“Ema” de Pablo Larraín. Crítica. Al ritmo del reggaeton. Presentada en el Festival de Venecia, la nueva película del director chileno, realizador de “No”, “El Club” y “Neruda” ya se encuentra disponible en plataformas VoD. Ema (Mariana DiGirolamo) es una joven bailarina de reggaeton que decide separarse de su pareja, Gastón (Gael García Bernal), luego de abandonar a Polo, su hijo adoptivo. El pequeño de solo 7 años roció con alcohol a su tía en la cara y luego la prendió fuego. La gravedad del incidente hace que la pareja se deshaga del niño. Pero Ema no puede con su culpa, extraña al niño y junto a un grupo de compañeras de baile llevará adelante un plan para recuperarlo. Antes de seguir escribiendo, quiero aclarar que no me gusta el reggaeton, quizás sea un prejuicio sobre la raíz de sus letras y cierto contenido misógino. Es algo similar a lo que le ocurre a Gastón, pareja de Ema y líder del cuerpo de baile al que ella pertenece. La mirada que muchos tenemos sobre el ritmo latino se ve resumida en las palabras de él, en medio de una discusión con Ema, el reaggaeton es “una cultura de la violencia, donde las mujeres se convierten el objetos sexuales y el hombre es un puto macho que está todo el tiempo metiéndole el puño en el culo a las mujeres”. Teniendo en cuenta esa mirada elitista, Larrain propone una reivindicación del ritmo, utilizándolo como herramienta liberadora de los cuerpos. Ema es la abanderada de esa liberación, con ese fuego que lleva adentro y hace erupción por las noches, cuando sale con un lanzallamas a quemar objetos. Pero no cualquiera; semáforos (símbolo del orden establecido), calesitas y hamacas (símbolos de la niñez perdida) y autos (Símbolo del materialismo) son víctimas de su fuego. Pero no solo es el lanzallama su arma de liberación, también existe su cuerpo: para enfrentar a lo institucional representado en la abogada, a quien seduce con una intención manifiesta, llevándola a explorar terrenos del goce y el placer que no conocía. Y también la voz, para seducir a la directora de la escuela donde se presenta a trabajar, con su discurso sobre la libertad de los cuerpos y las formas de expresarse, sobre lo positivo de rebelarse contra el autoritarismo, aunque la docente deba aclarar que, por su posición dentro de la escuela, debe imponer disciplina con los estudiantes. Pero también hay otro fuego interno dentro de Ema, que va más allá del deseo de recuperar a Polo, es el deseo del hijo propio. Ese que no le pudo dar Gastón por su infertilidad, lo que los llevó a optar por la adopción. Cuando Ema encuentra quien pueda satisfacer ese deseo, Larraín explora los bajos instintos con metáforas que rozan lo vulgar, como un seductor bombero cargando una potente manguera junto a Ema, seguido con una escena sexual entre ambos, emulando a la escena del acto sexual entre los caballos en “Fiebre” de Armando Bo. La belleza de Valparaiso es el telón de fondo perfecto para cada plano en exteriores. La nocturnidad de la ciudad se conjugan con las luces encendidas y los colores vivos, que hacen tono con el fuego que irradia Ema y que va esparciendo por la ciudad, con sus bailes y con su lanzallama. Pero todo lo que sucede en la película tiene un fin, y al momento que el plan de Ema se lleve a cabo, la realidad de todos habrá cambiado, todos se habrán sacado los prejuicios de encima, salir de la normativa social y alcanzar algo distinto. En “Ema”, Larraín reinvindica el reggaeton, lo saca del prejuicio elitista, nos deleita con un trabajo visual y sensorial impecable, con el género musical como herramienta narrativa útil para contar una explosiva historia de liberación. Puntaje: 90/100.
