Quinta a Fondo

Creo que nadie podría haberse imaginado diez años atrás que una franquicia basada en los autos rápidos, las chicas ligeras de ropa y hombres pasados de testosterona podría llegar a la quinta entrega. Especialmente cuando las estrellas principales fueron dejando de participar de las secuelas y tuvieron que ser reunidas eventualmente en la parte cuatro.

La verdadera sorpresa, viene quizás en darse cuenta que la quinta parte (Fast Five de ahora en mas) es probablemente la mejor de la saga.

No nos confundamos, la película nunca va a ser una obra maestra de la actuación o la lógica. Es mas, ciertas partes de esta entrega rankean como las mas ilógicas y pavas de la serie entera. Pero, si analizamos solamente lo que la película plantea hacia el espectador, las escenas de acción y adrenalina, Fast Five supera toda expectativa.


La historia continua inmediatamente al final de la parte cuatro, adonde Dom Toretto (Vin Diesel) esta siendo transportado a prisión de por vida y vemos como Brian (Paul Walker) y Mia (Jordana Brewster) lo liberan forzando un espectacular accidente en la ruta.

Tras esto, nuestros "héroes" se convierten en los fugitivos mas buscados del FBI y escapan a Río de Janeiro para pasar desapercibidos. Allí se encuentran con una oportunidad de realizar el golpe de sus vidas, una cantidad de dinero suficiente para comprar una nueva vida y la libertad.


Para ello necesitan mas ayuda, y aquí tenemos nuestra excusa para reunir a todo el cast de cada uno de los films anteriores (hasta Han de Tokyo Drift aparece, que murió en la tercera parte, pero la 4 y 5 son antes de la 3 en la linea temporal. Así nos encontramos con un segundo acto mucho mas similar a films como Oceans Eleven o The Italian Job que a Fast & Furious.

Por otro lado, se suma un elemento sin el cual, este film no seria tan entretenido. Algo completamente necesario para inyectarle nueva vida ala saga. Dwayne "The Rock" Johnson, quien personifica a Luke Hobbs, el jefe del departamento "Most Wanted" del FBI. Quien se encarga de perseguir a través del mundo a los criminales mas peligrosos y nunca fallo en su misión. Hobbs es simplemente testosterona pura; con un tamaño y presencia física imponente, una velocidad al hablar y moverse para demostrar eficacia 100% hacia su trabajo y una sola idea en la cabeza. Conseguir a su objetivo cueste lo que cueste.


Luke Hobbs es la verdadera estrella del film. Cada escena en la cual aparece se transforma en algo que atrapa y levanta la adrenalina. Ni hablemos de la pelea central del film. Vin Diesel y Dwayne Johnson se enfrentan a las piñas, y es simplemente destructivo.

Aquí es donde brilla el director del film, Justin Lin, quien es el encargado de la saga de la 3 en adelante. Este film tiene las escenas de acción mejor filmadas y mas espectaculares de la serie. Desde un imaginativo asalto a un tren al principio hasta una espectacular persecución final que incluye a dos autos transportando a una masiva Bóveda de seguridad de varias toneladas que simplemente destruye todo a su paso.

Fast Five cumple totalmente su objetivo. Entretiene y mantiene viva a una franquicia que deberíamos haber dado por muerta hace varias secuelas. No busquen lógica, por que no la van a encontrar. Si busquen a Dwayne Johnson demostrando como bajo el papel correcto, es la mejor estrella de acción que nos brinda el cine.

Hasta la próxima entrega en... Moscu? Berlin? Europa, seguro.

Fantasía y realidad

Sorprendiendo a todo el mundo después de no demostrar nada realmente bueno con los trailers, clips y fotografías de la producción, Thor llega a nuestras pantallas para demostrar que Marvel sabe lo que esta haciendo y tenemos frente a nosotros una nueva franquicia viable de superheroes.

Para los poco iniciados en el mundo de los comics, Thor es el dios del trueno. El hijo de Odin y heredero del trono de Asgard. El reinado dominante de los nueve reinos (Entre ellos la Tierra). Con Odin a punto de relegar el trono, una guerra reiniciando entre Asgard y la tierra de los gigantes de hielo y Loki, el hermano de Thor, haciendo travesuras debido a la envidia que siente por él, es como arrancamos nuestra historia.


Odin cree que Thor es demasiado vanidoso, egoísta e irrespetuoso. Y con unas sugestiones por parte de Loki, lo destierra a el planeta Tierra para que aprenda algo de humildad y respeto. Sin sus poderes ni la habilidad de sostener el arma mas poderosa del universo, Mj?lnir, El Martillo de Thor.


Asi es como encontramos a Thor en la tierra en la famosa situación de "pez fuera del agua". Aprendiendo a interactuar con humanos, la ropa, medicina, comida, etcetera. Es terreno repetido, pero Chris Hermsworth lo vende muy bien. Tiene definitivamente el carisma necesario para personificar a el arrogante Thor.

En nuestro planeta conocerá a un grupo de científicos que están estudiando agujeros negros y la "ciencia" detrás de la "magia" de Asgard. Natalie Portman se encargara de darle el toque de romance al film, su personaje Jane Foster caerá rendida ante el hombre misterioso que cayo sobre su mundo.


Thor empieza a mezclar los mundos de los personajes de varias publicaciones de Marvel. El grupo S.H.I.E.L.D. es gran parte de la historia, y claramente todo nos llevara a The Avengers, adonde veremos a todos los héroes con adaptación cinematográfica junto en un mega film.

Kenneth Brannagh trae toda su experiencia en el mundo Shakespeareano para la dinámica familiar en el reino de Asgard. Lo que sorprende es el buen manejo de la acción y los efectos especiales (salvo un par de peleas medio flojas en el medio). Todo el cast, salvo Kat Dennings (quien esta totalmente de mas en el film) labura muy bien. Y sobretodo la gente de Asgard, todos brillan en sus roles. Especialmente Thor, Loki y Heimdal (el genio de Idris Elba).


Thor es pura aventura, accion, fantasia y entretenimiento. Funciona de pies a cabeza y nos trae una nueva gran oferta para el genero. Tenemos a Capitan America proximo en las lineas de Marvel y despues ver como se unen todos en The Avengers. Con estas historias individuales yendo tan bien, no podemos esperar a ver a todos juntos.

Belleza en la frialdad.

Las mejores historias de ciencia ficción son las que no son forzadas y nos enteramos de alguna variación de la realidad mínima a través de una narración impecable.

El segundo film del director Mark Romanek (su anterior trabajo es One Hour Photo, con Robin Williams) marca un gran cambio de dirección en el estilo y tono. Basada en la novela "The Remains Of The Day" de Kazuo Ishiguro, Never Let Me Go nos presenta un mundo adonde las enfermedades y la edad fueron casi vencidas. A un alto precio.

De chicos, nos encontramos con nuestros protagonistas en una especie de institución pupila adonde son instruidos en sus deberes hacia el mundo. Entre ellos se encuentra el de ser perfectos donantes de órganos para la sociedad. Así es, el mundo que nos presentan es uno en el cual generaciones enteras de niños son clonados y criados solo para repuestos de órganos. Y así estirar la vida promedio de la raza humana en varias décadas.



Nuestros protagonistas viven un triangulo amoroso desde muy jóvenes. Andrew Garfield, Carrey Mulligan y Kiera Knightley son mejores amigos desde el comienzo. Y con el correr de los años, se genera algo mas que una amistad. Knightley, en su mejor papel hasta el momento quizás, toma un rol mas dominante en la relación del trío, siempre aplastando desde la envidia o vanidad las ideas o iniciativas de Mulligan.


