El ideólogo de un noble sueño

El director Nemesio Juárez, al abordar la obra de Andrés Rivera, se enfrenta con la difícil tarea de trasladar el extenso monólogo subjetivo de la novela a un lenguaje cinematográfico. Castelli, figura alrededor de la cual gira la historia novelada, es considerado "el ideólogo de la revolución de Mayo".

Cuando comienza el filme, Castelli está muriendo de un cáncer en la lengua y a través de flashbacks se alude a hechos fundamentales de la historia nacional en los que participara, como el Cabildo del 22 de mayo, la muerte de Liniers, fusilado, la Campaña del Ejército del Norte y el juicio por mal desempeño en esa lucha. Pero fundamentalmente, "el orador de la Revolución" reflexiona sobre su papel en ella. De sus conceptos surge la pasión revolucionaria, que arde tan violenta como la enfermedad que lo carcome.

MIRADA SUBJETIVA

Ni totalmente biográfica, ni totalmente histórica, el filme incorpora miradas subjetivas al concepto de concepción revolucionaria, sus contradicciones, la condición que deben tener los que la aplican y el interrogante mayor: la revolución compensa dolores y penas que de ella derivan.

El filme se plantea como una exposición de ideas, donde la revolución es el centro y sus manifestantes, peones del ajedrez, juego que metafóricamente enfrentan en una secuencia a Castelli y Monteagudo. Es una película austera, llana, con justo diseño de producción, que ambienta el tono de la época con mínimos elementos.

Aunque faltó profundización de caracteres, hay un tono de sinceridad general y el diálogo es llano, no estereotipado y se da desde los comienzos, cuando Castelli es atendido por su médico (un excelente Hugo Alvarez) en una escena mínima y austera.

Figuras como Mariano Moreno, Manuel Belgrano, Bernardo de Monteagudo toman el rostro de un buen elenco integrado por Adrián Navarro, Luis Machín, Juan Palomino, una sensible Mónica Galán y en el que sobresale Lito Cruz, con toda la fuerza de la pasión que el personaje exige y los altos y bajos de la decadencia ante la enfermedad.

No hay nada nuevo bajo el sol

Estamos ante una clásica película de espionaje con un misterio, la muerte reciente de un senador, el posible asesino: el famoso Cassius, una estrella del espionaje soviético y el encargado de la investigación: Paul Shepherdson, retirado de CIA.

El enigma se establece porque el tal Casssius fue muerto hace mucho tiempo y nada indica que la resurrección sea un hecho. Habrá un Jefe de la Cía insistente y el clásico "aprendiz" joven, puesto como investigador al lado del veterano Shepherdson, que persiste en la cartesiana duda.

FIGURAS CONOCIDAS

"Misión secreta" está correctamente filmada, no hay demasiados recursos narrativos salvo algún que otro flashback tradicional o sea nada respecto a los adicionales que buscan los amantes del cine policial y de espionaje.

Su elenco cuenta con dos figuras conocidas como Richard Gere, que luego de "Mujer Bonita" (y hace más de veinte años) no tuvo demasiadas ocasiones de lucimiento y Martin Sheen, al que le pasó algo similar luego de "Apocalypsis now" de Coppola (1979). Y una nueva "estrella" popular, Topher Grace ("El hombre Araña III") no aporta demasiado como actor.

El filme, cuyo verdadero nombre es "El Doble" fue dirigido por Michael Brandt, que viene de la tevé y los videojuegos, aunque también participó del guión de "El tren de las 3.10 a Yuma". Rico en lugares comunes, tiene su cuota de acción, algunas demostraciones de degüello, forma de asesinato ancestral, "puesta de moda", recientemente, en Méjico, carteles mediante; pero no hay ningún detalle sorprendente que la destaque de otros filmes de espionaje o algún tipo de final diferente. Para aficionados poco exigentes.

El testimonio de dos culturas

Hay un novio en tren de casamiento, sus amigos, futuros padrinos de la boda y una distancia a recorrer desde Inglaterra, el país de origen de los cuatro y Australia, el país de la novia en que se realizará el casamiento.

Aparentemente hay mucha diferencia entre los primeros y los segundos. Los ingleses David, Luke, Tom y Graham son algo así como los "chicos terribles" de la zona y gustan de todo tipo de transgresiones; mientras la familia de Mia, futura esposa de David es lo que se dice "un grupo tradicional" y de óptima situación económica.

El choque inicial de los amigos ante la sorpresiva boda de David, disgustados por la falta de consulta ante, según ellos "un romance de verano que nunca debió tansformarse en boda" continuará en las Montañas Azules australianas, idílico lugar, donde los "mpadrinos" traspasarán su locura ingresando a la mansión de la novia.

GUION FLOJO

La película fue escrita por Dean Craig, el exitoso guionista de "Muerte en un funeral" y producida por los que también intervinieron en el recordado éxito inglés.

"Los padrinos de la boda" acumula sus mejores momentos en la primera parte. Para luego convertirse en una desaforada acumulación de gags de no demasiada comicidad, que llegan a la astracanada (algo así como lo más burdo que puede obtenerse como recurso humorístico) y muestra superficialmente las diferencias culturales de dos países.

Caos nupcial en el que en lugar de enanos e invitados alucinados por droga y alcohol como en "Muerte en un funeral" se acumulan traficantes desubicados, la rareza de carneros disfrazados con "knickers", y escandalosas y bellas suegras pasadas por alta dosis de cocaína (Olivia Newton John).

Deja que desear el manejo del guión y el guión en sí. La comercialidad del proyecto y eso que el guionista fue el mismo de la estupenda y fina comedia inglesa "Muerte en un funeral" y el manejo formal denso en ciertas partes del director de la muy buena "Priscilla" son puntos en contra en una comedia que va tras la risa fácil.
Es excelente la producción técnica, el vestuario, el diseño, la música y los actores.

Ese infierno más que temido

Realista visión del infierno. Crítica y no partidaria. Filmada con el tiempo narrativo justo, intenso, como el que caracteriza el estilo Trapero, directo, lejos de cualquier poesía o metáfora, un "punch" a la mandíbula del espectador".

Una escena: el padre Julián muestra a su amigo, también sacerdote, un patético esqueleto de hormigón de catorce pisos, el de la Villa 15 de Lugano, sueño de un dirigente socialista, Alfredo Palacios, que en 1937 lograra importantes aportes del Congreso Nacional para hacer "el hospital más importante de Sudamérica", proyecto posteriormente apoyado por el gobierno peronista.

Segunda escena: Gerónimo, el amigo sacerdote del padre Julián corre desaforado por los laberintos estrechos de la villa, para rescatar un cadáver, el de alguien querido asesinado por la droga y los que la comercian. Tercera escena: un velorio que transcurre a tiro y cerveza echada sobre el ataúd.

Y así, en el relato se encadenan multitudinarias escenas de enfrentamiento con la policía, de narcos versus narcos, de gente de la villa desplazándose, escapando ante el tiroteo inesperado con los que entran al lugar para ayudar, como el padre Julián, como Luciana o el padre Gerónimo.

ESTUPENDOS ACTORES

Estas escenas no suceden en zonas marginadas de América latina o Africa. Es la "otra Argentina", donde conviven rituales de muerte en los que se junta la bebida y el alucinógeno, como en míticas ceremonias dionisíacas o bandas antagónicas disputan el mercado de los chicos andrajosos, muriendo en los lugares más alejados de la villa o los chicos ricos, habitantes de cercanos edificios-torre. Porque ese mercado no hace distinciones sociales.

Esas imágenes son las más duras de este itinerario auténtico (y nunca tan bien aplicada la palabra) por la realidad de una villa de emergencia. Un mundo que laicos y religiosos quieren erradicar a pesar de presupuestos que no llegan y demoran cualquier acción de cualquier lugar del que emanen fondos.

Realista visión del infierno. Crítica y no partidaria. Filmada con el tiempo narrativo justo, intenso, como el que caracteriza el estilo Trapero, directo, lejos de cualquier poesía o metáfora, un "punch" a la mandíbula del espectador".

Con el tiempo, el director pulió sus recursos y profundizó la emoción. Sigue teniendo la mirada amplia en las épicas escenas de los enfrentamientos o las intimistas del sexo, en los momentos detallados de un plano secuencia que cava hondo en los significados o en la exacta marcación de personajes de la misma villa o de actores como Ricardo Darín, siempre un modelo de equilibrio interpretativo, en un personaje contrapuesto al de Jérémie Renier, veterano en este tipo de personajes, no por nada es un preferido de los hermanos Dardenne ("La promesa", "El hijo"). O Martina Gusmán, con toda la fibra de la luchadora de la película. Un filme imprescindible. Desesperanzado y necesario.

La memoria, como un obstáculo

Leo y Page son una pareja feliz. Ella es escultora, él gusta de la música y tiene un estudio de grabación. Los dos se rodean de muy buenos amigos y su matrimonio funciona. Mientras hablan de sus cosas, su coche tiene un accidente. Los dos resultan heridos, pero Page lleva la peor parte y la conmoción cerebral que sufre la lleva a la amnesia.

Cuando recupera el conocimiento, no reconoce a su esposo. Leo intuye todos los problemas que vendrán. Los extraños mecanismos de la memoria, la harán recordar sólo el período anterior a su casamiento y los padres volverán a ocupar el primer plano en su vida. De Leo ni noticias. Hasta el rencor que tenía con su padre y que la llevó a abandonar la casa muy joven, no tiene lugar en su recuerdo. Y hasta su ex novio aparece como un recuerdo firme. Poco a poco, Leo se siente desplazado y tiene que ir recomponiendo paso a paso la relación. El mismo reflexiona sobre los impactos de la vida que le dan sentido.

MATIZ DRAMATICO

"Votos de amor" es una liviana y atractiva comedia con tintes melodramáticos, que tiene a su favor a una encantadora pareja joven, la canadiense Rachel Mc Adams y el ex modelo Channing Tatum. Se trata de un melodrama romántico que muestra las distintas formas en que se puede intentar reconstruir una relación casi perdida por un problema físico. La pareja joven tiene una contraparte en la pareja madura integrada por Jessica Lange ("Cabo de Miedo" quedó muy atrás, pero Lange sigue siendo una muy buena actriz) y Sam Neill, los padres de la protagonista.

El filme abunda en clichés y algunos estereotipos, especialmente en cuanto a situaciones. Pero la simpatía de los protagonistas, su buena onda y el apoyo de un buen equipo de actores jóvenes hace que la historia entretenga. El filme, según se aclara hacia el final, está basado en una historia real.

Acción más efectos especiales

Si a uno le hubieran dicho años atrás que iba a filmarse algún día una producción multimillonaria basada en juegos de mesa, nadie lo hubiera creído. Y menos ante esa "Batalla Naval" que en el colegio primario enfrentaba media división contra la otra media a puro lápiz, crucecitas y tiempo. Claro, después vino "Transformers" y todo fue posible. Los filmes basados en historietas ya eran historia, ahora le tocaba orientar la inspiración a los juegos de mesa.

En esta historia se cuenta el enfrentamiento entre la armada norteamericana, al mando del almirante Shame y una división naval alienígena que busca en el agua una fuente de energía necesaria en su planeta. Todo en un ensayo de fuerzas en acción en el Pacífico.

La subtrama romántica (no podía faltar) une a la hija del almirante de la armada, con un recluta transformado en oficial de la flota, Alex Hopper, algo así como la oveja negra de la familia (su hermano, destacado oficial, le echa siempre en cara su inconducta).

Por supuesto que almirante y oficiales, más amiga de Hopper, suboficial en la Armada se dan cita para darle un poco de fuego al incendio que se va a desencadenar a bordo. Imaginen con barco alienígena enojado incluído.

ALIENIGENAS EN EL MAR

Qué más se puede decir. Que hay enfrentamientos navales en el Pacífico que se universalizan, según cuentan los medios. Y la flota de los aliens es algo así como una ballena gigantesca que da saltos a lo loco y siembra el terror entre todos.

Estupendos los efectos especiales, excesiva la duración de la película, destinada sólo a un entretenimiento adolescente basado en puros fuegos artificiales.

El bueno de Liam Nisson hace lo que puede y muestra que se puede pasar del Jean Valjean de "Los Miserables" o la recordada "Michael Collins" de Neil Jordan a divagar en las "Crónicas de Narnia" o enfrentar alienígenas como almirante. Las adolescentes disfrutarán de un atractivo e inexpresivo Taylor Kitsch, los chicos y las chicas se entusiasmarán porque está la cantante de moda Rihanna, convertida en suboficial y los efectos especiales movilizarán la energía de muchos. Para consumir con pochoclo.

Atractiva, fresca y creíble

Los protagonistas tienen entre veinticinco y treinta y cinco años y lo que los une es la búsqueda del amor o la conservación del mismo. Estamos en la gran ciudad y todos los muchachos que vamos a conocer viven y trabajan en ella. Está Alejandra, mesera de un restaurante, que tiene una relación con Sergio que está casado, Martín que entabla una relación con Sofia, la novia de su hermano menor.

También está Paula, recién recibida de sicóloga que está casada con Sergio y Luli, la desprejuiciada de la historia, "cuidada" terapéuticamente por Paula y que va a terminar aconsejándola en su vida sexual. En síntesis gente que busca gente, que escapa de otra gente o no quiere ver que ya no le importa cierta gente. También va a surgir el tema de la familia y de la maternidad en especial.

SIN PREJUICIOS

"No te enamores de mí" es una comedia atractiva, fresca y bastante creíble, nada prejuiciosa y que expresa con cierto desparpajo algunas conductas especialmente relacionadas con el sexo, de representantes juveniles actuales. Se trata de la opera prima de Federico Finkielstain, representante de la generación que "copa" la película y por eso tan conocedor del lenguaje de sus coetáneos. El nivel técnico es muy bueno, sobran algunos minutos en el desarrollo y es destacable la actuación de Julieta Ortega, Violeta Urtizberea y Anita Pauls, estas dos condensadoras de la cuota de humor del filme.

Bien el elenco masculino, Mercedes Oviedo es la seductora del grupo y hay un rostro y una frescura especial, la de Francisco Andrade, que puede rendir más de una sorpresa en próximas actuaciones. También en un breve papel, participa, con eficacia, Luisina Brando.

Dura necesidad de sobrevivir

El filme habla de la supervivencia. De la lucha por la vida, de la posibilidad de un hombre de convertirse casi en un animal con la sola esperanza de la permanencia. Aunque no hay demasiadas alusiones a espacios geográficos, sabemos que alguien es capturado en Afganistán por militares estadounidenses y enviado a Europa detenido. Hay un accidente y la libertad es un bosque nevado, la soledad y la posibilidad de sobrevivir a pesar de todo.

Con mucho de epopeya, una naturaleza implacable que trata sin quererlo, de tragar al que huye, se llame como se llame, sea o no Mohammad, talibán o quién haya huído, "Essential Killing" se convierte en casi una leyenda de lo que puede arriesgar el hombre en procura de la libertad.

ESTETICA EXQUISITA

Su director pertenece a la "aristocracia" de la intelectualidad polaca. Esos como Wajda, Zanussi o Munk que conmocionaron la pantalla dando una vuelta al cine del Este. Se trata de Jerzy Kawalerowicz, el gran director de "El Grito", el guionista de "El cuchillo bajo el agua", la recordada película de Polanski.

Como en la mayoría de los filmes del realizador polaco, su protagonista es alguien que no forma parte del sistema, algo así como un desclasado, un antihéroe, casi suspendido en medio de una naturaleza bella pero hostil.

Película de exquisita factura estética, cuidada banda sonora y la ausencia por parte de su protagonista de una voz que lo identifique. Sólo podemos rastrearlo por sus arrastres sobre la nieve, sus actitudes casi animales y la persistencia de su deseo de vivir. Película nada concesiva, austera, casi cruda, pero simbólicamente capaz de manifestar la ilimitada capacidad del hombre por continuar en la tierra. Excelente actuación de Vincent Gallo.

Los peligros del aislamiento

Una pareja joven y su bebé. La llegada a su futuro hogar, un lugar elegido en el medio del campo por el marido. No se habla mucho de las razones que los llevan allí, pero sin lugar a dudas, la necesidad de tranquilidad, la cercanía de la naturaleza.

Ya la llegada presagia angustia. Una noche de tormenta desatada, una casa vieja, fría, inhóspita. Los dioses en las épocas en que se preocupaban más de la gente, descargaban rayos, centellas y lluvias desorbitadas para indicar que el caos estaba presente. O sea que, más que un anticipo de angustia, el temporal revela algo ya presente que sólo el tiempo se ocupará de desarrollar.

Mientras Santiago defiende la elección del lugar, Elisa se angustia, no sólo por la casa que grita por mejoras, sino la soledad, la, para ella, amenazadora vecina que vaya a saber qué recuerdos le despierta. Un ruido en la noche, la desaparición momentánea de su pequeña, asume en Elisa proporciones fantasmáticas.

DOS MUNDOS

La película de Hernán Bellon logra transmitir a través de su drama íntimo toda la fuerza de la angustia y los primeros atisbos de falta de comunicación de una pareja joven. Las diferencias entre ambos sólo olvidables por el sexo, los quién sabe si imposibles acercamientos de dos mundos distintos son señales que, a pesar del final, apuntan a momentos límites de una relación de pareja, quién sabe si solucionables a través del tiempo. Las palabras de la vieja vecina son claves "es la vida". Sí, sólo se trata de vivir, y nada menos que vivir!. Se debe aprender a soportar, a conciliar, a olvidar, a resignarse y a vivir el momento, Santiago y Elisa no saben que todavía son demasiado jóvenes para tanta aventura.

Una fotografía de fascinantes contrastes, un sonido cortante y denso, la aridez de la naturaleza y la vieja casa en medio de la nada. Todo eso y dos actores sensibles, profundamente inmersos en sus personajes con la colaboración de una niña y una excelente actriz de carácter son elementos de un filme diferente.

Dos agentes un poco lunáticos

Aquí los protagonistas son Schmidt y Jenko. Dos tipos absolutamente diferentes. Mientras el primero es algo así como un "nerd", cobardón y prejuicioso; Jenko parece un Schwarzzenegger de la primera época, todo músculo y trompada fácil, campeón deportivo y locura de las chicas. Mientras Schmidt es bastante bueno en la secundaria, Jenko se queda siempre atrás y por contraste "no se pueden ver", aunque se conocen.

El tiempo pasa y se reencuentran en la Academia de policía. Allí hacen una suerte de pacto y hasta se vuelven "casi amigos", mientras uno ayuda en los exámenes escritos, el otro le cubre las espaldas y hasta le brinda algún empujón en los ejercicios de tiro y gimnasia.

TODO SE COMPLICA

Cuando ya se convierten en dupla y hasta hacen su primer procedimiento con unos traficantes de una plaza; la cosa se les complica por la tontería y el entusiasmo de Schmidt, que por la alegría de lo ocurrido, comienza a tirar tiros al aire en medio de la gente. El castigo: irán a 21 Jump Street a formar parte del escuadrón especial de infiltrados en una secundaria para capturar vendedores de droga. La única condición, hacerse pasar por adolescentes y convertirse en alumnos de colegio. La aventura está por empezar.

"Comando especial" es una divertida comedia, bien urdida y fundamentalmente con un grupo de buenos actores. Las duplas de hombre joven y hombre viejo, o de veterano y novato, donde uno hace las gracias y el otro le da pie para todo, se repite en ésta. Hubo en épocas lejanas una pareja cómica, con la que ésta tiene puntos de contacto. Se llamaron Abbott y Costello y lideraron la comedia de enredos de los "40. Reviendo algunas de sus producciones, reconoceremos similares recursos, especialmente entre Costello y Jonah Hill.

ENTRE DISPARATES

El filme abunda en disparates, persecuciones, malos entendidos, alusiones a las comedietas adolescentes y las "Locademias policiales". El punto crucial es la diferencia de épocas entre la que ellos cursaron secundario y la actual. En este mundo adolescente la discriminación es punible, la integración una necesidad y el ambientalismo un deber.

Película entretenida, simple, con buenos actores, especialmente Jonah y su amigo, Tatum, modelo de prestigiosas firmas en la vida real. Una curiosidad, hay cameos de los veteranos de la serie original como Johnny Depp y una escena final de alto impacto.

Es la chica de la fotografía

La guerra en Irak. Un dramático suceso que afecta la vida del infante de marina Thibaudt y el inesperado hallazgo de la fotografía de una mujer que en el reverso luce una maternal inscripción "cuídate", parece ayudarlo en la contienda, mientras le infunde más ganas de vivir. La vuelta al hogar de Logan incluye la promesa de buscar a la dueña de esa imagen, que el destino le puso en el camino.

El caso es que la chica aparece. Es la "cabeza" de un hogar de mascotas en Louisiana y vive con su pequeño hijo y la buena de Nana, en un ambiente atractivo en el que Logan Thibaudt se incorpora como empleado, sin decir nada de la fotografía que lo motivó a la búsqueda. Por supuesto que habrá romance, algunos obstáculos (un ex marido celoso), peligros inesperados y la bucólica vida de un lugar de campo.

BIEN CONTADA

La película del director Scott Hicks ("Shine") está basada en la novela "El hombre afortunado", de Nicholas Sparks, un escritor nacido en Nebraska cuyas novelas son sorprendentes best sellers, generadores a su vez de "best sellers filmicos" como "El diario de Noah".

"Cuando te encuentre" es una película entretenida y convencional. Nada sucede que no haya sido previsto. Está bien contada, formalmente no tiene objeciones. Tiene una pareja con buena química, el californiano Zac Efron, muy seguido por las adolescentes y la encantadora Taylor Schilling, animales del hogar, actriz madura recordada, Blythe Danner ("Alice" de Woody Allen), buena música y un simpático actor infantil. Hay romance, peligros momentáneos, momento inicial de guerra y la clásica historia rosa con gente joven y linda. Sí, es convencional y para pasar el rato, pero bien, con una sonrisa.

Un filme animado que nos testimonia

Se trata de cuatro cortos que reflejan la esencia mítica de Buenos Aires con el lápiz de notables artistas como Caloi, Carlos Nine, Pablo Rodríguez Jáuregui, Pablo y Florencia Faivre, ilustrados musicalmente por Rodolfo Mederos y Gustavo Mozzi.

La unión de los distintos episodios se da a través de una pareja de tango que vía stencil, como momentáneos grafitis, recorren los lugares característicos de la ciudad (Juan Pablo Zaramella, Mario Rulloni).

Si la magia tridimensional de "Meado por los perros" (y Florencia Faivre), inmortaliza en el barrio la figura del carnicero melancólico, una gloria del corte, desconcertado por el imprevisto supermercado que barre con clientes y vecinos; "Mi Buenos Aires herido" de Caloi y Verónica Ramírez, consagra al viejo bar y sus personajes de tango, alucinados por la Mujer soñada (tan similar a la Mulatona de pasado historietista). Y también al compadrito, simbióticamente aferrado al farol, como imposible fijación a un pasado que debe cambiar.

LOS PERSONAJES

Después vendrá el momento lírico de los chicos que habitan, para algunos, una ciudad enclaustrada ("Claustrópolis", de Pablo Rodríguez Jáuregui); libre para otros, capaces de volar con una pluma y un graffiti, montados en patineta. Magia compartida por los plásticos Maus, Cachimba, Silvia Lenardón y Flor Balestra. En cuanto al corto del maestro Carlos Nine y su hijo Luca, mezclará animación y personajes en vivo (Fontova), para recordar al malevo "Bu-Bu", que al morir evoca barrios y malevos, mientras aguafuertes se disuelven en el aire al compás de tangos devenidos monstruos incontrolables.

Filme mágico, entre plumines y risotadas, con parodias sangrientas y ternuras kitsch. Con el trazado grueso de los grabados iniciales que ilustraban las palabras de Ulrico Schmidl en sus observaciones sobre el país y evanescencias poéticas devenidas Sirenas, como la Mina del bar, con mucho de la Anita Ekberg de la pesadilla erótica de "Bocaccio 70".

Película con pasados míticos en un intento de fundirse con recurrencias modernas. "Anima Buenos Aires" expresa el alma contradictoria y vital de un espíritu ambiguo, pero amplio, capaz de contener su esencia de contradicción.

Fascinante aproximación a lápiz, tinta china o acuarela, de talentosos artistas argentinos, con el fondo de entrañable música de Buenos Aires.

El antihéroe está en apuros

Son los mismos creadores de "Pollitos en fuga" y "Wallace y Gromit", que disfrutáramos en televisión. Con personajes de arcilla, bellamente diseñados y una reconstrucción histórica concienzuda y humorística.

"Piratas! Una loca aventura" cuenta la historia de un verdadero antihéroe del mundo bucanero, un pobre pirata que nunca pudo lograr un éxito en su "carrera" y "muere" por ser consagrado como el "Pirata del año". El sueño de monedas de oro y una mujer como "La carnicera del Caribe", comehombres piratesca de dientes afilados, impetuosa y bella, no dejan de inquietarlo.

Cansado por las bromas de su colega Black Bellamy, sobre su viejo bergantín, que nunca pudo renovar y luego de frustrados asaltos a todo tipo de barcos piratas, desde "vegetarianos" y "apestados por la plaga" hasta "fantasmas", nuestro antihéroe pondrá rumbo a Londres, en busca de aventuras y el preciado oro, alentado por su tripulación y con la buena compañía de su perico Polly.

ESPECIE EXTINGUIDA

Lo que menos imagina el espectador es que en su viaje, el buen pirata Capitán, encontrará a Charles Darwin, al Hombre elefante y la reina Victoria y hasta su encantador perico adquirirá nobleza, al descubrir el prestigioso autor de "El origen de las especies", que el loro es un Dodo, especie extinguida muchos años atrás.

"Piratas!. Una loca aventura" es un relato animado, divertido, con diálogos inteligentes y personajes deliciosos. Entre ellos, el pirata Capitán y su fiel asistente Segundo, la tripulación que lo ama, el mono Darwin, algo así como el mayordomo de los clásicos ingleses; la regordeta Victoria y su secreta pasión por los platillos extravagantes, son constante motivo de risa.

A lo mencionado se suma una perfecta reconstrucción del Londres victoriano, con sus tabernas, sus castillos siniestros y hasta etéreos globos aerostáticos llevando a nuestros héroes a la aventura y raudos velocípedos, desfilando por las calles.

Es para adictos a los zombies

El origen de la saga centraba la acción en una casa de departamentos que debía ser aislada por un virus. Ese virus convertía a las víctimas en monstruos. Había mucho terror, mucha cámara en mano, desconcierto, tensión y suspenso.

"Rec 3. El comienzo" cambia la apuesta y por tanto el rumbo. En el comienzo se ve la fiesta de casamiento de una pareja joven. Muy actual, muy llena de parientes y amigos de los novios, con abuelos, madrinas, tíos, y amigos.

Una suerte de cuadro costumbrista, con el desafío de la ropa, el abigarramiento de los entretenimiento, filmaciones varias, animadores, proyecciones y novios que pugnan por destacarse de los demás.

Clara y Koldo se quieren, lograron su máximo deseo, estar juntos "ante Dios y los hombres", pero nunca imaginaron que una plaga de zombies los acechaba.

MOTOSIERRA EN MANO

El que ame zombies y gores varios, prepararse. Cargue mochila antitanque con escudo que lo proteja en el cine de lluvia de sangre y proyectiles humanos. Esta no es la "Rec" que conocimos: con mucha cámara en mano pero con cierta armonía en el caos. La actual es un aquelarre desorbitado, en el que se mezclan religión, aventura, chismerío de barrio, un romance que se mantiene más allá de la muerte y una nueva heroína que hará historia con sus ligas de encaje y motosierra brillante.

El filme da para todo, desde animadores infantiles que con sus técnicas infanto-juveniles conducen a perseguidos temerosos y parientes que no te buscan para darte un beso, sino para comerte (con un beso). Todo es posible, defensoras atrincheradas en iglesias anti-zombies, hasta desenfrenada banda sonora ochentista.

Mezcla de cine negro, melodrama romántico y freaks de pacotilla, "Rec 3. El comienzo" desborda cualquier límite, nunca aburre y puede ser disfrutada por seguidores obsesivos de "gores" extremos que puedan tolerar también chistes bobos y humor negro.

Los últimos minutos no tienen desperdicio y allí se une el cine almodovariano en su pasión extrema y un Schwarzenegger quijotesco, que dispara a la fama a una actriz como Leticia Dolera.

Johnny Depp, nuevo periodista

Esta es la versión cinematográfica de "El diario del ron", de Hunter S. Thompson. Thompson es un representante del llamado "Nuevo periodismo", movimiento innovador comparado con Thomas Wolfe, que lograra estremecer con su relato de "Los Angeles del infierno", por la fuerza de su palabra, generadora de una vibrante realidad.

Aquí se cuentan las aventuras de Paul Kem, un periodista medio anarco, con fiebre de alcohol y motines, hundido en la Puerto Rico de los años "50, en una nube de palmeras tropicales, fiestas non sanctas y negocios corruptos.
Paul Kem no desdeña el caos ni los desafíos y trata de levantar un diario en tren de extinción para el que comienza a trabajar, pero no se fija en que los líos pueden venir de la bella novia de sus nuevos conocidos, o de los hoteles de ensueño en islas maravillosas, que pueden hundirse ante el primer temporal isleño.

A MEDIO CAMINO

Problemas políticos, deseos de justicia a medio camino y una historia empapada de alcohol, que no levanta demasiado los ánimos, ni siquiera de sus integrantes, es lo que propone este filme dirigido por Bruce Robinson.

"Diario de un seductor" (¿por qué un título tan poco imaginativo?) no tiene un guión a la altura de la novela original, utiliza sí los recursos de la novela negra y sus ingredientes, aprovecha las bellezas de la isla y la contundencia actoral de Johnny Depp, acompañado por una troupe de excelentes actores como Giovanni Ribisi, el compañero de pieza tan "cargado como él", el negociante Saderman (Aaron Eckhart) y Richard Jenkins, como el editor. También está Amber Heard, la rubia de Playboy.

Algunos problemas políticos (todo a media máquina), buen humor displicente e ingenuo, música efervescente y un relato sin sobresaltos, es lo que propone esta nueva producción estadounidense.

Un drama sin un arreglo real

La opera prima de Rodolfo Carnevale trata sobre una situación de quebrantamiento familiar, motivada por un trastorno de la hija mayor de veintiséis años, a la que su madre se niega a internar. La chica es autista.
El autismo genera problemas de socialización y comunicación que afectan a los que lo rodean y enrarece el entorno educativo, familiar y la vida cotidiana en general.

El problema se da especialmente cuando Alejo, el hermano menor, más allá de los problemas que a veces sufre con Pilar, se ve afectado por sus compañeros de escuela, que no entienden y se burlan de los problemas de su hermana.

La madre deberá decidir el alejamiento de la hija mayor y la primera internación traerá más problemas para la familia.

El director, que es hermano de un joven autista, se propuso hacer conocer una enfermedad no popularizada por los medios y que recién en los años ochenta comienza a difundirse entre el público en general.

SIN EFECTISMO

La película está cuidada estéticamente y los distintos problemas de discapacidad son presentados en forma respetuosa, eludiendo todo tipo de efectismo, sin generar golpes bajos.

"El pozo" aborda la problemática de la discriminación por falta de conocimiento, el entorno escolar y cómo la escuela puede ayudar en una situación límite; así como ciertos problemas que se desencadenan ante la concurrencia en lugares de internación. Un equipo actoral de primer nivel se desenvuelve con naturalidad y eficacia. Desde la familia interpretada por Patricia Palmer, Eduardo Blanco, con el pequeño Túpac Larriera, hasta la amiga de la familia con un hijo afectado de un problema similar, papel a cargo de Adriana Aizemberg, pasando por las profesionales encarnadas por Dora Baret y Noemí Pons.

Pero los que, realmente, se llevan todos los elogios son Ana Fontán como la chica autista y su amigo encarnado por Ezequiel Rodríguez, dos revelaciones de interesante futuro.

Buen inicio profesional de Rodolfo Carnevale en un tipo de cine tradicional, de contenido social.

El encanto español mudado a París

Estas mujeres a las que alude el título son empleadas domésticas españolas que ejercen su oficio en la París de los años 60. Nada las acerca a las psicópatas que presentaba Chabrol en "La ceremonia", la muy decidida Dora, la criada de "Cama adentro" o las mucamas de la reciente "Historias cruzadas" de Tate Taylor. Nada que ver estas señoras con sojuzgamientos, diferencias sociales o locuras definitivas.

Ellas son simplemente amas de casa víctimas de los coletazos del Plan de estabilización de la España de los "60, sometidas a los problemas económicos que las lleva a buscar trabajo en Francia para ayudar a mantener la casa natal, mientras se acomodan al frío ambiental y la racionalidad gala, tan lejana al espíritu hispano.

Los protagonistas de la historia son un economista y la nueva chica de servicio, rodeados de un grupo de ruidosas "paisanas". La atractiva españolita es sobrina de una de las domésticas que, llegadas de España hace tiempo, viven juntas alquilando los altos de la casa del pequeño financista.

La llegada de la joven será el desencadenante de la toma de conciencia del bueno de Jean Louis Joubert, que hasta ahora sólo veía por los ojos de su superficial esposa, sus circunspectos compañeros de trabajo y sus malhumorados hijos. El mundo parece tomar color a partir de la irrupción de las salerosas señoras del sexto piso.

LA TERNURA

El director Philippe Le Guay se inspiró para hacer la historia en su realidad. No sólo su padre es un conocido ejecutivo (agente de cambios), sino que fue criado en su infancia por una señora española de nombre Lourdes con la que pasaba, según comenta "más tiempo que con su propia madre".

"Las mujeres del 6º piso" está muy bien contada y tiene todos los ingredientes que gustan al público en general, romance, un poco de intriga, bulerías, humor, buena música y mucha ternura.

Sí, es una película para todos. Tiene encanto a pesar de cierto esquematismo en los caracteres y la previsibilidad del final. Pero lo importante es que llega al espíritu directamente, con humanidad y personajes profundamente creíbles.

Personajes muy logrado, como el que interpreta Fabrice Lucini, un señor contenido y con libertad de espíritu, la tía representada por Carmen Maura, un manojo de simpatía y espíritu de pueblo, muy leal a sus compinches, Lola Dueñas, Berta Ojea, Concha Galán y la encantadora Natalia Verbeke.

Con un espíritu adolescente

Hace casi trece años estos inmaduros de hoy eran adolescentes, imagínense cómo serían. El que no vió las tres entregas anteriores de la saga, no tiene que oprimirse demasiado el cerebro para imaginarlos. Están todos, la barra de East Great Falls en pleno. No se han visto desde hace tiempo, pero la convocatoria del Instituto donde estudiaban los reúne.

Los chicos que no querían recibirse sin experiencia sexual, han "casi" sentado cabeza. Algunos como Oz lograron éxito en la profesión que le gustaba, periodista especializado en deportes. Jim se casó con Michelle, que en un momento sólo hablaba de los campamentos musicales. En cuanto a Kevin, parece bastante feliz con la novia y una fórmula ideal para tener la relación en paz.

NUEVOS ROMANCES

De Stifler no se puede decir nada, porque se quedó en el tiempo. Sin escarbar demasiado, la obsesión sexual se mantiene prácticamente en todos. Ya sea en las insatisfacciones del matrimonio de Jim y Michelle, las búsquedas ridículas de Stiffler o ciertas dudas de Kevin. Además está el padre de Jim, viudo que todos se empeñan en "colocar".

Por supuesto que habrá nuevos-viejos romances con la reaparición de Heather, el amor imposible de uno de ellos o la "famosa" madre de Stifler, nunca olvidada por uno de sus adolescentes admiradores.

"American pie: el reencuentro" es lo que era, una comedia de enredos, de equivocaciones y malos entendidos. Sus protagonistas creen tener diecisiete en algún momento y sufren y se torturan como chicos. El sexo sigue siendo fundamental, más aggiornado por la web, o las nuevas reuniones sociales. El asunto es que antes los amigos tenían el encanto de la adolescencia y ahora lo escatológico se alivianó un poco, pero sigue teniendo el papel principal.

La película es una comedia con personajes fijados regresivamente en obsesiones sexuales no resueltas. Hay humor y buenas actuaciones de Jason Biggs y Alyson Hannigan.

Un logrado producto policial

Sol y Martín son pareja. También músicos. El con formación clásica, ella con aspiraciones de vocalista. Una banda de rock es su sueño. No están en su mejor momento. Las cosas no salen como quieren y como animan fiestas y lo que venga, no siempre los toman en serio y Sol estalla. Martín se desespera porque su chica se impacienta y el dinero no entra. Para colmo, no puede retirar su piano hasta que pague al afinador.

Así están dadas las cosas cuando Sol se entera de su embarazo y eso complica la posibilidad de un futuro contrato. Mientras ella oculta la noticia y Martín se desilusiona porque la beca que esperaba no se da, un extraño acontecimiento los comienza a preocupar. El vecino del piso de arriba ha desaparecido. La historia va a complicarse cuando Sol, metida a investigadora amateur, indague un poco más en lo que pasó.

TINTE ROMANTICO

"Extraños en la noche" es una liviana comedia de tinte romántico, con algunos detalles policiales. Vaudevillesco y abundante en equívocos el filme se propone simplemente entretener con algunos enredos y un argumento que pierde un poco su efecto en el final, cuando se cuentan momentos que podrían haber tenido un desarrollo.

La película tiene un buen nivel técnico y su fuerte está en la actuación de la pareja protagónica integrada por Diego Torres y Julieta Zylberberg. Quien sale especialmente airosa es Julieta, la misma joven actriz de "La mirada cautiva", donde llamó la atención por sus cualidades dramáticas.

Aquí se revela como una excelente comediante y da un buen pie a Diego Torres, que con su simpatía y buena onda avanza en un género para el que puede estar especialmente dotado si le dedica tiempo y esfuerzo. Tamibén aparecen un productor -Fabián Vena-, Laura Conforte como Mechi, la ex novia del protagonista y Betiana Blum y Daniel Rabinovich, los padres de Martin.

Angustiante tema de una madre

Eva y Franklin. Ella, es editora y redactora de guías de viaje; él, fotógrafo. Se quisieron de adultos, quién sabe si para estar más seguros. Y lo tuvieron a Kevin. Después, no más trabajo para ella y meterse en el mundo del bebé, para protegerlo, para cuidarlo. Casi sola, porque Franklin trabaja por los dos. Y Kevin llora que te llora, almacena palabras sin largarlas haciendo dudar sobre si puede hacerlo. Parece no llevarse bien con su madre.

Y vive para mortificarla, para enfrentarse con ella. Ya adolescente, nos enteramos, provocó una tragedia, algo que nadie pudo esperar, pero que ocurrió. Después vendrá la culpa. No en ese chico de mirada inquietante, en ella, en Eva, la madre que se pregunta: ¿Por qué?.

Y nadie puede explicar ¿qué pasó?, el por qué pasó lo que pasó, eso que hace a Eva blanco de castigos y venganzas para toda la vida.

LA DAMA PUNK

Tenemos que hablar de Kevin está basada en el libro de la escritora Lionel Shriver, nombre adoptado por Margaret Ann Shriver, hija de un ministro de la Iglesia (el tema de la culpa no viene solo) y contó con el guión de la singular directora Lynne Ramsay y su marido. El pasaje de la estructura epistolar de la novela a la simbiosis de color y sonido en que se transforma en el cine, genera el particular estilo que Lynne Ramsay elige para representar la estructura mental de la protagonista. Y es un hallazgo que habla de la experimentalidad y audacia de esta escocesa que no por nada es denominada por los jóvenes como la dama punk del cine.

Filme intenso que enfoca la estructura familiar y su funcionamiento, de temas tabús como la noción de maternidad no aceptada y de los fracasos en la educación ante casos límites, "Tenemos que hablar de Kevin" más que plantear situaciones, instala preguntas, si esto puede ocurrir y si las relaciones patológicas tienen posibilidad de reversión.

Lírica, aguda y absolutamemente original, la película pone en la mira el nombre de una directora notable, Lynne Ramsay, los de gente ya conocidas por el público argentino como Tilda Swinton en una performance excepcional, dos desconocidos de gran futuro, el adolescente Ezra Miller, músico y cantante y el niño Jasper Newell.

Reiterados secretos de familia

Teresa, Amanda y Ema se encontraron brevemente a lo largo del tiempo. Quizás nunca pudieron reflexionar sobre eso tan denso y definitivo como son los vínculos familiares. Ahora una situación límite las reúne. La muerte reciente de su madre. Hay una casa, hay necesidades de alguna de ellas que pasa por lo material, pero también hay otras necesidades que no se dicen y se enfrentan a las económicas.

LA INFANCIA

La necesidad de vender la casa de una de las tres convoca a las restantes. Una, residente del lugar desde la infancia, la otra recién venida del exterior donde está establecida y la tercera simbióticamente unida a la casa, la hija menor dispuesta a no dejar cortar el cordón umbilical de cemento que todavía la une a la madre.

"Nosotras sin mamá" marca el debut como directora de Eugenia Sueiro, relacionada con el cine desde hace once años como directora de arte y ambientadora.

Su mirada sobre el conflicto es conciliadora, a pesar de que el problema a resolver es complejo. Ni las pequeñas luchas fraternales, ni el entrecruzamiento de sentimientos, ni los odios y amores que sobrevuelan el panorama familiar, son tan terribles como para que sus personajes abandonen la humanidad, las dudas, los traspiés que la conducta individual supone. Cine psicológico, de pequeños sentimientos y detalles, de imperfecciones y deseos de explicar lo inexplicable.

LOS RECUERDOS

A diferencia de "Casa tomada" de Julio Cortázar, esta casa descuidada, pero generadora de recuerdos y de infancias perdidas, parece no intentar expulsarlas a diferencia de un exterior hostil, donde las piedras tiradas por vecinos insoportables, se conjugan con rematadores convocados que son echados de cualquier manera.

Teatral y densa pero con humor, el filme aprisiona identidades y las recluye en la casa del conflicto. Como si las hermanas dudaran entre recluirse en el seno materno de cemento con olor a humedad, condenadas al recuerdo y al reciclado de la infancia, o salir al exterior, definitivamente expuestas al peligro de lo desconocido.

Un guión apretado y firme, como el blanco y negro que reafirma la solidez y la actuación de tres importantes actrices, Eugenia Guerty de la muy reciente "La suerte en sus manos", Vanesa Weinberg, aquella integrante de las "Hermanas nervio", del under de los ochenta y Nora Zinski, un rostro poco aprovechado en el cine argentino.

Una madrastra bonita, pero malvada

La más conocida de las historias de Blancanieves es la de los hermanos Grimm, que se habrían inspirado en la historia real de una familia adinerada de Lohn en la Franconia alemana, donde la llamada Blancanieves tenía por nombre real Maria Sophia y sufrió un intento de asesinato por su madrastra, que quería favorecer a hijos de un matrimonio anterior. Los Grimm agregaron elementos de ficción que no eran tan ficticios, porque hasta el famoso espejo de la madrastra, en la que ella se admiraba subsiste en una casona que oficia de museo.

Pero hoy las trasposiciones son muchas y variadas. Y ésta, creada por el realizador indio Tarsem Singh, tiene mucho del espíritu de la original y a la vez incluye un tono decididamente contemporáneo.

LA REINA COQUETA

En este caso, la reina, casada con el padre de Blancanieves, narra la historia en el comienzo. Ella es muy coqueta, tiene la costumbre de tomar el espejo y hablar sobre su belleza y abusa de ungüentos especiales para mantenerse bella y no envejecer. Como su esposo, al que no quería demasiado aunque sí su dinero, desapareció se concentra en su hijastra que está mostrando una singular belleza e inteligencia y puede ser un peligro en su ambiciosa carrera como heredera. Por eso la envía matar.

