El contraste y el cruce de géneros es una de las atracciones de esta película que tiene la contradicción de presentarse como la tercera parte de una saga, cuando en rigor es una precuela. Paco Plaza combinó terror, humor y romanticismo en acertada dosis en una historia que, más allá de su carácter bizarro, es un filme logrado y entretenido siempre que se considere como de género. "Rec" se caracterizó por la sensación de verosimilitud que transmitía la cámara en mano. En este caso, se utilizó esa técnica sólo para el comienzo, cuando todo es alegría en la boda de Clara y Koldo. Después, sin dar muchas explicaciones, los invitados se vuelven zombies y comienzan a comerse a los invitados. Allí empieza otra película, con acción, sangre a chorros y guiños al cine de George Romero.

A Alejandro Chomski hay que felicitarlo por hacer una apuesta al cine fantástico, como en este caso, basado en una novela de Adolfo Bioy Casares, nada menos. El hecho de tomar riesgos es saludable en el cine argentino, pero "Dormir al sol" deja un sabor a poco. Es la historia de Lucio y Diana, una pareja de clase media en los años 50, cuyo caos es atravesar un problema mental de Diana. Un grupo de doctores de un extraño laboratorio que experimenta intervenciones quirúrgicas entre humanos y caninos captura a la mujer con el fin de someterla a sus brutales pruebas. El filme adquiere atmósferas de la literatura de Kafka y ayuda a reflexionar sobre el amor más allá de cualquier barrera psíquica. Pero cinematográficamente queda a mitad de camino, y también en las actuaciones y guiones. Da la impresión que podría haber sido una aceptable ficción televisiva, y no mucho más.

Lo mejor y lo peor puede pasar en una fiesta que se proyectó como para 50 personas y concurrieron 1.500. Todo se sale de cauce y lo que en un momento parece divertido termina siendo dramático. El filme, del mismo productor de "Qué pasó ayer", tiene puntos de contacto con "Súpercool", en la que lo más importante es el alcohol y la diversión a cualquier costo. Con el menú de sexo, drogas y baile hasta el amanecer, tres amigos coordinan hacer una megareunión para festejar los 18 años del bonachón de Thomas. La casa de sus padres, con piscina y Mercedes Benz, está disponible el fin de semana y hay piedra libre. El objetivo de los amigos es ser populares, aunque el caos los fagocite. Filmada con cámara en mano, la película deja una reflexión en el diálogo final entre padre e hijo, que permite ver lo patética que es nuestra sociedad de consumo y el desfasaje de los valores.

El hijo de una pareja adinerada golpeó con un palo a su amigo, hijo de un matrimonio clase media. Las dos parejas debatirán las consecuencias de ese enfrentamiento, en el que el chico vip le arrancó dos dientes al pibe de barrio. Pero lo atractivo de esta película es que todo esto sucede en el living de una casa, y a lo largo de 79 minutos sin interrupciones. Con la mano magistral de Roman Polanski, el texto de Yasmina Reza toma vuelo a partir de las cuidadas interpretaciones de cuatro actores de raza, como lo son Jodie Foster, Christopher Waltz (sí, el malvado militar de "Bastardos sin gloria"), Kate Winslet y John C. Reilly. Cada uno, a su turno, irán mutando según las alternativas del diálogo. Habrá peleas matrimoniales, enfrentamientos hostiles entre ambas parejas, sociedades insólitas a partir de afinidades con el whisky y, sobre todo, la exposición de las miserias humanas más bajas. Esos trapitos que salen al sol, en principio amparados en el reparador objetivo de salvar la dignidad de un hijo. Con el nombre "Le Dieu du carnage", la puesta teatral de Yasmina Reza recorrió el mundo y logró éxito de público y críticas elogiosas. El tema de fondo siempre fue el mismo: tanto en París, en Estados Unidos o en la Argentina los espectadores sintieron que los padres que estaban observando eran iguales al vecino. Y al monstruo que está dentro de uno.

La hermana enemiga

Adam Sandler es sinónimo de comedia norteamericana del star system. Y su público lo sigue porque sabe que él hará una y otra vez todos los yeites que, supuestamente, entretienen. Aquí vuelve recargado. Porque en el filme, en el que además escribe el guión y produce, interpreta a dos personajes: a un feliz hombre de familia y a su hermana gemela que, obviamente, la odia. Y más aún cuando se queda unos días en su casa. La película es por momentos una sucesión de gags, y en otros tramos es una seguidilla de lugares comunes que abundan en las comedias de la industria hollywoodense. Entre las figuras invitadas se destaca Al Pacino, quizá por el efecto sorpresa y por la ductilidad que ofrece para mutar en personajes desopilantes. El filme es de esos que se fuga muy rápido de la memoria.

El imperio de los sonidos

La trama es más que sencilla. Es la historia del ocaso de un joven galán de cine y el ascenso de una mujer que de la nada pasa a ser estrella del séptimo arte. Pero el filme, conceptualmente, es mucho más que eso. Porque el director apostó a una película muda para contar la transición del cine mudo al cine sonoro. Y lo hizo de una manera en la que mezcló comedia, drama y musical. El filme francés es un homenaje a Hollywood y es un gran candidato a ser el más premiado de los Oscar. En momentos en que la industria del cine resurge por el guiño tecnológico del 3D, la película más fuerte es la que apuesta al blanco y negro, con una estética fiel a la década de 1920 a 1930, donde transita la historia. Las buenas ideas hacen ruido, aunque no se oigan.

Apenas una sombra

Marga (la pulposa Cristina Brondo) es una abogada española que viene a la Argentina un par de meses al año para atender distintos negocios. Entre estos, está ocuparse de alquilar un departamento en pleno barrio porteño de clase media. En medio de una trama poco creíble, la mujer queda a merced de unos clientes extraños, que tienen el objetivo de ocupar ese departamento para llevar adelante un plan macabro. El suspenso no llega nunca, el terror mucho menos, la película se hace tediosa, las actuaciones son pésimas y técnicamente es ampliamente inferior a cualquier ficción televisiva. Con el afán pretencioso de mostrarse como una comedia negra, “Penumbra” queda a mitad de camino de todos los géneros y se ampara en las primeras movidas del cine de terror argento. Adelante el terror, pero que sea del bueno.

Locura con alta dosis de cordura

“Parezco medio loco, pero yo sé lo que hago”, dice Moacir dos Santos, estrella excluyente del documental de Tomás Lipgot. La frase pinta por completo a un personaje tan especial como atrapante. Moacir estuvo diez años internado en el neuropsiquiátrico Borda y salió con un sueño: poder grabar un disco. Este trabajo muestra ese proceso de grabación, pero va mucho más allá. Porque gracias al contrapunto con el músico Sergio Pángaro, que oficia de productor del futuro material del artista brasilero, se muestra la esencia de Dos Santos. “El Borda es un infierno para alguien inteligente como yo”, aclara Moacir mirando a cámara, una herramienta que cada es vez es más familiar para el protagonista. La plenitud y la alegría de Moacir es clave en este trabajo, que obliga a repensar cómo se traza la delgada línea entre la cordura y la locura. Lo paradójico es que los delirios artísticos de Moacir son mucho menores que los de cualquier artista estrella supuestamente cuerdo. Y da ternura verlo de traje, con peluca, y con exigencias muy finas en pleno proceso de grabación. "Cantando he de morir" afirma con su mirada fija, y lo dice sin medias tintas. Es lo que siente, no tiene filtro, baila cuando tiene ganas, canta cuando se le ocurre, estira una nota en un agudo exagerado porque le parece que queda bien. El es así. Y por eso es un personaje que bien merece una película. Porque su locura es más sana que la cordura de muchos mortales.

Esos lazos de la familia

Es una candidata al Oscar, George Clooney actúa en un rol mucho más dramático si se lo compara con la mayoría de sus producciones, pero no por eso es una gran película. La acción se desarrolla en Hawai, a partir de la historia de un padre que tiene a su mujer en coma, y debe afrontar su derrotero con dos difíciles hijas adolescentes y un grupo de primos que mueren por sacar ventaja de un negocio famiiar. Los momentos más brillantes del filme de Alexander Payne (cuya mejor carta de presentación es “Entrecopas”) es cuando la trama se codea con la comedia y el buen modo en que el director muestra la calidez de los vínculos familiares. Lo peor es cuando la cámara se detiene excesiva cantidad de segundos sobre el rostro muribundo de Elizabeth, la madre de los secretos. Para ver y reflexionar.

Las máscaras de Capusotto invitan al desparpajo. Y en este filme el humor profundiza su costado ideológico, en una línea de continuidad con el formato televisivo “Peter Capusotto y sus videos”. Aprovechando las ventajas tecnológicas del 3D, la película exhibe un mensaje “filomarxista” contra el mundo del entretenimiento. Así, a partir de Violencia Rivas, se dispara un relato contra la TV, internet, las redes sociales y los videojuegos. Eso da paso a la participación de Bombita Rodríguez, Jesús de Laferrere, Micky Vainilla y nuevos personajes, como un jefe de gobierno muy al estilo Macri o un grupo de amigos fascinados por el chat, que generan el mejor momento de la película. El 3D, utilizado en la sintonía de la estética bizarra de Capusotto, sirvió para demostrar que el ingenio de la dupla con Saborido parece inagotable.

