Crítica de “La Internacional del Fin del Mundo” de Violeta Bruck y Javier Gabino “La internacional del fin del mundo” recorre la vida de cuatro jóvenes de la Argentina de principios del siglo XX: Pedro Milesi, Mateo Fossa, Mika Etchebéhère y Liborio Justo. Todos ellos de diferente origen social, dos obreros, una estudiante de clase media, y el hijo del dictador Agustín P. Justo. Esa diversidad confluye en los movimientos culturales, feministas, sindicales y políticos inspirados en la revolución rusa de 1917. Desde que la documentalista comienza a recorrer la Buenos Aires del siglo XXI visitando familiares, investigadores, y activistas para reconstruir su historia, el tiempo deja su cronología y varios personajes con quienes se cruza se descubren como habitantes del pasado que investiga. La película está narrada de un modo clásico, arranca con un cartel que dice “que si bien la historia transcurre en Buenos Aires, puede trancurrir en cualquier lugar del mundo”, leit motiv que sirve como excusa para hasta enfocarse en sus cuatro protagonistas: Pedro Milesi, un referente obrero que es parte de los principales acontecimientos de lucha en el país, hasta ser el consejero de Agustín Tosco durante el Cordobazo. Liborio Justo, el hijo del dictador Agustín P. Justo, se rebela contra su familia, y hará el primer escrache hacia un presidente de Estados Unidos. Mateo Fossa, un destacado dirigente obrero del gremio de la Madera será el único argentino que tendrá un encuentro con León Trotsky en México. Y Mika Etchebéhère, una joven feminista y comunista que participa en la Revolución Española donde logra ser la primera mujer capitana. Una interesante puesta en escena, sobre todo en la fotografía de Buenos Aires filmada desde un dron; la investigación, a modo de ficcción, de la documentalista en la búsqueda de material de archivo con una interesante recreación de época, sobre todo de inicios de los años 20, reflejo de la influencia de la revolución rusa en Argentina. Todo se unifica para que el documental tenga dinamismo y sea entretenido. “La internacional del fin del mundo” reivindica la lucha de la izquierda argentina desde comienzos del siglo XX. Dando cuenta que muchas de esas peleas, que hoy aún siguen vigentes (sobre todo la lucha feminista), tuvieron su germen en ese espacio político. Puntaje: 70/100.
Una película solo para fanáticos. Crítica de “Todo por el Ascenso” de Jorge PiwowarskiInicioEstrenosUna película solo para fanáticos. Crítica de “Todo por el Ascenso” de Jorge Piwowarski 12 septiembre, 2019 Bruno Calabrese Como primera medida voy a hacer una aclaración: soy hincha fanático de un club de fútbol, con lo cual he tenido muchos viajes a distintas partes de Argentina, y a Mendoza lo he hecho recientemente para ver a mi equipo en una instancia definitoria. Por lo tanto, mucho de lo que escriba en esta crítica estará cargada de subjetividad dada las vivencias personales en esas largas travesias a distintas canchas. Atlético Saavedra juega un partido clave por el ascenso frente a Gimnasia de Mendoza de visitante. Néstor (Ariel Pérez de María) y Rafa (Tomás Fonzi) son hinchas fanáticos del club. Ambos planean viajar a la ciudad del vino para presenciar el partido que será histórico para el club de sus amores. Néstor es un enfermo cabulero, a punto tal de pisar caca a propósito por que eso ayudaría a su equipo a ganar. Como toda persona supersticiosa respeta todos los rituales previos al partido (remera sin lavar, usar la misma ropa). Vive con su madre y tiene una hija con la hija del presidente del club. Rafa es distinto: trabaja de vendedor en una agencia de autos, es carismático y fachero. Pero todo esa postura se cae a pedazos cuando por ejemplo, se entera que la madre de su hijo le puso la camiseta de su clásico rival a su hijo. Los jóvenes reflejan el universo de muchos futboleros argentinos. Mientras preparan la excursión a Mendoza aparece Fabián (Fernando Govergun), un viejo amigo que volvió de Colombia dispuesto a ir a ver el partido. ¿Cuál es el problema con Fabián?, que el reúne todos los males que pondrían de los pelos a cualquier supersticioso: es pelirrojo y todos las veces que fue a la cancha, el equipo