como Charly Brewster, ¿acaso el relevo de Shia LeBouf?, la veterana Toni Collette (Sexto Sentido, Pequeña Miss Sunshine) como la madre de Charly, David Tennant (Dr. Who, Barty Crouch en Harry Potter y el Cáliz del Fuego) es Peter Vincent, el excéntrico experto en vampiros e Imogen Poots (Jane Eyre) como la novia sexy de Charly.
Para redondear, no es una película para todo el mundo, ya que trata sobre vampiros, esas criaturas de la ciencia ficción tan gastadas últimamente, y además porque es una remake de una peli de hace casi 30 años, por lo que puede haber elementos que en esa época funcionaban pero que no sean eficaces en estos tiempos. A los que vieron la original y les gustó, se llevarán una grata sorpresa con esta, al igual que aquellos que aman los vampiros y disfrutan de los mixes de género como entretenimiento pochoclero.

Dios obra de maneras misteriosas

Habemus Papa es una comedia del director y actor italiano Nanni Moretti, un tipo que ganó la Palma de Oro en 2001 con su película "La Habitación del Hijo", que por cierto es muy recomendable. Hay algo en los films de Moretti que hace que uno les tenga una gran simpatía... creo que su mayor virtud pasa por la composición de personajes humanos (realmente humanos) que terminan comprando a la audiencia. En este caso, nos trae la historia del cardenal Melville, interpretado por un Michel Piccoli fantástico, magistral, que contra todo pronóstico es seleccionado por el cónclave (y por lo tanto por Dios) para ser el nuevo Papa de la Iglesia Católica. Minutos antes de asomarse a la famosa ventana de San Pedro desde donde el Papa da sus bendiciones, entra en un estado completo de pánico que lo paraliza y lleva a repensar su capacidad como cabeza de la Iglesia, situación que paseará al espectador por un camino que ofrece escenas divertidas, pero que también lo hará reflexionar sobre ciertas cuestiones de la religión católica.
En mi opinión se satirizaron un poco de más al Vaticano, las personalidades de los cardenales y los procesos de elección del Papa, lo cual está muy bien ya que es una comedia, pero por el otro lado, cuando la satirización es por momentos tendenciosa, se pierde un poco esa simpatía que se había instalado en un principio. Esto quiere decir, que sin saber cuál es la verdadera esencia de los rituales, se ponen en pantalla caracterizaciones que el público, a veces, toma como ciertas cuando en realidad son parte de la visión del director. ¿Es controversial la historia?, creo que sólo para aquellos católicos extremadamente conservadores que no admiten ningún punto de vista diferente, ni siquiera cuando es con respeto. ¿Donde está la parte difícil de digerir?, en exponer que el sumo pontífice es un hombre que puede tener miedos y dudas, que puede no aceptar esa misión que la Iglesia, representada en el cónclave, le encomienda. La crítica pasa por darle carácter divino a las decisiones que toma la cúpula católica, que se suponen vienen del mismísimo Dios, y si no se cumplen, o no son aceptadas en este caso, crean gran confusión y decepción, cuando en realidad debería entenderse que Dios no siempre obra como tenemos diagramado en nuestros planes. A veces se usa el nombre de Dios para justificar decisiones que son meramente humanas. Habemus Papa es lo que pasa cuando sale el tiro por la culata.
Es disfrutable, por momentos divertida y para reflexionar. Muy recomendable.

Lunática Blair Witch

Apollo 18 cuenta, en formato de documental, la supuesta historia de porque el Hombre nunca volvió a la luna luego del Apollo 17. La premisa ya daba mala espina... Otra historia de los Apollos, pero esta vez con una cruza de "La Cara del Terror" (donde Johnny Depp hacia de astronauta poseído por extraterrestres) y "The Blair Witch Project" (por el formato de filmación) que no le sentó para nada bien.
Dirigió el film, el director español Gonzalo López Gallego que tiene en su haber algunas buenas películas como "Sobre el Arco Iris" o "El Rey de la Montaña" (en la cual dirigió al argentino Leonardo Sbaraglia), y también alguna media mala como "Nómadas". En esta ocasión se metió en algo más comercial, que seguramente no quedará en el recuerdo de sus mejores trabajos, ya que se puso a contar una historia yanqui hasta la médula, tratando de imprimirle una personalidad más independiente, cuestión que resultó finalmente en un film irritante y con pocos momentos para rescatar. Algunos de los buenos momentos tienen que ver con la sugestión utilizada en la técnica de filmación a lo "Blair Witch", donde lo que no se ve provoca más tensión que lo que sí se muestra. Por otro lado, exageraron con el uso de interferencias visuales de cámara, lo mismo que con el sonido que mezclaba a una especie de tipo gritando con un velociraptor en celo, situación que resultaba bastante cansadora. Era tal el caos que generaban las supuestas fallas de cámara (sí, sí, supuestas porque se quizo vender que la grabación ¡era real!) y los sonidos raros, que te perdías y no sabías que estaba pasando, de hecho nunca me pude aprender el nombre de 2 de sus personajes, ¡y eso que solo eran 3!. Nunca se le da tiempo al espectador para simpatizar con los astronautas, por lo que, cuando son atacados, uno sólo espera que se mueran rápido para ver si mas adelante pasa algo más interesante.
Creo que la intención fue buena, pero lamentablemente el resultado no coincidió con el objetivo planteado de asustar y mantener al público adrenalizado. Se preocuparon más por la técnica de filmación que por la trama, resultando un film raro que no vale la pena recomendar.

Éxtasis 3.0

Limitless es la última producción de Neil Burger, conocido por haber dirigido una película que ya se puede decir es un clásico como "El Ilusionista", con Edward Norton en el rol protagónico. En esta ocasión trae una historia con una premisa tan absurda como increíblemente afrodisíaca, en la cual Eddie (Bradley Cooper), un escritor fracasado y sin ganas de vivir se encuentra por accidente con un ex cuñado, un tipo de la noche que trafica drogas y de malas juntas que le ofrecerá una pastilla que le hará vivir lo mejor y lo peor de su vida. ¿Una pastilla que te hace increíblemente inteligente? Así es, ese es el planteo de un thriller que logra superar una idea que resulta a 1ra vista irracional e infantil, para poner en pantalla buen entretenimiento.
Acompañan el protagonista y estrella ascendente Bradley Cooper, la Sweet Pea de Sucker Punch Abbie Cornish, como la ex novia de Eddie, y para completar el trío, Robert De Niro, que por estos días se le anima a todo tipo de género que ofrezca el séptimo arte, en esta ocasión interpretando a un magnate de los negocios que contratará a Eddie para acrecentar sus arcas. Como se imaginarán, las cosas no resultan tan bien para el protagonista, que deberá luchar contra los efectos secundarios de la droga y contra el tiempo, para buscar la manera de cumplir con todos los compromisos que se le encomendaron y salir con vida.
Creo que de manera creativa se plantea un film entretenido, con muy buen ritmo y que trabaja una cuestión muy atractiva para las personas como el poder de hacer todo lo que deseemos sin esforzarnos demasiado para conseguirlo... ¿A quien no le gustaría poder aprender un idioma en un par de días? ¿o leerse 4 o 5 libros por día sin el más mínimo esfuerzo? ¿Saber que decirle a una chica en el momento adecuado?. Todo eso y más en 105 minutos que están concebidos para entretener sin tener que poner mucho análisis o reflexión. Resalta la labor de Cooper en el rol protagónico, mientras que la de De Niro pasa media desapercibida, al igual que la de Cornish.
Otra película que sin ser extraordinaria, cumple con su objetivo, que no es ni más ni menos que hacer pasar un buen rato al espectador, descomprimiendo el cerebro y brindando algunas escenas de acción y suspenso que nos hagan olvidar un ratito de la vida cotidiana, y podamos ser ese tipo que en un abrir y cerrar de ojos sabe hablar Italiano o pelear Kung Fu como Neo en Matrix, que con una enchufada de cable en la cabeza aprendía las técnicas de pelea más mortíferas que existen.
Disfrutable y vertiginosa.

Química Mejorada

Friends with Benefits es una "nueva" comedia romántica protagonizada por el ascendente Justin Timberlake y la fabulosa Mila Kunis, y escribo "nueva" entre comillas porque hace sólo unos meses atrás se estrenó un película muy parecida a esta, "Amigos con Derechos", con la misma temática y un desenlace parecido, pero protagonizada por Natalie Portman y Ashton Kutcher. La verdad que es una lástima que se haya estrenado después de aquella, porque considero que esta peli es ampliamente superior, más divertida, más provocativa y más sexy... pero lamentablemente, tiene la mala suerte de haber sido primereada por "Amigos con Derechos", que sin ser picante o un moco (ni fu, ni fa) atrajo a un buen número de espectadores y trabajó la amistad con derecho a roce ANTES, y el timing es una cuestión bastante importante en cine. Quien no es muy fan de las comedias románticas y ya vio la puesta de Portman y Kutcher, no querrá ver esta, porque seguramente no quiere repetir 1 hora y 40 minutos de una situación que ya conoce, o la considerará una copia de aquella otra.
En esta ocasión dirige Will Gluck, un tipo que hasta el momento ha tenido a su cargo la dirección de comedias Teens como "Easy A" y "Fired Up!", ambas con protagonistas que van ascendiendo entre los adolescentes como Emma Stone, Amanda Bynes y Nicholas D'Agosto. En Amigos con Beneficios vuelve con una fórmula soñada para los teens y que desplegó una muy buena química en la gran pantalla, presentando un Justin Timberlake con mucho más training interpretativo y una Mila Kunis super atractiva y con bastante cancha en el plano cómico.
Sin mucho más para agregar, una película entretenida, con algunos momentos bien divertidos y sexies, con una Nueva York muy hip y urbana de fondo. Si te gustan mucho las comedias románticas y te gustó "Amigos con Derechos", a esta la vas a disfrutar más, con un toque de acidez que quizás a la 1ra le faltó. Buen reparto secundario, sobre todo Woody Harrelson (que está bastante divertido) y Patricia Clarkson.

Caótico Divertimento

Mi Primera Boda es una comedia romántica argentina que está siendo promocionada como "La Comedia del Año"... ¿no será mucho?. Debo admitir que me reí con esta última película de Ariel Winograd, pero ya que la promocionen como lo más divertido del año... me suena a demasiado, sobre todo teniendo en cuenta que "Un Cuento Chino" es menos comedia que esta, pero es más graciosa en su resultado final.
La historia nos trae el inminente casamiento entre Leonora Bellami y Adrián Hershell, interpretados por Natalia Oreiro y Daniel Hendler. Ella viene de la TV y algunos mocos cinematográficos como "Miss Tacuarembó" y "Francia", aunque sorpresivamente ha logrado un cierto status de artista consagrada en la Argentina en los últimos años... ¿su relación con Moyo?... quizás... De repente es como la diva cool de nuestro país. Hendler viene del cine independiente y formó parte de películas que han cosechado premios y elogios mundialmente como "El Abrazo Partido" y "Fase 7", pasando a ser mucho más conocido en el circuito comercial en los últimos tiempos. Tan rara como es la combinación, resulta ser la química de ambos en pantalla, aunque (también sorpresivamente) el saldo termina siendo positivo.
Alrededor de los 2 protagonistas, orbita un grupo de actores que incluye a Soledad Silveyra, Imanol Arias, Martín Piroyansky (¡me mata la cara de boludo de Piroyansky! jaja. Va con buena onda), Muriel Santa Ana, Pepe Soriano, Gabriela Acher, Daniel Rabinovich y Marcos Mundstock entre otros, conformando un cast interesante que cumple muy bien con su rol cómico. Justamente el principal problema del film no es su cast, sino su trama, que transita la ruta de lo convencional cuando en realidad parece que su intención era otra. Hay mucho humor ácido, por supuesto... hay algunas situaciones locas para la típica comedia argentina... también, pero en la cuota de comedia de autor que percibo se le quiso dar, comete el error de querer agradar a la mayoría de las audiencias cayendo en situaciones comunes y desenlaces previsibles.
Es una linda película para pasar el rato. Eso sí... si nos sos muy afín a la comedia argentina y no te la bancas a la Oreiro, mejor salteate esta.

La Privatización de la Libertad

The Whistleblower o La Verdad Oculta es un thriller político basado en hechos reales, que descubre las grandes redes de trata de personas en las que están involucrados hasta los organismos, que se suponen, deben velar por la integridad de los seres humanos.
Lamentablemente esta película tuvo un paso fugaz por las carteleras argentinas, pero eso no es casualidad, ya que a nivel mundial también tuvo una distribución muy limitada... ¿alguna mano negra por detrás? no lo sabremos nunca. La cuestión es que de una manera bastante dura se pone en pantalla esta realidad que nos atañe a todos, que a priori uno ve con ojos de espectador, cuando en realidad somos protagonistas y cómplices de esa situación de esclavitud sexual. Creo que esto es lo que más me incomodó de ver este film, aunque también produjo en mi persona esa necesidad de ser parte de esta denuncia que es un "secreto a voces".
La trata de personas no sucede sólo en Bosnia, o los países del este europeo... sucede acá la vuelta, delante de nuestras narices. Todos conocemos donde están los prostíbulos, muchos conocemos gente que consume sus servicios, e incluso hasta sabemos cuales son las zonas donde más se secuestran jóvenes para ser vendidas como esclavas sexuales. La cosa está es ponerle un freno a este infierno que pensamos que no nos toca, que nunca nos puede pasar.
Hecha la denuncia política, paso al film, que me pareció en 1er lugar que conjuga muy bien la historia dramática con el thriller de calidad, ofreciendo una actuación de la protagonista Rachel Weisz, que junto con la labor del cast de reparto, convierten a esta cinta en 112 minutos de disfrute cinematográfico. Participan en la historia artistas de la talla como la inglesa Vanessa Redgrave ("Venus", "Misión Imposible"), David Strathairn ("L.A. Confidencial", "Good Night and Good Luck") y Mónica Bellucci (Irreversible, Malena), conformando un equipo de talentos que le da seriedad y credibilidad a la película.
La temática es super actual, el suspenso y la tensión que le imprime la directora debutante Larysa Kondracki es impecable, las actuaciones son muy respetables y la forma de mostrar el infierno que viven las esclavas sexuales día a día incomoda, pero resulta fundamental para la fuerza del film. Quizás su pecado más grande es redundar sobre algunas obviedades del mundo de la prostitución y su ritmo por momentos algo lento. Fuera de eso, es totalmente recomendable a aquellos espectadores que disfrutan de los thrillers políticos en los que se ven involucrados hasta los más santitos de todos. También ofrece una mirada sobre los jugosos contratos que se cierran con empresas privadas para supuestamente "ayudar a los más necesitados y ofrecerles la libertad e independencia de los regímenes que los esclavizan", cuando en realidad no tenemos idea de lo que realmente pasa y por detrás hay una gran movida de costos y beneficios. Recomendable.

Veteranos para disfrutar

Another Year es una película dirigida por Mike Leigh, talentoso artista nacido en Salford - Inglaterra, quien ha tenido a cargo también la dirección de grandes films como "El Secreto de Vera Drake" (peliculón), y "Happy go Lucky".
En esta ocasión pone en pantalla un relato que habla de cuestiones tan humanas como la soledad, la familia, la pareja, los errores que cometemos en la vida, la amistad y la dificultad de envejecer, todos temas totalmente universales y que se han tocado en otras películas, aunque ésta en particular, está hecha con una mirada muy perspicaz, impregnada de cultura británica (que resulta muy interesante de ver) y con mucho corazón puesto en los personajes.
La historia se centra en Gerri (Ruth Sheen) y Tom (Jim Broadbent), una pareja ingresando en la 3ra edad que por su bondad y sabiduría, deben lidiar con los problemas personales que les traen sus amigos cercanos y familiares. Entre estos personajes problemáticos se encuentra Mary, una cincuentona obsesiva interpretada de manera INCREÍBLE por Lesley Manville, que también aparece en "El Secreto de Vera Drake". Sinceramente, no estaba tan al tanto del laburo de esta actriz, pero después de ver esta cinta, voy a prestar mucha más atención a sus roles, porque la verdad es que se roba todas las escenas en las que aparece. Completan el cast Oliver Maltman (Joe - hijo de Gerri y Tom), Peter Wight (Ken - amigo de la familia), David Bradley (Ronnie - hermano de Tom) e Imelda Stauton (paciente de Gerri), ofreciendo unas actuaciones realmente buenas y profesionales.
Los 1ros 40 minutos de "Un Año Más" debo decir que se me hicieron un poco largos... quizás porque no estaba cachando la onda de la historia todavía o porque el ritmo es realmente más lento en este tramo, pero la cuestión es que a partir de la aparición del personaje de Ken, la película toma una forma más clara y un ritmo mucho más llevadero, convirtiéndola en una de esas historias que todos deberíamos ver, aunque sea una vez en la vida, para entender un poco desde afuera como funcionan las relaciones interpersonales.
Another Year es esperanzadora y por momentos muy cómica, pero con un humor inteligentísimo, con escenas de esas que se supone que no son para reírse, pero están filmadas de una manera que es inevitable que al espectador se le escape una sonrisita nerviosa o una carcajada. Tiene un poco de cine arte, exhibiendo planos maravillosos de los personajes en los que se puede captar hasta los gestos más mínimos, que son en definitiva, los que le agregan alma a la historia. También está estructurada en 4 escenas divididas por las estaciones del año, que se pueden evidenciar en el estado de la huerta que trabajan juntos Gerri y Tom, pero sobre todo en el estado de ánimo de la excéntrica Mary, que pasa de una jovial primavera a un "caluroso" verano, pasando por un otoño de transición para finalizar en un invierno de fría realidad que le pega en la cara como un balde de nieve.
La super recomiendo, sobre todo al público sensible que gusta de ver en el cine historias donde la protagonista es la condición del Ser Humano.
Un dato curioso, Imelda Stauton, Jim Broadbent y David Bradley son Dolores Umbridge (profesora malvada del Ministerio de Magia), Profesor Slughorn y Argus Filch (Cuidador de Hogwarts) en las películas de Harry Potter.

Que la Muerte se los lleve a todos... los actores

Vuelve Final Destination con una 5ta entrega, esta vez bajo las órdenes del director debutante en largometrajes (se notó) Steven Quale, que la verdad, eligió uno de los productos más bastardeados para hacer su presentación en sociedad. Anteriormente había dirigido un documental llamado "Aliens of the Deep" junto a James Cameron que estuvo bastante bueno... debería haberse quedado en esa área.
La saga de "Destino Final" venía de mal en peor, la 1ra atrajo mucho, la 2da atrajo, la 3ra fue bastante mala, la 4ta directamente es una basura y esta 5ta, podríamos decir que se coloca en un nivel de calidad entre la 3ra y la 4ta, es decir, es un producto totalmente mediocre.
Leí en la web varias críticas tirándole flores a este film, cuestión que me resultó totalmente extraña ya que a simple vista se puede apreciar que, además de no incluir nada nuevo a la saga, convocó a un casting de actores realmente horrorosos, sobre todo el protagonista Nicholas D'Agosto, que tiene muy poco carisma y no sabe manejar sus gestos faciales ni corporales. Los demás actores y actrices, la mayoría con experiencia en películas teens de mala muerte, tampoco le aportan mucho al resultado final, salvo gritos insoportables y caras de susto que en vez de transmitirte miedo, te provocan furia... enojo de ver que gente tan poco talentosa cobre por esto.
Las muertes son totalmente absurdas, carentes de creatividad y morbosas al pedo.
El 1er premio a la muerte más idiota y de mal gusto en cuanto a los efectos visuales se lo lleva la gimnasta... una verdadera perla de la estupidez cinematográfica.
Para no despotricar tanto, ya que queda claro que no me gustó la película, paso a remarcar una escena que hace un "guiño" sobre el final bastante bueno a la 1ra entrega, que de seguro gustará mucho a los fans de esta saga. A los demás, nos parecerá un ráfaga de aire cinéfilo que durará muy poco, ya que lamentablemente llega sobre los últimos 5 minutos de la cinta. Otra secuencia buena, es el derrumbe del puente del 1er accidente... lo demás... una pérdida de tiempo y de dinero.
Dicen que esta es definitivamente el final de la saga, ya que no logró recaudar los esperado en los Estados Unidos, país que marca la continuación o no de las franquicias pop del terror y la acción. Espero sinceramente, que así sea.

Redescubrirse

Io Sono L'Amore es una película italiana que debo decir, engrandece la historia cinematográfica de este país europeo. La propuesta es artística y simple, un melodrama (en el buen sentido de la palabra) con inteligencia, pero sobre todo mucho arte que se evidencia en una actriz escocesa hablando italiano con acento ruso y ofreciendo una actuación hipnótica, una fotografía espectacular que nos sitúa en la Milán adinerada y conservadora, una mirada a los secretos de las familias "bien" europeas y sus problemas para lidiar con ellos.
Dirige Luca Guadagnino, un tipo con experiencia en documentales y que también se hizo conocido por dirigir "Melissa P.", un drama de alto contenido erótico que mostraba a una especie de Lolita despechada. En este film se incorpora el erotismo como un importante comunicador que va marcando los cambios internos en Emma, el personaje principal interpretado con gran altura por Tilda Swinton ("Michael Clayton", "Quemar Después de Leer").
La historia trata sobre la liberación de una mujer que se encuentra prisionera en una cárcel de cristal de murallas aristocráticas, con una familia ya formada hacia varios años que la ata a la infelicidad, pero lo interesante no es tanto esta característica, sino como va descubriendo que su vida está oprimida en esa realidad. La transición desde la ignorancia a la adrenalina de saber con determinación que es lo que realmente quiere para su vida y decidirse por el cambio, es retratada con genialidad por Guadagnino que le imprime mucho concepto a la escenas de "El Amante" (una de las peores y más obvias traducciones de un título europeo a uno latino).
Acompañan a Swinton en un cast internacional, Flavio Parenti (Edoardo Recchi Jr.), Alba Rohrwacher (Betta Recchi), Edoardo Gabbriellini (Antonio Biscaglia), Marisa Berenson (Allegra Recchi) y Pippo Delbono (Tancredi Recchi) como la familia Recchi.
Desde el comienzo se vaticina la dualidad de este film, compuesta por la liberación y encuentro de la felicidad por un lado, y por el otro a medida que Emma avanza en su relación fuera del matrimonio, la inminente tragedia que asolará a su familia.
Una historia para disfrutar las interpretaciones, los escenarios, el juego de las cámaras y adentrarse un poco en las interacciones de los secretos familiares. Un final excelente y con mucha energía.

Haditas Diabólicas

Don't be Afraid of the Dark es la última película de terror sponsoreada por Guillermo del Toro, conocido por dirigir muy buenos films como "El Laberinto del Fauno", "El Espinazo del Diablo" y las dos "Hellboy". Con sus films de terror se hizo un nombre famoso y es conocido que son un punto débil para él, al igual que las animaciones como "Kung Fu Panda" y "EL Gato con Botas" donde participó como Productor Ejecutivo. Lamentablemente, en esta ocasión produce una película de terror que si bien logra algunos momentos de tensión con su banda sonora y el manejo del suspenso (al principio), arroja un resultado final que no convence. La culpa no es toda de Guillermo, ya que la responsabilidad máxima de dirigir esta historia estuvo en manos de Troy Nixey, un canadiense del cómic, debutante en el campo de los largometrajes, al menos de manera comercial. Los aspectos técnicos están bien cuidados, pero creo que lo más débil de su trabajo fue la forma de llevar a la vida y mostrar a los villanos de esta casa encantada, cuestiones por las cuales el espectador nunca llegará a sentirse intimidado por ellos. SPOILER: Demasiado pequeños para tomárselos como una seria amenaza...uno piensa con una buena patada los reventaría como sapos... incluso hay escenas donde se podría decir que hasta son tiernos... FIN DEL SPOILER.
Por otro lado, tengo un problema con la pequeña actriz Bailee Madison (Sally), que ofrece actuaciones exageradas y por momentos irritantes, imitando a una actriz adulta cuando en realidad sólo tiene 10 años... quizás sea su técnica, como le enseñaron a actuar, o puede que se le exija ese tipo de interpretación que por lo menos a mí, me resulta antinatural y forzada. Ya en "Una Esposa de Mentira" desempeña un rol histriónico con exageraciones en sus gestos y tonos de voz. Por otro lado, lo de Guy Pearce y Katie Holmes no resalta, sino que cumplen con roles que no tienen gran personalidad ni presencia en el film, están más de relleno que otra cosa.
La escenografía es muy buena, proponiendo una mansión Blackwood con antigüedades sombrías, aunque en algunas partes de la película se recurre a elementos muy obvios para provocar miedo como por ejemplo, el velador de la niña que es de esos modelos con formas alrededor de la lámpara que proyectan figuras hacia las paredes del cuarto.
Para redondear... no me terminó de convencer ni la trama, ni el rol de los actores en el film que no lograron aterrarme en ningún momento. Se podría decir que el marco del cuadro es bueno, pero el corazón del mismo es débil.
No la aconsejaría, a excepción del público que disfruta ver la creación de nuevas criaturas diabólicas para la gran pantalla.

Humor Galifianakis

Horrible Bosses es creo, la 1ra hija que se presenta en sociedad de "¿Qué Pasó Ayer?", película que introdujo un tipo de humor con sello propio, safado, absurdo, histriónico y políticamente incorrecto. Como emblema de este nuevo humor tenemos al ascendente Zack Galifianakis, el gordito de "The Hangover" 1 y 2, que también interpretó al compañero de viaje freak de Robert Downey Jr. en "Todo un Parto". Acompañaron en los 2 primeros films, Bradley Cooper como Phil y Ed Helms como Stu. En "Quiero Matar a mi Jefe", Charlie Day (Dale) haría el papel de Galifianakis, Jason Sudeikis (Kurt) vendría a ser Phil y Jason Bateman (Nick) completaría como Stu. Si bien la historia es totalmente distinta, es realmente notable el parecido de la dinámica de los personajes y el tipo de humor utilizado, aunque con un toque más inocente se podría decir. Así como el éxito de "El Origen" de Christopher Nolan ya procreó películas con una estética parecida como "8 Minutos Antes de Morir" y "Los Agentes del Destino"; "¿Qué Pasó Ayer?" nos deja también a su 1ra heredera, aunque con menos escenas divertidas y originalidad.
Tenemos por un lado la labor de los 3 protagonistas (nombrados anteriormente) que es divertida, pero hasta ahí nomas... nada del otro mundo, incluso hay veces que el humor peca de ser muy forzado y desesperado. Por otro lado, tenemos a los villanos, interpretados por Kevin Spacey (Harken) como un psicópata y el jefe de Nick, Colin Farrel (Pellitt) como el putero jefe de Kurt y Jennifer Aniston (Dra. Julia Harris) como la violadora jefa de Dale. Debo decir que si no fuera por esta contraparte, la cinta habría sido mucho más aburrida y la nota sería distinta, pero de manera muy inteligente se convocó a un cast que le subió el nivel al trío protagónico. Los 3 villanos están bastante divertidos e irritantes, resaltando la labor de Spacey. Leí por ahí un montón de elogios a Jennifer Aniston por haber salido de rol de siempre, porque "sorprende" con su personaje de ninfómana, y demás... la verdad que yo no vi un cambio muy arriesgado de su parte y me pareció lo más flojito de los 3.
No hay mucho que esperar de esta película, sólo descomprimir el cerebro y dejarse llevar por situaciones absurdas, que si uno está dispuesto, lo harán pasar un buen rato y reírse. No soy muy fan de este nuevo humor, que exalta la boludez máxima para hacer reír a la gente, aunque debo aceptar que hay algunas situaciones que si son divertidas. Si no te gustó la onda de "¿Qué Pasó Ayer?", no pierdas el tiempo.

Ave Caesar

Rise of the Planet of the Apes o El Planeta de los Simios (R)Evolución (una traducción que generó discusiones ya que "origen" no es lo mismo que "evolución") es la nueva y fresca versión de la novela del escritor Pierre Boulle, autor también de El Puente sobre el Río Kwai, otra historia convertida en una famosísima película. La 1ra entrega de 1968 que protagonizaba Charlton Heston se convirtió en una obra de culto, mientras que la remake de Tim Burton en 2001 fue muy criticada y no obtuvo buenas reseñas. Con un panorama así, no resultaba fácil esta nueva tarea de traer una precuela que al menos reviva la franquicia, pero para sorpresa de muchos, "Rise of the Planet of the Apes" superó ampliamente las expectativas de sus seguidores y además tuvo en cuenta a un segmento de público distinto del fanático de la Ciencia Ficción, que es el que gusta de buenas historias con toques dramáticos, más allá de la aplicación de la fantasía o no en la trama (un ejemplo de esto es Avatar). El planteo es muy atractivo y toca una cuestión dura como lo es el tener familiares con Alzheimer, una enfermedad tan siniestra que lleva al personaje principal Will Rodman a desarrollar una cura, sin fijarse mucho en la consecuencia de sus actos para lograrlo. A su vez, esto desata el 2do nudo de la trama que tiene que ver con la rebelión de estos seres que nunca fueron tratados con mucho respeto, que fueron cazados y utilizados como "conejillos de india" para experimentos de todo tipo. A raíz de un accidente en el laboratorio donde trabaja Will, se ve obligado a llevarse un pequeño chimpancé a su casa que de a poco irá enamorando a su padre, a él mismo y a toda la audiencia que está en el cine (es imposible no encariñarse con Caesar), pero como muchos otros animales, los chimpancés no son perritos falderos y su convivencia entre los humanos desatará una serie de inconvenientes que se van a ir muy de las manos.
Dirige en esta ocasión Rupert Wyatt, responsable de cintas anteriores como "El Escapista" y "Subterrain", 2 películas no muy conocidas pero que ya mostraban la buena calidad de su trabajo. Por otro lado, la labor de Andy Serkis como el simio Caesar es increíble. Para los que no conocen mucho la cuestión, es el actor que hizo de Gollum en la trilogía de El Señor de los Anillos y de King Kong, utilizando el sistema CGI de efectos especiales basados en los movimientos del actor. Una cuestión que sorprende es la mirada de Caesar, que trasmite todas las sensaciones, aun más que algunos actores de carne y hueso. Protagonizan el film, el cada vez más valorado James Franco (127 Horas, Milk), Freida Pinto (¿Quieres ser Millonario?, Conocerás al Hombre de tus Sueños), John Lithgow (Third Rock from the Sun, Dreamgirls) y Tom Felton (Draco Malfoy en Harry Potter), conformando un team de lujo que entretiene, pero sobre todo, es creíble y establece una genuina empatía entre el público y sus personajes.
Personalmente creo que es una de las mejores películas del año, con buena acción, drama creíble, suspenso y una trama muy bien construida que emociona y mantiene en vilo a la audiencia. Me quedé totalmente enganchado con el mono Caesar y espero realmente con ansias la continuación de la franquicia sobre esta senda, que creo es la mejor desde la original. Me fui del cine con sensación de emoción y ganas de colgarme de cuánto árbol encontraba en el camino a casa, ¿qué más se puede pedir?.