“La Fiesta Silenciosa” de Diego Freid. Crítica. Venganza ruidosa en medio del silencio. Presentada el año pasado en el Festival de Mar del Plata, se estrena en Cine Ar TV y en Cine.Ar Play la película del director de “Vino”, codirigida por Federico Finkielstain y protagonizada por Jazmín Stuart, Gerardo Romano, Esteban Bigliardi y Gastón Cocchiarale. Por Bruno Calabrese. Múltiples películas han abordado la temática de la agresión sexual en el cine. Algunas de manera explícita como “Irreversible” de Gaspar Noé o “Perros de Paja” de Sam Peckinpah, enfocándose en la venganza desde el lado masculino hacia los violadores de sus parejas. Otras en el cambio de paradigma de transformar a la víctima en victimario, con el discurso “ella los provocó” como en “Acusados” de Jonathan Kaplan, donde “la manada” somete en una impactante violación a una joven Jodie Foster en un bar. Como una especie de grito de guerra ante la injusticia de transformar a la víctima de la violación en culpable de esa agresión sexual, surge el subgénero de violación y venganza Dicho furor emasculador femenino nos legó films como la hiperviolenta y gore “I Split on Your Grave” del año 1978, que tuvo su reversión en el 2010, y más cerca en el tiempo “Revenge” de Coratie Fargeat. El cine argentino también tuvo grandes exponentes dentro del género con “La Búsqueda” de Juan Carlos Desanzo y “La Patota” (en sus dos versiones de 1960 dirigida por Daniel Tinayre y la de 2015 dirigida por Santiago Mitre). En “La Fiesta Silenciosa” Diego Fried profundiza en la temática explorando en el universo masculino que se constituye alrededor de la víctima. Laura (Jazmín Stuart), llega junto a su pareja, Daniel, (Esteban Bigliardi) a la casona de campo del padre de ella. Es el día antes de su fiesta de casamiento, y se encuentran ultimando los detalles para los preparativos de la celebración. León, su padre (Gerardo Romano) es quien lleva la batuta. De personalidad avasallante y una verborragia insoportable asume un control que nadie le dio pero que ella lo permite porque “el es así”. La frase “todo para mi princesa” se repite una y otra vez de la boca del progenitor. Daniel parece ser una especie de alter-ego de Leon, un hombre sumiso, que se ve sobrepasado por la actitud de su suegro. El futuro esposo verá en disputa su masculinidad, algo que intentará compensar desde el plano económico, al intentar asumir el costo de la fiesta pero ella no lo dejará. Un padre que se pone a practicar tiro al blanco con una pistola automática en el momento que ellos tratan de tener sexo en su habitación, la planificación de un viaje a Traslasierra entre León, su hija y su futuro nieto, dejándolo a Daniel de lado, son un reflejo de la actitud posesiva hacia su hija. Ese contexto de lucha de machismos, sumado a los nervios propios de contraer matrimonio hacen que ella se vea necesitada de un poco de aire. Comenzará a caminar sola por el campo hasta llegar a la quinta vecina, donde un grupo de jóvenes realizan una fiesta silenciosa con auriculares, a la que decide sumarse. Ella está al margen de todo, hasta que aparecen dos jóvenes que se ponen a bailar con ella. Ese inocente baile derivará en un juego de seducción con Gabo (Lautaro Bettoni) mientras el otro, Maxi (Gastón Cocchiarale), es testigo privilegiado. Acto seguido la vemos salir de la fiesta en estado de shock, como una muestra de que ha sido víctima de una violación o de alguna situación de abuso. A partir de ahí nos meteremos en una sangrienta historia donde todos los participantes de la fiesta se verán involucrados en una violenta persecución en busca de venganza de Laura, su padre y su futuro esposo. El film resuena como un muestrario de violencia machista, muchas veces naturalizada, como esas actitudes paternas y de su pareja, en la disputa por ella como un objeto de deseo. Una dinámica que se seguirá reproduciendo de manera sistemática en la fiesta silenciosa, con la actitud de los jóvenes hacia ella cuando la ven bailando en soledad. La reproducción entre el grupo de amigos de un video de Laura teniendo sexo con Gabo, el reproche de este ante el reclamo de la difusión del mismo y la respuesta de Maxi, un joven de contextura obesa, por el “supuesto egoísmo” porque todas las mujeres acceden a tener sexo con él, como si fuese un trofeo cosificado al que todos deberían poder acceder. Con pequeños fragmentos y diálogos, el director logra reflejar todos los estereotipos de violencia hacia la mujer que se reproducen en diversos ámbitos, esta vez con la excusa de una doble fiesta (la del casamiento y la silenciosa). Gerardo Romano como el padre, funciona perfecto como una especie de Rey Tritón en “La Sirenita” , al igual que Esteban Gagliardi como el futuro esposo sumiso y todo el elenco joven que construye el espectro masculino que rodea a la mujer. Pero es la actuación de Jazmín Stuart la que refuerza el concepto del film, dándole la dualidad necesaria para interpretar las dos caras de Laura. La actriz compone con solvencia a una mujer resignada en un principio, que no lucha para cambiar esa realidad a la que se encuentra acostumbrada y se vuelve feroz cuando sale busca tomar justicia por mano propia. “La Fiesta Silenciosa” es una experiencia catártica sobre una víctima que descarga su ira sobre aquellos hombres que la han transformado en un objeto sexual. Aunque su discurso no es de odio ni de tomar venganza por mano propia sino de defenderse tomando las propias armas del silencioso opresor, la película se transforma en denuncia cuando refleja la violencia masculina, simbólica y explícita, hacia la mujer y se vuelve salvaje cuando se enfoca en la venganza de Laura hacia sus violadores. . Una catártica historia de una víctima que descarga su ira sobre aquellos hombres que la han transformado en un objeto sexual.
