“Un Crimen Común” de Francisco Márquez. Crítica La culpa y el remordimiento. Bruno Calabrese 24 noviembre, 2020 0 40 El otro estreno de la Competencia Argentina del día de hoy del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata es la nueva película del director de La Larga Noche de Francisco Sanctis. Por Bruno Calabrese. Cecilia es profesora de sociología y vive sola con su hijo pequeño. Una noche lluviosa, Kevin, el hijo adolescente de su empleada doméstica, llama insistentemente a la puerta. La soledad y el miedo la llevan a no dejar entrar a Kevin, pero al día siguiente el cuerpo del joven es encontrado en un río. Las sospechas de la parte más pobre de la ciudad recaen sobre las fuerzas de seguridad, a quien acusan de haber asesinado a Kevin. Pero el drama del film no gira en torno al crimen, sino alrededor de la atormentada conciencia de Cecilia, perseguida por los fantasmas y la culpa de no haber ayudado al joven. Con un lenguaje cinematográfico notable, Francisco Márquez nos introduce en el claustrofóbico mundo de la culpa. Así como Gus Van Sant se metía a explorar ese mismo universo de los fantasmas del remordimiento de un adolescente en Paranoid Park, el director argentino lo hace en la mente de una mujer grande. En el film ganador de la Palma de Oro de Cannes en 2007, la culpa del joven skater por la muerte de un guardia de seguridad, funciona como un camino de redención y de búsqueda de la identidad. Esta vez, el camino es inverso, quien tiene que cargar es una mujer marcada por el trabajo social. Pero los miedos pueden más y con ello su identidad queda en disputa, las dudas aparecen y el remordimiento luego del crimen común serán mayúsculos. Pero conseguir meternos en la piel de la protagonista, no solo es necesario destacar la labor de la dirección, el sonido y la fotografía; Elisa Carricajo se luce en el papel de Cecilia. Desde nuestra posición privilegiada de espectador conseguiremos desentrañar la mayor parte de los secretos que destila su mirada limpia pero velada. Seguiremos sus pasos por pasillos y calles de la ciudad, oiremos los ruidos de la casa que se cuelan en su memoria como una letanía que la acompaña, veremos las cosas con un filtro en ocasiones opaco, en ocasiones traslúcido, en ocasiones turbio, pero rara vez, con un filtro transparente y diáfano. En “Un Crimen Común”, Francisco Márquez demuestra que a veces no hace falta rellenar todos los espacios para que una obra sea completa. El director deja una libertad absoluta a la mente del espectador y lo sumerge en una paranoia cinematográfica que nos interpela. Un film que despertará debates internos sobre nuestros miedos y nuestros prejuicios, pero sobre todo sobre nuestra mirada del otro. Puntaje: 95/100.
Implosión de Javier Van Der Couter. Crítica. Pasajeros de una pesadilla Bruno Calabrese Hace 1 semana 0 39 Dentro de la Competencia Argentina se estrena el film sobre dos sobrevivientes reales de la Masacre de Patagones. Por Bruno Calabrese. Septiembre del año 2004, todo un país convulsionado, desde una pequeña ciudad de la provincia de Buenos Aires llega la noticia de que un joven estudiante de secundaria ingresó con un arma a la escuela, ingresó al aula y vació el cargador hacia sus compañeros de cursos. El hecho cobró notoriedad no solo por el acto de violencia que se llevó la vida de tres estudiantes e hirió a otros cinco, sino por ser la primera masacre escolar (realizada por un solo individuo con un arma de fuego) en América Latina. Según el victimario, Rafael Solich, las razones que condujeron a cometer semejante acto de violencia fueron que estaba cansado de las burlas de sus compañeros, quienes lo apodaban “Pantriste”. Por el hecho fue confinado a un centro de internación para jóvenes delincuentes en el partido de Ensenada mientras esperaba el juicio. Luego de ser declarado inimputable, la jueza que llevó el caso, se hizo cargo de su tutela y lo internó en un centro psiquiátrico juvenil en la localidad de San Miguel. A dieciséis años del trágico suceso, dos sobrevivientes reales de la masacre escolar viajan en busca de