Una cuestión de tiempo

La fantasía infantil de un día unirse a una liga justiciera para salvar al mundo de algún desquiciado que amenaza destruirlo sigue siendo el gancho de “Mini-espías”. Nada nuevo bajo el sol, excepto por la aparición de flamantes personajes apoyados por otros antiguos. Dos mellizos tienen una madrastra que, descubren luego, es una súper-espía retirada ahora obligada a volver a la acción para detener al Ladrón del Tiempo. Cuando las papas queman un perro-robot y Carmen y Juni Cortez, los mini-espías originales (más creciditos) ayudan a componer una historia llana con buenos y malos, acción y humor, efectos especiales y sentimentales, diversión y no tanto, y un Robert Rodríguez alimentado a violencia. La tres fue precursora en la tecnología 3D y la cuatro en 4D, pero en Rosario no hay salas con sillas que se mueven. Lástima.

Miedos de otras épocas

Hammer Film Productions es una mítica factoría británica de películas y series de terror que hoy, resucitada, encara la remake de una cinta suya para TV estrenada en 1989 y basada en un libro de Susan Hill, al igual que la famosa obra de teatro. Un joven abogado es enviado a una gran mansión de un pequeño pueblo a ordenar el papeleo de un cliente fallecido. Allí observa que los lugareños, ante su paso, esconden a los niños. El secreto a voces habla del espíritu de una mujer que busca venganza por la muerte de su hijo y que habita la casona. Recreando el opresivo clima de los filmes de la Hammer, donde los objetos juegan un papel tétrico y los protagonistas nunca son tan buenos ni tan malos (aunque el halo potteriano siga sobre Radcliffe), el filme es un excelente tributo a aquellos miedos, que ya no son los de estos días.

Un pirata sorprendente

En 1704, un pirata fue abandonado en la isla Juan Fernández, frente a Chile. Se las arregló para vivir solo y cuando fue rescatado sus vivencias fueron tomadas por el escritor inglés Daniel Defoe para contar una de sus más famosas historias. De allí el mote de "el verdadero Robinson Crusoe" que lleva el título de estos dibujos uruguayos. Realizado con la técnica del stop motion, es decir con fotografías de muñecos que van cambiando de posición, este largometraje es un ejemplo de la maestría de un artesano como el animador Walter Tournier. Con gran tino en su concepción argumental y una excepcional muestra de minuciosidad, la película entretiene y sorprende, mucho más cuando se reflexiona sobre el proceso de producción que llevó casi diez años. Para chicos, y grandes también.

Se trata del primer filme de gran producción de un documentalista y asistente de director de otros colegas y, como no se la iba a perder, el danés puso todo lo que tenía. Un hombre se sube a una cornisa en pleno Manhattan, amenaza con tirarse al vacío y el caso queda en manos de una psicóloga que descubre el ardid: distraer la atención de la policía, los medios y la gente para que dos secuaces roben un diamante. Construido en dos tiempos (con acciones ocurriendo a la vez), con vertiginosos movimientos de cámaras y entrometiéndose en la intrincada corrupción policial, el relato parece a veces forzado y otras de inocente resolución. Sin embargo, consigue atrapar gracias a un secreto que se devela de a poco. Sorprende la belleza latina de Génesis Rodríguez (hija del "Puma") y un Ed Harris genial en su rol de malo.

En la ficha de este comentario hay un error: los verdaderos intérpretes de este filme son la rana Kermit (René para los fanáticos de esta parte del planeta), Miss Piggy, Animal, Gonzo y todos los otros Muppets que, a esta altura y desde los años 70, han sabido desandar un camino original. Quien se crea que los protagonistas de este y otros filmes son muñecos está equivocado. Homenajeando al gran marionetista norteamericano Jim Henson, los Muppets deben salvar el estudio en el que grabaron sus mejores programas ante la amenaza de un ricacho dueño de pozos de petróleo. Dispersos, los bichos se juntan gracias a la buena voluntad de Walter, uno de ellos sin saberlo, que los pondrá a hacer un programa de TV para salvar su teatro. Inocente y genial.

Benjamin Mee es un periodista inglés que se compró un zoológico y que inspiró el rol protagónico de este filme en la piel de Matt Damon. Así aconteció hace cinco años en Devon, al suroeste de Inglaterra, y así sucede en California, hacia donde Hollywood trasladó este relato de comedia y aventura con profundísimos toques de racionalidad y sentimentalismo. Síntesis: un viudo joven quiere salir del lugar que compartía con su esposa y se muda a un ex zoo. Decide remozarlo y reabrirlo con la ayuda de sus dos hijos y los empleados del predio. No faltarán imprevistos, decisiones odiosas, ingenio ni risas para alcanzar el objetivo. Pero mientras tanto, el filme reflexiona sobre la posibilidad de rehacer una vida tras la muerte de un ser querido, y sobre la muerte misma. Lo interesante en realidad es la forma que toma esa mirada en relación a los chicos (los de la pantalla y los de la platea): natural y decidida a no darle tregua a la desesperación pese al dolor. Tampoco se puede desdeñar el mensaje racionalista, atado a la ecología claro, donde el hombre está obligado a controlar el ciclo de vida de los animales. Con actuaciones aceptables, una historia simpática contada con algunas elipsis (con más pinta de tijera que de guión), bichos de todas las layas, lágrimas de alegría y de las otras, y perlitas de fino humor, eso de tener un zoo puede ser increíble, pero absolutamente real.

De cómo redimirse de la muerte de un ser muy cercano trata este filme francés. Dividida en tres partes, la historia se centra en Ismael, un periodista que sale con Julie. Cuando ésta muere de repente, una serie de compensaciones amorosas se cuentan a través de las aventuras sexuales y desventuras emocionales del viudo. Montada como una comedia musical donde los personajes manifiestan sus sentimientos con canciones, la mirada sobre las relaciones en la juventud pone una enorme distancia con el modelo tradicional de pareja. Sobre todo porque al formar parte de la vida misma de los protagonistas, el sexo y sus más variadas composiciones quedan absolutamente naturalizadas. Al igual que la tristeza y la felicidad, tan difíciles de retratar sin hacer el ridículo.

No se trata de una gran reflexión sobre las diferencias de género, ni de los lugares que han conseguido hoy las mujeres, dentro y fuera del hogar. Tampoco hay lágrimas fáciles ni compungidas rupturas. Kate es una madre que trabaja en una financiera y debe atender un salto cualitativo en la empresa. Por su parte, su esposo ha perdido su puesto de arquitecto y asoma un nuevo proyecto. Las idas y venidas de Boston a Nueva York son el escenario en el que se desarrolla una historia tan simple, como olvidar ser feliz. Y todo lo resuelve una noche de boliche (no en una boite sino en un juego de bowling). Parker está cada vez más parecida a sí misma y los varones acompañan. Hay chascarrillos y humor, y cortes en el relato (con miradas a la cámara) que hacen acordar demasiado a Woody Allen. De todas maneras, da para pasar el rato.

En el futuro el tiempo es dinero. Debido a la superpoblación del planeta, el hombre ha sido genéticamente modificado y deja de crecer a los 25 años. Desde ese cumpleaños le queda un año de vida excepto que pueda comprar tiempo. De allí que los ricos vivan eternamente y los pobres no, claro. En ese contexto y tras la muerte de su madre, Will decide dar batalla e irá por todo. Secuestra a la hija de un banquero de tiempo y sale en busca del millón de años que guarda en un cofre. De esta manera se desata una persecución que va conformando una metáfora del presente. Hay gente que acapara y otra que debe vivir con las monedas que aquellos desechan. Timberlake no destila tanto glamour como dicen y su compañera hace exactamente de eso. Ciencia ficción para pensar en lo que viene.

