Los “Mini espías” todavía entretienen

Después de tres películas, la saga infantl por excelencia de Robert Rodriguez casi necesariamente tiene que lucir un poco vacilante. Igual, el director de «Machete» se las arregla para que el asunto funcione a partir de una trama que comienza con las aventuras de Jessica Alba, una espía embarazada de nueve meses que lucha contra una horda de villanos mientras se le rompe la fuente de la que será la primera bebé espía, y así hasta que haya una nueva generación de mini espías.

Como ya ha demostrado en sus films anteriores, el 3D es algo que Rodriguez sabe utilizar muy bien, especialmente dado que casi toda la acción utiliza decorados digitales que se aplican muy bien a esta tecnología (de hecho, el film está rodado en el sistema 4D, que incluye olores, lo que en realidad implica toda una serie de aromas escatológicos que por suerte no están incluidos en los cines argentinos).

El argumento sobre un ladrón del tiempo que provoca la pérdida de horas da lugar a gags eficaces y situaciones surrealistas disfrutables también por el público adulto, especialmente hacia el final donde a los chistes se suman decorados alucinantes influidos por la estética de los dibujos de Escher.

También hay todo tipo de gadgets hipertecnológicos para los espías grandes y chicos, y un perro parlante que se roba algunos de los mejores gags. Si bien en un principio llama la atención el nivel de violencia de las escenas de peleas, pronto queda claro que todo es parte de un gran chiste tonto donde ni siquiera hay verdaderos villanos, por lo que, como entretenimiento familiar, esta cuarta parte de la saga es un pasatiempo ideal.

La guerra según un Spielberg iluminado

Steven Spielberg vuelve a la guerra, más exactamente a la Primera Guerra Mundial, pero con un concepto que no tiene nada que ver con el Soldado Ryan ni con ninguna otra película previa dentro de este género. La manera más simple de explicar este film extraordinario sería decir que es la guerra vista desde el punto de vista de un caballo, pero tampoco es así, ya que Spielberg alterna los puntos de vista y básicamente hace una película mucho más compleja de lo que podría parecer a simple de vista.

La primera parte de la historia podría describirse como una especie de «Crin Blanca» (aquel excelente mediometraje de Albert Lamorisse, el director de «El globo rojo» sobre la relación entre un chico y su caballo), pero en un ambiente de campiña que recuerda bastante al John Ford irlandés de clásicos como «El hombre quieto» o «Qué verde era mi valle». Aquí, el caballo fue comprado por un granjero terco que no tenía dinero suficiente para pagarlo, pero que no quería dar el brazo a torcer en la subasta en la que competía con uno de los poderosos del lugar. Una vez perpetrado el desastre, es su hijo quien debe tratar de que el caballo, demasiado joven y pequeño para la tarea, pueda ayudar en la siembra para que no se pierda la propiedad.

La historia tiene momentos realmente emotivos en esta parte prebélica de un film que, ya desde su título, prepara al espectador para que todos los personajes protagónicos estén en un frente de batalla. En la guerra, el caballo encuentra un amigo equino y juntos tienen la suerte que muchos humanos no tienen de encontrar alguien que los proteja en medio del infierno.

Las batallas de «Caballo de guerra» están narradas de una manera más clásica que el hito ultraviolento de Spielberg, «Rescatando al Soldado Ryan», pero de algún modo más sutil tienen un clima más infernal, con imágenes casi sobrenaturales, lo que en algunos momentos ejemplifican las palabras de uno de los grandes actores del film, Niel Arestrup, que le explica a su nieta que a veces hay que tener el coraje necesario para «volar por sobre cosas horribles para poder volver a casa». La escena del caballo que nunca supo saltar aprendiendo de golpe para volar por sobre un tanque de guerra parece salida de una pesadilla.

Pero esta nueva pesadilla bélica de Spielberg tiene, entre sus múltiples cualidades poco comunes, el don de hacernos sentir bien en medio de escenas horribles, contradicción que solo puede entenderse del todo viendo esta excepcional e inclasificable película. Otra de sus grandes virtudes es la de poner en escena las situaciones más complejas sin darle al espectador la posibilidad de entender cómo están hechas en términos cinematográficos, ya que es casi imposible separarse de la historia. Habría que ver una secuencia varias veces para entender los detalles técnicos de un gran director que con este film se supera a sí mismo, tanto en el mensaje como en la forma. Pocas peliculas de Spielberg tienen imágenes tan tenebrosas y un desenlace tan luminoso como el de «Caballo de guerra», una película que recomendamos especialmente entre todos los buenos films que se han estrenado últimamente.

Miedo bien vestido de comedia negra

Una chica está esperando al agente de la inmobiliaria al que quiere entregarle un departamenteo viejo que tiene para alquilar. Ella está en la puerta de calle, pero el hombre estaba arriba y tiene una gran propuesta: alquilárselo por el triple de lo que vale a un cliente especial, sólo que ella debe esperar que llegue la gente de la oficina para hacer el contrato ipso facto. Es un día raro, se espera un eclipse solar, y pronto a la chica (una abogada española que ya de por sí está bastante loca), de a poco todo se le empieza a volver realmente pesadillesco.

Es obvio que el asunto se va a poner feo -la abogada también es una auténtica malvada, así que algún castigo se merece- pero la gracia de «Penumbra» es que no se sabe por un buen rato por dónde viene el problema terrorífico. Y los directores Adrián y Ramiro García Bogliano se las arreglan muy bien para mantener su esotérico enigma incluso en el mismísimo final cuando ya han rodado cabezas a lo grande (en este caso, esto no es ninguna metáfora).

«Penumbra» podría ser un thriller, un film de terror sobrenatural o una comedia negra. En realidad, principalmente es esto último, ya que la historia está contada con la ironía y el delirio propios del viejo cine inglés o del Polanski de «Cul de Sac» (aunque el bajo presupuesto y la acción en un decorado básico recuerdan a «Repulsión»). No es que se trate de exagerar los logros de esta muy buena película de terror, sino de explicar los guiños y el estilo elegido por los Bogliano en su intento de salir del ghetto de los fans del género, para conseguir atraer al público masivo, algo que perfectamente podrían lograr con este sólido producto.

A favor de esta intención hay que señalar un par de actos iniciales un poco lentos y convencionales, que por falta de acción terrorífica, pueden desesperar un poco al público que ya vio algo de su prolífica obra, («Sudor frío», «No moriré sola», «36 pasos», «Habitaciones para turistas» son algunas de las más vistas).

Por suerte luego todo va explotando debidamente, pero ese lento despegue lo tienen que remar los dos protagonistas principales demostrando un talento a toda prueba tanto para el suspenso como para el humor solapado. Cristina Brando como la implacable y despiadada abogada es la actriz que se enfrenta con eficacia al desafío de bancarse todos los climas del guión, y Sebastián Berta Muñiz es el lunático agente inmobiliario que debe mantener la ambigüedad inicial y acentuar el sadismo del final, y realmentee logra componer a un villano memorable. Aunque el que se roba las pocas escenas en las que aparece indudablemente es un antológico Arnaldo André, cuyo personaje de gurú refinado y enigmático merece aparecer en alguna secuela de esta película que abre todo un panorama para el cine de género en la Argentina.

Terror a la antigua que asusta en serio

Harry Potter se hizo mayor de edad y ahora le tocó sufrir horrores dignos de la Hammer. Es una combinación un poco rara pero razonable: terminado Potter, algo tiene que poder hacer para continuar con su carrera el hasta ahora eterno teenager Daniel Radcliffe, y tal vez su popularidad previa pueda ayudar a reflotar la nueva era del legendario estudio del terror inglés clásico, la Hammer Films, que hasta ahora no ha logrado ningún éxito ni nada que se le parezca desde su reciente resurrección.

Si uno se olvida del famoso mago, se le puede creer a este abogado que tiene que arreglar los asuntos de una clienta recién fallecida en una mansión espectral de un paraje desolado, cercano a un pueblo horrible donde nadie quiere a ningún forastero.

Por suerte, como nadie vio por aquí a Radcliffe haciendo un personaje adulto, padre de familia y todo, más que con Potter uno se lo puede confundir con el sufrido Elijah Wood, que suele tener que interpretar este tipo de roles. En todo caso, la historia y las imágenes son lo bastante eficaces y tenebrosas como para que las expresiones de sufrimiento del protagonista estén plenamente justificadas.

Es que esta historia clásica de fantasmas apunta al clima ominoso del glorioso horror gótico europeo, y si bien el director James Watkins no es Terence Fisher, aquí hay buenas ideas y un generoso presupuesto a la hora de concentrarse en los terrores de

la casa embrujada donde este pobre abogado tiene que pasar unos difíciles momentos a solas, apenas con la compañía de un perrito que, para que no desespere del todo, le presta el aristócrata del pueblo, sólidamente interpretado por el talentoso Ciaran Hinds.

Más allá del encanto clásico de la historia sobre la espectral dama del título vengándose por una injusticia sufrida años atrás (castigo sobrenatural infligido sobre todo niño que se acerque al lugar), Watkins se ocupa de que el clima desolador y fatídico no se aligere nunca. Especialmente logra darle gran fuerza horripilante a los momentos más terribles, intentando asustar con recursos elaborados y no tanto con el gore que uno esperaría de una producción Hammer. Por momentos realmente lo consigue, convirtiendo a «La dama de negro» en un raro experimento de terror a la antigua, muy serio y sin una pizca de humor, pero que, cuando funciona, lo hace muy bien.

Se luce Clooney como un padre en conflicto

Con nominaciones en los rubros mejor película, mejor director y mejor guionista, más otras dos a mejor actor, para George Clooney, y al mejor montaje, el realizador Alexander Payne («Entre copas»), parece ser uno de los candidatos principales de la próxima entrega de los premios de la Academia de Hollywood. Sin embargo, como comedia dramática más dramática que cómica, «Los descendientes» es una muy buena película que interesa más allá de la temporada del Oscar, y que por otro lado,no tiene los típicos tics de las que parecen diseñadas para cosechar nominaciones primero y premios después.

«Los descendientes» tiene que ver con una serie de crisis emocionales, familiares, conyugales y también de negocios, ya que en el guión todo sucede al mismo tiempo.

George Clooney intepreta a un padre ausente que debe hacerse cargo de sus hijas cuando su esposa sufre un accidente que la deja al borde de la muerte. El protagonista es heredero del primer terrateniente blanco en Hawai, y está justo por cerrar un negocio que implica cambiar totalmente el paisaje hawaiano para construir departamentos para turistas, y justo en ese momento debe retomar la relación con sus hijas -que obviamente se oponen al negocio-, además de descubrir de la manera más imprevista que su mujer lo estaba engañando con otro.

Podría decirse que ésta es una «película de cámara», al estilo de otras del mismo director, pero si bien las situaciones y los climas son más bien intimistas, es difícil llamar de esta manera a una película que utiliza tan bien el paisaje, ya que aquí el de Hawai es prácticamente un coprotagonista esencial. Es justamente este el detalle que le da a este drama el toque cinematográfico (especialmente con el aporte del director de fotografía Phedon Papamichael, en quien debería haber recaído una nominación al Oscar mucho más que en el otro rubro técnico que sí está anominado, el montaje).

George Clooney luce un poco frío a pedido del personaje como este hombre en medio de todo tipo de conflictos, y su habitual eficacia lo vuelve un firme candidato a las estatuilla. Pero en el film también hay otras sólidas actuaciones, empezando por las de sus dos hijas (Shailen Woodley y Amara Miller), que con la ayuda del director, logran evitar los lugares comunes de las performances juveniles.

Y la gran sorpresa a nivel elenco es el reencuentro con un gran actor increíblemente olvidado por la industria del cine pese a ser todo un aristócrata hollywoodense de pura raza: Beau Bridges, en una actuación de reparto que se convierte en otro motivo para recomendar esta muy buena película.

Híbrido que pudo ser un buen thriller

Las primeras imágenes de «Que lo pague la noche», especialmente durante la secuencia de créditos, muestran de manera fascinante, con mucho clima y excelente música, el decorado donde va a transcurrir el resto de la acción: los monoblocks de Lugano 1 y 2. Esas imágenes podrían pertenecer a algún film de ciencia ficción, ya que los edificios no parecen de este mundo. Sin embargo lo son. Lástima que el resto del film es bastante pedestre, y de ese clima semifantástico del comienzo, enseguida el guión cae en una fiesta de bodas más bien típica con un asadito en medio de una plaza del complejo.

Para ser un thriller, «Que lo pague la noche» carece casi totalmente de suspenso. Hay un complot que tiene que ver con un negociado del que podrían ser víctimas los vecinos del lugar, pero tampoco hay escenas propias de un policial negro, ni mucho menos acción. El hecho de que la historia esté ambientada en los días previos a la caída de De la Rúa proporciona cierto interés, pero por otro lado convierte lo que parecía ser un policial en el más o menos típico film testimonial argentino, restándole originalidad. En general, los rubros técnicos son correctos, igual que el elenco, aunque las largas escenas casi sin diálogos no permiten mucho lucimiento por parte de los actores.

Entretenido viaje fantástico para grandes y chicos

Luego del viaje al centro de la tierra en 3D, ahora llega una «Isla misteriosa» en 3D, bien para toda la familia, y con el agregado de tener a un gran actor como Michael Caine en el papel de explorador simpático, algo que tal vez su carrera nunca le permitió hacer (Caine siempre hizo más de villano que de héroe en sus películas, incluyendo algunos clásicos de aventuras).

En todo caso, aqui está todo lo que debe tener un film fantástico de este tipo, incluyendo abejas gigantes, elefantes diminutos (uno de los grandes hallazgos del film), restos de la Atlántida y hasta el submarino del Capitán Nemo, el famoso Nautilus, con las baterías un poco gastadas luego de más de un siglo, pero listas para ser recargadas por alguna anguila gigante que pase cerca.

La trama que permite que un chico vaya en busca de su abuelo es bastante minimalista, pero al menos sirve para que la acción no demore en empezar. Luis Guzman es un muy buen actor de reparto que logra apoyar varias escenas desde el humor, mientras que Dwayne Johnson es un protagonista lo bastante versátil para hacer de héroe sin dejar de lado la comicidad que resulta esencial a lo largo de toda la película.

3D bien aprovechado

Además del talento de Michael Caine, obviamente el fuerte del film es la estereoscopia con todo tipo de seres extraños para ver en 3D (realmente este sistema está utilizado al máximo nivel). Independientemente de que esta «Isla misteriosa» tenga poco que ver con el relato original de Verne, es un buen entretenimiento fantástico y no va a decepcionar ni a los chicos ni a los grandes.

Mucha acción, pero de mitología nada

Las imágenes de este peplum mitológico por momentos son alucinantes, y tanto los efectos digitales como el 3D parecen estar diseñados especialmente para este tipo de film. Lamentablemente el guión no acompaña demasiado: aquellos que no sean muy duchos en mitología griega se sentirán bastante perdidos al intentar armar el rompecabezas de dioses y criaturas legendarias que propone «Inmortales». Pero lo grave es que aquellos que sí conocen algo sobre mitos griegos se sentirán aún más perdidos, ya que pensarán que los Inmortales del título tienen más que ver con la famosa pizzeria porteña que con cualquier cosa relativa a Zeus, el Olimpo, los titanes o el Minotauro, todos mezclados em una delirante ensalada griega que no tiene pies ni cabeza, aunque sí cabezas y miembros cortados a lo largo de toda la película porque, eso sí hay que reconocer, acción no falta.

Tampoco faltan buenas actuaciones, empezando por la de un Mickey Rourke tenebroso como nunca interpretando al malvado rey Hyperion, que busca un arco mágico que le podría dar el triunfo sobre Grecia, arma escondida en algún lado que sólo podría ver el ojo clarividente de la pitonisa virgen Fedra (Freida Pinto).

Entre otras cosas, el héroe Teseo (Henry Cavill), además de enfrentar al bestial Minotauro, se ocupará de terminar con las visiones y la virtud de la bella sibila (en una buena escena de amor y erotismo en un film donde hay poco Eros y mucho Tanatos).

Los fans del gore encontrarán que «Inmortales» tiene alegrías al por mayor, y como además actúa John Hurt como Zeus en su fachada humana, la película tiene muchas razones para ser recomendada, más allá de que el director publicitario Tarsem Singh sea todo ojos y poco cerebro, y que por más que les pese a sus productores, esto no sea «300».

Raro thriller de sostenido suspenso

Este thriller haría un buen doble programa con la recién estrenada «Robo en las alturas», una comedia sobre un robo en el piso más alto de una torre neoyorquina. Sólo que «Al borde del abismo», ya desde el título, está presentado como un drama tremendo: en la primera escena un tipo se aloja en un hotel de Manhattan, pide un buen desayuno e inmediatamente sale a la cornisa y amenaza con suicidarse.

El presunto suicida es un ex policía falsamente acusado del robo de un diamante, lo que lo llevó a la cárcel, arruinó su vida, e incluso provocó la muerte de su padre. El falso culpable aprovecha la primera ocasión ara huir de la cárcel y plantarse en la cornisa del hotel esperando probar su inocencia o arrojarse al vacío. Como única demanda exige que la negociadora sea una policía famosa por haber fallado miserablemente en sus intentos por evitar el suicidio de otro policía en el puente de Brooklyn.

Está claro que el protagonista tiene otros planes totalmente distintos al suicidio, y lo que vuelve especialmente divertida a esta película es un guión tramposo no sólo en tono (el drama terrible se va volviendo más liviano y humorístico, aunque siempre puede volver a la seriedad del principio), sino también en los múltiples giros sorpresivos de una trama preparada para que, cuando el espectador crea que pudo adivinar todo, le cambie la historia en cualquier otro sentido. El concepto parece basarse en lanzar toda una serie de clichés del género para que, cada vez que alguien baje la guardia subestimando todo el asunto, la película lo sorprenda con una vuelta de tuerca inesperada.

El director danés Asger Leth no da tiempo para analizar demasiado las cosas: este extraño thriller tiene un ritmo endemoniado, y sostiene sólidamente la idea enervante de contar un relato que transcurre casi íntegramente en una cornisa. Los protagonistas, Sam Worthington y Elizabeth Banks, se las arreglan para que su absurda situación se sostenga durante casi todo el film, y un puñado de excelentes actores de reparto ayudan a que la diversión nunca decaiga, empezando por el caricaturesco villano Ed Harris, el dúo cómico Jamie Bell y Génesis Rodríguez (la super sexy hija del Puma Rodríguez), y otros actores excelentes como Edward Burns o William Sadler, en un rol misterioso sin desperdicio.

Entendiendo que es un híbrido bastante extraño, y que la trama no resiste el menor análisis una vez terminada la proyección, no se puede dejar de reconocer que en cuanto a ritmo y suspenso, «Al borde del abismo» es totalmente fiel a su título.

Capusotto en 3D para solaz de sus fieles

Capusotto ha logrado convertirse en un culto televisivo tal vez equivalente a lo que deben haber sido en sus comienzos los Monty Phyton en Inglaterra, y, como ellos, llega al cine en un formato necesariamente parecido a lo que hace en la pantalla chica, que a esta altura ni hay que aclarar que es divertidisimo.

Claro que aquí no estan sus videos de rock, y aunque se los pueda extrañar un poco, esto en principio no es malo, porque en las últimas temporadas televisivas, por más bueno que pudiera ser el video de archivo, se lo percibía casi como una intrusión entre un gag y otro. Aquí, en cambio, todo es puro Peter Capusotto contundente y en 3D, lo que al inicio del film da lugar a un memorable momento musical de Violencia Rivas exigiendo que le miren «ésta», además de un contundente spot del flamante complejo cinematográfico «Los hijos de puta» que ahora tienen una sala 3D en el sótano de su ya célebre pizzería, con la novedad tecnológica de incluir algo llamado «baños in» o algo por el estilo.

Violencia Rivas con una especie de carta de suicidio es la que sirve de nexo para hilvanar distintos sketches con el lema común de desnudar las miserias de la industria del entretenimiento en todas sus formas, ya sea los deportes extremos como el vuelo en «parapete», los noticieros que entretienen mostrando catástrofes de todo tipo y calibre (incluyendo el flagelo del voley y los imitadores de Michael Jackson que caen desde azoteas por hacer el «moonwalk» de espaldas) y los que se divierten chateando poniendo «jaja jaja» cada dos líneas.

También están los que se divierten con las drogas (uno de los grandes momentos de humor y 3D ultrapsicodélico de la película) y los que mezclan entretenimiento y política, como el mismísimo General junto al Palito Ortega montonero, Bombita Rodríguez, que quieren hacer un gran evento peronista en Michigan que es perturbado por la aparicion de Los Tres Pesados y el Ortodoxo Yogui (son momentos desopilantes, pero Bombita podría haber tenido más metraje; la única queja en todo el film). Capusotto es un comediante de primera, y encima también canta, incluyendo una formidable cumbia onírica con que canta en una pesadilla el astro del pop más que levemente nazi Micky Vainilla. Faltan personajes clásicos de la TV, y también hay unos nuevos hilarantes (un tanto menos rockeros, dado que éste no es un film de rock a diferencia del programa), pero lo importante es que el público ríe a carcajadas. Técnicamente el 3D es más que eficaz y tan descontrolado como el concepto general de Capusotto. También, hay actuaciones que se destacan además de la del protagonista, especialmente la de Ivana Acosta, que protagoniza varias escenas, incluyendo una con un yogur laxante que recuerda un chiste de «El fantasma de la libertad» de Luis Buñuel.

El final, con Jesús de Laferrere y Violencia Rivas a toda ira (su furia aprovecha la estereoscopia al máximo) son más que contundentes, y por si faltaba algo, durante los créditos aparece Pomelo. No hace falta ser adolescente para reírse de lo lindo con esta comedia delirante plagada de humor de «gusto dudoso» y algo para herir todo tipo de sensibilidades, que es finalmente lo que su público espera de estos dos talentos: Diego Capusotto y su guionista y director Pedro Saborido.

Clooney indaga bien en la política oscura

Es interesante la elección que hace George Clooney como director de temas políticos, como el de su película anterior «Confesiones de una mente peligrosa», sobre un programa televisivo de juegos que servía de fachada para una operación de espionaje. Ahora ha eligido adaptar una dramática obra de teatro sobre el sórdido backstage del mundo de la política, interpretando el papel de un gobernador en las internas para ser candidato a presidente por los demócratas, aunque el verdadero protagonista es Ryan Gosling, como el nuevo asesor de la campaña que, en principio, es bastante idealista, pero que pronto empieza a aprender los trucos sucios de otros colegas más avezados, como por ejemplo el implacable jefe de campaña encarnado con su talento habitual por Philip Seymour Hoffman.

La película deja ver su raíz teatral en el primer tercio de su metraje, cuando describe los personajes y sus conflictos en forma tal vez menos tensa y estática de lo recomendable, aunque pronto empieza a ganar interés cuando va descubriendo las ambiciones del recién llegado, su relación con la periodista Marisa Tomei y con el competidor del gobernador (otro gran actor, Paul Giamatti) que muy astutamente le pone un anzuelo para complicarle la campaña a su rival.

No es la primera vez que Hollywood se ocupa de este tipo de tema serio (y, al mismo tiempo, un poco ingenuo ya que sin duda este historia se queda corta en sus revelaciones sobre el mundo no visible de la política), y hasta ahora no hay ningún film que supere la obra maestra de Otto Preminger «Tempestad sobre Washington» («Advise And Consent»), y en todo caso, si bien no llega a ese nivel, «Secretos de estado» va hilvanando las presiones profesionales de sus personajes con detalles de su vida personal que se van mezclando hasta explotar en un escándalo que incluye una relación extramatrimonial, aborto y suicidio.

Es un toque melodramático que le imprime al film un giro anticuado y terriblemente serio que viene bien en estos tiempos livianos. La visión de Clooney sobre los políticos es grave, descarnada y con buenas imágenes, pero sobre todo con excelentes actuacioens de todo el elenco. El resultado es una película reflexiva que funciona especialmente en su crítica al mundo de los políticos justamente por, en tiempos de Obama, ocuparse de los Demócratas.