Rafael, por aquel entonces un adolescente como ellos. Pablo Saldías Kloster fue uno de los heridos y, al igual que su amigo Rodrigo Torres, sobrevivió de milagro a la masacre. Ambos se dedican a dar Jornadas de Reflexión en las escuelas. Pero la herida parece no poder cerrarse, por eso deciden viajar a la Ciudad de La Plata en busca del responsable. Una vez en el lugar y luego de recorrer hospitales psiquiátricos donde habría estado internado Rafael, conocerán a dos chicas de Ensenada, que no solo ayudarán en la búsqueda aportando datos, sino que, entre fiestas de alcohol y drogas, los indagarán sobre su pasado y los obligarán a hacer a rememorar el momento. Apoyado en un seguimiento de Pablo y Rodrigo por su pueblo y por las calles de la ciudad, film nos introduce en un ejercicio de reflexión sobre un hecho impactante. Pero no solo para recordar el trágico suceso, sino como una demostración de como impactó en la comunidad. Un estudiantado desinteresado por las jornadas de reflexión, prácticas rituales donde la cargada y la burla hacia el otro es moneda corriente, la presencia de las armas; nada parece haber cambiado y todo converge para que las heridas de Pablo y Rodrigo no cierren. Pero, como en una especie de road movie provinciana, la pareja protagonista tomará distancia del pueblo y encontrarán un contexto diferente, donde conocerán a dos jóvenes amigas que funcionarán como espacio de contención que ayudará a los jóvenes a salir adelante. Implosión no es solo una herramienta catártica, es un austero filme con una visión narrativa analítica sobre la terrible masacre en la escuela de Carmen de Patagones. El director toma distancia del morbo alrededor del suceso, por eso elige explicarlo en pocos testimonios en el inicio y nada más. No quiere mostrar lo que pasó, por eso opta alejarse de emociones y las preguntas para abocarse en las consecuencias que dejaron en Pablo y Rodrigo, porque entre su cámara y los personajes de esta obra sólo hay aire, pura realidad que escupe a la conciencia del espectador que piensa. Puntaje: 80/100. Función 1: Martes 23 de marzo | 18 h. | Espacio INCAA Cine Gaumont | Reservá tu entrada Función 2: Jueves 25 de marzo | 18 h. | Espacio Cultural Carlos Gardel | Reservá tu entrada Función online: Martes 23 de marzo | 18 h. | Disponible por 72 hs. | Regístrate por única vez y accedé a las películas online para verlas a partir de su fecha de estreno. * Actuación
López de Ulises Rosell. Crítica. El universo íntimo del artista. Dentro de la Competencia Argentina del BAFICI 2021, se estrena el retrato íntimo de Marcos López, director de cine, artista plástico y uno de los referentes de la fotografía latinoamericana contemporánea. Por Bruno Calabrese. Artista multidisciplinar, fundamentalmente conocido por una obra de marcada estética teatral, casi publicitaria, que lo ha encumbrado como un estandarte del pop latino, centra ahora su quehacer en la fotografía vernácula. Marcos López se destaca por rescatar el valor poético de la fotografía cotidiana, enmarcadas dentro de imágenes que rememoran los años cuarenta y cincuenta, similares a las encontradas en mercados y anticuarios. Arte conceptual, en el sentido que de redefinir el hecho fotográfico, un acto de apropiación de una obra supuestamente anónima en la que expreso el conflicto entre la pintura y la fotografía. A punto de cumplir 60 años, el documental rescata su figura con un retrato íntimo de esa misma cotidianidad que retrata en sus fotografías. Marcos López visita a su dentista y al acupunturista, lleva a su viejo perro al veterinario y, de esa manera, el día a día describe la forma en la que los oficios se despliegan frente a él, a su sensibilidad, una rutina común a cualquier ser humano, pero que, bajo la mirada él, encuentran un sentido artístico único e invaluable, donde el arte pop se mezcla con lo mundano criollo, en una explosión de colores fresca e hipnótica en contraposición con el nostálgico blanco y negro. Ulises logra captar toda la esencia del genio en su proceso de creación, pero también en sus miedos a la “desestructuralización” familiar