Misión conocida

Michael Brandt, guionista de la excelente 3:10 to Yuma y Se Busca, debuta como director con este irregular thriller llamado Misión Secreta que nos contará como dos agentes (uno perteneciente al FBI y otro a la CIA) deben encontrar a un peligroso y experto asesino llamado Cassius que trabaja para Rusia llevando desaparecido varios años y que ahora ha vuelto para asesinar unos nuevos objetivos.

Misión Secreta comienza alertando nuevamente sobre la peligrosidad de los rusos por sobre los Estados Unidos, gracias a los agentes infiltrados que poseen en sus fuerzas de seguridad. Desde este absoluto inverosímil parte Brandt para mostrarnos unos 100 minutos cargados de clises (nuevamente los americanos son hombres de familia y los rusos maquinas musculosas y solitarias), actuaciones carentes de matices y demostraciones y giros narrativos totalmente impostados para crear tensión. Es que en Misión Secreta nada fluye con naturalidad o soltura, todo parece puesto ahí para generar determinadas sensaciones y lamentablemente esto se nota demasiado. Por otra parte su realizador recurre a varios flashbacks que son invocados torpemente y su guion es un cumulo de sobre explicaciones y subrayados que terminan por completar un adormecedor y aburrido combo. Si se podría admitir que sobre los minutos finales el film guarda un giro narrativo que funciona a nivel sorpresivo, pero que en definitiva no llega a salvar al film. Incluso hasta existe una especie de culpa en el relato que resulta llamativa, que se demuestra al darle un contexto de venganza para matizar su frialdad y crueldad que existe en Cassius. Lamentablemente Brandt no tuvo las agallas de poner a un "villano" oscuro y punto, algo que sin dudas hubiera sido mucho más interesante para visionar y analizar.

Richard Gere y Topher Grace encabezan el reparto de Misión Secreta con dos actuaciones bien distintas pero con el mismo mal resultado. El querido Gere sigue explotando sus ojos de labrador triste en los momentos de "nobles" de la trama que si bien se encuentran bastante gastados por momentos funcionan, pero el problema principal surge cuando debe aportar oscuridad a su Paul Shepherdson siendo allí donde no presenta ningún rasgo creíble, natural o palpable. En cambio Grace lleva adelante una interpretación totalmente exagerada y por momentos hasta insoportable. Sus momentos de calma no aportan nada y los de crisis se encuentran muy forzados en su desarrollo y concreción.


Misión Secreta llega a nuestras carteleras para aportar solamente un descuidado thriller cargado de aburridas, repetidas y principalmente conocidas convencionalidades.

Una fiesta en altamar

Luego de una agresiva campaña promocional llegó Battleship: Batalla Naval, la película inspirada en el clásico juego homónimo que consta en hundir los barcos o lo que sea que haya en la cuadricula de tu contrincante.

Alex Hopper es un teniente de la marina que tiene algunos problemas de actitud y que desea casarse con la hija del Almirante Shane, el cual no lo quiere ni un poquito. En plenos ejercicios de práctica ubicados en el medio del Pacífico, esta flota integrada por algunos buques descubre a unos poco amigables extraterrestres que dentro de un campo de fuerza (que restringe la posibilidad de solicitar refuerzos de ninguna especie y calibre) desatan una batalla sin cuartel que será terminada cuando solo un barco quede a flote.

Peter Berg (en lo que sin dudas representa su mejor película) vuelve al ruedo luego de la mediocre Hancock para ponerse al frente de una película que a priori era una pavada gigante y que luego de su visionado es... Una pavada gigante, pero tan entretenida, tan celebratoria y autoconsciente de su pavadez que termina siendo una GRAN sorpresa. ¿Cómo puedo explicar esto? A ver, Battleship: Batalla Naval presenta todos los estereotipos y clises de las películas pertenecientes a ese género denominado "los yankees siempre salvan al mundo contra los extraterrestres porque son los más patrióticos, los más aplicados y los más grosos". Desde el soldado con problemas de actitud que busca la redención, el heroico soldado retirado que indaga pero no encuentra nuevamente una razón para seguir adelante, la rubia debilidad (en este caso tiene dos buenas debilidades en un solo cuerpo) que espera a la vuelta, toda la solemnidad del mundo, los nerds que tienen miedo pero que finalmente se arman de agallas para participar en la salvación del planeta y un gigantesco etcétera son algunos de los puntos en común que presenta este film con otros dentro de ese rubro. Pero hay grandes matices en Battleship: Batalla Naval que la hacen un ejercicio totalmente adrede y exagerado (su parentesco en esa autocelebración con 2012, de Roland Emmerich, es notable) en esos clises, que termina siendo un producto que da la vuelta para llenar de acaramelados, grasientos y ricos pochoclos nuestra cinéfila panza.

Un claro ejemplo de la amplificación de las obviedades que posee esta película es la ridícula pelea del soldado lisiado contra uno de los tantos aliens que invaden Hawai, donde hay una estupenda explotación por medio de varios planos de las pìernas ortopédicas del personaje de Gregory D. Gadson que de alguna manera comparan/enaltecen la armadura del extraterrestre contra la "metálica indumentaria" que posee el teniente retirado Mick Canales en sus piernas. Existe por último una muestra más (siendo sin dudas la más ejemplificadora de la idea que quiero transmitir) promediando las tres cuartas partes de la cinta que no quiero contar para no arruinar la sorpresa, pero les anticipo que si desean subirse a bordo, el film se convierte en una fiesta donde Ac Dc y su Thunderstruck aporta todo su infernal y potente sonido. Es como si en ese momento Battleship: Batalla Naval estacionara en un puerto y el capitán comentara a todos el nuevo y festivo destino; si ahí decidís subirte vas a pasar una gran celebración totalmente autoconsciente frente a la pantalla de cine, pero si te bajas y te quedas en el aburrido puerto vas a presenciar uno de los productos más embolantes y solemnes de tu vida.

Incluso en las pocas secuencias que el juego creado a comienzos de los años '30 irrumpe de la mano de los guionistas que tuvieron un momento de lucidez y desarrollaron una idea para introducir los elementos clásicos del juego en la trama demuestran que en serio se tomaron esta supuesta adaptación. Tal es el punto, que la adaptación del Batalla Naval (donde supuestamente dos flotas de barcos se enfrentan) es una humorada tremenda que queda demostrado en que los "buques" extraterrestres no navegan en el océano, sino que chapotean en el agua.

Para otra crítica o texto (no quiero extenderme más) quedarán sus parentescos con la saga Transformers (el parecido de las naves y los efectos de sonido son llamativamente similares), sus buenas actuaciones con el poco interesante debut de la cantante Rihanna, su banda sonora a puro y potente rockandrollnenenenene y sus grandilocuentes efectos especiales CGI, pero no quería despedirme sin aceptar a Battleship: Batalla Naval como una de las gratas y grandes sorpresas de este año.

La buena suerte está echada

Zac Efron es un marine de guerra a quien la suerte le pone en su camino la fotografía de una hermosa muchacha que le sirve como una especie de amuleto para regresar a su casa de Irak. De regreso en su país, Logan Thibault (así se llama el personaje interpretado por Efron) se propone encontrar a la protagonista de esa foto para agradecerle que le haya salvado la vida. Allí comienza una historia que es mejor mirarla, vivirla y sentirla que leerla de un texto.

Cuando te Encuentre está basada en una novela de Nicholas Sparks (el cual ya ha tenido varias adaptaciones como Diarios de una Pasión, Querido John o La Última Canción) y como hemos visto en varias de las películas que se basan en los escritos de Sparks la suerte juega un papel fundamental en sus historias. Bueno, en realidad, se podría decir que en la mayoría de los films románticos la suerte y el destino juegan un valor sobresaliente que dependiendo de la sensibilidad de cada uno puede resultar excesivo, pero de alguna manera ese exceso ayuda en muchas ocasiones a generar el ambiente épico que necesitan esos "romances de película" que tanto le gusta contar a Hollywood. Cuando te Encuentre posee varios defectos, entre los cuáles encontramos su abrumadora solemnidad, su poca originalidad y su previsibilidad, su falta de matices en la personalidad de los personajes principales o los momentos heroícos panfletarios hacía el ejército yankee. Pero más allá de estos defectos, y esto es lo que más amo del cine mainstream de Hollywood, la historia llega a sentirse, a vivirse e incluso a desear que por fin se concrete ese increíble y destinado "romance de novela". O sea, lo que quiero expresar es que el cine norteamericano a pesar de sus conspiradores excesos en búsqueda de conseguir ese ambiente increíble y épico (que cualquiera que vaya a ver, ya sea por gusto propio o ajeno, este tipo de películas debe conocer) logra generar en muchas ocasiones productos muy efectivos en su cometido. Si una película romántica no conmueve, no crea suspiros, no inventa momentos grandiosos e inolvidables, es un fracaso y realmente Cuando te Encuentre si bien no logra concretar al 100% esas premisas (si no estaríamos hablando de una obra maestra) si llega en parte a crearte y contagiarte una historia de amor. Nada más y nada menos.

Zac Efron sigue en carrera hacía convertirse en un muy buen actor y aquí consigue una interpretación que arrancará varios suspiros a la platea femenina. Por otra parte tenemos a la linda Taylor Schilling que se encargará de acompañar a Efron de manera eficiente y con buena química entre ambos.


La buena suerte está echada y Cuando te Encuentre representa una efectiva opción para los amantes de los "romances de película".

Un súper equipo

¿Quién no soñó alguna vez de niño (y de grande también, seamos buenos entre nosotros) con ver a sus superhéroes peleando codo a codo, escudo a escudo y rayo a rayo para salvar la humanidad todos juntos en una película, ya sea de la mano de Dc Comics con Justice League of America o de Marvel con The Avengers? Bueno, Los Vengadores vendría a ser la película encargada de cumplir ese sueño con creces. Y hay que admitir que no la tenía fácil ya que estar a la altura de semejante sueño era complejo, pero gracias a su espectacularidad, su humor y principalmente su aprovechamiento de los personajes se puede afirmar tranquilamente que Los Vengadores es una de las mejores películas sobre superhéroes que se ha hecho jamás.

Loki ha juntado demasiado poderío, gracias al ayudín de un ejército alienígena y a un cubo de energía proveniente de Asgard que se encontraba en investigación en la Tierra, y debe ser parado para evitar la destrucción de toda la humanidad. Esto solo será posible si Iron Man, Hulk, Thor, Capitán América, Hawkeye y Black Widow, trabajan juntos y luchan contra una invasión de extraterrestres comandada por el resentido y malvado hermano del mencionado dios del trueno.

Los Vengadores es una gran película. Tiene todo lo necesario para ser recordada por años entre sus fanáticos y entre aquellos que vayan a buscar al cine puro entretenimiento del bueno. A lo largo de sus más de dos horas, que en ningún pasaje se hacen pesadas, encontraremos secuencias de peleas calibradas con excelencia y vértigo, escenas de acción plagadas de espectaculares y hermosas explosiones y grandes momentos de humor que descargan y aligeran su solemnidad. Pero especialmente lo que hace grande a esta película es la gran explotación que realiza Joss Whedon (muy buena labor de este "silencioso" realizador) de la "psicología" de los personajes y sus diferencias para desatar los conflictos entre las personalidades (y principalmente sus egos) de estos consagrados superhéroes. Es allí y en el párrafo siguiente donde radican las principales fortalezas de Los Vengadores.

Chris Evans, Chris Hemsworth, Jeremy Renner, Mark Ruffalo, Samuel L. Jackson y el malvado Tom Hiddleston, además de los secundarios Cobie Smulders, Clark Gregg, Gwyneth Paltrow y Stellan Skarsgård, componen diez jugadores de este equipo de ensueño que ejecutan su rol en la cinta y se complementan a la perfección. Aunque como en todo súper equipo, siempre hay un fuera de serie, un crack, un Messi, un Riquelme, el encargado de darle ese toque de calidad a la jugada; y aquí ese importante papel lo juega el inmenso Robert Downey Jr. sin ningún tipo de duda. Cada aparición de Downey Jr. como Iron Man o Tony Stark levanta los ánimos por los cielos y termina con su carismático sello todas las buenas intenciones de la película, y además es el encargado casi exclusivo de marcar los tiempos humorísticos de la cinta. Es decir, si no contara con el actor de Chaplin, Los Vengadores sería una buena película pero con Downey Jr. sumado a lo expuesto más arriba estamos en presencia de una gran cinta de superhéroes que saciará por completo nuestras ansias de acción en la gran pantalla hasta que llegue la esperada Batman: El Caballero de la Noche Asciende.


Los Vengadores llega a nuestras carteleras para cumplir nuestro sueño con creces y darnos una película fuera de serie que exprime a más no poder las virtudes de un súper equipo.

Caperucita caza secuestradores

Amanda Seyfried, luego de protagonizar La Chica de la Capa Roja y El Precio del Mañana, vuelve a nuestras carteleras con un thriller que no termina de explotar el potencial que presenta su historia.

Jill es una joven que al sufrir la desaparición de su hermana, y ante la falta de ayuda de la policía por su inestable pasado, decide ella misma emprender la búsqueda debido a que según su propia experiencia solo tiene 12 horas para encontrarla viva.

Los thrillers delimitados con una determinada unidad temporaria, siempre utilizan ese límite para agregar más tensión y vértigo a la narración. Además 12 Horas cuenta con una subtrama psicológica. Ambas premisas no son explotadas dentro de su historia por completo debido a las falencias narrativas de su director y también por el poco desarrollo en los personajes secundarios. El realizador brasileño Heitor Dhalia no consigue desenmarañar este thriller con soltura, suspenso y una pequeña dosis de originalidad, cayendo en todos los lugares comunes habidos y por haber dentro de este género, dejando sin lugar a alguna sorpresa en su poco creíble, predecible y aburrido relato. Relato, que a priori, contaba con elementos para finalizar en un resultado bastante más redondo.

Hay algunas tomas aéreas y generales de la ciudad de Portland y en particular del bosque Forrest en la puesta en escena por parte de Dhalia y su director de fotografía Michael Grady que son utilizados de manera eficaz para poner en situación y contexto el desarrollo de la película. Quizás en su repetición termine pareciendo forzado, pero se valora la intención.

Amanda Seyfried, que más allá de algunos bodrios que ha protagonizado representa a una de las mejores actrices que dio su generación, se banca bien el rol de joven atormentada y quizás representa el punto más alto de esta anodina y mediocre cinta. Si 12 Horas en parte funciona, es por la garra y el corazón que le pone la actriz de encandilantes ojos saltones a su personaje. Ojalá en sus próximos proyectos encontremos a la bella Amanda un poco más acompañada que en esta mediocre película llamada 12 Horas.

El sinsabor del reencuentro

A más de una década de la salida de la primera y a 9 años de la última entrega de la saga American Pie con el elenco original, llega American Pie: El Reencuentro que intentará mostrarnos cómo han sido las vidas de los protagonistas de las ediciones pasadas tras varios años de haberse egresado de su escuela.

Jim, Oz, Finch, Kevin y Stifler están de regreso en East Great Falls para celebrar un nuevo aniversario de su salida de la secundaria. Sus vidas no son las mismas, ya que Jim se ha casado con Michelle y ahora tiene un hijo, Oz es un exitoso conductor de un programa deportivo, Finch es un trotamundos, Kevin convive felizmente con su novia y Stifler no ha cambiado demasiado, sigue siendo el mismo solo que ahora trabaja como una especie de cadete en una importante empresa. Si bien sus vidas parecen idílicas, la felicidad completa no representa un concepto aplicable a sus actualidades que no se parecen demasiado a lo que ellos desearon al salir egresados del colegio.

Si bien posee un puñado de chistes bien logrados, American Pie: El Reencuentro carece por completo de algo de frescura que renueve el humor sexual adolescente que supo mostrar en el pasado la franquicia. Todo gira alrededor del sexo (ya sea la falta/sobra/insatisfacción de él) en esta cuarta parte, como si el único problema que tuviera este grupo de amigos a lo largo de la historia fuera solo ese. O sea no hay ni la más mínima evolución dentro de la estructura de los personajes, solo hay repeticiones de fórmulas y algunas medidas efectistas que aparentan ser un progreso en sus vidas como puede ser el casamiento, ser padre, ser exitoso o conseguir trabajo, pero que en el fondo terminan demostrando que los personajes siguen siendo los mismos hundiendo el resultado de la cinta. Si bien se puede hacer una cinta basándose únicamente en ese tono cómico, hay que tener en cuenta que hacer 4 películas no es igual y desgraciadamente aquí le termina jugando bastante en contra. Incluso si dejáramos de lado ese "pequeño detalle" la cinta tampoco explota al máximo el citado humor sexual y escatológico, más allá de algunos momentos que rememoran a los mejores momentos (que no son pocos) que supo presentar la saga en el pasado.

Jason Biggs, Alyson Hannigan, Chris Klein, Thomas Ian Nicholas, Tara Reid y Seann William Scott vuelven a ponerse el traje que tan bien les quedó en el pasado logrando salvar al film del aburrimiento absoluto.


American Pie: El Reencuentro prometía ser una reunión cómica que devolviera a las carteleras el espíritu que supo cosechar esta saga de culto en el pasado, aunque lamentablemente terminó siendo simplemente el sinsabor del reencuentro.

Dos extraños son los que se miran

La vuelta de Diego Torres a la gran pantalla no fue de la mejor manera, Extraños en la Noche parte de una atrayente propuesta para culminar en un cúmulo de buenas intenciones que se ven opacadas por el mediocre guión y algunas actuaciones que no dan la talla.

Martín y Sol son una joven pareja de músicos que, a pesar de tener talento, reman todos los meses con distintas presentaciones para lograr pagar el alquiler. Un día como cualquier otro escuchan unos extraños ruidos en el departamento de arriba, generando en ellos un convencimiento de que allí arriba ocurrió el asesinato de su vecino. Así ambos comenzarán a investigar el confuso episodio, mientras su relación como pareja empieza a agrietarse.

No vamos a discutir desde este lugar el talento de Diego Torres como cantante, pero si podemos analizar tranquilamente que no es un gran actor de cine. Tampoco es malísimo, pero en el rol que le fue impuesto para este film no deja sacar ese costado canchero y carismático que tiene el autor de Color Esperanza. Su versión de antihéroe es poco creíble, demasiado contenida y forzada. En realidad Extraños en la Noche presenta varias secuencias que a priori pueden ser graciosas, pero que son traídas a la trama por un brusco, forzado y poco fluido guión. Por decantación es de esperar que la mayoría de los momentos en la labor de Torres, por no tener la experiencia en el rubro que si posee el resto del elenco, no tengan el ritmo y el punch necesario que debe tener una comedia, más allá de presentar una buena química con su pareja protagónica.

Por otra parte Extraños en la Noche no logra desarrollar del todo ni la trama romántica, ni el supuesto crimen. Es más, promediando la segunda mitad de la cinta hay una leve y esperable inclinación hacía la relación de los protagonistas y es allí donde el film despliega sus mejores momentos, ya sean dramáticos, románticos o cómicos. Aunque lamentablemente luego vuelve a ser llamada "la investigación", generando una insalvable desconexión hasta el final de su metraje.

Para ir cerrando hay que mencionar que los apartados técnicos de Extraños en la Noche son llevados delante con gran factura y también sería injusto dejar de destacar las actuaciones de Julieta Zylberberg y Fabián Vena que son los encargados de levantar la obra con cada aparición.

De propios y extraños

Hay momentos en donde Hollywood retoma o toma "personajes" para llevarlos a la gran pantalla. Marylin Monroe y una película terminada que aún no se han estrenado en nuestro país y otra que navega buscando una financiación, las dos versiones de Blancanieves, Linda Lovelace y sus dos films en pleno rodaje y el que aquí nos ocupa sobre la imagen de Abraham Lincoln son claros ejemplos de lo que comento más arriba. El Conspirador, más allá de que su protagonista no es el mismísimo Lincoln, ronda alrededor de la figura del decimosexto presidente de los Estados Unidos y su asesinato. Este año también llegará a nuestras carteleras Abraham Lincoln: Vampire Hunter, en una especie de intento de introducir al mandatario encargado de abolir la esclavitud al ajusticiamiento de los vampiros, mientras que a comienzos del año entrante Spielberg también traerá nuevamente a la gran pantalla al citado Lincoln interpretado por Daniel Day-Lewis.

El Conspirador nos va a mostrar el injusto enjuiciamiento, justificado por mantener el orden nacional, que recibe Mary Surratt por participar en la conspiración que derivó en el asesinato de Abraham Lincoln.

Siguiendo en la línea de su ya conocido clasicismo, Robert Redford expone con una sabia mirada crítica el intervencionismo y la violación en la independencia de poderes en el citado juicio. El soldado del norte, Frederick Aiken, al finalizar la guerra civil deja de lado su rango para volver a ser un joven abogado que trabaja para el senador Reverdy Johnson y que tendrá la difícil tarea de representar a Surratt. A pesar de no creer en lo más mínimo en su inocencia y no querer defenderla justamente por esa razón, Aiken lleva adelante su juramento como abogado y expone en la defensa de la acusada, encontrando en el paso de los días de juicio que no todo es tan blanco ni tan negro. El tema acá (y esto es lo atrayente del film) no es si Surratt es culpable o inocente, sino la injusticia con la que es tratada dejando de lado un enjuiciamiento con garantías de parcialidad, generando una interesante molestia e incomodidad que nos deja bien en claro el acertado punto de vista revisionista de su realizador. Eso es justamente lo que impulsa a Aiken a defenderla con uñas, dientes y principalmente integridad, aunque a medida que avanza su defensa comienza a alejarse de quienes eran sus compañeros en la guerra y acercándose a quienes eran sus enemigos en el campo de batalla. Es decir, cuanto más cree en su caso más extraño es para sus propios y más propio para sus extraños.

Hay una intromisión de la luz en la puesta en escena que me resultó hermosamente llamativa por como termina difuminando el contorno de todo lo que toca. Es como si por medio de la luz "solar" Redford intentase clarificar tanta turbia oscuridad que encontramos en el juicio.

James McAvoy, Robin Wright, Evan Rachel Wood, Tom Wilkinson y Danny Huston componen el espectacular elenco que ejecuta a la perfección unas contenidas caracterizaciones que acompañan el ritmo narratorio de esta muy buena propuesta que lamentablemente se hizo esperar para estacionar en nuestras carteleras y sorprender a propios y extraños.

Un aburrimiento titánico

Secuela del exitoso e irregular film del 2010, Furia de Titanes 2 continúa unos años después la historia de su predecesora donde el semidiós Perseo es simplemente un pescador viudo que trata de mantener a su hijo fuera de las armas que lo hicieron una celebridad en el pasado. Hasta que un día Zeus (su padre) es capturado y puesto en jaque por la traición de Hades y Ares, debiendo salir de su retiro para tomar nuevamente la espada y evitar la liberación del malvado Cronos, capaz de destruir todo el universo.

Furia de Titanes 2 es dirigida por Jonathan Liebesman, relevando al francés Louis Leterrier, y si miramos la última película que dirigió este director es la terriblemente panfletaria Invasión al Mundo: Batalla los Ángeles entenderemos el porqué de la solemnidad abrumadoramente reinante que posee este film. Entiendo que al ser protagonizada por dioses, semidioses, titanes, criaturas mitológicas y demás cuestiones hacen muy difícil dejar de lado los ritos, cultos, alabanzas, etc. pero para contrastar tanta solemne pirotecnia hace algo de humor para no caer en una propuesta terriblemente cargada y pesada. Solo en algunas pocas ocasiones, y en manos de los personajes Hefesto y Agenor, el humor arremete para quitar el aburrimiento, aunque lamentablemente no es suficiente para quitarlo ni por asomo del medio.

El problema del grado de solemnidad del film es que no puede ser contrastado de ninguna manera, al humor lo descartamos en el párrafo anterior, el romance lo descartamos en el próximo y las secuencias de acción que podrían ser la única salvación son escasas para poder contrarrestar tanta seriedad.

Con respecto a la mencionada historia de amor, tenemos a su realizador intentando desarrollar un romance entre Perseo y Andromeda (encarnados por Worthington y Pike) que carece totalmente de fluidez y termina resultando un amor totalmente trivial. Es decir, no hay aproximaciones previas interesantes entre ellos, más allá de algunas miradas cómplices. No hay conquista palpable, no hay seducción, no hay histeriqueo, ósea no hay nada exceptuando la admiración que sienten mutuamente, algo que no alcanza para creer en esta pareja y que encima termina jugando en contra por seguir cargando de solemnidad la cinta.

Tampoco encontramos una mínima evolución en los personajes, solo efectos (como dioses o titanes llorando, emocionados, con notorios cambios de aspecto o bajados del pedestal de su condición de inmortales) que intentan emular una evolución o cierto cambio en la personalidad de los protagonistas, que incluso son aportados bruscamente, de manera impostada y totalmente ajeno a la lógica que impone el film.

Sam Worthington, Liam Neeson, Ralph Fiennes, Edgar Ramírez, Rosamund Pike y Bill Nighy hacen lo que pueden con este solemne bodrio, aunque hay que destacar que los que salen más aireosos del resultado son el gran Nighy y por momentos la bellísima Pike, mientras que el resto lleva adelante una labor con pocos matices y donde escasean las expresiones ajenas a la seriedad y el compromiso por la salvación de la humanidad.


Furia de Titanes 2 sigue en la irregular línea de su predecesora, con una película que solo provoca un aburrimiento titánico.

Denzel Washington, Ryan Reynolds, Vera Farmiga y Brendan Gleeson completan un buen poker de actores para este poco innovador, aunque satisfactorio, thriller dirigido por el sueco Daniel Espinosa llamado Protegiendo al Enemigo.

Matt Weston es un novato agente de la CIA que se encuentra a cargo de la aburrida tarea de cuidad una "casa segura", que vendría a ser un edificio que dispone la Agencia Central de Inteligencia de los Estados Unidos en distintos lugares del mundo para llevar prisioneros, ubicada en Ciudad del Cabo en la cuál lo más emocionante que puede sucederle a él protagonista es picar una pelotita de tenis contra la pared esperando a que pasen las horas. Hasta que un día su "casa segura" se ve revolucionada con la llegada de Tobin Frost, un ex agente de la CIA que acorralado por una banda de mercenarios decide entregarse en el Consulado de los Estados Unidos. El problema para Matt se dará cuando el grupo comando de delincuentes ataque su ubicación debiendo proteger a su "invitado" llevándolo a otra casa segura, intentando descifrar en el camino quien es el traidor dentro de la CIA además de salvar a su nuevo compañero de aventuras.

La trilogía Bourne marcó una época en los thrillers de espionaje, principalmente en las secuencias donde encontramos persecuciones y luchas cuerpo a cuerpo. Paul Greengrass filma como la hostía y la utilización de la cámara en mano en sus dos Bourne (la primera es de Doug Liman) le da una aceleración, un vértigo, una energía y una voracidad que terminan por encumbrar al film protagonizado por Matt Damon como una espectacular e influenciadora película. Daniel Espinosa es el realizador de Protegiendo al Enemigo y la diferencia con Greengrass en la capacidad de filmar es notoria, ya que las escenas de acción que en Bourne aportan vigor, acá aporta confusión, barullo y hasta por momentos un abrumamiento bastante insoportable. Hay combates en donde realmente no se entiende absolutamente nada y es ahí donde la falta de talento se hace muy evidenciable. Resaltando esto no quiero afirmar que Protegiendo al Enemigo sea un mal thriller, solo que su intento por emular las grandes condiciones del mencionado film le terminan jugando una mala pasada. Más allá de eso la cinta no presenta grandes innovaciones y podríamos decir que su fluida y creíble narración, además de las grandes actuaciones, terminan siendo lo más destacable en sus casi dos horas de duración, que sin dudas tampoco es algo para despreciar.

El mencionado poker de figuras integrado por Denzel Washington, Ryan Reynolds, Vera Farmiga y Brendan Gleeson son los encargados de sostener de excelente manera la interesante historia, aunque sin dudas los más destacados son el versátil Washington y el ascendente Reynolds, que de alguna manera logra reivindicarse un poco luego de la fallida Linterna Verde.

Una fiesta supercool

Con la comedia como variante, vuelve a nuestras carteleras un estreno con la "cámara en mano" como el reinante punto de vista de la cinta.

Tres amigos de la secundaria deciden hacer una gran fiesta que los saque del completo anonimato que poseen en su escuela. La idea de ellos es realizar una fiesta inolvidable y obviamente que lo logran, aunque no del modo que lo tenían pensado.

Basándose en el modelo de la gigante Supercool, Nima Nourizadeh toma a tres amigos (uno gordo freek, el flaco y tímido y el que se cree ganador con las mujeres) y su amistad para desarrollar esa idea de compañerismo hasta las últimas consecuencias y sin importar, justamente, los resultados de esa épica fiesta. Si bien esa es la base de la historia, como bien adelanté más arriba, Proyecto X utiliza la tan recurrida cámara en mano para lograr como un falso documental para intentar dar una idea de realidad que de alguna manera se contrapone y a la vez se contradice con la utilización de música extradiegética, planos con efectos de ralentí y distintas cuestiones que terminan perjudicando a ese concepto "de realidad" que quiere imponer la película. O sea, si vas a hacer una comedia que simule "la realidad" hacela completa, como bien lo hizo Cloverfield en el 2008, que vendría a ser uno de los máximos exponentes dentro del cine cámara en mano de ciencia ficción. Como así, es bueno recalcar que la elección del desconocido trío de protagonistas favorece al concepto que intenta desarrollar la cinta.

Todd Phillips no es el realizador, pero si el productor, y su aura de humor descontrolado, adolescente y escatológico sobrevuela por completo el metraje de Proyecto X.

Más allá de las mencionadas cuestiones, Proyecto X se caracteriza principalmente por tener un vertiginoso ritmo que hace que los minutos vuelen y desarrolla escenas muy ingeniosas y altamente graciosas, además de un puñado de potentes secuencias de un abrumador descontrol que sin dudas quedarán grabadas en nuestra retina, como por ejemplo el gran momento en el que todo se va al carajo y un hermoso Mercedez Benz termina nadando en una piscina.



Proyecto X posee originalidad, humor, contradicción e incongruencia por igual, pero las carcajadas que se dan en sus 88 minutos terminan por mover la balanza hacía un resultado entretenido, aunque algo fallido.

Entre dos puntas

A dos años del lanzamiento de El Príncipe de Persia: Las Arenas del Tiempo, Disney vuelve a la carga con el género de aventuras por medio de John Carter: Entre dos Mundos logrando un resultado más regular principalmente por basar su narración en un juego constante y conciente entre dos puntas: la solemnidad y el humor.

John Carter: Entre dos Mundos nos contará como un veterano soldado de guerra de los Estados Unidos es transportado por una extraña fuerza y sin planearlo a Marte, donde termina interponiéndose en un terrible conflicto entre dos poblaciones que determinará el futuro de aquel planeta.

Para conseguir un resultado superior a las anteriores producciones dentro de este rubro Disney, ni lerdo ni perezoso, recurrió al realizador de Wall-E y Buscando a Nemo, Andrew Stanton, consiguiendo que el humanismo de Pixar logre colarse en esta mega producción cargada de secuencias digitales y pantallas verdes o azules. Si bien el mencionado humanismo no carga por completo a la cinta, le da un valor agregado que termina por redondear una entretenida película. Stanton logra en las más de dos horas de duración, que por momentos se vuelven injustificables, transmitir sentimiento a través de la pantalla entre medio de tanta escena digital y actores actuando en piloto automático. De alguna manera es el ejemplo totalmente contrario a otro film (más antiguo, es verdad, pero su reciente estreno en 3D lo trae nuevamente a escena) que se reestrenó hace unas semanas llamado Star Wars: Episodio I - La Amenaza Fantasma. En esta última encontramos solemnidad, falta de humor, poco desarrollo de los personajes, secuencias de acción mal llamadas y un largo etcétera que hacen que su visionado sea una tediosa experiencia, mientras que en John Carter: Entre dos Mundos (sin ser una obra maestra) todo se desarrolla con mucha más limpieza y encontramos una narración fluida donde las espectaculares escenas de acción son invocadas en los momentos justos por la trama y donde el humor (la escena del escape con la persecución del "perro" es tan tierna como cómica) ingresa para bajar la carga de solemnidad que posee una historia donde el futuro de un planeta se encuentra en juego, además de poseer actuaciones mucho más cargadas de sentimientos entre tanta insensibilidad digital como en la mediocre película de George Lucas. Obviamente que si la mayoría de las películas épicas de ciencia ficción se compararan con Star Wars: Episodio I - La Amenaza Fantasma serían una obra maestra, pero de alguna manera en este caso su cercanía era tal que no se puede evitar una comparación.

Taylor Kitsch, Lynn Collins, Mark Strong y James Purefoy logran concretar cuatro actuaciones estereotipadas y poco originales, que más allá de eso terminan cumpliendo con la carga emocional necesaria en los momentos donde la cinta lo demandaba.


John Carter: Entre dos Mundos demuestra que es posible hacer una buena película de aventuras y ciencia ficción si se balancea la solemnidad con el humor y si las actuaciones aportan el humanismo necesario a tanta frialdad digital.

Surgida de la televisión, la actriz Katherine Heigl ha tenido unos buenos pasajes en la pantalla grande por medio de la comedia, donde Ligeramente Embarazada, 27 Bodas o La Cruda Verdad son los ejemplos más claros de su naturalidad y facilidad para generar buenas propuestas. En los últimos films, Heigl ha bajado de manera notoria la puntería regalando grandes fiascos como Asesinos con Estilo y ahora Sólo por Dinero, donde sin duda encontramos el punto más flojo en la filmografía de esta ¿ascendente? comediante.

Dirigida por Julie Anne Robinson, esta comedia que intenta mezclarse con toques de thriller y romanticismo nos contará como ante la desesperación por quedarse sin trabajo y sin dinero, Stephanie Plum decide trabajar como agente de fianzas, tomando como "primera misión" la captura de su primer amor en la adolescencia. Sólo por Dinero recuerda en demasía a la mediocre comedia de acción llamada El Caza Recompensas que protagonizaron en el 2010 Gerard Butler y Jennifer Aniston y que tuvo mejor resultado que el que aquí nos ocupa. Incluso ya en Asesinos con Estilo, Heigl basaba su rol en la ineptitud en el manejo de las armas y la inexperiencia en el "campo de batalla desconocido" algo que vendría a ser bastante similar a la labor que ella cumple en esta cinta, dejando como conclusiones que las ideas en Hollywood no abundan dentro de este género y que a veces los interpretes dejan bastante de lado las cuestiones artísticas teniendo mucho más en cuenta el suculento cheque que supone su participación en la producción.

A lo largo de sus 91 no encontraremos en Sólo por Dinero un solo momento de comedia bien logrado, como así tampoco podremos ver un desarrollo que genere entusiasmo y entretenimiento en la trama de investigación e incluso nunca se haya bien generado un encuentro romántico. En resumen, podríamos destacar que este film solo presenta como valor positivo que Katherine Heigl se carga la cinta al hombro y por escasos momentos consigue que con su simpatía, naturalidad y carisma no naveguemos en el más profundo aburrimiento, aunque la ausencia de alguna figura que reme junto a ella hace que lamentablemente la película no pueda ser salvada por completo.

Si queres llorar... Llora!

Stephen Daldry, realizador de El Lector, Billy Elliot y Las Horas que resulta terriblemente afín a la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de Los Ángeles por su contenido solemne, conmovedor y grandilocuente, vuelve a nuestras salas de cine para entregar su película más sensiblera, llamada Tan Fuerte y Tan Cerca.

Oskar Schell es un inquieto y excepcional muchacho de 11 años que posee una gran inteligencia. Lamentablemente para él su feliz vida se ve trastocada cuando su padre muere en el atentado a las Torres Gemelas, aunque el hecho de encontrar una llave hará que comience un viaje que lo conectará con personas desconocidas que lo intentarán ayudar a descubrir qué cerradura abre la misteriosa llave.

Una cosa es una cosa y otra cosa es otra cosa. Una cosa es una película efectiva y otra muy distinta es una película efectista. Tan Fuerte y Tan Cerca pertenece al segundo grupo por ser asquerosamente efectista, porque busca de todas las maneras forzar en nosotros un efecto, que en este caso es el llanto. Si, la mayoría de las películas buscan generar algo en el espectador, pero la cuestión se centra en cómo lo logran. Lamentablemente aquí no llega a provocarlo por medio de la historia y su desarrollo o la evolución de sus personajes, sino que pone toda su artillería sensiblera en función de generar las lágrimas, sufrimiento y desconsuelo, teniendo como resultado un film plagado de golpes bajos, momentos "profundos y conmovedores" y demás cuestiones que la convierten en uno de los peores estrenos en lo que va del año.

A lo largo de todo su metraje, exagerados 129 minutos, encontraremos varios elementos que harán de su visionado algo difícil, tan difícil como contener las lágrimas. En esos 129 minutos tendremos que soportar y escuchar en reiteradas oportunidades los últimos 6 (seis!!!!) mensajes en un contestador que Thomas Schell le deja a su hijo en el intento de despedirse de él, lo que sin dudas delata un insoportable regodeo por la muerte del personaje de Tom Hanks a manos de Daldry, secuencias que encima se encuentran "puestas en escena" por un niño de 11 años, algo que las agrava totalmente. En Tan Fuerte y Tan Cerca no existe la palabra "felicidad" o al menos se esfuma luego de la muerte del patriarca Schell. La mayoría de los personajes que van entrando y saliendo de la historia presentan vidas llenas de pérdidas, desolación y sufrimiento, donde encontramos entre ellos la labor de la "lloro con una facilidad bárbara, hasta con moco de la nariz y todo" Viola Davis, aunque sin dudas el ejemplo más emblemático del sufrimiento de los personajes de este tedioso film es el del papel del abuelo del insufrible Oskar que quedó mudo por la pérdida de sus padres en el Holocausto, de donde justamente él es sobreviviente, además de jamás haber conocido a su hijo. Una vida llena de amargura que provoca nuestro sufrimiento...¿Pero era necesaria tanta carga mortuoria para forjarlo?

Incluso el guión de Eric Roth, romántico y muy buen escritor de grandes películas como Forrest Gump o El Informante, presenta por momentos frases de una bajeza importante como cuando Oskar le dice a su madre que prefería la presencia de ella en las Torres Gemelas a la de su padre. Una escena totalmente injustificable dentro del entorno que propone la película, debido a que más allá de no ser la mejor madre del mundo, no presenta actitudes que justifiquen semejante estocada al corazón. Ah, pero el momento conmueve y mucho por su dureza.¿Pero a qué precio?

Por último tenemos la intolerable intervención de la música, que obviamente es excesivamente afín a las intenciones de la película y resulta otro elemento terriblemente molesto de soportar en su metraje por su carga emocional y su grandilocuencia. Ojo, que por la música en algún momento lagrimeas, aunque obviamente que con la repetición de esta bajeza musical es fácil lograrlo.


Tan Fuerte y Tan Cerca resulta un film plagado de reiterativos recursos puestos en función de forzar el llanto, donde solo falta Moria Casan incitándote a largar las lágrimas por medio de su conocida frase: Si queres llorar... Llorá.

Como hermanos gemelos

Adam Sandler es un gran comediante y eso no está en tela de juicio, aunque películas como Son como Niños, Yo los Declaro Marido y... Larry y Jack y Jill nos lleven a preguntarnos cómo un actor capaz de brindar muy buenas comedias como en Funny People, Como si Fuera la Primera Vez o Golpe Bajo – El Juego Final, solo por mencionar las más recientes, puede realizar estos bodrios carentes totalmente de vergüenza y humor.

Jack es un adinerado empresario del rubro publicitario que vive en la calma del hogar hasta que su hermana gemela, Jill, llega para visitarlo e instalarse en su casa por algunos días, que luego se transformarán en varias semanas. En el medio, Jack deberá conseguir convencer al prestigioso actor Al Pacino (si, Al Pacino "de adeveras") de que protagonice un comercial de Dunkin Donuts. Las casualidades de la vida (y del cine) hacen que Pacino se enamore de Jill y Jack tratará por todos los medios de que la pareja se complemente para así lograr su cometido.

Realmente en Jack y Jill se hizo todo mal, porque más allá de que la propuesta no es muy atractiva, la misma no se ejecuta de manera medianamente satisfactoria. No existe una narración fluida, la historia pasa por la película en una total desconexión, no hay chistes ejecutados de manera cómica, no hay momentos dramáticos bien creados, los personajes secundarios son figuras que pasan por la obra sin pena ni gloria, no hay actuaciones medidas y todo es una grotesca sobreactuación, en resumen no hay casi nada interesante. A ver, Dennis Dugan filma mal, muy mal, no sabe manejar la cámara y en las escenas donde intenta forzar (porque lo fuerza no lo construye) una especie de drama se nota demasiado el poco talento que tiene detrás de las cámaras y que solo se encuentra con trabajo porque ejecuta todos los caprichos Sandler y porque además es su amigo personal. Incluso siquiera tiene la virtud de utilizar correctamente el tiempo narrativo de la obra, donde pasamos del día de acción de gracias, por el cumpleaños de los gemelos, para luego finalizar en la navidad, sin un lazo que resulte medianamente interesante que vaya uniendo a estos acontecimientos. Todo en Jack y Jill se limita a: se presenta una escena, se ocasiona un enredo, se pelean los hermanos, se amigan y Jill finalmente no se va de la casa. Esa repetición de secuencias, utilizando los días festivos y reuniones para justificar más gente en pantalla y por ende más humillación para los protagonistas, hace que la película caiga por completo en un bache en el cual no presenta una sola idea atrayente para lograr que su visionado no sea un verdadero tormento. Realmente solo si te causa gracia ver a uno de los mejores comediantes de la historia del cine ridiculizado, vestido de mujer y sumido en una sobreactuación patética y totalmente privada de vergüenza ajena, Jack y Jill es tú película.

Quizás lo único que funciona y es realmente gracioso en Jack y Jill es la "parodia" que hace Al Pacino sobre si mismo, donde se burla de sus orígenes en el Bronx, su pasión por Shakespeare y el teatro, sus películas cumbres y su (increíblemente) único Oscar. También la fugaz aparición de Johnny Depp representa un soplo de aire fresco entre tanta escena falta de humor e ingenio.

Más allá de que la labor de Adam Sandler no es lo peor en Jack y Jill, sin dudas la tosca dirección de Dugan se lleva todos los premios, no hay que dejar de destacar que él es uno de los guionistas de la cinta y además también es el productor, por ende resulta tan responsable de esta horrible y fallida película como el realizador de Son como Niños.



Jack y Jill representa una de las peores películas del año y también uno de los puntos más bajos en la ya irregular filmografía de Adam Sandler.

La realizadora de Mamma Mia (!!!), Phyllida Lloyd, se dispuso a contarnos con una particular visión la historia de la controvertida figura de Margaret Thatcher, encarnada por la actriz ideal para ese rol: Meryl Streep, que justamente vendría a ser lo único que no decepciona en esta obra.

En un camino superpoblado de flashbacks y redundantes golpes bajos por doquier, Lloyd nos cuenta la vida de Margaret Thatcher desde sus comienzos como una simple hija de un político almacenero hasta sus 11 años al mando del Reino Unido, para finalizar en su actualidad que es donde redunda hasta el cansancio en demostrar la senilidad de la mencionada ex primera ministra.

Realmente si Lloyd quería hacer una biopic más positiva sobre Thatcher, creo que era imposible. Margaret Thatcher es una figura controvertida y abordarla desde el patetismo de la obsecuencia inglesa queriendo pintarla como una pobre viejecita senil de ojos vidriosos para luego ilustrarla por medio de numerosos flashbacks como una dura mandataria que hizo todo "por su nación" y que solo es interpelada por manifestantes agresivos o sindicalistas obtusos, me parece una asquerosidad y una falta de compromiso gigante con la historia. Por momentos hasta pareciera un film de propaganda sobre la primera ministra y el Partido Conservador del Reino Unido que gobernó desde 1979 hasta 1990. Aún peor es encontrar que en La Dama de Hierro se nos califica como matones e invasores a nuestras propias islas, algo totalmente carente de sentido común. Pero lo peor es que si dejamos de lado lo reaccionaria que puede ser para nosotros esta película y lo positiva que es con la protagonista, tampoco encontraremos algún elemento cinematográfico interesante ajeno a la excelente interpretación de Meryl Streep que salve el catastrófico resultado de esta cinta.

A lo largo de sus casi dos horas La Dama de Hierro no realiza una sola lectura negativa de la vida de Thatcher e incluso todas las palabras (redactadas por el guión de Abi Morgan) que se desprenden de la ex mandataria son discursos efectistas que solo buscan encumbrar aún más la figura de una persona que posee muchos grises y negros en su historia, y no solo blancos como nos quiere vender Lloyd. La única controversia que representa el film es cuando Thatcher deja atrás a sus hijos (la película lo muestra literalmente cuando ella se va con su auto y sus dos pequeños la persiguen) para ir a hacerse cargo de un Reino Unido en plena crisis, que en definitiva termina siendo polémico a medias tintas cuando analizamos que ella "dejó a su familia" por su país. Sin dudas hubiera sido mucho más atractivo, como hizo Clint Eastwood en J. Edgar, contar los hechos negativos y positivos y que cada una de las personas que asistiera a verla saque sus propias conclusiones de la figura expuesta.

Meryl Streep es una de las más grandes actrices de todos los tiempos y aquí, junto a Jim Broadbent, son lo mejor que tiene esta obra, aunque lamentablemente no llegan a salvarle el pellejo a la película propagandista a cargo de Lloyd.



La Dama de Hierro es una película de patética propaganda hacía su protagonista que solo merece un poco de atención por encontrar nuevamente a Meryl Streep en otra gran actuación.

Lazos de sangre

David Fincher ha vuelto a nuestras carteleras luego de la brillante Red Social, adaptando el bestseller escrito por Stieg Larsson titulado Los Hombres que no Amaban a las Mujeres y cuyo título de estreno para el film en nuestro país es La Chica del Dragón Tatuado.

Esta película nos contará la investigación que llevan adelante la curiosa pareja conformada por el periodista Mikael Blomkvist y la excéntrica "detective" Lisbeth Salander. Juntos deben ir investigando los lazos de sangre de una familia para descubrir quien fue el asesino de una de sus integrantes hace aproximadamente 40 años.

Fincher vuelve a entrometer su distinguida narración y su acelerado montaje en una obra que posee casi dos horas y media de duración y la provee de un ritmo vertiginoso que, gracias a la implementación de esos recursos, logra que no se haga larga en absolutamente ningún momento a pesar de su metraje "poco común para una película mainstream".

Uno no puede achacarle a La Chica del Dragón Tatuado que el libro no se encuentra presente, más allá de ciertas licencias e intromisiones que siempre existen en las adaptaciones, como así tampoco podrá negar que la firma de David Fincher se encuentra presente, ya sea en su narración o en la oscuridad y crudeza con la que filma ciertas cuestiones, como por ejemplo la violación a Lisbeth o la posterior venganza de ella. Resalto esto porque no es habitual que se respete el material escogido y que se siga manteniendo la firma de un reputado realizador, sin anteponer ambos intereses por encima uno del otro. Para resumir me resulta tremendamente atractivo como Fincher logra plasmar en La Chica del Dragón Tatuado el estético montaje, el paralelismo entre las historias y la excelente implementación del flashback de Red Social, con la crudeza de Pecados Capitales y la oscuridad narrativa como se ve en el gran film noir Zodiaco, sin dejar de lado considerablemente la adaptación de la novela.