Inexpertos acometen un robo desopilante

Es un placer volver a encontrarse con el Eddie Murphy de sus mejores tiempos, esos de películas formidables como «De mendigo a millonario» o «48 horas». Justamente, su personaje en aquel film de Walter Hill es una especie de pariente sofisticado del ratero que interpreta en esta divertida «Robo en las alturas», un chorro de bajo vuelo que nunca robó más de mil dólares para no meterse en líos demasiado complicados, pero que ahora es convocado por unos amateurs para robar veinte millones en el lujoso penthouse de una custodiada torre de departamentos neoyorquina.

Ben Stiller es un gran actor absolutamente perfecto en esta comedia policial hecha a su medida. Él es el administrador de la torre que, un mal día, tiene la idea de pedirle al magnate de Wall Street que personifica Alan Alda, y que vive en dicho penthouse, que administre los fondos de pensión de él y de todos los empleados del edificio. El millonario hace un terrible desfalco y, en medio del desastre, por supuesto caen los fondos de estos trabajadores, que en algunos casos, como el del portero, también le dieron los ahorros de toda su vida al tiburón de la bolsa para que los ayudara a invertirlos.

El protagonista indignado (y justamente esta es una comedia de indignados) le rompe el parabrisas de la Ferrari que el millonario tiene a modo de adorno excéntrco en el living, por lo que es despedido con la prohibición expresa de volver a entrar al edificio

Ese gesto de indignación provoca la solidaridad de la agente del FBI Tea Leoni, que le invita unos tragos y le dice la verdad del asunto: que la única manera de que recuperen el dinero de las pensiones es que directamene vayan y roben el penthouse, ya que estos sujetos siempre se guardan unos cuantos millones a pesar de que supuestamente sus cuentas estén en rojo.

El hombre se toma el consejo literalmente y empieza a asociarse con algunos empleados y hasta un vecino (Matthew Broderick, con quien tiene escenas hilarantes), que jamás robaron nada en su vida, y que ahora se proponen dar ese gran golpe justiciero, dirigido por un ratero del barrio, Eddie Murphy desde ya, que en realidad tiene tan poca idea como todos los demas.

La película tiene algún pequeño guiño a esa obra maestra del cine italiano «Los desconocidos de siempre», y si bien no llega a semejante altura, realmente tiene muy buen ritmo y una batería de gags que logran que el público no pare de reír a lo largo de todo el film.

El director Bratt Ratner logra algunas imágenes realmente impactantes durante los momentos culminantes del robo, y también excelentes actuaciones. A Murphy, Stiller y Broderick hay que agregar al siempre talentoso Alan Alda haciendo un retrato realmente minucioso de un terrible hijo de perra que hace que Gordon Gekko parezca un boy scout. Las actuaciones de estos cuatro actores son más que un buen motivo para recomendar esta vertiginosa y muy reidera versión cómica de la vida en tiempos de crisis.

Invasión de rutina y efectos elementales

Se trata de la misma historia de siempre, una invasión alienígena con una sola vuelta de tuerca original: el ataque extraterrestre es atestiguado en Moscú por un grupo de amigos norteamericanos que, de algún modo, se convierten en unos de los pocos sobrevivientes en la populosa ciudad que queda semidestruida y deshabitada.

Pronto descubren ques las principales metrópolis del planeta han sido atacadas, y asumen que hay poca esperanza para el mundo, pero siguen luchando por su vida. No mucho después se juntan con algunos ssobrevivientes rusos que no sólo están pensando en conservar la vida sino en repeler la invasión pero, dado lo moderno de las armas esxtaterrestres, tienen una tarea bastante difícil por delante. Inclive hay un ruso que inventa un arma casera de microondas con la que espera contrarrestar los rayos de los aliens, que no tienen la típica forma monstruosa de H. G. Wells sino que más bien son unas figuras electromagnéticas más bien curiosas.

Cuando atacan inicialmente desde el cielo logran cierto atractivo estético, pero en realidad, a lo largo de todo el film, sólo se parecen a lo que son, unos rudimentarios efectos digitales. Hay algunas buenas escenas de acción, sobre todo hacia el final, y muchos diálogos ridículos entre los jóvenes norteamericanos y los rebeldes rusos. Tambien hay buenas imágenes de la Moscú derruida, y una escena climática donde un perro solitario le ladra a los marcianos. No mucho más.

Feliz regreso de los Muppets

Volvieron los Muppets, y ahora hasta cantan temas de Nirvana y secuestran a Jack Black para que haga de anfitrión invitado, y maniatado, en un programa con el que deben recaudar los diez millones de dólares necesarios para que un magnate malísimo no derribe su estudio en busca de petróleo.

EL guión, divertido hasta lo surrealista, parece una mezcla de dos clásicos del humor setentista, «Los Blues Brothers» y «The Jerk» de Carl Reiner (en la que Steve Martin crecía con una familia negra y no se daba cuenta de que era adoptado). Aquí los protagonistas son un extraño padre y hermanos, un tipo bastante muppet (Jason Segal) y un Muppet a secas, que no se siente del todo integrado a la sociedad hasta el día que ve un video del viejo «Show de los Muppets» y se siente identificado. Tanto, que arrastra a su hermano junto con su novia al estudio de los Muppets en Los Angeles, sólo para encontrarse con un sitio semiabandonado y polvoriento donde la visita cuesta 50 centavos (el guía es Alan Arkin), y al que sólo van los turistas japoneses pensando que son los estudios Universal.

Ahí el pobre descubre el complot para destruir ese sitio emblemático en busca de petróleo, y no puede no hacer algo al respecto, por lo que pronto Kermit (es decir la vieja y buena rana René del viejo doblaje al castellano) esta explicándole que hace años no se ve con sus viejos colegas, que han tomado rumbos diferentes. Gonzo se hizo rico poniendo una fábrica de inodoros, Mis Piggy es la ocupada editora de la revista «Vogue», Fuzzie tiene un show patético en Reno con un grupo llamado «Los Moopets», y así sigue la lista.

Los van encontrando de uno para reunirlos y recaudar el dinero, para lo que sólo tienen un par de días. La única que se niega es Miss Piggy, demasiado herida por su ruptura con Kermit, pero obviamente en el mundo de los Muppets todo es

posible.

Esta es la película perfecta para público de todas las edades, ya que el humor demente de los Muppets funciona para chicos y grandes, y si bien los adultos obviamente preferirán la versión en inglés con subtítulos en castellano, hay que reconocer que las voces y sobre todo las canciones de la versión doblada son mucho más potables que en otros caoso parecidos (después de todo, los estudios Disney saben que tienen que vender en nuestro mercado el CD con la increíble banda sonora de la película).

Hay gags hilarantes, muy buenas canciones escritas para este film («Hombre o Muppet» es formidable), hay Muppets de toda forma y tamaño. Jack Black casi siempre está atado, y hasta aparece Mickey Rooney para meter una línea cantada. Más no se puede pedir.

Holmes contra Moriarty en brillante obra de Ritchie

Aunque no intenta ser una adaptación literal, esta secuela del taquillero «Sherlock Holmes» que dirigió Guy Ritchie en 2009 se basa en «The Final Problem», uno de los relatos favoritos de su autor, Sir Arthur Conan Doyle, que lo pensó como una manera de terminar con el detective que lo llenaba de dinero pero le absorbía su vida por completo. En el cuento, Conan Doyle enfrentaba a Holmes con una mente tan o más brillante que la suya, con el mismo don de deducción para adelantar los pasos de su contrincante. El criminal en cuestión, el Profesor Moriarty, era tan malvado e inteligente como para justificar la muerte de Holmes, desaparición que luego el autor no pudo sostener debido a la presión del público y los editores, pero que a él siempre le pareció un final adecuado.

Justamente, si la película anterior de Ritchie era totalmente original, audaz y poco ortodoxa en su aproximación al personaje más filmado de la historia del cine, logrando además que su Holmes fuera el más taquillero entre los mas de 200 a lo largo de las décadas, en esta secuela mejora las cosas al enfrentar la formidable encarnación revisionista de Robert Downey Jr. con un imperdible Moriarty interpretado por Jared Harris.

Pero para llegar al duelo de mentes entre Holmes y Moriarty que se va volviendo más cruento a medida que avanza la segunda mitad del film, primero hay que ocuparse de lo que parece ser el verdadero problema de Holmes: su eterno cmopañero, el Dr. Watson (Jude Law, otro hallazgo de esta saga), se está por casar, algo que al protagonista le parece inadmisible, detalle que potencia aun más la tensa y cercana relación entre el famoso dúo según la visión moderna de Ritchie, quien empieza el film con un tono de vertiginosa comedia de equívocos relacionados con los intentos de Homes por sabotear la boda de su gran amigo.

El archivillano sirve de gran excusa: Holmes, para no dejar escapar a Watson, ya que al pedirle a Moriarty que quite de la ecuación a su compañero, eximido por el matrimonio, lo convierte en el principal blanco elegido por el genial delincuente para amedrentar al único rival serio contra sus planes criminales. Así es como se complica la despedida de soltero, la boda y especialmente la luna de miel de Watson, en la que entre otras cosas aparece un Holmes travesti que arroja a la flamante esposa desde un tren en marcha. La mujer encuentra que no hay un solo Holmes, sino dos, ya que también conoce a Mycroft, el excéntrico hermano de Sherlock que aparece para dar una mano.

«Sherlock Homes, juego de sombras» es un film tan entretenido y espectacular como inteligente, bien actuado, y minuciosamente pensado en imágenes para unir el vértigo visual y la narración con lo que pasa por el cerebro de Holmes. El recurso del film anterior de mostrar cómo se adelantan los hechos en la mente de Holmes para hacerlos que sucedan en tiempo real se repite de modo aun más complejo, ya que en esta ocasión hay otro personaje que también se adelanta a los hechos, lo que conduce todo el film a un antológico partido de ajedrez entre Holmes y Moriarty).

Si bien tiene algunos puntos débiles, empezando por la breve intervención de Irene Adler (Rachel McAdams), que la misteriosa gitana que encarna Noomi Rapace no termina de llenar de forma convincente, esta secuela supera al film anterior en su afán por darle más audacia a esta original variación sobre Sherlock Holmes, moderna pero fiel al espíritu y las obsesiones de Conan Doyle, empezando por la preocupación por la industria armamentista, que desde fines del siglo XIX se preparaba para llevar al mundo a una guerra mundial.

En este sentido, una larga secuencia en la que los esbirros de Moriraty van utilizando todas las nuevas posibilidades en materia de armas. Como éste, hay muchos hallazgos visuales y efectos especiales, pero lo mejor de film de Ritchie sigue siendo el factor humano, empezando por la actuación de Jared Harris que brilla especialmente en momentos ominosos como cuando tortura a Holmes exhibiendo una profunda descripción de la locura.

Entretenida “Misión imposible”

El gran problema que tenía el film de Brian De Palma sobre la serie «Misión Imposible» era que tomaba un famoso programa de TV sobre un equipo de espías para armar un argumento basado en la disolución del grupo en cuestión.

El director Brad Bird de algún modo retoma aquella misma estrategia con esta historia donde el equipo liderado por Tom Cruise queda metido en medio de la peor crisis entre Estados Unidos y Rusia desde la era de los misiles de Cuba. Esto, por culpa de una explosión en el Kremlim de la que los rusos culpan a los norteamericanos, es decir al grupo de Cruise que por tal motivo queda sometido al «protocolo fantasma» del título, o sea que debe trabajar sin ningún tipo de ayuda ni mucho menos protección oficial. Si alguno de sus miembros fuera atrapado durante el período del «protocolo», sería tratado como un simple terrorista o criminal.

Dado que en los dos films posteriores al de Brian De Palma -incluyendo la obra maestra de John Woo «Misión Imposible 2»- la noción del equipo no era muy importante, además del hecho de que la serie de TV dejó de ser el modelo a seguir, la premisa de un equipo disuelto y trabajando desprotegido no molesta en este nuevo film, basado más en secuencias sueltas de gran impacto y espectacularidad antes que en un argumento realmente coherente.

Algunas de esas escenas son contundentes y justifican la visión de esta película de espías del siglo XXI con todos los clichés de las del siglo XX, aunque con menos erotismo que las de James Bond. Con estas últimas comparte un villano bastante repetido en el género a lo largo de los años: un científico genial que de tanto tener que imaginar un mundo devastado por la guerra nuclear termina creyendo que esa opción asegurará la evolución de la humanidad.

El robo en el Kremlim, una operación en el edificio más alto del mundo que requiere escalar al estilo hombre araña, o una tremenda pelea en un estacionamiento ultramoderno son algunas de las escenas que sirven para recomendar esta película muy bien filmada pero no tan original ni imaginativa en lo argumetnal ni en lo actoral, aunque hay que reconocer que los toques de humor gentileza de Simon Pegg por momentos superan el heroísmo a toda prueba de Tom Cruise.

Tintín de Spielberg: un gran espectáculo

Tintin, el gran comic belga de Hergé sobre un periodista metido en todo tipo de aventuras fantásticas, era desde hace décadas el gran sueño imposible de Steven Spielberg, que claramente lo tenía en mente al diseñar algunas de las andanzas de su héroe Indiana Jones, especialmente en la época de «El templo de la perdición». Finalmente, gracias al desarrollo de nuevas tecnologías cinematográficas, Spielberg pudo darse el gusto de concretar su sueño, que en una mezcla de animación y actuaciones «capturadas» de escelentes actores para luego ser digitalizadas, consigue a un Tintin digno de la pantalla grande.

Spielberg eligió muy bien una de las historias dobles, «El secreto del unicornio» y «El tesoro de Racham el rojo», como introducción al personaje, que tal vez no sea tan conocido por el público moderno. El relato toma algunas escenas de otro libro de Hergé, «El cangrejo de las pinzas de oro», relato menor en sí mismo pero importante en la construcción del personaje, dado que por primera vez deja de tener como único compañero al perro Milu, ya que en esa aventura se encuentra con el luego inseparable Capitán Haddock, alcohólico irremedible, famoso por sus elaboradísimos insultos perfectamente reproducidos en esta nueva película.

Por supuesto, tampoco faltan otros personajes clásicos de Hergé, como los torpes policías Hernández y Fernández y la diva lírica Bianca Castafiore, que tienen a su cargo algunas de las mejores escenas del film. Para completar el panorama sólo faltaría el lunático Profesor Tornasol, al que no encontraron dónde agregarlo en esta historia en la que no aparecía originalmente.

Aun un cineasta tan experimentado y talentoso como Spielberg puede sentirse algo desorientado al probar técnicas nuevas, y éste no sólo es el primer film animado del director de «E.T.», sino también el primero en 3D. Y por algunos pocos momentos da la sensación de que se concentra en las imágenes y los efectos estereoscópicos y pierde de vista el guión, quitándole al conjunto la precisión narrativa que solía caracterizar a los mejores comics de Hergé, empezando por «El secreto del Unicornio». Por eso se puede decir que cuando esta película de Spielberg realmente funciona es excepcional -algo que por suerte sucede a menudo, sobre todo en la primera y última partes del film-, pero que en algunos momentos pierde ritmo y tensión, lo que le resta algo de puntos a lo que, sin dejar de ser un gran entretenimiento, podría haber sido una obra maestra a la altura de lo mejor del director.

Se extrañan las mojarritas

Esta mala copia de «Piraña 3D» con tiburones de todo calibre no deja de ser entretenida, gentileza del absurdo guión que intenta combinar la típica película de jóvenes en peligro, debido a la imprevista aparición de depredadores submarinos, con la amenaza de psicópatas pueblerinos al estilo de los de «La masacre de Texas» y todos sus clones posteriores. Pero además, el argumento es tan ridículo como para que casi todos los personajes, especialmente los chicos buenos, no puedan dejar de hacer estupideces ni cuando están mutilados y casi agonizando por los ataques previos de los escualos.

La trama describe las vacaciones de un grupo de universitarios invitados a un lago de Louisiana por una chica del lugar, Es una pena que ella no les haya contado que nunca volvió allí luego de pasarle con una lancha por encima a su novio entrenador de buceo, al que le dejó un horrible cicatriz. En todo caso, los desprevenidos turistas se encuentran primero con la pésima acogida de los viejos amigos de su anfitriona, y luego empiezan a ser perseguidos por un tiburón.

A partir de ese momento los personajes empiezan a desaparecer de la pantalla casi con la rapidez deseada por el espectador, que por momentos no podrá creer los idiotísimos giros argumentales entremezclados con los lugares comunes del género.

La trama semifantastica acerca de una especie de reality show con tiburones come-turistas, por absurda que sea, al menos es original y ayuda a matizar el asunto con algo apropiadamente terrorifico. En este sentido, el psicópata redneck interpretado por Joshua Leonard es más terrorífico que los tiburones digitales que se lucen especialmente en algunas de las tomas diseñadas para el 3D.

Comedia cuanto más pesadillesca, mejor

El título local casi lo dice todo, mientras que el original era más sutil (algo así como «Un film en el que yo aparezca»). Es que los dos protagonistas, Mark Doherty y Dulan Moran, son dos fracasados que simulan tener algún tipo de relación con el cine. Uno asiste a castings para conseguir algún papel actoral, tipo «vecino preocupado» (la primera escena con un director y su asistente seleccionándolo para ese posible rol es de lo mejor de la película), y el otro es un supuesto director y guionista, alcohólico y jugador. Ninguno de los dos hace nada bien, pero sobre todo el presunto actor es un desastre total, incapaz de pagar el alquiler de su casa medio derruida, ni siquiera cuando su novia, bastante harta de todo, le presta la plata para la renta.

Todo puede empeorar, y una serie de accidentes absurdos provocados por el estado calamitoso del edificio van liquidando personaje tras personaje. Quizá necesitando letra, el actor le pide ayuda a su amigo, cuyas ideas sólo llevan a peores desastres, a pesar de sus notables esfuerzos por organizar la trama macabra intentando hacer que su amigo actúe adecuadamente cuando deba enfrentar a la ley.

Muy bien actuada y filmada con rigor y mucha imaginacion, algo importante dados los mínimos recursos, esta comedia negra en principio se deja ver sin ser demasiado divertida (la falta de gags no ayuda mucho), pero a medida que se vuelve más y más pesadillesca -sobre todo hacia la segunda mitad- se convierte en un film interesante, bastante original en su carácter de historia de «cine dentro del cine».

El director no apela a los típicos climas irlandeses for export. En cambio, logra que un compatriota célebre como el director Neil Jordan le dé una mano en un irónico cameo.

Interesa aun a quien no entiende el béisbol

Esta película está muy bien filmada y actuada, y si el espectador pudiera entender algo acerca del béisbol, podría entender bien de qué va el asunto, ya que más allá de que se basa en un suceso real, parece querer transmitir algún tipo de metáfora.

Siendo sinceros, la verdad es que probablemente aun quien entienda perfectamente las reglas del béisbol, e incluso para todo fan a muerte de este deporte, sospecha de un film sobre la estrategia del manager de los Athletics de Oakland para que su equipo, carente de la mínima parte del presupuesto de sus competidores, logre hacerse notar en el campeonato.

La trama parece obvia, pero su desarrollo no lo es. Una vez que el espectador neófito haya suplantado mentalmente el béisbol por cualquier otra cosa, lo cierto es que la historia sobre cómo el personaje de Brad Pitt apuesta a organizar un equipo sin nada parecido al presupuesto de sus oponentes, el asunto se vuelve razonablemente interesante. La presión que sufre el protagonista, sin embargo, no parece demasiado dramática dada la ausencia de factores políticos y violentos como los que podrían surgir de algún otro deporte.

En todo caso, Brad Pitt se las arregla para sostener el interés en la trama casi solo, dado que más de la mitad de las tomas de la película son primeros planos del protagonista. Por algún motivo (tal vez referido al béisbol, ya que ésta es una historia verídica) el director técnico de los Athletics, que se opone a la estrategia basada en estadísticas del manager del equipo, prácticamente aparece sólo en planos generales, lo que ayuda a que Philip Seymour Hoffman dé otra de sus impactantes interpretaciones.

Está claro que si esto funciona bien para quien no tiene la menor idea acerca del béisbol, podría ser una especie de obra maestra para aquellos fanáticos de este deporte. Quien tenga un beisbolero a mano, máas vale que le avise, así hace la buena acción de la semana.

Un director que no supera sus obsesiones

Todd Solondz se repite un poco en esta película sobre judaísmo, pedofilia y terrorismo. O mejor dicho, sobre gente que busca la felicidad con estos fantasmas a cuestas, que parecen ser más o menos los mismos del director de una obra mayúscula como «Felicidad», de la que este film funciona como una especie de subproducto (de hecho, Solondz explicó que ésta sería una secuela de aquel film, pero con otros actores).

Igual que en «Felicidad», aquí hay varias historias fragmentadas, con los personajes presentados muchas veces en elegantes restaurantes donde, en medio de sus a veces escalofriantes dramas personales, los interrumpe la camarera para ver qué quieren pedir.

A medida que avanza la película, el espectador va descubriendo que las distintas parejas de los restaurantes están vinculadas por un lazo familiar, y paulatinamente Solondz va desarrollando, con su particular humor negro habitual, un demoledor relato sobre un chico de casi 13 años a punto de celebrar su bar mitzvah que de buenas a primeras descubre en la escuela que su padre, a quien pensaba muerto, no sólo está vivo, sino también cumpliendo una condena por violador pedófilo. «Perdonar y olvidar» es el lema que se repiten unos a otros los personajes de un film cuyo título original podría haberse traducido perfectamente como «La vida en tiempos de guerra», pero como no hay guerra visible, sino que es apenas mencionada, a sus distribuidores les debe haber parecido bastante raro ya de por sí y le cambiaron el nombre.

Claro que el lema no se ajusta igual a las tres hermanas protagónicas (Shirley Henderson, Allison Janney, Ally Sheedy), ya que a una de ellas se le aparecen fantasmas a los que le resulta difícil perdonar, y mucho menos olvidar (el actor de culto Paul «Pee Wee Herman» Reuben es un espectro, formidable sin duda, que se le aparece hasta en el medio del bar mitzvah). Otra aparición extraña en el film es la de Charlotte Rampling como una mujer misteriosa que busca sexo en el bar de un hotel, se considera a sí misma un monstruo y en verdad actúa como tal.

Las imágenes luminosas de Solondz contrastan a propósito con el mundo interior de sus personajes, que van de lo querible a lo aborrecible, pero el problema de «La vida en tiempos difíciles» es que, más allá de sus logros, se parece demasiado a sus trabajos previos , casi como si el director no pudiera ni olvidar ni perdonar a los fantasmas que lo obsesionan.

Un desperdicio de talento al por mayor

Según las estadísticas, el fin de año es la época de mayor índice de suicidios, y la verdad es que este tipo de comedia sensiblera tipo «te hará reír, te hará llorar, te emocionará» no debe ayudar mucho. «Año nuevo» es una especie de film coral a lo Robert Alt, pero sólo en estructura, ya que en la práctica es un compendio de lugares comunes y situaciones insulsas, raras veces realmente cómicas.

Tenemos una secretaria madura harta de su trabajo y deseosa de concretar viejos deseos frustrados (Michelle Pfeiffer); un moribundo que quizás apenas sobreviva a la noche de Año nuevo internado en la clínica más cercana a Times Square con la esperanza de que alguien lo suba a la terraza para ver los festejos (Robert De Niro, tal vez lo mejor de la película porque su personaje nunca intenta ningún paso de comedia); una madre que impidió que su nena de 13 años vaya a Times Square y ahora la busca desesperadamente (Sarah Jessica Parker); un único operario capaz de arreglar la famosa bola de luces que cae sobre el público que se agolpa en el centro de la ciudad de Nueva York (Héctor Elizondo, en un buen papel demasiado breve); y un superastro de rock (Jon Bon Jovi), capaz de dejar plantado a todo su público para reconquistar a una cocinera a la que abandonó un año atrás.

A estas historias hay que agregarles varias más, ninguna muy desarrollada dado que todas deben caber en la misma película. Para colmo la narración del director de «Mujer Bonita», Garry Marshall (quien ya hizo algo muy parecido a esto en «Día de los enamorados»), resulta especialmente torpe y lenta durante la primera mitad de la proyección, que se vuelve realmente eterna y sin gracia. Hacia la segunda mitad, el asunto mejora, ya que al menos no hay que seguir presentando personajes y situaciones obvias, pero al mismo tiempo todo este producto empieza a lucir sospechosamente como una especie de propaganda turística de Nueva York, lo que explica un fin de año sin borrachos revoltosos ni gente desagradable descontrolada por las calles.