con el crecimiento de sus hijos y sus planes de mudarse a otro país. Somos testigos de su autoexigencia, de sus caprichos y su inmadurez, de la enseñanza artística que va dejando en el camino hacia quienes lo rodean. Pero lo más importante que transmite el documental es experimentar como Marcos López con la cámara de su teléfono celular va sintiendo la vibración constante de estar ante un hecho creativo, algo viviente, mirando los objetos y las acciones de la gente: sea una mujer barrendera, un hombre con su perro en una sala de espera veterinaria o una concurrida pileta comunitaria de una ciudad turística. Porque más allá de ser el apellido del artista, en el título del documental se encuentra la razón de reconocer la base popular de la creación de Marcos. Para quienes conocen a Marcos López, el documental lleva al espectador en un recorrido por su intimidad que sirve para entender mucho mejor su obra. Los relatos sobre su pasado, la relación con su padre, el día a día con sus hijos, la relación con su madre y el paso de los años, sirven para releer y reinterpretar toda su obra. Pero para quienes no lo conocen López se transformará en una experiencia doblemente disfrutable, ya que no solo se van asombrar con un artista en pleno proceso creativo, sino que se van a encontrar con alguien que encuentra en la artesanía popular su fuente principal de inspiración. Puntaje: 80/100. FUNCIONES:
El Cadáver Insepulto de Alejandro Cohen Aranzi. Crítica. Las torturas del patriarca. Bruno Calabrese Hace 23 horas 0 13 Este jueves el terror argentino se apodera de CineAr TV con el estreno del film que pasó por la Selección Oficial del Feratum 2020 de Michoacán, México. Por Bruno Calabrese. Maximiliano Espósito (Demián Salomón) es un psiquiatra que acaba de sacar un libro sobre jóvenes que crecen en orfanatos o reformatorios llamado La Educación Tribal. Por las noches sufre extrañas visiones de su pasado, él también se crió en un orfanato que abandonó para vivir en la gran ciudad, por eso mucho de su libro está basado en experiencias propias. Sorpresivamente recibe la llamada de un hermano donde le avisa que su padre adoptivo falleció, por lo cual debe viajar al pueblo de su infancia para realizar trámites de sucesión de las propiedades heredadas. Allí se reunirá con sus hermanos, pero descubre que su tutor aún no fue enterrado y se encuentra en la misma posición en la que falleció. Las razones de porque está así saldrán a la luz a medida que se vaya descubriendo un secreto que su familia guarda en la oscuridad. El paisaje rural es el ambiente elegido por el director para meternos en una historia de abusos y violencia familiar, pero principalmente de torturas patriarcales hacia los jóvenes en estado de vulnerabilidad por parte de un padre adoptivo. El pequeño pueblo funciona para representar los distintos factores de poder en los personajes, propios de un lugar donde las fuerzas vivas están más a la vista. El comisario, el cura, el director del diario, el gran empresario, el patrón de campo que en una comunidad chiquita son más reconocibles forman parte del pequeño microuniverso del film. Pero también la curandera, el viejo amor de la infancia que conecta a Máximo con su pasado. Con esos elementos, el director logra construir un hipnótico relato que gira alrededor de Maxi, el personaje principal, quien vuelve al pueblo para cerrar heridas del pasado que lo atormentan por las noches. Pero la muerte del padre adoptivo no parece ser suficiente para dejarlo atrás, es por eso que deberá sortear un par de viejas pruebas para poder sepultar de una buena vez por todas al fantasma de un padre terrateniente y potentado del campo. El Cadáver Insepulto no es solo terror, recoge elementos de diversos subgéneros como thriller psicológico y el suspenso. Es un film apto para vegetarianos que, al estar ambientado en un pueblo rural, utilizará escenas de matanza de ganado vacuno, cacerías y todo lo relacionado con la construcción de las masculinidades en ámbitos rurales. Actuación