Es la cuarta película de la saga de vampiros jóvenes y sexys que comenzó en 2008 con “Crepúsculo”, que en verdad se divide en dos. La primera parte de “Amanecer” trata sobre el casamiento entre Bella y Edward, y de los problemas que deben asumir al concebir a un bebé, mientras el hombre-lobo Jacob intenta advertir sobre el peligro que corre la vida de Bella. Esta clara de entrada la intención mercantil de la producción de contar el final de la historia en dos películas, estirando hasta el hartazgo las secuencias reciclando una y otra vez los escarceos amorosos de los protagonistas. Es así que “Amanecer” se transforma en un relato romanticón sin emoción ni acción, donde nunca hubo grandes actuaciones. Encima, esta vez, habrá que esperar hasta 2012 para conocer su desenlace. Para ir al cine, no sin antes proveerse de una ristra de ajos.

Dave es un tipo esforzado que estudió juntando moneda por moneda y, convertido en abogado, se juega su futuro en un súperbuffet. Con tres hijos y una hermosa esposa su vida pasa por su trabajo. Mitch, por su parte, es su antítesis. Mujeriego, nocturno y despreocupado vive su vida a los tumbos. Hasta que una noche, orinando en una fuente luego de algunos tragos, ambos explicitan su voluntad de ser el otro. Y así acontece: uno se queda con el cuerpo del otro (y las mujeres también). De esta manera, se desata una comedia que tiene poco de entretenida y mucho más cuando las situaciones se empiezan a repetir. Y claro, uno no quiere que el otro se acueste con su mujer, y todo eso. Cansadora y poco original, la película se supera solamente en las actuaciones de sus protagonistas que, obviamente, no serán tenidas en cuenta para los Oscar pero para este filme sobran. Lo preocupante es la meseta en la que han entrado las comedias de Hollywood, donde nadie se juega por sorprender al público. Lamentablemente pareciera que faltan no solamente buenos directores sino, y con mayor urgencia, guionistas en La Meca del cine. Aunque muchas veces los estudios son los culpables porque son tan conservadores que prefieren apostar por fórmulas archiconocidas que por otras más novedosas. Y esperan, sino ganar mucho dinero, por lo menos no perderlo.

En 2020 los robots han reemplazado a los boxeadores de carne y hueso. Son peleas, como las de sus predecesores, que generan mucha emoción y dinero. En ese contexto, un ex pugilista gana y pierde combates viajando con sus máquinas. Sin tener en cuenta que, cuando fallece su ex esposa, debe hacerse cargo, aunque sea por un tiempo, de su hijo de once años. Es así como se amalgaman los dos protagonistas de este filme de aventuras, donde la tecnología es insoslayable. No solamente en la trama sino en la realización de una película entretenida y vistosa, pero que apela a algunos golpes bajos cargados de emoción y lágrimas. Jackman hace a su habitual canchero-simpático y el niño se roba la cinta con sus caritas de ángel. Una buena distracción.

Las comedias rosas han tenido siempre un público cautivo y que se ha visto interpelado por los créditos de los hacedores de este filme. Las dos películas de "Legalmente rubia" marcaron un estilo que se intentó respetar aquí, aunque con un poco más de desparpajo en su humor. Aquí dos chicas se pelean por la atención de una de sus amigas que se casará pronto. La pelea llegará a los límites de poner en duda la propia fiesta de matrimonio. En ese marco, son explícitas las menciones sobre la idas y venidas de chicas de 30 sin novio, sus padecimientos y sus alegrías. Pero todo queda allí, en una comedia que no es tan risueña, no tan original como las cintas que lo anteceden y no tan interesante como para recomendarla. A tal punto que la protagonista, que debería difundir simpatía, termina dando un poquito de lástima.

En 1985 “Noche de miedo” vino a ponerle un poco de humor a un género que se regodeaba con los desmanes de Michael Myers, Jason y Freddy Krugger. Y rescataba del olvido a uno de sus actores más emblemáticos. Roddy McDowall encarnaba a un presentador de TV en decadencia, conductor del ciclo que le da nombre a la peli. Hasta él llega Charlie, un joven en busca de ayuda para matar a un vampiro que vive en la casa de al lado. Por supuesto que nadie le cree hasta que el monstruo muestra sus colmillos. Y ésta es la innecesaria remake de aquel filme, hoy considerado “de culto”. Sin la sorpresa propia del relato de terror, con un Colin Farrell demasiado preocupado por parecer lindo y con efectos especiales nada especiales, la cinta no consigue ni asustar ni divertir. No la salva ni el 3D.

El "Linterna Verde" de la peli es en realidad el segundo personaje con ese nombre que creó la compañía de comics DC. Es de los años 60 (el primero es de los 40) y tiene particularidades cósmicas retomadas en este filme. Hal Jordan es un piloto de aviones irresponsable que es elegido por un cuerpo de defensores del orden intergaláctico para portar el anillo del poder. Es el primer humano en esa condición debido a que los otros habitantes del universo desconfían de los pobladores del planeta Tierra. Pero será exactamente esa humanidad que porta el protagonista la llave para detener a un monstruo que, alimentándose del miedo de sus víctimas, espera dominar el cosmos. Con muy buenos efectos especiales y un relato simple, la película entretiene al plantear desde el principio la historia del personaje y su primera misión. Y si bien esa llanura argumental puede resultar inconveniente, en verdad ayuda a la comprensión del objetivo final: dotar al Linterna Verde de acá de valores que todo el universo luego celebrará.

Es lo que se podría llamar una aventura romántica, es decir, con un protagonista al que se lo muestra en diferentes momentos de su vida. Aparecen sus amigos, amores, excesos, familiares y pareceres sobre eso que todo el mundo dice que sabé como encarar. Rompiendo con la temporalidad lineal, el director le saca el jugo a un gran actor como Giamatti, quien ganó el Globo de Oro por su actuación. Con facilidad, la película va rozando los bordes del melodrama matizandolos con toques de comedia agridulce. Barney es un tipo común lucha por sus ideales muchas veces contrarios a su entorno y a él mismo. Pero su tenacidad y espíritu libertario lo ponen continuamente a prueba. Resulta de ese relato un filme de dos horas llevadero gracias a los matices con los que se pintan los personajes y al mensaje: vivir sólo cuesta vida.

Zombies en la familia

Las películas de zombies han empezado a repetirse. Más allá de que los seguidores del género encuentren siempre alguna particularidad que las justifique, este no es el mejor ejemplo de esa argumentación. Vaya uno a saber por qué, los zombies se han apoderado del mundo, incluida una isla habitada por dos familias. Los líderes de una y de otra se han enfrentado históricamente y ahora más: los A quieren deshacerse de los monstruos y los B quieren domesticarlos, finalmente, zombies o no, son integrantes de la familia. Hacia allá va además un pequeño ejército en busca de paz (sic). En ese relato, ya de por si bastante traído de los pelos y sin la tensión habitual en ese tipo de filmes, se mezclan un exagerado exterminio a base de tiros en la cabeza con reminiscencias sentimentales poco creíbles. Sólo para fans.

Una peli con aclaración

Un inescrupuloso corredor inmobiliario de Nueva York recibe de regalo media docena de pingüinos y así se gana el cariño de su familia, de la que se ha separado. El problema es que vive en un lujoso departamento y el zoo ha puesto los ojos sobre las aves. Inspirado en un clásico cuento infantil norteamericano, el filme sirve de relanzamiento de un actor cómico que ya hizo las delicias de los chicos ("El Grinch" y "Los fantasmas de Scrooge"), aunque escondido entre maquillajes y efectos especiales. Utilizando los mismos recursos gestuales que antaño y dormido en esos laureles, Carrey sigue haciendo de sí mismo en una historia que los niños festejan. Aunque los mayores deban explicarles que nadie puede tener en su casa animales exóticos. Por si acaso.