perdió. Durante el largo camino al estadio, Néstor y Rafa comenzarán a hacer lo posible para que no llegue al partido y el equipo no pierda el ascenso. Quien quiera ver una película que toque de manera seria la locura del fanatismo, esta no es su película, para eso está “El Lado Luminoco de La Vida” con Bradley Cooper y Jennifer Lawrence. ¿Es una comedia absurda y sexista? ¿Tiene ciertas incoherencias en el guión?. Si, pero no por eso deja de ser entretenida. Me fue imposible verla sin una sonrisa, quizás porque uno vivió muchos viajes similares para ir a ver al club de sus amores y pueda sentirse identificado. A pesar de la presencia de Tomás Fonzi en un papel que le encaja a la perfección, es Ariel Pérez de María quien se lleva todos los aplausos como el hincha supersticioso, capaz de todo con tal de ir a ver a su equipo, un ser irracional, capaz de dejar a su hija adolescente sola con su abuela empastillada con tal de ir a la cancha. Un personaje políticamente incorrecto, todo lo que no deberíamos ser. “Todo por el Ascenso” es una comedia divertida para todos aquellos que hemos viajado kilómetros para ver a nuestros equipos en instancias cruciales y sabemos que el resultado futbolístico no es lo más importante, más allá de la ansiedad y esperanza de lograr la victoria. Porque toda travesía para llegar a destino tendrá anécdotas mucho más divertidas para contar en el cine que lo que pase durante los noventa minutos del partido. Puntaje: 65/100.
Retrato sobre la obsesión. Crítica de “Claudia” de Sebastián De Caro. La película que dió inicio a la 21° del BAFICI se estrena en salas comerciales. Por Bruno Calabrese. El film de Sebastián De Caro es una propuesta totalmente diferente a su anterior película “20.000 besos”. Mientras en su predecesora asistimos a un viaje introspectivo de un hombre que está entrando a los 40, recién separado, y que se niega a madurar: acá estamos ante una misteriosa comedia que narra la historia de Claudia Segovia, una obsesiva organizadora de eventos. La muerte de su padre y una suplencia de último momento para llevar adelante el casamiento de una pareja cuya familia es bastante extraña y peculiar, hacen que el mundo armonioso de Claudia cambie por completo. Sobre todo cuando Jimena, la novia, le exprese en secreto su deseo de no casarse. Sin poder persuadir a la novia de rever su decisión y a partir de algunas extrañas actitudes de los familiares Claudia se obsesiona en investigar el porqué. Decide interrogar a cada uno de los sospechosos de haber arrastrado a Jimena a desear no casarse a la vez de que intenta llevar adelante la organización del evento. Un primo con actitudes peculiares, un novio ajeno a todo, un amigo del novio que siente algo por la novia, el padre de la novia que trata de tapar dolores del pasado con el casamiento. Todo encaja a la perfección para que intentemos develar junto a Claudia, ese halo de misterio que se esconde detrás del casamiento. Con un obsesivo y cuidado sentido de la estética y de los planos, con una paleta de colores llamativa (imposible no relacionar el traje de Claudia con el de Jackie Brown, la película de Tarantino), Sebastián De Caro maneja con inteligencia al espectador. Dejando siempre la sensación de que algo extraño va a suceder. ¿Pero sucederá?. Eso es lo que moviliza a Claudia y a su asistente. El director nos envuelve en una comedia repleta de enredos, situaciones incomodas y personajes extraños que parecen salidos de una película de Alex De La Iglesia. Escenas de baile que remiten al cine de Quentin Tarantino y otras que se asemejan a los lisérgicos sueños de las películas de David Lynch, demuestran la multiplicidad de influencias que revisten sobre un cinéfilo como Sebastián De Caro. Párrafo aparte para la actuación de Dolores Fonzi en el papel de Claudia Segovia. Muy bien secundada por Laura Paredes en el rol de su asistente, la actriz se lleva todos los aplausos como una mujer obsesiva que nunca se quiebra ni se pone nerviosa, aún en los momentos más angustiosos pero que con detalles en sus expresiones canaliza esa actitud de mujer imperturbable. Una película ideal para cinéfilos obsesivos de las referencias cinematográficas. PUNTAJE: 80/100.