“La Chancha” de Franco Verdoia. Crítica. Traumas del Pasado. El jueves 28 a las 20 hs en CineAr TV (repite el sábado a la misma hora) y a partir del viernes en la plataforma streaming Cine.Ar Play se estrena el film protagonizado por Esteban Meloni y Gabriel Goity. Por Bruno Calabrese. En plan de tomarse unas vacaciones familiares, Pablo (Esteban Meloni) vuelve de Brasil a su pueblo natal en La Cumbre, Córdoba. Acompañado por su esposa Raquel y Joao, el hijo de ella con una pareja anterior, recorren posadas cordobesas en búsqueda de hospedaje hasta que encuentran una en medio de un bosque. El niño recorre en soledad las instalaciones del predio mientras ellos se toman un breve descanso después del largo viaje. Allí conocerá a Míguel (Gabriel Goity), quien se encuentra en compañía de su esposa Alicia (Gladys Florimonti) y su pequeño bulldog francés. Cuando Pablo sale a la búsqueda del pequeño, lo encuentra interactuando con ellos pero al encontrarse con Miguel un trauma del pasado se despierta. Ambos eran vecinos del pueblo de Las Varillas, pero se niegan a ahondar en detalles sobre como era su vida allí. En Pablo se nota una mirada de bronca y resentimientos hacia Miguel, que hace todo lo posible evitar hacer contacto visual con él. El desequilibrio emocional por ese reencuentro empieza a hacer mella en Pablo, que empieza a sufrir una regresión psicológica. Comenzará a orinarse en la cama, a tener ataques de pánicos que lo obligarán a tener que enfrentarse con ese traumático recuerdo. El director logra reconstruir un relato tenso, incómodo por momentos. Como un proceso de sanación de una herida del pasado, el film recorre todos los estados emocionales de la víctima de un hecho del pasado y volver a enfrentarse con quien fue el victimario. La construcción de Miguel como un personaje desagradable, interpretado maravillosamente por Gabriel Goity, hace sentir el profundo malestar en que se encuentra sometido Pablo. Esteban Meloni se luce en su composición, otorgándole al personaje un sinfín de matices en ese recorrido de intentar cerrar una herida que se reabre, de ese fantasma que parecía haberse esfumado, pero que aparece en un momento inesperado. La metáfora de la chancha como ser que vive en la mugre funciona para representar las sensaciones de Pablo con el hecho del cual fue víctima, por fuera de ser el lugar donde sucedió. Volverá a aparecer en el momento que trate de tomar revancha y trate de lanzar al bulldog francés de Miguel a los chanchos de la granja que se encuentra en la hostería, como simbolismo de estado de vulnerabilidad en que se encontró Pablo cuando fue niño y fue víctima de Miguel, pero también como una muestra de las relaciones de poder. Polanski jugaba con las revelaciones tardías y la imposibilidad del olvido en “La Muerte y la doncella”, cuando Paulina Escobar (Sigourney Weaver) se enfrentaba de casualidad con su torturador durante la dictadura en un país imaginario. Ese suspenso propio del cine del director polaco a se ve reflejado en elementos comunes como el sudor, el silencio, las miradas fulminantes y esquivas, sumado a la imposibilidad del olvido. Eso hace que el film mantenga un alto voltaje hasta último momento, cuando el deseo de venganza explote de manera volcánica en ese intenso final en las aerosillas. “La Chancha” es un drama psicológico trabajado con mucha inteligencia a partir de un secreto que no se revelará hasta el final. La atmósfera asfixiante nos mete de lleno en las tinieblas de una víctima y nos mantiene en tensión, con una historia llena de contenidos y reflexión sobre las consecuencias de la tortura física y psicológica. Puntaje: 90/100.