Oeste Intergaláctico

Cowboys & Aliens es el nuevo blockbuster del director y actor Jon Favreau, que saltó a la fama comercial en el 1er rubro luego de ser responsable de darle vida a Iron Man en sus 2 entregas. En esta ocasión, muy confiado de su estilo y de la evidente vía libre que le otorgaron en cuanto presupuesto, nos trae una mezcla de géneros que resulta extraña, pero a la vez tremendamente atractiva, sobre todo para los amantes de la Ciencia Ficción que disfrutan ver a sus personajes favoritos, los extraterrestres, en historias distintas. El mix de géneros, como lo indica el mismísimo nombre del film, se da entre el Western y la Ciencia Ficción, recogiendo según mi opinión, un muy buen material del 1ro, sobre todo en estética y en su concepción cruda de la acción, donde cualquier excusa es buena para intercambiar unos tiros, mostrando esos pueblos sin ley, plagados de bandidos con actitud sombría.
En cuanto a la Ciencia Ficción... no es de lo mejor, pero hay que aceptar que entretiene en su conjunto. Los extraterrestres no son muy carismáticos que digamos, de hecho son bastante "default", con algunas exaltaciones durante la cinta, pero en general no inspiran mucho miedo o sorpresa. Lo mejor tiene que ver con las secuencias de vuelo de los vigías y el contraste de lucha a lo gaucho contra una tecnología impresionante, pero en general, le faltó esa acción Rock and Roll que nos dio Favreau en Iron Man.
¿La premisa es absurda? Sí, por supuesto, pero "el que avisa no traiciona" dice el dicho, y en este caso se presenta al pie de la letra expresado en su oportuno título. No hay engaños, estamos yendo a una batalla entre cowboys americanos y seres inteligentes y hostiles de otro planeta, donde habrá rayos láser y pistolas con tambor. Dan vida a los personajes principales el actor Daniel Craig como Jake Lonergan que hace bien su parte de muchacho duro del oeste, Harrison Ford como Dolarhyde, la lindísima Olivia Wilde es Ella Swenson y Sam Rockwell como Doc. El cast es super atractivo y cumplió un rol importantísimo en esta película, agregandole pericia en temas de interpretación y carisma a los personajes que, aceptémoslo, si hubieran sido encarnados por actores menos conocidos no nos habrían interesado en este tipo de film y la cinta habría logrado mucho menos público. Cualquier excusa es buena para ver al gran Harrison ponerse el sombrero de vaquero y meterse en nuevas aventuras.
La trama no es de lo más intrincada e interesante que vamos a ver en el cine, pero cumple con la premisa de entretener con ritmo constante y enfrentar estos dos géneros que no son fáciles de combinar, para dar vida a este clase B en clave hollywoodense. No es para todo el mundo, eso está claro, pero si te gusta el cine pochoclero y las invasiones, la vas a pasar bien.

Denso Filosorror

Vanishing on 7th Street o La Oscuridad como se titula para nuestro país, es un film difícil de encasillar, de terror pero con toques dramáticos de aires filosóficos, con una premisa buena que se va diluyendo con el pasar del tiempo, que plantea varias dudas en el espectador, pero dudas que resultan tan tediosas que parecen más una molestia que una oportunidad de reflexionar, y quizás ese es el punto más débil de esta película que está pasando sin pena ni gloria por nuestra cartelera.
Dirige el talentoso Brad Anderson, responsable de rodar "El Maquinista", aquella cinta donde aparece Christian Bale pesando 54 Kg. haciendo una interpretación muy buena y jugada. También ha dirigido varios capítulos de TV para series como Fringe y Masters of Horror. En esta ocasión se nota la impronta de Anderson, pero creo que se pasó de rosca con el concepto de la oscuridad, la luz, el fin del mundo, la religión, la culpa, y muchos otros conceptos que trató de conectar en una película que se transforma en una experiencia bastante densa por momentos.
La historia trata de que un día cualquiera, sin aviso ni razón aparente, desaparecen todas las personas del mundo, tragadas por las sombras que parecen tener vida propia y ¿desintegran? a todos los seres humanos que aunque sea por 1 minuto se alejen de la luz, de cualquier tipo de luz. Claramente se le imprime una connotación religiosa que por momentos se torna siniestra, donde se juega con la idea de que las sombras son en realidad la dimensión donde los protagonistas deberían estar y la luz es una trampa para mantenerlos atrapados en el miedo (visión de una religión manipuladora), mientras que en otros momentos la luz es la salvación para no terminar comido por los seres de las sombras que toman a veces, la forma de nuestros seres más queridos que ya no están con nosotros representando tentaciones irresistibles. Entre medio hay delirios varios de parte de los protagonistas, que en vez de acercarlos al espectador, los baña de repelente cinematográfico hasta el punto de que no nos importa mucho que termina sucediendo con ellos.
Una cuestión respetable y para resaltar es el muy buen trabajo sobre la figura de la oscuridad en el aspecto técnico, un concepto que a muchos (me incluyo) nos ha sugestionado durante gran parte de nuestras vidas y ha generado miedo en muchas ocasiones. Cuando termines de verla te quedará la inquietante sensación de no querer circular solo por lugares oscuros.
Como no hay más nada para resaltar, en general diría que no es una película recomendable.

Heavnen (título original danés) o En Un Mundo Mejor es la película ganadora del Oscar en la categoría "Película Extranjera" en la ceremonia pasada de este año, de producción danesa y dirigida por la talentosísima Susanne Bier, también oriunda de Dinamarca. Entre sus trabajos se encuentran las películas "Hermanos" y "Después de la Boda", dos exponentes de lo que es hacer buen cine, y en este ocasión vuelve con una historia poderosa, fuerte y que hipnotiza.
¿Bier se vuelve un poco más "comercial" con esta película? A quien le importa... Lo importante es que nos ofrece una historia poderosa, donde se exhibe esa dualidad del ser que tanto me gusta ver en pantalla, provocando un choque de emociones que se apilan y mezclan en 119 minutos de muy buen cine, emocionando, enojando, provocando, enterneciendo, sorprendiendo y más. Si no vamos a ver esto al cine, ¿qué vamos a ver?. Bier crea un film para el espectador, no para el crítico snob que odia las emociones y quiere "sutilezas" todo el tiempo.
En Heavnen se describe lo que evidentemente es el caos en la vida de los protagonistas que enfrentan dramas importantes, pero si en realidad vemos un poco más allá, las situaciones que se dan en la película no están lejos de la vida cotidiana, como el niño golpeado por sus pares en el colegio, la muerte de los seres queridos y los procesos de superación a esas muertes, la violencia verbal y física con nuestros vecinos, la falta de comunicación familiar y mucho más, todo esto resuelto en lo que realmente sería Un Mundo Mejor, porque la realidad es que nuestra vida cotidiana (hablando de las personas en general) muchas veces es muchísimo más dura de lo que nos describe la directora, o al menos no siempre finaliza como lo hace en el film.
Las interpretaciones de los actores es muy, muy buena, resaltando a Mikael Persbrandt (Anton) y Trine Dyrholm (Marianne) que cargan de emoción a su trabajo. Finalmente, la fotografía es extremadamente atractiva, con un manejo de los colores excepcional que diferencian claramente no sólo los escenarios, sino los cambios de estado de la historia.
Sinceramente recomiendo este film a todos los públicos, ya que encontrarán un planteo adulto, artístico e inteligente, pero sin aburrir y pecar con pretensiones snobistas que solo importan a unos pocos. Muy merecido el Oscar.

"Piloto Prueba"

Linterna Verde es la nueva adaptación al cine del super héroe que lleva el mismo nombre, una historia de DC Comics conocida por su complejidad, imaginación y su público, cercano a la onda "nerd". En esta ocasión se concentra en la llamada "Edad de Plata", más precisamente en el llamado del piloto terrícola Hal Jordan a formar parte del Cuerpo de los Linternas Verdes y su 1ra misión en la cual demostrará que tiene madera de guardián del universo. Para salvar Oa, el planeta de los Guardianes del Universo y cuartel central de los Linternas Verdes, y a la vez a nuestro planeta, la Tierra, deberá enfrentar al espectro más temido, Parallax, una entidad que utiliza el poder amarillo del miedo.
Dirige el talentoso Martin Campbell, responsable de películas como "Al filo de la Oscuridad" (Mel Gibson), "Casino Royale" y "GoldenEye", 2 de las mejores exponentes de la últimas sagas de Daniel Craig y Pierce Brosnan encarnando al agente 007. En este caso creo que se quedó medio corto... quizás la presión de los estudios Warner Bros fue muy fuerte, pero se nota que el director se contuvo con su estilo, que cada vez se iba refinando más, a la vez que se enseriaba. En Linterna Verde podemos ver parte de ese talento, en escenas muy bien diagramadas, con el humor, el drama y la acción justa, pero en otras vemos claramente un producto dirigido a niños con ganas de ver explosiones verdes y extraterrestres volando. Al final de la película no estaba seguro si me había gustado o no, y creo que eso fue consecuencia directa de los altibajos que se presentaron durante los 114 minutos de duración, que no fueron densos en general.
Un elemento que para mí no funcionó tan bien, fue el tema de los villanos... Parallax no infunde el miedo que debería, y su par terrícola tiene algunos momentos vergonzosos... y eso que me cae bien Peter Sarsgaard.
La historia de amor entre Hal Jordan (Ryan Reynolds) y Carol Ferris (Blake Lively) me pareció que estuvo bastante bien lograda, de manera sutil, aunque por momentos un poco infantil de más. Es como si Campbell no se decidiera entre ser más adulto y calculador, o más inocente y pirotécnico.
Creo que los fans de Linterna Verde van a disfrutar ver a su héroe en el cine, pero no se si saldrán muy convencidos con la construcción de la historia. Los demás Linternas (Sinestro, Kilowog y Tomar-Re) además de Hal Jordan, tienen poco protagonismo y eso creo que se le va a volver bastante en contra. Si bien es entendible que la 1ra parte de la saga debe introducir todo el universo del comic y eso resulta difícil, en este caso se aplica la frase de que "el que mucho abarca, poco aprieta". Quizás deberían haberse concentrado en menos elementos, dándole mas profundidad y no mareando al público. Ojalá en la 2da vuelta se les de más cabida a los personajes que acompañan a Hal Jordan, y se presente una trama más profunda y oscura, más adulta y siniestra, como corresponde a los comics de DC. Un ejemplo a seguir de esto es el Batman de Nolan.

Propaganda contra la recesión

Larry Crowne es la 2da película como director de la estrella del cine Tom Hanks, que creo se tomó unos antidepresivos antes de empezar a armarla y le dio para adelante. El 1er trabajo como director fue "That Thing You Do", comedia ambientada en los '60 que no fue una cosa de locos, pero nos divirtió y nos dio esa canción homónima que sonó en la radio y estuvo en los primeros puestos de varios rankings. En Larry Crowne, su inocencia y ligerez se cuadruplicó para entregarnos esta historia, que la verdad es bizarra y poco divertida... y no me refiero a bizarra cool, sino a simplemente bizarra y kitsch, como que no tiene sentido.
Protagonizan el film una deslucida Julia Roberts y el mismísimo Tom Hanks, una pareja de ensueño que creó en el público expectativas que definitivamente no se terminan saciando, salvo por los 1ros 10 minutos del film y los últimos 20 que creo son interesantes y pueden tener algo de comedia o romanticismo, por lo demás... humo.
Leí que en algunos comentarios positivos hacia la película se resaltaba la inteligencia de Hanks para proponer una estética de "cine clásico", de volver a las fuentes del sueño americano, de un manejo magistral de la historia... y la verdad que yo no vi nada de eso. Me pareció que del cine clásico no tiene ni una pizca, porque si bien era mucho menos cínico que el actual, estaba llevado a la pantalla con pericia, con una historia atrapante, y en Larry Crowne eso nunca pasa. Se propone personajes secundarios que son absolutamente al vicio y poco carismáticos, como Wilmer Valderrama (Dell) y Gugu Mbatha-Raw (Talia) que solo le aportan estupidez y ñoñez.
Creo que la idea de la película es mucho más interesante que la película en sí. La temática es ciertamente atractiva, pero el desarrollo de la misma está desteñida por lo monótono de la narración. Larry sigue cocinando en el fast food de su amigo que le ofreció el trabajo sin la necesidad de ir a la universidad, por lo que todo el hecho de aprender Economía y Oratoria no sirvió más que para conocer a Mercy (Julia Roberts), una maestra alcohólica con poco carisma y ganas de vivir. Otra cosa... los cuernos están muy de moda en Hollywood. Toda las cintas románticas del año incluyen unos buenos cuernos a alguno de los protagonistas o son utilizados con una ligereza increíble... incluso como detonante de una reconciliación o nueva historia de amor con la volatilidad de una granada, donde cualquier momento de aburrimiento o crisis es bueno para cornear y enamorarse de otro/a.
La verdad que no termino de darme cuenta que quizo decir Hanks con esta bazofia... me pareció muy aburrida salvo por algunos pequeños momentos, pesada y sin sentido. No me pude conectar con ningún personaje, ni siquiera agarrarle cariño u odio... simplemente indiferencia. No la recomiendo.

Los Blancos, los Negros y los Grises

La Vida según Barney es un drama acerca de la vida misma, de las vueltas que nos depara el mundo, demostradas en la vida de un personaje extravagante, desagradable pero muy divertido a la vez, se podría decir que Barney es un HDP bastante entrañable.
Por supuesto que esas cuestiones importantes en la vida como el amor, el divorcio, la enfermedad, la confianza, los lazos familiares, la vejez, están exageradas en la vida del protagonista, pero de alguna manera, recorre situaciones que a muchos les toca vivir en su paso por la Tierra, pero lo hace de una forma original y políticamente incorrecta.
Dirige esta historia Richard J. Lewis, un tipo que trabajó toda su vida en TV y que ha dirigido capítulos para series reconocidas como CSI y Family Law. En el cine tiene poca experiencia, pero Barney`s Version es una muy buena película para presentarse en sociedad y comenzar una carrera en el campo de los largometrajes, aunque espero que no tan largos como este, al que a pesar de mantener la atención, le sobran aproximadamente unos 20 minutos. Las situaciones en la vida de Barney están encaradas de manera muy inteligente por Lewis, combinando muy bien excentricidad, acidez, drama y comedia, así como la cultura norteamericana y su contraste con la canadiense, hecho que conforma escenas bastante interesantes. Los matices que juegan entre los extremos y los grises son buenísimos, poniendo en jaque algunos paradigmas de las sociedades conservadoras.
Protagonizan el gran Paul Giamatti (Entre Copas, El Ilusionista) en un personaje para poner en la repisa de sus logros, Rasamund Pike (An Education, Otro Día para Morir) que en esta ocasión está tremendamente bien haciendo un papel muy lindo y creíble, Dustin Hoffman (Los Fockers, Tootsie) impecable, Minnie Driver (Good Will Hunting) y Scott Speedman (Underworld, Los Extraños). El cast es experimentado e interesante, pero sobresalen los roles de Giamatti y Rasamund que le dan ese toque de alto vuelo a este film y que conforman una de las parejas románticas menos pensadas en Hollywood, aunque en la cinta se los vió con una química excelente.
La película también explora los absurdos de la vida, un poco del karma y las consecuencias de las decisiones tomadas, tanto las buenas como las malas. Los personajes tienen gran personalidad y carisma para transmitir lo que Lewis está queriendo mostrar en esta película, que trata simplemente, de las vueltas de la vida.
¡Muy buenos diálogos y unos excelentes últimos 30 minutos!

No todos los Mocos son Verdes

¡Vuelven los famosos Pitufos!... lástima que vuelven de la mano de Raja Gosnell, director de algunas vergüenzas del cine como "Mi Pobre Angelito 3" y "Un Chihuahua en Beverly Hills". Hay algunas pelis más respetables en su haber como "Jamás Besada", pero el pasado lo condena claramente. Deliberadamente se llama a este tipo de director para que en vez de entregar una PELÍCULA, nos entregue un gran COMERCIAL de 1 hora y media. Está bien que hay que ganar guita muchachos, pero el descaro ya es exagerado.
La historia cuenta como unas criaturas del bosque que siempre han vivido entre nosotros, por un accidente en el día del festejo de la Luna Azul, son transportadas a la ciudad de New York (donde más sino) donde además de buscar la forma de volver a su aldea, deben escapar del malvado Gárgamel que ha ido tras ellos para cazarlos. En la ciudad conocerán a una joven pareja, que lejos de neoyorquina, parece la reencarnación de los Ingalls. Lo que sigue en el metraje, es el estereotipo de este tipo de películas que no depara ninguna sorpresa y que todos sabemos como termina.
Entre los actores que participan en The Smurfs se encuentra el talentoso Neil Patrick Harris, Hank Azaria (Gárgamel), Jayma Mays y Sofía Vergara, mientras que las voces de las criaturitas azules son de Katy Perry (Pitufina), Alan Cumming (Valiente), Anton Yelchin (Tontín), George Lopez (Gruñón), Fred Armisen (Filósofo) y Jonathan Winters (Papá Pitufo). Lo de Neil... bueno, un tropezón en el camino que le perdonamos por su talento, al meno yo. Lo de Azaria... lamentable. Quizás no sea su culpa que haya tenido que interpretar un pésimo Gárgamel, pero la verdad es que fue un personaje totalmente detestable, pero no como villano, sino como personaje en sí... Exagerado, tonto, estereotipado... horrible.
Para rescatar de este film que mezcla animación con la realidad, están las criaturitas que no lo puedo negar, son bastante tiernas y simpáticas (me hace bosta Gruñón), pero está claro que con eso no alcanzó. La película cumple con la maldición de empezar bastante bien, entretenida, haciendo pensar que es algo distinto... pero a medida que va pasando el tiempo se va poniendo cada vez menos interesante y absurda. El guión es bastante precario, lo que deriva en que tanto chicos como grandes no se centren en absoluto en la historia, sino más bien en ver las caras y movimientos de los pitufos, cuestión que después de un rato cansa. Un error, que parece mentira pero se sigue produciendo en Hollywood, es no prestarle atención al público adulto, que en definitiva es quien acompaña al cine a los niños, además de que son ellos los que crecieron con Los Pitufos, no sus hijos. En fin... el que quiera entretener a sus chicos un rato con pitufitos animados bien logrados pero nada más que eso... que los lleve al cine a verla, pero aténganse a las consecuencias... una de ellas será una embole para los más grandes que desearán haber tenido otro compromiso en vez de salir con sus hijos, sobrinos, hermanitos, etc.

La nostalgia de la infancia

Super 8 es la última producción en llegar a nuestras salas argentinas bajo la dirección del prometedor J.J. Abrams, conocido por ser uno de los creadores de la serie "Lost" y por haber dirigido una remake de "Star Trek" que tuvo bastante éxito y buena aceptación por parte de los fans de la serie de ciencia ficción. Apadrina como productor el gran Steven Spielberg, que nos regaló a lo largo de su carrera maravillas como "E.T.", "Salvando al soldado Ryan" y "La Lista de Schindler". Para comenzar debo decir que esta película es un excelente ejemplo de un trabajo en equipo, sin perder la visión y el estilo de ambos responsables. En cada escena del film se puede notar "la mano" de cada uno de los cineastas, que conjugaron de manera espectacular los sellos distintivos personales que los hicieron famosos, para entregar un mix de sus talentos pulidos y potenciados.
Un poco de Cloverfield + otro poco de E.T. + The Goonies en una coctelera bien batidos para que los sabores se mezclen y nos deleiten con un refrescante film, que tiene ese "no se que" de los '80, y a su vez, la inteligencia necesaria para emular nuestro tiempo presente. Creo que tengo una debilidad especial con las historias de la niñez, que me remiten a la mía y traen consigo muy buenos recuerdos, desde el amor de verano hasta las aventuras con los amigos. La estrella de Super 8 no es la misteriosa criatura del tren, sino la infancia en todo su esplendor, en la relación con los amigos, los 1ros amores, los problemas de los adultos en los cuales se encuentran involucrados los niños, la familia, los códigos, los miedos, el crecimiento.
Tanto Abrams como Spielberg son 2 geeks que aman la ciencia ficción tanto como a sus cámaras, lo que los llevó a perfeccionarse en este género que ha sido muy golpeado en los últimos años con producciones paupérrimas. La sutileza y la inteligencia pueden ser armas poderosas en el cine si se saben usar de la mejor manera, y no la exageración o lo burdamente explícito como se suele ofrecer en la Ciencia Ficción de hoy en día.
Creo que esta cinta nos hará acordar al cine de antes, nos pondrá un poco melancólicos a los que crecimos con las películas de Steven Spielberg, nos dará sensaciones de alegría y de esperanza, pero sobre todo, nos dirá que la infancia es un tiempo increíble de la vida humana.

Simuladores del Amor

Copie Conforme es una realización del cineasta iraní Abbas Kiarostami, escritor y director de películas independientes como "El Viento Nos Llevará" y "El Sabor de los Cerezas" por la cual ganó una Palma de Oro en 1997. Venerado entre la crítica mundial y maestro del cine arte, nos trae una (supuesta) historia común, en la que se encuentran en la Toscana italiana 2 personas y conectan, por una lado Elle, una galerista francesa interpretada por Juliette Binoche, y por el otro James, un escritor inglés actuado por William Shimell.
Debo decir que más allá de la evidente pericia de Kiarostami para hacer una original puesta en escena, Copia Certificada no me copó tanto como a muchos de mis pares que no repararon en tirarle todas las flores habidas y por haber. Me quedo con otros trabajos como "El Sabor de las Cerezas" o "Ten", con temáticas mucho más interesantes de la que se presenta en este film.
Por momentos espléndida, como la escena del bar donde se entabla una conversación interesantísima entre Elle (personaje de Binoche) y la moza, o una de las 1ras escenas donde interactúa con su hijo y tiene un diálogo bastante divertido. Por otros momentos... un poco densa, pero no por el estilo de Kiarostami para filmar, sino por lo intrascendente del espíritu de la cinta, llevando al espectador a vivenciar una crisis típica de pareja, con mucha clase, es verdad, pero una crisis de pareja al fin.
Las actuaciones están muy bien, al igual que la fotografía muy poderosa y por supuesto, el planteo comunicacional que hace el director. Por lo demás... me parece que no hay tanto para resaltar.
Para la señora o novia que está insistiendo a su hombre para que la lleve a verla, ¡Ojo!, no es la típica historia de amor drama al estilo "Bajo el Sol de Toscana", sino que en este film hay varios componentes del cine arte que se hacen presentes y no siempre responden a los paradigmas regulares de un drama de amor, esto es, hay algunas cuestiones en la peli que no tendrían sentido bajo los parámetros del cine comercial. También abunda la escasez de explicaciones sobre lo que sucede y se deja que el espectador vaya descubriendo, pensando y re pensando como se va dando la trama.
Si tiene training de cine independiente la disfrutará, sino absténgase.

Heroísmo Clásico

Capitán América es el último super héroe de Marvel adaptado a la gran pantalla, en esta ocasión bajo la dirección de Joe Johnston, conocido por dirigir tanques del cine comercial como "Jumanji", "Querida, encogí a los niños" (si nos habrán hecho ver esta peli en Los Sábados de Cine de Canal 12 de Córdoba) y "Jurassic Park 3". Es un director que tiene bastante experiencia y talento para el cine pochoclero, pero en este caso le agregó un plus de elegancia a su repertorio y nos entrega una de las mejores películas de super héroes y aventuras del año.
Más allá de que la idea del capitán norteamericano que salva al planeta todo el tiempo y el patriotismo convertido en merchandising me suele caer bastante pesado, en esta ocasión creo que está encarado con ingenio, y logró sacarme del paradigma del "americano salva mundos" para poder disfrutar de la historia que de hecho es bastante consistente.
Dan vida a los protagonistas, el ex Antorcha Humana (menos mal que ya no sigue en ese producto) Chris Evans, encarnando al 1ro debilucho Steve Rogers para luego renacer como Capitán América. Acompañan Hugo Weaving como Red Skull y un cast de secundarios interesante que incluye a Hayley Atwell (Peggy Carter), Tommy Lee Jones (Colonel Phillips), Stanley Tucci (Dr. Erskine), Toby Jones (Dr. Zola) y Neal McDonough (Dum Dum Dugan). Cada actor de reparto cumple un rol reducido en la película, pero a la vez necesario, resaltando los pequeños aportes de Stanley Tucci y Tommy Lee Jones que le meten un poco de Hollywood "old school" al film.
Creo que uno de los atractivos mas grande de Capitán América es su ambientación en la década del '40, cuestión que le imprime ese sello de aventura clásico, al estilo Idiana Jones, que da la sensación de familiaridad, de conocer a sus personajes desde hace mucho tiempo; y por supuesto esos tonos marrones, grises y rojos tan característicos impresos en las ciudades estadounidenses y la vestimenta de la época. Otra cuestión atractiva de la película es el villano, que está construido maravillosamente por el gran Hugo Weaving (Smith en Matrix, V en V de Venganza y Elrond en El Señor de los Anillos), dando vida al rebelde nazi Red Skull.
Realmente creo que esta nueva franquicia, si sigue la dirección que tomó con su 1er entrega, va a dar para mucho y va a alegrar a ese público que ama las películas de super héroes y ciencia ficción (yo incluido). Espero que la franquicia de "Los Vengadores" no se coma la individualidad de este nuevo héroe que renace en la gran pantalla y que supo, más allá de la temática obvia de propaganda del ejército norteamericano, mantenerse en la superficie del patriotismo estupidizado como al que nos sometieron algunos recordados bodrios como "Invasión Los Ángeles" o toda la basura de Michael Bay. Para los que disfrutan de una buena película de aventura.

Clásico Instantáneo

Lo 1ro que voy a decir es... ¡QUE LINDOOO! que groso es cuando se alinean los astros y todo funciona, cuando el talento y la visión trabajan juntos para darle al espectador más de lo que se imaginaba, algo que lo sorprende y excede sus expectativas. Este es el caso de Crazy Stupid Love, una comedia romántica, SÍ, una película de ese género tan bastardeado por productos incoloros, enlatados y clicheados, que en esta ocasión me da una sorpresa muy agradable.
Dirigen Glenn Ficarra y John Requa, quienes anteriormente también trabajaran en conjunto en la polémica comedia "I love you Philip Morris" de temática gay que mostraba a unos Jim Carrey y Ewan McGregor como nunca los habíamos visto en el cine. Con su 2do trabajo vuelven mucho más suaves, sin generar tanta controversia, pero con una historia que no es tanto lo que aporta en originalidad, sino lo que aporta en la forma de hacer cine entretenido y de calidad. Para conformar el cast convocaron a un conjunto de actores que hicieron un trabajo cómico y a la vez emotivo excelente, entre ellos al magnífico Steve Carell (Virgen a los 40), Julianne Moore (Magnolia, Ceguera), Ryan Gosling (Diario de una Pasión, Blue Valentine), Emma Stone (Superbad), Marisa Tomei (El Luchador), y Kevin Bacon (Río Místico), una mezcla extraña pero que funcionó de maravilla y que convierte a este film en un clásico instantáneo del género.
La historia es simple, una pareja con muchos años de casados que ha perdido la pasión y aparentemente el amor, decide separarse. Para tratar de salir del pozo depresivo en que lo dejó su separación, Cal (Steve Carell) decide ahogar las penas yendo todos los días a un bar a emborracharse, pero conocerá a Jacob, un joven playboy que en el campo de las mujeres se las sabe todas, y que lo ayudará a recuperar su hombría y su vida sexual. La cinta irá presentando momentos muuy divertidos en los que veremos al personaje de Cal pasar de un cuarentón sin estilo y con poco training chamuyero, a un semental de las pistas irresistible para las mujeres. Como el amor tiene sus vueltas, este cambio en la personalidad de Cal traerá aparejado una serie de eventos que nos demostrará que ese amor es loco y estúpido, pero es a la vez, lo que nos hace vivir.
El trabajo de todos los artistas que participaron tiene sus momentos para destacar, pero yo me quedo sobre todo con la labor de Steve Carell y la de Ryan Gosling (cada vez mejor), una dupla que nunca hubiera imaginado y que la verdad me hizo reír muchísimo. El ying-yang de sofisticación-ridiculez de ambos personajes es buenísimo.
La montaña rusa de momentos dramáticos, emotivos y divertidos está manejada con mucha pericia. Era muy bueno ver las reacciones de los espectadores que en un momento estaban a puras carcajadas y en menos de 5 minutos pasaban a la emoción y la seriedad, y a los 5 minutos otra vez a las risas.
Creo que es una película totalmente recomendable, inteligente, divertida, emotiva y que entretiene todo el tiempo sin presentar huecos de fastidio o aburrimiento. En su género, es lejos la mejor del año sin dudas. Aplauso largo y cascabeles como decía el gran Fernando Peña.

¡Déjenlos descansar en paz!

"La Reencarnación de los Muertos" es la última producción del sobrevaluado director de cine de terror George A. Romero, responsable de otras películas del género "zombie" como "El Amanecer de los Muertos" (1978) y "La Noche de los Muertos Vivos" (1968), que en su época fueron bastante impactantes y metieron miedo. Entre medio de estas 2 producciones y luego de ellas, Romero cosechó una serie de bodrios que no asustaron y volvían a los zombies aburridos, situación que se puede apreciar (o despreciar) en esta nueva entrega, que además de absurda y repetitiva, no se adapta a los tiempos en los que estamos viviendo. Ya sé que Romero es de esos directores que tienen un sello propio, una forma de hacer cine, una estética que lo caracteriza, pero no puedo dejar de exponer mi punto de vista y decir que para mí, debería retirarse con el respeto que se le tiene entre los fans del género del terror y dejar de presentar estos papelones que sólo opacan su imagen y demuestran que está viejito.
La temática zombie no es para todo el mundo, eso está claro, pero de todas maneras creo que a la mayoría de los fans del cine de terror no les va a gustar esta entrega, salvo que sean incondicionales del director. Los personajes centrales no son los muertos vivos, sino el cast humano que deja mucho que desear, en actuación y en atractivo, poniendo en un letárgico 2do lugar a los que realmente deberían entretenernos, pero que en esta ocasión ofician de escenografía fofa y mal hecha.
Lamentablemente, la comedia y el absurdo terminan ganándole la pulseada al miedo y el horror que no supieron instalarse ni en los personajes zombies, ni en los humanos. Hay algunas premisas que podrían haber resultado interesantes, como la mezcla con el Western, género que está nuevamente de moda y que últimamente ha sido mezclado con otros, pero la realidad es que no se logró.
Para no hacerla muy larga, "La Reencarnación de los Muertos" definitivamente no es una película recomendable, ni para los seguidores de los films de terror, ni por supuesto, el público promedio que nunca vio una peli de zombies. Quizás si sos fan de Romero la disfrutes un poco, pero está bastante lejos de aquella época dorada de "El Amanecer de los Muertos".