El principio del fin de la dictadura uruguaya

Alentados por los resultados “patrióticos” del Mundial '78 en Argentina, los militares en el gobierno en Uruguay promovieron en 1980, por un lado, un plebiscito que los erigía constitucionalmente en garantes de la atribulada democracia oriental, y por el otro, junto a la AFA uruguaya y a la Fifa, la Copa de Oro con las selecciones campeonas del mundo, al que se llamó “Mundialito”.
Tal el nombre del documental que a través de entrevistas a diferentes personalidades de ayer y de hoy intenta no sólo reconstruir los hechos antedichos sino también poner en tela de juicios los relatos de uno y otro bando político con respecto a ese evento deportivo.
La cuestión es que la dictadura esperaba ganar la consulta y festejar la victoria con el certamen, pero la perdió y la gente salió a la calle a celebrar el triunfo uruguayo en el estadio Centenario y a pedir el fin del gobierno de facto.
Con un relato lineal, una estética propia de la investigación histórica (en la que se mechan antiguas y nóbeles imágenes muchas veces sin las referencias a sus orígenes) y (debido a esto también), una narración quizás demasiado uruguaya, el filme consigue su objetivo: poner en palabras al Mundialito, aunque atravesado por la ideología, los intereses y las visibles mentiras de sus protagonistas.
De este modo, políticos, ex presos políticos, dirigientes (entre los que están incluidos el histórico presidente de la Fifa, Joao Havelange), futbolistas y otros adelantados (como un sospechoso financista griego que negoció los contratos de televisación) enhebran una historia que continúa, dice la película, en una nebulosa en la memoria del pueblo uruguayo. Cabe destacar que los únicos que se negaron a ofrecer sus testimonios fueron el ex contador del certamen, Tabaré Vázquez, y el presidente de la AFA, Julio Grondona. ¿Qué ocultarán?

Ya el filme original asentaba su atractivo, claro, en los dibujos animados de la factoría Disney, pero por sobre todo en los valores que transmitía. No fue sólo una película más para chicos. “Kung Fu Panda” tuvo la capacidad de enseñar la importancia de no dejarse vencer por las adversidades, la discriminación y la rutina. Se trató de un oso que, de buenas a nuevas, se convertía en un héroe luego de pasar su vida siendo el mozo de la taberna de su padre, un ganso. La segunda parte retoma esas ideas, las supone en un marco místico, en otro histórico (en tiempos del descubrimiento de la pólvora), imprimiéndole una vertiginosidad inusitada (a lo Bruce Lee) y un marcado sentimentalismo.
En la 2, el panda en cuestión ya es el Guerrero Dragón que deberá detener a Shen, un pavo real que quiere dominar China y para eso ha sabido manipular la pólvora, inventando cañones de alto poder de destrucción.
En la cruzada, Po, como se llama el panda, cuenta con la ayuda de los maestros del kun fu, Tigresa, Mantis, Víbora, Mono y Grulla. Pero todo es en vano cuando el oso se desconcentra debido a los más crueles recuerdos de su niñez. Sus padres lo abandonaron y fue a parar a manos del Sr. Ping, su padre adoptivo.
En ese marco de emociones profundas, el maestro Shifu le enseña a Po que el secreto de su arte marcial está en la paz interior. La misma que utilizará el oso para enfrentar a su enemigo y la que dejará a China fuera del alcance del malévolo pavo.
A esta trama, que se ubica en la Antigüedad y tiene reminiscencias de horóscopo chino, se le suman dos grandes secuencias de lucha que quizás estén armadas demasiado vertiginosamente, aunque sea esa la sal de la aventura.
De todas maneras, "Kung Fu Panda 2" es una película entretenida, divertida, si se quiere educativa, que devuelve al oso de anteojos a la pantalla con un relato encapsulado en una historia determinada. Como si fuese un capítulo de una serie, lo que estaría a grosso modo confirmando que a esta segunda parte le seguirá una tercera y así sucesivamente hasta ir a parar a la televisión.

George Lucas inventó con los “Episodio I, II y III” de “Guerra de las Galaxias” eso de la precuela, es decir una secuela pero del principio de la historia. Y esta es la de “X-Men”, un filme de 2000 que abordaba el universo de superhéroes creado para sus comics por la factoría Marvel. Luego vinieron tres pelis más. Aunque no hay que ser tan inocentes. En verdad hacer una precuela es una gran invento de los estudios de Hollywood para continuar una historia desembolsando la menor cantidad de dólares posible. Aquí no hubo que pagarle contratos millonarios a Hugh Hackman ni a Patrick Stewart ni a Ian McKellen, los protagonistas de las otras cintas. En esta ocasión, el relato regresa en el tiempo hasta la niñez de los mutantes. Charles Xavier descubre que hay otros como él y trata de juntarlos cuando los humanos, al descubrirlos diferentes, decidirán combatirlos. Aunque no pueda evitar la escisión de un grupo más extremista, como el comandado primero por Sebastian Shaw (un malísimo Kevin Bacon) y después por Magneto, gran amigo de Xavier cuando jóvenes. Entretenido, con cuidados ciclos de tensión, excelentes efectos especiales y con la magia de la imaginación intacta, la “Primera generación” es una digna representante de los mutantes más famosos.

Buena dosis de susto

Muy al estilo "Poltergeist", el mismo director de "Saw, el juego del miedo" continúa su saga de terror con un filme sobre fantasmas y más allaces. Josh y Reani forman una pareja con tres hijos que se muda a una nueva casa. Allí las cosas se complican. Uno de los niños recibe un golpe y entra en un coma profundo que los médicos no consiguen diagnosticar. A eso se suman ruidos y apariciones inexplicables. Tan mal les va que deciden mudarse nuevamente, pero la cuestión no se resuelve hasta que llaman a una medium. Con buenas dosis de susto y sin sangre a borbotones, "Insidious" (su nombre en inglés) retoma el tema de la otra dimensión, donde quedan varados los muertos que no consiguen descansar. Y si bien al principio parece una película de terror más, de esas en que el espectador está esperando un giro dramático a la historia, luego se va convirtiendo en un buen ejemplo del cine de suspenso. Lo interesante en realidad es que los acontecimientos no se amontonan y surge claros en la lectura del guión. Allí hay algo que nadie puede aclarar y esa misma es la carnada a la que apela la cinta para atraer y entretener. Y hasta es fácil asociarla al filme de 1982 producido por Steven Spielberg, y a su saga, pero la diferencia es la cotidianeidad en la que se desarrolla la película. Vale.

La peste y la oscuridad del Medioevo

La oscuridad del Medioevo europeo y la ferocidad de la Inquisición es el marco en el que se desarrolla este filme de aventuras y terror. Behemen y Felson son dos cruzados que han manchado sus espadas de sangre en nombre de dios. Pero tras una matanza de inocentes deciden desertar y regresan a sus villas. Allí la peste ha diezmado a la población y, sin solución ni explicación a la vista, mujeres acusadas de brujas se convierten en chivos expiatorios. Y una de ellas debe ser juzgada por un alto tribunal y hacia un lejano burgo parten los protagonistas. Es así como el viaje sirve de pretexto para una serie de secuencias propia de las películas de aventuras con los clishes del género incluidos. Y de buenas a primera esa road movie se convierte en un filme de terror cuando las cosas no salen como los viajeros quieren. Con buenos efectos especiales y una pesada carga emotiva (debido al arrepentimiento de uno de los soldados), la cinta carga las tintas sobre la religiosidad y las formas de abordarla, aunque sin la profundidad que el tema necesita. De esta manera, la historia sufre un achatamiento que se visibiliza en la seguidilla de reflexiones sobre los por qué de la devoción o no al dios de los cristianos. Y si Cage a esta altura ya no mueve montañas, Perlman vuelve a demostrar que un rostro rudo no oculta sus dotes actorales. Un buen pasatiempo para espectadores sin pretensiones.

