Leonardo M. D’Espósito
  • Cantidad de críticas: 693
  • Promedio: 64%
  • Críticas favorables: 514/693 (74%)
  • Críticas desfavorables: 179/693 (26%)
  • Diferencia absoluta: 11%
  • Email de contacto: No disponible
  • Twitter: @despoleo
  • Medios donde critica: Crítica Digital, El Amante, Revista Noticias
  • 2/11 Día de los muertos
    2/11 Día de los muertos
    Revista Noticias
    Ezio Massa es un artesano que se dedica al cine de género y acá se prueba con el cine de terror entre lo sobrenatural y el “slasher”. La historia de un joven que aparece cubierto por sangre de sus amigos tras desaparecer en un bosque toca muchos tópicos del género y, en gran medida, con acierto. Por momentos el suspenso no funciona, la resolución decae. Pero hay intención de hacer una película, y eso cuenta.
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  • Los Boxtrolls
    Los Boxtrolls
    Revista Noticias
    Hablar de animación cuadro a cuadro o “stop-motion” es un poco inexacto porque toda la animación se hace fotograma a fotograma. Pero el término se aplica a la que se realiza con muñecos u objetos. Y es importante en este caso que los objetos infundan algo en los personajes. “Los Boxtrolls” es la historia de unos seres que llevan cajas de cartón como parte del cuerpo y viven debajo de la sociedad humana, que los teme –los acusa de raptar niños, algo falso–.

    El film es algo así como un cuento de hadas animado con una trama dickensiana (niño huérfano criado por Boxtrolls, hombre inescrupuloso que quiere acumular poder por vías nefastas, un paisaje bello en diseño y glauco en espíritu) donde todo el diseño tiene un sentido, genera una emoción genuina. Mucho más creativo que la mayoría de la animación estrenada este año (está a la altura de “La gran aventura Lego”, por ejemplo). Belleza total.
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  • Elsa y Fred
    Elsa y Fred
    Revista Noticias
    Remake estadounidense del film argentino dirigido por Marcos Carnevale, como aquel apoya esta historia de amor entre personas mayores con enormes actuaciones. La traducción al “lenguaje” de Hollywood es correcta y precisa. Shirley McLaine y Christopher Plummer, dos señores con oficio perfecto, les inyectan humanidad y humor a sus personajes con mucha gracia. Más un film “de actores” que de puesta, pero aún así estimable.
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  • Interestelar
    Interestelar
    Revista Noticias
    Para muchos, Christopher Nolan es un genio del cine. Quien esto escribe cree que tiene algunas buenas películas (la segunda de sus “Batman”, por ejemplo, la subvalorada “El gran truco”), y considera que Nolan ha sido deglutido por las palabras y las vueltas de tuerca. En efecto: “Interestelar”, una especie de aventura épico-ecológico-moral-trascendente y que lleva al plano del espacio exterior el ingenio solemne de “El origen”, muestra a tal punto las falencias del realizador que el asunto se torna alarmante. Más allá de su absoluta falta de humor, de su pretensión profética –se puede tener y hacer al mismo tiempo un film atractivo, véase “The Matrix”–, el problema de Nolan es que no tiene la menor idea de cómo transformar las palabras que le vienen a la cabeza en imágenes.

    Así, para que entendamos qué va a pasar en una escena, aparecen cinco o seis explicaciones. Y, como en “El origen” –pero ya en el paroxismo de la estulticia–, cuando algo es ilógico saca una nueva regla para que cuaje. El problema es que todo se dice y nada se muestra, que no somos nosotros quienes entendemos sino él quien nos expone (a la abulia). Incluso la fallida “Trascendence”, que Nolan produjo, es más concisa e interesante que este film. No diga que no le avisamos.
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  • Dos disparos
    Dos disparos
    Revista Noticias
    Un joven se pega dos tiros. No le pasa nada con eso, o pasa de todo: de allí en más, las situaciones y los personajes construyen una cadena que parece absurda. Si el comienzo es dramático, lo que sigue es un deslizamiento constante hacia el absurdo. Pero no se trata de algo inhumano, ni de un alarde de manipulación: lo que hace Martín Rejtman –uno de los mejores cineastas argentinos: basta con ver “Silvia Prieto”, “Los guantes mágicos” y el hermoso documental “Copacabana” para comprenderlo– es retratar la vida en un infierno cotidiano. No porque se trate de un lugar de castigo, sino porque carece de salidas: de hecho, comienza con algo que puede significar la muerte y, sin embargo, tiene pocas consecuencias (a lo sumo un detector de metales se interpone entre el protagonista y la entrada a un boliche). En todo esto, Rejtman hace algo revolucionario: primero construye con las imágenes de lo cotidiano, un laberinto sin centro. Luego, en lugar de horrorizar al espectador con tan desesperada imagen (borgeana, de paso), le dice que la vida no es tan terrible y que, como dijo Oscar Wilde, las tragedias de los demás son de una banalidad extraordinaria. O que no hay nada intrínsecamente cómico –ni nada que no lo sea–, sino que depende de la distancia con que miremos y oigamos (Rejtman construye diálogos perfectos cuya redacción parece literaria pero es el cine y el registro de cómo se dicen lo que les otorga su efecto absurdo). Créalo o no, esto es una comedia absurda y tierna. Es sólo cuestión de intentarlo.
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  • En el tornado
    En el tornado
    Revista Noticias
    Digamos que la situación –o la trama, aunque la trama incluye otras cosas– es simple: un pueblo atacado por tornados impresionantes, destructivos, ciegos, vertiginosos; malévolos, para decirlo claro. Y ese pueblo, o por lo menos aquellos habitantes que podemos conocer, trata de sobrevivir. Algunos lo logran, otros no, y lo que debería importarnos en una película es tanto compartir la experiencia de los personajes como su suerte. También hay algunos locos que quieren filmar lo imposible y arriesgan la vida por una imagen. Curiosamente, la película representa una paradoja, dado que el realizador trata de encontrar la imagen más asombrosa y shockeante posible desde la seguridad de una oficina de efectos especiales. Pero eso no es un gran problema, no en la medida en que nos creamos lo que sucede en la pantalla. Y eso sucede bastante en las secuencias de acción y mucho menos en las “actorales”. A diferencia de su modelo –la subvalorada Twister, film libre y feliz como pocos en las últimas décadas– aquí lo único que vale es la sensación física: ni siquiera cabe el asombro de las imágenes. Aunque, en ese terreno de lo abstracto y movedizo, “En el tornado” funciona bastante más que bien. En última instancia, todo es sobre el espectáculo, sobre qué nos asombra, qué nos conmueve y qué experiencia buscamos en una película porque no podemos vivirla en lo cotidiano. Y en ese sentido, la película provee lo necesario.
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  • Lucy
    Lucy
    Revista Noticias
    Una de las películas más sabrosas del año. Si lo que busca es un gran entretenimiento lleno de acción, de aventura, de humor y de fantasía, aquí está. Pero si busca otra cosa, una meditación sobre la vida, sobre la trascendencia o sobre el mismo cine, también: aquí está. Lograr ambas cosas al mismo tiempo no es sencillo y requiere de un realizador totalmente libre y alocado, irresponsable en el mejor sentido del término para lograrlo, es decir un Luc Besson, que cuando imagina sin límites logra rarezas como esta. Lucy es una joven –extraordinaria Scarlett Johansson– a quien un muchacho engaña y mete, inadvertidamente, en una mafia de drogas sintéticas. Termina con un kilo de una extraña sustancia en el cuerpo, la sustancia se libera y ella se transforma primero en una superheroína y luego en algo más. O, más bien, en mucho más. Besson mete en la licuadora de los géneros desde el 2001 hasta “El árbol de la vida”, pasando por todo el cine de superhéroes, las grandes películas de acción orientales –hay tiroteos que recuerdan a John Woo o Johnny To–, y hasta la comedia romántica. Pero se justifica: el film se pregunta por qué somos como somos y hacia dónde vamos, si existe realmente la muerte y qué significa la vida. Besson tiene sus respuestas y, sin darse cuenta, nos cuenta por qué nos gusta tanto el gran espectáculo cinematográfico. Puede pensarse que se trata de una gran ensalada, pero le aseguramos que cada ingrediente tiene su razón.
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  • El hombre más buscado
    El hombre más buscado
    Revista Noticias
    John Le Carré es uno de los mejores escritores británicos y probablemente el único en lograr gran literatura con el espionaje como marca. Sus novelas, a través de tramas tensas, permiten reflejar mundos complejos donde el interés de los individuos y los estados colisionan constantemente. Ese espíritu se rescata en esta adaptación firmada por Anton Corbijn, donde un hombre que ha sufrido la tortura llega a la comunidad islámica de Hamburgo reclamando una herencia y cae en la mira de la paranoia antiterrorista. La duda y las medias verdades son la constante del relato, que tiene como núcleo la actuación contenida del fallecido Phillip Seymour Hoffman. Si la película no logra romper los límites de la “adaptación correcta”, es porque por un lado intenta permanecer fiel a la letra, y por otro, en ocasiones pone demasiado el acento en la mecánica del género (como contraejemplo, la gran adaptación de “El topo” por parte de Tomas Alfredson sirve de contraste). Aún así, la paranoia universal está bien retratada y la pintura de los personajes permite comprender el humanismo de Le Carré, aún cuando algunas vueltas del relato se presenten un poco confusas. No es el mejor trabajo de Hoffman, por cierto, pero de todos modos es un placer verlo en pantalla: un actor cuya inteligencia seguirá extrañándose.
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  • Locos por las nueces
    Locos por las nueces
    Revista Noticias
    Un grupo de animales con hambre comandados por una ardilla intenta robar una tienda llena de frutos secos. En la más clásica tradición del cartoon, tanto en diseño como en ritmo, este film explota toda posibilidad cómica. Salvo que, en ocasiones, carece de timing y lo que podría ser cómico queda solo en grotesco. Cuando acierta, es bella de ver y noble. Cuando no, de todos modos, no molesta.
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  • El ardor
    El ardor
    Revista Noticias
    Pablo Fendrik llamó la atención hace un par de años con un notable film llamado El Asaltante y otro, más celebrado que bueno, llamado La sangre brota. Se notaba en ambos un nervio narrativo y una pericia fílmica importantes. El ardor es, en sí, un western con todos los elementos del género, y vuelve a mostrar la tensión de la que es capaz el realizador. Que, en ocasiones, se pasa de crispación: es en esos momentos donde la película casi se diluye.
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  • Si decido quedarme
    Si decido quedarme
    Revista Noticias
    No es este el lugar para hacerlo, así que se lo proponemos al lector: comparar esta película sobre una chica en coma con Bajo la misma estrella, la de los dos adolescentes con cáncer y enamorados. Sería interesante ver cómo la Muerte anda rondando incluso films dedicados a públicos no adultos, como en este caso, o cómo se le diluye su angustia. Aquí una adolescente -la gran Grace-Chloe Moretz- es la única que sobrevive a un accidente. Queda en coma y su alma puede ver qué pasa con los vivos -incluido su novio- y con los muertos -incluidos sus padres. Y tiene que decidir si vive o muere. Es decir, un drama romántico-familiar para la lágrima, lo que no está mal. Tampoco demasiado bien: a pesar de que el tema es denso, la realización no deja de caer en formas adocenadas y lugares comunes, contra las que reman los intérpretes. Lo extraño es la infantilización de la muerte y cómo todo termina derivando hacia la telenovelita infantojuvenil de media tarde. Los intérpretes -Moretz, básicamente- logran darle cierta dignidad al asunto y volver todo visible.
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  • Hércules
    Hércules
    Revista Noticias
    Amigo lector: de toda película se puede aprender algo. Verá que las estrellitas están por encima de la media, lo que es bueno. Verá, también, que –convertido a números– el film no se exime con siete, pero pega raspando gracias a su estrella principal, que pone lo que hay que poner. “Hércules” es una prueba de película impersonal de Hollywood: un director competente en manejar presupuestos (pero no cámaras), un actor carismático que puede trabajar más con el cuerpo que con la voz y el rostro (el carismático Dwayne Johnson), un título que nadie puede desconocer (nadie sabe ya cuáles fueron las doce pruebas de Hércules, pero al menos se conoce que es forzudo, algo así como un superhéroe de la antigüedad clásica) y hay motivos para el despliegue enorme de efectos especiales y pelea bestial. Con eso alcanzaría para tener un buen entretenimiento, pero este film tiene el defecto –pura responsabilidad del director, Brett Ratner– de descuidar el aspecto dramático de su personaje y, peor, de desinflar con ausencia total de imaginación las secuencias de acción. Por suerte Johnson tiene ese “algo” innato que nos permite seguir mirando divertidos la pantalla: entiende perfectamente que esto no es más que un film clase B filmado con demasiada plata y actúa en consecuencia. Lástima que el realizador no haya comprendido el juego, pero no se le pueden pedir peras al olmo.
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  • Relatos salvajes
    Relatos salvajes
    Revista Noticias
    Todo lo que ha pasado con Damián Szifrón en los últimos días y todo lo que pasó con esta película desde su participación en Cannes en mayo carece, en esta página, de importancia. Lo que importa es el cine y “Relatos…” es cine de un modo no demasiado frecuente en la Argentina. Aunque no carece de los elementos típicos de nuestro cine (algo de costumbrismo, algo de fatalismo, algunas simplificaciones ideológicas), Szifrón es de los pocos cineastas de nuestro país que ejerce el ojo y el oído para sumergir al espectador en un cuento siempre fantástico, incluso si lo sobrenatural no aparece. El clima de “Relatos…” es el de pesadilla cómica: sí, el film es una serie de comedias donde a veces aparece el humor negro, y que permite, si se quiere pensar un poco, comprender el vínculo entre esa clase de humor y el grotesco. No todos los “relatos” son igualmente buenos, pero hay tres que son extraordinarios en cuanto a ejecución técnica, manejo del ritmo e incluso pintura de caracteres: el que antecede a los títulos (su plano final es antológico), el de los dos hombres solos en una ruta, y la mejor fiesta de casamiento jamás filmada en la Argentina. La gran virtud –y la gran limitación, paradójicamente– de Szifrón es que piensa el mundo en términos cinematográficos y de films queridos (ahí están Spielberg, y Cameron, y Hitchcock, y Scorsese), pero eso pesa menos que el gesto porteño en sordina, la gracia irónica y la frase justa. Los actores están todos perfectos.
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  • Amancio Williams
    Amancio Williams
    Revista Noticias
    Si quiere ser feliz y aprender, corra estos fines de semana de agosto a ver Amancio Williams al Centro Cultural San Martín. Es el retrato de un gran arquitecto modernista que pensó el espacio y su utilidad sin dejar de lado el arte. El material que este film de Gerardo Panero pone ante los ojos del espectador es fascinante, obliga a perderse en él. Y como si esto fuera poco, terminamos entendiendo que es ese arte a veces secreto de la arquitectura. Puro placer para ojos y mente.
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  • Gracias por compartir
    Gracias por compartir
    Revista Noticias
    Hacer una comedia coral y romántica (algo así) sobre la adicción al sexo es un punto de partida interesante. Tener actores que saben comportarse como seres humanos reales -especialmente Mark Ruffalo, que ha encontrado tal madurez expresiva sin alardes que uno le cree ser este tipo o el increíble Hulk-, suma. Y que se busque constantemente un tono medio, genera la sonrisa automática de estar viendo algo agradable. Ahora bien, el problema del film, aquello por lo cual no alcanza a ser una gran película, es que busca, todo el tiempo, convertirse en un manuial de autoayuda y a eliminar, esterilizar o borrar el sexo. Es cierto que tal es, en parte, el problema de sus protagonistas (un grupo de autoayuda, justamente, de adictos al sexo, justamente) y que la forma de la película reproduce lo que sucede en sus cabezas y cuerpos. Pero hay también una indecisión -llamémosla “políticamente correcta”- a la hora de no ir a fondo con las situaciones más ridículas ni con las más escabrosas. Y es allí, paradójicamente, donde la película denota su manipulación y donde pierde esa humanidad que los actores saben inyectarle.
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  • Tortugas ninja
    Tortugas ninja
    Revista Noticias
    Aunque lo hemos explicado alguna vez, no está de más hacerlo aquí. Los grandes estudios de Hollywood tienen, como modelo, “romper todo” con una película grandota -o dos- por año. Para que funcione, tiene que estar “instalada”, así que por eso se hacen remakes, relanzamientos o adaptaciones de cosas populares (juguetes, libros, historietas, etcétera). Y además deben conformar a la mayor cantidad de público posible (léase “edades”) para ser rentables. Tales condicionamientos no impiden hacer buenas películas (véanse, solo este año, El planeta de los simios: Confrontación o la tiernísima Guardianes de la Galaxia). Pero si detrás de estas máquinas no hay un artista con algo para mostrar, o al menos un artesano que nos provea claridad en las imágenes, lo que queda es puro ruido olvidable. Esta nueva versión de las Tortugas... tiene la impronta de su productor Michael Bay: imágenes rápidas y bochincheras, humor ramplón, chica linda con curvas (otra vez Megan Fox), cámaras que se mueven sin ton ni son, montaje espasmódico, y chistes (a veces cuando no corresponde). Hay una enorme cantidad de violencia y la idea de que cuanto más grande, mejor, va en contra de la ironía y el humor ingenuo que los personajes supieron proponer cuando tuvieron su período de gloria en los noventa. Un film basado no en la acción sino en el ruido, que es demasiado y que no llega a ocultar la escasez de nueces.
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  • La ballena va llena
    La ballena va llena
    Revista Noticias
    Un documental sobre cómo no sucedió algo, una idea disparatada para aniquilar la pobreza y salvar el arte, utópico proyecto absurdo de cinco artistas en estado de comediantes geniales, que en realidad -como todas las bromas- va en serio. El film desnuda además las miserias burocráticas del negocio que rodea a la creación y, por qué no, los discursos falsos de muchos artistas con ínfulas. ¿Ficción o realidad? Ahí están Daniel Santoro, el Tata Cedrón, Juan Capurro, Pedro Roth y Marcelo Céspedes discutiendo la posibilidad de “la Ballena”: una embarcación que se llenaría con miles de pobres a quienes luego habrían de transformar en obras de arte para renovar los museos (y sí, tiene algo de la “modesta proposición” de Johnathan Swift, por qué no). Hay diseños, hay discusiones, y hay también búsqueda de apoyos oficiosos u oficiales para hacer realidad la utopía estética del grupo Estrella del Oriente, estos buenos muchachos. Una película que demuestra que el espectáculo es lupa de la realidad y no velo que la oculta.
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  • Escuela de sordos
    Escuela de sordos
    Revista Noticias
    Otra película que se puede ver porque hay Malba. Aquï se trata de un documental que muestra el trabajo cotidiano de Alejandra, una mujer con muchas ganas de ayudar al prójimo que se ha convertido en maestra de sordos. El film no solo registra con precisión su trabajo sino que abre un campo fascinante: el de la comunicación puramente visual. Así, todo es imagen porque todo debe serlo para convertirse en palabra, y es mérito de la realizadora Ada Frontini haber comprendido ese tema y plasmarlo.
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  • Mauro
    Mauro
    Revista Noticias
    Antes que nada: este film solo puede verse en el Malba y es de lo mejor que dará el cine argentino este año. Es la historia de un pasador de dinero que se vuelve falsificador, pero es también mucho más que eso. Con una gran economía de recursos y absoluta precisión, Rosselli genera una historia tensa y humana sobre el esqueleto del policial, y nos introduce en un mundo desconocido aunque parece cotidiano. Puro cine, del mejor.
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  • Tierra de María
    Tierra de María
    Revista Noticias
    Y ya que hablamos más arriba de terror teológico, podemos complementar con este documental no sobre la Vírgen María (bueno, sí, también) sino sobre lo que la gente que ha vivido -o creído vivir- experiencias místicas tienen para comunicar al respecto. Lo peor de la película es que toma partido por la existencia indiscutible del milagro; lo mejor es que deja hablar a sus protagonistas y, más allá de la posición tomada, el espectador puede apuntar a la contraria. No carece de lugares comunes un poco torpes, pero tampoco de total interés.
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  • Violette
    Violette
    Revista Noticias
    Biografía de la escritora Violette Leduc, especialmente centrada en su amistad (la palabra, de todos modos, es demasiado breve para abarcar todas las implicancias de la relación) con Simone de Beauvoir. Cuando olvidamos quién es -o ha sido- quién en “la vida real”, este doble relato de una mujer signada por desgracias pero rescatada por la fascinación ye l talento de otra gana en intensidad y en tensión dramática. Desgraciadamente, el viejo problema de decir “hola soy Jean Genet” pesa como un miriñaque anacrónico. Lo mejor: Emmanuelle Devos y Sandrine Kibérlain.
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  • Líbranos del mal
    Líbranos del mal
    Revista Noticias
    El terror teológico parece ir desplazando, poco a poco, al horror visceral que nos atosigó una década gracias a engendros como las secuelas de El juego del miedo (después el director de la original, James Wan, inventó grandes cosas, dicho sea de paso). Scott Derrickson es el responsable de dos películas de terror que tienen el fantasma, la muerte y (o) la teología como centro: la muy interesante El exorcismo de Emily Rose y la tensa Sinister. En Líbranos... se combina un policía rudo con “problemas personales” (cliché) con un sacerdote idiosincrático experto en exorcismos (cliché) en medio de una ola de espantosos crímenes (cliché). La suma de los tres clichés crea un relato tenso, interesante y entretenido que combina el policial negro duro con el terror teológico. Digamos que la lucha entre ambos géneros termina en empate y que el espectador accede a momentos buenos y, sobre todo, a una buena porción de dudas e inestabilidades que vuelven el relato aún más interesante. Están muy bien los protagonistas, Eric Bana y Edgard Ramírez, como estos Watson y Sherlock posmodernos.
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  • Juntos... pero no tanto
    Juntos... pero no tanto
    Revista Noticias
    Una demostración de que hay actores que comprenden el cine. Que saben, por ejemplo, dónde está puesta la cámara y cómo hacer para que capte el gesto justo para causar una emoción, una sonrisa; en suma, la pura empatía imprescindible para que creamos en los personajes y los acompañemos con gusto. Michael Douglas y Diane Keaton están, en este sentido, en el dominio absoluto de sus personajes. Aquí trata ese momento en que un señor voluntariamente gruñón, vendedor inmobiliario, se prepara para gacer sus últimas ventas y retirarse. Pero se cruza con una nieta inesperada y una vecina con el rostro y los modales de la Keaton. El material es el que suele terminar en tortas mal edulcoradas, y dado que Rob Reiner (que alguna vez hizo “Cuando Harry conoció a Sally”, “Cuenta conmigo”, “Misery” y “Cuestión de Honor”) viene en baja, podríamos desconfiar. Pero aunque el film es imperfecto y a veces cae en el lugar común perezoso, los intérpretes construyen personajes en los que podemos creer, les sacan punta y ventaja a los momentos donde manda el humor y no caen nunca en el mohín edulcorado. Los personajes secundarios, de paso, están diseñados con precisión y son funcionales a la trama. Y lo que falta en creatividad cinematográfica abunda en clasicismo sin chiches y una manera directa de comunicar las emociones de los personajes sin subestimar al espectador. Una prueba, pues, de lo que Hollywood sabe hacer mejor sin necesidad de pretender una obra maestra.
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  • Guardianes de la galaxia
    Guardianes de la galaxia
    Revista Noticias
    Los grandes blockbusters este año han caído en una especie de pereza. Tenemos personajes demasiado conocidos en situaciones igualmente conocidas. Algunos realizadores simplemente toman las permutaciones posibles de estos datos y elaboran un producto efectivo (es decir, ruidoso) y poco más. Otros deciden que, dado que el gasto se amortiza igual, pueden ser libres. Lo bueno de “Guardianes…” es que carece de toda vergüenza. Es la fantasía adolescente de un chico de los 80: no otra cosa es el protagonista Peter Quill “Star-Lord” (interpretado por el comediante Chris Pratta) ni otra cosa es el director James Gunn. El film, a pesar de la marca “Marvel” y de conectarse con las películas de “Thor” o “Los Vengadores”, es menos una historia de superhéroes que un serial de aventuras colorido y lleno de comicidad. Para decirlo de otro modo: imagine que tiene diez años, miles de Playmobil o Lego y decide jugar solo contándose una historia parecida a “La Guerra de las Galaxias”. Lo que le da a la película su encanto es que tal juego es totalmente desvergonzado y libre; que hace de las referencias “ochentosas” (Footloose, el walkman) no un guiño tontolón sino la manera en que su protagonista, un huérfano refugiado en la infancia, se aferra a las emociones. Dicho esto, el film además –a lo Tarantino– reflexiona sobre sí mismo en diálogos cómicos, la mayoría dichos por un mapache con la voz de Bradley Cooper. Y se puede emocionar al final y todo, cuidado. ¿Consejo? Vaya con los chicos como una manera de compartir con ellos su propia infancia.
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  • Lore
    Lore
    Revista Noticias
    Una familia alemana que debe sobrevivir a la debacle del final de la Segunda Guerra Mundial, un viaje en busca de esa supervivencia y el descubrimiento del fanatismo que ha llevado a esa situación por parte de una joven son los elementos de este film optimista en las ideas y pesimista en la forma. La precisión narrativa es notable, incluso si el deseo de enseñar algo relevante, muchas veces, conspira contra la efectividad del relato. Aún así, recomendable.
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  • Todo lo que necesitas es amor
    La película con mayor factor “awwwwwwww” potencial. Señora que peleó al cáncer y queda calva (es peluquera, ironía de guión) se encuentra en Italia (nótese el lugar “romántico”) con un viudo amargado (que es Pierce Brosnan, de profesión galán maduro) y, como el título lo indica, ambos encontrarán que lo que necesitan es amor. Ya lo sabemos. Hay una a favor en esta ensalada de romance desparejo que propone la especialista en romance difícil Susanne Bier (ya vimos Hermanos, ya vimos En un mundo mejor, ya sabemos de qué se trata su método “tristeza-alegría-vuelta de tuerca tremenda-vamos a recuperar algo”) y es que los personajes, a pesar de las características que les provee el guión para ser patéticos, parecen seres humanos de verdad. Y esa hazaña no es solamente el producto del talento actoral sino también, paradójicamente, de las virtudes de la realizadora, que conoce cómo sacar algo auténtico de lo retorcido. Quizás tal sea su intención siempre. La simpatía, aquí, abunda y salva.
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  • 12 horas para sobrevivir
    12 horas para sobrevivir
    Revista Noticias
    El año pasado, La noche de la expiación fue un pequeño éxito sorpresa en los EE.UU. y funcionó medianamente bien en la Argentina. El universo de ese film y de esta continuación es el mismo: un futuro próimo donde, durante doce horas nocturnas e infernales, todos los crímenes están permitios. Lo interesante es que esa ocasión es el andamio de un sistema político. Si el primer film narraba qué sucedía en una casa donde alguien dejaba accidentalmente entrar a los bárbaros, aquí el escenario es excterior: a una pareja se le rompe el auto justo cuando empieza el infierno. El film es efectivo pero adolece de un desequilibrio: sus ideas teóricas son mucho mejores que sus ideas visuales. En el primer terreno, especula con éxito respecto de los dilemas morales y prácticos que tal estado de cosas genera. En el segundo, resuelve situaciones de peligro creciente a pura receta. Y si bien el realizador James DeMonaco ha depurado respecto de su opera prima su pericia técnica, aún da la impresión de cierta falta de novedad, de cierto abuso en el efecto asustador por encima del miedo real que la situación convoca. En este panorama, cierto uso de la ironía, cierta distancia entre estoica y cómica respecto de los personajes le otorgan al film, en algunos pasajes, una notable densidad. Aún está por verse si esta serie se convertirá en un nuevo mito del terror o si pasará como anécdota: al menos hay un director que parece aprender de sus errores, y no es poco.
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  • La forma exacta de las islas
    Un par de viajes a las islas Malvinas representan también un viaje interno que va más allá de las posiciones que puedan tomarse alrededor del territorio y del conflicto. Una investigadora que quiere terminar una tesis, un encuentro aleatorio con dos ex combatientes y un regreso configuran esta variación al mismo tiempo personal y social respecto de un tema que sigue siendo parte dolorosa de nuestro imaginario.
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  • Socios por accidente
    Socios por accidente
    Revista Noticias
    El cronista lamenta indicarle al lector que Socios... no es el desastre total que el prejuicio podría indicar, que está narrada profesionalmente, que intenta construir un mundo y que el gran problema es, en todo caso, que los actores no las tienen todas consigo. Pero intenta ser una parodia del film de acción y, por momentos, aunque no lo logre del todo, se acerca a ello con ganas y nobleza. No siempre se gana, pero al cronista le alegra en decir que se ha luchado con buenas armas.
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  • Aviones 2: Equipo de rescate
    El mundo de los Aviones -que es el mismo del de Cars- es un problema por su ausencia de seres humanos. Pero esta vez, con menos ánimo aleccionador, parece que los animadores se tomaron sus libertades para divertirse y la película, que narra las aventuras de una brigada aérea contra incendios, posee más gags (no todos cómicos, muchos sí), más diversión e incluso si es aleccionadora, parece no tomarse las cosas demasiado en serio. Una mejora.
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  • El color que cayó del cielo
    Un documental argentino. Pero un documental que es también una película de ciencia no ficción, aventura, comedia, y el relato del robo frustrado más grande del mundo, o algo así. El epicentro es Campo del cielo, esa localidad del noreste argentino preñada de meteoritos, y de las historias que giran a su alrededor, con especial hincapié en el trabajo de dos estadounidenses: un científico serio que intenta preservar tal patrimonio, y un cazador de meteoritos que hace inmensos negocios con esas rocas que provienen de lo más profundo del Cosmos. Sergio Wolf, crítico y docente pero, sobre todo, un tipo con mirada inteligente y sensible, logra construir una película que es a la vez aventura y comedia, y que transmite, al sesgo y con elegancia (además) un retrato social. Consejo: vaya con chicos -de diez para arriba, mejor- no solo para desintoxicarlos de tanto ruido, sino para que aprendan del universo, el mundo y -básicamente- del cine. Le van a decir gracias.
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  • El planeta de los simios: Confrontación
    Justo cuando parecía que no había ninguna esperanza de ver un gran blockbuster este año, Hollywood distribuye su -hasta ahora- película más inteligente. No entraremos aquí en explicar qué lugar ocupa este film en la serie: mejor decir que es la continuación, diez años después, de aquella sorpresa enorme de 2011 que fue El planeta de los simios: revolución. César -ese chimpancé genéticamente “mejorado” que interpreta el experto en personajes digitales Andy Serkis- es líder de los simios, que han evolucionado. La Humanidad está diezmada y la convivencia entre seres humanos y monos es compleja: en el film, ciertos acontecimientos llevan a la guerra. Lo que importa aquí es que, con inteligencia, el “mensaje ecológico” se ha vuelto político en un sentido amplio; es decir, universal. Y que si bien hay algo de pretensión (y algo de solemnidad inútil y didactismo barato), la realización visual conmueve por su fuerza, su claridad y su creatividad. Las verdaderas emociones del film aparecen cuando todo se pone en movimiento, lo que no deja de ser preciso cuando la historia se basa, en gran medida, en la incomunicación o la imposibilidad de la empatía. Aquí no hay villanos ni héroes, o los hay de ambos lados: de allí el impacto emocional y, también, estético. Lo más sorprendente de esta película es menos su “tema” o sus “profundidades” sino -de allí lo “inteligente”- que la cámara siempre esté donde debe estar.
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  • Me perdí hace una semana
    Por suerte el cine argentino no es solo Bañeros 4. Este film de Iván Fund narra la historia de una pareja en un barrio humilde, pero también cuenta ese contexto social sin idealizarlo ni demonizarlo, algo bastante difícil. Es simplemente la historia de gente que va construyendo un lazo -como todos- a partir de las carencias y de las emociones. La mirada de Fund es precisa y no subraya nada. Su mayor mérito consiste en dejar vivir a sus personajes.
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  • Bañeros 4: Los rompeolas
    Lo que más molesta a este crítico es que ser veraz y sincero con sus propios sentimientos lo vuelque -necesariamente- al lugar común. Bañeros... es un compendio de gags televisivos sin demasiada gracia, de risa basada exclusivamente en la burla, y de señoritas tratadas como reses. Pero lo peor reside en pensar que a los niños les atrae todo eso, cuando las nuevas generaciones suelen reír y llorar con las sofisticaciones de Frozen. Lo más ofensivo del film, pues, reside en esa subestimación.
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  • Transformers 4: La era de la extinción
    Dejemos de lado todos los lugares comunes respecto de esta película. Dejemos de lado, por ejemplo, el patrioterismo chillón de Michael Bay. Dejemos de lado, incluso, su onanismo. Hay films patrioteros y onanistas que son buenos, incluso excelentes. No: las razones que hacen de Transformers 4 una no película son exclusivamente (anti) cinematográficas. Bay descubrió hace demasiado tiempo que la cámara se mueve, y que ese movimiento genera una sensación física que el espectador puede confundir con interés e incluso emoción. Lo que desconoce es que, repetido cuando no es necesario, provoca malestar y cansancio. Por otro lado, y es sintomático en los planos de la protagonista adolescente, cree que una imagen “linda” -en realidad en este caso es lasciva- genera en el espectador interés por el personaje. El problema es que no hay personajes, jamás. No importa lo que le sucede a los “humanos” en este film donde todo es confusión y ruido. Sí interesa un poco más lo que hacen los robots, pero allí talla el animador, el ingeniero, el diseñador y no el cineasta. El único momento de poesía y emoción en el film sucede cuando Optimus Prime “doma” a un dinosaurio robot, un momento donde, brevemente, hay un relato que emociona. El resto es un largo álbum de destrozos donde se confunde nervio con aturdimiento.
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  • La mejor oferta
    La mejor oferta
    Revista Noticias
    Un experto en arte (Geoffrey Rush, siempre bien), es contratado por una rica y elusiva joven heredera para vender una colección de pinturas. Ella no se relaciona con nadie, él se obsesiona con ella. Tornatore filma con buen gusto -un buen gusto demasiado abúlico- una historia donde lo que más interesa es cierta elegancia actoral. El film está demasiado decorado, y en cierto punto recuerda más al teatro, o incluso a la “televisión de calidad”. O mejor, a una pintura (más) en la pared.
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  • El rostro
    El rostro
    Revista Noticias
    Un hombre llega en bote a una playa de río desierta. Ese desierto se va poblando con objetos, personas y elementos que construyen el mundo interno del personaje. Gustavo Fontán, uno de los realizadores más interesantes y dotados de la Argentina reciente, prosigue con una búsqueda estética que difiere del cine al que nos malacostumbran las salas de estreno. Película bella que utiliza el poder emocional de las imágenes para construir un universo, merece la mirada atenta y paciente del espectador y la recompensa.
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  • Khumba
    Khumba
    Revista Noticias
    Si cree que esta película es una más de animales divertidos y animados que emprenden un viaje porque son diferentes (el modelo “Happy Feet”), acertó. Si cree que es una fábula ecológica (el modelo “Happy Feet”), acertó. Si cree que los chicos más chicos la van a pasar bien, cosa curiosa, también acertó. Incluso puede que usted también la pase bien. A la pura fórmula y el maestrociruelaje de casi todo se le suman diseño agradable, narración sin ripios y algunos gags buenos. Así que, si tiene que ir, tranquilo: o la olvidará pronto o recordará lo bueno.
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  • El inventor de juegos
    El inventor de juegos
    Revista Noticias
    Una buena y una mala. La buena es que los fanáticos de la muy buena novela infantil de Pablo de Santis van a ver en pantalla lo que leyeron. La mala es que en gran medida, y salvo algunos pasajes, el film es la ilustración de un libro y se nota en los diálogos o en ciertas situaciones de un registro raro, que no acierta ni a la caricatura ni al realismo. Es esa diletancia, esa imposibilidad de jugarse por una forma e ir a fondo -tratar de contentar a todo el mundo es la idea- la que hace de la película algo fallido, aunque con valores de producción correctos.
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  • Oculus
    Oculus
    Revista Noticias
    Oculus podría haber sido una obra maestra. Pero no lo es porque se resiente en el efecto, en la necesidad -forzada- de cerrar la historia. Una joven trata de exculpar a su hermano -acusado hace años de la muerte de sus padres- porque está convencida de que un viejo espejo y raros poderes paranormales son los auténticos culpables. Consigue el espejo, se reúne con el hermano e intenta desactivar la amenaza y salvar al joven de la culpa. El film es una hazaña de guión en la medida en que mezcla tiempos en el mismo plano, va y viene, genera un clima de amenaza constante. Pero cuando puede transformarse en una alucinación onírica de primer orden, aparece la vieja orden de que todo cuaje, cierre, se explique -más allá de que las cosas terminen “bien” o “mal”, para decirlo rápido y en cristiano. Ahí es donde el clima y ciertos perfectos momentos de terror se desactivan. De todos modos, en el film hay algo que va más allá de la pura fórmula y que funciona muy bien en gran parte del metraje. Sin ejercer la coerción, este escriba le recomienda darle una oportunidad.

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  • Oldboy: Días de venganza
    Hay películas que son imposibles. Esta Oldboy es una de ellas. Se trata de la remake del film homónimo del coreano Park Chan-wook, que funcionó bastante bien en la Argentina a pesar de su origen. La historia es muy enrevesada: un hombre es secuestrado y embrutecido durante quince años, sin saber por qué. Al salir, buscará entender qué le ha sucedido y, claro, venganza. Pero las cosas se complican mucho más y poco a poco, después de la acción y la violencia, derivan hacia el melodrama. La cantidad de elementos es tan dispar que requieren de una gran convicción y, sobre todo, una idea muy sólida que los integre. Spike Lee, un realizador dotado pero dispar, que es capaz de grandes películas como Haz lo correcto, La hora 25 o El plan perfecto, y también de cosas horribles como El juego sagrado o El verano de Sam, evidentemente, no tiene demasiado interés en el material de base, y se limita a dirigir a sus actores, disponer de las situaciones de modo más o menos mecánico de modo que la historia pueda seguirse, e intentar que Josh Brolin saque las papas del fuego. Ni siquiera la reconstrucción de aquel gran plano (un hombre y una maza contra una multitud) llega a provocar algo de electricidad en el espectador. Un film imposible, pues, porque se basa en una escritura demasiado personal, en un estilo único que no puede reproducirse sin caer en la fotocopia deslucida que pierde su fuerza a medida que pasa el tiempo. Por algo Spielberg declinó realizarla cuando tuvo la oportunidad.
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  • Jersey Boys: Persiguiendo la música
    Va en inglés: here comes Mr. Eastwood. Seguramente les resulte extraño que el tío Clint dirija la versión cinematográfica de un musical de Broadway. Sin embargo, no es su primera biografía musical: ya ha realizado en ese género dos obras maestras. Una es “Honkytonk Man” (bio ficcional, con él cantando y tocando guitarra) y la otra es “Bird”, sobre Charlie Parker. Esta historia de los comienzos de los Four Seasons y su cantante, Frankie Valli, es directa, respeta el material de base y pone en escena todas las canciones completas.

    Es decir: Mr. E. transforma el film en un documental sobre el musical teatral y sobre Frankie Valli. O, vamos a darle otra vuelta a la tuerca, un documental sobre cómo Broadway hace biografías musicales. El ritmo es perfecto y cuaja con la música (de aquella era limítrofe, donde el jazz y el rock y el pop parecían la misma cosa) y el director tiene un enorme talento para poner la cámara donde debe ir y dejar que los personajes sean como deben ser, no importa si “parece cursi”.

    El milagro es que el film, incluso con un material que puede ser fácilmente vilipendiado por la broma fácil, no solo no lo es, sino que elude cualquier amaneramiento y es tan sólido y tan –perdón, Inadi– viril como cualquiera de los otros sabios títulos del director. Hay una ética en la película: la de respetar el arte de los otros; y una épica: la de lograrlo a pesar de cualquier prejuicio.
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  • Pasión inocente
    Pasión inocente
    Revista Noticias
    Buenas perspectivas para un gran melodrama, disueltas por la corrección. Jovencita extraña llega a pueblo como estudiante de intercambio y se interpone en la vida de un matrimonio. Drake Doremus, el director, apuesa por jugar con los pequeños gestos y logra retratar las emociones de los personajes. El problema es que a veces el desborde se vuelve necesario. Por si hace falta, de paso, demostración de que Guy Pearce es una gran figura del cine, muy poco aprocechada.
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  • Cae la noche en Bucarest
    Cae la noche en Bucarest
    Revista Noticias
    El cine rumano es uno de los mejores del panorama actual y Corneliu Porumboiu una de sus figuras más interesantes. Dentro de una tradición realista de extraordinaria precisión y con un humor irónico notable, este film del autor de Bucarest 12:08 toma el cine como matriz para, a través de un rodaje y la relación entre un director y su actriz, reflexionar sobre la relación que establecemos con lo imaginario. De lo mejor de la actual temporada de estrenos.
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  • Buenos vecinos
    Buenos vecinos
    Revista Noticias
    Una pareja de treinta y pico, padres de un bebé, se encuentra viviendo al lado de un par de postadolescentes que viven de fiesta en fiesta. Primero hay amabilidad, después hay quejas, después, guerra. Sin embargo, el film no es precisamente un constante viaje al disparate cómico, sino que balancea sus posibilidades de provocar risas con una atención inusual hacia los personajes. No es que hablen a la pantalla y expongan largos monólogos sus más profundos pensamientos: lejos estamos de Bergman (por suerte). Pero la historia sacrifica las posibilidades de humor mecánico y disparatado para que podamos comprender por qué hacen lo que hacen cada una de sus criaturas. Seth Rogen le saca aún más punta a su personaje típico, el tipo que se negó a crecer mucho tiempo y finalmente tomó la decisión. Y la sorpresa de la película (para quienes solo lo tienen por High School Musical, algo ya prehistórico a estas velocidades) es Zac Efron, que en lugar de parodiarse a sí mismo explora lo que todo sex symbol tiene de perverso y desagradable. El resultado es cómico e interesante, combinación ganadora.
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  • Cómo entrenar a tu dragón 2
    Una maravilla. Dean DeBlois y Chris Sanders son dos geniales autores de animación, quizás los mejores a la hora de mostrar emociones complejas y tocantes. Lo hicieron juntos en Lilo & Stitch y lo volvieron a hacer en la primera película de esta serie. Ahora trabajaron por separado: Sanders en Los Croods y DeBlois en este film. Pero el toque está ahí. La película es hermosa y emocionan sus colores y el registro perfecto de movimientos. Y trabaja sobre la idea del cambio y el paso del tiempo: el protagonista ahora tiene cinco años más, es un adolescente que vuelve a encontrarse con su madre, descubre otros matices del amor y su relación con su dragón es más compleja. Pero el film no cae ni en el golpe bajo, ni en el “complejo de Lassie” a la hora de hablar de jóvenes y mascotas, y además del humor animado hace honor a una bella componente épica. El desarrollo de la narración, manejado con mano de acero, logra la magia de que no estemos seguros de cómo terminará todo, de que temamos realmente por la vida y la suerte de los protagonistas, algo inusual en el cine animado. La aventura no es un agregado sino la manera como los personajes se relacionan entre sí, y es esa integración la que hace que este film no sea una “secuela” hecha para ganar dinero, sino una gran película a secas. Otra más para desmentir el viejo prejuicio “es solo para chicos” que sigue castigando a la animación, ese campo de libertad creativa absoluta.
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  • Maravilla, la película
    Maravilla, la película
    Revista Noticias
    Uno podría esperar algo peor, realmente, de este documental sobre el boxeador argentino más popular del último bienio. Por suerte, la película no carga (demasiado) las tintas nacionalistas ni lleva las cosas a la hagiografía vergonzosa. El problema es que Maravilla, como personaje de cine, no es extraordinario y su historia es una más en el mundo del deporte, una que se parece a muchas y que no encuentra, en el film, un motivo para quedar en la memoria.
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  • Al filo del mañana
    Al filo del mañana
    Revista Noticias
    Lo mejor de esta película es que Tom Cruise ha recuperado el tono que le faltaba en la olvidable Oblivion (y que no le faltaba en la muy buena Jack Reacher). Aquí es un soldado inexperto y torpérrimo en medio de una invasión extraterrestre que se ve obligado a repetir, una y otra vez, el mismo día fatal. Pero encuentra la forma de ir perfeccionándose en la repetición gracias a una soldado (Emily Blunt) que le va enseñando cosas. Por cierto, el “loop” temporal y todo lo que sucede tiene su giro sorpresivo, de esos que cambian lo que vemos pero también lo aclaran. Los defectos de la película se encuentran en la tendencia a la elefantiasis del realizador Doug Liman, que siempre intenta un golpe de más. Esta mezcla de Hechizo del tiempo con cualquier film matabichos padece de un problema solo a medias resuelto por el enorme Cruise: Liman cree que “humor” es meter un chiste entre la sangre y confunde “seriedad” con “solemnidad”. De todos modos, el ingenio del guión y la humanidad que proveen los actores hacen del film casi memorable.
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  • Maléfica
    Maléfica
    Revista Noticias
    No faltan elementos molestos en este film; no faltan convencionalismos torpes; no faltan resoluciones apresuradas. Pero las buenas películas son aquellas cuyos errores se disuelven gracias a sus virtudes: “Maléfica” es una buena película y quizás uno de los pocos tanques realmente emotivos –junto con “Frozen”, otro cuento de hadas de Disney– en los últimos tiempos.

    La historia es la del hada malvada de “La Bella Durmiente”, es decir una versión alternativa de ese cuento clásico. Y en este caso, “Maléfica” es tanto villana, como víctima y heroína: es muy probable que la secuencia donde pierde sus alas quede en el recuerdo de muchos.

    En realidad, este film es la historia de amor entre dos mujeres, basada en la idea de la maternidad no como un imperativo biológico sino en una elección. Los malvados son los hombres, y si el costado ecológico (naturaleza versus hierro) es quizás ramplón, no deja de ser fiel a la auténtica naturaleza de este tipo de relatos, a su origen y tradición. El gran peso del film recae en Angelina Jolie, en su mejor papel desde “El sustituto”.

    Su rostro parece inmóvil y sus lentes verdes molestan un poco: aún así, con pequeñísimos gestos transmite la idea de una mujer lastimada que desea no sentir nada para no sufrir, pero que no puede evitar amar, ni sufrir. La emoción que genera, especialmente en el primer tercio del film, es una proeza. Anímese.
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  • La bicicleta verde
    La bicicleta verde
    Revista Noticias
    Film buenaondista de la semana: chica árabe quiere bicicleta y hace lo imposible por obtenerla. La particularidad es que esto ocurre en Arabia Saudita (donde no había cines hasta hace menos de una década), que el film cuenta con un cuento leve la marginación que sufre la mujer en ese contexto, y que además ha sido realizado por una mujer. Es mejor el telón de fondo (preciso e inteligente) que la historia en sí.
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  • Fango
    Fango
    Revista Noticias
    Volvió José Campusano. No se fue, pero es lo mismo: que se vea Fango, ficción “bruta” que transcurre (como Vil Romance, Vikingo o Fantasmas de la ruta) donde termina el Conurbano y empieza el campo. Hay violencia, hay elementos del policial, hay tragedia de venganza y hay un grupo de tango y rock que desea nacer en medio de tanto caos. Lo de Campusano, un cineasta a contrapelo de cualquier convención, visceral y efectivo, es siempre un acontecimiento. Vaya y descubra a este hijo de Howard Hawks y Armando Bó.
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  • Aire libre
    Aire libre
    Revista Noticias
    Quizás no tan redondo como Por tu culpa, el film anterior de Anahí Berneri, pero sí un poco más oxigenado (no, no es juego de palabras) y, en sus imperfecciones más libre. Una pareja en crisis (o, más bien, en inercia, lo que quizás sea peor) toma esa decisión que se ha transformado en algo así como la utopía de la clase media porteña: irse “al campo”, a la casa de los padres de ella, y empezar otro tipo de vida. Cuyas tensiones y problemas implican un cambio demasiado abrupto, lo que en lugar de consolidar la oxidada relación entre los protagonistas, la deteriora más, aunque este deterioro es también un pasaje en limpio. Berneri deja fluir la cámara, las situaciones y los personajes. Ejerce la puesta en escena pero no sobreactúa la presencia de la cámara. Y Celeste Cid funciona muy bien en escena, especialmente al lado de Sbaraglia, buen actor pero inclinado al desborde. Es tan preciso el equilibrio actoral que permite que surja, transparente, el desequilibrio dramático de las criaturas que encarnan.
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  • X-Men: Días del futuro pasado
    Una parte del cine está enfrascada en una especie de deporte olímpico: cómo superar año a año el récord de gigantismo en producción y de recaudaciones. Para ser sinceros, el campeonato de este año no está proveyendo el mejor espectáculo del mundo, por lo cual esta mega superpelícula de millones y millones, con su precisión narrativa, su ocasional humor y su plétora de estrellas es bienvenida.

    Especialmente porque uno no pierde el interés nunca en lo que pasa en la pantalla y porque hay momentos de gran inventiva (un escape del Pentágono, por ejemplo, de las mejores escenas de acción y humor de los últimos años). El truco comercial aquí es que los X-Men de la primera saga y los de Primera Generación aparecen (más o menos) juntos en una misma película. Solo seis o siete dicen algo más que una frase y el drama se concentra en cuatro personajes.

    La historia parece complicada pero es simple: en el futuro hay máquinas que matan mutantes y esclavizan humanos, Wolverine –siempre grande Hugh Jackman– viaja al pasado para eliminar la causa de tal desastre, lo que nos lleva a una secuela directa de Primera generación y al triángulo familiar-amoroso entre James McAvoy, Michael Fassbender y Jennifer Lawrence.

    Se nota que el realizador Bryan Singer quiere mucho a sus personajes, porque logra transformarlos, a pesar de lo vertiginoso de la puesta, en personas complejas. Sí, esta es la campeona de 2014. Hasta ahora.
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  • Carta a un padre
    Carta a un padre
    Revista Noticias
    Edgardo Cozarinsky es uno de los realizadores más sólidos y creativos de nuestro país, dueño de una obra notable en el límite entre el documental y la ficción. Carta a un padre es una investigación, un trabajo detectivesco, como el mismo realizador lo llama, alrededor de su propio padre. La tesis que subyace al film, hecho de pequeños datos, de fragmentos dispersos, es que, después de todo, todos somos parte de una novela enorme, densa e imprevisible, de un mar de secretos. Cozarinsky se atreve a navegar el propio y, también, de ceder a la deriva.
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  • Godzilla
    Godzilla
    Revista Noticias
    Una muestra de lo peor del mainstream, en un año no particularmente notable por la calidad de las películas más grandotas. Es responsabilidad de Gareth Edwards, que había creado un film llamado “Monsters” que narraba más o menos lo mismo que “Godzilla”, pero desde el punto de vista de un par de personas “comunes”. No era brillante, pero como los bichos no se veían mucho, el único drama a seguir era el de los protagonistas.

    El problema es que aquí, con muchísimo más dinero, los monstruos se ven. Y Edwards no comprende que esta clase de películas trata de la catarsis por lo gigante, del rompan todo, de la alegría terrorífica de ver a un monstruo pelearse a trompada limpia con otro monstruo. Pero no. Nada.

    Edwards decidió que quería contar un drama familiar (con el casi siempre excelente Bryan Cranston, aquí fracasando como papá enloquecido), una parábola ecológica (con el casi siempre excelente Ken Watanabe fracasando como un lanzador de las peores frases de póster “new age”), una crítica al Estado (con el casi siempre excelente David Strathairn aquí fracasando como general bobo) y, bueh, una película de monstruos (con el casi siempre excelente Godzilla, aquí fracasando como héroe respetable).

    El resultado: cuatro o cinco buenos fotogramas repartidos por allí, errores groserísimos de guión (mujer espera desesperada llamado de su esposo; esposo llama; ella deja celular en silencio para generar “angustia”; diez minutos más tarde se comunican) y amplificadores al mango. La nada con escamas.
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  • La gran noticia
    La gran noticia
    Revista Noticias
    Pequeño pero intereantísima película: un grupo de reporteros de la TV suiza va a Portugal por un reportaje anodino y se encuentra con la Revolución de los Claveles, un momento clave en la Historia europea. La mirada de la historia grande desde el llano, así como las relaciones con el periodismo, se ven a trasluz sutil en esta comedia que dice mucho más de lo que aparenta mostrar.
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  • Silencio del más allá
    Silencio del más allá
    Revista Noticias
    Una chica produce ruidos. Un profesor de Oxford cree que está enferma: todos sabemos que no, amigos, que hay un demonio suelto. Experimentos, gente que filma y la Inglaterra de los años setenta. Eso es lo que hay y si no fuera porque tenemos al gran Jared Harris (heredó de su padre Richard la enorme capacidad para mirar a la cámara e inquietarnos) sería otra película de terror más, parecida a todas. Bueno, lo es, pero al menos está Harris.
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  • La ley del mas fuerte
    La ley del mas fuerte
    Revista Noticias
    Hijo cuida padre enfermo; hermano vuelve no muy bien de Irak y se mete con gente peligrosa; luego desaparece. Hijo recurre a policía, policía no sabe nada, hijo va por las suyas a buscar a hermano. Pues bien, ese es el esquema básico y cualquiera sabe que cualquier film narrativo de Hollywood puede relatarse así. También sabe que podemos hablar de lugares comunes, pero es perezoso y, claro, otro lugar común. Lo que importa no es el qué -que nos permite ordenar los hechos- sino el cómo: cómo los personajes se presentan ante nuestros ojos, cómo actúan, cómo una imagen nos queda o no en la memoria. Este film tiene un poco para el recuerdo y un poco para el olvido: del lado memorable, los rostros y los movimientos de gente como Christian Bale, Woody Harrelson, Casey Affleck y Zoe Saldana. Para el olvido, cierta sobreactuación de lo “duro-macho-rudo-oscuro” de la América profunda, que suena a maquillaje convencional para insertar la violencia, no como tema sino como justificativo de efectos de sonido. De todos modos, lo memorable -por poco- supera el promedio.
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  • Mujeres al ataque
    Mujeres al ataque
    Revista Noticias
    Hay una cierta lógica del cine industrial que alimenta el adjetivo “industrial” sin necesariamente recordar el sustantivo “cine”. Esa lógica es la de la acumulación y la fórmula, y que en este caso se puede reducir a “dos grandes comediantes + una situación picante (disculpe el lector lo viejo del calificativo) = risas”. Esta lógica a veces funciona y a veces, no: es decir, a veces genera un buen film y a veces, no, y es puro azar, especialmente cuando no hay una idea que rija al conjunto.

    Aquí hay una mujer bella (Cameron Díaz) que descubre que su perfecto novio (Nikolaj Coster-Walda) está casado (con Leslie Mann). Busca a la mujer para destruirla, terminan amigas, el hombre tiene un tercer affaire (con Kate Upton) y las tres buscan destruirlo, tan amigas y solidarias. Podríamos estar frente a un ejemplo de inversión de la comedia romántica, de un intento por subvertir sus lugares comunes a través del humor, del marco ideal para que Díaz y Mann, dos cómicas excepcionales (¡qué poco les da Hollywood a las grandes payasas del cine!) generen comicidad.

    Pero no: detrás de este film hay un director casi anónimo (Nick Cassavetes, quien a pesar de su nobilísimo apellido siempre ha sido un empleado anónimo) que deja pasar de largo las oportunidades. Es cierto que el guión no brilla, pero es como en la cancha: dos jugadores brillantes pueden teñir de bello lo aburrido. No es el caso: deslucido cero a cero.
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  • Casi un gigolo
    Casi un gigolo
    Revista Noticias
    El término es “simpática”: una película que cuenta cómo dos amigos (uno muy maduro -Allen- y otro un poco menos -Turturro, aquí también director-) montan un negocio casi sin quererlo dándole placer sensual a señoras y señoritas. El sexo es lo de menos y lo más simpático del asunto -más allá de su múltiple elenco y de que Allen siempre es gracioso- es el desconcierto de los protagonistas ante las mujeres. El resto, fórmula pura.
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  • 3 días para matar
    3 días para matar
    Revista Noticias
    Adivine: tanto Brick Mansions como este film (que tiene al gigante Kevin Costner) fueron producidos y escritos por Luc Besson, el francés que quiere ser adoptado por Hollywood. Aquí don Costner es un megaespía con enfermedad terminal (pero quizás curable) en última misión que pone en peligro a hija adolescente ¿Le recuerda Taken? Mismo productor-guionista. Aquí dirige McG, ocasional comediante de la cámara que esta vez se toma las cosas demasiado en serio.
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  • Brick Mansions
    Brick Mansions
    Revista Noticias
    El gran atractivo (para algunos) de este film es que se trata de al últimoa aparición en pantalla del malogrado Paul Walker, y digamos que Walker está entre lo mejorcito de la película. Incluso uno puede sentir melancolía: el actor, más maduro, estaba encontrando un gesto y un rostro clásicos que podrían haber hecho de él una auténtica estrella. En fin, especulaciones: el film en sí es una especie de antiutopía ubicada en un futuro cercano donde un cierto barrio otrora bello se ha vuelto hogar del crimen, donde hay un muro que separa a los buenos de los malos y donde un buen policía se infiltra. El lector podrá más o menos reconstruir en su cabeza las peripecias de la película a partir de estos datos, dado que no hay demasiadas sorpresas. Y no, las sorpresas o las originalidades de la trama no son imprescindibles para tener un buen film, sino cómo nos muestran las cosas. Y la gran falla de Brick... es que el conjunto huele a pereza (filmar a reglamento) o a falta de timing (hacer una cámara lenta cuando no es necesario, por ejemplo). En fin, es lo que hay.
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  • Muppets 2: Los más buscados
    Oxígeno. Eso, oxígeno: entrar al cine y respirar tranquilo y distendido mientras se ve una película, de eso se trata cualquier film protagonizado por los Muppets y este no es la excepción. Los muñecos de felpa son algo así como la conciencia amorosa y burlona de Hollywood, transformando todos los lugares comunes del cine en elementos para jugar a puro absurdo (que el villano se llame “Badguy”, que sea un comediante, que el propio diálogo diga qué es lo que pasa mientras pasa, etcétera).

    Pero los Muppets, además, ejercen un poder secreto y rarísimo: nos emocionan y creemos en ellos como personas, aunque la felpa y el peluche sean evidentes (gran talento del realizador y de los titiriteros, claro). Aquí Constantine, la rana más mala del mundo –que es igual a Kermit salvo por un lunar en la cara– asume su lugar para intentar un impresionante robo, mientras culpan a Kermit y lo encierran en un gulag.

    Lo rocambolesco de la historia ya es un primer pie al absurdo (que comienza a los cinco minutos de película con un plano que parodia genialmente “El séptimo sello”), que se desarrolla como un juego musical, donde cada secuencia tiene el brillo distendido de una canción pop. ¿Película para chicos? No, o al menos no solamente. Como todo gran cine, apunta a todo el mundo, pero no con la demagogia fácil sino con sus propias reglas. Una película, pues, que nos ayuda a respirar.
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  • El sorprendente Hombre Araña 2
    Difícil colocarle una puntuación a esta película. En primer lugar, porque es muchas películas a la vez, y no necesariamente integradas las unas con las otras en un todo coherente.

    En segundo lugar, porque el puntaje refleja solo el hecho de que sería extraño que el espectador se aburra o que aquellos a quienes se dirige el film se sientan defraudados. Es un puntaje, pues, no estético, sino basado en lo efectiva que la película puede ser como producto.

    Como cine, cansa: es la historia de un jovencito contento con ser superpoderoso y los tiras y aflojes que eso le causa con su novia, la historia de un fanático tímido que se convierte en un super ser ególatra, la historia de un jovencito condenado por una enfermedad mortal y capaz de cualquier cosa por curarse, la historia secreta de los padres de Peter Parker, y varias otras historias (o mejor, “historietas”) encajadas.

    Algunas aburren, otras divierten: en el plano exclusivamente físico, los técnicos en animación han hecho un gran trabajo, y en el humano, las escenas de Andrew Garfield y Emma Stone son muy buenas.

    Si está dentro del conjunto de personas que ya sabía que iba a verla (obligada o no), alégrese: no ha de pasarla mal. Si no, difícilmente sienta curiosidad por ver este compendio de películas comprimidas para –intentar– gustarle a todo el mundo.
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  • El crítico
    El crítico
    Revista Noticias
    De nosotros, los críticos de cine, se dicen cosas horribles. Muchas son ciertas, aunque todas juntas es difícil que aparezcan. De todos modos, es cierto: hay algo de pedantería o soberbia en eso de querer decir lo que uno piensa a voz en cuello (sea sobre cine o sobre cualquier cosa).

    Tal es quizás el verdadero tema de esta película de Hernán Guerschuny, a su vez periodista y conocedor de los críticos de cine (edita la revista “Haciendo cine” con Pablo Udenio y varios de sus colegas aparecen en pantalla): cómo no estar tan seguro del mundo que a uno lo rodea al mismo tiempo que mantenemos tozudamente certezas sobre algunas de sus peculiaridades.

    El trabajo de Rafael Spregelburd, uno de los nombres más importantes del teatro contemporáneo, se mantiene en el filo entre la parodia total y la humanidad convincente, y la luz que Dolores Fonzi aporta a esta historia de señor demasiado serio vencido por el amor más simple, hace que la película, que amablemente nos toma el pelo, sea más que “una broma a mis amigos del medio”. No, es una comedia romántica, con sus meandros y sus desencuentros, y que, a pesar de ciertas fallas de timing (¡ahí tuvo que salir el crítico!) emociona con nobleza. No es necesario saber “algo” del medio para pasarla bien: después de todo, se trata de cómo las personas trascienden totalmente a su profesión… o no.
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  • Gato negro
    Gato negro
    Revista Noticias
    Por un lado, loable intento de contar la Argentina de cuatro décadas -desde los sesenta hasta los ochenta- a partir de la historia de un personaje que pasa de la marginalidad al éxito económico y la omnipotencia siempre en el filo de lo legal. Por otro, cierto desorden y énfasis en las actuaciones hacen que el film resulte en general fallido. Hay sin embargo buenos momentos, incluso si el queda a mitad de camino de sus intenciones.
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  • Las novias de mis amigos
    Las novias de mis amigos
    Revista Noticias
    Es simpática. ¿Qué implica que un film sea “simpático”? Pues lo mismo que cuando uno describía a una chica como “sí... es simpática”: carece del atractivo suficiente como para conquistarnos pero, al menos, es de caer bien a la mayoría de las personas. Este film forma parte de lo que podríamos llamar “comedias de la inmadurez” o de la adolescencia eterna (Virgen a los 40, Este es el fin... y otras que examinan la inmadurez) y aquí tres amigos deciden permanecer sin compromiso tras la fea ruptura amorosa de uno de ellos. Como la biología y los guiones están para eso, el amor cae y el pacto se vuelve inestable. El problema es que los diálogos son pobres y las situaciones, trilladas: lo que vuelve el conjunto visible y amable (en un sentido más bien tenue) es el trabajo de los protagonistas, que resulta un conjunto de buenos comediantes que parecen comprender mejor a sus criaturas que el director. En algunos momentos, incluso se parece a una película argentina mediocre.
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  • Río 2
    Río 2
    Revista Noticias
    Retomando los personajes de su primer largo en solitario, el realizador Carlos Saldanha decide redoblar la apuesta gráfica aunque no invierta demasiado en historia. Pero la verdad es que no hace demasiada falta: algo bueno se logró y es que los personajes vivan por sí mismos, que nos parezcan interesantes y queramos seguirlos sin importar a dónde vayan.

    En este caso, la película es la historia de la familia de Blue (él, su pareja y sus hijos) en viaje por el Amazonas. El primer contraste es –nuevamente– entre lo urbano y lo selvático. Luego aparece el suegro de Blue, que es en sí mismo un gran personaje, y en base a estos elementos se construye una trama que, si bien previsible, no deja de atraernos durante todo el metraje.

    Porque la cuestión no es qué se narra sino cómo, y Saldanha y su equipo han decidido redoblar la apuesta humorística e inventar todo lo posible en el campo de lo visual. Uno de los grandes triunfos de la película –que en otros sentidos es ligera y liviana como una pluma– consiste en la inventiva, en contagiarnos el ritmo con secuencias diseñadas especialmente para ser vistas en 3D, como si la nueva tecnología redescubriera el viejo musical.

    Son momentos al mismo tiempo cómicos y abstractos, donde la emoción proviene de la pura forma, y los que realmente justifican el film. Hay además bastante humor “para adultos” (una asignatura obligatoria en la animación de hoy) pero es casi un agregado cosmético. Lo mejor es el color.
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  • Nadie vive
    Nadie vive
    Revista Noticias
    El japonés Ryûhei Kitamura tiene una carrera amplísima en Japón, especialmente en films de acción y fantásticos. Este segundo film en los EE.UU. es una rareza: aunque comienza como una “de torturas” (pandilla mala rapta pareja linda en el medio de la nada) se transforma en una verdadera sucesión de acciones sangrientas, casi bélicas, que ponen a todos los personajes del lado de los “malos”. La originalidad gráfica y rítmica se debilita en la falta de sentido de la trama.
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  • Noé
    Noé
    Revista Noticias
    Darren Aronofsky es esa clase de director de cine que se recibió de “autor” -o fue recibido como tal- con su primerísima película, Pi. Pero es evidente que, a veces, la restricción “industrial” opera de tal modo que el artista, el verdadero, se revela. En Noé permanecen las constantes de su obra (el personaje obsesivo movido por una fuerza irracional que no comprende; la fragilidad de los lazos familiares) y aparece la necesidad del gran espectáculo. La gran presencia fílmica de Russell Crowe -de esas personas que nacieron para ser filmadas- logra que todo se integre: desde las (bellas) secuencias de alucinación hasta las (rutinarias) secuencias de batalla con gigantes de piedra y todo; desde la primera visión del Arca -que parece un homenaje a 2001-Odisea en el Espacio- hasta la un poco cursi representación de Adán y Eva; desde la autoridad de Emma Watson hasta la autoridad de Anthony Hopkins. Aronofsky decide poner la historia que narra y sus habitantes por delante de su firma, lo que no deja de ser un acto de madurez y, paradójicamente, de riesgo.
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  • Betibú
    Betibú
    Revista Noticias
    Dos son los géneros que se han consolidado como de mayor atractivo en la Argentina: la comedia de costumbres y el policial. “Betibú” es un policial de suspenso, de esos donde hay que descubrir al asesino, y también es –un poco a su manera– una comedia de costumbres.

    E incluso, de un modo lateral gracias a la resolución del “caso”, tiene un giro casi fantástico –casi, no espere lo sobrenatural–. La cuestión es si tantos ingredientes hacen que la mayonesa cuaje. Pues bien: el trabajo actoral lo logra y se nota que al realizador Miguel Cohan –responsable de la más que interesante “Sin retorno”– le importan mucho más los personajes y cómo tratan de vivir a pesar de las amenazas que los rodean, y menos el suspenso.

    Contrariamente a lo que se pueda pensar, tal es el mayor acierto de la película. Es un placer ver a Mercedes Morán, y es un privilegio ver y escuchar a Daniel Fanego, que logra construir un personaje de una originalidad inusual: un perdedor feliz. Por otra parte, todo el universo del film es al mismo tiempo argentino y universal, y aparece, cruzado y práctico en cada gesto, esa cuestión del autoritarismo, quizás el gran tema vernáculo, presente en todas partes, desde el mundo laboral hasta el del privilegio.

    Algunas cosas molestas (la música imitativa del lugar común estadounidense, ciertas concesiones a la coproducción) no impiden disfrutar de lo bueno. No es un gran film, pero es un film, pertenece al cine: todo un logro en estas pampas.
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  • Algunos días sin música
    Un film infantil en el mejor sentido del término: el mundo visto por chicos de diez años. Una muerte -la de una maestra- es la que desencadena ciertas tristezas y cierta culpa en estos chicos que están, como cualquiera en cualquier lugar del mundo, hartos de la escuela. El realizador Matías Rojo trata su material con la sensibilidad y la dfistancia justa como para que comprendamos a estas criaturas y nos pongamos en su lugar. Un bello film en clave menor.
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  • Lo mejor de nuestras vidas
    Doloroso título argentino de un film que se llama Rompecabezas chino en el original, y que remite a lo difícil de conciliar ciertas cosas en la vida cotidiana. Papá tiene dos nenes y es separado, la mamá se va a vivir a Nueva York y allá va él para que los pibes no sufran. Comedia familir firmada por el especialista francés en films ligeros Cédric Klapisch, tiene la simpatía de Romain Duris y Audrey Tautou como sus mejores armas. El resto es como una de Enrique Carreras pero bien hecha.
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  • Berberian sound studio
    Berberian sound studio
    Revista Noticias
    Un hombre (ese gran actor que es Toby Jones, a quien también, cosa curiosa, “se escucha” en Capitán América) debe editar los efectos sonoros de un film de terror en un tenebroso estudio italiano. Pero esos sonidos terroríficos habrán de apropiarse de sus horas lúcidas y, poco a poco, embrujando al estudio y sus habitantes. En primer lugar, Berberian... es un film de terror hecho y derecho, donde lo sobrenatural cala hondo y provoca un miedo que va mucho más allá del efecto especial (el detalle de utilizar el sonido como vehículo es notable). Luego es, más que homenaje, una puesta en valor del “giallo” italiano, ese género alguna vez despreciado pero nunca reivindicado como corresponde. Y, por último, un solo de actuación de Mr. Jones, que con su rostro y cuerpo tan especiales sabe representar -y hacernos creer- en el horror más puro. Que además se trate de una película muy original le ofrece un plus notable. De paso, si quieren saber para qué sirve el Bafici, véanla: salió de esa enorme e internacional cantera.
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  • Capitán América y el soldado del invierno
    Sin llegar a las cimas de belleza plástica y clasicismo narrativo de la primera “Capitán América” (un film cuyo corazón pesa toneladas), esta nueva aventura del personaje es una combinación de dos clases de película: el thriller paranoico de los `70 (la película que está funcionando detrás, y no solo por la presencia de Robert Redford, es “Los tres días del cóndor”, de Sidney Pollack) y el espectáculo de pura acción propio del superheroísmo.

    La mezcla funciona mejor en las peleas cuerpo a cuerpo y en las secuencias donde los personajes se enfrentan con medias palabras. Son todos grandes actores, algo que no suele reconocerse en esta clase de films, y le otorgan credibilidad a lo increíble. Hay otro elemento interesante: la confrontación entre los valores tradicionales de la utopía americana y los valores reales, relativos, del mundo que nos rodea.

    Es un film raro ideológicamente: crítico de los Estados Unidos y fiel a América, con o sin rango. La pelea entre el “villano” y el “héroe” (las comillas son obligadas dada la relatividad de cada uno) tiene un elemento iconográfico nada ingenuo: tanto la estrella americana como la soviética (el villano también viene del pasado, un residuo de la Guerra Fría) solo difieren en el color. También allí, sutilmente, el film dice algo interesante: la verdadera pelea, entre el bien y el mal, se da dentro de los hombres. Nada mal para “una de superhéroes”.
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  • Tarzán
    Tarzán
    Revista Noticias
    Una nueva versión del viejo cuento, otra más animada (esta vez en 3D), que transfiere el mito del noble inglés criado por simios al mundo moderno. Los personajes son simpáticos aunque les falta detalle en el diseño -no se nota la “personalidad” en los rostros- y la historia tiene la suficiente simpleza como para que se destaquen sobre todo las secuencias de acción. En este caso, no hay más que sensaciones físicas para hincarles el diente. No es mala, pero no deja huellas.
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  • El desconocido del lago
    El desconocido del lago
    Revista Noticias
    Una enorme suerte que se estrene en la Argentina este film de Alain Guiraudie, a quien conocemos por una retrospectiva en el Bafici de 2010. La película narra el amor y el sexo entre hombres en un lugar especialmente indicado para ello, pero también hay un misterio casi policial y un aire trágico que rodea a sus criaturas. Guiraudie filma con precisión y con gran dominio narrativo (digamos clásico) este mundo y mantiene siempre al espectador interesado. Casi una obra maestra.
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  • El sobreviviente
    El sobreviviente
    Revista Noticias
    Un grupo de marines tiene por misión neutralizar una célula talibán en Afganistán. Fracasan, son emboscados, van muriendo uno a uno. A la película, dado el tema, no le falta el costado patriótico ni el elogio (en sus propios términos) de la fraternidad militar. Pero el tema es otro y, una vez que dejamos de lado los prejuicios al respecto, podemos enfrentarnos al asunto: el miedo. Son tipos asustados, desesperados, que están mirando una muerte horrible y demasiado posible a la cara, sin demasiadas posibilidades. El film maneja esta tensión y, sin explicarlo de modo explícito, transmite ese miedo con la inmediatez y la portencia de la épica. Las secuencias de acción -una de ellas en particular, especialmente climática- están entre lo más fuerte que ha realizado el cine estadounidense en los últimos años. Si es un film de aventuras bélicas en cierto sentido, su verdadero aire y espíritu es el de la tragedia. El costado político podría ser criticable si la película no tuviera también una componente universal.
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  • El gran hotel Budapest
    El gran hotel Budapest
    Revista Noticias
    Las últimas películas de Wes Anderson –el nombre detrás de “Los excéntricos Tenenbaum”– eran “menos de lo mismo”. El estilo (esos planos fijos, simétricos y coloridos, como teatrales; el tono entre lo trágico y lo ridículo que provocaban al mismo tiempo emoción y sonrisa) era el mismo, pero había perdido algo de mella.