Con el tiempo, nuestro grupo se muda a otra casa, adonde son inducidos en los detalles mas finos de su proceso. Completar. Completar es el pseudonimo de "morir" para ellos. Completan su deber, su destino.
El film nos muestra una oscura realidad en un mundo de desolación y sin futuro para nuestros protagonistas. Están llenos de deseos, esperanzas y sensaciones que nunca podrán cumplir. Pero al menos lo intentaran.


La belleza del film nace desde su increíblemente clara fotografía y dirección. Cada cuadro y escena esta repleta de emociones reprimidas. Y los actores acompañan con unas actuaciones poderosas, llenas de emoción y trasfondos. Tanta represión de sentimientos e ilusiones nos induce dentro del mundo de estos tres jóvenes quienes se verán descorazonados con tener impulsos de vivir su vida plenamente y tener que cumplir su deber.


El film claramente no es para cualquiera, tiene un ritmo y tonos muy particulares que deben ser apreciados en el momento justo y con ganas. Para los que estén dispuestos a dejarse llevar, pueden encontrar una obra de arte lista para ser descubierta.

Menos por mas.

El Mecánico es una película de acción bastante simple y efectiva. Sin muchas vueltas de tuerca ni capas que ir descubriendo, es simplemente un rush de adrenalina de principio a fin. Basada en el film original de los 70 con Charles Bronson, Jason Statham toma el rol principal de Bishop. El mejor asesino a sueldo (o Mecánico, dentro del léxico del film) que sigue estrictas reglas en su profesión. Luego de una seguidilla de situaciones, decide tener un aprendiz y cambiara su rutina para siempre.

Las diferencias principales entre el film original y esta nueva versión son simples. En la original, la estrella era claramente Charles Bronson, el resto del reparto no era conocido o realmente no tenia mucho peso en la historia. Y realmente tenia una estética un poco mas cuidada o exótica (locaciones por todo el mundo, mas sutileza en los asesinatos, etcétera). Esta nueva versión de la mano de Simon West (Con Air, Tomb Raider) deja bastante eso de lado, pero lo cambia por un par de cosas que por momentos funcionan. Primero, se suma Ben Forster como el aprendiz de Bishop. Forster es un gran actor con una cualidad para canalizar Ira o parecer un poco trastornado.

Por el otro lado, así como los "hits" de la original tenían delicadeza en tanto la forma de ser efectuados y filmados. Esta nueva versión tiene una brutalidad bastante extrema, que sirve cuando no tenes un buen guion. Las escenas de acción, que son la especialidad de West, son bastante claras, y utilizan muy bien su limitado presupuesto y locaciones bastante precarias. Cabe destacar el exceso de sangre digital, que por momentos nos saca de la ya estirada realidad.


Pequeños roles por parte de Donald Sutherland y Tony Goldwyn redondean un cast en el cual realmente solo importa la imponente presencia física de Statham y la rareza mental de Forster. Por ejemplo, la película original al menos le da una cierta "novia" a Bishop que comparte algunos momentos y conversaciones. El nuevo film solo nos brinda una cara bonita (muy bonita!) que tiene una escena de sexo y nada mas.

Un cambio muy grande nos viene en el final, adonde la resolución del film esta alterada en una manera muy grande. El final original le daba un toque muy bueno al film. Es una lastima que lo hayan cambiado a una resolución mas Hollywoodense. En definitiva, el film termina siendo una pasable distracción con algunas escenas de acción buenas. Lastima que sigan encasillando a Statham en películas de acción mediocres y bajo presupuesto. Y no logren utilizar su carisma que supo demostrar inicialmente. Siempre el mismo papel gruñón de pocas palabras y cero sonrisas.

Sueños vacíos.

Sucker Punch cementa los peores hábitos que nos tiene acostumbrados Zack Snyder. El director que nos supo sorprender con una excelente remake de Dawn Of The Dead y una gran adaptación de la novela gráfica 300. En todos sus trabajos demostró una gran afinidad para crear sorprendentes tomas del lado de lo visual. Pero siempre sus guiones dejaron un poco que desear.

En esta ocasión, imaginen que su adolescente de 14 años interior tiene rienda suelta para gastar millones de dolares filmando todo lo que se le ocurra. Eso es Sucker Punch. Una amalgama de secuencias "cool" sin sentido unidas por una historia mas que pobre que no logra sustentar el interés ni la trama a lo largo del film.

Baby Doll es una chica de 20 años que luego de la muerte de su madre, su padrastro intenta abusar de ella y su hermana. Al tratar defenderse, accidentalmente su hermana menor resulta herida y fallece. El padrastro aprovecha esta situación para enviar a Baby Doll a una institución mental y soborna al encargado para que en 5 días le realicen una lobotomía y no pueda acusarlo de nada.

Desde ese entonces y gracias a amistades que realiza, Baby Doll planea un escape, para lo cual necesitara cinco elementos particulares a los cuales solo puede acceder mediante un numero de baile hipnótico, el cual se convierte en una secuencia fantasiosa sin sentido como pelear contra zombies nazis o dragones y al finalizar cada secuencia, logra obtener su objeto.


Aquí es donde Snyder despliega todo su potencial visual. Cada secuencia fantasiosa asombra de cierta manera con el nivel de calidad, efectos visuales y edición. Recurrente uso de la cámara lenta y escenas totalmente realizadas por computadora, así como ningún sustento narrativo que nos haga entender lo que esta pasando o al menos alentar por alguien, nos lleva a solamente admirar cada fotograma que se nos presenta (cada uno podría ser encuadrado y usado como obra de arte) pero a sentirnos totalmente vacíos y sin contacto con lo que estamos mirando.


Sucker Punch es una colección de imágenes impactantes, sin ningún tipo de soporte. La definición de "estilo sobre substancia". Nos deja un miedo tremendo sobre la nueva versión de Superman. Aunque esperemos que el guion y producción de Nolan, logren restringir y guiar mejor los impulsos de Snyder. Sucker Punch, es sin lugar a dudas su peor película al día de la fecha.

Una mañana conocida.

La mejor forma de describir Una Mañana Gloriosa es decir : Se acuerdan de El Diablo Viste A la Moda? y todo lo que funcionaba y la hacia muy buena? Bueno, piensen el mismo estilo de película, solo que todo lo que funcionaba bárbaro allí. La relación entre la mega estrella y la novata, las amistades que la ayudan a llegar y sus transformaciones, su viaje personal, todo eso, no funciona.

Lo peor de todo es que, aun cuando admitimos que este tipo de film no es nuestra primera opción a la hora de elegir un genero, a veces rellenan una película con tantos grandes actores de reparto que resulta interesante el resultado final.


Y teniendo a Jeff Goldblum, Patrick Wilson y Harrison Ford en sus lineas, esperábamos tener una experiencia mucho mas divertida a la hora de ver las aventuras de Rachel McAdams (quien si nos gusta mucho).

La historia nos cuenta como una gran y tenaz productora ejecutiva de una pequeña estación de Tv en una pequeña región se encuentra repentinamente con las riendas de el programa matutino de una de las cadenas de televisión mas importantes de Estados Unidos, quienes solían estar en la gloria, pero hace años no son relevantes.


Cualquiera que haya visto este tipo de películas sabe como se desenvolverán las situaciones, los traspiés que aparecerán, los conflictos y como todo ira mejorando hasta un final en donde nuestro personaje central entrara en una disyuntiva y no sabrá como reaccionar.

El jugador mas valioso del film es lejos Harrison Ford, quien parece despertarse un poco de la siesta que venia tomando hace como 10 años y al menos por momentos le inyecta un poco de vida a su papel y nos recuerda la estrella carismática que supo ser en los ochenta y noventa.