“Camping” de Luciana Bilotti. Crítica. El egoísmo de los adultos. En la plataforma streaming Cine.Ar Play se estrena la ópera prima de la directora mendocina. Ganadora del Concurso Raymundo Gleyzer 2015. Por Bruno Calabrese. Una pareja en crisis, una hija en la pre-adolescencia y un fin de semana de esparcimiento en un camping. Con esos condimentos l la directora nos sumerge en un momento bisagra en la vida de los tres protagonistas. Estefania (Martina Pennachio) se va con sus padres y Sofia (Zoe Gatica), una amiga a pasar unos días en carpa en un camping. Marcos (Diego Velazquez) y Sara (Ivana Catanese) , sus padres, afrontan una profunda crisis que parece tener un inevitable destino, la separación. Se percibe en el ambiente el malestar entre ambos, pero sin peleas, solo evitando el contacto o pasar un tiempo juntos. El padre abocado a arreglar un velero que nunca pisa el agua para navegar, mientras que ella se dedica al cuidado de las chicas. MIentras tanto, Estefanía se descubre a si misma en una nueva etapa de su vida. La directora indaga en un momento bisagra de una familia en ruptura. Recurriendo a videos caseros donde se expone los momentos de la niñez de la protagonistas da inicio a un viaje de descubrimiento de Estefanía. El recurso de usar grabaciones caseras en VHS como elemento de composición del relato es un recurso que ya habíamos visto en “Las Buenas Intenciones” el año pasado. Al igual que en la película de Ana García Blaya, aca forma parte de un contexto de cambio importante en la vida de niños. Durante su estadía en el camping la niña comenzará a sentir sus primeras experiencias de la adolescencia: el interés por un chico, el primer cigarrillo, la rebeldía ante sus padres. Con una convincente actuación por parte de los niños, el film es una interesante mirada sobre la transformación de una niña en adolescente. Los momentos de ternura es uno de los recursos que apela la directora, apuntando a la nostalgia del espectador que conecte con sus vivencias en esa inocente edad. Ese retrato tierno se ve quebrado con los momentos de tensión que se da entre la relación de los padres, pero sobre todo en el enfoque que se da en la dinámica familiar, con un padre que trata de no compartir momentos con ellos, salvo algún que otro espacio aislado que se da para estar con su hija. La crítica sobre la dinámica se ve explicitado en el final, cuando quien decida desaparecer de esa asfixiante realidad sea la madre, mostrando las carencias paternas y el ausentismo de Marcos, a pesar de su presencia física. “Camping” es opresiva cuando hace foco en la relación de la pareja pero descomprime cuando se enfoca en la tierna transformación de Estefanía. Un film que habla de la familia y el desgaste de las parejas, pero fundamentalmente habla sobre la soledad en la que se encuentran los niños en momentos claves de su vida, por conflictos ajenos a ellos. Puntaje: 70/100
“El Cazador” de Marco Berger. Crítica. Juventudes reprimidas En el habitual ciclo de estrenos de los jueves de Cine Ar TV, este 28 de mayo llega la nueva película del director de “Un Rubio”, “Plan B” y “Hawaii”. A partir del viernes se encuentra disponible en la plataforma streaming Cine.Ar Play. Por Bruno Calabrese. La historia sigue a Ezequiel (Juan Pablo Cestaro), un adolescente de clase de media acomodada, que mantienen en secreto su deseo por otros hombres. En soledad, (sus padres se encuentran casi siempre de viaje) deambula por la escuela, por el barrio, a la vez que sufre el rechazos de algunos compañeros. Hasta que conoce a Mono (Lautaro Rodriguez), un joven skater. En una plaza comenzará un juego de seducción a través de miradas cómplices que desembocará en una relación oculta. Pero lo que parecía ser una historia de amor secreta entre dos jóvenes dentro de un contexto complicado para asumir su homosexualidad tiene un giro, cuando aparece en escena un supuesto primo del joven skater, el “Chino” (Juan Barberini) con quien irán a pasar unos días a una solitaria casa en las afueras de la ciudad. Por la noche la pareja de jóvenes se quedará en soledad, sin saber que algo extraño está sucediendo en la casa que hará que Ezequiel se encuentre en una peligrosa encrucijada de extorsión y tráfico de pornografía infantil. Con el sello de cine de autor, ya característico dentro del cine de Marco Berger que lo hace sumamente interesante. Nuevamente se sumerge en una exploración de la homosexualidad y los deseos reprimidos a través de miradas cómplices, exposiciones