    En “El gran hotel Budapest”, el director vuelve a todo su arsenal pero se concentra –por fin y como corresponde– más en los personajes y en el humor que en el diseño. Si había degenerado en un director palermitano (de Palermo Soho), por fin ha vuelto a Hollywood. Este es el cuento agridulce (pero cómico) de un conserje de hotel (un genial Ralph Fiennes) y un joven que se ven envueltos, en el lugar del título y entre ambas guerras mundiales, en una serie de aventuras.

    El mérito del film (más allá de un elenco muy impresionante por su calidad) reside en que estas aventuras e intrigas muy imaginativas tienen tanto peso como la relación entre los personajes. Y es un film muy bello, además, pero de una belleza para nada accesoria ni decorativa. Anderson vuelve a utilizar la precisión de la puesta en escena para transmitir emociones que parecían olvidadas. Un film como las viejas y queridas novelas juveniles, que encuentra en el pasado la posibilidad del cine moderno. El realizador, ya no una joven promesa del cine sino una realidad adulta, muestra aquí un dominio esencial para cualquier cineasta que se precie de tal: el dominio del tiempo.
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  • Need for speed
    Need for speed
    Revista Noticias
    Basada en una celebérrima serie de videojuegos, esto es una carrera de autos a través de los EE.UU., pura ruta y adrenalina. No es, claro, lo que solía hacer el gran Monte Hellman (Two-Lane Blacktop sería su obra maestra) y todo es más fashion y más “ya existió Rápido y furioso”. Y si no es una gran performance actoral, al menos es veloz y ligera, con buenas demostraciones de manejo. A veces el cine puede ser solo eso y funcionar.
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  • Balada de un hombre común
    Lo vamos a decir simple: el problema de los hermanos Coen reside en que se ponen por encima de sus personajes. Aunque a veces -este es el caso-, incluso cuando los hacen padecer un poco de más, se les filtra algo de calor humano, de empatía y de simpatìa, en el cuadro. Esta historia de un cantatne folk no muy afortunado en el contexto de los sesenta dylanescos, con un bello gato a cuestas (claro: un gato hace que cualquier cosa suba de categoría) tiene una calidez y una emoción que les falta a casi todo el resto de su obra. Bella y agridulce.
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  • La tercera orilla
    La tercera orilla
    Revista Noticias
    No es exagerado decir que Celina Murga es una de las grandes cineastas argentinas. Filma lo que quiere, cuando quiere, con el doble rigor de comunicar lo que desea y darle los suficientes indicios al espectador. Aquí narra la tensión en una familia donde el padre, que sostiene una doble vida casi impune, quiere que su hijo siga sus pasos. Murga mira a sus personajes, captura los gestos más significativos como si no los hubiera creado, los sigue y plantea, como una habilísima tejedora, la red de violencia que se genera entre ellos. El paisaje fronterizo, entre lo agreste y lo urbano, permite reflejar la dualidad y el desgarro de sus criaturas. Pocos cineastas -y no solo en la Argentina- logran capturar con tanta precisión lo que sucede en el interior de un joven en la última frontera antes de comenzar a madurar, y La tercera orilla lo documenta con la frialdad de un bisturì,. Ya, una de las mejores películas de este año.
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  • Ella
    Ella
    Revista Noticias
    Spike Jonze goza –o padece, depende del caso– de la originalidad. Creador de fábulas fantásticas en tono amable (“¿Quieres ser John Malkovich?” o la no estrenada, y muy buena, “Donde viven los monstruos”) donde lo que menos importa es lo que suceda de extraño y lo que más, lo que el comportamiento humano hace con ello. Aquí narra la historia, situada en un futuro no demasiado lejano, de un hombre solo (Joaquin Phoenix) que compra un sistema operativo “de compañía”, una voz –la de Scarlett Johansson, perfecta– que lo acompaña y lo enamora.

    Pero esa voz, ese sistema, crea su propia conciencia y, entre la comedia y el drama, establece tensiones con el protagonista. Hay otra mujer, real, interpretada por la excelente Amy Adams, pero el núcleo es la relación entre lo real y lo virtual o, más bien, los límites de esa cosa tan difusa que llamamos “realidad”. El film funciona bien, como una máquina narrativa. Pero hay también algo de impostación en su dulzura, incluso en su humanidad, como si Jonze estuviera demasiado atento a satisfacer todos los flancos posibles de su historia.

    Y es en ese tono, que parece casi un vehículo para el propio lucimiento, donde esta historia de amor se resquebraja. Incluso si el absurdo logra penetrarla e insuflarle el saludable aire de comedia, nos quedamos con la impresión de que se nos cuenta algo de más, de que quizás la historia sería más bella siendo más breve. Original, sí; amable, también. Solo un poco decepcionante.
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  • El verano siguiente
    El verano siguiente
    Revista Noticias
    No es un documental sobre los uruguayos No te va a gustar. Iba a serlo, pero en el medio de su desarrollo, el tecladista de la banda murió en un accidente y eso trastocó todo para los protagonistas y para el film. Lo que resulta en una película al mismo tiempo curiosa y emotiva sobre el encuentro imprevisto -siempre lo es- con la muerte y las consecuencias de ese encuentro. La música aquí tiene un rol, pues, diferente de lo que sucede con películas similares.
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  • Academia de vampiros
    Academia de vampiros
    Revista Noticias
    Imaginemos un grupo de febriles creativos de Hollywood tratando de encontrar una nueva serie de películas que sostenga el sistema -ya nocivo- del mega tanque. “Probemos con chicas de high-school”; “probemos con algo de magia”, “probemos con vampiros, pero buenos”. Pues bien, incluso así el cóctel podría ser bueno si se realizara con humor y simpatía, y lo primero es lo que falta definitivamente -o falla el golpe- en este film demasiado pequeño.
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  • Tras la puerta
    Tras la puerta
    Revista Noticias
    En los años 80, el nombre de Itzvan Tzabó resultaba una clave para el cine “importante”. Mefisto, por ejemplo. En fin, que el húngaro siguió adelante con su carrera aunque la moda pasó y ya no vimos más películas suyas salvo en festivales. Tras la puerta se estrena (con dos años de atraso) porque a) es un drama, b) tiene “elementos para la reflexión” y c) está Helen Mirren -que supera a a) y b) como motivo. Hungría, escritora que se relaciona como puede con su hosca sirvienta (Mirren actuando y triunfando del mismo modo que Federer ganaría un abierto de country) que, oh, esconde un pasado lleno de tristezas y humillaciones que desconocemos porque no accedemos a su alma o a su casa, que metafóricamente es lo mismo. Si quiere ver por qué Mirren sabe todo respecto de la actuación, adelante: pero solo es eso, el recital de una actriz. No “cine”, precisamente.
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  • 300: El nacimiento de un imperio
    A diferencia de la primera “300”, acá la gente se divierte. Para decirlo claro: aquella película que reproducía la demasiado “manipulada” historieta de Frank Miller era, a su vez, un prodigio de manipulación técnica –para que pareciese una “historieta en movimiento”– y un aburrimiento formal, casi una lección plástica sin vida.

    Esta sigue los mismos caminos visuales, pero intenta ponerle “otra cosa”. Y, por fin, esa “otra cosa” es el gigantismo desaforado de una fantasía heroica que tiene tan poco que ver con la “Historia” (aquella era la historia de las Termópilas, esta es la historia de un delirio bajo LSD) como con lo verosímil. Y, justo por eso, por su locura y sus ganas de divertir y divertirse, es que funciona.

    Las palmas se las lleva Eva Green, que pasó de Bertolucci a la Clase B (¿qué es este film sino un “Clase B” con presupuesto A?) siempre con pie firme. Aquí, hay una bella villana cuya modernidad no molesta en medio de túnicas espartanas: después de todo, nadie pretende que esto sea una lección de historia. Incluso la forma en que se manipulan la luz, los colores y los planos para otorgarles la “calidad dibujo” parecen parodiar sutilmente el primer film. Hay un guiño inteligente en este cambalache, que lo hace disfrutable. Deje los prejuicios afuera.
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  • Una familia numerosa
    Una familia numerosa
    Revista Noticias
    Es la simpatía de Vince Vaughn -y no otra cosa- la que logra que esta historia, la de un hombre cuya donación de esperma, veinte años atrás, ha resultado en más de 500 hijos, decide enfrentarse a ello y, en el camino -como siempre sucede en el cine- aprende algunas cosas. Vaughn es un gran comediante y su aspecto de niño grandote, de adulto a medio cocer, cuaja perfectamente con la historia, que solo tiene como aspecto poco trivial la enormidad de sus cifras.
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  • Operación monumento
    Operación monumento
    Revista Noticias
    George Clooney tiene dos clases de films como realizador: comedias con un trasfondo político y dramas con un primer plano político. Es bueno, Clooney: sabe dirigir actores y en general narra bien. Este film es un poco ambas cosas: la historia real de un grupo de expertos en arte a quienes se encomienda salvar obras de las garras de los nazis en la Segunda Guerra Mundial. Y funciona muchas veces y otras, no. Pero cuando acierta, lo hace con alegría. Un pequeño recreo y un film -sí- original.
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  • Non-Stop: Sin escalas
    Non-Stop: Sin escalas
    Revista Noticias
    ¿Quién iba a decir, en los tiempos de La lista de Schindler, que ese amable gigante llamado Liam Neeson iba a desarrollar, ya maduro, una carrera como héroe de acción? Lo cierto es que le va bien en ese terreno y que tiene el aspecto necesario para la dureza. Este film es una serie de trampas dentro de trampas que no van a sorprender demasiado al espectador: un US Marshall (Neeson) recibe un mensaje de texto en pleno vuelo transatlántico. O depositan U$ 100 millones en cierta cuenta o morirá un pasajero cada 20 minutos. Imaginen lo que viene: primero, la incredulidad; más tarde el miedo y el error; más tarde aún el héroe signado como culpable; más más tarde, que todo es otra cosa. Y el villano sorpresa, como corresponde. Lo que sostiene esta película adivinada es la convicción de sus intérpretes y lo bien filmadas que están las secuencias de acción, lo que permite un suspenso notable en sus mejores momentos. Salimos pensando que necesitamos un poco más de Liam Neeson: superhombres que no lo parecen.
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  • Dallas Buyers Club: El club de los desahuciados
    Los films que narran historias de vida suelen caer en el vicio de señalar con el dedo o querer convencernos de qué está bien y qué está mal. Un problema, por cierto. Y si bien este film, con justas nominaciones al Oscar para Matthew McConeaughey y Jarde Leto, no logra escapar del todo al vicio, al colocar el foco en la tensión que se establece entre las ansias de vivir del protagonista y cómo eso lo lleva a montar un negocio –y eso, y no otra cosa, a desafiar sus propios prejuicios– logra que la película sea, también y por suerte, otra cosa.

    La historia es real: un cowboy homofóbico que se contagia de SIDA por no usar preservativos, al que le diagnostican un mes de vida y que casi muere más rápido por tomar AZT, empieza a buscar tratamientos alternativos, logra sobrevivir y monta un negocio. McConeaughey es puro nervio, pura precisión en el film y eso diluye casi toda posibilidad de caer en la lástima o la lágrima fácil.

    El otro aspecto interesante del film es que está siempre en movimiento, que no se detiene demasiado en lo trivial sino que busca ir siempre al núcleo de la situación. El film no carece de humor, y plantea sobre todo la idea de la supervivencia a cualquier costo e incluso la del grupo heroico. La enfermedad, a fin de cuentas, es lo de menos. De lo que se trata es del melodrama del hombre en peligro, de qué se vale para sobrevivir y qué aprende en el camino.
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  • Pompeii, la furia del volcán
    Sí, revienta el volcán, hay enamorados, peleas, carreras, bolas de fuego, más peleas, más carreras, enamorados, etcétera. Una especie de compendio de cine de gladiadores más cine catástrofe más aventura romántica de parte del artesano Paul W.S. Anderson, especialista en films de aventuras sin pretensiones (ni él ni las películas, que tienen la sana costumbre de contar aquello que prometen). Un poquito prosaica, por cierto, pero disfrutable.
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  • Nebraska
    Nebraska
    Revista Noticias
    Seguramente ha visto Mr. Schmidt y Entre copas, de Alexander Payne. Nebraska tiene más de un punto en común con ambos y continúa la exploración sobre las relaciones (familiares, afectivas en general) que el director de Los descendientes emprendió en su obra. Ni lacrimógena ni hilarante, con el tono justo, cuenta la relación entre un padre y un hijo que apenas se conocen en un viaje hacia un probable tesoro. Bruce Dern no merece un Oscar, sino dos.
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  • La grande bellezza
    La grande bellezza
    Revista Noticias
    En estas eras de eclipse de los cines fuera de Hollywood (culpa de una pésima política cinematográfica, de la desidia de los exhibidores, etcétera) que se estrene este film es un acontecimiento. Un diletante, un escritor que tuvo su momento de gloria y hoy vive de escribir columnas, recorre la noche romana tras su 65 cumpleaños. Y sus encuentros esa noche, si bien pueden parecer una coartada para la nostalgia, son otra cosa: un revivir proustiano, alegre incluso, de lo que guardamos para nosotros. Hay una pequeña gran verdad en este film, o dos: la primera, que nuestra vida se inscribe en el tiempo pero nosotros mismos somos el tiempo, y allí está todo. La segunda, que la diletancia no es precisamente una mala palabra. Amoral en el sentido más sano del término, el viaje que propone La grande bellezza debe verse en la sala grande del cine. Un paseo que hace honor, pues, a su nombre.
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  • Las aventuras de Peabody y Sherman
    Es probable que algún memorioso recuerde este dibujo animado que aparecía como relleno en la tevé argentina de hace décadas. En la tira, cada episodio de cinco minutos contaba cómo un perro superinteligente y su mascota humana viajaban en el tiempo y arreglaban las inconsistencia de la Historia. El autor fue un gran humorista, Jay Ward, que trabajaba casi solo con mínima tecnología (hizo también “Rocky y Bullwinkle”, “George de la selva” y “Superpollo”, entre otras).

    El personaje fue muy popular pero solo en los EE.UU. Esta adaptación a 3D con toda la tecnología, conserva menos el humor sardónico de Ward que el que surge de la acción y la aventura, aunque conserva ciertos toques de elegancia de la tira original. Pero lo que más pesa es el costado aventurero, dinámico, así como el tema clave de la mayoría del cine apto para todo público de hoy: la familia y sus variantes.

    Un perro adopta un niño, una niña tiene padres desaprensivos que o le exigen o se ocupan solo de su trabajo. El niño de papá perro es más “sano” que la nena “normal”, lo que no deja de ser, en tiempos –aun y sobre todo en los EE.UU.– de homofobia, un comentario sobre la realidad. Lo mejor de ese dato es que se contrabandea en la pura diversión y la aventura, lejos de ser una bandera demasiado evidente.
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  • Rodencia y el diente de la Princesa
    Imperfecta pero agradable, con pretensión “local” (lo inca, lo “latinoamericano”) pero con belleza y nobleza, este es un cuento de hadas y aventuras donde las ratas quieren destruir un reino de ratones (dejemos de lado cualquier alegoría). Lo que le falta en perfección lo compensa con dinamismo y humor, elementos que le dan a este cuento infantil (pero no pueril) un juego que lo vuelve agradable a la vista.
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  • Philomena
    Philomena
    Revista Noticias
    Para hacer esta película menor pero tierna sobre una mujer que da a su hijo en adopción y pasa medio siglo buscándolo es necesario tener a) un director inteligente que no haga lagrimear automáticamente y b) actores inteligentes que manejen la ironía. El film lo dirige Stephen Frears y lo protagonizan Steve Coogan y Judi Dench, con lo cual la historia (triste pero trivial) va por los mejores caminos posibles, los más agradables.
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  • Un cuento de invierno
    Un cuento de invierno
    Revista Noticias
    No, no es una mala película. La historia es la de una persona buena y dotada a la que la necesidad lleva a robar. Muere (hace mucho, mucho tiempo) pero reencarna. Antes, se enamora. Su fin es salvar a la mujer de la que se enamoró. Por cierto, hay un villano fantástico y diabólico. El aspecto del film aúna el cuento de hadas, la novela dickensiana y una nocturna y estilizada Nueva York peligrosamente cerca de la postal navideña. Los actores, bien. ¿Por qué no funciona? Simple: demasiadas cosas y demasiado interconectadas. Los esporádicos momentos logrados o emotivos se diluyen con la necesidad de decir cosas, de convencer a la platea de la realidad del amor y de la fantasía (y en ese sentido es tan didáctica como un film que sacraliza la moral, la revolución o las ventajas del veganismo: lo que está mal es la sacralización). Colin Farrell y Russell Crowe, dos tipos duros, logran en sus secuencias contrabalancear el aire sacarínico que satura la puesta en escena. No se la pasa mal, pero se disuelve como un copo de nieve al calor de la memoria.
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  • RoboCop
    RoboCop
    Revista Noticias
    El brasileño José Padilha realizó hace tiempo un gran documental llamado “Ónibus 174”. Después realizó un film fascista de acción, “Tropa de elite”, cuyo mayor problema no era el fascismo sino su falta de pericia para narrar acción. “Robocop”, remake del clásico satírico del gran Paul Verhoeven, es su primer film en los EE.UU.

    Lo bueno es que se ve más o menos bien y algunos actores -especialmente Samuel Jackson- entienden de qué va la historia original. Lo malo es que se trata de una película inútil. Si Verhoeven, con un pesimismo absoluto, pintaba en 1987 cómo sería el mundo hoy y extrapolaba lo peor de la era Reagan sin ser aleccionador, Padilha hace lo contrario.

    El humor y la sátira van por un camino (para que sepamos que se trata de “Robocop”) y lo político y sentimental van por otro, con un peso didáctico enorme. En ocasiones, Padilha quiere innovar en las escenas de acción y mostrar algo de estilo. Lo que logra es un batiburillo que mezcla ángulos o procedimientos “creativos” con la ramplonería más lisa y llana.

    Poco queda de la fuerza expresiva del film original o de la diversión a mansalva de sus menos logradas pero estimables secuelas. En última instancia, habría que preguntarse por qué estos films vuelven a hacerse de manera anónima: las remakes solo funcionan cuando un artista usa la historia original como vehículo para su propio mundo, y el de Padilha es muy poco interesante, solo es violento.
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  • La leyenda de Hércules
    La leyenda de Hércules
    Revista Noticias
    El sueco Renny Harlin, que alguna vez demostró gran inventiva para el cine de acción (El largo beso del adiós o Alerta en lo profundo, grandes películas) aquí toma la leyenda del semidiós griego y hace una película clase B basada exclusivamente en las posibilidades de la tecnología. Al revés de Agosto, no contiene un ápice de humanidad o de empatía actoral. El resultado es igualmente poco interesante. ¿Dónde está el justo medio?
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  • Agosto
    Agosto
    Revista Noticias
    Hay películas que son apenas la ilustración de una obra teatral o un campeonato (casi televisivo) de interpretaciones “intensas”. Agosto es su paradigma: la historia de una reunión familiar alrededor de una madre monstruosa no es más que un montón de lugares comunes que el espectador puede disfrutar o padecer solo en la medida en que le caigan bien -desde antes- los actores. Sí, Meryl Streep actúa muy bien: el problema es que se nota que actúa.
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  • 12 años de esclavitud
    12 años de esclavitud
    Revista Noticias
    Todo aquello que no debería hacerse en el cine (estetización del sufrimiento y la miseria, declamación, discursos engolados por parte de una “estrella invitada” -el coproductor Brad Pitt en este caso-, música rimbombante para subrayar lo que el espectador debe sentir, momentos sangrientos para que el espectador diga “pero qué barbaridad”, lágrimas de vaselina, puesta en escena decorativa) está aquí como una especie de catálogo del anticine. El realizador Steve McQueen, que supo ser interesante con Hunger y a quien podíamos ya ver como un probable manipulador con Shame, decide que lo único que importa es que el espectador aprenda la lección. Así, sus personajes, incluso a pesar del gran trabajo humano de ese gigante interpretativo que es Chiwetel Ejiofor, son apenas marionetas que escriben un mensaje unívoco, carente de ambigüedad (los malos son pésimos, los buenos son óptimos) y efectista, como el de la peor publicidad. Sobre la esclavitud, ahí están como grandes ejemplos Amistad, de Steven Spielberg o Django sin cadenas, de Quentin Tarantino. Esto es apenas un director mostrando lo bien que filma: nosotros somos, también, sus esclavos.
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  • La gran aventura Lego
    La gran aventura Lego
    Revista Noticias
    Una película animada ya no es una novedad. Y que tenga atractivo para todos los públicos, tampoco. Sí es una novedad, siempre, la capacidad de invención, el uso del medio para obrar maravillas ante los ojos de los espectadores. Es cierto que ya estamos quizás demasiado acostumbrados a la maravilla.

    Lo que cuenta entonces es la precisión, cómica o dramática, con la que eso nos llegue. Este film une a dos grandes artistas de la animación: el creador de “Aardman”, Peter Lord, y el de “Lluvia de hamburguesas”, Chris Miller, y narra una aventura épica en el mundo de esos bloquecitos para armar. Y si bien uno puede decir que es un gran “chivo”, lo que más importa es que la aventura de un héroe improbable en un mundo lleno de color y cuadrados peligros y limitaciones es de una gran belleza y efectividad cómica.

    Todo el universo inventado por el juego se transforma en un juego que se comparte con el espectador -y por una vez el 3D se justifica plenamente-, desarmándolo a partir de la gracia y una comicidad que nunca baja el tono. Cada plano está lleno de detalles que queremos seguir observando, mientras la historia nos lleva a otro tipo de juego, más consciente y más noble al mismo tiempo. De lo mejor que se estrena en el presente año, y de esas películas de las que no se espera nada, pero entregan absolutamente todo.
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  • Por un puñado de pelos
    Por un puñado de pelos
    Revista Noticias
    Néstor Montalbano se ha especializado, en la Argentina, en la comedia absurda y no poco cinéfila (es un entusiasta del cine de los sesenta y setenta). Aquí, con un título que homenajea al spaghetti-western, cuenta la fábula de un millonario que desea recuperar su cabellera, de un mito ancestral y de una puja por un negocio. Todo es humor y simpatía, aunque no siempre da en el clavo. Hablando de simpatía: se lleva las palmas el Pibe Valderrama.
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  • El sueño de Walt
    El sueño de Walt
    Revista Noticias
    La historia es la rivalidad, y luego la amistad, entre Walt Disney y P.J. Travers, la autora de Mary Poppins, mientras el primero trata de llevar el libro a la pantalla. Lo mejor del film es el juego entre Tom Hanks y Emma Thompson, que se dedican a hacer sonreír y llorar (cuidado: más lo segundo que lo primero, este film es un drama agridulce) generosamente. Lo demás es una especie de episodio Billiken de la historia (chica) del cine.
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  • Ajuste de cuentas
    Ajuste de cuentas
    Revista Noticias
    Esta es de esas películas que la crítica suele despreciar. Pero si lee esta sección, sabe que aquí a todas las consideramos libres e iguales. Pues bien: la idea es “Rocky contra Toro Salvaje”, más o menos, en tiempo de comedia. Pero ni Stallone ni Robert De Niro se toman la cosa en solfa. Una cosa es el humor, que abunda en el film, y otra la burla, que por suerte falta. No es, tampoco, un film geriátrico (nada de Último viaje a Las Vegas) sino simplemente el cuento de una larga rivalidad para nada mortal y sí algo trivial para quienes la ven desde afuera que encuentra el cauce para ser resuelta, aunque el transcurso acercará más a los púgiles como personas. Puro juego, además, entre dos actores que también creen que las películas nacen todas libres e iguales y que ponen su talento -generoso- al servicio de la diversión del espectador. No la desprecie y dele una oportunidad a este film sobre el tiempo. Gana por puntos, pero con contundencia.
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  • Esto no es un film
    Esto no es un film
    Revista Noticias
    Primero: hay que ir a ver este film porque solo asistir a su proyección es un acto en defensa de la vida y la libertad de su realizador, Jafar Panahi, injustamente puesto en arresto domiciliario por el régimen iraní. Por una vez, ver una película es también un acto de solidaridad y de justicia. Segundo: hay que ir a ver este film porque es excelente, y esto debería colocarse primero.

    Con una cámara, en su casa, encarcelado, Panahi narra el absurdo laberinto burocrático y la causa imbécil por la que se lo encarcela, sin perder nada –pero nada– de humor. Lo hace de modo documental. Pero también narra o muestra la intrusión de vecinos, la vida de una iguana que lo acompaña, las discusiones breves por las compras con su esposa y, en el tramo final, la posible intervención de un oscuro agente de la inteligencia iraní disfrazado de muchacho inofensivo.

    O no, pero la paranoia es indescriptible y todo se vuelve un perfecto cuento de suspenso. Que no sería más que un cuento, si no fuera que Panahi, por hacer campaña contra el rival de Mahmoud Ahmadinejad, por defender en sus films sobre todo el derecho de las mujeres a ser ciudadanas de primera en una teocracia (puede ver “El círculo”, una de sus mejores películas), por querer el regreso a un Irán laico y moderno, por ser un enorme artista, sigue encarcelado. Además, va a ver una obra maestra realizada en absoluta clandestinidad.
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  • Familia peligrosa
    Familia peligrosa
    Revista Noticias
    La familia de un capo mafia que “cuenta todo” es relocalizada en Normandía. Americanos en Francia, violentos y anárquicos enfrentados a un mundo que no los quiere, resultan campo preciso para otra ficción de Luc Besson, un cineasta cuyo talento intermitente se pelea con la corrección política. Hay buenos momentos y malos diálogos, pero De Niro y Pfeiffer están perfectos (eso es oficio), Tommy Lee Jones también y se lleva las palmas la joven Dianna Agron. Sí, simpática.
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  • Dos pavos en apuros
    Dos pavos en apuros
    Revista Noticias
    Como se sabe, el día de Acción de Gracias (fiesta estadounidense) tiene como centro la cena de un pavo. Todos los años, el Presidente “perdona” uno. Esta es la historia de cómo un pavo perdonado y uno “revolucionario” viajan al pasado para que nunca más se coma pavo en Acción de Gracias (claro que se puede comer en otros días, por cierto). El film es animado, es en 3D, tiene algunos buenos gags y no aburre. En inglés (Owen Wilson, Woody Harrelson y Amy Poehler mediante) es muchísimo mejor.
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  • El juego de Ender
    El juego de Ender
    Revista Noticias
    Le damos esas estrellas solo por una razón: no aburre. La novela original, escrita a principios de los 80, generó un cambio en la ciencia ficción y abrió las puertas a la poética del mundo virtual, del desdoblamiento de la realidad y de -atención- la interactividad como parte del mundo que anticipó nuestros tiempos. Lástima que también inspiró otras ficciones: Matrix, Invasión (la de Paul Verhoeven, de la que esta Ender... parece una versión para Nickelodeon) y varias otras. Lo que quedó es una más de guerra contra bichos extraterrestres aunque con “mensaje” (en los últimos minutos, donde el torpe Gavin Hood nos da una “excusa” para haber disfrutado de las imágenes), y cuyas escenas de acción se esperan ansiosamente dado lo poco que importa el resto de la trama. Los chicos están bien; los grandes, más o menos, y su condena al militarismo -que es el que nos permite disfrutar del rompan todo que propone parte del film- es una bobada insigne. Pero hay tiros y rayos láser y esas cosas.
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  • El misterio de la felicidad
    Las películas de Daniel Burman, que ya forman parte del paradigma del cine comercial argentino (como si otros cines no lo fueran, de paso) se destacan por un medio tono y un uso en clave menor del costumbrismo que no se ve en otros cineastas. Hay algo de observación sobre los personajes que es mucho más preciso: justamente que los observa y no los “usa” para decir verdades importantes. Aquí cuenta la historia de un hombre (Francella, quien quizás en algunas escenas olvide que el párpado superior puede otorgar matices a la actuación, pero igual está muy bien) que vive para su mejor amigo y para el negocio que llevan montado juntos desde hace décadas. Hasta que ese amigo se va (no muere, no es secuestrado: simplemente se va), y este señor soltero debe llevar adelante los negocios inconclusos con la mujer del “ausente” (Inés Estévez). Puede verse desde allí la comedia romántica, pero no es una comedia romántica porque el foco no es la relación entre ambos personajes sino cómo acostumbrarse o adaptarse a que el mundo no siempre responde a nuestras costumbres más arraigadas. El misterio de la felicidad, aunque parezca trivial en la trama del film, permanece inasible para el espectador: puede ser una playa lejana, el amor o volver todos los días a lo mismo, o ninguna de esas cosas. Lo interesante de esta película es que Burman lo mantiene así de lábil y le deja la pregunta al espectador.
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  • Caminando con dinosaurios
    Si vio Dinosaurio, aquella película de Disney de principios de siglo, este film le va a parecer muy similar: es también la historia de un pequeño ser que crece y cuida a los suyos en un viaje. Basada en una serie de la BBC (que era algo así como un documental reconstruido), lo mejor reside en algunos efectos especiales y dramáticos y en el uso intensivo de la “inmersión” gracias al 3D. Mejor habría sido mantener el aspecto “documental” antes de crear voces y drama algo remanidos.
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  • Entre sus manos
    Entre sus manos
    Revista Noticias
    Empecemos por lo que el film tiene de malo: se parece a un grotesco argentino, a una película “de familia”, no del orden “Los Campanelli” (perdón por lo arcaico del recuerdo) sino más bien del orden “Buscavidas” (ídem, aunque menos). Sí, bueno, son ejemplos televisivos pero también los más adecuados. El actor y aquí guionista y director Joseph Gordon-Leavitt (Looper, El origen, Batman: El caballero de la noche asciende) narra la historia de un chico de barrio piola, conforme con su vida salvo por el hecho de que es adicto al porno, o bien a la visión irreal que del sexo provee el porno. Consigue una novia preciosa (Scarlett Johansson) pero su adicción al triple equis es más fuerte. Lo que mejor funciona en el film es la actuación y el timing para lo cómico de la mayoría de los protagonistas y el retrato realista suburbano. Esquiva, desgraciada e inadvertidamente, el gran tema: la relación que cada persona establece con la imaginación y con la fantasía, los límites de lo real, y lo hace para dar “un mensaje”. Ese error se compensa por la gracia del paisaje.
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  • 47 Ronin: La leyenda del samurai
    Si lee en inglés, recomendamos al curioso buscar en medios como ariety.com la historia de la producción de este film, uno de los mayores fracasos económicos de Hollywood en los últimos años. Claro que fracasar en la taquilla no significa nada: “El mago de Oz” y “¡Qué bello es vivir!” son ejemplos de debacle comercial. Pero en este caso lo que se lee es cómo los estudios buscan, desesperadamente, una nueva “franquicia”, un film que pueda dar origen a una serie, el mayor negocio de hoy.

    Tomando un mito histórico japonés (la de los 47 samuráis que perdieron a su shogun y deciden vengarlo), sin el menor contacto con la genial película de Kenji Mizoguchi de 1941, e insertando de un modo rarísimo a Keanu Reeves en un elenco básicamente japonés, nació este Frankenstein épico en 3D gigante, con peleas y filos y dragones y magia y violencia. Que, en el rubro “drama”, sigue la mecánica de un videojuego (y hasta uno imagina que pensaron “de este film venderemos un videojuego”).

    Dicho esto –una descripción lo más honesta posible del film–, es necesario aclarar que tiene, esparcidas en su metraje, algunas grandes secuencias, momentos de pura invención móvil, incluso cierto aliento épico que se vuelve creíble. El problema es que esos grandes momentos, ese gran film que pudo haber sido, navega a la deriva en el mar de la indecisión, del cine ordenado por inversores. Captura la imaginación solo espasmódicamente.
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  • Actividad paranormal: Los marcados
    Bueno, en fin: el malvado ente que le hizo la vida imposible a las dos nenas de la(s) películas anteriores ahora viene por un muchacho, latino él, vaya uno a saber (si ve la película más o menos se va a entera) por qué. Ya dijimos: lo que se basaba en el miedo repentino de no saber se está volviendo una novela por entregas cuya pesadez es mucho mayor (y menos interesante) que el ejercicio del miedo.
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  • La increíble vida de Walter Mitty
    Ben Stiller es un actor gigante y un gran director. Si este film, nueva adaptación (la primera, con Danny Kaye, es de 1947) de un relato de James Thurber sobre un hombre tímido con gran imaginación, no llega a las cimas de locura de Tropic Thunder o al filo de Zoolander es porque está en otro tono, y porque, por una vez, Stiller quiere hacer comedia con lo que pasa dentro del personaje, y no con lo que hace. Así, quizás esta no sea la gran película cómica que se podía esperar, pero su ambición -y su corazón, y el ejercicio notable de la imaginación fantástica- le otorgan nobleza y belleza.
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  • Frozen, una aventura congelada
    Un gran cuento de hadas se distingue porque tiene magia, contiene de manera metafórica una lección sobre el mundo (que podemos aceptar o no) y todo está en la forma en que se narre más que en los conceptos que se viertan. Pues bien, Frozen, que es un análisis con escalpelo del amor filial, tiene varios elementos que lo hacen un film diferente. No, no son las muchas canciones y no, tampoco que haya galanes y villanos y monstruos y seres mágicos. No: lo que tiene es un personaje que parece un superhéroe (una superheroína, seamos precisos), pone en tela de juicio la cuestión romántica (el amor de pareja, seamos claros) como único garante del orden social o única llave de la construcción de una comunidad, y no deja de mantener uno tono medio, nunca demasiado dramático ni demasiado cómico, en el que cada una de las critaturas del cuento realmente parece humana. También contiene un gran trabajo de guión, muy sutil, en la construcción del villano, que explica totalmente por qué esta es una película de amor pero no un film “de novios”. Vaya y vea con la mente abierta.
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  • El lobo de Wall Street
    El lobo de Wall Street
    Revista Noticias
    Lo que tiene de bueno esta película de Martin Scorsese, que sigue girando obsesivamente
    alrededor de personajes obsesionados (su tema, después de todo) es que es muy divertido. Por
    cierto, también es muy largo (por un minuto, el más largo de toda su carrera) y en ocasiones esta
    historia de un jovencísimo broker que llega a las cimas de la riqueza y el delirio demasiado pronto
    gira en falso y parece carecer de síntesis. Pero en esos momentos, Scorsese es el mago que saca de
    la galera una escena divertida, una tensión inesperado, un personaje que rompe con lo que estamos
    viendo. Puede ser una chica demasiado linda, un tipo demasiado loco, un joven demasiado
    inteligente: lo cierto es que Scorsese los muestra no como humanos sino como lo que queda de
    animales (de allí que el nombre le quede muy bien al film) dentro nuestro, ese elemento anárquico y
    salvaje que está, siempre, dispuesto a clavarle los dientes al cuerpo social. Leonardo Di Caprio
    comprende muy bien el juego (las palmas, de todos modos, se las lleva Jonah Hill, un genio cómico
    en las mejores manos) y hace de su protagonista el anti-Virgilio: en lugar de hacernos atravesar el
    Infierno dantesco, nos obliga a recorrerlo a puro disfrute. ¿Es Scorsese, de todos modos, un
    moralista? Sí, lo es, pero también sabe -y hacía mucho que no se daba cuenta- que sus valores no
    son universales. Por eso este retrato amoral lo coloca en su verdadero mundo, aunque haya menos
    tiros que de costumbre.
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  • Último viaje a Las Vegas
    La cruza de dos géneros: la comedia geriátrica (viejos actores quejándose de sus articulaciones) y la comedia alocada de viaje a Las Vegas. El resultado es, como corresponde, proporcional al profesionalismo de los actores, que aquí son Michael Douglas, Robert De Niro, Morgan Freeman y Kevin Kline, cuatro tipos que sacan esto de taquito e incluso le insuflan ciertas posibilidades para el placer. El director es el oscilante (a veces inepto, a veces no arruina el film) John Turteltaub. Sí, ya imaginó y sabe todo.
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  • Ritual sangriento
    Ritual sangriento
    Revista Noticias
    Este film es de esos que uno no espera. Sí, es “de terror”, pero no es puro susto y se va construyendo poco a poco, paso a paso, casi parsimoniosamente. Una familia que vive en el encierro para conservar costumbres centenarias tiene que enfrentarse con el mundo exterior. O, si usted quiere, al revés: el mundo debe enfrentar algo totalmente fuera de su experiencia, algo, sí, terrorífico. El peso de esta historia no está colocado en el efecto fácil sino en la actuación de los personajes, que poco a poco van develando un grado de locura notable. De hecho, el film, que plantea como núcleo el canibalismo, obliga a preguntarse si la paranoia o el miedo no son una locura mayor que comerse a una persona (por cierto: la respuesta es “no, tenemos miedo o somos paranoicos porque hay gente que se come a la gente”, pero durante el film tal verdad bascula y eso es lo bueno). Una pequeña y bien realizada artesanía cinematográfica sin grandes estrellas pero con grandes ideas.
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  • La chispa de la vida
    La chispa de la vida
    Revista Noticias
    Hace mucho, mucho tiempo, Billy Wilder realizó un film llamado El gran carnaval, donde un minero quedaba atrapado en una posición de fácil rescate y un periodista en la mala lo utilizaba para montar una operación gigantesca que lo devolviese a la fama. La chispa de la vida es, en gran medida, una remake, salvo que el punto de vista esta vez es el del hombre atrapado y el trasfondo, la crisis económica que atraviesa España. La diferencia también reside en que el humor de Álex de la Iglesia es más salvaje y repentino que el de Wilder, pero el problema básico reside en que la historia se vuelve alegórica, que su potencia satírica se vuelve crueldad y que las lecciones que debemos extraer de la situación nos estallan en la cara con una evidencia demasiado notable. Es una pequeña hazaña del guión que la negrísima posición en la que queda el personaje mantenga nuestro interés, pero para ello -también- debe el film volverse derivativo, en ocasiones sin rumbo, en busca de una tragedia anunciada. De la Iglesia multiplica las peripecias y los pequeños sketches para estirar el momento, un poco como los mismos personajes de la historia, aunque no siempre resultan pertinentes. Las perfectas actuaciones y buenas líneas de diálogos equilibran el panorama y permiten que el mensaje llegue a la audiencia, aunque sea algo que ya hemos visto y escuchado, y que quizás al ir al cine no tengamos demasiadas ganas de volver a oír.
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  • A la deriva
    A la deriva
    Revista Noticias
    Como todo policial negro, el film es también un paisaje social: un hombre sin trabajo y con familia termina haciendo cruces de droga en la frontera con Paraguay. Los apuntes sociales son más interesantes que la trama policial en sí, construida de manera demasiado mecánica como para integrarse con el resto del asunto. Lo mejor de la película, de todas maneras, es que su breve duración permite una gran concentración dramática. Pero queda a mitad de camino.
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  • Boxing Club
    Boxing Club
    Revista Noticias
    No está mal este documental sobre el mundo del boxeo, que sigue a cinco pugilistas en sus idas y vueltas de gimnasio y guantes, de barrio y cruces de golpes. Más allá del tema -que tiene una amplia tradición cinematográfica-, lo que vuelve interesante al breve film son sus protagonistas, a quienes uno desea seguir y ver. El resto, para el espectador avezado, no sonará demasiado original, aunque el realizador Víctor Cruz hace lo posible para eludir la mayoría de los lugares comunes.
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  • Esclavo de Dios
    Esclavo de Dios
    Revista Noticias
    Bueno, es así: hay un terrorista islámico y agente israelí en una especie de juego de gato y ratón, y el trasfondo es el atentado a la Amia. El film es una coproducción aunque en su mayoría es venezolano y generó reacciones y polémicas en su país. Pues bien: dejemos de lado que la ficción tiene razones que la razón no entiende, que se inspire en un hecho real (¿o vamos a protestar por una obra maestra como El Ciudadano a esta altura?) y todo lo que es ajeno a lo cinematográfico. En ese aspecto, nos encontramos con un episodio de serie de televisión, con un film clase B mediocre, como mucvho, con poco para ver y, sobre todo, con una parábola ramplona. La idea de “las dos caras de la moneda” puede ser válida siempre y cuando se desarrolle con sutileza, casi subterráneamente. Aquí es todo directo, de tal modo que el espectador no deba sacar ninguna conclusión de nada porque el film se las provee. Tema aparte, lo que hace de un film algo memorable no es su apego a la realidad sino su forma, que tiende a lo eterno. No es el caso, por supuesto.
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  • El Hobbit: La desolación de Smaug
    Quien esto escribe es fan de Tolkien y fan de la versión fílmica de El Señor de los Anillos. También admira mucha de la obra de Peter Jackson. Quien esto escribe, además, no considera que la fidelidad a un texto sea un valor fílmico. Dicho esto, el gravísimo problema de El Hobbit -mucho más notable en esta segunda parte que en la primera- es que padece de inflación. Compárese: El Señor... es una novela de 1.500 páginas condensada a diez horas fílmicas. El Hobbit es una novela de 400 estirada a diez horas fílmicas. En el proceso, se nota mucho lo superfluo, el relleno. En esta segunda parte hay notables secuencias de acciòn que podrían recortarse del film y servirían como perfectos cartoons de aventuras. Y hay una cantidad gigantesca, desproporcionada, de diálogo cursi, de palabras rimbombantes que no quieren decir nada, de subtramas imposibles. Al mismo tiempo, Jackson apela incluso al material que Tolkien no publicó en vida. Pero esto es un defecto del autor: a estas alturas, es un niño que quiere el álbum de figuritas completo, cuya única ambición es darle movimiento a una serie de libros adorados. Desgraciadamente, falla en lo principal: contagiarnos al menos la razón por ese amor a Tolkien, o al menos su pasión por la lectura fantástica y el cine. Hay buenos actores (Martin Freeman quizás es el único que entiende el juego) y lo que le hicieron a Orlando Bloom es infame.
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  • Paranoia
    Paranoia
    Revista Noticias
    Un joven, un invento, dos empresarios bastante inescrupulosos y una especie de combate sordo (bueno, no tanto: si no, no habría película) entre estos personajes por una potencial fortuna. El director Robert Luketic (el de la siempre genial, siempre subvalorada Legalmente rubia) firma un thriller efectivo y muestra que es un gran director de actores con dos tipos difíciles como Harrison Ford y Gary Oldman. Sí, claro que vale la pena verla, cómo no, especialmente por la tensión que crean estos monstruos en cada escena.
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  • Kon-Tiki - Un viaje fantástico
    Es bastante conocida la historia de aquel Thor Heyerdahl, que quiso probar que los nativos prehistóricos sudamericanos podrían haber viajado de América a la Polinesia con casi nada, una balsa de troncos. El documental sobre esa expedición fue un clásico, y esta reconstrucción a toda tecnología es una buena película de aventuras sin mucho vuelo pero con buenas imágenes. El cuento aún espera una buena adaptación en imágenes, aunque esta está cerca.
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  • Machete kills
    Machete kills
    Revista Noticias
    Otra de Machete. Bueno, en realidad Machete, el personaje creado por el tándem DannyTrejo (actor) – Robert Rodríguez (director) es una especie de juguete, de fetiche, de recuerdo de los seriales violentos de la clase B, cuando uno decía “veo la de Trinity” o “veo la de Sabata”. Aquí el simpático antipático que hace Trejo, una especie de cowboy sanguinario en un mundo siempre polvoso, se enfrenta a una banda de traficantes de armas de la peor calaña, comandados por ese gran sacerdote del humor negro llamado Mel Gibson. Se trata de un film absurdo, humorístico y desaforado, un recuerdo de todo aquello que puede hacerse en el cine sin necesidad de pedir disculpas. Es decir, de la búsqueda, por el lado de la crueldad fantoche y de la sangre demasiado colorida, de la libertad y la diversión, de la catarsis vertiginosa y -más allá de las citas puntuales a otros films, quizás lo menos lucido de esta clase de películas- una gran capacidad de invención. En el fondo, una película infantil (de las buenas) para público adulto.
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  • Este es el fin
    Este es el fin
    Revista Noticias
    Incluso quien no esté expuesto de modo constante a las últimas comedias cómicas estadounidenses (campo siempre despreciado, aunque de lo más interesante y vivo del cine actual) conocerán al menos los rostros de Seth Rogen, James Franco, Jonah Hill, Jay Baruchel, Michael Cera o Danny McBride. En “Este es el fin”, estos y otros actores, interpretándose a sí mismos, participan de una fiesta (que ocurre en la casa de Mr. Franco) justo cuando comienzan a suceder cataclismos, a caer luces celestiales, a revolverse la Tierra y el Cielo. En fin, que les llega el Apocalipsis mientras están encerrados en una casa. Tipos ricos encerrados, tratando de sobrevivir, en cierto sentido zánganos sociales: hay otra película con título apocalíptico que trata de lo mismo y se llama “El ángel exterminador”, de Luis Buñuel. Es decir: se puede ver como una parodia (aunque “El ángel…” ya era una sátira) de aquella obra maestra. Y también una autosátira de Hollywood y de qué significa para un tipo común y corriente volverse famoso, entrar a una especie de Olimpo prefabricado donde cualquier capricho se cumple. Caprichos triviales, claro. O puede verse como un film sobre la amistad, por qué no, dado que una de las líneas narrativas lo constituyen las idas y vueltas de la relación entre Baruchel y Rogen. Sin embargo –y las últimas secuencias son capitales– lo que hace de la película un cuento interesante es que se trata de una fábula moral: qué es realmente ser bueno. Una película mucho más importante de lo que parece, con su humor a veces escatológico, a veces tonto, pero siempre tierno y efectivo.
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  • Omisión
    Omisión
    Revista Noticias
    La idea de este policial es la siguiente: un cura no puede decir lo que sabe, que un psiquiatra comete crímenes. Y su ex novia -de antes de ser sacerdote, obviamente- es fiscal e investiga los crímenes. Algo así como Mi secreto me condena, de Hitchcock, pero en versión argentina. Tiene buenos momentos pero también muchos demasiado expositivos, como si no se confiara en la capacidad del espectador.
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  • Una segunda oportunidad
    Una segunda oportunidad
    Revista Noticias
    Agridulce y precisa comedia con dos actuaciones notables (la última de James Gandolfini, más Julia Louis-Dreyfuss), narra una historia de amor entre personas maduras, más -al mismo tiempo- las ventajas y desventajas de la vida en común. Una mujer se enamora de un hombre separado y tiene como clienta a su ex esposa. El juego entre los puntos de vista es notable y muestra con precisión la imposibilidad de experimentar el mundo por los ojos de otro.
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  • Mujer conejo
    Mujer conejo
    Revista Noticias
    Verónica Chen es una de las realizadoras argentinas más dotadas de las últimas generaciones. Con Mujer conejo decide dejar volar la imaginación formal para contar una historia que parte de lo cotidiano y plomizo para llegar a niveles de delirio que nunca caen en la parodia o la mirada con sorna. Una mujer descubre que la mafia china maneja a la policía, se encuentra con conejos genéticamente modificados y decide convertirse en algo así como una superheroína. Los géneros populares (el policial, la animación, la ciencia ficción, la fantasía) se mezclan como pinceles diferentes que permiten que cada espacio del film tenga la textura que le corresponde. El resultado, incluso si es desparejo, resulta notable y generoso: se basa en otorgarle al espectador el derecho al goce y a reinventar a partir de lo que mira. Incluso en sus desprolijidades, un film arriesgado que intenta -y logra- ir más allá de la corrección imperante.
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  • La sospecha
    La sospecha
    Revista Noticias
    Un tremendo film de suspenso, lo que implica que hace sufrir al espectador. Pero no solo porque sea una película entretenida (lo es) sino por el oscuro mundo que presenta. En un día cualquiera, en pleno día, desaparecen una nena y su mejor amiga. Los padres se desesperan, el único sospechoso es un joven con el coeficiente intelectual de diez años, la investigación sigue pistas falsas y la presión crece hasta que el padre de una de las desaparecidas decide tomar las riendas del asunto. Pero lo que podría ser una versión suburbana de “Taken” es, en realidad, otra cosa más compleja, un mapa moral sórdido donde no faltan los ingredientes psicopáticos, las vueltas de tuerca y la idea –tremenda– de la imposibilidad de la razón y la lógica por contener el caos de la sinrazón. En algunos momentos el film es moralmente ambiguo, molesto incluso, al punto de enojarnos con personajes llevados al máximo de tensión emocional. Y es cierto que juega con el mayor temor de las clases medias contemporáneas: la pedofilia y el asesinato de menores. Pero incluso si esto puede llevar a una discusión, el oscuro, glauco mundo del film, sostenido por actores perfectos (Jackman, Bello, Gyllenhall, Dano, Leo, Howard) otorga una sensación de realidad notable, que vuelve al film una parábola dura y tensa. Una pequeña sorpresa a esta altura del año.
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  • Cuestión de tiempo
    Cuestión de tiempo
    Revista Noticias
    Rachel McAdams salva bastante este film sobre un hombre que puede viajar en el tiempo pero que gana y pierde, por esa característica, a su mujer soñada. Quien haya visto Hechizo del tiempo notará más de un parecido, aunque aquí la cantidad de sacarosa le quita todo ácido a lo que, de otro modo, podría ser una buena reflexión en tono de comedia sobre cómo utilizamos el tiempo que nos ha sido dado.
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  • Las brujas
    Las brujas
    Revista Noticias
    Nunca sabremos bien si Álex de la Iglesia filma para divertirse o para divertir a otros. En sus mejores películas, hace ambas cosas; en las peores, solo lo primero. Aquí parece ir de un lado a otro: un absurdo asalto que sale mal (con un cómico Jesús metalizado) en el contexto de la crisis española termina con una fuga que lleva a los protagonistas a enfrentar brujas caníbales al por mayor. Y allí se corre y se ríe, aunque el espectador se agota mucho antes del último rollo.
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  • Un paraíso para los malditos
    Primera constatación: Joaquín Furriel debería haber nacido donde el cine de género tuviese más presente y futuro, porque parece haber nacido para eso. No necesita hablar para que parezca, en este film, una versión Conurbano del Samurai que interpretó Alain Delon alguna vez. Este hombre es un asesino, comete un crimen y ocupa el lugar del muerto. Pero también consigue una familia de la que, poco a poco, se vuelve responsable. El espectador sabe que cualquier felicidad en este terreno es efímera y que se camina por una cuerda floja; el realizador Alejandro Montiel también sabe que está en campo conocido y por eso mismo deja de lado cualquier deriva, cualquier elemento que pueda disolver las posibilidades del drama o del suspenso. Adaptada a ese tono menor, a contar un cuento lo mejor posible, lastrada quizás por algún efecto dramático de más, Un paraíso... es una película noble y precisa, de esas cuyas criaturas nos importan.
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  • Lluvia de hamburguesas 2
    Lluvia de hamburguesas 2
    Revista Noticias
    La primera “Lluvia…” se convirtió en una de las películas de animación digital más originales dentro de un panorama que ya ha establecido sus propios lugares comunes. La segunda tiene una ventaja: conocemos de qué se trata y, también, a los personajes; el acento está menos en la historia que en la capacidad de invención de los dibujantes y animadores, que llegan a extremos de auténtico –y efectivo– surrealismo. El film cuenta cómo la comida restante de la primera película ha cobrado vida de las maneras más absurdas y pasan de ser una serie de graciosos gags a una verdadera amenaza. Sí, es cierto, hay un trasfondo “ecológico” en lo que vemos, pero es realmente lo de menos.

    Sin tener la precisión emotiva del primer film, que además de hacernos reír nos enamoraba de sus criaturas, esta segunda parte apuesta todo al ritmo a veces desenfrenado y a la sorpresa gráfica. En general, acierta, aunque en ocasiones los gags se tornan derivativos, como pequeños cartoons dentro de la gran película (algo que se ha vuelto una costumbre en esta clase de films, pero que aquí resulta un poco saturante). Lo interesante, de todas formas, es que “Lluvia…” captura el ojo con colores alegres y una especie de felicidad anárquica, que no siempre aparece en el cine animado industrial, demasiado preocupado –cada vez más– por recuperar inversiones millonarias.
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  • Olvídame
    Olvídame
    Revista Noticias
    Aldo Paparella monta aquí una ficción sobre los extremos, el fanatismo y la desesperación, centrándose en el sacerdote de una secta y asesino compulsivo, que finalmente encuentra un amor apasionado y total. La película tiene elementos de thriller, tiene erotismo y busca zonas oscuras que, el ocasiones, logra plasmar con precisión gracias al buen trabajo de los actores. Pero en ciertos momentos, también, se nota cierto regodeo en lo “oscuro”, que deja al espectador la impresión de algo forzado, incluso sobreactuado.
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  • María y el Araña
    María y el Araña
    Revista Noticias
    María Victoria Menis ha mostrado a lo largo de su filmografía que sabe cómo llegar al fondo sensible de sus personajes. Esta fábula sobre la pobreza, basada en el amor entre dos chicos marginales de 13 y 17 años, esquiva muchos golpes bajos y el miserabilismo, riesgos mayores de una propuesta de este tipo. Pequeña, sensible y bien realizada, la película recorre al mismo tiempo una ciudad y sus suburbios como un laberinto que refleja las emociones de sus protagonistas.
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  • Rush - Pasión y gloria
    Rush - Pasión y gloria
    Revista Noticias
    Quienes vivieron los setenta, esos años dorados de la Fórmula 1 saben que la pelea Nikki Lauda-James Hunt se había vuelto mitológica (algo que nunca fue, disculpen el recuerdo, la reyertita Reutemann-Alan Jones). El director Ron Howard logra, en las escenas de peligro y carreras, transmitir algo del peso físico de la historia, algo que la asemeja bastante con su -hasta hoy- mejor film, Apollo XIII. Los actores cumplen perfectamente, y quienes crean que Chris Hemsworth es nada más un paquetote carilindo verán que sí, bueno, lo es pero también sabe actuar. Lo que no se logra, y aquí es donde uno puede decepcionarse un poco, es el peso dramático, mucho más cercano a lo televisivo que al propio cine. El problema no es tanto que haya lugares comunes (qué film no los tiene) sino que parecen más fruto de la pereza que de la convicción, como si los actores, al decir ciertas líneas, se dijeran a sí mismos “no puede ser que alguien diga esto y lo crea”. Pero los motores rugen, y eso es lo que vale.
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  • Carrie
    Carrie
    Revista Noticias
    La película de Brian De Palma de 1976 es una obra maestra solo rechazada por quienes desconocen el cine. Como dijo alguna vez el gran crítico Ángel Faretta, más que un film de terror es el último gran melodrama, y es cierto: el amor imposible, el rechazo social, la compleja tensión familiar y el estilo colorido y desmelenado son sus ingredientes. Kimberley Pierce es una buena cineasta, y cabía esperar de ella una re-versión del texto que lanzó a la fama a Stephen King. Pierce había logrado un gran melodrama femenino con “Los muchachos no lloran”, y si bien ha tenido altibajos, es una cineasta coherente con sus principios. Pero tanto respecto de la obra de la directora como respecto del peso del enorme antecedente, esta “Carrie”, con las excelentes Julianne Moore y Chloe Moretz, queda a mitad de camino. Pierce pone el acento en el peso de la represión y de la mirada de los otros contra la mujer, y el despertar de Carrie es ni más ni menos la liberación de pulsiones, mucho más que el estallido moral –y político– del film original. El problema de Pierce reside en que no termina de crear un mundo totalmente propio, de apropiarse del cuento. Allí es donde la película decepciona, incluso si tiene momentos que rozan lo brillante. Hay algo más con Chloe Moretz: siempre vemos una adolescente bella “afeada” para la película –es decir, se nota el artificio–, y eso, una falla técnica, termina afectando la potencia dramática. Con sus peros, de todas formas, una versión interesante.
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  • Kick-Ass 2
    Kick-Ass 2
    Revista Noticias
    Había una buena idea en la primera Kick Ass, que por otro lado provenía del comic en el que se basa: que no siempre la voluntad permite que nos transformemos en lo que querramos. En la crítica a esa idea de la utopía americana y en su mezcla de violencia disparatada y parodia constante del super héroe, el film lograba ser interesante, fresco, incluso emotivo. Pero esta segunda parte tiene todos los defectos y ninguna de las virtudes de la primera. Aquí, el accidental éxito del joven enmascarado y sin talento ni fuerza lleva a otros fans a convertirse también en vigilantes enmascarados, lo que causa cierto caos. Pero las bromas para entendidos, la búsqueda del efecto físico más o menos gratuito y el desliz hacia la pura parodia hacen que aquello que tenía de interesante, de humano y de ambiguo el film original se diluya absolutamente. Da la impresión de que al director le interesan menos los personajes que diseñar un lindo póster. Una buena idea que ya dio todo lo que podía dar.
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  • Tiempo de caza
    Tiempo de caza
    Revista Noticias
    Uh, bueno, De Niro y Travolta son veteranos de Bosnia, parecen amigos, uno se quiere vengar del otro y van ahí uno contra otro en lo salvaje, y después vienen los reproches y las heridas terribles. Sí, quizá es un poco un lugar común grande, y lo que esperamos es ver a dos actores sacarse chispas. El problema es que el relato está filmado a desgano y sobreexplicado. Una menos.
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  • La infiel
    La infiel
    Revista Noticias
    Un hombre razonable, demasiado enamorado de su muy bella esposa, descubre que ella tiene una relación paralela, lo que lo lleva a la tragedia. El film decide tomar como norte el drama interior de los personajes y la retórica de la culpa, lo que vuelca casi todo el peso de la puesta en escena en el trabajo de los actores. Y si bien es perfecto, eclipsa esa dimensión extra que el cine provee a lo que, de otro modo, sería correcto teatro. De todos modos, apreciable.
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  • Los elegidos
    Los elegidos
    Revista Noticias
    Es extraño cómo la mirada sobre una película cambia de sociedad en sociedad. Este cuento de una familia suburbana que es poco a poco atacada por una fuerza maligna que se apodera de ellos (sí, ya la vio mil veces) es descripta en los EE.UU. como una “metáfora de cómo la crisis económica destruye la sociedad”. Aquí quizás esa lectura se nos escape (un poco, tampoco tanto) y lo que queda es una bien orquestada sucesión de efectos terroríficos y un film que apunta más a cómo sienten los personajes que a usarlos como maniquíes del susto. El realizador Scott Stewart lleva dos ficciones de terror-ciencia ficción con mucho de religioso (Legión y Priest) y aquí sigue tratando de acercarse a su modelo John Carpenter. En algunas secuencias (el ataque de los pájaros, resuelto con la misma limpieza que en la excelente El conjuro) lo logra. En otras parece buscar su estilo a pura reelaboración de clichés. Si quiere un buen susto, lo va a obtener.
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  • Adoro la fama
    Adoro la fama
    Revista Noticias
    La palabra podría ser “insustancial”. Pero sonaría despectivo, porque la constante de la obra de Sofía Coppola hasta aquí es, justamente, pensar qué es “insustancial”, qué es lo que nos fascina de los brillos fugaces de la fama y sus vestimentas. Salvo en su opera prima, la excelente “Las vírgenes suicidas”, en todas sus películas la idea de ser parte de una elite y vivir en o por ella aparece como una reflexión.

    “Amo la fama” es la historia de una banda de adolescentes que robó casas de estrellas y famosos, más fascinados por penetrar ese universo glamoroso que por el dinero en sí mismo. Que el film, elegante y sincero, se base en una noticia real no es lo de menos: el estilo de cuento de hadas moderno que Coppola imprime en todas sus ficciones y que es, en cierto punto, perturbador –en cuanto comprendemos los deseos demasiado humanos de sus protagonistas, demasiado “insustanciales”– choca contra la conciencia de que tales personas existen en el mundo detrás de la pantalla.

    El problema siempre en el cine de esta directora es el regodeo en la espontaneidad de algunos gestos, en la deriva circunstancial. No es que esté “mal” en sí, sino que diluye la potencia dramática o la precisión de la mirada y transforma la película en un caramelo pop de consumo inmediato. Al mismo tiempo, su mayor virtud y su mayor defecto. Incluso así, es un film para mirar con atención, de una realizadora que tiene una voz propia. No es poco.
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  • Riddick
    Riddick
    Revista Noticias
    Cuando Hollywood tiene plata, puede incluso hacer películas clase B lujosas y llenas de efectos especiales. Esta nueva aparición del tipo superfuerte que puede ver en la oscuridad (personaje de culto en otras latitudes creados por el simpático paquetón de Vin Diesel) aquí se enfrenta a cazadores de recompensas y monstruos enormes. No hay gran cosa más que el delirio visual que, de todos modos, está bastante contenido. Pero no aburre, y hasta sus personajes se nos hacen interesantes. Un poco, ojo, no vaya a creer...
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  • Apuesta máxima
    Apuesta máxima
    Revista Noticias
    Un joven se mete en el mundo de las apuestas por Internet, contrae deudas y es coptado por una especie de líder del asunto. La pareja de tipos cool que tratan de forrarse los bolsillos está constituida por dos de los actores más, bueno, sí, cool del mundo, Ben Affleck y Justin Timberlake, lo que garantizaría el espectáculo. Una dirección morosa, sobreabundancia de lugares comunes puestos para emparchar la trama y dos actores librados a su suerte neutralizan el efecto.
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  • Capitán Phillips
    Capitán Phillips
    Revista Noticias
    La historia es real y seguramente el lector la recuerde: un barco de carga de tripulación estadounidense es abordado por piratas somalíes que mantienen a su capitán, Richard Phillips, como rehén hasta que una operación de rescate trágica acaba con el asunto. Transformar esto en una película es complejo y tiene dos riesgos: uno, transformar el asunto en una lección declamatoria respecto de las desigualdades del mundo; dos, centrarse exclusivamente en la actuación de la estrella del film (Tom Hanks, que está excelente pero eso ya casi no es novedad) y sentirse conmovidos exclusivamente por ella.

    Por suerte, detrás de todo está Paul Greengrass, uno de los pocos realizadores capaces de combinar la política y el apunte social con el gran espectáculo. Para darse una idea, ver “La ciudad de las tormentas”, gran film sobre la mentira de las armas de destrucción masiva en Irak que no se estrenó casi en ningún lado, o “Vuelo 93”, la sanguínea historia del avión que no llegó al blanco el 11-S. Aquí, Greengrass despliega su talento para el lenguaje casi documental en las secuencias –no demasiadas– de acción y el realismo en la relación entre Phillips y el jefe de los piratas. De lo que se trata el film es de la desesperación: la del hambre que lleva al delito, la de la urgencia por salvar la vida, la de la necesidad de comprender al otro para no morir en una situación compleja y laberíntica. Una metáfora sobre el naufragio de un modelo de sociedad.
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  • Los quiero a todos
    Los quiero a todos
    Revista Noticias
    Adaptación al cine, realizada por el propio autor, de una obra teatral. Aunque esto puede no ser muy auspicioso, el trabajo de cámara, los silencios y el ritmo son bien de película. Se trata de un fin de semana de gente en sus treinta largos, personas que están atravesando el límite entre la juventud y el desencanto. En algún punto, el film se excede en su melancolía, que parece forzada en ciertas secuencias. Pero rezuma sinceridad y eso se contagia al espectador.
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  • La noche del demonio 2
    La noche del demonio 2
    Revista Noticias
    Después de una verdadera joya como El conjuro, James Wan está bien establecido como un director importante del género terror. Esta secuela de La noche... es más convencional que su film anterior, pero igualmente efectivo. Wan tiene eso que se necesita tanto en el terror como en la comedia: timing justo para que el cuerpo del espectador responda a la emoción. Un notable film de fantasmas donde, nuevamente, la cuestión de la familia es el núcleo alrededor del cual se teje la amenaza.
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  • Gravedad
    Gravedad
    Revista Noticias
    Sandra Bullock también es una de las mejores actrices del mundo. Gravedad es la historia de una científica que, tras realizar una tarea rutinaria en órbita a la Tierra, sufre un accidente y queda varada en el espacio, incomunicada (salvo con su compañero de desventura, George Clooney, aquí no más que un personaje secundario) y con solo dos herramientas para sobrevivir: cerebro y determinación. Son noventa minutos de suspenso intenso donde todo sigue las más trágicas reglas de la física, donde la acción más simple puede volverse catástrofe. El realizador Alfonso Cuarón ( ...Y tu mamá también y Niños del hombre) acomete la hazaña técnica de filmar el espacio como nunca antes, con largas tomas en movimiento que son algo más que pura ingeniería: sumergen al espectador, desgraciado y agradecido compañero de aventuras, en la situación de la heroína. Porque es Bullock, actuando con todo el cuerpo, la que logra que este no sea solo un alarde de efectos especiales. De lo que se trata es de una mujer -una persona- sola y en peligro. No hay películas así, tan parte del gran espectáculo como del ensayo introspectivo.
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  • Blue Jasmine
    Blue Jasmine
    Revista Noticias
    La verdad sea dicha: hace una década que uno no espera demasiado de Woody Allen. Sus últimos films, incluso los más logrados como “Medianoche en París”, parecen desparejos, paseos apenas por locaciones y tópicos mellados. Como si Allen no sintonizara ya con el mundo contemporáneo.

    Y entonces aparece este film: con un personaje en crisis (una de las mejores actrices del mundo, la gran Cate Blanchett, que levanta toda escena, incluso aquellas un poco desparejas), una trama -como siempre- complicada y el viejo juego de Allen sobre el amor y el azar. Aquí hay una mujer de clase alta que ve cómo su mundo se disuelve de modo repentino y debe enfrentarse a la depresión, a un nuevo comienzo, a la realidad de un mundo que no quiso ver y a la posibilidad de que alguien se enamore de ella.

    Allen decide ser riguroso en la manera casi documental en que sigue a la actriz creando su personaje, llenarlo de humanidad, volverlo empático hasta en sus costados menos tiernos. Por una vez, la trama llena de vueltas y recodos es menos un alarde del guionista que el reflejo realista de un mundo complejo donde el milagro es cotidiano, donde la felicidad simplemente sucede -o no-.

    El film no es exactamente un drama ni exactamente una comedia, y en ese tono fluctuante Allen parece haber reencontrado la manera de comunicar la ironía trágica que hizo de “Crímenes y pecados” una obra maestra. Y repitamos: tiene a Blanchett para que le creamos todo. Un gran regreso.
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  • Bella addormentata
    Bella addormentata
    Revista Noticias
    Lejos de la potencia melodramática de la genial Vincere, Marco Bellocchio construye aquí un mosaico de historias alrededor de los últimos días de vida de una mujer en estado vegetativo. En cierto punto, parece acercarse al Terenece Malick de El árbol de la vida, aunque el film opta por una humanidad mayor. Un ejercicio de estilo de un cineasta enorme, aquí en sordina.

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  • 20.000 Besos
    20.000 Besos
    Revista Noticias
    Muy buen debut como director del crítico Sebastián De Caro. El film es una comedia romántica, y en ese sentido maneja muy bien sus códigos. Pero también es el retrato preciso y desde adentro de una generación, la primera en retrasar (o no definir) su madurez. De Caro quiere mucho a sus personajes y eso logra que nosotros también sintamos empatía con ellos. Pequeña joya.
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  • Starlet
    Starlet
    Revista Noticias
    A esta altura de los acontecimientos, el estilo naturalista, las actuaciones pegadas a lo real, las historias de amistad en los Seguir leyendo...
  • Elysium
    Elysium
    Revista Noticias
    Veamos: en una estación orbital gigantesca, libre de enfermedades y villanías, paradisíaca a más no poder, vive la clase dirigente. En la Tierra, superpoblada, explotada, criminal, sucia, vive la mayoría -descartable- de la Humanidad. El realizador Neil Blomkamp ya había usado la extrapolación política en Sector 9, donde se reconstruía el Apartheid pero con extraterrestres. Aquí hablamos del capitalismo, la lucha de clases y esas cosas. Pero en el fondo -o, mejor dicho, en la superficie-, una vez que comprendimos de qué va la metáfora política, estamos ante una interesante película de ciencia ficción con “buenos” y “malos” bien detallados. Lo más interesante, en este marco, son las decisiones (un marxista diría “la toma de conciencia de sí y para sí”) del personaje de Matt Damon, un obrero al que un accidente enferma de cáncer fulminante y que sólo puede curarse viajando a Elysium, la maravillosa base oribital de redundante nombre, comandada por una Jodie Foster perfectamente desagradable. Hay aventuras, amor, violencia, locura, tiros y mambo, como corresponde a un film de gran presupuesto que debe amortizarlo. Pero no se olvida nunca de la dimensión humana, de los personajes, de ese lazo de empatía que es neecesario para que una película nos interese. Sin ser genial (el planteo es bastante simplón y no escapa de secuencias remanidas), busca que el espectáculo funcione como lupa de nuestro mundo, algo que muchos cineastas (de los “serios” y de los “comerciales”, unidos en la misma miopía) suelen olvidar.
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  • Caídos del mapa
    Caídos del mapa
    Revista Noticias
    Basada en una exitosa saga de libros infantiles (preadolescentes sería más preciso) esta película tiene sus pros y sus contras. Entre los segundos, cierta falta de timing a la hora del humor, que parece televisivo. Entre lo primero, que las relaciones entre los personajes se desarrollan con bastante precisión y, en última instancia, terminan causándonos una enorme simpatía. Un film que apunta a un público específico, y quizás ese sea su peor defecto.
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  • Hannah Arendt
    Hannah Arendt
    Revista Noticias
    La filósofa Hannah Arendt escribió un relato notable (fue en realidad un encargo periodístico para el New Yorker) sobre el juicio a Eichmann en Jerusalén. El film, que cuenta al personaje y la circunstancia, es preciso, deja hablar a su protagonista (gran Barbara Sukowa) aunque por momentos resulta demasiado académica y “respetuosa” del personaje. De todos modos, una película que jamás deja de interesar y conmueve.
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  • La noche de la expiación
    El problema de esta película es técnico, no de ideas. En efecto: la idea da para un film más breve, un cortometraje largo o un mediometraje. En el formato de “largo”, pierde algo de efectividad. Sin embargo, no deja de ser una obra de las que se solían llamar “provocadoras”: en un futuro no lejano, los EE.UU. han resuelto sus problemas de desempleo y violencia por el simple trámite de permitir que una noche al año se cometa cualquier crimen sin castigo. Un poco exagerado, es cierto, pero funciona: una familia acomodada que se encierra para pasar esa noche, por el acto de piedad de un niño, se ve envuelta en la misma violencia que rechaza. La película utiliza los modos y mucha de la iconografía de cierto terror reciente (la vertiente “extraños nos vienen a matar, qué les hicimos”) y, si bien como fábula política es interesante, se dijo: los efectos comienzan a reiterarse y a ocupar el centro de la escena. Ethan Hawke, perfecto, mantiene el tono de cuento moral que la historia necesita, y se agradece.
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  • Chicas armadas y peligrosas
    Cualquiera que haya visto a Sandra Bullock en esa joya subvaluada que es Miss Simpatía y cualquiera que haya visto a Melissa McCarthy en Damas en Guerra (o la serie Mike & Molly) sabe que han nacido la una para la otra. Aunque son dos actrices cómicas con estilos diferentes, resultan altamente complementarios. El género policial permite, además, colocarlas en situaciones extremas: una mina de oro para la risa. Es cierto que hay muchas películas de “pareja despareja”, especialmente policiales, pero en manos de dos actrices inteligentes el efecto resulta diferente. Es, también, un film de relaciones, de exploración de la personalidad femenina contado desde adentro, donde el artificio del guión se disuelve: realmente creemos en esos personajes, no vemos a las intérpretes tratando de parecer graciosas sino que acompañamos a sus criaturas en todo el viaje. El film es, además, generoso en invenciones y en el uso de la acción, que es justo. Por otro lado, mientras una señorita arrogante y una mujer aparentemente grosera se van compenetrando, aparece otro costado: el de la inteligencia. En efecto, la película deja claro que no se trata solo de dos maniquíes dispuesto para el chiste, sino de dos personas, cada una de ellas con un conocimiento preciso del mundo. Si triunfan, es porque además del disparate y las emociones, son personas capaces de reflexionar y actuar. Esa característica, olvidada muchas veces en el cine de humor más simple, le otorga otra dimensión a esta comedia encantadora.
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  • Son como niños 2
    Son como niños 2
    Revista Noticias
    Si Adam Sandler, Chris Rock, David Spade y Kevin James no fueran grandes cómicos, este film sobre la amistad y la madurez sería básicamente insufrible. Su director, Dennis Dugan, ha logrado buenas cosas con Sandler (la genial No se metan con Zohan, sin ir demasiado lejos) pero aquí la capacidad de invención cómica está por debajo de la capacidad tanto de los intérpretes como del director. Paso en falso simpático ocasionalmente gracioso.
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  • R.I.P.D. Policía del más allá
    Dos policías del más allá (sí, seamos redundantes, de eso se trata) son enviados a impedir que almas que no quieren pasar a mejor vida nos arruinen la nuestra. Y eso, nada más que eso con escenas de acción más o menos a reglamento, la inexpresividad cercana a la parálisis de Ryan Reynolds y, por suerte, el señor Jeff Bridges, que comprende que todo esto es una pequeña locura y la toma con la amabilidad y las ganas de jugar que corresponden. Desgraciadamente, es el único que se da cuenta de cómo enfrentar esta pequeña fantasía.
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  • Dos armas letales
    Dos armas letales
    Revista Noticias
    Quizás recuerde una película que se llamaba Invierno caliente (en realidad, 101 Reikjávik, donde un joven islandés se enamoraba de la novia de su madre), una comedia de costumbres en medio tono, bien realizada y cincelada. Su director era Baltasar Kormákur, que logró hacerse un pequeño nombre en el circuito de festivales. Trasladado a Hollywood, realiza esta película de acción sobre dos agentes encubiertos (Denzel Washington y Mark Wahlberg) incluso para ellos mismos, en una trama de acción, violencia y un sinfín de vueltas de tuerca. De aquel Kormákur, se nota que le interesan mucho más los personajes y actores (Wahlberg y Washington son un placer para la vista) que la historia, convencional incluso en sus sorpresas. La acción está realizada con solvencia pero solo eso, y lo que más importa es el show de sus protagonistas y el diseño de imágenes, que se acercan al estilo visual de la historieta sobre la que se basa la historia.
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  • Wakolda
    Wakolda
    Revista Noticias
    Hay films cuyos valores de producción prometen algo que, finalmente, no cumplen. Wakolda es uno de ellos: la historia gira alrededor de la presencia de Josef Mengele, brevemente, en Bariloche, y su relación con una familia que se ve poco a poco coptada por la magnética figura del genocida, sin conocer su verdadera identidad.