Las actuaciones del excelente elenco secundario compuesto por Christopher Plummer, Stellan Skarsgård, Steven Berkoff y Robin Wright, se encuentran a la altura de lo que necesitaba la película. Pero por otra parte tenemos a una Rooney Mara que la descose llevando adelante el papel de Lisbeth Salander en una interpretación heroica cargada de misterio, oscuridad, sensualidad y violencia que no hace más que encumbrar a esta joven y hermosa actriz de 26 años en el mejor papel de su carrera. Mientras que por otra parte tenemos a un Daniel Craig que funciona como perfecto acompañante de la perturbadora protagonista, y hasta incluso en los momentos donde el film recae sobre él, lo sortea con soltura y frialdad.

Párrafo aparte merece nuevamente la gran intervención musical de Trent Reznor, que nuevamente vuelve a elevar cada escena donde las deliciosas, turbulentas y lúgubres melodías arremeten en nuestros oídos.


La Chica del Dragón Tatuado viene a nuestras carteleras para demostrarnos que David Fincher sigue por el buen camino respetando tanto su firma como la interesante novela.

Quiero robar a mi jefe

Ben Stiller, Eddie Murphy y Casey Affleck encabezan la buena comedia dirigida por Brett Ratner (X-Men: La Batalla Final) que logra explotar al máximo las bondades que representaban a priori su gran reparto y su graciosa historia.

Robo en las Alturas nos contará cómo un grupo de empleados de un lujoso y seguro edificio, comandados por su encargado, deciden robarle a su adinerado jefe la plata proveniente de su fondo de jubilación, luego de que éste los haya estafado.

En un plan similar al de la regular comedia Quiero Matar a mi Jefe, estrenada el año pasado, Robo en las Alturas aprovecha a pleno las humoradas que se generan cuando unos seres comunes y silvestres (como podría ser cualquiera de nosotros) decide robar un pomposo penthouse equipado con la mejor tecnología en seguridad. Es allí donde Ratner consigue sacarle todo el jugo a la trama, utilizando originales gags y chistes en el planeamiento del robo y en la ejecución del mismo que terminan levantando una obra que sorprende por sus buenos momentos cómicos (si, ya sé que es una comedia, pero no esperaba que sea tan divertida) y también por dedicarle buena parte de su metraje al planeamiento y desarrollo del golpe maestro, algo que en definitiva la convierte en una especie de mezcla entre la mencionada y desaprovechada comedia Quiero Matar a mi Jefe y La Gran Estafa.

Si bien el Ben Stiller que más me gusta es el irónico y ácido de Zoolander o Una Guerra de Película, en Robo en las Alturas se lo puede ver en muy buena forma representando a un responsable y, fundamentalmente, creíble Josh Kovacs, alejándose de sus caricaturezcas caracterizaciones de Los Fockers y acercándose más a lo que necesitaba su personaje. Por otro lado tenemos el regreso, también en muy buena forma, de Eddie Murphy que vendría a ser el encargado de contrastar la graciosa seriedad de Stiller, con una labor contenida y llena de buenos momentos. Completando el elenco tenemos a Matthew Broderick, Casey Affleck, Alan Alda, Gabourey Sidibe y Michael Peña, donde todos cumplen a la perfección con sus roles y con lo que demandaba la trama, aunque son Peña y Affleck los encargados de llevarse los mejores momentos de la cinta.



Robo en las Alturas resultó ser una muy buena propuesta por exprimir a más no poder su historia y su gran elenco, sin dejar en ningún momento de lado a la comedia.

A comienzos del 2010 llegaba a nuestras carteleras Sherlock Holmes, la primera adaptación del famoso detective a cargo de Guy Ritchie que si bien no representaba una obra maestra ni mucho menos, era una película entretenida que abría una interesante puerta hacía las próximas secuelas que iban a llegar. Dos años más tarde llega Sherlock Holmes: Juego de Sombras con la única promesa de aprovechar esa brecha y mejorar lo hecho anteriormente. ¿La cumple? No, y a lo largo de esta crítica intentaré contarles el por qué.

Sherlock Holmes: Juego de Sombras nos va a contar las nuevas aventuras del querido detective, que ahora debe evitar que el malvado y brillante Profesor Moriarty desate una terrible guerra entre varias naciones europeas.

Hay películas a las que el paso del tiempo las agranda y también hay otras a las que el mismo efecto las empequeñece. El caso de la primera Sherlock Holmes es el segundo, ya que el paso de los meses hace que uno no la recuerde con mucho entusiasmo, algo que ocurre con este segundo film también. Es como si a uno al salir de ver Sherlock Holmes: Juego de Sombras le costara encontrarle puntos a resaltar, ajenos a los que fueron los principales motores de la primera parte. Es decir, esta segunda entrega mantiene la gran química entre Robert Downey Jr. y Jude Law y también continúa, y hasta incluso eleva, la idea de "desacartonar" y adaptar a estos tiempos al locuaz investigador, pero no mucho más que eso. Se encuentran las inclusiones de Jared Harris, Noomi Rapace y Stephen Fry, donde el actor conocido por su labor en Mad Men aprovecha a medias la oportunidad de llevar adelante el papel del Profesor Moriarty y donde la intérprete nacida en Suecia no presenta en ningún momento alguna justificación ajena a que puede ser una posible pareja para el solitario detective en las futuras secuelas, mientras que es Fry el más destacable intérprete secundario, encarnando al hermano de Holmes.

Dejando lo mencionado arriba de lado hay buenos momentos de humor a cargo de Downey Jr. (que vuelve a comerse la película), los clásicos juegos de observación y deducción y escenas de acción espectaculares que suben de muy buena manera la propuesta visual a lo que fue la primera parte. Un claro ejemplo de esto es la brutal y espectacular secuencia de escape en el bosque, donde Ritchie saca a relucir toda la artillería estética que lo ha lanzado a la fama en el pasado.



Sherlock Holmes: Juego de Sombras lamentablemente no presenta demasiadas ideas para lograr superar a la anterior entrega, aunque no por eso deja de ser un film entretenido digno de ser visto por aquellos que disfrutaron la primera edición.

Tintín y los cazadores del tesoro perdido

A tres años de Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal y con más de dos docenas de largometrajes en su filmografía, Steven Spielberg debuta en el sistema de motion capture para traer nuevamente a la pantalla grande al querido Tintín.

Como su nombre lo indica, Las Aventuras de Tintín nos contará cómo el sagaz periodista debe descubrir el misterio que encierra la maqueta del barco Unicornio. Lamentablemente, en la misión que lleva adelante el jopudo dueño de Milú se cruzará con el malvado Sakharine que casualmente busca lo mismo que él.

A diferencia de lo que fueron El Expreso Polar o Beowulf (ambas dirigidas por el gran Robert Zemeckis) que de alguna manera buscaban emular y reemplazar el realismo que impregnan los actores por medio de la captura de movimiento, Las Aventuras de Tintín utiliza ese recurso y lo introduce en una obra con estética comic, dejando de lado el realismo para aprovechar las bondades de la inverosímil exageración. El motion capture tiene contras, como la poca conexión con algunos personajes debido a la falta de expresión existente, pero presenta como grandes bondades el poco límite en la creación y el extremo aprovechamiento del escenario. Un claro ejemplo de esto es la espectacularmente exagerada secuencia de escape de Marruecos, donde sin dudas hubiera sido imposible hacer semejante escena en un contexto "real".

Steven Spielberg vuelve a demostrar que cada película es una clase de narración. Tranquilamente a la mayoría de las obras de este maestro podríamos seguirla sin diálogos y aún así comprenderíamos perfectamente el hilo principal de la trama y justamente Las Aventuras de Tintín no representa una mancha en su filmografía en ese y en ningún otro aspecto. También hay que destacar que el realizador de Munich rescata la esencia del personaje creado por Hergé y lo trae a la gran pantalla en un muy buen film de aventuras, que no abundan por nuestras carteleras actuales.

En el rubro "actuación" hay que destacar nuevamente la brillante labor de Andy Serkis en el papel de Captain Haddock y la de Jaime Bell como el bueno de Tintín, mientras que Nick Frost y Simon Pegg aportan humor con sus apariciones como Thomson y Thompson.



Las Aventuras de Tintín son justamente, aventuras, pero a lo grande. ¿Como solo Steven Spielberg podría haberlas contado? Seguramente, aunque para afirmar eso completamente deberemos esperar la segunda parte que llegará en el futuro dirigida por Peter Jackson.

Debutando en la dirección fuera de la animación, Brad Bird entrega la mejor película de la saga Misión: Imposible.

En esta ocasión Ethan Hunt y su equipo deberán salvar su buen nombre luego de quedar implicados en un atentado al Kremlin que podría alterar la paz mundial, y de paso también evitar que una bomba atómica impacte contra los Estados Unidos.

En 1996 Brian de Palma dio el puntapié inicial abriendo la saga en muy buena forma, donde el realismo y la tensión eran los pilares fundamentales de la cinta. Cuatro años más tarde, fue el gran John Woo el encargado de agregar espectacularidad, dejando totalmente de lado el verosímil impuesto por el realizador de Vestida para Matar. Ya en 2006 Misión: Imposible III significó el debut cinematográfico de J.J. Abrams que supo mezclar el realismo y la espectacularidad de las dos entregas anteriores, conformando la mejor (hasta ahora) edición de la buena franquicia. Ahora es Brad Bird el encargado de superar la tercera parte, manteniendo el gran trabajo hecho por Abrams pero sumándole una renovada visión que se manifiesta principalmente en la gran dosis de humor que posee, superando todo lo hecho anteriormente en la saga protagonizada por el agente Ethan Hunt.

Más allá de no presentar una historia original y creíble, Misión: Imposible – Protocolo Fantasma toma la trama como una especie de hermosa "coartada" para justificar los viajes hacía hermosas ciudades (Moscú, Dubai y Bombay, solo por mencionar algunas) y las creativas y rimbombantes escenas de acción, que terminan elevando aún más lo hecho en materia visual en el pasado dentro de esta franquicia. A lo largo de sus más de dos horas, que no otorgan ningún respiro en su vertiginoso ritmo narrativo, encontraremos a los protagonistas principales peleando con veloces coreografías donde los puños, patadas y golpes impactan en nuestro cuerpo, persecuciones increíbles en una tormenta de arena y destacando por último la gran secuencia donde el inoxidable Ethan Hunt escala el edificio más alto del mundo en Malasya.

A Tom Cruise se le cree cualquier cosa, desde que vuele de un helicóptero hacía un tren impulsado por una explosión, pasando por hacer una "willy" (¡¡y girando a la vez!!) con la rueda delantera de una moto para aniquilar al malvado de turno, para luego finalizar en la trepada hacía la sala de servidores en un edificio de 130 pisos vidriado. Repasando a groso modo, todo eso y bastante más ha hecho el subvalorado Cruise en esta saga con excelentes resultados y la cuarta parte no es la excepción.

Acompañando al actor de Encuentro Explosivo encontraremos en muy buena forma a Jeremy Renner (será el encargado de continuar la saga en el futuro), a la sensual y lapidaria Paula Patton, al malvado Michael Nyqvist y también a Simon Pegg, que obviamente vendría a ser el encargado de aportar los momentos más cómicos del film, pero sin caer en la caricaturización de su personaje.


Misión: Imposible – Protocolo Fantasma representa la mejor entrega de una saga por la renovada visión de Brad Bird y la inoxidable labor de Tom Cruise como protagonista principal.

En continuación con las muy buenas comedias que llegaron el año pasado, 50/50 viene a demostrar que este 2012 puede seguir por el mismo camino.

Adam es un joven de unos 27 años que se desempeña como productor en una radio y que ve como su sana vida se trastoca cuando se le detecta un tumor maligno en la columna. Lamentablemente para él el pronóstico no es alentador, ya que tiene las mismas probabilidades de curarse como de morir a causa del raro cáncer que tiene. Allí comienza un largo viaje hacía la recuperación, que incluirá quimioterapia, decepciones amorosas, amistades inquebrantables y distintas experiencias que lo harán sobrellevar de mejor y peor manera su terrible y devastadora enfermedad.

La premisa de 50/50 era bastante arriesgada, porque no era sencillo contar la historia (en tono de comedia dramática) de un muchacho con un mortal y extraño cáncer, sin caer en golpes bajos o banalizando la enfermedad. Aquí Jonathan Levine se encarga de mostrarnos la peligrosidad del cáncer y la cercanía a la muerte del protagonista, pero sin dejar de lado el humor que posee la película contra la enfermedad e inclusive hasta dejando un mensaje hermosamente superador y esperanzador sobre cómo afrontar un padecimiento así. Hay una escena que ejemplifica perfectamente el tono del film y es cuando Adam decide cortarse su pelo para no tener que perderlo en las sesiones de quimioterapia. Esa escena podría haber sido narrada como un ritual terriblemente tortuoso y duro, mientras que en 50/50 fue contada con una total naturalidad y simpleza cómica que termina teniendo un resultado altamente gracioso. Incluso tiene momentos dramáticos muy potentes, logrados, conmovedores y honestos que jamás traicionan la tonalidad bienintencionada de la obra cayendo en el accesible sentimentalismo forzado y barato.

Por otra parte, además de la gran labor narrativa de Levine, Joseph Gordon-Levitt sigue demostrando que es un actor con mucha actualidad y con más futuro. En muchos momentos 50/50 se acomoda totalmente en su figura dejándose estar sobre sus hombros el peso cómico y dramático del film, algo que el actor de la esperada The Dark Knight Rises sortea con soltura y naturalidad. También tenemos como acompañantes en distintos momentos a un gracioso Seth Rogen, haciendo nuevamente de Seth Rogen, a una inspirada Anna Kendrick que demuestra que la comedia le cae perfecto y a la madura Anjelica Huston que se luce en cada aparición.



Por su naturalidad, gracia y su honestidad sentimental 50/50 es un gran estreno que levanta la vara para las comedias que vayan llegando a lo largo de este año que recién comienza.

La vuelta de Cameron Crowe no es una buena noticia per se, pero que el realizador de la excelente Casi Famosos esté de regreso con una gran propuesta, como lo es Un Zoológico en Casa, si es una novedad que merece ser destacada. Luego de la vapuleada en exceso Todo Sucede en Elizabethtown, Crowe decidió tomarse un descanso para volver con esta gran historia que en manos de otro realizador hubiera sido un fiasco infumable.

Luego de enviudar, Benjamin Mee decide dar un vuelco drástico en su vida, que realmente no va para ningún lado, comprando una casa que queda en medio de un zoológico abandonado con el objetivo de reconstruirlo y así poder recomponer nuevamente su existencia y la deteriorada relación que tiene con su hijo mayor adolescente.

Cameron Crowe tiene una tremenda facilidad para hacerte vivir sus películas y Un Zoológico en Casa no es la excepción. El dolor por la pérdida de su esposa, la tirante relación con su hijo, la dificultad de afrontar un nuevo amor, la hermosa relación con su hija y la inseguridad que genera arriesgar todo en una jugada, son todas las sensaciones que experimentaremos al conectarnos con este film. Más allá de ser una historia real no era sencillo imprimir credibilidad a esta apuesta, aunque justamente la especialidad de Cameron es vender historias palpables y reales, donde uno termina creyendo que todo es posible si uno se lo propone con verdadera convicción. A tal punto llega el compromiso con el film que uno termina creyendo que con 20 segundos de loca valentía se puede hacer lo que uno quiera.

Para que comprendamos un poco al enfoque que Crowe le da al personaje principal, es como si Jerry Maguire hubiera enviudado de Dorothy Boyd y decidiera comenzar de nuevo con su vida. La esencia de ambos personajes es la misma, "dale pa' adelante y no te rindas ante nada". Esto lo digo porque el mensaje que transmite el realizador de Casi Famosos es el de la superación personal ante todas las piedras que podamos encontrar en el camino hacía la realización propia. Jerry tiene que transitar muchos obstaculos para lograr la felicidad, al igual que Benjamin, salvando la diferencia que el primero es empujado a esa realidad, mientras que el segundo decide meterse en ese lindo quilombo por su cuenta buscando un profundo cambio que lo conecte nuevamente con lo mejor de si.

Siguiendo con los parecidos con Jerry Maguire, Crowe nos cuenta con total simpleza, naturalidad y realismo el inicio/desarrollo/concreción de una historia de amor. Nadie en su sano juicio puede dudar que el amor que sienten Jerry y Dorothy "es real", como tampoco podrán negar la pasión que existe entre Benjamin y Kelly. Incluso hay intercambios de miradas que tienen mucha similitud con la pareja protagónica que inmortalizaron Tom Cruise y Renée Zellweger.

Matt Damon sigue demostrando que es un actor sensacional, donde su versatilidad es su don más preciado. A priori tenía mis dudas con la elección de Scarlett Johansson como compañera del actor de Bourne, debido a como viene repitiendo su papel de "sexy ingenua" que por suerte acá deja de lado para interpretar a una mujer hecha y derecha que no teme en besar al hombre del cual está profundamente enamorada. Por último quería mencionar la gran labor del elenco secundario donde se destaca la sonriente Elle Fanning, y el "emo dark" llevado adelante por Patrick Fugit, además de la hermosa y tierna interpretación de Maggie Elizabeth Jones.



Un Zoológico en Casa representa una gran vuelta de el querido Cameron Crowe, que se mete a último momento entre las Mejores Películas del 2011. Gracias Cameron por esta vuelta, por acá se te extrañó bastante.

A casi dos meses de su lanzamiento en los Estados Unidos, Columbia lanza una curva y estrena El Juego de la Fortuna, film supuestamente que se ingresa dentro del género deportivo pero que claramente se desmarca de los rótulos por no tener las típicas convenciones de esas películas, como las charlas emotivas antes del gran encuentro para penetrar en las fibras de los deportistas y los espectadors y los finales dramáticos e inolvidables cargados de esa adrenalínica tensión, solo por mencionar algunas.

El Juego de la Fortuna nos contará la historia real de Billy Beane, manager del modesto equipo de beisbol Oakland A's que luego de una mala temporada decide virar por completo su estrategia de contratación de jugadores al conocer al análitico e inteligente Peter Brand.

Es interesante destacar como en El Juego de la Fortuna se logra conformar un gran entreteniemiento por medio de un deporte que nos es totalmente indiferente a nosotros y cuyas reglas son totalmente desconocidas para la mayoría de las personas que asistan a verla. Esto fenómeno se da porque Bennett Miller se centró totalmente en el desarrollo "de la apuesta" de Beane, que en las reglas o en los momentos emotivos y dramáticos que pueden llegar a tener un evento deportivo perteneciente a cualquier disciplina. También, y sin dudas el principal motoro de la obra, es que el rol protagónico sea interpretado por Brad Pitt, donde el actor de Bastardos sin Gloria saca a relucir todo su carisma y versatilidad para demostrar una vez más que es un brillante y confiable interprete.

Al igual que en Red Social, El Juego de la Fortuna es escrita por Aaron Sorkin (en conjunto con Steven Zaillian) y es digno de analizar las similitudes que presentan ambos films, más allá de la velocidad a la que transcurren sus palabras. Red Social es "la película de Facebbok" aunque en realidad eso es la cascara, ya que el film de David Fincher representa mucho más que ese simplke rótulo simplista. El Juego de la Fortuna también cuenta con una mascara de ser "una película de deportes" algo que dista demasiado de lo que representa. en cierto punto y por momentos me hizo recordar a la brillante obra maestra de Cameron Crowe llamada Jerry Maguire, donde lo importante de la obra es la evolución de Jerry y los demás protagonistas y no los logros deportivos que se puedan conseguir. Ambos films se alejan de los prejuzgamientos con virtudes por centrar su fortaleza en el desarrollo de los personajes y sus relaciones, en vez de priorizar y contar solamente la premisa con la que parte de un comienzo. Es decir ambas obras tienen que mostrarnos el fenómeno del cambio, ya sea del mundo de internet o de un deporte, pero no se quedan en comentar solamente ese suceso, sino que se encargan de enriquecer la narrativa de acontecimiento con detalles que atañen a la historia y a los personajes principales, algo que la enaltece y la desmarca del resto de las propuestas que funcionan como mera descripción de un determinado hecho.



El Juego de la Fortuna no es simplemente una "película de deportes", hasta incluso quizá no lo sea, por las excelentes elecciones narrativas de su realizador y sus guiónistas y por la notable actuación de Brad Pitt.

Por ti baby, sería Batman...

No la tenía fácil Dreamworks. No, no me refiero a los dólares que podía recaudar con El Gato con Botas, sino que hago referencia a que el estudio de animación y demás yerbas fundado por Spielberg y sus aliados no tenía una tarea sencilla al realizar el spin-off sobre el querido personaje de ojos llorosos que aparece en la gran pantalla en la segunda Shrek, debido a que el Gato con Botas fue uno de los principales aciertos e incluso fue el encargado de potenciar y elevar la franquicia que finalizó el año pasado.

El argumento de El Gato Con Botas sin demasiadas vueltas nos contará cómo el astuto felino, un huevo amigo para luego ser enemigo y una sensual y habilidosa gata se embarcan en la búsqueda de unos frijoles mágicos que los lleven a encontrar a la gallina de los huevos de oro.

Es bueno aclarar que la historia de este spin-off parte desde antes que el Gato conociera a Shrek.

Más allá de no ser el estreno de animación del año, El Gato con Botas presenta como mayor virtud la buena apertura de un personaje separado de una exitosa y recordada saga, además, también, de entregarnos a quien será la encargada de conquistar y "domar" el revoltoso corazón del felino naranja. También es bueno mencionar que la película muestra un aprovechamiento magistral del 3D, por medio de las escenas de acción y aventuras que se desarrollan a lo largo de sus 90 minutos.

Lamentablemente El Gato con Botas no consigue destacarse en demasía por no escurrir al máximo el potencial de un personaje que tiene mucho para aportar a la gran pantalla, aunque suene contradictorio hay que subrayar que en muchos pasajes del film banca muy solo la parada. Por momentos Kitty Patitas Suaves logra conformar una buena pareja junto al mínino protagonista, pero por desgracia las intervenciones de Humpty Dumpty carecen de gracia, al igual que los supuestamente malvados Jack y Jill.

No quería despedirme de estas líneas sin destacar el gran laburo que viene haciendo Antonion Banderas poniendo la voz a este personaje, aunque también me gustaría dejar en claro que es imposible imaginar al Gato con Botas con otro sonido saliendo de su boca, ya que Antonio también le ha aportado el alma al espadachín gatuno.



El Gato con Botas llegó ronroneando para quedarse con un buen producto, que si bien no llega a exprimir al querido felino, cumple con la premisa de entretener y presentar a algunos personajes que nos acompañarán en las próximas entregas de esta saga que se acaba de iniciar.

Una nueva comedia protagonizada por Sarah Jessica Parker ha llegado a nuestras carteleras, que también se podría resumir diciendo que un nuevo bodrio aparcó en nuestros cines para aburrirnos escandalosamente. Por unos segundos dudé y pensé que quizás estaba exagerando, pero al repasar las últimas cintas que llegaron de la actriz totalmente carente de expresión debido al botox que tiene en la cara encontré las dos Sex and the City, Soltero en Casa y la horrible ¿Y... Dónde Están los Morgan?, dándome cuenta que mi ¿aventurada? afirmación era totalmente precisa. Ahora, ¿Cómo lo Hace?...¿Sigue por el mismo camino? La respuesta es tan efectiva como lamentable: si.

¿Cómo lo Hace? nos va a contar, en versión light y carente de profundidad alguna, el trajín de tareas que debe llevar adelante una madre de familia con dos hijos que viaja en cantidades considerables a la semana por cuestiones laborales. El día de Kate se divide en realizar las actividades que toda madre debe realizar y además ocuparse de su esclavizante puesto de trabajo, generando que esas ocupaciones en muchas ocasiones no sean compatibles.

La premisa no era desalentadora, ya que poder ver desde la óptica femenina los problemas que causa la ausencia de la figura materna en la casa era sin dudas un punto de partida, al menos, interesante. El problema de ¿Cómo lo Hace? no es la trama, sino que los graves inconvenientes radican en el rol abusivo protagónico que recae en la inexpresiva Jessica Parker y en el intento de profundizar una crítica light y timorata sobre la mirada de la sociedad hacía esas madres que dedican igual tiempo al trabajo que a la casa. Incluso también falla narrativamente al recurrir a los videos con declaraciones de los protagonistas sobre la protagonista (que encima nunca son aclarados en qué contexto se tomaron, quedando totalmente descolgados de la narración) por tornarse tremendamente repetitivos e innecesariamente explicativos con las secuencias que se van sucediendo.

Lamentablemente o no, dependiendo de los gustos de cada uno, las operaciones y el botox han arruinado a Sarah Jessica Parker, ya que su cara no transmite una sola sensación a lo largo de sus actuaciones desde hace ya algunos años y si encima encontramos que el film se encuentra girando totalmente a su alrededor es de esperar que ¿Cómo lo Hace? termine siendo una película totalmente olvidable. Greg Kinnear y Christina Hendricks se encuentran totalmente desaprovechados, mientras que a Pierce Brosnan lo veremos haciendo su clásico papel de galán. De hecho los momentos donde Kinnear irrumpe son los más pasables de esta comedia que posee un insuficiente puñado de chistes bien logrados en sus 89 minutos.



En un año plagado de buenas comedias ¿Cómo lo Hace? llegó para bajar drásticamente el promedio final y para recordarnos que cuando Sarah Jessica Parker se encuentra en cartelera, conviene mejor disfrutar en casa de algún hermoso clásico como His Girl Friday, que justamente es citada en el transcurso de este film.

Nicolas Cage vuelve a nuestras pantallas por tercera vez esta temporada con Fuera de la Ley, ahora de la mano de Roger Donaldson, realizador de The Bank Job.

Fuera de la Ley se centrará en la intensa búsqueda de justicia que debe realizar el ciudadano ejemplar Will Gerard para limpiar su buen nombre, luego de que quedar incriminado en un asesinato por una organización que se dedica a "mantener el orden" en New Orleans y cuyos integrantes fueron los encargadosde ultimar al violador de su esposa.

Más allá de que en sus avances prometía ser un film con mucha más acción de la que tiene, Fuera de la Ley es una buena propuesta dentro de ese sub género de ciudadanos comunes que deben limpiar su nombre por conspiraciones que los inculpan, aunque me parece interesante destacar la buena elección del director en partir desde la premisa de una película encasillada en "crimen y venganza" para rápidamente dejarla de lado y desarrollar la mencionada trama de "falso culpable" haciendo de la obra una propuesta más atractiva.

Lo más destacable de este thriller que muestra a Nicolas Cage en muy buena forma, es que Donaldson no desarrolla al personaje de Gerard convirtiéndose en una especie de súper hombre, sino que se dedica a mostrarnos al protagonista en una búsqueda desesperada por limpiar su nombre pero sin caer en elucubraciones brillantes o ataques cuerpo a cuerpo que harían perder por completo el tono equilibrado de la película.

Por otra parte tenemos a la hermosa January Jones desempolvando su encantadora risita y al inglés Guy Pearce desenvolviéndose con una soltura y una frialdad excelentes, totalmente acorde con lo que necesitaba su villana caracterización.



Fuera de la Ley no será recordada como uno de los estrenos del año, pero no por eso deja de ser un respetable y efectivo thriller en una cartelera cargada de vampiros.

La segunda parte de Happy Feet, secuela de la ganadora del Oscar a Mejor Película de Animación en el 2007 llegó a nuestras carteleras con la intención de destacarse entre los films animados infantiles como en su momento lo logró su predecesora y por lo menos entre las que ha visto este servidor, lo consigue y con creces convirtiéndose en una de las mejores propuestas del año dentro de ese rubro.

Happy Feet 2 básicamente nos va a contar los problemas paternos que tiene Mumble con su pequeño hijo y como debe superarlos para alcanzar una mejor relación con Erik. Cuando la población de su helada tierra se ve en peligro por el encierro provocado por un inoportuno iceberg, Mumble deberá conseguir ayuda para poder salvar a los pingüinos encerrados. Conseguir este objetivo hará que también su hijo vuelva a creer en él.

Realmente Happy Feet 2 tiene todo lo que un film de animación infantil necesita, personajes adorables, versiones de canciones clásicas a la altura de su leyenda, coreografías espectaculares, ternura, diversión, humor, amistad, honestidad, emoción, fidelidad y todos los ingredientes que se requieren para entretener y agrandar la sencillez de su historia.

La única mancha que tiene el film es la excesiva solemnidad del comienzo, donde los diálogos se encuentran totalmente cargados de palabras superadoras, emotivas y llenas de enseñanzas que terminan provocando cierto aburrimiento, aunque luego con el pasar de los minutos las ideas se van acomodando sin que el buen resultado del film se vea trastocado.

Por último quería destacar la gran secuencia final con la excelente versión de Under Pressure de Queen, a cargo de Mumble, Gloria y todas las especies encargadas de salvar a los pingüinos encerrados.



Los niños están para buenas. Happy Feet 2 representa una opción más que entretenida para poder disfrutar junto a ellos en este fin de año que se avecina con interesantes propuestas infantiles.

Y si amanece por fin...

Vamos a hacer un poco de memoria. En el 2008 llegó a nuestras carteleras, dirigida por Catherine Hardwicke, Crepúsculo, que vendría a ser la primer entrega de una de las sagas cinematográficas más exitosas de los últimos años. Solo un año más tarde se hizo presente Luna Nueva, pero esta vez dirigida por Chris Weitz, mientras que en el 2010 desembarcó Eclipse (realizada por David Slade), para ahora darle lugar nuevamente una temporada más tarde a la primera parte de Amanecer, que estuvo a cargo de Bill Condon.

En un esfuerzo casi sobre humano vi las cuatro ediciones de la saga Twilight en solo 5 días y es mi deber asegurar sin ningún prurito que Amanecer es por mucho la mejor entrega de la franquicia, que ha venido de menor a mayor, aunque hay que destacar que de las cuatro partes es una buena película solo la que ha llegado a nuestros cines el último jueves.

Amanecer retomará la historia desde donde la dejó Eclipse y nos mostrará el ¿esperado? casamiento entre Bella y Edward, para luego dar paso a la soñada luna de miel donde los tortolitos harán, ¡por fin!, el amor. Pero como no todo es color de rosa y menos en esta novela teen, Bella inmediatamente quedará embarazada de una criatura que supuestamente cambiará el rumbo de la humanidad y que también destruirá el tratado entre los Cullen y los lobos desatando una feroz pelea entre los chupasangre (de animales, porque son re buenos) y los hombres lobos. Unos defendiendo al enigmático bebé superpoderoso y otros intentando justamente todo lo contrario, destruirlo.

A esta altura cualquiera que vaya a ver una película perteneciente a la saga que comenzó en el 2008 sabe que asiste a ver un film cargado de histeria (tanto afuera como adentro de la cinta), timorato y conservador, solemne hasta la médula y abarrotado de molestos clichés. Por ende, me parece más interesante resaltar los aspectos que hacen de Amanecer una buena película más allá de poseer algunos defectos en menor y otros en mayor medida, que conviertieron a Crepúsculo, Luna Nueva y Eclipse en películas que van de malas a mediocres.

Amanecer es mejor película que las anteriores básicamente porque Bill Condon logró pulir con una estética superior y hasta atrapante a las escenas dramáticas y de acción, ya que la creación de los climax siempre fue de lo más deficiente en la franquicia, incluso más allá de las inexpresivas o sobreactuadas interpretaciones de las primeras dos entregas. Un fiel ejemplo de lo mencionado es la larga secuencia del parto de Bella, donde la tensión, la crudeza y el suspenso son llevados de manera excelente por Condon. También encontraremos como punto alto para la defensa una narración cinematográfica menos forzada e impostada, que se encarga de llamar a las secuencias importantes en los momentos adecuados, logrando una interesante cohesión que jamás se hizo presente en los otros films.

Robertito Pattinson y Taylor Launter no son buenos actores, o por lo menos no han podido demostrarlo hasta ahora, pero desde Crepúsculo hasta Amanecer hay un cambio notorio en ambos, consiguiendo evolucionar junto a sus papeles a tal punto que en esta primera parte a Pattinson comienzan a entendérsele los gestos y Launter finalmente comienza a tenerlos. Inclusive hasta tienen momentos dotados por algo muy interesante, el carisma.

En cambio Kristen Stewart sigue demostrando que tiene pasta y representa nuevamente a la perfección a Bella, aunque con el paso de las ediciones el abuso de ciertos gestos y caras se torna algo tan insoportable como el histeriqueo que realizó con los personajes de Edward y Jacob en las tres ediciones anteriores.



Con varias mejorías Amanecer se convierte en la obra más rescatable de la saga Twilight, dejando abierta la puerta para una segunda parte que seguramente cerrará dignamente la adaptación que por suerte va de menor a mayor.

El malo de los Anderson, es decir que no estamos hablando ni de Paul Thomas ni de Wes, se encaprichó con llevar a la gran pantalla una nueva adaptación del clásico literario escrito por Alejandro Dumas titulado Los Tres Mosqueteros y el resultado es una endeble y mala película que hace agua por todos lados.

Si bien todos conocemos la historia de Los Tres Mosqueteros, en esta adaptación nos contarán como el joven, inexperto y duvitativo rey Luis XIII es manipulado por el Cardenal Richelieu para lograr hacerlo caer del trono y así convertirse en el próximo gobernante de Francia. Para esto el ¿temeroso? Cardenal cuenta como aliada con una inexcrupulosa espía que trabaja para ambos lados para así desatar una guerra contra la Inglaterra del Duque de Buckingham. Athos, Aramis y Porthos, más el joven D'Artagnan, serán los encargados de frenar la conspiración y así devolverle la paz a su querido reino.

Todos sabemos que si Paul W. S. Anderson se encuentra detrás de las cámaras tendremos acción vacía, fuera de contexto y grotesca asegurada, aunque realmente no pensé que Los Tres Mosqueteros se me iba a hacer tan difícil de asimilar.

¿Se puede adaptar un clásico literario como la novela de Alejandro Dumas para convertirlo en una película de videojuegos con acción futurista a lo Matrix "de época"? No tengo una respuesta, ya sea afirmativa o negativa, debido a que en el cine es muy complejo marcar límites, aunque lo que si puedo asegurar es que esa supuesta fusión en Los Tres Mosqueteros no funciona en absoluto. Básicamente porque Anderson no supo narrar una historia sencilla, sin demasiadas vueltas, tratando de partir desde una básica pero sólida plataforma que le de una mínima relación para así poder desplegar sus conocidos artefactos pirotécnicos en materia de acción. Esto se da porque a lo largo de sus 110 minutos no se discriminan, ni se priorizan las escenas de acción, que de por si merecen un resaltado importante, para allí implementar espectaculares coreografías, ralenti y demás recursos, y así no agotar todas las balas en escenas que no valen la pena o incluso para no abusar totalmente de estos recursos y así terminar demostrando unas secuencias de luchas totalmente insufriblemente repetitivas. También Los Tres Mosqueteros falla en la implementación estética de las escenas futuristas de acción que no pegan en absoluto con la solemnidad que poseen todos sus diálogos.

Más allá de lo grotescas e insoportables que resultan las largas luchas, Anderson no se encarga de crear y desarrollar un solo personaje que logre generar algo de empatía y que se encuentre lejos del típico estereotipo del querido género de aventuras. Hay momentos donde es increíble ver a actores de buenas actuaciones para este tipo de films como Ray Stevenson o Milla Jovovich totalmente desdibujados y hasta sobreactuando gestos como si buscaran desesperadamente generar alguna sensación en el espectador.

En toda película de aventuras debe haber villanos que estén a la altura, sino la tensión y el peligro que se necesita es imposible que sean transmitidos. Tanto la versión gay del Duque de Buckingham a cargo de Orlando Bloom, como la caracterización desaprovechada y edulcorada del Cardenal Richelieu en manos del genial Christoph Waltz o la ya nombrada patética labor de Jovovich como Milady de Winter no logran producir un mísero centésimo de temor para conseguir que la historia pueda sostenerse sobre sus hombros y marche hacía un final mínimamente entretenido.



Lamentablemente el género de aventuras se encuentra maltratado este año con esta nueva versión de Los Tres Mosqueteros y la aburrida y desangelada Piratas del Caribe: Navegando Aguas Misteriosas.

En palabras del propio Steven Soderbergh, Contagio podría significar una de sus últimas películas debido a que su retiro se encuentra a la vuelta de la esquina. Lo que no aclaró Soderbergh en su momento son los metros que le quedan hasta el final de la calle, debido a que tiene pendiente para estrenar en este año el film de acción llamado Haywire, mientras que en los próximos dos ocupará las carteleras mundiales con otras tres películas y quién sabe si no agregará alguna más.

La cuestión es que Contagio nos narrará como un letal y contagioso virus se está cargando a buena parte de la población mundial. Basado en un esquema de película coral, Soderbergh intentará a lo largo de sus más de 100 minutos mostrarnos como afecta esta implacable enfermedad desde distintos puntos de vista que abarcan a funcionarios de la Organización Mundial de la Salud y el Centro de Control y Prevención de Enfermedades de los Estados Unidos, a las autoridades militares y gubernamentales, a los periodistas amarillistas y por último a las personas comunes y silvestres que pueden o no portar la temible pandemia. Es llamativo como Soderbergh no realiza ningún tipo de crítica sobre las principales instituciones interventoras en este conflicto, pero si lo hace sobre el portavoz del cuarto poder, dando el rol más mercenario, oportunista y canallesco al blogger interpretado por Jude Law, mientras que los militares y los funcionarios son toda gente leal que se encuentra trabajando activamente para encontrar la cura. Incluso deja totalmente de lado el obvio negociado que puede haber con los laboratorios al momento de fabricar la ansiada cura para el mortal virus, algo que me resultó contrastante contra el nivel de realismo que venía mostrando el film.

A tal punto llega el positivismo de Contagio sobre algunos funcionarios que existe un subrayamiento sobre el corajudo personaje de Kate Winslet al momento de morir cediendo su frazada, que genera nuevamente una momentanea desconexión con el realismo que viene mostrando la película. Winslet deja en claro en todas sus apariciones que va a fondo con lo que demanda su profesión de doctora, no hace falta mostrar que fue una heroína incluso hasta el último instante de su vida.

Por último no quiero dejar de destacar el repetitivo e innecesario flashback final que nos revelará con imágenes el origen de la pandemia, algo que el guión se había encargado de narrarlo en varios pasajes de la obra.

Más allá de las cuestiones mencionadas arriba, la primera parte del film dotada con ritmo imparable es brillante (donde juega constantemente con el tiempo narrativo) y es allí justamente donde se puede apreciar el talento de Soderbergh para ir mostrando los distintos ángulos de una tremenda crisis, dotando a la mayoría de los intérpretes de un contexto y una pequeña evolución que justifica de alguna manera su inclusión en la cinta.

Otro punto a favor de Contagio es que mientras avanza su metraje es imposible para uno no vivir el film y ponerse en la piel de los personajes. Esto se da gracias al gran realismo y a la intensidad que le imprime a la narración la dirección del siempre interesante realizador de la trilogía La Gran Estafa.

Dentro del reparto plagado de estrellas se destacan Matt Damon, Kate Winslet y Jude Law, siendo este último el encargado de llevar adelante una excelente caracterización totalmente distinta a las que nos tenía acostumbrados.

Asesinos por naturaleza

Contando con un elenco de lujo integrado por Jason Statham, Clive Owen y Robert De Niro, y una historia atrapante protagonizada por expertos asesinos, el debutante Gary McKendry tenía en Asesinos de Elite la materia prima para hacer uno de los grandes films de acción del año, pero lamentablemente solo logra presentar un producto de acción que apenas supera a la media.

Este thriller de acción nos contará, basado en una historia real, como un joven y experto asesino retirado llamado Danny, debe volver a las violentas andanzas para rescatar a su mentor en manos de un jeque que promete dejarlo en libertad a cambio de que él realice un nuevo trabajo. La misión consistirá en asesinar a tres agentes de un grupo secreto del gobierno británico que fueron los encargados de ultimar a los hijos del poderoso secuestrador. El inconveniente para Danny y su equipo se dará cuando un avezado ex agente llamado Spike se interponga en su objetivo para defender a los que fueron sus compañeros en el pasado.

El problema con Asesinos de Elite se da cuando pasada la primera parte se toma demasiado en serio la historia del film comenzando a dar volantazos e introduciendo en el relato a gobiernos, guerras, sociedades secretas, soldados, mercenarios, relaciones amorosas y demás cuestiones que lo único que hacen es entorpecer la fluída narración con la que había comenzado.

Más allá de lo mencionado en el párrafo anterior, este thriller presenta secuencias de luchas estelares entre los participantes y persecuciones de autos que valen ampliamente el valor de su entrada, aunque lamentablemente no son la cantidad que hubiera deseado para un producto que contaba con contendientes de la talla de Statham y Owen.

Volviendo con el trío protagonista hay que destacar que tanto Owen, Statham, como De Niro tienen unas actuaciones acordes a sus leyendas, donde el segundo es quien representa sin dudas al más destacable de los tres.



Asesinos de Elite podría haber sido un gran thriller de acción, pero lamentablemente logra como resultado ser un film que apenas merece ser destacado por las excelentes, aunque insuficientes, secuencias de acción y también por las actuaciones de su trío protagonista.

El rati horror show

Basada en una historia real, Justicia Final nos va a con tar la incansable lucha de Betty Anne Waters por demostrar la inocencia de su hermano, que fue condenado a cadena perpetua por un crimen que no cometió. Para lograr su cometido Betty Anne estudió leyes y se enfrentó de manera obsesiva contra viento y marea por sacar a Kenny Waters de prisión.

Justicia Final basa sus fundamentales fortalezas en el éxito que consigue en la traslación del sacrificio hecho por la protagonista en sus 18 años de pelea por la liberación de su inocente hermano. Tony Goldwyn, más conocido por interpretar al malo de Ghost, logra transmitir en la dirección del film el espinoso camino que tuvo que transitar Betty Anne, sin caer en golpes bajos ni exageraciones insoportables que pueden ocurrir dentro de los "films basados en historias reales".

Por medio de la utilización del flashback, Goldwyn se encargará de contarnos la difícil infancia y el compañerismo que tuvieron en su vida los hermanos, aunque hay que destacar que este noble recurso es usado en algunas oportunidades en exceso, generando algunas confusiones con el tiempo de narración del film y también cayendo en la insoportable necesidad de subrayar, reforzar y repetir las cuestiones mencionadas entre los hermanos que ya habían sido mostradas claramente en secuencias anteriores.

Los experimentados Hilary Swank y Sam Rockwell llevan adelante los papeles de los unidos hermanos con actuaciones incuestionables. Swank, que hace algunas semanas estuvo al frente del reparto de la horrible Invasión a la Privacidad, vuelve a nuestras carteleras con una interpretación a la altura de su nivel de talento. Rockwell tuvo en sus manos el papel más interesante de la obra por los distintos momentos que atraviesa a lo largo del metraje, y lo llevó adelante con total soltura convenciendo tanto en los momentos más duros, como en los que requieren una dosis de humor y carisma.

Hombres de hierro

Bajo la producción de Steven Spielberg y Robert Zemeckis, Shawn Levy contó en Gigantes de Acero con el inmenso Hugh Jackman para contarnos la historia de Charlie Kenton, un ex-boxeador que al prohibirse el deporte que practicaba decide dedicarse al boxeo entre robots, que vendría a ser una práctica bastante popular en el 2020. Para Charlie su vida no podría ser peor frustrado por no poder prácticar, debe plata por todos lados, su robot fue destruido por un toro, su relación amorosa con Bailey no va ni para atras ni para adelante y encima debido a la muerte de la madre, ahora tendrá que hacerse cargo de su hijo Max, del cuál no recuerda ni su edad. Aunque nada le sale bien, la aparición de su hijo traerá consigo un nuevo aire de triunfos y esperanzas, para que juntos puedan recuperar el tiempo perdido.

Shawn Levy (Una Noche en el Museo, La Pantera Rosa, Una Noche Fuera de Serie) se sale de las comedias, género en el que no ha brindado grandes productos, para aprovechar al máximo una trama cargada de sentimiento, humor y drama que no se regodea jamás en las bajezas que puede llegar a tener el cine mainstream que náufraga dentro de este tipo de propuestas. Pero el sentimiento no va solo en la historia, sino que se transmite en la sensibilidad, prolijidad y tranquilidad con la cuál Levy nos narrá las más de dos horas de duración que tiene este excelente largometraje, algo que sinceramente me sorprendió gratamente por la mediocre filmografía que tiene este realizador. Incluso en las escenas de acción/pelea se asiste a un espectaculo muy bien filmado llamativo en un director que no viene de ese palo.

Si al mencionado sentimiento le sumamos unos gigantes robots boxeando al mejor estilo Rocky Balboa, a Hugh Jackman brindando otra gran actuación, a Evangeline Lilly iluminando la pantalla con cada aparición, el drama y la tensión épica propia de las películas que poseen las películas de deportes y las subtramas de ajustes de cuentas, amorososas y familiares que se van metiendo, es imposible que Gigantes de Acero no sea una de las mejores propuestas que ha llegado a nuestras carteleras este año.

Hugh Jackman puede hacer llorar y reir a una piedra. Este australiano que en solo unos días cumplirá 43 años tiene un carisma y una versatilidad que realmente asombra con cada oportunidad que tiene en la gran pantalla. Por otro lado tenemos al pequeño y "perfectito" Dakota Goyo que sostiene muy bien al film en los momentos que se le plantean en soledad, al igual que la hermosa Evangeline "Kate de Lost" Lilly que resultaron ser dos parteneres perfectos para el actor que interpretó en el pasado a Wolverine.

Menciones apartes merecen la excelente utilización del "invisible" CGI y la contratación del ex campeón de boxeo Sugar Ray Leonard como asesor para entrenar a Jackman y coordinar las peleas de robots, en donde se demuestra la seriedad con la que se tomaron este producto.


Gigantes de Acero ingresa a pura combinación de jabs con ganchos al selecto grupo de lo mejor que ha llegado a nuestras pantallas en este año.

Simplemente sangre

Corría el año 1982 y Arnold Schwarzenegger se puso en la piel del mítico personaje creado por Robert E. Howard, llamado Conán. Hoy, casi 30 años después, de la mano de Conan el Bárbaro, ha vuelto a la gran pantalla el forzudo cimmeriano para ajusticiar al malvado Khalar Kym, que fue el encargado de asesinar a su padre y además de destruir todo su pueblo.

Bajo la dirección de Marcus Nispel, Conan el Bárbaro intenta emular lo mejor de grandes películas épicas de los últimos tiempos para lograr introducir a un gran personaje como Conan en el lugar que se merece, algo que no conseguirá jamás en sus 113 minutos de duración. Los principales y molestos errores del film que aquí nos ocupa son el exasperante tono solemne totalmente ausente de sentido del humor, el subrayado de ciertas cuestiones, el abuso de recursos narrativos como el flashback y la abusiva sobre explicación. Amigo Nispel, no hace falta explicar varias veces la misma escena para que entendamos que la máscara se encuentra dispersa en distintos puntos de la tierra media, con una o quizás dos alcanza y sobra. Tampoco es necesario recurrir al flashback cada vez que no sepas como contarnos algo que pasó en el pasado, o peor aún cuando quieras subrayarnos lo que ocurrió en el pasado con una continua repetición de escenas ya mostradas.