corporales que se dan con total naturalidad en el ámbito de los hombres. Pero en todas sus películas esa temática era siempre abordada desde historias enfocadas en dramas personales con cierto toque de cine romántico y mucha carga emocional. “Un Rubio”, “Plan B” (su ópera prima) y “Hawaii” dan cuenta de eso, lo que lo han convertido en un referente dentro de género. Pero esta vez el director fue más allá, metiéndose de lleno en un terreno complejo, el de la la pornografía infantil. Como una especie de thriller, la música es la herramienta principal para generar suspenso. Poco a poco, de manera incrédula, guiado por sus sentimientos hacia el Mono, Ezequiel se irá metiendo en un terreno peligroso, poniendo en riesgo su integridad. Una filmación suya teniendo sexo con el joven puede sacar a la luz su secreto más íntimo, lo que obligará a intentar de engañar a otra víctima. Allí aparecerá en escena, Juan Ignacio (Patricio Rodriguez), un joven de 14 años que recién está descubriéndose a si mismo y a sentir atracción por las personas del mismo sexo. Un trágico accidente en el que murieron su padres llevaron a que el niño sea criado por sus abuelos. Su homosexualidad se ve reprimida pero encontrará en Ezequiel un confidente, alguien con quien podrá sentir la libertad de expresar su sexualidad sin temor, quien a su vez ve en el niño a la víctima que impida que su secreto se descubra. Pero el vínculo afectivo que nace entre ambos hará que el sentimiento de culpa aparezca en Ezequiel y lo obliguen a tomar una decisión sobre los pasos a seguir. Todo ese bagaje de situaciones hace que la película se transforme en un drama social. Marco Berger se anima a bucear en el difícil terreno de la sexualidad adolescente con un tema espinoso, lo que hace de “El Cazador” su película más arriesgada. Sin recurrir a golpes bajos, de manera realista y natural, solo a través de sugestivas escenas que hablan por si solas, pero sin dejar de ser una mirada profunda y reflexiva sobre los peligros a los que están expuestos lis jóvenes por no contar con un marco de contención adecuado que permitan expresar preferencias sexuales que rompan con la heteronormatividad imperante. Puntaje: 90/100.
“Mi Niña” de Lisa Azuelos. Crítica. Maternidad moderna y el nido vacio. Bruno Calabrese Disponible en las plataformas iTunes y Google Play a partir del 28 de mayo a las 00:00, se estrena la última película de la directora de “LOL” y “Dalila”. Por Bruno Calabrese. Héloise (Sandrine Kiberlain) recibe la noticia que Jade (Thaiss Alessandrin), la hija más pequeña de sus tres hijos, está por partir a Canadá para estudiar la licenciatura. La joven es la única que queda viviendo con ella, se encuentra en el último año de secundario y debe dar un examen crucial para poder viajar. Pero la madre comienza a sentir su partida, a notar el paso del tiempo y los cambios exteriores que se dieron en el paso a la adultez de la joven. Durante los últimos momentos de Jade antes de partir, en ese proceso hacia un paso fundamental en su vida, la chica se enamorará, sale de fiesta con sus amigos y descuida la escuela para divertirse sin control. La película retrata la dificultad que una madre siente cuando los hijos crecen y comienza a aparecer el famoso síndrome del nido vacío. Muchas películas han tocado el tema, pero en esta ocasión no se trata de una madre conservadora. Heloise intenta comprender un mundo moderno en el que las relaciones amorosas pueden florecer de una aplicación, pueden ser abiertas. Es una madre que usa Tinder, está interesada en tener citas o encuentros sexuales porque es consciente de que la edad o maternidad no es un impedimento y no le incomoda que su hija duerma en la misma habitación con su novio. Esa modernidad es una de las claves por la cual la relación entre Jade y Helroise goza de absoluta confianza. Pero la directora también profundiza en elementos secundarios que le dan fuerza al retrato de una relación idílica entre madre e hija. Para eso utiliza pequeños flashbacks, donde la madre recuerda momentos de la infancia con sus hijos que reflejan su crecimiento y las dificultades de criarlos en soledad. “Mi Niña” es una romántica mirada sobre el dolor que sienten las madres cuando ven a sus hijos partir. A pesar de caer en clichés y de algunas dramatizaciones exageradas, no se vuelve repetitiva gracias a Sandrine Kiberlain, que aporta su carisma habitual para reflejar con total naturalidad una mirada interesante sobre la maternidad moderna. Puntaje: 70/100.