Amores y desamores a la francesa. Crítica de “Un Hombre Fiel” de Louis Garrel. Marianne deja a Abel por Paul, su mejor amigo y padre del hijo que está esperando. Ocho años más tarde, Paul muere y Abel vuelve con Marianne. Esto provoca los celos del hijo de Marianne y de la hermana de Paul, Eve, enamorada en secreto de Abel desde que era niña. Por Bruno Calabrese. El protagonista central en “Un hombre fiel” es Abel (el propio Louis Garrel), quien se ve obligado a elegir entre un mujer mayor y una más joven. La mayor es Marianne (Laetitia Casta), el amor de la vida de Abel, quien en la primera escena le dice a Abel que está embarazada de su mejor amigo, Paul, con quien mantenía una relación hace un año. Ella ha decidido casarse con él porque la familia de él es muy conservadora. El joven acepta casi sin poder reaccionar ante la noticia y decide meterse de lleno en el duro trabajo de olvidarla. Años después, Paul muere, con lo cual se produce el reencuentro con su ex novia. Pero no solo aparecerá ella en el camino, también se reencuentra con Eva, (Lily-Rose Depp), la hermana de Paul, quien ha estado enamorada de Abel desde pequeña. Abel, que trabaja como periodista, se reúne con Marianne en el funeral de Paul, y sin ninguna explicación, se muda con ella y su hijo, Joseph (Joseph Engel). Asumen todas las cualidades de una familia pequeña, pero son infelices. Antes de que Abel haya desempacado, Joseph intenta asustarlo con sugerencias de que su madre envenenó a Paul y se acostó con el médico para evitar que realizara una autopsia. Igualmente el trío sigue juntos durante un período de tiempo, hasta que la joven hermana de Paul le declara su amor por Abel y amenaza a Marianne con una guerra por el amor del joven. Algunos giros de trama, facilitados por un guión nítido y bien elaborado, sumado al paisaje de las calles parisinas casi desiertas, nos remiten a otros clásicos del cine francés y nos ofrece un deleite visual. “Un Hombre Fiel” es una historia de amor y desamores entretenida, un producto puramente industria francesa, breve, sin minutos de más y con actuaciones maravillosas. Puntaje: 80/100.
Tesoros Divinos. Crítica de “Paternal” de Eduardo Yedlin El documental hace foco en un célebre habitante de ese barrio de Capital Federal, el doctor Roitman, antropólogo argentino que custodia los rollos del Mar Muerto. Por Bruno Calabrese. En el siglo pasado se produjo un descubrimiento arqueológico que interesó a estudiosos de distintos orígenes y religiones. Enterrados en vasijas fueron encontrados, en la zona del Mar Muerto, rollos que datan de casi dos mil años considerados los primeros textos del cristianismo y predecesores de todos los textos considerados sagrados por la gente que sigue esta religión. Lo que pocos sabemos es que la persona encargada de la curaduría del museo que los alberga ess un antropólogo nacido en el barrio porteño de Paternal, el rabino Adolfo Roitman quien dedicó su vida al estudio de los orígenes históricos de las religiones, especialmente las tres grandes monoteístas que surgieron en las cercanías de la región donde fueron encontrados los rollos. Pero el documental no comienza con su historia en relación a los textos, empieza más cerca, en las calles de su Paternal natal. Allí revivirá historias de infancia en algunos lugares que ya no existen e indaga sobre otra de sus pasiones: el fútbol. Ese primer trayecto refleja el extraño sentimiento que despierta el deporte en sus seguidores, así como también se aboca a la tarea que más le interesa a Adolfo, la arqueológia, trazando un paralelo interesante entre el valor simbólico que se le da a los objetos, tanto en el fútbol como en la religión. Ese que tiene, por ejemplo, la primera camiseta que usó Maradona para los hinchas de Argentinos Jrs, el mismo que tiene para los hebreos esos primeros textos. Con la cámara siguiendo de a Roitman el documental es fluido, fluido y espontáneo, se sostiene en base al carisma del rabino y sus interesantes reflexiones. El director interviene en algunas oportunidades en los diálogos, que incluyen algunas personalidades sacerdotales. Conocemos aspectos de la vida ceremonial judía, además de otras culturas que conviven entre sí desde hace miles de años. “Paternal” no solo es un documental sobre la religión, sobre las pasiones y todo lo que despierta en la gente. También es un homenaje a Adolfo Roitman, reconocido curador argentino, apasionado futbolero y orgulloso cuidador de tesoros. Puntaje: 70/100.
