Mucha Gretel y poco Hansel. La directora Jimena Monteoliva explora las libertades y límites de todo relato que tiene por protagonista a una bruja y mucho más si del otro lado del espejo el reflejo no es otro que una niña -devenida adulta- o niños como pareja expuestas al peligro latente. Y a pesar de un prólogo animado para construir la leyenda de la hilandera, bruja en cuestión que fuese quemada por el pueblo, Matar al dragón, su nuevo opus, baja un peldaño respecto a su anterior película Clementina (2017). Aquí tenemos un bosque; la presencia de una enfermedad o por lo menos el indicio de cierta maldición que contagia y cuya portadora fuera en un pasado raptada por un grupo de personajes variopintos de dudosa calaña. Entre ellos, Tarugo, en la piel del siempre sobrio Luis Machín, líder de los marginales que viven del tráfico de niñas para conseguir la droga que hace su vida menos miserable de lo que se demuestra por contraste con ese mundo pulcro, en el que todos se visten de blanco y desparraman lujo y suntuosidad. Allí, viven los niños y también el personaje encargado a Justina Bustos, la niña secuestrada otrora. El cuento de Hansel y Gretel aparece y desaparece de manera constante aunque es justo decirlo no tan explícitamente como podría haber ocurrido. Sin embargo, no encontrar paralelismos con aquella historia y con los mensajes que dejaba esa malvada bruja, que pueden vincularse tanto con la represión sexual como con el control, sería sumamente incompleto a la hora de resumir pros y contras en un análisis. En el debe queda entonces este límite y en el haber los valores de producción con impecables rubros técnicos, fotografía y sonido por ejemplo, para cerrar un film de género bien realizado y con actuaciones aceptables.
Miren quien los mira Sin ser cinéfila, esta rara comedia argentina se vale de la figura del voyeur para explotarla no sólo desde la concepción del observador observado con un guiño al espectador que desde su rol pasivo observa la película, sino como elemento unificador de las historias que se cruzan en un relato cuyo núcleo central se presenta de manera fragmentada. El ir y venir en el tiempo hace del mecanismo de la anticipación y el cumplimiento algo misterioso más que la afirmación de los hechos que suceden, y la idea de introducir mini relatos como otro cuerpo narrativo es utilizada no caprichosamente sino funcional a la historia principal, que involucra a la “espiada”, a quien la espía en un primer plano y al entorno que atraviesa esa dialéctica no siempre equilibrada con una fuerte presencia. Y todo ese cóctel de recursos cinematográficos como por ejemplo el fuera de campo o los cruces de historias, lejos de empalagar seducen por su sabor a película argentina que puede hacer reír desde lo más sencillo del gag hasta las nuevas modas de las redes sociales, un nuevo paradigma para voyeuristas que jamás se definirán como tales. Descubrimiento de una niña actriz capaz de hacer reír como generar tensión en un segundo, y sin perder el eje de su tierno y siniestro personaje: Lola Ahumada.
Cautiverios. La lucha por sobrevivir se sobredimensiona en momentos críticos. Y no necesariamente estamos hablando de esta cuarentena eterna, sino de sobrevivir en un sistema donde las reglas del sálvese quien pueda motorizan las acciones de los personajes. En ese sentido, el “estar al acecho” significa por un lado exponerse, demostrar la vulnerabilidad o flanco débil al enemigo pero por otro mantenerse en un lugar que garantice ese equilibrio mentiroso. Silva, ahora en una búsqueda de redención con un nuevo trabajo como guardabosque del Parque Pereyra Iraola, parece por momentos un animal salido del cautiverio. Cautiverio que se traduce en la típica jornada carcelaria al ser acusado de un delito tras un operativo policial. Poco importa a los fines de esta película el pasado de Silva porque el aquí y ahora es lo que persiste en su lucha contra un enemigo más poderoso. Resta saber que estamos frente a un thriller y que el tráfico de fauna es uno de los ejes por los que transita este trepidante film de Francisco D Eufemia, con una sólida actuación de Rodrigo De la Serna en un papel de antihéroe que no sólo le exige desde lo físico sino presencia frente a la cámara, además de ductilidad para pasar de un estado de absoluta ternura a otro de enajenación y violencia. Acompañan a De la Serna (confirmado para la última temporada de La casa de papel) Belén Blanco, Walter Jakob y Facundo Aquinos, entre otros. Al acecho es una propuesta de género sumamente interesante que puede tomarse de ejemplo a seguir cuando las ideas de un guión no cerrado se apoyan en la intuición de sus intérpretes y la dirección de actores complementa satisfactoriamente ese aspecto sustancial para lograr el atractivo de una historia sin dobleces ni medias tintas.