Blancanieves ama la libertad y se escapa, compadece al pueblo explotado por la madrastra que vive para aumentar los impuestos y refugiada con un grupo de enanos que tratan de sobrevivir, se convierte en su líder y en la posible candidata a un apuesto príncipe que aparece en el reino.

UN LUJO VISUAL

El filme de este director indio afincado en Estados Unidos, graduado en negocios en Harvard, pero también en diseño tiene, precisamente un exquisito diseño de producción. Desde la bella fotografía hasta las locaciones (fue filmada en Canadá) pasando por el increíble vestuario de la prestigiosa diseñadora japonesa, Eiko Ishioka, recientemente desaparecida, todo contribuye a un regalo visual inolvidable. La Corte de la Madrastra, los trajes de Julia Roberts (eterna "Mujer bonita") y de la deliciosa Lily Collins con toques del Mikado, el interior palaciego y las fiestas en exteriores son un verdadero paraíso estético.

Dinámica en la acción, con un guión atractivo que favorece lo ambiental, los buenos sentimientos, el valor de la libertad y la cooperación con el otro, "Espejito, espejito" merece verse. Julia Robert, estupenda en su papel, con una cuota de humor bien aprovechada por la producción, una revelación la adolescente Lily Collins, hija en la vida real de Phil Collins (Génesis). El príncipe un poco bobo pero atractivo y el bueno de Nathan Lane haciendo de ayudante de la reina en las buenas y las malas.

Un reencuentro para nada esperado

Uriel intenta rehacer su vida, ya cumplió los cuarenta años y ha pasado poco tiempo de su divorcio. Es empleado de la financiera famiiar, le gusta el póker, las mujeres y decir mentiras no demasiado importantes. Parece que nunca creció y estuvo cómodo hasta ahora que algo le está molestando.

Gloria, un poco menor que Uriel, tampoco está muy contenta con su vida. Al borde de terminar una relación que no va para atrás ni para adelante, llegó de España y nota que las relaciones afectivas no son su fuerte y en su casa, en su ausencia, nada cambió, sigue teniendo la madre sabelotodo a la que el hogar no le interesa demasiado y parece preferir hacer una entrevista a un escritor conocido que hablar con su única hija.

LOS ANTIHEROES

Uriel y Gloria fueron novios en una época, tenían mucha "piel" como decían, pero el asunto era entenderse hablando, proyectando, ahí empezaron los problemas. Pasaron los años, los dos ganaron en experiencia y ahora se encontraron. De casualidad y en Rosario, ¿valdrá la pena intentarlo?

Nuevamente Daniel Burman ("El abrazo partido", "Dos hermanos") y sus pequeños personajes de la calle, urbanos, dubitativos, esta vez no tan concentrados en disquisiciones judaicas, como en otras películas (sólo alguna duda sobre el derecho que puede tener un rabino de dedicarse a juegos de azar) y simplemente presentando a sus antihéroes en el intento de madurar un poco.

Todo es muy simple, poco elaborado, bastante plano. Los caracteres de cada uno de los personajes los define de un plumazo y no presenta ningún conflicto particular, salvo el de vivir, nada más y nada menos. Ese vivir, no es tan fácil como jugar póker, ya que uno conoce las reglas básicas y sólo le falta ver la jugada y elegir la carta correspondiente.

ENTRE RABINOS

Como otra historia dentro de la historia, el pasado feliz representado por la Trova Rosarina, de la que él dice ser representante con una de sus habituales mentiras (afán de figurar, necesidad de asociarse a un recuerdo querido y famoso) y que dará un alegre broche cuando se la homenajee y se asista al recital de Juan Carlos Baglietto, Silvina Garré, Rubén Goldin y Adrián Abonizio con los Azmuts, un grupo musical de judíos ortodoxos que en la película son llamados "Los rabinos de la nada".

"La suerte en tus manos" es una película bien narrada, para pasar un rato agradable viéndola, con una buena interpretación del cantante Jorge Drexler, con mucho de Daniel Hendler, el actor fetiche de Burman. Junto a él, la muy profesional Valeria Bertucelli, Norma Aleandro, Salo Pasik y el debutante Gabriel Schultz, como el amigo de Uriel. También aparece Luis Brandoni, en el papel del médico de la familia.

Recio amor por la naturaleza

Se trata de una película de animación en 3D, basada en un cuento que escribiera en 1971 el californiano Theodor Seuss Geisel, mejor conocido como Dr. Seuss.

Una pequeña ciudad donde la naturaleza no existe. En ella ni las flores, ni los árboles son naturales. Todo es de los materiales más variados. Ted vive en el lugar con su madre y su abuela y está enamorado de su vecina, Audrey, una alegre pelirroja de unos doce años como él, ésa que lo pone en apuros cuando dice estar obsesionada con tener un árbol natural. Quién se lo traiga, asegura, será receptor de todo su amor.

Y así Ted se lanza a la aventura con la ayuda de su abuela que lo orienta en la tarea. En moto, cruza los límites de la ciudad y se encuentra con un territorio desértico y extraños personajes. Lorax, una especie de enano del bosque decidido a proteger el espíritu de la tierra y un misterioso señor Once Lear que le cuenta una dramática historia que revaloriza la necesidad de proteger el medio ambiente y la necesidad de que la naturaleza, nuevamente, forme parte de la tierra.

AIRE EMBOTELLADO

Ted, que se enfrenta a un gobernante especulador que vende aire puro en botellitas, mientras mantiene una ciudad "artificial", decide transmitir el mensaje ambiental a los ciudadanos.

El filme de Chris Renaud y Kyle Balda, orignales creadores de "Mi villano favorito" readaptan el cuento del escritor y construyen un mundo maravilloso de pequeños animales en colores pastel y dan un tinte naif no sólo a la historia, que se simplifica, sino a los pequeños personajes, una fauna de jugetes como peces caminadores, ositos sonrientes, conejos encantadores y el mismo Lorax, mezcla de enamo de jardín y morsa acaramelada.

Película destinada por la forma a los más chiquitos, con mensaje ecológico y muñecos listos para formar parte del futuro merchandising de la película, "El Lorax..." toma el formato de un musical con ciertos puntos de contacto con un clásico, "El mago de Oz". Algunas divertidas canciones y ese delicioso bestiario que recuerda los duendecillos del animé japonés, componen una puesta sencilla y con buen ritmo.

Unas relaciones muy complejas

Basada en una novela de John Kerr y la obra teatral de Christopher Hampton (el mismo de "Las relaciones peligrosas"), el filme de Cronemberg trata sobre la relación entre dos personalidades del psicoanálisis, Carl Gustav Jung y Sigmund Freud, discípulo y maestro respectivamente y la tercera en discordia, Sabina Spielrein, una inteligente joven rusa, que llega a la clínica de Zurich, en la que vive el profesor Jung, recién iniciado en su profesión.

Acompañado por su esposa, una rica aristócrata suiza, culta y bella, Jung aplica "la cura por el habla o por la palabra", de raíz freudiana en el tratamiento de la histeria de Sabina, que en el futuro se convertiría en una notable psiquiatra y en la amante de su médico.

RELACION EDIPICA

Mientras en la película, la edípica relación Freud-Jung se centra en la disidencia respecto de la importancia que da el autor de "La interpretación de los sueños" a lo sexual en el origen de ciertos trastornos mentales y la particular molestia que le causa ver a su discípulo liberado de todo compromiso económico, gracias a la fortuna de que puede disponer; el terceto Jung- Sabina-Freud se mantiene en un delicado equilibrio de pasión entre los dos primeros y amistad profesional en la dupla Freud-Sabina. Aclaremos que la óptica es la del autor de las obras en las que está basada la película.

Esta es una película de David Cronenberg ("Crash", "Almuerzo desnudo"). Pero no parece de Cronenberg. Vuelve a darse lo que pasó con el Polanski de "Un dios salvaje", todo se asordina y salvo el comienzo, rezuma elegancia, buenos modales y diálogos inteligentes.

PATOLOGIA

La primera escena con la llegada de la chica en pleno ataque histérico una tarde de 1904, preanuncia, por la dureza de la situación, un aquelarre tipo Ken Russell en "Los demonios", pero no, sólo parece quedar la escuela interpretativa de Vanessa Redgrave, modelo bastante similar al tomado por Keira Knightley para desarrollar dramáticamente su patología.

El resto del filme exhibe un cuidado diseño de producción, exquisito, diálogos muy cerebrales y un grupo interpretativo de primer nivel. Mortensen como Freud, impecable en su contemplativa composición y el ascendente Fassbender, igualmente contenido, bien lejos de su patética "Shame", de próximo estreno.

Keira Knightley desplegando una actuación física bastante complicada, junto a Vincent Cassel, como salido de una novela del Marqués de Sade y Sarah Gadon en la bien educada Emma Jung. En síntesis, una película inteligente, bella, con la precisión helvética y cierta frialdad alpina.

Una mitología en decadencia

El asunto empezó en 1981 cuando apareció la primera "Furia de titanes", con un productor y a la vez notable creador de efectos especiales llamado Ray Harryhausen. Se hablaba del mito de Perseo, la lucha con Medusa para salvar una ciudad y el rescate de Andrómeda. Tenía un equipo increíble encabezado por Lawrence Olivier y recaudó millones.

En la película, los héroes mitológicos lo eran en todo sentido y sus aventuras sólo podían estar encabezadas por supercampeones del Olimpo, como los que presentaba el director Delmer Davis.

En 2010 hubo una exitosa remake y ahora ésta que baja un poco de categoría a los dioses, los banaliza un tanto y eso sí, aprovecha el asunto monstruos para poblar los cielos de caballos voladores, cíclopes, lagartos gigantes y dientudos varios.

UN NUEVO PERSEO

La historia de este semidiós, que intenta ayudar a su padre, el gran Zeus, víctima de un secuestro siendo el mismo apresado como rehén, delitos entre dioses y semidioses, es el tema central de la narración cinematográfica.

En esta versión, la guerra se expande, la paz no parece ser virtud deica y el pobre Perseo tiene que dejar su retiro de pescador para involucrarse en la lucha del Bien contra el Mal. Los que amaron a Perseo a través de Ovidio, Vasari, o los frescos pompeyanos, abstenerse.

Esta "Furia de titanes 2" sólo se destaca por los increíbles efectos especiales, la mitología no es respetada, los dioses ya no son los que eran y lo único que se mantiene a tono es la línea de monstruos que, eso sí, merecen todos los respetos por lo feos, agresivos y bien logrados.

En síntesis, la película sólo es rescatable por la acción constante y sus efectos especiales y las aceptables actuaciones de Sam Worthington (Perseo) y Rosamund Pike (Andrómeda). Aunque parezca mentira, ya está rodándose una próxima "Furia de titanes" y la taquilla sigue inclinándose a favor.

Una entretenida comedia negra

Pocas veces un sargento tan racista, poco elegante, tan singular como este irlandés llamado Gerry Boyle que ejerce su oficio en Galway, que es más irlandés que Oscar Wilde y que nunca se sabe si habla en serio o en broma, si critica o reflexiona en voz alta. El está convencido que ese pueblo es su lugar, que los ingleses son un mal necesario y su madre la única persona del sexo opuesto a la que fue fiel de por vida.

Cuando llegue el representante del FBI, tras un cargamento millonario de drogas a desembarcar en la zona, Gerry (inolvidable Brendan Gleeson) no podrá soportar al policía graduado en Yale (Don Cheadle), negro, inteligente y para colmo de familia acomodada. Sin embargo, la dupla logrará cierta afinidad en los opuestos, quizás porque cada uno tiene lo que le falta al otro y los dos intuyen que lo que vendrá puede cambiar la identidad de cada uno.

TRAFICANTES

"El guardia" es una pequeña joya excéntrica con un guión inteligente y pleno de humor, actores sobresalientes y esa atmósfera libre e independiente que la hace girar como una ronda y enganchar una batería de estrafalarios, representantes de la mafia británica, donde psicópatas y traficantes opinan de Schopenhauer, ironizan sobre Friedrich Nietzsche, mientras acumulan cocaína y despanzurran pobres policías con problema de género.

Diálogos ácidos, algunos muy localistas pero inteligentes, componen esta comedia negra que recuerda "Escondidos en Brujas", película dirigida por el hermano de este joven director anglo-irlandés de apellido McDonagh.

Sátira a las películas policiales, con algo de "El quinteto de la muerte" y la vieja escuela inglesa de policiales, "El guardia" plantea temas como la corrupción policial, la preeminencia del olfato veterano de un viejo policía sobre el racional y lógico de un universitario y el valor de la acción. Con una estupenda selección musical, escenas inolvidables como esa de segundos del sargento y su madre (Fionnula Flanagan) o las que oscilan entre lo trágico y lo cómico (ejecución en el barco), "El guardia", es el tipo de películas de pequeños personajes capaces de crecer y ser recordados con una sonrisa.

Un ‘thriller’ de alto impacto

Las cosas parece que se dilatan para Matt Weston, un novato agente de la CIA. Hace rato que está varado en ciudad del Cabo y por ahora esta inactividad lo está enfermando. Está bien que se enamoró de la francesita Annette, estudiante de medicina, pero no parece gustarle demasiado tener que ocultar su oficio. Cuando no
parecía pasar nada, el asunto se dispara y le toca vérselas con el enemigo público número uno, un ex agente de la CIA, el tal Tobin Frost, que se declaró en rebeldía y anda vendiendo secretos de Estado a diestra y siniestra.

UNA MONTAÑA RUSA

Matt Weston no sabe lo que se le viene. Nada ocurrirá como él piensa, la heroica y temeraria misión que le encomendaron no será tan brillante ni satisfactoria como pensaba, el mundo girará distinto cuando hable con Tobin Frost y vaya muriendo mucha gente en el camino.

Se sugiere al espectador hacerse a la idea de que va a subir a una montaña rusa. Por lo tanto, ajustarse bien el cinturón y largarse a una serie de peripecias más relacionadas con un tren desbocado que con el previsible tema del espionaje-contraespionaje.

Una alocada cámara en mano obligará a virajes violentos, peleas sangrientas, ’submarinos’ en la mejor tradición
‘tortura en acción’, estallará gente en pedazos, volarán autos por el aire y aparecerán personajes latinoamericanos como este Carlos Villar, al que el creador de ‘Pepe Navaja’ y ‘Tiburón’, Rubén Blades
le da un marco creíble.

Este director-sueco chileno Daniel Espinosa parece tener un Master en filmes de acción, porque tiene un sentido del ritmo increíble, maneja muy bien las tensiones y el suspenso parece formar parte de sus virtudes.

LOS CONTENIDOS

Claro que ciertos atisbos de contenidos en cuanto a guión parecen querer salirse un poco de los esquemas habituales, pero el guionista parece arrepentirse y no se larga en picada como lo hace formalmente el director.

La dupla clásica ‘pareja despareja’, joven maduro, ingenuo-veterano, funciona bien entre el estupendo
Denzel Washington y el chico canadiense Ryan Reynolds. Los de la CIA, Vera Farmiga y Brendan Gleeson, también se complementan, pero no aportan demasiado, sí está muy bien Rubén Blades.

Excelente diseño de producción, espectacular fotografía con planos recordables de rutas sudafricanas y atractiva la música.

Duro regreso a la esclavitud

La escritora Suzanne Collins era muy conocida entre el público infantil por sus guiones televisivos y la saga "Las crónicas de las tierras bajas", hasta que llegó en 2008 la novela de ciencia ficción "Los juegos del hambre", comienzo de una trilogía cuya segunda y tercera parte fueron igualmente exitosas. Su pasaje al cine y haber encontrado el director justo aseguran un éxito cinematográfico tan sólido como el literario.

Ubicada en un futuro no demasiado lejano, "Los juegos del hambre", gira acerca de un lugar que se llamó Estados Unidos, ahora denominado Pánem, que sometido a todo tipo de desastres, atraviesa un momento de esclavitud bajo el poder de un Capitolio, integrado por doce distritos, sometidos a la servidumbre.

Un gobierno dictatorial ha determinado cada año un rito por el que, cada distrito elige un varón y una mujer adolescentes para protagonizar un show transmitido a todo el país en el que veinticuatro jóvenes (Tributos) compiten y luchan entre ellos hasta que sobreviva el más apto. Esto implica beneficios para el distrito al representan

Katniss Everdeen, una adolescente, suerte de fuerza en un hogar donde falta la figura paterna, logra sustentos adicionales cazando ilegalmente por zonas no permitidas de su distrito. Durante el rito de elección en el que es seleccionada su hermana menor para formar parte de la temida ceremonia, se ofrece como voluntaria, tratando de protegerla. Junto con el hijo del panadero, su vecino y oculto admirador, serán los representantes de la Sección 12.

CON BUEN DISEÑO

El filme tiene fuerza y suspenso y un espectacular diseño de producción. En forma de metáfora, se alude a una sociedad reducida a la esclavitud por una minoría bastante inferior, donde la independencia y la libertad son un peligro que debe neutralizarse. Lo exterior, el espectáculo, será la clave para una temporaria salvación; el show, la neutralización de lo individual, el romance, la excusa para el final feliz.

La joven Jennifer Lawrence, la misma de "Lazos de sangre", reitera aquella fabulosa saga de la chica de las montañas Ozak, en esta suerte de "Truman Show" tan parecido a "American Idol". Verdadero eje de una película un tanto extensa, muestra una vez más esa mezcla de aspereza y obstinación que caracteriza su personaje y logra convertirse en el punto fuerte del relato.

Un héroe bastante confundido

La factoría Marvel se caracterizó por la imaginación de una variedad de personajes, desde "Capitán América", pasando por "Los cuatro magníficos", o el "Hombre Araña". Compañía creada en 1939, abasteció especialmente el mundo de la historieta, hasta la reciente época en que la compañía Disney la compró.

Pero estas son otras épocas y los héroes, o superhéroes salen medio torcidos como este "motorista fantasma" llamado Johnny Blaze, que por intentar salvar al padre tuvo la idea de pactar con el Diablo como si fuera el señor de la vuelta de casa.

Así perdió su alma y se transformó en algo así como un marginal que anda a la buena de Dios, torturado y conflictivo, cumpliendo las tareas que se le encomiendan.

Si Peter Fonda era su Mefistófeles hace cinco años en el primer filme de la serie, ahora, más acorde con la modernidad, el Diablo tiene la cara del señor Dumbledore, el mismo de Harry Potter.

LOS MONJES

Esta vez el torturado Johnny Blaze es reclutado por unos monjes de la Orden de Miguel Angel, que viven en Europa del Este, para proteger al hijo del Diablo que tuvo un affaire con una rusa (también los países se ponen de moda).

Luego de una impactante escena de superacción en el comienzo (lo mejor de la película), ubicada en ámbitos eclesiásticos, monasterio en escarpada montaña mediante y donde conocemos a la bella rusa y su hijo, el filme comienza a irse en picada.

El libreto va para cualquier lado, la presencia del Motorista Fantasma con su cuerpo y su moto incendiados y esa carota-calavera mecánicamente movible, siempre al borde de la histeria, no alcanza a superar la categoría del ridículo y lo único rescatable son las locaciones (Rumania, Turquía) o los efectos especiales.

La narración hace agua, Nicolas Cage sobreactúa y ríe. Roaroarke, el demonio de turno, mantiene una buena máscara y la rusa, hija en la vida real de Michele Placido, hace lo que puede para mantener una actuación decorosa ante tanto descalabro. El diseño de producción es aceptable.

Dos agentes de la CIA están prendados de la misma chica

Es un filme con buen diseño de producción, correcto timing, pero ninguna originalidad. Todo es previsible, los clisés del género abundan y se quiere aunar romance y acción en una liviana producción con atractivos actores.

Ella es Lauren, una joven con un buen empleo de testeo de productos, soltera y con ganas de entrar en romances más serios. Ellos, Tuck y Frank, sí, porque son dos, integrantes de la CIA, jóvenes y lindos, y también con ganas de encontrar una relación más perdurable. Aunque uno, el bueno de Tuck lo intenta por segunda vez, relación que le dejó un chico y una ex mujer.

Los dos recurren a un "solos y solas" de la web, por supuesto que no se cuentan nada, encuentran a Lauren y la citan. En un momento dado, ambos se sinceran y ante el "gusto común que los une" se declaran rivales. Por supuesto que tecnología apropiada para empresas superiores, comienzan a ser utilizadas, para frenar el avance de cada uno de los candidatos.

LO PREVISIBLE

"Esto es guerra" es un filme con buen diseño de producción, correcto timing, pero ninguna originalidad. Todo es previsible, los clisés del género abundan y se quiere aunar romance y acción en una liviana producción con atractivos actores.

La chica es Reese Witherspoon y los galanes, Chris Pine con algo de Brad Pitt joven y el inglés Tom Hardy. En un breve papel de abuela, Rosemary Harris, conservando el encanto de su ya lejana "Tom y Viv".

La película tiene una inicial escena de acción bien filmada y con abundantes efectos especiales, donde aparece el enemigo de "los CIA", Heinrich, que se llama a cuarteles de invierno hasta que los romances se desarrollen y vuelva a aparecer en otra impactante escena de acción y nuevos efectos especiales.

Esos sucios juegos del poder

Relato frío y apasionante donde analistas y asesores pueden caer en picada, pero la red que los contiene es tan sucia que cuesta utilizarla. "El precio de la codicia" revela a un gran director, dueño del desparpajo de la juventud, el manejo de las tensiones y un ritmo endemoniado

Un banco financiero de primer nivel en uno de los imponentes rascacielos de la Gran Manzana neoyorquina. La escala jerárquica de sus miembros tiene como común denominador trabajar con millones de dólares que se multiplican hasta lo infinito, pero pueden desaparecer por su misma volatilidad.

Los más nuevos integrantes del grupo, Peter Sullivan y Seth Bregman, se hicieron amigos. Seth vive para multiplicar efectivo y Sullivan para celebrar la simpleza de su compañero. Cerca de ellos, lejano en cuanto a jerarquías está el jefe, Sam Rogers, ese indiferente al que nada le interesa, pero que llora en soledad la próxima muerte de su perra. Una mañana cualquiera, una inspección general; el veterano Eric Dale, uno de los mejores analistas es despedido. La frialdad de la "ceremonia" de despido asombra a los más jóvenes que toman conciencia que así puede ser también la de ellos.

DESPOJOS

Eric Dale se va. Un despojo al que los pisos que lo acercan a la planta baja transforman en un hombre sin importancia, despojado del celular y ya ajeno a la circunspecta "gallina bancaria de los huevos de oro", millonaria en bonos y cauciones. Antes de irse, Dale pide a Peter que dé una mirada a un trabajo que estaba haciendo para la empresa. Lo que se descubre, provoca una implosión en la empresa, y lo que suceda después, será causa imprevisible de la Segunda Depresión, ésa que abarcó de 2008 a 2011 y se extendió por Estados Unidos hasta invadir el mundo.

La inspiración del filme para el joven director J.C. Chandor, surgió en la familia. Su papá trabajó más de treinta años en Merryl Lynch y con la debacle del 2008, en Estados Unidos, bancarrota de Lehman Brothers, incluída y su proyección al mundo, el tema quemó.

MUNDO PRIVADO

La película desnuda el privado mundo de las altas finanzas y navega aguas turbias de pasiones, pequeñeces, egoísmos y cobardías. Con máxima tensión, elegante diseño de producción y sonoridades exactas, el filme coloca a una corporación al borde del desastre y la hace pasear por la cornisa hasta el final. ¿Cómo se conjuga la ambición y la corrupción, el cinismo y la debilidad, mientras gira un paquete de bonos basura y se plantea la necesidad de destruir o salvarse, de dignificar lo indigno?

Relato frío y apasionante donde analistas y asesores pueden caer en picada, pero la red que los contiene es tan sucia que cuesta utilizarla. "El precio de la codicia" revela a un gran director, dueño del desparpajo de la juventud, el manejo de las tensiones y un ritmo endemoniado.

Casi dos horas para disfrutar de gloriosos veteranos, Kevin Spacey, Jeremy Irons, Stanley Tucci, Demi Moore y conocer a los más jóvenes, Zachary Quinto y Penn Badgley. Atención con este director debutante de tan solo veintiséis años.

Del realismo fantástico local

El director construye una obra austera, mínima, la ubica con aciertos en un barrio laberíntico como el de Parque Chas, e imprime a través de la fotografía algo del misterio, el toque casi demodé de la novela.

La película está basada en una novela corta de Adolfo Bioy Casares, importante escritor argentino, que con su mujer, Silvina Ocampo y su amigo Jorge Luis Borges, dieron un vuelco particular a la literatura de nuestro país al incursionar dentro del realismo fantástico.

"Dormir al sol" escrita en 1973, cuenta lo que le pasó a Lucio Bordenave, cesanteado recientemente y metido a relojero, que, muy enamorado de su mujer, sufre una serie de cambios que le harán, tangencialmente, ingresar al mundo de la locura y luego al de la fantasía, donde la figura del perro adquiere una notable importancia.

COMO UN SUEÑO

Bordenave, su mujer Diana, el misterioso doctor Standel y el doctor Samaniego son los personajes en la novela que en la película actúan a horcajadas de la realidad y la ficción.

A veces como habitantes de un sueño, otras como vecinos de Parque Chas (Villa Urquiza, en la novela), en los "60 en el libro, en los "50, en la película, mantienen esa característica no totalmente real otorgada por el autor.

Hace poco tiempo tuvimos en Buenos Aires un filme con connotaciones similares, era una película protagonizada por Paul Giamatti "Itinerario de almas", que también versaba sobre el sutil tráfico de almas y la posibilidad de emigrar un tiempo de los cuerpos para curarse en otros. La película aborda esa temática y también puntos clásicos, habituales en Bioy, el amor, el destino como juego, la pérdida de la identidad y el cambio.

UNA OBRA AUSTERA

El filme de Chomsky vuelve a mirar hacia la literatura. La mayoría de los jóvenes realizadores no se inclinan por esta opción.

El director construye una obra austera, mínima, la ubica con aciertos en un barrio laberíntico como el de Parque Chas, e imprime a través de la fotografía algo del misterio, el toque casi demodé de la novela.

Bien elegidos los personajes, Machín como Bordenave, Esther Goris como Diana, Belloso como el doctor Samaniego y Enrique Piñeyro como Standle, todos guardan el "physique du role" requerido, aunque la dirección de actores no sea firme. Una pena la poca utilización de la clave argumental, el perro; el comienzo prometía un misterio que se desvanece con el desarrollo posterior.

Una de princesas y monstruos

Todo se transforma. En las tradicionales películas de acción y aventura, el héroe se enfrentaba con el villano en distintas locaciones y luchaba contra los mas extraños obstáculos y todo tipo de enemigos. Cumplía su objetivo y ratificaba su condición de héroe. Pero la imaginación sigue desbordándose. Es el caso de "John Carter: entre dos mundos".

Un joven capitán del ejército, durante una histórica contienda en Estados Unidos, es abducido, y llevado a Marte, aunque sus habitantes lo denominan Barsoon.

Allí, con poderes extraños como el de saltar a distancias increíbles, comienza a integrarse con un mundo que está muriendo, donde los seres de cuatro brazos muy verdes, como la hojas de la tierra en la primavera, luchan con enemigos imponentes y asumen una crisis galáctica. Carter recuerda su apuesta por la libertad y la no sumisión al enemigo. Armado, entra en lucha.

POR EL AZAR

Basada en una serie del popular Edgar Rice Burroughs (creador de "Tarzán"), John Carter revitaliza la historia del héroe enfrentado a la aventura y el azar. La serie, luego transformada en libro, que tenía sus mayores adeptos entre los adolescentes, ya en su formato película, está dirigida a ese mismo tipo de público. Tiene un buen ritmo narrativo, atractivos efectos especiales, bellas locaciones y una estética que se renueva con inéditos tipos de monstruos (la imponente escena del campo de guerra, con semejanzas respecto del Circo Romano, donde luchan monstruos gigantes, custodiados por extraños cuidadores). El filme, aunque no innova en cuanto a temática, recrea mundos de cuidados diseños, en los cuales que extrañas criaturas.

CINE DE BARRIO

El director, siempre con el apoyo de la serie original, "John Carter de Marte", es ayudado en la ficción por un equipo que aglutina a Taylor Kitsch y la bella Lynn Collins (Dejah Toris), la tradicional princesa, esta vez con una cuota de desparpajo y picardía que le sienta bien y recuerda a la Catherine Z. Jones de los relatos cinematográficos iniciales.

Entretenida, a veces con repeticiones, "John Carter en Marte" recicla un cine que teniendo como protagonistas a "Simbad el Marino", "El príncipe valiente" o "Aladino", continúa atrayendo con su carga de aventura y fantasía, como en la época del "cine de superacción" televisivo, o las míticas matinés de los cines de barrio.

Las razones para una dicusión

El espectador que espere al Roman Polanski clásico, encontrará a otro, quizás más escéptico, reflexivo, pero fiel al espíritu crítico que lo ha caracterizado siempre. Por algo eligió ahora a una autora tan cuestionadora como Yasmina Reza, la misma de "Art" y otras piezas, estrenadas con éxito en Buenos Aires.

Aquí el tema es sencillo y con sólo cuatro personajes. El motivo de la reunión de estos adultos occidentales y cristianos es una pelea en la plaza entre los hijos de cada una de las parejas, con el saldo de dientes rotos y hematomas variados. Nada demasiado trascendente. La liberal Penélope Lonstreet, amante de la ecología y la paz, decidió reunirse con los padres del agresor para una conversación clara, de la que todos puedan salir convencidos de que fue una circunstancia simple, todo pasó y tienen los mejores hijos del mundo.

La reunión es en un departamento de Brooklyn, donde Penélope vive rodeada de libros de arte y en la compañía de un marido bromista, burgués en ascenso, más bien simplón. Los Reilly integran una pareja de ricos americanos, él abogado y ejecutivo farmacéutico, un Jim frío y absolutamente despreocupado de todo lo que no sea su trabajo y sus negocios, a los que permanentemente accede via celular. Su mujer es rubia y atractiva, señora de "té y canasta".

EN LA REUNION

Lo que se inicia como una civilizada reunión de adultos racionales, paulatinamente se va transformando en un ring de box, donde las voces suben, las mentes se obnubilan, lo irracional aflora y cada uno, en la discusión va sacando lo peor de ellos mismos.

Basada en la obra teatral "Le dieu du carnage" de Yasmina Reza, el filme no deja el ambiente claustrofóbico en que se desarrolla y sin raccontos ni inserts se transforma en un formidable juego de ideologías en disputa, hasta llegar a los insultos y la degradación -que comprende la discriminación, los prejuicios y las contradicciones- demuestra que largos años de "educación y cultura" pueden durar instantes, cuando las propias opiniones no coinciden con las de los otros.

Diálogos filosos, argumentaciones traicioneras, muestran la fragilidad de la paz cuando la intolerancia se oculta. Jodie Foster hace un buen trabajo de la señora ambientalista, tan al borde de la histeria como su visitante. El resto de los actores están cómodos en sus personajes, que muestran lo peor de cada uno en lo que se inicia como una conversación aparentemente intrascendente y conciliadora.

El austríaco de "Bastardos sin gloria", como el abogado Reilly, se luce en su actuación sin llegar a algunos desbordes con los que a veces Jodie Foster irrita.

Muy bien Kate Winslet en un personaje que llega al borde pero no cae en el vacío.

Una chica dispuesta a dar con un ex novio infractor

El filme carece de sorpresas, la carnadura de los personajes casi no existe y sólo hace la película digerible la presencia de Katherine Heigl y John Leguizamo, simpáticos como parejas despareja y la que fuera rutilante Debbie Reynolds como la abuela.

Stephanie Plum comienza a aparecer en las novelas de aventuras de una tal señora Janet Evanovich, que escribía novelas románticas poco exitosas.

EN INFRACCION

Un éxito inmediato ante la aparición de la nueva novela con este personaje y una sucesión de aventuras de la protagonista en posteriores novelas (con diecisiete títulos publicados), desencadenaron la compra por la Columbia de los derechos de esa primera y publicitada edición, primera de la serie, llamada ‘Sólo por dinero’, para ser llevada a la pantalla.

La chica Plum es atractiva. Hace poco que se divorció. Atendía la sección lencería en una tienda de Nueva Jersey, pero van seis meses de desempleo y el trabajo está difícil.

Stephanie vive en una departamento modesto que ya no puede pagar, acumula deudas, maneja un auto viejo y de las propuestas laborales que se le acercan elige la más segura, porque el negocio es de un primo, pero con riesgos. Se trata de un lugar que trata a personas que después de tener una libertad bajo fianza por causas menores, no van a juicio, salieron de la cárcel, pero no se presentaron cuando los convocaron, o sea que están en infracción y el primo debe dar con ellas para ponerlos en vereda y cobrar, obviamente, una recompensa.

En su nuevo trabajo Stephanie tendrá que ocuparse de ‘pescar’ a los infractores y entregarlos. Intenta con algunos, pero uno en especial, el que tiene una interesante suma para cobrar de recompensa -de la que ella recibirá una buena comisión- es un conocido, más aún, un ex novio que la plantó de adolescente y a la que decide perseguir, un poco por el dinero y otro poco por despecho. Pero Stephanie no sabe que se metió en un
asunto complicado.

MINIMOS RECURSOS

La película de Julie Anne Robinson es líneal con una temática mínima, pocos personajes y una atractiva intérprete venida del campo de la televisión.

Hay algunos intentos para lograr cobrar comisiones, mínimos recursos que ponen a la protagonista en situaciones peligrosas y alguna intención por parte de la familia de ayudarla en la empresa (una abuela metida pero útil por el préstamo que hace de su viejo auto para suplantar al endeudado).

El filme carece de sorpresas, la carnadura de los personajes casi no existe y sólo hace la película digerible la presencia de Katherine Heigl y John Leguizamo, simpáticos como parejas despareja y la que fuera rutilante
Debbie Reynolds como la abuela (sí, el tiempo pasa, desgraciadamente), con varios intentos de remedar a Ruth Gordon (‘El bebé de Rosemary’).

Misterioso mecánico de autos

El filme no tiene demasiada sangre, pero su violencia impacta y su protagonista es capaz de hipnotizar con su sola presencia. A él le presta su excelente capacidad interpretativa, un admirable Ryan Gosling.

El protagonista de esta película no tiene nombre. Sólo se lo conoce como ‘el conductor’. Es parco en palabras, calmo en apariencia, pero no duda cuando hay que cometer un acto criminal.

‘Drive’ es un ‘thriller’ que hereda lo mejor de ciertos héroes solitarios de los 80, tipo ‘Harry, el Sucio’, o ‘Bullit’, con el inolvidable Steve McQueen. Claro que Ryan Gosling es de otra generación y además es músico, lo que le otorga una visión más amplia a su personaje.

De caminar cansino, movimientos lentos y una campera que como el filme puede convertirse en un objeto de culto. Porque ‘el conductor’ lleva una campera blanca con un escorpión tatuado en la parte de atrás.

La historia está ambientada en una ciudad de Los Angeles gélida y oscura. Algún dato más sobre el protagonista
indica que se lo conoce como mecánico de autos y experto en el volante. Eso le ha permitido ser también doble de riesgo de películas de acción, en las que es capaz de chocar un patrullero y hacerlo volar por el aire, todo con calma.

SIN DOMICILIO

Pero el hombre tiene otra ‘profesión’ menos visible. Por las noches hace trabajos por encargo, acompaña a asesinos a algunos atracos, a quienes espera con mirada expectante en su auto y luego los lleva hasta una zona segura y libre de la mirada de la policía.

Este conductor tiene un código, no hace ningún negocio con la misma persona dos veces. Solitario por naturaleza, sin domicilio, ni celular fijo, ha hecho algunos arreglos sucios con su empleador, con el que son socios en el crimen.

Todo parece estar bajo control para el conductor, hasta que una vecina joven, de cara angelical, con un niño, se le cruza en el camino. Esta mujer tiene a su marido en la cárcel y eso lleva al muchacho solitario a frecuentarla y a
enamorarse silenciosamente de ella. Pero el marido regresa y todo se complica.

‘Drive’ no tiene demasiada sangre, pero su violencia impacta y su protagonista es capaz de hipnotizar con su sola presencia. A él le presta su excelente capacidad interpretativa, un admirable Ryan Gosling.

A su lado una impresionante Carey Mulligan y una buena fotografía complementan este filme tan inquietante como fascinador.

Ser optimista a pesar de todo

Drama atemperado por una dirección que intenta no caer en el melodrama, no puede sin embargo escapar a esa tendencia, difícil de salvar con temas como éste.

Joven y bonita, exitosa y decidida Marley Corbett se ha sabido ganar el lugar que la destaca en la importante agencia de publicidad en que trabaja.

Aunque todavía no tiene una pareja estable, la conquista amorosa no es un problema para ella, porque sabe
atraer a los hombres. Aunque no parece haber hallado a la persona adecuada.

CIERTAS TENDENCIAS

Dominar conocimientos, manejar situaciones, buscar los mejores momentos para presentar innovaciones
en el trabajo o compartir con amigas son tareas que no tienen secreto para ella. Hasta que un análisis médico le dice que la vida es limitada, que nada es para siempre y un cáncer avanzado, que sólo hace unos días se manifiesta, puede dar por tierra una vida plena.

Un médico joven, Julián Goldstein le da la noticia. Marley Corbett, con su clásico dominio de situaciones, lo toma con sorpresa, pero con cierta filosofía. Ella parece manejar también lo poco predecible y no tanto lo que vendrá
después, ese médico austero y poco comunicativo que parece no serle indiferente.

Hay tendencias temáticas que a veces son breves, o se retroalimentan en la industria hollywoodense. Ahora parece haber una que plantea una enfermedad generalmente terminal en gente joven y la resolución pasa por el humor y a veces la canción. Es el caso de la reciente ‘50/50’ con Joseph Gordon-Levitt o ‘La decisión más difícil’ dirigida por Nick Cassavetes y la de este filme de Nicole Kassell.

La película está bien contada, mantiene esa línea ‘optimista a pesar de todo’. Está matizada por alguna broma pesada (la aparición del joven enano de ‘Muerte en un funeral’) y añade condimentos como la presencia materna, esa madre con la que uno nunca se llevó demasiado bien, pero con la que siempre se cuenta, ahora interpretada
por la gran Anjelica Houston, a la que parece que Holywood olvidó.

Gael García Bernal está correcto en su papel y Kate Hudson -hija de Goldie Hawn-, es una atractiva Marley Corbett.

Drama atemperado por una dirección que intenta no caer en el melodrama, no puede sin embargo escapar a esa tendencia, difícil de salvar con temas como éste.

Inquietante regreso de Selene

La película, como los clásicos de la saga, se caracteriza por su notable violencia, cierta tendencia al gore (es bastante sangrienta y exhibicionista en vísceras) y eso que sus directores ahora, son nórdicos, vienen de la gélida Suecia.

Nuevamente el mundo de las tinieblas que enfrenta vampiros, aristocráticos y siniestros, con los Lycans (hombres lobos), que fueran servidores y esclavos de los Señores del Primer Mundo. Ahora todo se complica
porque parece que los Lycans o Licántropos buscan manipulaciones genéticas que los liberen de las temibles balas de plata.

La heroína Selene (Kate Beckinsale), reaparece luego de estar en estado de congelación por quince años. Ella sigue siendo una bella e inteligente vampira, pero parece que algo pasó y ahora se le presenta una hija adolescente, medio vampira, medio licántropa.

La buena de Selene, suerte de Mujer Maravilla contemporánea, parece tener todos los poderes para enfrentarse con el que venga, así que está dispuesta a defender su campo con sus mejores armas. Más ahora que tiene una pequeña vampira bajo su protección, la hija, que tuvo con su ex marido el que murió en un ataque imprevisto y era mitad humano y mitad hombre lobo.

DIRECTORES NORDICOS

Aunque quizás debido a una necesidad de venganza, o que debe cuidar de su chica, ni el siniestro doctor Lane será capaz de detener a esta heroína, que viste con indumentaria entallada y de color negro.

La película, como los clásicos de la saga, se caracteriza por su notable violencia, cierta tendencia al gore (es bastante sangrienta y exhibicionista en vísceras) y eso que sus directores ahora, son nórdicos, vienen de la gélida Suecia.

A su característica oscuridad agregan el toque de historieta, habitual en este tipo de relato y un buen diseño de producción con predominio del sonido. A diferencia de la primera de la saga, el conflicto dramático decae y los caracteres ya no tienen la solidez inicial.

Todo se ha vuelto más previsible. Algunas sorpresas en el equipo actoral es la reaparición de Stephen
Rea, el del ‘Juego de las lágrimas’, como el implacable doctor Jacob Lane; el impactante Theo James, recordado en la premiada y televisiva Dowton Abbey como Kemal Pamuk y la adolescente India Esley, hija de Olivia Hussey, actriz argentina que Franco Zeffirelli popularizó en ‘Romeo y Julieta’ en 1968.

Trucos para atrapar a un villano

Robert Rodriguez dirige en 2001 la inicial Mini Espías, una comedia familiar con elementos fantásticos, que combinaba ciencia ficción y travesuras infantiles con efectos especiales y muy buen humor. La película tuvo un éxito notable y se "reprodujo" a lo largo del tiempo en dos filmes, que hasta incorporó a Antonio Banderas como protagonista. Ahora Mini Espías viene remozada, en 3D y con un montón de efectos especiales.

La trama es la de siempre, gira alrededor del eje de los espías. En este caso se trata de una espía adulta retirada, llamada de urgencia para una peligrosa misión.

Marissa Wilson, espía joven pero ya veterana en el oficio, ya en la primera escena, se ve "muy embarazada", enfrentada con "Time Keeper" y sus secuaces, un excéntrico maldito que aparece y desaparece en la historia del hampa. Luego, la acción muestra a Marissa, con su beba de ya casi un año y sus pequeños hijastros, hijos de Wilburn, un muy conocido periodista que ignora las actividades de su mujer.

ROBAR EL TIEMPO

Cuando la televisión advierte que el tal "Time Keeper", volvió a escena, en una sutil tarea, la de robar el tiempo y poco a poco apoderarse del planeta, Marissa es requerida para la misión de captura, mientras sus hijastros, Rebecca (Rowan Blanchard) y Cecil, son resguardados en el Centro de Espias ante el intento de rapto del peligroso villano. Carmen Cortez volverá a tener importancia en las nuevas aventuras y también María Cortez, que se ocupará de instruir a los chicos.

Ellos, de alguna manera, revitalizarán la desactivada sección de Niños Espias del Centro General.

El texano Robert Rodriguez fue en su momento "el chico de oro" de la industria hollywoodense. Desde sus inicios con "El mariachi", su primera película, ganó fama por convertir en oro todas sus producciones cinematográficas. La serie "Mini Espías" no escapó a estas características.

La película actual tiene muy buen ritmo, personajes simpáticos y especialmente un despliegue de efectos especiales que visten una trama elemental.

3D más efectos especiales, sucesión de sorpresas visuales logran atrapar a los más chicos y ¿por qué no? a los preadolescentes. En este caso hay una figura diferente como la publicitada Jessica Alba y la pequeña Rowan Blanchard como Rebecca.

Una aventura cinematográfica

Una película con magia. Ese es el simple calificativo que justifica la visión de un filme pequeño en cuanto a producción, entrañable en sentimientos, rabiosamente cinéfilo (sus escenas son un banquete para la búsqueda de géneros, incluso títulos famosos), diseñado con técnica de orfebre y con intérpretes dotados de un ángel especial.

