Corría el año 1879 y Francisco P. Moreno se encontraba explorando la Patagonia. Sin embargo, el recrudecimiento de la conocida Campaña del Desierto de Julio Argentino Roca hizo que Moreno fuera tomado prisionero por los mapuches que habitaban dicho lugar. El explorador logra escapar y allí es donde comienza “Fuga de la Patagonia”, película dirigida por Francisco D’Eufemia y Javier Zevallos, que se encuentra dentro de la Competencia Argentina del 31º Festival Internacional de Cine de Mar del Plata. El argumento del film, que se centra en la fuga de Moreno y en la persecución de su ahijado mapuche, Francisco Sayhueque, que es enviado a cazarlo, cobra una importancia especial, ya que está basado en hechos reales obtenidos a partir de los diarios del explorador. Esto le da un sustento particular a la historia, agregándole valor. Otro de los puntos a destacar de “Fuga de la Patagonia” es la belleza e inmensidad de sus paisajes. Sin embargo, esto puede considerarse también un arma de doble filo, ya que por momentos cobra más fuerza que la propia historia. Con planos más largos y centrados únicamente en el río, en las montañas o los bosques, la película genera un impacto visual muy importante. Esto genera, a su vez, que por momentos la historia pierda un poco el ritmo y se vuelva más lenta: muchas imágenes de paisajes y pocos diálogos. Pero también hay que resaltar que cuando uno comienza a sentir esta lentitud ocurre alguna situación que nos trae nuevamente a la historia, desde el lado de la acción y la tensión, provocando que la trama avance sin inconvenientes. “Fuga de la Patagonia” resulta ser un film muy argentino y popular, que retrata una época fuerte y compleja del país, desde una mirada realista y humana. Si bien por momentos la película se vuelve más lenta, donde la trama se estanca y el paisaje toma un lugar más preponderante, la historia real detrás, las actuaciones de los actores (sobre todo del protagonista, interpretado por Pablo Ragoni), y el desarrollo del argumento en general ayudan a que el film tenga un buen resultado. “Fuga de la Patagonia” forma parte de la Competencia Argentina del 31º Festival Internacional de Cine de Mar del Plata. Puntaje: 3,5/5
Dentro de la sección panorama y dos semanas antes de que se estrene en nuestro país, en el 31º Festival de Cine de Mar del Plata se proyectó “Captain Fantastic”, película dirigida por Matt Ross y protagonizada por Viggo Mortensen. El film se centra en Ben y sus seis hijos, quienes llevan viviendo diez años en los remotos bosques ubicados al noroeste del Pacífico. Por circunstancias de la vida, deberán abandonar esa vida salvaje y fuera del sistema, para volver a la civilización. “Captain Fantastic” aborda la adaptación a la vida moderna de una familia que se encuentra aislada, con sus ventajas y desventajas, mostrando otra manera de vivir mucho más conectada con la naturaleza. El guión inteligente es uno de los puntos a destacar, proporcionándonos las palabras justas en el momento indicado y el cual nos señala que no hay nada librado al azar. Hay que recalcar también la gran labor de todo el elenco, desde Viggo Mortensen hasta los más pequeños (Shreee Crooks o Charlie Shotwell) que tuvieron que aprenderse de memoria textos cuyas palabras seguramente no saben qué significan. Incluso el guión es el que va generando los distintos climas. El drama y la comedia se van entremezclando poco a poco, brindándole una gran experiencia al espectador, que se va a reír y emocionar constantemente. Si bien es una película fuerte y emotiva, que critica la forma de vida moderna, en ningún momento usa o abusa de los golpes bajos, sino todo lo contrario, tratan de utilizar las situaciones más duras y difíciles para el ser humano, para contar una historia sobre la adaptación, sobre el enfrentarse a las problemáticas y sobre el seguir adelante pase lo que pase. “Captain Fantastic” es una propuesta muy inteligente y audaz por parte de Matt Ross que nos presenta una crítica a la modernidad y a la forma de vida actual, de una manera amena, divertida y emotiva al mismo tiempo. Con grandes actuaciones por parte del elenco y un guión perfecto, el film se destaca como una de las mejores películas del festival. Puntaje: 4,5/5