El resultado es un desperdicio de talento al por mayor, sobre todo en lo que respecta a un elenco lleno de nombres famosos y brillantes.

Eficaz historia de adulterio hipótetico

Dado que ya no hay nada parecido a los cuentos morales que filmaba Eric Rohmer, ni tampoco nada que pueda describirse como algún tipo de ejercicio de estilo en tensión erótica, esta doble cualidad podría servir para defender a este drama de infidelidades hipotéticas.

El film narra la crisis de un feliz, joven y glamuroso matrimonio neoyorquino expuesto a una prueba de fuego. El relato empieza con la protagonista, Keira Knigh descubriendo que su marido, Sam Worthington, no le contó casi nada acerca de la compañerita de trabajo supersexy, carismática y talentosa Eva Mendes, a la que conoció en una fiesta de trabajo de su cónyuge. A ella le da un terrible ataque de celos, entendible dado que su marido está a punto de emprender otro viaje de negocios con la misma colega en cuestión.

Luego del gran berrinche, el esposo asegura que nunca hizo nada malo, acusa a su mujer de paranoica, se perdonan, el se va a su viaje (esta vez más atento a su seductora colega), y ni bien ella baja a la calle a la mañana siguiente es sorprendida por un ex amante francés (Guillaume Canet) de paso por Nueva York. A partir de este momento el film logra mantener el suspenso sobre la posible infidelidad de la esposa o su marido. La directora debutante y guionista Massy Tadjedin no podría mantener una historia con tantas vueltas retorcidas y absurdas si no fuera por la solidez formal de las imágenes (sin duda gran aporte del director de fotografía Peter Deming, habitual colaborador de Sam Raimi y David Lynch), ya que las actuaciones no ayudan mucho, salvo por la tentadora Eva Mendes y un semi serio Griffin Dunne en un papel secundario pero esencial.

Cómo desperdiciar tiempo y talento en vano

Es increíble ver tanto talento al servicio de una comedia despiadadamente insulza. Sarah Jessica Parker, cuya calidad de comediante está más allá de toda discusión por películas y series de TV, aquí interpreta a una madre que se preocupa por sus hijos y su marido (un Greg Kinnear totalmente desaprovechado), pero que también es una ejecutiva atenta a sus negocios, que la llevan a estar demasiado tiempo fuera de su hogar, para colmo en compañía del millonario Pierce Brosnan.

La estructura de entrevistas a cámara, pensadas para contar la historia, no sólo resulta terriblemente anticuada sino que, además, está mal resuelta y no agrega nada a un conjunto sin gracia, lleno de lugares comunes como la tensión del día de venta de postres en la escuela primaria o la reunión de presentación que interrumpe el Día de Acción de Gracias.

En medio de este cóctel anodino hay un simulacro de triángulo amoroso -después de todo, la protagonista es una de las estrellas de «Sex and the City»-, pero nunca pasa nada casi a ningún nivel. Lo que más pena da es que la película está bien producida y correctamente filmada, pero carece de un solo gag que haga reír, y tampoco llega a incursionar en el melodrama, aunque por momentos intenta lucir como una comedia dramática.

No hay mucho más que decir sobre este fiasco, salvo que hasta un gran cómico como Seth Meyers (de «Saturday Night Live»), en un rol secundario, se ve liberado de todo su talento y cae en lo anodino del conjunto.

Ciencia ficción de la era de los indignados

En el futuro en que transcurre esta película, en teoría todo el mundo tiene la opción de ser inmortal y eternamente joven. Nadie envejece más allá de los 25 años, pero el problema consiste en que, cumplida esa edad, sólo queda un año de gracia y, entonces, o se consigue más crédito de tiempo de cualquier manera, o se muere cuando el cronómetro encriptado en el brazo de todo ser humano llega a cero. Por algún motivo, los miembros de la elite, ricos en años y décadas, pueden ser casi inmortales, mientras la gente de los barrios bajos vive día a día.

El concepto básico puede derivar del clásico setentista «Fuga en el siglo XXIII» (Logans Run), pero la idea de una sociedad donde el tiempo (fraccionado en horas, días, etc.) es la moneda de curso, resulta realmente original, además de bastante perturbadora.

La película empieza con Justin Timberlake festejando los 50 años de su madre Olivia Wilde. Ella parece más joven que él. La extrañísima escena sirve como preámbulo para un film donde todos los actores deben lucir físicamente jóvenes, aun cuando sus personajes sean octogenarios y deban transmitir esa experiencia. En este sentido, se destaca Cillian Murphy como un obsesivo «policía del tiempo» con medio siglo de carrera.

Este tour de force de cast y dirección de actores es sólo uno de los factores que convierten a este film en algo especial. Al respecto, habría que mencionar las imágenes increíbles logradas por el director de fotografía Roger Deakins, el de «Sid & Nancy» y algunas de las mejores peliculas de los hermanos Coen.

Como para no angustiar totalmente al espectador, la trama se las arregla para llevar al protagonista al barrio de los ricos. De golpe todo el asunto se vuelve más divertido, como una especie de «Bonnie & Clyde» futurista (Timberlake y Amanda Seyfried caracterizada al estilo de la Ana Karina de Godard, hacen una gran pareja) y hasta un poco naif, algo así como ciencia ficción de la era de los indignados.

Entretenido thriller con sólido villano

Nicolas Cage hizo una de las mejores películas de su carrera con Werner Herzog en «Un maldito policía en Nueva Orleans». Por algún motivo, algo lo hizo volver a la misma locación, ambientada luego de la inundación pos huracán Katrina, para filmar una película oscura y, por convencional que pueda parecer, es más rara que la del director de «Aguirre la ira de Dios», ya que lleva al mismo actor a un mismo lugar y momento para que componga un personaje totalmente distinto al anterior.

En «Fuera de la ley», Nicolas Cage tiene que hacer un personaje mucho más sobrio y medido, lejos de su histrionismo habitual. Aquí interpreta a un maestro común y corriente, felizmente casado (con January Jones). La pareja sufre una brutal agresión en la que la peor parte la sufre ella.

A partir de este punto, la película podría parecer una especie de «Vengador anónimo», pero en realidad es una extraña mezcla del taquillero y brutal policial con Charles Bronson y el «Pacto siniestro» de Hitchcock, dado que el guión logra que el marido acepte un trato que le propone Guy Pearce, líder de una suerte de escuadrón de la muerte que se ocupa de impartir justicia a cambio de algún favor futuro.

Roger Donaldson es un director muy sólido en lo técnico, pero no especialmente imaginativo, y en general depende de lo que permita el guión, que en este caso podría haber potenciado mucho más todo el asunto.

Pearce es un excelente villano, y Nicolas Cage hace lo que puede para interpretar a un tipo común metido en conflictos no sólo terribles, sino pesadillescos y casi fantásticos.

La película no aprovecha las posibilidades de la premisa argumental (en especial todo lo relativo al personaje de January Jones), pero tiene sus momentos de buen cine negro, además de estar muy bien filmada.

Para ser un thriller, le falta suspenso

Para que un thriller funcione, necesita generar alguna dosis de suspenso, y el principal problema con este policial italiano es que casi no lo hace. Tampoco logra hacer foco en el asunto principal de la historia, que empieza con un suicidio y luego se dedica a contar la sesión de citas a ciegas combinadas por reloj donde se conocen la mucama de un hotel y un ex policía, que ahora es guardián de una fastuosa mansión en un bosque.

La pareja empieza una relación romántica, pero justo el día que a él se le ocuure llevarla de paseo al bosque que rodea la mansión, un sofisticado grupo de ladrones los toma prisioneros, desvalija la casona y le pega un tiro al guardia que atraviesa su cuerpo y se aloja en la cabeza de la chica.

La trama se vuelve más complicada no sólo porque ya de por sí es bastante tirada de los pelos -es obvio que no hay casualidad en el robo, sino que la chica tiene que estar asociada con los ladrones-, sino porque, además, luego de recibir el balazo a la mujer le pasan cosas de las que el espectador sólo se percata cuando se las explican.

Vale decir que más allá de que no está mal filmado y tiene alguna buenas actuaciones, empezando por la sexy Ksnia Pappoport, entre la carencia de suspenso -tampoco hay casi escenas de acción-, el exceso de diálogos y lo confuso de la trama, da la sensación de que no es con este tipo de productos que los italianos lograrán competir con Hollywood.

Más que sobresaltos, provoca aburrimiento

Una música espesa y visiones pesadillescas de su mujer e hijo quemados en un incendio intencional comienzan este obtuso film de terror, tan oscuro en imágenes como en talento narrativo. Timothy Gibbs es el escritor de best sellers, ateo confeso luego de la muerte de su familia provocada por un lector de sus libros, que ve interrumpida su desoladora existencia por un accidente automovilístico que debió haberlo matado, pero del que sale extrañamente ileso, como por milagro. Inmediatamente es llamado por su hermano pastor, a quien no ve hace décadas, para que lo acompañe a la casa familiar cerca de Barcelona, ya que su padre está agonizando.

Sin saber bien por qué, el protaognista viaja a España y enfrenta los fantasmas de su pasado, que van tomando forma corpórea de manera bastante previsible y sin provocar demasiados sobresaltos en la platea. De hecho, más que sobresaltos, la historia provoca bastante aburrimiento, ya que la lucha interna del escritor entre su ateísmo y el número 11-11 que le aparece por todos lados es bastante insoportable, y si todo el asunto no fuera tan terriblemente dramático, hasta podría llegar a ser risible.

Para colmo, a España también viaja de improviso una especie de fan, compañera de terapia de grupo, interpretada por Wendy Glenn, que realmente no aporta nada a la historia, salvo penosos tiempos muertos. Recién hacia el final de la película hay verdaderos momentos de terror, que de todos modos no justifican en absoluto la visión de este film dirigido por un artesano surgido de la saga de «El juego del miedo», menos mística y al menos más generosa en hemoglobina.

Hace reír si se es fan del actor de “Mr. Bean”

En su primer film, el agente Johnny English había evitado que un francés se adueñara de la corona británica, lo que le había valido el título de caballero. Pero ahora, luego de un desastroso e innombrable episodio en Mozambique, English está solo, ha perdido su título y se encuentra exiliado en un monasterio en el Tibet donde practica extrañas variedades de artes marciales. De todos modos lo vuelven a buscar, ya que el M17 lo necesita (el organismo ahora está privatizado y se llama algo así como Toshiba British Inteligence).

Es que hay una sociedad de asesinos que acecha al mundo civilizado y, por algún motivo, el único que los puede detener parace ser el ultra torpe Johnny English, que de todos modos antes de entrar en acción debe someterse a un test psicológico aplicado por la ex chica Bond Rosamund Pike. Luego, aunque este agente es un poco más que levemente racista, debe aceptar como pareja a un espía negro (Daniel Kaaluya), para recién ahí empezar la acció propiamente dicha.

Aunque, claro, en una película con Rowan Atkinson, más conocido como «Mr. Bean», lo que menos importa es la trama, ya que todo el asunto se trata de una batería de gags que como sucede en estos casos a veces funcionan mejor, a veces peor. En este caso funcionan bastante bien, por momentos mejor que en el film original de 2003, porque, además de las increíbles caras que puede poner este gran comediante experto en humor físico, hay un buen guión que acomoda los elementos a su favor. Empezando por una buena cantidad de gadgets propios de los films de 007, como un lápiz de labio/arma mortal, o un Rolls Royce activado por la voz que da lugar a una serie de chistes sin desperdicio. Por supuesto, como finalmente casi toda la comicidad depende de las extrañas muecas que hace el protagonista, cada espectador debe saber cuál es su punto de resistencia a Atkinson antes de decidir si va a ver esta película.

Promete transgresión y brinda convenciones

Algunos de los primeros gags de esta comedia fantástica prometen algo realmente fuerte en cuanto al nivel y estilo de comicidad. Pero poco a poco el asunto se normaliza y «Si fueras yo» se convierte en una de tantas comedias que se venden como transgresoras para terminar resultando mucho más convencionales de lo que se podía esperar.

La comedia trata sobre dos amigos de toda la vida que llevan vidas totalmente distintas. Uno es abogado a punto de ser socio de su firma, padre de una nena y un par de gemelos, mientras que el otro dejó la universidad para ser actor, y sólo hace comerciales de TV y películas softcore baratas Luego de no verse durante demasiado tiempo, los amigos van a un bar a ver un partido de béisbol y, al final de la noche, se dan cuenta de que a cada uno le gustaría llevar la vida del otro. Esto dicho mientras orinan en una fuente con una extraña estatua mitológica que los observa mientras expresan sus deseos.

El asunto es que a la mañana siguiente los amigos han intercambiado cuerpos, o según como quiera verse, espíritus, ya que encerrado en el rostro del otro está el que quería ser soltero o el que ansiaba una familia.

Antes y después de la transformación hay gags eficaces, realmente divertidos, que atañen a la vida original de cada uno de los protagonistas y los desastres que provocan luego de transformase en el otro, como la ruptura de una reunión definitoria para una fusión de empresas, malográndola totalmente, la filmación de una película erótica y la cita con una mujer embarazada (sin duda una de las escenas más procaces que se hayan visto en mucho tiempo en este tipo de comedia hollywoodense).

Luego la película va derivando hacia cierta ingenua melancolía, e incluso se pone un poco moralista, lo que resulta anticlimático y hace que todo el conjunto decaiga irremediablemente.

Entretiene, aunque de Dumas no quedó nada

No se puede negar que esta película es super entretenida, que está muy bien filmada y que tiene efectos especiales asombrosos. Incluso, por momentos, permite que se luzcan algunos intérpretes, que hasta disparan diálogos ingeniosos.

Pero el guión realmente es malo, y como adaptación de una novela de Alejandro Dumas, es cualquier cosa. Y, lamentablemente, da la sensación de que no es cualquier cosa por puro libre albedrío o elección creativa, sino más bien por pura estrategia de marketing para que unos personajes de tiempos remotos se parezcan lo mas posible a los taquilleros «Piratas del Caribe» de Disney.

Esta estrategia es tan notoria como para que, más que de Dumas, la historia parezca surgida de algún libro de Julio Verne con batallas aéreas entre naves voladoras armadas de cañones.

En fin, más allá de eso, al menos está filmada con gran imaginación, tiene contundentes escenas de acción y un par de villanos que se lucen bastante más que los cuatro mosqueteros, en especial la espía Milla Jovovich -vieja amiga del director vía las películas de la saga de «Resident Evil»- y el hiper malísimo Cardenal Richelieu a cargo del talentoso Christoph Waltz.

Sólida en todo lo que tiene que ver con la imagen, y muy creativa en las coreografías de las escenas de acción, para no mencionar las impactantes y desaforadas batallas aéreas, en el mejor de los casos, esta película puede calificar como razonable placer culposo digno de una matiné de super acción.

Habría asustado más en tiempos de gripe A

La mejor escena de «Contagio» dura apenas unos segundos, y muestra a un hombre del gobierno segurísimo en su armadura blanca anti-virus dejando un ramo de flores en una fosa común.

Un par de años atrás, este tipo de thriller hubiera tenido un impacto mucho mayor. De hecho, hubo algunos ejemplos menos serios pero mucho más intensos que éste, incluyendo una contundente remake de «The Crazies» de George Romero (la escena citada anteriormente parece calcada de aquel film de principios de los 70).

Pero esta película de Soderbergh no sólo está un poco desfasada, sino que por momentos no ofrece mucho suspenso ni intensidad dramática. A su favor hay que decir que al tratar el asunto con tanto realismo, logra que el espectador salga de la proyección con los fantasmas de la gripe A a flor de piel.

Empezando por el «día 2» de una epidemia, la trama avanza día a dia de manera bastante previsible contagiando a un montón de gente a diestra y siniestra. Matt Damon nunca se contagia pero la pasa realmente mal, Jude Law es un blogger que vio venir la epidemia y anuncia que tiene una cura, provocando caos y paranoia, y Laurence Fishburne es un científico un poco corrupto pero humano al fin, decidido a dar una gran actuación a pesar de no entender ni la mitad de las cosas científicas que menciona el guión (sin duda, es el gran actor de la película, salvo un gran momento forense de Gwyneth Paltrow).

«Contagio» a veces funciona bien, pero por momentos provoca nostalgias de otras películas mejores, como «Epidemia» de Wolfgang Petersen o «La amenaza de Andrómeda» de Robert Wise (sobre todo en las escenas con Elliott Gould con su traje anti-virus en un laboratorio).

La música tecno de Cliff Martinez es excelente y, sobre todo, ayuda a generar tensión en escenas donde no pasa gran cosa.

Un gran film político vestido de policial

Esta si es una rareza que merece verse: un film político-revolucionario vestido de film noir al mejor estilo francés. Un largo prólogo argelino se ocupa de describir las injusticias sufridas por los protagonistas. Luego, para ser justo, el argumento también se ocupa de describir las contradicciones de los mismos personajes.

En todo caso, hacia mediados de la década del 50, los tres hermanos del título local (el original es «Fuera de la ley») se encuentran en un suburbio parisiense reservado para argelinos de clase baja. De los tres hermanos, uno acaba de volver del ejército luego de la derrota en Indochina, otro recien salió de prisión por sus ideas anticolonialistas-revolucionarias, y el tercero, totalmente apolítico, tiene negocios prostibularios y sueña con promover a un campeón argelino de boxeo (elemento que sirve especialmente bien para mezclar la lucha armada revolucionaria con la estética y temática del film noir).

Una vez que el hermano revolucionario domina la situación y a casi todos los otros personajes, la película se convierte en un furioso ejercicio de estilo que intenta que la acción propia del policial pueda aplicarse a un contexto político. Más allá de las influencias evidentes, que van desde «El Padrino», «El ejército de las sombras» de Jean Pierre Melville o «Malcolm X» de Spike Lee, lo interesante es la idea de apelar a la estética y narrativa de un género clásico para narrar otro tipo de relato, con base firme en el «polar» francés, a pesar de que los personajes hablan mayormente en árabe.

Hay actuaciones excelentes, una muy atractiva ambientación de época y, por sobre todo, elaboradísimas escenas ultraviolentas que resultan especialmente feroces por tener algo que decir.

Híbrido sólo para fanáticos de la serie “Glee”

Sólo los fans de la serie «Glee» podrían interesarse en esta especie de documental de la versión en vivo del exitoso show del cable. Y sólo los fans más rabiosos podrían pasarla medianamente bien con este desvergonzado subproducto comercial que no cierra desde ningún ángulo. La serie, heredera de la vieja y nunca muy atractiva «Fama» de Alan Parker, y pariente cercana de los «High School musical» y otras variantes del cable, supuestamente tiene un mensaje de tolerancia hacia los nerds, que también podria implicar lo innecesario de autosuperarse, ya que de todos modos siempre va a estar todo bien.

La película directamente apela al hipotético fanatismo incondicional del espectador, mezclando testimonios propios de los programas evangélicos televisivos -«Glee cambió mi vida» y cosas por el estilo- con números musicales diseñados sin una pizca de imaginación formal, tan pobre y mecánicamente como las grúas donde están ubicadas las cámaras que revolotean sin ton ni son a lo largo de toda la producción.

Filmado durante la gira en vivo Glee Live in Concert Summer 2011 Tour, este híbrido no es ni un auténtico documental de un show, ni tampoco algún tipo de recreación escénica de un programa de ficción que intente elaborar aunque sea de modo elemental alguna trama. El superastro gay Chris Colfer, sin duda el más talentoso de todo el elenco, tiene su momento culminante entonando «I wanna hold your hand», y sólo queda preguntarse si alguien en la producción o los incondicionales a los que está dedicada la película tiene alguna mínima idea de lo nerds que Lennon y McCartney fueron en sus buenos viejos tiempos.

Fórmula económica que aún sigue asustando

Pocas fórmulas son tan buenas y baratas como la de «Actividad Paranormal», especie de «reality terror» basado en los videos de vigilancia ubicados en una casa con fantasmas. El hecho de que el filón siga dando dividendos no significa que la fórmula no se agote un poco, o mejor dicho bastante, como ocurrió con la recieente «Actividad paranormal 0» que, para ser justos, no era una apropiación legal de la saga americana, sino una entrada japonesa medio trucha.

Esta número 3 sí es la secuela legal de la saga original, y su principal vuelta de tuerca consiste en retroceder hasta 1988 para mostrar, esta vez en viejos casetes VHS, la historia de las hermanas Katie y Kristie cuando eran chiquitas y convivían con un amigo invisible, Toby, que finalmente mostraba su lado más siniestro.

Finalmente, porque durante media película no pasa mucho, y los sustos surgen de bromas de los personajes (hay una que es bastante terrorífica, hay que reconocer). Pero hacia la segunda mitad de la proyección, la cosa se pone más seria y la película ofrece varias escenas seriamente horripilantes, con tantos sustos o más que sus predecesoras. Hay un énfasis en la brujería que las dos películas anteriores no tenían y que acá funcionan bien, con un final realmente aterrador. Antes hay un truco muy bueno consistente en montar una de las cámaras sobre la base giratoria de un ventilador, lo que permite ver qué pasa en una cocina y un living, pero intermitentemente generando suspenso porque nunca se sabe lo que se va a haber cuando la visión oscile hacia el otro lugar.

La única pena es que los directores no hayan aprovechado mejor la ambientación de época años 80, quizá porque, entonces, la película hubiera costado 20 dólares más.

Lo sobrenatural no le sienta a Jim Sheridan

Este thriller psicotrópico-sobrenatural funciona como una especie de versión de entrecasa de la reciente «La isla siniestra» de Martin Scorsese. Sólo que éste no es en absoluto el género en el que se especializa Jim Sheridan, semiolvidado director de films del Oscar como «Mi pie izquierdo» y «En el nombre del padre».

El asunto es que Daniel Craig es un escritor que decide abandonar la ciudad junto a su familia (su esposa y sus dos hijas) para radicarse en un pueblo tranquilo y escribir un libro, Pronto la casa de los sueños a la que se refiere el título original (traducido aquí como la primera frase de una canción de Sui Generis que conocen todos en un fogón) se convierte en un sitio de pesadilla, ya que ahí, cinco años atrás, un padre enloqueció y mató a su esposa y sus dos pequeñas hijas, y todos los vecinos lo saben, e incluso los adolescentes locales de inclinaciones dark van al lugar a celebrar una suerte de misas negras teenagers.

El padre de familia se empieza a alarmar cada vez más cuando se entera de que, para colmo, el supuesto asesino que vivía en esa misma casa no está preso, sino que acaba de ser dado de alta del hospicio del pueblo, dato que sumado a un extraño personaje que los acosa mirando desde el jardín por las noches, pone los pelos de punta.

Hay muchas vueltas de tuerca en el guión, una menos seria que la otra, pero sin querer alertar demasiado al lector sobre el argumento, se podría decir que, en realidad, al protagonista le cuesta separar realidad y ficción, lucidez y locura, o tal vez fantasmas de seres humanos. El espectador no lo sabe bien, y en verdad, a medida que promedia el film, empieza a importarle cada vez menos.

«Detrás de las paredes» se vuelve más obvia a medida que se complica la trama, ironía que convierte a este film en un híbrido que por momentos ronda la zona del humor involuntario. Los actores hacen lo que pueden, pero Sheridan directamente no sabe cómo manejarse en este género y sus tonos melosos, empezando por los cursis pasajes musicales, casi terminan por arruinarlo todo.

Buen suspenso sobre increíble caso real

Jason Statham es un ex mercenario que no querría volver a esa estresante línea laboral, pero no sólo tiene que liquidar a varios militares británicos de alto rango sino que, además, debe lograr que su muerte parezca un accidente. Pero antes debe obtener en tape sus confesiones sobre los homicidios cometidos en una intervención inglesa en Omán.

Y por si esto fuera poco, no lo hace por dinero, sino para salvar a su mentor, el veterano mercenario Robert De Niro, que aceptó la misión imposible por seis millones de dólares, y luego intentó huir poque no quería ser kamikaze. Y lo mejor es que todo esto está basado en una historia real.