Terror que No Asusta

The Ward o Atrapada es el título del último trabajo del famoso director de terror John Carpenter, que se hizo conocido por sus películas "Halloween" y "The Thing", dos clásicos del género. Por otro lado también debo remarcar, lamentablemente, que hace 10 años que no dirigía un film, y que sus últimos dos, "Fantasmas de Marte " y "Vampiros" fueron patéticos y decepcionaron muchísimo, estando muy por debajo del cine B incluso.
Por otro lado, me parece bien que haya vuelto y esté filmando nuevamente, porque si bien todos sus últimos trabajos no han sido buenos, en algún momento supo captar la esencia que da miedo al público, y eso puede reaparecer en cualquier momento.
The Ward es mucho mejor que sus últimos fiascos, e incluso se podría colocar en el medio del ranking de películas de terror... algo que es mucho decir para las catástrofes que vemos en estos días. Pero como el sentido de la crítica es valorar lo bueno y no lo menos peor, es que debo decir que la cinta no me convenció. Tiene algunos momentos buenos de tensión y una buena ambientación, pero la historia es algo que ya hemos visto y no aporta nada nuevo. Tiene un poco de "Inocencia Interrumpida" (Angelina Jolie, Winona Ryder), otro poco de "Identidad" (John Cusack), algunos toques de "La Llamada" (Naomi Watts) y hasta una pizca de "Sucker Punch". Si se inspiró en esas películas, no supo aportarle mucho más... y si es algo que diseñó en su cabeza, se olvidó de ver que anda dando vuelta en el cine de terror y suspenso de la última década.
Para ambientarlos un poco, Kristen aparece un día frente a una casa en llamas y es apresada por la policía para ser internada en un manicomio. No entiende por que está allí, pero tampoco recuerda nada de antes del incendio. En el pabellón conocerá a un grupo de internas que le harán pasar buenos y malos ratos, cada una con su locura particular, hasta que misteriosamente comienzan a desaparecer una a una. Esto la llevará a la búsqueda desesperada de una escapatoria, aunque todavía, el manicomio le tiene una sorpresa guardada.
Actúan en el film Amber Heard, no tan nueva estrella femenina en ascenso, Danielle Panabaker, screem queen de trabajos como "The Crazies" y "Piranha 3DD", y Jared Harris, conocido por "Resident Evil: Apocalipsis" y "El curioso caso de Benjamin Button". No es un cast estelar, pero creo que hicieron un trabajo creíble, una lástima porque eso no alcanzó para salvar a esta película, que a los que hemos visto mucho cine de terror no nos moverá ni un pelo. Si es un espectador nuevo o poco habitué del género, quizás la pueda apreciar un poco más y disfrute de un terror que está bastante desactualizado para mi gusto.

Desencanto de Invierno

Mr Popper's Penguins es la adaptación a la gran pantalla de un cuento para niños que tiene aproximadamente 70 años, que la verdad no es muy conocido y quizás esta producción demuestra el porque de la cuestión. La historia de por sí es bastante absurda y chata, pero si a esto le sumamos una adaptación inconsistente y un Jim Carrey no tan divertido, la cosa se torna más pesada.
Mr Popper es un brillante y calculador empresario de bienes raíces en la gran manzana (New York), que por los requerimientos de su trabajo, ha descuidado la relación con su esposa e hijos, cometiendo los mismos errores que su padre, que viajaba por todo el mundo cumpliendo con su trabajo, pero descuidando a su pequeño hijo. Un día cualquiera, recibe la declaratoria de herederos de su padre, donde se especifica que le será entregado un paquete proveniente de la Antártida. Lo que Mr Popper no sabe, es que en el paquete vienen 6 pingüinos que van a colocar su vida cabeza abajo, poniendo en peligro un gran negocio, pero a la vez enseñándole lo que es importante en la vida.
Los pingüinos puntualmente son animales que nunca me parecieron muy atractivos, aunque se que a la mayoría les resultan tiernos y graciosos. Creo de todas maneras, que los espectadores no se van a encariñar tanto con estos, que más allá de los nombres obvios con los que los bautiza Carrey (Gritona, Mordelon, etc.), carecen de personalidad y encanto. Es verdad que hay algunos momentos tiernos y divertidos, pero son muy pocos y de corta duración. Jim Carrey no se luce para nada y creo que el director Mark Waters no supo sacarle todo el jugo a este genio de la comedia física, que por momentos me aburrió bastante. Para que nos ubiquemos un poco, Mark Waters dirigió títulos como Mean Girls (Chicas Malas), Just Like Heaven (Ojalá fuera cierto) y Las Crónicas de Spiderwick, cintas que entretuvieron pero que no han sido muy trascendentes o especiales, de hecho su trabajo anterior, Los Fantasmas de mis Ex, fue un fiasco que estuvo plagado de malas críticas. Lamentablemete, creo que con este producto tampoco va a lograr repuntar la mala impresión que viene dejando.
Para resaltar, buenos efectos para darle vida a los pingüinos, alguno que otro momento divertido y ver a Angela Lansbury de nuevo en pantalla. Como aspectos negativos, un Jim Carrey desaprovechado, una historia chata y sin mucho sentido, falta de personalidad de los animalitos y una moraleja super trillada. Salvo que les encanten los pingüinitos, no pierdan el tiempo.

El Closet Familiar

Mine Vaganti (título original) o Tengo algo que Decirles, es una comedia/drama italiana que trata algunos temas familiares profundos y difíciles con una mirada inteligente y tierna. También trata sobre los amores imposibles y hasta donde uno es capaz de resignar su propia felicidad en pos de que otros la consigan. Todos temas buenísimos para conformar esta película que me sorprendió de buena manera.
El cine italiano tiene una frescura muy atractiva, y el estilo tragicomedia le sienta muy bien. En esta ocasión la historia se centra en una familia conservadora de Puglia, una ciudad del sur de Italia donde el "que dirán" es importantísimo, sobre todo cuando se trata de un clan reconocido como los Cantone. Con motivo de un gran negocio se cita a los hijos de Vincenzo (cabeza de la familia) para repartir las partes que le corresponden a cada uno, pero hay uno de sus hijos que hará un anuncio en la cena familiar... un anuncio que pondrá la vida de todos patas para arriba, ¿se imaginan que es?... El título en castellano ya sugiere bastante, pero si no se habían dado cuenta, el anuncio efectivamente es que siempre ha sido homosexual. Esta declaración nos llevará por un viaje divertido pero por momentos también serios, que nos harán reír, a algunos incomodar y también nos moverá los sentimientos ligados con las interacciones familiares, que en este film están trabajadas muy bien. Por momentos se vuelve algo tediosa... pero en el cine italiano es casi imposible no pasar por esta cuestión aunque sea 10 minutos... que en este caso creo que le sobran a la peli.
Sobre el reparto que da vida a esta historia no conocía nada, salvo a la actriz que hace de mamá Cantone (Lunetta Savino) que estoy seguro de haberla visto en un film bastante bueno pero que no puedo recordar su nombre en este momento. Las interpretaciones cumplen con el cometido y son divertidas cuando así lo requiere la trama, y por otro lado se ponen serias para darle el toque dramático. Sobre el director Ferzan Özpetek tampoco conocía nada, por lo que me puse a investigar y pude averiguar que es un tipo abiertamente gay, que trata sobre la sexualidad en muchos de sus films y que ha cosechado algunos premios internacionales. Entre sus obras anteriores, "El Hada Ingnorante" y "La Ventana de Enfrente" resultan interesantes para pegarles una mirada.
Tengo algo que Decirles no es una película sobre la homosexualidad (aunque sí la expone sin tapujos) sino sobre las relaciones familiares y los amores no correspondidos, lo que la convierte en un producto apto para diversos públicos. Habrá personas que no podrán superar sus prejuicios y es una lástima, porque la cinta es digna de ver, divierte y por momentos conmueve.
Si estás con ganas de curiosear por la dimensión de las familias disfuncionales y un poco del mundo gay, es una buena opción.

Magia Épica

Harry Potter and the Deathly Hallows: Part II, es el tan esperado final de la saga que adaptó al cine la obra literaria de la escritora J.K. Rowling, que en sus comienzos dormía en su auto y apenas llegaba a fin de mes... Hoy es una de la mujeres más ricas del mundo, y no es para menos, ya que creó un ICONO que traspasó generaciones, logrando que la pasión por las aventuras del joven mago sea compartida hoy en día tanto por personas de 30 años como por niños de 10 años.
La saga de Potter hechizó a un público que le fue fiel durante 10 años, instalando un fanatismo del cual me siento parte, por lo que la crítica seguramente esté cargada de cierta subjetividad, aunque voy a hacer mi mayor esfuerzo para sea lo más objetiva posible.
En 1er lugar quiero resaltar la visión de David Yates, un director que supo interpretar muy bien la obra de Rowling, entregándonos desde "La Orden del Fénix" imágenes increíbles, con una estética oscura, adulta y que logró captar el camino del joven mago hacia su destino final. Con el cierre de la saga realmente se lució en los aspectos técnicos de dirección ofreciendo planos y escenas fantásticamente logradas. Es mérito también de Yates, la conducción sobre los 3 protagonistas que crecieron mucho en la interpretación, adueñándose de sus personajes, sobre todo Daniel Radcliffe que se comió el papel de Harry Potter. El resto del cast cumple de manera respetable con su trabajo, resaltando las actuaciones de Ralph Fiennes y Alan Rickman (que nos dio un Snape perfecto).
De la historia no vale mucho la pena hablar en esta crítica, ya que los lectores y los fans de la saga cinematográfica la conocen muy bien, y si son primerizos en la dimensión Potter o no han visto la mayoría de los films, no entenderán nada de todas maneras aunque haga un gran esfuerzo debido a la complejidad de la trama. La conclusión es épica, la amistad es el gran triunfo Rowling, los miedos y las alegrías de los adolescentes el gran motor de una historia que quedará en el corazón de muchos.
Un aspecto que me desilusionó un poco la verdad, tiene que ver con la rapidez con que se cierran algunos acontecimientos que deberían haber sido más desgarradores, más emotivos y más dramáticos, dándole espacio a muchísimas explicaciones y diálogos que tal vez son mejor dejarlos que el espectador los moldee solo. Quizás es el estilo británico, un poco frío y duro que no da mucho lugar a los sentimientos, pero me quedé con la sensación de que la muerte de Cedric Diggory en "El Cáliz del Fuego" me golpeó de una manera que no pude experimentar en las "Reliquias de la Muerte", y eso que Robert Pattinson no me agrada para nada. La "muerte" en entregas anteriores tiene una carga emotiva, que por la velocidad de esta última película se termina perdiendo un poco. En "El Retorno del Rey", cierre del Señor de los Anillos, recuerdo haber terminado con una sensación que combinaba alegría con tristeza, vértigo con satisfacción, y en este caso me quedé un poquito corto.
Creo de todas maneras que Harry Potter y las Reliquias de la Muerte: Parte II es una conclusión que en general no va a decepcionar a los seguidores, que otorga muchas complacencias a las imágenes mentales de sus fans y que presenta el fin de un mundo mágico que compartió el crecimiento de un enorme número de muggles que se van melancólicos pero agradecidos como pocos.

Y el fin de la paciencia

Hermanitos del Fin del Mundo es la adaptación cinematográfica de los personajes furor de Disney Junior, Topa y Muni, que conquistaron en la TV a la mayoría de los niños del país.
Debo aceptar que nunca me cayeron muy bien, pero si pude ver en su público objetivo, los niños, que esta dupla tiene un "ángel" que los hace muy atractivos, a la vez que presentan un repertorio de canciones muy pegadizo. Creo que Hermanitos, es un muy buen ejemplo de que todo lo que funciona en TV, NO tiene porque hacerlo en el campo de los largometrajes. En el afán de llenar las arcas de manera descarada y en un acto poco inteligente, se llevaron a la gran pantalla una serie de programas exitosos en la TV, que fracasaron estrepitosamente en el cine, como por ejemplo "Perdidos en el Espacio", "Los Duques de Hazzard" o los absurdos "Ángeles de Charlie". Lamentablemente, "Hermanitos del Fin del Mundo" es otro ejemplo de que el carisma o una buena idea no son suficientes para lograr atrapar al espectador de cine, sino que además debe haber una muy buena historia que justifique 86 minutos de duración, debe ser ejecutada con mucho cuidado de edición, de actuación, de sonido, y eso acá faltó... No es lo mismo crear para TV, que para el Cine. En este sentido, creo que no es un producto de calidad, es poco original, y digan lo que digan, es una copia mala de Chiquititas. Los aspectos técnicos están bastante descuidados, y no es excusa el hecho que sea un programa de TV adaptado. Otra cuestión que leí por ahí es que a los niños de menos de 4 años les encantó, porque ese es el público objetivo de la producción, pero yo les puedo decir que mis primitos que tienen 6 y 9 años junto con sus amiguitos, también ven la serie y la disfrutan, pero esta película no tiene el mismo encanto, y un nene o nena que supere los 5 años, difícilmente se enganche con ella. Para ir cerrando, la historia mala, los aspectos técnicos flojos, las canciones buenas (pegadizas), los actores regulares, Muni y Topa cuando hacen lo suyo, buenos. Por último solicito que se tenga en cuenta que los niños de 4, 5, 6 y hasta 12 años diría, suelen ir al cine acompañados de mayores, cuestión que se tiene en cuenta en varias producciones infantiles donde el adulto puede encontrar algún que otro bocadillo dedicado especialmente para él... En Hermanitos no se pensó ni 2 minutos en los padres, hermanos, tíos y demás que tienen que ejercitar duramente la paciencia para salir con vida de la sala. No la recomiendo.

Malos Resultados

Malas Enseñanzas es una comedia dirigida por Jake Kasdan, hijo del reconocido escritor y director Lawrence Kasdan, responsable de algunos screenplays famosísimos como los de "Indiana Jones y el Arca Perdida" o "El Imperio Contraataca". Del hijo no podemos decir lo mismo, ya que se dedica más que todo a dirigir capítulos de series de TV, y sólo nos entregó películas como "Orange County", una comedia del montón. Bad Teacher no es la excepción... tiene una onda a "Pase Libre" de los hermanos Farrelly, pero menos divertida e igual de burda, y eso es malo.
En esta ocasión la historia de centra en Elizabeth Halsey, una maestra de primaria que tiene menos profundidad que una hoja A4 y que sólo piensa en levantarse un tipo que la mantenga económicamente. Estando muy cerca de casarse con un bobo de muchísima plata y abandonando su carrera como maestra (parece que en USA las mujeres vagas sin nada de formación pueden llegar a ser maestras...), el compromiso es disuelto por influencias de su futura suegra que conoce a las de su calaña, obligándola a volver a dar clases para conseguir plata y pagarse una cirujía de gomas nuevas (senos). En su vuelta conocerá a un profesor super tonto pero fachero y con dinero, con el que tratará de encamarse todo el tiempo, a la vez que algunos de sus colegas, una maestra neurótica y un profesor de gimnasia, le hacen la vida imposible.
El cast está compuesto por Cameron Diaz, Justin Timberlake, Lucy Punch, Jason Segel y John Michael Higgins, conformando un circo de humoristas que la mayoría de la veces no lograba engranar la performance y se mostraban extremadamente exagerados. Se quiso emular el humor de SNL (Saturday Night Live), ya lo sé... pero la verdad es que no tuvo el mismo efecto ni cerca. Quizás lo de SNL funciona para su formato, en la TV, pero en el cine la mayoría de las veces resulta pesado.
El planteo no es del todo malo, pero los desenlaces son muy predecibles y copiados de otras comedias mediocres. Quiere ser irreverente, pero termina amoldándose a las recetas prefabricadas de comedias Hollywoodense, menos en el humor que pasa de bizarro a desagradable en varias escenas. Cameron Diaz sale espectacular como siempre y hay alguno que otro momento gracioso... más allá de eso no hay mucho más para resaltar... capaz Jason Segel como galán es una buena innovación, sería como el sucesor del grandote Vince Vaughn, que cumplió el deseo de muchos de ver al "hombre común", sin una tabla de lavar la ropa en los abdominales y la cara de Brad Pitt, junto a Jennifer Aniston.
Sólo para seguidores incondicionales de Cameron Diaz y el humor fácil.

Las Decisiones del Corazón

Des Hommes et des Dieux es una producción francesa, basada en hechos reales, que ganó entre otros premios, el Gran Prix del Festival de Cannes 2010 Y 3 premios Cesar (como los Martín Fierro, pero de Francia). Esta gran pieza del cine fue dirigida por Xavier Beauvois, un nombre que por este lado del charco no nos dice mucho, pero que en Francia es un conocido actor, escritor y director de films independientes.
La historia cuenta la dura batalla que se libra en los corazones de un grupo de hombres de fe, que deberán tomar una decisión drástica. Como parte de su vocación y deber religioso, 8 monjes cistercienses son enviados a Argelia (norte de África) a crear una comunidad y colaborar con el pueblo en el que se establecieron. Las diferencias religiosas y el terrorismo extremista de algunas facciones musulmanas, amenazan con destruir todo lo que construyeron con amor y esfuerzo, pero no sólo su obra está en peligro, sino que sus propias vidas pueden ser las que calmen la sed de violencia de este grupo terrorista. La desición pasa por abandonar el país en conflicto, abandonar a su gente, o quedarse y arriesgarse a perder su propia vida por la vocación que eligieron... cualquiera de las 2 decisiones serán absolutamente terribles para sus vidas.
El reparto que da vida a estos 8 monjes realmente no tiene desperdicio alguno, interpretando de manera maravillosa y con una profundidad increíble a cada uno de los religiosos. Entre ellos encontramos a Lambert Wilson, que por estos lados lo conoceremos por papeles comerciales como el "Merovingio" en Matrix Reloaded y Matrix Revolutions, aunque en esta película se deja ver el verdadero talento del actor francés. Otro que está espectacular es Michael Lonsdale (Munich, El Nombre de la Rosa) que nos estrega a Luc, un monje médico muy carismático que prácticamente se roba el film. En fin... no me voy a extender en cada uno, pero el cast está muy bien logrado (fijarse también en el personaje de Amédée, imposible no quererlo).
La historia está filmada de manera magnífica, la fotografía es espectacular pero no en el sentido de espectacularidad, sino en la creación de un ambiente que cuando es necesario agobia y cuando lo requiere también trasmite paz. El acontecimiento real fue heroico de por sí, pero no es tarea fácil contar una historia que muchos conocen de antemano y de la cual varios saben como termina, sin embargo se hace entrega de un cinta con toda una carga de significación que emociona.
No es una película para todos, ya que tiene mucho de cine arte, con escenas no convencionales donde por ejemplo, sólo se ve a los monjes entonando alguna canción a Dios, y donde la presión del ritmo y el tiempo de duración no tienen lugar. Si están dispuestos a dedicarle tiempo y atención, la van a disfrutar mucho.

Bond, Pixar Bond

Cars 2 es lo último de los estudios de animación Pixar, el cual sigue las aventuras del Rayo McQueen y su amigo del alma Mater a través del mundo.
Para comenzar la trama no es muy original que digamos, ya que la historia del héroe que es invitado a una competición mundial alrededor del mundo en la que debe medir sus talentos con otras personalidades, es tan vieja como "La Carrera de los Autos Locos", sin embargo la combinación con el mundo de los autos parlantes parece funcionar y entretener.
Dirigen en esta ocasión John Lasseter y Brad Lewis, el 1ro un monstruo de Pixar que ya ha dirigido por ejemplo, Toy Story, Toy Story 2, Bugs y Cars 1, todas animaciones exitosísimas. Lewis es más conocido como productor de películas como Ratatouille y Antz, pero se le está animando a la dirección al colaborar con Lasseter en esta entrega.
Entre las voces que dan vida a los simpáticos autos se encuentran los actores Owen Wilson (Rayo McQueen), Larry The Cable Guy (Mater), Michael Caine (Finn McMissile), John Turturro (Francesco Bernoulli) y Emily Mortimer (Holley Shiftwell).
Esta cinta de Pixar mezcla humor familiar, con escenas tirando al thriller, con un poco de James Bond y el sentimentalismo típico de Disney, cuestiones que por momentos funcionan bastante bien, pero por otros contaminan y le sacan claridad a la trama. Me parece que sí es un acierto el trasfondo de la historia donde se resalta la amistad entre los protagonistas, cuestión que siempre resulta simpática y linda de ver, aunque en este caso me parece que se quedaron cortos con un guión que no termina de encantar. Por lo demás, efectos visuales y de sonido impresionantes, colores que adornan muy bien la pantalla grande y creatividad en el armado de los personajes, pero considero que a estas alturas para Pixar esos elementos ya forman parte de las los "factores higiénicos" que deben tener todos sus lanzamientos, por lo que debo decir que este producto me pareció inferior a la mayoría de sus trabajos.
Sin ser la gran sorpresa del año en materia de films animados, sigue siendo una buena opción para llevar a los chicos en estas frías vacaciones para que distiendan sus cabecitas y disfruten de una explosión de colores.

Talento Intacto

Midnight in Paris es el último trabajo del reconocido director Woody Allen, trabajo con el cual, coinciden las críticas mundiales, se coloca nuevamente en el Top de directores legendarios del cine.
En esta ocasión nos trae una Comedia Romántica que tiene cita en la ciudad de las luces, la ciudad del amor y del arte, la ciudad icono de Europa, París. Continuando con su exploración de otras culturas distintas a la neoyorquina, en la que se ha convertido en un referente mundial, Allen vuelve a filmar una historia fiel a su estilo pero combinando la trama de la misma con el entorno del lugar donde se desarrolla, acercándose al enfoque que le dio a Vicky Cristina Barcelona, donde la vida de la city actúa como un personaje más de la historia.
Un escritor llamado Gil y su novia Inez, hacen un viaje de placer a París acompañando a los padres de ella sin saber que ese viaje se convertirá en un punto crucial de sus vidas. Al no tener química con los programas que organiza Inez con sus nuevos amigos Paul y Carol, Gil comienza a frecuentar la fascinante ciudad de París en la soledad, una soledad que muy pronto se ve cargada con viajes intertemporales a los años '20, donde conocerá a todo tipo de figuras que el admira como Ernest Hemingway, Picasso y Salvador Dalí, entre otros. Protagonizan el film Owen Wilson (Gil) y Rachel McAdams (Inez), contando con la participación también de Michael Sheen (Paul), Adrien Brody (Salvador Dalí), Kathy Bates (Gertrude Stein) y Marion Cotillard (Adriana).
Es un sello personal de Woody imprimir mucho de sí mismo en los personajes que incluye en sus películas, pero en este caso esa impresión se hace carne viva en Owen Wilson, que a mi parecer realiza un trabajo fabuloso, uno de los mejores de su carrera. El mejor humor irónico del director se hace presente en este film, junto a diálogos muy bien creados, donde la neurosis y las mañas de los personajes son el condimento especial. Se combina lo mejor del viejo Woody, con lo mejor del nuevo Woody.
Debo resaltar que es muy inteligente para atraer al espectador con sus capturas del entorno en el que se desarrollan las historias, pero es verdad también que en este caso muestra la cara más amable o atractiva de una ciudad que no siempre es buena anfitriona con sus visitantes, y que puede ser más cruel de lo que nos imaginamos. En este sentido, creo que siendo un talentoso como es, podría haber utilizado no sólo esa fase de París, sino que también podría haber sacado situaciones de lo más copadas trabajando con la cara sombría de una metrópolis como esta.
En conclusión, si son seguidores de Allen, no se pueden perder esta cinta, y si gustan de una historia inteligente acompañada de locaciones que enamoran, también la van a disfrutar muchísimo. ¡Recomendable!

Exageración que Agota

Por donde empezar... Como de la historia no vale la pena hablar mucho, ya que prácticamente es inexistente, me voy a dedicar a expresar un poco lo que siento a horas de haber visto esta bazofia en el cine.
En 1er lugar quiero expresar mi indignación y tristeza al ver que los Transformers, juguetes y dibujos animados que llenaron de alegría gran parte de mi infancia, se hayan convertido en el detonante de la locura desmesurada de un tipo al que si se pudiera, deberían revocarle los derechos para dirigir. Que desagradable es este Michael Bay, que tiene la capacidad de hacer que un Mercedes Benz o una Ferrari que se convierten en robots con efectos increíbles y armas hasta los dientes parezcan aburridos e insoportables. Realmente se equivocó de profesión, ya que en lo visual es innegable que tiene un talento increíble... ahora... para crear historias que atrapen y entretengan, es un inútil total. Su exageración absurda y sin límites, resulta cada vez más irritante al punto de que la gente se va a terminar dando cuenta de que nos está agarrando de giles a todos. Hay algunos detalles que son realmente brutos.
Durante toda la película hubo una mezcla de humor bizarro que el 70% de las veces no resultaba divertido, sino por el contrario muy cansador. Por otro lado, había tantos elementos dando vuelta que hacía que uno se mareara de la cantidad de personajes innecesarios y las conversaciones sin ningún tipo de utilidad.
Claramente Bay no se decidía si hacer un film más oscuro y adulto, o hacerlo lo más pochoclero y ligero posible, por lo que optó por hacer los típicos discursos moralistas de Optimus Prime con la bandera de USA flameando detrás de él mientras recita, seguido de escenas con chistes tan boludos que daban vergüenza ajena, o secuencias de acción donde los cañones de los Decepticons reventaban cuerpos humanos que volaban por la pantalla en forma de trozos de carne y huesos partidos.
El estilo de exacerbar el poderío militar estadounidense es de muy mal gusto, aburrido, trillado, insoportable y que demuestra un fetiche sin sentido por la cuestión. Lo peor es que leí bastantes críticas donde el comentario es "y bueno... es Bay, se lo dejamos pasar"... ¿WTF? Es dejar que el estilo basura nos termine ganando.
Por último la duración... ¿es necesario hacer una peli de 2 horas y 37 minutos? La respuesta está muy clara y es NO. Nunca, ¡pero nunca! me había pasado de quedarme dormido en el cine... pero esta vez no lo pude evitar y me perdí aproximadamente 2 minutos reloj de ¡una secuencia de acción!! 1 hora menos habría sido muy prudente.
La verdad es que lo único que disfruté de esta experiencia es que fui a verla con 2 muy buenos amigos míos a los que siempre me alegra ver, por lo demás... sólo decepción.
Una de las peores películas en lo que va del año.

Cowcho

Aballay es una producción argentina que cuenta una historia de venganza, un western con gauchos tucumanos y cordobeses que sorprende gratamente y nos hace creer que podemos plantear proyectos cinematográficos grandes, inteligentes y entretenidos.
Admito que no hubiera sido mi 1ra opción para intentar competir por un lugar en la categoría "Mejor Película Extranjera" en los Óscars 2012, pero sí está dentro de los mejor que se estrenó durante 2011 en materia de cine nacional.
Tiene sus fans y sus detractores, siendo los 1ros aquellos impresionados por la calidad fílmica, la producción y la historia (soy uno de ellos), mientras que los 2dos opinan que las actuaciones no son buenas, hay una exageración forzada en la confección de los personajes que vendrían a ser como una copia barata de un cowboy norteamericano y la trama les resultó finalmente aburrida. Concuerdo con el tema de la exageración, sobre todo en los acentos de las diferentes provincias de nuestro país, encontrándonos así con un Horacio Fontova que como gaucho cordobés es menos creíble que Ricky Fort como monje tibetano. La verdad es que no he conocido ni un habitante de la ciudad de Buenos Aires que pueda imitar correctamente el acento cordobés. Hay actores cordobeses muy buenos que podrían haber evitado este inconveniente. Lo mismo sucedió con el Puma Goity, cuyo personaje no tiene mucha razón de ser y su acento español no es de lo mejor.
Fuera se esta crítica, creo que la historia es atrapante, atractiva, sobre todo la historia de amor entre Julián (Nazareno Casero) y Juana (Mariana Anghileri). Los villanos compuestos por Pablo Cedrón (Aballay) y Claudio Rissi (El Muerto) son muy buenos y realmente producen bronca e indignación, sensaciones que debería despertar todo villano bien elaborado en la gran pantalla.
Se nota que se puso mucho trabajo en la filmación, atendiendo de manera efectiva los detalles de fotografía y las secuencias de violencia. Quizás faltó un poco más de foco en el coaching interpretativo, aspecto que se deja ver pero no disminuye tanto la calidad final del film.
Un western a lo gaucho que vale la pena ver para conectarse con las raíces culturales de nuestro territorio y pasarla bien en el proceso.

Los Caminos del Alma

El Laberinto o Rabbit Hole en su título original es una película acerca de las reacciones frente a la pérdida de un ser querido, de las dificultades de la superación y de cómo seguir adelante luego de esto... como se imaginarán tiene poco de light y mucho de depresión, conformando un drama que según mi opinión está muy bien ejecutado, con actuaciones convincentes y talentosas, pero que no aporta nada nuevo al género.
La historia involucra al espectador y la mayoría de las veces lo incomoda, lo afecta o directamente le mete una patada en la aorta, pero si tengo que ser objetivo, la trama que nos ofrece el film ya la hemos visto muchas veces en el cine... quizás demasiadas.
En este caso dirige John Cameron Mitchell en su 3er trabajo detrás de las cámaras, sus otros 2 anteriores fueron "Shortbus" y la aclamada "Hedwig and the Angry Inch". Mitchell, abiertamente gay, se aleja de la temática sexual en esta ocasión y compone un drama muy logrado en las sensaciones, tensiones y tristezas. Actúan la cada vez más talentosa Nicole Kidman (Becca), el carismático Aaron Eckhart (Howie), la veterana Dianne Weist (Nat), Tammy Blanchard (Izzy) y la cirujana más fría de Grey`s Anatomy, Sandra Oh (Gaby). Los actores hacen un trabajo espectacular, dándole a la cinta ese nivel de Oscar que es tan codiciado por los films de tipo dramáticos... Entonces te preguntarás... ¿por qué le puso 3 estrellitas y no más? El problema es la trama que no es original, que trata la pérdida de seres queridos, la culpa que esto genera y los procesos de sanación del alma, cuestiones interesantes de ver, pero que no le aportan nada nuevo al cine y que no innova en las temáticas abordadas. Quizás la pretensión del cineasta no era sorprender con un relato distinto de lo que venimos viendo en el género, pero lo cierto es que cuando finalizan los 91 minutos que dura, me quedé con la sensación de haber visto una muy buena versión de una película que ya he visto, al menos 5 veces.
No es un drama con sentimentalismos, por lo que hay que tener cuidado. Hay algunos públicos que prefieren recursos que afecten rápido el espectro sentimental, que muevan a la emoción y el llanto rápido... bueno, ese no es el caso de Rabbit Hole que va de menor a mayor, incomodando y entristeciendo, pero nunca cayendo en el llanto simplista.

