Es muy sencillo hacer una crítica negativa sobre Battleship por el simple hecho de que busca legitimarse como una realización de aquellos que trajeron Transformers. Una simple línea basta para provocar mala predisposición, al dar cuenta de una aspiración tan escasa a nivel producción y una ambición tan grande a nivel mercado. Si a esto se suma el hecho de que está basada no en una novela, un cuento o una historieta, sino en un juego de mesa, la combinación es irresistible para aquel que se dirige de antemano con el puntaje en la cabeza. Sin embargo hay un aspecto que no se podía prever y que lleva a que no pueda ser denostada sin más: su alto grado de autoconsciencia.

Sabedora de sus limitaciones, hace estallar por los aires lo poco que tiene, y si bien durante buena parte ofrece un panfleto escrito por el Tío Sam, por otras deja de tomarse en serio y acierta el tono justo. Peter Berg ofrece una mejor propuesta de lo esperado por hacer exactamente el camino inverso que con su fallida Hancock. Si en aquella la comedia se hacía a un lado y abrazaba una ridícula historia de tono grave, en esta la solemnidad propia de la guerra naval se abandona en pos del humor y lo lúdico.

Desde luego que la película funciona con el control remoto de producciones similares, con un desarrollo que se mantiene hasta cierto punto, cuando sencillamente se abandona todo a los expertos en efectos especiales. Cabe destacar que no se trata de una producción 3D, algo que llama poderosamente la atención, lo cual no significa que no esté bien provista de explosiones y del ya habitual slow motion exagerado al punto de la parodia. Con personajes delineados con brocha gorda y una historia sin mucho por destacar, el guión de los hermanos Jon y Erich Hoeber (Red) se guarda, de todas formas, algunas originales sorpresas.

En primer término una vuelta de tuerca en el marco de la guerra conduce a que la Batalla Naval en sí se haga presente. Por si quedaban dudas acerca de la adaptación del juego de mesa, se trata de una inclusión literal que, si bien puede parecer forzado, a las claras se ve como un acierto. Ese respeto de la tradición, pero sobre todo del juego en sí, alcanzará su punto mayor con los soldados a los que se acabará recurriendo. Es que, como bien lo saben los niños, no hay juguetes descartables, aún rotos o viejos pueden seguir ofreciendo buenos momentos. En tiempos del culto a lo nuevo, una película como Battleship sorprende. Es que Peter Berg sabe, no en el mismo sentido que los Village People pero la frase sirve, que se puede encontrar placer en la Marina.

Durante décadas Nicolás Rubió ha pintado óleos de sus recuerdos del exilio, de sus años en un pequeño pueblo al que huyó junto a su familia durante la Guerra Civil Española. Su cotidianidad está anclada en su pasado, si bien pasaron más de 70 años de esa etapa, él la sigue retratando con la misma pasión, poniendo en cada cuadro el mismo esfuerzo que dedicó en los 600 anteriores. Con 75 habitantes, 20 casas, 300 vacas, el director Fernando Domínguez reconstruye dos períodos de la vida del artista, el actual, obsesionado con un recuerdo que se ha desvanecido, y el de la infancia tan presente.

Un detalle menor como la cantidad de ventanas del frente de su casa en Vielles, aspecto vital para Rubió que es el único que lo podría notar, impide que pueda seguir adelante con su último cuadro. El realizador documenta este bloqueo y las consecuentes llamadas del pintor a sus conocidos en el extranjero para que lo ayuden a rememorar. Allí reside uno de los platos fuertes del film de Domínguez, el retrato de la impersonalidad con que el otro se comunica con sus amigos, con su interés concentrado en nada más que su cuadro.

El logro en ese sentido se contrarresta en parte con la otra cara de la película, que es la intención de contar la historia de Rubió a través de sus pinturas. La riqueza visual con sus óleos vivos, en movimiento, pierde fuerza por su modo de narrar, con un texto escrito y leído por el propio pintor. De esta forma, la historia contada a través de las pinturas se ve subordinada al relato del artista, subrayando con cuadros cada tema que aborda en su lectura.

El trabajo de Rubió es vasto, incluso ha tenido un período como realizador de cortometrajes. El recorte de Domínguez permite un apreciable acercamiento a su obra, pero en la construcción del relato no se termina de compartir la fascinación por su pasado.

"Verán, los tipos encargados de esto carecen de creatividad y están completamente sin ideas, así que todo lo que hacen ahora es reciclar mierda del pasado y esperar que todos nosotros no lo notemos".
(Comisario Hardy, 21 Jump Street, 2012)


El llevar a la gran pantalla una serie de televisión siempre supone un riesgo. El equilibrio que implica el realizar un producto nuevo, en este caso adaptado a otros tiempos, pero sin perder de vista el original, conduce a adaptaciones serviles que no llegan a los talones de aquellos que le dieron vida. 21 Jump Street funciona muy bien por conocer perfectamente esa situación y burlarse de ella. ¿Cómo criticar lo poco creíble que es un tipo como Channing Tatum pasando como adolescente, si todos los personajes de la película hacen ese planteo? ¿Cómo hablar de Hollywood y su apetito de remakes cuando un jefe de policía hace un reclamo similar y le guiña el ojo al espectador?. Tanto este aspecto como un conjunto de diferentes aciertos hacen de esta una muy buena comedia, que encuentra sus risas en lugares políticamente incorrectos, como las drogas, la delincuencia y el ridiculizado trabajo policial.

Sorprende la química y el buen timing que comparte la dupla de Jonah Hill, quien ha perdido kilos pero ni un ápice de gracia, con Tatum, que aquí demuestra una capacidad para el humor que hasta el momento estaba oculta entre numerosas actuaciones de piedra. Al igual que con sus identidades cambiadas, 21 Jump Street tiene el buen tino de no mantenerlos en su zona de comodidad, con un Hill que más de una vez deberá recurrir a lo físico y un Tatum capaz de seguir el ritmo a los latigazos verbales del otro. Aquí será necesario destacar el guión explosivo y cargado de frases para el recuerdo de Michael Bacall, quien ha tenido un año exitoso con esta entrega y la de Proyect X, y se confirma como un portaestandarte de la agonizante comedia adolescente.

Con tantos elementos a favor, los directores Phil Lord y Chris Miller, ambos detrás de Cloudy with a chance of Meatballs, terminan de redondear una muy buena propuesta dentro del género, capaz de manejar la amistad como tema central, en la tradición moderna de la Nueva Comedia Americana, junto al descontrol propio del cine de Todd Phillips. Si bien su primera mitad es mucho más inspirada que la segunda, en la que en más de una oportunidad se cae en resoluciones obvias, se trata de una muy buena película que, en el marco de las adaptaciones televisivas, es todo un logro.

Por años el cine de superhéroes se preparó para este evento. Una de las grandes vertientes dentro del género que más ha crecido en el último tiempo ha estado orientada a una meta común, la puesta a punto de un ensamble en el que se vieran potenciados todas las figuras traspuestas desde los cómics. Con The Avengers, Marvel brinda por el objetivo cumplido, como lo hiciera con la mayoría de las entregas de X-Men, como no lo hizo con las pobres Fantastic Four. En marcha desde el 2008 con la primera Iron Man y The Incredible Hulk, ha supuesto que una serie de engranajes se pusieran en movimiento para desarrollar personajes e historias y establecer líneas argumentales, limpiando el camino de asperezas para que Joss Whedon demostrara sus capacidades, siempre reducidas al ámbito televisivo.

Los años de experiencia en la pantalla chica han probado que el realizador es un enorme creador de protagonistas, capaz de enfatizar cualidades únicas que los convierten en parte de la memoria colectiva. La indiscutida genialidad de sus producciones, siempre condenadas a abruptos cierres por las demandas de la industria, han resultado en personajes inolvidables, sean cazadores, vampiros con alma o vaqueros espaciales. Las dudas en torno a qué podía generar a partir de trabajos ajenos se disipan con el correr de Los Vengadores, en la cual se da cuenta que explota las características del todo y de cada una de las partes. Para justificar este aspecto solo basta ir a los ejemplos: la entrega del mejor Hulk dentro de la serie, superior al de Eric Bana y, por mucho que pese, al de Edward Norton, de un Thor menos conflictuado y con lo mejor de la película de Kenneth Branagh, y a un Iron Man inspirado, más cercano al del film original que al de la secuela.

Whedon y Zak Penn sostienen la historia en la tensión entre los miembros del equipo, en donde llevan la delantera Tony Stark, el Capitán América y su duelo de egos. El acierto central del director es el de lograr la unidad sin descuidar ni forzar a ninguno de sus integrantes, otorgando la oportunidad de que cada vengador tenga su desarrollo sin perder de vista el panorama general. Esta triunfa allí donde suelen tropezar ciertas producciones corales, llevando a que incluso personajes secundarios (con los que Whedon históricamente se ha anotado puntos) como Black Widow y Hawkeye, por naturaleza inferiores a los otros cuatro, estén a la altura de las circunstancias. Por esto pagará el precio de un lento arranque, con un ritmo calmo que se extiende durante buena porción de la primera hora, algo que se verá compensado con su explosiva segunda mitad, incapaz de tomarse un descanso.

Las expectativas por The Avengers encuentran una producción cargada de altas dosis de acción y notables efectos especiales, a las que se suma aquel efectivo sentido del humor que ha caracterizado a las películas anteriores. Whedon elude tanto la artificialidad del mero impacto visual, en ningún momento hace a un lado a su historia, como el infantilismo de los diálogos, sin ambiciones reflexivas impulsadas por líneas "profundas". Al director no le tembló el pulso a la hora de llevar adelante una super-producción, y su resultado sin duda excede lo esperado. Con el visto bueno del público y la crítica, Whedon prueba estar listo para su demorado paso a las grandes ligas, ahora más que nunca con equipo confirmado.

The Grey se ha caracterizado por una campaña publicitaria engañosa que, si bien le brindó ciertas dosis de atención, la volverá el blanco de feroces críticas por parte de los fanáticos. Todos los esfuerzos de marketing se orientaron a vender una película a la que nunca se llega, haciendo énfasis en esa atractiva secuencia de Liam Neeson armado con un cuchillo y un guante de cuellos de botella. Hay una clara intención de difundir el nuevo trabajo del director de Smokin' Aces y The A-Team, antes que jugarse por lo que puede resultar del nuevo trabajo de Joe Carnahan. De esta forma, The Grey supone una bienvenida sorpresa, no solo porque no se trata del film que auspiciaban sus avances, algo que no era ilógico viendo el prontuario de su realizador, sino porque se trata de un logrado drama de supervivencia dotado de buenos personajes y una historia sólida, constituyéndose en uno de los mejores proyectos del director hasta la fecha.

Ottway, otro hombre con un particular conjunto de habilidades que lo hacen de temer, se convierte en el líder de un grupo de trabajadores petroleros que sobreviven a un accidente aéreo. Por si las heridas y las inclemencias del clima no fueran suficiente castigo, la muerte los acecha bajo la forma de una sanguinaria manada de lobos que elimina uno a uno a los supervivientes. Con la posibilidad al alcance de la mano de ofrecer otra entrega del héroe de acción más grande de los últimos años repartiendo puñetazos por doquier, Carnahan elude la predicción y elabora un intenso film que dialoga constantemente con la muerte.

Se trata de un relato en el que sus personajes, enriquecidos por un grupo de buenos intérpretes entre los que sin duda se destaca su protagonista, deben lidiar con su fatal destino, aprender a aceptarlo y, sobre todo, encontrar los motivos para seguirla peleando. La muerte, cruel y socarrona, los hallará en todo momento y no distinguirá circunstancias. Habrá quienes la abracen en sus propios términos, otros que caerán luchando, a solo centímetros de la vida, y finalmente el que cae en la cuenta que el vivir o morir en ese día está en sus propias manos, en las de nadie más.

Sin caer en lugares comunes, de hecho cuando parece que lo va a hacer acaba por esquivarlos, Carnahan conduce la historia con pulso firme, sosteniendo el suspenso hasta el momento del gran desenlace, el último as humeante que el director tenía bajo la manga.

Desde que en 1957 Sidney Lumet entregó esa película perfecta y eterna que es 12 Angry Men, no se puede abordar un juicio de esos en los que se defiende lo indefendible sin sortear las comparaciones. The Conspirator, la última película de Robert Redford, no es la excepción. En ella se retrata la verdadera historia del asesinato de Abraham Lincoln y el juicio que se llevó contra los acusados, especialmente contra la madre de uno de los prófugos, juzgada por un tribunal militar carente de evidencias firmes. Con una intencionalidad educadora, se ofrece una lección sobre el respeto de los derechos civiles centrándose en un abogado con la titánica tarea de oponerse a un Gobierno que busca sanar las heridas de una Nación, fin para el que se justifica cualquier medio.

Redford es cultor de una narrativa clásica y así conduce su historia, un duelo de alegatos en el que en todo momento se conoce la suerte de los involucrados, aunque los esfuerzos estén dispuestos a retrasarla. Sin música épica o armas, pero con una lograda ambientación, se lleva adelante una notable batalla entre dos puntos de vista legales, dentro de las cuatro paredes de una sala. Allí reside el plato fuerte de la realización, capaz de señalar a los culpables y de hacer luchar entre sí a dos facciones del "bien", incapaces solo de ponerse de acuerdo en cuestiones como la dureza de la condena y los tiempos del proceso. Con varios personajes muy desdibujados, la pareja protagonista que componen James McAvoy y Robin Wright funciona, generando empatía con un espectador que sigue la parábola propuesta y pasa del rechazo inicial hacia la comprensión de la necesidad de un juicio justo ante todo. The Conspirator dista de ser un clásico como 12 Angry Men, al igual que a todas las películas que le han seguido le falta su simpleza, contundencia y su porción de grandeza actoral, pero es una muy buena propuesta que entiende a sus antecesoras y se inscribe en esa tradición.

Años han pasado desde el estreno de ese film pequeño y enigmático que I-Sat solía emitir, El Viaje de Morvern. Su directora, Lynne Ramsay, estuvo ausente de las pantallas cerca de una década y su auspicioso regreso llega de la mano de Kevin, un joven que dio y dará que hablar. Con él aborda una problemática propia de la época, enfocándose en una parte de la ecuación que hasta el momento era ignorada. En cualquier caso de violencia hay dos caras, la víctima, aunque aquí son muchas más que una, y el victimario. Pero qué ocurre con la familia del segundo, aquellos que se ven afectados por las consecuencias de los actos del primogénito, a la vez que son considerados culpables por dar origen a tan pernicioso mal. En esa fina línea se sitúa We need to talk about Kevin, película que sigue a Eva, la mamá de la bestia.

Como si se tratara de un demonio, Kevin pareciera haber nacido siendo malo. No hay ningún acontecimiento que defina su existencia futura, no es víctima de abusos y vive junto a su familia acomodada en una gran casa de los suburbios. Hay cierta indefinición en torno al desarrollo psicológico de este joven, un psicópata desde su edad más temprana, capaz de ser un niño dulce y bueno a los ojos del ausente padre, a la vez que un diablo reencarnado para la cada vez más trastornada madre. Ramsay amaga con ciertas imágenes que dan cuenta de maltrato psicológico por parte de Eva, una mujer a quien el hijo pareciera haberle interrumpido sus planes de vida. La directora, no obstante, acaba por quedarse con cierto enfoque propio del terror, una semilla de maldad cuyo florecimiento se va gestando a lo largo de los años. La trágica ebullición adolescente de ese lado oscuro pareciera seguir un camino lógico trazado desde la infancia, un desenlace esperable al que solo le faltaba conectar ciertos circuitos para detonar.