El cine de género no es algo tan explotado en nuestro país, pero podemos ver que cada vez más se hacen películas de este estilo. Ejemplo de ello es “Ataúd Blanco”, dirigida por Daniel de la Vega y protagonizada por Julieta Cardinali, Eleonora Wexler, Rafael Ferro, entre otros, que se estrena hoy. Allí Virginia (Cardinali) hará lo imposible para rescatar a su pequeña hija que fue secuestrada en un pueblo aislado y deberá elegir entre la vida y la muerte para intentar salvarla. En el camino, tendrá que enfrentarse con distintas personas que buscarán cumplir el mismo objetivo que ella y con ciertas misiones que la harán pensar que hay cosas peores que la muerte. Como dijimos, es difícil hacer cine de género en nuestro país, y más aún de terror. Será porque no tenemos un largo historial en este sentido o porque los presupuestos que se pueden llegar a obtener no son los mismos que nos imaginamos que tienen por ejemplo en Estados Unidos para hacer una película de terror con todos los efectos que conlleva. Sin embargo, con “Ataúd Blanco” nos encontramos frente a una muy buena película de género. No solo la historia es algo original y espeluznante, sino que los efectos visuales están muy bien armados y utilizados. Incluso hay que destacar el clima que genera la película, filmada íntegramente de día. En general, las películas de terror son más oscuras, suceden de noche, donde se crea un clima propicio para el miedo, la tensión, los sobresaltos. Pero es difícil poder generar estas sensaciones en un ambiente diurno, y “Ataúd Blanco” lo logra a la perfección. Lo mismo ocurre con la locación. La película fue filmada en San Andrés de Giles, con escenarios aislados y desiertos, que aportan una calidad especial al argumento. De esta manera, el espectador transitará por distintas emociones, como el miedo, la tensión, la sorpresa, el impacto, manteniéndose al filo del asiento en todo momento para ver cómo se suceden las distintas escenas y cómo será la resolución final. Mención aparte para las actuaciones de Julieta Cardinali y Eleonora Wexler, quienes encarnan a dos madres distintas, pero capaces de realizar cualquier acción para poder salvar a su hija. En síntesis, “Ataúd Blanco” es una muy buena propuesta de cine de género realizada en nuestro país, con buenas actuaciones, efectos muy logrados y una historia que impactará en el público. Con los climas propicios de una película de terror, la cinta de Daniel de la Vega cumple a la perfección con los objetivos de este género. Puntaje: 4/5
El 15 de enero de 2009 el Airbus A320-214 salió del aeropuerto de La Guardia en Nueva York con rumbo al aeropuerto internacional de Charlotte Douglas. Sin embargo, unas aves chocaron contra los motores, dejándolos inactivos y provocando un aterrizaje forzoso sobre el río Hudson. El encargado de la hazaña fue el Capitán Chelsey Sullenberger, más conocido como Sully, quien logró mantener a 155 tripulantes a salvo. Pero la pregunta que le siguió al salvataje fue ¿estuvo correcto el piloto en tomar la decisión que tomó? Clint Eastwood decidió adaptar esta historia a la pantalla grande, mostrando no sólo lo ocurrido, sino también el posterior interrogatorio por el que tuvieron que pasar el Capitán (interpretado por Tom Hanks) y el primer oficial (encarnado por Aaron Eckhart), de una manera particular. Con un orden no cronológico, ambas historias se interrelacionan de una muy buena forma, reconstruyendo el aterrizaje forzoso por el que tuvieron que pasar estos individuos. Este orden no cronológico del relato de los hechos provoca un muy buen ritmo en el film, ya que el espectador irá reconstruyendo poco a poco el momento del accidente, de la investigación, como así también la historia de vida de Sully en relación con su entrenamiento, de una manera amena y fluida. El argumento es muy interesante, ya que está basado en hechos reales y, si bien el suceso en sí duró 208 segundos, la historia resulta de un impacto tal que el espectador quedará sorprendido y emocionado a lo largo de todo el film. Se deben destacar también las actuaciones de Tom Hanks como protagonista y Aaron Eckhart como actor de reparto, con una caracterización muy parecida a los personajes de la vida real, como también la credibilidad que le otorgan a sus papeles. En síntesis, “Sully” es un film que cautivará al espectador por su historia basada en hechos reales y las grandes actuaciones del elenco. El relato provoca emoción y esperanza en momentos donde todo podría parecer perdido. Clint Eastwood lo hizo de nuevo. Puntaje: 4.5/5