Más allá de los negativos puntos que se mencionan arriba hay que destacar que en Conan el Bárbaro existe un buen desarrollo de los personajes principales compuestos por Conan, Khalar Kym, Tamara y Marique. Incluso las personificaciones a cargo de Jason Momoa, Stephen Lang, Rachel Nichols y Rose McGowan, respectivamente, están a la altura de la exigencia de sus personajes. Otro apartado interesante fue la buena utilización de la violencia mostrada en la cinta, que si bien hacía el final podría haber doblado la apuesta y no quedarse en su sangriento comienzo, no deja de ser un elemento que eleva al film un poco más dentro de la mediocridad pueril que tienen a veces las propuestas del género épico.

Con las actuaciones principales de Martina Gusman, Alan Pauls y Germán Palacios, el realizador Santiago Palavecino nos contará en La Vida Nueva la historia de Laura y Juan, un matrimonio ¿feliz? que se encuentra esperando la llegada su primer hijo. La tranquilidad del pueblo se ve quebrantada cuando en una pelea Cesar recibe una puñalada a manos de Nicolás, que vendría a ser el hijo de Martinez, la persona más influyente de esa pequeña ciudad. Juan es testigo de este hecho y asiste al muchacho al borde de la muerte hasta el hospital más cercano, donde "casualmente" se encuentra con Martinez, el cuál le ofrecerá una oferta difícil de rechazar para que no incrimine a su hijo en el violento hecho.

La Vida Nueva parte de una trama interesante, pero lamentablemente no llega a desarrollarla con soltura en ninguno de los pasajes de sus 75 minutos. Tanto Gusman, como Pauls y Palacios parecen atados, contenidos y las palabras que tienen en sus diálogos, son dichas con lentitud y frialdad, algo que lamentablemente se condice con la distancia narrativa con la que es contada la película.

Volviendo a la historia, Palavecino, abre en La Vida Nueva demasiados frentes que jamás llegan a ser contados y cerrados en buena forma. Tenemos la frustrada historia amorosa de Palacios y Gusman, también tenemos la infeliz relación de Gusman y Pauls y por último presenciamos la continua extorsión que recibe Pauls a manos de Néstor Sanchez y así y todo la película no levanta en ningún momento, por falta de química en las relaciones y por la ausencia total de tensión en las tramas "policiales" que atraviesa la obra.

Lamentablemente La Vida Nueva desaprovecha la oportunidad de poseer un reparto con talento para narrar una historia que a priori resultaba muy interesante.

Vecino invasor

Invasión a la Privacidad se estrena con varios meses de atraso para contarnos la historia de Juliet, una joven doctora que luego de que su marido le sea infiel decide divorciarse y mudarse a un departamento ubicado en Brooklyn. Su nuevo hogar simboliza las triple B, bueno, bonito y barato, y la cereza del postre para conseguir una pronta recuperación es aportada por un amistoso vecino que no parece ser lo que realmente muestra.

Sin dudas el título y el argumento nos recuerda a Sliver: Invasión a la Privacidad, y lamentablemente la comparación no va a dejar bien parada a esta última, siendo que Sliver con todas sus limitaciones tiene para rescatar la sensualidad y los para nada despreciables desnudos de Sharon Stone, algo que en The Resident (así es su nombre original) ni siquiera se puede rescatar.

En su debut como director el filandés Antti Jokinen narra torpemente un thriller que carece de rumbo, ideas y tensión. Incluso hay un inentendible abuso en la utilización de ciertos recursos, como el flashback implementado en la primera mitad del film que viene a subrayarnos lo que ya había dejado en claro el film al comienzo.No pedimos desde este rincón expresivo un thriller innovador que remueva los cimientos del cine, pero si al menos uno que no se torne terriblemente previsible, repetitivo, edulcorado y ausente de suspenso alguno.

Dentro del trío conformado por Hilary Swank, Jeffrey Dean Morgan y Christopher Lee, es el actor que encarnó a Saruman quien presenta una actuación oscura y llena de incertidumbre, logrando causar con su sola mirada un aura de maldad atrapante. Lamentablemente para Invasión a la Privacidad, y más allá del indudable talento de ambos, la pareja protagónica integrada por los mencionados Swank y Dean "Javier Bardem con barba tupida" Morgan pasa por el film totalmente inadvertida y no posee una sola escena, ni siquiera sobre los minutos finales, que pueda rescatarse por sobre la mediocridad reinante de la obra.

Invasión a la Privacidad representa un thriller totalmente carente de innovación, drama y suspenso, que lamentablemente ni siquiera llega a ser un entretenimiento edulcorado.

Luego de dirigir dos excelentes comedias como Supercool y Adventureland - Un Verano Memorable, Greg Mottola ha vuelto a las andanzas con Paul para contarnos la historia de dos amigos que de paseo por los Estados Unidos se encuentran con un alien llamado Paul, al cual deberán salvar de unos agentes que quieren atraparlo para experimentar con su cuerpo.

Paul vendría a ser la primera excursión juntos de Nick Frost y Simon Pegg fuera de Inglaterra y también la primera película en la que Greg Mottola no es cobijado por el "ala protectora e interventora" de Judd Apatow en la producción del film, más allá de que la marca del realizador de Ligeramente Embarazada se encuentra en un elenco plagado de "sus" figuras como lo son Jane Lynch, Seth Rogen, Kristen Wiig y Bill Hader. Ambas excursiones resultan altamente positivas para los principales intérpretes delante y detrás de las cámaras de este film, debido a que Paul representa una de las mejores comedias que han llegado este año y reafirma a Mottola como uno de los mejores directores en la actualidad dentro de ese género.

En clave de comedia que también funciona como road-movie, Paul presenta momentos rodeados de referencias cinéfilas a las películas de Ciencia Ficción, que no considero prudente citar para no arruinar la sorpresa, aunque la referencia sobre el final a una cinta que hace poco pasó por nuestras carteleras no tiene desperdicio. Lo positivo de este film en las mencionadas alusiones es que son narradas explícitamente por el director y son mostradas por sorpresa, generando siempre una nueva sensación al asistir al visionado de las secuencias que las poseen. Dentro de la clásica estructura de fuga y búsqueda, Mottola se permite introducir una ácida e interesante crítica a la religión por medio de la intromisión del gracioso personaje de la pueblerina, Ruth Buggs, interpretada brillantemente por esa gran comediante llamada Kristen Wiig.

Al igual que en Supercool, Mottola basará el motor de su película en la amistad y la madurez de sus personajes, que nuevamente son abordados con la dificultad de entrometer entre ellos a un personaje fuera de este planeta, que vendría a ser el encargado de conectar a los intérpretes principales con el mundo externo y su posterior maduración.

Quizás la repetición de las situaciones obscenas a cargo del entrañable alienígena, representan el punto más flojo de una gran comedia que no decae en ningún pasaje de sus 104 minutos.

Nick Frost y Simon Pegg siguen demostrando que son una pareja cómica muy efectiva, mientras que Seth Rogen (por medio de las bondades del motion capture) y su voz dan vida a Paul. Ese "dan vida" suena un tanto trillado y es verdad, pero realmente aquí se ajusta perfectamente porque Rogen realiza una labor tremenda en la personificación del extraterrestre que tiene a su cargo los puntos más altos de este film.

Remake del film de mediados de los 80 que en nuestro país se llamó La hora del Espanto, se estrenó a 16 años de su salida Noche de Miedo que en este caso fue adaptada por Craig Gillespie, realizador de Lars y la Chica Real.

Charlie Brewster es un adolescente que luego de pasar varios años en la zona más baja de la popularidad ha conseguido superar el anonimato conquistando a la chica más deseada de su escuela, Amy. Agrandado por las maravillas que le regala la vida, Charlie deja de lado a sus amistades de toda la vida para no perder ese bien tan preciado, la popularidad. Todo parece ir sobre ruedas hasta que se muda junto a Charlie un misterioso vecino que resulta ser un vampiro que se está cargando poco a poco a todas las personas que conoce.

Con menos comedia que la versión citada al comienzo de esta crítica, Noche de MIedo representa un entretenimiento que basa sus principales pilares en el vertiginoso ritmo narratorio y en la construcción de las secuencias tensionantes de la mano, principalmente, de una perturbadora actuación de Colin Farrell.

Su director Craig Gillespie no se anda con chiquitas y nos regala 106 minutos de diversión terrorífica, que de no tomarse tan en serio podría haber figurado como uno de los mejores estrenos del año. Quizás justamente ese es el mayor pecado de Noche de Miedo, debido a que no aporta la necesaria cuota de humor que tuvo su antecesora, aunque hay que destacar que promediando hacía el final del metraje, con la incursión de Peter Vincent, el film reputa en esa asignatura dejando un resultado positivo.

Si bien el elenco del film se conforma por un reparto plagado de juventud que lleva sus actuaciones sin demasiados sobresaltos, hay ciertos roles que se encuentran bastante desaprovechados. El primer y principal ejemplo es la poca cámara que se le da a Christopher Mintz-Plasse, cuya sola presencia en los insuficientes minutos que aparece levanta el film. Otro claro desaprovechamiento que se hace en Noche de Miedo es en la labor de esa gran actiz llamada Toni Collette, que si bien posee varias secuencias, podrían haber elaborado un personaje más sofisticado para aprovechar las bondades de su talento.

Sin dudas quien merece ser destacada por encima de ese reparto compuesto por muchos adolescentes es la inglesa Imogen Poots, que presenta una caracterización que posee la cuota justa de romance y sensualidad que precisaba su personaje.

Noche de Miedo puede ser opacada por su versión original de culto, pero no por eso deja de ser un buen film de terror, que con sus aciertos y sus errores, representa una propuesta que merece ser vista.

Actividad paranormal en el lado oscuro de la Luna

Apollo 18 nos va a contar una misión secreta llevada adelante por el Departamento de Defensa de los Estados Unidos que consistía en envíar a tres astronautas a realizar un nuevo reconocimiento en la Luna. Lamentablemente para los tripulantes de la nave espacial lo que encontrarán en el lado oscuro del satélite no será para nada lo que esperaban.

Jugando como una especie de falso documental editado y "encontrado" en internet, Apollo 18 y su director Gonzalo López-Gallego intentan generar por medio de una supuesta puesta en escena filmada por sus protagonistas la máxima credibilidad posible sin tener en cuenta que para generar una obra que emule la realidad las imágenes deberían ser mostradas lo más fielmente posibles y no utilizando un proceso de montaje clásico que dote al film de un ritmo narratorio que no se condice con la idea de transmitir lo "ocurrido en la realidad". En ese sentido es una película mucho más honesta Actividad Paranormal 2, que ponía en pantalla secuencias (en exceso, es verdad) en las que no sucedía nada pero que favorecían a la emulación de la realidad que planteaba en su metraje la mencionada segunda parte de la obra promocionada por Spielberg.

En Apollo 18 hay cosas de Cloverfield, El Proyecto Blair Witch, Enterrado y la citada Actividad Paranormal, utilizadas para intentar llevar adelante una idea de realidad que termina siendo contradictoria con un film que abusa del montaje y actuaciones demasiado exageradas para conseguir plasmar el realismo que muestran las cintas que intenta utilizar.

Más allá de lo mencionado Apollo 18 consigue generar tensión y tiene secuencias de cierto dramatismo terrorífico, aunque aquí sufre de la ya clásica repetición de asustar por medio de efectos sonoros antecedidos por un pasmoso silencio, e incluso en la utilización del sonido también hay un terrible error por parte de su realizador al implementar una especie de música extradiegética compuesta por ruidos que vuelve a romper el concepto de realismo que intenta transmitir el film.



Apollo 18 parte de una premisa interesante y atrapante, aunque en la totalidad de su metraje jamás supo como llevarla adelante con la credibilidad necesaria que un falso documental que intenta emular la realidad necesita.

Con una ingeniosa campaña viral cargada de interesantes trailers y spots televisivos, y también por medio de Twitter se estrenó Mi Primera Boda, la nueva comedia de Ariel Winograd, protagonizada por una pareja estelar inmejorable como la compuesta por Natalia Oreiro y Daniel Hendler.

Mi Primera Boda nos mostrará como Leonora y Adrián intentarán llevar adelante la soñada fiesta de su casamiento, aunque lamentablemente para ellos nada saldrá como lo esperaban.

Más allá de algunas situaciones cómicas que son sorteadas con zozobra, Mi Primera Boda no logra desarrollar un climax humorístico como el que prometió en sus avances en ningún pasaje del film. Hay una interesante y graciosa construcción de los personajes principales, por un lado tenemos a una mujer obsesiva, católica y hermosa y por el otro un hombre poco agraciado, judío y tacaño, aunque estos elementos son aprovechados solo en un puñado de escenas para luego volverse repetitivos ante la poca innovación en los gags.

Como comedia de enredos el film funciona en varios pasajes, pero al sostener el relato basándose solamente en la pérdida del anillo nuevamente tiende a cierta repetición en la intención de causar gracia.

Quizás el principal error en Mi Primera Boda es el poco aprovechamiento de un excelente elenco para secundar a Oreiro y Hendler en sus interpretaciones. Dentro del reparto secundario encontramos a Martín Piroyansky, Pepe Soriano, Muriel Santa Ana, Soledad Silveyra, Sebastián De Caro y Clemente Cancela, entre otros, donde solo es destacable la labor del primero, en el rol del primo del protagonista. El resto de los mencionados, y los no menocionados también, solo pasean por el film sin pena ni gloria alternando más malas que buenas. Un claro ejemplo del desaprovechamiento de los intérpretes menos principales son las secuencias protagonizadas por dos expertos en comedia teatral como Marcos Mundstock y Daniel Rabinovich (interpretando al cura y al rabino encargados de casar a la pareja) que jamás llegan a concretar un solo gag que no se vea venir a 10 kilómetros.

A diferencia del cast secundario, la pareja protagónica llevada adelante por Daniel Hendler y Natalia Oreiro si logra conformar dos personajes que generan empatía y atracción, destacando que la sola presencia de la actriz de Francia eleva al film con una luminosidad bellísima.



Realmente es una pena que Mi Primera Boda no llegue a cumplir con las expectativas que había generado, pero más allá de esto se valora el esfuerzo de que en nuestro país se intenten hacer películas de género.

La muerte les sienta bien

Allá por el año 2000 apareció una película de terror que se caracterizó por presentar como único villano a la muerte, ese film se llamó Destino Final. Once años después de aquel original estreno y con cuatro películas más que menoscabaron la interesante idea original llegó una nueva entrega que se caracteriza por seguir innovando en las ocurrentes muertes y por continuar la línea de bajo desarrollo de la historia y los personajes.

Destino Final 5 nos contará la historia de un grupo de jóvenes que salva su vida en un terrible y trágico derrumbe de un puente por medio de una premonición de uno de sus integrantes. Lamentablemente para ellos, su destino no era sobrevivir y la muerte los irá buscando uno por uno para llevárselos para siempre.

Sinceramente nunca fuí un fiel seguidor de la saga Destino Final, y de hecho no he visto la cuarta y no recuerdo si me perdí alguna del medio, pero si debo admitir que esta quinta entrega ha logrado entretenerme a pesar de sus evidentes falencias.

Como lo ha sido en sus anteriores ediciones las principales notas negativas de Destino Final 5 se presentan en el limitado desarrollo de los personajes principales, en la estereotipada elección del elenco (el negro, el nerd gracioso, la muchacha sexy, etc) y un guión que realmente hace agua por varios lados. Incluso creo que no vale la pena analizar demasiado estos detalles porque no es lo buscado por el film y por sus seguidores, aunque considero que si hay que destacarlo.

Ahora como contraparte positiva encontramos que gracias a los momentos de tensión muy bien creados, algunas escenas con buen sentido del humor, varias sangrientas muertes que llaman la atención por su ingenio y la secuencia inicial del puente que roza lo espectacular, además de la positiva y complementaria implementación de la tecnología 3D, en este caso "la muerte les sentó bien" a los protagonistas y Destino Final 5 cumple con la dosis de terror y suspenso que necesitan las carteleras en esta época donde estas opciones no abundan.

El elenco integrado por muchachos que empiezan a caminar en la gran pantalla pasa sin sobresaltos los 92 minutos del film, destacando que en las escenas dramáticas se ven sus peores momentos en frente de las cámaras. No queria irme sin mencionar las perturbadoras intervenciones de Tony Todd en el papel del Sr. Bludworth, que son un punto muy alto dentro del film.



Destino Final 5 viene a demostrar que la saga no está perdida del todo y que todavía puede seguir brindando buenas películas aún con todas sus limitaciones.

En un año con varias interesantes comedias llegó Quiero Matar a mi Jefe, una película que por su muy buena recepción en los Estados Unidos y su excelente cast de actores se había ganado un lugar más que interesante para lo que restaba del año.

Como bien lo indica su nombre Quiero Matar a mi Jefe narra la historia de Nick, Kurt y Dale que cansados de los abusos de sus patrones y con la ayuda de un ex convicto deciden poner en marcha un ¿astuto? plan que quiere terminar con la vida de estos. Obviamente que nada saldrá como lo planeado, poniendo en aprietos al trío de amigos.

Jason Bateman, Charlie Day y Jason Sudeikis interpretando a los amigos protagonistas, Jennifer Aniston, Colin Farrell y Kevin Spacey a los enfermos jefes y Jamie Foxx como el delincuente recién salido de prisión eran un elenco más que rico para que Seth Gordon hiciera una comedia inolvidable, de esas que marcan a fuego una generación y que son recordadas por años. Peeeeerooo lamentablemente Quiero Matar a mi Jefe es simplemente una buena comedia con algunos momentos simpáticos, que se caracteriza por no lograr cumplir con las expectativas que había generado a priori.

El film comienza bien, con una voz en off complementaria al relato que nos cuenta en resumidas cuentas la miserable actualidad de nuestros protagonistas, para luego pasar a las presentaciones de los jefes, que realmente es de lo mejor del film. Con el pasar de los minutos se va creando una buena atmósfera alrededor de la película de la mano de su buen inico y del planeamiento del asesinato de los jefes, algo que jamás se llega a explotar por las falencias narrativas de Gordon en la resolución de los conflictos que fueron creados con buen pulso. Es como si el director de Navidad sin los Suegros hubiera gastado todas las balas en la primera media hora quedándose sin municiones para la batalla final, algo fundamental en una comedia. Incluso es en la media hora final donde el film decae en situaciones totalmente mal cerradas que casi tiran por la borda las buenas intenciones de su comienzo.

Si bien Quiero Matar a mi Jefe terminó representando un estreno menor que no llega a meterse en las mejores comedias del año, hay que destacar las grandes actuaciones de su sexteto protagonista. Realmente da gusto ver a Kevin Spacey haciendo de un jefe pedante, paranoico, soberbio y mala leche. También es un placer ver a Jennifer Aniston como una bomba sensual, en un papel totalmente alejado a sus clásicos personajes e incluso tendremos el agrado de presenciar una labor asquerosamente despreciable como la de Colin Farrell. Lamentablemente el trío de amigos no está a la altura de los tres jefes y solo poseen algunas escenas dignas de sus parteneres. Bateman transita el film desanimado y en piloto autómatico, Sudeikis tiene sus momentos en un personaje que no difiere demasiado con su actuación en Pase Libre, solo que aquí concreta los tiros que tira, y cerrando a los protagonistas tenemos a Day que es de los tres el que mejores escenas tiene.

Quiero Matar a mi Jefe tiene secuencias que pagan el valor de su entrada, aunque lamentablemente no llega a cumplir con las expectativas que había sembrado con su inmejorable elenco.

Luego de dirigir Anita que fue estrenada en el 2009, ha vuelto a la gran pantalla Marcos Carnevale con una curiosa e interesante historia de dos mujeres de realidades opuestas unidas ante la muerte del hombre de su vida.

Elena es una directora de cine y Adela una estudiante de periodismo, ambas relacionadas sentimentalmente con Augusto, solo que la primera es la mujer y la segunda es su amante. Cuando Augusto muere, Elena y Adela comienzan a contactarse porque el último deseo del difunto era que su mujer cuidara a su amante que posee una personalidad bastante depresiva y con tendencias al suicidio.

De esa interesante premisa en plan de comedia dramática parte Viudas, aunque lamentablemente solo se quedará en lo que prometió en su buen trailer y en las grandes actuaciones de su dúo protagónico, además de las simpáticas intervenciones de sus actores secundarios. De la historia solo nos quedará poco y nada, ya que lo nuevo de Carnevale es una repetición de situaciones sin evolución a lo largo de la mayoría de sus minutos para luego dar un vuelco drástico en su repentino y errático final, que deja un irremediable sabor a poco.

Viudas comienza muy bien mezclando con buen pulso los momentos dramáticos con los de comedia, siendo estos últimos un poco más efectivos que los otros gracias a las graciosas participaciones de Martín Bossi interpretando a una mucama travesti paraguaya. Lamentablemente con el pasar de los minutos las situaciones más de drama comienzan a regodearse y a abusar de los primeros planos y de la música para conseguir "tocar alguna fibra" y llegar a conmover, algo que logran en parte, aunque también consiguen una sensación de cansancio con el lindo y reiterativo pianito. Más allá de que aquí también hay ciertos registros de repetición y poca profundidad, es en el apartado cómico donde el film cumple con buenos resultados.

¿Que decir del dúo protagónico? La historia recae demasiado sobre los hombros de las protagonistas, que la soportan en sus 100 minutos de duración con dos excelentes actuaciones. Tanto Graciela Borges, como Valeria Bertuccelli tienen dos labores del carajo, representando sin dudas el punto más alto de Viudas.

Mención aparte merece la gran versión que realizó Vicentico sobre El Paisaje, la canción creada por Franco Simone, que es la encargada de musicalizar la mejor secuencia de la cinta en su primera mitad.

Basado en la novela gráfica homónima Cowboys y Aliens desenfunda y aterriza en nuestras carteleras para fusionar al western con la ciencia ficción, bajo la dirección del pochoclero Jon Favreau y con las actuaciones de Daniel Craig, Harrison Ford y Olivia Wilde. Básicamente esta adaptación nos cuenta como los habitantes del lejano oeste deben defenderse de una plaga de poderosos extraterrestres que quieren adueñarse de su oro y de sus tierras.

La apuesta era compleja ya que fusionar al género de vaqueros con los monstruitos verdes de la ciencia ficción no era una tarea facíl de llevar adelante, aunque la mano de Favreau detrás, y también la de Spielberg como productor, me llevó a pensar que de este experimento podría haber sálido algo sobresaliente. Lamentablemente me equivoqué, porqué Cowboys y Aliens es una película mediocre que falla tanto como western, como cuando la ciencia ficción quiere aportar sus elementos fantásticos.

Comienza muy bien sembrando unas interesantes dudas sobre el origen y el estado de Jake Lonergan, aunque lamentablemente esas dudas duran solo unos pocos minutos gracias a que el realizador de Iron Man y los numerosos guionistas que intervinieron en el proyecto se encargarán de quitarnos todo ese misterio sobre el personaje principal por medio de unos poco sutiles flashbacks y unos demasiados explícitos diálogos, algo que genera una lamentable desconexión con el protagonista.

Después de ese ¿buen? comienzo Favreau se encarga de introducir al relato las naves espaciales sin conseguir crear ni una sola pizca de tensión, algo fundamental ante la llegada de lo desconocido e incluso un elemento que no debe faltar en películas de esos dos géneros. Lamentablemente esto no es lo peor, ya que en sus casi dos horas tendremos que soportar que cowboys estrechan lazos con los indios (!!!!) para luchar contra unos verdes aliens que conocemos muy poco y los cuáles carecen totalmente de alguna personalidad.

La culpa de está fallida película no solo es la ambiciosa mezcla de géneros y como le chinga en el intento, sino que además de eso uno de sus principales problemas es la falta de profundidad en los personajes y en las historias que narra sobre los mismos. Daniel Craig lleva adelante una caracterización que se va desdibujando a medida que conocemos su historia, al igual que Harrison Ford que representa a lo más malvado del film para luego volverse compasivo y bondadoso de la nada misma. Al mal desarrollo del conflicto principal (léase justamente los cowboys contra los aliens) le tenemos que sumar a las patéticas y básicas historias de redención como "padre e hijo de mala relación" y "los misteriosos lindos que se atraen" que realmente no logran entablar una sola situación más o menos interesante.

Más allá de todas las cuestiones que comento más arriba Cowboys y Aliens tiene sus momentos y puede llegar hasta resultar entretenida, pero realmente da pena ver como tiraron por la borda una interesante idea con detalles que podrían haberse evitado de poner un poco más de empeño en el guión y en la resolución de los conflictos. Si hay que destacar que en los apartados cómicos, en la hermosa música y en algunas secuencias de efectos especiales finales, Cowboys y Aliens cumple a la perfección con lo que prometía su interesante trailer. También no hay que dejar de mencionar las buenas actuaciones de Paul Dano y Sam Rockwell, que son los encargados de aportar las únicas escenas simpáticas del film.



Por lo menos en Cowboys y Aliens quedó demostrado que el western y la ciencia ficción son dos géneros complejos de mezclar y salir airoso en el intento, será cuestión de ponerse a esperar y ver si alguien se anima a fusionarlos en el futuro con mejores resultados.

Bajo la dirección de Rupert Wyatt han regresado a nuestras carteleras los monos superpoderosos para contarnos como los pichicateados primates comenzaron a dominar nuestro mundo.

Se destacó excesivamente en los avances previos al estreno el laburo de la gente de Weta en la creación digital de los simios y realmente deberían haberlo destacado mucho más porque lo que han hecho es increíble y creo que después de Avatar ninguna obra ha utlizado esta herramienta con tanta excelencia. Lograron darle a Caesar expresiones humanas fácilmente entendibles y fundamentalmente creíbles, demostrando que se pueden hacer buenos trabajos con esta tecnología siempre que se aplique con sabiduría y perfección. Los actores de carne y hueso como James Franco, Freida Pinto y John Lithgow solo son meros acompañantes en esta aventura sobre la vida de Caesar y ninguno logra equiparar al nivel de expresividad que posee éste.

A tal punto es el grado de expresión que lograron darle a Caesar, y obviamente que también a los otros simios que lo acompañan, que es imposible no sentir empatía con el poderoso mono. Caesar es el verdadero protagonista de El Planeta de los Simios: (R) Evolución y Rupert Wyatt se encargó de narrar con gran pasión, pulso y dedicación la evolución del querido primate, generando una compenetración con el film que no se rompe en ningún pasaje de sus 105 minutos.

Más allá del sobresaliente apartado en los efectos especiales y el gran desarrollo del personaje de Caesar, El Planeta de los Simios: (R) Evolución, se convierte en uno de los mejores estrenos del año por lograr dotar al film con drama, humor, tensión y acción, todos apoyados y sustentados en una fluída y sentida narración a cargo de Wyatt.

Por último no quiero dejar de destacar al gran laburo de Andy Serkis, el hombre detrás de la interpretación de Caesar. Recordemos que Serkis fue el encargado de llevar adelante por medio del performance capture a Gollum de El Señor de los Anillos y a King Kong, ambas dirigidas por Peter Jackson.



El Planeta de los Simios: (R) Evolución es la gran sorpresa en lo que va del año por no ser solamente una gran película de efectos especiales, sino también por sustentar a los mismos en una historia narrada con pasión y gran pulso.

Mi nombre es Larry, Larry Crowne

A más de 15 años de Eso que tú Haces!, Tom Hanks ha vuelto a ponerse detrás (y delante) de las cámaras para dirigir y protagonizar Larry Crowne, una comedia romántica que nos contará la historia de Larry, un vendedor de supermercado que es despedido de su empleo tras una reestructuración de personal por no tener una formación universitaria. Desempleado y dispuesto a no vivir dos veces el mismo percance Larry comienza a estudiar, conociendo allí a una frustrada profesora de la cuál comenzará a enamorarse.l

Hanks se toma su tiempo para introducirnos en la trama romántica del film con una larga y por momentos tediosa introducción a nuestro loser principal . Pero cuando la trama gira dejando más de lado la típica historia de superación personal y se mete bastante más de lleno en el romance del protagonista y Mercy, allí es donde Larry Crowne se convierte en una comedia un tanto más atractiva y graciosa.

El realizador, actor, productor y amigo/socio de Steven Spielberg quiere que veamos en Larry Crowne una película pasatista y que salgamos del cine satisfechos por haber visto un film que "no hace pensar demasiado y que tiene un lindo mensaje". Digo esto porque es la única justificación que le encuentro a la liviandad con la que son afrontados los problemas de Larry o la "simpática crítica" que se le hace al sistema hipotecario de los Estados Unidos. Hanks y Larry Crowne cumplen con su cometido y brindan en su nuevo film un entretenimiento honesto, edulcorado y poco profundo, pero que en definitiva logra el resultado que se propone.

Hay detalles que dependiendo de la aceptación que tenga cada uno pueden resultar insoportables o adorables. El ejemplo más claro de esto es el grupo de "motoqueros" más bondadoso y gentíl de la historia del universo (escribo motoqueros entre comillas porque no quiero ofender a los que lo son de verdad), que por momentos pueden resultar algo empalagosos, pero que de alguna manera acompañan el dejo de bondad y amistad que tiene el relato.

Julia Roberts y Tom Hanks se las ingenian para tener algunos momentos simpáticos a lo largo de la cinta, aunque hay que destacar que la composición del personaje de Tom no se diferencia demasiado de su inolvidable Forrest Gump. Incluso ese querido brillo en los ojos en la mirada de Larry tiene un parecido muy similar al del muchacho que fue capitán de un barco de camarones y peleó en la guerra de Vietnam.

Si es interesante y digno de destacar que Hanks esquive la ya repetitiva y cansadora atracción de opuestos de este género, para crear una historia de amor más creíble e interesante basada fundamentalemente en el cambio de vida que necesitan ambos protagonistas, que en definitiva tiene más que ver con el tono "superador de obstáculos" que posee el film.



Distando demasiado de la perfección Larry Crowne cumple al menos con su cometido de ser una comedia poco profunda y liviana.

Una película muy verde

A más de dos meses de su estreno en Estados Unidos hace presencia en nuestras pantallas de cine Linterna Verde, el film del superhéroe creado por Dc Comics que en esta ocasión fue protagonizado por Ryan Reynolds.

En resumidas cuentas Linterna Verde nos contará como Hal Jordan, un irresponsable piloto de avión, se hace con un poderoso anillo que lo convertirá en una especie de guardián del universo. Obviamente que el proceso de transición no será sencillo y Hal deberá superar sus propios miedos para llegar a vencer a un ¿temido? adversario que justamente se alimenta de ese sentimiento.

Lamentablemente este film dirigido por Martín Campbell dista demasiado de ser la adaptación que el héroe verdoso merecía, debido a la falta de personajes secundarios que releven a Reynolds, al molesto subrayamiento de ciertas cuestiones "heredadas" de nuestro protagonista y principalmente a la falta de un enemigo realmente temible.

En todo el film no existe ningún partenere, más allá de algunos momentos a cargo de Blake Lively, Peter Sarsgaard y Tim Robbins, que logre desviar nuestra atención por sobre el protagonista, que es realmente quien carga con la película todo el tiempo sobre sus hombros. Y cuando digo todo el tiempo, es todo el tiempo, ya que los momentos cómicos corren por cuenta de Reynolds, al igual que los dramáticos, los románticos y los emotivos.

A lo largo de sus 114 minutos, Campbell se/nos cansará de mostrarnos una y otra vez por medio de algunos flashbacks, diálogos y otros recursos que nos demostrarán que los miedos que posee Hal Jordan son cuestiones surjidas ante el accidentado fallecimiento de su padre.

No conozco en profundidad a todos los enemigos de Linterna Verde, pero me pareció un error gigante incluir como villano máximo a uno creado por CGI, debido a que el temor que debe generar este monstruo (en realidad es una nube negra con una cara fea) jamás se logra concretar. Incluso las apariciones de Peter Sarsgaard, en una muy buena interpretación como Hector Hammond, son mucho más temibles y turbulentas que las de quien lo controla.

Y como si esto fuera poco la maduración de Jordan ni siquiera es bien llevada, porque si esto aunque sea se hubiera hecho bien estaríamos en presencia de un film algo más redondo. En aproximadamente unos 90 minutos se nos están demostrando las dificultades de Linterna Verde para superar sus problemas y hacerse cargo de su poder, para que en una escueta charla (carente de toda emoción) con la linda Carol Ferris logre dejar de lado sus miedos y enfrente al villano más malo de todos.

Más allá de las intervenciones de los actores que mencionamos más arriba si fue una buena elección que Ryan Reynolds sea el encargado de portar el anillo, ya que es uno de los pocos valores positivos que tiene el film.



Veremos si en la anunciada secuela Linterna Verde logra madurar, porque lamentablemente esta primera parte todavía está muy verde.

La espera valió la pena y luego de algunas semanas de diferencia con su estreno en los Estados Unidos ha llegado a nuestras carteleras lo nuevo de J.J. Abrams, Super 8.

El creador de Lost y director de la gran Star Trek se puso detrás de las cámaras nuevamente para contarnos en "tono Spielberg" la historia de un grupo de muchachos que en pleno rodaje de su película en super 8 presencian el descarrilamiento de un tren cargado con un misterioso monstruo.

Superficialmente y a grandes rasgos la historia de Super 8 se trata de eso, aunque como toda gran película, debajo de la "cáscara" encontraremos que lo que realmente trata es la inquebrantable amistad de un grupo de muchachos, como así también sus primeros amores, el nacimiento del instinto sexual o los prematuros enfrentamientos con sus padres. Es decir que Super 8 nos mostrará el tan temible abandono de la niñez para seguir el camino hacía la adolescencia, algo que sin dudas resulta una meta difícil de alcanzar para una película pero que esta obra supera con creces situándose al lado de grandes películas de este tipo como Cuenta Conmigo o Los Goonies.

Da un placer enorme encontrar una propuesta proveniente de Hollywood que priorizó la trama por encima de los efectos especiales, ya que Super 8 tiene a lo largo de sus 112 minutos varios pasajes en donde podría haber desnivelado la historia hacía la espectacularidad efectista, pero J.J. Abrams siempre corrigió el rumbo en favor de la maravillosa, emocionante y enternecedora historia que aquí nos cuenta.

Howard Hawks dijo: "Una buena película es tres buenas escenas y ninguna mala". Si seguimos la fórmula del gran Hawks, habría que decir que Super 8 es mucho más que una buena película ya que posee más de tres escenas buenas, aunque aquí solo repasaremos una que remarca la esencia de esta gran obra para no extender demasiado la reseña. Sin dudas una de mis favoritas es la larga secuencia donde la banda de muchachos y la linda de Alice se encuentran rodando el film previo al espectacular descarrilamiento del tren. Pero aquí se da nuevamente lo que explico más arriba, esta escena se destaca por encima del resto por su alto nivel emotivo y no por su excelente utilización de efectos visuales.

El elenco de muchachitos elegido no podría haber sido mejor, la pareja compuesta por Joel Courtney y Elle Fanning sostiene el film de manera brillante tanto en los momentos emotivos, como también en los cómicos.

Por último no quería dejar de mencionar la mejor cita cinéfila (más allá de las obvias que hay al gran Steven Spielberg) merecida para George A. Romero que se da en los créditos finales y en el aislamiento del pueblo completo en esa especie de campo de concentración militar que me hizo rememorar a The Crazies, que casualmente el año pasado tuvo su "correspondiente" remake.



Super 8 es por lejos lo mejor que J.J. Abrams ha hecho para la gran pantalla y por añadidura también se convierte en una de las mejores películas que se ha estrenado este año.

Glenn Ficarra y John Requa, luego de muchas idas y venidas por problemas de distribución, estrenaron el año pasado Una Pareja Despareja, un film que les otorgó una interesante notoriedad que posteriormente los "arrimó" a Warner para filmar Loco y Estúpido Amor con un elenco espectacular.

Loco y Estúpido Amor cuenta el duro revés que recibe Cal, un padre de familia cuarentón, al recibir la noticia por parte de su mujer que ha deciddo separarse y que incluso lo ha engañado con otro. Desolado y repitiendo hasta el cansancio su patética realidad conoce a un joven playboy llamado Jacob que le enseñará todo lo que debe saber para conquistar mujeres, recibiendo la ayuda que necesita para lograr dar un vuelco en su vida. Lamentablemente luego de lograr su objetivo y consumar distintas relaciones con mujeres, Cal descubrirá que las nuevas muchachas que encuentra no pueden suplantar a su entrañable mujer.

Más allá de lo descrito más arriba Loco y Estúpido Amor no basa su trama solamente en la relación de Cal y Emily, su mujer, sino que hay alrededor de ellos distintos amorios que vuelven a la historia mucho más interesante y no tan monotemática como suelen ser otro tipo de comedias que basan su estructura en los personajes principales y en las "graciosas" intervenciones que pueden tener los personajes secundarios, que generalmente no aportan mucho más que eso. Aquí tenemos la reciente ruptura de los mencionados Cal y Emily, el enamoramiento de Jacob y Hanna y como si esto no fuera poco también tenemos interveniendo continuamente al hijo del matrimonio, Robbie, intentando por todos los medios conquistar a su niñera, Jessica. Es obvio que la mayor importancia y el eje narrativo pasa por la pareja principal, pero no es un dato menor que el resto de las conquistas ocupe un lugar mucho más preponderante que en otro tipo de propuestas, generando una interesante complejización de la historia.

Otro buen dato de Loco y Estúpido Amor son los varios giros que se dan en la trama, ayudando nuevamente a la profundidad en la misma. Pero lo más interesante de esto no es solamente ese destacable detalle, sino que además esas vueltas de tuerca son narradas con total sobriedad y sorpresa quedando siempre contextualizadas en el entorno del film.

Es interesante que haya llegado una buena propuesta de humor con otro tono distinto al de las estrenadas anteriormente como Malas Enseñanzas o Pase Libre, donde el sexo no es el centro de la cuestión y si el amor. No estoy diciendo que Loco y Estúpido Amor sea superior a las mencionadas, pero no quería dejar de mencionar que es distinta y cumple con muy buenas resultados en su intención de ser puritana y romántica.

Era imposible, o casi, que un film que cuenta con las actuaciones de Steve Carell, Marisa Tomei, Ryan Gosling, Julianne Moore, Kevin Bacon o Emma Stone salga mal, porque cuando hay una buena dirección e intérpretes con talento, generalmente sale un producto redondo. Que actorazo es Carell, además de ser un gran comediante también es un gran actor, y aquí es acompañado por la siempre brillante y medida Julianne Moore. El resto del elenco, destacando que Gosling tiene un muy buen papel que logra separar la cara de buen pibe que tiene, sortea el film con grandes momentos donde el climax más alto se da en la pelea de todos contra todos en el jardín.



Bien por Loco y Estúpido Amor que se une al club de las buenas comedias que han llegado este año como Amigos con Derechos, Malas Enseñanzas, Pase Libre o ¿Qué Pasó Ayer? Parte 2.

A fines de Abril llegó a nuestras carteleras Thor que era la primera película de un héroe de Marvel que iba a llegar este año. La segunda era justamente la que aquí nos ocupa, Capitán América: El Primer Vengador que a su vez representa el último film que se estrena antes de que salga a la luz la reunión de todos los superhéroes en The Avengers.

A comienzos de los años 40 y con la segunda guerra mundial de fondo Steve Rogers es un escuálido, débil y enfermo, pero muy valeroso ciudadano que quiere enlistarse en el ejército norteamericano a pesar de sus evidentes dificultades para el frente de batalla para acabar con los nazis que mataron a su padre y a su madre. Luego de varios rechazos logra ingresar para protagonizar un ambicioso experimento que lo convertirá finalmente en el Capitán América, un superdotado soldado con una fuerza extraordinaria a quien al comienzo se lo utilizará para la recolección de bonos, pero que finalmente deberá luchar contra la temible organización Hydra, liderada por el despiadado y también pichicateado Red Skull, para conseguir la finalización de la guerra y así salvar al mundo.

La dirección del film corre por cuenta de Joe Johnston, que de brindar buenos entretenimientos la juna lunga, y así nos regala 125 minutos de un film atrapante y espectacular, basando sus fortalezas en la profunda e interesante traslación de los personajes principales y unas dosis de humor que bajan la solemnidad y el arsenal panfletario que tiene una película cuyo héroe representa los "mejores valores" de la sociedad estadounidense. Incluso hay una larga secuencia de un número musical protagonizado por el Capi y unas bellas muchachas cuya inclusión me resultó un acierto enorme por utilizar el "idioma" de esa época para vendernos el crecimiento en el sentimiento popular del joven héroe.

Recién llegando a la primera hora encontraremos la primer escena de acción con el tiroteo en las nostálgicas calles de Brooklyn, dejando en evidencia que la intención de Johnston no era brindarnos un espectaculo superficial sin sustento en la narración y el desarrollo de sus personajes. Obviamente que en la segunda parte del film comienza a llegar la artillería pesada a cargo del escuadrón de efectos especiales justificando plenamente la compra del balde de pochoclos que siempre viene de la mano con este tipo de propuestas.

En el buen elenco integrado por Chris Evans, Hayley Atwell, Sebastian Stan, Hugo Weaving, Tommy Lee Jones y Stanley Tucci, se destacan las labores de los dos últimos por ser los encargados de quitarle el "peso" al film y dotarlo de buenos pasajes humorísticos. Evans aquí lleva adelante una buena interpretación, que aleja los fantasmas de la pobre actuación que tuvo cuando interpretó a Johnny Storm en Los 4 Fantásticos. Tampoco quería dejar de nombrar las siempre correctas actuaciones de Weaving y Toby Jones en los principales villanos.



Capitán América: El Primer Vengador es una de las mejores propuestas que brindó el universo de Marvel, que justamente deberá rendir cuentas a sus fans el año entrante cuando reuna a todo el equipo en la esperada The Avengers.

Estrenada en el BAFICI de este año, Copia Certificada ha llegado a nuestras carteleras con las presencias del iraní Abbas Kiarostami en la dirección y la siempre interesante Juliette Binoche, acompañada por el debut actoral del cantante de opera inglés William Shimell.

En su primera experiencia europea Kiarostami nos contará el encuentro de una galerista y un escritor en un perdido pueblo de la Toscana italiana. Con algunos puntos de contacto con Antes del Amanecer, la historia no trata mucho más que la breve descripción que hago más arriba, aunque lo más hermoso justamente de este film es la profunidad con la que logra dotar Kiarostami a una trama tan pequeña como entretenida y atrapante.

En menos de dos horas sabremos que Elle es una cabrona, brutalmente honesta y pasional francesa que no repara en hacer ningún reproche hacía sus seres más queridos. James es en cambio un frio inglés bastante egoísta y egocéntrico que pone su mayor empeño en romper todas las posibles teorias que elabora su compañera de viaje. Estos personajes son creados por el realizador iraní con total maestría y ejecutados por Juliette Binoche y William Shimell de manera brillante.

Si digo que uno es un espectador al asistir a ver una película no estoy descubriendo absolutamente nada, pero en Copia Certificada ese rol que cumplimos frente a la pantalla se potencia de sobremanera debido a que Kiarostami se encarga de no usar ningún elemento, como por ejemplo la música extradiegética, que nos saque de las charlas, y así lo que se gesta entre los protagonistas en la Toscana italiana genera una compenetración fascinante y una experiencia muy interesante. Incluso la poca intervención en el sonido para aliviar los ruidos ambientales favorece totalmente a los sentimientos que describo más arriba, al igual que la escasa utilización de las elipsis. Uno no "ve" Copia Certificada sino que de alguna manera la "espía". No tomen esto como un dato negativo sinosimplemente como una manera de describir la agradable sensación que tiene su visionado.

A lo largo del relato no intervienen muchas personas ajenas a nuestra pareja protagonista, pero cuando los "intrusos" aparecen en escena aportan dos grandes momentos en el film. La primera intervención se da en el bar a cargo de la dueña del mismo teniendo unas líneas brillantes y anticuadas con Juliette Binoche, mientras que la segunda se da casi llegando al final del metraje con el "pequeño pero gigante" consejo por parte del hombre de la pareja a la que se le pide opinión sobre la escultura.

Hacia la mitad del film se da un bien llevado gran giro en la historia donde los reproches y conflictos comienzan a poblar la trama, en la cuál uno no termina de comprender bien los roles que ocupan y ocuparon nuestros protagonistas, siendo justamente esta duda la encargada de hacer de Copia Certificada un film atractivo y encantador de visión obligatoria para quienes sean afines a este tipo de propuestas.

Antes de finalizar la reseña no quería dejar de destacar nuevamente las formidables actuaciones de Juliette Binoche y de William Shimell, que lograron interpretar perfectamente el mensaje que el realizador iraní quería transmitir por medio de sus personificaciones.

Cameron is Back!

Quienes queremos a Cameron Diaz y supimos disfrutar de sus actuaciones en, por ejemlo, Loco por Mary, La Boda de mi Mejor Amigo o Locura de Amor en Las Vegas seguramente saldremos más que satisfechos del cine al ver que la actriz que se encuentra en la cornisa entre los 30 y los 40 años ha vuelto a protagonizar una comedia con los resultados que supo brindar en el pasado.

Malas Enseñanzas nos contará las aventuras de una vaga y mala maestra que busca de cualquier manera recaudar los fondos suficientes para lograr operarse y ampliarse el busto, para así conquistar al nuevo maestro que ha llegado a la escuela y que podría mantenerla de por vida, gracias a la fortuna familiar que posee. Y cuando digo de cualquier manera, me refiero a que lavará autos con una ropa muy sensual o copiará exámenes para conseguir un suculento bono. Claro, que en esta difícil misión se cruzará con una maestra aparentemente ejemplar que buscará deshacer todos sus planes en post de la buena enseñanza y el ejemplo para los alumnos.

A pesar de lo que había adelantado el buen Trailer no esperaba un humor tan políticamente incorrecto como el que tiene Malas Enseñanzas y más si tenemos en cuenta que no se trata de un film independiente. Es extraño encontrar en una comedia mainstream ciertos rasgos distintivos que tiene a favor esta cinta, como los golpes a los niños, el manoseo de las tetas operadas o demás cuestiones que hacen que Malas Enseñanzas sea una comedia que sobresale por encima de las demás que han llegado este año, exceptuando ¿Qué Pasó Ayer? Parte 2 que también tenía a su favor una gran dosis de estas cuestiones.

Inlcuso es interesante que estando en un ambiente poblado de niños estos momentos de incorrección sexual o violenta jamás quedan desencajados o fuera de lugar, como si pasaba en Pase Libre, que fue estrenada hace unos meses. El gesto sobre el final de Jason Segel en un pasillo lleno de pibes es un fiel ejemplo de cómo es aprovechado ese ambiente para utilizarlo a su favor y potenciar ciertos gags.

El uso de la música por parte de su director Jake Kasdan es brillante y el "video clip" que protagonizan la sensual y perturbadora maestra Elizabeth Halsey y la timorata profesora Amy Squirrel con Gangsta's Paradise de Coolio sonando a todo volumen es una muestra de cómo la cinta es crítica y paródica hacía otra película de "maestros buenos y correctores de conducta de sus alumnos" como Mentes Peligrosas. Esto es una constante a lo largo de sus 92 minutos y podrán encontrar otros films de este tipo que son citados/críticados implicitamente en Malas Enseñanzas.

Hay películas que son imposibles imaginarlas protagonizadas por otros actores y con Malas Enseñanzas sucede eso. Realmente no creo que a otra actriz le hubiera sido posible llevar adelante la gran caraterización que lleva adelante Cameron Diaz. Su Elizabeth Halsey es guarra, sensual, atrevida, violenta y todas las características que el film necesitaba para que uno compre esta historia y sin caer en sobreactuaciones o interpretaciones ampulosas.