Entre los muchos aciertos de la película cabe resaltar la creación y el sostenimiento de una atmósfera asfixiante, impulsada por buenos manejos de los tiempos y los silencios, así como apreciables detalles de edición y sonido. Es destacable además la entrega plena de Tilda Swinton a su personaje, con el que ofrece una formidable interpretación que se ve complementada con la buena elección de casting con Ezra Miller, un joven de rostro afilado y mirada sombría al que el rol de Kevin le sienta bien. Con su narración no tradicional, Lynne Ramsay ofrece una de las grandes películas del último año, un retrato detallado, duro y visceral sobre la faceta olvidada de una tragedia.

Extraños en la noche marca el paso de Alejandro Montiel al cine industrial tras años de producciones independientes. A este salto a lo masivo lo hace con una comedia romántica mezclada con policial negro en la que se reconocen elementos de sus anteriores trabajos, especialmente en lo que a humor respecta. Sin llegar al grotesco de Las Hermanas L., pero con sus buenas dosis de absurdo, se conduce esta historia irregular que no termina de amoldar ambos géneros, dedicándose a uno o al otro de acuerdo al avance de la trama, pero sin terminar de desarrollar del todo a ninguno.

¿Qué, quién, por qué?. Junto a los protagonistas, en los primeros minutos de metraje, tenemos una idea de qué es lo que ocurrió, a la vez que logramos saber cuál es la verdadera identidad de la víctima, algo que a ellos se les niega. Con estos datos e ignorando las causas, algo que como se revelará al final es lo de menor importancia, el espectador se encuentra varios cuerpos por delante de los "investigadores amateurs", algo que suele ocurrir en materia de suspenso al revelarse información a la que los personajes de momento no pueden acceder. El asunto es que, a ojos del público, el policial se ve suspendido prácticamente hasta el cierre, en un lento rastreo de pistas que conduce hacia aquello que sabemos desde el comienzo.

Esto habilita la posibilidad de que se pueda desarrollar sin roces el aspecto romántico, un amor atravesado por la música, los problemas económicos y, desde luego, lo detectivesco. Entre Diego Torres y Julieta Zylberberg hay buena química, sostenida principalmente por la frescura y el talento que la joven aporta. Él por otro lado lleva un papel que no termina de cerrar en el contexto de la película, exagerando los gestos y reacciones de su músico snob causando cierto absurdo que no se condice con el resto de las interpretaciones.

Más allá de que tenga sus momentos logrados, muchas referencias al cine, buen manejo técnico desde lo policial y algunos apreciables pasos de comedia, la historia transita por rutas bien conocidas que la llevan hacia desenlaces obvios. Después de todo, ¿alguien pensaba que Diego Torres solo iba a tocar el piano?.

Tarsem Singh se ha hecho dueño de un estilo que pone de manifiesto en cada trabajo. Desde la visualmente impactante The Fall hasta la apenas aceptable Inmortals, el director indio ha hecho gala de una intencionalidad precisa en lo que a escenarios y vestuarios respecta, así como también de una amplia paleta de colores con los que sazona a gusto cada centímetro de la pantalla. En este sentido, Mirror, Mirror no supone una excepción a sus búsquedas estéticas, lo que sí se revelará como una grata sorpresa es su resultado final.

Su recorrido por la mitología griega fue decepcionante porque se habían puesto expectativas que el realizador no fue capaz de cumplir. Se esperaba que un hombre de pretensiones artísticas ofreciera una alternativa al formato que con tanto éxito había fijado 300, sin embargo el producto entregado era solo una ligera variante del método Zack Snyder. Con su adaptación del cuento de Blancanieves se marca precisamente ese objetivo, ofrecer una vuelta de tuerca a la historia ya conocida. Sin llegar al extremo de la próxima Snow White and the Huntsman, se brinda a una protagonista de armas tomar, delicada y de buenas intenciones a la vez que indómita y combativa, más cerca de un punch line que de un discurso solemne.

Es que si hay algo en lo que se destaca esta versión, es que se compone de abundantes dosis de comedia manejadas con el timing justo, bordeando la fina línea que separa al humor apto para todo público del infantilismo. Esto se verá sostenido con mordaces diálogos y juegos de palabras, espacios bien aprovechados para el slapstick y personajes de lograda caracterización (la Reina se devora la película), cada uno de los cuales tiene su momento para desplegar gracia. El hecho de que se trate de una película orientada al público menor traerá aparejado un doble lamento propio del doblaje: que no se pueda disfrutar en forma plena de la actuación de Julia Roberts, que acostumbrada como nadie a ser heroína juega ahora de visitante, así como también de muchos chistes idiomáticos, algo que se ya se veía venir desde el primer avance, que se pierden en la traducción.

Tarsem Singh se ha ganado la categoría de director de culto con sus dos primeros trabajos, pero en su paso al cine más comercial no ha logrado estar a la altura, más allá de que tanto la anterior como Mirror, Mirror tengan elementos que los diferencian de la media. Con su nueva película sin duda mejoró la puntería que falló en Inmortals, aunque aún está lejos de ofrecer un nuevo hito en su filmografía.

"Lo que no saben es que estos minutos los impulsarán miles de años hacia adelante. Será un progreso en el vacío"
(Werner Herzog, Ten Thousand Years Older, 2002)

Sin la fuerza de sus producciones de fines de los años '80 a Jean-Jacques Annaud se le ha ido perdiendo el rastro, un desdibujamiento que se hace manifiesto solo con comprobar que su mejor realización de los últimos tiempos, Enemy at the Gates, ya lleva once años de estrenada. Con Or Noir el francés se adentra una vez más en una historia de época como aquellas que han sabido darle prestigio, aunque esta vez lo haga con menor tino y mayor infantilismo, algo que se ve potenciado por el título poco fiel que ha recibido en Argentina.

Previo al boom del petróleo en los años '30, los estados árabes viven sumergidos en un retraso técnico que los ubica siglos por detrás de las potencias mundiales. En manos del realizador, este encuentro entre ambos hemisferios facilita una firme oposición entre tradición y progreso que no en todo momento es abordada con el mejor criterio. Para el caso, se abre la apreciada posibilidad de filmar a ejércitos árabes de vestimentas clásicas, portando armamento moderno e incluso conduciendo tanques. El problema es que el corazón del film de Annaud, el choque de culturas, implica solo una mirada parcial y tendenciosa, el mundo musulmán visto y juzgado a través del cristal de Occidente. Al mismo tiempo que hace avanzar a la película, esta elección simplista revela los hilos de la producción, dando voz a ciertos cuestionamientos a la Torá o a las costumbres que difícilmente pudieran tener origen en hombres anquilosados en la tradición.

Las vastas extensiones desérticas y el uso de abundante luz natural, ofrecen una impecable fotografía, destacable aspecto al que se debe sumar el cuidado en el tratamiento de vestuarios y escenarios. Mark Strong, por otro lado, se impone como la cara más apreciable de una realización de interpretaciones irregulares, al mismo tiempo que se confirma como una presencia cada vez más convocante a la hora de dar vida a personajes complejos. Fuera de esto, el film sigue un lento derrotero de obviedades a lo largo de unos extensos 130 minutos, perdiéndose en algunas escenas estiradas, como la de los personajes al borde de la muerte por deshidratación, la cual tiene una resolución propia del más aniñado Disney, que no tienen ningún peso para la trama. Annaud ofrece un film de distintas líneas argumentales que conduce en forma desacertada, exudando un marcado optimismo y la certeza de que se podía haber entregado algo mejor con tantas herramientas a disposición.

Luego de haber ofrecido una comedia pequeña pero muy interesante como fue Pranzo di Ferragosto, su actor, escritor y director Gianni Di Gregorio repitió ciertos ingredientes de la fórmula para su Gianni e le donne, film que como el título indica es una oda a las mujeres del protagonista. Las tribulaciones económicas del personaje persisten, aunque no dictan su rumbo en forma definitiva como en el film anterior. Aún preocupado por su porvenir y asfixiado por su demandante madre, se encuentra en un punto incierto de su existencia: jubilado por obligación, es lo suficientemente grande como para divertirse como un joven, pero no es tan mayor como para sentarse con los abuelos de la cuadra. Gianni se presenta más reflexivo que en la otra oportunidad, ha perdido la chispa de la vida y se ha distanciado de la compañía femenina, por lo que al ver que incluso los ancianos siguen disfrutando de ambas, ocupará todos sus esfuerzos en ser el hombre que alguna vez fue.

Las arrugas del protagonista y los ojos achinados por el paso de los años cumplen una vez más, transmitiendo con todos sus gestos al espectador ese aire cansino, pero ya no tan jovial, con el que logró un buen efecto en el 2008. Pero Di Gregorio emula a Woody Allen y no emerge bien parado de la situación, con una película simpática que no termina de redondear a nivel historia o relaciones, y ni hablar del personaje central, para quien la idea de progreso es un tortuoso camino de humillaciones. Aún con sus momentos logrados se trata de una apuesta que queda a mitad de camino, repitiendo los pasos minimalistas de su primera propuesta pero con un dejo de frialdad y con menor encanto.

“¿500 años de qué? ¿De qué?”
(Payaguala, Tiempos Menos Modernos, 2012)

Tiempos menos modernos es un film que invita a la reflexión en torno al alcance de la industria cultural, especialmente durante la década menemista. Payaguala vive en soledad en medio de la Patagonia y lleva un día a día tranquilo que se ve trastocado cuando, en el marco de un programa del Gobierno de inclusión a las fronteras, recibe un televisor y un teléfono. Los electrodomésticos marcan una forma de integrarlo al mundo, de sumergirlo en sus problemas, a la vez que hacen aflorar conflictos propios y plantean dos períodos bien diferenciados de la película.

El film propone una suerte de crítica a la globalización que se ve algo opacada por la elección de Simón Franco en la forma de plantearlo. Los primeros 40 minutos no se llevan con facilidad, un pesado costumbrismo con algunos problemas de audio se hace difícil de digerir, aspecto que cambia radicalmente con la llegada de la caja boba a la vida del personaje. Aflora la idea del mal necesario, no para el hombre que vive aislado, sino para la película en general y el espectador en particular. El teléfono le abre una ventana al mundo distante, a un amor no correspondido, el televisor irrumpe su cotidianeidad y amenaza su armonía, lo vuelve “adicto” a su programación, lo lleva a comprar un reloj con alarma para seguir su novela. El film nace a partir de lo que critica, a la vez que depende de ello para funcionar.

Cuando surgen estos conflictos, Tiempos Menos Modernos profundiza su crítica consumista a la vez que avanza como película, valiéndose de ciertos pasajes humorísticos que hacen posibles los falsos programas como Alma Mía, un reality de citas o el ridículo discurso sobre las naves espaciales del Presidente de turno. Como una esponja reacia, Payaguala absorbe aquello que denostaba, culminando en un enorme y muy logrado final en el que la transformación es plena. Simón Franco conduce una historia pequeña que deja una marca, una realización cuyo valor más grande es que se siga reflexionando, se la siga pensando, aún días después de haberla visto.

En los últimos días El Lórax: en busca de la trúfula perdida fue declarada de interés cultural y medioambiental por el Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires. Esta acción pone sobre el tapete el principal objetivo al que parecieron apuntar los realizadores, un film de concientización con un mensaje pro-ecológico, más concentrado en aleccionar a los niños que en construir una historia con personajes de emociones reales. De los creadores de la muy recomendada Despicable Me, esta producción presenta una distancia con aquella, convirtiéndose más en un manual de biología, de hecho se amaga a dar una definición de lo que es la fotosíntesis, que en un film con corazón.

De igual forma que antes, aquí se recrea nuestro mundo pero con marcadas diferencias. Si en el anterior trabajo la sociedad había tenido una suerte de regreso al espíritu de los años '30, con un reconocimiento del público y la prensa a los delincuentes de turno, aquí se presenta un mundo sintético en que los árboles han desaparecido y se los ha reemplazado con réplicas plásticas, a la vez que no solo el agua sino también el aire se vende en botellas descartables. Un futuro marcado por el capitalismo despreocupado que ha llevado a un olvido de lo que es el medio ambiente y a una desconexión total con la naturaleza. Esto abrirá la posibilidad de contar dos historias, la de las causas de tal desolado paisaje y la de un joven ya nacido dentro de esas consecuencias, en búsqueda de recuperar aquello que se ha perdido.

Habrá oportunidades para las que Ken Daurio y Cisco Paul, guionistas de Mi Villano Favorito, retomen ese divertido rumbo, ofreciendo algunas secuencias de cierta comicidad, centradas en un cuidado importante sobre los detalles. Por demás nunca terminará de romper del todo con su mensaje infantil y sobradamente optimista en torno a la ecología, aunque destilará en una crítica menos superficial al capitalismo salvaje y al consumismo que funciona mejor. Entre tanto personaje vacío de emociones cabe resaltar la figura de Danny DeVito, hombre verdaderamente comprometido con la causa, quien puso su voz al Lórax en todos los idiomas. Escuchar al personaje pronunciar frases del mismo modo en que Pedro Almodóvar anunció que la ganadora del Oscar era "El secretou de sús ojous", es una locura que bordea la genialidad.

El cine de Daniel Burman, como el de muchos cineastas argentinos del último tiempo, ha seguido un camino de evolución que la mayoría puede considerar lógico. De las historias no convencionales, arriesgadas, se ha pasado a proyectos masivos, encabezados por actores con el reconocimiento del público. Este rumbo que el director eligió en el 2008 con El Nido Vacío y luego profundizó con Dos Hermanos, alcanza su punto más elevado con La Suerte en tus Manos que, si bien es su apuesta más comercial hasta la fecha, pone de manifiesto que la primera etapa de su carrera no está concluida definitivamente.

Esperando al Mesías, El Abrazo Partido y Derecho de Familia conforman una trilogía dentro de su filmografía que ya se cerró, por lo que esos rasgos muy marcados que estas compartían ya no se perciben de la misma forma. Su cine ha "crecido", por eso no se encontrará a Daniel Hendler como alter ego del realizador en películas personales en las que se explora la relación con la figura paterna. Hoy Ariel, es Uriel. Y ese parecido que evoca el nombre se verá replicado en distintos fragmentos de su última película, los cuales provocan cierta cercanía con los trabajos de aquel período, a la vez que señalan la importante distancia que hay entre un Burman y otro.

Uriel, un hombre de hablar atropellado como aquellos que el director sabe construir, es un sujeto que se plantea entre dos mundos, el de la primera etapa del realizador y el de la nueva, y es ese tironeo el que hará que la película se quede a mitad de camino. La historia que Burman sabe contar es la de un mentiroso, fanático de los albergues transitorios y gran jugador de póker, algo que nunca termina de plantearse en serio como una adicción. Se reconocen no obstante ciertos detalles que buscan la cercanía con la mencionada trilogía, a la vez que, por así decirlo, "traicionan" esas primeras búsquedas. Aspectos como la relación paterna o el judaísmo, claves en los films anteriores, se perciben como superficiales, en el primer caso como una excusa para favorecer una mentira del personaje, en el segundo como un cliché detrás de otro, más orientado al humor que al sentido profundo de sus comienzos.

La Suerte en tus Manos se compone de una serie de platos fuertes que ponen en evidencia que el todo es menos que las partes. Hay una buena historia de reencuentro romántico entre Valeria Bertuccelli y Jorge Drexler (uruguayo también, "coincidencia" que refuerza lo de párrafos anteriores), cada uno con problemas familiares que el director ha demostrado sabe manejar. En medio de esto hay subtramas que no terminan de cerrar o integrarse a lo anterior, como el protagonista como una estrella del póker (literalmente no pierde nunca) o la forzada inclusión de La Trova Rosarina. Quizás sí se trate de un film con resoluciones azarosas que no demuestran lo mejor que el realizador tiene para ofrecer, pero el saber que las inquietudes primigenias no están del todo superadas es un premio más que suficiente.