En su primer largometraje, Sebastián Perillo presenta al personaje de Martín (Esteban Lamothe), quien recién se acaba de separar de su mujer y que se muda a uno de los departamentos de los cuales su jefe es el propietario. En lo que parecía ser un día más de trabajo, y por equivocación, Martín va a encontrar un video pornográfico y va a comenzar a obsesionarse con la mujer que lo protagoniza (Jazmín Stuart). Sin embargo, será después cuando se entere que esa mujer es la esposa de su jefe. “Amateur” es una película íntegramente de género, que busca abordar ciertas temáticas al límite de lo permitido, todo con un dejo de locura, elemento que caracteriza a cada uno de los personajes. Este thriller va desentramando poco a poco las historias de los personajes, con algunos giros interesantes y otros que generan algún que otro bache dentro del guión. Es decir, que existen ciertas escenas que pueden descolocar un poco al espectador, ya que carecen de profundización o abren otra subtrama que no conocíamos y que cambia el transcurso de la historia, pero sin terminar de explicarla posteriormente. El ritmo de la película es dinámico y tensionante, manteniendo en vilo al espectador en todo momento, el cual querrá saber qué es lo que va a ocurrir próximamente, sobre todo porque el film presenta varios giros inesperados. La música es otro de los elementos a destacar dentro de “Amateur”, la cual brinda los climas propicios para cada una de las escenas. En síntesis, “Amateur” proclama una historia interesante y plagada de giros que hacen que la trama avance y se modifique con el correr del desarrollo, pero que presenta algunas inconsistencias dentro del relato que hacen que se vuelva un poco confuso por momentos. “Amateur” forma parte de la Competencia Nacional en el 31° Festival Internacional de Cine de Mar del Plata. Puntaje: 3/5
“La larga noche de Francisco Sanctis”, película argentina elegida para la sección “Un Certain Regard” del Festival de Cannes y que se estrenó en el marco del BAFICI, cuenta la historia de un hombre con una vida normal, que trabaja en un mayorista de alimentos esperando un ascenso que nunca llega, casado y con dos hijos. Pero todo va a cambiar cuando recibe el inesperado y urgente llamado de una compañera de facultad. Al encontrarse, ella le proporciona los nombres de dos personas a las que “los van a ir a buscar” y a partir de entonces, la noche de Francisco Sanctis efectivamente va a ser larga. Lo más interesante de la ópera prima de Andrea Testa y Francisco Márquez, una adaptación de la novela homónima de Humberto Costantini, es la arista que eligieron para retratar otra historia de la dictadura. Cada vez que se nos presenta esta temática tan importante para el país y tan tratada en el cine nacional nos preguntamos qué más se puede contar. Y esta historia tan intimista y sutil nos lleva por el camino de pensar que todavía quedan más aspectos por abordar. Conocemos el contexto del argumento de una manera muy sutil, casi imperceptible, porque en ningún momento tenemos años (aunque hay un gran trabajo de ambientación), ni elementos que nos identifiquen con la dictadura(militares, secuestros, torturas). Es por eso que la construcción es mucho más valiosa, porque la sola actuación impecable de Diego Velázquez nos transmite los climas que necesitamos: el miedo y la persecución de la época. Asimismo, a esto se le agrega la carencia de una gran cantidad de diálogos, por lo que Velázquez se vale de sus gestos para trasmitir diversas sensaciones; el hecho de tener que decidir si continuar su vida como hasta entonces, no involucrarse para no obtener ciertas consecuencias, o hacer algo, por lo más mínimo que sea. En síntesis, podemos decir que “La larga noche de Francisco Sanctis” es una de esas películas en que se demuestra que menos es más, que sin mostrar actos explícitos se transmite de igual manera o incluso el mensaje llega de una forma más pronunciada, porque es el espectador el que termina completando la idea y la imaginación siempre es mucho más fuerte que cualquier palabra. Puntaje: 4/5