La historia es simple. Hollywood en los años "20, un galán en el período mudo, amado por el público, su encuentro con una simpática extra, la negativa de George Valentin a integrarse al cine sonoro y el inicio de su caída acompañado del ascenso de Peppy Miller, la extra que conociera poco tiempo antes. Entre escena y escena, las filmaciones, la pasión del público por el naciente arte, los géneros de moda y la conciencia por parte del espectador de la magnitud del fenómeno cinematográfico en la década de 1930.

EL HUMOR

La proyección de una película muda en la primera escena, en un gigantesco teatro, con gente vestida de gala y orquesta en vivo, ubica a cualquier espectador en la importancia del cine y sus actores.

Así van desfilando filmaciones con despliegue visual, aventuras llenas de indios y selvas, el fervor del público ante los actores, situación que provocaría la consagración del star-system. En fin la vida de un actor desde la fama a la decadencia más triste. Pero a no preocuparse porque este director de apellido difícil a causa de su origen lituano, tiene sentido humor. Nada durará demasiado. Todo se resolverá con una sonrisa.

Hazanavicius ama el cine, muchas de sus escenas parecen sacadas de la saga chaplinesca (el perro llamando a la policía a causa del incendio), de filmes de Mark Sandrich con la dupla Fred Astaire-Ginger Rogers, o de Vittorio de Sica en "Umberto D". ¿Acaso el delicioso Uggie de Valentin no seria un nieto del inolvidable Flick del profesor Ferrari? Hasta sus ladridos se parecen.

LUMINOSA

Quien vea "El artista" no podrá decir que se rodó en blanco y negro, porque es una película luminosa, con los colores del arco iris. Jean Dujardin parece haber escapado, verdaderamente de un filme mudo, esa sonrisa de galán y el arco de la ceja de villano en la escena del baile, contrastan con la melancolía del "perdedor" ante el éxito de la juventud, encarnada en la jovencita Peppy.

Peppy Miller es Bérénice Bejo, hija de un director argentino que con el grupo CAM sacudia cimientos culturales en época de Ongania. Llamativamente su hija demuestra la audacia paterna de consagrarse con una película contra la corriente, en pleno siglo XXI, en blanco y negro y muda.

También hay veteranos que siguen jugando en primera John Goodman (el empresario), James Cromwell ("La reina") aquí un imperdible mayordomo y Malcolm McDowell, apaciguada luego de una juventud marcada por "La naranja mecánica" o "Calígula".

Ver "El artista" es sentir el cine en estado puro, con la fuerza de las imágenes y la calidez de lo verdadero.

Una presencia muy enigmática

La versión cinematográfica respeta la esencia de la novela, pero está bastante cambiada respecto a ésta e intensifica los climax enriqueciéndolos.

Un joven abogado viudo llega a una misteriosa mansión para reunir datos sobre una herencia dejada por una anciana sin hijos. Extraño pueblo, desconfiados vecinos, residencia aislada, con mucha telaraña y ruidos extraños. Por suerte alguien que conoció en el tren, vecino del lugar, oficia de contacto con la realidad en un lugar donde la muerte y el misterio parecen darse la mano.

Los sucesos tienen lugar a principios de siglo en viejo pueblo inglés, lugar de pantanos y soledades, de temporales habituales e inundaciones periódicas.

Durante el funeral de Mrs. Drablow, el joven abogado Arthur Kipps observa a una joven mujer de negro, alejada de todos, que volverá a ver cuando llegue a la casa de la anciana. Al parecer nada bueno ocurre cuando esa señora aparece.

SESGO GOTICO

"La dama de negro" tendrá su público fundamentalmente por Daniel Radcliffe, el ex Harry Potter en un papel diferente al que lo hizo famoso. Sin embargo hay otras atracciones que concentra este filme de James Watkins.

La novela de 1983 en que se basa, pertenece a Susan Hill, prestigiosa autora inglesa, famosa por sus obras góticas, entre ellas la muy comentada "Mrs. De Winter", secuela del clásico "Rebecca", cuyo guión fue de Daphne du Maurier. Más aún, la novela "La dama de negro", al aparecer en 1983, fue adaptada para el teatro y lleva en cartel veintinueve años en diferentes escenarios, compitiendo con el gran éxito teatral de Inglaterra, la célebre pieza de Agatha Chirstie "La ratonera". Posteriormente fue llevada a la televisión y al cine.

FILMES NEGROS

La película tiene todos los ingredientes de los filmes negros, pero con una cuidada puesta victoriana, elegancia y climas realmente atrapantes.

El director Watkins es un exquisito y parece haber nacido para plasmar imágenes y sonidos ominosos con belleza y suspenso. Inmediatamente el clima que despliega nos recuerda la notable novela "Otra vuelta de tuerca", de Henry James y sus versiones cinematográficas, especialmente "Los otros", de Alejandro Amenábar.

La versión cinematográfica respeta la esencia de la novela, pero está bastante cambiada respecto a ésta e intensifica los climax enriqueciéndolos.

La multiplicación de los niños, la intensificación de la aparición de juguetes (la escena del cuarto de los pequeños y la mecedora atrae y estremece) y la presencia del personaje interpretado por Ciaran Hinds y su mujer, amplían de alguna manera, la claustrofóbica permanencia del joven abogado en la casa.

"La dama de negro" está bien narrada, lo mejor son sus atmósferas, el suspenso y sus actuaciones. El chico Radcliffe es un Kipps emocional y creíble, mientras el irlandés Ciaran Hinds ("El fantasma de la ópera") y la actriz shakespiriana Janet Mc Teer, en un breve papel, ambientan estupendamente el contexto victoriano.

Lamentablemente la armonía general del relato se desborda al final. Final que muestra lo que hasta el momento sugirió y enfatiza dramática e innecesariamente los últimos instantes de la historia. A pesar de todo merece verse.

Una heroína algo intolerante

Un eclipse, una casa que mete miedo, la atmósfera densa y un ascensor heredero del cine negro francés de los "50 forman parte de esta "Penumbra".

Una española pone en venta un departamento en nuestra ciudad, que le vino de herencia. Marga vive pocos meses en Buenos Aires durante el año, despotrica contra la Argentina, se muestra discriminadora y racista y no puede soportar a "perdedores" que contrastan con su eficiencia laboral. En pocos minutos desvaloriza telefónicamente a su hermana, castiga a un mendigo que la insultó, desprecia a la vecina, orgullosa de su ascendencia española y culpa a los políticos argentinos por su ineptitud.

ARBITRO Y JUEZ

Suerte de árbitro y juez, comienza a derrumbar algunas de sus premisas éticas ante la oferta en euros de un posible cliente para el departamento en venta y usa como excusa los dichos de Milton sobre "la virtud del dinero, conquistador de reinos". La llegada del supuesto empleado inmobiliario que plantea una oferta, las visitas que se suceden y la inminente llegada del doctor Salva, de significativo apellido, constituyen el grueso de este relato de suspenso realizado por los hermanos García Bogliano, que parecen haberse especializado en este tipo de relatos de gran éxito comercial.

"Penumbra" es cine de género. Recuerda por ciertas estructuras temáticas a "La comunidad" de Alex de la Iglesia y tiene algunos crescendo de suspenso que atraen al comienzo y se debilitan al final. Observaciones costumbristas, algunas características de la personalidad de la abogada, odiosa y a veces, lamentablemente realista, dan un toque diferente a este policial que reúne un elenco heterogéneo, donde artistas españoles, colombianos, argentinos y uruguayos conviven en un relato tradicional, pero no por ello falto de interés.

APORTE PARAGUAYO

Los adictos al cine negro no demasiado exigentes, tendrán un pasatiempo un tanto extravagante, pero válido, de prolija factura formal.

Los que extrañan a Arnaldo André lo verán en un papel distinto y tan inverosímil como la razón por la que los de la "agencia inmobiliaria" esperan al doctor Salva como si fuera Godot.

En tanto aquéllos que disfrutaron de la deliciosa "Whisky" se reencontrarán con la gran actriz uruguaya Mirella Pascual. En cuanto a la catalana Cristina Brondo, es una actriz interesante y los jóvenes Camila Bordonaba y Diego Cremonesi, se meten bien en sus papeles.

Un eclipse, una casa que mete miedo, la atmósfera densa y un ascensor heredero del cine negro francés de los "50 forman parte de esta "Penumbra".

Un pirata solitario que busca sobredorar una fama histórica

Se trata de una película de animación realizada en técnica stop motion con fondos digitales 3D. El filme es una coproducción con Uruguay y Chile.

Basándose en un personaje real, Alexander Selkirk, marino escocés, Daniel Defoe, escritor inglés, escribe su famosa novela Robinson Crusoe (1719), cuyo verdadero nombre fue "La vida y las extrañas y sorprendentes aventuras de Robinson Crusoe".

El director Walter Tournier construye una sencilla historia animada por muñecos. La acción se inicia a fines del siglo XVII, plena época de furor marítimo de conquista y aventuras, donde Selkirk, apasionado por la navegación, se embarca en la nave Esperanza, luego de mostrar los planos de un posible tesoro escondido en una isla.

Habrá varios episodios durante el viaje que más de una vez harán peligrar la travesía en el galeón, que logrará cruzar el Cabo de Hornos. Las desavenencias entre Selkirk y el capitán harán que el marino sea abandonado en una isla.

EL NAUFRAGO

En la realidad, el náufrago tardó cuatro años y medio en ser rescatado. La película está bien construída, los caracteres aparecen correctamente delíneados (Bullock, el capitán gruñón, la cantinera) y algunos de ellos tienen mayor gancho que otros como Pupi, la camarera o el mismo Selkirk.

La reconstrucción histórica es correcta como el vestuario y hay ciertos detalles en la nave que parecen arrancados de otras historias, sin mayor relación con el relato (la planta invasora).

La primera parte parece más dirigida a chicos un poco mayores por la temática y los diálogos, mientras la segunda en la isla, incorpora pequeños personajes naifs encantadores como el lorito, el gato, el mono mascota y las cabras malhumoradas.

La parte didáctica está dada por Pupi, divertido polizón con permiso que sube al barco para cocinar.

Larga vigencia de Julio Verne

Julio Verne sigue siendo el rey de los escritores adaptados al cine. Casi cien películas se han realizado con sus libros desde la que en 1902 filmara el increíble Georges Méliès, basado en su obra "De la tierra a la luna".

En este caso se trata de una versión muy libre de la obra que escribiera en 1874. Nuevamente las clásicas anticipaciones temporales de los libros del escritor francés, sirven para llevarnos a los personajes creados para el cine.

En este caso hay un chico al que le gusta leer, amante de libros de aventuras, que recibe un llamado de un remoto lugar del planeta, no identificado. Alguien reclama su ayuda. Por datos de su padrastro y de él mismo, suponemos que es su abuelo que abandonara a la familia joven y huyera tras la aventura. Así Sean logra embarcarse en un viaje acompañado de su padrastro, con el que no se lleva muy bien.

MONTAÑAS Y ORO

A su vez Hank, pareja de su madre, piensa que será un buen momento para ganarse su amistad. Un pintoresco personaje de las islas, con su hija, aceptará llevarlos y se convertirán en sus compañeros de aventura.

Una isla mágica con montañas ricas en oro, animales gigantescos (lagartos con pinta de dinosaurios) o diminutos (mini elefantes, pequeños como mascotas) serán algunas de las sorpresas para los visitantes.
"Viaje 2: La isla misteriosa tuvo un antecedente honroso en el "61 con efectos especiales del mítico Ray Harryhausen, la actual no aporta nada nuevo al tema, es una versión libérrima del original verniano, pero cumple con la premisa fundamental, entretener.

Buenos actores con el inefable Michael Caine al frente, excelentes efectos especiales y el atractivo del 3D caracterizan esta versión con Dwayne Johnson.

Un policial bastante extraño

Una densa presencia lidera un filme extraño. Se trata de un espacio urbano, Lugano 1 y 2, ubicado al sur de Buenos Aires, que concentra más de veintiún mil personas repartidas en ciento dieciocho monoblocks con puentes en altura que unen los complejos. Su presencia nocturna y matinal conserva el misterio que no sólo emana de su imponente construcción, sino de la sutil manera en que su director la muestra como innegable entorno de un grupo de personajes de la historia.

Hay un casamiento, hay una muerte, una desaparición y una atmósfera en que se concentran situaciones ambiguas, momentos que quedan como sin explicación y dichos de gente que largan noticias, sin que la mayoría de ellas se confirmen o comprueben.

ELEGANCIA Y VERDAD

La idea es que la realidad es ambigua, no hay un racionalismo puro y los intereses pueden marcar situaciones terminales.

Filmada en fechas crueles (enero de 2002), cuando el país ardía, "Qué lo pague la noche", fue preestrenada en video. En 2005, premiada por el INCAA, logró ser ampliada a 35 mm, digitalizada, mejorado el sonido y ajustado el color.

El que quiera ver una película como cualquier otra, con principio, desarrollo y final prolijo, se puede sentir defraudado, porque hay problemas formales y algunos de contenidos, que no terminan de armarse. Pero hay elementos que hablan de un director que hay que apoyar y seguir. Lo mismo que a su grupo de gente. El se llama Néstor Mazzini y muestra que maneja la narración cinematográfica con pureza y fluidez. Nada parece forzado y llamativamente, enriquece imágenes sin diálogo.

La secuencia del comienzo, con ese largo paneo, dice más del contenido del relato que su totalidad. Su manejo de las atmósferas y la habilidad de trabajar con actores no profesionales que parecen espontáneos y libres, es un patrimonio más que difícil, aún en profesionales.

Mazzini tiene muñeca para orientar tensiones y mostrar el lumpenaje con cierta elegancia y total credibilidad. Su autenticidad es lo que impacta, lo que en José Celestino Campusano ("Vil romance"), otro director a seguir, con similares materiales era herida al rojo vivo, cortada a machete, en Mazzini se difumina casi en forma de ensueño y de susurros. Un director argentino con innegable futuro.

La información es otro poder

Clint Eastwood, el gran realizador de "Los puentes de Madison", fiel a sus amores y odios, decidió filmar un retrato de John Edgar Hoover, controvertido personaje que casi llegó a cumplir las "bodas de oro", con la poderosa Oficina de Investigación que tomó el nombre de FBI bajo su mandato.

Sus tareas iniciales relacionadas con expulsión de gente de la izquierda y simpatizantes anarquistas, marcaron un odio que se mantendría a lo largo de un período de trabajo que sobrevivió a ocho presidentes.

Precisamente con esas iniciales expulsiones, conocemos, a través del filme, al abogado de poco más de veinte años que regiría un universo en que nunca, como a partir de él, la información se convertiría en poder.

Un criterio que pudo visualizar técnica y ciencia (importancia de las huellas dactilares, inicios de la ciencia forense), unidos a su minucioso manejo de lo privado, fue la fuente segura de su permanencia en un cargo vital en la inteligencia estadounidense. ¿Cómo luchar contra una suerte de memoria de acero, capaz de almacenar todas las debilidades de un futuro presidente, o un humilde simpatizante de la izquierda?.

VIOLAR DERECHOS

Hombre al que la mafia aprendió a respetar, Hoover es mostrado como un individuo obsesionado porque su nación conservara su grandeza con la ley y el orden, defendida a mano armada, violando los mismos derechos civiles que quería respetar.

Contradictorio, colérico, racista, esta película lo muestra débil y respetuoso del dominio materno, fiel a los que lo amaban y servían, aparentemente hostil a toda manifestación más o menos íntima, a pesar de mostrar un matiz homosexual.

La película de Eastwod es muy Hoover en cuanto a discreción y austeridad está bien narrada, aunque a veces pesa la densidad y la extensión del metraje. También da un amplio espacio a detalles de la relación con su segundo, Clayde Tolson.

Leonardo DiCaprio realiza una sorprendente labor como el protagonista, con una difícil trasmutación hacia una personalidad naturalmente odiosa, de apariencia anodina y nada atractiva en lo físico (ardua tarea de maquillaje).
Injustamente olvidado por las nominaciones al Oscar, DiCaprio brilla con la oscuridad de un desagradable personaje. A su lado, una estupenda Naomi Watts y una sólida Judi Dench como la madre, demuestra freudianamente que "J. Edgar" no podía ser más que convertirse en su prolongación paranoica.

Mitología de dioses y hombres

Parece que Hollywood descubrió la mitología griega, así que a prepararse porque las películas serán legiones. Como la verosimilitud en esto de dioses y semidioses, titanes y otras yerbas es una eventualidad, hay libertad para todo y los dioses, de viejas y gloriosas épocas inmortales, ahora parece que no lo son tanto.

Esta es una historia épica que enfrenta a buenos y malos. Los malos son el rey Hiperión y su gente, que quiere apoderarse de Grecia y luego, ya que está en eso, terminar con los Dioses del Olimpo y conseguir un arco prestigioso con mucha energía y poder, el arco de Epiro; los buenos, Teseo y su gente. El joven y musculoso Teseo, un buen reparto de músculos y buenas intenciones es protegido por los dioses.

La película no aclara mucho, pero en realidad es hijo de uno de ellos. El joven héroe lo deberá derrotar porque mató a su madre, una esclava y además tiene planes imperiales.

Toda la historia gira en torno a estos dos señores. Va a aparecer el célebre Minotauro, la pitonisa Fedra, los dioses del Olimpo, que parecen salidos de una mitológica película muda, su estética es bastante similar.

UN GUION DEBIL

El guión es elemental y las situaciones son casi secuenciales, sin demasiada cohesión. Lo que llama la atención es el notable despliegue visual, la espectacularidad de las peleas, la belleza de ciertos momentos en cuanto al diseño. Pero también es terrible la violencia. Vuelan partes humanas como en una película gore, hay sangre para transfusiones y mutilaciones bastante sádicas. Las escenas de batallas están espléndidamente filmadas y la estética muy cuidada.

El director Tansem Singh tiene una vasta experiencia especialmente en videos musicales exitosos y trabajos coloristas de sets. Es de origen indio como Freida Pinto, la bella pitonisa de Teseo. En la película también trabaja Henry Cavill, el futuro "Batman", el famoso Mickey Rourke y el notable John Hurt (El hombre elefante) como un viejo sabio, la otra cara de Zeus.

Una entrega con delirio controlado

Lo conocimos en los "90. La delirante serie "Cha Cha Cha", "Todo por dos pesos" y "Los videos de Diego Capusotto", hicieron que uno ingresara al universo del absurdo sin remordimientos. Alfredo Casero, Fabio Alberti lo acompañaban y con Saborido bailaban al ritmo del mismo mambo.

En este filme, Diego Capusotto presenta a Violencia Rivas, personaje de su serie televisiva, cantante, conductora y crítica social emergente de "La Barra de la Nueva Ola" de los "60, que analiza un tema: el entretenimiento como mal necesario. Violencia, a la manera de un analista, estigmatiza el nuevo dios de la sociedad del siglo XXI, que nos condena al absurdo.

ESCENAS MAS LOGRADAS

Parodia de la parodia, Diego Capusotto con el tema del entretenimiento se permite sumergirnos en el mundo de sus personajes, Bombita Rodríguez, remedo "monto" en decadencia, Jesús de Laferrre, el predicador de los pobres, Pomelo o Micky Vainilla, el discriminador. Por su crítica pasa el mundo rolinga y el mundo careta, gorilas y peronistas, contradicciones y fanatismos de ambos bandos, mundos digitales y reales, objetos estrambóticos e improbables, dragones y arcas.

Un mundo Capusotto donde todo es posible y criticable, donde la libertad y la crítica conviven democráticamente y el lenguaje también se parodia.

Si tenemos que destacar secuencias más logradas, ésa va a ser la de la masacre de Ezeiza de 1973 y la del atentado a las Torres Gemelas. Cuando mejor funciona la película, es cuando más se desborda la imaginación, porque el delirio es contagioso y las medias tintas o la coherencia no son materia de Capusotto.

La estructura general representa una vez más un estilo desorbitado, sin términos medios. La estructura general de la película no escapa a lo caótico, efervescente, desparejo, a veces demasiado ingenuo. Y eso es lo que espera el admirador "capusoteano", algo que lo inspire y le haga sentir emociones. Un sentimiento elemental, ingenuo, crítico y absolutamente válido

La corrupción política existe

George Clooney, director de este filme, se basó en una obra teatral de Beau WIllimon, "Farragut North", inspirada en la campaña demócrata del político Harry Dean (2004).

Como en "Confesiones de una mente peligrosa" o "Buenas noches y buena suerte", producciones anteriores de este actor-director nacido en Kentucky, la temática enfrenta un ambiguo mundo social y al hombre inmerso en él.

En Ohio, el gobernador Mike Morris inicia las internas demócratas presidenciales. Con él está Paul Zara, el asesor de confianza con toda la experiencia del mundo, ése que hay que encontrar cuando se tiene mucho para ganar sin mirar a los costados, ése que hay que poner al lado como sea para que no vaya con tu enemigo.

También tiene su lugar en el cuadro el que recién empieza, pero en el que ya se vislumbra un futuro ganador, un casi idealista, un muy ambicioso secretario de prensa, Stephen Meyers, la voz del gobernador.

FAUNA DE CAMPAÑA

Meyers, a pesar de la mugre que presiente, sigue al que admira y que, ¿por qué no? secretamente idealiza al candidato que promociona. Alrededor, pichones de abogados, la pasante estrella, Molly Sternes (Evan Rachel Wood), hija de otro poderoso, con ganas de correr carreras, pero todavía tan joven perdiendo un poco la cabeza con el sexo. También aparecen como miembros del paisaje urbano, el burdo veterano a cargo de la campaña del rival y la periodista del New Tork Times, Ida, a la que los políticos veneran, pero que a la vez temen. De la que conviene ser amigo, si alguien tan arriesgado es capaz de hacerle creer que la amistad existe.

Los personajes están. El drama se presiente. Por algo la película tiene un nombre real "Los Idus de Marzo", que habla del fatalismo, de conspiraciones alrededor de un poderoso (Julio César entonces, un demócrata ahora), confiado en su suerte en la vida, sin pensar que el final violento le esperaba. Esta vez el poderoso no lo es tanto, todavía busca el poder. El secretario de prensa, aprendiz de jugador, está aprendiendo a dominar el tablero, confiado en que las piezas están a su favor, sin saber que la suerte o la desgracia esta vez es femenina y su caída puede desmoronar algo más que una pieza de ajedrez.

Con algo de policial negro y su carga denunciante y escéptica, "Secretos de Estado" obliga a pensar, a visualizar un complejo mundo de fantasía y corrupción. Lo hace con un lenguaje brillante, diálogos agudos, toques musicales sorprendentes y un rico panorama de actores que apuntan a distinciones vastas, como el canadiense Ryan Gosling, Philip Seymour Hoffman (Capote), Paul Giamatti, Marisa Tomei y el mismo George Clooney. Aunque no hay "nada nuevo bajo el sol" y el final es predecible, el intento es valioso.

Un policial no del todo negro

En la mejor residencia del pueblo hubo una muerte. La policía investiga. Los vecinos aportan datos. Algunos policías tienen una sorpresa adicional, cuando encuentran el cadáver de la mujer de don Jaime, poderoso señor de la zona. La cámara sigue a otros personajes, el jardinero, Ramos y su perro.

Después, por sucesivos flashbacks, sabremos de una relación entre el subcomisario y Doña Rosa, la ahora difunta. Habrá otros detalles como pactos entre particulares y policías con "desaparecidos" políticos, más ingerencias sorpresivas de pequeños animales. Lo que parece ser un asesinato esconde historias paralelas desconocidas.

ACIERTOS ACTORALES

Podría haber sido una buena película, pero se suceden una serie de problemas que jugaron en contra. El guión era interesante, pero el exceso de flashback la satura y complejiza sin necesidades válidas. Varios de los personajes despiertan interés, pero no se profundiza en sus psicologías y lo que tuvo un brillante inicio, en el que estaba bien planteada la línea argumental, finaliza en un final recargado.

Hay un muy buen equipo actoral. Goity como el subcomisario, con los pequeños detalles que lo destacan es el personaje más acabado, Gigi Rua correcta y con un rostro para explotar en cine, Dayub y Audivert, excelentes pero desperdiciados, Héctor Bidonde en un perfecto don Jaime y Dario Levy como el policía con problemas.
"Domingo de Ramos" tiene ciertos momentos de humor que ayudan a aliviar la tensión del relato negro, un cuidado paneo de la naturaleza que rodea la mansión y un original papel de dos personajes secundarios, que adquieren, luego, singular relevancia, el perro Domingo y el loro de Doña Rosa.

La revitalización de un género

Versión norteamericana de la primera parte de la atrapante saga "Millenium" del sueco Stieg Larsson, "La chica del dragón tatuado" no defrauda al consumidor de entretenimientos fuertes. Y decimos fuertes porque el contenido de esta clásica película negra, revitaliza lo que clásicos del género policial como Ross McDonald o Patricia Highsmith popularizaron. Trama apretada y sinuosa. Personajes al borde de la locura. Corrupciones históricas, pecados finamente reciclados. Más la usual cadena de engaños, infidelidades, incesto, crimen, sexo, con buenas dosis de suspenso.

Un investigador, la ayudante que con el tiempo será tan famosa como Watson, Lisbeth Salander, el desafio de buscar una adolescente desaparecida hace cuarenta años, miembro de la poderosa familia Vanger, suerte de grupo Krupp aggiornado. Y todo en una isla nevada, con paisajes que de no estar teñidos por sangre, podrían albergar silfos y hadas. Pero como estamos en 2012 no podemos dejar de transformar a Lis en hacker, sumergirla en la cultura cyberpunk, darle música Reznor-Ross y contextualizarlos a todos en una ola de corrupción y negrura que va del nazismo al desbande de las multinacionales.

AMBIENTACIONES

David Fincher, el director, ambienta con exquisitez. Captura lo formal con sutileza. Puede zambullir al espectador en locaciones de celofán o ambientaciones high-tech, hacerlo parte de fotografías claves para la resolución de un crimen, o sumergirlo en una vorágine musical. Y también es capaz de generar el equipo perfecto, del que tendremos noticias en las próximas nominaciones internacionales.

La chica Rooney Mara (Salander), no es la sombría y capturante Noomi Rapace, de la anterior película del director danés, pero tiene lo suyo, algo de fantasmático y oscuro, el señor Vanger nunca tan bien interpretado por el marido de la señora Trapp, la famosa y prehistórica "Novicia rebelde", hablamos de Christopher Plummer.

También hay competencia de rubias, a cual mejor actriz. Entre ellas, la hija de Vanesa Redgrave y el director de Tom Jones, Joely Richardson en los personajes de Anita y Harriet. Notable Stellan Skarsgard (Martin) y como curiosidad, aparece como Frode, el amigo del viejo patriarca Vanger, un gran dramaturgo, Steven Berkoff, el de "Decadencia". También en un cameo, Julian Sands como el joven Henrik.

Aparece también Daniel Craig como protagonista y hace de Daniel Craig. Lo hace bien.

Una historia real con amigos

Si a usted le dicen que va a ver la historia real de un chico de veintisiete años, con un cáncer terminal detectado al principio del filme, puede reaccionar de varias maneras. Una de ellas, no entrar al cine; otra, presentir que va a sufrir durante todo la proyección.

Pero nunca se puede imaginar que tendrá varios momentos de humor, escuchará verdades duras pero necesarias y saldrá del cine satisfecho, con optimismo.

Y eso lo logra un guión humano y sólido, un director que huye de las lágrimas y el melodrama y un tríptico de actores estupendos. Se trata del canadiense Joseph Gordon Levitt en el protagónico, Seth Rogen, dúctil actor, guionista, productor y locutor, más la trabajadora compulsiva de "Amor sin escalas", Anna Kendrick.SIN

PREJUICIOS Filme directo y franco, con gags humorísticos, reflexiones adultas y un interesante desarrollo de los personajes principales (los amigos Kyle y Adam)."50/50" es una aproximación sin prejuicios al tema de las enfermedades terminales, hecha con valentía y sentido común.

Con un ritmo ascendente y diálogos atractivos se asiste al desarrollo de una amistad entre seres totalmente opuestos en los que la enfermedad terminal de uno de ellos refuerza la relación y hace madurar al más infantil.La gran Anjelica Houston como la madre del chico enfermo, con el que nunca se llevó demasiado bien, hace una breve y notable intervención para enfatizar el concepto de ""no hay pequeños papeles para grandes actores"", mientras se desenvuelve en un filme de impecables diseño de producción y atractiva música.

Si los jóvenes actores se destacan por sus estilo interpretativos antagónicos, Gordon Levitt es austero, de medidos gestos y Seth Rogen al borde del desborde en cualquier momento; la Kendricks se gana todas las simpatías del público con su sensible terapeuta que se inicia en su carrera con el caso de Adam. Este es un filme que, a pesar de su final convencional, atrapa.

Entre cruceros y un naufragio

Sabemos que las ardillas son roedores, que algunas vuelan, que otras tienen cola tupida, pero eso sí, ninguna canta ni baila. Virtud que caracteriza a las célebres creaciones de Ross Bagdasarian, que comenzaron como marionetas hace más de cincuenta años, también eran ardillas y luego se transformaron en dibujos animado y tiras cómicas, haciendo famosas sus canciones y ganando varios Grammys.

Ya iniciada su carrera cinematográfica hace un tiempo los ya conocidos Alvin, Theodore y Simon, divierten con sus aventuras, ya sea enloqueciendo a su "padre y descubridor" Dave, o poniendo un crucero patas arriba como en este caso.

TESORO PERDIDO "Alvin y las ardillas 3" presenta nuevamente al rebelde Alvin, el racional Simon y el dulce y robusto Theodore que parten con su protector para una gira de trabajo y enloquecen a tripulantes y capitanes, hasta caer al mar en una travesura de Alvin, que desea tener una buena panorámica y se escapa en barrilete a las alturas, siendo seguido por sus amigos.

La película propone una agradable historia para los más chicos, sin ninguna innovación temática, con sus conocidas canciones, que sobresale en la primera parte cuando divierten con sus aventuras en el crucero y tienen a mal traer a su "padre" y al capitán; pero decae en la segunda parte, cuando, como náufragos, deben sobrevivir en una isla desierta.

La presencia ambigua de una misteriosa mujer (Jenny Slate, la actriz de "Saturday Night Live") y un tesoro perdido, completan el paisaje isleño.

Con una historia en la isla un poco traída de los pelos, el filme, que mezcla dibujos animados y actores en vivo es impecable técnicamente. Tiene buen ritmo y le sobran algunos minutos, aunque la atractiva presencia de los roedores y sus bailes logran distraer a los más chiquitos.

Un personaje para la ternura

Norberto tiene más de treinta y menos de cuarenta. No está casado, pero vive en pareja. No se lleva muy bien, pero tampoco mal. Aunque su mujer parece "torearlo" a veces por su abulia, él sigue indiferente.

No le molesta o "casi" le molesta. Si hablamos de personalidades, Norberto no es "blanco", no es "negro". Es gris. Si le ponemos un adverbio para identificarlo, Norberto es "casi". Norberto es "apenas".

Y el adjetivo que le va a corresponder a esos adverbios, Norberto lo está buscando. Por suerte lo conocemos cuando un hecho bien concreto se le cayó en la cabeza.

Lo despidieron. Aunque a su chica el asunto parece que la impactó más que a él. Pero como Norberto no es un tipo con mala suerte, aparece un trabajo nuevo, claro que "a comisión", vendedor de una inmobiliaria. Norberto intenta vender el departamento de una pareja anciana que ya no puede castigarse subiendo escaleras.

La pareja ¿le hará pensar en el futuro ? ¿Querrá una venta rápida para cobrar? O llegará a acostumbrase a los viejitos y a ese limbo, esa rutina que no le desagrada. Es entonces cuando ve un aviso, después que el jefe lo incentivó para que haga un curso que lo despierte un poco.

El aviso habla de un taller de teatro. Norberto se anota y el "casi" y el "apenas" van a quedar en el camino. EL "PAISITO"Daniel Hendler es el preferido del director Daniel Burman.

Las actuaciones de Hendler como los Arieles de "Esperando al Mesias", "El abrazo partido" y "Derecho de familia" tienen un poco de la atmósfera psicológica de este Norberto.

Hendler consigue diseñar un espacio, el "paisito" montevideano de las novelas de Onetti, un presente con mucho de la bohemia del pasado de Buenos Aires (ese profesor de teatro setentista, ese grupo de estudiantes de teatro). Y un personaje, el "buenazo" de Norberto, que, a pesar de su falta de ambición, su casi abulia, encuentra su verdad, al menos en este tramo de su vida y se entrega a ella como suele hacerlo con todo, austeramente, de forma minimalista, pero, quién sabe, con sabiduría.

Filme pequeño, austero, aburrido para algunos, con ciertos tiempos muertos, pero absolutamente auténtico, con escenas quizás un poco largas, un actor ideal, Fernando Amaral y un equipo actoral sin fisuras entre los que figuran en pequeños papeles, Roberto Jones, el gran director y actor uruguayo, Arturo Goetz, Leo Masliah y la directora Ana Katz.

Interesante inicio en la dirección de Daniel Hendler.

Los tiburones están al acecho

Una vez un muchacho llamado Spielberg, puso de moda a los tiburones en los filmes de terror. Era allá por la década del 70 y ya uno se había asustado con monos, bichos de difícil ubicación zoológica y hasta dinosaurios.

El terror nunca puede pasar de moda, porque forma parte de los sentimientos humanos. Pero los tiempos cambiaron, los bichos y animatronics se perfeccionaron y aunque parezca mentira, ahora ciertos terrores dan risa, como aquélla película del año pasado ‘Piranha 3D’ ambientada en el lago Victoria.

Aquí tenemos otra locación, el lago Crosby, agua salada, buenos paisajes y el momento único para un grupo de adolescentes de pasar un buen fin de semana, con sol, bronceado, momentos de surf y romances de primavera.

La casa de Sarah Palsky ubicada en una isla es el sueño de todo amante de la vida al aire libre. Pero nadie imagina que el lago tiene habitantes no deseados, dientudos y ágiles en el salto. Lo que pareció ser un accidente, se convierte en una suerte de plaga de seres hambrientos que merodean un lago de maravillas, refugio casual o provocado de escualos de horror.

TODO PREVISIBLE

El filme de David R. Ellis, el mismo de ‘Destino Final 2’ no tiene ninguna virtud que pueda destacarlo en su género. Todo es previsible, los trucos son bastante ingenuos, los animatronics gritan "no soy real" y no podemos divertirnos ni enloquecernos con ese grupo de adolescentes que soñaban con lo que se convirtió en una pesadilla.

Chicas livianas de ropa, tomadas de atrás, ingenuidades varias, situaciones inverosímiles y la pena de que un filme de terror ambientado en Luisiana, rica en leyendas y espacio de furia del Katrina, no haya aprovechado las tradiciones del lugar.

Sara Paxton es la protagonista y condenada al parecer a filmes de terror, pronto viene la remake de ‘La última casa de la derecha’, remake de la de Wes Craven y otra incursión terrorífica a un lago, "Los crímenes del lago Riar".

Por ahí también está Joel David Moore de "Dr House" que hace lo que puede. Un filme menor con tiburones y adolescentes.

Esos amores que van y vienen

Ismael es un seductor, parece querer a Julie, pero también gusta de Alice. Como el amor es libre y lábil, en este filme de Honoré, ellos prueban una relación de tres y pasan su vida cantando y dialogando. Sí, porque como
aquella "Los Paraguas de Cherburgo" de Demy, el amor puede expresarse cantando cuando nace, vive o se muere.

Ellos son jóvenes, lindos, libres, están en Paris y todo es posible. Pero nadie se ocupó de prohibir la muerte y ella aparece llevándose a Julie. Habrá tristeza, habrá una familia que irrumpe preocupada por Ismael, sin saber que Ismael puede consolarse con Alice, o con las hermanas de Julie, Yasmine y Jane o con el joven Erwann.

MUY LELOUCH, TAN VARDA

El fin es un juego, una cadena de amores que van y vienen, sin ataduras morales o códigos. París funciona
como cuadro melancólico con su invierno y sus árboles despojados y sus personajes reflejan conflictos actuales y pasados, muy Lelouch, muy Truffaud, tan Vardá.

Las canciones de Alex Baupain son bellas, poéticas y los actores cantan bien. Las entonan entre los diálogos, naturalmente, como si fueran simples palabras sin música. Todo es evanescente, libre, dispuesto a cambiar de forma en cualquier momento. Se puede entonar loas al amor presente, al Angel de la Bastilla o a la muerte y todo
parece encajar en un París sin tiempo, donde todo es bello, joven y puede reiniciarse con libertad.

Actores ideales en sus papeles. Louis Garrel jugador e inconstante, Ludivine Sagnier, la chica de "Gotas que caen sobre las piedras" y Chiara Mastroianni, con la ternura que refleja su apellido paterno y la lejanía de Catherine Deneuve, su madre en la vida real.

La búsqueda de la identidad perdida en los años oscuros

El argumento pasa por la historia de un escritor y periodista español, que vuelve a la Argentina desde España, para terminar un libro. Más allá de la escritura del libro, la verdadera razón de su vuelta es saber más de su identidad y vengar la muerte de sus padres, desaparecidos durante la época del Proceso.

Habrá viejos amigos que lo reciban y lo ayuden en su hogar de la Patagonia, pero también aparecerán sus vecinos, la familia de un ex comisario, que Gonzalo, el periodista, averigua estuvo involucrada en las muertes.

Justamente éste es padre de una jovencita que se enamora del recién llegado y cuya relación con el periodista la hará recurrir a la agrupación Abuelas de Plaza de Mayo.

CORRECTAS ACTUACIONES

El filme de Víctor Jorge Ruiz, retoma una historia por todos conocidos: los desaparecidos. Pero, lamentablemente, el guión no pasa de una medianía general, tiene escenas poco creíbles, diálogos no siempre verosímiles y muy explicativos lo que ralenta la acción narrativa.

Ciertos temas han sido muy tratados por el cine argentino,como el de los desaparecidos y los niños apropiados. Algunos de esos filmes gozan de cierto interés y hallazgos formales, recordemos "Cautiva", de Gastón Birabent, que tan bien interpretara Bárbara Lombardo. Pero no es el caso de "La última mirada", que aunque tuvo el apoyo de un buen director, el mismo de "Flores amarillas en la ventana" y un correcto plantel de actores, el desarrollo de su tema no aporta nada nuevo en líneas generales.

Algunas situaciones estereotipadas, ciertos personajes poco justificables y algunos obviables, no dejan de dilatar el discurso narrativo.

Es correcta la labor de Eugenio Roig como Gonzalo, muy bien Arturo Bonín en el comisario Caldrinelli, junto con Katia Alemann y Beatriz Spelzini, como la esposa del comisario. Una revelación Victoria Almeida en el papel de Marta.

Una comedia bastante lunática

No por poco conocido el cine irlandés es una cuenta pendiente para nuestro público. Sino, quién de los cinéfilos puede ignorar filmes de la calidad de Michal Collins, "Las cenizas de Angela" o "En el nombre del padre", donde temas como la injusticia, la inmigración y el alcoholismo o el IRA tomaban luz y color. Y por supuesto "The Committments" de Alan Parker con los sueños de crear una banda soul y aquellas impactantes palabras: Los irlandeses son los negros de Europa. Todo esto a propósito del estreno de esta excéntrica comedia con muy buenos actores.

El tema de "Cuatro muertos..." acumula una sucesión de desgracias que le pasan al pobre Mark, un actor desempleado. Ni los directores parecen ocuparse de él (nada menos que Neil Jordan, el de "El juego de las lágrimas" le hace una prueba y nada), ni su noviazgo con Sally parece progresar, mientras la falta de recursos lo obsesione y su casero lo amenace con desalojarlo. Sólo su mejor amigo Pierce permanece a su lado con la historia de esa película que los va a hacer famosos y les permitirá pagar alquileres y viajar por el mundo.

ELEMENTOS FARSESCOS

Así Mark, acosado por novia, perro, hermano discapacitado y directores indiferentes, piensa que nunca va a estar peor que en ese momento. Como tampoco tiene el don de la adivinación, ignora que lo peor está por venir. Y lo peor será la muerte de los distintos personajes que lo rodean, de la manera más insólita.

La película, con un título que nada tiene que ver con el real y aprovecha el éxito de uno anterior, no pretende más que hacer pasar un rato agradable con una sucesión de hechos, donde la muerte mete la cola y complica una situación de por sí desgraciada.

Con elementos farsescos, cierto mutismo chaplinesco y mucho de la línea de comedia inglesa que consagró al recordado Alec Guiness ("El hombre del traje blanco") muestra como elemento destacado la excelente escuela interpretativa de la dupla Dylan Moran-Mark Doherty y la cuidada dirección de Ian Fitzgibbon, el DC Jones de la exitosa serie televisiva "Prime Suspect", sin olvidar Los crímenes de Midsomer.

"Cuatro muertos y ningún entierro" es una comedia lunática, de fácil risa, poco presupuesto y con algo de experimental en la cámara.

Construir una nueva identidad

A los testimonios se suman fotografías de la época, fragmentos de la Torah entre historia e historia y una triste música plena de añoranza que, con discreción, interviene cautamente en los relatos.

Al comienzo de este documental, su directora Matilde Michanie dice: "El judaísmo no es proselitista, no busca adeptos".

Visualizar este largo camino a través de una serie de testimonios, conocer paulatinamente las historias individuales, que están detrás de estos buscadores de identidad, es una aventura digna de ser conocida. Serán diferentes las experiencias y las motivaciones. Serán hombres, mujeres, jóvenes de distinta edad y condición social que continúan caminos de espiritualidad en compañía, en soledad, en diferentes países, pero siempre con la misma intensidad.

Silvia vivirá su descubrimiento en profundidad, adentrándose en lo más profundo de la ortodoxia judía, la de los treinta y nueve trabajos que deben ser respetados. Adar, sin ninguna ascendencia judía, hablará en Israel de sus ya once años en proceso de conversión. También estarán las parejas como Josef y Batia en Israel, o Marcelo y Lorena en Buenos Aires, que basarán en valores bíblicos sus búsquedas espirituales. Habrá descreídos iniciales, ex seminaristas salesianos y también representantes de movimientos ortodoxos, Masori o reformistas que se referirán a sus definiciones al considerar judío sólo al hijo de madre judía.

UN UNICO DIOS

Pasando por una breve alusión a la inmigración judía en nuestro país entre 1880 y 1930, al crecimiento de los matrimonios mixtos, se hace alusión a la prohibición, en l920, de la conversión al judaísmo ""hasta la eternidad"", prohibición que algunos ortodoxos consideran válidas hasta el día de hoy.

A los testimonios se suman fotografías de la época, fragmentos de la Torah entre historia e historia y una triste música plena de añoranza que, con discreción, interviene cautamente en los relatos.

Estilos de vida, modos de espiritualidad, ratificaciones por tribunales religiosos, circuncisiones, bautismos.

Todas los detalles se engloban en el filme de la directora de "Licencia Número Uno", de cuidada investigación, para concluir en la aceptación de un Unico Dios, en los nuevos nombres de su lograda identidad, en las seiscientas trece leyes, en aceptar que el judaísmo es un estilo de vida y la Torah, como simplifica uno de los entrevistados, "algo que engloba el concepto de que, lo que no se quiera para uno, no lo hagas a tu prójimo".
Impecables los rubros técnicos, bella y austera la música.

La eterna fascinación del mar

La descripción de los personajes en la cantina portuaria y en la barcaza, no logran remontar en cuanto a profundidad, aunque la verosimilitud es mayor en el segundo de los casos.

