María y el Araña es una historia de amor, y a la vez la historia de un abuso. Se estrena el 10 de octubre Su protagonista tiene alrededor de 13 años es una adolescente que disfruta del estudio, tan es así que va a ser becada en el secundario. Por la tarde trabaja como vendedora en el subte. Vive con su abuela y la pareja de esta, un hombre desagradable que pasa su vida tirado en una cama, tosiendo, mientras espera la llegada de su mujer para que lo sirva. Un día en el subte conoce a un adolescente unos años mayor que ella, quien hace malabarismos de diferente tipo para sobrevivir. Ambos comparten el trabajo en el mismo ámbito, habitan en villas dentro de la gran ciudad, y tienen responsabilidades que los exceden en sus roles. El Araña cuida a un padre que se lo ve en la cama, mientras María regresa a su hogar con su abuela, para arribar a un clima denso donde las miradas se entrecruzan… mientras la tensión va anticipando la historia del abuso. Paralelamente la relación entre los dos jóvenes va creciendo afectivamente. El hecho de ver o intuir que María se esta transformando en una mujer va a sumar a la hora del desencadenamiento del descontrol en este hombre. Cuando se habla sobre abuso sexual en menores, siempre se piensa en violencia visible y/o invisible, y se sospecha de un no querer ver la realidad, para pasar al terreno de la complicidad basada en el temor. El peligro físico y moral de María va acompañado de una angustia creciente, la cual se encuentra relacionada -como ocurre en la mayoría de los casos- con la vergüenza y el miedo. La distorsión de los roles de este tipo de hombres, no difieren de los otros por la cantidad o la calidad de su potencial de violencia, sino que lo que ocurre es que estos mismos han fracasado en el dominio de este potencial, por no haber podido adquirir la capacidad de abstraer, de simbolizar y de desplazar la cólera derivada de la frustración de sus deseos. En la segunda mitad del siglo xx junto al creciente movimiento a favor de los grupos humanos discriminados (mujeres y niños) fueron surgiendo grupos que se unieron para luchar a favor de los derechos de las víctimas, los que denunciaron la existencia de un conjunto no considerado de las estadísticas oficiales: las víctimas de la violencia doméstica. Este primer momento de acción militante fue determinante a la hora de buscar respuestas sociales, sicológicas y legales. Y es partir de los 70, que el tema es recortado como objeto de estudio por los investigadores sociales. Pero dicha tarea es muy compleja a la hora de acceder a la información de lo que ocurre entre las cuatro paredes de una casa. Bastaría pensar en lo ocurrido hace poco en la localidad de Conchayoj en Santiago del Estero, donde un hombre violó a su hijastra desde los 11 años -ahora una mujer de 35- con la cual tuvo 10 hijos, de los cuales dos fueron enterrados cerca de su casa. Esta mujer recién se anima a contarlo, comentando que esto es común en esa zona. Algo realmente impensable, si se sabe que esta mujer no estaba encerrada. El 25% de las mujeres que dan a luz en La Banda, Santiago del Estero son niñas entre 11 y 16 años lo que la transforma en una población vulnerable por desarrollo, por historia familiar y por situación social, y la convierte a sus vez en una zona de alto riesgo. El escenario de la casa de María es el clásico de ese tipo de abuso. Un perverso y dos mujeres sometidas por diferentes razones: preferir tener un hombre al lado, aunque sea un enfermo y ser abandonada por la madre. Lo terrible en el campo de la violencia doméstica es que las propias víctimas de maltrato y/o abuso realizan esfuerzos para que nadie se entere de lo que ocurre, y eso se manifiesta tanto en la propia víctima como en los familiares directos. El uso de la violencia dentro del hogar sigue siendo estadísticamente una expresión del control que el hombre ejerce contra la mujer, ya que el 2% de la violencia corresponde a la mujer, el 25% es recíproca y casi el 75% restante es violencia contra la mujer. Dentro de ese porcentaje los niños y los ancianos son las víctimas más frecuentes. En el seno de la violencia se puede hablar de abuso físico, sexual, y emocional o sicológico. María es abusada en las tres modalidades, las que suelen estar casi siempre asociadas. Lo que María Victoria Menis nos presenta en este logrado film es una historia de abuso a la que se va a imponer la historia de amor, ya que estos dos adolescentes, -a los cuales se les han arrancado una parte de sus vidas- serán obligados a saltar una etapa y forzosamente a convertirse en adultos, para poder salir de ese círculo y construir una nueva vida basada en el respeto mutuo. Menis nos relata esta historia a través de las miradas de sus personajes, de sus emociones, de sus silencios, y del modo en que procesan la experiencia que les toca vivir. María y el Araña es una postal visible de nuestra Argentina profunda, aquella que negamos aunque lo veamos todos los días, en la calle… en el subte. Un film que va a emocionar al espectador generando diversos tipos de reacciones marcadas en mayor medida por la impotencia. Con muy buenas y parejas actuaciones, donde se destaca la de Florencia Salas (María), actriz no profesional, destacada revelación. Otro excelente trabajo de Menis, que se mueve entre el documento de la realidad y a la vez se acerca al documental como género en ese vagabundeo por la ciudad, dando cuenta de realidades tan diferentes, como pueden ser la Villa Rodrigo Bueno y en su extremo Puerto Madero, pero haciendo foco en una historia de amor que superara a la de la violencia. Buscar y ofrecer -desde la perspectiva de la mujer- explicaciones a la realidad, supone ubicarnos en el terreno de la utopía que le otorga sentido de futuro a los procesos sociales. El objetivo sería ampliar la mirada, para que esta nos permita volvernos sobre nosotros mismos, y de este modo poder ver y hacer algo sobre las personas afectadas en su ser y en la historia, que una vez más legitima el predominio de lo masculino sobre lo femenino. María y el Araña es un film de autor con un guión sólido, cuya estrategia narrativa son las miradas, los silencios, y las elipsis. Su historia contribuye al proceso de toma de conciencia de una realidad que sabemos se encuentra demasiado cerca, aunque elijamos no verla.