El Magnetismo de Elle Fanning. Crítica de “Alcanzando tu Sueño” de Max Minghella Ambientada en el mundo de la música pop, es una historia universalmente reconfortante acerca de crecer, de soñar en grande y de encontrar tu voz. Por Bruno Calabrese. Violet (Elle Fanning), una chica tranquila de 17 años que vive en la isla de Wight con su madre inmigrante polaca (Agnieszka Grochowska), un hermoso caballo y un iPod lleno de sueños lejanos, pasa la mayor parte de su tiempo libre trabajando en un restaurante lúgubre. y tratando de evitar a la chica mala que gobierna su escuela. Algunas noches, sin decírselo a nadie, se escabulle para cantar su corazón en un bar local para una pequeña audiencia de borrachos. Vlad (Zlatko Buric), una ex estrella de ópera y ex alcohólico se interesa por la chica. Cuando una competencia de canto tipo “American Idol” llamada “Teen Spirit” decide buscar talentos en la isla y realizar audiciones allí, Violet le pide a Vlad que la acompañeí, porque sabe que su madre nunca lo haría. Así comienza una carrera improbable que lleva a nuestra joven heroína hasta las brillantes luces de Londres. Resulta que Violet tiene una voz infernal, y Fanning también (las canciones son cantadas por ella). Ópera prima de Max Minghella (Nick Blaine de “Los Cuentos de la Criada” y la pequeña joya desconocida aca “Art School Confidential), un actor notable cuyo padre es el ganador del Óscar por “El Paciente Inglés”, Anthony Minghella. Acá sorprende imprimiéndole a la película un ritmo acelerado, cuya premisa básica es la emoción. En ese contexto poco parece importar los pocos detalles que sabemos sobre Vlad o lo poco que aprendemos sobre la relación de Violet con su madre. Incluso no profundiza sobre los jóvenes que forman parte de la banda de apoyo de ella (hay una especie de enamoramiento de uno de ellos con Violet que quedará en la nada). El director toma otro camino, cuya base para contarnos la historia es la música, en la que confía para llevarnos al mundo de Violet y sus sensaciones camino a la fama: verla golpear y gritar junto a “Just a Girl” de No Doubt en su habitación nos dice más sobre quién es y qué siente que cualquier cantidad de diálogo que pueda haber. Sobre todo cuando ella profesa algo totalmente diferente fuera del ámbito privado de su cuarto con su austeridad expresiva en la escuela. Una especie de “The Neon Demon” musical, “Alcanzando tu Sueño” es una historia que se ha repetido muchas veces en el cine, que se recicla con el paso del tiempo. Desde “Flashdance” hasta las más reciente “Nace un aestrella” muchas son las versiones que se han hecho sobre la fábula de la Cenicienta tímida de un pequeño pueblo que encuentra su voz y conquista al mundo, en este caso a través de un concurso televisivo al estilo “The Voice”. Más allá de la fórmula repetida, es la presencia de Elle Fanning la que nos envuelve (resulta que Violet tiene una voz infernal, y Fanning también ya que las canciones son cantadas por ella),un maremoto de energía envidiable arriba del escenario que contrasta con la languidez hipnótica que transmite al actuar. Puntaje: 75/100
Marginales en el Espacio. Crítica de “High Life” de Claire Denis.InicioEstrenosMarginales en el Espacio. Crítica de “High Life” de Claire Denis. 3 septiembre, 2019 Bruno Calabrese Monte y su hija bebé son los últimos sobrevivientes de una peligrosa misión en el espacio exterior. El resto de la tripulación, liderada por una siniestra doctora, ha desaparecido. Mientras se devela el misterio de qué sucedió a bordo de la nave, Monte experimenta por primera vez el nacimiento de un amor todopoderoso. Por Bruno Calabrese. Claire Denis (“Trouble Every Day” y “Chocolat”) nos sorprende con su incursión al cine de ciencia ficción. Cualquier filme de la cineasta francesa despierta una expectativa importante, sobre todo cuando se mete de lleno en un proyecto de esta índole. Si a eso le sumamos la presencia de Robert Pattinson, con