“La Muerte de un Perro” de Matías Ganz. Crítica. Una mirada irónica sobre la paranoia y la inseguridad. Bruno Calabrese Hace 2 días 0 13 Este jueves en CineAr TV y a partir del viernes en su plataforma streaming CineAr Play se estrena la coproducción uruguaya-argentina. Por Bruno Calabrese. El perro es una forma de conjurar el angustiante aislamiento vital de las ciudades globales. Ofrece compañía y cariño a cambio de casi nada: su manutención es relativamente económica y su demanda afectiva, limitada. El perro lo da todo y al mismo tiempo mantiene su umbral de exigencia en niveles tranquilizadoramente controlados. Pero todo ese control que pensamos tener sobre el perro no es tal si lo miramos desde afuera. Jerry Seinfeld cuenta en un célebre monólogo que “Juntar la caca de los perros es lo más bajo que puede hacer un ser humano. Si los extraterrestres un día ven eso a través de un telescopio, pensarán que los perros son los líderes de la Tierra. Si ven a dos seres, uno de ellos hace caca, y el otro la recoge y se la lleva, ¿quién pensarán que manda?”. Lo mismo sucede con el control sobre nuestras acciones. La paranoia, la sensación de inseguridad, la desconfianza son sensaciones que silenciosamente se van retroalimentando mayormente por factores externos, pero que no nos damos cuenta si no es por la mirada del otro. Esas sensaciones son las que afectan a la pareja protagonista de La Muerte de un perro. Desde sus primeras escenas con unos perros corriendo y jugando en un campo con la música clásica de fondo nos trasladan a lo que puede denominarse una vida armoniosa. Ese tipo de vida parece ser la de nuestra anciana pareja protagonista, Mario (Guillermo Arengo) y Sylvia (Pelusa Vidal), pero no es tan así. Ella está jubilada, pero pasa mucho tiempo en casa, temiendo que la empleada doméstica, Guadalupe (Ruth Sandoval), le robe o que los mendigos vuelvan a la puerta de su casa. En cambio, Mario es un veterinario distraído que comete un error en una operación rutinaria al perro del título. El problema comienza cuando intenta encubrir este error profesional sugiriendo la opción de la cremación a la dueña del perro (Ana Katz), que acepta en un principio, pero luego cambia de opinión, dando lugar a una serie de protestas tanto en Facebook como en la puerta de la clínica de Mario. Para colmo de males, la casa de Mario y Sylvia, situada en las afueras de Montevideo, sufre un robo y es saqueada en su ausencia, mientras visitaban a su hija (Soledad Gilmet) y su familia. La pareja se muda temporalmente a la casa de su hija, pero la paranoia de Sylvia también empieza a afectar a Mario y se descontrola, animando a la pareja a considerar extrañas teorías conspiratorias sobre los acontecimientos recientes que involucran a Guadalupe, la empleada doméstica. Con un ritmo parsimonioso (propio de la edad de los protagonistas), el film nos sumerge en un espiral incontrolable de angustia y paranoia. Haciendo gala de una notable sapiencia para el uso del humor rápido e irónico, Ganz logra construir un relata atractivo y universal, que cruza a cualquier sociedad pequeñaburguesa. El director demuestra gran habilidad para la narración y le imprime una mirada muy precisa sobre la paranoia relacionada con la clase social y a la vejez, pero también sobre el bombardeo mediático al que estamos sujetos (de fondo se escuchan las noticias sobre delitos). Siempre con un suspenso constante, gracias al uso de la música como medio para crear la atmósfera de la película. Pero quienes se llevan todos los aplausos son la dupla protagonista. Arengo y Vidal logran configurar dos personajes torpes y complejos, que se irán degradando poco a poco, a medida que sus instintos paranoicos y su falta de control empiece a hacer mella en su psiquis. Coqueteando con el cine de los hermanos Coen, La Muerte de un perro no tiene violencia explícita pero sorprende al espectador con sus vueltas de tuercas plenas de salvajismo. Un austero y eficaz relato sobre los miedos, los prejuicios y la inseguridad, pero también una mirada irónica e interpelativa hacia una sociedad donde la vida de un ser humano tiene menos valor que la de un perro.