Rachel McAdams, sigue siendo una de las actrices jóvenes mas lindas y simpáticas del momento. Se nota que intenta con todo su ser el traer esa energía a la pantalla. Por ciertos momentos lo logra, y por otros no tanto. El film parece empecinado en nunca levantarse de la mediocridad. De lo que esta bien. Nunca pasando a Muy Bien o especial.

Punto aparte merece ser completamente denunciado el maltrato de Patrick Wilson. Un actor sobresaliente que hizo películas como Little Children y Watchmen en el pasado, aquí es relegado a dos o tres escenas sin ningún tipo de arco o vida propia. Solo es un interés romántico para nuestra protagonista, sin mucho protagonismo.


Seguramente habrá un publico femenino que disfrutara del film. Aunque hay muchas otras ofertas de productos similares y mucho mejor armados.
Un Despertar Glorioso es un despertar conocido y sin muchas novedades. Nublado y mirando TN mientras tomamos un café.

Adonde estuvo la falla?

En algún lado dentro de Solo Tres Días, hay una buena película. Los elementos individuales estaban ahí, tenemos actores de buena talla, un director (Paul Haggis) con un historial con peso, y una historia relativamente interesante.


Russel Crowe personifica a John Brennan, su esposa Lara Brennan (Elizabeth Banks) es acusada súbitamente de asesinato en primer grado a su jefa (con la cual tuvo una fuerte discusión el día anterior) y sentenciada de por vida a prisión. La defensa intenta por varios años encontrar evidencias que soporten la inocencia de Lara, pero después de fracaso tras fracaso, llega la noticia de ella sera mudada de prisión a una en otro estado, lo cual haría casi imposible que John y su hijo la visiten seguido.

Desde ese momento, John tiene Tres días para planear y ejecutar un escape casi imposible.



La historia de un hombre normal, atrapado en circunstancias extraordinarias y logrando casi lo imposible debería ser interesante, empujada por pura adrenalina y una seguidilla de hechos que nos lleven a apoyar al protagonista y esperar su éxito.

Adonde estuvo la falla?

Varias, realmente. Por empezar, el film es extremadamente largo, perdiendo muchísimo tiempo en empezar a levantar el paso, y al final remontandolo en una manera extremadamente acelerada que termina de cementar el desorden del guion que nos presentan.

Hay momentos interesantes, o escenas que nos muestran pequeños fragmentos de el film que pudo haber sido, en vez de el que fue. Una escena con un cameo genial de Liam Neeson viene a la mente. Como un ex convicto que escapo de varias prisiones, le indica los pasos a seguir para poder realizar un escapo. Neeson entiende el film, entiende lo que debería ser y entiende el tono que hay que darle a la actuación para elevar el material.



Lamentablemente Neeson solo dura 4 minutos en un film de dos horas y media. Y el resto de la película esta completada, quizás estirada muy de mas, con varias historias o personajes que no traen ningún valor agregado. Una historia cuasi romántica con una madre soltera realmente no se entiende, menos el gastar una actriz de la talla de Olivia Wilde para un papel que no tiene pies ni cabeza. Brian Denehey (una leyenda) participa unos 3 minutos como el padre de John, una especie de centro moral. Que no realiza realmente ninguna acción o reacción sobre los personajes que los ayuden. Simplemente esta ahí. Así como el principal antagonista del film, un policía que persigue a John y Lara, quien es introducido pasando la mitad del mismo, con un arco que simplemente se limita a mirar fijo a la cámara y gritar ordenes a sus subordinados.



En general, el film nos deja con un sabor amargo y con ganas de que Haggis haya tomado mas tiempo con el guion y eliminado tanta grasa del mismo. Un producto un poco mas refinado y mas enfocado, podría resultar en un gran e interesante planteo.
Así como esta, es una gran oportunidad perdida.

Supernatural: La Película

En realidad, la cinta desearía llegar a ser por momentos interesante o graciosa como lo es la serie Supernatural.
Los elementos estaban ahí, Nicolas Cage en su modo loco con pelo falso, un director que entiende el terror y fue de los primeros en incursionar en las cámaras 3D con su anterior film Sangriento San Valentin 3D. El genio de William Fitchner (Prison Break para la mayoría de ustedes, aunque deberían conocerlo de muchos otros trabajos) en un papel excéntrico y la promesa de acción desenfrenada, sangre y sexo en 3D.

Lamentablemente, solo uno de esos elementos termina cumpliendo su promesa y entregando una actuación que entretiene y sobretodo, entiende el tipo de película en la cual esta. Y no, no es Nicolas Cage, es William Fitchner. Su papel de "El Contador" es la única linea viva que tiene la película y logra mantener el hilo de interés el publico e inyectar energía a cada escena que comparte con el resto del elenco.


La historia es simple, Nicolas Cage es Milton, un hombre que literalmente se escapa del infierno para perseguir al asesino de su hija, Jonah King, el líder de un culto satánico que intenta usar a su nieta para realizar un ritual satánico y abrir las puertas del infierno en la tierra. En el camino conoce a Piper, el típico personaje de chica de pueblo chico que es increíblemente linda, peleadora, independiente y buena de corazón. Que acompañara a Milton en la carrera contra Jonah King. En el medio esta El Contador, un agente del infierno que se ocupa de mantener a los presos en linea y recuperarlos cuando se escapan.


Como verán, la historia es simple, bizarra y lo suficientemente loca para poder asegurarnos un buen entretenimiento en el cine. Lamentablemente, la falta de presupuesto y un guion mejor, mantienen el ritmo medio incoherente y demasiado veloz que no permite formar personajes memorables ni escenas con resonancia (un tiroteo en el medio de una escena de sexo es lo único que viene a la mente). Las actuaciones no ayudan mucho, van de sobre actuadas a demasiado tranquilas. Cage parece que esta dormido la mayor parte del film, lo ayuda el maquillaje a darle algún tipo de distinción a el personaje, con sus lastimaduras que se van sumando.

El premio a el peor del film se lo lleva Billy Burke como el villano Jonah King. Simplemente vacío de carisma o actitud. Un actor que no esta a la altura de lo que el rol debería pedirle y se nota. En contraste, tenemos a el centro moral del film, el típico papel de el viejo amigo del héroe central que lo ayuda a llegar a su objetivo y devolverle el sentido a su impulso, tenemos al mítico David Morse como Webster.



En el lado técnico, el 3D solo se nota en un par de escenas. Aunque la ventaja de haber sido filmada en 3D, sobre la post conversión, se nota y mucho. La imagen es clara y no marea. Pero no esta aprovechada, sobre todo en las escenas de acción. Uno esperaría mucho mas de estas oportunidades, pero realmente decepciona y nunca sorprende.

Para resumir, la película tenia potencia, y le teníamos mucha fe. Pero termina decepcionando en casi todos los frentes y solo nos hizo desear ver una película distinta con El Contador en el protagonico y el resto del reparto actuando de la misma manera para entretener al publico.

De Piedra

Hace una década, Robert DeNiro y Edward Norton hicieron una película que no rompió ningún molde, pero fue bastante entretenida. The Score, adonde hacían de dos ladrones profesionales que derrochaban química en sus escenas juntos.

Se ve que alguien quizo intentar recuperar parte de esa electricidad en escena al volver a reunirlos en un nuevo en este film La Revelación (Stone).

En este caso, tenemos a Robert DeNiro como un oficial de libertad condicional a punto de retirarse. Uno de sus últimos casos, es el de Stone, un recluso (Edward Norton) que tiene la chance de ser liberado si Robert DeNiro lo aprueba para volver a la sociedad.