Una película argentina con dilemas morales. Un hombre alterna sus días entre el gimnasio -la pasión por los fierros- y dos trabajos donde lo denigran. Una noche, de regreso a su casa, en la Panamericana es testigo de una violación. Eso le hará dar un giro en su vida, ya que lo pondrá frente a la disyuntiva moral de denunciar o chantajear al victimario. Esta segunda opción le daría la oportunidad de poder hacer realidad el sueño de poner un gimnasio propio, y poder zafar de una realidad que lo agobia y avergüenza. Es posible que la vida de este hombre sea un reflejo de la de muchos que soportan el maltrato para no ser despedidos. La obsesión por cumplir todos los días con una rutina opera como una catarsis que le permite descargar la violencia, resultado de su bronca contenida. Bastaría recordar el corto animado El Empleo (Santiago Bou Grasso) para recordar la metáfora de lo que implica muchas veces depender de un salario. A esa problemática, se suma la de la violación, algo que sucede al menos 1200 veces al año en Argentina. En la ópera prima de Triviño se destacan una muy buena narración, la que a posteriori decae a favor del suspenso y una lograda actuación de Pablo Pinto. Otra digna propuesta argentina para mañana jueves. Festivales y premios Ganadora Mejor Actor y Mejor Director Novel, Festival de Cine Iberoamericano de Huelva – Astor de Plata al Mejor Actor, Festival Internacional de Cine de Mar del Plata – Abrazo du meilleur film long-métrage en el Festival Biarritz Amerique Latine, Premio del Público Festival Cine del Mar, Punta del Este 2013 – 7 premios en Guadalajara Construye en el Festival Internacional de Cine de Guadalajara – Mención Especial del Jurado en el Rencontres du Cinéma Sud-américain de Marseille – Premio de Distribución de Amazonia Films y Premio Cibervoto del Público en el Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana – Premio Balance de Bronce en Pantalla Pinamar – Festival Biarritz Amérique Latine, Francia – Raindance Film Festival UK 2012 – Mumbai Film Festival India 2012 – Braunschweig International Film Festival Alemania 2012 – Mannheim-Heidelberg International Film Festival Alemania 2012 – Festival de Cine Iberoamericano de Huelva España 2012 – Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana, Cuba 2012 – Festival Internacional de Cine de Guadalajara, Mexico 2013 – Reflets du Cinéma Ibérique et Latino-Américain, Francia 2013 – Febiofest International Film Festival Prague, República Checa 2013 – Festival International de Film de Fribourg, Suiza 2013 – Festival Internacional Cinematografico del Uruguay, Uruguay 2013 – Semaine du Cinema Hispanique de Clermont-Ferrand, Francia 2013 – Chicago Latino Film Festival, EE.UU 2013 – Haifa Film Festival, Israel 2013
El ultimo film de Marco Bellocchio se estrena la proxima semana. Es con Isabelle Huppert. Bella adormentata es el último film de Marco Bellocchio , un director cuya filmografía se destaca casi siempre por la existencia de un mecanismo dramático, que se hace presente a través de la vida de sus personajes, de los planteos psicológicos de estos, y de las situaciones siempre ambiguas en las que se debaten sus protagonistas. El caso de Eluana Englaro, -quien estuvo en estado vegetativo durante 17 años- es el eje alrededor el cual gira el film, lo que permite colocar sobre el tapete reflexiones explicitas e implícitas sobre la irresuelta problemática contemporánea de la eutanasia, la que junto al aborto, derivan sus polémicas al ámbito de lo religioso, lo político y lo judicial. Pero es fundamentalmente lo humano y por ende el amor lo que determina -en la mayoría de las veces- la toma de las decisiones directas con las personas en cuestión. Por lo menos esto es lo que nos muestra el cine. “Sólo Dios elige, no el hombre” reza la iglesia. “Eliana no se ha muerto, estaba muerta” dicen otras voces.Este caso, no obstante, nunca lo vemos en la pantalla. El mismo fue llevado a la corte en varias oportunidades generando la reacción del público y de la iglesia (Vaticano). Esto ocurrió en la realidad, desde el 1999 hasta el 2008, donde la petición del padre de desconectarla es aceptada. Sabemos que el cine ha abordado en los últimos años dicha cuestión en Millions dolar baby, de y con Clint Eastwood (E.E.U.U, 2003),en Las Invasiones Bárbaras de Denys Arcand en el 2004, o en Mar adentro