En la cocina de la tele

Las comedias deben entretener y, si es posible, hacer reir. Y con buenos artilugios, "Un despertar glorioso" lo consigue. El guión no es de lo más original, pero las actuaciones y el tono distendido del relato ayudan. El manido cuento de la chica a la que le va mal pero... refleja aquí la vida de una productora de TV que debe salvar un histórico programa de su cancelación. Y para ello debe lidiar con un conductor estrella amargado y un equipo de trabajo desganado. Es allí donde aparecen la experiencia de Ford y Keaton, la soltura de McAdams, y una dirección que no se detiene en perfiles psicológicos. Así el filme alcanza sus objetivos jugando con la cocina de los noticieros y sin querer termina discutiendo la turbia relación entre periodismo y show televisivo.

Un balneario en plena temporada es atacado por bichos que se comen a la gente y la autoridad no consigue cerrarlo hasta que... No es el guión de “Tiburón”, que allá por 1975 propuso un nuevo cine de terror, sin monstruos imaginarios ni alienígenas. Es el de un filme donde la indolencia y el exhibicionismo adolescente son las presas de estos peces voraces con 2,5 millones de años de hambre que invaden un lago sembrándolo de muerte. Una historia que de original nada tiene pero que con truculencia, mucha sangre y tecnología 3D consigue sus objetivos: asustar, asquear y homenajear. ¿Cómo? El pescador del principio y primera víctima de las pirañas es Richard Dreyfuss, el oceanógrafo del trío que va en busca del famoso escualo de Spielberg. (“Memoria”, dijo Chiche).

Una receta que ya no garantiza resultados.

Los estudios pecan de codiciosos y poco imaginativos que son nomás. Descubierta la receta aquí va el paso a paso: 1.- Busque un personaje, pero no mucho, con revisar revistas viejas es suficiente. 2.- Ponga plata, claro. 3.- Escriba un guión sin muchas pretensiones donde haya mucha acción y FX (que trabajen los técnicos porque los actores son difíciles). 4.- Contrate a un director con notables pergaminos (como publicista, por ejemplo de Adidas y BMW, y videclipper de McCartney y Rolling Stones). 5.- Procure al comiquito de moda (hágalo adelgazar), a una estrellita rubia y al ganador del Oscar (al mejor actor de reparto, los otros salen caros). Y haga su propio “El avispón verde” porque esta salió sosa, lineal, aburrida, sin suspenso ni romances, ni la inocencia del personaje original y con un humor para lelos. A lo mejor a usted le sale mejor.

Crímenes en tiempo real

Poco hay de nuevo bajo la luna de las películas de miedo. Es entonces cuando aparecen tras las cámaras quienes consiguen utilizar con fidelidad y eficacia los recursos del género. Tal el caso de este filme de terror uruguayo rodado con exiguos recursos sobre una historia real acontecida en el apacible pueblito de Godoy en los años 40. Un hombre y su hija llegan a una casa de campo para limpiarla antes de su venta. Será de noche cuando la muerte tome por asalto a los protagonistas. Filmada en tiempo real, en una única secuencia y con una magistral administración de los picos de tensión; iluminada sólo con faroles (gracias a una cámara ultramoderna), con rasgos Blair Witch y aprovechando la angustia de no saber, "La casa muda" sofoca e impacta al espectador. Eso, a esta altura, paga.

Un experto en cine de acción a toda marcha

Tony Scott es un experto en cine de acción. Sus películas, desde la exitosa "Top Gun" hasta "Imparable", se caracterizan por tener un ritmo frenético, efectos visuales deslumbrantes y un relato vertiginoso. Y no es extraño que sea así, ya que se formó, y no reniega de ello, en la publicidad, donde lo más importante es la economía del tiempo y el alto impacto. Así son sus películas: un prodigio de montaje, edición de sonido y fotografía puesto al servicio de una historia. En "Imparable" se trata de un caso real y conmocionante: la desesperación que causó un tren fuera de control en el estado norteamericano de Ohio. La cámara inquieta de Scott, sumada al talento natural de Denzel Washington, bastan para que el relato cobre vibración y mantenga tensionada a la platea. Pero eso es todo, genera inquietud pero no emoción. Y esa es su debilidad.

Lo importante es cómo

Es verdad que no es una de suspenso para entendidos y que a poco de apagarse la luz uno puede ganar la apuesta a sí mismo sobre el final de la película. Pero también lo es que el gancho está en el cómo y no en el qué. Una chica linda vive con su esposo romántico demás y su cuñado disfuncional, de esos que erutan con un torneado torso desnudo y transpirado. Tras un accidente, los dos quedan en coma y ¿quién se despierta? El que no debería, que ahora dice que es el otro. Acá se pone interesante, en el cómo el cuñado hará para convencer a su cuñada de que no es él sino su hermano. Con ritmo de thriller y toques románticos, con una historia creíble y una puesta entretenida (a manos de directores suecos), el filme atrapa (igual que el aire acondicionado).

Planteada inicialmente como la precuela de “El juego del miedo”, este filme primero se preocupó por renovar la sarta de atrocidades que un descolocado mental puede infligir a sus víctimas. Y se olvidó del resto. Los personajes están mínimamente delineados al punto que ni del propio monstruo se conoce filiación ni intención. Un hombre con problemas económicos decide robarle a su empleador. Para ello se mete una noche en su casa sin saber que alguien más ha tenido la misma intención. Allí comienza a desenvolverse una serie de perversiones que, torturas mediante, se lleva la vida de los integrantes de una familia, mientras el infiltrado (ahora bueno) trata de salvarla. Quizás a los fanáticos del gore les sirva para ir completando su álbum de atrocidades y su sed de sangre. Para el resto de los mortales, es solamente un muestrario innecesario de sufrimientos y humillaciones que promete una segunda parte. Puaj.

Paranoias de una nueva cacería de humanos.

Primer acto: mostros (así mostros) extraterrenos corren para comérselos a humanos que huyen como cucarachas. Segundo acto: mostros extraterrenos corren para comérselos a humanos que huyen como cucarachas. ¿Cómo se llama la película?: “Skyline”. La nueva saga sobre una nueva invasión alienígena llega al cine acusada de ser un producto para preparar a las masas a aceptar una farsa de esta naturaleza y con ella a un gobierno mundial. Paranoicos aparte, el filme es un frankenstein con retazos de “Día de la independencia”, de “La guerra de los mundos” y de “La noche de los muertos vivientes”, es decir, hay naves espaciales que chupan gente para sacarles el cerebro. Y entre innumerables explosiones y derrumbes, muertes, corridas y desesperación, el amor es más fuerte. No se puede creer, y menos que la película no termine y deje la puerta abierta a una segunda parte. Vade retro.

Un clarísimo ejemplo de desperdicios varios.

