Explicaciones forzadas El cine, el buen cine, siempre es metáfora, siempre es un “juego en el que entramos”, incluso impotentes en la butaca. Aquí, cada vez más, esa cuestión se subraya. Poner el número “3” es un poco tramposo, dado que esta película es secuela de la “Jumanji” de hace un par de años. Otra vez un grupo de personajes entra dentro de un juego, otra vez tienen que resolver problemas tremendos para poder salir de él, y otra vez esos “problemas tremendos” tienen como único fin que establezcan lazos de solidaridad y comprensión, un cambio personal que los transforme en otra cosa. Por supuesto que se trata de una película divertida con todo lo que ello implica, y por supuesto que la aventura física está bien hecha. Por supuesto, también, que los actores comprenden bien sus personajes (Jake Kasdan entiende cómo construir gente creíble y querible en la pantalla). Pero el esquema muestra esta vez una tara, cuya responsabilidad es menos la reiteración que la necesidad de que todo quede claro. El cine, el buen cine, siempre es metáfora, siempre es un “juego en el que entramos”, incluso impotentes en la butaca. Aquí, cada vez más, esa cuestión se subraya. Y se subraya el asunto inclusión+empatía, entender al otro siendo otro. Aquí además de cambios de género hay cambios de edad (viejos que son jóvenes) lo que implica tratar el valor del tiempo. Pero se nota forzado, como si cada “Jumanji” consistiera en explicarnos que debemos ponernos en el lugar del otro. Tal insistencia disuelve la diversión y no nos deja pensar solos.
Un film interesante e imposible En un punto la película se encuentra en un callejón sin salida y resuelve todo en piloto automático, para lo trágico y para lo tierno Los paralelos que algunos críticos hicieron entre esta película y “La vida es bella”, aquella manipulación inescrupulosa de Benigni, tienen alguna razón de ser: en ambos casos hay un nene atrapado en medio de la barbarie de la Segunda Guerra Mundial y al mismo tiempo intenta ser tranquilizadora. Pero en este caso, más allá de cierto humor desaforado que parece satírico y (saludablemente) incorrecto al principio, el punto de vista infantil es más fuerte e incluye la incomprensión natural de lo que rodea al personaje. Lo que no hace instantáneamente a “Jojo Rabbit” una gran película, aunque en cierto sentido es “buena” (la comicidad suele funcionar, reírse de los nazis siempre está bien, etcétera). Sólo que en un punto se encuentra en un callejón sin salida y resuelve todo en piloto automático, para lo trágico y para lo tierno. Una película interesante porque, en el fondo, es imposible.
Un póster kitsch ajado y triste El problema va más allá de ver actores dignos transformados en cosos (c-o-s-o-s) peludos. El problema no es que tenga coreografías menos inspiradas que “Las gatitas y los ratones de Porcel”; el problema no es que la música suene melosa; el problema no es ver actores dignos transformados en cosos (c-o-s-o-s) peludos; el problema no es la inexpresividad total de su protagonista. El problema es que el film se ve feo, un póster kitsch de los ochenta un poco ajado y un mucho triste.
Sensibilidad directa Todo funciona bien porque hay un compromiso para interesar al espectador por parte de realizador y actores. No es fácil contar historias chicas, de puros personajes y situaciones cotidianas apenas extraordinarias –en este caso, una mujer joven con las cenizas de una amiga, un regreso a pueblo natal, un amor fallido–. En este caso, todo funciona bien porque hay un compromiso para interesar al espectador por parte de realizador y actores. La sensibilidad se transmite directa y el film emociona sin subrayados ni redundancias.
Una película notable Elementos del cine social se unen al fantástico, el terror y la ciencia ficción para contar un futuro distópico en un pueblo perdido de Brasil Después de la bella Aquarius, Mendonca Filho suma elementos del cine social al fantástico, el terror y la ciencia ficción para contar un futuro distópico en un pueblo perdido de Brasil. Lo bueno de la película es que puede ser que ocurra, también, en cualquier lugar del planeta. El género cinematográfico utilizado como herramienta de universalidad en una película notable.