No retornable. Una cosa es decir y otra cosa hacer; una cosa es desear y otra muy distinta concretar. Algo que encanta también encandila y tal vez la idealización de determinadas creencias culturales confirman que cuando se toman decisiones de forma impulsiva el resultado marca la diferencia entre lo que puede cambiarse y aquello que no tiene vuelta atrás. La paternidad circunscripta a la figura masculina no es un tópico muy explorado desde su singularidad, sino más bien el resultado binario de una pareja donde entran en juego las inseguridades tanto del hombre como de la mujer. Y es quizás el enfoque particular de El encanto el punto sensible que aleja -de cierta manera- esta propuesta de Juan Pablo Sasiaín y Ezequiel Tronconi frente a un puñado de títulos de diversa calidad. Apelar a la comedia dramática sin volverse torpe o solemne desde el registro no es del todo fácil sin la inmejorable ayuda de un buen elenco, y en ese sentido la buena alquimia entre Tronconi y Mónica Antonópulos es clave. Si a eso se le suman buenos secundarios como Boy Olmi o Andrea Frigerio parte del primer obstáculo se ve resuelta. El segundo contratiempo que puede generar ruido tiene que ver con la presentación integral del conflicto de una pareja en crisis cuando la chance de proyectar una familia altera un orden de individualidades bien marcadas, con la diferencia de roles bien definida dado que ella es una chef reconocida y él sencillamente su pareja. Ezequiel Tronconi tiene un rango de actuación elevado para ponerse en la piel de personajes que aparentan cierto rasgo del estereotipo de “perdedor” frente a un entorno más “ganador”, logra hacer de esa característica algo completamente opuesto porque nunca claudica esa sutil autodeterminación y libertad ante el agotamiento del abanico de situaciones o decisiones que atraviesan su derrotero. Mientras que la fuerza arrolladora de Mónica Antonópulos no opaca su vulnerabilidad y temor en lo que a paternidad se refiere. Así las cosas, El encanto abre el juego y la pregunta sobre la idealización de tener hijos pero también rescata la necesidad de animarse a cometer errores en el intento y eso es lo que en definitiva significa transitar por la vida: un viaje inesperado y no retornable.
El último grito de gol. Con el equilibrio justo entre la primera persona y la figura del objeto de observación, este documental recoge la difícil misión de homenajear pero a la vez reivindicar al periodista deportivo Dante Panzeri. Para aquellos aficionados al periodismo deportivo, el nombre de Panzeri es al menos recordado por un estilo periodístico poco convencional, que puso en tela de juicio entre otras cosas todo aquello que se adueñara del deporte para mancharlo de cualquier elemento ajeno al juego de la pelota y los goles. Es recordado su paso por la emblemática revista El Gráfico, donde el periodista utilizaba todos los recursos disponibles en la diagramación de las páginas, fotografías, títulos y hasta epígrafes para dejar su sello polémico que le valió durante toda su trayectoria periodística muchísimos enemigos entre el ala dirigencial, jugadores y técnicos de diferentes equipos, así como del poder de turno en épocas difíciles. Los testimonios buscados por el director (Ezequiel Fernández Moores, Carlos Ulanosky, Matías Bauso, Tomás Abraham, Pol Ajenjo) complementan rasgos de su personalidad de carácter fuerte, las anécdotas que mejor sintetizan su modo de pensar y trabajar, con convicción y coherencia en el discurso sin dejar de lado la palabra honestidad a la hora de rescatar su legado al periodismo deportivo. Sebastián Kohan Esquenazi logra con una buena selección de material de archivo y la búsqueda de la enigmática vida de Dante Panzeri el mejor registro audiovisual para que el autor de La dinámica de lo impensado (libro escrito por Panzeri que fuera durante años lectura indispensable para cualquier aspirante al periodismo deportivo) gane hoy más que nunca el merecido reconocimiento por haberse adelantado al nefasto panorama que en la actualidad representa el fútbol mundial y el negocio detrás de la pelota.
Fronteras adentro. Roly Santos dirige este policial duro que gira en torno a la trata y al tráfico de niños en un escenario donde la ley está completamente ausente y en el que reina el poder de aquellos que tienen los privilegios de clase y gozan de la complicidad de todo tipo de instituciones. La triple frontera entre Argentina, Brasil y Paraguay es el reducto ideal para cualquier negocio oscuro. Llegar a sumergirse en ese pequeño antro salvaje reduce toda chance de no verse involucrado o salpicado por la corrupción, o caer en un juego donde la toma de decisiones van más allá de la ética. En ese cruce de dilemas, lo fronterizo también se encuentra arraigado en las conductas tanto del protagonista, quien debe aceptar el encargo de una misión prácticamente riesgosa, mientras transita una crisis personal y la necesidad de recomponer lazos afectivos con una hija. Personajes variopintos, paisajes hostiles, sexo y violencia coronan un relato de crudeza y bastante realista por lo que se cuenta en este policial negro que por momentos refleja irregularidades en su ritmo y disparidades en las actuaciones, sin embargo alcanza a mantener cierta tensión en el espectador.