de Alejandro Amenábar también del 2004. Por nombrar algunos de ellos. La propuesta de Bellocchio es el abordaje de 3 historias- poco claras en su inicio-, que como un rompecabezas se va armando en la medida que avanza el relato, las cuales nunca llegan a tocarse. Es probable que la idea sea mostrar los diferentes modos de abordar esas realidades. Una actriz (Isabelle Huppert) se inmola por una hija (Rosa) en una elección que deteriora directamente la vida de su otro hijo, y la del marido.No casualmente la protagonista de Amour de Michael Haneke (2012). Otra mujer en una situación terminal le pide a su esposo(un senador) que la ayude a morir y la desconecte. Y por último una joven mujer adicta desea terminar con su vida. Paralelamente la hija de este senador se enamora de un joven mientras reza en conjunto por mantener viva a Eluana. Todo el relato se desarrollaademás en un ambiente, donde la presencia del televisor se convierte en una de las pocas luces que iluminan los ambientes, ya sea en forma directa, o en la de sus cruces y transparenciasdel medio de comunicación masivo por excelencia. El que permitió el surgimiento de la abominación extrema, que representa la existencia de “Los grandes hermanos”. La sociedad actual vive a través de las historias de vidas ajenas a ellos mismos, como si sus propias vidas no significasen nada, frente a la de aquellos que muestran la suya sin ningún reparo ético. Planteo memorable de la genial The TrumanShow de Peter Weir (E.E.U.U, 1996). La sociedad italiana en particular acaba de mostrar ficcionalmente su deterioro en Reality ( Italia- Francia, 2012) de MatteoGarrone estrenada el jueves pasado en Buenos Aires, excelente film que ha pasado sin pena ni gloria por nuestros cines. Y Bella adormentata tiene mucho del Reality. Y mucho discurso al mismo tiempo. Y demasiado deseo de abarcarlo todo. Creo que Marco Belloccio en esta historia coral ha intentado mostrar un abanico de posibilidades sobre si la muerte digna debe o no ser legalizada, un film donde lo simbólico-cultural de alimentar al hambriento y dar de comer al sediento, conlleva esa carga moral que moviliza emocionalmente de tal modo, que impide un análisis ético como corresponde. De allí que las situaciones sean manipuladas ideológica, religiosa y políticamente. Porque en primera instancia se trata de aclarar las posibles formas en las que todos y cada uno habremos de “bien-morir”.Algunos podrán decir, que este es un acto miserable, otros dirán que es un acto de valentía, pero muchos saben que puede ser un acto de amor.
En las primeras 5 escenas del film sabemos que Ken Loach sigue siendo el mismo director, fiel a sus ideales juveniles de activista comprometido con la causa de los desheredados, y posibles perdedores de este mundo. Su filmografía ha desnudado y denunciado los aspectos probablemente más crueles de la sociedad británica, y su compromiso ideológico y social lo ha convertido en un pionero del cine social, y por ende en un realizador de culto. Loach fue un enemigo reconocido de las políticas neoliberalistas de Margaret Tatcher, las cuales profundizaron las brechas entre pobres y ricos condenando a miles de familias al hambre, y a la marginación social. Esta es la historia de un grupo de outsiders que han transgredido la ley de diferentes maneras, y a los cuales se les han asignado trabajos comunitarios como penalidad. En ese ámbito el asistente social jugará el papel de re direccionar sus realidades, dándoles otra oportunidad en sus vidas. Acá el compromiso intelectual y emotivo no pasa por un tema mediado por las convenciones o la retórica de la objetividad, sino que la misma se da por la identificación afectiva con los personajes. El camino de la cata del whisky será el recorrido elegido por el protagonista principal para crecer, modificar su conducta, e intentar ser feliz. La parte de los ángeles, – que alude a la parte mágica del proceso de evaporación del alcohol- no es de hecho uno de sus mejores films, más que el drama a los cuales nos tiene acostumbrados, esta es una comedia social, agradable, de corte neorrealista italiano, por momentos infantil, pero con esa cuota necesaria de idealismo, que es la que nos hace identificar su obra, y a sus personajes, sencillos, sin pretensiones, pero con la bonhomía necesaria para llegar hasta el final y sonreír.