La acción de "La campana" tiene lugar en el puerto de Mar del Plata, entre una población pescadora. El capitán de una humilde barcaza, antes de morir, encarga su hija adolescente a uno de sus compañeros, Juan, que terminará enamorándose de ella.

La película transcurre durante la época de Malvinas y alude a una leyenda que circula por la zona y que habla de la existencia de una suerte de campana que atrapa al marino y lo retiene varado en el mar por años, sin que la víctima tenga conciencia de lo ocurrido.

"La campana" incursiona dentro de lo fantástico, luego de un planteamiento realista que describe (en superficie), el ambiente pescador, su gente y las reacciones ante la convocatoria de la guerra de Malvinas (1982), contienda que se lleva, reclutado, a uno de sus marinos más jóvenes.

LOGRADOS CLIMAS

Opera prima de Freddy Torres, guionista del "El Nüremberg Argentino", formado en la Escuela de Imagen y Sonido de la Uba, el joven realizador se maneja bien en la narración visual, logra ciertos climas vinculados a la relación "mar-individuo" y apoyado por una excelente fotografía (Federico Gómez) entrega una bella visión del puerto de Mar del Plata.

La descripción de los personajes en la cantina portuaria y en la barcaza, no logran remontar en cuanto a profundidad, aunque la verosimilitud es mayor en el segundo de los casos. La música de Alejandro Kauderer, acertada en ciertos momentos, grandilocuente en otros, peca de invasiva y subraya excesivamente determinadas secuencias cinematográficas.

Hay buenas interpretaciones del protagonista, Jorge Nolasco, la joven debutante Rocío Pavón, María Fernanda Callejón en el personaje de la prostituta y Juan West como Lucho. Con la participación especial de Lito Cruz, en un veterano "lobo de mar" y Mónica Ayos en el papel de Rocío Pavón adulta.

Algunos pasajes de más, atribuibles a problemas propios de realizadores debutantes y ciertas sobreactuaciones, no impiden que este "melodrama fantástico" alcance cierto atractivo. Es interesante la dirección de arte de Aldo Guglielmone.

El regreso de un felino seductor

Desde las épocas de los libros de cuentos elegantes y atractivos, hasta su reaparición en series japonesas como Pokemon o Shrek, nuestro Gato "embotado" conserva el encanto de lo fantástico, su espíritu de libertad y esa mezcla de picardía y espíritu protector que lo destaca

Los tiempos cambian. Frente a quien esto escribe, dos viejas figuritas. De ésas que las chicas se intercambiaban en tiempos pasados. Son las llamadas "de cuentos" y reproducen narraciones de distintas épocas. En ella, un elegante gato erguido en sus dos patas, con gorguera alrededor del cuello y botas de terciopelo marrón, baja la cabeza en actitud respetuosa frente a un rey que lo bendice.

En la otra, con el sombrero en la mano, no sólo está el gato con el rey, sino su amo, al que él convirtiera en Marqués de Carabassa.

FANFARRON Y TIMIDO

Este Gato, al que Perrault en el siglo XVII, le dio nueva vida tomándolo de la tradición popular, transformó su seriedad, pero mantuvo su picardía. Ya se veía como personaje principal en la "Shrek II", donde uno moría antes sus sorpresivos cambios de carácter, de fanfarrón a tímido, de ladino a inocente con ojos inmensos, donde lo negro abarcaba toda la órbita y nos hacía creer, con sus ronroneos en cualquier barbaridad.

En la película de Chris Miller, el disparate es la norma, lo desorbitado el código y la máxima libertad la consigna. No sólo "Gato con botas" exhibe su espíritu aventurero y quijotesco, aparece el huevo parlante Humpty Dumpty, popularizado por Alicia, la del Pais de las Maravillas, salido de rimas infantiles inglesas. El es un viejo compañero del Gato, de no muy buena fama, seductor y tramposo. También hay una historia relacionada con el Cuento de Mamá Oca y sus huevos mágicos, y hasta el de las Habichuelas Maravillosas, todo para salvar el pueblo, donde nuestro gato nació.

Locura, desparpajo, fantasías, memorables escenas de flamenco con el Gato y la Gatunería en acción y hasta la aparición de la Gata Kitty, que lo deslumbra.

OTROS PERSONAJES

Gato espadachín, Gato hijo en apuros, Gato amigo de los amigos y hasta nuevos personajes de otros cuentos, como Jack y Jill, algo así como Hansel y Gretel, pero malos, muy malos y con pinta de tiroleses. Hay Ogros, Vuelos en Oca, búsqueda del tesoro y un humor constante.

Película para chicos que pueden ver y divertir a los grandes, "Gato con botas" tiene aventuras interesantes, escenas paródicas de baile y canto y acción, mucha acción. Una sucesión de felinos de distintas especies, las voces de conocidos actores doblando los personajes, especialmente la de Antonio Banderas cuyo seseo y fanfarronería convierten al felino en seductor y divertido.

Desde las épocas de los libros de cuentos elegantes y atractivos, hasta su reaparición en series japonesas como Pokemon o Shrek, nuestro Gato "embotado" conserva el encanto de lo fantástico, su espíritu de libertad y esa mezcla de picardía y espíritu protector que lo destaca. Atención! que en el film hay otro gato, casi un cameo de gato, sólo hace un grrr..., pero puede tener protagonismo en el futuro.

Impecable la realización y los efectos especiales, un filme imperdible.

Una crisis de pareja y las intermitencias del corazón

Una pareja de gente linda, elegante, que vive en Nueva York. Los dos tienen buenos trabajos, diríamos que son exitosos, pero hay una materia que les cuesta aprobar: la de la convivencia, la de compartir la afectividad y equilibrar los deseos o las pasiones.

El filme trata sobre esta gente: Michael y Joanna que entran en crisis ante la aparición de una diseñadora, colega del marido, seductora y mona. Esta aparición puede traer complicaciones. Más cuando Joanna encuentre por la calle a una ex pareja, Alex. No es el mejor momento o quizás por serlo pasa lo que pasa.

SESGO ELEGANTE

La película está dirigida por una iraní-norteamericana, de poco más de treinta años, Massy Tadjedin, que por ahora está más cerca de su educación en Harvard, que de su infancia en Teherán. "La última noche" se revela bastante norteamericana en la concepción, aunque hay cierta introspección que orienta hacia profundidades intelectuales. Mucho diálogo, poca acción, la mayoría se desarrolla en interiores y hay cierto personajes que recuerdan a los de "Closer", aquélla película de Mike Nichols.

Elegante en su diseño, la película pone en tela de juicio la estructura de la pareja como tal, sus emociones, las tentaciones que los asaltan, los celos que no terminan de controlar. Esta producción atrae por la temática (aunque desilusiona un tanto el desarrollo argumental ) y las muy buenas actuaciones.

Como por ejemplo Keira Knightley, la chica de "Expiación" y "Orgullo y prejuicio", la tropical Eva Mendes, no tan tropical aquí, quizás por lo insípido que se muestra Sam Worthington ("Avatar") y el sorprendente y atractivo Guillaume Canet, aquel jovencito que hacia sus primeras armas en la ruta de "Los que me aman tomarán el tren", su dúo con la Knightley funciona a pleno.

Tiene belleza la producción formal, el tono general y la música. Habrá que ver alguna otra producción de esta directora de difícil apellido para comprobar si lo que promete, se da y por supuesto, ver más filmes con la Knightley y este señor Guillaume Canet.

Interrogantes de un hombre solo

La película exhibe cierta precariedad formal, pero también algunos hallazgos ligados más al tono de las atmósferas y el manejo de actores, especialmente la selección de "mujeres fuertes".

Un hombre al borde de los cuarenta piensa cuál sería la persona que elegiría para que acudiera si fuera víctima de un accidente. Se obliga a rebobinar hechos: su fracasado matrimonio y sus problemáticas relaciones afectivas, una y otra vez lo llevan al análisis de su posición en la vida. Ex marido, padre de un chico, hijo de un matrimonio cuya felicidad cuestiona, amigo de amigos a los que no se entrega, el protagonista de esta radiografía individual deambula por la gran ciudad buscándose a sí mismo.

LOS CLIMAS

El director Martín Viaggio intenta construir una suerte de road-movie espiritual, con ciertas temáticas del cine setentista, que recuerdan pasajes de filmes de Rodolfo Kuhn, o Néstor Paternostro.

Ni los diálogos, ni las acciones logran transmitir la profundidad de una verdadera crisis existencial. ¿A quién llamarías?, oscila, como su protagonista, sin compromisos profundos, entre lo que el hombre quiso ser y no fue y sus búsquedas erráticas, casi en círculo, luego de una época en que el exterior se le apareció como una posibilidad.

La película exhibe cierta precariedad formal, pero también algunos hallazgos ligados más al tono de las atmósferas y el manejo de actores, especialmente la selección de "mujeres fuertes".

Es correcto el protagónico a cargo del actor uruguayo Roberto Birindelli, junto a Iván Ezquerre. Destacables las actuaciones de Carla Pandolfi y Bárbara Merlo.

La realidad del abuso infantil

Bárbara tiene diez años y vive con su madre y su abuelo. Su comportamiento en la escuela está cambiando. Se la ve triste, ensimismada y en momentos violentos, no controla sus esfínteres. La maestra y luego la psicóloga comienzan a sospechar que algo está pasando. El entorno familiar, representado por la madre y el abuelo, no parece reaccionar. Las citaciones para que la mujer aparezca, tropiezan con su sistemática excusa de estar ocupada con su trabajo en la librería.

Los dibujos de Bárbara revelan la verdad, la mala verdad. Y ante la evidencia y la advertencia de la maestra y la psicóloga a las autoridades del colegio, la respuesta del director las desarma: "no tenemos pruebas. En estos casos, lo mejor es preservar la familia".

El tema del abuso infantil ha sido muy pocas veces tratado por el cine argentino. Tomando cifras como las seis millones de víctimas anuales que se registran a nivel mundial y las ochenta mil muertes que provoca el maltrato a los niños, más el número estadístico siempre en aumento, la difusión del problema se convierte en necesidad social. Los recientes casos registrados en la Argentina (caso Candela, el de Tomás, de la ciudad de Lincoln) se suman a los lamentablemente irresueltos a pesar de los años transcurridos, es el caso de Lucila Yaconis y Jimena Hernández (1988), esta última abusada y muerta en el mismo colegio al que asistía.

RECURSOS AUSTEROS

"La mala verdad" es austera en sus recursos, muestra un particular cuidado en su exposición, que podría haber caído en el mal gusto y el melodramatismo.

Todo parece como asordinado en el entorno familiar a través del equívoco abuelo (Alberto de Mendoza).
Una indagadora fotografía de primeros planos y planos detalle, en rostros, en la casa, suerte de jaula lejana al sonido y la exteriorización de sentimientos. Se habla en voz baja, como si hubiera un enfermo, la madre parece amordazada sojuzgada por un padre autoritario y desvalorizador permanente. La madre de Bárbara, trae a su novio a ese lugar, trabaja en la librería del viejo y parece temerosa de alzar la voz y decir algo que lo moleste.

El colegio bullicioso y feliz, el lugar donde se descubre la realidad oculta, parece incorporar esa idea con la luz permanente, el color y el sonido.

Un equipo de primera línea donde todos se lucen en sus personajes, el reaparecido Alberto de Mendoza, Malena Solda, pura energía que denuncia, Analía Couceyro, casi un animal asustado, Cecilia Rosetto, en un breve y logrado papel, como el de Norman Briski y otra revelación infantil, que se suma a los notables trabajos con niños de las últimas películas argentinas, Ailén Guerrero.

Imágenes de una Navidad global

El filme nos muestra el "backstage" de la entrega de los regalos de Navidad en todo el mundo por Santa Claus. El vive en el Polo Norte, con miles de pequeños duendes, que se ocupan de envolver los juguetes y llevarlos a su destino, siguiendo un complicado mapa de direcciones de los chicos de todo el mundo.

Santa forma parte de la familia Claus. Una serie de cuadros en la casa muestran distintas generaciones desde la época de San Nicolás. Al frente de la operación está Steve, el hijo mayor de Santa, que dirige la gran base espacial, donde trabajan miles de elfos y en la que también viven Santa, su señora Evie, el abuelo, jubilado ya en su condición de Santa Claus y el pequeño Arthur, algo distraído y poco amante de la tecnología como el abuelo, pero muy preocupado por la misión que les fue encomendada. Arthur se ocupa de recibir las cartas de todos los niños del mundo, que piden cosas para Navidad y entablar con ellos una cálida relación epistolar. Porque Arthur es puro corazón y responsabilidad.

CARTA OLVIDADA

Por eso, cuando queda una carta olvidada con su pedido, Arthur se enloquece, la autora de la carta es una nena de Nueva Zelandia, de la ciudad de Trelew y Arthur decide llevar el regalo, sea como sea. Su abuelo, disconforme con tanta tecnología y trineo reemplazado por nave espacial, saca su viejo transporte, apronta los renos y le agrega su viejo animal, retirado en antiguos establos y fiel compañero en otras épocas.

El abuelo se embarca en tamaña aventura para demostrar a la familia que un carromato desvencijado y un anciano es capaz de cumplir su misión tan bien como la moderna nave espacial que se ocupa ahora de las entregas.

La producción de Sony Pictures Animatorn se ensambló con la prestigiosa firma inglesa Aardman, conocida por su diseño de filmes con stop motion ("Pollitos en fuga", "Wallace & Gromitt").

Más allá de lo impecable de su técnica, de las bellas imágenes generadas por computadora en 3D, y su logrado diseño de producción, "Operación regalo" reúne generaciones familiares y tecnológicas, que luchan cada cual a su manera para concretar el espíritu de la Navidad.

Viejos con energía, niños ansiosos por cumplir y ayudar, firmes creyentes de la Navidad.

Más allá de alguna "gaffe" que asocia México con la Argentina, la película de Sarah Smith reúne los ingredientes de una divertida comedia familiar. Personajes simpáticos y creíbles, los Claus pueden ser los Morgan de Inglaterra, los López de la Argentina, o los Alonso de España y a ellos les agrega hermanos distintos, diferencias entre el abuelo y su hijo, ciertas depresiones por el retiro laboral y el espíritu de las Fiestas. Un filme para disfrutar.

La mujer que es capaz de transformarse en ejemplo

Kate tiene todas las condiciones para ser una exitosa profesional y una eficiente madre, esposa y ama de casa. Por un lado, sabe manejarse dentro de una firma internacional dedicada a la asesoría financiera. Por otro, tiene un marido arquitecto encantador al que ama, chicos sanos y una casa moderna que no le da demasiado trabajo.

Kate tiene una "partenaire laboral", Momo, tan eficiente como joven y linda, que concentra un cerebro digital y una aversión a las relaciones estables y a los niños.

Su vida trata de conciliar casa y trabajo hasta el momento en que se le presenta la concreción de su sueño laboral. La firma le encomienda una importante misión en Nueva York, donde conoce a un ejecutivo que la hace tambalear. Es algo así como un paternal y maduro buen mozo, inteligente, tierno, viudo, hábil en los negocios y brillante como organizador. Tanta perfección no puede ser verdad. Kate dudará.

TOQUES ROMANTICOS

Este es un tipo de filme que le encanta preferentemente a las mujeres. Ese tipo de comedia familiar, con toques románticos, elegante, bien vestida, y con la sonriente Sarah Jessica Parker impecable, simpática, a la moda, como es su costumbre y con todo el glamour de su personaje de "Sex and the city".

Bien construida, con atractivos protagonistas, buen ritmo y Dough McGrath ("Emma"), un director, que equilibra bien la comedia, sin agregarle nada original pero con el suficiente buen gusto para pasar un buen momento con atractivos actores. Sarah Jessica Parker hace su clásico personaje con encanto (la gente la ama, o la odia),

Pierce Brosnan es Jack Abelhammer, el ejecutivo exitoso y la joven Olivia Munn como Momo, que por supuesto no va a permanecer demasiado tiempo fría y cerebral teniendo a su lado a la "perfecta" Kate.

Los justicieros son peligrosos

Aunque no hay ningún recurso extraordinario, ni vuelta de tuerca que llame la atención, el filme entretiene y reactualiza el muy actual tema de la inseguridad, la lentitud de la aplicación de la justicia y la peligrosidad de la condición de justiciero.

Will Gerard, profesor de una escuela secundaria en las afueras de Nueva Orléans, nunca pudo pensar que la violencia le destrozaría su vida familiar. Su querida esposa Laura, asaltada sexualmente, en un episodio de violencia, yace ahora en un hospital y Will, ante la lentitud de la ejecución de justicia, piensa en la venganza.

Como anticipándose a su pensamiento, aparecerá alguien, jefe de un grupo (Simon) de "amigos de la ciudad", bien interpretado por Guy Pierce, que se ofrecerá para "el trabajo sucio", pero, llamativamente, con el compromiso de un "favor a futuro".

Lo que Will Gerard no intuye es la magnitud del "favor futuro", que implicará una muerte. Por supuesto que el asunto se complicará y el ciudadano Gerard ingresará en una suerte de espiral de horror con acusaciones criminales incluídas.

ACCION Y BUEN RITMO

Cuando uno repasa algunos momentos de este filme, no puede dejar de pensar en un clásico del género como fue "Semilla de maldad", donde se reproducía la situación de un profesor de secundaria (Glen Ford) enfrentado a la violencia, en aquel caso, representada por sus propios alumnos o en filmes como "El vengador anónimo" o "Sin salida" Kevin Costner, del mismo director de "Fuera de la ley", que, de alguna manera, reproducía ciertas líneas del tema "acusado inocente" de esta producción.

El australiano Roger Donaldson es un muy buen profesional de filmes de acción ("La huida", "El robo del siglo") su producción en general, incluída ésta, muestra un total dominio de los ingredientes del género y un limpio manejo del ritmo con las clásicas persecuciones, intrigas y situaciones al borde del abismo.

Aunque no hay ningún recurso extraordinario, ni vuelta de tuerca que llame la atención, el filme entretiene y reactualiza el muy actual tema de la inseguridad, la lentitud de la aplicación de la justicia y la peligrosidad de la condición de justiciero.

Hay buenas actuaciones de Nicholas Cage, lejos ya del Columbato de "Birdy" o "Adiós a las Vegas", junto a un correcto equipo de actores secundarios.

Son los señores de la Antártida

Técnicamente el filme es impecable, tiene diseños encantadores, ideales para los más chicos y con el 3D como valor adicional.

Nuevamente estamos en un mundo de pingüinos. En la bella Antártida, donde Mumble, el "profesor de baile" de la primera de la serie, formó su hogar. Ahora es Erik, su algodonoso hijo, el que motiva la atención de la historia, al que el baile no le satisface, menos el tap y a pesar de ser un tímido, le gusta la aventura. Así aprovecha un descuido de la familia y se escapa con sus primos tras el Don Juan de Ramón, un pingüino latino, enamoradizo y fanfarrón.

El bueno de Erik admira a quien dirige la comunidad pingüina, Sven, un pingüino muy parecido a un tucán, un poco petisón y con colores muy alejados de la identidad pingüina. Además dotado de la facultad de volar. A esta maravilla de elevarse aspira el pequeño Erik, que desafía a su primer gran obstáculo, el elefante marino y aprende la lección de humildad de su padre.

También están los krills como integrantes de la comunidad antártica, uno de los cuales se declara tan aventurero como Erik y tiene también sus aventuras oceánicas.

DESPLIEGUE VISUAL

El filme es no tan rico temáticamente como el primero de la serie, pero sí con gran despliegue visual. Solamente la espectacularidad del verdadero musical, rico en distintos ritmos rapeados y con mucho soul, de la primera escena y la última, lo destacan por la riqueza vocal, musical y "coreográfica" de sus "patitas felices", capaces de rapear sobre grandes bloques de hielo.

La película advierte sobre el calentamiento global ante los constantes peligros de deshielos que perjudican a la comunidad pingüina y al mundo, revaloriza las distintas especies y da su clásico mensaje de solidaridad, concreción de los buenos sueños, necesidad del sentimiento de grupo y entorno familiar.

Técnicamente "Happy Feet 2..." es impecable, tiene diseños encantadores, ideales para los más chicos y con el 3D como valor adicional.

Hermosas canciones, números musicales divertidos, homenaje a viejas y eternas canciones como "Somos los campeones" y hasta una breve y dramática incursión en la opera por Erik, lo que habla de la cada vez mayor popularización de este género, así como la presencia latinoamericana, ya una constante en los animados actuales, no tan heroicos ni protagónicos, pero sí divertidos y seductores como es el caso de Ramón, doblado nada menos que por Robin Williams.

Los doblajes realizados por los actores Brad Pitt y Mark Damon siguen asombrando en el singular mundo hollywoodense, donde las grandes figuras internacionales acceden a ocultar su imagen, pero si otorgar carácter a nuevos personajes en un nuevo oficio altamente remunerado y sin mayores necesidades en cuanto a tiempo y desplazamiento.

Un ama de casa busca aventuras

Con una impecable fotografía y un cuidado técnico visible en las características de la producción, el director español Javier Rebollo y su guionista arman una historia dotada de profunda calidez y un cierto tono de disparate con tintes oníricos.

Rosa vive en Madrid con su marido. Parece que su vida siempre giró alrededor de su departamento y ese marido indiferente y malhumorado que gruñe más que habla y si lo hace, repite como con carbónico las mismas frases.

Cerca de los cincuenta años, Rosa es una optimista y parece que con su trabajo de depiladora, el fregado casero y la preparación de una rica comida puede ser casi feliz. Hasta que decide cambiar, no creemos que por hartazgo, pero sí por un poco de necesidad de ver otros mundos. Baja un cuadro que siempre le molestó, se pone una peluca, llena la maleta y aprovecha la noche para meterse en un micro de larga distancia y partir hacia la aventura.

Conocerá estaciones, cafetines, algún "paladar" cubano, inmigrantes excéntricos unos, camorreros otros, tratará con alguna "trabajadora sexual", como le dicen ahora y muchos empleados con el "no" fácil. Una y otra vez Rosa mostrará su ingenuidad, su necesidad de ayudar al otro y de vivir algún amor.

CALIDOS PERSONAJES

Si uno no sabe quién dirigió "La mujer sin piano", puede pensar que es un realizador de algún país centroeuropeo, una suerte de Kaurismaki, algun nórdico aquerenciado en la urbe madrileña. Los personajes son pequeños, insignificantes, pero muy cálidos y algunos como Lola, francamente entrañables, inundado de infancia e ingenuidad.

Lola siempre tiene una sonrisa cerca. Nunca protesta a lo largo de los implacable no de la burocracia, del malhumor, de la desidia, de la prepotencia o el simple desprecio por el otro. Ella es un ser cálido, con mucho amor dentro todavía, un poco desengañada de ciertas circunstancias de la vida, pero todavía con mucha energía para dar.

Javier Rebollo mantiene la narración en un tono de armonía, donde se equilibra bien lo agridulce de la relación de Lola, con los más cercanos y esos personajes que como en un desfile parecen querer hacerle la vida imposible, aunque no lo consigan.

Con una impecable fotografía y un cuidado técnico visible en las características de la producción, Rebollo y su guionista arman una historia dotada de profunda calidez y un cierto tono de disparate con tintes oníricos.

Tomas largas, cierta lentitud en el ritmo y una gran entrega por parte de los personajes son facetas de este original libreto. Notables Carmen Machi y el checo Jan Budar, en un relato en que el sonido tiene una importancia inusual, desplegado en las cafeterías, o los restaurantes, con una abundancia de la presencia inmigrante a lo largo de toda la historia.

Profundos abismos de la mente

La vida de personas que sobrellevan su vida con un mínimo de dignidad, solitarios en procura de compañía y la presencia de un no lugar tan particular como es un pequeño hotel citadino son elementos que el director maneja con habilidad en su descripción y desarrollo.

Sonia es una inmigrante eslovena que trabaja como camarera en un hotel de Turín. Va a los encuentros de citas rápidas para encontrar compañía y tiene una amiga, también camarera, en el mismo hotel. Un día conoce a Guido, un solitario como ella que busca compañía y con el que siente alguna emoción que, quizás, la ayude a no estar más sola. Ex policía devenido vigilador privado, un suceso violento pondrá en marcha una serie de mecanismos que nos hará comprender que nada es como parece y todo juicio apresurado puede ser falso.


El director Giuseppe Capotondi construye un relato sencillo en el comienzo, pero con un desarrollo de la trama complicado, abundante en flashbacks. Con habilidad en la utilización de elipsis, pero luego con algunas vueltas que terminan no sólo por desconcertar al espectador sino al relato mismo, construye una especie de espiral sofocante que une sentimientos encontrados de soledad, locura y muerte.

SOLITARIOS

La incorporación de ciertos personajes totalmente inexplicables, sólo tendrán asidero en el final, lo que hace un tanto trabajoso el pasaje.

La vida de personas que sobrellevan su vida con un mínimo de dignidad, solitarios en procura de compañía y la presencia de un no lugar tan particular como es un pequeño hotel citadino son elementos que el director maneja con habilidad en su descripción y desarrollo.

Cuando, por el contrario, abandona terreno conocido y enfrenta complicaciones psicológicas y trastornos de personalidad línea "Repulsión" de Polanski, tambalea un tanto en terreno anegadizo. Sin embargo, el valioso apoyo de excelentes intérpretes impide que el relato se desbarranque.

La rusa Ksenia Rappoport reproduce su papel de inmigrante de la recordada producción de Tornatore, "La desconocida" y lo hace exhibiendo su notable profesionalidad. A su lado se luce otro gran actor, Filippo Timi, al que disfrutáramos en "Vincere" con su inolvidable personaje del Duce y su hijo olvidado.

Los amores de sesgo turbulento

Impecable técnicamente, con buenos efectos especiales, música que a veces abruma y lindos adolescentes, el filme continúa una historia que parece reunir los ingredientes necesarios para que la gente muy joven la siga.

En esta Parte 1 de la saga, los protagonistas Bella Swan y Edward Cullen, de tormentosos amores debido a su diversidad genética, van a casarse.

Ella es humana, él vampiro y parece que estas uniones mixtas no van. En síntesis, son como Romeo y Julieta, los de Shakespeare, tan jóvenes y lindos como aquéllos. No ricos, pero hijos de gente con buenos empleos. El papá de Bella es policía, el de Edward, médico. Y por supuesto tienen sus amigos línea vampira y línea humana, con sus enemigos y sus simpatizantes, como cualquier individuo que se precie. Hay un pretendiente y amigo de la bella Bella, Jacob Black, que ronda con la esperanza de que Cullen se desilusione y abandone a su amada y el padre de la chica, como buen policía, no la pierde de vista y como puede, la vigila de cerca.

NO HUMANOS

Ah!! Tampoco Jacob es humano. Es de una vieja familia licántropa, o sea de los que se transforman en lobos y más aún cuando se enojan. Para complicar el asunto, vampiros y licántropos no se llevan bien. Atención que no todos los licántropos se llevan bien con otros licántropos, ni vampiros con otros vampiros. Sino no se explica el odio de los Vulturi, vampiros italianos de otra parte de la saga, con los Cullen.

El caso es que asistimos a una boda en el bosque con mucha concurrencia joven, especímenes varios y la incógnita de qué pasara con el tiempo.

La película muestra una luna de miel en Brasil, lo que no nos tranquiliza porque hay que pensar que vampiros y licántropos ya son nuestros vecinos. Para empeorar la situación parece que las gestaciones vampiras son rápidas y Bella no alcanza a disfrutar de la luna de miel y aparece embarazada y nada contenta.

LA JOVEN MORMONA

Sin analizar las razones por las que una joven mormona, Stephenie Meyer, decide contar una saga de licántropos y vampiros y alcanza un éxito universal con más de setenta millones de obras vendidas, observamos una historia simple, que más allá de la diversidad de sus integrantes no aporta ninguna originalidad a la relación, aunque sí expectativas en cuanto a cómo se lleva una pareja mixta y cómo será el fruto de tamaña unión.

Uno esperaba hechos impactantes en esta luna de miel. Pero no, salvo algunas brutales peleas con lobos, sólo hay algunos lindos paisajes, mucho interior confortable y modernoso, una deprimente oscuridad y la pobre Bella con pocas ganas de nada, absorbida sanguíneamente.

Impecable técnicamente, con buenos efectos especiales, música que a veces abruma y lindos adolescentes, el filme continúa una historia que parece reunir los ingredientes necesarios para que la gente muy joven la siga.

El tesón que vence el horror

La figura de Estela de Carlotto fue elegida por Nicolás Gil Lavedra como protagonista de su primer largometraje. Su figura oficia como testimonio de tantas mujeres no militantes a las que la injusticia presiona en el surgimiento de una actitud militante. Actualmente es Presidenta de la Asociación Abuelas de Plaza de Mayo, entidad de la que fuera una de sus fundadoras.

Docente en La Plata, madre de cuatro hijos, tres de ellos militantes, su hija Claudia, estudiante de historia fue secuestrada en el "77, embarazada y el niño que habría nacido en julio de 1978 en cautividad, permanece desaparecido.

Su entrevista con un importante militar durante la época del Proceso, confirmó la muerte de la joven y su cadáver le fue entregado en agosto de 1978 cuando ya Estela de Carlotto, dedicada a la familia y a su hogar hasta ese momento, había comenzado a participar de las actividades de Madres de Plaza de Mayo.

LA EPOCA

El filme está construido en forma biográfica y abarca un período que va de 1975 hasta nuestros días, no en forma cronológica, con ciertos momentos anteriores referidos a la infancia de la joven desaparecida y sus hermanos.

Tradicional en su línea, con fuerte subrayado en la emotividad, la película tiene una correcta reconstrucción de época que se remite a un sector barrial, donde sucede la acción y ciertas instituciones, en las que se gestiona la búsqueda de Claudia Carlotto.

Un final con la presencia del personaje real, la constancia de la recuperación de quinientos nietos por la Asociación, la creación del Banco Nacional de Datos (1987), primero en el mundo y de un Archivo Biográfico Familiar, que apuntala la memoria, testimonian importantes logros sociales.

Susú Pecoraro, en una madura y emocional interpretación, rodeada de un excelente grupo actoral, encabeza esta producción de buen equilibrio dramático y algún pequeño desborde en la utilización de la continuidad musical.

Tres para quererse muchísimo

Lalo, Bruno y los muchachos del pueblo hacen su vida rutinaria de adolescentes. El colegio, los paseos en bicicleta, el balneario, algún baile de fin de semana (estamos en la década del "70). Hasta que aparece Lisa, que es algo así como "La Maga" de Cortázar, esa de "Rayuela", atractiva, desafiante, sorpresiva. Y los más grandes se marean y la amistad tambalea porque se tiene, justo, la edad de amar "en serio" y ellos no saben que la pareja puede incluir un tercero, aunque uno lo ignore.

Todo esto recuerdan Lalo y Bruno, treinta años después, cuando Lisa reaparece después de su intempestiva mudanza que, de alguna manera, los obligó a madurar. Cada unos se casó, tienen hijos, uno se separó y la vida debió haber sido tan rutinaria como ese espacio en que Lisa todavía no había aparecido.

Ahora ella los va a reunir. Emociones, pensamientos, pasiones se reavivan. El recuerdo puede quemar, porque Lisa está tan fascinante como antes.

UNA REVELACION

El filme basado en el cuento de Sergio Bizzio "Un amor para toda la vida", fue el desencadenante de esta propuesta cinematográfica y la recogió la directora Paula Hernández ("Herencia", "Lluvia"), que la adapta libremente, pero conserva el espíritu del relato. Indudablemente es la autora ideal para mostrar la intensidad de las emociones, las sutilezas de la melancolía, la fragilidad de los sentimientos y ese delicado equilibrio que separa la comedia dramática del drama y el melodrama.

En una historia que contrapuntea presente y pasado, la Hernández guía con firmeza y sensibilidad un camino sutil de emociones. Más allá de su estilo austero pero intenso se rodeó de un magnífico equipo joven, donde desde los más chicos a los adultos se sumergen en su aventura interior con pasión.

Diego Peretti y Luis Ziembrowski son sus personajes, Alan Daicz, Denise Groesman y Agustín Pardela asombran por su espontaneidad, pero quien se muestra como una verdadera revelación, hasta ahora sólo conocida por sus presentaciones teatrales es Elena Roger, un rostro caleidoscopio, de riquísimo mapa gestual y receptora agradecida de primeros planos impecables. Sus secuencias "primer plano" con Peretti emocionan. Música y arte (Aili Chen), impecables. En síntesis un filme que derrocha autenticidad.

La revelación será sorprendente

Ale es cartonera, le gusta coser, ama la vida familiar y su sueño es el hogar y los hijos. Quizás sus sueños se le hagan difíciles porque nació en una villa miseria y es travesti. Difíciles, pero no imposibles.

Un muchacho, luego sabrá que es Manuel, tira a la calle un diario íntimo y Ale lo recoge. Ese diario y la presencia de una niña desencadenará el cambio.

La película de Javier Van de Couter (guionista de "Tumberos") es una opera prima con varios problemas cinematográficos de construcción, pero una esencia auténtica que gana la película, junto a sus personajes.

AUTENTICIDAD

Con un inicio un tanto confuso y un ritmo bien logrado con precipitaciones en un final convencional, "Mía" llamará la atención del espectador por la valoración de los sentimientos y la emoción, más allá de exponer el problema de la marginalidad y la discriminación.

La autenticidad de su protagonista y su contraparte y equilibrio, la niña y su padre, pasarán a primer plano. Y la filmación dentro de la filmación como subtema, la "Aldea Rosa" (barrio travesti en Nuñez) y su desalojo (2006) serán contexto de una historia singular. Son de destacar las interpretaciones de Rodrigo de la Serna, la estupenda Maite Lanata ("El elegido") y un rostro singular, Rodolfo Prantte, con interesantes posibilidades cinematográficas.

TODA UNA ACTRIZ

La sorpresa del filme se llama Camila Sosa Villada, una cordobesa en la vida real, licenciada en teatro y Ciencias de la Información, cantante y actriz teatral. Cautiva su autenticidad y entrega en determinados momentos de la historia, que, llamativamente, son los más logrados de la filmación.

Así es que cuando Mía piensa o sueña en su realidad, toda la historia se tiñe de otros colores, texturas y emociones y llamativamente, el director logra momentos mágicos acompañados de sonidos y detalles que elevan el nivel artístico de la película y lo acercan al mundo literario de una gran escritora brasileña, Clarice Lispector. Como si esta Camila Sosa Villada los autoconvocara.

Justamente hoy celebramos, en otra crítica, el nacimiento en cine de una gran actriz que ya conocíamos en teatro, la Elena Roger de "Un amor" de Paula Hernández. También hoy destacamos a Camila Sosa Villada, un nombre a seguir, no solamente en cine.

Ni Hansel y Gretel se salvan

Hubo una vez una nena de caperuza roja que fue sorprendida por un lobo y tuvo que resignarse a encontrar muerta a su abuelita. La nena en otra versión fue salvada por un leñador y con la abuelita comieron perdices muy felices. En síntesis, Charles Perrault en el siglo XVII y Grimm en 1812, recogieron del acervo popular las historias que alertaban a los niños contra los desconocidos.

Por supuesto que hubo otras versiones. Ninguna de éstas es tomada en esta historia, que sólo tiene de "Caperucita" la presencia de una jovencita con caperuza roja y canastita, una abuela muy moderna y un lobo medio desubicado con algunos compañeros de ruta.

ARTES MARCIALES

La Caperucita de esta historia sabe artes marciales, hace "puenting" para recuperar la canastita perdida, de inocente no tiene nada y sus ojos enormes son herencia directa del "manga" japonés. Tiene una abuela que está en problemas y también hay protagonistas de otro cuento famoso que han sido secuestrados.

Esta Caperucita en 3D podría haberse llamado "Pepita, la pistolera" o María Perez, de la de la historia conocida no tiene nada. Cuenta con un lobo y el simpatico Twitchy que la ayudan y debe enfrentar monstruos que, con astucia, derrota.

La película es obra de un director debutante en el largometraje, pero no un desconocido del género, porque formó parte de éxitos como "Pocahontas" y otros animados. Su característica es el ritmo, la acción, sus constantes peleas, alguna imponente araña, para asustar un rato hasta que se vuelve buena y una abuela que parece haberse entrenado en gimnasios de moda y formar parte de "Las hermanas de la Caperuza".

No hay leñador, porque la "Super Chica" Caperucita no la necesita y Hansel y Gretel parecen dos asesinos seriales, gordinflones y antipáticos, que responden en su físico y voz a cierto estereotipo antigermano. Es un filme para pasar el rato, marearse con tanta acción y olvidar enseguida.

Una comedia italiana con encanto

Una gran actriz Stefania Sandrelli ("Nos habíamos amado tanto") se roba el filme, mientras el actor Valerio Mastandrea no desentona. Hay excelentes actores niños y afiatado grupo de colaboradores. Amor, lágrimas y una suave melancolía neorrealista.

Bruno Michelucci es un hombre con problemas. Ciclotímico, hipocondríaco, pesimista. Dedicado a la enseñanza en una escuela de hoteleria, comienzan a asaltarlo recuerdos que involucran la singular personalidad de una madre inmadura, irresponsable, pero con un gran amor de sus hijos. Poco a poco iremos conociendo esa invasora forma de ser que involucra a toda una familia.

La acción encuentra a Michelucci, recordando episodios de su infancia y adolescencia marcados por la explosiva personalidad materna. Bella, de pocas luces, amante del cine y las revistas del espectáculo, Ana es una permanente optimista, con una notable capacidad de supervivencia, algo así como un Fénix que vive con una sonrisa y una canción, a pesar de todo.

EXTRA DE CINE

Extra de películas italianas, su vida es casi una película donde una sola vez fue dueña de la corona y los agasajados (el premio en Livorno). Valeria y Bruno, los hijos, debieron vivir como pudieron a su alrededor y con sus novios, varios a lo largo de las épocas.

Paolo Virzi construye una clásica comedia italiana a la manera de Scola, Monicelli, De Sica, donde lo humano se impone y lo emocional ocupa el primer lugar. Sus personajes, especialmente Ana son incapaces de triunfar, pero no se detienen en su camino lleno de obstáculos. Como protagonistas de la época setentista, están las canciones de Nicola Di Bari, que a pura calidez acompañan el desarrollo del melodrama. Y como también son canciones que conocimos años atrás, el efecto se duplica.

Una gran actriz Stefania Sandrelli ("Nos habíamos amado tanto") se roba el filme, mientras el actor Valerio Mastandrea no desentona. Hay excelentes actores niños y afiatado grupo de colaboradores. Amor, lágrimas y una suave melancolía neorrealista.

Buen muestreo de música hispana

Carlos Saura permite que se pueda disfrutar de Tomatito, el artista de Almería, o del gran Miguel Poveda, mientras el castañeteo deslumbrante de los dedos tamborilean en una mesa hasta sacar ritmos imposibles. Filme para satisfacer los sentidos y vivir la música.

Desde la década de 1980, Carlos Saura, que fuera director de notables dramas como "Ana y los lobos", "Cría cuervos" y "La prima Angélica", revela inquietudes musicales que se vuelcan en obras fílmicas notables como "Bodas de sangre", "Sevillanas", hasta llegar a "Flamenco" en 1995. A creadores como el notable aragonés, los desafíos lo incentivan y dieciocho años después lanza este "Flamenco, flamenco", que con sus bulerías, fandangos, farrucas, martinetes y rumbas celebra a España.

Ricos elementos se mezclaron para generar ese estilo, que conjuga sabores moros, judíos, andaluces, que a pesar de ser ancestrales, parecen emerger a fines del siglo XVIII, luego que Carlos III promulgara la ley de liberación de los gitanos.

El filme de Carlos Saura reúne raíces y brotes nuevos del estilo flamenco y el cante jondo.

INVITADOS DE LUJO

Así se puede disfrutar de Paco de Lucía, pero también de la bella Estrella Morente, que hace poco tiempo estuviera en Buenos Aires, El Farruquito y Eva Yerbabuena, José Mercé y Sara Baras. Lo nuevo y lo ya conocido, los muy jóvenes y los veteranos, todos reunidos por un sentimiento pasional y auténtico, el amor a la música. Un cuadro que se completa con elementos plásticos de gran belleza, de Goya a Sorolla, de Picasso a Dalí. Desde esa luz que aterciopela las figuras, hasta los detalles de claroscuros que recortan figuras o los afiches de figuras míticas como Conchita Piquer, la reina de la copla e inolvidable intérprete de la recordada "Ojos verdes".

Carlos Saura permite que se pueda disfrutar de Tomatito, el artista de Almería, o del gran Miguel Poveda, mientras el castañeteo deslumbrante de los dedos tamborilean en una mesa hasta sacar ritmos imposibles. Filme para satisfacer los sentidos y vivir la música.

Historias de geografía paralela

El guión no es claro, especialmente en la narración que compete a nuestro país, sí lo es en la historia africana por ser, quizás, más sencilla en su estructura.

Un grupo de chicos de un sector marginal en isla Maciel, de vida violenta, con pequeños robos, cierto desprecio por la muerte y la permanente demanda de droga. Uno de ellos profesa el rito umbanda.

Otro grupo de adolescentes se cruza, pertenecen a otro sector social. Así unos asaltando, otros siendo asaltados, pero con un denominador común, tanto un sector adolescente, como el otro consumen drogas.

En otro ámbito, un médico atiende al grupo y trabaja para una Fundación religiosa de sospechosas actividades.
Mientras tanto la acción se desplaza a un lugar de Africa en las afueras de Cotonou, República de Benin. Allí una madre y su hijo viven una tragedia. Son pobres y el chico está enfermo del corazón. Ella decide recurrir al mundo de los orishas para salvarlo. Recurre a intermediarios que organizarán ceremonias de iniciación para salvar al chico.

ESCENARIOS EXOTICOS

Pablo César ("Fuego Gris", "Afrodita") es un realizador que se ha caracterizado, especialmente por desarrollar sus proyectos cinematográficos en locaciones exóticas de culturas diferentes, con cierta inclinación por transmitir ritmos musicales de la región. Este ha sido el caso de La India en el caso de "Unicornio", Túnez en "Equinoccio".

En este caso, el lugar de filmación es la República de Benin, Africa y la isla Maciel de Argentina. Hay un desnivel marcado en las historias. Llamativamente la que transcurre en la Argentina, exhibe cierta falta de fluidez dramática y de verosimilitud (relación de la chica y su pareja, aparición de personajes como el "sacerdote umbanda" y los integrantes de la Fundación). Hay un buen registro del habla de los chicos de la Villa, es correcto el diseño de producción que incluye una ceremonia yoruba y el apoyo musical incluye canciones africanas y la participación de Los „eris del Docke.

El guión no es claro, especialmente en la narración que compete a nuestro país, sí lo es en la historia africana por ser, quizás, más sencilla en su estructura.

Gracioso y con destreza física

Nuevamente el agente Johnny English en carrera. Luego de su problemática misión en Mozambique, y un entrenamiento tibetano que lo reencuentra con su identidad, el servicio británico requiere nuevamente sus servicios. Esta vez "el peligro", la misión tiene un nombre de pila, se llama Vortex, una organización criminal muy sofisticada integrada por agentes secretos británicos.

El blanco esta vez sería una alta personalidad del gobierno chino cuya muerte podría poner en peligro la paz mundial. Es el momento de mostrar lo aprendido, más allá de las extravagancias que lo caracterizan, imposibles de disimular.

ALGO DESOPILANTE

Johnny parte con su nuevo ayudante, el agente Tucker, a Hong Kong. Allí lo esperan persecuciones, intentos criminales varios, una asesina de la tercera edad y ojos rasgados, más toda clase de expertos en artes marciales. Atrás quedaron una encantadora psicóloga que le será de mucha ayuda y la nueva directora del MI7, Pamela, Alias Pegasus, a la que, confundido, casi deja huérfana antes de partir en misión.

