Fin de ciclo: heredarás tu saga Star Wars: Episodio IX - El Ascenso de Skywalker (Star Wars Episode IX: The Rise of Skywalker) es el cierre de la tercer trilogía de lo que podríamos llamar el canon "clásico" del universo creado por George Lucas, dejando de lado los spin-offs, miniseries, dibujos animados y toda la andamiada de productos asociados de una saga que ya lleva más de 40 años insertada en la cultura popular, la cual desde que pasó a ser propiedad del monopolio Disney piso aún más fuerte el acelerador comercial. Continuando la línea argumental de los episodios VII y VIII, Rey (Daisy Ridley) va tras los pasos de Kylo Ren (Adam Driver) quien acaba de unir fuerzas con Palpatine, el sith más poderoso y viejo antagonista de la trilogía original, devuelto al ruedo de forma curiosa y con algunas "magias de guion". Cuestión que estos dos últimos planean combinar todo su poderio para acabar de una vez por todas con las fuerzas rebeldes y en especial con Rey, la última esperanza de los Jedi. Pero hay otro eje de conflicto importante, el verdadero origen de la propia Rey... ¿Es hija de Luke Skywalker?¿Quiénes son sus verdaderos padres?¿Por qué la abandonaron misteriosamente cuando era una niña? J.J. Abrams vuelve a agarrar las riendas de la dirección, como lo hizo en Star Wars: Episodio VII - El despertar de la fuerza (2015), intentando volver a insuflar ese aire nostálgico a la franquicia que tan buenos resultados le había dado. Se nota que tanto el director como su equipo de guionistas tomaron nota tras las críticas despiadadas que recibió la malograda Star Wars: Episodio VIII - Los últimos Jedi (2017), algo que al mismo tiempo genera cierto agujeros argumentales y saltos en la lógica interna que probablemente pasen desapercibidos para el espectador promedio, más no para el fan avezado. Abrahms vuelve a filmar en 35 milímetros como lo hizo anteriormente en la saga, y sin necesidad de ser un experto desde lo técnico percibimos algo especial en el tratamiento de imagen, algo que está ahí por más que no podamos identificarlo. Star Wars: Episodio IX - El Ascenso de Skywalker se ve distinto de todas las películas mainstream que llegan a las salas, filmadas en formato digital. Ese look and feel analógico potencia una producción que de por si es impecable desde lo visual. Dentro de una franquicia donde las actuaciones no suelen ser de lo más pulidas, Daisy Ridley se sigue destacando en el papel de Rey, dándole forma a un personaje que vive un conflicto interminable entre el secreto de sus orígenes y el augurio de su destino. Aunque por desgracia -y al igual que sucedió en su momento con la producción de la trilogía original- se nota que muchos cambios de guión fueron sucediendo sobre la marcha para apagar distintos incendios y acallar voces críticas, lo que provoca que el personaje de Rey no termine siendo aquel con el arco dramático más interesante sino otro que inicialmente parecía construído de forma mucho más esquemática... pero no se preocupen, no vamos a espoilear nada. Las dos horas veinte minutos de duración no pesan, en especial gracias a una primera mitad con mucho dinamismo. La trama nos lleva de un punto de la galaxia al otro escena tras escena, con múltiples conflictos desarrollándose al unísono. La segunda mitad es un tanto más previsible, siguiendo con más fidelidad el template de la franquicia. Si bien estamos hablando de una película que es entretenimiento puro y constante de manera inobjetable, al pensarla en conjunto con Star Wars: Episodio VII - El despertar de la fuerza y Star Wars: Episodio VIII - Los últimos Jedi deja la sensación de no ser un cierre tan épico como debería. ¿Está a la altura? seguramente... pero le falta mística. Los momentos emocionantes y lacrimógenos abundan, pero pareciera que no se los termina de exprimir debidamente. Llevándolo a términos pugilísticos, gana la pelea por puntos pero nos deja sin el golpe de knock out. Como final de un nuevo ciclo seguramente deje a la mayoría satisfechos y pase la prueba, pero hilando fino también deja el sinsabor de que podría haberse ido con un estallido más grande, un bigger bang... será hasta el próximo reinicio entonces.
Rian Johnson nos trae un whodunit actualizado con un par de vueltas de tuerca y un elenco clase A.