Lunas cautivas es un emotivo documental de Marcia Paradiso, que se estrena este jueves. Un taller para el alma. Su estructura está basada en las historias de algunas de sus protagonistas, quienes se encuentras presas, – algunas a punto de salir-, en la Unidad 31 de Ezeiza. La escritura poética es el motor que genera el diálogo entre ellas y la persona que dicta el taller en el penal. Esto a su vez deviene en una transformación, que se va operando en cada una de ellas. Dicho cambio se produce mediante una reflexión de sus historias personales, material que sirven de base para una re significación de las mismas. Los grandes temas que se plantean desde los sujetos poéticos son la marginación, la libertad, la solidaridad con sus semejantes, la solidez de los vínculos que se construyen en el encierro, sus sueños, sus pesadillas y sus afectos del afuera. Los poemas son muchas veces como dardos, espejismos, realidades, pequeños artefactos, que suceden en ese borde filoso del lenguaje, y que hablan de las cicatrices del alma. Muchas veces poemas en bruto, que se yerguen como estatuas en un mundo que podría ser negro, pero que se ilumina con la experiencia que aporta cada uno de ellos. Una primera parte se articula desde el abordaje del funcionamiento del taller, mientras que la segunda se centra en el trabajo de tres protagonistas. En realidad como espectadora considero, que le hubiesen faltado al menos 20 minutos más, para indagar sobre otras protagonistas de esta historia colectiva, donde lo autorreferencial es una marca que da cuenta del poder liberador del arte. Un documental con una fotografía tan artística como la poesía, que juega con las fotos que sacan estas mujeres- poetas, con veladuras, transparencias, y creatividad. Lunas Cautivas es de algún modo un homenaje al trabajo poético, a la sanación que implica el acto escriturario, que en este caso se realiza con los pedazos de cada yo, que se vuelven luminosos en cada lectura. En síntesis, un muy buen trabajo! Festivales Premio Mejor Documental Nacional, 14º Festival Internacional de Cine de Derechos Humanos DerHumALC Mención Signis al Mejor Documental Nacional, DerHumALC Voto de Público al Mejor Documental Nacional, DerHumALC Mención al Tratamiento técnico y estético, 14º Festival Nacional Documental Rosario 2012 Selección Oficial MUJERES EN FOCO 2013 Premio Largometraje Nacional, LIBERCINE 2013 Premio Mejor Guión de Largometraje, LIBERCINE 2013 Mención al Aporte a la Difusión de los Derechos Humanos, LIBERCINE 2013 2°Festival Internacional de Cine y Derechos Humanos de Uruguay “Tenemos Que Ver”, 2013PREMIO DEL PÚBLICO de Tevé Ciudad, Televisión Pública de la Ciudad de Montevideo MENCION ESPECIAL del JURADO de “Tenemos que ver” “por lograr un relato cálido y sin efectivismo de la vida de las personas privadas de la libertad ,que a través de la poesía, encuentran un lugar donde proyectar una nueva oportunidad. Notas de producción Notas de producción El documental propone aportar una mirada comprensiva, humanizante y transformadora de la realidad en la que viven las mujeres poetas, privadas de su libertad. A su vez, plantea un debate sobre la naturaleza de lo delictivo y una reflexión sobre el sentido del sistema penitenciario. Lunas Cautivas es una mirada intimista dentro del mundo femenino en prisión desde un enfoque observacional. La propuesta del documental, que convierta en poético a un espacio carcelario, configura en sí un desafío al sentido común y una construcción discursiva cuestionadora. La revalorización de la palabra y la mirada de las mujeres presas permitieron construir un relato que recupera la dignidad de sus historias y la defensa de sus derechos. El taller de Poesía es dictado por María Medrano y Claudia Prado. El taller de Fotografía Estenopeica por Alejandra Marín y Guadalupe Faraj, ambas actividades artísticas promovidas por la Asociación Civil Social y Cultural YO NO FUI. Biofilmografía de la directora Documentalista, investigadora, guionista, productora y docente. Es Licenciada en Comunicación Social por la Universidad Nacional de Lomas de Zamora (1996) y graduada en Realización Cinematográfica por el Instituto de Arte Cinematográfica de Avellaneda (1984). Ejerció la docencia en seminarios de investigación en Comunicación en la Universidad Nacional de Lomas de Zamora, en el IDAC, en el Instituto Cineargento y en el Movimiento de Documentalistas. Se especializó en cine documental etnográfico y social. Coordinó el Centro de Producción del IDAC y dictó las cátedras de “Comunicación audiovisual” y “Metodología de la investigación documental” en el IDAC. Cursó seminarios de especialización en “Cine documental” junto a Jorge Prelorán , al realizador brasileño Eduardo Coutinho, a los documentalistas cubanos Rolando Almirante y Jorge Fuertes y a la documentalista Juana Sapire, entre otros. Trabajó en programas educativos para televisión abierta (Canal 7), trabajó en la producción de los documentales sobre temática de Derechos Humanos para la UBA y la Secretaría de Derechos Humanos de Avellaneda. Asimismo realizó documentales sobre problemática de género, con el auspicio de UNICEF para el área Adolescencia (guión, investigación y dirección). FILMOGRAFÍA Entre sus videos documentales se destacan los mediometrajes documentales «LATIDOS” (2002), «EL CAMINO DE LOS ABUELOS» (1996), «INDIOS EN BUENOS AIRES» (1992), «DAMIANA VEGA» (1982), entre otros. Ha recibido premios y menciones por sus documentales, como en el FESTIVAL INTERNACIONAL TRES CONTINENTES DEL DOCUMENTAL, “a la concientización en Derechos Humanos” por «LATIDOS»; Primer Premio Nacional de Cine Documental, Cipoletti, por «DAMIANA VEGA»; Primer Premio Nacional del Certamen «América y su cultura», Mercedes, por «INDIOS EN BUENOS AIRES», entre otros. Actualmente ha iniciado un nuevo proyecto documental, “Aguas Abiertas”, que cuenta con el apoyo del INCAA y de la CONADIS.
