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Imagen del crítico Isabel Croce
Isabel Croce
  • Cantidad de críticas: 461
  • Promedio: 63%
  • Críticas favorables: 390/461 (85%)
  • Críticas desfavorables: 71/461 (15%)
  • Diferencia absoluta: 9%
  • Email de contacto: No disponible
  • Medio donde critica: La Prensa
  • El dador de recuerdos
    Publicada en edición impresa.
  • El amor y otras historias
    Publicada en edición impresa.
  • El justiciero
    El justiciero
    La Prensa
    Publicada en edición impresa.
  • El libro de la vida
    Publicada en edición impresa.
  • Alexander y un día terrible, horrible, malo... ¡Muy malo!
    Liviana comedia familiar

    Atrasa un poco con la acumulación continua de gags y la ausencia de sorpresas. Sin embargo la simpatía de los personajes, la actuación de Steve Carrell y el equipo de buenos actores salvan la historia.

    El filme cuenta la historia de Alexander, un chico de once años al que un día le empieza a salir todo mal. Como ya se levantó con un chicle pegado en el pelo, se lastimó con su patín y antes que vinieran inconvenientes mayores, su familia se burló de tanta desgracia, Alex pide un deseo esa madrugada, cuando se inicia su cumpleaños. Y el pedido es que su familia también tenga problemas para que reconsidere su situación. Y el deseo de Alex se cumple. Su hermano mayor tendrá un accidentado examen de conductor, su madre debe enfrentar problemas laborales y hasta su padre, que perdió el empleo ira a una ansiada entrevista de trabajo acompañado por el bebé de la familia, por no tener con quien dejarlo. Y los contratiempos no acaban.

    Película para toda la familia con la clásica pareja de padres ideales, cuatro hijos con todos las virtudes y defectos de chicos de esa edad, la historia se desarrolla dentro de una línea tradicional, con pocas sorpresas y acumulación de obstáculos que de una manera u otra se solucionan.

    AUSENCIA DE SORPRESAS

    El filme basado en un best seller de Judith Viorst, escrito hace cuarenta años, incorpora elementos actuales como el acoso escolar, la desocupación (padre desempleado), la diversificación de papeles (la mamá trabaja, el padre cuida al bebé) y el cambio del mercado laboral que abarca no solo los contenidos, sino las modalidades de entrevista y la condición de los empleadores (el posible empleo es una empresa de videojuegos, manejada por muchachos de veinticinco a treinta años desestructurados y capaces de no asombrarse de un postulante que llega a la cita laboral con increíble atuendo y bebé incluído).

    A pesar de las actualizaciones temáticas, formalmente la película de Rob Lieber atrasa un poco con la acumulación continua de gags, la anticipación del final y la ausencia de sorpresas. Sin embargo la simpatía de los personajes, la actuación de Steve Carrell (para los que gustan de él) y el equipo de buenos actores salvan una historia que sólo se propone divertir.
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  • Drácula
    Drácula
    La Prensa
    Un clásico filme de héroes

    Clásico filme de héroes, "Drácula..." tiene un impecable nivel formal, con buen diseño de producción, cuidado especial en las escenas de batallas y creativa utilización de efectos especiales.

    Drácula es un personaje popular que el mundo asocia a la sangre, los vampiros y las prácticas esotéricas. Pocos saben que el escritor Bram Stocker, que en 1897 escribió su célebre novela, se inspiró en un personaje real, Vlad Tepes, llamado el Empalador. El tal Tepes recibía ese seudónimo por su práctica de terror más usada, el empalamiento.

    La película que se estrena hoy se refiere a este Vlad Tepes, rey de Valaquia (hoy sur de Rumania) en el siglo XV, considerado un héroe nacional contra el poder turco.

    PATRIA Y FAMILIA

    "Drácula, la leyenda jamás contada" mezcla elementos históricos y mitológicos mostrando al príncipe como un justiciero real, amante de su patria y de la familia, capaz de todo por conservarlos. En realidad el comentario que completa el título de la película "la leyenda jamás contada" no es tal, porque el realizador rumano Doru Nastase ya contó fílmicamente sobre el tal Tepes a través de su guionista Mircea Mohor en el filme "Vlad Tepes", estrenado hace ya treinta y cinco años.

    Clásico filme de héroes, "Drácula..." tiene un impecable nivel formal, con buen diseño de producción, cuidado especial en las escenas de batallas y creativa utilización de efectos especiales. Convence en su papel Lucke Evans, que ya había encarnado a figuras míticas como Júpiter y Apolo, pero jamás con la calidad de Bela Lugosi, o Gary Oldman en películas draculianos. También esta Sarah Gadon, la estupenda actriz de "Polvo de estrellas", como Mirene, esposa de Tepes y el niño Art Parkinson como su hijo, Ingeras.

    Pero el que sobresale sobre todos por su poder carismático y seductor es Charles Dance, uno de los más interesantes villanos vampiros del mundo del cine.
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  • El karma de Carmen
    Simpática y sola a los 40

    Una historia sencilla, bien contada, con la no resuelta situación emocional de un ser querido que puede llegar a ser un karma para amigas y parientes.

    Carmen está llegando a los cuarenta sin pareja. Y eso parece preocuparle más a la familia que a ella. Padres, hermanos y amigos que no conciben la vida de una chica soltera. Aunque estemos en el siglo XXI, "la nena todavía está en casa" ( también puede ser "el nene" porque ahora también los "nenes" de cerca de 40 permanecen fieles a la colmena familiar).

    El asunto implosiona cuando Carmen se saca la rifa de la heladería del barrio, un par de pasajes a Mar del Plata en no temporada. Ahí vienen a habitar la mesa familiar el recuerdo de los ex novios de Carmen, que parecen haber tenido una característica general. No eran económicamente buenos partidos. Pero siempre, hay una amiga o un hermano que quieren hacer de Celestinos e intentan uniones posibles. Y Javier aparece en escena. Pero la cosa no será fácil.

    PERSONAJES COTIDIANOS

    Rodolfo Durán siempre encuentra el tono y el ritmo de esta agradable comedia romántica con personajes cotidianos. Más allá de un buen guión de María Meira, verosímil y en el que muchos se reconocen, la película mantiene un buen equilibrio y la elección justa de los personajes le da un interés adicional. La protagonista es Malena Solda, recordada actriz de "La mala verdad", que interpreta a Carmen con las necesarias dudas de un personaje al que parece costarle expresar sus sentimientos. A su lado un correcto Sergio Surraco y Laura Azcurra con su simpatía y solidez habitual.

    Con ellos, un buen equipo de profesionales como Manuel Callau, María Rosa Fugazot, Ana María Castel (las "jubiladas de Mar del Plata") y Daniel Valenzuela en el vendedor de dvd truchos, junto a Osqui Guzmán como el enfermero.

    Una historia sencilla, bien contada, con la no resuelta situación emocional de un ser querido que puede llegar a ser un karma para amigas y parientes.
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  • Magia a la luz de la luna
    Romance en la Riviera Francesa

    Su diseño de producción es como una cita en un jardín inglés a las 5 de la tarde con té y muffins. Elegancia, hermosos paisajes, buena música y excelentes actores, Colin Firth, de "El discurso del rey", la deliciosa Emma Stone y Eileen Atkins como la tía Vanessa.

    Estamos en la época de los magos. Houdini, el escapista; Hanussen, tan relacionado con las técnicas de control de masas de Hitler, actúan en los años "20. Para no ser menos Woody Allen cuenta de uno que se llama Stanley Crawford (Colin Firth) y se presenta como el ilusionista chino Wei Ling Soo. Como Houdini, no cree en nada que no pueda ser interpretado racionalmente. Por eso es un desafío para él tratar de descubrir a la que supone una gran embaucadora que se refugia en el espiritismo para engañar. Es norteamericana, se llama Sophie (Emma Stone) y esta deslumbrando a los ricos de la Riviera Francesa.

    BELLOS PAISAJES

    Por supuesto que Stanley va a conocerla y se sorprende, no sólo porque le parece que tiene un poder especial. Encantadora y especialmente bella, la joven señorita empieza a emanar efluvios mágicos sobre el corazón del bueno de Crawford. Rodeado de bellos paisajes y personajes nobles, aristocráticos o simplemente ricos, la magia demuestra una vez más su poder inefable.

    La película es un Allen atemperado, lejos, muy lejos de "Blue Jazmine", cerca muy cerca de "Medianoche en París" conversa mucho. Se dice poco y se reitera bastante. Pero "Magia a la luz de la luna" es algo así como un divertimento con fondo de violines en la Riviera Francesa con mucha estética y buen romanticismo. Esa Riviera tan bella como cuando Hitchcock la mostraba con Cary Grant y Grace Kelly en "Para atrapar al ladrón".

    Su diseño de producción es como una cita en un jardín inglés a las 5 de la tarde con té y muffins. Elegancia, hermosos paisajes, buena música y excelentes actores, Colin Firth, de "El discurso del rey", la deliciosa Emma Stone y Eileen Atkins como la tía Vanessa.
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  • El juez
    El juez
    La Prensa
    Un padre sospechado de asesinato

    Filme de efectos y reacciones pasionales, con un argumento que no pudo elevarse, pero que sin embargo llega y emociona a veces. Replantea temas como las relaciones familiares, la cuestión ética en el ámbito jurídico y los sistemas de evaluación de la vida que realizan padre e hijo.

    La historia no es nada original. Un abogado joven, consagrado en la ciudad a defender los intereses de los más poderosos y no siempre inocentes, enterado de la muerte de la madre vuelve al pueblo natal donde su padre, juez de la ciudad va a ser sometido a juicio por sospecha de asesinato.

    Reconocer los problemas familiares, reiniciar su relación con el padre y distinguir la verdad son las tareas que se propone Hank Palmer. A su alrededor los otros hermanos, el mayor que pudo ser un buen jugador de béisbol, el más chico, a media máquina en todo, hasta en la mente, la cantinera, ex novia de Hank, con una buena dosis de sentido común, el abogado defensor, un peligro latente.

    VIEJA ESCUELA

    Película filmada como en la vieja escuela con mucho diálogo y quizás un metraje excesivo, "El juez" sin embargo interesa por la problemática humana de fácil reconocimiento, ciertos clichés atractivos dentro del género policial y de juicio y por el talento de sus intérpretes, especialmente la dupla que integran Robert Downey Jr. y Robert Duvall, dos peso pesados de diferentes épocas, capaces de enfrentarse a cara descubierta y exhibiendo todas las armas.

    Ver a Duvall-Downey y también al defensor Dwight Dickham (Billy Bob Thornton) en esa suerte de ring es un espectáculo especial en esa ciudad. Ciudad de la que Hank (Robert Downey Jr.) quiso deshacerse y olvidar y por la que Joseph, juez en el pasado, se jugó la vida sin dudarlo.

    Filme de efectos y reacciones pasionales, con un argumento que no pudo elevarse, pero que sin embargo llega y emociona a veces, "El juez" cuenta con un elenco de primer nivel, fue producida por el mismo Downey y replantea temas como las relaciones familiares, la cuestión ética en el ámbito jurídico y los sistemas de evaluación de la vida que realizan padre e hijo.
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  • Borrando a papá
    Los hijos sin la figura paterna

    Es un documental que a través de las historias de seis padres, muestra la serie de problemas que se le presenta al mencionado grupo y que les impiden la frecuentación de los hijos habidos de su unión, luego de su separación legal.

    A través de testimonios de abogados, padres y distintas organizaciones, la película trata de demostrar que existe una infraestructura que hace permisible la existencia de barreras entre padres e hijos en situaciones como los divorcios problemáticos, durante los cuales, se presenta la figura parental como peligrosa para el niño.

    "Borrando a papá" intenta demostrar que la obstaculización parental jurídica es parte de una estructura que trata de prolongar la situación de conflicto y mantener familias judicializadas por intereses de diferente tipo, como es una teoría específica de quien fuera considerado una autoridad en violencia y abuso familiar. Los directores se refieren al psicólogo Jorge Corsi, condenado por pedófilo.

    El filme ha tenido problemas para su exhibición por parte de distintas organizaciones que según sus argumentos, confunde las problemáticas de separación con el maltrato de padres abusadores.

    La película interesa por visibilizar distintos problemas relacionados con padres e hijos perjudicados por su distanciamiento filial, pero así como presenta padres en problemas que denuncian su situación, hubiera sido interesante que las parejas de estos padres brindaran también su testimonio y dieran al espectador una posibilidad de analizar más profundamente el caso.

    "Borrando..." se manifiesta contra conceptos emitidos por organismos de defensa de políticas de género, que habrían sido algunos de los obstáculos para estrenar este filme según sus directoras.

    El documental abunda en testimonios de organizaciones, padres separados de sus hijos, abogados involucrados y testimonios que se muestran en noticieros. La visibilizacion del problema es interesante como motor de algún tipo de investigación posterior. El conocimiento de las distintas caras del problema a través de los sujetos involucrados (padres y madres de los niños) enriquecerá la búsqueda de un mejor abordaje a los problemas.
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  • Delirium
    Delirium
    La Prensa
    Una disparatada opera prima

    La historia, una opera prima, es alrededor de tres amigos, Martín, Mariano y Federico, que se encuentran como todos los amigos en bares para pasar el tiempo y hablar de sus aventuras y desventuras cotidianas, sus problemas laborales y la necesidad de ganar dinero y salir de esta situación.

    Atender un kiosco y otros trabajos esporádicos son las magras opciones que se les presentan. Hasta que un día a Federico, quien suele aportar alguna idea que puede caminar, se le ocurre una manera de ganar dinero fácilmente.

    Se trata de hacer una película con poco capital y una figura importante para que todo el mundo vaya a verla (no se puede creer que elija esta modalidad por parecerle bastante fácil de realizar). Y así consigue nada menos que a Ricardo Darín que lo confunde con el hijo de un amigo y pensando que lo que va a realizar es un cortometraje, acepta integrar el grupo.

    UN EQUIVOCO

    Lograda la gran figura gracias a un equívoco, la credulidad asume proporciones desmesurados y se vuelcan a la tarea de filmar recurriendo a un método imposible, un libro de divulgación que en pocas lecciones dice enseñarles a filmar.

    Así contado parece irreal, pero vista es francamente increíble. Lo absurdo va a ser la premisa que rija la historia sin demasiado humor, a pesar de tratar de lograrlo por distintos medios a cual más disparatado.

    A esto se suman diálogos flojos, tres protagonistas sin carisma y una idea que incluye la muy transitada del "cine dentro del cine", que no termina de cuajar.

    La idea pudo dar para más y la sucesión de disparates que se suceden la remiten a un tipo de relato loco, con final más disparatado aún, acompañados por figuras populares de la pantalla televisiva, entre otros, Catalina Dlugi y Susana Giménez, en el papel de la presidenta de la Nación.
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  • Necrofobia
    Necrofobia
    La Prensa
    Un sastre con problemas

    El sastre se llama Dante Samot. Y si hay algo que lo predispone al infierno, ya con el nombre tiene un indicio. Verlo es recordar a Poe, porque el pobre tiene una sastrería que bien parece una pista de baile lúgubre con maniquíes tapados con nylon, algunos rotos y todo tipo de relojes. En fin, algo así como "un cementerio de la alta costura" que un día pudo ser suntuoso y el tiempo y la falta de inversión resquebrajó y destruyó.

    Al pobre se le fue la esposa y ahora se le murió el hermano gemelo. Asistimos al funeral y a partir de ese momento la locura parece ingresar en el mundo de Dante, que se obnubila con el cadáver igual a él, desarrolla olas de pánico y es el candidato ideal de una culpa posible, porque parece que el gemelo fue asesinado.

    El resto, imposible de contar, porque toma la forma de la locura, de la esquizofrenia desatada y del "gore" más absoluto con ríos de sangre, arroyos de elementos punzantes y corte de carne humana con visibilización extrema.

    UNA ATMOSFERA ONIRICA

    El filme está dirigido por Daniel de la Vega que dicen es un experto en este tipo de películas de abundante en sangre, suspenso y cortes caseros. Lo que vimos está logrado formalmente porque tiene una buena narración, cierto crescendo con reiteraciones a lo largo de su desarrollo y ninguna originalidad.

    Sí hay un buen logro de atmósfera onírica, con cierto buen gusto, excelente elección de locaciones y muy buena fotografía y manejo de cámara. El argumento deja mucho que desear, se repite y aunque se mantiene la atmósfera de locura luego de la lograda primera parte, nada aparece que modifique una acción previsible.

    Con reminiscencias de la temática de Edgar Allan Poe, entre las actuaciones se destacan Luis Machín y Julieta Cardinali.
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  • ¿Puede una canción de amor salvar tu vida?
    La bohemia musical neoyorkina

    No son buenos momentos para Dan Mulligan (Mark Ruffalo). Las cosas no andan bien en su casa, su hija, Violet (Hailee Steinfeld) le da problemas y la compañía discográfica en que trabajaba lo despidió por falta de "ojo" para descubrir un nuevo ídolo popular. Ahora ancló en un bar para emborracharse y olvidar tantos problemas. Pero allí se lleva una sorpresa, una bonita chica, Gretta (Keira Knightley), cantante y compositora a la que tratará de contratar, allí en medio de la sala.

    Palabras van, palabras vienen los dos logran superar desconfianzas y concepciones sobre la música como negocio y deciden producir un álbum juntos, ante las dudas del socio de Dan. El resto habla de sueños y realidades, de tomar conciencia del momento y aprovecharla sin que se lastimen aspiraciones ni concepciones ideales del arte.

    SUEÑOS COMPARTIDOS

    El filme del irlandés John Carney atrae por su sencillez, la calidez de sus intérpretes y el buen ritmo que tiene en su desarrollo.

    Se escucha buena música, se asiste a formaciones de nuevos grupos musicales con las mismas aspiraciones y sueños de los veteranos, más el recorrido urbano para grabar el disco en diferentes lugares de la ciudad.

    Con aproximaciones temáticas a "Balada para un hombre común" de los hermanos Coen, joya que recuerda la bohemia musical sesentista, "¿Puede una canción de amor salvar tu vida? atrae como comedia romántica y tiene un puñado de excelentes actores, Mark Ruffalo en otro perdedor como el de "Gracias por compartir", vista recientemente en Buenos Aires, la deliciosa Keira Knightley y Adam Levin como el ex novio de Gretta.
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  • Los Caballeros del Zodiaco: La leyenda del Santuario
    Publicada en edición impresa.
  • En el tornado
    En el tornado
    La Prensa
    Publicada en edición impresa.
  • Comando especial 2
    Publicada en edición impresa.
  • Yo, mi mamá y yo
    Publicada en edición impresa.
  • Maze Runner - Correr o morir
    Publicada en edición impresa.
  • Un mundo conectado
    Publicada en edición impresa.
  • Lucy
    Lucy
    La Prensa
    Publicada en edición impresa.
  • Las insoladas
    Las insoladas
    La Prensa
    Publicada en edición impresa.
  • Winter: el delfín 2
    Secretos de la vida en un acuario

    Parece ser que el personaje animal de esta película llamado Winter, tuvo en la anterior de esta "serie" un accidente y perdió la cola. Decimos "parece ser" porque no vimos aquel filme.

    El delfín nariz de botella, vive en el acuario de Clearwater Marine, en la costa de Florida. La historia real, base de un libro, lo presenta nuevamente con su protector Sawyer, un casi adolescente. Winter está pasando un mal momento luego de la muerte de la delfín Panamá, que lo acompañaba en el acuario y ofició de madre.

    Sawyer se ve involucrado en responsabilidades dobles. Por un lado tiene la alternativa de quedarse para acompañar el problema de la depresión de su protegido delfin y por otra, irse en un crucero de investigación para aceptar una beca de biología marina que le proponen.

    El asunto se complica porque se quiere poner en práctica, desde el Estado, una reglamentación que protege a los delfines y les impide estar solos en acuarios. O sea que el pobre Walter esta amenazado de extradición si no consigue un compañero de acuario. Por supuesto que la fantasia hollywoodiana le da la solución esperada en la persona de Hope (esperanza), otro delfín en problemas, que es recogido en el acuario.

    NIÑOS VOLUNTARIOS

    La película, más allá de las convenciones es atractiva para toda la familia, con soñadas locaciones del acuario, las tareas de niños voluntarios del programa de cuidado de animales, la presencia de animales como tortugas, los ya mencionados delfines y, un atrevido pelicano, así como las tareas de cuidado a especies en peligro y devolución al mar de las rescatadas.

    "Winter, el delfin 2" se completa con consideraciones sobre la discapacidad, asociando el percance del delfín y su necesidad de utilizar una prótesis (la que le creó el conocido Morgan Freeman en su papel de médico) con la situación de muchos niños con problemas similares.

    A propósito de este asunto, aparece en algunas escenas como visitante del acuario, la muy joven Bethany Hamilton, campeona de surf que perdiera un brazo por la acción de un tiburón y continuara desarrollando su deporte con éxito.
    Formalmente correcta, los jóvenes Nathan Gamble y Cozi Zuehlsdorff, se ganan la simpatía de los espectadores.
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  • Arrebato (2014)
    Los peligros de la imaginación

    A Luis Vega (Pablo Echarri), escritor, se le terminó la inspiración y es su editor el que le da una mano con algún consejo para que supere el problema de "la página en blanco".

    La sugerencia pasa por algún hecho con el que se involucre emotivamente y lo lleve a escribir, superando el problema. El reciente crimen de un dentista, el conocimiento de su esposa para indagar características del hecho que decide volcar al papel como ficción, comienzan a inquietarlo.

    El desarrollo de la investigación, los encuentros con Laura Grotzki (Leticia Brédice), la esposa del dentista, manipulan su existencia y lo convierten en un hombre dispuesto a sospechar de la vida privada de su atractiva esposa. Vega inicia un viaje sin retorno hacia un mundo inquietante.

    FICCION Y REALIDAD

    Sandra Gugliotta, la directora de "Un día de suerte" incursiona dentro del mundo del cine de género y lo hace con solidez en el comienzo y en la primera parte del filme, pero cuando la ficción y la realidad se van confundiendo y se duda entre lo que ocurre y lo que el protagonista piensa que ocurre, aparece una mano no tan firme y cierta oscilación en ese nuevo entramado.

    Los diálogos se hacen un tanto reiterativos, la vuelta de tuerca esperada no se produce y la historia parece estancarse y dudar. La aparición de un nuevo personaje, el fiscal, que podría ser otro hilo conductor interesante de la trama, no alcanza a definir situaciones y el filme se precipita hacia un final convencional.

    Son correctas las actuaciones de los principales protagonistas, pero hay ciertos elementos que se sugieren en la personalidad de Luis y no cuajan y un mundo sugerido, el de las "citas a ciegas" que abren un subterráneo e inexplorado mundo que la directora elige no abordar, pero que podría haberse convertido en una interesante veta policial.

    Sandra Gugliotta sabe contar cinematográficamente, aunque el final de "Arrebato" no está a la altura de la primera parte de su estructura narrativa.
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  • Sin City 2: Una mujer para matar o morir
    La historia que se reitera

    Secuela de la que se convirtiera en un suceso internacional, Sin City 2 Una Mujer para matar o morir está basada en la segunda historia de las novelas graficas de Sin City del historietista Frank Miller, ese de la mítica usina Marvel, creador de Ronin, Born Again, 300.

    Aquel que se muera por el comic, la violencia, el sexo, la novela negra, tendrá que adaptarse a algún nuevo personaje, gozar con la impactante música y olvidar que todo lo que nunca vio estaba en la primera. Ahora sólo le resta disfrutar con algo bastante parecido, pero no tan original. Y hay que recordar que el adicto no busca exquisiteces y se entrega de cabeza a sus preferencias por más repetidas que sean.

    Los progresos formales son evidentes, los de contenido se reiteran, pero conservan el encanto de historias de "viajeros del espacio" (Mickey Rourke), jugadores (J. Gordon Levitt), chicas línea infarto con la desnudista Jessica Alba o de impacto (Eva Green). Siguiendo la línea corrupta de la primera de la serie, incorporando la dosis de venganza y fango adecuada, salpicada con humor negro, el director Robert Rodríguez continua siendo el ideal para plasmar este brutal exponente del policial negro en línea hiperrealista con senador maldito y todo.

    Hay buenos actores con excelentes roles, chicas "de caño" siempre dispuestas al desnudo de peso y el recuerdo karmático de una Sin City original que no puede ser olvidada. Sí. Ni Miller en el dibujo, ni Rodríguez en la dirección pierden la mano. Y los admiradores de siempre apoyan el esfuerzo reiterativo o no, aunque se extrañe la adrenalina en la primera de la serie.
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  • El hombre más buscado
    Con el inolvidable Seymour Hoffman

    Günther Bachmann (Philip Seymour Hoffman) no está en su mejor momento. Su oficio de espía declina, al menos en su caso, envejecido, sobreviviente de tanto caos y con ese jadeo que no se puede sacar, mientras intenta superar fracasos. Ahora parece estar nuevamente en carrera, su nuevo objetivo es un chico checheno, musulmán, de nacionalidad rusa que llega a Hamburgo misteriosamente y que le encomiendan vigilar. Su olfato de sabueso le dice que ése puede ser la punta de un iceberg siniestro que mueve los hilos de muchas vidas.

    Mientras por un lado Bachmann parece obedecer a las autoridades superiores, por otro rumbea hacia una abogada humanitaria que defiende al chico. Hay un poderoso banquero detrás, que lava dinero y vidas y ahora aparece como nexo necesario con el checheno. Bachmann se lanza como un perro de presa detrás de la víctima y no puede dejar de oír eso que le dijeron sus superiores: "Se usa un pez para buscar a una barracuda y una barracuda para pescar un tiburón".

    UN GUION IMPECABLE

    Basado en un clásico de John Le Carré, con un guión de primera, "El hombre más buscado" encuentra al director ideal en este holandés con pinta de dogo llamado Corbijn, también un fotógrafo notable. Con una narración apretada, a veces densa, que nunca pierde la unidad y la tensión, Corbijn construye una historia de espionaje al viejo estilo, comandada por el increíble Seymour Hoffman (fallecido el pasado 2 de febrero de este año) que parece morir en cada estertor de aire perdido en corridas hacia enemigos potenciales.

    "El hombre más buscado" es un thriller que remite a tiempos pasados, aunque ocurre luego del 11-S, destila el encanto de los clásicos invencibles con pasiones por conocer y es un lujo de interpretaciones empezando por Seymour Hoffman y continuando por Daniel Brühl, el talentoso Grigoriy Dobrygin y la excelente Rachel Adams. A lo mencionado se suma una impecable fotografía.
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  • Si decido quedarme
    Publicada en edición impresa.
  • Un viaje de diez metros
    Publicada en edición impresa.
  • Hércules
    Hércules
    La Prensa
    Publicada en edición impresa.
  • Locos por las nueces
    Publicada en edición impresa.
  • El ardor
    El ardor
    La Prensa
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  • El cazador
    El cazador
    La Prensa
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  • Dinosaurios
    Dinosaurios
    La Prensa
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  • Nuestro video prohibido
    Publicada en edición impresa.
  • Los indestructibles 3
    Un padre sospechado de asesinato

    Filme de efectos y reacciones pasionales, con un argumento que no pudo elevarse, pero que sin embargo llega y emociona a veces. Replantea temas como las relaciones familiares, la cuestión ética en el ámbito jurídico y los sistemas de evaluación de la vida que realizan padre e hijo.

    La historia no es nada original. Un abogado joven, consagrado en la ciudad a defender los intereses de los más poderosos y no siempre inocentes, enterado de la muerte de la madre vuelve al pueblo natal donde su padre, juez de la ciudad va a ser sometido a juicio por sospecha de asesinato.

    Reconocer los problemas familiares, reiniciar su relación con el padre y distinguir la verdad son las tareas que se propone Hank Palmer. A su alrededor los otros hermanos, el mayor que pudo ser un buen jugador de béisbol, el más chico, a media máquina en todo, hasta en la mente, la cantinera, ex novia de Hank, con una buena dosis de sentido común, el abogado defensor, un peligro latente.

    VIEJA ESCUELA

    Película filmada como en la vieja escuela con mucho diálogo y quizás un metraje excesivo, "El juez" sin embargo interesa por la problemática humana de fácil reconocimiento, ciertos clichés atractivos dentro del género policial y de juicio y por el talento de sus intérpretes, especialmente la dupla que integran Robert Downey Jr. y Robert Duvall, dos peso pesados de diferentes épocas, capaces de enfrentarse a cara descubierta y exhibiendo todas las armas.

    Ver a Duvall-Downey y también al defensor Dwight Dickham (Billy Bob Thornton) en esa suerte de ring es un espectáculo especial en esa ciudad. Ciudad de la que Hank (Robert Downey Jr.) quiso deshacerse y olvidar y por la que Joseph, juez en el pasado, se jugó la vida sin dudarlo.

    Filme de efectos y reacciones pasionales, con un argumento que no pudo elevarse, pero que sin embargo llega y emociona a veces, "El juez" cuenta con un elenco de primer nivel, fue producida por el mismo Downey y replantea temas como las relaciones familiares, la cuestión ética en el ámbito jurídico y los sistemas de evaluación de la vida que realizan padre e hijo.
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  • Relatos salvajes
    Publicada en la edición impresa.
  • No se aceptan devoluciones
    La paternidad menos prevista

    Valentín (Eugenio Derbez) vive en Acapulco y sólo piensa en mujeres y diversión hasta que aparece una chica norteamericana de la que no se acuerda, pero que le entrega una beba, que según ella es su hija y se va de vuelta a su país.

    El pobre Valentín, bien acompañado por tres señoritas hace todo por impedir que la niña se quede con él, sin embargo se dará cuenta que es capaz de las cosas más increíbles para mantenerla a su lado en los próximos seis años. Hasta acepta un trabajo de doble de riesgo en la baja California, mientras su hija, Maggie (Loreto Peralta) y él, logran una unión increíble. Pero entonces vuelve Julie (Jessica Lindsey), la madre ausente, ésa que él ayudó a extrañar escribiendo las cartas con su firma que su hija Maggie recibía ansiosa, siempre preguntando por qué no venía a verla.

    LO MELODRAMATICO

    "No se aceptan devoluciones" es una comedia de tinte melodramático protagonizada por una importante figura del espectáculo mexicano, Eugenio Derbez, que oficia de director y actor. Divertido cuando no carga las tintas en lo gestual, Derbez forma una encantadora dupla con la pequeña Loreto Peralta. Hay química entre ellos y se disfruta siguiéndolos en su historia de vida poblada de lugares comunes, vueltas melodramáticas y habitaciones Barbie (la escenografía de la casa de Valentín ocupada por esa suerte de "juguetería" que formó para su hija, es digna de una vidriera de la publicitada muñeca).

    La película está bien construida, aunque con exceso de metraje. Tiene momentos de humor, algunos medio localistas y conflictos previsibles y poco verosímiles, pero se la ve como la comedia amable de un irresponsable convertido en padre.

    Eugenio Derbez divierte a veces con su humor directo y es natural la actuación de Loreto Peralta, hija en la vida real de un millonario dueño del popular equipo de baseball "Tigres de Quintana Roo".
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  • Godzilla
    Godzilla
    La Prensa
    Ejemplo de "cine catástrofe"

    Ishiro Honda, asistente del gran director japonés Akira Kurosawa, dirige en 1954 la original historia del monstruo, "Gojira", que aterrorizó, o hizo reír a través de remakes, juegos de video y cómics a grandes y chicos de todo el mundo. Era la época de los desastres nucleares de Hiroshima y Nagasaki y se probaba con radioactividad como arma en la costa del Pacífico. El filme expresaba lo inexpresable y demostraba que el juego con la Naturaleza puede ser peligroso.

    En 2014 el asunto continúa, pero peor. El hombre todavía no entendió cuál es su papel frente a la Naturaleza.

    EL COMIENZO

    La historia comienza en Japón, donde un científico, Ford Brody (Aaron Taylor-Johnson (Aaron Taylor-Johnson) con su esposa Sandra (Juliette Binoche) y su hijo preadolescente Joe (C.J.Adams) trabaja en una planta nuclear y advierte signos peligrosos sobre un inminente desastre radiactivo.

    Por supuesto nadie le hace caso y pierde a su esposa en cuestión de horas. Su hijo ya adulto -personificado por Bryan Cranston- con su familia, convertido en soldado, es llamado desde Japón para asistir a su padre que sigue investigando obsesionado por el secreto que se oculto hasta hora. Ellos serán los protagonistas de esta nueva aventura de monstruos.

    Con un comienzo auspicioso, interesante, emocional y con una excelente Juliette Binoche el filme preanuncia buenas nuevas. Lo que viene no está a la altura del ritmo, la tensión, el suspenso y la emoción de estos inicios.

    CLIMA VINTAGE

    A pesar de la utilización de noticieros de la época que ambientan y crean una atmósfera vintage atractiva, la película no alcanza sus logros iniciales. Sin embargo, se ve con interés aunque sus personajes secundarios (Ken Watanabe incluído, en el papel del científico Serizawa) luzcan anodinos.

    Esta nueva "Godzilla", se ubica en el llamado género de cine catástrofe en toda su pureza con tsunamis de distinto tipo y pterodáctilos infernales que rehúsan ser atacados y enfrentan al ejército norteamericano.

    Olvidaba decir que la radiación originó más bicharracos tipo Godzilla y como comen radiación, la que van a buscar, no a la central de Chernobyl o Fukushima, sino entre los residuos nucleares norteamericanos.

    Esta nueva producción estadounidense es como ver un filme de clase "B" en los viejos cines de barrio, pero con toda la aparatología moderna 3D incluído y una banda de sonido impactante, con una media hora final de luchas de monstruos francamente imperdible. Ideal para fanáticos.
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  • Rey Milo
    Rey Milo
    La Prensa
    El perfil fiel de un artista

    Milo Lockett es un artista plástico chaqueño, de formación autodidacta, que luego de que se fundiera su empresa textil con la crisis del 2002, se volcó totalmente a la pintura.

    El documental de Federico Bareiro ayuda a conocerlo. Se filmó durante tres años y lo muestra tanto en su taller de Resistencia, donde vive y trabaja, como en Buenos Aires y durante sus viajes solidarios por el interior.

    El filme sigue el itinerario de un hombre hiperactivo que se preocupa por la gente tratando de aproximar los chicos a la creación y al contacto con la obra plástica. Desde las acciones artísticas que involucra a grupos de chicos con síndrome de Down en la creación de murales; hasta su participación en la ayuda al Hospital Pediátrico de Resistencia, Lockett acerca el arte, lo promociona, e incentiva la creación.

    MUNDO PROFUNDO

    "El arte puede transformar" y cumpliendo este concepto en el que cree, Lockett no para, siempre próximo al mundo indígena (proyecto Red Latinoamericana) presentando la Bienal de Arte y Pintura del Chaco y ahora participando de la creación de la casa Garraham en el Chaco.

    La película muestra los recorridos del pintor, el apoyo que da a los remates solidarios con la donación de sus cuadros y su participación en la Escuela Provincial Aborigen (Formosa). Las opiniones de galeristas, marchands (Alvaro Castagnino), familiares, críticos de arte (Julio Sánchez, Osvaldo Gómez, Máximo Jacoby), amigos y ayudantes dinamizan este relato que muestra la obra del autor y su estilo sencillo, que hace que muchos lo definan como un chico que traza su mundo particular.
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  • Lo mejor de nuestras vidas
    Con mirada de viajero curioso

    Trata temas como la inmigración, el trabajo en negro, las parejas ensambladas y las del mismo sexo. Lo hace como el filme, livianamente, como con una mirada de viajero curioso, sin discusiones ni preguntas.

    Parece que como Franois Truffaut en "Los cuatrocientos golpes", Cédric Klapisch se enamora de sus personajes y crea distintas historias para ellos. Si Truffaut reencontraba a sus actores en "El amor a los veinte años", Klapisch los sigue en "Piso compartido", "Las muñecas rusas" y "Lo mejor de nuestras vidas".

    Xavier (Romain Duris) es un escritor joven, amante de los viajes, al que súbitamente se le presenta un pequeño contratiempo, Wendy (Kelly Reilly), su mujer se decide por Nueva York para vivir con sus dos pequeños hijos. Y a Xavier el asunto no lo convence demasiado.

    LA SEPARACION

    Pero después, ya consciente de que la separación es un hecho, se va a Nueva York porque extraña a sus hijos. Ahí se le presentan algunos problemas. Pero su buena disposición, el encuentro con su amiga Isabelle (Cécile De France), que tendrá su hijo porque el fue su abastecedor en la inseminación artificial que ella buscaba para su nueva unión con una chica que conoció hace poco, le ayudan en las tareas de reubicación, mientras espera una separación convincente. Y también aparecerá una vieja amiga, Martine (Audrey Tautou), pero también habrá una china, Nancy (Li Jun Li).

    Quien esto escribe no vio las películas anteriores, pero no es necesario para seguir la continuidad de esta comedia agradable, chispeante, divertida, que parece hecha por una casi adolescente y no por un señor de cincuenta años con espíritu joven.

    La película está rodada con recursos formales del animado y la comedia adolescente. Trata temas como la inmigración, el trabajo en negro, las parejas ensambladas y las del mismo sexo. Lo hace como el filme, livianamente, como con una mirada de viajero curioso, sin discusiones ni preguntas.

    En un tono conciliador, leve y con toques de humor. Comedia romántica que se ve rápida y alegremente, con un grupo de buenos actores, simpáticos y atractivos.
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  • Capitán América y el soldado del invierno
    Superhéroes con mucha acción

    Destila acción, ritmo, vertiginosidad, lucha libre, kidboxing, persecusiones varias y una explosión de efectos especiales. Nunca decae, tiene humor y hay un equipo estelar a la altura de sus directores.

    Nuevamente encontramos a Steve Rogers, "alias" el Capitán América (Chris Evans), algo así como Superman y Clark Kent. Inocente y decidido a hacer el bien hace buenas migas con el Halcón (Anthony Mackie), y la bella Black Widow (Scarlett Johansson), ex KGB, su compañera en algunas misiones.
    Steve encontró en S.H.I.E.L.D., la agencia de inteligencia, el lugar ideal para trabajar. Entre una misión y otra trata de reintegrarse al mundo moderno después de tanto aislamiento y atravesar por distintas situaciones a través de los años (como historieta, Capitán América fue creada en 1941).

    ARMAS MILITARES

    Habiendo hecho amistad con Nick Fury (Samuel L.Jackson), el director de la agencia, Steve Rogers comienza a tomar conciencia que el mundo ya no es tan simple como aquél que conoció durante la Guerra Fría y menos aún en su infancia. Cuando ve la parafernalia de armas militares, aviones no tripuladas y helicópteros saturados de armamento de todo tipo, listos para ser enviados a lugares como Medio Oriente, las dudas lo asaltan. La confirmación llega cuando el mismo Fury comienza a ser perseguido y atacado hasta su "muerte" feroz en plena calle.

    ¿Cómo puede ser que le hayan dicho que todo eso es a favor de la libertad?, ¿qué los ataques son preventivos?. Es como el castigo antes de la desobediencia. Entonces Steve Rogers al ver la frágil distancia que separa la paz de la guerra, la aparición del miedo frente a la "aparente protección" decide luchar para desenmascarar el misterio de S.H.I.E.L.D. y su dueño, el sonriente señor Alexander Pierce (Robert Redford). Ayudado por el Halcón y su amiga Black Widow enfrenta el desafío, de tratar de localizar al enemigo.

    UNIVERSO COMPLEJO

    Basado en la historieta que crearan Stan Lee y Jack Kirby, "Capitán América..." resurge con dudas inteligentes y temas actuales. Nada menos que el tema de la seguridad global, los ataques preventivos, la ingerencia internacional con la excusa de un peligro exterior aparecen en el filme. Porque el bueno del Capitán América ve que todo tiene una doble lectura, que el universo se complicó y según nuevas miradas, su amigo Fury y él mismo pueden aparecer como potenciales enemigos del Estado y un viejo compañero como el renacido Bucky, convertido en el "Soldado del invierno", borrada su memoria y dotado de un brazo biónico, convertirse en el enemigo público número 1.

    Sorprendentemente "Capitán America y el Soldado del invierno" destila acción, ritmo, vertiginosidad, lucha libre, kidboxing, persecusiones varias y una explosión de efectos especiales. Nunca decae, tiene humor y hay un equipo estelar a la altura de sus directores.

    Desde el eficaz Chris Evans como protagonista, el rumano Sebastian Stan como el "Soldado del invierno" y los veteranos Robert Redford (Pearce), Samuel Jackson (Fury) y hasta un "cameo" de Stan Lee, el creador de la mayoría de los personajes de la popular Marvel.
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  • El gran hotel Budapest
    Divertida y con tono elegante

    De este filme podríamos decir que oculta el lujo y el humor macabro de "La danza de los vampiros", el ping-pong de "Una Eva y dos Adanes", o el exotismo de "Viaje a Darjeeling", una comedia de 2007, también dirigida por Wes Anderson.

    Gustav (Ralph Fiennes) es el hombre ideal para su oficio. Discreto, elegante, voluntarioso. Maneja hombres y mujeres en el hotel donde ejerce como conserje. La ciudad de Zubrowska se enorgullece del Gran Hotel Budapest, en la década del "30, subido a una montaña con los Alpes rodeándolo. Todo esto lo recuerda el nuevo dueño del hotel, el señor Moustafa (F. Murray Abraham), que cuenta la historia cuando ya la decadencia se apropió de las habitaciones y el espíritu dejó paso a lo pragmático.

    Europa era un edén para una cierta clase y en un cierto tiempo, cuando todavía las guerras no tenían lugar. Gustav amaba a la condesa Desgoff und Taxes, más conocida como Madame D (Tilda Swinton), de bien llevados ochenta y cuatro años. Porque así era Gustav, sabía dejar a clientes y clientas satisfechos y hasta nobles regalos llegaban al Grand Hotel Budapest como agradecimiento a sus gentilezas.

    DIVERTIDO DISCIPULO

    Después vendrían las guerras, Zero (Tony Revolori), el "lobby boy", que se convertiría en el amigo y discípulo de Gustav y las complicaciones de la herencia de la condesa que lo harían enfrentarse a su familia.

    Wes Anderson construye una verdadera pieza de colección. Con formato de viejo libro de relieves, ésos que tenían piezas móviles, desglosa cuatro capítulos inspirados en obras de Stefan Zweig. La suya es una comedia excéntrica mezcla de policial, postal de la vieja y elegante Europa del Este y novelón romántico, en el que todo puede suceder. La tradicional "novela de aprendizaje", donde maestro y alumno intercambian conocimientos, o el thriller con un villano ridículo (Adrien Brody), cadáveres exquisitos y persecuciones con policías escapados de un "filme noir" francés.

    MAQUETAS INSOLITAS

    Anderson utiliza maquetas insólitas, casas de muñecas, atmósferas color caramelo, donde, como títeres de cachiporra, sus increíbles personajes juegan al gato y al ratón con una sonrisa. Pocas veces se ha visto un equipo con tal profusión de estrellas. Desde Ralph Fiennes, en el papel de Gustav; hasta Tilda Swinton en la condesa geronte, o la creación que hace Willem Dafoe, de su Jopling, un asesino a sueldo. Saoirse Ronan es Agatha, la repostera exquisita, novia del joven Zero, el heredero de Gustav, un inolvidable humorista adolescente, de ojazos desmesurados, llamado Tony Revolori, con un rostro del sur, mezcla de siciliano o de iraní, puro humor mudo y lenguaje gestual desopilante.

    Billy Wilder y Roman Polanski estarían fascinados con esta película, tanto como los franceses que inmortalizaron los filmes de hoteles.

    Liviana como las masas Mendl de la joven repostera, de humor elegante, música divertida y una conjunción cromática de vestidos y escenarios magníficos, "El gran hotel Budapest" deslumbra a los cinéfilos, que no se cansan de sacar capas que esconden nuevas matrioskas y diferentes géneros y personajes imposibles de calificar.

    De este filme podríamos decir que oculta el lujo y el humor macabro de "La danza de los vampiros", el ping-pong de "Una Eva y dos Adanes", o el exotismo de "Viaje a Darjeeling", una comedia de 2007, también dirigida por Wes Anderson.
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  • El sobreviviente
    En la mira hay un terrorista

    Está estupendamente filmada, tiene algunos minutos demás, pero revela pericia de cámara, buen análisis de los protagonistas. La novedad es la presentación de ciudadanos de la desierta zona que ofrecen refugio al herido y muestra el otro lado de una nación dividida.

    El filme se basa en el libro de Marcus Luttrell (un ex soldado, que se desempeñó en los llamado "Navy Seals", Grupo de Operaciones Especiales de la Marina de los Estados Unidos), en el que hace referencia a un episodio ocurrido en Afganistán durante el conflicto armado de 2005.

    En esa contienda bélica, Marcus Luttrell (Mark Wahlberg), Michael Murphy (Taylor Kitsch), Matt Axelson (Ben Foster) y Danny Dietz (Emile Hirsch) fueron asignados a la misión que tendría como objetivo la muerte del líder terrorista de la zona, Ahmnad Shah (Yousuf Azami), él que sobreviviría a la emboscada muriendo en otra de paquistaníes tres años después. Solo Marcus Luttrell queda vivo después de la emboscada tendida a los talibanes, siendo el joven soldado protegido por una tribu de la región.

    DURO ATAQUE

    La acción se centra en la quebrada de Sawtalo Sar, Afganistán, donde los soldados tratan de establecer contacto con fuerzas paralelas para solicitar ayuda ante una situación que se complica, pero tres de ellos son muertos mientras Luttrell queda con una serie de fracturas y es ayudado por agricultores pastunes.

    El relato encarado desde la primera persona, muestra el terrible ataque en que intervienen los soldados, sus conversaciones, a veces sin sonido por el traqueteo de las armas y la constante presencia ética de la moral de los participantes en la redada.

    LOS VALORES

    Valores como la cooperación entre compañeros, el heroísmo, la necesidad constante de tomar decisiones en la medida que son diezmados y arrinconados en las bajadas de la zona, forman parte de este drama bélico de inusitado realismo. Es así que la verosimilitud del episodio es filmado con naturalismo y lucimiento formal desde el punto de vista fotográfico y de cámara, enfatizando los valores de los soldados yanquis.

    Mas allá de la habitual propaganda de este tipo de relatos, la situación despierta empatía en el espectador, a partir de sus protagonistas.

    "El sobreviviente" está estupendamente filmada, tiene algunos minutos demás, pero revela pericia de cámara, buen análisis de los protagonistas. La novedad es la presentación de ciudadanos de la desierta zona que ofrecen refugio al herido y muestra el otro lado de una nación dividida.

    Muy bien Mark Wahlberg como Marcus Luttrell, el protagonista y sus compañeros. Los personajes reales en los que se inspiró el relato aparecen con los créditos finales.
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  • Aires de esperanza
    Entre erotismo y gastronomía

    Con algunos momentos de tensión y poco suspenso, correcta en sus planos formales y atractiva la música, "Aires de esperanza" despierta un mediano interés.

    Todo está contado desde el punto de vista de Henry (Gattlin Griffith), un chico de trece años preocupado por la depresión de su madre Adele (Kate Winslet), hace poco abandonada por su padre.

    El encuentro con un hombre herido poco después de salir del supermercado, en un feriado -por el Día del Trabajo-, que luego se descubre como prófugo, con asesinato en un pasado más o menos reciente, cambia la historia que se supone podría haberse enfilado hacia la melancolía.

    Frank Chambers (Josh Brolin) necesita quedarse unos días en la casa de Adele, porque está herido, luego de haberse escapado del hospital. Su convivencia con la mujer joven y el chico adolescente parece producir una mayor serenidad y entre ayudas en las tareas domésticas y arreglos varios, la unión se consolida.

    ALGO CONVENCIONAL

    El director de "La joven vida de Juno", Jason Reitman, elige una historia poco verosímil que solamente se mantiene por la profesionalidad de sus intérpretes, la notable Kate Winslet, el niño Gattlin Griffith y Josh Brolin.

    La historia abunda en flashbacks no siempre ubicados en el mejor de los momentos y el melodrama toma un tono convencional y momentos gastronómicos, con alguna reminiscencia hacia la recordada "Como agua para chocolate" de Laura Esquivel, en la relación entre erotismo y gastronomía.

    Con algunos momentos de tensión y poco suspenso, correcta en sus planos formales y atractiva la música, "Aires de esperanza" despierta un mediano interés.
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  • Tarzán
    Tarzán
    La Prensa
    Un sensible "rey de los monos"

    La película tiene buen ritmo, personajes atractivos, algunos monos deliciosos y bastante acción dentro de una línea muy simple de relato que respeta al chico salvaje adoptado por los monos. El plano formal utiliza el "capture motion" (captura de movimiento) y los fondos geográficos son particularmente atractivos.

    La historia de Tarzán es variada. No solo su protagonista es uno de los personajes más exitosos en el mundo de la ficción, sino que desde su creación en 1912, por el norteamericano Edgard Rice Burroughs, se ha desplazado a todos los medios audiovisuales. Desde su nacimiento como narración en una revista de historietas y su posterior aparición como novela, con el título de "Tarzán, rey de los monos", hasta las series animadas.

    La Argentina también tuvo su Tarzán en radio. Se llamó César Llanos y con Mabel Landó, como Juana, y Oscar Rovito en el papel de Tarzanito, concentraban la atención de los chicos en la década del "50 por Radio Splendid.

    Esta versión animada basada en personajes de Burroughs se adapta a los tiempos actuales. Reemplaza a los aristócratas escoceses, padres de Tarzán por aventureros millonarios, que mueren en un accidente de avión. También los nuevos tiempos crean un villano, luego director general de Greystoke Energíes, propiedad de los padres de Tarzán, que se apropia de la compañía y diagrama una campaña para lograr energía. Obtener el combustible va a afectar el universo de monos que crió al pequeño huérfano en la selva.

    SOBRE LA IDENTIDAD

    Otra de las novedades es que Juana, la compañera de Tarzán, de ser hija de un científico en el original, se convierte, en esta adaptación, en hija de un guía de Africa, con inclinaciones ecológicas. En esta versión el joven Tarzán tendrá problemas de identidad (se pregunta: ¿soy un mono? ¿soy un hombre?) y deberá asumir actitudes para ayudar a preservar su familia adoptiva y el mundo de la Naturaleza que lo rodea.

    La película tiene buen ritmo, personajes atractivos, algunos monos deliciosos y bastante acción dentro de una línea muy simple de relato que respeta al chico salvaje adoptado por los monos. El plano formal utiliza el "capture motion" (captura de movimiento) y los fondos geográficos son particularmente atractivos. En cuanto a las voces, la de Tarzán pertenece a Kellan Lutz, el mismo actor de Hércules, y en Jane es la de Jessica White, de la serie de televisión "CSI Miami".
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  • Need for speed
    Una carrera con alto voltaje

    Muy buen humor y un efervescente ritmo acompañan a las vedettes del desfile, los mejores modelos en cuatro ruedas. Desde un Mustang modelo 2013 Shelby Gt500 a un Ford Gran Torino 1969, o un Chevy Camaron 68.

    El argumento es elemental y fácil de seguir. El héroe, Tobey Marshall (Aaron Paul) es joven, lindo y con no mucho efectivo. Mecánico de autos, maneja el negocio de la familia con su grupo de amigos. Para salvar el taller familiar, hipotecado, Tobey se asocia a un ex piloto de Nascar, bastante engreído, Dino Brewster (Dominic Cooper), tan joven como él, pero capaz de traicionarlo.

    Y lo hace frente a la broker automovilística Julia Bonet (Imogen Poots) con la que Tobey podría haber concretado un negocio.

    El traicionero ex piloto trae a cuento un accidente relacionado con Tobey, que ocasionó una muerte. Y el bueno del joven mecánico caerá en la trampa del ex piloto y es enviado a la cárcel por dos años. Tobey jura venganza y libre, dos años después, decide derrotar al mal tipo en la famosa carrera De León, célebre dentro del circuito clandestino. La final será de alto voltaje y Tobey contará con la ayuda de su equipo de amigos y de Julia, una experta en carreras de alto octanaje.

    PAREJA JOVEN

    El filme de Scott Waugh está basado en los videojuegos de carreras más exitosos de la historia, los que vendieron hasta ahora ciento cuarenta millones de copias y tiene una pareja joven al frente del reparto que funciona, Aaron Paul (Tobey Marshall) -el muchacho de la teleserie "Breaking Bad"- y la chica a la que se vio en "Jane Eyre", Imogen Poots, como el conductor del auto y su co-piloto. A su lado, el malo, a cargo de Dominic Cooper y nada menos que Michael Keaton, como el anfitrión de la carrera, transmitiendo para la web.

    En cuanto al director, aggiorna el recordado tipo de películas de la cultura automovilística de los "60 y "70, con viajes de carretera incluídos y periplos de costa a costa. Es imposible dejar de pensar en filmes como "Gran Prix" (1966) de John Frankenheimer, consagrando las carreras de Fórmula 1, o "Las 24 horas de Lemans" (1971) protagonizada por el fallecido Steve McQueen.

    LOS MODELOS

    Con muy buen ritmo y un bien construído guión de los hermanos John y George Gatins, que están en el rubro automovilístico en la vida real, el filme se luce durante la carrera de De León, cuando los mejores autos trepidan en el logro de la recta final, mientras un coche es salvado de caer al rio Colorado por un helicóptero.

    Muy buen humor y un efervescente ritmo acompañan a las vedettes del desfile, los mejores modelos en cuatro ruedas. Desde un Mustang modelo 2013 Shelby Gt500 a un Ford Gran Torino 1969, o un Chevy Camaron 68.
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  • La tercera orilla
    Otras relaciones peligrosas

    Drama casi rural por la fuerza desatada, "La tercera orilla" es la nueva película de Celina Murga, que con "Una semana solos" nos introdujo en el mundo de la infancia y la adolescencia, mientras que en ésta vuelve al microcosmos provinciano de "Ana y los otros".

    En el patio de una casa de Concepción del Uruguay, Entre Ríos, unos chicos juegan en una casa. El mayor es Nicolás (Alián Devetac) parece ser el guardián de los más pequeños. Llama la atención sus silencios, su mirada inquisidora, su condición de testigo. A través de él el espectador va visualizando los hechos que vendrán después. La atención para con la hermana Andrea (Irina Wetzel), el seguimiento de Jorge (Daniel Veronese), el padre. Ese pater familiae, autoritario, serio, que maneja a la mujer, a los chicos, lo que se hará, o lo que se hizo.

    Nicolás parece acumular tensión, quién sabe si miedo, o rabia ante esa fuerza masculina a la que él deberá tratar de imitar o rendirse. ¿Por qué lo observa escondido cuando recorre solo la casa?. Qué es lo que quiere, tapado por los muebles, sin que lo alcance su mandato o sus órdenes. Y por qué la madre Nilda (Gaby Ferrero) llora sin que el hombrote la vea, o se encierra con él, ahí sí, sin vueltas, segura del poder temporario del cuerpo.

    EL SEÑOR MACIZO

    Con Nicolás descubrimos que nada escapa al señor macizo y fuerte que es su padre, médico de pueblo, señor de la vida y la muerte en el hospitalito pueblerino. Y también conocemos a esa otra mujer joven y delgada, que parece triste y de luto, con el hijo al lado, que lo saludan como avergonzados. Nada se dicen cuando padre e hijo hablan, mejor dicho cuando el padre habla y decide lo que Nicolás va a hacer mientras él esté de vacaciones, porque él se va de vacaciones y ellos se quedan. Quién sabe si esa mujer tristona y su hijo no se van con él.

    Nicolás se quiere hacer a la idea de que tiene que ser médico, que debe mandar a los peones con la mano dura, que no es la suya y que el hombre aconseja y que debe someter a la mujer del tugurio al que lo lleva el padre, porque él se lo impone.

    COMO UN VOLCAN

    El muchacho es un volcán. Una masa en ebullición. Su adolescencia y esa fogata que las presiones alimentan seguramente no van a ser buenas consejeras.

    Drama casi rural por la fuerza desatada, "La tercera orilla" es la nueva película de Celina Murga, que con "Una semana solos" nos introdujo en el mundo de la infancia y la adolescencia, mientras que en ésta vuelve al microcosmos provinciano de "Ana y los otros", donde la hipocresía, el autoritarismo, la doble vida no tienen oportunidad de ocultarse como en la ciudad y es la comidilla de vecinos y parientes.

    La personalidad de Nicolás está bien presentada y su tensión y agresividad solapada tienen dos momentos límites, el karaoke con la hermana, donde se muestra desatado y feliz y el final que no describimos por razones obvias.

    Muy buenas las actuaciones de Daniel Veronese como Jorge, el padre y Gaby Ferrero en el papel de Nilda, la madre. La hermana adolescente es Irina Wetzel. En cuanto a Alián Devetac, aporta un rostro singular a su papel de Nicolás y se revela como un actor con futuro en el cine.
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  • Heredero del diablo
    Un terror no muy convincente

    Una pareja joven que vive con una cámara en mano, como para no perderse de registrar nada de lo que sucede en sus vidas, protagoniza este filme. Enamoramientos, viajes, fiestas, todo está filmado. Ella se llama Samantha McCall (Allison Miller), él es Zach McCall (Zach Gilford), ambos deciden casarse e irse de luna de miel. La elección recae en República Dominicana y ahí empiezan los problemas. Una noche de locura en un bar decadente al que los conduce solícito un taxista y de la que ninguno recuerda demasiado. La vuelta y el anuncio del embarazo y a partir de ese momento a los pobres McCall se les termina la tranquilidad.

    CURIOSA AFICCION

    La angustia de Allison, sus brutales reacciones ante el pobre esposo dispuesto a complacerla y la inexplicable afición a la carne cruda y más aún, a la carne de animales recién cazados (escena del parque con el ciervo), hacen sospechar de que algo extraño ocurre. El caso es que hay algo que une a esta Allison y a la Rosemary (que personificara Mia Farrow) de la conocida película de Roman Polanski, lo mal que la pasa durante el embarazo, el gusto por la carne cruda y los cambios de carácter.

    Además pensemos que el final es casi el mismo sin la magia de un gran cineasta como Polanski.

    CASI SIN ALIENTO

    "Heredero del diablo" pudo haber sido mejor. Mientras su honroso antecedente "El bebé de Rosmary" tiene detrás la estupenda novela de Ira Levin, este guión se queda sin aliento a la mitad de la película.

    Desde que la chica se embaraza, lo repetitivo se vuelve costumbre y nada nuevo parece suceder. Uno se pregunta cuando ve una y otra vez al modelo dominicano Roger Payano como taxista y enviado del diablo, por qué el embarazo satánico se gesta en un país latinoamericano y esa suerte de padrino es enviado a Estados Unidos para asistir al futuro nacimiento. Dudas de países periféricos.

    "Heredero del diablo" abusa de la técnica de cámara en mano, herencia de la recordada "El proyecto Blair Witch". Tiene momentos interesantes, la escena del supermercado, la de la ceremonia de comunión de las niñas y algunas en el interior de la casa. A la vez que muy bella y aireada, es la imagen lejana del edificio Dakota, donde se filmó la película de Polanski.

    En síntesis, es una película sólo para adolescentes aficionados al género y poco exigentes.
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  • Balada de un hombre común
    Aquella bohemia que aún conmueve

    Es un filme diferente, con un gran actor y cantante guatemalteco, estudiante en Julliard, de nombre Oscar Isaac, que recuerda pasajes de "El perseguidor", de Julio Cortázar y aspira con su música a ser inmortal.

    Si usted quiere conocer el mundo de la bohemia sesentista, ese de los "60 en Nueva York, tiene que ver esta película de los hermanos Coen. Está todo. Y es uno de los más bellos filmes de la dupla, con lo mejor en cuanto a música folk y actores.

    Se supone que hay un "perdedor" que es Llewyn Davis (Oscar Isaac), ese chico que canta lo que quiere y como quiere, no acepta consejos, vive en cuartos ajenos, dejando algún hijo por el camino, mientras la vida le pasa por encima y los gatos parecen ser su karma en distintos domicilios.

    VISITA AL PADRE

    Llewyn parece no reconocer familia, ni amos, ni señores, aunque la emocional escena de la visita al padre lo desmiente. Sin embargo, cuando su hermana le aconseja que siente cabeza y deje la música, la respuesta de Davis es como un libro abierto: abre los ojos, azorado y se pregunta en voz alta si sólo alcanza con existir y nada más.

    Inspirada en la figura de Dave Van Ronk, folk puro de la época, gurú espiritual de Bob Dylan, Joni Mitchell y tantos, la figura de este bohemio folk emociona. Con él somos testigos de esas bohemias pasadas de casa en casa, de encontrar personajes siempre dispuestos a dar y recibir a la gente más esotérica del mundo, con la misma naturalidad que dar de comer a un perro.

    Llewyn Davis cafetea con su guitarra en innominados bares de barrio y es el rey por una noche, pero quien sabe, añora ese otro pasado al que aspiró cuando formaba duetto con el chico que se mató inesperadamente una noche del pasado, dejándolo solo.

    DE TERCIOPELO

    La película tiene un tono aterciopelado en blanco y negro con una fotografía notable de Bruno Delbonnel. Todo el filme es un original paño de terciopelo en imágenes, en sonido, en canciones. Y se puede disfrutar de Carey Mulligan, que hace de la Jean del dúo de chicos lindos cantores, siempre contratados porque todos sueñan con hacer el amor con ella; de John Goodman en ese compañero de ruta de Llewyn que parece un villano y sin embargo se cae a pedazos en los baños de cualquier estación de servicio; o F. Murray Abraham que pasó de aquel Salieri de la recordada "Amadeus", a otro magnate de la música, Bud Grossman ante el que Llewyn da su prueba.

    "Balada de un hombre común" es un filme diferente, con un gran actor y cantante guatemalteco, estudiante en Julliard, de nombre Oscar Isaac, que recuerda pasajes de "El perseguidor", de Julio Cortázar y aspira con su música a ser inmortal. A éste hay que mencionar a un músico y actor, como Justin Timberlake, en el personaje de Jim, la pareja de Jean (Carey Mulligan).
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  • La segunda muerte
    Una arriesgada mujer policía

    La película mezcla elementos policiales y fantásticos en un formato de cine negro, que abunda en elementos esotéricos y mezcla las historias de los protagonistas, con creencias, prejuicios, hipocresías y efectos especiales que favorecen la creación de un ámbito especialmente onírico.

    La historia está contada desde la perspectiva de Alba Aiello (Agustina Lecouna) una mujer policía que relata los misteriosos crímenes que tienen lugar en un pueblo chico. Dos personas, integrantes de una conocida familia de la zona, la de Ocampo, aparecen muertos por combustión espontánea. O sea que la incineración se produjo sin motivos externos. A esto se suma la "aparición" de una suerte de silueta de la Virgen María que habría surgido en el momento del desastre.

    Presionada por las autoridades superiores, que necesitan encontrar un culpable, Alba Aiello (Agustina Lecouna), la joven policía, con su compañero Fidel, inician la investigación, que se ve complicada con la llegada de un extraño chico acompañado de su padre, que ante el contacto con fotos, es capaz de contar visiones de lo ocurrido.

    RARA APARICION

    Alba, que no cree en nada paranormal, no solo intenta alejarse del chico, llamado el Mago (Tomas Carullo-Lizzio), también se ve obligada a enfrentar las opiniones religiosas del sacerdote del pueblo, que trata de explicar y destacar la posición de oración, en que se encuentra a los cuerpos incinerados, la que termina asociando con la supuesta aparición de la Virgen María.

    "La segunda muerte" es el primer filme de Santiago Fernández Calvete, un hombre de cine con actividades relacionadas con el guión, la producción y la asistencia de dirección.

    La película mezcla elementos policiales y fantásticos en un formato de cine negro, que abunda en elementos esotéricos y mezcla las historias de los protagonistas, con creencias, prejuicios, hipocresías y efectos especiales que favorecen la creación de un ámbito especialmente onírico.

    En síntesis es una historia de género, con buen ritmo narrativo y diálogos que dejan un poco que desear por los lugares comunes y ciertas recurrencias a frases armadas. Correctas son las actuaciones de Agustina Lecouna, Mauricio Dayub, Guillermo Arengo y Germán De Silva.
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  • Academia de vampiros
    Rara contienda en una escuela

    El ritmo de la película se mantiene, no hay nada original, los personajes son chatos y hay muchos clisés. Es una película ideal para adolescentes sin demasiadas pretensiones.

    Parece que los vampiros que conocemos por las películas o los libros, están tan divididos como cualquier familia, o grupo político. Hay unos que son descendientes de reyes o aristócratas. Pueden morir, se alimentan de sorbitos de sangre, son muy blancos y odian la luz. Estos pertenecen a la categoría Moroi y son pelirrubios, muy pacíficos y sensibles.

    Pero también están los Dhampir, que ni son vampiros ni son humanos. En realidad, son una mezcla de los dos. Y por último también están los Strigoi y estos sí que son malos. Pertenecen a la nocturnidad, son inmortales y tienen el mayor poder y fuerza que los otros.

    La película "Academia de vampiros", basada en la primera parte de la saga de Richelle Mead, trata la historia de dos adolescentes, Rose (Zoey Deutch) y Lissa (Lucy Fry), que son amigas y asisten a la Academia St. Vladimir, escuela tipo Hogwarts, en la que estudiaba Harry Potter, con una población juvenil de vampiros de todo tipo y edad.

    AMIGAS EN PELIGRO

    Como Rose es Dhampir, que protege a los Moroi y Lissa (Lucy Fry) es una princesa Moroi, la primera protege a la segunda. Pero las cosas se complican en una escuela donde hay tanto tipo de vampiraje. En consecuencia, las chicas deciden irse de la escuela pero, atrapadas, deben regresar y enfrentar a sus opositores con los fuegos artificiales de sus poderes.

    Hay romance (entre Rose y su instructor), luchas por el poder, celos y muchas persecuciones. El caso es que la Academia se convierte en campo de batalla, donde cada uno muestra sus poderes y los Strigoi, vampiros malísimos se agrupan para hacer que triunfe el mal.

    El filme está dirigido al público juvenil. Imaginen que hay seis libros que integran la saga vampírica y de ellos se vendieron ya ocho millones, así que no alcanzan los dedos de una mano para contar las películas basadas en libros que nos esperan.

    Por ahí, entre vampiro y vampiro asoman actores como Gabriel Byrne, o la bella Olga Kurylenko, que supo estar en "Quantum of Solance", como la chica Bond, pero, bueno, hay que vivir y debieron aceptar papeles que quizás no les gusten demasiado. El ritmo de la película se mantiene, no hay nada original, los personajes son chatos y hay muchos clisés. Es una película ideal para adolescentes sin demasiadas pretensiones.
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  • Tras la puerta
    La señora y su ama de llaves

    La película es del director de la notable "Mefisto", István Szabó. "Tras la puerta" podría encuadrarse dentro del drama familiar, aunque la palabra "familiar" implica una noción de calidez de la que la historia carece.

    La acción transcurre en los años "60 en Budapest, Hungría, cuando una joven escritora de buen nivel económico y social contrata a una suerte de ama de llaves llamada Emerenc (Hellen Mirren). Magda (Martina Gedeck) tiene un esposo y vive en una casa elegante y cálida. El asunto es que Emerenc parece tener un pasado complicado que le amargó de tal manera el carácter que hasta al espectador se le hace difícil soportarla y eso que es nada menos que Helen Mirren, una grande del espectáculo.

    Se trata de un filme basado en un libro clásico, que más parece recreado para el teatro que para el cine, por su concepción de cámara y la falta de locaciones y contactos con el exterior. Salvo algunos personajes que viven rodeando a la misteriosa Emerenc. Y decimos misteriosa, porque la mujer no deja entrar a nadie a su casa. Se supone que hay algún misterio relacionado con la Segunda Guerra Mundial, de la que salió muy mal.

    HISTORIA ASPERA

    La película es del director de la notable "Mefisto", István Szabó. "Tras la puerta" podría encuadrarse dentro del drama familiar, aunque la palabra "familiar" implica una noción de calidez de la que la historia carece.

    Es tal la aspereza de la protagonista, que produce un cierto malestar incluso en los que la observan desde la platea.

    Mirren trabaja un personaje que destila amargura y su inglés produce un raro contraste con la mayoría de los actores que hablan en húngaro, lo que al escucharlos transmiten una extraña sensación en el espectador. Más aún cuando ella hace de una lugareña que se crió en Hungría, como el resto de los personajes que la rodean.

    A lo mencionado se suman problemas de unidad entre las escenas que funcionan casi como secuencias independientes. En dos actuaciones enfrentadas y valiosas, se destacan Helen Mirren (Emerenc) y Martina Gedeck (Magda).
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  • 300: El nacimiento de un imperio
    Conflictos entre griegos y persas

    La guerra se desplaza al mar y la acción se enriquece con efectos especiales que exaltan la naturaleza del nuevo campo de batalla

    Nuevamente el cine se basa en relatos históricos. Ya no asentados en tradiciones orales recopiladas por estudiosos, sino tomando como fuente, libros de historietas, esta vez del interesante Frank Miller.

    Teniendo como base la exitosa "300", estrenada hace más de seis años, se toma la figura de Artemisia (Eva Green), que de gobernadora de Halicarnaso pasa a comandante del ejército persa y logra exitosas intervenciones navales, convirtiéndose en confidente de Xerxes (Rodrigo Santoro) y su aliada. Los dos odian al político y general ateniense Temistocles (Sullivan Stapleton), asesino del padre de Xerxes.

    Xerxes, el rey dios de los persas, no seguirá estrictamente los consejos de la mujer, siendo engañado por la astucia de Temís, quien enfatizó la necesidad de fortalecer a los griegos con la creación de una armada poderosa.

    LA ACCION MARINA

    La guerra se desplaza al mar y la acción se enriquece con efectos especiales que exaltan la naturaleza del nuevo campo de batalla. O sea que se toma en el filme, la batalla que ocurrió simultáneamente en la primera película "300", manteniéndose el relato oral de exposición de los hechos, a veces a cargo de Gorgo (Lena Headey), la reina de Esparta. La que ellos denominan batalla de Artemisia se produce en tanto Leónidas y sus trescientos hombres enfrentaban a los persas en las Termópilas.

    "300: El nacimiento de un imperio" es una secuela del filme "300", basado en la historieta de Miller, que es un veterano en entregar sus obras para adaptaciones de cine. "Sin City", "Robocop", son algunas de ellas y especialmente ésta, retoma el colorido particular de la versión original.

    PERFECCION FORMAL

    Si la comparamos con la anterior "300", la actual pierde en intensidad, en contenido dramático y hasta en cierta cuota de mito, o heroicidad. Lo notable en este caso es el diseño de producción, la perfección formal, la utilización nuevamente del "ralentí", con buenos resultados y los golpes de sangre y violencia que enfatizan el relato.

    El australiano Sullivan Stapleton como Temistócles no convence demasiado por su falta de liderazgo. Se destaca Eva Green (Artemisia), la misma de "Sin City" y Casino Royal, de particular ferocidad y atracción, Lena Headey como la reina Gorgo y el brasileño Rodrigo Santoro como Xerxes.

    En síntesis "300. El nacimiento de un imperio" es para aquel espectador que solo se fija en la acción, la tecnología, los efectos especiales y los impactos de efecto, más la intensa música electrónica del holandés Junkie XL
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  • Mika, mi guerra de España
    Una memoria hecha de verdad

    Es un interesante documental dirigido por sobrinos nietos de la pareja protagónica (Fito Pochat y Javier Olivera), con la expresiva voz de Cristina Banegas, leyendo pasajes del libro que escribiera Mika.


    Mika Feldman e Hipólito Etchebéhere se conocieron en Buenos Aires en época de la Reforma Universitaria, fueron testigos de la Semana trágica y la Universidad los presentó como estudiantes y simpatizantes de un socialismo de izquierda. Eran muy jóvenes en la década de 1920 y querían hacer la revolución.

    El militaba políticamente y ella lo secundaba. Se fueron al sur en la época de la Patagonia trágica y luego a Berlín, donde militaron ante sindicatos fuertes, pero el ascenso de Hitler los expulsa y parten a España, donde van a constituirse, durante la Guerra Civil Española, él en jefe militar del POUM, grupo con el que simpatizaban y ella, en Capitana con mando de tropa. La lucha los asaltó en distintos momentos de la brutal guerra desencadenada en España.

    La muerte de Etchebéhere en el sitio de Atienza da un corte a sus treinta y seis años; Mika continúa la lucha y es detenida por trotskista.

    Posteriormente ella viaja a París, interviniendo en las barricadas del 68, al lado de los estudiantes y organizando en 1976 la manifestación en el Pont Neuf, para denunciar los excesos del gobierno, en la Argentina.

    EMOCION CONTENIDA

    "Mika. Mi guerra de España" es un interesante documental dirigido por sobrinos nietos de la pareja protagónica (Fito Pochat y Javier Olivera), con la expresiva voz de Cristina Banegas, leyendo pasajes del libro que escribiera Mika y un sobrino ya mayor, Arnold, que recorre los lugares en que sus tíos desarrollaron su aventura de vivir. De fondo, los increíbles registros documentales de la Guerra Civil Española, algunos nunca vistos en la Argentina, pues se ha recurrido inclusive a materiales del Museo de la Resistencia de Turín, Italia, y a algunos archivos españoles, poco difundidos.

    Fotos fijas, valiosos fragmentos documentales, incluso reportajes a Mika hechos en Francia y España dan un atrapante testimonio de la memoria libertaria de estos protagonistas que se fueron a edades diferentes.

    El, a los treinta y seis años, en Atienza, en medio de la embestida de guerra con varios tiros en el cuerpo, en una España de luto. Ella ya con una vida activa de militancia y orgullo en el París del "92, cuando se consagra oficialmente la Unión Europea con el Tratado de Maastricht.

    En síntesis, un documental de impecable ejecución formal, con una música que acentúa sus sesgos emocionales
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  • Operación monumento
    Los tesoros que se salvaron

    El filme muestra resultados desparejos, aunque es un filme clásico con buen ritmo narrativo, no profundiza demasiado en los hechos y es ingenuo y entretenido, con anécdotas que intentan la sonrisa del espectador y no siempre lo consiguen.

    El filme de George Clooney da a conocer una operación que aunó lo militar y lo artístico para salvar objetos de la cultura universal. Pinturas, esculturas, libros, manuscritos robados por los nazis fueron rescatados y vueltos a la luz por un batallón de estudiosos y expertos en arte.

    El batallón fue creado por el presidente Franklin D. Roosevelt, a pedido de un grupo de artistas enterados del expolio cultural. Ese grupo se infiltró en las líneas enemigas con uniformes de soldados, para rescatar obras de Miguel Angel, Da Vinci y Rembrandt, entre otros, ocultados en su mayoría en iglesias o minas.

    TEMA INHABITUAL

    Pocas películas han tocado este tema. El director John Frankenheimer lo hizo en los "60, con "El tren" y Guy Collins y Jane Chablani en sendos documentales; mientras George Clooney lo retoma basándose en un libro de Robert M. Edsel y Bret Witter.

    "Operación monumento" presenta a los aludidos estudiosos, con el experto Frank Stokes (George Clooney) a la cabeza. Y los sigue en su itinerario de rescate, alguno, como James Granger (Matt Damon), jefe del equipo, ayudado por una joven francesa, Claire (Cate Blanchett), bibliotecaria del Museo del Jeu de Paume, donde se concentraba el material de saqueo acumulado para las visitas "selectivas" del nazi Hermann Göring (como Hitler, amante del arte).

    "Operación monumento" es casi un filme de guerra que no sucede en el campo de batalla, donde sus "soldados" hablan de arte, alguno intenta un romance para sacar secretos de museos y otro muere en una emboscada por salvar una obra de arte.

    La película permite asistir al rescate del "Retablo del cordero místico" de Van Eyck, obra maestra de la cultura flamenca y holandesa, llevado por Göring a Berlín y también al del grupo escultórico de la "Madonna de brujas" de Miguel Angel que, en la vida real no requirió para ser salvada, de un personaje como el de Donald Jeffries, a cargo de Hugh Bonneville.

    LOS PERSONAJES

    Los caracteres de los personajes han sido tomados de la vida real y disfrazan nombres como los de Rose Valland, curadora del Museo del Jeu de Paume, imprescindible en la tarea de recuperación de obras; o James Rorimer, luego director del Museo Metropolitano de Nueva York (a cargo de Matt Damon en la ficción).

    "Operación monumento" muestra resultados desparejos, aunque es un filme clásico con buen ritmo narrativo, no profundiza demasiado en los hechos y es ingenuo y entretenido, con anécdotas que intentan la sonrisa del espectador y no siempre lo consiguen. Sin embargo es valiosa, porque permite conocer la existencia del histórico despojo y a esos seres increíbles, que se jugaron por grandes testimonios de la cultura.
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  • Una familia numerosa
    Un padre con demasiados hijos

    La película se encuadra dentro de la comedia familiar, con cierta liviandad en el planteo y resoluciones que no se desarrollan ni profundizan, prefiriendo la comicidad en las situaciones, antes que el análisis.

    Remake del filme franco-canadiense "Starbuck" (2011), "Una familia numerosa" toma el personaje de David Wozniak (Vince Vaughn), lo ubica en un negocio de transporte de carne de su familia y lo muestra como un muchacho inmaduro, soñador, con problemas económicos por su falta de previsión y su escasa responsabilidad. En este momento está de novio, tiene buena reputación como un tipo de corazón un tanto volátil y recibe la noticia de que su "chica", Emma (Cobie Smulders), está embarazada y ha decidido asumir la situación sola, porque no confía demasiado en él.

    DINERO ASEGURADO

    Decidido a cambiar todo lo que hasta ese momento no tuvo su atención y le pedía una actitud de responsabilidad, el pobre David empieza a convivir con su condición de futuro padre. Y justamente lo hace cuando un abogado le da la noticia de que es padre biológico de quinientos treinta y tres chicos y que más de un centenar de ellos, quieren conocerlo.

    Claro, en su pasado juvenil, siempre escaso de dinero, más de veinte años atrás, se acercó a un "banco de esperma", lo que le representó una segura provisión económica. Y una impensada organización hizo que su "donación", por error, tuviera múltiples adeptas. Pero David decide hacer un cambio en su vida.

    LOGRADA ACTUACION

    A pesar de los consejos de Brett (Chris Pratt) su abogado, se involucra en el asunto hijos y relee los informes de algunos de ellos. Finalmente decide vincularse con algunos para ayudarlos y ayudarse dando un giro a su existencia.

    "Una familia numerosa" se encuadra dentro de la comedia familiar, con cierta liviandad en el planteo y resoluciones que no se desarrollan ni profundizan, prefiriendo la comicidad en las situaciones, antes que el análisis.

    Es estupenda la labor de Vince Vaugh, como David, con su cuota de inseguridad y no compromiso y a pesar de ello, en la segunda parte del filme, se lo ve intentando alentar a sus hijos en la carrera musical, o en sus labores de socorrista, según sean sus elecciones laborales y hasta en la difícil tarea de abandonar la droga. Como abogado, aparece Chris Pratt, que se luce, en esta liviana producción, junto con un grupo de actores adolescentes.
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  • Non-Stop: Sin escalas
    Muchos pasajeros en peligro

    De Bill Marks (Liam Neeson), este hombre nervioso que mira la fotografía de una niña en su auto, o apura un trago de whisky, no sabemos nada. Ni que es agente aéreo y que como trabajo cuida a los pasajeros en vuelo, ni que tiene el drama de haber perdido una hija. Sólo lo vemos en el aeropuerto de Nueva York, que está a punto de tomar un jet rumbo a Londres. Luego observamos a un molesto pasajero intentando entablar conversación y un ama de casa alborotadora, Jen (Julianne Moore), que intenta terminar con sus tareas en tierra, vía celular, mientras espera embarcar.

    Cuando Bill Marks esté en su asiento, se sabrá que no le gusta volar, porque lo dice en algún momento a su compañera, la mujer que hablaba por el celular y al fin consiguió ubicación al lado de la ventanilla.

    Entonces será el momento en que el móvil de Marks advierta que alguien se comunica con él diciéndole que cada veinte minutos un pasajero morirá. Luego sabrá que hay que depositar ciento cincuenta millones de dólares para que esto no ocurra. Pero ya empezarán los muertos y la azafata desconfiará, como la mayoría de los pasajeros que, poco a poco, serán conscientes del peligro.

    RUMBO A LONDRES

    Thrilller aéreo de suspenso, "Non-stop sin escalas", es un atractivo filme del catalán Jaume Collet-Serra -el director de "La huérfana"-, que transcurre a bordo de un avión, camino a Londres y mantendrá en vilo al espectador, que se pregunta sobre el futuro de esa tripulación.

    Mantener el suspenso en un solo escenario (un avión) no es tarea fácil, pero el director lo consigue a través de la muy buena actuación de Liam Neeson, con una Julianne Moore siempre lista y Michelle Dockery, en el papel de la azafata Nancy. Claro que la calidad de la última parte de la película decae, lo mismo que el guión, aunque es cierto que se intensifica la acción.

    Buen ritmo y algunas figuras conocidas, que hacen los papeles de dos pasajeros, como Lupita Nyong"o y Scoot McNairy, a los que se vio en "12 años de esclavitud", completan este filme que atrapa.
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  • Pompeii, la furia del volcán
    Un desastre que aún interesa

    Es un filme ideal para adolescentes, dirigido por un veterano en este tipo de películas, Paul W.S. Anderson ("Resident Evil"), que le da buen ritmo, algo de suspenso, mantiene clichés en los distintos tipos psicológicos y subraya la acción.

    Son numerosas las producciones que, tanto en cine, como en televisión, tuvieron como protagonista la erupción del Vesuvio en el año 79 d.C. Sin lugar a dudas, la más importante y la más olvidada por razones de lejanía en el tiempo fue "Los últimos días de Pompeya" de Luigi Maggi, realizada en 1908 con un gran presupuesto y efectos especiales. Estrenada en catorce salas de cine italianas de la época se convirtió en un gran éxito.

    Ahora entramos en la segunda década del año 2000 y de alguna manera la producción que tenga como fondo el desastre de la región de Campania por la erupción del volcán, va a tener que tener una historia romántica con todos los ingredientes que la hagan atractiva. O sea que habrá un poco de suspenso, acción, corrupción, venganza, con algo de Romeo y Julieta, luchas físicas para demostrar que al amor hay que defenderlo también en el campo de batalla y un desastre final, sin olvidar que los buenos se tienen que pelear con los malos y luego se verá quién gana.

    LA CATASTROFE

    En este caso los protagonistas son Milo (Kit Harington), esclavo, luego gladiador y su amada Cassia (Emily Browling), que por cuestión de deudas paternas es prometida en matrimonio a un senador corrupto, llamado Corvus (Kiefer Sutherland). Ya están dados los actores principales, el resto serán enfrentamientos por la chica, e intentar el rescate durante la catástrofe, el problema que algunos afirman, es que provocó miles de muertes y un legado para la historia, porque la lava conservó como estaban en ese momento a los habitantes en sus moradas junto con sus enseres. Habrá, paralelamente, una historia de amistad del esclavo, luego gladiador, con Atticus (Adewale Akinnuoye-Agbaje), también esclavo como él.

    "Pompeii. La furia del volcán", es un filme ideal para adolescentes, dirigido por un veterano en este tipo de películas, Paul W.S. Anderson ("Resident Evil"), que le da buen ritmo, algo de suspenso, mantiene clichés en los distintos tipos psicológicos y subraya la acción.

    El resto lo hacen los efectos especiales, la importante tecnología y el hecho de que los protagonistas sean Kit Harington, el héroe de "Juego de tronos", la promocionada serie televisiva y la bella Emily Browning, le otorga una atracción extra a la película. A los mencionados se suma el popular Kiefer Sutherland, como el malvado de Corvus, un senador romano.
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  • Las aventuras de Peabody y Sherman
    Secretos que tiene el tiempo

    La película, estupendamente dirigida por Robert Minkoff ("El rey León"), logra una historia divertida, con un humor fino y familiar, ritmo efervescente y música muy alegre.

    La historia está basada en una serie de televisión de gran éxito en Estados Unidos. La serie data de fines de los años "50 y cuenta la historia de un perro excepcional y su mascota, un niño.

    El perro, Peabody, es un grande en los negocios, deportista experto, gran científico, calificado como olímpico y ahora tiene un desafío, criar la mejor mascota del mundo, su hijo. Y se va a dar cuenta que estar al lado del pequeño Sherman y educarlo, debe ser una de las tareas más difíciles del universo.

    El problema surge cuando Sherman conoce a Penny, una nena poco simpática que a él le gusta. Tanto, que le contará el secreto que prometió a Peabody no revelar. La máquina del tiempo que hace viajes interespaciales y intertemporales. Como el amor hace que uno entregue todo y haga solo lo que la dama quiera, Sherman muestra a Penny la máquina y la prueban. Por supuesto, el problema es que después no pueden parar de viajar y Penny no quiere volver y se cometen errores que se deberán arreglar.

    DELICIOSOS PERSONAJES

    La película, estupendamente dirigida por Robert Minkoff ("El rey León"), logra una historia divertida, con un humor fino y familiar, ritmo efervescente y música muy alegre. En cuanto al diseño de personajes más allá de los históricos, Einstein, Agamenon, Da Vinci, o los brutales gladiadores son un prodigio de simpatía, calidez facial y un cierto carisma en la persona del perro, que es como la versión adulta de "Peanuts", la recordada historieta de Charles M. Schulz.

    Algunos momentos llamativamente remedan otros filmes como el momento de enfrentamiento entre Peabody y los padres de la niña que recuerdan otra secuencia fílmica, la de "Un Dios salvaje", la última película de Roman Polanski.

    Sherman y su padre tendrán que meterse en el espacio sideral para arreglar los problemas históricos que se suscitaron. Será el momento en que presente y futuro a través de sus personajes interactúen. El mundo está en peligro por culpa de la ligereza de Sherman. El viaje implicara normas y situaciones que lo irán modelando y también a Peabody como padre.
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  • Nebraska
    Nebraska
    La Prensa
    Una realidad que a todos toca

    Sorprende la intensidad y el humor de los diálogos y la perfección del guión, donde todo va cerrando, lenta, pero rigurosamente. El paisaje y los cielos son un placer, la música acaricia y las interpretaciones, especialmente la de Bruce Dern, como Woody (imperdible caracterización) son para recordar.

    Lo primero que se ve es la imagen de una carretera. Un viejo desorientado y un policía que lo lleva al hospital. El anciano se llama Woody Grant (Bruce Dern), está en los últimos años de su vida, sufre de Alzheimer y se le metió entre ceja y ceja cobrar un premio tramposo, que hace décadas le prometió un millón de dólares. Nadie le cree, pero aunque vea el engaño, David (Will Forte) su hijo menor, un cuarentón que se siente fracasado, termina por subir a su auto con su padre y ambos toman la carretera y emprenden un viaje agotador. Viaje que incluye el Monte Rushmore, ese que conocemos todos por el filme de Alfred Hitchcok, "Intriga internacional".

    Descenso al mundo de las Grandes Llanuras, del Medio Oeste americano, donde uno está esperando algún asentamiento indígena con muchos búfalos alrededor, como lo indican los carteles que testifican el lugar. Recorrida al universo pedestre de esos habitantes casi rurales, de la ironía pronta, de la desconfianza al que no es del palo, inmersos en soledades y extensiones casi patagónicas, al borde de la nada.

    De "Nebraska" se disfruta de un relato con música inolvidable y exquisita fotografía en blanco y negro, realizada por el fotógrafo que siempre acompaña al director Alexander Payne, él que no por nada lleva el pomposo nombre de Phedon (Papamichaels), ese del libro de Platón que hablaba de la esencia y la apariencia y de la importancia de la reminiscencia, justamente temas que trata el filme, donde lo valioso parece tonto, pero no lo es.

    FALSOS PERDEDORES

    "Nebraska" es un filme de falsos perdedores, de ilusiones perdidas con notables momentos donde las máscaras caen y los más tontos se revelan odiosos y los más dulces, peligrosos (ver el almuerzo familiar, similar al del filme "Agosto", pero con gerontes y "tontos" temibles).

    Sorprende la intensidad y el humor de los diálogos y la perfección del guión, donde todo va cerrando, lenta, pero rigurosamente. El paisaje y los cielos son un placer, la música acaricia y las interpretaciones, especialmente la de Bruce Dern, como Woody (imperdible caracterización) son para recordar.

    También se destaca June Squibb, como la esposa Kate y Will Forte en el papel de David, el hijo. Los que están acompañados por un grupo de excelentes actores veteranos que van desde Stacy Keach, intenso y justo, hasta Angela Mc Ewan, la novia que olvidó Woody y que se reencuentran a través de un diario barrial.
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  • Romeo y Julieta
    Un Shakespeare con buen marco

    Escrita por Willliam Shakespeare, "Romeo y Julieta" es un drama romántico de larga tradición, que se remonta en sus orígenes a Grecia e Italia, pero que habría sido conocido por el poeta inglés a través del monje Mateo Bandello.

    En la misma época de Shakespeare, hubo escenificaciones de la vieja historia en Italia, Francia y España (Lope de Vega con "Castelvines y Monteses").

    ¿Quién no se emocionó con la trágica experiencia de los jóvenes amantes separados por sus familias y obligados a un cruel destino? La historia fue llevada al teatro, la televisión y en el cine tuvo hasta una versión muda dirigida por Mélis y la de Franco Zeffirelli, con una Julieta argentina, Olivia Hussey, sin hablar de las comandadas por George Cukor, o Renato Castellani.

    BUEN ROPAJE

    Pero estamos en épocas light y se piensa que el cine tiene su mayor público en los adolescentes. Y como a ellos les gusta "Crepúsculo", qué mejor que una versión cosmética, bien vestida, con lujosos interiores y chicos como salidos de la mejor revista de modas. Desde la bella Julieta (Hailee Steinfeld), hasta el Romeo, a cargo de Douglas Booth, pasando por el joven Paris, interpretado por Tom Wisdom de la serie "Uno para todos" o Ed Westwick, un bien actuado Teobaldo, que en la vida real no solo actúa, sino que desfila en las pasarelas.

    El guión del prestigioso Julian Fellowes ("Gosford Park") redujo bastante el texto original y le incorporó algo de su cosecha.

    Buen ritmo en la historia, tradicional el tratamiento de los caracteres, pero el núcleo de la narración, el romance, luce poco apasionado, un tanto insípido y la poesía está ausente.

    En cuanto a los actores adultos, Paul Giamatti es Fray Lorenzo y se lucen Lesley Manville, como el ama y Damian Lewis en el papel de Lord Capuleto, el padre de Julieta. Mientras que Benvolio, está a cargo Kodi Smit-McPhee.
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  • RoboCop
    RoboCop
    La Prensa
    Entre la violencia y la ética

    La película está bien hecha, cuenta con correctas actuaciones, entre las que se destacan Gary Oldman, como Dennett Norton, el científico y Samuel Jackson, el presentador de las noticias. El problema es que la historia no exhibe tanta acción como puede pedir el amante del otro "Robocop".

    A fines de la década de 1980, "Robocop" tenía un señor director, venido de los Países Bajos, Paul Verhoeven, que llamaba la atención por un estilo que reunía violencia y erotismo. Su trabajo posterior, "Bajos instintos", que consagrara a Sharon Stone y Michael Douglas, reiteró esos sesgos.

    El tiempo pasó y por supuesto, todo éxito tiene un destino inevitable, el reciclado. Esta vez se eligió a un director más joven, especialista en violencia, claro que una violencia quizás más blanca que la de Verhoeven. Se trata de Jose Padilha, el de "Tropa de élite".

    Esta vez "Robocop" tiene varios momentos en que los medios se ocupan de él. Parece que los medios de comunicación en el futuro inmediato, van a tener más importancia que ahora y también, por lo que vemos, la sociedad acrecentará la violencia. Por eso, como se dan cuenta que los robots cuidan como pueden el mundo exterior y no son demasiado bien recibidos por los hombres, deciden crear uno que tenga algo de humano, o mejor incorporar un humano a lo robótico y que oficie de cuidador de la seguridad.

    UN HOMBRE-MAQUINA

    El hecho recae en un policía que pierde parte de su cuerpo en un atentado, Alex Murphy (Joel Kinnaman). El injerto hombre-máquina lo hace un Frankestein de la primera hora, el doctor Dennett Norton (Gary Oldman), que tiene un montón de dudas morales sobre el experimento, como si hay que esperar más tiempo para perfeccionarlo, o se pregunta si la familia no lo perdería cuando fallen sus implantes en la memoria y otros problemas similares.

    Pero, sobre todos ellos, pesa Omnicorp, la compañía que los maneja y que no tiene tiempo para sentimientos. Robocop es creado y su familia comienza a comprender que los sentimientos, para las necesidades de determinadas corporaciones, no son imprescindibles.

    VISION MEDIATICA

    La película está bien hecha, cuenta con correctas actuaciones, entre las que se destacan Gary Oldman, como Dennett Norton, el científico y Samuel Jackson, el presentador de las noticias.

    El problema es que la historia no exhibe tanta acción como puede pedir el amante del otro "Robocop", porque en este caso se le da más importancia a la visión mediática, al dilema ético y a alguna filosofía de bolsillo.

    Este Robocop torturado, acosado por las multinacionales, extrañado por la familia, odiado por el Departamento de Policía, al que descubre corrupto, se mueve en un espacio problemático, pero no exento de atractivos. Veremos el próximo Robocop hacia qué lado apunta.
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  • Un cuento de invierno
    Entre el sueño y la fantasía

    Tiene un atractivo diseño de producción y escenas de un romanticismo algo exagerado, que una parte del público, sin duda disfrutará, unido a la música de Hans Zimmer y Rupert Gregson-Williams.

    De shakespeariano título, el filme de Akiva Goldsman se desenvuelve en el plano de la fantasía y la realidad, en distintas épocas y con personajes singulares, capaces de sentimientos pasionales, amores eternos y reacciones imprevisibles.

    Hay un joven ladrón de misterioso origen, capaz de intentar robar en una casa y ser bien recibido por su dueña, que simpatiza con él, la misma heredera pelirroja con la que vivirá un gran amor, capaz de curar su enfermedad por los atributos terapéuticos de un sentimiento puro. Alrededor, un pasado triste de ladrón de guante blanco y las eternas rivalidades pandilleras que reactualizan el eterno conflicto del bien y el mal.
    Los protagonistas, Peter Lake (Colin Farrell), la dulce Beverly Penn (Jessica Brown Findlay), el malo de Pearly Soames (Russell Crowe), todos dispuestos a vivir una historia fantástica e irreal.

    REALISMO MAGICO

    Primera película del productor y escritor de "Soy leyenda" y "Sr. y Sra. Smith", entre otras películas exitosas, Goldsman elige el camino del realismo mágico y la superposición de tiempos y espacios para relatar una historia de amor, donde es posible siendo ladrón ser recibido con un té por la dueña de casa, o reencarnarse en otra época, luego de morir en la etapa anterior, encontrarse con un caballo alado, o llegar a la deriva en la maqueta de un barco.

    Basada en la exitosa novela de Max Helprin, publicada hace treinta años, el filme exhibe elementos surrealistas de clara raíz romántica, ideal para adolescentes. Un intérprete ideal es Colin Farrell, como el joven ladrón, Jessica Brown Findlay, es la amada enferma; Russell Crowe es el villano que persigue al protagonista y William Hurt ocupa el papel de Isaac Penn, el padre de la heroína.

    "Un cuento de invierno" tiene un atractivo diseño de producción y escenas de un romanticismo algo exagerado, que una parte del público, sin duda disfrutará, unido a la música de Hans Zimmer y Rupert Gregson-Williams.
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  • Philomena
    Philomena
    La Prensa
    El horror de perder a un hijo

    El filme tiene un sólido guión y una Judi Dench que nunca cae en el recurso fácil, la que pinta a una ama de casa común, necesitada del empuje del otro para incentivar la fuerza de la búsqueda.

    Philomena (Judi Dench) no sabe que su contacto con el periodista Martin Sixsmith (Steve Coogan), va a llevarla al fin de una búsqueda de cincuenta años. Una irlandesa sencilla y un intelectual de la palabra, culto y sarcástico, que toma la relación como la necesidad de completar ""una nota humana"", que, de alguna manera, lo haga olvidar su reciente desvinculación con un importante medio en el que trabajó por años.

    Pocos días antes, la hija ya adulta de Philomena, se enteró que tenía un medio hermano. Su madre, lo confesó, luego de ocultarlo por años. Desde la adolescencia, soltera y en trance de dar a luz, fue encerrada por su familia en el monasterio de Roscrea, donde pierde a su hijo. La ayuda del periodista, que va entablando poco a poco un lazo emocional con Philomena, la conduce a Estados Unidos, donde el pequeño Tony, el hijo ausente, va tomando un rostro, una identidad.