“Un buen día” es un clarísimo ejemplo de desperdicios varios. El más doloroso es el de tiempo, de quienes realizaron la película y de quienes se sienten a verla. Le sigue el de recursos y continúa el de esfuerzos (intelectuales y materiales). Manuel y Fabiana son dos emigrados argentinos que cruzan sus vidas en Long Beach, California, Estados Unidos. Interesados uno en el otro, despliegan sus plumas para seducirse no sin algunos cortocircuitos. Así la historia se resume a un flirteo de connotaciones adolescentes plagado de lugares comunes, personajes, voces y mitos de la cultura argentina impuestos a un guión anodino, esperable y falto de creatividad. Pero falta lo peor: las pésimas actuaciones de los protagonistas, un problema insalvable cuando no existe un reparto que los secunde. Así a Silveyra le sobran poesías de escuela y a Solá no le alcanza con ser la novia de un gran actor como Al Pacino.

Con “Resident Evil: After Life” y “El juego del miedo 7” en la cartelera, llega la segunda parte de un filme que en 2007 utilizó sólo 15 mil dólares para alzarse con 160 millones de ganancia. El dato, más allá del dinero, destaca la novedad y aceptación que significó su estreno dentro del llamado terror psicológico, aquel que insinúa más de lo que muestra. Un eventual espíritu maligno se adueña de una casa y sus dueños, una pareja, coloca cámaras para dilucidar el misterio. Haciendo explícita la presencia fantasmal, apelando a la sorpresa como disparadora de la adrenalina, ubicando el pavor en las horas de falta de vigilia y contextualizando el relato en un ámbito cotidiano (reafirmando la moraleja “a cualquiera le puede pasar”), ambos filmes consiguen su objetivo supremo: asustar. Sólo que es difícil resolver la 2 si no se ha visto la 1.

Dos grandes corazones.

Franzie contrata a Emanuel para que la acompañe cuando, debido a una enfermedad, deja de trabajar. Aunque joven, ella tiene cuentas pendientes y él ha fracasado como escritor. Ambos personajes y la relación que traban es el tejido principal del segundo filme como directora de esta rosarina. Y mientras los deseos conectan a los protagonistas, un guión estirado hace rudo el esfuerzo por comprender su psicología. Más aún cuando una historia se estructura en la lenta construcción de las dos criaturas y, a la usanza del teatro, apoya todo el dramatismo de la obra sobre sus espaldas. Es allí donde Mimí Ardú se diferencia de Enrique Liporace, quizás, debido a una marcación actoral demasiado libre. Lo demás es un relato mínimo sobre grandes corazones.

Héroe contemporáneo.

Después de tantas biografías y reseñas sobre la vida del rosarino Ernesto Guevara no es fácil encarar otro documental sobre el mito más importante de la política latinoamericana. Y aunque la distinción se construya aquí a partir de una mirada al hombre más que al revolucionario, su importancia radica en los materiales inéditos que en el trabajo se muestran. De todas maneras, el filme de Bauer tiene en su contra un relato bastante lineal y repetitivo; y a su favor la misma sensación que experimenta quien conoce Cuba y sobre todo La Habana, y que podría denominarse algo así como “la ventaja de tener un héroe contemporáneo”. De “Che” impactan fotos y videos de un hombre considerado un mito, iconografías que hacen de Guevara nada menos que un hombre.

Una familia muy normal

Describir las nuevas constelaciones de relaciones amorosas parece a esta altura una empresa poco novedosa. Por eso ya desde el título (“Los chicos están bien” según la traducción literal de su nombre original) la directora quiere, no hacer foco en la pareja conformada por Nic y Jules, sino en sus hijos, Joni y Laser. Concebidos a través de un donante de esperma, los chicos llegan a la adolescencia y deciden buscar a su padre. Hallan a Paul, un hombre que entrará rápidamente en la vida de los cuatro, y en algunos de ellos más profundamente. Presentados los personajes, el conflicto se suscita entonces en la capacidad de esa familia de absorber a un nuevo integrante. Y no pasa de allí. Lo demás es una visión naturalizada de las parejas gay y un tratamiento más que superficial de la psicología de los pibes.

Otra novela de las ocho.

Imposible sustraer esta biografía fílmico-romántica de su contexto político. El presidente Luis Inácio da Silva será relevado por el ganador de la elección de hoy en Brasil y, como “Carancho”, fue elegida esta semana para competir por el Oscar al mejor filme extranjero. Calificada por la oposición a Lula como “propaganda disfrazada”, el filme es una crónica de los sucesos privados y públicos que marcaron la vida de este nordestino que inmigró con su familia a San Pablo, donde se convirtió en el líder del poderoso sindicato de los metalúrgicos del ABC paulista y del Partido de los Trabajadores (PT). Inclinada hacia la determinante figura de su madre (los brasileños piden Oscar para Gloria Pires), reflejo de la estética e ideología de la novela de las ocho, y decidida a elevar la figura del obrero que llegó a presidente, “Lula” peca de oficialista.

Vidas extraordinarias.

En la comuna 7 de París, un elegante condominio cerca de la Torre Eiffel sirve de escenografía para ilustrar vidas en apariencia comunes y extraordinarias en sus profundidades. Renée es su portera, una empedernida lectora de filosofía; y Paloma es una residente de 11 años, crítica a ultranza del mundo de los adultos. Esos son los personajes principales de la adaptación del best-seller de Muriel Barbery y los encargados de poner en funcionamiento la metáfora del erizo, un animalito con espinas que luego de domesticado no pincha. Aquí las púas de Renée son su desaliño, su soledad y la negación del futuro, y las de Paloma su cruel inteligencia, una cámara de video y su escepticismo cuasi suicida. Pero como en el erizo son formas de repeler a los otros mientras ayudan a esconder la necesidad de ternura y comprenisón.

La paranoia autoritaria.

Adaptado del libro “Ciencias morales” de Martín Kohan, decidido a construir un clima tan sofocante como represivo, afirmado sobre actuaciones sobresalientes y llevado con un tempo repetitivo propio de las rutinas más desalentadoras, el filme de Lerman halla un terreno más que fértil en el Colegio Nacional de Buenos Aires en marzo de 1982 para garabatear una cruel metáfora de la última dictadura militar. Marita es una preceptora coptada por su jefe en pos de seguir en la escuela “la guerra contra la suberversión”. Es así como esta joven de vida anodina se convierte en una espía de alumnos con vigilancia hasta dentro del baño de varones, poniéndole explícitamente el cuerpo a la paranoia autoritaria de encontrar en cualquier actitud juvenil el germen del mal. Un filme que termina como Malvinas.

Humanos como presas.

Depredador es un bicho fierísimo extraterreno que apareció en pantalla en 1987 con Schwarzenegger como puching ball. Vino la 2, luego un par de contiendas con los Aliens y ahora Robert Rodríguez (capo de la fantasía bizarra, pero en su rol de productor) se lleva a un grupo de humanos de violencia comprobada (mercenarios y esa calaña) al planeta de los monstruos. En esa selva se desarrolla una batalla por la supervivencia en la que abundan los FX, las referencias a la saga, la lucha entre el mal y el bien (sic), el suspenso y la matanza secuencial de las presas. Así, la quinta pata de esta historia no tiene nada nuevo que ofrecer, pero gracias a un relato simple, una puesta en escena efectista, actores que responden bien (Brody es el mismo de “El pianista”) y fans del género incondicionales, consigue atrapar y entretener.

Otra dosis de violencia.