Sabemos que el cine consiste en lograr el movimiento a partir de la fotografía. En en la animación son dibujos en movimiento. Los primeros dibujos animados –filmados- fueron Humorous Phases of Funny faces (1906) de Stewart Blackton y Fhantasmagorie (1908) del francés Emile Cohl. Sin embargo fue Disney quien alcanzó una dimensión notable en el diseño. Es en 1974, que se entrega por primera vez un Oscar a un film de animación a Closed Mondays de Will Vinton y Bob Gardiner – realizado en plastilina- en 1974. Pero es Tim Burton en 1993 con A nightimare Before Chrismas, quien propone una concepción totalmente novedosa del tratamiento del genero, con su largometraje de muñecos, el cual recibe distribución mundial, que no es poca cosa. Con la llegada de la computación, y su posibilidad de generar y manipular imágenes, el panorama gráfico se amplía enormemente. A partir del 3D sus posibilidades aumentan considerablemente. Aunque estas herramientas se transforman en poderosas solo en las manos de un artista creativo, ya que en las mismas es imposible separar la forma del contenido, por lo tanto se encuentra muy condicionada por el diseño de su imagen. Por lo que en realizador debe pensar primero en términos gráficos. Al mismo tiempo la animación no se reduce a la gráfica y al diseño, sino que es un medio donde predomina la acción, es el arte del movimiento y de la utilización de las técnicas narrativas del arte cinematográfico, y del sentido del timing, ya que el hombre vive en un mundo de cuatro dimensiones. Tres de ellas pueden medirse en un film, pero la cuarta solo puede hacerse con un reloj. Juan José Campanella en Metegol aborda con una creatividad y emocionalidad –desbordante- una temática que habla del amor, de la amistad y de la solidaridad, y lo hace desde el eje de una pasión de multitudes, aquella que genera el deporte más popular del mundo: el Fútbol. Una realidad que involucra a personas de todas las edades, de todos los estratos sociales, y de todos los géneros. Un sentimiento poblado de luces y sombras. Una fiesta salpicada por la violencia y en muchas oportunidades por la tragedia. Lo que se inició siendo un deporte con características de espectáculo,- como el cine- con el pasar del tiempo ha dado lugar a una locura desenfrenada, con lo que implica está en todo su alcance. Las festividades -de cualquier tipo- son formas intrínsecas de los seres humanos. En consecuencia no hace falta explicarlas, ya que forman parte de las necesidades biológicas- fisiológicas de un descanso primario. Estas expresan una concepción del mundo y un contenido esencial y profundo, ya que provienen del mundo de los ideales. Sin esto, es imposible el surgimiento del clima de fiesta. Campanella recupera ese sentimiento colectivo, -ese clima de fiesta ininterrumpida- que hace que los individuos establezcan relaciones verdaderamente humanas con sus semejantes, y lo hace con un doble juego, ya que en este caso cobran vida los jugadores de un metegol, los cuales resurgen de los escombros de un pueblo fonteojeunaeano destruido por la maldad de un niño – que no supo perder- y que regresa convertido en hombre para destruir a su adversario, y a todos los que lo rodean, raptando luego a su amada convirtiéndola en su prisionera. Con un tema musical de western comienza este relato donde Amadeo, nuestro héroe épico, logrará por medio de su amor y de su pasión por el metegol, -e implícitamente por el fútbol- darle pelea en un partido con los únicos habitantes posibles, desde el cura del pueblo, pasando por un mendigo, un comisario… sumados a los jugadores- enanos, que se esconden en el pasto-, los que cobraran vida mediante una lágrima suya y le alentarán y ayudarán en parte del partido, para finalmente golear al equipo del malvado con el sólo alimento de la pasión y de su amor por el pueblo, que yace en sus corazones, y que luego es una fuerza que se transmite a sus cuerpos. Esa venganza da lugar al surgimiento de un auténtico humanismo. Ese clima de fiesta se transmite al espectador que se ríe gran parte del tiempo con sus metáforas, analogías, y los modos de comunicarse, que sin duda se relaciona con nuestro modo de vida en todos sus aspectos. Esa tradición oral, que es una herencia de representación popular y masiva se hace presente sobre todo en estos pequeños jugadores que cobran vida para provocar la risa. ¿Qué se puede decir de cómo lo hace? El western es un género cinematográfico genuinamente norteamericano, que ha tenido sin duda en la historia de cine de ese país una trascendencia vital y de hecho una narrativa eminentemente épica. Todos sus grandes actores de Hollywood han protagonizado algún western en especial John Wayne, Burt Lancaster, James Stewart por nombrar algunos. También es cierto que este género se identifica con directores célebres como John Ford, Raoul Walsh, King Vidor. Y mucho más acá Bailando con lobos (1990) de y con Kevin Costner, quien revitalizó el género siendo además ganadora de 7 Oscars. Lo mismo ocurre con la literatura, y ni que hablar del ámbito de la música. Considero que hay films, que se recuerdan fundamentalmente por ella. Como Río Bravo o Duelo al sol con música de Dimitri Tiomkin o La conquista del oeste (Alfred Newman). ¿Quién no ha visto El bueno, el feo y el malo de Sergio Leone con música de Ennio Morricone?. Campanella elige para acompañar los registros auténticamente populares y futboleros de los jugadores metegoleadores, si se los puede llamar así, una mezcla de Calle 13 – canción emblemática del film- con la que hizo el compositor argentino Emilio Kauderer, habitual colaborador de Campanella. Además del gusto personal que le provocó a René cuando recibió la propuesta, tuvo mucho que ver la muy buena relación que trazó con Campanella cuando éste le dirigió su último video, “La vuelta al mundo”. Coproducido con España e inspirado en un cuento de nuestro querido Fontanarrosa. “Memorias de un wing