El centro del film son las conversaciones de estos dos personajes dentro de una oficina. Norton mantiene algo de energía debajo de un acento y un peinado que solamente distraen. Mientras DeNiro empieza dormido y al final del film roza un pequeño fuego interno que nos recuerda por mínimos momentos el actor que supo ser.


La otra ecuación del film es Milla Jovovich quien interpreta a la esposa de Stone que lo espera fuera de prisión y haría literalmente cualquier cosa para ayudar a su liberación.
Ella se encargara de intentar seducir al personaje de Robert DeNiro para intentar lograr favores de su parte. Y demostrara una inestabilidad psicológica que traerá un infierno a la familia ultra religiosa que intenta vivir Robert.

Con eso ya se imaginan un poco como viene la película y las cosas que pasaran. El problema de el film es que nunca realmente toma vuelo o se convierte en algo interesante. El director no logra explotar la química de los actores ni la trama. Hasta se intenta meter una "Revelación" del estilo religioso que nunca termina de tener sentido o ser clara y una gran primera escena que planteaba una película completamente distinta se siente completamente gastada y fuera de lugar.

Stone nunca logra levantar vuelo de la mediocridad y los actores no logran brillar ni elevarse ante un guion y dirección confuso y sin mucho empuje.
Todos los involucrados pueden hacer algo mejor que esto. Todos deberían.

Casi 7

Fase 7 es un buen intento del cine argentino en generar un film de genero que funcione. Pero no deja de terminar siendo eso, un intento, con algunos aciertos y otras fallas notorias.

La historia nos sitúa en un edificio de Buenos Aires, adonde los pocos residentes (asumimos el edificio es nuevo, dado que no todas las unidades fueron vendidas) que habitan se encuentran obligados a permanecer en cuarentena bajo la amenaza de una pandemia global de un virus del cual se conoce poca información.

Daniel Hendler y Jazmín Stuart son Coco y Pipi, una pareja a punto de ser padres que discuten día a día por las pavadas que discute toda pareja joven, y que el film intenta utilizar la habilidad de Hendler para el comentario rápido y contestación graciosa. Hendler hace lo que puede con un guion que es bastante pobre y no le da mucha oportunidad de destacar la parla, aunque las fallas vienen sobre todo en la primera mitad del film, que tiene un ritmo demasiado lento y deposita demasiado tiempo en la pareja, algo que no funciona del todo. Después, el film y Hendler repuntan muchísimo.

Stuart por el otro lado, está bastante relegada al rol de la pareja medio rompe bolas que no logra entender del todo lo que pasa en la cinta, y ni sale del departamento. Es un personaje medio gastado que no aporta mucho salvo un par de situaciones graciosas con Hendler (Una botella de alcohol viene a la mente como el punto alto de esto).

Completando el reparto, se encuentran Federico Luppi y Yayo. Luppi personifica a Zanutto, un hombre mayor que vive en el edificio con su mujer (su mujer secretamente está en un asilo de ancianos, pero él no quiere que se sepa). Y el que termina de cierta manera robándose la película es Yayo, si, Yayo. Su papel es Horacio, un hombre medio paranoico que siempre demuestra conocimiento militar, de armamento y situaciones de emergencia.

Con el transcurso del film y el avance de la enfermedad, se irán formando alianzas dentro del edificio entre los vecinos. Y se unirán para tratar de parar a uno de ellos que (suponemos que llevado a esto por el virus, el film en realidad NUNCA es claro en cuanto a los síntomas y muestra dos tipos de síntomas distintos en sus infectados) se está encargando sistemáticamente de matar a cada uno de los habitantes del edificio.


El mayor problema de Fase 7 es el guion, que tiene bastantes cosas a medio cocinar aunque es ayudado mucho por los actores que intentan elevar el material. Los valores de producción están bien para cine argentino, pero tener que hacer esa aclaración, ya es síntoma de que no están del todo bien. El sonido sigue siendo el mayor problema de la industria nacional. El dialogo se escucha siempre en otra capa de realidad. Totalmente afuera de una situación natural y eso es algo que nunca el cine Argentino logró solucionar. Punto aparte para resaltar la banda sonora. En un más que obvio “homenaje” a John Carpenter, mantiene un ambiente de tensión y acompaña muy bien el film.

Para resumir, Fase 7 es un film con muchos problemas, que normalmente se suelen perdonar por ser producción nacional. Pero al fin del día, funciona. Y sobre todo a sala llena. Imagino que verla solo en tu casa en DVD debe ser casi insoportable. Pero el público general compra la película y el entusiasmo contagia. Como film debut, está más que bien, buen augurio para Nicolas Goldbart, quien esperemos refine un poco más el guion la próxima vez.

Show unipersonal.

La historia verídica de Aron Rolsten y su increíble supervivencia a su accidente es material perfecto para una adaptación cinematográfica.

El problema vendría a ser como estirar un film por 90 minutos que solo tendría a una persona atrapada bajo una roca. Claramente se necesita un tipo de director con estilo bastante cinético que pueda mantener a una audiencia interesada y a un actor lo suficientemente capaz de canalizar todos los estados de animo y poder llevar al publico por la montaña rusa de emociones necesarias para contar esta historia.

Para solucionar el primer punto, entra en escena Danny Boyle (Trainspotting, Slumdog Millionaire), trayendo consigo todos sus trucos de cámara y edición que los que conocen sus films sabrán apreciar. Boyle es uno de los directores mas enérgicos en la industria, encontrando cientos de ángulos de cámara distintos para contar una historia de una manera mas personal y darle un toque realista. Junto a una edición (nominada al Oscar) completamente moderna y una banda sonora brindando los toques necesarios para acentuar cada escena particular.

Ahora falta solucionar el punto numero dos, un actor principal que pueda ser lo suficientemente creíble, relacionable y talentoso para llevarnos a través de este viaje. James Franco es una elección perfecta, demostrando nuevamente el porque es uno de los actores mas relevantes, ambiciosos e interesantes de la nueva camada de Hollywood.

Franco personifica a Aron Rolsten, un joven ingeniero con espíritu aventurero que dedica todo su tiempo libre a escalar montañas y recorrer cañones. Un fin de semana particular, por la zona del Cañon de Colorado, Aron sufre un accidente que deja su brazo completamente atrapado debajo de una roca en el medio de la nada. Con poca agua, menos comida aun y sin posibilidad de moverse ni ayuda, sus probabilidades no son muy buenas.

El film nos mostrara todo lo que Aron intenta hacer para liberarse, incluyendo sus métodos de supervivencia básicos, sus recuerdos de su infancia y premoniciones del futuro. Hasta llegar a el punto culminante, un hecho de conocimiento publico sobe la historia, pero que no revelare en caso de que alguno no lo sepa. Solo resta decir, que el film no es para impresionables.

127 Horas es una buena película que cuenta una gran historia real de una manera muy interesante y pro activa. Quizas por momentos se siente demasiado lo intimo y pequeño de la historia. Y si no fuera por Franco, su carisma interminable y el trabajo de cámara de Boyle y su editor, el film seria mucho menos soportable.

En definitiva, es una muy buena historia que nunca deja de ser interesante. Quizás es una de esas películas que se puede disfrutar de la misma manera en la comodidad del hogar.

Una formula ganadora.

ador (The Fighter de ahora en mas) es una historia real que estaba dando vueltas por Hollywood hace casi casi una década. Cambió de manos y equipos de producción varias veces. Originalmente iba a ser dirigida por Darren Aronofsky, hasta que finalmente tomó las riendas David O'Russell. Una elección que sorprendió a mas de uno, dado que no suele ser el tipo de películas que le interesan al director (Three Kings, I Heart Huckabees). El que siempre estuvo pendiente para el papel y entrenando por casi 7 años, fue Mark Whalberg. Decidido a interpretar el rol principal de Micky Ward. El "centro" de nuestra historia.