La foto parlante. Las fotos deambulan y hablan un padre y una hija. Son tan anónimas esas imágenes que parecen extraídas de otro tiempo. Pero el tiempo se reconstruye en la imaginación, y cada partecita de ese anónimo de rostros e historias recobra un sentido en la creación desde la imaginación de lo que cada uno depara para esos destinos desconocidos en blanco y negro, y que seguramente tuviesen muchas cosas ricas que contar; tristezas que compartir y eso que imponderablemente todos estamos dispuestos a perder en algún momento: la existencia de los demás y finalmente la propia. Esa es la punta de lanza arrojada al vacío por el realizador Andrés Di Tella en su último opus Ficción privada, donde la palabra ficción y privada encierran conceptualmente hablando toda una declaración de principios y tal vez un dilema ético que lejos de saldarse se multiplica a partir de la correspondencia que se revela al espectador. Torcuato y Kamala, padres de Andrés, mantuvieron un contacto a la distancia que se prolongó por décadas. Su historia de amor de juventud los encontró poco tiempo pero la intensidad de haber compartido ese pedacito de vida juntos alcanzó para que cada carta terminase por definir aspectos de la personalidad de ella tanto como del padre del director, quien también le escribía cartas a su hijo, además de dejarle el legado de la memoria familiar una vez que dejara de existir. Las cartas encuentran el pretexto de la actuación de Denise Groesman y Julián Larquier Tellarini, ambos pareja en la vida real al momento del rodaje, para que desde sus personajes -de edad similar a la de aquella pareja- representen lo que la imaginación del propio Di Tella como director reflejase esas voces ausentes. Decir ausencia es sinónimo de pérdida y así la palabra ocupa el espacio en el silencio del olvido. Andrés Di Tella lo sabe y necesita esta despedida compartida desde la intimidad de su creación y por eso recurre como interpelador de su proceso de duelo a otro gran cineasta como Edgardo Cozarinsky, alguien que de fantasmas, memoria, recuerdo, cine y tantas otras cosas tiene mucho para decir.
Aislados a la fuerza A esta altura nadie sabe más nada. A esta altura, todos pensamos en una sola cosa: hasta cuándo. Pero no tardan en llegar propuestas que se ajustan a los tiempos de pandemia y además con fines solidarios. Es más que redundante medir la importancia de una iniciativa que proviene del cine argentino y que encontró tanto talento encerrado como para liberarlo en un cauce productivo bajo la denominación Murciélagos. ¿Alguien se acuerda de los murciélagos hoy?; ¿alguien se queja de la famosa sopa china? parece un mal chiste frente a la catástrofe y las frías noches de Buenos Aires por estos días de mayor incertidumbre. Lo cierto es que esta película colectiva y filmada en aislamiento de manera remota (bajo la coordinación de Baltazar Tokman) recoge ocho historias capaces de plasmar distintas facetas de las cuarentenas de departamentos o al menos de los aislamientos forzosos en donde la libertad ya no existe. Como hay que pedir permiso para todo, pareciera que el elenco ecléctico de Murciélagos tuvo el privilegio de no tener que pedir uno para hacer y componer personajes de suma identificación con nuestro hábitat actual de cuatro paredes y máscaras anti-covid. Convivencia quebrada, soledad en abundancia, algo de humor y una paranoia creciente encuentran en el símbolo del mamífero nocturno, que sobrevuela el universo de este proyecto, el chivo expiatorio colectivo, e ideal reinante (¿o acaso nadie conoce una historia que señale al chino de la esquina como el foco de contagio del barrio?). Poner el ojo desde ocho miradas de diferentes realizadores aporta a este film -que podrá verse en plataforma a partir del 2 de Julio- un plus a ese prisma deslucido que nos transmite a diario la televisión. Vale la pena recordar los nombres de quienes participaron de esta creativa y solidaria obra: Oscar Martínez, Peto Menahem, Julieta Vallina, Luis Ziembrowski y su hija Clara, Carlos Belloso, Moro Anghileri, Juan Pablo Geretto, Marcelo D’Andrea, Maida Andrenacci, Héctor Díaz y Azul Lombardía. Y además, los realizadores Hernán Guerschuny, Paula Hernández, Daniel Rosenfeld, Tamae Garateguy, Diego Fried, Martin Neuburger, Connie Martín, Azul Lombardía y Baltazar Tokman