    UN BUEN GUION

    La película está basada en una historia real que contó el periodista Martin Sixsmith en el best seller "El hijo perdido de Filomena Lee", sobre la base del caso de Philomena Lee, actualmente de ochenta años y que desnuda la trama de la entrega de bebés por organizaciones religiosas y la explotación de menores en el ámbito laboral.

    Philomena se vio obligada a trabajar durante varios años, a cambio de casa y comida en el convento, junto con otras adolescentes, siendo testigo de la entrega de su hijo, un niño de tres años, a una pareja que luego sabría era de origen norteamericano. El filme personaliza un tema ya tratado hace doce años por el director escocés Peter Mullan en "Las hermanas de la Magdalena", sobre la explotación laboral y la intolerancia de las monjas irlandesas del asilo católico.

    La historia que retoma Stephen Frears, revulsivo director de "La reina" se encuadra dentro de la línea del melodrama de buen ritmo, austero, con toques de humor, de tono más cercano al cinismo y al sarcasmo.

    "Philomena" tiene un sólido guión y una Judi Dench que nunca cae en el recurso fácil, la que pinta a una ama de casa común, necesitada del empuje del otro para incentivar la fuerza de la búsqueda. A su lado, se lucen un discreto y contenido Steve Coogan, Sophie Kennedy Clark en la Philomena adolescente y Barbara Jefford, como la polémica Hermana Hildegarde.
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  • El almanaque
    El almanaque
    La Prensa
    Un testimonio de la represión

    El documental de José Pedro Charlo sigue la figura de Jorge Tiscornia, preso político uruguayo, que logró, durante más de doce años, en el penal de Libertad, registrar clandestinamente su prisión.

    Retrato de un ex tupamaro, aislado durante cuatro mil, seiscientas cuarenta y cinco interminables jornadas, el filme muestra como hay formas de releer el cautiverio, creando un sistema de signos que configuren un espacio y encerrándose en él. Este estudiante de arquitectura, que ingresara a la cárcel el 20 de junio de 1972, se refugia para salir de la locura del encierro, en la creación de múltiples almanaques, donde fija, interminables, los días en el penal, almanaques que, cuidadosamente, escondía en los zuecos que lo acompañaban cuando se duchaba.

    Testimonios silenciosos y ocultos en el que un recluso atesora la memoria, son los que ahora salen a la luz para develar y fijar en el tiempo, momentos que pudieron desaparecer del conocimiento general.

    LA PSIQUIS HUMANA

    El director de "El almanaque", José Pedro Charlo, estuvo también detenido en el mismo penal en que vivió Tiscornia, una prisión que llegó a albergar mil doscientos detenidos.

    "El almanaque" permite ver como impactan determinadas experiencias en la psiquis del hombre y como se las intenta afrontar.

    Junto con esta película y su anterior "El círculo", sobre la historia del científico uruguayo, Henry Engler -también ex preso político tupamaro- especializado en el Mal de Alzheimer; el cineasta, intenta, como el mismo dice, "saber más de nosotros, conocer el pasado y enriquecernos hacia el futuro".

    Austero en el plano formal, con utilización de la voz en off, testimonios orales, entre ellos los de su compañero Elbio Ferrario, coordinador del Museo de la Memoria, de Montevideo; más fragmentos de noticieros franceses, fotos que también Tiscornia saco en prisión, de contrabando con una cámara fotográfica ajena, "El almanaque", es una respuesta digna a situaciones límites que forman parte del delicado patrimonio de la memoria.
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  • 12 años de esclavitud
    La injusticia y la crueldad existen

    Un buen guión, un tema retomado en el mejor momento y un director inglés, Steve McQueen, pueden alzarse con varios de los mayores premios de la Academia hollywoodense. Por el momento la película recibió nueve nominaciones al Oscar.

    El filme está basado en las memorias de Salomón Northup (1852). Cuenta los hechos reales que rodearon la increíble historia de un carpintero y músico, hombre negro y libre, que fue llevado con engaños y vendido por esclavo, permaneciendo doce años en cautividad en varias plantaciones de algodón, en el sur de los Estados Unidos.

    Hablar del tema de la esclavitud en Estados Unidos recurriendo a una historia melodramática y personal, no es una originalidad. Ya lo hicieron directores como Victor Fleming en "Lo que el viento se llevó" y Steven Spielberg en "El color púrpura", entre muchos otros y con distinta suerte.

    Sin embargo, la increíble acogida que ha tenido "12 años de esclavitud", luego de su estreno en Estados Unidos, estaría de acuerdo con una época en que los derechos humanos son apoyados y la justicia social se esfuerza por ser aceptada.

    El filme del director Steve McQueen se desenvuelve dentro de las líneas tradicionales del relato, con respeto histórico y un inusual equipo de excelentes intérpretes. Quizás lo único que excede las líneas clásicas sea ese regodeo en la violencia y cierto acento en la tenebrosidad de algunos personajes.

    LAS VICTIMAS

    Las escenas en las plantaciones respetan las locaciones del libro escrito por Solomon Northup y el desgarro de ciertos momentos "guignolescos" pueden afectar a desprevenidos. Esperemos que la víctima de la mayor violencia, como es el caso del personaje a cargo de la debutante Lupita Nyong"o (Patsey), una esclava sometida por su amo (a cargo de Michael Fassbender) sea compensada con el Oscar a la mejor actriz de reparto, bien merecido por su notable caracterización.

    Si se resalta la labor de la joven Lupita, no se puede olvidar a los demás, Chiwetel Ejiofor hace una creación austera y sentida de su papel de Salomon Northup, mientras Michael Fassbender (Edwin Epps) y Paul Dano (Tibeats) se llevan las palmas por los villanos; en tanto Sarah Paulson, como (la señora Epps), esposa del personaje que cubre Fassbender, se destacan por sus meritorias interpretaciones.

    Un buen guión, un tema retomado en el mejor momento y un director inglés, Steve McQueen, pueden alzarse con varios de los mayores premios de la Academia hollywoodense. Por el momento la película recibió nueve nominaciones al Oscar.
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  • Agosto
    Agosto
    La Prensa
    Un áspero melodrama familiar

    Película de buen ritmo, a pesar de la densidad psicológica, con insuperables actuaciones. Meryl Streep deja hasta los huesos en su papel de Violet. Julia Roberts muestra un trabajo al borde de la navaja, esquiva bien los abismos y se luce al lado de la reina Meryl.

    Violet Weston (Meryl Streep) tiene cáncer y es adicta a todo tipo de píldoras, su estructura mental es ya un "blíster". La acompañan, Barbara (Julia Roberts) su hija "preferida" (a su manera), igual a ella, la otra hija, Karen (Juliette Lewis), un espécimen descerebrado, con novio de temporada y la dulce Ivy (Julianne Nicholson), las tres representan un lujo inesperado al final de su vida.

    Todos aparecen cuando Beverly Weston (Sam Shepard), el esposo de Violet, un pobre poeta alcohólico, lejano a la realidad, desaparece al comienzo del filme. Y entonces el caos. La cabalgata familiar con sus parejas respectivas, hasta la hermana de Violet, la vital Mattie Fae Aiken (Margo Martindale) y su hijo, el pequeño Charles (Benedict Cumberbatch), concurren a la vieja casona de los Weston. Hay un aquelarre en la mesa familiar, en medio del calor del Medio Oeste, donde se despistan las vidas y revientan los contenedores emocionales, sumados al sopor climatico, la herencia, el dolor, la falta de sentimientos y esa sensación de que el abismo puede tragarnos.

    HISTORIA REVULSIVA

    "Agosto" es un melodrama revulsivo con personajes literariamente reales. Bien sabía Tracy Letts, el autor, que su Oklahoma natal albergaba tanta gente que parece nacida de la pluma de Tenessee Williams, Edward Albee, Eugene O"Neil, John Steinbeck, o Carson McCullers. Porque Ivy, de algún modo puede decirse se parece a la Laura de "El zoo de cristal"; el pequeño Charles parece salido de "La balada del Café Triste"; la tía Mattie y Violet huelen a personajes ideados por John Steinbeck.

    Por si esto fuera poco, los reúnen en algo así como el revival de "¿Quién le teme a Virginia Woolf?" y de vez en cuando, para superar la claustrofobia, echan imágenes de campos ilimitados y bandadas de pájaros al atardecer.

    Película de buen ritmo, a pesar de la densidad psicológica, con insuperables actuaciones. Meryl Streep deja hasta los huesos en su papel de Violet. Julia Roberts muestra un trabajo al borde de la navaja, esquiva bien los abismos y se luce al lado de la reina Meryl.

    La tía Mattie nunca hubiera tenido mejor sosias que Margo Martindale; mientras Julianne Nicholson le aporta cierta elegancia a su personaje de Ivy. Y los demás, estupendos en sus actuaciones, como el camaleónico Benedict Cumberbatch, o el intenso Sam Shepard.

    Una buena fotografía, una música acorde al clima que el filme requería y un gusto amargo al salir de la sala deja este inolvidable melodrama .
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  • La leyenda de Hércules
    La mitología de vuelo rasante

    Si bien la película tiene algunas buenas escenas de acción, su guión resulta demasiado elemental, de igual modo el diseño de personajes.

    Nuevamente Hollywood acude a la mitología griega para dar su versión.

    Esta vez elige a un héroe, Hércules o Heracles (Kellan Lutz) y cuenta a su manera, cómo su madre, la reina Alcmene (Roxanne McKee), para luchar contra su esposo, Anfitrión (Scott Adkins), que estaba hundiendo el reino, entre guerra y guerra, tiene un romance con Zeus (Júpiter, Dios de Dioses) y es madre del famoso niño. Como se sabe, la característica del chico fue su fuerza increíble y los "doce trabajos" que le encomendaron para mostrar su fortaleza. De éstos, sólo alguno que otro se ve en el filme, como la lucha con el León de Nemea.

    LA SOSPECHA

    La película se refiere al odio que despierta el joven en Anfitrión, quien sospecha que no es hijo suyo y las artimañas que organiza con su verdadero hijo Ificles (Liam Garrigan) para matarlo.

    Enamorado de la princesa Hebe (Gaia Weiss), el pobre Hércules, que para colmo, para disimular su origen, fue llamado Alcides (como el cantante de cumbia), debe luchar para lograr fama y seguidores que lo ayuden a derrocar al esposo de su madre.

    La leyenda de Hércules retoma la línea de filmes como "Furia de titanes 2" y en vez de dioses o semidioses, centra su atención en un héroe de origen divino. Se detiene en sus aventuras épicas, en sus peleas que apelan desde la arquería, a la práctica de artes marciales con mucho "ralenti" para detallar golpes y patadas. Quien interpreta a Hércules es Kellan Lutz, un chico de Dakota, tan inexpresivo como Sam Worthington, el Perseo de "Furia de titanes 2".

    Si bien el filme tiene algunas buenas escenas de acción, su guión resulta demasiado elemental, de igual modo el diseño de personajes.
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  • La gran aventura Lego
    Emmet, como un nuevo salvador

    El filme tiene un diseño de producción que asombra por su riqueza, la imaginación que despliega y el colorido maravilloso de sus personajes, junto a la canción "Todo es increíble", invitan bailar en la butaca.

    La historia tarda en aprehenderse. Pero a medida que avanza la película, la aventura que vive Emmet se va aclarando. Por eso, pensamos que sería ideal para niños a partir de los nueve años.

    "La gran aventura Lego" plantea un mundo de juegos, en el que coinciden Lord Negocios y un tal Vitruvius, los que buscan un Salvador, que los libere de una figura que pretende adueñarse del mundo.

    Burlones los primeros, la figura del Salvador se destaca y se llama Emmet y es recibido con alegría descomunal por Lord Negocios y Vitruvius.

    Emmet que es un pequeño constructor está acostumbrado a trabajar en base a reglas, las que sigue al pie de la letra. A tal hora levantarse, a tal otra desayunar, vestirse con tiempo, o hacer tales movimientos para llegar a la oficina. Hombre super dependiente, incapaz de crear algo, pero dispuesto a cumplir todo lo que se le presente, será seducido por Lucy, una chica, que lo fascina con su encanto pop.

    CHICA SEDUCTORA

    Es Lucy, que es fuerte y decidida, la que lo integra a los distintos estratos del universo, donde Emmet aprenderá a desobedecer órdenes y comprender que lo más alto es el llamado "Hombre de arriba".

    A continuación, Emmet, obnubilado por la atracción que Lucy ejerce sobre él, se sumerge en el universo Lego, el de los miles de ladrillitos de plástico que la firma danesa creó. Y surge el loco mundo Lego, multicolor hipercromático, abigarrado, con personajes heterogéneos, que conviven en franca armonía, la sirenita, la abuela, Batman y el místico Vitruvius.

    Este filme animado tiene un diseño de producción abigarrado y creativo, los héroes se desplazan por los distintos universos a gran velocidad, con un gran ritmo y canciones divertidas y pegadizas. Su banda de sonido es de Mark Mothersbaugh, el mismo de "Hotel Transilvania".

    Por supuesto que los chicos identificarán enseguida a los muy malos y los muy buenos; mientras los adultos pueden apelar a la metáfora, que está siempre presente a lo largo del relato y en el que coinciden, como en el tango la Biblia y el calefón. El mensaje de la película es sencillo y apunta a despertar la creatividad.

    "La gran aventura Lego" tiene un diseño de producción que asombra por su riqueza, la imaginación que despliega y el colorido maravilloso de sus personajes, junto a la canción "Todo es increíble", invitan bailar en la butaca.
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  • Diana
    Diana
    La Prensa
    Una extraña historia de amor

    El filme está basado en el libro de Kate Snell, "Su último amor" y gira en torno a un supuesto romance entre la princesa Diana de Gales y el cardiocirujano Hasnat Kahn, de origen pakistaní. La relación se habría establecido posteriormente a la separación de la princesa de su marido, el príncipe Carlos de Inglaterra y finalizado en 1997, antes de su accidente en agosto de ese año. La misma historia plantea la relación con el millonario Dodi Al Fayed, con quien ella falleciera, como una suerte de intermezzo, que funcionaría como incentivo para la relación con Kahn, interrumpida en esos momentos.

    La película es una docu-ficción, que inicia la acción el día de la muerte de la princesa de Gales (Naomi Watts) en París y a través de un flashback presenta a la joven, separada de su marido y posteriormente iniciando la hipotética relación que la habría llevado a considerar la posibilidad de una conversión religiosa al islamismo.

    SESGO TRADICIONAL
    Con un estilo que se mantiene en la línea tradicional, el director de "La caída" (gran filme sobre los últimos días de Hitler) da un lustre elegante a una historia romántica, que de no ser protagonizada por una princesa de existencia real, podría ser la de cualquier mortal viviendo una historia de amor, con alguien de una clase social diferente, sumado a una diferencia de etnia.

    Si el director Oliver Hirschbiegel se propuso acceder a la verdadera intimidad de un personaje como Lady Di, su tarea quedó a medio camino, si se propuso mostrar simplemente una historia de amor lo logró. Con cuidado formal, un elegante diseño de producción, variados interiores y un sólido equipo de intérpretes en el que se destaca la gran actriz Naomi Watts (Diana) y Naveen Andrews (Hasnat Khan) actor inglés de origen indio. El filme hubiera ganado en intensidad con algumnos minutos menos de duración.
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  • En llamas
    En llamas
    La Prensa
    Una nueva forma de exterminio

    Es la segunda parte de la exitosa saga de Suzanne Collins que se iniciara en 2008 con "Los juegos del hambre". La actual es la segunda novela de la autora, cuyo libro se multiplicó en licencias para videojuegos, muñecos y ropa.

    Nuevamente la acción se desarrolla en un futuro cercano, el lugar es Panem, que alguna vez se llamara Estados Unidos, ahora con el poder de un Capitolio y un tal Snow (Donald Sutherland) al frente, dominador de doce distritos, siervos que celebran una ceremonia anual, donde se consagra por lucha una pareja adolescente de cada distrito, protagonistas de un show televisivo dirigido a todo el país, en el que se matan hasta que sobrevive el más apto.

    La ganadora de los juegos anteriores Katniss Everdeen (Jennifer Lawrence) y su compañero Peeta Mellark (Josh Hutcherson) no gozan de la simpatía del máximo gobernante, Snow. Más aún, Katniss es considerada una transgresora peligrosa y será utilizada como señuelo de un romance ficticio con Peeta (ella en realidad ama a un nuevo personaje, Gale) para distraer la atención de la gente, hipnotizada por esa máquina televisiva que come voluntades y sueños.

    CONTIENDA FINAL
    La Gira de la Victoria le permite a la adolescente y su compañero ver los primeros pasos de una futura rebelión, mientras es observada por un nuevo cancerbero, Plutarco Heavensbee (Philip Seymour Hoffman) y asistida, a veces por su mentor, Haymitch Abernathy (Lenny Kravitz).

    Antes de la contienda final habrá agasajos, carrera de carruajes (símil las de cuadrigas de Ben Hur), con una Jennifer Lawrence muy maquillada como evocando a la mítica Cleopatra de Liz Taylor, una leyenda de una Hollywood ya desaparecida. Pero el final vendrá, sangriento, imprevisto, con monos agresivos y brumas venenosas. Katniss y sus nuevos compañeros se conocerán más porque deberán enfrentar la muerte en grupo.

    MODA Y PEINADOS
    El filme tiene una primera parte poco atractiva y de ritmo moroso, donde se repiten temas. Sin embargo, la segunda parte se redime y abunda en pequeñas vueltas de tuerca, nuevos personajes, buenos efectos especiales y un atractivo diseño de producción. También la moda toma un papel especial con audaces diseño de Trish Summerville, incluyendo un bellísimo traje de novia de Tex Saverio y sugestivos diseños de Alexander McQueen y Rick Owens.

    Peinados, atuendos clásicos y excéntricos como los que luce el personaje de Effie Trinket (Elizabeth Banks) suerte de relacionista y presentadora de los tributos de las ceremonias olímpicas son un atractivo más, a la segunda parte de la exitosa saga. A la carismática presencia de Jennifer Lawrence ("Lazos de sangre"), se unen personalidades muy queridas en el mundo del cine, como Donald Sutherland (Mr. Snow) y Seymour Hoffman (Plutarco Heavensbee).
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  • El quinto poder
    Los secretos no existen más

    Nada volverá a ser lo mismo desde la aparición de los WikiLeaks, la web que, impunemente desnudó el mundo secreto de poderes políticos y económicos, hasta ese momento inexpugnables. De esto habla "El quinto poder", poniendo nombres y apellidos y presentando a su creador Julian Assange (Benedict Cumberbach), chico australiano universitario que abandonó la física y las matemáticas para orientar su propia carrera de programador, hacker y activista social. El que con desparpajo virtual ofrecía el secreto de la información como arma popular.

    Con Daniel Domscheit-Berg (Daniel Brühl), quien luego sería su socio y posteriormente detractor, dieron vida a una plataforma en internet que permitió acceso libre a documentos clasificados, desde los más elementales a los más complejos, capaces de hacer visible la corrupción bancaria (Banco suizo Julius Bar), la gubernamental africana, o el aquelarre afganistano provocado por cuestionables procederes de Estados Unidos.

    GENEROSO Y AMORAL
    Basado en el libro "Inside WikiLeaks" de Daniel Domscheit-Berg y "The Guardian WikiLeaks", de David Leigh y Luke Harding, "El quinto poder", es un filme desparejo, caótico, ambiguo, como el mismo Assange, esa suerte de Andy Warhol de la virtualidad, tan controversial como autoritario y democrático, generoso y amoral.

    El director Bill Condon ("Dioses y monstruos") logra imprimir en ciertos momentos de la narración, un ritmo virtual febril con mútiples secuencias de pantalla y duplicación al infinito de la imagen de Assange, más una serie de artilugios visuales que intensifican el ritmo general del relato.

    La película tiene actuaciones remarcables empezando con este Benedict Cumberbatch, como Assange, suerte de hermano gemelo del original, que en la realidad conjuga realidades opuestas como interpretaciones premiadas en el cine y el teatro británico, asumiendo desde papel del investigador Stephen Hawkins, o el detective Sherlock Holmes, pasando el período en la vida real en que enseñó inglés en un monasterio tibetano. A su lado el talentoso Daniel Brühl como Daniel Domscheit-Berg; David Thewlis como el periodista Davies y los veteranos Stanley Tucci y Laura Linney, representando el poder y la diplomacia de la Casa Blanca.
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  • El abogado del crimen
    Una trama violenta y hablada

    Esta es la historia de un abogado en problemas que cree que meterse en el negocio de la droga es como ganar un juicio por mal estacionamiento. Si a esto se suma que a la codicia le agrega soberbia y lujuria, ya tenemos a la vista un asunto complicado.

    La promisoria carrera del realizador Ridley Scott, con un background impecable que va de "Los duelistas" a "Blade Runner", o "Gladiador", aseguraba una elegante planta y diseño visual. El lujo del guión de un Pulitzer, Cormac Mc Carthy ("La carretera" que Viggo Mortensen interpretara en cine) y un equipo variado muy rico, prometía la cocina perfecta.

    Pero no todo funcionó tan bien, el problema pasa por ciertos desniveles narrativos, un diálogo a veces demasiado elaborado para la calidad de las situaciones y cierta inverosimilitud de algunos personajes, más el hecho de revelar todo demasiado pronto y dejar poca expectativa para el final.

    PERSONAS EXTRAÑAS
    Todo atravesado por un imponente cargamento de drogas, sofisticados personajes como la manipuladora Malkina (Cameron Diaz), un cowboy excéntrico, Westray (Brad Pitt) o Reiner (Javier Bardem), el loco del peinado heavy y extrañas reacciones de un abogado que parece estar probando tipos de veneno para arruinarse la vida con cierta inconciencia existencial, nada acorde a su cronología. Hay bastante violencia, aunque no tanta acción, humor negro, fauna surrealista en la línea de imágenes de sofisticado estudio de fotografía, con sutiles gepardos y ropa fashion y cierta sensación de desconcierto ante esta mezcla de filme negro y melodrama surrealista, con descargas explosivas de los más promocionados carteles de la droga.

    Todos danzan una coreografía particular a la que uno se puede adaptar o renunciar, eso sí, con estilo y la mejor música envolvente. Hasta Bruno Ganz, el ex ángel de "Las alas del deseo", se precipita a tierra entre diamantes de varios quilates y su condición de joyero de Amsterdam, mientras Michael Fassbender (el abogado y también llamado "El consejero"), muere de amor por una ingenua Penélope Cruz, en el papel de Laura, su novia.
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  • Thor: Un mundo oscuro
    El superhéroe está de vuelta

    Tomado por la editorial Marvel, la figura mítica de Thor y su gente se convirtió en historieta y luego fue cine. Ya sabemos que el tal Thor (Chris Hemsworth) tiene problemas porque su hermano menor, Loki (Tom Hiddleston), lo quiere heredar, aunque ahora esté preso. Así que él se ocupa de pelear por los Nueve Reinos, como lo sabe bien, con el mágico martillo, su arma preferida y llave para ser dueño del mundo.

    CURIOSA PAREJA
    Mientras tanto, Jane Foster (Natalie Portman), la estudiante de astronomía, enamorada de Thor, al que conoció cuando él estuvo exiliado por su padre en la Tierra, estudiando los temas gravitacionales que están afectando el orden general, se da cuenta que esto la afecta y puede ser "chupada" por los mundos ignotos a los que Thor, Loki y toda la familia sideral pertenecen. Para colmo la energía del Aether y Malekith (Christopher Eccleston), los representantes del mal en la serie se mantienen y pugnan por infiltrar los mundos, permanentemente interconectados. El caso es que todo se complica y nuevamente las interrelaciones entre los personajes se manifiestan en luchas interestelares, con intercomunicación de galaxias y por supuesto Londres como campo de batalla, todo tutelado por el ejercito de Asgard y los Elfos Oscuros con mucho despliegue de efectos especiales. Tanta será la presión maligna, que Thor deberá recurrir a su problemático hermano para enfrentarlos.

    GRANDES EFECTOS
    El filme debe satisfacer a sus admiradores que siguen las historias y juegan sus videojuegos. Para los que no son fans, la película sólo se destaca por una profusión de efectos especiales y figuras cinematográficas, que nos hablan de que el mercado comercial se redujo y todos deben hacer de todo.

    Como ocurre con el respetado Anthony Hopkins, que hace del padre de Thor, creíble en su shakespeariano papel, la encantadora Natalie Portman, que se adapta a su papel de híbrida heroína Jane Foster y el que se lleva todas las alabanzas, Tom Hiddleston (Loki), en esa suerte de Ricardo III en miniatura, que no puede huir de su karma de maldad. Con ellos, como una simpática masa de músculos y ropa colorida, el más Marvel de los antihéroes, el Thor de historieta que Chris Hemsworth lleva adelante y la excelente Rene Russo, como una madre a lo lady Macbeth, de roja pelambre y tan lista en artes marciales como cualquier superheroína de yacuzas cuestionables.

    "Thor, un mundo oscuro" hubiera ganado más con menos extensión y lo que francamente entusiasmó, también a los que no son seguidores de la serie es el avance de la próxima película de la saga, con un Thor, convertido en un personaje totalmente energetizante.
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  • Sola contigo
    Sola contigo
    La Prensa
    Un melodrama de raíz policial

    Un enigmático mensaje en el comienzo, una mujer a la que le pasa de todo, depresión, alcoholismo, accidente y causa judicial y ahora, además, la voz amenazante de un sicario que le dice que si no hace lo que él le pide, mata a sus hijas, ésas a las que el marido una y otra vez le impiden ver.

    El filme se balancea peligrosamente en un difícil equilibrio entre el melodrama y el policial. La presencia de Ariadna Gil (María Teresa) como protagonista, en una muy buena actuación, no impide que la narración, luego de un comienzo atractivo, pierda fuerza.

    Un moderado suspenso va empujando el relato en el que María Teresa, la mujer en problemas, enfrenta obstáculos y situaciones que hacen avanzar la historia. Sin embargo, ninguna de ellas alcanza a cerrar con intensidad. En el camino, habrá un galán que luego sabremos que es un estafador, un marido enojado, un ex novio resentido, una secretaria solícita, el vecino de al lado y un comisario misterioso.

    PLANOS FORMALES
    Es correcta en sus planos formales y su realización y algo confuso su final. Se trata de la tercera colaboración de la dupla Ariadna Gil-Alberto Lecchi, luego de "Nueces para el amor" y "Una estrella y dos cafés". Ariadna es la persona ideal para el personaje y hubiera sido difícil encontrar otra Maria Teresa, de similares características.

    En distintos papeles aparecen Leonardo Sbaraglia como el comisario Esteban Fuster, un personaje que hubiera merecido más presencia en la historia, Gonzalo Valenzuela en un breve papel de seductor y la bella Sabrina Garciarena (Felicitas) como la secretaria.

    La dirección de Lecchi, el recordado director de "Perdido por perdido", aquel atrapante thriller con Ricardo Darín, se mantiene dentro de una línea austera y sin demasiada acción.
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  • Las brujas
    Las brujas
    La Prensa
    Apocalíptica y desintegrada

    José (Hugo Silva) y Tony (Mario Casas), disfrazados de estatuas vivientes, asaltan una tienda de joyas en pleno centro de Madrid. Sufrientes víctimas del paro, uno acompañado de su hijo más pequeño y el otro sin el coche, se hacen de miles de alianzas de oro, irónicos presentes de una experiencia marital en la que, precisamente, no les va demasiado bien.

    Desesperados, intentan fugarse en un taxi con conductor y acompañante incluídos, perseguidos por la policía y la ex mujer de uno de ellos, irán a Francia, por una promesa que le hizo José a su hijo de visitar la Disneylandia del país galo.

    AVENTURAS RARAS
    En el camino, el bosque del territorio vasco se ofrece como una invitación a aventuras exóticas. Parecen no saber que el Euzkadi y más precisamente, Zugarramurdi, tiene sus "señoras de la magia", ésas que en 1612 se transformaron en las víctimas del Salem de la tierra vasca, cuando fueron sacrificadas con la acusación de hechicería. Mujeres extrañas como Graciana (Carmen Maura) reavivarán la historia con un propósito siniestro en los que se mezcla la carne y el alma.

    Esta es una película de Alex de la Iglesia. Quien vio "La comunidad" o "Balada triste de trompeta" sabe lo que quiere decir eso. Por supuesto que la engañosa serenidad caótica de la primera parte de "Las brujas...", esconde la desmesura de la segunda. Y es que este De la Iglesia es heredero de Quevedo, de Valle Inclán y de Goya y si el humor elegante puede estar presente, el resto puede ser esperpento, barroquismo, o lo más "guarro" de un siempre efectivo Santiago Segura.

    UNOS ANTIHEROES
    El aquelarre que envuelve a las brujas y estos pobres antihéroes desempleados se mezcla con críticas misóginas, que envuelven las brujerías, policías en persecución, mujeres que demandan alimentos y el supremo deseo de "señoras de la magia", ahitas de carne humana, si es masculina mejor y almas para hacer nuevos conjuros. Ya obnubilado por las fórmulas mágicas, De la Iglesia pierde su norte y desbarranca en la última media hora, grotesco y bizarro ante ese poder femenino, al que parece temerle, pero sobre el que una y otra vez vuelve como abejorro atraído por flores carnívoras.

    Los actores adquieren el ritmo frenetico del director. Se lucen Hugo Silva, Mario Casas, Jaime Ordoñez, los desopilantes policías (Nieto y De la Rosa) y por supuesto las brujas con Carmen Maura, Terele Pávez, Carolina Bang y junto a ellas Santiago Segura. Todos ayudan al director con su humor negro y locura a conjurar el misterio de la vida, la que sin duda esconde muchos secretos.
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  • Lluvia de hamburguesas 2
    Los alimentos que van mutando

    A diferencia del filme anterior, basado en un libro de Judy y John Barrett, especialistas en dibujos animados, muy popular entre los chicos de 1978, esta nueva película gira en torno del protagonista original, el joven inventor Flint, al que se le agrega un nuevo personaje, Chester V.

    Como se recuerda, en la primera película, Flint logró transformar el agua en hamburguesas, que comienzan a caer del cielo como si fuera lluvia. El problema es que algo falla y la lluvia de alimentos desencadena una "tragedia alimenticia" mundial.

    Flint Lockwood y Sam Sparks, la presentadora televisiva que lo ayudó en la primera película, también lo hará en ésta, cuando vean que los restos de comida que cayeron en Swallow Falls, crearon mutantes pero alimenticios.

    MAQUINARIA MAGICA
    Chester V, el director de la compañía verde, que se ocupará de limpiar la isla empleará a Flint. Como Flint no encuentra la manera de ser útil y nadie ha vuelto a la isla, es enviado a esta para recuperar la célebre máquina de comida de la primera película. El asunto es que al tratar de solucionar la situación y estar en contacto con los divertidos mutantes, Flint se da cuenta que éstos no son de temer y junto a ellos decide encarar una acción arriesgada. "Lluvia de hamburguesas 2..." mantiene la línea de comedia lunática de la primera entrega, incluye abundantes chistes, situaciones graciosas y juegos de palabras no siempre con brillantes resultados después de la traducción correspondiente y encantará a los más chicos, con los pequeños seres "de diseño alimenticio", lease hamburguesas que caminan, frutillas con ojos y demás.

    La lograda presentación de Chester V, como un remedo del famoso Steve Jobs, algunas alusiones a filmes como "Parque Jurásico" forman parte de las concesiones a los mayores, que también pueden disfrutar de esta película junto a los más chicos.
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  • Un paraíso para los malditos
    Un asesino más que misterioso

    Su protagonista es un hombre joven y taciturno escondido en un barrio marginal. Se llama Marcial (Joaquín Furriel), es el sereno de un depósito de una fábrica, en la que desde lo alto y a través de una ventana observa lo que sucede en el barrio.

    Su mirada por momentos se detiene en algunos chicos, en una pareja, o en las pandillas de jóvenes de la zona. Hasta que aparece la persona que espera. Es entonces cuando actúa. Antes hubo algunas llamadas misteriosas que hablaban de alguien al que había que vigilar y matar. Lo concreto es que Marcial parece haber encontrado al sujeto que esperaba.

    La muerte de ese joven desconocido, cambiará al menos por un tiempo sus costumbres. Su vida oscilará a partir de ese momento entre los encuentros con Miriam (Maricel Alvarez), una mujer joven del barrio, madre soltera, con una niña, Malena (Candela Liuzzo), las lacónicas conversaciones con algún misterioso patrón y la muy reciente situación que lo ubica dentro de la casa de su víctima y su padre Román (Alejandro Urdapilleta), un viejo que muestra cierto estado senil y se encuentra reducido a una silla de ruedas y que muchas veces confunde a Marcial con su hijo.

    LA HISTORIA
    La extraña circunstancia de este asesino a sueldo tratando de establecer nuevas relaciones y su paulatina conversión a un hombre casi normal, es la historia que presenta el realizador argentino Alejandro Montiel ("Extraños en la noche") en su nueva película.

    "Un paraíso para los malditos" es un policial negro con tintes psicológicos, que muestra un comienzo sugestivo y misterioso, que parece prometer mucho más, de lo que termina contando. Un desarrollo narrativo con blancos y negros, sumados a situaciones algo confusas, van opacando el resultado final del guión de esta historia, que se va "deshilachando" y olvida otorgarle un desenlace a determinados hechos.

    Entre lo más acertado de esta nueva producción local, se destaca Alejandro Urdapilleta, en el papel de Román, el viejo, con una actuación trabajada al detalle, que no deja de despertar admiración. Maricel Alvarez, que asume el personaje de Miriam, una "chica común", conquista son su verosimilitud y simpatía. Mientras que Joaquín Furriel, de sugestiva máscara, le aporta a su Marcial, el asesino, una vital cuota de misterio.
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  • Cuestión de tiempo
    Un pequeño secreto de familia

    Cuando uno lee el título "Cuestión de tiempo" y sabe que la noción de tiempo aparece como ingrediente de ciencia ficción, quizás piense que la película tendrá algo de "Volver al futuro", pero nada más erróneo. Quizás esté más cerca de "El día de la marmota", de Bill Murray por su buen humor y la sencilla historia de amor.

    El asunto es así. Tim (Domhnall Gleeson), un pelirrojo medio tímido, integrante de una excéntrica y encantadora familia, cumple veintiún años y su padre lo cita para revelarle el "secreto de la familia". Como uno ya está acostumbrado a que estos secretos pasen por "ser vampiro" o tener el desgraciado deber de buscar alguna venganza en tierras extrañas, no está preparado para oír esto de que "los hijos varones de las familia pueden repetir el tiempo", o sea, si uno no está contento con lo que le pasa, vive, vuelve al pasado y cambia su actuación en él.

    EXCUSA DIVERTIDA
    El "pequeño secreto" actúa por algunos minutos como divertida excusa para las aventuras amorosas del bueno de Tim, pero enseguida la cosa se dispara hacia el punto central de la película: el amor y la familia.
    Y eso es simplemente esta película británica, una historia sobre los sentimientos, la vida y el verdadero valor que debemos darle al tiempo.

    Escrita y dirigida por el guionista de "Cuatro bodas y un funeral", en esta historia se puede encontrar de todo, momentos encantadores, buen humor, alguna que otra pavada, pero todo con estilo y buena onda. Además, tiene estupendos actores como Domhnall Gleeson (Tim), la canadiense Rachel McAdams (Mary) y Bill Nighy (Dad), que se roba todas las escenas en que participa. Un elegante diseño de producción y atractivas locaciones, son parte de esta exquisita comedia interesante de ver.
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  • The Iceman
    The Iceman
    La Prensa
    Larga carrera de un sicario

    Richard Kuklinski (Michael Shannon) seguramente no pensó que sería famoso. Era un simple inmigrante polaco que trabajaba en el negocio de la carne, tenía dos padres abusadores y quería mejorar en su trabajo. La vida le dio una esposa, tres hijos, un buen status económico y entre cien y doscientos cincuenta víctimas, resultante de su carrera de sicario. El récord lo hizo famoso cuando lo descubrieron.

    Esa es la historia que vemos en pantalla, los detalles de sus trabajos para mafiosos, la continuidad de su carrera de asesino frío, no sólo por la carencia de remordimientos, sino porque acostumbraba a guardar los cadáveres en congeladores, hasta hacerlos desaparecer, o desmembrarlos con algún cómplice.

    De Kuklinski observamos sus crímenes y su devoción como esposo y padre, aunque la devoción no era para tanto, porque en la vida real su mujer sufrió varios ataques, pero al director israelí Ariel Vromen le debe haber parecido más atractivo hacerlo pasar por una suerte de Doctor Jekyll y Mr. Hyde con doble personalidad bien definida, el asesino malo y el marido y padre bueno.

    Carrera peligrosa si las hay y prolongada a lo largo de más de veinticinco años.

    RELACIONES MAFIOSAS
    El filme se basa en "El hombre de hielo. La verdadera historia de un asesino a sangre fría", de Anthony Bruno. Es una película de género, clásica, negra, no demasiado sangrienta y para nada "gore". Sólo algún difunto de vez en cuando, destinado a algún frigorífico casero.

    Hay acción moderada, uno que otro enfrentamiento, relaciones mafiosas, momentos familiares tranquilos. Los actores son buenos, empezando por Michael Shannon (Richard Kublinski), siguiendo por Ray Liotta (Roy Demeo), como un jefe mafioso y la reaparecida Winona Ryder (Deborah Pellicotti), con voz mimosa e imagen de buena esposa, capaz de disfrutar una vida de primer nivel en un hogar con tres niños, sin preguntar demasiado sobre los trabajos de un marido casi siempre ausente.

    "The iceman" tiene un correcto nivel formal, es medianamente entretenida y sin mayores sorpresas, incluye una narración tradicional.
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  • Rush - Pasión y gloria
    Un vértigo lleno de glamour

    El filme de Ron Howard narra la rivalidad entre el que luego sería Tricampeón Mundial de Fórmula 1 (F1), Niki Lauda y James Hunt, que no sólo fue piloto de carreras, sino comentarista automovilístico de televisión.
    Cada uno representaba una escudería líder: Lauda, a la Ferrari, Hunt a la británica, Mc Laren.

    "Rush, pasión y gloria" se ubica en la década de 1970, cuando la Fórmula 1 estaba en todo su esplendor y presentaba un mundo de glamour y sofisticación en el que el automovilismo tenía un puesto de honor. Esos grandes pilotos del mundo, de personalidades opuestas, concentraban, sin embargo, la adrenalina del riesgo y para ellos también su profesión parecía descontar la inclusión de la muerte.

    UN PRECEDENTE
    La película permite meterse en ese mundo de la vertiginosidad, donde pueden convivir con igual furor un amante del placer y el riesgo como James Hunt (Chirs Hemsworth) y un obsesivo "señor del método" llamado Niki Lauda (Daniel Brühl). Con el abrumador referente de la recordada "Grand Prix" (1966) de John Frankenheimer, la música de Jarré y figuras como Yves Montad y James Garner, el director Ron Howard, se lanzó al mundo de los motores y al delirio de la velocidad, enquistado en ese fervor cercano a la muerte, pero inusualmente vivo, que reviven los seguidores de ese deporte y sus admiradores.

    Capaz de lidiar con la esquizofrenia de un Premio Nobel ("Una mente brillante"), Howard sorprende con una historia profunda, que describe la pasión de dos antagonistas y el mundo común que los enfrenta.

    EN LOS BOXES
    El vértigo de dos personalidades fuertes se hace simbiosis en ese filtro de las carreras filmadas como los dioses, recurriendo a lo real y lo virtual, sumado a la intimidad de los boxes y la temporada en que Niki Lauda "murió y renació" en Nurburgring (1976), en un accidente que destrozó parte de su cuerpo y su rostro, pero que no fue obstáculo para que, menos de un mes y medio después, volviera al furor de los motores y las pistas del mundo.

    "Rush, pasión y gloria" reúne un interesante y multiestelar equipo con el australiano Chris Hemsworth, alejado de su papel del carilindo "Thor", convertido en el atractivo James Hunt y Daniel Brühl, como Niki Lauda. Junto a ellos se destacan Olivia Wilde, como la mujer de Hunt y Alexandra Maria Lara, como Marlene Lauda.
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  • Un camino hacia mí
    Una comedia con varios logros

    Nada parece interesarle a Duncan (Liam James) en esa suerte de parque temático que su madre Pam (Toni Collette) y Trent (Steve Carell), el novio eligieron para veranear. Ni los juegos acuáticos, ni los muñecos de barro (símil enano de jardín), herencia de los Padres fundadores, escapan de esa sensación de pasado de moda que los inunda. Es que Duncan entró en la adolescencia y son pocos con los que puede tener cara de pocos amigos, porque no tiene padre y su madre no hace otra cosa que complacerlo. Además está la anfitriona, amiga de su mamá, cuarentona simpática con hijo imposible, que mira al norte y al sur.

    Todo parece imposible de aguantar, hasta que aparece el divertido Owen (Sam Rockwell), cuidador que le cae muy bien a Duncan y también a su vecina adolescente. Entonces se produce el cambio.

    GAGS DIVERTIDOS
    El filme tiene de todo. Gags divertidos, reflexiones sobre los adolescentes y sus problemas, asuntos de pareja y la difícil situación de organizar un veraneo con amigos y parientes ensamblados.

    "Un camino hacia mí" tiene personajes extravagantes como el bañero Owen, estupendo Sam Rockwell, la cuarentona bromista (muy bien Allison Janney), el insoportable "novio de mamá", un correcto Steve Carell, al que se suma Lewis (Jim Rash), el quejoso amigo de Owen, que tomó un trabajo de temporada en el balneario cinco años atrás.

    "Un camino hacia mí" es una comedia fresca, que con su fluidez, ternura y humanidad atrapa. Como ocurría en la inolvidable "Pequeña Miss Sunshine", en la que también actuaba la impecable Toni Collette, es una inteligente observación de la familia universal y sus hijos adolescentes.
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  • Escape imposible
    Dos gigantes en plena acción

    Nunca se imaginó Ray Breslin (Sylvester Stallone) que iba a caer en semejante antro. Maleantes de todo tipo, asesinos y hampones de la peor calaña. El está acostumbrado a este tipo de situaciones, pero también hay un límite.

    Breslin es el señor top de la seguridad carcelaria. Como la abogacía no le daba demasiado resultado, se dedicó a la seguridad y su libro es un best seller que se disputan los directores de prisiones. Hasta que se mete la CIA y el pobre Breslin cae como un preso vulgar para saber cuáles son los problemas de seguridad de una gran prisión. Breslin está preparado para luchar, fugarse, disimular, además fue uno de los que diseñó la prisión, pero la cosa viene fea y si no fuera porque Emil Rottmayer (Arnold Schwarzenegger), un grandote de apellido alemán se le acerca, la cosa hubiera sido peor. Además hay un médico en la prisión, Kyrie (Sam Neill), que no termina de pasarse al grupo de los malos.

    TRUCOS Y ALGO MAS
    El filme es simple, diríamos elemental, con mucha violencia, enfrentamiento de grandotes versus grandotes, algunos trucos para escaparse que no son nada del otro mundo y que Houdini hubiera despreciado y dos fuertes personalidades unidas por primera vez en la vida cinematográfica. Son Sylvester Stallone como Ray Breslin y Arnold Schwarzenegger, en el papel de Emil Rottmayer, los reyes de la acción hollywoodense se encuentran por primera vez en una película con más de sesenta años, varias veces millonarios, padres de varios hijos y ex esposas.

    Los dos muestran un óptimo estado físico y se enfrentan con el sádico de Hobbes (Jim Caviezel). Nada nuevo bajo el sol, pero lo necesario para entusiasmar a los fans del cine de acción.
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  • Carrie
    Carrie
    La Prensa
    La vuelta de la chica poseída

    Nueva adaptación de la película "Carrie", de Brian de Palma (1976), el filme no ofrece casi diferencias con la protagonizada por Sissy Spacek y Piper Laurie. La chica es la que ya conocimos, hija de una fanática religiosa, maltratada por sus compañeras de colegio, capaz de desarrollar facultades telekinéticas que van a convertirse en armas de defensa de todo tipo de ataques, hasta llegar a una verdadera orgía de procedimientos mágicos, no solamente dirigidos a los que la atormentaron.

    El filme de Kimberly Peirce, la directora de la singular "Los chicos no lloran", mantiene la línea narrativa de la producción de De Palma, que adaptó la novela de Stephen King, pero no aporta elementos nuevos, multiplica eso sí los rituales mágicos, convierte casi en una bruja a la protagonista y los efectos especiales, utilizados a partir de la escena del baile, adquieren un lugar especial dentro del filme.

    La directora muestra el "bullyng" (el "acoso escolar" en la época de "Carrie") al que es sometido la chica Carrie y logra impactar con la poderosa y bien lograda escena del baño, donde la adolescente cree que va a morir al ver sangre que fluye de su cuerpo y es escarnecida por sus compañeras de curso.

    EL FAMOSO BAILE
    Kimberly Peirce subraya también la escena del baile con su carga de horror, acentuada por la levitación del auto de los chicos malos.

    "Carrie" mantiene el interés del equipo juvenil, sin alcanzar la fuerza interpretativa de los protagonistas de la primera versión. Chloë Grace Moretz, la chica de la versión norteamericana de "Dejame entrar", es Carrie, Julianne Moore se mete en el papel de Margaret, la madre fanática que en la otra versión era personificada por Piper Laurie y Gabrielle Wilde, descendiente de Enrique VIII en la vida real es Sue, que intenta mejorar su relación con Carrie haciendo que su novio la acompañe a la fiesta. El papel de novio, que en la otra versión era interpretado por John Travolta, aquí tiene el rostro de Alex Russell.

    Bien el nivel formal, especialmente el diseño de producción, pero sin alcanzar la densidad de la original de Brian de Palma. Quizás esta Carrie le guste a los más jóvenes, con su mega carga de emociones y su equipaje de efectos especiales.
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  • La infiel
    La infiel
    La Prensa
    Prolijo diario de una pareja

    Illan Ben Natan (Yossi Pollak) es un exitoso profesor de astrofísica en la Universidad de Haifa. Todo le sonrió en la vida, buenos padres, buena educación, una carrera con galardones. La única que falló en el mapa de su felicidad fue esa esposa tan querida y enferma, pero que le dejó el lugar a una alumna de la Universidad, mucho más joven que él, rubia y muy bella.

    Desde ese momento Illan supo que todo estaba bien, para siempre. Pero nada es para siempre, como dice la canción. Y ya van dos veces que no sabe qué hace su mujer a determinadas horas del día. Pero cuando la reencuentra, tanto amor y susurro, le hacen olvidar los huesos que ya comenzaron a dolerle y el cuerpo que no parece tan dispuesto a las continuas salidas nocturnas que exige Naomi (Melanie Peres).

    EL OTRO HOMBRE
    Nunca tendría que haberlo hecho, pero un día la siguió y supo y vio que había otro, muy joven, atractivo, Oded (Rami Heuberger) y hasta con un buen trabajo que le permite viajar y ganar dinero.

    Illan se desorienta, habla con su madre, más sabia por sus ochenta y cinco años y que nunca comprendió esa idea de buscar una compañera tan llamativa y joven. Y a pesar de sus consejos busca al hombre de Naomi, lo enfrenta y su mansedumbre y racionalidad estallan en pedazos.

    El profesor pierde la cabeza y reacciona desaforadamente. A partir de ese momento Illan Ben Natan y su esposa Naomi comienzan otra vida, se mudan y todo parece volver a la calma.

    El director Eitan Tzur logra un thriller psicológico trabajando los personajes con un guión minucioso y logrando sostener una narración que muestra todas sus cartas en la primera media hora de proyección. El sentimiento amoroso se desmenuza casi sin piedad, con gran austeridad de diálogos y un fatalismo interior. Amor y culpa entrelazan sus pasiones dando un sentido especial a la relación.

    Profunda y visceral interpretación del gran actor teatral Yossi Pollak (Illan), bien acompañado por Melanie Peres (Naomi) y un personaje que lo único negativo que presenta es su brevedad, Orna Porat, la infaltable madre judía que va a tener un desarrollo imprevisto en su personaje con un final de impacto.

    Quizá los últimos quince minutos no estén a la altura del relato cinematográfico disfrutado hasta ese momento, pero "La infiel", sigue siendo una película altamente recomendable.
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  • Kick-Ass 2
    Kick-Ass 2
    La Prensa
    Con humor y algo de violencia

    Salida de la famosa editorial Marvel, en 2008, con el nombre del nuevo sello Icon, "Kick-Ass", alcanzó éxito inmediatamente. Este cómic que pertenece al "área" de superhéroes como Superman, Batman o "El hombre araña", está basado en la creación de Mark Millar y tuvo como dibujante a John Romita.

    La promisoria historia del chico tímido, loco por las historietas, que se convierte en superhéroe para luchar contra el crimen, previo trabajo de campo, gimnasio incluído, se transforma en este "episodio 2", en una suerte de parodia, sin la originalidad de su primera entrega.

    BUENOS Y MALOS
    Nuevamente los protagonistas son Kick-Ass (Aaron Taylor-Johnson), Hit Girl (Chloë Grace Moretz), hija de un policía y Red Mist (Christopher Mintz-Plasse), que complica la situación. Pasó la época en que Hit y Kick querían ser simplemente adolescentes comunes, los mismos que estaban por graduarse como Mindy y Dave. Ahora todo se complica, cuando Dave quiere agruparse con otros superhéroes y cae en manos del Coronel Stars and Stripes (Jim Carrey) y nuevamente se produce el enfrentamiento de buenos y malos.

    Se suceden luchas intestinas, situaciones que se repiten, tórrida violencia y muchos Grrr! Paff! onomatopeyas clásicas del cómic con equivalente en acciones de sangre, golpe y destrucción.

    Esta secuela repite sin ninguna originalidad aventuras anteriores y no agrega nada nuevo, sino muchos golpes, insultos y situaciones insostenibles. Se añora una mayor presencia de Jim Carrey en su personaje del Coronel.

    En cuanto a la chica Chloë Grace Moretz (Hit Girl), sigue siendo la preferida de la historia por su personalidad y llegada al público. Hay humor, pero no tan ingenioso y el aspecto formal es muy bueno.
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  • Adoro la fama
    Adoro la fama
    La Prensa
    Coleccionistas de lo ajeno

    En el 2009 sorprendió la noticia en Los Angeles de un grupo de chicos de la secundaria, que habían sido detenidos por robar artículos de lujo entrando a las casa de estrellas del mundo del espectáculo.

    El caso policial mereció varios artículos de la prensa y entre ellos uno en la conocida publicación Vanity Fair llamada "Los sospechosos llevaron los Loboutins". Para los que no están en el mundo de la moda, les comentamos que los Loboutins son casi lo último en moda zapateril, zapatos de taco muy alto con talón rojo, ahora con motivos florales. Por supuesto que la sociedad del consumo lujoso los puso de moda y las estrellas los difunden previo pago de un mínimo de mil dólares el par.
    Sophia Coppola leyó el artículo, se lo hizo adaptar y lo filmó.

    QUERER LLEGAR
    La historia de estos chicos que adoran la fama no difiere demasiado de los que cazaban autógrafos en los años "40 y "50 y posters en los "60 y "70, hasta llegar a una era más audaz que directamente tiene adolescentes que admiran algo, lo buscan en internet y son capaces de entrar y robar joyas, ropa y dinero, sólo porque quieren imitar el modo de vida de la estrella que admiran.

    El filme plantea este caso de la sociedad del tener, que reemplazó la de ser y centra las preferencias adolescentes hacia Megan Fox, Paris Hilton y Orlando Bloom. Así Nicki (Emma Watson), Chloe (Claire Julien), Emily (Georgia Rock) y Rebecca (Katie Chang), de entre quince y dieciséis años y eventualmente Sam (Taissa Farmiga), que no pertenece en realidad a estas adoradoras de las estrellas, van a ser los visitantes de casas ajenas para incorporar como urbanas antropófagas, las pertenencias de sus admiradas y admirados, como una forma simple de acceder a su mundo.

    CON BUEN RITMO
    "Adoro la fama" es una película glamorosa, liviana, con ritmo, muy bien fotografiada y musicalizada. Con actores adolescentes a seguir como la chica de "Harry Potter", Emma Watson, que hace el papel de Nicki. El simpático Israel Broussard como Marc, Taissa Farmiga (Sam) y como la "primorosa mamá" Laurie, la revelación de Leslie Mann. Sofía Coppola, de alguna manera retoma el tema de su filme anterior, "Las vírgenes suicidas", donde la adolescencia y las búsquedas equivocadas del uno mismo complican la existencia.
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  • Los elegidos
    Los elegidos
    La Prensa
    Unos visitantes muy extraños

    Daniel (Josh Hamilton) y Lacey Barrett (Kari Russell) están en problemas. Daniel, arquitecto se quedó sin trabajo y el drama de los gastos y el pago de la hipoteca se acumulan. Lacey se dedica a la venta de propiedades pero a veces tiene oleadas de sinceridad y critica desfavorablemente sus ofertas y sus casas no se venden con facilidad.

    En cuanto a los chicos, también les están trayendo algunos problemas. El mayor, Jesse (Dakota Goyo) en plena preadolescencia, con amigos discutibles a los que le gustan las escopetas de aire comprimido más de lo normal y el más pequeño Sam (Kadan Rockett), con pesadillas extrañas de las que los padres desconfían.
    Inesperadamente las cosas comienzan a cambiar de lugar, las luces se multiplican solas y entre otros hechos extraños, aparecen objetos de cocina desparrados en el living durante la noche.

    Para colmo el más chico comienza a dibujar señores altísimos que lo llevan de la mano. Tan seguro como que uno más uno es dos, hay espíritus de otro mundo rondando, o alienígenas interesados en la familia. Como padre cuidadoso, Daniel decide defender a los suyos y se compra un perro y una linda escopeta.

    LAS PROMESAS
    La película prometía más. Había cierto suspenso, uno siempre estaba esperando el dentellazo pero nada, no pasa nada, salvo algún que otro dibujo y un especialista que ratifica lo que los padres imaginan.

    El filme recuerda ciertas películas clase b, como "El día que paralizaron la tierra", arqueológico testimonio de que los "Encuentros del Tercer Tipo" pueden existir.

    "Los elegidos" tiene antecedentes de las películas mencionadas, a las que se suman influencias, de otros filmes, como "Los pájaros", de Alfred Hitchcock, con bicharracos que se estrellan en bandada en la casa de los pobres Barret.

    Con alguna pretensión alegórica, sucede el 4 de julio, en un momento en que el americano medio defiende como puede a su familia de extranjeros desconocidos. La película está correctamente interpretada y mantiene el interés, a partir de las actuaciones de Kari Russell (Lacey), la madre y el pequeño Kadan Rockett, en el papel de Sam, el hijo menor.
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  • Apuesta máxima
    Aventura lúdica en Costa Rica

    A Richie Furst (Justin Timberlake), en su ingreso a la universidad, lo sorprenden incitando a sus compañeros al juego de los casinos virtuales. ¿Pero qué puede hacer si él quiere estudiar finanzas en una universidad prestigiosa de no menos de sesenta mil dólares de colegiatura? Como buen hijo de jugador, se tira a todo o nada, con sus últimos dólares y el juego de "póker on line" se traga el futuro de sus estudios. Como Richie sospecha que el casino virtual lo trampeó y no es hombre de espera, se toma un avión y va a Costa Rica, donde Ivan Block (Ben Affleck) maneja el juego en línea.

    Enfrentado a este "rey del juego virtual", rodeado de guardaespaldas y mujeres bonitas, recibe la propuesta de ser su aprendiz. Richie deberá elegir. Habrá acceso a mundos lujosos y descenso al infierno que sostiene el imperio Block. El futuro es variado para este ex estudiante de Columbia.

    LOS JUGADORES
    En un filme como "21 Black Jack", otro aventajado alumno universitario se entregaba con sus compañeros a la lectura fraudulenta de cartas, haciendo saltar la banca de distintas mesas de juego, para pagarse sus estudios.

    "Apuesta máxima" propone que su protagonista elija el camino fácil del fraude y abandone sus sueños de educación.

    A una primera parte atractiva y bastante entretenida, con lugares paradisíacos y casinos de ensueño; se pasa a otra oscura y más convencional con personajes estereotipados que no aportan demasiado a la historia.

    El filme tiene un buen diseño de producción, una subtrama no aprovechada que es la relación entre Richie Furst y su padre, un jugador compulsivo (John Heard) y muy buenos actores como Ben Affleck y Justin Timberlake. Hay bellas locaciones de Costa Rica, pero mucha hojarasca y estereotipo, a pesar de que su ritmo cinematográfico se mantiene. En síntesis, "Apuesta máxima" es un entretenimiento que prometía más, pero se quedó en la intención.
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  • Caíto
    Caíto
    La Prensa
    Una historia de Marcos Juárez

    Como cortometraje, "Caíto" ganó el premio George Mélis hace nueve años. El largometraje llevó cinco años y tuvo el apoyo de Pablo Trapero, que sugirió el aspecto de documental. Finalmente, la película se consolidó como una docuficción. Su director, Guillermo Pfening, actor de "Nacido y Criado", "XXY" y varios éxitos televisivos (Valientes), quiso hacer un filme en que su hermano, Luis "Caíto" Pfening, catorce meses menor, aquejado de un tipo de distrofia muscular, fuera el protagonista.

    UNA FAMILIA
    El filme los muestra, en su pequeña ciudad del interior, Marcos Juárez, Córdoba, rodeado de su familia y sus amigos del pueblo. En su parte documental, permite conocer al verdadero padre de los Pfening, las fotos de la infancia, escuchamos conversaciones y conocemos la vida diaria, que incluye las necesidades especiales que se deben realizar para mejorar la calidad de vida de Caíto. Gracias a la ayuda de todos, el muchacho, alzado y ubicado en su cuatrimotor es capaz de transportarse, relacionarse con sus amigos y hacer una vida en parte normal.

    La docuficcion transforma las caras que rodean al muchacho en personajes como Juan Bautista Stagnaro que hace de padre, Bárbara Lombardo de la kinesióloga; Romina Ricci, de Sandra y dos figuras que, indudablemente tienen una significación especial en la vida del protagonista. La Suzuki, la chica más liberal del pueblo (muy bien Marinha Villalobos), que tiene una relación amorosa con Caíto y por su contundencia física, puede "transportarlo", incluso a discotecas y paseos. La otra es Anita (Franca Licatta), una nena con muchos puntos de contacto con Caíto. En su caso, hostigada por una madre conflictiva.

    SESGO SOLIDARIO
    El filme, con algunos problemas formales, incluso de guión, mantiene frescura y espontaneidad y tiene logros que apuntan a sus aspectos puramente humanos y solidarios.

    No sólo "Caíto" tiene para siempre su lugar en el cine, del que podrá hablar y reflexionar como singular experiencia, sino que es un modelo con mayores o menores defectos, que sirve para cualquier chico o adulto que lo vea. Para mostrarlo en su relación igualitaria de picardía y rapidez jugando al truco o tomándole el pelo a más de uno, o demostrando que su lucha por vivir es parte de su cotidianidad. Escenas como la del estanque, donde todos se unen para que se arme una turbulencia de la que Caito disfruta flotando libre, o la de él en su cuatriclo con Anita pegada y feliz por la ruta, valen por toda la película, que además incluye una muy buena banda sonora.
    "Caíto" debiera ser de exhibición obligatoria en las escuelas. Su calidez y sentido solidario lo merecen.
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  • Riddick
    Riddick
    La Prensa
    Entre mercenarios y alienígenas

    Con un comienzo impactante, en un ámbito desolador y extraño, aparece nuevamente Richard B. Riddick (Vin Diesel, el actor que tiene 45 millones de fans en Facebook), el último furyano. Con un contexto de silencio y terror, el gigante se defiende de todo tipo de ataques de esos bicharracos antidiluvianos que suelen asolar las playas ficticias, donde suceden sus aventuras.

    En su planeta Furya, parece que le pasó de todo y lo consideraron muerto y ahora está en un lugar desconocido, listo a presentar batalla a todo aquél que lo desafíe. Su vida ahora dependerá de la fuerza de su ingenio contra todo tipo de mercenarios y alienígenas, uno más malo que otro.

    Entre el grupo que lo enfrenta, se ubica un tal Santana, que habla español y manifiesta hacia él un odio sin límites, además de confesarle que lleva una la caja en la que guardará su cabeza. Este está acompañado por otros forajidos, entre ellos una mujer, aunque algunos dicen que no lo es tanto.

    LOS SUBACUATICOS
    El último furyano esta vez está rodeado de un diseño de producción imponente. Eso sí, antes de pasar al sector interiores, cuando debe enfrentarse con enemigos en la base y se ve reducido por bastante tiempo a un espacio subterráneo.

    Hay muchas peleas descomunales con efectos especiales de todo tipo y unos monstruos bastante originales, como esa suerte de anguilas con tenazas tipo cangrejo, o el Dingo divino.

    Si tenemos que hablar de personajes, Vin Diesel es impresionante por su despliegue físico y magnetismo, mientras que como personalidad se destaca Jordi Mollá en el papel de Santana, el que habla español.

    En cuanto a la película, tiene buena estructura narrativa, la intriga es convencional y liviana, pero tiene humor y buen despliegue técnico.

    El filme es el tercero de la serie de Riddick, que reaparece en las pantallas cinematográficas, luego de otras producciones que lo tuvieron como héroe. Creado como personaje de cómic por los hermanos Jim y Ken Wheat es uno de los más exitosos del mundo de la historieta y no sólo se pasea por la gráfica, sino también por el cine y el mundo de los videojuegos.
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  • La hermana
    La hermana
    La Prensa
    Intensa crónica del desamor

    Una estación de esquí en los Alpes Suizos, lujosa, elegante, con sofisticados equipos y familias en tren de diversión. La mejor gastronomía y en el medio, Simon (Kacey Mottet Klein), enjuto, rubio, desvaído, aún niño. Trabaja sin descanso. Seleccionando gorros, antiparras, los mejores buzos. Una hormiga eficiente y puntillosa para apropiarse de lo ajeno. Quién puede pensar que en ese lugar para pocos, alguien como Simon, pueda robar. Y es él, el que vive allá, debajo de la estación de esquí, confundido en una torre descascarada de ese barrio tan desvaído como él.

    Simón tiene sus clientes, los inmigrantes que cocinan, o atienden las mesas para los esquiadores, limpiando la estación, que casi siempre compran para revender. Y esos chicos no tan elegantes que buscan parecerse en algo a los señores del esquí.

    SABER DISIMULAR
    Siempre solo, Simon a veces tiene compañía. Louise (Léa Seydoux), la hermana mayor. Bien acompañada siempre, pero invariablemente necesitada de dinero, sin mostrar demasiado un ojo amoratado. o una lastimadura en su linda cara. Y ésa es toda la vida de Simon, el que se cambia de nombre para la señora americana que esquía con sus adorables hijos.

    Pero Simon esconde un secreto, ése que no podrá ocultar y estalla ante uno de los tantos "amigos" de su hermana.

    Crónica de la soledad y la desesperanza. Del niño que compra amor y abastece una frágil mentira que oculta la incomprensión.

    Esta directora suiza, Ursula Meier, recuerda al mejor Rober Bresson y se toca con los hermanos Dardenne, en la presentación de sus antihéroes eternamente pobres. Con un guión denso y austero y conciso diálogo muestra una joya interpretativa de doce años, Kacey Mottet Klein (Simon) y una singular Léa Seydoux (Louise), que parece salida de una novela negra de Jean Genet, o las huestes de Emile Zola. Ursula Meier cuenta de manera impiadosa, casi con la frialdad de la nieve que cae en la estación de esquí y puede llegar a estremecer.
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  • Capitán Phillips
    Una de piratas del siglo XXI

    Con antecedentes que recuerdan el saqueo y secuestro del buque oceanográfico español Isla de Lanzarote, también por somalíes en 1981, en el Océano Indico; el incidente del buque Maersk Alabama, a las órdenes del capitán Richard Phillips, secuestrado en 2009, mantuvo en vilo a la opinión mundial. El incidente ha sido elegido para ser llevado al cine por un estupendo director como es Paul Greengrass, el mismo de "Bourne: El Ultimátum".

    Más allá de las condiciones que tiene la historia en cuanto a acción y suspenso, el hecho de estar dirigido por Greengrass, le da un tono más profundo en cuanto, a que el director alude a condiciones sociales de ambos sectores a los que pertenecen los protagonistas del secuestro. Así el director profundiza el retrato de los protagonistas y tensiona lo diálogos.

    VEDA DE ARMAS
    Tom Hanks hace una estupenda interpretación de Richard Phillips, el protagonista y de las acciones que debió enfrentar ante los piratas del mar, más aún teniendo en cuenta el hecho de la veda de armas de los buques mercantes.

    Sorprende también la actuación del inmigrante somalí Barkhad Abdi (Muse), que hasta ese momento fuera chofer de una compañía de limusinas y que se revela como un actor de temperamento.

    Las escenas del rescate final y previamente la situación de los protagonistas en los buques salvavidas, acentúan el suspenso y agudizan las tensiones de este filme entretenido e interesante de ver.
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  • La guerra del fracking
    En defensa del medio ambiente

    El fracking designa un proceso para extraer el gas no convencional por el que se fractura la roca madre. Perforando hasta cinco mil metros en vertical y luego en horizantal por varios kilómetros, hay una serie de químicos y agua con arena que se utiilizan a presión y el gas liberado asciende.

    Se ha comprobado que esto provoca contaminación en el agua, lógicamente el aire y problemas en la salud de los habitantes. Hay países donde se ha prohibido el sistema y otros en que se buscan productos sustitutos como la gasolina sintética, o la fuerza eólica a la que también alude el filme. Justamente un documenal presentado en Sundance toma este tema bajo el nombre de "Tierra de gas".

    "La guerra del fracking" es una nueva investigación cinematográfica de Fernando "Pino" Solanas. De este inquieto cineasta testimonial vimos previamente documentales, como "Tierra sublevada", "Oro impuro" y "Oro negro" y otras de similar interés.

    ENTRE OPINIONES
    En este caso se centra en el problema del yacimiento "Vaca Muerta", ubicado en la provincia de Neuquén y se vale de distintas figuras como la antropóloga Maristella Svampa, Feliz Herrero y pobladores de la zona para dar testimonio de los prejuicios de este sistema, que atañe a la explotación del petróleo y el gas no convencional.

    El acuerdo por treinta y cinco años firmado con la empresa norteamericana Chevron explotaría uno de los yacimientos más ricos del mundo como es "Vaca Muerta". La posición del director coincide con la ambientalista y se recurre a explicaciones que ratifican la negatividad de la utilización de esta tecnología.

    La película muestra la importante movilización de protesta, que tuvo lugar en Neuquén, en agosto, hacia la Legislatura y que fue reprimida violentamente.

    Bien filmada formalmente, con un impresionante paneo de espacios desérticos, inmensos, paradójicamente, mínimamente poblados por minorías que las habitaban, ya en época de la Conquista, Solanas permite conocer una nueva visión de un lugar casi desconocido para el gran público, pero en el que se juega también el destino de la condición humana.
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  • Blue Jasmine
    Blue Jasmine
    La Prensa
    Recordando a Blanche Dubois

    Cuando Jasmine French (Cate Blanchett) golpea la puerta del departamento de Ginger (Sally Hawkins), su hermana en San Francisco, sabe que su vida ya depende de la caridad de los extraños, como decía su sosías Blanche Dubois en "Un tranvía llamado deseo". Así Woody Allen restaura su herencia de intérpretes femeninas inolvidables, presentando a esta bella burguesa, a la que su reciente matrimonio con un pseudo millonario, llamado Hal (Alec Baldwin), la hizo rica por algún tiempo, hasta que se descubriera su condición de estafador.

    Y ahora, convertida nada más que en una pobre heredera de grandes marcas (sólo le quedan una cartera y un buen vestido de popes de la moda), sin educación ni dinero, pero con el orgullo y la manipulación todavía a flor de piel, se dispone a enfrentar una nueva vida.

    A través de las hermanas Ginger y Jasmine French conocemos mundos diferentes, pero no tan distintos. El de la clase alta del dinero fresco y el de la clase trabajadora, directa, incapaz de mostrar nada más que su realidad, que puede ser también objetivo de impensables abusos, por señores de impecables trajes a medidas y joyas de Tiffany.

    LAS APARIENCIAS
    Woody Allen, con su humor y su agudo sarcasmo mezcla caracteres, clases opuestas, escenarios enfrentados para meterse nuevamente en la profundidad de la condición humana. En esa sociedad actual del parecer, de la hipocresía y el representar, pero en la que también hay pequeñas luces simples como Ginger, o su ex marido de origen polaco (otra resonancia de "Un tranvía llamado deseo").

    Cerca de los ochenta años, Woody Allen vuelve a las profundidades de sus historias de vida, tan actuales, tan verosímiles. Su personaje Blue Jasmine, con la increíble Cate Blanchett cala hondo en la agonía de calmantes, fobias y arrebatos de la moda y remeda ciertas actitudes y gestos de maldad que la entroncan con heroínas shakespirianas como Lady Macbeth. Aunque claro, asordinada por haber nacido en el siglo XX y estar pasando uno de los peores momentos económicos de los Estados Unidos.

    Inolvidable es la actuación, interior, profunda, de Cate Blanchett, mientras que Sally Hawkins, como Ginger, es toda espontaneidad y alegría.

    Woody Allen con su diseño de producción y música exquisita, vuelve a las andadas, mejor que nunca. Quién sabe qué otras sorpresas aún nos deparará en el futuro este genial director estadounidense.
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  • Gravedad
    Gravedad
    La Prensa
    Víctimas de un viaje espacial

    Ese punto minúsculo en la pantalla hacia el que se va desplazando la cámara es el Telescopio Espacial Hubble. El que se puso en órbita en 1990, para recibir imágenes de alta resolución, porque orbitando en el exterior de la atmósfera, se eliminan los efectos de la turbulencia atmosférica.

    La doctora Ryan Stone (Sandra Bullock) y el astronauta Matt Kowalski (George Clooney), con otro compañero, están arreglando el telescopio cuando una tormenta espacial los presiona y termina por aspirarlos y alejarlos de su radio, iniciando la terrible odisea que es estar flotando en el espacio sin gravedad y al arbitrio del caos espacial.

    Imagínense solos en el espacio, sin poder pedir ayuda a la Tierra y con la probabilidad de que se les termine el aire y el azar sideral los junte, o separe para siempre. Ella se desespera porque es su primer viaje espacial. El es más reflexivo, al borde de la jubilación con todo lo vivido en el espacio, muestra una calma que logra atemperar el nerviosismo de la doctora Stone, la que por primera vez emprende un viaje de esta envergadura.

    EMOCION Y POESIA
    El filme se realizó con técnica de animación computarizada y sorprende por la perfección y la notable sensación de verosimilitud de estos seres que hacen cabriolas, arrastrados por la falta de gravedad, con intervalos en que los primeros planos los acompañan en diálogos o monólogos.

    Con antecedentes como Stanley Kubrick y su "2001 Odisea del espacio" y unas pocas películas que verdaderamente exhiben el drama de la soledad en el espacio, Alfonso Cuarón logra, más allá de la parte técnica (realmente asombrosa), una historia distinta entre dos seres que derivan en el espacio con la posibilidad de la desaparición de uno de ellos y entablan diálogos y monólogos, que permiten aventurar que nada habrá que separe al hombre de la Tierra cuando se aleje de ella. Porque el recuerdo será su ancla, su cordón umbilical irrompible hacia el hogar perdido.

    Momentos de tensión, pero también de emoción y poesía, concentrados en la confesión de la protagonista, que le cuenta su drama personal a su compañero, el que termina asumiendo, además del papel de astronauta de psicólogo espacial. En esta curiosa aventura espacial de Alfonso Cuarón, tiene una espectacular actuación Sandra Bullock, quien es acompañada, y muy bien, por George Clooney.
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  • La noche del demonio 2
    Un mal espíritu del más allá

    Todo empezó en la primera película de esta saga y ahora sigue con Josh Lambert (Patrick Wilson) y Renai Lambert (Rose Byrne), los padres de los chicos, que trataron de volver a traer al mundo a uno de sus hijos, Dalton (Ty Simpkins) y su regreso resultó complicado. Claro, el padre se metió en una misión astral y logró rescatar a su hijo del más allá, que se muestra como trastornado y encima regresa a la Tierra, acompañado por una extraña y maléfica presencia.

    El chico Dalton tiene poderes paranormales y siempre está viendo algo o imaginando cosas. Como el espíritu malo que vino del más allá parece no gustarle a Dalton, comienza a hacerle un poco la vida imposible. El caso es que todos se van a vivir a la casa de la abuela, donde pasa de todo, muebles que se mueven, ancianas misteriosas que deambulan por la casa, sonidos extraños.

    JUEGO DE DADOS
    Lorraine Lambert (Barbara Hershey), la joven abuela, trata con un tal Carl (Steve Coulter), que en un momento intentaba solucionar problemas parapsicológicos usando dados a la manera de la temible tabla Ouija. El hombre fue compañero de una médium, cuya muerte se le atribuyó a Josh Lambert.

    El caso es que todo se muestra cada vez más complicado y pleno de reiteraciones y sucesos inverosímiles, más las alusiones a películas como "Psicosis" y "El resplandor".

    Los contratiempos se suceden y el filme, atractivo y con buen ritmo, comienza a desbarrancarse en su segunda parte. El relato se vuelve confuso, los personajes asumen actitudes poco serias y se intensifican las complicaciones.

    Lo que en el comienzo se mostraba como ingenuo y de suspenso, luego se transforma en reiterativo y muy violento. Y el final no resulta tan atractivo como se suponía.

    Actores correctos, entre ellos Renai (Rose Byrne), Lorraine (Barbara Hershey), la abuela sumergida en este aquelarre de transformaciones clase B, niños travestidos y miedos varios, traídos de la mano del malayo James Wan, el mismo de "El juego del miedo". En síntesis, un filme con interesante efectos sonoros y un buen acompañamiento musical.
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  • Cassandra
    Cassandra
    La Prensa
    Como una travesía iniciática

    Historia de viajes, "Cassandra" muestra la ida de una joven universitaria homónima hacia las tierras del Impenetrable chaqueño con el propósito de hacer una nota. Antes, la redacción del diario para el que trabaja y en ella, su jefe (Alan Pauls), le muestra cómo no asumir determinadas formas de escritura y la invita a leer un libro de Clarise Lispector, una autora a la que él admira. Cassandra (Agustina Muñoz), le responde que no puede imitar esa escritura, porque su nota se desbarrancaría. Un amigo -papel a cargo de Edgardo Cozarinsky-, la hace reflexionar sobre lo perecedero de los diarios en papel y sus desplazamientos de atención hacia una realidad que un día estalla y al otro día se desvanece.

    El caso es que esta Cassandra parte desorientada hacia la provincia de Chaco y a partir de ese momento, la historia que propone Inés de Oliveira Cézar, comienza a fluctuar entre una suerte de "neblina" intelectual, que puede pasar por cierta filosofía sobre la sociedad, los medios periodísticos, o la situación lamentable de los indígenas, la que es mostrada a través de una serie de imágenes y reflexiones al comienzo del filme.

    MULTIDIRECCION
    Viaje iniciático al menos para Cassandra, pero distante para el espectador que no logra ajustar la atención a ese discurso magmático que termina por volverse denso y tedioso. Voces diferentes lanzando conceptos, ecos vanos de lo que sabemos y permanece inmutable en el tiempo. Maltrato del indio, destrucción de su ambiente, indiferencia general y la posibilidad, o no de ser identificados en un tiempo efímero, a través de diarios o revistas, para caer luego en el olvido, vaya a saber hasta qué tiempo innombrable, son parte de esta producción de la cineasta argentina.

    "Cassandra", de la que se destaca su fotografía, es una docuficción sin la suficiente fuerza para imponerse como documento, o como ficción.

    La historia que intenta contar Inés de Oliveira Cézar pierde fuerza luego del comienzo y se transforma en una suerte de fluir de la conciencia, casi onírica, que no logra estructurar un discurso y se desvanece como granos de tierra en el viento.
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  • Elysium
    Elysium
    La Prensa
    Los terráqueos pauperizados

    Nuevamente Neil Blomkamp (Johannesburgo, 1979) dirigiendo una producción, como ya lo hiciera con la recordada "Districto 9". A pesar de su juventud, este sudafricano educado en Canadá olfatea el asunto social con una nueva mirada, aún en el caso de producciones multimillonarias, que parecerían alejarlo un tanto de la imaginación y audacia de su anterior producción.

    Así como en "Districto 9" los pobres alienígenas eran explotados y transportados como manada, ahora la ciudad de Los Angeles, del año 2154 es un caos de miseria, violencia y excesos, poblada de latinos. Ninguna piedad existe para ellos, manejados por la Corporación Armadyne, cuyo capo es una suerte de nazi de impoluto traje y crispado rostro momificado por impensables cirugías.

    Ni la salud se les permite y sus hospitales son campos de concentración sobresaturados.

    GRUPO DE ELITE
    Pero allá en el espacio, la elite vive en Elysium, una estación espacial tipo country a la que todos desean llegar, con césped verde impecable, piletas de variado diseño y un artefacto increíble, que cura todo tipo de enfermedad en menos que canta un gallo.

    Por supuesto, los de Los Angeles que hablan en general un buen español, no se ven muy contentos que digamos y el bueno de Max (Matt Damon), que pudo ser un santo por la educación que recibió, se convirtió en un facineroso por el ambiente que no lo ayudó y se rebela y desafía a los de Elysium, presionado por una enfermedad laboral que no puede curar y las tribulaciones de su amiga de la niñez. Lo cierto es que Max tendrá que enfrentarse a locos como Kruger (Sharlto Copley) y Jessica Delacourt (Jodie Foster), una secretaria de Defensa, muy mala, que trama un posible golpe de Estado para quedarse con todo.

    LOCA VIOLENCIA
    El filme de Neil Blomkamp es interesante. Pero las interesantes ideas iniciales con su cuota informática aplicada al cerebro son lentamente opacadas por la violencia, los efectos especiales y una tónica que sigue la línea de la recordada película "Armaggedon". Todo se vuelve blanco y negro en cuanto a los caracteres de los personajes y ciertas ingenuidades adolescentes de democracia y redistribución de la riqueza suenan adolescentes y muy ingenuas.

    Sí es de destacar que los efectos especiales son de primera y que Sharlto Copley haciendo del loco Kruger tiene una actuación admirable.

    Matt Damon se gana sus laureles con esta especie de "Robocop" del subdesarrollo y todos los odios le llegan a Jodie Foster, vestida con cierto estilo Valentino, dirigiendo a varios personajes tan mal intencionados como el papel que le tocó encarar en esta historia.

    A pesar de las objeciones, "Elysium" es entretenida, plantea observaciones sobre la xenofobia, el autoritarismo y las exageradas diferencias entre dos mundos, a lo mencionado se suma un diseño de producción que merece más de un aplauso.
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  • Bella addormentata
    El milagro permanente de la vida

    Una mujer en estado vegetativo durante diecisiete años, luego de un accidente, la decisión de su padre de dejarla morir en paz, desconectando todo artificio médico, provocaron una convulsión en la sociedad italiana cuatro años atrás. El caso real de Eluana Englaro en Italia, es el detonante elegido por Marco Bellocchio para desarrollar una serie de historias paralelas sobre el valor de la vida, la libertad y la relatividad de las leyes.

    Distintos personajes frente a circunstancias límites, obligados a actuar, muestran la complejidad de las actitudes del hombre ante la vida y la muerte. Allí está el político ante la encrucijada de votar por el partido (favoreciendo la eutanasia), cuando sus convicciones eligen lo contrario. Su hija, una fervorosa católica, en contra de esa forma asistida de muerte, una madre que reitera rituales de fe de la que está dudando, ante el largo coma de su hija adolescente y un médico que, fiel a su compromiso hipocrático, se niega a permitir el suicidio de una drogadicta.

    VALIOSO CRITICO
    Marco Bellocchio ("Vincere", "En el nombre del padre"), valioso crítico de la sociedad italiana, reitera su mirada cuestionadora para visualizar la sociedad en tiempos de Berlusconi. Desde la hipocresía de la política, capaz de variar los conceptos de un partido por convenientes pactos anteriores (el partido del senador Beffardi pacta con el Vaticano), hasta la doble cara de una aparente feligresa resignada -papel interpretado por Isabelle Huppert-, que está perdiendo la fe y cuestiona el designio divino.

    Filme con algunos problemas formales, en que la solidificación del aspecto melodramático remeda visiones pasadas de neorrealismo, hasta llegar a un tenebrismo un tanto demodé, "Bella addormentata", resiste como expresión de un genio con lúcidas ideas siempre en movimiento.

    Grandes actuaciones del napolitano Toni Servillo, mitico fundador del teatro Studio de Caserta, una casi imperial Isabelle Huppert, la vital Maya Samsa y junto a ellos se luce Alba Rohrwacher.
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  • 20.000 Besos
    20.000 Besos
    La Prensa
    Inquietudes de una generación

    En este momento, el problema de Juan (Walter Cornás) es su separación. Tiene unos treinta años, un trabajo en una agencia de publicidad con no demasiadas inquietudes, aunque él tampoco parece tenerlas y hace un tiempo que vive con su amigo Goldstein (Gastón Pauls). La vuelta a su vida anterior, el reencuentro con los amigos que lo ayudarán a mudarse a un nuevo departamento, lo están distrayendo de esta nueva experiencia en su vida. Y entonces aparecerá Luciana (Carla Quevedo), la "imbancable" chica de la oficina, que al principio no aguantaba y el tiempo está haciéndola más tolerable.

    La comedia de Sebastián De Caro está actuada por muchachos de alrededor de treinta años que interpretan gente de su edad. Ellos tienen sus códigos, su amor por los animés, sus héroes y heroínas cinematográficos y sus películas favoritas. Cuando están juntos, se llevan bien, hablan un mismo lenguaje, se ríen de las mismas cosas y aluden a las mismas figuras de la cultura popular, ya sea del rock o del cine.

    PASEAR DE NOCHE
    A todos les gusta el stand-up y son capaces de casi morir de amor y reponerse con facilidad. De enojarse por nada o ponerse, como Juan, sus rollers y salir a pasear de noche. Son integrantes de una misma generación y no parecen haber madurado. Son los que se independizan tarde de sus padres.

    El director Sebastián De Caro pinta un momento en la vida de jóvenes de la misma época en esa circunstancia de reasumir la adultez, o asumirla definitivamente, con dudas, pero con la seguridad de hacerlo como se quiera o se pueda.

    "20.000 besos" es una historia sentimental, que muestra frescura y tiene el valor de lo auténtico en lo que cuenta, en sus pequeñas anécdotas, en algunas bromas tontas, fuertemente celebradas y momentos poco atractivos, pero que que forman parte de la vida en común de ese grupo de amigos.

    Walter Cornás es el protagonista con Carla Quevedo que hace de Luciana, la chica "imbancable". También están muy bien en sus papeles, Eduardo Blanco como el jefe, Laura Cymer, Clemente Cancela y Alan Sabbagh, Gastón Pauls y Luciano Leyrado.
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  • Percy Jackson y el Mar de los Monstruos
    En busca del Vellocino de Oro

    El cine de Hollywood vuelve a revisitar la mitología y eso permite memorizar nombres olímpicos y luego ver de que se ocupan cada uno de sus héroes. En este caso Percy es un adolescente, hijo de Poseidón (dios griego del mar), que habitualmente se dedica a proezas que le permiten salvar a otros semidioses, como él.

    Esta vez la tarea de salvataje también está relacionada con el Vellocino de Oro, que deberá tener implicaciones ambientales salvando al árbol de Thalia, la semidiosa que se sacrificó por sus compañeros y fue muerta por los habituales enemigos. El lugar donde todo se inicia es el Campamento Mestizo, en el que habitan los Semidioses, ahora protegido por la Muralla invisible que el Dios Mayor creó para premiar el salvataje por el que Thalia se inmoló.

    Por ahí anda Clarisse (Leven Rambin), descendiente de Marte, siempre disputándole protagonismo y el hermanastro, que Percy conoce en esta película, un simpático cíclope, capaz de mutar y ponerse un ojo más para no asustar tanto.

    EL TORO GIGANTE
    La película es ideal para los adolescentes. Es divertida, invita a vivir una aventura en la que sus personajes parecen arriesgar sus vidas, tiene muy buenos efectos especiales, como la aparición del toro gigante que expele fuego al comienzo, o del bello hipocampo que va a ayudar a los chicos en el viaje al Mar de los Monstruos (algo así como el Triángulo de las Bermudas)

    Por ahí aparece el mentor del campus, Quirón, un elegante centauro, siempre dispuesto a dar consejos y el habitual y simpático sátiro Grover (Brandon T. Jackson). También la encantadora Annabeth, interpretada por Alexandra Daddario.

    Logan Lerman es el insípido Percy, Jake Abel hace de Luke, el malo de la película, que quiere revivir a Cronos y como uno de los momentos más originales está el taxi arqueológico con tres brujas muy divertidas.

    "Percy Jackson y el mar de los monstruos" es un entretenimiento juvenil, está contada con buen ritmo y el atractivo visual de un imaginativo diseño de producción.
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  • Sólo para dos
    El amor está con vacaciones

    Gonzalo (Santi Millán) y Valentina (Martina Gusmán) tienen diez años de casados y descubren que algo está pasando en su relación. Valentina es la que está más desilusionada, porque cree que Gonzalo perdió la pasión. Y eso que los dos debieran estar muy motivados. Administran un bellísimo hotel ""para parejas"" en la Isla Margarita, Venezuela. Ellos mismos se conocieron allí.

    El asunto es que llega el nuevo contingente de turistas y aparece un muchacho solo, Mitch (Nicolás Cabré) que dice que su novia lo abandonó en la luna de miel. Luego de algunos inconvenientes los gerentes del hotel aceptan que se quede, pero Valentina, que ya notó su condición de don Juan, dice que lo va a vigilar de cerca para que no deje sin compañera a algún otro turista. Claro que lo hace tan de cerca que Gonzalo sospecha y en algún momento la engaña con una linda mulata, que trabaja en el resort. Y que desde hace rato lo miraba con simpatía.

    EQUIVOCOS Y CELOS
    Todo desemboca en una serie de equívocos y en una epidemia de celos, no hay que olvidar que hay un cantante de moda que, a pesar de estar acompañado, despierta los deseos de admiradoras a las que no les importa demasiado estar acompañadas. Pasa de todo mientras las palmeras se agitan y la sensualidad del trópico, se apodera de los anfitriones y los nuevos turistas.

    "Sólo para dos" es una liviana comedia romántica, abundante en enredos, clásicas aventuras sentimentales de teleteatro, típicos personajes de tiempo de vacaciones y estereotipos de este tipo de género, algo así como una isla de la fantasía de viejas épocas. Los actores cumplen su papel desde Santi Millán (Gonzalo), pasando por esa excelente actriz que es Martina Gusmán y Nicolás Cabré, el galán y Don Juan de turno.
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  • El hombre de los puños de hierro
    "Spaghetti western" oriental

    Ambientado en la China del siglo XIX y el mundo del kung fu, este nuevo filme de acción, muestra a siete clanes en disputa, un traidor y un herrero, capaz de proveer las más sofisticadas armas de matar, para los que guerrean en la zona.

    Otros personajes son un oficial inglés, Cuchilla Jack (Russell Crowe), con el gobernador como aliado, León de Plata (Cung Le), un poderoso matón, capaz de cualquier cosa. A ellos se suma Cuerpo de latón (Dave Bautista), el malo y un grupo de hombres de nombres insólitos. Todos quieren el poder y el oro y como dice Madama Flor (Lucy Liu), ""el poder no pertenece a nadie, hasta que es tomado por el sexo y la violencia"". Claro que ella tiene un cabaret cinco estrellas y es como todos los que la rodean, dueña de las mejores habilidades del kung fu.

    TODO ES POSIBLE
    También está la chica más linda, lady Seda (Jamie Chung), presa fácil de forajidos, e ideal para negociar en momentos difíciles.

    Presentados los protagonistas, se desencadena esta suerte de "spaghetti western" oriental, en el que la desmesura, lo inverosímil y la belleza coreográfica de los adagios bélicos, son las vedettes del filme.
    "Pueblo Selva" es el lugar en el que todo va a ser posible, cuya ambientación y lo que sucede es tan disparatado y atrapante, como sangriento y estéticamente bello.

    El espectador sólo tiene que imaginar lo que puede salir de un director y protagonista, que cultiva como música el hip-hop. Su nombre verdadero es Robert Fitzgerald Diggs, pero todos lo conocen como RZA y es un aliado de la neo-violencia de Quentin Tarantino, mientras el coguionista del filme es Eli Roth, él que tiene entre sus créditos películas como "Hostel 1" y "Hostel 2".

    PIEL DE METAL
    Como es de prever en un filme de estas características todo puede suceder. Que los guerreros vuelen, que transformen su piel en metal, que las sandalias de las damas muten en garras de hierro, ideales para cortar más de una tira de carne, o que las coreografías de kung fu se conviertan en una especie de danza fascinante.

    "El hombre con los puños de hierro" tiene un estupendo montaje, ritmo efervescente y una deslumbrante fotografía. Russell Crowe se muestra implacable en su papel de Cuchilla Jack y Lucy Liu, impecable en su papel de Madame Flor, capaz de degollar cabezudos a golpe de abanico.

    Para los que aman las artes marciales, el horror y la desmesura, esta es la película ideal. Además: ayudará a descargar tensiones.
    Calificación: Muy buena
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  • Cacería macabra
    Una familia más que extraña

    A diferencia de aquellos invitados a la mansión Owen del clásico de Agatha Christie, "Diez indiecitos" (1939), los protagonistas de este filme de horror son todos parte de una misma familia. Hijos que llegan con sus novias, invitados por sus padres, los Davison, para celebrar su aniversario de bodas y el retiro paterno. Como en la película basada en la novela de Christie, irán muriendo uno a uno, mientras avanza la proyección y en vez de la conocida canción de los diez indiecitos, se escuchará "Looking for the magic".

    En cuanto a la manera de matarlos será bastante original, a puro flechazo. El comienzo resulta prometedor, con la presentación de las distintas parejas y sobre todo la terrible escena de la casa vecina, donde su dueño parece estar dormido y no escuchar el llamado desesperado de ayuda, de una de las invitadas a la casa de los Davison, que aterrada llega en busca de ayuda.

    SUSPENSO Y HORROR
    Pero a medida que avanza la historia se va perdiendo sentido de la realidad y llega un momento en que la risa suplanta al suspenso y el horror. Más aún cuando aparece la famosa escena de la licuadora, que no develamos para mantener la sorpresa .

    Película de género sin demasiadas alternativas, ni actores conocidos, el joven director nacido en Alabama, Adam Wingard, continúa con este tipo de filmes de horror, que han sido comercialmente exitosos.

    "Cacería macabra" entretiene hasta cierto momento con elementos válidos, desbarrancándose al final. Entre los poco conocidos y jóvenes actores, hay una chica que se destaca como una suerte de heroína capaz de superar a los asesinos con astucia y valor. Es la australiana Sharni Vinson, en el papel de Erin, la que finalmente será la encargada de revelar la sorpresa final.
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  • El ataque
    El ataque
    La Prensa
    La ruta de la reivindicación

    Un hombre que arriesga su vida para salvar a otro, es lo que pone de manifiesto este nuevo filme de trepidante acción del veterano Roland Emmerich, del que se admiró "Día de la Independencia".

    La responsabilidad del agente secreto John Cale (Channing Tatum), es gigantesca si se la tiene que definir en palabras. Cuando una imprevista patrulla toma como rehén al presidente de los Estados Unidos en la misma Casa Blanca y la vida del primer mandatario parece estar en las manos de Cale, el ex agente de policía del Congreso de la Nación, que justo estaba de visita en el bunker presidencial, la historia que cuenta Roland Emmerich cobra una relevancia inusitada.

    EL CUSTODIO
    Todo comienza cuando Cale es rechazado para formar parte de los agentes especiales que custodian al presidente. El hombre que viene de un fracaso matrimonial y tiene una hija adolescente que lo admira tanto como padre, que casi lo considera un héroe, su vida parece derrumbarse.

    Pero Cale que ha sido entrenado en el ejército, no es de rendirse fácilmente y decide ir con Emily (Joey King), su hija, de visita a la Casa Blanca para que ella conozca algunas de las salas que se permite ver al público, que no son las privadas del presidente.

    Reina la calma, padre e hija se encuentran entusiasmados visitando ese emblemático edificio de Washington. Pero de repente todo se modifica, se escuchan gritos y la sensación es que el lugar va a estallar.

    El presidente fue secuestrado por un grupo terrorista, la Casa Blanca se desaloja de inmediato, pero Cale y su hija deciden esconderse y ahí permanecen hasta que toda la atención se centra en el rehén; el presidente.

    UN ESTALLIDO
    En ese momento Cale se da cuenta que tendrá que convertirse en un héroe. De él depende cuidar y salvar al presidente James Sawyer (Jamie Foxx), al menos hasta que el ejército y la policía encuentren la manera de filtrarse en el interior de la Casa Blanca.

    A partir de esto el tiempo parece convertirse en algo eterno y Cale finalmente ubica al primer magistrado, con el que emprende una loca carrera de escape, mientras la Casa Blanca parece volar en pedazos.
    Con escenas de una acción apabullantes, muy bien resueltas por Roland Emmerich, en las que las fuerzas aliadas y los terroristas parecen no querer rendirse ni unos, ni otros, el filme resulta entretenido, en su descripción de esa especie de viaje del héroe, que realiza el agente John Cale.

    Channing Tatum logra una valiosa actuación en el papel de Cale. A su lado tiene un sobrio desempeño Jamie Foxx, en el personaje del presidente James Sawyer.
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  • Aviones
    Aviones
    La Prensa
    El pequeño cumplirá su sueño

    Esta es una película derivada de otras, como "Cars" y sus sucesoras. Si queremos manejarnos en forma elegante, diríamos es un "spin off", que en este caso transformó el mundo de los autos de "Cars", en un mundo de aviones. En vez de autos, camiones, grúas que intervienen en competencias internacionales, son aviones de distinto tipo, incluso un pequeño avión fumigador que intenta competir en una suerte de Grand Prix.

    El protagonista es un tal Dusty, avión fumigador pueblerino que sueña con lograr un puesto en competencias internacionales, pero le teme a las alturas. Pero como la consigna en este tipo de películas es "cumple tu sueño", el joven avión le pide ayuda a Skipper, un veterano de guerra (que después no resultará tal) y que tratará con sus consejos de entrenarlo y darle pequeños tips de orientación aérea para que compita.

    LOS COMPETIDORES
    El sueño de Dusty se va a hacer realidad y logrará competir, ayudado por sus amigos. Estará bien acompañado por aviones internacionales que van desde una sugestiva avioneta nacida en la India que lo encandila, más de una vez, hasta camiones de combustible y un avión mexicano llamado "Chupacabras", o el Chu, simpático y cantor que se vanagloria de las telenovelas en que intervino.

    Por supuesto que habrá un malo llamado Rispslinger y es la vedette aérea, que no deja trampa sin utilizar para ganar la carrera; pero el resto de los aviones son buenos y algunos un poquito mentirosos (el mentor Skipper, por ejemplo).

    Por supuesto que la historia no tiene aristas dramáticas, todo se desarrolla en una atmósfera placentera, donde se destacan las escenas de vuelos aéreos.

    "Aviones", esta nueva producción de los estudios Disney, tiene buenos parámetros formales, pero escasa creatividad, diálogos sencillos y su público pueden ser los más pequeños que disfrutarán de aviones "divertidos", con muchos colores y permanentemente en movimiento.
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  • Séptimo
    Séptimo
    La Prensa
    Una desaparición inesperada

    Sebastián (Ricardo Darín) es abogado. Parece que tiene soluciones para todo y por eso lo consultan tanto. Ahora mismo no lo dejan en paz y hay que llegar pronto a casa para acompañar a los chicos al colegio. Dos niños encantadores. Lástima que el divorcio le hizo un corte a su vida y la felicidad no pudo ser completa. Aunque con Delia (Belén Rueda) la relación sigue siendo buena. Ella se tiene que ir a España y claro, todo se complicará.

    Pero el buen temperamento de Sebastián no anticipa nada negativo. La vida ha sido amable con él y hasta es bueno desafiarla a veces, llevarle un poco la contra. Por eso cuando Delia les aconseja que no bajen por la escalera como locos, en esos tontos juegos con los chicos, Sebastián les dirá "vamos chicos, ustedes por la escalera, yo los alcanzo con el ascensor".

    EL SUBE Y BAJA
    Pero el ascensor es tan viejo como la casa de departamentos y cuando Sebastián llega a la planta baja, los chicos no están. Y no contestan su llamado. Ni el portero los vio. Y allí se inicia una pesadilla, en el lugar en que nadie pensó que podía darse, la propia casa.