Poner los Cuernos como algo Tierno

Something Borrowed o el "brillantísimo" título en castellano No Me Quites a Mi Novio, es la nueva ¿comedia? romántica que anda dando vueltas por las salas cordobesas y que de lejos puede presentar una tentación para las novias, las amigas, las salientes... ¡No se dejen engañar mujeres!, esta vez la decepción es para los 2 sexos.
Dirige la película Luke Greenfield, un tipo que hasta el momento ha tirado cada tanto algún bodrio como "Animal" con Rob Schneider o "La Chica de al Lado", que es mucho más respetable que la 1ra, pero aceptémoslo... tampoco es una joyita del género.
Protagonizan Kate Hudson (Como Perder a un Hombre en 10 Días), la nueva cara de las bobadas romanticoides Ginnifer Goodwin (Simplemente No Te Quiere), el carilindo Colin Egglesfield (Vampires: The Turning... ¿?) y John Krasinski (The Office), una mezcla bastante bizarra si me preguntan a mí, pero es sólo una opinión.
El film es una puesta en escena insoportable sobre 2 amigas enamoradas del mismo hombre, una de ellas tímida (obvio) interpretada por Ginnifer Goodwin y la otra super extrovertida (más obvio) en la piel de Kate Hudson, que es con quien está a punto de casarse el pibe en cuestión, Colin Egglesfield. El tema es que la tímida siempre estuvo enamorada de él, pero nunca se animó a disputárselo a su mejor amiga, hasta que una noche de borrachera decide tirar la chancleta y se acuesta con el prometido. A partir de ese evento se irán sucediendo una serie de cuestiones que harán que la película pase de Guate Mala a Guate Peor. Ah... ¡y casi me olvidaba del personaje de Krasinski!! que vendría a ser el amigo eterno de la tímida y que está más pintado que bocina de avión, ya que no aporta absolutamente nada y es una mala copia de Rupert Everett como confidente de Julia Roberts en "La Boda de Mi Mejor Amigo".
Para no dar muchas vueltas, la historia es muy trillada, trata de mostrar la infidelidad y la traición entre amigos como una cuestión ¿tierna?... ¿Se supone que uno va al cine con su novia o la saliente a ver esta peli y luego se quedan comentando sobre lo tierno que es cuando los protagonistas en pos del amor se ponen los cuernos incansablemente?? En fin, eso no es lo peor, sino que llegando al final, hay como 3 vueltas de rosca que intentan despistar al espectador en una estrategia tan histérica que hace que uno termine odiando a los 4 protagonistas. No recomendable en absoluto, ya que existen cintas de este tipo con un nivel mediocre que superan este perno, que es más aburrido que quedarse un sábado mirando el techo.

¿La hija de "El Origen"?

Source Code o 8 Minutos Antes de Morir, es un film que trata sobre un soldado norteamericano que debe descubrir quien fue el responsable de causar una explosión en un tren que dejó más de 200 muertos, para lo cual deberá volver en el tiempo a través de la memoria de una persona que estuvo en la escena del crimen, recreando en lapsos de 8 minutos toda la situación, lo que hará que de esta película un viaje vertiginoso y entretenido.
Personalmente le encontré una estética y parte del guión con aires de "El Origen" (con Leo Di Caprio), como si se hubieran basado en ella para construir una historia nueva exhibiendo características que marcan la influencia, cuestión que me parece muy bien ya que Inception es un buen referente para inspirarse.
Dirige en este caso Duncan Jones (hijo del cantante David Bowie) que también estuvo a cargo de "Moon", producción que fue muy bien recibida por la crítica; y protagonizan el film Jake Gyllenhaal (Secreto en la Montaña, Zodiaco) como Colter Steven, Michelle Monaghan (Misión Imposible III, Eagle Eye) es Christina, Vera Farmiga (Los Infiltrados, Up in the Air) como Goodwin y completa Jeffrey Wright (Casino Royale, Syriana) como el Dr. Rutledge.
La historia es un tanto absurda es su premisa, pero está encarada con inteligencia y ritmo, lo que hace que se pueda disfrutar como un thriller de buena ley. Nunca llegamos a entender que es el "Código Fuente", pero esto no es casual, sino que lo que se pretende es que el foco del espectador esté en otras cuestiones, como las relaciones que va entablando el protagonista con Goodwin y Christina en los escenarios paralelos. No es de esas películas que van a quedar en la memoria de todos, pero si es un clásico instantáneo de esos que cuando los encontramos en la programación de algún canal del cable nos acordamos que estaba buena y nos sentamos a ver de manera casi hipnótica.
La acción está muy bien lograda en mi opinión, utilizando ciertos recursos comunes en la publicidad, como mostrarnos el mismo spot televisivo que ya hemos visto, pero recortándolo de una manera que se resalta el concepto principal del anuncio. En Source Code sucede lo mismo cuando nos recortan parte de esos 8 minutos que se van recreando para que nos concentremos en el concepto y no perdamos tiempo en imágenes que ya vimos y tenemos almacenadas en la cabeza.
Es un thriller recomendable para pasarla bien y quedarse con los amigos discutiendo un poco sobre lo que interpreta cada uno de la historia mientras se toma una cervecita. Muy buen despliegue visual y buena composición del soundtrack.

¿Qué pasaría si...?

The Adjustment Bureau es el debut como director de George Nolfi, escritor de películas conocidas como Bourne Ultimátum y Ocean`s Twelve. La historia que presenta es una adaptación de la obra de Philip K. Dick, en la cual también están inspiradas otras cintas como Blade Runner y Minority Report.
Debo decir que por la poca promoción, falta de distribución y por la precariedad de las publicidades gráficas, a esta película no le daba ni $2 pesos... pero la verdad es que me entretuvo bastante, y a una persona como yo que no ha leído nada de Dick, el concepto que introduce junto con el enfoque de Nolfi, me enganchó bastante y me pareció por sobre todo original. Remarco esto de la originalidad ya que a simple vista podría parecer que se trata de una película más de acción, pero en realidad es uno de esos productos que resulta difícil encasillar, ofreciéndonos una historia de amor, suspenso, ciencia ficción y acción, todo junto en un pack que resulta por momentos vertiginoso y reflexivo a la vez. Es refrescante ver una historia de amor contada de una forma distinta, sin la estructura enlatada hollywoodense de Comedia Romántica que suele presentar tramas planas y poco creativas.
Los protagonistas de esta historia son David Norris (Matt Damon), un prometedor aspirante al senado norteamericano, Elise Sellas (Emily Blunt), una bailarina bohemia un tanto excéntrica que vive su día a día sin estructura alguna, y un Bureau de misteriosos agentes que parecen controlar el destino de todo el mundo. El nudo se produce cuando, por un descuido de los agentes del destino, Norris se cruza con la atractiva Elise en un encuentro que los unirá y que a su vez significará una amenaza para el plan que tiene trazado el "Presidente", una especie de Dios que nos da la libertad para elegir sólo las opciones que estén dentro del camino que él eligió para nosotros. Por momentos se le va un poco la mano de pretenciosa, abordando temas de gran profundidad muy por arriba y con poco calado, lo que hace que el espectador a veces se vaya del film a dar una vueltita mental. De todas maneras creo que resulta interesante en sus 3/4 de duración, trabajando una estética que recuerda a "El Origen", con algunas escenas que nos traen a la cabeza "Matrix" o incluso "El Caso de Thomas Crown". Si "8 Minutos antes de Morir" es la hija de "El Origen", esta se podría decir que es la sobrina. La recomiendo.

Sí se puede

La Doble Vida de Walter (The Beaver), un título que si me preguntan a mí es una traducción malísima del concepto de la película, trata justamente sobre Walter Black y su forma de lidiar con esa enfermedad tan dura que es la Depresión, a través de la expresión de sus sentimientos por intermedio de un castor de peluche, pero siempre dejando en claro que no hay doble vida, sino que hay una lucha interna de sanación y enfermedad en este oscuro pero representativo personaje, que pone en pantalla un problema creciente en las sociedades modernas.
Dirige y actúa en la cinta la reconocida actriz, y en ocasiones directora, Jodie Foster (El Silencio de los Inocentes, Contacto) que creo hace un buen trabajo en la dirección, un poco desorganizado y con algunos baches, pero que como producto final satisface el objetivo para el cual fue creado. Un acierto fuerte de Foster fue dejar de lado los comportamientos erráticos de Mel Gibson en la vida real para ficharlo como protagonista, ya que debemos admitir que sin él quizás el resultado favorable no habría sido el mismo. Completan el cast, Anton Yelchin (Porter hijo de Walter) y Jennifer Lawrence (Norah, la chica de Porter) que por estos días no deja de trabajar y se involucra en proyectos de alto vuelo.
Quien haya vivido de cerca la depresión ya sea porque la padeció, o por un familiar o amigo cercano, sabe que es una de las enfermedades más crueles, ya que el entorno sano suele no comprender por lo que está pasando la persona y piensa que con un viaje, un discurso de la belleza de la vida o una buena cagada a pedo el depresivo va a levantarse y andar... esto no es así, y es muchísimo más complejo y grave de lo que se puede entender. En The Beaver hay una buena descripción de los 2 procesos, tanto del depresivo con sus mufas, desinterés por su entorno y actitudes autodestructivas, como del entorno inmediato del enfermo que no comprende la gravedad de la situación y decide enojarse y odiar, en vez de acompañar y tener paciencia.
Como descripción de la interacción familiar en estas situaciones, creo que la película cumple muy bien con su cometido, aunque debo admitir que no logró emocionarme mucho y que no terminó de coparme la idea del castor como herramienta de sanación, lo que hizo que le baje puntuación. Buen cierre con la montaña rusa como metáfora y una duración que da gusto.

Absurdo Descontrolado

El Vengador o Priest, como lo indica su título original, es la última producción del especialista en efectos visuales Scott Charles Stewart (ojalá hubiera seguido por el camino de los FX), que debutó como director con la fulerísima "Legión", película que proponía una historia que si se encaraba de manera profesional, podría haberse convertido en una de las mejores producciones de Ciencia Ficción de la década... siguiendo el camino totalmente contrario, la convirtió en un producto de la clase B más vulgar y asquerosamente aburrida, y lamentablemente "Priest" ha tenido la misma suerte.
Protagonizan esta cinta Paul Bettany (Una Mente Brillante, El Código Da Vinci), Karl Urban (Star Trek, El Señor de los Anillos), Cam Gigandet (Crepúsculo, Burlesque) y Maggie Q (Nikita, Misión Imposible III), todos actores que individualmente han sido parte de algunas grandes producciones del cine, aunque en este caso parece que se juntaron para generar vergüenza ajena.
Priest plantea la idea de un mundo post apocalíptico, donde siempre existió la guerra entre Hombres y Vampiros, siendo derrotados estos últimos por un grupo de sacerdotes con poderes sobrenaturales otorgados por el mismísimo Dios. Los vampiros fueron exterminados en su mayoría, y los que quedaron fueron confinados a prisiones lejos de las grandes Metrópolis, que ahora son controladas por la Iglesia (siempre la Iglesia...) corrupta y segada por el poder.
Para empezar, el planteo de Ciencia Ficción como base y la mezcla con el género de Western, podría haber resultado mucho mejor del bodrio que terminó siendo, lo mismo que sucedió con su predecesora "Legión", lo que demuestra que al pibe este Stewart se va la mano con la fumata de efectos especiales y monstruos, prestándole poca atención al armado de la trama, y sobre todo al trazado de los personajes que son tan chatos y olvidables, que ni todas las armas y tatuajes que tenían los podían salvar.
Por otro lado... ¿otra vez vampiros??, ya está muchachos... encima la apariencia física de estos era una mezcla de los monstruitos pedorros de "Van Helsing", con "Alien" y los muertos vivos de "Soy Leyenda"... otro gran mocaso por cierto.
La historia no ofrece absolutamente nada interesante... Una sacerdotisa que parece haber tenido algo con el Sacerdote Vengador pero que la juega de nada... Un villano con motivaciones totalmente absurdas e infundadas... Un par de actores de reparto que lo único que hacen es personificar los peores clichés del Western y la Ciencia Ficción. Para no ser muy largo, les recomiendo pasarla por alto. Malas actuaciones, malos personajes, planteos absurdos y vampiros con menos producción que los videoclips de la Tigresa del Oriente.

Asesina Angelical

Hanna es el nombre de esta nueva producción del director Joe Wright (Orgullo y Prejuicio, El Solista), que combina elementos de varias películas de acción con un enfoque un tanto experimental en la técnica de filmación. Resulta un poco extraño ver a este director al frente de un film de acción frío y crudo como este, que poco o nada tiene que ver con sus trabajos anteriores, dramáticos y románticos, pero lo banco a muerte por animarse y probar, demostrar que puede ser muy versátil obteniendo resultados bastante respetables como es el caso de esta cinta.
La historia de centra en Hanna, una chica de 16 años que fue creada en un laboratorio de la CÍA y que ha pasado toda su joven vida entrenando como una especie de super asesina en el círculo ártico junto a su padre, el agente renegado Erik (Eric Bana). Hanna no ha tenido nunca en su vida contacto con el mundo exterior, aunque si conoce como está compuesto debido a la exhaustiva educación que recibió, que incluye por ejemplo, ser experta en más de 4 idiomas. Su objetivo es encontrar a la agente Marissa Wiegler (Cate Blanchett) y asesinarla, tarea que no le será fácil, ya que ésta es una arpía con bastante camino andado en el espionaje y a la que le sobra tranquilidad para apretar el gatillo.
A simple vista parece que fuera un cliché de espías, y en cierta forma lo es, aunque enfocado de una manera que la transforma en un viaje entretenido y con mucha adrenalina. En 1er lugar, cuenta con un cast espectacular, que incluye a la ganadora del Oscar Cate Blanchett (Elizabeth, El Señor de los Anillos, El Aviador), Saoirse Ronan (Expiación, Deseo y Pecado) y el gran Eric Bana (Troya, Chopper y Munich), un triángulo de talentos que definitivamente le subió varios puntos. En 2do lugar está la cuestión de lo bizarro que anda muy moda se ve, a mí particularmente siempre me atrajeron los personajes bizarros, excéntricos, raros, y en Hanna hay varios de ellos, desde el matón de los pelos rubios y el conjunto de tenis setentoso, hasta la familia semi hippie que conoce en su camino hacia Berlín. Por último está la cuestión de la acción que está muy bien lograda, sin descuidar la parte interpretativa, algo que es muy valorable por estos tiempos. El ritmo de la película es bueno, salvo algunos partes que están claramente de más y que son sólo un despliegue de técnicas de filmación o escenas concertadas para lucir a la banda sonora compuesta por los Chemical Brothers, que sin duda también sumaron a ese enfoque urbano, moderno y adrenalínico, pero que por momentos se volvían protagonistas ausentes de escenas sin mucho contenido.
El balance general es que Hanna es un Thriller que cumple bien su función, con algunos altibajos, pero con un resultado final que atrapa y entretiene. Saoirse Ronan está totalmente hipnótica en este film.

Madurez del Guerrero Dragón

Kung Fu Panda 2 es la tan esperada secuela de las aventuras de Po, un oso panda que descubre que por sus venas pasa la sangre de un gran guerrero de las artes marciales, destinado a convertirse en una leyenda de la disciplina. La película está dirigida por Jennifer Yuh, una profesional que ha pasado un buen tiempo por los departamentos de arte y animación de grandes producciones del género como Madagascar, Spirit y Spawn, entre otros. Vuelven a dar vida a los personajes principales las voces de Jack Black (Po/Panda), Angelina Jolie (Tigress), Dustin Hoffman (Shifu), Jackie Chan (Monkey), Seth Rogen (Mantis), Lucy Liu (Viper) y David Cross (Crane) + una horda de famosos para los personajes nuevos como Gary Oldman (Shen), Michelle Yeoh (Soothsayer) y Jean Claude Van Damme (Master Croc).
En esta ocasión, Po acude a rescatar un poblado que es atacado por supuestos ladrones, unos lobos comandados por un Pavo Real (Shen) que no son los típicos villanos con los que suele lidiar. El encuentro comenzará a develar en la mente de Po recuerdos que tienen que ver con sus orígenes, su niñez y un secreto que pondrá a prueba la paz interior del panda karateca.
Debo decir que me sorprendió muchísimo esta secuela, que estaba seguro que iba a ser una de esas continuaciones que terminan por hundir un producto animado, pero que en vez de aburrirme y decepcionarme, me absorbió por completo, me entretuvo como nene de 5 años con juguete nuevo y hasta me hizo emocionar un poco (sin lágrimas, ¡aclaro!). El Jack Black que me pareció un poco tedioso en la 1ra, vuelve renovado y mucho más amigable en cuanto al personaje, junto con un escuadrón de guerreros que por momentos hacían olvidar que uno está viendo una animación, para hacernos creer que estamos ante un film de artes marciales de mucha calidad. Gran trabajo de animación, donde la directora, y por supuesto Dreamworks, tienen basta experiencia, desplegando planos, colores y texturas que nos trasladaban al lejano oriente. Los planos están confeccionados de tal manera, que se pueden apreciar hasta los más mínimos detalles en cada escena. Aclaro que vi la cinta en 2D y me pareció ¡genial!, y no concuerdo con los que siguen defendiendo el formato actual del 3D, con esos lentes de calidad pedorrísima, que dejan doliendo las orejas y molestan más de lo que aportan al film, por lo menos en los cines de Córdoba.
Para ir cerrando, la historia que se plantea es mucho más interesante y emotiva que en la 1ra entrega, con búsquedas de identidad, exploración de la relación padre e hijo, la importancia de la amistad verdadera y la miseria que acarrea la pedantería y la ambición desmesurada. Si les gustó la 1ra, esta la van a disfrutar el doble.
Aplausos para el osito torpe que vuelve más afilado que nunca.

El peso de las decisiones

Blue Valentine: Una historia de amor, es una película dirigida por Derek Cianfrance, un norteamericano poco conocido en el circuito comercial, pero que en el plano independiente tiene cosechados algunos premios por producciones como "Brother Tied". Yo la verdad que no lo conocía, pero ahora lo voy a tener más en cuenta.
Unos espectaculares Michelle Williams y Ryan Gosling interpretan a Cindy y Dean, una pareja joven cuyo amor se puede comparar con el ciclo de vida de un ser vivo que Nace, Crece, Madura y Muere, en un relato tan deprimente como atractivo.
El film presenta de manera paralela 2 etapas distintas de la pareja en una línea de tiempo simultánea, en la que por un lado podemos ver la 1ra mitad del ciclo, donde el amor nace y crece, mientras que por el otro lado nos mostrarán como ese amor madura y declina, combinando escenas que alegran el corazón con otras que lo apuñalan. Una apuesta fuerte tanto del director como de los actores principales, que ofrecen una historia profunda, con escenas subidas de tono, pero sobre todo en lo emocional.
Blue Valentine retrata en cierta forma a las parejas de nuestros tiempos, donde el amor tiene fecha de vencimiento, donde hay decisiones que se toman que NO admiten una vuelta atrás, donde como dice Zygmunt Bauman: "la felicidad es un estado de excitación espoleado por la insatisfacción". Personalmente no creo que la dinámica de pareja deba ser así, de hecho no comparto la forma de lidiar con los problemas que ponen en práctica los personajes, donde toda la intensidad deja lastimaduras que no pueden curarse, porque como soy un esperanzado, sí creo en el para siempre. De todas maneras, aplaudo esta película que presenta una temática muy contemporánea, que fotografía la relación de pareja moderna, que puede servir como "precaución" en cuanto a las decisiones que se toman, y que por supuesto brinda unas interpretaciones que son tóxicas pero irresistibles. Muy recomendable a los gustosos de los buenos dramas.

Una brisa que refresca

L'arnacoeur, como lo indica su título original, o Rompecorazones, es una refrescante comedia romántica francesa que nos llega de la mano del director Pascal Chaumeil, conocido en su Francia natal por ser responsable de varias producciones para la pantalla chica, aunque parece que se le animó al largometraje.
Protagonizan la cinta los actores Romain Duris (Piso Compartido, linda peli por cierto) como Alex Lippi y Vanessa Paradis (actriz, cantante y esposa de Johnny Depp) como Juliette Van Der Becq. Acompañan también Julie Ferrier (París) como la hermana de Alex y François Damiens como el cuñado de Alex, un dupla que no tiene desperdicio y que me hizo reír mucho, sobre todo el personaje de Damiens que me hizo acordar al bizarro amigo galés de Hugh Grant en Notting Hill.
La historia combina una serie de elementos que sin ser muy originales ni extravagantes, logran de alguna manera encantar como si lo que estuviéramos viendo fuera algo totalmente fresco. Es graciosa y romántica, elegante y torpe a la vez, mezcla ironía y ternura, cultura francesa y cultura yanquilandia, bueno... varios elementos que terminan hipnotizando y haciendo que la pasemos muy bien.
La historia nos muestra un trío de estafadores con un trabajo bastante particular... Separar a mujeres infelices de sus parejas que no las merecen, siendo el "modus operandi" la Seducción, una seducción que les abrirá los ojos y las hará respetarse mejor a sí mismas. En este caso, el gran trabajo de su carrera será lograr separar a Juliette de su supuesto perfecto caballero inglés. Digamos que la trama es una mezcla de "Las Seductoras" (Sigourney Weaver y Jennifer Love Hewitt) y "Hitch" (Will Smith), pero mucho mejor ejecutada y con un aire taaan distinto... quizás el encanto de los protagonistas, un Romain Duris al que sin ser el típico galán, le sobra facha y comicidad, o Vanessa Paradis que más allá de sus paletas frontales mutantes, no podemos dejar de admirar... Una dupla de reparto bien loca y divertida que me hizo acordar a lo que lograban los personajes de Karen y Jack en la exitosa serie "Will & Grace". También hay que resaltar la fotografía que es espectacular, paseándonos por la rivera francesa y el glamour europeo que la convierte en una película de culto para los fashionistas. Leí por ahí algunas críticas negativas que hablaban de "elementos machistas", comparaciones con clásicos del cine y otras yerbas... Muchachos... dejémonos de joder, es sólo un comedia romántica.
Terminando, debo decir que me llevé una buena sorpresa cuando vi este film francés por el que no daba ni $2 pesos, y que terminó siendo de esas películas agradables que refrescan la mirada después de tanta comedia romanticoide basura dando vuelta. La recomiendo a los que gustan de la buena diversión con toques románticos.

Mutación Positiva

X-Men: First Class es la 1ra entrega de una nueva franquicia de los mutantes más famosos del mundo, esta vez volviendo a los inicios de la historia con una Precuela que profundiza en la historia de personajes clásicos + la introducción de nuevos mutantes que aparecieron con el cómic que lleva el mismo título.
Dirige la película Matthew Vaughn (Stardust / Kick Ass), un británico que hasta hace poco era más conocido por su trabajo como productor de films, sobre todo de la taquillera "Snatch, Cerdos y Diamantes". Protagonizan esta producción un cast totalmente renovado que incluye nombres como James McAvoy (El Último Rey de Escocia / Se Busca), Michael Fassbender (Bastardos Sin Gloria / 300), Kevin Bacon (Río Místico / Río Salvaje) y anoten este nombre, Jennifer Lawrence, que hizo un papel increíble en la película nominada al Oscar "Lazos de Sangre".
Las precuelas constituyen un nuevo fenómeno que está muy de moda desde hace algunos años, impulsadas por los Episodios 1, 2 y 3 de "Star Wars" y las nuevas y fabulosas "Batman" de Christopher Nolan. Si bien estas modas suelen convertirse en formas de prolongar la entrada de dinero a las franquicias, en el caso de los X-Men creo que ha sido un acierto como pocos, trayéndonos esa anhelada satisfacción a la necesidad de ver en pantalla enfoques más serios y profundos de los personajes de cómics, que no debemos olvidar, que más allá de la atracción natural que producen en el plano Pop, tienen historias que tocan temas tan profundos como la discriminación, la manipulación genética y la introspección entre otras. A su vez, calma en cierta forma esa curiosidad de "reality" cada vez más notoria de saber todo de la vida de los personajes, su infancia, sus comienzos, sus metamorfosis y su decadencia. En esta caso podremos ver como comienzan las rivalidades entre Magneto y el Profesor X, qué produce la parálisis de éste último, como eran Raven y Hank antes de ser Mystique y Bestia, como nace la famosa Escuela de Mutantes de los X-Men y más.
Para ir redondeando, resalto la exploración de la profundidad de los personajes, el enfoque más adulto y el buen ritmo de la película, que va de muy entretenido a momentos de drama que pueden enervar o hacer soltar una que otra lágrima.
Le bajo sólo un punto, por el error muuuy yanquilandia, de confundir Bariloche con Villa Gesell cuando el personaje de Magneto visita la Argentina en el film, ya que demuestra un descuido en hacer los deberes que con tanta producción debería haber sido más cuidado. También expreso mi cansancio por la participación del ejército estadounidense y la bendita CÍA en el 80% de los films de acción y ciencia ficción... Podríamos pensar en algo más original muchachos.
Por lo demás, creo que esta maravillosa precuela dará mucho que hablar y dejará más que contento a los fans de los mutantes con poderes sobrenaturales. También hay algunos "guiños" divertidos para dejar contento al fan de la saga anterior.

Amor Trágico

Incendies es la última y mejor película del canadiense Denis Villeneuve, un tipo que filmó anteriormente otros títulos como Polytechnique y Maelström, de temáticas bastante fuertes, dramáticas y violentas a la psique del espectador. Incendies, no es la excepción.
En un despliegue de planos muy bien filmados, tiene lugar la historia de Nawal Marwan, una mujer libanesa exiliada en Canadá que está muriendo, y que en su testamento ha dejado una serie de instrucciones extrañas que deben cumplir sus 2 hijos gemelos para que ella pueda descansar en paz. A uno de ellos, Simón, se le encomienda encontrar a su hermano (del cual no sabían su existencia) y entregarle una carta, mientras que a Jeanne, se le encarga encontrar al padre (el cual creían muerto) para también entregarle una carta. Entre el shock de estar anoticiándose de los nuevos eventos y los deseos de cumplir con la voluntad de su moribunda madre, los gemelos emprenden un camino que los llevará a descubrir las tragedias que debió vivir Nawal como consecuencia de la guerra entre católicos y árabes en Medio Oriente.
El film explora la vida de una mujer víctima de la guerra y su dura transformación interna, que fue recrudeciendo a medida que el enfrentamiento se iba volviendo más violento y despiadado. Villeneuve nos muestra atrocidades sin anestesia, con un realismo endemoniado que le da ese toque bien desgarrador a la película.
A su vez, nos muestra una persona movida por la desesperación y el odio... ¿o la desesperación y el amor....? ¿la mueve el amor o el odio? ¿o la mueve las dos cosas?. Con esta cuestión juega también el director, mezclando comportamientos que parecen estar ligados a los dos sentimientos que le dan fuerza para vivir.
El cast está muy bien, pero la interpretación de la actriz Lubna Azabal es una cosa de locos... Esta belga, le da vida a una personalidad, a un carácter, a una templanza, que pocas veces se puede ver en la gran pantalla. Es realmente para disfrutarla.
Es un film que por momentos presenta un ritmo lento, que a algunos se le puede volver un poco tedioso. Por otro lado, es una historia totalmente agobiante, dura y que afecta bastante, asique ¡CUIDADO a los sensibles!.
Si te bancas la aspereza y estás acostumbrado al cine con ritmos más pausados, no te podés perder esta cinta que tiene drama y suspenso de altísima calidad.

¡Eso Vive!

El Dedo es la ópera prima del director Sergio Teubal, una nueva cara en el cine argentino, que decide debutar con esta comedia negra de toques bizarros, que mezcla superstición, puja política, asesinato, ignorancia y algunas cuestiones más que la convierten en una interesante variante a la cartelera actual, sobre todo para los que están podridos de tanto blockbuster pochoclero.
La película cuenta la historia de un pueblo cordobés, más específicamente del Cerro Colorado, que al nacer el habitante número 501, queda habilitada para poder elegir, mediante el voto popular, al intendente de la comuna. El nudo se hace presente cuando uno de los posibles candidatos, Baldomero, es asesinado misteriosamente, situación por la cual su hermano Florencio, decide cortar el dedo índice del cadáver para que de alguna manera le señale quien ha sido el verdugo. Como se podrán imaginar, este acto de superstición llevará al film por caminos que raya lo absurdo y lo bizarro, jugando con escenas de los que teóricamente fueron los protagonistas reales de la historia.
Protagonizan Fabián Vena (Florencio), Gabriel "Puma" Goity (Hidalgo), Martín Seefeld (Baldomero) y Mariana Brisky (Franca). Como gran crítica a la cinta, remarco el abuso de actores porteños para interpretar a cordobeses... si bien creo que el esfuerzo de algunos es más que respetable, nunca un actor de Buenos Aires va a poder sacar la tonada cordobesa sin parecer forzado... lamentablemente es así, no es una tonada fácil. Es verdad que un Fabián Vena atrae mucho más público que un Gustavo Almada ("Laucha" en De Caravana), pero es momento, sobre todo con el auge del cine cordobés, de que se comience a tener seriamente en cuenta a los actores locales, sobretodo si se quiere hablar de una historia de Córdoba.
En otra nota, el humor negro y ácido es por momentos maravilloso, aunque no es constante durante los 96 minutos del film. Personalmente, no lo soporto a Gabriel Goity con esa vocecita irritante que pone a sus personajes desde que tuvo un poco de éxito en "Los Roldán", creo que ya choreó bastante con eso y su actuación me resulta muy artificial. Una muy buena sorpresa para mí fue Mariana Brisky que le da un cierto ángel a la película, y por supuesto Fabián Vena que resalta durante toda la cinta y le sube definitivamente varios puntos a la historia contada por Teubal.
¡Yo les diría Precaución! No es la típica comedia argentina, y puede llegar a pasar lo que a muchos les sucedió con "Los Marziano", que fueron con un pre concepto de comedia que les impidió disfrutarla. Es un poco rara, sí, pero también es una respetable representante del buen momento que está pasando el cine argentino.