Una secuela fallida Esa necesidad de quedar bien con todo el mundo es la que logra que el filme no quede bien con nadie. Estéticamente, el modelo “aggiornemos los cuentos de hadas transformándolos en fábula feminista de superhéroes con canciones” está agotado. Comercialmente, no, pero eso depende de factores inasibles. La primera Frozen lograba ser al mismo tiempo concisa y graciosa, aunque lejos de las complejidades de La Bella y la Bestia (la buena, la de 1991) o de Enredados, donde la corrección política brilla por su ausencia. Aquí la primera hora es un refrito de lo que los ejecutivos de Disney consideran que fueron motivos de éxito de la película original, sumado a una valoración mítica de los elementos y la armonía con la Naturaleza (sombra terrible de Greta Thunberg, Walt te invoca) más la convivencia entre diferentes etnias, más canciones donde se explica todo lo que se está viendo una y otra (y otra, y otra) vez. Luego hay una aventura que dura media hora, más o menos, la verdadera película. El ejemplo final de cinismo consiste en que un soldado de un reino de un fiordo escandinavo en, suponemos, un tiempo que aparenta ser el siglo XIX del Imperio Austrohúngaro es afroamericano (y que al final se reencuentra con una novia afroamericana porque una cosa son los derechos y otra, andar mezclados). Nadie se hubiera quejado en este mundo si no hubiera alguien de color (negro, diría Les Luthiers) en, repitamos, un fiordo escandinavo del siglo XIX. Esa necesidad de quedar bien con todo el mundo es la que logra que el filme no quede bien con nadie. Ni siquiera con quien fue a ver un divertido cuento de hadas y aventuras.
Otro acierto de Clint Eastwood Alguien que hace lo que debe hacer y sobre quien caen las peores sospechas justamente por hacer lo que se debe hacer. Como en Sully, como en Francotirador, en este nuevo film de Clint Eastwood (que nunca más hará una película mala, queda clarísimo) es sobre alguien que hace lo que debe hacer y sobre quien caen las peores sospechas justamente por hacer lo que se debe hacer. El caso es real, el de un tipo obeso que intentó ser agente del orden y que, por perspicacia, por azar, logra salvar muchas vidas antes de que cierta bomba estalle. Pero luego comienzan a investigarlo y pasa de héroe a verdugo para una opinión pública voluble y para un sistema de seguridad que requiere propaganda a favor. Eastwood nuevamente toma con mano firme el tema de la moral y de la ética, de la diferencia entre ambas, y del prejuicio (porque eso es lo que está en el fondo de toda la cuestión) como motor de condenas y alabanzas. De cómo los hechos importan menos que la impresión de los hechos, digamos. Como siempre don Clint nos habla del tiempo en el que vivimos sin conceder un ápice ni a la corrección política ni a la demagogia. Y salimos satisfechos: es cine y de eso se trata.
Con mucha comicidad y un ritmo extraño, da vuelta como un guante el universo del policial. Un soplón de traficantes marcha a una isla de las Canarias para aprender a soplar mejor, mientras de lado de la ley y del otro lo buscan. Con mucha comicidad y un ritmo extraño para el autor de Bucarest 12:08, da vuelta como un guante el universo del policial y, al mismo tiempo, pinta un paisaje social preciso desde la purísima ficción. De lo mejor estrenado este año.
Lo primero que hay que agradecerle a J. J. Abrams es que sea fiel al espíritu alegre –a pesar de las tristezas propias de cualquier cuento de fantasía– de la serie. Después de todo, se trata de persecuciones, carreras, peleas y aventuras en un mundo inventado: la gravedad artificial de “Episodio VIII” cargó todo de una pesadez imposible. El film está lleno de peripecias, respeta eso de parecerse a un serial clásico y cierra todos los hilos abiertos en las películas anteriores. Aunque se nota que hay reescrituras varias, que hay imágenes que no se sabe qué hacen (hacia el final, unos planos desde el “Halcón Milenario” totalmente inexplicables) y que ciertos momentos parecen sacados de otras películas (de hecho, la resolución de uno de los conflictos centrales se parece –con diálogo y todo– demasiado a la situación similar de “Avengers-Endgame”). Pero al menos no nos aburrimos ni nos atosigan con esa idea de que más vale inmolarse cruelmente que pelear por la bondad con una sonrisa. También, por suerte, nadie retomó el tema de los niños rebeldes con el que parecía cerrar la película anterior y que tenía un tufillo a “los rebeldes nos volvemos ISIS” o “los niños van a salvarnos a sablazos cuando llegue el momento” más que preocupante. En fin: cierre digno y sin problemas para una galaxia que influyó mucho y ahora está demasiado al alcance de la mano. PD: ¿Cómo puede ser que en un universo tan lleno de planetas todos sean hijos, hermanos, nietos o primos de las mismas personas?
Contar la vida pobre tiene riesgos: sobre todo, hacer cine pobre (de ideas, de miradas). No es el caso: es más importante el deseo de la protagonista de 14 años en volverse botera que cualquier otra cosa, y aparece el gran tema (quizás el único) del arte. Es decir, el llamado inasible de la vocación. Incluso cuando la película quiere, por momentos, ir a la denuncia, esa voluntad sin causa termina imponiéndose.