derecho”, que en 1996 Gastón Gorali -a quien Campanella reconoce como el generador del proyecto- compra los derechos del cuento, y ese mismo año se lo muestra a Campanella. Y este se entusiasma con la misma y claramente no la abandona hasta hacerla realidad. Sabemos que Campanella ha ganado un Oscar por el Secreto de sus ojos, premio con el cual se transformó en un director respetado y requerido a nivel internacional. Ya que nacionalmente ya lo era como realizador de una filmografía que cumple con los requisitos de entretener, emocionar, y hacer las cosas como la gente pensando primero que nada en el espectador, que sin duda se lo agradecieron y se lo agradecerán.. Alejado de las discusiones inútiles – intelectualoides- entre cine de autor?, y cine popular y masivo, Campanella se ocupa de hacer un producto SI, SI, SI pensando en llegar a la mayor cantidad de espectadores y justificando por ende el dinero invertido, recaudando ese vil papel que hace posible este tipo de producciones permitiendo posicionar a la animación nacional, a la altura de los “tanques animados” como Pixar de Disney y Dreamworks de Spielberg. Se supone que estamos hablando en el mejor de los sentidos. La animación fue supervisada por Sergio Pablos (Mi Villano Favorito, Rio) mientras que la producción en Argentina estuvo a cargo de Jempsa, de Jorge Estrada Mora y Plural-Jempsa y Antena 3 Films en España. Los productores ejecutivos fueron 100 Bares Producciones, de Juan José Campanella y Catmandu Entertainment de Gastón Gorali, con la producción de Jempsa de Jorge Estrada Mora y Plural Jempsa, y la participación de Canal+, Antena 3, La Sexta, SGR y Telefé. Su referencia más cercana en términos de su filmografía fue la mítica escena en el estadio de fútbol de El Secreto de sus ojos, dónde sólo había 4 jugadores reales y el resto animados. Axel Kuschevatzky y Ernesto Sacheri fueron dos de los guionistas, que ya forman parte del equipo del director. Sacheri fue el autor de la novela original en la que se basó el guión adaptado -que también hizo el mismo Sacheri- de la multipremiada El secreto de sus ojos y Axel fue productor de la misma. Cada una de las voces de los personajes protagonistas a pesar de tener nombres relacionados con nuestro medio fue elegida por casting. “El loco” lleva la voz de Horacio Fontova; “Capi” la de Pablo Rago y Beto la de Fabián Gianola. Entre otros famosos como Diego Ramos y Miguel Ángel Rodríguez. Y Amadeo, nuestro héroe, fue convertido en realidad sonora por David Masajnik. Metegol es una película de animación 3D para toda la familia, para todos los públicos, y para engrosar la lista de lo mejor del Cine Argentino del 2013.
Todo al servicio del cine alrededor de una gran historia de amor imposible. Una de las experiencias más gratificantes. ¿Por qué? Porque lo tiene todo. Comienzo blanco y negro, como un film de Flaherty: un explorador ha perdido su corazón en medio de la selva, no obstante el fantasma de una mujer lo visita cada tanto, mientras la compañía de un cocodrilo mitiga su soledad. Primera parte: Paraíso perdido. Una buena mujer que vive sola en un edificio tiene enfrente de su departamento a una anciana muy bella que vive con una mucama negra. Poco a poco ésta se convierte en el único interlocutor válido de su vecina, quien pierde por obedecer a un sueño, el dinero que una hija ausente le envía todos los meses. El humor atraviesa sutilmente esta primera parte, hasta que la anciana se enferma y por medio de una carta le comunica a su vecina que vaya a buscar a un hombre. Segunda Parte: Paraíso. Con una voz en off un hombre va a revivir su pasado, y con él una gran historia de amor imposible. Relato que cerrará el comienzo y la primera parte, donde sobran aventuras, amor, pasión, intrigas, creatividad por todas partes, pero colocada en el justo tiempo y lugar. Relatos, relatos, como cuentos, como fábulas, cocodrilos, música, todo al servicio del cine alrededor finalmente, de una gran historia de amor imposible. Unite al grupo Leedor de Facebook y compartí noticias, convocatorias y actividades: http://www.facebook.com/groups/25383535162/ Seguinos en twitter: @sitioLeedor Publicado en Leedor el 17-04-2012
Presentada en la Semaine de la Critique en Cannes 2012, este film es una historia de amor, con un argumento bastante convencional, aunque con una serie de marcas que hacen posible otras lecturas paralelas. Su director, a la vez actor en el mismo, incursiona en este su primer largo, luego de haber trabajado en El padre de mis hijos, 2009 y en L` apollonide (2011) presentada en la Competencia Oficial del Festival de Mar del Plata. Además de sus interpretaciones para Jean- Luc Godard, Olivier Assayas, Michael Haneke y Benoit Jacquot entre otros. Los protagonistas principales del relato son Ada y Paul. Ella trabaja en la editorial donde él publica sus libros, y él es un escritor separado con una hija adolescente, que es a su vez la niñera de la hija de cuatro años de Ada .La atracción entre ambos luego de una pequeña caída cómica es instantánea. Ella vive con en el padre de su hija en una relación armónica y estable, además están a punto de casarse. No obstante, la relación se arma luego del primer encuentro entre ambos y nada detiene su curso. Tanto es así, que ésta se desarrolla al margen de situaciones límites, que viven ambos. La sinceridad alcanza por momentos una sensación de irreprimible naturalidad, de cierta actitud de desenfado y ausencia de culpa, propia de las inevitables pulsiones. Ada claramente ama a dos hombres. Paul , paralelamente, va a vivir la muerte de su padre, esto a su vez muestra la intimidad de una familia donde existe una madre un poco entrometida, formal, y la vez graciosa y tierna, un hermano y la hija de Paul. A medida que la boda se acerca, Ada descubre que está embarazada y comienza por contarle la verdad a Paul y luego al padre de su hija. Creo que lo más interesante en este film se da a