mucha prensa en los últimos meses desde que se anunció que será el nuevo Batman, las esperanzas aumentan. Pero nunca imaginamos lo que íbamos a ver, ni al más fanático de la obra de la francesa se le ocurriría pensar en algo parecido a High Life. Una película extrañamente retorcida, con un ritmo tedioso pero hipnótico a la vez. “High Life” comienza con el llanto de un bebé a bordo de una especie de vaina espacial lanzada hacia la abstracción de agujeros negros. El padre del niño, o al menos el tutor, ya que las relaciones entre los diferentes personajes no son aclaradas durante una parte de la película, es Monte (Pattinson), un joven que parece estar atrapado solo, haciendo todo lo posible para mantener al bebé y a el vivos. Pronto descubrimos que Monte está acompañado por una tripulación inanimada cuyos cuerpos se apilan sin vida en un almacén, hasta que los descarta al espacio. Después de esa secuencia de apertura extendida, la historia se cuenta principalmente a través de flashbacks, revelando cómo Monte llegó a ser el último prisionero de pie en un centro de detención futurista donde los reclusos son libres de deambular pero deben cumplir con una regla: los hombres deben donar sus espermatozoides y a la mujer sus óvulos y sus cuerpos, permitiendo que su nefasta supervisora y compañera de prisión, la Dra. Dibs (Juliette Binoche), realice pruebas de procreación, cuyos resultados se transmiten a casa. Denis nos muestra cómo funcionan las cosas con detalles: los hombres, interpretados por Andre Benjamin (Si, es Andre 3000, el cantante de OutKast creador del hit “Hey Ya!”), Lars Eidinger y Ewan Mitchell, se masturban en tazas a cambio de pastillas para dormir, mientras que las mujeres ( Mia Goth, Agata Buzek, Claire Tran y Gloria Obianyo) se impregnan y luego se les deja dar a luz a bebés que se les quitan rápidamente. El único prisionero que elige no participar en el proceso es Monte, que se ha volcado al celibato y vive prácticamente solo entre los demás. Pero su actitud finalmente resulta en lo que muchos considerarán la escena más problemática de la película, que involucra la violación y una forma altamente invasiva de inseminación artificial. La otra escena que probablemente causará revuelo es cuando el personaje de Binoche ingresa al “fuckbox” de la nave espacial, que es básicamente una cámara de masturbación repleta de poleas de esclavitud y un consolador plateado que puede operar con un asiento de cuero. Denis nos da una secuencia de erotismo dentro de la caja, con primeros planos de Binoche temblorosos llenos de una sensualidad violenta. A pesar de la presencia del espacio exterior, la directora decide centrar toda la acción dentro de ese departamento pequeño y claustrofóbico llamado nave espacial. Pero en una sola escena, donde vemos un disparo de estrellas girando alrededor de un agujero negro como un esperma nadando alrededor de un óvulo, Denis construye una memorable toma que sirve como metáfora perfecta de lo que estamos viendo. Algunos estallidos ocasionales de violencia animan la acción densa que caracteriza el film. Por momentos, la directora se preocupa en mostrarnos la belleza de Pattinson, con primeros planos inundados de luz roja, lo que hace que por momentos se sienta un producto inerte. Pero a pesar de esos abusos, la película es sensual y perturbadora; ligeramente tediosa, audaz y un poco forzada. En sintonía con “Solaris” y “Stalker” de Andrei Tarkovsky , es una atípica película de ciencia ficción, que utiliza la historia de una nave espacial poblada por conejillos de indias humanos simplemente como pretexto para explorar temas como el deseo y sus consecuencias fatales, la marginalidad y la relación cálida que los padres pueden tener con sus hijos. “High Life” es una apuesta arriesgada y complicada de la talentosa directora francesa, que no está a la altura de su prestigiosa filmografía, pero que igual vale la pena incursionara. Puntaje: 70/100.