Micromundo estatal. Crítica de “Planta Permanente” de Ezequiel Radusky. Bruno Calabrese 16 noviembre, 2019 0 24 Dentro de la Competencia Internacional del 34º Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, se presentó el segundo trabajo como director del tucumano realizador de “Los Dueños” (2013). Una comedia crítica y precisa sobre el universo de los organismos estatales. Por Bruno Calabrese. En la Dirección de Obras Públicas provincial trabajan Lila y Marcela como personal de limpieza. Con 30 años de antigüedad, conocen cada recoveco y han logrado subsistir, armando un informal comedor en un lugar abandonado del edificio. Todo cambia cuando llega una directora nueva con cínicos discursos esperanzadores y vacíos de contenido. El cierre del comedor, promesas incumplidas y una ola de despidos, hará que la paz imperante en el lugar se rompa y las tareas cotidianas se transformen en una lucha por la supervivencia. Ezequiel Radusky logra de manera realista construir una comedia dramática con toques de humor negro sobre el micromundo de las oficinas del Estado. Gracias a la notable composición actoral de la dupla protagonista, Liliana Gonzalez (Lila) y Rosario Bléfari (Marcela), dos trabajadoras que se verán afectadas por las miserias de la burocracia. Verónica Perrotta es otro de los puntos altos dentro de la película, con una interpretación precisa, cuyos movimientos y discursos gestuales, llenos de clichés y plagados de lugares comunes, encuentran una llamativa similitud a una dirigente política saliente del gobierno provincial. “Planta Permanente” plasma en la pantalla grande la realidad de trabajadores estatales, víctimas de los patrones o enemigos del empresario. Una película que habla de las relaciones que suelen darse en los ámbitos gubernamentales, pero que se atreve a mostrar la vulnerabilidad de estas personas ante las miserias contemporáneas. Puntaje; 85/100. Editar FacebookTwitterGoogle+LinkedIn
“La Dosis” de Martín Kraut estrena en Cine.Ar. Crítica. Jugar a ser Dios. Este jueves a las 22 horas Cine.Ar estrena la cinta de terror psicológico ambientada en una Unidad de Cuidados Intensivos. Por Bruno Calabrese. Polimeni entrevista a Carlos Portaluppi por el estreno del film La Dosis de Martin Kraut | RadioCut Argentina Marcos Roldán (Carlos Portaluppi) es un enfermero que sirve dentro de la UCI (Unidad de Cuidados Intensivos) de una clínica. Hace 20 años que cumple servicios dentro de la misma, el más experimentado dentro del plantel. Dedicado a su trabajo casi las 24 horas del día, encuentra en la clínica una forma de escapar de su triste y gris soledad de su descuidado hogar. Junto a él trabaja Noelia (la siempre efectiva Lorena Vega), una joven enfermera que funciona como consejera y único lazo de sociabilidad por fuera de lo laboral. Dentro de la clínica Marcos es amo y señor, es candidato principal para ocupar el puesto vacante de Supervisor de Área, además de manejar la hora de morir de algunos pacientes terminales, a los cuales, por piedad, les aplica una dosis de medicación que les provoca la muerte. Todo su universo tambalea cuando arriba al lugar, Gabriel (Ignacio Rogers), un nuevo enfermero carismático y confianzudo, que demuestra una profunda admiración hacia él. Marcos percibe algo raro en Gabriel, por lo cual la relación entre ambos se vuelve incomoda, a pesar que el joven se muestra como alguien servicial (se ofrece a llevarlo a la casa en el auto, lo invita a tomar cerveza). Pero todo empeora cuando Marcos se da cuenta que Gabriel practica la eutanasia con pacientes, lo que hace que los responsables del centro médico (Alberto Suárez y Arturo Bonín) comiencen a investigar, dado el aumento de muertes dentro de la UCI. El director nos mete desde el primer plano en la angustiante realidad de la Unidad de Cuidados Intensivos. Quien haya tenido la desgracia de visitar una, enseguida sentirá la tremenda atmósfera que se vive dentro del lugar y se sentirá parte de la misma. Los sonidos de fondo de los respiradores y de los pulsómetros aumentados funcionan como una perfecta banda sonora dentro del profundo silencio del lugar, una constante del film en casi todo su trayecto. Las actuaciones de Portaluppi y Rogers potencian ese realismo. La soledad de Marcos se ve reflejada de manera perfecta, con pequeños detalles como comer simplemente una lata de arvejas o las persianas siempre bajas de su departamento. Pero el principal dilema moral se presenta cuando encuentra en Gabriel una especie de alter-ego que hace que comience a presentar algunos conflictos internos con su decisión de terminar con la vida de algunos pacientes cuya muerte es irreversible. ¿Es placer o piedad la razón que conduce