Por otra parte tenemos acompañándola a un elenco de lujo encabezado por una irritantemente y excelente Lucy Punch, que es completado con un medido y galante Jason Segel , una graciosa y dubitativa labor de Phyllis Smith y un Justin Timberlake que da otro paso adelante en su corta carrera cinematográfica.



Malas Enseñanzas es una de las mejores comedias que han pasado por nuestra cartelera este año y encima nos trae nuevamente a la mejor versión de Cameron Diaz, lo cual no es poco en absoluto.

Han llegado. Ya están de regreso en nuestras carteleras los queridos Transformers con la tercera parte dirigida por MIchael Bay.

Para posicionar esta Transformers: El Lado Oscuro de la Luna en la franquicia se podría decir que no supera al muy buen nivel de la primera, pero si deja atrás el mal sabor de la segunda que sin dudas es la más floja de la trilogía.

En esta ocasión, Miguelito nos va a contar como los Autobots deben salvar al mundo una vez más, luego de ser traicionados por los humanos al ocultarles una preciada información que podría haber sido vital para reconstruir su planeta.

Siempre creo que uno como espectador debe estar mínimamente informado de la película que va a ver. En este caso tenemos que tener en cuenta que si vamos a ver un film que tiene a Bay detrás de las cámaras nos encontraremos con escenas de acción filmadas espectacularmente, momentos insoportablemente solemnes, clichés, mujeres hermosas, machismo, música ampulosa, excesos de patriotismo y demás cuestiones que construyen el estilo de este particular director. Guste o no, este es el sello de Bay y ninguna de las tres obras que integran la saga Transformers son la excepción.

Si uno va esperando encontrar una película que no tenga esos elementos seguramente salga completamente decepcionado del cine, pero si va en busca de ver una cinta con robots que se transforman en autos para salvar al mundo junto con un grupo de valientes soldados americanos saldrá altamente satisfecho, porque en ese sentido Transformers: El Lado Oscuro de la Luna cumple con lo prometido.

Obviamente que podría ser un producto mucho más logrado y profundo, pero no por eso se la puede destrozar.

Transformers 3 tiene muchísimos momentos pasados en solemnidad, pero también hay que destacar que esas secuencias se ven contrastadas por las varias escenas de humor que tiene a lo largo de sus 157 minutos. Por ende creo que de alguna manera la película queda balanceada en el resultado final entre la seriedad de los conflictos, y el tono humorístico con que son narrados.

Este "balanceo" no es un dato menor, debido a que la segunda parte de esta trilogía se encontraba mucho más inclinada hacia el humor que hacia la acción, dejando en segundo plano lo que todos queremos ver: a los Transformers batallando a más no poder.

Otro de los aciertos que tomo en cuenta para esta tercera parte en comparación a las anteriores, es que las luchas entre los Autobots y los Decepticons se entienden perfectamente, algo que en la primera y en la segunda edición se tornaba bastante confuso por momentos debido a la gran masa metálica que se mostraba en la pantalla.

Quiero afirmar públicamente que banco a muerte a Shia LaBeouf, porque actuar bien y no derrapar en una película dirigida por el querido Miguelito es muy complejo y Shia remó en dulce de leche con las inexpresivas Megan Fox y ahora Rosie Huntington-Whiteley como parteneres siempre con muy buenos resultados, tanto en las escenas de humor, como en las escenas dramáticas y de acción. Quiero aclarar que con el cambio Rosie por Megan, la película sale ganando debido a que la modelo de Victoria's Secret no tiene nada que envidiarle tanto sea en belleza como en la interpretación, lo que habla muy mal de la primera que en teoría es actriz.

Mención especial para John Turturro, John Malkovich y Frances McDormand, que son los encargados de aportar los momentos más graciosos dentro del film.



Transformers: El Lado Oscuro de la Luna es un digno cierre para una trilogía que más allá de algunos altibajos supo mostrarnos decentemente a Optimus y su banda en la gran pantalla.

En el 2009 se estrenó Moon, opera prima de Duncan Jones. Aquel film, que lamentablemente aquí fue directo a DVD, tuvo una gran aceptación por parte de la crítica, que le valió lo suficiente para que consiguiera financiar su nueva película llamada Source Code, que en nuestras pampas se tituló como 8 Minutos Antes de Morir.

8 Minutos Antes de Morir narra la misión que debe llevar adelante el capitán Colter Stevens que consiste en encontrar a un terrorista que voló el tren en el cual se encuentra viajando. Si si no está mal escrito, Stevens debe encontrar al terrorista que detonó una bomba en el tren en el que actualmente se encuentra a bordo. Y cómo sabe que ese tren va a explotar, se preguntarán ustedes? Gracias a un programa llamado "Source Code" que lo envia a "vivir" los últimos ocho minutos de la vida de una de las víctimas. La labor de Stevens, que no recuerda absolutamente nada de su pasado e irá aprendiendo el funcionamiento del sistema a medida que vaya "muriendo", es encontrar al terrorista en el pasado y así los agentes del presente pueden evitar que termine de finalizar su plan macabro que incluye detonar una bomba atómica.

El hijo de David Bowie, Duncan, decidió contarnos una historia que se caracteriza por tener un gran ritmo y una importante intensidad en el relato, aunque sin dudas uno de los detalles más interesante es la poca explicación del programa, como si Jones hubiera tomado nota de lo que tanto le han críticado a El Origen. El problema, por lo menos es lo que me ocurrió a mi, es que se dejó demasiado en exposición al culpable de las reiterativas muertes en algunas oportunidades, generando una desconexión y un tedio que solo se ve disimulado por el buen ritmo mencionado arriba y la corta duración del film.

Paralelamente al cumplimiento de la misión, Stevens se va enganchando con Christina, que vendría a ser la acompañante del cuerpo que él está ocupando, agregando así la trama amorosa y desviando por momentos nuestra atención de la misión que tiene que llevar adelante. Esto es un gran acierto por parte de Jones, debido a que logra una mayor compenetración en el relato y una profundización adecuada para los protagonistas.

Jake Gyllenhaal y Michelle Monaghan son la pareja protagónica, y a ellos se suman unas divinas intervenciones a cargo de la siempre correcta Vera Farmiga. Tanto Gyllenhaal como la radiante Monaghan sortean con buenos resultados sus dos papeles, dotando a sus repetitivos diálogos de la química necesaria para que uno pueda creerse la historia que está viendo.



8 Minutos Antes de Morir es otro paso adelante en la filmografía de Duncan Jones, convirtiéndose así en un director a seguir en el futuro.

Jodie Foster ha vuelto a ponerse detrás (y delante también) de las cámaras con La Doble Vida de Walter, luego de 16 años, con un film un tanto raro que cuenta la historia de un hombre hundido en una profunda depresión, que encuentra una salida al tomar un títere con forma de castor y utilizarlo como si fuera una extensión más de su cuerpo que siente, habla y piensa por él.

Si, es correcto, no leyeron mal la historia, porque The Beaver (su título original) es eso, y obviamente es uno de sus puntos más llamativos, aunque muchas veces no quiere decir positivo, y en este caso lo es a medias.

La Doble Vida de Walter danza entre el drama y la comedia sin lograr profundizar en ninguno de ellos. Lamentablemente Foster jamás consigue narrarnos una historia con vuelo debido a la intervención de una innecesaria voz en off que sirve para resumirnos a Walter al comienzo, pero que lamentablemente nos introduce directamente a un personaje que nos es ajeno y del que es difícil creer lo que le pasa. El problema es que cuando logramos fundirnos con el personaje interpretado brillantemente por Mel Gibson, Foster nos introduce en paralelo la historia del hijo del protagonista, restando importancia y minutos a la trama que realmente nos incumbe, generando una importante desconexión con la película que solo es retomada por la mencionada estupenda labor del actor de Corazón Valiente.

Otro apartado bastante molesto de The Beaver es el continuo subrayado que hace Foster sobre ciertas cuestiones, como por ejemplo el repetitivo énfasis con el que narra la relación entre Walter y su hijo Porter. Al comienzo la directora se encargó de mostrarnos que Porter no quiere parecerse a su padre, por medio de unas anotaciones que hace buscando eliminar las similitudes, pero no conforme con eso Foster después vuelve para que veamos los golpes que el muchacho le da a la pared ante cada padecimiento y como si esto no fuera poco la charla final entre ambos no hace más que subrayar nuevamente estas cuestiones, algo que realmente se torna bastante pesado.

Más allá de todas estas cuestiones y explayándonos un poco más, La Doble Vida de Walter es salvada por un inmenso Mel Gibson, en una de las mejores actuaciones de su extensa carrera. Gibson transita con maestría tanto la depresión de su personaje, como la inyección de ánimo que recibe al utlizar al castor o la crisis que tiene al querer desprenderse de él. Los ojos de este gran actor hablan y se expresan acorde a sus gestos, y realmente no puedo dejar de mencionar la pena que me causa que cuestiones ajenas al set de filmación sean condicionantes para verlo delante/detrás de la gran pantalla.



La Doble Vida de Walter es una llamativa cinta que más allá de sus propias logra ser salvada por una brillante actuación de su protagonista.

Po, el panda querido por todos, ha vuelto a nuestras carteleras en una simpática secuela carente de frescura y originalidad.

Kung Fu Panda 2 nos contará las como Po y sus compinches deben salvar a China y al Kung Fu de un malvado pavo real llamado Shen. La misión no será sencilla debido a que nuestro animal monocromático deberá encontrar su paz interior para poder derrotarlo, teniendo que desenterrar y comenzar a comprender su oculto pasado para llegar a dicho objetivo.

El gran éxito en la crítica y el público de la primera parte de Kung Fu Panda se debió en gran parte a la originalidad y el modelado del personaje principal, Po. Este panda que es más facíl saltarlo que darle una vuelta era torpe, bonachón, simpático, glotón y demás cuestiones que lo hacían completamente querible y entrañable. En está oportunidad, tres años después, Dreamworks nos trajo de nuevo al inolvidable pandota para hacernos revivir nuevamente sus aventuras, pero en esta oportunidad el carisma y la evolución del protagonista no alcanzan para llegar al resultado del film estrenado en el 2008.

El error de Dreamworks básicamente es el no aportar a está secuela nada que la distinga o la resalte de la anterior. No hay personajes nuevos y solo la inclusión del nuevo y bien logrado villano puede dotar a esta secuela de una pequeña brisa de frescura. Incluso hay un leve desarrollo de la amistad entre Po y los Cinco Furiosos, donde se destaca el amor que amor que se vislumbra a lo lejos entre él y Tigress, pero que lamentablemente no cubren las expectativas que uno espera para la continuación de una gran película de animación como lo fue la iniciatoria.

Kung Fu Panda 2 tiene como principal acierto la excelente narración, donde los flashbacks están a la órden del día usados a buen tempo para aportar los datos necesarios para que juntos desentrañemos el pasado de Po. Otro de los puntos a favor que tiene está secuela es la mezcla de estéticas de animación que utilza, al combinar en varios pasajes el anime para mostrar los retazos del pasado y la animación convencional que se usa en el presente.



Kung Fu Panda 2 es una buena vuelta de Po y su banda, que de presentar algún viento novedoso hubieramos estado en presencia de un film mucho más destacable como si lo fue su predecesora.

Asesina por anti-naturaleza

Joe Wright incursiona en un nuevo género con Hanna, luego de los films de época como la excelente Orgullo y Prejuicio o Expiación, Deseo y Pecado, y sin olvidar su última obra que no pertenecía a ese "molde" que acá se conoció como El Solista.

Este cuarto film de Wright nos contará la historia de Hanna, una adolescente que es criada/entrenada por su padre, un ex agente de la CIA que le dará todos los conocimientos necesarios para que pueda sobrevivir al violento y terrible futuro que le espera.

Ese entrenamiento y una "pichicata" aplicada por la CIA serán sus principales armas para llevar adelante una misión que desenterrará su pasado y la llevará a pelear contra sus peores miedos. Los escollos que se le presentarán en la compleja misión serán una despiadada agente y un grupo de mercenarios que harán lo que sea necesario para detenerla.

Hanna no es una simple película de acción e incluso es conciente de querer diferenciarse, y lo hace por medio de la utilización de varios recursos que no son ofrecidos generalmente por las obras de tiros y persecusiones. Wright hecha mano y nos muestra una historia cargada de tensión, suspenso, estética comic, cámara en mano y movediza, música electrónica, secuencias oníricas e incluso hasta se deja ver de manera bastante intencional y subrayada un cuento de hadas donde tranquilamente la villana podría pasar a ser la bruja en un abrir y cerrar de ojos. Obviamente que también tenemos los clásicos tiros y persecuciones, aunque filmados con un llamativo gran pulso para un director que no viene de ese "palo". Todo eso junto tenemos en esta obra y lo más interesante del film es cómo se logra plasmar, algo que deberán descubrir ustedes mismos para así sacar sus propias conclusiones. De alguna manera simplista se podría decir que Bourne + Nikita + Caperucita Roja darían como resultado Hanna.

La mala resolución de ciertas cuestiones, como la inverosimil fluidez con la que socializa una muchacha aislada del mundo o la velocidad con la que nuestra querida asesina entiende el uso de la pc, hacen que no estemos en presencia de un film redondo o casi perfecto.

Da gusto ver a Cate Blanchett y en este papel aún más. Esta malvada agente que espera a una también excelente Saoirse Ronan en la boca del lobo, le imprime a su penetrante mirada unos ingeniosos, despiadados y rojizos ojos que buscan acabar con la pequeña, algo que no recuerdo haber visto en su extensa filmografía. Tampoco hay que dejar de lado el aporte de un siempre correcto Eric Bana en el papel del padre de Ronan.

Hanna es una novedosa propuesta de acción por la gran puesta en escena y la conjunción de varios detalles novedosos que se distancian de las películas que llegan dentro de ese estilo a nuestras carteleras.

La película que responde los porqués

Como bien menciona la sinopsis, X-Men: Primera Generación nos va a contar el inicio de la saga X-Men y buscará responder a los "porqués" de varias preguntas que siempre han existido alrededor de aquellos admiradores únicamente de la saga cinematográfica.

A lo largo de sus 132 minutos esta precuela se encargará de mostrarnos cuáles fueron las razones que llevaron a Erik Lehnsherr y Charles Xavier a convertirse en Magneto y el Profesor X respectivamente. También nos mostrarán el porqué del odio hacia la raza humana por parte del gran enemigo de los X-Men. Incluso sobre el final asistiremos a sacarnos una de nuestras mayores dudas: ¿Por qué el Profesor X no puede caminar? Pero sin dudas la cuestión más interesante que devela el film es el nacimiento de esa enemistad, que primero nació como una amistad, entre Erik y Charles.

Es por ser "La película que responde los Porqués" que X-Men: Primera Generación se dispone a contarnos minuciosamente los detalles del nacimiento de estos líderes mutantes y no se detiene en secuencias de acción innecesarias que podrían haber tenido un resultado más efectista y espectacular, pero que hubieran perjudicado totalmente a la profundización de los personajes. Seguramente en las secuelas posteriores (si es que se llevan a cabo) veremos menos respuestas y mucha más acción, debido a que esta cinta sirve como puntapié para reiniciar la saga y desarrollar la historia anterior a la trilogía iniciada por Bryan Singer a comienzos de siglo.

Metiéndonos un poco más en las secuencias de acción me resultaron muy poco espectaculares y demasiado frágiles, es decir que se notaba demasiado el efecto digital, algo que realmente no termino de comprender que pase en una película cuyo presupuesto resultó ser bastante abultado.

X-Men: Primera Generación tiene un elenco conformado por actores jóvenes donde se destacan en demasía por encima del resto James McAvoy en el papel de Charles Xavier y Michael Fassbender como Erik Lehnsherr. McAvoy lleva adelante una interpretación que logra destacarse en un rol que no era sencillo de personificar, debido a la bondad que representa el Profesor X. Al igual que el actor de Orgullo y Prejuicio, Fassbender, se luce con una actuación brillante por representar a un personaje que tiene una ambigûedad mucho más rica de demostrar. Lamentablemente Jennifer Lawrence y el resto de los jóvenes mutantes, separando a Nicolas Hoult y la hermosa January Jones, no logran conformar unas actuaciones sólidas. De hecho Lawrence navega toda la película con una inexpresividad insoportable. Realmente esperaba más de la actriz recientemente nominada al Oscar por su labor en Lazos de Sangre.

Del bando de los experimentados encontramos a un Kevin "Panceta" Bacon que tira en la cancha toda su experiencia caracterizando un villano a la altura de lo que una precuela de los X-Men necesitaba.



X-Men: First Class es una muy buena vuelta de los queridos mutantes a nuestras carteleras, que más allá de ciertas falencias, cumple perfectamente con lo que se propone.

A mediados del 2009 llegó a nuestras carteleras ¿Qué Pasó Ayer?, una comedia que había funcionado muy bien en los Estados Unidos y que de no ser por su gran éxito seguramente habría sido enviada directo a DVD por su distribuidora. Gracias a ese tremendo suceso Todd Phillips puso manos al asunto para que la manada volviera a las salas de cine.

Y ayer la manada finalmente volvió. Phil, Stu, Alan y Doug han vuelto para contarnos la misma historia que en la primera parte, solo que ahora los extraños sucesos ocurrirán en Bangkok.

¿Qué Pasó Ayer? Parte 2 utiliza exactamente los mismos argumentos que en la primera le dieron tan buenos resultados, solo que ahora no tienen a su favor ese factor sorpresa que representaba una de las mayores virtudes que tenía su versión original. El no tener a favor esa originalidad le juega muy en contra a esta secuela, pero lo que la perjudica de manera importante es que los detalles novedosos (que no voy a contarlos para no arruinarlos) o los nuevos personajes no aportan el aire fresco que necesitaba esta similar propuesta. El mono (la mejor incorporación), el papel de Paul Giamatti o el Sr. Chow no se desenvuelven con la suficiente maestría como para alejar los ojos de los queridos integrantes principales de la manada. De quien esperaba mucho más, debido a sus excelentes momentos en la primera entrega, era de Ken Jeong y sin embargo solo tiene un puñado de secuencias sobre el final que lamentablemente no llegan a cumplir con mis expectativas sobre su personaje.

El guión es una copia exacta de aquel que estuvo presente en el 2009, solo que ahora intercambiaron las palabras adaptando la historia a un nuevo lugar. Sin dudas esto hace que se vean venir a lo lejos ciertos gags, perdiendo bastante eficacia. Esta secuela y este guión en manos de otro director hubiera sido un tremendo y aburrido desastre, pero el talento de Todd Phillips hizo que salga una propuesta que por momentos brinda un puñado de escenas inolvidables.

En ¿Qué Pasó Ayer? Parte 2 se da algo extraño porque la falta de originalidad que mencioné arriba representa su mayor defecto, pero a la vez se convierte en su mayor virtud. La respuesta a este singular fenómeno se podría resumir en que a pesar de presentar solo algunos aspectos diferentes a su predecesora el film funciona perfectamente como comedia e incluso le pasa el trapo a varias películas que pertenecen a ese género y que llegan a lo largo del año a nuestras carteleras. De hecho tiene algunos momentos que no creo que puedan ser igualados en lo que queda del año por las comedias que quedan por venir.

Otro aspecto altamente positivo de esta secuela/remake es que el humor en los films de Todd Phillips vuelve a subir la apuesta en comparación a sus anteriores propuestas. ¿Qué Pasó Ayer? y Due Date tenía momentos de incorrección brillantes, pero en esta segunda parte hay secuencias que son una auténtica gozada para quienes disfrutamos de ese humor que Hollywood entrega muy de a poco.

El trío protagonista integrado por Bradley Cooper, Ed Helms y Zach Galifianakis sigue en la línea de la primera edición, siendo este último el más perjudicado por la repetición de sus personajes. Recordemos que en Due Date (acá se estrenó como Todo un Parto) Galifianakis es Ethan Tremblay que vendría a ser una especie de hermano perdido de Alan Garner.



¿Qué Pasó Ayer? Parte 2 es una conocida vuelta de la manada que con solo unos momentos novedosos y varios repetidos regalan unos 100 minutos dotados por mucha gracia y carentes de alguna inspiración refrescante.

Naufragando en aguas conocidas

Ha vuelto Jack Sparrow el pirata que inició sus travesías por el 2003 con una nueva aventura: encontrar la fuente de la juventud. En el camino en la búsqueda de un nuevo tesoro, Jack se cruzará con un viejo amor llamado Angélica, con el temible Barbanegra, con el conocido enemigo Barbosa, con los Españoles, con sirenas y también, como si todo lo anterior fuera poco, con algunos zombies.

La franquicia ha cambiado de capitán (va a ser una crítica rodeada de metaforas navales, como la saga lo amerita) debido a que Gore Verbinski se alejo de la misma para filmar la entrañable Rango y en su reemplazo llegó Rob Marshall.

Marshall, que venía de fracasar estrepitosamente con Nine, lamentablemente hace naufragar un barco en aguas que les son bastante familiares. ¿Se puede realizar una continuación sin gracia, sin pasión, sin espectacularidad, sin fluidez y sin humor, en una saga donde todo lo mencionado estaba más que garantizado? Si se puede y Rob Marshall se encargó de demostrarlo.

Los personajes de este film van a la deriva y algunos hasta sin justificación. Que le aporta a la película el misionero? Nada, absolutamente nada. Pero lo peor de esto no es que no sume al argumento, sino que Marshall le da un lugar importante a un timido y inexpresivo personaje a tal punto que es el único tripulante del film que vive un romance, aparte del querido Sparrow. Luego encontramos desaprovechados a un siempre cumplidor Ian McShane interpretando al pirata más temido por todos los piratas, el pirata Barbanegra. De verdad que ese pirata es tan temible? Bueno estaría bueno que se pueda apreciar en las imágenes y no solo en las líneas de dialogo. Luego encontramos a la hermosa Penélope Cruz (aquí justifica su patético acento al interpretar un personaje nacido en España) que no logra salvar el hundimiento de la saga debido a que presenta una Angélica carente de sensualidad e inexpresiva.

Piratas del Caribe 4 solo presenta algunos momentos que rozan lo simpático y la mayoría surgen por parte de Johny Depp, lo que demuestra nuevamente la impericia de Marshall al no aportarle una nueva y necesaria visión con personajes que logren demostrar algo de frescura a la franquicia. Más allá de algún que otro traspié en las anteriores ediciones Depp siempre salió aireoso de cualquier crítica y aquí nuevamente es quién tiene las mejores secuencias cómicas con un Jack Sparrow que se encuentra bastante gastado. Realmente es digno de destacar que una película de aventuras con personajes que supieron llenar nuestro balde de pochoclos en el pasado, tengan una vuelta tan aburrida y desangelada.

Es decepcionante e ¡IMPERDONABLE! que Piratas del Caribe: Navegando Aguas Misteriosas falle también en las escenas de acción, debido a que pareciera que Marshall las fimló por puro compromiso sin generear emoción, espectacularidad y sorpresa, sentimientos fundamentales en una secuencia de "tiros y espadas". Solo el ataque de las sirenas pareciera estár rodado con la cálidad que una franquicia como esta precisa.



Por todo lo expuesto más arriba lamentablemente hay que decir Piratas del Caribe 4 no navega en ningún momento aguas misteriosas, sino que naufraga por completo en aguas altamente conocidas, donde su único sobreviviente es Johnny Depp.

Han estacionado en nuestras carteleras Vin Diesel, Paul Walker y Dwayne Johnson para darnos la dosis de acción que las pantallas de cine venían pidiendo a gritos.

Rápidos y Furiosos 5 es la nueva entrega de esta saga motorizada que en esta oportunidad nos contará las aventuras de Toretto y O'Conner en Río de Janeiro, a donde han tenido que escapar luego de que el ex agente ayude a huir al condenado a prisión perpetua de la cárcel. Será en Brasil donde Dom y Brian, junto a Mia, se enfrentarán con Hernan Reyes, un poderoso mafioso que es el "dueño de las favelas", para concretar el golpe maestro que les de la tan ansiada libertad. Obviamente que este robo no será sencillo debido a las fortalezas que posee Reyes, pero además, como si eso fuera poco, la pandilla motorizada también deberá enfrentarse a un experto agente federal que los buscará incansablemente para encarcelarlos.

La saga Rápido y Furioso sin Vin Diesel y Paul Walker juntos no ha funcionado en ninguna de sus entregas y aquí Justin Lin, director de la pedorrísima tercera y la dignísima cuarta, se enfrentaba al complejo desafío de superar (o aunque sea igualar) la anterior edición que había sido la mejor de la franquicia. Con respecto a esto hay que decir que Lin logró llevar adelante en Rápidos y Furiosos 5 la mejor parte de la saga que se inició en el 2001 por lejos.

Rápidos y Furiosos 5 representa la mejor vuelta de estos personajes gracias a que su director entendió a la perfección las limitaciones que siempre presentó la saga y las camufló para que salieran a la luz las espectaculares secuencias de acción que representan las mejores que han visto mis ojos en lo que va del año. El valuarte de estas escenas se basa en que Lin logró que las secuencias de choques, disparos, etc, fueran "reales" y que así sean transmitidas al público. Cuando uno ve la gran y esperada pelea entre Vin Diesel y Dwayne Johnson a uno "le duelen" los golpes que se dan. Aunque también hay momentos espectaculares poco creíbles como la larga persecusión final donde rompen de todo, estos logran ser altamente eficaces a pesar de la poca verosimilitud, justamente porque los efectos especiales fueron aplicados de tal manera para que esa inverosimilitud pueda ser "creída y comprada".

Otro de los pilares que hacen que Rápidos y Furiosos 5 sea la mejor de la saga es la inclusión de los personajes que habían tenido buenas participaciones en las anteriores ediciones. Don Omar, Tego Calderon o el morochón de Tyrese Gibson aportan un cómico y cómplice aire fresco a los ya conocidos personajes de Dom, Brian y Mia.

Mención aparte merece la explotación de las locaciones brasileras, como las corridas por los pasillos o los saltos de techo a techo que llevan adelante los protagonistas a lo largo de la película.

Como puntos en contra podríamos decir que hay varios diálogos con cierto toque de racismo que podrían ser eliminados, como también varios tramos donde el relato se pone bastante solemne, pero ninguno de estos aspectos (y quizás alguno más que se me escapa "objetivamente" por tener gran estima a la saga) altera en demasía el resultado final de esta muy buena película.

Gran acierto por parte de Lin y los productores al contratar a "La Roca" Johnson para ser la némesis de Diesel. Aquí Dwayne aporta su ya conocido carisma y su potencial físico para llevar adelante el papel de un agente que al fin puede hacerle frente al gran Dominic Toretto. Los demás actores, a pesar de presentar filmografías de dudosa calidad, cumplen con sus roles incluso mostrando algunas mejoras como el caso de Jordana Brewster que en esta quinta edición lleva una Mia un poco menos patética y más expresiva que en las películas anteriores.

Rápidos y Furiosos 5 representa una gran vuelta para los amigos motorizados y sube el listón en la espera de lo que será la sexta entrega, sobre la cual iremos conociendo las novedades más adelante. Bien por Lin, Diesel, Walker y The Rock, vuelvan pronto que los esperamos con ganas de más velocidad y acción.

Se presume inocente

The Lincoln Lawyer o Culpable o Inocente, como más les disguste llamarla, cuenta las andanzas de un abogado defensor de delincuentes de poca monta, llamado Mick Haller, que tiene su centro de control en el asiento trasero de su Lincoln Continental. Este atípico abogado, que es conocedor de las leyes de la calle (o en este caso de los tribunales) como la palma de su mano, recibe la oportunidad de su vida al ser solicitado para defender a un jovencito que parece estar involucrado en un crimen que no cometió. Cabe destacar que la historia se encuentra basada en la novela del escritor Michael Connelly.

Más allá de no presentar ningún aspecto que se "salga del libreto" convencional de un Thriller con tintes de Policial Negro, Culpable o Inocente basa sus fortalezas (que no son pocas) en un gran pulso narratorio a cargo de Brad Furman, unas actuaciones que sostienen la verosimilitud del relato en todo momento y una historia muy bien contada que no se enrieda en vueltas de tuercas innecesarias o golpes de efectos encandilantes. Con esto quiero decir que este más que digno thriller representa una de las sorpresas de esta temporada, ya que no es común encontrarse con este tipo de propuestas donde la prolijidad y el entretenimiento son priorizadas para dar un disfrute más que importante y placentero a quienes asistan a verlas.

Todo lo que estamos acostumbrados a ver en una película de juicios pasa en Culpable o Inocente, encubrimientos, trampas, presiones, soplones pagados, asesinatos, testigos de último momento y demás cuestiones que ya conocemos, pero no por eso deja de ser una propuesta altamente eficaz en su cometido.

Mientras salíamos de la función comentábamos con Ulises lo bien que le quedó este personaje a Matthew McConaughey, que al comienzo de la obra no difiere demasiado del canchero galán que interpreta siempre, pero que con el pasar de los minutos dará un valor dramático a su interpretación que no se corresponde con sus anteriores trabajos, representando éste uno de sus mejores laburos de los últimos años. Por otra parte tenemos a la hermosa y talentosa Marisa Tomei que una vez más cumple con el rol que se le asigna y también una vez más regala a su público (entre los cuales me incluyo) una escena de sexo para que admiremos las curvas que tan bien conserva.


Culpable o Inocente representa una de las primeras sorpresas de la temporada por vender y contar perfectamente una interesante y atrapante historia, lo cual en estas épocas no es poco.

Los Hermanos Farrelly están de vuelta, luego de algunos traspiés, de la mano de su nueva comedia titulada Pase Libre.

Básicamente la historia de este film nos mostrará las patéticas andanzas de dos amigos casados que han recibido una semana sin los compromisos que requiere el matrimonio, suponiendo que esta medida representará una vuelta a su época de esplendor en la conquista de mujeres. Este "pase" fue otorgado por sus esposas debido al cansansio que sufren por el poco respeto y deseo que tienen hacia ellas.

Con algunos momentos bastante logrados y un puñado de secuencias graciosas, los Farrelly han logrado una película que resulta simpática, pero que tampoco logra acercarse a los recordados films de estos hermanos como Loco por Mary, Tonto y Retonto o Amor Ciego. Obviamente que sería injusto críticar a Pase Libre por no llegar a atarle los cordones a las mencionadas obras cumbres de estos realizadores, pero no por eso uno debe dejar de mencionar que hay ciertos directores de los que se espera bastante más que una comedia con un resultado satisfactorio.

Apelando a algunas de sus propias viejas fórmulas Pase Libre transita en la repetición de gags de un humor que llegando a los últimos 20 minutos roza el mal gusto. Es harto conocido que los Farrelly apelan a este tipo de escenas en sus comedias y esto no me es ajeno, pero en las citadas películas de su filmografía estas secuencias están sustentadas en el desarrollo de la historia, cosa que aquí por momentos no se ve. Es como si Peter y Bobby hubieran decidido introducir su humor más extremo en la segunda parte del film, haciendo que el "cambio de pantalla" sea forzado y termine pareciendo un manotazo de ahogado para salvar la película y no perder la esencia de su cine.

El cuarteto protagonista está integrado por Owen Wilson, Jason Sudeikis, Jenna Fischer y Christina Applegate, todos ellos experimentados intérpretes que transitan la comedia con respetables resultados.



Lamentablemente Pase Libre no representa la vuelta de los Hermanos Farrelly a su mejor versión, aunque no por eso deja de ser una graciosa comedia que tiene sus buenos momentos.

Oh, melancolía

Mark Romanek ha vuelto a la gran pantalla, luego de más de 8 años de ausencia desde cuando fue estrenada Retratos de una Obsesión en el 2002.

Nunca me Abandones está basada en el bestseller de Kazuo Ishiguro que centra su historia en un trío de jóvenes que crecen juntos en un misterioso internado donde son educados y ¿preparados? para cumplir con un terrible destino. Detrás del camuflaje que posee una trama fantástica de ciencia ficción encontraremos un triángulo amoroso que se desarrollará entre Tommy, Kathy y Ruth. Aunque Kathy es la más cercana a Tommy y de hecho es la persona que más lo comprende, Tommy se decide por la agresiva y dominante Ruth para entablar una relación que durará por muchos años, postergando la felicidad de la adorable Kathy.

A pesar de contar con un relato con una potente y lacrimógena historia, Romanek se regodea demasiado en varias oportunidades del film en la superficialidad de planos fotográficos hermosos, en vez de inmiscuirnos más íntimamente en el drama amoroso que viven los protagonistas. En donde si hay un gran acierto por parte del director es en el tono melancólico que le dio a la trama, debido a que este atributo disimula las falencias superficiales con la que adaptó la famosa novela. Otro gran acierto de Romanek es el evitar el golpe bajo en todo momento, algo que en este tipo de historias siempre representa una piedra con la que es fácíl tropezar.

El trío protagonista prometía y mucho, aunque debo decir que no todos cumplen con sus roles. Carey Mulligan es quien se desenvuelve con las mejores escenas en un personaje que atraviesa momentos depresivos, felices y desesperanzados, con una gran soltura y profesionalismo. Sin dudas Mulligan es una de las actrices jóvenes con más futuro de la actualidad. En cambio Keira Knightley lleva adelante un personaje que ronda siempre en la sobreactuación, mientras que Andrew Garfield logra encarrilar una interpretación que al comienzo lo mostraba muy poco expresivo y dubitativo.



Nunca me Abandones hubiera sido una gran propuesta si Mark Romanek nos hubiera introducido más intimamente en la atrapante historia.

Luego de La Suerte Está Echada, Sebastián Borenstein vuelve a nuestras carteleras con Un Cuento Chino y para esto contó nada más y nada menos que con Ricardo Darín en el rol protagónico.

Un Cuento Chino nos va a contar la vida de Roberto, un solitario y argento ferretero que ve trastocada su rutinaria y aburrida vida cuando se encuentra por casualidad con un golpeado chino que busca a su tío en la Argentina sin saber una sola palabra en español. Luego de algunas idas y vueltas Roberto decide ayudar al desorientado inmigrante a encontrar al único familiar que le queda.

Partiendo de esta premisa Un Cuento Chino exportará los problemas con el idioma y las costumbres que tienen estos dos compañeros al tratar de comunicarse. Incluso las antagónicas personalidades de uno y el otro serán aprovechadas para que el film tenga buenos momentos, promediando la primera parte. Hay secuencias de este segundo film de Sebastián Borensztein que están bien logradas, aunque lamentablemente hacia el final Un Cuento Chino desbarranca tomando un tono solemne estirado hasta el absurdo de la mano de un innecesario y hasta desubicado flashback que nos muestra que el personaje de Roberto es un sobreviviente de la Guerra de Malvinas. Sin dudas este recurso termina siendo totalmente simplista al intentar justificar la personalidad del protagonista e incluso –como si fuera poco- casi tira por la borda todas las buenas intenciones que traía este por momentos simpático film.

Si Ricardo Darín no participara de esta obra, el resultado sería una película totalmente olvidable y hasta incluso altamente aburrida, debido a que es justamente Darín quien aporta todo el carisma y el peso narrativo que se necesita para levantar una historia que usa y abusa constantemente de la repetición de sus chistes y clichés. Cabe destacar que Muriel Santa Ana e Ignacio Huang logran complementar a la perfección la labor del mencionado actor de Nueve Reinas.



Un Cuento Chino convierte a Ricardo Darín en un superhéroe capaz de salvar esta fallida pero simpática película.

Las Chicas Superpoderosas

El prolífico y siempre interesante Zack Snyder ha regresado a nuestras carteleras con una de las películas más esperadas de esta primera parte del año, Sucker Punch.

Con la singular puesta en escena que lo caracteriza, este director nos contará la historia de Baby Doll, una muchacha que al sufrir la desoladora pérdida de su madre es internada injustamente por su padrastro en un manicomio para mujeres. Allí la joven comienza a experimentar una simulación que la aparta de su cruda realidad y la sumerje a ella y a sus compañeras en un mundo donde debe luchar contra samurais, nazis y pistoleros robotizados. Vencer en esas luchas "paralelas" será la llave de su escapatoria. En este apartado es donde vale la pena destacar que Snyder es el autor original de la historia, ya que sus anteriores propuestas fueron adaptaciones de comics o libros -300, La Leyenda de los Guardianes y Watchmen- o la remake de El Amanecer de los Muertos que fue su debut en la pantalla grande.

Es complejo encasillar a Sucker Punch por su variedad de tópicos y géneros y creo que es ahí donde se encuentra su mayor virtud. Siempre es interesante encontrar una propuesta arriesgada que no se dejó llevar por presentar un entretenimiento vacio en el cuál no puedan justificarse mínimamente las acciones llevadas adelante por los protagonistas. Aquí Snyder pone en escena momentos de acción, escenas fantásticas y de aventureros, de ciencia ficción y comic, y hasta incluso algunos números musicales que hacen de Sucker Punch un film adictivo e intenso.

Sucker Punch cumple ampliamente con las expectativas que generó, aunque creo que la inverosimilitud de la historia podría influir negativamente en aquellas personas que solo pueden ver en el cine lo que ocurre verdaderamente en la vida.

Los amantes del cine de Snyder -entre los cuáles me incluyo- saldrán más que conformes por la propuesta visual de este film, gracias a que Sucker Punch representa la obra donde este realizador eleva a la máxima expresión esa estética tan característica de su cine.

También encontraremos en Sucker Punch otros rasgos que distinguen la particular filmografía de este realizador: la crítica a los poderes establecidos, el tono de la historia melancólico y esperanzador a la vez, la sensualidad con la que se encuadra a las protagonistas y la utilización cruda de la violencia en los momentos en que es necesario.

Una de las pocas cosas que se le puede achacar a Sucker Punch es el poco dramatismo que crea en algunas escenas previas a las batallas surrealistas, generando por momentos una especie de entretenimiento vacío en las espectaculares secuencias de acción.

Los minutos iniciales de Sucker Punch -al igual que en Watchmen- son brillantes, y en ellos se destaca una singular y excelente versión de Sweet Dreams supervisada por el musicalizador Marius de Vries, que tuvo una labor brillante en la elección y adaptación de las canciones que suenan en el film.

El elenco protagonista integrado por Emily Browning, Abbie Cornish, Jena Malone, Vanessa Hudgens y Jamie Chung, tiene labores desparejas que atentan contra la película en varias ocasiones. Hudgens y Chung llevan adelante actuaciones paupérrimas, mientras que Browning -que aquí es la protagonista- tiene momentos destacables e inexpresivos por igual. En cambio Cornish y Malone son quienes se encargan de dar vida a las escenas más dramáticas de la película con muy buenos resultados.

Por otro lado tenemos a los experimentados Oscar Isaac, Jon Hamm y la terriblemente sensual Carla Gugino completando el elenco, con actuaciones que cumplen a la perfección con lo que el film necesita.



Sucker Punch representa un importante paso adelante en la interesante y destacable filmografía de Zack Snyder.

Con Invasión del Mundo. Batalla: Los Angeles vuelve la ciencia ficción a nuestras salas con una nueva propuesta sobre una invasión alienígena que pone en peligro la población de nuestro planeta.

La historia transcurre en la actualidad, donde unos destructivos extraterrestres intentan arrasar con todo lo que se cruza en su camino. Cuando la ciudad de Los Angeles queda totalmente citiada por los hostiles aliens un grupo de marines debe salir al rescate de los sobrevivientes que han quedado atrapados en el fuego enemigo. Estos soldados son comandados por el experimentado Sargento Michael Nantz que se encuentra en pleno proceso de retiro, luego de perder a toda su unidad.

Mientras los marines intentan recuperar el terreno perdido comenzarán a sufrir los embates de una fuerza superior, de una fuerza aparentemente inquebrantable; es decir que están tomando una muestra de su propia medicina.

Es así que este grupo de valientes soldados debe bancar la parada para lograr salvar sus vidas y la de los ciudadanos que aún se encuentran con vida.

Para disfrutar Invasión del Mundo. Batalla: Los Angeles uno deberá "ignorar" o "soportar" por completo los innumerables clichés -el soldado experimentado que se retira, el soldado inexperto que se rige por el reglamento-, lo insoportablemente predecible y el incesante mensaje panfletario sobre el heroísmo de los marines yankees. De acuerdo a como cada uno ignore a esas cuestiones mencionadas dependerá el resultado final del film.

Vale decir que a tal punto se glorífica la presencia de los soldados en combate, que solo en contadas ocasiones veremos claramente a los extraterrestres.

Hay escenas realmente espectaculares donde se ve un gran trabajo de los encargados de los efectos especiales, aunque lamentablemente muchas secuencias de combate se ven altamente opacadas por el incesante e insoportable movimiento de cámara que implementó Jonathan Liebesman.

Más allá de los aspectos mencionados más arriba, Invasión del Mundo. Batalla: Los Angeles tiene como cuestiones destacables un ritmo arrollador a lo largo de sus 100 minutos, un puñado de escenas que manejan muy bien el suspenso y varias secuencias que generan una adrenalina bastante complaciente en nuestros cuerpos.

Otro aspecto positivo del film es la buena labor de Aaron Eckhart, que por momentos se calza la trama en los hombros aportando toda la credibilidad que pueda llegar a presentar esta historia. Michelle Rodriguez también aporta algunos momentos dramáticos con una interpretación que no difiere demasiado a lo que hizo en Avatar.



Invasión del Mundo. Batalla: Los Angeles es un regular film de Ciencia Ficción que si bien entretiene, se ve influenciado negativamente en el resultado final por sus insoportables mensajes patrióticos y sus miles de clichés.

Patrick Lussier vuelve a nuestras carteleras para traernos Infierno al Volante 3D luego de estrenar Sangriento San Valentín 3D en Septiembre del 2009, que para ese entonces fue una de las primeras propuestas fuera de la animación en ser pensadas y llevadas a cabo para explotar al máximo este nuevo formato de las 3 dimensiones.

En Infierno al Volante nos contará la desesperada y sangrienta búsqueda que lleva adelante Milton para encontrar a su nieta, que está en manos de una peligrosa secta de adoradores del Diablo que planea asesinarla frente a la luna llena a modo de sacrificio. Pero este muchachote se escapó del infierno no solo para tener nuevamente a su nieta, sino también para buscar la venganza por la muerte de su hija y frenar el culto satánico que la asesinó.

Al veterano vengador se le suma una sensual camarera llamada Piper, que detrás de sus curvas esconderá un gran coraje para ayudar a concretar el rescate. Lamentablemente para ambos los sigue muy de cerca un agente que se encarga de llevar nuevamente al infierno a quienes escapan de allí.

Hay dos elementos fundamentales que hacen que Infierno al Volante no pueda convertirse en un entretenimiento pasatista y pochoclero, y esos son la patética labor de Nicolas Cage y un guión escrito que pega volantazos tratando de enderezar un auto que lamentablemente va fuera de control.

Habría que explicarle a Lussier que Robert Rodriguez hay uno solo y que para hacer una buena película delirante Clase B hay que tener talento, no alcanza solo con mostrar algunas escenas gore, autos viejos y chicas bailando desnudas. En Machete o Planet Terror los guiones -que tampoco son guiones brillantes- acompañan las locuras de la película y de hecho las exacerban mucho más, en cambio aquí por momentos los diálogos se ponen solemnes tratando de justificar las acciones de los protagonistas, algo que jamás logran conseguir y que termina siendo una contradicción gigante. Las películas de Rodriguez exageran sus defectos e inclusive se rien de los mismos tornando su visionado en una experiencia altamente satisfactoria, mientras que aquí Lussier intenta camuflar como sea las terribles falencias de su film mostrando escenas sangrientas que solo están justificadas para explotar el 3D sin ningún tipo de sustento.

La escena más destacable de toda la película es cuando Cage asesina a varios integrantes de la secta mientras tiene sexo con una camarera. Ahora bien, si esa escena termina siendo una burda copia que carece de toda sensualidad en comparación a otro film de este mismo estilo que llegó en el 2007 bajo el titulo de Matar o Morir, podríamos afirmar que Infierno al Volante no tiene un solo momento que salga de la media. Incluso si también la comparamos con ese film protagonizado por Clive Owen y Monica Bellucci encontraremos la misma locura que Infierno al Volante pero infinitamente mejor contada y desarrollada.

Por otra parte tenemos a un Nicolas Cage paralizado, incapaz de transmitir alguna sensación. Obvio que el quincho que tiene en el bocho no ayuda demasiado a que podamos creerle a su absurdo personaje.

Las labores más destacables las aportan la bellísima Amber Heard y William Fichtner, que de alguna manera son los que aportan algunos momentos simpáticos a la película.



Infierno al Volante 3D se quedó a mitad de camino de presentar una buena propuesta Clase B entretenida por no saber explotar y disimular mejor sus propias falencias.

Después de colaborar en Cuenta Final -que significó el último trabajo del gran Marlon Brando- John Curran decidió volver a juntar a Robert De Niro y Edward Norton, y casi diez años después de aquella película, ahora ha llegado a nuestras carteleras La Revelación.

La Revelación gira en torno a Jack Mabry que es un oficial de libertad condicional que se encuentra viviendo sus últimos días en su cargo debido a su inminente jubilación. Dentro de sus casos se encuentra con el manipulador Gerarld Creeson, un preso que quiere ganarse la libertad condicional luego de pasar más de 8 años en la cárcel por participar en el homicidio de sus abuelos.

Creeson -apodado Stone- necesita convencer a Jack para poder salir de prisión anticipadamente y para ello intentará demostrarle que ha cambiado de actitud, que ya se ha rehabilitado y que ha pagado por el crimen que cometió. Lamentablemente para él, Jack no cree demasiado en las palabras de Stone, pero esto comenzará a cambiar cuando la mujer del reo entre en acción para seducirlo y finalmente lograr la aprobación del oficial para sacar a su marido del aislamiento.

La historia al comienzo se plantea como un thriller donde las acciones de los protagonistas definirán el futuro de la película, aunque lamentablemente con el pasar de los minutos la trama se volverá terriblemente cansina y carente de emoción, debido al empesinamiento de Curran en contarnos las situaciones dramáticas de los protagonistas. Es como si la cinta nunca terminara de arrancar.

El quiebre de la película se da cuando Jack se acuesta con Lucetta. Allí se espera que el film comience a desarrollar las cuestiones abiertas en la primera parte -como la ríspida y tirante relación de Norton y De Niro- algo que jamás sucede, inclinando a la obra hacia un insoportable drama que nos contará las cuestiones psicológicas de los personajes principales, dejando de lado muchos de los conflictos que se conocieron en la primera hora y que resultan los momentos más interesantes.

A pesar de plantear una interesante trama del bien contra el mal que con el pasar de los minutos se verá teñida de grises en ambos protagonistas, la película nunca logrará transmitir la tensión necesaria para que podamos meternos dentro de la historia. Curran se enreda en su propia telaraña de simbolos y pasajes bíblicos que al comienzo son interesantes, pero que luego terminan siendo una insoportable redundancia sobre los diálogos y lo mostrado en las escenas. Hasta termina siendo pretenciosa.

Quizás lo único rescatable en este bodrio llamado originalmente Stone son algunas escenas que llevan adelante el trío protagonista. Robert De Niro tiene una actuación creíble matizada con sus gestos y caras habituales. Su contrapunto en la película es Edward Norton destacándose con una labor interesante, que en la segunda parte del film desbarranca por completo con una caracterización carente de expresión. Por último tenemos a Milla Jovovich con una sensual caracterización que roza permanentemente la sobre actuación, pero que en el resultado final es la que mejor cumple con su papel.