Zafa raspando

¿Qué pasó ayer? 2 es la nueva entrega sobre The Wolfpack, un grupo de amigos aparentemente ñoño y normal, que cuando se enfiesta es capaz de pegarle a la joda más fuerte y bizarra sobre la faz de la Tierra. Vuelven en esta ocasión Bradley Cooper (Phil), Ed Helms (Stu), Zach Galifianakis (Alan) y Justin Bartha (Doug), junto a algunas apariciones de la 1ra película como Ken Jeong (Chow) y Jamie Chung (Lauren), más algunas caras nuevas para el film como Paul Giamatti (Kingsley) y Mason Lee (Teddy). Dirige nuevamente Todd Phillips, que también estuvo a cargo de la 1ra y es conocido por haber dirigido "Todo un parto" y "Viaje Censurado", películas que nos llevan a la deducción de que el humor bizarro, irrespetuoso y zafado, es su punto fuerte, aunque debo decir que en esta producción se quedó medio corto...
La historia plantea el casamiento de Stu con Lauren a celebrarse en Tailandia, por lo cual toda la banda viaja y decide hacerle una pequeña despedida a su amigo tomando unas cervezas al lado de un tranquilo fogón en la playa... Cuando se despiertan, caen en la cuenta de que les pasó lo mismo que con la despedida de Doug, EXACTAMENTE LO MISMO... No encuentran a uno, hay un animal que despierta con ellos, no se acuerdan de nada, hay rastros de joda dura con drogas, mucho alcohol y prostitutas. Si bien el objetivo de presentar situaciones totalmente bizarras, ridículas y con un alto contenido de humor negro se cumple (raspando), tengo que decir que me quedó un gustito amargo... Cambiar sólo las cuestiones superficiales como que en vez de Las Vegas sea Tailandia, o que en vez de un diente roto haya un tatuaje, o en vez de un tigre un mono, me deja una sensación de que en cierta forma me están robando, y no exagero... la trama no presenta ningún tipo de cambio, solo una lavada de cara.
El más gracioso de la película es el personaje de Chow, que me hizo reír bastante en más de una ocasión y superó ampliamente a un flojito Zach Galifianakis que no se pudo lucir como en la primera entrega, y en 2do lugar el neurótico Stu que vuelve más sacado que nunca y con su característico humor físico. Por lo demás... no hay mucho más que resaltar. Creo que a los que les gustó la anterior también van a disfrutar esta, aunque seguramente con menos intensidad, ya que el factor sorpresa se perdió por completo y no se preocuparon mucho por crear una trama más original, sin embargo para pasar el rato y contagiarse la risa en la sala zafa.

Sorpresa terrorífica

Insidious o La Noche del Demonio (traducción poco original por cierto), es la última película de terror que se está estrenando en estos días por nuestros pagos. Dirige esta producción James Wan, que también fue el responsable de la exitosísima Saw (El Juego del Miedo 1), que sentó nuevas bases en el cine de terror contemporáneo, aunque lamentablemente también dio a luz a las verborrágicas secuelas de la historia.
El film trata sobre una familia tipo estadounidense con 3 hijos, que se muda a una nueva casa en los suburbios donde teóricamente serán felices y comerán perdices, pero como todos sabemos, el film tomará otro rumbo mucho más macabro. Los problemas comienzan cuando uno de los hijos cae de una escalera y entra en un coma profundo, que luego se descubre no es fruto de la caída que experimentó. Comenzarán a sucederse eventos muy extraños en la casa de los Lambert, eventos que son más complejos de lo que podemos imaginar a simple vista.
Uno ve el cartel del nenito con cara de malo antes de entrar a la sala y piensa... "Mmmm, me parece que esto va a ser un MOCO (pérdida de tiempo), ¿como me convencieron de venir a ver esto?...", pues ¡Oh, Sorpresa!, la película resulta ser muchísimo mejor que las expectativas que tenía. Actúan en el film Patrick Wilson (Watchmen, Hard Candy), Rose Byrne (María Antonieta, X-Men First Class) y Barbara Hershey (El Cisne Negro) entre otros, haciendo papeles de lo más respetables y lo digo sin doble sentido. La historia parece ser nada original, ya que a simple vista plantea la misma situación de siempre de la casa embrujada, pero ¡cuidado!... rápidamente se encarga de aclarar que lo poseído no es la casa, sino su tierno hijito, cuyo cuerpo es codiciado por las entidades más freaky que he visto en mucho tiempo. De ahí en más, la cinta se va volviendo cada vez más aterradora, introduciendo nuevas cuestiones como los viajes astrales, mundos paralelos y unos caza fantasmas que no tienen desperdicio. El guión no es una obra de arte del cine de terror, ni tampoco pretende serlo, pero sí tiene un objetivo bien trazado que engancha al espectador y hasta lo hace saltar un poco, algo muy raro de ver en las últimas cintas de este género.
Siempre hay que ubicarse en el tipo de film que estamos yendo a ver, en este caso, uno de terror, con elementos sobrenaturales y entidades demoníacas. Si aceptamos esta premisa, creo que el resultado es de calidad y entretiene.
Una curiosidad, uno de los caza fantasmas es el actor Leigh Whannell, que también actuó en la Saw original, y que en esta ocasión también es el escritor de la historia como lo fue con aquella cinta. Recién lo reconocí cuando estaba finalizando la película.

Frivolidad Disney

Piratas del Caribe 4: En Aguas Misteriosas es la 4ta entrega de esta monstruosa franquicia de Disney que recaudó con sus primeras 3 películas más de 2000 millones de dólares a nivel mundial... eso sin sumar lo que recaudará con la 4ta que promete destronar a los líderes del momento Río, Thor y Rápidos y Furiosos 5.
En esta ocasión quien dirige es el veterano Rob Marshall, conocido por revivir los musicales en el cine con la película Chicago que fue ganadora de un Oscar.
Vuelven el alma de la historia, el capitán Jack Sparrow interpretado por Johnny Depp, y el capitán Barbossa, que cobra vida con la actuación de Geoffrey Rush, y a su vez se incorporan nuevos personajes como es el caso de Angélica y el capitán Barbanegra, interpretados por Penélope Cruz e Ian McShane.
Esta vez la aventura se centra en la búsqueda de la Fuente de la Juventud, un lugar codiciado tanto por la corona británica como la española, el capitán Barbanegra y el mismísimo Jack Sparrow.
Para comenzar, vamos 1ro con los aspectos positivos, que en mi opinión son los personajes y las actuaciones de los originales del film Depp y Rush, que le dan a la película ese aire atractivo de la vida pirata, adueñándose de Sparrow y Barbossa, ofreciendo algunas bizarreadas que forman parte de su encanto.
En 2do lugar, los efectos y la introducción de las míticas sirenas en la ecuación, me resultó muy agradable, de hecho creo que la mejor secuencia de acción se produce en el encuentro de Whitecap Bay. La fotografía y los escenarios que propone Piratas del Caribe 4, siguen impecables como siempre, desplegando esa explosión de colores característica de los films de Disney. Por último, la historia que se plantea es atractiva, con varios elementos de una verdadera aventura, aunque no muy original, basta con comparar con Indiana Jones y el Arca perdida.
Con respecto a lo que no me gustó demasiado, es esa obsesión por poner en pantalla películas eternas de duración sólo para exponer elementos comerciales que no hacen en nada a la película, y que sólo sirven para vender mejor el merchandising. Como marketinero, opino que se debería ser más creativo y concreto en las acciones comerciales de estas grandes franquicias, ya que el foco exagerado en la venta post movie pueden llevar esa vaquita lechera a convertirse en un perro rabioso que se vuelva en contra. Por otro lado, lo de McShane y Cruz... no me convenció mucho, o mejor dicho, no creo que le hayan aportado mucho a la cinta, ya que el personaje de Angélica es totalmente innecesario y no encaja en la vida pirata del protagonista, mientras que Barbossa no llega a venderme el malísimo pirata temido por todos los demás piratas.
El resultado final es una aventura que se disfruta, que entretiene, pero que no maravilla ni termina de involucrar al espectador. Los incondicionales de la saga seguramente la pasen bien, pero no será de las más elogiadas. Para pasar el rato con un 2x1 en el cine está bien, pero para abonar los precios exorbitantes del 3D... da para pensarlo 2 veces.

Feminismo Kitsch

Potiche (Mujeres al Poder) es un film francés dirigido por François Ozon, quien también estuviera a cargo de la dirección de 8 Mujeres y Swimming Pool.
La historia trata sobre Suzanne Pujol (Catherine Deneuve), la típica "ama de casa desesperada" pero con un toque retro, que ha vivido toda su vida a la sombra de su infiel esposo Robert Pujol (Fabrice Luchini), un tipo que menosprecia a las mujeres y que no la respeta.
Por un problema de salud de Robert, Suzanne se verá obligada a hacerse cargo de la dirección de la empresa ayudada por el capo sindical Maurice Babin (Gérard Depardieu), hecho que la llevará a darse cuenta que es una mujer con muchas capacidades que injustamente a ido reprimiendo, y que ahora en el poder, puede convertirse en una persona diferente, pero sobre todo feliz.
La comedia es inteligente en el sentido que juega de manera adrede con los clichés setentosos, abusándose de ellos y combinándolos con el humor bien francés, donde las situaciones ácidas o incómodas predominan. Confieso que no es para nada el tipo de película que suele atraerme, por lo que me costó entrar en onda, pero finalmente el film me resultó entretenido. Tanto los personajes principales como los secundarios están muy lúcidos, destacándose las actuaciones de Deneuve y Luchini que están especialmente atractivos en Potiche.
Ozon trata la disfuncionalidad familiar con bastante ligereza, lo que está muy bien ya que Mujeres al Poder es una comedia, pero sentí en varias escenas que cierto humor relacionado con problemas familiares, no me resultó lo suficientemente gracioso como para evitar notar lo grotesco de ciertos abordajes. Creo que si uno realmente está decidido a reírse de la infidelidad, la violencia de género, las ideologías políticas y demás, debe perder todo tipo de respeto por las convenciones y dejarse ser, es decir, llevar el humor negro al límite para que el espectador olvide que en realidad se está riendo de algo que en la vida real no es divertido, y acá creo que no se consigue eso.
De todas maneras, creo es disfrutable en su conjunto, sobre todo si son seguidores del cine francés.

La Mentira de la Guerra

Fair Game o Poder que Mata en su traducción para nuestro país, es un thriller - drama que está basado en hechos reales, y cuenta la historia del enfrentamiento entre el matrimonio de Joe Wilson y Valerie Plame, un diplomático y su esposa espía de la CIA, con la administración Bush, que se encargó de desacreditarlos y exponerlos como represalia a un artículo que publicó Wilson en el New York Times, en el que los acusaba directamente de manipular el centro de inteligencia para justificar la invasión a Irak.
La verdad que es una lástima que haya llegado con tanto retraso a Argentina, ya que por el acercamiento con los grandes blockbusters que se están estrenando tiene una distribución bastante limitada y seguramente dure pocas semanas en cartel.
Creo que en este caso Doug Liman (Mr. and Mrs. Smith, The Bourne Identity) hace un buen trabajo combinando suspenso y drama de calidad en el área del espionaje que se nota le atrae bastante y donde está desarrollando un "expertise" que se las trae. Si bien la historia es conocida por muchos, la encara de una manera que resulta bastante interesante y adulta. La dupla protagónica de Sean Penn (Milk, I am Sam, Río Místico) y Naomi Watts (La Llamada, 21 Gramos) está fantástica, otorgándole un valor agregado al film que juega entre 2 géneros de manera muy inteligente, haciéndose notar la inclinación política tanto de los creadores como de los actores, algo que se evidencia en varias escenas como por ejemplo, cuando una ciudadana claramente republicana irrumpe en una almuerzo de negocios de Wilson para tirarle un rosario de puteadas, con lo que se trata de dejar al descubierto la intolerancia de este grupo político.
La duración quizás podría haber sido un poco más acotada para agregarle más ritmo e impacto, debido a que por momentos la cinta se desvía en cuestiones secundarias, como la relación de Plame con sus padres, que en mi opinión no son necesarias.
Para quienes disfrutan de thrillers adultos, con buenos toques de drama, "Poder que Mata" es una linda opción para escapar de tanta película teenager que hay dando vuelta en cartelera por estos días, además de que pone en pantalla a 2 verdaderas estrellas de Hollywood a las que siempre vale la pena ver en acción.

El Amor Líquido

Whatever Works o Que la Cosa Funcione, es lo último en llegar a nuestros pagos del famoso director neoyorquino Woody Allen (Vicky, Cristina, Barcelona y Manhattan), que en esta ocasión presenta una historia donde el personaje principal es una mezcla de él mismo y de Larry David, un escritor, actor y productor de series conocidísimas como Seinfeld y Curb your Enthusiasm (HBO), ambas ganadoras de varios premios de la TV. Entre los 2, moldearon un personaje que cuenta lo que vendría a ser su historia de vida, la de un neoyorquino tipo que presenta algunas características especiales como ser obsesivo compulsivo, depresivo, genio, pesimista, gracioso, misógino, comunista y más!, bien al estilo Allen. Boris Yellnikoff, el personaje principal, luego de divorciarse de su esposa, conoce por accidente a una joven sureña con poco cerebro, pero con mucho encanto, a la que ayuda en un principio a instalarse en la gran manzana hasta que surgen sentimientos en la ecuación, y comienzan una relación que los llevará a una serie de acontecimientos que cambiará sus vidas y las de sus familiares.
En este trabajo el director saca a relucir algunos de sus pensamientos más representativos acerca de la pareja, las instituciones y la religión, ofreciendo una visión pesimista pero divertida acerca de las cuestiones de la vida, donde las relaciones con las otras personas son tan volátiles que lo único que queda por hacer es "Que la Cosa Funcione". Si alguno leyó al pensador Zygmunt Bauman y sus reflexiones acerca del Amor Líquido y el Amor Sólido, la Modernidad Líquida y la Modernidad Sólida, encontrará en este film un buen retrato de este tipo de fenómeno, donde la felicidad se ha transformado de aspiración ilustrada para el conjunto del género humano en deseo individual, y en una búsqueda activa más que en una circunstancia estable, porque si la felicidad puede ser un estado, sólo puede ser un estado de excitación espoleado por la insatisfacción.
Como crítica más fuerte, encuentro que Allen toma ciertos aspectos de las personas muy a la ligera, siempre con mucha inteligencia en el planteo, pero con cierta irresponsabilidad en la profundidad o la reflexión sobre ellos, exponiendo tesis sobre el Hombre reducido a un animal movido sólo por impulsos y deseos. Se burla de la monogamia, de las instituciones, de las culturas, obviamente también cobra la Iglesia y es satirizada, en un ejercicio que no siempre resulta divertido de ver. En este caso particular, creo que la película logra un par momentos magníficos, con diálogos muy interesantes en algunas escenas, exhibiendo un personaje con el que es difícil no simpatizar por el nivel de acidez que carga en su persona, algo que la mayoría tenemos pero que no siempre exteriorizamos. En conclusión, Whatever Works es un buen producto que entretendrá sobre todo a las audiencias más ácidas, como la de nuestro país a la que suele gustarle el humor negro.

Bizarren Shakespeare

Gnomeo and Juliet es la nueva producción de los estudios Starz Animation y Rocket Pictures, que vuelve a poner en pantalla la ya conocida historia de amor y tragedia escrita por Shakespeare, con la salvedad de que en este caso, ¡los protagonistas son 2 duendes de jardín!, pertenecientes a los "rojos" y los "azules", que deberán sortear los obstáculos más locos para poder vivir su amor en paz.
Entre las voces que dan vida a estos simpáticos duendes encontramos los nombres de grandes figuras como James McAvoy (El Último Rey de Escocia, Se Busca) en el rol de Gnomeo, Emily Blunt (El Diablo Viste a la Moda, La Joven Victoria) como Julieta, y un reparto que incluye a Michael Caine, Maggie Smith, Jason Statham, Ozzy Osbourne y otras estrellas con voces características y espectaculares que nunca podremos escuchar en realidad en el cine de animación, ya que las salas cordobesas se han empeñado en embrutecer al espectador ofreciendo sólo la versión traducida, algo que me tiene bastante indignado por estos días... falta que nos hagan lo mismo que a los pobres españoles que directamente el 80% de las películas que van a ver al cine, están traducidas al gallego... imagínense "El Discurso del Rey" tartamudeando en gallego... tristísimo, pero parece que hacia allá vamos. En fin, más allá de los obvios problemas para traducir fielmente un chiste en idioma original, el film animado se las arregla para divertir casi toda la duración del metraje, exponiendo una graciosa, y por momentos bizarra versión del clásico de Shakespeare, donde se mezcla humor de salón con algunas escenas de humor negro. Los efectos de animación y los colores utilizados para darle vida a los jardines de los Capuleto y los Montesco están muy bien logrados, al igual que la banda sonora que repasa algunos grandes éxitos del gran Elton John, más algunos nuevos temas compuestos especialmente para el film. Quizás lo más criticable es la irregularidad para entretener al público, que en algunos momentos se distraía bastante y parecía no coincidir con la gracia de los chistes que se planteaban, aunque esta situación se dio de manera aislada en ciertos momentos que no fueron muchos.
En conclusión, creo que es un buen film animado, con el sello característico del director Kelly Asbury quien también fue el responsable de entregarnos Shrek 2, un film que comparte el tipo de humor que se puede disfrutar en Gnomeo y Julieta. No es de esas animaciones que pasarán a la historia como Shrek, Río o Toy Story, pero definitivamente es una película entretenida, apta para humores que disfrutan de la inocencia, pero también del humor mal intencionado.

Elegancia judicial

The Lincoln Lawyer (el título original, mucho más elegante y menos obvio) es la adaptación de la novela policial de Michael Connelly que lleva el mismo nombre, y que cuenta la historia del abogado penalista Mick Haller, un tipo escaso de escrúpulos, que se ve involucrado en la defensa de un joven ricachón que es acusado de golpear y querer asesinar a un mujer de dudables intenciones... ¿Será o no culpable? No todo es lo que parece.
Participan en el Cast un desfile de actores reconocidos y de buena monta como Marisa Tomei (Maggie McPherson), William H. Macy (Frank Levin), Ryan Phillippe (Louis Roulet), Josh Lucas (Ted Minton), John Leguizamo (Val Valenzuela) y por supuesto, el protagonista Matthew McConaughey (Mick Haller).
La historia está llevada al cine con bastante respeto y fidelidad hacia la obra del escritor Connelly, realizando las adaptaciones justas para poder ser disfrutada en la gran pantalla. Se plantea un 1er interrogante fuerte, que a mediados de la cinta se esclarece, pero lo bueno del film, es que justamente esta resolución, hace aflorar muchos interrogantes más que pondrán en evidencia la oscuridad y los secretos de las personas involucradas. Los personajes son bastante ricos en sus dimensiones, mezclando interpretaciones secundarias que realzan el papel que le toca a McConaughey, que también hace un buen trabajo. Quizás el problema de que no se convierta en un clásico digno de guardar en la videoteca, es que el séptimo arte ha estado históricamente plagado de cintas de suspenso policial y/o legal, adaptadas de un sin fin de novelas parecidas, por lo que destacar en este rubro es una tarea extremadamente difícil. Aunque la cinta del director Brad Furman sortea con elegancia este inconveniente, no logra la contundencia necesaria para pasar a la historia.
The Lincoln Lawyer, sin ser un peliculón, se configura como un Thriller Policial-Judicial que entretiene al espectador durante 118 minutos y que entrega buenas actuaciones, buena fotografía y un toque de "coolness" encarnado en su protagonista que parece sacado de la publicidad del perfume de Dolce & Gabbana. Casi me olvidaba, el Lincoln (auto) está increíble también.

Exageración que entretiene

Fast Five es la 5ta entrega de la famosa franquicia de autos y acción, que fue recuperada por su secuela #4 con el regreso de los protagonistas originales, Vin Diesel (Dom Toretto), Paul Walker (Brian O'Conner), Jordana Brewster (Mía Toretto) y Michelle Rodriguez (Letty), la cual en esta ocasión no vuelve, obviamente. Junto a los 3 primeros, también retorna Justin Lin como director de esta nueva aventura, en la que Dom y Brian están cansados de escapar de las fuerzas policiales que los siguen a donde quiera que vayan, incluso a Río de Janeiro. Para poder librarse de las persecuciones y vivir tranquilos, deberán realizar un último robo para el cual convocarán a viejos amigos de las pistas para conformar un equipo, Tyrese Gibson (Roman), Ludacris (Tej), Matt Schulze (Vince), Sung Kang (Han) y Gal Gadot (Gisele) entre otros, algo que no es muy original, pero que hemos visto en otras películas como Gone in 60 Seconds y Ocean's Eleven, donde la conformación de equipos de trabajo con diferentes personalidades, ha funcionado como un fuerte imán que atrae a los espectadores, y Fast Five no es la excepción.
Más autos, más picadas, más velocidad y efectos especiales son el plato fuerte de esta nueva secuela, que ofrece unas secuencias de acción espectacularmente exageradas, ¿un poco de más quizás?, sí, pero si no fuimos a buscar eso con esta película ¿qué fuimos a buscar?... No esperen actuaciones convincentes, ni momentos dramáticos o de reflexión, si están buscando ese cóctel, este film les aseguro que no es el trago adecuado. En mi opinión, Fast Five cumple con creces lo que se plantea ofrecer, 130 minutos de acción que dejan sin aliento, autos espectaculares, efectos especiales de calidad y mucha complacencia con su público que estoy seguro que no se irá defraudado de la sala. Para resaltar, las secuencias de persecución con la policía brasileña, donde se destaca la cantidad de autos destruidos y la velocidad.
Una fantasía personal que estaba esperando ver, y que se cumple en esta entrega, es un enfrentamiento bien violento y a puño limpio entre los 2 matones más grandotes de Hollywood, Vin Diesel y The Rock-Dwayne Johnson, que en esta ocasión es el líder de un grupo de Elite que trabaja con el FBI para atrapar a los criminales más buscados.
Por último, se la recomiendo especialmente a los fans de la franquicia y a los amantes de la acción sin límites, más allá de que a veces pueda ser un poco absurda y descerebrada. A los que no les gustó la 1ra o la 4ta película de Rápido y Furioso, no malgasten su tiempo.

La magia circense

Water for Elephants, es una adaptación del libro que lleva el mismo nombre y fue escrito por Sara Gruen, una novelista de ciudadanía canadiense-americana, que recién ahora se está haciendo conocida con esta obra. Dirige el film Francis Lawrence, responsable también de los éxitos de taquilla "Soy Leyenda" (Will Smith) y "Constantine" (Keanu Reeves y Rachel Weisz). Los protagonistas son, la ganadora del Oscar Reese Witherspoon en el papel de Marlena, el niño vampiro Robert Pattinson como Jacob y la gran revelación y también ganador del Oscar Christoph Waltz como el marido de Marlena, August.
La película cuenta la historia de Jacob, un joven prometedor que ve todo su mundo venirse abajo como consecuencia de un accidente. En la búsqueda de su destino, termina colándose a un tren que lleva en sus vagones pasajeros muy especiales, desde leones hasta payasos enanos, es el tren del Circo de Los Hermanos Benzini. Comienza a trabajar en el circo y parece que todo va bien, hasta que conoce y se enamora de Marlena, la mujer de August, un tipo con tanto carisma como malicia.
Personalmente creo que es un buen trabajo del director Francis Lawrence, potenciado en gran parte por ese mundo tan atractivo y mágico que es el Circo. Si la historia hubiera sucedido en otro contexto distinto no sé si me habría enganchado como lo hizo esta cinta, ya que la historia de amor del triángulo amoroso no es muy original y su desenlace suele ser bastante predecible. Debo admitir que me copa el circo, y quizás por eso me terminó de comprar, aunque ahora que pienso, también debo recalcar que por más que los triángulos amorosos no son originales, tienen ese "algo" dramático que nos hace tomar partido por el pobre cornudo o por el amante que viene a rescatar de la miseria a la doncella atrapada... Nos gusta la pica que se arma entre los protagonistas aunque no sea lo más original del mundo.
Con respecto a los actores, creo que todos hacen un trabajo bastante respetable, sobre todo Christoph Waltz que vuelve a brillar en el rol del psicópata elegante, que nos atrae y asusta a la misma vez. Reese creo que está muy bien como Marlena, la femme fatal del circo y Pattinson... tiene que trabajar un poco en sus expresiones, pero va sumando puntos conmigo que lo tenía en muy poca estima desde las Crepúsculo.
Redondeando, Agua para Elefantes presenta una historia de amor que ya hemos visto, pero que en el contexto del circo sumado al plus que le da Waltz, se convierte en un producto bastante entretenido, con un drama respetable y escenas muy bien laburadas en un romanticismo que hará suspirar a más de una (o uno) en la sala. Por último quiero resaltar la buena labor en mostrar al público las 2 caras del Circo, esa alegre, talentosa y mágica, y por otro lado la que casi nunca vemos, la del sacrificio, la miseria y la tristeza de vivir como un nómade que no puede echar raíces.

Basura 2.0

Scream 4 es la renovada secuela de la ya conocida historia de Sidney Prescott, que luego de todos los horrores que le ha tocado vivir, decide volver a su ciudad natal en Woodsboro, para promocionar el libro que cuenta como ha podido superar las atroces muertes que siempre han rodeado su vida. La película vuelve a reunir a Wes Craven como director, junto al trío protagonista, Neve Campbell, Courteney Cox y David Arquette, más una legión de jóvenes de moda en la selva Hollywoodense como Hayden Panettiere, Emma Roberts, Adam Brody y Kristen Bell entre otros.
Por donde empezar... 1ro quiero decir que me sorprendió muchísimo ver buenas críticas sobre esta película, sobre todo de gente ligada al mundo del cine que respeto. Yendo directamente al film, voy a empezar a despotricar con la cuestión de que se promocionó como una secuela totalmente renovada, de hecho en los posters dice "Nueva Década, Nuevas Reglas" haciendo una obvia alusión a los nuevos medios de comunicación y redes sociales, una mentira descarada, ya que lo único nuevo que tiene Scream 4 es un montón de idiotas hablando de facebook, twitter o queriendo filmar los asesinatos que van sucediendo, pero de un uso inteligente de las redes sociales para infundir modernidad y terror 2.0 a la película, ni hablar. También pensé, quizás van a cambiar la forma en que "ghostface" (personaje de la máscara) opera, haciéndolo evolucionar hacia un asesino más calculador y divertidamente siniestro.... NADA... son los mismos psicópatas desequilibrados de Woodsboro, el pueblo con más psicópatas del planeta Tierra. Quizás los protagonistas originales aporten nuevos elementos interesantes a la trama.... NADA... Dewey (Arquette) sigue siendo el mismo salame de siempre, el peor sheriff del mundo del peor cuerpo de policías que alguna vez existió; Gale Weathers (Cox) se convirtió en una cuarentona patética que dejó muy lejos al personaje fuerte y atrevido que interpretó anteriormente, y por último, Sidney (Campbell) después de haber pasado por todas las persecuciones y muertes de los films anteriores, se mantiene como la tontona melancólica que no entiende nada de lo que está sucediendo, igual que siempre. Para resaltar, solo los primeros 20 minutos que son divertidos y a la vez siniestros, con varias alusiones al cine de terror.
Leí por ahí que la taquilla no fue la esperada, por lo que no habría otra secuela de la saga, ¡gracias a Dios!, aunque es una lástima que termine de manera tan mediocre. Ojo, no menosprecio el valor que tuvo esta historia para el cine de terror (Scream 1, a lo sumo la 2), pero creo que es imprescindible, si en el futuro decidieran retomar, cambiar la dirección y el guión porque es realmente, basura!.
Definitivamente no es recomendable ni para el espectador promedio, ni para los aficionados al terror, es solo para aquellos incansables melancólicos fans de la saga.

Inspiración en lo burdo

La Tête en Friche o Mis Tardes con Margueritte, es la última producción francesa en estrenarse en nuestra ciudad de Córdoba con un "delay" bastante descarado, pero bueno, suele suceder con estas producciones a las que se les presta, de manera injusta, poca atención.
El film está dirigido por Jean Becker, actor, guionista y director, conocido por su labor en L'Été Meurtrier (Verano Asesino), que llegó a competir por la Palma de Oro en Cannes en 1984 y el premio César de la Academia Francesa del Cine ese mismo año.
La historia está protagonizada por el ya conocidísimo Gérard Depardieu en el rol de Germain Chazes y por la actriz Giséle Casadesus como Margueritte, que nos es conocida por nuestros pagos, pero que en Francia rodó más de 70 películas para el cine y la televisión.
La historia se centra en el encuentro de 2 personas muy distintas, por un lado está Garmain, un tipo casi analfabeto y gordo que ha sido menospreciado por todo el mundo desde que tiene uso de razón, incluso por su propia madre. Por otro lado, se encuentra Margueritte, una viejita tierna como pocas, que tiene un archivo de libros en su mente y que parece ver en Garmain lo que otros no pueden.
La película no tiene ese estilo oscuro al que nos tiene acostumbrado el cine francés, por el contrario, es un cinta totalmente inspiradora, llena de buenos mensajes y esperanzas escondidas detrás de conversaciones que la verdad no tienen desperdicio. No suelo ser fanático de films con tramas tan positivas como la que nos ofrece La Tête en Friche, pero en este caso creo que funciona de manera excepcional. La simpatía y la emoción por los personajes y las situaciones que se van sucediendo van de menor a mayor, lo que hace que uno termine en el punto justo de una sensación emocional que inspira esperanza y deja el corazón contento.
Una buena noticia tiene un pasar mucho más efímero que una mala noticia, regla que también se aplica, a veces, en el cine con este tipo de obras que lamentablemente pasarán al olvido sin mucha gloria, y más aún con la escasa promoción que tiene el cine francés en nuestro país. Yo la recomiendo al espectador que está con ganas de inspirarse un poco y recibir una vibra positiva.

cine.edu

African Cats o Felinos de África es la última producción documental de la nueva sección de Disney Enterprises, "Disneynature", que tiene como fin colocar en la gran pantalla distintos largometrajes que muestren la naturaleza en todo su esplendor. La unidad de negocios de esta gran empresa líder de medios de comunicación y entretenimientos, también lanzó otras películas documentales como Crimson Wing, El Misterio de los Flamencos que no se vio en nuestro país, y la superproducción Océanos que sí pudimos disfrutar el año pasado en muchas salas.
Dirigieron el proyecto Alastair Fothergill y Keith Scholey, mientras que en la narración el encargado de contar las historias de las 2 familias felinas es el conocido actor Samuel L. Jackson.
Pienso que estos tipos de documentales son capturas de lo increíble que es el mundo salvaje, de los colores que ofrece África y de la sabiduría de la madre naturaleza, cuestiones que se pueden ver tranquilamente en los canales del cable como Discovery Channel o Animal Planet, pero que potenciadas con la tecnología del cine en materia de sonido y fotografía, más la incorporación de una historia interesante, hacen que ver por ejemplo, Felinos de África, tome una dimensión totalmente diferente y mucho más emocionante.
Como única crítica hacia los documentales de Disney, resalto la cuestión de que se presenta la historia como si se tratara de una familia humana, como si se estuviera hablando de seres humanos que sienten e interactúan como tales, tratando de evitar la otra cara de la naturaleza que muchas veces es cruenta y que con tal de vender más se hace un esfuerzo grande en esconderla. Está totalmente entendido que es un film dirigido a ese gran motor del cine que son los niños, pero a veces pienso... ¿no se educa erróneamente mostrando siempre la cara amable y las nubecitas de colores?.
Para terminar, recomiendo esta cinta no sólo a aquellas personas con hijos, sino también a los amantes de esas majestuosas bestias que son los felinos, que en esta producción se muestran en todo su esplendor.