    En realidad, hay muchas historias en la película: el núcleo es la fascinación de la hija de esa familia (una chica de doce años que parece de ocho) con el hombre, que la utiliza para experimentar con hormonas de crecimiento (aunque bien podría hacerlo por amor a la belleza, por una fascinación morbosa).

    El problema es que este núcleo prometedor aparece compitiendo con varios (muchos) hilos narrativos demasiado abigarrados, mostrados sin intensidad, datos de un libro al que nadie quiso cortarle una coma.

    Algunos, además, generan un subrayado grosero, como si el espectador no comprendiera el paralelo entre el padre que quiere crear la muñeca perfecta y Mengele experimentando con la genética. Incluso la situación final, que incluye elementos para un buen film de terror, aparecen desperdigados como apuntes, hilvanados más que integrados a la trama.

    Las buenas actuaciones y los paisajes hacen que el film no sea invisible. Su problema es ser la ilustración de un libro y no una película en todo su derecho, como si el cine fuera, aún, un arte menor.
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  • El hombre de los puños de hierro
    Mucho despliegue visual y muchísimos actores (entre ellos el gran Russel Crowe) en una fantasía de efectos especiales y kung-fu cuya puesta explosiva lleva todo al lado del absurdo humorístico. En muchos momentos la ensalada funciona bien, en otros, como el piola de la fiesta que se pasa de rosca, aburre. Una de esas rarezas simpáticas que se realizan como un juego entre amigos, aquí en torno del padrino Tarantino.
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  • Sólo para dos
    Sólo para dos
    Revista Noticias
    Pareja en crisis tiene un resort (para parejas en crisis). Los nuevos huéspedes ponen en cuestión los sentimientos de esta pareja y comienzan los enredos. Desgraciadamente, estos “enredos” carecen de la cualidad fundamental para que la comedia se desarrolle: timing. Quizás no la mejor película para que Martina Gusmán se muestre como comediante: será cuestión de esperar otra oportunidad.
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  • Cacería macabra
    Cacería macabra
    Revista Noticias
    Veamos: familia de clase media alta, festejando un aniversario, se ve atacada por un grupo de psicópatas que lleva máscaras de animales y los va matando uno por uno. Ok, ya la vio y lo primero que habría que pensar es por qué esta fórmula del cine de terror es tan abundante hoy día. Pero no, no la vio: dos elementos (una formidable vuelta de tuerca y que todo se transforme en una comedia negrísima con algo de Duro de matar bien consciente) hacen que la fórmula recupere fuerza. Cacería.. es de ese tipo de películas sorprendentes que creemos haber visto muchas veces pero que, al recordarla, nos damos cuenta de que no es así. Varias ideas visuales muy interesantes mantienen el clima de tensión y nervio suficiente para que, de principio a fin, sintamos lo que debemos sentir por esos personajes nada simpáticos (otro acierto): miedo. El ataque a flechazos a la casa al principio es de una precisión notable, y todos los protagonistas comprenden la difícil cuerda de unión entre el terror y la risa.
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  • Percy Jackson y el Mar de los Monstruos
    La primera Percy Jackson no logró el impacto suficiente para iniciar una serie inmediata, aún si su director era el mismo de las dos primeras Harry Potter (el ocasionalmente bueno Chris Columbus) y superaba a su modelo. En fin: los estudios siguen buscando el Santo Grial de la Serie Millonaria y van a por ello. Lo peor que se puede decir de este Mar de los Monstruos es que difícilmente encontremos algo original: adolescentes con mágicos poderes (son hijos de dioses y hombres) luchan por salvar el mundo de un conflicto universal en el marco de la mitología griega. Lo mejor que se puede decir es que el film mezcla en partes equilibradas acción y humor, que carece de esa autoironía “para adultos” que termina siendo un guiño canchero en la mayoría de los casos, y que es generosa en el rubro espectáculo. Pasan muchas cosas, hay muchos peligros y, en términos generales, la acción física está bien diseñada y mejor filmada. Los personajes son simpáticos, lo que implica que no nos cuesta demasiado identificarnos con ellos y preocuparnos por lo que les suceda. Es decir, un film no especialmente memorable pero que no nos deja con la sensación de no haber visto nada, e incluso promete que, en caso de haber una tercera película (la cuestión es un tanto peliaguda dado que no fue un gran éxito en los EE.UU.), puede ser mejor. Una golosina para los ojos, no más.
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  • Las razones del corazón
    Las razones del corazón
    Revista Noticias
    Una muy buena lectura en clave melodramática (pero también, aunque en un sentido algo retorcido, satírica) de Madame Bovary por el maestro mexicano Arturo Ripstein (NB: ¿recuerda que supo estar de moda Ripstein y, de pronto, nadie lo volvió a estrenar?). Esta trasposición a un universo más próximo en el tiempo y el espacio de la genial novela cumple con lo que debe ser una buena adaptación: concretar una lectura posible de lo esencial del texto a través de la imagen. Ripstein cumple con creces.
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  • Séptimo
    Séptimo
    Revista Noticias
    Si no fuera porque Ricardo Darín es realmente un tractor a toda prueba (aunque en más de una secuencia de este film se lo nota incómodo), este film no pasaría de ser un programa televisivo estirado y una historia de suspenso sin suspenso. Que, incluso con una premisa fuerte (a un hombre le secuestran sus dos hijos, nada menos) no logra introducir al espectador en el océano de la angustia. Un mal paso policial.
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  • Aviones
    Aviones
    Revista Noticias
    Sería injusto tratar esta película como una más de Pixar por dos razones. En principio, y aunque el espectador no note la diferencia a simple vista, es un film de Disney Animation, no de Pixar (aunque se base en la idea de Cars, en realidad una idea muy antigua, la de humanizar cosas). En segundo, porque la intención es la de generar una franquicia casi “clase B” dentro de las posibilidades de la animación digital; en ese sentido, su norte comercial evidente implica también una cierta sinceridad. En esas condiciones, el cuento del avioncito que quiere ser un gran corredor -trama parecida a Turbo, linda película animada sin suerte de este año- posee tres valores interesantes: los personajes son simpáticos, las secuencias de acción están bien planeadas y ejecutadas, y la trama es veloz. No por cierto una obra maestra (ni mucho menos), su gran defecto es que en varias ocasiones cae en la pereza del lugar común. Un juguete casi específicamente diseñado para vender otros juguetes.
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  • El ataque
    El ataque
    Revista Noticias
    Hace unos meses se estrenó en la Argentina “Ataque en la Casa Blanca”. En esta columna, confundimos su director: era Anton Fuqua y dijimos que era Roland Emmerich. Pues bien, es que Roland Emmerich tenía para estrenar, y aquí está, otra película sobre un ataque a la Casa Blanca, que se llama (sí, bueno, qué decirles…) “El ataque”.

    La diferencia entre ambas es que en ésta todo es mucho más colorido, más espectacular y más disparatado, dado que a Emmerich, el tipo detrás de “Día de la Independencia” (film que arranca excelente y termina paupérrimo) o la muy interesante “2012” (toda una fábula política en sordina) nada le produce demasiados escrúpulos. Especialista en reventar el símbolo del poder estadounidense, aquí utiliza el escenario para una trama a lo “Duro de Matar” (muchacho armado que sin querer anda por ahí cuando todo revienta, sí, bueno, es igual a la otra) bastante dinámica y tensa.

    El ejercicio interesante es que, ante films similares, se pueden descubrir esas filigranas que solemos llamar “estilo”, y que evidentemente para los estadounidenses, a una década del 11-S, no hay lugar libre de peligro. Por lo demás, será la seguidilla de tiros y explosiones espectaculares que adivina, como dice Hollywood, “un caramelo para la vista”, que a veces empalaga un poco.
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  • Declaración de vida
    Declaración de vida
    Revista Noticias
    Mala elección del título en castellano, cuando se trata de una pareja de padres que directamente le declara la guerra al tumor que padece su hijo. Pero lo que podría ser uno más de esos films de “la enfermedad de la semana” se convierte en un relato equilibrado y amplio, épico de una forma secreta, sobre la determinación humana y sus motivos. Hay una gran sensibilidad en la directora, guionista y actriz Donzelli para pintar personajes y reflejar sus motivos que vale la pena seguir.
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  • Las crónicas del miedo 2
    Hay algo interesante en esta serie: el uso de la tecnología y la coartada del “video enconrado” permite a los realizadores jugar con los puros efectos terroríficos y preguntarse, de modo divertido y siniestro, cómo funcionan, por qué, qué nos asusta. Aquí como en la primera hay de todo y la historia es lo de menos. Una oscurísima -y también más que dignamente dirigida- manera de acercarse a la sustancia de las pesadillas. Se va a asustar y eso aquí es un acierto.
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  • Amenaza roja
    Amenaza roja
    Revista Noticias
    No solemos hacer esto, pero le proponemos un divertido ejercicio. Vea esta película (está bien, es “regular”, pero veala) y después trate de ver la versión original de 1984. En ambas, los EE.UU. Son invadidos por una potencia maligna. Antes fueron los rusos en plena era Reagan, el director era el enloquecido y genial John Millius y todo era despiadado, fuerte, épico y shockeante, con un Patrick Swayze como líder de jóvenes defensores (así se llamó acá) en estado de gracia. Esta nueva versión carece de la visceralidad épica de aquella -política aparte- e imagina a un agresor norcoreano (sí, claro, cómo no). Lo interesante de ver ambas es comprender qué mal le ha hecho la corrección política a las posibilidades de sinceridad del cine: si aquella se enorgullecía de patear rojos y glorificar el modo de vida americano (la película era buena a pesar de su ideología), esta tiene vergüenza de decir lo mismo. La sinceridad hace un mejor cine, piense el espectador lo que piense sobre la política o los diarios.
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  • ¿Quién *&$%! son los Miller?
    La comedia americana es un arte sutil incluso si los chistes no lo son. Nada es más difícil que hacer reír, especialmente porque no todos nos reímos de las mismas cosas. Del realizador Rawson Marshall Thurber, los afortunados conocimos una comedia deportiva llamada Pelotas en juego, donde Vince Vaughn y Ben Stiller se enfrentaban en un super campeonato de quemado. Aquí, el director vuelve a mostrar elegancia en el uso de la desproporción: un dealer menor tiene que fingir tener una familia para pasar un cargamento de drogas tras haber caído en desgracia. La “familia” en cuestión es tan marginal (en un sentido bien amplio) como él y, desde esos mismos márgenes, capaces de generar con precisión toda clase de efectos cómicos. Quien esto escribe no es fan de Jennifer Aniston: lo sería sin reservas si la mitad de sus trabajos fueran como este: combina perfectamente el timing para el efecto cómico con el aspeco sexy, y en su personaje se concentran todas las contradicciones sociales sobre las que trabaja una trama que no le teme al delirio. La película es todo lo libre y todo lo satírica que puede ser sin reservarse nada. E incluso habla bien de la familia, aunque parezca reírse de ella, o justamente por eso mismo: muestra sus contradicciones, lo cosmético de muchas de sus representaciones y, en última instancia, qué significa hoy. Y lo hace sin ahorrarle una risa al espectador. No hay muchas películas así, aproveche ahora.
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  • Drácula 3D
    Drácula 3D
    Revista Noticias
    Si nos dicen “Drácula por Darío Argento”, esperamos mucho, muchísimo: torrentes de pasión y hemoglobina de modos que nadie se atrevería a pensar, con el agregado del chiche 3D para hacer más placentero el susto. Pero aquí Argento, ni más ni menos aquel de Suspiria, ha decidido seguir más o menos el reglamento del cuento de terror contemporáneo y no cambiarle demasiado al viejo vampiro. El vuelo queda a medias.
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  • Zambezia
    Zambezia
    Revista Noticias
    Una historia ecológica en un universo ficticio poblado de pájaros. Sí, claro, de esas cosas que permite el mundo digital y que empiezan a abundar. La animación no es perfecta, pero tiene algo interesante: se hace cargo de sus limitaciones y opta por el encanto del cuento, el humor y la buena fabricación de acciones. El film resulta pues agradable y divertido, incluso si está casi exclusivamente destinado a la infancia.
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  • Cazadores de sombras: Ciudad de hueso
    Mientras los superhéroes siguen dando dividendos, los estudios de Hollywood siguen a la pesca de la nueva gran franquicia. Cazadores de sombras, otra película montada en el boom de la literatura fantástica adolescente (y, seamos un poco pacatos: ¿por qué nadie recomienda a los adolescentes libros como El monte análogo, o Manuscrito encontrado en Zaragoza, o El Golem, o el Drácula original, o En las montañas de la locura siendo, como es, el gran momento?) que, esta vez, combina algo de Harry Potter (el mundo de fantasía es real y esta es la historia de una adolescente medium que debe lidiar con el poder de enfrentar lo invisible) y Crepúsculo (adolescente niña descubriendo amor y erotismo) a ver si el pastiche funciona. A medias: en lugar de presentarnos personajes que nos atraigan, cada bache se llena con efectos especiales, haciendole flaco favor a la narrativa clásica y -obviamente- a los efectos especiales. Algunos momentos de puro diseño funcionan bien, pero el balance es negativo.
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  • Jobs
    Jobs
    Revista Noticias
    No hay dudas de que Steve Jobs es una de las personalidades más influyentes del siglo XX (y XXI), el nombre clave en establecer el puente entre las computadoras y las personas, en quitarle a la tecnología el halo de misterio e introducirlo en nuestra vida cotidiana. Sin dudas su personalidad volcánica y la capacidad de invención proveían un gran tema para una película. Desgraciadamente, e incluso si el tempo es el justo, el film que retrata su vida -incluso teniendo en cuenta el más que decente trabajo de un maduro Ashton Kutcher, quizás la mejor elección para el rol- es algo así como el “Billiken” de la computación contemporánea. Contrariamente a una obra maestra de tema similar (La red social, de David Fincher) el film no retrata innovación con innovación, originalidad con -al menos- la búsqueda de otra originalidad formal, sino que se contenta con enhebrar los “grandes éxitos” de una vida. Peor incluso: tal no sería un problema si al menos la película lograse transmitir algo de la electricidad que rodaba a Jobs, o al menos proponer una hipótesis para explicarla. Nada: Kutcher realiza una lograda imitación, el diseño de imagen que recorre tres décadas clave en la historia de la comunicación humana (que no es más que la del universo conocido) es funcional y hau poco más para ver salvo un artículo de Wikipedia correctamente fotografiado.
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  • Aprendices fuera de línea
    Vince Vaughn y Owen Wilson han demostrado ser una pareja de cómicos bien aceitada en Los rompebodas. Aquí son dos cuarentones que deben reciclarse al mundo digital y tratan de integrarse a la empresa Google. Bien: cuando los dos actores están al mando de los chistes, la cosa funciona. Cuando el intermitente realizador Shawn Levy (Gigantes de Acero, muy buena; La Pantera Rosa, muy mala) trata de imponer el humor fácil, naufraga. La primera película cómica virtual, o virtualmente cómica.
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  • A La Cantábrica
    A La Cantábrica
    Revista Noticias
    Nada es más difícil que el paso de la infancia a la adolescencia. Este film de Ezequiel Erríquez, narrado desde una sinceridad que parece autobiográfica, toma ese paso desde lo sutil, desde la observación de lo mínimo, aún cuando dispone de un elemento fuerte en su trama para motivar la historia. Próxima a sus criaturas tanto en ideas como en la forma, no fuerza la metáfora social sino que la impone por la pura fuerza de su mirada. Un film de emociones puras.
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  • Corazón de león
    Corazón de león
    Revista Noticias
    Si a cualquiera le dicen que este film es sobre un tipo chiquito, un hobbit exitoso interpretado por Guillermo Francella, que enamora a una primero rígida, después rendida y alta Julieta Díaz, seguro se asusta. No es para menos: el realizador Marcos Carnevale padece del defecto de la velocidad televisiva y no suele depurar su material; se queda con la primera idea y la primera imagen. Sin embargo, Corazón de León dista mucho de ser pésima. Es casi buena y ese “casi” es una pena, porque no faltó mucho para dar en el blanco. Aún así, Guillermo Francella es digno de verse porque está en la cima de su arte: incluso en los peores contextos, maneja el tono y las emociones de su personaje con una precisión matemática. Julieta Díaz está muy bien y, sobre todo, el entorno social, la mentalidad y comportamiento argentinos de las criaturas de este mundo, no requieren subrayados. Con sus problemas, sus chistes fáciles y algunas torpezas, Corazón de León es tan digna como su protagonista.
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  • Star Trek 2: en la oscuridad
    En su cuarta película, después de muchos años de haberse fogueado en la televisión, J.J. Abrams muestra una seguridad en el manejo del aparato cinematográfico notable. Las torpezas a la hora de la acción física de la primera Star Trek, que resultaba un gran film porque el realizador sabía sacar partido de la humanidad de los personajes, aquí desaparecen, y si la película parece un escalón por debajo de la previa en la franquicia (e incomparable con la bellísima Super 8) la relación personajes-acción es mucho más pareja. En gran medida, eso tiene que ver con la presencia de Benedict Cumberbatch como el villano del film, actor creíble de cabo a rabo (de paso, si puede, vea a su Holmes en la gigantesca serie Sherlock, pura belleza y comedia). Abrams logra, además, responder a la pregunta sobre qué nos hizo enamorarnos del cine cuando éramos chicos, dedicándose a divertirnos con lo maravilloso sin perder de vista que esos personajes son nuestros propios avatares. Y es la relación entre ellos -especialmente la tensión amistosa, cada vez mejor calibrada, entre Spock y Kirk- la que sostiene el equilibrio entre la región “humana” de la película y la espectacularidad de la aventura fantástica. Es un film “para chicos”, sí, en la medida de su épica alegre. Y es un film “adulto”, claro, en la medida en que entiende la complejidad de sus criaturas. Star Trek para todo el mundo.
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  • Voyage, voyage
    Voyage, voyage
    Revista Noticias
    Dos hermanos (uno un tanto deprimido) deben viajar de Europa a la Argentina para asistir a una boda. Lo interesante del film es, primero, que elude el lugar común turístico y utiliza las locaciones con sentido dramático (lo que implica que las entiende). Lo segundo, el ritmo constante y el buen humor que rodea a estos personajes, dos perdedores en una road-movie que no carece nunca de intensidad. La simpatía de los actores permite que uno se una a la aventura sin reservas.
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  • El infiltrado
    El infiltrado
    Revista Noticias
    Misterios del cine: cómo logró tener carisma Dwayne Johnson, al punto de que lo hacen actuar con Susan Sarandon (agua y aceite) y funciona. El infiltrado (señor que se mete en la mafia para que su hijo no vaya preso por una bobada) es un film clase B con presupuesto clase A, bien realizado y entretenido, donde el ex The Rock hace lo que sabe con absoluta precisión y los demás intérpretes comprenden el juego. Viva la clase B en pantalla grande.
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  • El conjuro
    El conjuro
    Revista Noticias
    James Wan tiene un pecado que corregir: haber iniciado la infame serie de descuartizamientos de El juego del miedo. Sin embargo, ya en ese film había encontrado cómo recuperar la tensión para el cine de horror. Y si bien aún se puede esperar de él una obra maestra, es cierto que viene mejorando. Especialmente, ha crecido en la manera como dirige actores. Aquí no hay nada realmente nuevo (casa embrujada, crimen pretérito, presencias ominosas, fantasmas, curas, sustos de todo tipo y color, violencia) pero todo está dispuesto de tal modo que se vuelve, por una parte, efectivo; por otra, es como si lo viéramos por primera vez. El gran engarce de todos estos elementos radica en la calidad de los intérpretes, que actúan como si realmente creyeran en lo que sucede alrededor. Al rostro liso y simple de Patrick Wilson se le complementa el torturado aspecto de la gran Vera Farmiga, o las arrugas preocupadas de Lili Taylor. Incluso si no gusta del terror, un buen drama paranormal.
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  • Los amantes pasajeros
    Los amantes pasajeros
    Revista Noticias
    Quien esto escribe no está muy entusiasmado, últimamente, con Pedro Almodóvar. Pero “Los amantes pasajeros”, sin cambiar la impresión sobre los films anteriores del manchego, permite comprenderlos mejor, incluso encontrarles virtudes. El film es una comedia, un melodrama y un juego entre ambos registros que implica un regreso del realizador a sus momentos más libres y creativos. No se trata aquí de enrevesar la trama (que lo es) sino de divertirse haciéndolo. Hay un avión, hay una emergencia absurda, y hay un conjunto de personajes coloridos (“colorido” es el adjetivo que mejor le cabe a Almodóvar); lo que parece una especie de parodia y homenaje a los films de la setentista serie “Aeropuerto” es, en realidad, una suerte de confesión: con humor y amor, Almodóvar coloca en esa nave que va hacia algún lado en la historia pero a ninguna parte en la puesta (son claves esos planos donde vemos al avión yendo al mismo tiempo a derecha y a izquierda) a los personajes que ama, a los actores que forman parte de su familia.
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  • Los Pitufos 2
    Los Pitufos 2
    Revista Noticias
    Liberado el film del peso de “iniciar” al espectador en el pitufismo, esta segunda entrega permite que el humor fluya mejor. En sus mejores momentos, estamos ante el recuerdo generoso de Looney Tunes. En los peores, el film se ve como quien ve pasar un colectivo desde la ventana. Y están Hank Azaria (un cómico enorme desde siempre) y ese comediante que entiende todo llamado Neil Patrick Harris. Si tiene la obligación de llevar a los chicos, difícilmente se aburra. Quédese tranquilo.
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  • Red 2
    Red 2
    Revista Noticias
    Con mucho más humor y menos explicaciones, estos grandes actores de siempre vuelven a jugar a los superespías retirados. Ahí está Bruce Willis y ahí está John Malkovich, pero sobre todo está una de las mejores actrices de la historia y de las que menos se ha tomado en serio, la enorme Helen Mirren. El film mejora muchas cosas del anterior y, como ya había hecho su director Dean Parisot en la no estrenada pero excelente Héroes fuera de órbita, construye lazos humanos a partir de la pura aventura.
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  • Viola
    Viola
    Revista Noticias
    Cosa más rara aún: DOS películas argentinas buenas o muy buenas a la vez. Esta, además, es excelente. Viola es el tercer largometraje de Matías Piñeiro, creador de El hombre robado y Todos mienten (además, se incluye en la exhibición su bellísimo corto Rosalinda). En este caso, Piñeiro toma una comedia de Shakespeare (Noche de reyes) no para rehacerla sino para destilar las enseñanzas del Bardo en una película que sí, es una comedia romántica; sí, es un retrato social de cierta parte de la juventud; sí, es un film que declara su amor por el cine y no (muy grande ese “no”) es una obra amanerada que le guiña el ojo al especialista. Viola, la chica que ensaya una obra de teatro y tiene una empresa clandestina de videos piratas, es un personaje divertido e inteligente, y la arquitectura del film nos obliga a no dejar de mirarlo. Piñeiro, además, está sólido en el manejo de su material y en el desprejuicio a la hora de la invención y se consolida como un autor que quiere, sin demagogia, comunicarse con el público. Imperdible en serio.
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  • Vino para robar
    Vino para robar
    Revista Noticias
    Después de “Mi primera boda”, un film de loables intenciones cómicas pero desparejo y en ocasiones falto de timing, el realizador Ariel Winograd logra su mejor película a la fecha. “Vino para robar” es la historia de dos ladrones o estafadores (en este caso ejercen ambas innobles pero interesantes profesiones) interpretados por Daniel Hendler y Valeria Bertuccelli, con el aporte de quien cada vez más se perfila como el actor cómico que el cine argentino necesita, Martín Piroyanski. La trama es ingeniosa incluso si está construida –de modo evidente y divertido– alrededor de lugares comunes de este subgénero “hay que afanarse algo imposible”, que siempre es adecuado para lo cinematográfico.
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  • Mal del viento
    Mal del viento
    Revista Noticias
    Otro documental realizado por una mujer, Mal... cuenta la historia de un niño perteneciente a una comunidad indígena que debe ser operado, una intervención a la que sus padres y toda la comunidad se oponen. El conflicto tiene tanto aristas culturales como éticas, e involucra a toda clase de actores. La mayor falencia de la película es su estilo, que recuerda demasiado a la televisión de denuncia; aún así, el tema y la historia mantienen la atención de modo constante.
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  • Lunas cautivas
    Lunas cautivas
    Revista Noticias
    Las historias carcelarias nos enfrentan con el mayor de todos los temores: la pérdida de la libertad. Este sobrio documental, articulado por las voces y los momentos cotidianos de tres internas del penal de Ezeiza que canalizan sus experiencias a través de la escritura poética, nos permite reflexionar sobre cuál es la verdadera dimensión de esa libertd, sin ahorrar una precisa descripción social. Algunos momentos quizás resultan forzados, pero hay una mirada humana no precisamente edulcorada sobre las protagonistas.
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  • Ladrona de identidades
    Ladrona de identidades
    Revista Noticias
    La idea no es mala: una estafadora profesional “roba” identidades, o más bien utiliza los datos de otras personas para hacerse con dinero y bienes. Un hombre decide recuperar la suya y evitar que el robo siga, con imprevisibles consecuencias. Pues bien, el problema es que les acabamos de mentir: ninguna de las consecuencias es imprevisible sino que se ven venir a kilómetros y la mayor parte de la gracia se reduce a que Sandy es un nombre tanto de hombre como de mujer, lo que pone en ruta a un señor atildado y a una delincuente obesa. Aunque Jason Bateman y Melissa McCarthy son dos buenos (en ocasiones, excelentes) comediantes, aquí todo está mal. En primer lugar, escasea la sangre de la comedia: el timing. A McCarthy se la deja sola con su gordura como si la gordura, por sí misma, fuera graciosa. Y los mensajes aleccionadores que, se supone, justifican que se realicen películas (mal universal, no solo de Hollywood: después de todo, fue invento de Stalin) parecen generados por una máquina aleatoria de aforismos. La nada en pantalla grande.
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  • Wolverine: inmortal
    Wolverine: inmortal
    Revista Noticias
    Empecemos por lo obvio: Hugh Jackman es bueno haciendo casi cualquier cosa. Por lo menos siempre es simpático y tiene una característica que anda faltando en los intérpretes contemporáneos: a pesar de tener un “tipo” definido (el de galán, digamos), inventa cada uno de sus personajes. Así, son totalmente distintos su Wolverine y su Jean Valjean, y ambos resultan igualmente efectivos, mucho más que las películas que los contienen. Porque el gran problema de “Wolverine inmortal”, una aventura al margen del universo mutante de los X-Men, es que el realizador James Mangold (responsable de algunas muy buenas películas como “Copland” o “Encuentro explosivo”, y otras muy malas como “Walk the Line” o “Identidad”) decide ser clásico y filmar una especie de homenaje a las películas de samuráis de Kurosawa, ampliamente influido por el cine americano. Jackman tiene mucha menos acción que en otros films, pero más elegante.

    El problema es que Mangold decide incursionar en la psicología del personaje, profundizar en las emociones. No es que no se pueda (es lo que hizo Tim Burton con Gatúbela en la obra maestra “Batman vuelve”) sino que el director no tiene la capacidad para lograrlo y deja un poco al garete a su actor, que resuelve como puede. Entre las intenciones y el resultado, falla el talento, en este caso no ausente sino desenfocado. Las secuencias de acción son muy buenas y compensan las fallas de un lujoso y noble film clase B.
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  • Algunas horas de primavera
    Una de cal y una de arena. La buena nueva es que el duelo actoral entre Vincent Lindon (ex presidiario forzado a vivir con su madre) y Hélène Vincent (esa madre con quien tuvo una relación violenta, hoy enferma terminal) es brillante, sutil, construido a partir de los silencios y no de los exabruptos emotivos. La mala, la necesidad de que elementos “externos” se sumen a este esquema para hacerlo más “cinematográfico”. De todos modos, un drama humano sensible y, en general, preciso.
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  • Turbo
    Turbo
    Revista Noticias
    Turbo es la historia de un caracol que sueña con ganar las 500 millas de Indianápolis. Una locura de entrada, claro, pero narrada de manera concisa, sin desvíos y recto al punto. En los EE.UU., este sub género suele denominarse “underdog story”, la historia -casi siempre deportiva- de alguien que gana aunque no tenga, originalmente, cómo. Parte del sueño americano, claro, aunque en este caso sirve de vehículo para narrar la historia de un grupo y de dos pares de hermanos (unos caracoles, otros humanos). Hay buenos gags y nada es gratuito dentro de la fantasía de la película, aunque la originalidad brilla por su ausencia. Eso sí: la pandilla de caracoles locos que corre, vuela, salta y hace lo imposible es de las mejores invenciones del cine animado en los últimos años aunque, desgraciadamente, tienen menos tiempo en pantalla de lo que uno querría (están muy cerca, en su belleza de diseño y su carácter puramente “cartoonesco” y absurdo, de los venerables pingüinos de Madagascar).
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  • Metegol
    Metegol
    Revista Noticias
    Loable esfuerzo el de tomarse el tiempo para crear un film de animación realmente profesional. Lo ha hecho el equipo liderado por Juan José Campanella y ha logrado que “Metegol” luzca como una producción animada de primera A. Lo técnico es irreprochable y el diseño, en muchos casos, resulta de un enorme atractivo. El film cuenta una especie de cuento de hadas declinado (casi) en masculino: el de un joven cuyo único fin en la vida ha sido jugar al metegol y que, por amor y por desesperación, debe salir del autismo y enfrentar el mal –magia mediante–, ayudado por los jugadorcitos de plomo de su cancha ficticia. Hay un villano demasiado recargado, hay secuencias con brío y hay –necesario– el match final entre un equipo de principiantes y futbolistas ultraprofesionales que definen la trama.

    La mística futbolera, por suerte, se reduce solo a los diálogos de los jugadores, y el cuento moral gira en torno de la ambición desmedida. Lo mejor, en este último caso, es la idea de que no hay nada más aburrido que ganar siempre y que el verdadero atractivo de un deporte es que se trata de un juego. Ahora bien: el gran problema del film es que en gran parte es una serie de gags que no se relacionan entre sí. Hay invenciones felices –el avestruz-zapatilla, por ejemplo– que se esfuman de la imagen sin consecuencias. Y en muchas ocasiones falla el timing, disuelto por el diálogo o, más bien, el doblaje gracioso. Lo juguetón de varias secuencias resueltas a puro ritmo e imagen emparejan un film donde, cuando el movimiento cuenta la historia, funciona bien. Un digno empate.
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  • El chef
    El chef
    Revista Noticias
    Un tipo importante con problemas de dinero se encuentra con un tipo pobre pero con innato talento para la cocina. El resultado es una comedia social, una especialidad del cine francés, que termina hablando mucho más de la amistad a pesar de las diferencias de clase que de la haute cuisine per se. El resultado final es dinámico y leve, sostenido por sus actores, cuya capacidasd permite que sintamos simpatía por sus criaturas.
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  • Woody Allen - El documental
    Auguramos éxito para esta película en Buenos Aires, una de las catedrales allenísticas del planeta. Tiene el defecto de su poca inventiva formal, y la virtud de dejarnos recorrer los contornos menos conocidos de un personaje al que conocemos más por las ficciones que ha hecho de él mismo que por su propio proceso creativo. Aparecen, pues, tanto el Woody lugar común como el otro, el que resuelve como un matemático (a veces falla, claro) sus ficciones. Otro film amable.
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  • Cirquera
    Cirquera
    Revista Noticias
    Dos virtudes tiene este documental sobre la vida de una mujer que, tras haber vivido de niña en un circo con sus padres, decide volver a ese mundo. La primera, las imágenes documentales, que guardan no solo el valor de ser huellas de un pasado imposible de recuperar sino que, además, son de una sutil belleza incluso épica (ver, por ejemplo, cómo se levanta la enorme carpa en un descampado). La segunda, no dar demasiados rodeos y dejar que el propio espectáculo -después de todo, es una película sobre el espectáculo- se adueñe de la pantalla para contar la historia. Andrés Habbeger -documentalista que tiene en su haber el fallido Imagen final- deja que los personajes, la memoria y la propia potencia de ese festival marginal que siempre ha sido el circo se adueñen de la puesta en escena y nos permite compartir con los personajes la experiencia de descrubrimiento o, en este caso, redescubrimiento. No faltan los apuntes sociales e incluso políticos, pero tienen menos peso (y su importancia es solo contextual) que lo que vemos de ese universo colorido y en vías de desaparición. Un film pura amabilidad.
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  • Titanes del Pacífico
    Titanes del Pacífico
    Revista Noticias
    Sí, la película es de lo mejor del año, pero requiere de desprejuicio. La historia es simple, el héroe y la heroína de siempre contra todos los peligros del mundo: de “La Ilíada” para acá no se ha inventado demasiado. Lo que sí inventa ese gran amante del cine que es Guillermo del Toro es una manera para que este bello, en ocasiones poético homenaje al cine de monstruos japonés y a las viejas series de robots gigantes (desde las “con actores” como “Ultramán” hasta ese arco que va de “Mazinger” a “Evangelion”), pero integrado a la poética americana del último recurso (que es el de la poética esperanza última) se vea bien. Esto no es “Transformers”: aquí la acción se entiende.

    Y es muy difícil de hacer con elementos que ocupan toda la pantalla por su tamaño relativo. Y a pesar de la gigantomaquia, Del Toro se toma el trabajo de, con pocos trazos, darles el espesor necesario a los personajes para que nos importen de verdad (si los personajes no importan, nada de nada importa en una película, sea un contemplativo film iraní o un despliegue de tecnología vertiginoso como este). Otra vez: si usted carece de prejuicios y, como decía Nietzche, se atreve a jugar con la misma seriedad de cuando era niño, va a encontrarse con un espectáculo notable, sintético (no hay una toma ni una secuencia de más), clásico, con sutiles apuntes políticos y sociales (el “muro” de defensa, la burocracia estatal) y con unos bichos y unos robots inolvidables. De eso trata el arte, justamente: de crear cosas que no podamos olvidar.
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  • Calles de la memoria
    Calles de la memoria
    Revista Noticias
    Carmen Guarini es una de las grandes documentalistas argentinas. En este film muestra a un grupo de alumnos de cine extranjeros registrando e investigando cómo se confeccionan esas baldosas que, en las calles de Buenos Aires, recuerdan a los desaparecidos. Sin acentos aleccionadores, solo con el registro del descubrimiento mutuo de una historia, Guarini permite una reflexión respecto de los modos de la memoria que exceden el contexto político y se vuelve universal.
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  • César debe morir
    César debe morir
    Revista Noticias
    Los hermanos Taviani mezclan aquí ficción y realidad. Se trata de mostrar cómo presos de una
    cárcel romana ponen en escena una versión de Julio César, la tragedia histórica de Shakespeare. El
    resultado es tierno y duro al mismo tiempo, reflejo de la realidad e investigación de cómo el arte,
    como metáfora, exorciza demonios. En algún momento el espectador puede sentir un exceso
    alegórico, pero la fuerza documental del film permite que no altere el resultado final.
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  • Mi villano favorito 2
    Mi villano favorito 2
    Revista Noticias
    Para Gru, la villanía no es una cuestión de ambición personal sino deportiva. O lo era: el
    primer film tenía como tema la paternidad, la necesidad de cuidar de otros, la diversión de volver a la infancia con los propios chicos. En este segundo film (que es americano solo por el capital, pero
    cuyos realizadores son franceses y saben poner el acento más allá de lo puramente espectacular) el
    tema original se maneja con plácida continuidad -que no con autoplagio- y Gru pasa en la acción
    del mundo de los “malos” al de los “buenos” porque las circunstancias se lo exigen. Con este
    horizonte sólidamente planteado por el guión y la libertad para la invención gráfica, los gags se
    suceden con precisión, los “minions” (esos cosos amarillos) se vuelven cada vez más icónicos y
    cómicos y los comediantes que prestan las voces -si la escucha en idioma original- resultan
    auténticos creadores de humor. Una película bella y divertida, cuya única, noble pretensión, es ser
    recordada entre sonrisas. Nada mal.
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  • El llanero solitario
    El llanero solitario
    Revista Noticias
    Él –demasiado rimbombante– productor Jerry Bruckheimer había logrado recuperar el género de piratas gracias a la imaginación desbocada de un director desparejo pero interesante como Gore Verbinski. Con “El llanero solitario intenta hacer lo mismo con el western, un género mucho más importante y difícil. Esta nueva versión del justiciero enmascarado intenta combinar los elementos que hicieron de “Piratas…” una serie sorpresivamente exitosa: la habilidad cómica a lo Buster Keaton de Depp, los elementos de acción alambicadísimos, momentos de absurdo y una trama llena de vueltas y revueltas, de densidad casi novelística. Pero el resultado no es el mismo y el gran problema reside en el tono: demasiado dramático e incluso sangriento por un lado, demasiado cómico y burlón por otro.
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  • Ritmo perfecto
    Ritmo perfecto
    Revista Noticias
    La película que quizás usted no quiera ir a ver porque “ay, es la típica de Hollywood”. Se la pierde: se trata de una comedia musical (que no poco le debe al éxito de la serie Glee, básicamente es la misma idea) sobre un grupo de chicas en un campeonato interestatal de canto. Uno puede decir “es siempre lo mismo” y no verla, o decir “ya sé de qué se trata, disfrutemos”. Lo que tiene de bueno este film es que los intérpretes no solo parecen disfrutar de lo que están haciendo sino que lo contagian, que los momentos musicales (muchos aunque quizás no demasiado variados) son profesionales sin perder corazón, y que los momentos de comedia suelen quebrar varios estereotipos. Podemos criticarle ser “otra más” de “compitiendo en el college” (después de todo, Monsters University también va por esos carriles) o que algunos chistes los hemos visto demasiadas veces, pero es lo mismo que con los magos: vimos desaparecer el conejo, lo importante es que nos vuelva a emocionar lo repetido. Y en eso, el film cumple.

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  • Antes de la medianoche
    Antes de la medianoche
    Revista Noticias
    A estas alturas, Jesse (Ethan Hawke) y Céline (Julie Delpy) son como amigos a los que conocemos demasiado bien. Después de Antes del amanecer (1995) y Antes del atardecer (2004), los personajes creados solidariamente entre los actores y el director Richard Linklater pueden considerarse hermanos de aquel Antoine Doinel de Truffaut que creció ante nuestra mirada durante casi veinte años. La historia de estos dos seres es la de un amor real, y el problema que tiene ese término tan repetido y trivializado (“amor”) es que encierra demasiadas cosas. Por una vez, tenemos a ambos juntos en unas vacaciones griegas; tienen hijos, no se han casado entre sí y cargan con la enorme responsabilidad de haber cambiado las mochilas del primer encuentro aleatorio en Viena a los veinte por esta escapada planeada a los cuarenta, cargados de responsabilidades. Pero tienen a favor seguir siendo seres inteligentes (cuánto escasean los personajes inteligentes y sensibles, más que meros artificios de un guión, en las películas de hoy). El tema de este film es el paso del tiempo, pero da la impresión de que en otros nueve años tendremos una cuarta película que siga radiografiando, a partir de diálogos graciosos y precisos, una puesta en escena al mismo tiempo económica y funcional y actores perfectos, algo así como -que no suene pretencioso, el film no lo es- el sentido de la vida. ¿Para qué estar si no tenemos con quién? ¿Y qué es “estar” con y para otro? Con sonrisas y brío, de eso se trata esta nueva postal de la vida de dos grandes amigos.

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  • Bárbara
    Bárbara
    Revista Noticias
    Perfecto estudio de cómo un Gobierno utiliza el miedo y la paranoia para destruir a sus ciudadanos, este film de Christian Petzold excede su marco de la Alemania Oriental en los 80 para retratar universales válidos más allá de las ideologías. Extraordinario y sutil el trabajo de su actriz, Nina Hoss como una joven médica que, por querer dejar su país, se ve marginada a un exilio interior que es, también, un viaje de descubrimiento.
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  • Guerra Mundial Z
    Guerra Mundial Z
    Revista Noticias
    Hay una trampa en el cine de zombies: dado que la masa descerebrada y asesina no tiene
    motivos para hacer lo que hace, puede utilizarse como metáfora de cualquier cosa. Así, el contenido
    político o social que incluye este film del por lo general aburrido Marc Foster (“autor” de uno de los
    peores James Bond, Quantum of Solace) es lo de menos porque es previsible. En cambio, no es
    previsible que Brad Pitt actúe al mismo tiempo con el cuerpo -en las secuencias de acción, que casi
    no se detienen- y con el rostro -en las intimistas, donde nos convence de ser un padre de familia, un
    ser humano preocupado por el prójimo, una persona real. El despliege de invenciones gráficas es
    realmente grande, aunque es cierto que, a esta altura de las circunstancias, es poco lo que puede
    asombrarnos a la hora de ir al cine a por un gran espectáculo. A pesar de todo, y de que difícilmente
    el espectador se aburra, hay algo de fórmula, de previsibilidad torpe, de despliegue gratuito que
    envuelve de mediocridad varias secuencias. Allí es donde se nota que no existe un director personal
    capaz de encontrar un sólido sentido en una historia que ya no nos parece ni original ni metafórica.
    Pero Brad Pitt es un espectáculo en sí mismo, lo que compensa -en gran medida- muchas de las
    debilidades de la película.
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  • Monsters University
    Monsters University
    Revista Noticias
    Sí, de lo mejor del año. Un remanso entre tanto ruido y tanta tristeza. La “precuela” de esa obra maestra que es “Monsters Inc.” hace honor a su precedente y –después de la decepcionante “Cars 2” y la despareja “Valiente”– a lo mejor de la casa Pixar. Este film cuenta cómo Mike y Sully pasaron de adversarios a amigos, pero es casi lo de menos, apenas el dispositivo narrativo de base para un film que trabaja y comenta las constantes de cierto triunfalismo americano, ese que muchas veces envicia las mejores ficciones. Aquí Mike Waszowski, el verde polifemo redondo (con la maravillosa voz de Billy Crystal) quiere ser un gran asustador, pero sabemos que no tiene lo que se necesita. Sully (con la también maravillosa voz de John Goodman) es un asustador innato, que descree del esfuerzo.
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  • La huella del Doctor Ernesto Guevara
    Un documental basado en los viajes que el Che realizó en su juventud por América Latina, este documental trabaja tanto con las propias palabras del protagonista a través de diarios y cartas como con testimonios directos. Quizás no agregue demasiado a una mitología ya bastante establecida y le falte algo de “cinematográfico”, sin embargo, el material permanece interesante e ilustrativo.

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  • La cacería
    La cacería
    Revista Noticias
    Con una muy adecuada dirección de actores, el danés Thomas Vinterberg vuelve a su retrato de las relaciones humanas, campo en el que logró notoriedad en su debut de La celebración. Aquí es la historia de un hombre (el perfecto Mads Mikkelsen) que, en plena reconstrucción de su vida, se ve falsamente acusado de pedofilia. Lo importante es el retrato de la paranoia social y que el film pone en tensión la vida real y ese mundo virtual creado por el miedo y el chisme.
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  • El gran casamiento
    El gran casamiento
    Revista Noticias
    Las tres estrellas tienen como único motivo que los actores son simpáticos. Pero cualquiera que haya visto alguna comedia de Teatro como en el teatro (gloria a Nino Fortuna Olazábal) o de Darío Víttori en nuestra TV de los 70 sabrá de qué va este asunto. A y B se casan, padres de A están divorciados y papá formó nueva pareja con la mejor amiga de mamá, pero deben fingir por unos días ser la familia que alguna vez fueron porque los padres de B “verdaderos” son católicos. Robin Williams, a la manera de un Osvaldo Pacheco de las superpotencias, hace de cura. Si esta reseña le parece llena de referencias a la televisión argentina del pasado es porque el film es, sobre todo, una antigualla absoluta. Por suerte, De Niro se divierte, Susan Sarandon sigue linda y Diane Keaton tiene el timing más o menos intacto. Si los adolescentes tienen pochoclerismo con Rápidos y furiosos (por lo demás, excelente film de acción), los adultos de más de 50 y las parejas en plan de casamiento tienen estos films. Bussiness are bussiness.
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  • El hombre de acero
    El hombre de acero
    Revista Noticias
    Cualquier película basada en un mito muy araigado es un riesgo: el límite entre la visión personal y la traición lisa y llana es demasiado delgado. Hasta hoy, las películas sobre Superman habían logrado equilibrar el humor ingenuo del personaje (después de todo, un ser perfecto que gana siempre e indefectiblemente) con invenciones más o menos a tono. Sin dudas, las dos que dirigió Richard Lester con Christopher Reeve, aunque sus efectos hoy nos parezcan toscos, permanecen en ese equilibrio. Esta nueva versión tiene méritos: invención surrealista en algunas secuencias de acción, la actuación breve y perfecta de Diane Lane y Kevin Costner, un protagonista que entiende a su personaje y ciertas traiciones bienvenidas. Pero adolece de un respeto mortuorio y solemne incluso en aquellas escenas donde debería ganar la comicidad (cómo se extrañan los Lex Luthor de Gene Hackman o incluso Kevin Spacey aquí). La idea de contar el origen para luego ir hacia otros rumbos probablemente más oscuros deriva en una película que, sin aburrir y con cierta bravura ocasional, parece un enorme trailer de dos horas veinte, un preludio para lo que indefectiblemente habrá de venir. Lo que deriva en algo así como un álbum de figuritas, una colección de “todo lo que usted debe saber de Superman para comprender al personaje” al que se le ha sumado algún trauma con sus padres (los dos papás, ojo, que con la mamá todo está bien). Continuará en unos años.
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  • Un lugar donde refugiarse
    Ante la escasez patológica de films románticos y melodramas, uno nuevo es buena noticia. Claro, si es bueno. Aquí hay una chica linda y atormentada que inicia una nueva vida en un pueblito perdido, se enamora y zas, se ve alcanzada por su pasado. No sería un problema la previsibilidad si no fuera por el estilo siempre plano y carente de la pasión -que hace falta en estos casos- del sueco Lasse Hallstrom, apenas un empleado al servicio del productor que venga.

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  • Samurai
    Samurai
    Revista Noticias
    Film argentino que, utilizando ciertas constantes del mundo gauchesco, intenta otra cosa. Es la historia de un joven nieto de samurais que busca a un guerrero mítico en esta tierra perdida, para descubrir que su destino está en otra parte. Bella, un poco lenta por momentos, esconde una mirada crítica sobre nuestro país, un lugar abandonad por la tradición, la épica y la civilización. Un buen intento de desmarcarse de ciertas constantes desgraciadamente nacionalistas.
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  • Después de la Tierra
    Después de la Tierra
    Revista Noticias
    Uno de los grandes misterios del cine contemporáneo es qué pasó con M. Night Shyamalan. Después de dos films excelentes como Sexto Sentido y El Protegido -el último, una obra maestra-, su carrera entró en la diletancia primero (con Señales y la subvalorada La Aldea) y la disolución después. Este film, vehículo para Will Smith y, sobre todo, su hijo Jaden, es la historia de este último viviendo aventuras de náufrago en planeta salvaje para conquistar el amor de papá. Todo es mecánico, desganado; en algún momento recuerda a Una aventura extraordinaria (film que Shyamalan casi dirige) y en otros cae en la filosofía barata y los zapatos de goma. El director pretende encontrarle vuelo filosófico y cuando lo hace, descuida la pura aventura física, lo único que justifica el asunto. No está “mal filmada”, simplemente parece hecha a desgano y con tristeza, como si el realizador se sintiese un esclavo de los productores y de la egolatría de sus protagonistas.
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  • Nada es lo que parece
    Nada es lo que parece
    Revista Noticias
    Esta es la clase de películas que hacen que uno salga del cine alegre y con ganas de volver a ver films. Tiene sus imperfecciones y sus ligerezas, pero la suma total supera sus debilidades. Cuatro magos, reunidos por alguien a quien no conocemos, se vuelven famosos en Las Vegas. Sus últimas tres presentaciones implican, a través de los trucos, tres golpes o estafas magistrales que tienen, además, un oculto propósito. A medida que los crímenes se desarrollan, el FBI, Interpol y toda agencia de seguridad los persigue. Por cierto, final sorpresa. Ahora bien: la película es en sí misma un acto de prestidigitación donde se nos distrae constantemente para que el truco funcione.

    Y, por cierto, en los minutos finales sabemos que puede pasar cualquier cosa y ya no estamos seguros de nada. Aparece un personaje “nuevo” y ya pensamos que es otro truco (aunque no) y desaparece un personaje “viejo” y pensamos qué lástima (pero es un truco). Ese febril estado de indefinición sería catastrófico para una película, si los actores no fueran todos muy simpáticos y generaran un halo de confianza para sus personajes. Así, en el fondo y a pesar de las vueltas de tuerca necesarias dado el tema, sabemos quiénes son los buenos y quiénes los malos. Un cuento divertido que vale la pena.
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  • Locamente enamoradas
    Locamente enamoradas
    Revista Noticias
    Una película romántica o, más bien, una reflexión sobre las diferentes formas del amor construida alrededor de dos mecanismos: el relato coral (son las cuatro mujeres de una familia) y la mirada específicamente femenina. Aunque muchas veces no logra correrse de los lugares comunes, el film funciona al mantener un ritmo constante y apelar a un montaje inventivo. Por cierto, un film belga, de las cinematografías más raras y menos conocidas de la pantalla contemporánea. Y bien típica de ese país.
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  • Masacre en Texas 3D
    Masacre en Texas 3D
    Revista Noticias
    No cabe duda de que el género del terror (más bien del horror, porque aquí las imágenes impactan en lugar de temerse) se ve bastante beneficiado por el 3D, especialmente cuando apela a la truculencia. Es extraño que esta nueva versión de El loco de la motosierra sea, a pesar de ello, mucho menos efectiva que la original de principios de los años 70, donde solo el sonido y el maquillaje quebraban al espectador. Funciona a veces, algunos horrores impactan y asusta mientras la luz esté apagada.
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  • Héroes del espacio
    Héroes del espacio
    Revista Noticias
    Algo así como una película de animación clase B, incluso si se trata de una producción grande. El chiste: un forzudo héroe del espacio es capturado en un misterioso y peligroso planeta, y el único que puede ayudarlo es su inteligente pero esmirriado hermano. El planeta en cuestión es la Tierra y los cautivos deben salir de la mitológica Área 51. Entonces, los realizadores de dedican a todo chiste posible respecto del “choque de culturas”, así como a la fábula sobre la amistad, la fraternidad, la igualdad y, de paso, la libertad, seamos tricolores. El problema del film es que no supera el bastidor de su idea de base y se queda allí, con muy poco para decir más allá de que algunos gags funcionan bien y que el humor “de golpe y porrazo” permite que el espectador no se aburra (demasiado). Pensada especialmente para el público infantil -he allí su peor defecto-, esta Héroes... resulta uno de esos entretenimientos agradables y pasajeros que no quedan, necesariamente, en la memoria.
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  • ¿Qué pasó ayer? Parte 3
    Hay un problema de base con esta serie. Si la segunda película resultó una especie de remake que funcionaba como una parodia de la primera exacerbando el costado -digamos- sádico del asunto, en esta tercera ya no quedan muchs más piruetas por hacer. Hay cuatro personajes en estado de caos inducido que revisan sus decisiones y revisitan con un poco más de sabiduría (apenas un poco más) los viejos escenarios. Por cierto, dado que se trata de excelentes comediantes -y muy buenos cómicos, cuidado que no es lo mismo- logran momentos donde el suspenso y el peligro se combinan perfectamente con la risa, y eso alcanza para que el espectador salga al menos satisfecho. Sin embargo, algo falta: no específicamente el elemento sorpresa (ni siquiera uno lo esperaba, en cuanto a la historia se refiere, en la primera entrega) sino la frescura. Ya sabemos cómo son estos personajes y también qué alternativas se les presentan; también imaginamos cómo habrán de llegar a cierta manera de la felicidad o casi. Lo que nos queda es esperar al nuevo gag, al momento donde el malabarismo posible de estos actores nos entregue el estímulo para la risa. Por suerte, lo consiguen en más de una ocasión. No es una mala despedida, después de todo, para intérpretes que, a partir de un esquema que muchos consideraron trivial, encontraron la forma de convertirse en estrellas. Se los despide con no poca risa y con mucho agradecimiento.
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  • Rouge amargo
    Rouge amargo
    Revista Noticias
    En este film, tres marginales se ven envueltos en el asesinato de un político. Como ya lo hizo en otras ocasiones, Gustavo Cova intenta traducir “al argentino” los géneros americanos, en este caso el policial negro. Si no lo logra es porque aparece la sombra de la política -en general- como fuente de todos los males, y así algunos buenos momentos o la idea argumental de base, bien válida, se diluyen en el intento.
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  • Cuando yo te vuelva a ver
    Hay un hombre que vuelve de un exilio español, hay una mujer que amó y que, por azar y por la manipulación de algún amigo, reencuentra; hay un desencuentro y hay un secreto. Podría decirse que es una telenovela, pero no: Rodolfo Durán cree siempre en sus personajes, y logra que nos emocionen incluso si se adivinan sus pliegues. La Picchio siempre es una enorme actriz.
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  • Ginger & Rosa
    Ginger & Rosa
    Revista Noticias
    Este film de Sally Potter (recordada por una película interesante como Orlando y una invisible como La lección de tango) narra el paso por la adolescencia de dos amigas durante la crisis de los misiles de 1962. El ritmo es bueno, y la actuación de las protagonistas provoca una empatía inmediata en el espectador. Las chicas se hacen querer, aunque uno se pregunta por qué Potter tiene que mezclar tantos elementos en un film que podría, sin complejidades ni la necesidad de mostrar “cosas importantes”, darle justo al corazón del espectador. La idea de que un film sea además algo así como un manual de instrucciones o una conferencia sobre cónmo debe vivirse suele atentar contra nuestra necesidad de ver aquello que no podemos experimentar, de acompañar a esas personas imaginarias que no nos rodean todos los días. Aquí seguimos a estas dos chicas con placer, siempre y cuando la señorita Potter no saque la tiza del guardapolvos y nos subraye para qué hace la película.
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  • Rápidos y furiosos 6
    Rápidos y furiosos 6
    Revista Noticias
    Quien esto escribe sufre una curiosa patología cuando sale de ver films de gran espectáculo, acción y aventuras que le causan felicidad. Suele pensar por segundos que el cine es esto y no, por poner un caso, Haneke. Por supuesto que el cine puede ser ambas cosas, y que así como puede haber buenas películas de Haneke puede haber pésimas películas de esta saga. Solo ocurre que no es el caso. Más allá de la acción desaforada (tanques, aviones, autos de carrera, precipicios, armas, chicas pulposas, más armas, más autos, más chicas pulposas) lo que diferencia esta serie de cualquier otra es que sus personajes son seres humanos y que todo se juega alrededor de la idea de “familia”. Hay otra cosa que hace muy valiosa esta saga, cuyos actores distan de ser grandes estrellas –son gente “conocida”, pero forman parte de la mejor tradición de la clase B– y es que son aventureros en los márgenes del mundo.

    El planeta está dividido en un “centro” (donde la ley funciona) y en una “periferia”, donde no. De algún modo, es el viejo universo del western pero globalizado y a máxima velocidad. Además de que queremos a todos los personajes, la creatividad superlativa para las escenas de acción –y el denso realismo que tienen esas imágenes– hacen que ese mundo nos parezca propio, inmediato y cálido. Si el cine es movimiento, este film es su expresión más cabal. Atención al elenco completo.
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  • Pecados
    Pecados
    Revista Noticias
    Un film que opta por un espacio acotado (un pequeño pueblo perdido y casi deshabitado, o habitado solo por ancianos) donde dos jóvenes tratan de consumar un amor a pesar de -melodrama, dijimos- un secreto que se los impide. La historia es menos interesante que el aspecto de comentario social que abunda en la película, y es en la precisión de algunas actuaciones donde gana peso, a pesar de un desenlace más o menos previsible.
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  • Scary Movie 5
    Scary Movie 5
    Revista Noticias
    Usted ya sabe de qué se trata: otro conjunto de parodias veloces de películas de terror que parecen diseñados no a partir de mirar films y entenderlos sino de espiar un rato los trailers. Como suele suceder en estos casos, se parece más a un programa de sketches televisivo que a una obra cinematográfica, incluso a una obra cinematográfica mala. Por cierto, muchos chistes son efectivos, pero a la larga es como estar al lado del alma de la fiesta, que en seguida se pone pesado.

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  • El reino secreto
    El reino secreto
    Revista Noticias
    No cabe duda de que el 3D y la animación se han transformado en un matrimonio ineludible, especialmente cuando se trata de diseñar con la computadora. Esta fábula ecológica sobre la vida secreta de un jardín, plagada de invenciones de diseño muy bellas aunque demasiado elemental como relato es una prueba de cómo otorgarle credibilidad a un mundo completamente inventado. Aquí se trata de una adolescente “real” transportada a un universo donde lo natural está personificado y antropomorfizado, donde las fuerzas de la naturaleza luchan contra las de la polución, lo que implica transformar el dilema ecológico en uno moral. Más allá de algunas vueltas de tuerca y del desarrollo de la trama -que no pierde encanto al ser previsible sino, más bien, al contrario- es mucho más destacable el aspecto visual que el narrativo. Realmente el film está diseñado para que “entremos” y creamos en lo que nos muestra. El nombre original, Epic, remita a una escencia de relato y no engaña. Se trata de un espectáculo generoso que no carece de humor ni del elemento simpático que engancha a los más chicos, y su mayor lastre es, justamente, el aspecto didáctico.
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  • El gran Gatsby
    El gran Gatsby
    Revista Noticias
    Bienvenidos al mundo espectacular de Baz Luhrmann, el hombre que logró unir con armonía la licuadora pop con la cámara cinematográfica en films como Moulin Rouge! - Amor en rojo o la poco apreciada Australia. Luhrmann es otro de los realizadores que creen en el poder del espectáculo para amplificar lo humano y volverlo más comprensible. Sin embargo, hay algo que no funciona bien en su versión de la obra maestra de Scott Fitzgerald. El Gran Gatsby no carece de ironía pero no abunda en humor: serle fiel a su sentimiento trágico, a su mirada desencantada sobre el mito americano del self-made man implica necesariamente enjuagarle al artificio estadoundense todos sus colores. Luhrmann hace exactamente lo contrario, empeñado en encontrar una verdad sustancial detrás del oropel. La apuesta es arriesgada y, en última instancia, dado que tiene a un extraordinario Leonardo Di Caprio dando vida a la increíble creación del escritor (un auténtico mito del siglo XX), y dado también que el realizador sabe cómo construir una escena barroca a partir del 3D y el modernismo del siglo XX, logra un empate sólido. Pero ha cometido el error fundamental de ceder a su propio talento y creer que Carey Mulligan podía ser Daisy. En la fragilidad total de esa imagen demasiado etérea naufraga la potencia romántica del relato: la actriz se confunde con el decorado en lugar de troquelarse como objeto de deseo. El vértigo, de todos modos, es tan contagioso como el ritmo musical.
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  • En otro país
    En otro país
    Revista Noticias
    Hong Sang-soo es uno de los grandes nombres del cine contemporáneo sin la menor duda. Esta nueva comedia de costumbres, donde el amor y el séptimo arte vuelven a combinarse en la vida de sus criaturas, Hong vuelve a tomar el camino de Eric Rohmer (a esta altura su modelo) y a reflexionar sobre la vida a través de la sonrisa intelectual. Una historia marco, tres historias de amores contrariados y la elegancia de un director enorme.

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  • Leones
    Leones
    Revista Noticias
    Virtuosa en lo formal, construida a puro plano secuencia hipnótico y revelador, este film de Jazmín López, ganador en el último Bafici, muestra -más que “narra”- el vagabundeo de un grupo de adolescentes por diferentes lugares, mientras juegan con el lenguaje y tratan de seducirse. El viaje a ninguna parte que es a todas revela una tranquila desesperación y habla del fin del mundo. Una película extraña para nuestro cine.
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  • Ataque a la Casa Blanca
    Ataque a la Casa Blanca
    Revista Noticias
    Algo les pasa a los estadounidenses con sus símbolos de poder, o bien lo que sucede es que el miedo del 11/S aún está presente y requiere de la catarsis del arte. El otrora pésimo y hoy correcto Roland Emmerich ha logrado aquí, combinando elementos de Avión presidencial, Duro de matar, su propia Día de la Independencia y más o menos todas las películas de acción que se han filmado en los últimos treinta años, un entretenimiento notable, con algo de filo e ideas políticas, cuyo mayor mérito es un logrado suspenso. Después, es cuestión de preguntarse qué trauma se está purgando y de ver que, debajo de la apariencia de buenos y malos, se esconde la desconfianza contra las propias instituciones, un síntoma mucho más amargo que merece un análisis -o una crítica- más largo. Algo sucede para que ya no haya terreno sagrado para Hollywood y para que el propio Estado sea poco confiable. Pero si no quiere pensar a la salida del cine, no importa: recibirá por su entrada exactamente lo que fue a buscar.
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  • Spring Breakers: viviendo al límite
    Probablemente el lector ignore quién es Harmony Korine, uno de los realizadores independientes más interesantes de los Estados Unidos. Muy joven, saltó a la fama como el guonista de “Kids”, aquel polémico film de Larry Clark. Luego, películas como “Julien Donkey Boy” causaron impacto en el circuito de festivales. Esta “Spring Breakers” (que refiere a las vacaciones breves de primavera en los Estados Unidos) es su primera película más o menos “grande”. El estilo de Korinne es crudo porque lo que busca es encontrar en lo raro, lo marginal, lo exuberante de la cultura estadounidense, ese halo de humanidad o de ternura que permiten explicar su existencia. Nos muestra gente que se pervierte, pero también nos pide que tratemos de comprenderlos, de creer que no están fuera de la humanidad. Aquí son cuatro chicas hermosas –todas estrellas adolescentes realizando un trabajo a contrapelo de los estereotipos que han encarnado–.

    Y también James Franco, como un delincuente simpático y en el fondo perverso que lleva a estas chicas (a alguna, al menos) al fondo de la delincuencia y el vicio. Pero Korine no quiere que juzguemos sino que comprendamos qué es lo que tiene de atractiva esa vida, y por eso en el fondo se trata de un cine fantástico, de una historieta acelerada o, mejor, de la vida real vista como una historieta trágica. Un film fuera de lo común, duro pero seductor como sus protagonistas.
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  • La huésped
    La huésped
    Revista Noticias
    Dejemos de lado la política; lo que estamos viendo en ese termómetro que es el cine de gran entretenimiento, constantemente, es el fin del mundo como lo conocemos. Aquí, Andrew Niccol, más un guionista que un director (“Gattacca,” “Simone”, “El señor de la guerra”) cuenta la historia de una invasión extraterrestre casi triunfante (usa los cuerpos humanos como huéspedes, a la manera de “Los usurpadores de cuerpos”) y de una resistencia que aún, en medio del desierto, se les opone. Una joven resistente es capturada y enviada como espía, pero ¡ay! ama y resiste a su vez. Basada en una novela de la destrozadora de mitos Stephanie Meyer, que hizo puré a los vampiros con “Crepúsculo”, este pastiche de ciencia ficción tiene algo a favor e interesante: la pelea de un realizador contra un material de base cuya cursilería es aplastante.

    En muchas secuencias lo logra, aunque no en lo que concierne al romance, que ocupa demasiado metraje. La manera como están retratados los espacios abiertos y el recuerdo constante del western es un llamado a cierta tradición (también política) y condena, en la puesta en escena, la mirada ultramoderna, pasteurizada, uniforme de las superficies metálicas. En esos detalles de diseño es donde hay que encontrar el verdadero sentido de un film que, por pereza o por presiones de producción, queda en lo narrativo demasiado pegado al lugar común
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  • Iron Man 3
    Iron Man 3
    Revista Noticias
    Shane Black es uno de los mejores escritores de cine de acción y, también, un muy –muy– buen director aunque su carrera solo conste de un título, el bello (y solo estrenado en video en la Argentina, así anda el mundo) “Kiss Kiss-Bang Bang”. Ese film describía cómo se narra una película y rompía todo molde. “Iron Man 3” es eso, también: una vuelta de tuerca sobre el género de los superhéroes. Aquí se trata de un ataque directo hacia Iron Man y hacia lo que significa, y se pone en cuestión la ontología del héroe. ¿Qué es lo que vale en el personaje, la armadura o la persona que la usa? Ese dilema, que atraviesa todo el film, implica trabajar también sobre qué lleva a Tony Stark a hacer lo que hace.

    Robert Downey Jr. es, qué duda cabe, un actor extraordinario y también un enorme comediante. Eso le permite al mismo tiempo mostrarnos el dolor del conflicto de Stark y tomar la distancia suficiente para que nos contagie el goce del vértigo. De allí que las extraordinarias y creativas (cuando ya parece todo inventado: he aquí el arte del director) secuencias de acción adquieren una fuerza y contagian un entusiasmo que no siempre se ve en estas películas. Por otro lado, la aventura real está armada según un modelo clásico, transparente, siempre interesante. Es imposible que no nos entusiasmemos con Iron Man, con su amor por Pepper, con su amistad, con su deseo de romper todo, con su inteligencia. A puro efecto especial, el film supera a sus antecesores (por lo demás muy buenos) en su peso humano y su complementario vértigo artificial.

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  • Tu amor, mi perdición
    Tu amor, mi perdición
    Revista Noticias
    Una mujer con una familia feliz se enamora de otro hombre. Pero lo que podrìa ser un cúmulo de lugares comunes, en manos de de Lencquesaing se torna un paisaje humano profundo, no exento de gracia o alegría a pesar de la seriedad del planteo. El realizador es, además, un intérprete perfecto de un film desparejo pero cuya frescura y falta de academicismo colocan por encima de cualquier prejuicio.
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  • Jugando por amor
    Jugando por amor
    Revista Noticias
    Ya integrado totalmente a Hollywood, el italiano Gabriele Muccino -el de El último beso- sigue contando historias de amor humanas y agridulces. Aunque no siempre acierta, hay que reconocerle convicción en lo que hace. Esta historia de un ex jugador de fútbol entrenando el equipo de su hijo para reconquistar a su familia tiene simpatía, calor humano y convicción, más allá de que a veces los convencionalismos de la trama suenan más a pereza narrativa que a tradición de género.
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  • 21 La gran fiesta
    21 La gran fiesta
    Revista Noticias
    Después del enorme éxito global de ambas entregas de ¿Qué pasó anoche? (que además va a por una tercera), ese sub sub género de la fiesta alcohólica que se desmadra comenzó a difundirse con toda clase de variantes. En este caso, se trata del cumpleaños en el que un estudiante de raíces chinas en los Estados Unidos alcanza la mayoría de edad. Por cierto, aparecen los compañeros torpes que quieren que festeje a lo grande, las cosas que salen mal porque el alcohol se desmadra, las imágenes absurdas y ridículas, la escatología (en el sentido más amplio del término) y el sexo como un campo al mismo tiempo de atracción y de repulsión. El film cumple con su objetivo de hacer reír porque, en general, tiene el timing justo (el secreto de la comedia es siempre la oportunidad; nada es gracioso en sí mismo. Pero hay que considferar que, en cierta medida, todas estas películas son transgresoras solo en cuanto a las imágenes y hasta cierto punto: bien mirado, lo más revolucionario o molesto es que las fiestas post adolescentes no son más que excentricidades ocasionales e ingenuas. En esa modesta verdad radica el auténtico valor del film.
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  • Lazos perversos
    Lazos perversos
    Revista Noticias
    Si no conoce la obra del coreano Park Chan-wook, este film es una buena posibilidad para luego ir por films como “Oldboy” o “Sympathy for Mr. Vengeance”. El hombre combina varios elementos en su obra: la violencia, el miedo (no necesariamente el horror, no necesariamente lo sobrenatural) y el melodrama más absurdo, que en su estilo se vuelve siempre convincente. En este primer film “occidental”, narra lo que sucede a una madre (Nicole Kidman) visiblemente alterada por su viudez reciente, de su hija (Mia Wasikowska, la Alicia de Tim Burton), extraña y sometida a ciertos secretos, y de un pariente que llega a la casa y allí se instala (Mattew Goode). Hay algo del Hitchcock de “La sombra de una duda”, aunque el clima está más enrarecido, es mucho más tenso. Se respira la tensión sexual entre los personajes e incluso un aire glauco que recuerda a las hermanas Brontë, incluso si el título original del film (“Stoker”) nombra al autor de “Drácula”, Bram Stoker. Porque ese aire de represión y de posesiones es, de cierta forma, una actualización del cuento gótico y victoriano, detrás del cual se esconden los dos temas que obsesionan al realizador: la venganza y la validez de los lazos familiares. Chan-wook, aunque con menos pirotecnia que en sus películas más conocidas, tensa la cuerda del misterio hasta lo insoportable, aunque se trata más de una incógnita interna, por qué estas personas actúan como lo hacen. Los actores, todos, caen bajo el embrujo creativo del realizador, algo no tan frecuente como se piensa.
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  • Tadeo, el explorador perdido
    Interesante y bien realizada película de animación digital que parodia los films de aventuras. Su peor defecto es sobreabundar en referencias al cine de aventuras, pero incluso así, la simpatía de los personajes y el diseño, así como los efectivos toques de humor bien español hacen que la película cree un aura de encanto propio de lo mejor que puede darl el género. Fábula sobre los sueños y la posibilidad de lograrlos, apunta a un público infantil pero, por suerte, no excluye en lo más mínimo al adulto.
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  • Puerta de Hierro, el exilio de Perón
    Víctor Laplace (quien ya había sido el General en la muy buena Eva Perón) dirige y protagoniza este film que narra a modo de ficción -incluso con elementos románticos- el exilio del líder político. La película cae, desgraciadamente, en varios lugares comunes, aunque intenta -y logra por momentos- mostrar la relación entre el icono y la parte más humana y falible del personaje, aunque su deriva recuerda mucho más a la televisión que al cine. El trabajo de producción y las imágenes son quizás lo mejor de la película.
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  • 911 Llamada mortal
    911 Llamada mortal
    Revista Noticias
    Halle Berry atiende llamadas de emergencia, comete un error, queda traumada y el destino -fatalmente- le da otra oportunidad: debe intentar salvar a una chica secuestrada y detener a un asesino. Estamos en el terreno del género puro, del suspenso, del miedo a que pasen consas malas. Estamos, de paso, en el piso firme de la clase B, aunque este sea un film de presupuesto A. Esto no se dice con ironía sino con respeto: la clase B ha dado y da obras maestras. Si esta no lo es, responde más a cierta previsibilidad lógica ligada al tema y a que en algún punto los actores toman demasiado control de sus escenas, sin dejar que fluya realmente la trama como algo natural. Que sea convencional es lo de menos: esas “convenciones” nos permiten seguir con mayor empatía al personaje de la Berry (que está muy bien, en el amplio sentido del término, a pesar de los rulos) en lugar de estropearnos las sorpresas. Que importan menos que la tensión por la resolución de la intriga. De paso, Abigail Breslin también está perfecta como la víctima encerrada. Para sufrir con gusto.
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  • Oblivion: El tiempo del olvido
    Una película de ciencia ficción postapocalíptica con Tom Cruise y Morgan Freeman no puede ser mal prospecto. En este caso, la parte “espectáculo” funciona muy bien, con bellos movimientos y elementos de acción que provocan una emoción genuina. El problema es que la intención de dejar un mensaje clarísimo respecto de la ecología, el armamentismo, el lado oscuro de la Humanidad, los peligros de la ciencia, etcétera conspiran constantemente contra la aventura. La Tierra ha sido devastada por la guerra contra unos aliens, Cruise es de quienes se encargan de hacerle cierto mantenimiento al planeta, y un accidente lo lleva a descubrir que la historia oficial podría estar equivocada.