Este thriller conspirativo sólo simula el estilo cerebral británico para inmediatamente hacer que explote todo con la tipica super acción descerebrada hollywoodense. La mezcla, por absurdo que parezca, funciona bastante bien en la práctica. Los lugares comunes del género están tan retorcidos que dan lugar a secuencias realmente imprevisibles, sobre todo las que tienen que ver con que los homicidios parezcan accidentes. Especialmente cuando todo esto sucede en 1980, fecha que impide la presencia de gadgets tecnológicos actuales, mientras que otorga cierta estética vintage y un toque político interesante, que podría serlo aún más de haber sostenido algún tipo de rigor histórico.

La película está sólida e imaginativamente filmada, con intensas escenas violentas, a veces tan exageradamente intensas como para que el espectador pueda burlarse del apasionado antagonismo entre Statham y su archienemigo Clive Owen fanatizado por el lavado de cerebro del establishment. De Niro brilla en la pantalla casi cada vez que aparece, sólo que el guión no lo ayuda: se pasa demasiado tiempo preso en una mazmorra, y cuando sale de ahí, apenas le quedan un par de chistes.

Con todos sus defectos, no se puede negar que el film mantiene el suspenso y la tensión más allá de sus lugares comunes, y que muchas de las que podrían ser llamadas escenas de acción están diseñadas para impactar como imágenes realmente violentas.

Sólido film de box futurista

Pocas películas tienen un comienzo tan brutal como «Gigantes de acero», cuando Hugh Jackman lleva su robot boxeador a un rodeo de mala muerte para que se enfrente con un toro salvaje. Corre el año 2020, y el boxeo humano está perimido y reemplazado por robots de pelea. El protagonista, uno de los últimos boxeadores que subían realmente al ring, parece más apto para hacer que destrocen a sus púgiles robóticos, así que anda de aquí para allá escapando de sus múltiples acreedores, hasta que se le aparece un abogado explicándole que tiene una audiencia por la custodia de su hijo, al que prácticamente no ha visto nunca, ya que su madre acaba de morir.

Viendo que su ex cuñada quiere adoptar al chico, nuestro antihéroe logra salirse con una especie de chantaje, consistente en quedarse con su hijo sólo por el verano, para luego entregarlo a cambio de una buena suma de dinero. Suma que alcanza para comprar un buen robot de pelea y volver al ruedo.

Como los robots del padre siempre terminan convertidos en chatarra, hay que esperar para que el hijo, en un accidente providencial, encuentre al androide que les cambiará la vida. Se trata de un viejo modelo diseñado para sparring, es decir para aguantar muchos golpes, y no para el ataque. Pero dado que lo único que queda es el vejestorio, padre e hijo lo lllevan a pelear en un marginal zoológico abandonado. Claro que el robot, por mejor racha que les traiga, no les puede evitar el violento acoso de los apostadores y la promesa de entregar el chico a sus padres adoptivos.

Inspirado en un episodio de 1963 de la serie «Dimensión desconocida», escrito por Richard Matheson e interpretado por Lee Marvin) «Gigantes de acero», de todos modos, es un film de ciencia ficción totalmente original, que no se parece a nada en el género futurista, aunque sí respeta la fórmula de los viejos dramas pugilísticos.

Producido por Spielberg y Robert Zemeckis, ofrece una sutil descripción de un futuro cercano donde los efectos especiales se aplican más que nada al ambiente del boxeo, con todo tipo de robots alucinantes -incluyendo uno de dos cabezas que aparece en uno de los mejores encuentros del film- y algunos decorados formidables. El director Shawn Levy (el de «Una noche en el museo») se concentra más en la historia y los personajes humanos que en los robots, sin obviar los inevitables momentos melodramáticos, pero tampoco el clima de cine negro propio de los films de boxeo. Lo mejor de su trabajo es lograr un buen equilibrio entre todos los condimentos para que todo funcione correctamente, sin redundancias. Al final, «Gigantes de acero» es una muy buena película, con sólidas actuacioens, increíbles robots de todo tipo y calibre, y un guión con matices casi más realistas que muchos títulos famosos sobre boxeo al estilo «Rocky».

La única asustada es la protagonista

El éxito de la saga de «Actividad paranormal» provocó ya una tercera parte legal a punto de estrenarse en Estados Unidos, y también esta especie de copia que repite el formato de «material de archivo encontrado luego de un hecho extraño», etc., sin muchas variaciones al fenómeno de fantasmas que perturban las noches, salvo que en este caso el espectro es nipón, igual que sus víctimas (eso sí, las cámaras de las películas anteriores seguro también fueron japonesas o, por lo menos, chinas).

Aquí también hay una variación sobre el estado de los personajes: la protagonista, es una japonesa recién llegada de Estados Unidos con las dos piernas rotas producto de un accidente del que no quiere hablar mucho, ya que fue con una asesina que ya tenía varias víctimas previas y, además, ella provocó una muerte en medio del choque.

Como la chica asegura que por la noche su silla de ruedas se mueve sola al lado de su cama, su hermano, últimamente obsesionado con grabar todo con su nueva cámara, toma la decisión de monitorear la habitación en horas nocturnas. Y por las dudas pone una montañita de sal adelante de la puerta, que por supuesto aparece pisada a la mañana siguiente. Pero no se ve quién la pisa, sólo el efecto de la montañita pisada por una especie de pie invisible.

Pronto hay más episodios sobrenaturales por las noches, y también llega un monje para realizar una ceremonia purificadora en la casa. Pero todo sigue bastante mal, incluso para el espectador que no encuentra nada demasiado nuevo ni verdaderamente terrorífico en la historia, que además, gracias al formato reality, no tiene casi ningún atractivo formal. Las otras «Actividad paranormal» daban miedo, pero ésta, al final, sólo incluye gritos histéricos de la pobre japonesita enyesada.

Convenciones muy bien intencionadas

Cada tanto algún documental de Discovery Channel se ocupa de historias sobre un condenado a cadena perpetua que, tras pasar largos años en la cárcel, es liberado gracias a que las pruebas de ADN, no disponibles en los tiempos de su condena, muestran su inocencia.

Este drama narra uno de estos casos, tal vez más impactante que otros por el hecho de que la hermana del falso culpable se dedicó a full al asunto, al puuto de recibirse de abogada para poder mover desde adentro los lentos engranajes de la justicia.

La historia es atractiva y llena de buenas intenciones, pero demasiado lineal y no tan interesante como para que el espectador atestigüe, durante un buen par de horas de proyección, la larga espera de una década y media para que Hilary Swank insista e insista, poniendo a prueba la paciencia de todo el mundo que la rodea, en que su hermano Sam Rockwell es inocente.

Si esto fuera un thriller, o al menos un drama tribunalicio, podría haber alguna maliciosa sorpresa en el desenlace, pero dado el cariz de drama realista que tiene todo este producto -jugado desde la premisa de que el espectador está familiarizado con el caso, muy promocionado por la prensa estadounidense en su momento- no sólo no hay sorpresas, sino tampoco matices que ayuden a darle mayor interés al asunto desde algún ángulo. Por ejemplo, prácticamente no hay más que una escena que muestre la angustiosa existencia del condenado en la cárcel, ni tampoco descripciones que revelen los sórdidos recursos corruptos de la polícía para lograr falsos testimonios en el momento del juicio, salvo apenas una escena con una casi irreconocible Juliette Lewis explicando los motivos de su perjurio.

Las actuaciones son buenas, y la direccion es correcta ero terriblemente convencional y poco imaginativa. Aun en cable, este film bien intencionado corre con desventaja, ya que finalmente un documental sobre el mismo tema suele durar menos de una hora y puede resultar más ágil que este lineal drama de la vida real.

Pasatiempo razonable, sólo para los más chicos

La premisa de esta comedia infantil romántico-zoológica es que en realidad todos los animales pueden hablar, sólo que no lo hacen abiertamente para no asustar a las personas. Viendo que el mejor guardián del zoo sufre problemas amorosos, con una chica que ya le rompió el corazón hace años y que ahora lo acepta si consigue un trabajo mejor remunerado, los animales se unen para ayudarlo, lo que redunda en romper el pacto y dialogar sin problemas con su amigo humano.

El asunto es bobo de por sí, y sería original si no se notara la influencia obvia de «Dr Doolittle» y la saga de «Una noche en el museo».

Por supuesto, hay gags con los animalitos parlantes que son graciosos, especialmente los que tienen que ver con dos osos peleadores y las constantes recriminaciones en público de la leona al león. El protagonista, Kevin James -también coguionista- hace un personaje entre naif y tonto con demasiados toques sentimentaloides, pero también interviene en algunos momentos eficaces de humor. La chica insoportable, Leslie Bibbs, realmente lo es, y la que podría haber estado mejor aprovechada es la talentosa Rosario Dawson como otra empleada del zoólogico que, tal como hasta los chicos se darán cuenta desde el comienzo del film, es el verdadero amor del protagonista.

No hay mucho más que agregar, salvo que técnicamente los animales digitales están bien resueltos, y que para chicos chiquitos éste puede llgar a ser un pasatiempo razonable.

Elegía para actores sin fama

La dura vida del actor de reparto está bien ilustrada en «Vaquero», con el agregado de que el protagonista, obsesionado por conseguir un papelito en una superproducción hollywoodense filmada en la Argentina, además es un pésimo profesional que ni sabe leer qué lineas le tocan en un guión, piensa cualquier cosa totalmente alejada de su personaje mientras está actuando, es un resentido de los que triunfan en el medio. En síntesís, es un loser total.

«Odio ser alternativo, quiero estar con los copados», piensa obsesivamente Julián, mientras pasa las interminables horas de espera del rodaje de un film policial, donde su papel básicamente consiste en recibir sopapos y malos tratos de todo tipo. También actúa en una obra de teatro independiente, donde todos los aplausos y elogios los recibe «el gordo», situación que detesta profundamente por lo que se escucha permanentemente un en verborrágico (y no tan bien grabado a nivel técnico como el espectador desearía) monólogo interno, generalmente acompañado de estridente, y basante buena, música tecno-punk. Es comprensible, hasta su papá le habla bien de «el gordo» y no de él cada vez que menciona la obra (el padre está interpretado por Daniel Fanego de una manera que ayuda a volver interesante cada escena).

Hay un importante director de Hollywood por filmar un western andino en la Argentina, y este actor quiere estar ahí. Logra que su representante lo lleve a un evento de la producción norteamericana, le toman un casting, le hace una entrevista el asistente de dirección (momento desopilante hablado en inglés y quechua) y termina pasando el rato en su casa mirándose en el espejo con un sombrero de cowboy, en una especie de versión patética del Robert De Niro de «Taxi Driver».

En sus mejores momentos, «Vaquero» es una buena comedia sobre el mundillo de los actores sin fama, los castings donde se encuentran siempre con la misma gente, su envidia de los famosos, la hipocresía del hall luego de una funcion y todos los conocidos detalles de los «wanna be» y el detrás de cámaras, que siempre pagan y arrancan una sonrisa y alguna carcajada. El lenguaje de cine indie no siempre ayuda al desarrollo de la trama, especialmente durante los monólogos en off del protagonista que en un momento se vuelven un tanto repetitivos. La cámara movediza a veces parece ser la subjetiva de un personaje que no conocemos, pero la luz es buena, todo el elenco está muy bien y la película es breve como para no poder aburrir, lo que en el contexto de apertura del Bafici donde se dio a conocer este film es todo un logro.

Contundente regreso de Conan

Lo mejor de esta nueva «Conan el bárbaro» es que no se trata de una remake del film escrito por Oliver Stone, que dirigió John Milius en 1982. Aquel debut de Schwarzenegger como protagonista (por entonces era mucho más un efecto especial de carne y hueso que un actor, ni mucho menos, gobernador) tenía una magnificencia visual y cierto tono intelectual que la convirtieron en una obra irrepetible, incluso para los altos standards de la muy competente secuela de Richard Fleischer «Conan el destructor» de 1984.

Marcus Nispel, director de clips de rock y de excelentes remakes como la de «La Masacre de Texas», ya apuntaba hacia el lado de la fantasía heroica en su inusual historia de luchas entre vikingos y pieles rojas, la película de culto «Conquistadores», y encaró al nuevo Conan más desde la super acción, el gore y lo sobrenatural.

La violencia es sorprendente ya desde el principio, cuando la madre del héroe lo da a luz en medio de un sombrío campo de batalla, o en el largo prólogo cuando el pequeño Conan preadolescente se liquida, él solito, media docena de feroces invasores enemigos. Luego de la ya inevitable muerte de Ron Perlman, padre de Conan, la película se convierte en una impiadosa venganza contra todos los responsables de su muerte, pintoresco grupo de personajes liderados por el malvado Stephen Lang y su hija hechicera Rose McGowan (dos de los principales factores para recomendar el film, empezando por las garras metálicas al estilo Freddy Krueger de la brujita).

Partiendo de esta premisa, el Conan vengativo que interpreta Jason Momoa es más despiadado y sangriento, y tiene más matices actorales que el que dio fama a aquel lejano Schwarzenegger, algo que ayuda, a pesar de que esto no es «Hamlet». Lo importante está en la acción, con momentos de auténtico terror como una lucha contra espantosos zombies de arena o el tentaculado guardián de una mazmorra acuática, y la riqueza visual fantástica que aprovecha al máximo el estilo del autor del personaje, Robert E. Howard, miembro del círculo de Cthulhu de H.P. Lovecraft, cuyas impresiones oscuras dominan lo mejor de esta sólida, imaginativa y muy entretenida rendición moderna al género de espada y brujería.

Damas en guerra matan la comedia

Una duración de dos horas nunca es recomendable para una comedia, salvo excepciones de corte épico que no es precisamente este caso. Aquí lo único épico es la falta de coherencia en el sentido del humor, y los abruptos cambios de tono que nunca permiten que el espectador llegue a sentirse cómodo, ni mucho menos interesado en esta historia satírica del universo femenimo, a la que se podría ubicar en algún intermedio o híbrido entre «Sex And The City» y los dibujos de la muñeca Barbie.

El asunto es de lo más frívolo, tanto que como tópico ni ha llegado a interesar nunca a las editoras de revistas femeninas. Una chica se casa y, a la hora de elegir a su dama de honor, reparte ese privilegio entre demasiadas amigas, todas de idisoncracias diferentes, lo que genera desplazar totalmente el interés del punto central de la boda -es decir la novia y su futuro marido, la fiesta, etc.) a una especie de enfrentamiento cada vez ams agresivo por entronizar a la verdadera mejor amiga entre las distintas damas de honor.

Las actuaciones no son del todo descartables, y a veces mantienen el interés más allá de que no pueden no seguir los distintos cambios abruptos de estilo impuestos por el guión y la floja dirección de Paul Feig. Hay algún colorido típico de las películas sobre bodas, y algún chiste suelto eficaz, pero no mucho más.

Como “Flipper”, pero algo más lacrimógena

Desde los tiempos de Flipper, las historias con delfines siempre pagan, sólo que en este film hay una vuelta de tuerca de impensable corrección política: el delfín es discapacitado. Así, un chico triste y solitario está camino al colegio en su bicicleta y descubre junto a un pescador un delfín varado en la playa, atrapado por unas redes. El nene le corta las redes y entabla una curiosa amistad con él, amistad que continúa cuando el delfín es alojado para su difícil cura en un hospital para animales marinos.

A cada rato la trama presenta una situación terriblemente lacrimógena que, por suerte, se soluciona bastante bien antes de la siguiente catástrofe emotiva. Hay un atleta, primo del pequeño protagonista, que va al ejército para tratar que le paguen su entrenamiento para las Olimpíadas, sólo para quedar lisiado tras una explosión. Accidente que crea un paralelismo con el delfín Winter, que debe ser amputado de su aleta trasera para seguir manteniéndolo con vida en el acuario.

Morgan Freeman, el médico especialista en lisiados y ortopedia del hospital de veteranos, es el encargado de mejorar la vida tanto del atleta como del delfín, creando una rara aleta ortopédica que, lógicamente, en principio el delfín se niega a aceptar. Pero entre risas y lágrimas, y algunas muy lindas imágenes logradas por el director Charles Martin Smith -actor de varios clásicos de los 70 y los 80 como «American Graffiti» y «Los intocables»- todo se soluciona. Obviamente esta «Winter-El delfín» es una película para chicos, pero basada en un historia real -antes de los créditos del final hay imágenes documentales que bien justifican quedarse sentado un poco más en la butaca- que realmente alecciona sobre la relación entre animales y seres humanos. Las buenas actuaciones también ayudan.

La acción salva una historia insustancial

En algún momento John Singleton apuntaba a ser el más firme competidor de Spíke Lee a la hora de filmar policiales con trasfondo social o político. Ahora con esta «Identidad secreta» se aleja de cualquier pretensión seria, pero por lo menos sigue exhibiendo una gran calidad en lo técnico, lástima que aplicada a una gran tontería conspirativa, algo así como un film de espías adolescentes.

Taylor Lautner, el hombre lobo light de la saga de «Crepúsculo», es el espía en cuestión, aunque el guión lo muestra en un principio con un adolescente bastante común y corriente salvo por el detalle de que su padre lo entrena permanentemente en boxeo y artes marciales, además de ser el campeón de lucha libre de su colegio. Además, el muchacho se siente raro, y le cuenta a su psiquiatra Sigourney Weaver un sueño recurrente en donde es raptado de chico.

Cuando un profesor le pide un trabajo especial de sociología sobre chicos desaparecidos, el protagonista descubre, junto a su vecinita de enfrente, que un chico desparecido cuya foto se publica en un site se parece sospechosamente a él mismo, y hasta encuentra en el sótano la misma remerita de la foto que se ve en Internet. Lautner avisa al site, y empieza -casi tarde, porque todo esto demora mucho- la superación, con espías malvados que atacan su casa y espías supuestamente buenos comandados por Alfred Molina, que también lo persiguen pero para protegerlo.

A partir de este momento la película se debate entre escenas de acción bastante violentas y muy bien filmadas y diálogos tontos que, por momentos, casi arruinan todo. La excelencia técnica y las buenas actuaciones de los nombres ya mencionados en el reparto ayudan a mantener el equilibrio de esta tontería violenta que con mayor inteligencia hubiera dado para más.

“Sin escape”: casi para salir corriendo

Basada en una historia real, esta película alemana cuenta los pormenores de un asaltante que tuvo en vilo a Viena durante unos meses: un ladrón enmascarado robaba bancos y salía corriendo, hasta que se descubrió que era un ex convicto maratonista, ganador de varias carreras europeas luego de haber practicado durante años corriendo en círculos en el patio de la prisión. Luego, ya detenido por la policía, logra escapar corriendo y es buscado por un verdadero ejército de policías, convertido en algo así como el enemigo público número uno.

Como cine negro existencialista es un film más raro que realmente eficaz. Andras Lust, casi tan inexpresivo con o sin máscara, anda solo y casi no habla con nadie durante media película, salvo para decir que pongan el dinero en su bolso durante los atracos. Luego se relaciona románticamente con una mujer, pero su falta de expresividad se mantiene durante todo el romance.

Básicamente al tipo le gusta correr y robar autos y andar rápido escuchando la radio. Hay una sola de las secuencias de robo que logra alguna emoción debido a lo vertiginoso del escape, y hay que esperar hasta los minutos finales para asistir al intenso escape de la comisaría, que de todos modos sigue de manera fria e impersonal.

El director Benjamin Heisenberg no filma mal, pero más allá de algunas imágenes interesantes, como las de una maratón corrida de noche, todo es bastante carente de interés plástico. Al final, no se sabe nada sobre la obsesión del protagonista por robar bancos, y en realidad al espectador, ya a esa altura, no le interesa demasiado conocer los motivos detrás de esta curiosa crónica policial.

Film con psicópata lejos de la Hammer

Para ser el elegido para la resurrección de los estudios Hammer Films, este thriller curiosamente no sólo carece de ambiente gótico, sino que ni siquiera transcurre en Inglaterra. Tampoco hay vampiros ni otros personajes clásicos del género fantástico, pero en cierto modo está emparentado con algunos films con retorcidos psicópatas de mediados de la década del 60, que le dieron a la Hammer un toque contemporáneo. Y, además, también está Christopher Lee, aunque lamentablemente poco aprovechado en un papel secundario que no aporta mucho.

El psicópata protagónico es Jeffrey Dean Morgan, que le alquila un departamento en Brooklyn a una cirujana recién separada. La pobre Hilary Swank ha sido advertida de que el edificio va a sufrir varios arreglos y que va a tener que soportar ruidos ncturnos, pero lo que no sabe es que el lugar está lleno de pasadizos dispuestos para que el aparentemente amable propietario se le pueda meter en el departamento. De ahí a dormir con alguien debajo de la cama, o escondido en un ropero, hay un solo paso. Y ni hablar de lo que puede pasar si el depravado utiliza somníferos para divertirse como quiera con su inquilina sin que ella se dé cuenta, salvo por la sensación de no haber descansado muy bien la noche anterior.

El director finlandés Antti Jokinen empieza la historia con un tono casi demasiado reposado para un thriller, pero hacia la mitad, la película explota con situaciones realmente tensas y perturbadoras. Las actuaciones son sólidas, lástima algunos descuidos del guión y un desenlace minimalista, bastante menos elaborado y sorprendente que los de las antiguas películas de psicópatas de la Hammer.

Divertido encuentro de los perdedores y el alien

En un raro momento de intercambio intercultural, los dos nerds ingleses de la gran parodia del cine de zombies «Shaun of the dead» van de vacaciones a los Estados Unidos partiendo de una convención de fans del comic y la ciencia ficción, para luego recorrer el circuito de conspiraciones extraterrestres, donde conocen un auténtico alien que asegura ser quien asesoró a Spielberg para «Encuentros cercanos del tercer tipo». Todo esto dirigido por Greg Mottola, el experto en perdedores de «Super Cool» y «Adventureland», con el aporte de grandes comediantes como Bill Hader (de «Saturday Night Live») como un aspirante a «hombre de negro», o Seth Rogers (la voz del marciano con una generosa provisión de la marihuana que le daban los militares de las bases secretas donde lo tenían encerrado).

Uno podría pensar que, con todos estos elementos, «Paul» podría ser una comedia fabulosa. Lo cierto es que es una comedia bastante buena, con la típica estructura de «road movie» divagante que intenta armonizar la trama con los gags y sketches de eficacia intermitente. Es decir, uno la pasa bien durante toda la película, pero como suele suceder en estos casos, da la sensación que los que se divierten más son los artistas involucrados en el rodaje.

Obviamente los seguidores de las conspiraciones extraterrestres y la cultura pop relativa a la ciencia ficción y las convenciones con gente disfrazada de star troopers o princesas Leia de «Star Wars» van a disfrutar especialmente todo este chiste con momentos brillantes, dos o tres gags realmente gloriosos, y una dosis generosa de «buenas vibraciones» para compensar cualquier falta de rigor que pueda afectar el conjunto. Además, hay muy buenos diálogos en «klingon», lenguaje obviamente despreciado por Paul, hombrecito verde que está de vuelta de todas estas cosas.

Entretiene más si se olvida el original

Es verdad, no era «El ciudadano», «Casablanca», ni «Psicosis», ni siquiera algún Drácula de la Hammer. Pero «La hora del espanto», es decir la «Noche de miedo» de 1985, era una muy buena película de vampiros suburbanos, con un don especial para mantener el equilibrio entre la parodia, el homenaje al género, y el auténtico terror.

Teniendo esa película en mente, con esta nueva «Fright Night» está todo mal. La remake es un producto típico de la fiebre de nuevas versiones de films de terror de los 70 y los 80. El guión realmente es pésimo, empezando por el hecho de arruinar todo el suspenso hitchcockiano surgido del conflicto del adolescente que sabe que su vecino es un vampiro, sin que nadie le crea ya que, ahora, desde el vamos el vampiro revela sus malas intenciones, y no hay margen alguno para sutilezas.

Pero si bien esta nueva «Noche de miedo» está armada como una especie de estudiantina televisiva teenager con vampiros, por más descerebrada que sea, la verdad es que nunca aburre. Hay mucha acción, chorros de sangre y algún crucifijo arrojado al espectador en la version 3D, formato por momentos utilizado de modo realmente creativo para describir la desolación del suburbio semi abandonado de Las Vegas al que se muda el vampiro protagónico.