Marvel Recargado

Thor es la adaptación fílmica del famoso cómic de Stan Lee y Jack Kirby que lleva el mismo nombre, y que también está basado en la mitología germana que veneraba al dios del trueno. Protagonizan la película Chris Hemsworth (Thor), Anthony Hopkins (Odín), Natalie Portman (Jane Foster), Tom Hiddleston (Loki) y Stellan Skarsgard (Dr. Selvig), un reparto que se podría decir de lujo para una producción de súper héroes. La historia cuenta sobre un guerrero que por su arrogancia y soberbia, es desterrado del reino de Asgard al planeta Tierra, un lugar primitivo y muy distinto a su mundo, pero que tiene la capacidad de enseñarle el verdadero sentido del sacrificio por el otro. Durante su exilio, su hermano Loki hará gala de su poder de engaño para quedarse con el trono, por lo cual el héroe deberá regresar y poner la casa en orden.
Para comenzar quiero resaltar los roles de todos los involucrados en darle vida a los personajes, ya que creo que hacen un papel más que bueno e incluso algunos se puede decir que se adueñaron de él, como es el caso de Hopkins como Odín y Hemsworth como Thor. Desde Robert Downey Jr. como Iron Man o Heath Ledger como The Joker, que no coincidía tanto con el casting de una producción de héroes.
Por otro lado, quiero resaltar la dirección de Kenneth Branagh, que le dio al film un toque se seriedad y adultez, incluyendo pocas pero efectivas escenas que incluyen chistes y otras con dramas shakespearianos, pero siempre sin perder de vista que es una historia para toda la familia, que debe entretener al más chico y al más grande.
Thor es de esas películas que generan expectativas y las cumplen, algo que deja más que satisfecho al espectador, que varias veces se ha dado con la decepción de que no todo lo que brilla es oro... en este caso, el brillo encarnado en buenas actuaciones, buen guión y buenas secuencias de acción, cumple con todo lo que ofrece desde lejos y más. Los efectos especiales están muy bien logrados combinándose con una historia que atrapa y mantiene interesado al público durante los 130 minutos del film.
Como única crítica a la cinta, resalto el uso de algunas adaptaciones yanquilandia, de las que parece, es imposible escapar en este tipo de producción.
Ah... 2 cositas más, ¡no se vayan cuando empiecen los créditos, ya que queda una escena más de la película!, y la 2da cosa es que sigo indignado que casi no dan la posibilidad de verla en su idioma original en las salas de nuestra ciudad de Córdoba, por lo que tuve que escuchar a Natalie Portman y a Anthony Hopkins en un venezolano que no les sienta para nada.
En definitiva, ¡una imperdible para los fans de los cómics en la gran pantalla!

Suspenso "made in Argentina"

El Gato Desaparece es el último trabajo del reconocido director y guionista argentino Carlos Sorín (El Perro, La Ventana), y que es una coproducción española y argentina. Cuenta la historia de Luis, un profesor universitario que sin razón aparente sufrió un ataque psicótico por el cual hubo que internarlo, aunque actualmente se encontraría en condiciones de volver a su casa con su esposa Beatriz y retomar su vida normal... ¿o quizás no?. Los personajes principales del film, Luis y Beatriz, están interpretados por 2 grandes actores que en la vida real llevan el mismo nombre de pila, Luis Luque (Tiempo de Valientes, Pájaros Volando) y Beatriz Spelzini (Cleopatra, El Día que No Nací).
El Gato Desaparece nos ofrece un género que no estamos acostumbrados a ver en el cine "made in Argentina" que es el Thriller, el suspenso psicológico con notas de terror, un campo donde no se tiene la experiencia que se puede evidenciar en los films de comedia o drama que solemos ir a ver normalmente. En este caso, creo que ha sido una muy buena decisión darle este trabajo a Sorín, que más allá de que no a todos puede gustarle sus trabajos, nadie puede negar que es un tipo con mucho talento. Plantea una historia de suspenso, que en lo personal, me mantuvo en vilo toda la película, exhibiendo un trabajo conjunto de los 2 actores que realmente se lucen, bajo su experimentada dirección.
Como única crítica para hacer a esta película, y creo que muchos lectores estarán de acuerdo, es que la estructura de filmación que plantea el director es por momentos lenta, produciendo en los espectadores con menos paciencia, algo muy parecido al ataque psicótico que tiene el protagonista Luis en la historia. Es justamente la estética de filmación que tiene Carlos Sorín, su mayor fortaleza y debilidad, ya que plantea sensaciones extremas entre las personas, que amarán el film o lo odiarán con todas sus ganas, y El Gato Desaparece no será la excepción.
Como expresé anteriormente, a mi me pareció bastante buena la película, presentando unas actuaciones que según mi criterio, fueron sinceras y con mucho empeño puesto en la tarea, sobre todo el rol de Beatriz Spelzini que logra trasmitir toda la desesperación que podría tener una mujer en su situación. ¡No recomendable para espectadores impacientes!

No tan adorable...

Hop es la historia de E.B., un conejo adolescente que pronto se convertirá en el "Conejo de Pascua", cumpliendo con la tradición milenaria de su familia, pero como todo joven rebelde, tiene otras aspiraciones que incluyen entre otras cosas, convertirse en una estrella de Rock. En su travesía por el mundo humano, conoce a Fred O'Hare, otro adolescente vago que no da pie con bola, con el que vivirá una aventura que supuestamente les enseñará a ambos la importancia de asumir las responsabilidades de la vida. Protagonizan el film, Russell Brand en la voz de E.B., James Marsden como Fred O'Hare y Kaley Cuoco (Penny en The Big Bang Theory) como la hermana de Fred, Sam O'Hare. Dirigida por Tim Hill, también responsable de otras producciones bastante mediocres y parecidas como Gardfield 2 y Alvin and Chipmunks.
La película fue promocionada como una producción de los mismos creadores de "Mi Villano Favorito", una animación muy buena que además recibió excelentes críticas, pero la realidad es que Hop se queda muy corta en comparación con aquel proyecto, de hecho termina resultando como un tierno producto con timing oportuno. Es innegable que el trabajo de efectos y creatividad sobre los personajes animados es excelente sumado a una interacción realista con los actores humanos, pero el problema más grande, como suele suceder con los films de grandes efectos visuales, es el guión, que en este caso tiene agujeros muy evidentes.
El personaje humano principal, no le aporta nada interesante a la historia, es sólo un tipo extremadamente vago, que además la juega de grandote pavo, por lo que a mi entender no atrae ni a los chicos, ni a los adultos que los acompañan en el cine. De hecho, sin spoilear la película, el tipo termina prácticamente recibiendo un premio a la vagancia... algo que por lo menos a mí, no me gustaría enseñarle a mi hijo.
Como he leído por ahí, la cinta habría sido mucho mejor sin la intervención de los actores humanos, que en este caso, parecen ser parte de la utilería de la historia.
Sin mucho más que decir, una mediocridad tierna para que los niños se deleiten visualmente y pasen el tiempo, aunque si todavía no han visto Río, no pierdan el tiempo con esta película que no aportará nada a la mente de sus hijos, y vayan a ver al lorito parlante que es mucho más inteligente y divertido.

¡Ojalá se la hubiera comido el lobo!

Red Riding Hood o La Chica de la Capa Roja es una nueva adaptación de la conocida leyenda de la "Caperucita Roja", una historia que en su versión original era mucho más terrorífica y sangrienta de lo que conocemos hoy en día, que fue mutando con el tiempo hasta convertirse en el cuento que a todos nos enseñaron cuando éramos chicos y que forma parte de los clásicos de la infancia. Dicho esto, como adulto que se crió con estos cuentos, la decepción que me llevé cuando vi esta adaptación en pantalla es difícil de explicar en palabras... Me sentí como un nene al que le acaban de arrebatar de las manos su juguete preferido.
De todas las adaptaciones que podrían haber hecho, se decidieron finalmente por la peor y más cursi de todas, imprimiéndole elementos de la tan criticable "Crepúsculo", como si fuera una joya de la historia del cine y un ejemplo a seguir... La directora Catherine Hardwicke, al igual que otros directores que ya he citado en otras críticas, parece haber entregado su integridad a las órdenes de lo comercial sin escrúpulos, involucionando tanto que ha llegado al punto en que es conocida como la directora de la insoportable historia de vampiros carilindos con problemas de socialización, dejando en el olvido otros trabajos de dirección mucho más respetables como por ejemplo el film "Thirteen" o "Los amos de Dogtown". En fin, en esta ocasión se vuelve a convocar a actores carilindos, faltos de talento, para protagonizar la historia, por ejemplo en el papel principal de Caperucita Roja a la "ascendente" Amanda Seyfried, que la verdad no tengo idea de porque se le tira tantas flores desde la prensa, ya que no he visto casi ningún trabajo respetable de la joven actriz... luego, para completar el triángulo amoroso están un tal Shiloh Fernandez (Peter) y Max Irons (Henry), 2 pibes a los que no los conoce ni la madre. En el sector de las figuras con peso, están el villano eterno Gary Oldman (Padre Solomon) que no hace un papel memorable y forma parte del ya cliché de darle con un caño a la Iglesia, y por otro lado Virginia Madsen (Suzette) como la madre de caperucita que tiene una participación muy acotada.
Para resaltar, la fotografía es buena y el diseño de vestuario, área donde tiene basta experiencia Hardwicke, es impecable, pero con esas dos cosas no se hacen una buena película. Por momentos la banda sonora es interesante, moderna y oscura con la interpretación de la banda Fever Ray. Creo que no hay más nada que rescatar de esta versión tan chata y olvidable, que parece salida de la fantasía más cursi de un adolescente en plena edad del pavo.
Las fantasías personales por más que en nuestras mentes a veces tengan el más perfecto sentido, no siempre son aptas para hacerlas públicas y mucho menos en un film, de hecho la mayoría de las veces nos las guardamos para nosotros mismos, por eso son personales. Una película sólo para los incondicionales de la saga Crepúsculo.

Humor segmentado

Just go With It o Una Esposa de Mentira (título latino) es la última comedia-romántica de Adam Sandler, coprotagonizada por Jennifer Aniston y Brooklyn Decker, con dirección de Dennis Dugan, un tipo que parece tener un contrato de por vida con el comediante o simplemente le reporta mucho dinero, ya que no dirige películas donde no actúe él, de hecho, es conocido por sus anteriores trabajos como Happy Gilmore, Un Papá Genial y Yo los declaro marido y Larry, todas con el histriónico actor como protagonista.
La historia cuenta las andanzas de Danny (Adam Sandler), un tipo que luego de cancelar su casamiento, se da cuenta por accidente, que a las mujeres les atraen muchísimo los hombres casados, situación que lo convirtió en un mujeriego intratable, pero al conocer a Palmer (Broolyn Decker), una espectacular maestra de matemática que cree es la mujer de su vida, se ve forzado a convencer a su asistente Katherine (Jennifer Aniston) de hacerse pasar por su esposa en proceso de divorcio, para cubrir algunas mentiritas que dijo para lograr la conquista. Como podrán vislumbrar, la situación se irá poniendo cada vez más absurda y complicada, creando una comedia que sorpresivamente me entretuvo, incluso me hizo reír bastante en más de una escena, aunque puede ser que justo ese día haya estado tentado. Es una comedia que viene con varias críticas de expertos que le dan con un caño, y la verdad es que los comprendo, ya que todas los films de comedia que protagoniza Sandler tienen el sello característico de su humor que es bastante criticable, con situaciones que son repetitivas en su fórmula película tras película, al punto de haber cansado a muchísima gente, lo que creo ha sugestionado a muchos de los críticos que lo tienen bastante cruzado. En este caso, se supera a sí mismo en el aspecto humorístico, pilar central de la película, lo que junto a la participación de Aniston más algunas apariciones inesperadas pero divertidas, como las de Nicole Kidman y Dave Matthews (líder de Dave Matthews Band), hacen que la experiencia sea agradable al fin. ¡Cuidado a los que no les gusta Adam Sandler! Esta definitivamente no es una película para ellos, en cambio si son seguidores del actor, seguramente les gustará esta comedia que según mi criterio, supera ampliamente a su trabajo anterior "Son como Niños". En mi caso, no soy para nada seguidor de este comediante, pero debo admitir que la cinta me divirtió. Algunos dirán, es una comedia estúpida... puede ser... pero el resultado final reflejado en las risas de los espectadores es infalible para determinar si cumple su función o no, y en este caso, creo que lo hace.

Arte fuera de serie

Lung Boonmee o El Hombre que Podía Recordar sus Vidas Pasadas como lo indica su nombre en castellano, es una película de ese género que tan poco conocemos y que se denomina, Cine Arte. Este tipo de cine despliega una libertad creativa que supera las barreras de la narración tradicional, poniendo en pantalla obras que pueden resultar tan incomprendidas como adoradas, abucheadas como aplaudidas, y ese es el caso concreto de Lung Boonmee, que fue galardonada con la codiciada Palma de Oro en Cannes 2010, cuyo presidente del jurado, Tim Burton, dijo en esa ocasión que le parecía que la película era "Un sueño extraño y bello", cuestión con la que coincido plenamente. La cinta está dirigida por el tailandés Apichatpong Weerasethakul, un artista que es cada vez más respetado por toda la crítica mundial y que no tiene miedo de experimentar con las imágenes, las formas narrativas y los géneros, pero por sobre todo, es un corajudo de las tramas.
Debo admitir que me costó bastante entrar en el juego de Lung Boonmee, ya que recién a los 50 minutos más o menos, comencé a entender la cuestión y a tomarle gustito por lo que tuve que, una vez finalizado el film, repasar esa 1ra mitad. ¿Es una obra difícil de ver? Sí lo es, pero si desestructuramos un poco la cabeza y nos dejamos llevar, quizás podamos apreciar las reflexiones que nos propone y disfrutemos de ese mundo loco de Apichatpong, que mezcla criaturas de mitología asiática con personajes de la vida real. El tema central es el preludio a la muerte del personaje central, el tío Boonmee, y como esa situación lo lleva por un camino de sanación interna.
Recomiendo tener muchísima precaución a la hora de ver este film, porque para disfrutarlo el espectador tiene que ir con la mente abierta, relajada y con ganas de ver cine de otra manera distinta a la forma tradicional. Si estamos yendo con la idea de ver un historia con coherencia en la forma narrativa a la que estamos acostumbrados, INICIO-NUDO-DESENLACE-FINAL, estamos yendo hacia 120 minutos de tortura china (o tailandesa en este caso). Para resaltar, hay ciertas imágenes que son INNOLVIDABLES.

Argentinidad polémica

Los Marziano es el 3er largometraje de la directora argentina Ana Katz, un talento muy ligado a las enseñanzas del teatro como se puede apreciar en la forma de dirección de este film. Por otro lado, si han visto alguno de sus trabajos anteriores como "Una Novia Errante" o "El Juego de la Silla", se darán cuenta de que estamos ante una mujer que tiene una mirada bastante conceptual acerca de las relaciones humanas, y esto sin dudas, se ve reflejado en Los Marziano. Protagonizan la película Guillermo Francella en el papel de Juan Marziano, Arturo Puig como Luis Marziano, Rita Cortese es Delfina Marziano y por último pero no menos importante, Mercedes Morán como Nena, la esposa de Luis, todas altas figuras del cine y por supuesto, del teatro argentino.
Las aclaraciones sobre la mirada y las influencias de la directora NO son fortuitas, sino que las expongo para que el lector trate de comprender que cuando se siente a ver Los Marziano, no tiene que esperar una comedia-drama "a lo Francella", porque eso sería un error fatal. La obra puesta en pantalla pretende hacer foco en las relaciones de una familia que si bien, representa algunas problemáticas de la familia "tipo" argentina, tiene un montón de elementos artísticos subjetivos de Katz, lo que convierte a la cinta en una especie de perro verde que no todo el mundo disfruta mirar. Tiene momentos que para algunos espectadores con cierta sensibilidad serán sublimes y de gran movimiento interior, pero a su vez, esas mismas escenas pasarán desapercibidas para la otra parte del público, haciendo que el film por momentos sea muy lento y parezca no tener sentido. ¿Es mejor un público que otro? o ¿es mejor pertenecer al grupo con sensibilidad artística que aprueba la visión de Katz?, en realidad NO, simplemente creo que no es una producción apta para todo público, basta con remontarse a las películas anteriores de la directora para darse cuenta de que su visión está enfocada en un segmento de espectadores específico. Quizás la convocatoria de grandes actores sumada a la promoción que tuvo, confundió un poco a la mayoría de la gente que fue esperando otro tipo de puesta en escena, lo que por cierto, no significa que la producción sea mala como he leído en varios espacios donde muchos espectadores dejaban comentarios indignados.
Aclarado esto, en lo personal creo que es una buena historia, que muestra esa interacción incómoda que muchas veces tenemos con nuestra propia sangre y que nos cuesta analizar (y aceptar), aunque debo admitir que el ritmo que lleva el film se me hizo por momentos tedioso. Para resaltar, las interpretaciones de sus personajes, sobre todo, Rita Cortese.
Sin más que decir, precaución en la decisión de ir a ver esta peli.

Acidez entretenida

Torrente 4: Lethal Crisis 3D, es la 4ta entrega que hace el director y actor Santiago Segura, sobre las aventuras del policía más desagradablemente divertido de España, José Luis Torrente, un tipo racista, homofóbico, sucio, pero por sobre todo, políticamente incorrecto.
En esta nueva aventura, se muestra al policía pasar por un mal momento que lo lleva a aceptar un trabajo que lo sumergirá en una serie de eventos desafortunados, entre ellos, terminar en la cárcel, donde pondrá en marcha junto a otros reclusos, un plan para escaparse y vengarse de quienes lo traicionaron.
Para aclarar un poco el panorama, la saga del detective español no ha tenido mucha repercusión en Argentina en sus anteriores entregas, de hecho, 2 de ellas pasaron directamente al DVD y son difíciles de encontrar en algunos videoclubes, pero en esta ocasión se puede evidenciar un reconocimiento más generalizado por parte del público, quizás, por la innovación de ver una película de comedia y española en 3D, algo que resultó como gancho para interesar a muchos que no tenían ni idea de la existencia de este personaje. La cuestión es que tanto para los que ya lo conocemos, como para aquellos espectadores que recién se comienzan a acercar, Torrente 4 se configura como una comedia burda y desagradable, pero a la vez inteligente y desafiante, trazando la figura de un hombre que representa los mayores defectos de la sociedad, aquellos que señalamos en los demás, pero que muchas veces tenemos nosotros mismos como producto del entorno en el que vivimos, aunque no queramos verlo. Creo que esta cuestión es la que consagra a la saga como un "Placer Pecaminoso" y lo que la hace tan atractiva para mucha gente y, en esta entrega en particular, Segura se supera logrando una comedia de calidad, con todos los ingredientes ácidos que suelen resultar divertidos al público español y al argentino. Se vuelve a repetir el desfile de personalidades famosas del deporte, en esta ocasión el Kun Agüero, Pipita Higuaín, Sergio Ramos, entre otros, y por otro lado la aparición de celebrities españolas como David Bisbal y Belén Esteban que le suman al absurdo del film.
En fin, Torrente 4: Lethal Crisis 3D es una buena comedia pero que no es apta para todo público, en el sentido de que el humor utilizado no es universal, sino por el contrario, apunta a aquellos espectadores que se divierten con la desgracia ajena, que poseen un humor irónico y negro, donde lo políticamente incorrecto es la clave del entretenimiento. Para aquellos que se sienten identificados con este tipo de humor, les recomendaría buscar y ver las cintas anteriores, sobre todo la primera, que según mi criterio es la mejor de todas.

Cruda y bella fotografía del ser

Ajami es una producción palestina / israelí que recién se estrena en Córdoba en Mayo de este año, siendo que compitió en 2010 contra El Secreto de sus Ojos, por lo que llega con muchísimo delay, además de que sólo se está exhibiendo en 1 sala de la ciudad, el Cine Teatro Córdoba (bien por ellos), una lástima la verdad.
La cinta se centra en la historia de 5 jóvenes, 2 hermanos, 1 policía, 1 cocinero y 1 que busca juntar dinero para su madre que se encuentra en el hospital, que deberán vivir día a día la tristeza de pertenecer a una zona de eterno conflicto racial, religioso, político y económico. Ajami es violenta, dramática, reflexiva, enternecedora, de suspenso, política, uff.... es mucho.
La película está dirigida por Scandar Copti, que también actúa en el film en el papel del cocinero Binj, y por Yaron Shani, 2 caras nuevas pero ascendentes del cine independiente mundial.
El retrato que se ofrece es tan, pero tan duro como magnífico, es la belleza en la dualidad del ser humano, la espectacularidad de la vida misma. ¿Ya hemos visto otras producciones de este estilo? Sí, pero el reflejo durísimo de lo que somos capaces de hacer en nuestra complejidad, nunca va a ser obsoleto en mi opinión. Los personajes que cobran vida en esta película, son algunos de nuestros familiares, el flaco de la vuelta, nuestro mejor amigo o nosotros mismos, en definitiva son nosotros, con la diferencia de que a ellos les toca vivir día a día en el infierno de las diferencias irreconciliables y del odio acumulado durante miles de años en un territorio que no tiene paz. Las interpretaciones y las historias, colocan al espectador en una situación en la que resulta extremadamente difícil no sentirse afectado y desolado por la crudeza de la vida, por las tradiciones o creencias que en vez de surtir un efecto de unión, nos separan cada vez más.
Quizás el único inconveniente que veo en este film, es la duración un poco exagerada, que creo que en vez de mostrarse en 120 minutos, se podría haber hecho tranquilamente en 95 o 100 minutos a lo sumo, imprimiéndole un poco más de ritmo a ciertas escenas que se tornaron por momentos un poco densas.
Finalmente cierro con una invitación a que vean este trabajo, que despliega arte y pericia en la fotografía fuerte y dura de una sociedad, que a través de pequeños gestos cinematográficos como Ajami, trata de cerrar heridas y encontrar puentes de comunión.

¡Un carnaval de colores!

Carlos Saldanha (director de La Era del Hielo 1, 2 y 3) junto a Blue Sky Studios, vuelven para encantar al público con esta producción animada sobre un guacamayo domesticado llamado Blu, último macho de su especie que será trasladado de vuelta a su tierra natal, la siempre colorida Río de Janeiro, para conocer a Jewel, la última hembra de su especie. Este viaje traerá consigo 96 minutos de diversión para grandes y chicos, que disfrutarán de una pantalla pintada con los colores más espectaculares que se pueden ver en un film.
Las voces que dan vida a los personajes en la versión original son de los actores Jesse Eisenberg (Blu), Anne Hathaway (Jewel), George López (Rafael), Leslie Mann (Linda) y Rodrigo Santoro (Tulio) entre otros. Con esto debo hacer una fuerte crítica, pero no a la película, sino a los cines cordobeses, que directamente han dejado de mostrar cintas animadas en su idioma original, y sólo nos brindan la opción de ver un film (para el cual se seleccionaron cuidadosamente los voces de los personajes), en un castellano doblado, que inevitablemente hace que se pierda la personalidad real de los personajes, y que reemplaza el carácter nervioso, que por ejemplo, le imprime Jesse Eisenberg a Blu, por la impronta de "Fulanito" que no tenemos idea quien es... ¡Ojo! sin desmerecer el trabajo de los que doblan voces, pero con todo el respeto, en mi caso y creo que en el de muchos, preferimos la voz original del actor o actriz que fue seleccionado especialmente para la tarea.
Volviendo a la película, creo que "Río" sin arriesgarse demasiado (como suele ser costumbre en los films animados) resulta ser de todos modos una aventura que entretiene muchísimo, que engancha a la audiencia y que trae personajes muy ricos y atractivos que crean una explosión de colores en la pantalla. El director, en entrevistas, admitió que este era su trabajo más personal, ya que él es brasileño, algo que se notó mucho en como captó la esencia de Río de Janeiro y los colores espectaculares a los que nos tiene acostumbrado nuestro país vecino.
Para resaltar algo que me llamó la atención y que podría haber sido arriesgado, lo que hace que me agrade más, es el pájaro villano de la historia, que realmente mete miedo y por momentos se roba las escenas, es más, hasta diría que es uno de los mejores villanos en lo que va del año.
Por último, se nota que el género de las animaciones es el que mejor viene últimamente, entregando producción tras producción, películas de una performance increíble, que se notan están pensadas hasta en los detalles más mínimos.
¡Muy recomendable para todos los públicos!

Vulgaridad gratuita

Pase Libre o Hall Pass es la última de los hermanos Farrelly, que han dirigido anteriormente comedias como "Tonto y Retonto", "Loco por Mary" e "Irene, yo y mi otro yo", configurándose como unos de los directores más prestigiosos del género, aunque últimamente con películas como esta, puede menguar esa posición Top que venían manteniendo.
En esta historia, Rick (Owen Wilson) y Fred (Jason Sudeikis), obligados por sus insatisfechas esposas, obtienen un "pase libre" del matrimonio durante 1 semana completa, durante la cual tendrán libertad para hacer lo que se les antoje, desde salir con otras mujeres hasta comer y dormir donde se les de la gana, con el fin de que aprendan por ellos mismos el valor que tiene el matrimonio y la familia. Si se quiere, la idea no es mala, de hecho el concepto del "pase libre" ofrece muchas herramientas que podrían haber generado en un film de comedia las situaciones más diversas y graciosas, a la vez que representa la fantasía de muchos hombres casados, pero el problema justamente no es la idea, sino la ejecución... En 1er lugar voy a resaltar la vulgaridad y asquerosidad con que los hermanos Farrelly han planteado supuestas escenas que deberían haber sido divertidísimas, pero que en muchos casos terminaron con el desagrado del espectador y una sensación de nausea en vez de una risa. Ese mix de temas tabúes pero con un tacto que lo hacía ver divertido, como por ejemplo, la escena de la masturbación en "Loco por Mary", parece haber sido reemplazada por vulgaridad extrema, ¿mientras más sucio e incómodo el momento, se supone que da más risa? El hecho de que en "Virgen a los 40" haya funcionado un buen vómito en la cara, no quiere decir que se puede aplicar este recurso a mansalva.
En 2do lugar, la ejecución de la película en sí, no funciona bien, ya que la química entre los protagonistas no es buena, nunca se llega a enganchar al público con la historia, ni nos hizo sentir alegría o pena por ninguno de los 2 personajes. El repaso por la semana libre que tienen Rick y Fred, no es más que un artificio poco realista de lo que podría pasar en una situación similar, en incluso algunos de esos días son insoportablemente aburridos y lentos.
Para reconocerle algo a esta bazofia de los Farrelly, algunas escenas que si son divertidas sin necesidad de mostrar alguna situación asquerosa e incómoda, y la forma de cerrar las historias que plantean en sus filmes con un buen mensaje universal que cumple con la finalidad de la comedia, de divertir y dejar al espectador un poco más contento con la vida.
Yo les diría ¡No gasten tiempo ni plata en esto!, esperen que salga en cable y no tengan nada que hacer ese momento.

Otra de exorcismos...

Season of the Witch es la nueva película protagonizada por Nicolas Cage, que parece demostrar que los rumores de que está en banca rota son ciertos, ya que últimamente se suma a cualquier proyecto mediocre que le tire unos manguitos, como es el caso de este film. La historia es la de 2 templarios desertores de los ejércitos de la inquisición, Behmen y Felson (Nicolas Cage y Ron Perlman respectivamente) a los que se les encomienda debido a su experiencia, escoltar a una joven bruja (Claire Foy) a quien responsabilizan de la plaga que asola a toda Europa. Como se imaginarán, se conforma un equipo de valientes que deberán sortear problemas místicos y psicológicos para cumplir con su tarea. Hasta acá, se podría decir que la historia no es la más original, pero podría safar... El problema es principalmente un desenlace o nudo que da vergüenza ajena, que termina ¡Oh sorpresa! con otro exorcismo cinematográfico... ¡OTRO MÁS! Que alguien se ponga las pilas en Hollywood y le avise a los muchachos que está bastante gastado el tópico.
Comienza con un buen ritmo, pero a partir del minuto 30 se empieza a derrumbar más rápido que una casita de naipes en medio de un huracán. Los efectos en vez de ir mejorando, empeoran a medida que avanza la historia, la más o menos seriedad del film se va por la borda junto con las actuaciones de su elenco y la aparición de un demonio computarizado de creatividad cero, termina de hundir a esta cinta.
Como otros ejemplos que ya hemos citado anteriormente, éste parece ser el típico caso de "mucho ruido pocas nueces", una película que los cinéfilos, como personas positivas que somos, queremos que tenga buen resultado, pero la verdad es que terminamos decepcionadísimos cuando se conjuga de esta manera mala dirección con poca imaginación. Como siempre responsabilizo bastante, tanto de los logros como los fracasos, a los directores a cargo, en este caso Dominic Sena, un tipo que con films anteriores como 60 segundos y Swordfish había logrado entretener bastante más que con ésta producción. Otro responsable del flojo resultado final es el mismísimo Nicolas Cage, que ofrece una actuación que grita claramente "Perdonen muchachos, estoy en bancarrota y no me queda otra que hacer esto". Ron Perlman (Hell Boy) se la pasa robándole las escenas, siendo mucho más atractivo y convincente.
Yo les diría, si pueden, esquívenla!

Acción pochoclera

The Mechanic es una película de acción dirigida por Simon West, responsable también de otras cintas al estilo como Tomb Raider (Angelina Jolie) y Con Air (Nicolas Cage). En esta ocasión cuenta la historia de un asesino profesional llamado Arthur (Jason Statham), que luego de la muerte de su mentor Harry McKenna (Donald Sutherland), decide comenzar a entrenar al hijo del difunto, Steve McKenna (Ben Foster) para que aprenda los trucos del oficio más frío y calculador del mundo, algo que no le caerá muy bien a sus superiores y que pondrá la vida de ambos en peligro.
El film es una remake de la original The Mechanic rodada en 1972 con Charles Bronson como su protagonista y Michael Winner en su dirección.
Para comenzar debo decir que el pastiche que se muestra en The Mechanic extrañamente funciona, exhibiendo una especie de James Bond más duro que el original, con la elegancia para matar de un verdadero 007, pero con mucho menos respeto por la vida, mas frío y un aspecto mucho más urbano. En lo personal, creo que es una versión que supera a la original, que es mucho más lenta y aburrida, aunque es inevitable encontrar algunas escenas descerebradas, comunes en los films de Simon West. También tiene mucho del Transportador, trilogía grotesca de acción que se enfoca en lucir al machote Statham y mostrar mucha acción con situaciones exageradas, aunque en este caso se ha pulido un poco más la cuestión de los personajes y la historia es mejor, lo que no quiere decir que esta sea buenísima, porque de hecho es medio tonta. Pero como siempre digo, hay que ponerse a pensar 2 minutos que vamos a buscar cuando vemos una gráfica con Statham colgado de un cable disparando, o cuando vemos un trailer impactante con muchas explosiones y pocos diálogos... la respuesta es acción desmesurada, relajar la mente viendo chorros de sangre salir de algún cuerpo y muchas balas volando por la pantalla, y en este sentido la película cumple totalmente con su objetivo, por lo que se configura como una buena cinta de acción, no es la mejor, ni la peor, pero si le hará pasar un momento entretenido al espectador que busca despejar la cabeza y no pensar en nada. El que está buscando una historia original, que lo ponga a reflexionar o lo emocione, que vaya a ver El Discurso del Rey. Aunque The Mechanic no le aporta nada nuevo ni al cine, ni al público, se convierte en un placer pecaminoso necesario para escapar de los dramas que ya nos da la vida real, y ponernos en la piel de un asesino frío e invencible que no dudaría en matar a nuestro jefe de la oficina o al pibito ese que no me banco porque tiene cara de gil.