    Contra lo que luchan los protagonistas, pues, es contra un guión que intenta, cada cinco minutos, establecer la utilidad del film en lugar de dejar que estos personajes vivan por sí mismos y nos contagien sus reacciones. Aún así, el director Joseph Kosinsky (responsable de la casi soporífera “Tron: el legado”) demuestra buen gusto, interés por sus protagonistas y deseo lúdico a la hora de la aventura, lo que compensa la pesadez filosófica (e inútil por lo trivial) de ciertos sectores del film. Cruise y Freeman, como siempre, causan un placer enorme a la hora de verlos, uno de esos placeres que –¡caramba!– andan escasos hoy día.
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  • Profesor Lazhar
    Profesor Lazhar
    Revista Noticias
    Las películas francoparlantes canadienses no son lo mejor del mundo, francamente. Aquí tenemos la historia de un docente argelino que se gana a un curso difícil en una escuela pública. Pero el film está tan preocupado por darle una enseñanza al espectador -la docencia excede la trama, desgraciadamente- que deja de lado cualquier posibilidad de que el espectador sienta el ojo atraido por la pantalla.
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  • Contrarreloj
    Contrarreloj
    Revista Noticias
    Nadie puede explicar la carrera de Nicolas Cage: films grandes con autores importantes y películas horribles. Este film no es pésimo, sino fallido: un ladrón timado sale de la cárcel y le raptan a la hija porque, creen, tiene un gran botín. Corridas, tiros, y Cage con cara de malo demasiado tiempo. El gran problema no es ni el actor ni la historia, sino que todo está filmado a desgano, como si los realizadores solo quisieran llegar, rápido, a la hora y media, y a cobrar.
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  • Posesión infernal
    Posesión infernal
    Revista Noticias
    Esta es la remake de Diabólico (más conocida por su nombre en inglés Evil Dead) opera prima de Sam Raimi, hoy director millonario. A diferencia de la original, el peso mayor del film está en dos factores: el protagonismo de los personajes femeninos y el horror inmediato. No implica que no haya humor negro, sino que éste tiene otro tono mucho más cínico y menos festivo. Técnica y narrativamente, funciona bien como una máquina de sustos, mejor que muchas otras “remakes”.
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  • ¿Quién mató a Mariano Ferreyra?
    El asesinato del militante del PO Mariano Ferreyra es uno de los puntos clave en la política argentina. Los documentalistas Rath y Morcillo llevan a la pantalla la investigación periodística de Diego Rojas pero optaron por utilizar las herramientas de la ficción: el resultado es interesante porque al mismo tiempo trabaja sobre el caso, sobre el periodismo -el film sigue a un cronista interpretado por Martín Caparrós que va desarmando el caso- e indaga sobre los motivos y las ambigüedades de la militancia política. El caso, pues, es en parte expuesto y analizado con un fin preciso -la idea era terminar el film para que influyera en el juicio que se lleva a cabo- pero excede ese marco porque también toca, ficción mediante, temas universales. Imperfecto en algún sentido, realizado con urgencia y producido en gran medida gracias a la solidaridad de sus participantes, lo que el film desnuda es la impunidad del poder mucho más allá del asesinato en sí y de su contexto. Se trata, aunque estemos en contra del uso del adjetivo, de un film necesario pues en medio de una andanada de documentales que desprecian el cine, opta por el arte como lupa para comprender la realidad.
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  • Bienvenido a los 40
    Bienvenido a los 40
    Revista Noticias
    Dentro del panorama de la comedia contemporánea, el realizador y productor Judd Apatow es un personaje central. Es cierto que en la Argentina el panorama del cine cómico estadounidense (de una enorme riqueza y creatividad) nos llega cercenado o morigerado por las pésimas políticas de distribución y exhibición. De todos modos, Apatow ha logrado estrenar aquí dos de sus films más conocidos: Virgen a los 40 y Ligeramente embarazada. Lo que lo hace diferente de otros humoristas es cómo encuentra el costado cómico, disparatado, en las conductas más cotidianas y triviales sin llegar (demasiado) a la caricatura desembozada. Hay además un gran cariño por los personajes, mucho más que herramientas para producir risa. Sin embargo, en esta “especie de secuela de Ligeramente...”, donde a aquel film se lo referencia en los diálogos, parece haber perdido algo del filo. Los gags son triviales, el ritmo se distiende en demasiadas ocasiones y, en algún punto, nos preguntamos hacia dónde se dirige la historia. Por cierto, el hecho de que el film está en manos de comediantes supremos (Paul Rudd, Jason Siegel o la gran Leslie Mann, por empezar) hace que mucha de la munición cómica llegue a destino y compartamos, con simpatía, las aventuras o desventuras de los personajes. Lo que falta es la densidad emocional de la gran -no estrenada, claro- Hazme reír o el filo cariñoso de Virgen a los 40. Igual, hay que seguir a Apatow, sin dudas.
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  • La reconstrucción
    La reconstrucción
    Revista Noticias
    Bien actuada y escrita, esta historia de un hombre hosco que toma a su cargo la famlia de un amigo -más bien un “buen conocido”- que pierde la vida busca constantemente el medio tono, es decir no caer ni en el melodrama o lo lacrimógeno ni en la comedia desaforada o el grotesco. Lo logra a medias con nobleza, incluso en sus errores, sostenida especialmente por actores en estado de gracia y un paisaje que complementa sus emociones. Imperfecta pero, en cierto modo, querible.

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  • Jack el cazagigantes
    Jack el cazagigantes
    Revista Noticias
    Sí, tal cual, otro cuento de hadas llevado a dimensiones épicas, 3D, pantalla gigante, gente que vuela, monstruos imposibles, etcétera. Funciona de a ratos porque, a esta altura, lo maravilloso se termina convirtiendo en un lugar común, y el realizador Bryan Singer -ocasionalmente talentoso: recuerden Los sospechosos de siempre o la segunda película de la saga X-Men- no logra imponer el tema del diferente atrapado en un mundo que no puede manejar (su tema, digamos) a una historia que desborda visualmente pero no emocionalmente.
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  • Verano del '79
    Verano del '79
    Revista Noticias
    Después de Dos días en París y de este film, no caben dudas de que la también actriz Julie Delpy es una gran realizadora. Esta es una historia de encuentro familiar multitudinario, que transcurre cuando cundía en el mundo la paranoia de que el Skylab, ese armatoste espacial, podía caer en la campiña francesa, justamente donde transcurre la historia. Pero en lugar de hablarnos de las rencillas familiares o caer en el grotesco subrayado, la adopción del punto de vista de una nena de 10 años transforma todo en otra cosa, en una historia que toma las dimensiones de lo fantástico y lo cómico, de lo maravilloso y lo colorido. La mirada de Delpy busca aquello que no ha sido retratado por el lugar común, y genera un relato cálido, como si el film fuera un hogar para el espectador, al que no le falta la ironía ni la acidez, pero no se excede en esos sabores. Sin la complicidad de un elenco perfecto y de un ambiente que recuerda la gran Milou en Mai de Louis Malle (pero con más diente, dicho sea de paso), un film puro corazón.

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  • G.I.Joe: el contraataque
    G.I.Joe: el contraataque
    Revista Noticias
    Primero, disculpas: seguramente usted, lector de esta revista, sentirá que hay algo raro en el hecho de recomendar un juguete de acción como esta G.I. Joe. Pero le recomendamos el siguiente ejercicio: vaya a ver este film como si fuera a ver una performance vertiginosa y sobremusculada del Cirque du Soleil. ¿Vio que es buena? Es claro: se trata de una historia de buenos contra malos, de una venganza, de explosiones cuya monstruosidad vuelve abstractas, y cuya diversión se basa en poder ver lo imposible. Lo que destaca de este film es que combina a dos grandes comediantes como Dwayne Johnson y Bruce Willis, tipos que nunca se toman esta clase de cosas en serio, payasos y clowns que cruzan a Fred Astaire con Karadagián, y hace que esa empatía que generan nos permita recorrer las fabulosas acrobacias y persecuciones con el interés por lo humano que suele faltarle a películas de este tipo. Aquí, a diferencia de la primera película, aquella fallida expedición punitiva dirigida por el otrora talentoso Stephen Sommers, el tono de los actores se ajusta perfectamente con el modo de las imágenes. Así, las increíbles acrobacias de algunas secuencias hacen que el espectador realmente sienta que hay peligro para alguien, que hay un riesgo, que se trata de una real aventura. Sí, puede disfrutar tranquilo de este juego de acción y tiros y bromas y piñas, y saber que esa diversión es nobilísima.
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  • ¿Y dónde está el fantasma?
    El gran problema de estas películas que se ríen de otras películas reside en que si uno no vio los films (los trailers, para ser sinceros) de los originales, no se ríe. Si los vio, ojo, tampoco se ríe mucho que digamos, pero por lo menos entiende de qué no se ríe. ¿Entendió? Bueno, no importa: parodia de films de terror sin gracia ni peso ni algo más original que una pedorreta. Su problema no es la grosería, sino que no le importa si hace reír o no. Plata rápida.
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  • Efectos colaterales
    Efectos colaterales
    Revista Noticias
    Hace un par de semanas (y sin pena ni gloria) pasó por las carteleras un ejemplo del Steven Soderbergh “ligero”, Magic Mike. Esta semana tenemos un ejemplo del “denso”: pareja rica, él cae en desgracia, ella se deprime, toma un nuevo remedio y la cosa se desmadra para el lado del thriller entre la denuncia y el sexo. Para decirlo claro, Soderbergh vuelve a hacer profesión de moralista y de señor que odia a los ricos (aunque él mismo lo sea). Telenovela mala pero trascendente. Cine, cero.
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  • Una pistola en cada mano
    Una pistola en cada mano
    Revista Noticias
    El catalán Cesc Gay ha realizado algunas películas notables como Krampáck y Ficción, ambos films libres sobre las relaciones humanas, pero también independientes, alejadas de ciertos modos de la mayoría del cine industrial aunque no necesariamente radicales en su estilo. Con Una pistola... apunta a un estilo más accesible y -no se lea despectivamente- “internacional”. Es un relarto coral sobre hombres que tienen problemas con las mujeres y se concentra en el trabajo de sus actores (Leonardo Sbaraglia, Javier Cámara, Ricardo Darín, etcétera). El resultado, como siempre sucede con los relatos corales, es desparejo, pero de todos modos hay algo para destacar y es que Gay logra encontrarle el humor justo a cada situación y -algo que no suele abundar en el cine hispano cuando opta por argentinos- capitalizar las diferencias de tono y formas de hablar para construir a partir de gestos naturales. Justamente en la espontaneidad de las criaturas reside el mayor atractivo de un film que, en principio, parece construido solo alrededor de estereotipos. Por suerte, hay algo más.
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  • Los Croods
    Los Croods
    Revista Noticias
    Es una pena que todavía (¡todavía!) las películas animadas se piensen como espectáculos únicamente infantiles, cuando en su mayoría se diseñan como films que unen al adulto con el niño para compartir una experiencia que pueda tocarlos a ambos. “Los Croods” justamente habla de eso, de la unión en la diferencia a través de compartir una experiencia común. El director es Chris Sanders, alguien que ha realizado dos grandes películas animadas sobre la familia y la unión ante lo extraordinario: esa obra maestra que es “Lilo & Stitch” y la muy buena “Cómo entrenar a tu dragón” (dos películas que no requieren un niño al lado para que el espectador termine emocionado).

    El film narra cómo una familia prehistórica, tras un cataclismo, debe dejar la cueva y aventurarse en un lugar nuevo con cosas totalmente nuevas, y de la tensión entre un “paterfamiliae” conservador y miedoso y una joven aventurera y curiosa. Lo interesante del arte de Sanders consiste en que, si bien no desdeña los momentos de acción que le permiten lucir el 3D y el diseño por computadoras, mantiene a los personajes en equilibrio, los hace complejos y no necesariamente arquetípicos, capaces de cambiar y no rígidas herramientas del guión. Juega mucho el diseño y la gestualidad de criaturas que han sido creadas primero en papel y lápiz y luego PC en mano, y eso es un arte secreto pero impresionante.
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  • La nana
    La nana
    Revista Noticias
    Los chilenos tienen, hoy y por lejos, el mejor cine de América del Sur. La Nana, film multipremiado, es un ejemplo: la historia de una sirvienta que no quiere quedarse sin trabajo opta por varios tonos, desde la comedia hasta el suspenso y acierta en todos, dejando como telón de fondo los conflictos sociales y enviando al primer plano al personaje, tan atractivo como peligroso. No se la pierda.
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  • Parker
    Parker
    Revista Noticias
    Otra novela muy adaptada al cine es The Hunter, de Donald Westlake, con dos versiones famosas: A quemarropa, con Lee Marvin, y Revancha, con Mel Gibson. Ahora el criminal que vuelve de la muerte y el olvido para reclamar el botín y hacer justicia es Jason Statham, un actor que es todo el cine junto. Como siempre, el atractivo de verlo moverse en la pantalla supera el de la historia, aunque se trata de un gran cuento que vale la pena volver a narrar.
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  • Mi novio es un zombie
    Mi novio es un zombie
    Revista Noticias
    Es tarea para el sociólogo inteligente (no es algo que abunde hoy) explicar por qué hay tanta obra protagonizada por zombies. No haremos aquí el catálogo: el lector puede golpear una baldosa y verá salir desde debajo miríadas de muertos vivos. Mi novio es un zombie se hace cargo de esta sobreabundancia de fanáticos del bocadillo de seso y plantea una comedia romántica donde ella le enseña a él a recuperar el calor del cuerpo y el alma. Pero cuidado: el realizador Johnathan Levine se da cuenta de que el punto de partida es adecuadamente cursi y juega también con eso al punto de hacerlo estallar con humor y los lugares comunes del cine de zombies. El resultado es gracioso, con aciertos -especialmente en el rubro actoral- y apuntes inteligentes. El problema es que el film gira máws alrededor de una ide que de una verdadera historia, y aunque eso puede dar resultados interesantes y hasta excelentes, aquí se requiere un mayor equilibrio entre ambas cosas: lo previsible y la risa sobre lo previsible se agotan rápidamente.
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  • Anna Karenina
    Anna Karenina
    Revista Noticias
    El realizador Joe Wright ha filmado, hasta ahora, solo adaptaciones literarias (“Orgullo y prejuicio”, “Expiación”). Sin embargo, ha encontrado el cine en ellas. Aunque ha tenido traspiés (la “moderna” “El solista”), cuando se dedica a los trajes de época logra –paradoja– verdaderas películas. Con “Anna Karenina”, enésima versión de una novela perfecta –lo que implica un riesgo gigante–, decide mostrarle al espectador que el “film de época” es siempre un artificio extremo, y que la propia novela, con sus ocultamientos y mentira, trabaja sobre el juego teatral de las apariencias.

    El resultado es de un gran impacto visual, que complementa de modo irónico y trágico lo que les sucede a sus protagonistas. No hay decorado de más: justamente el espectador comprende que algo se mueve detrás del decorado, algo que finalmente acabará con Anna y con su mundo. Los intérpretes comprenden bien el juego y lo juegan con enorme precisión: Jude Law es el retrato de Karenin, Aaron Taylor- Johnson es Vronsky. Pero el peso absoluto cae sobre la espalda de Keyra Knightley, una de esas actrices que comprende que el cine es movimiento. Aquí no tiene que correr o pelear como en “Piratas del Caribe”, sino deslizarse y ser, al mismo tiempo, carnal e inmaterial. Y devora al personaje de tal modo que logra amoldarlo a sí misma, disolviendo al mismo tiempo cualquier exceso literario. El film vale por sí mismo y por ella, no por el prestigio de la novela.
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  • Antes
    Antes
    Revista Noticias
    Interesante primer largo del argentino Daniel Gimelberg, el film trabaja sobre dos tiempos: el de un pasado tranquilo y normal, el de un presente que lleva a la degradación y la violencia. El espectador está invitado a comprender qué pasa en esa historia quebrada, a comprender las razones del quiebre, a descubrir alternativas. Gimelberg sostiene su historia con precisión y logra sumergir al espectador en las emociones de sus criaturas.
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  • Hitchcock: el maestro del suspenso
    No caeremos en la trampa del cinéfilo purista y totémico que no quiere ver a un actor haciendo de Hitchcock. El arte es libertad, después de todo. El problema aquí es que el personaje no parece construido con la imaginación o la investigación, sino con un refrito de Wikipedia. El rodaje de Psicosis es la excusa, y usar actores con algún Oscar, la segunda de las coartadas para un film aburrido y evidente, que se agota desde el póster.
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  • Mamá
    Mamá
    Revista Noticias
    Éxito sorpresa en los EE.UU., este film de terror español, rodado en inglés por un realizador argentino tiene lo que muchas películas del género hoy han despreciado: un auténtico clima perturbador y de suspenso. Un asesinato, dos niñas perdidas y una presencia fantasmagórica son los ingredientes y, es ocioso decirlo, forman parte del repertorio del género. Pero hay algo más: la manera cómo el film está narrado hace que cada indicio, cada pequeño avance del horror sume y multiplique lo anterior. En eso tiene mucho que ver especialmente la dirección de actores y el talento de personas como Jessica Chastain (recientemente vista en La noche más oscura), cuya capacidad para crear una persona real viviendo circunstancias extraordinarias es enorme. En todo caso, el problema de la película, aquello que la hace imperfecta (pero un film imperfecto siempre es interesante) es que podemos adelantar sus golpes de efecto, cronometrados casi a reglamento. Pero funcionan, y en eso reside el encanto malévolo de un film que, en el fondo, no es más que otro cuento de hadas perverso.
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  • Oz: el poderoso
    Oz: el poderoso
    Revista Noticias
    Detrás de la idea de rodar una “precuela” de El Mago de Oz (que, cosa poco conocida, fue un gigantesco fracaso de taquilla en 1939; la MGM se salvó porque ese mismo año distribuyó Lo que el viento se llevó) hay una evidente operación comercial que sigue a la “remake” de Alicia en el Paìs de las Maravillas por Tim Burton y a la ola de cuentos de hadas y libros infantiles llevados a la pantalla con tecnología de punta y algo de épica. Pero además hay un director detrás que tiene un estilo y una mirada sobre el mundo, Sam Raimi. Raimi cree en dos cosas: la comedia disparatada y el terror, y no concibe límites entre ambos. Para poder contar cómo el Mago, un estafador simpático y no poco libidinoso, llegó a Oz y, al mismo tiempo, entrar en la categoría “familiar”, baja dos cambios en su humor negro y otros dos en el terror. El resultado es desparejo: visualmente impactante, los verdaderos temas de la historia (la redención, el envilecimiento, el abuso y la enfermedad del poder) quedan de cierto modo solo ilustrados sin auténtica profundidad. Pero Raimi es un mago de la imagen y, cuando el relato cae en la solución fácil, opta por la invención (a veces pequeña, como el “arreglo” de la niña de porcelana) que genera emociones verdaderas. El elenco cumple (aunque la cara de bueno de James Franco conspira contra su ambigüedad) y el espectáculo vale la pena.
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  • Broken City
    Broken City
    Revista Noticias
    Sin ser perfecta, esta historia de candidato político que manda a investigar a su esposa por una posible infidelidad (caso que esconde en realidad otra cosa) es un buen ejercicio del policial negro con los actores justos para el caso. Russel Crowe, Mark Wahlberg y Catherine Zeta-Jones son imágenes que recuerdan lo mejor de un género que siempre fue reflejo de lo social y lo político sin declamarlo. Lo mismo pasa aquí y el cuento se agradece tanto como el contexto.
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  • Villegas
    Villegas
    Revista Noticias
    Ojalá el cine argentino comprendiera que éste es el camino. Esta parece una historia chica: dos primos viajan al entierro de su abuelo desde la Capital, donde están instalados, hasta su pueblo natal, el Villegas del título. Ambos son muy diferentes (interpretados por dos actores geniales como Esteban Lamothe y Esteban Bigliardi) y el viaje los confronta a uno con el otro y a ambos con su origen y su futuro. Y todo es amable, límpido, creíble al extremo y, sobre todo, atractivo. Vaya y disfrute.
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  • Magic Mike
    Magic Mike
    Revista Noticias
    Es difícil saber a qué juega Steven Soderbergh. Sus películas “intensas” (Traffic, Che) resultan declamadas y superficiales; las ligeras (especialmente aquellas en las que no quiere contar nada, como la serie La gran estafa o Un romance peligroso) son queribles y disfrutables. Pero tiene un par en una categoría intermedia: Erin Brockovich y esta Magic Mike, historia de un stripper masculino que quiere ser otra cosa y que, de algún modo, parece una versión masculina de la película de Julia Roberts. El protagonista, Channing Tatum, le otorga cierta simpatía a su personaje, pero si la historia exige ligereza para que la humanidad de sus criaturas aparezca de modo terso, Soderbergh decide inyectarle algo de “drama”, y empezamos a sospechar que, en el fondo, este señor es en realidad un viejo moralista. Las imágenes son, en su mayoría, triviales y el ritmo recuerda mucho más a un telefilm que a lo que tiene derecho de habitar la pantalla grande.
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  • The Master
    The Master
    Revista Noticias
    Antes que nada sí, vale la pena ver esta película, el nuevo trabajo de uno de los directores más intensos y creativos del Hollywood actual, Paul Thomas Anderson. Que, no cabe la menor duda, tiene como empresa realizar una especie de psicoanálisis de los mitos estadounidenses a partir de personajes intensos y de las imágenes más que de las palabras. Eso fueron Boogie Nights, Embriagado de amor y Petróleo sangriento. Aquí narra la historia de un veterano de la Segunda Guerra Mundial (un tenso Joaquin Phoenix) que termina como asistente de una especie de perdicador -o un charlatán- interpretado por Phillip Seymour Hoffman. El contraste entre ambos personajes es evidente en la superficie y relativo en el fondo, y ese doble juego es justamente lo que analiza plano a plano Anderson, que parece llevar al extremo el ejercicio de rodar con tensión absoluta cada secuencia que, alguna vez, fue la marca distintiva de Martin Scorsese. Pero lo más interesante es cómo el realizador va trazando, film a film y como si se tratase de una enciclopedia, el mapa del malestar americano, de sus taras, sus complejos y sus psicosis. Si la película no es una obra maestra, se debe a que hay un exceso de planificación: por momentos, se “nota” que el director hace prestidigitación con la cámara o los planos, que los actores, en un “plus” de intensidad, “están actuando”. A pesar de ello, una película diferente de la mayoría que aparece en nuestras pantallas, para tomar o dejar.
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  • La extraña vida de Timothy Green
    Rara combinación entre film de “enseñanza de vida” y cuento de hadas: una pareja sin hijos se ve bendecida por un niño extraño que llega a sus vidas. Que resulta tener un vínculo (más que un vínculo) con la naturaleza y las plantas. El cuento, que es del tipo familiar, se resiente por la necesidad constante de que aprendamos “algo” en cada secuencia, lo que le resta libertad y complejidad a las criaturas que lo habitan.
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  • Terror en Silent Hill 2: La revelación
    Rarísimo: el primer film, de 2006, no se estrenó en salas (salió en video) aunque el videojuego en el que se basaba era bastante popular. La razón para que veamos esta continuación (que no requiere del primer film, seamos sinceros) es quizás que el terror y el 3D forman una buena combinación, toda vez que los efectos “de susto” se multiplican. Aquí hay una joven luchando contra fuerzas oscuras que han raptado a su padre. Es decir, lo más parecido hoy día a un paseo por el Tren Fantasma. Ni más, ni menos.
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  • Hermosas criaturas
    Hermosas criaturas
    Revista Noticias
    A Richard LaGravanese lo conocemos más por sus guiones agridulces de Los puentes de Madison y El señor de los caballos que por su trabajo como realizador. Su característica central es la búsqueda de un equilibrio: no hay grandes villanos ni grandes héroes, sino que todo se mantiene en una especie de medio tono que reparte amabilidad a todos los personajes. Hermosas... es la historia de una joven bruja que llega a un asfixiante y ultra tradicionalista pueblo del Sur de los Estados Unidos y se enamora del “chico raro” y lector. Pero ella está a punto de cumplir 16 años, momento en el que sus poderes se volverán oscuros o luminosos. El problema central del film es que intenta mantener el tono de romance adolescente, de parodia -en cierto modo bastante evidente- de la saga Crepúsculo y de superioridad intelectual sin dejar de lado el espectáculo. Y el que mucho abarca, poco aprieta. Hay algunos aciertos -las escenas de Emma Thompson, por ejemplo- y un bello diseño de producción. Pero el romance -su emoción, más bien- se queda a mitad de camino.
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  • Amour
    Amour
    Revista Noticias
    La visión de esta película, ganadora de la Palma de Oro en Cannes, puede depararle la idea de que está ante una obra maestra. Técnicamente es cierto, se trata de un film impecable: absolutamente realista, que elude cualquier mención del artificio, rodada en planos largos, contemplativos, donde ocurren cosas cotidianas pero cada vez menos soportables. La historia es la de una pareja de ancianos: ella sufre un ataque cerebral y la enfermedad progresa de modo inexorable. Él la cuida supliendo a todas sus necesidades: el film narra el avance inexorable de la decrepitud y lo que une a dos personas en esas circunstancias.

    El problema es que el esfuerzo que hace Haneke por ocultar la manipulación necesariamente vuelve la película una enorme manipulación, tanto técnica como emocional. En efecto: hay momentos sórdidos cuyo único sentido es causarle malestar al espectador a partir del ejercicio actoral –otra manipulación– de dos intérpretes que fingen ser cada vez más decrépitos. En ese punto, y más allá de que el título pueda leerse si se desea de modo irónico, hay que preguntarse para qué la exposición hiperrealista del sufrimiento. O por qué el regodeo en el “gran arte” (la música clásica, los cuadros en las paredes) que parecen hablar más de la pedantería del realizador que del mundo de los protagonistas. No negamos que pueda considerarse una obra maestra: en su propuesta, es impecable. Solo decimos que nos parece lo contrario: un mero ejercicio de exhibicionismo de un director que se sabe y cree un maestro.
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  • La multitud
    La multitud
    Revista Noticias
    Un documental sobre dos espacios emblemáticos y, hoy, cadavéricos: la Ciudad deportiva de Boca y el Parque de la Ciudad. Martín Oesterheld ensaya el recorrido y la historia como una manera también de llegar a la relación política entre el espacio físico y el espacio social. Lo logra con solo sesenta minutos, en un gran ejercicio de concentración donde las imágenes hacen mucho más por la comprensión del espectador que cualquier texto. El recorrido es ejemplar y la realización, especialmente precisa.
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  • Mala
    Mala
    Revista Noticias
    Traspié de Israel Adrián Caetano, uno de los realizadores que mejor puede filmar el policial y la acción en la Argentina. Aquí tiene una buena historia -la de una especie de asesina justiciera que ayuda a las mujeres- y que gira hacia el melodrama y el suspenso. Pero algo falla: el deseo de contar demasiado o la necesidad de dejar clarísimo la intención “feminista” de la historia le juegan en contra. Como si fuera un borrador de lo que podría haber sido un gran film.
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  • Los miserables
    Los miserables
    Revista Noticias
    Uno puede decir que esto es una “adaptación al cine” de la obra de teatro musical basada en la novela de Víctor Hugo. Pero no, no es una “adaptación” sino una traslación: el trabajo del realizador Tom Hooper se reduce en este film a elegir más o menos el casting y a mover la cámara de modo decorativo e innecesario. Lo más importante de la película, más allá de las (pocas) secuencias de conjunto que aparecen en la segunda mitad, cuando se reproducen las barricadas parisinas de 1932, es ver gente cantando a cámara y explicando lo que nada más explica. De hecho, el espectador no comprenderá ni la obsesión de Javert, ni el amor de Cosette, ni la desesperación de Valjean salvo porque lo dicen (cantando, bueno, pero solo “lo dicen”). Si este es un defecto del material de base, el realizador -al no “adaptar” lo que tiene- no lo corrige. Porque lo que hay es una antología fotográfica de gente que canta declamando, nada más. Y por eso, además, el film resulta larguísimo y aburre: en el cine no hacen falta canciones tan largas.

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  • Duro de matar: un buen día para morir
    John McClane viaja a Rusia a buscar a su hijo, a quien cree metido en problemas. Lo está, pero no por ser traficante o chorro, sino por ser operativo de la CIA. El espectador que ya sabe de lo que es capaz el personaje en esta serie de acción que cumple cinco películas (y todas, a su vez, cumplen, aunque la primera siga siendo una obra maestra total) tendrá pues lo que seguramente busca: movimientos sin pausa, explosiones, velocidad, tiros y piñas. Ahora bien: ¿hay algo más aparte de la idea de un papá y su hijo reconciliándose mientras derriban villanos de caricatura? Siempre en estas películas hay un “algo más” y se llama Bruce Willis. A diferencia de los “musculosos” de los 80, Willis es sobre todo un comediante que comprendió desde que comenzó a protagonizar estos films, que no pueden tomarse en serio y que, en el fondo, se trata de una versión hipertrófica -pero no realista, no vaya a creer- de los maravillosos cartoons del Correcaminos, con McClane en el lugar del Coyote. Con los años -y aquí es más evidente que en el film anterior, superior en varios sentidos-, McClane parece haber descubierto que solo es feliz moviendo su cuerpo de modos imposibles y matando malos sin cuento. En el fondo, y aunque la parafernalia seudo política lo disfrace un poco, McClane es un habitante más -más sucio, más dinámico- del mundo de la fantasía. Y siempre es bienvenido.
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  • Cracks de Nácar
    Cracks de Nácar
    Revista Noticias
    No se la pierda, en serio. Es la historia (real) de dos periodistas y amigos (Alfredo Serra y Rómulo Berrutti, seguro que los conoce) adictos al fútbol de botones, que juegan en una cancha hermosa. O sea, un film raro pero también deportivo, sobre la alegría de vivir, de tener un hobby, y de conversaciones increíbles sobre las capacidades y habilidades de los “jugadores”. Sí, suena raro pero no, nada que ver: hay pocas películas tan alegres, distendidas y reales como ésta como para dejarla pasar.
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  • La niña del sur salvaje
    La niña del sur salvaje
    Revista Noticias
    Cuento de hadas y retrato social “hiperrealista” llevan necesariamente a la alegoría. En este film donde una nena de seis años se enfrenta a la disolución de su mundo (mensaje ecológico mediante, de paso cañazo) no se registra excepción. Pero cuando lo fantástico e irreal irrumpe sin atenuantes, el film adquiere una dimensión mayor. Como se sabe, ninguna ensalada es original del todo y esto es eso, una ensalada que, en más de una secuencia, contiene ingredientes sabrosos. Sí, sí, la nena es adorable.
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  • El vuelo
    El vuelo
    Revista Noticias
    Robert Zemeckis pudo pasar por autor hace unos años (gracias a sus tres Volver al futuro, o a la aún a la espera de revaluación Forrest Gump). Después se dejó llevar por la versión más fea de la tecnología de captura de movimiento (Beowulf, olvidemos) y ahora viene con un drama-aventura-comedia con Denzel Washington que confirma que es un gran director de actores, que sabe manejar el aparato cinematográfico para lograr tensión y emociones variadas, y que en el fondo sabe penetrar en el alma de sus criaturas. Aquí se trata de un vicioso piloto de avión que aterriza milagrosamente un avión y se vuelve famoso, aunque las cosas no son ni tan heroicas ni tan claras. Y se trata, también, de un personaje complejo que se muestra menos por sus palabras que por sus acciones, especialidad de la casa para Washington. El problema con Zemeckis es que le interesan más las secuencias aisladas que el film total, un defecto que a veces no se nota (Volver al futuro II, por ejemplo, o la complementaria a El Vuelo, Náufrago) pero aquí deja huecos para el tedio.

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  • Lincoln
    Lincoln
    Revista Noticias
    Hay que emprender una reevaluación inmediata de la obra de Steven Spielberg porque -con sus luces y sus sombras- es el realizador que define el cine estadounidense (e internacional) de las últimas cuatro décadas. “Lincoln” es, en cierto sentido, un film-resumen: allí está el gusto por el espectáculo, por la violencia -la primera, breve secuencia con una batalla de la Guerra Civil-, por la imagen mitológica que a veces se vuelve trivial. Podría ser una película de Walt Disney sobre el Gran Emancipador, pero es otra cosa: ese film hipotético más el “detrás de escena” del prócer.

    El Abe que crea para nuestros ojos Daniel Day-Lewis es abrumador, honesto, carismático, bonachón. Y es también un político ambiguo, oscuro, manipulador, incluso un poco psicopático (usa su carisma para manipular en más de una secuencia). Lo que queda en el fondo es una épica de la política y una pregunta: ¿el fin justifica los medios? La película solo narra cómo Lincoln logra que se apruebe la décimo tercera enmienda a la Constitución estadounidense, la que abolió la esclavitud (y brevemente el fin de la Guerra Civil y la muerte del personaje), pero en ese resumen de un mes de su vida, Spielberg logra la hazaña no solo de poner bajo la lupa todo un sistema político, sino también de reconstruir a un hombre y dejarnos la moraleja a nosotros. Nos manipula de tal modo que, casi, “Lincoln” es la autobiografìa disfrazada del director.
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  • Graba
    Graba
    Revista Noticias
    Una argentina que ha dejado su país por París, que vive al filo de la ilegalidad, inicia una relación amorosa -sexual sobre todo- con el hombre que le alquila la habitación. Hecha de pequeños gestos y de crudeza por partes iguales, Graba logra transmitir la sensación de desamparo de esos dos personajes separados por la cultura y unidos por la necesidad y el deseo. Un gran mérito consiste en que el sexo crudo no sea más “pesado” que una cena o una discusión o una escena laboral. La vida es eso y el film logra transmitirlo.
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  • La noche más oscura
    La noche más oscura
    Revista Noticias
    Después de ganar el Oscar por retratar con precisión la vida de desarmadores de bombas en Irak con Vivir al límite, Kathryn Bigelow narra la persecución de una década de una agente de la CIA a Osama Bin Laden. Pero si todos los films de la creadora de Punto Límite giran alrededor de un obsesivo que encuentra libertad en su vicio, aquí el peso “periodístico” del guión arruina la concentración dramática. La última media hora es brillante. Y criticar las esencas de tortura, idiota.
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  • El lado luminoso de la vida
    Si a uno le dicen que es una comedia romántica entre un bipolar y una depresiva adicta al sexo, lo más probable es que huya despavorido en busca de un film de Pixar. Pero, como los buenos films de Pixar, de paso, es un cuento de hadas perfecto. El bipolar es el excelente Bradley Cooper, que demuestra tener una enorme cantidad de registros. La depresiva es Jennifer Lawrence. La Lawrence es no solo hermosa sino brillante, una actriz que por sí sola justifica la existencia del cine. Lo que hace ese comediógrafo arriesgado que es David O. Russell (aquel de Tres reyes) es obviar cualquier explicación “médica”, ir directo a la médula de cada situación, dejar que los personajes fluyan y jueguen solos. Y lo que logra es que el viejo cuento de redención (que es el alma del cine estadounidense: quejarse por eso es como quejarse de que Van Gogh use demasiado amarillo) tenga, a pesar del caos aparente, un desarrollo terso y una luz precisa. Transmitir el caos de manera clara, de paso, es un gran mérito. Y para terminar: el único film sobre cosas terribles donde no pasa nada terrible, donde todo está visto desde el humor y la emoción. No hay películas así.
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  • Django sin cadenas
    Django sin cadenas
    Revista Noticias
    Después de ajusticiar a los nazis en una de las más bellas ucronías paridas por el cine, Bastardos sin gloria, Quentin Tarantino opta por un relato más convencional. Django sin cadenas es la historia de un esclavo que se transforma en cazador de recompensas y que tiene, como único norte, rescatar a su esposa -también esclava- de una plantación en Mississippi. Tarantino siempre opta por núcleos narrativos simples, porque lo que le interesa está en los márgenes, en las disgreciones del relato tradicional. En esos recodos es donde hace su magia: tomar un personaje arquetípico de un género cinematográfico -en este caso el western, y no el “spaghetti-western”- y mostrar lo que tiene de humano, lo que se conecta con nosotros. En Django, un film que alterna los grandes diálogos y las situaciones irónicas con (demasiado) respeto por el género y estallidos precisos de violencia, Tarantino construye un film entretenido pero demasiado ambicioso: quiere contar demasiado, mostrar demasiado y el “mensaje” políticamente correcto (a no engañarse: siempre fue un cineasta políticamente correcto que utiliza la provocación como disfraz) salta demasiado a la vista, incluso arruinando buenas secuencias. Por momentos, el realizador parece tan enamorado de su material que elude la síntesis. Pero muchas imágenes son poderosas, y el trío Foxx-Waltz-Di Caprio funciona de manera excelente. Film menor de un director mayor.
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  • Tres tipos duros
    Tres tipos duros
    Revista Noticias
    Otro film sobre envejecer: dos criminales buscan a un gran amigo que acaba de salir de la cárcel porque deben matarlo, pero le ofrecen una última noche de amistad y cariño. Lo que rescata la película de la cantidad de trivialidades que superpone el guión es que Al Pacino, Alan Arkin y Christopher Walken son tres tipos a los que uno no puede dejar de mirar. Ellos proveen a una fórmula mínima su pequeño pero visible capital explosivo.
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  • S.O.S: Familia en apuros
    Aunque imperfecta, aunque a veces busca el chiste fácil y no se le ocurre nada mejor, esta película tiene dos valores que la hacen por lo menos interesante. En primer lugar, que Billy Crystal es gracioso en serio y remonta a veces situaciones imposibles. En segundo, que ni reivindica la educación tradicional ni cierta permisividad contemporánea, sino que intenta comprender qué hay de bueno y de malo, qué hay de humano y relevante en cualquier época y estilo. Eso vale.
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  • El último desafío
    El último desafío
    Revista Noticias
    Este film prueba que la distribución cinematográfica en nuestro país es de lo peor: se trata del primer trabajo en los Estados Unidos de un más que apreciable director coreano, Kim Jae-woon, que ha realizado por lo menos dos grandes películas: A tale of two sisters (de terror) y El bueno, el malo y el raro (de acción). Un poco dentro de la línea de este último, El último... es el regreso de Arnold Schwarzenegger al cine de tiros como protagonista después de sus intervenciones en ambas Los Indestructibles. Un sheriff casi retirado, que elige salirse de la línea de mira, tiene que enfrentar a un hipervillano que cae de casualidad en su pueblito con un staff improvisado. Y sí, la película habla de la vejez, del no estar para esos trotes, y de qué buenos fueron aquellos tiempos. Pero también es un juego humorístico e imaginativo en torno de la amistad y el deber. Imperfecta pero noble, con una simpatía que morigera sus peores momentos, implica empezar a conocer a un director notable.
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  • Hansel y Gretel: Cazadores de brujas
    El lector quizás no lo sepa, pero en la década de los años 80, Tim Burton realizó una versión del tradicional cuento de los nenes perdidos con actores japoneses y peleas de kung-fu. Un poco detrás de esa idea, aparece este film que es una pequeña sorpresa. Hansel y Gretel tienen la particularidad de ser inmunes a los encantamientos de las brujas y utilizan esa característica para cazar y matar a cuanta se les cruce por un precio. El arsenal es fantástico y va del arco y la flecha a la ametralladora. ¿Humor? Claro que es una versión humorística, pero es también un cuento de terror (hay mucha sangre, como corresponde) y no escapa siquiera al sexo. Sin embargo, en medio de tal disparate veloz -el film parece durar diez minutos, sin tiempos muertos; siempre va al punto sin digresiones inútiles- aparece un tema (el amor) declinado en amor de pareja, fraternal, familiar y amistoso. Aunque quizás Gemma Atherton no está a la altura de la “dureza” que requiere su Gretel, Jeremy Renner comprende el juego perfectamente bien y crea un Hansel con mucho de western. Lo mejor del film es que ese disparate lleno de chistes de segundo grado que amenaza apropiarse de la pantalla en los primeros minutos (el reflejo “Scary Movie”, digamos) cambia por la comedia de acción y aventuras que no se burla ni de sus personajes ni de su mundo. Pequeña sorpresa.
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  • Sammy 2: El gran escape
    Sammy 2: El gran escape
    Revista Noticias
    Aunque se parece demasiado (siempre se pareció demasiado) a Buscando a Nemo, hay en este personaje, en esta segunda película especialmente, algo así como un desarrollo en la manera como el diseño representa estados de ánimo. La película no es demasiado buena, pero al menos es dinámica. Aunque los chicos más chicos también se dan cuenta de que esto no es más que un remedo de otra cosa.
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  • Tres
    Tres
    Revista Noticias
    Una pareja burguesa, normal, de una Berlín hiperculta, se enamora. Precisemos: tanto él como ella se enamoran del mismo hombre. Lo que hace el siempre creativo y a veces desbordado Tom Tykwer es seguirle el pulso a la historia con lo que tiene de dramático y de humorístico, aunque a veces se pasa de la raya tratando de pintar, además, un panorama cultural mientras cuenta un triángulo amoroso. Lo mejor: los personajes parecen personas reales, y eso es un logro importantísimo en el cine de hoy.
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  • Tesis sobre un homicidio
    Tesis sobre un homicidio
    Revista Noticias
    En realidad no sería difícil hacer buen cine policial y de suspenso en la Argentina si no hubiéramos destruido nuestro acervo, ya que es uno de los géneros que mayor cantidad de obras maestras produjo en el período clásico. Hernán Goldfrid, el realizador de Tesis... lo sabe y además sabe que los géneros clásicos funcionan como un lenguaje (su película anterior fue la comedia Música en espera). Aquí tiene un pequeño problema: el protagónico de Ricardo Darín y el tema (la persecución de un joven asesino por parte de su profesor) más ciertos climas recuerdan a El secreto de sus ojos, aunque este film es, como estudio psicológico, mucho más logrado. No del todo, por cierto: existen algunos problemas de guión que impiden que la historia -después de todo, una investigación sobre la cuestión del doble, profundamente cinematográfica- alcance la intensidad que la propia historia merece. De todos modos, el film en general funciona y las actuaciones son precisas (especialmente Darín, que tiene además la solidez del oficio). Podría haber sido mejor.
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  • Fuerza antigangster
    Fuerza antigangster
    Revista Noticias
    Algo malo pasó antes de llegar a la pantalla entre el film que podría haber sido (y que aparece en ciernes, agazapado, durante todo el metraje) y el que finalmente vemos. Hay estrellas y hay una historia basada lejanamente en algo real (el ascenso del gángster Mickey Cohen, la aparición de un grupo parapolicial que caza a los malos uno por uno), hay producción generosa y motivos para que el espectador espere acción y suspenso. Hay, además, un juego con el aspecto “retro”, y el término “juego” no es accidental: tan saturado es todo que da la impresión de que se quiso acercar lo retro a la sátira, a una lectura más irónica que realista. Pero el resultado es mortalmente serio y aparatoso, donde el elemento de época funciona como un puro decorado (es decir “está ahí porque queda lindo”) y no porque sea consustancial con la trama. El film entero parece funcionar, así, como una especie de ayuda memoria o museo popular: así eran los gángsters, así eran los sombreros, así se vestían las mujeres...así todo. Pero ni la historia ni los actores -que hacen lo que pueden- nos dan algo de humanidad que nos obligue a seguir mirando. Las escenas violentas son rutinarias y la cámara tomando a los (anti) héroes desde abajo, demasiado cómica para que la tomemos en serio, aunque el montaje final del film haya ametrallado cualquier posibilidad de humor, salvo involuntario.
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  • Mentiras mortales
    Mentiras mortales
    Revista Noticias
    A veces, Richard Gere es simpático; a veces, no, especialmente cuando hace de villano. Aquí es un hombre de dinero, un magnate en problemas que, a punto de solucionar sus enormes problemas financieros, comete un terrible error. Lo que sostiene el film, que es un estudio sobre el poder cargado de trivialidades y clichés, es el poder de los actores, especialmente Gere y Susan Sarandon, que maneja la puesta con absoluta solvencia y se ve poderosa. Lo demás es pura rutina. Los ricos son vanos, malos e infelices, vio.
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  • Una aventura extraordinaria
    Una cosa es que las imágenes del film sean bellas y que se haga un uso creativo del 3D; la otra, que Ang Lee haga honor a la narración. La historia se concentra en la hora y media en la que un joven queda a la deriva en un bote, tras un naufragio, conviviendo con un tigre de Bengala. Pero el tema es más amplio: la necesidad de sobrevivir a cualquier costo, el peso de la fe en ello, cómo se cuenta una historia y por qué un cuento es atractivo. El triunfo de Ang Lee consiste en que comprendamos que ahí hay una gran historia; su fracaso, en que eso no redunda en una película que nos atrape invariablemente. Derivas, simbologías, necesidad de afirmar y sobre explicar lo que queda claro con el puro esplendor visual atentan contra lo que, con más concentración, sería una perfecta aproximación a los mundos de Julio Verne o de Emilio Salgari, que parecen funcionar, desde las primeras secuencias, como modelo. Pero la indecisión del realizador lleva el proyecto, en gran parte, a la deriva.
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  • Jack Reacher - Bajo la mira
    Si Walt Whitman viviera hoy, su frase “Yo canto el cuerpo eléctrico” seguro se aplicaría a Tom Cruise. Es uno de los pocos actores de estos tiempos que trabaja con todo el cuerpo, y en Jack Reacher demuestra que la interpretación también es cuestión de músculos y tendones. Para que quede claro: el hombre aquí es un ex militar, una suerte de justiciero oscuro acusado injustamente de un crimen, sin nada que perder y con gente a la que rescatar. No es, aunque parezca, Ethan Hunt, el protagonista de la serie Misión: Imposible a la que le ha prestado el cuerpo. Hunt es más alegre, a veces más lírico. Es y se sabe bueno, se enamora, quiere a sus amigos. Reacher quizás también, pero es más oscuro, marginal, irónico. No es un héroe (o por lo menos no se describe como tal) sino un “desperado”. Y Cruise, de modo milagroso, hace la diferencia entre los dos personajes no con el rostro o el histrionismo, sino con el cuerpo: se mueven diferente y en ese movimiento hay una personalidad. La trama del film y el nervio que el director (aquel de Al calor de las armas, coguionista de Los sospechosos de siempre) le imprime cuajan perfecto con el despliegue puramente cinematográfico de Tom Cruise, el cuerpo eléctrico.
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  • La cabaña del terror
    Publicada en la edición digital #246 de la revista.
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  • Escuela normal
    Escuela normal
    Revista Noticias
    Después de dos ficciones perfectas (Ana y los otros y Una semana solos), ambas prodigios de observación, Celina Murga opta por el documental y muestra cómo funciona un secundario que carga, además, con el peso de una historia. No se trata de una muestra o una búsqueda didáctica de la pura información, sino de ejercer la mirada como un bisturí para encontrar el paisaje humano, el más atractivo y complejo. Un gran film que observa sin juzgar e invita al espectador a entrar en su mundo.
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  • Marley
    Marley
    Revista Noticias
    Empecemos por el principio: Kevin Macdonald, el realizador de este film, quizás le suene al espectador porque su primer largo de ficción, “El último Rey de Escocia”, tuvo su peso en las carteleras argentinas y se llevó algún Oscar. Después realizó una película sobre periodismo y política (“Los secretos del poder”, muchísimo mejor, con Russell Crowe y Helen Mirren) y ahora vuelve al documental, género en el que ya había hecho una más que importante carrera. El recuento es importante porque Marley toma el material documental sobre la vida del símbolo del reggae, los testimonios y la música y combina todo no en busca de que el espectador reconstruya a los personajes o tenga su propia opinión, sino tratando de emocionarlo, de guiar sus sentimientos de acuerdo con las reglas de la ficción.

    Y aunque en muchos casos, cuando esto se intenta, suele haber algo de impostura, aquí funciona. Especialmente porque el personaje es atractivo y porque permite ir más allá del lugar común “porro+reggae” que el esclavo de la moda suele adosar a Marley para intentar comprenderlo como emergente y metonimia de una cultura mucho más compleja. En ese sentido, y más allá de los momentos realmente divertidos de la película o del gusto (o disgusto) que nos cause ese cadencioso ritmo, se trata también de un film político que permite comprender una sociedad a través de uno de sus artistas.
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  • Fausto
    Fausto
    Revista Noticias
    Hay películas grandes como monumentos y películas grandes como monstruos. El “Fausto” que propone el cineasta ruso Alexander Sokurov, creador de algunos de los films más importantes de las últimas décadas (“Madre e hijo”, “El arca rusa”, “Spiritual voices”, “Moloch”, “El sol”) pudo haber sido lo primero pero resulta lo segundo. Por cierto, se trata de un fracaso, aunque de una dignidad notable. El autor toma ambas (por primera vez ambas) partes de la (falsa) obra teatral de Goethe para construir una reflexión sobre el poder, una especie de “cierre” a la serie de films que dedicó a Hitler, Lenin e Hirohito.

    Sin embargo, el problema de Sokurov reside en que quiere hacer demasiadas cosas y no todas en el lugar que corresponden. Quiere reproducir el estilo pictórico del romanticismo, con sus lentes aberradas (ya utilizadas en “Madre e hijo”) pero no siempre resulta pertinente; quiere que escuchemos la poesía de Goethe, pero no siempre las voces son las adecuadas. Quiere que nos dejemos llevar por el esplendor visual, pero en cada secuencia asoma el exceso o el feísmo que la arruina. A veces, se dibuja un diseño, una premeditación detrás: después de todo, Satán, el amo del error, es quien orquesta todo lo que vemos.

    Pero el film obliga al espectador a sintonizar con el cerebro –no ya con el arte– de Sokurov, un pedido excesivo. Por cierto, hay momentos de una belleza y poder deslumbrantes, pero rescatar esas joyas es un trabajo titánico, aunque se recompense el esfuerzo.
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  • Uno
    Uno
    Revista Noticias
    Por un lado, una especie de western en pueblo chico de algún lugar de la provincia; por otro, la historia de un hombre (Luciano Cáceres) que tiene la oportunidad de vivir otra vida. Hay elementos tanto del film de costumbres como de la película de aventuras, aunque el resultado no es del todo preciso (por momentos, los diálogos y las actuaciones tienden a lo sentencioso). A pesar de ello, un debut interesante.
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  • El romance del siglo
    El romance del siglo
    Revista Noticias
    Madonna dirige (y no es su primera pelicula) una versión del romance entre Wallis Simpson y Eduardo VII, que es a su vez vista por una joven contemporánea (más o menos, de mitad de los 80 más bien) como una especie de “guía” para sus propios problemas de pareja. El resultado es desparejo pero no cabe duda de que la cantante-productora-actriz-realizadora toma del asunto histórico solo el tema de la independencia femenina. Y en ese sentido, el film funciona casi como un cuento de hadas.
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  • Los ilegales
    Los ilegales
    Revista Noticias
    La era de la Depresión en los Estados Unidos es, para el cine, un momento rico por dos motivos. En primer lugar, porque sirve de cruce entre el western y el policial urbano; en segundo, porque permite adentrarse mediante la pura aventura en la comprensión de las taras sociales, y volverlas universales. Este film, que narra la vida de tres hermanos contrabandistas, la corrupción policial y la competencia con otra mafia en un pequeño pueblo rural de Virginia, toma elementos de muchas otras historias (desde Cosecha Roja hasta El Padrino) para, con brío, trazar un mapa de los Estados Unidos que no deja de tener una vibración contemporánea. Sí, las taras del capitalismo, pero no hay que quedarse solo en eso: lo que importa aquí es el pasaje de un personaje de un lado al otro de la moral (el que personifica Shia LaBoeuf) y cómo la codicia de los hombres corrompe todo paisaje. Muy intereante película del director de El Camino, que quiere volver a los géneros clásicos.
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  • El Hobbit: Un viaje inesperado
    Después de haber conquistado el mundo con las doce horas de El Señor de los anillos, era natural que Peter Jackson decidiera, finalmente, llevar El Hobbit -la “precuela” de aquella novela- que tuvo un parto dificultoso de casi una década. El resultado es desparejo, con secuencias notables donde el humor y la aventura conquistan el ojo y con otras donde la inflación narrativa producto de transformar una novela de poco más de trescientas páginas en otra trilogía de más o menos diez horas en total. Quien conozca la obra de Tolkien, verá que hay tanto elementos del libro original como de los Apéndices de El Señor de los Anillos, y algunos cambios para mayor fluidez narrativa. Justamente, el problema de la película reside en que esa fluidez se resiente en gran parte del film, especialmente hacia el medio, donde la necesidad de llenar la historia con datos necesarios para futuras películas vuelve todo moroso. En cambio, en las secuencias de acción y dramáticas que se suceden en la última hora de película, todo es más fluido e incluso, en ciertos casos, humorístico, aunque se nota la idea de que la estructura sea un calco de la de los films anteriores. Sì hay un defecto, quizás producto de la necesidad de “sumergir” fìsicamente al espectador en la acción, y es que a pesar de la suntuosidad de los escenarios, a la hora de los golpes y las corridas es imposible disfrutarlos por el vértigo de una cámara que busca, primero, el ángulo más difícil y, recién después, el más pertinente. Un juguete de Navidad, en todo caso, con mejor humor que sus antecesores.
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  • Diablo
    Diablo
    Revista Noticias
    Un hombre duro tiene que ayudar a otro que no lo es tanto. El momento es inoportuno y la situación, absurda. Lo que sigue tras este comienzo es la declarada intención de juntar violencia, humor y sangre sin sentir vergüenza por los elementos de puro género que se dan cita. El resultado es divertido y muestra que Ezequiel Loretti tiene mucho más para dar. Problema: la estrenan en mínimas y pésimas salas. Quizás si lo protagonizara Néstor Kichner tendría mejores pantallas. Otro film nacional (encima ganador de Mar del Plata en 2011) pisoteado por el sistema.
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  • Despedida de soltera
    Despedida de soltera
    Revista Noticias
    Película agridulce, o más bien ácida: nada del fondant de azúcar con que suelen terminar las películas sobre casamientos y bodas. Las cosas aquí son duras: una mujer se casa e invita como damas de honor a tres otras, solteras, bellas, nada exitosas, que se pasaron la vida burlándose de ella. Para colmo, el novio es algo así como el partido ideal. Todo lo que parece disparatado en principio termina en una enorme amargura -y seguimos con los sabores- donde se pone en tela de juicio tanto el concepto de “éxito” como -algo mucho más importante- los lugares comunes sobre la solidaridad femenina. La película no está mal y es entretenida; el problema en todo caso es tener que subrayar la “mujeritud” de toda la situación, en lugar de dejar que todo fluya y se vuelva universal. Las actrices le dan una dimensión más a lo que, en el fondo, es una película de tesis disfrazada con brillos de Hollywood.
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  • Mátalos suavemente
    Mátalos suavemente
    Revista Noticias
    Hay un problema básico con este film del interesante realizador australiano Andrew Dominik. Consiste en creer que se es autor por inventar tomas para registrar ciertos hechos, incluso cuando tales tomas o movimientos de cámara no son necesarios. Si su film anterior –“El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford”– funcionaba bien (aunque era demasiado largo), era porque complementaba el espíritu silvestre de sus protagonistas con una naturaleza igualmente salvaje. “Salvaje” es un poco la clave (también aparecía esa característica en su opera prima “Chopper”) y en esta “Mátalos…” intenta contar, por un lado, cómo un grupo de gánsters busca matar a dos chorritos que les roban en un juego de póker (el asalto es convenientemente violento), perseguidos por el asesino profesional que interpreta Brad Pitt, a la manera de hilo conductor del relato.

    Pero también mostrar cuán decadente es la América contemporánea, especialmente en los meses álgidos de la crisis de las sub-prime, contexto del cuento. Combinar ambas cosas es difícil y en algún momento al espectador le importa poco el relato en sí y se concentra en pequeñas secuencias, en inventos estilísticos, en golpes de efecto. No cabe duda de que Dominik maneja el aparato cinematográfico con soltura y desprejuicio, el problema es que eso –así como los diálogos sarcásticos, abundantes en el film– no termina de cuajar. Hay algo interesante en este director, siempre al borde de una gran película que no llega a concretar
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  • 7 días en La Habana
    7 días en La Habana
    Revista Noticias
    Como todo film colectivo, éste tiene momentos buenos, momentos regulares, momentos malos, momentos inútiles. Y más allá de que hay grandes directores (Laurent Cantet, Julio Medem, Elia Suleiman) pocos atraviesan el lugar común fotográfico, eso de ver sin entender otro mundo. Solo el episodio dirigido por Pablo Trapero, con Emir Kusturica, que juega en la frontera entre el documental y la ficción, logra darle vida a un film demasiado fotográfico.
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  • Las ventajas de ser invisible
    Un chico de quince que la pasa mal (es tímido, le gusta una chica que siente inaccesible, tiene una enfermedad mental, se le suicida el mejor amigo) es orientado por dos pibes mayores y le cambian (un poco) la vida. Se trata de esos films profesionalmente “chicos”, realizados con ese medio tono entre el drama y la comedia que los estadounidenses conocen al dedillo y que tiene como mayor atractivo su elenco. Ni mucho más ni mucho menos.
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  • Juegos de muerte
    Juegos de muerte
    Revista Noticias
    Bueno, aquí vamos otra vez. Hay un asesino psicópata de esos que gustan de hacer tortilla a media humanidad de la manera más cruel y retorcida posible, que además tiene como cosrumbre recolectar algún pedacito de víctimas. Un tipo que sobrevive a su última masacre es forzado, con un grupo de mercenarios, a rescatar a una chica en poder del señor con máscara (claro que usa máscara, qué se creían). Y la guarida del monstruo es una especie de laberinto lleno de trampas mortales. Bien, hay una serie de temas interesantes aquí: el ser humano transformado en objeto (por ejemplo), el ejercicio de poder, las mil formas del mal, el caos, etcétera. Claro que a los realizadores sólo les importa que uno salte ante cada gota de sangre o grito, y no importan mucho los temas que podrían entrar -sin perder efectividad como entretenimiento- metafóricamente en el film. Así como está, es un más o menos entretenido descendiente de las eternas e interminables películas de El juego del miedo (con la que tienen algún parentezco por el lado de la producción, pero importa poco). Otra de gente que grita mientras la torturan.
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  • Siete psicópatas
    Siete psicópatas
    Revista Noticias
    De cal y de arena. De Martin McDonagh no solo conocemos Escondidos en Brujas, su anterior película, sino también varias de sus obras teatrales (Pillowman, La reina de belleza de Leenane): en todas estas obras hace gala del uso de elementos de géneros y un gusto específico por la ironía que no siempre llega al nivel de la sátira (y cuando lo hace, no es necesariamente cómica). Es evidente, por cierto, que a McDonagh además le gustan mucho los actores y las palabras, quizás la marca teatral más fuerte en este film. Siete psicópatas está más cerca del manual de estilo que de un cuento: es la historia de un escritor -Colin Farrell- cuyos amigos -Sam Rockwell y Christopher Walken- tienen el raro negocio de robar perros para devolverlos recompensa mediante. El asunto se complica cuando roban el perro de un mafioso -Woody Harrelson. El nombre de los actores ya puede dar una idea de que la bùsqueda aquìe es la de la más pura sátira “piola”, esa donde se mata, se tortura y se revienta diciéndole de reojo al espectador que no se lo crea, que no es cierto, que es una película y que, en el fondo, no tiene importancia. Pero al mismo tiempo, McDonagh y los actores muestran el otro lado de estas criaturas, aquel con el que podemos identificarnos y que nos devuelve, en espejo deformado, nuestro lado más ridìculo. Y ahí sí podemos reírnos y acompañar a estos tipos, aunque a veces lo “piola” se les vaya (demasiado) de las manos.
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  • Néstor Kirchner, la película
    El cronista se ve obligado a decir que este comentario no pretende ser ideológico o partidario (signo de estos tiempos, donde se condena moralmente de acuerdo con lo que uno piense). Afiliado al partido del cine, le resulta imposible hablar de este estreno como si realmente fuera una película. No lo es: se trata de una larguísima publicidad de campaña sin el más mínimo valor cinematográfico, y que, más allá de la manipulación de la verdad (hasta los documentales son construcciones), aburre inmediatamente.
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  • El ministro
    El ministro
    Revista Noticias
    Un hombre de poder se enfrenta a una crisis: ministro de trabajo, un accidente con muchos muertos lo pone en el foco de una tormenta donde arrecian juicios, chicanas, negociados y todas esas cosas que en Francia alimentan una ficción pero se han vuelto pan cotidiano en la Argentina. El tono irónico del film, que juega casi al humor negro en algunas secuencias, no oculta que, a pesar del suspenso, es poco lo nuevo que tiene para mostrar sobre la relación entre poder político y dineros sucios.
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  • El origen de los guardianes
    Los “guardianes” del título son Papá Noel, el Conejo de Pascuas, el Hada de los Dientes, etcétera. El mundo está amenazado por un hipervillano poderoso y allá van estos personajes legendarios para solucionar el asunto. Es cierto, nada original o casi, y lo más interesante de esta película visualmente atractiva es menos lo que es que lo que no llega a ser. De hecho, se trata de un film de superhéroes con fondo paródico (no tenemos Iron Man, sino Papá Noel, digamos; o la voz en inglés del Conejo de Pascuas es la de Hugh Jackman) que trata de contradecir todos y cada uno de los lugares comunes del (ya) género superfuerte. Pero hay un punto en el film donde empieza la aventura, comienza la acción y la película se desliza hacia la aventura. Y curiosamente, aunque el humor no escasea nunca (tampoco da siempre en el blanco, que quede claro), se vuelve un film más de género, salvo que sus personajes en lugar de aparecer en el papel impreso provienen de las creencias populares. Así las cosas, lo que pudo ser es un poco más interesante de lo que fue. Mientras tanto, el film no aburre, lo que ya es en sí mismo un valor importante.
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  • Curvas de la vida
    Curvas de la vida
    Revista Noticias
    Cuando se pensaba que no iba a volver a trabajar frente a las cámaras, Clint Eastwood regresa a un protagónico e incluso cede la dirección (el film es puro Eastwood) a su habitual colaborador, Robert Lorenz. Aquí es un veterano cazador de talentos del béisbol que está quedándose ciego y debe recibir la ayuda -a regañadientes- de su hija (Amy Adams), una joven abogada a punto de volverse socia de su bufete. En ese viaje con el padre, además, encontrará el amor en otro joven cazatalentos (Justin Timberlake).

    Puede pensar que son todos lugares comunes, que se vieron mil veces, etcétera, y tendrá razón. Pero la película es también de una placidez (y un placer) notables, que inscribe esta historia de familia en el marco de las presiones del mundo laboral. De hecho, el gran tema de la película es si uno tiene derecho de vivir de acuerdo a sus propias reglas, de trabajar de aquello que le da gusto. En el fondo, es un film sobre el mundo estadounidense y sobre la validez de sus tradiciones en un universo que se tecnifica cada vez más, que se vuelve cada vez más inhumano. Y además están los paisajes, los bares, la extraordinaria chispa de la Adams y la química que establece con Timberlake (sin contar ese talento genial llamado John Goodman), Hay pocas películas que aúnen perfección técnica y narrativa clásica con una búsqueda del placer. “En Curvas…” eso sucede para los personajes y para los agradecidos espectadores.
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  • Un amor de película
    Un amor de película
    Revista Noticias
    Cine dentro del cine, la historia de un director que, por una (absurda) apuesta debe hacer una película mala llena de estereotipos. El problema reside en que el film descansa solo en su idea, sin construir nada más. O, para decirlo de otra manera, gira y gira alrededor de lo que podría ser gracioso sin que lo logre. Entre las curiosidades de esta coproducción, se encuentra que Luciana Salazar es más natural al mirar a cámara que María Grazia Cucinotta. Y que está Geraldine Chaplin.
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  • Amor a mares
    Amor a mares
    Revista Noticias
    Una comedia un poco alocada (un poco, y eso es una lástima) que transcurre en un transatlántico, sobre un escritor popular en crisis (Castro) envuelto en amores y peligros más o menos a reglamento. La búsqueda de la comicidad o del momento “mainstream” hace que la posibilidad de micromundo kitsch del barco se disuelva. Todo se vuelve una historia a reglamento que se parece a mucho cine ya demasiado visto.
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  • Días de pesca
    Días de pesca
    Revista Noticias
    Los films de Carlos Sorín adolecen -en general, en medidas diferentes de acuerdo con el alcance de cada trama- de una paradoja: cuando sus personajes y ambientes convocan la emoción, Sorín suele filmarlos buscando el ángulo más bello, que no siempre es el ángulo más emotivo. Como si el oficio de publicitario, que ha ejercido mucho y con éxito, se interpusiera ante el impulso estético del cineasta. En Días de pesca tiene una historia pequeña y bien cincelada, la de un ex alcohólico que, en tren de refundar su vida, viaja a la Patagonia con el objeto de participar de la pesca del tiburón y de reencontrar a una hija a la que ha ignorado, historia que es excusa para la aparición de otras en germen, pobladas de personajes curiosos y queribles. Pero por algún misterio de la puesta en escena, el film se ve más “lindo” que “bueno”. Otra vez la Patagonia, el territorio que Sorín más recorre, aparece impenetrable en su misterio: nos quedamos -como respecto de las emociones de los personajes- en sus bellas, insatisfactorias orillas.
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  • Amanecer - Parte 2
    Amanecer - Parte 2
    Revista Noticias
    Bueno, digamos que esta, por ser la última película y porque ya no se puede seguir “robando” con la adolescencia como foco de los amores teen, es la mejor película de esta serie desvaída. Finalmente Bella es una vampiro -ya lo saben-, tiene una hija mestiza vamp-humano que se vuelve rápidamente “grande”, Edward es un padre responsable y Jacob se transformará en una especie de ángel de la guarda. Digamos que no hay nada imprevisible y, como corresponde a cualquier historia melodramática de estos tiempos, todo termina a épicas trompadas. Lo bueno de esta película es que, a la larga, la insistencia en construir el mundo de la saga nos hace a los personajes simpáticos, aunque dificilmente icónicos. El vampirismo y la licantropía no son ni metáforas ni símbolos, simplemente son mecanismos de la trama; lo que importa en todo caso es qué pasa con esa familia muy normal que conforman estos seres fabulosos. Quién sabe: quizás cuando pasen otros veinte años, Edward, Bella y Jacob cambien sus nombres por Homero, Morticia y Lucas. No se puede pedir -ni se busca- originalidad o emociones fuertes, y en ocasiones el suspenso cuasi terrorífico que proveen ciertos personajes atados a la mitología del miedo, funciona bien. En otras, la cámara se dedica al paneo publicitario sobre los rostros o pectorales de sus protagonistas. Pero está bien, hay un público (creciente) que adora esta saga y busca eso. Y la película es generosa, lo que dista de ser algo malo.
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  • Cosmopolis
    Cosmopolis
    Revista Noticias
    No cabe duda de que las películas de David Cronenberg basadas en libros a los que respeta demasiado son lo peor, lo más débil de una obra en general fascinante. “Cosmópolis” no es la excepción: aquí se trata de un hombre que viaja en limusina, un especulador bancario cuyo mundo se disuelve minuto a minuto en el caos sin que le importe, porque definitivamente vive en otro mundo: la alienación lo lleva directamente a lo zen. Ok, el film está basado en la novela de Don DeLillo; ok, el precedente literario es pesado. Ok, a Cronenberg siempre le interesa ver cómo un nuevo universo fantástico y visceral surge de las entrañas (a veces literalmente) de este. Ok, este film no descarta en modo alguno nada de aquello que formó siempre parte de su temática y estilo.

    Pero, como sucedía con “Almuerzo desnudo” y con la mucho mejor –pero igualmente “respetuosa”– “Crash-Extraños placeres”, estamos ante un “Cronenberg para críticos y/o especialistas y/o literatos”. Y, como pasó con “Un método peligroso” (una película con mucho más humor que esta supuesta sátira), con una lectura superficial de un texto en lugar de una interpretación personal. Bien, puede que Cronenberg crea que hoy solo es posible leer superficialmente y que el mundo es demasiado explícito. Sea: en ese caso, tenemos un buen film para discutir teorías fílmicas y seguir abonando las discusiones “d’auteur”. Pero será confundir, pues, “sesudez” con inteligencia. El caos del mundo aparece de modo mucho más inteligente en “Duro de matar”.
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  • El sexo de las madres
    El sexo de las madres
    Revista Noticias
    Historia femenina, amistad entre dos mujeres unidas por el secreto de una violación ocurrida en la adolescencia de ambas y enmarcada en un paisaje natural. El film tiene enormes altibajos, especialmente la forma en la que el drama de personajes se desliza hacia el policial, pero tiene el muy buen trabajo de Victoria Carreras con un personaje que daba para sacarle mucho más jugo, pero que de todos modos inunda la pantalla.
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  • Locos por los votos
    Locos por los votos
    Revista Noticias
    Dos comediantes más que buenos (Will Ferrell y Zach Galifianakis) hacen de políticos: uno profesional, otro novato; uno cínico, el otro idiota, y ambos en pugna por un escaño parlamentario. De no ser porque estos dos tipos conocen al dedillo los secretos del tempo cómico, esto sería demasiado aburrido, dado que lo único que tenemos son los lugares comunes más repetidos de la sátira sobre los políticos en campaña, a esta altura un espectáculo más cómico (y penoso) que una sátira al respecto.
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  • Frankenweenie
    Frankenweenie
    Revista Noticias
    Tim Burton vuelve a dirigir un film de animación y eso es una buena noticia. Frankenweenie es la traslación al largometraje de un corto que realizó en 1984 con actores y la anécdota del niño que revive a su perrito con un experimento científico que parodia y homenajea a Frankenstein sigue siendo deliciosa. La historia se ha expandido y vuelve a mostrar un mundo hipertrofiado por el descontrol y la estupidez, al tiempo que vuelve a reivindicar la necesidad de que exista la diversidad entre las personas, a criticar el universo utilitarista y a rescatar la necesidad del cuento, del humor y de la fantasía. Pero, por una vez, el diseño está por encima del alma de sus personajes: lo que ayer, actores mediante, implicaba la aparición del contraste al mismo tiempo terrorífico y satírico, aquí es todo uniformidad en la diferencia. La sorpresa intelectual está ausente, y si la película se disfruta de cabo a rabo es porque aún Burton es capaz de sacar un conejo gigante de la galera y regalarnos una sonrisa.
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  • Operación Skyfall
    Operación Skyfall
    Revista Noticias
    A esta altura, después de 23 películas, es evidente que los films de James Bond se hacen un poco solos. También, dada la inepcia del pésimo Marc Forster, un director puede arruinar el preciso cúmulo de ingredientes que tiene hoy la serie. Daniel Craig es bueno, Judi Dench es buena, la mitología es sólida, todo es una enorme fantasía y el villano de Bardem, ampliamente copiado al Guasón de Heath Ledger (no es culpa de Bardem, claro) cumple. Y el director es Sam Mendes, un tipo “prestigioso” al que se recuerda por Belleza Americana. Pues bien: Mendes opta por las invenciones más o menos gráficas (se nota que es un satirista, se nota su oficio como puestista teatral y régie de ópera) en algunas secuencias que atraen el ojo –en esto mucho tiene que ver el fotógrafo Roger Deakins, que inventa bellos contrastes de colores- y justifican la entrada. A la hora de narrar, como siempre, Mendes es torpérrimo, con secuencias superfluas que no encuentra cómo justificar en la trama. Por cierto, Bardem y Craig y Dench (esta vez las “chicas Bond” son simple escenografía) sostienen el show con mucho brío, y la primera secuencia, con pocas palabras y mucho movimiento –quizás una de las pocas secuencias de acción más o menos precisas del film- ata al espectador a la butaca. Mejora sustancial respecto de la “cosa” anterior, no deja de ser apenas una vitrina para un gran personaje que, aún y después de medio siglo, no ha hallado su gran película.
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  • ParaNorman
    ParaNorman
    Revista Noticias
    Lo bueno de la película es su diseño, bellos personajes concebidos para la noble técnica del stop-motion. Hay, además, buenos (algunos grandes) gags que juegan con estos muñecos. No se trata de un film demasiado terrorífico; de hecho, es menos la historia de un chico buscando adaptarse a la adolescencia (aquí ve muertos y a su pueblo lo invaden zombies) que una parábola melancólica a lo Tim Burton o la rara Coraline. Lujosa, bella y divertida, pero liviana.
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  • Masterplan
    Masterplan
    Revista Noticias
    Hace un año o poco menos, los hermanos Diego y Pablo Levy presentaron un gran documental llamado Novias-Madrinas-15 años, sobre la empresa de su propia familia. Otra vez un poco “en familia”, los Levy hacen su primera ficción, la historia de un muchacho que quiere casarse, que ingresa a un mundo de pequeñas estafas nucleado en su querido auto Siam Di Tella, y a la amistad que entabla con un vagabundo que se le instala en el vehículo. Los Levy -aquí además Pablo es guionista y uno de los actores- aprenden la lección del cine americano: lo que nos causa risa no es lo que vemos sino cómo se lo interpreta. Y por una vez -por una milagrosa vez- en el cine argentino, el ensamble y la oportunidad para el remate cómico funcionan. Como sucede en cualquier buena comedia, la suma de pequeñas contravenciones al orden normal de las cosas lleva a una gran -posible- catástrofe en la que los protagonistas pasan a hacer malabares para que el mundo siga andando. Y en ese circo, los Levy se muestran eficaces ilusionistas, ajustados clowns.
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  • Sinister
    Sinister
    Revista Noticias
    El género de terror está hace años a la deriva. Por un lado, se hacen películas de “sustos”; por otro, se hacen películas de horror (donde no tenemos miedo de ver lo que vamos a ver, sino repulsión por lo que vemos). Es decir: films donde se usa el golpe de sonido y el montaje para decirnos “búh” o se nos muestran las mil y un manera de destripar un cuerpo. La tercera variante -que no excluye las anteriores- es la de usar “grabaciones espontáneas” o semi documentales (de El proyecto Blair Witch a Actividad Paranormal). Lo bueno de Sinister es que se hace cargo de todos estos elementos y nos redescubre que las buenas películas valen si tienen buenos actores (aquí Ethan Hawke pero también ese poco aprovechado comediante que es Vincent D'Onofrio, mas niños especialmente macabros) y un mundo convincente, no importa del género de que se trate ni de si su historia ya ha sido contada de algún modo. Aquí hay un escritor de ficción basada en hechos reales que descubre en la casa donde acaba de mudarse un montón de películas caseras mucho más que inquietantes, una entidad que empieza a asustar a su familia, un feliz invento (un culto antiguo) y un montaje preciso para generar miedo y susto. El director es Scott Derrickson, que tuvo un buen film de terror con ideas (El exorcismo de Emily Rose) y la invisible remake del clásico El día que paralizaron la Tierra. Con esta, por ahora, desempata.
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  • Histeria - La historia del deseo
    La excusa es la invención, en plena Inglaterra victoriana, del consolador. La historia en realidad es la de un médico idealista (Hugh Dancy) y una mujer idealista (Maggie Gyllenhaal) que busca romper -desde lo político hasta lo personal- con el corset de sometimiento de su época. Apelando a una reconstrucción de época precisa hasta el tedio, el film construye una comedia donde lo “gracioso” es que las mujeres logren orgasmos inducidos. Su problema no es el sexo -faltaría más- sino ser igual a mil otros films. Sin consuelo.
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  • Actividad paranormal 4
    Actividad paranormal 4
    Revista Noticias
    Es cierto que la serie tiene sus sustos, que la familia maldita, las nenas asesinas, los señores partidos al medio ya forman parte de una especie de melodrama sobrenatural bastante trivial cuyo mayor atractivo reside -o residía- en la idea de que todo es “real” porque se toma con cámaras de seguridad, camcorders caseras, etcétera. Pero si algo ha sucedido con esta serie es que descubre -o redescubre- algo central: no alcanza con el susto para generar miedo, sino que hace falta una historia y que tengamos empatía con sus criaturas. Esta nueva entrega mantiene el procedimiento repetido de las imágenes pero intenta abrir un poco la trama hacia nuevos personajes, aunque sin perder relación con los tres films anteriores. Pero tiene el mismo defecto: estamos esperando el momento en que nos vamos a asustar o tener miedo. Y llega, pero como siempre pasa, no todos nos asustamos de lo mismo. La persistencia en el juego hace que estas Actividades... se acerquen peligrosamente a la serie de TV.
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  • Argo
    Argo
    Revista Noticias
    Después de tres muy buenas películas, no podemos decir que a Ben Affleck la dirección le sale por casualidad: he aquí un director consumado, clásico, que maneja como pocos la cuerda del suspenso, que es capaz de crear una parábola social al tiempo que nos relata un cuento perfecto. Pasó con “Desapareció una noche” y con “Atracción peligrosa”, dos films donde la trama policial se sostenía en una perfecta descripción social y psicológica. En “Argo”, se narra la historia –increíble pero real– de un agente de la CIA que, tras la toma de la embajada estadounidense en Irán en 1979, tiene un plan para sacar a seis americanos que logran escapar y refugiarse en la casa del embajador de Canadá: hacerlos pasar por un equipo de cineastas canadienses en busca de locaciones para un film de ciencia ficción.