    El comisario jubilado (Osvaldo Santoro) y propietario de un piso, se interesa por Sebastián y su situación, pero él no confía en la policía, porque su trabajo de abogado lo enfrentó muchas veces a ese travestismo de policía convertido en ladrón y ladrón policía. La situación lo descoloca y hasta puede ser grosero con las vecinas, bestial con alguno del que sólo desconfía por portación de rostro, o del propio portero (Luis Ziembrowski) que puede ser un potencial enemigo en ese laberinto de siete pisos, en alguno de los cuales desaparecieron los chicos.

    UN NUMERO CLAVE
    El realizador Patxi Amezcua, con antecedentes en el género policial, sabe qué puntos tocar y va deshilvanando una madeja de pequeñas intrigas a lo largo de siete pisos.

    Siempre dentro de una línea tradicional y de sesgo elegante, se estira la tensión y desarrolla la intriga con pequeños elementos, simples y cotidianos.

    La efectividad de la primera parte en apretada y la tensa resolución se impone. Tras cierto respiro de la fuerza inicial, la sucederá la sorpresa del final.

    "Séptimo" es un entretenido policial con muy buenas actuaciones del protagonista, Ricardo Darín, nuevamente devenido en abogado, la inolvidable actriz de "El orfanato", Belén Rueda, y una serie de actores de primera que solventan la historia con fuerza y profesionalidad. Es el caso de Luis Ziembrowski, como el portero, Guillermo Arengo, Jorge D"Elía y especialmente Osvaldo Santoro en el papel del comisario.
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  • Amenaza roja
    Amenaza roja
    La Prensa
    La guerra es la gran excusa

    Tropas de Corea del Norte invaden un espacio territorial norteamericano y se desata la Tercera Guerra Mundial. Entre la gente que huye hay un grupo de adolescentes, amantes de su patria, que deciden conformar una fuerza guerrillera de nombre mítico, los Wolverines.

    Acorde a estos tiempos cinematográficos, se trata de una remake de "Amanecer rojo", una película de 1984, que dirigiera John Milius, sólo que en aquélla, el enemigo era el bloque del Este (Rusia y compañía) y uno de sus protagonistas era Charlie Sheen.

    Entre los jóvenes que conforman el grupo armado están Jed Eckert (Chris Hemsworth) y Matt Eckert (Josh Peck), dos hermanos que no se llevan demasiado bien por problemas familiares. Uno de ellos, Jed, es un marine con licencia, que se encuentra de visita en la casa de su familia y será el líder que entrene el resto del grupo en el uso de las armas.

    SEMBRAR EL CAOS
    La intención como ellos dicen es "crear el caos", para "recuperar el hogar" y lo primero que intentan boicotear al enemigo es su sistema de comunicaciones, altamente codificado. El detonante mayor para la acción encabezada por los hermanos, es la muerte del padre a manos del capitán Cho (Will Yun Lee), cerebro del equipo enemigo
    "Amanecer rojo" no aporta nada nuevo al género, banaliza la historia y trata de subrayar el componente juvenil a la manera de la exitosa "Los juegos del hambre".

    Se trata de una película convencional, abundante en estereotipos, con buen ritmo y mucha acción bien dosificada (su director fue especialista en la coordinación de dobles de riesgo, en varios filmes norteamericanos). Exhibe un buen diseño de producción y tiene un correcto protagonista, el australiano Chris Hemsworth, junto a un grupo de actores jóvenes, que incluye a Connor (Daryl Jenkins), hijo de Tom Cruise y Josh Peck (Matt Eckert), nieto del mítico Gregory Peck. Junto a ellos se destacan lindas chicas como Adrianne Palicki (Toni Walsh) e Isabel Lucas (Erica Martin).
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  • ¿Quién *&$%! son los Miller?
    No es fácil comerciar marihuana

    David Clark (Jason Sudeikis) está en problemas. No sólo debido al robo del que fue víctima, como vendedor de drogas "amateur", sino por la misma solución que su jefe le propone: traer desde la frontera mexicana un importante cargamento de marihuana. Como un hombre solo despertaría sospechas, David decide armar "una familia creíble", con personajes como Rose (Jennifer Aniston), su amiga stripper, su vecino adolescente Kenny (Will Poulter) y Casey (Emma Roberts), una joven punk, que acepta formar parte de la "familia", para ganarse unos dólares.

    Pero el asunto se va a complicar cuando se vea la magnitud del cargamento de droga, los mafiosos que también le disputan la codiciada mercadería y un aparentemente ingenuo matrimonio, en busca de experiencias nuevas entre parejas y cuyo integrante masculino resulta ser un ex integrante de la DEA. Lo que se inicia como un aparente fin de semana entre conocidos hacia una experiencia excitante, va a tener una acción inesperada.

    UNA STRIPPER
    La película tiene muy buen ritmo y buena estructura formal. Su argumento es efectivo pero a nivel puramente superficial, cuando pudo convertirse en un entretenimiento inteligente.

    Más que personajes, el filme muestra algunos estereotipos, como el del matrimonio, que se encuentra con los Miller en la carretera.

    Hay una persecución, una pelea y los chistes resultan graciosos y gastados, aunque los integrantes de esta atípica "familia" tienen buena química entre ellos.

    Es el caso de la atractiva y profesional Jennifer Aniston, la que en su papel de Rose, realiza un convincente strip-tease en un garage. A ella se suma el simpático Jason Sudeikis (David), Will Poulter, en el papel de Kenny y Emma Roberts, como Casey. En síntesis es una comedia ideal para reírse, sin pensar demasiado.
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  • One Direction - Así somos
    Cuando las canciones mandan

    Nuevo filme, a la manera del hace poco tiempo estrenado documental "Justin Bieber: Never say never 3D", "One Direction-Así somos", es una película dedicada a una nueva banda musical, considerada como un verdadero fenómeno de la canción.

    Niall Horan, nacido en Irlanda y Harry Styles, Zayn Malik, Louis Tomlinson y Liam Payne, son adolescentes nacidos en el Reino Unido, que se presentaron en el conocido y popular programa televisivo británico "The X Factor", uno de esos formatos que giran por el mundo buscando nuevos talentos musicales y en el que, llamativamente, no ganaron, pero fueron seleccionados para constituir una banda nueva. Simon Cowell, creador del programa e integrante del directorio de Sony los puso bajo su ala y parece haber tenido buen ojo por la excelente recepción que tuvo el grupo ante el público internacional.

    ENTRE SHOWS
    La película presenta a los chicos en sus shows por distintos países, muestra lo bien que se llevan, su carácter juguetón y algunos de sus ensayos antes de los shows.

    Lo que asombra es la recepción que tienen con las preadolescentes, desde el Gran Bretaña, pasando por Estados Unidos, gran parte de Europa y Japón. Nada especial los caracteriza y quizás ésa sea su característica, ser como todo adolescente. Atractivos, vitales, casi niños, con un buen manejo de la voz y una inclinación por el repertorio pop rock.

    "One Direction-Así somos" tiene muy buen ritmo. Sigue a los chicos en sus giras, muestra algunos de sus más exitosos recitales como el del Madison Square Garden, el estadio Arena, de Londres, o el de México, en el que reunieron más de sesenta y cinco mil pequeñas admiradoras y firmaron miles de autógrafos.

    EN LA INTIMIDAD
    Hay también momentos de intimidad, por los que podemos deducir su condición de "buenos muchachos" (Zayn Malik compró hace poco una hermosa casa para su familia), sus dudas (no saben dónde estarán en el futuro) y su necesidad de querer ser recordados siempre por sus fans. Todas estas reflexiones en chicos que tienen menos de veinte años, han dado la vuelta al mundo, se abastecen económicamente con creces desde hace tres años y ya se ven retirados y hasta con hijos.

    "One Direction-Así somos" permite visualizar los nuevos shows juveniles en el mundo, abundantes en parafernalia digital, lluvia de papelitos, canciones en altura y mucha historieta de fondo, proyectadas en gigantescas pantallas, en los escenarios en que se desarrollan los recitales.
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  • Las crónicas del miedo 2
    Historias que dan escalofrío

    En esta nueva película de terror, otra vez sus directores emplean el gastado empleo de la cámara en mano y apoyan su historia en la búsqueda de un estudiante que desapareció.

    Dos detectives que ingresan a la casa del joven en busca de elementos que les aporten alguna prueba sobre su desaparición, descubren una cantidad de cassettes VHS.

    Sobre el contenido de esos cassettes, los guionistas construyeron varios relatos cortos.

    En uno de los VHS aparecen las imágenes de un muchacho al que se le practicó un implante ocular. En este caso es un ojo puesto para subsanar la visión de hombre, que comenzará a ver cosas raras y tendrá visiones fantasmales hasta arribar al desastre final.

    ZOMBIES Y ALGO MAS
    Otro de los videos muestra a un grupo de chicos que pasean por un parque y encuentran zombies, convertidos en temibles bicharracos que los terminan atacando. El último es de extraterrestres acuáticos y el del medio trata sobre una secta diabólica con castigos, violaciones, asesinatos grabados en vivo, en la mejor tradición "snuff" (crímenes filmados).

    La película tiene altos y bajos, va del absurdo al naturalismo desaforado, y de la tontería a mostrar suicidios en masa, inducidos por la secta satánica. Con este episodio dirigido por Timo Tjahjanto suceden dos cosas, la primera es que, indudablemente, es el mejor filmado, pero creemos que debería ser de exhibición condicionada, debido a la crudeza de sus escenas, con sangre, tripas, degüellos y asesinatos, mostrados en primer plano.

    "Las crónicas del miedo 2" es una película entretenida que aporta impactantes y sangrientas escenas para los amantes de las películas de este género.
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  • Drácula 3D
    Drácula 3D
    La Prensa
    Un vampiro bastante devaluado

    Drácula es una de las obras más populares y exitosas de la literatura universal. Desde 1897, cuando fue creada por el irlandés Bram Stoker, el cine y la televisión hicieron con ella más de doscientas versiones, sin contar las cientos de representaciones en teatro.

    En cine la dirigieron figuras como Friedrich Wilhelm Murnau, una versión fue producida por Andy Warhol y tuvo los rostros del inmortal Bela Lugosi, Christopher Lee, Klaus Kinski, o Gary Oldman, entre los más recordados y ahora la saga del temible personaje la retomó el director Darío Argento, conocido como el rey del cine de terror clase B, en la década de 1970.

    MUESTRA PEDESTRE
    "Drácula 3D" es una tosca versión del clásico, que se destaca por ser muy sangrienta. La historia retoma la idea original de Stoker, con diálogos elementales, efectos bien al borde y desnudos del plantel femenino de la película. Entre ellas, la hija del director, Asia Argento, en el papel de Lucy Kisslinger. En cuanto al formato 3D puede decirse que no está bien aprovechado y podría haberse presentado en 2D sin problemas.

    Sin espectacularidad, con bastante de la serie televisiva y un correcto intérprete en el personaje principal, el alemán Thomas Krestchmann, esta versión del clásico de Stoker es una muestra muy pedestre que ni asusta, ni asombra y a veces hace reír, quizás ese haya sido uno de los propósitos de este realizador italiano de setenta y cuatro años.

    A lo mencionado se suman efectos especiales usados elementalmente, con un subrayado en lo melodramático y un decadentismo romántico, sumado a un gran despliegue de sangre, que quizás a algunos fans del director le resulten atractivos.
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  • Jobs
    Jobs
    La Prensa
    Una biografía sin sorpresas

    Dirigido por Joshua Michael Stern, "Jobs", invita a preguntarse ¿qué hubiera pasado si esta película, hubiera tenido como motores a David Fincher, el director de "Red social", sobre Mark Zuckerberg, el creador de Facebook y a su impecable guionista Aaron Sorkin?. Se hubieran gestado atmósferas sugerentes y ambientes más imaginativos, que de alguna manera podían hacer pensar en los objetivos de Jobs, el creador de Apple, aunque él también se metió en la filosofía de la India y el universo de la paz, la droga y el amor libre.

    Pero no, a "Jobs" le tocó Joshua Michael Stern de director y Matt Whiteley de guionista, que hicieron una biografía de Steve Jobs (1955-2011) filmada tradicionalmente, sin sorpresas, que informa sobre el personaje relativamente, más bien a base de secuencias, casi flashes básicos y poco explicativos.

    EN LA INTIMIDAD
    Desde sus inclinaciones orientalistas, su amor por las computadoras, su ingreso al Hewlett Packard Club con jóvenes que mostraban sus nuevos productos, la relación de Steve Jobs, con Steve Wozniak (Josh Gad) con quien crea Apple en el garaje de su casa y las instancias que con los nombres de Pixar, iPod, iPhone, transformaron el universo cotidiano del hombre común.

    Hay toques sobre su mal carácter, su sagacidad comercial, su obcecación y su creatividad. Nada se cuenta sobre sus problemas de hijo de madre soltera, que lo dio en adopción, luego de su relación con un ciudadano sirio. Sí se habla de la casi repetición de la acción materna, al no querer reconocer a la hija que tuvo de una colega estudiante. Hija a la que recién terminó de aceptar cuando era adolescente y a la que Steve Jobs decide pagarle una excelente educación universitaria.

    UN HOMBRE SOLO
    Avatares como su expulsión de Apple, su posterior retorno llamado por la empresa y las nuevas creaciones tecnológicas, son algunos de los momentos de esta visión simple de un hombre que se hizo solo y pasó del abandono inicial de una madre adolescente, a controlar un imperio tecnológico que ya no sería igual al comienzo de Apple.

    A los cincuenta y seis años falleció dejando un futuro ilimitado para el mundo, a través de nuevas herramientas hacia mundos virtuales y once mil millones de dólares, salidos de un modesto garaje californiano.
    Es buena la interpretación de Ashton Kusher (Steve Jobs) y superior la de Josh Gad (Steve Wozniak), el amigo de Jobs, cofundador de Apple.
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  • Cazadores de sombras: Ciudad de hueso
    Unos monstruos para disfrutar

    La película pertenece a la línea de "Crepúsculo", "Harry Potter" y otras afines. Viene de un éxito literario, la trilogía "Cazadores de sombras", de la escritora norteamericana Cassandra Clare, una amante de títulos como "El señor de los anillos", que en 2004 empezó a escribir esta novela sobre los "Cazadores de sombras", que sería muy exitosa, no sólo entre los adolescentes y más allá de Estados Unidos. Esta es la primera parte de la saga.

    El asunto llevado al cine es así. En Brooklyn vive Clary (Lily Collins), una chica adolescente, que parece ser como todas las chicas, va al colegio, le gusta la música, tiene un amigo Simon (Robert Sheehan), que es evidente la quiere y es muy cuidada por la mamá. Más cuando sale de noche.

    Pero durante una noche, cuando va a una disco, cree ver un asesinato y al decírselo a su amigo Simon, se sorprende porque él no vio nada. Después reaparecerá uno de los chicos de esa noche, uno de pelo azul que parece que sólo ella vé. Entonces le revelará un secreto que cambiará su vida y que la obligará a tomar imprevisibles actitudes ante el inmediato rapto de su madre.

    LA OTRA RAZA
    "Cazadores de sombras..." es una estilizada historia de monstruos, humanos, hombre lobos y vampiros que nos enteramos andan diseminados no sólo por Brooklyn, sino por todo Estados Unidos. Todo comenzó con un tal Raziel (Jonathan Seinen), él que mezcló su sangre con los humanos, creando la raza de los cazadores de sombras, que nos protegen y a los que no vemos. No se aclara si estos "Cazadores..." también se han expandido a Europa y a América latina. "Cazadores de sombras: Ciudad de hueso" es verosímil, entretenida, tiene dos adolescentes con carisma, ingleses, la chica Lily Collins y Jamie Campbell Bower (Jace), cantante y modelo.

    A los brillantes efectos efectos especiales, se suman el notable equipo actoral que incluye a Lena Headey en el papel de Joselyn, la madre y la impetuosa e imperdible Carol Christine Hilaria Pounder como Dorothea, una sorprendente vecina de "condiciones especiales".
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  • Zambezia
    Zambezia
    La Prensa
    El reino ideal de los pájaros

    La historia es entre pájaros y pajarracos. No hay humanos y en algún momento aparecerá el enemigo representado por una iguana.

    Aquí hay un joven halcón huérfano, Kai, un poco cansado por los cuidados de Tendai, su padre.

    Kai, desea ser aviador, más aún, un guardia que cuide Zambezia, la ciudad de los pájaros, hacia la que se dirige en un descuido de su padre.

    La bella ciudad de Zambezia está en lo alto de la cascada Victoria, en Sudáfrica y el paraíso que parece esperarlo deslumbra al joven halcón, que no se acostumbra a ser provinciano. El será un héroe, está decidido a convertirse en una figura útil y protectora y no le importan los peligros que tenga que afrontar, ni que haya una odiosa iguana llamada Budzo, que planea con sus secuaces apropiarse de Zambezia.

    PADRE E HIJO
    Aunque nuestro joven halcón no lo sepa, su padre está en vuelo para recuperarlo y los enemigos de la ciudad ya le pusieron la mira encima y esperan capturarlo.

    El filme, dedicado a los más chicos, está sencillamente diagramado con dibujos simples y básicos pero no exentos de encanto y cierta gracia gestual.

    Hay bellas locaciones, pájaros simpáticos, gran deseo de integración y el deseo de aventura siempre dispuesto a la rebelión.

    Se rescata el concepto de solidaridad, la unión y el esfuerzo por terminar las buenas acciones. Es bella la banda sonora, cálidas las canciones y las locaciones de Sudáfrica están muy bien presentadas.

    Con algo de otro filme animado como "Rio", mucha simpatía y gran ingenuidad, "Zambezia" es un entretenimiento sensible y cálido, sencillo y con buen ritmo y está dedicado a los más pequeños.
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  • Corazón de león
    Un romance a mediana altura

    Ivana Cornejo (Julieta Díaz) tuvo muchos problemas en la vida, tanto afectivos como profesionales y eso que es una atractiva abogada, divorciada y que, lamentablemente, por ahora, trabaja en el estudio que comparte con Diego Bissoni (Mauricio Dayub), su ex marido, también abogado. El caso es que se enamoró por teléfono.

    También le pudo haber pasado por internet. Y el señor que la flechó le pareció muy educado, divertido, ubicado. Después completará la radiografía, carece de compromisos, es divorciado y exhibe una sólida posición económica. Pero, tiene algo que no encaja, la altura: mide un metro treinta y cinco centímetros.

    LOS PREJUICIOS
    ¿Pero como puede ser? "No pasa nada. Me faltan cuarenta centímetros. No es nada grave. Es distinto", le dice León Godoy (Guillermo Francella), el causante de sus futuros problemas, cuando deciden conocerse personalmente y se citan en una confitería. Y vaya que es distinto, el prejuicio no suele disimularse cuando está muy arraigado.

    La pobre Ivana va a tener que replantearse esto que le está pasando, porque hasta Toulouse Lautrec tenía diecisiete centímetros más. Y la verdad que ni las amigas, ni la madre de ella la ayudan demasiado y eso que con ellas mantiene abiertas conversaciones sobre la discriminación. Claro que otra es la historia cuando cada uno se va a su casa. No es fácil para León Godoy haber sido pequeño toda la vida, aunque tiene el apoyo de su humor y especialmente de Toto (Nicolás Francella) su hijo, que desde chico admiró la actitud del padre, aparentemente sin ataduras para desenvolverse en el mundo siendo diferente.

    VISION POSITIVA
    El filme de Marcos Carnevale, como sucedía en "Viudas" o "Besos en la frente", dos de sus anteriores producciones, se centra en pequeños personajes con problemas y con parejas disímiles. Son seres muy humanos en situaciones especiales, con resoluciones verosímiles, para nada épicas, como podría ser la de Charlotte, la joven enana que se va con el circo en "De eso no se habla", la película de María Luisa Bemberg. En este caso, el director no profundiza demasiado en el tema de la discriminación, porque ése no ha sido el objetivo de una película que busca entretener y dar una visión positiva ante la asunción de una identidad "diferente".

    Con diálogos simples y un humor certero, la película está bien resuelta en lo formal y tiene logradas actuaciones de la pareja central: Julieta Díaz (Ivana) y Guillermo Francella (León). Este último en un papel que los fanáticos del actor van a adorar. A ellos se suman las meritorias interpretaciones de personajes secundarios, como Nora Cárpena, en el papel de Adriana y Nicolás Francella (Toto), un actor al que es bueno seguir en su carrera.
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  • Aprendices fuera de línea
    Dura competencia tecnológica

    La idea era muy interesante. Veteranos vendedores, recientemente desocupados son tomados como aspirantes a un programa del que saldrán convertidos en especialistas en servicios "on line", en una empresa de primer nivel.

    Nick Campbell (Owen Wilson) y Billy McMahon (Vince Vaughn), han hecho más de veinte años en la misma empresa como eficientes vendedores, pero, como vulgarmente se dice, la tecnología pasó por encima de la empresa en que trabajan y por el método que los vendedores emplearon hasta entonces.

    PASANTES MAYORES
    El resultado es que con poco más de cuarenta años de edad, los dos veteranos deben buscar otra ocupación y surge la posibilidad de hacer una estancia para aspirar a una pasantía paga, nada menos que en Google, megaempresa especializada en productos y servicios relacionados con internet.

    Por supuesto que Nick y Billy van a tener que enfrentarse con talentos que no pasan los veinte años y soportar el natural desplazamiento de los más jóvenes, que no aceptan integrar equipos con "los viejos de cuarenta". El resultado, a la larga, favorecerá a los mayores y reforzará la idea de la integración y la amistad.

    "Aprendices fuera de línea" fue dirigida por el canadiense Shawn Levy, que eligió hacer una comedia simple, con bromas que aluden a filmes como "Terminator" o "Los juegos del hambre", recurso muy utilizado en las últimas películas de Hollywood.

    FAMOSISIMO CAMPUS
    Hay sí un "paneo" general e interesante de la empresa, que en realidad es el campus de Google, en California y recuerda a los parques temáticos de los centros de diversión con sus toboganes gigantes, su comedor gratuito, sus pasillos bordeados de césped y las competencias de quidditch (el juego de las escobas voladoras, que se hizo famoso en Harry Potter) para combatir el stress. Sobre lo que mayoría de la gente quisiera saber, cómo se trabaja, los objetivos, "la tormenta de ideas en acción", no hay información. El director Shawn Levy se queda en una comedia simpática y pasatista con sonrientes integrantes como Vince Vaughn (Billy McMahon) y Owen Wilson (Nick Campbell), el mismo de "Medianoche en París", la exitosa película de Woody Allen.
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  • Causas y consecuencias
    El pasado es capaz de volver

    Cuando el abogado Jim Grant (Robert Redford) se entera que su compañera de los Weather Underground, grupo extremista de los 70 fue detenida, el pasado se le viene encima. La violencia pasada, el atentado al Pentágono, los robos bancarios se convierten en un peso difícil de soportar sin la misma fuerza ideológica de la adolescencia.

    Convertido en abogado y padre de una chica preadolescente, su mente se activa para buscar una solución y huye, sabiendo que el pasado siempre lo acompañará por más que alguien atestigue a su favor y la distancia se haga interminable.

    Habrá también un chico joven Ben Shepard (Shia LaBeouf) que descubra la verdadera personalidad de Grant. Haciendo hincapié en el drama personal, en el peso de las ideas, en la distancia entre lo que se quiso lograr y lo que se logró, se desarrolla "Causas y consecuencias", una historia basada en el libro del profesor y periodista Neil Gordon, egresado de Yale y destacado crítico literario del Boston Review.

    PUNTOS EN COMUN
    Película interior, centrada en conflictos personales, tiene un particular interés por los puntos en común que pueden acercarla, de alguna manera, a algunos de los movimientos extremistas latinoamericanos, producidos hace treinta años atrás.

    Aunque el guión presenta algunos altibajos y cierta morosidad en los diálogos, es un filme entretenido, en el que la ética de la información, en la que se ve envuelto Ben Shepard (Shia LaBeouf), el joven periodista que desenvuelve una madeja particularmente enredada, choca y se intrelaza con la de Jim Grant (Robert Redford), él que combatió por un ideal y que a lo largo del tiempo decidió modificar su vida, aunque el pasado le continúa trayendo dolores de cabeza.

    Encuentro de veteranos de primera línea, como Stanley Tucci, Brendan Gleeson, Nick Nolte, Susan Sarandon y Julie Christie y el mismo Robert Redford, creador del prestigioso Festival de Sundance, él que a sus setenta y siete años dirige su novena película.
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  • Star Trek 2: en la oscuridad
    La Enterprise corre riesgos

    Es la doceava entrega de la saga de los "60, que el gran público conoció por televisión, como "Star Trek", la serie creada por Gene Roddenberry.

    La historia simple puede ser captada por los que no conocen ni la original ni las posteriores, porque simplemente es la eterna lucha de los "muy buenos" contra los "muy malos". La diferencia es que sucede intergalácticamente con toda la parafernalia tecnológica disponible en estos momentos.

    Mientras el bueno del capitán de la Enterprise, James Kirk (Chris Pine), proyecta nuevas exploraciones por rincones lejanos del Universo, se produce un incidente grave, la Flota es atacada en su base londinense, el problema es que el enemigo está adentro de la misma Flota Estelar. La única solución es dirigirse al planeta Klingon y llegar posteriormente a la Bahía de San Francisco.

    ENEMIGOS NATURALES
    Pero el manejo de los Klingon, enemigos naturales, va a requerir una actitud especial porque puede traer problemas futuros a nivel interestelar. Es ahí cuando aparece el malo de turno, un tal John Harrison, que se parece más a un villano de series de James Bond que de Star Trek, pero que paradójicamente la moderniza bastante. Entre lucha y lucha, también reaparece el preferido de la saga, el joven doctor Spock (Zachary Quinto), ese híbrido encantador de orejas grandes, que nació de un habitante de Vulcano y un humano con la total incapacidad de mentir (imaginar los problemas que esto le trae) y un férreo concepto ético.

    AMISTAD Y ALGO MAS
    Más allá de las luchas, los enfrentamientos intergalácticos, esta versión da un lugar especial a la amistad y al sentimiento en general y refuerza el concepto general de un mundo integrado, donde semejantes y diferentes puedan convivir en armonía.

    La novedad del 3D, el diseño de una Nueva York con reminiscencias de filmes como "Metrópolis" y "Blade Runner", más el querido Vulcano y la increíble aparición de Leon Nimoy, el original Spock de los 60, con más de ochenta años, pero bien conservado por la magia de la virtualidad son las mayores sorpresas de esta versión.

    El inglés Benedict Cumberbatch de voz nocturnal, Chris Pine y Zachary Quinto, son algunas de las atracciones de "En la oscuridad: Star Trek 3D", que, reiteramos, puede atraer no sólo a fans de la saga por su nuevo acercamiento a esta realidad de terrorismo y violencia, contrarrestado por la importancia de las emociones y la amistad.
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  • El infiltrado
    El infiltrado
    La Prensa
    Un padre reivindica a su hijo

    "El infiltrado" plantea un tema relacionado con las drogas y en el que, desafortunadamente, cualquiera puede verse involucrado. Es una clásica película de acción, con sus peleas, persecuciones y disparos, sin caracteres que se destaquen, algunos estereotipos y un buen ritmo, que la transforman en ese tipo de entretenimiento que muchos buscan como pasatiempo liviano.

    Ric Roman Waugh ha desarrollado distintas actividades dentro de la industria cinematográfica, antes de convertirse en director. "El último mohicano", "Soldado universal", o "Arma letal II", son sólo algunos de los filmes en que hizo de "doble de riesgo". Se ve que se cansó de tantos puñetazos sin sentido, revolcones en el polvo o caídas peligrosas y eligió otra profesión que tiene, según cómo se mire, ciertas protecciones: la de director de cine. Eso sí, parece que le encargan películas de acción como aquéllas en las que intervino y como ésta presentada ahora en Buenos Aires.

    "El infiltrado" plantea un tema relacionado con las drogas y en el que, desafortunadamente, cualquiera puede verse involucrado. Hay un adolescente, Jason Collins (Rafi Gavron), que poco antes de iniciar la universidad, por haber recibido un paquete con drogas en su casa, que le envió un compañero de estudios, se enfrenta a una condena de varios años de prisión.

    ENTRE RIESGOS
    El chico es hijo de un importante ejecutivo, John Matthews (Dwayne Johnson), que por supuesto, hará todo lo posible por salvarlo. No hay demasiadas posibilidades para el joven, a pesar de todas las conversaciones que su padre tiene con la fiscal Joanne Keeghan (Susan Sarandon). La única manera que encontrará Matthews es enfrentarse a sus propios prejuicios y meterse en el submundo de los narcotraficantes, para, de alguna manera, en su condición de informante de la Drug Enforcement Administration (DEA), pueda reducir la condena de Jason.

    El asunto se va a complicar, más cuando aparezca una peligrosa conexión con un Cártel de la droga en México.
    "El infiltrado" es una clásica película de acción, con sus peleas, persecuciones y disparos, sin caracteres que se destaquen, algunos estereotipos y un buen ritmo, que la transforman en ese tipo de entretenimiento que muchos buscan como pasatiempo liviano.

    A lo dicho se suman las correctas actuaciones de Dwayne Johnson (John Matthews), con un despliegue físico envidiable, Barry Pepper como el agente Cooper y Susan Sarandon en el papel de la fiscal Joanne Keeghan.
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  • El conjuro
    El conjuro
    La Prensa
    Más que fantasmas acosadores

    La película entretiene, tiene muy buenos efectos especiales y todo es creíble y da miedo, hasta que comienza a mostrar las posibles caras de los espíritus. Y como siempre, lo no escondido, por más feo que sea, no asusta.

    Ambientada en la década de 1970, el filme tiene por protagonistas a la familia que conforman Carolyn (Lili Taylor) y Roger Perron (Ron Livingston) y sus cinco pequeñas hijas, los que necesitaban una casa grande y por fin se les presentó una buena oportunidad. Carolyn, la madre pensó que esa casa amplia, con sótano, jardín y cercana a un lago con amarradero, en las afueras de Rhode Island, era el lugar ideal.

    El asunto empezó con el juego de las escondidas. La misma Carolyn (Lili Taylor) quería entretener a la más pequeña y acordaron como consigna, dos aplausos cuando estuvieran cerca para identificarse. Jugaron un rato largo, hasta que Carolyn sintió que los aplausos venían del fondo de un placard, cuya puerta empezó a abrirse.

    Cuando se acercó, sintió una respiración fuerte, esperó un rato, pero algo no le gustó, se quitó la venda y no vio a la niña. Poco después Christine (Joey King), su hija menor le dijo que había ido un rato a otra habitacion y dejado el juego. ¿Quién había abierto la puerta, quién suspiraba?. Estas y otras preguntas no tendrían respuesta por un largo tiempo y en la casa se sucedieron extrañas situaciones. Olores raros a la noche, sensaciones de presencias fantasmáticas, súbita caída de todos los retratos, pies apretados por la noche.

    AUXILIO EXPERTO
    Fue entonces que Carolyn decidió recurrir a los Warren. Lo que vino después fue el horror.

    El filme está basado en hechos reales que forman parte de los archivos de dos especialistas en fenómenos paranormales: Lorraine Warren y su marido Ed, ya fallecido.

    En la actualidad Lorraine Warren se dedica a cazar fantasmas, es demonóloga. Muchos no creen en estos especialistas, pero otros sí los apoyan. Lo cierto es que estos expertos son capaces de detectar espíritus, demonios, o almas en pena, en casas de las que se dice están embrujadas.

    "El conjuro" está hecha por un especialista en filmes de terror, el malayo australiano James Wan, del que previamente se había visto "El juego del miedo".

    Su película entretiene, tiene muy buenos efectos especiales y todo es creíble y da miedo, hasta que comienza a mostrar las posibles caras de los espíritus. Y como siempre, lo no escondido, por más feo que sea, no asusta.

    Muy bien Vera Farmiga, que hace de Lorraine Warren, en la ficción de esta historia. Buena actuación de Lili Taylor (Carolyn Perron), la madre, junto a un grupo de pequeñas actrices, entre las que se destaca Joey King, en el papel de Christine, la hija menor.
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  • Renoir
    Renoir
    La Prensa
    El artista y su última modelo

    La película de Gilles Bourdos es tradicional, exquisitamente sensual (un verdadero homenaje al pintor francés a través de la fotografía del taiwanés Ping Bing Lee), en la que se disfrutan los colores, la atmósfera mediterránea, la armonía de la naturaleza y el mar. Pero no pasa lo mismo con el guión un tanto líneal, o los diálogos en los que se involucran las relaciones familiares y ciertas reflexiones sobre el arte.

    El filme está basado en "Le tableau amoureux" (2003), novela biográfica escrita por Jacques Renoir, fotógrafo y periodista, bisnieto de Pierre-Auguste Renoir.

    La película dirigida por Gilles Bourdos se desarrolla en 1915. Estamos en la Riviera Francesa, en una casa cerca del mar, donde Pierre-Auguste Renoir (Michel Bouquet), uno de los grandes impresionistas franceses, ya afectado por una severa artritis, pasa sus últimos cuatro años de vida intentando darle forma a sus últimos cuadros. Viudo y ya anciano para la época, conocerá a una joven pelirroja de increíble vitalidad, Andrée Heuschling (Christa Theret), que se convertirá en su modelo y de alguna manera revitalizará su manera de pintar y sentir.

    La reaparición de su segundo hijo, Jean (Vincent Rottiers), combatiente durante la Primera Guerra, de la que emerge escéptico y con problemas de salud, moviliza la relación entre los tres personajes.

    La efervescente pelirroja será la amante del hijo y su esposa a la muerte del viejo pintor, haciéndose llamar más tarde Catherine Heuschling y convirtiéndose en la musa inspiradora en la carrera fílmica de Jean Renoir, el creador de "La carroza de oro".

    HOMENAJE SENSUAL
    La película de Gilles Bourdos es tradicional, exquisitamente sensual (un verdadero homenaje al pintor francés a través de la fotografía del taiwanés Ping Bing Lee), en la que se disfrutan los colores, la atmósfera mediterránea, la armonía de la naturaleza y el mar. Pero no pasa lo mismo con el guión un tanto líneal, o los diálogos en los que se involucran las relaciones familiares y ciertas reflexiones sobre el arte.

    Christa Theret como Andrée Heuschling, la modelo inspiradora de dos generaciones, es la protagonista de los muchos desnudos que Renoir prefirió, más cercanos a los clásicos renacentistas y barrocos; mientras Michel Bouquet le da autoridad y bonhomía al personaje del anciano pintor.

    Bouquet, está indisolublemente ligado a la historia del cine francés a través de clásicos como "Manon" de Henri-Georges Clouzot, o la inolvidable "Todas las mañanas del mundo" de Alain Corneau, en la que sí se unía con profundidad, la reflexión sobre la obra de arte y la riqueza visual con las singulares relaciones de famosos violonchelistas del siglo XVII.

    La música de Alexandre Desplat acompaña muy bien esta nueva película sobre el histórico Pierre-Auguste Renoir.
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  • Red 2
    Red 2
    La Prensa
    Otra vuelta a la Guerra Fría

    Con "Red 2" vuelve la etapa de la Guerra Fría, la Unión Soviética y los peligros nucleares. El filme retoma la premisa del cómic americano en el que fue creado, dentro de una de las tantas compañías de historietas, que maneja a otros superhéroes como Batman, Superman, o la Mujer maravilla.

    El tiempo pasa, lo que fue acción deviene costumbre y la vida que uno pensó tranquila y feliz se vuelve monótona y con recuerdos de épocas mejores. Eso parece pasarle al ex espía Frank Moses (a cargo del inefable Bruce Willis), que ahora encuentra más atractivo recorrer un supermercado que enfrentarse a potenciales enemigos.

    Hasta su novia Sarah (Mary-Louis Parker), parece estar desencantada y con anhelos de los viejos tiempos de acción. Y la acción llega en la persona de Marvin Boggs (John Malkovich), un viejo amigo y una nueva misión a cumplir, llamada Nightsmade.

    VIEJOS TIEMPOS
    Con "Red 2" vuelve la etapa de la Guerra Fría, la Unión Soviética y los peligros nucleares. Para complicar el asunto hay un hombre oriental, conocido como Han Cho Bai (Byung-hun Lee) que puso a Frank Moses en la mira; Victoria (Helen Mirren), una asesina que le sigue el rastro y es una suerte de vampiresa a lo Morticia; Katja (Catherine Zeta-Jones), una ex novia rusa, que reaparece como un engranaje más del plan y Bailey, un científico medio desequilibrado.

    "Red 2", secuela de la primera de la serie, retoma la premisa del cómic americano en el que fue creado, dentro de una de las tantas compañías de historietas, que maneja a otros superhéroes como Batman, Superman, o la Mujer maravilla. Con su carga de humor ingenuo, mucha acción y violencia, tramas imposibles, viajes por París, Moscú y Londres, la película sin duda resultará atractiva para los seguidores de los cómics y en especial a los adolescentes.
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  • Vino para robar
    Dos ladrones de guante blanco

    "Vino para robar", el filme de suspenso contado por Ariel Winograd forma parte de esa deliciosa lista de thrillers argentinos de élite como "Perdido por perdido" de Alberto Lecchi, o "Nueve reinas", la inolvidable película del fallecido Fabián Bielinsky.

    Nuevamente el realizador de "Cara de queso", aquélla de las locuras de un grupo de chicos en un country, lanza su mirada burlona sobre un robo diferente, el de un famoso vino de genealogía exquisita.

    No hace mucho, vinos y licores de óptima calidad fueron robados de una de las bodegas más importantes de Mendoza, provincia en la que está filmada esta comedia. A esto se sumó la muy reciente subasta francesa de una parte de su patrimonio etílico, perteneciente a una colección iniciada hace más de sesenta y cinco años atrás.

    "Vino para robar", el filme de suspenso contado por Ariel Winograd forma parte de esa deliciosa lista de thrillers argentinos de élite como "Perdido por perdido" de Alberto Lecchi, o "Nueve reinas", la inolvidable película del fallecido Fabián Bielinsky.

    En este filme los sinvergüenzas son: Sebastián (Daniel Hendler), un hombre joven y Natalia (Valeria Bertucelli), quienes fueron pareja, "trabajaron" juntos en negocios "non santos", luego se separaron y se volvieron a unir para dar un golpe maestro. El problema es que uno es más capaz que el otro y la mujer, algo así como la liebre loca de "Alicia en el país de las maravillas", es capaz de hacer los disparates más insólitos, o desaparecer sin dejar rastros.

    MISTERIO Y HUMOR
    Como en sus películas anteriores, Ariel Winograd cuenta con un excelente guión que recuerda a "Marnie", uno de los filmes de Alfred Hitchcock, el maestro del suspenso, con toques a lo James Bond y cierta elegancia y encanto de las comedias de William Wyler.

    Las locaciones mendocinas, las bodegas del Valle de Uco, los grandes hoteles, bancos importantes, los vernissages, se mezclan para aportarle a la historia un aire refinado y de despreocupación, característicos de las producciones de este director argentino.

    Valeria Bertucelli, en el papel de Natalia, muestra que todo personaje le es posible, en cuanto a Daniel Hendler (Sebastián), parece levemente más expresivo que de costumbre, divertido resulta Martín Piroyansky, en el papel de Chucho, experto en computadoras y como uno de los personajes malvados, aparece Juan Leyrado, como Basile, un bodeguero, que se dedica a negocios sucios.
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  • Los Pitufos 2
    Los Pitufos 2
    La Prensa
    Aventuras con París de fondo

    Secuela de la exitosa película anterior, "Los Pitufos 2" está basada en el cómic del belga Pierre Culliford y gira en torno a la presencia de la encantadora Pitufina. La película tiene un excelente nivel técnico y muy buenos efectos especiales sobre París. Especialmente dirigido a los más chicos de la familia, también podrá ser visto con placer por los más grandes.

    Secuela de la exitosa película anterior, "Los Pitufos 2" está basada en el cómic del belga Pierre Culliford, conocido como Peyo y gira en torno a la presencia de la encantadora Pitufina. La pequeña de color azul es casi un mito para los pequeños Pitufos, porque su historia se cuenta en los libros y sus aventuras van de boca en boca.

    Todos hablan de sus preocupantes orígenes, como creación del mago Gargamel, que la quiere usar para apoderarse de la mágica esencia azul de los hermanos Pitufos, fuente de energía para cualquier actividad.

    Pitufina, la de la cuidada cabellera, sigue teniendo problemas de identidad, a pesar de que su padre adoptivo la cuida y protege. Mientras el antipático de Gargamel, se está presentando en la Opera de París, mostrando sus últimas proezas, siempre acompañado de su gato hablador. La última creación del hechicero Gargamel son dos Pitufos blancos, Vexy y Hackus, con los que piensa engañar a Pitufina, apoderarse de ella y conocer la fórmula del codiciado "azul".

    ACTORES Y DUENDES
    "Los Pitufos 2" está dirigido por Raja Gosnell, el mismo de "Mujer bonita", e incluye una animación clásica que se completa con actores de carne y hueso y no presenta mayores innovaciones respecto de la primera de la serie.
    En esta segunda parte de la saga de los duendes azules, su protagonista es la dulce Pitufina, de encantadores zapatos y rubia cabellera.

    La película tiene un excelente nivel técnico y muy buenos efectos especiales sobre París (la "Vuelta al mundo", los fuegos artificiales, la iluminación de los edificios), sumados a los atractivos balbuceos del gato. Hay una nostálgica evocación de Audrey Hepburn para los memoriosos y se enfatiza el mensaje de que no importa el origen de cada uno, sino lo que se decida hacer individualmente.

    Un tanto extensa, pero con buen ritmo es un filme especialmente dirigido a los más chicos de la familia, que podrá ser visto con placer por los más grandes.
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  • Wolverine: inmortal
    Avatares de ninjas y yakuzas

    Con excelentes efectos especiales, "Wolverine: inmortal" incluye espectaculares persecuciones y peleas en el final (más la inicial en los techos del tren bala) y hasta deportivos parkours (saltos en el vacio de un techo a otro) por todo tipo de pagoda que se presente, lo que permite mostrar la elasticidad de Logan (Hugh Jackman) y sus enemigos.

    Prolongación de la saga marvelliana de Los "X-Men", el superhéroe de las garras retráctiles, Logan o Wolverine (Hugh Jackman), entre nosotros, es presentado en este filme en medio de la catástrofe de Nagasaki, donde ayuda a un soldado oriental y le salva la vida.

    Años después, Logan al que se ve barbudo y con la sola amistad de un buen oso salvaje, se ha convertido en un peleador y siempre demandando justicia, se enfrenta con cazadores furtivos y en la taberna donde ocurre el incidente es encontrado por Yukio (Rita Fukushima), una encantadora pelirroja de ojos rasgados, que le cuenta es la mensajera del soldado al que ayudó. La chica le pide, en su nombre, que vaya a Japón, donde el hombre ya enfermo, le hará un regalo importante. Parece que el soldado es ahora un ejecutivo prestigioso.

    SECRETOS DE SANGRE
    Ya en Japón, Wolverine, que llega con Yukio, la chica pelirroja, es recibido por la mafia de la yakuza. En Japón encontrará de todo. Un posible amor, un viejo amigo-enemigo y el secreto mundo ninja, más la parafernalia de las artes marciales a puro chicotazo, patada y arquería.

    Esta "Wolverine: inmortal" es por momentos una sobria producción, en la que el drama familiar tiene puntos de contacto con filmes como "El Padrino", o "Blade Runner" y cierta melancolía a lo Takeshi Kitano. Hay secretos familiares, hijos no queridos, problemas de genes, prometidos molestos y chicas de ojos rasgados que llevan tan bien kimono y gueta (típico calzado japonés), como flechas y arcos medievales.

    SOMBRAS CHINESCAS
    La película abunda en novedades, desde los añorados ninjas, siempre apareciendo detrás de algo, o como sombras "chinas". Hasta mutantes esculturales de lengua mortal (y no es una metáfora), el caso de Viper, encarnada por una insinuante rubia, muy mala, a cargo de la actriz rusa Svetlana Khodchenkova.

    Con excelentes efectos especiales, "Wolverine: inmortal" incluye espectaculares persecuciones y peleas en el final (más la inicial en los techos del tren bala) y hasta deportivos parkours (saltos en el vacio de un techo a otro) por todo tipo de pagoda que se presente, lo que permite mostrar la elasticidad de Logan (Hugh Jackman) y sus enemigos.

    Como buen filme de la dinastía Marvel, en "Wolverine: inmortal" hay un poco de humor, la presencia onírica de Svetlana Khodchenkova, una actriz de "X Men" y hasta un gigantesco Soldado de plata que desafía al querido Hugh Jackman, destinado siempre a sufrir (no olvidar su Jean Valjean en "Los miserables"). En síntesis una producción ideal para seguidores del género.
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  • Ladrona de identidades
    Una usurpación hecha comedia

    Parece que eso de la usurpación de identidades no es solo un mal latinoamericano. En todos lados se cuecen habas y de eso habla esta liviana comedia protagonizada por Melissa McCarthy y Jason Bateman. La película abunda en vulgaridades, estereotipos, situaciones pesadas de fácil resolución, exageraciones y un humor físico sobrealimentado.

    Parece que eso de la usurpación de identidades no es solo un mal latinoamericano. En todos lados se cuecen habas y de eso habla esta liviana comedia protagonizada por Melissa McCarthy y Jason Bateman.

    Dos seres que ni se conocen están destinados a hacerlo de la peor de las maneras. Uno vive en Colorado, la otra en la Florida. Sandy (Jason Bateman) es un clásico señor dedicado a la economía, con familia constituída; Diana (Melissa McCarthy), una ansiosa "gordita", adicta a las compras, especialmente con plata ajena. Y la jugosa tarjeta de crédito de Sandy (Jason Bateman) -que ella le robó, a través de llamarlo un día por teléfono y él desprevenido le pasó sus datos personales- es un desafío hasta este momento inexpugnable.

    Son dos enemigos que, con disparidad de defensas, las legales y de sentido común, permanecen enfrentados ante la ingobernabilidad de la explícita Diana (Melissa McCarthy).

    ENEMIGA FEROZ
    Con "Ladrona de identidades" ocurre algo similar a "Quiero matar a mi jefe", otra película de este director, engancha el comienzo, pero no mantiene el nivel de producción posteriormente. La diferencia principal es que "Quiero matar a mi jefe" era un filme bastante logrado y éste no.

    La película abunda en vulgaridades, estereotipos, situaciones pesadas de fácil resolución, exageraciones y un humor físico sobrealimentado.

    Este filme dirigido por Seth Gordon cuenta con el protagonismo de la divertida Melissa Mc Carthy, una de las damas de honor de "La boda de mi mejor amiga", que se mete en el bolsillo la historia. Jason Bateman mantiene una línea bastante insípida. Génesis Rodríguez, la hija del Puma Rodriguez, forma parte del equipo de actores -en este caso como parte de un grupo mafioso-, luego de iniciar su carrera en conocidas telenovelas latinoamericanas.
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  • Lunas cautivas
    El poder que tiene la palabra

    El filme de la realizadora Marcia Paradiso fue rodado en la Unidad Penitenciaria Nº 31, de Ezeiza, en la que se encuentran privadas de la libertad alrededor de 200 mujeres. Presenta a tres mujeres jóvenes y sus historias, que tienen un denominador común: el anhelo de recuperar la libertad.

    El filme de la realizadora Marcia Paradiso fue rodado en la Unidad Penitenciaria Nº 31, de Ezeiza, en la que se encuentran privadas de la libertad alrededor de doscientas mujeres.

    En ese lugar en el que nada parece ser posible, existe un espacio para el arte, para el sentimiento. Y aunque cueste creerlo, el final de este documental hace sonreír, porque muestra que todo puede ser posible (para bien).

    "Lunas cautivas..." presenta a tres mujeres jóvenes y sus historias. Una es extranjera con hijos que extraña, otra tiene una bebé que nació en el penal y está a su lado, la otra se prepara para presentar su primer libro de poemas.

    Ellas se reúnen con el mate como centro y las palabras como juego interminable. Hacer poesía, o intentar hacerlo, permite que las emociones encuentren un cauce, surjan sentimientos encontrados y eso es posible a través de este taller de terapia a domicilio.

    SALIR A LA LUZ
    Todas anhelan la libertad como lo dice la que está cerca de abandonar el penal. "Deseando salir a la luz en primavera", cuentan los versos de una. "Quisiera conocer el mar", reflexiona otra. Todas expresan deseos que salen a la luz, dudas.

    Marcia Paradiso, la directora cuenta con frescura y pureza el desarrollo de este taller de poesía que María Medrano y Claudia Prado desarrollan en la Unidad 31, de Ezeiza junto con otro dedicado a la fotografía. Con justos estímulos, el disparador de una frase de un poeta, la continuación de un poema, el recorte de palabras y su ordenación, son parte de los resultados que se obtienen y provocan satisfacción entre esas mujeres privadas de su libertad.

    Las docentes cumplen su tarea de motorizar la acción, la escritura. Arrojan a sus "chicas" pequeños salvavidas, que cada una abaraja a su manera.

    SABER ENCONTRARSE
    "Ahora soy sólo quien espera. Yo no fui, ni he sido, pero siento que ya no seré", son parte de unos versos que tendrán luego una optimista modificación final.

    Estas son mujeres que tejen palabras, arman el juego de la vida futura, silabean el pasado. Pocas veces resulta tan claro el sentido del poder transformador del arte, que logra arrancarles una sonrisa y algunas de las pocas certezas a ese grupo de mujeres, que la directora Marcia Paradiso filma con un estilo libre, espontáneo.

    La realizadora va armando el rompecabezas de cada historia, sin aludir a las motivaciones que llevaron a estas mujeres a la cárcel. La cámara registra la gratificación que sienten esas mujeres al poder crear, desahogarse, publicar un libro, o armar una editorial, que les posibilita encontrar un nuevo y profundo sentido a la vida.
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  • Turbo
    Turbo
    La Prensa
    Un competidor para nada lento

    El pobre no sabe que es caracol. Eso es al menos lo que sus congéneres dicen de Turbo, el molusco con pretensiones de bólido que esfuerza el pescuezo y toda su estructura para ir más rápido y pasa las horas encerrado en el garaje, viendo carreras de su ídolo, un supercampeón de las carreras de Indianápolis.

    Hasta Chet, su hermano mayor se preocupa por este aspirante a piloto, que desafía al siniestro dueño del jardín en que los animalitos viven, un "monstruo" de triciclo con aspiraciones de matador serial de todo bicho que se desplaza por el césped. Pero un día el milagro se produce, cuando Turbo escapa una noche y cae en una "picada" de autos sport, donde alguna sustancia con la que entra en contacto transforma el interior de su cuerpo de tal manera que a veces tiene un caparazón fosforescente y otras es capaz de correr a toda máquina.

    Extraña mutación genética que logra que Turbo esté cerca de sus deseos más profundos, el de llegar a competir en la mayor carrera de coches de los Estados Unidos y conocer a su admirado piloto y quién sabe, hasta ganar.

    CUMPLIR LOS SUEÑOS

    David Soren, el director de "Madagascar 2" muestra otra vez una graciosa historia de animales. Y esta vez se ocupa de estos antihéroes silenciosos y discretos que se agrupan en el jardín y tienen como mayor terror la presencia de cuervos que asolan su integridad.

    "Turbo" muestra un mundo casi desconocido, el de estos moluscos que ni siquiera se han convertido en mascotas y sólo alcanzaron cierta fama cuando la señora de la novela negra Patricia Higsmith dijo que eran su compañía predilecta, junto con los gatos y los hizo participar en algunos de sus cuentos.

    Claro que Turbo no es este tipo de caracol, porque se supone que un preferido de una escritora "negra", es un molusco bastante retorcido. Nada parecido a este dulce ser que hace cumplir el sueño del triunfo de cualquier pequeño (no hay héroes pequeños) y transmite conceptos como la unión y la amistad.

    Una película para los más chicos con algunas escenas vibrantes como la carrera final, algunos personajes risueños como el vendedor de tacos (tortillas mexicanas rellenas) y su familia y los compañeros del jardín. Emoción y buen ritmo son parte de esta producción animada, ideal para llevar a los más chicos al cine.
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  • Metegol
    Metegol
    La Prensa
    El fútbol nacional y popular

    La película muestra una pequeña gran historia que significa mucho para los argentinos y que por esa misma autenticidad local, puede convertirse en un merecido éxito internacional.

    Este primer filme animado de Juan José Campanella ("El secreto de sus ojos", "Luna de Avellaneda"), le demandó cinco años de trabajo, muchos colaboradores y veinte millones de dólares de inversión.

    Partiendo de un viejo bar, que bien podría estar ubicado en cualquier barrio de Buenos Aires, o en una pequeña ciudad del interior, entre el clásico mozo gallego que atiende las mesas, los jubilados de siempre y el chico prendido al juego de metegol, se inicia la historia de una pasión futbolera, que arrimada al surgimiento del primer amor, es capaz de cambiar la realidad y hacer posible lo imposible.

    Desde que uno observa al bueno de Amadeo, el protagonista, los muchachos de la barra de la esquina que le disputan la atención y la efímera victoria ante los concurrentes del bar, se intuye la venganza de los valientes en grupo.

    EL VISITANTE

    El futuro tiene la cara de Grosso, un muchacho que regresa al barrio, convertido en millonario crack de fútbol y su representante, dispuestos a arrasar el pueblo y convertirlo en un shopping temático de fuegos artificiales.
    Lo que Grosso no sabe es que Amadeo y su amiga Laura, con sus animados muñecos de metegol, van a disputarle el mundo en un torneo de fútbol.

    Con "Metegol", que recuerda a "Luna de Avellaneda", uno de sus filmes anteriores, Campanella retoma algunas de las constantes de su cine: la ilusión del barrio de la infancia, la conservación de la identidad, la ayuda de los más pequeños que luego van a resultar los más fuertes, personajes del metegol y antihéroes barriales metidos a jugadores de primera. El Bien y el Mal representados en la cancha de la vida, en la que conviven la demagogia del villano y la picardía de los jugadores del "picado" del potrero.

    CANCHA DE VIDA

    A esa caja de sorpresas de los jugadores de metegol, representantes de variantes porteñas tan risueñas como el filósofo de barrio, metafísico y sideral (impagable el personaje de Loco); Beto, el narcisista que habla de sí mismo en tercera persona; Capi, el ingenuo que repite manifestaciones de la fe como si fueran fetiches efectivos, se les une el equipo barrial, donde se pueden reconocer homenajes a pintorescos personajes de nuestra ciudad como "la Raulito", disfrazada de hombre y luciendo la querida camiseta de una pasión nacional.

    "Metegol" sorprende por su perfección formal, la soltura gestual de sus personajes, la calidez de su expresividad, la verosimilitud del habla porteña, en el caso de Amadeo y la perfección de las voces. A esto se suma un acierto que enmarca la película, la parodia a "2001, Odisea del espacio", de Stanley Kubrick en el comienzo, como mitológico origen simiesco del fútbol y el estelar partido final.

    "Metegol", junto con "Anima Buenos Aires", otra destacable película de animación argentina, que trabaja también con la melancolía y la identidad nacional, pueden considerarse pioneras de un formato inédito, algo así como un cine social de animación.

    La película muestra una pequeña gran historia que significa mucho para los argentinos y que por esa misma autenticidad local, puede convertirse en un merecido éxito internacional.
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  • El llanero solitario
    Correrías en el Lejano Oeste

    Es un película de acción, entretenida y bastante violenta. Armie Hammer, el actor principal, a cargo del papel del enmascarado, se desvanece ante el carisma de Johnny Depp y su nativo siempre al borde del estereotipo.

    El personaje de ‘El Llanero Solitario’ es uno de los más populares como figura del Oeste americano y data de los años ‘30, cuando fue creado por Fran Striker y Georg Trendl. El primero, escritor y locutor; el segundo, importante productor de radio y televisión. Su unión para la creación del personaje, tuvo por resultado un increíble éxito que perdura desde hace más de ochenta años en todos los medios audiovisuales.

    PIEZA DE MUSEO
    En este caso, el director Goran Verbinski (‘Piratas del Caribe’) logra dar una impronta diferente a la historia del enmascarado. En realidad el filme otorga una importancia notable al personaje nativo de Toro, también conocido como Tonto, a cargo de una abrumadora actuación de Johnny Depp, que opaca a los demás personajes.

    El filme comienza en una época actual, en un museo, donde Toro, el indio amigo de El Llanero, pasa sus días ya convertido en una estatua para visión de los visitantes. Un guiño del indio a un pequeño concurrente es el primer paso para el comienzo de estas nuevas aventuras.

    A lo largo de la historia del indio comanche nos enteramos sobre cómo se conocieron el abogado John Reid (convertido luego en El llanero solitario) y Toro, la lucha de ambos por objetivos más o menos comunes, como el odio al maldito Butch Cavendish (William Fichtner) y secuencias de la vida de un pueblo en 1869, cuando se construían las vías del ferrocarril en el Lejano Oeste, con gran presencia de inmigrantes chinos y los ataques de indios, maleantes y cuatreros eran una realidad. El amor no tiene demasiada presencia en el filme y sí la acción, las persecusiones y los desastres con los que debe convivir un pueblo que se inicia en tan desérticas zonas.

    BIENVENIDOS AL TREN
    ‘El Llanero Solitario’ es un película de acción, entretenida y bastante violenta. Se ve con una sonrisa cuando aparece Johnny Depp (Toro) y las chicas del salón, especialmente Red Harrington (Helena Bonham Carter) y su pierna ortopédica, y hay una muy buena reconstrucción de época. El comienzo y el final son impresionantes, con escenas de persecución que siempre giran alrededor de la figura del tren.

    Es verdad que Armie Hammer, el actor principal, a cargo del papel del enmascarado, se desvanece ante el carisma de Johnny Depp y su nativo siempre al borde del estereotipo. Pero también hay un malo Butch Cavendish (William Fichtner) que recuerda al temible Hannibal Lecter (‘El silencio de los inocentes’). En cuanto a las impresionantes locaciones (la mayoría en Albuquerque, México), los buenos efectos especiales, la fotografía y la música complementan esta atractiva película, que los más veteranos definen como ‘del Oeste’.
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  • Mi villano favorito 2
    Gru debe seguir siendo malo

    Gru está dulcificado. Ese aire diabólico tan atractivo de ‘Mi villano favorito’ inicial, sólo se mantiene en algunos estallidos de violencia. La factura técnica de la película es impecable, tiene abundantes efectos especiales, buen ritmo, disparatadas pero deliciosas actitudes de sus personajes, gran protagonismo de los ‘minions’ y el encanto adicional de las huérfanas.

    Nuevamente Gru, el villano parecido al Acertijo (de la saga de Batman), que conocimos en el filme anterior, de gran éxito comercial, es el protagonista de esta segunda parte. En la actual Gru se convirtió en un ex villano, dedicado a ser padre de las tres pequeñas huérfanas, Margo, Edith y Agnes, pero la tranquilidad del hogar se ve alterada cuando lo convoca la Liga Antivillanos, para introducirlo nuevamente en el oscuro submundo, en el que trabaja una organización criminal que aspira a apropiarse del universo. En realidad, Gru quiere estar tranquilo, pero justo se le va su amigo el doctor Nefario y llega este pedido. Y en forma particularmente insistente, representado por la pelirroja Lucy, eficiente colaboradora de la Liga.

    HEROE DULCIFICADO
    Gru deberá acceder y fielmente acompañado por sus amigos los ‘minions’, tan amarillos y locos como siempre, comenzará una aventura llena de imprevistos y obstáculos.

    Lo que notamos en este segunda película animada, es que Gru está dulcificado. Ese aire diabólico tan atractivo de ‘Mi villano favorito’ inicial, sólo se mantiene en algunos estallidos de violencia. Su ingreso a la civilidad olvidó la Luna como trofeo (que tenía pensado robar en la película anterior), aceptó el ingreso a un restaurante temático y a publicitar de alguna manera los nachos (tortilla mexicana) como un atractivo alimento para ahogar penas.
    Como compensación, atisbamos algún flash al pasado en el que descubrimos a Gru niño, víctima del ‘bullying’ (acoso infantil) y aún presa fácil de la depresión, la que no le permite atreverse a iniciar un romance con la singular Lucy.

    POSIBLE ROMANCE
    La factura técnica de la película es impecable, tiene abundantes efectos especiales, buen ritmo, disparatadas pero deliciosas actitudes de sus personajes, gran protagonismo de los ‘minions’ y un detalle que se intensifica en las producciones para chicos, la constante alusión a éxitos televisivos pasados y las referencias musicales netamente orientadas a padres, tíos y abuelos de los pequeños asistentes. La secuencia romántica, casi en el final, donde se parodia a películas orientales y animés reconocidos, es un excelente ejemplo de esto.

    Buen humor, no demasiadas novedades y el encanto adicional de las huérfanas, bien ilustrado, en la escena de Gru deseándoles buenas noches a las pequeñas es de una gran ternura. También se muestra una fugaz referencia a la integración sexual, en un diálogo entre Gru y la pequeña Margo.

    Entre los nuevos personajes y en el consabido guiño a México está la presencia de Macho, como otro malvado de potente trazo. En este caso, disfrazado de boxeador enmascarado, tradición muy apreciada por la idiosincrasia azteca.
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  • Paisajes devorados
    A la búsqueda de un personaje

    El hacedor de películas inolvidables como ‘Hombre mirando al sudeste’ y ‘El lado oscuro del corazón’ elige al legendario Fernando Birri y a tres jóvenes -Juan Manuel López Baio, Juan Marcelo Rodrigo Martínez y Araceli Sangronis- para ubicarlos dentro de un falso documental. Se habla mucho de cine, de la vida, de su significación, de la necesidad de filmar, de esa constante de modifIcar el tiempo y engañar la muerte, como decía Adolfo Bioy Casares.

    El director de películas inolvidables como ‘Hombre mirando al sudeste’, ‘El lado oscuro del corazón’, Eliseo Subiela elige al legendario Fernando Birri y a tres jóvenes -Juan Manuel López Baio, Juan Marcelo Rodrigo Martínez y Araceli Sangronis- para ubicarlos dentro de un falso documental.

    Los jóvenes van a un neuropsiquiátrico, con la intención de encontrar un personaje para su documental y Remoro Barroso (Fernando Birri), uno de los internos, que habría sido director de cine, parece reunir todas las condiciones para lo que buscan. Mientras tiene lugar la filmación, el hombre se gana la simpatía de los muchachos, especialmente de la chica.

    Poco después cuando los estudiantes descubren a través de una búsqueda en Internet, que Remoro, podría ser un tal Mario Gerding -cuyas fotos en unos recortes de diario que aparecen en la web, son iguales a él-, que filmó en los ’60 y participó como ayudante de importantes directores, tuvo una misteriosa muerte en su pasado y una vida familiar complicada, la película pareciera abrir nuevas perspectivas, sin embargo se mantiene en la misma línea.

    JUEGOS DEL TIEMPO
    En ‘Paisajes devorados’ se habla mucho de cine, de la vida, de su significación, de la necesidad de filmar, de esa constante de modifIcar el tiempo y engañar la muerte, como decía Adolfo Bioy Casares. El problema es que la frescura que suponíamos en una historia de estas características, se ve inundada de citas, elucubraciones sobre la vida y el arte, pero no de una forma coloquial sino bastante artificiosa y levemente dogmática.

    Algunas imágenes filmadas en el hospital Borda adquieren cierto poder de sugestión y recuerdan escenas de ‘Hombre mirando el sudeste’. También se incorporan personajes conocidos en el ambiente cinematográfico como en un pequeño cameo, Marcela Cassinelli, la mujer del recientemente fallecido director de la Fundación de la Cinemateca Argentina, Guillermo Fernández Jurado, como la esposa del misterioso Remoro Barroso (Fernando Birri).

    También la mencionada Fundación Cinemateca fue elegida como locación de esta película, que no alcanza a convertirse en un filme logrado. Eso sí, la grata presencia de una personalidad del cine independiente, como es el director de ‘Tire dié’ (1960), Fernando Birri, en el papel de Remoro Barroso, logra atraer al espectador con su decir picaresco y su presencia patriarcal.
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  • Antes de la medianoche
    Una pareja auténtica y actual

    El romance comenzó hace dieciocho años, con un muchacho que se llamaba Jesse (Ethan Hawke), como el hampón bromeaba su pareja entonces, y una chica de nombre Céline (Julie Delpy). Fue en un tren y entonces se dieron cuenta que su relación podía ser posible y se citaron para un tiempo después. Eso ocurrió en el primer filme "Antes del amanecer".

    En la segunda película "Antes del atardecer", él es un escritor exitoso, casado y con un hijo y ella una ambientalista practicante. La atracción continúa, pero siguen enfrentándose por el choque del racionalismo de él y cierta ingenuidad y apego por las cosas poco pragmáticas de ella. Y ahora aparece "Antes de medianoche" y uno se pregunta ¿seguirán separados y amándose?, ¿qué pasó con esa historia de amor trunco? Y la respuesta viene enseguida. Sí, se casaron, tienen dos lindas chicas gemelas, Ella (Jennifer Prior) y Nina (Charlotte Prior) y veranean en Grecia.

    PALABRA CONFIADA
    Por lo que vemos se siguen amando y siguen discutiendo, parecen confiar en el poder de la palabra para solucionar sus historias y eso también los mantiene unidos, más allá de los cuerpos. El poder de las palabras, de intercambiar, de compartir, de disentir y de arrepentirse.

    Como decíamos en la primera de la saga del director Richard Linklater, ésta es una road-movie de los sentimientos, de la vida misma. Del tiempo que pasa y cómo una pareja ante el cambio de circunstancias, de personajes, de sus historias, son capaces de mutar, de ir para atrás para entrar de nuevo de otra manera y hasta de arrepentirse.

    Aunque la palabra gana a la imagen especialmente en la primera parte, ciertos momentos vinculados a la observación de un paisaje compartido, dicen más de mil palabras, intensificando las imágenes.

    EN LA REALIDAD
    Muy Woody Allen en sus ricos diálogos, con intensidad e inteligencia, esta maravillosa pareja nunca perfecta y por eso tan real, analiza lo que fue su relación, lo que hubiera podido ser y esto que sucede ahora y los enfrenta.

    Cierto choque comunicacional derivado fundamentalmente de esa brecha masculino-femenino que

    permanentemente los enfrenta.
    Inteligente y melancólica, realista y espiritual, con una confluencia musical que enriquece como en los filmes anteriores, "Antes de la medianoche" logra la pareja ideal tanto física como espiritualmente y por fin Julie Delpy (Céline) y Ethan Hawke (Jesse) se muestran tan expresivos uno como el otro y sin desniveles.
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  • Monsters University
    La amistad y la competencia

    Esta Universidad de los monstruos muestra cómo se "formaron" o "deformaron" Mike y Sulley, aquellos personajes que conocimos en la anterior película "Monsters. Inc." (2001), en la que se mostraba a una empresa que reclutaba asustadores profesionales.

    Mike es un susto él solo, su cuerpo es de color verde, con patas y tiene un solo ojo -como si fuera un cíclope-. Mientras Sulley se parece a un orangután, es muy alto y su pelo es azul. Luego de que Mike decide proponerse ser el mejor asustador de la zona, se dedica a trabajar frente al espejo y un buen día logra ingresar a la Monsters University (MU), en la que sus alumnos se preparan para ser los mejores asustadores.

    Toda la parafernalia de la universidad, desfila frente a los nuevos. Ahí están los que serán famosos y los que nunca podrán asustar a nadie. Mike Wazowski, se siente orgulloso de ser un universitario y espera estudiar lo suficiente para llegar a convertirse en el mejor de su clase.

    EL COMPAÑERO DE CUARTO

    Su compañero de cuarto, es todo lo contrario, es vago y aprovechador. Se llama Sulley y opina que Mickey no logrará nada, porque no tiene el talento innato del que dispone él, que es un "buen asustador".

    Pero Mike persiste y logra ingresar a uno de los clubes universitarios, para los menos populares, pero al menos le permite tener un respaldo para cualquier competencia.

    Mike lucha y estudia en esa Universidad, en la que Hardscrabble, la decana, que hace estremecer a los alumnos con su sola presencia, desconfía de sus condiciones. Y a pesar de la confianza que Mike depositó en él mismo, no puede imaginar las aventuras que le aguardan en su dura lucha para convertirse en un asustador de primera línea.

    Dan Scanlon, que participó en los argumentos de "Cars" y "Toy Story 3", le aporta capacidad de síntesis y un ritmo envidiable a este relato.

    UN "NERD" INGENUO

    ¿Qué es lo que atrae especialmente en "Monsters University"? El original diseño de sus personajes, en el que Mike resulta algo terrorífico y Sulley, se convierte en el más simpático. Pero lo horrible de la figura de Mike, se compensa con esa sensación que transmite de un "nerd" ingenuo y aventurero.

    El resto de la fauna universitaria resulta desopilante, tanto por la apariencia física, como por las actitudes disparatadas de las que son protagonistas. Claro que si hay un persona terrorífica dentro de esta entretenida "fauna" universitaria, es Hardscrabble, la decana, mezcla de murciélago y gusano, muy alto y esbelto, con un vozarrón temible, que le es prestado nada menos que por la admirada Helen Mirren.

    Con un clima de bullicio e ironía, el filme tiene un encanto especial, que se impone a través de la simpatía que transmiten sus personajes, aunque carece del ingenio de la mencionada "Monsters Inc.". Mensajes como la necesidad de estudiar para mejorar, la importancia de la amistad, la observación que se hace de los alumnos y aspectos como el "bullying" (maltrato escolar), o las presiones generales, que se reciben en cualquier casa de estudios, son temas de esta película que merece verse.
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  • Guerra Mundial Z
    Una nueva pandemia de zombies

    Gerry Lane (Brad Pitt), un investigador de la Organización de las Naciones Unidas (ONU), deberá enfrentar una increíble pandemia que se extiende por el mundo. Un virus está convirtiendo a los humanos en seres monstruosos, suerte de zombies, muertos resucitados y amantes de la carne humana.

    Lane es llamado para recorrer puntos estratégicos, detener el horror y lograr alguna vacuna, que, de alguna manera, ponga a salvo a la humanidad.

    El investigador partirá con Karin (Mireille Enos), su mujer y sus dos hijas, Constance (Sterling Jenins) y Rachel (Abigail Hargrove) y su primer refugio será un portaviones, en medio del océano, luego vendrá Corea del Norte e Israel.

    La película está inspirada en el libro "Guerra mundial Z. Una historia oral de la guerra zombie", del joven escritor Max Brooks, hijo del humorista, actor y director Mel Brooks y la desaparecida Anne Bancroft, que ha tenido un pronunciado éxito en los Estados Unidos. Esta versión fílmica bastante libre descarta el lugar de origen del virus, China, y remite la expansión de la plaga a partir del tráfico clandestino de órganos.

    EL DISEÑO VISUAL

    El filme tiene un impactante diseño visual, variedad de efectos especiales y algunas escenas francamente impactantes, como la de la escalada al portal construído por Israel para impedir el paso de los monstruos, suerte de hormiguero humano en alto, de impresionante movimiento y la de la caída del avión.

    El director Marc Forster, el mismo de "007 Quantum of Solace", la película de James Bond, maneja la historia con impecable ritmo y singular manejo de las escenas de masas. Crea una atmósfera verdaderamente terrorífica, rica en planos generales y panorámicas mmultitudinarias. Su thriller muestra un correcto Brad Pitt y dos actrices interesantes, Mireille Enos (Karin) y la israelí Daniella Kertesz (Segen). La película intenta ser una crítica sociopolítica referida a casos de corrupción, relacionados con distintos aspectos gubernamentales.
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  • El hombre de acero
    Superman sigue siendo bueno

    "El hombre de acero" respeta las bases de la historia original, mostrando el nacimiento del superhéroe en un planeta en crisis, llamado Krypton y su envío a la Tierra para salvarlo. El filme de Zack Snyder es rico en efectos visuales y tiene una cuota de sombra y melancolía que puede llegar a desconcertar a los admiradores de Superman, acostumbrados a los brillos y multiplicidad de colores de películas anteriores.

    La figura de Superman nace como cómic de la mano de Jerry Siegel y Joe Shuster. Se crea en 1932 cuando los efectos de la Depresión en los Estados Unidos y el mundo, hacían más necesaria que nunca la existencia de un superhéroe de poderes sobrenaturales, que pudiera ayudar imaginativamente al hombre común, tan maltrado por la economía.

    "El hombre de acero" respeta las bases de la historia original, mostrando el nacimiento del superhéroe en un planeta en crisis, llamado Krypton y su envío a la Tierra para salvarlo. Jor-El (Russell Crowe), el científico, padre del niño, opuesto al régimen vigente en el planeta, sabrá los problemas que tendrá su hijo en esa Tierra lejana, donde con el nombre de Clark Kent/Superman (Henry Cavill) se transformará en un tímido periodista de ambigua vida, que une poderes sobrenaturales y situaciones tan comunes como enamorarse de la encantadora Luisa Lane (Amy Adams).

    CARA DE NIÑO
    El filme de Zack Snyder es rico en efectos visuales, respetuoso de la historia original y tiene una cuota de sombra y melancolía que puede llegar a desconcertar a los admiradores del superhéroe, acostumbrados a los brillos y multiplicidad de colores de películas anteriores. Aunque el diseño se apoya en lo último que puede verse en tecnología digital.

    Este "hombre de acero" puede con todo, es un buen hijo criado en Kansas por Martha (Diane Lane) y Jonathan Kent (Kevin Costner) una pareja de granjeros, sufre la presión adolescente, viaja a la Antártida y se destaca en una guerra multiestelar, donde reaparece el malo muy malo del general Zod (Michael Shannon).

    En cuanto a la labor específica del héroe, ya no es el Santo Grial, o el Vellocino de Oro, sino el codiciado códice que asegura la especie. Abundan los enfrentamientos, el kick boxing, el box, rehabilitando la lucha cuerpo a cuerpo con la nueva imagen del héroe -a cargo de Henry Cavill-, imponente corporalmente, e infantil en cuanto al rostro, en la línea de Christopher Reeve (uno de los primeros actores que asumió el papel del superhéroe), aunque, por ahora bastante inexpresivo.
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  • El gran casamiento
    Una comedia algo superficial

    El argumento de este filme es parecido al de "La jaula de las locas", pero carece del ingenio de aquella obra teatral. Resulta curioso, que este equipo de grandes actores hayan aceptar trabajar en esta comedia.

    El argumento de este filme es parecido al de "La jaula de las locas", pero carece del ingenio de aquella obra teatral. En el caso de la pieza de Jean Poiret, un muchacho en tren de casamiento, quería disimular que su padre vivía con un travesti, para que no alterará la moral tradicional de sus suegros.

    En "El gran casamiento", Alejandro (Ben Barnes), un muchacho que se quiere casar y es hijo adoptivo de Don (Robert De Niro) y Ellie (Diane Keaton), una típica pareja estadounidense, pide a sus padres que oculten su separación, porque Madonna (Patricia Rae), su madre biológica de origen colombiano, vendrá al casamiento y es una mujer muy creyente.

    Pero nada saldrá como esperan. Porque también está Bebe (Susan Sarandon), la mujer actual de Don y los padres de la novia, uno de los cuales tuvo una relación con Ellie. Además, Madonna, la madre biológica de Alejandro, no viene sola y Nuria (Ana Ayora), la chica que la acompaña, que no tiene nada de pudorosa, pondrá en apuros a más de uno.

    LOS AMERICANOS
    Esta comedia superficial, de argumento inverosímil, abundante en clichés, lugares comunes y situaciones poco divertidas, pero que pretenden serlo, tiene un equipo actoral que muchos envidiarían, pero, o Justin Zackham, el director, es un gran negociador y vendedor de fantasías y peces de colores, o hay algún misterio en la aceptación de este elemental producto.

    Hay momentos de sexo de mal gusto, respecto de los inconvenientes por los que atraviesa el futuro marido y cierto racismo en las marcaciones de los personajes latinoamericanos.

    "El gran casamiento" tiene varios minutos de más, el personaje de Don (Robert De Niro), que es un escultor, exhibe todos los defectos que puede tener un hombre que actúa como un "pelele" prejuicioso y las mujeres son presentadas como en una comedia universitaria de "nerds", desvalorizadas, triviales, serviles y tontas. Desde ese punto de vista resulta curioso, que este equipo de grandes actores hayan aceptar trabajar en esta comedia.
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  • La cacería
    La cacería
    La Prensa
    Rumores sumamente peligrosos

    Con delicadeza y gran tacto, el director aborda el tema de la mentira convertida en rumor y las consecuencias de lo que cualquier rumor puede hacer en la vida de una persona. Impecable formal y actoralmente, la película tiene un final discutible, pero es imprescindible para que los adultos mayores la analicen.

    Lucas (Mads Mikkelsen) es maestro de primaria. No está pasando un buen momento. Desocupado, con un trabajo temporario en un colegio infantil de su pueblo, acaba de establecer una nueva relación con una chica extranjera y lucha por ver Marcus (Lasse Fogelstrom), su hijo adolescente.

    Su aguda sensibilidad, quizás vaya en contra para atenuar el dolor del fracaso de la relación y las pocas palabras que imponen su carácter, no es lo mejor para relacionarse con esa pequeña sociedad que habita.

    Estamos en las afuera de Dinamarca, el frío aprieta. La naturaleza involucra a todos los que practican la caza y luego de dedicarse a lo que no consideran cruel (la muerte de animales salvajes) se arrojan al agua helada para atemperar sus rudos caracteres.

    Lucas hace amistad con la hija de su gran amigo Theo (Thomas B Larsen). Clara (Annika Wedderkopp) tiene cinco años, asiste a las continuas peleas de sus padres y carece de comunicación con mayores, demasiado preocupados por sí mismos. Lucas le dedica tiempo y alegría, por eso ella se siente molesta cuando algo parece separarlos. Y arroja una mentira como una botella al mar.

    La encargada del jardin de infantes recoge la mentira, la madre y el padre serán los que se enterarán después y la comunidad al final. La respuesta no se hará esperar y será cruel.

    UN TEMA DIFICIL
    El director de la recordada "La celebración", Thomas Vinterberg, con una mano ideal para tratar asuntos difíciles, elabora una suerte de red que encierra algo tan particular como una mentira. Pero una mentira que puede dañar a muchos y destruir a algunos. Y un pueblo lo cree y se fanatiza. Desde los padres de la pequeña ("Los niños no mienten", dice segura Grethe (Susse Wold), la madre), hasta los que,"por si acaso" comienzan a hacer a un lado al presunto culpable.

    Con delicadeza y gran tacto, el director aborda el tema de la mentira convertida en rumor y las consecuencias de lo que cualquier rumor puede hacer en la vida de una persona.

    Con un argumento similar al que Lilian Hellman planteara en "La hora de los niños", que William Wyler llevara a la pantalla, la película subraya un problema actual que puede destruir la vida de un individuo, o desencadenar un drama y que en varios casos ha causado tragedias que involucraron a personal profesional, no sólo en nuestro país.
    Impecable formal y actoralmente, la película tiene un final discutible, pero es imprescindible para que los adultos mayores la analicen.
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  • Después de la Tierra
    Un padre y su hijo en lucha

    La tierra fue devastada hace mil años y la gente debió emigrar a otro planeta. Allá organizaron una nueva sociedad. Aparecieron los Rangers como defensa y la vida continuó. El general Cypher Raige (Will Smith), justamente un superior de los Rangers, varias veces condecorado por sus acciones, formó su hogar y ahora tiene problemas con Kitai (Jaden Smith), su hijo adolescente que quiere ser un Ranger como él, pero no puede calificarse.
    El chico primero deberá aprender a obedecer, tener conciencia de su responsabilidad y ubicar su incipiente soberbia en los trece años que cumplió.
    Aconsejado por su mujer Faia (Sophie Okonedo), Cypher Raige decide hacer un viaje de conciliación con Kitai. No sabe que su destino va a cambiar una vez más. En una sociedad que valoriza la ciencia y la espiritualidad, la naturaleza con una lluvia de meteoritos va a ser el detonante de un cambio de rumbo en su destino. En pocos minutos Raige resulta gravemente herido y deberá ayudar a su hijo para que encuentre la herramienta imprescindible para poder despegar.

    MONSTRUOS VARIADOS
    Nuevamente la dupla integrada por Will Smith y su hijo Jaden. A los dos los conocimos en "En busca de la felicidad", donde hicieron un buen papel como el hombre que luchaba para sobreponerse a su circunstancia con su pequeño hijo.
    En "Después de la tierra" ambos, padre e hijo tratan de sobreponerse a sus circunstancias en un lugar hostil, la Tierra donde han caído, un lugar que se caracteriza por una evolución que va contra el ser humano. Cypher alentará a su hijo en la búsqueda de la salvación y sus consejos lo van a acompañar en la aventura. El asunto es que las aventuras no son tales, algún que otro monstruo menor, babuinos incluídos, algo desagradables por sus afilados colmillos, pero nada llamativos, ni que despierten demasiada tensión. Algún Ursa que huele el miedo y pajarracos menores. Nada impactante e inmerso en un ritmo sin demasiadas tensiones.
    Filmada en Costa Rica con ciertas escenas que recuerdan a "Oblivion", o imprevistos que levanten la acción, "Después de la tierra" exhibe una cuidada batería de efectos especiales, monstruos que dejan bastante que desear y correctas actuaciones de Will y Jaden Smith (en los papeles de Cypher y Kitai) actores correctos en lo que está ausente la singular magia que los unió en "En busca de la felicidad". Prolija formalmente, con raccontos y reflexiones en off, más un cuidado formal y buen diseño de producción, esta nueva película de M. Night Shyamalan, no logra alcanzar el dominio y equilibrio de "Sexto sentido", su recordado filme de 1999, con el que se hizo conocido. A esto se une un guión bastante chato y sin mayores sorpresas.
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  • Mercedes Sosa, la voz de Latinoamérica
    Una cantora de todo el mundo

    El filme, estructurado como un documental, registra la trayectoria de la gran Mercedes Sosa, fallecida en 2009.
    La película cuenta sus inicios en su Tucumán natal y como ella misma dice: "hija de un matrimonio pobre, pero con una familia maravillosa", inicia una carrera increíble al ganar un concurso en LV12, una radio local de su ciudad, San Miguel de Tucumán, ocultando el hecho a su padre que no simpatizaba con la idea de una carrera artística para su hija.

    NUEVO CANCIONERO
    Luego de participar en el "Manifiesto del Nuevo Cancionero" con Armando Tejada Gómez, Oscar Matus, su primer esposo y otras importantes figuras, su repertorio acentúa la búsqueda de una música nacional de contenido popular y se centra en la situación de América latina y las luchas por la tierra.
    "Mercedes Sosa: La voz de Latinoamérica" abarca un completo registro de imágenes y sonidos, con reportajes realizados por su hijo Fabián Matus, tanto a sus parientes y amigos tan queridos, como a figuras internacionales de la música. Así desfilan Chico Buarque, Pablo Milanés, David Byrne, Milton Nascimento, Isabel Parra, Charly García, Víctor Heredia, León Gieco, Fito Páez, Teresa Parodi y Abel Pintos, entre otros.

    LA OPORTUNIDAD
    Desde 1965, su consagración en el Festival folklórico de Cosquín, de la mano de Jorge Cafrune, que le da la oportunidad; el rumbo de su carrera toma un giro definitivo, que va a pasar por el exilio político. Amenazada en la década de 1970, por el grupo La Triple A, se exilia y paradójicamente logra la definitiva consagración internacional. Chico Buarque, su gran admirador, destaca la difusión que hace de las canciones de la chilena Violeta Parra.
    Un lugar especial en el filme es para el recuerdo de doña Emma, la madre de Mercedes, su segundo esposo Pocho Mazzitelli, fundamental en su repertorio y en su vida y por supuesto, su adorado hijo Fabián. El recital de Pablo Milanés con su invitación a Mercedes Sosa para cantar "El tiempo pasa", presenta una secuencia de sentido valor emocional.
    La película es un valioso testimonio que permite disfrutar de lo mejor del repertorio de esta cantora universal y recordar su voz y su presencia, que, indudablemente, cambió el panorama de la música popular en la Argentina.
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  • Héroes del espacio
    Una aventura interplanetaria

    Este nuevo filme animado trata una historia familiar. Hay un héroe popular que triunfa en el mundo interplanetario y es famoso en televisión. Su nombre es Scorch Supernova, el mismo cuyo hermano llamado Gary, es jefe del "Control de misiones de la Basa".

    Mientras Scorch tiene un romance con la reportera de televisión y es admirado por su pequeño sobrino Kip, hijo de Gary, se está tramando un engaño para hacerlo caer en una red galáctica.

    Efectivamente el SOS del llamado Planeta oscuro (la Tierra), lo lleva al rescate sin pensar en las consecuencias, ni en la disconformidad de Gary. Como bien lo pensaba su hermano, Scorch es capturado lejos de su planeta natal, Baab.

    Allí se pondrán en juego, las astucias y los vínculos familiares para tratar de liberarlo del malo, muy malo general Shanker, un terráqueo resentido y megalómano, que lidera un feroz ejército de hombres armados.

    UNION FAMILIAR

    "Héroes del espacio" es una película de estructura tradicional, dirigida a los más chicos, aunque como es ya habitual en los filmes para toda la familia, se incluyen alusiones y temas que son más digeribles para los adultos que para los pequeños. Como siempre, los personajes son atractivos visualmente y algunos bastante graciosos, especialmente los animales. El brillo de los colores y su variedad apunta también a los más chicos, así como las locaciones y el ritmo.

    Conceptos como "la unión hace la fuerza", la necesidad de la participación familiar para que la acción tenga éxito, la cooperación, el respeto y la fuerza de los débiles son valores universales que se dan en esta comedia familiar, destinada, repetimos, especialmente para los más chicos.
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  • Teen angels: El adiós 3D
    Una alegría que es contagiosa

    Canciones por las que pasa la melancolía, el amor, en las que abunda el concepto de sueño realizado, las experiencias positivas y la alegría compartida, coinciden en un filme ideal para los fans de los "Teen Angels".

    El filme presenta un grupo juvenil que se origina a partir de una exitosa serie televisiva Ñ"Casi ángeles"- que se mantuvo al aire con éxito por tres años y medio y fue creada por la productora y compositora Cris Morena ("Chiquititas").

    Integrado originalmente por Gastón Dalmau, Nicolás Riera, Juan Pedro Lanzani, Mariana Espósito y María Eugenia Suárez, el actual grupo incluye a Rocío Igarzábal, ante la desvinculación por motivos que se desconocen de la joven María Eugenia Suárez. Heredera del éxito televisivo, la banda se convirtió en suceso para adolescentes y pre adolescentes, grabando varios álbumes y recorriendo distintos puntos geográficos del interior y el exterior, donde repitió su éxito y se independizó de la serie televisiva en 2011, para finalizar su actividad un año después.

    LOS CHICOS CANTAN Y BAILAN

    Esta película muestra su último recital en julio de 2012, en el Cine Gran Rex, de Buenos Aires con la asistencia entusiasta de más de tres mil doscientos jóvenes.

    El filme matiza imágenes del concierto en vivo, con tomas de los admiradores en la sala, así como reflexiones de los chicos que integran el grupo sobre el mismo fenómeno que representan. De esta manera pasan revista a sus seis años de integrantes de la serie televisiva, sus emociones, anécdotas y posteriormente su participación en la banda.

    "Teen Angels: El adiós 3D" tiene formato tradicional, es visualmente atractiva y transmite mucha energía adolescente. Incluye todas las canciones de la banda y puede disfrutarse de la simpatía de sus jóvenes integrantes -Gastón Dalmau, Mariana Espósito, Rocío Igarzábal, Juan Pedro Lanzani y Nicolás Riera-, fascinados por la experiencia, tanto como sus admiradoras deslumbradas por el desempeño del grupo.

    Canciones por las que pasa la melancolía, el amor, en las que abunda el concepto de sueño realizado, las experiencias positivas y la alegría compartida, coinciden en un filme ideal para los fans de los "Teen Angels".
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  • Masacre en Texas 3D
    El de la motosierra revivió

    La original "Masacre de Texas" de Tobe Hopper, data de 1974. Aquel filme fue realizado con bajo presupuesto y se convirtió rápidamente en uno de los éxitos cinematográficos más importantes de las historias de terror. Nadie que la vio pudo olvidar a la familia que viaja a Texas para ver la tumba de un pariente cercano y es atacada por un grupo familiar caníbal.

    Por supuesto que hubo remakes, precuelas o como se llamen, desde entonces hasta ahora y para incorporarse a la franquicia se estrena ésta, que retoma al personaje más pequeño de la familia Miller, una niña y la transforma en la heredera de una casona victoriana en la que vivieron sus antepasados.

    Ella se llama Heather Miller (Alexandra Daddario) y nada que ver con el personaje de la original de Hopper, porque ahora pasaría los cuarenta años y ella se ve rozagante y muy joven. Por supuesto que la heredera se encontrará con el horror de Leatherface (Dan Yeager), el famoso asesino y su aventura ingresará a un universo imprevisible, aunque estará acompañada por un grupo de amigos, que se sabe tendrán un triste destino.

    TERROR PEDESTRE

    Con seis películas anteriores, esta "Masacre en Texas 3D. Herencia maldita", se regodea en el terror más pedestre y no abandona la idea central del loco de la motosierra. Eso sí, centra su atención en la linda heredera que se entera que es adoptiva y se propone descubrir algo más sobre lo que se le ocultó y que puede esconderse, como en "El barril de amontillado" de Poe, en las bodegas de la casa. El filme abunda en tomas con cámara subjetiva y a la trama central se agregan subtramas que no cierran totalmente y no siempre motorizan la acción. Su final resulta bastante ambiguo.

    Una curiosidad. Al desfile de chicas lindas de la película, encabezado por Alessandra Daddario, se suma un chico muy atractivo llamado Carl, que es interpretado por el hijo de Clint Eastwood y un conocido consultor, Keram Malicki Sanchez, especialista en la vida real en cruces de arte y tecnología y que en el filme personifica a Kenny, uno de los amigos de Heather.
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  • ¿Qué pasó ayer? Parte 3
    Disparatados enredos en Las Vegas

    Divierte más que las anteriores y se destaca especialmente a Zach Galifianakis (Alan) y Ken Jeong (Mr. Chow), médico y cómico en la vida real, de ascendencia coreana. Aunque también cumplen con una buena actuación Bradley Cooper (Phil), Stu (Ed Helms) y Justin Bartha (Doug).

    Sabemos que esta es una franquicia. Ya hubo dos de "¿Qué pasó ayer?" y tuvieron mucho éxito comercial, encuadradas dentro de la línea "amigos para siempre" -cuyo grupo está conformado por Phil (Bradley Cooper), el imposible Alan (Zach Galifianakis) y Stu (Ed Helms), a los que se suma Doug (Justin Bartha)-, con historias descabelladas, absolutamente superficiales, zafadas y divertidas.

    Esta vez la historia se inicia con un simpático gángster, conocido como Mr. Chow (Ken Jeon), que huye de una cárcel de Bangkok, Tailandia, hacia Tijuana, México. Pero de inmediato la película pasa a Estados Unidos para seguir la nueva locura de Alan, que como siempre, respetando su carencia de límites y su poco juicio, conduce por la carretera estatal, llevando en un pequeño remolque, una increíble jirafa. Con la que por supuesto desencadenará el caos por no calcular la altitud de un puente que se lleva puesto parte del pobre animal.

    LOS DIALOGOS

    Con este comienzo, bastante delirante se inicia la nueva película de esta serie, que muestra mayores inquietudes que las anteriores, cierta inteligencia en los diálogos y un humor más delirante, además de su característico ritmo vertiginoso.

    Desenfrenado y un poco loco, el filme va a meterse con el hampa, representada por un mafioso llamado Marshall (John Goodman), mostrar una buena escena de secuestro en medio de la ruta y el personaje de Mr Chow (Ken Jeong) en pleno desarrollo de una comicidad almodovariana, con ciertas vueltas de tuerca en el argumento, que van a convertir a los protagonistas en algo así como hampones de alto vuelo, capaces de desvalijar casas de magnates o protagonizar increíbles huídas por las terrazas de impensables hoteles de Las Vegas, donde sucede buena parte de la historia.

    Con atractivas locaciones en Las Vegas y más tarde algunas tomas en la ciudad de Tijuana, más un excelente ritmo y algunas escenas para recordar, como el singular diálogo entre Alan y Marshall (John Goodman), enfrentado a la pandilla que se completa con Phil, Stu y Doug.

    "¿Qué pasó ayer? Parte III" divierte más que las anteriores y se destaca especialmente a Zach Galifianakis (Alan) y Ken Jeong (Mr. Chow), médico y cómico en la vida real, de ascendencia coreana. Aunque también cumplen con una buena actuación Bradley Cooper (Phil), Stu (Ed Helms) y Justin Bartha (Doug).
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  • Cuando yo te vuelva a ver
    De encuentros y desencuentros

    Luego de separarse en España, Paco vuelve a la Argentina para el casamiento de un amigo. Allá queda su hijo a cargo del negocio y parte de su vida, que ahora compara con ésta de la ciudad en la que vivió su infancia y su adolescencia.

    TRES GENERACIONES
    Ciudad de las primeras experiencias y los primeros amores como el de Margarita, con la que se reencuentra. Margarita ahora es maestra jubilada y emprendió una nueva actividad, esta vez totalmente comercial. Con ella quiso establecer una relación estable, pero no pudo ser. Tampoco Margarita se olvidó de él y ahora prueban el reencuentro, y por qué no, la posibilidad de un final feliz.

    ‘Cuando yo te vuelva a ver’ es un filme de pequeñas situaciones, sentimientos fuertes y personajes queribles, que incluye flashbacks y buenos actores. Con un comienzo mejor quizás que los finales y algunas situaciones que dejan con las ganas al espectador de una mayor permanencia de la pareja protagónica, el filme tiene una estructura sencilla y un lenguaje simple. Lo mejor está a cargo de la pareja protagónica. Ella es la cálida Ana Maria Picchio (‘La tregua’) y el excelente Manuel Callau, con la solvencia actoral de Alejandro Awada, Malena Solda, y un buen elenco secundario.

    Mínima historia de encuentros y desencuentros con locaciones en Balcarce y la particularidad de que su protagonista femenina está acompañada de su hija y su nieta en la vida real.
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  • Rouge amargo
    Rouge amargo
    La Prensa
    Un policial algo convencional

    El filme se centra en la historia de Cinthia, esa chica muy joven que espera a los ‘clientes’ en la zona roja de Buenos Aires con sus colegas de siempre. Y justo ahora aparece ese viejo que no le gusta, muy bien trajeado, pero tan vicioso y pesado que la exaspera. Sin embargo es el que mejor paga. Claro, dicen que es un político. Cinthia no sabe que en horas estará huyendo manchada con la sangre del diputado, aspirante a diputado o lo que sea, al que un extraño le disparó varios tiros en ese hotel del Bajo al que fueron juntos.

    A partir de ese momento todo cambiará para ella. Aparecerá Julián, un desconocido salido recién de la cárcel, que se jugará por la chica y con quien podrá refugiarse en casa de Rita, una travesti amigo. Pero nada saldrá como lo pensaban, porque esto es una causa de corrupción, gente del poder, drogas y hasta un periodista que sigue la trama desde un diario que espera la primicia.

    PELICULA DE GENERO
    ‘Rouge amargo’ es un policial convencional, dentro de las llamadas ‘películas de género’, con una trama obvia, sin sorpresas, con estereotipos en cuanto a personajes, un lenguaje muy televisivo y eso sí estupendo ritmo.

    Gustavo Cova es el director de la recordada ‘Alguien está mirando’ y la lograda ‘Boogie el Aceitoso’, entre otras y aquí tiene el apoyo de actores como Luciano Cáceres que es Julián, el recién salido de la cárcel, la promisoria Emme (‘El niño pez’) y una revelación para el cine, Gustavo Moro como Rita. Con ellos, el profesionalismo de Rubén Stella, junto al malo muy malo Cesar Vianco y en el papel del periodista, Nicolás Pauls.
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  • Rápidos y furiosos 6
    El mundo en un rompecabezas

    Nuevamente el equipo de ‘Rápidos y furiosos’, en una de sus habituales historias complicadas. Esta vez el asunto pasa por las armas militares de peligro extremo. Mientras uno de ellos, Luke Hobbs, parte para tratar de solucionar un robo ocurrido en Berlín, en el que que pareciera estar complicada Letty, miembro del equipo, desaparecida poco tiempo atrás; otro de los integrantes del grupo, deja a su joven esposa y su bebé para reencontrar al resto del team y ponerlos al tanto de lo que está pasando. Pero habrá más de una sorpresa, como encontrar a la ausente Letty convertida en una peligrosa enemiga.