Encantadora depresión

Never Let Me Go o Nunca Me Abandones es la historia basada en el famoso bestseller de Kazuo Ishiguro que lleva el mismo nombre, y es también el 2do trabajo como director de largometrajes del ya conocido Mark Romanek, que en 2002 nos entregó la cinta "Retratos de una Obsesión", protagonizada por Robin Williams en el rol de un depresivo técnico de laboratorio fotográfico que se obsesiona con una familia y sus problemas.
En esta ocasión, el director nos presenta una historia Dramática de Ciencia Ficción, que narra la vida de 3 niños internados en la escuela de Hailsham, donde son criados para ser donantes vivos de órganos. El nudo se establece a partir del momento en que les informan para que han sido creados, lo que acelera los sentimientos en los 3 niños que se verán involucrados en un triángulo sentimental.
Protagonizan la película los actores más de moda en Hollywood, Carey Mulligan en el papel de Kathy H., Keira Knightley como Ruth, y para completar el triángulo amoroso, el ascendente Andrew Gardfield como Tommy.
Debo decir que la cinta me produjo sensaciones encontradas... Para ir de lo más vanal a lo más profundo, quiero empezar por resaltar el manejo de fotografía que hace Romanek, que demuestra la pericia y la visión de un verdadero genio, como se puede apreciar en videoclips de grandes artistas como Madonna, Lenny Kravitz, David Bowie y Coldplay. En el film es prácticamente imposible no sentirse afectado por el escenario triste, pero a la vez enternecedor que propone.
Pasando a la cuestión interpretativa, los 3 actores realizan un muy buen trabajo, serio y convincente, por lo que le recomiendo a los que gustaron del triángulo de "Crepúsculo", que vean como lo hacen los que realmente saben de actuación.
Bien, ahora viene el problema que tuve... la película por momentos me producía reacciones de empatía, identificación y reflexión, a la vez que me producía bostezos, depresión y aburrimiento... una combinación verdaderamente rara, ya que pasaba de momentos eufóricos a pegarme unos bostezos que me tragaba la pantalla. Creo que el inconveniente se plantea en que no todos los libros pueden llevarse al cine, si bien debo reconocer que el esfuerzo de Romanek es más que respetable. La capacidad de imaginar todas las cuestiones en un libro da mucha más libertad que las imágenes y personajes que nos ofrece la pantalla, por lo que yo no puedo separar que Ruth es Keira Knightley, o que los flacos que están al lado mío están bostezando a coro. Ese creo es el problema que ha hecho fracasar a la cinta en varias pantallas del mundo, junto al tipo de historia que cuenta que es justamente más para un libro.
Yo la recomiendo a los espectadores sensibles y gustosos del arte.

Locura no apta para todo público

Sucker Punch o Mundo Surreal es la última realización del director Zack Snyder, quien también estuvo a cargo de las direcciones de Watchmen y 300. Si vieron estas 2 películas preverán que esta nueva entrega está cargada de efectos visuales espectaculares, mucha acción y una actitud muy Rock & Roll, que son sellos de Snyder. A partir de la creciente fama del director debido a sus trabajos más famosos, se creó una gran expectativa por el estreno de esta cinta, sobre todo entre los fans de la fantasía, los buenos efectos especiales y la acción desmedida que seguramente no se verán defraudados con el resultado final de este loco capricho compartido entre el director y el guionista (Shibuya). Los fans de los comics y del ascendente animé seguramente también se sentirán a gusto y reconfortados, de que alguien en este mundo, fue lo suficientemente voluntarioso para pensar un film que seguramente le abrirá la puerta a otras mentes creativas que poco conocen de límites. Dicho esto, pensá vos que estás leyendo esto, si te identificás con los gustos del perfil que tracé del espectador satisfecho, porque si no te identificás, seguramente encuentres que esta película es absurda y que te aturde. Es clave aclarar que habrá aquellos que la adoren y aquellos que dirán que es la peor basura que vieron, y generar esa polaridad habla de la valentía del director.
En lo personal, creo que Sucker Punch es buena, pero no termina de encantar. Comienza con una historia muy buena, fuerte, con una banda de sonido que se mantiene bárbara durante toda la película (me compró particularmente la secuencia de acción musicalizada por Army of Me de Björk que me encanta) y con efectos tanto visuales como de sonido excelentes. Luego comienza el esquizofrénico viaje de la protagonista Baby Doll (Emily Browning), que acompañada de Sweet Pea (Abbie Cornish), Blondie (Vanessa Hudgens), Rocket (Jena Malone) y Amber (Jamie Chung), bajo la influencia de la Dra. Gorski (Carla Gugino), pasarán por una serie de pruebas que involucran dragones, orcos, samurais y demás, que nos recordarán inevitablemente a otras películas como El Señor de los Anillos, Hell Boy, Tank Girl y Kill Bill. Y es aquí donde el film debería encantarnos, pero en vez de eso termina aturdiendo un poco, exponiendo una exageración, que en mi opinión, es el punto más fuerte y débil de la película. Se mezclan aspectos duros de los personajes y la vida, algo que siempre atrae, con algunas bobadas de película cursi al estilo "Amigas por siempre" creando un cóctel, que termina en algunos casos, emborrachando de más al espectador que no sabe si lo que vio fue algo magnífico o una sarta de huevadas, por lo cual se debe ser un poco más cuidadoso en el futuro.
Fantaseosos y comiqueros ¡Regodeense!, a los seguidores y gustosos de las películas serias y dramáticas, ¡No pierdan el tiempo!
Finalmente, es innegable que Zack Snyder es un loco muy ondeado y con mucho Rock Cinematográfico, que con aciertos y fallas está pisando fuerte, y quien sabe, capaz lo mejor está por venir.

Sentimiento que no penetra

Ondine (Amor sin límites) es la última película dirigida por el respetado director Neil Jordan, quien también estuviera al frente de producciones muy recordadas como "Entrevista con el Vampiro" (peliculón) y "Juego de Lágrimas". En esta ocasión presenta otro drama en tono de fantasía, que tiene varios altibajos durante sus 111 minutos de duración, un poco excedido para la trama del film. Lejos de ser colocada en la misma canasta de las películas que nombré anteriormente, Ondine trae una historia que resulta interesante, pero que no enamora, sólo produce un buen sentimiento de tipo superficial... como apreciar bastante a alguien, sin llegar a quererlo sinceramente.
Syracuse (Colin Farrell) es un pescador humilde de las costas irlandesas, alcohólico, separado, aunque no todo es malo en su vida, ya que tiene una hija de esas que todos quieren tener por su personalidad procaz e inteligencia, características inusuales de ciertos niños que los hacen extremadamente simpáticos. Un día común de pesca por el mar, levanta en su red a una hermosa joven, algo que al principio resulta inexplicable, pero que luego comienza a tomar forma cuando entra en juego la cultura irlandesa, que siempre ha estado llena de cuentos fantásticos sobre ninfas y sirenas. La mujer, que se hace llamar Ondine (Alicja Bachleda), comenzará a cambiar la vida de la familia de Syracuse, pero como toda rosa, viene con algunas espinas, en este caso, un malvado sireno que la persigue para que vuelva a donde pertenece.
Creo que la fábula de la ninfa, combinada con un muy buen trabajo de captación de la cultura irlandesa, hace que la cinta se salve de caer en el típico melodrama romántico en tono de film independiente. Por momentos resulta muy atractiva, con algunas escenas dignas de guardar en la memoria (la hija de Syracuse, Annie, se roba la película), pero por otros, se torna lenta y un poco absurda, presentando situaciones que parecen como de relleno.
Para ir cerrando, es una linda historia, que por momentos lo transporta a uno a ese mundo fantástico donde todo puede pasar, y por otros nos hace mirar el reloj para saber cuanto falta para que termine, lo que la convierte en algo irregular.
A muchos no les va a gustar, por el tono sombrío y lento, por lo que deben tener precaución al momento de decidir ir a verla.Yo pienso que es buena, pero no será una historia trascendente en absoluto.

Choque cultural delirante

Un cuento chino es la última película de Ricardo Darín dirigida por Sebastián Borenzstein, hijo de Mauricio Borenzstein, mejor conocido como el legendario humorista Tato Bores. Esta vendría a ser su 3ra película, siendo las anteriores "Sin Memoria" y la premiada "La suerte está echada". En esta ocasión nos trae una historia simple en la cual un ferretero de Buenos Aires, argentino de cepa, se ve involucrado con un chino llamado Jun que se encuentra perdido en nuestro país en busca de su único familiar. El choque cultural de los personajes sumado a las personalidades de cada uno, dan como resultado un cóctel de 93 minutos de comedia de alta calidad, inteligente, con algunos toques históricos y dramáticos que hacen que el film tenga muy buen ritmo a lo largo del metraje. Darín está en su mejor momento, con El secreto de sus ojos, Carancho y ésta última interpretación que lo consagra como el actor más versátil que tiene el cine argentino. Acompañan a Darín en la cinta Ignacio Huang, el chino que en realidad vive en Argentina desde los 11 años, es diseñador gráfico y estudia teatro en la escuela de Norman Briski, junto a los actores Iván Romanelli (el gordo Liberosky del Much Music) y Muriel Santa Ana (Ciega a citas), con papeles secundarios pero que cumplen muy bien con su labor.
Para resaltar, la dupla protagonista tiene muy buena química, creando momentos de muchísima risa, al punto de que solo los gestos e insinuaciones de cada uno de los protagonistas, mantiene tentado al espectador todo el tiempo. El concepto del "anti héroe" está muy bien aplicado por el director, presentándonos a Roberto, el típico argentino gruñón que se la pasa insultando y criticando a las personas, pero que a la vez, tiene problemas de socialización y algunos comportamientos extraños dignos de ser analizados por un buen psiquiatra. ¡La vaca como símbolo de la historia de ambos protagonistas, me pareció algo fabuloso y original!
En fin, Un cuento chino es una película que le hace muy bien a nuestra historia cinematográfica, que aporta mucho en versatilidad al buen momento que está pasando nuestro cine y que demuestra que en Argentina hay mentes creativas brillantes que pueden crear entretenimiento de calidad. ¡Sin duda una peli que no hay que dejar pasar!

Perdido en la oscuridad de la caverna

Sanctum es en 1er lugar un film dirigido por Alister Grierson y en 2do lugar producido por James Cameron, algo que en las publicidades gráficas, como se puede ver en esta foto y en otros posters, fue manipulado para hacer creer que esta era la nueva película de Cameron. Si el aclamado director apadrinó toda esta estrategia sin haberse drogado antes, se podría decir con seguridad que no fue inteligente y metió la pata, ya que esta cinta lejos se encuentra de ser colocada en el mismo grupo de Avatar o Titanic.
La historia está basada en un hecho real, en el cual 15 espeleólogos y buzos quedan atrapados, en un sistema de cuevas todavía no exploradas por la humanidad, debido a un fuerte Huracán que llegó antes de tiempo y que comienza a inundar todo el sistema mientras los protagonistas luchan por escapar con vida. Hasta ahí hay un hecho que podría haberse convertido en una gran película de aventura, pero en vez de eso esta co-producción americana y australiana, nos entregó 108 minutos de entretenimiento mediocre y poco original. Los primeros 50 minutos se puede decir que son buenos, comienza con gran ritmo de aventura, un buen uso de efectos visuales, la fotografía es muy buena y se nota la influencia de Cameron y el uso de su sistema de cámaras de alta definición, pero a medida que sigue avanzando la historia se vuelve cada vez más cliché y menos entretenida. Un padre que es buen tipo, pero como ha pasado tanto tiempo concentrado en su trabajo se volvió torpe en la relación con su hijo, el rico aventurero que la termina jugando de malo (copia total de la película Límite Vertical), muerte escalonada de personajes, es decir, de los menos importantes a los más relevantes, y así toda una seguidilla de elementos que desencantan al espectador que en la primera parte seguramente pensó que a pesar de las advertencias podría terminar saboreando un film de calidad, pero la realidad es que no lo es. Y el problema no es la ejecución, sino el guión, que terminó agregándole interacciones e historias que arruinan lo que podría haber sido la historia real contada de manera espectacular. Como siempre digo, somos todos distintos y tenemos gustos diferentes, por lo que puede haber espectadores a los que les parezca que la aventura si los entretiene, pero estoy seguro que a la mayoría les parecerá que la película se queda muy corta y carece de originalidad.
La cinta termina centrándose en un rubio carilindo, con poco carisma, Ioan Gruffudd (El hombre de goma en Los 4 fantásticos) hace un papel triste y el personaje de la novia alpinista que parecía prometer termina siendo una decepción. Para resaltar el rol de Richard Roxburgh que hace del espeleólogo duro con experiencia y mal carácter, lo demás... quedó hundido en las profundidades oscuras de las cavernas.

Thriller de buena ley

The next three days es la Remake del film francés Pour Elle rodado en 2008, en este caso bajo la dirección de Paul Haggis, y protagonizada por Russell Crowe, la ascendente Elizabeth Banks, Liam Neeson y Olivia Wilde. La película cuenta la historia de una familia cuya vida se ve arruinada por el inesperado arresto de Lara Brennan (Banks), la mujer del protagonista, acusada de cometer un asesinato que supuestamente no cometió, por lo que su esposo, John Brennan (Crowe), hará hasta lo imposible por recuperar a su familia.
La historia es simple, un cliché casi, pero está encarado de una manera inteligente, que hace de este film un viaje emocionante. Crowe está impecable como siempre, secundado por una serie de actores no tan reconocidos, pero que realizan interpretaciones que aportan al realismo y emoción de esta cinta.
Una vez más, se nota la dirección de Haggis, que a la onda de Tony Scott (Asalto al tren Phelan 123, Imparable y Juego de espías) puede convertir las historias más simples en grandes películas taquilleras.
Sólo 3 días, logra de manera efectiva mantener el interés de los espectadores, con momentos de tensión extrema, acción, drama y suspenso, en 123 minutos que se pasan mucho más rápido de lo que parece, algo que agradezco siempre, ya que perder 2 horas en alguna boba producción, resulta muy molesto.
Por otro lado, tiene algunas cuestiones que a veces no tienen mucho sentido, como un 2do intento de suicidio, la aparición de 2 policías por separado que van tras el caso de Lara y algunas cuestiones más que ustedes encontrarán. Creo igual, que más allá de los errores aparentes, el film en su conjunto logra superarlos para entregar un buen Thriler que de seguro va a entretener a la mayoría.
Como remake, está muy bien lograda, pudiendo adaptar las diferencias de la cinta francesa a la realidad de la familia Brennan. Por último, resalto el nivel de realismo con el que se filma la película, donde claramente se puede ver la transformación que lleva de a poco a este hombre común a convertirse en un héroe de acción, no por lo áspero que es, sino por la necesidad de salvar lo único que le permite vivir.

Lejos del Orfanato...

Los Ojos de Julia es la nueva producción de terror española dirigida por Guillem Morales, un nuevo director español oriundo de Barcelona, bajo el padrinazgo del conocido Guillermo del Toro (Hell Boy, El Laberinto del Fauno). Protagonizan el film, 2 grandes figuras del cine ibérico como Belén Rueda (El Orfanato, Mar Adentro) y Lluís Homar (Los Abrazos Rotos, La Mala Educación), por lo que uno podría pensar que con tanto talento esto no podía fallar... bueno, no fue así.
La cinta plantea la historia de Julia, una mujer que sufre una enfermedad degenerativa de la vista, que día a día va quedando un poco más ciega como le sucedió a su hermana gemela que terminó suicidándose, hecho que le lleva a investigar lo sucedido e involucrarse con un ser que deseará nunca haber conocido, muy parecido a lo que le pasó a gran parte de la audiencia con esta película, yo incluido. He leído por ahí algunos elogios y comparaciones con el terror que planteaba Hitchcock, algo que me parece totalmente absurdo y por lo cual se debe haber revolcado en su propia tumba el pobre viejo. El hecho de que sea una mala copia de Hitchcock, no la hace digna de ser relacionada con el prestigioso director. Por otro lado, ¡Qué lejos que está de parecerse a El Orfanato!, en este caso me parece que el gran Guillermo le pifió, ya que la historia plantea una situación interesante, pero cuando se debe comenzar a redondear el film, se va desmoronando a la velocidad de la luz. Plantea varios clichés del terror a los que ya estamos por demás acostumbrados y que a esta altura parecen ser parte de una burla hollywoodense, algo que no le viene para nada bien al género que ya bastante golpeado está. Comienza como una historia de terror (y así fue promocionada) con el planteamiento de cuestiones sobrenaturales, pero luego se convierte en un thriller sin elementos fantásticos, algo que no estaría mal según mi criterio, aunque en este caso la transición es grotesca y sin un hilo conductor coherente.
Belén Rueda está más gritona e insoportable que nunca, emitiendo sonidos que rayan lo sexual más que el grito de una mujer con miedo, haciendo un papel que va a dejar aturdido a más de uno. Sinceramente creo que los amantes de las películas de terror se sentirán muy decepcionados, sobre todos a los que les gustó El Orfanato.

Comedia ligera de reparto pesado

Morning Glory es una película dirigida por Roger Michell, quien ha sido responsable entre otras cintas, de las conocidas Notting Hill y Venus. En el reparto también hay estrellas experimentadas, con un talento conocido por la mayoría de los espectadores como Harrison Ford, Diane Keaton y Rachel McAdams, por lo que uno creería que se está por encontrar con la próxima "Alguien tiene que ceder" o " El diablo viste a la moda", pero la realidad es que esta se quedó un poco corta, aunque no puedo negar que si me entretuvo, pero sólo eso, no me voló la cabeza.
La cinta se centra en Becky Fuller (McAdams), una excéntrica productora de programas de televisión que está casada con su trabajo, que inesperadamente es despedida. Con tal de volver a trabajar, acepta una propuesta como productora de un programa que va cada día peor, cuyos conductores presentan problemas de ego y personalidad, entre otras cosas, dignos de un diván. El desafío será probarse a sí misma y a los que la contrataron, que tiene el talento necesario para revivir el show y convertirlo en uno de los mejores de Norteamérica.
El mayor problema de la película es que los primeros 40 minutos son bastante chatos, con algunos chistes por ahí, pero lenta al fin, hasta que la protagonista decide salvar el programa que produce introduciendo una serie de cambios que llevan a los conductores del programa Collen (Keaton) y Mike (Ford), a desarrollar una relación de odio que entretiene muchísimo y que por momentos hace reír de manera muy honesta al espectador. Un perlita, ¡el tipo del clima y los reportajes que le envían a cubrir!. Esta situación corta a la película en 2 partes bien distintas, una plana y pesada, y otra con buen ritmo y divertida, en la cual el humor se vuelve cada vez más desopilante e inteligente. Las actuaciones están muy bien, sobre todo Rachel McAdams y Harrison Ford que está más gracioso que nunca en el papel del conductor gruñón y amargado. Esperemos verlo en más roles de comedia.
Concluyendo, creo la cinta cumple, pero no mucho más. Para pasar un buen momento es bastante útil y entretenida, pero sinceramente no se si amerita todo un programa de ir al cine y pagar un ticket, creo que hay en cartelera películas mucho más interesantes para ver. Aconsejo que si no es seguidor incondicional de alguno de los actores que protagonizan, esperen a que salga el dvd y estén con ganas de ver una comedia.

Malestar obligatorio

Lebanon o Líbano se suma esta semana a la cartelera cordobesa que está exhibiendo buenas películas independientes, aunque es una lástima que sea en pocas salas y seguramente con un limitadísimo tiempo en cartel.
Dirige este film de 93 minutos, Samuel Maoz, que por la información que estuve recopilando, debuta como director en largometrajes, ya que anteriormente sólo estuvo a cargo de un documental llamado Eclipse Total y de algunos capítulos de series de televisión.
La historia retrata una pequeña pero contundente parte de la guerra que sufrió el Líbano en el '82, desde la mirada de un cuarteto de soldados designados al "Rinoceronte", un tanque de guerra israelí que acompaña a un pelotón en una misión que se adentrará en territorio hostil y será protagonista de los horrores de la guerra como pocos se animan a mostrar en las películas bélicas.
Para comenzar debo decir que el planteo que ofrece Líbano es inteligentemente desagradable e incómodo, creando una sensación de malestar que lo coloca a uno dentro de ese infame tanque de guerra junto con los miedos, los nauseabundos olores, la ansiedad y la impotencia de los protagonistas, logro del cual se pueden jactar muy pocas películas del género. A través de la mira del "Rinoceronte", se retrata la crueldad indefendible y desgarradora que despliega un enfrentamiento armado, colocando a los 4 soldados en situaciones de las cuales no pueden escapar, sino que sólo pueden aceptar con impotencia y asco. ¿Se abusa un poco en el uso de imágenes morbosas?, sí lo hace, pero yo pienso... ¿no hay acaso una cantidad enorme de films que retratan a la guerra como un video juego que en vez de generar rechazo, invita al espectador a imaginarse con una vincha y una ametralladora en el brazo como algo cool?... bueno, Líbano les puedo asegurar que invita a todo menos a la visión heroica de alguien que toma las armas para solucionar conflictos, y eso me parece muy respetable y en este caso, muy bien logrado por el director.
El único inconveniente que le encontré a la historia, citando a un personaje de la película "Vidas Cruzadas", es el "problema de flatulencias incontrolables" de los soldados, que por momentos parecían niños de 10 años llorando por estar en una situación de la que no tenían conocimiento, cuestión que resulta un poco absurda si tenemos en cuenta que los combatientes reciben un entrenamiento previo, y que supongo están conscientes de que manejan un tanque de guerra, un arma de destrucción obscena, pero bueno, detalles al margen, el resultado es espectacular.
Creo que el séptimo arte debe mostrar al espectador tanto obras que fortalezcan el corazón, como otras que lo desgarren como es el caso de esta cinta. Hay mensajes que no procesamos por lo anestesiado que tenemos el cerebro, y a veces solo podemos despertarlo con estas inyecciones de incomodidad.

Invasión de cursilerías militares

Battle: Los Ángeles es la nueva producción hollywoodense sobre marcianos que quieren exterminarnos para quedarse con nuestro planeta, una historia que al parecer causa una excitación incontrolable entre los grandes estudios situados en la misma ciudad que dicidieron destrozar en esta película de poca monta. Como si cambiar la ciudad que vienen a destruir significara algún tipo de innovación, en este caso, cambian de New York (ciudad que hemos vista ser destruida en pantalla de mil maneras distintas) a Los Ángeles, que es atacada de manera indiscriminada tanto por los aliens que nos invaden como por los marines estadounidenses que pelean por salvar la Tierra. El film es sin duda, una propaganda cursi, empalagosa y decorada del cuerpo de Marines de los Estados Unidos, con diálogos estúpidos, dignos de alguna película destruye neuronas como las que suele dirigir Michael Bay (Transformers, Armageddon, Pearl Harbor), director obsesionado con el poderío bélico norteamericano. En este caso pareciera que es Bay también, pero en cambio el director es Jonathan Liebesman, responsable de otras basuras como Texas Chainsaw Massacre: El Comienzo, y para pena de muchos, es el responsable de la próxima entrega de la franquicia de Furia de Titanes, que con el primer director le erró tremendamente, y con este nuevo no hay muchas expectativas si nos basamos en sus trabajos previos.
La cinta está protagonizada por Aaron Eckhart y Michelle Rodriguez, dos famosos actores que la verdad no entiendo como aceptaron semejante producto propagandístico, de mal gusto y que a mí por lo menos, me resultó hasta pesado, largo. Los efectos especiales, el sonido y algunas técnicas de filmación son buenos, incluso Eckhart le da un poco de credibilidad, pero para que una producción se convierta en una buena película debe tener un guión que atraiga, que innove, que atrape, que se mimetice con los aspectos técnicos. En este caso se comete el mismo error de muchos otros films de acción y ciencia ficción, que es concentrarse en efectos y explosiones, dejando de lado lo que realmente encanta al espectador que es la historia, la trama, el desenlace.
La película por momentos parece ser uno de esos videos juegos de salón donde uno tiene una ametralladora conectada a la maquina y debe disparar a los malditos marcianos invasores, con la gran diferencia que aquí no somos nosotros los que participamos, sino que estamos viendo un demo del juego accionado por la computadora que dura 110 minutos aproximados, algo aburridísimo.
El llamado de atención más grande es que si este tipo de película se sigue repitiendo año tras año, es porque que rinde beneficios monetarios a quienes se encargan de ponerla en pantalla, es decir, somos nosotros mismos los que nos conformamos con explosiones y naves espaciales. Es como esos programas de TV de los que nos quejamos, que decimos que son vulgares y atrofian la mente, pero que en los sondeos de ratings siempre están primeros.
Yo les diría, esperen a que salga en el Cine canal y estén un domingo a la noche en su casa sin otra cosa interesante que hacer.

Extraña y placentera combinación

Rango es la última película de Nickelodeon Movies dirigida por Gore Verbinski (Piratas del Caribe 1, 2 y 3, La Llamada y Un Ratoncito Duro de Roer, entre otras) que cuenta la historia de un camaleón de ciudad que por accidente cae de un auto en medio del desierto, donde deberá aprender a sobrevivir y buscar su lugar entre una loca y variada fauna de alimañas que conforman un pueblo al mejor estilo western, llamado Dirt. El trasfondo del film hace alusión a la importancia de diferenciar entre lo que es real y lo que no en la vida, junto a la valoración de la verdadera amistad.
Lo primero que quiero remarcar, y que debo decir que me encantó, es el tipo de humor utilizado que es muy original, inteligente, arriesgado y que bordea la locura en ciertas escenas. No siempre resulta fácil obtener el permiso para materializar ciertos deseos de los directores, pero aquí claramente se ve que si hubo censuras sobre el humor a utilizar, casi ni se nota, ya que hay escenas de humor negro, irónico y hasta morbo, pero con una mezcla de ternura que hace funcionar muy bien a la cinta. En segundo lugar, la calidad de los gráficos es excelente, con un despliegue de colores increíbles y un uso de los efectos perfecto. Por otro lado, y citando al gran Roger Ebert, "...(¡por fin!) rodada en glorioso 2-D", sin todas las complicaciones que implica el 3-D, sobre todo en nuestro país.
Entre las voces que dieron vida a los personajes y aportaron al atractivo de los mismos se encuentran Johnny Depp (Rango), Isla Ficher (Beans), Abigail Breslin (Priscilla) y Bill Nighy (Rattlesnake Jake) entre otros, aunque más que las voces famosas, lo que realmente compra es el diseño de unos personajes que no tienen desperdicio, resaltando el rol de los secundarios, que son divertidísimos.
Quizás uno de los problemas que se puede evidenciar es algo muy común entre las películas animadas, que es el objetivo de querer llegar tanto a niños de 5 años como a adultos de 30, 40 años, lo que transforma algunas cuestiones en aburrimiento para los adultos o falta de entendimiento por parte de los niños, pero como esta cuestión es algo generalizado y de práctica común en el cine, no se lo vamos a imputar de manera rigurosa. Yo les diría, Adultos, acompañen a sus hijos a ver este film, que de seguro se llevarán una sorpresa placentera. Para los amantes de la animación, ¡esta es una obligatoria!

Conceptualización pasada de rosca

Stone o La Revelación en nuestro país, es un film que cuenta la historia de Jack Mabry (Robert De Niro), un oficial de libertad condicional que se verá envuelto en un juego peligroso manejado por un convicto piromaníaco que el trata (Edward Norton) y la esposa de este, Lucetta Creeson (Milla Jovovich). El objetivo de la manipulación es utilizar las vulnerabilidades de Mabry para quebrar su coraza de oficial honesto y estructurado, para lograr que de su visto bueno y Stone pueda salir en libertad.
La historia toca temas interesantes de la psiquis humana, como son la culpa, el engañarse a uno mismo, la religión como fuerza de opresión, en fin, varios tópicos que en general resultan atractivos para explorar. Más allá de la temática, casi lo único que se puede resaltar es la nueva reunión de 2 grandes actores como lo son Norton y De Niro, junto al acompañamiento de Jovovich que creo lo hace muy bien, en un papel enfermizo pero a la vez inevitablemente sexy. Lo demás produce un resultado que no logra encantar del todo al espectador, con una profundidad que se pasa de rosca y una oscuridad que desagrada, pero no de la manera que lo hace una buena experiencia artística, sino desagrado por sí solo.
El director responsable de la película es John Curran, que también ha dirigido a Norton en The Painted Veil, única cinta de su filmografía digna de nombrar. Un problema claro del film es la falta de pericia para llevar a cabo las distintas escenas, que terminan resultando algunas veces pesadas y sin sentido. Si hemos visto algunas de sus obras anteriores, se puede ver que es un tipo que se obsesiona de más con los aspectos oscuros que quiere mostrar y definitivamente eso le juega en contra.
Con respecto a la labor de sus 3 protagonistas, las actuaciones son bastante buenas, resaltando el rol de Milla Jovovich, que creo yo, le aporta un poco de frescura a la película, sobre todo la parte sexy y emocionante sin descuidar una buena interpretación. De Niro y Norton son ya veteranos de la pantalla de los que no se podría esperar menos que una actuación digna y que atraiga, y justamente esto es lo que termina siendo el punto fuerte del film, grandes estrellas del cine que saben bien como hacer su trabajo, pero como todos los que amamos el cine sabemos, con sólo actuaciones el espectador no se conforma, al menos no del todo. Es por esto que recomiendo tener cuidado a la hora de elegir, porque de seguro no es el tipo de película que muchos se estarán imaginando antes de entrar a la sala.