Clint Eastwood vuelve a dar otra muestra de su capacidad como cineasta. Y lo hace a través de la vida de J. Edgar Hoover, quien fuera líder del FBI por cinco décadas y sobrevivió a cinco presidentes estadounidenses. El director pivotea sobre la vida íntima y profesional de Hoover en las décadas del 20 y del 70, cuando participa en la redacción de un libro sobre la historia de la agencia oficial de investigaciones. El retrato de Hoover, su secretario privado (interpretado brillantemente por Hammer) y su empleada de confianza (a cargo de Watts) toman vuelo a partir de sus caracterizaciones en la vejez. Eastwood se animó a abordar la homosexualidad del protagonista, pese a la resistencia actual del FBI, y ofrece una pintura de ese presente con documentales de época. Para no perderla.

Separados por un color

La Mississippi de los años 60 mostraba un escenario cotidiano: lujosas mujeres blancas y serviles criadas negras. Skeeter, una inquieta periodista, quiso contar en un libro las injusticias y desigualdades que sufrían esas mujeres de color que cuidaban más de los hijos ajenos que de los propios. La historia comienza cuando la joven, quien también integra una familia acomodada, les pide a Aibileen (la brillante Viola Davis) y a su amiga Minny (Octavia Spencer) que colaboren con sus testimonios para ofrecer mayor rigor y denuncia en los textos. Claro, aunque deberán usar nombres falsos, la única manera de no caer a merced de las garras racistas. El director supo darles pincelazos de comedia a una película de transfondo dramático. Y el resultado es impecable.

Sonia es una mucama bella pero desafortunada. No le va bien en el amor y encima le tocó presenciar un suicidio en el hotel donde trabaja. De pronto conocerá un ex policía, con quien tendrá un romance y todo se encaminará. La mala fortuna regresa cuando es víctima de un robo, que marcará una bisagra en su vida. Capotondi construyó un thriller con pincelazos de drama que, pese a una buena convivencia de situaciones imprevisibles y obvias, arriba con cierta dignidad hasta los títulos del final. El director supo llevar con buen pulso la intensidad de la trama y por momentos lleva de las narices al espectador. Como si fuera poco hay un juego con las agujas del reloj, que marca una constante en la forma en que el azar talla el derrotero de la protagonista. Sin ser un gran filme, vale la pena esta historia, al menos por su reflexión sobre el amor.

Estela era una docente común y corriente de La Plata, con las fortalezas y debilidades de cualquier maestra argentina. Hasta que un mal día, en noviembre de 1977, las fuerzas paramilitares le secuestran a Laura, una de sus hijas. “Verdades verdaderas/La vida de Estela”, prolijamente dirigida por Nicolás Gil Lavedra, relata el derrotero de esa maestra que por una consecuencia natural se convirtió en la presidenta de Abuelas de Plaza de Mayo. Uno de los puntos altos del filme, ópera prima del hijo del diputado y juez Ricardo Gil Lavedra, fue que evitó el panfleto. Ese lugar común, estereotipado y maniqueísta, en el que caen este tipo de realizaciones encolumnadas en lo que se conoce como películas comprometidas. Susú Pecoraro y la emotiva participación de Carlos Portaluppi son la frutilla del postre de una película simplemente imprescindible.

Luis Ortega es un director anticonvencional, que muchos llaman de culto. Y en su tercera película sigue explorando esa línea basada en una búsqueda narrativa y visual permanente que, en este caso, no alcanzó el mejor resultado. La historia se basa en una pareja que sufre un drama incomparable, la muerte de dos de sus hijos. A partir de allí lo que era una vida burguesa apacible troca en un infierno. Julieta Ortega cumple con darle el tono justo a un personaje desquiciado y en ese marco su hermano, desde la dirección, explota la faceta erótica de su cuerpo generoso. Joaquín Furriel pasa desapercibido y más aún Alejandro Urdapilleta, que está muy poco tiempo en cámara por exigencias del guión. Es la típica película que termina imprevistamente y que deja insatisfacción en el espectador. Mucha más que la de la pareja protagonista.

Will cambia de trabajo y de casa, y decide buscar otro destino para sus días junto a su mujer y dos pequeñas hijas. De pronto, la casa comenzará a dar señales de un hecho grave ocurrido en el pasado. Y a partir de ese instante todo muta. Lo mejor que tiene esta película del reconocido director Jim Sheridan (el de “En el nombre del padre” y “Tierra de sueños” ) es que nada es lo que parece. Es desde el efecto sorpresa generado en el espectador que la trama va ganando en solidez y en suspenso, y se acerca más al thriller para alejarse del terror, pese a que los fantasmas forman gran parte de esta historia. Aunque hay momentos en que el curso de la trama se torna previsible, vale la pena. Y toma relevancia a partir de las actuaciones del trío protagónico, donde vale destacar la expresividad de Rachel Weisz.

Juliette es una médica que llega a Nueva York para comenzar una nueva vida con su novio. Pero él la engaña y ella intenta recomponerse afectivamente en soledad. Alquila una casa al lado del puente de Brooklyn y se enamora del propietario. Pero el muchacho lindo termina siendo un perverso, la espía por las noches, la droga para abusar de ella, y así. Lo peor de esta película es que nada es creíble. Ni Hilary Swank, que queda atrapada en un filme pequeño para semejante actriz; ni Jeffrey D. Morgan, que nunca conmueve. También es muy pobre lo de Christopher Lee, que era mejor cuando se jugaba con el terror. El director no supo qué hacer con la película, jamás encontró el rumbo y se despachó con una historia previsible a lo largo de un thriller con temática remanida. Para dejar pasar.

Los Strobbe son una familia algo especial. Sucios, borrachones, vulgares, irresponsables. Pero entrañables para el espectador. Quizá esa haya sido la mayor virtud de Félix Van Groeningen. Es que el director no cayó en el lugar común de pintar a una familia marginal de un pueblo belga con el tic en el que caen muchos. Son ebrios y vagos, pero no asesinos y violadores. No son ideales para invitar a casa a comer ravioles un domingo al mediodía pero tampoco andan con un cuchillo entre los dientes todas las mañanas.

El filme está contado desde la perspectiva de Gunther, un adolescente de 13 años que vive con su padre Celle, sus tres tíos y su abuela, la única santa, que a veces sufre y otras se divierte con las travesuras familiares. Gunther ve a los tíos como un espejo de su futuro. Todo indica que su destino va en esa dirección. Pero el relato no es lineal y eso lo hace más atractivo aún. La trama pivotea con Gunther adolescente, con sus problemas en el colegio y las dificultades para vincularse con sus amigos, pero también con Gunther adulto, con más fortalezas que miserias. "La vitalidad de los afectos" transita por momentos dramáticos pero sale airoso en pasajes de comedia, como la competencia de tomadores de cerveza o la carrera de ciclistas desnudos. La lealtad familiar es otro tópico clave de la película, ideal para los que aman el buen cine independiente europeo.

El retrato de la burguesía y sus circunstancias es el tema que ocupa a Luca Guadagnini para pintar la esencia de "El amante". Esta es la típica película que logra entusiasmar al espectador y que en los momentos clave derrapa hasta irse a pique. Guadagnini, conocido por su labor en "Melisa P.", propone una película donde los afectos tienden a expandirse en medio de una familia conservadora y poderosa. El disparador es la vida de Emma (gran labor de Tilda Swinton), una mujer bella que siente el desprecio de su esposo, más ocupado en mantener el poder a cualquier precio. Seducida por otra vida y por la gastronomía, Emma se enamora perdidamente de Antonio, un humilde cheff con proyectos de construir un restaurante. El tema es que el joven es íntimo amigo de su hijo, en un vínculo que, por momentos, parece que excediera a una amistad convencional. Emma vive sus días apasionados con Antonio, mientras también disfruta la nueva elección sexual de su hija, quien le confesó que es lesbiana. La trama va in crescendo y hasta se le pueden perdonar algunas tomas que, pretendidamente experimentales, son poco felices, al igual que la musicalización ambigua en situaciones clave. Lo que es grave es lo forzado que resulta el tratamiento de la escena más dramática del filme. Ahí la película se cae a pedazos y tira por la borda lo poco de interesante que había logrado. "El amante" resulta ser en el cierre la clásica película que peca de pretenciosa. Y deja bastante poco para disfrutar.

Los caminos de la vida

Elena (Borges) y Adela (Bertuccelli) podrían haber sido madre e hija. Pero la vida hizo que se enamoren del mismo hombre, Augusto. Todo se complica cuando él muere. Elena es una cineasta de la alta sociedad y Adela una estudiante universitaria que no encuentra su rumbo. Carnevale hizo hincapié en las carencias, miserias y bondades de los personajes, quienes se van encontrando y enfrentando a través de dilemas propios y lógicos de la incómoda situación. Borges y Bertuccelli le encuentran el tono justo a sus criaturas y Cortese, en su rol de asistente leal de Elena, le brinda soltura y credibilidad a su personaje. La película, sin ser impecable, se torna amena y hasta divertida, sobre todo en algunos pasajes en los que Bertuccelli se despacha con ocurrencias que la remiten a La Tana de "Un novio para mi mujer". La perlita es la canción "Paisaje", por Vicentico. Para que todos salgan cantando.