    ‘Rápidos y furiosos’ satisfacerá nuevamente las expectativas de sus seguidores. Nunca tan exagerada, nunca tan colmada de efectos especiales, de autos que rebotan por el aire, camiones con acoplados volando hacia los cielos, sorpresivos tanques de guerra salidos de la nada y otras exquisiteces tecnológicas.

    DESPLIEGUE VISUAL
    Lo único que falta es argumento, porque todo es tan simple, tan obvio. Eso sí, con el mejor humor,
    las mejores tomas, el mayor despliegue visual y lo último en efectos especiales. Claro que los que
    gustan de este tipo de películas, no necesitan muchas palabras.

    Cuanta más acción, mejor. Los actores, los de siempre, la apasionada Michelle Rodriguez, Eva
    Mendes como Monica Fuentes y los músculos increíbles de Dwayne Johnson como Luke Hobbs y lo
    último en variantes de Tae Kwondo y otras yerbas orientales. La música acompaña con nerviosismo y garra.
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  • Nosilatiaj. La Belleza
    Noble afirmación de la identidad

    Con sorprendente dominio del lenguaje cinematográfico, la debutante Daniela Seggiaro, logra un relato en que el contrapunto entre la narración lineal y la evocación casi lírica, logran un ensamble rico y fluido.

    Un hogar de clase media baja en un pueblo del Chaco. Varios chicos, la mayor, a punto de cumplir los quince. La madre dedicada a la casa y a la explosión de tantos chicos, siempre listos para hacer travesuras. El marido, un poco reticente al trabajo, despreocupado y dispuesto a desaparecer por alguna nueva posibilidad de trabajo. Y también está Yolanda, la criada wichi, apenas adolescente. Callada, paciente, recordando y a veces recibiendo la visita de algún pariente tan callado y paciente como ella.
    Yolanda habla como una criolla, pero en el recuerdo, con la familia, en wichi, su idioma natal. Y su recuerdo es la Naturaleza, el agua, la selva, la tierra, los pájaros, el sol y la luna. La necesidad la tiene anclada a Sara y sus chicos, siempre atendiéndolos por unas monedas. Algo la sacará de ese casi marasmo, cuando su identidad rebrote y diga basta.

    BUEN ENSAMBLE
    Filme sobre la intolerancia, sobre el resquebrajamiento de la identidad. Sobre los límites y la frágil frontera que separa dos pueblos.
    Con sorprendente dominio del lenguaje cinematográfico, la debutante Daniela Seggiaro, logra un relato en que el contrapunto entre la narración lineal y la evocación casi lírica, logran un ensamble rico y fluido. Historia real recibida por la directora de su madre antropóloga, Seggaro logra, con mínimos recursos, un tiempo a veces moroso y pocas palabras, mostrar la distancia de culturas diferentes y acertar con un relato mínimo.
    Un hecho aparentemente menor, como el corte de una cabellera, muestra el frágil límite de códigos enfrentados y el seguro pase hacia la intolerancia.
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  • Scary Movie 5
    Scary Movie 5
    La Prensa
    Una humorada de escaso nivel

    El filme trata de hacer una parodia del filme "Mamá", pero logra simplemente una humorada bastante grosera, sin ninguna imaginación, abundante en elementos de mal gusto, alguna escatología y chistes que, muy pocas veces, despiertan risa.

    Serie cuyo tipo de público es difícil catalogar, "Scary Movie" parecía desaparecida de la cartelera cinematográfica hace años. Pero reaparece con una parodia de la película "Mamá", quizás aprovechando el reciente éxito cinematográfico del argentino Andrés Muschietti.
    Una pareja joven integrada por Dan y Jodi, deciden adoptar a las pequeñas hijas de un hermano de Dan, que desaparecieron luego de una tragedia familiar. Criadas como niñas salvajes en medio del bosque, en una cabaña solitaria, las chicas son llevadas a casa de la pareja, a pesar de que la condición de rockera y aficionada a las drogas de Jodi podría ser un obstáculo. A partir de ese momento parece que un espíritu invade la casa y todo se trastorna.
    El filme trata de hacer una parodia del filme "Mamá", pero logra simplemente una humorada bastante grosera, sin ninguna imaginación, abundante en elementos de mal gusto, alguna escatología y chistes que, muy pocas veces, despiertan risa.
    También se recurre a burlarse de filmes como "Actividad paranormal" y "El planeta de los simios", en el mismo bajo nivel, con incursión en videos olvidados por anteriores dueños de la casa, que también sufrieron invasión de espíritus satánicos o apelación a libros mágicos que pueden ayudar en este tipo de emergencia. Absurda, tonta, con algunos recursos formales de cine mudo, el filme no despega y quizás sea un poco más efectivo en su primera parte.
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  • El reino secreto
    Propuesta de sesgo ecológico

    Da un mensaje a favor de la ecología. Promueve el bien y la belleza con exquisitos seres de bondad. Viejos y tradicionales valores en una bella película original, con acción, seres imaginativos y recordables.

    Mary Catherine visita a su padre entomólogo en el medio del bosque. Siempre le pareció distraído, pero esto de estar solo (su esposa murió hace un tiempo), lo empeoró. Sin embargo es maravilloso tener un padre que sepa tantas cosas del universo del bosque. Y ahora Mary está al borde de vivir una aventura, su encuentro con la Reina del Bosque, que le deja una misión.
    "El mundo secreto" es una deliciosa producción animada de Chris Wedge, el mismo de "La era del hielo" y "Robots". Nuevamente se enfrentan las Fuerzas del Bien contra las del Mal. Los Buenos, en este caso, representados como una suerte de elfos, duendes del bosque, que protegen la Naturaleza y están por la Vida y la Luz. Hay animales que los ayudan y los Hombre Hoja forman un ejército aéreo de vigías incansables transportados por picaflores y otros pájaros del lugar. Mary Catherine tendrá aliados divertidos y encantadores como una Babosa que parece un acordeón y un Caracol, además de un jovencito que acompaña al líder de los Hombres Hoja, tan falto de experiencia como ella, pero simpático y valiente.

    SERES DE BONDAD
    Como en las últimas películas de animación norteamericana, la heroína es muy fuerte y valiente, el elegido para acompañarla por un tiempo en ese mundo ecológico del bosque es aventurero y bondadoso, pero los que están alrededor, animalitos y seres diminutos son encantadores y están estupendamente diseñados. La reina del Bosque parece escapada del "Peter Pan" de Barrie con un traje suntuoso y el malo, muy malo es tan desagradable como los murciélagos que lo rodean.
    "El mundo secreto" da un mensaje a favor de la ecología. Promueve el bien y la belleza con exquisitos seres de bondad. El Papá es científico, humano y distraído, pero siempre del lado de la hija a la que enseña que también existe lo que no se ve.
    Viejos y tradicionales valores en una bella película original, con acción, seres imaginativos y recordables. La música atrae, como la voz de Beyoncé.
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  • Planetario
    Planetario
    La Prensa
    La relación filial a la vista

    Baltazar Tokman, especializado en Diseño de Imagen y Sonido en la UBA, de larga trayectoria en el medio, toma una serie de registros que documentan el hecho de ser padres en el mundo a los que sigue, a lo largo de distintos espacios y tiempos.

    Desde sus comienzos, el cine documental se ocupó de mostrar la realidad. Los pioneros Louis y Auguste Lumire, más conocidos como los hermanos Lumire, abarcaron cinematográficamente todos los temas. Desde el mundo laboral con "Salida de los obreros de la fábrica", al mundo de las estaciones, filmando "La llegada del tren a la estación", que hizo que el publico huyera ante el susto de ver un tren viniéndoseles encima (fines del siglo XIX). Pero también se ocuparon de la realidad intima, al filmar por ejemplo, en 1895, "La comida del bebé", donde Auguste Lumire con su esposa, en una tranquila tarde hogareña, alimentan a su hijita.
    Siguiendo esta línea doméstica, Baltazar Tokman, especializado en Diseño de Imagen y Sonido en la UBA, de larga trayectoria en el medio, toma una serie de registros que documentan el hecho de ser padres en el mundo a los que sigue, a lo largo de distintos espacios y tiempos. El resultado es un filme donde vemos distintos padres, madres o parejas de seis países, que filman a sus hijos desde su nacimiento, documentando los hechos significativos de su vida y refiriéndose a lo que significó para ellos ser padres, lo que piensan que sus hijos dirán al ver el registro en el futuro o su opinión sobre la educación que les dieron.

    REGISTRO VIVAZ
    Casi un cine amateur, "Planetario", muestra desde la experiencia de un padre que decidió serlo en la India, pero luego del nacimiento tuvo que criar solo al niño por ausencia materna, hasta el ruso que no aceptaba ser padre y se va acostumbrando paulatinamente al hecho o la típica familia cristiana numerosa, que exhibe a su hija, una encantadora rubiecita (primera mujer luego de cuatro varones), pasando por el habitante de Maimará, Argentina, que también da su aporte siguiendo la historia de su pequeño hijo. Dudas existenciales, las hipótesis sobre la educación, el dilema del futuro, el orgullo manifiesto, la religión son temas y sentimientos que sobrevuelan un particular cine testimonial que de tan común, nos resulta curioso y subraya la necesidad, por parte de los que lo hicieron, de fijar un momento irrepetible, continuar la voluntad de vivir y mostrar el amor a través de las imágenes
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  • El gran Gatsby
    Con un irresistible encanto

    Filme ambiguo, transposición absolutamente personal de un director que uno puede odiar o amar, pero que da una versión irresistible, kitsch a veces, elegante otras, musicalmente llamativa (¿y por qué no hip hop y Gershwin?), pero absolutamente sincera y válida.

    Nick Carraway es algo así como un pre yuppy que llega a Nueva York cuando todo parece florecer y no hay tiempo para la moral. Una Bolsa restallante, llamaradas de alcohol prohibido desde el año 19 y auge del charleston. La cultura del jazz y del ocio, de los millonarios recientes y los aspirantes a serlo. En medio de las mansiones, una casita atractiva y un afrodisíaco para el chico del Medio Oeste caído en el Paraíso. El afrodisíaco es el misterio de Gatsby, el vecino millonario, rico hasta el delirio y los orígenes de cuya fortuna se desconocen. Después vendrán otros personajes esenciales como Daisy, la mujer deseada por el millonario, los desengaños, las amistades y el final.
    Francis Scott Fitzgerald, representante de esos años de éxtasis efímero fue quien escribió la novela en que se inspira la película y la llamó "El gran Gatsby" (1925). Novela con mucho de su vida de escritor, amante del charme y la riqueza que produjo un pobre Fitzgerald en constante desequilibrio financiero para afrontarla. El también tuvo una Daisy, se llamó Zelda y acabó quemada en el incendio de un psiquiátrico, donde la esquizofrenia la aisló.

    EXQUISITO DISEÑO
    El tema es que a Baz Lurhrmann le interesó este clásico, ¿y qué puede pasar cuando un restallante australiano, el creador de "Moulin Rouge" con Nicole Kidman toma un material melancólico y burbujeante? Del lado formal lo mejor, porque nunca se ha visualizado con tanto lujo y fosforescencia las bacanales de la Era del Jazz. Aquelarre felliniano en que gangsters, vamps locas por la fama, aristócratas y artistas convivían en fiestas increíbles que Hemingway evocaría, mientras Faulkner y Dos Passos mostraban la otra cara de esa realidad.
    El resultado visual es exquisito, siempre que a los románticos le sigan gustando esas ráfagas a que nos tiene acostumbrado Baz y esa mélange dorada que aúna biblias y calefones con terciopelos y rosas. Pero es Luhrmann leyendo a Fitzgerald y sobreimprimiéndolo hasta en sus palabras en varias de sus escenas. Claro que la intensidad de los caracteres parecen no alcanzar densidad, Leonardo DiCaprio tan buen actor, pero tan infantil en el rostro, aunque tan logrado en su estallido de cólera y la reveladora Carey Mulligan, quizás demasiado dulce para ser la amada del millonario y ese singular Tobey Maguire como el pre yuppie que escribe la saga del rico señor de misterioso origen.
    Filme ambiguo, transposición absolutamente personal de un director que uno puede odiar o amar, pero que da una versión irresistible, kitsch a veces, elegante otras, musicalmente llamativa (¿y por qué no hip hop y Gershwin?), pero absolutamente sincera y válida.
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  • Pensé que iba a haber fiesta
    Un extraño triángulo amoroso

    El filme exhibe cierta superficie plana, que impide despertar entusiasmo, o establecer algún "rapport" especial con sus personajes, más allá de la solidez interpretativa de Valeria Bertucelli (Lucía), o el encanto de Elena Anaya (Ana).

    La historia comienza con Lucía (Valeria Bertucelli), la que antes de irse de vacaciones con su pareja, convence a su amiga Ana (Elena Anaya), para que les cuide la casa que es muy confortable y tiene pileta. Por algunas conversaciones, sabemos que Ana es actriz y está trabajando en nuestro país, luego de haber llegado de España hace unos meses atrás. También conocemos a Abi (Abigail Cohen), la hija adolescente del primer matrimonio de Lucía y a Ricki (Fernán Mirás), el ex de Lucía, que gusta de Ana.

    SUPERFICIE PLANA

    A la directora Victoria Galardi la recordamos por "Amorosa soledad" y "Cerro Bayo". En sus dos películas anteriores se pudo disfrutar de su habilidad para contar cinematográficamente, de su frescura para delinear sus personajes y de la simpleza con que plantea sus historias. Pero también hay que reconocer que aquéllas, revelaban un particular interés argumental.

    En el caso de "Amorosa soledad", abordaba el tema de la adolescencia y en "Cerro Bayo", una multiplicidad de historias se tejían alrededor de la muerte de la abuela, de la protagonista. "Pensé que iba a haber fiesta" exhibe cierta superficie plana, que impide despertar entusiasmo, o establecer algún "rapport" especial con sus personajes, más allá de la solidez interpretativa de Valeria Bertucelli (Lucía), o el encanto de Elena Anaya (Ana).

    No obstante Victoria Galardi demuestra saber contar, su historia es fluída, pero el interés no aparece, ni en las relaciones afectivas, ni en los diálogos, ni en el desarrollo de la historia y lo que prevalece es la sensación de que no pasa nada.
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  • El último exorcismo - Parte 2
    Cuando el miedo es algo menor

    En la versión anterior dirigida por Daniel Stamm, en 2010, había un reverendo evangélico, exorcista de profesión, que se volvió un tanto mediático y quiso que la cámara de video lo siguiera en su tarea, para darle un sesgo verosímil y más allá de cualquier engaño. Había fanáticos, una adolescente poseída y algunos backstage atractivos.

    Por el contrario, esta nueva versión, empieza casi inmediatamente de la anterior y sigue la figura de la adolescente Nell Sweetzer (Ashley Bell), que, trastornada, se da cuenta que toda la familia desapareció y es alojada, luego de manifestar algunos problemas mentales, en un hogar para chicos problemáticos, donde trata de adaptarse a su nueva vida.

    En pocos días, Nell, nuevamente será víctima de la constante persecución de una voz maldita y de una fantasmal presencia demoníaca, que parecen no querer abandonarla, lo que provoca que la muchacha se lleve más de un susto.

    MARTES DE CARNAVAL

    La acción transcurre en Louisiana, la bella ex colonia, en la que como un detalle de color, asistimos a un martes de carnaval, en cuya fiesta Nell se encuentra con una estatua móvil, que parece formar parte de la troupe demoníaca.

    Si se compara este filme con el anterior, puede decirse que el actual es una copia lavada del primero. La informalidad técnica de la anterior que favorecía al lenguaje narrativo y acentuaba cierto dinamismo y ambigüedad, en la actual se volvió correcto y su historia carece de magia y de imaginación.

    "El último exorcismo parte 2" tiene en Ashley Bell, a una excelente protagonista en el papel de Nell Sweetzer y a una desaprovechada Julia Garner (Gwen), en un breve personaje.

    Lo curioso es que en esta "parte 2" no se habla, como en la primera, de un trastorno psicológico mezclado con un fenómeno paranormal. Mientras que los diálogos resultan banales y los efectos especiales apenas superan el nivel de lo aceptable. Los aficionados al género ya no repetirán los escalofríos que provocaba la primera parte.
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  • Spring Breakers: viviendo al límite
    Un viaje con muchos encantos

    La atmósfera que propone Harmony Korine es una mezcla de los filmes de Quentin Tarantino y David Lynch, con Britney Spears, mientras que la actuación de James Franco, es uno de los aspectos más destacables de esta curiosa y fascinante película.

    Sus protagonistas son cuatro chicas aburridas de la ciudad de Tennessee, Estados Unidos, que buscan diversión en Florida y no se les ocurre mejor idea que robar un negocio de comidas rápidas, amenazando a sus empleados con armas cargadas de balas de fogueo y logrando llevarse unos dólares que necesitan para su "pausa de verano".

    ¿Qué es el paraíso para estas adolescentes ingenuas?. Por lo que consumen queda claro que les gustan los vasos gigantes de alcohol, los tazones de pastillas de distintos colores, chicos fornidos, drogas exóticas y mucha playa, sol y música mechados con luces de neón. Hasta un veterano con diente de oro, tatuado y de coloridas rastas llamado Alien (James Franco), les parece lo mejor del postre del verano. El hombre tiene como principales atributos, un auto sport, una metralleta y una voz adormilada de pastillas y tragos, que a las chicas parece gustarles.

    Pero hay una chica temerosa, arrogante al principio, miedosa luego, que quiere desaparecer y volver al aburrimiento del pueblo y la conversación con la abuela. Su nombre es Faith (Selena Gomez). Las otras: Candy (Vanessa Hudgens), Brit (Ashley Benson) y Cotty (Rachel Korine), iniciarán un viaje a lo que ellas llaman libertad.

    LO DESMESURADO

    "Spring Breakers. Viviendo al límite", es un filme desmesurado con aciertos formales notables, vulgaridades al estilo de los "nerds" y juegos florales que remiten al ensueño hippie. La película según se la mire, puede ser una especie de caleidoscopio, capaz de hipnotizar, subyugar, o desagradar al espectador, por su violencia o su exaltación sensorial.

    El director Harmony Korine (guionista de la recordada "Kids), sorprende por su armonía "desequilibrada" que en ningún momento deja indiferente al público. Su predilección en esta película es mostrar adolescentes sinuosas, mezcla de chicas Disney, Barbie y Betty Boop devenidas en gángsters juveniles, capaces de histeriquear lloriqueantes, o motivar desenfrenos al pobre de Alien (James Franco), que igual que ellas parece dispuesto a todo.

    INOCENTE Y AMORAL

    El realizador Harmony Korine, con esta historia, se muestra aún más provocador que en "Kids" y arroja un mosaico estridente, como este documento sobre la adolescencia desbordada, inocente y amoral, sabia e ignorante, sin objetivos nítidos, pero incapaces de cruzar los brazos para conseguir lo que desean.

    El que se atreva a ver esta película, viajará, unos cuantos minutos, por una celebración surrealista, con picos de "basura" y vulgaridad y extremos de melancolía y de belleza, en la que el piano blanco de John Lennon, ahora lo toca un rapero, Alien, rodeado de señoritas en bikini, con carabinas y pasamontañas.

    La música de Cliff Martinez (el mismo de "Sexo, mentiras y video") hipnotiza, mientras la cámara y el cromatismo experimental deslumbra y la violencia enerva. La atmósfera que propone Harmony Korine es una mezcla de los filmes de Quentin Tarantino y David Lynch, con Britney Spears, mientras que la actuación de James Franco, es uno de los aspectos más destacables de esta curiosa y fascinante película.
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  • Ataque a la Casa Blanca
    Terroristas de ojos rasgados

    La película de Antoine Fuqua está muy bien filmada, tiene un logrado manejo de la tensión y el suspenso y cuenta con un presupuesto generoso y bien aprovechado, pero argumentalmente se mueve dentro de los habituales clichés de los filmes de género.

    De acuerdo con la situación internacional, la ficción creada por un guionista de Pennsylvania y una chica de Islandia, Creighton Rothenberger y Katrin Benedikt, plantea un hipotético asalto a la Casa Blanca por un comando terrorista proveniente de Corea del Norte.

    Una desgracia familiar vivida por el presidente de los Estados Unidos Benjamín Asher (Aaron Eckhart), hizo que Mike Banning (Gerard Butler), miembro del servicio secreto de la Casa Blanca, fuera un poco relegado de sus funciones, a pesar de que el hombre mantenía un cierto acercamiento afectivo con el mismo presidente y con su pequeño hijo Connor (Finley Jacobsen).

    Pero cuando un comando guerrillero invade la residencia presidencial y pone cabeza abajo a toda la estructura política, Banning no duda en ponerse al frente, para defender al jefe de Estado y su familia. De este modo el agente secreto se convierte en el engranaje esencial de una misión que tiene por objetivo preservar la vida de los estadounidenses.

    TENSION Y SUSPENSO

    La película de Antoine Fuqua está muy bien filmada, tiene un logrado manejo de la tensión y el suspenso y cuenta con un presupuesto generoso y bien aprovechado, pero argumentalmente se mueve dentro de los habituales clichés de los filmes de género. No obstante, el director Antoine Fuqua revela un enérgico pulso para las escenas de acción y cierto naturalismo violento.

    El héroe de turno es el escocés Gerard Butler (Mike Banning), un actor con atractiva imagen y buenos músculos, más algunas excelentes actrices como Melisa Leo, en el papel de Ruth McMillan, la subsecretaria de defensa, o Angela Basset como Lynn Jacobs, la directora del servicio secreto, bajo las órdenes del presidente, a cargo de Aaron Eckhart. A ellos que se suma la correcta actuación de Robert Forster, como el general Edward Clegg.

    Para cerrar habría que decir que de "Ataque a la Casa Blanca" provoca cierta molestia la trivialidad de algunos de sus discursos y la ingenuidad de un excesivo nacionalismo.
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  • Rigoletto en apuros
    La casa para una vejez dorada

    Ronald Harwood, el autor de la exitosa "El vestidor" (1983), aquella obra teatral que revelaba intimidades del mundo del teatro a través de un antihéroe discreto y querible, vuelve con otra obra suya adaptada para él para el cine y dirigida por Dustin Hoffman.
    "Rigoletto en apuros" tiene por protagonistas a veteranos de la música que se reencuentran en un geriátrico. Uno de ellos es Tom Courtenay, representante del Nuevo cine inglés, de las décadas de 1960 y 1970 y protagonista de la mencionada "El vestidor".

    REFUGIO FINAL
    En este caso, se trata de un grupo de cantantes y directores de ópera que encuentran refugio en su vejez en la Casa Beecham, suerte de geriátrico dorado, con cuidados jardines y muebles de colección. Pero la paz se ve interrumpida por la llegada de una "prima donna", Jean Horton (Maggie Smith), que quiere mantenerse aislada y reencuentra en rl lugar a Reginald Paget (Tom Courtenay) su ex marido, director famoso, defraudado amorosamente por la cantante bastante tiempo atrás.
    Hay amigos que los rodean para tratar de solucionar los problemas y continuar cantando, aunque sea en pequeños recitales de beneficencia de fin de año, dedicados a la obra de Giuseppe Verdi y en este caso en particular a su ópera "Rigoletto".
    Los que habitan la casona son tenores, sopranos, puestistas, como el personaje de Cedric Livingston, que representa el excéntrico Michael Gambon (ahora más conocido como Dumbledore, el personaje de la saga de Harry Potter).

    LOS RECUERDOS
    "Rigoletto en apuros" es una comedia elegante, a la manera de "Té con Mussolini", con recuerdos de pasadas aventuras musicales y románticas, e intentos de superar el peso de la vejez, que los está oxidando, por así decirlo, por falta de acción y entusiasmo.
    La película tiene todos los clichés del género, pero con ese equipo delicioso y la refinada puesta en escena de este primer largometraje de Dustin Hoffman, es imposible no entretenerse. Maggie Smith es la diva Jean Horton, Tom Courtenay (Reginald Paget), es el ex director de orquesta, ahora maestro de música de adolescentes; Pauline Collins (Cissy Robson) hace el papel de una risueña cantante y Billy Connolly, es Wilf Bond, un cantante.
    Los melómanos pueden reconocer entre "los internos" de la mansión, a glorias del teatro lírico inglés. Para ellos, el consejo es no abandonar la sala, porque en los créditos finales, aparecen sus rostros, más el nombre y su ubicación en prestigiosas y conocidas orquestas.
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  • En trance
    En trance
    La Prensa
    Un ladrón con la mente en blanco

    Las primeras escenas muestran una subasta de arte de alto nivel, en un ambiente sofisticado de Londres. El nivel económico de los compradores queda registrado en una llamada telefónica, o en un simple levantar de mano. Simon (James McAvoy) forma parte del plantel de la empresa rematadora, pero, aunque nadie lo imagine, también integra de alguna manera una banda de ladrones de guante blanco, que amplía su rubro con el robo de obras de arte.
    Esta vez hay un Goya en juego y nada menos que su impresionante cuadro "Las brujas del aire" (1798). En medio del caos que se produce cuando irrumpe el grupo de ladrones en el remate, Simon corta la tela, la enrolla en su cuerpo y huye.

    LA DESAPARICION
    Después no recordará donde puso el cuadro, provocando la ira de la banda que cree que "el nuevo" los quiere engañar. Lo que viene después es una implacable persecución y tortura, a Simon. Los delincuentes son violentos y como final, o comienzo, para intentar averiguar qué sucedió con la tela de Goya, Franck (Vincent Cassel), el líder de los delincuentes, contrata a Elizabeth (Rosario Dawson), una impactante especialista en hipnosis para "extraerle" los recuerdos a Simon. A partir de ese momento se abre la "Caja de Pandora" y todo puede suceder.
    El filme de Danny Boyle, el mismo de películas tan diferentes como "Slumdog Millionaire: ¿Quién quiere ser millonario?" o "Trainspotting", muestra un cuidado y moderno diseño de producción, dosifica la acción y tensión en la primera parte, cuidando el desarrollo del relato y la captación del argumento por parte del espectador.

    UN LABERINTO
    Por el contrario, la segunda parte, donde entra a tallar la bella Rosario Dawson (Elizabeth), se vuelve laberíntica, poco clara y se excede en cuanto a los límites entre la realidad, el sueño y la imaginación. Así si uno comienza a desconfiar de los personajes, también se ve obligado a preguntarse sobre los artilugios que es capaz de encerrar la mente. La maximización de estos elementos ligados a giros y visiones en desmedro de la claridad, contribuye a la confusión general. A esto se une un cierto tratamiento de la psicoterapia no necesariamente verosímil.
    Con un buen nivel actoral, se destacan James McAvoy (Simon), el subastador y ladrón; Vincent Cassel (Franck), el líder de los delincuentes y Rosario Dawson (Elizabeth), la experta especialista en hipnosis.
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  • El gran simulador
    Un rey para todas las cartas

    Su nombre de batalla es René Lavand y el mundo artístico lo conoce por la cartomagia, ese oficio de la magia que lo hace dominar las barajas.
    El filme lo muestra en su casa de troncos, en Tandil: un lugar paradisíaco.
    La cámara de Néstor Frenkel fotografía al ilusionista rodeado de árboles, plantas y flores, un enano de jardín, un gato elegante y a él mismo, con ese modo tan nuestro, mezcla de ironía socarrona, de "ya lo viví", mientras su mano desafía la ausencia de la otra.
    René Lavand es argentino y Nora Gómez, su compañera de treinta años preparan el material que atestigua una vida. Más de cincuenta años de presentaciones, que incluyen actuaciones en el show de Ed Sullivan, España, México, Japón y junto a Juan Carlos Mareco en Buenos Aires y esa "tarea de los artistas que se preparan para entretener a los que trabajan", como le decía don Atahualpa Yupanqui. Lavand se muestra y se oculta en su oficio y maravilla en su constante tarea de desafiar al azar.

    LARGO OFICIO
    El director Néstor Frenkel lo muestra desarrollando su oficio en su "laboratorio personal", un vagón de tren devenido sala de ensayo, donde el maestro despunta y afina el oficio, mientras espera un obsequio particular de Estados Unidos, la escultura de su mano, la que usa para su juego, o la que se fue y que con su ausencia apuntaló la necesidad de la otra de compensarla.
    René Lavand se muestra en su recorrida por la ciudad de Tandil, en su pasado de éxitos, con su sombrero tejano. En su trato con amigos, o en su evocación de Homero Manzi cuando habla de los naipes, "cartones pintados con palos de ensueño, de engaño y amor. La vida es un mazo marcado, baraja los naipes la mano de Dios".

    LA PERFECCION
    Con agudeza, riéndose un poco de su búsqueda de la perfección, Lavand nos da los simples consejos de un artista. Habla de la paz que da el amor a la creatividad, del trabajo diario para mejorar el oficio, ése que queda después de eliminar lo que está de más.
    El director Néstor Frenkel con "El gran simulador" encontró ese tipo de personaje que consume la mirada y puede opacar todo lo que está alrededor.
    Frenkel lo supo ambientar y lo rodeó de lo querido y de esa naturaleza presente en las ramas de un árbol, el trino, o el movimiento elegante de un pájaro y todo el verde del jardín. Y todo suma para completar la radiografía de este "señor de las cartas", en permanente búsqueda de imitar la Naturaleza en su juego de perfección. El final es imperdible, cuando el cine, máximo artificio, logra que la mano ausente inicie un desafío con la presente, ayudado por los naipes impasibles, verdaderos palos de ensueño.
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  • Bomba
    Bomba
    La Prensa
    Un taxi que llega a dar miedo

    Walter (Alan Daicz), un adolescente que vive en Santa Fe y viaja a Buenos Aires, está asombrado y contento. Su historieta fue premiada con la edición de un libro y ahora lo llaman de la Feria del Libro para presentarlo.
    Un micro llevará a él y a su madre hasta Buenos Aires. Pero algo alterará la situación. Como si el azar quisiera impedir que el chico llegue a Buenos Aires, la parada en una estación de servicio, provocará una demora y el micro partirá sin él.
    Walter podrá llegar a nuestra ciudad a dedo, varias horas después, cuando su madre ya se fue para la Feria del Libro, tratando de disculparlo. Ahora sólo falta conseguir un taxi y llegar. Pero el taxi al que sube es especial, como le dirá luego su conductor, qué, como él, también se llama Walter (Jorge Marrale). El vehículo está acondicionado para estallar en cualquier momento. El destino de los dos, el del hombre maduro y el del adolescente, está por cambiar.

    TRAMA DE BIZZIO
    La película se basa en "El triunfo de la oblicua", un cuento del escritor y director Sergio Bizzio, también autor de libros y guiones que dieron origen a películas como "XXY", "Adiós, querida luna" y filmes como "Animalada", que el mismo novelista dirigiera en 2000.
    Con sólido manejo del lenguaje cinematográfico, buen equilibrio de tensiones contando la limitación de desarrollar una historia casi totalmente dentro de un ámbito cerrado como es un taxi, el filme añade la participación de dos actores de primer nivel. Es el caso del excelente Jorge Marrale (Walter) en uno de sus mejores trabajos y Alan Daicz (Walter), conocido recientemente por la película "Un amor" de Paula Hernández, que se revela como un promisorio actor joven, que va creciendo a lo largo de la historia.
    "Bomba" es una interesante producción argentina, con algunos altos y bajos en el diálogo, pero un buen ritmo narrativo, que a la manera de un thriller psicológico, muestra los distintos estadios por los que va pasando un marido que fue engañado y que, de alguna manera, encuentra en un compañero ocasional de viaje, cierta comprensión a su triste experiencia.
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  • Iron Man 3
    Iron Man 3
    La Prensa
    Un personaje burlón y ansioso

    Nuevamente el superhéroe de la dinastía de cómics de Marvel al ataque. Nacido en la década de 1960, como historieta, el supermillonario egocéntrico y simpático Tony Stark/Iron Man (Robert Downey Jr.) es capaz de hacer un desastre cubierto con su armadura letal y convertirse en el guardián ideal de un mundo globalizado.
    Por supuesto, que en este nuevo filme, será otra vez llamado para defender la paz del estado.
    Como siempre lo vemos rodeado de su amigo James Rhodes (Don Cheadle) y de la encantadora Pepper Potts (Gwyneth Paltrow, la mujer más bella del mundo según People), su novia eterna. Esta vez el gran enemigo será "El Mandarín" (Ben Kingsley), un sorprendente antagonista cuyas características serán develadas a lo largo de la historia. Pero también estarán los enemigos menores, como el malo de Aldrich Killian (Guy Pearce), nada desdeñable. Habrá también otra bella, no rubia como la Pepper, sino de pelo oscuro y armas tomar: Maya Hansen (Rebecca Hall).

    MARAVILLA TECNO
    Esta vez la voz del héroe nos ubicará en la acción, Suiza en el comienzo, trece años atrás, cuando Tony Stark descubre que puede ser un superhéroe. Durante el filme nos enteraremos que Stark sufre de ansiedad y su buen humor habitual es salpicado por tan molesto trastorno.
    El resto, como ocurre siempre, es un gran despliegue de maravilla tecnológica, la armadura siempre rebelde para instalarse en el cuerpo de su dueño, los combates sorprendentes y los efectos especiales atronadores. La acción será la estrella, el buen humor el compañero permanente y los efectos especiales las estrellas de un cielo con nubarrones.
    Por supuesto que habrá combates antológicos, destrucciones masivas como la casa del multimillonario, casi al borde de la nada e impactantes desplazamientos de la tribu de mellizos de Iron Man.

    AMOR Y ACCION
    La especialidad del director Shane Black es la acción. No por nada algunos de sus guiones anteriores pasan por "Arma mortal" o "El último boy scout". El equipo actoral, como siempre, resulta atractivo. En primer lugar, ese encantador de serpientes que se llama Robert Downey Jr., él que es capaz de personificar a un Chaplin bufonesco, o un delirante Sherlock Holmes, tan bien compuestos como este Iron Man, un superhéroe burlón, obsesionado por su traje-armadura. A su lado, la siempre enamorada Pepper Potts (Gwyneth Paltrow), cuidadosa de no perder a Tony Stark y el notable Ben Kingsley, tan capaz de meterse en la piel de "Gandhi" (por la que ganó un Oscar en 1982), como en este personaje llamado "El Mandarín", un enemigo de evolución imprevista.
    Acción, humor, peleas imposibles y a no irse cuando estén pasando los créditos finales y usted crea que todo termina, porque aún queda una sorpresa final que no lo defraudará.
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  • De jueves a domingo
    Mini vacaciones melancólicas

    Una pareja joven con dos hijos chicos inicia un viaje para pasar un fin de semana cerca de un río, tras haber decidido separarse. Durante el viaje, Lucía (Santi Ahumada), una niña de unos diez años observa las reacciones de Ana (Paola Giannini) y Fernando (Francisco Pérez-Bannen), sus padres, sospechando que algo ocurre entre ellos. Manuel (Emiliano Freifeld), el hijo más pequeño sigue con sus juegos y las peleas fraternales, sin que nada afecte el desarrollo de un fin de semana que, salvo la aparición de algunos conocidos, no tiene ningún imprevisto.

    MIRADAS CRUZADAS
    La acción se desarrolla mayormente en el interior del auto. Por esto, las breves salidas para acampar, meterse en el agua, recoger alguna rama, o piedra por parte de los chicos, oficia de apertura y boca de aire para el espectador, que parece asistir como un voyeurista, a las breves vacaciones de una familia común.
    El ojo de la pequeña Lucía oficia de receptor de esta road-movie de un grupo que se desplaza por el norte de Chile.
    Es un filme hecho con mínimos recursos y abundante en miradas y sensaciones a cargo de un correcto equipo de intérpretes. Paola Giannini y Francisco Pérez-Bannen, que cubren los papeles de Ana y Fernando, los padres, son dos populares actores televisivos. Santi Ahumada (Lucía) y Emiliano Freifeld (Manuel), son los pequeños de la historia.
    Espontánea y sensible, la película da al espectador la sensación de espiar la acción. "De jueves a domingo" cuenta con una buena fotografía, atractiva música y gran naturalidad en la actuación. Su tiempo narrativo por momentos es moroso, sus diálogos mínimos y su ritmo algo melancólico.
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  • El nombre
    El nombre
    La Prensa
    La intolerancia y el egoismo

    Vincent (Patrick Bruel) será padre y su hermana Elisabeth (Valérie Benguigui) y su cuñado Pierre (Charles Berling) deciden hacer una reunión en su casa, en un barrio alejado del centro de París. A ellos se une Claude (Guillaume de Tonquedec), un músico, que es amigo de Elisabeth desde que eran niños y más tarde se sumará al agasajo, Anna (Judith El Zein), la esposa de Pierre.
    La noche se presenta ideal para divertirse, hasta que se toca el tema del nombre del bebé que tendrán Vincent y Anna. Se llamará Adolphe. "Adolf, como Hitler!", grita Pierre sorprendido. "No, Adolphe", responde Claude y la charla que hasta ese momento resultaba amena se convierte en una discusión que toma tales dimensiones que alcanzará casi para romper una amistad de años. Nada será lo mismo a partir de ese momento.
    Basada en la obra de teatro "Le prénom" ("El nombre"), representada en París, a partir de 2010 y actualmente en un teatro porteño y adaptada por sus mismos autores, el filme es casi un vaudeville más centrado en los diálogos que en las acciones.

    ESCENARIO UNICO
    Tratando de compensar lo que vendrá después, con un solo escenario (el interior del departamento de Pierre y Elisabeth) y los mismos personajes en más de cien minutos, el comienzo es una delicia lúdica de montaje, cuyas imágenes recorren con ironía, varias de las calles más conocidas de París. También la presentación de los personajes será juguetona y burbujeante, para luego entrar al departamento y desarrollar la acción entre cuatro paredes, salvo algún flashback que alude a un pasado inmediato.
    A través de una excusa, el bendito nombre del bebé, se lanza un interesante contrapunto que habla de la intolerancia de los individuos, el predominio del egoísmo y sus intereses, la banalidad y equivocación de las apariencias y la revalorización de la amistad. Fiel al texto, el brillante diálogo, que también pasa por momentos de efecto y reiteración, desnuda las características de una sociedad, sus clases sociales, junto con sus resentimientos políticos.
    Excelentes actores como el argelino Patrick Bruel (Vincent), Judith El Zein (Anna), Charles Berling (Pierre), la simpática Valérie Benguigui (Elisabeth), el impecable Guillaume de Tonquedec (Claude) y Franois Fabian, la inolvidable Maud del filme de Eric Rohmer, "Mi noche con Maud"), en el papel de Franoise, la madre de Pierre y Elisabeth.
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  • La vida anterior
    Cantantes con sesgos amorosos

    El filme profundiza sobre los sentimientos y las relaciones entre el arte y la vida real, las dificultades entre el deseo y la concreción de una carrera artística. Y ese enfoque es lo más interesante de la película, aunque no esté totalmente plasmado formalmente.

    El arte une a Federico (Sergio Surraco) y Ana (Elena Roger). Ella estudia y quiere dedicarse a la ópera, Federico busca su camino en la pintura y la música. Un día cualquiera en la casa de Mara Bertollini (Adriana Aizenberg), la maestra de canto, aparece Ursula (Esmeralda Mitre), una joven tan bella como sugestiva con una voz llamativa.
    Los tres personajes se conocen, se frecuentan, se hacen amigos y se engañan unos a otros. El tiempo va a ser el marco de su evolución y la realidad de su destino.
    La "opera prima" de Ariel Broitman, basada en la novela "La maestra de canto" de Silvia Arazi, ingresa en el universo del arte, tema no demasiado transitado en el cine argentino. En este caso, el canto lírico. Algunos filmes recientes como "Gricel" de Jorge Leandro Colás, se refiere tangencialmente a la elaboración de una ópera, inspirada en el romance de un conocido compositor y su musa inspiradora y otros lejanos como "Pájaros de cristal" (1951), de Ernesto Arancibia, con Mecha Ortiz, que vincula el mundo del ballet con un triángulo entre un coreógrafo y dos bailarines.

    LOS SENTIMIENTOS
    "La vida anterior" profundiza sobre los sentimientos y las relaciones entre el arte y la vida real, las dificultades entre el deseo y la concreción de una carrera artística. Y ese enfoque es lo más interesante de la película, aunque no esté totalmente plasmado formalmente.
    Elena Roger, confirma sus cualidades de actriz, sumadas a su condición de excelente cantante. Ya lo había demostrado en la recordada "Un amor" de Paula Hernández. Completan el sólido equipo actoral de la película: Sergio Surraco como Federico, Juan José Camero (León), como un músico veterano, la siempre eficiente Adriana Aizemberg (Mara Bertollini) y Esmeralda Mitre, la llamativa Ursula, desencadenante en una relación que se complica. Bellos los fragmentos líricos a cargo de Elena Roger y la voz de Mirta Arrúa Licchi.
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  • La esperanza de una nueva vida
    La ilusión que siempre ayuda

    Filme mejor logrado en la primera parte, por su buena exposición, ritmo equilibrado y situaciones atractivas, la segunda parece acelerarse y arrimarse más a lo convencional. Cálidas actuaciones de Tao Zhao y Rade Sherbedgia.

    Bajo el nombre del gran poeta chino, Qu Yuan se celebra una pequeña historia de exiliados.
    Shun Li (Tao Zhao), es una joven que dejó a su pequeño hijo en China para trabajar en Europa, primero en Roma y luego en la isla de Chioggia, llamada La segunda Venecia, en la que atiende un bar. Ella fue traída de su país por organizaciones que la hacen trabajar en distintos lugares donde funcionan sus negocios. El buen comportamiento y la dedicación al trabajo, pueden hacer que Shun Li se reúna pronto con su hijo.
    Primero un taller de costura y luego el bar de un hospedaje, son algunos de sus destinos. En este segundo lugar conoce a un jubilado viudo, Bepi (Rade Sherbedgia), un pescador que hace más de treinta años llegó a la isla.
    La pesca, el agua, los afectos, la poesía, serán los temas que pronto motivarán un acercamiento entre ambos. A Bepi lo llaman "el poeta" por su capacidad de armar rimas y Shun Li invoca al poeta Qu Yuan, que como ellos, tuvo que alejarse de la patria.

    LOS INMIGRANTES
    El director Andrea Segre es un joven profesor italiano en sociología de la comunicación. Etnias y culturas marginales son sus preferencias temáticas en materia cinematográfica. De ahí que esta ficción, con un yugoslavo y una joven china llegados a Italia, se entronque con su línea de trabajo. Su historia tiene emoción, momentos que pasan del puro realismo (grupo de pescadores) a pasajes de poesía, acompañados de estéticas imágenes del paisaje veneciano y una atmósfera de melancolía general.
    El tema de la xenofobia también se toca en el relato cinematográfico, pero la historia de amor que pudo ser, ocupa el núcleo central.
    Filme mejor logrado en la primera parte, por su buena exposición, ritmo equilibrado y situaciones atractivas, la segunda parece acelerarse y arrimarse más a lo convencional.
    Contenidas y cálidas son las actuaciones de Tao Zhao y del actor croata Rade Sherbedgia, y sugestiva la estructura musical de Franois Couturier.
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  • 21 La gran fiesta
    Los adolescentes se divierten

    "21 La gran fiesta", reitera la fórmula de -"¿Qué pasó ayer?", pero con menos recursos neuronales, mayor cantidad de trazos gruesos y gente mucho más joven. Las interpretaciones son correctas, el ritmo es bueno, pero la idea es que no hay nada detrás.

    Esta comedia es de los creadores de "¿Qué pasó ayer?". Oportunamente hicimos el comentario de "¿Qué pasó ayer 2", una comedia sobre lo que puede pasar después de una despedida de soltero. Estaba interpretada por gente joven, tenía muy buen ritmo, era bastante vacía e incluía un desnudo y punto.
    "21 La gran fiesta", reitera aquella fórmula, pero con menos recursos neuronales, mayor cantidad de trazos gruesos y gente mucho más joven.
    Dos egresados secundarios, luego se sabrá que no lo son: Casey (Skylar Astin) y Miller (Miles Teller), deciden visitar a su gran amigo Jeff Chang (Justin Chon), su compañero de locuras en el colegio, que está a punto de cumplir veintiún años.

    LOS AMIGOS
    Casey y Miller decidieron celebrar con él. Hace un tiempo que no lo ven y cuando le cuentan sobre la celebración, Jeff les dice que no, que al día siguiente tiene una entrevista para entrar a la escuela de medicina. Aparece el doctor Chang (Franois Chau), padre de Jeff, un padre oriental al que todos temen y los chicos desaparecen, pero con la promesa de Chang de acompañarlos.
    Lo que sigue es el disparate total, muchos chicos y chicas desenfrenados, bebida de todo tipo, vómitos surtidos, bromas pesadas, exageraciones varias, un búfalo en medio de la nada, obstaculizando el paso y la decisión de divertirse ya sea en la calle, o en alguna hermandad universitaria, siempre que abunde el alcohol.
    El resultado es medianamente divertido, las interpretaciones son correctas, el ritmo es bueno, pero la idea es que no hay nada detrás. Los efectos son conocidos, los "nerds" son los mismos de siempre como sus chistes, las bromas poco originales, pesadas, de mal gusto en general y los gritos parecen copiados de otras películas con personajes adolescentes.
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  • Roa
    Roa
    La Prensa
    Historia de un hombre común

    Con una austera, pero efectiva reconstrucción histórica, la película toma la figura del polémico Roa, detalla su circunstancia, la de pobre esperanzado, ingenuo, convencido de su destino de grandeza.

    Juan Roa Sierra (Mauricio Puentes) es un hombre común. En la Colombia de 1948, donde el tranvía es una mancha de color en medio de la arquitectura colonial, su pequeña vida comienza a tambalear. Y justo en ese momento, cuando su país parece querer crecer, poblado por distintas voces políticas. Es que nada le salió como él quería, el menor de catorce hermanos en un hogar pobre, ni pudo estudiar, ni conseguir un empleo público como alguno de sus hermanos.
    Todo en su vida es temporario, hasta su relación con su mujer María (Catalina Sandino Moreno), que ya lo ralea y se aisla con la hija pequeña de la pareja.

    LA FRUSTRACION
    Ahora, desempleado, pero seguro de ser superior (¿acaso no es amigo del profesor y tiene un destino que lo destaca cuando le leen las manos?), va a su entrevista de trabajo que lo ubicará para siempre en esa sociedad tan chata. Pero el hombre en el que él confía, don Jorge Eliecer Gaitán (Santiago Rodríguez), ese congresista liberal que liderara "la marcha de las antorchas" por la paz, no le da ninguna solución. Hasta le parece que lo subestima, sin pensar que la tarjeta con la dirección de su oficina que le dio y en la que cifró toda esperanza, fue puro compromiso. A Roa se le hace añicos la vida y promete vengarse.
    No sabe que su acción desencadenará un baño de sangre en su país.
    El filme de Andrés Baiz aúna elementos de ficción y realidad, alrededor de la figura de Juan Roa Sierra, quien habría provocado el atentado contra el doctor Eliecer Gaitán. La muerte del político sería una de las distintas causas de la eclosión del "Bogotazo", que desmembraría a la Nación.

    FIGURA POLEMICA
    Con una austera, pero efectiva reconstrucción histórica, la película toma la figura del polémico Roa, detalla su circunstancia, la de pobre esperanzado, ingenuo, convencido de su destino de grandeza. Y es justamente la descripción de un pobre de toda pobreza lo que valoriza el filme. Momentos como la partida hacia la entrevista de trabajo, en su traje gastado, luego del beso y la bendición a la madre, o la de Roa al borde del suicidio, mientras el viejo fotógrafo lo eterniza en su duda, pintan con emoción y austeridad el drama de un pobre tipo.
    "Roa" es una película con ciertos desniveles en la narración, exceso en la extensión y estupendas actuaciones. Desde la emotiva de Mauricio Puentes (Juan Roa) y Catalina Sandino (María), su encantadora compañera, pasando por la contundencia de Santiago Rodríguez, como Jorge Eliecer Gaitán, hasta los papeles más pequeños que permiten apreciar la sensibilidad de Rebeca López, como la madre, o la ternura y picardía de un veterano profesional como es Héctor Ulloa. Nuestros Alberto Fernández de Rosa y Arturo Goetz, como el profesor se destacan en sus respectivos papeles.
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  • Tadeo, el explorador perdido
    A la búsqueda del tesoro maya

    El filme exhibe una buena concepción visual y cromática, atractivas locaciones con llamativas reproducciones de la cultura maya. Recomendada para chicos desde siete años.

    Tadeo es miedoso. Ha sido un chico muy sobreprotegido por su abuela desde que murieron sus padres. Pero él conserva el deseo de ser arqueólogo y explorador, además de ser tan valiente como lo fue su padre. Hay un amuleto que le dejó su padre, que seguramente le va a hacer cumplir su deseo, cuando sea grande.
    Tadeo crece, pero está empleado en la construcción como albañil y chofer de excavadoras. Y no deja de juntar objetos que encuentra bajo tierra en recuerdo del explorador que no pudo ser. Pero el azar cambia su destino. Su amigo y director de un museo, recibe parte de una tablilla de piedra, suerte de llave de acceso a Paititi, la legendaria ciudad pre-incaica.
    Una indisposición del director del museo lo hace partir hacia la Tierra Prometida, la tierra maya. Allí comenzará su ansiada aventura. Con Sara, una joven arqueóloga, Freddy, un divertido guía buscavidas, dispuesto siempre a "hacer negocios", Jeff, el perro de Tadeo y el divertido Belzoni, un loro mudo, con nombre de mago circense.

    EL ESPIRITU MAYA
    El personaje de Tadeo ya fue protagonista de cómics y cortos premiados y recibió varios premios. Este filme está estructurado como una comedia familiar de aventuras con el antihéroe que representa Tadeo, su mascota y personajes malos muy malos como Kopponen, cazatesoros del equipo Oddyseus, que saquea sitios arqueológicos en busca de tesoros escondidos y los revende al mejor postor.
    La historia tiene muy buenos momentos en el comienzo, con un argumento mejor estructurado, mientras que la segunda parte es más rica en acción y efectos especiales con intervención de espíritus mayas verdaderamente divertidos.
    Es muy buena la utilización de efectos especiales, los combates y la participación de personajes secundarios como Max Mordon, el arqueólogo admirado por todos, por protagonizar una serie de televisión de difusión masiva.
    "Tadeo el explorador perdido en 3D" exhibe una buena concepción visual y cromática, atractivas locaciones (las ruinas en la zona amazónica) con llamativas reproducciones de la cultura maya. Recomendada para chicos desde siete años.
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  • Oblivion: El tiempo del olvido
    La mujer entrevista en sueños

    La obra de Joseph Kosinski se destaca exclusivamente por su llamativo diseño audiovisual, explosiones de efectos especiales e imágenes casi oníricas con gran preponderancia del blanco en superficies heladas.

    La acción se ubica en los próximos sesenta años. Seres extraterrestres (Aliens) invadieron la tierra, se produjo el caos y casi todo quedó en ruinas, mientras los humanos fueron expulsados hacia distintos sectores del espacio.
    Uno de ellos es Jack Harper (Tom Cruise), miembro de una misión que se ocupa de controlar los robots ocupados en salvar los últimos recursos del planeta, antes de la partida final. A Harper se une su ayudante Victoria (Andrea Riseborough), con la que forma un team ideal, pragmático y vital.
    Pero en algún momento del tiempo, una mujer venida del espacio Julia (Olga Kurylenko) comienza a cambiar el panorama de la pareja y Jack parece olvidar el llamado de Sally (Melissa Leo), la supervisora de la misión interestelar.

    PARTIR JUNTOS
    La idea de partir juntos, con Victoria, no parece ser el próximo objetivo. Jack cree reconocer en Julia, la navegante estelar como la mujer que aparece en sus sueños y que le revelará la verdad, una verdad del pasado. Algo que le hará cambiar el hilo de su historia y lo transformará en un ser diferente.
    El filme de Joseph Kosinski se destaca exclusivamente por su llamativo diseño audiovisual, explosiones de efectos especiales e imágenes casi oníricas con gran preponderancia del blanco en superficies heladas (una de sus locaciones es Islandia). Hay una multitudinaria exhibición de objetos aéreos, naves-cápsulas y robots esféricos aéreos, que vigilan el aire.

    RELACION AMOROSA
    Lo problemático es que el apoyo temático se pierde, lo formal se impone y la historia queda en una aproximación amorosa entre Julia y Jack, una relación aparentemente empezada antes del caos nuclear y que trata de reanudarse en momentos en que la guerrilla se desencadena, sin demasiado sustento imaginativo.
    Tom Cruise, como sabemos es el héroe y no tiene demasiadas oportunidades de ejercer dramáticamente en un filme de efectos especiales, que se desarrolla en superficies glaciares, tan glaciares como el tono general de la historia. Habrá reacciones insospechadas, con robots rebeldes y un Morgan Freeman inesperado en el papel de Beech, un líder de la resistencia.
    Olga Kurylenko, tan bella como en "Quantum of Solace", hace aquí el papel de la extraña Julia, capaz de cambiar la vida del reparador estelar y alejarlo de Victoria (Andrea Riseborough), su compañera hasta el momento.
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  • Profesor Lazhar
    Los maestros, entre límites

    La película de Philip Falardeau está basada en una obra teatral y toca, desde el comienzo, un tema dificultoso (un suicidio en clase) y otro más complicado, la evolución emocional de los chicos. Fluye como impulsada por las mareas y sólo en mínimas ocasiones, eleva la voz.

    Si queremos encontrar puntos de contacto con otras películas relacionadas con el tema de la educación, tenemos que comparar "Profesor Lazhar" con "Entre muros", de Laurent Cantet, otro estupendo filme ambientado en una escuela de Canadá y la documental "Ser y tener" de Nicholas Philibert.
    En "Profesor Lazhar", un emigrado argelino se ofrece para tomar una vacante de maestro en un colegio primario de clase media, de Montreal, Canadá. La profesora anterior se colgó de una soga dentro de un aula y fue descubierta por un alumno.
    Cuando Lazhar es aceptado como suplente, se enfrenta con problemas que van más allá de los que un refugiado extranjero puede enfrentar. Un suicidio docente reciente, esa realidad tan diferente a la suya y una cultura en la que se educó y aún la que estudió en los libros que hablaban de su país de acogida, pero lo hacían desde el punto de vista teórico, le demuestran que la vida es otra cosa y más aún, el sistema de educación.

    LOS INTERROGANTES
    ¿El orden puede favorecer un mejor rendimiento educativo? ¿las normas deben seguir siendo inflexibles ante situaciones terminales? ¿El acercamiento emocional al alumno es negativo, o desde cuándo el consuelo se considera peligroso? Son preguntas que Lazhar deberá responderse ante la presión del alumnado y de un grupo de maestros que no puede superar la pérdida reciente de la querida maestra Martine. Y aunque habrá chicos amigables cono la pequeña Alice L"Ecuyer (Sophie Nélisse), también habrá padres intolerantes que le pidan "que enseñe y no eduque". Lazhar, en su vida de refugiado, deberá adaptarse a esta realidad nueva, pero como para él, educar es amar, nadie le podrá impedir que ponga su antiguo método en marcha, apoyar emocionalmente al alumno, hablarle y alguna vez abrazarlo.

    SIN GOLPES BAJOS
    La película de Philip Falardeau está basada en una obra teatral y toca, desde el comienzo, un tema dificultoso (un suicidio en clase) y otro más complicado, la evolución emocional de los chicos. Sin embargo, apoyado por la serenidad de ese piano que convoca una melodía dulce y melancólica, el filme fluye como impulsado por las mareas y sólo en mínimas ocasiones, eleva la voz.
    Sin golpes bajos, planteando los problemas escolares libremente, centrando la crítica sin hacerlo, en temas como el no compromiso ante un caso límite como el suicidio en el ámbito escolar, con la elección de ignorar lo sucedido para evitar conflictos, la escuela que le tocó a Lazhar comienza a meterse en su vida privada de maestro con problemas familiares y políticos. Y en medio de todo, los chicos que saben todo, o intuyen todo.
    "Profesor Lazhar" es un filme sensible, que cuenta con un gran intérprete como Mohamed Fellag (Bachir Lazhar) y los pequeños Sophie Nélisse y Emilien Néron, dos pequeños actores que se muestran increíblemente naturales, en sus personajes de Alice y Simon.
    Con un ritmo no apresurado pero no moroso, apiñando secuencias que agregan conflictos y reflexiones al collar que Lazhar decidió rearmar, el filme de Philippe Falardeau atrae y emociona.
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  • Bienvenido a los 40
    Un sutil entrevero familiar

    Es una comedia deliciosa, muy bien interpretada por actores que irradian frescura como Paul Rudd, Leslie Mann y Maude Apatow e Iris Apatow, en el papel de las hijas.

    Pete (Paul Rudd) y Debbie (Leslie Mann) ya entraron en el círculo mágico de los cuarenta años, aunque ella sigue sosteniendo que tiene treinta y ocho. Es momento de replantearse algunas cosas y Debbie empieza por las más evidentes. La "pancita" de Pete exige que los dos dupliquen las caminatas y la hora de gimnasio, los gastos siguen siendo los mismos pero las ganancias son menores. Debbie todavía ignora que el pequeño sello discográfico que su esposo lleva adelante va cada vez peor. Pero Pete no quiere renunciar a su entusiasmo por sus "héroes de la juventud": viejos músicos que aún continúan tocando, como "Graham Parker y los Rumour". Y se jugó a todo o nada apostando por ellos, que cada vez tienen menos seguidores (porque los fans también cumplen años y mueren), aunque estén en internet.
    Todo se complica para la pareja, las chicas no son nada tranquilas, los complejos sanos que apuestan a una mejor salud de Debbie terminan asqueando a Pete, las hipotecas cada vez son más difíciles de pagar y hasta la boutique de Debbie empieza a perder plata.
    Sí, la llegada a los cuarenta abre y cierra un panorama muy amplio. Pero no todo está perdido para la pareja de esta historia.

    ACCION Y RITMO
    Judd Apatow es un director y guionista exitoso ("Ligeramente embarazada", "Virgen a los 40"). Todos sus éxitos juegan con la verdad y la exprimen de tal manera que saca lo mejor de cada una, la dota de acción, sexo, ritmo, encantadores protagonistas y una dosis increíble de naturalidad. Todo lo que se ve es altamente comprobable, las locaciones son atractivas, los personajes secundarios tienen encanto y abundan los buenos gags, la cuota de revival, el momento para los chicos (deliciosa Iris Apatow, hija del director y la protagonista) y hasta la importancia de la dependencia de los padres mayores, que en este caso, muy hollywoodianamente, tienen hijos de la edad de los nietos, mujeres de la edad de las nueras y escaso dinero, lo que los obliga a recurrir económicamente a los hijos de cuarenta.
    En síntesis "Bienvenido a los 40", es una comedia deliciosa, muy bien interpretada por actores que irradian frescura, como Paul Rudd (Pete), Leslie Mann (Debbie) y Maude Apatow (Sadie) e Iris Apatow (Charlotte), en el papel de las hijas.
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  • Contrarreloj
    Contrarreloj
    La Prensa
    Entre persecuciones y raptos

    "Contrarreloj" es un clásico policial de acción y suspenso. En este caso hay más acción que suspenso y lo que verdaderamente saca al filme de la rutina es la ubicación, en la que se realiza la búsqueda de la chica raptada y la persecución final, en Nueva Orléans, durante el clásico Mardi Gras.
    Por Isabel Croce

    Will Montgomery (Nicolas Cage) se muestra arrepentido. Su pasado de amigo de lo ajeno le costó ocho años de cárcel y ahora que está en libertad, reflexiona sobre la traición que hizo que aquel golpe saliera mal y que "manchara" su fama de "experto". Es hora de ocuparse de la familia tan abandonada y entablar una mejor relación con su hija adolescente, Alison (Sami Gayle).
    Pero hay una duda pendiente. Tanto el FBI como su "socio" en el gran robo, Vincent (Josh Lucas), están seguros de que Will se quedó con un resto. Y vaya resto!. Nada menos que diez millones de dólares.
    La duda se concreta en un secuestro, el ex cómplice de Will se apodera de su hija Alison (Sami Gayle) y exige un rescate. Y como Will no tiene un peso, la única posibilidad de lograr el dinero es volver a robar nuevamente, lo que significa regresar a los viejos tiempos.

    LINEAS CLASICAS
    "Contrarreloj" es un clásico policial de acción y suspenso. En este caso hay más acción que suspenso y lo que verdaderamente saca al filme de la rutina es la ubicación, en la que se realiza la búsqueda de la chica raptada y la persecución final, en Nueva Orléans, durante el clásico Mardi Gras, fiesta de carnaval, caracterizado por los coloridos desfiles con máscaras y luces que se desarrollan en la zona de Louisiana.
    Nicolas Cage, como Will Montgomery, es el protagonista de este policial, en el que el director Simon West vuelve a dirigirlo, como en "Con Air". A su lado, Danny Huston como Tim Harlend, es el perro de presa del FBI, que le sigue el rastro y Josh Lucas, en el papel de Vincent, hace de un villano mayor. A ellos se suma la sueca Malin Ackerman, en el papel de Riley Jeffers, que ahora atiende un bar, luego de un pasado gangsteril que la unió a Will Montgomery.
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  • Posesión infernal
    Aventuras en color rojo sangre

    Con una buena dosis de humor negro, "Posesión infernal" es un filme sólo para gente sana, con estómago fuerte y socios del "Club del miedo".

    Es tiempo de pasar unas lindas vacaciones y para cinco adolescentes, la elección de una cabaña perdida en el bosque, bastante descuidada, pero con hogar y leña y la posibilidad de estar sin adultos varios días, parece ser la adecuada. Pero como los chicos tienen un compañero que se muere por los libros, el hallazgo de uno lo hipnotiza. El ejemplar que se titula "Necronomicón" parece ser estar hecho de piel humana y es un libraco de conjuros demoníacos por el cual cualquier satanista de estirpe, moriría de placer.
    Pero el chico que no es demasiado cuidadoso y muy confiado, lo lee, dice algunos nombres en voz alta y horror!, algo se dispara. Algunos demonios con zumbido de insecto y capaces de cualquier cosa aparecen en el lugar.

    ADICTA A LAS DROGAS
    A partir de ese momento el grupo comienza a estar en problemas y esto se suma a los esfuerzos que estuvieron haciendo todos y en particular una compañera que estudia enfermería, para lograr que Mia (Janet Levy) una de las chicas supere su adicción a las drogas. Justo en lo peor del período de abstinencia de la chica, uno de los muchachos, quizás el más inocente, que se toma las cosas un poco en broma, invoca a los demonios y éstos aparecen con la intención de que ninguno de los jóvenes quede vivo.
    La película es la versión actual de un éxito de 1981, del director y guionista Sam Raimi, que ahora produce este filme. La vieja dio origen a tres producciones, la famosa trilogía "Evil dead". El caso es que ésta es la visión expresa de una cámara de torturas.

    ABUNDANTE SANGRE
    A los chicos les pasa de todo. Los cortan en pedacitos, algunos miembros quedan hundidos y moviéndose en el barro. Se les modifican los ojos y se forman globos brillantes y transparentes. Están siempre corriendo, acorralados, temerosos, e intentan defenderse como pueden, con cuchillos, motosierras y cosas afines. Pero como los demonios son inmortales, combatirlos resulta imposible. El caso es que vuelan manos, piernas, sangre coagulada y la troupe adolescente se enloda, grita, sufre, muere, es enterrada viva y la sangre llueve intensa y abundante.
    "Posesión infernal" es una película sólo para gente sana, con buen estómago y socios del "Club del miedo". Sus trucos son tan exagerados que dan risa. Muy gore, con vísceras esparcidas por distintos lugares.
    El filme que también tiene una buena dosis de humor negro y su director es el uruguayo Federico Alvarez, logró despertar la curiosidad de Sam Reimi, a partir de que con su corto "Ataque de pánico", convocó a millones de espectadores.
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  • La reconstrucción
    Bloqueos afectivos en el sur

    Un punto alto lo alcanzan los actores, desde el doliente Eduardo de un Diego Peretti interior, intenso en un personaje difícil, porque sólo se expresa a través de su gestualidad y sin palabras; hasta la frescura de un espíritu libre como Alfredo Casero, en el papel de Mario, o la cálida Claudia Fontán como Andrea.

    Eduardo (Diego Peretti) vive en Río Grande y se desempeña en una empresa petrolera. Es un buen trabajador y su silencio y ausencias del grupo hacen pensar en algo fuerte que pasó y no sabemos. Sus compañeros, ocupados con su familia, el trabajo y el tiempo difícil en esa zona, prefieren no preguntarle casi nada a ese hombre más bien silencioso. Su pieza descolorida, abandonada, con mínimos objetos de confort hablan de una actitud solitaria y ascética frente a la vida. Esporádicamente, con alguna situación que Eduardo no puede manejar, el golpe contra algún objeto dice que ese hombre de silencios y austeridades tiene un volcán escondido.

    VIAJE DIRECTO

    En medio de la nada, la súbita llamada de Mario (Alfredo Casero), un amigo, que vaya a saber cómo hizo para penetrar su intimidad, lo sacude desde otro lugar del sur, Ushuaia, la llamada es para pedirle que vaya a verlo. Y

    Eduardo toma su viejo auto y va. Firme como un dardo disparado a un blanco lejano. Su viaje se dirige recto, sin detenerse ni ante el pedido de ayuda de alguna mujer en la ruta, ni ante ninguna particularidad de la carretera solitaria por la estepa patagónica.

    El mundo familiar de Eduardo se enfrenta con el de Mario. Como una gota en la piedra, la calidez, el entorno, la realidad, Andrea (Claudia Fontán), la mujer de Mario, las pequeñas hijas, comienzan a golpetear en esa caparazón que Eduardo, por alguna razón creó a su alrededor.

    "La reconstrucción" es una película difícil, interior. Y decimos difícil, porque la vertiginosidad de la vida diaria, impide detenerse ante algo que tenga el tiempo de la reflexión. Su director, Juan Taratuto ha sabido armar la historia y dar tiempo al tiempo, para mostrar la particular situación por la que atraviesa este personaje bloqueado en su individualidad, incapaz de reaccionar o pedir ayuda.

    LOS SILENCIOS

    Sus tiempos densos, ciertas tomas casi morosas pueden llegar a atentar contra la paciencia del espectador. Pero la intensidad y algunos pequeños elementos, como miradas, movimientos de manos, la misma imagen de un acto doloroso visto por Eduardo, en la habitación del hospital, en el que Andrea, la mujer de Mario, acompaña a su marido, son suficientes para conformar una radiografía de sentimientos.

    Un punto alto del este filme de excelente fotografía, lo alcanzan los actores, desde el doliente Eduardo de un Diego Peretti interior, intenso en un personaje difícil, porque sólo se expresa a través de su gestualidad y sin palabras; hasta la frescura de un espíritu libre como Alfredo Casero, en el papel de Mario, o la cálida Claudia Fontán como Andrea.
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  • G.I.Joe: el contraataque
    Ambiciones de un presidente falso

    La película tiene todo lo que el espectador aficionado al género debe tener, acción, mucha violencia, efectos especiales, secuencias espectaculares con suspenso, escenas con entrenados dobles de riesgo y grupos de artes marciales, que luchan en posiciones imposibles hasta morir.

    Al parecer, el término Joe, apodo que se daba a los soldados durante la Segunda Guerra Mundial, se popularizó y precisamente los "Joe" del título de la película, son integrantes de una unidad militar de élite y han dado origen a una serie de filmes, juguetes y videojuegos, de los que son protagonistas.
    En esta segunda película de la serie, los Joe, habitualmente gubernamentales, solidarios y de excelente entrenamiento son boicoteados nada menos que por el presidente de los Estados Unidos, que resulta ser un farsante
    que toma su rostro para un engaño general que busca la "desnuclearización" de los principales países. Los Joe, ayudados por el general Joe Colton (Bruce Willis), son perseguidos por los Cobra, con personajes como Zartan (Arnold Vosloo), Storm Shadow (Byung-hun Lee) y Firefly (Ray Stevenson) a la cabeza.
    El objetivo, por supuesto, es el dominio del mundo y toda la violencia y astucia de los grupos se enfrentan para conseguir lo que desean.

    MARCO IMPRESIONANTE

    La película tiene todo lo que el espectador aficionado al género debe tener, acción, mucha violencia, efectos especiales, secuencias espectaculares con suspenso, escenas con entrenados dobles de riesgo, que se cuelgan de las alturas del Kilimanjaro y grupos de artes marciales, que luchan en posiciones imposibles hasta morir.

    A esto se suma la presencia del actor de moda Channing Tatum como Duke, o veteranos imposibles de sustituir, como Bruce Willis, personificando al general Joe Colton, con su cuota de humor aludiendo a la edad y al colesterol alto o Dwayne Johnson, en el personaje del imbatible Roadblock, sin olvidar al coreano Byung-hun Lee, que hace de Stormshadow. También se celebran actores tan dúctiles como el veterano Jonathan Pryce, que construye al villano, sosías del presidente con la misma soltura que una vez encarnó al escritor Lytton Strachey en la recordada "Carrington".

    Una excelente fotografía colabora con este filme que contiene mucha acción y entretenimiento.
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  • Proyecto 43
    Proyecto 43
    La Prensa
    Entre la estupidez y la risa

    Esta película es realmente bastante curiosa, porque reúne una serie de sketchs dirigidos y guionados por distintas personas y con actores, en su mayoría, muy reconocidos por el público.

    Esta película es realmente bastante curiosa, porque reúne una serie de sketchs dirigidos y guionados por distintas personas y con actores, en su mayoría, muy reconocidos por el público.

    Lo que es difícil de explicar es cómo tan importantes actores (Naomi Watts, Kate Winslet, o Richard Gere, entre muchos otros) pudieron intervenir en tan lamentables secuencias de mal humor, escatología y tontería. Porque lo poco rescatable que tiene este filme se muestra con cuentagotas.

    La primera secuencia por lo corta, bien actuada y original, basada en un detalle aparentemente increíble, pero posible, es una de las mejores de la serie. El sketch se titula "El buen partido" y alude a algo así como que la Naturaleza se equivocó y cuando la protagonista acepta la invitación a cenar con un "hombre 10", cae en la cuenta que el muchacho es maravilloso, atento, sociable, pero tiene ubicado parte de sus órganos genitales en el cuello.

    Los protagonistas de este tramo son Hugh Jackman y Kate Winslet, quienes se manejan con gran altura frente a esta circunstancia que les tocó actuar y lo que pudo ser de mal gusto, se convierte en una curiosidad graciosa y con un final imprevisto.

    EL HUMOR NEGRO

    No ocurre lo mismo con el resto de los pequeños relatos y sólo se salvan algunos como "Babe", en el que una máquina, una suerte de reproductor de música de alta fidelidad, que también tiene la función de poder utilizarse para mutilar distintas partes del cuerpo, exhibe un buena dosis de humor negro y es protagonizado por Richard Gere.

    Otras dos historias a destacar son: "Veronica/CVS", sobre un romance que tiene lugar en un supermercado y dirigió Griffin Dunne, con Emma Stone y Kieran Culkin, la que resulta algo delirante y con un bien aceitado humor negro y "Cita de adolescentes", sobre un chico tomado como cobayo por su familia, que dirigió Elizabeth Banks.

    También puede mencionarse "Educado en casa", en el que una madre (Naomi Watts) decide educar ella misma a su hijo. Los sketchs restantes oscilan entre la pavada, el mal gusto, la apología al racismo en tono de broma, el sexo y la utilización de la mujer como objeto.
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  • Jack el cazagigantes
    Como luchar con un bicéfalo

    El filme atraerá a chicos a partir de los nueve años. Las caras horribles de los gigantes y sus corpachones enormes pueden asustar a los más chicos, aunque ya están bastante acostumbrados a las aventuras cinematográficas negras y violentas.

    La historia es un ensamblado de narraciones medievales de la época de Enrique VIII, pero también tiene elementos de "Las habichuelas mágicas" del escritor danés Hans Christian Andersen.

    Jack (Nicholas Hoult), un joven granjero salva a una joven de un mal momento en una feria del pueblo. Luego, enterado que se trata de la princesa del reino, la reencuentra y con ella emprenderá una serie de aventuras por unas misteriosas habichuelas (semillas) mágicas que recibiera en una venta de pueblo.

    Las semillas hacen crecer hasta el cielo sus raíces y despierta nuevamente la dinastía de los Gigantes, que han decidido vengarse de los humanos. Todo se mezcla y la princesa Isabelle (Eleanor Tomlinson), valiente y aventurera, irá con el joven granjero a luchar contra los monstruos, decididos a gobernar la Tierra. Por ahí transita el general Fallon (Bill Nighy), el impresionante bicéfalo y una serie de carotas verdaderamente estremecedoras, logrados monstruos realizados con un maquillaje de intenso impacto visual.

    UN ROMANCE

    Algunas aventuras, el surgimiento de un romance entre los adolescentes, el antagonismo entre los muy malos de la película y los muy buenos, dan vida a una muy sencilla historia que no tiene demasiado atractivo, salvo las peleas entre gigantes y no gigantes, los efectos especiales, el maquillaje de estos enormes señores, que logran dar horror a su caras enormes y la acción constante.

    La película incluye una buena dosis de violencia, con algunos toques ingeniosos, ciertas reiteraciones en la trama y un excelente reparto: Jack (Nicholas Hoult), el cazagigantes entretiene con su juvenil pareja protagónica y destacables actores secundarios como Stanley Tucci, en el papel de Roderick; Ian McShane como el rey Brahmwell; Bill Nighy como el bicéfalo y Ewan Mc Gregor en el personaje del caballero Elmont. Elena Tomlinson es encantadora como la princesa Isabelle y hay química con su joven pareja, el bueno de Jack (Nicholas Hoult).

    Quizás no haya demasiados peligros para sortear, o aventuras que vivir, pero el filme atraerá a chicos a partir de los nueve años. Las caras horribles de los gigantes y sus corpachones enormes pueden asustar a los más chicos, aunque ya están bastante acostumbrados a las aventuras cinematográficas negras y violentas.
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  • Efectos colaterales
    Notable "thriller" psicológico

    Más allá de ciertas complejidades de la trama, que producen algún desasosiego, la música acompaña las acciones con buen ritmo y un tufillo hitchcockiano enrarece gratamente el ambiente.

    Nadie podía imaginar que una pareja tan atractiva como la formada por Emily (Rooney Mara) y Martin (Channing Tatum) tenía problemas. El es un prestigioso ejecutivo; ella, la esposa ideal de un hombre exitoso. Tampoco él podía pensar que determinadas informaciones empresarias se convertirían en más que una amenaza para la compañía con la que competían y que la cárcel sería el natural refugio de su audacia.

    Así, lo perfecto se deteriora y la mente afectada de la pobre Emily, con el paso del tiempo, necesita la asistencia de un psiquiatra como el médico Jonathan Banks (Jude Law), otro exitoso profesional, que le receta paraísos en forma de pastilla, publicitados como Ablixa.

    Un entorno de laboratorios farmacéuticos dadivosos, sus lujosas reuniones para sus médicos obsecuentes que sólo piensan en recetar lo que les indican las empresas, crean una telaraña alrededor de pacientes, médicos y enfermedades.

    Pero los medicamentos no sólo matan, pueden, al potenciar la depresión, ayudar a la destrucción, por eso Emily está caminando sobre la cuerda floja.

    RECURSOS NARRATIVOS

    Steven Sodenbergh ("Traffic") con su habitual elegancia de estilo, genera un "thriller" bastante impactante, con recursos genuinos en los primeros momentos, que tiende, en la segunda parte, a enrarecerse, desbordar lo hasta el momento creíble y verosímil y entrar en una complejo entramado que se disfruta, sin creerlo demasiado.

    Hasta los mismos personajes, de aparentemente clara psicología inicial, asumen conductas predecibles y cercanas a los lugares comunes, que no se pensaban encontrar en el clásico policial del comienzo. En cuanto al ámbito de denuncia de laboratorios de la primera parte, se esfuma en la segunda donde apunta a objetivos menos comprometidos.

    A pesar de algunos oscurecimientos temáticos, el dominio narrativo del director y excelentes actores como la sugestiva Rooney Mara (Emily); el versátil Jude Law (Jonathan Banks) y la contundente Catherine Zeta-Jones, en el papel de Victoria Siebert, la médica cínica, sacan adelante la historia.

    Más allá de ciertas complejidades de la trama, que producen algún desasosiego, la música acompaña las acciones con buen ritmo y un tufillo hitchcockiano enrarece gratamente el ambiente.
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  • Matrimonio
    Matrimonio
    La Prensa
    Una pareja ganada por el hastío

    Filme formalmente correcto, con dos actores como Cecilia Roth (Molly) y Dario Grandinetti (Esteban), que se refugian en papeles difíciles, quizás demasiado interiores como para ser exteriorizados, mientras se pasean por nuestra ciudad, acompañados por un fondo musical a media voz.

    El filme plantea una relación sentimental que parece estar agotada. Pasaron veinte años desde que Molly (Cecilia Roth), compositora y Esteban (Darío Grandinetti), publicista, se conocieron. Se amaron. Tuvieron una hija, ahora adulta, que vive en Viena. Pero todo parece haberse terminado. Aunque ellos intentan fingir ante los demás que sus vidas no se han modificado.

    La cámara de Carlos Jaureguialzo sigue a ambos protagonistas, a lo largo de un día, por las calles de Buenos Aires y los acompaña con un relato en off que exhibe sus pensamientos.
    Cada uno hace sus cosas, ve o intenta ver, pensar, o sentir lo que le está pasando, mientras transitan por lugares comunes, pero en los que no se ven.

    DE UN LADO A OTRO

    "Matrimonio" es una película intimista en la que sus personajes se mueven de un lugar a otro, sin llegar nunca a una conclusión, a un final.

    A lo largo de las veinticuatro horas en que transcurre la historia, Molly y Esteban ven pasar distintas personas a su lado, mínimas circunstancias los rozan, pero ellos siguen volcados hacia adentro, sin enfrentarse.

    La película dice estar inspirada en el "Ulises" de James Joyce, eso sí, en versión libre y el nombre de la protagonista es uno de los pocos rastros que aluden a la famosa novela de James Joyce.
    Historia de amor, un ensayo acerca de la convivencia, entre un hombre y una mujer que buscan desentrañar que es lo qué los mantiene unidos.

    Es, en síntesis, una historia acerca del amor en la madurez y los contradictorios lazos que pueden unir a dos personas.

    "Matrimonio" gana más en las imágenes que en las palabras, que suenan menos creíbles que lo puramente visual.

    Filme formalmente correcto, con dos actores como Cecilia Roth (Molly) y Dario Grandinetti (Esteban), que se refugian en papeles difíciles, quizás demasiado interiores como para ser exteriorizados, mientras se pasean por nuestra ciudad, acompañados por un fondo musical a media voz.

    El director Carlos Jaureguialzo debutó en 2002 con "Tres pajaros".
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  • Los Croods
    Los Croods
    La Prensa
    Un viaje desde la prehistoria

    El filme es entusiasta, destila buen humor, sus personajes tienen encanto y da todo su apoyo al concepto de familia.

    Dreamworks, la empresa productora de "Los Croods", tiene una sucesión de éxitos animados como "Shrek", "Madagascar 3" y "El gato con botas", entre otros.

    Con "Los Croods", el recuerdo de "Los picapiedras" de Hanna Barbera, aquella serie de los sesenta, es inevitable. Claro que pasó el tiempo, los dibujos animados se afinaron, la tecnología mejoró mil veces y la simpatía de la familia se incrementó.

    Si antes Pedro Picapiedras encabezaba el grupo, aquí tenemos a Grug (el padre), en la Prehistoria, con su pequeña familia, compuesta de su mujer (Ugga) tres hijos (Eep, Thunk y Sandy) y Gran, la suegra. Todos bastantes salvajes.

    RITMO Y SIMPATIA

    Los directores Kirk De Micco y Chris Sanders ("Como entrenar a tu dragón"), dan ritmo y simpatía a un grupo de personajes, entre los que se destaca Eep, la rebelde adolescente, que sueña con abandonar la cueva en la que su padre los recluyó, disfrutar de la Naturaleza, a quien Grug teme y vivir todo tipo de aventuras. Un hermano no demasiado aventurero, una madre conciliadora, un delicioso hermano menor, que es algo así como un salvaje diablo dientudo y una abuela enérgica, constituyen el grupo familiar.

    Habrá también un joven audaz, conocido como Guy, que ya conoce el fuego y guiará a la familia por un nuevo mundo en transformación, a la vez que más tarde se terminará convirtiendo en el novio de Eep. Alrededor del grupo humano se podrá disfrutar de una serie de animales casi fantásticos, desde lagartos a perezosos, aves estrafalarias y curiosos felinos, que "acompañan" a la familia.

    El filme es entusiasta, destila buen humor, sus personajes tienen encanto y da todo su apoyo al concepto de familia.

    En cuanto al plano formal, la computación animada alcanza un brillo inusual, apoyada por la imaginación de sus creadores, los que han logrado idear una suerte de cultura prehistórica, con interesantes manifestaciones rupestres.

    Un hallazgo resultan las voces de Nicolas Cage como Grug; Cloris Leachman, hace de la abuela Gran; Catherine Keener, es la madre; Ryan Reynolds, es Guy, el novio de Eep, la adolescente a cargo de Emma Stone.
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  • Oz: el poderoso
    Raro reino de magos y brujas

    Resulta difícil superar, o igualar una historia como "El maravilloso mago de Oz", que en 1900, escribió Lyman Frank Baum, la que, por su éxito, tuvo trece obras posteriores y en 1939 se convirtió en el éxito cinematográfico de Victor Fleming, con Judy Garland como protagonista, que logró un triunfo avasallante en esa comedia musical, en la que cantaba el clásico "Bajo el arco iris".

    En esta versión, conocemos quién fue el misterioso personaje llamado Oz. Es Oscar Diggs (James Franco), mago menor con muchas aspiraciones y cualidades donjuanescas. Perseguido por sus enemigos, que lo encuentran en una feria circense de Kansas, Diggs se escapa como puede y para hacerlo la elección es en un globo aerostático, rentado con su socio en el negocio circense. El globo es alcanzado por una tormenta que lo deposita en un sitio maravilloso que se llama como él: Oz, en el que los habitantes lo están esperando como a un Mesías.

    TRIO ESPECIAL

    La Tierra de Oz resulta estéticamente increíble, tanto como sus regentes, las brujas. Así conoceremos a Theodora (Mila Kunis), la bruja del Oeste. A su hermana Evanora (Rachel Weisz) y a Glinda (Michelle Williams), de la que están envidiosas Theodora y su hermana Evanora. Oz, atraído por el oro que encuentra en sus arcas y sus seres maravillosos, se lanza a la dura tarea de rescatar el país del asedio enemigo.

    Sam Raimi, el director de la saga "El hombre araña", eligió la vertiente del relato maravilloso para recrear un mundo soñado de colores y texturas. Sin embargo la primera parte del relato, diseñado en blanco y negro, alcanza una magia especial con un encanto y sencillez que la sucesión de efectos especiales y singulares personajes de la película, descuidan en la segunda.

    SESGOS ESPECIALES

    Así el carácter del pícaro mago de Feria del comienzo, se ve nítidamente retratado y definido, en los inicios, a partir de la relación con la linda Glinda (Michelle Williams) y sus ayudantes del acto de magia. Lo que viene es puro efecto, con algunas bellezas como la fascinante muñeca de porcelana, suerte de Betty Boop, que hubiera sido interesante para desarrollar como personaje. Pero el 3D, los efectos especiales, abundantes monos voladores y caracterizaciones brujeriles, lo impidieron.

    Ciudad Esmeralda, Munchkins, una suerte de originales gatos a granel, o la bruja buena del Norte, son referentes inevitables referidos a la inicial "El mago de Oz" por todos conocida. Con buen ritmo, el relato avanza y retoma fuerza ante el original ingrediente del "zootropo", uno de los tantos antecedentes del cine, mecanismo que ayuda a Oz a ganar puntos en la batalla por la liberación del reino encantado. El relevante trío de brujas lo conforman Mila Kunis (Theodora), Rachel Weisz (Evanora) y Michelle Williams (Glinda). Resulta correcta la actuación de James Franco, en el papel del famoso mago.
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  • Hitchcock: el maestro del suspenso
    Miradas profundas y misoginia

    Un cuidado diseño de producción cierra este curioso filme que da cuenta de un momento de lo que se presume fue la vida de Alfred Hitchcock, el maestro del suspenso.

    Alfred Hitchcock fue un realizador que cambió la esencia del thriller, acercándolo al gran público. El director Sacha Gervasi se basa en el libro de Stephen Rebello sobre la producción de "Psicosis", para hablar de las relaciones entre su mujer y colaboradora Alma Reville y dar testimonio sobre la filmación del clásico.

    La película se sitúa en 1959, cuando Hitchcock (Anthony Hopkins), ya es un director consagrado con más de cuarenta películas y decide filmar una exitosa novela de Robert Bloch, basada en el asesino Ed Gein, titulada "Psicosis".

    Anécdotas sobre su reaparición en una carrera que aunque exitosa, lo encontraba con casi sesenta años, dentro de la maraña competitiva hollywoodense, se suma al tratamiento de las singulares relaciones que lo unían a Alma Reville (Helen Mirren), su inteligente mujer, destacada montajista y guionista.

    CHICAS RUBIAS

    La fijación con las rubias, sus costumbres voyeuristas, los choques con Alma, de la que no podía prescindir, ni profesional, ni matrimonialmente, sus habilidades para manejar el marketing de "Psicosis", que fue un éxito comercial increíble son los detalles no demasiado novedosos que componen esta película. Lo mismo que el supuesto affaire entre Alma Reville (Helen Mirren) y Whitfield Cook (Danny Huston), el guionista de "Extraños en un tren", otro filme de Hitchcock.

    Sin embargo la solvencia profesional de su equipo, hacen posible una visión atractiva como es disfrutar del talento de Helen Mirren (Alma Reville), la trabajosa caracterización de Anthony Hopkins, como Hitchcock y el encanto y frescura de Scarlett Johansson, como Janet Leigh; o James D"Arcy, en el papel de Anthony Perkins.

    LA ASISTENTE

    Lamentablemente, no está aprovechada Toni Collette en el personaje de Peggy Robertson, como la supervisora de continuidades y asistente de Hitchcock a lo largo de sus mayores éxitos, por más de cincuenta años. Por supuesto que podemos apreciar la famosa escena de la ducha en "Psicosis" con sus particulares angulaciones, trabajadas por el director, que fue ensayada una semana, para luego filmarse en una sola y exitosa secuencia.

    De las razones de sus voyeurismo y preferencias por la violencia más su misoginia, no se dan explicaciones, sólo se utiliza el recurso de una presencia fantasmal del asesino serial Ed Gein (Michael Wincott), protagonista real de los crímenes de "Psicosis", que acompaña al director en algunas escenas.

    Un cuidado diseño de producción cierra este curioso filme que da cuenta de un momento de lo que se presume fue la vida de Alfred Hitchcock, el maestro del suspenso.
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  • Mamá
    Mamá
    La Prensa
    Aterradoras niñas del bosque

    Andrés Muschietti sorprendió al Festival de Cine de Sitges, hace dos años con su corto de tres minutos llamado precisamente "Mamá", que ahora convirtió en este filme ideal para los amantes del cine de terror.

    Un cuento de hadas pero con brujas, eso es "Mamá". El comienzo muestra a un padre desesperado, que se lleva a sus hijas, cinco años una, un bebé la otra, por un camino nevado a alta velocidad.

    El es algo así como un príncipe loco, que busca alejar a sus princesas del horror. Pero las esconde en una cabaña en medio de un bosque desolado y allí, obnubilado, a punto de transformarse en un ogro, las deja solas.

    En la escena siguiente, Victoria (Megan Charpentier) y Lilly (Isabelle Nélisee), las niñas parecen tener hambre y lo que se ve es una manzana que llega rodando hasta las chicas. Quién se las pasó desde la oscuridad es "Mamá" (a cargo de un alto y delgadísimo Javier Botet), un fantasma o espectro volátil, de quien el espectador conocerá su espeluznante presencia.

    RECICLADO ELEGANTE

    La película de Andres Muschietti, un argentino egresado de la Universidad del Cine, radicado en España, toma el cine de horror y lo recicla con elegancia.

    Apoyado por la producción de Guillermo del Toro ("El laberinto del fauno"), elabora un cuento de horror y fantasmas en el que el caos económico lleva a la tragedia a un hombre y sus hijas, que durante cinco años estarán desaparecidas. Cuando Jeffrey (Nikolaj Coster-Waldau) el hermano del padre, que desapareció, las encuentra, las niñas parecen animales, se mueven en cuatro patas y levantan la cabeza para olfatear el aire. Jeffrey las lleva a su casa, en la que vive con Annabel (Jessica Chastain), su novia cantante de rock.

    ENTRE APARICIONES

    Lo que ocurre, no lo adelantamos. Solo podemos decir que el director Andrés Muschietti y su equipo, juegan con el fuera de campo estremeciendo al espectador. Las sorpresivas apariciones del fantasma, favorecen la taquicardia y no sólo reflejan influencias de "El exorcista" y las películas japonesas de horror y fantasmas, sino que utilizan a un tal Javier Botet, que es capaz de helar la sangre.

    Victoria (Megan Charpentier) y Lilly (Isabelle Nélisee), las pequeñas actrices que no se sabe con qué varita mágica las tocaron para lograr sus actuaciones, sumado a una Jessica Chastain (Annabel) y el danés, Nikolaj Coster-Waldau (Jeffrey), capaces de hacer creíble lo increíble con intensidad y una música que recuerda los coros gregorianos de "El bebé de Rosemary", el filme resulta admirable.

    Andrés Muschietti sorprendió al Festival de Cine de Sitges, hace dos años con su corto de tres minutos llamado precisamente "Mamá", que ahora convirtió en este filme ideal para los amantes del cine de terror.
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  • Broken City
    Broken City
    La Prensa
    Un desliz puesto en la mira

    El filme no ofrece nada nuevo en cuanto a cine de género, pero tiene acción, buen ritmo, algo de suspenso y correctas actuaciones de su protagonista, Mark Wahlberg (Billy Taggart), Russell Crowe (Nicholas Hostetler), impecable en el papel de un político y Catherine Zeta-Jones (Cathleen Hostetler), tan profesional como siempre.

    Billy Taggart (Mark Wahlberg) fue policía hace no mucho tiempo, pero una cuestión personal, con un muerto en el medio, ensució su vida, su trabajo y tuvo que pagar. Ahora Billy es un investigador al mejor postor, vive inseguro, sus casos son temporarios y debe incluir en su lista de clientes a aquéllos a los que debe favores.

    Favores como el que le hicieron a él y que hizo que no pagara suficiente por el violador que mató a la novia de su chica Natalie Barrow (Natalie Martinez). Quien lo ayudó y logró entonces que el asesinato pasara como "defensa propia" es ahora casi alcalde de Nueva York.

    Pasaron siete años y el mayor Nicholas Hostetler (Russell Crowe), en campaña política, recurre a Taggart con una misión especial. Saber quién sale con su esposa Cathleen (Catherine Zeta-Jones) y hacerlo desaparecer. Billy no sabe que cuando la corrupción manda, todos están en peligro.

    ENGAÑO Y CORRUPCION

    El filme de Allen Hughes es el tradicional policial, donde ingredientes como el engaño, la corrupción, las ambiciones, los secretos y el barroso camino hacia una alcaldía inminente, enceguece al inescrupuloso.

    Billy Taggart todavía cree en la justicia, aunque el alcohol y la ira en algún momento lo obnubilaron. No imagina que un ambiente político de alto nivel, puede ser tan sinuoso como las circunstancias que lo llevaron a la cárcel. Por eso ignora las advertencias de la bella esposa del futuro alcalde y se convierte él mismo en víctima.

    "Broken City" no ofrece nada nuevo en cuanto a cine de género, pero tiene acción, buen ritmo, algo de suspenso y correctas actuaciones de su protagonista, Mark Wahlberg (Billy Taggart), Russell Crowe (Nicholas Hostetler), impecable en el papel de un político y Catherine Zeta-Jones (Cathleen Hostetler), tan profesional como siempre.
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  • The Master
    The Master
    La Prensa
    Secretos de una rara doctrina

    Filme polémico en el que cualquier verdad puede ser cuestionada y los semidioses caen y se elevan según las situaciones, "The Master" retoma temas universales ligados al libre albedrío, la culpa y el amor al prójimo.

    El nuevo filme de Paul Thomas Anderson ("Magnolia") plantea las conflictivas relaciones entre dos individuos, uno obsesionado por una ideología apologética que transmite a sus seguidores; el otro por un pasado que lo ata a la Segunda Guerra, como veterano de la Marina, ahora una suerte de despojo, ahogado en alcohol.

    La acción se desarrolla en la década de 1950, Lancaster Dodd (Philip Seymour Hoffman) está dedicado a la prédica del dogma con su mujer Peggy (Amy Adams) y Freddie Quell (Joaquin Phoenix), un vagabundo torturado. Por alguna misteriosa razón ellos se atraen.

    UN EXTRAÑO CAMINO

    Su itinerario de difusión de "La Causa" (ideología asimilable a la Cienciología, en cuyo creador se había inspirado el director para esta película), los llevará por un viaje interior, confrontando ambigüedades, chocando y buscando una luz que puede no estar en el final del camino.

    El director Paul Thomas Anderson se centra en elementos esenciales del imaginario norteamericano, que su recordado "Petróleo sangriento" exteriorizaba a través de ese hombre solo, llamado Daniel Plainview, a cargo de Daniel Day-Lewis, un maratonista implacable en la carrera hacia la fortuna.

    "The Master", de alguna manera, reactualiza la historia de los pioneros del Oeste, ésos que John Steinbeck ("Viñas de ira"), en el ámbito rural o "El ciudadano" de Orson Welles en el urbano, retrataron con mano maestra.

    PARA LA POLEMICA

    Con ascéticos acercamientos a la Naturaleza, un guión complejo y una extensión que se alarga sin salida, "The Master" enfrenta un soberbio duelo de actores.

    Curiosamente, el reaparecido Joaquin Phoenix, en la vida real es hijo de una pareja que predicó la polémica doctrina de la secta "Los niños de Dios" por América latina, de ahí su nacimiento en Puerto Rico.

    Filme polémico en el que cualquier verdad puede ser cuestionada y los semidioses caen y se elevan según las situaciones, "The Master" retoma temas universales ligados al libre albedrío, la culpa y el amor al prójimo.

    Un tema aparte es el tratamiento formal en sus imponentes y revindicados 70 mm. de definición (formato en el que es exhibido en la mayoría de las salas), relacionados de alguna manera a un filme desconcertante por momentos, amargo y nihilista, justamente acompañado musicalmente con temas que incluyen a la inolvidable Ella Fitzgerald en "Vete de aquí Satanás".
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  • Cirque du Soleil: Mundos lejanos
    La belleza de la imaginación

    Todo es posible en esta fábula, hasta ese "ET" representado por un triciclo mágico accionado por botas amarillas sin dueño. A ésto se suman inolvidables duetos aéreos y esotéricos personajes, que conforman un gran espectáculo, con brillantes actuaciones de Erica Linz (Mia) e Igor Zaripov, como el trapecista.

    El Cirque de Soleil es un emprendimiento creado, en 1984, en Quebec, Canadá, por Guy Laliberté, quien llevó al resurgimiento un nuevo tipo de circo, con predominio de la imaginación y sin animales.

    El resultado, a lo largo del tiempo ha sido óptimo, partiendo de la apertura de límites de una actividad milenaria, e incorporando miles de personas del campo circense a espectáculos que se representan en cuatro de los cinco Continentes.

    "Cirque de Soleil: Mundos lejanos" está integrada por siete producciones que se estrenaron en el escenario de Las Vegas.

    Es difícil hablar de este filme por su heterogeneidad, pero lo mejor es pensar que cuando se entra al cine a disfrutarlo, hay que sentir que lo maravilloso es posible.

    UNA HISTORIA

    En "Cirque de Soleil: Mundos lejanos" se eligió una mínima historia para agrupar de alguna manera las producciones. Aquí, una joven, Mia (Erica Linz) visita una antigua feria en Las Vegas, en la que funciona un circo en el que ve un trapecista (Igor Zaripov) del que se enamora y al que sigue cuando éste tiene un accidente y cae en la arena, y en vez de mantenerse inerte por la caída, el mismo impulso, va horadando con su cuerpo una serie de capas que lo conducen a mundos diferentes, en los que se enfrenta a personajes extraños.

    Con un relato que se entronca con el personaje de Alicia, de Lewis Carroll, la joven corre tras el amor como aquélla tras el Conejo.