“Solo” de Artemio Benki. Crítica. Ahora que tengo un alma que no tenía. Uno de los estrenos de la CineAr TV (Se estreno ayer a las 20 y se repite el sábado 23 a la misma hora) y de la plataforma Cine.Ar Play es la película que explora la vida de un prodigioso pianista que vió su carrera interrumpida por problemas psiquiátricos. Por Bruno Calabrese. Martín Perino fue un prodigioso pianista a muy temprana edad. Su habilidad con el instrumento le permitió ganar becas para estudiar e incluso llegar a tocar en el Teatro Colón. La fama le llegó pronto pero un problema psiquiátrico (ezquizofrenia-agorafobia-síndrome autorreferencial-ataques de pánico) derivó en que sea internado en el Hospital Borda para iniciar un tratamiento. Luego de cuatro años de estar internado, el joven es dado de alta. El documental de Artemio Benki retrata todo el proceso de reinsertarse en la sociedad en primera persona. Las palabras de Martín son las que narran la historia, pero no como una simple , la interacción con quienes lo ayudarán con el difícil proceso de volver son quienes marcan el pulso narrativo del film. Así es como veremos a Martín dialogar con su psicólogo, con ex pacientes que harán de sostén es su vuelta al exterior. Esos encuentros son excusas qe sirven para que el joven pianista cuente sobre su pasado pero también como vive su salida. A través de una experiencia observacional nos sumergimos en la vida del virtuoso pianista en un momento clave de su vida. Allí conoceremos su relación con otros pacientes (algunos con transtornos severos y otros más leve). En esa interacción Martín siempre se encuentra casi siempre sentado con su instrumento. El director recogerá momentos emotivos como cuando uno de los pacientes comienza a tener una crisis y el lo relaja utilizando el piano. Pero no solo existe la relación con los internos, otro pilar que será fundamental en su proceso de reinvención: la profesora de baile del hospital. Es ella quien interpreta, junto a otros pacientes las piezas que Martín compone y quien colabora para que sienta la importancia de sus interpretaciones. Por que una de las razones que más hacen sufrir a Martín es la aceptación del otro, el reconocimiento de su trabajo que lo haga de salir de esa soledad que lo hace sufrir, mucho más ahora que debe volver a su vieja rutina. Entre charlas con otros ex pacientes encontrará la manera de reflexionar sobre todo lo vivido. Sobre sus autoexigencias, como su rigidez mental no le permitió negociar con la realidad y lo condujo a la crisis que truncó la carrera. Al salir encontrará que las palabras de uno de ellos es la realidad de cada uno de ellos, no encontrar nada que hacer, volver a los miedos por la falta de costumbre que genera el estar encerrado. Martín deambulará por espacios culturales para que lo dejen tocar sin darse cuenta que el lugar no es el adecuado para su música (intenta entrar en un encuentro de metaleros). El film tiene un quiebre en la mitad, con un salto en el tiempo donde nos encontraremos a Martín con el pelo largo. Sin lugar donde tocar, recorriendo la ciudad en busca de un piano para tocar. De vez en cuando la cámara toma sus manos que permanentemente juegan con un piano ficticio, lo que demuestra la imperiosa necesidad de conectarse con el instrumento. Pero también vemos su casa, de grandes dimensiones, a medio terminar y su soledad en esa inmensidad. También interactuará con gente de su infancia para volver a conectarse con su pasado, a quienes narrará sus vivencias, reflexionará sobre su soledad y su pasión por el piano, siempre en conjunción con imágenes cargadas de simbolismos visuales. Al igual que en “Claroscuro” de Scott Hicks, basada en la vida de otro pianista, David Helfgott, el film refleja los dos lados de la personalidad del protagonista, con la diferencia que acá lo hace desde lo observacional. Logrando que “Solo” sea un documental transparente cargado de emociones, donde lo bonito de las composiciones musicales hace contraste con la soledad de Marín, dejándonos una sensación agridulce sobre un ser que lucha contra sus propios fantasmas internos. Puntaje: 90/100.