Una vez entendido que el guión es malo -lo que es evidente aun no habiendo visto el film original-, se puede disfrutar de escenas aisladas con buenos gags, imágenes fantásticas super imaginativas y hasta interesantes aportes a las reglas de la mitología vampírica. También se aprecia el recurso de convertir al antiguo presentador de films de terror/cazador de vampiros Peter Vincent (inolvidable Roddy MacDowall) en un mago dark al estilo Chris Angel, un buen trabajo de David Tennant. De hecho, hay muy buenos actores que logran volver interesantes a sus personajes más allá del flojísimo guión: Anton Yelchin es un gran paranoico, y el talentoso Christopher Mintz-Plasse (el de «Super Cool» y «Kick Ass») debería haber tenido más escenas como nerd vampirizado, mientras que la beldad adolescente Imogen Poots realmente logra transmitir el auténtico conflicto que subyace en todo relato de vampiros. Y Toni Colette (la protatonista de «El casamiento de Muriel» o la madre del atormentado chico de «Sexto sentido») logra salir ilesa de algunos de los diálogos mas ridículos del film.

Mientras que «La hora del espanto» era una buena película, esta «Noche de miedo» es un desastre bastante divertido, que puede calificar como placer culposo. El lado bueno es que debe haberle dado buenos dividendos al injustamente olvidado director y guionista del film original, Tom Holland (el papá de Chucky) que no filma nada hace añares. En la película también aparece brevemente el chupasangre original, Chris Sarandon, cuya actuacion parece haber sido estudiada de cerca por Colin Farrell, que logra que su vampiro sea bastante mejor que la película.

Al nivel de clásicos de Cronenberg

Una pareja de científicos brillantes juntan ADN de varios animales y crean un nuevo tipo de ser vivo, una cosa amorfa con algo de oruga y foca, diseñada especialmente para las necesidades de la industria ganadera. Para la pareja genial, el siguiente paso lógico sería hacer algo parecido pero agregando ADN humano, lo que serviría para solucionar todo tipo de problemas de salud, empezando por los trasplantes de órganos.

Cuando la firma para la que trabajan les explica que cualquier idea en esa direccion no sería viable comercialmente, dados los esperables conflictos sociales, el dúo de genios decide que lo van a intentar a espaldas de sus jefes, sólo para saber, aunque sea en teoría, si pueden crear el embrión de un ser artificial levemente humanoide..

Obvio, una vez comprobada su tesis, no pueden detenerse, pasan a la práctica, y de golpe están llevando a cabo delirios que jamás se les hubiera ocurrido a Lord Byron y Mary Shelley.

La película empieza con un tono amable, sentido del humor y situaciones y personajes creíbles. ajenos a los lugares comunes del género (en este sentido, las interpretaciones de Adrien Brody, Sarah Polley y la mutante Delphine Chaneac resultan fundamentales).

Más allá de las imágenes extrañas y las premisas insensatas, el asunto está planteado de manera aceptable, e incluso divertido, algo así como un romance entre científicos buena onda. Y aun cuando el espectador salte de su butaca con los pelos de punta ante escenas brillantemente pavorosas salidas de la peor pesadilla, la historia de amor nunca pasará a un segundo plano.

Todo parece salido de algún libro de ciencia ficción de vanguardia como los de Philip Jose Farmer, experto en relaciones sexuales del tercer tipo, que de todos modos nunca acuñó nociones tremendas como el incesto con clones mutantes. Esta película es una rareza, una de esas que nunca jamás aparecen en algún zapping en el cable. ¿O acaso alguna vez alguien encontró «Rabia» o «Cromosoma 9» del David Cronenberg pre Hollywood haciendo zapping? Mencionar a Cronenberg no está de más: «Splice» se merece la comparación, ya que igual que varios de sus clásicos, está producida con el apoyo de organismos oficiales del gobierno canadiense, entes indispensables si se quiere repensar un género. La participación como productor de Guillermo del Toro también debe haber sido importante para concretar algo tan inusual como este film.

Mila Kunis, el único beneficio

Como supuesta comedia erótica que no termina de quebrar la misma fórmula de comedia romántica de siempre, «Amigos con beneficios» es bastante poco eficaz. Mucho menos original, al punto de que ya desde el título se puede notar su parecido con «Amigos con derechos», que tenía a Natalie Portman y Ashton Kutcher en una situación ahora repetida por la que experimentan Justin Timberlake y Mila Kunis, y que en realidad no es muy novedosa en ninguno de los dos casos.

El asunto, como bien habrá adivinado el lector, tiene que ver con un chico y una chica ceñidos a la idea de poder mantener un status quo emotivo que incluya también la mutua satisfacción sexual, sin caer en enamoramientos que les compliquen la vida. Algo que, como hasta el más lento de los espectadores entenderá, es casi imposible de lograr, ya que por más picante que simule ser cualquiera de estas comedias supuestamente atrevidas, los resultados siempre son más o menos los mismos, y toda historia con contenido aparentemente sexy culmina con tonos de rosa y guiones que parecen escritos por una tía solterona.

A favor de esta «Amigos con beneficios», al menos si se la compara con «Amigos con derechos» (que en realidad en inglés era «No strings attached») se puede decir que hay un poco más de química entre la pareja estelar, que Justin Timberlake tiene momentos de buen comediante y que Mila Kunis casi incendia la pantalla con su presencia en un par de ocasiones. Luego, este producto no tiene mucho más que ofrecer, debido a una trama obvia, pocos gags realmente eficaces y nada que interese desde lo formal o estético. Así que la verdad es que entre estas dos «Amigos ...» no se saca una realmente buena. Si a alguien le importa realmente ver alguna de las dos, lo mejor es que espere a que la den por cable.

“Apollo 18”: cómo arruinar una idea prometedora

La fórmula «Blair witch project», de supuesto «reality de terror», con una historia contada a través de un supuesto material de archivo que documenta un hecho supuestamente verídico, se viene aplicando a demasiadas cosas. Ya hubo una de fantasmas, una de monstruos tipo Godzilla pero filmados por un cameraman amateur, y una de zombies españoles con secuela y remake hollywoodense, y hasta una de guerra a cargo de Brian De Palma.

De todas estas opciones, una odisea espacial al estilo Blair witch tenía todo a favor. Pero a veces la fórmula, por probada y repetida que sea, no funciona, y «Apollo 18» es un gran ejemplo de cómo arruinar todo el potencial de una idea prometedora.

Para empezar, elige la teoría conspirativa equivocada y nunca logra sostener con eficacia, o algún rigor, la premisa de una última misión de la NASA a la luna, llevada a cabo en secreto, dados los conflictos con los soviéticos hacia el final de la Guerra Fría. A esto hay que agregarle todo tipo de eventos misteriosos que, dada la locación, son bastante fáciles de adivinar, al menos en cuanto a su origen extraterreno. Lo que sí sorprende es el torpe desenlace revelado al final del alargadísimo enigma, filmado con la pobre calidad técnica esperable de un hipotético material documental filmado en la luna y perdido durante décadas.

Los fans de la ciencia ficción, de todos modos, apreciarán un par de escenas realmente logradas, como que describe el encuento con una misión espacial soviética. Si alguien se anima a tratar de resolver una noción tan absurda como la de un falso documental supuestamente rodado en el espacio a principios de la década de 1970, debería hacerlo con algo más serio y verosímil, o por lo menos, más entretenido que esta «Apollo 18».

Sinsentido contado con humor y mucha acción

Este thriller fantástico es bastante original y entretenido, aunque para ser una película sobre una droga ficticia que provoca inteligencia sobrehumana, es demasiado estúpida. De hecho, el principal problema del guión es no explicar mejor las tonterías que hacen sus personajes cuando están en pleno estado de inteligencia extraordinaria.

Bradley Cooper es un escritor fracasado a todo nivel, que un buen día se toma una pastilla que potencia todo su talento y dones adormecidos. El libro que no podía escribir, lo entrega en cuatro dias, aprende a tocar el piano y a hablar en varios idiomas en pocos días, y seduce a la chica más arisca en cuestión de segundos. Pero pronto descubre que la literatura no era lo suyo. Según el guión, si alguien es inteligente, lo único que le puede interesar es hacer mucho dinero en Wall Street, y tratar de obtener poder, convertirse en político con tendencias megalómanas.

De todos modos, la fabulosa droga de la inteligencia sobrehumana tiene bastantes límites, ya que cuando pasa su efecto, el consumidor automáticamente queda totalmente maltrecho y mucho más idiota que en su estado original, a lo que luego hay que sumar espantosas contraindicaciones insalubres. Para colmo, al fabricante de la pastillita lo asesinaron y el stock, mayormente en manos del protagonista, es limitado y buscado a sangre y fuego por los pocos afortunados que la conocen y sufren su espantoso síndrome de abstinencia.

Todo este sinsentido está contado con humor, buen ritmo y mucha acción (las escenas violentas son lo mejor de la película, y a veces parten de la base de que si alguien vio una de Bruce Lee, puede enfrentar a media docena de matones aun siendo un alfeñique que nunca entró a un gimnasio). Para plasmar la visión subjetiva del estado mental del protagonista, el director hace uso y abuso de todo tipo de recursos formales, con algunas imágenes y efectos realmente buenos, como una toma en sinfín de una larga calle con zooms fusionados digitalmente, al estilo «El hombre con ojos de rayos X» de Roger Corman, pero mas high-tech. Otros recursos son tan obvios que dan vergüenza. Y todos ellos, los malos y los buenos, están repetidos hasta el cansancio.

Todo este asunto sobre una droga ficticia podría haber servido como metáfora sobre las drogas que sí existen. Si ésa era la idea, no se nota. Al menos, la película está bien filmada, casi nunca aburre, e incluye buenos actores secundarios, empezando por Robert De Niro, que en su papel de millonario frío e inescrupuloso asociado al nuevo genio de los negocios, logra darle rigor y credibilidad a un par de escenas esenciales para que toda la historia se sostenga.

Film sostenido por el valor de su testimonio

A fines del siglo pasado, una mujer policía de Nebraska es contratada por una empresa privada con tratos con el gobierno para viajar a Bosnia y trabajar como observadora en la difícil tarea de mantener la paz y ayudar a desarrollar la democracia. Lamentablemente, pronto la protagonista descubre que sus tareas lindan con no hacer nada y mucho menos animarse a hacer algo cuando algunos crímenes involucran a otros integrantes de la misma fuerza, especialmente en todo lo relacionado a un delito top en ese momento y lugar: el tráfico de personas.

Justamente, el tráfico de mujeres es el tema de este film que más que un thriller es un drama testimonial, aunque por momentos pretende unir estos dos géneros en uno, sin gran éxito. Es que al principio, la historia se centra en los problemas personales de la policía que interpreta Rachel Weisz, y poco a poco va avanzando hacia el punto cuando ella ya está en Bosnia.

La directora debutante Larysa Kondraki intenta dibujar primero historias paralelas de laa víctimas mientras va contando las experiencias de la policía. Pero aquí también le falta garra narrativa, y el resultado es sólo un relato un poco confuso que recién empieza a cerrar de verdad cuando la investigadora ya tiene todas las pistas necesarias sobre la red de tráfico de mujeres, y entonces trata de hacer algo al respecto.

Rachel Weisz no es demasiado creíble como la policía dura que lucha contra oficiales corruptos de las fuerzas de paz. Hay algunos interesantes personajes secundarios que no toman vuelo y algunas escenas violentas propias del thriller que por momentos este film podría haber llegado a ser.

Sintetizando, por más importante que sea el tema a denunciar, la película no lo hace demasiado bien.

El tiempo mejoró la saga “Destino final”

Parece que la saga «Destino final» funciona al revés que las de otras películas. En general la buena es la primera y luevo viene decayendo la calidad, pero aquí tenemos la sorpresa de que las primeras eran flojas, la cuarta ya era bastante buena, y esta quinta es la mejor lejos.

Será, tal vez, que los productores ya tienen bien masticada la premisa existencialista sobre un grupo de gente que se salva por una premonición de un brutal accidente colectivo, para luego ir muriendo uno a uno en extraños accidentes individuales bajo el lema de «no se puede engañar a la muerte».

En esta quinta parte, el accidente es el mejor de toda la saga: un grupo de empleados de una fábrica, algunos amigos entre sí, otros no tanto, están cruzando en micro un puente colgante, y mientras están detenidos por el tráfico, uno de ellos se pincha un dedo, y mientras ve brotar una gota de sangre, tiene una espantosa visión en la que el puente cae y todos mueren de una manera horrible. El tipo sale de su trance, y convence a casi todos de salir corriendo del puente ya mismo, por lo que los que lo escuchan, se salvan.

Accidente aterrador

El comienzo de «Destino Final 5» cambia el tipo de accidente y sobre todo la manera de filmarlo. Este puente colgante que va deshaciéndose y cayendo en fragmentos al vacío construye una de las más dementes y aterradoras escenas de cine catástrofe nunca vistas. Por eso la secuencia en cuestión- dividida en dos, la que forma parte de la visión y la real- vale por sí sola para justificar toda una película que como entretenimiento macabro es sumamente eficaz.

Luego, hay dos o tres detalles que sirven para seguir recomendando este film. Uno es la buena inclusión de Tony Todd -con el que no sabían bien qué hacer en el primer film, por ejemplo- como un empleado de la morgue que es el único que tiene alguna idea de cómo funciona eso de que cuando te toca, te toca (a lo que esta vez le agregan una nueva variante bastante astuta y coherente con la historia original). Pero, además, cada una de las muertes posterio-res está filmada con una imaginación y un gusto por el humor negro que vuelve imprevisible la resolución de cada escena, sorprendiendo y divirtiendo en cada detalle.

Lástima que hacia el final, cuando tiene que resolverse toda la acción entre los últimos sobrevivientes, el director pierde un poco de creatividad y arregla las cosas de una manera algo más standard. Por suerte, enseguida vienen dos escenas de exterminio de personajes que deberían estar fuera de la progresión mortal, y un gran final a manera de videoclip con lo mejor de todas las escenas gore de las cuatro películas anteriores. Más, no se puede pedir, parece decir Tony Todd cuando se despide con su sonrisa macabra antes de los créditos finales.

Unos pitufos feos y malos

Esta es una remake de un semi olvidado telefilm de los 70 que, al menos visto en la pantalla chica, daba más miedo que esta nueva versión mucho mejor producida y escrita (nada menos que por Guillermo del Toro y Matthew Robbins, director y guionista de clásicos del cine fantástico como «El verdugo de dragones»).

Hay un prólogo de época que ubica la historia dentro de este género y que está entre lo mejor de la película: un tipo bastante enajenado le tiende una trampa horrible a una empleada doméstica, y le hace cosas atroces que incluyen sacarle los dientes para entregárselos a uno seres con vocecitas ominosas que le hablan desde las cañerías.

Pasan los años y en tiempos actuales una pobre nena (Bailee Madison, que actúa bastante bien) tiene que mudarse con su papá, que esta ahí con su nueva mujer terminando la restauración del lugar, famoso por haber pertenecido a un legendario ilustrador de la vida silvestre (el demente que vimos en el prólogo).

Aun restaurada, la casa sigue siendo igual de siniestra, y no bien toma contacto con el lugar, la nena también se relaciona con los extraños seres que le hablan desde un sótano que estaba oculto. El asunto es que los seres sobrenaturales no demoran mucho en darse a conocer, y la verdad es que no son nada amistosos. Podríamos decir que son hadas, duendes, o incluso unos primos horribles y grisáceos de los más amigables pitufos que el espectador encontrará en la sala de al lado del multiplex.

«No le temas a la oscuridad» tiene algunas buenas escenas con imágenes terroríficas, y algunos momentos que realmente asustan (como el primerísimo primer plano de uno de estos duendes mala onda), y cuenta con una formidable fotografía de Oliver Stapleton, además de los típicos detalles estéticos de las películas de Guillermo del Toro.

Pero al director debutante Troy Nixey le faltó un poco de garra para que el asunto pase a mayores, porque en gore, en acción o incluso en alguna profundidad argumental, la película daba para más. Con todo, no decepcionará a los fans del género que sin duda pasarán unos 90 minutos muy entrete

La sostienen sus buenos actores

Esta comedia en principio parece apuntar a satirizar las complicaciones de la vida corporativa y laboral, lo que tendria sentido dado su título, pero un instante después de presentar su premisa argumental, deriva hacia un disparate policial en el que tres amigos bastante patéticos hacen un pacto para liquidar a sus aborrecibles jefes.

Jason Bateman, Charlie Day y Jason Sudeikis son los tres homicidas en potencia, y sus hipotéticas víctimas son el desquiciado ejecutivo Kevin Spacey, la dentista acosadora sexual completamente ninfómana (Jennifer Aniston) y el drogadicto y casi delincuente Colin Farrell (totalmente caracterizado para lucir ciento por ciento desagradable), heredero de una fábrica de productos químicos que decide despedir a todos los discapacitados y excedidos de peso, además de ahorrar costos tirando los deshechos tóxicos por cualquier lado.

Los jefes pueden ser horribles (salvo Jennifer Aniston, patrona que a más de uno le gustaría tener), pero sus explotados lacayos son tan idiotas que parecen ser merecedores de los maltratos que sufren.

Seth Gordon intentó darle a «Quiero matar a mi jefe» un tono de comedia guarra y políticamente incorrecta -de hecho, además, es bastante inmoral- un poco al estilo de títulos recientes como la saga de «Qué pasó ayer» o «Pase libre», pero sin lograr los mismos resultados, ya que en este caso la parte policial no se sostiene en absoluto, mientras que los gags que salpican la historia a veces funcionan, y muchas veces no, lo que es un problema.

Algunas partes son más divertidas y sostienen el conjunto, especialmente todo lo que tiene que ver con la ninfomanía de Jennifer Aniston (la actriz es lo mejor de la película) y las breves escenas en las que aparece Jamie Foxx como un delincuente que asesora a estos losers para que lleven a cabo sus crímenes.

Al final, más allá de sus notables puntos débiles, este producto termina resultando simpático por las actuaciones antes que por el guión o los diálogos. Como pasatiempo, funcionará mejor en el cable.

Los simios recuperan su eficacia original

«El planeta de los simios» de Tim Burton en un punto era una decepción, pero este nuevo film le da un giro interesante y eficaz a una de las mejores y más violentas películas de la serie original, «La conquista del planeta de los simios» de J. Lee Thompson, que era a todas luces un film revolucionario muy acorde al espíritu de la época en la que fue filmado.

Ahora, la Fox dejó vacante el espacio destinado a dos películas que sin ser flojas del todo eran más raras que realmente contundentes: «Más allá del planeta de los simios» y «Regreso al planeta de los simios», para ir al grano con esta visión de las causas que provocaron, en esa realidad paralela imaginada por el escritor Pierre Boulle, que nuestro planeta esté dominado por monos en vez de seres humanos.

La evolución, en este caso, se debe a experimentos genéticos que buscan una cura para el Alzheimer, mal que aqueja a John Lithgow, actor de gran talento que interpreta al padre del protagonista James Franco. Pero los experimentos, que recomponen las células cerebrales de varios chimpancés volviéndolos más inteligentes, salen mal por un factor animal que los científicos no tenían en cuenta, y el resultado es el sacrificio de todos los especímenes, excepto el recién nacido César. Como el bebé mono no tiene ninguna célula cerebral dañada, simplemente adquiere una inteligencia superlativa, que paulatinamente lo va convirtiendo en líder de una rebelión de monos inteligentes en contra del poder humano.

Lo mejor de este nuevo subproducto de «El planeta de los simios» no es sólo dar una explicación más convincente al asunto, sino la forma en que lo hace. La película no da pausa, y si ya exhibe una dosis de acción y suspenso impactante durante su primera mitad, donde no hay ninguna rebelión a la vista sino una serie de experimentos fallidos y experiencias traumáticas para el mono estelar, se vuelve directamente vertiginosa a medida que se va acercando a su desenlace revolucionario. Todo el final es para la antología, con escenas de acción y destrucción nunca vistas, incluyendo un gorila saltando desde el puente Golden Gate de San Francisco a un helicóptero. Y parte de la clave del éxito del estilo de esta secuela/remake es el realismo, ya que una cosa es ver actores con máscaras haciendo de simios, y otra cosa distinta, mucho mas verosímil, es ver a estos simios digitales que lucen realmente como animales y no como algún atractivo híbrido hollywoodense.

Sin la presión que debe haber sentido Tim Burton al hacer su remake, el poco conocido director Rupert Wyatt hace un gran trabajo, especialmente en lo que tiene que ver con la dirección de actores, tanto en el caso de los humanos (Lithgow y el villano Brian Cox logran muy buenos trabajos) sino sobre todo en el caso del mono digital César, con la voz y los movimientos faciales de Andy Serkis (ya se ocupó de Gollum en «El señor de los anillos» y de King Kong en la versión de Peter Jackson). La suya es una performance tan extraña como convincente, que en dos o tres escenas logra conmover y sorprender al espectador como pocas actuaciones convencionales.

Apocalipsis entre obvio y pretencioso

No se puede culpar a los distribuidorrees por rebautizar como «La oscuridad» a un film que bien traducido serí «Desaparición en la Calle 7», ya que es realmente oscuro. Lamentablemente, también es bastante obtuso y demasiado pretencioso, combinación que provoca un desinterés casi inmediato en el espectador.

La película trata sobre una siniestra sombra que parece apropiarse de todos los habitantes del mundo, visto desde los pocos sobrevivientes de la ciudad de Detroit, empezando por el proyeccionista de un multiplex, John Leguizamo, que es el primero en seguir vivo luego de que todos los espectadores del cine en el que trabaja, y prácticamente toda la gente a su alrededor, ha desaparecido, dejando atrás sólo sus ropas.

De todas las opciones de matanzas y entre todos los mundos posapocalípticos que el cine nos viene describiendo en las últimas décadas, el paisaje desolador que propone «La oscuridad» es uno de los más aburridos. Para colmo, entre los actores protagónicos, el que más aparece es el pétreo ex Darth Vader de la última trilogía de «Star Wars», Hayden Christensen, cuya inexpresividad habitual se acentúa aún más en medio de esta situación que no da lugar a una gama demasiado amplia de expresiones.

Ahora, para lograr que un gran actor como John Leguizamo no actúe bien hay que trabajar mucho, y esto ha hecho el director Brad Anderson, que parece haber emprendido este film como algún homenaje a la serie clásica «Dimensión desconocida», olvidando que una cosa es contar una historia minimalista en menos de media hora y otra cosa hacer un largometraje entero a partir de una sola idea.

Los fans del fantástico ya vieron esto muchas veces y mejor, y tal vez sólo a los neófitos el asunto pueda llegar a parecerles mínimamente interesante.

Linterna verde es mejor en el papel

Aun en estos tiempos de presupuestos multimillonarios y efectos especiales de última generación, el guión sigue siendo la base a partir de la que se construye una película. «Linterna verde» tenía todo para ser una buena adaptación de un comic legendario, probablemente el que más esperaban ver convertido en film los fans de la historieta, y es una pena ver cómo un pobre equipo de guionistas lo arruinaron todo.

Bueno, todo no. El personaje está razonablemente respetado y, la génesis a través de la que un temerario piloto de aviones caza se convierte en superhéroe está bastante bien resuelta, aun reconociendo que podrían haberle dado un poco más de ritmo al principio de la historia, que ya empieza mal con un prólogo cósmico digno de un film de animación infantil. Luego, el don de Linterna verde de materializar cualquier forma imaginándola y lanzándola con los rayos que surgen de su anillo extraterrestre está más o menos bien explicado, pero en vez de darle formas creativas a este superpoder, el protagonista Ryan Reynolds se limita a a lanzar rayitos y burbujas verdes a diestra y siniestra, muy por debajo de las elaboradas construcciones que formaban parte del comic original.

Hay sólo una escena, el primer test de acción fantástica del superhéroe salvando un helicóptero de un desastre seguro arrojándole una especie de rampa de carreras de auto para que se deslice sin peligro hasta el suelo, que transmite algo de la diversión y la creatividad psicodélica de la historieta de culto de CD Comics.

Luego, lamentablemente teniendo todo a su alcance, los guionistas limitan semejante superpoder a una serie de combates en laboratorios donde los dones de Linterna verde asumen su forma más elemental y poco atractiva. El uso permanente de montaje paralelo para contar dos cosas a la vez tampoco ayuda mucho, y el cast, si bien incluye buenos actores secundarios como Angela Basett y Tim Robbins, sólo hace buen uso de Mark Strong como Sinestro, el líder del cuerpo de Linternas verdes galácticos, que como todos los lectores del comic saben, termina siendo el gran archivillano de este superhéroe que debería haberse quedado tranquilo dentro de sus cuadritos de historieta.