    DE AIRE Y AGUA

    Lo que sigue es un viaje surrealista en los que el aire, el agua, el fuego y la tierra tienen sus mundos y sus códigos y en el que resuena la música de los Beatles, de Elvis Presley, o las marchas de las guerras orientales.
    El filme deslumbra por sus imágenes y sus distintos escenarios, más el increíble uso del 3D alcanza en la película un relieve notable, que contribuye a su gran atractivo visual.

    Todo es posible en esta fábula, hasta ese "ET" representado por un triciclo mágico accionado por botas amarillas sin dueño. A ésto se suman inolvidables duetos aéreos y esotéricos personajes, que conforman un gran espectáculo, con brillantes actuaciones de Erica Linz (Mia) e Igor Zaripov, como el trapecista.
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  • La extraña vida de Timothy Green
    El niño que trajo la lluvia

    Fábula con buena dosis de fantasía, ingenua, con algo de la Mary Poppins de pretéritas épocas, el filme tiene un buen diseño de producción, logra un ritmo aceptable y sus personajes son atractivos.

    Sus protagonistas se llaman Cindy Green (Jennifer Garner) y Jim Green (Joel Edgerton). Los dos son muy jóvenes, están casados, tienen todo para ser felices, pero extrañan la presencia de un hijo. Los intentos de adoptar, por ahora, fracasaron. Pero ellos tienen muchas esperanzas y un espíritu juguetón que los hace jugar con el deseo y apostar a lo maravilloso escribiendo en pequeños papeles el deseo de ser padres.
    Los papelitos encerrados en una caja y enterrados en el jardín tendrán una respuesta inmediata. A la mañana siguiente, luego de una intensa lluvia, se encuentran con Timothy (CJ Adams), un chico de unos ocho años con hojas verdes en los pies, por algo Cindy y Jim tienen un apellido premonitorio (green es "verde" en inglés).

    REGALO DEL CIELO

    El pequeño Timothy los llama mamá y papá sin dar demasiadas explicaciones. Su pasaje junto a la pareja será breve, pero les dejará una visión muy positiva de la vida.
    La película tiene guión y argumento de Peter Hedges, autor de "¿A quién ama Gilbert Grappe", que fuera llevada al cine con éxito, con Johnny Depp. En este caso, la película pertenece a la factoría Disney y parece una de esas tradicionales expresiones de comedia familiar, sencilla, donde abundan los buenos sentimientos, los caracteres se dan en blanco y negro sin colores intermedios, aunque aquí son todos buenos buenos y únicamente el malhumor es un atributo negativo de uno de sus personajes, Bernice Crudstaff (Dianne Wiest), la directora de un museo.

    SESGO DE FABULA

    Con la irrupción de lo fantástico en la cotidianeidad de una familia norteamericana, la película abunda en acciones simples y positivas, conductas modélicas ante cualquier tipo de problema y la seguridad de que todo buen sentimiento va a ser comprendido y aceptado.
    Fábula con buena dosis de fantasía, ingenua, con algo de la Mary Poppins de pretéritas épocas, el filme tiene un buen diseño de producción, logra un ritmo aceptable y sus personajes son atractivos, desde Jennifer Garner (Cindy), pasando por el australiano Joel Edgerton (Jim) y el pequeño CJ Adams (Timothy), hijo, en la vida real, de un prestigioso experto en golf.
    También aparecen figuras poco recordadas últimamente, al menos en papeles protagónicos, como Dianne Wiest (Bernice Crudstaff), actriz de algunas de las mejores comedias de Woody Allen, que interpreta a la antipática de turno y M. Emmet Walsh ("Sérpico") como el tío Bub.
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  • Terror en Silent Hill 2: La revelación
    Una secta, zombies y amuletos

    El filme puede llegar a saturar con sus excesos de escenas de acción descontrolada, sin respiro y en una constante reiteración. Buena actuación de la australiana Adelaide Clemens.

    La película es producto de un exitosa empresa de videojuegos de origen japonés, que se especializa en animé, tragamonedas, juguetes y otros productos asociados con el entretenimiento. Presentada hace trece años, la primera de la serie "Silent Hill", en su versión cinematográfica, recién pudo filmarse en 2006.
    En esta segunda versión seguimos la historia de la pobre Heather (Adelaide Clemens), una adolescente que más allá de estar pasando una edad difícil, tiene que aguantar cambios de lugar constante junto con Harry (Sean Bean) su padre, consciente de un pasado donde las sectas, maldiciones y predicciones varias, terminaron por hacer que su vida se convierta en una pesadilla.

    LOS SUEÑOS

    Parece que una misteriosa secta eligió a Heather para un propósito infernal y ya se llevó a la madre de la chica, en el anterior filme de la saga. Heather está condenada a sueños espantosos, donde accede a otra dimensión llena de monstruos que la persiguen en parques de diversiones que recuerdan a "Extraños en un tren" (1951), de Alfred Hitchcock.
    Si Hitchcock, el maestro del suspenso, inspiró al desarrollador japonés del videojuego, otro, amante de la plástica, le incorporó un montón de seres muy parecidos a los del amigo Hieronymus Bosch, en "El jardín de las delicias".
    El resultado estético es interesante, pero nunca para formar parte del cuadro, porque los monstruos son agresivos y francamente pesados.

    EL CAOS

    A los mencionados se suma una tal Alessa (Jodelle Ferland), bastante parecida a la intimidante Lily de "Crónicas del miedo", una nena mala muy mala, que busca a Heather, porque sería su parte buena.
    "Terror en Silent Hill 2: La revelación" puede llegar a saturar con sus excesos de escenas de acción descontrolada, sin respiro y en una constante reiteración. El comienzo es atractivo, pero luego se copia a sí misma y duplica la violencia y el caos.
    Con una buena actuación de la australiana Adelaide Clemens (Heather), junto a Kit Harrington (Vincent) que no desentona, también hace lo que puede Malcolm McDowell (Leonard), el inolvidable protagonista de "La naranja mecánica" y Martin Donovan, actor fetiche de Hal Hartley, lejos ya de su "Retrato de una dama", en la que hacía el papel de uno de los atrapantes personajes de Henry James.
    "Terror en Silent Hill 2: La revelación" tiene un sonido sugerente, bien empleado el 3D y un cuidado diseño de producción.
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  • Hermosas criaturas
    Un entramado muy misterioso

    Es una película para adolescentes en la que el amor y la brujería son dos de sus temas principales. Un hecho a destacar es el humor y algunos, pocos, atractivos personajes, como el doble papel que hace Emma Thompson.

    La novela original -"Beautiful creatures"- en que se basa la película, vendió cifras estremecedoras, desde que salió en los Estados Unidos. El norte era crear un éxito entre adolescentes como "Crepúsculo", el filme sobre los jóvenes vampiros.
    Aquí la historia pasa por un chico de pueblo, Ethan Wate (Alden Ehrenreich), que aburrido en su pequeño mundo de Carolina del Norte, conoce a la misteriosa Lena Duchannes (Alice Englert), miembro de una poderosa familia de la zona.
    A través de uno y otro encuentro en la escuela secundaria del pueblo, Ethan inicia una relación con la joven y se enamora. Ella le confiesa que es Caster, algo así como una Bruja. Le comenta que está al borde de cumplir dieciséis años, cuando las Casters, se enfrentan a la posibilidad de ser elegidas para formar parte de la luz o la oscuridad. Al escuchar esta confesión, Ethan se da cuenta que debe enfrentar una relación arriesgada.

    MALOS Y BUENOS

    "Hermosas criaturas" es una película para adolescentes en la que el amor y la brujería son dos de sus temas principales.
    El guión a cargo del mismo director Richard Lagravenese, carece de profundidad en el diseño de los personajes y en definir las características de la zona en la que viven. El resultado es que todo queda en un "limbo" light de efectos especiales.
    Un hecho a destacar es el humor y algunos, pocos, atractivos personajes, como el doble papel que hace Emma Thompson, cuyo lado bueno es Mrs. Lincoln y el lado malo es Serafine, una fanática religiosa que amarga al pueblo con sus sermones. Jeremy Irons hace de Macon Ravenwood, un tío brujo y Viola Davis, la misma de "Vidas cruzadas", es Amma, una especie de ama de llaves que esconde más de un secreto.

    UNA PAREJA

    El problema de la película que está bien realizada formalmente, es que su pareja adolescente protagónica no convence demasiado. Alice Englert (Lena Duchannes), hija en la realidad de la recordada directora de "La lección de piano", Jane Campion, tiene una personalidad artística interesante, pero su relación con un actor que carece en absoluto de carisma, Alden Ehrenreich (Ethan Wate), no resultan convincentes.
    En síntesis, el Sur estadounidense como telón de fondo -recordemos las cosas que se hicieron con la Guerra de Secesión y sus personajes en el mundo de Hollywood, empezando por "Lo que el viento se llevó"-, su historia, sus personajes relacionados con la magia y la brujería, condensan una gran riqueza que en este filme no se perciben. Más allá de que su historia guarda cierta semejanza con la saga de "Harry Potter".
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  • Amour
    Amour
    La Prensa
    El mundo suele ignorar la piedad

    Sin música de fondo, sólo con un Schubert que ya la enfermedad no puede soportar, "Amour" demuestra la fragilidad ante la mortalidad, con mínimos elementos, austeridad y algunas imágenes desagradables, pero reales.

    La vejez es un tema difícil que pocos directores abordan. Visiones de maestros del cine oriental (Akira Kurosawa) y nórdicos (Ingmar Bergman) iluminan con su luz sombría, testimonios cinematográficos anteriores.
    Pero ninguno de ellos hizo lo que el austríaco Michael Hanecke ("La profesora de piano", "La cinta blanca") en "Amour" .
    Sus protagonistas son una pareja de músicos mayores, jubilados, Anne (Emmanuelle Riva) y Georges (Jean-Louis Trintignant), que lograron llegar a una suerte de paraíso privado. El matrimonio tiene intereses comunes, solvencia económica, una hija (la gran Isabelle Huppert) profesional viviendo lejos con su familia, pero visitándolos periódicamente y un afecto sólido de respeto y coincidencias.

    UN ANTICIPO

    Eso es lo que el espectador observa, mientras el living amplio, parece iluminarse con sus objetos de arte discretos y el piano elegante. Sin embargo, el anticipo del caos llega, cuando, luego de asistir a un concierto, la pareja encuentra las cerraduras violadas de la puerta de ingreso a su departamento.
    Hablan de la inseguridad actual, pero no saben que son preanuncios de lo que vendrá. Porque como un virus, la realidad de la enfermedad y la vejez se hacen presentes inmediatamente. Anne será operada del corazón, con malos resultados y la sombra de la discapacidad, completada por el Alzheimer, ensombrecerán la vida en común.

    SOLO SCHUBERT

    Sin música de fondo, sólo con un Schubert que ya la enfermedad no puede soportar, "Amour" demuestra la fragilidad ante la mortalidad, con mínimos elementos, austeridad y algunas imágenes desagradables, pero reales.
    Michael Haneke no tiene piedad, a pesar de que logra expresar la ternura casi como un reflejo en el ocaso, increíblemente transmitido por la magia de esa Emanuelle Riva (Anne) capaz de emitir amor y también hastío ante la una cuchara con papilla que la temblorosa mano de su narido (impecable Jean-Louis Trintignant) lleva a su boca. Con este filme Michael Haneke sigue mostrando un mundo sin esperanzas, en el que hasta la luminosidad del amor se ve a través de un bergmaniano vidrio oscuro.
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  • Duro de matar: un buen día para morir
    La mafia rusa está a la vista

    Que John y Jack McClaine estén en Rusia, que pasen por Chernobyl, es lo de menos. Lo importante es que caigan autos desde puentes peatonales, vuelen por el aire y se estrellen los poderosos "carros" de asalto como si fueran de goma; se produzca el más feroz choque conjunto de camionetas y camiones, o se reduzca a escombros la pista de baile más grande del mundo en el staliniano hotel Ukraina.

    John MacClane (Bruce Willis) sigue peleándose con el mundo desde hace veinticuatro años, cuando su personaje se hizo conocido a través de la primera entrega de "Duro de matar" (1988). El conocido policía de Nueva York sigue sin detenerse ante nada y el mundo es un desafío para él.
    Por eso ahora que tiene un hijo en problemas, que también tiene pasta de justiciero y con él que se lleva bastante mal, deja todo y se va para ayudarlo. Abandona su país, sus amigos, su hija que le pide que no se meta en problemas otra vez y como cualquier ciudadano que quiere demostrar su amor filial, parte a Rusia. Allí lo espera, entre cúpulas acebolladas, la élite de la mafia rusa, preocupada por poner al mundo en peligro, manipulando uranio para sus armas atómicas. Pero lo peor es que el bueno de Jack McClane (Jai Courtney), el hijo en problemas, está en medio del fuego, representando a la CIA y protegiendo al informante Komarov (Sebastián Koch), de tanto malo suelto.

    ACCION Y VIOLENCIA
    "Duro de matar: Un buen día para morir", es el quinto exponente de la saga. Reúne todo lo que un fanático de la marca "Duro de matar", requiere: acción, violencia, intensas escenas de persecución, ritmo, coches rotos, enemigos muy malos, despanzurrados y héroes que sobreviven a lo imposible, aunque ya sean veterano uno y sin experiencia el otro.
    Que John y Jack McClaine estén en Rusia, que pasen por Chernobyl, es lo de menos. Lo importante es que caigan autos desde puentes peatonales, vuelen por el aire y se estrellen los poderosos "carros" de asalto como si fueran de goma; se produzca el más feroz choque conjunto de camionetas y camiones, o se reduzca a escombros la pista de baile más grande del mundo en el staliniano hotel Ukraina.
    Los McClane destruyen a dúo, se defienden como leones y a pesar de que el viejo John McClane está fuera de entrenamiento, lo disimula ya sea divirtiéndose con el simpático taxista que lo lleva a recorrer Moscú, o enfrentando a los enemigos que intentan aniquilar a su hijo y a él también.
    No hay ningún villano fuera de lo común en este filme, como sucedía en la última de James Bond. La chica linda en este caso se llama Irina (Yuliya Snigir), pero es bastante poco expresiva. Con un buen desempeño se destacan Bruce Willis (John McClane) y el australiano Jai Courtney, en el papel del hijo, Jack McClane.
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  • Los miserables
    Una historia de amor y perdón

    El filme respeta el espíritu folletinesco y melodramático de este exponente del romanticismo decadente y sólo apoyado en la música y el canto en vivo de sus actores. Estampa intimista de una realidad social, toma temas como el amor, la injusticia, la muerte y la reflexión moral, respetando en líneas generales, la dramática de la novela original.

    La obra en que se basa el director Tom Hooper ("El discurso del rey") para realizar su filme, es la novela del escritor francés Victor Hugo (1802-1885) y el musical de Alan Boublil, Claude-Michel Schönberg y Herbert Kretzner, que se dio a conocer en Londres en 1985.
    Su acción se inicia en 1815 y se extiende hasta la Revolución de junio de 1832. Muestra una Francia en pleno auge de la revolución industrial con sus característicos personajes de los barrios bajos, entre ellos un convicto, Jean Valjean (Hugh Jackman) y su enemigo, el inspector de policía Javert (Russell Crowe). Instantes antes, un plano general impresionante, nos permite conocer ladrones y criminales que como galeotes son explotados en los barcos con tareas infrahumanas. Allí está Jean Valjean (Hugh Jackman), que cometió un asesinato para ayudar a su familia y quien será dejado en libertad condicional, luego de años de prisión. Así conocerá a Fantine (Anne Hathaway), una pobre obrera abusada por sus patrones y explotada en oficios que ella tolera para mantener a su pequeña hija Cosette (Isabelle Allen).

    VALJEAN Y JAVERT

    La vida de Jean Valjean, marcado por la pobreza y la injusticia y sus encontronazos con la figura karmática de Javert, conforman la anécdota central de la historia.
    El filme respeta el espíritu folletinesco y melodramático de este exponente del romanticismo decadente y sólo apoyado en la música y el canto en vivo de sus actores, da un testimonio histórico emocional de ciertas consecuencias de la revolución industrial, que simbiotizó progreso y pobreza provocando desequilibrios que necesitaron años para poder incluir a la masa pobre, explotada por una clase poderosa e indiferente, en el universo de los derechos humanos.
    Estampa intimista de una realidad social, la película toma temas como el amor, la injusticia, la muerte y la reflexión moral, respetando en líneas generales, la dramática de la novela original.
    Escenas con multitudes que contrastan con otras más intimistas, abundancia de primeros planos y un heterogéneo manejo de la parte actoral son algunas de las características de esta nueva versión de "Los miserables", donde todo se canta con resultados variados.

    DISEÑO CUIDADO

    Es cuidadoso el diseño de producción e inolvidable la actuación de Anne Hathaway en la canción "Yo soy un sueño". A ella se suman las interesantes actuaciones de Hugh Jackman como Jean Valjean y Samantha Seyfried, en el papel de Cosette joven. Un tanto estático resulta Russell Crowe (Javert), impecables Helena Bonham-Carter (Madame Thénardier) y Sacha Baron Cohen (Thénardier) como los posaderos truhanes. Junto a ellos también se destaca Isabelle Allen, en su papel de Cosette niña.
    En un balance general, "Los miserables" gana con tintes que evocan plásticamente a Gustave Doré y a Théodore Géricault, los que acompañan una historia tan vieja como el mundo con su carga de amor, perdón y sentimiento cristiano. Aunque también es cierto que pierde puntos con su exceso de metraje y en algunas interpretaciones que dejan al descubierto la desafinación de algunas voces en actores secundarios.
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  • Mala
    Mala
    La Prensa
    Cuatro caras de una vengadora

    A partir de una vertiente esquizofrénica de distintas lineas para enmarcar a su protagonista, la trama adquiere matices fantásticos, a los que se incorpora el horror y el suspenso, sin olvidar el melodrama y una suerte de telenovela televisiva.

    Esta es la historia de una tal Rosario (Florencia Raggi) algo así como una chica superpoderosa que hace justicia por mano propia y a sueldo. Sus preferencias pasan por los abusadores, los pegadores de mujeres y afines.
    Joven, decidida, metódica, oculta un pasado violento, más que el actual y nada limpio por cierto, pero con una razón innominable.
    Rosario (Florencia Raggi) es requerida por muchas mujeres y es perseguida por la policía, que finalmente logra apresarla. Aunque lo que la mujer no sabe es que un día, su vida dará un vuelco y alguien que no esperaba intervendrá, cambiando su destino hacia un rumbo que terminará por enloquecerla.

    ROJO SANGRE

    El filme está dirigido por Adrián Caetano, el mismo de "Un oso rojo", "Crónica de una fuga" y "Bolivia", él que esta vez elige diferentes líneas para enmarcar a su protagonista, Rosario, a la que desdobla en cuatro personajes: Rosario 1 (Liz Solari), Rosario 2 (Florencia Raggi), Rosario 3 (María Dupláa) y Rosario 4 (Brenda Gandini).
    A partir de esta vertiente esquizofrénica, la trama adquiere matices fantásticos, a los que se incorpora el horror y el suspenso, sin olvidar el melodrama y una suerte de telenovela televisiva. También incorpora personajes poco creíbles, aunque la credibilidad no es un concepto que importe demasiado dentro de esta suerte de híbrido cinematográfico.
    "Mala" es un policial con tintes folletinescos, enmarcado en una atmósfera fantástica con seres un tanto delirantes, que desfilan sin definir exactamente sus variantes psicológicas, lo que da como resultado un testimonio distinto dentro de la filmografía de un director como Adrián Caetano.

    ANIMO VENGADOR

    "Mala" rezuma en su contenido oleadas de situaciones que recuerdan a filmes de Quentin Tarantino y John Carpenter, elementos de historieta y cine clase B, con algunos toques freudianos y cine rojo sangre, de ánimo vengador, matizados por fogonazos absurdos y desbordados, a los que acompañan Florencia Raggi (Rosario) y Ana Celentano, en el papel de María, las que consiguen las mejores caracterizaciones.
    Adrián Caetano cuenta bien cinematográficamente, pero los caracteres de los personajes, en este caso, no alcanzan definiciones generales que los independicen de cierta condición cercana a la machieta. Varias de sus escenas quedan como en el aire, sin resolver, igual que algunos personajes casuales. El humor a veces asume toques bizarros, dando origen a una suerte de camino abierto de imprevisibles resultados.
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  • El vuelo
    El vuelo
    La Prensa
    Un accidente que deja secuelas

    El filme tiene una admirable secuencia de cine catástrofe, una de las mejores de las realizadas en cine y la ratificación de un Denzel Washington, interpretativamente imbatible con un impecable diseño de producción.

    Su protagonista es Whip Whitaker (Denzel Washington), un piloto adicto a las drogas, de vida bastante movida. Hay una impresionante catástrofe en un vuelo de Orlando a Atlanta, con él en los comandos, que pone en riesgo mortal a sus más de cien pasajeros, una actitud increíble que le permite controlar al avión y llegar a tierra, con el mínimo de consecuencias mortales y el desmadre de la masa mediática eleva a Whitaker, a la categoría de héroe. Si a esto se suma el escándalo posterior al descubrirse en qué condiciones viajó, el caos es completo.

    CINE CATASTROFE

    El piloto Whip Whitaker pasa de héroe a antihéroe, de antihéroe a paria y a varios estados más, recorriendo manifestaciones de cine catástrofe, drama psicológico, ronda de terapia, comedia sentimental y juicio final.

    La película del polifacético Robert Zemeckis ("Volver al futuro", "Forrest Gump"), un director que acostumbra presentar al hombre común, cambiante, ante la fuerza de las circunstancias, juega con la tensión y el suspenso tratando de mantener el equilibrio en un filme con una primera parte verdaderamente impactante. Su estructura mantiene el concepto de variedad y ritmo que lo caracteriza, agregando el dilema ético moral y la frágil y veleidosa incorporación de la presión social.

    Denzel Washington se zambulle en un personaje rico y polifacético que puede capear las condiciones de héroe-antihéroe, mostrando la soberbia inicial del hombre que se cree superpoderoso y al que el destino le tiende una trampa, o una excusa para la salvación.

    MARIDO Y AMANTE

    El carismático actor, a través de su papel, pasa con admirable seguridad de la disipación al thriller, sin disimular su condición de problemático ex marido, padre o amante. A su lado revolotean un abogado hábil, un representante sindical, una ex drogadicta con alma de redención, una fiscal absorbente y un amigo traficante, Harling Mays (el imperdible John Goodman), todos en una ronda que no termina de desbordarse y arriba a un final no del todo convincente.

    "El vuelo" tiene una admirable secuencia de cine catástrofe, una de las mejores de las realizadas en cine y la ratificación de un Denzel Washington, interpretativamente imbatible con un impecable diseño de producción. Un buen drama, con algunas simplezas narrativas y varios minutos de más no impiden que la película atrape y cumpla con el imprescindible mandato de entretener.
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  • Las crónicas del miedo
    Para chicos que no se asustan

    Es un filme de terror con varias historias incluídas a la vieja usanza de las películas en episodios. El problema es que no hay nada nuevo bajo el sol, ni formal, ni temáticamente. Respecto de los argumentos, pasan por lo que ya todos conocen, casas embrujadas, canibalismo, aliens de distinto formato y color, posesiones satánicas y sombras que se menean.

    Hay predominio de violencia y de sexo, abuso de la cámara en mano, tufillo a la recordada "El proyecto Blair Witch", que hace más de trece años se disfrutara y se sufriera, gracias a los muy jóvenes directores Daniel Myrick y Eduardo Sanchez.

    CINEASTAS JOVENES

    En "Las crónicas del miedo" todo se repite, la mayoría de los seis episodios no tienen remate, algo que defina la historia, lo que parece inicialmente atractivo se desvirtúa en su desarrollo perdiendo la tensión.

    Ninguno de los directores -muy jóvenes-, se destaca demasiado y hay un grupo de cuatro chicos de Los Angeles, que constituyen un colectivo y se denominan Radio Silenciosa, autores de uno de los episodios. Mientras Joe Swanberg, luego de su experiencia en esta película formó su propia productora, con la que hace filmes de bajo presupuesto y utiliza actores sin experiencia.

    Si algunos títulos pueden destacarse, aunque no en su totalidad, son el episodio de "Emily cuando era joven" de Joe Swanberg, con el video chat como motivo principal o "Segunda luna de miel", con Kate Lynn Shell y una máscara algo temible, las que mejor se disfrutan. Le siguen "Amateur night" de David Brückner y "10/31/98" del grupo Radio

    Silenciosa con el tema de la posesión y las casas embrujadas. En síntesis, un filme ideal para adolescentes fanáticos de los filmes de terror.
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  • Cracks de Nácar
    Confesiones para melancólicos

    El filme permite acercarse a rasgos de carácter del argentino bohemio a través de sabrosas anécdotas, la picardía de Berruti saltando la barrera que prohibía el contacto del cronista, con los premiados por el Oscar en Hollywood, o la curiosidad y ternura de la relacin de Serra con la pequeña rusa del mítico tren Transiberiano.

    Unos son fanáticos del ajedrez, otros del Go o el mahong. También hay devotos de los juegos de azar. Y algunos como Alfredo Serra y Rómulo Berruti, periodistas veteranos, "mueren" por el fútbol de botones. Ese que nos explican a cámara, se juega con once fichas, representadas por botones, que cada uno le dio el rostro de cracks futboleros, que martirizan arcos de acrílico. Y estos veteranos son tan fanáticos que lo juegan desde hace cuarenta y cinco años, creyendo que eran los únicos, pero que internet les informó que existen competidores en España y Brasil de un fútbol de mesa, sí, pero con fichas.

    DEPORTE ORIGINAL

    Si el partido semanal habla de intereses comunes, el filme toma de pretexto el deporte de mesa, para testimoniar los particulares lazos de la amistad.

    Los directores Daniel Casabé y Edgardo Dieleke no pasan los treinta, también son amigos y saben lo que significa. Será por eso que lograron un espacio original y refrescante, donde se mezclan el pasado de los amigos, los dos periodistas, uno vinculado a la realidad de las corresponsalías en el exterior, el otro a la virtualidad del cine. Efímeros momentos de botones con personalidad, que pueden unir a dos seres en búsquedas interminables por ferias botoneras, o desasosiegos ante la desaparición de alguno de ellos, en el laberinto callejero.

    FICCION Y REALIDAD

    Película que logra mezclar, con criterio lúdico, ficción y realidad con llamativa fluidez. Y donde asoma, un desconocido Buenos Aires, capaz de albergar un Parque Retiro de faquires alucinados con pretensiones de rock o mujeres diminutas sobrevivientes de Hiroshima. Una Buenos Aires, que como bien dice Alfredo Serra remite a Raúl González Tuñon, el poeta y los melancólicos tranvías, o a las primeras películas de Alberto Fischerman y Edgardo Cozarinski.

    "Cracks de nácar" permite acercarse a rasgos de carácter del argentino bohemio a través de sabrosas anécdotas, la picardía de Berruti saltando la barrera que prohibía el contacto del cronista, con los premiados por el Oscar en Hollywood, o la curiosidad y ternura de la relacin de Serra con la pequeña rusa del mítico tren Transiberiano. El documental de Daniel Casabé y Edgardo Dieleke registra todo eso y mucho más, a la vez que deja en claro, la originalidad de dos noveles directores.
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  • La culpa del cordero
    Familia con futuro incierto

    Es una comedia dramática, dirigida por Gabriel Drak, centrada en la familia, que queda desnuda en su intimidad a partir de la denuncia del padre.

    Las primeras imágenes del filme muestran una preciosa casona con jardín y pileta. A continuación se ve a Elena (Susana Groisman), una señora aún atractiva preocupada por atender el asado, que prepara el casero y esperar la visita de sus hijos y el marido. Después aparecerán los invitados. Los está reuniendo una razón particular y totalmente familiar, aparentemente.

    Elena no sabe que todo va a cambiar cuando la familia se entere de determinadas decisiones que el padre, Jorge (Ricardo Couto), va a revelar. Van llegando todos. Silvana (Lucía David de Lima), la hija casada acompañada por Fernando (Rogelio Gracia), su marido, su bebé y la niñera. Alvaro (Mateo Chiarano), el varón exitoso, ése que nunca le pidió nada a la familia, Berenice (Marina Olivera), la hija menor, preferida del padre y Agustín (Agustín Rodríguez), el otro hijo, que siempre despertó preocupaciones y ahora aparece con una moto de última generación.

    LA INTIMIDAD

    "La culpa del cordero" es una comedia dramática, dirigida por Gabriel Drak, centrada en la familia, que queda desnuda en su intimidad a partir de la denuncia del padre.

    La película correcta formalmente, muestra ciertos problemas en la elaboración de los caracteres psicológicos y un marcado desnivel en el grupo actoral.

    A pesar del interés del tema, que muestra la destrucción del núcleo familiar, "La culpa del cordero" exhibe una buena parte inicial y ciertos desajustes que se hacen más pronunciados a medida que avanza la historia.

    Ricardo Couto tiene un buen desempeño actoral en el papel de Jorge, el padre y lo mismo ocurre con Susana Groisman (Elena), como la madre.
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  • Django sin cadenas
    La tierra que tuvo esclavos

    Desaforada y sangrienta, absurda a veces, entretenida siempre, con toques de humor y megalomanías varias, "Django sin cadenas" destila intensidad narrativa. Quentin Tarantino sigue desafiando al espectador con su crítica y real visión de la América esclavista, su violencia ilimitada y la potencia de su creatividad.

    La historia se inicia dos años antes de la Guerra de Secesión. La esclavitud, arraigada en el mundo, comienza a ser cuestionada y abolida paulatinamente. Los estados del Sur de la Unión, la mantienen bien entrada el siglo XIX por razones fundamentalmente económicas. Con la gran oleada de inmigrantes europeos, contrarios a la esclavitud, seguramente habrá venido este alemán llamado King Schultz (Christoph Waltz), un caza recompensas de profesión, que en épocas de escasez se gana la vida como "sacamuelas" trashumante.

    Ante un grupo de maleantes que llevan un grupo de esclavos negros, Schultz traba relación con Django (Jamie Foxx), un moreno musculoso que acepta acompañarlo para ayudarlo en su tarea de cazador de blancos buscados por la ley.

    A cambio de sus servicios, el dentista también tratará de encontrar a su esposa, Groomhilda (Kerry Wasghinton), una esclava separada de él por bandidos.

    EL MALVADO CALVIN

    Las aventuras serán incontables y finalizarán con la visita a la plantación del malvado Calvin Candie, que vive en su mansión de Candulyand, en Mississippi, ayudado por un fiel servidor negro, llamado Stephen (Samuel L. Jackson).

    El filme de Tarantino habla del mundo de la esclavitud, del amor, la amistad y fundamentalmente se desarrolla con el motor de la venganza. Lo original de la narración está en su condición de híbrido en cuanto a géneros.

    Su estructura se asemeja a la de los clásicos "spaghetti western", de los "60 y "70, que fueran financiados por capitales italianos y españoles. Toma elementos del cine de terror (el personaje de Schultz y su caballo Fritz, remiten al "Joven Frankenstein", de Mel Brooks), recurre a locaciones de películas de cowboys preferidas por Tarantino, como "Río Bravo", de Howard Hawks y parodia figuras consideradas fuertes por el western tradicional como el sheriff y el alguacil.

    Por si lo mencionado fuera fuera poco, el director y guionista instaura la pareja masculina en la que uno ejerce la docencia y el otro la acepta y la utiliza a su modo (Schultz y Django) y también la pareja "romántica", caso Django-Broomhilda, que como buena "pareja Tarantino", se apasionan más en la ausencia que en el contacto físico.

    BANDA SONORA

    La estupenda banda de sonido no tiene prejuicios en vincular a Luis Bacalov, con Ennio Moricone, la música country, o el hip hop, con la balada más melancólica. El anacronismo es la salsa del estilo Taratino, a propósito podemos sumar la reproducción de la leyenda de Sigfrido y Brunilda, de la tradición germánica, contada casi en forma de historieta y como lo haría un adolescente pop frente a su barra de amigos.

    Desaforada y sangrienta, absurda a veces, entretenida siempre, con toques de humor y megalomanías varias, "Django sin cadenas" destila intensidad narrativa, dominio del lenguaje y las actuaciones de ese prodigio llamado Christoph Waltz, un notable Leonardo DiCaprio de garras impensadas en su papel de Calvin Candie y la sorpresa de Jamie Foxx (Django), con un seguro crecimiento actoral a lo largo del filme. Además de un siempre efectivo Samuel L. Jackson, como el fiel servidor Stephen.

    Quentin Tarantino sigue desafiando al espectador con su crítica y real visión de la América esclavista, su violencia ilimitada y la potencia de su creatividad.
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  • El fruto
    El fruto
    La Prensa
    La travesía de un hombre solo

    Mezcla de documental y ficción, el filme de Miguel Baratta y Patricio Pomares, tiene por protagonista a Juan, un hombre mayor que trabaja en el campo. Las primeras imágenes de la película, no muestran su cara, sino su cuerpo cuando se baña. Los brazos delgados, las manos fibrosas, las piernas fláccidas.

    Poco después se lo ve caminar hasta la casa, una covacha, en la que no falta el mate protector con pava en la cocina económica, a la mañana, luego de una noche de tos y molestias.

    TODO UN RITUAL

    Después vendrá, casi como un ritual cuidadoso, desenterrar el arbusto que está creciendo en su retazo de tierra, cubrirlo con un papel y emprender una caminata. El camino parece interminable por lo igual, con paradas en la cantina del pueblo para tomar agua, conocer el perro del chico de al lado, compartir un almuerzo con obreros que cuentan historias de superstición y muerte y llegar con el arbusto de regalo hasta la curandera del pueblo.

    "El fruto" se filmó en la localidad pampeana de Carlos Keen, ubicado a no más de ochenta kilómetros de Buenos Aires, con gente del lugar y cuyo protagonista es uno de sus habitantes, al que simplemente se lo conoce como Juan.

    Sus directores han realizado un filme contemplativo de tiempos silenciosos por donde se cala el tiempo histórico.
    Cine con espacios temporales diferentes del de las grandes capitales. Donde los planos generales parecen detenerse en el tiempo, para mostrar cómo Juan, su protagonista, cruza un puente, saluda a un vecino, o escucha una historia.

    EN CAMINO

    La cámara muestra la cansina marcha del protagonista cuando cruza los rieles muertos por los que alguna vez pasó el tren que conducía a ese pueblo que hoy tiene unos trescientos habitantes y en otra época contó con cuatro mil. "El fruto" cuenta un viaje.

    Y ese viaje testimonia toda la vida exterior, e interior de un hombre solo, casi fundido con la llanura plana que lo circunda. Traspasada por un sentimiento de ausencia y finitud, la película revela a dos interesantes directores emocionales y solidarios de la condición humana, Miguel Baratta y Patricio Pomares.

    Precede a estos realizadores un tipo de cine, independiente de nobles antecedentes, con nombres como los de Lisandro Alonso, o Gustavo Fontán, de reconocida filmografía.
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  • El lado luminoso de la vida
    Darse una segunda oportunidad

    Es una comedia sencilla. Con la única particularidad de que Pat hijo (Bradley Cooper), su protagonista, es una persona bipolar, que presenta el trastorno muy detallado en su desarrollo en la primera parte, pero que es casi olvidado en la segunda.

    Esa caótica manera de hablar contra la pared, sin atender a los que lo llaman, ya presupone un desorden mental. Enseguida sabremos que él que se expresa así es Pat, hijo (Bradley Cooper), que está por salir de una institución mental, luego de un suceso terrible que ocurrió cuando estaba casado y era docente.

    Ahora, vivirá con sus padres Pat (Robert De Niro) y Dolores (Jacki Weaver), los que tratan de comprenderlo y tolerarlo, con la convicción de que en un momento todo retornará a la normalidad, si retorna. De su mujer que lo abandonó, no sabe nada. Y Pat hijo, con su bipolaridad, sigue amándola y solo trata de buscarla como puede estrellándose en circunstancias que ponen en peligro su salida definitiva del neuropsiquiátrico.

    LA JOVEN SOLA

    De esta manera Pat hijo continúa su estado de desasosiego, hasta que conoce (o lo hacen conocer) a Tiffany (Jennifer Lawrence). Tan trastornada como él, luego de la muerte de su esposo que ella no supo enfrentar, salvo con un suceso que de alguna manera le obnubiló el camino a la normalidad.

    Pat hijo, deberá buscar él solo una solución a su problema, ahora que está con sus padres, que lo quieren. Será difícil, pero lo intentará.

    El filme retoma la clásica idea del viaje del protagonista, a través de las circunstancias, el crecimiento, la readaptación en este caso a la realidad y la posibilidad de una segunda oportunidad, luego de experiencias traumáticas.

    El director David Russell desarrolla la historia con una particular forma de ver la realidad. Desde el caos absoluto que involucra a toda una familia enferma, por la enfermedad de su hijo; hasta el acostumbramiento, o la readaptación general y la aparición de un nuevo personaje, Tiffany, que, a pesar de no tener las condiciones que uno espera, para armonizar lo desarmónico, es capaz de dar una vuelta de tuerca a la historia de Pat hijo, y provocar que él se enamore de ella.

    HOMBRE EXTRAÑO

    "El lado luminoso de la vida" es una comedia sencilla. Con la única particularidad de que Pat hijo (Bradley Cooper), su protagonista, es una persona bipolar, que presenta el trastorno muy detallado en su desarrollo en la primera parte, pero que es casi olvidado en la segunda, luego de la presencia de la joven Tiffany (Jennifer Lawrence). La chica representa algo así como una panacea mágica, que con la danza como aproximación, produce un acercamiento al bueno de Pat hijo. De esta manera nos acercamos al relato convencional con final feliz.

    Son buenas las actuaciones en general como la de Bradley Cooper, que se sumerge en su papel de Pat hijo, hasta el final, pero que tiene como rival imbatible a la carismática Jennifer Lawrence (Tiffany). Todo rostro y energía y a la que se vio en "Lazos de sangre".

    A los mencionados, se suma Robert De Niro, como Pat, un padre casi tan obsesivo como el hijo, pero con manías aceptadas por todos; Jacki Weaver, como Dolores, la madre y la breve pero eficaz intervención del actor indio Anupam Kher, como el doctor Cliff Patel.
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  • Hansel y Gretel: Cazadores de brujas
    Tomándose una revancha vieja

    Formalmente lograda, desde el punto de vista temático, los anacronismos deben aceptarse como regla para este nuevo universo.

    El imaginario popular creó a lo largo de distintas épocas, leyendas, mitos, cuentos, que estudiosos se ocuparon de recopilar para que la tradición oral no se perdiera. Fue el caso de los investigadores alemanes, Jacob y Wilhelm Grimm, populares, especialmente, por la reelaboración de historias como la de Cenicienta, Blancanieves, Pulgarcito, o Hansel y Gretel.

    La primera parte de esta historia, la de Hansel y Gretel, es tomada en el filme. Dos niños, abandonados en el bosque por sugerencia de su madre, llegan a una casa de caramelo, donde son apresados por una bruja que los quiere comer.

    Los chicos logran meterla en el horno y parece que se les fija en la mente esta escena que repetirán en el tiempo. Serán "cazadores de brujas".

    VERSION COREANA

    Ya el coreano Pil-Sung Yim había elegido la historia hace seis años atrás y construyó un delirio, bello estéticamente, pero problemático en los contenidos. Si el director coreano le otorgó a su película una marcada importancia formal con algo de gore (visceras y sangre); Tommy Wirkola, el realizador de la versión que nos ocupa, se da un banquete de violencia, con predominio de lo sangriento y algo de humor.

    En "Hansel y Gretel: Cazadores de brujas", se muestra la adolescencia de los hermanos Hansel (Jeremy Renner) y Gretel (Gemma Arterton), que hicieron de la caza de brujas su oficio. Son publicitados en los "medios" como tales y requeridos por fuertes sumas en los pueblos medievales para rescatar niños robados. Por supuesto, tienen sus enemigos, pero ellos ignoran el miedo y coleccionan armas y conocimientos contra las brujas para próximos ataques.

    EFECTOS ESPECIALES

    "Hansel y Gretel: Cazadores de brujas" muestra un logrado diseño de producción, originales efectos especiales y un muy buen uso del maquillaje.

    Nunca el cine tuvo brujas tan feas y variadas, escapadas por el bosque al galope de poderosas escobas en la mejor tradición Quidditch (competencia de Harry Potter, con escobas mágicas). Ni explosiones tan espantosas y desmembramientos tan brutales.

    El espectador que la vea en 3D, deberá esquivar hachas, mazas, bolas de púas, cadenas varias que los violentos hermanos -Hansel (Jeremy Renner) y Gretel (Gemma Arterton)- parecieran arrojar a la platea.

    Formalmente lograda, desde el punto de vista temático, los anacronismos deben aceptarse como regla para este nuevo universo. Pero también el filme nos habla de hadas buenas y presenta una de cabello muy colorado, que seduce a Hansel (Jeremy Renner), ingenuo y diabético, de tanto comer dulces en la casa de mazapán de la infancia.

    Lo que sigue llamando la atención por más efectos especiales que haya, es ese uso exacerbado de la violencia y la utilización casi maniática de todo tipo de armas. Nunca hubo en versiones de cuentos infantiles llevados al cine y destinados a adolescentes, semejante desfile de armamento como ocurre en este filme, correctamente protagonizado por Gemma Arterton (Gretel) y Jeremy Renner (Hansel).
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  • Tres tipos duros
    El "revival" resulta efectivo

    "Tres tipos duros" es un revival nostálgico de viejos héroes en decadencia, con buena química entre sus actores estrellas -Al Pacino, Christopher Walken y Alan Arkin-.

    Pasar casi un cuarto de siglo en la cárcel, recuperar la libertad y empezar de nuevo, no es algo fácil. Quizás esto es lo que piensa Val (Al Pacino) cuando abandona la prisión y encuentra a su amigo Doc (Christopher Walken) esperándolo. El no sabe que algo pasó y la presencia del amigo, no tiene la seguridad de los viejos tiempos. Aunque no lo sepa, lo que sigue, será, evocar el pasado, los viejos negocios ilegales y mostrar las "nuevas adquisiciones".

    En el caso de Doc (Christopher Walken), un decrépito departamento, eso sí, con televisor por cable y nuevos cuadros nacidos de su afición por la pintura, o recordarle que el "otro" del terceto que conformaban en otra época, Hirsch (Alan Arkin) está en un geriátrico.

    A pesar de todo habrá tiempo para todo, chicas, tiros, autos ultramodernos y enfrentamientos con viejos enemigos.

    CON BUENA QUIMICA

    "Tres tipos duros" es un revival nostálgico de viejos héroes en decadencia, con buena química entre sus actores estrellas -Al Pacino, Christopher Walken y Alan Arkin-.

    Un tanto lenta en el comienzo, pero que se rehabilita y entretiene a medida que avanza en su desarrollo, es un filme que trae el recuerdo de viejas películas de gángsters, en las que la acción era lo principal.

    Hay buenas actuaciones de sus protagonistas. Un Alan Arkin que sale de la casa de ancianos para manejar a alta velocidad y formar tercetos eróticos con sus viejos compañeros.

    La presencia de una simpática Lucy Punch, como Wendy, la joven que regentea la "casa de citas" del barrio, una promisoria Addison Timlin, que hace el papel Alex y es la nieta de Hirsch (Alan Arkin) y atractiva música que incluye temas de Jon Bon Jovi, hacen de éste un filme para disfrutar.

    En el final se incluye una dedicatoria a Bingham Ray, uno de sus productores, que fomentara el cine independiente permitiendo que el gran público accediera a grandes producciones de bajo presupuesto.
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  • El último desafío
    Violencia con el mejor humor

    Con un marcado despliegue de armas, disparos a granel, algún loco de la colina que lo ayuda con armas casi medievales y abundante humor, la película es un entretenimiento sin demasiadas pretensiones, pero efectivo.

    Después de "Terminator 3: La rebelión de las máquinas" pasaron un montón de cosas en la vida de Arnold Schwarzenegger, este activo austríaco, que llegó a gobernador de California, luego de hacerse estadounidense y fue alguna vez Mister Europa. En este filme, es el sheriff Ray Owens que se vino de la populosa Nueva York para tranquilizarse en un pueblo pacífico de Arizona, con ciudadanos rutinarios, pero, alguno de ellos, curiosamente excéntricos.

    Si Ray Owens hubiera sabido que un poderoso narco latino elegiría ese pueblo para pasar las fronteras a México y huir del FBI que lo persigue, seguramente otro hubiera sido su destino.

    La película cuenta la defensa que prepara el sheriff Owens, para defender "su pequeño huerto" de Arizona y cómo los habitantes del pueblo lo ayudan para defender el lugar del narcotráfico.

    ARMAS Y DISPAROS

    "El último desafío" es un clásico representante de los "spaghetti westerm", al estilo que hizo popular a Franco Nero. No por nada tiene como diseñador de producción a Franco Fiacomo Carbone. Pero está dirigido por el coreano Jee-woon Kim, de manera que la violencia se duplica.

    Con un marcado despliegue de armas, disparos a granel, algún loco de la colina que lo ayuda con armas casi medievales y abundante humor, la película es un entretenimiento sin demasiadas pretensiones, pero efectivo.

    Hay mayoría de latinos, encabezados por el simpático Luis Guzmán, como Mike Figuerola y también está Eduardo Noriega, en el papel de Gabriel Cortez, el narcotraficante y la bella Genesis Rodriguez, hija del Puma Rodríguez. A los mencionados se suma Forest Withaker, como un agente del FBI que hace lo que puede.
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  • S.O.S: Familia en apuros
    Secretos de abuelos y nietos

    La película es formalmente correcta, con un Billy Crystal un poco deslucido en su papel del abuelo Artie y una Bette Midler (Diane), que divierte con su simpatía. Están mejor Marisa Tomei (Alice) y los chicos.

    Artie Decker (Billy Crystal) comienza a sentir el peso de los años. En realidad le están haciendo sentir esa sensación. Luego de haber dedicado los mejores años de su vida al béisbol como comentarista deportivo, la empresa decide remozarse y no lo incluye en su grilla. Pero, afortunadamente, Artie tiene una mujer "de fierro", la simpática, Diane (Bette Midler). Ella es de las que apuntalan el hogar para siempre y que lo alienta para no entristecerse.

    Justamente, en ese momento, Alice Simmons (Marisa Tomei), la hija casada del matrimonio, que vive en otro Estado, requiere la presencia de ambos para ocuparse de sus tres nietos de distintas edades, por un viaje de trabajo que ella y Phil Simmons (Tom Everett Scott), su marido deben hacer. Así que allá van Artie y Diane, ocultando el reciente despido de él.

    REALIDAD CAMBIANTE

    "S.O.S: Familia en apuros" es una comedia familiar que, con una mirada liviana, habla de las diferencias generacionales entre abuelos, hijos y nietos. Es que los cambios son cada vez más rápidos y hasta los papeles varían. Los nietos saben que hay que reírse con los incomprensibles chistes de los abuelos, según consejos de Alice (Marisa Tomei), su madre. Así que aunque los consideren insípidos, las carcajadas se suceden.

    Tampoco son chicos que amen los dulces. Porque casi no los conocen, ya que la madre es muy cuidadosa en las campañas contra el azúcar y para qué hablar de la carne, o contar cuentos antes de dormir. Tampoco los abuelos pueden comprender por qué la mayor, Harper (Bailee Madison), estudia violín, cuando es un instrumento que no le gusta; o Turner (Joshua Rush) no se defiende de los chicos que lo atacan en la escuela. Así de una manera y otra, nietos y abuelos terminan por conocerse más, al menos en cuestiones relacionadas con los hábitos familiares.

    La película es formalmente correcta, con un Billy Crystal un poco deslucido en su papel del abuelo Artie y una Bette Midler (Diane), que divierte con su simpatía. Están mejor Marisa Tomei (Alice) y los chicos: Bailee Madison (Harper), Joshua Rush (Turner) y Kyle Harrison Breitkopf (Barker). A pesar de todo, es un filme cuyos personajes transmiten simpatía.
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  • Fuerza antigangster
    La intensidad de la violencia

    Este es un filme con resultado discutible, que contó con un buen presupuesto, en el que se incluye una extrema violencia, pero al que le faltan ciertos elementos que la hubieran transformado en una destacada película de gángsters como las conocidas "Los Intocables", o "La dalia negra", las dos dirigidas por Brian De Palma.

    La acción está ambientada en Los Angeles, a fines de la década de 1940. El mundo del hampa ha asumido un control que la policía del Estado trata de enfrentar. Ahora es un representante de la mafia judía él que está desplazando a la mafia italiana en la "jefatura" del crimen. La violencia asume características especiales y Mickey Cohen (Sean Penn), "el pequeño boxeador de Brooklyn", requiere un grupo especial para acabar con sus negocios de la droga, el juego y la prostitución.

    Un grupo de élite se forma a pedido de William Parker (Nick Nolte), jefe del Departamento de Policía, de Los Angeles, con el sargento John O"Mara (Josh Brolin) al frente y una serie de individuos que aceptan compartir el desafío.
    La condición es que luego del éxito, nadie tiene que saber de su existencia. Serán seres anónimos reunidos con un objetivo común. Epoca de los Al Capone, el mismo Mickey Cohen llegará a negociar con el hermano del capo mafia, mientras "el escuadrón de la muerte" trata de anular sus jugadas.

    DETALLE ROMANTICO

    La película de Ruben Fleischer se mueve en una medianía general a pesar del excelente equipo actoral y el cuidado diseño de producción. El mismo Sean Penn en un personaje aparentemente servido, da una versión casi al borde del estereotipo del violento Cohen.

    Hay un diseño de producción de primera línea, diálogos lineales y ciertas figuras que no alcanzan el liderazgo carismático que se requiere para lograr la total atención del público.

    Subtramas como la vida familiar del jefe de la "fuerza antigángster" y especialmente un romance entre el sargento Jerry Wooters (Ryan Gosling) y la novia de Cohen, Grace Faraday (Emma Stone) no despiertan suficiente interés para ocasionar la serie de situaciones que se desencadenan posteriormente. Quien sí logra cierta preeminencia es el canadiense Ryan Gosling, en el papel del sargento Jerry Wooters, él que con John O"Mara (Josh Brolin), enfrenta a los mafiosos.

    Este es un filme con resultado discutible, que contó con un buen presupuesto, en el que se incluye una extrema violencia, pero al que le faltan ciertos elementos que la hubieran transformado en una destacada película de gángsters como las conocidas "Los Intocables", o "La dalia negra", las dos dirigidas por Brian De Palma.
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  • Tesis sobre un homicidio
    Buscando la huidiza justicia

    Es un "thriller" psicológico, que tiene puntos de contacto con la exitosa "El secreto de sus ojos" y de la que conserva el equipo de producción y a su principal protagonista. Formalmente impecable, con una buena fotografía y un equipo en el que se destaca Ricardo Darín como el abogado Roberto Bermúdez.

    A Roberto Bermúdez (Ricardo Darín) el tema de la justicia le llevó la vida. Una carrera jurídica, la docencia del derecho y ahora una oportunidad para que la justicia se cumpla.

    Cuando el filme comienza, el doctor Bermúdez enseña en la Facultad de Derecho, tiene a su cargo la cátedra de Derecho penal y pasa un mal momento por su reciente separación y su afición al alcohol pero, apasionado por el tema de la justicia, escribe sobre ella, sin pensar que el destino le va a dar una oportunidad para poner en juego sus conocimientos con un asesinato, que ocurre, prácticamente a sus pies. Y es a sus pies, porque ocurrió en el estacionamiento que se extiende debajo del aula en la que él dicta sus clases.

    Bermúdez decide hacer cumplir la justicia y encontrar al asesino. Y se larga a esa tarea casi con fanatismo. El problema es que parece ser que el que mató es muy astuto y hasta puede ser uno de sus mejores alumnos, con el que muchas veces conversa por ser el hijo de una amiga que vive en España.

    UN POSIBLE ASESINO

    "Tesis sobre un homicidio" es un "thriller" psicológico, que tiene puntos de contacto con la exitosa "El secreto de sus ojos" y de la que conserva el equipo de producción y a su principal protagonista.

    La película comienza con bríos, esboza algunos caracteres interesantes como el del abogado Bermúdez, o el universitario Gonzalo Ruiz Cordera (Alberto Ammann), pero se frena y derrapa en el final. A pesar de todo, el desarrollo atrae, aunque no se logra profundizar en los personajes, se incorporan figuras secundarias que no evolucionan y el diálogo abunda en lugares comunes y excesos explicativos.

    Formalmente impecable, con una buena fotografía y un equipo en el que se destacan Ricardo Darín como el abogado Bermúdez, un muy interesante Alberto Amman (Gonzalo Ruiz Cordera), joven actor cordobés formado en España, como el probable asesino, Arturo Puig como Alfredo Hernández, el amigo de Bermúdez y Antonio Ugo, un gran actor, recientemente desaparecido, que hace su última intervención en el personaje de Mario Passalaqua.
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  • Una aventura extraordinaria
    Un iniciático viaje juvenil

    Lo poco verosímil no molesta, la magia, la fuerza de un sobreviviente que con tozudez y fe, en grados parejos, enfrena la adversidad, sigue atrayendo al espectador.

    Lo que le pasa a Pi Patel (Suraj Sharma) es algo muy singular. Como una respuesta a su constante pregunta sobre la verdad de las religiones, que le hacen pasar del hinduismo, al cristianismo y luego al islamismo, la vida le depara un viaje espiritual con la excluyente compañía de animales, que de alguna manera lo obligarán a convivir con la Naturaleza sólo acompañado de un dios sin rostro.
    Pi Patel vive en la India con sus padres y su hermano. Luego de pasar por la duda religiosa y acompañando a su familia, presionados por problemas políticos, se embarca rumbo a Canadá, donde planean instalar un zoológico. Una tormenta dejará a Pi "solo", en un bote, durante largos días.
    Una cebra, un mono y una hiena lo acompañarán por breve tiempo, hasta que el tigre de Bengala bautizado "Richard Parker" se convierta en su peligroso compañero.

    UN GUION AGIL
    Curioso testimonio de que el realismo mágico aún funciona, el director taiwanés Ang Lee ("El tigre y el dragón", "Secreto en la montaña"), basándose en el exitoso best-seller del español-canadiense Yann Martel, monta un espectáculo de diseño impecable que aúna la magia del 3D, el insuperable manejo de los efectos especiales y un texto que recuerda a Julio Verne, que sorprende y atrapa con su hipnótico hiperrealismo. ¿Cómo huir de paisajes marinos tan bellos como imposibles, de saltos siderales de ballenas imponentes, puestas de sol, o calma chicha en medio de colores imposibles de describir? ¿Y cómo escapar de un chico abrumadoramente fervoroso y valiente enfrentado a su destino?

    TOZUDEZ Y FE
    Lo poco verosímil no molesta, la magia, la fuerza de un sobreviviente que con tozudez y fe, en grados parejos, enfrena la adversidad, sigue atrayendo al espectador. Aunque el marco del cuadro central no convenza demasiado (relato dentro del relato, dos versiones de lo mismo), uno puede obviarlo deslumbrado por tantas imágenes increíbles, olas gigantescas que luego sabremos generadas por máquinas especiales, o un tigre fastuoso, que informaciones posteriores, confirmarán virtual y formado por lo mejor por cinco tigres reales.
    Muy bien narrada, con un ritmo en franco equilibrio, sólo densa casi en el final, "Una aventura extraordinaria" ofrece un atractivo guión de David Magee ("Descubriendo el país del nunca jamás"), la exquisita fotografía del chileno Claudio Miranda y un recordado actor joven debutante, Suraj Sharma.
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  • Mentiras mortales
    Los secretos de un financista

    Juego de lucha de poder, con aperturas hacia temas como la omnipotencia individual y el quiebre ético y moral, el filme de Nicholas Jarecki tiene en Richard Gere y Susan Sarandon, los intérpretes ideales.

    Robert Miller (Richard Gere) es algo a así como el Gordon Gekko de "Wall Street", aquella película de Michael Douglas. Exitoso financista, elegante, ambicioso, inescrupuloso, con mujer inteligente, hijos capaces y amante voluptuosa. La soberbia y la "Biblia" del dólar controlan su vida. Llegó a los 60. Rebosa fortuna, pero una reciente inversiónn equivocada está poniendo en peligro su imperio. Por supuesto que Miller está seguro que podrá controlar el derrumbe. Pero justamente en ese momento, el destino se le cruza y un accidente fatal lo ingresará a una carrera de obstáculos difícil de sortear.

    SUSPENSO DOSIFICADO
    Con formato de thriller, "Mentiras mortales" (titulo comercial y barato, por supuesto, modificado para venderlo al público) podría haber sido un filme más. Pero su director y guionista, chico treintañero, conocido hacker neoyorquino en la adolescencia, luego destacado universitario decidió dejar los videos musicales que dirigía y hacer un guión y una película sobre el mundo de las finanzas, del que conocía un montón por razones familiares. Su producción independiente y cuidada, con un reparto estelar y un libreto que conjuga tensión y suspenso, atrapa. Y exhibe la particularidad de que uno nunca sabe hacia dónde va el próximo paso de la historia. Sus virajes son abruptos, a veces no tan creíbles, pero mantienen cohesión y la provocación necesarias.

    LA LUCHA DE PODER
    Juego de lucha de poder, con aperturas hacia temas como la omnipotencia individual y el quiebre ético y moral, el filme de Nicholas Jarecki tiene en Richard Gere (Robert Miller) y Susan Sarandon (Ellen Miller), su mujer, los intérpretes ideales. Toda la ambición pasa por los apretados ojos de Gere y su leve sonrisa, mientras Sarandon en un papel a su medida es esa particular esposa de triunfadores, que uno piensa despreocupada y superficial, pero que con mirada fría observa las maniobras de un marido especulador, disfruta de sus logros, pero exhibe garras de leona, cuando la ambición desmesurada pone en peligro a la familia.
    Se destacan Tim Roth como el detective Michael Bryer; Nate Parker, como Jimmy Grant, el chico de Harlem y Brit Marling (en el papel de Brooke Miller, hija del personaje que hace Gere), interesante actriz, economista en la vida real y que dejara de lado al grupo de inversiones Goldman Sachs por el cine. Alrededor de estos nombres un grupo de actores veteranos dan un apoyo especial en sus personajes de abogados y asesores.
    Con un brillante diseño de producción y art; un vestuario impecable y rubros formales de fotografía y música que calzan al tono, resulta un filme para no dejar de ver.
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  • Cloud Atlas: La red invisible
    Una extraña conexión de tiempos

    La película narra seis historias complejas, cada una de ellas con seis directores distintos y decenas de actores. Y se dio un filme que mezcla, presente, pasado y futuro, en una curiosa interrelación. Lo que resuena en una de ellas, misteriosamente, se conecta con la otra.

    El asunto era complicado. Se necesitaba un guión lo suficientemente sencillo como para que las historias se entendieran y los personajes pudieran identificarse. Claro, la película estaba basada en una extensa novela del inglés David Mitchell, con seis historias complejas, y cada una de ellas con seis directores distintos y decenas de actores. Y se dio un filme que mezcla, presente, pasado y futuro, en una curiosa interrelación. Lo que resuena en una de ellas, misteriosamente, se conecta con la otra.
    Desfile de historias, donde un periodista resuelve problemas, que atañen al universo; víctimas orientales que se convierten en gurúes, escritores en problemas que buscan refugio en geriátricos; creadores musicales en peligro ante veteranos exitosos, mientras la vida y la muerte parecen entrelazarse sin tiempo ni geografía, en mundos paralelos.

    UNO Y TODOS
    También hay actores transformados en mujeres, actrices convertidas en distintos personajes, siglos que se suceden y geografías multiplicadas.
    Estos hermanos Wachkowsky -Andy y Lana- y el bueno de Tom Tykwer, sus directores, logran ambientar exquisitamente las historias, recrear sus propios lenguajes y generar atmósferas.
    Ni la ciencia ficción, ni la novela de aventuras, o el drama romántico los asustan. Todo lo exhiben con elegancia y audacia. Eso sí, hay un sabor a Alfonso Cuarón y sus devotos del filme "21 gramos". Y la teoría ancestral retomada por nuestro Borges, un hombre es todos los hombres, lo que le pasa a uno le pasa a todos.
    Resultado desparejo con episodios sobresalientes como el ambientado en
    Corea, o el del escritor en problemas, excelentes actuaciones de Jim Broadbent, Doo-Na y Ben Winshaw, junto a los muy conocidos Tom Hanks y Halle Berry.
    Coloso de ciento sesenta y ocho minutos que entretiene y a veces desconcierta.
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  • Ralph: el demoledor
    El gigante quiso ser un héroe

    "Ralph el demoledor" no quiere romper nada más, no quiere ser un malo, sino un héroe. El filme reúne la perfección formal con la originalidad temática.

    Pudo pasar que Barbie no quisiera ser una señorita sexy. O que la muñeca Mariquita Pérez no hubiera querido ser, como la argentina Marilú, una muñeca tradicional en España. "Ralph el demoledor" no quiere romper nada más, no quiere ser un malo, sino un héroe. ¿Qué pasaría en el mundo de los juguetes antes y ahora, en Estados Unidos, España o la Argentina? Serían juguetes en rebeldía y estallaría el conflicto.
    Justamente de eso se trata el filme del director y guionista Rich Moore, de un personaje de video-juego que no quiere ser más el que era. Basta de destruir, por qué ser odiado y no tener la posibilidad de ganar una medalla por arreglar todo como Felix Jr, su opuesto en el juego!.
    Se ve que los animados llegaron a la mayoría de edad y se replantean su identidad. Justamente otros personajes de "una película de miedo" como "La cabaña del terror", que también se estrena hoy, también protestan porque otros los inducen a hacer determinadas cosas, que ellos no siempre querrían.
    Sí. La Disney se aggiorna desde que compró Pixar y sus héroes se rebelan y conflictúan, algunos de estos ejemplos son: los juguetes de "Toy Story", la chica de "Valiente", o el pequeño "Wall- E".

    PERFECCION FORMAL
    Ralph con un grupo de monstruos de los videojuegos se sientan en la ronda presidida por un analista y plantean sus problemas. Pero el demoledor, estalla. Más cuando lo discriminan en el cumpleaños de la empresa para la que trabaja. Entonces se escapa de su juego y trata de meterse en otros, con los consiguientes problemas.
    "Ralph el demoledor" reúne la perfección formal con la originalidad temática. Porque la idea de la huída, presupone un pasaje por la historia de los videojuegos, de su diseño estético y su evolución, desde los arqueológicos de los instalados en centros comerciales (comparemos los lejanos nuestros en la Sacoa marplatense), hasta los actuales en red. Y Ralph prueba en distintos mundos del video juego, como en su acercamiento a la Sargento Calhoum, demasiado violenta para él, o en su relación con la pequeña Vanellope Von Schweetz con la que vivirá la aventura en el mundo de caramelo.
    Divertida, arriesgada, "Ralph el demoledor", asombra con su perfección técnica e incorpora un nuevo antihéroe a la lista de protagonistas del filme animados.
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  • La cabaña del terror
    Un reality con varios zombies

    "La cabaña del terror" es una mezcla entre "The Truman show" y los clásicos del cine de terror, clase B. Una singular sátira.

    Como salidos de una película juvenil con nerds y rubias llamativas, los chicos de "La cabaña del terror" deciden tener unas lindas vacaciones en una cabaña prestada por un primo, alejada del ruido, embutida en un bosque y su soledad. No los atemoriza ni lo mal que son recibidos por el despachante de esa suerte de gasolinera en ruinas, ni el aislamiento de la cabaña, perdida en la nada, llena de espejos que dan imágenes falsas, sótanos repletos de recuerdos y diarios de terror.
    Ni Dana (Kristen Connolly), ni Curt (Chris Hemsworth), ni Jules (Anna Hutchison) o Holden (Jesse Williams) tienen idea de que son conejillos de India, desprotegidos en medio de la nada. Sólo el excéntrico Marty (Fran Kranz) intuye lo increíble. Están siendo manipulados.
    "La cabaña del terror" es una mezcla entre "The Truman show" y los clásicos del cine de terror, clase B. Una singular sátira, que a la manera de las muñecas rusas, ésas que se engarzan una dentro de otra, postula una historia dentro de otra. Filme original donde la realidad de unos no es tal y es inducida por una "sarta" de técnicos, amorales, que estereotipan la realidad con incentivos artificiales y provocan la rebelión de los personajes.

    HUMOR LOGRADO
    Calderón y Shakespeare jugaron con el concepto, del "teatro dentro del teatro" como Luigi Pirandello en "Seis personajes en busca de un autor" y Unamuno en "Niebla". Ahora los guionistas Joss Whedon y Drew Goddard (de las series televisivas "Buffy" y "La cazavampiros"), le dieron una vuelta de tuerca con mucho humor y bastante sangre mezclando fisioculturistas, zombies, monstruos a lo Godzilla, un loco lindo y alguna rubia seductora.
    La película tiene un buen ritmo, algunos minutos de más y maneja bien un grupo de buenos actores jóvenes. Es el caso del payasesco Fran Kranz (Marty) y veteranos de larga trayectoria como Richard Jenkins (Sitterson) o Bradley Whitford (Hadley). Su particular humor recuerda a directores como Alex de la Iglesia, que encuentran el justo medio en el desborde. Como es de prever, es una película más disfrutable para los fanáticos del cine de terror.
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  • Lo imposible
    Lo imposible
    La Prensa
    La travesía de un reencuentro

    Con delicadeza, el realizador, construye un entramado de sensaciones que pasan de la desesperación al desconcierto, de la conciencia de la situación límite a la breve resignación y la final lucha por la vida.

    Una pareja con tres hijos. El viaje a Tailandia en unas breves vacaciones. Un hotel paradisíaco y luego de la noche de Navidad, olas de treinta metros arrasan la zona. Estamos en 2004 y un tsunami de nueve grados de intensidad arrasa con doscientos treinta mil personas a lo largo del Océano Indico. La familia es separada. La historia del reencuentro se cuenta en este filme, basado en el caso real de la española María Belón y su familia, que vivió la tragedia.
    Los personajes en la ficción son el matrimonio integrado por Maria (Naomi Watts), Henry (Ewan McGregor), el hijo mayor Lucas (Tom Holland) y los dos niños menores Thomas (Samuel Joslin) y Oaklee Pendergast (Simon). La acción se inicia prácticamente en el viaje a Tailanda, el alojamiento en el hotel y el desencadenamiento de la catástrofe. La gigantesca ola inicial que fragmenta en tres partes a la familia, la madre y el hijo mayor por un lado, el marido por el otro y los pequeños en un tercer lugar.

    RECURSO EMOCIONAL
    Un director joven, Juan Antonio Bayona ("El orfanato") estructura el filme dentro del formato del melodrama con una austeridad de recursos y una total ausencia de efectismo. Semejante tema, catástrofe, separación familiar, caos general, podría haber sido un detonante casi necesario, pero Bayona sabe ser intenso, pero no desbordado y su graduación de recursos emocionales es un componente destacado en la historia familiar.
    Con delicadeza, el realizador, construye un entramado de sensaciones que pasan de la desesperación al desconcierto, de la conciencia de la situación límite a la breve resignación y la final lucha por la vida. Por sobre todo esto, la fuerza de la familia, de los valores, de la necesidad de la solidaridad ante el caos. La relación madre-hijo, las pocas palabras de los protagonistas ante el estupor del infierno en la tierra que los afecta, son un claro mensaje de la esperanza en la condición humana.
    Formalmente impecable, con escenas impresionantes y el mismo hospital de campaña en que los verdaderos protagonistas de la historia fueron ubicados, "Lo imposible" cuenta con dos actuaciones notables, la de Naomi Watts (Maria), síntesis de emociones casi imposibles de traducir y la del niño debutante Tom Holland (Lucas), sorprendente "capo laboro" del conocido bailarín del Reino Unido.
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  • Piñón Fijo y la magia de la música
    El payaso fue bien secundado

    Muy buenas las voces y pegadizas las canciones, mientras Piñón Fijo, luego de una brillante carrera televisiva, sigue manteniendo la atracción entre los más chicos.

    Las sierras cordobesas, un escenario circense y el payaso Piñón Fijo actuando frente a un público infantil. Luego, la intimidad de los camarines y Pinón con su amigo Cabrito recibe la visita de Cri Cri, un simpático grillo, referente de una comunidad animal cercana, que pide la ayuda del payaso al que admira, para terminar con el poder del cuis, tirano de la zona.
    Los animales, que acostumbran hacer música, reciben la presión del cuis y su banda que quiere tocar y cantar su música. Enfrentados los grupos, una reunion del pueblo encabezado por un sapo patriarcal afronta el problema y resuelve desarrollar un plan para terminar con el enemigo. El problema es que ninguno presenta una idea y sólo Anita, una bella grillita, dice que su amado Cri Cri, va a solucionar todo.

    EL CUIS TRAVIESO
    Mientras tanto, Cri Cri con Piñón Fijo, empequeñecido por la magia, con Cabrito, que luego rumbeará para otro lado, se acercan al pueblo para enfrentar al cuis. Es un momento crucial, porque el peludo roedor robó el cancionero del pueblo, un valor irrepetible para la memoria del grupo.
    "Piñón Fijo y la magia de la música" es un filme que aglutina alrededor de un personaje estrella, Piñón Fijo, un payaso cordobés, autor musical y cantante (Fabián Gómez), un mundo animal animado con un problema a resolver.
    La película tiene un buen nivel formal, se rodó en HD, maquetas con elementos naturales y cielos pintados en ciclorama. Sus personajes son atractivos (algunos con reminiscencias físicas de personajes de otras películas animadas como "Antz", el largometraje de DreamWorks) y seres como el sapo, los grillos y hasta el peludo cuis tienen encanto y despiertan simpatía.

    TEMAS ATRACTIVOS
    Muy buenas las voces y pegadizas las canciones, mientras Piñón Fijo, luego de una brillante carrera televisiva, sigue manteniendo la atracción entre los más chicos. La figura del payaso corriendo con una estela de estrellas y los animales que lo siguen en lindos paisajes con pegadizas canciones, es una escena tan recordable como sencilla.
    Película de trama simple, con pocas subtramas y aciertos de guión, en la que visibilizan animales de nuestra fauna, se solucionan entredichos con la mediación y la integración de los personajes y la música y su memoria es considerada como un valor.
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  • Fausto
    Fausto
    La Prensa
    El filme de un gran director

    Cine que entronca con la Madrecita Rusia, el frío germanismo y la racionalidad de nórdicos como Dreyer o Ingmar Bergman, "Fausto" es una película dura, sin concesiones, densa, difícil para impacientes, imperdible para los amantes del cine.

    Cuando hablamos del director ruso Alexander Sokurov ("El Arca Rusa"), podemos asociar su imagen con notables directores como Fellini, Bergman, Tarkovski, Onkasalo o Murnau, porque es capaz de crear un mundo absolutamente original.

    El filme es parte de su serie de obras sobre el Poder. Basado en la obra de Goethe, Sokurov y sus adaptadores dan una personal versión de la obra. Aquí está el investigador obsesivo que quiere establecer los límites entre vida y muerte, conocer el universo y dominarlo. Y también el Diablo que lo tienta, la féerica amada Margarita, la imposibilidad final de conocer y sin embargo, la necesidad de continuar.

    Descenso a los infiernos que desplazará en el Festival a Shame, otro descenso al Infierno del director Steve McQueen con Michael Fassbender; esta búsqueda hasta lo profundo, de la identidad, de la validez del alma, va, como en las estaciones medievales, hacia un imprevisible final.

    Si el comienzo acentúa el desprecio del cuerpo (regodeo en la manipulación de las vísceras humanas), el final revaloriza esa búsqueda en la vida que, pese a los esfuerzos, los logros y los efímeros momentos de felicidad, avanza hacia el abismo, igual para todos.

    BIEN LOGRADA

    Con diálogos mínimos, pero profundos, y un tratamiento visual que deslumbra, Sokurov estructura un nítido y oscuro retrato del mundo medieval, sintetizado en algunos interiores, una plaza y una iglesia; hasta la alucinada escena final de los géiseres, dantesca llegada al infierno en la tierra.

    Escenas inolvidables como la del homúnculo boqueando como un pez tratando de sobrevivir, luego de su imposible conservación, la de los baños públicos con el ladino demonio de sorprendente desnudez o el onírico final, hablan del talento de uno de los grandes realizadores del siglo XXI.

    Cine que entronca con la Madrecita Rusia, el frío germanismo y la racionalidad de nórdicos como Dreyer o Ingmar Bergman, "Fausto" muestra gigantes de la actuación, Anton Adasinsky y Johannes Zeiler, la recordada Hanna Schygulla (cantante y estrella en los filmes de Fassbinder), suerte de alocada madama medieval y una virginal adolescente mezcla de la Ofelia shakespeariana y la Isolda celta, de la cual hereda el nombre, Isolda Dychauk, en la escena del enamoramiento en primerísimo plano tratada por la fotografía de Bruno Delbonnel, tiene una magia adicional.

    Dura, sin concesiones, densa, difícil para impacientes, imperdible para los amantes del cine.
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  • Despedida de soltera
    Unas chicas poco responsables

    Becky (Rebel Wilson) no es la más linda del cuarteto de amigas del secundario. Sin embargo va a ser la que se case primero. Ni los kilos de más, ni la poca estatura fueron inconveniente para que un novio bastante agradable, decidiera proponerle matrimonio.

    Y así las chicas, Gena (Lizzy Caplan), Katie (Isla Fisher) y Regan (Kirsten Dunst), se enfrentan a la perspectiva de ser damas de honor y formar parte de una despedida de soltera en la que, ¿por qué no?, pueden conocer al hombre de su vidas. Todo saldrá al revés y nada sucederá como pensaban, pero será un buen momento para disfrutar de ciertas irresponsabilidades que el futuro seguramente no les brindará.

    LOS DESORDENES

    La joven directora Leslye Headland, originalmente, escribió una historia sobre desórdenes alimenticios, drogas y sexo casual y más tarde por sugerencia de actores y productores conocidos, decidió convertirla en un guión de cine, lo que dio como resultado "Despedida de soltera".

    En la película, una de las chicas padece algunos problemas de bulimia y drogas, otra tiene tendencia a la glotonería y la mayoría gustan del sexo rápido y el alcohol.

    Con antecedentes como "La boda de mi mejor amiga" o "¿Qué pasó ayer?" "Despedida de soltera" es la tradicional película de bodas, con estereotipos adolescentes, mucha droga, conversaciones sobre sexo y un mal gusto destacable.

    LOS ENREDOS

    Malentendidos y enredos serán la guía de estos jovencitos que hacen de lo escatológico un culto y del alcohol un componente indispensable de toda reunión, en la que un stripper puede aún asombrar y los chistes viejos ser capaces de despertar carcajadas. En síntesis, ni un asomo de originalidad, nada de buen gusto y la presencia en el papel de la chica con sentido común de la encantadora Kirsten Dunst ("María Antonieta"), que debe resignarse a que para vivir también hay que hacer filmes como éste.
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  • Diablo
    Diablo
    La Prensa
    Con sangre, patadas y algo más

    Diablo" es cine de género, pero la sangre, las vísceras, las patadas a lo ninja se juntan con el silencio, el humor y las ondas sonoras de un cine fuerte, sin concesiones y con la originalidad de los diálogos y lo insólito del reparto.

    La canción de Joan Manuel Serrat, dice "hoy puede ser un gran día...". Eso debe pensar el Inca del Sinaí (Juan Palomino) después de levantarse y recibir la gloriosa llamada de su novia que lo quiere ver. Pero a continuación el teléfono suena nuevamente y esa llamada lo puede transportar a la más cruda realidad.

    Es Huguito (Sergio Boris), el primo que siempre se mete en líos. Ese que seguro lo hizo pelear de chico contra otros, con los que no tenía que estar, cuando el Inca se llamaba Marcos Wainsberg y todavía no había matado a nadie en las peleas de catch.

    Después que Huguito entre nuevamente en su vida, la puerta se va abrir un montón de veces y los que van a entrar pueden hacer que el Inca del Sinai tenga más de un dolor de cabeza.

    HUMOR NEGRO

    La película es dura. Tiene humor negro. A veces lo va a dejar sin aliento. Si no está acostumbrado a la vorágine del cine tipo Quentin Tarantino, Guy Ritchie, o nuestro muy apreciado José Celestino Campusano, no vaya. Este director es tan delirante y puro como él.

    "Diablo" es cine de género, pero la sangre, las vísceras, las patadas a lo ninja se juntan con el silencio, el humor y las ondas sonoras de un cine fuerte, sin concesiones y con la originalidad de los diálogos y lo insólito del reparto. Desde un Juan Palomino, genial en su "peruano, judío y peronista", hasta Sergio Boris en el incalificable Huguito, o la sorpresa de Kato, el Ninja Blanco de "Titanes en el ring". Una película de una personalidad tan negra, como contundente.
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  • Mátalos suavemente
    Son feos, sucios y también malos

    Los actores de primera y Bradd Pitt (Jackie), como el criminal pago, a tono con este impactante filme, en el que también lo acompañan James Gandolfini, como Mickey, un veterano criminal venido a menos.

    Frankie (Scoot McNairy) y Russell (Ben Mendelsohn) parecen salidos del álbum de oro de los perdedores, sobre todo Frankie, drogado hasta el desafuero y poco consciente de que la realidad sigue produciéndose alrededor suyo. Los dos piensan progresar como maleantes, pero desgraciadamente eligen asaltar una casa protegida, donde se juegan cartas. No saben que están en un momento desafortunado. Crisis económica en el país, época de la campaña que llevara como ganador a ocupar la Casa Blanca a Barack Obama. El asalto planeado se produce con violencia y nada saldrá bien a partir de ese momento.

    Filme de gángsters, basada en un clásico de George V. Higgins, que además de escritor, fue abogado del caso Watergate y de un capo de los Panteras Negras; el director neozelandés Andrew Dominik ingresa a escena a fuego y sangre. Todo es violento, el humor es negro, los asesinatos brutales y todo lo que rodea a los personajes deprime. Nueva Orléans está irreconocible, los perdedores hieden y mueren como moscas.

    LA BUENA MUSICA

    Andrew Dominik ("Chopper"), fiel a aquella película, no da respiro al sumergir al espectador en un lodazal con una música estupenda y los personajes más insólitos del hampa.

    Habrá asesinatos crueles, la constante de Barack Obama hablando para las elecciones que lo declararon victorioso y el peso de que se está en crisis y hay que protegerse.

    Bradd Pitt (Jackie) es el sicario de la historia, tan poca cosa como los que va a matar, pero eso lo sabremos cuando negocie los precios de la muerte en el mercado. Con él, sus métodos son tan crueles que no hay otro remedio que someterse al juego. Dispuesto al desafío, "Mátalos suavemente" revitaliza el humor negro y es interesante por el nivel de degradación que ataca.

    Los actores de primera y Bradd Pitt (Jackie), como el criminal pago, a tono con este impactante filme, en el que también lo acompañan James Gandolfini, como Mickey, un veterano criminal venido a menos.
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  • El décimo infierno
    La pareja tiene sesgo letal

    El filme se basa en la novela del mismo nombre escrita hace trece años por el escritor chaqueño Mempo Giardinell ("Luna caliente"), que debuta aquí como director y guionista junto al colombiano Méndez Restrepo.
    "El décimo infierno" se ubica en una ciudad nordestina de nuestro país, donde conviven Alfredo (Patricio Contreras) y Antonio (Atilio Clavo Fanti), socios de una inmobiliaria y Griselda (Aymará Rovera), la esposa del segundo y amante del primero.

    La relación entre Alfredo y Griselda data de tiempo atrás y por lo que observamos en el filme es puramente sexual, porque los caracteres fuertes de los dos chocan constantemente.

    Ante el intempestivo "¿y por qué no lo matamos? de Alfredo, se desata una suerte de torbellino pasional que convierte a los amantes en asesinos seriales.

    LA GEOGRAFIA

    La voz en off de Alfredo, no olvidemos que la historia se mantiene en la línea de la novela negra y este es un recurso muy utilizado por el género, habla de cierto determinismo geográfico, aludiendo al intolerable calor de la zona, la hipocresía de los que lo rodean, el doble discurso y en algún momento revela el odio de quien habla, por un padre golpeador.

    "El décimo infierno" despierta interés en su comienzo, reiterándose luego. La clásica pareja que se potencia para matar estando juntos (un caso más de las parejas letales de la realidad tipo Bonnie y Clyde) es mostrada en esta road-movie hacia la destrucción, pero lamentablemente el exceso de palabras y cierto academicismo en los conceptos, impide el fluir de imágenes, algunas de ellas excesivamente trabajadas formalmente. Hay un evidente problema de guión, que remite al problema de las diferencias entre lenguaje literario y cinematográfico. Por más bueno que sea el primero, un género diferente, exige un lenguaje diferente.

    Se destaca la labor de Patricio Contreras (Alfredo) rostro y espíritu de un enfermo y Aymará Rovera (Griselda), de sensual presencia y físico contundente.
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  • 7 días en La Habana
    Cuba mirada con ojos críticos

    A fines de la década de 1950, en los 60 y aún en los 70, estuvieron de moda las películas en episodios, generalmente las preferencias pasaban por las comedias. Títulos como "Rogopag", "Los monstruos", la inolvidable "Bocaccio 70", se conservan en la memoria de los que las vieron.

    El denominador común de de "7 Días en La Habana", es la zona vieja de la capital cubana, en la que puede pasar de todo. Un estudiante de cine puede vivir una historia de amor de final sorpresivo, Emir Kusturica, el director y músico serbio, llega a Cuba para recibir un premio entre vahos etílicos que no le permiten diferenciar La Habana, de Leningrado, o Shangai, pero sí disfrutar del jazz que un músico devenido chofer ejecuta.

    LA CIUDAD VIEJA

    La Habana Vieja también es una postal para analizar por la mirada de un periodista palestino (papel a cargo del director Elías Suleiman), mezcla del recordado monsieur Hulot y Buster Keaton, que esperando entrevistar a Fidel Castro -"decidor" de interminables horas televisivas-, con mirada inteligente, radiografía seres y lugares que mutan, según se observen en distintos momentos del día.

    Habrá alusiones a las populares barcas migradoras, al disconformismo con la amplitud sexual, a la posibilidad del sincretismo religioso con una Virgen con mucho de "Yemanya", que ordena a su anfitriona mejoras en la vivienda y psicólogas, que como el chofer músico, tienen que vivir más de sus habilidades culinarias que de sus charlas profesionales televisivas.

    LA NOSTALGIA

    Filme irregular, un tanto pasado de moda, pero con ciertos atractivos que, a veces, surgen de esa misma nostalgia por lo que se perdió, o de la música y las cadencias del bamboleo de directas raíces africanas. Si el mejor capítulo nos puede parecer el del palestino Elías Suleiman, con sus encuadres perfectos y la ironía de la mirada; el francés Laurent Cantet y "La fuente" nos divierte con las peripecias de la señora de la Virgen y su llamado solidario, evocador de viejas producciones latinoamericanas, como "La estrategia del caracol".

    "7 Días en La Habana" cuenta con recordables actores como la dupla de "Fresa y chocolate", ahora veteranos, pero siempre activos (Jorge Perugorría y Mirtha Ibarra), el mismo Elías Suleiman, o ese gigantón "marciano" llamado Emir Kusturica, protagonista del episodio "Jam Session" de Pablo Trapero.
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  • Gricel. Un amor en tiempo de tango
    El amor, en dos por cuatro

    Es un filme con una historia de amor con final feliz. Fue la que unió a José María Contursi, popular letrista de tangos ("Niebla del riachuelo", "En esta tarde gris", entre muchos otros) y Susana Gricel Vigan, dando origen al tango "Gricel".

    En la película, un personaje, joven cantante lírico, decide escribir una ópera sobre el romance y comienza a transitar los distintos pasos de la historia original.

    EN LOS AÑOS 30

    A través de individuos, espacios geográficos que recuerdan los sucesos, diarios de la época, el filme recrea el encuentro que el popular "Katunga" Contursi tuvo en 1935 con esta chica, ganadora de varios concursos de belleza y que las hermanas Omar (Gory y Nelly, cantantes ambas) le presentan en Radio Stentor. Ella tenía quince años.

    Lo que se convertiría con el tiempo en romance prohibido por el compromiso del autor ya casado y con una hija, se prolongó con encuentros esporádicos y largas cartas en una relación que finalizaría con la muerte de Contursi, treinta y siete años después. Gran parte de su obra estaría teñida de ese tono de melancolía y tristeza que caracterizó la relación hasta el momento del reencuentro final.

    TRAMA NOSTALGICA

    El director Jorge Leandro Colás, valiéndose de un joven personaje, que obra como investigador de la historia, recurre a distintos elementos para ir armando la trama que rodea la realidad de la pareja. Testimonios escritos, diarios de la época, charlas con investigadores, tangueros (Oscar Fresedo, José Gobello, Oscar del Priore, Ernesto Pierro, Marcelo Oliveri, entre otros), la misma hija de Contursi, la nieta adolescente de Susana Gricel Vigan, gente de Capilla del Monte, donde fueron a vivir, ya mayores, luego del reencuentro, van armando el rompecabezas de aquella relación.

    El tango como "leit-motiv", las tanguerías, el recuerdo, dan vida a una historia con la que el espectador se identificará emocionalmente. Antecedentes fílmicos como "Yo no sé que me han hecho tus ojos" de Lorena Muñoz, enmarcan una película cálida con la música de Buenos Aires y la sensibilidad de lo que ya no está.
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  • Juegos de muerte
    Con variados tonos de sangre

    Lo formal es como siempre impecable, se destaca el uso del sonido y tiene que gustar a los fanáticos del horror y la sangre cinematográfica.

    En épocas lejanas, las películas sobre coleccionistas eran más o menos exquisitas. Ya en la década de 1950, apareció el bueno de Henry Jarrod, que protagonizaba Vincent Price, en "Museo de cera", que reunía seres humanos luego de asesinarlos y los ubicaba en su museo (previo proceso de conservación).

    Después la cosa se simplificó. Fue la época en que un bancario, simplemente, coleccionaba mariposas, pero después se le dio por pasar a los humanos y raptó a una chica. El era Terence Stamp, el filme se titulaba "El coleccionista" y nada tenía que ver con éste que estamos viendo desde la inicial "El juego del terror" (2009).

    Esta suerte de "Fantasma de la Opera", que incorpora al coleccionismo humano, la variante de las sádicas formas en que mata a sus víctimas, más los siniestros obstáculos que hay que sortear para ganarse la muerte final.

    EL DIVINO MARQUES

    En esta "Juegos de muerte", aunque la historia de morbo y horror se repite, ciertos elementos se depuran. Se aprecian creaciones estéticas en paneles de agua que harían las delicias del Marqués de Sade, aparece la famosa silla de púas de "La condesa sangrienta" y hay una escena de aplastamiento en un garaje utilizado para una fiesta disco, digna de un asesino serial.

    Aquí aparece una señorita de nombre Elena (Emma Fitzpatrick), que no es la de Troya, pero que por ser elegida por el siniestro coleccionista (Randall Archer), desencadena una guerra en la que participarán, desde un ex prisionero de la "Casa de la muerte", hasta mercenarios contratados por el millonario padre de Elena y que logran entrar en el hotel del horror. La atmósfera es la misma, el sadomasoquismo y la morbosidad permanecen, pero el manejo de ciertas líneas argumentales, características de los personajes y motivaciones de conducta dan al "thriller" una onda diferente.

    Lo formal es como siempre impecable, se destaca el uso del sonido y tiene que gustar a los fanáticos del horror y la sangre cinematográfica. Correctas las actuaciones de Emma Fitzpatrick (Elena), Randall Archer (el coleccionista) y Andre Royo (Wally), una de las víctimas.
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  • Siete psicópatas
    Un gángster raro y sensible

    Si uno tiene un problema y un amigo trata de ayudarlo, no hay por qué negarse. Eso es lo que le pasa a Marty (Colin Farrell), que no encuentra el tema para su obra sobre psicópatas y su amigo Billy (Sam Rockwell), que complementa su magro sueldo de actor de segunda, con el negocio del rapto de perros, tarea fácil y lucrativa. Lo que ninguno piensa es que en una de las jaulas de perros, en proceso de espera para ser recuperadas, va a estar la clave de su desgracia.

    EL SOCIO

    La historia se complica con Hahn (Christopher Walken), el socio de Billy, en proceso jubilatorio y que lo ayuda en el negocio perruno. El asunto es que uno de los perritos capturados, un shi tzu de ojos enormes, es el amado de Charlie (Woody Harrelson), un capo mafia de fijaciones freudianas.

    Establecida la ronda, el asunto se completa con otra ayuda del amigo de Marty, que convoca psicópatas a través de un aviso en un diario para ayudar a su amigo del alma. Y el caos comienza.

    Martin McDonagh ("Escondidos en Brujas"), su director, no transforma el filme en drama, no es su estilo. El excéntrico inglés, con una narración poco fácil, pero absolutamente clara al final, ensarta las cuentas de un collar complicado y las va definiendo.

    HUMOR ACIDO

    Con un humor ácido, la ironía constante, el sarcasmo a flor de piel, construye una comedia lunática, donde la causalidad es una excepción y el azar una constante, con minutos finales en locaciones desérticas que evocan el cine de cowboy y la Arizona de un clásico del cine americano, "Duelo al sol".

    Sin embargo esa eclosión de energía que es el comienzo se desinfla y distrae inexplicablemente en los minutos finales. A pesar de todo, "Sie7e psicópatas" es una obra inteligente, creativa, muy con el estilo de Quentin Tarantino, que permite disfrutar de notables actores como Christophen Walken y la troupe que lo rodea.

    No falta nadie, incluso Harry Dean Stanton, en una pequeña participación y haciendo de él mismo.
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  • Las ventajas de ser invisible
    La eterna aventura de crecer

    Hubo un buen libro, ahora hay un atractivo guión, bien diseñado desarrollo con situaciones creíbles, música atractiva y ritmo contagioso.

    Este es un filme basado en una novela exitosa de Stephen Chbosky, que habla sobre los problemas de los adolescentes y ubica la acción en Pittsburgh, durante la década de 1990.

    Charlie (Logan Lerman) es el introvertido protagonista que trata de superar conflictos familiares y ubicarse en el primer año de su secundaria. Por supuesto que es un mundo nuevo, muy distinto del que proviene y que supone un desafío.

    La muerte de su amigo, la no dependencia de los padres trae una independencia social, que difícilmente pueda alcanzar solo. El suicidio de su compañero lo afectó y necesita urgentemente formar una red que lo contenga. Por suerte aparecen los medio hermanos Patrick (Ezra Miller) y Sam (Emma Watson). La tabla de salvación de Charlie está a la vista.

    UN BUEN GUION

    "Las ventajas de ser invisible" es una atractiva comedia sobre problemas de la adolescencia y las posibilidades que brinda el entorno para sobrevivir.

    Presiones emocionales, acoso sexual, miedo a no integrarse, aceptación de la homosexualidad, violencia, alcohol, drogas.

    Un mosaico intimidante ante el que los pares serán una contención invalorable para cualquier evolución posterior.

    Hubo un buen libro, ahora hay un atractivo guión, bien diseñado desarrollo con situaciones creíbles, música atractiva y ritmo contagioso. Y fundamentalmente muy buenas actuaciones, especialmente de Ezra Miller (Patrick), el recordado actor de "Tenemos que hablar de Kevin", donde el ahora divertido Patrick enloquecía no sólo a su familia. En cuanto a Sam (Emma Watson), su media hermanita en la ficción, que hizo el papel de Hermione en "Harry Potter", muestra ductilidad en su nuevo personaje junto con Logan Lerman (Charlie), el tecladista del grupo Indigo.
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  • El Impenetrable
    Una herencia algo compleja

    Filme de rutas, de soledades, de la imposibilidad de cerrar ciclos, de permanentes vueltas de llaves impidiendo la realidad. Un intento de utopía que puede llegar a concretarse.

    Es como meterse en un laberinto del que la única forma de salir es por arriba, porque los accesos están blqueados. Esa es la sensación que debió tener la figura central del documental, Daniele Incalcaterra, ante los obstáculos que debió superar para acceder a las cinco mil hectáreas que le legó su padre en la zona del Impenetrable, en Chaco.

    Cuando Incalcaterra decidió entregar esas tierras para la construcción de una reserva natural, no imaginó el desbarajuste que provocaría. Porque a medida que se desplaza por el Chaco Paraguayo, ve que sus tierras, ésas que quiere dejar para los que siempre la habitaron, los guaraníes, forman parte de extensiones mayores y monopólicas, que la tala de árboles es una realidad, que la burocracia domina todas las oficinas que visita, que el contrato de propiedad es doble y que sus tierras fueron vendidas dos veces a diferentes personas.

    ARDUA DONACION

    Daniele quiere esas tierras para los indígenas, pero llega a la conclusión de que lo único que puede preservarlas, e impedir que la donación sea anulada es que sean consideradas reserva nacional. Y eso es un largo camino.

    Camino en que nombres como Tranquilo Favero, o un tal Romero, sean tan poderosos como para poder detener la investigación.

    El viaje de Daniele Incalcaterra por las rutas rojizas, con un ornitólogo de acompañante, parecerá no querer acabar, e ir derribando una a una las barreras que la burocracia mantiene. Viaje hacia lo que el destino reservó para uno. Viaje con algo de zonas prohibidas, donde un candado aisla una estancia de la realidad, o la memoria no deja paso a la nostalgia.

    Cuando finalice el viaje, y no revelamos el final, la realidad parecerá imposible, las trabas resultaron inútiles y el hijo que está por nacer de Incalcaterra no tendrá ya tantos problemas para considerar su herencia.

    Filme de rutas, de soledades, de la imposibilidad de cerrar ciclos, de permanentes vueltas de llaves impidiendo la realidad. Un intento de utopía que puede llegar a concretarse.
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  • El ministro
    El ministro
    La Prensa
    Los oscuros juegos del poder

    "El ministro" tiene notables interpretaciones de Olivier Gourmet (el actor preferido de los hermanos Dardenne), en el papel de Bertrand Saint-Jean y el gran Michel Blanc (Gilles). Con un singular rostro, el de Sylvain Deblé, en el papel del ex huelguista Martin Kuypers.

    Una mujer desnuda en un despacho gubernamental metiéndose hipnóticamente en la boca de un saurio. Ese es el sueño que se repite y estremece a Betrand Saint-Jean (Olivier Gourmet), Ministro de Transportes francés. Todo tiene que ver con esa vida que eligió, en que el poder es el centro y no hay manera de eludir lo inconfesable, con tal de no perderlo.

    La siguiente secuencia enfrenta a Bertrand Saint-Jean (Olivier Gourmet) con la realidad del accidente de un micro cargado de niños en una ruta montañosa.

    Su actitud respecto del accidente, el control de su asesora de imagen que lo manejará como un robot desde la llegada al lugar, las primeras palabras ante los testigos, los minutos que deberá pasar frente a los muertos, marcan el frágil espacio en el que debe maniobrar un político ante un conflicto a futuro.

    FUNCION PUBLICA

    Los dos sucesos, el irreal y el real, preanuncian el conflicto de un hombre que en la función pública, deberá actuar contradictoriamente, porque la solución de los conflictos ciudadanos presupone un juego de concesiones en el marco del poder, que no siempre tendrán como resultado el bien social.

    Bertrand Saint-Jean (Olivier Gourmet) soñó con cambiar el mundo, con la fidelidad en la amistad y el amor, pero la ambición le está jugando en contra. Todo tiene un precio en el gobierno de un mundo caótico, donde la desocupación es una realidad, las privatizaciones una necesidad ante ese viejo estado "convertido en un viejo zapato que se llena de agua" y los sindicatos protestan al borde de un ataque de nervios.

    "El ministro" se adentra en un tembladeral llamado "gestión pública", en los juegos del poder y las concesiones a la ambición, en la mentira del Estado protector y la fotografía que muestra sonrientes adjudicatarios de empleos que ignoran la precariedad que les espera y confían en un futuro estable.

    UN GUION SOLIDO

    El director Pierre Schöeller, apoyado en su guión tan sólido como la dirección de actores, nos acerca sin concesiones y con la crudeza de esa música a lo Mikis Theodorakis ("Z" es el film de Costa Gavras al que "El ministro" remite), a la cruda realidad del ejercicio del Estado democrático.

    Nunca independiente, nunca ajeno a los medios, a la influencia y la corrupción. Con una exposición realista, con mucho del cine setentista italiano y un suspenso casi policial, desnuda la lucha entre la ambición y la ética en un juego de poderes que convierte al individuo en objeto.

    "El ministro" tiene notables interpretaciones de Olivier Gourmet (el actor preferido de los hermanos Dardenne), en el papel de Bertrand Saint-Jean y el gran Michel Blanc (Gilles). Con un singular rostro, el de Sylvain Deblé, en el papel del ex huelguista Martin Kuypers.
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  • Néstor Kirchner, la película
    La biografía de un líder político

    El filme expone una clara línea subjetiva de homenaje y admiración de la realizadora Paula de Luque, al ex presidente de los argentinos.