a cada uno de ellos a realizar el acto de inducir a la muerte de sus pacientes?. Gabriel demuestra una extraña sensación de placer cada vez que decide aplicarle una inyección de aire a los moribundos pacientes, algo que a Marcos lo pone en jaque, ya que el entiende que la piedad es su lei-motiv para realizar la eutanasia. Pero ese conflicto el director lo plantea de manera directa con la primera escena, cuando el experimentado enfermero decide revivir a una paciente que los doctores dan por muerto, para luego el aplicarle la dosis letal por la noche como una forma de sentirse dueño del lugar demostrando ser él quien decida cuando le llegue la hora a los pacientes de la UCI. Marcos juega a ser Dios dentro del lugar, le gusta ser el quien decida sobre los demás. Pero ese lugar se ve amenazado con la llegada de Gabriel, y es ahí donde explota el principal conflicto, en esa relación enfermiza que nace entre ellos dos. Dos personajes que competirán por el poder de decidir por la vida de los demás, que convertirán su relación en algo tóxico y siniestro que hacen de la “La Dosis” un sórdido thriller psicológico con un profundo dilema moral sobre el uso de la eutanasia. Puntaje: 80/100. Actuación Arte Fotografía Guión Música Un sórdido thriller psicológico con un profundo
Un emotivo legado musical Rivera 2100 de Miguel Kohan. Crítica. Bruno Calabrese Hace 2 mins 0 0 Este jueves en Cine Ar TV y a partir del viernes en la plataforma streaming CineAr Play, se estrena el emotivo documental que rinde homenaje a «Donvi» Vitale y a Esther Soto. Por Bruno Calabrese, Aplausos, gritos, una ovación y la presentación de Rodolfo García y Luis Alberto Spinetta, baterista y voz/guitarra de Almedra, la legendaria banda argentina. El inolvidable flaco toma el micrófono y resalta la importancia de MIA (Músicos Independientes Asociados) para la música argentina, la agrupación nació en 1975 como una cooperativa independiente para impulsar la aparición de nuevos músicos. El proyecto surgió de un trío formado por Alberto Muñoz, Liliana Vitale y Lito Vitale, un joven pianista de 12 años.presentación de una banda. Simple pero contundente carta de presentación a poco de iniciar el film. Pero el documental no habla específicamente de la banda, gira alrededor de Donvi Vitale y Esther Soto (padres de Liliana y Lito), quienes en 1976 deciden crear un oasis musical y cultural en la casa (que al mismo tiempo es estudio de grabación) de la calle Rivera 2100 de Villa Adelina. De allí emergerá buena parte de la cultura alternativa de la época y un modo de gestionar la creación artística en absoluta libertad e independencia que perdura hasta nuestros días. Donvi tenía una trayectoria propia en el mundo de la música. Su talento como pedagogo y el riquísimo ambiente musical que se respiraba en el hogar que formó con Esther Soto -su mujer de toda la vida- en Villa Adelina, forjaron la carrera de su famoso hijo pianista y de Liliana, su hija cantora. Miguel Kohan retrata a través de imágenes diapositivas, la cuales son comentadas por les hermanes, testigos privilegiados de todos los registros fotográficos. La vocación de Donvi fue la de enseñar y transmitir todos los conocimientos que había aprendido desde tan chico. Fue profesor y guía de infinidad de músicos jóvenes, entre quienes se cuentan sus hijos, Andrés Calamaro y Mex Urtizberea. Este último será uno de las apariciones estelares del documental, sorprendido al encontrarse con el enorme archivo de carpetas con recortes de revistas de entrevistas de sus alumnos, guardados como valiosos tesoros de su legado en cada uno de sus aprendices. Donvi Vitale falleció en 2012, con 83 años de edad, mientras que Esther seis años después en 2018. Los registros de ella hablado de la ausencia de él tienen una carga emotiva que cobra relevancia con el paso de los años. Su rostro se ve reflejado en una pared a través de un proyector, ahora no solo los hijos son testigos de sus palabras, quienes compartieron MIA con ellos en algún momentos se sumaron y oyen la frase más emotiva de Esther: «Cuando uno se acostumbra a vivir en plural, es muy difícil vivir en singular». Lo que marca que la ausencia de Donvi cuesta para quien fue su compañera de vida desde 1955. No solo es un profundo homenaje a un destacado artista e innovador en el campo de la pedagogía musical, Rivera 2100 es un ejercicio de la memoria emotiva y una especie de árbol genealógico que irá ampliando sus ramas y sus flores a medida que avance el relato. Un legado histórico que empieza con los hijos, Liliana y Lito, y termina con un sinfín de músicos que se juntarán para rendir pleitesía a los grandiosos «Donvi» Vitale y a Esther Soto. Puntaje: 90/100.