“Miragem” de Eryk Rocha. Crítica. ¿Que es lo que hace un taxista construyendo una herida? El jueves 21 se estrena en CineAr TV y a partir del viernes en la plataforma streaming Cine.Ar Play la coproducción argentina y brasilera del director de la multipremiada “Cinema Novo”. Por Bruno Calabrese. Una Río de Janeiro vibrante, volátil y cambiante está presente en el último largometraje de Eryk Rocha, “Miragem”. Un retrato conmovedor sobre los encuentros nocturnos de un taxista que recorre la ciudad carioca. Paulo (Fabricio Boliveira), recientemente divorciado, comienza a conducir un taxi nocturno para pagar la manutención de su hijo Mateus, de diez años a su ex esposa Livia. Cuando el sol comienza a ponerse sobre Río de Janeiro, Paulo se encuentra con una variedad de clientes coloridos, desde colegas y policías hasta borrachos y amantes, las historias del pasajero se entrelazan con las suyas mientras conduce por la noche de esta ciudad cada vez más frenética. Tejiendo imágenes filmadas en las calles de Río de Janeiro con escenas ficticias de la vida cotidiana de Paulo, es una crónica impresionista sobre un hombre y una ciudad cuyo destino es incierto. Haciendo uso de primeros planos extremos y desenfoques de cámara, Rocha no solo logra capturar los matices del personajes, sino que también logra darle al film un efecto alucinógeno que se condice con la vida nocturna de la ciudad. Todo el peso dramático se carga sobre la actuación de Fabricio Boliveira, interpretando a un hombre que debe sobrellevar la soledad, la fatiga y el arrepentimiento. Pero que también comienza a aprender los códigos de su nuevo trabajo, que se entrelazan con los momentos de dudas personales, todo dentro de una ciudad que se reinventa constantemente. Su vía de escape de esa triste realidad es Karina, interpretada por Bárbara Colen, la pasajera que se convierte en la amante de Paulo. Una enfermera que también encuentra consuelo en el taxista. Como no puede ser de otra manera en las películas brasileras, la música es otra de los grandes protagonistas. Sobre todo en la hermosa escena de ellos dos cantando la canción de Caetano Veloso “Pé do meu samba” interpretada por la genial voz de Mart´nália. Canciones de Letrux y de Deejay Telio le aportan una variable distinta para dar un marco distinto y reflejar la nocturnidad carioca. “Miragem” es una película que se cocina a fuego lento, donde el taxi recorriendo las calles de Río de Janeiro es la principal locación. A menudo en silencio, observando la ciudad, con una falta de diálogo que alimenta la tensión y da la sensación que el film esté conduciendo hacia ninguna parte, al igual que la vida de Paulo. El abrupto desenlace dejará un sentimiento general de muchas preguntas sin respuestas y varias cuestiones sin resolver, pero la fusión entre el arte y el realismo dejará como resultado final una conmovedora película sobre la soledad, la supervivencia y la búsqueda de la reinvención. Puntaje: 80/100
“La Isla de las Mentiras” de Paula Cons. Crítica. De heroínas a villanas Se estrena el jueves 14 de mayo en CineAr Tv a las 22 hs y a partir del viernes en la plataforma streaming Cine.Ar Play la cooproducción española-argentina que refleja todo lo sucedido detrás de una de las tragedias más grande de España. Por Bruno Calabrese. La madrugada del 2 de enero de 1921, en medio de una espesa niebla el vapor Santa Isabel, con 260 emigrantes con destino Buenos Aires, se hundió frente a la escarpada y dura costa de la isla de Sálvora. Esa noche no había hombres en la isla, estaban celebrando las Navidades en tierra firme. La única esperanza de los supervivientes que luchaban por no estrellarse contra las rocas eran las pocas mujeres, viejos y niños que vivían en este lugar. Tres jóvenes isleñas, María (Nerea Barros), Josefa (Victoria Teijeiro) y Cipriana (Ana Oca), deciden lanzarse al mar en una pequeña embarcación tradicional. Remando sólo de oído, debido a la espesa niebla y a la noche cerrada, logran salvar a 50 personas. Todo lo que ocurre desde esa noche va a