"La lección del día es: mátense los unos a los otros hasta que quede solo uno. Nada va en contra de las reglas"
(Kitano, Battle Royale, 2000)

Una competencia mediatizada de vida o muerte ocupa la totalidad de las vidas de los distritos en los que se divide la nación de Panem. De igual forma, The Hunger Games nace y se extingue inmersa en aquel evento que le da título, ningún fragmento de la película escapa a él, y curiosamente son los Juegos del Hambre en sí el aspecto menos logrado de la realización. Battle Royale, enorme film de Kinji Fukasaku ambientado en un distópico Japón, marcará en ese sentido el rumbo de cualquier producción en la que jóvenes sean forzados a matarse entre sí en búsqueda de solo un sobreviviente, en el marco de un juego controlado por una fuerza autoritaria.

Gary Ross tiene éxito en aquello de lo que la película japonesa no se ocupa por ser algo previo, el desarrollo del mundo nuevo y de los personajes antes de convertirse en las piezas asesinas de un tablero. De esta forma, si bien no se perciben tanto los valores profundos y la filosofía que por ejemplo están presentes en el film del 2000, hay una idea de revolución que puede plantearse con lo que se excede la mera supervivencia. El buen trabajo de los guionistas permite que la historia se conduzca con fluidez, sin dejar espacio a la interpretación y profundizando en cada etapa del desarrollo. Desde la presentación de la miseria y el hambre que se padece en el Distrito 12 hasta el lujo y el confort en los días previos a la masacre, el arco narrativo no da cuenta de fricciones y se hace disfrutable. Esta es también la etapa de mayor ritmo, el cual, por extraño que pueda parecer, comienza a mermar en las escenas dentro de la arena, las que deberían ser de mayor voltaje.

En materia de actuaciones, cuenta con una Jennifer Lawrence que atraviesa un gran momento, con personajes complejos que maneja a la perfección, así como renombrados secundarios entre los que se cuentan Woody Harrelson, que desde el 2009 está acertando con todos sus papeles, Stanley Tucci, que da en el tono justo para ser el conductor del espectáculo de la muerte, y Donald Sutherland, con muy poca presencia en pantalla pero la suficiente como para transmitir frialdad con solo una mirada. A esto hay que sumar los logros respecto al estilo, en contraste a las manchas de carbón toda una ciudad cargada de glamour y purpurina, una sociedad convertida en diablo que viste a la moda, así como los propios de la dirección, con rápidos cortes y movimientos de cámara.

Estos puntos a favor no logran soslayar el efecto negativo que se producirá en el transcurso de los juegos, con menor potencia de la necesaria pero a la vez con mayor honestidad que otros productos en torno a sangre y muerte, elementos negativos que trascenderán los límites de la película para situarse como fallas propias del libro original. No es la mano macabra de la autoridad del Capitolio la que queda en evidencia como controladora de los destinos de los participantes, sino la de su autora, quien recurre en repetidas oportunidades al camino más sencillo para evitar cualquier atisbo de complicación. La simple premisa de la competencia y de la novela en general, "entran 24, sale uno", es traicionada abiertamente en pos de facilitar una vía de escape al "enredo" de la escritora y favorecer el desarrollo de una nueva saga de amor adolescente, flagelo similar al que tuvo la pobre I Am Number Four. Del mismo modo es que se fuerzan situaciones o secuencias de combate en las que los buenos nunca se ensucian las manos, no por elecciones morales como en el caso de Battle Royale, sino por el solo hecho de que "la suerte está siempre de su lado". Y en este caso la suerte se llama Suzanne Collins, y necesita vender una trilogía.

"Hay tres formas de ganarse la vida en este negocio, ser los primeros, ser los más inteligentes o hacer trampa".
(John Tuld, Margin Call, 2011)

La caída de los mercados en el 2008 abrió un abanico de posibilidades para el cine y la televisión del que, con resultados dispares, muchos han sabido valerse. Desde documentales, como el laureado Inside Job, hasta comedias como Tower Heist, un amplio cúmulo de realizaciones han explorado las causas y consecuencias de este tópico recurrente. Margin Call se centra en una ficticia firma financiera, ligeramente inspirada en un histórico gigante de los Estados Unidos como Lehman Brothers, el día previo al estallido de la crisis económica global. En su prometedor debut cinematográfico, J.C. Chandor aborda con tino los primeros síntomas del generalizado colapso económico, no por el lado de los millones de damnificados, sino por el de las escasas personas que lo provocaron.

Con una ligereza y simplificación que pronto contrastará con el buen ritmo y suspenso in crescendo de la realización, esta ópera prima presentará a sus protagonistas de un rápido vistazo. Como para repetir a sus personajes de rango más elevado, quienes una y otra vez piden explicaciones sencillas a los problemas, se expone con trazo grueso a los principales involucrados, quienes, a medida que la trama avance, irán rompiendo estereotipos y cobrando dimensionalidad. Así, Margin Call pronto dará cuenta de su estructura empresarial, una pirámide en la que el rol central lo ocupa el jefe de cada escalafón. Si Zachary Quinto y Paul Bettany nadan a sus anchas en el comienzo, es porque la bola de nieve no ha rodado lo suficiente como para que los peces gordos, como Kevin Spacey, Demi Moore, Simon Baker y ni hablar del tiburón que es Jeremy Irons, tengan que meterse al agua.

Este logrado thriller se enfoca entonces en personas y en decisiones, en los empresarios que buscaron sobrevivir antes que en el documento sobre cómo hirieron de muerte a la Bolsa para lograrlo. Si bien no es fácil de comprender el lenguaje técnico, más allá de que se lo busque dar a entender en una versión básica como para un niño o un cachorro, el conflicto y el film en general se siguen sin dificultades. Sucede que, si bien se trata de una película sobre la crisis reciente, persiste la idea de que esta no es diferente a ninguna otra. Así acaba siendo un detonante para sus personajes, que descargan reproches y broncas pasadas, concentrados en un futuro que se ve negro para la mayoría. Cuando John Tuld enumera 16 catástrofes económicas desde 1637 hasta la fecha, se entienden una a una todas las ramificaciones de su estrategia, como a quién mantener, a quién sacrificar y el por qué de su reflexión "no podemos detenernos". No habría entonces que preguntarse el por qué de esta tormenta, sino cuándo será la siguiente.

El diablo tiene cara de Jerry Springer

Siendo una película pobre, Ghost Rider: Spirit of Vengeance es superior a su antecesora del 2007 por un simple motivo, durante una buena parte no se toma en serio. Para esto, mucho tendrá que ver la dupla que conforman Mark Neveldine y Brian Taylor, directores de ese sorpresivo shock de adrenalina que supuso Crank tiempo atrás. Dado que la seriedad del antihéroe torturado no funcionó la otra vez, se hace un viraje parcial respecto a las formas y se ofrece un resultado algo diferente con más espacio para la parodia. Voz en off, referencias de actualidad, punchlines, cualquier recurso es válido para este Nicolas Cage de los últimos años que, sin alcanzar los altos picos de Bad Lieutenant o Kick-Ass, se beneficia del tono hiperbolizado de su desquiciado personaje.

El problema con esta secuela es que no termina de decidirse entre repetir la fallida ruta de la original o tomar el camino lúdico de su ejemplo más concreto, Drive Angry. Esta incertidumbre dará como fruto un film predecible en el que se sigue al personaje central una vez más en el sendero de la redención, con un guión cuyos únicos riesgos o sorpresas recaen en la comicidad de su protagonista. Destruido poco a poco desde su interior, Roarke (Ciarán Hinds) se define como "un lanzallamas de papel maché", un ente poderoso que inevitablemente consume la carne débil de su vasija humana. Por otro lado Johnny Blaze se contiene y en ese sentido lo hace también toda la película. El vengador pide salir a gritos y rompe las costuras del hombre enloquecido, pero este una y otra vez logra controlarlo. Ese demonio, que explota y entrega a un Nicolas Cage over the top, exige a los realizadores que vayan por el todo y aprieten el nitro, y si bien por momentos esta idea aparece, se la prefiere mantener encadenada y ofrecer un enlatado común.

Ese quedarse a mitad de camino (lo mismo con los efectos especiales de calidad dispar) compromete la totalidad de la producción, sin ser ni lo uno ni lo otro acaba como una mezcla de elementos que fallan en conjunto. Ni Idris Elba, un "negro, francés, sacerdote borracho, algo imbécil" a quien el rol le sienta muy bien, puede intervenir lo suficiente como para cambiar el panorama. La elección de los directores, quizás influenciados por tratarse de su salto a los grandes presupuestos, es la de asomar para luego quedar en el molde, logrando en el proceso que lo histriónico acabe en cierto ridículo y la trama con un tono religioso de excesiva seriedad que busca pasar una leve sombrita como oscuridad. Si en la primera se recuperó a Peter Fonda, aquí se demostró que Christopher Lambert todavía está vivo. Por lo demás, esta saga ya está agotada.

De muchas películas se puede decir que les sobra metraje, que se prolongan por 15 o 20 minutos, pero pocas pueden preciarse de tener una hora de más. No recuerdo otro caso similar al de Enter the Void, un film para el que sus 160 minutos resultan un exceso. No es una cuestión de incapacidad para el corte o de mal manejo de los tiempos, el resultado es precisamente al que Gaspar Noé apunta. El argentino radicado en Francia busca incomodar al espectador, y uno de sus recursos para hacerlo recae en secuencias de extensa duración. La escena más recordada en la filmografía del director, la violenta violación de 10 minutos al personaje de Monica Bellucci en Irreversible, ejemplifica las pretensiones del realizador en este caso, así como el fantasma del film del 2002 le señala el camino y le pide que lo repita.

Las similitudes entre ambos trabajos son marcadas, desde los tres personajes centrales hasta su estructura narrativa, no yendo desde el fin hacia el principio, pero con flashbacks de la infancia o flashforwards del futuro. Del mismo modo es que construye sus planos, aquí sumergiendo su cámara en forma recurrente hacia alguna ventana o una lámpara que le permitan entrar al vacío (sutil, ¿no?). A esto se suman los padecimientos que Noé les hace atravesar a sus personajes, a quienes eventualmente rescata del lodo solo para volver a hundirlos con más fuerza. Así es que convierte a su gesto de amor, un espíritu que se niega a dejar la Tierra para no abandonar a su hermana, en la oportunidad de mostrar nuevos sufrimientos y miseria. Un alma que flota por calles cargadas de neón en Tokio es la herramienta perfecta para que, sin paredes como obstáculos, se pueda asistir al espectáculo de un aborto, de una familia que se desangra, de un hijo que se degrada y más.

El objetivo de Enter the Void es difuso y por tanto la provocación de su director se consume en sí misma. Zambullir la cámara en un feto abandonado o en una concepción que ni la pornografía más explícita es capaz de mostrar, no constituyen medios para un fin, sino transgresiones que comienzan y terminan en ellas. Hay de todos modos elementos para valorar, partiendo desde sus salvajes créditos iniciales, en otro evidente gesto del director, hasta el alucinógeno estilo visual y el sentido de homenaje a 2001: A Space Odyssey. Sin más que esto, el último film de Gaspar Noé es solo una provocación vacía.

Desde su presentación en el 2006, la aclamada obra teatral de Yasmina Reza, Le Dieu Du Carnage, ha tenido múltiples adaptaciones a lo largo del mundo, desde Londres y Broadway hasta España y Argentina, pasando en medio por países como Rumania o Puerto Rico. Con su paso al cine se puede decir que esta exitosa comedia corre sus primeros riesgos, aquellos que cualquier transposición acarrea. Roman Polanski lleva así a la gran pantalla un film respetuoso del original, pero sin causar el impacto que uno podría esperar.

Dos matrimonios buscan un enfoque civilizado para abordar un problema desatado entre sus hijos. Con prácticamente toda la acción transcurriendo en la misma casa, esta rápidamente se muestra como lo que es, una prisión de barrotes invisibles en el que las más bajas pasiones se intensifican y los conflictos se hacen carne. Una característica fundamental que tendrá esta versión será su evidente artificialidad, aspecto seguramente realzado desde el lado de las actuaciones. Con una escalada de desvaríos y argumentos irracionales endilgados mutuamente, este estudio de la condición humana expone un acelerado, y por tanto poco creíble, cambio de actitudes disfrazado de un progresivo descenso hacia el barro.

Con una enorme economía de recursos, que no solo se limita a la cantidad de personajes, el peso entero de la obra recae sobre las interpretaciones. Más allá de que no tuve la oportunidad de presenciarla en el teatro, se siente que mucha de la frescura y espontaneidad que los actores deben aportar a sus papeles se pierde. Así es que, como si se tratase de mecanismos de relojería, sus conflictos se dispararán a intervalos determinados, por ejemplo accionados en más de una oportunidad por un agente externo al teléfono.

La dirección de Polanski favorece a esta adaptación, manejando los ritmos del desarrollo y logrando que tanto Kate Winslet como Jodie Foster exploten su potencial con escenas muy intensas, por oposición a un Christoph Waltz y a un John C. Reilly incapaces de alejarse de lo caricaturesco. Sin causar el efecto esperado y con una dinámica teatral, el realizador expone al monstruo que todos llevamos dentro y, de un mismo zarpazo, embiste contra la hipocresía del mundo en general.

Disney y el Planeta rojo no se llevan bien, ya se lo había comprobado hace casi un año con el estreno de Mars needs moms, aquel fracaso de dimensiones épicas que supuso cuantiosas pérdidas para el estudio. No es que John Carter corra de forma obligada su misma suerte, pero no es difícil tomar consciencia de que hay preocupación en torno a sus resultados en la taquilla. Al ser un lanzamiento mundial en simultáneo, su presentación llega despojada de cifras previas que anticipen su fortuna, no obstante la gran campaña de difusión montada a su alrededor dice más de lo que a la compañía le gustaría admitir. Que la película "está condenada", que necesita recaudar 400 millones de dólares solo para quedar a mano, que será la Waterworld de la década, mucho se ha volcado en torno a esta super-producción, menos por lo que respecta a sus méritos que al morbo masivo por ver a los gigantes tropezar.

"¿Tu eres John Carter de la Tierra?". Basada en la primera de las novelas de Edgar Rice Burroughs dentro de la serie marciana, la historia cuenta la llegada del personaje del título a Marte, en donde se convierte en la única posibilidad de salvación de sus habitantes gracias a su fuerza sobrehumana y su capacidad de saltar grandes distancias. Dos notorias falencias se imponen por sobre cualquier aspecto destacable del proyecto y lo ponen de rodillas. La primera corresponde a un Taylor Kitsch todavía algo verde como para hacerse cargo de semejante rol protagónico, algo que se ve irremediablemente vinculado al segundo problema, el del guión. Cuesta entender como del trabajo conjunto entre el director ganador de dos Oscar Andrew Stanton, guionista de Toy Story y su secuela, y Michael Chabon, acreedor de un Premio Pulitzer, pueda resultar un producto tan limitado. Un eterno retorno sobre los mismos temas, una tendencia a la sobreexplicación y, por encima de todo, diálogos completamente mecanizados, la trillada frase que da comienzo al párrafo es solo un ejemplo, se combinan para ofrecer un somnífero fruto difícil de digerir.

Por supuesto que es necesario resaltar el espectáculo visual que el film propone, en un adecuado uso de los exagerados 250 millones a disposición. En los saltos de su protagonista o en sus numerosos combates se da cuenta de una importante labor en materia de efectos, con secuencias que, de tan logradas, parecen naturales. Por otro lado el gran elenco de secundarios, muchos de ellos enmascarados con el digital aunque realzando a un Mark Strong cuya enigmática figura se vuelve una presencia cada vez más grande en el cine, es un elemento que sin duda favorece a una película que combina ciencia ficción, western y comedia, no siempre de la mejor forma.