Tengo Miedo Torero de Rodrigo Sepúlveda. Crítica Un amor platónico en una Chile convulsionada. Bruno Calabrese Hace 2 semanas 0 23 El jueves 15 y el sábado 17 de octubre con acceso libre por CineAr TV y a partir del viernes de manera gratuita en la plataforma streaming CineAr Play, se estrena la película chilena protagonizada por Alfredo Castro. Por Bruno Calabrese. La Loca del Frente (Alfredo Castro), es una vieja travesti que se dedica a bordar manteles para esposas de militares y vive en una empobrecida casa de Santiago. Una noche debe escapar de un club nocturno allanado por Carabineros de Chile en pleno show, asesinando a algunas de sus asistentes travestis ahí presente. En plena fuga conoce al joven Carlos (Leonardo Ortizgris), un guerrillero mexicano del Frente Patriótico Manuel Rodríguez, quien la protegerá de la vista de las fuerzas de seguridad. Con el pasar de los días, la relación entre ambos empieza a cambiar de un encuentro fortuito, a ser amigos cercanos, pero con La Loca coqueteándole cada vez que puede. Con tal de seguir viendo a su “príncipe”, empieza a cumplirle favores que terminarán vinculándola con la planificación del Frente Patriótico para asesinar a Pinochet. Ambientada en 1986, a solo un año de terremoto de Santiago de 1985, el film no solo cuenta el despertar político, también se transforma en un grito de dolor para nada simplista de una persona trans en un ambiente peligroso. Por que La Loca es consciente de la política, pero no está involucrada, aunque tiene claro que no importa si son los fascistas o los comunistas a cargo, ella siempre será considerada escoria. Su naturaleza sin complejos y su conciencia de dónde encaja en la sociedad se transmiten con tanta delicadeza que cuando realiza un acto de resistencia, su valentía es tan potente como natural.. Apoyado en el lucimiento personal y la versatilidad de Alfredo Castro interpretando a La Loca de Enfrente, recorre una historia de amor platónico en medio de la resistencia, Pero también es un reflejo de la soledad, que no solo acompaña a la protagonista también a Carlos, quien encuentraa en un refugio de contención ante tanto desarraigo. Pero que también acompaña al joven, que encuentra en ella una especie de fuga en medio de tanto conflicto social y político. La música y la puesta en escena hace el resto, desde Lola Flores pasando por Diego El CIgala, terminando con Pedro Aznar, la excelsa banda sonora se conjuga con imágenes en sintonía con la vida interior y exterior. Basada en la innovadora novela del ícono queer Pedro Lemebel, el film no es uno más de la mayoría de los dramas internacionales con temática gay. Con tintes de surrealismo italiano, Tengo Miedo Torero es un melancólico relato sobre la discriminación y el desarraigo. Una experiencia fascinante sobre dos seres en la búsqueda de un refugio de paz en medio de una Chile, víctima de un opresivo clima político y social. Puntaje: 90/100
Inicio/Cine/Terror social en la selva misionera. Crítica de “Los que vuelven” de Laura Casabé. CineCine de generoCine de género fantásticoCriticaEstrenosFestival Internacional de Cine de Mar del PlataFestivales Terror social en la selva misionera. Crítica de “Los que vuelven” de Laura Casabé. Bruno Calabrese 11 noviembre, 2019 0 35 Terror y suspenso en la Competencia Argentina del 34° Festival Internacional de Cine de Mar del Plata. La directora nos propone en film que cruza el melodrama histórico y el suspenso bajo la espesura de la selva misionera. Por Bruno Calabrese. Una mujer ruega por el regreso a la vida de su hijo a una enorme cascada de agua. Sus ruegos son escuchados por la Iguazú, la madre del día y la noche, y el bebé abandona la muerte en un llanto ensordecedor, como el potente sonido de la inmensa cascada misionera. El poder de la Iguazú está prohibido, según el mito y romper ese pacto está prohibido. “Los que vuelven” es relato de terror inmerso en un tiempo muy lejano. Épocas de colonización, en donde las tribus originarias eran esclavizadas por los patrones. Donde las esposas de los patrones usaban corsets y eran asistidas de manera permanente, hasta para desvestirse. El espesor de la selva misionera, tanto de noche como de día le dan el marco ideal a una película que tiene zombies, rituales paganos y leyendas aborígenes. Con influencias de films como “The Witch” de Robert Eggers, en lo sonoro y en la puesta en escena, así como en la fotografía, la película está narrada en tres capítulos en diferentes espacios temporales, generando una intriga mayor para lo que será un violento final. “Los que vuelven” juegan con la idea del terror sobre el hombre blanco de sus sometidos. La venganza de los indígenas que fueron aniquiladas o esclavizadas. Una impactante película, que se hace fuerte en el impacto visual y sonoro de la selva misionera, pero que a la vez sorprende como una reflexión sobre el terror social en Argentina y Latinoamérica. Puntaje: 80/100.