La crisis de los preadolescentes con su núcleo familiar es el punto de partida de "En un mundo mejor", el filme de Susanne Bier que merecidamente ganó el Oscar como mejor película extranjera de 2010. La directora quiso contar la difícil subsistencia del que suelen llamar "el distinto", ya sea porque tiene "boca de rata", como uno de los protagonistas, o porque es sueco en una sociedad dinamarquesa. La película cruza la historia de dos pequeños amigos que tratan de abrirse paso ante la hostilidad escolar y el conflicto existencial y de pareja de sus padres. Uno de ellos es un médico que comparte su vida entre la atención de refugiados en Africa y los momentos de incertidumbre de un matrimonio a punto de quebrarse. La directora danesa, que logró una fotografía ejemplar, conmueve e invita a la reflexión.

El "Linterna Verde" de la peli es en realidad el segundo personaje con ese nombre que creó la compañía de comics DC. Es de los años 60 (el primero es de los 40) y tiene particularidades cósmicas retomadas en este filme. Hal Jordan es un piloto de aviones irresponsable que es elegido por un cuerpo de defensores del orden intergaláctico para portar el anillo del poder. Es el primer humano en esa condición debido a que los otros habitantes del universo desconfían de los pobladores del planeta Tierra. Pero será exactamente esa humanidad que porta el protagonista la llave para detener a un monstruo que, alimentándose del miedo de sus víctimas, espera dominar el cosmos. Con muy buenos efectos especiales y un relato simple, la película entretiene al plantear desde el principio la historia del personaje y su primera misión. Y si bien esa llanura argumental puede resultar inconveniente, en verdad ayuda a la comprensión del objetivo final: dotar al Linterna Verde de acá de valores que todo el universo luego celebrará.

Hay un prejuicio instalado. Y es que toda película protagonizada con actores de fama televisiva es mala. “Güelcom” viene con esa mochila, pero sale ileso. La historia de Yago Blanco no es una película de culto ni mucho menos, pero es una comedia romántica bien llevada y entretenida, tanto que no molestan algunos guiños previsibles. El filme se basa en una pareja, conformada por Leo (Martínez), psicólogo, y Ana (Tobal), amante de la buena cocina, que se distancia porque ella quiere buscar nuevos rumbos en España. El regreso a la Argentina genera un reencuentro, que tendrá chispazos y afinidades. “Güelcom” plantea muy bien los vicios del argentino que viaja al exterior y las frases de manual del que vuelve y ve todo mal en su país natal. Además, enfoca cálidamente los tics de los amigos treintañeros y hay simpáticas participaciones de Peto Menahen, Maju Lozano y Elena Guerty.

El fantasma inesperado

El regreso de un director de la talla de John Carpenter ("Hallowen", "La cosa") vale celebrarlo. Aunque la historia no tiene nada de extraordinario ni ofrece una trama compleja, da cierto orgullo presenciar los tics de quien inventó los verdaderos guiños del género de terror. Una joven bella es encerrada en un psiquiátrico, donde le tocará presenciar muertes extrañas de sus compañeras a manos del fantasma de otra interna que constituye el enigma de la película. En poco menos de una hora y media el filme irá ganando en suspenso gracias a un hábil manejo de cámaras a lo Carpenter y a una música que hiela la sangre. No hay sangre a chorros, ni cuerpos mutilados, ni intestinos desparramados. Y allí reside el valor de esta película. Carpenter no se tentó a codearse con el gore ni con estéticas bizarras para aggiornarse. Fue auténtico del minuto uno hasta el final. Y el maestro sigue dando cátedra.

Los autos locos toman vida de nuevo, para alegría de los chicos y disfrute de los padres fierreros. La flamante propuesta de Pixar, que es la primera saga de la productora de Disney después de "Toy Story", llega para consolidar su club de fans con otra historia tan divertida como la primera. Claro que aquí es Mate, la grúa destartalada, la que está al frente de toda la trama. Y lo divertido es la inocencia de este personaje. Es que, preso de sus pocas luces, se inmiscuye en un asunto de espionaje internacional, en el que jamás hubiese imaginado, ni siquiera en sus charlas con sus otros autos amigos del barrio. En medio de aviones y barcos que hablan, la historia atrapa cuando Mate viaja a Londres, París y Porto Corsa, en Italia, mientras que Rayo McQueen compite con los mejores autos del mundo. Los efectos técnicos del filme logran seducir al espectador y está muy bien recreada la humanización de los autos. Desde los hábitos en cada lugar, como es el caso del enfoque de automóviles muy conversadores en Italia, hasta la femeneidad de cada auto femenino, como el que se enamora del mismísimo Mate. La historia deja un mensaje políticamente correcto sobre el final y rescata la pertenencia a un lugar como sello de identidad.

Becca y Howie es una pareja de buen pasar económico pero de un pésimo momento personal y afectivo. Hace ocho meses que perdieron a su hijo en un accidente y desde ese día atraviesan un infierno. La película de John Cameron Mitchell no pretende dar golpes bajos ni especular con la obviedad del dolor. Sólo muestra, a través de notables interpretaciones de Nicole Kidman y Aaron Ekhart, el derrotero de estos padres en la noble intención de buscar un camino que les regale, al menos, una sonrisa al final del día. Becca (Kidman) tiene la necesidad de vincularse con el protagonista involuntario del fatal accidente y hasta trata de recibir de buena gana el embarazo de su hermana. Howie (Ekhart) fuma hierba e intenta seducir a otra mujer, pero no podrá ir más allá. "Laberinto" es tan dolorosa como impecable.

El western bien de acá

La venganza no tiene lógica: sólo importa ver muerto al que provocó un daño. Y a Julián le mataron al padre, casi en sus narices. Diez años después, irá por la vida de Aballay, el villano que le truncó su historia. Spiner puso en foco el tema de la violencia, y obliga a reflexionar porque insiste en que la violencia la padece tanto el que la ejerce como el que la recibe. Con "Aballay" se sumergió en una película de género, que combina el western con la estética gauchesca, con una calidad notable. Hay puntos en común con "Juan Moreira", de Leonardo Favio, y también con algún western encabezado por Alan Ladd o John Wayne. Sobresale algún pincelazo gore en escenas muy sangrientas, pero no desentona con el concepto teneral. Brillante la actuación de Rissi.

Adiós efecto sorpresa

Si algo tenía de atractivo "¿Qué pasó ayer?" era su efecto sorpresa. Phil, Stu, Alan y Doug eran cuatro amigotes que una mañana se levantaban en Las Vegas y lo único que encontraban a su alrededor era resaca y descontrol. Lo que cambia en esta saga es que en vez de ocurrir en Las Vegas sucede en Bagkok. Lo demás, es menos de lo mismo. Es más, hasta parece una remake, en la que se cambiaron algunos paisajes y situaciones, para que sea distinta pero no tanto. Stu, que había perdido un diente en la primera película, ahora parece encauzar su vida, se enamoró de una tailandesa y se casará nada menos que en Tailandia, en una fiesta donde no pueden faltar sus amigos. Alan (Zach Galifianakis) es como siempre el más extravagante del grupo, pero parece que está lo suficientemente contenido para que no haga ninguna locura que quiebre la armonía. Habrá una despedida en la playa, con una botella de cerveza por cabeza, como para que no haya ningún exceso. Pero todo puede fallar. El descontrol se adueña de la escena y los amigos se topan con traficantes de droga, corruptos y asesinos. Con muy pocas escenas graciosas, el filme de Phillips ratifica que segundas partes nunca fueron buenas.

El osito pura ternura

Winnie The Pooh es uno de los personajes más entrañables de la factoría Disney. En este filme, el osito hace lo que mejor sabe hacer: mostrar su obsesión por la miel, su objeto del deseo. Acompañado de sus amigos, Tigger, Igor, Conejo, Piglet y Búho, caerá como al descuido en medio de una misión impensada: salvar al querido Christopher Robin de un inconveniente un tanto especial. Lo más atrapante del filme es que se trata de un cuento simple, con una historia que cierra por todos lados y que, lo más importante, los chicos se sentirán sumamente reconfortados. Si algo tiene de atractivo el personaje Winnie The Pooh es su inocencia y ternura, características que, en un acierto de los realizadores, son resaltadas a lo largo de los 64 minutos, un tiempo más que suficiente para que la película evite transitar mesetas narrativas. Incluso, hasta por su buena dosis de ingenio, el filme se hace entretenido para los más grandes.

Romance desdibujado entre lonas de circo

Poco, muy poco para otra nueva película de amor. Un veterinario y una actriz se enamoran en el marco de un circo ambulante, con el toque de color de la elefanta Rosie, que también aporta poco para justificar el título. Pattinson sigue aportando su rostro inexpresivo, con la diferencia que ahora no es el vampiro de "Crepúsculo", y cuando le toca transmitir emociones derrapa en todas las curvas. La trama deambula entre escenas mil veces vistas en películas románticas de Hollywood y ni siquiera zafa la actuación de Cristoph Waltz, quien brilló en "Bastardos sin gloria", pero aquí es un villano estereotipado. Ni siquiera se luce el rol de la efectiva Reese Whiterspoon, que apenas saca a relucir su oficio en contadas escenas. La magia del circo careció de la riqueza de imágenes para retratarla con la esencia merecida.

El vértigo estereotipado

Tómala o déjala. "Rápidos y furiosos 5" es de esas películas que apuntan a un sólo tipo de público, al que les encantan las de acción, las de tiros, las de forzudos que hacen piruetas, las que tienen un vértigo similar a un videoclip de MTV de una banda tipo Limp Bizkit, las de ágiles vengadores que se suben a los techos de los autos para matar al enemigo con escopetas enormes. Eso, eso es "Rápidos y furiososo 5", plagada de estereotipos del villano y el héroe, como cantidad de películas estadounidenses. Lo especial, se podría decir, es que la historia transcurre en Río de Janeiro, por lo que muchos sentirán una suerte de proximidad con el clima hostil de las favelas, aunque jamás el director Justin Lin las podría pintar con la crudeza con que lo hizo Fernando Meirelles en "Ciudad de Dios". Así y todo, hay largas colas para ver la película, y dejará chochos a los fanáticos de la saga.