    La premisa le sirve a Affleck no solo para narrar las relaciones entre el Pentágono y Hollywood, sino sobre todo para jugar con las posibilidades del cine como juego de simulacros. Porque ni más ni menos de eso se trata: de simular para salvar la vida. A una producción perfecta (realmente “sentimos” que estamos en 1979) se suman actores que creen en sus personajes y un relato sólido. Pero eso sería nada si el realizador no supiera hacia dónde mirar, si no intentara al mismo tiempo comprender qué pasa alrededor de sus personajes. Y si, después de comprender, no tomara posición respecto de ellos. Una gran película de un gran director.
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  • Un reino bajo la luna
    Un reino bajo la luna
    Revista Noticias
    La belleza de los films de Wes Anderson es innegable, pero es evidente que sus anécdotas -en este caso dos chicos enamorados que se fugan cuando está a punto de desatarse una gran tormenta- y sus personajes coloridos y ridículos parecen vivir en una especie de status quo. Aún así, la película tiene elementos brillantes y una empatía poco común con las criaturas que la habitan. Anderson sigue filmando de tal modo que nos da gusto ver cada una de sus imágenes, aunque no siempre esos cuadros nos lleguen a emocionar.
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  • Dredd
    Dredd
    Revista Noticias
    Bueno, en el futuro los policías son también jueces y ejecutores. Esta historieta que comenzó satírica y tuvo su versión con Sylvester Stallone hace más de una década y media aquí está realizada con más tecnología, directamente en 3D y con un mayor respeto por el sarcasmo del original. Aún así, no alcanza con su parafernalia visual para que nos interese de algún modo este juguete lujoso e hiperviolento que incluso carece de secuencias de acción medianamente creativas.
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  • Cambio de planes
    Cambio de planes
    Revista Noticias
    Un hombre en crisis se cruza con un adolescente con cáncer y aprende a vivir. Que los actores lo hagan bien, que la historia se base en un caso real, que el realizador intente por todos los medios posibles volvernos simpática y emotiva una situación tan límite y desigual es lo de menos. Lo peor de la película es su acumulación casi increíble de lugares comunes, de trivialidades absolutas. El mecanismo de desviar con un chiste cualquier momento posiblemente trágico se repite ad náuseam. Ya sabe, es lo que teme sin la menor duda.
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  • Looper: asesinos del futuro
    Con el tiempo, probablemente esta película será considerada una obra maestra. En la superficie, es la historia de un asesino a sueldo que mata limpiamente en el pasado víctimas que le envían del futuro (un crimen perfecto). Pero todo se da vueltas cuando su víctima, él mismo pero treinta años más viejo, lo enfrenta y huye. Todo en un paisaje futuro absolutamente verosímil, donde la brecha entre ricos y pobres es enorme y global, donde los valores morales han perecido. Y donde, además, acecha desde el futuro un ser sobrenatural. Pero todos estos elementos, notablemente dosificados para que ninguno pase por demasiado fantasioso en el transcurso de la trama, son menos interesantes que la habilidad para filmar –de modo clásico y novedoso– la acción (nunca de más, siempre precisa) y, sobre todo, la perfecta historia de amor y piedad que el film, como una auténtica parábola, esconde.

    Hay muchas huellas de films pasados (“Terminator” y “La furia” son las más obvias) pero también del western, el policial negro –negrísimo– y el melodrama. El despliegue visual del film, notable, no es en modo alguno inútil, sino que es sutil y está al servicio de la trama. Por una vez, Joseph Gordon-Levitt justifica su fama, mientras que Jeff Daniels y Bruce Willis dotan de una gran profundidad a personajes que exceden –con mucho y por obra del director– su carácter de elementos necesarios a la trama. Porque aquí ni el más malo de los malos deja de ser humano, y en ese secreto radica la potencia emotiva de esta historia de un sacrificio piadoso.
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  • Los salvajes
    Los salvajes
    Revista Noticias
    Apuesta muy extrema de Alejandro Fadel (coguionista de El Estudiante), filmada con una belleza enorme -que a veces eclipsa la tensa trama- que retrata de un modo simbólico la vida de un grupo de menores escapados de un penal, atravesando una región agreste y peligrosa. El film es de una dureza impecable y lo que realmente cuenta es la disolución del mundo hasta sus componentes primitivos a través de una trama que incluye elementos de muy diversos géneros. Sin dudas un film importante y discutible, como pocos del panorama argentino actual.
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  • Búsqueda implacable 2
    Búsqueda implacable 2
    Revista Noticias
    Esta vez, a Liam Neeson le secuestran a la ex mujer y ahí va el hombre a salvarla a puro tiro, como un super héroe creado por la CIA. Lo bueno de la película es que hay mucha acción y, de algún modo, esto hace que el tiempo pase entretenido. Lo malo es que realmente, después de la primera entrega de esta ¿saga? No hay mucho más para contar, dado que los personajes pierden todo atractivo como seres humanos y solo son partes del mecanismo de relojería cuyos verdaderos protagonistas son las armas y las patadas.
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  • Hotel Transylvania
    Hotel Transylvania
    Revista Noticias
    Genndy Tartakovsky es uno de los mejores realizadores de animación comercial de los Estados Unidos. Inventor de El laboratorio de Dexter y Samurai Jack -dos grandes series-, debuta en el largometraje con este film creado computadoras mediante que narra la sobreprotectora relación de un bonachón conde Drácula y su hija. El vampiro ha creado un refugio para monstruos con la idea de que los humanos son malos y peligrosos, hasta que un torpe adolescente se cuela, inadvertidamente, en el lugar. Y la joven vampira se enamora. A partir de esta premisa y con mucho ritmo, crece un film humorístico y leve que pone el acento en el chiste rápido y físico, leve y simple. Esto funciona bastante bien, pero no del todo: en ocasiones, el vértigo impide gozar del cuidado trabajo visual en el diseño de personajes y ambientes. Y, en el balance final, da la impresión de encontrarse con un lujoso capítulo piloto para una serie (seguramente habrá secuelas). El trabajo de voces en inglés es mucho más interesante que el 3D un poco “a reglamento”. Puede llevar chicos muy chicos: no hay un solo susto en todo el film.
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  • La araña vampiro
    La araña vampiro
    Revista Noticias
    Hace cuatro años, Gabriel Medina presentó su opera prima, Los Paranoicos, un soplo de aire fresco en el cine independiente donde el realizador tomaba las constantes de la comedia romántica, les aplicaba una vuelta de tuerca y generaba una película original e inteligente. Con La araña vampiro, Medina hace lo mismo con el cine fantástico, el de aventuras y el terror. Jerónimo (gran trabajo de Martín Piroyansky) es un joven perturbado que viaja a un paraje montañoso con su padre, suponemos que para reponerse de una dolencia nerviosa. Una araña monstruosa lo pica; convencido de que va a morir en pocas horas -idea basada en un mito de las personas del lugar- parte con un guía alcohólico e imprevisible a la montaña en busca de una mitológica cura. El espectador se ve inmerso en esa naturaleza que fascina y amenaza al mismo tiempo, mientras la tensión entre ambos personajes crece con el correr de la aventura. Detrás, hay mitos, un estudio psicológico preciso, un suspenso sostenido que crece hasta al impecable final, y la combinación de lo alucinado con lo real. También la idea de una mano humana transformando el mundo de un modo catastrófico. La habilidad técnica de Medina, que no dispone de una sola imagen de más y utiliza con enorme gusto y precisión cada uno de los elementos de la puesta en escena hacen del film una de esas raras experiencias: una película absolutamente personal que llega a todos los públicos sin caer en la demagogia de la solución fácil.
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  • La casa de al lado
    La casa de al lado
    Revista Noticias
    Otra casa horrible donde pasan -o pasaron, o pasarán, depende de la hora a la que llegue a la función- cosas tremendas. Aquí hay una madre y su hija (las grandes Elizabeth Shue y Jennifer Lawrence, que se ve que filmaron esto en una semana que les sobró de otro laburo) mudadas al lado de una casa donde una niña mató a sus padres. En la casa vive el atractivo hermano de la asesina. Bueno, nada más: piense en Halloween, piense en Psicosis y adivine rápidamente el desenlace. O vea Halloween o Psicosis, que son obras maestras, a diferencia de este film.
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  • Resident Evil 5: La venganza
    La dupla Paul W.S. Anderson-Milla Jovovich, profetizamos, será alguna vez objeto de estudio. La serie Resident Evil, basada en un muy famoso juego de video, es una especie de actualización de la clase B a las posibilidades de gran espectáculo que proveen hoy las imágenes generadas por computadoras. Pero es eso: aventuras a granel y con cada vez más explosiones y movimientos en cámara lenta. Uno podría decir que con eso solo no alcanza para que el film tenga alguna calidad, que eso es algo que cualquiera puede hacer en estos días, incluso apelando a la truculencia sangrienta de esta guerra de zombies eterna en la que la pobre -o no tanto- Alice está embarcada desde hace más de una década. Pero hay que saber moverse para parecer heroica, hay que saber saltar y apuntarle a los zombies cuando la actriz está rodeada, en el set, de nada. El regreso de la gran Michelle Rodríguez (experta en esto de patear traseros en medios virtuales) y el absurdo y divertido despliegue visual 3D completan el caramelo violento para los ojos.
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  • Días de vinilo
    Días de vinilo
    Revista Noticias
    Lo mejor de esta película es que podemos relajarnos y olvidarnos un poco del contexto político, social, económico o médico para hablar de ella. No implica que no transcurra en un lugar (Buenos Aires) y un tiempo (ahora) definidos; más bien lo que sucede es que la gente vive como gente y no como símbolos o entelequias. La historia es la de cuatro amigos: uno de ellos (brillante Rafael Spregelburd, un grande del teatro que el cine ahora está incorporando, por suerte) está por casarse. Todos tienen en común sus problemas con las mujeres y el amor por la música. El film logra equilibrar tres elementos: la autorreflexión sobre el propio cine -Gastón Pauls es un guionista más o menos de éxito; Leonardo Sbaraglia se autoparodia como divo-, el juego de las amistades masculinas y los problemas (o variedad de problemas) de relación con las mujeres. El film permite el lucimiento de todos sus intérpretes (especialmente masculinos) y tiene el ritmo de una buena comedia de situaciones televisiva. Lo que lejos de ser un problema, es perfectamente cinematográfico: el mundo que vemos en pantalla se nos vuelve transparente y creemos en todo lo que sucede en la historia, lo que nos permite emocionarnos y reírnos sin vernos especialmente forzados a ello. Por cierto, el trazo grueso en algunos personajes y ciertas situaciones resueltas demasiado rápidamente conspiran contra el resultado final, pero en conjunto se trata de una buena comedia, argentina o no.
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  • Ruby, la chica de mis sueños
    No es del todo original la idea (un novelista crea un personaje para que lo ame y se le vuelve realidad, o algo similar) pero funciona muy bien en esta comedia que trabaja sobre las complejas relaciones entre la realidad y la fantasía. Lo mejor es que lo hace desde un lugar amable y feliz, apuntando a las emociones como herramientas para comprender el mundo. Los actores son, de paso, el mejor elemento de la película, empezando por el protagonista Paul Dano.
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  • Infancia clandestina
    Infancia clandestina
    Revista Noticias
    Lo loable del film es que se anime a colocar al espectador, sin excusarse, en el medio de una familia cuyos padres son Montoneros regresados al país en 1979 para la Contraofensiva desde el punto de vista del hijo de doce años (un trabajo increíble de Teo Gutiérrez Romero). Y la historia es la del paso de la infancia a la adolescencia, la del primer amor, la de la primera rebeldía contra los padres, en ese preciso, terrible momento. El film se basa en la historia del propio director y su sinceridad es absoluta. Muestra lo que piensa y lo que vio sin “filtrarlo” para hacerlo más aceptable al espectador. Quiere que se entienda por qué piensa lo que piensa, por qué dice lo que dice. Un personaje dice “¿Y qué tiene si mi hijo se hace guerrillero?” y usa ese término (“guerrillero”) que es tabú para “el relato” oficial. El cine es eso: una lupa que a puro invento nos descubre una verdad. Emotivo y manipulador como cualquier film de gran público (otra acusación poco pertinente), nos pone en un lugar que, por fin, nos permite decir “sí” o “no” sin maquillar la realidad.
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  • Tournée
    Tournée
    Revista Noticias
    Si quiere ser feliz, esta es su película. Un grupo de (verdaderas) artistas de strip tease estadounidenses que jamás han visto Europa –enroladas en el (real) movimiento del New Burlesque recuperan de modo satírico, político o muy estético las viejas rutinas del arte erótico de los `50– viajan a Francia de gira, traídas por un ex ejecutivo de televisión que dio un paso en falso, disoluto pero tierno, que quiere recuperar el reino y además ver a sus dos hijos. El film combina lo documental (las actuaciones de estas mujeres son absolutamente increíbles desde todo punto de vista y se muestran íntegras en la película) con una historia que homenajea a John Cassavetes. El resultado, a pesar de cierta melancolía del personaje central (interpretado por el director del film, Mathieu Amalric), es fascinante.

    Hay muchos temas: la relación entre los estadounidenses y los europeos, el sentido y las obligaciones de la paternidad, el erotismo como juego, el cuerpo femenino como herramienta estética, la definición de lo que es arte y lo que no, el cine mismo en esa delgada barrera entre la ficción y el documental. Y como si fuera poco, la película descubre a una actriz monumental (en todo sentido) en la blonda Mimí Le Meaux, que mezcla una sensualidad que desborda con una gran inteligencia interpretativa: la prueba es que en el último tramo del film debe enfrentar a Amalric, uno de los mejores actores del mundo, y empata con elegancia. Hay mucho humor y mucho corazón: una obra maestra.
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  • La cola
    La cola
    Revista Noticias
    Un señor que nació en la fila de espera de San Cayetano vive de hacer la cola por otros. Tiene un sueño: organizar a quienes laburan de lo mismo y, algún día, viajar a París donde vive su hija. Un film viejo, de esos que en los 80 nos hacían sufrir con “cómo somos los argentinos”, donde la comedia es grotesca y donde todo tiene un costado miserable que la vida -si la intención era “realista”- no posee jamás en dosis tan concentradas. Regodeo en la desgracia ajena.
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  • La aparición
    La aparición
    Revista Noticias
    El cine de terror sufre la tecnología. Este en particular, que podría tener una idea más o menos interesante (no, no la tiene) es un compendio de todas las cosas que se pueden hacer con efectos especiales y montaje a la hora de asustar. Como pasa con cualquier tipo de estímulo, a veces funciona y a veces no. Lo que hace a El Exorcista un gran film es que creemos en que sus personajes, todos vívidos, sufren. Aquí son figuras en un paisaje carente de lógica interna. Una más de fantasmas repetidos.
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  • ¿Qué voy a hacer con mi marido?
    Si usted cree que la conjunción de Meryl Streep, Tommy Lee Jones y Steve Carell puede funcionar, tiene razón. Los dos primeros interpretan las mitades de un matrimonio de demasiados años, de esos donde lo aburrido disuelve lo feliz. El tercero, a un especialista en parejas y sexo en un pequeño pueblito al que el matrimonio peregrina. Se puede pensar que no habrá sorpresas en esta historia de “buscamos recuperar aquella chispa, etcétera” y, por cierto, prácticamente no las hay. Pero eso es, justamente, la gran virtud de la película: contarnos con gracia y precisión, sin forzar el guión para pegar volantazos indiscriminados e injustificados, un pedacito de vida real transformado en un cuento de hadas por obra y gracia de un realizador -el mismo de El diablo vestía a la moda y Marley y yo- que deja vivi a sus personajes y no se coloca nunca por delante del material. Por cierto, con semejantes actores (la complementación Jones-Streep es absolutamente notable: parecen hechos el uno para el otro) es lo menos que se puede hacer.
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  • Salvajes
    Salvajes
    Revista Noticias
    Oliver Stone vuelve al campo del policial retorcido, donde a veces suele refugiarse de tanto bucear en la alta política (por cierto, últimamente no anda demasiado afortunado en ese campo, especialmente en sus documentales-panegíricos de líderes políticos sudamericanos). Dos veces pasó por este cuasi género con muy buenos resultados: las satíricas “Asesinos por naturaleza” –con guión de Quentin Tarantino, algo no menor– y la extraña y caricaturesca “Camino sin retorno”. En ambos casos, Stone terminaba tomando el partido de los criminales (o de alguno de ellos al menos) para construir una mirada despiadada sobre la sociedad americana, aunque en algún caso se pasaba de simbólico o subrayado. En “Salvajes” narra cómo dos jóvenes dedicados al pacífico cultivo de la mejor marihuana del mundo y que comparten novia, deben enfrentar a un cartel mexicano que rapta a la chica y les exige todas sus ganancias de los últimos años.

    Hay menos acción, por cierto, que drama, vueltas de tuerca o escenas de tortura, que en algún caso son molestas. Lo interesante es que, como en casi todo el Stone “no biográfico”, el realizador apuesta por el romanticismo de los personajes, por algún valor caído en desgracia como motor de las acciones. Es raro, porque la película termina pareciéndose a un melodrama o, más bien, a su parodia. No deja de ser interesante, aunque está lejos de la locura satírica de “Un domingo cualquiera” o la fuerza narrativa de “JFK”, sus mejores películas.
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  • Papirosen
    Papirosen
    Revista Noticias
    Sin dudas, este film premiado en el último Bafici, segundo largometraje de Solnicki después de Süden (aquel retrato de Mauricio Kagel), es de los puntos altos del cine nacional en el año. Solnicki toma documentos familiares y filma a sus parientes durante una década, para reconstruir a partir de lo cotidiano una memoria al mismo tiempo colectiva y personal. La Historia contada a partir de las pequeñas historias, con un grado de emoción y crudeza -nada falta en este film transparente- notables.
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  • El código del miedo
    El código del miedo
    Revista Noticias
    Lo hemos dicho muchas veces: Jason Statham es la mejor noticia que tuvo el cine de acción en la última década y media (y uno de los actores a los que mejor les queda un traje negro). El tipo anda siempre con cara adusta y siempre resulta simpático: un auténtico misterio. Aquí tiene que defender a una nena de mafiosos, policías y algunos otros peligros, y de paso redimirse. La historia es lo de menos: larga vida (y muchas patadas) para el señor Statham.
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  • La pelea de mi vida
    La pelea de mi vida
    Revista Noticias
    Un ex boxeador humillado hace tiempo se entera de que tiene un hijo. Y que el padrastro del niño es otro boxeador. Lo bueno de la película es que no hay villanos, que está filmada con buen gusto, que los actores, casi todo el tiempo, parecen seres humanos reales. Lo malo es que plantea una situación compleja que resuelve de modo simplista. Sin embargo, es un buen ejercicio en cine de entretenimiento. El 3D suma un poco, pero no tanto: aún hay mucho que aprender en ese campo.
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  • 360
    360
    Revista Noticias
    La división internacional del trabajo cinematográfico es la siguiente: Hollywood, espectáculo; Europa, dramas optimistas sobre la familia burguesa; Asia, violencia y rareza; Latinoamérica, films que demuestren que el mundo es una porquería. Fiel a este postulado, el realizador brasileño Fernando Meirelles -por cierto, un tipo hábil para narrar- dirige esta producción multicultural con actores franceses, rusos, británicos, brasileños y americanos. A se encuentra con B; B se cruza con C; C tiene algo que ver con D. Al final, N conecta con A y de allí el título. La mayoría de las cosas que suceden están relacionadas con el sexo y sus consecuencias (lo que demuestra un puritanismo digno del siglo XIX) y que el film se inspire en la obra La ronda, de Schnitzler (llevada al cine por Max Ophuls y Roger Vadim) es apenas una coartada culturosa. El texto de Schnitzler mostraba la decadencia burguesa en el Imperio Austrohúngaro, no que si uno tiene relaciones sexuales completas todo se viene abajo. Para ver con condón, no sea cosa.
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  • Ted
    Ted
    Revista Noticias
    Seth McFarlane es un nombre importante en la cultura popular contemporánea: el creador de la serie de animación para adultos “Padre de familia”, algo así como el eslabón perdido entre la amabilidad oscura de Los Simpson y la crueldad surrealista de South Park. “Ted” es su primer largometraje: un niño de diez años desea que su osito de peluche cobre vida. Cobra vida, son famosos un tiempo y luego crecen, y cuando crecen, el niño quiere irse a vivir con la novia y el oso es un adolescente que no quiere crecer (su dueño, en realidad, tampoco del todo). Es decir: por un lado tenemos una película del tipo “el otro lado de…”, que satiriza las fantasías de adolescencia de los `80.

    Por el otro, un mecanismo cómico para hacer crítica social ácida sin ser del todo ácidos. Hay grandes momentos cómicos (la pelea a golpes entre oso y dueño) y mucho humor sexual y escatológico (aunque en realidad hay más diálogo picante que imágenes perturbadoras: ¡esto es una comedia comercial, amigos!) y Mark Wahlberg está muy bien. El problema es que se trata de un largometraje: la idea de base se agota más o menos en el minuto doce y después es cuestión de esperar una secuencia que tenga gracia. Por suerte las hay, pero lo que uno termina descubriendo es que se trata de un film mucho menos radical –formal y temáticamente– de lo que promete: apenas otro cuento de amistad hiperrealista, apenas disfrazado con un buen efecto especial.
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  • Elles
    Elles
    Revista Noticias
    ¿Feminismo? Bueno, más o menos: una periodista investiga una red de prostitución de estudiantes universitarias. Cuando conoce a dos de ellas, todo lo que pensaba del asunto se le desdibuja. Ella misma se “conoce a sí misma”, digamos. El film busca construir una mirada amplia sobre un tópico complejo, pero termina siendo apenas una exhibición del talento actoral de su estrella, sin mucho más para ofrecer que algunos lugares comunes y planos bellos pero inútiles. Paisajismo parisino trascendente.
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  • Vacaciones explosivas
    Vacaciones explosivas
    Revista Noticias
    Si quiere ver una película de acción como la gente, vea esta. Mel Gibson es un chorro que termina preso en un extraño lugar de México, y que sobrevive gracias a que un pibe de 10 años le enseña cómo hacerlo. Eso y a) un mafioso en busca de un botín y b) venganzas y recontravenganzas. No estrenada en cines estadounidenses, ellos se la pierden. Con la crudeza que pocos films tienen pero sin dejar de lado ni el humor ni la generosidad con el espectador (eso que tenía la rarísima Apocalypto), Vacaciones es, en el actual panorama cinematográfico, un oasis.
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  • Todos tenemos un plan
    Todos tenemos un plan
    Revista Noticias
    Se ha promocionado mucho este film por el hecho de estar protagonizado por Viggo Mortensen, que es realmente un gran actor y aquí, trabajando en castellano, está muy bien (es complicado para un intérprete utilizar la que no es su lengua materna, por mejor que la hable). Sin embargo, la película no està a la altura de sus intérpretes (Soledad Villamil y Daniel Fanego son también muy buenos). La historia es la de un médico pediatra que, ante la desaparición de su hermano gemelo -un lúmpen de vida criminal que vive en el Delta que los vio nacer a ambos- asume su personalidad y se introduce en otra vida. El tema del doble, tan consustancial al cine, debería aquí ser la clave de la película. Sin embargo, el film resulta insatisfactorio más allá de algunas buenas escenas de correcta tensión dramática. La razón: el film no “comienza”, acumula sus peripecias sin que el suspenso (esa necesidad de preguntarnos cómo sigue la historia, el deseo de seguir viendo) cuaje nunca. Una revelación final nos explica un poco la decisión del protagonista, pero resulta, desgraciadamente, trivial.
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  • Fuera de Satán
    Fuera de Satán
    Revista Noticias
    Inesperadamente, se estrena en la Argentina este film del francés Bruno Dumont, uno de los realizadores más importantes de las últimas dos décadas. Lo primero que hay que advertir es que se trata de un film extraño por su tono: realismo sucio, extremo, en el norte de Francia, donde se retrata la relación entre una joven y un lúmpen que vive casi a la intemperie. Pero eso es sólo la situación de base de un film que, además, arranca con alguna muerte. Lo que sigue es el enrarecido trayecto de ese lúmpen, una especie de santo salvaje o una encarnación de Cristo. El clima siempre es opresivo, casi como de película de terror, donde cualquier cosa puede pasar aunque todo se inscriba en el más puro de los naturalismos. Hacia el final ocurre algo que no debemos contar: de hacerlo, no solo se rompería una de las sorpresas y grandes asombros de la película, sino que también se quebraría el sentido de este peregrinaje donde varias veces estalla la violencia sorda o la sexualidad salvaje. Dumont dice ser ateo, pero la película es ni más ni menos una parábola religiosa que deja al espectador en un estado de conmoción e inestabilidad emocional (exactamente como si fuera una película de terror, una buena película de terror) pero también de cierta euforia. Una de las obras más estimulantes del año cinematográfico, de una belleza secreta y de un gran rigor (no hay una toma de más) a la hora de elegir qué mostrar.
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  • Tinker Bell: El secreto de las hadas
    En realidad no es tan fàcil hablar de este film. Producido en serie -de hecho, TinkerBell se ha vuelto una- y para luego pasar a DVD y cable, tiene un diseño agradable, una historia sencilla (siempre un viaje y una lección de vida) y la inventiva necesaria como para que el incondicional (niño o niña, difícilmente un adulto) tenga la dosis de novedad necesaria para continuar siguiendo al personaje. Si lleva al chico de turno y se deja llevar, es poco probable que se aburra, aunque no imposible.
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  • La despedida
    La despedida
    Revista Noticias
    No es un mal film esta historia de un jugador de fútbol amateur que juega su último partido mientras esconde una enfermedad que lo condena. El asunto aquí es que los personajes parecen seres humanos de verdad, que podemos creer en lo que sucede en la pantalla, que hablan como se habla a nuestro alrededor. Es cierto que el guión a veces carga las tintas y que el elogio de la amistad es un tanto desmedido. Pero se trata de una mirada más verdadera que realista, incluso si el film “de perdedores” ya tiene su propio código y sus propias trampas.
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  • Cuando los chanchos vuelen
    Alguien debería establecer por lo menos una taxonomía para el cine no estadounidense que logra estrenarse fuera del país de origen. Los tres elementos más frecuentes son una narración clásica, un ingrediente de absurdo o realismo mágico y tono tragicómico y aleccionador. Más o menos es lo que pasa con la mayoría de lo que viene especialmente de países no centrales (quizás films franceses o alguno italiano logran esquivar estas características). Cuando los chanchos... es un film europeo, rodado por un escritor y periodista francés donde un pobre pescador de Gaza captura accidentalmente a un porcino -animal rechazado por israelíes y palestinos- y no sabe qué hacer con él. O sea, una alegoría de la intolerancia narrada con todos y cada uno de los apuntes necesarios para que el catálogo políticamente correcto y aleccionador quede lleno. Las actuaciones “simpáticas” hacen que la película sea menos pesada o manipuladora de lo que podría ser. Un film “internacional” que sigue las reglas para llegar a todo el mundo sin arriesgar demasiado.
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  • El legado de Bourne
    El legado de Bourne
    Revista Noticias
    Quienes descubrimos al señor Jeremy Renner en “Vivir al límite” nos dimos cuenta de que teníamos un nuevo buen actor físico, de esos que actúan con todo el cuerpo y saben hacer con él drama o comedia. No es un arte fácil y solo pertenece al cine. “Atracción peligrosa”, la cuarta “Misión imposible” y “Los vengadores” lo vienen demostrando. En este nuevo, Bourne es el protagonista y, además de pelear con peligros sin cuento y utilizar todo tipo de armas y golpes tratando de sobrevivir a una conjura de espías, tiene que luchar contra el director Tony Gilroy, que es uno de los guionistas más dotados de Hollywood y uno de sus directores menos atractivos (lo demuestran Michael Clayton y “Duplicity”, donde desperdicia a George Clooney, Julia Roberts y Clive Owen). Lo peor del film es su narración pretendidamente barroca –vueltas de tuerca mediante, igual nada novedoso– y las escenas de acción filmadas a reglamento.

    Pero si no es una película más, si incluso es un film recomendable, es porque el combate entre el actor y el escritor/director lo gana el primero. A este nuevo espía, condenado a su pesar, lo sentimos al mismo tiempo potencialmente invencible y siempre en riesgo de muerte, en un raro equilibrio que mantiene hasta el final la tensión de la historia. El señor Jeremy Renner va camino a convertirse en un clásico y esta película es una prueba de que, además, puede sostener sin esfuerzo un protagónico.
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  • El molino y la cruz
    El molino y la cruz
    Revista Noticias
    No es una película demasiado extraña, aunque su punto de partida pueda parecerlo: se trata de explicar qué es lo que expresó Brueghel con una de sus pinturas a través de una dramatización. El resultado, que podría ser interesante, transforma el arte pictórico en algo así como una lección del viejo Billiken donde todo lo que debería ser misterio e imaginación termina siendo apenas un mensaje cifrado poco interesante.
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  • La era del rock
    La era del rock
    Revista Noticias
    Y curiosamente el mismo día en que los pesados de los 80 vuelven a ametrallar pantallas, se estrena este musical sobre el más “grasa” del rock de esa década, versión cinematográfica de una obra de Broadway. La historia de la chica pueblerina que viene a triunfar en la música mientras las fuerzas morales combaten la indecencia es evidentemente paródica, y sirve de vehículo para, utilizando los lugares comunes de aquella música, hablar de hoy y ahora. Lo de Tom Cruise es muy divertido, realmente.
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  • Los indestructibles 2
    Los indestructibles 2
    Revista Noticias
    En realidad, quien esto escribe tiene la tentación de ponerle cinco estrellas, pero habrá de primar la cordura profesional. La historia que cuenta el film no es lo más importante: son un grupo de mercenarios de buen corazón (pero capaces de clavar un cuchillo, tres balas y doce granadas en uno ajeno) que deben salvar a la chica y eliminar a un villano, al tiempo que se divierten y nos dicen “esto que en los 80 era considerado reaccionario, en realidad era divertido y catártico: por eso aún vienen a vernos”. Y sí, es divertido y catártico, y es cine puro: todo se concentra en el movimiento, en el desplazamiento, en la dirección de las miradas y en la mitología (grasa, pero mitología al fin) que representan Stallone, Willis, Schwarzenegger, Van Damme, Norris y ese Hércules pelado que es el gigantesco Jason Statham. Si todas las películas fueran así, sería horrible. Pero menos mal que estos tipos siguen pateando traseros de tanto en tanto para sacudirnos, a pura tradición, la molicie.
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  • Dos más dos
    Dos más dos
    Revista Noticias
    Decir que se trata de una película sobre el sexo, que pone en juego la idea de la fantasía, que cuestiona la institución matrimonial y etcétera, establecer debates alrededor de estos asuntos es, lisa y llanamente, colocarse fuera del film. Quienes entiendan el cine solo como un acicate para la discusión tendrán con esta comedia una medida de leña que seguramente incremente la venta de entradas. Ahora bien: si usted es de quienes creen que una película es primero una obra, luego materia de discusión estética y -a veces accidentalmente- disparador para la conversación sobre otras cosas recién en último lugar, va a quedar un poco insatisfecho. El film cuenta cómo un matrimonio sin hijos (Juan Minujín y Carla Peterson) tienta a otro más tradicional (Julieta Díaz y Adrián Suar) con la fantasía del intercambio de parejas. Punto a favor (ideológico): la que desata la fantasía es la mujer. Punto en contra: el que más disfruta es el hombre. Pero eso -se dijo- es extracinematográfico. El problema de Dos más dos -que tiene al menos la virtud de que sus personajes parecen personas de carne y hueso reales- es que su factura televisiva, que incluye mencionar sin profundidad todo tono que deba ser mencionado (hay comedia, hay comicidad, pero hay -esto es un cuento moral y nadie lo duda nunca- drama e incluso momentos supuestamente conmovedores). Es allí donde una buena idea con actores a la altura de las circunstancias (es el mejor trabajo de Suar, y no hay ironía en esto) termina fallando.
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  • Rehén de ilusiones
    Rehén de ilusiones
    Revista Noticias
    A esta altura es ocioso hablar mal de las películas de Eliseo Subiela; a la larga se vuelven simpáticas. Aquí cuenta el amor de un cincuentón intelectual por una treintañera, la búsqueda de una pasión (física: para Subiela el amor solo puede ser físico) y la locura de la mujer. Lo que podría ser un melodrama digno pierde -y ese es el defecto Subiela- por exceso de explicación, por la necesidad de adosar la palabra a cada episodio, por no creer en la poesía intrínseca del realismo. Siempre una pena.
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  • La fuerza del amor
    La fuerza del amor
    Revista Noticias
    Qué raro es este Luc Besson: hizo El perfecto asesino o Juana de Arco pensando que todo cine es entretenimiento (lo que no está mal), y toma prestado de cuanto film le gusta. Aquí narra la historia real de la principal activista por la democracia en Myanmar (y Premio Nobel) Aung Saa Suu Kyi y su marido, el periodista y escritor Michael Aris. El film no es malo ni bueno: a dos grandes actores (Michelle Yeoh y David Thewlis) los contrapesa una apuesta por el espectáculo melodramático sin profundidad, como si Besson tomara la excusa “real” para jugar al melodrama.
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  • Abraham Lincoln: Cazador de vampiros
    Cosa curiosa, con esta película pasa exactamente lo contrario que con la nueva El vengador...: una historia disparatada que requería un tratamiento igualmente disparatado se ve perjudicado por lecciones de historia de los Estados Unidos dignas del peor Billiken. El título promete irreverencia, descalabro, absurdo y diversión. El “honesto Abe” es testigo de cómo un vampiro mata a su mamá, se vuelve con el tiempo asesino de chupasangres y, al mismo tiempo, un gran político, hasta que tiene que pelear de nuevo contra los íncubos porque apoyan al Sur esclavista. Y resulta que lo que mata al film es el enorme, demasiado pesado respeto que se tiene por Lincoln, que termina siendo una figurita de cera en unas secuencias y un aventurero ridículo en otras. El realizador Timur Bekmambetov (Se busca, Guardianes de la noche) es un especialista en acción alocada, pero no en contar una historia o crear personajes que nos causen empatía. Y es justamente en esto último en lo que el film termina fallando: hacía falta ser mucho más incorrecto.
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  • El vengador del futuro
    El vengador del futuro
    Revista Noticias
    Primero, Paul Verhoeven es un realizador holandés capaz de realizar grandes films en muchos géneros, pero cuyo interés no reside en la violencia que inunda sus películas sino en la ironía de que esa violencia sea parte de la condición humana. Sus películas son espectáculos y otra cosa: comentarios sociales y, sobre todo, políticos. De allí que el original El vengador del futuro, aquel film con Arnold Schwarzenegger y breve papel de Sharon Stone, tuviese una vuelta de tuerca cruel y satírica en cada secuencia de acción. Verhoeven decía en aquella película que la realidad era producto de una manipulación política. Esta nueva versión es una mala lectura: mejora gráficamente las secuencias de acción pero les quita, al no comprender la ironía del original ni su costado metafísico, cualquier peso. Solo se trata de un tipo que corre sin saber si está en el mundo real o en el de su imaginación, nada más. Así, la historia -como en un mal videojuego- es apenas una excusa para saltar de una corrida a otra, de un salto a otro, de un disparo al de más allá. Oportunidad desperdiciada: el film original era previo a internet y el discurso sobre lo virtual y lo irreal, por lo que una nueva versión permitía entrar con más fuerza en esos temas. Pero para eso habría hecho falta un auténtico director de cine.
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  • Historias breves 7
    Publicada en la edición digital #242 de la revista.
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  • Terror en Chernobyl
    Terror en Chernobyl
    Revista Noticias
    Lo sentimos: el fanático del cine de terror seguramente se sienta tentado a este film realizado “cámara en mano” (basta por favor: cómprense un trípode) sobre cosas que atacan a los visitantes medio idiotas de aquel lugar donde se fundió una central nuclear (y, de paso, la Unión Soviética). Pero es mejor eludirlo: sustos en lugar de miedo, truquitos en lugar de personajes, sonido al máximo en lugar de clima. Una película más que es, en realidad, una película menos.
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  • Atraco!
    Atraco!
    Revista Noticias
    Hay algo excepcional -en el sentido de “raro”- en este film: que cuaje lo “argentino” dentro de lo español, cuando por norma esto no sucede. Aquí la historia de un robo de joyas en España por un par de argentinos deriva en una intriga que tiene lazos con la política y con el exilio de Perón en la península, lo que en términos generales hace de la historia muy atractiva. Sigue la presencia de Francella, que ha descubierto cómo tomarle el tiempo a la cámara cinematográfica y a quien le sería imposible hoy volver a esas comedias a medio cocinar que lo tuvieron de protagonista. Si la película no llega a ser mejor no es porque sus ingredientes no sean los adecuados sino porque son muchos y carece de la debida concentración dramática. Como suele suceder con el cine español de gran presupuesto, deriva en una estética del mostrarlo todo, del regodeo en el detalle que conspira contra el drama y las aristas más interesantes de la historia. Un film que se ve bien pero que se queda a mitad de camino.
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  • Amigos intocables
    Amigos intocables
    Revista Noticias
    Esta película es el éxito más grande de la historia del cine francés, al menos con los números actuales. Está basada en una historia real y su esquema es de esos que cualquiera puede temer: la historia de un hombre rico pero cuadripléjico que contrata como su cuidador personal a un inmigrante senegalés. No hay ninguna sorpresa: ambos se volverán amigos a pesar de las diferencias de clase, de salud, de origen, unidos por el común denominador de ser personas discriminables. Pero si la película es de esas “lecciones de vida” perfectamente alambicadas, tiene la ventaja de no esconder jamás sus intenciones de querer agradar a todo el universo conocido. El pequeño milagro que esconde este film es que, para destrozar cualquier prejuicio, lo logra. Seguramente el lector recuerde un film similar, “Escrito en el agua”, de John Sayles, donde el mismo esquema se repetía entre dos mujeres en el Sur profundo de los EE.UU.

    Lo que ambas películas tienen en común es no hacer de sus criaturas personas dignas de lástima sino seres humanos con el derecho, incluso y de acuerdo con las circunstancias de la trama, de ser desagradables. Por cierto, el mérito mayor de la película recae no tanto en su dirección, básicamente anodina, ni en su guión, cincelado a prueba de balas para alternar momentos emotivos y risueños casi a cronómetro, sino en sus intérpretes. Por un lado, Omar Sy como Driss, ese inmigrante al que esta relación le cambia el mundo y, por otro, ese gigante llamado François Cluzet, siempre digno y al mismo tiempo gran tragediante y comediante.
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  • Gabi on the Roof in July
    Gabi on the Roof in July
    Revista Noticias
    Film americano independiente, de esos que escasamente vemos en el país, narra la historia de un pintor joven tratando de encontrar un camino al éxito en Nueva York justo cuando cae de visita -y algo más- su hermana veinteañera e indomable. El film tiene a su favor el nervio y la naturalidad de las actuaciones así como su aspecto de comedia de enredos, y en contra un acopio de lugares comunes que aparecen “disimulados” en una puesta en escena que busca parecer espontánea.
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  • Todo queda en familia
    Todo queda en familia
    Revista Noticias
    Aunque el film hable con cierto tono de comedia de la infidelidad, no deja de ser, de algún modo, moralista. Aunque, por supuesto, tiene el derecho de serlo. Aquí hay dos hermanos: uno más bien libertino, otro desengañado por un matrimonio roto. Y de las relaciones con esposas, ex esposas, amantes e hijos. La pregunta que el film se hace es si es posible atarse a una pareja o una familia cuando el deseo sigue funcionando. La respuesta sólo es válida para los personajes, pero lo que hace de la película algo particularmente interesante es el tono en que deja fluir las situaciones, sin forzarlas dramáticamente y sin evitar mostrar cierta alegría que se incluye en la transgresión. En ese realismo entre lo amargo y lo dulce es que Todo queda... se destaca como retrato realista de la institución familiar, sin caer en lugares comunes demasiado explícitos. Pero, se dijo, hay alguna condena, cierto “moralismo”, que subyace al destino de sus libertinos. Una de cal y una de arena.
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  • Batman: el caballero de la noche asciende
    No cabe duda de que el anterior film sobre el célebre personaje de historieta, dirigido también por Christopher Nolan, está muy cerca de ser una obra maestra. Azar puro, se combinaron en él elementos en estado de gracia que no se repiten en esta tercera, tediosa última parte. Nolan, fetichista del guión, construye su film alternando escenas de acción mediocres con diálogos solemnes, y de la combinación solo salen indemnes Michael Caine y Anne Hathaway, que ponen un poco de humanidad en el asunto. La historia es simple aunque parezca complicada: un megavillano se apodera de Ciudad Gótica, la sitia y la saquea durante meses mientras pasea una potencial bomba atómica. Batman se enfrenta a él tras ocho años de exilio, pierde, se recupera y lo vuelve a enfrentar. Más algunas vueltas de tuerca que generan la necesidad de minutos extra de explicaciones y flashbacks (la “gran sorpresa” del film, por ejemplo). Es decir, nada que el espectador no haya visto, aunque revestido de una solemnidad poco adecuada para el caso, que hace que las casi tres horas (casi tres horas, repitamos) se sientan demasiado. Por cierto, se puede disfrutar de trabajos como el de Gary Oldman -probablemente su comisario Gordon es uno de los grandes papeles de su carrera-, de algunas secuencias de acción (algunas), del propio Christian Bale un poco menos pétreo que en otras oportunidades, y de algún acierto aislado. Pero, en general, es menos de lo mismo.
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  • Los tres chiflados
    Los tres chiflados
    Revista Noticias
    Los hermanos Peter y Bobby Farrelly han construido una carrera cinematográfica alrededor del viejo slapstick, el humor de golpe y porrazo veloz al que han sabido agregar la escatología. Pero hay más: a través de esas películas han mostrado que la idiotez humana no está divorciada de cierta ternura. Que la bondad, más allá de la zoncera, existe. La matriz de esas películas siempre fueron Los Tres Chiflados; este film es, de algún modo, el que justifica o explica esa obra. Es todo un experimento hacer una película sobre los personajes de los Chiflados en lugar de una biografía de los hermanos Howard, y en ese sentido el riesgo es grande. El resultado quizás no sea perfecto, pero rescata lo que eran Los Tres Chiflados: una larga “conjura de los necios”, la construcción de una comicidad épica. Aquí los tres personajes deben salvar un orfanato, y la historia es algo más, en ese sentido, que un bastidor para una andanada de humor físico enorme. Los actores hacen mucho más que imitar: expresan comicidad con todo el cuerpo, un arte difícil de dominar.
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  • El dictador
    El dictador
    Revista Noticias
    Si vio Borat, si se acercó a Brüno -el film sobre un modelo masculino y gay políticamente correcto que aquí solo se vio en video- sabe quién es Sacha Baron Cohen. Y sabe que en cierto sentido su máxima gracia funciona con el mismo chiste: ser lo más ofensivo posible. En las tres películas se trata de lo mismo, el intento por sobrevivir según sus propias reglas alienadas de un personaje excéntrico en los Estados Unidos. En este caso se trata de un dictador aparentemente islámico, un tipo que lleva al extremo cualquier lugar común sobre mandatarios malvados. En cierto punto, el film causa risa y funciona cuando Baron Cohen se deja llevar por el ejercicio de su capacidad para la comicidad. Pero tiene un enorme problema: en el fondo, cualquier película sobre un político es en sí una película política, toda vez que para resolver la trama debe de tomar algunas decisiones sobre qué es correcto y qué incorrecto en el mundo que presenta. Haciéndolo fácil: el chiste de ser ofensivo esconde una moralina un poco recalcitrante y antigua. Pero como, por suerte, el actor no solo sabe hacer reír sino que además conoce y maneja como pocos el timing, el film funciona bastante bien. Hay incluso momentos donde la molestia rinde frutos, donde realmente el espectador debe poner en tela de juicio sus propios prejuicios morales y sociales. En esos momentos de provocación pura, el film muestra que nuestro mundo es realmente un lugar complejo y peligroso, aunque se diga con risas.
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  • Soledad y Larguirucho
    Soledad y Larguirucho
    Revista Noticias
    Con todo el respeto que merece García Ferré por lo que ha hecho en la historieta y la animación argentina, uno se pregunta quién podría ver una gira turística por San Luis cuyo chiste básico es “uia, mirá a X”, siendo “X” una figura cualquiera de la televisión. El cine es otra cosa: después de Toy Story, un producto así es un anacronismo absoluto. El nacionalismo ramplón de la película, además, intenta imponerse en lugar de seducir: pésima estrategia.
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  • Donde habita el diablo
    Donde habita el diablo
    Revista Noticias
    El truco de la cámara de seguridad o la camcorder mostrando lo mal que la pasa la gente cuando es perseguida por fantasmas/zombies/vampiros/Afip/Satán u otros horrores está alcanzando el punto de saturación. Lo original de Emergo consiste en multiplicar los puntos de vista, lo que permite narrar una historia de un modo más cercano a … el cine, que lo hace desde Griffith. Asusta, pero como un globo estallando al lado del oído.
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  • Figuras de guerra
    Figuras de guerra
    Revista Noticias
    No es un film para pasarla bien, si es que a usted solo le interesa que el cine le provea placer inmediato. Figuras..., por cierto, genera el placer intelectual de comprender una forma, pero su objeto es áspero: la vida durante tres años de un grupo de inmigrantes ilegales en las costas de la localidad francesa de Calais, esperando cruzar a Inglaterra, de las duras condiciones de vida y de las tremendas persecuciones que sufren. Pero al mismo tiempo, al elegir el urgente blanco y negro altamente contrastado, el realizador Sylvain George logra un efecto alucinatorio, como de cuento fantástico (o, más preciso, de terror) que termina causando en el espectador el impacto de un viaje por un planeta desconocido. Una aventura humana que puede ser vista y leída más allá de las urgencias políticas, y que jamás abunda de los procedimientos artificiales para transmitir una verdad precisa, tan cierta en las costas de Calais como e n las villas argentinas. Quizás una de las pocas obras maestras del cine que se estrenen en nuestro país este año.
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  • Valiente
    Valiente
    Revista Noticias
    Por suerte para los espectadores en general, este film es mucho mejor que Cars 2. El problema es que casi cualquier película animada realizada con cierta responsabilidad estética es mejor que Cars 2. Aquí se narra la historia de una princesa que no quiere casarse y una madre que le busca un marido. Es decir, una fábula feminista bastante evidente en gran parte de su metraje: solo cuando la condición femenina pasa a ser un elemento secundario y la historia es sobre personas que están obligadas a comprenderse la una a la otra, la película cobra vuelo y se acerca a los mejores productos del estudio Pixar. Algunas invenciones cómicas (los hermanitos mudos de la protagonista) funcionan bastante bien; otros no. Y hay incluso elementos que parecen insertados para hacer más dinámico un cuento que, quizás, en el principio no lo era (los fuegos fatuos, por ejemplo; la propia bruja, que desaparece de la historia de un modo por lo menos abrupto). Es decir: si bien hay elementos de gran belleza en la película y secuencias que convocan una emoción sincera, todo suena trabajoso, como si las secuencias no durasen lo que deberían durar (o muy breves o muy largas, muy pocas con la duración precisa). Todo parece producto de la lucha entre el relato por sí mismo, para que el espectador saque sus propias enseñanzas, y el cuento didáctico que debe ser interpretado de una y solo una manera. Es raro eso en Pixar porque, hasta hoy, siempre se eligió el segundo, universal camino (¿recuerdan Ratatouille?). Otro film infantil, con todo lo bueno y lo malo que eso implica.
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  • Tierra de los padres
    Publicada en la edición digital de la revista.
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  • 3. ¿Cómo recuperar a tu propia familia?
    Después de diez años de ausencia, un padre (ok, tema de la semana) vuelve para recuperar una relación (o más) con una ex esposa que comienza una nueva relación después de mucho tiempo y una adolescente difícil. El resultado es tanto un drama individual para los personajes como una comedia para el espectador. Pablo Stoll, codirector de la gran Whisky, muestra aquí una enorme capacidad para el manejo de actores y situaciones, y para pintar emociones con la mínima cantidad posible de trazos.
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  • El camino
    El camino
    Revista Noticias
    Otra más (¡puro azar!) sobre la paternidad, otra con Martin Sheen, aquí dirigido por su hijo Emilio Estévez. Un señor se entera de la muerte de su hijo en los Pirineos y decide llevar las cenizas por el Camino de Santiago. El camino será dramático pero no trágico, con tristezas pero no exento de humor; religioso, pero en un sentido mucho más aventurero que místico. Si el film no es del todo bueno es por tratar de incluir demasiados tonos en secuencias donde quizás no es necesario. Pero se trata de un drama plácido y agridulce, otro ejemplo de la vieja “Americana”.
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  • El chico de la bicicleta
    El chico de la bicicleta
    Revista Noticias
    Cosa curiosa: la misma semana en que Spider-Man metaforiza desde varios puntos de vista ese asunto de ser padre, aparece en las carteleras este film de los hermanos Dardenne que se ocupa del tema. Un niño que escapa del hogar donde su padre lo ha abandonado, una mujer joven que comienza a ocuparse de él y una búsqueda son los elementos. Los Dardenne apelan, como siempre, al máximo de los realismos, y -también como siempre- llevan todas las tensiones hasta las últimas posibilidades. El film es un retrato de descubrimientos y del dolor asociado al placer y al amor, mientras alrededor de los personajes -que viven algo extraordinario- el mundo se disfraza de lugar plano y sin posibilidades para la (humana) aventura. Lo sorprendente del film es cómo todo, incluso lo más dramático, aparece sin que se note que alguien ha escrito un guión o que los intérpretes son actores profesionales. Con una historia no exenta de elementos riesgosos, estos cineastas reconstruyen el mundo.
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  • El sorprendente Hombre Araña
    Definitivamente, el cine de superhéroes se ha convertido en un género tan codificado como lo fue el western, y probablemente sea el último refugio de la “Americana”, esa historia de heroismo, conquista y redención a través de la acción pura. Es, por lo demás, el lugar donde finalmente esas dos grandes tendencias del espectáculo cinematográfico -el realismo psicológico y la invención desbocada de imágenes- se encuentran y complementan. Este “relanzamiento” del Hombre Araña es tanto un film sobre la dureza de descubrir el mundo durante el final de la adolescencia -lo que implica reconocer a los padres, enfrentarse al deseo, el amor, la muerte, la injusticia y comprender que todo en el mundo es relativo- como un espectáculo de pura acción. Por cierto, no todo funciona de modo perfecto: el espectáculo a veces busca imponerse y alguna de esas secuencias físicas es redundante. Pero hay virtudes: en principio, que el film no tarde en mostrar las capacidades de Peter Parker (un perfecto Andrew Garfield, al mismo tiempo taciturno joven y arrogante héroe) pero se toma su tiempo para que el icono de las historietas, el traje azul y rojo, aparezca completamente desarrollado, lo que permite comprender al personaje. Y hay señores actores que se toman su trabajo en serio (por lo demás, está esa inteligencia de ojos verdes llamada Emma Stone) sin por eso adosarle solemnidad a la historia o tratar de imponerse a ella. Quizás estemos ante un clásico del futuro.
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  • Las voces
    Las voces
    Revista Noticias
    En el pasado, un ventrílocuo se obsesiona con su criatura y, más tarde, algo lo impulsa al crimen. Su historia es reconstruida en el presente, como una maldición, por su nieta: el film de Pablo Torre intenta mezclar la complejidad psicológica del más puro melodrama romántico con las búsquedas del cine de terror. El problema es que el clima -imprescindible para que el relato afecte como debe al espectador- se resiente por textos que parecen demasiado literarios y escenas de factura más bien teatral.
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  • Cómplices
    Cómplices
    Revista Noticias
    Policial francés de buena factura, narra la investigación del asesinato de un adolescente poco después de que iniciara una relación apasionada con una chica también desaparecida, que puede ser victimaria o víctima. El film contrapone esa relación llena de sexo y de secretos perversos con la de los propios investigadores, un hombre y una mujer que enfrentan una vida aparentemente gris. Más notable por el trabajo de sus actores que por la compleja superposición de vueltas de tuerca, el film logra construir un mundo propio y atractivo, lo que no es poco.
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  • La era de hielo 4
    La era de hielo 4
    Revista Noticias
    Suele decirse en inglés “no news, good news” (es buena noticia que no haya noticia) y es el caso para esta cuarta entrega de la serie protagonizada por bichos prehistóricos que, en este caso, tienen la desdicha de quedar a la deriva en un iceberg, tratando de volver a su hogar y, de paso, descubriendo cosas nuevas. Como sucedía en el tercer film, la aparición de personajes extraños y totalmente absurdos -los piratas- hace que la película busque de modo constante la comicidad, y lo logra no pocas veces. Aunque, y he aquí el problema, lo hace cuando se libera de la historia. Cuando no, el desarrollo de la historia y los mensajes didácticos sobre la importancia de la familia, de ser lo que se es y de la amistad se vuelven un lastre que solo cuaja para los más chicos. Pero hay un alto grado de invención en muchas de sus secuencias, lo que le permite atravesar sin problemas la temida prueba de “qué vamos a ver el fin de semana”. La ardilla Scrat -y el corto previo con los Simpson- son lo mejor del espectáculo (como siempre: “no news...”)
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  • A Roma con amor
    A Roma con amor
    Revista Noticias
    Hay quien dice que Woody Allen ya no es un cineasta sino un publicista del turismo. Es probable que tenga razón, pero más allá de las cuestiones de presupuesto que hacen que el hombre haya salido al mundo, hay algunas otras razones. La primera, que siempre intentó analizar el pensamiento del americano medio y supuestamente culto: llevarlo fuera de los Estados Unidos suele enfrentarlo con lo peor de sí (lo que se veía en los mejores pasajes de Vicky Cristina Barcelona o en Medianoche en París). El problema suele ser que él mismo pertenece a esa clase de personas y a veces cae en los mismos pecados que condena. Sin embargo, y si bien esta última etapa de su carrera, la que comenzó después de su separación de Mia Farrow, es quizás la más floja, no se puede negar que hace perfecto uso de la libertad que el talento y el nombre le permiten. Este A Roma con Amor no es el primer film sobre Italia del director: hizo una extraordinaria parodia de los films de Antonioni en aquella Todo lo que usted quería saber sobre el sexo..., de 1973, y su mirada no ha cambiado demasiado, lo que no es ni bueno ni malo a priori. Aquí cuenta cuatro historias que giran alrededor de la relación que los EE.UU. mantienen con Italia, y cae en no pocos estereotipos. Pero cuando acierta, lo hace con perfecto timing cómico y con una precisa dirección de actores (incluso Benigni está soportable, aunque las palmas se las lleva Alec Baldwin, alguien de quien nadie esperaba genio cómico hace una década). Ligera, cómica cuando debe, y despareja, es el equivalente a un pequeño viaje a tierras que se creen conocer.
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  • La plegaria del vidente
    La plegaria del vidente
    Revista Noticias
    Tomando como base el caso de “El loco de la ruta” -ese caso que conmovió Mar del Plata durante años y que está relacionado con la corrupción policial- el film es un intento para realizar un film de terror y suspenso en la Argentina, género que siempre amaga con cristlizarse. Hay buenas actuaciones y algunas secuencias que cumplen con la promesa que el tema propone. Pero también hay demasiados elementos y explicciones. De cualquier manera, un buen intento aunque no del todo logrado.
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  • Un amor imposible
    Un amor imposible
    Revista Noticias
    El film tiene en castellano un título cuya inspiración es nula. En inglés se llama “Pesca del salmón en Yemen” y cuenta cómo un joven científico (Ewan McGregor, que de joven solo tiene el rostro) deja de lado su estructurada vida inglesa para trabajar con un jeque yemenita que quiere tener esos bichos en sus aguas. Como todo film de Lasse Hallstrom (Las reglas de la vida), la amabilidad es tan grande que uno, inevitablemente, se duerme. Con la sonrisa amable de mirar lindos paisajes y lindas chicas, eso sí.
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  • Un suceso felíz
    Un suceso felíz
    Revista Noticias
    Abundan los libros que tratan de manera “sincera y sin tabúes” la maternidad. Los hay científicos, sociológicos, de auto ayuda, humorísticos, etcétera: es evidente que la cuestión se ha vuelto una preocupación importante. De hecho, incluso hay films sobre el tema, desde las comedias alocadas (Nueve meses) hasta los dramas (Haut les coeurs!). Este film (francés, la mayoría de los que tocan el asunto lo son) es un recorrido desde el punto de vista más realista y femenino posible de lo que implica ese cambio absoluto en la vida. Tiene un defecto: nada de lo que veamos nos va a resultar original. Y una virtud: que no busca la originalidad sino tratar de, mediante la ficción y la imaginación, transmitir una verdad que de otro modo se volvería inasible. Entre los mayores aciertos de un film ciertamente prolijo y “producido”, se cuenta poner en negro sobre blanco la relación que hay entre el sexo y la maternidad, que siempre se muestran como dos caras opuestas y no complementarias.
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  • Sombras tenebrosas
    Sombras tenebrosas
    Revista Noticias
    Las últimas películas de Tim Burton muestran que el preciso realizador de Batman Vuelve y El joven manos de tijeras pasa por una etapa de desconcierto. Esta versión de la célebre serie inglesa de traiciones familiares y vampiros, vuelta comedia de costumbres, es un catálogo de lo mejor y lo peor del realizador. La historia del resucitado chupasangre Barnabás Collins que decide ayudar a su familia -y al negocio que la sostiene- tiene varios momentos notables donde el humor es trascendido por la invención y el lirismo (notablemente, la secuencia final, cargada de acción, de violencia, de drama y de romanticismo) y otros donde la pereza manda. Debe de haber sido demasiado grande la tentación de tener un vampiro de 200 años en 1972 y jugar al anacronismo como para resistirla, y el costado circense de Burton encuentra en esos elementos un vehículo para toda clase de chistes, algunos de mal gusto no por lo groseros sino por lo adivinables. Sin embargo, nada de esto es tan notorio en el film como un conservadurismo que, es cierto, Burton siempre tuvo (siempre fue un defensor del amor, la familia, el trabajo y las pequeñas comunidades, incluso disfrazadas de freaks, como se advierte revisando un poco su filmografía) pero que siempre era matizado por la fuerza de lo irracional y lo fantástico. Aquí ese matiz, ese terror que asoma por momentos, es apenas una excusa para el chiste retorcido pero previsible. Quizás Burton haya, finalmente, dejado la infancia. Sería una pena.
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  • La traición
    La traición
    Revista Noticias
    Una super hiper recontra espía es traicionada por sus empleadores/creadores y busca venganza. OK, ya la vio unas cuántas veces y el hecho de que el personaje central sea mujer (¿recuerda Salt?) no es una originalidad, precisamente siempre con Steven Soderbergh, toma los elementos de un género o un tipo de films y lo mira “desde arriba”, sin involucrarse demasiado, como si jugara solo a la ironía. Y el problema es que ese desapego conspira contra cualquier emoción real.
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  • Chimpancés
    Chimpancés
    Revista Noticias
    Los documentales de Disney Nature se van transformando en un género en sí mismo, aunque proceden de la vieja tradición (también marca Disney) de las “aventuras de la vida real”. Lo más asombroso de Chimpancés no es tanto el relato que nos va armando sobre uno de esto animales sino la precisión casi sobrenatural con la que se capturan las imágenes para construir ese relato. A pesar de su tono de fábula infantil y sus “enseñanzas” sobre la familia y las relaciones (los animales no son seres humanos, pero eso siempre se elude), el solo espectáculo natural asombra.
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  • El secreto de Albert Nobbs
    En una sociedad represiva como la de la Irlanda victoriana, una mujer decide ocultar su género para poder llevar la vida que desea, trabajar, encontrar más que una supervivencia atada a la dominación masculina. Pasa en ese estado treinta años y tiene dos problemas: una mujer se enamora de ella, ella se enamora de un hombre. El realizador Rodrigo García (pura trivia: es el hijo de Gabriel García Márquez, pero ese dato no tiene nada que ver con su trabajo) ya ha retratado más de una vez el espíritu femenino (Con solo mirarte, por ejemplo) con mayor sensibilidad y atención a los personajes que a una puesta en escena realmente cinematográfica. No es necesariamente un defecto y en este film, cuyo peor defecto es ser un poco largo para la historia que narra, es la alternativa más adecuada para comunicar las contradicciones que sufre su personaje central, una creación perfecta de la gran Glenn Close. Film de actores, un poco televisivo pero emotivo.
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  • Prometeo
    Prometeo
    Revista Noticias
    Las primeras tres películas de Ridley Scott merecen figurar en la historia grande del cine. Especialmente Alien y Blade Runner mostraban una preocupación metafísica y un rigor en la puesta en escena notables. Después algo pasó y sus buenas películas carecen de ese peso que las fija en la memoria. Prometeo se promociona como una “precuela” de Alien y lo es, dado que narra el primer viaje a aquel planeta mortal y el origen de aquellos monstruos. Pero es también y a su modo una precuela de Blade Runner, dado que el film gira alrededor de David, un androide, el personaje interpretado por Michael Fassbender, que vive preguntándose cosas sobre el mundo y lo somete a prueba de un modo al mismo tiempo inocente y cruel. La historia es la del encuentro entre la Humanidad y sus creadores en un lugar remoto, y de la indiferencia o directo odio de los creadores por sus criaturas. Es raro, pero su virtud y su defecto son el mismo: tomarse su tiempo para mostrar el mundo que nos presenta e introducirnos paso a paso en los problemas que plantea. Hay terror y hay horror fisiológico, pero estalla en algunos momentos puntuales -una mujer que se realiza una operación a sí misma, joya del espanto visceral- para otorgarle mucho más peso a las dudas de los personajes. Hay además, cierto humor y alusiones sexuales, aunque todo gira, constantemente, alrededor de la duda metafísica sobre el origen y el sentido de la vida, ni más ni menos. Un film paradójico: espectacular a escala humana.
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  • Acorralados
    Acorralados
    Revista Noticias
    Veamos: corralito, jubilado que va con granada al banco para hacerse con sus ahorros, un caso más o menos real, y el “qué mal que estábamos entonces”. No mucho más en una película que, para ser de suspenso, se pasa de didáctica y, para ser didáctica, se ve lastrada por la necesidad de ser un film de género. Más allá del correcto desempeño de los actores, una producción más televisiva que cinematográfica, que parece terminada de modo apresurado y desprolijo.
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  • Mi semana con Marilyn
    Mi semana con Marilyn
    Revista Noticias
    Hay películas que usan el encanto del cine para ir contra el encanto del cine. Por ejemplo, esta: nos dice que la fama es puro cuento, que qué terrible pelea de egos es ser una estrella, que qué difícil ser un gran actor o actriz cuando se es bello y sexy, que qué terribles los medios, etcétera etcétera. Pero este breve romance entre la gran estrella y el jovencito inexperto (eso es) apela al glamour, la imitación y el brillo prestado de aquellos grandes nombres para intentar desmitificarlos. Por suerte no lo logra. Sí, los actores están bien, puro cine inglés.
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  • El cuervo
    El cuervo
    Revista Noticias
    Si hay que ser sincero, esta película es de una liviandad que su aura oscura no llega a desmentir. Dirigida por James McTeigue, alguien que supo hacer un gran film con V de Venganza (una de las mejores fantasías políticas de los últimos años) cuenta cómo en la Baltimore decimonónica un asesino serial se inspira en los relatos de un tal Edgar Allan Poe para cometer sus crímenes, y de cómo un detective y el escritor unen fuerzas para detenerlo. La idea no es del todo original (¿alguien recuerda a Sherlock Holmes y Freud en El caso final, allá por los 70?) y el film tiene la virtud de concentrarse en la trama detectivesca y en el aspecto sombrío del diseño en lugar de intentar una vindicación didáctica del escritor. Hay cabos sueltos, por cierto, y momentos que parecen realizados por pura rutina, pero el resultado final es el de un policial apenas raro bastante entretenido. John Cusack como el autor de El caso del señor Valdemar demuestra ser -no tan paradoja: Poe fue un interesante escritor satírico también- un gran comediante.
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  • Madagascar 3: Los fugitivos
    ¿Qué es lo que tienen de bueno las pelìculas de la serie Madagascar? Son, por cierto, mejores que la media, y tienen por lejos uno de los mejores diseños para un dibujo animado digital. Justamente en el diseño es que reside el encanto: los personajes de Madagascar no son “realistas” sino perfectas caricaturas que interpretan de modo transparente el estilo de los comediantes que les otorgan las voces. No es que se parezcan fìsicamente, sino que el movimiento de Alex el león es similar al de un Ben Stiller con disfraz de león. El otro acierto es la libertad: nunca se toman en serio, cuando aparece la oportunidad de un gag en la trama, se aprovecha y los dibujantes tienen el tiempo justo para ejecutarlo. Por último, los pingüinos están dentro de las mayores invenciones cómicas del cine reciente. Aquí los animales de siempre (cuatro monos, cuatro pingüinos, dos lemures, una llama más león, cebra, hipopótamo y jirafa) siguen tratando de llegar a Nueva York, entran a Europa por Montecarlo y se vuelven perseguidos de la justicia (o algo así) para terminar escondidos en un circo. Cada etapa del relato es la excusa para un momento de humor desaforado en la vieja tradición del cartoon clásico, aquel que -no se sorprenda, así era- no se hacía para chicos sino para burlarse de la realidad en un mundo donde podía pasar absolutamente cualquier cosa. Eso mismo es Madagascar 3: mostrarnos en pie de igualdad con los animales, como los animales que somos.
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  • Putos peronistas, cumbia del sentimiento
    El gran problema de este documental no es no tomar una distancia justa de su objeto para tratarlo con ecuanimidad: incluso una pelìcula militante puede ser buena. El gran problema es que, una vez desarrollada la historia, resulta redundante. Hay momentos emotivos, y momentos bien resueltos, pero el conjunto se resiente porque la necesidad de contar y poner en pantalla todo hace que lo extraordinario, aquello que nos llama a mirar y prestar atención, se disuelva. De todos modos, interesante.
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  • Blancanieves y el cazador
    Algún estudioso sabrá por qué en este año hemos visto dos versiones del mismo cuento de hadas. El primero era en tono de comedia (Espejito, espejito), y este segundo en plan épica fantástica. En este caso el espectáculo funciona aunque se note el diseño comercial detrás (el actor de Thor, la chica de Crepúsculo, los productores de Alicia en el Paìs de las Maravillas, la ganadora del Oscar haciendo de villana, batallas y monstruos all'uso). Pero la ensalada funciona no porque alguno de estos elementos gane inusual peso, sino porque el cuento está bien contado, las secuencias de acción se entienden, y la idea “revisionista” de cambiar a Blancanieves de una doméstica de lujo a una chica que se vuelve guerrera no está del todo mal y en esta puesta en escena cuaja. Chris Hemsworth, el muchachito del cuento, no es un tipo demasiado histriónico, por cierto, pero resulta bastante mejor partido que un príncipe cantor. Un film que, detrás de su apariencia de puro entretenimiento, esconde algunas sutilezas.
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  • Abrir puertas y ventanas
    Abrir puertas y ventanas
    Revista Noticias
    Por ahora, la mejor película argentina de la temporada, una comedia dramática (categoría artificial, es cierto, pero útil en este caso) donde un drama, una situación triste y compleja se resuelve finalmente con un humor natural. Tres hermanas conviven en un caserón: alguna vcz allí hubo padres que ya no están y luego una abuela que murió poco tiempo atrás. Las tres jóvenes son diferentes: una carga sobre su espalda la obligación de ser el sostén de lo que queda de esa familia, otra desconfía y no encuentra un lugar, la tercera, la más chica, decide optar por una liberación a un clima ciertamente opresivo. Se trata, ni más ni menos, de la historia de tres personas jóvenes agobiadas por el peso de un ayer difícil y cargado de ausencias, y de las diferentes actitudes para seguir adelante. Desde el sexo o el amor (soluciones por las que optan respectivamente la menor y la mayor, aunque la segunda de modo más renuente) hasta la rebelión contra el duelo obligatorio y por decreto que, en el momento más liberador del film, encarna la del medio, la que desconfía, la que busca razones espurias para justificar una actitud de enfrentamiento. Puede leerse la película como una solución a tanto discurso seudo político sobre la memoria inmóvil, pero esto es secundario: se trata de cómo vivir después de la muerte, de qué pasa después de un duelo. En un marco de misterio y de cosas dichas a penas o mencionadas a medias, la película más liberadora del año.
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  • Una cita, una fiesta y un gato negro
    Intento logrado parcialmente de alejarse del grotesco e intentar una comedia que sea “nacional” sin caer en el lugar común, esta historia de una mujer que ve su vida a punto de destrozarse y que vincula la desgracia a la aparición de una vieja amiga que –es fama- arrastra la yeta, tiene algunos buenos momentos gracias a actores que parecen seres humanos reales, y algunas bajas de tensión cuando se busca afanosamente la moraleja. Un debut interesante de la realizadora Ana Halabe.
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  • El exótico hotel Marigold
    Bueno, es así: jubilados británicos sueñan con un retiro barato pero con mucho placer en la lejana y alguna vez colonia India. El núcleo de esta historia es un hotel bastante venido a menos, pero lo que sigue es una lección de vida donde lo exótico es la cura de todos los males y hay amor y buenas ondas para todos. Es decir, una lección de autoayuda que, sostenida por buenos actores, resulta de todos modos falsa e impostada.
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  • Hombres de negro 3
    Hombres de negro 3
    Revista Noticias
    Menos mal que, cada tanto, vuelven estos tipos. Es cierto: la antigua novedad de ver esa mezcla de ciencia ficción y comedia, de dibujito animado y juego puro de actores ya no está y sabemos a qué atenernos. Pero Barry Sonnenfeld -ocasional gran director- parece estar siempre muy seguro de lo que hace con estos agentes de inmigración extraterrestre. Hay muchos gags, Tommy Lee Jones siempre es un gran payaso que lo disimula, Josh Brolin logra capturar ese tono en su “versión joven” y Will Smith es uno de los mejores comediantes de las últimas décadas sin la menor duda. Algo más: Hombres de Negro nunca fue una “saga”, nunca apeló al drama continuado (eso que arruinó Piratas del Caribe en su tercer film) sino simplemente el retrato de las aventuras disparatadas de dos caracteres muy atractivos, de dos actores que crearon un supremo dúo cómico. Basta con haber respetado eso -comprenderlo- para tener una película fresquísima y desintoxicante, un film lleno de efectos especiales donde lo más efectivo es lo que hacen los actores.
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  • El puerto
    El puerto
    Revista Noticias
    Aki Kaurismäki, finlandés de impura cepa, es de esos nombres del cine que han encontrado la consagración en el gran circuito de festivales. Eso no implica nada, nunca -equivale a decir que una pelìcula es buena porque hace miles de millones- pero en el caso de Kaurismäki, es justo. Es de los pocos directores que han sabido combinar el mundo que lo rodea (esa Finlandia gris y rara), un ejercicio personal del cine -con esos planos que están, incluso en los momentos más dramáticops, al borde de la caricatura- y una profunda empatía con sus personajes. Ahí está como prueba la magistral El hombre sin pasado, o esta El puerto, que marca una continuidad -no una continuación- con aquel film. Aquí hay un escritor que se retira a trabajar de lustrabotas en la ciudad portuaria francesa de Le Havre y su relación con un chico refugiado africano. Dos forasteros en tierra extraña cuyo entrelazamiento no es ni automático ni forzado, y equilibra cada elemento dramático con una distancia justa que nos permite, también, ver el costado ridículo, asombroso o cómico de lo que nos rodea. Hay una puesta en escena de gran precisión (no hay nada de más) y el suspenso de saber cómo estas criaturas deciden comenzar de nuevo con sus vidas, buscar no una utopía (palabra que cada vez tiende más a marcar autoritarismos) sino el propio lugar modelado según las propias reglas. No es fácil conmover sin pegar debajo del cinturón, y aquí el finlandés lo hace con una palmada en el hombro jamás condescendiente.
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  • Al final la vida sigue, igual
    Parte del Tríptico que ese icono del cine independiente argentino que es Raúl Perrone viene proyectando estos fines de semana en el Cosmos-UBA, vuelve a retratar con un ojo preciso y ecuánime la vida de un grupo de personajes en las calles de Ituzaingó, su propio mundo, que el realizador a vuelto puramente cinematográfico. Film donde los pequeños gestos repetido crean un universo, donde unos chicos se transforman en todo el mundo, es una oportunidad dorada para conocer a uno de los cineastas más importantes de la Argentina.
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  • Los padrinos de la boda
    Los padrinos de la boda
    Revista Noticias
    ¿Sabía usted que el costumbrismo y el grotesco no son patrimonio argentino? Esta comedia habla de tres británicos que llevan a uno de ellos a casarse a Australia. Hay ecos -más que ecos- de Despedida de soltero (aquella en la que arrancó la carrera de Tom Hanks, sí, señor, créalo), de American Pie y de ambas ¿Qué pasó ayer? El problema es que en todos los casos uno recuerda el original. Ah...no se pierda el trabajo como suegra loca de Olivia Newton-John. O, mejor dicho, piérdaselo.
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  • Misión secreta
    Misión secreta
    Revista Noticias
    Uno se pregunta cuánto tiempo perdieron los guionistas en pergeñar el andamio narrativo de este film, que acumula lugares comunes como un estudiante crónico exámenes sin rendir. Asesinato misterioso; el modus operandi indica la reaparición de un asesino ruso que se creía eliminado; el viejo agente de la CIA que lo despachó vuelve a investigar el asunto con un novato. ¿Cuántas veces vio esta película o en cuántos films encontró estos mismos elementos? Bueno, eso mismo. ¿Y entonces? Entonces, la película es entretenida porque sus intérpretes -el cada vez más autoparódico Richard Gere y el siempre mal explotado Topher Grace- son simpáticos y uno tiene ganas de ver qué hacen con este menjunje. Y logran ese pequeño milagro que hace que uno no sienta vergüenza de pagar la entrada: que creamos que tanta cosa repetida, a sus criaturas les suceden por primera vez. De eso se trata y, si bien no dignifica demasiado, el film cumple.
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  • Elefante blanco
    Elefante blanco
    Revista Noticias
    No debe haber nada más difícil de retratar que la vida en una villa miseria. El problema es múltiple: se presta a la manipulación, a la demagogia, al regodeo en la miseria, al recorte interesado, a la sordidez a reglamento. En suma: al vil espectáculo para tranquilizar la conciencia de quien puede pagar treinta pesos la entrada al cine. Pablo Trapero, alguien que en cada película intenta ir al núcleo de la situación de base, lo ha comprendido y, por eso, “Elefante Blanco” no cae en ninguna de esas trampas. En lugar de seguir a un único protagonista como en “Mundo Grúa” o “Leonera”, opta por el relato coral. Aquí vemos la historia de un misionero que se ha salvado de una masacre en el Amazonas (el belga Jérémie Rénier, perfecto), de su mentor espiritual que lo lleva a trabajar a Ciudad Oculta, en Buenos Aires (Ricardo Darín), de una asistente social que trata de llevar adelante un proyecto habitacional para comenzar a erradicar la miseria (Martina Gusmán). Hay otros relatos que se cruzan y entretejen con la relación de estos tres personajes (el pibe víctima del paco que no logra salir; la guerra entre narcos dentro del lugar, la demagogia de la jerarquía eclesiástica y los políticos) que hacen de todo un gran laberinto moral que se refleja en ese laberinto físico cuyo eje vertical es ese enorme edificio abandonado. Trapero comprende que el universo de las villas es inasible y, con honestidad, se limita a contarlo lo mejor que puede. Y logra un film ambicioso, complejo, casi épico. Es decir, un acto de valor.
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  • 35 Rhums
    35 Rhums
    Revista Noticias
    Una gran película de la francesa Claire Denis (a quien, de no mediar festivales, nos perderíamos) muestra la vida de un hombre a punto de jubilarse, de su hija, de una pequeña comunidad en las afueras de París. Aquí se trata de la construcción sin subrayados de lazos familiares, de una pequeña sociedad que vive entre tensiones y solidaridades, y que se retrata como algo esencial y esencialmente bello. Denis tiene un enorme ojo para los detalles conmovedores o irónicos, y un notable oído para el diálogo.
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  • Battleship: Batalla naval
    En realidad, para ver descontrol y batallas monstruosas, es mejor Los Vengadores, que además tiene corazón y humor. Esta película adapta un juego (no se ría: adapta ni más ni menos la batalla naval que usted jugaba con papel y lápiz pero en la versión plástico de la firma Hasbro) al formato “soldado irresponsable que se vuelve heroico mientras robots monstruosos hacen puré la Tierra”. Bueno, es eso, ni más ni menos: cine de ingeniería mecánica, juguete fugaz y un poco de aturdimiento a la mode.
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  • Essential Killing
    Essential Killing
    Revista Noticias
    El polaco Jerzy Skolimowsky siempre fue un caso aparte en las cinematografías de Europa del Este: cuanto más ideologizado era el cine de su país (aquel de Andrej Wajda o Krysztof Zanussi), mayor era el uso de la fábula narrativa clásica, de la aventura, en su cine. Así, ha logrado una obra –con films como “El grito” o “Proa al infierno”– mucho más universal y cuya vibración permanece a través del tiempo. “Essential Killing” es uno de esos films que parte de una circunstancia muy precisa para volverse universal. Vincent Gallo interpreta a un combatiente afgano hecho prisionero por la coalición liderada por los EE.UU. (que integró también Polonia) que, trasladado a Europa, logra escapar –o lo intenta– en medio de un paisaje hostil, de un bosque invernal. El film carece casi de diálogos, y muestra las aventuras –no se les puede llamar de otra manera– de un hombre sometido a una situación límite que, poco a poco y solo por necesidad de supervivencia, se envilece. El clima es tenso, con un notable uso de los exteriores y el suspenso de cualquier buena obra narrativa. Skolimowsky logra algo notable: utiliza el contexto político solo como punto de partida, y finalmente hace que ese personaje, del que todo nos separa, nos despierte una enorme empatía. Hay momentos molestos, un notable uso de la violencia –que aparece solo en los momentos necesarios– y una transfiguración del actor en un ser salvaje, mitad víctima y mitad victimario. De esto trata, finalmente, la humana aventura.
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  • Música campesina
    Música campesina
    Revista Noticias
    Excelente film independiente y chileno, realizado por el también escritor y crítico Alberto Fuguet, narra -muestra- la historia de un hombre que viaja a Nashville, EE.UU., meca del folk, tras un amor. Obviamente ser un extranjero aunque se ame la música de aquella tierra (y se la cante) o se hable en inglés resulta complejo. Pero este no es un film de denuncia sobre la inmigración ni un drama psicológico, sino el itinerario de un personaje encantador (jugado con gran talento por Pablo Cerda) a quien terminamos queriendo como a un amigo. Imperdible aunque vaya en pocas salas.
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  • Comando especial
    Comando especial
    Revista Noticias
    Quizás recuerden aquella serie donde un debutante Johnny Depp era un policía encubierto en una escuela secundaria. A la imbecilidad de esa premisa (el propio Depp siempre se arrepintió de aquello) se la compensa en esta versión cinematográfica transformando la represiva serie de la era Reagan en su parodia. El resultado es bueno, con excelente trabajo del siempre eficaz Jonah Hill, pero con algunos gags “a reglamento” que denotan cierta falta de imaginación a la hora de resolver la premisa. De todos modos, un film nada despreciable.
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  • El campo
    El campo
    Revista Noticias
    Si alguien se pregunta cómo sería un film de suspenso o de terror sobre algo bien arraigado en el alma argentino, la respuesta podría ser El Campo. Que carece de escenas fantasiosas, que quede claro: el terror es parte de lo que los personajes experimentan. Aquí es una pareja (Dolores Fonzi y Leonardo Sbaraglia, muy justos y sin desbordes injustificados ambos) que cumple aquella fantasía de dejar la ciudad por el campo. Pero los problemas del traslado generan tensiones, y las tensiones enrarecen, poco a poco y hasta llegar a la violencia, la relación entre ambos y con su pequeña hija, que pasa de ser una felicidad a una molestia. La mayor virtud de Hernán Belón en este debut en el largo de ficción consiste en evitar la sorpresa: justamente, en dosificar las acciones y los gestos de modo tal de generar un clima enrarecido y temible de modo creciente hasta envolver al espectador en una situación anómala y casi irreal. Una película de una sequedad notable.
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  • La separación
    La separación
    Revista Noticias
    El cine iraní es mucho más complejo y rico de lo que los malos críticos suelen propalar. Este film es, en cierto sentido, un melodrama: la historia de una pareja que ha decidido encontrar una mejor vida fuera de Irán hasta que el marido se arrepiente –su padre tiene Alzheimer y no quiere dejarlo–, piden el divorcio y el Estado decide no concederlo. En el melodrama clásico, el rol de antagonista, de creador de todos los males eran las convenciones sociales. Aquí es el Estado iraní, que no termina de congeniar las libertades civiles con la infalibilidad de una jerarquía religiosa. La película narra, con absoluta precisión y limpieza, el calvario tanto político como familiar de estos personajes atrapados en una telaraña burocrática, sin perder de vista nunca las características de cada una de sus criaturas. No se trata de herramientas para el film de denuncia: si algo hace de “Una separación” un film interesante es que trasciende con mucho el lugar y la época que retratan. Lo que les pasa a estas dos personas es algo que puede suceder en cualquier parte, sin necesidad de que sea un estado opresivo el que lo desencadene. Lo que hace que el film se comunique con nosotros es que su relato nos toca de cerca, que cada uno de nosotros ha vivido una situación similar y que la lupa del cine nos permite verlo con una dimensión nueva. Una separación no deja de ser un buen cuento, y en esa característica se encuentra su mayor virtud.
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  • La fuente de las mujeres
    La fuente de las mujeres
    Revista Noticias
    Radu Mihaileanu es uno de esos realizadores dedicados al “crowd-pleaser” (films que agradan a todo el mundo) internacional. Es también un narrador competente, aunque lo que parece personal en sus films es apenas la pátina de exotismo que les imprime. Aquí, las mujeres de un pueblo deciden no tener más relaciones sexuales con sus parejas hasta que éstos ayuden a acarrear agua. Comedia de costumbres, lección de vida y paisaje son los componentes. No es mucho, pero alcanza para no aburrir.
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  • El útimo Elvis
    El útimo Elvis
    Revista Noticias
    Después de la muy mala Biútiful, de la que fue guionista (aquí el realizador de ese film es productor) uno podía desconfiar de este primer largo de Armando Bó, nieto del nunca suficientemente reivindicado salvaje de nuestro cine. Hay aquí también un hombre agobiado en busca de una redención que lo justifique, pero de lo que se trata también es del placer del cine y de la música. Un hombre (extraordinario cantante este John Mc Ierney) es el último y mejor imitador de Elvis Presley, con una vida pobre en casi todo otro sentido. A punto de llegar a la edad en la que murió el gran icono del rock, decide hacer algo espectacular. El film tiene rémoras de imagen publicitaria, algunos desajustes actorales y algún lugar común, pero la fuerza de su protagonista (en ocasiones parece una versión musical del Rulo de Mundo Grúa) y la originalidad del planteo, además de las muy buenas secuencias melódicas hacen de la película un raro ejemplo de cine argentino comercial que confía en la inteligencia del espectador y le provee placer.
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  • Los vengadores
    Los vengadores
    Revista Noticias
    Esta no es una crítica para los fanáticos de superhéroes varios, aquellos que van a ir a ver la película sí o sí porque es lo que esperan desde hace años, sino para usted, que cree que todo tanque comercial estadounidense es pura basura y solo jura por el cine europeo. Este cronista cree que hay bueno y malo en todos lados, y descubre que “Los vengadores” es un film mejor que la mayoría de lo que Europa nos ha brindado en los últimos meses. En primer lugar, es una película bella, con imágenes “lindas” que nunca son vacías, sino que cumplen una función narrativa. En segundo, a pesar de tener muchas estrellas en el cast, es generosa para darle a cada una su tiempo y su peso, su momento de lucimiento, integrándolos naturalmente al relato. En tercero, la narración es firme, sin cabos sueltos, compleja en los detalles pero transparente para el espectador. Estas tres características implican, ni más ni menos, una dirección perfecta. Pero con eso solo no alcanza: lo que este film tiene, además de muchísimo humor y un respeto absoluto por el tono y el sentido de las historietas (siempre grandes sátiras del mundo, metáforas más grandes que la vida), es un corazón enorme. Al mismo tiempo, este film es “el sueño del pibe” que quería ver a sus héroes pelear “en serio” y un documental –sí, tal cual– para aquel que, negado para la historieta, no sabe cómo es ese mundo. Es decir, un director descubre, apasionado, un universo muy querido, para el espectador que lo desconoce. Una gran película para cualquier tipo de público.
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  • Shame: sin reservas
    Shame: sin reservas
    Revista Noticias
    El sexo en el cine, hoy, es tratado desde dos puntos de vista aparentemente opuestos e igualmente reaccionarios: la burla adolescente y la condena. Por eso este film del realizador Steve McQueen –uno de los más interesantes de los últimos años, otro de esos nombres que logró amplificación internacional gracias al Bafici hace un par de años– resulta algo diferente. Por una parte, cuenta la historia de un soltero adicto al sexo. Por otra, muestra que la adicción –cualquier adicción– es manifestación y metáfora de una angustia existencial. Existe en el film un costado de drama familiar cuando a este hombre compulsivo se le presenta su hermana menor (la perfecta y bella Carey Mulligan, que desde una apariencia frágil marca con mano de acero lo que le corresponde en la trama), cantante. Y allí es donde se nota la colaboración entre un realizador que sabe dónde va y un actor que comprende a su criatura (Michael Fassbender, el Carl Gustav Jung de la reciente “Un método peligroso”) como alguien mucho más complejo que un estereotipo. Lo que hace de “Shame” un film único es que a pesar de su tema y de lo complejo de sus relaciones, no carece ni de empatía por sus criaturas ni de ternura. McQueen realmente va hasta el fondo de las situaciones y sabe cómo combinar las imágenes del entorno del protagonista para que complementen –y comuniquen– sus estados de ánimo. En el fondo, nada menos que un melodrama contemporáneo que no juzga ni censura. No es poco.
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  • El pozo
    El pozo
    Revista Noticias
    Antes que nada, este es menos un film que un intento de lograr la toma de conciencia por parte del espectador respecto del autismo y sus consecuencias, toda vez que está basado en hechos reales que tocan de cerca al realizador. Dentro de esos parámetros, la realización es correcta -salvo ciertos pasajes oníricos que resultan innecesarios- y ajustadas al tema que desarrolla el film. Un ejercicio didáctico al que no le falta nobleza.
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  • [REC] 3 Génesis
    [REC] 3 Génesis
    Revista Noticias
    Bueno, una “precuela” de esta saga de horror español con químicos muertos vivos caníbales. Pero aquí la vuelta de tuerca humorística -con alguna cita rara, como al film de culto Malos pensamientos- de que todo comience en un casamiento hace que el asunto tenga una densidad diferente. La sátira aparece de modo mucho más desatado y disparatado: vean a la novia enajenada con una sierra en la mano, por ejemplo. No muy inspirada pero saludablemente divertida.
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  • 12 horas
    12 horas
    Revista Noticias
    Una pelìcula al servicio de una actriz que está peleando -no se lea en ello nada peyorativo- por ser una estrella. Es buena, Amanda Seyfried, y tiene el tipo de rostro que puede darle fama absoluta en algún momento. Hoy es como esos equipos buenos de mitad de tabla que en cualquier momento pegan el salto al campeonato, pero que no son nunca los candidatos puestos. Este film es un thriller de suspenso con todos y cada uno de los lugares comunes de este tipo de fórmula: chica que dice haber sobrevivido al ataque de un asesino serial (nadie le cree) imagina o sabe que su hermana ha sido secuestrada por error. La policía no se hace cargo de investigar nada y ahí va ella al rescate. El resto lo puede imaginar perfectamente: el gran atractivo del film reside en ver a Seyfried mirar, conducir, correr, disfrazarse, ponerse nerviosa y blandir un arma. Decir que el film “critica a la institución policial” porque los investigadores pueden ser categorizados cientìficamente como “nabos” es demasiado: que la policía sea inútil es otro de esos lugares comunes frecuentes en este tipo de ficciones. El suspenso funciona bastante bien durante gran parte de la proyección y uno sale tranquilo, pensando en los ojos que tiene esa chica...¿cómo se llama?
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  • Piratas! Una loca aventura
    Por fin la productora de animación Aardman, una de las casas más importantes de las últimas tres décadas, cuyo emblema son Wallace y Gromit, ha dejado de lado –en gran medida– la animación digital para volver a sus hermosos muñequitos de plastilina, campo donde no tienen competencia. Estos “Piratas…” son una banda de personajes enormemente divertidos, en un film que saca partido de esa sensación lúdica que tienen las criaturas de arcilla, lo que le permite al director (un grande de la animación llamado Peter Lord) incluir buenos gags de humor negro sin que molesten ni rompan el tono amable del film. Aquí simplemente se trata de un capitán tras el premio del Pirata del Año, y de una crítica contra el poder absoluto y falto de imaginación en reivindicación de la libertad y el juego.