El cuidado con que se transpone la obra original, con especial atención en la creación de otro mundo, a los personajes y sus detalles, vuelve evidente la influencia que la obra del escritor tuvo en el futuro del género, desde muchos superhéroes hasta la saga Star Wars creada por George Lucas. La pobreza de su guión puede llevar a pensar lo contrario, pero lo cierto es que las aventuras del héroe espacial han sido fundamentales para el desarrollo de figuras hoy ampliamente reconocidas. Los logros de esta demorada adaptación contrastan duramente con el sabor agridulce de su resultado. Mejor suerte con La Luna…

"Yo solía producir películas, en los ’80… con algo de acción y sensualidad. Un crítico las calificó como 'europeas'. Yo creía que eran una mierda".
(Bernie Rose, Drive, 2011)


La filmografía de Nicolas Winding Refn abre y cierra con una cabeza hecha pedazos. Parábola del cine violento, uno es Tonny de Pusher, golpeado con una fuerza tal que es enviado directamente ocho años adelante, hasta Pusher II. El otro un mafioso con intenciones asesinas, en un ascensor que Drive irreversiblemente convierte en féretro, en lo que marca una de las mejores escenas del 2011 y de lo que va del corriente año. Esa naturaleza rabiosa que el danés maneja tan bien en sus protagonistas, aflora en una secuencia con reminiscencias de Bronson (la violencia como una obra puramente estética) emergiendo otra de aquellas bestias que solo el director o un fuerte amor parecen mantener encadenadas.

Un conductor anónimo y taciturno con un dejo de melancolía, que solo abre su boca cuando hay algo importante que decir (no llega al extremo del guerrero mudo de Valhalla Rising pero está en esa misma carretera), marca el camino de este thriller embriagador, heredero de clásicos como The Driver de Walter Hill o el Bullitt del gigante Steve McQueen. Un tour de force cinematográfico que sigue las claras líneas estéticas que Winding Refn viene señalando desde mediados de los '90 en lo que a fotografía, sonido y música respecta. En este último punto es necesario destacar la labor de Cliff Martinez (ex baterista de los Red Hot Chili Peppers) y su banda sonora retro de pop eléctrico, que no acompaña las escenas sino que se apodera de ellas, alcanzando el punto de lo sublime en más de una oportunidad.

El realizador, quien ha tomado parte siempre en la escritura de sus guiones, da un paso al costado para que el iraní Hossein Amini (Killshot) tome las riendas de la que será, junto a Bronson, una de sus mejores películas hasta la fecha. Un sólido relato que combina el mundo de los autos con un esquema piramidal cuya cúspide es la mafia, y a un doble de riesgo que los atraviesa y destruye a máxima velocidad. Con esta historia, a la que le cuesta un poco de trabajo mantener el suspenso en torno a quiénes están detrás de todo, el director se dedica a trabajar su pantalla como si se tratara de un lienzo experimental. La mezcla de estilos y géneros, tocando el film noir, el cine clase B y el romance, resulta en una pieza única de innegable calidad.

Winding Refn se toma revancha de aquel frustrado salto hacia Hollywood con Fear X en el 2003, con una apuesta más seria y con menos librado al azar, asegurando antes que nada un elenco inmejorable. Se destacan así Ryan Gosling y Carey Mulligan, con dos papeles que confirman que están atravesando el mejor momento de sus carreras, al igual que un lastimero Bryan Cranston y un Albert Brooks que regresa al foco con un villano que no teme ensuciarse las manos. Drive corona una carrera caracterizada por personajes que, sean anónimos o ampliamente reconocidos, son capaces de una enorme potencia cinematográfica. Sujetos que aceptan su destino, abrazan su naturaleza y se ven arrastrados hacia una espiral de violencia que no llegan a controlar, pero en la que dejarán la vida para proteger a los suyos.

El salto de la televisión al cine no es para todos el siguiente paso lógico. Si bien son muchos quienes nunca ven esa oportunidad concretarse, hay otros tantos cuyas carreras, más allá de incluir papeles en la gran pantalla, se ven frustradas por la falta de éxito. Será recordado así el caso de David Caruso, hoy un rostro reconocido en el mundo de las series, a las que tuvo que volver tras un trunco pasar por los cines de mediados de los '90.

Entre las mujeres hay que prestar particular atención al caso de Katherine Heigl, quien parece seguir los dudosos pasos de Jennifer Aniston. Desde el final de Friends hasta la actualidad, la segunda ha tenido su importante cuota de títulos menores, sin lograr traducir el carisma de la pantalla chica en resultados para la grande. Heigl, quien se ha visto encasillada con mucha celeridad, viene siguiendo el mismo derrotero al menos desde hace tres años, llegando al extremo de repetirlo con One for the Money, un producto que recuerda fácilmente a The Bounty Hunter.

Basada en la novela homónima de 1994, dentro de la franquicia que ya lleva 18 títulos, la historia sigue a Stephanie Plum, una joven desocupada que, para hacer algo de dinero, se mete en el negocio de los cazarrecompensas. Este giro de timón en la vida de la protagonista abre el camino a una serie de chistes simplistas cuyo único recurso es, básicamente, encontrarla armada y fabulosa ante peligros que están muy por encima de sus capacidades. En ese costado policial, obvio misterio que se adivina sin esfuerzo, recae lo más logrado de la película. Es que más allá de lo evidente de la resolución, cuando el caso se pone pesado, los cuerpos realmente empiezan a apilarse. El verosímil falla cuando una vendedora de ropa inexperta supera con creces el trabajo de la Policía o de otros cazadores, pero no en el hecho de que unos delincuentes harán lo posible para seguir fuera de la cárcel, aún cuando en el marco de una comedia ligera tengan que dejar una decena de cadáveres.

Al humor simple y a los fallos de la trama, debe sumarse el trazo grueso con que Julie Anne Robinson delinea a sus personajes centrales, cargados con el estereotipo de italoamericanos en Nueva Jersey. La simpatía y frescura que Heigl aporta a la pantalla, lo ha hecho antes y después de ese pilar fundamental que le supuso Grey's Anatomy, no alcanzan por sí solas para sostener una película de 90 minutos. A esta altura ya debería saberlo.

En Centro, el realizador Sebastián Martínez (París Marsella) retoma el género documental, no para seguir los pasos de alguien, como hiciera con Cortázar y su mujer Carol Dunlop, sino la vida de un lugar, o de varios. Precisamente se concentra en las calles Lavalle y Florida, uno de los emblemas más importantes del centro de Buenos Aires. Sus negocios, su gente, todo eso se refleja en pantalla durante estos 90 minutos.

Se trata de una película nostálgica. Hay mucha participación de gente mayor, recordando tiempos pasados que, por supuesto, para estas calles fueron mejores. Los ejemplos pasan desde la tienda Harrod's, rememorada a través de fotos en sus épocas de gloria, pasando luego a un presente testigo de su estado derruido, hasta una clásica barbería por la que en su momento pasaron grandes del espectáculo pero que hoy solo vive de recuerdos. El costado de crítica social también tiene su espacio, negar a los niños que día a día revisan la basura es esconder aquella realidad contrastante de ese cruce, en el que el hambre de los más pobres convive con los momentos más felices, como el de la pareja grande y humilde que se casa en el Registro Civil.

Ocupa un lugar muy importante el cine en esta sinfonía. Los únicos datos que permiten situarnos temporalmente, en un principio, son los afiches de las películas. Si los primeros minutos hacen pensar que se trata de "un día en el centro de Buenos Aires", son los pósters de diversos meses los que evidencian que no es así. Para cerrar, hay un último punto a destacar de esta recomendable película y es una crítica al cine comercial y al estado actual de nuestra industria. Dos señores recuerdan viejos tiempos de Lavalle a partir de la cantidad de cines que había. Nombrando uno atrás de otro llegan a veinte, solo en una calle, y se lamentan al pensar que hoy hay tan solo 17 salas repartidas en solo dos complejos. Como si fuese en nombre de Sebastián Martínez y de todos los que participan de festivales como el Bafici o de circuitos de distribución alternativos, uno de ellos dice: "los americanos tendrían que haber enseñado algo más que vender pochoclo". Nosotros pensamos lo mismo.

Las intrincadas tramas de espionaje internacional, propias de grandes autores de novelas de suspenso como Frederich Forsyth o John le Carré, hoy se ven alejadas de las pantallas. Cada tanto las del primero encuentran su camino en malogradas películas para televisión, mientras que las del segundo, si bien continúan llegando, lo hacen en períodos cada vez más espaciados. La industria ha elegido a un solo tipo de espía como carismático protagonista, relegando a los anónimos especializados en la inteligencia y contra-inteligencia hacia un rincón oscuro, lúgubre y frío, como la guerra. Un director acostumbrado al clima gélido, como Tomas Alfredson, es quien recupera la atrapante historia de Tinker, Tailor, Soldier, Spy, conduciendo con gran pulso un film de agentes como los que ya no se hacen, de aquellos en los que los disparos se cuentan con los dedos de una mano.

El sueco, realizador de la muy recomendable Låt den rätte komma in (la película de amor vampiro por excelencia), maneja con notable cuidado los hilos planteados por le Carré, controlando el tiempo narrativo y sin apresurar resultados. Con un ritmo pausado, ya lo había hecho en su anterior película, ahonda en una compleja red de engaños en la que, como bien sabe todo amante de la intriga, nada es lo que parece. Es que los guionistas Bridget O'Connor y Peter Straughan (The Debt) se resguardan de mantener el preciado equilibrio al que debería aspirar cualquier adaptación literaria: un fiel respeto al original sin abrumar al espectador con las consecuencias del obligado recorte. Así es que se manifiesta la capacidad narrativa de Alfredson, tensando el misterio por unos prolongados 127 minutos que resultan en su mayoría llevaderos, gracias al flujo constante de información.

Un Gary Oldman en muy buena forma lidera un ensamble de destacables actores. Desde los jóvenes ascendentes Benedict Cumberbatch y Tom Hardy, cuya historia de los Scalphunters (literalmente Cazadores de Cueros Cabelludos) necesitaría una película aparte, hasta los integrantes del dudoso Servicio de Inteligencia, con quienes el protagonista juega al de tin marín de do pingüe, todas las interpretaciones están a la altura de las expectativas. A la ambientación de época, logrado retrato de la Guerra Fría de notable fotografía, debe sumarse una soberbia banda sonora del español Alberto Iglesias, que alcanza su punto más alto con una improbable, y sin embargo perfecta, versión de La Mer por Julio Iglesias. El cierre, coherente con toda la producción, en principio deja un sabor a poco que pronto se muestra como la conclusión ideal. La toma de posta, las miradas cómplices, el mandato asumido, pero el enemigo aún en la vereda de enfrente. Una victoria anotada, otro día más en la oficina.

"Tan solo otra terriblemente aburrida dramatización del colapso de las Torres Gemelas". Con cierto profesionalismo, un espectador norteamericano poco feliz con el resultado de Extremely Loud and Incredibly Close modificó un póster de la película para que se leyera la frase que inaugura esta crítica, en vez del título de la misma. Su comportamiento puede ser tildado de vandalismo, es no obstante una toma de postura válida a la que se le da la bienvenida: en Estados Unidos están superando los atentados del 11/9. Debió pasar una década entonces para que una producción como la de Stephen Daldry sea considerada como lo que es, un film falto de ritmo y emoción, cargado de golpes bajos con los que una y otra vez se busca retorcer una herida.

El realizador británico de Billy Elliot repite los pasos que hiciera en el 2008 con The Reader, es decir un producto lacrimógeno, sencillo y con un elenco de figuras, opción ideal a la hora de los premios de la Academia. Cuando en repetidas ocasiones la película parece encauzar su ruta y dirigirse hacia un mejor puerto, especialmente desde la primera aparición del enorme Max von Sydow, hay un empolvado as bajo la manga que recuerda el espíritu de solemne in memoriam al que apunta. Así pondrá en boca de un niño de once años el recuerdo del temor al transporte público y a los paquetes olvidados, igual que las dudas por el significado de los atentados. Del mismo modo lo hará desenterrar las fotos de aquellos que saltaron hacia el vacío, en lo que supone el intento más bajo de rasgar la cuerda sensible.

Son el veterano actor sueco y el debutante Thomas Horn quienes brindan las mejores interpretaciones, aportando lo mejor de lo suyo a cada papel, a diferencia de un Tom Hanks y una Sandra Bullock que solo cumplen. De la relación entre el anciano y el chico, cuya naturaleza se adivina bastante antes de lo previsto, y del encuentro con los diferentes Black, incluso aquellos forzados como con Viola Davis y Jeffrey Wright, nacen los puntos más destacados de la producción, más allá de que cada contacto derive en un monólogo sentimentaloide del niño.

El 29 de septiembre del 2001, en la apertura de temporada de Saturday Night Live, Lorne Michaels preguntó al por entonces intendente de Nueva York, Rudy Giuliani, si se podía volver a reír. La frase y la respuesta de ambos pasaron a la historia: diez años antes y por televisión, un político en la mira de todo el mundo dio el "OK" para que el humor volviera, tan solo 18 días después de la tragedia. Para otros, como Daldry, su guionista Eric Roth y el novelista Jonathan Safran Foer (autor de Everything is illuminated), una década todavía no es suficiente.

El found footage (metraje encontrado) ha hallado en los últimos años la forma de volverse norma en lo que a cine de terror respecta. Si bien hay incursiones en comedia y acción, sin ir más lejos próximamente se estrenará Project X y hoy lo hace Chronicle, es ese género el que lo ha visto crecer, impulsado básicamente por producciones carentes de ideas, que ofrecen cuantiosas ganancias gracias a sus bajos presupuestos. En ese sentido The Devil Inside tiene, como la tuvo algunos meses atrás Apollo 18, una premisa que puede considerarse llamativa, la cual pronto se disipa ante la pobreza de su realización.

Esta nueva colaboración entre el director William Brent Bell y su guionista Matthew Peterman puede ser considerada como el exponente más perezoso en el marco de los falsos documentales y el material recuperado. A la falta de originalidad y ausencia total de ritmo, hay que sumarle la desidia con que se maneja su final, algo similar a la ya mencionada Paranormal Activity de la Luna, así como la elección de actores. Desde The Blair Witch Project en adelante, una de las fórmulas para generar realismo ha sido la utilización de intérpretes con una experiencia mínima o directamente debutantes. No puede decirse lo mismo de una película cuyos protagonistas, si bien poco familiares, tienen una carrera a cuestas fácilmente rastreable.

Más allá de las filmaciones con un público que se sobresalta en cada escena, The Devil Inside hace gala de una notable falta de recursos, siendo lo más rescatable el video y la posterior visita a Rosa, una joven poseída. Es necesario resaltar que el logro recae en la famosa contorsionista que toma parte en aquellas escenas, que ya se han visto una y otra vez en The Exorcism of Emily Rose o The Last Exorcism, películas que le han marcado el rumbo a esta. Nadie puede esperar que se supere al clásico de William Friedkin, lo cual no implica que se tenga que llenar las pantallas con productos inferiores cuyo único efecto es el tronido de huesos durante la expulsión de los demonios.

Considerando que al momento de su lanzamiento en los Estados Unidos, este film de ínfimo presupuesto fue un éxito de taquilla, es de esperar que Paramount ya tenga secuelas en mente. Lo más lamentable es que su distribuidora, al menos en lo que a Argentina respecta, haya elegido estrenar esta película pero no a Young Adult.

Inquietante en su manera elíptica de informar, con una fotografía en blanco y negro determinante, esta ópera prima registra “el otro lado” del cierre de una fábrica: la crisis en su compleja familia de propietarios.