"Johnny English recargado" es una divertida comedia en forma de thriller de espionaje a lo James Bond, donde se toma en broma las series de super agentes.

Los amantes de "Mr. Bean", van a estar satisfechos porque, Rowan Atkinson está francamente gracioso y maneja un humor físico de primera con abundantes secuencias desopilantes que lo enfrentan a expertos en kung fu, carreras en silla de ruedas, ascensos a castillos alpinos y enfrentamientos con la misteriosa Limpiadora

Oriental. Mucho despliegue de armas, efectos especiales y hasta una sorprendente escena con la reina de Inglaterra.

Película de buen ritmo con un equipo atractivo, Atkinson, el protagonista al que el público puede amar u odiar, a su lado Gilliam Anderson en Pamela del MI17, Rosamund Pike como la dulce Kate y Daniel Kaluuya encarnando al agente Tucker.

El horror que viene desde lejos

El espectador consumidor de horror, sin embargo, estará satisfecho, el filme mantiene un buen ritmo, incluso las actuaciones son correctas, especialmente en el caso de Timothy Gibbs

Parece ser que los mayas y el famoso médico y astrólogo Miquel de Nostradama, más conocido por Nostradamus, comenzaron a referirse a la profecía del 11-11-11, ésa que habla de cifras previas a la Gran Señal y el Gran Cambio.

El 11 de septiembre del 2001 con las Torres Gemelas se concretizaría el comienzo de un periodo de once años de significativos acontecimientos, que culminarían con la nueva era el 21 de diciembre de 2012.

A propósito de toda esta historia, el director Darren Lynn Bousman, el mismo de la saga "El juego del miedo", genera la experiencia del escritor Joseph Crone (dedicado a los folletines), que pierde a su mujer y su hijo en un terrible incendio. Desde entonces Crone sufre pesadillas y visiones relacionadas con el número 11.

LA FAMILIA

Su ida a Barcelona, agoniza su padre, al frente de una comunidad religiosa y el reencuentro con su hermano menor, un joven pastor, retenido hace años en una silla de ruedas, potencia las alucinaciones y el miedo. La posible llegada de misteriosos visitantes, la presencia de una estatua alada en la casa, desencadenan inquietantes terrores que amenazan con enloquecer al escritor.

"La profecia del 11-11-11" es el clásico filme de horror con golpes bajos, pero también con una interesante utilización del color, la textura granulada y el sonido.

Darren Lynn Bousman logra una pesada atmósfera de horror y misterio, que va in crescendo a medida que avanza la película. Pero mientras el formato muestra un tratamiento diferente en esa suerte de monólogo del protagonista ante su situación; el desarrollo temático se vuelve, a medida que avanza la historia, más previsible. Y el final roza la decepción por lo obvio.

El espectador consumidor de horror, sin embargo, estará satisfecho, el filme mantiene un buen ritmo, incluso las actuaciones son correctas, especialmente en el caso de Timothy Gibbs.

Cuando una actriz se prepara

Notable la actuación de Erica Rivas como la protagonista. Es capaz de dar toda la locura de un personaje ambiguo, al borde del histerismo, donde la megalomanía y el egoísmo en choque con la inseguridad se manifiestan en una cadena constante.

Tomando como inspiración la película "Opening Nights" de John Cassavetes, el director Santiago Giralt cuenta la historia de una pareja en crisis integrada por una actriz y un escritor joven. Juana Garner es una actriz conocida, de más de treinta años, fascinada por su próximo debut en un prestigioso teatro.

Su vida se desenvuelve entre la ficción y la realidad y parece estar al borde de la disociación. Llamativamente, cualquier obstáculo que le presenta la cotidianeidad, la ingresa a la irrealidad, como necesario refugio a situaciones hostiles. Su esposo, un escritor reconocido por la crítica, está en el crucial momento de la "página en blanco" y las relaciones entre ambos parecen pender de un hilo.

DERRUMBE PROBABLE

No sabemos cómo funcionó antes la pareja y la deducción momentánea es que son dos personalidades inseguras, inmaduras. Sus capacidades especiales parecen salvarlos de un derrumbe probable. Su pequeña hija reproduce las actitudes de los mayores, y parece inclinarse a la actuación como refugio al desapego familiar. La celebración del próximo debut teatral en la quinta con amigos, pone al descubierto las situaciones personales que ya parecen no tener necesidad de ocultarse.

Tal maraña existencial se desarrolla en una quinta del Gran Buenos Aires, en compañía de amigos en los que se balancea el deseo de integrar proyectos artísticos, sea como sea (la amiga embarazada, ansiosa de filmar el próximo guión de Roman), olvidar una situación familiar complicada (relación de Juana y el esposo de la amiga embarazada) y el ambiente de droga y alcohol del que también forman parte una pareja de amigos gays.

CLIMA ONIRICO

El director logra impregnar el ambiente de una atmósfera casi onírica y de por sí laberíntica, con nerviosa cámara en mano, tomas desde atrás de los personajes y contrastes lumínicos.

Es interesante temáticamente la observación de personajes que trabajan con la representación y que recurren a su especialidad como refugio y salida. No es una casualidad que Juana Garner tenga que representar "Casa de muñecas" de Ibsen, contagiada de las presiones de decisiones finales y de corte de formas de vida difíciles de superar.

Notable la actuación de Erica Rivas como la protagonista. Es capaz de dar toda la locura de un personaje ambiguo, al borde del histerismo, donde la megalomanía y el egoísmo en choque con la inseguridad se manifiestan en una cadena constante. A su lado una pequeña actriz de interesantes condiciones escénicas, Miranda de la Serna. Con ellos profesionales correctos en sus papeles como Nahuel Mutti, Mónica Villa y Rodrigo de la Serna.

Ritual sobre el cambio de género

Es un Almodóvar más centrado en cuestiones de identidad genérica y multimediática (cámaras constante), pasando por psicopatías generales. Donde el humor apenas se esboza (el hombre Tigre) y el final es simplemente, la vuelta a casa

Y Almodóvar debutó con una de terror. Por supuesto que no con una de terror cualquiera, sino una muy pulida y austera, con mucho de cine televisivo de sábado a la tarde de los "70 y clásicos europeos de terror de la década de 1940, más algún Cronenberg "posmo", más cercano a "Pacto de amor" a "Crash".

Están todos. Esta especie de Doctor Muerte frankenstiano que es el cirujano plástico, Robert Ledgard (Antonio Banderas), la pobre esposa quemada y de cuya desgracia surge el deseo del médico de la "piel definitiva", la hija inocente violada por quien será transformado en objeto de deseo de su creador y la bruja mala de Marilia (Marisa Paredes), de secretos inconfesables. Amadas-amados, amputaciones sexuales, gozos multifuncionales, canciones mágicas cantadas por un niño que en vez de despertar a la Bella Durmiente, la precipitan a la muerte ante la presencia del vidrio convertido en momentáneo espejo.

Fábula devenida pesadilla, en la que se esconde la monotonía pueblerina, el horror de la violación y la castración, la soberbia del médico que todo lo puede, y la presencia en la "casita del horror" de seres transgénicos y reproducciones de Tiziano, con mucha piel en exposición, estatuitas simil Louise Bourgeois y ropa de Jean Paul Gaultier. Todo en la Toledo de 2012.

SIN DESBORDES

El filme de Almodóvar no alcanza su desborde habitual que, sin embargo, es no sólo la característica de su estilo sino su mayor logro. Todo es medido y sólo hay monstruos bien personalizados, pero no aquelarres orgiásticos o de sangre, que uno esperaba en un Almodóvar típico. Todo está hecho con armonía, hasta la cara desfigurada a lo Mason Verger (rival de Hannibal Lecter) de la mujer de Ledgard no aterroriza y las relaciones entre el doctor y su amada-amado no erotizan.

Es un Almodóvar más centrado en cuestiones de identidad genérica y multimediática (cámaras constante), pasando por psicopatías generales. Donde el humor apenas se esboza (el hombre Tigre) y el final es simplemente, la vuelta a casa.

Un lugar especial es el de Antonio Banderas, que como el vino y el tiempo, aparece macerado y brillante en una estupenda actuación. Bella la niña Anaya, exacta Marisa Paredes y el toque musical Almodóvar, ese sí, inconfundible, en este caso, con la afro española Concha Buika. Elegante el diseño de producción.

Cuando los deseos son escuchados

Fueron amigos adolescentes y ahora no hay dos personas tan diferentes como estos amigos que viven en Atlanta. Dave es abogado, se dedica obsesivamente al trabajo y sabe que su destino es ser cada vez mejor, conseguir la mejor posición y convertirse en un buen padre de los tres chicos, que con su esposa están criando.

En cuanto a Mitch, es más buen mozo, trabaja como actor y como el porno le da más réditos, incursiona en ese cine con entusiasmo, fuma yerba y es incapaz de tener una relación estable por miedo a la responsabilidad.
Pero un día el asunto cambiará, Dave y Mitch se reencuentran y luego de beber demasiado, frente a una fuente con una estatua de una diosa muy bella, expresan un deseo. Dave quiere ser Mitch y Mitch quiere ser Dave.
Sorpresivamente se produce un apagón y el deseo se cumple.

AMIGOS EN APUROS

"Si fuera yo" es una divertida comedia de enredos, con abundantes chistes picarescos, algunas escenas divertidas en base a equívocos. Son abundantes las alusiones sexuales en esta comedia liviana bien actuada. Hay escenas con humor que desembocan en algún detalle de mal gusto y otras bien resueltas como la trabajosa negociación de activos en la oficina con (cuándo no!) un poderoso cliente oriental.

Los actores cumplen bien su papel. Jason Bateman es el abogado de la película y en la vida real los memoriosos lo pueden recordar como el pequeño primo de los Ingalls en la famosa serie televisiva. El canadiense Ryan Reynolds es el bohemio que caerá rendido ante la bella Sabrine (Olivia Wilde de "Dr. House"), de la consultora en que trabaja Dave. También está Alan Arkin como el pudoroso padre de Mitch.

Avanzó un virus hongkonés

A uno lo deslumbró hace muchos años "Sexo, mentiras y video",los posteriores filmes de Steven Soderbergh lo encuadraron como un interesante realizador con películas como "Traffic" o "Erin Brockovich", en general destinatarios de muy buenos éxitos de taquilla.

Esta vez un tema convencional y propio del cine catástrofe, un contagio internacional, lleva al director, con un importante elenco, a los avatares de la enfermedad, las compañías farmacéuticas, las medidas de la OMS, la necesidad de parar con el horror. Y la comprensión final de que el hombre amenazado es el peor enemigo de otro hombre amenazado.

En este caso, el virus viene de Oriente, de Hong Kong. Es un producto misterioso surgido de combinaciones de cerdos y murciélagos y mientras descubren el origen y experimentan vacunas, la gente se muere y para colmo, muy rápido y sin explicaciones.

LO DESCONOCIDO

Comienza la desconfianza, la mentira, el aislamiento, la locura, el ocultamiento y el miedo a lo desconocido.
Ahí está el bueno de Matt Damon, esposo de la primera víctima de la pandemia, Gwyneth Paltrow; la patóloga, integrante de Inteligencia Epidemiológica interpretada por Kate Winslett, un blogger que es la amenaza multimediática que hay que acallar y que el guionista Scott Z. Burnes, pinta bastante pedante, desagradable y soberbio; el investigador a cargo y otros protagonistas como Marion Cotillard (Piaf), como una prestigiosa médica de la OMS.

Filme realista que no decae a pesar de la obviedad temática, con ritmo incesante, aunque efectivo en el comienzo, excelente manejo técnico y la atrapante música de Cliff Martinez. "Contagio" replantea los ancestrales miedos bíblicos y lo hace sin concesiones, con una narrativa apretada y ninguna sorpresa adicional. Retoma al tema del hombre inerme ante peligros inimaginables y advierte cómo el mal puede propagarse con rapidez, impunidad y sorpresa en las sociedades más modernas, donde el hombre llega en cortos períodos a los lugares más alejados.

Coronel humanista y militar a la conquista de territorios

Entre 1879 y 1910, el mayor Luis Jorge Fontana pasó su vida entre los bosques chaqueños exterminando poblaciones indígenas, fundó la provincia de Formosa, se trasladó al sur de la Argentina, convocó a rifleros galeses y marcó las fronteras de nuestro territorio, en los valles andinos y la cordillera.

¿Por qué el director Juan Bautista Stagnaro eligió contar la vida de Fontana?. El lo explica diciendo que es una parte de nuestra historia poco conocida.

Lo acertado de Stagnaro es que pone en primer plano al hombre, al humanista y luego al militar.

EL DEBER

Luis Jorge Fontana fue un naturalista, por lo que su conciencia no siempre estaba en paz con los actos que le obligaba a cometer su deber. En varias oportunidades se vió obligado a contradecirse luego de haber decidido determinados hechos, por temor a que sus hombres no le obedecieran.

Fontana fue un hombre que sufrió en soledad sus mayores contradicciones, además de su padecimiento físico, que lo obligó a avanzar con su pequeño grupo de hombres por las áridas tierras argentinas, en condiciones deplorables.

Valiente e intrépido, tenaz y confiado, este Fontana que cuenta Stagnaro permite conocer a un hombre de nuestra historia, que marcó esas fronteras necesarias que separa unos países de otros y en esas marcaciones, el derramar sangre inocente resulta inevitable.

EL HEROE

Sobre estos últimos hechos, el héroe de esta saga épica, de esta road-movie por la Argentina profunda, lo deja claro en sus escritos, enmarcados en literarios relatos de viaje.

"Fontana, la frontera interior" es un filme estéticamente meritorio, por el oficio que a lo largo de los años marcó las producciones de Juan Bautista Stagnaro y por una excelente, conmovedora y desoladora interpretación de Guillermo Pfening.

Pfening parece mimetizarse con el personaje a tal punto, que por momentos se tiene la sensación de estar asistiendo a un documental sobre una novela histórica.

Con logrados encuadres en las escenas de enfrentamientos armados, en la recreación de escenarios, personajes y vestuarios, Juan Bautista Stagnaro desde la dirección logra uno de sus mejores trabajos fílmicos.

Descarnado filme de Andrés Wood

Escribe como quieras. Libérate, grita en vez de cantar. La canción es un pájaro sin plan de vuelo, que jamás volará en línea recta. Estas y otras son palabras de un ideario que guió la vida de la inolvidable autora de "Gracias a la vida", "Volver a los 17", la misma que con un pequeño grabador recorrió desiertos cordilleranos, logrando recopilar más de tres mil canciones del acervo chileno, que de otra manera se hubieran perdido.
Violeta Parra fue un ser irrepetible, capaz de enfrentar la vida desde la total miseria, exponer sus textiles en el Museo del Louvre, ser odiada por su carácter autoritario y morir de amor e impotencia, frágil e indefensa, en la Carpa en que soñó construir la Universidad de la música.

MAREA HUMANA

Una marea humana la acompañó en su entierro, luego de haber decidido ejecutar su propia vida, la misma marea humana ausente en las noches de la Carpa de la Reina, en que la misma Violeta llegó a tocar sola y decepcionada, acompañada de algún folklorista invitado.

De madre campesina y padre maestro de música pobre, curtió la miseria desde la infancia y logró fijar la canción popular chilena en el mapa internacional de la música universal.

El chileno Andres Wood ("Machuca") logra un descarnado y atípico retrato de la Violeta, ayudado por una excepcional actriz de carácter, que canta las canciones de la Parra como si fuera un espíritu reencarnado en un cuerpo y un rostro similar a la cantora.

RELATO ASIMETRICO

El relato del director chileno es asimétrico, no cronológico, fluctúa entre la entrevista televisiva, la peregrinación cordillerana en busca del acervo popular que la obsesionó y una vida de pocas alegrías, notables sorpresas (exponer en el Louvre) y sopapillas incomibles en los días de hambre que podían encontrarla en Chile, Polonia, o París.

Filme de claroscuros y tenebrosidades, con escenas de inusual belleza (la geografía continental, la Carpa de la Reina, lejana y en medio de la nada) o esa suerte de daguerrotipo antropológico de los cantores viejecitos perdidos en la cordillera, que acceden a fotografiarse con la buscadora de sueños.

"Violeta se fue a los cielos", suerte de poético y amargo fluir de la conciencia, deslumbra por su tratamiento sonoro y fotográfico y esa Francisca Gavilán personificando a la cantora, capaz de descubrir las maravillas de la vida, dejar un legado eterno de música y vida y como la película dice, desplegar las alas, cansada de sueños y melodías y partir a los cielos para curiosear la eternidad.

Dibujo animado que hará historia

Luego de la realización de filmes documentales o de ficción como "Quien quiera oir que oiga", dirigida por Eduardo Mignogna; "Eva Perón" de Juan Carlos Desanzo, o "Evita" de Alan Parker; la historia de Eva Duarte se encarna, por primera vez en un largometraje de aimación.

Y no sólo ésta es la novedad, sino el hecho de que su historia sea contada por un perosnaje real desaparecido, convertido en dibujo animado, el escritor Rodolfo Walsh, antecesor de una obra (Operación masacre), que inauguraba el luego divulgado género de "no-ficción". Así se conjugan dos trágicos destinos.

Ella, amada y odiada según las facciones políticas, él referente del peronismo de izquierda, ambos con un común destino de cuerpos en fuga. El cuerpo embalsamado de Eva deambularía por distintos espacios y tiempos; el de Walsh, asesinado, figura aún como desparecido.

VISION MILITANTE

El filme de María Seoane, con su visón militante, arma el rompecabezas de un momento argentino, donde el movimiento peronista brilla en un espacio atemporal. Y la historia de la protagonista, con todas las características de una Cenicienta "castigada" en la infancio con un nacimiento "ilegítimo", escapa a Buenos Aires ahuyentada por simbólicos cuervos, salidos de la pluma de Poe.

Allí, la pobreza, pero también las posibilidades, en el mundo del espectáculo y el surgimiento del amor por quien se convertiría en Preisdente de la Nación, Juan Domingo Perón, y sus acciones benéficas a través de la Fundación que llevaba su nombre. Su muerte muy joven, empalma con el novelesco y patético Vía Crucis de su cuerpo intervenido, trofeo también de enemigos que veían en la figura inerte, un peligroso talismán, capaz de mutar la suerte en desgracia.

LA ANIMACION

"Eva de la Argentina" esta filmada en 2DCut Out y Tra digital con dibujos planos, sin volumen, sistema moderno de animación elaborado en tabletas digitales (como "Boogie el aceitoso", también de Illusion Studios). Con los dibujos del recordado Solano López (El Eternauta), la incorporación de imágenes de archivo, ajustado ritmo, creativa musicalización, sin abandonar una línea apologética, la película de María Seoane muestra algunos momentos que remiten a acierta iconografía pictórica de León Ferrari (bombardeo del "55) y los cotidianos universos de los libros de lectura de la década peronista.

Un cuento sencillo, de personajes unidimensionales, casi naif, hasta el momento en que un cadáver comienza a rodar por una Buenos Aires de sorpresas, contado por alguien que escribiera el cuento "Esa mujer" y se convirtiera en un tenaz Sherlock Holmes, en la búsqueda de su destino final.

Esfuerzos que reciben premios

Nadie imaginó el éxito que acompañaría la creación de Ryan Murphy y sus amigos para la cadena Fox. "Glee", empezó como una serie televisiva con humor y música, interpretada con adolescentes. Pero no los bellos adolescentes, porristas y Mr. Joven, tradicionales protagonistas de las continuidades televisivas convencionales.

Estos eran chicos inteligentes, comunes algunos, ligeramente "nerds" otros, pero de irresistible personalidad en general y dispuestos a asumir su futuro, que obligaba a la reflexión sobre temas como la timidez, la maternidad precoz, la discriminación, el acoso escolar.

Así la serie ganó todos los premios y las miradas se centraron sobre los jóvenes integrantes del coro del Instituto McKingley. Ryan Murphy también se ocupó de la música de la serie.

GIRA EXITOSA

Ahora llegó el filme que muestra a los chicos en acción, protagonistas de una exitosa gira y que no solamente presenta a los adolescentes bailando y cantando sus conocidos temas, sino también el backstage de la gira, intimidades de su personalidad y algunos tipos de seguidores tan adolescentes entusiastas como ellos.

La película dirigida por Kevin Tancharoen, el mismo de "Fama" y "Mortal Kombat" transmite alegría y buenas ondas, entusiastas imágenes, ritmo constante y muchísima fuerza. Sus personajes cantan y bailan con sus limitaciones físicas, con sus personalidades que tienen todos los defectos y los no defectos de los chicos comunes.

Lo bueno de este grupo es que hacen lo que saben hacer sin prejuicios, más allá de sus problemas de imagen, diciendo en sus canciones que aunque fueron discriminados por latinos, o mirados de otra manera por sus kilos demás, o su condición gay se destacan y llevan adelante sus sueños con todo el esfuerzo del mundo.

Paralelamente, la película se ocupa de algunos admiradores que tomaron la serie "Glee" como modélica en su vida. Es el caso de una jovencita destacada en deportes que padece de enanismo y otra chica cuyos problemas psíquicos no pudieron impedir su progreso.

Seis millones de canciones vendidas, cien personas en gira permanente, diez millones de álbumes vendidos hablan de un sueño "Glee" convertido en realidad, pero, fundamentalmente, un sueño que transmite sueños y fuerza a chicos de todas las clases sociales, con todos, o ningún problema físico, latinos, orientales y occidentales, blancos, negros, amarillos, gordos y flacos, pequeños o altos. Un grupo luminoso.

Una realidad que aún estremece

Balzac se propuso una vez realizar un fresco de la sociedad francesa y escribió más de noventa obras con ese propósito.

Pino Solanas toma a la sociedad argentina como cuerpo de análisis y de una manera militante, organiza su fresco cinematográfico, desde la mítica "La hora de los hornos" (1968), donde muchos de los problemas denunciados permanecen actualmente sin solución, con su carga de desigualdad e injusticia social, hasta continuar con "Memoria del saqueo", "La dignidad de los nadies", "Argentina latente", "La próxima estación", "Tierra Sublevada (Primera Parte)" y esta "...Oro Negro", recientemente estrenada.

EL SAQUEO

Nuevamente el tema del saqueo, tocado en la mayoría de sus obras, se reactualiza con la lamentable privatización de YPF y Gas del Estado, durante el bien llamado por David Viñas, "período del menemato". Solanas marca los logros de figuras providenciales como el ingeniero Mosconi, nombrado director de YPF por Alvear, haciendo hincapié en su política nacional que revalorizó los recursos naturales como servicios de la Nación y logró el autoabastecimiento petrolero de la Argentina.

Subraya la actitud de gente de pueblo que superan su circunstancia alcanzando connotaciones de liderazgo como el salteño Pepino Fernández, que despedido de YPF, protesta sistemáticamente por las privatizaciones petroleras, generadoras de polución ambiental y desocupación endémica.

El realizador no olvida, también, la actitud de Mari Acosta en la devastada General Mosconi (Salta), al frente del microproyectos maderero de la UTD (Union de Trabajadores Desocupados), relacionado con la madera, que establece límites al avance sojero y la destrucción de bosques.

MISERIA O EXILIO

Solanas elabora su cuadro de situación con datos, imágenes de archivo, testimonios de profesionales, gente de pueblo, representantes de pueblos originarios, agobiantes visitas a parques nacionales que conviven con el petróleo, ciudades devastadas, luego de las privatizaciones, que dormitan desocupación, miseria o exilio interno, ante la total indiferencia del gobierno que en 1992 decidió la privatización, sin solidificar medidas que previeran lo que vendría, más allá de irrisorias indemnizaciones que el desconocimiento de los receptores evaporaría en poco tiempo (leyes utópicas que economistas crearon sin considerar que los resultados siempre estarían destinadas a los hombres que las sufrirían).

"...Oro Negro" es una suerte de Via Crucis de lo que quedó. De la poca atención a los desechos que envenenan la tierra, de la inconsciencia ante el agotamiento del petróleo y del agua a nivel mundial, de la desprotección de zonas habitadas por los pueblos originarios y el privilegio de la rentabilidad sobre la seguridad el hombre. Filme que estremece y hace pensar.

Acción en estado puro

Se destaca una persecución por terrazas, patios y jardines y hay puñetazos y puntazos a placer. Como dato aparte, el libro en que se basa pertenece al más importante personaje, relacionado con la aventura en el mundo, según el Guinness.

Parece que a Dany le cansó el riesgo y el exceso de acción al que lo obligaba el SAS, regimiento de fuerzas especiales del Ejército Británico al que perteneció. Ahora su radio de acción son los campos australianos y esa chica que le gusta, muy rubia y decidida, a la que no parece interesarle su pasado.

Cuando todo parece más o menos tranquilo, otra vez el trabajo se interpone, porque quien les enseñó toda la acción está en peligro, junto con un grupo de camaradas. El nunca olvidado Hunter (Robert De Niro) y varios ex compañeros fueron elegidos como blanco de un grupo de mercenarios asesinos ligados con el petróleo como negocio y el asesinato como medio de llegar a él. Tres son los asesinos bajo la tutela de un asesino mayor que los organiza.

Dany olvida Australia y se lanza a un radio de acción que abarcará varios países. Incluso el sultanato de Omán.

SIN CAMBIOS

Esta es una película destinada, únicamente, a los que gustan de los relatos de acción. Cuanto más violenta mejor. El argumento no dá para más. Todo es tradicional y sin cambios. Eso sí, hay mucho ritmo, persecuciones, efectos especiales, explosiones, huídas y distintos tipos de muertes. A puro instrumento quirúrgico, línea bisturí, vidrio térmico etcétera, a pincel cortado, ideal para hacer blanco en el ojo de un enemigo a destruir y también usando la silla a la que uno fue atado, como violento y útil palazo.

Hay un muy buen diseño de producción y trabajan los ingleses Jason Statham ("Rápido y furioso 6") y Clive Owen y De Niro aparece poco y nada como el Hunter mencionado.

Se destaca una persecución por terrazas, patios y jardines y hay puñetazos y puntazos a placer. Como dato aparte, el libro en que se basa pertenece al más importante personaje, relacionado con la aventura en el mundo, según el Guinness.

Se trata de Ranulph Fiennes, egresado del Eton College, explorador, ex integrante del SAS, especialista en acciones militares en el sultanato de Omán. Hace poco completó un viaje por la Antártida a pie y con sesenta y seis años subió al Everest el año pasado, también escribe y por supuesto, sus libros son best sellers.

La locura está en casa

Un thriller muy bien filmado pero que, lamentablemente, un guionista lo cuidó muy bien en su primera parte con todas las dosis de interés, horror, suspenso necesarias y en la segunda parte se aburrió y dejó cabos sueltos sin preocuparse demasiado y no dándole el final que la estructura dramática necesitaba.

Will Atenton se cansó del stress de Nueva York, de su trabajo de editor estrella y decidió cambiar mucho dinero y nervios por poca plata, tranquilidad y vida familiar en Nueva Inglaterra. Así empacó todo y con su linda esposa y sus dos pequeñas hijas rumbeó hacia esta casa que él no sabe le va a traer problemas.

Hay ruidos, hay cosas que molestan, hay una vecina que posiblemente le informe por qué la casa se vendió demasiado barata y quiénes la habitaron. Will duda de los demás y poco a poco comenzará a dudar de él mismo.

A cualquiera puede pasarle esto de los ruidos, de las presuntas apariciones, pero lo de comenzar a recelar de uno mismo, es peligroso. Pero Will no sabe que él está marcado y su futuro y el de su familia es incierto. Habrá un largo camino para recorrer.

EL GUION

"Detrás de las paredes" es un thriller muy bien filmado pero que, lamentablemente, un guionista lo cuidó muy bien en su primera parte con todas las dosis de interés, horror, suspenso necesarias y en la segunda parte se aburrió y dejó cabos sueltos sin preocuparse demasiado y no dándole el final que la estructura dramática necesitaba.

Si los referentes cinematográficos como "El proyecto Blair Witch" y "El resplandor" están muy presentes en el comienzo con su carga de miedo y locura, todo se desvanece en el transcurso de la historia, que fue dirigida nada menos que por el realizador de "En el nombre del padre" y "Mi pie izquierdo".

A esto se suma un excelente elenco con la muy premiada Rachel Weisz ("El jardinero fiel") como la joven mamá, el mismo Daniel Craig (el nuevo James Bond), en el papel del escritor cansado de tanto caos urbano y la excelente Naomi Watts como la vecina. Es una pena porque si a pesar del guión puede considerarse buena, ¿qué hubiera pasado si éste se hubiera mantenido en el nivel de la primera parte?

Las aventuras de un felino audaz

El filme tiene encanto para los más chiquitos. Su comicidad es directa, los personajes ya conocidos por los pequeños televidentes, tienen figuras atractivas y las aventuras son sencillas y fáciles de comprender para el pequeño público.

Don Gato vive en un callejón barrial rodeado de sus amigos. Le gusta divertirse con Panza, Espanto, Benito, Demóstenes, Cucho. No se puede dudar que sea el más astuto del barrio y es capaz de organizar "imposibles" para lograr lo que desea, o lo que sus amigos quieren.

Muy querido por sus vecinos, sabe ganarse a los desconocidos con su picardía e inteligencia. En este momento, hay problemas. Su amado oficial Matute, policía de la zona, que tantas veces lo apoyó en sus recorridos ha sido desplazado por un malo, muy malo, llamado Lucas Buen Rostro, que lo hizo a un lado y Don Gato deberá recurrir a sus mejores planes para lograr, con sus contactos, revertir el asunto.

LAS MULTAS

Pero la cuestión es que la última travesura del felino, que le permitió ir al teatro con su amiga, no tuvo buena publicidad y todo se le está complicando.

Pero él no puede aceptar que el tal Buen Rostro muestre sus ambiciones, robe a los vecinos con multas de tránsito imposibles y muestre un autoritarismo impensable. Don Gato está en problemas, pero no es un gato conformista y comodón. Se rebelará.

"Don Gato y su pandilla" es una serie de televisión ideada por el dúo Hanna-Barbera hace medio siglo y que estuvo en cartelera siete meses. Sin embargo fue exitosa en todo el mundo y se ha elegido para producirla uniendo dos países, Mexico y Argentina.

El filme tiene encanto para los más chiquitos. Su comicidad es directa, los personajes ya conocidos por los pequeños televidentes, tienen figuras atractivas y las aventuras son sencillas y fáciles de comprender para el pequeño público.

La película fue rodada con el grupo de Illusion Studios que también filmara "Patoruzito: La gran aventura" y "Chiquititas".

Amigos por internet

Martin y Mariana se encontraron en internet y parecen ser "almas gemelas". En un aquelarre llamado Buenos Aires, descubren que tienen los mismos intereses y expectativas. Es que son muy jóvenes, tuvieron desengaños sentimentales, viven tan cerca como para no encontrarse y una ciudad multitudinaria y ansiosa hace todo lo posible para fagocitarlos.

El es diseñador web, la profesión de moda y ella aunque hizo arquitectura, por ahora se gana la vida como vidrierista. Los dos son sobrevivientes de relaciones conflictivas y en este momento todavía de indefiniciones, no confían más que en una relación a distancia y aparentemente sin compromiso. La única compañía cercana de Mariana en su departamento son maniquíes, sus "socios" de emprendimientos comerciales, callados y obedientes. La de él, una "hija" de su frustrada relación, la perrita Susú.

DEPRESIONES Y FOBIAS

Si él tiene depresiones y fobias, ella padece ataques de pánico. Son dos almas afines, solos en la gran ciudad. A su alrededor, paseantes de perros, amigos circunstanciales, o novios en potencia.

Filme de problemáticas actuales, moderno y con buen ritmo, algunos momentos recuerdan a ciertos relatos de Carver, o los de Paul Auster como "Cigarros".

El joven director Gustavo Taretto se planta en forma original frente al problema de la comunicación, sabe interrelacionar intereses adolescentes con buen ritmo y onda videojuego, encuadrando la historia con un fondo de arquitecturas que no se relacionan y pugnan por tomar una homogeneidaed sin desentonar. Con ayuda de la narración en off, buenas dosis de humor, utilización de la ironía y un cierto escepticismo sonriente es capaz de tramar una sólida historia amorosa en base a fragmentos de sentimientos e ilusiones que Javier Drolas y Pilar López de Ayala desgranan con simpatía.

Fotografía y arquitectura constituyen un universo propio y esencial.

Fantasmas que inquietan

El filme de Toshikazu Nagae es bastante atractivo para el que nunca vió las anteriores películas del mismo nombre, en cambio para el que vió la número dos no podrá hacer menos que comparar y salir con la idea que la anterior era excelente y muy entretenida.

Cuentan los que saben que la película de la que se genera "Actividad Paranormal" data de poco tiempo. Sólo cuatro años atrás un muchacho israelí, Oren Peli, que llega a los diecinueve años a Estados Unidos, hace esta película que relaciona una pareja con un misterioso fantasma, alma en pena o espíritu inquieto, que luego de un viaje se instala en la casa familiar. La particularidad es que fue hecha con cámara digital, sin guión y costó quince mil dólares.

Inició una carrera exitosa hasta que Spielberg se interesó, Paramount compró los derechos nacionales e internacionales en trescientos mil dólares, se hizo la segunda versión y ya lleva recaudados más de ciento noventa millones de dólares. Actualmente hasta hay un cómic breve que lo transmite IPhone. La secuela, o para ser más elegantes, "la precuela" se origina en Japón, está protagonizada por actores japoneses y los capitales de la producción son mixtos.

FILMARLO TODO

Esta vez se trata de dos hermanos adolescentes, Haruka y Koichini. La chica vuelve de Estados Unidos con las piernas fracturadas y debe convalescer en la casa de un padre viajante y su hermano que vive filmando con una cámara digital todo lo que ve, debe ocuparse de cuidarla. Ninguno de los dos sabe que pronto aparecerá un nuevo y molesto personaje que no se deja filmar y les va a hacer la vida imposible.

El filme de Toshikazu Nagae es bastante atractivo para el que nunca vió las anteriores películas del mismo nombre, en cambio para el que vió la número dos no podrá hacer menos que comparar y salir con la idea que la anterior era excelente y muy entretenida. La actual de vez en cuando sobresalta, no tiene demasiados sorpresas y su final es desilusionante.

Con humor y mucho movimiento

Los encuentros entre padre e hijo se sacan chispas, porque si Hugh Jackman tiene personalidad, el niño canadiense Dakota Goyo, es una aplanadora de simpatía e histrionismo.

Charlie Kenton tuvo un buen pasado profesional que vaya a saber porqué no terminó bien. Pero ahora es otro tiempo y no el mejor. Por vaya a saber qué transferencias psicológicas, se compró un robot gigante boxeador y recorre, como los domadores los rodeos, buscando rivales para su "ahijado". Ubiquémonos, estamos en un futuro próximo.

El negocio es tener el mejor competidor, pero el de Kenton es un pobre y sufrido robot de tercera, o cuarta mano y en un momento terrible de lucha y valentía queda hecho un cascajo. Ahí va el pobre Kenton a buscar un "médico" para su pupilo. En este caso, una "mecánica" de primera, que arregla bien a todo robot que se precie de tal. También con él ejerció sus funciones terapéuticas y lo arregló románticamente hasta que el nomadismo de Kenton reapareció y se distanciaron. Este es un buen motivo para reencontrarse.

Al desastre laboral, se le suma un hijo olvidado, que reaparece de la mano de una tía casada con un millonario que quiere adoptarlo y busca a Kenton para que, en un juicio, normalice la situación.

El caso es que Kenton tiene que quedarse con el chico por un tiempo, previo pago por el futuro padrastro del niño de una suerte de "reaseguro" y descubre, entonces, que el pequeño Max es un conocedor del manejo de robots y un hábil negociador de posibles encuentros entre estos especímenes tecnológicos.

BOXEO Y HUMOR

"Gigantes de acero" es un entretenido relato de acción con notables encuentros boxísticos de despliegue visual y violencia extrema, tamizados con buen humor y efectos especiales.

Los encuentros entre padre e hijo se sacan chispas, porque si Hugh Jackman tiene personalidad, el niño canadiense Dakota Goyo, es una aplanadora de simpatía e histrionismo. Las peleas robóticas (fiesta de animatronics) recuerdan las clásicas películas del oeste, o las actuales en que especialistas en rodeo y adiestramiento de caballos recorren campos y doman al mejor postor, hasta caer con los huesos rotos para siempre.

Llama la atención el desparpajo paterno, sin pesares ni remordimientos de ausencias paternales (bueno, estamos en el futuro) y la clara ubicación del chico, conciente de que su dominio del manejo de las computadoras debe complementarse con la habilidad boxística de ese padre ex púgil, capaz de improvisar en cualquier torneo en los que pupilos robóticos serán bien entrenados para ganar competiciones. Un vistoso y entretenido filme con simpáticos y descomunales robots.

El compromiso de un creador

El documental estrenado permite mostrar obras, esculturas, fragmentos de sus filmes, algunos no estrenados, junto con imágenes de archivo correspondiente a conflictivos momentos de su trayectoria.

Se trata de un documental sobre la vida del artista plástico Edmund Valladares, importante figura de la plástica argentina, hombre comprometido con la vida y el arte, que con filmes como "Nosotros los monos" lanzó una dura crítica contra la comercialización del box.

Desde su Lanús natal, pasando a Huinca Renancó y Santos Lugares o la pensión de Callao y Cangallo, donde se refugiaba el mundo de la noche de Buenos Aires en la década del "40 y sus años de estudiante de pintura, Valladares gestó un mundo pictórico que recorrió el mundo e inició una cronología de premios.

Obras plásticas sobre el tango, Homero Manzi, Discepolín, Kafka, Van Gogh , documentales sociales y de arte, hablan de su plasticidad y la inquietud permanente de su vida.

LAS IMAGENES

Valladares realiza un monumento de bronce en homenaje a Cortázar y el boxeador Justo Suárez, auspiciado por la Unesco y en 2005 se emplaza su Cabeza de Cortázar, frente a la casa natal del escritor, en Bruselas.

El documental estrenado permite mostrar obras, esculturas, fragmentos de sus filmes, algunos no estrenados, junto con imágenes de archivo correspondiente a conflictivos momentos de su trayectoria.

Partes de "Nosotros los monos", "El sol en botellitas" o su película "Las siervas", que fue secuestrada y quedó inconclusa.

Fotos fijas, la instalación de la escultura de Cortázar en Bruselas, su retrospectiva en el Museo Amparo de México, su relación con el artista Osvaldo Guayasamin son algunos de los momentos de la película en la que también pueden escucharse testimonios a propósito de la vocación de artistas como Yaco Nowens, José Percico y Albino Fernandez, junto con la permanente reflexión de Edmund Valladares sobre su obra, la necesidad de compromiso del artista y la satisfacción de su labor docente.

Una suerte de travesía cósmica

Película difícil, de conmovedora religiosidad, una verdadera curiosidad en el mundo del cine, capaz de sorprender, emocionar o lamentablemente, para desprevenidos, desconcertar y aburrir. Impecable la filmación con una iluminación y una fotografía que asombra.

Antes de ver una película de Terrence Malick, tenemos que saber que lo suyo no es el filme de comienzo-desarrollo-final de la mayoría de las producciones cinematográficas. Ni la del tiempo cronológico. Sus narraciones son reflexiones, su diseño es poético y las preocupaciones que muestra en esta obra son las que, de alguna manera, lo encaminaron a la Universidad de Harvard para estudiar filosofía. El cine completa la búsqueda a través de sus seis producciones en más de cuarenta años, "El nuevo mundo" y "La delgada línea roja", son algunos de sus títulos más conocidos.

Tres partes integran "El árbol de la vida", la primera se refiere al origen de la vida, su nacimiento, la Naturaleza, el maremágnum de constelaciones, planetas, volcanes, los mares, sus habitantes, la tierra y sus vecinos.

La segunda se centra en la vida de la familia O"Brien, de Texas en los años "50, época que coincide con la infancia de Malick. La tercera tiene como protagonista a Jack, el hijo mayor, observador de todo lo que vive la familia, cuya voz dirige el flashback del relato y que va cuestionando la aparición de la disconformidad y el rencor en un hombre que transmite dolor y ansiedad en su mujer y sus pequeños hijos.

POEMA VISUAL

Poema visual sobre el sentido de la vida, a partir de la muerte de uno de los pequeños O"Brien, Malick sumerge al espectador en una suerte de fluir de la conciencia sideral donde las rutas de la vida dividen el espectro en la Naturaleza y la Gracia. Suma de cuestionamientos y porqués sobre el viaje del hombre hacia el final, Malick muestra, una vez más que su obra avanza hacia sus propios objetivos y que cualquier línea comercial o conformista no tiene cabida en el conjunto. Es así que hay momentos místicos de gran belleza y otros que rondan la ingenuidad y la total despreocupación respecto de la comprensión temática.

La película permite apreciar a un gran actor, Brad Pitt, en apariciones mínimas, con escuetos parlamentos pero potencia dramática en escenas como la del almuerzo familiar, cuando sus tiránicas tendencias vuelcan la situación hacia el caos. Y una extraña actriz de pálido rostro, casi empolvado como los viejos clownes, llamada Jessica Chastain, llamada, indudablemente a grandes papeles en el mundo del espectáculo. Un equipo de niños y la fuerte presencia de Sean Penn (actor preferido de Malick) completan el equipo actoral.

Película difícil, de conmovedora religiosidad, una verdadera curiosidad en el mundo del cine, capaz de sorprender, emocionar o lamentablemente, para desprevenidos, desconcertar y aburrir. Impecable la filmación con una iluminación y una fotografía que asombra.

Diálogo entre animales

Griffin Keyes parece haber nacido para cuidar animales. Trabaja en el Parque Franklin y ninguno de sus "pensionistas" es un desconocido para él. Conoce sus mañas, sus habilidades, sus picardías y es capaz de exceder las horas de su turno habitual por estar con ellos. Hasta parece que se lleva mejor con ellos que con sus compañeros humanos.

El problema es que su vocación de cuidador, no es comprendida por su novia, que aspira a una pareja mejor posicionado y con una actividad más lucrativa y de nivel. La ruptura se acerca y el pobre Griffin empieza a pensar seriamente en cambiar de trabajo. Pero todavía le queda una oportunidad que se le presenta cinco años después, cuando la novia reaparece.

Claro que la sorpresa coincide con la súbita conversación que los animales de su amado zoológico, comienzan a brindarle, para su asombro.

CONSEJOS

Comprendiendo que su amado cuidador está pasando por un mal momento, deciden darle consejos amorosos para que recupere a su amada. Pero animales y personas no tienen las mismas costumbres.

"El guardián del zoológico" es una liviana comedia romántica que como "Babe, el cerdito valiente" o "Dr. Dolittle", muestra animales que hablan y también un buen conjunto de bichos, desde osos a jirafas. Eddie Murphy y Rex Harrison hace tiempo tenían el don de charlar con los animales en aquellas películas y ahora se lo pasaron a este simplón de Kevin James, del que nadie puede pensar que tenga la novia que tiene.

El filme muestra problemas de verosimilitud y reiteraciones, porque luego de la exposición de cada animal sobre las tácticas amorosas para que Griffin pueda encontrar novia, la cosa se repite y las bromas y las situaciones no dejan demasiado para imaginar. Conocidos actores doblaron a los animales como Cher, en la leona, Maya Rudolph es la jirafa, Nick Nolte, el gorila y Sylvester Stallone, el león Joe, mientras los animatrónicos como Bernie, también tienen su lugar (el poderoso orangután).