Micky Ward es un boxeador de pobre reputación a quien se lo suele referir como "peldaño". Normalmente lo usan en peleas para que otro boxeador le gane y suba en el ranking. Su ambiente y entorno personal no es el mejor que uno pudiera querer. Lo rodea una familia que parece mas interesada en usarlo para ganar dinero a su salud personal o carrera. Su madre Alice (Melissa Leo) y sus siete hermanas (trivia : una de ellas es personificada por la hermana de Conan O'Brien) son mas una distracción que una ayuda. Alice en particular parece brindarle poca atención a lo que su hijo quiera para su vida y solo se ocupa de manejar su carrera de maneras que no suelen ser beneficiosas para el, sino pensando mas en su hermano.

Su hermano, Dicky. El verdadero eje de la película, Christian Bale en otra de sus transformaciones físicas que impresionan, personifica a Dicky con un carisma y energía como nunca demostró antes. Dicky es el hermano mayor, quien en su momento supo ser un gran boxeador y tuvo una oportunidad enorme al pelear con el mítico Sugar Ray Leonard y lograr tumbarlo una vez (mucha gente clama que en realidad Sugar Ray se tropezó). Lamentablemente los años no fueron buenos con Dicky, ahora un adicto al crack, quien es cada día solo una sombra del hombre que solía ser. Él es el entrenador de Micky, quien lo apoya en cada pelea y su inspiración. El problema es que Dicky llega tarde a cada entrenamiento, pelea, reunión importante y se mantiene drogado casi las 24 horas del día.



Bale le inyecta al papel una energía frenética y psicótica que realmente conociendo al actor y sus métodos, nos hace pensar que seguramente haya probado crack para entender mejor el papel. Es una actuación que se convierte en el eje de un film y una carrera. Mas que probablemente ganador del Oscar a Mejor Actor De Reparto, y muy merecido. Es una fina linea al interpretar papeles de este tipo entre la intensidad y la caricatura. Y al mismo nivel que Bale la entiende y domina, Melissa Leo se pierde en ella de a momentos. Dentro de un film lleno de actuaciones muy buenas, Alice y las hermanas de Micky son el punto mas débil, al parecer demasiado forzado y llamativo.

Completando el reparto como la chica con pasado problemático pero corazón de oro se encuentra Amy Adams (Enchanted). Personifica a Charlene, una mesera del bar local que empieza a salir con Micky y tratar de ponerle un poco de orden a su vida y su entorno caótico. Como verán, cumplimos con todo el rango de personajes típicos de una historia clásica del cine. El buen atleta que nunca tuvo las posibilidades correctas, con un entorno negativo que no lo lleva a ningún lado, el ex estrella que ahora esta en la ruina pero siempre tiene algo que aportar y el interés amoroso que lo pondrá encaminado nuevamente y quizás así solucionar uno de sus propios problemas.

Es formula, pura y sencillamente. Pero es una formula probada, que cuando tiene los ingredientes y participantes correctos, funciona. Y esta funciona muy bien. Russell trae una calidad a la dirección que se hace notar, en una buena manera. Todo tiene un peso de realismo y validez que hace disfrutar cada escena, excelentemente llevada adelante por los actores. Y elige filmar las escenas de Boxeo con cámaras de TV, para ese extra realismo que termina siendo un gran acierto. Pocas veces vi gente aplaudiendo y animando a personajes ficticios en el cine. En cada pelea, dos o tres personas parecían estar sintiéndolas en el Luna Park y no en una sala de cine.

The Fighter no es nada nuevo. No rompe ningún molde ni presenta nada sumamente original. Pero tiene los elementos correctos para ser una experiencia completamente disfrutable por momentos memorable. Es una gran oferta del cine que en las ultimas semanas nos inunda con buenas opciones. Merece ser vista aunque sea solamente para ver a Christian Bale en el papel de su carrera hasta el momento.

Se pueden decir muchas cosas al terminar de ver El Cisne Negro (Black Swan de ahora en mas) de Darren Aronofsky (Pi, The Fountain). La mas importante y quizas innegable es que te atrapa completamente e impide no prestar atención a lo que sucede en pantalla desde el primer hasta el ultimo cuadro.



Tras su aclamadisima película The Wrestler que le devolvió en parte la carrera a Mickey Rourke, Darren Aronofsky decide embarcarse en otro viaje completamente intimo y personal. En este caso, en vez de mostrarnos el final de la carrera de una celebridad, elige enfocarse en la presión sufrida por convertirse en una.

Nina es una joven (pero no tan joven) bailarina que dedico toda su vida al ballet. Su madre era bailarina y tuvo que abandonar su carrera a los 28 años al quedar embarazada. Se ocupo toda su vida de criar a Nina para que sea la perfecta y mas pura bailarina de ballet. La resguardo del mundo exterior y enseño todo lo que sabe de técnica y estilo de vida. Quizás sin dejarle otra opción mas que convertirse en el legado viviente de lo que ella nunca logro ser.

En una de las compañías de danza mas importantes de New York, están buscando una nueva estrella principal para una nueva producción de El Lago de Los Cisnes. Obviamente es el puesto mas codiciado por una bailarina, el poder bailar las piezas de el Cisne Blanco y el Cisne Negro. Esa dualidad no es para cualquiera, poder demostrar la perfección del Cisne Blanco y la energía cruda del Cisne Negro.

Detrás de estas producciones, se encuentra Thomas, un excéntrico, brillante y lascivo director de ballet francés que empuja a todas sus estrellas al extremo de si mismas. Thomas es personificado magistralmente por Vincent Casell ( el excelente actor francés recordado por sus papeles en Irreversible, Ríos de Color Purpura y Ocean's 12), derrochando toda su clase y al mismo tiempo perversión interna en dosis justas. Es difícil imaginar otro actor en el papel.

Thomas finalmente elije a Nina, sabiendo que la perfección de su técnica es ideal para el Cisne Blanco, pero teniendo que empujarla a explorar su lado mas sensual y oscuro para poder convertirse en el Cisne Negro. La presión de haber conseguido el rol mas importante de su carrera empieza a afectar la salud mental de Nina, quien sufre crecientes ataques de paranoia, principalmente dirigidos hacia una nueva compañera de baile, la increíblemente sensual Lily (Mila Kunis).

El film tomara un par de giros inesperados que dejaran un poco confusos a mas de un espectador, preguntándose que vinieron a ver, pero nunca dejando de lado una belleza extrema demostrada en pantalla. Con una presentación de las escenas de ballet con un estilo de cámara y acompañamiento de música que genera unas memorables secuencias de baile.

Black Swan es otro retorcido, intimo y complejo drama de Darren Aronofsky, en donde consigue con poco mantener al espectador al eje de su asiento observando la autodestrucción de una persona que sucumbe a la presión y el peso del mundo a su alrededor.

Párrafo aparte merece obviamente la increíble actuación de Natalie Portman (si quieren apostar plata, gana el Oscar). Llevándonos por este viaje intimo desde un extremo al otro del espectro de colores entre blanco y negro, dejándose completamente expuesta y demostrando su dedicación al papel.

No me cabe ninguna duda que Black Swan no es para cualquiera, y algunas personas no lograran procesar la ultima media hora del film. Afortunadamente, los que lo logren podrán disfrutar de uno de los films mas poderosos de los ultimos tiempos.

Jason Bourne de la Mediana Edad.

Alguien recuerda el momento que el mundo del cine decidió que Liam Neeson era un héroe de acción? Empezó con Qui-Gon Jinn en Star Wars Episode I ? Acaso es culpa de Christopher Nolan por hacerlo un maestro ninja en Batman Begins?