El Diablo tiene un plan

La vuelta al pasado fue abordada en reiteradas oportunidades por el cine, pero esta vez, con la mirada de dos talentosos como lo son Mariano Cohn y Gastón Duprat, todo tiene otro target. Y más si se parte de un cuento del rosarino Alberto Laiseca, quien hasta deja un guiño canalla en la película. El mismísimo Diablo se le presenta a un hombre mediocre de 63 años y le plantea que le dará un millón de dólares si vuelve al pasado, en la fecha que elija, pero con la mente en la actualidad. Como todo argentino, intentará actos heroicos o enriquecerse rápidamente con resultados no del todo agradables. El filme de los autores de "El artista" y "El hombre de al lado" tiene el valor agregado de Laiseca, haciendo de sí mismo. La esencia del argentino medio atraviesa la película, en la que se destaca Disi, por demostrar que se luce cuando deja de lado sus máscaras conocidas de la pantalla chica.

Estrellas sin estrella

Difícil buscarle algo positivo a la película de Diego Rafecas. En medio de un cine argentino que pugna por crecer, que apuesta a lo alternativo, que se arriesga a hacer películas de género, como suspenso o terror, Rafecas retrocede 30 años con "Cruzadas". No sólo desde la historia de dos media hermanas que deberían odiarse pero que no llegan a plasmar su odio, sino a partir de tomas que ya eran viejas en los 80. A menos que le interese incursionar en el cine bizarro, Rafecas (que también actúa en el filme) pretende plasmar dos mundos enfrentados, el de la bailanta y el de un poderoso holding televisivo, y extenderlo a la rivalidad de dos hermanas. Una es una empresaria inescrupulosa, interpretada por Moria, siempre haciendo de Moria, y otra es Nacha, nunca tan lejos de Evita. Lo de Pinti, simplemente patético. La única estrella de esta crítica es por Chachi Telesco, lejos, lo mejor de la película.

La vaca de los milagros

"Un cuento chino" es un retrato de la soledad. Roberto es un ferretero cincuentón y huraño, que decide ayudar a Jun, un chino perdido en Buenos Aires. El vínculo entre dos desconocidos que no se entienden una palabra se pondrá tenso, y más aún cuando Roberto decide alojarlo en su casa. Sebastián Borensztein le da un tono de comedia al cuadro dramático sin caer en el gag. Ahí es cuando más se luce Ricardo Darín, un actorazo que convoca espectadores con sólo poner su nombre en los afiches. Entre su personaje y Jun aparece una mujer, Mary, cándida y simple, que está perdidamente enamorada de Roberto. Las tres soledades rozan la emoción, la risa y la angustia. El toque insólito será que estas tres almas se unen por una vaca. Hay que ver la película para enterarse por qué.

Así como en "Desde el jardín" el personaje de Peter Sellers es elegido como un hombre con una categoría que no posee, Rango es tomado como alguien sobresaliente cuando en realidad no lo es tanto. En la historia de Gore Verbinski, director de "Piratas del Caribe", la clave del humor se dispara cuando el camaleón Rango se convierte en sheriff de un pueblo peligroso, de modo totalmente accidental. Con efectos atractivos y bajo una animación que atrapa tanto a grandes como a chicos, el filme plantea además la tan manida crisis de identidad. De una manera sutil y a veces no tanto, sobrevuela esa problemática y también la necesidad de ser reconocido y ganar el afecto de los demás, sobre todo cuando, como en el caso de Rango, la belleza no está de su lado. Con buena dinámica y acción, el filme divierte y da gusto verlo.

Había un modo de contar cuánto cuesta volar bien alto y Darren Aronofsky eligió, quizá, el más cruel. El director, el mismo de “Réquiem para un sueño” y “El luchador”, muestra el derrotero de Nina, una bailarina que es elegida para bailar “El lago de los cisnes”, pero le falta exponer su lado salvaje para interpretar bien al cisne negro. El filme se basa en las presiones del mundo del espectáculo, en este caso del ballet, pero desde el universo de un personaje ambiguo, complejo e indefenso. Hay momentos en que la película se codea con registros del género de terror y también del erótico. Sin embargo, lo que prima es una producción de notable corte artístico, de cuidados efectos visuales (el baile del final es bellísimo) y, como si fuera poco, el tenor expresivo de Natalie Portman es superlativo.

Y todo por entrar a una casa sin golpear.

Hay que celebrar que una productora argentina, que viene de un buen momento con "Habitaciones para turistas", tenga su debut en el circuito comercial. Y es el caso del grupo platense Paura Flics. Pero esta película se va en golpes de efecto y resbala con una historia muy floja para un largometraje. Un joven busca a su novia y junto con la mejor amiga de ella se meten en una casa misteriosa. Allí viven dos ex torturadores de la Triple A, que guardaban celosamente toneladas de explosivos y que ahora lo usan para vengarse de esta juventud que, para ellos, son todos inútiles. El director intentó hacer un paralelo entre la dictadura y la actualidad, pero carece de rigor y resulta muy poco profundo. La película termina siendo un combo de géneros que incluye terror, suspenso, gore, erotismo, romántico y testimonial. Y termina con sabor a poco.

Las historias de Walt Disney siempre tienen una segunda vuelta. Y “Tron, el legado” es un claro ejemplo de que aquella película de culto de 1982 no sólo puede reciclarse en 2010 sino también jerarquizar la primera y dejar una puerta abierta para una tercera parte.

El pasado, el presente y el futuro juegan sus cartas en esta película de Joseph Kosinski, que despunta con un Kevin Flynn muy joven (Jeff Bridges, por gentileza de la tecnología digital) en pleno diálogo con Sam, su hijo adolescente. Esa charla será inolvidable para el joven.

Es que su padre, conocido como un genio creador de video juegos, se fue en moto de su casa y no volvió nunca más. La película salta al presente, con Sam ya con 27 años, heredero de un imperio de videojuegos a escala mundial, pero que se mantiene fuera de la empresa. Es que todavía sigue preguntándose por qué desapareció su padre y reniega de todo.

Pero Sam recibe una buena señal y llega a descubrir la verdad. Su padre cayó preso de su propia creación y fue capturado por un mundo virtual. Sam viajará a ese universo futurista y lidiará con un villano inesperado para reencontrarse con su padre. Así será la primera vez que la pantalla devolverá la imagen más conocida del actor Jeff Bridges.

La trama central será la lucha encarnizada de Sam por rescatar a su padre y reinsertarlo en la era actual. Pero nada será fácil. El mundo virtual tiene otras reglas y Sam descubrirá que aquellos juegos que lo fascinaban cuando era niño son muy crueles cuando son parte de la vida cotidiana.

El filme pretende de alguna manera hacer una crítica a los grandes errores de la supuesta perfección cibernética e incluso se atreve a tener una mirada sobre la escena social. En el diálogo del hijo y el padre en el futuro, Kevin quiere ponerse al día por lo que se perdió en los últimos 27 años. Y tras lamentarse por la muerte de sus padres revela un escenario más que real: “Me imagino que los ricos siguen siendo ricos y los pobres siguen siendo pobres”.

En lo que respecta a los efectos visuales, “Tron, el legado” es una perlita para los amantes de las películas de ciencia ficción, y mucho más con la posibilidad de verla en el sistema 3D.

Sin ser una película con un guión brillante, mantiene una coherencia a lo largo de todo el relato, no pierde dinámica en las más de dos horas del filme y logra picos de emoción hasta el desenlace.

Queda para la reflexión si el mundo virtual lleno de villanos y hombres programados no es una metáfora del mundo real.

Una joya del cine clase B con una crítica a la política estadounidense.

Para disfrutar “Machete” hay que tener una mirada favorable hacia el cine de género, y especialmente al de Clase B. Robert Rodríguez, el mismo de “Planet Terror” y socio de andanzas de Quentin Tarantino, le puso el alma a esta película, en la que mixturó el western, el erotismo y la estética absurda para elaborar una película que no tiene desperdicio, que tiene una dinámica intensa, divertida y que, como si fuera poco, lanza una crítica ácida hacia la política anti-inmigración del gobierno estadounidense.
El envase de la película va más allá del contenido. Porque para este caso cuenta más el concepto de los filmes de Robert Rodríguez que el guión propiamente dicho. Lo que para muchos puede ser solamente una película de acción o hasta una historia de amor, para otros será una película de culto. Pero es más justo que se la ubique en esta última opción.
Machete es un ex agente federal que perdió su familia por culpa del villano del filme, interpretado por un emblema del género de acción, Steven Seagal.
Danny Trejo es el mejor personaje que se podía encontrar para el protagónico. Su rostro marcado y su look identifica al mexicano tipo, aquel que se vio en los mejores spaghetti italianos de la mano de Sergio Leone. Machete respira venganza, pero derrocha humildad. Usa solo el dinero que necesita, el resto lo devuelve, y es incapaz de negarse a la tentación del cuerpo de una bella mujer, para el caso, una policía eficiente (Jessica Alba) y una revolucionaria renegada (Michelle Rodríguez). El machete de Machete es la llave de su seguridad. Es el arma que le permite hacer rodar tres cabezas en un intento y le abre el camino para defenderse solito contra el enemigo de turno, un corrupto senador que justamente está vinculado con aquel hombre que asesinó a su mujer y a su hija.
La violencia es parte de la estética del filme, las escenas de peleas siempre terminan con alguna parte del cuerpo seccionada, una cabeza que explota por un escopetazo y un sable que atraviesa un tórax en medio de chorros de sangre que salpican la pantalla.
Lo bueno de esta producción es que Robert Rodríguez no dejó escapar la oportunidad para que en medio de este contexto aflore su mirada mordaz hacia la clase política estadounidense. Y lo hace de la misma manera con que Machete ataca a sus rivales de turno. Clava el puñal hasta las entrañas. El senador John Mc Laughlin (igual que el virtuoso guitarrista inglés) y su burdo destino es el mejor guiño del filme. Brillante.