La Revelación es un intento pretencioso de John Curran donde solo se pueden destacar algunos momentos de la primer hora a cargo de las actuaciones de sus principales protagonistas.

Érase una vez en el Oeste

Rango es la primer incursión de Gore Verbinski en el mundo de la animación, con un resultado altamente llamativo, fresco y original.

El director de Piratas del Caribe nos contará la historia de un camaleón domesticado que al sufrir un accidente queda perdido en una zona desértica y despoblada. Allí este temerario reptil decide emprender una aventura adentrándose de lleno en la tierra árida que lo rodea, en busca de una civilazación que le de un nuevo hogar.

Cuando todo parecía perdido y el desierto comenzaba a ponerse más feo Rango conoce a Beans, una lagartija que sufre una extraña parálisis ante ciertas situaciones límites. Es ella la encargada de guiarlo hacia un desolado y seco pueblo, siendo la escasez de agua la encargada de originar que los integrantes del mismo deban vender sus casas para partir hacia otros lugares donde puedan volver a cosechar. Este pueblo se llama Tierra.

Al ingresar al hostíl poblado, y en un intento desesperado por salvar su vida, Rango inventa algunas historias para mejorar su reputación y así conseguir el respeto de los ciudadanos de Tierra. Las anécdotas logran surtir efecto y los pueblerinos lo idolatran , hasta incluso el mismísimo Alcalde lo nombra la máxima autoridad del lugar. Rango se convierte en el ¿temido? Sheriff de Tierra.

Cuando todo parece ir de maravilla y nuestro simpático amigo comienza a asentarse en su responsable rol dentro de su nuevo ámbito, el banco del pueblo es asaltado siendo saqueada la última reserva de agua y poniendo en jaque la deficiente labor del camaleón.

Allí comienza una increíble y atrapante aventura a cargo Rango y su pandilla en una cruzada por el desierto en búsqueda de los culpables de sumergir a Tierra en la sequia absoluta.

Rango no es una película de animación común y silvestre, debido a que posee el código del Western Spaguetti inmerso en sus fotogramas, algo que no se había visto hasta ahora en la pantalla grande. Los homenajes y referencias a la Trilogía del Dólar -compuesta por Por un Puñado de Dólares, Por un Puñado de Dólares Más y El Bueno, El Malo y El Feo- de Sergio Leone son más que evidentes en la música, los planos y la puesta en escena de los duelos que tiene el protagonista contra los malechores que quieren terminar de romper la tensa calma que se vive en Tierra. Incluso hay un cameo del personaje de El Hombre sin Nombre encarnado por Clint Eastwood en la mencionada trilogía que representa uno de los puntos más altos de este recomendable film.

En Rango hay humor, ternura, maldad, desolasión, esperanza, amor y más condimentos que hacen que sea una película de alto vuelo con una historia original y fresca, potenciada fundamentalmente por las reglas de un género que de a poco nos visita para demostrarnos que el cine vive dentro de él en su máxima expresión.

El laburo de Gore Verbinski en la creación de los personajes es excelente. A lo largo de sus casi dos horas, Rango va a mostrar más de una banda de "animalitos" con distintas personalidades y locuras, dotando a la historia con un peso y una empatía altamente gratificante. Solo por mencionar algunos podremos encontrar en este film un terrible y despiadado villano como Rattlesnake Jake o a la adorable lagartija compañera de aventuras de Rango. Incluso nuestro protagonista sufre una metamorfosis que por momentos se torna muy desoncertante y agradable.

La música compuesta por Hans Zimmer -influenciada por el gran Ennio Morricone- subraya brillantemente cada escena de esta gran aventura, al igual que la hermosa fotografía de Roger Deakins.

Mención aparte merecen los programadores de los cines que no pusieron ninguna copia de este film en su idioma original, teniendo que sufrir una inentendible e inexplicable traducción de los diálogos de los villanos a un dialecto porteño que rompe con la estética del film, además de desorientar con respecto a las demás voces de la película. Sin contar que nos privaron de poder valorar los trabajos de artistas como Johnny Depp, Bill Nighy, Isla Fisher y Alfred Molina, solo por mencionar algunos, al caracterizar estos grosos personajes. Escuchar "loco" o "boludo" en un film donde todos los personajes hablan en español neutro es una canallada que debería dejar sin trabajo al encargado de tomar semejante decisión.



Rango es más que un simple film de animación, es una película que demuestra que el Western no ha muerto y que se encuentra entre nosotros con forma de dibujos animados.

Amigos con Derechos, dirigida por Ivan Reitman, es una película en clave de comedia romántica protagonizada por Natalie Portman y Ashton Kutcher, que básicamente nos contará las idas y venidas de una pareja que pretende no tener compromisos a la hora de mantener una relación.

La primera vez que Adam se cruza con Emma es en un campamento de verano al que él fue enviado ante el imprevisto e inevitable divorcio de sus padres. Allí comienza el primer contacto entre estos jovencitos que luego irá repitiéndose con poca frecuencia a lo largo de los años, hasta que finalmente se vuelvan a juntar cuando ambos superan los 25 años de edad.

Es en ese momento cuando ellos comienzan a vivir una atípica historia de amor donde se establecen como reglas básicas el tener sexo sin ningún tipo de compromiso y teniendo la libertad de estar con otras personas.

Obviamente que al comienzo este tipo de relación será maravillosa para ambos, hasta que empiezan a florecer en ellos sentimientos que atentan contra el pacto que establecieron al entablar esta relación.

Como bien índica su título original No Strings Attached significa "sin ataduras" y realmente no comprendo como aquí lo traducieron como Amigos con Derechos, debido a que ambos protagonistas jamás fueron amigos, e incluso se podría afirmar tranquilamente que Adam y Emma son apenas conocidos.

Ivan Reitman -director de grandes películas como Los Cazafantasmas y que aquí tiene un pequeño cameo- cuenta esta historia con un buen ritmo y utilizando todas las fórmulas que tiene este gastado género. En Amigos con Derechos encontramos la típica trama de conexión instantanea, relación amorosa, ruptura y reconciliación final, que incluso cae en los típicos cliches de la incursión del personaje gay, la música pop y los amigos que brindan siempre consejos que perjudican al protagonista.

La lógica impone que si Amigos con Derechos es una comedia romántica, debe tener buenas dosis de estos dos elementos para presentar un resultado satisfactorio. Es en el primer apartado que este film no logra cumplir del todo, más allá de que podríamos clasificarlo como un "film simpático" con algunas secuencias graciosas. Quizás la asignatura pendiente en este elemento es el desaprovechamiento de los personajes secundarios. En cambio es en el segundo módulo donde la película conforma su fortaleza más importante. La historia de amor de Adam y Emma es creíble, a pesar de repetir todas las fórmulas que menciono arriba, y también por momentos logra formar una especie de identificación con las situaciones que van ocurriendo, más allá de que uno no pueda no haber vivido entornos similares a los mostrados. Incluso en las escenas finales hasta puede llegar a emocionar a más de un desprevenido. Para simplificar se podría afirmar a las apuradas que en Amigos con Derechos la balanza se inclina mucho más hacia al romance, dejando con menos peso a la comedia.

Un punto interesante a ser destacado es que quién lleva el mando de la relación en esta historia es la protagonista femenina, algo que no es común en este tipo de películas. Incluso la escena más graciosa del film se da cuando Adam le regala a Emma un compilado con canciones hechas para su periodo menstrual.

La pareja protagonista integrada por Natalie Portman y Ashton Kutcher presenta una excelente química, donde son ellos los principales encargados en sostener la historia de amor. En la sala de al lado del cine en el que la vi estaban pasando El Cisne Negro y es increíble que la misma actriz haya llevado dos papeles tan distintos como Nina y Emma, con muy buenos resultados. Aquí Portman es adorable y más alla de que su personaje intente alejarnos de su corazón, cada mirada y cada sonrisa hace que uno inevitablemente se enamore perdidamente de ella. Como contraparte tenemos a Kutcher interpretando su clásico personaje de canchero, matizado con algunos toques de ternura, algo que refresca un poco el repetitivo registro del actor.



Amigos con Derechos es una comedia romántica poco original que logra mantenerse gracias a las buenas actuaciones de sus protagonistas y al buen ritmo narratorio de su director.

127 Horas representa la vuelta al cine de Danny Boyle, luego del éxito que obtuvo por Slumdog Millionaire.

Con la participación de James Franco, Danny nos contará la historia verdadera de Aron Ralston, un montañista que en plena travesía por un cañón de Utah cae en una grieta quedando su brazo atrapado debajo de una pesada roca.

Aron comienza su viaje en total soledad y en su camino hacia el cañón Blue John se cruza con dos muchachas, a las cuales las ayuda ya que estan perdidas y las lleva a disfrutar de algunas experiencias inolvidables para sus vidas. Aron pareciera conocer el cañón como la palma de su mano, porque avanza con una confianza avasallante sobre cualquier superficie. Hasta que lamentablemente ocurre lo inesperado, y bajando por una estrecha separación resbala cayendo a pique hacia el suelo quedando su brazo izquierdo atrapado debajo de una pesada piedra.

Es allí que Aron comienza a intentar zafarse de la inoportuna piedra utilizando distintos métodos, aunque todos con el frustante final de verse atrapado y sin posibilidades de escapar. Incluso con el pasar de los minutos se da cuenta que nadie supo a dónde viajaba, por ende entonces nadie lo daría por perdido, aumentado así su sensación de soledad ante semejante escollo. Mientras cranea y lleva adelante los planes para lograr salirse, Ratson comienza a recordar distintas etapas de su vida generando distintos estados de ánimo en su persona, como la felicidad, la tristeza o la decepción.

La historia de vida que aquí nos ocupa, al igual que en El Ganador, era perfecta para llevarla al cine, debido a que contiene todos los condimentos típicos que se necesitan para llamar la atención de la crítica y el público. Siempre las películas de superación personal ante la cercanía de la muerte garpan bien en todos los ámbitos y en caso de tratarse de una historia real, mucho más. Es por eso que no son extrañas las nominaciones a los Oscar y los buenos números taquilleros que obtuvo alrededor del mundo.

La traba más importante para narrar 127 Horas era conseguir un producto de entretenimiento "apto para todo público" con una historia que se basa fundamentalmente en un muchacho que queda atrapado debajo de una roca. Allí es donde Boyle desprende toda su potencia gráfica "pop" para lograr desligar el profundo calvario que vive el protagonista. Otro apartado donde Danny busca "levantar" la historia, es en la excelente elección del poderoso soundtrack que suena en este film.

Hay un juego interesante en 127 Horas, donde Boyle plantea por medio del montaje de las escenas y la música una distención y una desdramatización de la historia y en donde su protagonista James Franco aparece como contraparte para equilibrar la balanza de la película. Quien aporta los momentos más rutilantes y pesados -dramáticamente hablando- es Franco, con una actuación excelente y que seguramente será recordada como una de las mejores de su vida. En las horas que su personaje pasa atrapado podremos verlo eufórico, deprimido, esperanzado, decepcionado, nostálgico, etc, con una credibilidad y un realismo realmente brillante. Sin dudas el papel más destacado en su fructífera filmografía.

Toda la fuerza que tiene la historia se va cerrando de manera contundente y brillante en las secuencias finales, donde el film cobra una especial energía que resulta altamente conmovedora.



127 Horas es un muy buen film con una historia altamente atrapante e interesante que cuenta con una excelente dirección de Danny Boyle y una actuación descollante de James Franco.

El Ganador representa la nueva colaboración de David O. Russell con Mark Wahlberg, luego de los buenos resultados que obtuvieron en Tres Reyes.

La película nos mostrará la historia real de la dura vida de Micky Ward un boxeador de una pequeña ciudad llamada Lowell que intenta día a día dejar de ser un fiasco. El entrenador de éste es su hermano Dicky, un problemático ex boxeador que se encuentra inmerso en el consumo de crack, mientras que su representación corre por cuenta de su exigente y controladora madre Alice.

Luego de algunas peleas perdidas de forma consecutiva Micky se promete dejar el camino de la derrota para volver a ser el boxeador que fue en el pasado. Lamentablemente para él la siguiente pelea no sale como lo esperaba, dejándolo al borde del nocaut en todo lo relacionado a su vida real.

Cuando todo parece perdido Micky comienza a entablar una relación con Charlene, una joven mesera que de a poco se convierte en alguien muy importante en su vida, a tal punto que su noviazgo empieza a abrirle los ojos sobre la preocupante opresión que sufre por parte de su madre y de su fracasado y adicto hermano.

Al leer las líneas que describen la historia y ver el trailer todos pensarán que estamos en presencia de una típica película de superación personal, condimentada en este caso con el boxeo, y no estarán muy equivocados. Pero hay detalles importantes que hacen de El Ganador una excelente opción dentro de este tipo de historias.

En primer punto a favor lo vamos a encontrar en una trama que lejos está de convertirse en un dramón pesado y conmovedor, si hay algo que sorprendente es la cantidad de escenas cómicas dentro del terrible drama familiar, como la piña de Dicky a su padrastro o las escapatorias del mismo personaje de la casa donde consume crack.

Otro detalle favorable es la gran utilización de la música, algo que David O. Russell ya había trabajado de gran manera en Tres Reyes. Cada canción que suene en El Ganador tendrá un significado y resaltará lo que pase en la pantalla, como cuando se escucha de fondo Here I Go Again on My Own de Whitesnake retratando perfectamente que Micky debe alejar a los fantasmas de su familia para poder lograr ser campeón del mundo.

El realismo con el que contó a esta historia el director es otro aspecto que merece ser resaltado. Al igual que en Rocky Balboa, O. Russell decidió mostrar las imágenes de las peleas como si fuera una transmisión televisiva, algo que favoreció altamente a que uno sienta como reales las peleas de Micky.

Hay momentos de El Ganador que podremos encontrarnos con escenas que parecieran estar sacadas de un documental. Al comienzo y al final veremos a los hermanos Ward delante de la cámara como si estuvieran siendo entrevistados. Esto también es algo que potenció la credibilidad de la cinta, debido a que vemos a los personajes de la película dentro de otra película que pertenece a un género que se caracteriza por mostrar lo real.

La mencionada historia, la intromisión del documental, las buenas recreaciones de las peleas y las increíbles actuaciones son en resumen lo que hacen que El Ganador sea una películta totalmente palpable.

Christian Bale lleva adelante a Dicky Eklund, Mark Wahlberg interpreta a Micky Ward y Melissa Leo a su mama Alice Ward. Pero no son unas interpretaciones ligeras y sin compromisos, sino que estos actores realmente se convirtieron en sus personajes. Al final del film aparecen los verdaderos Ward, viendo que la caracterización de los personajes principales son exactamente iguales a las personas que tuvieron que encarnar, ayudando de sobremanera a que la historia siga potencialmente creíble.

Con cada film que pasa Mark Wahlberg crece a pasos agigantados, encumbrando su labor en El Ganador como la más medida y la más alejada del registro actoral al que nos tiene acostumbrados. Por otra parte encontramos a la angelical Amy Adams, que mete un poco de ternura con esos hermosos ojos llorosos a una trama bastante cargada.

Sin dudas hay que resaltar la brillante labor de Bale, que merece ganar el Oscar sin ningún tipo de reparo. No tengo miedo a asegurar que si Bale no fuera anunciado en los títulos o en los afiches, hubiera sido complejo adivinar su paradero en el film, debido a la terrible caracterización estética que hizo.

El resto del elenco también acompaña y ayuda a resaltar lo creíble del relato, donde se destaca por encima del resto la mencionada Melissa Leo.


El Ganador es una gran historia, contada brillantemente y potenciada por unas actuaciones altamente destacables.

Luego de mostrarnos el mundo de la Lucha Libre en El Luchador, Darren Aronofsky se propuso en El Cisne Negro ilustrar con su singular estilo el universo del Ballet.

El Cisne Negro nos contará la historia de Nina, una joven bailarina que pasa la totalidad de días inmersa en su pasión: la danza. Nina integra una prestigiosa compañía de ballet comandada por el exigente Thomas Leroy que para sorpresa de propios y extraños elige a la talentosa Nina para el papel principal de la obra El Lago de los Cisnes, teniendo que llevar adelante a el Cisne Blanco y el Cisne Negro, dos personajes absolutamente opuestos.

El Cisne Blanco fluye del cuerpo de Nina como si hubiera nacido para ese papel debido a que ella es una prodigiosa bailarina que se exige al máximo para así lograr la perfección, en cambio llevar adelante el personaje del Cisne Negro representa todo un trauma para ella por culpa de su fria personalidad y su terrible falta de sensualidad.

El problema mayor para Nina surge cuando comienza a destacarse una nueva bailarina llamada Lily que aparenta tener todas las condiciones que ella no posee. Lily es terriblemente sensual y arriesgada, justo los adjetivos que Leroy le demanda tanto a ella. Sin dudas Lily es una fuerte competencia para Nina.

La amenaza latente de su competidora y las extremas exigencias de ella misma, de su madre y de su profesor harán de Nina una persona altamente inestable que queda al borde de la locura.

La historia de este film coquetea permanentemente con varios géneros o sub-géneros con resultados dispares. Por momentos podríamos decir que El Cisne Negro es una buena película de suspenso y terror sin equivocarnos en absoluto, al igual que un drama familiar, erótico y pasional, todos con consecuencias satisfactorias.

El problema de este film se da en que el "género" predominante es el thriller y es justamente allí donde deja un sabor agridulce. El gusto agrío se debe a que El Cisne Negro en su afan por mantener su hermosa y perturbadora estética redunda demasiado sobre ciertas cuestiones que delatan los acontecimientos finales, que por cuestiones lógicas no voy a poder enumerar. Comentado el trago amargo, les comento que el sorbo dulce viene por el lado que a pesar de ponernos delante de la cara la resolución del conflicto en reiteradas oportunidades, este film no da respiro y atrapa desde el comienzo hasta el final, algo que sin dudas es por demás extraño y llamativo.

Es lamentablemente esta mencionada redundancia la que hace que la película se quede a las puertas de ser una gran obra.

Resulta llamativo que el mundo que antes nos ilustró Aronofsky sobre la lucha libre sea mucho más benévolo que el del ballet, incluso eligió una estética donde predomina la oscuridad. Esto se da fundamentalmente porque en el anterior film se da un ámbito de compañerismo, amistad y respeto, valores que en El Cisne Negro están desaparecidos por completo reemplazados por la competencia y la envidia.

Natalie Portman es la protagonista principal de este film y realmente hay que destacar la inmensa actuación que lleva adelante. Natalie estuvo casi un año preparandose para este papel y los resultados se ven en la cancha, con varias escenas de danza que derrochan estilo y clase por parte de Portman. Otro detalle sobresaliente de su labor es la metamorfosis que lleva adelante hacia las secuencias finales, donde realmente vemos los cambios de su caracterización.

Acompañando a Natalie vemos en muy buena forma a la bella y sensual Mila Kunis y el altanero y exigente Vincent Cassel.

El Cisne Negro se queda en un intento ambicioso de Darren Aronofsky, que hubiera sido algo muy superior si no se redundaba continuamente en detalles que esclarecen un final que termina siendo muy anunciado.

Yo soy tu amigo fiel

Ha llegado a nuestras carteleras la principal candidata a arrasar con los próximos Oscars, El Discurso del Rey.

La historia de este film está basada en hechos reales y se centra en la dificultad que tiene para hablar el hijo del rey Jorge V. A dicha dificultad se la denomina tartamudeo, y es un escollo difícil de superar para el Duque de York, que lo enfrenta a diversas frustaciones que debe soportar al no poder expresar correctamente los discursos públicos, y a un sinfín de experiencias negativas con los distintos especialistas que visita para mejorar su terrible dicción.

Cuando todo parecía perdido y el duque estaba dispuesto a no tratar más su problema, su mujer Elizabeth encuentra a un terapeuta del lenguaje llamado Lionel Logue, que lo someterá a un raro tratamiento. Luego de un comienzo rodeado de desconfianza y momentos agridulces Bertie (así lo llama su familia y su terapeuta) y Lionel comienzan a forjar una amistad que con el pasar del tiempo se volverá inquebrantable.

El conflicto se da cuando el padre de Bertie muere y su hermano renuncia al trono, dejándolo a él a cargo del reino y del discurso que iniciará la guerra de Gran Bretaña contra Alemania, con todas las responsabilidades y presiones que eso conlleva.

Si se quiere resumir podríamos decir que El Discurso del Rey cuenta la historia de un rey que es tartamudo, lo que dificulta sus expresiones en los discursos públicos. Básicamente es esa la historia y no hay muchas relecturas posibles, más allá de la amistad con su terapeuta y otras cuestiones menores. Ahora bien, ¿acaso eso es un pecado? ¿Qué una película no muestre segundas intenciones o mensajes ocultos hace que sea una mala película? No, por supuesto que no, pero lo pregunto porque pareciera que contar una historia sencilla fuera una mala palabra. Una película es mala cuando quiere contarnos algo y no logra su cometido y es justamente lo contrario cuando nos cuenta una historia -sencilla o compleja- con absoluto éxito. Obviamente que hay matices y no toda película que logre llevarnos su mensaje será excelente, pero al menos si será una buena película y El Discurso del Rey entra con creces en esa categoría.

Ahora si vamos a críticar a El Discurso del Rey porque es la principal candidata a llevarse el Oscar y porque pareciera que fue "premoldeada" para conseguirlo, eso es saco de otro costal. Aquí este servidor se dedica a comentar y analizar las cuestiones que se "ven en la película" y no las cuestiones que "hacen a la película". Los prejuicios deben dejarse en la puerta del cine, aunque a veces lograrlo cueste demasiado.

Sin dudas lo que magnifica y eleva a El Discurso del Rey son las brillantes actuaciones de su elenco encabezado por un majestuoso Colin Firth. Firth lleva adelante una personificación inmensa, dotada de un gran realismo, que logra que uno se sumerja en las profundidades de su personaje, sufriendo y padeciendo su terrible tartamudeo.

Por otra parte tenemos a un genial Geoffrey Rush, que junto a Firth conjuga una química llamativamente graciosa y amigable, mientras que por último encontraremos a Helena Bonham Carter que logra una caracterización donde la naturalidad con la que afronta los males de su marido es su don más destacable.

Por último no queria dejar de destacar la hermosa música clásica que subraya y enaltece muchas secuencias de esta película.


El Discurso del Rey es una buena película potenciada por las grandes actuaciones de sus protagonistas, algo que en estos tiempos no es poco.

Luego de haber coqueteado con el Western en 'Sin Lugar para los Débiles', los Hermanos Coen se metieron de lleno con el abandonado género en 'Temple de Acero'.

Es aquí que los directores de 'Fargo' nos contarán la historia de Mattie Ross, una pequeña de 14 años que sale en búsqueda del autor del asesinato de su padre. Para ello Mattie ha contratado a un duro y experimentado, pero algo viejo y alcohólico, Sheriff llamado Rooster Cogburn.

Además del mencionado Cogburn la joven Mattie contará con la ayuda de LaBoeuf, un Texas Ranger que se encuentra persiguiendo al asesino de su padre desde hace un buen tiempo.

Luego de algunas disputas y peleas los tres emprenden viaje hacia la Nación India para lograr el objetivo en común de todos ellos: encontrar a Tom Chaney.

Realmente Joel y Ethan Coen comprendieron a la perfección el código del Western, contando una historia que devuelve a ese género injustamente olvidado la mística que supo mostrar en el pasado. Incluso por momentos se puede ver un Western potenciando, de la mano de varias secuencias llenas de oscuridad y violencia que poseen el sello Coen. En este caso los hermanos nacidos en Minnesota tuvieron que dejar de lado la gran unión de géneros que suelen tener en sus films para lograr cumplir con las reglas que impone el Western. Sin dudas esta obra representa lo más cercano al clasicismo por parte de los Coen e incluso hay momentos en donde uno puede conmoverse, algo totalmente extraño y ajeno en la filmografía de estos directores.

Obviamente que ciertos rasgos característicos del cine de los Hermanos Coen se encuentran muy presentes en este film y un ejemplo de esto son las secuencias que se ven irrumpidas por el típico humor cínico e irónico que tanto han demostrado en sus anteriores películas.

'Temple de Acero' está basada en el libro escrito por Charles Portis y ya había tenido su primera versión en la gran pantalla a fines de los 70 a cargo de Henry Hathaway y protagonizada por John Wayne, aunque no con los excelentes resultados que han conseguido los Coen en esta nueva versión.

¡¡Qué pedazo de actor que es Jeff Bridges por favor!! A sus 61 años este intérprete sigue regalando actuaciones memorables, donde sin dudas 'Temple de Acero' pasa a ser una de sus más destacadas. Casualmente, o no, otra de las grandes labores de Bridges la pudimos ver en El Gran Lebowski, que también fue dirigida por los Coen. La pequeña y desconocida Hailee Steinfeld dota a su personaje con una fortaleza y personalidad increíble, logrando llevarse grandes momentos de este film. Por último tenemos a Matt Damon, Josh Brolin y Barry Pepper, quienes aportan buenas secuencias en los roles más secundarios.


'Temple de Acero' es una de las mejores películas de Joel y Ethan Coen, y supo devolver a nuestros cines a los olvidados Westerns.

Conocerás al Hombre de tus Sueños ha llegado a nuestras carteleras antes que su predecesora Whatever Works, ambas dirigidas por Woody Allen.

El viejo Woody vuelve a contarnos en tono de comedia los distintos problemas que afrontan las relaciones amorosas.

En Conocerás al Hombre de tus Sueños veremos la historia de dos matrimonios, el de Alfie y Helena y el de Sally y Roy, que atraviesan distintas crisis debido principalmente a las frustraciones que acarrean los integrantes de esas ¿sagradas? uniones. Por un lado tenemos a los nombrados Alfie y Helena que se acaban de separar luego de 40 años de casados, debido a una retrogresión a la juventud del primero. La desdichada y abandonada Helena busca ayuda en una falsa mentalista para intentar dejar de lado el sufrimiento que siente. Mientras que Alfie se acurruca en los brazos de una fina prostituta llamada Charmaine.

El otro rincón está integrado por Sally y Roy, una pareja con varios problemas económicos debido al escaso éxito del segundo como escritor. Sally se encuentra altamente sobrecargada con las presiones de mantener el hogar, mientras Roy intenta finalizar su nuevo libro. Aunque Roy no se encuentra solamente escribiendo, sino que también está muy atento a los movimientos que lleva adelante la sensual vecina que habita el departamento de enfrente.

Al igual que Vicky Cristina Barcelona, Woody Allen intenta mezclar la comedia con los problemas amorosos, con ese típico humor negro que tanto caracterizó al cineasta nacido en Brooklyn. Lamentablemente Conocerás al Hombre de tus Sueños no logra tener un momento con chispa o alguna escena que se recuerde luego de haberla visto con una sonrisa, a diferencia de la mencionada Vicky Cristina Barcelona que tenía a una delirante labor de Penélope Cruz, la cual aportaba los momentos más desopilantes y dramáticos a la película.

La historia coral es narrada con soltura y fluidez pero no termina de cerrar en varios aspectos, como lo que pasa con el personaje de Banderas, la situación de Hopkins con Lucy Punch o el enredo de Brolin con su nuevo libro. Incluso por momentos la voz en off redunda todo el tiempo con lo que vemos, sin aportar absolutamente nada a la trama, algo realmente muy raro que pase bajo la tutela de un director de la experiencia de Allen.

Los grandes actores que figuran en el reparto hacen lo que pueden para sostener la película. Naomi Watts cumple con una labor donde la naturalidad es su principal atracción. Anthony Hopkins tiene buenos momentos delante de la cámara con su actuación de viejo playboy, mientras que Josh Brolin y Antonio Banderas no convencen en absoluto, a pesar de tener escenas y papeles importantes dentro del film.

Quien más se destaca dentro de este irregular film es Gemma Jones, gracias a los delirios místicos y las miserias que tiene su rol.


Conocerás al Hombre de tus Sueños es uno de los puntos más flojos en la extensa filmografía de Woody Allen.

Dirigida por Debra Granik ha llegado a nuestras carteleras Lazos de Sangre, una de las diez candidatas a llevarse el Oscar a Mejor Película.

Esta película nos va a mostrar la historia de Ree Dolly, una muchacha de 17 años que no es igual a las muchachas de su edad, debido a que a pesar de ser una adolescente ella debe ocuparse de educar y cuidar a sus hermanos, mantener su casa, administrar los gastos en una terrible malaria económica y encargarse de su madre que padece algún tipo de autismo.

Un buen día llega el alguacil del pueblo a la casa de los Dolly para comentarles que su padre ha salido en libertad bajo fianza y que debe presentarse en la corte en unos días sino irá preso de nuevo. Pero lo peor no es que el patriarca pueda caer nuevamente tras las rejas, sino que para obtener su fianza puso en garantía la casa donde vive Ree, su esposa y sus dos hijos, dejándolos expuestos a quedar en la calle si no se presenta ante el juez que dictará su sentencia.

Entonces, como si todo lo que hace Ree fuera poco, ahora debe encargarse de encontrar a su padre, luchando contra un séquito de familiares que se pondrán en su camino para evitar que ella llegue a conocer la verdad y así poder salvar su casa.

Debra Granik cuenta esta historia con un tono terríblemente sombrío, que va de la mano con la lúgubre fotografía del film e incluso con las escasas apariciones de la luz solar bajo un predominante clima nublado. Toda esta estética vendría a ser el marco para que Granik pinte dentro de él un cuadro altamente marginal, realista y atemporal, que representa todo los tipos de miserias que tenemos los seres humanos, que en este caso corren por cuenta de la hostil familia de Ree.

Además de los elementos que se mencionan en el párrafo anterior, hay que destacar que ese realismo se ve magnificado por una brillante elección del elenco, porque con su apariencia física potencian excelentemente la opaca estética que tanto pondera el film. Incluso hasta parecería que todos los actores y actrices que intervienen en Lazos de Sangre fueran habitantes del pueblo donde se filma la película.

Jennifer Lawrence es la gran protagonista de este thriller, llevando el peso de la película en sus hombros de manera perfecta con una actuación extremadamente sufrida y natural.

Mención aparte merecen las buenas actuaciones de los actores secundarios que van apareciendo en el film, donde se destaca por encima del resto la brillante labor de John Hawkes en el papel de Teardrop.


Lazos de Sangre es un muy buen thriller que tiene como principales armas a una interesante historia y a un realismo potenciado por las excelentes actuaciones.

Bajo la dirección de Edward Zwick llegó a nuestras carteleras De Amor y Otras Adicciones, que contó como pareja protagónica con Jake Gyllenhaal y Anne Hathaway.

De Amor y Otras Adicciones nos contará la historia de Jamie Randell, un vendedor que comienza a dar sus primeros pasos en la venta de medicamentos. Jamie no es un vendedor cualquiera, ya que posee un encanto y un carisma que le ayudan a prosperar rápidamente en ese nuevo y competitivo mundo de las ventas farmaceúticas. Obviamente que esos talentos también le sirven con mejores resultados con las mujeres.

Un día, gracias a obra y gracia del destino, se cruza en su camino una hermosa mujer llena de libertad que vendría a representar su alma gemela, salvo por el ¿pequeño? detalle de que ella tiene parkinson. Esa mujer se llama Maggie.

A pesar de no llevarse bien al comienzo, Jamie y Maggie parecen estar hechos el uno para el otro y lo que comienza como una historia de amor sin compromisos se convertirá pronto en la experiencia más fuerte que han vivido en sus vidas, matizada con el sufrimiento y los cuestionamientos que conlleva llevar adelante una relación con una persona que posee esa terrible enfermedad.

Ahora bien. ¿Como podríamos definir a De Amor y Otras Adicciones? ¿Como una comedia romántica pretenciosa? ¿Como una comedia dramática a medias tintas? ¿Como una comedia sexual? Bueno, quizás haya una sola respuesta a todas esos cuestionamientos y es justamente que tiene un poco de todas esas cuestiones.

Sin dudas De Amor y Otras Adicciones representa la típica fórmula de la atracción de los espíritus sin compromisos que tienen las comedias románticas, con un aire un tanto pretencioso en el intento de dar cierto peso a la historia con la -interesante, pero incompleta- crítica a la venta de medicamentos y la enfermedad de la protagonista.

Por otro lado en varios pasajes incomoda y hasta desagrada por ser tan explicita en las escenas sexuales. No es que ser explicito -sexualmente hablando- sea desagradable, pero si lo es cuando no se presenta en el contexto correcto. Un claro ejemplo de eso es el ensañamiento con mostrar constantemente los pechos de Anne Hathaway, cuando realmente se justifica hacerlo solo en dos oportunidades como máximo y en las otras incomoda y hasta fastidia.

Como positivo tenemos un buen balance presentado entre algunas secuencias de comedia, generalmente a cargo del hermano y el mentor de Gyllenhaal, que se mezclan con el terrible drama de presenciar una historia con un personaje que tenga parkinson.

Llevar adelante una historia así sin las muy buenas actuaciones de Jake Gyllenhaal y Anne Hathaway hubiera sido imposible. El carisma y la excelente química que muestran estos dos grandes actores en la pantalla salva del rídiculo en muchas ocasiones a esta película.


De Amor y Otras Adicciones quiere ser original y relevante, pero lamentablemente solo se queda en el intento pretencioso de ser una película diferente.

Imparable representa la nueva colaboración de Tony Scott con Denzel Washington, sociedad que tuvo sus puntos más altos con Hombre en Llamas y Deja Vu.

Con un "exagerado" despliegue visual y un movimiento de cámaras electrizante, Scott nos contará la historia de un tren que se dirige fuera de control a una poblada ciudad. Este tren marcha a toda velocidad por culpa de un error humano y esto no es un dato menor, debido a que la ausencia de un "villano" o un "enemigo" no es algo que suela ocurrir dentro de este tipo de films. La mencionada máquina que lleva el triple 7 como número transporta en sus vagones de carga un delicado material tóxico que al desparramarse en un descarrilamiento podría evaporar a todos los habitantes de una ciudad.

El experimentado maquinista Frank y un novato ayudante llamado Will intentarán parar en esta loca carrera de la muerte a la peligrosa locomotora con su decena de vagones.

Más allá de ciertos detalles que obviaremos, la historia de Imparable (inspirada en hechos reales) se trata sencillamente de un tren que debe ser parado de cualquier forma para que no ocasione una terrible tragedia. Y no estamos resumiendo a grandes rasgos la trama, sino que esa es "LA HISTORIA".

Que la historia sea sencilla no es un defecto, sino que en este caso es todo lo contrario. Es increíble que con una trama tan pequeña Tony Scott haya hecho una terrible película llena de vértigo y tensión.

Tony Scott debe ser uno de los directores más subvalorados de la actualidad y quizás su parentesco con Ridley le juegue en contra, pero Imparable es una fiel muestra de que el muchachote de 66 años sabe como dirigir películas de acción y hay escenas que fueron filmadas de manera brillante por el realizador de Juego de Espías.

Las actuaciones de Denzel Washington, Chris Pine y Rosario Dawson aportan lo mínimo y necesario para que la historia pueda llevarse a cabo. El bueno de Denzel tiene buenos momentos con una labor repleta de caras y gestos que bien pudimos ver en Día de Entrenamiento o El Plan Perfecto solo por mencionar algunas de sus obras. Pine en cambio no pareciera estar muy compenetrado en su personaje, pero aún así no desentona demasiado y por último tenemos a Dawson llevando adelante la actuación más destacable del trío protagonista.


Imparable es una propuesta llena de tensión y vértigo contados de manera sobresaliente por la gran dirección de Tony Scott.

La Epidemia (The Crazies) es una remake basada en el film homónimo -en su título original- dirigido por George A. Romero.

Luego de una mediocre experiencia que tuvo con Sahara, Breck Eisner cambia abruptamente de género para meterse en el mundo de los zombies con un resultado muy satisfactorio.

La Epidemia nos contará la historia de un grupo de sobrevivientes que deben escapar de una ciudad sitiada por una diseminada horda de zombies y en la cual las autoridades de ese país deben aislar a las personas infectadas. Este grupo estará compuesto por David Dutten (Timothy Olyphant), el Sheriff del pueblo, la esposa de éste Judy Dutten (Radha Mitchell), su ayudante Russell Clank (Joe Anderson) y la muchacha Becca Darling (Danielle Panabaker). Juntos buscarán la salida de su querido pueblo que se encuentra completamente arrasado por un inescrupuloso ejército de fuerzas especiales que lo único que buscan es aniquilar a todo aquel que se ponga en frente de su plan de aislamiento.

The Crazies es quizás una potable elección dentro de un género que últimamente se ha visto bastante bastardeado con las producciones provenientes de Hollywood. Obviamente que no estamos en presencia de una obra maestra ni mucho menos, pero hay que admitir que las agudas críticas a las fuerzas que se emplean para "restaurar el orden", varios momentos con sangre de buena cosecha y el excelente clima de suspenso alrededor de sus 100 minutos, son atenuantes importantes que muestran en este film una remake muy cuidada y llevada adelante con buenos resultados.

También hay una mirada que sirve a modo de revisión sobre las actitudes humanas ante situaciones de este tipo, que resulta terriblemente interesante y entretenida.

Como en la vida no todo es color de rosa, creo que los aspectos negativos que tiene La Epidemia son los típicos y pocos originales roles que cumplen los personajes, la casi nula utilización de la música y la repetición de ciertos trucos que hacen predecible el desenlace de algunas secuencias de suspenso.

Las actuaciones del cuarteto principal compuesto por Timothy Olyphant, Radha Mitchell, Joe Anderson y Danielle Panabaker, fueron sorteadas sin problemas y llevadas adelante con buenos resultados. Hay que destacar que varias secuencias de Anderson se destacan por encima del resto.


La Epidemia es una buena opción para los amantes del buen cine de terror, algo que lamentablemente escasea en nuestras carteleras.

Más Allá de la Vida representa el último trabajo del gran Clint Eastwood a sus 80 años.

Con las actuaciones de Matt Damon, Cécile De France y los hermanos Frankie y George McLaren el viejo Clint aborda el tema de cómo sería la vida después de la muerte, un tema siempre complicado y controvertido. Quizás la trama de esta historia fue una especie de premonición de alguien que ya se encuentra, lamentablemente, viviendo las últimas primaveras de su vida. O quizás también una manera de demostrar que si el día de mañana él ya no se encuentra con nosotros estará en ese lugar donde uno se siente realizado, como bien se comenta varias veces a lo largo del film.

La historia nos contará las diferentes experiencias que viven tres personajes, situados en distintos lugares del mundo, relacionadas con la muerte. Por un lado, en Estados Unidos para ser más exactos, tenemos a un inexpresivo e infeliz psíquico llamado George Lonegan que conlleva una especie de don -aunque para él represente lo contrario y con el cuál no quiere saber nada- de poder comunicarse con el más allá y así entablar conversaciones con seres que ya no habitan este mundo. En la siempre hermosa París encontramos a Marie LeLay, una periodista que sufre una terrible tragedia que le produce la muerte por varios minutos para luego ser revivida de manera casi imprevista. Y por último, en Londres, tenemos a Marcus un muchachito que acaba de sufrir la devastadora pérdida de su hermano gemelo.

Lamentablemente la historia de Más Allá de la Vida carece totalmente de ritmo narratorio, además de pretender transmitir sentimientos que solo llegan a su cometido en los 30 minutos finales de la cinta. Matt Damon nos pasa una indiferencia pasmosa durante todo el film, las puertas que le cierran a Cécile De France y su experiencia con la muerte pasan inadvertidas; posiblemente la historia que nos conmueva solo en algunos pasajes sea la de los hermanos Frankie y George McLaren, que vendría a ser la que menor lugar ocupa en importancia. Quizás estas palabras puedan parecer un poco duras y créanme que las escribo con todo el dolor del mundo, pero realmente creo que a un director de esta experiencia, creador de grandes hitos del cine y máximo exponente del clásicismo en la actualidad, hay que exigirle bastante más que una película regularona.

Obviamente como toda historia coral en algún momento existirá un encuentro entre estas tres historias, e incluso allí también existe una especie de atadura con alambre para que las mismas logren entrecruzarse, que deja cierta sensación de incredulidad muy importante.

Mención aparte merece ese piano meloso que intenta conmover, pero termina siendo altamente irritable, luego de sus excesivas repeticiones.

Si una película con una carga sentimental tan importante como Más Allá de la Vida, que habla de la vida más allá de la muerte, pasa inadvertida por nuestras sensaciones es porque algo falló de manera garrafal. Algo muy extraño en una persona capaz de tomar una historia tan simple y pequeña como Gran Torino y elevarla a la máxima expresión. Cuesta creer que Eastwood alla sido capaz de hacer un film falto de ritmo, tan trivial y poco profundo en un tema tan complejo como el que trata en esta oportunidad. Tristemente hay que decir que a veces los maestros también pueden equivocarse.


Lamentablemente Más Allá de la Vida es simplemente un mal paso en la extensa y brillante filmografía del gran Clint Eastwood.

A comienzos del 2001 llegaba a nuestras carteleras La Familia de mi Novia, que vendría a ser la primera edición de esta franquicia, que en el 2005 tuvo su continuación con La Familia de mi Esposo y que ahora acaba de estrenar la tercera edición titulada Los Pequeños Fockers.

Es esta última edición nos encontraremos nuevamente con la ya clásica relación tensa entre Greg Focker y su suegro Jack Byrnes, con la novedad de que ahora el primero ha sido papá de dos traviesos gemelos. La "amistad" que llevan adelante estos antagónicos personajes pareciera haberse reestablecido a la normalidad por completo con la boda final de la segunda parte, hasta que lamentablemente Jack comienza a buscar en Greg el líder familiar que necesitará su linaje cuando él ya no se encuentre entre los vivos.

Esta situación de tensión se acrecienta cuando comienzan a verse asiduamente debido a la cercanía del cumpleaños de los mencionados gemelos. Es allí que empiezan a surgir los conocidos mal entendidos entre la familia Focker y el patriarca Byrnes, para desencadenar los conflictos que aquejan a este film.

Si a la ya sabida tirante relación de Gaylord Focker y el neurótico ex agente de la CIA le sumamos que Jack sospecha que Greg tiene una amante, los tradicionales desencuentros entre estos personajes aumentarán de manera considerable hasta sobrepasar límites que no habíamos podido visualizar en las anteriores dos entregas.

Lamentablemente a Paul Weitz -director de la excelente Un Gran Chico- y compañía no se le ocurrió una vuelta de tuerca mejor que repetir las fórmulas de las anteriores entregas, matizadas con algunas apariciones que en un comienzo son como una pequeña brisa innovadora para luego convertirse en una repetición que sobre el final no generan las mismas reacciones.

Creo que otro de los errores de Los Pequeños Fockers es el desaprovechamiento de los personajes secundarios, algo en lo que en la segunda entrega se puso más foco y donde el resultado fue altamente superior al que vemos en este caso. En el film estrenado en el 2005 los padres de Stiller ocupaban casi la misma cuota de pantalla que los protagonistas de la primera entrega -incluso el conflicto se daba entre los seis papeles protagónicos-, en cambio aquí se centralizó mucho la "acción" en las ya hartamente conocidas trenzas que tienen Greg y Jack, haciendo que en muchos pasajes la historia se vuelva tediosa y pesada.

En cambio cuando Jessica Alba, Owen Wilson y Dustin Hoffman irrumpen en pantalla, los diálogos comienzan a fluír con otro ritmo que se torna altamente desconcertante y divertido. Un claro ejemplo del desaprovechamiento que mencionaba arriba es la escasa participación que tuvo un excelente actor como Harvey Keitel, el cual solo aparece en dos escenas.

Robert De Niro y Ben Stiller tienen grandes momentos en las secuencias que les ha tocado compartir, demostrando que más allá del paso de los años la química entre ellos parece inagotable. Pero como bien dijo Calamaro "No se puede vivir del amor" y las situaciones de enredos que antes nos causaban risa, ahora se tornan previsibles y no logran ocasionar las mismas reacciones que antaño. Lamentablemente el tiempo pasa para todos y la dinastía Fockers no es la excepción...

Más allá de las "pálidas" que acá citamos hay varias secuencias que pagan el valor de la entrada y son muy graciosas, aunque el examen final convierte a Los Pequeños Fockers en la peor de las tres entregas y deja un cierto sinsabor por la oportunidad desaprovechada de seguir levantando una buena cosecha de comedias.


Los Pequeños Fockers se queda en un intento de reflotar una exitosa saga de comedia, con un resultado bastante irregular que se salva por algunas buenas secuencias y las actuaciones a la altura de lo que la franquicia merecía.

Luego de 28 años ha llegado la segunda parte de la primer Tron que fue estrenada originalmente en 1982 con muy poca repercusión. Para esta segunda parte Disney apostó por una fuerte promoción y repitió la fórmula del pasado, con la esperanza que el resultado no sea el mismo.

La historia de Tron el Legado nos trae a Sam Flynn, un muchacho que fue abandonado en circunstancias poco claras por su padre, el magnate de los videojuegos Kevin Flynn. Sam es educado varios años por sus abuelos, hasta que la muerte de ambos lo deja completamente solo, algo que no le impidió seguir adelante con su vida, aunque lo hizo con ciertos problemas con la ley y conductas poco maduras para un joven que se acerca a los 30 años.

A pesar de ser el mayor accionista de Encom, Sam aún no se ha decidido por tomar las riendas de la empresa que gobernó su padre por tantos años debido a que no se considera capaz de poder hacerlo con buenos resultados.

Luego de salir de prisión una vez más, es visitado por el fiel amigo de su padre, Alan Bradley, quien le aconseja ir a visitar la mítica central de videojuegos que poseía su padre y allí tratar de encontrar algún rastro de su desaparición. Es justamente en ese lugar que consigue acceder a un oscuro sótano donde navegando en la vieja y polvorienta estación de trabajo de su papá es transportado por un rayo láser a un mundo digital.

Eso marca un antes y después para Sam, porque es en ese nuevo mundo donde se encontrará con alguien que dice ser su padre, pero que en realidad no lo es, para luchar contra aquellos que han mantenido encerrado a su verdadero padre y juntos volver al mundo real.

Los que pudieron ver la anterior entrega, podrán ver que las propuestas son bastante similares, aunque hay que destacar que el film estrenado a comienzos de los 80, poseía dos argumentos muy sólidos que merecen ser destacados. En primer lugar y más importante está bueno mencionar que Tron fue una película pionera en la utilización de la animación computada y en segundo lugar hay que destacar que la historia que estaba presente en esa versión era una visión del mundo digital muy adelantada para esa época.

Con respecto a Tron el Legado podemos decir que es una película que tiene buenos momentos de humor, unas cuantas secuencias de acción espectaculares, varias escenas de lucha cuerpo a cuerpo y unos efectos especiales potenciados por el gran aprovechamiento del 3D.

Lamentablemente, como en casi todas las propuestas donde el foco se pone en los elementos que mencioné más arriba, el guión construido hace agua en algunos momentos, especialmente al momento de tratar de abordar la composición de la relación entre padre e hijo. Incluso hay detalles de la historia que podrían haber sido llevados de otra manera debido a que no aportan nada a la película, como la traición de Zuse ocurrida en el bar futurista.

Por otra parte encontramos a un trío protagonista que sale bien parado, donde el pilar fundamental lo pone el gran Jeff Bridges. Este bonachón entrado en los 60 años nuevamente nos regala otra excelente actuación en los momentos en que la cinta lo necesita, poniéndole una garra bárbara a su personaje. Por otra parte encontraremos a la bellísima Olivia Wilde que tiene algunas secuencias donde se ve claramente favorecida por un luminoso rostro. Por último tenemos a Garrett Hedlund, que si bien en algunas escenas no transmite mucha soltura en su cara y especialmente en su mandíbula, lleva adelante una labor que cumple con las moderadas exigencias del film.