Adrenalina boyleana

Para los que no saben, esta película está basada en un hecho real, que salió en todos los noticieros mundiales en el 2003, en el que un montañista llamado Aron Ralston, quedó atrapado durante casi 5 días en un cañón en Utah (USA), y es todo lo específico que voy a contar para no spoilear el film a los que todavía no lo han visto.
La producción está dirigida por Danny Boyle, responsable de la ganadora del Oscar Slumdog Millionaire, The Beach y la gran Trainspotting. Desde que comienza la película se hace evidente que es obra de Boyle, ya que despliega un tornado de trucos de edición y juego de cámaras, escenas frenéticas de gran ritmo y una banda sonora de vanguardia que son sello característico del director inglés. Como buen profesional, ha evolucionado en su estructura de filmación, y en esta entrega nos ofrece las mejores características de sus más famosas producciones, que junto a la grandísima actuación de James Franco, convierten a este film en 94 minutos de entretenimiento vertiginoso, y por eso también le doy las gracias al señor Boyle, al que no le hizo falta 130 minutos como a otros exagerados que pretenden que el espectador eche raíz en la butaca. Franco se apodera del personaje entregando una excelente interpretación y entretiene (el solo) a la audiencia con su evolución de montañista profesional a ser humano desesperado. Es más valioso aún el trabajo realizado si se tiene en cuenta que es una historia conocida por la mayoría de las personas que habitan este planeta, y que como tal, conocemos bastante en detalle que sucedió y como terminó la travesía de Ralston, elemento que podría perjudicar la película ya que le quita el factor sorpresa, pero por suerte, o mejor dicho, por pericia, esto no sucede.
Veremos como le va con su estreno en nuestro país, pero es sin duda, entretenimiento de alta calidad. Confieso que estaba bastante escéptico acerca del film, pero me le animé y no me arrepiento en absoluto. Escenarios increíbles, un ritmo turbulento que mantiene atento al espectador, buena actuación, música muy copada y hasta una escena que le puede hacer taparse los ojos del horror hasta al más áspero de la sala de cine.
¡Definitivamente una recomendable!

Cumplimiento comercial

No Strings Attached o Amigos con Derechos, es una comedia romántica dirigida por Ivan Reitman, director canadiense pero que nació en la ex Checoslovaquia, y que cuenta en su filmografía con buenas películas como Los Cazafantasmas 1, 2 y actualmente estaría trabajando en Ghostbusters: Hellbent, el tercer film que tiene fecha de estreno para el 2012.
Coprotagonizan esta comedia Ashton Kutcher, figurita repetida en el 70% de la basura romanticoide, y Natalie Portman, gran actriz con un talento enorme que viene de protagonizar la aclamada El Cisne Negro, conformando una mezcla interpretativa extraña... que sería mas o menos como La Bella y La Bestia (teniendo en cuenta los dotes actorales de cada uno).
Con mucha sorpresa (no lo voy a negar), pasé un buen momento cuando vi que la dupla tiene química, y que resultaban divertidos, hasta me arriesgaría a decir que es la mejor película de Kutcher en el género, si tenemos en cuenta que todas eran bastante mediocres. Se me ocurrió pensar que la transición del actor es como cuando uno juega a un deporte con gente pata dura, que hacen que uno indefectiblemente baje el nivel, y por el contrario, cuando jugamos con gente más hábil que nosotros nos suben el nivel. Capaz que lo que debe hacer este actor es comenzar a jugar con gente más hábil que le suba el promedio de bodriasos que viene cosechando. Pero bueno, basta de darle al pobre Ashton y pasemos al film: Creo que sin muchas innovaciones, No Strings Attached se configura como una película entretenida, con algunas cuestiones de la personalidad del director que se notan sobre todo en el tipo de humor, que para pasar el rato está bastante bien. Confieso que este género no es mi primera elección cuando decido ir al cine y creo que tiene que ver con esta cuestión de ser hombre y como tal, despreciar las historias románticas, aunque me cueste aceptarlo. Navegando por la web y chequeando los comentarios de las personas sobre este film, me di con que a la mayoría de las mujeres le había parecido que la película estaba muy buena, que les había gustado, y a la mayoría de los hombres le había parecido que perdieron el tiempo, salvo por algunas escenas graciosas... Por eso yo les digo, Hombre Común, ¡ojo! y al Tipo Sensible que disfruta de una historia ligera, es una buena opción. Mujeres, ¡disfruten!, seguramente la van pasar bien, sobre todo las incondicionales de Ashton que podrán verlo en pantalla como Diosito lo trajo al mundo. Para resaltar también, Natalie Portman está más sexy que nunca, en un papel que lo lleva de taquito, aunque en lo personal, espero verla mucho más en historias como El Cisne Negro que en comedias románticas ligeras de este tipo.

Pega fuerte

The Fighter es una película basada en la historia real de los hermanos Micky Ward (Mark Wahlberg) y Dicky Eklund (Christian Bale), de distintos apellidos resultado de compartir madre pero no padre. La cinta muestra como Micky debe lidiar con su propia familia, novia y sus demonios internos para poder convertirse en un gran boxeador. Si bien a priori la historia parece centrarse en la vida boxística del protagonista, en realidad trata sobre el complicado entramado de relaciones familiares, en este caso de una familia que podría considerarse "white trash", es decir gente vulgar, excéntrica, disfuncional y de bajo estatus social, aunque si miramos con atención seguramente nos sintamos identificados con varios comportamientos, como la madre sofocante y controladora, el sentido de pertenencia familiar, la relación amor-odio con nuestros hermanos, etc.
Es un acierto en mi opinión haberse enfocado en el drama familiar y en segundo plano el boxeo, ya que existe un gran número de films de ese tipo, que gustaron y aburrieron, pero que definitivamente han cansado, sino recordemos las Rocky desde la 1 a la 5, Alí, El luchador, Toro salvaje, Millon dollar baby, etc., etc. El director David O. Russel parece haber mejorado la punteria, basta con recordar su última producción I heart Huckabees, una película sin sentido y tediosa. Se podría decir que ha recuperado los elementos que lo hicieron notorio cuando estrenó en 1999 Tres Reyes, que recibió muy buenas críticas.
Por otro lado, las interpretaciones tienen un muy buen nivel, desde Christian Bale y Melissa Leo que bien merecidos tienen sus Oscars, hasta Amy Adams y Mark Wahlberg quien siempre representa un blanco fácil cuando los críticos quieren despotricar un rato.
Una historia de amor familiar, superación de los obstáculos y el camino hacia la gloria con una mirada adulta y realista. Definitivamente una película muy recomendable.
¡Aplausos largos!

Sensaciones al límite.

La última creación cinematográfica del director Darren Aronofsky crea en la mayoría de los espectadores una ola de sensaciones que entremezclan la incomodidad, el horror, la belleza estética, la adrenalina y la fascinación, todas juntas en 103 minutos de locura psicológica.
Digo la "mayoría de los espectadores" ya que como personas distintas que somos, hay una gran cantidad que va al cine esperando una experiencia que conforte, alegre, que tenga un final feliz y confirme que el mundo es un lugar espléndido para vivir. A éste espectador le digo, absténgase. Para los que buscamos una experiencia artística, Black Swan representa la droga justa, una película que pone las sensaciones al límite.
Aronofsky combina elementos de sus 2 mejores obras, la esencia de thriller psicológico e incomodidad que coloca al espectador al borde de un ataque sicótico de Requiem for a dream, y por otro lado pone al descubierto lo que no se ve desde afuera, como las miserias y sacrificios que implican los deportes o disciplinas de competición como en The Wrestler (El Luchador). Terminan de completar esta obra un guión muy bien logrado y las actuaciones de los personajes, resaltando el papel de Natalie Portman como Nina Sayers, un papel que le valió el Oscar como Mejor actriz (y que bien merecido lo tiene).
En un negocio que se conduce estrepitosamente rápido, donde todo es descartable y lo que vale es lo que vende, Aronofsky sigue la línea de directores como Quentin Tarantino que descubre nuevos talentos, pero que sobre todo, recicla actores y actrices que habían quedado en el olvido, cuya estrella estaba llegando lentamente a su ocaso. En Black Swan se presentan los casos de Winona Ryder (Beth Macintyre) y Bárbara Hershey (Érica Sayers, madre de Nina), dos actrices cuyas carreras estaban en franco deterioro, y que por más pequeño que sea el rol las coloca nuevamente en el spotlight.
Para cerrar, concluyo esta crítica con un aplauso largo y cascabeles (como decía el queridísimo Fernando Peña en su rol de Martín Revoira Lynch) para este film. A los ávidos exploradores de sensaciones artísticas cinematográficas los insto a no perdersela. Esta es la simple opinión de un fanático del cine.

Western clásico

True Grit o Temple de Acero (en Argentina) es la última producción de los hermanos Coen, responsables de películas galardonadas como Fargo, Raising Arizona y No Country for Old Men (Sin lugar para los débiles) y corresponde a una Remake del film rodado en 1969, que fuera protagonizada por John Wayne.
La historia es simple, una niña de 14 años (Hailee Steinfeld) que desea vengar la muerte de su padre, por lo cual contrata al Marshal Cogburn (Jeff Bridges), que junto al Texas Ranger LaBoeuf (Matt Damon) buscarán al asesino Chaney (Josh Brolin) para apresarlo. La historia de por si ya es un clásico western, pero lo que la convierte en una adaptación excelente es sin duda la labor de sus directores. En la cinta se puede ver claramente la estructura de filmación de los Coen, la forma de tomar los lugares donde suceden los hechos, un ritmo estable pero que no aburre, y la crudeza de la vida real filmada con más crudeza todavía. Las películas de los hermanos Coen tienen un tinte especial que no es apto para todos los públicos, y eso está bien, son fieles a su arte y no tratan de adaptarse todo el tiempo a las exigencias masivas, pero si creo pertinente avisar, así como los films de Kubrick, Tarantino y demás tampoco lo son.
Con respecto a los westerns, no soy para nada un gran aficionado de las películas del lejano oeste, de hecho siempre me sonaron aburridas, viejas, lentas, pero obras como esta abren mi cabeza y me dicen que cualquier historia por más prejuicio que le tengamos, puede ser contada de manera extraordinaria y ese es el caso de True Grit.
Las actuaciones están muy bien, sobre todo la de Jeff Bridges (Cogburn) y la de Hailee Steinfeld (Mattie), sobre el primero, los que vemos mucho cine sabemos que es toda una eminencia, con papeles espectaculares como el de Crazy Heart que le valió un Oscar en 2010 y el de El Gran Lebowski también de los Coen, en esta también debe estar orgulloso porque llenó muy bien las botas de John Wayne, metiéndose de lleno en el personaje y trayendo a la vida un verdadero Alguacil del oeste. La revelación es esta chica que con tan corta edad y poca trayectoria se come la pantalla y se pone a la par de todas las grandes figuras que actúan en el film, interpretando a una inteligente y muy atractiva (mentalmente) niña. Si es amante del western, no debe perdérsela, si es amante del cine, tampoco. Marcianeros, abstenerse.
Con un presupuesto de us$30.000.000 lograron una recaudación de más de us$220.000.000, cine inteligente desde cualquier ángulo que se lo mire.

Simple y contundente

The King's Speech, dirigida por Tom Hooper , es sin duda un ejemplo de lo que una buena combinación de recursos utilizados de manera eficaz y eficiente puede generar. Una historia simple sobre un miembro de la realeza que por esos accidentes de la vida debe convertirse en Rey, pero para ser reconocido como tal debe ganarse el respeto de su pueblo sorteando dificultades, en este caso sus inseguridades y lesiones psicológicas causadas en la niñez, que se evidencian en una severa tartamudez.
¿Una película sobre un tartamudo? Sí, ¡y que película! Con un presupuesto de us$25.000.000 (muy poco para lo que acostumbran las grandes producciones hollywoodenses) logró ensamblar un elenco que se luce durante los 118 minutos que dura el film.
Las escenas donde sólo interactúan Bertie (Colin Firth) y Lionel Logue (Geoffrey Rush) en las que realizan los ejercicios vocales (y psicológicos) para superar la tartamudez, realmente no tienen desperdicios y producen una sonrisa en el espectador que viene directamente desde el alma. Por supuesto, las actuaciones de reparto aportan en el enaltecimiento de esta producción hasta lo más alto de la escala interpretativa. Helena Bonham Carter está espléndida en su rol de esposa de Bertie, también Michael Gambon como el Rey padre, y una pequeña perla para resaltar, el pequeño pero memorable papel de Timothy Spall (Colagusano en Harry Potter) como Winston Churchill. David Seidler se luce con un guión original que terminó ganando el Oscar muy merecidamente, ya que de alguna manera encontró la fórmula para encantar a los públicos más diversos.
Drama y comedia se fusionan para darle al espectador una sensación de superación de los obstáculos que impone la vida, que le infla el pecho hasta al más tímido e inseguro ser que esté presente en la sala de cine. Todos salimos con la frente en alto pensando que no hay dificultad que no se pueda vencer, y he aquí el secreto del éxito de esta película, una experiencia que produce en primera instancia familiaridad con la problemática del protagonista, y posteriormente succiona al público hasta que es muy tarde para no sentirse identificado y vivir escena tras escena la superación de los problemas que nos plantea la vida.
Hay una frase de Albert Einstein sobre el éxito que dice: "En lugar de ser un hombre de éxito, busca ser un hombre valioso, lo demás llegará naturalmente", y para mí esto resume a The King's Speech, una labor en conjunto que buscó antes que el éxito, ser una pieza valiosa del cine y del arte; los premios, la alevosa recaudación en taquilla, los reconocimientos del público, son solo reacciones naturales al esfuerzo llevado a cabo.

¡Obsesión Hopkins!

The Rite o El Rito es una historia basada en hechos reales (supuestamente) y en el libro de Matt Baglio "The Rite: The making of a modern exorcist", que narra la historia de un joven seminarista norteamericano que viaja al Vaticano para asistir a cursos de exorcismos y reavivar su Fe que se ha visto severamente disminuida. En la película el joven es enviado con el Padre Lucas Trevant, un cura excéntrico conocido por sus más de 2000 exorcismos, para aprender de primera mano la técnica, lo que lo llevará a adentrarse en un mundo en el que no cree, pero que le tiene preparado una serie de sorpresas de las que no se olvidará jamás. El Padre Lucas es interpretado por el prestigioso y tan venerado Anthony Hopkins, en un papel que cumple con la precisión de un reloj suizo, mientras que el joven seminarista es Colin O'Donoghue, una de las nuevas caras talentosas que trae este 2011. Para empezar debo admitir que los films sobre exorcismos me tienen re contra cansado, es un subgénero del terror que está agotando la paciencia a más de uno, como en breve va a pasar con el tema de los vampiros carilindos en pantalla. Dicho esto, creo que la película desarrolla un enfoque un poco más profundo que las últimas producciones de demonios posesivos, y no cae tanto en los clichés que hemos visto repetirse en casi todas las cintas anteriores. Se hace hincapié en la polaridad de los personajes principales, que de manera muy inteligente logran que el espectador tome partido por el descreído o el creyente, y se hace una explicación un poco más realista sobre los síntomas de la posesión. El guión no es de lo más original, pero con el esfuerzo interpretativo más el uso de recursos muy lúcidos de su director, Mikael Hafstrom (Descarrilados, 1408), la película cumple su función de entretener y meter un poco de miedo, aún con la carga de ser "otra más" del género.
En USA, The Rite no fue tan bien acogida, ni recaudó tanto dinero como a nivel mundial, algo extraño ya que por ejemplo en nuestro país, fue una de las cintas más vistas del verano y con más tiempo de exposición en cartelera, superando en recaudación a la ganadora del Oscar "El discurso del Rey". Esta rareza se produce, creo yo, en parte por la fascinación (a veces absurda) que tenemos con el actor Anthony Hopkins, este galés de 73 años que inspira tanto respeto entre los hombres, como suspiros entre las doñas. Es un de esos fenómenos que no tienen una explicación muy lógica, simplemente es así, estamos enamorados de Hopkins, haga lo que haga.

Salvada por la experiencia

Hereafter (Más allá de la vida) es la última producción del reconocido director y actor Clint Eastwood, ganador de los premios más prestigiosos que entrega la industria del cine. Trata la temática de la vida después de la muerte, un tema súper trillado y que hemos visto en muchos films buenos y malos. Son 3 historias distintas de personas que enfrentan situaciones en las que la muerte ha tocado su vida.
La película es buena, ya que en ciertos detalles se nota que es obra de Eastwood, pero creo que si la hubiera dirigido otra persona, habría sido un fracaso total. ¿A qué me refiero con esto?, a que si no fuera por algunos trucos que tiene el viejo Clint debido a su experiancia, la cinta no sería más que "otra de espíritus". El tema está requete gastado y convierte a este film en algo totalmente efímero, es más, podría apostar que en 1 año nadie se acordará de él, ni lo asociarán con el director. Cuando más capacidad se demuestra, mayor es la exigencia, porque se sabe que se puede obtener mejores resultados, y eso es lo que sucede aquí. Luego de Millon dollar baby, Río místico o Los puentes de Madison (todas dirigidas por Eastwood), esta peli se vuelve insignificante, la comparación es odiosa, ya lo sé, pero no tengo la culpa de que el gran Clint halla establecido un estandar tan alto.
Si son de los que difrutan las cuestiones sobrenaturales, es una buena opción para ver un punto de vista maduro acerca de la vida y la muerte, los actores cumplen y se puede evidenciar ese golpe en seco que le gusta dar a Eastwood sobre la vida de los portagonistas. A mí se me hizo un poco larga la verdad.
Un dato curioso es que el film comienza con una escena de un tsunami muy bien logrado, con los efectos justos y necesarios, que desencadena la historia de uno de los protagonistas. En Japón, por la reciente tragedia, fue retirada de los cines como muestra de respeto a las víctimas del desastre.

Invasión de mal gusto

En una muy mala decisión opté por darle una oportunidad a esta película de los hermanos Strause y la alquilé. El argumento se basa en un mensaje codificado que la NASA habría enviado el 28 de agosto de 2009 a las profundidades del espacio para que pueda ser captado por algún tipo de vida extraterrestre, y que ese llamado fue escuchado... ¡Escuchado por una raza de aliens que sólo podrían describirse como una cruza de los moluscos voladores de Matrix y zombies asesinos come cerebros!. En una absoluta falta de imaginación (y buen gusto), los Strause deciden hacer una bizarra mezcla de otros films como Guerra de los mundos, Matrix, Terminator Salvation y Día de la Independencia, para terminar entregando este film que francamente es un horror. A medida que va avanzando, la historia se hace cada vez más absurda e increiblemente insoportable, al punto de querer salir corriendo hacia el Video club a exigir que nos devuelvan la plata del alquiler. Actores carentes de talento y carisma, una trama sin sentido, un ritmo lento que desespera y un final, que cuando menos, produce en el espectador una risa nerviosa, resultado de una vergüenza ajena sin precedentes.
Para resaltar, los efectos especiales, que son de alta calidad sin duda, y un presupuesto utilizado de solo us$10.000.000. Creo incluso que el presupuesto fue bajísimo previendo que el film resultaría una BASURA TOTAL, una sabia decisión, ya que conocemos otras producciones de presupuestos altísimos que han fracasado mucho más que Skyline.
Para terminar, algunos consejos para los cinéfilos como yo, que varias veces nos dejamos llevar por el impulso de ver una película que de ante mano sabemos va a ser pura basura, pero que por curiosidad terminamos cayendo en sus redes:

La experiencia se ha repetido muchas veces con otros films de gran pespliegue visual como 2012, Alien vs. Predator, The Last Airbender, etc. ¡Fuerza de voluntad! Ya sabemos que será una pérdida de tiempo.
¡Revisar la filmografía del director! Los Strause antes de esta cinta dirigieron Alien vs. Predator 2, otra producción asquerosa.
Por último, escuchar a nuestra conciencia, que prácticamente nos señala a gritos que estamos tomando la decisión equivocada.

Prólogo de la locura Potteriana

Harry Potter and the Deathly Hallows: Part I es el comienzo del final, el preludio de un cierre que provoca en muchos una mezcla de ansiedad con melancolía, de euforia con un poco de tristeza, es el cierre de la franquicia más famosa y taquillera de la historia del cine.
Para comenzar debo decir que lo de David Yates como director fue una muy buena elección, imprimiéndole oscuridad, drama y seriedad a esta historia, que fue creciendo a lo largo de 10 años hasta llegar a la adultez, una adultez en la que debe enfrentar su destino y lidiar con todos los tópicos por lo que fue pasando, desde la discriminación hasta la fuerza de la amistad y el amor. Leyendo otras críticas en la web, me llamó la atención ver que muchos fueron durísimos con esta entrega, cuando en realidad para ser la 1ra mitad de un final tan esperado como este, creo que superó las expectativas, sobre todo de los fans, que al menos cuando yo fui a verla, salieron muy contentos de la sala. Es un poco lenta por momentos, es verdad, pero también ofrece algunas secuencias que quitan el aliento y de alto voltaje, tanto en la acción como en el drama. La escena donde Ron visualiza a Harry con Hermione dejó sin aliento a todo el cine que miraba estupefacto.
Los actores secundarios le aportan un valor agregado muy importante a esta película, que sin cerrar muchas cuestiones de la historia, se centra en preparar el terreno al vendaval que tendrá lugar en la 2da mitad de la última entrega.
La fotografía y los efectos, tanto visuales como de sonido, son espléndidos, justificando el gran presupuesto que implicó filmar este final tan esperado. Creo que un poco más de impacto en lo emocional habría sido perfecto, ya que por ejemplo, suceden algunas muertes a las que no se les da mucha importancia, o que pasan sin despertar mucho sentimiento en el espectador.
¿Es un poco criticable el haber dividido el final en 2? Quizás... pero no debemos olvidar que este es un negocio muy rentable y con fines de lucro. Comparando con la cantidad de secuelas que andan dando vuelta, se podría decir que se hizo un trabajo bastante sutil de marketing, con elegancia, y no con los excesos vulgares a los que nos tienen acostumbrados las continuaciones en Hollywood.
El mérito de este fenómeno debe ser compartido entre la escritora J.K. Rowling (la visionaria) y la Warner Bros. que supo captar la esencia del mundo mágico de Harry Potter y plasmarlo en la gran pantalla. Sólo queda ver si la 2da mitad terminará de concluir de la mejor manera las apasionantes aventuras del mago adolescente.

Me gusta.

La película dirigida por David Fincher y guionada por Aaron Sorkin es un fiel retrato de la relaciones modernas, del profundo cambio al que estamos asistiendo en cuanto a medios de comunicación y de las consecuencias que esto trae en nuestros paradigmas y personalidades. ¿Tanto así? Sí, este frío film refleja en la figura de Mark Zuckerberg y su Facebook el deseo que siente gran parte de la sociedad de ser popular, ser tenido en cuenta, llamar la atención. Retrata una persona que prefiere tener fans a tener amigos, ser reconocido a ser querido, tener miles de amigos virtuales y cero amigos en serio., ¿A alguno le suena esto?. ¡Ojo!, no es una crítica a Facebook, pero resalto estos conceptos ya que creo que la película sí hace hincapié en ellos, demostrando que el software es la resultante de la enorme frustración de una persona que ha sido aislada por la sociedad, donde varios elementos y deseos ocultos de Zuckerberg cobran vida a través de la red social para tomar revancha y pasarle por encima a los populares.
Fincher, también director de films muy buenos como Seven (Pecados capitales), The Game y Fight Club (Club de la pelea), le da vida a uno de los mejores guiones de los últimos años, respetando la narrativa de Sorkin. Los Oscars por Mejor guión adaptado, Mejor montaje y Mejor banda sonora (Trent Reznor y Atticus Ross están increíble), están muy bien ganados, aunque en mi opinión se merecía también al Mejor director, pero como sabemos La Academia no suele disociar los premios de Mejor película y Mejor director.
También se demuestra como una buena dirección puede cohesionar a jóvenes actores como Jesse Eisenberg (Mark Zuckerberg), Andrew Gardfield (Eduardo Severin) y Justin Timberlake (Sean Parker), los que vendrían a ser los artífices de Facebook como lo conocemos hoy en día, para lograr un producto buenísimo.
Una temática actual, una ejecución brillante, personajes fríos y actuales, y una fotografía al nuevo entramado social donde la popularidad parece cambiar de posta a los nerds, y que se está formando a partir de la aparición de mentes con la capacidad de materializar hasta sus deseos más íntimos. ¡A no perdérsela!

Retrato de una nueva configuración familiar

Mi familia o The Kids are all right (título original) es un Drama-Comedia sobre una pareja de lesbianas estable y sus 2 hijos adolescentes nacidos de inseminación artificial. Parece ser una familia perfecta (aunque no es la familia tipo) hasta que los chicos se interesan por encontrar al donante de esperma que hizo posible sus nacimientos, es decir, su padre biológico. Al encontrarlo establecen una buena relación y deciden incorporarlo a la vida familiar, creando una serie de conflictos que nos harán reír y otros que nos harán un nudo en la garganta.
La película está dirigida por Lisa Cholodenko, escritora y directora de films independientes que en general han recibido muy buenas críticas como High Art y Laurel Canyon, y por otro lado también dirigió capítulos de series de TV reconocidas como Six Feet Under y The L Word.
Cholodenko, asumida lesbiana desde muy joven, nos muestra la intimidad de una familia tipo estadounidense, con la particularidad de que no hay padre y madre, sino 2 madres, Jules (Julianne Moore) y Nic (Anette Benning), que educan a sus hijos Joni (Mia Wasikowska, Alicia en el país de las maravillas) y Láser (Josh Hutcherson). Parece ser la familia Ingalls versión gay, hasta que los chicos deciden conocer a Paul (Mark Ruffalo), el padre biológico. A partir de esta situación se desata, de manera muy divertida y a la vez desgarradora, la inestabilidad familiar que parecía estar controlada. A priori una mente conservadora pensaría que el film trata sobre las insuficiencias que presenta una familia con padres homosexuales, y las consecuencias que eso trae, pero en realidad, muy lejos de esto, lo que se retrata es la dinámica familiar en general, con muchas de las disfunciones comunes en cualquier familia del mundo.
Una película inteligente, actual, divertida y con algunas situaciones dramáticas que involucran al espectador, que no puede evitar sentirse identificado con ciertos rasgos de la personalidad de los personajes que son en mi opinión, muy completos y realistas.
Finalmente, presenta un mensaje esperanzador y satisfactorio, que demuestra que todas las familias, tengan la composición que tengan, con amor y unidad, pueden superar cualquiera de las dificultades que son propias de estar vivo.
¡Recomendable!

Absurdo progresivo.

Luego de una muy amena comida con amigos decidimos ver nuevamente esta película, a casi un año de su estreno mundial, en formato de Blu Ray (una cosa de locos... el Blu Ray).
Recordaba que cuando estaba a punto de estrenarse en Córdoba, produjo en mí y en muchos aficionados del cine, una gran expectativa que se podría describir como una especie de excitación cinéfila exacerbada por un Trailer que exhibía secuencias increíbles y un elenco espectacular, que prometía entretenimiento de calidad seguro. Esta segunda vez, afirmó en mí la primera impresión que me llevé cuando asistí a su estreno... Una total e irremediable DECEPCIÓN.
El director Louis Leterrier, resposable de films como Danny the dog, The Incredible Hulk y Transporter 1 y 2, parece haberse entregado al negocio del marketing sin escrúpulos, donde lo que importa no es la calidad de la trama, ni las actuaciones que generen naturalmente un efecto positivo en el público, sino que lo importante es engañar con publicidades gráficas fantásticas, trailers hipnóticos y actores de alto calibre. De las 2 facetas del director, la positiva con entregas como Danny the dog y The Incredible Hulk, y la negativa de Transporter 1 y 2, Leterrier se inclina definitivamente por ésta última, donde la exageración y el mal gusto son protagonistas. Ni la presencia de 2 actorasos como Ralph Fiennes (Hades) y Liam Neeson (Zeus), ni los últimos gritos de la moda hollywoodense como Sam Worthington (Perseo, el protegonista) o Gemma Arterton (Io) pudieron salvar a este film del absurdo progresivo.
Comienza con una introducción que seduce, pero minuto tras minuto, se encarga de desencantar a un espectador que se percata de las carencias de guión, de varias fallas de filmación, algunos efectos visuales defectuosos y como olvidar, los mensajes con moraleja barata en los discursos de los protagonistas que producen vergüenza ajena y un asqueo muy parecido a cuando uno está empalagado de tanto comer algo muy dulce. El film pasa de ser una remake de un clásico de los '80, a un producto para niños que se maravillan con imágenes de caballos alados, demonios voladores y escorpiones gigantes sin importar mucho de que se trata la película.
Traté con todas mis ganas de que me guste, pero el resultado no fue mas que un esfuerzo en vano y la decepción de un fan del cine.

Donde viven los monstruos, y la infancia.

Adaptación del libro más famoso de Maurice Sendak que se titula como la película, Where the wild things are, es un viaje bastante preciso a la mente de un niño, que como muchos en la actualidad, debe lidiar con problemas familiares que dejan marcas inevitables en la personalidad, y por supuesto, debe enfrentarse también al reto de crecer y superar los monstruos de la niñez.
Esta película está dirigida por Spike Jonze, conocido por dirigir numerosos videos musicales de artistas como REM, The Chemical Brothers, Björk y Fatboy Slim, y por otro lado, como cineasta, tuvo a cargo la dirección de películas como Adaptation (Ladrón de Orquideas en Argentina) y Being John Malkovich.
Si vieron algunas de estas 2 películas o los clips musicales de los artistas nombrados, caerán en la cuenta de que Spike Jonze no es un director convencional ni cerca, y que las palabras "raro" y "conceptual" son adjetivos que lo describen muy bien. Es por esto que la decisión de entregarle el proyecto para dirigir esta adaptación es muy acertada en mi opinión, ya que para meterse en la cabeza de un niño es necesario desestructurar los esquemas de adulto a los que estamos sujetos la mayor parte del tiempo.
En los 101 minutos que dura el film, podremos realizar una placentera regresión a nuestra niñez y a cuando inventábamos historias, personajes fantásticos y tenebrosos, y situaciones totalmente absurdas que en nuestra mente de niño tenían perfectamente sentido. Nos encontraremos con Monstruos de aspecto divertido, cuyas personalidades neuróticas son dignas de personajes que podrían verse en una película de Woody Allen. Los que tienen training fílmico, reconocerán las voces de grandes actores como James Gandolfini, Forest Whitaker o Catherine O'Hara.
En nuetro país pasó sin pena y sin gloria, por lo que seguramente muchos no la habrán visto, pero a no procuparse que ya está en dvd hace rato.
A los que son un poco estructurados en cuanto a como debe ser una película "con sentido" les digo, ¡cuidado!, acá no hay introducción, problema, desenlace y resolución como en las películas tradicionales. A los que prefieren experimentar un poco y pegarse una "fumada" cinematográfica, anímense, en una de esas se llevan una sorpresa increíble. ¡Ah!, casi me olvido, la banda sonora es Espectacular.
Yo digo, ¡Aplausos largos y cascabeles cortos!