La película ganadora de la Selección Oficial Argentina de este 13º BAFICI fue La Carrera del Animal, ópera prima de Nicolás Grosso (asistente de dirección en la gran Excursiones). Gira en torno a dos hermanos que, a pedido de un padre ausente, deben hacerse cargo de la fábrica familiar, a pesar de las presiones de los trabajadores para lograr una conducción obrera. Tiene una importante dosis de misterio, el cual se mantiene hasta el final (digamos que incluso lo excede), construyendo una historia de suspenso que plantea incertidumbre en todos los aspectos. Desde la época en la que está ambientada (ciertos indicios de computadoras, patentes y autos la sitúan en la segunda mitad de los ‘90), hasta el trabajo del protagonista Valentín, pasando por las intenciones de los empleados, todo entra en el ámbito de lo incierto.

La presentación de personajes extraños y sombríos, que hablan en forma críptica, eventualmente deja de parecer interesante, en especial cuando comienza a ser evidente que no se llegará a ningún puerto. La lista de interrogantes acaba por ser enorme, como si los 73 minutos no hubieran sido suficientes como para hacer un acercamiento menos superficial, algo grave teniendo en cuenta lo atrapante que resulta el planteo. Este tipo de problema no es aislado, suele suceder que hay un cuidado importante de las formas a costa de la propia historia, algo que a esta altura del partido no se entiende. Queda gusto a poco tras ver la película, especialmente si se lo hace sabiendo que fue la ganadora de la competencia, lo que confirma que este año la Selección Oficial Argentina no se caracterizó por tener grandes propuestas.

Desde su presentación en el Festival de Cannes, en mayo del año pasado, The Artist ha sido objeto de mucha atención, algo que se acrecentó en las últimas semanas con las entregas de los Golden Globes y los BAFTA, además de las múltiples nominaciones que recibió para los Oscar, convirtiéndose así en la gran favorita. El nombre de Harvey Weinstein, su distribuidor norteamericano, y su enorme poder de lobby también han recibido su cuota de interés en el asunto, algo que equipara al film francés con el absoluto ganador del año pasado, The King’s Speech, un producto correcto pero menor, cuyos enormes elogios fueron en buena parte injustificados.

Hay que partir de la base de que la nueva película de Michel Hazanavicius es merecedora de la aprobación de la crítica y el público. Se trata de un bello homenaje al cine mudo de fines de los años '20, fiel al estilo de aquellas realizaciones en blanco y negro, con una musicalización para el recuerdo (gran trabajo de Ludovic Bource). Hoy en día se trata de un proyecto arriesgado y, por paradójico que parezca, se percibe como una brisa de aire fresco, una verdadera novedad. Si funciona es porque hay un conocimiento de los códigos que permite explotar de la mejor forma los recursos disponibles, logrando así una de esas películas que aspiran a ser como las de Charles Chaplin, aquellas que hacen reír y llorar por igual.

Aquí debe considerarse la notable labor de Jean Dujardin, un actor versátil que despliega su talento, incluso para el baile, en un papel que rebosa de expresividad sin recurrir a una sola palabra. Si bien él es el protagonista, cabe destacar que todos los personajes están muy bien interpretados (una lástima que un Malcolm McDowell solo reciba diez segundos), logrando así que el film fluya, recurriendo pocas veces al uso de intertítulos.

Si, The Artist es una realización digna que queda grande para compararla con The King’s Speech, aunque querer convertirla en la película del año sea ciertamente exagerado. Una vez que se haga a un lado la estética o la música, es decir, el sentido de homenaje al cine, se encontrará un film con una historia conservadora, que deja los riesgos para el estilo y juega muy a lo seguro en lo que se cuenta: una sencilla y optimista parábola sobre el éxito en la industria contada a la perfección, casi como se lo hubiera hecho hace 80 años.

Es factible que más de uno haya sentido desconcierto ante los ahora lejanos adelantos que Hugo ofrecía, ya que más allá de ser un film en 3D basado en una novela infantil, es una película de Martin Scorsese, y como tal supone un marcado volantazo en su filmografía. Cuando las primeras imágenes nos adentren al maravilloso mundo de Hugo Cabret, esa incertidumbre inicial hará paso al más puro asombro, al de los ojos frescos, al de los niños ante la magia, al de los espectadores de fines del siglo XIX ante otros magos, los Lumière y Méliès. El buen Marty propone así dos viajes, uno para su joven protagonista, una expedición de reconocimiento (hay cierto parecido con Extremely Loud & Incredibly Close) cuya principal intención es la del añorado contacto paterno, el otro, el más memorable, para toda la audiencia.

Scorsese pilotea el cohete cinematográfico que transporta al público 110 años atrás en un viaje hacia la cara más conocida de la Luna, aquella que papa Georges marcó a fuego en la historia del séptimo arte. Ilusionista como aquel que homenajea, disfraza con un sencillo (enfatizando lo de sencillo) cuento de niños, una de las mayores reverencias al cine. Méliès toma el control de la película como lo hubiera hecho un siglo atrás, y así decorados, disfraces y máquinas son desplegados delante de cámara, reviviendo aquella magia hoy centenaria. El deleite visual que Scorsese propone, un 3D utilizado con maestría (los grandes, como él y Herzog saben aprovecharlo) y una estética steampunk muy lograda, es solo superado por su sentido respeto al trabajo del francés, ante el cual no duda en hacerse a un costado a la hora de recuperar sus obras.

Como esas partículas de polvo o copos de nieve que bañan la estación de trenes, la magia del cine acaba por imbuir la totalidad del film. Barrer la superficie para hallar el simple relato infantil que Hugo cuenta, es ignorar que esta se hace presente en cada fotograma de esta maravillosa obra. Si la duda original era el por qué Scorsese llevó adelante una realización así, la respuesta es de una claridad absoluta al finalizar su metraje: porque solo un verdadero conocedor, un apasionado por el arte y un amante del cine podía hacerlo así.

The Descendants es una película coherente con la trayectoria del realizador Alexander Payne, uno de los mayores exponentes del cine tragicómico actual. Sin estar a la altura de dos grandes películas de este director, a las cuales tengo mucho aprecio, como son Election y Sideways, logra resultar en una correcta mezcla de drama y humor como las que él acostumbra. George Clooney lidera en gran forma un elenco de actuaciones notables, destacándose también los ignotos Shailene Woodley, como su hija mayor, y Nick Krause, como el amigo de esta, con quienes formará un trío sostenido en la pena y en la búsqueda de un futuro mejor a un presente doloroso.

Payne sitúa su infierno familiar en el paraíso terrenal por excelencia, Hawai. Matt King lo sabe y reflexiona sobre ello con su voz en off, asegurando que sus amigos creen que porque vive allí es inmune a la angustia, del mismo modo que todos lo hacemos. El sitio que es sinónimo de vacaciones ideales, relajamiento, paz y armonía, es aquí desacralizado hasta el sentido más primigenio de sus habitantes, el hogar. Allí se habla, como en cualquier lugar, de infidelidades, matrimonios en conflicto, rehabilitación y estados comatosos, aunque se lo haga en bermudas, ojotas y camisas floreadas.

The Descendants se dirime entre las dos grandes obligaciones del personaje de Clooney, la recomposición de su golpeada familia y, el aspecto más fallido de la producción, la decisión de vender o no las últimas parcelas de tierra virgen heredadas por su familia tiempo atrás. Si, esto segundo hará posible la participación de Beau Bridges, a quien siempre es bueno ver, pero también dará vía libre para que el film de algunas vueltas sobre sí mismo, demorando la llegada a conclusiones y restando fuerza a la búsqueda de un cierre para con su quebrado matrimonio.

J. Edgar es una exhaustiva revisión de la vida de uno de los personajes más poderosos, controvertidos y enigmáticos de la historia norteamericana. De igual modo que lo hizo The Iron Lady (se estrenaron con solo semanas de diferencia), supone un repaso por los aspectos más destacados de su carrera política y su historia personal, contados en primera persona por un Hoover ya mayor que busca limpiar su nombre con una autobiografía completa. Un muy logrado clima de época, notables actuaciones de intérpretes como Leonardo Di Caprio y Judi Dench, así como una narrativa que excede (a diferencia del otro arriba mencionado) lo anecdotario o las simples viñetas, señalan la importancia de un realizador como Clint Eastwood en la silla de director a la hora de conducir un biopic.

El film no obstante sufre de una serie de cuestiones que lo ubican muy por debajo de la obra que pudo haber sido. Sin una verdadera toma de postura, si bien hay críticas, estas no son duras y pervive la noción de que se hizo lo necesario, la aproximación a la vida de Hoover es ciertamente ambigua. Este aspecto, algo útil dentro de lo político, hace agua en el marco de su privacidad, resultando en una trunca historia de amor con Clyde Tolson (Armie Hammer), una relación carente de naturalidad que en todo momento se ve forzada.

A esto debe sumarse el maquillaje pobre que despliega la producción, seguramente lo más criticable del film de Eastwood, dado que constituye uno de sus caballos de batalla y, como tal, es fallido. Hacer que sus jóvenes protagonistas interpreten sus papeles de viejos es un grave error del experimentado realizador, las máscaras no están a la altura de las circunstancias y en ningún momento se las logra pasar por alto. De esta forma, la relación entre Di Caprio y Hammer, que ya se aplicaba con mucha presión, adquiere un tono que bordea el ridículo cuando estos están caracterizados en sus 70 años. Así, el importante departamento encargado de maquillar los rostros de los actores, no logra enmascarar la real carencia de J. Edgar, la falta de drama.

Con solo dos películas en su haber, Tarsem Singh se ha hecho acreedor de un estilo propio que impregna cada uno de sus trabajos, algo que ya evidencian los adelantos de su próximo film, Mirror, Mirror. Es esta marca registrada lo que pondrá la diferencia en Immortals un producto que le debe mucho a su antecedente más directo, 300.

En ese sentido, el alto impacto visual de The Fall se hará presente en todo momento en esta nueva mirada sobre la mitología griega. Sin embargo, para ser un director que toma sus riesgos a la hora de filmar, en más de una oportunidad abandona sus ideas en pos de un proyecto dentro de los cánones de la industria, haciéndole el juego desde el título con el 3D y entregando secuencias similares a las de Zack Snyder, eso si, sin abusar del slow motion, dotando de buen ritmo cada combate de Teseo.

Con esto quedará claro que, si bien el realizador indio siempre aporta lo suyo, el resultado final tiene muchas deudas para con el de los espartanos. Más allá de todo, cabe resaltar el buen trabajo del ahora muy vigente Mickey Rourke. Mientras todavía sigan existiendo villanos con deformidades, que justifiquen cicatrices o una espesa barba, allí estará él, uno de los mayores guerreros que el cine tiene para ofrecernos.

Ambientada durante las primarias de Iowa en la carrera presidencial, sigue a un joven vocero que cae presa de las maniobras políticas, las manipulaciones de los agentes veteranos y de la seducción de una joven interna.

The Ides of March es la cuarta película de George Clooney, oportunidad del actor de volver a presentarse ante la industria como un muy buen director tras haberse auto-tacleado con la olvidable Leatherheads. La historia, que tiende a repetirse, lo encuentra seis años después en una situación similar a la del 2005 con el tándem Good Night, Good Luck / Syriana por un lado, mientras que esta y The Descendants por el otro. Salvando las distancias con su excelente segundo film, con quien comparte guionista, en esta oportunidad entrega nuevamente un trabajo que se mueve entre las filas de la prensa y la política, con la mirada puesta no en el Hombre que es portada de la revista Time, sino en aquellos que le preparan la campaña que lo llevan donde está.

Durante buena parte de su desarrollo, el film fluye con total naturalidad, con muy buen manejo de los climas electorales y, especialmente, con notables actuaciones de sus protagonistas. Clooney sabe elegir a aquellos que lo rodean y erige tres pilares de su historia en figuras que sabe tienen qué aportar a la película, como Ryan Gosling (cuya carrera a esta altura parece no tener techo), Philip Seymour Hoffman y Paul Giamatti.

"¡Cuídate de los idus de marzo!". En el momento en que The Ides of March plantea su conflicto esta empieza a perder la fuerza inicial, especialmente cuando se pinta de colores primarios. Así, la mirada alentadora que el realizador y sus personajes tienen de la política se vuelve, en un exceso de velocidad, cínica y desencantada. Estas resoluciones apresuradas contrastan con el cuidado desarrollo, en el que se ponen de manifiesto valores como la integridad y la lealtad, eligiendo destacar una verdad de Perogrullo, que "todos los políticos son iguales".

Un grupo de jóvenes trabajadores descubre que ha caído en las redes de un empresario muy poderoso que elaboró un plan para estafarlos. Para vengarse, planean saquear su lujosa residencia.

La crisis económica, que atraviesa la vida de millones a lo largo de todo el mundo, abre una serie de posibilidades para la comedia que en cine aún están por florecer. Si bien títulos como Larry Crowne, y en bastante menor medida Bridesmaids o Horrible Bosses, tocan este tema evidentemente delicado, todo indica que en verdad se prefiere mirar hacia otro lado y pretender que la realidad no es tal. En El 18 Brumario de Luis Bonaparte, Marx sostiene que la historia se vive dos veces: una vez como tragedia y la otra como farsa. Tower Heist recupera así la figura del infame Bernie Madoff, aquí Arthur Shaw, y le brinda a un grupo de empleados estafados la posibilidad de recuperar aquello que les pertenece, con una comedia similar a las de los '80, pero inscripta en la época actual de los Ocean's de Soderbergh o de las Rush Hour del propio Brett Ratner.

El principal logro de la propuesta reside no solo en el importante grupo de nombres que logra ensamblar, sino en hacer que funcionen como conjunto. Seguramente Robo en las alturas quedará en el recuerdo como una película digna de Eddie Murphy tras una década para el olvido. La verdad es que otros como Matthew Broderick y Téa Leoni, con films cada vez más espaciados y de menor calidad, también se ven beneficiados con una exposición de mayores luces.

Para tratarse de una apuesta que no teme hiperbolizarse hasta el absurdo a la hora de llevar a cabo el ya mencionado asalto, es bastante moderada en lo que a sus dosis de humor respecta. Del mismo modo se puede hablar del ritmo a la hora de la esperada venganza de los trabajadores, secuencias que no brillan por su originalidad y en las que se manifiesta el trabajo relajado con que Ratner acaba conduciendo sus proyectos. Más allá de que recupere a glorias pasadas y las ponga palmo a palmo con uno de los grandes de la actualidad como es Ben Stiller (quien a excepción de Greenberg tampoco viene ocupándose de buenas comedias), la sensación que persiste es la de que se pudo haber explotado más el potencial de algunos actores hambrientos de éxitos ochenteros.

The Girl with the Dragon Tattoo no es una remake, es una adaptación de la novela sueca de Stieg Larsson, independiente de la versión de Niels Arden Oplev. Desde luego hay voces en contra, hoy en día palabras como reboot o remake llevan a fruncir el entrecejo, no obstante si había un libro que necesitaba una segunda revisión, ese era este. El poder de una gran historia ha generado a nivel mundial la errada impresión de que Män som hatar kvinnor (Los hombres que no amaban a las mujeres) es una excelente película, cuando en realidad es una producción mediocre cargada de desaciertos. Las pasiones que despierta son entendibles, sin embargo estas corresponden más bien al testamento literario del autor de Millenium que al valor fílmico de aquella realización. En ese sentido la versión norteamericana es válida, especialmente cuando un director de la talla de David Fincher se encarga del proyecto. Así, el resultado que se entrega es una notable adaptación que, mal que les pese, es más fiel a la novela que la versión sueca (sin contar el dudoso cambio de final con el que se despacha, en parte, este argumento) y es portadora de un valor cinematográfico más importante que el que la trilogía europea jamás podrá conseguir.

"¿Diferente en qué sentido?" "En todo sentido". El mismo film que nos ocupa plantea en dos líneas la relación con su antecesora del 2009. Esa es la clave para entender lo que un director sólido y de trayectoria coherente, como es Fincher, puede aportar a la mezcla. Mismos personajes, misma historia, pero un resultado completamente distinto. Desde los impactantes créditos iniciales, gran introducción a la trilogía a cargo de Tim Miller, se percibe un trabajo cuidado, realizado con un conocimiento notable del tema que se trata, pero sin traicionar ni un poco el estilo de un realizador hecho a la medida.