Mención aparte merece la espectacular banda de sonido compuesta especialmente por Daft Punk para este film.


Tron el Legado es una recomendable propuesta pochoclera en esta época de vacas flacas en nuestras carteleras.

El Inmortal marca la vuelta del policial francés a nuestras carteleras, junto con el regreso del actor por excelencia para este rubro, Jean Reno.

Dirigida por Richard Berry, El Inmortal nos va a contar la historia de Charlie Matteï, un importante capataz de la mafia que decidió dejar de lado los negocios sucios para dedicarse de lleno a disfrutar la vida con su familia. Lamentablemente luego de algunos años, Charlie es acorralado en un estacionamiento, donde es acribillado por 8 asesinos que fallaron en su intento de asesinarlo, a pesar de acertar en 22 disparos sobre la humanidad de Matteï.

Luego de una rápida e inverosímil recuperación sale del hospital para emprender una terrible venganza contra aquellos que osaron sacarlo de la tranquilidad y la vida familiar que tenía. Dentro de esa sangrienta lista se encontrará con personas que juraron lealtad hasta la muerte, juramento que rompieron y que pagarán con el precio de sus vidas.

La historia está basada parcialmente en la vida de Jacques Imbert, un mafioso francés que recibió 22 balazos a manos de sicarios contratados por Tony Zampa. Berry no quiso abordar esta historia como un biopic y es por eso que adaptó vagamente la leyenda real de Jacques Imbert a su Charlie Matteï.

En los primeros 30 minutos del film es muy complejo comprender lo que está pasando, debido a que Berry abusa por completo del montaje paralelo introduciendo nuevos personajes y maltratando así totalmente de un recurso válido cuando se aplica con criterio. Pero más allá de que el comienzo que puede ser muy confuso, en los minutos posteriores el río parece encausarse y Berry logra narrar la historia con un buen ritmo y determinación, dejando atrás varios defectos narratorios.

El Inmortal sigue la línea del policial francés llevado adelante por distintos directores en los que en la actualidad se destaca Olivier Marchal, aunque también tiene varios "homenajes" al cine de gángsters de Hollywood como El Padrino y Buenos Muchachos.

Jean Reno es un gran actor y estos papeles los hace de taquito y realmente no creo que merezca que uno lo destaque en demasía, debido a que su interpretación no representa nada nuevo a su extensa y repetitiva filmografía.


El Inmortal es un buen thriller/policial sostenido por una interesante historia y una regular interpretación de Jean Reno.

La Reunión del Diablo es el primer cuento, de una serie de tres que fueron creados por M. Night Shyamalan, director de Sexto Sentido y la reciente El Último Maestro del Aire, entre otras. Los últimos films de este director/productor fueron despedazados por la crítica internacional y la obra que aquí nos ocupa no fue la excepción.

La Reunión del Diablo se trata de cinco personas totalmente desonocidas, dos mujeres y tres hombres, que quedan atrapadas en un ascensor. Todo parece ser un simple desperfecto, pero con el pasar de los minutos y la falta de una sencilla solución, todo hará que los ocupantes atrapados vayan perdiento la paciencia.

Si al incómodo encierro que sufren estos personajes le sumamos que a medida que avanza el tiempo uno de ellos es atacado, es obvio que la tranquilidad no será un sentimiento reinante en aquel repositorio de acero. Luego de ocurrido el ataque la desconfianza comienza a dar vueltas en ese pequeño espacio para que empiece un desfile de acusaciones de unos hacia otros para descubrir al autor de la cortadura de la muchacha.

Al ocurrir este ataque los guardias del edificio deciden llamar a la policía de Filadelfia para que tome cartas en el asunto.

Más allá de las acusaciones, estos cinco desconocidos se encargarán de sacar a relucir todas las miserias humanas habidas y por haber con tal de salvar su propio pellejo, sin saber que el autor de ese ataque y los próximos que vendrán es nada más y nada menos que el Diablo.

La Reunión del Diablo fue dirigida por John Erick Dowdle -director de la remake Cuarentena- demostranto un buen manejo del suspenso a lo largo de sus 92 minutos. En ese sentido, la película cumple perfectamente con su cometido y uno se siente muy incómodo y asustado en varias secuencias que van ocurriendo en el ascensor.

Otro detalle que estuvo bien manejado en este film fue el juego de ver quién es el personaje que tiene dentro suyo a Lucifer. Algunos sabiondos podrán adivinarlo al comienzo, pero creo que este juego estuvo bien maquillado para llevar la tensión y las sospechas a todos los participantes por igual.

Más allá de las buenas intenciones del cuento, la sucesión de clichés hacen de Devil un film que no termina de convencer.

La primera ocurre en los comienzos del film, cuando uno de los guardias descubre la cara del Diablo en un pasaje del video del ascensor. Ustedes se preguntarán qué tiene de molesto esto? La respuesta es sencilla, ese guardia era mexicano. Estoy altamente podrido de que las únicas personas que creen en la religión en este tipo de películas son ajenos a Estados Unidos, realmente la próxima vez que piensen un personaje creyente espero que se les caíga una idea y no hable español. Incluso este personaje también interpreta a la innecesaria voz en off que relata el cuento, como si hiciera falta.

Otro de los aspectos negativos del film es la básica historia de redención personal, que se torna bastante tediosa en algunos momentos. Todas las personas que se encuentran dentro del pequeño reducto tienen un historial policíaco bastante importante y el DIablo los ha reunido para que paguen por sus delitos cometidos e incluso el oficial a cargo de la investigación se encuentra saliendo de una adicción al alcohol provocada por la terrible pérdida de su familia en un accidente de auto. Si el cliché del mexicano religioso molestaba, creo que este puede superar ampliamente al mencionado más arriba.

Siguiento con los clichés hay que mencionar que los cinco personajes están conformados por los típicos cinco estereotipos clásicos. Un negro fortachón, una viejita intolerante, un galancito fachero, una sensual jovencita y el típico muchacho gracioso e insoportable.

Más allá de estos aspectos que se podrían dejar pasar, el problema mayor de este film se da en una estrepitosa derrapada en los últimos 20 minutos finales cuando el Diablo toma la forma humana del personaje -obviamente que no voy a contar cuál- y tiene un innecesario diálogo con el último/a sobreviviente. Es allí cuando la película toma un rumbo moralmente espantoso, dejando de lado la oscuridad inicial, y arruina todas las buenas intenciones que promulgó al comienzo, algo que se lamenta demasiado.


La Reunión del Diablo es un film con una interesante historia y algunos buenos momentos de suspenso, que lamentablmente tiró por la borda todo lo realizado con el uso de numerosos clichés y un final altamente defectuoso.

Luego de varios meses de demora desembarcó en nuestras carteleras Robert Rodriguez y su Machete.

Esta producción de larga data nació originalmente como un falso trailer que se pasaba en las emisiones de Planet Terror, aquel proyecto que llegó junto a Death Proof de Quentin Tarantino.

Con un inusual contenido político, el "hemanito menor" de Tarantino nos contará la cruenta venganza que llevará adelante un mexicano que luego de escapar a Texas para intentar olvidar su duro pasado es contratado para asesinar a un corrupto senador y se ve envuelto de este modo en una serie de problemas que hacen que sea el hombre más buscado por la ley.

Ese contenido político del que hablo se ve mencionado en la expresa discriminación que sufren los mexicanos en el territorio norteamericano, además de las medidas que muchas veces se quieren llevar adelante en ese país para contrarrestar el ingreso de inmigrantes ilegales a su territorio.

Entrando más en detalle con la historia debo decir que Machete es un ex agente que tuvo que huir de su país luego de un trágico encuentro con el narcotraficante Torrez. Es en los Estados Unidos donde encontrará la tranquilidad para rehacer su vida, hasta que se cruza en el camino del Doctor Booth. Este ricachón contratará a Machete -sin conocer su pasado- para asesinar a un senador de duras posturas contra la inmigración ilegal llamado McLaughlin, a cambio de 150.000 dólares.

Booth en realidad no quiere muerto al senador, sino que en realidad quiere crear una especie de conspiración en contra del político para que pueda conquistar su tan ansiada reelección. Obviamente que esto deriva en una repugnante traición al bueno de Machete, desencadenando todo tipo de peleas y venganzas de costos muy altos.

Con un tono que roza lo ridículo en varios momentos Rodriguez lleva adelante 105 minutos de pura diversión, que se ven claramente potenciados por el estupendo reparto que integra este film.

Machete tiene algunas escenas que quedarán grabadas en quienes puedan verla, como la utilización de los instestinos de una persona para escapar o el gran tiroteo en la iglesia matizado con el sonido del Ave María de fondo. Mención aparte merece la batalla final con esos autos simulando ser caballos en pleno relinche.

Danny Trejo tuvo su primer protagónico importante a sus 66 años y aunque su personaje este dotado solo con algunas líneas de diálogo, Trejo se las ingenia para expresar y entretener en todas las escenas en las que participa.

Por otra parte tenemos a un Robert De Niro interpretando a McLaughlin que nos vuelve a demostrar porqué es uno de los más grandes actores de la historia, con una brillante actuación al límite de la sobre actuación.

Jessica Alba, Lindsay Lohan, Steven Seagal, Don Johnson y Michelle Rodriguez cumplen perfectamente en sus roles secundarios, al igual que Jeff Fahey.


Machete cumple con todo lo que promete y devuelve esa cuota de acción que quedó vacante con la partida de Los Indestructibles de nuestras carteleras.

Papá por Accidente -nuevo patético título argentino- representa la tercer película que vemos en este año de Jennifer Aniston en la gran pantalla, luego de las fallidas El Caza Recompensas y Nuevamente Amor. Acompañando a "Rachel Green" encontramos a Jason Bateman, quien también tiene dos films estrenados este año como Amor sin Escalas y Solo para Parejas, ambas con bastante mejor suerte que Jennifer sobre todo por el film dirigido por Jason Reitman.

Estos talentosos actores se unieron para contarnos la historia de Wally y Kassie, dos personas que comparten una amistad de varios años de existencia, luego de un breve amorío. Wally es una persona bastante neurótica, hipocondríaca e insegura, que no consigue encontrar una pareja estable justamente por todas esas obsesiones psicológicas que posee. En cambio Kassie es una muchacha mucho más simple, decidida y segura de si misma, que desea como a nada en el mundo ser madre, debido a que su reloj biológico comienza a avanzar en su cuenta regresiva. Más allá de tener dos personalidades bastante diferentes logran complementarse perfectamente y llevar adelante una gran relación, que esconde ciertos restos de aquel viejo y corto amor.

El problema en esta amistad se da cuando Kassie le plantea su más profundo deseo a Wally, desencadenando varias fricciones e inconvenientes, erosionando demasiado la sólida relación y causando un momentáneo distanciamiento.

Wally y Kassie se reencuentran en la "Fiesta de Inseminación" organizada por Debbie, una amiga de ella. Es allí que Wally conoce a Roland, el donante. Por culpa de todo el alcohol que ingirió cambia "accidentalmente" las muestras de esperma que va a utilizar Kassie, convirtiéndose en el padre del hijo que ella da a luz luego de una repentina mudanza a Nueva York. Obviamente que ella no es conciente de este cambio, incluso él tampoco debido a que la terrible borrachera borró varios importantes detalles de aquella noche.

El interesante meollo de la cuestión de Papá por Accidente se da cuando Kassie y su hijo Sebastian vuelven a sus pagos siete años después y entablan nuevamente la relación con el melancólico, pesimista y solitario Wally.

Quizás muchos piensen que es una comedia más de Jennifer Aniston y es allí donde surge una gran equivocación. Aquí el protagonista es Jason Bateman, corriendo totalmente a Aniston a una labor totalmente secundaria. Hace algunos años que Bateman se viene destacando en el cine y aquí interpreta un gracioso y creíble personaje, en donde el buen resultado de la película se da en gran parte por él.

Por otro lado tenemos una opacada actuación de Jennifer Aniston, donde claramente se puede ver que los directores Josh Gordon y Will Speck optaron por darle todo el lucimiento a Bateman y sacar un poco de plano a la cuarentona de Aniston. Entrando de lleno en su labor, no hay mucho que destacar, solo que prende el piloto autómatico y actúa en un registro bastante similar a sus actuaciones anteriores.

Thomas Robinson es el hijo de Aniston, siendo -junto con el actor de Juno- lo mejor en el film, además de Jeff Goldblum y Juliette Lewis, que también llevan adelante dos caracterizaciones con muy buenos momentos.

Si las actuaciones mencionadas, la historia y algunos momentos graciosos son lo mejor en este film, hay que destacar que lo negativo lo encontraremos en la desdibujada construcción del personaje de Kassie y en la repentina y forzada resolución de algunas situaciones, que pueden dejar bastante descolocado al espectador.

Papá por Accidente es una interesante comedia con bastante sustento en su historia y muy bien actuada, que más alla de algunos detalles representa una grata sorpresa en esta temporada.

Todo un Parto es el nuevo largometraje de Todd Phillips, uno de los principales directores dentro de la comedia en Hollywood. De la mano de películas como Viaje Censurado, Old School y Starsky & Hutch, este realizador comenzó a ganar notoriedad, pero con el estreno de ¿Qué Pasó Ayer? el año pasado su nombre se ubicó entre los nuevos reyes del humor en los Estados Unidos.

La historia que nos contará Due Date será la de Peter Highman (Robert Downey Jr.), un obsesivo empresario que debe viajar a Los Ángeles para presenciar el nacimiento de su primer hijo. Todo parece marchar sobre rieles en el viaje de Peter hasta que tiene un abrupto encuentro con Ethan Tremblay (Zach Galifianakis), un inmaduro e inconsciente aspirante a actor que busca viajar a Hollywood para triunfar con su carrera.

Ese casual encuentro deriva en toda clase de accidentes y fatalidades que hacen que Peter ponga en peligro su participación en el esperado día.

Jugando con la efectiva fórmula de la atracción de los opuestos, Phillips vuelve a incursionar en ese humor incorrecto que pudimos ver en varios pasajes de The Hangover. En la cinta estrenada el año pasado veíamos varios chistes realizados a un bebé, algo totalmente atípico proveniente de una comedia de Hollywood. Para desarrollar este tema debo contar ciertos detalles de algunas escenas, por ende invito a quienes no quieran leerlos a que salteen este párrafo. En Todo un Parto se redobla la apuesta anterior y vemos varios chistes negros, como el "percance" con las cenizas del padre de Ethan o la pelea con Danny McBride postrado en una silla de ruedas; como así también varios momentos de humor sexual como la masturbación del perro imitando a su querido dueño. Estos elementos dan como resultado un humor único para Phillips, debido a que no existe otro director en su género que vaya tan lejos como va él y el terrible gancho de Peter al estómago del irritable niño es otro ejemplo de esto.

Considero a Todo un Parto la mejor comedia del año sin ninguna duda, justamente en una cartelera donde no sobran opciones dentro de ese género. Por otro lado, si bien es lo más gracioso en lo que va de este año, también debo admitir que este tipo de películas no son para cualquiera e incluso son muy complejas de recomendar, debido a que el humor que poseen es tan característico que solo se puede confiar su visión obligatoria a quienes disfrutaron de los anteriores films de este director.

Entrando de lleno en las actuaciones, me pareció muy acertada la incorporación de un medido pero grandioso Robert Downey Jr. que captó perfecto el personaje, además de darle un empujón importante para promocionar el film. Peter es un empresario que parece tener todo en orden, hasta que alguien totalmente opuesto lo descontrola. El personaje de Downey Jr. obviamente que sufrirá modificaciones por la invasiva compañía de su compañero de viaje, y este cambio el actor de Iron Man lo realiza de manera muy medida y sólida.

Por otro lado encontramos al loco de Zach Galifianakis llevándose los mejores momentos de la película, algo totalmente esperable. Aquí Zach tiene mucha más pantalla que en The Hangover -gran revelación de esa cinta- y esto es una decisión totalmente acertada. Muy graciosas las intervenciones de Zach practicando actuación, justamente cuando en su personaje lo que no abunda es la expresión en su rostro. Este actor de apellido difícil de pronunciar entiende perfectamente el tipo de humor de Phillips y lo eleva a la máxima expresión.


Como conclusión hay que decir que Todo un Parto representa la mejor comedia del año y la recomiendo abiertamente a todos los fanáticos de ¿Qué Pasó Ayer? sin ningún tipo de dudas.

Actividad Paranormal salió a la luz el año pasado por medio de una inteligente campaña de marketing a cargo de Paramount y Dreamworks que rindió unos excelentes números (costó 15.000 dólares y recaudó 200 millones en la misma moneda) superando ampliamente las expectativas de estas productoras. Esta segunda parte, que en realidad es una precuela de la anterior, también fue un gran éxito en la taquilla facturando en su primer fin de semana más de 40 millones de dólares con un costo informado de solamente 3 millones.

Actividad Paranormal 2 parte desde la premisa de mostrarnos los eventos previos a aquellos que sucedieron en la original primera parte donde era asesinado Micah Sloat a manos de su poseída mujer Katie.

La cinta comienza con el matrimonio compuesto por Dan y Kristi Rey ingresando muy felices a su casa luego del nacimiento de su primer hijo Hunter, mientas allí los espera la hija de Dan llamada Ali. Todo parece normal en la casa de los Rey hasta un día en el que vuelven de unas vacaciones y encuentran su casa totalmente revuelta y descontrolada, pero sin faltarles ningún elemento de valor. Al sentirse víctimas de un vandalismo sin razón y deciden equipar la casa con un costoso sistema de multi-cámaras que vigilan los ambientes más importantes. A partir de ese día la vida de la familia Rey no es igual, debido a que comienzan a vivir todo tipo de "actividades paranormales" en su propio hogar, alterando y contrastando de manera definitiva la felicidad de la llegada de su hijo.

Siguiendo en la línea de falso documental de su antecesora, la primer hora de Actividad Paranormal 2 es increíblemente tediosa por no mostrar ni una sola secuencia que cree un poco de tensión, nervios o miedo (y eso que yo no soy un valiente). Estos larguísimos primeros minutos son una especie de extensa introducción narrativa, que no aporta demasiado a la historia pero que da un contexto a los sucesos que van ocurriendo después. El problema de esto se da cuando esta introducción ocupa la mitad película, algo que me pareció un total desacierto por romper con todo lo que intenta construir a lo largo de sus 90 minutos.

Si la primer hora de Actividad Paranormal 2 es aburrida, la segunda parte no repunta demasiado. Mientras los momentos iban pasando, la ansiedad dominaba mi cuerpo a la espera de las secuencias que den miedo de verdad, esas escenas que me hagan saltar de la butaca o que se me atragante un pochoclo. Lamentablemente esto se sintió en unos pocos pasajes, de los cuales solo puedo destacar el momento de la cocina cuando la protagonista lee la revista o algunas escenas de los 20 minutos finales.

Creo que la aparición de nuevas cámaras le jugó una mala pasada a este falso documental, debido a que el campo visual es ampliamente mayor que en la anterior, siendo difícil de descubrir muchas veces el por qué del enfoque de ese ambiente en específico de la casa.

Actividad Paranormal 2 es una película altamente previsible y con falta de sorpresa. Cada cambio de cámara representa una tediosa introducción hasta que el espíritu realice alguna maléfica irrupción convirtiendo la tensión en ansiedad, para que luego estos sentimientos se transformen en aburrimiento.

Por su parte las actuaciones no están descolocadas y aportan buenos momentos, pero que lamentablemente no alcanzaron para salvar a esta innecesaria precuela.


Actividad Paranormal 2 representa una gran decepción, que seguramente seguirá con más secuelas gracias a su marketinero éxito.

Red, protagonizada por un elenco de ensueño encabezado por Bruce Willis, logró algunas combinaciones que en el cine son bastante complejas de lograr.

En primer lugar pudo conformar un excelente entretenimiento pochoclero combinando la acción y la comedia, sin desbalancearse en ningún momento. Un ejemplo de que esto no es nada sencillo fue la fallida Encuentro Explosivo, que no llegó a explotar todo lo que prometía con un gran reparto y un muy buen director a cargo. En cambio Red (significa Retired and Extremely Dangerous) cumple con esa premisa brindando unas dos horas de escenas de violencia y tiroteos extremos, conjugados con grosos momentos de humor que generalmente llegaron de la mano del genial personaje de John Malkovich.

Otra de las difíciles misiones que tuvo que sortear fue la relacionada a la siempre compleja adaptación de un comic a la gran pantalla. Al no leer el comic no puedo comparar la película con éste, pero si estoy en condiciones de afirmar que el espíritu del mismo se ve plasmado en la estética que le dio a este proyecto su director Robert Schwentke. Kick-Ass también fue otra propuesta que pudo sortear muy bien este obstáculo, pero hay muchas otras que no merecen ser nombradas.

La historia que Red nos cuenta es sobre la vida del retirado agente de la CIA Frank Moses. Lamentablemente Moses tiene una aburrida vida donde el vínculo con el mundo exterior es casi nulo, y digo casi porque solo tiene una especie de relación telefónica con una operadora con quien charla asiduamente.

Todo cambia radicalmente para Frank, cuando un peligroso equipo armado intenta matarlo en su casa. Es allí cuando decide reunir a su viejo grupo, para tratar de encontrar a quienes están cazándolos uno por uno.

El humor y las escenas de acción están por encima de la trama en Red y esto es otra mezcolanza, algo que siempre es complejo de realizar. Nadie puede creer que la historia que se cuenta en esta película pueda ocurrir en verdad, sin embargo tampoco por su grado de inverosimilitud deja de ser altamente entretenida, es como si jamás cruzara el límite para romper la atención del espectador.

El equipo que nombro más arriba está integrado por Hellen Mirren, Morgan Freeman, John Malkovich, Mary-Louise Parker y Bruce Willis. Estos "jovatos" actores son puestos en papeles impensados y originales demostrando que las grandes carreras que han logrado no son por nada. Sin dudas Malkovich se lleva los mejores momentos, como la loca corrida a grito partido que realiza contra el vicepresidente o el excelente duelo de western -condimentado con ingredientes del groso Sergio Leone- que lleva adelante contra la agente que intenta matarlos a todos.

Bruce Willis es una estrella, no solo un gran actor. Hay muchísimos actores que pueden llevar adelante excelentes caracterizaciones pero no tienen ese ángel, ese no se que, que tienen las verdaderas estrellas. Willis de nuevo lleva un gracioso papel que realmente lo debe realizar con el piloto automático puesto, siempre en el buen sentido de esa frase.

Red representa una excelente opción pochoclera que faltaba en este tramo de la temporada de estrenos.

The Town (me niego rotundamente a llamarla con el patético título con que la nombraron acá), es la vuelta de Ben Affleck a la dirección luego que en el 2007 debutara con la sorprendente Desapareció una Noche.

Entrando en un clasicismo digno de comparación (con comparar no quiero decir igualar) con el bastión más clásico de todos los directores en la actualidad, Clint Eastwood, The Town nos contará la historia de un grupo de experimentados ladrones de bancos pertenecientes a un barrio de clase baja de los Estados Unidos llamado Charleston.

Allí residen y se forman las mayores calañas de delincuentes especializados en este rubro. No es casual que el poster enuncie "Bienvenido a la capital de robos bancarios más grande de Estados Unidos".

Todo parece estar controlado por la banda que tiene como integrantes principales a Doug MacRay (Affleck) y James Coughlin (Renner), y de hecho nada parece quedar librado al azar. A tal punto que luego de perpetuar cada robo se encargan de borrar o inundar de los lugares asaltados las pruebas de ADN que puedan incriminarlos.

En el primer robo que nos alcanza nuestro amigo Ben, encontramos a la poderosa banda entrando a un simple atraco más, que se ve complicado cuando alguien acciona la alarma silenciosa. Allí Coughlin decide tomar como rehén a la gerente del banco Claire Keesey (Hall) para que no sea baleado su transporte en caso de una persecución. En ese momento todo parece cambiar para estos inseparables camaradas, porque el líder Doug se enamora de Claire y de la mano de ese amor tratará de escapar del camino que ha transitado hasta ese momento. Obviamente que ese amor se irá dando paulatinamente y ocultando su condición de ladrón/secuestrador a Claire.

Es obvio que este director se encuentra influenciado por el viejo Clint, pero con The Town descubrimos que también tomó varias cosas prestadas de Michael Mann para poder llevar adelante una película muy bien filmada y altamente atrapante. Las escenas de robos a los bancos y los tiroteos son una fiel muestra de la afirmación anterior.

Siguiendo con Ben Aflleck, que parece manejar al género policial de taquito y que acá además se animó a ayudar con el guión, hay que aclarar que no tenía una fácil labor aquí, debido a que tenía que revalidar y superar las excelentes intenciones que demostró con Gone Baby Gone. Por suerte esto es algo que ocurrió con creces y The Town es una película bastante más rica y completa que su opera prima.

Sin dudas lo mejor de la película son las excelentes escenas de acción que destaqué más arriba, pero el último robo, que encima evade totalmente el lugar común de robar un camión blindado o un banco que recibía una gran suma de dinero, es en donde Affleck desplega su gran poder de fuego y manejo de las escenas, filmando unos 30 minutos de secuencias llenas de tiros y altamente tensionantes, que se convierten en otro pilar fundamental a destacar del film.

Por otro lado, pero siguiendo valorando la gran labor del director, encontramos a unos actores que demuestran el buen ojo que tuvo Affleck para formar un casting que sin grandes estrellas tiene a un Jeremy Renner interpretando un papel totalmente distinto al brindado en The Hurt Locker, con el que demuestra ser un versátil actor y que además se come ampliamente la película. Rebecca Hall fue otra buena contratación y también es otro de los valuartes de The Town dando una muestra de gran expresión con cada gesto y mirada. Y por otra parte encontramos a "Mad Men" Jon Hamm y "Gossip Girl" Blake Lively que fueron convocados para papeles secundarios pero de bastantes minutos -más el primero que la bella segunda- que acompañan y resaltan perfectamente varias de las escenas en las cuales son llamados. Por último dejamos al gran protagonista de esta película -un rol en el que nadie lo hubiera contratado para que haga- y que fue sorteado de una manera sólida y sobria. Obviamente que si hilamos fino seguramente encontraremos algunas fisuras, pero más allá de eso creo que Ben Affleck sumó una buena interpretación a su irregular, y no pésima como muchos afirman, filmografía.


The Town es el fiel reflejo de que Ben Affleck dejó de ser una promesa de buen director para convertirse en una cita obligatoria con el cine en sus próximas películas.

Solicitud de Amistad de Mark Zuckerberg... Ignorada

Red Social es el nuevo film de David Fincher (Pecados Capitales, El Club de la Pelea, Zodíaco), que ahora se mete con el trasfondo y los orígenes contados en The Accidental Billionaires, el libro que trata la creación de la "social network" más grande del mundo.

La historia nos mostrará los inicios de Mark Zuckerberg en Harvard hasta los momentos en donde el éxito parece instalarse en sus ostentosas oficinas en California. Lo que comenzó como una venganza amorosa, se irá transformando paulatinamente en la llave de entrada al exclusivo mundo que Mark pretendía, pero para él la cuota de ingreso le será muy pero muy costosa.

La frase del poster "No haces 500 millones de amigos sin ganarte algún enemigo" es una intencional verdad en parte, ya que Zuckerberg pierde en su afan por lograr el éxito cool, a su único amigo Eduardo Saverin. Esta amistad se rompe cuando Mark traiciona vil y cobardemente a Wardo, abusando totalmente de su confianza.

Lo llamativo e interesante en la historia es que Fincher decidió romper un relato lineal para ir intercalando los acontecimientos con las intensas mediaciones que llevan adelante los abogados de Saverin y los gemelos Winklevoss, para obtener lo que ellos pretenden de Facebook. Esto fue una grata decisión que generó una importante ayuda a la comprensión de una trama que juega mucho con las idas y vueltas en el tiempo.

Es increíble como una película en la cual su historia es de público conocimiento o está al alcance de cualquiera, puede mantenerte pegado a la butaca sin un solo respiro a lo largo de 2 horas brillantes. Esto sin dudas es mérito de una gran dirección y un guión muy logrado -a cargo de Aaron Sorkin- que dota a la obra de un ritmo y una sofisticación narratoria muy interesante y entretenida. Incluso uno no quiere que termine, para seguir aprendiendo sobre el apasionante y controvertido ascenso de Facebook.

Las palabras en Red Social vuelan a la velocidad en la que Zuckerberg programa y ninguna es dicha al azar, todas tienen un por qué. Tranquilamente podríamos parar la cinta en cualquier diálogo y extraer tantos análisis de esas escenas como deseemos. Me encantan las películas en las cuales debes poner toda la atención para no perder absolutamente nada de lo que está pasando y justamente este film entra en esta preferencia.

Red Social es un film gigante para ser encasillado simplemente como la "Película de Facebook", debido a que la esencia de la historia que se muestra ocurre en todos los ámbitos de la vida y no están a cargo exclusivo de nerds, millonarios o deportistas de Harvard. Incluso dentro del mismo film podremos encontrar una especie de thriller judicial, traiciones, moralejas y romances dignos del mejor drama o también algunos momentos pertenecientes a una comedia, algo que hace imposible que podamos tildarlo con un titulo tan simplista.

Me sorprendieron las actuaciones de Andrew Garfield y Justin Timberlake con dos sobrias interpretaciones, que tienen varios chispazos de gracia y carisma en los momentos en que la historia los requiere. Por otro lado Jesse Eisenberg sigue en su eterno loser, que aquí muestra algunas diferencias -como la soberbia y la falta de escrúpulos- dentro de ese sólido registro que le queda perfecto. Esas diferencias son importantes debido a que es difícil sentir empatía con el Mark Zuckerberg interpretado por Eisenberg, mientras que en los films anteriores del actor el sentimiento generado es totalmente lo contrario.

Mención aparte merece la frase dicha por la abogada al personaje de Eisenberg en los minutos finales de la película, para cerrar así el film magistralmente.


Red Social es mucho más que una simple película que muestra los orígenes de Facebook, y sin dudas peleará alto en lo mejor del año. Gracias Fincher por otra gran muestra de cine.

El Ocaso de un Asesino cuenta los típicos problemas que tienen los asesinos al retirarse. Nombro la palabra típicos como si uno conociera a algún asesino al que le haya pasado esto, pero en realidad no me refiero a la realidad misma, sino hago referencia a que en el cine ya hemos visto en más de una oportunidad que las retiradas siempre son sinónimo de persecusión e intento de ejecución del interesado. Lamentablemente esta película no es la excepción, y por ello no nos aportará algo nuevo, sino todo lo contrario.

The American nos va a mostrar la historia de Jack, un experto asesino que decide recluirse en un pueblo de Italia, luego de que su última misión no resultará tan simple como él pensaba. Allí conoce a un párroco y a Clara, entablando una relación con ambos. Al comienzo la relación con el "Hombre de Dios" será fria y distante, incluso mostrando varios intentos de rechazo, pero con el pasar de los minutos se irá estrechando. En cambio la relación con Clara es distinta debido a que ella es una hermosa prostituta que brinda sus servicios a él.

Como casi todos podemos esperar, Jack se enamora de Clara y se hace amigo del párroco, que en todo momento intentará conocer su verdadero interés en el pueblo.

La película en todo momento intenta generar un suspenso que realmente no puede concretarse y esto se da por una lenta y pesada narración. Solo en los últimos 20 minutos el ritmo levanta y se pueden ver algunos vuelcos de acción y tensión.

El guión acompaña en la parsimoniosa narración, tratando de develar detalles a medida que van pasando los minutos, algo que logra por momentos.

¿Cuántas veces vimos en el cine al típico asesino a sueldo que se las sabe todas y que tiene pocas pulgas? Seguramente muchas... Ese es el personaje de George Clooney. Un tipo frío y solitario que con el pasar de los minutos va transformándose en la búsqueda de el amor como refugio, para tratar de salir de los remordimientos que lo asechan. Clooney cumple con ese tipo de interpretación, pero al igual que todo el film, no representa nada nuevo.

Sin ir muy lejos, en Los Indestructibles, vemos como Sylvester Stallone entabla una especie de relación con una nativa del pueblo en búsqueda de la redención personal. La cuestión es que El Ocaso de un Asesino basa totalmente su cinta en ese argumento y en la anterior solo es un condimento para darle entorno a la historia.

El problema se da cuando una película de este tipo intenta salirse de la estructura. Por momentos The American trata de mostrar cosas distintas que en realidad son un camuflaje para todos los lugares comunes que hemos visto en anteriores cintas de esta especie. Si su director Anton Corbijn, quería hacer algo trillado y común le salió demasiado predecible, lento y carente de toda sorpresa y suspenso, pero si quería hacer algo distinto y novedoso se quedó en un intento pretencioso que se acerca mucho más a la idea anterior.

Algo altamente destacable es la hermosa estética que tiene el film. Los paísajes del pueblo italiano fueron muy bien mostrados por una hermosa fotografía y varias escenas que se destacan por aprovechar la arquitectura de una ciudad de montaña con calles estrechas y sigsagueantes.


El Ocaso de un Asesino representa una opción altamente trillada y pretenciosa, que solo es recomendable para quienes hayan visto pocas películas de este tipo.

Enterrado es una original propuesta que tuvo una inteligente movida "marketinera" que explotó al máximo, justamente, con las innovaciones representadas a lo largo de los 90 minutos de su duración. Lo mejor es que aquí el marketing aplicado no nos juega una mala pasada, como lo ha hecho en varias oportunidades, y la película cumple con todo lo que prometió en sus avances.

El film comienza con una molesta e incómoda secuencia de fondo negro (que luego se repite en varios pasajes), donde de a poco se empieza a "sentir" la respiración del protagonista. A medida que avanzan los segundos éste encuentra un encendedor y allí es cuando se revela su presencia en el ataúd.

Paul Conroy es un conductor de camiones que hace 9 meses desempeña su trabajo en la difícil ciudad de Bagdad. Cuando su flota es atacada, un grupo de guerrilleros, insurgentes, criminales o como se les ocurra llamarlos lo secuestra y lo encierra en el mencionado lugar con un teléfono celular. Obviamente que ese aparato será utilizado para que intente conseguir un millón de dólares, precio que sus captores pusieron a su rescate.

Hay muchos detalles que son revelados en charlas de Paul tratando de ser rescatado. En ningún pasaje podremos ver lo que pasó, debido a que a Rodrigo Cortés decide que nos enteremos de las cosas solamente por medio de las palabras de su absoluto protagonista. Podría haber utilizado un flashback -solo por mencionar algún recurso- para ilustrar mejor esta cuestión, pero hubiera roto el ambiente y la fuerte mística que mantiene la película.

Puede parecer imposible que 90 minutos transurran dentro de un ataúd, pero todo está muy cuidado y llevado a cabo de manera magistral por parte de su director, para que jamás se pierda la tensión generada y que comience a reinar el aburrimiento dentro de nosotros.

Por momentos hay una interesante y graciosa crítica llena de ironía a la burocracia, las empresas, los militares y demás aspectos abordados de muy buena manera por un ingenioso guión escrito por Chris Sparling, que por otro lado representa otro pilar de fuertes cimientos para sostener una película de semejante complejidad.

Quizás la única objeción que tiene Enterrado es la forzada resolución de algunas situaciones, como cuando encuentra mágicamente la traducción en el teléfono en apenas su primer intento.

Volviendo al ambiente, quiero explicar que las escenas están filmadas casi en su totalidad dentro del ataúd y solo se rompe este código en algunos momentos, como por ejemplo cuando la cámara sale hacia arriba en una de las numerosas comunicaciones, que más allá de no convencerme del todo en la apliación, sirivió como una especie de salida al espectador dentro del predominante encierro.

Dos sentimientos reinan bien adentro cuando uno mira Enterrado. El primero y más fuerte es la desesperación que vive el protagonista. Conroy está encerrado allí dentro y debe vivir distintas experiencias, junto a las personas con las que intenta establecer un contacto rápido y efectivo para poder obtener su preciado salvataje.

"Situaciones extremas, requieren medidas extremas" dice el dicho y si la ingeniosa y original idea de Cortés era demostrar un ambiente hostil y real llevado adelante por un asfixiante entorno y potenciado por las sensaciones de un casi único protagonista, necesitaba una actuación que estuviera a la altura de las circunstancias. Es allí que Ryan Reynolds entra en acción cumpliendo magistralmente con la caracterización de su personaje dentro de la película. Cada milimetro de su cuerpo transmite lo terrible del encierro y la desesperación que se pueden sentir al estar enterrado vivo. Sinceramente no esperaba una labor de semejante realismo y es por esto que se merece todos mis apluasos.


Enterrado representa una asfixiante, tensionante y novedosa alternativa en una cartelera carente justamente del segundo adjetivo.

Mi Familia es una película que cuenta la problemática que tiene una pareja de lesbianas en la crianza de sus hijos. Lo que a priori parecía ser una cinta controvertida por los temas que abordaba, finalmente terminó no siéndolo ya que esos mismos temas fueron despejados sin objeciones gracias a la naturalidad y el enfoque con el que se narran los hechos.

En Mi Familia vemos como Nic y Jules llevan adelante, de muy buena manera, la educación de Joni y Laser. Joni está por ingresar a la universidad y separarse de sus madres, mientras que Laser se encuentra entrando en la siempre compleja adolescencia, con todos los conflictos internos que esto conlleva. Cuando la mayor de ellos cumple los 18 años, se proponen contactar a quien fue el donante de esperma para que ellos pudieran nacer.

Paul, el padre biológico de estos chicos, es un solterón, fanático por la ecología y alquien que no parece dejar títere con cabeza. Él accede de inmediato a encontrarse con los hijos de Nic y Jules, logrando una especial conexión con ambos desde un comienzo.

La aparición de Paul, interpretado por un gracioso y medido Mark Ruffalo, logrará romper esa armonía que habitaba en el hogar, por medio de distinas maniobras desprovistas de maldad, pero que al fin y al cabo llevaron varios problemas a una familia un poco atípica.

Realmente los conflictos que se muestran en Mi Familia son altamente creíbles y podrían desarrollarse en cualquier casa, debido a que son bastante identificables. Con esto quiero decir que los problemas no se dan porque los chicos son discriminados por la condición sexual de sus madres u otras dificultades que puedan presentarse dentro de ese espectro, sino que son las mismas situaciones que pueden vivir todos los padres e hijos en el difícil camino que van transitando día a día buscando lo mejor el uno para el otro. Esto lo aclaro por la simple razón de que a priori uno puede pensar que se trata de una película sobre los problemas que pueden enfrentar dos lesbianas y en realidad se trata de una comedia dramática perfectamente adaptable a cualquier tipo de familia.

La película es encasillada como una comedia dramática y está bien que así sea, pero me gustaría contarles que a lo largo del film van a predominar las escenas de drama por encima de las que puedan causarnos gracia. Esto no es algo negativo, sino todo lo contrario, porque este componente ayuda mucho a la credibilidad que les contaba arriba.

Las actuaciones en The Kids Are All Right son las que dotan de fuerza, junto con un inteligente guión, a la trama. Las labores de Annette Bening y Julianne Moore son un ejemplo de naturalidad, justamente en dos papeles a los que uno no está acostumbrado a ver en el cine. En ningún pasaje se las va a ver cayendo en los típicos estereotipos que mucha gente tiene sobre una pareja homosexual integrada por dos mujeres. Los hijos de la pareja, interpretados por la australiana Mia Wasikowska y Josh Hutcherson, también tienen muy buenos momentos, destacando por encima a la actriz de Alicia en el País de las Maravillas. En este film, Mia, tiene toda la expresión que le faltó en la película de Tim Burton y un ejemplo de esto es la escena final donde la muchacha se luce bastante.

Mi Familia presenta grandes momentos de humor y drama en una innovadora historia donde domina la simpleza y la naturalidad en todos sus aspectos.

Luego de más de 23 años vuelve Gordon Gekko a la gran pantalla, de la mano de su creador Michael Douglas. Realmente debo decir que tenía mucha desconfianza de este estreno, pero hay que admitir que es una buena y respetable secuela.

En esta ocasión, Oliver Stone, nos mostrará la salida de prisión de un Gekko menos sanguíneo, dispuesto a aprovechar una segunda oportunidad para recuperar a su hija que no quiere verlo ni en figurita por culparlo de una tragedia familiar. Para intentar eliminar los resquemores y odios, la pareja de su hija Jake Moore, intenta acercarlos a cambio de que el recién liberado lo ayude a vengarse de Bretton James.

Planteadas estas dos aristas veremos cómo su verdadero protagonista, Shia LeBeouf, se intenta mover de una manera cautelosa para no despertar las sospechas de Carey Mulligan, ni tampoco desviarse de su objetivo. Más atrás nombro la palabra "verdadero" porque muchos pueden pensar que la mayor cuota en pantalla es ocupada por Michael Douglas y ésto es algo totalmente erróneo, de hecho puedo apostar a que Mulligan ocupa los mismos minutos que él.

Josh Brolin y Micheal Douglas en papeles más secundarios se llevan excelentes momentos del film, dotados por una experiencia y un manejo de los diálogos realmente brillantes.

Sin dudas que las actuaciones -junto con las hermosas tomas de la ciudad de New York- de Shia LeBeouf y Carey Mulligan son lo más destacable de la cinta. Tenía ganas de verlo a Shia en este papel, para ver como se desenvolvía y realmente no me defraudó debido a que lleva adelante un papel con mucha fuerza y principalmente sobrio que se destaca cuando se tiene que destacar. Aunque Shia está muy bien, destaco por encima de todos a la linda de Mulligan, que por momentos se come la película. Esta chica tiene pasta, cuando aparece realmente es imposible no sentirse encandilado y creo sin ningún tipo de duda que va a ser una gran estrella, siempre que continúe por este camino.

Hay dos escenas puntuales que merecen ser destacadas por encima del resto, ambas protagonizadas por quien destaco como lo mejor en la película, además de poseer un tinte dramático importante. La primera es la charla de Gekko con Winnie en las escaleras, con una Carey altamente conmovida que nos demuestra todo el dolor que siente por los interminables conflictos con su padre. Y la segunda es la intensa pelea con Jake donde se la puede ver totalmente desconosolada por los problemas que afronta la pareja. La fuerza que precisan esas escenas para pegar en el público es aportada por la actriz de An Education, acompañada por los sostenes de Douglas y LeBeouf respectivamente.

Hasta ahora destaqué lo mejor de Wall Street - El Dinero Nunca Duerme, pero ahora vienen las cosas negativas que pude encontrar.

Si bien cito arriba que hubo una buena labor de Brolin, me hubiera gustado un poco más de desarrollo en su personaje, ya que considero que tenía mucho más para dar. El actor de W -también dirigida por Stone- nos demuestra sus pocos escrúpulos, pero no llega a convencer del todo debido a que no posee más escenas o momentos para que lo podamos creer aún más.

Lo mismo ocurre con el personaje de Michael Douglas. Gordon Gekko es una leyenda y sólo en algunos pasajes se lo puede ver desenpolvando ese carisma tan característico.

Quizás por darle más fuerza a la historia entre Mulligan y Shia, el director olvidó darle un poco más de marco a una trama que termina siendo por momentos previsible y muy livianita. O sea que esta Wall Street nos presenta tan solo en algunos momentos el mundo de las finanzas que mostró en la primera.

El final de la película es lo que menos me cerró. Las anteriores obvservaciones pueden ser más discutibles, pero los minutos finales creo que quedaron totalmente descolgados y fueron bastante mal insertados, debido a que carecen de total credibilidad. Nadie cambia de un día para el otro y menos un sátrapa del tamaño de Gordon Gekko.


Más allá de los detalles mencionados creo que Wall Street - El DInero Nunca Duerme es una aceptable secuela, y que de haberse pulido algunas cosas hubiera sido un producto mucho más redondo y logrado.

Luego de 4 años, y de la mano de El Rati Horror Show, vuelve a las andanzas el justiciero Enrique Piñeyro. Aquella vez en el 2006 nos había demostrado lo inseguro que era andar volando por el cielo en nuestro país, con Fuerza Aérea Sociedad Anónima. En esta ocasión, lamentablemente, nos va a demostrar lo inseguro que puede ser vivir en la Argentina.

El Rati Horror Show comienza mostrándonos unas imágenes de archivo de la cobertura de los noticieros y el posterior juicio sobre la titulada "Masacre de Pompeya". Allí, producto de un terrible accidente, fallecieron 2 personas y una resulto herida. Lo que en comienzo parece una huída delictiva con un final trágico realizada por un delincuente, veremos como con el pasar de los minutos del documental deja de ser lo que parece ser para convertirse en algo mucho mayor.

Fernando Carrera es el principal inculpado por dicho accidente y fue condenado a 30 años de prisión. Esta condena no es un hecho menor debido a que muchos medios la relataron como una condena ejemplar de un jurado que mandó a la cárcel a un ciudadano sin antecedentes penales que el único error que cometió fue ir a dejar a sus hijas a la casa de su suegra. Y ustedes se preguntan como se condenó a un padre de familia injustamente? En El Rati Horror Show -claro y excelente título- se encargarán de contestarles esa pregunta.

No quiero comentarles los detalles de los descubrimientos de Piñeyro por la simple razón que el documental está planteado para ir develando -con diversos e interesantes recursos- las atrocidades cometidas en el accidente a medida que se va avanzando en el mismo.

Jean Luc Godard una vez dijo "La fotografía es verdad. Y el cine es verdad 24 veces por segundo", quizás la afirmación sea discutible pero sin dudas que en esta película se aplica a la perfección. El documental de Piñeyro muestra un hecho que conmueve, molesta e incomoda, pero que no debe dejar de ser mostrado justamente por ser altamente palpable y real.

Enrique Piñeyro deja de lado la aviación, sin dudas un experto en la materia, para incursionar en la injusta incriminación, manipulación de pruebas y demás yerbas que realiza la policía para tratar de ocultar los errores cometidos en la detención de Carrera.

Celebro que estos documentales salgan a la luz para abrir los ojos de mucha gente que cree que estas cosas solo pasan en las películas. Incluso ese es el gran motivo de celebración, ya que me parece una excelente desición que el ambiente elegido para mostrar este film sea la misma pantalla donde a uno le muestran las ficciones basadas vagamente en hechos similares.

El fin de este documental es mostrarnos con qué facilidad e impunidad se cambió el destino de un padre de familia, para salvar el pellejo de una manga de inoperantes y violentos, que deberían estar a cargo del cuidado de todos los ciudadanos. Ese fin se cumple con creces gracias a la facilidad didáctica que posee el director, algo que ya fue demostrado en sus apariciones en televisión y en sus películas anteriores.

Es imposible salir indiferente de El Rati Horror Show, porque es tal la cantidad de atrocidades que se cometieron, que la INDIGNACIÓN es una palabra pequeña para describir los sentimientos que nos produce. Otro sentimiento reinante es la inseguridad -quizás el más previsible y obvio por la magnitud de los hechos- sumado la incomodidad que provoca ver cómo las autoridades encargadas de dapartir justicia se aliaron para hundir a Fernando Carrera.

El único reproche que se le puede hacer es la inclusión de los poco expresivos acompañantes del director en varias escenas, debido a que no aportan nada en la película y solo sirven de parteneres para que se luzcan los comentarios de Piñeyro.