“La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina” es la saga de “Los hombres que no amaban a las mujeres” (que se vio en marzo), una trilogía convertida en best seller del escritor sueco Larsson Stieg. Este segundo filme no escapa a la lógica de suspenso, violencia y añosos silencios que van saliendo a la luz gracias a un periodista de investigación (dueño de la revista Millenium del título) y a una joven maltratada que, sin nada más que la vida para perder, busca a quien regenteó un esquema de trata de mujeres, entre las que estaba su madre. A veces impúdico, el filme construye una galería de personajes tan feroces que dan escalofríos. Aunque lo más impactante sea la trama que se teje en una Suecia desavisada de los peligros de haber recibido a la resaca de la II Guerra Mundial.

Un largo e intrincado paseo por el laberíntico mundo de los sueños.

“El origen” refiere a la raíz de las ideas que se producen en nuestras mentes. Es un principio a través del cual se construye el mundo. Forma parte, en lo más profundo del ser, de lo que los psicoanalistas llaman inconsciente, al resguardo de la propia realidad. Es aquello que motoriza sin que nos anoticiemos de ello. Hasta allí espera llegar Dom Cobb, un especialista en robar pensamientos que se encuentra con su mayor desafío: implantar una idea-raíz en la cabeza de un poderoso empresario (la “Inception” de la que habla el título en inglés). Intrincada, larga y desaconsejada para los cultores de la acción lisa y llana, el último filme del director de la batmaníaca “El caballero de la noche”, protagonizado por Leo DiCaprio, se introduce en un laberinto onírico del que no consigue salir del todo airoso.
El argumento intenta hacer más complicado todavía, como si no lo fuera, el mundo de los sueños. Y la apuesta es introducirse en el sueño de otro a través de un sueño propio. O mejor, crear el ambiente para un sueño con imágenes inducidas. O peor, hacer soñar un sueño dentro de otro sueño.
Sea así o asá, la trama es una superposición de sueños donde uno nunca sabe dónde está parado, si en la realidad real (convencidos de que la hubiera), en el sueño de la víctima del robo mental o en el del victimario, un DiCaprio suelto, de ceño fruncido, compenetrado con su personaje, aunque sea fácil de asociar con el Teddy Daniels de “La isla siniestra”, de Martin Scorsese, el filme anterior del actor de “Titanic”.
Llaman la atención los efectos especiales (de una factura casi siniestra), la innecesaria secuencia final en la nieve (nunca se explica por qué, excepto que la municipalidad de Alberta, en Canadá, le haya regalado al equipo de filmación la estadía), la belleza de Ellen Page (la misma de “La joven vida de Juno” y de “Hard Candy”) y de Marion Cotillard (aunque parezca imposible su caracterización de Edith Piaf en “La vie en rose”), los casi cameos de Michael Caine, Tom Berenger y Pete Postlethwaite, las tomas de las peleas en unos pasillos sin gravedad y la extendidísima resolución de la historia.
De todas maneras y presentada como un thriller, la película (un boom de taquilla en Estados Unidos y con exhibición restringida en México por problemas de distribución) tiene partes entretenidas y otras no tanto, atrapa con su promesa de manipulación mental y con su elenco de estrellas, insiste en construir laberintos de difícil salida y alimenta el género con una novedosa propuesta.
Pero la experiencia de falta de ubicación y la falsa temporalidad construida por Nolan terminan confundiendo, con el peligro de desatención y digresión que eso implica para un espectador medio.

Un diccionario de moral.

No sin antes advertirle a los pochocleros que esto no es Hollywood, es necesario remontarse a 2005, cuando comenzó a verse por estas tierras el nuevo cine rumano. “La muerte del Sr. Lazarescu”, “4 meses, 3 semanas y 2 días” y “Bucarest 12:08” pusieron en el mapa a Cristi Puiu, Cristian Mungiu y Corneliu Porumboiu, directores que despuntaron relatos íntimamente atados a las cicatrices dejadas por la dictadura de Nicolae Ceau?escu. Anacronismo, autoritarismo y arbitrariedad pesan sobre los hombros de un joven policía que persigue a jóvenes por el crimen de fumar hachís. Objetor de la ley, deberá responder ante sus superiores. Con escenarios decadentes, acciones minúsculas, largas secuencias estáticas y sin música, el filme es exasperante en su lógica temporal y moral. Sobre todo si la vida se lee a través de un diccionario.

Un ejemplo de que los años no pasan solos.

Después de ver “Ropa limpia negocios sucios”, “Ambiciones prohibidas” y por supuesto “Relaciones peligrosas” es difícil entender cómo un director como Frears se puede enredar en una película romántica de tal llanura. Lea es una prostituta de la Belle Epoque que ha perdido su juventud y a la que económicamente no le ha ido nada mal. Hasta que se enamora del hijo de una vieja colega, el tal Cheri del título del filme. La París de antes de la Primera Guerra Mundial sirve de plató para un relato chato sin aristas interesantes ni en los personajes ni en el guión. Con un poco de cariño puede destacarse la actuación de Pfeiffer, pero es más un tributo a su carrera que a su papel en este filme. Bien ambientada y corta (menos mal), la película pone al espectador en la disyuntiva de creer (o no) que ese mismo director es quien asombró al cine en los 80 con historias tan crudas como creativas.

Es imposible desligarse del poder estructurante de la serie que en la TV y durante seis temporadas construyó una legión de fanáticas. Las cuatro chicas neoyorquinas que desnudaban actitudes y reflexiones sobre sus vidas amorosas y laborales se convirtieron en una marca de los tiempos y su llegada al cine fue celebrada el año anterior con gran despliegue de marketing y un respeto por el corazón de la historia sobre el que, en esta segunda versión, se imaginaron los giros de actualización argumental. Ahora Carrie está casada, Samantha decidida a no envejecer, Charlotte cansada de las hijas que tanto buscó y Miranda desbordada por su profesión. Y el viaje, que primero fue a México, es a Abu Dabi. Allí se desteje una historia flácida, sin la acostumbrada brillantez del relato en off y con dudosas intenciones ideológicas. Un final inmerecido para una de serie de colección.

Las comedias tiene comúnmente un público avisado, es decir, espectadores que van al cine a reirse o al menos a divertirse. Y quizás los hacedores cuenten con esa preferencia. La presencia de Steve Carrell pone en alerta a la platea y, considerándolo un famoso comediante, espera que su arte lo sorprenda. Pero finalmente tal seducción no sucede. Aquí una pareja intenta salir de sus rutinas encarando una noche especial, pero son confundidos con dos ladrones y perseguidos por la mafia y la policía. Así se desanuda un relato de enredos, situaciones inesperadas y desencuentros a granel. Sin embargo, la risa no aparece aunque uno haga fuerza. Se trata de un filme sólo para divertirse un ratito, porque con la disposición no alcanza.