Total, una comedia pasatista, para todo público y sin demasiadas pretensiones.

Una aventura con mucha acción

La producción del alemán Marcus Nispel es un clásico de aventuras filmado en Bulgaria con un buen diseño de producción y correctos actores. Hay algunos desniveles entre la primera parte y la segunda, pero los requisitos del género están suficientemente cumplidos.

Conan fue un personaje nacido en la década de los "30, cuando la historieta se ponía los pantalones largos en Estados Unidos y surgían héroes y antihéroes aquí y allá.

Suerte de gigante justiciero, de desgraciado nacimiento (su madre muere cuando él llega a la vida) y una infancia donde su padre es asesinado por un malvado al que perseguirá por el mundo en una matanza brutal, este héroe de pocas palabras y fuerza increíble, fue el más exitoso de los personajes creados por el historietista Robert Erwin Howard.

Conan se destaca por su descomunal fuerza física, es cimmerio y ataca a todo aquél que se opone a sus acciones. Durante el filme sabemos que su enemigo principal es Khalar Zym, que un día matara a su padre y que va por el mundo acompañado por su siniestra hija bruja.

FUTURO HEROE

La película pasa por el nacimiento del futuro héroe, su educación ligada a las armas, desde el momento en que su padre es poseedor de una fragua. Su asesinato y el deseo de venganza de su hijo lanzará al cimmerio a la aventura y la violencia.

La aparición de la que será su amor, Tamara y las luchas que lo acercarán a Khalar Zym, son secuencias bien filmadas con un fuerte acento en el exceso de violencia.

La producción del alemán Marcus Nispel es un clásico de aventuras filmado en Bulgaria con un buen diseño de producción y correctos actores. Hay algunos desniveles entre la primera parte y la segunda, pero los requisitos del género están suficientemente cumplidos.

Hay muy buenos enfrentamientos, personajes sencillos pero atractivos como Conan, interpretado por el actor hawaiano de "Bay Watch", que tiene el profético nombre de Jasón (el de las aventuras con el Vellocino de Oro), aunque éste nació en las islas hawaianas, con el apellido Momoa; la chica Rachel Nichols como Tamara, una seductora mujer de la que se enamora y los malos muy malos por los que se genera toda la aventura, el villano Khalan Zym y su hija Marique, la de las uñas metálicas, capaces de hundirse en la piel de cualquiera para proveer de sangre a la vampiresca señorita.

EL MONSTRUO

También a la manera de las aventuras de Simbad, tienen sus secuencias muy bien filmadas con el monstruo de turno, una suerte de pulpo gigante y unos hombres de arena que se forman y desaparecen en batallas imposibles.

Parece mentira que este elemental gigantón, más simple en la película que en la historieta, alcanzara mayor fama que otros personajes de Howard, exitoso historietista, desde su aparición en "El Fénix de la Espada". Otros como Kull y Solomon Kane, el puritano, todavía no fueron bien abordados y esperan su momento para entrar a películas, o videos.

Llamativamente el fuerte hombrón cimmerio, nació de un escritor debilucho, que logró una muy buena ubicación en el mundo del cómic y que lograra adquirir un físico aceptable, luego de arduo esfuerzo, pero harto de desengaños amorosos y ante la tuberculosis de su madre, su gran compañera se pegara un tiro recién cumplidos los treinta. Nunca imaginó que los trabajados músculos del aguerrido Conan darían para tantas aventuras en los medios más sofisticados conocidos y sin problemas de tiempo.

Un relato sin sorpresas

Nuevamente una obra de la condesa de Lafayette llevada al cine. Suerte de Mariquita Sánchez de Thompson de la literatura francesa, organizadora de prestigiosos salones literarios, amiga de La Rochefoucault y LaFontaine, Marie Madelaine se hizo célebre por su novela "La princesa de Cléves" (1678), con varios puntos de contactos temáticos con "La princesa de Montpensier" (1662), posterior a la primera y llevada al cine hace más de cincuenta años con Marina Vlady, Jean Marais y la dirección de Jean Delannoy.

La película cuenta las penurias amorosas de un amor imposible, el de la bella del título y el duque de Guisa durante las "Guerras de religión" del siglo XVI entre católicos y hugonotes (protestantes calvinistas).

Como en "La princesa de Cléves" y amor imposible con el duque de Nemours, el amor está condenado al fracaso. No olvidemos que estamos en época de casamientos por conveniencia, concertados generalmente por razones económicas entre los padres de los más jóvenes.

CASAMIENTO

Marie de Mezires en esta historia, es obligada a casarse con el príncipe de Montpensier y recibir educación por parte del Conde de Chabannes, que también se enamora de ella.

El filme de Bernard Tavernier ("Más allá de la justicia", "La carnada") reúne los ingredientes clásicos del género. Lo épico y el drama romántico más inclinado al melodrama.

El asunto está en que todo se desarrolla en una línea absolutamente tradicional y sin la garra que puede provocar una vuelta de tuerca o una reacción inesperada. Todo el previsible y fácil y las pasiones parecen lavadas. Nada sorprendente ocurre y pasa todo lo que esperamos que pase, sin énfasis ni sangre.

Lo mejor es la construcción de época bastante austera. En cuanto a los actores es bueno el nivel actoral, la bella ex modelo Melanie Thierry personifica a Marie de Mezires, Lambert Wilson (hijo del notable Georges Wilson) es el Conde de Chabannes, Gregoire Leprince Ringuet personifica al príncipe de Montpensier y Gaspard Ulliel (Hannibal Lecter) es el duque de Guisa.

Una comedia ligeramente bizarra

En esta comedia de puro humor físico, sólo faltan los tortazos de las películas mudas y al clan de chicas, se uma Judd Apatow, el de "Ligeramente embarazada".

Lilian y Annie son las clásicas "amigas muy amigas": Infancia, adolescencia, secretos y picardía, un mundo clase media encantador y bastante simple, al menos hasta iniciar la adolescencia. Pero ahora LIlian se casa y la nombra organizadora de boda a Annie y Annie se encuentra no sólo con esa gran responsabilidad, sino con una situación personal complicada, problemas económicos, amigovio imbancable y reciente negocio quebrado con su capital incluido.

Si a esto se suma la aparición de una nueva amiga de Lilian, perfecta, bella y rica, con todas las armas para sacarle "el título" de "mejor amiga" la grilla está completa. Con un poco más de visión se aprecia la responsabilidad del futuro, las distintas formas de vida en juego etcétera.

"Damas en guerra" es una comedia atractiva, de buen ritmo, pero con algunos momentos francamente discutibles. La escena de la intoxicación hace temblar la columna del buen gusto. Mala tendencia que se extiende, con más groserías y detalles escatológicos.

EN APUROS

Imaginen una comedia elegante, chicas amigas y futuras damas de honor encantadoras y bien vestidas, salvo una "bombera" caída en la troupe por ser cuñada de la agasajada. Piensen en una prueba de vestuario de la mejor moda, en la mejor casa, con los más finos accesorios y ahora vean a la futura novia, a las futuras damas de honor, que no pueden digerir un almuerzo latinoamericano y tienen que aterrizan en el toilette destinado a tres siendo seis y con la inmediata demanda, de sacar tanto horror del estómago.

Bueno, esa es una de las sorpresas de la película de un mal gusto lamentable, pero muy acompañado por la risa, porque la catarsis es lógica.

Claro que también hay despedidas de soltera aceptables, gags, situaciones divertidas y buenos actores y actrices, algunos personajes imbancables y la tal Megan, suerte de "Cumbio" adulto, de fuerte personalidad y bien dispuesta para la lucha. En síntesis, una comedia con sólidos comediantes, una Kristen Wiig que ahora también es guionista y cada vez hace recordar más a Meg Ryan y personalidades como Melissa Mc Carthy, Maya Rudolph, como la amiga en crisis, o el simpático policía interpretado por Chris O"Dowd.

En esta comedia de puro humor físico, sólo faltan los tortazos de las películas mudas y al clan de chicas, se uma Judd Apatow, el de "Ligeramente embarazada".

Cine sobre la realidad social

Es un filme colectivo producido por Pablo Nisenson ("El grito sagrado", "Los espíritus patrióticos"), que cuenta con la participación de nueve directores conocidos (Miguel Pereira, Carmen Guarini, Andres Habegger, Ulises Rossell) y jóvenes desconocidos.

La consigna es la Declaración Universal de Derechos Humanos y bajo ese disparador se aglutinan observaciones sobre distintas circunstancias, que, de una manera u otra, vulneran los derechos humanos en la Argentina.

La selección cinematográfica abarca una temática variada, distintas miradas y formas de abordarla con resultados desparejos.

Polución ambiental, necesidad de fijar la memoria de la injusticia, precariedad económica, seguimiento y denuncia de la tortura, consecuencias sanitarias de carencias alimentarias, incorporación al Colegio Militar de la cátedra de Derechos Humanos, son puntos integrantes de la temática abordada por el filme.

LUGARES

"D-Humanos" fue filmada en lugares como la Villa 31, cárceles, comedores, radios comunitarias, la ciudad jujeña de Abrapampa y la formoseña de Clorinda.

Un filme de nueve realizadores, lógicamente, exhibe diferencias en cuanto a ritmo, mayor o menor intensidad en el abordaje argumental y resultados finales, alto y bajos en los lugares comunes. La experiencia en el caso de los realizadores ya conocidos por el público, muestra una mayor perfección técnica, pero no siempre un interés superior. Es el caso del muy interesante episodio -"La formación"- dirigido por la casi debutante Andrea Schwellemberg, que reflexiona y reportea cadetes y profesores, receptores de la cátedra de derechos humanos o emisores de la misma y que, a la vez, cuestionan la recepción de esa materia y la posibilidad de transformar la ideología de una institución como el Colegio Militar.

Hay cortos de particular interés como "Sangre en el plomo" de Miguel Pereira con su denuncia de la fundidora de plomo, que luego de treinta años en Abrapampa, Jujuy, dejó una devastación ecológica y sanitaria con ochenta por ciento de plomo en la sangre de sus habitantes. Y otros como el de Carmen Guarini, que con la utilización de elementos de construcción como las baldosas, evocan un horror que no puede olvidarse.

Algo a mitad de camino

La película de Santiago Palavecino se queda a mitad de camino. Su lejanía brechtiana impide cualquier acercamiento emocional en un filme de cuidado diseño de arte, con una fotografía y un tratamiento de sonido de primer nivel.

La pareja de Laura y Juan está en crisis. Después nos enteramos que ella abandonó todo por ese señor enfurruñado con el que se casó. Sus estudios de piano, su carrera como concertista, todo quedó atrás. Ahora enseña piano a alumnos particulares en un pueblo de provincia, mientras Juan asiste vacas, caballos y cualquier animal que su profesión de veterinario requiere.

Mientras Laura piensa que todo fracasa y su embarazo complica el problema; su marido asiste, accidentalmente, a una feroz pelea entre adolescentes que deja agonizando a uno de ellos. En ese momento aparece, para empeorar la situación, un ex novio de Laura, pariente del agredido, que complica el panorama. Y la posibilidad de una denuncia de Juan contra el grupo agresor, hijos algunos de poderosos personajes del lugar, activa las presiones del padre de uno de ellos para lograr un silencio cómplice.

LOS CLIMAS

"La vida nueva" entra dentro de la línea de "cine interior", poco desarrollado dentro de la cinematografía argentina. Cine de estados de ánimo, enmarcado en climas casi oníricos, el filme, que por un lado logra crear una atmósfera singular, por el otro descuida las subtramas y no anuda las distintas historias.

La película favorece cierto desconcierto, una desorientación que distrae y genera una ambigüedad que se concentra en las actitudes del personaje del esposo, que lamentablemente, por la interpretación errática de Alan Pauls, acentúa el clima general.

Martina Gusmán es una Laura espiritual y poética que se contrapone con su ex pareja, Germán Palacios, ambos en excelentes interpretaciones junto a la promisoria Ailin Salas, la talentosa adolescente de "La sangre brota". En cuanto a Alan Pauls ("El pasado"), un notable escritor en la vida real, tiene sí un interesante rostro, pero su hieratismo le juega en contra.

La película de Santiago Palavecino se queda a mitad de camino. Su lejanía brechtiana impide cualquier acercamiento emocional en un filme de cuidado diseño de arte, con una fotografía y un tratamiento de sonido de primer nivel.

Entre la derecha y la izquierda

El filme trata de mantener el buen humor y conservar el espíritu lúdico, pero a veces choca con torpezas, o bromas que están más relacionadas con cierta necesidad de impactar. Un dato a destacar es que tiene excelentes actores como la deliciosa Sarah Forestier.

Ella se llama Baya, es hija de argelino y francesa. Y tiene una línea ideológica que le impide tolerar a las personas estructuradas y rígidas, burguesas y de derecha. Una madre francesa ex hippie le debió haber dicho esto de "hagamos el amor y no la guerra", porque la jovencísima Baya hace el amor con burgueses de derecha y por su prédica en la sala, o en la cama, no aclara, los convence de modificar sus principios. Ahora se encontró con Arthur Martin, veterinario con nombre de marca de electrodomésticos, que está muy lejos de ser un hombre de derecha y es seducido por la ardiente jovencita.

Arthur tuvo abuelos que murieron en Auschwitz y una madre que debió cambiar su apellido para sobrevivir en una sociedad, donde Vichy era una realidad (Estatuto de los judíos, 1941).

Los dos se encontraron y Baya lo confunde con un burocrático señor al que debe enamorar para que cambie. Pero Arthur no es lo que ella piensa y la cosa empezará a complicarse.

DELICADO EQUILIBRIO

"El significado del amor" es una suerte de comedia romántica con implicancias políticas. Más cercana a la farsa por ciertas exageraciones de forma y fondo, la película se desplaza en un delicado equilibrio con referencias al gobierno de Petain, Jospin, la intolerancia social y la vida en general. Con una alusión directa a los derechos humanos, la hipocresía social y la necesidad de confraternizar y llegar a una suerte de comunidad, la historia de Michel Leclerc apunta a la exposición de problemáticas sociales de interés.

El conflicto está en que hay cierta preferencia por el desborde y una estrategia de juego que a veces molesta. A la vez que la variedad de temáticas que abarca -la discriminación, el Holocausto, el gobierno de Vichy y otras problemáticas urticantes-, por momentos se convierten en un collage, un poco desenfrenado.

El filme trata de mantener el buen humor y conservar el espíritu lúdico, pero a veces choca con torpezas, o bromas que están más relacionadas con cierta necesidad de impactar. Un dato a destacar es que tiene excelentes actores como la deliciosa Sarah Forestier, con todo el desparpajo de la juventud y la belleza de una nueva actriz joven, todavía no contaminada por los mareos psicoanalíticos y un correcto Jacques Gamblin.

Risueña historia color sangre

El filme se ubica dentro de la comedia juvenil con momentos de miedo y de risa, con intérpretes atractivos, buenas situaciones de enredo y las actividades del tradicional cazavampiros (David Tennant, el de "Dr. Who"), presente en todo tipo de película de este género que se precie.

En viejas épocas, las películas de vampiros en su mayoría eran dramáticas. A partir de los "60 ya empezaron a tomar colores menos rotundos y algunas intercalaron el elemento humorístico. Esta "Noche de miedo", que responde al esquema terror-humor, se basa en la dirigida por Tom Hollland, que se hizo en 1985. En ella un vampiro le robaba la novia a su joven vecino, un adolescente. Trabajaba Chris Sarandon como el vampiro ladrón y Roddy Mac Dowall era Peter, el caza-vampiros.

PARA ADOLESCENTES

En este caso, la película tiene un tono adolescente y el protagonista es un muchacho, Charlie, que se rebela contra la autoridad materna. Criado por una madre soltera, que vive sólo por su único hijo, es natural que pase los límites y se convierta en controladora y ligeramente inaguantable. Por supuesto sus gustos chocan con los de su hijo y sospecha de todo lo que lo rodea y puede lastimarlo. Justo en este momento cuando el chico hace esfuerzos por independizarse y logra que una linda chica lo tome en serio, un muchacho nuevo se muda al vecindario y comienza a ser un peligro no sólo para Charlie.

Sí, Charlie (Anton Yelchin) decide espiarlo y lo que vé lo hace pensar que el vecino es un vampiro.

"Noche de miedo" es una película que se ubica dentro de la comedia juvenil con momentos de miedo y de risa, con intérpretes atractivos, buenas situaciones de enredo y las actividades del tradicional cazavampiros (David Tennant, el de "Dr. Who"), presente en todo tipo de película de este género que se precie.

De narrativa fluida y buen ritmo, el filme, destinado a entretener, tiene un buen plantel de actores. Anthony Yelchin es Charlie, el chico que se ve atacado por el nuevo espécimen y Toni Collete, la misma de "Pequeña Miss Sunshine" protagoniza a la madre con su solvencia profesional, mientras Colin Farrell hace las veces de Vampiro y es creíble.

Bien pensada comedia lunática

Greame y Clive lograron su sueño de infancia, compartir la Comic Com, Convención Internacional de comics, ciencia ficción y fantasía de San Diego.

Fanáticos del tema, vinieron desde Inglaterra (trabajan en el campo) y piensan visitar "los paraísos ovnis norteamericanos", desde Nuevo México y su polémico Roswell, al Area 51 en Nevada, pasando por la publicitada Rachel. Así emprenden un viaje por "la carretera extraterrestre" (la 375), sin imaginarse 1que un alienígena, escapado de una base militar los elegirá como compañeros de viaje.

Y no serán los únicos acompañantes, vendrán agentes federales, un fanático religioso y su linda hija, más otros personajes innombrables.

Los amantes de la ciencia ficción van a disfrutar a lo loco con estos simpáticos nerds, ingenuos y prejuiciosos, que deslumbrados por su Encuentro del Tercer Tipo, iniciarán una fuerte amistad con ese Paul al que alude el título, mezcla de imagen Roswell con hermosos ojos E.T., de fuerte personalidad y humor zumbón.

FANATICOS Y ALGO MAS

"Paul" tiene un sólido guión de los simpáticos actores, que hacen doblete en este filme. Hay bromas, alusiones a películas y escritores del género (encuentro con Shadowchild en la convención), a Bin Laden y a Darwin, a cineastas como Spielberg y mucho hincapié en las aprensiones gay de los "duros" y muy tontos de la zona. Es desopilante el enfrentamiento de Paul y el fanático religioso al que desafía a explicar su existencia alienígena.

En síntesis, el director Greg Mottola con sus actores-guionistas, homenajea el mundo de la historieta y la ciencia ficción, observa agudamente los "tipos" de la región, "la mesera", "los duros", el fanático religioso, el armamentismo bushiano, logrando exaltar las virtudes de la amistad y la aceptación de la diversidad. Tiene química la pareja de amigos, Frost y Pegg, muy graciosa la pareja de agentes. Hay un cameo de Sigourney Weaver en el final.

La Argentina de fines de los "40

El filme de Paula de Luque permite asistir, quizás por primera vez a una representación creíble, emocional y sorprendentemente verosímil de la pareja Perón-Eva y todos los que rodean su historia.

Es la historia del comienzo de la relación amorosa entre Juan Domingo Perón y Eva Duarte. "Juan y Eva" toma el período que va desde el terremoto de San Juan (enero, 1944), cuando se conocen con motivo de las colectas y el 17 de octubre, cuando el peronismo se manifiesta como movimiento de masas.

A través del filme se asiste, como contexto que rodea el desarrollo de la historia de amor, a importantes sucesos de la Argentina. La renuncia del general Ramírez, Perón Secretario de Trabajo y Previsión y luego vicepresidente, la asunción de Farrell, el antagonismo con el general Avalos, la Marcha de la Constitución con Braden, embajador de Estados Unidos, y oponentes a Perón, su arresto e ida a Martín Garcia y la movilización de trabajadores del 17 de octubre.

HALLAZGOS

No sólo la representación de una época a través de mínimos detalles, desde el vestuario, los pequeños objetos, el habla cotidiana, están logrados, también es un hallazgo el material de archivo.

El filme de Paula de Luque permite asistir, quizás por primera vez a una representación creíble, emocional y sorprendentemente verosímil de la pareja Perón-Eva y todos los que rodean su historia.

Nunca los filmes referidos de una manera u otra a la célebre pareja, lograron el nivel de actuaciones y la sorprendente correspondencia con la realidad, que alcanza "Juan y Eva". Figuras como Avalos, Blanca Luz Brum, el presidente Farrell, Mercante, Erminda Duarte y amigas de Eva, aparecen con una notable aproximación a la realidad.

PAREJA IDEAL

Pareja despareja por edades y condición social, pero similares en el fondo y, firmemente unida por sentimientos que quizás conjugarían amor y necesidades complementarias, la presentación de los personajes de la historia permiten ir desmenuzando la intimidad de eso tan difícil de definir que puede unir a seres comunes, más allá de la carne y que se teje con sensaciones, miradas, susurros y el no decir de común acuerdo.

Esta difícil sensación no siempre ha sido fácil de plasmar y es muy interesante cómo la directora se mete en los momentos íntimos con austeridad, emoción y respeto.

Un párrafo final merecen las actuaciones protagónicas, porque esta pareja formada por Osmar Nuñez y Julieta Diaz, alcanzan su máxima expresividad en esta historia que los coloca entre los grandes actores argentinos.

Otras revelaciones son Maria Ucedo como Blanca Brum, Pompeyo Audivert como Farrell, Fernan Mirás (Avalos) y hasta la mínima intervención de Alfredo Casero.

Un inquilino observado

A Juliet Devereau le asombra esto de poder encontrar un amplio departamento en Brooklyn, a bajo precio y con condiciones de alquiler muy favorables. Ella es médica, ejerce su profesión no siempre en las mejores condiciones y necesita, ahora que se separó, un buen lugar para rehacer su vida.

Varios ambientes, múltiples ventanas y bastante cerca de su trabajo. Juliet se dispone a disfrutar del hallazgo. Hasta en algún momento pudo pensar que el locador, robusto, bastante bien parecido y quién sabe, de buen corazón (vive con el abuelo), hasta podría convertirse en una pareja futura. Pero hay algunas molestias, pequeñas al principio, extrañas luego, imposibles después. Juliet no entiende qué pasa, y decide recurrir a tecnología de seguridad. Lo que descubre, la sume en el horror.

Claro que no es lo mismo ver esta película si el espectador tiene dieciocho años o más de cuarenta, que si es cinéfilo o no. Lo que pasa es que hay películas con temáticas parecidas, que uno no puede olvidar, como "Sliver" de Phillip Noyce con la bella Sharon Stone, "El inquilino", que creó un genio como Roman Polanski, o "El inquilino" con Michael Keaton, dirigida por John Schlesinger.

RARO EDIFICIO

Carly Norris ("Sliver") también acababa de divorciarse y buscaba un departamento como Juliet, cuando cayó en el departamento equivocado, algo así como el edificio Dakota de "El bebé de Rosemary"; al pobre Trekjovsky ("El inquilino" de Polanski) le fallaba el cerebro, estrujado por tanto mal pasado y el matrimonio que recibe a Keaton, jamás pensó en tener un vecino tan rayado.

Tan buenas películas, no pueden compararse a ésta que tiene un muy buen comienzo, con atmósfera apropiada y un interés en ascenso hasta alcanzar los curenta minutos aproximadamente, ahí ya comienzan los lugares comunes, las reiteraciones, los raccontos exagerados y donde comienzan a pincharse el locador y hasta ese particular abuelito, que tiene una aparición muy breve.

Hilary Swank ("Los muchachos también lloran") es una excelente actriz y Jeffrey Dean Morgan no desentona, mientras que el abuelito es Christopher Lee, marca de fábrica del género, próximo a cumplir cien años, viviendo muy bien del terror, de merecida supervivencia cinematográfica con sus recordadas "La caída de la casa Usher" o "La muerte de la máscara roja".

Las relaciones interesadas

Es una comedia romántica divertida, efervescente, con un ritmo que no para hasta la segunda mitad del filme y tiene todo lo que le gusta a los adolescentes y a los jóvenes en general.

Una chica con un empleo muy actual, descubridora de talentos para empresas; un joven que maneja como director creativo una puntocom exitosa en Los Angeles. Dylan y Jamie se encuentran por razones laborales.

En el caso de Dylan, atiende rápidamente la propuesta laboral de Jamie porque, entre otros aspectos ha finalizado una relación afectiva pocos días antes y está más predispuesto a conocer gente y probar trabajos nuevos. Jamie sabe que si pierde a este talentoso yuppie, perderá parte de su suculento sueldo, por eso lo invita en cuanto lo recibe en el aeropuerto, a visitar Manhattan y disfrutar de una gran ciudad para entusiasmarla y contribuir a que se quede y acepte el trabajo.

LOS DE TREINTA

Después vendrá una cena y un comienzo de amistad, hasta que, gracias a las buenas relaciones que establecen, decidan probar tener relaciones sexuales sin comprometerse, manteniendo la independencia.

"Amigos con beneficios" es una comedia romántica divertida, efervescente, con un ritmo que no para hasta la segunda mitad del filme y tiene todo lo que le gusta a los adolescentes y a los jóvenes en general: gente de no más de treinta, con linda pinta, trabajos de onda, romance, no demasiadas vueltas de argumento, lindas vistas de la ciudad (en este caso Nueva York y algo de California, más la cinematográfica Estación Central) y algunas conversaciones y escenas de sexo bastante audaces.

EL ALZHEIMER

La película cuestiona un tipo de relación afectiva, le da algunos momentos al problema del Alzheimer del padre del protagonista, a cargo de Richard Jenkins, el de "Comer, beber, amar", que dejó los retiros de la India en esa producción, e incursiona en cómo sería tener Alzheimer en California, tema médico instalado en la cronología cinematográfica norteamericana.

"Amigos con beneficios", presenta también a la madre de Jamie, inmadura matriarca, sobreviviente de la era hippie y un sobrino con aspiraciones de mago a lo Harry Potter. Todo se toca por encima, sin molestar demasiado y hasta se aventuran a recordar algunos temas cinematográficamente tratados con anterioridad, como el del sexo, esta vez en su aspecto grupal con la proyección en un plasma de la protagonista de "Bob y Carol...", que en su época escandalizó a unos cuantos.

La ucraniana Mila Kunis ("El libro de Eli") y Justin Timberlake ("Red social") son Jamie y Dylan, Patricia Clarkson hace de madre y se puede asistir a uno de los nuevas manifestaciones sociales generadas por internet, un "Flashmob", esa creación inmediata de grupos convocada por las redes sociales.

Una pastilla demasiado mágica

El director Neil Burger ("Red social") dota al filme de cierto suspenso, alguna dosis de tensión, vertiginosidad y mucha violencia, acompañado por un impecable diseño de producción

Edie Morra escribe. Pero ahora tiene lo que se conoce como "síndrome de la página en blanco". Alguna barrera mental le impide conectarse con lo que mejor hace y no puede escribir ni una línea. Y entonces le llega la solución o el comienzo de su tragedia.

El encuentro con un viejo amigo. Uno de esos simpáticos compañeros de algún momento, que nunca se sabe a qué se dedican, de qué viven, pero siempre están en el mejor lugar, en cualquier momento. Parece que el amigo está en contacto con un laboratorio y tiene unas misteriosas pastillas que según le dice a Edie, lo pueden ayudar en su bloqueo.

Edi adeuda la renta de su pieza en un barrio de cuarta, está peleado con su novia, sabe que no escribe bien, pero este problema del bloqueo lo preocupa. Y entonces se traga la pastilla. Lo que ocurre lo ingresará a una espiral de vértigo y locura de la que será muy difícil salir.

LOS CAMPOS OSCUROS

El filme se basa en el libro del irlandés Alan Glynn, "Los campos oscuros" (2001) y su versión fílmica, por su estructura simple y efectista recuerda la estructura de una historieta, o de un guión clase B de cine de los "70.

Lo que atrapa es el ritmo y dos actores: Robert De Niro, en un breve pero significativo papel y Bradley Cooper, un actor al que le dicen "el nuevo Brad Pitt" y realmente atrae y obliga al espectador a no distraer mucho la atención más allá de su persona. Lo que sigue es la historia de este escritor de segunda, convertido por la pastilla, en uno de primera y en un especialista en cualquier tema que aparezca. Esto en vez de solucionarle los problemas, se lo complican, porque el poder se interesa por él, como ocurre con el hombre de negocios, Carl Van Loon (Robert De Niro).

Detrás suyo vendrán los estafadores de siempre, la mafia rusa y todo lo que pueda ser muy molesto para cualquier persona.

El director Neil Burger ("Red social") dota al filme de cierto suspenso, alguna dosis de tensión, vertiginosidad y mucha violencia, acompañado por un impecable diseño de producción. Las incongruencias de la historia no afectan demasiado al público de este tipo de género, que priorizan impacto y acción, pero el nivel de la segunda parte baja, se reitera, aunque logra mantenerse hasta el final.

Para pensar y también sonreir

Para algunos el filme no cumple con lo que prometía la notable y original primera parte. Pero Nani Moretti logra aggiornar típicos elementos de la clásica comedia neorrealista italiana.

Melville quiso ser actor. La vida lo hizo sacerdote. La fe tuvo mucho que ver en la elección. ¿Quién sabe si no pensó? en la iglesia como un refugio a su frustración o si la fe lo encaminó a la oración y el aislamiento. Suponemos que Melville tenía un destino elegido y creía que la vida seguiría siendo igual, sin demasiados cambios. Nunca pensó que la elección de los cardenales lo abrumaría de esa manera. Nunca pensó que lo elegirían Papa.

Será por eso que Melville sufre un ataque de pánico cuando el cónclave lo designa sucesor del trono de Pedro.
Nanni Moretti, ese "chico terrible" de "Caro Diario", o "Aprile", cuestionador permanente, decidió poner la mirada en la Iglesia y su mundo. Pero no lo hace, de ningún modo, cuestionando dogmas de fe, sino ciertas acciones de la iglesia y algunos razonamientos que chocan con el racionalismo psicoanalático. Y lo refleja en un diálogo inicial, confrontando un representante de la Iglesia y el psicoanalista llamado en ayuda del Papa en emergencia. Eso sí, partiendo del concepto "alma e inconsciente no pueden existir".

EXEQUIAS PAPALES

Los mejores momentos del filme están centrados en la primera parte, donde a la magnificencia de las exequias papales (documentales de la muerte de Juan Pablo II) se une la liturgia que precede una elección papal y las agudas observaciones e imágenes del cónclave electoral, sumado a las particulares características de los cardenales y el encargado del protocolo eclesiástico, una destacada actuación del actor polaco Jerzy Stuhr.

La aparición de Nanni Moretti como el psicólogo, dispara algunos diálogos filosos, pero deja con las ganas al espectador por asistir a la terapia papal, más allá de la divertida escena de la mínima conversación con el prelado, frustrada por una multitud de atentas orejas cardenalicias

Moretti a esta altura, elige un rumbo más orientado a la observación costumbrista, que a las profundidades que preanuncian la formidable actuación de Michel Piccoli.

NEORREALISMO

Así el instante que parece aludir a una interioridad futura en el conflicto (escena del Papa en el autobús hablando consigo mismo) deriva en anécdotas que lo involucran en panaderías, hoteles y su relación con una compañía ambulante que representa a Chéjov.

"Habemus Papa" para algunos, no cumple con lo que prometía la notable y original primera parte. Pero Nani Moretti logra aggiornar típicos elementos de la clásica comedia neorrealista italiana. El partido de voley, el guardia gordinflón agitando entusiasmado la cortina en la habitación papal, los cardenales bailando al ritmo de "Todo cambia", la voz de Mercedes Sosa, dignos del neorrealismo de Vittorio de Sica de "Milagro en Milán", valen el filme, sumado a ese capo lavoro de Michel Piccoli, a sus ochenta y cinco años.

La esencia de la película está en esa canción del chileno Julio Numhauser, fundador de los Quilapayún y parece recordar a la Iglesia que es buen momento para realizar algunos cambios.

Explotación humana en Bosnia

Un empleo ofrecido por el DPI (el Departamento Policial Internacional) coordinado por Naciones Unidas, lleva a una joven policía de Nebraska a ofrecer su experiencia en la Bosnia de posguerra. Su ascendencia eslava y la circunstancia de necesidad laboral que la apremia, ocupa un lugar especial en su decisión de incorporarse a esa suerte de embajada de paz que trata de ayudar a un país caotizado por una guerra reciente.

En particulares situaciones de crisis, como ésta, la contratación de servicios a países en situación de necesidad, está en manos de empresas privadas, cuyos beneficios y responsabilidades en la población civil no son suficientemente supervisadas, dejando un blanco legal. Un caso similar sucede en el caso africano, también llevado al cine en filmes como "El jardinero fiel", que cuenta con la actuación de la misma Rachel Weisz, que en este filme personifica a la protagonista en la vida real de la tragedia, Kathryn Bolkovac).

SUSPENSO Y ACCION

La llegada de Kathryn a su destino la obligará a enfrentarse con situaciones de trata y explotación humana en la que, para sorpresa de la policía, se encuentran involucradas gente de la diplomacia, de organismos oficiales y de Naciones Unidas.

"La verdad oculta" está basada en el libro de Kathryn Bolkovac "The Whistleblower", escrito hace doce años y que se convirtiera en un best seller.

La directora canadiense Larysa Kondracki lleva el relato con eficacia narrativa, apoyada por el sólido guión y un manejo de las tensiones y el suspenso que se mantiene hasta el final y cuenta como aliada principal una actriz de primer nivel como Rachel Weisz y en un personaje secundario a Vanessa Redgrave, co-equiper imprescindible en la soledad que comienza a invadir a Kathryn, ante la paulatina investigación que va poniendo en evidencia una trama macabra, manejada por poderosos, difícilmente "tocables".

Thriller político con un tema, la trata de personas, que ha adquirido en los últimos tiempos, un lugar especial en nuestro país, "La verdad oculta" es un filme fuerte, de visión necesaria. Su mirada directa, sin disfraces, obliga a reflexionar sobre un problema social en constante crecimiento.

Fiesta de casamiento con escollos

Con subtramas bien elaboradas y un equipo de lujo, "Mi primera boda" crece y se convierte en una divertida comedia, tan poco tratada por el cine argentino como género, como si se tuviera miedo de burlarse de uno mismo y no parar de reír.

Adrian dirigiéndose al espectador aconseja que no se case y recuerda los problemas de su boda, hace muy poco tiempo. Ese es el comienzo de "Mi primera boda", la nueva película de Ariel Winograd.

El y Leonora, estuvieron de novios y esperaban casarse en una mansión de lujo, rodeados de toda la familia y los amigos. Pero nada resulta perfecto si las cosas se complican.

Un ex novio de la chica, aparece con ganas de reiniciar la relación; la madre del novio espera algo que impida que al nene se lo lleve una pareja goj, mientras el primo trata de mejorar su mala relación con Leonora ayudando al novio y Adrián, cree enloquecer cuando se le pierde el anillo en el parque, punto clave del desbarajuste siguiente.

Todos los clisés de una fiesta de casamiento, de los amigos y amigas de la pareja, los suegros o los que bendecirán la ceremonia, pasan por "Mi primera boda".

FRESCURA Y ALEGRIA

La ex de Adrián, la "asistente de casamiento", el tío anciano que decide reanudar su vida sexual e iniciarse en la droga. Una suerte de caos necesario para que todo culmine con una torta de varios pisos, dos muñequitos que fetichizan la felicidad y una novia feliz con vestido largo.

La perfección se va a desmoronar, ex novios presentes, autoridades religiosas perdidas, todo parece haberse combinado para que el desbande sea total.

El director de "Cara de queso" ya nos tiene acostumbrados a chistes y situaciones con humor y buenos actores. Aquí reaparecen muchos de sus personajes, que en vez de habitar un country judío como aquél donde sucedía su película anterior, parecen haberse desplazado a esta mansión en medio de la nada.

EQUIPO DE LUJO

Ariel Winograd, con un sólido guión, envuelve de risas y sonrisas la sala de cine y lo hace con sanos recursos y un ritmo y sentido del "tiempo narrativo" llamativo.

Con subtramas bien elaboradas y un equipo de lujo, "Mi primera boda" crece y se convierte en una divertida comedia, tan poco tratada por el cine argentino como género, como si se tuviera miedo de burlarse de uno mismo y no parar de reír.

Son de primer nivel los trabajos de la pareja joven, especialmente la encantadora Natalia Oreiro, el divertido Martin Piroyanski, Imanol Arias como el ex novio y los impensables Patricio y Fabio, sacerdote uno, rabino el otro (Mundstock-Rabinovich), conducidos en un auto de alquiler hacia cualquier destino, menos el que los aguarda.

Soledad Silveyra, la madre coqueta, continúa el personaje de "comehombres" que en "Cara de queso" tomaba otras características y Martín Piroyanski se luce como el primo pesado, deseoso de elevar su estima ante la novia que lo detesta. La banda sonora acompaña con estilo un filme divertido y muy argentino.

El amor puede ser solidario

La nueva película de Mike Leigh, el gran realizador de "Secretos y mentiras", "Topsy Turvy" y tantos filmes que revalorizan la condición de individuo, habla de la amistad y cómo pueden formarse pequeños focos de solidaridad que ayuden a vivir.

El comienzo plantea en pocas imágenes y palabras la confesión de una vida poco feliz ante una terapeuta que la escucha con atención. La "escuchante" es Gerry, una mujer de, calculamos, más de cincuenta que luego identificaremos haciendo atención, en la huerta con su marido, el bueno de Tom, geólogo de profesión.

A pesar de los nombres que recuerdan eufónicamente al célebre gato y su enemigo, el pícaro ratón, la pareja se lleva muy bien y conviven hace muchos años en las afueras de Londres. Son gente tranquila, de buena posición dentro de una clase media trabajadora y tienen pocos pero buenos amigos.

CUATRO ESTACIONES

A lo largo de cuatro estaciones, en los que está dividida la película, conoceremos a su gente.

Ahí está Mary, secretaria en el trabajo de Gerri, todavía joven, resentida por una pareja que la abandonó y con la necesidad de apoyarse en alguien que tolere sus contradicciones y su afición al alcohol. Después vendrán Ken, amigo de Tom, tan gordo, tan fumador, tan adicto a cualquier bebida espirituosa, el joven abogado Joe, hijo de la pareja, muy tranquilo pasado los treinta y aparentemente sin apuro para forma familia y al final Ronnie, el solitario hermano de Tom, tan distinto a él, tan incapaz de manejar una vida como Tom de organizarla.

POCAS PALABRAS

Especialista en relaciones humanas, Mike Leigh pinta una radiografía casi ideal de lo que puede hacer el hombre por el hombre. Con pocas palabras, sólo las justas y profundos primeros planos, muestra esta pareja convertida en algo así como una constelación benéfica alrededor de la cual giran satélites en problemas. No son gente rica, ni llamativa, ni que particularmente se caractericen por virtudes mágicas.

Tan solo son capaces de escuchar y de sentir, no de juzgar ni criticar demasiado y tienen el don de la tolerancia y la mediación. Los imaginamos antiguos hippies y los vemos criticar un mundo tan material y poco ecologista, mientras pican y cavan la pequeña parcela que les tocó en la vida.

Con austeridad, casi una ópera de cámara en escena, esta pareja es tan capaz de poner los puntos sobre las íes cuando ve la familia amenazada por alguno de sus "pupilos", como de ofrecer asilo al amigo descarriado y sufriente. Pocos planos, contados toques musicales, una discreción y un respeto que puede molestar a los inquietos.

Es muy valioso el mensaje siempre humanista de este gran director, que se rodea de sus actores de siempre sin rostros destacables ni figuras estilizadas, pero impecables en sus interpretaciones. Entre tan buenos actores, inolvidable la Maria de Lesley Manville y su patético rostro, sola en el final, en medio de los demás, los incomparables y la imagen del hermano, Ronnie (David Bradley), luego del funeral. Pocas veces el desamparo tiene caras tan expresivas como la de estos intérpretes. Un filme para reflexionar.

El arte como una buena terapia

Así conoceremos a Rubén Adolfo Ingenieri, ese señor amante del rock, la pintura, la música, que hizo de todo, "plomo" de aquéllos que luego serían grupo musicales famosos, habitante de una casa en lo alto de un árbol por varios años, portero de un colegio y actualmente conocido escultor con cientos de trabajos desperdigados por todas partes y hacedor de una casa que silba con la sudestada, construida con botellas, cemento y arena en la localidad de Quilmes.

A este Tito al que le gustaban las drogas, que estuvo internado en el Borda y zafó, que fue a pie a Perú y del que su psiquiatra, el doctor Rocca dice: "El paciente se cura solo" y que se ríe cuando recuerda a Tito, que luego de dos horas de conocerlo y hablar con él salió con un "desde que me analizo, estoy mejor".

QUIJOTES Y BUZOS

"Tito, el navegante" es un atractivo documental. Muestra a Tito que cuenta su vida mientras trabaja con toda la chatarra del mundo, de la que surgirán animales, personajes, Quijotes, o buzos, lo que su imaginación le pida.

Un hombre al que lo salvó ese arte, o artesanía a la que él se dedica, mientras relata la historia de su casa, la única que tuvo propia luego de aquélla que hizo en lo alto de un árbol. La querida casa de millones de botellas y que Irma, su mujer decoró con bellos vitraux.

Tito habla de otra forma de vida, donde el dinero no exista y donde las casas puedan hacerse sin dinero, como la suya ,trabajada con chatarra. Tito piensa que mucha gente del barrio lo va a imitar y no habla de sus esculturas que se exhiben en Quilmes, Madrid, Berlín o Berazatequi y que le aseguran una eternidad en reciclado y hierro, con mucho cemento y arena.

Filme distinto, con permanente presencia del protagonista, testigos de su vida, hijos y mujeres, vecinos y dibujos animados que matizan con creatividad esa sucesión de imágenes destinadas a fijar una vida distinta.

Un César, de verdad,inolvidable

La película advierte sobre los peligros de los experimentos genéticos, subraya los excesos de la conducta humana, la injusticia y el alevoso uso del poder de los más fuertes sobre los débiles y los diferentes.

De fines de los "60 data la película original, llamada "El planeta de los simios", interpretada por Charlton Heston, que arrasó con la taquilla y dio origen a series televisivas y filmes afines, fácilmente olvidables. El caso es que esta nueva película se encargó a un inglés de menos de cuarenta años, educado en el exquisito Winchester College, miembro de un "colectivo" de filmes que apoya obras "under".

En esta película, Will Rodman es un joven especialista en ingeniería genética, cuya empresa se sirve de animales como "conejillos de India", en este caso, simios. Cada vez más presionado por el Alzheimer de su padre, el investigador prueba en él una droga en desarrollo.

LAS DROGAS

La agresividad de los animales ante las drogas empleadas determinan la suspensión del experimento en la empresa y la desaparición de los monos, uno de los cuales, en este caso, un bebé chimpancé (César) es llevado a la casa de Will.

El nuevo habitante del hogar Rodman, muestra una inteligencia superior atribuida al contacto de su madre con la droga experimental. Pero la historia se va a complicar, cuando César tenga que vivir un tiempo con sus congéneres, ellos sí en estados de animalidad. Allí aparecerá la guerra por el poder, con alcances poco imaginados.

Si el argumento, en general, no sale de lo convencional, esta versión de "El planeta de los simios" sorprende por la progresiva tensión y violencia que su director mantiene, ayudado por verdaderos navajazos musicales, pesadilla de críticos de culto. La vorágine animal en la escena del Golden Gate y el preanuncio de su llegada por la caída de hojas en zonas urbanas, ante despreocupados paseantes son escenas, pocas veces vistas en la historia del cine de aventuras.