Ni Olvido, Ni Perdón. Crítica de “El Silencio de Los Otros” de Almudena Carracedo y Robert Bahar.InicioDocumentalesNi Olvido, Ni Perdón. Crítica de “El Silencio de Los Otros” de Almudena Carracedo y Robert Bahar. 3 septiembre, 2019 Bruno Calabrese Un documental conmovedor sobre las víctimas del dictador español el general Francisco Franco y su lucha para obtener algún tipo de recuperación legal, que cierren las heridas. Con producción ejecutiva de dos pesos pesados del cine español, Pedro y Augustin Almodóvar. Por Bruno Calabrese El principio de la película está compuesto por una rápida lección de historia que sirve como base para conocer como se llegó a estos horrores no resueltos. Al final de la Guerra Civil española, después de tomar el poder en un golpe militar, el régimen represivo de Franco reprimió cualquier indicio persistente de oposición izquierdista con arrestos masivos, campos de prisioneros, trabajos forzados, tortura y ejecución. Las estimaciones de ejecuciones extrajudiciales durante su gobierno de cuatro décadas superan los 100.000. La España moderna está salpicada de tumbas comunes sin marcar. Cuando Franco murió en 1975, España se volcó a la democracia liberal. En 1977, el Parlamento aprobó la polémica Ley de Amnistía, que no solo liberó a los presos políticos antifranquistas, sino que también perdonó a su ejército en la sombra de asesinos y torturadores. Con el fin de lograr la reconciliación nacional, se exigió un masivo pedido de amnesia colectiva llamado “El Pacto del Olvido”. Luego de ese breve repaso sobre la trágica historia de España, el documental se vuelca en las víctimas de la dictadura franquista con las historias de los individuos, en su mayoría trágicas, otras inspiradoras. Una anciana que atiende un santuario en la carretera donde el cuerpo desnudo de su madre asesinada fue arrojado por la milicia de Franco décadas antes. Una abuela de 80 años viaja en avión alrededor del mundo buscando exhumar los huesos de su padre de una fosa común. Las mujeres cuyos recién nacidos fueron llevados a un siniestro programa eugenésico estatal, todas historias de lucha luchan por exponer la verdad enterrada durante mucho tiempo. Mientras tanto, torturadores de Franco como Antonio González Pacheco, apodado Billy the Kid, todavía caminan impunemente por las calles de Madrid. Como es imposible olvidar y perdonar semejantes atrocidades, todas esas historias se unen para iniciar una campaña popular que buscan revocar la Ley de Amnistía y arrastrar a los secuaces sobrevivientes de Franco a la justicia. Pacientemente, reuniendo material durante seis años, los directores narran el crecimiento de este movimiento de manera periodística, con reportajes y testimonios. El proceso es lento y meticuloso, pero a mitad de la película este grupo de valientes recibe la noticia de que la jueza argentina Maria Servini presentará un desafío legal bajo el derecho internacional, basada en la detención del ex dictador chileno Augusto Pinochet en 1998 bajo una orden de arresto española como precedente. La ONU también ha instado repetidamente a España a derogar la ley, argumentando que no se aplica a los crímenes contra la humanidad. “El silencio de los otros” está narrado de manera convencional en su forma, pero bien elaborado e informativo. Nos dejará un sabor amargo en el cierre, cuando dos activistas claves mueran durante el curso de la producción y la jueza Servini de Cubría presente solicitudes de extradición para más de 20 ex funcionarios gubernamentales sospechosos de abusos contra los derechos humanos que España sigue bloqueando hasta el día de hoy. Los nacionalistas franquistas incluso organizan manifestaciones de protesta rivales. Increiblemente, aún en el siglo XXI, los tiranos todavía tienen sus clubes de admiradores. Igualmente algunas pequeñas victorias son indicadores que nos dan esperanza para el futuro a pesar de que la gran recompensa redentora esté lejos de lograrse. Un documental necesario, un pedido de justicia que no termina ni terminará, aúnque intenten silenciarlo y olvidar. Puntaje: 80/100.