    Es decir: lo que intentó la tercera película de la serie “Piratas del Caribe” y no logró, dada su elefantiasis presupuestaria y su absoluta falta de humor. Aquí todo es un juego constante sin perder el hilo de una narración precisa, y de algún modo Aardman también se corrige a sí misma: después de algunos años tratando de “adaptarse” a las técnicas digitales, el regreso al “stop motion” tradicional muestra que sus historias requieren de esos juguetes coloridos, de esas criaturas que uno imagina que se pueden tocar. Bello en diseño, preciso en “timing” cómico, ajustado en narración y humorístico por todas partes, este film es una sorpresa en el estandarizado mundo del cine familiar de gran presupuesto.
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  • American Pie: el reencuentro
    La primera tenía buenos chistes, pero jamás fue una gran película. La segunda mejoraba, porque alguien le encontró la vuelta. Del resto no importa nada. Este cuarto film habla, por fin, de algo que vale la pena: el paso del tiempo, el cambio, la vida en general. Lo hace con mucho humor, pero sobre todo lo hace con actores que han madurado como tales y comprenden muy bien las criaturas que han generado. Más allá del chiste sexual, de la fiesta, de la relación entre la vida familiar y la eterna adolescencia, una película más melancólica de lo que parece.
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  • El líder
    El líder
    Revista Noticias
    American Pie provocó en el momento de su estreno, no sólo un éxito de taquilla sino también un renacimiento de la comedia de humor sexual adolescente. Y lo de adolescente no iba por los personajes, sino por la forma en que estaba encarada la historia. A esa película mediocre le siguió otra peor y, sorpresivamente, una tercera parte que por lejos fue la mejor de la serie. Luego aparecieron derivados que utilizaban la franquicia en películas para el mercado del consumo fuera del cine. El reencuentro era lo único que faltaba y aquí llega.
    La fórmula es la misma, los personajes son los mismos y la mayor cantidad de diálogos y situaciones graciosas dependen de que el espectador conozca los films anteriores. Si no los conoce, las risas se van a reducir considerablemente, con series posibilidades de llegar a cero. Las cosas son tan forzadas que la clase 1999 se reúne para el aniversario número 13 de egresados. Algo absurdo que el guión debe explicar para poder arrancar. Y arranca y es una larga serie de lugares comunes del imaginario social. Pasa por todos los clichés y no se saltea ni uno solo, lo que a esta altura parece una falta de respeto para el espectador.
    El potencial del reencuentro era alto, pero el resultado es pobre. En cuanto a los temas acerca de la nostalgia y el paso del tiempo, estos estaban mucho mejor aprovechados en la tercera entrega de la serie, donde a pesar del humor guarro y pícaro, se asomaba un dejo de lucidez que aquí se ha convertido en simple pobreza de guión. Algunos gags son obviamente ofensivos y una vez más la mirada sigue siendo algo primitiva y precaria. En ese aspecto, el personaje que siempre se va a destacar es el de Stifler (interpretado de forma brillante por Seann William Scott) cuya incorrección política desaforada es lo más potente que la película, por su autenticidad y riesgo. Los demás no van mucho más lejos que una telenovela o una comedieta ya pasada de moda.
    En esta época en la que los reencuentros son moneda corriente, American Pie: el reencuentro (como la vida) demuestra que lo que se ha dejado atrás, por algo es y ahí debe permanecer. No hay ningún motivo para ir al cine a ver esta película. Con suerte en alguna jornada de cable podamos reírnos con Stifler o con la vergüenza ajena que provoca siempre el papá de Jim. El resto no importa.
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  • Nosotras sin mamá
    Nosotras sin mamá
    Revista Noticias
    Tres mujeres se encuentran accidentalmente encerradas en la casa que su madre les ha dejado. Una está de paso y vive en el exterior, otra está desesperada por vender la casa; otra, la más joven, no puede reaccionar a la pérdida. Con mucho rigor y el muy buen trabajo de sus actrices, el film pinta un panorama de las relaciones que pasa de lo humorístico a lo perturbador sin perder el humor. Viaje interior a tres hermanas mientras el mundo sigue allí, su fotografía en blanco y negro y grises complementa perfectamente lo que pasa dentro de sus criaturas.
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  • Espejito, espejito
    Espejito, espejito
    Revista Noticias
    Una de las dos versiones de Blancanieves que veremos, con actores, este año. Aquí la cosa es mucho más una comedia con fantasía que un drama, y tiene como mejor elemento la personificación de una Julia Roberts cada vez más grande, incluso en papeles menores como el de la malvada reina que interpreta aquí. Problema: al director (el de Inmortales) le interesa más lo linda que puede quedar una imagen que bucear en que los personajes parezcan gente de carne y hueso, incluso si se trata de un cuento de hadas.
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  • El príncipe del desierto
    Antes de que existiera Luc Besson, ese director francés que busca recrear Hollywood, existía -y sigue existiendo- Jean-Jacques Annaud, un artesano a veces cumplidor que también busca que cada una de sus películas sea un evento internacional. Es lo que sucede con esta abentura político-ideológico-romántica que mezcla el relato tradicional, el cuento en estado puro, con el peso contemporáneo de las guerras por el petróleo. El problema de Annaud es que no puede decidir si lo que pesa más es el espectáculo o la política, y en ese indecidido término medio todo queda en una serie de postales, alguna buena secuencia y poco más.
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  • Tenemos que hablar de Kevin
    La directora británica Lynne Ramsay es una de las más originales de los últimos años. Sus dos películas anteriores (Ratcatcher y El viaje de Morvern) mostraban una inusual sensibilidad para conjugar en la imagen lo cotidiano y lo extraño, y para crear un auténtico lazo de empatía entre el espectador y sus criaturas sin necesidad de seguir una narración tradicional. Lo mismo logra en este film sumamente intenso -en gran parte mérito de su actriz, la perfecta Tilda Swinton- donde se investiga la naturaleza del mal a través de la historia de un adolescente obsesionado con castigar a su madre, capaz de decisiones terroríficas. Es una película de suspenso, por cierto, pero tiene otra dimensión: la de investigar cuál es la verdadera naturaleza del amor familiar, y de preguntarse si existe por encima de cualquier otra cosa. Inquietante en lo formal y narrativo, tensa y atractiva, resulta de esas películas con mucha más tela para cortar una vez que se acaba la proyección.
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  • Furia de titanes 2
    Furia de titanes 2
    Revista Noticias
    Dioses, hombres y peleas a lo bestia. El film no propone mucho más y es, en su sencillez, efectivo. Lo más interesante de esta película es que promete y cumple con una gozosa desmesura, con el vértigo físico y el humor de no poder tomarse tanto cataclismo titánico en serio. Vieja aventura con nueva tecnología, cumple también con la tarea de que sus intérpretes se diviertan reventando monstruos y agarrándose a espadazos y trompadas. Sí, otra fantasía infantil, aunque disfrazada de cataclismo.
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  • El Lórax: en busca de la trúfula perdida
    Esta adaptación del escritor para niños Theodore Geissel (o Doctor Seuss) es una fábula ecológica bastante transparente. La sabiduría de la película consiste en que eso no opaca ni el humor ni -esto es clave- las preocupaciones más íntimas de los personajes (el amor o, más bien, el primer amor del protagonista “humano”). A un diseño bello y funcional se suma un guión preciso, lo que transforma el film en mucho más que una alegoría para educar a los chicos sino en un cuento que merece la pena ser contado.
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  • La suerte en tus manos
    La suerte en tus manos
    Revista Noticias
    Una comedia burguesa -que no se lea en esto ninguna descalificación- donde un padre divorcidado, casi adicto al sexo y con una vasectomía en proceso (Jorge Drexler) se reencuentra con un viejo amor físico (Valeria Bertuccelli) sin hijos, recién separada, que acaba de enterrar a su padre. Pasan muchas otras cosas, y hay secuencias directamente cursis hasta que adivinamos que es la imaginación (necesariamente cursi) de uno de los personajes. Pero más allá de sus múltiples hilos -que incluyen un campeonato de poker y el “regreso de la trova rosarina”- lo más interesante es que no deja soluciones simples: no podemos adivinar si, luego de su final, las cosas seguirán el curso feliz que parecen tener. El problema básico del film es técnico: en cierta parte de su desarrollo, tantas ideas no cuajan entre sí, y algunos personajes pierden peso. Por otra parte, no es poco mérito que Norma Aleandro logre el trabajo más equilibrado y cinematográfico de su carrera. De apariencia tersa y simple, hay algo más en esta película, incluso a pesar de sus debilidades.
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  • Un método peligroso
    Un método peligroso
    Revista Noticias
    David Cronenberg es uno de los mejores cineastas actuales. No porque sea un enorme creador experimental, no porque sea un campeón de lo popular, sino por lograr el equilibrio entre ambos polos sin dejar de ir al fondo de sus temas. Aquí la historia es de esas que conllevan el riesgo del cine “Billiken”: Carl Gustav Jung (Michael Fassbender) tiene una paciente difícil (Keira Knightley) y apela a Sigmund Freud (Viggo Mortensen). Y no, no es –aunque también es– la historia del psicoanálisis, ni –aunque también lo es– la historia de una amistad y una competencia profesional. Sobre todas las cosas, Cronenberg opta por el clima fantástico, por la aventura y por el suspenso de encontrar el secreto dentro de una persona. El eje de esta relación angular es el personaje de la Knightley, que combina brillantez intelectual con violencia no siempre contenida. Y uno de los mayores aciertos es contar con tres actores de enorme presencia y manejo del cuerpo para lo que podría definirse, apresuradamente, como thriller intelectual. Hay mucho más humor del que parece en este juego del gato científico y el ratón imaginado, producto de las típicas malicias e ironías del autor de “Videodrome” y “Una historia violenta”. Como en todos sus films, la vida inconsciente estalla debajo de la apariencia de la normalidad, y se filma con esa distancia justa que lo muestra todo, al mismo tiempo, fuera del mundo y demasiado cerca. Lúdico, sexy y divertido, el film es el puro estallido de lo inconsciente, un policial negro del alma.
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  • El vagoneta en el mundo del cine
    Nacida como una serie de Internet -que se puede ver- El vagoneta es la historia de alguien que quiere vivir sin trabajar explotando un cartel enorme sobre su casa. Los productores del film fueron al Festival de Mar del Plata y, con desparpajo y no poca precisión, cranearon este largo simpático, con hallazgos humorísticos potables y mucha caras conocidas. El film tiene el mérito de su frescura , incluso si a veces es desprolijo. Les viene bien una oportunidad, no lo dude.
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  • El guardia
    El guardia
    Revista Noticias
    En realidad, el gran actor de Defendiendo al enemigo es Brendan Gleeson, el gordote colorado irlandés que aquí, en El Guardia, se muestra como el gran comediante que es. Un vigilante de pueblito irlandés ve cómo llega a su coto el FBI personificado por otro buen comediante (aunque lo disimule haciendo dramas), Don Cheadle. Cheadle realmente funciona como un gran partenaire para los desbordes controlados de humor de pueblo chico que encarna Gleeson, y sin que el film sea una gran comedia, alcanza para que uno lo vea con sonrisa permanente.
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  • Protegiendo al enemigo
    Protegiendo al enemigo
    Revista Noticias
    ¡Qué actor raro es Ryan Reynolds! Parece que tiene carisma y atractivo, pero uno lo ve moverse cinco minutos y se desencanta. Aquí es un agente de la CIA totalmente frustrado que espera salir de cuidar una “casa segura” en Sudáfrica. Hasta que llega ese super agente que bien puede ser el mal o el bien, hay un ataque y una fuga y el pobre muchacho tiene que seguir a Denzel Washington, nada menos, un señor que, puesto al lado en la pantalla, simplemente lo aniquila. Salvo por esa presencia de un tipo que conoce cada gesto y mantiene ese estado de ambigüedad moral que se crea con el puro ejercicio de actura con todo el cuerpo, el resto es un film más de “acción à la mode“, con la cámara nerviosa de la saga Bourne y las vueltas de tuerca de rigor. Lo más llamativo, se dijo, es el desequilibrio en el factor carisma, que parece casi una broma en un film que no carece de humor, aunque rara vez funciona (otra vez: tiene más gracia Denzel que Reynolds). Un thriller más, agradable y olvidable.
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  • Los juegos del hambre
    Los juegos del hambre
    Revista Noticias
    Dejemos de lado el hecho de que “Los juegos del hambre” se base en la primera de una serie de novelas de enorme éxito entre adolescentes en los Estados Unidos. Es un dato menor, como es un dato menor la historia: en el futuro, en ese país, un Estado totalitario pide a sus “distritos” que entreguen un chico y una chica de entre 12 y 18 años, que durante dos semanas participan de un reality show donde deben matarse y solo uno quedar con vida. Sabemos que hubo antes una “rebelión” contra la metrópolis. Sabemos que los chicos de los distritos “ricos” entrenan en academias toda su vida para ofrecerse como voluntarios, y los pobres no tienen más remedio que ir por sorteo. Aquí sucede que una joven toma, voluntariamente, el lugar de su hermanita de 12 años.

    A partir de allí, el realizador Gary Ross –que tiene dos muy buenas películas en su haber, “Amor a colores” y “Alma de héroes”, donde la cuestión social aparece como columna vertebral de un relato fantástico o épico– despliega algo más que un film épico con la televisión de fondo: un cuestionamiento permanente sobre cómo se hacen films en Hollywood y cuál es el verdadero sentido (estético y moral) de contar cualquier tipo de historia. Todo el film es el rostro y el cuerpo de Jennifer Lawrence, que nos contagia piedad, desesperación, coraje e incluso –gran detalle del film– la sutil autoconciencia de comprender las reglas del espectáculo. Puede verse como un entretenido film de aventuras, pero ¡atención!, que esconde varias capas que la hacen memorable.
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  • Dormir al sol
    Dormir al sol
    Revista Noticias
    La novela de Adolfo Bioy Casares es, quizás, uno de los grandes libros fantásticos creados en la Argentina, la historia de un hombre de barrio que lidia con la tristeza de su esposa hasta que ésta ingresa en un extraño instituto. La película de Alejandro Chomsky no logra ser más que una deslucida traslación que deja de lado los ricos matices de la pintura de costumbres del texto original y se sostiene solamente por algunas actuaciones (Luis Machín está realente muy bien).
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  • Proyecto X
    Proyecto X
    Revista Noticias
    ¿Cuál es la diferencia entre este film y, por ejemplo, Supercool? No, no que Proyecto X tenga camarita en mano: la diferencia fundamental es que en Supercool los personajes eran seres humanos con cosas buenas y malas, tiernos y capaces de ser nuestros semejantes, mientras que en Proyecto X se trata de una manga de adolescentes idiotas, carentes de cualquier posibilidad de empatía con el espectador y dedicados a repetir todo lugar común de propagandas de cervezas y aperitivos.
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  • Enter the Void
    Enter the Void
    Revista Noticias
    Si hay un auténtico vine adolescente, es el de Gaspar Noé. Después de dos películas interesantes (Carne y Solo contra todos) donde mostraba su interés por lo sórdido y la preocupación sin por eso renegar de sus personajes, a partir del impresentable Irreversible (un alarde gratuito de violencia que tenía su pico en una secuencia de violación puesta para “provocar”, del mismo modo en que “provoca” un nene de quince años pintando un sexo en la puerta de un baño) produjo este film que es la historia de un joven dealer que muere y mira desde el cielo lo que le pasa a parientes, amigos y enemigos. Un enorme y complejo aparato cinematográfico que hace del “trip” final de 2001 -Noé es admirador de Kubrick- un pequeño gag. De paso, decide incluir cosas como un aborto explícito, sexo explícito, accidentes explícitos y toda posibilidad de ver cómo uno o varios cuerpos son apenas cosas que no pertenecen a los seres vivos y, por lo tanto, se los puede manipular y romper a gusto y placer del cineasta. Allá él, está en su derecho. Pero su provocación es vieja e inútil, y cae en el vacío que menta, más explicitud, el título del film.
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  • ¡Esto es guerra!
    ¡Esto es guerra!
    Revista Noticias
    Ex realizador de videoclips, McG logró instalarse en Hollywood gracias a sus dos películas de la serie Los Ángeles de Charlie, que tenían el mérito de la comedia alocada y la acción disparatada. Eran films desprejuiciados y libres. Después hizo la cuarta, fallida entrega de la serie Terminator (y la terminó, de paso) y se notó que, puesto a contar un cuento “serio”, algo fallaba: lo mejor seguían siendo los dibujos de acción de las explosiones y peleas. Con este nuevo film parece buscar un equilibrio: dos super agentes de la CIA se enamoran de la misma mujer y pelean con todas (todas) las armas a mano para conesguirla. Es decir, comedia romántica desaforada más acción igualmente fuera de riel. Y el resultado es decepcionante: las “invenciones” de acción dejaron de serlo y solo nos interesan en la medida en que sintamos algún tipo de empatía por los personajes (como sucedía con Los Ángeles..., donde lo que primaba era la capacidad cómica de Drew Barrymore and co.). Pero los personajes, con la probable pero no segura excepción de Reese Witherspoon, se vuelven muñecos del juego gráfico más que personas con un problema a resolver. Así, todo queda a mitad de camino, y la declaración del título (“This means war”, una frase célebre de Bugs Bunny), que promete la locura de un dibujo animado, queda disuelta en las fórmulas más repetidas. No aburre, pero se olvida.
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  • Un dios salvaje
    Un dios salvaje
    Revista Noticias
    Roman Polanski maneja, como pocos realizadores de las últimas cinco décadas, el absurdo que surge de lo real, las situaciones de encierro, el surrealismo cotidiano y -cuestión técnica- la dirección de actores. Sin dudas, es el director ideal para llevar a la pantalla esta obra de Yasmina Reza, éxito en todas partes -incluido nuestro país- dado que esta historia de dos pares de padres discutiendo “amablemente” la agresión de un chico de once años a otro deriva en una comedia negra y absurda que no dista mucho de los elementos de Cul-de-sac o Repulsión. El problema es que a Polanski aquí le interesa mucho más el texto que el cine, el actor que la puesta en escena, florearse con un reparto perfecto antes que dar del asunto una visión personal. Aún están sus planos enrarecidos por ese pequeño ángulo de cámara que vuelve todo caricaturesco, claro. Salvo que no siempre resulta pertinente. Los actores -Waltz, Reilly, Foster y Winslet, en ese orden de mérito- están muy bien. Pero esto no es más que teatro filmado de un modo casi impersonal.
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  • John Carter: entre dos mundos
    Un cowboy –ni más ni menos– es trasportado inadvertidamente a Marte, donde su diferente contextura física le permite ser una especie de Superman menor. Unos seres inmortales dominan el planeta y hacen que los villanos lo saqueen con una ciudad andante (sic). En Marte hay, además, una raza belicosa, un reino pacífico, y una princesa científica con la que quiere casarse uno de los villanos, y Carter termina enamorándose, uniendo a los buenos contra los malos y aceptando su destino de héroe. Carter es un invento de Edgar Rice Burroughs, el “padre” de Tarzán, y el film intenta rescatar ese espíritu de aventura disparatada y de invención exótica del autor. Lo logra en más de un momento, así como hacer creíbles a la mayoría de los personajes. Sin embargo, en este paso al –casi– cine con actores, el realizador Andrew Stanton no logra mostrar la precisión narrativa de “Buscando a Nemo” y “Wall-e”, sus films anteriores. Sí la idea de que es necesario salir al mundo para aprender de él, aunque aquí aparece de modo más bien lavado. Lo mejor lo constituyen los momentos de acción y ciertos personajes (el líder de los marcianos de seis brazos, por ejemplo) realmente atractivos. Pero el espectador notará que en John Carter aparecen elementos que ha visto en “Flash Gordon”, en “La guerra de las galaxias”, en “Avatar”. No es culpa de este film, sino de que la saga de John Carter fue saqueada repetidas veces desde los años `20. Stanton lo sabe y por eso es que juega a exagerar motivos y decorados, a rescatar cierto aire camp de aquellas ficciones. El resultado no va más allá de un simpático anacronismo.
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  • Amor por siempre
    Amor por siempre
    Revista Noticias
    ¿Cuántas veces vimos el romance entre un o una enfermo o enferma terminal y alguien? Bueno, es eso mismo, con la (mínima, intrascendente) diferencia de que la enferma en este caso es una persona alegre que acepta su fin y el enamorado renuente es el médico. Una de esas películas diseñadas para la lágrima fácil que manipulan al espectador de modo un poco obsceno, más allá de la simpatía de sus intérpretes.
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  • Sólo por dinero
    Sólo por dinero
    Revista Noticias
    Chica en la mala muy mala acepta un trabajo algo riesgoso: controlar a quienes salen de la cárcel bajo fianza. Por supuesto, no está calificada para tal cosa -lo que provee la dosis de comedia- y por supuesto, por razones un tanto absurdas, tendrá que perseguir a un muchacho que la desencantó alguna vez buscado por asesinato. Ingredientes de fórmula que funcionan aceitados en este film que podría alcanzar otras cimas si no se contentara con su vocación de relleno de salas.
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  • Inframundo: El despertar
    Inframundo: El despertar
    Revista Noticias
    Antes de que los vampiros cayeran en la virginidad idiota de la saga Crepúsculo, la bastante menos que virginal Kate Beckinsale comenzó a protagonizar esta serie casi clase B de chupasangres contra hombres lobo, una especie de versión femenina de otra serie bestial, Blade. No hay muchas novedades aquí más que la manera como la actriz -que fue ganando aplomo y autoironía a medida que pasaron los años- se mueve como auténtica bailarina en estas lides glaucas y azulinas. Lo que en el fondo resulta el único motivo para ver lo que no es más que una trama bastante anodina y repetida de una amenaza sin cuento, una heroína inverosímil y una alianza que solo el peligro sin cuento justifica. Metáforas aparte, efectos especiales también aparte -¿a alguien asombran ya las criaturas gigantes y sus parientes?- el único motivo para meterse en un cine en busca de disfrute es seguir el juego kinético de la Beckinsale, versión morocha y seriota (pero “seriota” en broma) de Milla Jovovich. A veces esas cosas justifican el cine, cómo no.
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  • Drive
    Drive
    Revista Noticias
    Nicolas Winding Refn es un realizador danés mucho –muchísimo– mejor que Lars Von Trier y sus ex Domáticos. Amante del policial negro e inspirado por los clásicos de acción americanos, fue responsable hace más de una década de un gran film violento llamado “Pusher”, que seguía la vida de un hampón de poca monta por las calles de Copenhague. En su momento, el film salió aquí en video, y nada más. Su carrera siguió –con altibajos– hasta “Drive”, una película que habría mejorado el promedio del Oscar pasado, de habérsele prestado atención. Es la historia de un hombre –Ryan Gosling– que conduce autos con enorme habilidad y –escudado en otros trabajos más decentes– se dedica a ser el tipo que les provee la huida a ladrones varios. Nunca trabaja dos veces para el mismo, mantiene una vida familiar y está en control de todo. Habrá, pues, un demonio (un genial Albert Brooks), una traición y una crisis de la que solo se puede salir a pura violencia. Refn logra equilibrar –algo dificilísimo en el cine de acción– el retrato psicológico de sus criaturas con el puro espectáculo de la adrenalina: en lugar de que uno disuelva al otro, aquí ambos se potencian y si nos importan las carreras inverosímiles, los golpes y los disparos, es porque nos importan estos personajes. “Drive” es de lo mejor que se ha estrenado en lo que va del año, una de esas películas que aparecen casi de la nada y guardan un secreto para compartir.
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  • Novias - Madrinas - 15 años
    Publicada en la edición digital de la revista.
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  • Poder sin límites
    Poder sin límites
    Revista Noticias
    Tres adolescentes accidentalmente -siempre es accidentalmente- reciben enormes poderes sobrenaturales. Lo que comienza como una diversión termina de modo trágico en la medida en que el delirio se apodera de ellos. También realizada con cámara en mano a la manera de videos personales (o casi), el film trata de darle una vuelta de tuerca a ese nuevo subgénero de mutantes adolescentes superpoderosos que habría que empezar a tomar en serio como síntoma de que algo no está del todo bien en el mundo.
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  • Con el diablo adentro
    Con el diablo adentro
    Revista Noticias
    Mujer asesina poseída por el diablo; cura + científico + documentalista; cámara en mano y sustos. Una fórmula comercial más que parece funcionar bien con el asunto “exorcismos”, dado que permite aprovechar un ámbito cerrado de manera efectiva. Este film no elude ninguno de los lugares comunes de este subgénero y es, dentro de estos parámetros, efectivo e incluso (o sobre todo) efectista. En el fondo la idea e la de la lucha o la complementación entre la razón y la fe, pero el espectador se queda, sobre todo, con los sustos.
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  • Tan fuerte y tan cerca
    Tan fuerte y tan cerca
    Revista Noticias
    Iba a suceder tarde o temprano, sucedió cuando debía (a diez años exactos del acontecimiento): alguien iba a filmar un drama aleccionador sobre el 11-S. Aquí hay un chico que ha perdido a su padre y anda con una llave tratando de develar algo así como un misterio, y si esto le recuerda La invención de Hugo Cabret, responde al deseo de ambos films de contar algo “importante” a través de lo que se supone que es la mirada de un niño. Decir que Tan fuerte... es una mala película es exagerar. No lo es y no carece de elementos atractivos (la aparición de Tom Hanks, Sandra Bullock y el gigantesco Max Von Sydow -nominado al Oscar por este trabajo, cuando tanto lo mereció por su labor con Bergman o la magistral El Exorcista) o de momentos que convoquen una emoción genuina. Pero también el espectador tiene derecho de sospechar -sobre todo en la pretensión esteticista o, más bien, “lindurista” del realizador Stephen Daldry, aquel que filmó Billy Elliott y perpetró Las Horas- que no se trata más que de un gran camelo, una novela de la niña Andrea del Boca con las Torres Gemelas como excusa.
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  • El topo
    El topo
    Revista Noticias
    A John Le Carré, uno de los mejores escritores de la segunda mitad del siglo XX, le debemos el haber agregado a los espías al conjunto de herramientas literarias (antes habían sido los detectives privados) que permiten describir la podredumbre de la sociedad global. “El topo” es aún su obra maestra y esta versión cinematográfica no carece de muchos de los méritos de la novela original. En primer lugar, la caracterización de George Smiley, ese espía veterano que debe descubrir a un infiltrado, interpretado por Gary Oldman. Oldman ha comprendido que Smiley no es un aventurero, sino el mejor jugador de un ajedrez humano. Smiley deliberadamente carece de todo atractivo, es gris y sus armas son los gestos módicos y las palabras laterales. Esa invención de Le Carré (que todo el mundo parezca hablar de cualquier cosa aunque estén hablando de otra y los comprendamos) está fielmente llevada a la pantalla.
    Pero hay problemas. El primero es la deliberada falta de énfasis: aunque nada es moroso, todo sucede en un universo carente de emociones. Claro que ese era un efecto literario, pero en el cine conduce en no pocas secuencias al tedio. El segundo es el demasiado cuidado de la ambientación, ese “otro lado” del Londres de los `60, carente de color y rebosante de tecnología lo-fi. En cierto sentido, la sobreactuación que eluden los actores cae en el ambiente. Todo es demasiado prolijo, fiel y controlado al extremo, lo que redunda en una ilustración con poca vida (toda la que hay es la de Oldman) de una gran novela.
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  • Yatasto
    Yatasto
    Revista Noticias
    Tres chicos -uno, especialmente- aprenden a volverse cartoneros en Córdoba. Pero lejos de ser este un documental “de denuncia”, y aunque no elude la realidad, se trata de mostrar el paisaje para entenderlo antes que para señalar con el dedo. Sin desdeñar el humor ni las emociones, dejando que cada situación se desarrolle en el tiempo que le corresponde, el realizador Hermes Paralluelo logra una película notable que rompe con la inercia declamatoria de tanto documental “social” reciente. Aquí hablan los pobres, no los universitarios con dedito levantado.
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  • Jack y Jill
    Jack y Jill
    Revista Noticias
    Adam Sandler es una de las mejores noticias del mundo de la comedia en las últimas dos décadas. Pero Jack y Jill, el film donde interpreta a un hombre y a su hermana, es una de las peores noticias del cine en los últimos dos siglos. Falta de gracia y de timing, lo peor es su ausencia total de inteligencia (algo que aparecía hasta en el chiste más escatológico en No se metan con Zohan, su mirada irreverente sobre el conflicto en Medio Oriente). Una mala idea peor ejecutada.
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  • Mini espías 4 y los ladrones del tiempo
    Lo mejor que ha hecho Robert Rodríguez en su carrera son sus películas infantiles, especialmente las tres Mini Espías, ejemplo de tratamiento respetuoso de la infancia, de sensibilidad universal, de humor y de inteligencia. También son -no es lo mismo que “buenas”- películas bellas. En este caso, además de darle por fin un papel digno de su talento satírico a Jessica Alba, crea aventuras con una capacidad humorística notable. La serie sigue siendo la mejor forma de acercarse, mediante la fantasía, a cómo piensan y se divierten los chicos de hoy.
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  • Caballo de guerra
    Caballo de guerra
    Revista Noticias
    Se sabe que Steven Spielberg es un maestro en eso de contagiar emociones. Se sabe, también, que a veces exagera con la fotografía o la música, o incluso la puesta de cámaras. Caballo... es sumamente exagerada en todos esos puntos, que se monta sobre la tradición del melodrama clásico -es, como Hugo o El Artista, otra “película sobre cómo eran las películas”- pero aquí los actores contagian una sinceridad notable que le otorga al film otro espesor. El cuento es el de la separación de un joven y su caballo durante algunos años de la Primera Guerra Mundial, y las peripecias del equino hasta que se abre la posibilidad del reencuentro. Es decir, una de Lassie pero con caballos. Pero también una película bélica, o una mirada de la guerra a través de un cuento novelado que va de la campiña inglesa a la sangrienta batalla del Somme. Con todo su diseño y con la tradicional manipulación spielberguiana, Caballo... provoca emociones genuinas y nos introduce en su universo sin cancherear y sin recordarnos, todo el tiempo, que “esta es una película a la antigua”. En cuanto nos enamoramos del caballo y el melodrama épico nos conquista, no hay más preocupaciones. Un film cómodo, es cierto, pero perfecto en sus propios términos.
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  • El Artista
    El Artista
    Revista Noticias
    Aclamado por cuanta academia anda funcionando en el mundo, premiado universalmente, El Artista es de esos films a los que resulta difícil oponerse. Pero como nobleza obliga, lo haremos: no es, ni de lejos, una gran película. Su capacidad para entretener depende exclusivamente de lo que cada uno entienda por “entretenimiento” (a diferencia del buen cine, que nos hace olvidar de nuestras categorías previas) y quizás de lo que consideremos “artístico” para el cine. Film mudo y en blanco y negro, tales características son impostadas. Narra la historia de la transición al cine sonoro en la persona de un actor que no puede hablar y una joven actriz que comienza a triunfar. Ah, y un perro, que es el elemento cómico-emotivo del asunto. Cada secuencia de la película está construida alrededor de algún tópico del cine, oscilando entre la sátira amable y el melodrama nostálgico plagado de citas y homenajes (en una secuencia clave, se utiliza la alucinante partitura romántica de Vértigo, aunque resulta más un chiche que algo que sea pertinente a lo que se narra). Como un desfile carnavalesco, pasan previsibles momentos cómicos, lacrimosos, paródicos, etcétera. Por cierto, algunos son buenos, pero el tono de sarcasmo condescendiente con que el film mira a sus personajes hace que nada tenga peso auténtico, que todo se mire “desde afuera”, como una exhibición de museo móvil. El Artista no es una película mala sino, en cierto sentido, mediana. Pero más alejada del cine de lo que su tema parece indicar.
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  • Penumbra
    Penumbra
    Revista Noticias
    Otro film de terror, esta vez argentino. Una mujer bastante prepotente vende un departamento; los sucesivos “empleados” de inmobiliaria que arriban al lugar son gente temible con un secreto paranormal. El film apela a combinar el mundo cotidiano con un horror surgido de la molestia constante, de la paranoia y de la tensión entre los personajes, sin descuidar ciertos toques de humor. Pero no funciona del todo: cierto subrayado casi nacionalista, la caracterización demasiado burda de la protagonista como alguien desagradable que, solo por eso, merece el peor castigo, y ciertas reiteraciones que diluyen el ritmo le juegan en contra.
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  • La dama de negro
    La dama de negro
    Revista Noticias
    Entre los niños fantasmagóricos orientales -redivivos por el cine americano-, los films de pura víscera y los vampiros virgo-vegetarianos, los muertos en el cine de terror no andan gozando de buena salud. A lo sumo zombies, vea, tan demacrados ellos. Por eso es una buena noticia esta película que narra cómo un jovencísimo abogado y padre (Daniel Radcliffe, que sí, más o menos zafa del harrypottismo que lo ha marcado con un rayo en la frente) se enfrenta a un fantasma en los albores del siglo XX. La ambientación en el pasado permite al realizador James Watkins concebir climas de auténtica pesadilla, sin abusar del golpe de efecto. El terror aquí -como en la mejor tradición del género, hijo de Poe y sus dolorosas nostalgias- surge mucho más del ambiente y la puesta en escena que del efecto de sonido o el truco digital. Los actores, en este sentido, son indispensables para sostener el efecto de miedo que recorre toda la película. Como todo buen film de terror, su tema es moral y su forma apela a nuestros más profundos temores.
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  • La invención de Hugo Cabret
    Decir que una película resulta “infantil” es ambiguo: tanto puede aplicarse a un film pueril como a uno pensado para un público de menos de 12 años. “Hugo” es un film de la primera categoría basado en un libro de la segunda, que confunde ambas cosas. Martin Scorsese, autoconvertido en guardián de la Historia (canónica, incuestionable, broncínea) del cine, toma como excusa una fábula un poco dickensiana ambientada en París -un París de fantasía que de todas formas, con calzador, homenajea a la Nouvelle Vague- y con secuencias diseñadas solo para el despliegue 3D, con una visión acartonada y sentimentaloide (porque no es sentimental, solo se le aproxima) de los orígenes del cine. Esta combinación de cuento para chicos -con todos sus estereotipos, con lo peor de Disney en “carne y hueso”- y documental para escuelas sobre el Séptimo Arte, tiene como defecto sustancial una solemnidad enorme, incluso en sus pretendidos momentos cómicos. Raro, porque Scorsese -hizo “El rey de la comedia”, hizo “Después de hora”- sabe de obsesiones y de comicidad cruel. Film fúnebre -el cine es algo así como una pieza de museo que sólo se justifica en la fantasía, el cine es un refugio aparte del mundo que no celebra nada de la vida real, atroz e insoportable- cierra con coherencia la carrera hasta aquí de un cineasta más preocupado en conservar el arte que ama, que en mostrar el mundo -incluso a través de la metáfora- en que vive.
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  • Moacir
    Moacir
    Revista Noticias
    Realizar un documental sobre un artista que jamás pudo mostrar su talento y pasó una parte grande de su vida internado en un neuropsiquiátrico es un riesgo. Pero el director Tomás Lipgot lo asume con la sencilla -y valiente- decisión de contar su historia desde su propio punto de vista. Así, lo que resulta cómico no lo es por condescendencia sino por comprensión de lo que sucede en la película. Un ejercicio mucho más que interesante.
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  • Selkirk, el verdadero Robinson Crusoe
    Walter Tournier es uruguayo y hace mucho que viene haciendo muy buena animación cuadro a cuadro con mucho esfuerzo. Este film es su primera producción “grande” con distribución internacional y está a la altura de su habilidad. Historia de aventuras con humor, realizada con muy buen gusto y precisión, alarga quizás un poco su peripecia, pero resulta un buen ejemplo de cine pensado para niños sin tratarlos como estúpidos.
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  • Los descendientes
    Los descendientes
    Revista Noticias
    Leerá mucho sobre Alexander Payne. Es el realizador de varios films que combinan lo cómico con lo trágico, con acento en lo primero, e ironizan sobre el mundo y las relaciones. Ahí están Entre Copas y Las confesiones del Sr. Schmidt, sus films más conocidos en estos pagos. Pero si tuvo la suerte de ver Election o su opera prima Citizen Ruth (una extraordinaria y salvaje comedia sobre el aborto), notará que parece ir perdiendo el filo. Quizás sea una elección. Los descendientes narra la historia de un tipo en buena posición económica que, tras el accidente que deja en coma a su esposa, tiene que hacerse cargo de sus hijas adolescentes. Peor: se entera de que la esposa lo engañaba. La idea es, pues, construir una relación paternal casi imposible desde la ambigüedad de sentir, al mismo tiempo, dolor y resentimiento. Y el desafío es darle una forma cinematográfica a ese tapiz complejo. Bueno, no: Payne se dedica a escribir un texto que suena irónico, ingenioso, agridulce, perfectamente conductista incluso en sus indefiniciones (podemos decir que son “indefiniciones a reglamento”). Es cierto que no carece de secuencias emotivas, pero son eso: secuencias, malabarismos del actor para ganar el aplauso, cortometrajes dentro de un largometraje. Clooney está muy bien, pero es siempre Clooney y nunca ese personaje dispar que debe crear, por el que tenemos que olvidar a la estrella George Clooney. Un paso en falso, aunque amable.
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  • La dama de hierro
    La dama de hierro
    Revista Noticias
    Ojalá a la inverosímil Phillydia Law se le hubiera ocurrido filmar el panegírico de Margaret Thatcher. Por lo menos desde el elogio desmesurado habríamos tenido una idea del personaje y habríamos comprendido algo respecto de esa persona contradictoria y fascinante (o sea, lo que hace Clint Eastwood con Hoover en “J. Edgar”). Pero no: “La dama…” es la historia de una vieja senil que a) se casó con un tipo molesto, b) ganó una elección, c) cerró las minas (cero explicación), d) ganó sola una guerra (doble cero explicación), e) derrotó al comunismo (?), f) fue traicionada y expulsada. Nada de la complejidad humana de “La Reina”, apenas una Meryl Streep haciendo de taquito una imitación de esas que tanto aplaude el ala zonza de Hollywood, y un recorrido audiovisual. Un personaje tan complejo y único merecía un film a favor o en contra. Nunca uno anodino como este.
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  • El amor de Tony
    El amor de Tony
    Revista Noticias
    Una mujer que ha salido de la cárcel, bella; un marinero rudo, poco atractivo. Ambos se conocen en una cita a ciegas y comiena una relación donde el pasado y el presente se conjugan en una trama que se sustenta especialmente en las emociones -actuadas y no dichas, gran acierto del film- que rescata la humanidad de sus criaturas. El film hace de su paisaje glauco el reflejo de sus protagonistas, y apela sin deshonestidad a emociones puras.
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  • Inmortales
    Inmortales
    Revista Noticias
    Lo bueno de esta película es que Mickey Rourke jamás se toma su villano en serio y le pone algo de pimienta a cada aparición. Lo malo es que eso y los efectos especiales en las peleas son lo único que hay en el film y que los realizadores, a falta de otras ideas, lo repiten hasta la saturación. Si bien hay secuencias de acción bien resueltas y cierto lujo visual, el resultado tiene gusto a poco: apenas una vieja “clase B” sin alma pero con estereoscopía.
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  • Peter Capusotto y sus 3 Dimensiones
    El gran problema de esta película es que busca más ser una película que ser fiel a Peter Capusotto. Es decir: colocar en sucesión, en una estructura artificial, lo repentino y aleatorio que implicaba cada emisión del (genial) programa teleivisivo. No es necesario contar una historia para hacer reír, sino comprender el ritmo del cine (ejemplo canónico: los cortos de El Correcaminos son joyas del humor y carecen de una historia a contar). La sucesión de invenciones cómicas de la dupla Capusotto-Saborido requería de un tratamiento musical, de un tempo diferente del de la televisión, donde a veces es necesario saturar. Así, buenas ideas como Bombita Rodríguez tratando de abrir una Disneylandia peronista en Michigan o la aparición de Jesús de Laferrere se ven estiradas y faltas de concentración dramática. Justamente -repetimos- falta la música como aglutinante y como estructura. Sin esa libertad (esa libertad bien rockera, de paso), la película se vuelve por largos momentos en un “grandes éxitos” huérfanos de gracia.
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  • J. Edgar
    J. Edgar
    Revista Noticias
    La primera gran maravilla de este film es -con justicia- imperceptible. Quien tenga un ojo profesionalmente entrenado, notará que Clint Eastwood elige una forma compleja de narrar la historia de uno de los hombres más poderosos de la historia reciente, el increíble fundador del FBI, J. Edgar Hoover. Una estructura que va y viene en el tiempo, que alterna episodios como temas en una sinfonía: el modelo es su otra biografía, la genial “Bird”, definida por un gran crítico como “un film be-bop”. Pero quien no tenga ese ojo “profesional” se verá incluido en la historia y sentirá su tersura, su claridad y su fuerza. Esto ya merece todo un elogio, porque cualquier persona es compleja y narrarla equivale a hacerse cargo de esa complejidad. Y mucho más cuando se trata de un “villano tradicional”. Eastwood no asume soluciones fáciles: penetra la intimidad de ese anticomunista acérrimo y fanático, explica y muestra su homosexualidad oculta -pero extrañamente honesta- y marca las diferencias entre ese tipo tan malo que igual hizo algo bien y otros villanos absolutos, como Nixon. Gracias, además, al trabajo impresionante de Leonardo Di Caprio, logra que por un par de horas nos pongamos en el lugar de ese “villano” y lo comprendamos. Es sustancial: solo desde la comprensión del otro es posible llegar a una mirada ecuánime que nos permita adherir o rechazar con fundamentos. Eastwood logra conmover, incluso en los momentos más incómodos, con un personaje a priori despreciable. Eso es el cine.
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  • Domingo de ramos
    Domingo de ramos
    Revista Noticias
    José Glusman es un realizador interesante: a un debut menor (Cien años de perdón) siguió una película muy interesante (Solos). En ambas mostró un buen ojo para los detalles cotidianos y buena mano para hilvanarlos en la ficción. Aquí se trata de la investigación de un crimen que lleva aparejado un drama de pueblo chico. Lo mejor de la película es, justamente, la mirada; su debilidad, cierto peso teatral tanto en la construcción de la trama como en las actuaciones.
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  • Robo en las alturas
    Robo en las alturas
    Revista Noticias
    Problema: Brett Rattner. Si tuvo una película más o menos buena (la tercera X-Men), se debió a que casi todo el trabajo estaba hecho previamente por otro director (Bryan Synger). El resto de su filmografía tiene como único atractivo la búsqueda del impacto a cualquier precio. Aquí hay un buen conjunto de comediantes -la dupla Ben Stiller-Eddie Murphy funciona- tratando de llevar a cabo un robo imposible. El film no se decide por ir o bien decididamente a la farsa o bien decididamente a la aventura, y esa diletancia lo hiere. Ni chicha, pues, ni limonada.
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  • Secretos de estado
    Secretos de estado
    Revista Noticias
    George Clooney es un actor con pinta clásica y un realizador que ha logrado penetrar la política -y su relación con el espectáculo, como lo prueban Memorias de una mente peligrosa y Buenas noches, buena suerte- para encontrar sus razones. Este Secretos de Estado es menor respecto de sus otros films en la medida en que no nos narra nada nuevo y -gran pecado- se deja llevar por la mecánica del thriller político, que ya se ha vuelto un género en sí. Hay placer en ver la película: las actuaciones son perfectas y la trama se sigue con interés casi hasta el final. Sin embargo, el espectador que intente ir más allá del esquema se encontrará con que Clooney tiene muy poco que decir respecto de los problemas centrales de su historia: apenas que el poder es nido de corrupción (y para eso basta con leer el diario). En otras palabras: a la justeza de la realización y la tensión de la trama se les superpone -y les resta peso- la trivialidad de su tema. Un film, pues, mucho menor de lo que podíamos prever dados los antecedentes del realizador.
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  • La chica del dragón tatuado
    Podría decirse que el realizador David Fincher es un especialista en asesinos seriales: Pecados Capitales, Zodíaco y ahora esta adaptación “alla Hollywood” de la novela de Stieg Larsson -ya llevada a la pantalla en Suecia- prueban que comprende algo del asunto. En realidad, Fincher es un especialista en contar el final de la civilización. Este film comparte con sus anteriores películas el aire glauco, opresivo que caracteriza a todas sus películas anteriores, y muestra además que lo que causa interés en sus mejores películas es, justamente, su aspecto humano. El núcleo “policial” de la historia es la corrupción de una familia con poder, algo no muy distinto de lo que Chandler y Hammett han creado desde hace poco menos de un siglo. Pero lo que cuenta es la relación entre dos seres desplazados y abusados, de diferente manera, por el poder: el periodista Blomkvist (un perfecto Daniel Craig) y la hacker Lisbeth Salander (una extraordinaria Rooney Mara). En esa relación es donde la mirada desencantada del presente pero levemente esperanzada de Fincher -alguien que maneja como pocos el lenguaje del cine clásico- encuentra su auténtico tema. A pesar de las secuencias duras (una violación, por ejemplo, de las más brutales que ha dado el cine), hay una especie de extraña ternura que hace del film un paisaje preciso del mundo finalista que nos ha tocado en suerte.
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  • El extraño Sr. Horten
    El extraño Sr. Horten
    Revista Noticias
    Si le decimos que esta es la historia de un señor que queda jubilado y comienza a descubrir todo lo que se ha perdido de la vida, va a pasar de largo. Si le decimos que es una película de aventuras, probablemente no. Bueno, es ambas cosas, porque descubrir que el mundo no es como uno cree -o que el mundo es, simplemente- es toda una aventura. Este film realizado para complacer a un gran público, simpático y quizás emotivo a reglamento, no deja de presentar momentos sorprendentes y absurdos que condimentan, con fuerza, su esquema argumental algo previsible.
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  • Sherlock Holmes: Juego de sombras
    Con absoluta sinceridad: ver este film es simplemente ir a disfrutar por un rato de la dupla cómica que lograron conformar (más allá del director) Robert Downey Jr. y Jude Law. El resto es el demasiado trivial e inútil exhibicionismo fílmico del inane Guy Ritchie. Alguien a quien habría que explicarle que lo efectivo de un disparo es su instantaneidad, no que se lo vea en pantalla del cañón al blanco destrozado en cámara lenta. Repetimos: ellos son divertidos. Lo demás, no.
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  • Historias cruzadas
    Historias cruzadas
    Revista Noticias
    Tiene todo el derecho del mundo a temer este film: después de todo, se trata del típico relato aleccionador con “mensaje importante” que Hollywood nos arroja por la cabeza alternando con el espectáculo de efectos especiales sin sentido. Pero así como en la segunda categoría hay grandes películas (en cartel Tintín o Misión: Imposible IV) también las hay muy buenas en el carril didáctico. Pasa con ésta: chica del Sur estadounidense pero modernizada vuelve a su pueblito en plenos 60 y escribe un libro sobre su comunidad desde la perspectiva de las criadas negras. Es decir: el film trabaja con muchos estereotipos (el de las negras, el de las racistas sureñas, o el de las mujeres de clase alta y baja, etcétera) que parecen empujar el film hacia la caricatura. Pero entonces aparecen las actrices dándoles humanidad (es decir, matices y rasgos personales) a cada criatura. Y el problema del racismo pasa a ser una metáfora de otras cosas, pasa a ser la historia de cómo y desde dónde se cuenta la Historia. En épocas en las que se reivindica el reivisionismo o se quiere manipular un “relato”, este film resulta, aleatoriamente, más interesante.
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  • Los Muppets
    Los Muppets
    Revista Noticias
    Ya es candidata a las diez mejores películas del 2012. Eso sí, trate de verla en inglés, aunque en castellano también funciona. No es una película infantil, aunque los chicos la disfruten sin pausa: es un juego absoluto y constante con el propio cine y el sentido del espectáculo: una película que nos explica por qué tenemos que divertirnos. Y también sobre el amor, la identidad, la solidaridad y el poder del dinero. Eso, si necesita una excusa “seria” para sentarse una hora y media a reírse y emocionarse en cada plano. La historia es la de Walter, un Muppet que busca a sus semejantes, y de la organización de un postrer –primer– “Show de los Muppets” para rescatar un teatro. Es decir, cuento conocido y al mismo tiempo tratado con distancia e ironía justas, para que nada suene cursi. Ni los números musicales, que incluyen siempre un toque de humor para cortar cualquier melosidad, ni los innumerables gags que pintan nuestro mundo (la “banda tributo” de los Muppets –los Moopets–; la “risa maníaca”; el “viaje por el mapa”; el robot de los `80; las versiones brillantes de “Smell like a teen spirit” o “Fuck You”, la presencia cascarrabias y enorme de Jack Black, el increíblemente genial villano de Chris Cooper, cada diálogo de Jason Segel, cada mirada de Amy Adams) opacan la presencia indestructible de los muñecos. Ahí están Kermit y Miss Piggy y Fozzie y Gonzo y Meeker y Scooter: criaturas de colores fuertes para decir, fuerte, que la vida vale la pena. En tiempos nebulosos como estos, hay que ir a encontrarse con este arcoíris.
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  • Norberto apenas tarde
    Norberto apenas tarde
    Revista Noticias
    Debut como director cinematográfico de Daniel Hendler, este film parte de una situación que podría ser patética (un hombre que pierde su trabajo) y la deriva hacia otro lado, hacia el costado casi fantástico de la invención de uno mismo. Con justo equilibrio entre drama y humor, el film descubre que dentro de cualquier persona se esconde lo extraordinario, que todos somos, en el fondo, artistas.
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  • 50/50
    50/50
    Revista Noticias
    No, no es excelente: hay una película con premisa parecida (Hazme reír, no estrenada aquí) que es mejor. Sin embargo, esta “tiene algo”. La historia es la de un joven que tiene que pelearle a un cáncer, y del amigo que lo ayuda. Entre los dos protagonistas -Joseph Gordon-Levitt y Seth Rogen- hay una química especial y el guión usa el humor para pelearle a la tragedia. Le gana por puntos, pero basta para que uno disfrute de la película y se le ría en la cara a la muerte.
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  • Misión Imposible 4: Protocolo Fantasma
    Curiosidad: en Tintín, un director de acción en vivo hace un film de animación; aquí uno de animación -otro gran artista, Brad Bird, responsable de Los Increíbles y Ratatouille- hace un film de acción en vivo. El lazo entre ambos es la pura aventura física, la empatía con los personajes y el gusto por la invención, por llevarnos a un mundo que se parece al nuestro pero no existe. Aquí nuevamente Tom Cruise demuestra que es uno de los mayores actores del cine, de esos que actúan con cada articulación y cada músculo. La historia es simple: los agentes de Misión: Imposible quedan a la deriva tratando de desarmar el plan de un villanísimo que quiere controlar al mundo. Como en Los Increíbles, justamente, Brad Bird toma esa situación para desarmar los lugares comunes del género sin traicionarlos, y para crear una fábula alrededor de valores tan intangibles como la amistad y la lealtad. Aquí importa que esos temas se traducen en puro movimiento, uno en el cual nos vemos absolutamente involucrados.
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  • Las aventuras de Tintín
    Las aventuras de Tintín
    Revista Noticias
    Si usted vio Beowulf o El Expreso Polar, crasos films del decaído Robert Zemeckis cuya gracia consiste en actores transformados en dibujos, seguramente tenga desconfianza respecto de este film de Steven Spielberg -con segunda cámara nada menos que de Peter Jackson- porque hasta ahora, salvo muy pocas excepciones, esa técnica es más bien torpe. Sin embargo, esta Tintín, en lugar de poner el acento en lo que se puede hacer con los chiches digitales -y eso que hay mucha invención técnica en él- se preocupa por los personajes y por retomar tanto el humor amable como el espíritu aventurero de la historieta original. Así, por casi primera vez (Avatar sería el primer caso) la técnica no solo no molesta sino que aparece como única alternativa cinemática a esa mezcla de realismo y fantasía que desplegó Hergé en sus álbumes. La historia es la de la búsqueda de un tesoro y el hallazgo de una amistad notable, la del capitán Haddock y el reportero Tintín (y el maravilloso perro Milú). Las enormes secuencias de acción (cerca del final hay una persecución sin cortes de escena que es asombrosa) funcionan no solo por su fuerza gráfica sino -y sobre todo- porque tememos y gozamos con sus personajes. Es la dimensión humana de la aventura, pues, lo que nos atrae. Más que una golosina, una auténtica demostración de que el gran cine, sea del presupuesto y la tecnología que sea, siempre depende de que haya detrás un gran artista.
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  • Un zoológico en casa
    Un zoológico en casa
    Revista Noticias
    Cameron Crowe es un realizador que viene del guión y del periodismo. Hay algunas películas donde ha logrado crear algo así como una emoción diferente de las que están escritas (Casi famosos, digamos), pero por norma se atiene demasiado a la letra y, por el encorsetamiento que ello representa, termina anestesiando las posibilidades de sus temas. Aquí se trata de una familia que compra un zoológico para vivir y está basada en una historia real. Cuando Hollywood toma una historia real para transformarla en ficción, puede resultar una genialidad (El juego de la fortuna) o una zoncera (este film): la diferencia reside en si el director prefiere aleccionar a simplemente mostrar y dejar fluir. Y aquí sucede, desgraciadamente, lo primero. Sin embargo, algo contrapesa: los personajes son simpáticos y no nos aburrimos de verlos, aunque nos interesa poco lo que hacen. Se lleva las palmas Matt Damon, que es de esas figuras de las que la fama llama a desconfiar, pero que saben de qué se trata actuar frente a la cámara. Lástima que Scarlett Johansson dejó, hace mucho, de cumplir con la promesa interpretativa que representó cuando niña.
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  • La cueva de los sueños olvidados
    Hay algo interesante en el hecho de que un cineasta considerado magistral como Werner Herzog tome el artefacto 3D y realice con él un documental. De algún modo, legitima un procedimiento que, hasta ahora, era considerado sólo como un aditamento comercial más o como la posibilidad de que el cine remedara a una montaña rusa. Es también interesante que Wim Wenders haya realizado su homenaje a Pina Bausch utilizando la misma técnica y casi al mismo tiempo: ambos cineastas muestran que el 3D es ideal para sumergir al espectador en lo más parecido a la experiencia de la realidad, y reclaman su dominio para el género más alejado del artificio. En este caso, Herzog recorre cavernas antiguas donde hombres que vivieron hace miles de años retrataban en las paredes su sueños, sus fantasías y sus deseos. Por cierto, los discursos a veces cómicos de Herzog hacen contrapunto con el mero registro. Y, en algún punto, también señala los límites -técnicos, sí, pero también emotivos- del procedimiento. Sin dudas, el film representa una experiencia lúdica extraordinaria, mientras que Herzog nos cuenta que es imposible transferir todos los elementos de esa experiencia en el mundo real. Lo hace, por cierto, con humor y fascinación tanto por el aparato que tiene entre manos como por ese mundo: la más alta tecnología del arte se encuentra con la más baja y ambas se identifican. Un entretenimiento, pues, paradójico y por eso mucho más interesante que su propio tema.
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  • La última mirada
    La última mirada
    Revista Noticias
    Un periodista cuyos padres fueron torturados y asesinados por la dictadura militar argentina, viaja de España a Buenos Aires en busca de verdad y de venganza. Pero se enamora de la hija (buena) del comisario asesino (malo). Y la hija (buena) comienza a pensar sobre sus orígenes y se acerca a Abuelas de Plaza de Mayo. Como todo film que trata sobre los crímenes de la dictadura, decir algo en contra implica que a uno lo tilden de mal tipo. Pero allá vamos: en primer lugar, el film no termina de decidirse entre el abstracto suspenso (efecto universal y metafísico) o la denuncia puntual (efecto de corto alcance en el tiempo). En segundo, cae en la manipulación casi infantil de que si el hijo de una persona mala es bueno, es porque no es su hijo -como si el mal fuera un gen hereditario, lo que en última instancia disuelve la tensión emocional de los personajes. Es loable la intención de utilizar un contexto reconocible para plantear una fábula moral, hasta que el contexto deja de serlo y pasa a ocupar el centro de la escena. Entonces, la fábula se vuelve publicidad.
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  • Terror en lo profundo 3D
    Terror en lo profundo 3D
    Revista Noticias
    Entre los realizadores de películas de aventuras, brilla el casi anacrónico y siempre creativo David R. Ellis. Casi anacrónico porque sus películas, a pesar de la velocidad siempre enorme y de los efectos especiales, apuestan a un clacisismo que hoy no está demasiado en boga. Por regla, sus películas tratan de situaciones cotidianas que se vn de madre por la intervención de un elemento fuera de lugar. Es lo que se ve en Celular, Destino final y esa locura absoluta llamada Terror a bordo que, en el universo conocido, se llama Snakes on a Plane (sí, la del avión en plena tormenta plagado de serpientes venenosas). En Terror en lo profundo tenemos a un grupo de alocados y lindos jóvenes de vacaciones (exposición de cuerpos de tapa de revista) son atacados por tiburones. Ellis, uno de los más veteranos directores de segunda unidad (esos que filman lo que el director titular no tiene tiempo o no le interesa, como las escenas de acción) había cumplido ese rol en Alerta en lo profundo, aquel otro film de tiburones realizado por Renny Harlin que resultaba bastante alocado. Quizás recordando aquel descontrol, aquí Ellis se dedica a mostrarnos -en 3D- todas las formas posibles en que un escualo puede almorzarse a un cristiano (o judío, o musulmán, o budista...). El resultado quizás no está a la altura de otros de sus films, pero la creatividad para la truculencia y el ritmo constante hacen de la película un verdadero ejercicio de aquella gloriosa Clase B, que aún sobrevive en estos artesanos locos por el cine.
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  • La campana
    La campana
    Revista Noticias
    Hay una intención saludable en este film: narrar una historia fantástica sin que el dispositivo suene alegórico. Y más allá de una producción por lo general ajustada, el problema básico de la película no es tanto virar hacia el melodrama sino caer finalmente en la tentación alegórica. A los buenos trabajos actorales hay que sumar algunos climas ajustados. Pero el conjunto se resiente: la intención de contar todo lo posible termina diluyendo la efectividad del asunto.
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  • Judíos por elección
    Judíos por elección
    Revista Noticias
    Matilde Michanie es una especialista en documentales que, hace un par de años, retrató con ajustada precisión a la Tigresa Acuña en Licencia número uno. En Judíos... muestra la historia de personas que deciden convertirse al judaísmo, una religión que -a diferencia de las otras grandes religiones reveladas- no busca convertir a nadie. El mosaico resulta mucho más complejo que los simples motivos de conversión de cualquiera: hay se adivina la pregunta sobre por qué elegir una religión, por qué buscar cierta trascendencia. El resultado es de enorme interés, aunque las respuestas no sean categóricas.
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  • Cuatro muertos y ningún entierro
    Actores en la mala, cineastas de ocasión, un accidente con muerto incluido y más muertos. Estos elementos alcanzan para construir una película que divierte no por lo explosivo de su construcción sino porque el espectador termina creyendo en lo extraño y literalmente desgraciado que sucede en él. Se trata por un lado de una comedia negra, un género que los británicos (este film es de todos modos irlandés) han practicado con particular asiduidad, aunque con una flema totalmente diferente. Por otro lado, la película es una reflexión sobre el propio artificio cinematográfico, sobre cómo se combinan en la creación de un relato el azar y la necesidad. Por supuesto que esta segunda idea fluye sin que se declame, lo cual hace de la película algo interesante (de otro modo, entraríamos en lo que en buen criollo se llama “canchereada”). Lejos de las estridencias pero con la dosis justa de elementos “raros” para sostener la atención, una comedia más inteligente de lo que parece a primera vista.
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  • El juego de la fortuna
    El juego de la fortuna
    Revista Noticias
    Siempre hay un problema con las películas sobre béisbol: es un juego difícil de entender. Para los países donde el fútbol es rey –un juego donde todo depende de la movilidad constante y de un tiempo limitado– un deporte donde muchas veces “no pasa nada” y cuyos partidos pueden durar nueve horas es complejo. Sin embargo, los estadounidenses –gracias al cine– han mutado el deporte estático en puro género dinámico. Hay joyas (La bella y el campeón, El campo de los sueños, Enamorado) y ahora este film, que puede ser considerado como la mejor película de béisbol de la Historia… sin Kevin Costner como protagonista. Y es la mejor por varias razones: la primera, nunca deja de lado la amabilidad para cargar de improbable tragedia lo que no es más que un juego. La segunda: vuelve simple de comprender algo extremadamente difícil.