Leo J. es el protagonista de “Campaña Antiargentina”, un famoso músico y actor, que lo único que le importa es su propia persona, ni siquiera se preocupa tanto por su asistente/novia, ni por el resto de la gente que lo rodea. Pero todo comienza a cambiar cuando Leo recibe como herencia una casa familiar. Al refaccionar la vivienda que estaba venida a menos, Leo descubre que su padre y generaciones anteriores estuvieron investigando a una conspiración “antiargentina” llevada a cabo por la misteriosa Legión Cisneros. Esta legión estaría implicada en alguna serie de actos contra la patria, principalmente, se encontrarían detrás de la muerte repentina de Carlos Gardel, y de otras personalidades. Es así como Leo se verá inmerso en esta investigación que cambiará su personalidad y su forma de ver las cosas. “Campaña Antiargentina” es una película que presenta un humor un tanto particular, que no sé si logrará convencer a todos los espectadores. Quienes estén dispuestos a enfrentarse ante una historia bizarra y delirante encontrarán en este film una muy buena propuesta. Al principio del film la historia se torna un poco confusa hasta que se acomoda y se terminan de presentar todos los elementos que la componen y se logra entender sobre qué va la trama. Juan Gil Navarro se encuentra muy bien en su papel, encarnando al protagonista Leo J, y muestra de una manera apropiada la transformación de su personaje. Si bien existen otros papeles secundarios interesantes, la labor de Navarro se destaca en todo momento y es quien lleva adelante la película. El protagonista logra generar una intriga que se mantiene a lo largo de todo el film, ya que no se sabe si lo que se plantea como premisa principal es algo que sucedió/sucede en la realidad o si es una simple construcción de Leo J. En síntesis, si bien puede resultar un poco confusa o incongruente por momentos y presentará un humor que no es para todos, “Campaña Antiargentina” logra mantener la intriga en toda la película gracias a su protagonista y consigue un resultado entretenido. Puntaje: 3/5
El 29 de septiembre de 1938 se firmó el Acuerdo de Múnich, en el cual intervinieron Alemania, Francia, Gran Bretaña e Italia. Allí se le permitía a Hitler y a su gobierno anexar la zona de los Sudetes de Checoslovaquia al Tercer Reich. Sin embargo, Hitler no quedó conforme con la situación, ya que él pretendía conquistar Checoslovaquia de forma completa, para luego invadir Polonia y cumplir con su política exterior de expansión hacia el este. Meses después, Hitler ordenó a las tropas alemanas invadir Checoslovaquia. A diferencia de Austria, donde había una gran cantidad de simpatizantes nacionalsocialistas, los checos se resistieron bastante a este avance alemán; sufriendo las consecuencias los comunistas, socialistas y judíos de dicho país. En este contexto se sitúa “Anthropoid”, la película de Sean Ellis basada en hechos reales. El film cuenta la historia del atentado contra el líder nazi Reinhart Heydrich, general de la SS y artífice intelectual de la Solución Final, a manos de los llamados “paracaidistas” checos. Si bien existe una cantidad infinita de películas del nazismo y la Segunda Guerra Mundial, hechas por los alemanes o los estadounidenses, “Anthropoid” propone una historia distinta y desconocida a la vista del hombre promedio. Es una película muy atrapante de principio a fin, que mantiene la tensión y el ritmo durante todo momento. No se vuelve repetitiva ni densa, sino que cada acción hace que la trama avance de forma exponencial. Existen algunas escenas un tanto crudas para personas sensibles e impresionables, pero que son necesarias para contextualizar lo que ocurría en aquella época y mostrar esa dura realidad. Con una historia tan fuerte, no podía hacerse una película light, había que exponer lo que verdaderamente sucedió. Los actores se encuentran muy correctos en su papel, destacándose la labor de sus protagonistas, Cilian Murphy y Jamie Dornan. También hay que hacer una mención especial para la ambientación del film, tanto los escenarios como las vestimentas de época. En síntesis, “Anthropoid” plantea una nueva historia de la Segunda Guerra Mundial, con una mirada diferente y proponiendo una misión poco conocida. La tensión, el ritmo, la acción, el drama, la ambientación, son elementos que hacen de este film una pieza perfecta que se debe ver. Puntaje: 4/5
Las sagas adolescentes/juveniles son moneda corriente por estos tiempos. Hace poco termino tal vez la más exitosa de la actualidad, “Los juegos del hambre”, mientras que otras como “Divergente” o “The Maze Runner” siguen vigentes. En esta oportunidad nos encontramos con “La quinta ola”, otra historia distópica, en la cual la sociedad sufre una invasión extraterrestre. Pero la particularidad es que se va dando por etapas o mejor dicho olas: primero se cortó todo tipo de electricidad; luego llegó la destrucción, en la cual subió la marea; en tercer lugar ocurrió una infección y la cuarta ola fue la invasión, donde los humanos no sabían quiénes eran los Otros y quienes no, porque todos tenían la misma