Abusos y Encubrimiento. Crítica de “Por Gracia de Dios”de Francois Ozon.InicioEstrenosAbusos y Encubrimiento. Crítica de “Por Gracia de Dios”de Francois Ozon. 29 agosto, 2019 Bruno Calabrese El director francés (8 Mujeres, En la Casa) vuelve al cine con una historia real sobre los abusos del sacerdote Bernard Preyant y su posterior encubrimiento por parte del cardenal francés Phillippe Barbarin. Por Bruno Calabrese. La historia se centra en tres testimonios correspondientes a diferentes estratos sociales. Alexander Guerin (Melvil Poupaud) es quien comienza a sacar a la luz el abuso. A partir del padre de un compañero de escuela de su hijo, quien le consulta si el también fue abusado por el cura durante los tiempos de boy scout. De clase alta, fanático religioso, con una familia constituida por su esposa y cinco hijos. Se suman a la denuncia el ateo Francois Debord (Denis Ménochet), de clase media acomodada, junto con Emmanuel Thomassin, quien más sufrió las consecuencias de los abusos del Padre Bernard Preynat (Yves-Marie Bastien en la juventud, Bernard Verley en la adultez), sacerdote de la Diócesis de Lyon. En un principio, Guerin pretende que la iglesia penalice a Preynat echándolo. Pero el asunto no prospera y termina presentando una denuncia judicial, Debord por su parte es interrogado por la policía y construye, junto a otro colega en el dolor, el médico Gilles Perret (Éric Caravaca) una asociación y sitio web llamada La Palabra Liberada. Allí recopilan testimonios de otras víctimas que sufrieron el acoso del clérigo durante los 80 y 90. Thomassin se suma cuando lee una noticia en un periódico vinculada al lanzamiento de la asociación. Se hace inevitable las comparaciones con “Spotlight”, pero a diferencia de la película dirigida Tom McCarthy, la francesa se centra en aquellos que sufrieron a manos de la Iglesia Católica, en lugar de periodistas manejando una tragedia colectiva. A pesar de los casi 137 minutos de duración, la película no decae en su interés, sobre todo en la forma en la que el director establece las perspectivas distintas para los cuatro hombres en los cuales se centra. “Por la gracia de Dios” es una dramatización apasionante y sincera del escándalo de abuso sexual de la Iglesia Católica detrás del juicio de Philippe Barbarin, el arzobispo de Lyon. Francois Ozon concluye con un anuncio que el veredicto en el juicio de Barbarin se entregará el 7 de marzo, cuatro semanas después del estreno de la película. Los desarrollos posteriores le agregan diferentes matices emocionales a su final en pantalla. Puntaje: 80/100.
Viuda Asesina Busca. Crítica de “La Viuda” de Neil Jordan.InicioInternacionalViuda Asesina Busca. Crítica de “La Viuda” de Neil Jordan. 28 agosto, 2019 Bruno Calabrese Un thriller psicológico contemporáneo del ganador del premio de la Academia Neil Jordan por “The Crying Game”. Por Bruno Calabrese. Luego de su multipremiado papel en “Elle”, vuelve Isabelle Huppert en la piel de una siniestra psicópata. Greta es una mujer que esconde un pasado difuso; viuda desde hace un año y con una hija en París, pasa sus días en soledad en la oscuridad de su casa tocando el piano o paseando por Nueva York. Por un descuido (olvida su bolso en un asiento del subte) conoce a Frances Mc Cullen (Chlöe Grace Moretz): una joven camarera que recientemente se mudó a Nueva York desde Boston, quien aún se encuentra atravesando el duelo por la pérdida de su madre. Ese dolor por la pérdida hace que entre ellas haya una conexión instantánea. Pero Greta, esconde un secreto que pronto será descubierto por Frances, lo que hará que intente apartarse de la relación. A partir de ahí comenzará el acecho permanente por parte de la viuda hacia la joven que irá creciendo en tensión. “Greta” (La Viuda aka), es un thriller dirigido por el irlandés Neil Jordan que se sostiene principalmente gracias a la gran actriz francesa, quien compone un personaje enfermizo. Muy bien secundada por Chloë Grace Moretz, la víctima que caerá en la siniestra travesura de Greta, que cambiará su vida para siempre. Jordan (“The Company of Wolves”, “Interview With the Vampire”) es conocido con escenas o vueltas interesantes en sus tramas que sorprende al espectador. Enseguida nos viene el recuerdo del giro argumental que propone en la fantástica y particular “The Crying Game”, que le valió una nominación al Oscar como mejor director y el trofeo por su guión. El director sorprende acá, sobre todo porque en un principio parece que veremos un drama sobre la soledad y la obsesión (en algún momento parece seguir el camino de “One Hour Photo” con Robin Williams o “Single White Female”, clásico de los 80 protagonizada por Bridget Fonda y Jennifer Jason Leigh) pero que gira hacia el terror y el suspenso, con algunos toques gore. “La Viuda” es una locura agradable de contemplar en el momento y reflexionar después. Un juego psicológico y perverso magistralmente interpretado por Isabelle Huppert con algunas escenas espeluznantes que nos harán cerrar los ojos. Más allá de algunos clichés propios del género, Neil Jordan logra mantenernos atrapados hasta el final, con astucia e ingenio. Puntaje: 80/100.