Chicas pesadas El gran combo (2019) es lo nuevo de Matías Szulanski, y el título de este opus no podría haber sido más fiel. Porque El gran combo es precisamente eso: un combo de Tiempos violentos (Pulp Fiction, 1994) con Snatch: Cerdos y diamantes (Snatch, 2001) y algunas cositas de Drive (2011). Pero espolvoreado con luces de neón y espíritu del conurbano profundo. La que se cuenta es una historia que entremezcla dealers, jefes narco, choféres, autos tuneados y aguantaderos turbios en una pelea por quedarse con la mejor tajada en un negocio que complica y los implica a todos. La narración no-lineal brinda frescura y permite elegir en qué momento del relato develar tal o cual información, logrando mantener cierto nivel de intriga y suspenso hasta los últimos minutos. El tratamiento de imagen le da un estilo crudo a El gran combo, sumado a esos espacios marginales donde se negocia, se pelea y se mata. Balas, cuchillos y sangre son lo que abundan en este universo. En ciertas escenas donde se rompe la cuarta pared, esos personajes despiadados que por momentos también entregan momentos cómicos incluyen al espectador dentro de la ficción, lo invitan a ser parte y sentarse en el asiento de adelante para poder verlo todo con lujo de detalles. La multitud de personajes que conforman la historia son interpretados de forma algo despareja según el intérprete y el momento, con un lenguaje sumamete particular, casi con un dialecto propio, que combina lo barrial con lo teatral. Con un fuerte soporte visual y una forma creativa de contar su historia, El gran combo puede parecer una película pequeña, pero su ambición sí que es grande.
Roja y radiante va la novia. El casamiento es el rito que da carácter formal a uno de los pasos -o ÉL paso- más importante en la vida de una pareja. La dupla de directores Matt Bettinelli-Olpin/Tyler Gillett utilizan este hito ceremonial como la base sobre la cual construyen Boda Sangrienta, una rara avis con partes iguales de terror, suspenso y humor negro. Grace (Samara Weaving) acaba de contraer sagrado matrimonio con Alex Le Domas, uno de los herederos de una fortuna cuya riqueza descansa en los hombros de la centenaria compañía familiar, fabricante de juegos de mesa clásicos. Tras la ceremonia en la mansión de su flamante familia política, Grace se prepara para su noche de bodas, pero los Le Domas tienen otros planes. Es su tradición jugar un juego de mesa, de su creación, junto a la nueva integrante del clan al finalizar el día de la boda. Si bien puede parecer una costumbre particular, la sorpresa de Grace será aún mayor al descubrir que el juego en cuestión consiste en sobrevivir hasta el amanecer evitando ser asesinada por sus nuevos parientes, temerosos de una maldición que podría caer sobre ellos si no llevan a cabo el sacrificio. Con este planteo, el relato se convierte en una odisea que combina todo el tiempo lo lúdico con lo macabro, ese entretenimiento morboso devenido en cacería humana, y sabe jugar todo el tiempo al límite del verosímil para sacar lo mejor de cada secuencia. Temáticamente guarda ciertas similitudes con Cacería macabra (You’re Next, 2011) de Adam Wingard, otra historia siniestra que involucra un clan de elite. Pero hay un detalle no menor: allí donde la clase alta era la presa, en Boda sangrienta se transforma en la cazadora. Al mismo tiempo es inevitable unir los puntos que la conectan con la actualidad social y política del Estados Unidos de la era Trump, una realidad en la cual las clases altas parecen disfrutar todos los privilegios que se son negados al resto. El espíritu anti-meritocrático de los antagonistas también dice mucho sobre las ideas volcadas en el guión de Guy Busick y Ryan Murphy. Samara Weaving hace un buen trabajo poniéndole el cuerpo a una protagonista femenina cuyo proceder va mutando conforme la trama va avanzando, y representa la antítesis del resto de los personajes: una chica de clase baja que vivió toda su infancia y adolescencia en hogares adoptivos, dentro de un universo que no hace lugar a construcciones sexistas: hay hombres y mujeres tanto fuertes como ineptos en igual medida, así como los hay ambiciosos y sorpresivamente compasivos. La mixtura de géneros logra que -en unos ajustadísimos 95 minutos- Boda sangrienta salte con habilidad y casi sin esfuerzo del terror a la comedia negra y del suspenso al absurdo total, en ocasiones deteniendo por completo la marcha para dar un golpe de timón que más de uno jamás anticiparía. Y que nadie se atreva a decir jamás que los casamientos son todos aburridos.