    Este filme de Paula de Luque es un documental biográfico sobre la figura de Néstor Kirchner, quien presidó los destinos de la Argentina, entre el 25 de mayo de 2003 y el 10 de diciembre de 2007, falleciendo en octubre de 2010.

    A partir de la adolescencia, el ex presidente estuvo vinculado al mundo político desde su natal Río Gallegos de la que fuera intendente, siendo luego gobernador de la provincia de Santa Cruz, diputado por la provincia de Buenos Aires y finalmente luego de asumir, como presidente de la República, secretario general de la Unasur, organismo regional formado por doce estados de América latina.

    Paula de Luque ("Juan y Eva") se vale de distintos elementos para estructurar su documental. Desde testimonios personales tanto de parientes de la figura protagónica, como de amigos y partidarios, pasando por diez personas desocupadas que fueron apoyadas laboralmente por el mandatario, hasta filmes en video de su niñez y adolescencia, pasando por fragmentos de noticieros más o menos actuales.

    ENTRE EPOCAS

    La figura de Néstor Kirchner es especialmente representada desde un punto de vista político, como en los inicios de su presidencia, luego de la histórica crisis del 2001-02, pasando por su condición afectiva de hijo, marido y padre.

    Hay un uso de la fragmentación en la concepción biográfica, elementos positivos y negativos que se omiten de su gestión, así como circunstancias generales del contexto de su actuación que hubieran requerido más claridad para el espectador ingenuo (empalme de la muerte de Mariano Ferreyra y el fallecimiento de Néstor Kirchner).

    El tono general es una mezcla con sesgo entre épico y emotivo. El aporte de material en super 8 que testimonian su infancia, fotos fijas, reportajes a su madre y su suegra, filmaciones de la asunción del poder en 2007, de su esposa Cristina Fernández, y de varias de la época del Proceso, completan un amplio panorama que incluye especialmente la década del 70.

    Hay reminiscencias de ciertos momentos elegíacos del cine de Leonardo Favio, que acompañan las largas tomas de los caminos patagónicos y el cielo azul y despejado.

    La recurrencia de la música, la utilización de cromatismos similares para equiparar épocas cronológicas, son notas que aportan a la idea general, y la estética, del filme.

    "Néstor Kirchner, la película" expone una clara línea subjetiva de homenaje y admiración de la realizadora Paula de Luque, al ex presidente de los argentinos.
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  • Curvas de la vida
    En el ocaso de un entrenador

    La historia es previsible. Ex cazatalentos deportivo en decadencia, más hija de la que se desentendió luego de la muerte de su mujer: melodrama con muchas peleas intermedias y comprensión final.

    Esta vez el protagonista con problemas visuales es Clint Eastwood (Gus), que reproduce mucho de su "Gran Torino".

    La hija en discordia es una sola y no varios como en aquél filme, los antipáticos son los de la oficina Central "Los Bravos" de Atlanta, de los que depende el futuro del gran entrenador de béisbol, en situación de vejez (ahora se dice así) y hay un viaje a Carolina del Norte, que va a posibilitar, seguramente, la reconciliación de Gus, el padre y Mickey (Amy Adams), la hija y ¿por qué no? el conocimiento de un posible novio para la joven abogada, papel a cargo de Justin Timberlake (Johnny).

    SIN SORPRESAS

    La película tiene buen ritmo, se ve con agrado. Presenta una historia común, sin sorpresas, pero con un tema siempre al borde de lo emocional.

    Es correcto el trabajo formal, hay un buen diseño de producción, ritmo acelerado y fundamentalmente la presencia de excelentes actores. Desde la simpática Amy Adams (Mickey), recordada por su papel de monja en "La duda", hasta Justin Timberlake (Johnny), el mismo de "Red social", como rival laboral del personaje que interpreta Clint Eastwood (Gus) y posible pareja de su hija. A todo esto se suma el recordado John Goodman (Pete Klein), actor fetiche de los hermanos Joel y Ethan Cohen.

    "Curvas de la vida" es la "opera prima" de Robert Lorenz, el director y productor estadounidense que siempre ha trabajado con Clint Eastwood.
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  • El origen de los guardianes
    Variados desafíos interestelares

    Jack Escarcha, algo así como un Peter Pan mágico, se ocupa de contactar a personajes como Santa Claus, el Conejo de Pascua y el Hada de los Dientes, que se dedican a oficios eternos como entregar juguetes en Navidad, esconder huevos de chocolate en Pascua, o reemplazar un diente caído por alguna moneda.

    Nosotros conocemos a algunos de estos personajes, como Papá Noel, o el Ratón Pérez de iguales funciones con la clientela infantil. No es que el chico esté por crear un club de celebridades, es que hay que unirse contra un personaje siniestro, la Sombra, que amenaza con sacar de la memoria de los niños a estos personajes. Por supuesto, todos se unen con sus poderes para conservar la ilusión de los más pequeños.

    LAS IMAGENES

    "El origen de los guardianes", se basa en "El hombre en la luna" y en uno de los libros de la serie "Los guardianes de la infancia", de Edward William Joyce, importante escritor e ilustrador norteamericano, creador de los personajes de "Toy Story", "Bichos" o "Robots", con Chris Edge.

    La película tiene un gran despliegue técnico, abundantes efectos especiales, bellas imágenes, a veces demasiada vertiginosidad en las escenas del espacio, lo que supone cierta pérdida del disfrute visual y algún barroquismo en la acumulación de personajes. Hay una particularidad que quizás actúe en contra de "El origen de los guardianes", ninguno de los personajes tiene suficiente carisma como para que el espectador lo destaque, ya sea por su simpatía o fuerza.

    LOS PERSONAJES

    Santa Claus es un poco severo en su diseño visual, Jack Escarcha es bello, pero como su nombre lo indica, un tanto frío; el Hada de los Dientes es simpática, pero no demasiado atractiva y Sandman, gracioso, pero poco comunicativo. En cuanto a Bunny, el Conejo, es tan desgarbado como poco atractivo.

    Veinte minutos antes del final, la historia se reitera. Entre las escenas recordables, pueden destacarse: la de los dinosaurios dorados caminando por las calles, o las pequeñas hadas del tamaño de un colibrí integrando el ejército de "superhéroes", que luchan para que los niños siempre tengan sueños, esperen con alegría lo maravilloso y no sean asaltados por el miedo.
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  • Un amor de película
    Una parodia del mundo del cine

    Musiak, cuenta con varias películas en su haber: ‘Fotos del alma’, ‘Cartas para Jenny’ e ‘Historias clandestinas en La Habana’. Con ‘Un amor de película’, se propuso, a través del formato de la comedia romántica, parodiar
    el mundo del cine, o lo que el espectador no suele ver. Vale decir: cuáles son los conflictos que, a veces, surgen entre productores y directores, o las alianzas que se establecen en pos de mantener el negocio que a ambos les
    conviene.

    A esto se deben sumar los celos, o los amores no correspondidos, que se suceden entre los actores, o la competencia entre artistas que suele convertirse en algo grave. Varios de estos ingredientes toman forma, o al menos lo intentan, en esta película de Diego Musiak, cuyo guión, algo flojo, no le permite redondear muchas de las escenas.

    LOS CONFLICTOS

    La historia que propone Musiak, para contar el ‘cine por dentro’, tiene como base una película, que es obligado a rodar Juan (Antonio Chamizo) un director prestigioso, parar saldar una abultada deuda con Bernardo (Miguel Angel Rodríguez) su productor.

    A esto se suma la reconciliación entre el director y Laura (Maria Grazia Cucinotta) su ex novia y ex productora ejecutiva y los conflictos que viven Jean Bombón (Geraldine Chaplin) una actriz mayor y Maite (Luciana Salazar)
    una joven que recién comienza.

    Diego Musiak desde la dirección eligió dos caminos, para ilustrar la idea de su guión. El primero fue parodiar las escenas que forman parte de un filme, del que todos saben va a ser un fracaso, pero al contar con el aval de un
    realizador consagrado y primeras figuras, como Jean Bombón (una siempre exquisita Geraldine Chaplin), puede lograr un buen resultado en la taquilla, que es lo que le más le interesa a Bernardo (Miguel Angel Rodríguez), el productor.

    HUMOR Y AMOR

    Simultáneamente a las escenas que se suceden en el set de rodaje, se muestran las amenazas que recibe Juan (Antonio Chamizo), el director, de parte de su productor y la obsesión del muchacho por ser nuevamente aceptado por Laura, su novia, una siempre deliciosa Maria Grazia Cucinotta.

    A estas situaciones, se suman otras de un humor no muy logrado, pero interesantes de observar, como las que intervienen Geraldine Chaplin (Jean Bombón) y la ascendente Maite (Luciana Salazar), que, como es de suponer,
    está en el rodaje por ser la amante del productor, papel a cargo de un siempre efectivo Miguel Angel Rodríguez.

    Una película a mitad de camino, en la que Musiak desperdició haber contado con un equipo de probados intérpretes, como el cubano Jorge Perugorría, Alejandro Fiore, incluso Geraldine Chaplin y el mismo ex Los Roldán, Miguel Angel Rodríguez, rodada en la siempre atractiva provincia de San Luis.
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  • Amanecer - Parte 2
    Entre vampiros y licántropos

    Las grandes expectativas sobre el final de la saga, al menos en este filme, no se concretan. Por eso pensamos que habrá una historia más para reivindicar la historia, que seguirá, igualmente, atrayendo especialmente a los adolescentes.

    Nuevamente el romance vampírico de Bella Swan (Kristen Stewart) y Edward Cullen (Robert Pattinson) en la pantalla cinematográfica con un presunto final (lo dudamos). Pasadas las instancias del compromiso, el casamiento, el nacimiento de la bebé Renesmee (Mackenzie Foy), mal llamada Nessie, como el monstruo escocés, la pareja se enfrenta a un nuevo problema.

    Un falso rumor hace que se difunda la idea de que Renesmee es una niña inmortal con todas las funestas consecuencias que esto trae para la especie. Por mala información de una integrante de la familia; los Volturi, grandes enemigos de nuestros conocidos vampiros, se sienten nuevamente en peligro y se preparan para
    combatir.

    CONTROLAR LA SED

    Esta ‘Parte 2’ se centra en la familia, su protección y la consolidación de la nueva condición vampírica de la protagonista de la serie, Bella (Kristen Stewart), momento que tendrá lugar en la primera parte del filme, cuando la joven debe controlar la sed y cualquier exceso que la haga caer en lo que prometió abstenerse, el asesinato
    para conseguir alimentos.

    Como en otras películas de la saga, siempre está presente Jacob Black (Taylor Lautner), el pretendiente y amigo de la protagonista, de familia licántropa, o sea de los que se transforman en lobos, que decide proteger a la
    pequeña Renesmee y quién sabe, suponemos, en un futuro, buscar en ella, el amor frustrado por Bella.

    La película está basada en el cuarto y último libro de la saga de novelista Stephenie Meyer y a diferencia de los anteriores, se mantiene en un medio tono general, no ofrece mayores novedades y sólo reserva una vuelta de tuerca en el final, luego de una buena manifestación épica con bastante despliegue, que enfrenta a los italianos
    Vulturi, con los Cullen (padres de Edward) y compañía, familia licántropa incluida.

    CABEZAS RODANTES

    Lamentablemente, no se agregaron significativos personajes, ni aventuras originales. Eso sí, hay sexo, violencia en forma de cabezas que ruedan (influencia de las publicitadas y reales decapitaciones de carteles de la droga) y cierta preeminencia del personaje de Aro, representado por Michael Sheen, un interesante actor galés.

    Es llamativa la presencia de la ‘híbrido’ Renesmee (Mackenzie Foy) en la preadolescencia, pero es lamentable el manejo digital que se utiliza con Renesmee bebé.

    Las grandes expectativas sobre el final de la saga, al menos en este filme, no se concretan. Por eso pensamos que habrá una historia más para reivindicar la historia, que seguirá, igualmente, atrayendo especialmente a los adolescentes con sus amores a lo Romeo y Julieta, los envidiables poderes telekinéticos de los protagonistas
    y la necesidad de superar obstáculos y enfrentarse a nuevos desafíos.
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  • Amor a mares
    Amor a mares
    La Prensa
    Una comedia pasada por agua

    Javier (Luciano Castro), el personaje principal, es un joven escritor de novelas que tiene un problema para retomar la escritura, afectado por el abandono de su mujer. Por supuesto que su agente literario se preocupa y decide embarcarlo en un crucero de placer rumbo a Europa para que se inspire y pueda escribir alguna de las
    historias de sus compañeros de viaje.

    Arriba, pasa de todo, desde la aparición de Larry (Gabriel Goity) un ambiguo aventurero, su compañero de camarote que lo ayudará durante el viaje, hasta la presencia de otro escritor, Matesutti (Pompeyo Audivert), que está en plena producción y una linda turista, Julieta (Paula Morales), una abogada, casada con Tomás (Nacho
    Gadano) un señor bastante Don Juan.

    También hay otros personajes como una española en busca del amor y dos gays al acecho de nuevas aventuras.
    La película fue filmada en un crucero que habitualmente realiza un recorrido por distintas ciudades: Rio de Janeiro, Málaga, la isla de Malta y Venecia.

    RICO ITINERARIO

    Se trata de una clásica comedia de enredos, con toques románticos, disparates, equívocos, con una figura central, que con su compañero de camarote, va metiéndose en un lío detrás de otro. El problema es la total previsibilidad de todo lo que ocurre, la serie de lugares y personajes comunes, totalmente ‘amachietados’. Cierto
    énfasis en estereotipos gay de turistas a bordo, recuerda viejas historias televisivas con los mismos excesos.

    Es bueno el nivel de producción. Intervienen conocidas figuras como Luciano Castro (Javier), la atractiva modelo Paula Morales (‘Herederos de una venganza’), en el papel de Julieta y la reaparecida Luisa Kuliok (Paloma), protagonista del recordado teleteatro ‘La extraña dama’. La dirección estuvo a a cargo de Ezequiel Crupnicoff, director de ‘Erreway: 4 caminos’ (2004).
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  • El sexo de las madres
    Un secreto las unió para siempre

    Fueron y son grandes amigas. Las diferencias en las profesiones, en la manera de vivir, no consiguieron alejarlas. La amistad y un secreto común inconfesable las une. Laura (Roxana Blanco) logró hacer una carrera profesional, intentó una vida familiar. Ana (Victoria Carreras) tuvo problemas en su vida de pareja, quizás buscó una seguridad en los hombres que sólo ella misma con su madurez podía lograr y le queda una hija adolescente, los otros, tendrá que aprender a recuperarlos.

    HECHOS REALES

    Ambientada en la bella Villa Nougués, Tucumán, el filme se ubica en una hostería en la que trabaja Ana y vive con su hija y a la que llega, a su pedido, su amiga de Buenos Aires.

    En el lugar, hay una espina que influyó para siempre en sus vidas y que las dos tendrán que exorcizar. La película está basado en experiencias personales de la directora y guionista y en hechos reales algunos, imaginatidos otros. Su tema, el abuso, eso de lo que no se habla y que el tiempo hizo que la sociedad pudiera exteriorizar verbalmente luego de largo tiempo de ocultamientos.

    Con un formato que pasa por el melodrama y el thriller, ‘El sexo de las madres’ muestra un buen lenguaje narrativo, muy buenas actuaciones, ciertos detalles no totalmente comprensibles y algunos problemas de desarrollo.

    Con buen tratamiento del sonido directo, la película, permite apreciar interesantes trabajos especialmente de Roxana Blanco (Laura) y Victoria Carreras (Ana), como las amigas, con un buen equipo en el que hay rostros
    recordables como el de Manina Aguirre (Eva) y dos adolescentes, Carolina Jiménez (Marina), la hija adolescente de Victoria Carreras y el muy joven Thaiel Arévalo, espontáneo en el personaje de Juan.
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  • Y ahora adónde vamos?
    La incesante búsqueda de la paz

    Un pueblo integrado por cristianos y musulmanes en una zona de conflicto de Medio Oriente: la película no especifica geográficamente cómo se llama ese lugar, pero ese es el marco que elige la directora libanesa Nadine Labaki (‘Caramel’) para plantear la necesidad de la convivencia en armonía de grupos religiosos diferentes.

    La anécdota es simple. Ante los constantes enfrentamientos de las familias de diferentes religiones que conviven ancestralmente en el mismo espacio geográfico, las mujeres del grupo, temerosas de un mal mayor, deciden unirse y trabajar por la paz.

    HUMOR Y STRIPPERS

    Como en ‘Lisístrata’, la comedia de Aristófanes, donde el elemento femenino recurría a la abstinencia sexual para que los hombres no se enfrentaran ante el conflicto con el Peloponeso, las señoras de la aldea en cuestión, deciden utilizar pequeñas trampas para entretener los hombres y terminar con las rencillas.

    La directora libanesa Nadine Labaki (también protagonista de su filme, en el papel de Amale, una mujer del pueblo) elige el humor, como Radu Mihaileanu en ‘La fuente de las mujeres’, con un tema semejante, para suavizar elementos melodramáticos que podrían intensificar la aspereza temática de su historia.

    El recurso de las strippers rusas y la incorporación del ‘hachis’ en las bebidas destinadas al consumo masculino, son algunos de los recursos que, a la manera, de ciertas comedias mediterráneas, logran cambiar el clima de un filme. Elementos costumbristas enriquecen un relato que cuenta con un interesante plantel de actores maduros y unidos a la bella Nadine Labaki (en el papel de Amale), directora y actriz, integran
    una agradable reflexión sobre la necesidad de que la paz vuelva a ser una constante de sus vidas.
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  • Frankenweenie
    Frankenweenie
    La Prensa
    La magia inteligente de Tim Burton

    Con técnica ‘stop-motion’, exquisita banda sonora y el uso del blanco y negro, Burton retoma la estilizada línea de sus personajes de ‘El cadáver de la novia’, permaneciendo tan fiel a sus temas de muerte, horror y ternura, como a sus intérpretes preferidos, desde Martin Landau a Vincent Price y Winona Ryder.

    Mary Shelley, creadora de Frankenstein, en 1818, no pudo imaginar la cantidad de libros y filmes que se harían con su personaje. Directores tan diferentes como James Whale, Roman Polanski, Mel Brooks, se interesaron
    por él, desde el horror al humor; hasta la alternativa de Frankenstein enfrentado con otros monstruos como ‘Abbot y Costello contra los fantasmas’ (1948), repuesta este año por el aniversario de la Universal.

    Claro, trabajaban emblemáticos actores del horror como Bela Lugosi y Lon Chaney jr. A esta galería se suma este tierno y solitario Víctor Frankenstein, pintado por la magia de Tim Burton, que nos hace saber que el cuestionado personaje ya tenía inquietudes prometeicas desde la infancia.

    MASCOTA CONOCIDA

    Aquí, su fiel compañero Sparky, perro parecido a nuestro Mendieta (la mascota de Inodoro Pereyra, el personaje de Fontanarrosa) se le muere y el chico decide resucitarlo aplicando electricidad, con procedimientos adquiridos en la escuela gracias a un profesor parecido a Vincent Price.

    Su experimento será divulgado y los compañeros de colegio intentarán imitarlo con peligrosas consecuencias.
    La película de Tim Burton, basado en un cortometraje del mismo Burton, de 1984, es un delicioso homenaje al cine de terror, ése que fascina al director desde la niñez y que lo lleva a amar y representar tantos héroes fantásticos.

    PEINADO EVOCADOR

    Por eso, quien observa con atención ‘Frankenweenie’, reconoce en el peinado de la perrita Persefone, el mismo de Elsa Lanchester en ‘La novia de Frankestein’ (y de Marge, en ‘Los Simpson’), el filme ‘Drácula’ con Christopher Lee, pasado en la televisión familiar del pequeño Víctor, más las mascotas de sus compañeros transformados en un desfile de Godzilla, Tortugas ninjas, mini dinosaurios y lagartos a la manera del cine de terror japonés de los ’60.

    Evocar el ascenso ‘ritual’ del perrito Sparky en busca de la vida a la manera de Frankenstein es tan emocionante como reírse con el patético compañero de Víctor, mezcla de algún desolado personaje de Christian Andersen y del servidor Ygor, tan parecido a Martin Feldman (versión del Frankenstein de Mel Brooks).

    Con técnica ‘stop-motion’, exquisita banda sonora y el uso del blanco y negro, Burton retoma la estilizada línea de sus personajes de ‘El cadáver de la novia’, permaneciendo tan fiel a sus temas de muerte, horror y ternura, como a sus intérpretes preferidos, desde Martin Landau a Vincent Price y Winona Ryder. El mismo juego que reitera su poesía filmada.
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  • Operación Skyfall
    James Bond fue bien reciclado

    Sam Mendes con sus guionistas le dio ‘clase’ a un mito, lo cargó de sombras y dudas, triplicó su eficacia en sus descabelladas acciones, lo enfrentó con el peligro actual y futuro del cibercrimen y puso a su lado a un jovencito muy Harry Potter (Ben Whishaw, en el papel de Q) que con el accionar de las computadoras lo descoloca por primera vez en la historia.

    Cuando la singular voz de la cantante Adele, le dice al espectador, mientras aparecen los créditos, “Este es el final, aguanta tu respiración”. Cuenta hasta diez y una exquisita escena submarina con luces aceradas envuelve
    el campo visual, uno piensa que se equivocó de película, o algo diferente está por pasar.

    Y pasa. James Bond (Daniel Craig) renació y sorpresivamente lo hace desde una posible muerte. Persiguiendo a uno de sus enemigos que robó los nombres de agentes secretos infiltrados en redes terroristas, Bond es aparentemente rematado por una orden a distancia de la jefa M (Judi Dench), para algunos un peligro más que
    una protección en la compleja burocracia del espionaje.

    AVE FENIX

    Pero no todo es tan así y OO7, un poco gastado y tambaleante reaparece como un Fénix que hace rato huyó de pesas y paralelas. Y como el gimnasio está cerca, Bond revive. Tendrá tiempo de escenas excepcionales, conquistas internacionales: Sévérine (Bérénice Marlohe), la morena Eve (Naomie Harris) y casi un decepcionado
    Silva (Javier Bardem), impresionantes incursiones en Singapur y Macao, desaforadas persecuciones en trenes y subtes, y hasta momentos de edípicas reflexiones freudianas en tierra escocesa. ‘007 Operación Skyfall’ es un
    Bond puro, reciclado a la manera de Sam Mendes, su director. No por nada Mendes estudió en Cambridge y formó parte de la Royal Shakespeare Company. Con un rico guión que recrea un Bond con sombras y luces, muy Batman y ansioso sin saberlo de un confesional sillón freudiano, la película se enriquece.

    Las mejores escenas de acción, significativas, nunca vanas. Con un villano para recordar, anótenlo para todo premio internacional que aparezca, Javier Bardem, en el papel de Silva, es una mezcla del temido Hannibal Lecter y el Moriarty, de Sherlock Holmes. Verdaderamente deslumbra. Y no sólo por su pelucón de pajiza pelambre, o su paladar desmontable que estremece ante su ausencia súbita.

    VILLANO PERDURABLE

    Mendes con sus guionistas le dio ‘clase’ a un mito, lo cargó de sombras y dudas, triplicó su eficacia en sus descabelladas acciones, lo enfrentó con el peligro actual y futuro del cibercrimen y puso a su lado a un jovencito muy Harry Potter (Ben Whishaw, en el papel de Q) que con el accionar de las computadoras lo descoloca por primera vez en la historia.

    Ah, y le dio su cuota de humor!. Un exacto Daniel Craig (James Bond), la realeza interpretativa de Judy Dench (M), el inefable Bardem (Silva), un promisorio Ben Whishaw (Q), más las bellezas de turno, Eve (Naomie Harris) y Sévérine (Bérénice Marlohe), junto con locaciones sorprendentes (las de tierra escocesa abruman) y un Albert
    Finney (Kincade) como salido de un western de John Houston. Verla y disfrutarla son sinónimos.
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  • Sinister
    Sinister
    La Prensa
    Temibles imágenes en súper 8

    Ellison Oswalt (Ethan Hawke) parece estar soportando, como muchos escritores que fueron exitosos, ‘el síndrome de la página en blanco’. Busca el motivo que le permita escribir una novela tan exitosa como aquella policial que se transformó en best seller, hace casi diez años. Y todo parece encaminarse bien.

    Hay una realidad: un crimen ominoso, cuatro ahorcados cuyos cuerpos cuelgan de una soga y la historia de una familia que una súper 8, le revela en la casa que él alquiló.

    El protagonista, como el fotógrafo de ‘Las babas del diablo’, de Julio Cortázar descubre, cada vez, más realidades en las imágenes de la película en super 8, que un día encontró de casualidad revolviendo esa casa alquilada.

    Ellison, el escritor supone que de la investigación de esas imágenes saldrá el posible asesino de la familia ahorcada y también la novela policial que lo hará otra vez célebre. No sabe que develar ciertos enigmas tiene un precio.

    EL ESCRITOR

    ‘Sinister’ atrapa en los comienzos. Ese simpático escritor un poco neurótico queriendo escribir otro éxito para que su linda familia, compuesta por Tracy (Julie Rylance), su mujer y sus hijos Trevor (Michael Hall D’Addario) y Ashley (Clare Foley), disfruten junto a él mejores tiempo, atrae.

    Atrae tanto como la pintura realista y verosímil del grupo familiar protagónico; lo siniestro de ese crimen que una y otra vez revela la proyección en super 8 y ese ferviente deseo del escritor por descubrir la raíz del mal y poder construir con todo eso una nueva docuficción exitosa.

    Pero la película, a pesar de estar dirigida por el mismo director de la recordada ‘El exorcismo de Emily Rose’ se va a pique poco a poco, cuando empieza con el factor esotérico y las imágenes fantasmáticas, que al principio dan miedo y luego cansan.

    En ese momento ‘Sinister’ deja de interesar, se reitera, abusa de determinados motivos y se desbarranca. A pesar de que la historia está estupendamente fotografiada, cuenta con hallazgos sonoros y un buen actor como es Ethan Hawke, el director pierde el hilo y lo original se convierte en trillado y lo verosímil deja de serlo, para transformarse en algo poco creíble.
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  • Histeria - La historia del deseo
    Un médico cómplice del placer

    Aunque la discriminación femenina tiene larga data, hubo momentos en que las cosas no fueron tan así. Si hasta Sorano de Efeso se especializaba en las características del organismo femenino en tiempos de Hipócrates y daba consejos para solucionar lo que el doctor Joseph Mortimer Granville (personificado en el filme por Hugh Dancy), en la época victoriana, aliviaba con masajes manuales.

    Hablamos de este doctor, porque en los últimos tiempos hubo intereses varios por conocer más sobre los instrumentos eróticos que utilizaba, especialmente, la mujer.

    TEATRO Y CINE

    En los dos últimos años, tuvieron bastante éxito, Sarah Rulh, que escribiera, sobre el tema, la obra teatral ‘El cuarto de al lado’, que fue estupendamente representada en Buenos Aires con la dirección de Helena Tritek y las notas del crítico de Newsweek, Howard Gensler, en las la que se inspira este filme.

    Brevemente, ‘Histeria. La historia del deseo’, cuenta lo que sucedió con el mencionado Granville (Hugh Dancy), que lograra industrializar con eficacia el vibrador, que a fines del XIX se utilizaría como paliativo de lo que se denominaba ‘histeria’, término eliminado médicamente en 1952, al considerar un mito la mencionada ‘dolencia
    femenina’.

    La película cuenta, con humor, las costumbres que los médicos de la época utilizaban para solucionar los casos ‘histéricos’ y la aparición del vibrador a pilas, pragmático aparatejo que las mujeres observaban con curiosidad primero y luego con simpatía.

    ‘Histeria...’ muestra algunas sesiones de práctica con damas de la sociedad victoriana y el encuentro del doctor Granville con Charlotte Dalrymple (Maggie Gyllenhaal), casi una sufragista en potencia, hija menor del dueño del consultorio en el que el bueno de Granville ejerció.

    LAS SESIONES

    La directora se inclinó por la clásica comedia romántica con algo de picardía y un liviano tono satírico, que grandes actores como Maggie Gyllenhaal (Charlotte Dalrymple) y Jonathan Pryce (Robert Dalrymple), acompañados por Ruper Everett (Edmund St. John- Smythe), Hugh Dancy (Mortimer Granville), se ocupan de transmitir.

    Tradicional, con buena reconstrucción de época e impecables rubros técnicos, el filme finaliza con un pedagógico recorrido por la historia del vibrador en el tiempo, que fluctúa entre los arqueológicos, accionados a pedal a los más actuales, disfrazados de patitos.
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  • Masterplan
    Masterplan
    La Prensa
    Dos antihéroes arrepentidos

    Mariano (Alan Sabbagh) no es lo que precisamente se considera un hombre de acción. Es un muchacho que trabaja en un lugar común, en este caso, una agencia de publicidad, tiene un viejo auto, un Siam Di Tella, se ha puesto de novio con Jackie (Paula Grinszpan) y piensa casarse pronto.

    Pero justamente, en ese tiempo especial, ideas ajenas que parecen intentar ayudarlo económicamente ‘trampeando’ la realidad, le hacen complicarse la vida, perder su auto y empeorar los problemas afectivos con su novia. Así, por salvar un problema, se mete en mil líos.

    El saldo, son inspectores que entran y salen de su departamento queriendo averiguar un posible fraude con la compañía de seguros y para peor un vagabundo se mete en su auto estacionado en la calle.

    Los hermanos Diego y Pablo Levy, directores de ‘Masterplan’, recuerdan en muchos de sus elementos estilísticos a las comedias de Daniel Burman (‘El abrazo partido’) y Juan Villegas (‘Sábado’) y remontan el absurdo a partir del momento en que Mariano (Alan Sabbagh) se encuentra con el vagabundo
    (Andrés Calabria).

    HUMOR DISPARATADO

    La película muestra un humor ingenuo, disparatado a veces y la primera parte difiere de la segunda en cuanto a ritmo y tono. Tiene buen desarrollo técnico. Es correcto el guión y verosímil y sincero lo que se cuenta. Su humor
    es especial y no todos los espectadores pueden identificarse con él, pero sus personajes despiertan algunos, estupor, otros cierta simpatía y sorpresa y en general se ven con agrado y pueden reconocerse situaciones y problemas cotidianos (el encuentro con los padres de la novia, la aparición de los burocráticos ‘veedores’ de
    su culpa, las acusaciones de su novia de toda la vida).

    Los jóvenes directores muestran buen ojo en cuanto a la elección del casting, especialmente en la selección de Mariano (Alan Sabbagh), el protagonista, un verdadero antihéroe arrepentido y su desarrapado antagonista, Pablo
    Levy, uno de los directores, en el papel del cuñado.
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  • ParaNorman
    ParaNorman
    La Prensa
    Un niño con poderes especiales

    Norman vive en una pequeña ciudad de Massachussetts y tiene la particularidad de ver y hablar con los muertos. O sea que es un niño con problemas. Problemas porque todos los chicos creen que lo diferente es un mal síntoma y hay que burlarse, o mantenerse alejado del que lo tiene.

    LA MALDICION

    Lo mismo ocurre con Neil, su amigo, que es gordo, por tanto diferente al común de los chicos e igualmente discriminado. En síntesis, víctima de lo que hoy se llama ‘bullying’, o acoso escolar, Norman y Neil se buscan y se apoyan.

    No por nada viven en Hollow Blithe, una ciudad ‘fundadora’, donde tuvieron lugar los juicios de Salem (en los que se inspiró Arthur Miller para su famosa obra de teatro ‘Las brujas de Salem’) y en la que más de doscientas personas, en 1692, fueron acusadas de brujería y algunas de ellas, ejecutadas.

    Norman, que ve más allá, percibe que la maldición de una bruja de esa época está por cumplirse en la ciudad y presionado por Prenderghast, su tío muerto, debe enfrentar las fuerzas del más allá.

    EL OTRO MUNDO

    ‘ParaNorman’ es un estupendo relato, que puede ser de suma utilidad a los mayores que quieran formar en los chicos una conciencia integradora. Sin descartar a los niños con problemas, que se verán reflejados y comprenderán muchas cosas.

    Eso sí, no tienen que asustarse de los zombies, que, llamativamente, son los que en otras épocas juzgaron seres inocentes y diferentes.

    Como ‘Coraline’, el filme anterior del codirector Chris Butler, ‘ParaNorman’ mezcla lo macabro y lo mágico y tiene héroes queribles y actuales, un chico capaz de hablar con el ‘otro mundo’, una adolescente muy seductora (hermana de Norman), un tío del que el muchacho hereda la aptitud de ver y hablar con fantasmas y difuntos
    y una abuela muerta que se niega a dejar la casa familiar para proteger al nieto en problemas.

    La técnica de ‘stop motion’ funciona de maravillas y el cineasta Chris Butler la sabe emplear muy bien; los protagonistas gustan, el guión funciona y los zombies asustan y dejan buenos consejos. Hasta el mensaje de
    paz y perdón funciona sin falsos didactismos.
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  • Looper: asesinos del futuro
    Crímenes, pero sin cadáveres

    Una pregunta se le plantea al público con esta película: ¿Qué hubiera hecho usted si como Ezra Lieberman, el protagonista en "Los niños de Brasil" se encontrara con varios niños idénticos a Hitler y supiera que Josef Mengele los había diseñado genéticamente a semejanza física y moral de Hitler?

    A un dilema parecido se enfrenta el pobre Joe (Joseph Gordon-Levitt), un muchacho del futuro, que trabaja de "Looper", algo así como un mercenario destinado a sanear el exceso de individuos venidos del futuro.

    El siempre cumplió con lo que le pedían sus jefes los "dueños del futuro" y está cansado de hacer más fácil el camino de unos cuantos, terminando con sus obstáculos humanos. Este matador sin cadáveres se encuentra en un momento dado con el drama moral de que sus jefes le mandan a él mismo, o sea a Joe mayor (Bruce Willis) para exterminarlo. ¿Cómo sería esto de matarse a sí mismo? Eso nadie se lo enseñó.

    FILME AUDAZ

    "Looper: asesinos del futuro" es una película original, humorística y audaz. Con algo de la legendaria "Blade runner" en su atmósfera y toques de violencia que recuerdan a algunas producciones de Quentino Tarantino y Oliver Stone, este nuevo thriller futurista, dirigido por Rian Johnson, logra reunir en una buena fórmula, el humor negro, el drama sin solemnidad, el romance y el policial negro.

    Joe es como cualquier trabajador con un objetivo aparentemente violento, pero que en realidad termina con una entelequia: nunca más va a poder volver a ese otro sector de tiempo, al que él no llegó, o sea que desaparece sin dejar rastro. Pero no todo es como uno piensa y las dudas comienzan a azotar a este "looper" sartreano al que la violencia pretende anularle las ideas.

    UN LARGO VIAJE

    2042 y 2072 son fechas por las que transita este singular "viaje" a la identidad, en el que la violencia va a ser el distintivo y el poco valor de la vida, una realidad, aunque en este presente no se pueda matar a ningún contemporáneo.

    La secta de los "loopers" son algo así como los yuppies del momento y dentro de ese mundo en el habitan, existen niños como el de la película "El tambor", capaces de levantar a cualquiera por los aires con un grito o una mirada.

    La película tiene suspenso, muy buenos efectos especiales, ritmo febril y actores de primera, como Joseph Gordon-Levitt (Joe joven), Bruce Willis (Joe mayor), Paul Dano (Seth) y la chica Emily Blunt (Sara). Por no hablar de una sorpresa infantil llamada Pierce Gagnon, en el papel de Cid.

    Este joven director llamado Rian Johnson es una especie de prestigitador con su cámara. Atropella a sus personajes en las escenas de violencia; captura hasta el mínimo gesto de sus actores y demuestra una libertad expresiva en sus sofisticados encuadres, que resultan deslumbrantes.
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  • Dredd
    Dredd
    La Prensa
    Ese desenfado que tiene el cómic

    En la década de 1970, la historieta británica necesitaba un vuelo diferente y el inglés John Wagner y el dibujante español Carlos Ezquerra crearon "Juez Dredd", una conocida serie de historietas que tiene por héroe principal al popular juez Dredd, que en ese futuro del que se nos habla, es a la vez juez, policía, ejecutor y jurado.

    En esta nueva adaptación, más afín a su esencia, el cómic; Dredd (Karl Urban), habitante de la superpoblada y violenta Megacity (Boston y Nueva York juntas en una atmósfera a lo "Blade Runner"), tiene una misión para cumplir: derrotar a la mafia de narcotraficantes que trabajan con "Slo-Mo", una droga que tiene el poder de transformar la realidad. Y atención que los narcos se agrupan bajo el poder de una jefa, de nombre exótico, como si la hubiera bautizado García Márquez, Madeline Madrigal (Lena Headey), a la que le dicen Ma-Ma.

    PODER TELEPATICO

    Pero Dredd, con Anderson (Olivia Thirlby), su compañera "superpoderosa" de poderes telepáticos, será capaz de todo.

    La película de Pete Travis, tiene el vuelo de su guionista Alex Garland que diagrama con astucia la psicología de su protagonista, un señor al que no se le ve el rostro, favoreciendo el misterio que da el ocultamiento, porque Juez Dredd, es como una suerte de paladín ejecutor en un mundo de caos.

    A pesar de no contar con gran presupuesto, Dredd está creativamente realizada, con impactantes efectos especiales, realzadas por el 3D, una buena utilización del "ralenti" y una impresionante recreación de una suerte de megalópolis, que mezcla la miseria, el cemento y los rascacielos con música sideral y un constante consumo de droga que va mutando la visión.

    Alucinada, con buenas escenas de conjunto, gran violencia como la mayorías de las producciones recientemente estrenadas, "Dredd 3D" se ve con interés y se disfruta de Karl Urban (Juez Dredd), muy bien en su papel, Olivia Thirlby (Anderson), una suerte de Milla Jovovic más joven y la musculosa Lena Headey, en el papel de la temible Ma-Ma, que recuerda a la Sigourney Weaver de la primera época de "Alien".
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  • Luces rojas
    Luces rojas
    La Prensa
    Variados buscadores de fraudes

    Estamos inundados de películas violentas, de horror y de fenómenos paranormales. Parece ser que la racionalidad, la cotidianeidad dejó de estar de moda y el que no tiene un monstruo escondido, planea un crimen, se asocia con protagonistas de un cómic que quieren apropiarse del mundo, o se transforman en aliens.

    En este caso, lo paranormal gana la partida. Dos investigadores universitarios: Margaret Matheson (Sigourney Weaver) y Tom Buckley (Cillian Murphy). Ella es una destacada estudiosa de los fenómenos paranormales, muy racional y enemiga de todo tipo de fraude.

    El un muchacho con cara angélica que esconde razones afectivas que lo hacen manifestarse contra todo lo esotérico, más habiendo perdido la vida de un ser querido por creer en determinadas experiencias. Los dos se han unido con la intención de combatir los fraudes pseudocientíficos.

    Justamente en esos días, cuando se multiplican los presupuestos para sectores de la universidad que estudian estos fenmenos psíquicos, reaparece en escena un viejo conocido de la doctora Margaret. Se trata de Simon Silver (Robert De Niro), una especie de gurú, un psíquico con ciertas orientaciones hacia "la medicina sanadora", que opera con las manos y se ha enfrentado algunas veces con la doctora, mientras treinta años de actividad avalan su discutida virtud.

    SIN SORPRESAS

    El enfrentamiento con Simon Silver asumirá características de lucha armada y no todos podrán seguir vivos.
    La película del español Rodrigo Cortés, exitoso director de "Enterrado", el mismo de la remake de "La casa silenciosa", que se dio a conocer en la Argentina, como "La casa del miedo", no aporta nada nuevo al género thriller.

    El guión y la historia en sí es plana, sin sorpresas, con un guión débil que sólo asusta con golpes bajos y una insoportable banda sonora a puro estruendo. Lo único que vale la pena son las actuaciones de esa gran actriz que es Sigourney Weaver (Margaret Matheson), el irlandés Cillian Murphy (Tom Buckley) y la protagonista de "La casa del miedo", Elizabeth Olsen (Sally Owen) en un personaje obviable. Hay una muy buena intervención de nuestro Leonardo Sbaraglia (Palladino), personificando a otro mentalista fraudulento como el que protagoniza nada menos que Robert De Niro.

    En papeles menores se desempeñan Toby Jones (Paul Shackleton), un profesor universitario y Joely Richardson (Monica Handsen) -la hija menor de Vanessa Redgrave-, en el papel de la representante de Simon Silver, que hace De Niro. Como síntesis de esta película puede decirse que los buenos guiones escasean, aunque es gratificante para el espectador observar que sobran excelentes actores.
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  • Cornelia frente al espejo
    Una múltiple mirada exquisita

    Irrepetible, será tediosa para muchos, pero valiente por los que lograron hacerla y los que se animaron a distribuirla.

    Su hermana Victoria Ocampo, decía de Silvina, que "sus cuentos, son recuerdos enmascarados de sueños, sueños de la especie que soñamos con los ojos abiertos". Esta es quizás la más perfecta definición de la obra de la gran escritora argentina, que fue mujer de Adolfo Bioy Casares.

    El filme es una singular transcripción cinematográfica de su cuento, "Cornelia frente al espejo", integra un libro de treinta y cuatro relatos.

    La película respeta el texto, toma algunos de sus diálogos y no sólo recrea la atmósfera que uno siente al leerlo, sino que logra, casi en el final, algo indefinible, como es atrapar el arte en estado puro.

    LA PROTAGONISTA

    La historia de amor que cuenta Cornelia (Eugenia Capizzano), la que casi le pertenece, es la de Elena y Pablo.
    Cornelia, una bella mujer llega a la casa familiar para suicidarse, sus conversaciones con seres que aparecen y desaparecen como el amante (Leonardo Sbaraglia), la amiga (Eugenia Alonso), un espejo como interlocutor válido, hablan de la extraña materia con la que trabajó toda su vida como escritora Silvina Ocampo. Esa que le permitió vivir plenamente. Ficciones, imágenes, realidades, ¿qué importa mientras Cornelia dialogue como una novia renacentista, o una monja medieval aceptando, o rebatiendo la discusión sobre la realidad?

    Película única, creemos, en la historia del cine argentino, que reproduce el mágico mundo literario de una autora también única. Y lo hace con magia y talento, desde la adaptación impecable, hasta los actores que como la exquisita Eugenia Capizzano, hasta Leonardo Sbaraglia y Rafael Spregelburd (El ladrón) respetan silencios y palabras y aparecen y desaparecen en esa casa fantasmal de recuerdos y cajitas de música.

    RELATO DE CAMARA

    Filme de cámara en el que confluyen diálogos sin tiempo y espacio, donde se puede ingresar a una historia de amor, a través de la misma Cornelia que es una joya de sensibilidad y a la que enmarca el sonido, la música del maestro Jorge Arriagada.

    Daniel Rosenfeld ("La quimera de los héroes") con la chica Eugenia Capizzano, también como coguionista, son los hacedores de esta audaz propuesta de cine arte. Hipnótica, nimbada por tufillos decadentistas que pueden escandalizar a puristas y desmayar con su evanescente fotografía.

    "Cornelia frente al espejo" es una película con mini filme sorpresa incluído, casi al final, al que se accede por viejas fotografías y con Ana Pavlova bailando "La muerte del cisne", desde un televisor apagado.

    Irrepetible, será tediosa para muchos, pero valiente por los que lograron hacerla y los que se animaron a distribuirla.
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  • Búsqueda implacable 2
    Cíclica amenaza de secuestro

    El ritmo ideado por el director Olivier Megaton es muy vertiginoso, con buena fotografía, aceptable música y con un Liam Neeson, reciclado al cine de suspenso y con muy buen estado físico.

    Este nuevo "thriller"presenta una fórmula ya testeada fílmicamente, la del hombre de acción, en este caso, un retirado agente de la CIA, llamado Bryan Mills (Liam Neeson), que es víctima de la amenaza de secuestro a su ex mujer y su hija.

    Mientras la primera "Búsqueda implacable" presentaba a un profesional de la CIA, ante el problema de un secuestro especial, el de su propia hija; en esta segunda parte la apuesta se duplica, porque pone al bueno de

    Bryan, en un gran aprieto, al tener que intentar salvarles la vida a dos de sus seres queridos.
    En esta nueva saga, a Bryan se lo ve un poco más tranquilo y haciendo vida familiar en Estambul, Turquía, junto a su ex mujer, libre al menos por el momento de pretendientes y junto a su hija.

    LA VENGANZA

    Lo que el ex agente de la CIA ignora es que en ese lugar de veraneo hay un un malo muy malo, padre de uno de los secuestradores que aparecía en la primera película, que está dispuesto a ejercer venganza y elige nuevamente el secuestro para descontrolar la vida de Bryan Mills.

    La película, igual que la anterior, tiene nuevamente a Liam Neeson como protagonista y es una historia bien construída, ofrece lo que el aficionado a las producciones de acción requiere: vertiginosidad, violencia, tomas rápidas, poco diálogo y nada más.

    "Búsqueda implacable 2" es un filme más dentro de la fórmula del cine de género. Nuevamente los malos contra los buenos. Sólo que esta vez provienen de Albania, últimamente pertenecían a Europa del Este.

    El ritmo ideado por el director Olivier Megaton es muy vertiginoso, con buena fotografía, aceptable música y con un Liam Neeson, reciclado al cine de suspenso y con muy buen estado físico.
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  • El amigo alemán
    Una trama que une dos países

    "El amigo alemán" tiene presencias actorales remarcables, como la de la excelente Celeste Cid (Sulamit) y Max Riemelt (Friedrich), un buen desempeño también muestra la pareja integrada por Carlos Kaspar y Katja Alemann y Noemí Frenkel, como la madre de la protagonista.

    Coproducida entre la Argentina y Alemania, "El amigo alemán", presenta una historia de amor a lo largo de un extenso período de más de cincuenta años.

    Sulamit Lowenstein (Celeste Cid) es hija de inmigrantes judíos y Max Riemelt (Friedrich), pertenece a una familia, que luego se sabrá, simpatizaron con el régimen hitlerista. De niños, en los años "50, se crían juntos en un barrio del norte de Buenos Aires y ya adolescentes, parten hacia Alemania para estudiar.

    Uno en busca de su identidad, la otra con una beca ofrecida por una entidad alemana instalada en la Argentina.

    La pareja interviene, a veces como testigo, otras como protagonista, de sucesos significativos, como momentos del primer gobierno peronista, la guerrilla latinoamericana, las barricadas del "68, el Proceso militar, las redadas políticas, con alusiones a la desaparición de personas, la actividad de las Madres de Plaza de Mayo, finalizando con acciones del protagonista masculino, involucrado con los pueblos originarios.

    LA INMIGRACION

    "Amigomío", "La amiga", son títulos de anteriores filmes de la directora Jeanine Meerapfel, la misma de esta obra, que también incluye la palabra "amigo" en su título. Radicada en Alemania, pero íntimamente ligada a su país de origen, la Argentina, Jeanine Meerapfel, establece puentes entre ambas naciones en sus producciones.
    Los temas de "El amigo alemán" son vertientes habituales en la filmografía de esta directora: las raíces, la inmigración, la libertad, el régimen militar.

    Esta vez la realizadora, a pesar de fijar una historia amorosa como núcleo central, con el afán de abarcar todos los temas que la preocupan, se abre de tal manera, que sólo puede tocarlos tangencialmente y no logra profundizar en ninguno. El guión toma la historia de amor como eje y considera incidentalmente temas y subtemas que rodean el núcleo argumental, descuidando ciertos aspectos cronológicos de los acontecimientos y no yendo en profundidad hacia la esencia de su espíritu.

    Dentro de una puesta tradicional, correcta técnicamente, con un mejor desarrollo en el período de la infancia de los protagonistas (creíbles diálogos de los niños, verosímil tratamiento de los respectivos contextos familiares).

    "El amigo alemán" tiene presencias actorales remarcables, como la de la excelente Celeste Cid (Sulamit) y Max Riemelt (Friedrich), un buen desempeño también muestra la pareja integrada por Carlos Kaspar y Katja Alemann y Noemí Frenkel, como la madre de la protagonista. En cálidos momentos especiales, aparecen figuras como Daniel Fanego, Jean Pierre Noher y Adriana Aizemberg.
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  • Hotel Transylvania
    Drácula como un anfitrión familiar

    El filme tiene momentos ingeniosos, pero fugaces, buenos efectos especiales y secuencias destacables como la fiesta de cumpleaños de Mavis y la secuencia de los zombies disfrazados de humanos.

    Los tiempos cambian. En una época, el horror pasaba por "El hombre de la bolsa", que convivía con Lobos, Caperucitas y brujas varias.

    Más tarde llegaron nuevos monstruos al cine y la televisión, así aparecieron vampiros, fantasmas y momias. Aunque con tantos peligros reales que se experimentan diariamente, parece que nada nos asusta y así nos acostumbramos a convivir, a través de la ficción, con vampiros, gremlins y otros extraños, o divertidos bicharracos.

    Con este nuevo filme que se estrena hoy, la pantalla se inunda de simpáticos monstruos, en tren de convivir todos en un mismo lugar.

    Es el caso de este "Hotel Transylvania", que a pesar de que la idea del dueño era reunir a sus pares, todos monstruos, para que estén más cómodos y lejos de los "temibles humanos", lo diferente se cuela y da un toque distinto a la realidad.

    PADRE EXTRAÑO

    En "Hotel Transylvania", Drácula es el padre de una chica en tren de cumplir años. Frankenstein tiene novia, el Hombre Lobo exhibe familia y todos conviven en paz y con alegría en este nuevo "resort" atendido por mucamas que son brujas. Todo parece estar en paz, hasta que un adolescente humano, un mochilero llamado Jonathan, llega al hotel y se enamora nada menos que de Mavis, la hija de Drácula, que también es humana como el chico, aunque está a punto de cumplir ciento dieciocho años, edad en la que los vampiros pasan a cumplir la mayoría de edad. Con la llegada del travieso muchacho todo se complica y Drácula, el padre de la chica, se pone inquieto.

    GRAN CUMPLEAÑOS

    "Hotel Transylvania" es muy similar a "Monster.Inc", pero sin la creatividad de aquella. Aunque cabe aclarar que esta vez la propuesta está dirigida a los más pequeños y la originalidad inicial, de las primeras escenas, con la creación de un hotel, con sus clásicos y divertidos contratiempos de cualquier lugar de hospedaje para mucha gente, no logra mantenerse hasta el final de la película.

    Los diálogos, luego de la media hora inicial, parecen apagarse, las situaciones se repiten y pierden el sabor de la sorpresa. Sí, es cierto que "Hotel Transylvania" tiene momentos ingeniosos, pero fugaces, buenos efectos especiales y secuencias destacables como la fiesta de cumpleaños de Mavis y la secuencia de los zombies disfrazados de humanos.
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  • Días de vinilo
    Unidos al ritmo de la música

    Es una encantadora comedia, fresca, espontánea, con buen ritmo, excelentes actores y una atractiva música. Hay que darle la bienvenida como a sus cálidos personajes, fácilmente reconocibles, muy nuestros.

    Los protagonistas de "Días de vinilo" son del mismo barrio y tienen la misma edad: son muy jóvenes. En un momento de su vida, la música los bautizó de la manera más inesperada, con su inesperada caída. Y no es una metáfora. Reunidos en la esquina reciben, sobre sus cabezas, una colección de discos de vinilo, patrimonio de una ruptura sentimental que terminó con el novio tirando todos los discos por un balcón, que cayeron como catarata sobre la barrita del barrio. Sí, efectivamente, los 78 y los 45 marcaron sus vidas. En ese momento los 70 parecían comenzar. El caso es que esos chicos ahora son adultos, parecen no haber crecido demasiado y siguen profesando amor por la música.
    "Los locos por la viola" se convirtieron en locutor uno, siempre enamorado; guionista el otro, en busca de su verdad; el loco por Los Beatles es Marcelo, capaz combinar su marketing funerario con la composición romántica, como el personaje de Spregelburd.
    Todos tratan de buscar lo mejor con sus aciertos y sus desastres personales, intentando convencer al actor admirado (la misión de Damián con Sbaraglia en un divertido papel), adormecer la muerte con una canción (Spregelburd) o estar una y otra vez detrás de mujeres soñada e irremediablemente imposibles (Luciano).
    CON FRESCURA
    El filme de Nesci es una encantadora comedia, fresca, espontánea, con buen ritmo, excelentes actores y una atractiva música. Los diálogos son fluidos, las situaciones se dan sin esfuerzo y hay una simbiosis interesante en el cuarteto. Que algunas secuencias no son suficientemente sólidas, que la marca televisión sobrevuela toda la comedia, sí. Es verdad pero esta comedia sin vueltas con un poco de nostalgia y mucho humor es una ráfaga de aire fresco en la cartelera cinematográfica porteña.
    Y hay que darle la bienvenida como a sus cálidos personajes, fácilmente reconocibles, muy nuestros.
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  • Resident Evil 5: La venganza
    Rutina con efectos especiales

    Mila Jovovich protagonista del filme en el que manda el despliegue técnico. La quinta versión de la franquicia aporta más de lo mismo: poca vida, todo ruido y fuerte impacto visual.

    El filme forma parte de la franquicia de videojuegos de origen japonés que abarca películas, novelas y comic. Cuarenta y cinco millones de productos vendidos, hablan del éxito alcanzado por un tema que parecería estar en el subconciente de muchos integrantes de la sociedad global: el miedo a que un virus se propague por error o ¿por qué no? intencionalmente.
    Pero este virus es particularmente desagradable, porque te hace zombie, con todos los trastornos derivados de su condición. La corporación Umbrella, como sabemos es la que experimenta con estos virus T que, en algún momento se disparó. Ahí está la inmortal Alice, condenada a la guerra en todo momento, que destinada a seguir a los responsables del desastre, tiene que visitar Tokio, Nueva York, Moscú.

    CIENCIA FICCION
    Pero más que Tokio, Nueva York o Moscú, las réplicas de las ciudades, porque estamos en el terreno de la ciencia ficción. Nuevamente deberá enfrentarse con sus enemigos tradicionales con armas super poderosas y encontrar los objetivos letales que le asignaron en su eterna misión. Por ahí apareceré su pequeña hija, en algunas de las diferentes dimensiones en que se desarrolla la película, también tendrá su momento un monstruo bastante feo que se traga a la pequeña casi en el final de la película y obliga a la pobre Alice a hacer cirugía y rescatarla de su espantosa panza.
    "Resident Evil 5: La venganza" es un filme con puro despliegue técnico. Multitud de hologramas, secuencias de fantasías poco novedosas, efectos especiales nada originales, abundante exhibición de artes marciales, pero todo en una tediosa sucesión sin trama. La parte del guión prácticamente no existe y el adicto al género, lo único que puede hacer es mirar peleas, observar unos zombies cuya única particularidad es que tienen como tentáculos cuando abren la boca. En cuanto al monstruo, ya lo vimos en otra película.
    Todos andan detrás al Virus T y la pobre Alice (Mila Jovovich), cada vez que termina la película deberá descansar bastante por todos las cosas por las que tiene que pasar buscándolo.
    Muy rutinaria, sin vida, todo ruido y despliegue visual. Salvo la Jovovich a la que estamos acostumbrados y su pequeña hija, el resto del grupo actoral deja mucho que desear.
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  • Cacería implacable
    Los nórdicos vienen al ataque

    Un atrapante relato policial nacida de la inspiración de escritores nórdicos que le dan calor a sus relatos. Apariencias y realidades envuelven una historia que se desarrrolla en interiores lujosos, en los que la sonrisa y el horror se dan la mano y la lucha del gato y el ratón reaparece entre exteriores de pino y nieve.

    Si de escritores nórdicos se trata, parece que la fama y talento del desaparecido Stieg Larsson ("Los hombres que no amaban a sus mujeres"), escondía una corte de escritores policiales a los que ni el frío ni la presencia de fiordos como obstáculos, impiden que recreen atrapantes relatos de crímenes. Arnaldur Indridason ("La mujer de verde"), Johan Theorin, Henning Mankell, papá del inspector Wallander son sólo algunos de este círculo aúlico del crimen literario, al que se incorpora uno que desconocíamos, Jo Nesbo,
    El bueno de Jo Nesbo, escritor y músico noruego, parece que hace tan buen rock como narración de policiales y es el autor de la novela "HeadHunters", best seller en ciento cuarenta países y en que el director Morten Tyldum, basó su filme.

    EL CAZATALENTOS
    Acá hay un yuppie que trabaja de Cazatalentos empresarial y gana suculentos dineros por eso, pero ama el lujo, las cosas de última moda y las valquirias que lo exceden en varios centímetros en altura, pero son capaces de casarse con él, no se sabe si por su inteligencia, su generosidad o simplemente su excéntrica presencia. Como Roger necesita plata extra, encontró en el robo de cuadros una veta interesante, más manejando Diana, su esposa valquiria, una galería de arte. Hasta ahora parece que robar buenos cuadros con información de la misma galería le sirvieron. Pero llega un nuevo talento empresarial que se ofrece para ser ubicado con el contacto de Roger y Roger luego se entera que el nanólogo tiene un Rubens al que los nazis capturaron y duerme un sueño de millones en su casa.
    Por supuesto que con su "socio" se dispone a saquear la casa con cuadro incluído, lo que no sabe es que el empresario que busca nuevo empleo, es un mercenario experto en rastreos imposibles y que guarda un secreto que lo lastimará más que cualquiera de sus trucos de captura.
    Filme policial con toques de humor, momentos francamente sangrientos, un asesino mercenario de traje y corbata y un ladrón y empresario que no hace asco a sumergirse en metros de excrementos al darse cuenta que quien él considera su presa de caza lo ha convertido a él en un cazado en potencia. Apariencias y realidades envuelven una historia que se desarrrolla en interiores lujosos, en los que la sonrisa y el horror se dan la mano y la lucha del gato y el ratón reaparece entre exteriores de pino y nieve.
    Hábil desarrollo, final no tan bueno como el principio, correctos actores, bastante sangre y alguna vuelta de tuerca sorpresiva, caracterizan un relato que más parece yanqui que nórdico .
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  • Buscando un amigo para el fin del mundo
    Antes de que todo se termine

    La directora elabora una comedia de ruta en la que los seres que se encuentran, acompañados de un perro, buscan un tiempo con sentido, aspiran a terminar con algo valioso a su lado, con algo querido. Tan simple como eso, acortar el tiempo compartiendo con alguien.

    En un mes, el asteroide Matilda se estrellará contra la Tierra. Sólo queda un mes para el gran final. Usted oye esto por la radio. ¿Qué hará? La directora Lorene Scafaria lo expresa a través de las actitudes de sus personajes. María, la mucama del señor Dodge va a seguir viniendo a limpiar. Algunos de sus amigos y amigas, como lo comprueba en una fiesta bastante cercana a una orgía, se olvidarán de lo que les espera, mientras cambian de pareja, invitan a beber a sus chicos pequeños o terminan con sus vidas.

    Pero Dodge, que se ocupa de asegurar a la gente, está en problemas. Hombre pacífico y metódico, siempre organizó su vida, trató de no herir a nadie y se ocupó de vender seguros para que nadie estuviera desamparado.

    FUTURO INCIERTO

    Ahora, con la noticia del fin del mundo, su encantadora señora se fue. Y el pobre Dodge quedó solo. Con su meticulosidad. Con su tiempo perfectamente organizado. Pero hay una vecina que le causa curiosidad, ésa que llora frente a su ventana, porque aunque es muy joven, se da cuenta que se viene la nada y su corta vida no contuvo algo importante, ni vivió amores notables.

    Ella lo único que quiere es pasarlo con su familia que vive un poco lejos. Como Dodge está paralizado por lo ocurrido con su mujer, su vecina trata de animarlo dándole las cartas que terminaron en su buzón desde hace tres años y que un poco por haraganería, no repartió. Una de esas cartas le da a Dodge la misión que necesitaba. En una de las cartas se confiesa el amor de una vieja compañera de colegio por él. Se llamaba Olivia. En ese momento, los dos solitarios vecinos comprenden que tienen una misión, ver a la familia una y encontrar a Olivia el otro.

    "Buscando un amigo para el Fin del Mundo" es la "opera prima"de Lorene Scafaria. Con un argumento que a pesar de pertenecer de alguna manera al clásico tema del Fin del Mundo, se centra en las reacciones ante el final; la directora elabora una comedia de ruta en la que los seres que se encuentran, acompañados de un perro, buscan un tiempo con sentido, aspiran a terminar con algo valioso a su lado, con algo querido. Tan simple como eso, acortar el tiempo compartiendo con alguien.

    Una búsqueda con buena música, humor, esperanzas, decepciones, pero búsquedas que pueden incluir la sorpresa del nacimiento del amor es la elegida por Steve Carell y Keira Knightley, sus figuras principales, que con estilos de actuación igualmente valiosos, pero diferentes, muestran que con amor, a pesar de las diferencias, hay posibilidad de unión hasta en el final.
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  • Ruby, la chica de mis sueños
    Un escritor en dificultades

    Filme correcto formalmente, con algunos minutos de más, dotado de cierto encanto y frescura sólo aportado por sus Dano y Kazan y que permite el reencuentro con Elliot Gould ("Bob and Carol", "Ted and Alice") como el psicoanalista. Sus directores son los mismos de "Buscando a Miss Sunshine".

    Calvin Weird Fields, el protagonista masculino de esta historia, escribió a los diecinueve años, una novela que lo convirtió en algo así como la gran promesa americana de las letras, pero parece que nunca más hizo algo que valiera la pena y ahora a los veintisiete, su editor está preocupado y Calvin, con algunos problemas de comunicación, sigue los consejos de su psicoanalista y se compra un perro para que de alguna manera se acerquen a él, a través de su mascota.

    Mientras tanto intenta escribir, y preocupado por esa necesidad de afecto, crea un personaje para su posible novela. El asunto es que Ruby, su creación literaria se materializa, y una simpática y movediza pelirroja comienza a formar parte de su historia. Pero Calvin, que con su carita de "yo no fui" se revela como un inocente, pero firme manipulador, no puede permitir que la que se convierte en su amor imposible, tome independencia y sea un misterio para él.

    FRESCURA ACTORAL

    "Ruby, la chica de mis sueños" es una parienta lejana de "Más extraño que la ficción", película en la que Emma Thompson creaba al auditor fiscal Crick, el personaje que saltaba a la realidad para asombro de la escritora.

    El caso es que "Ruby" no tiene su densidad dramática, la variedad de subtemas y anécdotas y sólo puede apoyarse en el recordado actor de "Petróleo sangriento" y "Buscando a Miss Sunshine", Paul Dano y la más que talentosa, Zoe Kazan, nieta de un maestro del cine, Elia Kazan, ("Al este del paraíso", "Nido de ratas"), desestimado por la gente del espectáculo por sus delaciones durante el maccarthiysmo.

    Filme correcto formalmente, con algunos minutos de más, dotado de cierto encanto y frescura sólo aportado por sus Dano y Kazan y que permite el reencuentro con Elliot Gould ("Bob and Carol", "Ted and Alice") como el psicoanalista. Sus directores son los mismos de "Buscando a Miss Sunshine".
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  • La casa del miedo
    Una "remake" con poco horror

    Filme "de miedo", con tanto movimiento, idas y venidas, que terminan por marear, entretiene hasta la primera mitad, para luego hacerse reiterativo, moroso, a pesar de tanta cámara en mano.

    Remake de la película uruguaya "La casa muda", el filme de Kentis y Lau, cuenta la historia de Sarah, una jovencita que acompañada por su padre y su tío se reúnen para arreglar una casa de veraneo, ya ocupada por ellos otros años y que ha sido deteriorada por inquilinos recientes.

    La casa no ofrece ninguna confianza, es poco atractiva, exagerada en la cantidad de cuartos que la componen y bastante retirada, salvo una casa más o menos cercana de la que proviene una misteriosa chica, que dice ser amiga de la infancia de Sarah y que ésta no recuerda. Si a esto se suman una serie de ruidos que comienzan a producirse en el piso superior y otros extraños sucesos que no son precisamente tranquilizadores, la casa se convierte en un lugar ideal para tomar impulso y desaparecer. Los sucesos posteriores serán testigos de que la idea hubiera sido ideal, aunque el máximo secreto, fundamental para el futuro de Sarah, no podría haberse develado.

    LARGO SUFRIR

    Filme "de miedo", con tanto movimiento, idas y venidas, que terminan por marear, entretiene hasta la primera mitad, para luego hacerse reiterativo, moroso, a pesar de tanta cámara en mano. No hay hechos ni subtramas que ayuden para tanta enloquecedora huída de la pobre Sarah que se la pasa sufriendo y abriendo y cerrando una serie de puertas interminables. Con alardes formales de plano secuencia (larga toma sin cortes), la película tiene un final convencional, muy explicado y sólo se mantiene por la buena interpretación de la chica Elizabeth Olsen.
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  • Infancia clandestina
    El chico se llamaba Ernesto

    Filme auténtico, con diálogos y sentimientos verosímiles, "Infancia clandestina" exhibe puntos de contacto con la recordada "Kamchatka" de Piñeyro, donde primaba, también, la mirada del niño en un contexto de clandestinidad.

    Juan es hijo de una pareja montonera que decide retornar al país en 1979. Epoca dura en la Argentina cuando el ministro del Interior informaba sobre mil setecientos detenidos a disposición del Poder Ejecutivo y más de mil en libertad vigilada, mientras se producía la sublevación del general Menéndez, contra el comandante en jefe del Ejército, el general Viola.

    Traído por sus padres desde el exilio en Cuba, recibido por su tío para integrar nuevamente la familia que también incluye una nueva hermanita, Juan se entera que ahora su nombre va a ser Ernesto y que si hay algún problema en la casa, él tiene un escondite asignado y una disciplina que cumplir. Su casa es centro y depósito político; una distribución de alfajores, el mejor camuflaje por el momento. El chico está finalizando la niñez y quién sabe cómo toma este "juego de adultos" que disfraza situaciones y personas. Juan, ahora Ernesto, vivirá nuevas experiencias como la del primer amor y ninguna disciplina se acepta pacíficamente ante tamaño sentimiento.

    HECHOS REALES

    El filme del director Benjamín Avila ("Nietos") está basado, en algunos aspectos, en hechos reales. Su madre, compañera de un jefe montonero, muerto posteriormente, fue secuestrada con su hijo, recuperado por Abuelas de Plaza de Mayo, y permanece desaparecida. Avila, en su filme, pone el acento en el plano familiar, emocional, antes que en el político, del que, sin embargo, es imposible apartarse. Es muy difícil seguir sin sobresaltos, una historia donde la cotidianeidad, la ida a la escuela, el nacimiento del amor de un chico, permanece en la cuerda floja, como bien lo muestra la abuela de Juan, que llega al lugar clandestino, muerta de amor y miedo.

    Filme auténtico, con diálogos y sentimientos verosímiles, "Infancia clandestina" exhibe puntos de contacto con la recordada "Kamchatka" de Piñeyro, donde primaba, también, la mirada del niño en un contexto de clandestinidad.

    Excelentes actuaciones de Natalia Oreiro, el uruguayo César Troncoso y en una breve e intensa aparición, Cristina Banegas. Ernesto Alterio, como el tío bohemio, se gana el papel con idealismo y simpatía, mientras es correcta la actuación de los niños. Impecable el plano formal, con el recurso de la animación en determinados momentos, como creativos recursos que enriquecen la narración y atemperan el clima dramático, controlando la tensión.
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  • Maradona - Médico de la selva
    La felicidad de ser el otro

    El joven director Martín Serra con importante material de investigación, archivos particulares, de museos, de canales de televisión locales, del Archivo General de la Nación de la colonia, dibuja los rostros de un hombre que pudiendo aprovechar beneficios, eligió la pobreza y la voluntad de paliarla en una pequeña localidad del interior profundo de la Argentina.

    on esas personas que tienen su lugar ganado en la historia de un país. De los que por su austeridad y modestia nada hicieron para ser recordados. Sin embargo, Esteban Maradona, recibido de médico con esfuerzos en la década del 30 y luego de pasar por el Hospital de Expósitos y el Muñiz, conviviendo con los leprosos, combatió en la guerra del Chaco en uno y otro bando, porque todos los hombres sufren igual. Y terminada la contienda, decidió ir a Buenos Aires para instalar su consultorio. Pero la asistencia al nacimiento dificultoso de una lugareña, hizo que perdiera el tren y se quedara medio siglo en Estanislao del Campo (Formosa).

    El crearía una cooperativa, una colonia para los indígenas, ésos que lo eligieron como su "curandero" y que aun lo recuerdan, por su amor, por la voluntad de que hubiera una educación para tobas y pilagás, y que fuera mal visto por los que se resistían a la devolución de tierras a sus dueños aborígenes, como los que lo obligaron a irse del Chaco cuando hablaba de la ley de accidentes laborales en charlas comunales.

    LA LABOR SOCIAL

    De su increíble labor social por el prójimo, del vocabulario pilagá que transcribió, de los estudios de plantas medicinales y dibujos de la flora y fauna de la región que fue capaz de acercar a todos, habla este filme.

    El joven director Martín Serra con importante material de investigación, archivos particulares, de museos, de canales de televisión locales, del Archivo General de la Nación de la colonia, dibuja los rostros de un hombre que pudiendo aprovechar beneficios, eligió la pobreza y la voluntad de paliarla en una pequeña localidad del interior profundo de la Argentina.

    Esteban Maradona fue distinguido como candidato al Premio Nobel en 1992, mientras continuaba con sus estudios y sus caminatas hacia la comunidad indígena en soledad y alegría.

    Todo eso muestra Serra con su filme emocionante, austero, con la voz y la presencia física del médico de la selva. Un pequeño gran filme que muestra esos seres irrepetibles que irradian luz a través del tiempo.
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  • ¿Qué voy a hacer con mi marido?
    Las intimidades de una pareja

    Como es clásico en Frankel, su visión es clásica, pero no por ello cristalizada. Un guión ágil de Vanessa Taylor, conocida escritora televisiva lo ayuda en un argumento condenado en cierto modo a los interiores.

    Tienen sesenta. Llegaron a los treinta años de casados con dos hijos y buena situación económica. Mientras Kay (Meryl Streep) continúa atendiendo la casa, Arnold (Tommy Lee Jones) mantiene su responsabilidad en una oficina que comparte hace años. Parece no faltarles nada. Pero Kay añora tiempos mejores. Y por eso en la primera escena se pone el mejor camisón, se arregla el pelo y abre la puerta de la habitación en que Arnold parece haberse atrincherado desde hace un tiempo. El resultado es como que hubiera asomado el gato de la casa, dos palabras de Arnold y un correcto "buenas noches".

    LA FIDELIDAD

    Kay se estremece un poco, pero como es un ama de casa fiel a los valores tradicionales, púdica, pero no insensible, comprende que algo tiene que cambiar. No puede ser que cuando le pregunten qué le regaló Arnold para el aniversario, ella tenga que contestar que una nueva suscripción al canal de cable, con más de cien posibilidades. Así la vemos diligente en la librería buscando un libro que la oriente. Ella no va a internet a consultar: fiel a sus sesenta bien cumplidos, debe pensar que la solución está en un libro confiable, que con "moderadas" palabras satisfaga sus dudas que no se atreve a llamar "sexuales".

    Así conoce el libro del doctor Feld, de Maine. Luego de consultarlo por la web, decide intentar la "salvación" yendo a su consultorio. Arnold se resiste, pero no es insensible y con el necesario empuje que todo hombre requiere, el atinado consejo de un amigo hombre, acepta el desafío.

    EL TEMA TABU

    Comedia elegante con tres actores ideales, "¿Qué voy a hacer con mi marido?" es una nueva realización de David Frankel ("El diablo se viste a la moda"). Se atreve con un tema casi tabú, al menos en los medios masivos norteamericanos y que es uno de los más consultados en asesorías sentimentales.

    Como es clásico en Frankel, su visión es clásica, pero no por ello cristalizada. Un guión ágil de Vanessa Taylor, conocida escritora televisiva lo ayuda en un argumento condenado en cierto modo a los interiores.

    A pesar que se desinfle un poco al final, el filme merece verse. Tiene estupendas actuaciones con un Steve Carrell (el doctor Feld) casi desconocido por lo ascético en la expresión, en impecables duelos silenciosos, especialmente con Tommy Lee Jones (Arnold). La Streep (Kay), estupenda como siempre y en un breve, pero significativo papel, la presencia de Mimi Rogers, en el papel de Carol, la vecina.
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  • Topos
    Topos
    La Prensa
    Unas fantasías de raíz urbana

    No podemos considerar a "Topos" una película lograda, pero sí con inquietudes y algunos aciertos como la atmósfera y la marcación actoral. Leonor Manso hace una creación personal en su papel de la señora Resnicof, la profesora de danza.

    La película habla de un mundo bajo tierra, primitivo, elemental, donde los instintos afloran y un mundo superior de características grotescas se contrapone a la pobreza del anterior. Una profesora, un director y un preceptor de un Instituto de danza, con varios alumnos son los personajes del universo superior.

    En el mundo subterráneo hay un tal Kongo (Mauricio Dayub), algo así como un disidente, su hijo, su hija, una obsesa sexual y muchos seres que no pueden elevarse por los túneles que los presionan, o las fuerzas que les impiden ponerse en pie.

    El hijo del rebelde es sustituído por un aspirante al ingreso del Instituto de danza y mientras Topo (Lautaro Delgado), hijo del rebelde, queda en la academia, el aspirante Amadeo (Ludovico Di Santo) desciende a los subsuelos, donde la hija (María Figueras) de Kongo, lo elige como juguete sexual. La vida transcurre y una rebelión se avecina.

    LOS OPRIMIDOS

    "Topos" es un filme fantástico, en la línea de "La sonámbula" de Fernando Spiner y "Moebius" de Gustavo Mosquera, pero su mundo subterráneo remite a "Delicatessen", la película francesa de Jean-Pierre Jeunet y Carot. La narración no es clara, especialmente en el comienzo y se supone que es una suerte de metáfora que separa poderosos y oprimidos, con toques que aluden a la doble moral y una constante de sexo y travestidos.

    No podemos considerar a "Topos" una película lograda, pero sí con inquietudes y algunos aciertos como la atmósfera y la marcación actoral. Leonor Manso hace una creación personal en su papel de la señora Resnicof, la profesora de danza.

    Correctas son las actuaciones de Gabriel Goity (el director del instituto), Mauricio Dayub (Kongo) como el rebelde mayor y especialmente Lautaro Delgado (Topo), al que se vio previamente en el filme "Caño dorado".
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  • Salvajes
    Salvajes
    La Prensa
    Los juegos más sanguinarios

    Es una película "clase B", con el formal estilo de Oliver Stone. Para entretenerse con sangre, sol y violencia, lindos paisajes, la idea de que la droga será un peligro mientras sea ilegal y mucho sonido tropical y desiertos de ocasión.

    El director Oliver Stone supo dirigir inolvidables filmes como "Pelotón", o "Wall Street". Pasó el tiempo y el cineasta incorpora otras inquietudes estéticas y su golosina preferida: la violencia.

    Las primeras escenas acercan al espectador a Laguna Beach, en California, un paraíso de olas impresionantes, sol que quema chicas bellas y surfers musculosos. Súbitamente aparece el horror de los "críticos virtuosos", el relato en off, Ofelia (Blake Lively) narra sus aventuras amorosas que terminaron por juntar dos países a través de la violencia y la droga.

    Ofelia comparte amigos y amantes: Chon (Taylor Kitsch), ex Afganistan y Ben (Aaron Taylor-Johnson), un universitario budista. Ellos comercian droga de la buena, algo así como marihuana "en colores", angelicalmente pura. Chon sabe en qué está metido y puede llegar a la muerte por defender su mansión, su chica, sus deseos.

    Ben cree que la droga de alta pureza atempera enfermedades y hace la vida mejor. Súbitamente la soleada
    Laguna beach ensombrece, aparece gente de un cartel mexicano. Los muchachotes de Elena (Salma Hayek), una suerte de Madrecita de los carteles, tan sangrienta como el peor de sus sicarios. Y les exige parte del negocio a los muchachos de California.

    CABEZAS FLOTANDO

    Lo que sigue, una pileta de natación con señores despanzurrados y cabezas flotando. "Salvajes" es salvaje de verdad, brutal, bella estéticamente por la fuerza de las imágenes de Oliver Stone, que puede estereotipar personajes, pero exprime la imagen hasta sacar lo mejor de ellas. Hay muertes, violencia, sadismo, algunos momentos de diálogos audaces, secuestros, los traficantes mexicanos "sucios, feos y malos", los "dealers del Norte", ingenuos unos, violentos otros, pero muy bellos. Casi un melodrama mexicano pero en colores, con una de las mejores bandas de sonido de los últimos tiempos, galancitos, heroína sexy, dos personajes que se roban la película, la Hayek y el brutal Lado (Benicio del Toro) y Demián Bichir, una revelación en el papel de Alex, ayudante de Elena.

    "Salvajes" es una película "clase B", con el formal estilo de Oliver Stone. Para entretenerse con sangre, sol y violencia, lindos paisajes, la idea de que la droga será un peligro mientras sea ilegal y mucho sonido tropical y desiertos de ocasión. A los mencionados hay que sumar a John Travolta (Dennis), como un corrupto agente de la
    DEA.
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  • La aparición
    La aparición
    La Prensa
    Extraños movimientos en la casa

    Hay algunos efectos especiales aceptables, mucho corrimiento de muebles, hongos que se extienden en superficie. Puertas que se abren y cierran, movimientos extraños en los placares, algunas imágenes más o menos feas.

    La película cuenta que habría habido un experimento parapsicológico de nombre Charles, que involucró a seis personas para convocar al señor Charles Reaner. No se dan datos, pero este señor habría fallecido hace tiempo.
    Con una tecnología superior, en nuestros días, unos estudiantes deciden hacer el mismo experimento y parecen pasar cosas impresionantes. Digo parecen, porque no se ve demasiado.

    Ben (Sebastian Stan), uno de los adolescentes que participaron en el experimento moderno, sin contar nada a su novia Kelly (Ashley Greene), se aloja por unos días en un moderno condominio, no totalmente habitado, propiedad de los padres de su chica que permanece aislado en medio de un desierto.

    La extraña muerte de un perro del vecino en esa casa, será uno de los primeros sucesos que comienzan a inquietar a la pareja.

    PUERTAS Y VENTANAS

    Primero son extraños movimientos que abren y cierran puertas y ventanas, después aparecerán hongos gigantescos en la casa nueva y posteriormente, al ventilar Kelly ciertos espacios verá más hongos y multitud de esporas. La situación irá en crescendo y llegará un momento en que Ben debe contar acerca del misterioso experimento que terminó mal. El no sabe que la próxima experiencia en el mismo condominio, pondrá en jaque la racionalidad y los enfrentará a la muerte.

    La película está bien hecha. Carece de elementos originales. Sus protagonistas son muy jóvenes, Kelly es Ashley Greene, la chica de "La saga Crepúsculo: Amanecer-Parte 2".

    Hay algunos efectos especiales aceptables, mucho corrimiento de muebles, hongos que se extienden en superficie. Puertas que se abren y cierran, movimientos extraños en los placares, algunas imágenes más o menos feas. Una leve dosis de suspenso, porque todo se ve venir, no obstante sus escenas resultan creíbles. En síntesis es una película ideal para amantes del género de terror, que no sean demasiado exigentes.
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  • La pelea de mi vida
    Un niño con más de un padre

    El filme no aporta novedades, se mueve dentro de los clásicos parámetros del género y tiene buen ritmo. Todo transcurre como era previsible y los admiradores de los juveniles intérpretes no aspiran a nada mejor. Junto con ellos, están veteranos como Emilio Disi y Mauricio Dayub, el exitoso "fóbico" de la obra de teatro "Toc toc".

    Precisamente porque el boxeo le dio mucho, aquella derrota en el cuadrilátero aceleró el exilio de Alejandro Ferraro (Mariano Martínez). Lo que no pudo imaginar es que Belén (Lali Espósito), la mujer que dejó iba a tener un hijo suyo, que él no conocería hasta este momento, cuando vuelve con todas las ganas de ser lo que no fue. Juani (Alejandro Porro) todavía no se enteró que tiene dos papás y los dos boxeadores; uno, el que recién conoce; otro, su padrastro, Bruno Molina (Federico Amador), campeón mundial en la categoría medianos.

    Los ocho años de Juani, aunque es muy despierto a pesar de su edad, ignoran muchas cosas. Sin embargo, la intuición le va a decir algo que no sabe.

    El desafío final será entre los dos hombres, sobre un cuadrilátero y con guantes de box. Alguien tendrá que ganar.

    FIGURAS POPULARES

    "La pelea de mi vida" es la clásica comedia romántica interpretada por figuras populares. Jorge Nisco, el director de "High School Musical: El desafío" y "Comodines", dirige con mano segura a figuras conocidas de la televisión como Mariano Martínez, que ya tuvo su debut en la película "El faro" de Eduardo Mignona, pero viene de poderosos éxitos televisivos como "Valientes", o "Son amores", desde sus inicios hace más de diecisiete años.

    En cuanto a Federico Amador, también es muy seguido por el público de televisión ("El elegido"). En cuanto a la joven Lali Espósito, interpreta a Belén, quien cuida al pequeño Juani, mientras su multimillonario padre entrena.

    El filme no aporta novedades, se mueve dentro de los clásicos parámetros del género y tiene buen ritmo. Todo transcurre como era previsible y los admiradores de los juveniles intérpretes no aspiran a nada mejor. Junto con ellos, están veteranos como Emilio Disi y Mauricio Dayub, el exitoso "fóbico" de la obra de teatro "Toc toc".
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  • Ted
    Ted
    La Prensa
    Un malhablado oso de peluche

    Muy bien Mark Wahlberg (John Bennett), encantadora Mila Kunis (Lori Collins) y refrescante la presencia del peluche mal hablado, capaz de insultar al jefe de turno y seducir a una chica que le gusta. Hay una excelente banda sonora con temas de Rita Coolidge, Queen y Walter Murphy.

    El director Seth MacFarlane, es un exitoso guionista, animador, dibujante y actor. Creador de exitosas comedias televisivas como "Padre de familia", en este caso, creó un personaje original que se come el filme con su intervención y trasmuta lo tradicional en diferente.

    John (Mark Wahlberg) es un niño que recibe un osito de peluche de cierto tamaño en Navidad. Desea que esté vivo para que sea su compañero y el deseo se le cumple. Lo disparatado se transforma en cotidianidad cuando el oso alcanza fama, se convierte en una especie de actor de moda, firma autógrafos y cumple su misión de ser el mejor amigo de John.

    Pero el problema llega cuando el dueño se convierte en adulto y decide no crecer, o no asumir la responsabilidad de ser adulto.

    INSEPARABLES

    Ted (al que le presta su voz el mismo director Seth MacFarlane), el oso, en cambio, creció, perdió un poco su gracia infantil y se convirtió en un espécimen medio grosero, amante de la marihuana, las fiestas vulgares y por supuesto compañero inseparable de John. Un John al que se le complica la vida cuando se pone de novio con Lori Collins (Mila Kunis), que quiere lo mejor para él. Fundamentalmente la madurez y el compromiso. Y Ted es un ejemplo negativo para su compañero.

    Comedia lunática, abundante en equívocos y disparates, alusiones al cine y la televisión de los "80, con personajes de esa época, "Ted" se convierte en una parodia a ciertos hechos y actitudes de la sociedad americana media y baja, dispara algunas transgresiones y se ríe de convenciones convirtiendo al joven Ted en un ser delicioso e insoportable. En síntesis, es una extraña mezcla de película de "nerds" con reflexiones a lo Woody Allen.

    Muy bien Mark Wahlberg (John Bennett), encantadora Mila Kunis (Lori Collins) y refrescante la presencia del peluche mal hablado, capaz de insultar al jefe de turno y seducir a una chica que le gusta. Una curiosidad es que aparece Norah Jones y se presenta como una ex relación del simpático Ted. Hay una excelente banda sonora con temas de Rita Coolidge, Queen y Walter Murphy.
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  • 360
    360
    La Prensa
    La revisión de una pieza célebre

    Esta es una película muy posmoderna, apurada, quizás por eso de Fernando Meirelles, preferimos "Ciudad de Dios", su filme anterior, y no dejamos de recordar otras versiones de "La ronda".

    Suerte de película en episodios, como buena representante de la época, sin límites precisos y un tanto fragmentaria, "360" es, como su nombre lo indica, un filme circular, donde las historias cierran y todo está vinculado con todo.

    Recuerda un poco a esas producciones tan de moda de Alejandro González Iñarritu ("Babel"), o la atrayente "Magnolia" de Paul Thomas Anderson, donde la coincidencia, el destino o el "porque sí" son remate de cualquier suceso.

    El asunto es así. Michael Daly (Jude Law), un yuppie va a tener una aventura con Mirka (Lucia Siposová) una prostituta eslovena, mientras la esposa de él, Rose (Raquel Weisz) rompe su relación con un fótografo brasileño (Giorgio Spiegelfeld). Laura (Maria Flor), la chica del fotógrafo a su vez descubre que la engaña y parte en avión compungida hacia su país, mientras en el vuelo conoce a John (Anthony Hopkins), un anciano inglés, del que se hace amiga y a Tyler (Ben Foster) un violador en recuperación, del que se hace más que amiga. Mientras tanto, habrá un encuentro sexual de Valentina (Dinara Drukarova), una mujer de los países del Este, con un dentista argelino (Jamel Debbouze).

    "TOCO Y ME VOY"

    Esto puede servir de guía para el que la quiera ver y le ahorre tiempo para rearmarla más fácil. La película tiene origen literario, pero no se nota, porque todo es superficial, breve, como un "toco y me voy". Eso sí, muy bien fotografiada, con correctas actuaciones, algunos historias más interesantes que otras, especialmente la inicial de Michael Daly (Jude Law), el yuppie, junto a su mujer Rose (Raquel Weisz). Anthony Hopkins logra buenos momentos en las mínimas escenas que tiene a su cargo.

    Las historias no alcanzan a sensibilizar, porque son fugaces. El guión es tan poco profundo, que sus tramas y subtramas, quedan suspendidas en el aire, sin que se aclaren una serie de datos de cada personaje.

    El filme está ambientado en Viena, París, Londres, Bratislava, Río de Janeiro, Denver y Phoenix, pero de esos lugares no se ve nada, sólo aeropuertos o cuartos de hotel.

    Esta es una película muy posmoderna, apurada, quizás por eso de Fernando Meirelles, preferimos "Ciudad de Dios", su filme anterior, y no dejamos de recordar otras versiones de "La ronda".
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  • El código del miedo
    Una niña con memoria prodigiosa

    Mucha violencia, sangre a borbotones en situaciones sorpresa y ciertos elementos que recuerdan la estupenda "El perfecto asesino", la de Luc Besson que con Jean Reno, lanzara a la fama internacional a Natalie Portman ("El cisne negro").

    Mei (Catherine Chan) es una niña realmente asombrosa, un portento para las matemáticas: su facilidad para el cálculo la hace destacarse en la escuela. Lástima que viva en una alejada aldea china y sus condiciones de niña prodigio no le brinden mayores beneficios. Ni para ella ni para su familia. No parece haber novedades en su vida rutinaria pero, algo malo está por pasar.

    La mafia siempre alerta también se entera de sus condiciones y luego de probarla es raptada y pasada a Estados Unidos, donde las tríadas tienen sus negocios importantes. La memoria prodigiosa de la chica hace que se transforme en una computadora ambulante que sirve para la vida sucia de sus nuevos patrones. Han Jiao (James Hong) piensa exprimir sus capacidades hasta el final. Pero un nuevo obstáculo, la mafia rusa aparece en escena. Y un desclasado, Luke Wright (Jason Statham), luchador de artes marciales, echado al abandono luego del asesinato de su mujer por la mafia rusa, será el ángel custodio que la pequeña Mei conseguirá por tener ambos un enemigo común.

    EXTRAÑA PAREJA

    Esta es una típica película de acción de la que no es necesaria la causa y consecuencia de los sucesos, sino el movimiento que realicen para terminar con los obstáculos.

    Filme con personajes atractivos, la niña china y el hombre con cara de bueno. Hay de todo, peleas, persecusiones, abundantes tiroteos y exhibiciones de artes marciales en peleas multiétnicas, donde se confunden los fortachones rusos y los ágiles orientales en una vorágine que se mantiene a lo largo de toda la película con excelente ritmo, buen montaje y humor. Mucha violencia, sangre a borbotones en situaciones sorpresa y ciertos elementos que recuerdan la estupenda "El perfecto asesino", la de Luc Besson que con Jean Reno, lanzara a la fama internacional a Natalie Portman ("El cisne negro").
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  • Todos tenemos un plan
    El Delta del extraño secreto

    Con un buen diseño de arte e impecable fotografía "Todos tenemos un plan" intenta algo inquietante, que en algunos momentos inspirados logra.

    Agustín (Viggo Mortensen) no está contento con la vida que eligió. Parece que la responsabilidad, la profesión, lo previsible de todos los días terminó por hastiarlo. Y ahora, precisamente, su mujer Claudia (Soledad Villamil) quiere adoptar un chico. Quizás sea el momento de decir "hasta aquí". Entonces Claudia, su esposa le dice que se tiene que ir. Y quién sabe él piense que a la vuelta dará el corte final, o imagine que alguien va a aparecer. Y sí aparecerá y le dará vuelta la vida.

    Será Pedro (Viggo Mortensen), su hermano gemelo, su opuesto. Desprolijo, marginal, jugado, como expulsado de las islas en que vivió, llegó para pedirle algo que Agustín nunca imaginó. Algo que le hará tomar su identidad y viajar a esas islas del Tigre, donde debe suponer que está la aventura.

    LOS DESTERRADOS

    Cuando uno ve que el libro que trae Pedro es "Los desterrados" de Horacio Quiroga, imagina que el buen comienzo del filme, conducirá a un mundo y personajes apasionantes. Sin embargo, todo queda a medio camino. Y eso que hay sugestión en el rostro de Mortensen, fuerza en la Villamil, frescura en Sofía Gala -en el papel de Rosa- y todo el peligro de un viaje arriesgado en el rostro cortado a cuchillo de Daniel Fanego, como Adrián. Los personajes no crecen, hay cabos que permanecen sueltos y la velada naturaleza del paisaje permanece sola, inmutable.

    El personaje de Agustín (Viggo Mortensen) queda a la deriva en la búsqueda de sí mismo y el sonido ambiental bien aprovechado en los viajes por el agua es reemplazado por una imperiosa banda sonora.

    Con un buen diseño de arte e impecable fotografía "Todos tenemos un plan" intenta algo inquietante, que en algunos momentos inspirados logra.
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  • Elles
    Elles
    La Prensa
    Atreverse a un tema muy duro

    El filme plantea un tema que suele ser encuesta en los diarios y replantea el debilitamiento de la ética y los valores tradicionales de una sociedad.

    El título de la película parafrasea el nombre de la revista "Elle", para la que escribe la protagonista, Anne (Juliette Binoche), una mujer de mediana edad, que por determinadas actitudes, revela ciertos prejuicios que lo vivirá irán derribando.

    Su nota sobre la prostitución juvenil, con ciertas particularidades como la de utilizar el oficio para pagar los estudios universitarios, la lleva a conocer a dos jóvenes que la ingresan, al menos imaginariamente, a un universo prohibido pero real.

    La exhibición de cómo se desarrolla el inicio de las actividades eróticas de las chicas, la importancia del caudal de dinero que va tirando abajo cualquier valoración ética y las vejaciones que especialmente una de ellas sufre, transparentan una interesante visión documental sobre lo que ocurre en la vida real. Y decimos la vida real porque muchas exhibiciones de casos ya sea en televisión, o cine implican preconceptos como "lo hago porque no encuentro trabajo", "es un trabajo como cualquier otro", o "nunca lo haría si tuviera un trabajo digno".

    LOS HOMBRES

    Pocas veces se presenta la total degradación que sufre Charlotte (Anais Demoustier) por parte de hombres de clase media, casados y profesionales. En contraposición, la inmigrante polaca muestra mayor suerte en sus elecciones y un especial gozo de su "profesión". Película que revela una tendencia feminista, pero desnuda impiedades del "oficio más viejo del mundo".

    "Elles" tiene cortes abruptos, ciertas evanescencias de aspiraciones estéticas, algunos diálogos filosos, escenas de sexo explícito encuadran una película al borde del "cine verdad", con mucho de documental y actrices interesantes. A la notable Juliette Binoche, como Anne, la periodista, que llega a cuestionar su vida tradicional de esposa y madre con un trabajo regular en una revista de modas, se suma Joana Kulig, como Alicja, la chica polaca, línea Lolita, que concentra a la cámara con su sola presencia.

    En síntesis "Elles" plantea un tema que suele ser encuesta en los diarios y replantea el debilitamiento de la ética y los valores tradicionales de una sociedad.
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  • Posesión satánica
    Una chica en manos del demonio

    Formalmente impecable, con una interesante intervención de la música que condensa lo sobrenatural, "Posesión satánica" es una variante en el "cine de miedo", que los adictos recibirán con los brazos abiertos.

    Seria interesante ahondar en la historia del "dybbuk", del folclore judío, algo así como un espíritu maligno que se aloja en el cuerpo de alguien para encarnarse, así que no tiene mejor idea que ir devorándolo y cambiándole la personalidad. Otros dicen que es alguien que todavía no llegó a un estadio de espiritualidad, o sea que es algo así como un híbrido y quiere el cuerpo de una persona para volver y mejorar.

    Ahora, por lo que vemos en esta película, bueno no es. Lo que ignorábamos es que había exorcistas judíos y esto lo muestra esta película.

    La historia es sobre una chica, conocida como Em (Natasha Calis), que se deslumbra con una linda caja de madera con inscripciones en hebreo. En una venta de garage, su padre se la compra y adiós, hay argumento para toda una tragedia.

    A la pobre Em le pasa de todo, ya estaba nerviosa por la separación de sus padres, pero eso no es motivo para clavarle un tenedor en la mano a su padre en medio de un almuerzo familiar, o aferrarse de tal manera a la caja amada, que parece que se obnubila con ella y separada de su "pseudo ama" mata a quien la retiene, la pobre maestra. Bueno, el asunto empeora y en el filme se ven todos los pasos de la posesión y luego el ritual exorcista de un rabino.

    RABINO EXPERTO

    Pudo haber sido una película gore, mucha sangre y mucho drama; pudo ser una película más de espíritus malos. Pero un director para tener en cuenta, el danés Ole Bornedal, la transforma en un episodio de la vida real, con chicos y padres como los que cada uno de nosotros tenemos y con los intereses cotidianos de un señor en tren de separación con una hija en problemas.

    El horror aparece como accidente y se desarrolla con interés y verosimilitud. Mínimos efectos especiales, pero justos y necesarios, un grupo de actores de muy buen nivel, un exorcismo rabínico porque el espíritu es judío (novedad en el cine de horror) y una locación sobria, sólo intervenida por alguna manifestación lejos de lo normal.

    Formalmente impecable, con una interesante intervención de la música que condensa lo sobrenatural, "Posesión satánica" es una variante en el "cine de miedo", que los adictos recibirán con los brazos abiertos. Por algo el querido Sam Raimi, pope del cine de horror, custodió la producción. Entre las actuaciones se destacan Kyra Sedgwick (Stephanie), la madre y la joven Natasha Calis (Em).
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  • Vacaciones explosivas
    Con la impronta de Mel Gibson

    El filme comienza con una persecución loca, que termina mal para alguien que acompañado por un compañero herido, lleva un botín de más de dos millones de dólares. La persecución acaba con el auto estrellado en la frontera mexicana y con unos policías que cambiarán de actitud cuando vean lo que contiene el auto.

    El caso es que Driver (Mel Gibson), así se llama el dueño del botín, es llevado a una cárcel muy particular llamada "El pueblito". Una suerte de ciudad dentro de la cárcel en la que conviven ladrones y asesinos con sus familias, y en la que los pequeños negocios se dan la mano con un casino modesto y todo tipo de garitos.
    La droga circula sin control. Dicen que "El pueblito" existió en México pero no se sabe si en la misma Veracruz, donde sucede la acción.

    UN NIÑO AYUDANTE

    En la cárcel Driver (Gibson), llamado por los mexicanos "El gringo", trata de sobrevivir con un sorpresivo ayudante, conocido como "el chico" (Kevin Hernandez), de nueve años y muy apreciado por la "elite" de los malandras, por razones que se saben al final del filme.

    Se trata de una típica película de acción muy a la manera de Gibson ("Arma mortal", "Corazón valiente"), en la que "El gringo" es el clásico violento de corazón justiciero, enfrentado a otros malos, muy malos, que sólo piensan en delinquir.