Un tropezón es caída.

Una comedia debería, al menos, tener alguna situación risueña y, de ser posible, que no sea del estilo “hombre que pisa banana, resbala y cae”. “Boca de fresa” no invita a la sonrisa en ningún momento y las pocas invitaciones al humor pasan por la línea ya citada, aunque en este caso el hombre se tropieza, más que con su propio destino, literalmente con un tronco de un árbol, se lastima y cae. Este es el derrotero de un productor discográfico en decadencia que cree encontrar su salvación económica de la mano del autor de una canción que ahora es un éxito en los charts europeos. Como ese compositor perteneció a la productora décadas atrás, la búsqueda del autor, recluido supuestamente en Córdoba, origina un viaje en donde se combinan géneros con magros resultados. La película es lenta, aburre y peca de pretenciosa.

El dueño de la fábrica de agujas y tuberías de una pequeña ciudad cerca de Boston logró un hallazgo. Su pequeña empresa, Vita Needle, es un ejemplo que debería imitarse en todas las industrias del mundo. Allí, el promedio de edad de los empleados es de 74 años. No importa la profesión ni la clase social. Hay doctores, ingenieros, gente que nació en castillos, una mujer de 96 años que va y viene del trabajo manejando su auto, otros más humildes que están solos en el mundo. Todos trabajan lo que pueden en una fábrica cuya labor sería rutinaria para un veinteañero pero es la tabla de salvación para quienes están en el último tramo de su vida. Los testimonios de estos entrañables ancianos, en un documental de apenas 52 minutos, destilan alegría y ganas de vivir. Un canto a la tercera edad.

El tenso vértigo del final.

Nada mejor que encontrarse con la película que uno va a buscar. Y eso logra este filme, identificado como "El capítulo final". El alma de Jigsaw sigue presente en este fin de juego, al menos por ahora, en un registro en 3D que no aporta demasiado a la riqueza estética. Hoffman, el seguidor del legado de Jigsaw, continúa con su venganza sobre aquellas personas que hicieron algo malo en este mundo. Y ahora se encargará de un escritor que se hace famoso por contar cómo sobrevivió a una de sus trampas. Lo terrible es que el escritor inventó todo para enriquecerse y eso es letal para este asesino serial. La película es quizá la que más sangre y gritos tiene de todas. Deja al espectador tenso durante los 90 minutos, tiene vértigo y se respira sólo en los títulos finales. Ideal para amantes de la saga.

El oficio de ser ladrón.

Un grupo de ladrones vive en una ciudad donde ser ladrón es moneda corriente. Ese es el hilo conductor de “Atracción peligrosa”, el filme de Ben Affleck que peca de pretencioso, porque no cumple todo lo que promete, aunque goza de un ritmo narrativo intenso. El chico de la película no es otro que Affleck, quien interpreta a Doug MacRay, un delincuente que quiere dejar esta vida de riesgo para no andar esquivando balas hasta la vejez. Al conocer a Claire (la bella y buena actriz Rebecca Hall), piensa que puede cambiar de rumbo. Pero hay lazos de sangre que no le harán tan fácil su propósito. La película remite a tantas otras de hábiles ladrones enmascarados, como el caso de "Punto límite" (1991). Y sigue siendo alarmante la inexpresividad de Ben Affleck.

El vuelo del guardián.

La eterna batalla de malos y buenos tiene una nueva vuelta de tuerca en "La leyenda de los guardianes". Los búhos son los protagonistas de esta historia, en la que Soren es un pichón que mientras aprende a volar, deja que tome alas su imaginación. Nada mejor que los cuentos de papá, en donde los héroes eran una bandada de guerreros que vencían a los Raza Pura. De pronto, esos sueños comienzan a convertirse en realidad, pero, claro, la realidad no siempre es tan divertida como en los cuentos. Allí talla el trabajo del director, quien supo darle condimentos a esta trama, para que se cruzen el amor de hermanos con la deslealtad, sumado a la búsqueda de la justicia como común denominador. La película va de menor a mayor y se disfruta más en 3 D, porque emplea la ventaja digital para la belleza estética, como la escena en la que Soren vuela bajo la lluvia.

La Coca todo lo puede.

Una diva en el ocaso de su carrera descubre en un desconocido a un nexo para llevar adelante su plan. El no sabe que ella es una de las grandes estrellas del cine erótico, ella no sabe que él es un asesino a sueldo que también está en el ocaso de su carrera. La película se sostiene en las buenas interpretaciones de Isabel Sarli, quien una vez más demuestra su oficio delante de las cámaras, y Luis Luque, que da perfecto como un tipo conflictuado y que sufre cuando tiene que matar. Jusid apuntó a poner en escena una suerte de policial negro, pero lo logró sólo por momentos. El filme tiene un guión poco creíble y demasiado flaco para la ocasión. Sin embargo, vale la pena observar la belleza física de Isabelita Sarli, no su actuación, y el homenaje a la Coca sobre el final con trozos de sus películas. Una cocarda que levanta el filme.

No habrá ninguna igual.

"El exorcista", protagonizada por Linda Blair, asomó en 1973 y marcó un antes y un después en el género de terror. Hubo sagas, versiones remozadas con grandes producciones, pero nunca le llegaron a los talones a aquella película emblemática. "El último exorcismo" no escapa a esta tendencia. La trama tiene como atracción el yeite de estar filmada como un documental, recurso que desde "El proyecto Blair Witch" ya está demodé, pero tiene como gran error que no asusta, pequeño detalle. Un pastor evangelista llega a una granja estadounidense para hacer su último exorcismo y filmarlo, con la idea de blanquear los falsos mitos de su labor. Allí se topará con Nell, una adolescente poseída, que le cambiará la mirada sobre la existencia demoníaca.

Los mercenarios que pueden contra todos

Sylvester Stallone escribió, dirigió y protagonizó una película que le viene como anillo al dedo para mostrar lo que mejor sabe y que más le gusta. Aquellos que lo siguen desde los tiempos de "Rambo" encontrarán en "Los indestructibles" un filme que transita por la misma frecuencia. Pero con más sangre, más acción, más explosiones y espectacularidad. Un grupo de mercenarios, que encabezan Stallone, Jashon Stathan y Jet Li, quiere hacer justicia en una isla donde sus habitantes son hostigados por fuerzas militares, pero monitoreadas por un civil corrupto. Con un guión simple pero eficiente para este producto, hay una escena final de casi media hora en la que el vértigo parece no tener fin. Bien filmada, hay perlitas con las apariciones de Bruce Willis y Arnold Swarzenegger, y algunos toques de humor que permiten redondear una película ideal para los amantes de las de acción.

Un galán en decadencia.

Todo a ganador planeó el director y guionista Brian Koppelman, quien codirigió este filme con David Levien. El gancho para atrapar al espectador era usar la vida real de un famoso como Douglas, cuya fama de seductor es vox populi. Pero en el celuloide todo es diferente. Ben, su personaje, es un vendedor en decadencia, que tiene tanta habilidad para conquistar mujeres como para destruir relaciones. No soporta que su nieto lo llame abuelo, trata de que la gente piense que su hija es su novia, y es capaz de acostarse con la hija de su amante sin que se le mueva un pelo. El error fue confeccionar un guión sin sutilezas, con un abuso de texto sobre la figura de Michael Douglas quien, a su edad, le queda demasiado grande ya el rol de galán. Lejos de la comedia y también del drama, el filme se torna en un híbrido prescindible.

El vuelo bajo del Avatar.

“El último mensajero del aire” es la nueva propuesta del tan famoso como criticado director M. Night Shyamalan, el mismo que sorprendió con “Sexto sentido” y nunca más pudo reproducir ese éxito, aunque lo sigue intentando. El filme, que también llega en formato 3D, parte de una lucha de los Cuatro Elementos: Tierra, Aire, Agua y Fuego. El equilibrio de esa lucha lo da un Avatar, que regresa luego de cien años para lograr la paz. Las luchas, los efectos especiales y los monstruos gigantes no alcanzan para ponerse a la altura del animé, llamado "Avatar", y de donde surgió la idea de esta película. Planteada como una trilogía, el director tendrá que hacer mucho de su parte para que la historia levante vuelo. Al menos, en este filme ganó la chatura.

La comedia romántica con un rosa saturado.