El falso empoderamiento ganchero. Vivimos en una contemporaneidad en la cual las mujeres continuan su lucha por la igualdad de oportunidades y privilegios que disfruta el sexo opuesto. Dentro de ese marco no resulta extraño que el Cine decida darle luz verde a una nueva iteración de Los ángeles de Charlie, serie televisiva de los setentas embebida en los peinados extravagantes, los tacos altos y los pantalones ajustados de sus sensuales agentes especiales. A principios del nuevo milenio la primer experiencia en pantalla grande llegó de la mano de ese trío estética y étnicamente balanceado compuesto por Cameron Díaz, Lucy Liu y Drew Barrimore, con dos entregas que se apoyaban en el costado más cómico y juguetón de este universo. En nuestro 2019, el mencionado contexto social y cultural parecía demandar un approach distinto, que hablara del avance inmparable del empoderamiento femenino en un mundo (mal) manejado por los hombres… bueno, o al menos esa era la idea de la directora, guionista, actriz y productora Elzabeth Banks. Sabina (Kristen Stewart) y Jane (Ella Balinska) son dos agentes de la famosa agencia de súper espías que trabajan bajo la supervisión de Bosley (Elizabeth Banks) en esta ocasión con el objetivo de impedir que un dispositivo tecnológico revolucionario –el McGuffin de la trama en cuestión- caiga en la manos equivocadas y ponga al mundo en peligro. Con esa simpleza se explica un conflicto al cual no le faltan, por supuesto, las referencias obligatorias al universo de Ian Flemming y James Bond. Ángeles de Charlie intenta ser una brisa fresca dentro del género, pero su problema es de base: construye todo a partir de ese template usado una y mil veces en el cine de espías: la súper arma secreta, la agencia que trabaja en las sombras, las conspiraciones, los cambios de bando, y todo lo demás… Ni siquiera desde lo visual nos regala algo novedoso, cayendo en los lugares comunes de esos planos generales de ciudades europeas involucradas en el guión y la música ganchera que busca animar secuencias clave. Empieza como una de Jason Bourne pero poco a poco se va a transformando en una de… Los Angeles de Charlie. Ni siquiera acierta desde lo temático, en esta lucha por dar a las mujeres el reconocimiento que tanto merecen. La película no encuentra forma de empoderar a sus personajes femeninos sin consecuentemente denostar a todo el género masculino. Son las mujeres más inteligentes e intrépidas que podamos imaginar, pero de alguna forma el guión solo puede evidenciarlo haciendo una caricatura rudimentaria de los hombres, como si las claras aptitudes de sus protagonistas no fueran suficientes y ese contraste básico fuera la único forma de explicitarlo en pantalla. Los diálogos nos explican todo lo que acabamos de ver en la escena anterior o lo que estamos por ver en la próxima, un recurso a lo Guy Ritchie pero pésimanente ejecutado. Las vueltas de tuerca sobre previas vueltas de tuerca hacen tambalear la lógica interna y ciertos cambios sobre cuestiones básicas de su propio universo, hechas con el único prósito de ganar el aplauso tribunero, dejan en claro que se trata de una lavada de cara que se aprovecha de un tema en auge dentro del contexto socio-cultural antes que una obra que legítimamente busca decir algo profundo al respecto actualizando su material de origen.
The Irishman es una de las películas más esperadas del año y el cierre de una era por parte de Martin Scorsese.
Midsommar es una de las películas de terror más esperadas de 2019. Una nueva historia de Ari Aster, uno de los directores de Terror más aclamados de los últimos tiempos.
Llega a la pantalla grande Doctor Sueño (Doctor Sleep, 2019) basada en la novela de Stepehen King que funciona como secuela de El Resplandor, otra de sus obras más exitosas llevada al cine por el mítico Stanley Kubrick.
En Estafadoras de Wall Street (Hustlers, 2019) Jennifer López comanda un grupo de strippers que deciden vengarse de los hombres de Wall Street en plena crisis financiera de 2008. Tacos altos, música y una de esas películas de grandes golpes donde hinchás por las anti-heroínas.
Arnold Schwarzenegger y Linda Hamilton vuelven a la saga que los catapultó al éxito, intentando que olvidemos todo lo que pasó en las 3 películas anteriores.