Ingeniosa comedia del Tom Hanks director

Mientras se derrumba el mundo, Tom Hanks vuelve a ubicarse detrás de la cámara para contar la historia de un tipo sin trabajo que puede volver a rehacer su vida. Es una película amable y pequeña que en realidad no tiene ninguna pretensión de cine testimonial, pero que en su contexto de comedia con matices románticos, da en el tono exacto para este momento que se vive en los Estados Unidos.

Larry Crowne trabaja en una cadena de supermercados baratos haciendo de todo como un descosido. Le pagan muy mal, ya que cuando lo convocan para hablar con la gerencia, cree que es para que lo nombren empleado del mes por novena vez, pero en cambio es para despedirlo por ser el único empleado que no tiene el más mínimo background universitario.

Divorciado, con una deuda terrible por la casa que compró y sin perspectivas laborales de ningún tipo, Crowne se anota en una universidad por primera vez en su vida,. El jefe de estudio le sugiere dos cursos: uno de economía y otro de oratoria. Este último se lo recomienda especialmente porque le va a encantar la profesora, que como el lector adivinará, es Julia Roberts.

Aquí uno podría pensar que la película se va a volver un poco obvia, pero Hanks, también guionista, dispara para otro lado tan amable y simpático como original. Como ponerle nafta a su camioneta es un martirio, Crowne le ccambia un LCD por una motito vintage a su vecino (Cedric the Entertainer acentúa el tono cómico del film con todo su talento). y de golpe se ve convertido en un miembro de una banda de motoqueros universitarios liderados por la reina del cool Sarah Mahoney.

Mientras el matrimonio de la profesora Julia Roberts se va al demonio, Larry Crowne adopta su personalidad más refinada de Lance Corona -así lo rebautiza su amiga- y hasta consigue trabajo de cocinero en un restaurant de barrio, pero en los tiempos que corren, parece que el trabajo es oro.

Con todas las películas que protagoniza para directores tan famosos como el mismo Steven Spielberg, Tom Hanks no ha tenido todo el tiempo necesario para fortalecer la carrera de director y productor que empezó con la excelente comedia de rock sobre una banda con un solo hit «Eso que tú haces» (luego también dirigió un excelente episodio de la serie bélica «Band of Brothers»). Viendo los excelentes resultados, y la notalbe dirección de actores que logra en esta muy disfrutable «Larry Crowne», se podría afirmar que es hora de que Hanks se pase más tiempo sentado en su silla de director.

Uno de los motivos de esta afirmación es el imperdible trabajo de George Takei, nada menos que el oficial Sulu de la versión original de la serie «Viaje a las estrellas», en el papel de un profesor de economía que termina sus caseses con una carcajada diabólica de villano de la película. La capacidad de Hanks de hacer un gran personaje con una figura de culto que uno pensaba debía seguir atrapado en la vieja Enterprise es uno de los detalles que lo convierten en un gran director.

Deslucido regreso al cine de Los pitufos

Para utilizar el lenguaje pitufo, esta adaptación de los famosos personajes del comic europeo es una pitufeada que logra hacer descender a estos duendes azules a los niveles más standards del cine infantil hollywoodense.

Una pena, ya que el universo creado por el belga Peyo a fines de la década de 1950, además de ser tan simpático como irónico tenía todos los detalles de una cosmogonía propia y original, totalmente disfrutable por adultos, aunque obviamente enfocada a los chicos. Las historietas de Peyo ya habían tenido una versión animada para cine en 1975 («La flauta mágica de los pitufos») codirigida por el mismo autor de las historietas, y con los años, estos gnomos que utilizan la palabra pitufo para todo) tuvieron su serie animada de TV, videojuegos y merchandising de todo tipo. Pero esta versión, que mezcla pitufos digitales con actores de carne y hueso, parece enfocada solamente a vender juguetes pitufos.

Tal vez Raja Gosnell, director de «Mi pobre angelito 3» (la que ni siquiera incluía a Macaulay Culkin) no era la persona indicada para ocuparse de los pitufos, pero el principal problema está en el guión, que no sólo está mal elaborado aun en términos elementales, sino que aporta el concepto totalmente errado y facilista de separar a los pitufos de su inconfundible y riquísimo mundo propio, para llevarlos a Nueva York y depositarlos en la casa de un ejecutivo de marketing que obviamente se enternecerá y humanizará ante la presencia pitufa (para colmo apenas un puñado, incluyendo a Papa Pitufo, La Pitufina, Tontín, el Filósofo, Valiente y Gruñón, dejando afuera la amplia gama pitufa de la aldea del bosque mágico imaginado por Peyo).

Para los más chicos la película puede funcionar como pasatiempo poco memorable, pero está casi garantizado que sus acompañantes adultos quedarán sumidos en la desesperación. Entre las sobreactuaciones de Hank Azaria como el malvado Gargamel, los pasajes melosos del argumento y la pasmosamente pegadiza canción de los pitufos, la experiencia puede ser atroz. En fin, una pitufeada tremenda.

Amores, excesos y un Hoffman memorable

Después de «Pequeño gran hombre», «El graduado», «Los perros de paja», «Tootsie» y tantos otros clásicos, se podría pensar que Dustin Hoffman, por más que se esfuerce, no puede volver a sorprender. Pero este gran actor se supera a sí mismo, y en «La vida según Barney» ofrece un trabajo memorable, tanto en caracterización como en profundidad, al interpretar al ex policía judío de alta incorrección política que se desvive por aportar algún tipo de guía espiritual a la desequilibrada y excesiva existencia de su hijo, especie de hippie descarriado convertido en famoso productor de la TV canadiense.

Claro, este personaje es el Barney del título, e interpretado por Paul Giamatti es el protagonista del film, no Hoffman, que tampoco juega a robarse la película cada vez que aparece, sino que se integra perfectamente al elenco en cada escena (también actúa Jake, el hijo de Hoffman, personificando a su nieto, pero por razones argumentales los dos nunca aparecen juntos en una misma escena).

Basado en una novela de Mordecai Richler (legendario escritor canadiense) «Barneys version» cuenta con todo detalle las terribles desventuras afectivas del personaje de Giamatti, por suerte mitigadas con algunos logros esporádicos pero gloriosos. No se sabe quién es más desbordado, si el talentoso actor o su excesivo personaje, pero de todos modos esta comedia dramática, con momentos de humor negrísimo, narra con notable pulso los tres casamientos de este productor televisivo metido en líos de todo calibre, incluyendo una acusación de homicidio. Básicamente, la película es una historia de amores y desamores, condimentados con chistes de drogas, dramas con drogas, borracheras descomunales y un riquísimo retrato de la sociedad judía de Montreal de mediados de la década de 1970.

El punto culminante del film es el momento en el que el productor que encarna Giamatti conoce al gran amor de su vida, exactamente en su segunda fiesta de casamiento. Esta larga escena de una boda judía no tiene desperdicio -y es una de los ocasiones en las que Hoffman se luce asustando a la esposa del Gran Rabino con cuentos obscenos-, con un gran momento de comicidad musical y ambientación de época: la banda de música tradicional judía, impecablemente vestida con trajes y kipá, va evolucionando con los excesos de la fiesta y de golpe está tocando clásicos funky de James Brown.

«La vida según Barney» tiene muchas cualidades y un par de defectos graves. Es demasiado larga (135 minutos) y al final le cuesta mantener el tono corrosivo propio del autor de la novela original. Una pena, ya que durante la primera hora y media se sostiene brillantemente, pero se puede suponer que el director encaró el proyecto con el mismo espíritu excesivo de su protagonista. Todo no se puede, pero esto no impide que se pueda recomendarla, y no sólo por el trabajo increíble de Dustin Hoffman.

Ciencia ficción al nivel de los clásicos

Más allá de lo formidable que es como película de ciencia ficción, gracias al guión y la dirección del creador de «Lost» J.J.Abrams, esta antológica «Super 8» nos trae de regreso al Spielberg productor que, a mediados de los 80, potenciaba a su máximo nivel el trabajo de directores como Joe Dante o Tobe Hooper en éxitos de taquilla de la época, hoy considerados clásicos, como «Poltergeist» o «Gremlins».

Es que desde el título, esta película remite a los primeros años de la carrera de Spielberg, cuando no era el cineasta ganador del Oscar prestigioso de «La lista de Schindler», sino un nuevo Rey Midas que, a partir de precarios films caseros rodados en su infancia en super 8, había cambiado la manera de hacer películas en Hollywood, dominando luego la taquilla mundial ya sea con films propios como «Tiburón» o con obras de otros producidas por él, como las ya mencionadas, o con otras similares como «Al filo de la realidad» (Twilight Zone: The Movie) que codirigió él mismo junto a John Landis, Joe Dante y George Miller.

Justamente en «Super 8» hay unos chicos pueblerinos tratando de filmar su gran opus de zombies en aquel paso hogareño que murió con la aparición de las cámaras de video familiares. Pero «Super 8» no es sólo un homenaje a la génesis de Spielberg como director -además de estar estrechamente vinculado temática y formalmente con dos films esenciales en su carrera, «E.T.» y, sobre todo, «Encuentros cercanos del tercer tipo»-. es un film con entidad propia que se ubica entre lo mejor del cine de ciencia ficción de lo que va del siglo.

El guión de Abrams se acerca al género fantástico con gran astucia, dándole al espectador la información y los climas en dosis sumamente medidas como para abordar viejos temas y referecnias clásicas con una aproximación nueva, que permite que esta película tenga algo para ofrecer en varias direcciones distintas. En esto se parece un poco a algunas historias de Stephen King cuando se aleja del terror sin abandonar del todo la atmósfera del género, como por ejemplo en «Cuenta conmigo». La historia empieza de a poco, lentamente, se toma su tiempo en presentar los personajes y su ambiente, y de golpe comienza a ofrecer la acción y el suspenso en dosis cada vez más fuertes, y a medida que avanza la proyección el asunto sólo mejora y mejora.

El público más exigente y conocedor del género y del toque Spielberg puede empezar a ver el film algo preocupado por lo conocida que le pueda resultar esta historia. Pero en cada giro del relato, Abrams se encarga de soslayar los típicos lugares comunes para que se amolden a la trama sobre un pequeño pueblo de Ohio asediado por una fuerza militar conspirativa que quiere tapar un incidente relacionado de alguna manera con lo paranormal, con ovnis o con extraterrestres.

Lamentablemente los chicos, mientras filmaban su película de zombies en super 8, se convierten en los únicos testigos del extraño accidente de un tren militar que detona todo tipo de cosas raras, algunas realmente ominosas y terroríficas, que empiezan a suceder a su alrededor. Hay humor, suspenso y hasta toques de melodrama preadolescente perfectamente integrados a un hilo común. Finalmente todo confluye en algo que podríamos denominar una película de monstruos, con una criatura realmente amenazadora que tiene más de Alien que de E.T., aunque, por raro que parezca, podría ubicarse en el medio de estos dos seres tan opuestos.

Ni hay que decir que «Super 8» está fabulosamente filmada (no por nada Spielberg visitó asiduamente el rodaje). Pero lo que realmente llama la atención son las extraordinarias actuaciones que Abrams le arranca al grupo de chicos protagonistas.

Si hay que agregar algo, basta señalar que al círculo mayor de marcianos de películas clásicas como algunas ya citadas, y a otros como «El día que paralizaron la tierra» o «El enigma de otro mundo» hay que sumar ahora a «Super 8». Para un fan del buen cine no hay casi nada mejor que disfrutar en pantalla grande de un hito como éste en el momento de su estreno original.

Sorpresivos enredos romántico-familiares

Más allá de sus tonos agridulces, «Loco y estúpido amor» es una mezcla curiosa de distintos tipos de comedias, al punto de que se la podría definir como una comedia de enredos romántico-familiares. La película comienza en un restaurant donde la cámara se mete debajo de las mesas para mostrar las caricias de los pies entrelazados de la mayoría de las parejas comensales, excepto los del dúo protagónico, Steve Carell y Julianne Moore. El está quejandose de haber quedado demasiado lleno, mientras elige el postre, y se queda totalmente petrificado cuando ella le pide el divorcio. Luego de 25 años en pareja, el desolado marido, ya divorciado y mudado a su propio departamento, no tiene la menor idea de cómo comportarse con las mujeres. Totalmente perdido en un bar lleno de chicas ansiosas de que alguien las lleve a su casa, el pobre hombre encuentra una extraña ayuda, probablemente surgida de la lástima. Un desconocido (gran papel de Ryan Gosling) que aparentemente tiene gran éxito con las chicas, le invita un trago y se compromete a darle lecciones de cómo recuperar su masculinidad perdida décadas atrás.

Por momentos parece imposible que el recién divorciado, que habla solo en bares repitiéndole a cualquier desconocido el nombre del compañero de trabajo de su ex mujer que provocó el divorcio, pueda llegar a convertirse en un seductor exitoso. Pero, además de las excelentes actuaciones de todo el elenco, lo mejor de «Loco, estupido amor» son las vueltas sorpresivas de una historia en general muy bien narrada por el dúo de directores (está escrita por Dan Fogelman, el mismo guionista de las dos «Cars», entre muchos otros flms). Aparte de la pareja divociada, el amigo misterioso depredador de bares con solteras, y del compañero de oficina que hizo detonar la ruptura (un Kevin Bacon que podría haber estado mejor aprovechado) hay toda una gama de personajes que mezclan sus pasiones del modo más torpe y desventurado posible, incluyendo al hijo de 13 años con tendencias romántico-onanistas de los protagonistas, una babysitter enamorada del padre de los chicos que cuida, una profesora ex alcohólica lista para cualquier cosa y una futura abogada conforme con un novio que alguien definió como un «valium humano», a pesar de tener propuestas más fogosas.

Con esta descripción, casi todo en esta película pinta bien: hay buenos actores y una historia original bien contada. El problema es que faltan gags, algo que llama la atención siendo éste un film de los directores de la salvaje historia de amor gay «Una pareja despareja», en la que Jim Carrey se enamoraba en la cárcel de Ewan McGregor. Esa película no tenía la cohesión de ésta, pero sus gags eran terriblemente eficaces, mientras que los de «Loco y estupido amor», en general, sólo hacen sonreír. El final meloso y un poco patético tampoco ayuda a equilibrar un conjunto que, de todos modos, tiene bastantes cualidades como para poder recomendarse.

Hollywood le hace justicia al emblemático “Capitán América”

Despues del mitológico semidios Thor, finalmente llegó a la pantalla como se debe el gran héroe de Marvel Comics, el Capitán América, cuya idiosincrasia belicosa lo alejaba de cualquier emprendimiento hollywoodense, especialmente en los tiempos bélicos de Bush. Ahora, aun en la era del Premio Nobel de la Paz Obama, hubo que tomar recaudos a la hora de adaptar a este superhéroe vestido -y armado- con su traje y escudo con los colores de la bandera estadounidense, que al menos dentro de los cuadritos de historieta, se la pasó exterminando villanos comunistas a diestra y siniestra.

La corrección política impide al Capitán América combatir ejércitos vietnamitas. Desde el prólogo contemporáneo con el hallazgo de su escudo congelado en una nave de apariencia desconocida enterrada en el hielo, ésta es la historia de su génesis y primeras luchas a muerte contra los nazis de la espeluznante división Hydra, cuyo demente jefe Schmidt es capaz de traicionar al mismo Hitler en su afán por destruir al mundo.

Lo mejor de «Capitán América» es su look genuino de simple historieta a la antigua, algo perfecto para el director Joe Johnston, experto en cine fantástico, como demostró hace años en su excelente «The Rocketeer», especie de comic art deco que parece sentar las bases y el concepto general de esta nueva y más que sólida adaptación del emblemático superhéroe.

La dirección de arte que combina la típica estética del comic con la de la propaganda bélica de la Segunda Guerra Mundial no tiene desperdicio, y es un hallazgo formal y narrativo a la vez, ya que uno de los pasajes más entretenidos del film es el que muestra al Capitán América como héroe de varieté en espectáculos dedicados a la venta de bonos patrióticos.

Tampoco tiene desperdicio el muy bien contado comienzo del film que narra la desesperación del debilucho y enfermizo Steve Rogers, apaleado desde chico por bravucones, y que sin embargo siempre se negaba a huir de una pelea. Ya con los Estados Unidos en guerra, el sufrido alfeñique se esfuerza cinco veces seguidas, sin éxito,para entrar en el ejército, si fuera posible en el mismo batallón 107 en el que murió su padre durante la Guerra del 14. Un científico de origen alemán del lado de los Aliados (Stanley Tucci en una actuación soberbia) lo elige como candidato para un experimento que lo convertirá en un superhombre. Todas estas primeras escenas, contadas con formidable clasicismo por Johnston, culminan en una secuencia de antología en la que el ex raquítico pero tenaz luchador, ahora con su nuevo físico apenas descubierto, se enfrenta con una banda de espías nazis por las calles de Brooklyn.

En realidad, toda la primera mitad de los 124 minutos de proyección podrían formar parte de una auténtica obra maestra, con una combinación exacta entre estética, humor, narrativa y acción a granel, sobre todo una vez que el Capitán abandona la venta de bonos y se dirige al frente de batalla. Lamentablemente luego el humor empieza a decaer, la relación entre Rogers y su chica (la muy sexy pero poco aprovechada Hayley Atwell) no prospera, un gran actor como Tommy Lee Jones apenas contribuye con algunos bocadillos, y las escenas de combate fantásticos contra las tropas de Hydra y el horrible Schmidt (todo un archivillano cuando empieza a lucir su roja calavera) son un poco repetitivas, a pesar de la generosa producción y el excelente uso del 3D digital (el escudo arrojado a cámara es imperdible).

El resultado es una película buenísima, aunque al final el espectador quizá tenga la sensación de que podría haber sido aún mejor. Obviamente los fans del comic y del cine fantástico no deberían perdérsela de ninguna manera, y ellos son los primeros en saber que no hay que irse del cine hasta el final de los créditos debido a que hay una escena que adelanta el futuro de los superhéroes de Marvel en la pantalla grande.

Unos pingüinos le roban la película a desaforado Carrey

Jim Carrey acaba de inventar un nuevo subgénero de la comedia boba, el de los gags escatológicos con pingüinos que hacen sus necesidades en los lugares menos indicados y hasta hacen surf en el inodoro. El histrionismo desencadenado del actor de «Tonto y Retonto» y «The Truman Show» puede ser un problema para los espectadores adultos que lleven a sus chicos a ver «Los pingüinos de papá», pero las aves animadas digitalmente en la mayoría de las tomas (también hay algunos pingüinos auténticos muy bien adiestrados), sin duda tienen más gracia que los intérpretes humanos y son lo suficientemente buenos comediantes para hacer reír a toda la familia.

Más allá de lo graciosas que puedan ser las aves protagónicas, la trama, basada en un libro infantil de la década de 1930 probablemente adaptado con poca fidelidad, no ayuda demasiado. Carrey es un frío y bastante desalmado hombre de negocios, divorciado y con una pésima relación con sus hijos (especialmente la adolescente Madeline Carroll, que directamente no lo aguanta) y que por otro lado nunca tuvo nada parecido a una relación seria con su propio padre, quien de repente le deja como herencia una bandada de pingüinos que le desorganizan completamente la vida, pero que como es de prever, terminan humanizándolo y volviéndolo un personaje encantador.

Es dificil saber si Carrey es más insoportable cuando es frío y cerebral o cuando se vuelve simpatiquísimo gracias a los pingüinos. Pero hay que reconocer que las escenas con los pajarracos están muy bien filmadas, especialmente en todo lo que tiene que ver con la elaboración de los gags, que no por elementales son menos eficaces a la hora de hacer reír y mantener entretenido un buen rato al público infantil, lo que los padres apreciarán especialmente en estas vacaciones de invierno.

Con “Atrapada” regresa el mejor Carpenter

Siendo el mejor director de films de terror de finales del siglo XX, John Carpenter terminó tan aburrido de la mediocridad de los estudios de Holywood como para pasarse casi todo lo que va del siglo XXI recibiendo las pingües ganancias por las remakes de sus viejas películas, y sólo fue convencido para filmar dos episodios de la serie «Master of Horror» y esta «The Ward», que en principio también tenía origen televisisivo (parece que fue concebido como telefilm, pero dado el nivel de la producción y la firma de John Carpenter, la película tuvo un estreno limitado en los cines de las principales ciudades norteamericanas).

Al lado de las dos últimas películas ferozmente épicas del director (las excelentes «Vampiros» y «Fantasmas de Marte») «Atrapada» sin duda es un Carpenter decididamente intimista.

Luego de un acto piromaníaco, una chica es encerrada en un manicomio donde las pacientes van muriendo una por una de muertes espantosas. Las internas ocultan un horrible secreto que aparentemente es el causante de los asesinatos progresivamente de corte más y más sobrenatural, y la recién llegada podría descubirr ese secreto y detener las muertes.

La trama funciona en principio como una variación más claustrofóbica de «La niebla» («The Fog»), una historia clásica de fantasmas donde los espectros vuelven de la tumba a reclamar por alguna injusticia pasada. Sólo que Carpenter ya filmó esa historia, por lo que ahora, luego de establecer la estructura del film y convencer al espectador de estar ante una historia típicamente fantasmal, le da una vuelta de tuerca imprevisible al guión y lleva la película en una dirección totalmente distinta, que por supuesto no convendría adelantar.

El film se toma su tiempo en generar climas ominosos, y juega con el espectador asustándolo cuando menos lo espera. En este sentido, el lenguaje formal de Carpenter es implacable, eso a pesar de que no utiliza especialmente la música (es una de las pocas veces en su carrera que no es el compositor del score musical de un film, que aquí está a cargo de Mark Killian). Es un film chico, sin estrellas, con apenas un muy buen actor de reparto como Jared Harris, y prácticamente un único decorado que es esa siniestra clínica psiquiátrica. Pero es una excelente película de terror, con momentos realmente fuertes, y con el formidable estilo visual de Carpenter.

Dado que hace ya muchos años no se estrena una de Carpenter en los cines argentinos («Fantasmas de Marte» salió directo al dvd) es un lujo poder ver «Atrapada» en pantalla grande.

Sólido final para la saga de Potter

La segunda parte de «Las reliquias de la muerte», es decir la última película de Harry Potter, es un sólido final para la saga, ya que a diferencia del film anterior, vuelve a ubicar a los personajes en la escuela de magia donde transcurrieron las entregas anteriores y les da un desenlace apropiado a cada uno.

«Las reliquias de la muerte parte 1» estiraba cada situación -y sobre todo cada diálogo- hasta lo imposible; en su afán de convertir un solo libro en dos películas se volvía uno de esos casos de adaptación literaria absolutamente literal que, lejos de lograr fidelidad a una novela, simplmente tratan de calcarla a la pantalla grande, lo que es algo tan absurdo como imposible. Viendo esta segunda parte, da la sensación de que casi todo lo mejor del libro quedó para esta nueva película que resulta realmente contundente en cuanto a su dosis de super acción sobrenatural. La película también aprovecha mejor a John Hurt (aunque también demasiado brevemente dado el talento del actor) en el rol clave de un viejo mago que sabe como nadie el secreto de la vida propia que tiene cada varita. Esto permite que Harry y sus amigos tengan otras herramientas para luchar contra el temible Valdemort, que igual que en el film anterior tiene todas las de ganar. Pero en su lucha desesperada, el clan de aprendices de brujo ya bastantes crecidos comete un robo espectacular durante una secuencia increíble en la que terminan montando un dragón, lo que da lugar a ese tipo de imágenes que aprovechan al máximo el 3D digital con que el director David Yates despide a Potter. Y por supuesto, el asedio a la escuela de magia por parte de Valdemort y sus esbirros propicia una especie de catálogo donde se describen todos los duelos sobrenaturales posibles, ese tipo de situaciones únicas que convirtieron a la saga de Potter en el inédito mega éxito de taquilla que todos conocemos. En este sentido, los efectos especiales son alucinantes, y algunos están entre lo mejor de toda esta serie de películas.