La actriz Nia Vardalos insiste con hacer toda su carrrera colgada de la fama de "Mi gran casamiento griego". No conforme con el bodrio que fue "Mi vida en Grecia" ahora fue por más, o mejor dicho, a menos con "Al diablo con el amor". La comedia romántica, que no sólo protagoniza junto a John Corbett _el actor de "Mi gran casamiento griego"_ sino que escribe y dirige, es una suma de lugares comunes que aburre. Ella es una florista desencantada del amor que propone reglas para una relación sentimental con el objetivo de no sufrir. El también no tiene suerte con sus parejas y en el primer encuentro entre ambos decide acatar lo que ella dice para no salir dañado. El marco es el Día de San Valentín y todo gira en la búsqueda de la persona ideal para compartir el resto de sus días. Las actuaciones son pésimas y los diálogos no son creíbles.

Chicos eran dlos de antes.

Un grupo de amigos, compañeros de un equipo campeón de básquet en los años 70, se reencuentran 30 años después. Los cinco cuarentones, sus mujeres, hijos y hasta una suegra vacacionan en una casa que guarda cierto valor afectivo. Ese encuentro servirá para que revivan los tiempos en que eran chicos y hasta compartan las mismas travesuras y cargadas de otrora. Claro, la película es una suma de obviedades, de gags mil veces vistos en las películas de la industria norteamericana. Apenas la imagen de un partido de básquet, con las jugadas calcadas a las que hacían de pibes, se convierte en el punto alto del filme. Sandler coescribió y produjo esta película, pero otra vez se olvidó de actuar. Por suerte la bella presencia de Salma Hayek y María Bello alivian el mal trago.

Sólo para los fans de Cruise y las de acción.

Roy es el típico agente todoterreno del FBI, ese que es capaz de todo por un objetivo. Y la misión pasa por obtener un artefacto de energía eterna que, claro, en poder del enemigo puede ser fatal. El tema es saber quién es el enemigo, primer ardid de la trama de Mangold que, lamentablemente queda en el camino. Es que la película desanda en una suma de efectos especiales poco creíbles, autos que se destrozan, asesinatos sórdidos y muestras de una espectacularidad vacía de contenido. Tom Cruise vuelve a hacer de Tom Cruise y Cameron Diaz sólo explota su rostro bello pero sin un atisbo de expresión subyugante. Los personajes de ambos se lanzan en una cruzada que va de Washington, a las rutas alemanas y de allí a la Plaza de Toros de Sevilla, en un derrotero en el que es muy fácil darse cuenta quién se vestirá con la ropa de héroe. Nada nuevo.

La apropiación ilegal de los niños en la dictadura y el complejo de Edipo fueron los dos temas centrales que la directora Inés de Oliveira Cézar pretendió esbozar en "El recuento de los daños". Pero, más allá de las nobles intenciones, el filme pecó de pretencioso y quedó más que a mitad de camino.
Una familia adinerada decide encarar un proceso de reconversión en su fábrica tras la muerte de uno de sus dueños. El joven que llegará para hacer el trabajo sucio se vinculará amorosamente con la viuda, pese a la oposición del hermano de la señora. Ella, para ahogar sus penas, se dedica a beber en exceso, en otro lugar común de los tantos que se aprecian en la narración.
En medio de una angustia generalizada de la familia, se irá descubriendo que la mujer tiene una antigua pena, que es el haber perdido a un hijo en un campo de concentración durante la dictadura.
Quizá el miedo a recaer en alguna escena recurrente sobre el tema de los desaparecidos hizo que Oliveira Cézar omita cualquier punto de contacto con los años de plomo, pero tal omisión se convierte en desinformación,y le resta aún más a la película.
Con acciones excesivamente lentas y actuaciones poco creíbles, la historia va transcurriendo a lo largo de los excesivos _para el caso_ 79 minutos. Ni el atractivo de que el rodaje fue en Rosario alcanza para atrapar siquiera por una toma al espectador.

No hace falta ser un nostálgico de los viejos buenos tiempos para disfrutar “Brigada A”. La película de Joe Carnahan renueva la mística de la serie de los 80, pero con una dinámica más vertiginosa, casi como si fuera un video clip de una banda de heavy metal. Pero esta banda, conformada por un equipo de ex soldados de las fuerzas armadas de los Estados Unidos, da batalla y entretiene. Hannibal, Face, Murdock y Baracus ahora son veteranos de la guerra de Irak, y no de Vietnam como la versión original. Lo cierto es que este cuarteto fantástico, entre los que se destaca la actuación de Bradley Cooper, tiene como objetivo cumplir una misión, aunque con ese criticable fanatismo patriótico de las películas de la industria estadounidense. Y ese objetivo los une, más allá del vínculo de amistad. El pulso de Ridley Scott en la producción hace que la película sea imperdible para los amantes de las de acción.

La nueva saga de Pixar, "Toy Story 3", llega a 10 años de la segunda parte y a una década y media de la primera , tiempo suficientemente extenso para que, al menos, un niño deje de ostentar esa condición.Por allí comienza la trama de este logradísimo filme, que también está en su versión 3D, y que desafía la máxima basada en que una película de animación no puede ser una gran película.

"Toy Story 3" hace reír y emociona con recursos auténticos, y es tan recomendable para niños y adolescentes como para adultos.

Es más, la versión 3D es interesante, pero los efectos especiales están utilizados en función de la película y no al revés, lo que potencia aún más el valor del filme.

Andy está a punto de irse de viaje para ingresar a la universidad, y su madre lo hostiga para que ordene su pieza, mientras el padre sigue sin aparecer en escena, como en toda la saga. Allí surge el primer conflicto. Cuando Andy debe decidir qué juguetes elige para llevarse y cuáles dejar en la bohardilla, se queda solamente con el vaquero Woody. Y Woody no imagina un mundo sin Andy, pero mucho menos sin sus amigos Buzzy, Jessie, el dinosaurio Rex y todos sus colegas, sobre quienes tiene un vínculo intenso, y es claramente el líder.

La amistad y la solidaridad son dos valores clave en esta película dirigida por Lee Unkrich (co-director de "Toy Story 2" y de "Buscando a Nemo"), quien supo ingeniárselas para lograr sentimientos tan genuinos en el espectador, que a menos de media hora de transcurrida la película ya se olvidó que está viendo una de dibujitos animados.

En esa lucha de Woody y sus amigos por mantenerse juntos, se abre el abanico para mostrar momentos dramáticos y de angustia, que son muy habituales en muchos de los clásicos de Walt Disney.

Y habrá tantas similitudes con la vida real, que no tardará en aparecer el traicionero, ése que se hace el buenito hasta que en el momento más difícil elige un camino propio sin pensar en los que están a su lado.

En la última media hora, lejos lo mejor del filme, arranca una dinámica tan vertiginosa que cuesta despegarse. Es que los mensajes que va decantando esta propuesta no llegan como moralejas de un maestro ciruela de la primaria, sino que obligan a reflexionar sobre la vida y la muerte, sobre la verdad y la mentira, el amor y la amistad y, sobre todo, la adultez y la niñez, etapa dorada.

La idea del filme era atractiva: un superhéroe argento, anclado en el año 2025, y con la misión de retornar el agua potable, en grave faltante. Pero sólo se quedó en buenas intenciones. Lo más logrado fue la articulación de lo político y lo mediático para cambiar la realidad e intentar modificarla a su gusto, como se manifiesta en estos días. Y quizá el error más grave fue no animarse a darle una tónica de novela negra, como era el guión original de Juan Sasturain y Luis Barone. El otro guionista, el español Jesús de la Vega le agregó los pasos de comedia, y quizá banalizó demasiado la lectura del argentino medio. Zenitram toma cocaína, tiene un amor no correspondido y es el más antihéroe de los superhéroes. No fue suficiente para llegar a una buena película.

"Garfield y el escuadrón de las mascotas" es una propuesta atractiva para los niños, fundamentalmente, y más aún a partir de la incorporación tecnológica de la tercera dimensión, que les da un plus a muchas escenas del filme. La estructura básica de la historia no escapa a otras propuestas ya vistas en las animaciones infantiles. En este caso, Garfield deberá salvar el planeta de Tontolandia, y para eso se unirá a un escuadrón de superhéroes muy especiales. Lo más importante que tiene la película dirigida por Mark Dippé es que logra entretener a los más bajitos, aunque sin demasiadas pretensiones. Quizá lo más simpático es la mezcladora molecular, capaz de fusionar objetos y personas. Eso dispara sonrisas en tres dimensiones.

Aquellos que vayan a ver esta película pensando que se van a encontrar con el director de "Blade Runner", o al menos el de "Gladiador" saldrán de la sala decepcionados. Ridley Scott se embarca en esta precuela sobre la leyenda del aventurero que les robaba a los ricos para regalarle a los pobres y logra un filme que apenas despega en los últimos veinte minutos. Una trama demasiado extensa y escenas muy dialogadas hacen que la película de acción tenga baja intensidad, pocas flechas y escasas batallas. Sin embargo, los amantes del género le encontrarán encanto a la figura de un Robin Hood que no es un héroe imbatible, sino que se muestra como un personaje con fortalezas y debilidades. Además, el perfil seductor del personaje de Cate Blanchett aparece como un bálsamo.

El abogado del diablo que quiere salvar su vida otras muertes

Se le llama Carancho al abogado que está siempre como un ave rapaz (verdadero significado de la palabra) buscando las indemnizaciones más jugosas, generalmente provenientes de los accidentes de tránsito.

Desde ese personaje, interpretado por Ricardo Darín, se dispara la historia de Pablo Trapero, un director que no teme caminar por la cornisa, y muchas veces, como en "Leonera" o "El bonaerense", tuvo brillantes resultados.