El prejuicio del origen (una película hecha en Hollywood) no tiene cabida en un trabajo completamente apartado del canon de la industria. Los esperables pruritos a la hora de encarar esta novela no están presentes, y a Fincher no le tiembla el pulso a la hora de filmar violación, tortura, desnudos y sexo, aquello que sonroja a los estudios y explica el éxito de la sueca. Con excelente fotografía, bellos oscuros y sepias, el director de Se7en se carga una tarea tan difícil como improbable: ser respetuoso y exhaustivo con el papel, sin perder de vista el ritmo que una película debe tener. Aquí se rastrea el gran guión de Steven Zaillian, quien ofrece ese dinamismo que Aaron Sorkin supo entregar en The Social Network y que tanta falta hacía en la soporífera versión europea. A esto se deben sumar las buenas actuaciones del elenco en general, elecciones apropiadas para lo que el libro exige, destacando a una jugada Rooney Mara, quien no hace agua a la hora de la comparación con Noomi Rapace.

En lo que es una arriesgada jugada, sobre todo por la fidelidad con que se lleva a cabo esta adaptación, Zaillian y Fincher operan un cambio importante sobre el final de la novela. Habrá aquellos que sientan indignación ante tal atrevimiento, una adaptación no es una reescritura, que evidentemente es en favor del valor cinematográfico de la obra, aspecto que los realizadores en ningún momento descuidan. Las calles de Hedestad pueden estar repletas de personajes que hablan en inglés con acento sueco, digamos que otros ni se esforzarían en el detalle, puede ser que la conclusión no provenga de la pluma de Stieg Larsson. Lo que es indudable es que The Girl with the Dragon Tattoo le hace honor a estos grandes personajes y a esta gran historia de la mejor forma en que Fincher lo sabe hacer: con una gran película.

Ninguna crítica estaría completa sin volver a destacar la originalidad de la campaña de marketing de Los Muppets, primer caballo de batalla que daba cuenta que el regreso de las creaciones de Jim Henson era en serio. Cuando la mayoría solo busca cumplir, los realizadores estiraron ambas manos para abrazar el mundo de posibilidades que estos personajes son capaces de ofrecer. Así, la movida publicitaria más inteligente, divertida y creativa del año ubicó la barra demasiado alto como para que el resultado pudiera cumplir las expectativas. Por supuesto el trabajo no termina ahí, si así lo fuera, y parafraseando a Amy Adams, sería una película muy corta. Y como este no es el caso, hay 103 minutos de pura fiesta por delante, un film colorido y refrescante en el que todos se lucen, hombre o muppet.

Los Muppets son música y, como no podría ser de otra forma, esta ocupa un lugar de predominio en este proyecto. Las canciones, no obstante, no son las típicas agradables y descartables que acompañan a una película infantil, son verdaderas composiciones totalmente integradas al desarrollo, cargadas de contenido y, sobre todo, disfrutables por fuera de las imágenes. Life's a happy song, Man or Muppet, grandes creaciones de Bret McKenzie cuyo involucramiento es fundamental, al igual que Pictures in my head son claros ejemplos de esta intención de trascender. Y de esta forma, en caso de que efectivamente esto sea todo para dar un último show, todos se aseguran de que este sea inolvidable.

En este punto es necesario destacar a la dupla que hizo todo posible, Nicolas Stoller y el genial Jason Segel. Tras haber trabajado juntos en la muy buena Forgetting Sarah Marshall, ambos acercaron a Disney la idea de una última película sobre estos personajes, la anterior es del '99, planteo que elaboraron desde el inicio. Desde algún tiempo atrás la industria viene reconociendo, en forma tardía como siempre, la capacidad de Segel para el humor, algo que queda de manifiesto por su participación, con la excepción de Gulliver’s travels, en los mejores exponentes de la comedia en los últimos años.

The Muppets es un film que atraviesa a todas las generaciones por igual, a los niños que se ríen de una marioneta que habla, a los adultos que entienden lo que esta está diciendo, a aquellos que crecieron junto a ellos, a los que disfrutaron de los Muppet Babies o a los que nunca los vieron. Es también una cadena interminable de aciertos que van desde el enorme papel de Chris Cooper con sus maniacal laughs para la historia (¡es genial ser él!) hasta la involuntaria dupla cómica en la que Jack Black se ve envuelto, pasando por más de una hora y media del mejor humor, que si bien está actualizado no pierde ni la magia ni las raíces de estos encantadores personajes. Es que a decir verdad, la vida es una canción feliz, pero lo es más aún si son los Muppets los que la cantan.

The League of Extraordinary Gentlemen no será recordada como una gran película, de hecho más de uno ya la debe haber olvidado junto con su guionista y su realizador, quienes no volvieron a trabajar desde su estreno en el 2003. Ese film no obstante es el antecedente más claro del Sherlock Holmes de Guy Ritchie que, más allá de emplear a personajes literarios y compartir al villano, también es cultor de una estética steampunk similar que inunda la pantalla y se ha convertido en marca registrada. Máquinas a vapor, engranajes metálicos, vestuarios y armamentos de época, todo como parte de un estilo victoriano único que se presentaba en la primera parte pero que explota en Sherlock Holmes: A Game of Shadows.

Esta secuela padece de una suerte de efecto hangover, es decir, si la cosa funciona, para qué cambiarla. Si bien no se llega al extremo de calcar la anterior, son muchos los latiguillos y secuencias que tienden a repetirse. Por otro lado, aquello que fue válido una vez, no es garantía de efectividad en un segundo intento. Con esto trato de señalar que el "combate inteligente" del que hace gala el detective más famoso, anticipando cada movimiento y ganando antes de lanzar el primer puñetazo, ya no es una novedad y solo resta dinamismo a una película que de por sí es demasiado dialogada y sobreexplicada.

Jared Harris, en el rol de Moriarty, llena a la perfección el obligado vacío dejado por Lord Blackwood. El ajedrez mental que juega junto a Holmes se toma, sin embargo, bastante tiempo más del necesario para alcanzar las proporciones que uno esperaría conociendo el historial de ambos personajes. Es promediando el final que esto mejora notablemente, cuando la película asume una identidad propia. Allí el ajedrez se torna literal y, antes de ir a lo físico, se da paso al primer duelo intelectual que tiene real sentido dentro de la saga.

A la falta de riesgo en torno a la realización se suman nuevamente esas resoluciones que no convencen, esta vez gracias a los guionistas Kieran y Michele Mulroney, que parecen más bien favorables a la confusión. Con sus fallas técnicas, el film sigue funcionando porque comparte los mecanismos del anterior, con una gran dupla como es la de Robert Downey Jr. y Jude Law, acompañados de logados roles secundarios, como el ya mencionado némesis y el genial Stephen Fry.

Si, The Darkest Hour no es una buena película. Sus enormes falencias la han convertido en el blanco unánime de críticas muy duras en los Estados Unidos, algo que se puede cuestionar considerando la calidad de ciertos productos que llegan a la gran pantalla y vuelan debajo del radar. Cabría preguntarse cuánto de las malas reseñas corresponden al film en sí y cuánto al hecho de que no se hicieron funciones privadas para los críticos norteamericanos, pero eso es tema para otra nota. Seguramente el ensañamiento no esté del todo justificado aunque, a decir verdad, el trabajo de Chris Gorak es merecedor de muchas valoraciones negativas.

"Oh, shit!". El guión de Jon Spaiths brilla por su ausencia, algo que, por ejemplo, evidencia la innumerable cantidad de veces que los protagonistas emplean la interjección que inaugura este párrafo. El film, cuyo mayor esfuerzo de originalidad reside solo en situarse en Moscú, sufre mucho de aquello que afectaba a otra película de temática similar, y también de resultado inferior, Vanishing on 7th Street. Esto es: personajes totalmente prescindibles, incapaces de generar empatía alguna, envueltos en un ataque hacia la humanidad cuyas reglas se cambian a gusto. Aquí las buenas intenciones de actores como Emile Hirsch, Max Minghella y Olivia Thirlby, quienes suelen desempeñarse en forma correcta aún cuando el proyecto sea pobre, no alcanzan.

Mientras que el planteo trata de mostrar cierta frialdad, esa apreciable idea de "cualquiera puede morir en cualquier momento", el desarrollo en general y los diálogos en particular, rebosantes de patriotismo y solemnidad, tienden a nivelar hacia abajo. Y hasta allí llega otro film más en el que un improbable grupo de supervivientes se convierte en la única esperanza de salvar a un planeta al borde de la extinción. Y si bien el chivo reza ???????? ????, la estructura delata un Starbucks ruso, y no importa como quieran disfrazarlo, el producto prefabricado sabe igual en todos lados.

The Help llega a nuestro país luego de haberse convertido en un inesperado éxito en las boleterías norteamericanas, recaudando una cifra ocho veces superior a la de su presupuesto y convirtiéndose en el film que más tiempo lideró la taquilla desde Sexto Sentido en 1999. El film de Tate Taylor, quien no tiene una reconocida trayectoria, es extenso, por momentos demasiado rosa y por otros carece de profundidad. Con esto trato de señalar que las razones por las que esta película ha cobrado tal notoriedad no son tantas, sin embargo, más lo pienso, más me convenzo, hay una que vale por todas: las actuaciones.

En las calles muy bien representadas de Jackson, Mississippi, se respira un aire de odio racial e intolerancia, el cual se sostiene en el gran conjunto de mujeres que el director supo conseguir. En papeles centrales, tanto Emma Stone como Viola Davis logran destacadas y conmovedoras interpretaciones, no obstante se podrá encontrar en algunos secundarios, especialmente en Bryce Dallas Howard, la perra del año, y Jessica Chastain, de un 2011 impecable, lo mejor de la película. Hay además de esto un apreciable trabajo de guión, en el cual se evitan muchos golpes bajos que otro film no dudaría en dar, a la vez que se toma cierta distancia del discurso aleccionador.

Como señala el título con el que se la conoce en Argentina, hay muchas historias que se cruzan en estos 146 minutos, un punto que perjudica al relato por llevar a que muchas de ellas sean tratadas con mayor ligereza de la que merecen. Tal y como el libro que Skeeter escribe, que busca reflejar cómo viven las criadas a principios de los '60 aunque solo parece ser una recopilación de testimonios, de a ratos The Help parece un mero anecdotario.

El malgasto de la vida es el tema que Antón Chéjov aborda en su drama Tío Vania, en el que el personaje del título se encuentra con que ha desperdiciado sus mejores años al servicio de una concepción errada. Un despertar similar tendrá Paul Giamatti, el actor elegido para una nueva puesta en escena de esta obra, afligido por la presión del estreno e incapacitado para desarrollar su papel. El inmediato alivio llega en forma de una nueva tecnología capaz de quitar un gran peso de encima, esos livianos 21 gramos capaces de cargar grandes cantidades de culpas, remordimientos y problemas diarios. Una decisión, un riesgo, una carrera y una vida posiblemente tiradas por la borda, ese es el conflicto con que se halla el Tío Paul, en una película que no puede dejar de recordar a Being John Malkovich.

Es la presencia de Giamatti como el personaje a deconstruir lo que hace de Cold Souls un film de interés, a pesar de la semblanza respecto al de Spike Jonze, con una actuación notable de aquellas que suele ofrecer en grandes películas. Si bien la de Sophie Barthes no es una idea que pueda considerarse original, su puesta en práctica podría haber resultado en un mejor trabajo. Toda la emotividad y gracia que el actor es capaz de aportar, lo mismo corre para una Emily Watson con poca pantalla, acaba algo desaprovechada frente a una historia que no termina de convencer, más allá de lo ficticio de la premisa.

La debutante realizadora ofrece un proyecto con altibajos, con pasajes muy logrados en los que el humor funciona, pero con otros que, de tan sintéticos, parecen mecánicos. Esas falencias, sumadas a la falta de emoción, es lo que hacen tropezar al gran final que la directora tiene entre manos. Una perfecta vuelta chejoviana sobre el personaje de Dina Korzun que, a raíz del desarrollo general, parece equivocadamente inconclusa.

How I learned nothing from cancer (De cómo no aprendí nada del cáncer) fue el título que Will Reiser eligió para coronar el primer borrador de esta película. Unas pocas palabras condensan toda la frustración, el enojo y el alivio de superar una enfermedad terrible, a la vez que dan cuenta de una mirada egoísta sobre la historia, un punto de vista situado en forma exclusiva en su protagonista. Es precisamente el abandono de este único enfoque lo que hace de 50/50 un muy buen film. No solo debe destacarse el hecho de despertar algunas risas a partir de lo que es una de las situaciones más difíciles que se puede atravesar, sino también el hecho de no hacerlo solo.

Si hay algo que la Nueva Comedia Americana ha hecho pisar fuerte en los últimos años, con o sin bromance, es el valor de la amistad. En las buenas, siempre, pero más que nunca en las malas, allí están los amigos de todas las producciones de la escudería Apatow (quien no intervino en esta), así como este Kyle de Seth Rogen. Puede pasar como colgado y ventajero, pero en realidad es un tipo que no sabe lidiar con lo que ocurre con su compañero, pero sabe que dará todo por él. El universo de relaciones de Adam cambia radicalmente a partir de su diagnóstico, con su madre (gran pequeño papel interpretado muy bien por Anjelica Huston), con su novia (Bryce Dallas Howard es la bitch del año, por esta y por The Help), en terapia, en el trabajo y con sus nuevos compañeros de tratamiento. Solo hay una constante, Kyle.

Es probable que Will Reiser no haya sacado nada de su enfermedad y, en caliente, haya escrito un guión que mostraba ese sentir. Ahí está la mano de Rogen y Evan Goldberg, para hacerle notar lo cerca que estaba de su experiencia como para notar que hubo un aprendizaje real, tanto de él como de aquellos que lo rodeaban. Y con ellos, nosotros, más allá de que no haya rastros de solemnidad o discurso en el desarrollo.

Joseph Gordon-Levitt, quien sigue disfrutando de su mejor momento, lleva adelante una muy lograda interpretación, pasando con fluidez por el manual de texto que supone este camino de la aceptación. En él habrá momentos para reír y llorar en justa medida, todos como parte de un relato sincero que, si bien toca las cuerdas sensibles, no cae en el golpe bajo. Y así concluye este muy buen trabajo de Jonathan Levine que es 50/50, una comedia dramática con todos los números.

Habrá defensores y detractores en torno a su figura, pero es innegable que el ingreso de J.J. Abrams a la franquicia Mission: Impossible ha supuesto una revitalización de la misma. Años han pasado desde el estreno de la segunda parte, a cargo de John Woo, secuela inferior a la original en la que no se caía una idea. Pero luego de la tercera, memorable película de acción con un enorme Philip Seymour Hoffman, digamos que solo queda apuntar hacia la excelencia. Y ese es el nivel de calidad de Mission: Impossible – Ghost Protocol, un film realmente emocionante, de aquellos pocos en los que no se puede hablar de "dosis de acción" sino de escasos, y obligados, pinchazos de tranquilidad en lo que de otra forma serían dos horas de acción en su mayor grado de pureza.

Brad Bird dirige su primer proyecto no animado y pasa la prueba con honores con un trabajo completo en el que, como piezas de relojería, nada falla. De igual forma es el sólido guión de los debutantes Josh Appelbaum y André Nemec, viejos conocidos de Abrams por sus trabajos en Alias, pero sin experiencia previa en la gran pantalla. Quien no deja de sorprender es, por otro lado, Tom Cruise, quien a punto de cumplir 50 años se encuentra en excelente forma. Y es ese óptimo estado el que le permite imponerse sin esfuerzo sobre Jeremy Renner, quien tiene, no obstante, muchas secuencias para brillar, más de las que podía enorgullecerse Jonathan Rhys Meyers allá por el 2006.