    Y la tercera, retoma el sentimiento utópico americano, el del original y el emprendedor y el trabajo en equipo como forjadores de un destino. Aquí todo se concentra en el manager de un equipo que debe armar un team competitivo con muy poca plata (mientras el resto de los equipos “compran” estrellas por cientos de millones), y su relación con un analista de sistemas que aplica reglas diferentes de las del “negocio”. Esos dos personajes los interpretan, en estado de gracia absoluta, Brad Pitt y Jonah Hill. Sin lecciones falsas y con sabor a realismo épico, “El juego de la fortuna” es esa clase de grandes películas que superan lo local de su planteo.
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  • La vida en tiempos difíciles
    Este film es una especie de continuación de Felicidad, aquella oscurísima comedia de costumbres sobre tres hermanas bastante desgraciadas. Aquí los personajes son los mismos aunque los actores son diferentes y Solondz, que cree que el mundo es horrible y que lo único que queda es reírse de él, pone -como siempre- más énfasis en el guión que en la dirección. Han pasado veinte años y todo parece igual de horrible. “Igual” es la clave: ni siquiera peor. Los chistes negros de Todd Solondz hoy parecen más un antojo de adolescente que no quiere crecer que el producto de una reflexión desesperada sobre el mundo. Los actores, impecables.
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  • Año nuevo
    Año nuevo
    Revista Noticias
    Film coral (mucha, pero mucha gente) del alguna vez competente comediógrafo Garry Marshall. A la manera de su anterior Día de los Enamorados, aquí un montón de actores conocidos cruzan y descruzan sus destinos para demostrarnos que, después de todo, vivimos en el mejor de los mundos posibles y que cualquier tristeza no es más que un efecto de recepción. Si los actores cumplen con los roles que les ha tocado en suerte, el sentimentalismo desatado del film y su mecánica repetida terminan disolviendo cualquier virtud ocasional.
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  • Alamar
    Alamar
    Revista Noticias
    En México, un hombre está a punto de ver partir a su pequeño hijo a Italia, a vivir con su madre. Realizan ambos, como forma de la despedida, un viaje a mar abierto que se revelará una aventura tanto exterior como interior. Ganadora del Bafici 2010, este film del realizador Pedro González-Rubio utiliza un registro documental -de hecho eso es lo que parece- para narrar algo que se vuelve un momento extraordinario. Lo más interesante del film es cómo equilibra el protagonismo del paisaje, del movimiento y de la pura acción física, con las emociones intensas de sus criaturas sin que el resultado final en pantalla se sienta forzado o una mera manipulación. Hay en el film momentos contemplativos y de enorme belleza, que funcionan en la medida en que reflejan de modo transparente lo que sucede con los personajes. Carece -y esto es una gran virtud teniendo en cuenta que el punto de partida presenta esta tentación de modo evidente- de cualquier clase de pintoresquismo. Lo que vemos y lo que se experimenta es lo justo y necesario. Esa precisión se agradece de manera absoluta.
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  • El gato con botas
    El gato con botas
    Revista Noticias
    Lo mejor que tenía la saga “Shrek”, una vez disipada la parodia a los cuentos de hadas según el modelo cinemático Disney, es el personaje cuya voz pone Antonio Banderas, ese Gato con Botas que cruza la heroicidad con el absurdo. Mientras el ogro se deslizaba a la parodia liviana, el gato aparecía como un refugio de la vieja y querida estética del cartoon. No es raro, pues, que se haya establecido como dueño de una “marca” por propio derecho. El film que nos cuenta sus aventuras previas al encuentro con el ogro verdoso, tiene varias virtudes. La primera es no cambiar al personaje, sino mantenerlo dentro de las constantes que ha sabido desarrollar. La segunda es que el relato de aventuras aparece realmente preciso, y mantiene el interés por encima del chiste del gatito adorable que esconde el alma de un tigre mayúsculo. El tercero, un diseño que atrapa el ojo. El entretenimiento tiene sus lujos y algunos momentos de extrema comicidad. Hay, también, algunos defectos: la necesidad de que todo sea gracioso, la no siempre bienvenida recurrencia al anacronismo, varias secuencias cuya única emoción radica en la proeza técnica, y algún apresuramiento a la hora de redondear la historia. Sin embargo, la simpatía del personaje, indisoluble a su dibujo, alcanza para que se trate de un entretenimiento cabal, que no apela solo a lo conocido sino que trata de establecer su propio rumbo. Para gritarle “olé”, con ganas.
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  • La mala verdad
    La mala verdad
    Revista Noticias
    Nena abusada por su abuelo. Familia con problemas. Psicóloga que trata de ayudar. Con estos elementos se pueden hacer muchas cosas, buenas o malas. Aquí se optó por una estética que remite a los teledramas de los años 80, con una sobreactuación de la música y la combinación de momentos “tensos” y “tiernos” hecha a reglamento. Los actores están muy bien todos, pero la trama -ni, especialmente, la puesta en escena- les hacen justicia.
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  • ¿Cómo lo hace?
    ¿Cómo lo hace?
    Revista Noticias
    Esperemos que alguien en su sano juicio diga alguna vez que no, que Sarah Jessica Parker no sostiene una película, que es una comediante mediocre y que repetir ciertos truquitos de Sex and the City en plan “madre esposa profesional qué difícil qué difícil” (tópico demasiado trillado que, en estas pampas de quita de subsidios, es imposible ver desde la comedia) es totalmente inadecuado. Por suerte está ese secundario gigante que es Pierce Brosnan y algún paisaje neoyorquino para el turista que todos llevamos dentro.
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  • El precio del mañana
    El precio del mañana
    Revista Noticias
    Aunque Andrew Niccol es mucho mejor guionista que director (comparen su escritura de The Truman Show con su dirección de Gattacca), no se le puede negar talento para combinar problemas éticos surgidos del uso y abuso de la tecnología con las herramientas del entretenimiento. En este caso, se trata de un film de suspenso ambientado en un futuro donde todo el mundo aparenta como máximo 25 años, donde cada persona vive un tiempo determinado (el tiempo que vive es, literalmente, dinero) y donde alguien pobre es acusado de un crimen que no comete (el gran Justin Timberlake: estrella pop, comediante, actorazo, presencia cinematográfica pura). Hay un romance entre chico pobre-chica rica, y esto sirve para pintar no el mundo de mañana sino, por metáfora interpuesta, nuestro mundo. El “defecto guionista” de Niccol -frases de más, algún subrayado- no alcanza a invalidar una película interesante que, junto a thrillers como Los agentes del destino u Ocho minutos antes de morir, devuelven la ciencia ficción al campo de la especulación social y política.
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  • Operación regalo
    Operación regalo
    Revista Noticias
    En realidad, es una pena que los estudios Aardman hayan dejado de lado la bellísima realización de films en plastilina –que ha sido lo que les ha dado fama gracias, en gran medida, a los personajes de Wallace y Gromit– para volcarse al digital, aunque se dice que volverán a los muñequitos en breve. De todos modos, lo que no han perdido es la capacidad para construir personajes creíbles y encantadores, y narrar con precisión. Este film forma parte del género “cuento de Navidad”, un auténtico riesgo: hay tantos films de este tipo que puede caerse en la repetición y el lugar común. Por suerte, se logra aquí una vuelta de tuerca, y la película es en realidad una crítica a la producción en serie, a las lógicas de la industria y a cómo esto diluye lo que es en el fondo trascendente y universal. En la noche de Navidad, un regalo no se entrega y Papá Noel y su gerente consideran tal cosa una pérdida “aceptable”. Pero un personaje piensa que es grave que cierta niña no tenga su regalo, lo que implica entonces una carrera contra el tiempo para entregarlo. Las peripecias no carecen de inventiva y el diseño general de la película es de un enorme atractivo, lo que permite al espectador ingresar en la historia con absoluta transparencia. En ese punto, este cine deja de ser infantil para tornarse universal. Es cierto: no carece tampoco de trivialidades y de una duración quizás excesiva para la anécdota que desarrolla. Pero, de todos modos, resulta un film digno de sus productores.
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  • Lo siniestro
    Lo siniestro
    Revista Noticias
    ¿Película de terror argentina? Sí, claro, por qué no: debería ser un género obligatorio para dar catarsis a los horrores que nos persiguen. Pero es escaso. En este caso, se trata de un viejo secreto del pasado que perturba a una mujer al volver a su pueblo natal. Un esquema conocido, claro, pero que en algunas secuencias de este film aparece resuelto de manera efectiva y creíble. Un intento quizás no logrado pero que no carece por completo de valores, tanto en la dirección como en el diseño.
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  • Fuera de la ley
    Fuera de la ley
    Revista Noticias
    Nicolas Cage vive una pesadilla: han violado y golpeado malamente a su esposa. Alguien le ofrece hacer justicia por mano propia y ahí va el hombre a meterse en un asunto mucho más grande y peligroso que la simple venganza. Como suele suceder con el australiano Roger Donaldson, hay momentos que funcionan y otros -la mayoría, básicamente por obra de Cage- que no. Ideológicamente, la película trata de partir de lo repudiable para encontrar un equilibrio un poco cobarde. Dejando de lado esto, es apenas un correcto film de acción olvidable.
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  • Las acacias
    Las acacias
    Revista Noticias
    Un camionero rudo emprende un viaje de 1.500 km con una mujer y su bebé desde el Norte argentino. Es un comienzo mínimo, una premisa simple que se va transformando en una película atractiva donde el espectáculo reside en la manera como tejen relación esos tres personajes. Sin embargo, la simpleza del film -por cierto preciso- tiene algo de falso, de buscado. No se trata de disponer de golpes bajos para conmover al espectador, sino de sugerirlos convocando la simpatía. Por un lado, es admirable la manera como se ha dirigido y producido un film de compleja logística para que parezca espontáneo. Pero por otro se advierten los hilos y la manipulación; de cómo todo está diseñado -absolutamente diseñado- para satisfacer el ansia de emociones. Los mejores momentos de la película aparecen en los primeros minutos, cuando la manipulación no se nota. De todos modos, hay en Pablo Georgelli un cineasta a seguir con curiosidad y expectativa.
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  • Happy Feet 2: El pingüino
    George Miller es un genio. Quizás no lo sepa, o su nombre así nomás no le diga nada, aunque seguramente vio alguna de las tres Mad Max, “Las Brujas de Eastwick”, “Un milagro para Lorenzo”, la increíble “Babe 2” o “Happy Feet”, todos films al mismo tiempo fantásticos, irónicos, agridulces y épicos. Todos extraños cuentos de hadas cuyo fondo es siempre humanista. Miller usa la fantasía para especular sobre el mundo, y aunque hay siempre violencias y tristezas, no falta la alegría del espectáculo. Esa combinatoria es la que hace de la filmografía de este australiano extraño una especie de joya a descubrir desde otro lado. Esta segunda “Happy Feet”, que utiliza la música con la misma maestría de la primera, tiene el lastre de un mensaje ecológico demasiado evidente, algo que en la primera –si bien explícito– quedaba un poco más relegado por la comedia alrededor del pingüino que no cantaba pero sí bailaba. Pero como Miller es inteligente, sabe que el espectáculo y su forma son todo en este caso. Así, el uso del 3D nos sumerge directamente tanto en el ambiente de los personajes como en sus emociones de un modo transparente e inmediato. Aquí hay un nuevo conflicto entre padres e hijos (la historia gira alrededor del retoño de Mumble, que no quiere bailar ni le interesa) mientras el mundo se torna cada vez más caótico. En ese núcleo temático es que la película encuentra su mejor forma e invita a pensar el propio universo en el que vivimos. Por supuesto que la animación es perfecta, lo que nos lleva a no pensar en ella y a conmovernos con los personajes. De eso se trata el cine.
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  • La hora del crimen
    La hora del crimen
    Revista Noticias
    Hay algo muy interesante en este film italiano del debutante Giuseppe Capotondi. No sólo que adscriba a la tradición del thriller de suspenso bien contado (algo para lo que alcanza la pericia técnica) sino que mira a sus personajes con auténtica empatía. Es decir: estas personas existen, sufren y gozan de tal modo que el sentimiento se transmite, sin intermediarios, al espectador. El misterio es un poco trivial, pero los actores elevan con mucho la trama.
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  • Verdades verdaderas, la vida de Estela
    Esta hagiografía de la fundadora de Abuelas de Plaza de Mayo parece hecha en los 80: viñetas más o menos ilustrativas sobre un personaje y mensaje explícito. Susú Pecoraro está muy bien, pero eso es casi de perogrullo, dado su oficio. El espectador se preguntará qué pasa con el señor Carlotto en el desarrollo del film, y esa pregunta descubre la debilidad del proyecto: es que aquí no debe haber ni una contradicción, ni una duda, ni un gesto que haga de la protagonista algo más que una (pobre) estampita.
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  • Amanecer - Parte 1
    Amanecer - Parte 1
    Revista Noticias
    Lo primero es protestar por esta maldita moda de “desdoblar” un film en dos, iniciado con la última entrega de Harry Potter (que redundó en un film donde no pasa nada y otro en el que pasa demasiado demasiado rápido). Ahora es la saga Crepúsculo, de lo menos interesante -estéticamente; sociológicamente es otro tema- que ha dado el cine en los últimos años. Ahora veremos qué pasa cuando el vampiro lánguido y la chica virgen se casen mientras las fuerzas de la oscuridad los rodean con su poder maligno, etcétera. Pero, dado que el film está desdoblado, tampoco es que veremos demasiado. Ni la metáfora “Vampiros europeos Vs. Lobos indoamericanos”, ni el consorcio chupasangre, ni la idea de que un rostro “sexy” de Kristen Stewart (por las dudas no lo sepa, ha demostrado en otras partes tener pasta para la actuación) es mirar con ojos vacíos y aerofágica o que el pobre Robert Pattinson (que también puede actuar) es sexy porque es flaco alcanzan para causar algún interés. Menos cuando en este film todo queda por la mitad, además. Un álbum de figuritas para fanáticos con algunas buenas secuencias de acción.
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  • Poesía para el alma
    Poesía para el alma
    Revista Noticias
    Es más que probable que el nombre de Lee Chang-dong no le diga demasiado: así de lamentable está la distribución cinematográfica mundial, dominada por Hollywood y sin freno. Porque si no fuera por ese tipo de presión, los melodramas de este virtuoso cineasta coreano llegarían a todo el mundo, lo inundarían de felices lágrimas. “Poesía para el alma” es la historia de una anciana que, golpeada por la vida de un modo cruel, decide inscribirse en un taller de poesía. Con este esquema, cualquier cineasta “comercial” (alguien no involucrado ni con lo que narra ni con sus criaturas, alguien que cree que llorar vende) haría un desastre. Chang-dong no: con una enorme delicadeza, con pudor, con precisión narrativa, va conduciendo la historia de esta mujer hasta dejar desnudo el verdadero núcleo de la historia: lo inasible del arte, la imposibilidad de domesticar la inspiración y, al mismo y paradójico tiempo, la necesidad de ejercitarse en las herramientas. Que es lo mismo que decir que el arte es una forma de descubrir o redescubrir el mundo. El realizador es, sin la menor duda, uno de los grandes directores de melodramas clásicos que le quedan al cine (el lector curioso podría buscar la perfecta “Secret sunshine”, su anterior film, en la web), de los que trabajan con precisión y distancia justa los males del mundo, para exponerlos a nuestra mirada sin forzar los elementos para producir un efecto emotivo con el desafortunado golpe bajo el cinto. No es reducir al espectador a la lágrima fácil lo que le interesa a un artista, sino compartir con él una visión del mundo. Como la anciana con sus poemas sobre lo cotidiano, ni más ni menos.
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  • La prima cosa bella
    La prima cosa bella
    Revista Noticias
    Un hombre trata de sobreponerse a un recuerdo traumático de la infancia que pone en el centro de un drama familiar a su madre. El film no es, sin embargo, una exploración psicológica -o no sólo eso- sino un retrato ajustado de tensiones sociales y de la validez o no de la idea de familia. El realizador Paolo Virzi ya había mostrado buen hacer con Caterina en la ciudad, y aquí vuelve a tomar un camino equilibrado y ecuánime para contar la vida de sus personajes con la distancia justa.
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  • Un amor
    Un amor
    Revista Noticias
    Una mujer que vuelve provoca un resurgir de viejos recuerdos anclados en aquel verano de los setenta cuando Lisa, Lalo y Bruno eran adolescentes y estaban enamorados. El presente los encontrará cambiados pero por un rato volverán a sentir, quizás, lo mismo. Una historia de reencuentros, con la calidez narrativa de la directora de “Herencia” y “Lluvia” que cuenta en el elenco adulto –en especial, el debut en cine de Elena Roger, lo mejor lejos- a su mejor aliado, y su zona más fallida en los flashbacks, cuyos intérpretes no terminan de volver convincente ese amor inolvidable.
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  • Flamenco, Flamenco
    Flamenco, Flamenco
    Revista Noticias
    Seamos sincerísimos: las mejores películas de Carlos Saura -o al menos las que mejor sobreviven- son esos documentales musicales que ha realizado (con la excepción de Tango, por cierto). Sevillanas es genial y Flamenco, bastante buena. Esta vez, el hombre vuelve a encontrarse con los artistas de la primera Flamenco y repasa el género, compara épocas y artistas, deja hablar y escuchar. Pero si la película vale además más allá de la exposición del paso del tiempo (algo que es, más o menos, un lugar común) es por cómo Saura transmite su propio placer a la pantalla. En efecto: uno puede no coincidir con sus gustos, pero no cabe duda de que son legítimos, que disfruta escuchando y filmando lo que escucha, de que no se trata de alguien que filma por encargo sino por elección. En ese apasionamiento para mostrar lo apasionado reside el encanto de esta película. Que, por cierto, conquista el ojo tanto como el oído.
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  • Las nuevas aventuras de Caperucita Roja
    Hace algunos años se estrenó en la Argentina Hoodwinked, una película animada que transformaba el cuento de Caperucita Roja en un caso policial y cuya estructura -no se asuste de la referencia- era como la de Rashomon: cada personaje cuenta su versión del asunto. Era graciosa e inteligente, más allá de que no se tratase de una producción de altísimo presupuesto. Especialmente, rescataba la vieja tradición del cartoon americano de mediados del (ay) siglo pasado. Sin embargo, era totalmente imprevisible que esa película chica y agradable, que no fue un gran éxito en ningún lado (aunque sí uno moderado) tuviera una secuela. Pero -sorpresa- aquí está. Esta vez, la parodia va por el lado de los films de espionaje -hay una agencia secreta, hay una logia, hay que resolver el secuestro de Hansel y Gretel, hay un torpe y gracioso grupo heroico, aunque sí se juega (la tradición Sherk viene haciendo estragos) con los cuentos de hadas tradicionales. Ahora bien: cuando un film no está “obligado” a ser un tanque, parece que sus realizadores se dan cuenta y, simplemente, se divierten. Y lo que tiene este también pequeño y agradable cuento es que esa diversión se transmite. Mucho gag, claro, y si bien no todos son efectivos, muchos de ellos dan en el blanco. Y, por cierto, el personaje más interesante y cómico es el siempre torpe y equivocado Lobo del cuento. Aquel viejo cartoon, pues, en este nuevo envase.
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  • Antes del estreno
    Antes del estreno
    Revista Noticias
    Especie de remake de Opening Night, la obra maestra de John Cassavetes, aquí se habla de una pareja en crisis, de actores, de una obra a punto de estrenarse, de una niña. El resultado, narrado con absoluta sinceridad y concentración por Santiago Giralt, es notable gracias al trabajo de Nahuel Mutti y Erica Rivas, dos personas que parecen reales en la pantalla. El realizador se concentra en sus personajes y se despreocupa en que se “note” su mano. Y con esa estrategia precisa, acierta. Un pequeño gran film.
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  • Johnny English Recargado
    Johnny English Recargado
    Revista Noticias
    Nuevamente el (gran, aunque aquí no se note) cómico Rowan Atkinson hace de un agente secreto más bien paródico y torpe. Nuevamente, los chistes son mediocres, el ritmo es fallido y la trama inexistente. Cine cómico y parodia mal entendidos como una mera acumulación de gags (y muchos encima carecen del timing necesario), este Johnny English resulta uno de los films más redundantes de la actual temporada. Pobre Atkinson (bueno, vaya uno a saber el cachet...).
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  • De caravana
    De caravana
    Revista Noticias
    Y si quiere puro corazón y -también- un manejo narrativo preciso y notable, De Caravana. La película cuenta cómo un fotógrafo cordobés más bien “concheto” se relaciona involuntariamente con tres lúmpenes que trafican droga. En el medio hay amor, celos y la Mona Jiménez. Lo que no hay es pintoresquismo, mirada condescendiente, denuncia social, dedos señalando. Hay una comedia policial y de aventuras por las calles de una ciudad que se transforma en un auténtico escenario cinematográfico, hay personajes inolvidables (el traficante Maxtor, la travesti Penélope) y hay un amor absoluto por el viejo arte de contar un lindo cuento. De paso, la película se encarga de hablar (cosa rara, la de Almodóvar también, pero de un modo forzado y académico) de las relaciones entre el cine y la vida. Por supuesto y como debe ser, toma partido por la vida. La excusa de planear un secuestro de la Mona pasa de un disparate a un gran resorte dramático, resuelto limpiamente. Sea feliz, tome un fernet y salga de caravana.
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  • La piel que habito
    La piel que habito
    Revista Noticias
    Hace ya bastante tiempo que sabemos de la pericia técnica –a veces estética– de Pedro Almodóvar. Es decir: es difícil que una película suya esté mal narrada o mal filmada, que no contenga algún plano notable, algún momento inspirado. Lo que también es difícil hoy, cuando Almodóvar además es plenamente consciente de sus virtudes, es que haya algún elemento que nos emocione. Hay una barrera en sus últimas películas: vemos las emociones de los personajes y las comprendemos de un modo intelectual, pero no se nos transmiten. En este film, donde juega –aunque lateralmente– con el cine de terror y suspenso, se narra la historia de un cirujano que desarrolla una piel artificial y que mantiene en su casa-castillo encerrada a una bella mujer con quien experimenta. Pero detrás de esta situación hay un pasado lleno de dramas pasionales, de violaciones y de tristezas. Justamente ese pasado es el que aparece disuelto en el virtuosismo constante de la puesta en escena. La ironía del secreto/vuelta de tuerca de la película también pierde su fuerza emotiva en la misma medida en que el realizador muestra una enorme pericia como narrador. Quizás –solo quizás– el film sea más un acto de sinceridad del director que un acto de comunicación para los espectadores. Formalmente admirable, el film resulta un acto más cerebral que –perdón– de pura piel.
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  • Tres hermanos, tres destinos
    Curiosidad: este film que trata de una familia argelina que se involucra tanto en la independencia de su país como en la mafia, causó protestas en Cannes. En realidad no pasó nada, como no pasa demasiado con el film, un relato narrado con precisión sobre política, crimen y familia, previsible aunque entretenido, sin aristas que queden en la memoria. Las actuaciones carecen de énfasis, la reconstrucción de época es lujosa y el film es como una novela por la cantidad de sus peripecias. Y no mucho más, por cierto.
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  • La patria equivocada
    La patria equivocada
    Revista Noticias
    Salvo por algunos minutos y una escena precisa (un militar argentino ante chicos paraguayos que se rinden en la Guerra de la Triple Alianza) nada hay para ver aquí. Mal filmada -literalmente-, mal montada, con saltos temporales incomprensibles y una protagonista que parece no comprender lo que hace ni lo que dice, La Patria... es una ensalada demasiado costosa y demasiado indigesta. Para el nostálgico de las valijas, aclaramos que la señorita Viale tiene cinco o seis escenas de sexo. Ninguna causa, siquiera, interés hormonal, lo que prueba aquello de “mal filmado”.
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  • Los tres mosqueteros
    Los tres mosqueteros
    Revista Noticias
    Película alemana, rodaje en inglés, reparto internacional. Lo que queda de la obra de Alejandro Dumas es, más o menos, el hilo narrativo (la llegada del joven D'Artagnan, el amor entre Milady y Athos, el collar de la reina y la perfidia de Richelieu, más la personalidad de cada uno de los mosqueteros están allí) y se agregan violencias y efectos especiales, una espectacular batalla de naves aéreas (del siglo XVII) y -de pie- a esa parodista de Angelina Jolie, comediante sin par de cuerpo hecho para lo imposible llamada Milla Jovovich. El film es un caramelo para los ojos pero no carece de humanidad (la relación entre los Mosqueteros, el comportamiento de la reina Ana, la complicidad entre D'Artagnan y el rey, la precisa malicia del Richelieu de Christoph Waltz). Ni siquiera en las escenas de acción: aquí se honra al cuerpo humano en movimiento mucho más que a la computadora que podría hacerle hacer lo imposible. Un circo noble y sonriente, de esos que uno disfruta con -y como- un chico maravillado.
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  • Contagio
    Contagio
    Revista Noticias
    Uno se pregunta cuáles habrán sido las razones que entronizaron, allá lejos y hace tiempo, a Steven Soderbergh como un “autor”: lo único constante en su cine es la inconstancia. Que quede claro: no implica que no tenga buenas películas, pero en cuanto a coherencia estética o visión del mundo (hablamos de algo menos superficial que decir “el gobierno es malo, los narcos son malos”, etcétera: el cine es arte, no periodismo). “Contagio” es otro más de esos films nerviosos, falsamente inquietantes, que hablan de un mal global: aquí una pandemia que se esparce por la Tierra, mostrada desde múltiples personajes (algo habitual en el realizador –recordar “Traffic”– pero no excluyente –recordar “Erin Brockovich”–). Sí, es un thriller paranoico (no necesariamente es una virtud) y funciona como entretenimiento. Eso sí: hay algo molesto, algo que suena –ya que a Soderbergh le gustan las declamaciones– a sórdido, a reaccionario incluso. El personaje más antipático es aquel que esparce la información sobre lo que está sucediendo. Como si la libertad de expresión fuera el auténtico virus que acaba con la Humanidad, lo que termina transformando el film en algo así como un alegato larvado en favor del control de los medios y la información por parte del poder (que no es solo el Gobierno). Esto se complementa con lo bien parados que quedan los laboratorios, y la única “concesión” anti Hollywood es la ausencia de final feliz (que en el cine es siempre una prueba de maestría: la vida carece de final feliz y solo el arte puede proveernos de ellos). Si quiere paranoia, ahí tiene.
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  • Un rey para la Patagonia
    Un rey para la Patagonia
    Revista Noticias
    Hay y hubo locos -quién lo duda- en estas tierras. Por ejemplo aquel francés que se hizo proclamar rey de la Patagonia, o por ejemplo Juan Fresán tratando, sin dinero, de filmar su historia. Este documental reconstruye ambas vidas en el lugar donde se cruzan: una película inexistente de la que -no es paradoja- han quedado imágenes. Aunque más tarde Carlos Sorín retomase (ficcionalizase) el cuento en su debut La película del Rey, este documental irónico y vivaz de Lucas Turturro tiene una dimensión -la de lo real- que lo lleva a otra parte mucho más interesante.
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  • Actividad paranormal 3
    Actividad paranormal 3
    Revista Noticias
    Otra vez el truco de las cámaras de vigilancia. Aunque esta vez nos cuentan un poco el pasado de los personajes de la segunda parte. Es decir: si usted más o menos tiene pensados cómo han de ser los sustos o los miedos que este universo de las cámaras de vigilancia convoca, no va a encontrar muchas más novedades. Salvo el hecho de que aquello que comenzó como la puesta a punto de algo que aparentaba ser “real” poco a poco va tomando la densidad del relato, de la saga y de la referencia. No es que esté mal: más bien el problema es que el dispositivo que pone en juego la película no tiene demasiadas variantes y, por lo tanto, se transforma en una especie de juego que se vuelve más pertinente cuanto más “experimentado” (es decir, cuanto más conozca el resto) esté el espectador. Por cierto, esto no quita que en algunas secuencias el miedo sea efectivo, que uno salte del asiento o que no tenga su (módico, seamos concisos) atractivo. Pero da la impresión de que se está estirando artificialmente y a puro lugar común lo que, en el origen, había sido una buena idea.
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  • Glee 3D
    Glee 3D
    Revista Noticias
    Seguramente usted sabe qué es “Glee”. Se trata de una serie de televisión que en la Argentina se puede ver en la señal de cable Fox. Es una especie de fenómeno en los Estados Unidos: gira sobre la vida en un “college” (ese trasunto del secundario a la Universidad) y de un grupo de estudiantes absolutamente heterogéneo, que tiene un club donde cantan y bailan. Hacen “covers”, pero lo interesante de la serie no es sólo la parte musical -abundante- sino también la mezcla de melodrama y humor absurdo que rompe cualquier molde en cualquier episodio, incluso tomando en solfa -a veces- la corrección política, sin por eso esquivarla del todo. “Glee” la película no es (repetimos: no es) un episodio de la serie o una ficción dentro del universo de la serie, sino uno -otro- de los recitales que, gracias a la fuerza de las nuevas tecnologías, puede mostrarse “como si uno estuviera ahí” en todo el mundo. En primer lugar, porque las versiones de las canciones “que sabemos todos” son perfectas. En segundo lugar, porque el universo de “Glee” está articulado alrededor del de la comedia musical cinematográfica, lo que hace que esta versión “recital filmado” sea más bien una recuperación de lo tradicional. Y en tercero, porque la fuerza de estos muchachos y la convicción -son más que buenos cantantes: son grandes intérpretes, y aquí se entiende la diferencia- son contagiosas. El cine no necesariamente tiene que contar una historia, o -mejor- siempre la cuenta: ésta es la de la conexión entre el mejor arte popular y el disfrute del espectador.
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  • Eva de la Argentina
    Eva de la Argentina
    Revista Noticias
    Seguramente despertará polémicas este film firmado por la periodista María Seoane, uno de los nombres más importantes de la profesión en el país. Pero serán polémicas sobre el contenido o la conveniencia de un dibujo animado sobre Eva Perón en época electoral. Las películas viven más que eso. El gran problema del film no es ideológico, sino estético: confundir un lenguaje de momentos fuertes como la historieta con un lenguaje de movimiento fluido como el cine (animado o no). Ese error estético, producto de no reflexionar lo suficiente sobre el medio, es lo que diluye la potencia del film.
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  • Asesinos de Elite
    Asesinos de Elite
    Revista Noticias
    Sí, el elenco alcanza y sobra: el gran, gigantesco Jason Statham, Clive Owen y Robert De Niro a los tiros y a las piñas. Más allá de la historia de espías y asesinos, de sociedades secretas y traiciones, lo que aquí cuenta es el juego combinatorio, el placer de ver a tres grandes actores de muy diferente estilo y origen en una serie de permutaciones y juegos de puro cine. Es cierto que sobran algunos elementos poco atractivos y que los lugares comunes abundan. Pero el cine es ver también cómo el hombre se mueve en el espacio, y de eso -y nada más- trata este film, pura acción en el mejor sentido del término.
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  • Detrás de las paredes
    Detrás de las paredes
    Revista Noticias
    Este film lo vio muchas veces: pareja que se muda a la casita de los sueños, casita que fue el escenario de un crimen atroz (“atroz” para el cine estadounidense es “murió un chiquito”), comienzan a investigar y ¡Sorpresa! Resulta que hay un misterio sobrenatural mucho más antiguo ahí que amenaza la vida de la nueva pareja y su progenie. Y claro, hay vueltas de tuerca -pero menos originales que en Otra vuelta de tuerca, el modelo de todos estos thrillers-. También hay un director, Jim Sheridan (Mi pie izquierdo, El boxeador) que quiere hacer un drama psicológico mientras el film va para el lado del efecto por el efecto mismo. Y actores -Daniel Craig, Rachel Weisz y Naomi Watts- más que competentes y talentosos desaprovechados por la previsibilidad de la historia y la pereza de la puesta en escena. Dicen que Sheridan pidió que retirasen su nombre del film, dado que el corte final lo hicieron los productores. Lo bien que hace.
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  • Aquel martes después de Navidad
    El cine rumano es una de las estrellas más recientes en el actual panorama internacional. Multipremiado, alabado por todas las críticas, es pasible de toda clase de sospechas. Sin embargo, con títulos como “Aquel martes después de Navidad”, no hay más alternativa que rendirse y sumarse al coro laudatorio. El film cuenta la historia de un buen hombre casado, que quiere a su mujer y se enamora de otra. No hay ninguna maldad ni villanía en esto: simplemente se interpone ese accidente misterioso del amor en el libre devenir humano. Los personajes son como cualquiera de nosotros y la puesta en escena es de una transparencia notable: el espectador se siente –mucho más que con la mayoría de los espectáculos en 3D que nos atosigan– dentro de la vida de estas tres personas. La clave: personas, no personajes. El momento central del film, aquel donde el hombre le confiesa a su esposa qué es lo que le sucede, es uno de los más altos puntos de intensidad emocional de la pantalla grande en los últimos años, incapaz de dejar indiferente al espectador encerrado –en un complejo plano secuencia– con estas personas en su drama y su habitación. El final es, además, uno de los momentos más esperanzadores y realistas –en el sentido más preciso del término– de cualquier drama. En el fondo, este “drama burgués” es un enorme cuento de hadas disfrazado de realidad cotidiana. Trate de no perdérselo, porque las emociones, hoy, andan escaseando.
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  • Medianeras
    Medianeras
    Revista Noticias
    Medianeras es una comedia romántica. Es más que eso: es una comedia romántica en un lugar llamado Buenos Aires (que tiene aquí la misma carnadura cinematográfica que Nueva York o París, algo que cuesta demasiado a nuestro cine) y con gente en la que podemos creer. La risa surge de la ridiculez cotidiana, de nuestras taras vistas con distancia y con cariño. La emoción, de reconocernos en esas criaturas. El ritmo es constante, el poder de observación, preciso y la gracia, completa. Si quiere ver una gran película y salir sonriendo, no se encierre y salga a ver Medianeras.
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  • Pina
    Pina
    Revista Noticias
    Lo mejor que ha hecho Wim Wenders en los últimos años son documentales. Y Pina es, además, uno de los mejores usos del 3D, por una vez algo más que un mero chiche adosado a los blockbusters. Trabajando sobre la obra de la enorme Pina Bausch, Wenders asume la reproducción del espacio y propone su mirada sobre un acto estético que parece deplorar el cine. Pero que aquí, gracias a la tecnología y a la reflexión sobre ella, se vuelve parte de él. Un film fascinante cuya importancia está incluso por encima de sus virtudes.
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  • Gigantes de acero
    Gigantes de acero
    Revista Noticias
    Un padre rudo que recupera a su hijo. La tecnología y la modernidad dejando fuera de combate a lo humano, aunque lo humano recobra su sentido. Un drama de pareja. Un reflejo de la relación entre la naturaleza y lo artificial. No, no es El árbol de la vida, sino un film “para toda la familia” sobre robots boxeadores llamado Gigantes de acero, lleno de escenas conmovedoras y divertidas, producida por Steven Spielberg y dirigida por un cuatro de copas llamado Shawn Levy. Y protagonizada por ese genial comediante falsamente rudo llamado Hugh Jackman. Sí, la película se parece, sobre todo en su tramo final, a las conmovedoras Rocky y Rocky Balboa, pero a pesar de tener seres artificiales, todo ocurre en rutas americanas, en descampados, al natural. Como sabe hacer Spielberg, toma lo que parece una anécdota tonta -o apenas una idea de producción: “¡robots boxeadores!”) y, por detrás, se nos muestra un paisaje de sentimientos traducido en imágenes puras. Sí, claro que es un film divertido, claro que la pelea final lo va a tener en vilo, claro que va a sacar alguna lágrima antes de los títulos. Y reírse, y sentir cosas: la clase de películas, en suma, que justifican ese invento emocional que es el cine. Lleve a los chicos así se curan de las lagañas de Transformers.
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  • El extraño caso de Angélica
    Por suerte, existen momentos de placer y placidez absolutos. Es lo que sucede al espectador que decide dejarse llevar por “El extraño caso de Angélica”, obra maestra del centenario –y muy activo– cineasta portugués Manoel de Oliveira. Se trata de un cuento fantástico: un fotógrafo joven que aún se aferra a la imagen analógica, al viejo rito de la película y el revelado, es llamado a fotografiar a una bella mujer que acaba de morir. Pero esas imágenes cobrarán vida, y entonces su vida comenzará a transitar en la delgada línea azul entre el mundo fantástico de los muertos (o de las hadas, porque este es a su modo un cuento de hadas) y una realidad que se va transformando en irremediablemente moderna. Oliveira decide utilizar efectos especiales –que no abundan en sus películas– combinados con una visión de lo tradicional y lo real (a una secuencia donde el protagonista vuela con la joven muerta en un sueño se contrapone otra donde el fotógrafo, por placer, documenta el trabajo de unos agricultores) para generar no un discurso nostálgico sobre el pasado, sino un juicio sobre lo moderno, que es menos condenatorio que resignado. Sobre todo, el film abunda en belleza, en luz, en esa placidez que nos permite recorrer su mundo con el tiempo suficiente como para disfrutarlo. Por cierto, no es una película ingenua ni bucólica, sino con filo y con no poco humor, incluso desencantada. Todo depende de qué queramos sentir con el poético final que nos propone. De las pocas películas perfectas del año.
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  • El guardián del zoológico
    El responsable de los bichos de un zoo (Kevin James) está enamorado de una bella chica. Hay otra chica más linda, de paso. Los animales deciden charlar con él (los animales hablan) y enseñarle lo que necesita saber para ser feliz. Las cosas no salen del todo bien y hay caídas, golpes, torpezas y -perdón la redundancia- animales que hablan. El chiste es que hay animales que hablan. Ya sabe, pues, a qué atenerse si extraña a Mr. Ed.
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  • La princesa de Montpensier
    El francés Bertrand Tavernier no hace films si no son políticos, sea el tema que fuere, y si no puede hablar del hoy. Esta adaptación de una novela de Madame de Lafayette, ambientada en el siglo XVI es tanto un melodrama romántico y de aventuras como una metáfora sobre la discriminación y la persecución religiosa. El problema reside en que Tavernier quiere al mismo tiempo imponer un ritmo contemporáneo y describir con lujo cada miriñaque. Y el resultado no es ni una metáfora profunda ni una descripción detallada. A mitad de camino de todo.
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  • Conan el Bárbaro
    Conan el Bárbaro
    Revista Noticias
    Personaje de novelas populares (bastante pobres, hay que decirlo) de los años 30 creadas por Robert E. Howard, trasladado al cómic en los 70, Conan dio lugar a un gran film épico en 1982, aquel de John Milius que diera fama a un tal Arnold Schwarzenegger. En ese film había tierra, sudor, músculo real, tensión, sangre. Había épica: casi una saga elemental ante nuestros ojos. En esta nueva versión hay computadoras. Es decir: todo aquello que fue misterio ahora es chiche evidente, caramelo visual, velocidad tan disparatada que nos es imposible prestar atención, sentir algo parecido al suspenso. Se trata de una película que bien parece la ampliación de un videojuego no especialmente inspirado, con la diferencia de que en un juego el protagonista somos nosotros y eso le da cierto espesor psicológico a la experiencia. Aquí nos encontramos frente a un decálogo de la imaginación adolescente que no molesta tanto por su obviedad emocional como por su pereza gráfica. El 3D hasta permite adivinar de dónde vienen flechas, espadazos y piedras, y eso no es bueno para emocionarse con un buen film de piñas y patadas.
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  • El árbol de la vida
    El árbol de la vida
    Revista Noticias
    Se han derramado sobre este film una enorme cantidad de adjetivos: “poético”, “personal”, “único”, etcétera. Suenan a elogios, pero ni toda la poesía es buena, ni toda obra es personal o única. Este quinto film de Terrence Malick (autor de las bellísimas “Días de gloria” y “La delgada línea roja”, una carrera tan escueta como coherente) es una pesada alegoría religiosa. Parece complicada por sus trucos de mezclar tiempos y mover la cámara o montar planos a veces oníricos, pero la voz en off y los diálogos nos explican absolutamente todo. He allí el gran problema de un film cuyas ideas “religiosas” son de catequesis infantil: Dios existe, la Naturaleza es brutal pero la Gracia nos salva, la familia es complicada, pasan cosas malas pero todo tiene un sentido, al final nos vamos todos al Cielo. Si le parece que esto es un resumen ramplón, lamentamos decir que es la descripción más precisa de este film, Palma de Oro de Cannes. No en cuanto a la forma: Malick cuenta en un momento –esto se elogió mucho, pero es más bien breve– una secuencia donde muestra el nacimiento del Universo, desde el big-bang hasta la desaparición de los dinosaurios (sí, igual que en la vetusta “Fantasía”, y también con música clásica, que sobreabunda en la película para “demostrar cultura”). Parece un gran misterio, pero no es más que una nota al pie, para después centrarse en la historia de una familia común de los EE.UU. en los `50. Todas las ideas “metafísicas” (palabra comodín para lo raro) son puro perogrullo. Dejamos constancia de que puede fascinar, pero que su afán de videoarte es la negación del cine.
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  • Identidad secreta
    Identidad secreta
    Revista Noticias
    Un pibe descubre que sus padres no son sus padres. Eso podría dar lugar a un drama, pero esta es una película de espías, conspiraciones, secretos dentro de secretos y saltos en edificios para salvarse de las balas. Podría pensarse en algo así como una versión adolescente de la triología Bourne, y es -tememos- un lugar común esa comparación. Como no hay historias originales, veamos lo que tenemos: un film de acción no demasiado inspirado, bien actuado por los veteranos (Sigourney Weaver, Alfred Molina) y que se disuelve al salir de la sala.
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  • Winter: El delfín
    Winter: El delfín
    Revista Noticias
    Chico encuentra delfín que perdió su cola y trata de salvarle la vida. Cuando alguien se encuentra con una película “de fórmula” tan evidente, puede hacer dos cosas: o rechazarla de plano o tratar de dejarse llevar. Sin ser una maravilla, en este caso conviene lo segundo. Más allá de la insoportable bondad de Morgan Freeman, la historia del chico y el bicho resulta emotiva sin golpes bajos, narrada ágilmente y con imágenes en ocasiones muy bellas. Importa menos lo aleccionador que el cuento en sí, lo que es para agradecer.
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  • La vida nueva
    La vida nueva
    Revista Noticias
    Este segundo largo de Santiago Palavecino resulta un riesgo: una producción más grande, actores y rostros más conocidos, un desarrollo narrativo un poco más cercano a lo tradicional. La historia es la de un pueblo chico: un veterinario (Alan Pauls) vive con su mujer (Martina Gusmán), ex pianista, profesora, embarazada y que duda en tener o no a su hijo. Un crimen trae al lugar a un viejo novio de la mujer (Germán Palacios) y el “dueño” del pueblo orquesta un encubrimiento. Son los elementos de un melodrama, pero alrededor de estas figuras, Palacecino intenta encontrar otra cosa: por qué estos personajes actúan como lo hacen, por qué son como son, qué historia los marca. Hay un clima tenso en todo el film y en él radican al mismo tiempo su virtud y -paradójicamente- su defecto. La primera: sostener el interés del espectador en una espera cuyo resultado es determinante para las criaturas que pueblan el film. Elvsegundo: por momentos, un exceso de cuidado, de alambicamiento en secuencias que requieren no un naturalismo (que es falso) sino una naturalidad mayor. A pesar de esto, es un film siempre interesante, que se pregunta cosas y que, aún resolviéndolas clásicamente, no cree tener respuestas definitivas.
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  • Damas en guerra
    Damas en guerra
    Revista Noticias
    Señores: la comedia disparatada en clave femenina requiere mujeres a tono. En este caso, comedia rosa brillante (especialmente brillante). Es una de esas películas que parecen adolecer de cinismo –porque toman ciertos rituales de la vida contemporánea para reírse de su costado ridículo– pero que en realidad tienen corazón de oro. Aquí se trata de una mujer joven –no demasiado joven– que, tras fracasos amorosos y una vida con poco glamour, es invitada por su mejor amiga a ser dama de honor de su boda, algo que le resultará bastante extraño. La protagonista es Kristen Wiig, no una “comediante”, sino algo más: una comediante y una actriz cómica. Una cómica, vamos: también escribe (de hecho, es la guionista de esta película). Contar sus gags es demasiado. Lo que importa es, justamente, que el film no se coloca por encima de sus personajes ni de la situación, sino al mismo nivel de sus protagonistas. Lo que implica que el espectador pueda reírse libremente, encontrando esos pequeños o grandes detalles ridículos que transforman en algo absurdo el paisaje cotidiano. No hay aquí excesos sentimentales (lo que no implica que no haya sentimientos) ni una falsa corrección política, de esas que atacan todo porque no creen en nada. No: aquí hay una ética que termina justificando, desde el sentimiento, hasta la mayor ridiculez. Esto es el mundo, explicado desde la risa.
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  • Noche de miedo
    Noche de miedo
    Revista Noticias
    En los '80 “La hora del espanto” fue un clásico menor. Una película que narraba cómo un adolescente, a la par de descubrir el sexo y los problemas familiares, tenía como vecino a un vampiro que, obviamente, le hacía la vida imposible. Era un gran film, fue un gran éxito. Por extraño que parezca, esta remake (“Noche de miedo” es el título original también de la primera) resulta pertinente. Aquí el vampiro es un adecuado Colin Farrell y –signo de los tiempos– la sangre es más abundante. Pero lo que importa es que se ha respetado algo sustancial del original: la “comedia” no era satírica, sino fruto de que incluso en el mundo más terrible el humor es posible. Aquí también, aunque el personaje del amigo nerd (un gran Christopher Mintz-Plasse, aquel McLovin de Supercool) es un poco más cómico, también es más trágico. Aquí, de paso, el vampirismo vuelve a ser cosa seria, y no esa estupidez melosa de “Crepúsculo”. Se trata de que algo inasible, primitivo, sustancialmente malvado, vive al lado nuestro y, para peor, somos capaces de invitarlo a entrar. Como dijo Baudelaire, la estrategia del Diablo es hacernos creer que no existe. De eso se trata este film, que es mucho más que el mero entretenimiento de una fábula bien narrada: es, ni más ni menos, una precisa descripción en clave de miedo y suspenso de lo que nos acecha cada día. Un mentís a la paranoia estadounidense, aliens mediante: aquí el Mal es parte del propio barrio.
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  • Sin escape
    Sin escape
    Revista Noticias
    Un film original, basado en una historia real: un atleta que además requiere, para seguir sintiendo la vida con intensidad, robar bancos. El film cuenta la historia siempre en movimiento: la vida de alguien que no puede vivir si no está en peligro permanente. Como los héroes de Kathryn Bigelow, adictos al contacto con el riesgo y la muerte, este ladrón es un personaje que amplifica nuestra experiencia. El amor, o algo similar, interviene como un elemento crítico que pone en cuestión al personaje. Pero algo de su naturaleza es más fuerte. Un film original y preciso, sin imágenes de más y vertiginoso.
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  • Paul
    Paul
    Revista Noticias
    Hay películas que tienen como única excusa la simpatía. Y no está mal: simpatía es algo que falta en el mundo, sentir que, amablemente, compartimos las emociones de otro. Paul es eso: un extraterrestre totalmente fuera del canon que se encuentra con dos tipos igualmente excéntricos y viven aventuras, a cual más cómica. Un poco E.T., un mucho el Quijote (no se asuste por la referencia “culta”), el film construye una mirada sobre nuestros lugares comunes sociales desde una justificada mirada “desde afuera”. En el fondo, se trata de preguntarse cómo es el mundo en que vivimos asumiento el punto de vista de gente que se inscribe al margen. Hay aventura, hay acción y hay, es necesario a los efectos narrativos, algo de drama. Pero sobre todo hay tres personajes simpáticos con los que no cuesta nada identificarse. Podemos ser Paul, el extraterrestre, casi en cualquier momento. Divertirse mirándose en un espejo distorsionado es, en el fondo, la clave del humor. De eso se trata.
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  • Sin límites
    Sin límites
    Revista Noticias
    Bradley Cooper -uno de los sufridos juerguistas de ¿Qué pasó ayer?- se revela como un competente actor dramático en este film que recuerda en algún punto a Delirios de grandeza, clásico de Nicholas Ray. El punto de partida es el mismo: un hombre común (aquí es un escritor en crisis de página en blanco) descubre que un medicamento lo cambia, lo vuelve -literalmente- un super hombre. Del éxito repentino a la aparición de quienes quieren utilizarlo (o acabar con él) hay un paso y, cuando el film se transforma en un thriller rutinario, pierde parte de su vibración primera y del ingenio de su trama.
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  • Apollo 18
    Apollo 18
    Revista Noticias
    Las películas “falsamente documentales” ya son todo un género. Desde El proyecto Blair Witch en adelante, la idea de mostrar (falso) “metraje encontrado” se ha convertido en un procedimiento más del cine de terror. En este caso, con pocos elementos, se cuenta la historia de la última y desconocida misión estadounidense en la Luna. Por supuesto, las cosas comienzan más o menos normales y terminan horriblemente mal. Pero el suspenso -sostenido en parte por el procedimiento y en parte por la dirección de actores- funciona bastante bien y deja al espectador suficientemente nervioso como para que el viaje haya valido la pena.
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  • Amigos con beneficios
    Amigos con beneficios
    Revista Noticias
    Un joven (Justin Timberlake) y una joven (Mila Kunis) se conocen, se atraen, se llevan bien y quieren sexo con el otro. Amor, no. Bien: es el mismo punto de partida de Amigos con derechos (es decir, un título casi igual), un film con Ashton Kutcher y Natalie Portman estrenado hace meses. Olvidemos el antecedente: esta película está bien, es graciosa y se basa especialmente en la dirección dinámica de Will Gluck y en el trabajo de sus dos actores principales. Que son dos comediantes formidables y que hacen de esta especie de vuelta de tuerca sobre la comedia romántica (un poco lo mismo que hizo Gluck en Se dice de mi, gran comedia adolescente que aquí sólo se editó en video, de paso la recomendamos). Por cierto: como en ese film, también aquí el disparate cómico comienza a asumir, en la segunda parte de la película, un carácter un poco más serio, más profundo, que intenta penetrar en las auténticas emociones de los personajes y lo consigue. No es una obra maestra, pero sí una película que nos provee un reflejo adecuado de algunos de nuestros comportamientos.
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  • Habemus Papa
    Habemus Papa
    Revista Noticias
    Gracias a Dios, existe Nanni Moretti, uno de los cineastas más libres de las últimas décadas. Uno que no tiene reparos en criticar –es decir, analizar y preguntarse por– el mundo, incluso para ponerse en cuestión a sí mismo, a los propios dogmas. Con alguna excepción –“La habitación del hijo”– las herramientas de Moretti son el humor y el puro juego. Aquí narra en contrapunto la historia de un papa que no quiere asumir –un gigantesco Michel Piccoli– y un psicólogo anclado en el Vaticano –el propio Moretti, siempre en su personaje de cascarrabias brillante–. Hay grandes escenas –el musical sobre “Todo cambia”, por Mercedes Sosa, el campeonato de volley entre cardenales–, pero el film no vale por eso, sino por una posición muy humana respecto del mundo. La duda, en el caso de Moretti –que es un cineasta, es decir, un hombre de acción y decisiones– y la debilidad, es parte de lo humano y tiene un valor por encima de los dogmas, de los protocolos, del ceremonial vacío. No se puede –parece decir Moretti– ser un pastor de hombres (eclesiástico, político o psicológico) si primero no se es un hombre consciente de los propios límites y los propios miedos. Moretti lo hace con la fábula, el juego, la belleza, con mucho humor, gracia y talento. Y si bien toma posición respecto de lo que narra –la religión, el arte–, también deja al espectador que saque sus propias conclusiones. Un film bello: cada vez hay menos.
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  • El estudiante
    El estudiante
    Revista Noticias
    Tenga en cuenta lo siguiente: este film solo se proyecta en el Malba y en la Sala Lugones. Olvídese de lo que dicen por ahí del cine independiente argentino –que es lento, que no pasa nada, que sus criaturas son abúlicas: todo falso– y piense que va a ver un thriller político de esos llenos de suspenso, de zancadillas, de pequeñas victorias, de traiciones, de sexo, de manipulaciones. No hay tiros ni sangre, es cierto: solo se trata de una dinámica y despiadada radiografía del poder que utiliza como escenario la universidad. Aquí no hay partidos políticos –o sí, pero operan en las sombras– sino agrupaciones estudiantiles. Es la historia de Roque Espinosa –si viviera en los EE.UU., Esteban Lamothe se transformaría por este trabajo, inmediatamente, en estrella–, el “estudiante” del título, un muchacho del interior que poco a poco descubre su talento para manejar gente y se vuelve imprescindible como puntero. Más allá de lo preciso –hasta la sátira– del retrato de la UBA –a la que nunca se nombra–, más allá de que son reconocibles los modos y léxicos de peronismos, radicalismos, izquierdas y derechas varias, lo importante es cómo, de modo transparente, se comprende la miseria y la grandeza de nuestra vida política. O más allá: de la naturaleza y el manejo del poder, un tema que excede cualquier coyuntura. Opera prima del guionista de “Leonera” y “Carancho”, Santiago Mitre, realizada con un profesionalismo abrumador sin los subsidios del INCAA, “El estudiante” no solo es el mejor film argentino del año, sino una obra histórica. En este espacio no damos órdenes, pero permítanos una: véala.
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  • Quiero matar a mi jefe
    Quiero matar a mi jefe
    Revista Noticias
    Nada peor, en estos tiempos de inestabilidad económica global, que perder el trabajo. Los psicópatas del mundo han encontrado un nuevo lugar para seguir ejerciendo la tortura: ser jefes de alguien. En este film, tres tipos que se enfrentan al cretinismo, la perversión y la violencia de sus respectivos jefes, hartos de que el mundo siga dándoles la espalda, deciden acabar con ellos. Por supuesto, no son asesinos, sino gente desesperada. Por supuesto, las cosas irán de mal en peor y tal será la raíz de la comedia. Cercana en estructura a “¿Qué pasó ayer?” (el descenso al Infierno por el camino de la torpeza), esta película tiene algunas virtudes y un defecto. El último reside en la falta de precisión cómica de algunos momentos, que se diluyen en chistes obvios. Las primeras, en la actuación –especialmente de Kevin Spacey y Jennifer Aniston, que se divierten creando sus respectivos villanos y riéndose de sí mismos– y en una mirada ambigua sobre el mundo. Después de todo, estos tres empleados no son gente “buena”: uno es imbécil, otro es rastrero, otro es lascivo. Su frustrada cruzada asesina se basa en el mismo principio egoísta que guía a sus respectivos jefes, y el film no hace nada para diluirlo, aunque se los nota con buenas intenciones. Sin embargo, la propia trama permite pensar que un triunfo de estos tres orates derivaría en la creación de tres nuevos monstruos. La historia los redime de algún modo, pero el efecto amargo permanece. Imperfecta pero curiosa.
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  • Cowboys y Aliens
    Cowboys y Aliens
    Revista Noticias
    Bueno, eso: hay cowboys y aliens. Los primeros son los buenos y los segundos, los malos. Y al final se agarran a tiros, flechas y rayos láser. Mientras, lo que se va construyendo es básicamente un western clase B, un film consciente de que trabaja sobre fórmulas establecidas y trata de hacerlo de la manera más divertida y digna posible. De hecho, la película requiere que veamos sus lugares comunes: de no ser así, es imposible el horror y la sorpresa que causan, en un universo tan codificado como el del Salvaje Oeste, la aparición de unos extraterrestres demasiado crueles. El lugar común, en suma, es parte del juego. Pero además la película –digna, divertida, con esos hermosos planos de cabalgatas en desiertos y praderas que enseñó a filmar John Ford– tiene en cuenta que, para que la ensalada de palta y dulce de leche que ofrece funcione, es necesario que creamos en las criaturas que habitan su mundo. Así, Harrison Ford y Daniel Craig (pero también grandes actores secundarios como Keith Carradine, Paul Dano o Clancy Brown) parecen seres humanos de los que podemos preocuparnos, a quienes no queremos que les pase nada malo. En eso radica, claro, el interés de cualquier película (lo enseña un chico en la sublime Super 8). Por lo demás, es respetuosa de una tradición noble: Ford y Craig son auténticos cowboys secos, de pocas palabras y con la emoción contenida en la mano que blande un rifle.
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  • Larry Crowne
    Larry Crowne
    Revista Noticias
    Hace unos cuántos años, Tom Hanks se estrenó como director haciendo un film simplísimo y simpático, llamado “Eso que tú haces”, sobre un conjunto pop y su única canción. Lo que uno veía era una mano segura para dirigir actores y la gracia de un experto en comedia, aunque el film era ligero como una pluma. Evidentemente, con los años Hanks ha madurado: a esas virtudes del principio se le suma en “Larry Crowne” la idea de narrar algo pertinente. Aquí es un tipo que pierde todo –hipoteca mediante– y tiene que empezar de nuevo; vuelve a la escuela, se enamora de una maestra (Julia Roberts, una actriz que nos hace creer que es la mejor del mundo con solo decir dos frases) y trata de enderezar su vida y la de ella, un poco gris y todavía un poco herida. Por detrás, como telón de fondo ineludible, aparece el lado derrotado de la Utopía Americana.

    Pero Hanks no es un clon yanqui de Luis Sandrini; aunque quiere creer –y de hecho cree– en que aquella “land of the free, home of the brave” es aún posible, también sabe que el mundo es mucho más complejo de lo que parece y que hay que barajar y dar de nuevo. Desde lugares chicos y marginales, desde la apelación a la libertad individual y el placer (también en la Constitución estadounidense figura “la búsqueda de la felicidad”) es desde donde se construye o se busca aquella utopía. Finalmente, estamos ante una película subversiva: nos muestra que la búsqueda de la alegría es un arma política.
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  • Super 8
    Super 8
    Revista Noticias
    La mejor película del año, sin dudas. No excluye a nadie -se puede ir a ver con chicos de diez años para arriba sin problemas-, es inteligente, no elude los riesgos, es divertida, no apela a la emoción barata o el golpe de efecto y emociona con limpieza. Por lo general colocamos estos conceptos al final de una argumentación, pero en este caso tales motivos son evidentes. La historia es la de un monstruo extraterrestre suelto en un pueblito donde unos preadolescentes están, justo, rodando un corto sobre zombies para participar de un concurso. Pero sobre ese esquema, el realizador J. J. Abrams -adaptando los elementos de aquellos films producidos por Steven Spielberg de los `80, como “Los Goonies” o “E.T”.- se las arregla para contar una historia de crecimiento. Un chico que pierde a su mamá descubre el amor, la vocación, la piedad, la auténtica amistad y la necesidad de seguir adelante, todo mientras a su alrededor suceden cosas fantásticas y conoce a la chica de sus sueños. Los momentos de terror y fantasía son excelentes, pero Abrams se las arregla para que también lo sean aquellos donde los personajes charlan, juegan, comen o -en una secuencia bellísima- recuerdan a mamá proyectada, film casero mediante, en la remera de la chica que les gusta. No es sólo un film más de amor por el cine y de puras citas, sino simplemente una gran historia de crecimiento y aprendizaje. Ver “Super 8” es una de las mejores cosas que puede pasarle este año.
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  • Copia certificada
    Copia certificada
    Revista Noticias
    Mientras la andanada de películas 3D para adolescentes y niños sigue devorando pantallas sin ton ni son, por suerte aparecen algunas películas que nos recuerdan qué es el cine y para qué existe. La semana próxima sucederá –paradójicamente– con un film fantástico de adolescentes; esta, con una película igualmente fantástica (en otro sentido) puramente adulta. “Copia certificada” es el primer film europeo de Abbas Kiarostami, el maestro (porque enseña cosas, por ejemplo cómo hacer grandes películas) de “Detrás de los olivos” y “El sabor de la cereza”. Juliette Binoche es una vendedora de arte divorciada y con un hijo; William Schimell es un erudito que ha escrito un libro sobre la copia en el arte. Se encuentran y, en un par de horas fingen –o no– ser una pareja que se conoce, que se enamora, que se casa, que entra en crisis, que se separa. Y mientras, alrededor, el ojo preciso e irónico de Kiarostami muestra que, después de todo, el paisaje emocional europeo no es excepcional, que las taras son universales. Ver a esa vieja italiana que dice a la mujer que se quede con el hombre para no morirse de hambre; ver la molesta celebración de casamiento que acompaña las acciones, oír al hombre de paseo que da pésimos consejos conyugales, por ejemplo. En lugar de hacer una película para agradar a los europeos, el iraní les enrostra su propia mediocridad. Pero, eso sí, respeta a sus personajes y sus emociones. Hubo pocas obras maestras en el año, así que aproveche que acá hay una: bella, emotiva e inteligente.
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  • Atrapada
    Atrapada
    Revista Noticias
    John Carpenter es uno de los mayores cineastas de todos los tiempos. Tiene la desgracia de dedicarse a un género como el terror, al que solo ocasionalmente se toma en serio. A pesar de ello, su obra es metafórica y directa, y sus temas son el heroísmo grupal, la lucha física que traduce un combate moral, la necesidad de seguir peleando siempre contra un Mal (que a veces, como en “Sobreviven”, es directamente político) que no deja de estar presente. “Atrapada” parece lo que no es: un film donde un grupo de mujeres encerradas en un manicomio es asesinada una a una por un fantasma. Allí hay raros experimentos, secretos terroríficos y golpes de efecto. Pero lo que Carpenter en realidad cuenta es que el Mal ya está en nosotros, que no hace falta lo sobrenatural para explicarlo. Que estamos alienados, y que el golpe de efecto no es más que la mala costumbre del cine. Sí, es también un film sobre el cine y sobre cómo nos hemos acostumbrado tanto a los horrores artificiales que el verdadero horror pasa inadvertido. Aquí hay una heroína que, como la Alicia de Lewis Carroll, atraviesa el espejo de la locura para tratar de recomponer –literalmente– un mundo. Carpenter maneja el clima como nadie, traduce la fantasmagoría al puro combate físico y, en el final, con la apelación a la resistencia y la lucha contra la mansedumbre que propone la ciencia o el Estado, genera el plano final más feliz –y a contrapelo– del cine en años. No se deje engañar: es un gran film.
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  • Harry Potter y las Reliquias de la Muerte: Parte 2
    La decisión –puro fin de lucro– de cortar en dos el último volumen de la serie Harry Potter para hacer dos películas, se muestra definitivamente inadecuada en este epílogo de un epílogo. Que comete dos o tres errores fundamentales. El primero, que no vive por sí mismo: quien no haya visto al menos los últimos cuatro films de la serie, pasará demasiado tiempo preguntándose “qué es eso de la varita de saúco”, etcétera (hasta que se dé cuenta de que no tiene importancia); el segundo, que hay demasiadas “soluciones ad hoc” (“bueno, entonces ahora que pasa esto, para revertirlo/explicarlo hacemos así y listo”) que no surgen del libre juego de los elementos del film. Y el tercero, que todo se reduce a una pelea entre buenos y malos que, llegado el punto, deja de interesar. Es cierto: muchísimas películas son una pelea entre buenos y malos: nos interesan porque lo que nos importan son las criaturas que vemos en la pantalla y no las vueltas de tuerca del guión o la parafernalia técnica que ya no asombra por sí misma. El caso es que al pobre Harry Potter no se le cree el sufrimiento, ni la alegría, ni nada: se ha disuelto a tal punto el talento de sus actores (basta ver “El prisionero de Azkabán”, gran film de Alfonso Cuarón, para entender lo que decimos) en un guión pesado que solo queremos que termine. Pura ilustración de texto al servicio del exhibicionismo tecnológico. El costado humano se fue hace ya demasiado tiempo y la magia se redujo a un truco de cartas hecho con computadoras.
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  • Cars 2
    Cars 2
    Revista Noticias
    La gran pena del año. No porque se trate de una “mala” película: sería mucho –demasiado– decir que es “mala”. Es más bien irrelevante, de buen ver, agradable, pero no comparte con el resto de la escudería Pixar eso de salir del cine y seguir pensando en el film, en su mundo y en el nuestro. No: a diferencia de la extraordinaria “Toy Story 3” o de esas obras maestras totales que son “Los Increíbles” y “Ratatouille”, no se trata de un film de fantasía para todo el público posible (niños incluidos), sino de un film para niños que no aburre a los padres mientras lo ven. Una notable primera secuencia de acción que parodia/homenajea los films de James Bond, algunos momentos de las carreras –donde el artilugio del 3D rinde frutos, así como en la cantidad inmensa de detalles de cada uno de sus escenarios– y dos o tres gags inspirados son lo único verdaderamente notable. El resto es una historia que podría contarse en pocos minutos, secuencias de acción diseñadas solo para mostrar lo que puede hacer la computadora (algo que Pixar demostró hace una década y media) y autitos listos para ser adquiridos en su juguetería amiga, además de un alegato un poco tontón sobre la amistad (muy, muy lejos de los chiches a punto de morir y agarrados de las manos de la última “Toy Story”) y, con calzador, un discurso ecológico. A los chicos (sobre todo a los más chicos) les va a encantar. Y usted será feliz de verlos felices mientras olvida, suavemente, la película.
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  • Medianoche en París
    Medianoche en París
    Revista Noticias
    Es un poco más que increíble, pero este es el tercer film de Woody Allen que se estrena en lo que va del año en el país (y dado que las anteriores “Concerás al hombre de tus sueños” y “Que la cosa funcione” aún dan vueltas por el interior y algunas salas, se dará la situación inédita de tres Allen en cartel). A las dos anteriores les fue bien: tuvieron el público que se esperaba y parecen haber redorado los blasones comerciales del realizador. Es posible que el protagónico del gran Owen Wilson logre que, como en los EE.UU, sea además el mejor de sus films en la taquilla. No se pida originalidad: aquí Wilson –el clon de Allen de turno– es un guionista que una vez quiso ser escritor. Está en París con su novia, un poco invitado por sus suegros (que lo desprecian). Una noche –y varias–, la magia lo lleva a un París arquetípico y artístico, lleno de nombres famosos, con los que comienza a alternar. Es claro que el film juega alrededor de la domesticación del arte (estaba en “Conocerás...”, Wilson es la versión amable del personaje de Josh Brolin) y del amor, y que Allen disfruta de hacer chistes sobre los lugares comunes de la cultura. También, que el cine es casi una excusa para el largo monólogo (a veces divertido, a veces patético; a veces amable, a veces cruel) que es su obra. Eso sí, es un film simpático e incluso agradable, como si la geografía se impusiera a cierta misantropía propia del director.
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  • El laberinto
    El laberinto
    Revista Noticias
    John Cameron Mitchell es uno de los realizadores estadounidenses más interesantes de la última década. Sus dos films anteriores, “Hedwig and the Angry Inch” –también comedia musical de éxito en la Argentina– y “Shortbus” –un film alegre y desesperado sobre el sexo, que causó cierto revuelo– tenían una libertad y un vuelo anárquico saludables. Sus personajes eran seres que creaban un mundo propio para escapar del de la mediocridad que los esperaba a la vuelta de la esquina: las soluciones pasaban por el afecto, el arte y la explosión del propio cuerpo. “El laberinto” es, en apariencia, algo totalmente distinto: un drama de personajes con estrellas, con un punto de partida trágico. Una pareja (Nicole Kidman y Aaron Eckhardt) pierde a su hijo de cuatro años en un accidente causado involuntariamente por un adolescente (Miles Teller). Lo que sucede después es lo interesante. Ella, poco a poco, sin aceptar las soluciones fáciles, se acerca a quien fue responsable de esa muerte; él se diluye entre un recuerdo enquistado y otro mundo. Aunque parece, en la superficie, otro drama más, lo que el film presenta es la posible ficción que se esconde detrás de eso llamado “familia”. Su costado iconoclasta, aunque mucho más escondido que en los anteriores films de Mitchell, corresponde a que esa muerte resulta una dolorosa liberación, un pensamiento a la vez paradójico y molesto. El cine estadounidense da por sentado que familia es lo mismo que amor; este film plantea la diferencia radical entre un contrato social y lo que realmente se siente. Aproveche a verlo en el cine.
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  • Los agentes del destino
    Los agentes del destino
    Revista Noticias
    No es extraño que Phillip K. Dick sea uno de los autores favoritos del cine. “Blade runner”, “Minority report”, “El vengador del futuro” y muchas más películas se basan en sus textos. En todos, aparece la idea de un mundo real y otro ilusorio, de la relación entre lo que vemos y lo que es verdad, así como de la participación de una voluntad que nos supera y que nos condiciona. Los agentes del destino toma ese tema -que en Dick era metafísico- y lo transforma en físico. Aquí hay un hombre -Matt Damon- a punto de ser electo senador y que se enamora de una chica -Emily Blunt- que, según dicta un plan secreto y aterrador, no debe ser para él: una organización secreta, fantástica, tratará de impedírselo. Lo que hace el dotado guionista y aquí debutante en la dirección George Nolfi es centrarse en la anécdota, construir la historia a partir de pequeños detalles y de una puesta en escena precisa, e introducirnos en un thriller de acción de características fantásticas muy logrado. No hay secuencias de acción “de más” para lograr el puro impulso físico, sino el suspenso de cuño hitchcockiano (Hitchcock es una referencia clara en este tipo de films paranoicos) que nace de creer en los personajes. No sólo los protagonistas parecen personas que existen en la realidad -primer deber del actor- sino también el villano, encarnado por el siempre genial Terence Stamp (que da miedo, realmente). El film, al no pretender más que contarnos un buen cuento, logra recordarse y vibrar más allá de la salida del cine.
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  • Hanna
    Hanna
    Revista Noticias
    A Joe Wright le debemos dos buenos films (“Orgullo y prejuicio”, “Expiación”) y uno, peor que malo, mediocre (“El solista”). Aquellas eran películas dinámicas, basadas sobre todo en los personajes. Hanna también, aunque se trata de un thriller de acción sobre una niña (excelente Saoirse Ronan) entrenada desde su nacimiento por su padre (Eric Bana) para ser una perfecta asesina. Una misión que involucra a la villana del film (Cate Blanchett), y el encuentro fortuito de la niña con la vida de familia conforman el bastidor donde se teje este tapiz –más bien un patchwork– de varios géneros, desde el cuento de hadas hasta el suspenso. Pero lo más importante de la película, lo que realmente nos atrae más allá de las secuencias de acción que mantienen la atención física en vilo, es el misterio que rodea a la protagonista, no como pieza de la trama sino como persona. Como si los cuentos fantásticos que suelen ser la base para el cine de alto presupuesto se dieran vuelta como un guante, aquí se trata de personajes de fantasía que, de pronto, se cruzan con la realidad, con la rutina, con lo cotidiano, y –como si fuera el otro mundo siempre anhelado– tratan de comprenderlo y asirlo. El gran acierto de Wright es comprender esta idea de distancia entre dos mundos y establecer un puente mientras respeta a rajatabla los lugares comunes del género. Un film que, utilizando la coartada del gran espectáculo, apuesta –y acierta en la mayoría de los casos– al corazón humano que late en cualquier historia.
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  • X-men: Primera Generación
    Imagínese una película de espionaje de la Guerra Fría, con el fondo de la Crisis de los Misiles de 1962. Imagínese la parafernalia pop, el aire de época, los gadgets divertidos de las mejores películas de James Bond. A eso súmele superhéroes (muchos) con extraordinarios superpoderes y las posibilidades para crear imágenes que hoy provee la tecnología digital. Eso, en principio, es este nuevo film sobre los X-Men. Lo que en realidad no sería nada si no hubiera una narración bien llevada y actores que nos hacen creer que esos seres maravillosos y ridículos paridos por las historietas no son de verdad.