Cual fuera la respuesta o quien fuera el responsable, los fanáticos del genero estamos simplemente agradecidos. Sus películas no serán las mejores, pero Liam como protagonista siempre trae su carisma y presencia a las pantallas. Es un hombre de verdad, con la edad y la experiencia para probarlo.
Lamentablemente, a veces la película alrededor de su persona no lo acompañan de la mejor manera. Este es el caso de Desconocido. Un thriller demasiado familiar que tiene pocas sorpresas o sobresaltos.

El Dr. Martin Harris y su esposa Liz (January Jones, de Mad Men) acaban de arribar a Berlin para una importante conferencia sobre Bioquímica, adonde Martin es orador y se encontrara con un colega a punto de anunciar un descubrimiento revolucionario. Tras darse cuenta que se olvidaron un maletín importante, Martin intenta regresar a el aeropuerto para recogerlo, en el camino, un accidente automovilístico lo deja en coma por cuatro días y un severo caso de amnesia.
Al despertar, Martin intenta regresar a su vida usual. Contactar a su mujer y regresar al hotel donde se estaban alojando. Solo para descubrir que un hombre distinto ocupa su lugar, demostrando todas las credenciales correctas, historias, recuerdos, documentos y hasta fotos familiares.
Cada intento del Dr. Harris de probar su identidad lo lleva a mas callejones sin salida y las respuestas equivocadas. Hasta que es víctima de un intento de asesinato y ahí empieza a pensar que quizás hay mas detrás de este malentendido de lo que parece.
En el camino a recuperar su identidad, Martin es ayudado por un par de pintorescos personajes, como la taxista con la que sufrio el accidente original (la siempre bella Diane Kruger) y un ex agente de la Stassi, Jurguen (un espectacular Bruno Ganz) que intentaran develar el misterio de quien es Martin Harris.

La historia tiene un twist que obviamente no voy a revelar, pero que para el que vio muchas películas del genero, no le sera nada difícil adivinar desde los primeros minutos de la cinta. Hablando de esos primeros minutos, es realmente adonde el film funciona menos. Realmente tarda unos 45 minutos en que pase algo interesante o se ponga en movimiento la trama de una manera mas movida.

Los que esperen ver una película similar a Taken (créanme, los productores quieren hacerles creer esto, sino comparen los posters de las películas), serán defraudados con el nivel de acción de la cinta. Liam Neeson no arranca a lastimar gente hasta los últimos 10 minutos de la cinta. Con solo una espectacular persecución automovilística en el medio del film como la mejor escena de acción, el resto del film se maneja como un thriller mas convencional y depende de giros de la historia y misterios para mantener la atención del publico.

Lamentablemente nunca logra tener mucho para ofrecer a nivel de tensión o misterio. Solo una espectacular escena entre Bruno Ganz y Frank Langella, los cuales demuestran con un sutil intercambio de dialogo por que son los actores que son.

La dirección nunca esta mal, quizás el problema del film reside en la edición y el largo del mismo. Con unos retoques y un par mas de escenas de acción en el medio, podría ser una interesante opción. El director Jaume Collet-Serra venía de un prometedor exponente del terror, la genial Orphan. Esperemos que su próxima cinta vuelva a esas promesas de grandeza.

Desconocido no es una mala opción para pasar dos horas dentro de un cine. Y Liam Neeson siempre es una gran presencia, pero nunca llega a ser algo mas que eso. El mayor problema es que la historia es terreno bastante conocido.

Hay dos formas de encarar una critica sobre Piraña 3D. La seria y la no tan seria. Vamos a intentar analizar parte a parte en cada estado mental.

Historia: Serio - Piraña 3D cuenta el drama que vive un pequeño pueblo sobre las orillas de un gran lago, que es explotado en temporadas vacacionales, cuando un sismo libera una horda de pirañas prehistóricas asesinas del centro de la tierra y generan una catástrofe sin precedentes entre la población y turistas. No Serio - Pirañas prehistóricas asesinas matando mucha gente desnuda en 3D!

Actuaciones:
Serio - Contando con un reparto estelar que incluye a Richard Dreyfuss, Elizabeth Shue, Christopher Lloyd y Vingh Rames, Pïraña 3D logra aportar un manto de clase sobre una premisa un poco escasa de profundidad. Todos actúan elevándose a la calidad que la cinta les exije. Poniéndole peso a sus personajes y atenuando las características necesarias del genero de terror clase b.

No Serio - Kelly Brook, una de las diosas mas voluptuosas del mundo presta todos sus dotes fisicos para la felicidad del publico masculino. Y en 3D. Jerry O'Conell y Adam Scott redondean el reparto, ambos comediantes. Uno hace de tipo duro, bastante convincente ya que estamos, y el otro de un insoportable pervertido. Convincente lo de insoportable...


Horror y Sangre:
Serio - Con los mayores avances de la tecnología de prosteticos, Piraña 3D nos logra demostrar los horrores mas grandes desde el comienzo. Cuerpos partidos a la mitad, desmembrados, comidos vivos, todo vale para esta superproducción que no se guarda nada.
No Serio - Pechos, penes, pechos, pechos, piernas, pechos y dije un pene? cortado por la mitad? Y en 3d? Que mas se puede pedir?

Direccion:
Serio - Alexander Aja, que nos sorprendió con su primer film "Alta Tensión" y nos hizo querer morir en un ataque de pirañas prehistóricas asesinas con su segundo film "Espejos", realmente sabe capturar el espíritu necesario para este tipo de film. Rozando la comedia y la seriedad en cada paso y dándole al espectador de películas de terror de los '80 justamente lo que busca.

No Serio - Alexander Aja, nos da justamente lo que buscamos, situaciones exageradas, historias imposibles, personajes superfluos, mucha masacre y humor. Un genio.



Veredicto Final:
Serio - Piraña 3D cumple las expectativas a las que apunta. Nunca se toma en serio y esa cualidad solo la hace mas fuerte. El director y los actores saben perfectamente que tipo de película están realizando y logran su cometido. Todo esta técnicamente bien. Y al mismo tiempo, técnicamente mal. Funciona, si el espectador sabe lo que va a encontrar.
No Serio - Excelente para disfrutar con amigos, y si están con niveles de intoxicación un poco altos, mejor.

Hombres de poca fe.

Tarde pero seguro, les traemos una crítica mas corta de lo usual solo para dejarles nuestra opinión sobre el ultimo film protagonizado por Anthony Hopkins y que viene liderando la taquilla Argentina hace 2 semanas.

Es bastante mala.

Listo, ahí esta la crítica.


Bueno, me extiendo un poco mas. Pudo haber sido bastante buena. La idea es interesante, ver un poco el proceso de enseñanza dentro de la Iglesia hacia la formación de nuevos curas y en especial la necesidad de especialistas en exorcismos.

En el centro de todo tenemos a Michael, un joven a punto de tomar sus votos finales y convertirse en cura, pero tiene serias dudas sobre su fe. Su mentor ve algo en el que piensa es especial y lo envía directamente al Vaticano a un curso experimental sobre exorcismos. Aquí Michael conoce a el padre Lucas. Un experimentado y poco ortodoxo exorcista con miles de casos en su historial.

Veremos la fe de ambos hombres ser puesta a prueba y como se diferencian las visiones ante casos particulares. Algunos recurriendo a la psicología y otros a la fe completa. El mundo de la Iglesia, los ángeles y demonios, exorcismos y la fe es uno muy rico. Lleno de detalles y oportunidades para buen cine. En este caso son todas desperdiciadas por un guion sin rumbo claro. Con un protagonista principal completamente carente de cualquier tipo de carisma o presencia. Y un Anthony Hopkins por poco momentos interesantes, pero que llegando al final se convierte en una caricatura poco soportable.