En la serie de largos aciertos que esta presenta cabe resaltar a Simon Pegg, quien aporta esos necesarios y efectivos toques de humor que han caracterizado a la franquicia, y que pedía más pista en la producción anterior. Por otro lado las decisiones en torno a la secreta figura de Michael Nyqvist, quien parece perfilarse como comodín de villano europeo, no parecen las mejores. Una saga que ha contado con enemigos carismáticos presenta al sueco como un hombre sin voz, con un coeficiente intelectual de 190 que no alcanza para convertirlo en némesis, sino en un sujeto con un plan.

Generalmente se puede destacar una sola escena y ejemplificar con ello lo que mejor se ha hecho en la película, es decir enfatizar un punto. Elegir la mejor secuencia de esta es la verdadera misión imposible, la cárcel en Rusia, la persecución por las calles de Dubai, todo lo que ocurre dentro del Burj Khalifa, son momentos de tan alto voltaje que quedarse con uno sabría a poco. Esta entrega sin duda ofrece una buena pelea por ubicarse entre lo mejor de las cuatro, un film en el que su realizador tensa las cuerdas desde el comienzo y las hace vibrar a gusto, sosteniendo con pulso de hierro una historia que no da respiro.

Norberto apenas tarde es la ópera prima del actor Daniel Hendler, que forma parte de la categoría Competencia Internacional en la 13º edición del Festival Internacional de Cine Independiente en Buenos Aires (BAFICI). Está centrada en el personaje que da título a la película, con una muy buena interpretación de Fernando Amaral, un hombre de mediana edad que descubre ciertos aspectos de sí mismo, como el amor por la actuación, cuando empieza a ver que su vida se desmorona. Se trata de un personaje similar a los que el mismo Hendler suele interpretar en la gran pantalla, con rasgos de antihéroe y la incertidumbre a flor de piel. Toda la historia pareciera tener algo de autobiográfico, quizás no lo sean los problemas financieros, laborales, de pareja o con amistades que aquejan a Norberto, pero sí la pasión por el arte dramático y el sueño de vivir dedicado a ello.

En todos los ámbitos de su vida parece no tener respuestas, fracasa rotundamente y debe mentir, disfrazar sus verdades para no quedar en evidencia. Por el contrario, cuando su talento sobre las tablas se hace notar, descubre la posibilidad de poder ser respetado por otros y considerado uno más haciendo algo que le gusta. Se construye entonces la historia de una vida sencilla a base de situaciones simples, no por eso poco efectivas. Con un toque de categoría, sutil, Hendler construye escenas de la vida diaria cargadas de humor, pero no aquel de la ocasional risa estridente, sino el de la sonrisa constante, el que celebra la cotidianeidad y las historias mínimas. Entrada en su segunda mitad la película se estaciona lentamente, demorando en la llegada a conclusiones y perdiendo un poco las risas que generaba. No obstante se trata de un promisorio debut del actor uruguayo detrás de cámaras, algo que se refuerza por un gran manejo de los actores. Entretenida, simpática, con un personaje principal que transmite todo tipo de sensaciones y una galería de papeles secundarios que destilan simpatía, Norberto apenas tarde es una película que merece ser vista y augura un buen futuro como realizador para el conocido debutante.

Estos fueron días de mucha reflexión acerca de la figura de Werner Herzog y su cine más grande que la vida. Días en que descubro que me apasionan sus trabajos, sus ganas de mostrar algo nuevo, algo diferente, controlando las herramientas que el arte le provee, doblando las reglas cinematográficas a su antojo. Los años le dieron prestigio, el prestigio le dio capacidad financiera, y esta capacidad financiera le brindó la cintura para embarcarse en todo tipo de realizaciones. Proyectos enormes, de gran originalidad, que le permiten circular con fluidez entre el registro documental o la ficción. En los últimos años se ha convertido en uno de los directores más prolíficos, dejando a su paso un legado de grandes obras. Entre estas puede ser incluida Cave of Forgotten Dreams, película que llama la atención desde la premisa, ya que si el director de clásicos de todos los tiempos como Aguirre o Fitzcarraldo decidió hacer una película en 3D, eso es algo digno de ver.

En la cueva Chauvet-Pont-d’Arc no puede entrar nadie ajeno al equipo de investigadores, historiadores o paleontólogos que la estudian desde que fuera descubierta en 1994. Proponiendo que la película fuera propiedad de Francia y cobrando sólo un euro de honorarios, el Estado francés le otorgó al alemán el permiso para documentar su interior. Esta oportunidad de ingresar en terrenos prehistóricos supuso una serie de restricciones. Sólo se le permitieron cinco jornadas de rodaje de cinco horas cada una, luces portátiles de baja intensidad para no calentar el entorno, no tocar nada ni salir del camino señalado, y sólo pudo entrar un equipo de cuatro, por lo que cada uno tuvo tareas específicas. Conociendo las limitaciones técnicas, Herzog supo aprovechar al máximo lo que tenía al alcance de la mano y eligió un formato tan ajeno como el 3D como medio capaz de transmitir con fidelidad el interior de la cueva, debido a los relieves y texturas de la roca.

Una vez más el director se embarca en una de sus aventuras hacia terrenos desconocidos, sobre los que arroja luz por medio de entrevistas a los principales involucrados en la investigación así como también por sus propios registros fílmicos. Son algunos de estos testimonios los que terminan causando algunas molestias, introduciendo valoraciones subjetivas y conjeturas que no terminan cerrando del todo. Respecto a lo que se ve, es algo único el sentirse parte de una experiencia colectiva de descubrimiento, sabiendo que alrededor nuestro hay más de 300 personas que con ojos de niño vislumbran por primera vez esas imágenes hermosas. Es que más allá de su valor histórico estas tienen un valor artístico, lejos de tratarse de las conocidas pinturas rupestres de hombres hechos con líneas rectas, los animales que se avistan, especialmente la pared dedicada a los caballos, son representaciones perfectas.

Herzog asombra, maravilla, conmueve y hacia el final advierte y preocupa. Una central nuclear opera a unos pocos kilómetros de distancia de este patrimonio del hombre, causando trastornos tanto en la flora como en la fauna. Los cocodrilos que a causa de una mutación genética son albinos, hace algún tiempo atrás se hubieran presentado como un desvío por parte del director hacia otros tópicos por los que ya ha demostrado interés. Hoy no obstante, a un mes de la tragedia de Japón y los peligros de un desastre nuclear aún latentes, adquieren un valor casi premonitorio y se convierten en un llamado de atención para toda la humanidad.

Shark Night 3D es una heredera pobre de la Piranha de Alexandre Aja, a la que parecería rendir homenaje. Un film que, exceptuando el rubro actores, está dotado de recursos similares, malogrados en lo que parece un estreno directo a DVD con un alto presupuesto. Un lago de un pueblo alejado, un grupo de jóvenes alzados y una gran cantidad de especies de tiburones para aguarles la fiesta, una premisa poco original que podría llegar a funcionar con un cambio de tono, algo que nunca termina de concretarse. Una película en la que persiste levemente la idea de parodiar al género terror, pero cuya incapacidad para dejar de tomarse en serio la convierte en un exponente fallido del mismo.

David R. Ellis, director de Destino Final 2 y 4, conduce este producto sin arriesgar nada, con tanto temor al exceso que acaba con las manos vacías. Es que ese tono paródico que debería inundar sus 91 minutos demora más de una hora en aparecer, generando en el proceso que escenas como la de Malik, con un brazo menos y armado con una lanza esperando a uno de los peces gigantes, solo sean ridículas. Cabe resaltar también que los efectos dejan bastante que desear, con tiburones más falsos que los de películas con más de 20 años y un 3D que nada aporta, sobre todo por su escaso uso.

Promediando el final habrá un muy buen monólogo de Donal Logue, sobresaliendo como lo mejor del metraje. Con referencias a Morgan Freeman, Guns N’ Roses o La marcha de los pingüinos, se encontrará el primer atisbo real de humor, proveniente de la boca cervecera del sheriff, una suerte de Sean Finnerty (su personaje de Grounded for Life) con un giro oscuro. Tras esto, la película continuará con su predecible derrotero, carente de humor o sorpresas. Al finalizar los créditos será el turno de Shark Bite, video de un rap dirigido por el protagonista Dustin Milligan e interpretado por todos los actores, quienes reviven escenas de la película. Divertido, si, pero desubicado en una película que se acuerda demasiado tarde que debía entretener.

Mark no está teniendo un mal día, él tiene una mala vida. En pantalla veremos esa franja de 24 horas en las que parece que no va a sacar la cabeza del pozo, no obstante es fácil darse cuenta de que, para él, es un día como cualquier otro. Una nueva frustración tras un casting, más reclamos de una pareja que exige lo mínimo, un casero que demanda tres meses de alquiler, lo usual para un hombre demasiado abatido por sus años como para cambiar su presente. Allí, en los suburbios de Dublin, vive junto a su furiosa mujer, su hermano cuadripléjico y su mejor amigo, Pierce, un egoísta alcohólico en recuperación que comparte sus miserias y algún euro ganado con los caballos. En esa sombría casona que todos comparten, en la que todo es una posible trampa mortal (¿se acuerdan de La Herencia de Tía Agata?) se desarrolla esta comedia negra, accidentada y autorreferencial, cuya inverosimilitud funciona bien, aunque acabe jugando para el otro lado.

El absurdo es el elemento fundamental de esta película de Ian Fitzgibbon, cuyo tan demorado estreno en Argentina encuentra al realizador con otros dos trabajos en su filmografía desde entonces. Es difícil querer hacer referencia al resto del film sin contar detalles relevantes de la trama, al menos más de los que la injustificada traducción del título adelanta. Una serie de desgracias se desatarán en los innumerables cuartos que esas cuatro paredes esconden, hechos fortuitos cuya explicación verdadera parece la más disparatada de las mentiras. ¿Cómo dilucidar algo que no se entiende? O mejor aún, ¿cómo se demuestra ser inocente cuando todo apunta a que uno es culpable?. Para los personajes de Mark Doherty (también guionista) y Dylan Moran es fácil: un conjunto de delitos para probar que no hicieron nada. Para más claridad, echar cloro.

Así, tomándose un poco más de tiempo del necesario en arrancar, se desarrollará un film entretenido cuya acción debería ser más sorpresiva, aunque los trailers mismos o algo ajeno a la realización, como es una traducción de un título, le resten mucho de la misma. A medida que esta se desarrolle, tomará por pasajes un sentido oscuro que no le sienta, desvíos que concluirán en un final apresurado e inconcluso. Cierra de todas formas de una manera divertida, con una buena intervención de Jonathan Rhys Meyers, bien cerca del eterno loser Mark, con la posibilidad de interpretar el papel de su vida.

Pocos aspectos establecen tan marcadas diferencias entre los estadounidenses y el resto del mundo como en el caso del deporte. Hockey sobre hielo, fútbol americano, baseball, los elegidos por sus fanáticos gozan de una notable falta de popularidad en los demás países, exceptuando levemente al básquet. Pero aunque el fútbol sea soccer y el béisbol sea baseball, el deporte, no importa cual, es igual en todos lados. Y el deporte, la mayoría de las veces, no es justo. No siempre gana el que más se esfuerza o el que más lo merece, muchas veces la suerte acompaña o no. Pero hay otros casos en los que las cartas ya se conocen, manos en las que juega el dinero sobre todo y que permiten que, en "igualdad de condiciones", se enfrenten entre sí equipos con diferencias abismales de presupuesto.

Es ahí donde se juega El Juego de la Fortuna, que si bien su título parece remitir a un juego de mesa o a uno de azar, hace referencia a un deporte que mueve millones de dólares y a jugadores con una ligereza que asusta. Y en el medio de eso está Brad Pitt o Billy Beane, manager de uno de esos equipos que están "15 pies de basura" por debajo de los considerados pobres. El hombre que entiende que no se le puede ganar a los grandes imitándolos, sino con ideas, astucia y una mentalidad por fuera de la norma. El perfil bajo, el amor por la pelota, la constancia, la convicción y, sobre todo, la capacidad para encontrar diamantes donde los demás vieron carbón, son las claves del Moneyball, un sistema que reinventa el juego, un huracán que revoluciona la forma de jugar. Un Huracán de Cappa.

Ahí reside el conflicto del film de Bennett Miller, un hombre con fe en algo más enfrentando a empresarios, cazatalentos e incluso al propio entrenador, ejemplos varios de una extendida mirada tradicional que le dice qué es lo que tiene que creer. Y con esto se logra una muy buena película, de esas que pudiendo hacerlo no se encorsetan en aleccionar al espectador, de esas que van a más y dejan todo en la cancha y, a pesar de que no lo logren, van a caer intentando. Las buenas actuaciones de Pitt y Jonah Hill, bien podrían tener más tiempo en pantalla Chris Pratt, Robin Wright o Phillip Seymour Hoffman, acompañan un guión más que correcto de Aaron Sorkin y Steven Zaillian que, a la hora de elegir, prioriza con buen criterio el desarrollo del sistema, y el film en su totalidad, sobre el propio Beane, antes que la ejecución del mismo en los diferentes partidos. Un trabajo que supera las expectativas y que, si bien en muchos fragmentos se queda en tecnicismos y demás aspectos que exigen una familiaridad que no se tiene para con el juego, logra franquear airoso la barrera que implica un tema cuasi autóctono para desarrollar una película universal.

En inglés Last Night tiene dos interpretaciones, algo que Massy Tadjedin sabe y utiliza para desarrollar el aspecto más original de su debut como directora. Por un lado es "anoche", en el sentido de que la acción del film transcurrirá durante algunas horas, en lo que para nosotros ya es ayer. Por el otro es "la última noche", que puede ser tanto la última noche sobre la Tierra como el tiempo de descuento para un matrimonio de años. Así, las cámaras de la iraní seguirán en forma neutral a las dos mitades de una pareja que comparte poco en pantalla. Primero Michael, luego Joanna, la realizadora disecará cual cirujana la última noche de ambos, con el alto precio que supone tener una buena historia, con ritmo y sustancia de un lado, y una relación lenta y fría por el otro.

"Hay problemas de conexión", le dice Sam Worthington a Keira Knightley, cuando la señal de su celular falla desde el baño de un bar. Esa frase parecería explicar el estado de su relación con Joanna y justificar esa atracción que siente con su compañera de trabajo. No obstante, las escenas del actor australiano con Eva Mendes son asépticas, más allá de que están bien filmadas, como el resto de la película, denotan cierta incomodidad en los diálogos, pronunciada por una falta de química que se hace más evidente, y en comparación, a medida que el film avanza.

Es que el encuentro de Knightley con el personaje de Guillaume Canet revuelve el pasado compartido y pone en el horizonte el futuro que pudo ser. La noche de ellos es movimiento, comparten una cena con una pareja de conocidos, pasean un perro, van a una fiesta. Se mueven, y con ellos la historia. El trabajo de ambos actores es muy bueno, por eso es que, aprovechando que las piezas más jugosas del guión de Tadjedin fueron para ellos, logran transmitir muchas más emociones con una caricia o una mirada que los otros dos con varios minutos de diálogo. Es en definitiva un interesante debut para la realizadora, un trabajo original que lamentablemente peca demasiado de irregular.

En la pregunta que da título al debut cinematográfico de Martin Viaggio hay una idea llamativa que no se va a concretar y un signo de interrogación que, sin quererlo, deriva a otra cuestión. Su sinopsis bien se encarga de destacar que puede haber una interpretación sentimental respecto de aquello que el paramédico estará obligado a preguntar, y sin embargo, durante un breve lapso, el accidente se espera. Esas largas caminatas nocturnas, las miradas furtivas desde la vereda hacia su pareja, los cigarrillos que no cesan de prenderse y fumarse, uno cree que el personaje de Roberto Birindelli puede ser víctima de un infortunio, lo que abriría una película diferente en la que el título no sería solo una metáfora. Pero eso significaría que se tendría que hacer frente a algo, y para eso ni el personaje ni el realizador parecen preparados.