sacudir y cambiar para siempre a esta isla. Un periodista argentino, León (Darío Grandinetti), acude a Sálvora para cubrir la noticia del naufragio. Pero poco a poco comprueba que esa noche sucedieron demasiadas terribles “casualidades” en la isla. Son muchas las incógnitas que hay que resolver. Con una prolija ambientación como punto fuerte, el film no solo se centra sobre la tragedia. Refleja el maltrato y la esclavitud a la que era sometida la población de Sálvora. Como una especie de reinado, el dueño capitalista ejerce su poder económico sobre los “colonos”. El conflicto se plantea a partir del momento en que las mujeres se rebelan contra los que tienen esclavizados al pueblo. Las tres heroínas se deciden revelarse contra el maltrato del capataz, a cargo también del manejo del faro, el cual no funcionó correctamente la noche del naufragio y aparenta ser uno de los causales del siniestro. Pero la tragedia del barco es una excusa, los verdaderos protagonistas del film son la isla y las tres mujeres que salieron a auxiliar a los náufragos. La catástrofe del Santa Isabel es poco conocida, pero aún lo es menos que tres mujeres salvaron a docenas de personas de una muerte segura. Es así que el film muestra como los homenajes que se le hicieron a las tres mujeres fueron disparatados, y se tuvo con ellas un comportamiento humillante, como chivo expiatorio que sirvió para ocultar todo el entramado de corrupción que existió atrás de la tragedia. Apoyada en la fotografía de la isla de Sálvora con una asombrosa luminosidad en contraste con la neblina nocturna. En combinación con el paisaje agreste, “La Isla de las Mentiras” es un interesante retrato de época, que utiliza una tragedia como herramienta para reflejar el encubrimiento detrás del mismo pero también las dinámicas de poder y el colonialismo esclavista del momento. Puntaje: 70/100
“Blanca como la nieve” de Anne Fontaine. Crítica. Un viaje liberador al bosque. Bruno Calabrese Hace 4 horas 0 6 La aclamada directora de “Las Inocentes” vuelve con una libre adaptación de la obra de los hermanos Grimm. Se estrena el 14 de mayo en plataformas de iTunes y Google Play. Por Bruno Calabrese. Claire, una bella joven trabaja en el hotel de su difunto padre, que ahora dirige su malvada madrastra Maud. Claire provoca sin querer unos celos incontrolables en Maud, cuando su joven amante cae rendido ante los encantos de su hijastra. Maud decide desprenderse de Claire, pero ésta encontrará refugio en una granja donde tendrá la oportunidad de olvidarse de la estricta educación que recibió conociendo a siete príncipes. Inspirada en el clásico de los hermanos Grimm “Blanca Nieves”, el film es una deconstrucción arriesgada que funciona como un fresco retrato de mujer. Apoyada en la naturalidad de Lou De Laâge en el papel de Claire, quien con gestos aniñados y una elocuente sensualidad encaja a la perfección. Toda su bondad e inocencia es blanco de a envidia de su madrastra, una especie de femme fatale siniestra y perversa, interpretada con su acostumbrada perfección por Isabelle Huppert. La película atiende a los dictados de la obra original -hay siete “enanos”, bosque, animalitos, manzanas, etc.- pero se atreve a utilizar el destierro de Claire como símbolo de una profunda liberación -anímica, laboral, sexual- que la heroína vivirá con mucha intensidad. Ese impulso será admirado e incluso respetado por los hombres que la rodean, aun si no la entienden o la querrían sólo para sí. Los únicos enemigos son los adultos más adultos, representados por Maude, la madrastra, incapaces de ver con buenos ojos aquello que no entienden, impermeables ante conductas que sobrepasan sus preceptos morales, y cuyo impuso será tratar de anularlas. Apoyada en una increíble fotografía, “Blanca como la nieve” es también un llamado a la vida campestre, a la rutina rural, cansina y bucólica. Lo que hace que el film no sea una simple adaptación de la obra original, sino también un film liberador con una sofisticada e impecable puesta en escena. Puntaje: 80/100.