La costurera que amaba las novelas de misterio. Ambientación y contexto para el cine no son sinónimos ya que si existen incongruencias entre un espacio y las acciones de sus personajes significa entonces que algo falló a la hora de pensar cómo se pensaba o actuaba en determinada época, por más detalles de elementos que acompañen una puesta en escena prolija. Por eso Algo con una mujer, dirigida por Mariano Turek y Luján Loioco, además de respetar la ambientación y esos modismos de la época también se ocupa del contexto y de la manera de hablar y pensar de los personajes. Este aspecto ubica a la protagonista de este relato (adaptación de una obra teatral) en el ojo de la tormenta cuando la norma que regía a nivel social requería de la mujer una actitud sumisa ante los hombres más allá de las convenciones domésticas de la época. Si a eso se lo traslada a las reglas del policial noir, entonces el protagonismo de una costurera -que resulta para los parámetros normales un tanto díscola- gana el peso de la historia y la vuelve más atractiva tanto en lo que hace a su interacción y a su desplazamiento en ese micro universo machista y secretista. La funcionalidad de haber sido testigo de un asesinato y la complicidad de no haberlo denunciado hacen de Rosa (María Soldi) un personaje ambiguo. Por un lado, la necesidad de ganarse el respeto de su esposo (Manuel Vigneau), militante político, que siempre la relega y trata despectivamente y por otro un ímpetu poco natural, producto de su enorme imaginación y avidez por salirse de la cotidianidad de ama de casa que espera a diario la llegada de su esposo del trabajo. Nada de esa dinámica haría explosión sin la presencia de un tercero en discordia (Abel Ayala, recordado por su protagónico en El Polaquito) y un trasfondo de violencia en sintonía con el momento histórico, 1955, en que transcurre la historia. Salvo por pequeños deslices y detalles en la ambientación que no corresponden al tiempo en que transcurre la acción, Algo con una mujer logra mantener un tono de un cine de otro tiempo pero sin dejar una sensación agridulce o contraproducente.
En el nombre del padre, trucho Hay un bosque pero lejos de un cuento de hadas a pesar de que la protagonista vive en un cuento de hadas al comienzo. O por lo menos eso le hace sentir el líder de una secta, esas que pululan en este mundo donde la fe y el apocalipsis ganan simpatizantes a cada segundo. Entonces, se desdibuja la fantasía cuando los primeros indicios de que detrás de ese cándido paternalismo se esconde el lobo entre sus ovejas dóciles, eficientes, deslumbradas con esos encantos retóricos que hablan de Dios, de misiones espirituales, de fines de una Era y esperanzas en el nuevo hombre, bajo la égida del neo hippismo, aislados en la naturaleza con enorme riqueza de árboles y cantos de pájaros, que aún hoy llega a penetrar en muchos jóvenes como Tamara, protagonista de esta co producción entre Chile, Argentina y España. El nombre de los hermanos Larraín y el de la directora Marialy Rivas (Guionista junto a Camila Gutiérrez) denota que estamos frente a una de las producciones más interesantes de lo que hoy ofrece la cinematografía latinoamericana, siempre con el antecedente de la opera prima Joven y Alocada, estrenada ya hace unos años en el BAFICI. También, un recorrido Festivalero que tuvo repercusiones tanto en San Sebastián 2017 como Toronto para desembarcar finalmente hoy en Argentina. Si bien se trata de un hecho real, la directora no enfoca su película hacia el relato pormenorizado de los acontecimientos sino que construye desde el punto de vista de Tamara (Sara Caballero) un film hipnótico por un lado y algo así como un anti cuento de hadas por otro. La pre adolescente es el centro de atención de un grupo, que tiene toda la fisonomía de secta, así como la elegida por el líder (Marcelo Alonso), quien además de sobreprotegerla y aislarla de cualquier contacto con personas ajenas al grupo, la envuelve en su seducción masculina. Sin embargo, Tamara concurre a clases, tiene cierta vinculación con compañeros y la mirada atenta de una joven profesora, quien detecta en ella cierta precocidad en materia de temas vinculados a la educación sexual. Impecable en lo que hace a los rubros técnicos, a la sutil transformación de la atmósfera onírica en una verdadera pesadilla, siniestra postal del abuso sexual y el abuso de poder, en la que la directora no apela nunca al golpe de efecto tan utilizado en películas de terror mediocres que pueden abarcar temáticas similares en relación a la cooptación de las sectas. Tal vez el uso de la voz off omnipresente es un recurso que le quita peso a la propuesta integral en términos cinematográficos, pero igual alcanza con creces para disfrutar de una película valiente y distinta.