    Entre tanta parafernalia, pues, lo que hace que esta película esté entre lo mejor que el Hollywood actual puede parir es, justamente, el costado humano, eso que hace que nos comuniquemos con un tipo que vuela, con otro que tira rayos o con una chica azul que cambia de forma a voluntad. Este género (ya todo un género, con sus reglas y todo) de los superhéroes ya no vale solo por la hazaña técnica –cualquiera con plata lo hace– sino por convencernos de un mundo y dejarnos con ganas de entrar en él, sea o no uno fan (por cierto, todo lo que uno quería saber de cómo estos superseres llegaron a ser lo que son queda develado, pero es lo que menos importa si nunca vio alguno de los otros ¡cuatro! films). Aunque hay elementos trágicos, no falta la comedia: después de todo, “cómic” viene de “cómico”, y los superhéroes son, también, un enorme y divertido circo.
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  • ¿Qué pasó ayer? Parte 2
    Si algo hay que agradecer es la risa. La risa es saludable pero, desgraciadamente, escasa. Y si algo provee este film es una buena cantidad. No a todo el mundo le causa gracia lo mismo, pero en este caso las posibilidades de reír son tantas, que es difícil que no encuentre motivos para hacerlo. Más que una continuación, este film es una reformulación del primero. Esta vez, el grupo de amigos no celebra una despedida de soltero en Las Vegas (tema estadounidense) sino una boda en Tailandia. Por un pequeño error, los personajes terminarán varados en Bangkok buscando a un adolescente perdido, metidos en negocios ilegales, golpeados por monjes budistas, y burlados por un simio narcotraficante (y mucho más). De lo que se trata, en el fondo, es de un film de aventuras, como si se tratara de tres astronautas caídos en un planeta extraño a punto de devorarlos. Y, también y de modo casi subterráneo, de lo que implica la represión. Como en un cuento de hadas, los protagonistas son hechizados por una poción mágica y caen en el peor de los mundos: para salir, tienen que emplear las (pocas) armas que poseen. Hay también comentarios sociales (“La bala me rozó apenas el brazo... ¿Podés creer que me curaron por solo seis dólares?”) y elementos que parecen groseros o políticamente incorrectos pero que hablan más de una cierta tolerancia (ver la simpatía y la nobleza con que se trata a cierta prostituta). Las imágenes finales, las que resuelven la pregunta del título en castellano, son impagables.
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  • Piratas del caribe: Navegando aguas misteriosas
    Comparada con las películas previas del realizador Rob Marshall (un productor de TV devenido cineasta, más por dinero que por necesidad expresiva), esta cuarta entrega de las aventuras de Jack Sparrow -uno de los mayores personajes del cine, creación absoluta de Johnny Depp y motivo ya suficiente para su gloria- es una obra maestra. Al lado del despropósito “Nine” o la incapacidad para filmar bailes en “Chicago”, el montaje apurado de Marshall conviene bastante bien a las peripecias aventureras y graciosas de estos personajes. Esta vez, la cosa pasa por encontrar la Fuente de la Juventud, toparse con un viejo amor (Penélope Cruz, mejor que con Almodóvar o Woody Allen, lejos), ganarles una carrera a los españoles y recuperar el Perla Negra. Mucho, pero como la película es larga, alcanza (aunque sí, habrá secuelas: nadie duda de que esto será un éxito). Con algunas muy buenas secuencias de acción –el ataque de las sirenas es ejemplar– y, especialmente, con un Johnny Depp que domina la puesta en escena –da la impresión de que es el que le da las órdenes al director y no a la inversa– el juego de las aventuras piratas (juego en el sentido más noble e infantil del término) continúa y nos retrotrae a la fantasía de que el mundo está lleno de buenos buenísimos y malos malísimos con una sonrisa en los labios. Eso sí: el 3D aporta poco y nada, aunque tampoco molesta.
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  • Que 'la cosa' funcione
    Que 'la cosa' funcione
    Revista Noticias
    Un físico brillante y misántropo –Larry David– abandona su vida y se dedica a una nueva pareja con una chica más bien inocente (más bien tonta) que pronto lo sobrepasa. La chica viene con madre adosada –que también, originaria del sur profundo estadounidense y obnubilada por las luces neoyorquinas–, cambia radicalmente. Mientras, la banda de sonido se puebla de sarcasmos que encubren (muy apenas) una personalidad melancólica y romántica. Bienvenidos al último film de Woody Allen. Que no es de los malos pero, definitivamente ya no es de los buenos. Algo ha sucedido en la última década y media con Mr. Woody: más allá de que a mucha gente le gusta “Match point” (film que, comparado con “Crímenes y pecados”, parece su versión “for dummies”), ha perdido el filo o –quizás esta sea la razón más precisa– no ha podido profundizar más en los temas que le han preocupado siempre. Si “Que la cosa funcione” es relativamente mejor que otras de sus últimas realizaciones, tiene que ver con que se trata de un viejo guión de la época de “Manhattan” y del trabajo de David, cocreador de Seinfeld y discípulo de Allen, con la suficiente inteligencia para interpretarlo (en todo el sentido del término: casi es un doble de los viejos personajes del actor/director) y poner el acento humorístico donde corresponde. El resto de los actores logra darle autenticidad al asunto.
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  • Rápidos y furiosos 5
    Rápidos y furiosos 5
    Revista Noticias
    Cuesta hacer una crítica real de una película como “Rápido y furioso 5”. En primer lugar, porque el film no apuesta a los conflictos, a la historia en el sentido más tradicional, sino a utilizarla como un principio que permita hilvanar de alguna manera coherente secuencias de acción a altísima –y virtual– velocidad. La trama reencuentra al ex policía interpretado por Paul Walker y al corredor ilegal –en más de un sentido– que juega Vin Diesel, perseguidos por mafiosos en Río de Janeiro y, al mismo tiempo, por un agente federal –otro representante de las piñas, Dwayne “The Rock” Johnson–. Importa menos esto que los autos, las carreras, las trompadas y los tiros. De hecho, la velocidad y las escenas de acción nos recuerdan qué nos importa realmente en una película: cuando un cuerpo corre peligro real –sea “de los buenos” o “de los malos”– nos angustiamos, colocamos en tensión todo el cuerpo y tememos. Después festejamos o sufrimos de acuerdo con el lado moral en que esté el personaje, pero lo que nos importa es, justamente, el personaje. Y, de hecho, tampoco importa demasiado la historia de ese personaje, sino simplemente el hecho de que corra un peligro y lo sortee o no. Algún día llegará un cineasta que directamente nos cuente todo esto sin diálogos ni vueltas de tuerca: mientras tanto, “Rápido...” es de los buenos films, realmente cinematográficos.
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  • Thor 3D
    Thor 3D
    Revista Noticias
    De las historietas creadas por Stan Lee, ninguna más rara y problemática que Thor, que transformó en superhéroe a un dios de la mitología nórdica. Problemática porque, mientras reventaba a martillazos a monstruos y a villanos enormes, vivía una historia de amor con una mortal, algo poco aceptado por su padre Odín. Siempre fue una tira extravagante y, en su originalidad, atractiva. La versión cinematográfica dirigida por un Kenneth Brannagh reducido a empleado de una compañía –lo que no es en sí malo– es un divertido cuento con algún aire de comedia –hay varios chistes buenos, sin la menor duda– sobre un muchacho arrogante que tiene que demostrar su humildad, y que toma prestados elementos de la saga del Rey Arturo –la subtrama del martillo Mjolnir– y de los cuentos de hadas, hasta que al fin vemos al Poderoso Thor usando como hélice su maza y volando para el último duelo a trompada limpia. Lo que Brannagh demuestra –como lo había hecho en su versión de “Enrique V”– es que sabe manejar la ligereza y el espectáculo, y que supo leer que la historieta de superhéroes es color y diversión –el drama, que lo tiene, o la metáfora social y política, especialidades del primer Stan Lee, son como ese recuerdo que deja en la boca un buen vino–. Los actores en general saben adaptarse a este mundo suntuoso y el film funciona, aunque su eficacia en la memoria es más bien pequeña.
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  • El gato desaparece
    El gato desaparece
    Revista Noticias
    Si el espectador busca un ejercicio en cine de suspenso sin mayores pretensiones, “El gato desaparece” no lo va a defraudar y se va a llevar de yapa los muy buenos trabajos actorales de Beatriz Spelzini y Luis Luque. Si busca algo más, alguna densidad o que ese mismo suspenso tenga un peso trágico, no, no es la película. Aunque se encuentra dentro de lo mejor que ha hecho Carlos Sorín, tiene un defecto que es al mismo tiempo estético y narrativo –en realidad, una cosa es la otra–: sus escenas no fluyen. Cada secuencia, por separado, funciona sola, como pequeños cortometrajes o –y aquí se nota el oficio de Sorín– como films publicitarios. Se “cierran” y no generan ese deseo de ver qué sigue, que cualquier película –y sobre todo las de suspenso–, requiere. La situación es la siguiente: un hombre que ha tenido un episodio violento y fue internado en un neuropsiquiátrico, sale y vuelve con su mujer. Él es un profesional universitario de muy buen pasar económico, y ella un ama de casa burguesa. El gato de la pareja ataca al hombre en cuanto llega a su casa y desaparece. La mujer siente dos angustias que pueden ser una: la de la pérdida de la mascota y la de no saber si ese hombre alegre y tranquilo no esconde a un violento reincidente. El final incluye, claro, vueltas de tuerca. En ocasiones, Sorín se siente atraído por el suspenso, pero en otras prefiere concentrarse en los toques satíricos alrededor de sus personajes, rompiendo a la vez ese suspenso. En esa diletancia, el film disuelve gran parte de su efectividad.
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  • Los Marziano
    Los Marziano
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    “Los Marziano” representa un desafío para el cine argentino actual. Por una parte, es una comedia de costumbres con actores televisivos. Por el otro, es un film muy personal, con una comicidad muy sutil, nada estridente, que aparece más en el recuerdo de la película que en el acto mismo de verla. Es una película de Ana Katz, que siempre ha mostrado –en “El juego de la silla”, en “Una novia errante”– que las relaciones familiares pueden desbordar de amor pero también de incomodidad: después de todo, no elegimos a padres y hermanos. Aquí la historia es la de tres hermanos: uno de ellos –Puig– es un profesional exitoso que vive en un country y sufre un accidente absurdo; otro –Francella– es un soñador laboralmente inestable que sufre una rara enfermedad; la tercera –Cortese– es el nexo entre los dos, la señora de gran voluntad, a veces un tábano, a veces una mariposa. Entre ellos, Nena –Morán–, la mujer de Puig en la ficción, que oculta tras sus modos de señora de country a un ser lleno de cariño por los demás. Porque “Los Marziano” es una historia de amor, o sobre lo que es el amor en la familia. ¿Es sostener económicamente a los otros, es ayudarlos, es poder enojarse sin dejar de querer o que nos quieran? Es todo eso y, con una enorme inteligencia, Katz logra ponerlo en la pantalla. Los actores, todos, están perfectos y logran dejar de lado cualquier tic, cualquier costumbre forjada en años de pantalla chica para ponerse al servicio de esa lupa de corazones que es el cine.
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  • Rio
    Rio
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    Un loro azul –en realidad, no es un “loro” en el sentido ornitológicamente correcto del término– que no sabe volar y vive en los EE.UU. Viaja –lo llevan– a Río de Janeiro. Él es el último de su especie y en Río vive la última de la especie. Luego, lo que sigue: a) se conocen, b) escapan, c) son capturados por traficantes de animales, d) se enamoran, e) pelean. Es decir: son pocas las sorpresas que el espectador podrá encontrar en términos puramente narrativos. Pero resulta que este film no trata de ser “original” como cuento, sino que precisamente utiliza un cuento conocido para desplegar otra cosa. Mucho mejor técnicamente que la última “La era del hielo”, este quinto largo de Carlos Saldanha está más cerca en cuanto a inventiva visual y ritmo humorístico de Robots, otro film de la firma BlueSky. A diferencia de Pixar –que se inspira en el cine más clásico “de acción en vivo”– o de DreamWorks –que se inspira en la televisión y usa demasiado la parodia– este estudio se basa mucho más en la vieja tradición del corto humorístico, con gags rápidos y absurdos y el juego constante con el diseño y el color. Por eso sus películas suelen ser desparejas, con buenos y malos momentos alternativamente. En este caso hay una cohesión mayor y un ritmo frenético que no decae, y, sí, un aspecto visual realmente asombroso en paleta de colores. Es decir, una película hecha para ser disfrutada, ni más ni menos, que logra su objetivo.
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  • El mecánico
    El mecánico
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    Problema único de “El mecánico”: su director –Simon West– es mediocre. Triunfo del film, motivo para verlo y recomendarlo: Jason Statham. No piense el lector que uno es un fanático que le acepta cualquier cosa. Lo grande de Statham es que suele salvar películas horribles con su sola presencia cinematográfica. Pero no solo es una presencia magnética en la pantalla, uno de esos personajes al que estamos esperando ver cómo se mueve y cuántas piñas pega, sino que aunque no parezca –porque lo suyo son las patadas, las trompadas, los tiros y los autos a gran velocidad– sabe actuar. Para que nos entendamos: solo un buen actor hace que creamos que las trompadas duelen, que los tiros son riesgosos, que el auto vuela. En “El mecánico” es un asesino de elite cuyo mentor (Donald Sutherland) es muerto. Se hace cargo de la venganza y se le adosa el hijo de la víctima (Ben Foster), que quiere a su vez convertirse en sicario. Lo que sigue es una trama convenientemente enrevesada, sorpresas de guión (en realidad, no demasiado sorpresivas) y mucha acción. Algunas secuencias tienen inventiva y están bien coreografiadas, otras no. Da la impresión de que West no entendió que el asunto es el disparate a ultranza y por eso impone en sus personajes una solemnidad que está fuera de registro. Pero no hay dudas de que Statham solo es un gran espectáculo y que solo el cine, la pantalla gigante, puede mostrar la auténtica dimensión del mejor intérprete de acción de estos tiempos que corren.
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  • Sucker Punch: Mundo Surreal
    El slogan del film es “no vas a estar preparado”. Y es cierto: este film es algo que uno no esperaba. No se trata de una novedad absoluta, sino, por el contrario, de un reciclaje extremo cuyo sentido se basa en el puro juego con el espectador. Usted sabe que todo lo que ve es desaforado, una ficción pura; sabe que proviene del cine bélico, del cine fantástico, del cine de samuráis (por citar apenas los elementos que pudo haber visto en el trailer), o que las chicas son todas nenitas sexy. Y sabe que esas nenitas sexy, disfrazadas de Sailor Moon oscuras y un poco más sangrientas, van a matar villanos sin descanso. Pero justamente de eso se trata la película: de qué sentido tiene, qué placer produce todo ese juego.

    En la historia, una chica abusada por su padre es encerrada en un manicomio. A pocos días de ser lobotomizada, debe escapar: para fugarse, deberá penetrar en mundos imaginarios para buscar ciertos elementos. Por cierto, lo que vemos es en realidad la imaginación de la protagonista y de sus amigas, en situación similar. Pero en lugar de preguntarnos qué es real o qué no en el mundo de la película, entramos en la diversión que nos propone. Lo que la película se pregunta es qué sentido tiene divertirse en el cine, si acaso la diversión no es un camino de sabiduría. Es cierto: a veces la película se pasa de “canchera” o da un giro demasiado melodramático que contradice lo anterior. Como si no pudiera celebrarse sin el más puro placer del movimiento (sexy y violento) que propone y fuera necesario “enseñar” algo. A veces, sin moraleja, el cine es mejor.
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  • Sólo tres días
    Sólo tres días
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    Paul Haggis es un exitoso guionista (ha escrito films de Clint Eastwood y de la saga de James Bond), ganó el Oscar –injusto– a Mejor Película por “Crash, vidas cruzadas”, y dirigió una muy buena película de denuncia sobre la guerra de Irak, “La conspiración”. Sabe combinar la acción y el suspenso de las buenas ficciones con el aspecto social y político, es decir, el espectáculo y eso que suele llamarse “mensaje”.

    En este filme, un hombre –Russell Crowe– intenta sacar legalmente de la cárcel a su mujer (esa gran comediante que es Elizabeth Banks, aquí en un rol dramático), quien asegura ser inocente. A punto de perder la tenencia de su hijo, planea una fuga.

    El film discurre entre mostrar las falencias de un sistema legal y cierta condena respecto de la ideología del castigo que la sostiene, y la aventura desesperada de este hombre común transformado en héroe por circunstancias que lo superan.

    Haggis toma una decisión interesante al respecto: decide que no hay villanos. Los policías solo hacen su trabajo, mientras que durante casi todo el metraje se conserva la idea de que quizás la mujer miente. Lo que da fuerza a la historia es, justamente, esa ambigüedad realista de su trama y la idea de que el mundo es un lugar tan fantástico y peligroso como un planeta lejano lleno de peligros. El peso recae sobre Russell Crowe que, como siempre, demuestra tener espaldas y presencia cinematográfica para soportarlo.
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  • Invasion del mundo. Batalla - Los Ángeles
    Quien tenga pruritos ideológicos respecto de los marines de los EE.UU. –por otro lado, ampliamente justificados por la realidad– quizás consideren gran parte del metraje de este film una especie de propaganda. Ellos se lo pierden. La historia es simplísima: unos extraterrestres invaden la Tierra, se organiza más o menos una defensa y, en una misión de rescate de civiles, un grupo de soldados queda aislado tras las líneas enemigas y hay que volver. Hay alguna cosa más, pero básicamente es eso.

    Lo malo del film es simple de describir, también: sabemos quién va a salvarse y quién va a morir desde el primer fotograma. Pero lo que importa siempre es la forma: aquí se combina el rodaje urgente de “Rescatando al soldado Ryan” con las inmensas posibilidades creativas de las computadoras para generar un realismo absoluto, que sumerge al espectador en la acción de modo tan eficaz que termina entendiendo cada movimiento y cada decisión de los personajes. Después de todo, si a uno le caen unos aliens que no se mueren nunca y tiran con munición pesada y a matar, qué otra cosa se puede hacer más que correr y disparar.

    Las secuencias de acción –claras, comprensibles, algo infrecuente en el cine de hoy– son en algunos casos de una enorme sofisticación (la batalla en la autopista, por caso, es un ejemplo de lo mejor que puede dar el cine de acción bien realizado) y la sensación de estar en medio del acontecimiento es absoluta. El film es, de principio a fin, todo lo que usted imagina. Eso sí, muy bien hecho.
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  • Rango
    Rango
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    El cine de animación digital ha dejado de ser una novedad pero, cuando está bien hecho, nos asombra. Es el caso de este film, que narra las desventuras y aventuras de una lagartija –el personaje del título– en un mítico pueblo del far-west habitado por toda clase de bichos. Venido de la ciudad y tras un accidente que lo lleva allí, el personaje se hará pasar por un héroe; el pueblo carece de agua y alguien está tramando utilizar el preciado elemento como materia de canje para quedarse con las tierras. Sí, la historia recuerda un poco el negociado de “Barrio chino”, pero también a los western con matones y pistoleros, con duelos y cabalgatas. Sólo que aquí todo está interpretado por animales a un ritmo por momentos frenético, siempre divertido. Hay, incluso, momentos de humor negro. Lo que en el fondo es una adaptación del clásico cuento de hadas “El sastrecillo valiente”, se transforma en un film de aventuras extraordinariamente bien contado y, mucho mejor, de bello diseño. No hay “animalitos lindos” sino todo lo contrario: los bichos son encantadoramente feos y eso los hace, paradójicamente, más simpáticos. Hay secuencias de acción disparatada y enorme (el ataque de una extraña fuerza aérea a una diligencia) que valen por todo el film. Y también hay un gran trabajo de los actores que colocaron las voces, en particular Johnny Depp, que asume al protagonista y cuyo aporte se nota incluso en la versión doblada al castellano. De lo mejor en lo que va del año.
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  • El cisne negro
    El cisne negro
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    La relación entre locura y arte es una de las más transitadas por el cine: podríamos citar la magnífica “Sed de vivir”, de Vincent Minelli, como modelo. La relación entre la danza y la locura, también: podemos citar la magnífica “Las zapatillas rojas”, de la dupla Powell-Pressburger. El juego visual para pintar ambas cosas ya estaba mucho en el Ken Russell de los `70. La pretensión estética de tomarse en serio lo que ya se ha vuelto trivial y aderezarlo con escenas propias del cine de terror, alegorías (que además se explicitan en boca de los personajes por si no entendemos), de hacer sobreactuar a buenos intérpretes para que den “intensos”, de mentar el sexo como algo perverso, de usar la cámara como si fuera una pelota de tenis, no tiene nada que ver con los films mencionados y es la raíz de este cisne más bien gris. La historia es simple: una bailarina perfectísima pero sin pasión (Portman) será la nueva estrella de un ballet y hará, al mismo tiempo, el rol del cisne blanco y del negro en –sí, claro– “El lago de los cisnes” versión “novedosa” (el aficionado al ballet verá que de “novedosa” la puesta no tiene nada). Pero... el “negro” no le sale porque no tiene pasión y es una reprimida sexual. En fin, algo así como “La película de la semana” pero con golpes de efecto tremendos (sangre, piel que se rompe, transformaciones digitales, etcétera). El ballet es para el aplauso del fariseo, que creerá que a la gran música hay que saludarla siempre. De cine, nada: un videoclip disparatado, que no deja vivir a sus personajes.
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  • El discurso del rey
    El discurso del rey
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    Los estadounidenses llaman a ciertos films “crowd pleasers”, es decir, que agradan a las multitudes. Muchas veces, terminan siendo los grandes ganadores de Oscars porque, justamente, no despiertan apasionadas polémicas y el espectador sale más o menos sonriendo del cine. Ni más ni menos eso es “El discurso del rey”: la historia de la amistad entre un rey incapaz de hablar en público (Colin Firth) y un especialista en dicción que lo ayuda (Geoffrey Rush). Por detrás de esta historia basada en el lugar común de “los aristócratas también son seres humanos”, se mueven los conflictos de la monarquía inglesa y la política de fines de los años `30 (o sea, la abdicación de Eduardo VII, Hitler y el desencadenamiento de la Segunda Guerra Mundial). Pero este marco es apenas informativo, porque lo que cuenta es el juego teatral de los dos actores –o tres, si sumamos el buen trabajo de comedia de Helena Bonham-Carter– delante del espectador. La profusión de detalles, vestidos, objetos y palacios es la de rigor, y está puesta en la pantalla con el mismo quieto detalle de un documental de History

    Channel: es decir, luego de cumplir su mínima función de indicio, permanece como un decorado inocuo, a veces incluso sobreactuado. Ahora bien: ¿es una gran película o apenas un puñado de cosas lindas o entretenidas, más o menos bien empaquetadas? Sí, es lo segundo, algo así como una simpática comedia bien comercial, filmada con oficio para llegar a un público más amplio. Como una golosina, otorga un placer fugaz pero no alimenta.
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  • Conocerás al hombre de tus sueños
    Ya es cuestión de tomarlo o dejarlo: difícilmente Woody Allen le hable a un público nuevo –aunque cada uno de sus films incorpore, como quien quiere llenar un álbum de figuritas, a un actor novedoso–; difícilmente encontremos en alguna de sus películas próximas un soplo de un perfume que no hayamos olido antes. En “Encontrarás al hombre de tus sueños” hay elementos de “Alice”, “Maridos y esposas”, un cachito de “Hannah y sus hermanas”, y alguna otra cosa por ahí mezclada de sus grandes éxitos. Hay varias historias, todas ellas concatenadas: un hombre mayor que, en el ocaso de su vida, se divorcia y se va con una joven prostituta (Anthony Hopkins); su hija (Naomi Watts) que se enamora de su jefe (Antonio Banderas); la esposa de aquel (Gemma Jones), que cae en las redes de una adivina; y el esposo de aquella (Josh Brolin), que tiene lo propio con una joven (Freida Pinto). Así contado parece complicado, pero no lo es, aunque en Allen el azar introduce la exuberancia narrativa. La cuestión es si la película funciona. Sí, de a ratos. Algunas situaciones están muy bien y, en conjunto, es decorosa. Sin embargo, sigue en el realizador –cada vez más acusada– la tendencia a dejar una enseñanza, matizada con estoicismo. Es cierto: Allen es un director con una libertad notable y una fluidez que ya querrían muchos. Pero el fresco que nos pone ante los ojos es como si filmase para no perder la mano. Aunque sin dudas es más decorosa que “Vicky Cristina Barcelona” y la sobrevalorada “Match point”.
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  • De amor y otras adicciones
    Para Edward Zwick, el mundo es un combate. No es un gran director, pero la mayoría de sus películas tienen que ver con lo bélico: “El campo de la gloria”, “Leyendas de pasión”, “Contra el enemigo”, “El último samurái”, “Desafío”, “Diamante de sangre”. Además de este costado épico-militar, tiene otro romántico (en realidad la guerra es una cuestión romántica para Zwick: aunque no realizó demasiadas películas buenas, tiene una visión del mundo). Ese lado se ha manifestado en su primer largo, “Te acuerdas de anoche” (cuando Demi Moore se desnudaba sin problemas) donde una relación de pareja terminaba en un cuasi melodrama. Sí, el melodrama es el otro elemento de Zwick. “De amor y otras adicciones” es un film que combina un poco todo eso, sin decidirse por poner el acento en ninguna parte. Hay un romance entre dos adictos al sexo que no quieren compromiso (Jake Gyllenhaal y Anne Hathaway); hay una lucha del protagonista entre su ambición –es vendedor de laboratorios farmacéuticos– y el amor que fatalmente surge; hay un vuelco trágico en el hecho de que ella tenga una enfermedad; y hay un combate sordo entre grandes conglomerados farmacéuticos, que viene a ser la pieza “denuncia” a la que acostumbra el realizador (ver, de nuevo, la filmografía). ¿Y qué nos queda? Un buen reparto, más o menos aprovechado en un film que quiere contar o más bien mostrar -desgraciadamente– demasiadas cosas.
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  • El turista
    El turista
    Revista Noticias
    Hay un solo motivo para ver “El Turista”, y son sus actores, especialmente Johnny Depp. La trama es un conjunto de esos elementos que Mr. Hitchcock inventó –mucho antes de James Bond– para sus películas de aventuras, como “Los 39 escalones”, “Saboteadores” o “Intriga Internacional”. Aquí hay agentes internacionales, un hombre fantasma, una mujer intrigante que puede o no ser una criminal, y tremendos villanos. Más vueltas de tuerca varias, especialmente en el final sorpresa –que no sorprende realmente a nadie que haya descubierto la mecánica del asunto más o menos a los 40 minutos de película–. Pero si un rodaje perezoso, el regodeo en los paisajes, el movimiento felino de Angelina Jolie (aunque es cierto que nadie en el cine se parece hoy tanto a un gato bello como ella) y notorios diálogos explicativos generan el deseo de que el film “arranque”, por lo menos está Depp. Depp actúa al mismo tiempo con la voz, el rostro y el cuerpo entero: basta verlo huyendo por los tejados de Venecia para comprender por qué nos atrae. Corre o salta como un clown desesperado que oculta al espectador su habilidad. Es en ese movimiento que se transforma en un gran actor cómico, en el único galán cómico de los últimos 50 años: Cary Grant fue otro, pero su estilo era el del dandy hierático que corre en maizales desiertos. Depp es Buster Keaton anonadado por las desgracias del mundo, pero acomodándolo a sus movimientos. Es eso lo que hay para ver en este film menor.
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  • Imparable
    Imparable
    Revista Noticias
    Tony Scott sabe que el cine es también acción y movimiento, y que esas acciones y esos movimientos definen a las personas. Un tren cargado de químicos vuela accidentalmente a toda velocidad; otro tren, conducido por dos tipos que no se llevan del todo bien –hay razones sociales– andando al revés debe frenarlo antes de que ocurra un desastre; con ello el realizador de “Déjà-Vu” cuenta un mundo hecho de movimientos físicos, de imágenes fugaces, pero siempre comprensibles. El resultado es el vértigo literal, pero también metafísico: el temor por el abismo, por la muerte acercándose irremediable –o casi– a tremenda velocidad.

    Hay otra virtud en el cine de Tony Scott, una que es invisible ante la furia visual y el montaje jadeante: es un gran director de actores. Sus personajes son, siempre, seres humanos comunes en un contexto monstruosamente extraordinario. Ahí están el mundo cotidiano, la zoncera de las instituciones y las pequeñas corrupciones cotidianas –el personaje de Chris Pine es un pibe que entra “acomodado” al ferrocarril, el de

    Washington, un tipo que puede perder el laburo–. Pero ante el monstruo que aparece de cualquier forma sólo cabe encontrar al héroe épico que –más que decir,

    Scott muestra– todos llevamos dentro. Para eso es necesario un Denzel Washington, ícono de todos estos films. Scott es, pues, pensamiento expresado en acciones, la reflexión por el camino de la más tremenda de las diversiones.
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  • Más allá de la vida
    Más allá de la vida
    Revista Noticias
    Hablar de lo que sucede después de la muerte es riesgoso para cualquiera: de todas las tierras incógnitas que quedan, es la única que ni siquiera se puede imaginar con precisión. Sin embargo, y si bien este nuevo film de Clint Eastwood se relaciona con ello, no es en su pintura austera y sucinta del “más allá” donde el realizador coloca el acento, sino en cómo tres personajes deben enfrentar la experiencia de la muerte. Aquí hay un hombre que puede comunicarse realmente con los muertos (Matt Damon), pero cuyo don le causa más tristezas que alegrías; una mujer que ha muerto y revivido en un tremendo tsunami (una secuencia extraordinaria), y un niño inglés, pobre, con madre adicta, cuyo hermano gemelo muere en un accidente. Para que la clave quede clara, Eastwood cita varias veces a Dickens, y es cierto que los personajes y el modo en que las tres hebras se tejen en la trama recuerdan al escritor inglés. También es cierto que Eastwood no está realmente hablando del más allá, sino de las relaciones entre las personas, y de lo que la vida significa incluso en su momento final. El gran problema del film es su falta de inspiración formal, su tartamudeo narrativo. A secuencias admirables, desparramadas en todo el transcurso, siguen momentos triviales, incluso perezosos, resueltos a puro lugar común. Como siempre, Eastwood maneja con maestría a algunos actores (Damon y los niños están muy bien) y no tanto a otros. Las ironías funcionan a veces, a veces no. El film, varado entre la vitalidad y la abulia, parece él mismo, entre la vida y la muerte.
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  • Las crónicas de Narnia - La travesía del viajero del alba
    Esta tercera adaptación de las novelas del ciclo Narnia, del escritor británico C. S. Lewis, implica cambios (de productora: Fox en lugar de Disney; de director: Michael Apted en lugar de Andrew Adamson). No suenan a ganancia, pero tampoco representan una gran pérdida. Para decirlo rápido, “La travesía del viajero del alba” es más bien un serial de aventuras “todo junto”, con secuencias de acción delimitadas a modo de episodios y con algunos momentos realmente logrados, sobre todo hacia el final. De hecho, al lado de la primera, el peso cristiano del texto original de Lewis –que intentó, en algunos textos con gran éxito, aunar la teología popular con la fantasía, herencia de su gran amigo J. R. Tolkien– está bastante disuelto, salvo por una declaración del león Aslan en los últimos minutos. Hay algunos elementos que hacen al film un poco más recomendable que, por ejemplo, los últimos estertores de Harry Potter. En primer lugar, la amabilidad con la que se narra el cuento, casi como si se tratara de una narración oral. En segundo, un diseño siempre feérico, siempre cercano a leer un libro ilustrado, sin caer en un falso realismo que carece de sentido en estas circunstancias. Y, finalmente, el humor que resuelve secuencias de otro modo abúlicas. Hay, eso sí, un tema poco explotado: el de la belleza femenina, que sólo se esboza en una gran secuencia onírica. Pero en conjunto, la película funciona bien y entretiene, volviendo real la fantasía, sin pudores.
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  • El ilusionista
    El ilusionista
    Revista Noticias
    Cada vez más el cine animado es aceptado por el público como una alternativa estética, en lugar de ser considerado un entretenimiento infantil. Es una tendencia saludable, que habla de la apertura mental respecto de las posibilidades del arte cinematográfico. El sentimiento es el mismo por parte de los cineastas: cada vez hay más animadores que se atreven a un paisaje más adulto, a expresar lo fantástico sin caer en lo pueril. Sylvain Chomet lo había hecho con “Las trillizas de Belleville”, un éxito mundial. “El ilusionista” es un lamentable paso hacia atrás, una muestra de que no todos comprenden el asunto. El film es la traslación al dibujo animado de un guión de Jacques Tati sobre un mago al que el mundo moderno (sí, es un film un poco conservador) deja sin trabajo, y que el gran cómico francés no pudo realizar. Lo que Chomet hace es dibujar al protagonista igual a Tati y verter todos los gags –muchos surrealistas y poéticos– al dibujo. El problema es evidente: esos gags tenían ironía y humor, porque se construyeron para ser interpretados en carne y hueso. En el dibujo animado, un cine donde sabemos que todo es falso y donde cualquier cosa es posible, lo que tenía que ser irónico se transforma en un apunte poético falto de humor. Justamente, la poesía de Tati en films como “Mi tío” o “Playtime” contenía lo ácido y lo ridículo, porque las personas (reales) se veían ridículas. Chomet logra un film técnicamente brillante, fotográficamente impactante y, al violar el legado de su maestro, emocionalmente nulo.
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  • Tron: El legado
    Tron: El legado
    Revista Noticias
    Quienes en 1982 asistimos al estreno de “Tron” y quedamos a medias fascinados y a medias aburridos por ese cuento de ciencia ficción que ocurría dentro de una computadora, esperábamos “Tron: el legado” con una mezcla de curiosidad y nostalgia. Lo peor que se puede decir de la película es que satisfacer la primera nos causa dudas respecto de por qué haber sentido la segunda. El nuevo film es una serie de viñetas filmadas sin apresuramiento, con mucho efecto sonoro –mucho más destacable es la sensación envolvente que logra el sonido que aquella que consigue el 3D–, la música tecno del dúo francés Daft Punk y, bueno, en realidad poco más. Un tal Sam Flynn, cuyo padre, un experto informático, ha desaparecido veinte años atrás, termina dentro de una computadora peleando contra un clon informático de aquel papá. Ambos, papá y clon, interpretados por Jeff Bridges (y no, el “rejuvenecimiento digital” de don Jeff cuando hace de joven no funciona: la técnica aún no llegó tan lejos).
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  • El perseguidor
    El perseguidor
    Revista Noticias
    Una pequeña y grata sorpresa. Film de suspenso real –donde el contexto social pasa en un segundo plano, más como un dato de la realidad que como una crítica– esta historia de una pareja mayor atacada (sin motivo aparente, o quizás sí) por un joven que los espía desde hace tiempo, pasa rápidamente de lo general –la vida, el dinero, los gestos burgueses, los descuidos– a lo universal: el comportamiento humano ante una amenaza que no comprende. Es difícil tomar partido por alguna de las partes en pugna en el film; de hecho, no es necesario. Sólo hay que tener en cuenta el cuidado que Cruz pone en la realización para que los momentos de máxima crueldad queden fuera de campo. Porque aquí no se trata del horror visceral por lo que se ve, sino del miedo por lo desconocido y lo caótico, por eso que no podemos ver realmente. Aunque sobrevuela un poco la sombra de Michael Haneke (especialmente el de “Caché” y “Funny Games”) hay algo totalmente personal y preciso en la película que le permite respondernos por qué existen los géneros. Quizás el juego con la cámara manual es poco preciso –y no nos referimos a si debe o no ser explicado, sino que a veces no sabemos si es la cámara del personaje o la del realizador la que toma las imágenes: un problema más de criterio y montaje, que de capacidad–, y quizás también sea innecesaria la alteración del eje temporal, toda vez que un desarrollo más clásico sería mucho más convincente. Abstracción, relato conciso y cine para la gran pantalla. No se puede pedir más.
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  • Megamente
    Megamente
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    Un supervillano vence al superhéroe. Situación terrible, porque en realidad un supervillano se define por el superhéroe (y no “viceversa”, porque el superhéroe puede tener que enmendar terremotos o incendios forestales o cosas totalmente aleatorias). Vencer al superhéroe, pues, para un supervillano es casi negarse a sí mismo. Es lo que sucede en “Megamente”. ¿Y qué hace Megamente, el genio criminal? Lo más lógico, crear otro héroe. ¿Y qué pasa en el film? Adivinó: el nuevo “héroe” se vuelve un villano y Megamente, por necesidad, un héroe.

    Este mismo año se estrenó un film sutil, bello en su diseño y preciso en su disparate, “Mi villano favorito”, que también colocaba a un supermalvado en el lugar de tener que hacer algo bueno. Y hace unos cuantos años se estrenó la definitiva comedia de superhéroes, la obra maestra “Los Increíbles”. Sin contar con otra obra maestra anterior, “El protegido”. No hay problemas en que las ideas no sean originales, porque desde “La Ilíada” es difícil encontrarlas. El problema es cuando el diseño se ve de modo tan transparente. Lo peor de “Megamente” no es su historia o su guión, sino su absoluta falta de imaginación. La animación parece utilizada sólo para que luzca un 3D que no está utilizado con sentido dramático, sino como una excusa para incrementar el vértigo de algunas secuencias. No es un film vergonzoso (el trabajo de voz en el original inglés les da a los personajes cierta calidez que el guión y el diseño les quitan), pero es mucho menos de lo que muestra la pantalla.
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  • Machete
    Machete
    Revista Noticias
    El año pasado, con el estreno de la mal distribuida “Planet Terror”, se vio el falso trailer de un film inexistente, “Machete”, con ese actor feo y adorable que se llama Dany Trejo y que entró al cine con el realizador Robert Rodríguez Parece que la cosa cuajó y Rodríguez filmó, de verdad, esta “Machete” que tiene el look de celuloide gastado de “Planet...” y de su film compañero, “A prueba de muerte”. La historia es sencilla: al policía mexicano Machete le matan a la mujer en la cara, lo dejan como muerto y, años más tarde, va por la revancha. Hay violencia, sexo y emociones desaforadas, como corresponde a lo que en apariencia es un homenaje al viejo cine clase B.

    El asunto parece una humorada sanguinolenta, con mucho ingenio. Y allí reside el problema: en que hay ingenio, pero no inteligencia. Rodríguez mezcla temas que se acercan a la denuncia social (el tráfico de gente a través de la frontera entre México y los Estados Unidos, por ejemplo, o la trata de personas) con un divertimento donde lo que cuenta es ese reflejo de “Uy, mirá, ¡ahí está Don Johnsonn!” o “Jé, el villano es el gordo de Steven Seagal”. Son dos ingredientes que no cuajan, como en una mala mayonesa. Hay cosas divertidas, algo de delirio, inventiva visual, ganas de contar un cuentito. Pero todo como “desde arriba”, como sobrando a los personajes. Aunque Dany Trejo le da un peso específico y una emoción a su criatura que superan muchas veces las limitaciones del director, para ir más allá de la superficie. Advertencia: “divertido” es, pero depende de qué le resulte a usted “divertido”. Si no ríe con un señor que usa el intestino de su víctima para descolgarse de un edificio, difícil que cuaje con este film.
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  • Harry Potter y las Reliquias de la Muerte: Parte 1
    A esta altura de los acontecimientos, lo más probable es que el film sólo interese a los ya convencidos. Es cierto que, a medida que pasan los años y se multiplican las ediciones en DVD (o los lectores de las novelas), para la última película (recordemos que a un sabio del marketing se le ocurrió partir esta aventura en dos) habrá una cantidad enorme. Pero a diferencia de los dos últimos films de la saga, donde todo tenía un aire de film “Clase B” hecho con lujo, velocidad y precisión, aquí volvieron las pretensiones y esa cosa llamada “oscuridad”, que no es más que engolamiento. Y estiramiento: si el último tomo de las novelas es más “largo” es porque suma elementos decorativos, derivativos y descriptivos. En el cine, todas cosas que se resuelven instantáneamente confiando en las imágenes, algo que aquí no pasa. La historia del enfrentamiento final entre Harry y Voldemort, la lucha entre los jóvenes aliados del chico de anteojos y los villanísimos asesinos del Señor Oscuro es, más allá del maquillaje y los vericuetos de la trama, elemental. Lo que no sería malo (“La Ilíada” es elemental en este sentido) si no fuera porque en lugar de asumir la diversión que ello implica, a alguien se le ocurrió inyectarle el virus de la (falsa) importancia. Así, la pregunta es para qué esperar seis meses para saber cómo el bueno acaba con el malo (no es sorpresa, después de once años de películas es lo menos que se puede esperar) cuando lo que se ve en este megaprólogo no es más que imágenes decorativas y subsidiarias de un libro. Cine, más bien poco.
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  • Jackass 3D
    Jackass 3D
    Revista Noticias
    Si conoce el –hoy clásico– programa de MTV llamado “Jackass”, ya sabe de qué se trata: unos cuantos muchachones que hacen cosas al mismo tiempo idiotas y peligrosas. Ahora, en 3D. No hay trucos, no hay red, no hay más que tipos riéndose de sí mismos por comportarse como soberanos imbéciles, con plena consciencia de la inutilidad de lo que hacen -aunque tambien, y es bueno decirlo ante la exagerada calificación de "prohibido para menores de 18 años", de un modo bastante infantil. Bueno, no, inutilidad no: saben que nada es más gracioso –póngase una mano en el corazón– que alguien que se cae aparatosamente en la calle, que alguien que se ensucia los pantalones en el baño, que alguien que se ve ridículo. Y no hay nada más movilizante que la risa.

    Lo que ellos hacen es casi un servicio público: deciden inmolarse para causar risas y lo logran, aunque también mezclada con la angustia del dolor (físico, no moral) que aparece en cada una de las secuencias, a cual más tremenda y –hay que decirlo porque así es– creativa. Lo que desmiente la idiotez declarada del término “jackass”.
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  • Todo un parto
    Todo un parto
    Revista Noticias
    Hay películas donde la desgracia de los protagonistas redunda en la felicidad de los espectadores. Solemos llamarlas “comedias”, donde se nos permite ver lo real desde otro lado. “Todo un parto” es, sí, una comedia donde dos personas que no están destinadas a conocerse deben atravesar kilómetros y kilómetros de los Estados Unidos, uno de ellos para llegar a tiempo al nacimiento de su hijo. Alcanzaría con decir que los protagonistas son ese yacimiento inacabable de talento humorístico llamado Robert Downey Jr, y que su extraño, excéntrico acompañante es Zach Galifianakis, el genial barbado de “¿Qué pasó ayer?”. Pero no es suficiente: para que este film lleno de momentos hilarantes y absurdos que se basan en la urgencia, la angustia y la tensión siempre peligrosa entre dos personas, nos haga reír: es absolutamente necesario que alguien ponga la cámara a la distancia justa. Eso es lo que hace el director Todd Phillips, quien ya lo había demostrado en “Starsky & Hutch” y en “¿Qué pasó ayer”?
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  • Red
    Red
    Revista Noticias
    ¿Cuándo vale la pena ver una película de acción? Es sencillo: cuando nos preocupamos por sus personajes. Si no, es sólo un montón de ruido visual y auditivo, quizás un pasatiempo, pero no un film. “Red” es un film, por suerte: cuatro ex agentes superentrenados de la CIA, actualmente retirados, se convierten en blanco de la Agencia. Para sobrevivir, tienen que volver a unirse y, de paso, deshacer una tremenda conspiración. Bien, nada original, la vio mil veces. Pero nunca el equipo fue Bruce Willis, Morgan Freeman, John Malkovich y Helen Mirren, cuatro grandes actores y grandes comediantes que han hecho literalmente de todo. Además, cuatro imágenes que uno desea ver en pantalla.
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  • Red social
    Red social
    Revista Noticias
    Uno podría pensar que una película sobre Facebook sería aburrida. Después de todo, Facebook es en sí mismo una herramienta de comunicación. Pero no: el realizador David Fincher, especializado en personajes que aparecen fuera de su mundo y no logran comprender aquel en el que viven (desde los detectives y el asesino de Pecados Capitales, los obsesivos investigadores de esa joya que es Zodíaco o el inverso Benjamin Button) logra captar la esencia del surgimiento de la red: alguien que no puede comprender del todo la comunicación humana la reduce a su propio lenguaje –en este caso, la programación de computadoras–. Fincher tiene dos herramientas notables para que este cuento sobre el autismo y cómo salir (o no) de él se transforme en un relato que nunca deja de interesar: el guión de un especialista en lides judiciales y políticas, Aaron Sorkin (responsable del guión de la genial Cuestión de honor y de esa gran serie que fue The West Wing) y los actores Jesse Eisenberg (perfecto como Mark Zuckerberg, el fundador de la red, un tipo casi misterioso en su simpleza y ausencia de historia) y el secundario del gran Justin Timberlake. Aunque el diálogo es vibrante, casi una música llena de sentido (como las palabras en Facebook son en sí imágenes), Fincher utiliza un entramado clásico para crear ese clima de alienación que envuelve y refleja las emociones de los personajes. Hay pocos films que sintonizan de modo preciso con su propia época para trascenderla en algo eterno y universal como la soledad. Uno de esos films es La red social, título que se entiende como la trampa de un mundo virtual confortable que nos contiene, creado por y para el dinero.
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  • El ocaso de un asesino
    El ocaso de un asesino
    Revista Noticias
    Una de las razones para ver “El ocaso de un asesino” es la performance de George Clooney. Segundo largo del realizador de clips y fotógrafo Anton Corbijn, narra la historia –o el final de la historia– de un asesino profesional, quien tras un trabajo que no sale del todo bien, decide que aceptará un último encargo. El film deja de lado cualquier tipo de trama “de acción” para concentrarse en el personaje: lo que importa aquí no es el impacto de lo policial o de la trama de espionaje, sino –y esta es otra de las razones para acercarse al film– cómo personas lo más “humanas” que el arte puede producir, reaccionan ante circunstancias que parecen lugares comunes. El personaje de Clooney no desea retirarse por sentimentalismo, ni porque descubra que el mundo cotidiano –una mujer con la que establece una relación, un cura con quien conversa en su retiro de seguridad a la espera del trabajo postrero– le sean más cercanos que el uso de las armas. No: lo que vamos percibiendo es que el hombre se descubre, finalmente, un anacronismo. Volvamos al actor: su presencia elegante, como un resabio de esos fríos agentes de los films de la Guerra Fría, es una nota discordante en un paisaje que ya no tiene nada que ver con él. La vida, finalmente, está en otra parte y no, justamente, en quitarla por razones comerciales. En los diálogos, en la construcción plácida de los personajes, en las crueldades aleatorias que cruzan la trama, incluso en la acción dosificada de modo justo, reside el encanto de la historia.
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  • Enterrado
    Enterrado
    Revista Noticias
    Si usted quiere saber qué implica realmente la expresión “tour de force”, aquí está. Hay un solo actor, un solo decorado y está filmada en tiempo real. El protagonista (Ryan Reynolds) es un obrero estadounidense que trabaja en Irak. Hay un atentado y el pobre termina dentro de un ataúd, con un encendedor, un celular con poca batería y una hora y media de aire. Enterrado vivo en medio de la nada.

    Sí, es una película de suspenso, y el efecto de inmersión total del espectador en lo que no deja de ser una experiencia angustiante es de una enorme precisión. Pero es, también, una forma de crítica social –y política– efectiva: todo lo malo que le pasa al personaje tiene que ver con los vicios y las taras de lo que entendemos –quizás altamente equivocados– como “civilización”. No es menester entrar en los detalles de la trama: después de todo, se trata de verdadero cine, incluso si el personaje está condenado a la inmovilidad. Por supuesto que parece una paradoja, pero el movimiento no es solamente el de un automóvil a toda velocidad por una carretera, sino también el cambio sutil en un gesto, la extinción indefectible de una batería de celular, la llama que se apaga poco a poco. El cine es un arte sobre todo del tiempo, y es justamente la angustia sobre su paso la que articula un film que, sin ser una obra maestra, nos obliga a una experiencia al mismo tiempo difícil y apasionante. Mencionemos a Ryan Reynolds: hay que ser un muy buen actor para lograr que nos identifiquemos y nos angustiemos por un personaje en su situación. Puro cine.
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  • Sin retorno
    Sin retorno
    Revista Noticias
    Hay dos maneras de ver “Sin retorno”. La primera, como policial: en ese caso, hay elementos que cierran mal o resultan arbitrarios. La historia es la de un adolescente que atropella y mata a un joven; miente, dice que le habían robado el auto y, tras quebrarse, sus padres lo ayudan a encubrir el asunto. El culpado –por presión del anciano padre de la víctima, de los medios y de la Justicia, presionada a su vez por los medios– es un pobre tipo que pasó por ahí y, antes, había tenido un altercado con la víctima. En toda esta fase del film, el guión muestra elementos apresurados y torpes. Hay personajes que no cumplen función, incluso elementos (¿Cómo es que nadie roba el auto “escondido” en una villa? ¿Cuál es el problema con la pérdida de un celular, cuando se lo da de baja?) que muestran descuido por tramar el crimen, algo que –incluso si se pretende un film “testimonial”– es imprescindible.

    Esa es la segunda manera: como una película testimonial. En ese caso, si bien no se aparta en ciertos momentos del telefilm, la descripción es precisa y los actores –todos, pero en especial Ana Celentano y Leonardo Sbaraglia, ambos imágenes de la fiereza y la ambigüedad moral que surge por fuerza del destino– son personas reales, todo un milagro en el cine. Desde el momento en el que el falso culpable entra en la cárcel, la historia se vuelve al mismo tiempo angustiosa e inteligente. Quizás porque no importan tanto los detalles, o porque el preciso encuentro entre Sbaraglia y Celentano crea un estado de tensión, y de allí en más nuestro interés permanece, sólido, hasta el final.
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  • Wall street 2 - El dinero nunca duerme
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  • Lula, el hijo de Brasil
    Lula, el hijo de Brasil
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  • Una pareja despareja
    Una pareja despareja
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  • Yuki y Nina
    Yuki y Nina
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  • El Rati Horror Show
    El Rati Horror Show
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    Para Enrique Piñeyro el cine es cine, pero también es otra cosa: con sus películas, el cine recupera la posibilidad de ser, además, una herramienta al servicio de la Justicia. Sucedió con su única ficción, “Whisky Romeo Zulú”; con “Fuerza Aérea S.A”. y ahora sucede con este film. La trama narra la historia de Fernando Carrera, un hombre condenado deliberadamente por la corrupción policial a treinta años de cárcel, tras haber sido acribillado a balazos. El caso es grotesco; la manipulación de la ley y de los medios de comunicación, también. Pero resulta que el cine es, también, una manipulación y lo que hace Piñeyro es justo: con toda clase de mecanismos, con humor e ironía, con precisión explicativa, con un show personal que demuestra que es, además, un gran actor que sabe cómo capturar la mirada del espectador, el realizador desata la madeja corrupta y demuestra que se ha cometido una injusticia. Es decir: emplea el cine (puro cine, puro montaje para desmontar una evidencia falsa) para mostrar lo real. Si el film va mucho más allá del caso puntual, si puede trascender su época, es porque mantiene al espectador interesado y apasionado, porque lo ata a su relato y no lo suelta, como un buen thriller –que también lo es–. El cine, según Enrique Piñeyro, no deja de ser el gran entretenimiento y el gran arte que es: en lugar de restringirle esas funciones, le agrega el de una utilidad que va más allá de la mera coyuntura. Un ejercicio de inteligencia y pasión, tanto por el arte como por la justicia.
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  • Flores de septiembre
    Flores de septiembre
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  • El rebelde mundo de Mía
    El rebelde mundo de Mía
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  • Comer, rezar, amar
    Comer, rezar, amar
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  • El baile de la victoria
    El baile de la victoria
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    Comencemos por lo más sencillo: Ricardo Darín es un gran actor y hace visible, incluso atractivo, hasta su rol menos interesante. Nunca se le podrá echar la culpa de la falta de calidad de una película. En el caso de este melodrama, toda la responsabilidad cae sobre los hombros de Fernando Trueba, su realizador. Trueba es un buen director y un gran cinéfilo: más allá de haber ganado un Oscar (con “Belle Époque” en 1993), se ha destacado en el gusto por el clasicismo y la ironía en cualquier género. También por dedicarle documentales a la música que le gusta (como en “El milagro de Candeal”). Por eso “El baile de la Victoria” es un film atípico del realizador. Adaptación de una novela de Antonio Skármeta, es la historia de un ladrón de poca monta, un veterano artista en el robo de cajas fuertes, y una joven danzarina. Lo que podría ser ligero, preciso, ingenioso, se vuelve pesado, a veces alegórico; peor que todo: solemne. La trama tiene el peso de lo novelístico en el peor sentido, ese de incorporar bifurcaciones y subtramas para decir algo sobre el mundo, en lugar de bordarlo con la mirada en filigrana. Se nota una calidad profesional buscada en la forma de la imagen y el despliegue técnico, pero la manía de explicitar todo, la necesidad de que cada cosa “signifique algo” y, especialmente, la falta de alegría (no sólo en los personajes, sino en el tono, especialmente notable en el uso de la música) vuelven tedioso un espectáculo que, dados los antecedentes del realizador, uno adivina fallido por exceso de ambición o, quizás, error de cálculo.
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  • Asesinos con estilo
    Asesinos con estilo
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  • El último exorcismo
    El último exorcismo
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  • Gaturro
    Gaturro
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  • Los indestructibles
    Los indestructibles
    Revista Noticias
    Quien crea que aquí estamos ante un film nostálgico de las duchas de testosterona de los años de Ronald Reagan, se equivoca. Quien crea que se trata de un autohomenaje emotivo, también. Los indestructibles, film de-con-por Sylverster Stallone, es la historia de un grupo de mercenarios que tratan de cumplir una misión un poco más humanitaria que sus habituales incursiones por dinero. El elenco es lo más parecido a un álbum de figuritas, pero la forma del film –especialmente sus escenas de pelea cuerpo a cuerpo y la sangre digital que salpica la última media hora– nos recuerdan que los ochenta ya pasaron hace rato, y que a Stallone hoy alguien puede vencerlo en un mano a mano (esforzado, claro). En medio de todo esto, el verdadero sostén actoral y físico de la película es el gran Jason Statham, un héroe de acción de estos tiempos, que mantiene la virilidad y la adustez propia de este tipo de personajes sin dejar de ejercer su propio estilo. Es, además, uno de los personajes con corazón más claro, que no necesita declamar nada para que uno sepa que ahí hay un ser humano. Cuidado: también Stallone, especialmente en sus debilidades, en el juego de sonreír con ese rostro demasiado tomado por el bótox, en la alegría de hacer lo que le gusta. La trama de país bananero latinoamericano (con tipos que hablan el castellano bastante mal) o el “malo de la CIA que se pasó de bando”, o algún destello romántico son casi lo de menos. Lo que sí importa es que esto es cine. Imperfecto, quizá primitivo, pero honesto como una buena piña dada de frente.
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  • Rembrandt's J’Accuse
    Rembrandt's J’Accuse
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  • Amor a distancia
    Amor a distancia
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  • El hombre de al lado
    El hombre de al lado
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  • Agente Salt
    Agente Salt
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    Quizás si su rostro tuviera algo de humano, las peripecias que suele vivir más que sufrir Angelina Jolie –con la honrosa excepción del melodrama “El sustituto”– nos interesarían un poco más. Mientras tanto, su vida privada de adopciones y cruzadas humanitarias la muestran mucho más cercana al homo sapiens que sus films de acción. Dirigida como ganapán por Phillip Noyce (a veces, incluso, buen director, no aquí) “Salt” es la historia de una hiperagente de la CIA escultural y superheroica, acusada de haber traicionado a “la agencia”, que es más o menos lo mismo que traicionar a su país. Y ahí va Angelina, sorteando peligros sin cuento, imponiendo el aura de indestructibilidad que su rostro de mármol inflige en cualquier trama. Lo peor del asunto es que Noyce tiene en la historia un tema (¿qué es real?, ¿qué no?, ¿quiénes somos?) absolutamente cinematográfico. Pero no se da cuenta. Simplemente agita a Jolie para que disfrutemos de su cuerpo en todo ángulo, por lo que casi es un film cubista. Resulta extraordinario cómo la certeza de sus movimientos y la mirada siempre indudable del realizador vuelve difícil que sintamos alguna empatía. Lo que, desgraciadamente, anula el efecto de suspenso que debería generar la trama. Simplemente vemos las evoluciones a veces gimnásticas de una actriz transformada en deportista de alta gama, sin que alguna emoción –siquiera ocasional– se nos contagie, aunque nos confundan el diseño de sonido y el montaje. Salto en alto y en largo, quizás, pero no cine.
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  • Hansel & Gretel
    Hansel & Gretel
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  • El hombre solitario
    El hombre solitario
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  • Luz silenciosa
    Luz silenciosa
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  • Otro entre otros
    Otro entre otros
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  • La mirada invisible
    La mirada invisible
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    El Colegio Nacional de Buenos Aires, justo antes de Malvinas, es el lugar y el tiempo donde transcurre esta fábula sobre el poder y la manipulación. Una preceptora “nueva” en el lugar (Julieta Zylberberg) juega un extraño juego de seducción y repulsión con su jefe (Osmar Núñez). Diego Lerman, en su tercer largometraje después de “Tan de repente” y “Mientras tanto”, no cede a la tentación alegórica de hacer del tradicional colegio una “explicación de la Argentina”, aunque lo logra por metonimia. Lo que vemos, lo que inquieta, es la necesidad de María Teresa, la preceptora, por integrarse a un universo cerrado, por iniciarse en los mecanismos de control. Así, para ella tanto como para su jefe, los adolescentes son cosas y no personas.

    La perversión del personaje crece paulatinamente, a través de pequeños gestos que Zylberberg vuelve creíbles: no vemos a una actriz componiendo su criatura sino a una persona que, al mismo tiempo, nos atrae y nos repele. La dirección de arte excede la mera decoración para crear ese universo cerrado, autocontenido y finalmente asfixiante, que refleja en lo exterior el interior de los protagonistas. Aunque algo fría, de todos modos es una película precisa que, antes que dar una explicación, busca que el espectador acompañe un cuento de alucinación y locura; una reflexión sobre lo artificial e imposible de un control total, ilusión de dictadores ya sea en colegios como en estados.
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  • Como perros y gatos 2
    Como perros y gatos 2
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  • London river
    London river
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  • Igualita a mi
    Igualita a mi
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    Las comedias de gran público en la Argentina giran alrededor de un imaginario que no ha cambiado sustancialmente en las últimas cuatro décadas. El porteño, la porteña, etcétera, sólo han mutado el corte de vestidos y camisas y, es cierto, en los setenta no abundaba el lycra. Los productos con o de Adrián Suar funcionan alrededor de ese mundo cristalizado y de tramas sentimentales convencionales. Pero sería deshonesto decir que un film es malo por esto: la mayoría de las cinematografías industriales juegan con arquetipos. El caso de “Igualita a mí” es curioso: tiene detrás al director Diego Kaplan, que había debutado con una interesante comedia independiente, “¿Sabés nadar?” (2002) y había introducido frescura en la comedia televisiva con el programa de culto “Son o se hacen”. Pero en esta película, trabajando con un producto diseñado para el éxito masivo, el peso de la producción atenta contra su capacidad para la verdadera clave de cualquier comedia: el timing. Así, la historia de un cuasi playboy cuarentón que descubre tener una hija veinteañera y además embarazada, sucumbe ante la necesidad de dejar claro que el personaje es, en el fondo, un tipo buenote que se redime en el amor familiar. Tranquilizador en su conservadurismo, el film termina cayendo en la moraleja que el espectador adivina desde el momento en que compra su entrada, y así no hay humor que alcance.
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  • Depredadores
    Depredadores
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  • Chloe
    Chloe
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  • Un loco viaje al pasado
    Un loco viaje al pasado
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  • La chica que soñaba con un fósforo y un bidón de gasolina
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  • Vincere
    Vincere
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    Hay dos maneras de ficcionalizar una historia real: tratando de buscar la fidelidad documental o asumiendo su condición de simulacro. El camino que tomó el maestro Marco Bellocchio para narrar la historia de una mujer que tuvo un hijo con Mussolini es el segundo, y por eso “Vincere” es mucho más que una acusación sobre los males del fascismo –ciertamente lo es– para volverse una reflexión universal sobre el poder, el tiempo, el cine mismo y la pasión desenfrenada (sexual y política al mismo tiempo) como vía de autodestrucción. Con un ritmo vibrante, Bellocchio toma la historia y la transforma en un melodrama exacerbado, lleno de música, con una puesta en escena operística y casi manierista que, a pesar de la cantidad de detalles que saturan la pantalla desde lo visual y lo auditivo, jamás es meramente decorativa. El espectáculo es tan enorme que nos permite la reflexión inmediata. La historia se narra con simpleza, estableciendo siempre el contrapunto entre la trágica historia de Ida y su hijo y el irresistible ascenso de Mussolini al poder. Sesgadamente, el film cuenta la historia del fascismo, la debacle del socialismo en la Italia de principios del siglo XX, los horrores –con elementos salidos del mejor género del terror, después de todo también una forma de melodrama– de ejercicio del poder absoluto. Que esta película pasional, arriesgada y popular se vea, además, en copias en fílmico es una gran noticia. No sólo es una de las mejores del año, sino también una de las pocas que recupera la gloria del espectáculo total que supo ser el cine.
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  • Pájaros volando
    Pájaros volando
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  • Mi villano favorito
    Mi villano favorito
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  • Al diablo con el amor
    Al diablo con el amor
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  • El origen
    El origen
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    Primera en recaudaciones en los Estados Unidos, saludada por algún sector de la crítica como film revolucionario, “El origen” es, ni más ni menos, “una de chorros”; ni más ni menos un alambicadísimo plan para robar algo imposible (o colocar algo en un lugar inaccesible, que para el caso es lo mismo). La novedad (sólo conceptual, como se verá) es que los profesionales del caso se dedican al espionaje industrial entrando en la mente de sus víctimas, en lugar de meterse en una bóveda o caja fuerte. Pero como no se trata de un film psicológico que cuestione el estatuto de la realidad (aunque se lo declame, a raíz de la subtrama dramática, al personaje de Leonardo Di Caprio con el fantasma de su mujer, interpretada por Marion Cotillard), después de una hora trabajosa aderezada por escenas de gran despliegue visual –un poco fatuo–, accedemos a lo que no es más que un film común de acción y suspenso. En ese sentido, el logro más audaz es manejar tres secuencias de suspenso, una dentro de la otra. El realizador Christopher Nolan, que logró una gran película con “Batman-El caballero de la noche”, pero intenta trucos narrativos desde “Memento”, nuevamente se deja llevar por el diseño en lugar de conmovernos con los personajes. El resultado es un trivial aunque entretenido episodio de “Misión: Imposible” contado con muchos (en ocasiones demasiados) millones de dólares. Podría haber sido, sí, más compleja –varios hilos narrativos apuntan hacia allí– pero en definitiva Nolan está más preocupado porque todo quede muy claro y por que se vea en pantalla el presupuesto. Si lo único que desea es un par de horas entretenidas –aunque la primera tenga demasiado diálogo–, es lo que hay.
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  • Cuentos de la selva
    Cuentos de la selva
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  • Son como niños
    Son como niños
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  • Policía, adjetivo
    Policía, adjetivo
    Revista Noticias
    Si usted cree que el cine rumano es otra moda impuesta por la crítica, acérquese a ver este film y ponga en duda tal lugar común. Segundo largometraje de Corneliu Porumboiu (el de la recordada y excelente “Bucarest 12:08”), el film apela a planos largos, a momentos cotidianos y casi aburridos para contar el absurdo de una sociedad dominada por los lugares comunes de la burocracia. No es cierto que en esos planos “no pase nada”, sino que lo que pasa es mucho: la tragedia de la ridiculez de un estado que oprime –a partir de un lenguaje que podría pasar por políticamente correcto– al ciudadano.

    La historia gira alrededor de un policía que debe vigilar a un joven sospechado de traficar drogas. En realidad, el crimen –si lo hay– es mínimo, y lo que ese trabajo cuestiona es sobre todo el discurso arbitrario de un estado que, incluso luego de la caída del muro, permanece policial. En esos planos aparentemente nimios de pronto estalla el absurdo jocoso, la idiotez humana, la incapacidad de los poderes públicos (anquilosados en un discurso monolítico) de comprender a sus ciudadanos. De comprender –como lo hace a su pesar el protagonista– el verdadero sentido de las libertades civiles. Rumania, país periférico al poder económico (como la Argentina, que de algún modo se transparenta en estos films precisos), es aquí metáfora de un estado del mundo mucho más amplio, donde “policía” y “política” demuestran tener la misma raíz etimológica. Las actuaciones tienen esa enorme potencia cinematográfica de hacernos creer –milagro absoluto en la pantalla grande– que esos personajes atados a un guión son seres de carne y hueso, nuestros semejantes.
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  • Las playas de Agnès
    Las playas de Agnès
    Revista Noticias
    A Agnès Varda le dicen “la abuelita de la Nouvelle Vague”. Pero sólo le cabe el término por la cantidad de años que tiene. Por lo demás, sigue siendo una de las imaginadoras más jóvenes y gozosas que tiene el cine. “Las playas…” es una especie de autobiografía fílmica, en parte –sí– un documental, y una especie de construcción musical donde los recuerdos y las ideas que recorren la memoria de la realizadora de films como “Cléo de 5 a 7” o “Sin techo ni ley” encuentran un correlato en imágenes llenas de humor y creatividad. Uno de los temas que recorre es la muerte (especialmente la del hombre que amó, Jacques Démy), pero –curiosamente, y este es uno de los mayores valores de “Las playas…”– no hay melancolía ni tristeza en la mirada. Como si todo lo que pasó en su vida, gracias al cine permaneciera vivo y en el presente. “Las playas de Agnès”, con sus olas de recuerdos y juegos, son esa diversión elemental que a veces se escurre como granos de arena.
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  • Furia de titanes
    Furia de titanes
    Revista Noticias
    Del clásico de aventuras juvenil que diseñara ese gran artesano de la animación con muñecos, Ray Harryhausen, a principios de los ‘80, alguien decidió hacer una hiperproducción con efectos digitales. El resultado es decepcionante: al hermoso juego de muñequitos combinado con actores (entre ellos Sir Laurence Olivier) se pasó a contar la historia de Perseo, Andrómeda, Medusa y el Kraken con el acento mucho más del lado de la espectacularidad algo vacía. Sam Worthington –el actor de “Avatar”– tiene un buen manejo del cuerpo para la acción física, y los “dioses” interpretados por Liam Neeson y Ralph Fiennes son bastante más divertidos que la trama de monstruos y amenazas algo demasiado solemne del resto del film. Hay un exceso de grandilocuencia y una enorme falta de humanidad en la película: uno puede admirar algunos planos y alguna secuencia alambicada, pero difícilmente sienta que los personajes le importan lo suficiente como para emocionarse.
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  • Recuérdame
    Recuérdame
    Crítica Digital
    Rebelde con causa de lucro

    Diseñada para el lucimiento de la estrella en ascenso Robert Pattinson, el film descuida la puesta de su historia de amor con fondo trágico.

    El motivo por el cual el público –cierto sector del público, digamos– irá a ver Recuérdame es el mismo por el que otro público –otro sector de otro público– fue a ver Rebelde sin causa: su actor. En el segundo caso, daba la casualidad de que se trataba de una obra maestra, debida, claro, al genio nihilista de Nicholas Ray, mucho más que al talento de James Dean. Así que disculpemos al pobre Robert Pattinson, que todavía está con vida –aparentemente por mucho tiempo más–y digamos que no es su culpa si Recuérdame, un film diseñado para mostrarlo de todas las maneras posibles, no resulta demasiado interesante.

    Tyler (Pattinson) es hijo de una familia adinerada; el padre es un severo Pierce Brosnan y la familia está golpeada por una tragedia. En fin, que Tyler es duro, rebelde, y tiene esas cejas curvadas hacia abajo que provocan que, incluso a los peores tipos humanos, ciertas señoras y señoritas vean como "soñadores". Ally (Emilie de Ravin) es linda, buena y también está golpeada por una tragedia. Obviamente se conocen, obviamente se enamoran, obviamente algún hecho del pasado los separará y ya saben que, de Píramo y Tisbe (o Romeo y Julieta, ustedes elijan el ancestro) para acá, todo es más o menos igual. Nadie culpe al guionista por guiarse con arquetipos. La cuestión aquí es que el film está demasiado preocupado por demostrar que Pattinson es capaz de hacer cualquier género y no sólo de vampiro de gónadas torturadas. El problema es que, en ese afán que suele guiar las películas que se definen como "vehículos" ad maiorem gloriam estrella naciente, el film deja de ser una película cohesiva para volverse un catálogo de ropa cool. Pattinson mira triste, Pattinson se violenta, Pattinson abraza a la chica, Pattinson llora. Usted puede comprar el modelo que más le guste.

    La culpa, dijimos, no es del actor sino de la puesta en escena, que descuida el universo que ha creado, incluso si se lo creó para él: después de todo, Amor sin escalas es también un vehículo para George Clooney y funciona en todas sus líneas. Aquí la responsabilidad es del director, demasiado preocupado por quedar bien con sus empleadores y dejar un nuevo producto en la línea de montaje del star-system. Lástima que aquella vieja fábrica de estrellas cerró: Rebelde sin causa nació, claro, con la misma intención pero tuvo alguien que cuidó del mundo, fue coherente y en él inscribió a su estrella. Este mundo de Recuérdame tiene un Pattinson rebelde con causa lucrati