TECNICA ESPECIAL

La técnica de "motion capture" (captura de movimiento) en cine, parece haber llegado a un grado de perfección tal que permite ensamblar ficción y realidad y lograr que uno crea absolutamente en sus creaciones. Así esos simios que van cerrando cuerpo sobre cualquier humano cercano en escenas de masacre total, alcanzan un verismo sorprendente. Pero la perfección llega al máximo con el mono César, interpretado por Andy Serkis, especialista en esta técnica, ya visto en películas como "El señor de los anillos", verdaderamente merecedor de un premio en la próxima entrega de los Oscar.

Los gestos, las dudas hamletianas del animal, ese impresionante "No" de rebeldía ante la injusticia humana, son momentos en la historia del cine, donde la tecnología y la realidad se suman en la aparición de nuevos significados.

La película advierte sobre los peligros de los experimentos genéticos, subraya los excesos de la conducta humana, la injusticia y el alevoso uso del poder de los más fuertes sobre los débiles y los diferentes (escenas de sadismo en el refugio). Pero por lo que será recordado "El planeta de los simios: Revolución" es por "el capo lavoro" de su personaje principal César y por esas impresionantes escenas de masa, donde el horror se apodera de la humanidad hasta que el Paraíso final, el bosque de sequoias, parece aplacar el horror y finalmente pacificar el caos.

Un proyecto para cuatro manos

Buen ritmo y los necesarios efectos especiales. ¿Los alien? Cada vez más feos. "Cowboys y aliens" es una adaptación de la novela gráfica de Andrew Folely y Fred Van Lente, el creador de la la editorial Evil Twins Comics.

Antes, las películas de aventuras venían con mucho paisaje, un conflicto no demasiado inteligente y bastante acción; las de guerras intergalácticas abundaban en efectos especiales, bicharracos más o menos espantosos y casi un "continuará" para ver la próxima de la saga.

En este caso, se han reunido dos elementos que nunca se pensó pudieran unirse para armar una película de aventuras con invasión extraterrestre. Los guionistas imaginaron el mundo cowboy en el siglo XIX en Arizona, con mucho hombre a caballo, extensas superficies rocosas y naves espaciales que se roban a la gente con puro lazo criollo y esperan invadir la tierra a la que le extraen el oro. O sea que hasta a los mismos norteamericanos les saquean sus yacimientos auríferos y los raptan, sin pedir rescate. La crisis los envuelve por todos lados.

EL FORASTERO

El asunto se complica en este 1873 cuando vemos a Daniel Craig interpretando a un misterioso forastero, después sabremos que es Jake Lonergan, llegado con un argollón en el brazo, que no se puede sacar y castigado, vaya a saber por quiénes!.

Porque el asunto es que él no se acuerda de nada. El caso es que aparece una linda chica, medio rara, que no para de seguirlo y el hombre descubrirá que el argollón es un arma poderosa, extraterrestre, que no sabe cómo llegó hasta él. En el pueblo conocerá a distintos personajes como Hanson, el viejo cowboy, las chicas del bar y al veterano hacendado Woodrow Dolarthy (Harrison Ford), el que tiene siempre que estar resolviendo los desastres de un hijo bravucón. Rodeado de toda esta gente, y a pesar suyo, nuestro Jake Lonergan, poco a poco, se convertirá en la única persona capaz de enfrentarse con extraterrestres, feos, muy feos.

ALIENS DENTUDOS

"Cowboys y aliens" es un delirio muy bien filmado. Que, con un estupendo diseño de producción, da al espectador casi dos horas de hermosos paisajes rocosos, donde los veteranos esperan ver aparecer a Gary Cooper o John Wayne, los chicos se asustan con los aliens dientudos y los combates y los efectos especiales entretienen. Algo de romance, problemas generacionales, nieto-abuelo, padre-hijo (el chico es Paul Dano, el de "Pequeña Miss Sunshine").

Buen ritmo y los necesarios efectos especiales. ¿Los alien? Cada vez más feos. "Cowboys y aliens" es una adaptación de la novela gráfica de Andrew Folely y Fred Van Lente, el creador de la la editorial Evil Twins Comics.

A veces el corazón se comparte

Comedia dramática de fácil impacto, contada tradicionalmente con ciertas vueltas no demasiado verosímiles pero bien resueltas.

Elena es una directora de documentales, más preocupada por su trabajo que por su familia. Su vida se traslada en un auto de última generación y el "cordón umbilical" con buena parte de la vida es Esther, su asistente. Parece que a esta señora elegante todo le va bien. Le gusta su trabajo, vive con todas las comodidades y tiene un matrimonio de años con un tal Augusto, empresario.

Por eso, cuando, en los primeros minutos de la película, se muere Augusto, quizás Elena piense en llorar a su marido un tiempo, ser compadecida por sus amistades y seguir su vida sin demasiadas alteraciones. Pero hay algo que le molesta, esa chica jovencita en el sanatorio, llorosa y vestida sencillamente.

LA DESCONOCIDA

Pronto se enterará que Adela, así se llama la desconocida, fue la amante de su marido modelo y una amante de varios años, los mismos en que, seguramente, el matrimonio recibía a sus amigos y presumía de felicidad y buena relación.

A Elena se le derrumba el mundo y su mente nunca puede concebir que la chica se le acerque para darle el pésame. Si el acercamiento le asombra, nunca podrá entender que Adela busque protección en su casa y le obligue a replantear su vida.

Viudas es la sexta película de Marcos Carnevale ("Elsa y Fred", "Anita") y tiene las características generales de sus filmes, una apuesta por la emoción, elección de personajes humanos con los que los espectadores inmediatamente se identifican y buena factura técnica.

FACIL IMPACTO

Comedia dramática de fácil impacto, contada tradicionalmente con ciertas vueltas no demasiado verosímiles pero bien resueltas, "Viudas" puede convertirse en un éxito popular, especialmente entre las mujeres, que casadas, solteras, o separadas encuentran una historia que les pasó, que intuyeron y no se ocuparon de confirmar, o participaron ya como Elenas, ya como Adelas y que aquí viven la ilusión, o la pesadilla del "buen samaritano" con música de cumbia y lágrimas solidarias.

Valeria Bertucelli confirma su condición de estupenda actriz, con su naturalidad y frescura habitual, Graciela Borges interpreta un papel que le calza como un guante, mientras Rita Cortese, exacta en su asistente, sigue esperando un gran papel como el de la recordada "Herencia", de Paula Hernández y Martin Bossi se ubica en lista de espera, su travesti paraguayo atrapa y deja con las ganas de conocer una historia individual, algún melodrama con ritmo bailantero que Marcos Carnevale no se puede perder.

Tras el apagón reina el misterio

El espectador adicto al cine de misterio tiene la clave en la mano desde el comienzo. Porque la primera escena muestra a un operador de cine leyendo la real historia de la Colonia Roanoke en 1585. Los sucesos posteriores no lo defraudan; estamos ante una muy buena película de género.

Imagínense ustedes viendo una película en un shopping bien concurrido. De repente un apagón. Ustedes corren al hall y allí sólo trajes vacíos tirados en el piso. La calle amplifica el efecto de cientos de vestidos y trajes vacíos. La pregunta: ¿Por qué yo no?

Esto es lo que sucede en "La oscuridad" y lo que se pregunta Luke, cuando se encuentra súbitamente refugiado en una cantina como fuera del tiempo que parece haberse escapado del misterio. Hasta el chico de la cantinera está allí, desesperado por la desaparición de su madre. A estos personajes se suman Rosemary, una fisioterapeuta en la búsqueda de su pequeño hijo, desaparecido de su cuna.

SIN LUZ

Toda una ciudad, Detroit, en la oscuridad y sólo los que pueden mantener alguna luz sobreviven.
Como salida de la mítica serie conocida como "Dimensión desconocida" (Twiligh Zone, 1959), la cantina del pequeño James parece surgida como una hermana menor del Cotton Club de los años "20 (flashback a la manera de ensoñación), donde todo puede ocurrir.

Película de bajo presupuesto, buena narrativa y especialmente un interesante guión y correctas actuaciones, "La oscuridad", dirigida por Brad Anderson, agrega un atractivo diseño de producción y arma una atrapante atmósfera, donde una bella selección de jazz transforma el cuadro y crea especiales momentos, especialmente cuando la cámara planea por las calles y deja de lado la figura humana.

El director de "El maquinista" utiliza flashbacks, maneja muy bien la iluminación y el suspenso y no abusa de los recursos especiales. Dos niños actores a seguir, Jacob Latimore y Taylor Groothuis, junto a ellos se destaca Hayden Christensen.

La gran escuadra interespacial

No pasa nada con el guión que es bastante flojo y las aventuras son las prototípicas de este tipo de filmes.

Marvel Cómics y D.C. Cómics (Detective Cómics) son las más importantes editoriales de historietas que siguen entreteniendo a distintas generaciones.

Si Marvel tiene a "Los cuatro fantásticos", "El hombre araña" o "Capitán América" entre otros; D.C. Cómics alberga a la "Mujer maravilla", "Batman", "Superman" y también los "Linterna verde", seres superpoderosos agrupados en una suerte de ejército interespacial que mantienen el orden galáctico y están provistos de anillos magnéticos y fuerza suficiente como manejar y concentrar el poder.

El que se convertirá en Linterna Verde, protagonista de esta película es un piloto de prueba que por herencia de un extraterrestre que le entrega su anillo de poder, se convierte en el primer humano en integrar la escuadra. Así Hal Jordan se covierte en miembro del super team y debe enfrentarse a los malos muy malos, como Parallax y conservar la paz haciendo la guerra a los no pacíficos.

RECONOCIDAS FIGURAS

El filme es uno de los clásicos de superhéroes con un protagonista nada carismático, el canadiense Ryan Reynolds, luchas interespaciales, muchos efectos especiales, violencia al por mayor y donde hay "cameos" de figuras de primera línea como Tim Robbins (el gran intérprete de "Río Místico") como el senador Hammond o Angela Bassett en la doctora Waller, por no mencionar a uno de los principales, el Malo muy malo a cargo de Peter Sarsgaard, que alguna vez hiciera "Los hombre no lloran" o Kinsey.

No pasa nada con el guión que es bastante flojo y las aventuras son las prototípicas de este tipo de filmes.
Un director veterano, el neocelandés Martin Campbell, el mismo de "La máscara del Zorro" y "Casino Royale" se lanzó al mundo de los cómics cinematográficos, con buen ritmo, aunque no demasiada imaginación.

Cómo vivir después de un despido

Filme de inicio prometedor, se desarrolla sin desarrollo, banalmente, entre supuestos amigos scooters del protagonista, al que ninguno puede imaginar con amigos como ésos. Un guión flojo, buen ritmo y una pareja despareja. Correcto diseño de producción.

Larry parece ser el Chico 10. Nadie tan amable en el hipermercado, ninguno tan solícito. Es el Empleado del mes y nadie puede olvidar algún favor que le hicieron en ese universo de las compras. Hasta que llega la crisis y entonces, sálvese quien pueda.

Larry Crowne recibe un despido con la misma simpleza con que lo tomaron muchos años atrás. Ahora Larry tendrá que ir pensando en cambiar sus hábitos, dejar de lado algún privilegio y reducir los límites de su espacio de vida. Su amigo Cedric, dedicado a la compra y venta de objetos en la calle, será el primero en saber lo que pasó. Claro, el pobre Larry no tiene una familia cercana, sólo una ex que recibe su ayuda.

Así Larry decide retomar las clases, volver a la Universidad que dejó por distintas razones y retomar un curso de Oratoria y otro de Economía, lo hace por consejo de un bedel fascinado por una linda profesora. Profesora que también tiene sus problemas, se debate en una relación desgastada y muchas veces tiene muchas ganas de no ir a dar clase. Larry y su profesora, con los días, comenzaran a interesarse uno por el otro y quién sabe, hasta podrían pensar en algo más que una amistad.

A MITAD DE CAMINO

"Larry Crowne" es una comedia romántica, con héroes más o menos desgraciados que buscan un destino mejor. Y hoy que Estados Unidos y el mundo sufre una debacle económica, la historia de Larry Crowne puede tener más éxito que en otro momento, porque en cierto modo es prototípica.

Liviano y sencillo, el filme promete mucho en los momentos iniciales y uno piensa en todos los problemas que va a sortear Larry. Pero no, Larry va de la Universidad a su diminuto departamento y de ahí nuevamente a la Universidad. Julia Roberts conserva su encanto y se convierte en la película en una poco prejuiciosa docente, con una vida que ya la hastía y un marido que la harta.

Filme de inicio prometedor, se desarrolla sin desarrollo, banalmente, entre supuestos amigos scooters del protagonista, al que ninguno puede imaginar con amigos como ésos. Un guión flojo, buen ritmo y una pareja despareja. Correcto diseño de producción.

Los duendes que acaparan encanto

Película de buen ritmo, mucho movimiento, mensaje positivo de revalorización de la identidad, el progreso y los valores familiares.

Los Pitufos son los Schtroumpfs, deliciosos duendes azules, semejantes a los gaélicos, que se convirtieron en el éxito de la historieta franco belga que el humorista Pierre Culliford (Peyo), sacara a la luz, sin imaginar que serían los más exitosos personajes por él creados. Fue así que esta historieta de la década de 1950, desplazó a sus otras obras y los enanitos lo obligaron a seguirlos en los distintos medios en que se presentaban, cine, teatro, merchandising, videojuegos.

En este caso los conocemos desde sus comienzos en su país maravilloso con sus casas-hongo, donde comen néctar, recolectan vegetales y frutas y viven en armonía.

GATO MALO

Pero nada es para siempre, ni todo es tan lindo como se pinta y los Pitufos tienen un enemigo que más que horror despierta pena, porque Gargamel, de él hablamos es un tanto ridículo y va acompañado por un gato malo, muy malo, malhumorado, de risa siniestra.

El caso es que los Pitufos tienen que venirse al mundo humano en un salto al vacío para buscar a uno de sus congéneres, Tontin. Por la zona del Central Park, aterrizan los pequeños y el Brujo y por suerte, los duendes encuentran a una pareja deliciosa y protectora. El, un joven ejecutivo publicitario; ella, su esposa embarazada, diseñadora de muebles.

El filme es para los más chiquitos. Tiene encanto, personajes deliciosos como el anciano Mago y la bella Pitufina. Hay interesantes aventuras, sencillas, pero actuales y divertidas.

Película de buen ritmo, mucho movimiento, mensaje positivo de revalorización de la identidad, el progreso y los valores familiares. Los Duendes y la parejita humana son encantadoras y hasta los malos se ven con simpatía, el feo de Gargamel y la Odile de la impactante colombiana Sofia Vergara.

Entre monstruos y filmaciones

Si uno ve la película y no sabe quién es el director y el origen pensará que es un Spielberg de la primera época. Quizás un "Cuenta conmigo" con un guión no tan concentrado y un poco confuso. Y no, se trata de J.J. Abrams, admirador de Spielberg y excelente director ("Lost" ha sido un éxito como "Misión imposible III"), artesano de primera, que retoma el tema de la ciencia ficción, ciertas películas de clase B, onda "zombies", bate la mezcla y obtiene un atractivo producto, donde prima la emoción y el suspenso.

Casi en los "80, un pequeño pueblo en Ohio, una pandilla donde Charlie tiene la obsesión de la filmación en super 8 y siempre dispuestos extras, actores secundarios y protagonistas para sus películas de zombies, por supuesto, sus amigos.

ACCION Y CATASTROFE

Allí está Joe, hijo del alguacil, que recientemente perdió a su mamá y hace de maquillador en los filmes de Charlie, Preston, Cary, Martin, el de las maquetas y la "divina Alice", algo así como el sueño adolescente del pueblo, puro pelo rubio y ojos claros. Justamente la filmación será la desencadenante de la conciencia del horror que sacudirá el lugar. Como en "Blow Up" (sobre el cuento "Las babas del diablo" de Cortázar), un fragmento de la realidad filmada como fondo, se convertirá en protagonista del drama final.

El filme entretiene. Tiene una factura de primera, el gancho de la filmación dentro de la filmación, algunos efectos especiales, buenos momentos de acción y catástrofe (un descarrilamiento en las afueras del pueblo) y ese perfume ingenuo y atrapante del Bradbury de la primera época. Quizás ciertos momentos del guión, algunas desprolijidades y desarrollos un poco confusos empañan la estructura general, un monstruo decepcionante se suma a lo anterior.

Pero, alto en el cielo, surge ese equipo de chicos recordables, herederos de "La pandillita de los 20", aquella creada por Hal Roach. Esos mismos que, si los espectadores miran los créditos finales, pueden terminar la película de zombies y disfrutarla una y otra vez.

El camino se vuelve cada vez más dificil de andar

A Boris (Esteban Bigliardi) parece que su vida lo conforma. No le gustan los cambios o vive el momento sin demasiadas preocupaciones. Todo se supone que transcurre sin novedades hasta que Ana toma la palabra. Su amiga, quizás una joven pareja de años, decide hacer un "impasse" en la relación. Se queja de la cotidianeidad que los envuelve y chau, adiós Boris, o hasta pronto. Quién sabe!

Es como que son demasiado jóvenes para que todo sea tan rutinario. ¿Y qué puede hacer un argentino clase media, con no demasiadas inquietudes y menos de treinta años? Irse a vivir con un amigo, volver a la "casita de los viejos" o elegir un hotel de barrio. Boris elige un hotelito de Once, tan poco atractivo como intuimos su vida hasta ahora y con balconcito mínimo, donde uno puede asomarse a la nada, una nada tan aburrida como el sándwich cotidiano, puro pan, poco fiambre y mayonesa inmemorial.

AUTO USADO

Después de algunos días, Boris opta por el viaje, se compra un auto usado, venido de la debacle de la Europa del Este. Por supuesto que el "eslavo" de cuatro ruedas se le queda una y otra vez en la ruta, pero puede ser un buen compañero.

Al menos es previsible, no puede hacer más que desplazarse o detenerse. No habla, no preocupa, no quiere explicaciones. Después vendrá alguna chica de momento, una fiesta anodina, alguna otra chica menos de momento que la anterior, una tormenta y hasta un viaje al "paisito", una Colonia uruguaya que no le significa nada y de la que vuelve casi sin ir.

La película está bien construida, Moreno es el director de "El custodio", aquélla con Julio Chávez, cuando no era "El puntero", filme de tiempos tranquilos y silencios. "Un mundo misterioso" recuerda a "Ana y los otros" si de directores jóvenes hablamos. Celina Murga y Moreno viven sus tiempos y sopesan la densidad de la nada.

Actores correctos, ninguna sorpresa argumental. Esa es la pena, porque con ese título uno se esperanza y como dice Cortázar, "se deja viajar por las cosas y espera que la esperanza suba de nuevo al cocotero del que se cayó" y le dé una sorpresa, pero ese mundo misterioso que puede querer aparecer en la Noche de Año Nuevo se guarda, quizás hasta la próxima búsqueda de Rodrigo Moreno.

La amargura del escepticismo

El filme está basado en la novela de Mordecai Richler, un best seller que el director canadiense Richard J. Lewis decidió llevar a escena. Lo hace correctamente, con algunos excesos en la extensión y un equipo actoral de lujo.

A medida que transcurre "El mundo según Barney" no se puede dejar de pensar en otros mundos de otros directores, los protagonistas de Woody Allen, los antihéroes del mundo del cine de Fellini, en fin los "perdedores" del mundo del espectáculo, hijos de la vida diaria. Nadie puede dejar de reconocer el egoísmo de este Barney lloroso que balbucea desdicha a la madrugada, llamando a su ex esposa. Un pasado previsible, una bohemia ajena.

Este Barney, en el presente exitoso productor televisivo, tiene un pasado cuestionable, engañado en el amor, por qué no repetir el engaño del que fue víctima con otros, como por ejemplo, él mismo, para decirse que será feliz con una chica joven y rica, de cabeza tan hueca como la vida de tantos.

MARIDO Y PADRE

Adicto al alcohol y al trabajo, ausente como marido y padre, Barney recibe lo que construyó y sin embargo su compacta fisonomía y su carácter rico en lamentos y dudas, lo hace hasta medianamente querible. Quién sabe, por lo parecido que es a todos nosotros.

"El mundo según Barney" está basado en la novela de Mordecai Richler, un best seller que el director canadiense Richard J. Lewis decidió llevar a escena. Lo hace correctamente, con algunos excesos en la extensión y un equipo actoral de lujo.

Porque Paul Giamatti es Barney y entonces todo pasa a segundo plano, tiene el carisma necesario para opacar al resto, a pesar de que aparezca Dustin Hoffman en un papel fuerte, mientras Rosamund Pike interprete a la esposa y Minnie Driver ("Círculo de amigos") haga un papel no tan importante como su trayectoria lo exige.

Película escéptica, un tanto caótica, con ironía y asuntos para reflexionar.

El psicólogo resulta enamorado

Es una entretenida comedia romántica, hecha con fluidez narrativa y en la que la frescura de los muy jóvenes actores, en cierto modo, disimula un guión que no sostiene con suficiente fuerza la estructura general del filme.

Esta es la historia de una pareja que se distancia y cuatro años después deben rehacer aquella pregunta que generó todo: ¿Por qué te vas? Cambiándola por un: ¿Por qué te fuiste?.

Cuando Ana le dice a Leo que se quiere ir a España, para encontrar nuevas oportunidades, Leo se niega a acompañarla. Llevan una vida en común breve, pero atractiva. A pesar de todo, él la deja ir y ella no vacila en hacer la valija y partir para "realizarse en su trabajo".

Las cosas recomienzan cuatro años después, en el momento en que amigos comunes vuelven de España y los que se quedaron en Buenos Aires deciden organizarles una boda y reiniciar los recuerdos de todo lo que fueron entonces, sin pensar demasiado en lo que se convirtieron ahora. Justo en ese momento, aparece Ana con su novio hispano, bastante insoportable. Y Leo, ya convertido en psicólogo, reconquistarla. Claro que al principio no está demasiado seguro de que esté tratando de hacerlo.

ROMANTICA

"Güelcom" es una entretenida comedia romántica, hecha con fluidez narrativa y en la que la frescura de los muy jóvenes actores, en cierto modo, disimula un guión que no sostiene con suficiente fuerza la estructura general del filme.

El diseñador de imagen y sonido, de larga trayectoria como cameraman, Yago Blanco, muestra un atractivo estilo para la comedia romántica, para el manejo de los tempos narrativos y un buen ojo para elegir casting. Mariano Martínez es el enamorado que, aunque figura como psicólogo, podría haber sido dentista o sociólogo, Eugenia Tobal demuestra una vez más su condición para la comedia, Peto Menahem hace de Javier al lado de las excelentes Maju Lozano, Eugenia Guerty y Ana Yovino; Gustavo Garzón es el pícaro, o sinvergüenza de la historia, según se quiera llamarlo, mientras Agustina Córdova es Mirna, enamorada de su terapeuta.

Un marido que busca su destino

Nada le falta a este occidental, cristiano, mediana edad, llamado Carl, para plantarse firmemente ante la vida. Una atractiva esposa a la que ama, dos buenos chicos, una casa cómoda y un buen trabajo en el ámbito del seguro. Por eso, el sorpresivo pedido de divorcio de su mujer, lo deja al borde del abismo.

Una relación de más de quince años, la desaparición de esa sensación de triunfo de haber conquistado a la chica de sus sueños en la secundaria. Todo se fue al pozo. Y para colmo, el divorcio ya tiene un reemplazante potencial, David Linhager, compañero de trabajo de su mujer.

EL CONSEJERO

Qué puede hacer este marido engañado, sino contar día tras día en algún bar lo que le pasa, sin esperar que nadie lo oiga ni le conteste en lugares donde el ruido y la diversión hacen que una confesión suene a nada. Y sin embargo alguien lo escucha.

Es Jacob Palmer, un buen mozo, bien acompañado, vestido a la moda, que quizás recuerda alguna experiencia similar o que ve mortificada la masculinidad de un congénere. Así, en lo primero que piensa Palmer es en la apariencia física exterior de este hombre en crisis, un poco descuidada por años de rutina y comodidad. Y el primer paso será la ropa nueva, después vendrán las clases para conquistar mujeres. Y sí, la vida del "desafortunado Carl" cambiará y uno de sus hijos, el inteligente Robbie, también tendrá mucho que ver en la transición.

VER Y OIR

La película tiene una buena construcción, ciertas subtramas más o menos obvias y un comienzo, los veinte o veinticinco minutos iniciales, en los que "Loco y estúpido amor" se convertirá en una comedia dramática inteligente, con fluidos conceptos sobre las relaciones afectivas, la vida familiar, la relación con los hijos. Pero de a poco todo se transforma, gira hacia lo convencional, lo que estamos acostumbrados a ver y oír.

La película interpretada y producida por Steve Carrell se transforma en, simplemente, una película simpática, elegante, despreocupada con "happy end" que guste a todos. Lo que se esperaba no se concreta y todo se vuelve sencillo, superficial, ya visto. Eso sí, con muy buen ritmo y actores de primer nivel. Es como que a mitad de camino los productores se hubieran arrepentido de lo profunda que iba a ser la historia, abarajaran y volvieran a dar. El resultado es una película atractiva, que pudo ser algo más, con un Steve Carrell bien en su papel, mejor aún Ryan Gosling, una eficiente Julianne Moore, Marisa Tomei en un cómico papel y un nuevo actor pre-adolescente que puede ser interesante seguir, Jonah Bobo.

Un campeón de tiempo completo

Un buen equipo acompaña esta aventura, enmarcada en un inicio y un epílogo, que encuadran la historia de uno de los primeros superhéroes en la historia de la caricatura estadounidense.

Cuando Martin Goodman crea, en 1939, la editorial Marvel, no imaginaba que se iba a convertir en el mayor proveedor de superhéroes para el cine. Claro que el intermediario de tanta relación superhéroe-cine fue la Disney, que apareció en 2009 y compró la empresa. Antes que "Los cuatro fantásticos", el "Hombre araña", "Hulk" o los "X Men", por sólo nombrar unos pocos, apareció Capitán América. Superhéroe patriótico creado para promocionar una Norteamérica demócrata, tuvo, luego de su exitosa aparición en 1941, algunas incursiones menores hasta este "Primer vengador".

El héroe es presentado desde el momento en que no lo es. Insignificante físicamente y rechazado para integrar las filas del ejército, Steve Rogers, un casi adolescente, llama la atención de un científico por sus ideas.

SUERO ESPECIAL

El doctor Abraham Erskine, intenta crear un superhombre que pueda enfrentarse al enemigo y así encuentra el individuo ideal. Así Steve, gracias a un suero especial, se convierte en una masa de músculos, listo para enfrentarse con el que fuera jefe del científico.

El enemigo es Johan Schmidt, que comparte las mesiánicas teorías de su líder, Hitler y como él, confía en poderes supranormales, directamente venidos de los "dorados dioses del Walhalla", de los que se suponen descendientes. El líder de Hydra, unidad de investigación paranormal de Hitler, instrumentará todos los poderes para enfrentarse con su joven oponente.

A partir de la creación de este Capitán América, el ejército convierte al joven en instrumento de propaganda para venta de bonos de guerra en coloridos shows, documentales y presentaciones que lo convierten en una suerte de campeón mediático.

EXTREMA VIOLENCIA

Dirigido por Joe Johnston ("El hombre Lobo", "Querida, encogí a los niños"), el filme muestra un estupendo diseño de producción en la primera parte, verosímil y profundamente estético, que ubica la acción en la década de 1940 y al que Dick Heinrichs imprime un tono Norman Rockwell.

"Capitán América...", sigue las aventuras de este héroe desde sus comienzos, hasta la increíble eclosión de sus acciones bélicas. Hay una gran utilización de efectos especiales, altisonante presencia de la música, extrema violencia bien filmada, breves momentos de "romance" entre el joven Capitán América y Peggy Carte, la joven agente y espectaculares combates con la Máscara Roja, representada por John Schmidt.

Un buen equipo acompaña esta aventura, enmarcada en un inicio y un epílogo, que encuadran la historia de uno de los primeros superhéroes en la historia de la caricatura estadounidense.

Chris Evans muestra una serenidad que recuerda al Batman de Christopher Reeves, mientras Tommy Lee Jones, como el coronel Phillips, es el necesario contraste en rudeza y autoridad; a la vez que Hayley Atwell es la Louisa Lane, en este caso, militar e inglesa y Hugo Weaving como la Máscara, despierta el odio general.

El complicado amor filial

Se llama Xavier Dolan Tadros, fue un niño actor y esta película que dirigió, actuó y produjo a los diecinueve años, se llevó varios premios en el Festival de Cannes de ese momento. Después hizo otra más exitosa y rueda la tercera, en estos momentos, sobre un personaje transexual.

El filme semi-autobiográfico narra la tumultuosa relación de una mujer de clase media, separada, con su único hijo, que reúne todas las virtudes y defectos de un adolescente, así como ella concentra cosas positivas y negativas, más o menos imbancables de un lado y de otro.

Si a Huber le molesta que restos de comida queden adheridos a la boca de su madre cuando come, o que siempre le eche en cara eso de quedarse en la casa, comer, dormir y hacerse lavar la ropa sin aportar ni un centavo; a su madre la enerva llevarlo en auto a todos lados, o verlo ensimismado con sus auriculares y un aire indiferente. Son seres incompatibles en ciertos momentos, una por inmadura, otro por prepotente y sin ningún mediador que lo contenga.

CONFLICTO QUE DUELE

Xavier Dolan es un creador, nadie lo duda. Tiene estilo, profundiza en el conflicto hasta doler y maneja los diálogos con una verosimilitud lacerante.

Claro que a veces estira o repite las situaciones y prescinde de la elipsis, pero todo es perdonable en una opera prima. Por el contrario, en algunos momentos, llama la atención ante un ramalazo creativo de segundos, o el apoyo musical de ciertas escenas. Si como director maneja bien los tiempos y se hunde en el barro hasta molestar, como actor sorprende esa efervescencia dramática y ese histerismo adolescente con subidas y bajadas de voz. Su estilo recuerda algunos momentos de Cyril Collard ("Noches salvajes") fuerte, sin vacilaciones.

Película dura, a veces obsesa y neurótica, con sus fluctuaciones entre el desborde y el equilibro. El chico Dolan hace verdaderos desafíos para que el filme, por su potencia y aspereza no resulte absolutamente insoportable. Bien manejados los actores, especialmente Dorval y Francois Arnaud (serie "Los Borgia").

Una noticia no muy bien recibida

Audaz pero sencilla en lo armónico del desarrollo y dotada de cierta elegancia y discreción al expresar lo innombrable; la comedia de Oztepek retoma la línea de clásicos como "El bello Antonio" con un impacto que se ha alivianado a lo largo del tiempo y habla de la apertura de una sociedad cerrada hasta límites imprecisos.

Son de Italia del Sur y parecen llevarlo grabado en la frente. Papa Cantone, machista, egocéntrico, arbitrario, fascinado por los hijos varones, prolongadores de la especie. Mama Cantone, elegante. Lo sigue a Papa Cantone en todo lo que dice y disimula sus defectos, los de la familia y los de ella misma ante los demás. Aunque ella simula ignorarlo, todos saben de la amante absurda de Papá Cantone.

En cuanto a la hermana mayor Cantone, Elena, es todavía joven y linda, pero conocidos y poco conocidos la consideran "la loca de la casa", siempre simulando, con fuertes deseos sexuales escondida tras la valla familiar. Otro miembro de la familia es la Nona, bella y comprensiva, volcada al pasado, que oculta un amor imposible de concretar.

También está Antonio, el mayor, hijo ideal, trabajador y silente, y el joven Tommaso, que alejado de la casa para dedicarse a la tarea de escritor, vuelve ante la convocatoria familiar en la que su padre dejará la fábrica de pastas a sus hijos. Nadie sabe que Tommaso va a develar un secreto, pero antes que ninguno, Tommaso decide confiarse con su hermano y la bomba explota.

PREJUICIOS SUREÑOS

Típica comedia italiana realizada por un director turco, Ferzan Ozpetek, "Tengo algo que decirles" es un divertido exponente del nuevo cine italiano de corte realista, respetuoso y critico de todas las restricciones familiares de una familia tradicional pugliense. Divertida, aguda en los diálogos, con muy buen ritmo y una excelente selección de actores, la película retoma el tema de los prejuicios familiares, la importancia del qué diran, en fin, el constante uso de una máscara que pirandellianamente, se ha convertido en la verdadera cara del problema.

Audaz pero sencilla en lo armónico del desarrollo y dotada de cierta elegancia y discreción al expresar lo innombrable; la comedia de Oztepek retoma la línea de clásicos como "El bello Antonio" con un impacto que se ha alivianado a lo largo del tiempo y habla de la apertura de una sociedad cerrada hasta límites imprecisos.

Recordables actuaciones de Papá Cantone, Ennio Fantastichini, Ilaria Occhini (la Nonna), Elena (Blanca Nappi)y Riccardo Scamarcio (Tommaso).

Ser adolescente en la provincia

Ser adolescente en Zapala, Neuquén, no es lo mismo que si se viviera en Buenos Aires y eso queda muy claramente expuesto por Alexis Dos Santos, en su opera prima que se estrena con varios años de atraso.

"Glue" despierta interés por muy distintos motivos. En principio por el tratamiento del tema, por su acertada mirada en saber deslizarse por ese universo tan enigmático, incierto y de dudas, como es la adolescencia.

Luego porque permite el encuentro con tres actores que después de 2006, han ido construyendo una carrera artística en contínuo crecimiento, como ocurre con Nahuel Pérez Biscayart, Inés Efrón y Nahuel Viale.

Lo que expone Alexis Dos Santos, que rodó su filme en escenarios en los que él mismo pasó su infancia, es la historia de tres adolescentes que viven en una ciudad pequeña, de grandes y abiertos espacios, en los que la mayoría se conoce.

A la vez le permite mimetizar paisajes solitarios, con climas, con estados de ánimo, con una libertad que por momentos muestran estos adolescentes, que si vivieran en una gran ciudad, sería muy distinto.

UN PEGAMENTO

En "Glue" que alude a un pegamento que se usa en la construcción de viviendas, sus tres protagonistas van despertando a la vida y a los cambios que se van manifestando en sus cuerpos, sin prejuicios, a la vez que descubren nuevas sensaciones en compañía de los otros, llámese un amigo o una amiga.

El rock, la droga, las familias disfuncionales, los padres separados, hacen que estos chicos se vean obligados a intentar responderse ellos mismos las numerosas dudas que los afectan, o modifican.

El sentir la contínua sensación de "no lugar" en el mundo que se habita es algo que el filme transmite con muy buenos recursos narrativos y eso puede observarse en adultos y en jóvenes.

La utilización de recursos cinematográficos como la cámara en mano, o la filmación en super 8, de determinados pensamientos que se transmiten con voz en off, de los protagonistas, agilizan la historia a contar, que se apoya en las tres excelentes interpretaciones de Nahuel Pérez Biscayart, Nahuel Viale e Inés Efrón.

El fútbol y la política

En el comienzo de este documental de Sebastián Bednarik, el joven historiador, Gerardo Gaetano, dice que "el fútbol en Uruguay ha sido siempre un escenario de constructores de mitos".

Lo que sigue es una descripción del escenario social y político alrededor de esa Copa de Copas, en Uruguay, que fue organizada en 1980, en plena dictadura militar y cuya cercanía con el convocado plebiscito constitucional lo hubiera convertido en el marco triunfal ideal para celebrar una legitimación del régimen militar.

Mientras el torneo fue un rotundo éxito, donde Uruguay se consagra frente a Brasil, el plebiscito constitucional resultó un fracaso para el gobierno militar.

EL TORNEO

El torneo fue bancado por un misterioso broker llamado Angelo Vulgaris y en el grupo hasta habría intervenido Berlusconi, dueño de la televisión de Montecarlo en esa época y entusiasta partícipe de un proyecto que le diera cierta preeminencia internacional.

Rehén del grupo militar reinante por un lado y del propio pueblo uruguayo por el otro, el Torneo Mundial, apoyado por FIFA, tuvo la participación de lo mejor del futbol argentino, brasileño, alemán, italiano y holandés, consagrándose Uruguay por un rotundo triunfo sobre Brasil.

LOS GOBIERNOS

Con el formato documental el realizador, Sebastian Bednarik ha utilizado una documentación visual y sonora rica en imágenes y testimonios. Tapas de diario, noticieros de la época, reportajes a distintos individuos que estuvieron de ambos lados, militares, militantes comunistas, presos políticos y figuras tan importantes como Batlle, Sanguinetti, jugadores de fútbol (Maradona, Rodolfo Rodríguez, Sócrates), periodistas deportivos (Victor Hugo Morales, Jorge Crosa), empresarios y publicistas que, de una manera u otra, intervinieron en las campañas del Mundialito.

Los gobiernos usan el deporte para asociar éxitos -dice Sanguinetti-. Y como ilustración de esos conceptos se suceden momentos del Torneo conmemorativo del primer mundial de la historia (1930), que alcanzó increíbles momentos como cuando el sentimiento unifica a todos y hace desaparecer la realidad cotidiana (testimonio de un militante preso, cuando cuenta que ante los goles transmitidos por radio para toda la cárcel, guardianes y detenidos gritaban jubilosos y al unísono ante un gol uruguayo).

"El mundialito" está muy bien filmada y el material utilizado enriquece la película, que es otro documento que permite establecer comparaciones y asociaciones con la Argentina y su Mundial 78, distintos momentos que utilizan el fútbol como instrumento político ideológico en momentos de crisis.

Un auténtico canto de fe

Una obra de arte, sencilla, auténtica, emocionante, que recuerda en sus momentos de comunión otra maravilla del cine, "La fiesta de Babette" de Gabriel Axel. Grandes actores, expresiva fotografía. Para repensar la vida y el tema de la violencia

Sorprende la aparición de un filme como éste, en una cartelera que, últimamente es nido de tanques de efectos especiales, comedias anodinas y thrillers desorbitados.

Una película sobre el misticismo, la religiosidad, la práctica espiritual que emociona al espectador desacostumbrado a manifestaciones de un nivel como la película de Beauvois.

Basada en un hecho real ocurrido en la década de 1990, durante la guerra de Argelia, "De dioses y de hombres" muestra la vida cotidiana de un grupo de religiosos trapenses franceses, que en una lejana ciudad africana, conviven con la comunidad musulmana, donde prestan algunos servicios de salud y transcurren su vida con sencillez volcados al trabajo de la tierra, el cuidado de los colmenares, la oración y el canto religioso.

LA COMUNIDAD

A la manera de las primitivas comunidades cristianas, la simpleza de la contemplación, el sentimiento de la fe son los necesarios pilares sobre los que cultivan una vida de humildad y sacrificio, donde el renunciamiento a lo material y la certeza de estar en el rumbo indicado, son suficientes objetivos para una vida simple y austeramente terrenal.

Con simples pinceladas, se delinean los caracteres de los protagonistas que se van a manifestar nítidamente cuando grupo extremos guerrilleros comiencen a revolotear como pájaros negros, sobre ese pequeño paraíso con reminiscencias pre cristianas.

Entonces se manifestará el liderazgo de Christian, que dirige la comunidad y establece relaciones con líderes religiosos de la zona, Luc y su serenidad en la atención de los lugareños y las conversaciones vecinales, Christophe y sus dudas ante el surgimiento del miedo. Nada y todo parece cambiar ante esa gota de aceite que comienza a extenderse sobre la paz de la comunidad.

LO PEOR

La advertencia del gobierno local sobre la necesidad de que la comunidad parta antes que algo peor ocurra, la persistencia de los monjes en quedarse, quizás no pudiendo pensar que guerrilleros, a los que también prestaran ayuda médica en otras ocasiones, atenten contra ellos, crean el caldo de cultivo para que la tragedia se desarrolle.

La analogía entre la música de Tchaikovsky en la "última cena" y el renacer más allá de la entrega y el sacrificio (una prodigiosa escena del filme), el silencio en las frugales comidas, los cánticos rituales, la templanza mientras se filtra el miedo ante el posible ataque, o el descenso de aviones que zumban sobre el refugio, son momentos inolvidables de una obra de arte, sencilla, auténtica, emocionante, que recuerda en sus momentos de comunión otra maravilla del cine, "La fiesta de Babette" de Gabriel Axel.

Grandes actores, expresiva fotografía. Para repensar la vida y el tema de la violencia.

Una historia sobre ruedas

Efervescente en la trama, graciosa por sus personajes de rápidas y ocurrentes respuestas, imprevisible y de gran dinamismo, la película reúne elementos del policial, las películas de espías, con los clásicos villanos (profesor Z), alguna vampiresa y los habituales obstáculos que se van filtrando por la ruta internacional.

Nuevamente los deliciosos personajes que atraparon al público en la primera de la serie, "Cars" (2006). Autos, camiones, grúas con formas, vivencias y voces humanas vuelven a juntarse en ruta para intervenir en una suerte de Grand Prix, que va a tener escalas en ciudades como Tokio, París, Londres y Porto Corsa, un utópico espacio mediterrráneo, que, aunque tenga geográficamente algo de Mónaco; por su espíritu, evoca a una ciudad inconfundiblemente itálica.

"EL RAYO" MCQUEEN

Otra vez aparecerá el protagonista de Cars I , "El Rayo" McQueen y Mate, la simpática grúa. Pero esta vez la historia pasa por el género de espionaje, por los amoríos de Mate y así Finn McMissile, será tomado como una suerte de Sherlok Holmes con facetas de 007 y con él competirán la bella Holley Shiftwell y otros personajes, que de una manera u otra representan personajes germánicos (profesor Z), itálicos (Francesco Bernoulli, el tío y la tía Topolino), orientales (Okuni, de Tokio), o yanquis, siempre con un matiz juguetón y divertido.

Temas como espionaje industrial y su relación con un nuevo combustible ecológico muy promocionado, se involucran en esta historia de pasiones y autos por las rutas del mundo.

El filme de Pixar dirigido por Brad Lewis ("Ratatouille") y John Lasseter es una refrescante y moderna historia, ideal para los que aman los autos, como confiesa el mismo Lasseter, cuyo padre fue un conocido vendedor de autopartes.

EFERVESCENTE

Efervescente en la trama, graciosa por sus personajes de rápidas y ocurrentes respuestas, imprevisible y de gran dinamismo, la película reúne elementos del policial, las películas de espías, con los clásicos villanos (profesor Z), alguna vampiresa y los habituales obstáculos que se van filtrando por la ruta internacional.

Bellos y bucólicos paisajes, cameos sonoros de conocidos corredores (en la versión original, voces de algunos en actividad, la de Sophia Loren como la tía Topolina, el recuerdo de Paul Newman, voz de uno de los personajes en "Cars 1"; ahora homenajeado con el nombre de un premio) son algunas de las sorpresas de este millonario producto que gustará a chicos y grandes con su historia diferente.

Ideal para adolescentes

Otra vez los Autobots (buenos) y los Decepticons (malos, muy malos), habitantes de la galaxia exterior, enfrentados. Y, entre ellos, los humanos.

Los seguidores de la saga renovarán su contacto con los Transformers, esos engendros que se pueden transformar desde cualquier forma (en ésta, hasta parten de ser pantalla de computadora) en otra cosa, tipo mecano gigante de cientos de piezas móviles y ojos que aparecen por cualquier lado.

En "Transformers: El lado oscuro de la Luna 3D", el guionista se involucra con datos reales a partir de los cuales ficcionaliza. No demasiado, porque el filme no se destaca por el guión, que se mantiene en una línea de abstinencia de ideas, quizás pensando que a los adolescentes, seguros objetivos de la película, no les interesa pensar.