El Rito, es una pobre oferta cinematográfica entre un mar de opciones excelentes. Véanla en dvd, si es que tienen que verla en algún momento.

Una más y van…

Los hermanos Coen irrumpieron en la escena en el año 86 con uno de los mejores debuts fílmicos en la historia, Blood Simple. De entrada nos hicieron saber que tenían una confianza gigante detrás de la cámara y que pocas cosas quedarían libradas al azar cada toma. Meticulosos hasta el infinito en su estilo visual y con personajes y diálogos que dejarían celoso a Quentin Tarantino, los Coen tienen ya unos 25 años de historia y una gran lista de obras maestras en su haber.

Al anunciar cuál sería su próximo proyecto después de A Serious Man (probablemente la película más personal y menos accesible la publico general de su filmografía), muchos quedaron sorprendidos con la elección. ¿Otra remake? No habían tenido suficiente con su intento (fallido) hace unos años de The LadyKillers? La que muchos (me incluyo) consideran su punto más bajo como directores. Encima se trataba de un clásico western, con un protagónico icónico de John Wayne, que le el Oscar a mejor actor. Digamos solamente que había una mínima cautela al respecto.

Después vinieron los anuncios de casting, y se sintieron uno más inspirados que el otro. Poner a Jeff “The Dude” Bridges en el papel de Rooster Cogburn fue un toque magistral, uno de los pocos iconos vivientes que podían asumir el desafío de caminar en los zapatos de John Wayne. Matt Damon, Josh Brolin, Barry Pepper y la novata Hailee Steinfeild completaron el reparto.

Solamente resta ver los primeros treinta segundos de la bellísima fotografía de la mano del dios Roger Deakins para darse cuenta que estábamos a punto de disfrutar una historia cargada de clase, belleza y emoción.

Para los que no saben la historia, True Grit cuenta la historia de Mattie, una chica bastante terca e inteligente de 14 años que llega al pueblo de Fort Smith buscando el cuerpo recientemente asesinado de su padre, encargarse de sus asuntos y buscar justicia para el responsable. Cuando recibe poca respuesta de la ley local, contrata los servicios de “Rooster” Cogburn, un U.S. Marshall con una reputación de una temple de acero, coraje y de no traer a sus presas vivas.
Lo que se encuentra es un viejo, borracho, gordo y tuerto que no tiene muchas ganas de cooperar con la pequeña Mattie. Pero su insistencia y dinero lo convencen en aceptar el desafío de perseguir a el asesino de su padre (Josh Brolin) por territorio Indio. El grupo se completa con un Laboeuf (Matt Damon), un Texas Ranger que viene persiguiendo al criminal por varios meses por un crimen que cometió en otro estado. El personaje de Matt Damon es el típico boy scout, que juega por las reglas y no para de hablar de su historia, servicio a su país y habilidades. Obviamente el choque de estilos y personalidades entre Rooster y LaBoeuf generan incontables intercambios de diálogos, insultos, pruebas para demostrar quién es el más capaz y peleas en las cuales Mattie con sus 14 años demostrara ser la más madura de los 3.
Al respecto a esto, una de las cosas que más sorprende de la película, es que más allá de la historia que se puede considerar medio sombría, el tono que maneja la película es principalmente cómico o familiar. Al tener el punto de vista de una niña de 14 años, la película intenta siempre mantener una línea relativamente familiar en sus eventos. Salvo una o dos ocasiones de violencia gráfica, la película tranquilamente es apta para todo público, con un espíritu de trasfondo jovial y de ánimo.

Los Coen como es de esperarse, mantienen una firme y clara dirección, el dialogo que escribieron es de un inglés rico, antiguo y espeso para los que no sean fluidos en el idioma. Los actores realmente hacen un gran papel y todos brillan en cierto momento al poder manejar tanta verborragia. Aunque es imposible no destacar a la joven Hailee Steinfeild. Nominada al Oscar como mejor actriz de reparto, Hailee le influye una cantidad de emociones distintas a su papel que van desde dureza, ternura, inteligencia, miedo, valentía y puro valor. Es el eje de la película y la Steinfeild brilla en el papel, al lado de monstruos de la actuación como Jeff Bridges (también nominado al Oscar y brillante aquí).
Como todo western que valga la pena, True Grit brilla en el aspecto cinematográfico. Roger Deakins prueba nuevamente por que es el mejor director de fotografía de la industria y el aliado número uno de los Coen con sus increíbles paisajes, colores y tonos que logra capturar con la cámara. Sinceramente no logra su máximo nivel, que fue la increíblemente bella The Assassination Of Jesse James By The Coward Robert Ford, pero logra mantener los tonos indicados y acentuar la historia con frialdad y calidez cuando es necesario.

True Grit, es claramente uno de los estrenos del año y justa nominada a los premios de la Academia en cada categoría. Una historia relativamente simple, llevada a cabo de una manera excepcional, con actuaciones brillantes y sobre todo, mucho corazón detrás. Una de las únicas películas de los Hermanos Coen para toda la familia para disfrutar en pantalla grande. Una genialidad más y van…

El Avispón Verde es una película completamente experimental. Uno sino no entendería la mezcla de talentos que individualmente son excelentes, pero usados de una manera totalmente fuera de lo común, y que el resultado final, sea tan mediocre.

Empecemos por la clave, el cerebro de esta versión de El Avispón Verde, es Seth Rogen. El es el productor, escritor y actor principal en el papel de Britt Reed. Realmente, alguien se puede creer que Seth Rogen pueda ser un superheroe? o alguien temido? Claramente no, y ni el mismo se lo creía, dado que Britt Reed es reescrito como un playboy inútil, que solo tira chistes malos uno detrás de otro y tiene una personalidad realmente poco agradable.
Es creo yo, el mayor error de la película. Tener un protagonista el cual uno realmente no puede relacionarse o ni siquiera apreciar o tener ganas que gane. Hubiera preferido que le metan dos balazos con la pistola dual de Chudnofsky (mas tarde llegaré a el).

El segundo mayor enigma de la película es Michel Gondry detrás de la cámara. Si, ese Michel Gondry, el artista brillante que nos deslumbro con probablemente una de las mejores películas de la ultima década, Eternal Sunshine Of The Spotless Mind. No es raro que busquen directores que vengan del mundo independiente para películas de super heroes. Sam Raimi y Darren Aronofsky vienen a la mente. Pero normalmente esos directores llevan su propio estilo y marcas de director al universo del comic. En este caso, no. Salvo una escena montaje en particular, realmente no se podría adivinar nunca quien fue el director de la película por su estilo.

Después agregamos a uno de los mejores actores que emergieron en los últimos años, Christoph Waltz. Después de su brillante papel del Coronel Hans Landa en Inglorious Basterds de Quentin Tarantino por el cual gano un Oscar al mejor actor de reparto, Christoph eligió este como su próximo papel. Y realmente, es desastroso el rol. Un villano raro, sin ser amenazante, sin lograr transmitir nada y que en el tercer acto se termina de convertir en un chiste de si mismo. Espero mi querido Christoph que hayas cobrado muchos ceros al menos.

Redondeando las elecciones bizarras, Cameron Diaz participa como el interés romántico de nuestros héroes. A lo cual acoto dos cosas simples. La principal, es que el rol mismo, es muy pequeño y realmente no exige absolutamente nada de Diaz como actriz o presencia. Es mas, creo que se puede editar a el personaje fuera de la cinta, y no cambia el resultado. La segunda cosa es la edad. Diaz debe ser al menos 12 años mayor que Rogen. Y se nota. Es mas, hasta la misma película hace chistes sobre la edad de Diaz, en una escena que tampoco es graciosa. Cual es el valor agregado para una figura del tamaño de Diaz el participar en un papel asi? Y cual es el valor para la cinta de tener a alguien como Diaz, que tampoco es un super atractivo de gente o algo que este mas acorde a la edad de los protagonistas en usarla?