    La película tiene un atractivo, la descripción de "El pueblito", una cárcel a la mexicana, con señores amigos de los enfrentamientos, en la que hay que pagar derecho de piso y la vida siempre está en peligro. Espacio de maleantes muy pobres y maleantes muy poderosos, que conviven sólo separados por casuchas de chapa en el llano y viviendas de cierto lujo en el alto.

    Con mucha acción en el comienzo y en la presentación de la cárcel y su gente, la película se estereotipa, carga las tintas, exagera y termina con poca verosimilitud y mucha desmesura.

    Mel Gibson es Mel Gibson y hay un chico de familia mexicana que se roba las escenas en que interviene y se llama Kevin Hernández. Es buena y divertida la música de Los Cadillacs.
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  • El legado de Bourne
    Con la máscara del superhéroe

    "El legado de Bourne" sin Bourne, entretiene, habrá que ver si este Aaron Cross, personificado por el californiano Jeremy Renner, puede ponerse a la altura de los superhéroes de un escritor como Robert Ludlum, el verdadero creador de Bourne.

    Que nadie se confunda. Hasta la anterior "Bourne: el ultimátum" (2007), todas las historias giraban en torno al agente de la memoria perdida llamado así, Bourne. Ahora en este "legado" hay un tal Aaron Cross (Jeremy Renner), del mismo tipo físico del anterior (papel que hacía Matt Damon), quizás un poco más sonriente, también "intervenido" para ser algo así como un Superman, sin dolores, sin cansancio (eso sí, sin poder volar), ideal para las misiones locas que le encomienda el Departamento de Defensa norteamericano.

    Justamente la historia se centra en los "chems", drogas de diseño que pueden modificar el comportamiento del hombre y que en manos de enemigos puede ser un arma letal. Va a haber de todo, para impedir que esos peligrosos instrumentos de programas, diseñados para modificaciones humanas, caiga en manos de gente "incorrecta".

    La película de Tony Gilroy tiene buen ritmo, que tarda en despegar. Recién a los cuarenta y cinco minutos el filme se transforma en lo que uno espera de una producción que lleva el nombre de Bourne.

    LAS PERSECUCIONES

    Destrozos a mil, fiesta de efectos especiales, aviones que estallan, persecuciones locas (la vedette es una de motos, imperdible, casi en el final, capaz de sacar al espectador de su butaca en algún giro brusco) y una matanza en la mejor tradición del cine negro, con un científico sumido en la locura haciendo blanco en colegas médicos, en ambiente aséptico.

    Esta es una de las producciones estadounidenses que vienen como derivadas de éxitos seguros, caso "El hombre araña", "X Men". Ellos la llaman sofisticadamente "reboot", nosotros ya conocíamos la técnica como "refrito", la misma con otra envoltura. En este caso son similares situaciones de efecto, enloquecidas corridas, espionaje y contraespionaje, pastillas mágicas cuyo efecto se puede parar buscando virus vivos que, por supuesto van a estar en algún lugar de Oriente, en este caso Manila y un superhéroe: Aaron Cross (Jeremy Renner), que en esta historia tiene al lado a una linda compañera médica, de nombre Marta Shearing (Rachel Weisz).

    "El legado de Bourne" sin Bourne, entretiene, habrá que ver si este Aaron Cross, personificado por el californiano Jeremy Renner, puede ponerse a la altura de los superhéroes de un escritor como Robert Ludlum, el verdadero creador de Bourne.
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  • La despedida
    La despedida
    La Prensa
    Ese profundo amor al fútbol

    José (Carlos Issa) hizo un sueño del fútbol. Soño con ser campeón. La vida dijo no y se convirtió en un cuarentón decepcionado, con un empleo rutinario, una esposa, Andrea (Natalia Lobo) que le exige un hijo, compromiso que él se niega a asumir, porque, quién sabe si de esa manera se siente libre, más joven y eternamente irresponsable. Eso sí, sigue como fiel integrante del Juventud Unida Fútbol Club, al que va desde que era un niño. Pero lo que nota es que el tiempo pasa y hasta su técnico lo deja en el banco.

    El filme comienza cuando a José le diagnostican un problema pulmonar y le aconsejan no jugar más al fútbol. Entonces decide arriesgarlo todo por el todo. Irá a esa final con el equipo a trescientos kilómetros de Buenos Aires. Y se empecinará en salir del banco y meter un gol. El viaje con los amigos de toda la vida, entre ellos Fede (Fernando Pandolfi) y Andrea, su mujer, será un recorrido por cada uno de los momentos de la adolescencia común. El final. Una incógnita.

    VERDADERA PASION

    "La despedida" es una atractiva película que concentra los gustos del argentino medio, y ¿por qué no? del rioplatense. Es el gusto por la amistad y la pasión por el fútbol. Y lo hace con una historia creíble, emocional, con toques de humor y ese replanteo de los objetivos del principio que uno pensó se iban a cumplir en algún momento. Porque "La despedida" es una película de definiciones y replanteos. De asunciones y responsabilidades. Donde la amistad se pone en juego y la decisión es todo un tema.

    Excelentes actuaciones de todo el grupo con un nivel homogéneo y una muy buena intervención de Natalia Lobo, en el papel de Andrea y de Fernando Pandolfi, como Fede, el amigo de la infancia. Un director para seguir porque conjuga el interés de una historia nuestra, con lenguaje propio y buena mano para los actores.
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  • Historias que sólo existen al ser recordadas
    En un Macondo a la brasileña

    Un pueblo perdido en el tiempo. Donde Madalena (Sonia Guedes), olvidada de cumplir años amasa bollitos, tan escasos como sus vecinos que van a misa casi todos los días. Donde don Antonio (Luiz Serra) no puede evitar rezongar ante las mañas de Madalena, tan tozuda para ubicar los pancitos en su despensa de la manera en que él no quiere. Macondo brasileño sin generales, pero con un sacerdote llamado Josías y mujeres que como Madalena todavía leen y escriben cartas.

    Con la selva cercana, con caminos que nadie transita y cementerios cerrados con llave. Rutinas de eternidad a la que llega Rita (Lisa Favero), una joven con su cámara fotográfica, la que como esos vecinos, detiene el tiempo en sus placas, los embellece y de alguna manera les exhibe el alma, creando un lazo por el que transita el pasado y el futuro.

    REALISMO MAGICO

    Quien ve la película de Julia Murat, puede evocar lo que se conoció como realismo mágico y que García Márquez, o Juan Rulfo lograron llevar a la literatura. Relato poético, mínimo, austero, casi sin palabras, pero con conceptos bellos, como ese que susurra Madalena a la joven que mira los retratos en las paredes: "ellos se fueron y quedaron las fotos". Fotos que recuerdan un hijo muerto, el de esa mujer que amasa el pan.

    Con exquisita fotografía, encuadres pictóricos, sonido directo y algunos toques musicales tan sutiles como el filme, Murat maneja una cámara creadora de atmósferas, de movimientos lentos, casi morosos. Su guión es un modelo de precisión y sus personajes, casi evangélicos (Madalena invitando a la forastera a "sentir el pan" y lamentando no ver el alma de su esposo amado).

    Personajes casi emblemáticos, exactos en su composición y una Sonia Guedes, en el papel de Madalena, que alcanza su tope actoral en la fotografía final, donde vuelve a la juventud en un instante, cristalizado en la placa de la visitante.
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  • Dos más dos
    Dos más dos
    La Prensa
    Unos aprendices de swingers

    Es una comedia, nada pretenciosa, con un poco de picardía y correctas actuaciones de un atractivo cuarteto protagónico, en el que se destaca especialmente Julieta Díaz. Alfredo Casero hace reír con su espontaneidad y simpatía.

    Emilia (Julieta Díaz) tiene un buen marido, un trabajo atractivo y un hijo de catorce años. Vive bien, pero parece que se aburre un poco. Se le ve en la mirada y sin embargo observa con curiosidad a sus amigos Betina (Carla Peterson) y Richard (Juan Minujin), que parecen recién casados y se hacen arrumacos.

    La sorpresa llega cuando Betina le cuenta a Emilia, que son swingers y disfrutan del intercambio sexual hace años. Diego (Adrián Suar), médico como Richard, socios los dos en una clínica, no puede creer lo que le cuenta su mujer. Como puede ser que su amigo de tantos años nunca le contó semejante cosa!. Pero lo que más le asombra es la ligereza de Emilia al aceptar eso que no puede aceptar. El caso es que Emilia piensa que como le dice su amiga, "esa situación" puede ser un incentivo para refrescar un matrimonio rutinario y probar fantasías sexuales.

    LA COMUNIDAD

    Una fiesta para conocer una "comunidad" de adictos los va a lanzar a una aventura inesperada. Esto de las insatisfacciones, la existencia de los swingers, ya las registraba la época hippie, donde droga y sexo grupal era una posibilidad más o menos escandalosa.

    El cine mismo la recordaba con "Bob y Carol, Ted y Alice", que dirigió Paul Mazursky, en la que hablaba de la crisis moral norteamericana. En este caso Diego Kaplan, el director, toma la historia con buena dosis de humor. Es un entretenimiento liviano, que no ahonda demasiado y se centra en diálogos sencillos, algunos equívocos y especialmente la actitud de un tipo muy prejuicioso como Diego.

    LOS JUGADORES

    La película tiene una vuelta de tuerca cuando la nueva situación ya es costumbre y uno de los "jugadores" se arrepiente. Sí, es verdad que el matrimonio se revitalizó, pero parece que eso de jugar con fuego, a veces quema y hay que elegir entre la ampolla, o el alejamiento del fuego.

    "Dos más dos" es una comedia, nada pretenciosa, con un poco de picardía y correctas actuaciones de un atractivo cuarteto protagónico, en el que se destaca especialmente Julieta Díaz. Alfredo Casero hace reír con su espontaneidad y simpatía.

    Correcto el guión, muy buen nivel técnico y la sensación de que hasta el humor tiene su cuota de amargura. Las escenas "fuertes", no son para asustar a nadie, están bien resueltas y son bastante recatadas.
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  • Los indestructibles 2
    La acción no excluye el humor

    Parece ser el momento de recordar a tantos héroes, como, Rambo, Terminator y compañía. Un poco más cálidos, más sabios y como saben quiénes son después de tantos años, capaces de burlarse de ellos mismos y conservar la picardía y los físicos trabajados en la era del gimnasio.

    Nuevamente "Los indestructibles" embarcados en sus arriesgadas aventuras. Allí están Barney Ross, el inexpugnable Sylvester Stallone y su grupo de mercenarios superpoderosos. El objetivo, un señor chino con muchos millones, raptados en un ignoto lugar. Pero el asunto se complica y en algún momento deberán negociar con el misterioso Church (Bruce Willis), algo así como Charlie (el de la vieja serie "Los Angeles de Charlie"), del que no se sabe bien de dónde viene, pero sí qué es lo que quiere que hagan. Esta vez está asociado con Trench (Arnold Schwarzenegger)

    Cuando todo parece ir bien encaminado en la misión asignada, aparece el malo muy malo de turno, de nombre Vilain (Jean-Claude Van Damme) y borra al más buenazo de los nuevos "indestructibles" de un plumazo. Es el más joven, el que quería volver con la noviecita buena y soñaba con que ella tuviera una mejor vida. Ante el desastre, los veteranos "indestructibles", que tienen su corazón, se ponen las pilas y deciden vengarlo. De paso tendrán que beneficiar a la humanidad, porque el malo está metido en la captura de cinco toneladas de plutonio que, si estalla, no preanuncia nada bueno.

    LOS SUPERHEROES

    Con abundantes gags humorísticos, inteligentes diálogos relacionados con el pasado de cada superhéroe, el filme es netamente superior al anterior. Quien sigue la trayectoria cinematográfica de Sylvester Stallone, Arnold Schwarzenneger, Chuck Norris y Bruce Willis disfruta el doble, porque, permanentemente, hay actitudes y palabras muestran a los superhéroes reírse de sí mismos y generan guiños en el espectador aficionado al género. Y ése es el gran hallazgo del filme, más allá de la loca acción ininterrumpida, de los autos que vuelan por el aire, de los tanques que destrozan lo que venga, o la moto que de un golpazo derriba un helicóptero en vuelo.

    ALBANIA Y NEPAL

    Por supuesto que la acción sucede en lugares de onda, hay algo de Oriente y mucho de Europa del Este (en este caso Albania y Nepal como escenarios). Es obvio que hay una heroína china, Maggie (Nan Yu), que sabe artes marciales, aunque no es demasiado expresiva y también hay lugar para un nórdico circunspecto (se pusieron de moda luego del éxito de "Wallander" en televisión), que impresiona por su cara tallada en piedra y su físico compacto, a cargo del actor sueco Dolph Lundgren, en el papel de Gunner Jensen.

    En síntesis, para adictos al cine de acción, incluso clase B. Este parece ser el momento de recordar a tantos héroes, como, Rambo, Terminator y compañía, a los que van a encontrar plenos de botox y tatuajes, un poco más cálidos, más sabios y como saben quiénes son después de tantos años, capaces de burlarse de ellos mismos y conservar la picardía y los físicos trabajados en la era del gimnasio. Una secuela recomendable.
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  • La era del rock
    Un entretenimiento con sonido

    El film es un muestreo de atractivas canciones y no tanto, con actores muy jóvenes, como Julianne Hough y el mexicano Diego Boneta. También está Tom Cruise bastante bien en el papel de Stacee Jaxx, una estrella del rock, que tiene su propio grupo llamado Arsenal.

    Basada en un musical de Broadway muy exitoso, "La era del rock" toma el personaje de Sherrie Christian (Julianne Hough), una jovencita de Oklahoma, que llega a la ciudad de Los Angeles para probar suerte en el mundo de la música. Su primera mala experiencia va a tener su lado bueno, porque al ser víctima de un robo, conoce a Drew Boley (Diego Boneta), un chico que trabaja en uno de los boliches de Sunset Strip, la calle de la música, en el que ella también conseguirá un trabajo de camarera y poco después, nuevamente al lado del muchacho, comenzará su carrera de cantante.

    Estructurada como un musical, el filme sigue a Sherrie y cuenta sus aventuras y la de su Drew, su novio, también cantante, a través de canciones exitosas de grupos como Jon Bon Jovi, Pat Benatar, Guns N"Roses y otros.

    VARIADOS HITS

    La película se desarrolla a partir de una sucesión de hits de distintos momentos del rock, ubica en primer plano el romance de la pareja Sherrie-Drew y muestra a Dennis Dupree (Alec Baldwin), administrador del lugar, él que será el protagonista de aportar un toque gay al filme. A los mencionados, se suma Patricia Whitmore (Catherine Zeta-Jones), la esposa del intendente, obsesionada con la moralidad, que trata de hacer imposible la supervivencia del local de música y baile.

    "La era del rock" es un muestreo de atractivas canciones y no tanto, con actores muy jóvenes, como Julianne Hough y el mexicano Diego Boneta.

    También está Tom Cruise bastante bien en el papel de Stacee Jaxx, una estrella del rock, que tiene su propio grupo llamado Arsenal; Alec Baldwin y Paul Giamatti, en un antipático Paul Gill, manager de Stacee Jaxx (Tom Cruise). Catherine Zeta Jones se muestra tan joven y atractiva como en una de las primeras películas de "Indiana Jones", en las que participó.

    "La era del rock" es un entretenimiento válido que dirigió Adam Shankman, el mismo de "Hairspray".
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  • El vengador del futuro
    En un mundo superpoblado y hostil

    Esta es una versión de la película del mismo nombre que dirigiera Paul Verhoeven en 1990, tomando como base un relato del británico Philip K. Dick.

    Aquí también está Douglas Quaid (Colin Farrell), un trabajador que vive en la Tierra, devastada por la guerra química. Sólo quedaron dos sectores, la Colonia y la Federación Unida de Bretaña. Mientras la primera, donde habita Quaid es algo así como el Tercer Mundo, superpoblado y hostil; la segunda, bella y sin excesos de población es para los privilegiados y está gobernada por el canciller Cohaagen (Bryan Cranston), dueño y señor de los super robots, fuerza de choque aparentemente intocable.

    LA REBELION

    En este momento, los medios hablan de un conato de rebelión liderado por Matthias (Bill Nighy), guerrillero al que nadie conoce. Es en este momento que Quaid, descontento con su vida personal y con pesadillas que lo atormentan, decide recurrir a Recall, un lugar donde los sueños se convierten en realidad por manipulación tecnológica. Sus peores pesadillas pasan a formar parte de su entorno inmediato y su vida se convierte en una huída permanente.

    Bastante alejada del espíritu de un maestro de la ciencia ficción como fue Philip Dick, o del estilo Verhoeven, interesante director de la versión que protagonizara Arnold Schwarzzenegger y Sharon Stone en sus comienzos, esta remake se transforma en un filme común de acción permanente. Así Quaid y la misteriosa mujer que ya conociera en el sueño, pasan toda la película en una constante persecución, dejando de lado todo lo que pudiera analizarse desde el punto de vista del pensamiento y reduciendo el universo de la ciencia ficción, a una impecable reconstrucción material con impactantes efectos especiales.

    PROEZAS MARCIALES

    El que busca acción y parafernalia tecnológica, o un diseño arquitectónico distinto con autopistas en desnivel, vehículos que trasladan a los obreros a velocidades supersónicas; o los que sobre un colchón de aire saturan la Colonia, no se verán defraudados.

    La película es bastante ágil, tristemente oscura, abundante en proezas marciales, con recurrencia a elementos orientales en la ornamentación de la Colonia y un claro desinterés por lo temático. El asunto de la implementación de los recuerdos y la complejidad de la memoria se despachan en tres líneas. El resto es ruido, música a todo volumen, una extensión excesiva y poco, muy poco para los actores que tampoco hacen demasiado, salvo correr y luchar a lo loco como Colin Farrell (Douglas Quaid). Poner cara de malo pero astuto, como ocurre con Brian Cranston que hace el papel de Cohaagen, o hacer de Matthias, un guerrillero euroamericano, a cargo del desperdiciado Bill Nighy.
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  • El sol
    El sol
    La Prensa
    Entre el caos y la violencia

    Esta pareciera ser la historia de dos jóvenes: Once y la Checu. Y digo pareciera porque todas son aproximaciones, miradas hacia un singular largometraje animado, que ubica a los personajes veinte años después de una guerra nuclear.

    El caso es que todo quedó bastante parecido a lo que nos rodea, donde con un lenguaje más cercano a la cloaca que al dúplex, se habla mal de todo, desde las clases altas, a los piqueteros y en la que ni se salvan las computadoras, que son destruidas con entusiasmo, haciendo desaparecer la imagen del sol que pretende salir a pesar de todo.

    LOS MUTANTES

    Como decíamos, sobreviven los adolescentes que se desplazan por el desierto con la consigna "donde hay internet hay gente". Se encuentran con algo así como monstruos, con caníbales a los que llaman "bonitos" y hasta gente de un Sindicato Nacional de Argentinos Mutantes. Para completar aparecen los de Greenpeace, tan violentos como los demás.

    Después vendrán las figuras pseudo-religiosas tras las que se van los chicos, la ruta como constante hacia lo imprevisible y la final aparición de algo así como un Espantajo símil Michael Jackson, guía espiritual temporario. Y el sol "que siempre está".

    Más que comprender quizás uno tenga que prepararse para "sentir" esta película de Ayar Blasco y lo que se siente frente a este "Sol", es una sensación ambigua de frescura, juventud y desconcierto, un golpe de libertad y a la vez de caos, violencia y por sobre todo un humor ácido y escéptico.

    "El sol" tiene ritmo. Son atractivos los dibujos, las voces de los personajes están bien manejadas por los actores-locutores y es bueno el nivel de sonido. En cuanto al lenguaje es una jerga adolescente dura y reiterativa.
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  • Terror en Chernobyl
    Una excursión algo arriesgada

    El desastre nuclear del reactor de Chernobyl en abril de 1986, en Ucrania, Rusia, advirtió una vez más al mundo sobre los peligros del manejo de la energía nuclear. Solo las cifras de evacuados, más de ciento treinta y cinco mil (quince mil viven en nuestro país), los desastres en forma de innumerables enfermedades y daños al eco sistema dan testimonio de la catástrofe.

    La película estrenada ambienta la acción en Pripyat, a 10 kilómetros de la estación atómica del desastre y es el lugar que eligen para hacer una excursión, un grupo de jóvenes turistas estadounidenses: la morocha Amanda (Devin Kelley), la rubia Natalie (Olivia Dudley) y los hermanos, Michael (Nathan Phillips) y Chris (Jesse McCartney), a los que más tarde se suma una pareja integrada por una noruega y un australiano.

    Desde Kiev contratan una visita al lugar prohibido, la ciudad de Pripyat y con un guía "border" incursionan en lo que ellos llaman "turismo de riesgo".

    CIUDAD DESHABITADA

    La visita a la ciudad deshabitada les hará saber que no está tan deshabitada como se dice y que todo puede acabar en un desastre.

    Filme de suspenso, con un poco de horror que se siente, pero que casi no se ve es la atracción de esta película menor, que se destaca por los exteriores desiertos y tétricos y las apocalípticas locaciones de la ciudad fantasma.

    Cámara en mano, no demasiadas explicaciones, puro escape de monstruos que se imaginan mutantes radiactivos y que no aparecen, al menos no son vistos por el espectador, son características de "Terror en Chernobyl", con la interesante figura de Dimitri Diatchenko en el papel de Uri, el guía.

    La no autorización de filmación en la real Pripyat, hizo que se utilizaran las abandonadas bases secretas y túneles de la Segunda Guerra Mundial, utilizadas por la Fuerza Aérea soviética en Belgrado, Serbia.
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  • Historias breves 7
    El campo y la durísima ciudad

    Esta séptima edición de "Historias breves", conformada por nueve cortometrajes de jóvenes directores debutantes, surgió de un concurso organizado por el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (Incaa).
    Es bueno aclarar que de las primeras ediciones de "Historias breves" surgieron directores como Lucrecia Martel, Pablo Trapero, o Rodrigo Moreno.

    De estas "Historias breves 7", se destaca una pronunciada preocupación por el diseño de producción, la síntesis narrativa, la elaboración de climas y una correcta y no demasiado ambiciosa dirección de actores.

    El tema de explorar los géneros ha sido otra constante de esta selección. De esta manera se puede encontrar un eficaz acercamiento al formato del western, en "Cenizas", de Gwen Joyaux, cuya historia es protagonizada por dos hombres: un comisario de pueblo y un supuesto asesino.

    En "Fábula", Agustín Falco, su director eligió contar con sugestivas pinceladas, el despertar del amor adolescente, a orillas de un río. Y así como las dos anteriores transcurren en zonas alejadas de la ciudad, "Crónica de la muerte de Paco Uribe", de Santiago Canel, elige un barrio el Once, para relatar un posible crimen.

    OTROS PERSONAJES

    En "Tres historias cuatro", Anahí Farfán desarrolla una propuesta más ambiciosa. Sigue a cuatro personajes en distintas circunstancias: una mujer que espera ser la ganadora de un billete de lotería; un adolescente encerrado en su habitación; un hombre que cocina para alguien que no llega y una mujer, Susana (Viviana Saccone), que descubre la infidelidad de su marido y lo mata.

    "Cuchi" de Emmanuel Moscoso se ubica en la tragicomedia rural al contar lo que provoca, la muerte no intencional de un chancho, que se le cruza en la ruta a un micro que viaja con una hinchada de fútbol a bordo.
    Interesante es la propuesta del actor y director Federico Esquerro. Para su corto, "En carne viva", elige mostrar lo que sucede en el backstage de una filmación, cuya historia transcurre en una carnicería de un barrio periférico de Buenos Aires.

    "La última parada" de Nadia Benedicto, "El hombre rebelde" de Martín Mainoli y "Bajo el cielo azul", de Martín Salinas, también coinciden en situaciones en las que prevalece la originalidad del relato.
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  • El camino del vino
    Una ruta que gustaría a Baco

    Registrar la vida de un sommelier, ese señor que disfruta la dulce tarea de analizar vinos es una originalidad. Y hacerlo en cine más aún. Eso fue lo que hizo el joven realizador Nicolás Carreras y eligió para ello a Charlie Arturaola. ¿Qué quién es Arturaola? Si Henning Mankell es el actual rey nórdico de la novela negra, Arturaola lo es del universo de los sommelier. Uruguayo de fama internacional, los festivales del mundo especializados en vino lo premian. Es uno de los "diez paladares" del mundo.

    La película no sólo habla de su historia, sino que entrevista especialistas, cata gustoso todo tipo de vino y clasifica bodegas. Suerte de Noé redivivo, de rostro melancólico debuta en cine con esta docuficción de Nicolás Carreras.

    Pero la película no nos muestra los triunfos del sommelier, sino el momento en que la crisis lo enfrenta y pierde su paladar. Nada lo satisface y las diferenciaciones enológicas lo confunden. Entonces le recomiendan seguir su viaje para recuperar lo que perdió. Y ¿cuál será su destino? Las mejores viñas de la Argentina.

    DE DOS ORILLAS

    Así lo veremos recorriendo los "caminos del vino", las viñas de Mendoza, hablando con dueños de estancias, sembradores y consumidores. Internet lo mantiene conectado con el mundo y su mujer, una norteamericana fanática del negocio del vino y sus proveedores, no hace demasiado por calmar su drama de carencias y peregrinajes. Así recorrerá distintos lugares donde el vino es rey, donde las puestas de sol son como un escurrirse del vino hacia el ocaso, hasta llegar casi a los orígenes de su vida, donde quizás pueda lograr la paz de la anhelada degustación.

    Filmada en la Argentina (Mendoza) y Uruguay (Montevideo), este original testimonio de un amante del vino, tiene personajes atractivos siempre relacionados con el amor a la bebida espirituosa, los bellos paisajes soleados, las bodegas variadas y algún que otro Festival vinero a disfrutar. Lo que comienza como una inquietud por la salud que le impide saborear su trabajo, adquiere casi el tono de una aventura existencial en busca del sabor perdido y un viaje hacia las raíces del vino y del mismo buscador.

    Con buen ritmo, bella fotografía y nuevos paisajes, "El camino del vino", seguramente se convertirá en favorito de los seguidores de Baco, aquel dios juguetón y feliz, adornado con pámpanos.
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  • Atraco!
    Atraco!
    La Prensa
    Las fabulosas joyas de Evita

    Recientemente la prensa se vio conmovida por el descubrimiento de los responsables del robo de las joyas de Eva Perón, que incluían sofisticados y modernos componentes, desde falsos jeques árabes, gemólogos prestigiosos hasta una banda delictiva de Europa del Este.

    Con todo esto hay material para una película de James Bond. Pero ahora nos llega otra, con elementos de realidad y ficción que también tiene como protagonistas a las joyas de la esposa del ex presidente Juan Domingo Perón, quien gobernara la Argentina por tres períodos.

    Policial con aristas sentimentales, el filme se inicia con un robo en la joyería española en que se exhiben las joyas mencionadas. En un salto al pasado, asistimos al por qué del hecho que pasa por la necesidad de recuperar las joyas, ubicadas comercialmente para asegurar la residencia del general Perón durante su exilio en Panamá.

    TRIO DELICTIVO

    Hay un tal Landa (Daniel Fanego), organizador del atraco, que contrata a un ferviente peronista, Merello (Guillermo Francella) y lo hace acompañar por Miguel (Nicolás Cabré), hijo no reconocido del mencionado Landa.
    "Atraco!" es una buena comedia policial con aristas melodramáticas e ingredientes políticos muy bien manejadas por el director catalán Eduard Cortés. Sus puntos altos, el sólido guión, la reconstrucción histórica (década del "50) y actuaciones como la de Daniel Fanego, consagratoria labor en su papel de Landa y Guillermo Francella, que continúa una ascendente superación dramática, logrando un acabada composición del fanático ladrón.

    Con ellos, en un destacado nivel, Oscar Jaenada, Amaia Salamanca, Jorge Suquet y Jordi Martínez. La marcación juguetona de Nicolás Cabré, aunque simpática, rompe un tanto la línea del personaje.
    La película, de impecable musicalización tiene un correcto diseño técnico y estético.
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  • Batman: el caballero de la noche asciende
    Una historia que hace pensar

    La película atrapa. Aunque extensa, se proyecta a través de distintas peripecias y personajes en los que ahonda, un tanto superficialmente, sobre la vida misma. Christian Bale atemoriza y aporta un rostro torturado a su Bruce Wayne/Batman.

    Más de setenta años pasaron desde que Bob Kane y Bill Finger incorporaron a DC.Comics el mundo del Bruce Wayne, el hombre murciélago de trágico destino, convertido en justiciero.

    En la tercera parte de Batman, del director Christopher Nolan, reaparece el amargado millonario. Luego de siete años de ausencia, aconsejado cálidamente por su mayordomo Alfred (Michael Caine) y presionado por el mayor enemigo que se le ha presentado, Bane (Tom Hardy), guerrillero cruel con la apariencia de un Anibal Lecter, de triste memoria, Wayne-Batman (Christian Bale) se lanza a la aventura.

    EL REENCUENTRO

    A su alrededor, los clásicos personajes de la historia: Lucius Fox (Morgan Freeman), que le fabrica la parafernalia defensiva; el comisario Gordon (Gary Oldman), conocedor de los secretos del justiciero; Ra"s Al Ghul (Liam Neeson), suerte de gurú de Wayne; la filántropa Miranda (Marion Cotillard), amante de la ecología y la señorita Selina Kyle (Anne Hathaway), nueva Gatúbela. A todos ellos se incorpora Blake (Joseph Gordon-Levitt), admirador de Wayne, que no cree de todo lo que se le acusa.

    Filme de acción y suspenso, que no dan respiro, "Batman, el caballero de la noche asciende", planea con el mejor vuelo desde la escena inicial, en que el poder destructivo de Bane se comprueba durante un momento imprevisible, hasta aquella en que el clásico partido de la NBC se interrumpe por el descontrol que produce la tecnología de Bane en el campo de juego. Escenas como la de la fuga en moto, la épica del enfrentamiento entre la policía de Ciudad Gótica, los malvados liberados por Bane y sus propios hombres, ponen imágenes impactantes a una acción que nunca se detiene.

    Durante el filme se filosofa un poco primitivamente, Alfred aconseja a su "pupilo" con amor y sentido común, se habla sobre el sentido de la vida y se llega a la conclusión que con gente como Bane el infierno habita la tierra.

    PLENA ACCION

    La película atrapa. Aunque extensa, se proyecta a través de distintas peripecias y personajes en los que ahonda, un tanto superficialmente, sobre la vida misma. Christian Bale atemoriza y aporta un rostro torturado a su Bruce Wayne/Batman.

    Michael Caine sigue siendo un gran profesional, la Gatúbela (Hanne Hathaway) de ojos singulares es un prodigio de elasticidad y artes marciales, mientras el caos se apodera de Gótica y Blake intriga con su curiosidad y poder de deducción. Impecable el diseño formal, la fotografía y la alucinante música.

    Mensajes esperanzados a veces, tétricos otras, con notoria carencia de humor, el filme revitaliza la personalidad dual del pobre Batman y la polémica necesidad del caudillo fuerte para ayudar a defender la ciudad.
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  • El dictador
    El dictador
    La Prensa
    Un disparatado líder africano

    Todo es posible y los disparates se acumulan como gags efectistas que no alcanzan a organizar un guión coherente. Queda, a pesar de las risas, un Sacha Baron Cohen, a mitad de camino, que es talentoso, pero la armonía de su comicidad aún no está calibrada.

    El general Haffaz Aladeen es algo así como el director supremo de Wadiya, un utópico lugar, que estaría al norte de Africa, de fuerte impronta musulmana.

    Por lo que observamos, Aladeen es una suerte de Idi Amin Dada, aquel gobernante ugandés autoritario y caníbal de triste memoria. Aladeen es un compendio de virtudes negativas, dominante, asesino, discriminador, enemigo de las mujeres (pero no demasiado) y capaz de eliminar, fusil en mano, a sus contrincantes en los Juegos Olímpicos, simplemente por una cuestión de competencia. Imagínense lo que ocurre cuando la diplomacia de su país acepta que hable en las Naciones Unidas por una cuestión de reciprocidad y convivencia global. Todo será posible cuando el dictador llegue y sea secuestrado y permanezca oculto en una tienda de comida vegetariana en las afueras de Manhattan.

    GRACIA ESPERABLE

    El filme es divertido. Se vale de una serie de gags, equívocos, momentos paródicos y la innegable gracia de Sacha Baron Cohen, aquel reportero de Kazajistán, enviado a Estados Unidos en una misión de cooperación cultural, que se pudo ver en "Borat", una de sus películas anteriores.

    El problema es que su originalidad inicial, la audaz exposición de diferencias culturales que separan Oriente y Occidente, cuando las costumbres las tiene un desubicado y loco autoritario, se ve empañada por un exceso de groserías que pasan de determinados topes. Si uno se ríe ante las desopilantes desubicaciones de este extremista oriental en una sociedad occidental, también lo hace ante situaciones burdas que no merecen ser incluídas en un relato cinematográfico de cierto nivel.

    CHICA ACTIVISTA

    Las tribulaciones de Aladeen se desbordan. Raptado, enamorado de una chica lesbiana y activista de los derechos humanos, asistente partero en nacimientos sorpresivos, donde la posible llegada de una beba despierta chistes como "varón o aborto" y surreales encuentros amorosos en interiores insospechados, todo es posible y los disparates se acumulan como gags efectistas que no alcanzan a organizar un guión coherente. Queda, a pesar de las risas, un Sacha Baron Cohen, a mitad de camino, que es talentoso, pero la armonía de su comicidad aún no está calibrada.

    Si en "Borat", el comediante mostraba una mayor cercanía con la concreción de un buen filme. Risueño, pero más cerca de los nerds de la películas clase "B", de estudiantina enloquecida, "El dictador", no logra un total convencimiento, a pesar de contar con un actor de talento como Ben Kingsley, en el papel de Tamir, tío y consejero del protagonista.
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  • Soledad y Larguirucho
    Un formato para la discusión

    Se mantienen, entre tanto facilismo, algunas canciones de Soledad, su simpatía y naturalidad y el encanto de los personajes de García Ferré, con las notables voces que forman parte de su identidad (destacada labor de locutores y animadores).

    Manuel García Ferré está incorporado a la mitología de la historieta argentina a través de creaciones como Pio Pio, Anteojito, Hijitus, Larguirucho, Petete y Calculín. Si sus personajes fueron integrantes de la infancia argentina, su revista Anteojito (con Billiken) lideró la gráfica dedicada a los chicos. La televisión fue la segura continuación de su éxito en forma de tira y el cine generó éxitos como "Mil intentos y un Invento", Ico o Manuelita entre otros.

    Esta vez, uno de sus personajes más queridos, Larguirucho, nacido hace más de treinta años, acompaña la figura de la popular cantante Soledad, en una serie de aventuras en la provincia de San Luis. Personajes como el profesor Neurus, Pucho y Serrucho, unidos a la Bruja Cachavacha tratan de hacer fracasar sus presentaciones y apropiarse del poncho, a la que la bruja atribuye el éxito. Distintas figuras, muy conocidas por el público, como el Chaqueño Palavecino, Natalia Pastorutti, Carlitos Balá, Capusotto y otros, acompañan el recorrido.

    FIGURAS QUERIDAS

    "Soledad y Larguirucho", más allá de presentar figuras queridas como la joven cantante y el buenazo y un poco tontón de Larguirucho, no logra satisfacer lo que uno puede pedir a un buen relato para chicos. Lo fundamental es que carece de un guión mínimamente compacto como para nuclear una historia que vaya más allá de las secuencias independientes. Asimismo, es un tanto presionante la necesidad de convertir determinados pasajes del filme en una suerte de guía turística. Pensamos que la existencia de figuras retóricas como "la alusión" o "la imagen", aplicadas al cine, son más efectivas que la publicidad directa, hay una ausencia de recursos imaginativos que puedan transformar una necesidad de producción en un momento justificable de la ficción.

    El formato plano, como desajustado en el tiempo, con recurrencias de los personajes al público o ciertas repeticiones de los mismos invitados utilizados en cameos, acercan más el relato a superados recursos de viejas series televisivas, facilismo poco aceptable.

    Se mantienen, entre tanto facilismo, algunas canciones de Soledad, su simpatía y naturalidad y el encanto de los personajes de García Ferré, con las notables voces que forman parte de su identidad (destacada labor de locutores y animadores). Si hay una secuencia que se destaca y se acerca a lo mejor de la recordada ingenuidad y encanto de las anteriores películas de García Ferré, es la de la evocación de los trenes y sus estaciones solitarias, imaginario melancólico, luego de la debacle que los desactivó.
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  • Donde habita el diablo
    Una más del género de terror

    El argumento hace aguas, el desarrollo es previsible, la acción se demora inexplicablemente, la última parte es peor que la anterior y el final previsible. Nada cierra, los caracteres no se trabajaron y hay una medianía general.

    El público en general se enteró qué significaba la palabra "Poltergeist" hace treinta años, cuando el filme de ese nombre, de Tobe Hopper, planteó, ante el común de los espectadores, los problemas que trae tener una casa con fantasmas.

    Ya no eran los tradicionales fantasmas ingleses, que no se animaban a dejar la casa por amor, melancolía o problemas de adaptación. Estos salían del televisor, tenían mal humor y estaban tan mal educados que eran capaces de matar a los pobres habitantes ocasionales sin controlar sus impulsos momentáneos.
    Y bien.

    El tiempo pasó y la imaginación en vez de profundizarse se aligeró. Lo decimos después de ver a este grupo de investigación paranormal que va al departamento de una familia en problemas, donde los "poltergeist" abundan. Ellos llevan todo para su tarea. Para grabar lo que no escucha el oído humano, para ver lo que el ojo del hombre ignora, para detectar movimientos, medir la temperatura, resulta que cuando aparecen los "poltergeist", baja la temperatura. Por ese motivo, en tiempos de ola polar como la que sufrimos, estar invadidos por "poltergeist" va a ser una costumbre.

    MAS FANTASMAS

    El caso es que, en este, a pesar de todo, los fantasmas insisten, gritan, tiran cosas, rompen vidrios, ponen de malhumor a la familia y gestan problemas de compatibilidad. Hasta el perro muestra señales de desorientación y el innombrable o la innombrable insiste e insiste.

    "Donde habita el Diablo" pudo ser buena, "Poltergeist" fue un éxito, "La noche del demonio" de James Wan, con ese tema, gustó al menos en su primera parte.

    Pero aquí, sólo la parte formal vale la pena. El argumento hace aguas, el desarrollo es previsible, la acción se demora inexplicablemente, la última parte es peor que la anterior y el final previsible. Nada cierra, los caracteres no se trabajaron y hay una medianía general. Sólo se salvan los efectos especiales. El guionista es español, tuvo varios premios internacionales, pero esta vez no acertó, a pesar de asociarse a un director nacido en Barcelona, Carles Torrens, como él, joven y muy premiado.
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  • Arrieros
    Arrieros
    La Prensa
    Los trabajadores nómades existen

    Dentro del llamado "documental tradicional", "Arrieros", asiste a la vida cotidiana del hombre y su grupo en tiempo real. La cámara se mantiene "silenciosa", sin ningún tipo de participación sonora, ni recurrencia a la nota o reportaje.

    El director Juan Baldana realizó la segunda película que forma parte de una trilogía que se inició con "Soy Huao", ambientada en la Selva Ecuatoriana y finalizará con "Pescadores", que se desarrolla en el noreste brasileño.

    El objetivo del filme "Arrieros" es, como en otras de la trilogía, seguirla historia de un grupo, en este caso un grupo familiar, que vive en contacto directo con la naturaleza en la que realiza gran parte de su vida cotidiana y su actividad laboral.

    Ambientada en la Cordillera de los Andes Chilena, el filme sigue la actividad migrante de arrieros que transportan mercadería en zonas montañosas y alejadas de centros regionales urbanos, así como acompañan al ganado en busca de mejores pasturas, siguiendo los vaivenes estacionales, para retornar a zonas bajas, cuando se avecina la temporada de las nieves.

    VIDA COTIDIANA

    El espectador registra zonas agrestes, naturaleza imponente, actividades diarias de los arrieros que no sólo abarcan el abastecimiento cotidiano, sino el mercadero espontáneo de productos caseros elaborados por las mujeres de la casa y la explotación de animales como ovejas y cabras, para el sustento diario.

    Arreos en busca de mejores campos, celebraciones familiares nocturnas, distribución de productos a clientes circunstanciales, vecinos ocasionales y turistas, docencia a los más chicos de actividades de ordeñe y castración animal y la constante actividad en procura de la subsistencia son las acciones de una vida sencilla y campesina.


    Dentro del llamado "documental tradicional", "Arrieros", asiste a la vida cotidiana del hombre y su grupo en tiempo real. La cámara se mantiene "silenciosa", sin ningún tipo de participación sonora, ni recurrencia a la nota o reportaje.
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  • El sorprendente Hombre Araña
    El relanzamiento de un héroe

    Filme joven, sólido, atractivo para grandes y adolescentes, hecho con mucho de la temática ochentista ("E.T." o "Volver al futuro"), con subrayados en el peligro de la ingeniería genética mal orientada, los desbordes megalómanos y la necesidad de la vuelta al sentido común y la responsabilidad moral.

    El fanático de la historieta debe fascinarse por la amplitud creativa de Stan Lee (en meses, noventa años), autor con Steve Ditko de "El hombre Araña", Hulk, XMan, Dr Strange, Capitan América, personajes creados desde los años 40, cuando entraba a la célebre Marvel, usina de la historieta universal. Para él no debe ser muy novedoso este reinicio de la saga de su arácnido personaje. A la dirigida por el director Raimi, le sucede esta saga de Andrew Webb, un director de menos de cuarenta, especialista en videoclips, que con "El sorprendente Hombre Araña" lanza su primera apuesta al mundo del mitológico integrante del clan Marvel.

    El filme presenta a Peter Parker desde la infancia, cuando es dejado con sus tíos por sus padres, que deben huir misteriosamente, dejando un pasado relacionado con la ciencia. Su romance en la escuela secundaria, su cambio físico producto de la picadura de una araña, tratada radioactivamente por un socio de su padre en laboratorios dedicados a la investigación genética son algunos de los ítems por los que transcurre la película.

    El nuevo realizador, karmáticamente relacionado por su apellido al personaje (Webb es tejido, telaraña en inglés) tuvo como notables colaboradores en el guión a figuras de la talla de Alvin Sargent ("Julia" y "Gente Común"), Steve Kloves (los "Harry Potter") o James Vanderbilt, que más allá de un suntuoso apellido familiar, aporta un brillante desempeño en éxitos como "Zodiaco". En síntesis, el filme tiene un guión tradicional, entretenido, claro y humano. Sus seres exhiben diálogos creíbles y uno llega a quererlos, especialmente a este arácnido joven interpretado por el sensible Andrew Garfield y a sus tíos (Sally Field y Martin Sheen, impecables).
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  • El chico de la bicicleta
    Un mundo donde todo es posible

    El filme muestra la perfección en un relato puro y salvaje, que no puede hacer más que hacer pensar en un mundo peligroso y bello, donde todo es posible y en el que es necesario convivir.

    Cyril ama su bicicleta, quizás porque es lo único a lo que puede aferrarse cuando sus demonios interiores lo asaltan y lo obligan a correr. Y ahora, en el hogar de acogida en que está refugiado, le dicen que su padre se fue sin dejar rastros. Cyril lo defiende porque no puede haberse ido sin dejarle su bicicleta. Y así con esa convicción o con la necesidad de que sea verdad, el chico de trece años emprende reiteradas huidas para encontrarlos. Cuando la bicicleta es rescatada por una benefactora de profesión peluquera que se interesa por él, Cyril sigue negando que haya sido su padre el que la vendió por unos pocos francos.

    LA VIDA ES ASI

    La realidad lo hará comprender que sí, su padre se fue, aunque esté cerca; que sí, su padre vendió la bicicleta para gastos de momentos y que sí, no quiere saber nada de él, simplemente porque no integra su mundo, "es demasiado para mí".

    Y sí, hay padres por convicción y padres por accidente, la vida es así. El asunto es cómo reacciona un chico ante el desamor, ya despojado por la muerte de la figura materna. Y allí apunta el estilete estético Dardenne, estos hermanos directores que, recolectores de historias cotidianas de desamparo, corrupción y ausencia van fijando en imágenes, como Flaubert, la "Comedia de la Vida". Filme austero, amargo, sencillo, en que un chico puede arrojarse al crimen o pedalear hasta el infinito por la desesperación de quedarse solo en la vida.

    "El chico de la bicicleta" es un filme Dardenne. Entomológico, despojado, donde se disecciona la soledad sin juzgar moralmente las situaciones, pero al que se incorpora la luminosidad de la ruta y el campo, la figura de la peluquera como un Arcángel salido de las películas de Wenders y tres ramalazos beethovianos (inhabitual la música en sus obras), que marcan la tragedia y que un memorioso puede vincular a un olvidado Bresson (Mouchette), afín a la estética de los hermanos belgas.

    Nuevamente la perfección en un relato puro y salvaje, que no puede hacer más que hacer pensar en un mundo peligroso y bello, donde todo es posible y en el que es necesario convivir.
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  • El camino
    El camino
    La Prensa
    Un filme sencillo y emocionante

    Nunca pensó Tom Avery que eso podía pasarle a él. Hasta hace pocos días atendiendo en su consultorio a los pacientes que confiaban en su experiencia y prestigio como oftalmólogo. Su rutina inconmovible, sus horarios perfectos y todo el tiempo que le daba esa California en la que pudo lograr lo que siempre quiso, una carrera, dinero, fama en su profesión.

    Pero de repente, lo inesperado, su único hijo Daniel muere en un accidente en Francia. Ese hijo tan distinto a él, volcado a lo espiritual, alejado de la vida material y hasta con todo preparado para iniciar ese Camino de Santiago, la ruta peregrina que la fe transita para venerar las reliquias del apóstol Santiago el Mayor. Y Tom, quién sabe por qué, decide hacer lo que su hijo proyectó y no pudo lograr. Tom, por primera vez, asume un riesgo, inicia una aventura.

    CAMINO A SANTIAGO

    Como en "La Vía Láctea", de Buñuel, los que transitan el recorrido milenario, no llegarán iguales, algo los cambiará para siempre. Si lo sentirá Daniel cuando le toque compartir con los más variados personajes esa suerte de "road movie existencial". Desde el caudaloso holandés Jost, bromista y "bon vivant", hasta la interesante canadiense de los ojos claros o el efervescente irlandés.

    "El camino" es un viaje interior con sorpresas a lo largo del camino. Su recorrido tiene movimiento y pequeñas aventuras entretienen tantos kilómetros de paisaje. Sencillamente contada y con un elenco donde sobresalen Martin Sheen en un personaje de exterior duro, pero capaz de comprender lo diferente y Yorick van Wageningen, el gran actor holandés, tan dúctil como para dar vida a este encantador personaje, diametralmente opuesto al repugnante tutor de "La chica del dragón tatuado". Por ahí, como imprevista mesera la recordada Angela Molina. Un filme sencillo y emocionante.
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  • Tierra de los padres
    La memoria del país en la Recoleta

    Como en su película "M", "Tierra de los padres" revela una búsqueda de la memoria, de la identidad de un país. En este caso a través de confrontaciones a lo largo del tiempo. Nicolás Prividera elige como lugar de filmación, el cementerio de la Recoleta, una superficie de más de cincuenta y cuatro mil metros cuadrados, que cambió su destino a lo largo de los siglos, desde su condición de huerta de los padres recoletos en el siglo XVIII con su iglesia y convento, hasta transformarse en gran cementerio de gente de poder y prestigio en el XIX con la epidemia de fiebre amarilla.

    Enmarcada entre la imperturbabilidad de la muerte y la eternidad cambiante del río, pero siempre acunada por el himno nacional, un grupo de artistas e intelectuales leen frases de políticos, escritores, o escritores-políticos, referidas al país que amaron, por el que lucharon, del que tuvieron que partir o por el que sufrieron martirio, pagaron culpas, desconocieron creyendo conocerlo o violentaron: la Argentina.

    Indudablemente la autenticidad, el autoritarismo, el prejuicio, el fervor, la resignación, el desengaño, la violencia embanderan palabras de siglos actuales o pasados, dichas por Echeverría, Facundo Quiroga, Sarmiento, Alberdi, Rosas, Mármol, Ascasubi, Hernández, Lavalle, Mitre, Mansilla, Roca, Lugones, Mallea, Martínez Estrada, Eva Perón, Silvina Ocampo, Juan José Valle, Girondo, Rodolfo Walsh, Massera, Urondo, Mariano Moreno y tantos otros. De sus amores, de sus odios, hablan sus ideas, equivocadas, justicieras, patriotas, ambiguas, ricas en deseos, embebidas en sangre, guerreras o pacifistas.

    IDEA ORIGINAL

    Ideas dichas por los que "viven" en sus tumbas, bajo vestiduras de mármol de esculturas inmutables. Ideas que significaron honores, muertes, asesinatos, todas con la misma fuerza y convicción, esta vez dichas por poeta, intelectuales, artistas. En medio de gatos que transitan las bóvedas, sepultureros que discuten los nuevos precios del servicio y flores de entierros, recolectadas para volver a venderse.

    Hace seis años Heddy Honigmann construyó un poema filmando el documental "Forever" en el cementerio del Pere Lachaise de París, con Chopin, Proust, Piaf o Callas y sus incondicionales seguidores; Prividera, de cuarenta y dos años elige también una tierra de muertos, pero lo hace para convocar los fantasmas que construyen la historia social de un país, precedidos de una escena de víctimas que suponen victimarios.

    A través de imágenes de archivo se pasa revista a la revolución del 55 o a las de los campos de Ezeiza, Malvinas, el 2001.

    Película para reflexionar, para cuestionar y de introspección necesaria, mientras la imagen final evoca aquella escena inolvidable de "Garage Olimpo" con el Río de la Plata que deja de ser el río color de león de Mallea, para convertirse en ominoso destino final.
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  • Pompeya
    Pompeya
    La Prensa
    Mafias en mediano conflicto

    El título puede despistar. No se engañe. No va a encontrar el barrio que pintaba Manzi, nada de perfume de yuyos y de alfalfa, como decía el tango, sí "un poco de barro y pampa".

    "Pompeya" da nombre a un guión que están escribiendo un director, un guionista y un chico que se inicia como guionista. Quieren hacer una película de gangsters en la Argentina y de las distintas posibilidades que se plantean para su realización surge "la película de la película". Habrá dos conflictos, el de los que escriben y sus problemas personales y el que surge de la imaginación de los guionistas.

    Cine policial. Cine de gangsters, casi nada nacional, porque muy poco cine de género se ha visto en los últimos tiempos. Por eso las ideas que aparecen en el grupo tienen mucho que ver con Tarantino, John Woo, la mafia rusa, la coreana, pero ambientada en un barrio con olor a tango.

    DIRECTORA ORIGINAL

    El filme de esta joven directora de exótico nombre, Tamae Garateguy, tiene altibajos, pero es interesante y revela una creadora de ricos recursos y mano tan fuerte como la de algunos de los karatecas que utiliza en su película. Porque la Garateguy arremete sin piedad y abunda la sangre, el sexo, lo sádico y también el humor (orgía en la mejor tradición "dolce vita").

    Cine con elementos experimentales, mucha cámara en mano, excelente despliegue fotográfico y cuidado montaje, "Pompeya" atrae con su fragmentarismo y esa discontinuidad característica.

    Si es aficionado al género, no se asusta de la sangre y tiene ganas de ver un potable "padrino ruso" (muy bien Vladimir Yurabel), sádicos torturadores orientales, chicos que se dicen de villa, pero hablan y actúan como adolescentes de clase media en sábado a la noche en milongas pompeyanas con guapos y "percantas" (Jazmín Rodríguez se destaca), ésta es una opción. Con muy buen acompañamiento musical.
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  • A Roma con amor
    Una constelación de estrellas

    El filme narra intrascendentes historias, algunas increíbles como la del descubrimiento de Woody Allen, como director de ópera, deslumbrado por el futuro consuegro que sólo canta bien en el baño, o la de Alec Baldwin en un personaje irreal, alma en pena guardián de un estudiante de arquitectura.

    No podemos compararla con "Zelig", ni "Manhattan" o "La rosa púrpura del Cairo", porque era otra constelación, tenemos que aterrizar en "Vicky Cristina Barcelona" y su imagen de España, o la endeblez atractiva de "Conocerás un extraño", para acercarnos a esta liviana comedia coral, donde distintas parejas circulan por Roma, se encuentran, se desencuentran, admiran la ciudad, no arrojan monedas en la fontana de Trevi y no tienen encuentros sorprendentes en el Coliseo.

    Lo que uno puede evocar luego de finalizar la proyección es que Roma es bella y la música de una época ("Volare", cantado por Domenico Modugno) nos deslumbró. Pero de esas historias mínimas, casi tradicionales, de esas divagaciones sobre el amor, la amistad y las desilusiones, no queda nada.

    LOS PERSONAJES

    Por Roma transitan parejas, turistas y no turistas, recién casados cuya novia se pierde en las calles de la ciudad, directores de ópera que no parecen directores de ópera sino ejecutores de performances vanguardistas metidos a jubilados que buscan no parecerlo, pobres psiquiatras destinadas a soportar un marido imbancable (Judy Davis), o incomprensibles adolescentes que conocemos como "bombas eróticas" y cuyo físico y comportamiento no va más allá de una chica de barrio pedante y bastante insípida (Ellen Page).

    De vez en cuando, algún comentario agudo o el enfrentamiento de la derecha y la izquierda en las personificaciones de jóvenes abogados idealistas e insoportables sexagenarios y alguna sorpresa vocal con el tenor Fabio Armiliato, metido a funebrero, o Roberto Benigni, bastante moderado, como el hombre famoso.

    "A Roma con amor" narra intrascendentes historias, algunas increíbles como la del descubrimiento de Woody Allen, como director de ópera, deslumbrado por el futuro consuegro que sólo canta bien en el baño, o la de Alec Baldwin en un personaje irreal, alma en pena guardián de un estudiante de arquitectura.

    Hay figuras como Penélope Cruz en una suerte de deslumbrante Sofía Loren, una desaprovechada Judy Davis, como la esposa de Woody Allen, divertido en su papel o Antonio Albanese en un poco agraciado personaje de seductor. En síntesis esta es una nueva broma de Allen luego de cuarenta y cuatro películas.
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  • Las voces
    Las voces
    La Prensa
    Un ventrílocuo con su muñeca

    En su lecho de muerte, Ema, asistida por su hija y su nieta de doce años, parece haber dejado una pista para encontrar al abuelo de la niña, al que ella habría abandonado luego de no poder comprender el mundo de locura en que estaba inmerso.

    La nieta, Ana, comienza a buscarlo y el señor aparece. Madre e hija tratan de comprender lo que pasó.
    A través de dos tramos temporales se van atando cabos sobre lo que ocurrió y como se produjo el cortocircuito familiar.

    Pablo Torre, director de "El amante de las películas mudas", libro y filme que le pertenecen, incursiona nuevamente en personajes que se mueven esquemáticamente en la historia. El problema del relato, que en un comienzo parecería poder evolucionar dramáticamente, es su confusión.

    UNIVERSO PROPIO

    A pesar de que el personaje del ventrílocuo forma parte de un universo propio, no quedan claros distintos elementos de la narración cinematográfica que van dificultando la comprensión del relato.

    El mundo del ventrílocuo, dueño de una muñeca con la que tiene una extraña relación, su paso por el cine de barrio, donde se dan algunas películas argentinas y en las que el actúa como número vivo, no asumen carnadura dramática y la extrañeza e incomprensión de la historia aumenta a medida que se acerca el final.

    Los actores, profesionales como Jean-Pierre Noher, especialmente Ana Celentano que da a su personaje autenticidad, el correcto Alejandro Awada y la niña Wanda Brenner de interesante rostro, hacen lo que pueden en un clima opresivo, que, desafortunadamente, también exhibe problemas de iluminación y más aún de maquillaje. A tono la música de Luis María Serra.
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  • La era de hielo 4
    Dos continentes que se separan

    Aunque el guión no esté a la altura de las películas anteriores de la saga, el ritmo es acelerado, los personajes siguen atrayendo y el plano formal es impecable. El filme se ve con agrado por su humanidad y sencillez comunicativa.

    Nuevamente Scrat y su increíble bellota, su Vellocino de Oro, su diploma final, su sueño imposible. Esta vez la ardilla provoca nada menos que la separación de los continentes. Familias, hermanos, padres e hijos son afectados y por supuesto la familia que se formó en 2002, con el nacimiento de la saga.

    Manny, el mamut, Sid el perezoso y Diego, el tigre dientes de sable, también sufrirán las consecuencias del cataclismo. Si Scrat navega a la deriva en un iceberg, los amigos Sid, Diego y Manny, también tendrán su historia.

    Así, enfrentamientos con el malo, muy malo de turno, el capitan Gutt, un poderoso orangután, se sucederá a la aparición de la familia de Sid, que le deja "en prenda" a la malhumorada abuela, gruñona y temeraria. También aparecerán personajes como Shira, una tigresa dientes de sable que trabaja para el simio, pero comienza a interesarse por Diego.

    SIRENAS Y BALLENAS

    El filme de Martino y Thurmeier tiene todos los ingredientes para entretener al pequeño público, personajes deliciosos, peleas y persecuciones, romance que ya se observa entre Morita, la elefanta adolescente y uno de los concurrentes a la cita de la cascada, motivo de enojo entre ella y su padre.

    A los mensajes sobre necesidad de la unidad familiar y tolerancia por la diferencia, se une mucha acción y nuevas peripecias como el pasaje por los mares, seguidos y seducidos por las sirenas que cambian su formato y se disfrazan de seres queridos por los protagonistas.

    Hay una aventura con ballenas, la pelea a muerte con el corsario simio y una supuesta llegada al Paraíso.

    Aunque el guión no esté a la altura de las películas anteriores de la saga, el ritmo es acelerado, los personajes siguen atrayendo y el plano formal es impecable. El filme se ve con agrado por su humanidad y sencillez comunicativa.
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  • Sombras tenebrosas
    Humor con vampiros y brujas

    "Sombras tenebrosas’ es un revival, ingenuo, querible y con inolvidables escenas de lucha (Barnabas y la bruja son como los protagonistas de aquella pelea que podía verse en ‘La guerra de los Roses’).

    La película se inspira en la serie de culto de Estados Unidos que con el mismo nombre, ‘Sombras tenebrosas’, se mantuvo cinco años en el aire con gran éxito. En aquellas épocas, Tim Burton tenía más o menos diez años, Johnny Depp ocho, casi la edad de algunos de los integrantes de este filme, como Helena Bonham Carter o Michelle Pfeiffer, y por supuesto, todos admiraban la saga televisiva.

    O sea, lo que tenemos delante de nuestros ojos es una suerte de humorada homenaje a todo lo que señores del cine como Burton, Depp, Bonham Carter o la Pfeiffer admiraron. En un delicado equilibrio en que se disputan lo gótico, lo expresionista y el camp con su carga de artificio y presuntuosidad.

    Nuevamente retorna a la vida el más admirado de la serie, el vampiro romántico y casi inocente llamado Barnabas Collins.

    LA FAMILIA

    En busca de su amada lastimada por una bruja poderosa y de la necesidad de estar nuevamente en familia, Collins salta del siglo XIX al XX y aproximadamente a mediados de la década de 1970, en pleno auge hippie, vuelve a la vida, féretro mediante, en largo viaje hacia la augusta Norteamérica, tierra de oportunidades. Luego de angustiarse ante la luz pavorosa de un McDonald rutero emprende el viaje hacia el hogar como un ET un tanto desconcertado.

    Después vendrá al encuentro familiar con sus parientes, todos freaks como bien suponemos y la psicóloga que les cuida la mente. Después se desencadena una suerte de caos creativo donde fluctúan el buen humor, los hallazgos tontos, monstruos como hombres lobos, vampiros, brujas malditas y los enfrentamientos de dos
    familias que luchan por el poder.

    SOL Y SOMBRA

    Nada nuevo brilla esta vez bajo el sol y la sombra de la dupla Burton- Depp. La trama carece de unicidad, los subtemas son descontrolados y simplones, los chistes nada del otro mundo, lo que sí se ofrece es una interesante parafernalia de efectos especiales que tienen su centro en la lucha ‘a muerte’ de Barnabas y la bella bruja.

    Hay mucha mezcla de personajes, desde el ayudante del vampiro (poco trabajo para el talentoso Jackie Earle Haley), hasta la deliciosa Josette, una suerte de heroína de animé, de ojos redondos y tranparentes llamada Bella Heathcote, o la tumultuosa bruja Angelique Bouchard, que hace Eva Green.

    Sí hay creatividad en las intervenciones musicales desde los Carpenters hasta Alice Cooper en vivo y la humorada de lujo de Burton y Depp mantiene la melancolía, cierta nostalgia por un mundo más cercano a ‘Los locos Adams’ que a la solemnidad vampiresca.

    Ese universo televisivo, familiar y conocido, incapaz de asustar verdaderamente. ‘Sombras tenebrosas’ es un revival, ingenuo, querible y con inolvidables escenas de lucha (Barnabas y la bruja son como los protagonistas de aquella pelea que podía verse en ‘La guerra de los Roses’).

    El mundo de David Lynch, se muestra con influencias de Ray Bradbury y parece supervisado por una revivida Morticia en disfraz de bruja y con un impagable Johnny Depp.
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  • La plegaria del vidente
    Una serie de extraños hechos

    Misteriosos asesinatos en las playas atlánticas son la clave a dilucidar para ‘Vasco’ Bilbao, maduro investigador, un hombre conflictuado, con pasado complicado y la seguridad que va a poder atrapar al que llaman ‘El loco de
    la ruta’.

    PASOS BASICOS

    Para este caso tendrá un periodista policial que lo ayuda y la colaboración de un vidente del que se cuentan experiencias que nadie puede explicar. A su alrededor, un pequeño mundo de personajes como la médica forense, que le facilita la tarea y figuras casi ausentes durante el día, pero vivas en la noche de Mar del Plata, las prostitutas y ese submundo que todos ocultan. Por sobre todos ellos, la extraña figura del policía corrupto llamado ‘El alemán’.

    La película de Gonzalo Calzada, como buena novela negra, se centra en la figura del antihéroe representado por el ‘Vasco’, duro investigador policial, que deberá llevar adelante este caso que aparentemente pareciera tener las apariencias de un ajuste de cuentas. Un segundo cadáver y un tercero complican la investigación y todo hace suponer que no sólo hay un asesino serial, sino una serie de ‘fantasmas’ policiales y políticos que presionan la
    investigación.

    La serie de crímenes se convierte en una verdadera telaraña, difícil de resolver. Filme de género que sólo pretende cumplir sus pasos básicos, la adaptación de la premiada novela del mismo nombre de Carlos Balmaceda, finalista del importante premio Planeta de 1999, en su versión en cine, alcanza un buen ritmo narrativo y ciertos momentos que recuerdan la serie del fallecido Fabián Polosecki, que era capaz de ingresar a los peores lugares con la naturalidad de los verdaderos periodistas y generar otra realidad.

    Pero los mayores logros de la película están en la elección de locaciones y gente desconocida que permite apreciar otra Mar del Plata, oculta y temible, gracias a la fotografía de Abel Peñalba y el diseño de producción de Sergio Fernández. Mar del Plata brinda una nueva imagen, no la ciudad playera, de postales y sombrillas al sol, sino la que esconde un cierto misterio y lo inmostrable.

    LOS LOGROS

    El filme de Gonzalo Calzada presenta un correcto Gustavo Garzón como el investigador, Fabio Aste en su segundo en la aventura junto con un excelente Vando Villamil, en el papel de Riveros. Un reaparecido Rodolfo Ranni y la solvencia de Valentina Bassi como la forense, junto a una muy buena Victoria Carreras y la siempre eficiente Mimi Ardú.

    Filme negro que nuevamente entrelaza el crimen con la connivencia policial y la política, ‘La plegaria del vidente’
    es un testimonio desparejo, de buen diseño estético pero abundante en cabos sueltos que sostiene un buen ritmo y algunos momentos de impacto, basados en un argumento tomado de la vida real.
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  • El secreto de Albert Nobbs
    Un drama humano del siglo XIX

    Película sensible y austera, en la que se siente, más que nunca, la desesperación de la mujer sola, aceptada por la fuerza laboral únicamente como hombre (son tiempos de la gran hambruna irlandesa de 1845) y cuando los derechos sociales estaban ausentes.

    Un pequeño hotel en Dublín con buena clientela. Entre el personal de servicio: Albert Nobbs, insignificante servidor, eficiente y callado. Nadie sabe nada de su vida, tampoco él. Luego el espectador conocerá sus orígenes, el abandono por alguien que se encargó su crianza y la sola presencia de una madre en un pequeño retrato que conserva. Luego vendrá la necesidad de subsistir en la pobre Irlanda de mediados del siglo XIX.

    UNA EPOCA PRETERITA

    Nada parece faltarle al austero Nobbs, que ahorra dinero para independizarse. Nada hasta que conoce la felicidad familiar de Hubert, el imponente pintor de brocha gorda que hace todos los trabajos pesados en el hotel y vive con su mujer en los suburbios. Hubert también tiene un secreto, como Nobbs. Los parecidos se encuentran.

    Basada en el cuento de George Moore (1852-1933), el filme de Rodrigo García, es una exquisita pieza dramática, de impecable diseño y un prodigio de maquillaje (Nobbs). Llevado al cine por el trabajo incansable de Glenn Close, que representó la versión teatral veinte años atrás, su interpretación es una síntesis de vida interior y emocionalidad. Pocos pueden haber expresado tanto, sólo con sus ojos o su actitud corporal. Pero todo el equipo actoral se destaca, especialmente ese Hubert, que compone la actriz Janet McTeer, suerte de Gertrude Stein de la clase trabajadora, que parece salida de obras de Henry James como ‘Las bostonianas’.

    Película sensible y austera, en la que se siente, más que nunca, la desesperación de la mujer sola, aceptada por la fuerza laboral únicamente como hombre (son tiempos de la gran hambruna irlandesa de 1845) y cuando los derechos sociales estaban ausentes. Una Irlanda dependiente de la Inglaterra que castigara las elecciones sexuales de Oscar Wilde con la cárcel y como asegura Janet McTeer, dejara en paz el lesbianismo por la simple razón de que la reina (Victoria) no creía en su existencia.
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  • Fuera de juego
    Negocios detrás de la pelota

    ‘Fuera de juego’ es una comedia liviana con toques de humor y un comienzo sólido al principio, que derrapa un tanto al final. La dupla Diego Peretti-Fernando Tejero, un popular comediante español, funciona, aunque el guión pierde eficacia y abunda en obviedades a medida que avanza el filme.

    Diego es un médico que a pesar de que el fútbol no lo fanatiza, de alguna manera se siente invadido por esa ‘pasión de multitudes’, compañera familiar desde la infancia. Nunca imaginó que por un problema de enfermedad de su tío, va a ser catapultado a España para representar a un nuevo valor adolescente por el que se interesa el Real Madrid.

    Tampoco imagina que habrá otro representante español, un pillo habitualmente dedicado a los partidos de tercera y las exhibiciones menores, que acredita papeles para dirigir el destino del nuevo valor. Como los dos se
    dan cuenta de que hay un montón de buitres revoloteando en el negocio futbolero, se unen y deciden representar juntos a la futura estrella.

    A su alrededor, ‘pistoleros’ de un negocio millonario que empieza desde que el posible ‘Maradona o Messi’ estrena botines nuevos.

    ‘Fuera de juego’ es una comedia liviana con toques de humor y un comienzo sólido al principio, que derrapa un tanto al final. La dupla Diego Peretti-Fernando Tejero, un popular comediante español, funciona, aunque el guión pierde eficacia y abunda en obviedades a medida que avanza el filme.

    PROMISORIO

    Ricardo ‘Chino’ Darín es la figura promisoria del fútbol y también lo es como actor debutante, tiene ‘facha’,aplomo y se mueve bien en escena, Carolina Peleritti interpreta a la esposa del pícaro español y revela progresos como comediante. Muy bien Carmen Ruiz y Laura Pamplona, como la hermana de Javier, hace una lograda
    intervención.

    Conclusión: una aproximación para conocer el ‘otro’ mundo del fútbol. Para los futboleros, hay cameos de Martín Palermo, Iker Casillas y José Ramón de la Morena, director de ‘El larguero’, popular programa deportivo español.
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  • Prometeo
    Prometeo
    La Prensa
    Los androides apuestan al futuro

    El filme de Ridley Scott es perfecto técnicamente, tiene buenas dosis de horror, impresionantes locaciones, dos androides que interesan más que los protagonistas humanos (Michael Fassbender y Charlize Theron) y estupendos efectos especiales.

    Si uno piensa que va a ver la última película del gran Ridley Scott (‘Blade Runner’, ‘Alien’), que se comenta que es algo así como una continuación de Alien, aquella bomba de la ciencia ficción y el horror de hace treinta años, el resultado no es de los mejores.

    La situación cambia si uno dice, ‘‘voy a ver una película de ciencia ficción’’. La idea central es que se organiza un viaje interespacial para investigar estudios basados en la creencia del origen alienígena de los hombres. Dos jóvenes investigadores, habrían deducido esta hipótesis luego de comparar pictografías alejadas en el tiempo de
    distintas civilizaciones que concluyen en la idea de que todos venimos de extraterrestres.

    La nueva heroína es una chica pelirroja muy enérgica, Noomi Rapace, que hace de médica y arqueóloga, y en sus orígenes nórdicos era una hacker modernosa que un gran director como Niels Arden Oplev lograba transformar en un sugestivo ente, casi tan fascinante como el salido de la escritura de Stig Larsson (‘Los hombres que no amaban a sus mujeres’).

    CHICA INOCENTE

    Esta chica, bastante inocente y esperanzada, cree en algo superior y respeta lo que su padre le dijo sobre la necesidad de elegir y aceptar otras opiniones sobre los orígenes. Embarcada con su pareja en el viaje solventado por las empresas Weyland, no sabe que va a ser protagonista de una operación en cápsula médico-espacial, inédita y espantosa.

    El filme de Ridley Scott es perfecto técnicamente, tiene buenas dosis de horror, impresionantes locaciones, dos androides que interesan más que los protagonistas humanos (Michael Fassbender y Charlize Theron) y estupendos efectos especiales.

    Lo que se extraña es un guión a la altura de tales logros estéticos, ese estremecimiento casi metafísico
    que acompañaba al Alien original y hasta la compasión hacia el replicante perseguido.

    El susto ahora es algo pedestre y el horror no tienen la cuota extra de misterio interestelar y hasta la impactante figura inicial del mitológico ser es, para veteranos sesentistas, una réplica del personaje interespacial que el Parakultural albergó en la década del ’80 en una de sus performances. Nuevos rostros con ideas añejas en un
    buen filme de ciencia ficción.
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  • Chimpancés
    Chimpancés
    La Prensa
    Los otros señores de la selva

    Rodada en Costa de Marfil y Uganda, es un documental que se ve con simpatía y aunque la mayoría de los adultos preferimos un simple documental que no nos dé juicios sobre lo que vemos, nadie puede substraerse a personajes tan cautivantes.

    El filme ‘Chimpancés’ forma parte de Disneynature, sello cinematográfico de la Disney que presenta documentales relacionados con la naturaleza. La película tiene los mismos directores de la inolvidable ‘La
    tierra’, estrenada hace varios años y que con sus imágenes, en su recorrido por veintiséis países, asombró por su estética y el trabajo minucioso de sus creadores.

    FIGURA REITERADA

    A partir de 1948 y con algunas de sus obras maestras como ‘La isla de los castores’ o ‘El desierto viviente’ en la serie ‘Aventuras de la vida real’, los documentales de Disney fueron un clásico de la cartelera cinematográfica porteña. Pero esta vez se elige algo así como la historia personificada, con mucho de cuento moral de un joven chimpancé llamado Oscar, que será el ejemplo de la especie en la lucha por la supervivencia.

    Con un relator de fondo y la deliciosa imagen del simio conocemos su personalidad divertida y curiosa y sus travesuras hasta el momento en que todo acaba, tienen lugar las luchas entre los clanes rivales y el pobre Oscar queda solo. Una vez más la figura del huérfano, desde Cenicienta pasando por Bambi, que como una constante
    produce lágrimas en los pequeños espectadores Disney, seguidores de sus aventuras.

    El filme está impecablemente realizado, tiene atractivos sólidos como ese monito delicioso, tan parecido a cualquier bebé humano y se siguen sus aventuras, su vida de sobrevivencia que lo obliga a adaptarse a la naturaleza y convivir con ella sin dañarla.

    Rodada en Costa de Marfil y Uganda, es un documental que se ve con simpatía y aunque la mayoría de los adultos preferimos un simple documental que no nos dé juicios sobre lo que vemos, nadie puede substraerse a personajes tan cautivantes.
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  • Parapolicial Negro: Apuntes para una prehistoria de la triple A
    Con una violencia exacerbada

    Si la violencia es una realidad, ciertos excesos producen un efecto contrario al que se quiere provocar y se supone que no se trata de una película ‘gore’. Correctos actores como Luis Ziembrowski, en el papel del inspector de policía apodado Robocop y Sergio Boris, que lleva el seudónimo de ‘Oreja’.

    Con una violencia exacerbada Es un documental que a través de distintos testimonios habla del nacimiento del grupo clandestino paramilitar de extrema derecha Tripe A (Alianza Anticomunista Argentina), que centró su acción en el asesinato de guerrilleros y políticos de izquierda en un número estimado en mil quinientas personas.

    La película se refiere a las responsabilidades por parte de López Rega, Ministro de Bienestar Social, ejecutores como Almirón Sena y Juan Ramón Morales, y su participación en hechos como la masacre de Ezeiza, la muerte del sacerdote Carlos Mugica, la del abogado Ortega Peña, defensor de sindicalistas y presos políticos, el secuestro y la muerte de Silvio Frondizi y Julio Troxler.

    Las amenazas de muerte a artistas son testimoniadas en el filme con una nota a Isabel Sarli, cuestionada por los desnudos de su películas. Y los distintos reportajes se refieren al grado de conocimiento que pudo haberle
    competido al presidente Perón respecto de la organización, así como las relaciones con miembros de la Policía Federal y bonaerense y las organizaciones sindicales.

    TESTIMONIOS

    Es importante la recopilación de testimonios que dan un vasto panorama del fenómeno Triple A y hablan de un amplio trabajo de producción, pero es lamentable la fusión con elementos de ficción que exhiben grados de violencia exacerbada.

    Si la violencia es una realidad, ciertos excesos producen un efecto contrario al que se quiere provocar y se supone que no se trata de una película ‘gore’. Correctos actores como Luis Ziembrowski, en el papel
    del inspector de policía apodado Robocop y Sergio Boris, que lleva el seudónimo de ‘Oreja’.
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  • Acorralados
    Acorralados
    La Prensa
    Intima pesadilla del año 2001

    Testimonio de un momento dramático denuestro país, ‘Acorralados’ tiene un buen equipo actoral encabezado por un emocional Federico Luppi que se lleva todos los elogios.

    Al pobre Don Antonio la vida le jugó una mala pasada. Siempre trabajando, para formar un hogar, para conservarlo, para ayudar a los hijos. Y cuando todo parecía ir bien, su mujer se muere, la vida se le vuelve amarga, los hijos se alejan para formar su hogar. Y ahora, después de visitar a Eva en el cementerio, debe afrontar una vez más los problemas económicos y disponerse a recibir un difícil año en la Argentina.

    Es 2001. Todo está patas para arriba, las cuentas bancarias han sido congeladas, y Don Antonio es una víctima más de esa pesadilla.

    REACCION INESPERADA

    Sus ahorros quedaron congelados en el banco, en la calle, el caos, los vecinos agitan y percuten las cacerolas en protesta, para que le devuelvan sus ahorros. La televisión cubre los disturbios, los presidentes se multiplican. Y Don Antonio decide tomar una medida drástica. Entra al banco con su bastón y una granada... No está solo, hay gente dentro del banco tratando de recuperar sus ahorros, y la manzana está rodeada por los vecinos que protestan. Don Antonio deberá encontrar una solución.

    El director Julio Bove eligió el tema de la crisis, y la reacción de un jubilado ante la situación, para dar forma a una comedia dramática. Con un tono realista, el núcleo temático pasa por el momento en que el jubilado ingresa al banco y reclama sus ahorros. A partir de eso el montaje se hace paralelo y el espectador asiste a lo que pasa
    en el interior del banco y a la situación que se produce en el exterior.

    El cacerolazo y luego la irrupción de la policía. ‘Acorralados’ es una ‘opera prima’ en la que el tema ofrece dificultades al permanecer la cámara en la calle y paralelamente siguiendo a Don Antonio en el banco. No hay demasiados incentivos dramáticos, los diálogos se mantienen en una línea de medianía general y aunque la acción exterior tiene cierta vivacidad, los escasos personajes en que se centra la acción no bastan para despertar el interés.

    Testimonio de un momento dramático denuestro país, ‘Acorralados’ tiene un buen equipo actoral encabezado por un emocional Federico Luppi que se lleva todos los elogios, Esther Goris como una de las mujeres afectadas, Gabriel Corrado, como un empleado bancario y Gustavo Garzón como el comisario.
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  • Madagascar 3: Los fugitivos
    Fugitivos de la Gran Manzana

    Sobresale por las canciones y el espectáculo, que esta vez nos permite conocer el Casino de Montecarlo y maravillas del circo de animales, convertido ya en una curiosidad. El 3D enriquece la creatividad de guionistas y deliciosas criaturas animadas.

    Los encantadores protagonistas de la saga están de regreso y emprenden un viaje por Europa. Alex, el león, Marty, la cebra, Mellman, la jirafa y Gloria, la hipopótamo, felices habitantes del zoológico del Central Park y embarcados en aventuras internacionales, luego de las vicisitudes en Madagascar y disgustados por las travesuras de los pingüinos, cambian de rumbo y aparecen en Montecarlo.

    En el principado tienen una aventura en el Casino con gran susto de los presentes y desgraciadamente, se ganan una enemiga por toda la película, la inspectora Dubois, una pesadilla francesa, pelirroja y malvada, experta en artes marciales y carreras en moto. Su sueño, la caza de animales y la taxidermia, al menos eso testimonia su casa adornada con cabezas embalsamadas de todo tipo de bestia andante.

    LA INSPECTORA

    Después vendrá el núcleo de la historia, cuando los animales traten de volver a su "querido zoo del Central Park" y tropiecen con el circo ambulante de un imponente tigre siberiano, amargado por el paso del tiempo y las glorias perdidas.

    "Madagascar 3: Los fugitivos" es un divertido entretenimiento con bromas inteligentes, importante presencia de la música, que alude a distintos momentos cinematográficos de conocidas películas (el desopilante momento de la inspectora Dubois cantando "Non, je ne regrette rien", que popularizara la inolvidable Edith Piaf, es un punto alto de la historia).

    Su éxito pasa por la original creación de personales caracteres, los romances impactantes (el limur apasionado y la osa tonta, el tigre siberiano y la jaguar equilibrista) y las aventuras divertidas y de buen ritmo.

    "Madagascar 3..." sobresale por las canciones y el espectáculo, que esta vez nos permite conocer el Casino de Montecarlo y maravillas del circo de animales, convertido ya en una curiosidad. El 3D enriquece la creatividad de guionistas y deliciosas criaturas animadas.
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  • El cuervo
    El cuervo
    La Prensa
    Un crimen que no deja huellas

    El filme se transforma en una historia común de crímenes y detectives, sin imaginación ni locura. Tampoco John Cusack convence demasiado como Poe, o Alice Eve, en el papel de su prometida, Emily Hamilton.

    Edgar Allan Poe (1809-1849), uno de los más representativos creadores del cuento moderno, sigue con sus influencias de estilo y contenido, marcando una continuidad literaria. Sus relatos en los que el horror, lo psicológico, la presencia de la muerte tienen un protagonismo especial, influencian también el mundo del cine.


    "El cuervo" dirigida por el australiano James McTeigue ("V de Vendetta"), toma algunos aspectos de la desdichada vida del creador de "Ligeia". En el filme, el escritor, ayuda al detective Fields a resolver de alguna manera, crímenes que se están cometiendo inspirados por su obra. La vida de Poe estuvo signada por la desaparición de su amada esposa, la depresión, la entrega al juego y el alcohol y su figura es tomada en los últimos años de su vida.

    LOS SENTIMIENTOS

    La película mantiene las características de la temática y los sentimientos del autor nacido en Boston, la muerte, el regodeo en ella, el sadismo y fundamentalmente la pérdida de la identidad ("Metzengerstein").

    Aunque se han aprovechado elementos de los cuentos de Poe como "La máscara de la muerte roja", "La fosa y el péndulo", "Los asesinatos de la calle Morgue", "El misterio de Marie Roget", "El tonel del amontillado", "El corazón delator", "Enterrado vivo", o mejores poemas, "Annabel Lee" o "El cuervo", el filme exagera en las escenas sangrientas al mejor estilo "Hotel" o "Los juegos del miedo" abusando del buen gusto y no se preocupa por la conformación de caracteres, el rico plano onírico, los estados de alucinación o la relación de personajes.

    "El cuervo" se transforma en una historia común de crímenes y detectives, sin imaginación ni locura. Tampoco John Cusack convence demasiado como Poe, o Alice Eve, en el papel de su prometida, Emily Hamilton.
    Originales los créditos finales, pero no pertenecen ya al relato cinematográfico.z
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  • Abrir puertas y ventanas
    Una familia en su intimidad

    El cine de Milagros Mumenthaler, una cordobesa de origen suizo de poco más de treinta años, se apoya en mecanismos como la creación de atmósferas y la fijación de sentimientos. Lo hace en forma sutil y su resultado es casi documental, sólo que testimonia, en este caso, lo que pasa en una familia mayoritariamente femenina, que pierde su centro, una abuela que nunca conocimos y de la que nunca se habla, salvo en un fría conversación telefónica de una de sus integrantes: "Habla la nieta de Alicia que se murió del corazón en las fiestas".

    Sofía, Marina y Violeta son hermanas. Se llevan como perro y gato. Se celan, discuten y hasta piensan que una de ellas es adoptiva. La adopción es un fantasma clásico (y a veces real) de la infancia y adolescencia, que habla de exilios y persecuciones del imaginario de todo humano que se precie. Chicas solas, sin contención, en el duro período de los quince y diecisiete años, a solas con un cuerpo que por sus cambios desconocen, atentas al vecino, representante de un sexo desconocido, ansiado y temido.

    LA CASA DEL ANGEL

    Este mundo que los jóvenes asocian a Lucrecia Martel o Albertina Carri, interesantes directoras argentinas, los veteranos lo remiten más allá, a Beatriz Guido, una escritora muy relacionada con el cine injustamente olvidada, cuyos libros Torre Nilsson desarrolló cinematográficamente. Porque de alguna manera, estas chicas son los temidos niños de "La caída", intentando sobrevivir solos.

    Violeta puede ser la Vicenta de "La casa del ángel", espiando lo que ella cree pecaminoso y tratando de deshacerse de los muebles de la casa para exorcizar un pasado doloroso.

    Mumenthaler reproduce el mundo de la casa con todos sus recuerdos. En detalle. Obsesivamente. Su siesta provinciana hipnotiza a estas hermanas en el hechizo de la adolescencia. Sólo alguna vez estalla, como Violeta (Ailín Salas), capaz de todo en su rivalidad con Marina (María Canale), la insegura.

    LA CASA VACIA

    Filme moroso, intolerable a veces, no apto para ansiosos ni hiperkinéticos. Ideal para melancólicos y reflexivos. Película difícil, con momentos que la acercan también a las otras sobrevivientes de una casa vacía, las chicas de "Nosotras sin mamá" de la también promisoria directora Eugenia Sueiro. Mumenthaler se revela, asimismo, como muy buena en la conducción de actrices. María Canale, Martina Juncadella y Ailín Salas dan a sus personajes verosimilitud y emoción.

    "Abrir puertas y ventans" invita a la reflexión, con justo diseño de producción, buen acompañamiento musical y atractiva fotografía.
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  • Blancanieves y el cazador
    Una madrastra para recordar

    La leyenda de Blancanieves es una de las clásicas narraciones de los hermanos Grimm. Algunos hablan de que era un cuento secular de narración oral, otros dicen que alude a la existencia real de una jovencita del castillo de Lohr, que existió una madrastra y varias desgracias y otros aluden a otra protagonista del siglo XVI, de características similares. El caso es que tenemos otra Blancanieves cinematográfica y van.

    Su director Rupert Sanders, venido del cine publicitario, con sus diferentes guionistas, rescata la vertiente pesadillesca de la historia. Todo es muy negro y bello. Aclaración: ésta no es una historia para niños.
    Una madrastra más que mala, mezcla de la Elizabeth Bathory ("La condesa sangrienta") y Popea, la mujer de Nerón, que se bañaba en leche para conservar la belleza. Un padre asesinado por la bella madrastra y hasta quince años de prisión para la niña Blancanieves, más parecida a Juana de Arco que a una princesita de ensueño.

    ESPEJO DEFORMANTE

    Esta versión es tenebrosa y bella, hasta el exquisito espejo que se derrite como un reloj de Dalí, en una increíble escena dorada. Ni los enanos son simpáticos y tienen las caras de conocidos actores como Bob Hoskins, pero en cuerpos diminutos.

    La pobre madrastra tiene la obsesión de ser joven y como la época carecía de afamados cirujanos plásticos, cualquier corazón de señorita joven (la leyenda le atribuía virtudes rejuvenecedoras) era una delicia culinaria para su sed de juventud. O sea que la buena madrastra era algo así como un vampiro en constante actitud de caza para no envejecer. Odiaba a su hijastra, más por la profecía del "Espejito, espejito", que le aseguraba que la niña era más bella. Todo parecía a favor de la mala, hasta que apareció el cazador.

    Filme de bellísimo diseño visual, con bosques salidos de la imaginería céltica, poblados de elfos, hadas y enanos, monos blancos, ciervos de majestuosa cornamenta y monstruos de fisonomía arbórea. ¿Qué hubiera pasado si el guión hubiera tenido la altura del diseño visual, o la interpretación de Charlize Theron? Todo hubiera sido maravilloso.

    DIALOGOS MINIMOS

    Pero hay cierta simpleza en el narrar, los impresionantes planos generales se contraponen a diálogos mínimos, o a esa falta de química entre Blancanieves y el cazador y hasta el príncipe joven, no hay quien la remedie. Sin embargo, uno se puede sobreponer a ciertas elementalidades ante las mágicas escenas épicas, donde cientos de soldados enfrentan fantasmas oscuros que se deshacen en puntos negros, o esa música hipnótica se alarga por la sala del castillo donde la madrastra dialoga con el espejo de voz cavernosa. La Theron es una bella arpía al más puro estilo expresionista, capaz de susurrar, seductora, para romper los tímpanos en la escena siguiente con sus alaridos impredecibles.

    Blancanieves está transformada en Juana de Arco, inexpresiva, pero carismática, con ese rostro tan particular de Kristen Stewart ("Crepúsculo").

    Efectos especiales maravillosos, un bosque oscuro imposible de describir, pero donde hadas y monstruos se dan la mano. Blancanieves parece buscarse a sí misma y el cazador, muy bien interpretado por Chris Hemsworth, no consigue que la chica lo tenga en cuenta.
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  • Hombres de negro 3
    Un divertido viaje a los "60

    Nuevamente los conocidos "Hombres de negro" en acción. Aquellos inspirados en la historieta de Lowell Cunningham reaparecen y tratan de ocuparse de los extraterrestres molestos.

    La conocida serie de ciencia ficción, retoma los personajes del agente K y el oficial de policía James Edward, pero esta vez con una nueva vuelta de tuerca. Según nuevos informes K murió hace más de cuarenta años y su amigo el oficial James decide ir a buscarlo al pasado. Sí, a 1969, cuando un extraterrestre bastante tosco y gruñido venido de la Luna lo mató. La solución será que antes que el encuentro mortal se produzca, James logre matar al futuro asesino que viene de prisión. De lo contrario, el mundo será destruido.

    Y así nuestro agente, lanzado desde el mítico edificio Chrysler, aterriza en medio de una sociedad hippie, con chicas de pelo batido, muchachos de gran pelambre, impactantes minifaldas y hasta la presencia de Andy Warhol, que, forma parte de uno de sus tradicionales happenings. Pero no sólo eso, va asistir con un Mr. K joven, que por supuesto no lo reconoce, al lanzamiento de la Apolo 11 desde Cabo Cañaveral.

    NUEVOS PERSONAJES

    El filme está dirigido por Barry Sonnenfeld, que tiene que remar bastante para sacar adelante una nueva entrega de la serie, perdida la originalidad de los inicios. A pesar de todo, se mantiene el excelente diseño de producción, elegante y sesentista en este caso, con una cuidada reproducción de una Nueva York todavía racista, con hippies, happenings, incluída la "estrella" pop Andy Warhol, rodeado de sus obsecuentes habituales.

    Hay buen ritmo, efectos especiales de primera, excelente música, el humor es fresco, los personajes nuevos son promisorios como el bueno de Griffin, un alien visionario, que recuerda algo a Robin Williams y es interpretado por Michael Stuhlbarg, al que se suma la bestia Yaz (Jemaine Clement). Y hay una sorpresa emocional que hace comprender mejor la relación entre los agentes J y K.

    La dupla Will Smith y Tommy Lee Jones, a los que se suma Josh Brolin en un logrado Mr. K joven, mantiene una buena química y por supuesto los efectos especiales abundan y son de primera línea.
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  • El puerto
    El puerto
    La Prensa
    Un muy eficaz cuento de hadas

    Indudablemente Kaurismäki permanece fiel a su estilo y a su temática. Y cada vez más, depura su obra sin abandonar su esencia. Esta vez entreteje la vida de un digno lustrabotas, su querible mujer, un pequeño inmigrante africano y una corte de vecinos solidarios, casi tan pobres como él.

    Unidos en un barrio portuario que parece salido de los filmes de René Clair ("Puerta de lilas" es un referente inmediato), teñidos de la soledad y pulcritud nórdica, Kaurismäki reúne sus excéntricos personajes. Monet (Jean-Pierre Darroussin) es escritor devenido lustrabotas, más cercano a la nobleza versallesca que a la aristocracia de la calle, el inspector obstinado emigró de las películas policiales más clásicas de la tradición francesa y los vecinos son una logia como los de Alex de la Iglesia en "La comunidad", pero con un objetivo altruista.

    Todo es una fábula maravillosa y nunca tan semejante a una obra de arte que dirigió un maestro casi olvidado llamado Vittorio De Sica. "El puerto" es también un cuento de hadas donde los pobres son angélicos como en "Milagro en Milán" y buscan el sol con alegría.

    APOYO SOLIDARIO

    El filme es un Aki Kaurismäki puro. Ascético, sensible, capaz de estremecer de emoción ante esa manifestación amorosa inmensa que adorna la mínima cena preparada por ese prodigio de expresividad llamada Kati Outinen.

    Este gran director finlandés es capaz de transformar un melodrama sórdido en un pequeño himno al amor y la solidaridad y matizarlo con increíbles grupos musicales que "muerden" el rock con entusiasmo sesentista. Como si esto fuera poco, transforma a esa pareja de la verdulería y la simpática panadera en algo así como un grupo de miembros de la Resistencia francesa, empecinados en apoyar a otro idealista, que juega todas sus cartas para defender a Idrissa (Blondin Miguel), el pequeño africano ilegal.

    Mínima, austera, emocional, con pequeños cameos de Jean Pierre Léaud ("Los 400 golpes") y Pierre Etaix ("El suspirante"), junto con una singular actuación de un profesional de más de cuarenta años de actuación en el cine francés, André Wilms.

    Rarezas sensibles que pocas veces entrega el cine de nuestros tiempos.
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  • Una cita, una fiesta y un gato negro
    Una chica con muy mala suerte

    Hay temas que no se tratan demasiado en el cine o en la literatura, como por ejemplo el de la desgracia. El asunto de la "yeta", de la mala suerte es poco abordado tanto en el cine como el teatro. Aunque hubo una emblemática obra teatral argentina, que tomó el tema desde el punto de vista humorístico y se convirtió en un éxito, "Jettatore" (1904) de Gregorio de Laferrère.

    Una nueva y joven directora se interesa por esta superstición universal en "Una cita, una fiesta y un gato negro".

    En su filme hay una chica linda, con un buen negocio y un simpático marido, una vida sin problemas, hasta que todo se termina ante la presencia de Felisa (Leonora Balcarce), una ex compañera de secundario, de la que nunca tuvo noticias desde que dejaron el colegio y que tiene fama de traer mala suerte.

    TODO ESTALLA

    La historia cuenta como le cambia la historia a Gabriela (Julieta Cardinali) y todo estalla. Problemas con Marcelo (Fernán Mirás) el marido, asalto al negocio, etcétera, etcétera, mientras la otra revolotea sin tener conciencia de lo que ocurre o de lo que provoca.

    El tratamiento formal del filme provoca simpatía, pero se agota enseguida, más cuando no hay historias paralelas lo suficientemente atractivas. Sólo una subtrama que incorpora el tema de la competencia empresarial de forma elemental y que no alcanza a interesar.

    La puesta es fresca y divertida, pero se reitera y la música lastima, con su agotador objetivo de no dejar a los actores en paz. Invasora y de elevado volumen, arruina algunos momentos. Es bueno el plantel de actores, encabezados por las jóvenes protagonistas Julieta Cardinali y Leonora Balcarce, Fernán Mirás acompaña bien y los veteranos, Rita Cortese, Roberto Carnaghi, Adela Gleijer y Juan Manuel Tenuta hacen lo suyo.
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  • La revolución es un sueño eterno
    El ideólogo de un noble sueño

    El director Nemesio Juárez, al abordar la obra de Andrés Rivera, se enfrenta con la difícil tarea de trasladar el extenso monólogo subjetivo de la novela a un lenguaje cinematográfico. Castelli, figura alrededor de la cual gira la historia novelada, es considerado "el ideólogo de la revolución de Mayo".

    Cuando comienza el filme, Castelli está muriendo de un cáncer en la lengua y a través de flashbacks se alude a hechos fundamentales de la historia nacional en los que participara, como el Cabildo del 22 de mayo, la muerte de Liniers, fusilado, la Campaña del Ejército del Norte y el juicio por mal desempeño en esa lucha. Pero fundamentalmente, "el orador de la Revolución" reflexiona sobre su papel en ella. De sus conceptos surge la pasión revolucionaria, que arde tan violenta como la enfermedad que lo carcome.

    MIRADA SUBJETIVA

    Ni totalmente biográfica, ni totalmente histórica, el filme incorpora miradas subjetivas al concepto de concepción revolucionaria, sus contradicciones, la condición que deben tener los que la aplican y el interrogante mayor: la revolución compensa dolores y penas que de ella derivan.

    El filme se plantea como una exposición de ideas, donde la revolución es el centro y sus manifestantes, peones del ajedrez, juego que metafóricamente enfrentan en una secuencia a Castelli y Monteagudo. Es una película austera, llana, con justo diseño de producción, que ambienta el tono de la época con mínimos elementos.

    Aunque faltó profundización de caracteres, hay un tono de sinceridad general y el diálogo es llano, no estereotipado y se da desde los comienzos, cuando Castelli es atendido por su médico (un excelente Hugo Alvarez) en una escena mínima y austera.

    Figuras como Mariano Moreno, Manuel Belgrano, Bernardo de Monteagudo toman el rostro de un buen elenco integrado por Adrián Navarro, Luis Machín, Juan Palomino, una sensible Mónica Galán y en el que sobresale Lito Cruz, con toda la fuerza de la pasión que el personaje exige y los altos y bajos de la decadencia ante la enfermedad.
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  • Misión secreta
    No hay nada nuevo bajo el sol

    Estamos ante una clásica película de espionaje con un misterio, la muerte reciente de un senador, el posible asesino: el famoso Cassius, una estrella del espionaje soviético y el encargado de la investigación: Paul Shepherdson, retirado de CIA.

    El enigma se establece porque el tal Casssius fue muerto hace mucho tiempo y nada indica que la resurrección sea un hecho. Habrá un Jefe de la Cía insistente y el clásico "aprendiz" joven, puesto como investigador al lado del veterano Shepherdson, que persiste en la cartesiana duda.

    FIGURAS CONOCIDAS

    "Misión secreta" está correctamente filmada, no hay demasiados recursos narrativos salvo algún que otro flashback tradicional o sea nada respecto a los adicionales que buscan los amantes del cine policial y de espionaje.