partir de la solidez en la construcción de los personajes, no sólo los principales, sino los secundarios: no vemos sólo la muerte de un padre, sino que estamos frente al complejo y también natural comportamiento de una familia, que sufre, ríe y de una madre que pierde por un momento la razón a partir de este suceso. Hay muchos guiños que hacen de Au galop algo más que el desarrollo de esta relación amorosa: La abuela que sigue los rituales de una clase y que no es consciente de la realidad y de la dimensión de la pérdida. Una hija que esta comenzando a hacer su vida y desea creer en el amor. Un novio que pierde la razón, en el mismo hospital que Paul estuvo internado por una depresión a los 19 años, y en el mismo en que muere su padre. Realidades del pasado vivido en sueños, secretos, que se han ocultado durante años y una pareja que va más allá de sus dramas íntimos contra viento y marea, un hombre que reconoce “que no hay edad para crecer” porque siente por primera vez esa sensación, y un film abierto con la intuición de un cierre basado en la certeza de los sentimientos. Valentina Cervi en una de sus mejores actuaciones, por la naturalidad con que se entrega en cada escena. Donde este amor viene a modificar el curso de su vida, dándole de pronto una sacudida y modificando lo que se cree perfecto, o que funciona como si lo fuese, o quizá lo sea, porque la alternativa de otro a quien amar, todavía no irrumpe en nuestras vidas. Es probable que lo que llamamos amor, sea a primera vista una gran atracción donde las pulsiones hace que una pareja se entregue, sin importarle el contexto, lo cual no necesariamente, carece de autenticidad . El amor implica deseo, cariño, y sobre todo aceptación del otro tal cual es. Y para eso se requiere de tiempo. A pesar de ciertos lugares comunes- como que la hija de Paul sea justo la niñera se Ana, y de algunos desaciertos narrativos. Tanto las actuaciones, como la dirección de este primer film de Louis- Do Lencquesaing hacen de Au galop un trabajo que nos retrotrae en algunos momentos a cierta estética de la Nouvelle Vague, además de ser una historia valiente, en cierto modo sin concesiones.
Jane Fonda y Geraldine Chaplin untas, en este homenaje a la amistad y a la vejez, segundo film del francés Stéphane Robelin que se estrena este jueves próximo. Después de varios años de su primer largo (Real movie, 2004) Stéphane Robelin realiza esa comedia dramática, cuyo tema es la decisión de un grupo de ancianos de vivir todos juntos con el propósito de cuidarse, para mitigar con esa unión, la decadencia física y el deterioro mental propio del inexorable paso del tiempo. Y así poder escapar de las instituciones a las que arriban y permanecen hasta su muerte. Considero bastante común en un grupo de amigos de toda la vida escuchar la expresión de este tipo de deseo. Lo que no es usual es llevarlo a cabo, hacerlo realidad. Para esto Stéphane Robelin eligió a Guy Bedos, Daniel Brühl, Geraldine Chaplin, Claude Rich , Pierre Richard y a Jane Fonda. Nuestro El hijo de la novia de Juan José Campanella. Argentina, 2001. La vida empieza hoy de Laura Mañá España, 2010. Lejos de ella de Sarah Polley, 2009. El amor de Robert, EE.UU, 2011, Las chicas de la banda de Geofrey Enthoven Bélgica 2012 y Nunca es tarde para amar. Alemania, 2009. Este último un film muy valiente y con escenas muy explícitas, sobre la sexualidad en la tercera edad. Son algunos de los films, que se han dedicado a tratar estos temas desde distintas perspectivas. Imposible no citar a Amour de Michael Haneke, Francia, Alemania Austria, 2012, reciente merecedora del Oscar como Mejor película extranjera. En este caso estamos hablando de una clase media alta con ganas todavía de disfrutar de los placeres de la vida. Una comedia que puede por momentos devenir tan trágica como cómica y donde el humor aparece en la cotidianeidad, en escenas más bien sutiles. Y lo que podría resultar dramático es vencido por la fortaleza de sus vínculos afectivos. A esta aventura se suma un personaje importante dentro de la trama. Un estudiante de etnología, que comienza como cuidador del perro de uno de ellos. Trabaja en una tesis sobre el comportamiento de las personas en la tercera edad, y a medida que la relación avanza se va a vivir con ellos y estos pasan a ser su objeto de estudio. Es importante en tanto aporta su sensibilidad para escuchar las historias personales y participar activamente en muchas de ellas. Mientras registra con su cámara la cotidianeidad de estos cinco amigos. La idea de su director es desmitificar la vejez, sobre todo en la actualidad, cuando el avance de la ciencia repercute sobre la extensión de la edad en las personas. Acá el miedo a envejecer, la proximidad con la muerte, la sexualidad y la soledad son revisadas desde estos cinco amigos. Excelentes actuaciones, y sutilidad emocional forman parte del film. A lo que se agrega un juego de imágenes que se contraponen: las que toma el soltero del grupo cuando se relaciona sexualmente con mujeres jóvenes a las cuales se les debe pagar. Y las fotos que toma en un hogar de ancianos el joven etnólogo en los días que el hijo de este mismo personaje lo ha recluido allí por un problema cardíaco. Esta serie sin lugar a dudas real- que además es posible haya sido obtenida de la realidad- resulta un exceso, en cierto modo un regodeo, que podría haber logrado el efecto deseado, con el veinte por ciento de las imágenes que se muestran. No obstante el film es agradable. Todo un homenaje a la amistad y a la vejez. Acerca del director Stéphane Robelin empezó a trabajar en cine en la década de los noventa como guionista y director de cortometrajes. Posteriormente realizó varios documentales, sobre todo para la cadena nacional francesa France 2. Su primer largometraje fue Real Movie (2004), estrenado en el Festival de Cine Underground de Danshanzi, en Pekín. “¿Y SI VIVIMOS JUNTOS?” es su segunda película.