Con un guión simple y entretenido, una animación basada en el vértigo de los movimientos acrobáticos en el aire, un creativo menú de dragones, personajes entrañables, profundos valores puestos en consideración y una inteligente resolución de la historia, “Cómo entrenar a tu dragón” cuenta con los elementos necesarios para divertir sin intenciones solapadas ni golpes bajos y con un muy buen ritmo cinematográfico.
El cuento está ambientado en una aldea habitada por vikingos, rudísimos personajes que hacen de la guerra a la plaga de dragones el motivo principal de sus vidas. Estoico, el jefe de la tribu, es el padre de Hipo, un joven débil y escuálido que no hace honor a la brusquedad de sus ancestros. Pero él quiere sobresalir, matar a un dragón, ganar reconocimiento y abordar el corazón de Astrid, la chica más linda y más aguerrida de la comarca.
Pero siempre hay un pero. Cerca de uno de los monstruos por pura casualidad, Hipo se da cuenta de un detalle que puede cambiar la existencia de los vikingos, aunque esa percepción primero lo exalte y luego lo suma en el desprecio de su propio padre.
Y si bien el argumento es simple y llano (para que disfruten los más chicos), se esconden tras la fachada de una atractiva animación valores de muy importante promoción. Así, lealtad, amistad, amor, convicción y honestidad forman parte de la resolución del conflicto, mientras van in crescendo grandes momentos de acción y entretenimiento.
Quizás sea por la creatividad de los animadores que se refleja en la ambientación y especialmente en las diferentes especies de dragones que sobrevuelan la cinta. Unos más espeluznantes que otros, son el fiel del entrenamiento al que históricamente son sometidos los niños de la aldea. Saber defenderse de los bichos es un conocimiento básico de supervivencia.
No solamente porque los dragones echan fuego por la boca sino porque además vuelan y en este filme ese no es un dato menor. Sobre todo para quienes tienen la posibilidad de experimentar la tecnología de 3D. A semejanza de una montaña rusa, las secuencias con los acrobáticos movimientos de los animales en el aire hacen, con picadas y contrapicadas, cosquillas en la panza.
Con el novela infantil de Cressida Cowells como musa inspiradora, “Cómo entrenar a tu dragón” aparece hoy como un filme atractivo y aleccionador, aunque su futuro nose juegue en la pantalla grande. Lo hará en las personales, si logra popularizarse como un video game. No sólo de cine viven los hombres y de los dragones, ni hablar...

Un detective del FBI llega a una isla en busca de un prófugo de la ley. Allí está instalada una clínica donde se alojan los mayores criminales de EEUU con problemas mentales. Hace pocos años que el detective volvió de la Segunda Guerra y visiones de un campo de concentración lo persiguen. Pero nada es lo que parece. Planteada inicialmente como una película de suspenso, el cuarto trabajo de la dupla DiCaprio-Scorsese va lentamente convirtiéndose en un drama de corte psicológico, obligando al espectador, al mismo ritmo, a reordenar sus propios pensamientos sobre el personaje principal y la trama que lo envuelve. Un ejercicio que resulta dificultoso si se espera un thriller de factura tradicional. Sin embargo, allí está el magistral guión de Laeta Kalogridis en las manos de quizás el más grande de los cineastas vivos.

La trilogía “Millennium” del sueco Stieg Larsson está en las librerías y justo llega la película basada en la primera parte de esa novela. Un periodista es contratado para investigar la desaparición hace 40 años de una mujer. Con la colaboración de una joven outsider encara una pesquisa que lo lleva a sorprendentes conclusiones. Pero esto se trata de cine y no de literatura. Aquí cuenta el guión, la escenificación y los intérpretes. A primera vista se trata de un thriller con un asesino suelto, pero rápidamente impulsa un debate sobre las relaciones de la burguesía industrial sueca con el nazismo. Y hasta abusa de las escenas de violencia (sobre todo en el caso de una violación). Aunque su fuerte está en la ética de los personajes que deciden exponer sus vidas para dilucidar la intriga. Para ver.

La nueva versión cinematográfica basada en el mito de la licantropía gana en actualidad. Cientos de veces los fanáticos de la pantalla grande y del "Cine de superacción" de los sábados en televisión esperaron pacientes el momento más apoteótico de las realizaciones de terror de los años 40 que tenían a Lon Chaney Jr. como protagonista: la transformación de un hombre en lobo. Aquí el maquillaje y la superposición de imágenes quedan ampliamente superadas por la tecnología digital y los resultados no son exactamente sorprendentes pero, redondos en su concepción e implementación, ayudan a prestarle atención a otros ítems tales como la ambientación y la edición. Elementos que sí toman relevancia. El primero impone un pesado clima de suspenso a través de un tratamiento de colores tibios que a primera vista parecen imitar a los viejos filmes en blanco y negro. Y el segundo aporta la cuota de desesperación y terror ante los ataques de la bestia. Al igual que en la película de 1941, el joven Lawrence Talbot es la piedra angular de la historia. De regreso a su Gales natal en busca de respuestas a la violenta muerte de su hermano, es mordido por un hombre lobo. Y como apunta la leyenda, se convierte en uno de ellos. Sobre esa base, el filme se atreverá a reflexionar sobre la naturaleza del alma de un ser humano que en las noches de luna llena se convierte en un monstruo.

Dereck es una estrella del hockey sobre hielo y está muy cómodo en esa posición. Tanto que ha perdido sus sueños. Hasta que recibe un llamado obligado para convertirse en un hada madrina, de esas que reemplazan al Ratón Pérez en el hemisferio norte cambiando dientes por dinero. Así se construye una comedia llana, ingenua y sin dobles mensajes ideal para los más chicos.

Poco susto y mucha risa

No es otra película de zombies, sobre todo por su esquema y su estilo narrativos. No hay científicos locos ni un grupo de personajes que, a mordiscón limpio, va de a uno hallando su fin. No hay suspenso ni muertes en primer plano. Gracias a una hamburguesa podrida, los muertos vivientes ya están ahí y el objetivo de los pocos seres humanos que quedan es sobrevivir. Así, un joven, un cazador de monstruos (un Harrelson haciendo su acostumbrado freak) y dos chicas tratan de cruzar la tierra de zombies en busca de sus sueños. En ese contexto de arrebatos sanguinolentos, es el humor el condicionante de un estilo que no busca asustar sino contar una aventura inocente, divertida y con un único mensaje: sigue las reglas, aunque vengan (literalmente) degollando.

Los aeropuertos, los hoteles, los shoppings y las autopistas fueron en los años 80 íconos de esa modernidad líquida que abandonaba los grandes relatos colectivos y los reemplazaba por fragmentos individualizados. Las computadoras y el confort hicieron el resto. Si hasta simbolizaron el globalizador sueño americano (y europeo). Esto es, sea la parte del mundo que fuera, se trataba de una continua reproducción del modus vivendi de los ricos del Norte, un oculto y flamante proceso de colonización a manos de los negocios virtuales y el turismo.

Es lo que Bryan Bringhman, el personaje protagónico de "Amor sin escalas", llama "su casa", un hogar sin más integrantes que el más importante de ellos: él mismo. Sobre la soledad y el autoexilio versa la película más mentada de la última renovación de la cartelera local.

El Bringhman de George Clooney es un "despedidor", un experto en descerrajarle en la cara a la gente que será echada de su trabajo, un tipo feliz sobre rampas móviles, en accesos vip y con cientos de tarjetas de crédito y promoción. Sólo se conecta con una bella y de su misma calaña mujer, y con su colega, una principiante en eso de descartar trabajadores. Ambas relaciones pondrán en crisis la vida del ejecutivo.

El nuevo filme del director de "Gracias por fumar" y "Juno" llegó a las pantallas argentinas precedido de una gran campaña de marketing con miras a la temporada de premios y sobre todo al mayor de ellos, el Oscar. Así fue nominado en varios rubros y de hecho ganó varias estatuillas.

El cine ya puso a Glenda Jackson, a Helen Mirren y a Cate Blanchett, entre otras, en la piel de las reinas de Inglaterra, pero esta vez la historia y la política, principales ingredientes de otros filmes, se desdibujan ante el relato romántico de la pareja que integraron Victoria y el príncipe Albert. En 1837 y a los 18 años, Alejandrina Victoria heredó el trono de su tío, William IV. Pero su inexperiencia y su juventud la pusieron en un lugar difícil de asumir. Mucho más cuando su propio esposo pretende tomar las riendas del reino. Pero la espiral política de sucesión del rey y las limitaciones propias de una mujer criada en un castillo quedan eclipsadas por un relato romántico que llega a melar la pantalla. Demasiado despliegue escenográfico y de vestuario para un simple melodrama.