También hay todo tipo de revelaciones melodramáticas sobre los oscuros secretos de la infancia de Harry que justamene le dieron ese lugar tan importante en esa realidad paralela de magos, y algunos de esos secretos develados implican momentos de gran intensidad muy bien resueltos actoralmente por el actor Daniel Radcliffe, que también asume el reto de caracterizarse como Potter en distintas edades

La historia es compleja, e igual que en la últimas películas de la saga, al espectador que no sea fan a muerte le puede llegar a costar un poco seguir todos los hilos de la trama, aunque como aquí se resuelven, las dudas se van disipando a medida que avanzan las más de dos horas de proyección. El tono es realmente dramático, pero por suerte hay algunos toques de humor para que esta despedida no sea del todo solemne, detalle que es el punto débil de este recomendable final de una saga que en un momento parecía interminable.

Cameron Diaz, una maestra indecente

El título original, «Bad Teacher», es literal: Cameron Diaz es una maestra realmente mala, y básicamente esa es la clave de una película de humor escatológido, políticamente incorrecto y, de algún modo, feminista, pero que al fin y al cabo no deja ninguna enseñanza, ni buena ni mala.

No hay una gran trama, pero esta película de Jake Kasdan (hijo del generalmente más equilibrado Lawrence Kasdan, el de «Silverado» y «Cuerpos ardientes»), juega con lo original de su premisa, que es todo un factor sorpresa. Es que el espectador sabe que este tipo de comedias guarras en colegios secundarios al estilo de «Porkys» o «American Pie» tienen a los estudiantes como los chicos malos de la historia, mientras que en este caso los roles se invierten y las picardías corren por cuenta de la profesora. Aunque decirle picardía a las cosas que hace la protagonista es quedarse demasiado corto, ya que la docente en cuestión está dada vuelta en clase (tiene botellitas en sus cajones), se burla de los alumnos y realmente es capaz de cualquier cosa, al punto de que su simple existencia en un colegio podría describirse como un severo caso de negligencia criminal.

Por suerte -o lamentablemente- las imprevisibles consecuencias de esta original base argumental se suavizan un poco dado que la antiheroína por algún milagro enfoca sus fechorías en un solo objetivo, conquistar a un profesor suplente que a su lado es un verdadero boy scout. Lo que no se sabe es si el bonachón, interpretado por Justin Timberlake con bastante gracia, equilibra la película como contrapunto del personaje de Cameron Diaz o si, en realidad, la desequilibra haciendo que la cosa termine en la nada, y algo que podría haber sido más audaz termine siendo un buen divertimento para un zapping del cable.

En todo caso, la idea sigue siendo fuerte y original, y Cameron Diaz en plan de docente indecente bien justifica la película.

Autos espías para grandes y chicos

El guion de la nueva «Cars» recuerda bastante a los de viejos y queridos cartoons como «Meteoro» o «Los autos locos», con carreras de autos que se desarrollan en distintos lugares del planeta (Japón y Europa) y unos villanos siempre listos para sabotearlas. Todo esto metido dentro de una trama de espías escrita con mucha simpatía.

El asunto es que más allá de las diferencias entre los autos protagónicos -es decir el auto de carreras McQueen y su mejor amigo, torpe y tonto pero bueno, una grúa desvencijada- hay mucho vértigo y super acción para mantener la cosa sobre ruedas, con muchos chistes eficaces (esto se aplica tanto a grandes y chicos, al mejor estilo de las producciones de Pixar), a lo que hay que sumar un atractivo visual importante, con una dirección de arte por momentos deslumbrante y una especie de hiper realismo digital que vuelve especialmente intensas las escenas de carreras.

Los que vean «Cars 2» en su versión original disfrutarán, además, de un par de autos muy bien interpretados por actores de lujo, empezando por Michael Caine como el espía que mete a la grúa boba a trabajar como agente secreto (el chiste es que el espía cree que la «supuesta» estupidez de la grúa es su gran fachada); John Turturro como el auto italiano de competición que aparece como un archirrival de McQueen (Owen Wilson) y hasta Vanessa Redgrave como la reina de Inglaterra (todas las escenas londinenses sin lugar a dudas están entre o mejor del film tanto en acción como en humor). Pero obviamente, por cuestiones de edad y de cómo está planteada su distribución, la mayor parte del público argentino verá «Cars 2» en su versión doblada al castellano, que de todos modos se disfruta igual o más que el film original, que era un poco más dialogado y menos visual que este muy buen entretenimiento para todo público, dotado de una de esas soberbias bandas sonoras que ya desde hace unos años viene componiendo Michael Giacchino para los estudios Pixar.

La mejor “Transformers”, gracias al 3D y al elenco

El 3D parece haber sido inventado para darle relieve tridimensional a estos robots-autos del espacio que vienen a pelearse a nuestro planeta.

Este detalle del 3D basta por sí solo para que la nueva película de Michael Bay sea bastante mejor que la segunda parte, y en realidad para que las escenas de super acción con robots gigantes de esta tercera parte resulten mucho más impactantes que las del film original.

Por suerte, el guión también mejora en relación a la segunda parte, que tenía momentos demasiado flojos. Hay un prólogo excelente que lleva al espectador desde las batallas de los Transformers en su planeta de origen hasta la luna, donde algunas de sus reliquias son investigadas y traídas a a Tierra por los astronautas de las misiones Apollo (esto se parece un poco a la reelaboración de la historia ya vista en la reciente película de los X-Men, pero de todos modos funciona más que bien). Luego, la acción lleva al espectador hasta la desolada Chernobyl, y en su momento culminante el guión imagina un ataque masivo de tono apocalíptico a la ciudad de Chicago, en cuyas ruinas transcurren algunas escenas de acción realmente espectaculares e imaginativas, como una en la que los protagonistas usan como tobogán un rascacielos de vidrio inclinado por el ataque alienígena.

Hay más novedades positivas, como por ejemplo que el elenco, además de mantener el personaje paranoico de John Turturro, se las ingenie para lograr que los robots puedan convivir con otros excelentes intérpretes del nivel de John Malkovich y Frances McDormand, que probablemente nunca imaginó que después de ganar el Oscar por «Fargo» terminaría sosteniendo diálogos imposibles con personajes digitales. El alguna vez astro adolescente Patrick Dempsey hace también un muy buen aporte como un millonario corrupto, mientras que Rosie Huntington-Whiteley, la nueva novia del protagonista Shia LaBeouf, es lo bastante sexy para casi impedir que se pueda extrañar a Megan Fox.

Igual que en la película anterior, hay más chistes malos de lo necesario y cierto apego a la sobredosis de peleas entre robots que no parecen terminar nunca. Sólo que esta vez el 3D, utilizado intensivamente en un grado muy superior al de la mayoría de las producciones tridimensionales recientes, hace casi imposible aburrirse.

Kidman en melodrama moroso y deprimente

Es dificil pensar qué llevó al director del musical rockero «Hedwig and the angry inch» a hacer una película tan deprimente como «El laberinto», depresión que no surge sólo de su argumento sino también de la forma monocorde con el que está elaborado el film.

Nicole Kidman, en otra de sus obvias actuaciones, es una madre obsesionada por la pérdida de su pequeño hijo, que salió de la casa corriendo detrás de su perrito y sufrió un accidente fatal. Su marido, Aaron Eckhart (que muestra aquí el carisma de una percha de plástico), trata de sobrellevar el asunto lo mejor que puede, refugiado en su trabajo y concurriendo a grupos de asistencia religiosa para padres que han sufrido pérdidas similares. Pero ella no lo lleva nada bien, ve cada señal amable del marido como un artilugio para tener sexo, y anda persiguiendo micros escolares, además de entablar una relación más mórbida que amistosa con el responsable del accidente en el que murió su hijo, que le pide disculpas de todas las maneras posibles.

Teatralidad

La protagonista también tiene problemas de relación con su hermana (para colmo, desde su punto de vista, embarazada) y con su madre un poco loca y alcohólica, lo que trae el beneficio de una buena actriz como Dianne Wiest, que no está del todo bien dirigida, ya que en algunas escenas lanza sus diálogos con temible teatralidad. Lo que se puede decir a favor del director es que para teatro filmado, hay una buena cantidad de exteriores, lo que se agradece ya que las bonitas imágenes y paisajes ayudan a contener un poco tanta depresión.

Al final, los personajes la pasan un poco menos mal, pero el espectador se sentirá bastante peor, sobre todo si piensa en lo que le costó la entrada para ver este flojo melodrama.

Como “Hechizo del tiempo”, pero serio

Lo único que impide considerar a este thriller fantástico una obra maestra es el recuerdo del antecedente de Harold Ramis, «Hechizo del tiempo» («Groundhog Day») esa comedia negra de culto en la que Bill Murray vivía una y otra vez el peor día de su vida, que intentaba mejorar sin mucho éxito en cada repetición.

Pero «Ocho minutos antes de morir» no es una comedia en absoluto, sino una compleja historia de ciencia ficción donde un soldado, desde una hipertecnológica instalación militar, debe interactuar dentro de un mundo virtual, o realidad paralela, para evitar que el mismo terrorista que ha volado un tren haga explotar una bomba radiactiva en el centro de Chicago. Duncan Jones, hijo de David Jones, es decir David Bowie, que ya habia sorprendido con la excelente «Moon» (que solo conocimos en DVD) hace entrar al espectador en un juego complicado, que durante un tercio de proyección hasta puede resultar un tanto irritante, Es que la constante y repetida aparición del protagonista en el mismo tren que en ocho minutos va a volver a explotar una y otra vez -debido a las extrañas características del proyecto que se describe- convierten al film en un tour de force narrativo que, entre intervalo e intervalo en la cápsula donde está atrapado el desorientado protagonista, va transformando paulatinamente el sentido del relato hasta convertirlo, ya casi al final, en algo mucho más profundo que un thriller de lucha contra el terrorismo.

«Ocho minutos antes de morir» está muy bien actuado (Jake Gyllenhaal vuelve creíble un personaje que pasa por fases terribles, más allá de lo que supone experimentar su propia muerte varias veces de distintas formas), pero sobre todo excelentemente filmado y brillantemente escrito. Con esta película, Duncan Jones demuestra que su vocación no es para nada el capricho de una estrella de rock, y que es un muy buen director del que se pueden esperar grandes cosas.

Lucha teológica contra vampiros con un atípico toque de western

Lo mejor y más original de este comic llevado al cine es el póologo de animación donde se explica todo sobre la eterna lucha entre seres humanos y los vampiros, y cómo la Iglesia adiestró sacerdotes especialmente preparados en el arte de pelear contra las criaturas de la noche. Así fue como los vampiros (unos seres horribles que mueren al ser expuestos a la luz solar, pero no parecidos en nada a la tradición vampírica conocida) quedaron semiextintos, relegados a unas reservaciones, mientras que los sacerdotes, quizá demasiado poderosos, confinados a misiones de poca importancia casi como marginales.

Por momentos este film fantástico parece una remake desquiciada de «The Searchers» de John Ford, ya que en enorme moto a turbina el sacerdote Paul Bettany recorre unos áridos territorios en busca de una cautiva a la que quiere asesinar creyéndola infectada. Hay mas parecidos con el western, pero la película también es similar en tono a la anterior del director Scott Charles Stewart, «Legion», un poco más original que este divertido y bastante minimalista entretenimiento de matinée de superacción, con maá dirección de arte que otra cosa, a excepción de un vertiginoso desenlace.

También le falta sentido del humor, ya que todo el asunto se toma muy en serio a sí mismo, empezando por el solemne sacerdote protagónico, mientras que a Christopher Plummer bien le podrían haber escrito alguna escena más en su breve papel de máxima autoridad religiosa de ese futuro teocrático y bastante horrible.

Gibson y su amigo el castor

Es difícil saber a qué tipo de público se dirige Jodie Foster con esta especie de fábula de autoayuda que podría definirse como mezcla de comedia dramática de salud mental, estilo «canto a la vida», y película de psicópata, sin ser en realidad ninguna de las dos cosas.

El film empieza con una familia abatida por la depresión del marido, un Mel Gibson que heredó una fábrica de juguetes con la que no sabe qué hacer, mientras Jodie Foster, su esposa, se refugia en su trabajo de diseño de montañas rusas (la familia tipo). La comunicación con sus dos hijos, uno adolescente y otro mas chiquito, es casi nula, hasta que harta de la situación la esposa manda al marido deprimido a vivir solo.

La idea no parece ser lo mejor para el paciente, y así, en medio de un ataque de cuasi coma alcohólico, termina hablando con un títere que coloca en su mano, con el que desarrolla una extraña doble personalidad en principio aparentemente beneficiosa para su comportamiento social, más alla de lo excéntrico que pueda lucir un tipo hablando con un castor de peluche.

En todo caso, el hombre encuentra una manera de estar menos deprimido, ya que antes de dirigirse a las demás personas les entrega una tarjeta que indica que deben hablarle a través de ese títere terapéutico. Así logra en pocas semanas renovar su vida marital -pese a algunos recelos lógicos de su esposa- y, sobre todo, a relanzar maravillosamente su empresa con la nueva sensación del mundo del juguete, una caja de herramientas con cara de castor.

Esta última creación lo lleva a convertirse en una verdadera celebridad que aparece en televisión y todo, aunque claro, el recurso terapéutico también tiene su lado oscuro, que en cualquier momento puede hacer eclosión. Como directora, Jodie Foster no sabe encontrar el tono adecuado, aunque en este caso hay que reconocer que el guión no la ayuda. Mel Gibson sobreactúa un poco en un papel que podría irle mejor a Robin Williams, y sólo cuando el clima se oscurece un poco empieza a meterse más de lleno en el personaje de doble vida. La película es mas rara que realmente buena, aunque de todos modos tiene sus momentos.

Magnífica fantasía sobre cuento de Dick

Los encuentros casuales, pérdidas y hallazgos inexplicables de algún objeto, embotellamientos que parecen surgir de la nada, y la falta de Internet o señal de un celular o un teléfono que da ocupado, entre muchas otras señales, tienen una explicación específica en el universo de Philip K. Dick. En su cuento «The Adjustment Bureau» hay una especie de burócratas controlando a la gente para que no se desvíen de un plan establecido previamente por un ser superior.

Esto lo descubre un joven candidato a senador interpretado por Matt Damon, cuando por error de uno de estos «agentes « del destino todo el plan queda expuesto en peligro, permitiendo el segundo encuentro fortuito entre el protagonista y una bailarina que actúa inmediatamente como si fuera a ser la mujer de su vida. El joven político parece estar de acuerdo con este sentimiento, pero lamentablemente el plan es otro, y todo tipo de trucos serán utilizados para que no puedan estar juntos.

Los relatos de Philip K. Dick suelen tener conceptos profundos y diferentes de todo lo conocido, dejando por otro lado un amplio rango de posibilidades para hacer el guión de una película; en este caso las ideas del autor de «¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?» (es decir, la novela en que se inspiró «Blade Runner» de Ridley Scott) dan lugar a un relato romántico, ciento por ciento original, que rompe con las estructuras a las que nos tiene acostumbrado Hollywood, al punto de que el único defecto que puede tener el film es la imposibilidad de adivinar en qué dirección se va a disparar una trama sólidamente escrita a partir del muy ingenioso cuento corto.

Productor de la última de las «Bourne», el director debutante George Nolfi se valió de un maestro de la fotografía, como John Toll, para generar imágenes alucinantes y un ritmo endiablado, sin apelar a las típicas escenas de acción que servirían para otra película pero no para esta historia que transcurre en varias dimensiones simultáneas.

Contada con un estilo clásico que se extraña en el cine actual, «Los agentes del destino» está muy bien actuada por la consternada pareja protagónica, aunque el que se roba la pelicula es el veterano Terence Stamp en el papel de uno de los agentes más implacables a la hora de defender el plan original.

“Hanna”: una asesina mezcla de Nikita y Kaspar Hauser

Esta es una película que no acepta términos medios. Es algo para amar u odiar, e incluso puede provocar las dos cosas al mismo tiempo. Lo seguro es que «Hanna» es toda una experiencia, con las caracteristicas de una cult-movie, empezando por la antológica banda sonora de los Chemical Brothers, que realza el carácter psicodélico de las imágenes de este oscuro cuento de hadas utraviolento.

Con una aproximación más convencional, éste podría haber sido un sólido thriller de conspiraciones, espías y paranoia, un poco al estilo de «El largo beso del adiós» de Renny Harlin, pero para bien o para mal, el director Joe Wright tenía en mente algo más alternativo. «Hanna» es una ensalada rara, especie de cruza entre «El enigma de Kaspar Hauser» de Herzog, «El niño salvaje» de Truffaut y «Nikita» de Luc Bessonn -del que tambien toma prestado bastante del snobismo fashion y ochentista de «Subway»-. Todo esto con un despliegue visual totalmente desaforado que parece querer continuar los delirios formales de «auteurs» como Ken Russell o Nicolas Roeg, claro que en plan siglo XXI.

En una actuación memorable, Saoirse Ronan encarna a la chica del título, una adolescente que ha pasado toda su vida en un bosque cerca del Circulo Ártico entrenada por su padre (Eric Bana), ex agente de la CIA, para matar todo lo que se mueva. Y especialmente a su ex jefa, la despiadada Cate Blanchett (villana minuciosamente exagerada). La pobre chica sale del bosque, donde nunca escuchó musica ni vio televisión, ni a chicos de su edad, para perseguir y ser perseguida por asesinos implacables en Marruecos y media Europa, experimentando de paso sus primeras relaciones con todo tipo de personas comunes, incluyendo su primera cita romántica con un galán español y un pijama party lésbico con la hija de unos hippies que le dan asilo en su casa rodante,incapaces de sospechar los peligros que implica la presencia de esta ninja teenager.

Partiendo de la base que este film es cualquier cosa menos realista, y que en algún punto está sobreproducido y que tiene más vuelo estético que sustancia o coherencia narrativa, «Hanna» ofrece un verdadero bombardeo de imágenes alucinantes, y secuencias totalmente dementes filmadas de manera formidable, con un trabajo de fotografia increibemente creativo a cargo del aleman Alvin H. Klucher, que por momentos parece ser el verdadero autor de este delirio.

El origen de los X-M, lo mejor de la serie

Ya era hora de ir sabiéndolo: la crisis de los misiles de Cuba que casi lleva al mundo a la guerra nuclear a comienzos de la década de 1960 fue un episodio histórico provocado por villanos mutantes. Por suerte, ahí estaban los heroicos mutantes de Marvel Comics para evitar la Tercera Guerra Mundial y formar lo que luego sería conocido como el equipo de los X-Men.

Matthew Vaughn, director de una de las mejores películas del año pasado, «Kick Ass», logra el mejor film fantástico de lo que va del 2011 con esta formidable precuela de la franquicia de Marvel. Aquí vemos cómo los distintos mutantes se van formando, desde los campos de prisioneros de la Europa ocupada por los nazis o la elegancia de una universidad inglesa. Los futuros archienemigos Magneto (Michael Fassbender) y Charles Xavier o Profesor X (James McAvoy) se encuentran y forman lo que parece ser una sólida amistad, aunque obviamente el espectador sepa que está destinada al fracaso. Es que, de niño, el pobre Magneto vivió una experiencia traumática cuando un científico nazi mató a su madre sólo para despertar su ira y motivarlo a hacer surgir sus superpoderes mutantes. Pasado mucho tiempo, incluso luego de ir a Villa Gesell, Argentina, a buscar venganza de los nazis refugiados en ese rincón arenoso de Sudamérica, el futuro Magneto no puede reconciliar su espíritu furibundo, aunque sí lo domina lo suficiente como para poder asociarse con el más equilibrado y estudioso de las mutaciones, Profesor X, entusiasmado con la idea de formar una fuerza que trabaje junto con la CIA para evitar un nuevo conflicto global.

No sólo la historia, mezcla de fantasía de historieta y eventos históricos, es fascinante, sino que la ambientación de época totalmente sixtie le sienta especialmente bien a esta nueva entrada en la saga de X-Men, muy superior a la precuela anterior con la historia de Wolverine (que aparece aquí unos segundos en un divertido cameo). En realidad es prácticamente la mejor de todas las películas de la serie, por su ritmo y super acción permanente, por las impactantes imágenes fantásticas -el ataque de los mutantes a las dos flotas conjuntas, estadounidense y soviética, es uno de los tantos momentos épicos de antología-, por el lujo y la diversión que propone la estética pop de Vaughn al apelar a todo posible recurso de época, desde todos los budgets de las películas de James Bond a un burdel de Las Vegas digno de la era clásica de la revista «Playboy». Pero, además, el director logra grandes caracterizaciones de todo el elenco mutante y, por qué no, también humano (como el hombre de la CIA Oliver Platt o el almirante Michael Ironside). Aunque tal vez su mayor aporte a estos personajes de Marvel es darle uno de los mejores -o peores- villanos que jamás hayan tenido: Kevin Bacon interpreta a un mutante megalómano con pasado nazi destinado a ser un icono insoslayable en esta saga que, por suerte, esta vez mutó para mejor.

Una de terror que asusta más con sus climas que con sangre

Aunque generalmente se ha dedicado al gore más explícito de la primera «El juego del miedo» o a policiales truculentos como «Sentencia de muerte», esta vez el director James Wan optó por adentrarse en lo sobrenatural con un estilo más sustancioso en climas e ideas que en sangre. Con excelentes resultados, ya que «La noche del demonio» es una gran película de terror de bajo presupuesto, que tiene el don de asustar realmente al espectador.

La premisa parece original, aunque analizándola bien, no es otra cosa que una inteligente reelaboración del legendario episodio «Little girl lost» de la clásica serie «Dimensión Desconocida» sobre una nena perdida en una especie de limbo sobrenatural lindante con su propia habitación. El episodio en cuestión fue también el que inspiró la famosa producción de Spielberg «Poltergeist», pero Wan le da un toque especialmente realista y dramático al asunto, tan dramático como para tener en coma a un chico durante casi toda la película.

Sólo que el chico no está en coma: su familia se acaba de mudar a una casa antigua donde hay ruidos y apariciones raras y difíciles de creer, pero que culminan con el espíritu vagando por el Más Allá y acosado por seres horribles, mientras su cuerpo vacío está postrado sin que ningún médico pueda hacer nada por él. Barbara Hershey, la gran actriz que protagonizó un clásico en la materia como «El ente», es la abuela del nene que conoce un secreto que hace evolucionar la historia en una dirección distinta a la de la típica historia de casa embrujada o espíritus diabólicos.

James Wan logra paralizar de miedo al espectador con efectos de montaje y un buen guión que no requiere de demasiados efectos especiales, y sólo hacia el electrizante final la película se adentra en un terreno totalmente ajeno a la realidad, pero igualmente atemorizante, con recursos imaginativos que le dan al film un raro toque de cine de arte.

En sintesis, «La noche del demonio» es una película de terror absolutamente recomendable al fan del género. Para el resto, hay que repetir la advertencia: asusta en serio.

Resaca más alocada que la de Las Vegas

Bangkok es una ciudad atrapante. O mejor dicho, que atrapa. Esa es una de las lecciones de vida que se aprende viendo la segunda parte de «¿Qué pasó ayer?», la memorable comedia sobre una resaca colectiva en Las Vegas, con los mismos personajes resacosos de hace dos años transportados al sudeste asiático para experimentar otra juerga de dimensiones épicas y aún más salvaje que la original.

No se sabe bien qué pensará del film la oficina de Turismo del gobierno de Tailandia, pero se puede asegurar que nadie puede sobrevivir a esta película sin sufrir al menos un par de fuertes ataques de carcajadas

La estructura es la misma del film anterior. Hay un prólogo donde una novia tailandesa está siendo severamente recriminada por su padre por la desaparición del prometido justo la mañana del día de su boda. Suena un teléfono y uno de los padrinos llama y avisa que lo hicieron otra vez: están en grandes problemas, tan grandes como para ir pensando en la posibilidad de que la ceremonia no pueda llevarse a cabo.

Ahí la narración retrocede a las vísperas del viaje a Tailandia para el casamiento del más serio del grupo de amigos (Ed Helms), el dentista que tiene una debilidad por las prostitutas, como se vio en las Vegas cuando se casó, totalmente borracho, con la profesional que les dejó su bebé de seña. El mismo hombre se casa ahora de verdad con una chica tailandesa de buena familia, y previniendo que no pase nada parecido al desastre previo, censura la despedida de soltero, y hasta se cuida de no beber nada que no haya abierto él mismo en los días previos a su boda.