No es esta la mejor película que se puede ver de Trapero, al menos, está lejos de lo que se esperaba de un mix tan rimbombante como el que podrían ofrecer un director estrella del circuito independiente con un actor estrella del circuito comercial. Más allá del crecimiento del cine nacional y de que ambas corrientes cada vez se acercan más, lo que es saludable, desde ya.

Trapero hizo eje en la problemática corrupta del mundillo de algunos abogados nefastos y acertó en mostrar de alguna manera ese costado oscuro del andamiaje judicial de la Argentina. Pero esa meticulosidad aplicada en ese aspecto no la aportó para la composición de los personajes centrales. Y de este modo, ni Martina Gusmán rindió tanto como lo hizo en "Leonera" ni Darín brilló como lo hace en todas las películas de Juan José Campanella. Ese vínculo no está logrado y no contagia al espectador, quizá el mayor error de la película del realizador de "Mundo grúa" y "Nacido y criado".

Sosa (Darín) conoce a Luján (Gusmán) en la calle y tras un accidente de tránsito, el lugar y el momento apropiado para que ambas vidas se crucen ya que ella está haciendo sus primeras armas como doctora en un servicio de emergencia de salud.

Los dos no están pasando por un buen momento. Son almas solitarias y sufridas, aunque se sabe muy poco de su pasado, en otro detalle que no debieron pasar por alto los cuatro guionistas, entre ellos el mismo director del filme.

El derrotero de ambos se unirá en un camino común, en el que se combinarán momentos de crudeza y de mucha sangre, como los que suceden en el hospital donde trabaja Luján; y algunos momentos de pasión, como los que vive la pareja protagonista.

Relatado en un formato de policial negro, el filme se va desdibujando con el correr de los minutos y concluirá en un cierre que divaga entre la obviedad efectista y la metáfora moralista del tipo "quien mal anda mal acaba".

Por último, es rescatable sin embargo la mirada de denuncia del cineasta y la intención de sacar a la luz el accionar corrupto de los Caranchos.

Las historias corales siempre tienen ese agujero negro inevitable. Y es la crítica al director que no se animó a jugarse por una buena historia y tiró las fichas en varias para pegar un pleno. Fausto Brizzi asumió ese riesgo pero salió airoso. A partir del relato de la vida amorosa de seis parejas, supo desentrañar los encuentros, desencuentros y vínculos que no se cortan con ex novios o esposos. El filme italiano se fortalece a partir del humor, aunque roza algún lugar común. El tono de comedia sobrevuela la mayoría de las historias, resueltas con una dinámica tan amena, que se equilibran con los pocos momentos dramáticos. Los actores, sin ser extrellas de Hollywood, rinden con suficiencia sus roles. Con expresiones sutiles logran emocionar y divertir. Lo mejor, lejos, es el caso de la mujer que tuvo como ex a un sacerdote, que no será otro que el responsable de casarla con su novio actual.

Una historia de amor suele menosrpreciarse por los finales rosa o porque lo romántico obnubila toda la trama. Pero en este caso, sin ser una película que se destaque por su originalidad, “Querido John” tiene un plus. Es que Lasse Hallström supo jugar con los deseos inconclusos de John y Savannah, que en el medio de un romance de verano encuentran el amor. Pero, claro, las obligaciones militares del muchacho entorpecen la relación. Lo interesante es cómo se muestra ese vínculo, cómo incide la vida interior de cada uno, el entorno amistoso, y el enfoque que se le da a la familia de ambos, especialmente a la de John, a partir de su obsesivo padre (un excelente Richard Jenkins). Es la típica película de amor que antusiasma a los que gustan del género romántico, pero la trama está tan bien llevada, y con matices intensos, que el filme atrapa hasta el final.

Una trabajadora social está harta de ver casos de violencia familiar con niños sufridos.Y decide deterse en un caso, el 39, para salvar la vida de Lilith (una brillante Jodelle Ferland). Por proteger a la niña de diez años se topará con el peor momento de su vida, ya que toma la decisión de adoptarla y llevarla a vivir con ella, sin saber que Lilith está muy lejos de ser una nena del montón. La película tiene de positivo que lleva al espectador de la mano hasta el final, pero lo grave es que cae en lugares comunes, ya que muestra casi todos los tics de las películas del género. Pese a que en la primera mitad de la película no parece una película de terror, en la segunda parte sobran las apariciones sorpresivas detrás de la puerta con el impacto musical, la reiterada utilización de los insectos y el estigma del héroe, o en este caso la heroína, que es capaz de luchar sola contra el mal, aunque no sea terrenal.

Otto e Ida son una pareja que tiene tantos puntos en común como diferencias. Casi como cualquier otra. Basada en un cuento de los hermanos Grimm, la historia parte desde un encuentro de ambos en una zona rural de Japón, donde se cruzarán por casualidad. Ella quiere ser una gran diseñadora, él está conforme con descubrir peces exóticos y venderlos, si puede, a coleccionistas alemanes. El filme tiene algunos momentos graciosos e invita a reflexionar sobre las ambiciones personales y profesionales de cada uno y sobre los vaivenes del amor con el paso del tiempo. Quizás lo que no colabora con el filme es que la trama no tiene la suficiente dinámica como para atrapar al espectador y que, en definitiva, es otra película más de amor, con lo que eso significa.

El director Diego Rafecas plasmó en “Paco” cuestiones autobiográficas de la etapa en que fue adicto a las drogas y estuvo internado en el Programa Andrés. Este dato es clave para comprender desde dónde fue realizado el filme. La historia de Paco con la droga más barata y más nociva de la actualidad, que lleva su mismo apodo, es el disparador para mostrar otras realidades de adictos, que llegaron a la droga por diferentes caminos. Rafecas hizo eje en las debilidades y fortalezas de los drogadictos, sin golpes bajos, y sin demonizar ni menospreciar el vicio. El rol ventajista de la política, las prebendas y la corrupción es otra de las aristas de la película, que también revela que no son tan limpios quienes creen dar todo por rescatar a los jóvenes de las adicciones. Una mirada certera y nada complaciente, que deja un mensaje de calidad moral.

Meryl y Paul Morgan son una pareja de la alta sociedad de New York que están atravesando una crisis matrimonial. Un incidente los lleva a mudarse a Wyoming, el poblado con menos habitantes de Estados Unidos. Allí, Meryl y Paul irán limando asperezas e intentarán reconstruir el amor dañado, en medio de bucólicos paisajes, con vaqueros, caballos y muy lejos del aire contaminado de la gran ciudad. Pero de tan obvia la historia se cae a pedazos con el correr de los minutos. Como si fuera poco, las actuaciones de los protagonistas son de una pobreza alarmante, parece que estuvieran trabajando a reglamento en toda la película y no trasmiten nada. El director Marc Lawrence insinuó algunos toques de humor, pero son tan escasos que se pierden a lo largo de un filme que es demasiado extenso para contar tan poco. Para ver, a lo sumo, un domingo de lluvia por cable.

La nueva venganza de Gibson

Mel Gibson es un especialista en filmes donde tiene que urdir una venganza. Y “Al filo de la oscuridad” no es más que eso. El es un policía a quien le matan a la hija delante suyo y hará lo imposible por ajusticiar al asesino. El director del filme quiso dar un giro más elaborado al vincular a la joven en una corporación que fabrica armas nucleares con la venia del gobierno de los Estados Unidos. Pero sólo alcanza una trama que deambula entre lo engorrosa y obvia. Lo peor que tiene la película es que el espectador supone desde la primera toma cómo será el final; lo mejor pasa por una escena que hace saltar de la butaca. A Gibson le tocó componer a un personaje conflictuado y no es un actor con el peso interpretativo para este tipo de roles. Poco para ver.

El filme arribó a las salas con una promoción brutal. Y tras los Oscars se potenció más aún. Pero "Preciosa" no es la película excelente que afirman los afiches. Preciosa es una joven negra de 16 años, obesa y fea, a la que le pasa de todo. Su madre la golpea, su padre la violó y le dejó dos hijas, una down, encima tiene ausencias en las que divaga más de la cuenta. Y como si fuera poco, también es VIH positiva. Demasiado para que la historia se torne creíble, más allá de la brillante actuación de Mo´Nique, la madre tirana, distinguida por la Academia de Hollywood, y de las sorpresivas interpretaciones de Mariah Carey y Lenny Kravitz. El director Lee Daniels le dio vuelo a la historia, sobre todo en el primer segmento cuando se describe a los personajes, pero no supo darle una vuelta de tuerca para que "Preciosa" sea un filme distinto.

La suma de lugares comunes es una constante en la nueva película de Garry Marshall, un director que siempre dependió de las buenas actuaciones para salir bien parado con sus filmes románticos. “Mujer bonita” con Julia Roberts y Richard Gere, y “Frankie y Johnny” con Al Pacino y Michelle Pfeiffer son ejemplos contundentes.
Aquí se nutrió de un seleccionado de reconocidos actores de Hollywood, desde Ashton Kutcher y Jamie Foxx hasta Jennifer Garner y Anne Hathaway, e incluso figuras de la talla de Shirley MacLaine, Julia Roberts y Kathy Bates para contar aventuras y desventuras de parejas en el Día de San Valentín.
Aunque logra pasajes risueños y algunas sorpresas, el filme no pasa de ser la típica peliculita rosa de amor, ideal para quienes necesitan ver comedias pasatistas.
Los amores imposibles, el romance gay, los desencuentros, la primera cita adolescente, el amor a la tercera edad, las relaciones casuales y las soledades eternas son algunos de los temas que se salpican en un filme coral, al que, encima, le sobra poco más de treinta minutos. El disparador de los encuentros es una florería, donde se cruzarán los envíos románticos de rosas en un día tan especial como el de los enamorados. Una película que no aporta nada nuevo sobre Cupido.