Todas esas cuestiones son las que uno se pregunta como es que surgió esta mezcla. Pero habrán notado que no hable nada un de Kato, personificado por Jay Chou.
Es que Jay Chou merece un renglón aparte. El realmente la única pieza de este rompecabezas que encaja perfectamente. Brillante, carismático, con mucha presencia, timing y habilidad. Kato simplemente se roba la película debajo de las narices de las otras tres estrellas y este desconocido (por estos pagos) actor asiático deslumbra desde el primer hasta el ultimo minuto que esta en pantalla. Un digno sucesor del rol que personifico originalmente Bruce Lee.

Habiendo especificado cada parte, como es la suma de las mismas? Aceptable.
La película se deja ver. Pero en cada rincón se ven cosas que te llevan a pensar que pudo haber estado mucho mejor con un poco mas de refinamiento al guion, y un cast mejor elegido.

Una de las sorpresas más grandes a la hora de anunciarse las nominaciones de los Oscar el martes pasado, fue la prominencia de nominaciones para Lazos de Sangre (Winter’s Bone de ahora en más).
La niña mimada de Sundance 2010, ganadora de múltiples premios internacionales y festivales independientes, Winter’s Bone es una película muy pequeña, de historia bastante simple, pero llena de capas, sutilezas y trasfondos.
La historia nos sitúa en las región de las Montañas Ozark en la zona central de Estados Unidos. Una región bastante pobre, rural y con los característicos "hillbillies". Dentro de uno de los asentamientos, se encuentra Ree Dolly, una chica de 17 años que se ocupa de mantener y cuidar a su familia. Su madre tiene problemas mentales, su padre desaparece por semanas o meses a la vez, y tiene a su cargo a dos hermanos bastante menores que ella. Luchando con la pobreza extrema y dependiendo muchas veces de las sobras de los vecinos o lo que puedan cazar para poder alimentarse, Ree tiene que enfrentarse a un nuevo desafío. Su padre, Jessup Dolly, un conocido criminal ligado a las drogas, no se presentó a la corte, está desaparecido ante la ley y había puesto en garantía para su fianza, su propiedad.
El estado le informa que Ree tiene una semana y tres opciones : encontrar a su padre, demostrar que está muerto o abandonar la propiedad.
Bajo esta situación es que la joven Ree (excepcionalmente personificada por Jennifer Lawrence, nominada al Oscar como Mejor Actriz Protagónica) empieza a recorrer el área que la rodea, adonde casi todos sus habitantes son “familiares” directos o lejanos, y todos tienen el mismo oficio que el padre. Mientras más se adentra Ree en el mundo de su familia y sus alrededores, iremos desenredando más del misterio sobre el Padre, conociendo personajes cada vez más complicados y tenebrosos, y algún aliado impensado.
Para brindarle apoyo a Jennifer Lawrence en el rubro actoral, contamos con dos brillantes actores secundarios, Garret Dillahunt (No Country For Old Men, The Assassination Of Jesse James By The Coward Robert Ford) que personifica a el sheriff local, al cual todos los habitantes desprecian; y la mayor revelación de la película, John Hawkes (Deadwood, Identity, American Gangster) haciendo el mejor papel de su carrera y lo mejor del film.
Teardrop. (Nominacion al oscar a John Hawkes como Mejor Actor de Reparto)
El Tío de Ree, único hermano de Jessup, Teardrop es una de las personalidades más renombradas y temidas de la zona. Su fama lo precede y solo con una mirada demuestra el por qué todos le mantienen distancia y respeto. Si ubican a John Hawkes (o lo googlearon al leer el nombre acá), lo reconocerán siempre de papeles medio inocentes o loser. Nunca pensé que John Hawkes me provocaría miedo o al menos el respeto que genera su presencia. Es una transformación total, y lograda de una manera extremadamente sutil. Simplemente la mirada y la postura son suficientes para demostrar todo el papel al espectador. Sinceramente, vale la pena mirar la película solamente para ver esta actuación.
La directora Debra Granik adapta la novela homónima (Nominada también al Oscar Mejor Guion Adaptado) y captura con gran confianza la frialdad, soledad, dureza del terreno y el estilo de vida. Presenta una historia atrapante y logra sacar actuaciones memorables de sus actores. Y todo esto con un bajísimo presupuesto, probando que para hacer buen cine, no necesitas cientos de millones de dólares, sino buenas ideas, talento y determinación.
Winter’s Bone es una de las mejores películas del año y una gran opción para disfrutar y soportar el cine independiente en las salas de la ciudad.

Love and Other Drugs arranca como el 90% de las comedias románticas. Nos presentan a nuestros personajes como individuos solteros y fiesteros que jamas estarían en una relación. Obviamente se conocen y de a poco se empieza a gestar una relación seria. Y acá tenemos el plus que los actores principales son muy carismáticos y venden muy bien la historia. A eso le sumamos muchas escenas de sexo realistas y temas bastante adultos, y deberíamos estar hablando de una gran película que cumple las expectativas de su genero.

Adonde vienen los problemas? El director Edward Zwick (Last Samurai, Blood Diamond) intenta meter una docena de temas extra en la película, desde la industria farmacéutica, las enfermedades, las relaciones personales, la industria laboral, el sistema medico y bastantes mas. Y honestamente, no terminan de empalmar bien, dejando casi todas a medio cocinar y sin profundizar. Aquí viene la mayor falla de la película, todos esos temas o elementos, son muy interesantes y si hubieran estado mejor desarrollados, quizás con otra pasada al guion, hubieran hecho una historia realmente concisa y memorable. Así como están, solo distraen de la historia romántica principal y extienden su largo unos 10 o 15 minutos extra de lo que debería ser.

La gran paradoja de la película es el cast. Si hablamos de los actores principales Jake Gyllenhaal y Anne Hathaway, tenemos que decir que están ambos excelentes en los papeles que hacen y la energía que demuestran. Son ambos extremadamente carismáticos y exitosos en hacer estos personajes creíbles y queribles.
El resto del elenco es adonde esta el gran problema. Josh Gad (The Daily Show) es creo yo, el mayor error de la película. Personifica a el hermano de Jake Gyllenhaal y es simplemente insoportable desde que arranca hasta que termina. Y uno se pregunta que tipo de valor agregado tiene dentro de la historia o que rol cumple, y la respuesta es ninguna. Es solo un comic relief que no es gracioso.
Después tenemos a dos brillantes actores de reparto eternos. Hank Azaria y Oliver Platt, actores que elevarían cualquier papel y producción un par de puntos solo por su presencia. Pero aquí estan en roles muy pequeños y sin posibilidad de demostrar nada, ni brillar. Uno se pregunta el por que gastar actores de este calibre en personajes tan insignificantes. Y ni hablemos de George Segal y Jill Clayburgh que solo aparecen por 2 o 3 minutos y nunca mas dan señales de vida.

Cualquiera que haya visto comedias románticas, podría adivinar todas las situaciones que se van a presentar y como termina la historia. Por eso reitero que quizás, con un guion mejor trabajado, y dándole mas espacio a las interesantes tangentes que toma de vez en cuando la película, podría haber sido algo que realmente se mantenga por años como una gran película romántica adulta. Pero en el estado que se encuentra, es una de las tantas comedias románticas que se generan año a año, solo que un poco mas interesante, un poco mas frustrante, y con mucho mejores actores de lo normal. Y mucho mas sexo. Probablemente a varios les alcance.