No es tan difícil. La original (la de la musiquita) es de 1978, fue dirigida por John Carpenter e inauguró lo que luego se llamó cine slasher, donde hay un maníaco que mata todo lo que se le cruza. De 1981 es la segunda parte y de ésta es la remake que inaugura la cartelera de terror de 2010 en Rosario. Aquí Mike Myers no se murió nada y persigue a sus víctimas guiado por el blanco fantasma de su madre. El filme pretende dar explicaciones lógicas a la locura de un monstruo que mientras tanto rompe y corta en pedazos a sus perseguidos. Así, abunda la sangre y un coro de gritos por momentos atronador en un marco argumental archiultraconocido y donde todos saben quiénes serán los próximos muertos. Entonces, ¿cuál es el objetivo de hacer una película de nuevo? ¿Será uno más de los ya vilipendiados tributos? ¿O faltarán ideas? Habrá que preguntarle a Zombie.

Un filme de culto, luego de 11 años

“Rosetta” es el nombre de la protagonista y de una película que llega a los cines argentinos 11 (sí, once) años después de su consagración. Ganador en 1999 de la Palma de Oro al mejor filme en el Festival de Cannes, el relato sobre la vida de una joven que lucha por no pertenecer a una clase excluida de las bondades de la Europa rica no tiene contexto. Se trata de una road movie urbana, una cámara itinerante que persigue a Rosetta en su cruzada por conseguir un trabajo que la aleje de la cruel imagen de su propio futuro: una madre alcohólica. Trabajado como un documental, al punto que no tiene música y sí sonido ambiente, la cinta marcó una disrupción en la tradicional forma de contar, luego retomada, por ejemplo, en “El hijo”. Aunque cualquier evaluación, luego de 11 años, es muy difícil de hacer.

Advertencia: no es una película para personas impresionables ni para aquellas que creen que la noche fue hecha para que los demonios salgan a pasear. Filmada como un falso documental (al estilo de “El proyecto Blair Witch”), en una semana y con un exiguo presupuesto; apadrinada por Steven Spielberg (quien defendió el trabajo original del director en detrimento de rodar una remake); publicitada únicamente en ciertos círculos cinéfilos o de boca en boca; y exitosa al punto de convertirse en la cinta independiente más taquillera de la historia del cine (si se comparan los 15 mil dólares invertidos con los 100 millones recaudados sólo en EEUU), “Actividad paranormal” consigue ser espeluznante, como pretende ser cualquier película del género de terror y que a esta altura pocas logran.
Katie y Micah forman una joven pareja y viven en una casa en San Diego. Allí la chica comienza a observar cómo se repiten algunos sucesos inexplicables de su infancia. Puertas que se cierran o lámparas que se mueven solas y ruidos sin motivo forman parte de un menú que el chico quiere registrar comprando una cámara de video.
Pero solamente consiguen enojar al responsable de esos incómodos acontecimientos.
De esta manera y a medida que avanza en su relato, el filme se va tornando cada vez más estremecedor. Sobre todo porque el espectador tiene el mismo punto de vista de los protagonistas, el de la filmación, y puede embeberse de su crispación ante el enigma sin resolver.
Pero sin dudas el terror emana del lugar y el momento en el que se dan los hechos. Desde que la modernidad inventó la intimidad y la ubicó entre bastidores, el dormitorio y el sueño resultan en metáforas de la introspección y la salvaguarda del mundo exterior en el que los hombres desarrollan su vida. Y el monstruo, si es que existe alguno, aparece de noche.
Y aunque el guión sea incongruente en algunos aspectos (especialmente en los racionales), construye un climax de extrema tensión, de esos que hacen gritar al público más sensible en la sala y que pone la piel de gallina cuando la cosa se pone fea. Para asustarse en serio y luego soñar con demonios parados al lado de nuestra cama.

En los filmes de terror siempre hay un monstruo y una víctima y alguien que hace lo que no debe. Gracias a un extraño giro sobre el tema, el victimario es un médico torturador que durante la dictadura argentina “chupa” personas, las tortura y con esas experiencias escribe un libro. Los desubicados son dos hermanos mezclados en una trama donde la ocasión de retomar la historia de una familia desaparecida hace que vuelva a aparecer. Y con ella inesperadas respuestas.

No es novedad que las producciones del cine fantástico se nutren de la realidad y, especialmente, de las necesidades que tienen las sociedades en diferentes períodos. Son visiones que intentan profundizar en los miedos de la gente y, entre ellos, uno que acompaña al hombre desde que es tal: el fin del mundo. Esta vez el en otras épocas denominado “cine catástrofe” retoma una predicción de la civilización maya que habla de una catástrofe terminal en 2012. Y de allí el nombre de una película que desanda un guión (demasiado) simple y diseñado para el lucimiento de su indudable estrella: los efectos especiales. En definitiva, la sal del filme.
Y para que ese condimento explaye su sabor fue elegido el mismo director de “10.000 AC”, “Godzilla”, “El día después de mañana” y “Día de la independencia”, un hacedor de ilusiones apocalípticas que vuelve a demostrar sus virtudes de buen narrador y excelente productor de desastres imaginarios.

La historia. En esta ocasión, el culpable de toda las calamidades es el sol que tiene una actividad insutada generando cambios químicos que cambian la temperatura del centro de la Tierra. Sin tener basamento, el suelo comienza a bailar y a comerse todo lo que hay en su superficie. Y como si eso fuera poco, las placas terrestres se mueven y generan tsunamis gigantes que rearman el esquema de continentes como hoy lo conocemos.
Metidos en el problema hay un escritor fracasado y divorciado y un científico al que nadie le cree. Ambos quedarán en diferentes campos cuando se trace la línea que separe a quienes se salvarán de la extinción de quienes no.

Continua huída. Así “2012” se presenta como un relato globalizante donde los hombres vuelven a ser sólo un número en las cuentas de los políticos, la única lectura moralizante de una producción que exagera en sus secuencias de persecuciones. Es decir, la película se resume a la huida de los protagonistas de grietas hambrientas, inmensas nubes de polvo y lava o mares que se salen de cauce.
De todas maneras, las dos horas y media que dura el filme son llevaderas a fuerza de esas y otras calamidades.

Un policía derrumbado moralmente, sumido en el alcohol y vilipendiado por sus colegas corruptos, intenta detener a un asesino serial mientras lo requiere una joven, víctima de otro criminal a punto de salir de la cárcel. Así de enredada es la trama de este filme que se derrama en riñas entre policías y borracheras. Así, la historia es atrapante y Auteuil ratifica su solidez interpretativa, pero el director, un ex policía, se detiene en la corrupción institucional y en la psiquis de su alter ego. Y entre tanto policía, el relato se hace un poco plomo.

Un trailer en el medio del desierto de Nuevo México es la metáfora que Guillermo Arriaga elige para hablar del amor. Es allí donde un hombre y una mujer encuentran la paz para amarse, y la muerte también, cuando el fuego los une para siempre, sin resquicio para sus respectivas familias. Las mismas que se enfrentan por la memoria de aquellos y porque el hijo de él ha posado la vista sobre la hija de ella. A ese marco de extrema tensión se suma otra mujer que hace de su libertad una tortuosa experiencia. Con un pulso que pendula entre el thriller y el relato rosa, inyecciones de violencia explícita y de la otra, y un trabajo de edición sin fisuras entre los relatos presente y pretérito, el filme hace pie en la sólida actuación de las tres protagonistas y atrapa gracias a la sensación agridulce de contemplar las zonas grises del amor.