Indolencia exagerada

“Andrés no quiere dormir la siesta” es un pantallazo de la dictadura en Santa Fe. Una familia vive frente a un centro clandestino de detención en medio de la tranquilidad cómplice de un barrio donde puede pasar cualquier tragedia sin que a nadie se le mueva un pelo. Esa idea es la que quiso plasmar el director, aunque logró un resultado desparejo. El foco está puesto en la mirada de Andrés, un chico de 9 años que sufre la muerte de su madre y debe soportar la violencia psicológica de un padre que no puede con su infelicidad y de una abuela que aparenta ser cariñosa pero nunca se juega por su nieto. Quizá, el error del director santafesino fue llevar al extremo la mirada indolente del niño, pese a que puede entenderse como una manera de reflejar la indiferencia de esos tiempos, cuando la muerte acechaba a la vuelta de la esquina.

El nokanshi es un ritual fúnebre japonés que consiste en embellecer a los difuntos en pleno velatorio y ante sus familiares. Diago es un violoncellista que se quedó sin trabajo, retorna a su pueblo natal y no tiene mejor idea que tomar ese empleo, pese al rechazo de su entorno. La película logra que un tema macabro se torne natural y hasta gracioso, según los casos, sin relegar el obvio cuadro dramático. El director Yojiro Takita, que llevó a que este filme ganara el Oscar por mejor película extranjera en 2008, logró que el contacto con la muerte, como leit motiv ínequívoco, invite a reflexionar sobre la vida, nada menos. Esa causa, que tiene como bandera el personaje central, se notará en la relación con su mujer, su amigo, el jefe, su compañera de trabajo, la dueña de un baño público y, quizá lo más relevante, su pasado y el vínculo con su padre.

Dominic Matei no es un hombre del montón, pero tampoco es nada extraordinario. Hasta que un día le cae un rayo encima y su vida cambia por completo. Son tiempos de la Segunda Guerra Mundial y este profesor, obstinado por descubrir cómo se inició el lenguaje, se irá dando cuenta de a poco que se hace cada vez más joven y más inteligente. Ese efecto es imposible no asociarlo con el personaje de “El curioso caso de Benjamin Button”, pero en aquella oportunidad el hilo de la historia se tornaba mucho más atractivo. Aquí, Matei (interpretado por un siempre eficiente Tim Roth) comenzará a hurgar sobre su pasado amoroso y se topará con un presente tan inesperado como insólito. Con algún tinte poético, Coppola pondrá el foco en el caso de Matei, sin hacer demasiado hincapié en el clima del nazismo y ofreciendo un pantallazo leve de los sucesos históricos sólo a través de las tapas de los periódicos. La historia se torna lenta en la segunda mitad y da la impresión que, con media hora menos, Coppola hubiese redondeado una muy buena película. Sin embargo, la falta de dinámica en el relato hace lo suyo para que el filme quede a punto de desbarrancar. La apuesta poco usual del director a abordar cierto realismo mágico es ambigua, porque si bien es loable asumir riesgos no es lo que mejor resuelve, al menos en esta producción, que precede a la polémica y aún no estrenada “Tetro”.

El amor de una madre no tiene límites para Esma. Ella arrastra un gran drama personal que la obligará a criar con tanta severidad como ternura a Sara, su retoño de 12 complejos años. El filme de Jasmila Sbanic se ambienta en Sarajevo en tiempos de la posguerra, cuando todavía se procesa muy lentamente el duro valor residual de La Guerra de los Balcanes.
Esma hará lo imposible para juntar el dinero para que su hija se vaya de viaje de estudios, pero la relación se pondrá tensa cuando la niña le pide un certificado que dé cuenta que su padre fue mártir de la guerra. El secreto de la identidad de su padre es uno de los nudos del filme, pero Sbanic fue más allá porque planteó la trama de una manera inteligente, ya que ofrece un fresco de la sociedad bosnia sin caer en recursos efectistas, ni golpes bajos, ni flashbacks en blanco y negro de los hechos bélicos.
Así, el mundo de una madre desesperada y de su hija adolescente transcurre entre pincelazos duros del pasado pero también con momentos divertidos de un presente sazonado de vivencias cotidanas aparentemente superfluas. Las interpretaciones de Mirjana Karanovic (Esma) y Luna Mijovic (Lara) son la frutilla del postre. Porque cada una le da un toque de realismo a su personaje con la ternura suficiente para que el espectador se compenetre con la historia.

Gemma es una abuela de carácter difícil, viuda y con un dolor inmenso en el alma. Angela es una joven inmigrante ilegal rumana, con una amplia vocación de servicio, pero también con llagas en su corazón. La vida las une en la ciudad italiana de Florencia, adonde Angela llega contratada por los hijos de Gemma, con la difícil misión de cuidarla y contenerla.
Ese complejo vínculo irá mutando a partir de un hecho clave. Es que la muchacha rumana debe viajar urgente hacia el Mar Negro para hallar a su marido, quien desapareció sin dejar demadiadas huellas. Y deciden ir juntas a buscarlo en un viaje arriesgado pero inevitable.
La soledad de la anciana y de la muchacha es el punto de encuentro, bien elaborado narrativamente por el director Federico Bondi, quien a pesar de ser su debut, supo bucear entre los momentos dramáticos sin recurrir a golpes bajos o lacrimógenos.
El filme también ahonda sobre el tema de la ilegalidad en Europa y ofrece una mirada crítica sobre cómo se trata la ancianidad en las sociedades modernas.
Otro de los puntos altos del filme de Bondi son las interpretaciones de Ilaria Occhini (Gemma) y Dorotea Petre (Angela), quienes se cargan la película al hombro con sutilezas expresivas y una síntonia actoral que crece a la par del vínculo de los personajes.

Un poblado de criaturas verdes, con muchas similitudes con Shrek (Joe Stillman es guionista de ambas producciones) se encuentra ante un gran problema: llega un astronauta de la Tierra y clava la bandera estadounidense. A partir de allí habrá quienes están a favor y en contra del invasor, en una mirada que tiene como objetivo dejar la moraleja de la convivencia y el respeto al distinto. La animación entretiene, es políticamente correcta y no se aparta del estilo de las producciones norteamericanas. Quizá el único gran error del filme.

Santiago Loza obliga demasiado (¿defecto o virtud?) al espectador. El primer diálogo ocurre a los 20 minutos y en un filme de 80 es demasiado. Un estudiante de medicina que es gay y una mujer que tiene sexo con un sentimiento ambiguo emprenden un viaje atípico. En una trama poco creíble se irán desandando deseos, miserias y las pocas alegrías de los protagonistas.

El rock que se toca bien de cerca

U2 es una de las bandas más espectaculares del rock internacional y eso parece no ser noticia. Pero verlos a Bono, The Edge, Adam Clayton y Larry Mullen Jr. tan cerquita, gracias a los efectos mágicos de 3D, ratifica que son únicos, que no en vano están siempre un paso adelante en cuanto a producción de shows en estadios, y que, como si fuera poco, tienen esas bellas canciones que saben conmover a públicos de todo el mundo.

"U23D" está filmada en el marco del "Vértigo Tour" realizado en la última gira latinoamericana, pero preferentemente las imágenes fueron captadas de los shows inolvidables ofrecidos en el estadio Monumental de River Plate, en marzo de 2006.

La banda irlandesa tiene una lista de canciones tan sutiles y profundas, que podría tocar en el peor de los escenarios y lucirse igual. Pero ellos apuestan siempre a que la puesta sea un elemento clave en sus giras. Y aquí se nota más que nunca.

Bono juega al límite de su expresividad, canta con el alma, se emociona y emociona aún más a los que lo miran a tres metros de distancia. Esas imágenes provocan un efecto multiplicador en el espectador, que siente que lo puede tocar, y que sentirá que casi puede oler la transpiración del que revolea la remera en la pantalla gigante, aunque todos son cómplices del juego de la imagen.

No es un detalle menor la selección de temas que se eligió para este filme de 80 minutos, en donde confluyen los más grandes éxitos del grupo con canciones que quizá no estuvieron en el tope del ránking, pero nunca van en saga en calidad.

U2 marca presencia tanto en la potencia de "Beautiful Day" como en "Sunday Bloody Sunday", en donde la frase "Coexista" llama a la convivencia religiosa.

La defensa de los derechos humanos late nuevamente en "Mis Sarajevo", donde impacta la voz de Bono en el estribillo que grabó Luciano Pavarotti, y en "Pride (In The Name Of Love)", donde se le cede el protagonismo al público.

La cámara se mete en el escenario como un ojo vouyer, pero sin abusarse del efecto. U2 y la gente gobiernan la pantalla y eso es un acierto de la dupla de directores. Entre las perlitas se destacan "One", con la introducción sutil de la guitarra de The Edge, todo un sello de identidad, y "With Or Without You", donde la gente hace el coro como si esa parte estuviese escrita especialmente para ellos.

El final con "Yahweh" y el corazón latiendo en rojo es todo un símbolo. U2 lo logró una vez más.