Dentro de esos sentimientos en los que uno va navegando, hay varios momentos de "humor" que cortan un poco el espeso aire. Ese humor está encomillado porque -como bien dice el dicho- uno se rie para no llorar. Dicho humor es incitado intencionalmente de alguna manera por Piñeyro utilizando marionetas u otros recursos para ridiculizar algunos momentos que realmente son muy impresionables. Incluso también provocan una especie de distención en una película que casualmente se trata de un film altamente tensionante.


Como conclusión les puedo afirmar que en El Rati Horror Show es un excelente y didáctico documental donde Enrique Piñeyro nos sigue asombrando con su cine de denuncia.

Sin ningún tipo de dudas si hay una actriz que despierta el amor dentro de uno, esa es Drew Barrymore. Este sentiemiemto se da solamente porque es sencillamente adorable. Drew es linda, inteligente y talentosa, además de poseer esa cuota de ingenuidad que todos los hombres queremos. Obvio que los años le van pasando factura, pero ella posee una magia que siempre nos enamorará.

Por otro lado, en este film, se encuentra el carismático de Justin Long, que luego de algunos papeles secundarios en Viviendo con mi Ex y Simplemente no te Quiere consiguió su primer protagónico en la gran pantalla y nada más y nada menos que con una acompañante de lujo para este tipo de propuestas.

Una comedia romántica debe poseer como condición excluyente química entre los actores, algo que era más que obvio que iba a haber por qué ambos son pareja en la vida real. Además de ésto debe tener una historia que sostenga el humor, el drama y el romance, y que nos haga meternos dentro de una relación. Uno tiene que tomar partido, tiene que sentirse enamorado como los protagonistas y también debemos emocionarnos con ellos.

Gracias a muy buenas actuaciones de Barrymore y Long, las graciosas intervenciones de Day (amigo de Long), una historia con la que es difícil no identificarse y varios momentos de mucho humor, todas las sensaciones y sentimientos que nombré arriba ocurren a la perfección en Amor a Distancia. Según la onda con la que uno vaya a presenciar este film, va a depender de la magnitud que puedan tomar dichos sentimientos.

Amor a Distancia nos cuenta la historia de como una mujer y un hombre no tan jóvenes se encuentran en un momento de frustación importante, que se convierte en una llama de esperanza en sus vidas. El amor nace inmediatamente en ellos y juntos emprenden un corto, pero intenso y bello romance. Lamentablemente la partida de Erin a su lugar de origen, hace que esa llama se vaya consumiendo -más allá de sus incansables intentos por mantenerla viva- debido a la extensa cantidad de kilómetros que la separan de Garret. El desgaste provocado por el extrañamiento y la falta de comunicación hace que ese amor inquebrantable se vuelva frágil como el vidrio.

A pesar de tener ciertas obviedades, como el típico papel de la hermana guarda bosque o los losers amigos del protagonista, esta comedia saca una luz de credibilidad y madurez en los conflictos, lo que estuvo bastante bueno. Los problemas de Erin y Garret son totalmente palpables y pueden ocurrirle a cualquiera.

Sylvester Stallone volvió a la dirección, luego de los retornos de Rambo y Rocky Balboa, con una propuesta que conoce a la perfección. De alguna manera Los Indestructibles representa otra vuelta para Sly, la vuelta a ese cine que tantas alegrías nos dio en el pasado.

La historia nos cuenta como un grupo de leales mercenarios son contratados para llevar adelante un trabajo que parece imposible. En el reconocimiento del terreno donde deberán ejecutarlo, se topan con ciertos imprevistos que los llevan a cuestionar su integridad y sus ideales. Sin dudas no presenta nada original, pero acaso eso importa?

El ritmo narrativo es lo bastante frenético y vertiginoso para que este tipo de propuestas no se hagan pesadas.

Uno sabe que cuando va a ver este tipo de películas no debe ser exigente con ciertos aspectos que en otros géneros son fundamentales. La trama y el guión entran dentro de esos aspectos, si uno quiere disfrutar de The Expendables debe saber que va a ir a ver una gran película de acción, con una historia y un guión que hacen de buenos parteneres para acompañar en los pasos de baile en los que el film los necesita. Lo bueno o malo que pueda parecerles ésto correrá por cuenta de las exigencias que le ponga cada uno.

Sylvester Stallone se lleva los mayores momentos de la película, pero el gran Jason Statham no se queda atrás y ambos son los grandes protagonistas de la cinta. Esto no quiere decir que los demás no tengan su lugar, de hecho Jet Li tiene varias escenas de lucha que justifican su apellido en el cartel y el nombre que se ha ganado en tantos años de trayectoria. Todos los amigotes de Stallone tienen su cuota de pantalla, incluso Mickey Rourke tiene una escena dramática excelente. Eric Roberts también tiene buenos momentos interpretando a su inescrupuloso villano.

Es una escena que dura muy poco, es verdad... Pero realmente ver a estos tres monstruos como Sly, Bruce Willis y Arnold Schwarzenegger es algo muuuuyyy grosooooo, más allá del tiempo que ocupen en pantalla.

La acción, los tiros, los cuchillazos, las piñas y las bombas son lo más importante aquí. Todos vamos en busca de eso y lo encontraremos a raudales. De hecho la cinta comienza con una especie de precalentamiento, para ir subiendo la temperatura a medida que van pasando los minutos, hasta llegar al climax con los momentos finales donde podemos disfrutar de un monumento a los tiros, las explosiones y las piñas.

Hay varias escenas destacadas, como la lucha entre Sylvester y el campeón de lucha libre Steve Austin o Stathan revoleando cuchillos en ese pasadizo.

Obviamente que hay momentos bizarros y descolocados, como la escena donde Dolph Lundgren agoniza, que puede ser comparada sin problemas con cualquiera de las muertes que bien graficó Ben Stiller en Thropic Thunder o también el extraño acento que manejan los habitantes de la Isla Vilena.

Para resumir hay que saber que tiene errores que si hilamos fino seguramente serán bastantes, pero como dirían Jagger y su pandilla Stone: "It's Only Rock and Roll, but I liked." Es solo una peli de acción nada más, pero me encanta!!

Tal vez me equivoque, pero creo que The Expendables será un nuevo film de culto en las películas de acción y ocupará ese preciado lugar junto a grandes obras que supieron entretenernos en el pasado. Ojalá en la secuela redoblen la apuesta y salga algo todavía mejor.

Los Indestructibles cumple con la promesa de acción y sangre necesaria para nosotros, los amantes de ese tipo de obras. Gracias por volver Sly te extrañábamos...

Agente Salt reunió por segunda vez, luego de El Coleccionista de Huesos, a Angelina Jolie en la actuación y Phillip Noyce en la dirección. Esta vez, al igual que la anterior, el resultado es positivo aunque con ciertos matices que voy a comentarles a lo largo de esta crítica.

Salt nos contará como una experta agente de la CIA es incriminada por un desertor que dice que ella es en realidad una espía que colabora con Rusia. La historia de esta cinta es bastante conocida y no representa nada original, de hecho otra vez los rusos son los malvados, pero este no es el mayor inconveniente que posee.

A lo largo de los 100 minutos veremos como la protagonista se escapa de las maneras más espectaculares de los agentes que la persiguen, pero que lamentablemente terminan siendo poco creíbles. Cuando uno observa este tipo de escenas y ve esas huídas, uno jamás sentirá miedo a que el protagonista sea atrapado, porque nos ha demostrado que es capaz de todo, incluso de saltar de un camión en movimiento a otro debajo y lejano en la distancia. Obviamente entiendo que se trata de una película pocholcera y ustedes saben que no soy un exquisito, pero me hubiera gustado que algunos escapes sean más palpables para poder "creerlos" y así "vivir" mejor en la película.

Este aspecto negativo se pudo haber dado por que esta cinta fue pensada para que sea protagonizada por Tom Cruise, quien aceptó el papel para luego rechazarlo por las obvias similitudes que tenia con Ethan Hunt de Misión Imposible. Más allá de este contratiempo la obra se llevó a cabo con la adaptación y el aprovechamiento de la figura tan sensual como violenta de Angelina Jolie.

Más allá de ese detalle, Agente Salt, cumple con la promesa de acción vertiginosa y persecuciones que presentó en los avances previos a su lanzamiento. Con respecto a ese trailer, que pueden ver aquí, quiero hacer un pequeño paréntesis para comentarles que en nuestro país fueron eliminadas dos escenas "subidas de tono" (exactamente minuto 1:56 y 2:18 del avance), para poder calificar al film como Apto para todo Público, cuando en muchos lugares fue calificada como Apta para mayores de 13 años. Por lo pronto considero esta medida bastante inapropiada, debido a que la cinta fue promocionada de esa manera y me parece una estafa quitarlas, más cuando en ellas la hermosa protagonista aparecia ligera de ropa jaja!!! Más allá de la humorada final, realmente estoy en total desacuerdo con esa medida, porque incluso vaya uno a saber que más eliminaron para poder ponerla en esa calificación.

Lo mejor de Agente Salt es el ocultamiento y develamiento que hay de la historia, porque es difícil adivinar como ocurrieron los hechos hasta las escenas finales.

Obviamente que hay varias similitudes con la franquicia Bourne, pero creo que la diferencia fundamental que tiene a su favor la saga protagonizada por Matt Damon era que contaba con un guión mucho más solido que no recurría a las situaciones y lugares comunes a los que recurre éste.

Angelina Jolie (linda de rubia y hermosamente fatal de morocha) es una gran actriz que vuelve a lucirse en este tipo de papeles y creo que debe ser la única, con Milla Jovovich, capaz de dar una labor fria, violenta y dramática sin despeinarse. Realmente este tipo de caracterizaciones le caen como anillo al dedo y ella no nos defraudará jamás.

Muy bueno el acompañamiento de Liev Schreiber, que siempre es una garantía en estas caracterizaciones.

Agente Salt es una buena opción pochoclera que, más allá de algunos detalles, podrán disfrutar los amantes de este género.

Depredadores marca la vuelta al cine de una de las cintas de culto que supo conquistar a muchos fanáticos a fines de los '80.

Nimród Antal, bajo la ardua supervisión de Robert Rodriguez, logra un producto muy bien terminado, que a pesar de tener ciertos detalles, entretiene desde el minuto uno hasta las escenas finales.

Depredadores arranca con un Adrien Brody en caída libre a una desconocida jungla. Desde allí nos va introduciendo poco a poco en esa misteriosa selva, para ir develando los detalles de la trama, que obviamente no representa sorpresas, pero no por eso deja de ser una efectiva e interesante película de acción.

Hay un buen laburo de Rodriguez y Antal en el encare y el respeto que le dieron a la historia, porque a muchos podrá o no gustarle, pero nadie puede decir que no respeta la esencia del film protagonizado por Arnold Schwarzenegger en 1987. Y esto no es un detalle menor, porque cuántas veces Hollywood en su afan por engrosar sus arcas ha destrozado excelentes propuestas del pasado...

El cuidado trabajo para respetar la franquicia se puede ver también en la forma en que se rodaron las escenas de acción, donde se puede ver como la animación computada solo se utilizó para mejorar detalles y no para basar una secuencia en ese recurso.

Lamentablemente por momentos decae el suspenso que el director creó al comienzo, de la mano de algunas obviedades que van ocurriendo, pero esto no modifica en demasia el resultado final.

Quiero aclarar que pongo a Robert (productor) a la altura de Nimród (director) porque incluso en las introducciones de los trailers, el realizador de El Mariachi y Planet Terror se encarga de presentarla como "su" nueva película.

Realmente da un placer enorme ver a un pedazo de actor como Adrien Brody al frente de una cinta de este género, porque le da un salto de calidad muy importante. La versatilidad de Brody es lo que llama más mi atención debido a que el tipo puede llevar adelante un dramón como El Pianista, una comedia como Los Estafadores o ahora Depredadores, siempre con una soltura, naturalidad y excelencia que son dignas de un actor con un gran talento.

Obviamente que los actores secundarios, encabezados por la brasileña Alice Braga, dan buenas actuaciones acompañando a un gran maestro de ceremonias como lo es Brody.

Un "detalle de color" es que por momentos Depredadores me recordó a Lost, debido a los misterios sobrenaturales que tiene dicha selva. Incluso al comienzo uno de los protagonistas esboza una frase “¿Y si estamos todos muertos?”, una clara alusión, que sospecho fue intencional, a dicha serie.


En conclusión Depredadores es una más que digna vuelta para estos extraterrestres que supieron ganarse el corazón de muchas personas.

Vincere es la nueva película del director italiano Marco Bellocchio, que aquí nos hace entrar de lleno en la controvertida y polémica vida del Duce, desde la óptica de su secreto romance con Ida Dalser.

La cinta comienza con una excelente presentación a la polémica personalidad de un joven Mussolini, que desafia ante varias personas del Partido Socialista al mismísimo Dios. Este repentino comienzo es brillantemente duro por que nos hace recordar, en solo 5 minutos, con mucha crudeza de qué clase de persona se tratará este film. Definitivamente ese Benito estaba en pleno desarrollo del Duce que llegaría después, pero no por eso se puede dejar de ver claramente la esencia de quien sería luego de algunos años, uno de los personajes más nefastos de la historia de la humanidad. En ese recinto en el cual él planteaba su desafío se encontraba Ida Dalser, mirando perpleja al carismático y tajante Mussolini, mientras clamaba por su triunfo ante Dios. La mirada de Ida, interpretada por Giovanna Mezzogiorno, se ve totalmente encandilada por la figura de ese polémico personaje al cual ve muy firme en sus convicciones.

El romance de Dalser y Mussolini fue real y se conoció hace no muchos años. Obivamente que dicho desconocimiento se dio gracias al inalcanzable trabajo del Duce, la Iglesia que el desterró para luego aliarse y sus séquito de seguidores más cercanos, que se ocuparon de que ésto se mantenga bajo la alfombra. Como bien se puede ver en la obra como fruto de ese romance se produjo el nacimiento de Benito Albino Mussolini, hijo reconocido al nacer que luego fue desconocido y repudiado por el dictador italiano.

Con el pasar de los minutos, Vincere, nos va metiendo más a fondo en la turbulenta y apasionada historia de amor que llevaron adelante Ida y Benito, la cual con el tiempo y la partida de éste a la Segunda Guerra Mundial y su posterior casamiento con Rachele Guidi, llevó a un continuo desprecio y desconocimiento por su parte hacia la enamorada.

La razón de tamaño desplante se da porque el romance con Rachele, mientras estaba casado con Ida, pondría en jaque la moral que siempre se jactó de poseer, además de su promisoria alianza con la Iglesia.

A partir de ese suceso nace un nuevo film, donde nos encontramos con una atormentada Dalser que lucha por todos los medios que tiene a su alcance para que se conozca su verdad, en realidad, la verdadera verdad.

Lamentablemente cuando Mussolini asumió, gracias a la aprobación de la Casa de Saboya, la presidencia de la República Social Italiana ese proceso de destierro se profundizó. Nace dentro suyo el Duce y con él se agranda la tración, la humillación, el maltrato y el descrédito hacia Dalser, que fue internada en un manicomio, mientras que su hijo fue puesto bajo la custodia de un fiel colaborador del dictador, para más tarde tener el mismo destino que su madre.

La historia en Vincere no se muestra de forma líneal, debido a que el director juega continuamente con las miradas al pasado y al futuro. algo que a veces puede ser un poco confuso si uno desconoce totalmente la historia de esta pareja.

Los avances y retrocesos en el tiempo están separados con imágenes de archivo que nos van graficando e introduciendo a la época que visitaremos de la mano de este excelente film.

Hay ciertos momentos en que se combina, de manera excelente, al cine con la historia que va transcurriendo en el film. De hecho se puede sentir todo el sufrimiento de Ida Dalser, al visualizar la escena protagonizada por Chaplin en The Kid.

Todos estos condimentos hacen que Vincere este lejos de ser un documental, a pesar de ser una historia real, sino que se acerque mucho más a ser una gran película de ficción basada en sucesos que seguramente fueron muy bien manipulados para crear 128 minutos de crueldad, dramatísmo y emotividad memorables.

Más allá de una gran dirección en todos los aspectos que cité más arriba hay dos protagonistas que llevan adelante dos actuaciones excelentes y ellos son Giovanna Mezzogiorno y Filippo Timi, en los papeles de Ida Dalser y Benito Mussolini. Giovanna interpreta de manera brillante a una enamorada hasta la locura, con todo lo que eso conlleva, que no claudica en sus sentimientos y en su verdad, aún ante el encierro y la separación de su hijo. Filippo hace una labor sobresaliente mostrando a un joven Mussolini (cuando es mayor solo lo veremos en proyecciones de archivo) de avasallante personalidad, para luego convertirse en el hijo bastardo que será encerrado en un manicomio. La escena de Timi imitando a su padre en el discurso del balcón, es de los puntos más altos que tiene el film.


Vincere es un drama que lleva nuestros sentimientos a esos extremos que pocas veces podemos sentir en un cine, de la mano de una excelente dirección y sobresalientes actuaciones.

Sinceramente esta no es una crítica más, sino que se trata de una de esas reseñas donde uno intenta estar a la altura del espectáculo que pudo ver, y obviamente aunque esto sea imposible quería dejar en claro la intención desde este lado.

El Origen es la película que más esperaba este año. A priori me preguntaba, buscando calmar mi ansiedad, : ¿Es posible que salga mal una película de Chris Nolan? ¿Es posible que no la entienda? ¿Le puede jugar en contra tanta excelente promoción? ¿Puede un film con semejante reparto no convencerme? Y así podríamos seguir por los siglos de los siglos...

No voy a contestar una por una porque sinceramente Inception se resume con la afirmación de que se trata de una experiencia cinematográfica ESPECTACULAR!! Nolan logró combinar con mucha soltura un thriller atrapante de trama muy compleja, con un ritmo arrollador, además de excelentes efectos y escenas de acción, potenciadas por los diálogos que nos regala un muy buen guión.

Siempre lo más importante de una película con buenos efectos es traerlos en los momentos indicados, de nada sirve poner grandes secuencias de acción si no se invocan en los pasajes que la película lo necesita. Nolan entiende esto a la perfección e incluso podremos encontrar otro ejemplo de esto en la franquicia de Batman.

Hay que destacar que Christopher viene laburando con este proyecto hace más de diez años y de hecho estuvo pergeniando esta historia en su cabeza desde mucho antes. Esto lo comento porque no quiero que piensen que Nolan es un loquito que esto lo hizo de un día para el otro, sino que es un loco que viene trabajando esta idea desde hace mucho.

No es la primera vez que me pasa, pero cuando veo una cinta de este director siento como si viviera dentro de ella, realmente hay una conexión maravillosa.

La historia se presenta en los primeros minutos como algo difícil de seguir, pero con el pasar del tiempo se va entendiendo sin problemas gracias a las continuas aclaraciones que realizan los protagonistas. La trama nos cuenta, a grandes rasgos, como un grupo de ladrones se introducen en los sueños de las personas para robar información.

Tratar de encontrarle un "pero" a esta cinta, cuando Hollywood nos vive inundando nuestras carteleras con remakes, adaptaciones de comic y secuelas, me parece por lo pronto una falta de respeto a la originalidad que nos presenta esta historia. Ojo, no quiero decir que muchas remakes, secuelas o adaptaciones sean malas películas (de hecho aquí he elogiado varias) pero si me gustaría que valoren la originalidad que tiene esta cinta, en lugar de encontrarle sus defectos.

Creo que Inception es una de esas películas que vale la pena ver más de una vez. De hecho pronto iré a verla de nuevo para poder encontrar las pinceladas que se me pudieron haber escapado de esta obra de arte.

Las actuaciones que realizaron los protagonistas no tienen una fisura, pero sin dudas las mejores escenas son robadas por Leonardo DiCaprio, Joseph Gordon-Levitt y Marion Cotillard. Tom Hardy, Ken Wantabe, Cillian Murphy y Ellen Page llevan adelante muy buenas interpretaciones, incluso con papeles bastante distintos a los cuales estamos acostumbrados a ver de ellos.

La talentosa y hermosa actriz francesa ganadora del Oscar por La Vie en Rose lleva adelante una soberbia actuación que se carateriza por los vaivenes en su personalidad. La amaremos cuando ella quiere que la amemos y la odiaremos cuando ella quiera que la odiemos; realmente brillante. Otro punto de excelencia fue la actuación de Gordon-Levitt y ya no me sorprende la versatilidad de este joven actor, que ojalá encarne al legendario Acertijo en la próxima Batman. DiCaprio presenta otro sobresaliente personaje con algunos puntos comparables con su última cita en el cine titulada en nuestro país horriblemente como La Isla Siniestra (Shutter Island). Lamentablemente no quiero contarles mucho del papel de Leonardo para no revelarles datos importantes, pero seguramente coincidiran conmigo cuando la vean.

El Origen es una película de ciencia ficción brillante. Yo soñé desde su pre-producción que sería así y gracias a Chris Nolan, ahora, "El Sueño es Real".

Hay películas que me dan cierta bronca al terminar de verlas por distintas razones. A pesar de lo entretenida que fue Encuentro Explosivo me generó esa sensación al salir de la sala y a continuación les voy a contar el por qué.

James Mangold es un talentoso director que ya demostró bastante versatilidad en distintos filmes como 3:10 to Yuma, Johnny y June, Kate & Leopold o Identidad y que ahora se metía con un nuevo género como lo es la comedia de acción.

Cualquier realizador estaría más que conforme con la participación de dos grandes actores como Tom Cruise y Cameron Diaz en su prpyecto, y yo, sinceramente, los considero dos protagonistas ideales para este tipo de historias y aquí no defraudan con su presencia. El problema de esta cinta se da fundamentalmente en que muchas situaciones y diálogos están muy tomadas de los pelos.

La bronca se genera porque uno exige más a los actores y directores que a priori mostraron tener talento. Partiendo de esa premisa, se da que Knight & Day (no entendí el porqué del nombre) prometía mucho al poseer un reparto integrado por dos figuras y un realizador con una filmografía muy interesante como lo mencionado arriba. Justamente por ubicar la vara más alta es que la cinta pasa raspando el puntaje de aprobada cuando en realidad debería haberle sobrado paño.

Cameron y Tom reman a full en la película para darle las expresiones y el humor que los momentos necesitan y seguramente quienes vayan a verlos por sus labores anteriores no saldrán decepcionados.

Más allá de lo comentado arriba la película tiene muy buenas persecusiones, grandes momentos de aventuras y una historia de amor que fue bien llevada para convencer al público. Obviamente que el aspecto más importante que tiene que tener este film es el humor y realmente yo considero que está presente, a pesar de tener ciertos altibajos en muchos minutos.

Encuentro Explosivo de la cuál esperaba mucho más es una comedia pasatista que, si bien es entretenida, podría haber sido algo mucho más importante gracias a la presencia de un buen director y sus carismáticos actores.

Shrek para Siempre marca el final de una franquicia muy exitosa y cuestionada en su calidad, luego de una tercera entrega bastante mediocre.

En esta cuarta película Shrek se encuentra agobiado por la crianza de sus tres hijos y la rutina con Fiona y sus compañeros de viaje. Rumplestiltskin se cruza con el ogro en el momento en que éste se encuentra más vulnerable y es así como logra engatuzarlo y convencerlo de que firme un dudoso contrato que consiste en darle a Shrek un día en que vuelva a ser un ogro de verdad, pero un día a la vez que sin que él lo imagine será una realidad alternativa en donde Fiona, Burro y El Gato con Botas no lo conocen y tienen vidas muy distintas a las presentadas por Dreamworks en las primeras tres entregas.

Planteado el nudo de la cinta se me vino a la cabeza cierta analogía con Volver al Futuro. En aquella saga de ciencia ficción el Dr. Emmett Brown siempre alarmó a Martin McFly de que la modificación de ciertas cosas o elementos podrían desencadenar una realidad paralela a la anterior. Continuando con esta analogía el contrato de Rumplestiltskin representa al DeLorean y es por medio de éste que Shrek viaja a su realidad alternativa donde puede ver como hubiera sido la vida de sus amigos si él no hubiera existido y obviamente es allí cuando el querido ogro debe pelear por volver todo a la verdadera realidad. Si recuerdan la saga dirigida por Robert Zemeckis, Michael Fox también tiene un fin similar que cumplir en el pasado o su futuro. Quizás la analogía es un poco loca pero es las sensación que primero se me vino a la cabeza cuando estaba sentado en mi butaca. Supongo que a ustedes les pasará lo mismo y terminarán de entender lo que quiero decir.

Creo que en esta cuarta entrega se volvió a las fuentes, porque de alguna manera se puede ver nuevamente ese humor ácido, desopilante y fresco que tuvieron la primera y la segunda entrega. Hay muy buenas escenas de la mano del Burro, quien nuevamente vuelve a tener un rol protagónico en las secuencias cómicas, pero obviamente quien una vez más se destaca por encima de todos es el genial Gato con Botas. La labor de Antonio Banderas poniendo la voz a dicho personaje realmente es un laburo digno de destacar, ya que es imposible imaginarse al gatito con otra voz que no fuera la del cachondo español.

Si siempre destacamos el buen mensaje que dejan las películas de Pixar, creo que también debemos enunciar que Shrek tiene un hermoso mensaje que nos dice que hay que valorar las cosas que uno tiene siempre y no esperar a perderlo para comenzar a valorarlo. Incluso en el final uno siente bastante emoción, algo que jamás había ocurrido en las anteriores ediciones.

Shrek para Siempre es un buen broche para cerrar una franquicia muy famosa y querida por todos. Quizás sería merecedora de tres estrellas y media, pero redondeo para arriba por lo buena y digna despedida que merecía este querido Ogro.

Brigada A es una de las series más recordadas de los años 80, donde la acción y el carisma de sus personajes eran los pilares donde se sostuvo el éxito que obtuvo por varios años.

El director encargado de esta adaptación es Joe Carnahan, que mantiene la estructura que tenía aquella serie. Brigada A tiene excelentes momentos de acción combinadas con el humor, que me hicieron recordar a las películas que se estrenaban en los años en donde la serie era vista por todo el mundo. Arma Mortal es un ejemplo de esto y aunque la cinta que nos compete aquí tiene más humor y es bastante más "espectacular" y "ridícula" que la saga cinematográfica de Mel Gibson y Danny Glober. Estos adjetivos son creados intencionalmente en la realización para que haga un completo honor a la serie.

Uno tiene que saber diferenciar una propuesta de acción "verdadera" de una "espectacular o absurda", porque si uno espera ver en Brigada A, la trilogía Bourne o alguna de toda la saga Bond saldra altamente decepcionado de la sala. Cuando compramos la entrada tenemos que saber lo que la película tiene para ofrecernos.

La única contra que le encuentro al film es que tiene 15 o 20 minutos de más, que si se hubieran recortado hubieramos estado en presencia de una película un poco más redondita.

Si bien seguramente habrá una secuela, algo que no me gusto es el poco tiempo que aparece la famosa camioneta negra de Barakus, aunque no descartó que aparezca en el futuro.

Al no poder asistir a las funciones de prensa la crítica que pueda hacer pierde la antesala que tiene la misma previa a los estrenos del jueves, pero a la vez tengo una especie de ventaja que es mirar la película con el público. En esta cinta realmente pude notar que la gente se divertía y esto muchas veces suma algún que otro punto en mis reseñas, porque uno desde este lugar tiene que transmitir sus pensamientos, pero también debe ponerse en el lugar de los gustos del público que pueda asistir a verla.

Si el pilar de la acción estuvo bien adaptado por Carnahan, las actuaciones también hiceron lo suyo para aportar el carisma que tenian los personajes de la serie. Liam Neeson una vez más tiene una labor barbara interpretando a Hannibal. Bradley Cooper lleva adelante un papel acorde a su "facha" y lo hace muy bien también en su vanidoso Faz. Sinceramente tenía mis reservas con la elección de Quinton Jackson en el papel de Barakus, debido a que es un cantante de rap con poca experiencia en cine. Aquí se lo vio muy aplomado en su labor y creo que cumplió ampliamente con su actuación de ponerse en la piel del gran Mario Barakus. Sin ningún tipo de duda el que se come la película es Sharlto Copley con su versión de Murdock, que tiene escenas delirantes que nos robaran más de una carcajada.

Tengan en cuenta a Copley para el futuro porque ya demostro en Sector 9 ser un gran actor, pero ahora se destaca en otro género distinto y lo considero una de las mejores apariciones del pasado año.

Brigada A es una gran propuesta pochoclera que adaptó muy bien el espiritu de la famosa serie. Sus actuaciones y su grandes momentos de humor hace que sea altamente recomendable para pasar dos divertidas horas en el cine.

Luego de más de 10 años han vuelto los juguetes más queridos por los chicos y también por muchos grandes. Buzz, Woody, Rex y Cara de Papa han regresado en su mejor versión.

Debo admitir que por causas que dejo libradas a los grandes misterios del universo, no había visto antes las anteriores dos entregas de la saga, sino que lo hice por primera vez hace aproximadamente dos semanas y ambas me dejaron muy buenas impresiones.

Realmente el laburo de Pixar en este caso fue brillante y arriesgado, por que doblaron la apuesta al realizar una película con una historia muy original que encima logró superar a las anteriores entregas.

La cinta nos mostrará lo que viven los simpáticos juguetes cuando Andy tiene que abandonarlos para ir a la Universidad. En medio de la mudanza del adolescente hay una serie de enredos que llevan a Woody y su pandilla a una guarderia que a priori parece un nuevo paraíso. Lamentablemente para ellos las apariencias engañan y lo que parecía una nueva vida llena de alegrías se convierte en una especie de cárcel dominada por el malvado y manipulador Oso Lotso.

Las anteriores ediciones de Toy Story eran muy buenas películas para chicos en donde los grandes no nos ibamos a aburrir, pero en esta ocasión me sentí más tomado en cuenta por parte de los creadores de Cars. La esencia no se pierde pero hay una banda de chistes, gags y situaciones orientadas a la gente mayor que asista a verla, que a mi me encantaron.

Dentro de esa esencia que Pixar respeta a rajatabla seguimos encontrando a los hermosos valores, como la amistad y el compañerismo, a los que la productora hace honor en cada una de sus películas. Esto es algo digno de destacar porque son excelentes enseñanzas que los más chicos deben aprender y que los más grandes muchas veces debemos recordar. Con esto quiero decir que a pesar de ser una película "infantil" tiene un mensaje muy real y totalmente aplicable a la vida de cualquiera que pueda verla.

También hay una evolución narrativa ya que en esta ocasión la historia tiene mucha más aventura y muy buenos momentos de suspenso, que sinceramente llevan a un resultado altamente espectacular. En ese caso se puede ver un muy buen laburo de Lee Unkrich que logró agregar buenas ideas y una bocanada de cierta renovación a la saga.

Un detalle que no me gustaría dejar pasar es la rara sensación de "coincidencia", "parodia" o como quiera llamarse cuando escuche a Buzz hablando en un español cachondo, por que me hizo recordar mucho al Gato con Botas de Shrek. No quiero realizar un juicio porque no estoy seguro de la razón de esta inclusión, pero lo nombro porque no lo vi en otra crítica y quizás si esto hubiera ocurrido en una película de Dreamworks seguramente más de uno hubiera saltado al cuello de la productora de Steven Spielberg.


Sin dudas Toy Story 3 es lo mejor que Pixar nos ha mostrado hasta ahora y realmente parece que el límite de la productora es "el infinito...y más allá"

Kick-Ass logró lo que no consiguió ninguna película hasta ahora en lo que va del año, superar mis expectativas de manera rotunda. Y aclaro por las dudas que era una de las cintas que más me generaba a priori.

La película arranca con Dave Lizewski relatando los cambios en su vida a partir de su nueva identidad llamada Kick-Ass. El protagonista se pregunta porqué nadie ha intentado ser un superhéroe y es allí cuando comienza a concretar la respuesta a esa pregunta, convirtiéndose en la inspiración que su ciudad necesita. Es luego de esto cuando comienzan las dos horas casi ininterrumpidas de pura diversión y digo casi ininterrumpidas porque solo en el medio el ritmo decae un poco.

Me encantó la manera en la que Matthew Vaughn combinó la acción, con el humor y la esencia de los comics. Se vió un muy buen laburo de Vaughn (¡¡¡es el marido de Claudia Schieffer!!!) en las escenas de acción y las secuencias de lucha que involucran a la protagonista femenina y los demás actores.

Algo que me gustaría destacar es que la película es bastante "sangrienta" por decirlo de alguna manera y eso fue algo que me sorprendió para bien. Además de no esperar tanta sangre y violencia junta, me encantó la manera en la que se aprovechó porque tampoco sirve mostrar esos recursos sin una justificación. Sin dudas otro gran acierto del director de Stardust, el Misterio de la Estrella.

La historia de Kick-Ass no es original, pero esta película gana una amplificación espectacular de la mano de las excelentes actuaciones. Aaron Johnson es el personaje principal y lleva adelante un personaje de loser muy creíble que seguramente no debe distar de como es él en realidad, me hizo acordar bastante a los personajes que llevan adelante Jesse Eisenberg y Michael Cera en sus caracterizaciones. Nicolas Cage interpreta a Big Daddy, un superhéroe entrado en años, sediento de venganza. Realmente el personaje que lleva adelante el actor de Un Ángel Enamorado es brillante y ojalá eso haga que vuelva a ser el buen actor que alguna vez fue. Me hubiera gustado ver un poco más a Christopher Mintz-Plasse, pero seguramente que lo guardaron para explotar más su personaje en la secuela que saldrá a la luz en dos años. Sin dudas quien se come la película es Chloe Moretz, la pequeñita de solo 13 años que interpreta a Hit Girl, una superhéroe que no tiene el más mínimo gramo de temor y que también lleva una increíble sed de venganza concentrada en todo ese cuerpito. Realmente la voz, las caras, los gestos y hasta el movimiento del cuerpo de Moretz fueron brillantes a lo largo toda la cinta. Solo resta Mark Strong que sigue con su personaje de villano que tan bien le queda.

Obviamente que cuando una película tiene todas las actuaciones en un nivel así, el gran responsable de esto es el director porque supo llevar a los actores a interpretar sus labores con esa calidad.

Mención aparte para la música que es increíble y acompaña cada escena a la perfección.

Kick-Ass se lleva el primer puesto de lo mejor que he visto en este año por sus actuaciones, una gran dirección y su humor ácido y violento.

Finalmente llegó la aventura épica El Príncipe de Persia, luego del estreno de dos fuertes competidoras dentro de su mismo género como los son Furia de Titanes y Robin Hood.

Siempre al momento de recomendar una película trato de explicar que uno como espectador debe saber lo que va a ver para poder fijar un parámetro y así esperar lo que uno pretende de la obra en cuestión. Si yo voy a ver El Príncipe de Persia y espero ver un guión sólido, excelentes actuaciones dramáticas y una fuerte estructura narrativa, seguramente que saldré totalmente maldiciendo a todos los dioses del olimpo por tamaña decepción. En cambio si voy con las expectativas de asistir a un espectáculo pochoclero de muy buenas escenas de acción, con diálogos medianamente interesantes y una historia entretenida que sirva de conexión para conectar, justamente, esas secuencias de acción, estoy más que seguro que la entrada del cine será pagada con creces.

Jerry Bruckheimer es un exitoso productor que ha recaudado buena parte de sus arcas con la saga Piratas del Caribe y que sabe vender muy bien un producto, de hecho Piratas... es una prueba de eso.

Esta película fue la adaptación del famoso juego que todos conocemos y en ella se pueden ver bastante los saltos y las escenas que tenía que enfrentar el Príncipe Dastan en las Pc de los años 90. Tanto las acrobacias, como las piruetas, saltos y corridas están presentes, quizás demasiado, a lo largo de toda la película.

Las escenas de acción que nombro más arriba están muy bien logradas y se vio un gran laburo de los encargados de ello.

Mike Newell fue el director que hizo un buen trabajo respetando y uniendo de muy buena manera los aspectos fundamentales que nombro arriba.

Jake Gyllenhaal es un gran actor que aquí no terminó de convencerme. Su interpretación de Dastan es llevada a cabo a la perfección en los momentos "felices", pero en cambio no "compré" los momentos en los que la tristeza llegaba a su personaje. O sea, no es que actuó mal pero sinceramente no me cerró la caracterización de su personaje.

En cambio Gemma Aterton realmente esta muy bien, al igual que los consagrados y siempre cumplidores Ben Kingsley y Alfred Molina.

El Príncipe de Persia es una entretenida película dentro del género de aventuras y una muy buena adaptación del videojuego, con esas dos premisas como estandartes creo que puede ser recomendada sin ninguna duda.

Antoine Fuqua es el realizador de esta película que tiene como antecendentes inmediatos a El Tirador y El Rey Arturo, además de tener como cinta más famosa a la excelente Día de Entrenamiento.

Los Mejores de Broklyn nos muestra las vivencias de tres oficiales de policia que viven bajo mucha presión por distintas circunstancias y en donde sus historias se cruzan por momentos pero que no confluyen en un mismo río. Creo que el principal problema de esta película es justamente es para lograr el interes del público en todas las historias necesitas una fuerza narrativa con mucho ritmo y un guión muy ajustado que lamentablemente no están del todo presentes aquí. Ojo no quiero decir que sea una mala película, sino que quizás fue muy ambiciosa y se queda de alguna manera en lo que podría haber sido y no en lo que en realidad es.

A diferencia de Día de Entrenamiento, aquí las escenas de acción no abundan porque la cinta se basa mucho más en el terrible drama que viven los protagonistas día a día. Esto hace que al salir de la sala uno sienta cierta incomodidad por las duras historias que acaba de ver, aunque obviamente esto no es algo malo porque es algo totalmente intencional.

Sin ninguna duda todos los personajes tienen realidades diferentes pero que se igualan al tener una fuerte similitud: el tormento que viven al tratar de lidiar con las distintas presiones que presentan sus miserables vidas. Richard Gere logra un personaje desprovisto de alma, que solo al final encausa un poco su vida en el cuál se puede ver una actuación sin las caras y gestos que el actor de Reto al Destino nos tiene acostumbrados, algo que es digno de celebrar. Luego encontraremos a Ethan Hawke realizando una buena caracterización de un policia muy presionado por avanzar a su numerosa familia y en la cuál realizará cualquier cosa por llegar a su cometido. Las dos mejores actuaciones de esta película fueron realizadas por los dos morochos Wesley Snipes y Don Cheadle. Sinceramente banco a muerte a ambos y festejo que se hayan podido destacar con dos grandes labores aquí. Ojalá esto sirva para que a Wesley lo vuelvan a tener más en cuenta en grandes producciones.

Los Mejores de Broklyn es altamente recomendable para quienes quieran pasar un rato incomodo en el cine con un buen policial lleno de drama.

A pesar de ser una película muy esperada por este servidor, El Escritor Oculto se hizo esperar varias semanas para que pueda ser vista debido a las prioridades de los fuertes estrenos semanales.

Roman Polansky es un director talentoso que suele regalar buenas propuestas dotadas de bastante originalidad. Aquí no cumple con esa premisa, pero esto no es algo malo, sino todo lo contrario porque The Ghost Writer es una película simple que se caracteriza por tener una estructura muy solida basada en un excelente guión y una narración acorde para una cinta que insertemos dentro de un género como el thriller.

El ritmo en la que nos van mostrando la resolución del conflicto es brillante, debido a que es lo suficiente lento para ir develando el misterio de a poco, pero a la vez puede ser lo suficiente entretenido para que no desviemos nuestros ojos fuera de los límites de la pantalla.

En el elenco predominan las figuras de Inglaterra, como Pierce Brosnan, Kim Cattrall y Olivia Williams, mientras que Ewan McGregor es escocés. La caracterización de Brosnan es muy destacable, porque supo dotar al personaje de ese carisma que suelen tener sus labores, pero además lo dotó de un misterio que encaja perfecto en su labor. A Kim la tenemos en nuestras carteleras en estos días con Sex and the City 2 y aquí se la vio llevando una buena participación sin demasiados desafios. Me gusto mucho la labor de Olivia Williams, mostrando los arrebatos y el caracter que necesita una esposa despechada. No descubro nada si menciono que Ewan McGregor es un excelente actor y aquí nuevamente tiene una gran labor.

Como conclusión se podría decir que El Escritor Oculto es un simple thriller potenciado por grandes actuaciones y un excelente guión.

"Levántate, y vuelve a levantarte, hasta que los corderos se conviertan en leones"

Robin Longstride reza esa frase en varias oportunidades tratando de recordar su pasado y quizás el gran Ridley Scott es justamente su pasado el que no quiere recordar ya que vuelve a rodar un film épico luego del fiasco que pudo verse en el 2005 con Cruzada. Aquí el director lleva adelante una historia con un gran ritmo, dotada de escenas de batallas espectaculares y con una excelente nueva mirada del mítico personaje proveniente de Inglaterra. En Robin Hood el realizador de Alien nos mostrará al hombre antes de la leyenda, es decir que aquí podremos ver el nacimiento del "ladrón del pueblo" para luego convertirse en la figura que pudimos ver en varias adaptaciones filmicas.

Volviendo a las batallas quería comentarles que no hay tanta sangre como se promete, ni como nos tiene acostumbrados este realizador inglés. Ojo que esto no quiere decir que no esten buenas, sino todo lo contrario, realmente los últimos 20 minutos de "guerra" son brillantes y dudo que alguien pueda filmar esas escenas como el gran Scott.

Todos esperabamos ver Gladiador 2 y Ridley nos demostró que realmente aquella memorable Obra Maestra poco tiene que ver con lo visto ayer. Maximus no se parece en nada a Robin, más allá de cierto aspecto fisico. El héroe del Imperio Romano era una persona fría con un resentimiento impresionante, en cambio aquí el guardián del Bosque de Sherwood es un hombre con sentimientos y pasional. Otro punto de diferencia es que el primero buscaba sanear sus heridas por medio de una feroz venganza, mientras que el segundo busca una especie de justicia social. En lo único que los encuentro similares es en la defensa de sus valores.

Los australianos Russell Crowe y Cate Blanchett llevan adelante dos actuaciones totalmente destacables por la fuerza, pasión y realismo que tienen sus personajes. Russell, como bien mencioné antes, realiza una caracterización mucho más "humana" que su labor anterior en Gladiador, algo que es digno de aclarar porque en muchas ocasiones hemos visto a otros actores repetirse demasiado en sus actuaciones. Qué gran actriz es Cate Blanchett, puedo nombrar como su mayor virtud la versatilidad que tiene. Aquí la actriz de El Curioso Caso de Bejamín Button nos regala una versión mucho más "machona" y peliadora de Lady Marion, diferenciándose totalmente de las adaptaciones que ha tenido anteriormente este personaje. Dato de color dedicado a la lectora Coneja, chicas Russell esta muy fachero aquí y les recomiendo que a quienes les guste no duden un segundo en ir a ver esta película.

Por otro lado tenemos al villano del nuevo milenio, Mark Strong. Este muchacho de gran parecido con Andy Garcia ha desempeñado el papel de malvado en Rockanrolla, Sherlock Holmes y en un papel más secundario en otra película de este realizador llamada Red de Mentiras, por mencionar algunas. Pero en un futuro lo veremos en Kick Ass y Linterna Verde haciendo nuevamente de malo. Aquí, al igual que en sus anteriores participaciones, lleva adelante un despiadado villano que merece un gran reconocimiento. Sinceramente me he convertido en un gran admirador de los malvados interpretados por Strong.

Los papeles secundarios merecen ser subrayados. Las actuaciones de William Hurt, Matthew Macfadyen, Kevin Durand y Oscar Isaac acompañan a la perfección a las labores que destaco más arriba y no qería dejar de nombrarlos porque muchas veces estás labores pasan desapercibidas.


Robin Hood es de lo mejor que vi en lo que va del año y es merecedora de que todos vayamos al cine a ver el nacimiento de esta leyenda.

Carancho arranca con una pantalla de fondo negro y letras blancas que muestra las escalofriantes y trágicas cifras que tiene nuestro país en materia de accidentes de tránsito. Carancho es cruda y violenta, pero principalmente es real y los números sirven para situarnos dentro de esa realidad que nos muestra la película.

La crudeza es tal que podremos ver como suturan al protagonista luego de una golpiza o durisimos accidentes. Más de una vez nos vamos a tener que tapar los ojos porque es difícil de tolerar a veces. Los mencionados accidentes están filmados de una manera excelente y muy cuidada para que nosotros creamos cada una de las situaciones.

Pablo Trapero es un director que se caracteriza por hacer grandes historias de pequeños relatos. Aquí se puede ver un gran avance, debido a que la película toca muchos temas con mayor profundidad que en El Bonaerense, por citar un ejemplo. La historia entre Sosa y Luján es muy profunda y llena de matices que hacen que sea complicada, algo que no habia logrado con tal magnitud en la anterior cinta mencionada.

Volviendo a la realidad, Carancho nos muestra que esta película está afrontada desde el negocio de las indemnizaciones que existe detrás de las tragedias que rodean a los accidentes de tránsito. Podemos ver como se abusa de gente que carecen de educación y contención, y que es aprovechada por estos buitres que están buscando en todo momento la carroña que los alimenta.

Algo que quiero destacar es que este film no es para cualquiera, ya que es un drama muy contaminado con el típico policial negro que, si bien toca otros géneros como el romance, se puede volver un poco pesado debido a su lentitud. Tal vez con una narración más compacta hubiéramos estado en presencia de un resultado más que sobresaliente.

No tengo ninguna duda que Ricardo Darín es el mejor actor de cine de nuestra historia y el lunes estaré dedicándole una entrada dentro de la columna de opinión. Las actuaciones del intérprete de Nueve Reinas siempre se caracterizan por ser muy expresivas, y en este caso podremos verlo haciendo algo totalmente opuesto. Sosa es un hombre muy parco que solo muestra afecto por Luján y por momentos cuesta entender qué es lo que le pasa o siente, obviamente que ésto es algo totalmente intencional y eso es lo destacable de la caracterización de Darín.

Por otro lado vemos a la linda pero bastante rara Martina Gusman. Al comienzo la actuación de la actriz de Leonera no me terminaba de cerrar, su voz y sus gestos no los sentía, me eran indiferentes. Luego con el pasar de los minutos su personaje mejora y logra que uno sienta sus dolores y sus miserias.

En resumen Carancho es un gran drama con toques de policial negro. Trapero y Darín merecen que les demos una oportunidad, pero siempre entendiendo por donde viene la historia de esta original, cruda y violenta película.

Un Profeta es un drama carcelario que fue nominado a Mejor Película Extranjera en la última edición de los Oscar y la historia siguiente es conocida, ya que perdió a manos de El Secreto de sus Ojos.

Lamentablemente la distribuidora Columbia mandó directo a DVD esta gran propuesta que nos muestra como un muchacho crece en la prisión. Cabe aclarar que Cinesargetinos.com hizo un interesante articulo donde se demostraba que ésta era la distribuidora que más tarda en estrenar las películas en nuestro país, a diferencia de los Estados Unidos.

Malik El Djebena es árabe-francés y pasó casi toda su vida en las cárceles para menores, pero al cumplir la mayoría de edad debe ser trasladado a una prisión común, donde deberá encontrar la manera de subsistir. Allí el capo de ese lugar le ofrecerá una complicada oferta que implica un trabajo difícil de realizar, pero más complicado es rechazar dicho ofrecimiento. Malik deberá asesinar a un testigo que se encuentra preso esperando su momento para testimoniar en contra de alguien cercano a César, el jefe de la cárcel. El Djebena logra su sangriento cometido y poco a poco va posicionándose en un lugar que al comienzo le era muy hostil y difícil de aguantar.