MODELO INGLESA

Esta vez recurren a los misterios de la llegada a la Luna de los primeros humanos y el encuentro con una nave espacial, clave en esta historia. También se meten un poco con el servicio secreto ruso y con un premio dado por el presidente a Sam, el protagonista, amigo de los Autobots. Esta vez lo encontramos buscando empleo, tratando de huir de sus padres, que están obsesionados porque su hijo encuentre una buena ocupación y de novio con una impactante belleza, personaje interpretado por una modelo inglesa que es el cuerpo de una prestigiosa marca de ropa interior femenina y que no hace más que recordarlo con sus "minis" y ajustadas prendas.

La tercera parte de la saga trata de dar pistas sobre las verdaderas razones de la carrera espacial, mientras los Decepticons insisten en invadir la Tierra.

NUEVOS VILLANOS

Reaparecen los viejos personajes como el chico Sam, Optimus y el malo de nombre de gimnasio, Megatron; pero también algunos nuevos, Sentinel, un transformer hermano de Optimus, Laserbeak, o el malísimo Shockwave; John Malkovich, como el empleador del protagonista, o la directora de inteligencia, Frances Mc Dormand, la inspectora de "Fargo" y hasta John Tunturro como Simmons, un excéntrico. Todos, olímpicamente desaprovechados en papeles anodinos.

Nada nuevo tiene la historia. Sólo se reitera el profundo nacionalismo norteamericano, la necesidad que se plantea de luchar por la paz, mientras todos se entregan a una euforia de violencia en la que los Decepticons se alían con algunos humanos para apoderarse de la Tierra. Pululan bichos transformes línea antediluviana, todo tipo de seres que se convierten en armas y se puede asistir a una orgia de destrucción con rascacielos que se tiran abajo, la pobre estatua de Lincoln que es reducida a escombros por uno de los bicharracos que se apoltrona en lo que queda del asiento mientras vuelan rayos, centellas, armas espaciales y todo tipo de engendro viviente.

"Transformers: El lado oscuro de la Luna 3D" es un pandemónium de efectos especiales. Desde ese punto de vista formal no se puede pedir más. Lo que no existe, reiteramos, es el argumento. Entretenimiento para adolescentes que gusten del género.

Triste muerte de un hijo

El tema de las pérdidas familiares es frecuentemente abordado por obras cinematográficas, teatrales y literarias, con diferentes resultados. Pueden desbordarse hasta el melodrama intolerable, crear una atmósfera diferente como "Desde mi cielo" o alcanzar resultados poco convincentes, el caso de "Pena de Amor", aquella película con Susan Sarandon.


Un joven autor norteamericano ganó recientemente un premio Pulitzer al Mejor Drama por su obra "Rabbit Hole", con el que la actriz de "Moulin Rouge", Nicole Kidman se entusiasmó y llevó al cine, contratándolo para hacer el guión. Este es precisamente el estreno que con el nombre de "El Laberinto", se presenta en las carteleras porteñas.

Luego de perder en un trágico accidente a Danny, su pequeño de cuatro años; sus padres no pueden salir de ese estado sin nombre en que se cae luego de la muerte de un ser querido. Si Howie se obsesiona con su recuerdo y repite una y mil veces la visión de las imágenes que un video emite, Becca se pone en una posición de frialdad que Howie no tolera. Ni los consejos de amigos, ni la madre de Becca, que pasó una situación similar con un hijo. Ni los grupos de ayuda pueden armonizar el caos e impedir la distancia que, poco a poco, los sobrepasa. Todo parece haberse salido de control.

ANGUSTIANTE RELATO

El filme del director John Cameron Mitchell trata de alcanzar un equilibrio que impida la inmersión de la película en un melodrama lacrimógeno y lo logra, gracias al cuidado guión del autor del libro y las notables actuaciones de los protagonistas.

Estamos ante una de las mejores actuaciones de Nicole Kidman, que se apropia del personaje y lo vive desde adentro con absoluta verosimilitud y emocionalidad, algo que últimamente era difícil de ver en su bello, pero hierático y lamentablemente "intervenido" rostro, que no siempre logra la fluidez de los gestos.

A su altura se luce Diane Wiest, como la madre de Becca, tantas veces disfrutada en filmes de Woody Allen. Aaron Eckhart logra que su Howie se mantenga en una justa línea de contención. Hay diálogos breves, austeros y dolorosos como ése que une a las dos mujeres, madre e hija, que hace preguntar a Becca sobre ese dolor que no se va "¿Algún día pasará?" Ante lo que Diane Wiest, con resignación, sentencia: "No, pero se hará tolerable".

"El laberinto" angustia, pero tiene momentos de respiro y reflexión y pequeñas subtramas que alivian el dolor del tema en sí, gracias a la fluidez de las conversaciones. Un filme difícil.

Aventuras sentimentales

La obra está basada en el best seller de Emily Giffin "Algo prestado", una joven escritora de treinta y pico de años, que fue a la escuela de leyes y quién sabe si no tuvo un problemita como el de la protagonista. El caso es que lo escribió y lo hizo tan eficazmente que ya va por la tercera de la serie con un éxito bárbaro.

Es el tipo de novelas para adolescentes y jovencitas donde aparecen chicas lindas, clase media, estudiantes o con buenos empleos y que de una manera u otra se involucran en aventuras sentimentales, tienen grupo de amigos divertidos y su vida transcurre entre cambiar o no de empleo, lidiar con el jefe, ganar un poco más o mudarse de departamento.

JOVEN TREINTEAÑERA

En el caso de Rachel White, es una linda chica de cercanos treinta años, abogada y empleada en una firma de abogados con un jefe imposible. Típica chica buena, muy buena con amiga de nombre Darcy. Con ella son compinches desde la infancia. Se quieren mucho, por eso nunca pensó Rachel que una mañana, luego de una noche de juerga, se despertaría y tendría como compañero de cama al novio de Darcy, Dex. Y para mal de males, siente que se llevó muy bien y quiere seguir la relación. Cuando el asunto persista y llegue el casamiento de la amiga, la cosa se va a poner espesa. Otra aventura está por comenzar y el límite entre lo bueno y lo malo no va a ser tan claro de ahora en adelante.

"No me quites a mi novio" es una liviana comedia, con algunos malentendidos, protagonistas muy jóvenes y muy lindos, bien vestidos, a la moda y de Manhattan. Las heroínas de "No me quites a mi novio" son como las chicas de "Sex and the cities", no mueren por el galán de moda pero por ahí andamos y aunque no hagan estallar el shopping con sus compras, nunca aparecen mal vestidas, ni fuera de tono. Enfin, un entretenimiento juvenil, para no demasiados exigentes, con amoríos, decepciones y lindos trapos.

Los actores, los de moda, la hija de Goldie Hawn, Ginnifer Goodwin y un grupo de gente de series como "La Ley y el Orden" y "The Office".

Un kamikaze futurista

Su padre hizo una canción cuando nació, "Kooks". Quién sabe si imaginó que el chico, Duncan Jones, podría convertirse en un excelente director, mientras él triunfaba en el rock británico con el nombre de David Bowie.

"8 minutos antes de morir" es un relato de suspenso donde el capitán Colten es enviado en el tiempo hacia Chicago, a bordo de un tren, para impedir que éste sea volado por un atentado con explosivos. La ciencia del futuro permite congelar, en un código encriptado, los ocho minutos anteriores a la muerte de un individuo y utilizarlo con fines puntuales. O sea que Colten es un pobre kamikaze que una y otra vez es enviado al lugar donde se cometerá el "crimen", para ubicar a los culpables e impedir la tragedia.

CIENCIA FICCION

No hay nada nuevo en lo temático desde que Julio Verne se apropió del futuro, pero este realizador inglés sabe lo que hace. Tiene un buen proceso de síntesis, narra con excelente ritmo, maneja con cuidado los detalles que van apareciendo en las sucesivas idas hacia el pasado y arma una atmósfera de suspenso atractiva.

También supo elegir los actores y los extras. Ahí está el estupendo Jake Gillenhaal, que hace de capitán con varias misiones en Afganistán, sí, el mismo actor de "Hermanos", donde Afganistás también pesa como tema, la chica Michelle Monaghan, acostumbrada al peligro con películas como "El regreso de Bourne" y "Mision Imposible III" y la gran actriz Vera Farmiga, que ya no acompaña a George Clooney (Amor sin escalas) en el aire y se dedica a hacer cumplir órdenes al pobre Capitan Colten de esta historia.

El filme utiliza varios flashbacks, que ya casi en el final, se hacen un poco reiterativos. Pero logra con casi ninguna subtrama, que condensa el núcleo central de la acción, mantener la tensión y el interés del filme.
"8 minutos antes de morir" es un filme disfrutable, con suspenso, un muy buen equipo de actores y un director del que, sin lugar a dudas, veremos sorpresas agradables en los próximos años.

Convivir con la violencia

El filme de Spiner está basado en el cuento de uno de los mejores escritores de nuestra literatura, Antonio Di Benedetto. Aballay fue escrito en la cárcel, donde injustamente se condujo a Di Benedetto el 24 de marzo de 1976 y de donde salió hacia el exilio, diecinueve meses después, torturado y destruido.

Extraña historia ésta del gaucho malo que mató a un hombre y obsesionado por la mirada del pequeño hijo del muerto, que lo vio cometer el crimen, busca aplacar la culpa aislándose del mundo en la grupa de su caballo. Aunque la mirada en el filme es la del chico, que luego adulto, busca venganza, el filme de Spiner respeta al autor, recreando el género western en una original obra, donde se tocan John Ford, Peckinpah, Demare, Fregonese y los cangaceiros de Glauber Rocha.

A través del relato, el espectador es testigo de una historia que alude a la épica nacional entrelazando aventureros y héroes, caudillos y villanos, gauchos buenos y malos, que se pierden entre mitos populares, capaces de entroncar lo peor y lo mejor del argentino.

CULPA Y REDENCION

Filme donde la culpa genera la acción, la violencia el camino, "Aballay" es un itinerario hacia el absurdo de la muerte y la redención.

Con la maravilla geográfica tucumana como fondo, la cámara disfruta de la naturaleza y los planos generales en escenas donde se juegan pasiones en primer plano o persecusiones despiadadas. Si el degüello original opera de reminiscencia de un período histórico sacudido por tonadas como "La Refalosa", la conversión del villano en Santo por la penitencia equina, observada por el pueblo es forma ingenua de la religiosidad popular.

"Aballay" es un western telúrico, donde la tierra carece de leyes y en la que los hombres luchan por su casa y su cosecha. Si la perfección formal deslumbra, hay que felicitar al director de casting (Laura Berch), que encontró exactos rostros y exactos actores. El del notable Pablo Cedrón, elegido desde el comienzo por el director, la revelación del estupendo Claudio Rissi, como el gaucho malo, la sensible Moro Anghileri y el joven Nazareno Casero.

Nueva aproximación al tema de la identidad nacional, Fernando Spiner ("La Sonámbula") ofrece una mirada nueva de un género olvidado, apoyado por la cuidada fotografía de Claudio Beiza, la dirección de arte de Sandra Iurcovich y la música de Gustavo Pomeranec.

Spiner cuenta que Aballay se rodó en Amaicha del Valle y que el cacique y los indios de la zona celebraron la fiesta de la Pachamama con bendicionesa a la película, mientras que el mismo Spiner trajo objetos que su admirado Hugo Fregonese ("Pampa Bárbara"), usara en vida. Si estas prácticas ofician de rito mágico, algo de eso fluye en esta inspirada película argentina.

Con la música a otra parte

Una historia chiquita. Hay un repartidor que toca la marimba, un rockero heavy metal que también es médico, pero que prefiere la vida bohemia, cantar heavy, formar grupos improvisados y hablar sobre religión, pasando de lo que fue una creencia satánica, hasta ahora, que practica y enseña prácticas evangélicas.

Y también hay un chico de la calle, que quiere cantar y desentona y cuyo padrino es el aficionado a la marimba.
El nudo del asunto es que siendo la marimba el instrumento nacional de Guatemala, está cayendo en el olvido y el repartidor, que ama la marimba está al borde de perderla, porque casi no tiene trabajo. El rock está arrasando con todo. Entonces resuelve crear una nueva forma y fusionar ritmos.

HISTORIA MINIMA

Uno ignora que hay cine en Guatemala. Pero ni existe una Ley de Cine, ni un Instituto y cada cual hace lo que puede. Así como tienen maravillas literarias como el Popol Vuh, un premio Nobel como Asturias, pronto se piensa que habrá sorpresas en cine, como la de este director de poco más de treinta años, familia guatemalteca, pero nacido en Estados Unidos, que construye una minimalista narración, filmada con un equipo de seis personas, amigos la mayoría, con cámaras precarias y sin guión.

El resultado es una mínima historia, que casi como un documental se desarrolla en medio de la nada. Con bares míseros, gente de la calle, carteles de incitación política y muchas, muchas ganas de hacer algo diferente.

Un resultado entrañable, mezcla de documental y ficción, cuyos personajes recuerdan con su humor deshumorado aquella película de Wayne Wang que se llamaba "Humo" con Harvey Keitel. Muy precaria, sí, pero con algo que la diferencia de otras, pero las une en su visión de continente olvidado. Actores no actores, locaciones "a la vuelta de la esquina". Una pequeña sorpresa, sobre todo para los que siguen un cine latinoamericano y auténtico

Basada en un hecho real

Hubo varias películas que de una manera u otra centraron su acción en una fuga, desde abrumadores pero notables filmes polacos, hasta livianas películas norteamericanas de final feliz .

En el caso de "El túnel de los huesos", se toma el hecho real ocurrido en la cárcel de Devoto en 1991, cuando siete presos lograron disimular un túnel que fueron cavando durante meses y por el que lograron salir, encontrando un osario, que como un interrogante se cruzó en el camino y condicionó su libertad posterior.

SECCION POLICIALES

La historia real fue tomada por un interesante periodista de policiales, Ricardo Ragendorfer, más que un periodista un personaje de policiales, digno de interpretar un largometraje bien lumpen y retorcido (sus incursiones en el Canal Encuentro, con reportajes a la fauna desconocida de nuestro espectro merecen verse). El director Cacho Garasino conoció la historia, luego que Ragendorfer fuera premiado con el Príncipe de Asturias por la investigación y decidió filmarlo.

"El túnel de los huesos" fue rodado en la cárcel de Caseros. Más allá de la validez de la historia, el problema era, cómo lograr cierto interés, más allá del hecho de la realización de un proyecto de fuga y el final exitoso. Y, lamentablemente, el interés no puede mantenerse a lo largo de toda la historia, por, fundamentalmente, la ausencia de subtramas que permitan aliviananar la densidad de una historia claustrofóbica, en la que todo sucede en interiores carcelarios.

LOS PRESIDIARIOS

La película comienza por el final y la voz que cuenta vuelve a oírse en algunos momentos del relato. También como personaje aparece la figura del periodista que escribe la historia narrada por algunos de los protagonistas.
Esta opera prima de Nacho Garassino, exhibe cierto ritmo que va agotándose, subiendo en el final con la presencia de uno de los verdaderos protagonistas de la historia. Hay, sin embargo una buena progresión dramática en la relación entre los presidiarios, y el clima general del grupo.

Raul Taibo, aunque no tiene el "physique du rol" que uno puede imaginar para Vulcano, el hacedor de todo el plan, trata de asumir el personaje y lo logra parcialmente, el resto del equipo actoral está bien elegido y actúan en una línea de homogeneidad. Ragendorfer, autor de la historia, hace un cameo como uno de los prófugos.

Sacerdotes sui generis

En la era de la globalización hasta las películas se entrecruzan y mutan en estilos y géneros. Ese es el caso de Priest, donde uno puede encontrar guiños y más que guiños a formatos y estilos de todo tipo.

Desde el cine de vampiros, pasando por el de horror, el de anticipación, el específico de ciencia ficción, hasta recorrer algo del animado, digamos animé para ser modernos o mejor aún manhwa, porque Priest está basada en una de estas historietas de Corea del sur, parecida al manga japonés y el manhuachino. Así que una de las manifestaciones de la historieta, tan popular como la china o la japonesa, el manhwa se deja ver en su versión norteamericana, basada en la obra del coreano Min-woo.

JOVEN RAPTADA

El filme retoma el tema vampírico con una impronta pseudo-católica, en la que se convierte a sacerdotes en algo así como kamikazes antivampiros, que ganadores ante los prestigiosos chupasangres, ahora están aislados, obedecen órdenes de ortodoxos monseñores (línea Inquisición demodée) y lucen exóticos tatuajes que los acercan más a la época en que vivimos.

La acción se centra en el rescate de una parienta adolescente de un Priest, a la que habrían raptado algunos vampiros que ahora están recluídos en colonias, cual míseros inmigrantes indocumentados. Unos cowboys van a ayudar al Priest protagonista y a la Priest femenina, especialista en artes orientales a las que el Priest Mayor, también es afecto.

ELEGANCIA ESTETICA

La película no innova, más bien refrita. Lo hace con elegancia estética. Lo mejor es el comienzo con un dibujo animado, que cuenta la derrota vampira en la historia del mundo por los Priest. También la fotografía lunar de Don Burgess ("El expreso polar") con escenario donde Priest y cowboys en amigable comunión, dotados de ancianas motos y como exóticos salidos de "Busco mi destino", recorren soledades de bellos colores. Y por supuesto la escena final del tren, símil películas de John Ford, series de Matrix y mundos de "Blade Runner".

La pena es la música rimbombante, que a toda fuerza quiere meternos solemnidad, misticismo y drama.

Hay buenas actuaciones como este Paul Bettany, el inefable Christopher Plummer, que puede ser tanto el barón Von Trapp de la versión de Robert Wise de "La novicia rebelde", como el Monseñor desquiciado de la historia.
Para los aficionados, Priest brinda una línea de vampiros interesantes, con buena performance de salto y rostros un tanto alien en estado desesperado. Los adictos lo van a disfrutar.

Depresión norteamericana

Graduada en la Universidad de Yale, inolvidable actriz niña de "Taxi driver", protagonista de un éxito comercial y popular ("El silencio de los inocentes") y excelente actriz adulta en "Acusada", Jodie Foster también dirige y no lo hace por primera vez. Sus filmes anteriores "Nell", "Pequeño gran hombre" no fueron éxito de taquilla, pero reafirmaron que no tiene nada que ver con la ideología cinematográfica hollywoodense. Y la elección de este particular guión de Kyle Killen lo demuestra.

En la película, Mel Gibson interpreta a un importante ejecutivo que tiene, aparentemente, todo en la vida, la casa perfecta, la compañía líder, la esposa ideal y un hijo adolescente. Pero no es feliz. En cierto modo, esto es una suerte de consuelo para desocupados, sub empleados y profesionales en desgracia, por eso de "el dinero no hace la felicidad".

Pero, lamentablemente, la depresión es "un derecho de todos" y Walter cae en ella.
Pero ahí está el castor, para ayudarlo. ¿Y quién es el castor? Un animalito de peluche que forma parte de la gigantesca fábrica de juguetes de Walter, ésa que le dejó el padre y con la que acrecentó su fortuna.

UN JUGUETE

A partir de ese momento, Walter adopta al castor y lo convierte en su interlocutor y en él mismo porque, poco a poco, va volcando sus reacciones en el juguete y lo transforma en ese Otro con el que tiene problemas de comunicación.

Filme intimista, sencillo, donde las pasiones nunca estallan, "La doble vida de Walter" muestra que la familia que lo tiene todo, puede desbaratarse, que la imagen y la realidad, la máscara y la verdadera identidad no es un don para todos y la vida es una larga construcción.

Si Walter está en problemas, su hijo adolescente está casi peor, porque no quiere parecerse a él y hasta la delegación del discurso de graduación en otra persona para que se lo escriba, muestra cómo "la máscara y el rostro" están en crisis.

Un tema interesante, de factura sencilla, nunca melodramático, sin sobresaltos exteriores, pero que inquieta. Bien Jodie Foster, Mel Gibson exacto en su papel, quizás una de sus mejores interpretaciones y demostrando una vez más su ductilidad. Mientras la chica Jennifer Lawrence ("Lazos de sangre") confirma ser una de las más interesantes actrices jóvenes del momento.

Una leyenda muy oscura

Hablar de Carlos, llamado El Chacal es adentrarse en el mundo de de los "60, "70, años de efervescencia política internacional y donde la legitimización de las armas como forma de intervención política era una realidad, que, especialmente América latina concretó con resultados complejos y surgimiento de guerrillas rurales y urbanas.

Por eso es de particular interés este filme, que tomando un personaje ambiguo, el venezolano Ilich Ramírez Sánchez, el apodado Carlos, logra radiografiar un fragmento de época, donde la violencia armada tiñe la realidad social.

La figura de este miembro de la OLP (Organización de la Liberación Palestina) es seguida en sus acciones terroristas de impacto como la toma de rehenes en Viena, sede oficial de la OPEC (Organización de Países Exportadores de Petróleo). Figura considerada en ciertos países de Oriente, especialmente Palestina; detestada por una mayoría que cuestiona esa bifrontalidad que lo hizo balancearse entre el compromiso, el exhibicionismo y una fuerte megalomanía, que conserva aún en la cárcel francesa donde paga su condena.

SOLIDO TESTIMONIO

A la manera de un policial directo y realista, con un ritmo efervescente y la contundencia de personajes carismáticos Olivier Assayas construye un sólido testimonio, casi un documental por su verosimilitud.

Con seres al borde de la marginalidad, circundados de una bohemia militante, donde hasta las artes emitían olor a compromiso, Carlos, con el recuerdo del Costa Gavras de "Z", desglosa un relato de pasiones ambiguas, donde se mezcla la violencia, la entrega adolescente, la traición política, camuflada de rigor conceptual y una ronda de cuerdos y delirantes, capaces de alborotar y hacer estallar el mundo.

A caballo entre Oriente y Occidente, en sucuchos de Tánger y hoteles cinco estrellas en Damasco, solo o ya casado con una compañera del Ejército Rojo, Carlos (personificado por Edgar Ramírez), que nombraran el Chacal, ingresa en el mito popular, como las alemanas, que en algún momento compartieron con él la lucha armada, la madre de su hija, Magdalena Koop, ahora dedicada a la paz y los libros en Ulm y la rabiosa Gabriele Krocher Tiedemann, la anarquista que todos temían y a la que sólo la muerte joven aplacó para siempre. Y contra la que nadie declaró en el nombrado juicio de Colonia por temor a su violencia.

Un filme para reflexionar y apasionarse, que muestra con inteligencia, certezas y contradicciones de grupos radicales y una ofensiva que caracterizó las décadas del "60 y el "70.

Artes marciales en digital

Nuevamente la figura inconfundible de ese panda gordinflón que encantó a grandes y chicos hace casi tres años. Su éxito hizo que apareciera la segunda parte, a pesar de las muchas acusaciones que envolvieron a la anterior. Que era una invasión a la cultura oriental, que se tergiversaban códigos ancestrales.

Pero a pesar de todo, la taquilla dijo sí y otra vez la bola de nieve con patas, el hijo de pato oriental, maestre de los fideos al plato, aterrizó en los cines argentinos.

Po es un guerrero dragón. Se supone que está llamado a destinos superiores, mientras protege el Valle de la Paz. Lo acompañan sus amigos de siempre, los colegas y maestros del Kung Fu y sus amigos, los Cinco Furiosos, la eficiente Tigresa, el maestro Mono, la diminuta Mantis, la vivaz Serpiente y la bella Grulla.

Aconsejado por su clásico maestro Shifu, el de los sutiles bigotes, Po deberá emprender con sus amigos un largo viaje para enfrentar a quien se dice terminará con los maestros de Kung Fu del mundo. Se llama Lord Shen, un bello pavo real albino, que según la tradición oriental, es símbolo de buena suerte, riqueza y honor, pero que según esta historia, utiliza sus virtudes para representar el Mal y lograr todo el Poder.

EL PAVO Y LA CABRA

Argumentalmente, la secuela de Kung Fu Panda carece de la originalidad de la primera y sólo aporta, más allá de la simpatía del poco amigo del trabajo Po y sus colaboradores, una parte final en que se revela el secreto origen del oso. Lo mejor del filme son los efectos visuales, las peleas de los amigos enfrentados al majestuoso y maligno Lord Shen y su arma mortal.

A esto se suman las bellísimas estampas de locaciones orientales y algunos nuevos personajes, como el atractivo pavo real albino, villano de la historia y la cabra adivina, que oficia de misteriosa Casandra en la corte del plumífero Shen.

Las escenas emotivas que enfrentan a Po con su identidad, se matizan con flashes que lo muestran bebé y no tan super alimentado como en la actualidad.

También aparecen sus verdaderos padres en escenas que emocionan a los más sensibles. El mensaje del esfuerzo por ser lo que se debe ser y luchar por la identidad son referentes que acompañan la impactante vuelta del Oso Po, con más de doscientas cincuenta copias en las pantallas argentinas y que lo convierten en un verdadero guerrero de la cartelera cinematográfica, en 35 mm, en digital 3D o IMAX 3D.

Aparentemente ningún desafío, en forma de pavo real albino, impedirá que ocupe un importante lugar en las elecciones infantiles, aunque uno extrañe la primera de la saga, menos espectacular, pero más creativa.

Amores en conflicto

Dean y Cindy se están por separar. Lo que empieza con la huída de la perra de Dean, por descuido de Cindy, con algunas manifestaciones de violencia del esposo, son los detonantes que colman el vaso. Dean y Cindy varios años atrás enamorándose, prometiéndose la felicidad, el amor eterno. Pero más aún, desafiando al destino, con ese maravilloso "Seamos familia" dicho por Dean a Cindy en un momento límite de la relación.

El tiempo todo lo consolida, todo lo olvida o todo lo destruye. Con una rica presentación de hechos y actitudes a lo largo de esos seis años de relación, el director Derek Cianfrance construye una dolorosa y agridulce radiografía de una pareja en crisis.

PASION EFIMERA

¿Cómo modificar lo que el tiempo construye o destruye? ¿Qué es lo que hace que dos amantes apasionados y juguetones seis años antes, se conviertan en enemigo y se insulten y agredan sin piedad, sin pensar en nada más que la pasión del momento?

Son misterios que se tratan de presentar en este melodrama con un muy interesante montaje que yuxtapone, sin solución de continuidad, diferentes tiempos de una relación. Si en una escena se disfruta el casamiento, en la otra se asiste a la violencia seis años después. Pero lo interesante es que la película en ningún momento confunde, todo se da armónicamente a pesar de que en un momento adolescente jugueteen con el amor y en el otro, olviden todo lo que se prometieron y rebasen cualquier límite.

AUTENTICIDAD

¿Por qué se va yendo el amor? ¿Es culpa de Cindy que fijó objetivos y se propuso un destino profesional y una vida ordenada? ¿O de Dean, que de trabajos temporarios, se rescata componiendo canciones efímeras y piensa que la pareja puede recuperar el amor en un hotelucho temático deshilachado y triste?

Filme intenso, rico formalmente, auténtico y que permite disfrutar de una pareja de actores de futuro asegurado, una chica de Montana, Michelle Williams, notable como Cindy y Ryan Gosling, antihéroe que parece escapado de una mitológica "Busco mi destino", con nostalgias de bosques y hippies.

Una película con escenas fuertes de sexo, nostálgicas balada y que permite conocer seres de la Norteamérica profunda, los que no están en cartelera y sobreviven con dificultad, como pueden. Junto a la pareja protagónica, excelentes actores maduros como Jen Jones en la abuela y John Doman como el padre.

La revista de la realidad

Se trata de una historia basada en la vida real sobre el problema de la locura. Oscilando entre la ficción y la realidad este es el relato de un taller de escritura, que funcionó en un hospital psiquiátrico y la posterior publicación de una revista hecha por los internos y especialistas, fuera del ámbito hospitalario.
"Desbordar" era el titulo de la revista que llegaron a publicar con éxito y que pone en tela de juicio la manicomialización de los enfermos.

Dos jóvenes estudiantes de psicología incorporan un taller de escritura en un psiquiátrico, que reúne una cantidad dispar de internos, con todo tipo de problemas.

El buen resultado del emprendimiento se contradice con algunas actitudes de desconfianza por parte del director, que mantiene la política de mantener reducidos a los internos y con escaso contacto con el exterior. Los enfermos somos fantasmas desaparecidos, quieren borrarnos. Son palabras de los enfermos.

EXCESOS

Más allá de las buenas intenciones temáticas, hay desequilibrios en la narración, excesos explicativos en los diálogos y ciertas incongruencias, que perjudican el relato. Es valioso el concepto de aceptación de la diferencia, la intención de tratar de acercar a los enfermos a la libertad y la creación, y la conciencia de alejarlos de excesos en la internación, pero, formalmente, el resultado es discutible.

La actuaciones tienen altos y bajos y hay una destacable composición del actor Miguel Dedovich como Martín, un letrado "ceremonioso y querible". En distintos momentos asistimos al abuso de poder, el descuido, la falta de respeto hacia los internos.

El final reencuentra a los jóvenes estudiantes (papeles a cargo de Fernán Mirás y Manuel Callau) de medicina y psicología años después, ya alejados de esa singular experiencia, pero dedicados a la actividad profesional.

Un extenso epígrafe habla de la ineficiente organización del sistema de salud, de problemas sociales, que impiden que un setenta por ciento de personas internadas con alta acordada no puedan abandonar las instituciones porque no tienen adónde ir y de la muy positiva emisión en 2010 de la Ley Nacional de Salud Mental (26657).

Cine de sesgo hogareño

La película comienza y termina en una sala de cine. Pero la sala "Felix Guliodori", reconocida recientemente por la Diputación, en la persona de su creador, el coleccionista Alfredo Li Gotti, convierte en realidad la pasión de un cinéfilo. Tener su propia sala de cine en la casa y con el nombre de su mejor amigo.

Este señor que inició su gusto por las imágenes en movimiento, cuando su tío le regaló un pequeño proyector, se convirtió, con el tiempo, en un coleccionista. Atrás quedó el trabajo rutinario en Segba, la época en que quiso ser cantante lírico, sus actuaciones en revistas musicales, teatros porteños, hasta llegar a las adquisiciones de proyectores y películas que proyecta a sus amigos.

UNA PASION

El director Roberto Angel Gómez narra una historia de personaje, donde la pasión transforma al protagonista, el que difunde cine mostrando su material atesorado durante años y es capaz de sincronizar voces y música en filmes mudos convirtiendo en actrices a sus hijas y su esposa. Se habla de la particular fauna de los coleccionistas que difieren en aquéllos que juntan y los que juntan y exhiben.

Entrañable narración descriptiva de cines que se fueron, barrios por los que transita don Alfredo, Barracas, La Boca, Parque Patricios, en los relatos de los amigos, que una vez por semana se reúnen para hablar, entre otras cosas de cine.

Fotos fijas y documentales de cuando Corrientes "era una fiesta" con sus carteles luminosos y mucha gente yendo de un espectáculo a otro. Y la magia de esos clásicos de los que Li Gotti se enorgullece y que a través de la película podemos disfrutar: Pepe le Moko, El Cuchillo bajo el agua, Los niños de Paraíso. Este es filme entrañable, hecho con mucha dedicación.

El aventurero del amor

Es la clásica comedia elegante, con toques románticos y mucha acción destinada a gustar, especialmente a adolescentes y público femenino. Los ingredientes son los que toda receta de este tipo necesita: paisajes de ensueño (especialmente Mónaco), moda y marcas de primera categoría, hoteles elegantes, autos de última generación, una pareja muy joven y muy linda integrada por Romain Duris (simpático y carilindo) y Vanessa Paradis (fina y lejana), más un team de apoyo, graciosos y levemente excéntricos.

La historia une el mundo de Alex, algo así como un experto en destruir uniones por buen precio, ayudado por la pareja integrada por Melanie (su hermana) y Marc con un caso especial, que lo hará caer en la célebre trampa del "Cazador cazado".

Así será contratado por un millonario semi mafioso (pero muy disimulado) con una bella hija dispuesta a casarse con el hombre ideal, que el suegro desprecia. Pero ahí está Alex, que con mohines, lágrimas de cocodrilo, un aprendido historial de las preferencias de la investigada, se dispone a destruir la próxima unión y unirse a unos buenos euros.

MARRUECOS Y PARIS

El director Pascal Chaumeil hace un buen debut cinematográfico desplegando una serie de recursos clásicos que no por conocidos son menos eficientes.

"Rompecorazones" resulta ser una efervescente comedia con mucha energía, buen ritmo, estupenda banda musical, equívocos que se suceden en Marruecos, París o Mónaco, gigantones eslavos contratados para hacer fracasar cualquier duda de un profesional del engaño como Alex, o impactantes morenas sensuales y desinhibidas, dispuestas a seducir al primero que las deslumbre.

Con mucho humor, actores como el dúctil Romain Duris, la modelo, actriz y cantante Vanesa Paradis, se meten cómodamente en las personalidades de Juliette y Alex. Junto con ellos se destacan dos figuras belgas que, sin lugar a dudas, tienen un lugar especial en el futuro de las buenas comedias francesas. Franois Damiens, de fino humorismo y contagiosa simpatía y Helena Noguerra de avasalladora personalidad.

Una comedia lunática

Cuando se estrenó la primera "¿Qué paso ayer?", una producción de muy mediano presupuesto, sobre lo que puede pasar después de una despedida de soltero, el problema del tiempo y cualquier disparate posible, nadie podía imaginar que se iba a convertir en un éxito recaudador de cincuenta millones de dólares.

Por eso, los productores afilaron las uñas y se dispusieron a convertirla en serie. Esta es la dos, hay una mayor inversión presupuestaria y para estar acorde con los tiempos, se desarrolla en Oriente. Claro que es puramente norteamericana, zafada y bastante divertida.

La cuestión temática no ofrece ningún tipo de originalidad. El clásico grupo de amigos, Phil, Doug, el imposible Alan y Stu. Los mismos que pierden noción del tiempo y el espacio y son capaces de las historias más inverosímiles.

ESTADO DE LOCURA

Ahora es Stu, el aparentemente más previsible de los amigos, dentista en actividad, que decide casarse con su novia e invitar a sus amigos a la fiesta de bodas, en Tailandia. Como la familia de su prometida es muy tradicional, no quiere que vaya el impresentable Alan, pero el resto del grupo, enterado de la depresión del insostenible Alan, hace todo lo posible para que Stu cambie de opinión y lo invite. Como con papel carbónico, el desmadre se repite, pero esta vez en Tailandia.

"¿Qué pasó ayer? Parte 2" reitera su línea de disparate, como en la primera de la serie y le da un baño de "costumbres tailandesas vistas por norteamericanos en estado de locura".

LUGAR PARADISIACO

Así, en un lugar paradisíaco, se chocan familias tradicionales representadas por el padre de la novia, autoritario y bastante despótico, que inicia su relación con el yerno (el pobre Stu) comentándole que "en Tailandia se valora mucho a un médico, pero que un dentista no está a su altura".

El resto es un aquelarre de disparates visuales, persecuciones donde se mezcla la droga, la mafia, un travesti y hasta los monjes budistas, donde todo puede suceder y la locura y la realidad se dan la mano en una suerte de ronda disparatada.

Vertiginosidad, muy buen ritmo, algún desnudo, un argumento que reitera el primer capítulo de la saga, pero doblemente exagerado, algunos efectos especiales, cameos del director Nicholas Cassavettes, como el que se especializa en tatuajes y un Mark Tyson devenido en cantante y bailarín de music-hall. Ah!!!. Y hasta canturreos inesperados entre los protagonistas.

Si le gustó la primera, disfrutará más la segunda. No hay nada para reflexionar, es puro efecto, desborde, una buena escena acrobática de lancha que aterriza en la isla en el medio de la fiesta de casamiento y el imposible Zach Galifianakis, haciendo monerías y papelones en su mejor-peor estilo.

Periodista y guerrillero

Estuvieron investigando casi cuatro años. Tienen poco más de treinta años y uno de ellos es nieto del personaje evocado. Juan Pablo Ruiz y Martin Masetti pensaron que valía la pena recordar al periodista argentino, que cubrió la guerra liberación de Cuba, entrevistó a Fidel Castro y el Che Guevara en Sierra Maestra, para posteriormente fundar y dirigir, en Cuba, la agencia de noticias Prensa latina, una agencia de vanguardia frente a una realidad noticiosa de tradición conservadora.

LETRAS Y ACCION

Hombre de letras y de acción, Jorge Ricardo Masetti pasó por redacciones, radios, editoriales y llegó a cubrir la Revolución Cubana en la propia Sierra Maestra, cuando Fidel y el Che no eran íconos populares.

El documental permite aproximarse a la situación excepcional de una década, donde la revolución y la resistencia tenían la aureola dorada del idealismo, aún sin contaminaciones ni carnalidades.

Testimonios orales, las figuras de Gabriel García Márquez, García Lupo, Rodolfo Walsh, integrantes de Prensa latina, discursos del Che y Fidel, fotos fijas de incursiones por Argelia y la avanzada hacia la Argentina, la selva, Orán, Salta como rudimentarios espacios que preparaban la revolución que el Che Guevara lideraría. Todo aparece como una especie de sueño y pesadilla, donde la libertad, la igualdad, parecían ser posibles.

VALIOSOS TESTIMONIOS

Treinta guerrilleros en medio de la selva salteña, cubanos y argentinos, el llamado Ejército Guerrillero del Pueblo (E.R.P.). En la película se escucha a Ciro Bustos, amigo del Che y compañero de Masetti en Salta, al autor de "Cien años de soledad", que no puede hablar de él sin emocionarse, a Ricardo Horvath, autor de "Periodismo y Revolución", donde precisamente se habla de Masetti, Walsh y el Che de distintas ideologías pero unidos en la lucha por el socialismo y entre otros a Conchita Dumois.

Concepcion Dubois, compañera de Masetti en Prensa latina y madre de Laura, su hija nacida en la isla, es ella misma un personaje de la historia cubana, como miembro de la familia dueña de la Banes Fruit Company, empresa que, arruinada y vendida a los norteamericanos, se transformara en la protagonista de la "masacre bananera", descripta por "Gabo" en su libro más famoso.

Filmada con buen ritmo y profusión de testimonios en La Habana, Villa Clara, Sierra Maestra, Orán, Aguas Blancas y otros espacios, donde se desarrolló un capítulo irrepetible de la historia argentina, "La palabra empeñada", más allá de algunos problemas formales, se impone por su interés documental y el recuerdo de un singular personaje cuyo cadáver permanece desaparecido.

Una casa encantada

Puede ser la casa ideal. Josh y Renai lo deben pensar, mientras se acomodan en la nueva y elegante casona que han elegido para compartir la vida con su tres chicos. Ella será la que más trabaje para acomodar todo.

Matrimonio ideal, jóvenes, lindos y felices, hijos sin problemas, la beba un poquito llorona y nada más. Hasta que algo parece desentonar, algunos sonidos, una puerta que se abre y esa misma sensación que se apodera de Renai, se repite en el mayor Dalton, el mismo que en la buhardilla encontrará algo que lo hace caer.

Y es el momento en que la casa entra en caos. Como un mecanismo de relojería, la tranquilidad se rompe, todo se desequilibra y Dalton entra en un coma que lo ata a la cama. Después vendrá el terror, la locura, la vidente. La vida no será igual.

Director y guionista son los mismos de "El juego del miedo", una película de terrores. Nuevamente se reunieron estos ex compañeros de estudios, el malayo-australiano James Wan y Leigh Whannell y se confabularon para hacer lo que más les gusta, "una película de miedo".

ARTE DE BRUJERIA

Pero, por arte de brujería, el filme no resultó lo que uno pensaba que podía ser, aunque sus resultados económicos sean brillantes. Dentro del cine de género, o sea, dentro del clásico de horror, las películas de "casas encantadas" tienen un lugar especial y éste, en su primera parte, se constituye en un modelo de las casa habitadas por "poltergeist". Esa primera parte tiene misterio, sutileza, súbita irrupción del horror hacia lo desconocido y una elaboración rica en el plano sonoro.

Lo que en la primera parte fue sugestión, delicadeza, inquietud y en un crescendo de horror, en la segunda se convierte en un trazo grueso. En vez de sugerir, se muestra sin delicadeza y se recurre a vetas humorísticas, quizás para alivianar tensiones, pero los "especialistas en paranormalidad" no hacen reir a nadie. A ellos se une una vidente tan evidente como obvia. Cómo no recordar a clásicos del horror con esos personajes apenas inquietantes, pero capaces de desarrollar gota a gota la maldad, como la exquisita Ruth Gordon o ese "Bebé de Rosemary" más sugerido que mostrado. A Wan y Whanell se les cae la película. La transformación es guiñolesca y se añora esa estupenda primera parte.

Muy bien realizada técnicamente, con interesante utilización del sonido, el filme está interpretado por excelentes actores, el muchacho de "Hard Candy", Patrick Wilson, la chica de "X Men", Rose Byrne y la estupenda Barbara Hershey ("El cisne negro").

Sirenas y marinos audaces

Cuarta entrega de una serie que revitalizó el género. La mitología hollywoodense vivió una época que amó los piratas. El actor de esas películas se llamaba Errol Flynn ("El capitán Blood") y tenía una vida real tan "piratesca" como sus aventuras en pantalla, que se desarrollaban entre tablones, bergantines y mucho duelo a pura espada. El actor de esta "Piratas del Caribe", también es transgresor, tuvo, como Flynn, problemas con la droga y mientras aquél moría por el box, Depp se dedicaba al rock.

CHICA PIRATA

En esta película, nuevamente personifica a Jack Sparrow, el excéntrico pirata de las trencitas "rastas", que se embarca en la nueva aventura que lo debe llevar a la Fuente de la Juventud, la que descubriera, aparentemente Ponce de León. Así se va a Cádiz, reencuentra a su ex, Angélica, hija del capitán Barbanegra, que una y otra vez le echa en cara haberla seducido en el convento.

Mientras tanto, compite con él en peleas y enfrentamientos con distintos enemigos, como el pirata Héctor Barbossa, que subió un peldaño y se convirtió en corsario, o sea que saquea, pero para la corona. En este caso, inglesa.

Así, el común denominador será la mencionada Fuente, por la que todos disputan y los pasos se orientarán a la selva a la que llegan, luego de navegar los mares, afrontar tormentas, peleas terribles y enfrentamientos con seres mitológicos, las bellas Sirenas, capaces de seducir, encantar y almorzarse a los pobres marinos que las admiran.

GRACIOSO ENCUENTRO

Al que le guste la acción, la tendrá en abundancia. Muchas peleas, efectos especiales, imponentes desplazamientos marinos, estupendas reconstrucciones históricas y hasta el gracioso encuentro entre Jorge II y Sparrow, con una impactante escena, araña mediante, que permite apreciar la agilidad de los dobles de Johnny Depp.

No hay originalidad, ni sorpresas. Sólo la escena de las Sirenas tiene un encanto especial y fuertes escenas bajo el agua, cuando ellas revelan su condición antropofágica. Esa escena y la presencia de una Sirenita adolescente, de la que se enamora el predicador del grupo, son las únicas novedades, que salen un poco del esquema general.

El resto es lo que tan bien sabe hacer Hollywood, lo espectacular, la deslumbrante tecnología, bien acompañada de buen ritmo y una música brillante y enérgica. Como curiosidad, un amago de tango a lo Valentino con Depp y Penélope Cruz, bella, pero no tan impactante como otras veces.

En cuanto a las actuaciones, Depp, siempre simpático y diferente, Geoffrey Rush ("El discurso del rey"), brillante en su papel de Barbossa, Richard Griffiths, en una imperdible caracterización del rey Jorge y las promisorias Gemma Ward y especialmente Astrid Berges-Frisbey, escamosas y seductoras sirenas.