    Su elenco cuenta con dos figuras conocidas como Richard Gere, que luego de "Mujer Bonita" (y hace más de veinte años) no tuvo demasiadas ocasiones de lucimiento y Martin Sheen, al que le pasó algo similar luego de "Apocalypsis now" de Coppola (1979). Y una nueva "estrella" popular, Topher Grace ("El hombre Araña III") no aporta demasiado como actor.

    El filme, cuyo verdadero nombre es "El Doble" fue dirigido por Michael Brandt, que viene de la tevé y los videojuegos, aunque también participó del guión de "El tren de las 3.10 a Yuma". Rico en lugares comunes, tiene su cuota de acción, algunas demostraciones de degüello, forma de asesinato ancestral, "puesta de moda", recientemente, en Méjico, carteles mediante; pero no hay ningún detalle sorprendente que la destaque de otros filmes de espionaje o algún tipo de final diferente. Para aficionados poco exigentes.
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  • Los padrinos de la boda
    El testimonio de dos culturas

    Hay un novio en tren de casamiento, sus amigos, futuros padrinos de la boda y una distancia a recorrer desde Inglaterra, el país de origen de los cuatro y Australia, el país de la novia en que se realizará el casamiento.

    Aparentemente hay mucha diferencia entre los primeros y los segundos. Los ingleses David, Luke, Tom y Graham son algo así como los "chicos terribles" de la zona y gustan de todo tipo de transgresiones; mientras la familia de Mia, futura esposa de David es lo que se dice "un grupo tradicional" y de óptima situación económica.

    El choque inicial de los amigos ante la sorpresiva boda de David, disgustados por la falta de consulta ante, según ellos "un romance de verano que nunca debió tansformarse en boda" continuará en las Montañas Azules australianas, idílico lugar, donde los "mpadrinos" traspasarán su locura ingresando a la mansión de la novia.

    GUION FLOJO

    La película fue escrita por Dean Craig, el exitoso guionista de "Muerte en un funeral" y producida por los que también intervinieron en el recordado éxito inglés.

    "Los padrinos de la boda" acumula sus mejores momentos en la primera parte. Para luego convertirse en una desaforada acumulación de gags de no demasiada comicidad, que llegan a la astracanada (algo así como lo más burdo que puede obtenerse como recurso humorístico) y muestra superficialmente las diferencias culturales de dos países.

    Caos nupcial en el que en lugar de enanos e invitados alucinados por droga y alcohol como en "Muerte en un funeral" se acumulan traficantes desubicados, la rareza de carneros disfrazados con "knickers", y escandalosas y bellas suegras pasadas por alta dosis de cocaína (Olivia Newton John).

    Deja que desear el manejo del guión y el guión en sí. La comercialidad del proyecto y eso que el guionista fue el mismo de la estupenda y fina comedia inglesa "Muerte en un funeral" y el manejo formal denso en ciertas partes del director de la muy buena "Priscilla" son puntos en contra en una comedia que va tras la risa fácil.
    Es excelente la producción técnica, el vestuario, el diseño, la música y los actores.
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  • Elefante blanco
    Ese infierno más que temido

    Realista visión del infierno. Crítica y no partidaria. Filmada con el tiempo narrativo justo, intenso, como el que caracteriza el estilo Trapero, directo, lejos de cualquier poesía o metáfora, un "punch" a la mandíbula del espectador".

    Una escena: el padre Julián muestra a su amigo, también sacerdote, un patético esqueleto de hormigón de catorce pisos, el de la Villa 15 de Lugano, sueño de un dirigente socialista, Alfredo Palacios, que en 1937 lograra importantes aportes del Congreso Nacional para hacer "el hospital más importante de Sudamérica", proyecto posteriormente apoyado por el gobierno peronista.

    Segunda escena: Gerónimo, el amigo sacerdote del padre Julián corre desaforado por los laberintos estrechos de la villa, para rescatar un cadáver, el de alguien querido asesinado por la droga y los que la comercian. Tercera escena: un velorio que transcurre a tiro y cerveza echada sobre el ataúd.

    Y así, en el relato se encadenan multitudinarias escenas de enfrentamiento con la policía, de narcos versus narcos, de gente de la villa desplazándose, escapando ante el tiroteo inesperado con los que entran al lugar para ayudar, como el padre Julián, como Luciana o el padre Gerónimo.

    ESTUPENDOS ACTORES

    Estas escenas no suceden en zonas marginadas de América latina o Africa. Es la "otra Argentina", donde conviven rituales de muerte en los que se junta la bebida y el alucinógeno, como en míticas ceremonias dionisíacas o bandas antagónicas disputan el mercado de los chicos andrajosos, muriendo en los lugares más alejados de la villa o los chicos ricos, habitantes de cercanos edificios-torre. Porque ese mercado no hace distinciones sociales.

    Esas imágenes son las más duras de este itinerario auténtico (y nunca tan bien aplicada la palabra) por la realidad de una villa de emergencia. Un mundo que laicos y religiosos quieren erradicar a pesar de presupuestos que no llegan y demoran cualquier acción de cualquier lugar del que emanen fondos.

    Realista visión del infierno. Crítica y no partidaria. Filmada con el tiempo narrativo justo, intenso, como el que caracteriza el estilo Trapero, directo, lejos de cualquier poesía o metáfora, un "punch" a la mandíbula del espectador".

    Con el tiempo, el director pulió sus recursos y profundizó la emoción. Sigue teniendo la mirada amplia en las épicas escenas de los enfrentamientos o las intimistas del sexo, en los momentos detallados de un plano secuencia que cava hondo en los significados o en la exacta marcación de personajes de la misma villa o de actores como Ricardo Darín, siempre un modelo de equilibrio interpretativo, en un personaje contrapuesto al de Jérémie Renier, veterano en este tipo de personajes, no por nada es un preferido de los hermanos Dardenne ("La promesa", "El hijo"). O Martina Gusmán, con toda la fibra de la luchadora de la película. Un filme imprescindible. Desesperanzado y necesario.
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  • Votos de amor
    Votos de amor
    La Prensa
    La memoria, como un obstáculo

    Leo y Page son una pareja feliz. Ella es escultora, él gusta de la música y tiene un estudio de grabación. Los dos se rodean de muy buenos amigos y su matrimonio funciona. Mientras hablan de sus cosas, su coche tiene un accidente. Los dos resultan heridos, pero Page lleva la peor parte y la conmoción cerebral que sufre la lleva a la amnesia.

    Cuando recupera el conocimiento, no reconoce a su esposo. Leo intuye todos los problemas que vendrán. Los extraños mecanismos de la memoria, la harán recordar sólo el período anterior a su casamiento y los padres volverán a ocupar el primer plano en su vida. De Leo ni noticias. Hasta el rencor que tenía con su padre y que la llevó a abandonar la casa muy joven, no tiene lugar en su recuerdo. Y hasta su ex novio aparece como un recuerdo firme. Poco a poco, Leo se siente desplazado y tiene que ir recomponiendo paso a paso la relación. El mismo reflexiona sobre los impactos de la vida que le dan sentido.

    MATIZ DRAMATICO

    "Votos de amor" es una liviana y atractiva comedia con tintes melodramáticos, que tiene a su favor a una encantadora pareja joven, la canadiense Rachel Mc Adams y el ex modelo Channing Tatum. Se trata de un melodrama romántico que muestra las distintas formas en que se puede intentar reconstruir una relación casi perdida por un problema físico. La pareja joven tiene una contraparte en la pareja madura integrada por Jessica Lange ("Cabo de Miedo" quedó muy atrás, pero Lange sigue siendo una muy buena actriz) y Sam Neill, los padres de la protagonista.

    El filme abunda en clichés y algunos estereotipos, especialmente en cuanto a situaciones. Pero la simpatía de los protagonistas, su buena onda y el apoyo de un buen equipo de actores jóvenes hace que la historia entretenga. El filme, según se aclara hacia el final, está basado en una historia real.
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  • Battleship: Batalla naval
    Acción más efectos especiales

    Si a uno le hubieran dicho años atrás que iba a filmarse algún día una producción multimillonaria basada en juegos de mesa, nadie lo hubiera creído. Y menos ante esa "Batalla Naval" que en el colegio primario enfrentaba media división contra la otra media a puro lápiz, crucecitas y tiempo. Claro, después vino "Transformers" y todo fue posible. Los filmes basados en historietas ya eran historia, ahora le tocaba orientar la inspiración a los juegos de mesa.

    En esta historia se cuenta el enfrentamiento entre la armada norteamericana, al mando del almirante Shame y una división naval alienígena que busca en el agua una fuente de energía necesaria en su planeta. Todo en un ensayo de fuerzas en acción en el Pacífico.

    La subtrama romántica (no podía faltar) une a la hija del almirante de la armada, con un recluta transformado en oficial de la flota, Alex Hopper, algo así como la oveja negra de la familia (su hermano, destacado oficial, le echa siempre en cara su inconducta).

    Por supuesto que almirante y oficiales, más amiga de Hopper, suboficial en la Armada se dan cita para darle un poco de fuego al incendio que se va a desencadenar a bordo. Imaginen con barco alienígena enojado incluído.

    ALIENIGENAS EN EL MAR

    Qué más se puede decir. Que hay enfrentamientos navales en el Pacífico que se universalizan, según cuentan los medios. Y la flota de los aliens es algo así como una ballena gigantesca que da saltos a lo loco y siembra el terror entre todos.

    Estupendos los efectos especiales, excesiva la duración de la película, destinada sólo a un entretenimiento adolescente basado en puros fuegos artificiales.

    El bueno de Liam Nisson hace lo que puede y muestra que se puede pasar del Jean Valjean de "Los Miserables" o la recordada "Michael Collins" de Neil Jordan a divagar en las "Crónicas de Narnia" o enfrentar alienígenas como almirante. Las adolescentes disfrutarán de un atractivo e inexpresivo Taylor Kitsch, los chicos y las chicas se entusiasmarán porque está la cantante de moda Rihanna, convertida en suboficial y los efectos especiales movilizarán la energía de muchos. Para consumir con pochoclo.
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  • No te enamores de mí
    Atractiva, fresca y creíble

    Los protagonistas tienen entre veinticinco y treinta y cinco años y lo que los une es la búsqueda del amor o la conservación del mismo. Estamos en la gran ciudad y todos los muchachos que vamos a conocer viven y trabajan en ella. Está Alejandra, mesera de un restaurante, que tiene una relación con Sergio que está casado, Martín que entabla una relación con Sofia, la novia de su hermano menor.

    También está Paula, recién recibida de sicóloga que está casada con Sergio y Luli, la desprejuiciada de la historia, "cuidada" terapéuticamente por Paula y que va a terminar aconsejándola en su vida sexual. En síntesis gente que busca gente, que escapa de otra gente o no quiere ver que ya no le importa cierta gente. También va a surgir el tema de la familia y de la maternidad en especial.

    SIN PREJUICIOS

    "No te enamores de mí" es una comedia atractiva, fresca y bastante creíble, nada prejuiciosa y que expresa con cierto desparpajo algunas conductas especialmente relacionadas con el sexo, de representantes juveniles actuales. Se trata de la opera prima de Federico Finkielstain, representante de la generación que "copa" la película y por eso tan conocedor del lenguaje de sus coetáneos. El nivel técnico es muy bueno, sobran algunos minutos en el desarrollo y es destacable la actuación de Julieta Ortega, Violeta Urtizberea y Anita Pauls, estas dos condensadoras de la cuota de humor del filme.

    Bien el elenco masculino, Mercedes Oviedo es la seductora del grupo y hay un rostro y una frescura especial, la de Francisco Andrade, que puede rendir más de una sorpresa en próximas actuaciones. También en un breve papel, participa, con eficacia, Luisina Brando.
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  • Essential Killing
    Dura necesidad de sobrevivir

    El filme habla de la supervivencia. De la lucha por la vida, de la posibilidad de un hombre de convertirse casi en un animal con la sola esperanza de la permanencia. Aunque no hay demasiadas alusiones a espacios geográficos, sabemos que alguien es capturado en Afganistán por militares estadounidenses y enviado a Europa detenido. Hay un accidente y la libertad es un bosque nevado, la soledad y la posibilidad de sobrevivir a pesar de todo.

    Con mucho de epopeya, una naturaleza implacable que trata sin quererlo, de tragar al que huye, se llame como se llame, sea o no Mohammad, talibán o quién haya huído, "Essential Killing" se convierte en casi una leyenda de lo que puede arriesgar el hombre en procura de la libertad.

    ESTETICA EXQUISITA

    Su director pertenece a la "aristocracia" de la intelectualidad polaca. Esos como Wajda, Zanussi o Munk que conmocionaron la pantalla dando una vuelta al cine del Este. Se trata de Jerzy Kawalerowicz, el gran director de "El Grito", el guionista de "El cuchillo bajo el agua", la recordada película de Polanski.

    Como en la mayoría de los filmes del realizador polaco, su protagonista es alguien que no forma parte del sistema, algo así como un desclasado, un antihéroe, casi suspendido en medio de una naturaleza bella pero hostil.

    Película de exquisita factura estética, cuidada banda sonora y la ausencia por parte de su protagonista de una voz que lo identifique. Sólo podemos rastrearlo por sus arrastres sobre la nieve, sus actitudes casi animales y la persistencia de su deseo de vivir. Película nada concesiva, austera, casi cruda, pero simbólicamente capaz de manifestar la ilimitada capacidad del hombre por continuar en la tierra. Excelente actuación de Vincent Gallo.
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  • El campo
    El campo
    La Prensa
    Los peligros del aislamiento

    Una pareja joven y su bebé. La llegada a su futuro hogar, un lugar elegido en el medio del campo por el marido. No se habla mucho de las razones que los llevan allí, pero sin lugar a dudas, la necesidad de tranquilidad, la cercanía de la naturaleza.

    Ya la llegada presagia angustia. Una noche de tormenta desatada, una casa vieja, fría, inhóspita. Los dioses en las épocas en que se preocupaban más de la gente, descargaban rayos, centellas y lluvias desorbitadas para indicar que el caos estaba presente. O sea que, más que un anticipo de angustia, el temporal revela algo ya presente que sólo el tiempo se ocupará de desarrollar.

    Mientras Santiago defiende la elección del lugar, Elisa se angustia, no sólo por la casa que grita por mejoras, sino la soledad, la, para ella, amenazadora vecina que vaya a saber qué recuerdos le despierta. Un ruido en la noche, la desaparición momentánea de su pequeña, asume en Elisa proporciones fantasmáticas.

    DOS MUNDOS

    La película de Hernán Bellon logra transmitir a través de su drama íntimo toda la fuerza de la angustia y los primeros atisbos de falta de comunicación de una pareja joven. Las diferencias entre ambos sólo olvidables por el sexo, los quién sabe si imposibles acercamientos de dos mundos distintos son señales que, a pesar del final, apuntan a momentos límites de una relación de pareja, quién sabe si solucionables a través del tiempo. Las palabras de la vieja vecina son claves "es la vida". Sí, sólo se trata de vivir, y nada menos que vivir!. Se debe aprender a soportar, a conciliar, a olvidar, a resignarse y a vivir el momento, Santiago y Elisa no saben que todavía son demasiado jóvenes para tanta aventura.

    Una fotografía de fascinantes contrastes, un sonido cortante y denso, la aridez de la naturaleza y la vieja casa en medio de la nada. Todo eso y dos actores sensibles, profundamente inmersos en sus personajes con la colaboración de una niña y una excelente actriz de carácter son elementos de un filme diferente.
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  • Comando especial
    Dos agentes un poco lunáticos

    Aquí los protagonistas son Schmidt y Jenko. Dos tipos absolutamente diferentes. Mientras el primero es algo así como un "nerd", cobardón y prejuicioso; Jenko parece un Schwarzzenegger de la primera época, todo músculo y trompada fácil, campeón deportivo y locura de las chicas. Mientras Schmidt es bastante bueno en la secundaria, Jenko se queda siempre atrás y por contraste "no se pueden ver", aunque se conocen.

    El tiempo pasa y se reencuentran en la Academia de policía. Allí hacen una suerte de pacto y hasta se vuelven "casi amigos", mientras uno ayuda en los exámenes escritos, el otro le cubre las espaldas y hasta le brinda algún empujón en los ejercicios de tiro y gimnasia.

    TODO SE COMPLICA

    Cuando ya se convierten en dupla y hasta hacen su primer procedimiento con unos traficantes de una plaza; la cosa se les complica por la tontería y el entusiasmo de Schmidt, que por la alegría de lo ocurrido, comienza a tirar tiros al aire en medio de la gente. El castigo: irán a 21 Jump Street a formar parte del escuadrón especial de infiltrados en una secundaria para capturar vendedores de droga. La única condición, hacerse pasar por adolescentes y convertirse en alumnos de colegio. La aventura está por empezar.

    "Comando especial" es una divertida comedia, bien urdida y fundamentalmente con un grupo de buenos actores. Las duplas de hombre joven y hombre viejo, o de veterano y novato, donde uno hace las gracias y el otro le da pie para todo, se repite en ésta. Hubo en épocas lejanas una pareja cómica, con la que ésta tiene puntos de contacto. Se llamaron Abbott y Costello y lideraron la comedia de enredos de los "40. Reviendo algunas de sus producciones, reconoceremos similares recursos, especialmente entre Costello y Jonah Hill.

    ENTRE DISPARATES

    El filme abunda en disparates, persecuciones, malos entendidos, alusiones a las comedietas adolescentes y las "Locademias policiales". El punto crucial es la diferencia de épocas entre la que ellos cursaron secundario y la actual. En este mundo adolescente la discriminación es punible, la integración una necesidad y el ambientalismo un deber.

    Película entretenida, simple, con buenos actores, especialmente Jonah y su amigo, Tatum, modelo de prestigiosas firmas en la vida real. Una curiosidad, hay cameos de los veteranos de la serie original como Johnny Depp y una escena final de alto impacto.
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  • Cuando te encuentre
    Es la chica de la fotografía

    La guerra en Irak. Un dramático suceso que afecta la vida del infante de marina Thibaudt y el inesperado hallazgo de la fotografía de una mujer que en el reverso luce una maternal inscripción "cuídate", parece ayudarlo en la contienda, mientras le infunde más ganas de vivir. La vuelta al hogar de Logan incluye la promesa de buscar a la dueña de esa imagen, que el destino le puso en el camino.

    El caso es que la chica aparece. Es la "cabeza" de un hogar de mascotas en Louisiana y vive con su pequeño hijo y la buena de Nana, en un ambiente atractivo en el que Logan Thibaudt se incorpora como empleado, sin decir nada de la fotografía que lo motivó a la búsqueda. Por supuesto que habrá romance, algunos obstáculos (un ex marido celoso), peligros inesperados y la bucólica vida de un lugar de campo.

    BIEN CONTADA

    La película del director Scott Hicks ("Shine") está basada en la novela "El hombre afortunado", de Nicholas Sparks, un escritor nacido en Nebraska cuyas novelas son sorprendentes best sellers, generadores a su vez de "best sellers filmicos" como "El diario de Noah".

    "Cuando te encuentre" es una película entretenida y convencional. Nada sucede que no haya sido previsto. Está bien contada, formalmente no tiene objeciones. Tiene una pareja con buena química, el californiano Zac Efron, muy seguido por las adolescentes y la encantadora Taylor Schilling, animales del hogar, actriz madura recordada, Blythe Danner ("Alice" de Woody Allen), buena música y un simpático actor infantil. Hay romance, peligros momentáneos, momento inicial de guerra y la clásica historia rosa con gente joven y linda. Sí, es convencional y para pasar el rato, pero bien, con una sonrisa.
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  • Ánima Buenos Aires
    Un filme animado que nos testimonia

    Se trata de cuatro cortos que reflejan la esencia mítica de Buenos Aires con el lápiz de notables artistas como Caloi, Carlos Nine, Pablo Rodríguez Jáuregui, Pablo y Florencia Faivre, ilustrados musicalmente por Rodolfo Mederos y Gustavo Mozzi.

    La unión de los distintos episodios se da a través de una pareja de tango que vía stencil, como momentáneos grafitis, recorren los lugares característicos de la ciudad (Juan Pablo Zaramella, Mario Rulloni).

    Si la magia tridimensional de "Meado por los perros" (y Florencia Faivre), inmortaliza en el barrio la figura del carnicero melancólico, una gloria del corte, desconcertado por el imprevisto supermercado que barre con clientes y vecinos; "Mi Buenos Aires herido" de Caloi y Verónica Ramírez, consagra al viejo bar y sus personajes de tango, alucinados por la Mujer soñada (tan similar a la Mulatona de pasado historietista). Y también al compadrito, simbióticamente aferrado al farol, como imposible fijación a un pasado que debe cambiar.

    LOS PERSONAJES

    Después vendrá el momento lírico de los chicos que habitan, para algunos, una ciudad enclaustrada ("Claustrópolis", de Pablo Rodríguez Jáuregui); libre para otros, capaces de volar con una pluma y un graffiti, montados en patineta. Magia compartida por los plásticos Maus, Cachimba, Silvia Lenardón y Flor Balestra. En cuanto al corto del maestro Carlos Nine y su hijo Luca, mezclará animación y personajes en vivo (Fontova), para recordar al malevo "Bu-Bu", que al morir evoca barrios y malevos, mientras aguafuertes se disuelven en el aire al compás de tangos devenidos monstruos incontrolables.

    Filme mágico, entre plumines y risotadas, con parodias sangrientas y ternuras kitsch. Con el trazado grueso de los grabados iniciales que ilustraban las palabras de Ulrico Schmidl en sus observaciones sobre el país y evanescencias poéticas devenidas Sirenas, como la Mina del bar, con mucho de la Anita Ekberg de la pesadilla erótica de "Bocaccio 70".

    Película con pasados míticos en un intento de fundirse con recurrencias modernas. "Anima Buenos Aires" expresa el alma contradictoria y vital de un espíritu ambiguo, pero amplio, capaz de contener su esencia de contradicción.

    Fascinante aproximación a lápiz, tinta china o acuarela, de talentosos artistas argentinos, con el fondo de entrañable música de Buenos Aires.
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  • Piratas! Una loca aventura
    El antihéroe está en apuros

    Son los mismos creadores de "Pollitos en fuga" y "Wallace y Gromit", que disfrutáramos en televisión. Con personajes de arcilla, bellamente diseñados y una reconstrucción histórica concienzuda y humorística.

    "Piratas! Una loca aventura" cuenta la historia de un verdadero antihéroe del mundo bucanero, un pobre pirata que nunca pudo lograr un éxito en su "carrera" y "muere" por ser consagrado como el "Pirata del año". El sueño de monedas de oro y una mujer como "La carnicera del Caribe", comehombres piratesca de dientes afilados, impetuosa y bella, no dejan de inquietarlo.

    Cansado por las bromas de su colega Black Bellamy, sobre su viejo bergantín, que nunca pudo renovar y luego de frustrados asaltos a todo tipo de barcos piratas, desde "vegetarianos" y "apestados por la plaga" hasta "fantasmas", nuestro antihéroe pondrá rumbo a Londres, en busca de aventuras y el preciado oro, alentado por su tripulación y con la buena compañía de su perico Polly.

    ESPECIE EXTINGUIDA

    Lo que menos imagina el espectador es que en su viaje, el buen pirata Capitán, encontrará a Charles Darwin, al Hombre elefante y la reina Victoria y hasta su encantador perico adquirirá nobleza, al descubrir el prestigioso autor de "El origen de las especies", que el loro es un Dodo, especie extinguida muchos años atrás.

    "Piratas!. Una loca aventura" es un relato animado, divertido, con diálogos inteligentes y personajes deliciosos. Entre ellos, el pirata Capitán y su fiel asistente Segundo, la tripulación que lo ama, el mono Darwin, algo así como el mayordomo de los clásicos ingleses; la regordeta Victoria y su secreta pasión por los platillos extravagantes, son constante motivo de risa.

    A lo mencionado se suma una perfecta reconstrucción del Londres victoriano, con sus tabernas, sus castillos siniestros y hasta etéreos globos aerostáticos llevando a nuestros héroes a la aventura y raudos velocípedos, desfilando por las calles.
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  • [REC] 3 Génesis
    Es para adictos a los zombies

    El origen de la saga centraba la acción en una casa de departamentos que debía ser aislada por un virus. Ese virus convertía a las víctimas en monstruos. Había mucho terror, mucha cámara en mano, desconcierto, tensión y suspenso.

    "Rec 3. El comienzo" cambia la apuesta y por tanto el rumbo. En el comienzo se ve la fiesta de casamiento de una pareja joven. Muy actual, muy llena de parientes y amigos de los novios, con abuelos, madrinas, tíos, y amigos.

    Una suerte de cuadro costumbrista, con el desafío de la ropa, el abigarramiento de los entretenimiento, filmaciones varias, animadores, proyecciones y novios que pugnan por destacarse de los demás.

    Clara y Koldo se quieren, lograron su máximo deseo, estar juntos "ante Dios y los hombres", pero nunca imaginaron que una plaga de zombies los acechaba.

    MOTOSIERRA EN MANO

    El que ame zombies y gores varios, prepararse. Cargue mochila antitanque con escudo que lo proteja en el cine de lluvia de sangre y proyectiles humanos. Esta no es la "Rec" que conocimos: con mucha cámara en mano pero con cierta armonía en el caos. La actual es un aquelarre desorbitado, en el que se mezclan religión, aventura, chismerío de barrio, un romance que se mantiene más allá de la muerte y una nueva heroína que hará historia con sus ligas de encaje y motosierra brillante.

    El filme da para todo, desde animadores infantiles que con sus técnicas infanto-juveniles conducen a perseguidos temerosos y parientes que no te buscan para darte un beso, sino para comerte (con un beso). Todo es posible, defensoras atrincheradas en iglesias anti-zombies, hasta desenfrenada banda sonora ochentista.

    Mezcla de cine negro, melodrama romántico y freaks de pacotilla, "Rec 3. El comienzo" desborda cualquier límite, nunca aburre y puede ser disfrutada por seguidores obsesivos de "gores" extremos que puedan tolerar también chistes bobos y humor negro.

    Los últimos minutos no tienen desperdicio y allí se une el cine almodovariano en su pasión extrema y un Schwarzenegger quijotesco, que dispara a la fama a una actriz como Leticia Dolera.
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  • Diario de un seductor
    Johnny Depp, nuevo periodista

    Esta es la versión cinematográfica de "El diario del ron", de Hunter S. Thompson. Thompson es un representante del llamado "Nuevo periodismo", movimiento innovador comparado con Thomas Wolfe, que lograra estremecer con su relato de "Los Angeles del infierno", por la fuerza de su palabra, generadora de una vibrante realidad.

    Aquí se cuentan las aventuras de Paul Kem, un periodista medio anarco, con fiebre de alcohol y motines, hundido en la Puerto Rico de los años "50, en una nube de palmeras tropicales, fiestas non sanctas y negocios corruptos.
    Paul Kem no desdeña el caos ni los desafíos y trata de levantar un diario en tren de extinción para el que comienza a trabajar, pero no se fija en que los líos pueden venir de la bella novia de sus nuevos conocidos, o de los hoteles de ensueño en islas maravillosas, que pueden hundirse ante el primer temporal isleño.

    A MEDIO CAMINO

    Problemas políticos, deseos de justicia a medio camino y una historia empapada de alcohol, que no levanta demasiado los ánimos, ni siquiera de sus integrantes, es lo que propone este filme dirigido por Bruce Robinson.

    "Diario de un seductor" (¿por qué un título tan poco imaginativo?) no tiene un guión a la altura de la novela original, utiliza sí los recursos de la novela negra y sus ingredientes, aprovecha las bellezas de la isla y la contundencia actoral de Johnny Depp, acompañado por una troupe de excelentes actores como Giovanni Ribisi, el compañero de pieza tan "cargado como él", el negociante Saderman (Aaron Eckhart) y Richard Jenkins, como el editor. También está Amber Heard, la rubia de Playboy.

    Algunos problemas políticos (todo a media máquina), buen humor displicente e ingenuo, música efervescente y un relato sin sobresaltos, es lo que propone esta nueva producción estadounidense.
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  • El pozo
    El pozo
    La Prensa
    Un drama sin un arreglo real

    La opera prima de Rodolfo Carnevale trata sobre una situación de quebrantamiento familiar, motivada por un trastorno de la hija mayor de veintiséis años, a la que su madre se niega a internar. La chica es autista.
    El autismo genera problemas de socialización y comunicación que afectan a los que lo rodean y enrarece el entorno educativo, familiar y la vida cotidiana en general.

    El problema se da especialmente cuando Alejo, el hermano menor, más allá de los problemas que a veces sufre con Pilar, se ve afectado por sus compañeros de escuela, que no entienden y se burlan de los problemas de su hermana.

    La madre deberá decidir el alejamiento de la hija mayor y la primera internación traerá más problemas para la familia.

    El director, que es hermano de un joven autista, se propuso hacer conocer una enfermedad no popularizada por los medios y que recién en los años ochenta comienza a difundirse entre el público en general.

    SIN EFECTISMO

    La película está cuidada estéticamente y los distintos problemas de discapacidad son presentados en forma respetuosa, eludiendo todo tipo de efectismo, sin generar golpes bajos.

    "El pozo" aborda la problemática de la discriminación por falta de conocimiento, el entorno escolar y cómo la escuela puede ayudar en una situación límite; así como ciertos problemas que se desencadenan ante la concurrencia en lugares de internación. Un equipo actoral de primer nivel se desenvuelve con naturalidad y eficacia. Desde la familia interpretada por Patricia Palmer, Eduardo Blanco, con el pequeño Túpac Larriera, hasta la amiga de la familia con un hijo afectado de un problema similar, papel a cargo de Adriana Aizemberg, pasando por las profesionales encarnadas por Dora Baret y Noemí Pons.

    Pero los que, realmente, se llevan todos los elogios son Ana Fontán como la chica autista y su amigo encarnado por Ezequiel Rodríguez, dos revelaciones de interesante futuro.

    Buen inicio profesional de Rodolfo Carnevale en un tipo de cine tradicional, de contenido social.
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  • Las mujeres del 6° piso
    El encanto español mudado a París

    Estas mujeres a las que alude el título son empleadas domésticas españolas que ejercen su oficio en la París de los años 60. Nada las acerca a las psicópatas que presentaba Chabrol en "La ceremonia", la muy decidida Dora, la criada de "Cama adentro" o las mucamas de la reciente "Historias cruzadas" de Tate Taylor. Nada que ver estas señoras con sojuzgamientos, diferencias sociales o locuras definitivas.

    Ellas son simplemente amas de casa víctimas de los coletazos del Plan de estabilización de la España de los "60, sometidas a los problemas económicos que las lleva a buscar trabajo en Francia para ayudar a mantener la casa natal, mientras se acomodan al frío ambiental y la racionalidad gala, tan lejana al espíritu hispano.

    Los protagonistas de la historia son un economista y la nueva chica de servicio, rodeados de un grupo de ruidosas "paisanas". La atractiva españolita es sobrina de una de las domésticas que, llegadas de España hace tiempo, viven juntas alquilando los altos de la casa del pequeño financista.

    La llegada de la joven será el desencadenante de la toma de conciencia del bueno de Jean Louis Joubert, que hasta ahora sólo veía por los ojos de su superficial esposa, sus circunspectos compañeros de trabajo y sus malhumorados hijos. El mundo parece tomar color a partir de la irrupción de las salerosas señoras del sexto piso.

    LA TERNURA

    El director Philippe Le Guay se inspiró para hacer la historia en su realidad. No sólo su padre es un conocido ejecutivo (agente de cambios), sino que fue criado en su infancia por una señora española de nombre Lourdes con la que pasaba, según comenta "más tiempo que con su propia madre".

    "Las mujeres del 6º piso" está muy bien contada y tiene todos los ingredientes que gustan al público en general, romance, un poco de intriga, bulerías, humor, buena música y mucha ternura.

    Sí, es una película para todos. Tiene encanto a pesar de cierto esquematismo en los caracteres y la previsibilidad del final. Pero lo importante es que llega al espíritu directamente, con humanidad y personajes profundamente creíbles.

    Personajes muy logrado, como el que interpreta Fabrice Lucini, un señor contenido y con libertad de espíritu, la tía representada por Carmen Maura, un manojo de simpatía y espíritu de pueblo, muy leal a sus compinches, Lola Dueñas, Berta Ojea, Concha Galán y la encantadora Natalia Verbeke.
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  • American Pie: el reencuentro
    Con un espíritu adolescente

    Hace casi trece años estos inmaduros de hoy eran adolescentes, imagínense cómo serían. El que no vió las tres entregas anteriores de la saga, no tiene que oprimirse demasiado el cerebro para imaginarlos. Están todos, la barra de East Great Falls en pleno. No se han visto desde hace tiempo, pero la convocatoria del Instituto donde estudiaban los reúne.

    Los chicos que no querían recibirse sin experiencia sexual, han "casi" sentado cabeza. Algunos como Oz lograron éxito en la profesión que le gustaba, periodista especializado en deportes. Jim se casó con Michelle, que en un momento sólo hablaba de los campamentos musicales. En cuanto a Kevin, parece bastante feliz con la novia y una fórmula ideal para tener la relación en paz.

    NUEVOS ROMANCES

    De Stifler no se puede decir nada, porque se quedó en el tiempo. Sin escarbar demasiado, la obsesión sexual se mantiene prácticamente en todos. Ya sea en las insatisfacciones del matrimonio de Jim y Michelle, las búsquedas ridículas de Stiffler o ciertas dudas de Kevin. Además está el padre de Jim, viudo que todos se empeñan en "colocar".

    Por supuesto que habrá nuevos-viejos romances con la reaparición de Heather, el amor imposible de uno de ellos o la "famosa" madre de Stifler, nunca olvidada por uno de sus adolescentes admiradores.

    "American pie: el reencuentro" es lo que era, una comedia de enredos, de equivocaciones y malos entendidos. Sus protagonistas creen tener diecisiete en algún momento y sufren y se torturan como chicos. El sexo sigue siendo fundamental, más aggiornado por la web, o las nuevas reuniones sociales. El asunto es que antes los amigos tenían el encanto de la adolescencia y ahora lo escatológico se alivianó un poco, pero sigue teniendo el papel principal.

    La película es una comedia con personajes fijados regresivamente en obsesiones sexuales no resueltas. Hay humor y buenas actuaciones de Jason Biggs y Alyson Hannigan.
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  • Extraños en la noche
    Un logrado producto policial

    Sol y Martín son pareja. También músicos. El con formación clásica, ella con aspiraciones de vocalista. Una banda de rock es su sueño. No están en su mejor momento. Las cosas no salen como quieren y como animan fiestas y lo que venga, no siempre los toman en serio y Sol estalla. Martín se desespera porque su chica se impacienta y el dinero no entra. Para colmo, no puede retirar su piano hasta que pague al afinador.

    Así están dadas las cosas cuando Sol se entera de su embarazo y eso complica la posibilidad de un futuro contrato. Mientras ella oculta la noticia y Martín se desilusiona porque la beca que esperaba no se da, un extraño acontecimiento los comienza a preocupar. El vecino del piso de arriba ha desaparecido. La historia va a complicarse cuando Sol, metida a investigadora amateur, indague un poco más en lo que pasó.

    TINTE ROMANTICO

    "Extraños en la noche" es una liviana comedia de tinte romántico, con algunos detalles policiales. Vaudevillesco y abundante en equívocos el filme se propone simplemente entretener con algunos enredos y un argumento que pierde un poco su efecto en el final, cuando se cuentan momentos que podrían haber tenido un desarrollo.

    La película tiene un buen nivel técnico y su fuerte está en la actuación de la pareja protagónica integrada por Diego Torres y Julieta Zylberberg. Quien sale especialmente airosa es Julieta, la misma joven actriz de "La mirada cautiva", donde llamó la atención por sus cualidades dramáticas.

    Aquí se revela como una excelente comediante y da un buen pie a Diego Torres, que con su simpatía y buena onda avanza en un género para el que puede estar especialmente dotado si le dedica tiempo y esfuerzo. Tamibén aparecen un productor -Fabián Vena-, Laura Conforte como Mechi, la ex novia del protagonista y Betiana Blum y Daniel Rabinovich, los padres de Martin.
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  • Tenemos que hablar de Kevin
    Angustiante tema de una madre

    Eva y Franklin. Ella, es editora y redactora de guías de viaje; él, fotógrafo. Se quisieron de adultos, quién sabe si para estar más seguros. Y lo tuvieron a Kevin. Después, no más trabajo para ella y meterse en el mundo del bebé, para protegerlo, para cuidarlo. Casi sola, porque Franklin trabaja por los dos. Y Kevin llora que te llora, almacena palabras sin largarlas haciendo dudar sobre si puede hacerlo. Parece no llevarse bien con su madre.

    Y vive para mortificarla, para enfrentarse con ella. Ya adolescente, nos enteramos, provocó una tragedia, algo que nadie pudo esperar, pero que ocurrió. Después vendrá la culpa. No en ese chico de mirada inquietante, en ella, en Eva, la madre que se pregunta: ¿Por qué?.

    Y nadie puede explicar ¿qué pasó?, el por qué pasó lo que pasó, eso que hace a Eva blanco de castigos y venganzas para toda la vida.

    LA DAMA PUNK

    Tenemos que hablar de Kevin está basada en el libro de la escritora Lionel Shriver, nombre adoptado por Margaret Ann Shriver, hija de un ministro de la Iglesia (el tema de la culpa no viene solo) y contó con el guión de la singular directora Lynne Ramsay y su marido. El pasaje de la estructura epistolar de la novela a la simbiosis de color y sonido en que se transforma en el cine, genera el particular estilo que Lynne Ramsay elige para representar la estructura mental de la protagonista. Y es un hallazgo que habla de la experimentalidad y audacia de esta escocesa que no por nada es denominada por los jóvenes como la dama punk del cine.

    Filme intenso que enfoca la estructura familiar y su funcionamiento, de temas tabús como la noción de maternidad no aceptada y de los fracasos en la educación ante casos límites, "Tenemos que hablar de Kevin" más que plantear situaciones, instala preguntas, si esto puede ocurrir y si las relaciones patológicas tienen posibilidad de reversión.

    Lírica, aguda y absolutamemente original, la película pone en la mira el nombre de una directora notable, Lynne Ramsay, los de gente ya conocidas por el público argentino como Tilda Swinton en una performance excepcional, dos desconocidos de gran futuro, el adolescente Ezra Miller, músico y cantante y el niño Jasper Newell.
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  • Nosotras sin mamá
    Reiterados secretos de familia

    Teresa, Amanda y Ema se encontraron brevemente a lo largo del tiempo. Quizás nunca pudieron reflexionar sobre eso tan denso y definitivo como son los vínculos familiares. Ahora una situación límite las reúne. La muerte reciente de su madre. Hay una casa, hay necesidades de alguna de ellas que pasa por lo material, pero también hay otras necesidades que no se dicen y se enfrentan a las económicas.

    LA INFANCIA

    La necesidad de vender la casa de una de las tres convoca a las restantes. Una, residente del lugar desde la infancia, la otra recién venida del exterior donde está establecida y la tercera simbióticamente unida a la casa, la hija menor dispuesta a no dejar cortar el cordón umbilical de cemento que todavía la une a la madre.

    "Nosotras sin mamá" marca el debut como directora de Eugenia Sueiro, relacionada con el cine desde hace once años como directora de arte y ambientadora.

    Su mirada sobre el conflicto es conciliadora, a pesar de que el problema a resolver es complejo. Ni las pequeñas luchas fraternales, ni el entrecruzamiento de sentimientos, ni los odios y amores que sobrevuelan el panorama familiar, son tan terribles como para que sus personajes abandonen la humanidad, las dudas, los traspiés que la conducta individual supone. Cine psicológico, de pequeños sentimientos y detalles, de imperfecciones y deseos de explicar lo inexplicable.

    LOS RECUERDOS

    A diferencia de "Casa tomada" de Julio Cortázar, esta casa descuidada, pero generadora de recuerdos y de infancias perdidas, parece no intentar expulsarlas a diferencia de un exterior hostil, donde las piedras tiradas por vecinos insoportables, se conjugan con rematadores convocados que son echados de cualquier manera.

    Teatral y densa pero con humor, el filme aprisiona identidades y las recluye en la casa del conflicto. Como si las hermanas dudaran entre recluirse en el seno materno de cemento con olor a humedad, condenadas al recuerdo y al reciclado de la infancia, o salir al exterior, definitivamente expuestas al peligro de lo desconocido.

    Un guión apretado y firme, como el blanco y negro que reafirma la solidez y la actuación de tres importantes actrices, Eugenia Guerty de la muy reciente "La suerte en sus manos", Vanesa Weinberg, aquella integrante de las "Hermanas nervio", del under de los ochenta y Nora Zinski, un rostro poco aprovechado en el cine argentino.
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  • Espejito, espejito
    Una madrastra bonita, pero malvada

    La más conocida de las historias de Blancanieves es la de los hermanos Grimm, que se habrían inspirado en la historia real de una familia adinerada de Lohn en la Franconia alemana, donde la llamada Blancanieves tenía por nombre real Maria Sophia y sufrió un intento de asesinato por su madrastra, que quería favorecer a hijos de un matrimonio anterior. Los Grimm agregaron elementos de ficción que no eran tan ficticios, porque hasta el famoso espejo de la madrastra, en la que ella se admiraba subsiste en una casona que oficia de museo.

    Pero hoy las trasposiciones son muchas y variadas. Y ésta, creada por el realizador indio Tarsem Singh, tiene mucho del espíritu de la original y a la vez incluye un tono decididamente contemporáneo.

    LA REINA COQUETA

    En este caso, la reina, casada con el padre de Blancanieves, narra la historia en el comienzo. Ella es muy coqueta, tiene la costumbre de tomar el espejo y hablar sobre su belleza y abusa de ungüentos especiales para mantenerse bella y no envejecer. Como su esposo, al que no quería demasiado aunque sí su dinero, desapareció se concentra en su hijastra que está mostrando una singular belleza e inteligencia y puede ser un peligro en su ambiciosa carrera como heredera. Por eso la envía matar.

    Blancanieves ama la libertad y se escapa, compadece al pueblo explotado por la madrastra que vive para aumentar los impuestos y refugiada con un grupo de enanos que tratan de sobrevivir, se convierte en su líder y en la posible candidata a un apuesto príncipe que aparece en el reino.

    UN LUJO VISUAL

    El filme de este director indio afincado en Estados Unidos, graduado en negocios en Harvard, pero también en diseño tiene, precisamente un exquisito diseño de producción. Desde la bella fotografía hasta las locaciones (fue filmada en Canadá) pasando por el increíble vestuario de la prestigiosa diseñadora japonesa, Eiko Ishioka, recientemente desaparecida, todo contribuye a un regalo visual inolvidable. La Corte de la Madrastra, los trajes de Julia Roberts (eterna "Mujer bonita") y de la deliciosa Lily Collins con toques del Mikado, el interior palaciego y las fiestas en exteriores son un verdadero paraíso estético.

    Dinámica en la acción, con un guión atractivo que favorece lo ambiental, los buenos sentimientos, el valor de la libertad y la cooperación con el otro, "Espejito, espejito" merece verse. Julia Robert, estupenda en su papel, con una cuota de humor bien aprovechada por la producción, una revelación la adolescente Lily Collins, hija en la vida real de Phil Collins (Génesis). El príncipe un poco bobo pero atractivo y el bueno de Nathan Lane haciendo de ayudante de la reina en las buenas y las malas.
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  • La suerte en tus manos
    Un reencuentro para nada esperado

    Uriel intenta rehacer su vida, ya cumplió los cuarenta años y ha pasado poco tiempo de su divorcio. Es empleado de la financiera famiiar, le gusta el póker, las mujeres y decir mentiras no demasiado importantes. Parece que nunca creció y estuvo cómodo hasta ahora que algo le está molestando.

    Gloria, un poco menor que Uriel, tampoco está muy contenta con su vida. Al borde de terminar una relación que no va para atrás ni para adelante, llegó de España y nota que las relaciones afectivas no son su fuerte y en su casa, en su ausencia, nada cambió, sigue teniendo la madre sabelotodo a la que el hogar no le interesa demasiado y parece preferir hacer una entrevista a un escritor conocido que hablar con su única hija.

    LOS ANTIHEROES

    Uriel y Gloria fueron novios en una época, tenían mucha "piel" como decían, pero el asunto era entenderse hablando, proyectando, ahí empezaron los problemas. Pasaron los años, los dos ganaron en experiencia y ahora se encontraron. De casualidad y en Rosario, ¿valdrá la pena intentarlo?

    Nuevamente Daniel Burman ("El abrazo partido", "Dos hermanos") y sus pequeños personajes de la calle, urbanos, dubitativos, esta vez no tan concentrados en disquisiciones judaicas, como en otras películas (sólo alguna duda sobre el derecho que puede tener un rabino de dedicarse a juegos de azar) y simplemente presentando a sus antihéroes en el intento de madurar un poco.

    Todo es muy simple, poco elaborado, bastante plano. Los caracteres de cada uno de los personajes los define de un plumazo y no presenta ningún conflicto particular, salvo el de vivir, nada más y nada menos. Ese vivir, no es tan fácil como jugar póker, ya que uno conoce las reglas básicas y sólo le falta ver la jugada y elegir la carta correspondiente.

    ENTRE RABINOS

    Como otra historia dentro de la historia, el pasado feliz representado por la Trova Rosarina, de la que él dice ser representante con una de sus habituales mentiras (afán de figurar, necesidad de asociarse a un recuerdo querido y famoso) y que dará un alegre broche cuando se la homenajee y se asista al recital de Juan Carlos Baglietto, Silvina Garré, Rubén Goldin y Adrián Abonizio con los Azmuts, un grupo musical de judíos ortodoxos que en la película son llamados "Los rabinos de la nada".

    "La suerte en tus manos" es una película bien narrada, para pasar un rato agradable viéndola, con una buena interpretación del cantante Jorge Drexler, con mucho de Daniel Hendler, el actor fetiche de Burman. Junto a él, la muy profesional Valeria Bertucelli, Norma Aleandro, Salo Pasik y el debutante Gabriel Schultz, como el amigo de Uriel. También aparece Luis Brandoni, en el papel del médico de la familia.
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  • El Lórax: en busca de la trúfula perdida
    Recio amor por la naturaleza

    Se trata de una película de animación en 3D, basada en un cuento que escribiera en 1971 el californiano Theodor Seuss Geisel, mejor conocido como Dr. Seuss.

    Una pequeña ciudad donde la naturaleza no existe. En ella ni las flores, ni los árboles son naturales. Todo es de los materiales más variados. Ted vive en el lugar con su madre y su abuela y está enamorado de su vecina, Audrey, una alegre pelirroja de unos doce años como él, ésa que lo pone en apuros cuando dice estar obsesionada con tener un árbol natural. Quién se lo traiga, asegura, será receptor de todo su amor.

    Y así Ted se lanza a la aventura con la ayuda de su abuela que lo orienta en la tarea. En moto, cruza los límites de la ciudad y se encuentra con un territorio desértico y extraños personajes. Lorax, una especie de enano del bosque decidido a proteger el espíritu de la tierra y un misterioso señor Once Lear que le cuenta una dramática historia que revaloriza la necesidad de proteger el medio ambiente y la necesidad de que la naturaleza, nuevamente, forme parte de la tierra.

    AIRE EMBOTELLADO

    Ted, que se enfrenta a un gobernante especulador que vende aire puro en botellitas, mientras mantiene una ciudad "artificial", decide transmitir el mensaje ambiental a los ciudadanos.

    El filme de Chris Renaud y Kyle Balda, orignales creadores de "Mi villano favorito" readaptan el cuento del escritor y construyen un mundo maravilloso de pequeños animales en colores pastel y dan un tinte naif no sólo a la historia, que se simplifica, sino a los pequeños personajes, una fauna de jugetes como peces caminadores, ositos sonrientes, conejos encantadores y el mismo Lorax, mezcla de enamo de jardín y morsa acaramelada.

    Película destinada por la forma a los más chiquitos, con mensaje ecológico y muñecos listos para formar parte del futuro merchandising de la película, "El Lorax..." toma el formato de un musical con ciertos puntos de contacto con un clásico, "El mago de Oz". Algunas divertidas canciones y ese delicioso bestiario que recuerda los duendecillos del animé japonés, componen una puesta sencilla y con buen ritmo.
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  • Un método peligroso
    Unas relaciones muy complejas

    Basada en una novela de John Kerr y la obra teatral de Christopher Hampton (el mismo de "Las relaciones peligrosas"), el filme de Cronemberg trata sobre la relación entre dos personalidades del psicoanálisis, Carl Gustav Jung y Sigmund Freud, discípulo y maestro respectivamente y la tercera en discordia, Sabina Spielrein, una inteligente joven rusa, que llega a la clínica de Zurich, en la que vive el profesor Jung, recién iniciado en su profesión.

    Acompañado por su esposa, una rica aristócrata suiza, culta y bella, Jung aplica "la cura por el habla o por la palabra", de raíz freudiana en el tratamiento de la histeria de Sabina, que en el futuro se convertiría en una notable psiquiatra y en la amante de su médico.

    RELACION EDIPICA

    Mientras en la película, la edípica relación Freud-Jung se centra en la disidencia respecto de la importancia que da el autor de "La interpretación de los sueños" a lo sexual en el origen de ciertos trastornos mentales y la particular molestia que le causa ver a su discípulo liberado de todo compromiso económico, gracias a la fortuna de que puede disponer; el terceto Jung- Sabina-Freud se mantiene en un delicado equilibrio de pasión entre los dos primeros y amistad profesional en la dupla Freud-Sabina. Aclaremos que la óptica es la del autor de las obras en las que está basada la película.

    Esta es una película de David Cronenberg ("Crash", "Almuerzo desnudo"). Pero no parece de Cronenberg. Vuelve a darse lo que pasó con el Polanski de "Un dios salvaje", todo se asordina y salvo el comienzo, rezuma elegancia, buenos modales y diálogos inteligentes.

    PATOLOGIA

    La primera escena con la llegada de la chica en pleno ataque histérico una tarde de 1904, preanuncia, por la dureza de la situación, un aquelarre tipo Ken Russell en "Los demonios", pero no, sólo parece quedar la escuela interpretativa de Vanessa Redgrave, modelo bastante similar al tomado por Keira Knightley para desarrollar dramáticamente su patología.

    El resto del filme exhibe un cuidado diseño de producción, exquisito, diálogos muy cerebrales y un grupo interpretativo de primer nivel. Mortensen como Freud, impecable en su contemplativa composición y el ascendente Fassbender, igualmente contenido, bien lejos de su patética "Shame", de próximo estreno.

    Keira Knightley desplegando una actuación física bastante complicada, junto a Vincent Cassel, como salido de una novela del Marqués de Sade y Sarah Gadon en la bien educada Emma Jung. En síntesis, una película inteligente, bella, con la precisión helvética y cierta frialdad alpina.
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  • Furia de titanes 2
    Una mitología en decadencia

    El asunto empezó en 1981 cuando apareció la primera "Furia de titanes", con un productor y a la vez notable creador de efectos especiales llamado Ray Harryhausen. Se hablaba del mito de Perseo, la lucha con Medusa para salvar una ciudad y el rescate de Andrómeda. Tenía un equipo increíble encabezado por Lawrence Olivier y recaudó millones.

    En la película, los héroes mitológicos lo eran en todo sentido y sus aventuras sólo podían estar encabezadas por supercampeones del Olimpo, como los que presentaba el director Delmer Davis.

    En 2010 hubo una exitosa remake y ahora ésta que baja un poco de categoría a los dioses, los banaliza un tanto y eso sí, aprovecha el asunto monstruos para poblar los cielos de caballos voladores, cíclopes, lagartos gigantes y dientudos varios.

    UN NUEVO PERSEO

    La historia de este semidiós, que intenta ayudar a su padre, el gran Zeus, víctima de un secuestro siendo el mismo apresado como rehén, delitos entre dioses y semidioses, es el tema central de la narración cinematográfica.

    En esta versión, la guerra se expande, la paz no parece ser virtud deica y el pobre Perseo tiene que dejar su retiro de pescador para involucrarse en la lucha del Bien contra el Mal. Los que amaron a Perseo a través de Ovidio, Vasari, o los frescos pompeyanos, abstenerse.

    Esta "Furia de titanes 2" sólo se destaca por los increíbles efectos especiales, la mitología no es respetada, los dioses ya no son los que eran y lo único que se mantiene a tono es la línea de monstruos que, eso sí, merecen todos los respetos por lo feos, agresivos y bien logrados.

    En síntesis, la película sólo es rescatable por la acción constante y sus efectos especiales y las aceptables actuaciones de Sam Worthington (Perseo) y Rosamund Pike (Andrómeda). Aunque parezca mentira, ya está rodándose una próxima "Furia de titanes" y la taquilla sigue inclinándose a favor.
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  • El guardia
    El guardia
    La Prensa
    Una entretenida comedia negra

    Pocas veces un sargento tan racista, poco elegante, tan singular como este irlandés llamado Gerry Boyle que ejerce su oficio en Galway, que es más irlandés que Oscar Wilde y que nunca se sabe si habla en serio o en broma, si critica o reflexiona en voz alta. El está convencido que ese pueblo es su lugar, que los ingleses son un mal necesario y su madre la única persona del sexo opuesto a la que fue fiel de por vida.

    Cuando llegue el representante del FBI, tras un cargamento millonario de drogas a desembarcar en la zona, Gerry (inolvidable Brendan Gleeson) no podrá soportar al policía graduado en Yale (Don Cheadle), negro, inteligente y para colmo de familia acomodada. Sin embargo, la dupla logrará cierta afinidad en los opuestos, quizás porque cada uno tiene lo que le falta al otro y los dos intuyen que lo que vendrá puede cambiar la identidad de cada uno.

    TRAFICANTES

    "El guardia" es una pequeña joya excéntrica con un guión inteligente y pleno de humor, actores sobresalientes y esa atmósfera libre e independiente que la hace girar como una ronda y enganchar una batería de estrafalarios, representantes de la mafia británica, donde psicópatas y traficantes opinan de Schopenhauer, ironizan sobre Friedrich Nietzsche, mientras acumulan cocaína y despanzurran pobres policías con problema de género.

    Diálogos ácidos, algunos muy localistas pero inteligentes, componen esta comedia negra que recuerda "Escondidos en Brujas", película dirigida por el hermano de este joven director anglo-irlandés de apellido McDonagh.

    Sátira a las películas policiales, con algo de "El quinteto de la muerte" y la vieja escuela inglesa de policiales, "El guardia" plantea temas como la corrupción policial, la preeminencia del olfato veterano de un viejo policía sobre el racional y lógico de un universitario y el valor de la acción. Con una estupenda selección musical, escenas inolvidables como esa de segundos del sargento y su madre (Fionnula Flanagan) o las que oscilan entre lo trágico y lo cómico (ejecución en el barco), "El guardia", es el tipo de películas de pequeños personajes capaces de crecer y ser recordados con una sonrisa.
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  • Protegiendo al enemigo
    Un ‘thriller’ de alto impacto

    Las cosas parece que se dilatan para Matt Weston, un novato agente de la CIA. Hace rato que está varado en ciudad del Cabo y por ahora esta inactividad lo está enfermando. Está bien que se enamoró de la francesita Annette, estudiante de medicina, pero no parece gustarle demasiado tener que ocultar su oficio. Cuando no
    parecía pasar nada, el asunto se dispara y le toca vérselas con el enemigo público número uno, un ex agente de la CIA, el tal Tobin Frost, que se declaró en rebeldía y anda vendiendo secretos de Estado a diestra y siniestra.

    UNA MONTAÑA RUSA

    Matt Weston no sabe lo que se le viene. Nada ocurrirá como él piensa, la heroica y temeraria misión que le encomendaron no será tan brillante ni satisfactoria como pensaba, el mundo girará distinto cuando hable con Tobin Frost y vaya muriendo mucha gente en el camino.

    Se sugiere al espectador hacerse a la idea de que va a subir a una montaña rusa. Por lo tanto, ajustarse bien el cinturón y largarse a una serie de peripecias más relacionadas con un tren desbocado que con el previsible tema del espionaje-contraespionaje.

    Una alocada cámara en mano obligará a virajes violentos, peleas sangrientas, ’submarinos’ en la mejor tradición
    ‘tortura en acción’, estallará gente en pedazos, volarán autos por el aire y aparecerán personajes latinoamericanos como este Carlos Villar, al que el creador de ‘Pepe Navaja’ y ‘Tiburón’, Rubén Blades
    le da un marco creíble.

    Este director-sueco chileno Daniel Espinosa parece tener un Master en filmes de acción, porque tiene un sentido del ritmo increíble, maneja muy bien las tensiones y el suspenso parece formar parte de sus virtudes.

    LOS CONTENIDOS

    Claro que ciertos atisbos de contenidos en cuanto a guión parecen querer salirse un poco de los esquemas habituales, pero el guionista parece arrepentirse y no se larga en picada como lo hace formalmente el director.

    La dupla clásica ‘pareja despareja’, joven maduro, ingenuo-veterano, funciona bien entre el estupendo
    Denzel Washington y el chico canadiense Ryan Reynolds. Los de la CIA, Vera Farmiga y Brendan Gleeson, también se complementan, pero no aportan demasiado, sí está muy bien Rubén Blades.

    Excelente diseño de producción, espectacular fotografía con planos recordables de rutas sudafricanas y atractiva la música.
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  • Los juegos del hambre
    Duro regreso a la esclavitud

    La escritora Suzanne Collins era muy conocida entre el público infantil por sus guiones televisivos y la saga "Las crónicas de las tierras bajas", hasta que llegó en 2008 la novela de ciencia ficción "Los juegos del hambre", comienzo de una trilogía cuya segunda y tercera parte fueron igualmente exitosas. Su pasaje al cine y haber encontrado el director justo aseguran un éxito cinematográfico tan sólido como el literario.

    Ubicada en un futuro no demasiado lejano, "Los juegos del hambre", gira acerca de un lugar que se llamó Estados Unidos, ahora denominado Pánem, que sometido a todo tipo de desastres, atraviesa un momento de esclavitud bajo el poder de un Capitolio, integrado por doce distritos, sometidos a la servidumbre.

    Un gobierno dictatorial ha determinado cada año un rito por el que, cada distrito elige un varón y una mujer adolescentes para protagonizar un show transmitido a todo el país en el que veinticuatro jóvenes (Tributos) compiten y luchan entre ellos hasta que sobreviva el más apto. Esto implica beneficios para el distrito al representan

    Katniss Everdeen, una adolescente, suerte de fuerza en un hogar donde falta la figura paterna, logra sustentos adicionales cazando ilegalmente por zonas no permitidas de su distrito. Durante el rito de elección en el que es seleccionada su hermana menor para formar parte de la temida ceremonia, se ofrece como voluntaria, tratando de protegerla. Junto con el hijo del panadero, su vecino y oculto admirador, serán los representantes de la Sección 12.

    CON BUEN DISEÑO

    El filme tiene fuerza y suspenso y un espectacular diseño de producción. En forma de metáfora, se alude a una sociedad reducida a la esclavitud por una minoría bastante inferior, donde la independencia y la libertad son un peligro que debe neutralizarse. Lo exterior, el espectáculo, será la clave para una temporaria salvación; el show, la neutralización de lo individual, el romance, la excusa para el final feliz.

    La joven Jennifer Lawrence, la misma de "Lazos de sangre", reitera aquella fabulosa saga de la chica de las montañas Ozak, en esta suerte de "Truman Show" tan parecido a "American Idol". Verdadero eje de una película un tanto extensa, muestra una vez más esa mezcla de aspereza y obstinación que caracteriza su personaje y logra convertirse en el punto fuerte del relato.
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  • Ghost Rider: Espíritu de venganza
    Un héroe bastante confundido

    La factoría Marvel se caracterizó por la imaginación de una variedad de personajes, desde "Capitán América", pasando por "Los cuatro magníficos", o el "Hombre Araña". Compañía creada en 1939, abasteció especialmente el mundo de la historieta, hasta la reciente época en que la compañía Disney la compró.

    Pero estas son otras épocas y los héroes, o superhéroes salen medio torcidos como este "motorista fantasma" llamado Johnny Blaze, que por intentar salvar al padre tuvo la idea de pactar con el Diablo como si fuera el señor de la vuelta de casa.

    Así perdió su alma y se transformó en algo así como un marginal que anda a la buena de Dios, torturado y conflictivo, cumpliendo las tareas que se le encomiendan.

    Si Peter Fonda era su Mefistófeles hace cinco años en el primer filme de la serie, ahora, más acorde con la modernidad, el Diablo tiene la cara del señor Dumbledore, el mismo de Harry Potter.

    LOS MONJES

    Esta vez el torturado Johnny Blaze es reclutado por unos monjes de la Orden de Miguel Angel, que viven en Europa del Este, para proteger al hijo del Diablo que tuvo un affaire con una rusa (también los países se ponen de moda).

    Luego de una impactante escena de superacción en el comienzo (lo mejor de la película), ubicada en ámbitos eclesiásticos, monasterio en escarpada montaña mediante y donde conocemos a la bella rusa y su hijo, el filme comienza a irse en picada.

    El libreto va para cualquier lado, la presencia del Motorista Fantasma con su cuerpo y su moto incendiados y esa carota-calavera mecánicamente movible, siempre al borde de la histeria, no alcanza a superar la categoría del ridículo y lo único rescatable son las locaciones (Rumania, Turquía) o los efectos especiales.

    La narración hace agua, Nicolas Cage sobreactúa y ríe. Roaroarke, el demonio de turno, mantiene una buena máscara y la rusa, hija en la vida real de Michele Placido, hace lo que puede para mantener una actuación decorosa ante tanto descalabro. El diseño de producción es aceptable.
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  • ¡Esto es guerra!
    Dos agentes de la CIA están prendados de la misma chica

    Es un filme con buen diseño de producción, correcto timing, pero ninguna originalidad. Todo es previsible, los clisés del género abundan y se quiere aunar romance y acción en una liviana producción con atractivos actores.

    Ella es Lauren, una joven con un buen empleo de testeo de productos, soltera y con ganas de entrar en romances más serios. Ellos, Tuck y Frank, sí, porque son dos, integrantes de la CIA, jóvenes y lindos, y también con ganas de encontrar una relación más perdurable. Aunque uno, el bueno de Tuck lo intenta por segunda vez, relación que le dejó un chico y una ex mujer.

    Los dos recurren a un "solos y solas" de la web, por supuesto que no se cuentan nada, encuentran a Lauren y la citan. En un momento dado, ambos se sinceran y ante el "gusto común que los une" se declaran rivales. Por supuesto que tecnología apropiada para empresas superiores, comienzan a ser utilizadas, para frenar el avance de cada uno de los candidatos.

    LO PREVISIBLE

    "Esto es guerra" es un filme con buen diseño de producción, correcto timing, pero ninguna originalidad. Todo es previsible, los clisés del género abundan y se quiere aunar romance y acción en una liviana producción con atractivos actores.

    La chica es Reese Witherspoon y los galanes, Chris Pine con algo de Brad Pitt joven y el inglés Tom Hardy. En un breve papel de abuela, Rosemary Harris, conservando el encanto de su ya lejana "Tom y Viv".

    La película tiene una inicial escena de acción bien filmada y con abundantes efectos especiales, donde aparece el enemigo de "los CIA", Heinrich, que se llama a cuarteles de invierno hasta que los romances se desarrollen y vuelva a aparecer en otra impactante escena de acción y nuevos efectos especiales.
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  • El precio de la codicia
    Esos sucios juegos del poder

    Relato frío y apasionante donde analistas y asesores pueden caer en picada, pero la red que los contiene es tan sucia que cuesta utilizarla. "El precio de la codicia" revela a un gran director, dueño del desparpajo de la juventud, el manejo de las tensiones y un ritmo endemoniado

    Un banco financiero de primer nivel en uno de los imponentes rascacielos de la Gran Manzana neoyorquina. La escala jerárquica de sus miembros tiene como común denominador trabajar con millones de dólares que se multiplican hasta lo infinito, pero pueden desaparecer por su misma volatilidad.

    Los más nuevos integrantes del grupo, Peter Sullivan y Seth Bregman, se hicieron amigos. Seth vive para multiplicar efectivo y Sullivan para celebrar la simpleza de su compañero. Cerca de ellos, lejano en cuanto a jerarquías está el jefe, Sam Rogers, ese indiferente al que nada le interesa, pero que llora en soledad la próxima muerte de su perra. Una mañana cualquiera, una inspección general; el veterano Eric Dale, uno de los mejores analistas es despedido. La frialdad de la "ceremonia" de despido asombra a los más jóvenes que toman conciencia que así puede ser también la de ellos.

    DESPOJOS

    Eric Dale se va. Un despojo al que los pisos que lo acercan a la planta baja transforman en un hombre sin importancia, despojado del celular y ya ajeno a la circunspecta "gallina bancaria de los huevos de oro", millonaria en bonos y cauciones. Antes de irse, Dale pide a Peter que dé una mirada a un trabajo que estaba haciendo para la empresa. Lo que se descubre, provoca una implosión en la empresa, y lo que suceda después, será causa imprevisible de la Segunda Depresión, ésa que abarcó de 2008 a 2011 y se extendió por Estados Unidos hasta invadir el mundo.

    La inspiración del filme para el joven director J.C. Chandor, surgió en la familia. Su papá trabajó más de treinta años en Merryl Lynch y con la debacle del 2008, en Estados Unidos, bancarrota de Lehman Brothers, incluída y su proyección al mundo, el tema quemó.

    MUNDO PRIVADO

    La película desnuda el privado mundo de las altas finanzas y navega aguas turbias de pasiones, pequeñeces, egoísmos y cobardías. Con máxima tensión, elegante diseño de producción y sonoridades exactas, el filme coloca a una corporación al borde del desastre y la hace pasear por la cornisa hasta el final. ¿Cómo se conjuga la ambición y la corrupción, el cinismo y la debilidad, mientras gira un paquete de bonos basura y se plantea la necesidad de destruir o salvarse, de dignificar lo indigno?

    Relato frío y apasionante donde analistas y asesores pueden caer en picada, pero la red que los contiene es tan sucia que cuesta utilizarla. "El precio de la codicia" revela a un gran director, dueño del desparpajo de la juventud, el manejo de las tensiones y un ritmo endemoniado.

    Casi dos horas para disfrutar de gloriosos veteranos, Kevin Spacey, Jeremy Irons, Stanley Tucci, Demi Moore y conocer a los más jóvenes, Zachary Quinto y Penn Badgley. Atención con este director debutante de tan solo veintiséis años.
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  • Dormir al sol
    Dormir al sol
    La Prensa
    Del realismo fantástico local

    El director construye una obra austera, mínima, la ubica con aciertos en un barrio laberíntico como el de Parque Chas, e imprime a través de la fotografía algo del misterio, el toque casi demodé de la novela.

    La película está basada en una novela corta de Adolfo Bioy Casares, importante escritor argentino, que con su mujer, Silvina Ocampo y su amigo Jorge Luis Borges, dieron un vuelco particular a la literatura de nuestro país al incursionar dentro del realismo fantástico.

    "Dormir al sol" escrita en 1973, cuenta lo que le pasó a Lucio Bordenave, cesanteado recientemente y metido a relojero, que, muy enamorado de su mujer, sufre una serie de cambios que le harán, tangencialmente, ingresar al mundo de la locura y luego al de la fantasía, donde la figura del perro adquiere una notable importancia.

    COMO UN SUEÑO

    Bordenave, su mujer Diana, el misterioso doctor Standel y el doctor Samaniego son los personajes en la novela que en la película actúan a horcajadas de la realidad y la ficción.

    A veces como habitantes de un sueño, otras como vecinos de Parque Chas (Villa Urquiza, en la novela), en los "60 en el libro, en los "50, en la película, mantienen esa característica no totalmente real otorgada por el autor.

    Hace poco tiempo tuvimos en Buenos Aires un filme con connotaciones similares, era una película protagonizada por Paul Giamatti "Itinerario de almas", que también versaba sobre el sutil tráfico de almas y la posibilidad de emigrar un tiempo de los cuerpos para curarse en otros. La película aborda esa temática y también puntos clásicos, habituales en Bioy, el amor, el destino como juego, la pérdida de la identidad y el cambio.

    UNA OBRA AUSTERA

    El filme de Chomsky vuelve a mirar hacia la literatura. La mayoría de los jóvenes realizadores no se inclinan por esta opción.

    El director construye una obra austera, mínima, la ubica con aciertos en un barrio laberíntico como el de Parque Chas, e imprime a través de la fotografía algo del misterio, el toque casi demodé de la novela.

    Bien elegidos los personajes, Machín como Bordenave, Esther Goris como Diana, Belloso como el doctor Samaniego y Enrique Piñeyro como Standle, todos guardan el "physique du role" requerido, aunque la dirección de actores no sea firme. Una pena la poca utilización de la clave argumental, el perro; el comienzo prometía un misterio que se desvanece con el desarrollo posterior.
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  • John Carter: entre dos mundos
    Una de princesas y monstruos

    Todo se transforma. En las tradicionales películas de acción y aventura, el héroe se enfrentaba con el villano en distintas locaciones y luchaba contra los mas extraños obstáculos y todo tipo de enemigos. Cumplía su objetivo y ratificaba su condición de héroe. Pero la imaginación sigue desbordándose. Es el caso de "John Carter: entre dos mundos".

    Un joven capitán del ejército, durante una histórica contienda en Estados Unidos, es abducido, y llevado a Marte, aunque sus habitantes lo denominan Barsoon.

    Allí, con poderes extraños como el de saltar a distancias increíbles, comienza a integrarse con un mundo que está muriendo, donde los seres de cuatro brazos muy verdes, como la hojas de la tierra en la primavera, luchan con enemigos imponentes y asumen una crisis galáctica. Carter recuerda su apuesta por la libertad y la no sumisión al enemigo. Armado, entra en lucha.

    POR EL AZAR

    Basada en una serie del popular Edgar Rice Burroughs (creador de "Tarzán"), John Carter revitaliza la historia del héroe enfrentado a la aventura y el azar. La serie, luego transformada en libro, que tenía sus mayores adeptos entre los adolescentes, ya en su formato película, está dirigida a ese mismo tipo de público. Tiene un buen ritmo narrativo, atractivos efectos especiales, bellas locaciones y una estética que se renueva con inéditos tipos de monstruos (la imponente escena del campo de guerra, con semejanzas respecto del Circo Romano, donde luchan monstruos gigantes, custodiados por extraños cuidadores). El filme, aunque no innova en cuanto a temática, recrea mundos de cuidados diseños, en los cuales que extrañas criaturas.

    CINE DE BARRIO

    El director, siempre con el apoyo de la serie original, "John Carter de Marte", es ayudado en la ficción por un equipo que aglutina a Taylor Kitsch y la bella Lynn Collins (Dejah Toris), la tradicional princesa, esta vez con una cuota de desparpajo y picardía que le sienta bien y recuerda a la Catherine Z. Jones de los relatos cinematográficos iniciales.

    Entretenida, a veces con repeticiones, "John Carter en Marte" recicla un cine que teniendo como protagonistas a "Simbad el Marino", "El príncipe valiente" o "Aladino", continúa atrayendo con su carga de aventura y fantasía, como en la época del "cine de superacción" televisivo, o las míticas matinés de los cines de barrio.
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  • Un dios salvaje
    Las razones para una dicusión

    El espectador que espere al Roman Polanski clásico, encontrará a otro, quizás más escéptico, reflexivo, pero fiel al espíritu crítico que lo ha caracterizado siempre. Por algo eligió ahora a una autora tan cuestionadora como Yasmina Reza, la misma de "Art" y otras piezas, estrenadas con éxito en Buenos Aires.

    Aquí el tema es sencillo y con sólo cuatro personajes. El motivo de la reunión de estos adultos occidentales y cristianos es una pelea en la plaza entre los hijos de cada una de las parejas, con el saldo de dientes rotos y hematomas variados. Nada demasiado trascendente. La liberal Penélope Lonstreet, amante de la ecología y la paz, decidió reunirse con los padres del agresor para una conversación clara, de la que todos puedan salir convencidos de que fue una circunstancia simple, todo pasó y tienen los mejores hijos del mundo.

    La reunión es en un departamento de Brooklyn, donde Penélope vive rodeada de libros de arte y en la compañía de un marido bromista, burgués en ascenso, más bien simplón. Los Reilly integran una pareja de ricos americanos, él abogado y ejecutivo farmacéutico, un Jim frío y absolutamente despreocupado de todo lo que no sea su trabajo y sus negocios, a los que permanentemente accede via celular. Su mujer es rubia y atractiva, señora de "té y canasta".

    EN LA REUNION

    Lo que se inicia como una civilizada reunión de adultos racionales, paulatinamente se va transformando en un ring de box, donde las voces suben, las mentes se obnubilan, lo irracional aflora y cada uno, en la discusión va sacando lo peor de ellos mismos.

    Basada en la obra teatral "Le dieu du carnage" de Yasmina Reza, el filme no deja el ambiente claustrofóbico en que se desarrolla y sin raccontos ni inserts se transforma en un formidable juego de ideologías en disputa, hasta llegar a los insultos y la degradación -que comprende la discriminación, los prejuicios y las contradicciones- demuestra que largos años de "educación y cultura" pueden durar instantes, cuando las propias opiniones no coinciden con las de los otros.

    Diálogos filosos, argumentaciones traicioneras, muestran la fragilidad de la paz cuando la intolerancia se oculta. Jodie Foster hace un buen trabajo de la señora ambientalista, tan al borde de la histeria como su visitante. El resto de los actores están cómodos en sus personajes, que muestran lo peor de cada uno en lo que se inicia como una conversación aparentemente intrascendente y conciliadora.

    El austríaco de "Bastardos sin gloria", como el abogado Reilly, se luce en su actuación sin llegar a algunos desbordes con los que a veces Jodie Foster irrita.

    Muy bien Kate Winslet en un personaje que llega al borde pero no cae en el vacío.
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  • Sólo por dinero
    Una chica dispuesta a dar con un ex novio infractor

    El filme carece de sorpresas, la carnadura de los personajes casi no existe y sólo hace la película digerible la presencia de Katherine Heigl y John Leguizamo, simpáticos como parejas despareja y la que fuera rutilante Debbie Reynolds como la abuela.

    Stephanie Plum comienza a aparecer en las novelas de aventuras de una tal señora Janet Evanovich, que escribía novelas románticas poco exitosas.

    EN INFRACCION

    Un éxito inmediato ante la aparición de la nueva novela con este personaje y una sucesión de aventuras de la protagonista en posteriores novelas (con diecisiete títulos publicados), desencadenaron la compra por la Columbia de los derechos de esa primera y publicitada edición, primera de la serie, llamada ‘Sólo por dinero’, para ser llevada a la pantalla.

    La chica Plum es atractiva. Hace poco que se divorció. Atendía la sección lencería en una tienda de Nueva Jersey, pero van seis meses de desempleo y el trabajo está difícil.

    Stephanie vive en una departamento modesto que ya no puede pagar, acumula deudas, maneja un auto viejo y de las propuestas laborales que se le acercan elige la más segura, porque el negocio es de un primo, pero con riesgos. Se trata de un lugar que trata a personas que después de tener una libertad bajo fianza por causas menores, no van a juicio, salieron de la cárcel, pero no se presentaron cuando los convocaron, o sea que están en infracción y el primo debe dar con ellas para ponerlos en vereda y cobrar, obviamente, una recompensa.

    En su nuevo trabajo Stephanie tendrá que ocuparse de ‘pescar’ a los infractores y entregarlos. Intenta con algunos, pero uno en especial, el que tiene una interesante suma para cobrar de recompensa -de la que ella recibirá una buena comisión- es un conocido, más aún, un ex novio que la plantó de adolescente y a la que decide perseguir, un poco por el dinero y otro poco por despecho. Pero Stephanie no sabe que se metió en un
    asunto complicado.

    MINIMOS RECURSOS

    La película de Julie Anne Robinson es líneal con una temática mínima, pocos personajes y una atractiva intérprete venida del campo de la televisión.

    Hay algunos intentos para lograr cobrar comisiones, mínimos recursos que ponen a la protagonista en situaciones peligrosas y alguna intención por parte de la familia de ayudarla en la empresa (una abuela metida pero útil por el préstamo que hace de su viejo auto para suplantar al endeudado).

    El filme carece de sorpresas, la carnadura de los personajes casi no existe y sólo hace la película digerible la presencia de Katherine Heigl y John Leguizamo, simpáticos como parejas despareja y la que fuera rutilante
    Debbie Reynolds como la abuela (sí, el tiempo pasa, desgraciadamente), con varios intentos de remedar a Ruth Gordon (‘El bebé de Rosemary’).
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  • Drive
    Drive
    La Prensa
    Misterioso mecánico de autos

    El filme no tiene demasiada sangre, pero su violencia impacta y su protagonista es capaz de hipnotizar con su sola presencia. A él le presta su excelente capacidad interpretativa, un admirable Ryan Gosling.

    El protagonista de esta película no tiene nombre. Sólo se lo conoce como ‘el conductor’. Es parco en palabras, calmo en apariencia, pero no duda cuando hay que cometer un acto criminal.

    ‘Drive’ es un ‘thriller’ que hereda lo mejor de ciertos héroes solitarios de los 80, tipo ‘Harry, el Sucio’, o ‘Bullit’, con el inolvidable Steve McQueen. Claro que Ryan Gosling es de otra generación y además es músico, lo que le otorga una visión más amplia a su personaje.

    De caminar cansino, movimientos lentos y una campera que como el filme puede convertirse en un objeto de culto. Porque ‘el conductor’ lleva una campera blanca con un escorpión tatuado en la parte de atrás.

    La historia está ambientada en una ciudad de Los Angeles gélida y oscura. Algún dato más sobre el protagonista
    indica que se lo conoce como mecánico de autos y experto en el volante. Eso le ha permitido ser también doble de riesgo de películas de acción, en las que es capaz de chocar un patrullero y hacerlo volar por el aire, todo con calma.

    SIN DOMICILIO

    Pero el hombre tiene otra ‘profesión’ menos visible. Por las noches hace trabajos por encargo, acompaña a asesinos a algunos atracos, a quienes espera con mirada expectante en su auto y luego los lleva hasta una zona segura y libre de la mirada de la policía.

    Este conductor tiene un código, no hace ningún negocio con la misma persona dos veces. Solitario por naturaleza, sin domicilio, ni celular fijo, ha hecho algunos arreglos sucios con su empleador, con el que son socios en el crimen.

    Todo parece estar bajo control para el conductor, hasta que una vecina joven, de cara angelical, con un niño, se le cruza en el camino. Esta mujer tiene a su marido en la cárcel y eso lleva al muchacho solitario a frecuentarla y a
    enamorarse silenciosamente de ella. Pero el marido regresa y todo se complica.

    ‘Drive’ no tiene demasiada sangre, pero su violencia impacta y su protagonista es capaz de hipnotizar con su sola presencia. A él le presta su excelente capacidad interpretativa, un admirable Ryan Gosling.

    A su lado una impresionante Carey Mulligan y una buena fotografía complementan este filme tan inquietante como fascinador.
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  • Amor por siempre
    Ser optimista a pesar de todo

    Drama atemperado por una dirección que intenta no caer en el melodrama, no puede sin embargo escapar a esa tendencia, difícil de salvar con temas como éste.

    Joven y bonita, exitosa y decidida Marley Corbett se ha sabido ganar el lugar que la destaca en la importante agencia de publicidad en que trabaja.

    Aunque todavía no tiene una pareja estable, la conquista amorosa no es un problema para ella, porque sabe
    atraer a los hombres. Aunque no parece haber hallado a la persona adecuada.

    CIERTAS TENDENCIAS

    Dominar conocimientos, manejar situaciones, buscar los mejores momentos para presentar innovaciones
    en el trabajo o compartir con amigas son tareas que no tienen secreto para ella. Hasta que un análisis médico le dice que la vida es limitada, que nada es para siempre y un cáncer avanzado, que sólo hace unos días se manifiesta, puede dar por tierra una vida plena.

    Un médico joven, Julián Goldstein le da la noticia. Marley Corbett, con su clásico dominio de situaciones, lo toma con sorpresa, pero con cierta filosofía. Ella parece manejar también lo poco predecible y no tanto lo que vendrá
    después, ese médico austero y poco comunicativo que parece no serle indiferente.

    Hay tendencias temáticas que a veces son breves, o se retroalimentan en la industria hollywoodense. Ahora parece haber una que plantea una enfermedad generalmente terminal en gente joven y la resolución pasa por el humor y a veces la canción. Es el caso de la reciente ‘50/50’ con Joseph Gordon-Levitt o ‘La decisión más difícil’ dirigida por Nick Cassavetes y la de este filme de Nicole Kassell.

    La película está bien contada, mantiene esa línea ‘optimista a pesar de todo’. Está matizada por alguna broma pesada (la aparición del joven enano de ‘Muerte en un funeral’) y añade condimentos como la presencia materna, esa madre con la que uno nunca se llevó demasiado bien, pero con la que siempre se cuenta, ahora interpretada
    por la gran Anjelica Houston, a la que parece que Holywood olvidó.

    Gael García Bernal está correcto en su papel y Kate Hudson -hija de Goldie Hawn-, es una atractiva Marley Corbett.

    Drama atemperado por una dirección que intenta no caer en el melodrama, no puede sin embargo escapar a esa tendencia, difícil de salvar con temas como éste.
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  • Inframundo: El despertar
    Inquietante regreso de Selene

    La película, como los clásicos de la saga, se caracteriza por su notable violencia, cierta tendencia al gore (es bastante sangrienta y exhibicionista en vísceras) y eso que sus directores ahora, son nórdicos, vienen de la gélida Suecia.

    Nuevamente el mundo de las tinieblas que enfrenta vampiros, aristocráticos y siniestros, con los Lycans (hombres lobos), que fueran servidores y esclavos de los Señores del Primer Mundo. Ahora todo se complica
    porque parece que los Lycans o Licántropos buscan manipulaciones genéticas que los liberen de las temibles balas de plata.

    La heroína Selene (Kate Beckinsale), reaparece luego de estar en estado de congelación por quince años. Ella sigue siendo una bella e inteligente vampira, pero parece que algo pasó y ahora se le presenta una hija adolescente, medio vampira, medio licántropa.

    La buena de Selene, suerte de Mujer Maravilla contemporánea, parece tener todos los poderes para enfrentarse con el que venga, así que está dispuesta a defender su campo con sus mejores armas. Más ahora que tiene una pequeña vampira bajo su protección, la hija, que tuvo con su ex marido el que murió en un ataque imprevisto y era mitad humano y mitad hombre lobo.

    DIRECTORES NORDICOS

    Aunque quizás debido a una necesidad de venganza, o que debe cuidar de su chica, ni el siniestro doctor Lane será capaz de detener a esta heroína, que viste con indumentaria entallada y de color negro.

    La película, como los clásicos de la saga, se caracteriza por su notable violencia, cierta tendencia al gore (es bastante sangrienta y exhibicionista en vísceras) y eso que sus directores ahora, son nórdicos, vienen de la gélida Suecia.

    A su característica oscuridad agregan el toque de historieta, habitual en este tipo de relato y un buen diseño de producción con predominio del sonido. A diferencia de la primera de la saga, el conflicto dramático decae y los caracteres ya no tienen la solidez inicial.

    Todo se ha vuelto más previsible. Algunas sorpresas en el equipo actoral es la reaparición de Stephen
    Rea, el del ‘Juego de las lágrimas’, como el implacable doctor Jacob Lane; el impactante Theo James, recordado en la premiada y televisiva Dowton Abbey como Kemal Pamuk y la adolescente India Esley, hija de Olivia Hussey, actriz argentina que Franco Zeffirelli popularizó en ‘Romeo y Julieta’ en 1968.
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  • Mini espías 4 y los ladrones del tiempo
    Trucos para atrapar a un villano

    Robert Rodriguez dirige en 2001 la inicial Mini Espías, una comedia familiar con elementos fantásticos, que combinaba ciencia ficción y travesuras infantiles con efectos especiales y muy buen humor. La película tuvo un éxito notable y se "reprodujo" a lo largo del tiempo en dos filmes, que hasta incorporó a Antonio Banderas como protagonista. Ahora Mini Espías viene remozada, en 3D y con un montón de efectos especiales.

    La trama es la de siempre, gira alrededor del eje de los espías. En este caso se trata de una espía adulta retirada, llamada de urgencia para una peligrosa misión.

    Marissa Wilson, espía joven pero ya veterana en el oficio, ya en la primera escena, se ve "muy embarazada", enfrentada con "Time Keeper" y sus secuaces, un excéntrico maldito que aparece y desaparece en la historia del hampa. Luego, la acción muestra a Marissa, con su beba de ya casi un año y sus pequeños hijastros, hijos de Wilburn, un muy conocido periodista que ignora las actividades de su mujer.

    ROBAR EL TIEMPO

    Cuando la televisión advierte que el tal "Time Keeper", volvió a escena, en una sutil tarea, la de robar el tiempo y poco a poco apoderarse del planeta, Marissa es requerida para la misión de captura, mientras sus hijastros, Rebecca (Rowan Blanchard) y Cecil, son resguardados en el Centro de Espias ante el intento de rapto del peligroso villano. Carmen Cortez volverá a tener importancia en las nuevas aventuras y también María Cortez, que se ocupará de instruir a los chicos.

    Ellos, de alguna manera, revitalizarán la desactivada sección de Niños Espias del Centro General.

    El texano Robert Rodriguez fue en su momento "el chico de oro" de la industria hollywoodense. Desde sus inicios con "El mariachi", su primera película, ganó fama por convertir en oro todas sus producciones cinematográficas. La serie "Mini Espías" no escapó a estas características.

    La película actual tiene muy buen ritmo, personajes simpáticos y especialmente un despliegue de efectos especiales que visten una trama elemental.

    3D más efectos especiales, sucesión de sorpresas visuales logran atrapar a los más chicos y ¿por qué no? a los preadolescentes. En este caso hay una figura diferente como la publicitada Jessica Alba y la pequeña Rowan Blanchard como Rebecca.
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  • El Artista
    El Artista
    La Prensa
    Una aventura cinematográfica

    Una película con magia. Ese es el simple calificativo que justifica la visión de un filme pequeño en cuanto a producción, entrañable en sentimientos, rabiosamente cinéfilo (sus escenas son un banquete para la búsqueda de géneros, incluso títulos famosos), diseñado con técnica de orfebre y con intérpretes dotados de un ángel especial.

    La historia es simple. Hollywood en los años "20, un galán en el período mudo, amado por el público, su encuentro con una simpática extra, la negativa de George Valentin a integrarse al cine sonoro y el inicio de su caída acompañado del ascenso de Peppy Miller, la extra que conociera poco tiempo antes. Entre escena y escena, las filmaciones, la pasión del público por el naciente arte, los géneros de moda y la conciencia por parte del espectador de la magnitud del fenómeno cinematográfico en la década de 1930.

    EL HUMOR

    La proyección de una película muda en la primera escena, en un gigantesco teatro, con gente vestida de gala y orquesta en vivo, ubica a cualquier espectador en la importancia del cine y sus actores.

    Así van desfilando filmaciones con despliegue visual, aventuras llenas de indios y selvas, el fervor del público ante los actores, situación que provocaría la consagración del star-system. En fin la vida de un actor desde la fama a la decadencia más triste. Pero a no preocuparse porque este director de apellido difícil a causa de su origen lituano, tiene sentido humor. Nada durará demasiado. Todo se resolverá con una sonrisa.

    Hazanavicius ama el cine, muchas de sus escenas parecen sacadas de la saga chaplinesca (el perro llamando a la policía a causa del incendio), de filmes de Mark Sandrich con la dupla Fred Astaire-Ginger Rogers, o de Vittorio de Sica en "Umberto D". ¿Acaso el delicioso Uggie de Valentin no seria un nieto del inolvidable Flick del profesor Ferrari? Hasta sus ladridos se parecen.

    LUMINOSA

    Quien vea "El artista" no podrá decir que se rodó en blanco y negro, porque es una película luminosa, con los colores del arco iris. Jean Dujardin parece haber escapado, verdaderamente de un filme mudo, esa sonrisa de galán y el arco de la ceja de villano en la escena del baile, contrastan con la melancolía del "perdedor" ante el éxito de la juventud, encarnada en la jovencita Peppy.

    Peppy Miller es Bérénice Bejo, hija de un director argentino que con el grupo CAM sacudia cimientos culturales en época de Ongania. Llamativamente su hija demuestra la audacia paterna de consagrarse con una película contra la corriente, en pleno siglo XXI, en blanco y negro y muda.

    También hay veteranos que siguen jugando en primera John Goodman (el empresario), James Cromwell ("La reina") aquí un imperdible mayordomo y Malcolm McDowell, apaciguada luego de una juventud marcada por "La naranja mecánica" o "Calígula".

    Ver "El artista" es sentir el cine en estado puro, con la fuerza de las imágenes y la calidez de lo verdadero.
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  • La dama de negro
    Una presencia muy enigmática

    La versión cinematográfica respeta la esencia de la novela, pero está bastante cambiada respecto a ésta e intensifica los climax enriqueciéndolos.

    Un joven abogado viudo llega a una misteriosa mansión para reunir datos sobre una herencia dejada por una anciana sin hijos. Extraño pueblo, desconfiados vecinos, residencia aislada, con mucha telaraña y ruidos extraños. Por suerte alguien que conoció en el tren, vecino del lugar, oficia de contacto con la realidad en un lugar donde la muerte y el misterio parecen darse la mano.

    Los sucesos tienen lugar a principios de siglo en viejo pueblo inglés, lugar de pantanos y soledades, de temporales habituales e inundaciones periódicas.

    Durante el funeral de Mrs. Drablow, el joven abogado Arthur Kipps observa a una joven mujer de negro, alejada de todos, que volverá a ver cuando llegue a la casa de la anciana. Al parecer nada bueno ocurre cuando esa señora aparece.

    SESGO GOTICO

    "La dama de negro" tendrá su público fundamentalmente por Daniel Radcliffe, el ex Harry Potter en un papel diferente al que lo hizo famoso. Sin embargo hay otras atracciones que concentra este filme de James Watkins.

    La novela de 1983 en que se basa, pertenece a Susan Hill, prestigiosa autora inglesa, famosa por sus obras góticas, entre ellas la muy comentada "Mrs. De Winter", secuela del clásico "Rebecca", cuyo guión fue de Daphne du Maurier. Más aún, la novela "La dama de negro", al aparecer en 1983, fue adaptada para el teatro y lleva en cartel veintinueve años en diferentes escenarios, compitiendo con el gran éxito teatral de Inglaterra, la célebre pieza de Agatha Chirstie "La ratonera". Posteriormente fue llevada a la televisión y al cine.

    FILMES NEGROS

    La película tiene todos los ingredientes de los filmes negros, pero con una cuidada puesta victoriana, elegancia y climas realmente atrapantes.

    El director Watkins es un exquisito y parece haber nacido para plasmar imágenes y sonidos ominosos con belleza y suspenso. Inmediatamente el clima que despliega nos recuerda la notable novela "Otra vuelta de tuerca", de Henry James y sus versiones cinematográficas, especialmente "Los otros", de Alejandro Amenábar.

    La versión cinematográfica respeta la esencia de la novela, pero está bastante cambiada respecto a ésta e intensifica los climax enriqueciéndolos.

    La multiplicación de los niños, la intensificación de la aparición de juguetes (la escena del cuarto de los pequeños y la mecedora atrae y estremece) y la presencia del personaje interpretado por Ciaran Hinds y su mujer, amplían de alguna manera, la claustrofóbica permanencia del joven abogado en la casa.

    "La dama de negro" está bien narrada, lo mejor son sus atmósferas, el suspenso y sus actuaciones. El chico Radcliffe es un Kipps emocional y creíble, mientras el irlandés Ciaran Hinds ("El fantasma de la ópera") y la actriz shakespiriana Janet Mc Teer, en un breve papel, ambientan estupendamente el contexto victoriano.

    Lamentablemente la armonía general del relato se desborda al final. Final que muestra lo que hasta el momento sugirió y enfatiza dramática e innecesariamente los últimos instantes de la historia. A pesar de todo merece verse.
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  • Penumbra
    Penumbra
    La Prensa
    Una heroína algo intolerante

    Un eclipse, una casa que mete miedo, la atmósfera densa y un ascensor heredero del cine negro francés de los "50 forman parte de esta "Penumbra".

    Una española pone en venta un departamento en nuestra ciudad, que le vino de herencia. Marga vive pocos meses en Buenos Aires durante el año, despotrica contra la Argentina, se muestra discriminadora y racista y no puede soportar a "perdedores" que contrastan con su eficiencia laboral. En pocos minutos desvaloriza telefónicamente a su hermana, castiga a un mendigo que la insultó, desprecia a la vecina, orgullosa de su ascendencia española y culpa a los políticos argentinos por su ineptitud.

    ARBITRO Y JUEZ

    Suerte de árbitro y juez, comienza a derrumbar algunas de sus premisas éticas ante la oferta en euros de un posible cliente para el departamento en venta y usa como excusa los dichos de Milton sobre "la virtud del dinero, conquistador de reinos". La llegada del supuesto empleado inmobiliario que plantea una oferta, las visitas que se suceden y la inminente llegada del doctor Salva, de significativo apellido, constituyen el grueso de este relato de suspenso realizado por los hermanos García Bogliano, que parecen haberse especializado en este tipo de relatos de gran éxito comercial.

    "Penumbra" es cine de género. Recuerda por ciertas estructuras temáticas a "La comunidad" de Alex de la Iglesia y tiene algunos crescendo de suspenso que atraen al comienzo y se debilitan al final. Observaciones costumbristas, algunas características de la personalidad de la abogada, odiosa y a veces, lamentablemente realista, dan un toque diferente a este policial que reúne un elenco heterogéneo, donde artistas españoles, colombianos, argentinos y uruguayos conviven en un relato tradicional, pero no por ello falto de interés.

    APORTE PARAGUAYO

    Los adictos al cine negro no demasiado exigentes, tendrán un pasatiempo un tanto extravagante, pero válido, de prolija factura formal.

    Los que extrañan a Arnaldo André lo verán en un papel distinto y tan inverosímil como la razón por la que los de la "agencia inmobiliaria" esperan al doctor Salva como si fuera Godot.

    En tanto aquéllos que disfrutaron de la deliciosa "Whisky" se reencontrarán con la gran actriz uruguaya Mirella Pascual. En cuanto a la catalana Cristina Brondo, es una actriz interesante y los jóvenes Camila Bordonaba y Diego Cremonesi, se meten bien en sus papeles.

    Un eclipse, una casa que mete miedo, la atmósfera densa y un ascensor heredero del cine negro francés de los "50 forman parte de esta "Penumbra".
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  • Selkirk, el verdadero Robinson Crusoe
    Un pirata solitario que busca sobredorar una fama histórica

    Se trata de una película de animación realizada en técnica stop motion con fondos digitales 3D. El filme es una coproducción con Uruguay y Chile.

    Basándose en un personaje real, Alexander Selkirk, marino escocés, Daniel Defoe, escritor inglés, escribe su famosa novela Robinson Crusoe (1719), cuyo verdadero nombre fue "La vida y las extrañas y sorprendentes aventuras de Robinson Crusoe".

    El director Walter Tournier construye una sencilla historia animada por muñecos. La acción se inicia a fines del siglo XVII, plena época de furor marítimo de conquista y aventuras, donde Selkirk, apasionado por la navegación, se embarca en la nave Esperanza, luego de mostrar los planos de un posible tesoro escondido en una isla.

    Habrá varios episodios durante el viaje que más de una vez harán peligrar la travesía en el galeón, que logrará cruzar el Cabo de Hornos. Las desavenencias entre Selkirk y el capitán harán que el marino sea abandonado en una isla.

    EL NAUFRAGO

    En la realidad, el náufrago tardó cuatro años y medio en ser rescatado. La película está bien construída, los caracteres aparecen correctamente delíneados (Bullock, el capitán gruñón, la cantinera) y algunos de ellos tienen mayor gancho que otros como Pupi, la camarera o el mismo Selkirk.

    La reconstrucción histórica es correcta como el vestuario y hay ciertos detalles en la nave que parecen arrancados de otras historias, sin mayor relación con el relato (la planta invasora).

    La primera parte parece más dirigida a chicos un poco mayores por la temática y los diálogos, mientras la segunda en la isla, incorpora pequeños personajes naifs encantadores como el lorito, el gato, el mono mascota y las cabras malhumoradas.

    La parte didáctica está dada por Pupi, divertido polizón con permiso que sube al barco para cocinar.
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  • Viaje 2: La isla misteriosa
    Larga vigencia de Julio Verne

    Julio Verne sigue siendo el rey de los escritores adaptados al cine. Casi cien películas se han realizado con sus libros desde la que en 1902 filmara el increíble Georges Méliès, basado en su obra "De la tierra a la luna".

    En este caso se trata de una versión muy libre de la