apariencia. Es así como aumentaba la desconfianza entre todos. La película comienza a la espera de la quinta ola, presentándonos a la protagonista de esta historia, Cassie, la cual busca por todos los medios a su hermano menor debido a que se tuvieron que separar por una situación de fuerza mayor. Si bien volvemos a tener otra distopía y otra historia de adolescentes, la premisa del libro de Rick Yancey resulta bastante atractiva y creativa. Es la primera vez que nos encontramos con un ataque progresivo en etapas y que se introducen a los extraterrestres en argumentos de este estilo. En cuanto a las actuaciones, podemos destacar el papel protagónico de Chloë Grace Moretz, aunque por momentos podríamos no comprar lo que nos está vendiendo. Su personaje carece un poco de fuerza, pero a su vez probablemente sea más realista que en otras sagas. Una persona que se queda sola y debe aprender por sus propios medios a sobrevivir. Ocurre también, que algunas de las mejores escenas de la película se centran en los personajes secundarios y no en la protagonista, demostrando un poco esta carencia de fortaleza. Podemos encontrar algunas falencias en el guion, situaciones que se resuelven de una manera muy simple y tal vez no tan coherente, disminuyendo la verosimilitud de la historia. Además por momentos el drama amoroso resulta ser más importante que la situación límite en la cual están viviendo. De todas maneras, habría que ver si esto sucede también en el libro o si es algo meramente del film. Con respecto al ritmo de “La quinta ola”, comienza de un modo bastante potente y genera adrenalina y tensión en la mayoría del tiempo. A su vez, presenta buenos efectos visuales que ayudan a la credibilidad del argumento. Tenemos también una pequeña dosis de drama sentimental entre la protagonista y otro personaje que se encuentra en su camino, como suele ocurrir en este tipo de películas. Con algunos giros sorprendentes y un final que abre una puerta para una futura continuación, “La quinta ola” no es una película que sobresalga demasiado por encima de otras tantas sagas adolescentes/juveniles, pero propone una historia novedosa y creativa que sabrá entretener y atrapar al público que consume estos productos.
Vincent Lindon interpreta a Thierry, un hombre que lleva meses sin trabajar y al que se le dificulta proveer a su familia, compuesta por su mujer y un hijo que tiene capacidades diferentes (y por lo tanto también cuidados especiales). Tratando de afrontar su situación, un día consigue un trabajo como guardia de seguridad en un supermercado y deberá no solo delatar a los clientes, sino también a los empleados. Es así como “El precio de un hombre” tratará esa doble moral que tiene el ser humano. Una persona que luchó mucho tiempo por tener un trabajo y que sabe qué significa el desempleo, va a dejar a algunos de sus compañeros sin trabajo. Esa lucha entre el individuo y la comunidad; entre la auto-preservación y el altruismo. La temática del empleo y el desempleo es algo que les preocupa mucho a los franceses (y a los europeos en general en esta época en la cual están viviendo) y nos hace recordar un poco a la recientemente estrenada en nuestro país “Dos días, una noche” de los hermanos Dardenne, donde también se juega con esta dicotomía entre lo individual y lo colectivo, aunque ambas películas planteen dos puntos de vista diferentes. En “Dos días, una noche”, la cual se centra en una mujer que al volver de una licencia se encuentra con que el patrón le dio a decidir a los empleados entre dejarla a ella en su trabajo o ganar un bono, se busca apelar a la empatía de los compañeros y, en este caso, se prioriza lo personal. Asimismo, solo vemos la historia de Thierry y desde su punto de vista y es por eso que logramos empatizar únicamente con él. La labor de Vincent Lindon es destacable, quien sostiene prácticamente solo el argumento del film, si bien está acompañado por secundarios, pero que no son tan poderosos. A través de este personaje podemos tener una idea de la situación social, laboral y económica de la Francia actual (extrapolándose también al resto de Europa). Pero no solo es propio de un país o continente, sino que se puede extender a todo el mundo, ya que es algo más inherente del hombre, que de una sociedad en particular. “El precio del hombre” logra conmover a partir de su historia y su protagonista y nos llevará a reflexionar y a ponernos en el lugar de Thierry. ¿Qué haríamos nosotros en una situación similar?