Toda una sorpresa esta ópera prima de Gonzalo Tobal. Formó parte de la seleccion del Festival de Cannes el año pasado. Perdidos en los sueños En los primeros segundos del film, toda la pantalla aparece ocupada por un partido de fútbol, el deporte más masivo del mundo. De los once jugadores, sólo el arquero es el portero del arco, el único que puede tomar la pelota con la mano. También está lo que se mueve detrás del fútbol, saber, poder, inteligencia, reglas – la lógica del deber ser- pero sobre todas las cosas: la pasión. De alguna manera esta imagen inicial -que se ve interrumpida por una llamada telefónica- nos muestra que uno de los protagonistas acaba de escuchar algo que inmediatamente percibimos como una mala noticia: su primo le comunica que ha muerto el abuelo de ambos. Esto que comienza como una “road movie” de Buenos Aires a General Villegas será un encuentro entre dos hombres de 30 años que poseen dos formas antagónicas de percibir el mundo y por lo tanto de moverse en él de acuerdo a su propias reglas. Uno es una especie de yuppie, que da cuenta por su discurso, que posee una vida armada, -lo que se supone suelen esperar algunos padres- trabajo fijo, casa, auto, y una novia con la que espera casarse. El otro, un músico bohemio e impulsivo, que pasa de una banda a otra y que se mueve a todas partes con su guitarra, como su compañera de ruta, lo cual le aporta por momentos una dosis extra de ternura, sobre todo si pensamos el carácter del viaje. Durante el trayecto comparten recuerdos, anécdotas, en las que a veces no coinciden y en el camino terminan durmiendo en la ruta. Las tensiones se profundizan, a la vez que surgen inevitablemente experiencias de vida que le producen a ambos intensas reflexiones sobre su existencia, las cuales ahondaran en su pueblo natal, lo cual no garantiza modificaciones. Dos grandes actuaciones, sólo tres días, un velorio, un entierro y la familia de ambos. Villegas es también otro personaje, – no solo un punto de inflexión existencial- sino que su director se ocupa de mostrarnos esa otra realidad, que es parte del campo argentino, sus necesidades y sus logros. Pero todo esto aparece en función de la recuperación de la intimidad de estos primos, aunque se hable tambien que el General Villegas fue el último exterminador de la campaña de Roca. Es posible que la escena de ambos saltando y cantando – una canción compuesta por Esteban Vigliardi- en el silo de maíz configure un resumen sobrio y tierno de ese reencuentro desde una pasión compartida como es la música. Un muy buen film con una sutil pero siempre presente sensibilidad, primer largo del cortometrajista Gonzalo Tobal. Dos actores que vienen empujando con mucha fuerza en la cinematografía argentina como son Esteban Bigliardi (Un mundo misterioso, 2011) y Esteban Lamothe (El estudiante, 2011. Entre todos los rubros sobresalen la fotografía de Lucas Gainor y la excelente música de Nacho Rodriguez Baiguera. Dos personalidades opuestas, la lógica del deber ser y la pasión a toda costa. Un clima más que logrado en este breve e intenso regreso al pasado, que nos deja pensando en la imprevisible incertidumbre del futuro que cada uno de ellos tiene, como portero del arco de su vida. Sobre presentaciones y Premios obtenidos: BAFICI – Competencia Nacional – Argentina – Premio ACCA – Mención FEISAL Festival de Cannes – Selección Oficial – Francia Filmfest Munich- Spotlight – Alemania Cine del Mar Film Festival – Selección Oficial – Uruguay – Premio Mejor Película Haifa IFF- Selección Oficial – Israel BFI London FF – Sección Love – UK Warsaw IFF – Sección Discoveries – Polonia Sao Paulo IFF – Competencia New Filmmakers – Brasil Viennale IFF – Selección Oficial – Austria Thessaloniki IFF – Sección Open Horizons – Grecia Cali IFF – Selección Oficial – Colombia Gijón IFF – Competencia Rellumes – España Goa IFF – Cinema of the World – India La Havana IFF – Competencia Operas Primas – Cuba Sobre su Director: Gonzalo Tobal nació en Argentina en 1981. Escribió y dirigió los cortometrajes Cerrar la Tapa, Álbum Familiar en cuatro entregas, Ahora todos parecen contentos y Cynthia tiene las llaves, con los que participó en gran cantidad de festivales nacionales e internacionales. Con Ahora todos parecen contentos obtuvo el Primer Premio de la Cinéfondation del Festival de Cannes 2007. Cynthia todavía tiene las llaves se presentó en la Semana de la Crítica de Cannes 2010. Su primer largometraje, Villegas, se estrenó en la Selección Oficial del Festival de Cannes 2012.