Este drama carcelario se caracteriza por la crudeza con la que afronta un tipo de historia que siempre, a priori, resulta interesante. Un Profeta está dividido en distintos capítulos, donde las primeras divisiones tienen una intensidad y credibilidad brillante que muestran como Malik va subiendo en la organización que tiene montada Cesar dentro de dicha cárcel. En los capítulos posteriores el relato decae un poco, pero no por eso deja de ser una historia altamente atrapante. De hecho los últimos 20 minutos son dignos de ser subrayados por tener una demoledora tensión y violencia realmente impresionantes.

Sinceramente una película de estas características, donde el protagonista aparece todo el tiempo en escena, es imposible que se mantenga sin una actuación destacable. Aquí Tahar Rahim lleva adelante una brillante labor, donde uno vive junto a él cada piedra que sortea para convertirse en alguien con poder dentro de ese lugar al que uno asiste de la mano de este tipo de films. Es imposible mirar Un Profeta y no ponerse en el lugar de El Djebena, gracias al creíble laburo de Rahim y la mano de su director Jacques Audiard.


Un Profeta es un excelente drama donde el realismo del relato, la intensidad y las actuaciones dan como resultado un film carcelario muy recomendado que me hubiera encantado disfrutar en el cine.

Iron Man 2 es una gran secuela, que confirma de alguna manera las excelentes intenciones de la primera.

Jon Favreau vuelve a dotar a esta nueva entrega de grandes escenas de acción sustentadas en una muy buena historia para contar. Iron Man tiene una ventaja sobre los super héroes convencionales, llámese Batman, Superman, Flash, etc, y es que su identidad es de público conocimiento, entonces eso le da mucha mayor libertad al personaje real llamado Tony Stark, quien de esta manera no tiene ningún problema por ejemplo en emborracharse y hacer destrozos en su propia casa vestido de héroe. Esa situación es imposible imaginarla entre los personajes nombrados anteriormente. Esta ventaja es muy bien aprovechada por Favreau que pone a Tony casi el mismo tiempo en pantalla que Iron Man.

El guión escrito por Justin Theroux es un traje a medida para Robert Downey Jr., que se come la película gracias a las grandiosas líneas que supo escribir Justin. Obviamente que el actor de Sherlock Homes dota de un carisma impresionante a Stark por si solo, pero los estupendos diálogos que tiene con sus enemigos y compañeros lo potencian al máximo.

Downey Jr. no se encuentra solo en la lucha, lo acompaña Don Cheadle, como Rodhey y War Machine, para derrotar al temible Ivan Vanko y Justin Hammer y su ejército de robots. También cuenta con otra ayuda que no les voy a contar quién es porque en su momento yo me había informado que iba a ocupar otro lugar en la historia y lo informe aquí.

Tanto Mickey Rourke como Sam Rockwell están muy bien en sus papeles. Rourke se luce regalando un genial villano, pero siento que su personaje daba para más, sin dudas su director no quizo eclipsar la gran figura de Tony Stark/Iron Man dándole más lugar a este malvado. Rockwell es simpático en su intento por destronar el imperio de las industrias Stark.

Las niñas también tienen su lugar aquí, destacándose la siempre dulce Gwyneth Paltrow que le da mucho realismo a su Pepper Potts. En cambio Scarlett Johanson me sigue regalando la misma cara de niña sexy ingenua de siempre, aunque aquí presenta algunas ciertas variables como cuando desata su furia contra los guardias de la empresa de Hammer. Más allá de esas escenas realmente me cansa ver siempre el mismo papel que ya llevó a cabo en Match Point o Vicky Cristina Barcelona porque considero que da para mucho más.

Mención aparte para las excelentes canciones de Ac Dc que suenan de fondo en varias secuencias. ¡¡Ver a Iron Man volar con Shot to Thrill de fondo, realmente paga el valor de la entrada más un balde de pochoclos!!


Iron Man 2 es una gran secuela que cumple con todas las expectativas gracias a un potenciado y excelente Robert Downey Jr. que sumado a varios condimentos dan como resultado una excelente opción en cartelera.

Luego de más de 5 meses de demora llegó a nuestro país Hombres de Mentes (The Men Who Stare at Goats) una comedia que a priori prometia grandes momentos de carcajadas por su gran elenco, su original historia y su gracioso trailer. Lamentablemente tengo que afirmar que lo prometido por Grant Heslov solo se resume a algunos buenos momentos y muchas escenas y charlas que intentan ser cómicas pero que realmente no lo son.

El principal fallo de Hombres de Mentes es desaprovechar a los excelentes actores de comedia que tiene entre sus filas. George Clooney interpreta en el rol principal a un soldado con poderes paranormales que es acompañado por un periodista a lo largo de su nueva misión. Realmente pueden ser contadas con los dedos de una sola mano las veces que Jorgito nos saca alguna que otra carcajada y esto no es por una mala caracterización por parte de él sino por culpa de los guionistas y el director que no supieron potenciar el personaje de Clooney por medio de buenos diálogos y desopilantes escenas.

Volviendo al guión, la película presenta grandes falencias en el guión, debido a que busca ser una crítica irónica de ciertas políticas aplicadas por los Estados Unidos en los años 80, que solo son citadas fuera de contexto dentro de algunos diálogos y que con el pasar de la historia se van diluyendo para quedar en la nada.

Todas las labores de los actores son correctas y lamentablemente se cansan de remar en dulce de leche, aunque sin duda alguna puedo destacar el lucimiento en varios momentos del último ganador del Oscar, Jeff Bridges. Realmente el actor de Loco Corazón se lleva las escenas más graciosas en los flashbacks que tiene la historia. Tanto Ewan McGregor, como Kevin Spacey y George Clooney se encuentran totalmente desaprovechados a lo largo de los 89 minutos de esta película teniendo solo unos pocos momentos simpáticos cada uno.

Hombres de Mentes se quedó en una buena promesa de comedia, que desaprovecha por completo el gran elenco y la original historia que podía contar, para convertirse en una buena opción a ver en DVD un domingo por la tarde.

Tom Ford es un exitoso diseñador de moda, que no contento con el reconocimiento que le dio su labor en marcas reconocidas como Gucci o Yves Saint Laurent decidió fundar su propia productora e inaugurarla con su demasiado ambiciosa pero correcta opera prima llamada Solo un Hombre.

Solo un Hombre es una película muy detallista y no lo digo solo por la gran cantidad de Planos detalles (primer plano a un objeto) que hay, sino porque si uno se detiene a ver la confección y la proligidad, no solo en la ropa, de todos los intérpretes que pasan frente a la cámara podrán ver que ninguno tiene nada fuera de su lugar, incluso en el desorden que presenta Julianne Moore al comienzo todo parece estar friamente calculado por la obsesión detallista de Ford.

Los 101 minutos de película presentan un exceso de estos recursos cinematográficos que al principio pueden llamar la atención, pero luego con su abuso generan cierto cansancio. Tal vez si Ford se hubiera medido un poco más en la utilización de estos planos la cinta hubiera ganado en ritmo y a la vez hubiera ocasionado los efectos que seguramente quizo éste novato realizador en el público.

Un inspirado y maravilloso Collin Firth da vida al profesor George Falconer que luego de varios meses sigue sufriendo la perdida de la que fue su pareja por más de 16 años. En los primeros minutos ya vemos una genial composición cuando el actor inglés camina hacia el cuerpo sin vida de su gran amor. No quiero contarles muchos mas detalles pero hay una escena que merece ser destacada y es cuando le comunican a él la muerte de Jim, allí se puede ver a un Firth destrozado por dentro, como toda la película, con una cara de sufrimiento que conmueve hasta los más duros presentes en la sala. Juliane Moore "corta" con sus escasas presencias el total acaparamiento del actor de Realmente Amor, además de acompañarlo con una excelente química.


Solo un Hombre es un prometedor y original debut de Tom Ford potenciado por la grandiosa actuación de Collin Firth. Tal vez si se hubiera abusado un poco menos de los recursos mencionados arriba, hubieramos estado en presencia de un resultado mucho mejor.

Furia de Titanes está basada en un clásico del cine de aventuras que fue rodado a principios de los años 80. Realmente vi en varios lados una crítica bastante cruel contra esta película, que si bien no es brillante ni va a cambiar el rumbo del cine, es una buena propuesta de acción para acompañarla con un buen balde de pochoclos. La trama esta buena y, aunque es un poco predecible, es muy llevadera y solo se hace un poco pesada cerca de la primer hora de duración. El francés Louis Leterrier hizo un buen laburo en las secuencias de acción mezclando a los "monstruos" y los hombres en cruentas batallas, aunque en algunas escenas se hacen un poco confusas.

Hasta ahora la crítica viene bien, pero ahora van a comenzar un par de palos en contra de esta super producción. Furia de Titanes fue hecha originalmente para el formato convencional y luego se pasó a 3D. Esa nueva tecnología esta totalmente desaprovechada y solo en algunos momentos se justificó el traspaso a la digitalización en esta película. A quien no haya visto una película en 3 Dimensiones de estas caracteristicas, yo le recomiendo que esta cinta no sea su debut porque seguramente saldrá muy decepcionado.

Otro elemento desaprovechado son algunos grandes actores que aparecen poco tiempo. Liam Neeson debe tener solo 5 escenas de escasa duración y su caracterización de Zeus podría haber tenido más lugar. Ralph Fiennes tiene más apariciones, pero al igual que Neeson, está bastante poco en pantalla. Yo critico esto porque me hubiera gustado un aprovechamiento mayor de estos intérpretes, pero seguramente fue la intención de Leterrier de darles menos lugar para que se luciera Sam "Jake Sully" Worthington y también para dejar abierta la puerta de una futura secuela y allí poder desarrollar mucho más a estos dioses. En el papel de Perseus, es cierto que Worthington se desenvuelve con total soltura, pero también es cierto que su personaje no difiere demasiado al que realizó en Terminator: La Salvación o Avatar. Por último quiero mencionar que la hermosa Gemma Arterton también esta bastante bien como Io.

Furia de Titanes es una buena propuesta pochoclera que entretiene y es una opción para los amantes de este tipo de películas, pero no cometan el error de ir a verla en 3D porque realmente no lo justifica.

Una Noche Fuera de Serie es una comedia pasatista que, aunque no cumpla con las expectativas que generó gracias a la pareja conformada por Steve Carrell y Tina Fey, es una película que paga cada centavo de la entrada.

Phill y Claire Foster son un matrimonio que parece estar condenado al fracaso gracias a la invasión de la rutina en su pareja. Para lograr salir de este fenómeno que los asecha deciden ir a comer a un exclusivo restaurant en el que es casi imposible conseguir un lugar, y es allí cuando su noche cambia por completo debido a que un peligroso mafioso intenta asesinarlos al confundirlos con otras personas. Tanto Carrell como Fey se mueven como pez en el agua, gracias a que este es el género predilecto de ambos. Por estos pagos no es muy conocida la linda Tina, pero en su curriculum encontramos que es la creadora de la serie 30 Rock y ha participado activamente en ese gran programa cómico llamado Saturday Night Live. La química entre los dos protagonistas funciona a la perfección y le dan esa cuota de realismo que necesita una comedia que tiene una historia como la que les comento más arriba.

Bajo la dirección de Shawn Levy, quien tiene en su haber a cintas como Una Noche en el Museo y La Pantera Rosa, podemos ver como este realizador logra encadenar en muy buena forma todas las disparatadas situaciones que van sucediendo a lo largo de los 88 minutos que dura la película. Sin embargo creo que podría haberse hecho algo más que una simpática comedia gracias al talento que podemos encontrar en el reparto. Quizás el guión es el culpable de que por momentos la "intensidad" de las situaciones decaigan bastante, pero sin dudas si se hubiera ajustado un poco este detalle y algunos otros hubieramos estado en presencia de un producto mucho mejor logrado.

Algo que me encantó fueron las participaciones especiales de los muy buenos actores que no voy a comentarles en qué momentos y circunstancias aparecen, como Mark Wahlbergh, Ray Liotta o William Fichtner, que le dan excelentes situaciones de humor que son una bocanada de aire fresco en los momentos en que la película cae en algunos baches.

Como conclusión podriamos decir que Una Noche Fuera de Serie es una buena comedia, pero que nos deja con un cierto sinsabor ya que podría haber sido mucho más.

Hermanos esta inspirada en una película llamada Brode de origen danés que lamentablemente no pude ver la versión original y es por esto que no voy a poder brindarles una comparación sobre cuál de las dos es superior. Lo que si puedo afirmar es que el laburo de Jim Sheridan fue bastante bueno al darle un gran dramátismo a esta conflictiva historia familiar, aún si copió tal cuál la cinta del 2004, como muchos críticos han aseverado sin dudarlo en sus reseñas.

Brothers cuenta la historia de dos hermanos totalmente distintos que andan por caminos opuestos en la vida, pero cuando uno de ellos se lo da por muerto los roles cambian sustancialmente. Tobey Maguire interpreta al hermano militar, que es un ejemplo para cualquiera de nosotros. En la primer hora es buen padre, buen marine, buen amigo y es en esta primer parte cuando el actor de Spiderman no me termino de convencer. Jake Gyllenhaal lleva adelante con toda esa cara de bueno, al hermano problemático con mucha credibilidad y realismo a lo largo de toda la cinta. Natalie Portman es la más destacable de los tres protagonistas y aunque es jovén para ser madre de dos hijas, esto no es un inconveniente para ella logrando una actuación dotada por un dolor y dramátismo realmente excelentes. Volviendo a Tobey, la mejor expresión de su papel se puede ver cuando el film da un vuelco, con la vuelta de él a su hogar.

Hay dos momentos puntuales que son dignos de destacar por la tensión que tuvieron. El primero es la cena familiar en el cumpleaños de la hija menor, cuando los gestos y caras tanto de Sam como de la hija Isabelle son muy buenas. La otra gran escena es cuando Sam pelea con Grace en la cocina y se lleva adelante el mayor conflicto de la cinta del cuál no voy a dar más detalles para no revelar la mejor parte de la película, pero si les voy a contar que es allí cuando Maguire realiza una tarea descomunal llevando al límite su personaje.

Como conclusión Hermanos es un muy buen drama, potenciado por las grandes actuaciones de sus tres protagonistas.

Más allá de no presentar nada original, ni nada que no hayamos visto en el cine, Loco corazón logro fascinarme desde su primer momento hasta su final. Scott Cooper fue el responsable de realizar esta cinta que por muchos momentos me hizo recordar a la estrenada el año pasado por Darren Aronofsky, llamada El luchador y la cuál le hizo ganar una gran revaloración a Mickey Rourke. Creo que la diferencia entre estas dos cintas es que la primera es más simple y menos profunda, pero mucho más entretenida y llevadera, en cambio la segunda es más dura y realista, pero más "pesada" en ciertos momentos. Más allá de ese pequeño juego de similitudes y diferencias creo que la opera prima de Cooper es digno de destacar, por los grandes aciertos en la elección del reparto, la excelente banda de sonido y la manera en la que decidió contarnos esta bella historia de redención y superamiento personal.

Entrando un poco más dentro del soundtrack, hay canciones que realmente son muy pegajosas y entradoras como I don't know y Fallin' & flying y otras son simplemente hermosas como la ganadora del Oscar The weary kind o Brand new angel, además de contar con temas muy movedizos como Gone, gone, gone y Somebody Else. Osea realmente la banda de sonido cuenta con un repertorio muy amplio dentro de la música country que merece ser comprado cuando salga el disco en la Argentina.

Obviamente que todos los comentarios se los lleva la actuación de Jeff Bridges, pero no por eso quiero dejar de destacar a los actores secundarios que también realizan grandes labores dentro de está película. El viejo Robert Duvall aparece en pocas escenas, pero no por eso pasa desapercivido gracias a las buenas líneas que tiene en sus apariciones. La grata sorpresa de la noche fue sin dudas verlo cantar a Collin Farrell que realmente no sabía que lo hacía tan bien, como lo hizo en la cinta. Además brinda muy buenas secuencias junto a Bad, como la canción que interpretan juntos en el concierto llamada Fallin' & fliying. Maggie Gyllenhaal tiene la difícil labor de no ser eclipsada por una actuación de semejante calibre como la del protagonista y no solo sale aireosa ante esta compleja tarea, sino que acompaña a la par a su pareja en la calidad brindada en la actuación y su historia de amor es totalmente creíble, arriesgado y muy profundo. Y obviamente que para el final queda el gran Jeff "The dude" Bridges, del cuál me cuesta encontrar palabras para describir su majestuosa interpretación. Su personaje atraveso distintos estados de depresión y algún tipo de felicidad que fueron llevados a cabo con una dedicación y calidad que dudo que otro actor haya podido hacer. Sinceramente su actuación justifica el pago de la entrada sin ninguna duda. Quiero aclarar que la muy buena performance de Bridges cantando no me sorprendió porque a principios de este siglo edito un disco como cantante llamado Be here soon en el cuál se lo escucha en muy buena forma.


Loco corazón es una linda historia potenciada por grandes actuaciones y una excelente banda de sonido, que hacen que uno pase dos hermosas horas!! Vayan a verla el gran Jeff lo merece...

La isla siniestra es la película que juntó por cuarta vez a esa muy buena sociedad que componen Martin Scorsese y Leonardo DiCaprio.

El comienzo es brillante y no podría haber sido mejor. Las escenas de Teddy Daniels en el auto y luego caminando hacia la entrada del psiquiátrico y la viejita haciendo el gesto de silencio son escalofriantes y nos introducen de lleno al suspenso que va a tener el film en varios momentos. Lamentablemente el ritmo decae bastante y los momentos posteriores se hacen un poco pesados, quizás hasta casi la primer hora inicial. Con buenos diálogos y algunas escenas de cierto suspenso en esos primeros 60 minutos vamos metiéndonos de a poco en la historia que nos muestran los protagonistas.

En la segunda hora todo cambia por completo, y es ahi cuando comienza a desenmarañarse el conflicto. Al jugar todo el tiempo con la realidad y lo imaginario, la historia nos puede desorientar en varios momentos pero esto es totalmente intencional, para que al final logremos sorprendernos. Seguramente muchos se darán cuenta antes de que termine del desenlace, pero realmente la manera en la que va destapando el misterio no podría haber sido mejor.

Tanto el paisaje como la musicalización fueron dos grandes aciertos que aportan excelentes condimentos a la historia, sumándole suspenso y terror en los momentos necesarios.

Considero a Scorsese como uno de los directores más talentosos de la actualidad, además de ser mi realizador favorito. Debe ser uno de los pocos que a su edad no pierde vigencia y con cada cinta vuelve a reafirmar que merece estar en consideración de todo el público.

Muchachos de la Academia, por favor cuando den las nominaciones a Mejor actor en febrero del año entrante no olviden la brillante labor que hizo Leonardo DiCaprio en este film. Creo que estamos en presencia de la mejor actuación de este actor y nuevamente Scorsese saca a relucir la mejor versión del intérprete de Diamante de sangre. Los vaivenes en la personalidad de su personaje no fueron un problema para que DiCaprio se luciera a lo largo de sus 140 minutos de duración. En los papeles secundarios encontramos al inglés Ben Kingsley con una gran performance, además de Jackie Earle Haley y Mark Ruffalo, que también realizan muy buenas labores.


Como conclusión La isla siniestra es una excelente historia de suspenso y drama que vuelve a encumbrar esa gran unión que conforman un director de un enorme calibre como Martin Scorsese y Leonardo DiCaprio.

No soy un gran admirador de Tim Burton, pero hay películas que me han gustado bastante. Sinceramente esperaba mucho más de esta producción que venía haciendo mucho ruido y que en los trailers parecía muy interesante. La historia arranca con buenos momentos de la vida real de Alcia que se van diluyendo en el mundo maravilloso. En muchos transcursos me aburrió y en otros me divirtió, pero ninguno de los dos en demasía, por ende el resultado es regular. Quizás el aburrimiento se produjo porque la trama se va desenredando de manera un poco lenta y carente de ritmo.

Los paísajes construidos son hermosos y son los que se llevan todas las miradas de asombro. El 3D esta bien aplicado y aunque por momentos me resultó medio molesto que estén volando cosas hacia la butaca, creo que justifica que se vea en ese formato.

Las actuaciones están correctas excepto por la bella Anne Hathaway que es insoportable con los movimientos de sus brazos todo el tiempo. Realmente creo que no fue buena la creación de su sobre actuado personaje. Johnny Depp en el papel del Sobrerero loco no logra desplegar todo su talento y gracia y está bastante desperdiciado. La elección de Alicia, por lo menos en mi, generó indiferencia debido a que la labor de Mia Wasikowska no me pareció destacable pero tampoco criticable. Quienes están muy bien son Helena Bonham Carter y Crispin Glover en los papeles de la Red queen y Stayne, respectivamente y fueron los que me arrancaron casi todas las sonrisas, principalmente la primera que se lleva los mejores momentos de la película. Varias escenas son simpáticas por la inclusión de los excelentes animalitos y llamativos personajes como los conejos, los gemelos, el perro y la oruga.


Esperaba mucho más de esta nueva versión de Alicia en el país de las maravillas. Quizás los admiradores de este original director salgan contentos, pero lamentablemente a mi me decepcionó bastante y solo salvó su nota porque los efectos son descomunales y algunas actuaciones son destacables, sino seguramente su puntaje hubiera sido mucho más bajo.

Me encantan los hermanos Coen y este film lo esperaba ansioso. Un hombre serio no es una comedia común y corriente y no esperen descostillarse de la risa, porque a pesar de tener un humor negro muy bien logrado, tiene más ratos de drama que de comedia. A uno pueden gustarle o no Joel y Ethan Coen, pero jamás se puede dejar de admitir la originalidad que le imprimen a sus películas con la creación de extravagantes diálogos y los diferentes planos o cambios de ritmo que llevan a cabo entre escena y escena.

Si bien el género en el cual encajaría sería el de comedia dramática creo que no fue acertado por parte de los realizadores venderla en los trailers y los afiches como un film orientado más hacia la comedia cuando realmente esta mucho más cercano al otro género. Hago hincapié en ésto porque no quiero que vayan a verla esperando morirse de la risa ya que van a salir completamente defraudados.

Hay escenas que tienen diálogos excelentes que son de un alto nivel cinematográfico. Por mencionar algunas se me ocurre la charla entre Sy, Larry y Judith en la cafetería o las grandes charlas entre el protagonista y los rabinos.

La mayoría de los actores son desconocidos porque provienen del ambiente televisivo. Esto no fue un impedimento para que realizaran muy buenas actuaciones. Tanto Michael Stuhlbarg, Richard Kind y Fred Melamed están soberbios en sus labores y eso le da un valor agregado al film.


En conclusión Un hombre serio es una buena alternativa para aquellos que quieran reirse y pensar un rato con una buena comedia dramática. Para los fanáticos de los hermanos Coen es una película de visión obligatoria, de la cuál seguramente no saldrán defraudados.

Enseñanza de vida es una película bastante incómoda por donde se la mire, pero ésto no es algo malo y seguramente fue la intención de su director Lone Scherfig. La historia de amor es muy bella mientras los protagonistas se van conociendo, pero es inevitable sentir cierto rechazo al ver a una muchachita coquetear con un hombre casi veinte años mayor que ella. En la crítica de Vivir al límite mencioné que hay muchos films que no están destinados a divertir y esta afirmación se puede aplicar para esta película también, aunque gracias a varios momentos de humor y el muy buen ritmo que posee el relato hacen que su hora y media de duración sea un rato más que agradable en el cine. Incluso esas escenas de cierta comicidad hacen que se eleve un poco el malestar que genera la incomodidad mencionada arriba.

Hay dos apartados que merecen ser resaltados y estos son la ambientación y la música. La primera realmente me encantó por la gran elección en el vestuario, peinados y autos que van apareciendo mientras transcurre la trama. La segunda le da un toque particular a cada escena y la acondiciona de manera sencilla, pero muy efectiva.

El guión es acorde a lo que el film necesita y la adaptación del libro es bastante satisfactoria, debido a que muchas veces dichos traspasos de novelas a películas quedan a mitad de camino.

Las actuaciones le dan un gran valor agregado a la película y voy a comenzar a destacarlos uno por uno de menor a mayor destaque. Emma Thompson realiza una labor a la altura de lo talentosa que es su figura en las pocas escenas que aparece y Cara Seymour, madre de Jenny, lleva adelante una caracterización adecuada a lo que necesita su personaje. Olivia Williams interpreta a la maestra que intenta ayudar a la protagonista, con bastante soltura y demostrando estar a la altura del difícil papel de ayudar a una jovencita que cree que todo lo puede desde la rigidez que marcaba la educación en esa época. Peter Sarsgaard tiene una completa filmografía y aquí lleva una muy buena labor interpretando al conquistador de la bella adolescente. La reciente nominada a Mejor actriz, Carey Mulligan, tuvo una actuación consagratoria que seguramente hará que le lluevan proyectos de aquí en adelante. Sinceramente me encantó como lleno de vida, madurez y carisma su Jenny. Deje para el final la brillante labor de Alfred Molina que considero como la más destacada. En la cinta se lo puede ver interpretando a un anticuado padre que esta obsesionado con el ingreso de su hija a Oxford, con momentos de drama, ira y humor sorteados con un nivel excelente.

Mención aparte para la conmovedora escena de Molina llevándole comida a Mulligan a la puerta de su cuarto. Fue en esa secuencia cuando la película me terminó de encantar.

Enseñanza de vida es una excelente opción para aquellos que quieran ver una interesante pero incómoda y controvertida historia de amor llevada adelante con grandes actuaciones.

Luego de muchas idas y vueltas en la decisión nos dispusimos, junto con la editora de esta web, a ver una de las diez nominadas a Mejor película, Vivir al límite.

La directora Kathryn Bigelow creó un ambiente muy hostil en el que se desarrolla una película sin ritmo, pero con mucha tensión. La forma en la que está filmada es bastante cruda y eso ayuda a creer de alguna manera en el relato contado. Me pareció muy acertado que no realice ningún tipo de reivindicación de la guerra y que solo se dedique a mostrarnos la realidad y la labor de un escuadrón que se dedica a desactivar bombas en Irak.

Hay películas que no están destinadas a divertirnos y ésta es un fiel ejemplo de ello. No vayan al cine esperando la clásica película de acción, porque no solo no la van a encontrar, sino que lo más probable es que se levanten de sus asientos para irse mucho antes de que termine. Por momentos puede ser aburrida y pesada, pero también atrapa mucho y si logran meterte dentro de su terrible trama seguramente la van a pasar bien. La historia en si es asfixiante desde la primer escena, por ende si toman en cuenta estas "condiciones" pueden ir tranquilamente y no saldrán defraudados.

No me voy a poner a juzgar su nominación a los Oscar, pero si me parece bueno que se premie con una candidatura a una cinta que aborda desde un lugar distinto un género bastante repetitivo como lo es el bélico.

Las actuaciones están realmente excelentes y sostienen con mucho dramatismo el relato. Jeremy Renner es el protagonista principal y se come la película, pero sus compañeros Anthony Mackie y Brian Geraghty no se quedan atras y lo acompañan de manera brillante durante sus 130 minutos.

Vivir al límite es una buena salida para quienes busquen una película de "poca" acción combinada con mucho dramatismo y tensión.

Luego de la desilusión de Nine me dispuse a ver otra de las películas que más esperaba, la nueva obra de Eastwood llamada Invictus.

En más de una oportunidad manifesté la gran admiración que tengo por el viejo Clint, realmente soy casi incondicional a la hora de ver sus cintas, sentimiento que es imposible neutralizar a la hora de escribir esta revisión, pero prometo ser lo más objetivo posible.

El director de Río místico nos sumerge en la Sudáfrica de los años 90 que estaba al borde de la guerra civil, pero que al producirse la liberación de Nelson Mandela de la prisión Robben Island, fueron liberados junto con él grandes vientos de cambio para un país segregado por la discriminación y el resentimiento. Esta breve introducción es mostrada en el film para situarnos en el contexto de la época que gobernó el gran líder africano. Realmente Clint logro trasladarme e introducirme dentro de la historia, sinceramente me emocioné en muchos momentos gracias a la emotividad que representa el relato, que cobra mucha más fuerza al tratarse de una historia real. Quiero aclarar que no se trata de una película de rugby, sino que esta basado en como “Madiba” utilizó a este deporte con el fin de unir a la nación que el presidía.

Sinceramente conocía muy poco de la obra de Mandela y gracias a esta obra se dispararon varias cuestiones como un reproche interno por no haberme interesado en la vida de éste líder mundial con anterioridad, pero ya estoy poniendo manos a la obra para romper este sentimiento. Es admirable que una persona que estuvo 27 años preso picando piedras salga en libertad, buscando paz y unificación y no venganza contra los que lo encarcelaron.

El guión es conciso, claro y explicito, lo que da como resultado que los dialogos sean muy enriquecedores para entender los pensamientos de los protagonistas.

El relato sería imposible de sostener sin las grandes interpretaciones de Morgan Freeman y Matt Damon. El actor de la saga Bourne lleva adelante la interpretación del capitán de los Springboks llamado Francois Peinar con muy buenos resultados, demostrando que se puede contar con él para otro tipo de personajes. Sin dudas que todos los aplausos se los lleva Freeman y realmente son merecidos, su labor es tan increíble que uno por momentos termina olvidando que se trata de una actuación, pensando que es el mismo Mandela el que esta delante de las cámaras.

Mención aparte para las bellas canciones escogidas por Kyle Eastwood (hijo del viejo Clint) que aportan otro valor adicional a está gran obra.

Como conclusión creo que Invictus no es la mejor obra de este espectacular director, pero la excelente manera en la que se abordo la vida de este gran líder merece ser vista por todos nosotros. “Soy el amo de mi destino: soy el capitán de mi alma”

Luego de seguir toda su gestación, ayer, por fin, me dispuse a disfrutar de Nine.

Soy un gran admirador de los musicales y como aclaré en la crítica de Across the universe, considero que Moulin Rouge cambió por completo la esencia de este género acercándolo al público general.

Rob Marshall es un director muy capaz que tiene en su filmografía la irregular Chicago, por la cual ganó el Oscar a Mejor película. En esta cinta vuelve a reincidir en el principal error que tuvo su anterior obra de este estilo y es que le falta espíritu, realmente no sabía bien como describir esa falla y encontré en esa palabra lo más cercano. Nine tiene un reparto lleno de estrellas, una estética oscura pero hermosa, coreografías increíbles, canciones muy bien logradas y demás cualidades, pero no consigue que uno se sienta dentro de la película. Lamentablemente en ningún momento me sentí viviendo la vida de Guido Contini y eso es un detalle que no es menor porque yo creo que un musical debe meterte adentro de la pantalla, conmoverte y hacerte vivir la pasión que trata de inculcarnos el realizador desde las labores de los intérpretes.

Más allá de lo mencionado arriba la cinta entretiene, pero da cierta bronca que no se haya podido lograr algo mejor porque realmente había demasiado material para hacerlo.

Las canciones están muy buenas y es difícil no salir de la sala coreando "Contini's Cinema Italiano, I love his Cinema Italiano". Quiero resaltar por encima del resto la espectacular coreografía de "Be italian" interpretada por la cantante de Black eyed peas.

Me encantaron las locaciones elegidas tanto de Roma como de otras ciudades italianas ya que le dieron mucho color a una película predominada por los ambientes oscuros.

Las actuaciones están todas muy bien y hay que destacar que el nivel tanto en el baile como en el canto de todo el elendo es excelente. Voy a comenzar por Fergie quien me sorprendió con su actuación, dado que ella es cantante. Nicole Kidman, Marion Cotillard, Judi Dench, Sophia Loren y Kate Hudson cumplen muy bien sus caracterizaciones y es sabido que tanto la primera como la segunda tienen un gran talento para cantar, pero sinceramente me encandió la última porque no conocia que cantara y bailara tan bien. Dentro del elenco femenino emerge por encima de ese gran reparto la española Penélope Cruz, que sacude la pantalla con sus sensuales apariciones en el comienzo y manteniendo un gran nivel en sus pocas pero intensas escenas. Como en su momento afirmé Daniel Day-Lewis es en mi opinión el mejor actor de la actualidad y obviamente como era de esperar vuelve a regalarnos otra gran interpretación llena de carisma que no será recordada entre sus mejores labores por el poco brillo final de la película, pero no por eso deja de ser elogiable.

Nine es un musical de recomendable visión para los amantes del género, pero para los primerizos dentro de este estilo les recomiendo debutar con Moulin Rouge para que puedan enamorarse de este tipo de películas.

Ayer me dispuse a ver la gran candidata a ganar el Premio Oscar a Mejor película, Amor sin escalas.

Jason Reitman lleva adelante una cinta simple y concisa que esta lejos de ser la Obra maestra que muchos dicen, pero no por eso deja de ser una muy buena película que se disfruta mucho. Una de las mejores cosas que tiene Up in the air es el ritmo inicial donde nos muestra todos los vicios y tácticas que tiene el protagonista para agilizar sus viajes, pero lamentablemente ese ritmo no pudo ser mantenido por toda la cinta haciendo que al final decaíga un poco la fuerza del relato. El guión, si bien es simple, no deja de ser contundente y explicito, algo que no abunda en el mundo del cine de hoy y esto es un dato que no quería dejar de aclarar, porque a veces lo simple parece malo y en este caso es todo lo contrario. Creo que lo que mejor hizo Reitman en este film es como logró el excelente desempeño que tuvieron tanto los actores principales como los secundarios.

La película posee grandes momentos como cuando Ryan enseña a Natalie a elegir la fila para embarcar o cuando la joven aprendíz hundida en la tristeza le hace varios comentarios bastante desubicados a los protagonistas.

Como bien mencionaba arriba las interpretaciones son realmente excelentes comenzando por Jorgito Clooney, pasando por Anna Kendrick y terminando en la talentosa Vera Farmiga. El hombre de 49 años realiza un papel soberbio y sin fisuras, que creo será muy recordado entre la extensa filmografía que posee este viejo fachero. La revelación de la cinta es sin dudas Anna Kendrick, esta jovén de 24 años se luce con una interpretación de chica avasallante sin experiencia, que con el pasar de los minutos se irá ganando nuestro cariño. Por último, en mi opinión la actuación más destacable es la de Farmiga, que realmente esta preciosa en esta película. La actriz de Los infiltrados se mueve como pez en el agua en el papel de la versión femenina del protagonista y creo que debe ser nominada al Oscar sin ninguna duda.

En la crítica de Cines Argentinos.com leí que se puede comparar con Jerry Maguire y la afirmación es muy cierta, salvando que la cinta de Cameron Crowe es mucho más cómica y yo la considero una obra maestra dentro de las películas que intentan dejar una moraleja o mensaje.

Resumiendo Amor sin escalas es una gran opción para quienes quieran ver una buena comedia dramática, con un muy buen guión y excelentes actuaciones.

Luego de unas largas y hermosas vacaciones y de regreso en las gratificantes actividades que demandan esta web retomo la sección críticas con la esperada Sherlock Holmes.

Guy Ritchie es un director bastante partícular que añade varios condimentos personales a sus films, algo que a priori tenía inquietos a muchos admiradores de este genial personaje de la literatura. El comienzo de la película es muy dinámico y aunque luego con el pasar de los minutos baja su velocidad, nunca pierde la intensidad a lo largo de sus dos horas de duración. Por momentos esa velocidad vuelve un poco díficil seguir el hilo de la trama, pero al final cierra todo perfecto. El mencionado principio tiene los ingredientes que agrega a cualquier obra Ritchie como la excelente musicalización, los planos raros con un sello tarantinesco y las peleas que en muchos momentos me hicieron rememorar a su gran Snatch, cerdos y diamantes.

Algo importante que no quiero dejar de mencionar en esta crítica es que esta obra no es una adaptación clásica, obviamente tiene los retos de ingenio y demostraciones de inteligencia de Holmes, pero posee varias secuencias de acción donde podremos ver a éste peleando con sus propios puños y aplicando su gran inteligencia para derrotar a sus contrincantes, que pueden no agradar a muchos defensores a ultranza del personaje pero que a mi me fascinaron.

Las actuaciones sostienen el relato desde el carisma que necesita cada una de las caracterizaciones y realmente hay que destacar que están todos a la altura de sus míticos personajes. Voy a comenzar por la hermosa Rachel McAdams, que se luce nuevamente en otra actuación, pero ahora realizando un papel bastante distinto al de la nena tonta e ilusa que realiza en varias producciones. Aquí la podremos ver en un plan de ladrona terriblemente sexy e inteligente que encandila al brillante detective con su bella figura. Otro destacado aunque en un segundo plano es Jude Law que acompraña muy bien al protagonista principal. Mención aparte para el recargado Robert Downey Jr. que lleva adelante una caracterización compuesto por la dosis justa de carisma y talento para invocar a una de las figuras más importantes de la literatura. En muchos momentos el actor de Iron Man se come la película con sus gestos y dialogos junto la sus compañeros. Por último no puedo dejar de mencionar la buena labor del villano Mark Strong al cuál lo veremos bastante seguido en varias producciones este año que sinceramente pudo sortear con mucha zozobra esta dificíl prueba.

Sherlock Holmes no llega a cubrir la talla de semejante personaje, pero entretiene bastante y es un muy buen principio para lo que será una saga que con su primer entrega solo promete buenos resultados en sus próximas ediciones.

Continuando con la puesta al día de Cine Nicasio me dispuse a ver Avatar.

El regreso del director más taquillero de la historia está a la altura de su leyenda. Cameron conoce el paño como un jugador experto, y decidió embarcarse nuevamente en otra mega producción que creo revolucionará el sistema de control de movimientos y las películas en 3D con un contenido apto para gente adulta.

Como si no hubiera bastado con los increíbles efectos que poseía Titanic, el realizador de las mejores ediciones de Terminator, decidió doblar la apuesta y llevó a la máxima expresión la estimulación visual por medio de un hermoso planeta llamado Pandora. Es imposible relatarles la belleza que posee esta obra, creo que más que nunca hay que ver para creer, debido a que yo era uno de los que no creía que semejante idea era posible de plasmar en la pantalla y ahora tengo que aceptar que James Cameron hizo lo que prometió.

El mundo creado es fascinante y hermoso. Realmente me cuesta mucho imaginar como pudo imaginar en su cabeza toda esa cantidad de plantas, animales y esa raza llamada Na 'vi, a la que encima dotó de costumbres atrapantes y conmovedoras.

El guión es el punto más flojo y aunque aporta lo que la película necesita, no me gustó que por momentos recurra a ciertas frases bastante escuchadas y se vuelva algo predecible en varios segmentos. Esperemos que en la secuela que nos llegará aproximadamente en dos años el realizador apele más a su ingenio para mejorar este pilar para que el resultado final sea una verdadera obra maestra.

Es dificil hablar de las actuaciones cuando en gran parte de la película los protagonistas están sumergidos en la tecnología de captura de movimientos, pero más allá de eso en los momentos que los mismos aparecen en carne y hueso cumplen al pie de la letra sin destacarse por encima de lo que el director quería que es que todos habláramos del apartado gráfico del film.

Avatar es una cita obligatoria en 3D para los amantes y los detractores del gran James Cameron, quien lamentablemente no pudo lograr una obra maestra porque no supo dotar al guión con el mismo ingenio con que supo crear ese bellisimo planeta llamado Pandora.

"Estábamos advertidos" enuncia el afiche. Con esa premisa quiero comenzar esta crítica y de alguna manera "advertirles" del contenido de esta película para así pueden comprender mejor esta revisión y disfrutarla tanto como la disfruté yo.

Cuando uno compra la entrada de 2012 tiene que saber que va a ver una película con unos efectos especiales pocas veces visto en el cine y también va a disfrutar de los grandes momentos de tensión y suspenso que fueron muy bien manejados por su director Roland Emmerich, un experto en el género debido a que ya realizó varias obras de este tipo. Volviendo a los efectos, realmente pagan cada centavo de la entrada y en más de una oportunidad los va a dejar con la boca abierta no pudiendo creer como una ciudad queda totalmente destruida por una ola inmensa o de que manera el gigantesco volcán de Yellowstone entra en erupción para sepultar todo lo que tenga al alcance de su furia.

La historia tiene ciertos golpes bajos, como gente abranzándose ante el avecinamiento de un tsunami o las despedidas entre familiares, que tienen que existir debido a que es imposible que uno compre la historia sin sentirla como propia y poniéndose en el lugar del actor que esta viendo.

Algo totalmente destacable es que a pesar de sus más de dos horas de duración, en ningún momento se me hizo larga. Esto se da porque el realizador de Día de la Independencia reparte muy bien los momentos destructivos altamente estimulantes en cuanto a lo visual, con los dramáticos logrando lo necesario para que una obra de este género sea lo más cercano a la realidad.

La predicción Maya existe y coincide en muchos puntos con los citados por la cinta, aunque obviamente los que no crean en este fenómeno ni siquiera deben pasar cerca del cine porque seguramente saldrán totalmente defraudados. Este tipo de películas es para un público dispuesto a comprar la idea que nos quieren transmitir, ya que sin creerla es imposible aguantar la duración.

Quizás el punto más flojo de la película es el guión, hubiera estado mejor que sea un poco más original y no esté tan plagado de frases ya escuchadas, ya que además el film tiene varios momentos predecibles. Obviamente esto no mueve la aguja del resultado final, pero es bueno mencionarlo.

No quiero dejar de comentarles que esta obra es la típica historia donde los yanquis son los que dirigen la batuta y tratan de ser los buenos de la película, cuando todos sabemos que en la realidad esto no es así.

Las actuaciones están correctas y aportan la cuota de realismo que puede llegar a tener un film de este tipo. John Cusack es una garantía y siempre cumple con sus labores.


2012 aporta la cuota pochoclera que tiene que tener una cartelera y desde Cine Nicasio festejamos que sea con un gran espectaculo de efectos combinados con una totalmente "creíble" historia apocalíptica. Luz, cámara... Showtime!!

Luego de varias idas y vueltas, con algunos cambios de fechas, se estrenó finalmente Los amantes.

Esta película tiene un contenido emotivo especial debido a que fue el último film que contó con la actuación de Joaquin Phoenix antes de que anunciara su retiro del cine para dedicarse a la música.

La dirección estuvo a cargo de James Gray que ya había contado con el actor nacido en Puerto Rico en tres producciones de las cuatro que él posee. La labor del realizador es buena ya que el relato carece un poco de velocidad, pero al tratar historias de vida tan conflictivas y totalmente palpables, hacen que uno no se aburra en ningún momento, algo que dentro del género dramático es digno de destacar. Los diálogos están bien sostenidos desde el guión dotando a la obra de mucho realismo. El único reproche que le puedo hacer a James es que si hubiese logrado transmitir un poco más de emoción hubiera redondeado una película recordada por muchos años.

El salto de calidad de esta obra lo aporta sin dudas la pareja principal. Comenzando por la señora Gwyneth Paltrow, quiero decir que festejo que le hayan dado un buen personaje a interpretar porque siempre la consideré una muy buena actriz. En esta oportunidad se la puede ver como una mujer con problemas personales bastante importantes que son abordados con mucha naturalidad, algo que no siempre es sencillo con papeles sobre personas que tienen tantos conflictos. El gran Joaquin paga con creces la entrada con otra excelente labor intepretando a un joven bipolar que se refugia en el amor de su vecina para tratar de encontrar la tan preciada felicidad que algún día supo tener. Recordando las escenas de Phoenix contento como cuando saluda a su mamá en la escalera o en la tristeza de los primeros minutos cuando intenta suicidarse, vemos al actor de Gladiador navegando entre sentimientos tan enfrentados con una soltura y calidad que genera una nostalgia muy dolorosa al ver su retiro definitivo según él mismo, pero espero momentaneo según mis esperanzas.


Los amantes no es una película para recomendar a cualquiera debido a la poca intensidad en su relato, pero quienes quieran pasar un rato en el cine con un buen drama, sostenido desde las geniales actuaciones de sus protagonistas pueden ir a verla y van a salir altamente satisfechos.

Una de las películas que más esperaba este año era 500 días con ella y realmente la espera valió la pena.

Tanto en el trailer como en la sinopsis este film fue vendido como una Comedia Romántica no convencional y la introducción del mismo no es la excepción ya que sigue con la misma premisa. Luego de finalizar la película puedo afirmar que cumple con todos los conceptos que enuncia en las promociones mencionadas. No quiero contar mucho pero la originalidad viene de la mano de la forma en la que está relatada y por como se van dando los hechos a lo largo de la obra.

El debutante director Marc Webb tuvo la excelente idea de mostrarnos esta particular relación de manera no-lineal yendo hacia atrás y adelante en el tiempo de los días en que los protagonistas estuvieron juntos o separados. Lo mejor que tuvo esa manera de filmar fue el ver los distintos estados de ánimo de Tom en relación a su noviazgo con Summer. Otra desición acertada fue que no recurrió a grandes hits para musicalizar la obra, cosa que la hace más singular aún. El guión sostiene de manera perfecta la trama y los papeles que tienen que llevar los participes de esta historia.

Si bien no es una comedia para morirse de risa, tiene momentos realmente desopilantes y hasta muchas veces podemos sentirnos identificados con los diálogos y situaciones a las que son expuestos los protagonistas.

Creo que es imposible haber hecho esta película con otros intérpretes que no fueran Zooey Deschanel y Joseph Gordon-Levitt. Comenzando por la adorable dama, debo decir que está muy bien en su papel y es imposible a pesar de todas sus locuras no enamorarse de Summer. Sin dudas el protagonista principal es Joseph ya que aparece en la mayoría de las escenas. La actuación de este actor que destaqué dentro de las Jóvenes promesas es excelente, sinceramente salí muy encandilado con su labor y justificó nuevamente su presencia en ese enunciado. Vive oscilando en toda la historia entre la depresión y la felicidad absoluta con grandes resultados, algo que muchas veces puede no ser sencillo debido a la disparidad de estos sentimientos. A lo largo del film se lo ve cantando muy bien, bailando exclente y con una gran cuota de carisma, realmente que más se puede pedir?

500 días con ella es otra muestra de que se puede innovar en un género bastante trillado con excelentes resultados y por ello la considero altamente recomendable.

Luego de algunas idas y vueltas, en el día de ayer asistimos junto a la editora de esta web a ver El extraño mundo de Jack en 3D, una asignatura pendiente de hace varios años.

El director de esta obra no es, como muchos suponen, Tim Burton, sino que es Henry Selick del cual hace poco pudieron ver Coraline, que contó con muy buenas críticas. Obviamente el producto final lleva varios sellos del realizador de Charlie y la fábrica de chocolates, como la oscuridad y lo lúgubre del mismo. Es como cuando se ve un film de Robert Rodriguez que produce Tarantino, donde se pueden ver los toques que le agregan estos directores con ideas tan originales. Algo de destacar es el trabajo de Disney junto con Burton y Selick en la adaptación a 3D de la cinta, porque quedó espectacular.

La película me pareció fantástica, las canciones son hermosas y uno no puede evitar corear "Esto es Halloween, esto es halloween" al salir de la sala. La única contra que le encuentro es que tal vez debería durar un poco más para alargar un poco el nudo que se arma en el medio, pero al ser un cuento adaptado no sé hasta qué punto lo iban a poder estirar.

El mensaje, como toda historia navideña, es hermoso y transmite mucha esperanza, pero lo que rescato en esta oportunidad es la originalidad con la que fue abordado en esta película.

El re-estreno de El extraño mundo de Jack es una gran oportunidad para aquellos que aún no pudieron verla y para los que la vieron es una buena ocasión para repetir la visión de esta fascinante obra.