Pero, corte, y se despierta en un sórdido cuarto de hotel tailandés con el rostro tatuado a lo Mike Tyson y un monito que fuma y está vestidito con una campera rockera. El demente que arruinó todo la vez anterior drogando a todo el mundo (Zach Galifianakis, el Curly de estos Chiflados del reviente) jura que esta vez no tuvo nada que ver, pero de todos modos nadie se acuerda nada de lo que pasó la noche anterior, dónde demonios están, y por qué está desaparecido el hermanito de 16 años de la novia, un joven prodigio ya a punto de convertirse en cirujano. Lo más perturbador es que este virtuoso adolescente del chelo se dejó algo en el cuartucho de hotel: un dedo cortado cuidadosamente apoyado en un platito.

Todo intento por reconstruir la noche en tinieblas para devolver el chico a la familia sólo los lleva a situaciones más dementes, que incluyen gangsters, traficantes de cualquier cosa, un monje budista que ha hecho votos de silencio y un burdel típicamente tailandés. Los gags son terriblemente eficaces, y sobre todo de un nivel de incorrección política que recuerda al más salvaje cine de culto de los 70, más que a cualquier producción hollywoodense actual.

La nueva «¿Qué pasó ayer?» es tan buena, o incluso mejor, que la original, y además de estar sólidamente actuada e imaginativamente filmada, tiene la cualidad de intentar con éxito rotundo algo tan difícil como volver aún más negro, corrosivo y audaz el sentido del humor desquiciado de la película anterior.

Sirenas caníbales se roban la cuarta “Piratas del Caribe”

La bucanera Penélope Cruz aporta tensión erótica a la entretenida secuela

Las sirenas se roban esta cuarta entrega de los «Piratas del Caribe». Es decir, los elementos sobrenaturales vuelven a superar la actividad corsaria más realista, igual que en la segunda y tercera parte de esta saga inspirada por el más antiguo de los juegos mecánicos del parque de diversiones Disneyland. En su intento de llevar a la pantalla esa rara mezcla de tren fantasma y montaña rusa acuática, los detalles sobrenaturales son los que hacen la diferencia en relación a la más ñoña película original de esta serie de films que hasta ha cautivado al mismísimo guitarrista de los Rolling Stones, Keith Richards, que vuelve a aparecer como el padre del pirata Jack Sparrow, personaje que le sirve a Johnny Depp para sacar a la luz todo su lunático sentido del humor.

La trama narra los esfuerzos de tres expediciones distintas por llegar primero a una fuente maravillosa de la juventud eterna. El asunto no es fácil, ya que cada uno de los miembros de las diferentes partidas posee un secreto indispensable para hacer funcionar correctamente la fuente mágica. Y el más problemático de los componentes del ritual es conseguir la lágrima fresca de una sirena.

Lejos de la tradición homérica, estas sirenas si bien son mujeres hermosísimas con la mitad inferior del cuerpo cubierta de escamas y cola de pez, no enloquecen a los marinos con sus cantos para hacerlos zozobrar, sino que salen a la superficie, los besan, y habiendo seducido a sus presas, las arrastran a las profundidades del océano para devorarlos con su afilada dentadura.

La escena del ataque de las sirenas justifica por sí sola toda la película, y es la que mejor aprovecha el 3D digital, que no siempre juega un papel demasiado importante, dado el estilo más bien llano elegido por el director Rob Marshall. Este especialista en musicales como «Chicago» se las arregla bien con las coreografías de las numerosas peleas entre piratas, incluyendo un escape de Jack Sparrow del palacio de Buckingham delante de las mismas narices del rey de Inglaterra, y un furibundo motín a bordo del buque «Venganza» del pirata Barbanegra, personaje nuevo en la saga muy bien interpretado por Ian Mc Shane, que se vuelve el centro de cada escena donde aparece.

Penélope Cruz también es muy divertida como la hija de Barbanegra, una pirata que tiene una relación de amor/odio con Jack Sparrow que no se soluciona nunca a lo largo de la película y que logra dotar de una buena dosis de romance y tensión erótica a todo el film. Un film que empieza un poco lentamente luego de la espectacular fuga inicial y después, sobre todo a partir de la aparición de las sirenas, va tomando buen ritmo humorístico-fantasmal. Geoffrey Rush, como siempre, también aporta su talento a dos de las escenas más macabras de la película.

En medio de tanto desmadre bucanero hay lugar para la poesía: la extraña historia de amor entre un predicador y una sirena es un raro condimento que realmente no se podía esperar en una superproducción de Disney.

Floja crónica de la caída de una espía real

Antes que nada, no se explica por qué a una película que se llama en inglés «Fair Game» (es decir, algo así como «Juego limpio») acá le ponen el mismo título en castellano que un superclásico de Sidney Lumet («Network»), para colmo, a pocas semanas de la muerte del gran director. Pero, en fin, ése es un problema ajeno a este drama conspirativo, ya que sus productores no tienen la culpa de cómo lo titulan en nuestro país.

Se llame como se llame, «Fair Game» tiene graves problemas propios. La película se basa en dos libros autobiográficos; uno escrito por Joe Wilson, el personaje de Sean Penn, otro por Valerie Plame, el personaje de Naomi Watts, ambos marido y mujer involucrados con el gobierno de George W. Bush, justo antes de la invasión a Irak buscando armas de destrucción masiva que no existían. El tema está mejor tratado en el film bélico cargado de suspenso «La ciudad de las tormentas», con Matt Damon (que lamentablemente entre nosotros sólo se conoció en DVD), donde se narra la decepción de un oficial en busca de dichas armas de destrucción masiva de Hussein en plena ocupación de Bagdad.

En el caso de este film de Doug Liman, la decepción la sufren una agente de la CIA y su marido, ex diplomático que acepta hacerle un favor ad honorem a la administración Bush, viajando a un país africano que supuestamente le vendió uranio enriquecido a Saddam, cosa que sus pesquisas desmienten por completo, lo que no impide que los halcones de Washington den vuelta su informe para justificar una guerra. Nuestro héroe, indignado por la mentira, llama al «New York Times» y cuenta sus verdades, provocando que el Gobierno, en venganza, descubra la identidad de su esposa espía, lo que deja a su merced a sus múltiples contactos secretos en Irak y otros países de Medio oriente, llevando a la muerte a todos los que confiaron en ella.

Si bien no es el tema más atractivo del mundo, lo más rescatable de esta floja crónica de lo que el espectador ya sabía de antemano es la descripción de las miserias de la vida cotidiana del espía, que genera, por ejemplo, como en este caso, que el marido nunca sepa dónde demonios anda su esposa, o si va a volver a su casa en una sola pieza, aunque le haya dicho que iba a una reunión muy aburrida en Cleveland, cuando perfectamente puede estar de incógnito en cualquier lado donde está a punto de explotar todo.

Pero esto no basta para mantener la atención del espectador durante casi dos horas, que dado lo moroso de la narración, parecen bastante más. Sean Penn ayuda con su alto nivel actoral, mientras Naomi Watts prácticamente no cambia de expresión a lo largo de todo el film. Y, al final, ninguno de los dos sabe qué cara poner cuando el guión los obliga a sugerir un final feliz por salvar su matrimonio olvidando la estela de muertos inocentes que su ingenuidad dejó atras.

La moraleja que deja «Fair Game» es que si uno se va a casar con una agente de la CIA, al menos conviene recordar que la agencia no incluye la mejor gente del mundo, sobre todo en tiempos de un presidente como Bush. Al film sólo le faltaría insinuar que ahora que gobierna un Premio Nobel de la Paz como Obama, ya no hay que preocuparse porque está todo bien.

Atractiva mezcla de thriller, cine negro y drama tribunalicio

Mezcla de thriller, cine negro y drama tribunalicio, «Culpable o inocente» tiene a su favor una trama ingeniosa y, sobre todo, muy buenos actores, empezando por el personaje protagónico a cargo de Matthew McConaughey, pero cuidando cada actor que aparece cubriendo roles secundarios.

Sólo le falta un poco más de suspenso, pero nunca deja de tener muy buen nivel. McConaughey es el abogado al que se refiere el titulo original, y lo mejor de la película es la descripción de los ardides poco escrupulosos de este picapleitos que literalmente tiene su oficina en un auto con el que recorre las calles asistiendo clientes que son invariablemente culpables de los delitos de los que los acusan.

Por ejemplo, una reunión entre el asesor legal y sus clientes puede ser en la banquina de una aautopista cuando lo interceptan unos «hell angels» que quieren que libere a su principal «agricultor». Este tipo de detalles pintorescos más los astutos trucos del abogado para liberar tipos que le harían mejor a la sociedad si estuvieran tras las rejas, no logran que la policía tenga en gran estima al protagonista, ni tampoco su ex mujer, que está a cargo de la Fiscalía. Pero el hombre tiene una justificacion para su especialidad: un consejo de su padre abogado afirmando que la peor pesadilla puede ser un cliente inocente al que no se logra salvar de una condena injusta, mientras que si se falla con un delincuente culpable, no existirán demasiados problemas de conciencia.

El asunto es que la defensa de un millonario que se jura absolutamente inocente de una acusación de ataque violento e intento de violación contra una prostituta coloca al abogado en el peor punto de aquellos temores paternos. Aparentemente podría estar defendiendo al culpable de un crimen por el que actualmente está preso un viejo cliente que juraba ser inocente, afirmación a la que, por supuesto, no le prestó atención, dada su línea de trabajo.

El film empieza de manera contundente, pero, a medida que el director deja de describir el modus operandi del abogado estelar para centrarse en la trama policial, al asunto le falta un poco de tensión para thriller. Por suerte, funciona mejor cuando se asiste al juicio en el que un defensor quiere liberar a su cliente sólo para que lo puedan acusar por otro caso.

Entre los brillantes actores secundarios, el que más se destaca es el talentoso William H. Macy en un rol de detective totalmente distinto a los papeles que ha interpretado a lo largo de su carrera.

Desaprovecha talentos un melodrama circense

Aun sin haber leído la novela original en la que se basa este melodrama circense, da la sensación de que el director Francis Lawrence le hizo a su autora, Sara Gruen, algo parecido a la destrucción vergonzosa aplicada a Richard Matheson para su aborrecible versión fílmica de «Soy Leyenda».

En todo caso, la película no empieza nada mal, ya que un gran actor como Hal Holbrook es un anciano medio perdido a la salida de un circo en tiempos actuales, y cuando el manager del lugar intenta devolverlo al asilo en el que vive, empieza a contar una larga historia sobre su paso por dos de los circos más famosos de la década de 1930, incluyendo uno donde hubo una memorable catástrofe con los animales sueltos atacando a los espectadores.

La historia parece que va a ser larga, y para contarla, el anciano pide una botella de algo «que no sea jugo de manzana». A él le dan su whisky, pero lamentablemente el espectador recibe una tremenda sobredosis de opio.

Es que «Agua para elefantes» convierte el típico triángulo amoroso entre la ecuyere, el domador y el forzudo de tantas películas mudas y de comienzos del sonoro en algo menos sórdido, aguado y, por sobre todo, menos sexy, lo que es una pena ya que en los mejores momentos Reese Witherspoon aprece realmente apetitosa. Ella es la mujer del cruel dueño del circo (Christop Waltz, gran actor bastante desaprovechado) que se enamora del estudiante de veterinaria Robert Pattinson, que cuida a la elefanta Rosie, seriamente maltratada por el villano de la historia.

Las dos horas de proyección se vuelven casi eternas, ya que el director tiene una predilección por estirar escenas desabridas y minimizar las partes más intensas, por ejemplo la citada suelta de animales salvajes que podría haber incluido aunque sea alguna mordida de tigre que valga la pena. Pero no, y lo mismo pasa con las escenas de sexo, totalmente livianas. Incluso Holbrook sólo vuelve a aparecer al final, y ni siquiera mantienen su voz en off para el relato, que pasa a ser la de su versión juvenil, el inexpresivo galán Pattinson.

En síntesis, es el tipo de película bien producida, con buena ambientación de época, pero en las que casi nunca pasa nada verdaderamente intenso, destinada a verse en alguna sesión de zapping de cable de tarde lluviosa.

Rápidos, furiosos, sin control y entretenidos

Esta es la mejor de todas las «Rápido y furioso», no sólo porque el cambio de escenario en Rio de Janeiro ayuda mucho, sino básicamente porque no es una película de picadas entre delincuentes, sino una película sobre un robo imposible.

La trama presenta al rey de las picadas, Vin Diesel, y el policía infiltrado, Paul Walker, ahora ya convertido en criminal fugitivo, escapando a Rio, donde inmediatamente se ponen a robar autos de alta gama. La escena de este atraco en un tren no sólo es un delirio que ya sirve para ver la acción demente y vertiginosa que propine el director Justin Lin sino qe detona el resto del argumento. Engañados por un jefe narco, y acusados de la muerte de varios agentes de la DEA, los héroes deciden enfrentar al gangster carioca pegádole en donde más le duelo, su dinero. El problema es que los 100 millones de dólares del narco se encuentran depositados en la caja fuerte ultramoderna de una comisaría, ya que según esta película el 90 por ciento de los policías de Rio son corruptos, lo que tal vez no haya dejado muy confomes a las autoridades brasileñas, pero a los efectos de hacer el film mucho más entretenido, funciona de maravillas.

Dado que los cariocas están vendidos, el guión introduce a un policía implacable, nada menos que Dwayne «The Rock» Johnson haciendo un papel mucho más violento de los que acostumbra, ya que en una escena cualquiera se puede liquidar media docena de narcos de la favela sin pestañear.

Teniendo en cuenta la violencia real que hay en las favelas de Rio, según se ve en los noticieros de televisión, se podía imaginar que el director Justin Lin podría poner todo su despliegue de imaginación para hacer que todo explote en este «Rápido y Furioso» brasileño. Pero las fantasías más audaces del espectador se quedan cortas con la super acción sin paz ni pausa que ofrece esta «Fast 5», corta en picadas pero riquísima en tiroteos, explosiones y sobre todo persecusiones desquiciadas con patrulleros, llegando a un climax, obviamente el robo final, donde la caja fuerte juega un papel único y realmente sorprendente dada su participación en una de las escenas de choques más demente de la historia del cine.

No por ser totalmente inverosímil, este film deja de ser divertidísimo, y ningún fan del cine de super acción debería perdérselo.

El humor y el final son lo mejor de “Scream 4”

Es difícil mantener una saga después de cierto tiempo, y la dupla Wes Craven (director) y Kevin Williamson (guionista) tuvo el buen tino de esperar una década antes de volver a los cuchillazos por llamada telefónica del gran éxito de taquilla «Scream».

Esta cuarta parte empieza de manera realmente contundente, con varias amigas solas en las casas de sus padres, a punto de ver una película de terror, en este caso alguna nueva secuela de la saga de «Stab» (dirigida por Robert Rodriguez) es decir una serie de películas ficticias basadas en los crímenes telefónicos de las viejas películas de «Scream». De las seis espectadoras sólo sobrevive una.

Las muertes son tan divertidas como creativas, tal como el fan de las tres películas anteriores de Craven y Williamson puede esperar. Luego llega justo Neve Campbell al pueblo, ya que la única sobreviviente entre las víctimas de la saga (sin contar a David Arquette y Courteney Cox, periodista y policía, ahora casados) acaba de escribir un libro sobre su horrible experiencia, un verdadero bestseller que por algún motivo, detonó una nueva serie de asesinatos del hombre de la capa negra, máscara de fantasma y gigantesco cuchillo.

La película sigue carriles más o menos conocidos, con un par de muertes realmente fuertes e imaginativas en el medio, y algunos chistes formidables, que casi son lo mejor del film. Luego hay una especie de carnaval cinéfilo sobre las reglas del cine de terror, y cuando todo parecía un poco apagado, viene un doble final a todo splatter que no tiene desperdicio, donde termina de percibirse por completo el toque feminista del film. Lástima que todo no tenga el nivel de esta última parte porque, de ser así, ésta sería una de las mejores entradas en la serie.

“Thor”: el comic en su máxima expresión

Junto con El Hombre Araña, Hulk y la inminente Capitán América, Thor era uno de los superhéroes top de la Marvel, y tal vez de ahí la demora en atreverse a convertir el comic sobre el hijo de Odín en película. Por suerte, el resultado está a la altura de las expectativas, con algunas de las imágenes más asombrosas que hayan surgido de la adaptación al cine de una historieta.

La historia de Thor comienza con un misterioso prólogo donde un equipo de científicos liderados por Natalie Portman buscan una rara especie de tormenta cósmica y se encuentran con un hombre literalmente arrojado del espacio que choca contra su camioneta. De ahí la narración corta a la saga seminórdica, totalmente Marvel del Dios de Todo, es decir Odín (Anthony Hopkins tan eficaz como siempre).

Todo lo que tiene que ver con el reino de Asgard y el puente del arco iris que la comunica con otros mundos tiene cualidades visuales superlativas. Los que temían que el británico Kenneth Branagh se deje llevar por algún delirio shakespeareano se equivocaban: las intrigas palaciegas entre Thor y su malvado hermano Loki (Tom Hiddleston) confabulado con el rey del mundo del hielo están llevadas con fluidez y rodeadas de super acción ciento por ciento fantástica, sin lugar para más pausas que las necesarias para que el espectador tenga tiempo de admirar los fabulosos decorados plasmados con imágenes que, al menos en este sentido, superan cualquier otra adaptación de Marvel Comics.

Luego, cuando Thor es desterrado a nuestro planeta por un indignado Odín, Branagh maneja muy bien el humor propio de las andanzas de este hijo de dioses caminando entre simples mortales, lo que da lugar a vertiginosas escenas de acción, como cuando se enfrenta a todo el servicio secreto para tratar de recuperar su famoso martillo, retenido como si fuera alguna especie de satélite extraterrestre.

Justamente el momento en el que Thor, convertido en mortal, vuelve a ser digno de sostener su martillo del poder, da lugar a una de las grandes escenas del comic en el cine, y justifica por sí sola la visión de este film en una sala (más por la dirección de Branagh y la música de Patrick Doyle que por los efectos 3D, que están dosificados con gran moderación).

Las idas y vueltas de Thor de Asgard a la tierra le quitan algo de fluidez a la historia, dotada de múltiples momentos vertiginosos a cargo del más talentoso de los directores de segunda unidad, Vic Armstrong, el de la serie Bond y tantas otras producciones que necesiten que alguien se ocupe de los diálogos y otro de la acción (no por nada en este caso, el primer lugar luego del «Thor» de los títulos lo ocupa Armstrong).

Los fans de la historieta se van a deleitar con las conexiones entre éste y otros comics de Marvel, y ya se pondrán ansiosos esperando la obvia secuela perfectamente adelantada en el final, quizá un poco menos generoso que el resto de esta gran película.

A Caperucita le sienta el terror

No es la primera vez que, partiendo de la base del clásico infantil «Caperucita roja», un director termina aportando algo interesante al cine de hombres lobos. Ya lo había hecho Neil Jordan en una de sus mejores y menos conocidas películas, «En compania de lobos», que convertía la archiconocida historia en una estilizada película de terror .

Ahora la directora de la transgresora «A los 13» y de la mucho más exitosa pero menos interesante «Crepúsculo», Catherine Hardwicke, toma el asunto de frente ya desde el título original, «Red Riding Hood», que perfectamente podría haberse traducido como «Caperucita Roka».

La película es despareja y, sobre todo, tiene un comienzo muy flojo, con un prólogo super cursi con dos niños atrapando un conejo para matarlo sádicamente, y luego convertirse en adolescentes de un pueblo medieval asediado por el miedo al lobo, que obviamente no es un animal sino un temible licántropo, con el que los aldeanos han realizado un pacto de no agresión, sacrificando su mejor ganado las noches de luna llena para evitar las víctimas humanas.

Pero una «noche de lobo», como le dicen en el pueblo, la tregua se rompe y el lobo vuelve a matar nada menos que a la hermana de la protagonista, que aún está a media película de recibir de manos de su abuela (la mismísima Julie Christie) la capa roja del título.

La película se vuelve realmente interesante y por momentos muy lograda cuando empiezan los ataques masivos del lobizón, lo que sucede en simultáneo con la entrada en escena de Gary Oldman como una especie de cazador oficial de monstruos de la Iglesia. Con algo de inquisidor y algo de Van Helsing, el personaje de Oldman tiene un fascinante doble filo entre cruzado en lucha contra el mal y fanático religioso, obsesionado con su presa al punto de tener uñas de plata para nunca estar sin defensa contra la bestia.

Poco a poco, «La chica de la capa roja» se va transformando en un buen film de terror, con escenas gore que faltaban en «Crepúsculo», y un sólido elenco que ayuda a mantener el interés en los aspectos románticos y la duda principal acerca de la verdadera identidad humana del lobo. Plásticamente, el film tiene grandes hallazgos como todos los gadgets antimonstruo de Gary Oldman y los alucinantes paisajes terroríficos donde transcurre la acción. Y la música de estilo dark, mucho más rockera que la típica banda sonora de un film de terror, ayuda a hacer de esta Caperucita una película de terror original y recomendable.

Original visión de tema difícil

Ajami es una zona de Jaffa donde conviven todo tipo de culturas, y se mezclan judíos, cristianos, árabes y palestinos, lamentablemente no de la manera más grata ni armónica. El film comienza con una serie de tensas situaciones ultracviolentas, muchas veces relacionadas con delitos comunes y no con violencia étnica -aunque en este contexto todo se mezcla- y poco a poco va contando distitnas historias personales que suceden en forma paralela.

Un policía judío busca a su hermano, un palestino trata de trabajar ilegalmente para pagar la operación de su madre, varios protagonistas de amores prohibidos por pertenecer a las distintas etnias la pasan mal y luchan por no estar separados.

Hay momentos de gran intensidad dramática, y otros en los que las diferentes historias se entremezclan de forma un poco confusa. La voz en off de una narradora con tonos poéticos -al menos así lo hace sentir el subtitulado- le da un tono pretencioso a todo el conjunto, lo que no ayuda al espectador a tratar de concentrarse en cada relato policial, algunos realmente interesantes y casi suficientes para recomendar una película más extraña e interesante que realmente lograda, grabada en tape con buen pulso de dirección (el film estuvo nominado al Oscar a la mejor película extranjera) que en sus mejores momentos consigue sacarle un tono especialmente realista a las imágenes, mientras que en los más flojos hace caer todo el asunto en un estilo televisivo demasiado dialogado.

Con sus pros y contras, «Ajami» es un film original sobre un tema difícil, y está lleno de detalles auténticos, genuinos (por ejemplo, la musica pop érabe e israelí) que ayuda a recomendarlo más allá de sus altibajos.

“Torrente” de gags gruesos ahora en 3D

Aunque en la Argentina las últimas dos secuelas de «Torrente» nunca se estrenaron en los cines (y apenas llegaron directo a dvd a principios de este mes), con su policía políticamente incorrecto, Santiago Segura logró algo casi impensable en el cine español: una saga de films nada pretenciosos con una notable fuerza comercial.

Si abusa o no exprimiendo el mismo concepto ya es otro tema, pero en este caso por lo menos, ofrece algo diferente en lo técnico, y es permitirle al espectador ver las diabluras de Jose Luis Torrente ahora cometidas en 3D, lo que ayuda a darle un toque divertido a esta sucesión de chistes guarros.

La trama sobre los problemas y enredos qe le surgen a Torrente luego de aceptar ser custodio en una boda es más bien leve, casi se podría decir sólo una excusa para el bombardeo de chistes un poco con el estilo del «hit & miss» de los hermanos Zucker de «¿Y dónde esta el piloto?». En ese sentido no se le puede acusar de nada a Segura, porque el formato le queda bien a su Torrente, más allá de que las dos primeras tenían algo más parecido a un argumento, y ésta la verdad que no.

Lo que sí atenta un poco contra esta cuarta parte de la saga es la insistencia en reemplazar un buen cast por un ejército de cameos o invitados especiales, que al menos desde el punto de vista argentino no tienen gran atractivo por ser parte de la cultura y el show business español y no estar lo suficientemente transculturizados. Dicho todo esto, se puede recomendar «Torrente 4: crisis letal» como una comedia muy divertida que aprovecha al máximo las posibilidadses del moderno 3D digital.

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