El sueño recurrente del cigarro eterno o el sentirse atormentado por una pregunta para la que conoce la respuesta, son los rasgos de este hombre de 40 años que se sabe solo. No por una cuestión de falta, su familia, amigos y su hijo así lo demuestran, sino una melancolía perpetua cuyas razones nunca quedarán del todo claras. Su problema es interior, la huída a la hora de confrontar a su pareja o el intento de conexión sexual con su ex mujer a través de la cámara web, lo pintan como un sujeto que rehúye al conflicto. Y de igual forma se conducirá la historia, preocupada por preguntar a quién llamar antes de saber incluso si hay algo por lo que vale la pena levantar el teléfono.

La película solo servirá como un marco, una gran ciudad para que el hombre deambule listo para disparar su interrogante en los momentos menos oportunos. Y así es que se la notará desprolija durante sus ’84 minutos, descuidada tanto delante como detrás de cámaras. Malas actuaciones, diálogos inverosímiles, escenas forzadas y un final confuso están al servicio de una sola pregunta, cuando en verdad debieron hacerse otra: ¿qué queríamos hacer?.

La irrupción en pantalla de Shrek, allá por el 2001, mostraba a las claras que era un personaje que venía para quedarse. El éxito obtenido en su primera película supuso una gran cantidad de secuelas y cortos de temporada que, por su significativa baja de calidad, hoy parecen un exceso del mercado. Pero de entre esta marea de films consecutivos emergió un gato, con aires de héroe de fábulas y ojos tiernos, siempre relegado a ser un segundo del héroe verde y su fiel burro. Puss in Boots es la primera aventura que tiene al intrépido felino como protagonista, fiel aprendiz del estilo y los modos que se emplearon alguna vez en Muy Muy Lejano.

Antes de conocer al famoso ogro, El Gato, quien debió ganarse sus botas, vivía en el orfanato de un pueblo junto a su amigo Humpty Dumpty. De leyenda a forajido, ese es el camino que recorre el pequeño espadachín, arrastrado por el huevo de las canciones infantiles que, parábola del destino, se veía a la sombra de otra figura. Y es Chris Miller, director de Shrek the Third, quien se encarga de llevar adelante la película que se sabía el personaje podía encabezar, firme heredera que combina en forma efectiva fragmentos de cuentos infantiles con buenas dosis de humor.

La película entretiene y resulta cómica en dos niveles marcados, que son aquellos que se vislumbran en el nombre del carismático personaje. Las botas, aunque su atuendo se complete con capa, espada y sombrero, son su característica distintiva, símbolo de humanidad que resalta valores como el coraje y la astucia. Animal de aventuras, puede disponer de sus destrezas cuando la ocasión así lo requiera. Pero en su condición de felino se ponen en evidencia aspectos que, de tan lógicos, resultan tiernos y encantadores. De un zarpazo es capaz de cortar las ropas y barbas de sus enemigos, para luego volver a sentarse y tomar su medida de leche o perseguir en vano una luz brillante. A esa inolvidable mirada gatuna en Shrek 2, que escondía un feroz ataque traicionero, se la extrapola para convertirla en película, explotando el potencial de esa gran escena a lo largo de 90 minutos.

El Gato flaquea a la hora del cierre, perdiendo el ritmo ágil de sus comienzos, la frescura de los diálogos, las risas de los remates. Se contenta con poner moño a la historia, aunque eso implique infantilizarla de más, descuidando mucho de lo conseguido en el desarrollo. Así lo que tiempo atrás nació como parodia de los cuentos para niños, acaba por aleccionarlos de la misma forma, manteniendo las parábolas que aquellos enseñaban. Es destacable no obstante la gran mayoría de la película, digno spin-off que supera las expectativas y se hace un lugar junto a las primeras del ogro verde, muy por encima de algunas olvidables que vinieron después.

"No tengo tiempo de preguntarme cómo pasó. Es lo que es". Dos líneas le bastan a Andrew Niccol para explicar que no explicará nada. Will Salas inaugura la película "reflexionando" sobre un presente cuyo futuro solo tiene un día, y como debe vivir con los ojos puestos en el ahora, de nada sirve explicar lo que ocurrió en el pasado. Esto no necesariamente significa un problema ya que constituye un punto de partida, la cuestión es que los interrogantes que abra la historia seguirán siendo interrogantes al terminarla. El padre de Will, el funcionamiento del sistema, los señores de arriba, todo parece ser válido para un film que, tan interesado por ganar tiempo, no se da cuenta de que lo está malgastando.

El director de Gattaca o Lord of War ha demostrado en su carrera ser un hombre de grandes y originales ideas. In Time no es la excepción, su planteo es sin duda interesante. Parece ser además la única forma de juntar a un elenco de jóvenes estrellas en la misma pantalla, más allá de que el atractivo que puedan tener esté totalmente pasteurizado. Pero aquello que convoca en su premisa de a poco se diluye al encontrarnos frente a una película que flaquea a la hora de la ejecución.

El tiempo lo es todo, no solo para los personajes, sino también para su realizador. Y con el tiempo tiene grandes problemas. En un film tan preocupado por el paso de los minutos es paradójicamente ello lo que falla. La obsesión sobre el mismo es constante, las decenas de planos a los relojes así lo atestiguan, lo que provoca una rigidez tal que le quita cualquier dejo de naturalidad. Las acartonadas actuaciones de Justin Timberlake, Amanda Seyfried o Alex Pettyfer no contribuyen a mejorar ese aspecto.

In Time es la prueba de que una buena idea no siempre alcanza. Con irregulares actuaciones de sus jóvenes actores, bastantes escalones más arriba que el resto están Cillian Murphy y Vincent Kartheiser, escenas forzadas, numerosos baches en el guión y diálogos solemnes, se acaba por construir dos nociones simplificadas al extremo: que el tiempo es tirano y que el pobre es bueno y el rico es-- 00:00:00.

Allá por el 2007 Sony Pictures Animation y la compañía Aardman sellaron un acuerdo de financiamiento, co-producción y distribución de films que recién ahora, cuatro años más tarde, recoge su primer fruto. Y lo hace con Operación Regalo, una película de animación digital que, manteniendo una gran calidad visual, se aleja de la arcilla y el stop motion con que el estudio se ha hecho mundialmente reconocido de la mano de Wallace & Gromit o Pollitos en Fuga.

Justin Bieber inaugura la proyección con el innecesario estreno del video musical de Santa Claus Is Comin' To Town, algo que para quien no aprecia la música de la joven estrella no solo no prepara el ambiente sino que incluso puede generar mala predisposición. La palabra "marketing" pisa mal y fuerte mientras se presta atención a una producción que nada tiene que hacer delante de una película, que luego se comprobará tiene lo suficiente como para mantenerse sola, y se agradece que solo dure poco más de tres minutos.

Pronto arrancará un film que desde su comienzo se destaca por un muy buen guión, dotado de altas dosis de un humor que, si bien tiene una orientación que por lógica es infantil, es efectivo para todo público. Aquí se percibe, más que la mano de la debutante Sarah Smith, el aporte del escritor Peter Baynham, curiosa elección para una película destinada a los chicos y que sin embargo acaba por ser más que adecuada. Guionista de trayectoria en la televisión británica junto al humorista Steve Coogan, entre sus últimos trabajos se cuentan Borat y Bruno, producciones políticamente incorrectas con el sello Sacha Baron Cohen que lo hacen, antes que nada, un hombre probado en la comedia.

En el marco de la Nochebuena, una operación encubierta a escala mundial se pone en marcha para que todos los niños reciban sus regalos. Así se podrán ver logradas secuencias en las que elfos entrenados despliegan tácticas propias de Misión Imposible para que las entregas se hagan en tiempo y forma. Cuando el procedimiento concluya y la base de datos reporte que hay una niña en el mundo que no ha obtenido su presente, el Arthur Christmas del título ejecutará otro plan, uno que lo lleve por todo el mundo con una bicicleta en las manos, comprometiendo el secreto de la maniobra navideña.

De esta forma se desarrolla una historia divertida y disfrutable en todo momento, un pase de antorcha generacional dentro de la dinastía Claus de lo viejo a lo nuevo que se traduce en pantalla como un film ágil que recupera la tradición para un relato moderno. Es también una película que pierde mucho de la originalidad de esa operación secreta en la clásica idea de reencontrar el verdadero significado de la Navidad, lo que implica que desde el primer minuto se conozca su final y el destino de cada uno de sus animados protagonistas. Fuera de esto es una realización muy lograda, cuyo principal premio es el de romper con la idea de producto navideño y convertirse en un film para cualquier ocasión.

La traducción de títulos es por lo general motivo de polémica, especialmente cuando hay un sentido que se pierde. La Doppia Ora significa en verdad "la hora doble", término doblemente preciso para el film debut del italiano Giuseppe Capotondi, tanto por las referencias directas que se hacen al tema como por los hechos que se repiten en la historia. El crimen que adelanta la distribuidora en Argentina es el disparador de un thriller psicológico de buen desarrollo que acaba por conformarse a la hora del cierre.

En su primera parte el film se construye con escenas fuertes que preparan a Sonia, un buen trabajo de Ksenia Rappoport, para lo que vivirá a continuación. El suicidio de una joven a la que le limpia la habitación, el contacto con un sospechoso huésped y un fugaz encuentro con la Policía, conducen a un personaje ya dañado a ser víctima de un crimen y luego vivir con las consecuencias. Con pericia se narra un buen relato de suspenso que juega entre dos realidades, una exterior, con los conflictos en el hotel y los interrogatorios de la policía para saber qué tanto estuvo involucrada, y en un plano interior, sin saber qué es producto de su imaginación y qué no.

Si bien La Doppia Ora cautiva al espectador y su desarrollo genera intriga, es cultora de una suerte de "falso suspenso". El conflicto mantiene el interés y a medida que los eventos se desenvuelven estos profundizan un misterio que, no obstante, acarrea con él una resolución esperada. Cada fragmento del rompecabezas ayuda a la buena confusión que el planteo genera, pero por otro lado acerca también a la idea de que hay un giro "inesperado" a pocos minutos de distancia. Y si bien la vuelta de tuerca permite que la película cierre, aunque se la pueda encontrar en la página 1 del manual de la intriga, la sorpresa pierde su efecto a raíz de la anticipación, dejando así la sensación de que el desenlace no estuvo a la altura de su desarrollo.

Breaking Dawn es el comienzo del fin de esta saga reciente que se ha valido del género "fantástico" para vender suspiros adolescentes con diferente envoltorio. Es también, al igual que Harry Potter and the Deathly Hallows - Part 1, la toma de conciencia por parte de los estudios de que pronto el producto va a escasear y, como supuestamente el último libro en el que se basa es muy complejo, eligen así racionarlo para dos tandas. En esta cuarta película de la saga Crepúsculo si hay algo que prima es la sencillez de su historia. Como si se tratase de colmillos falsos y disfraces de lobo, el gran conflicto que la conduce tiene poco y nada de fantasía y mucho más de drama familiar de telenovela. Y no es casual la cercanía con este género televisivo, al que se asemeja mucho a partir de situaciones hiperbolizadas, actuaciones impostadas, un guión pobre cargado de discursos solemnes, la condensación de múltiples problemas en pocos capítulos (aquí son días) y un final de estilo "continuará".

El comienzo de esta primera parte es una quita de máscara y, a pesar de mucho, es de lo mejor que la saga tuvo para ofrecer. Este sinceramiento es hacia su público, no hay vampiros, no hay lobos, solo una chick flick de una chica que se casa con un chico y todos sus conocidos que celebran esta unión. Esta exaltación de la normalidad de las criaturas, algo para lo que se vienen esforzando desde la original, conduce desde el principio al fin al que apunta toda película romántica, el casamiento y la fiesta. Allí incluso se permite, a pesar del drama y los clichés, tener algunos pases de comedia y evadir un poco el tedio en el que suelen sumergirse las adaptaciones de esta serie.

Pero el film no termina a la media hora y una luna de miel en Rio de Janeiro (donde todo el mundo baila) emprende el camino cuesta abajo que seguirá hasta el final. Es risible la celeridad con que se precipitan los conflictos, hasta convertir a una pareja con apenas días de casados en un matrimonio de años. Luego de su primera noche de amor, Edward decide no volver a tocar a Bella, entonces ella tratará sin éxito de seducirlo, hasta descubrir que está embarazada y, más adelante, que esto puede matarla. A esto se suma que, atrapados en Rio, la pareja se divierte jugando al ajedrez, por si alguien no había entendido que no estaban teniendo sexo. Este dramatismo exagerado juega en contra de la primera parte, más simple y efectiva, y lo seguirá haciendo con nada más que esto (entiéndase Bella puede morir) hasta el final.

Esta historia sobre humanos, hombres lobo y vampiros buenos, que solo matan al que es malo o solo convierten al que está a punto de morir, se desarrolla a la inversa que la séptima del mago más famoso. En la primera parte de Harry Potter no pasa absolutamente nada y en la segunda pasa todo, a diferencia de esta en la que al final se resuelve el conflicto base que guía todas las películas. La elección de Bill Condon y equipo, siguiendo el libro de Stephanie Meyer, es la de resolver el aspecto romántico, el de mayor importancia para su público, y reservar los problemas entre las criaturas para el año que viene, algo claro ya que solo hay una secuencia de acción, a oscuras y tan mal ejecutada que es poco y nada lo que se entiende. ¿Qué queda entonces por resolver si se trata de una película romántica? La excusa.

La piel que habito es un film que se reconoce almodovariano, la mano de su director se distingue en cada fotograma. La temática, la estética, los personajes, incluso la forma de desarrollar la historia, son propias de su filmografía. En ella, el realizador español vuelve al cine noir, aquel presente en La mala educación y en Los abrazos rotos (película que en muchos aspectos es similar a esta), y lo hace desarrollando una historia de obsesión cargada de suspenso. Para aquel que vio los adelantos, es un placer ver cómo aquellos fragmentos, en apariencia aleatorios, se convierten en piezas de relojería que funcionan a la perfección en un film de gran ritmo que, no obstante, se toma su tiempo para desarrollar cada aspecto sin dejar cabos sueltos.

Con buenas actuaciones de Antonio Banderas y Elena Anaya, la última creación de Pedro Almodóvar se destaca por sostener un clima tenso que se mantiene hasta la última escena, capaz de erizar la piel. Atrapante y perturbadora, bien musicalizada y excelentemente narrada, la nueva película del realizador manchego se perfila para ser una de las mejores del año.

Hay que reconocer un mérito que Johnny English Reborn tiene sobre su antecesora, y es la capacidad para que la acción se desarrolle sin necesidad de largas y tediosas explicaciones. La primera carecía de fluidez natural, cada misión, cada asalto, cada plan del villano, todo estaba previamente interpretado por algún personaje que decidía repasar en voz alta lo que estaban a punto de ejecutar. En esta segunda oportunidad aquello está más disimulado y la historia se desenvuelve mejor, no obstante se trata de una copia fiel a la original, con personajes diferentes pero con situaciones calcadas.

El cambio más evidente es en torno a la figura del protagonista. Johnny English es un hombre perseguido por una misión fallida que le costó la vida a un hombre y en la que él fue el culpable, por más vueltas ilógicas que se le de al guión para demostrar que después de todo era inocente. Además dejó de ser aquel torpe agente carente de habilidades que debía mucho de su éxito a la suerte. Ahora, si bien es víctima de sus propias equivocaciones y malos entendidos, se encuentra altamente capacitado y en más de una ocasión supera obstáculos por su talento como espía. De esta forma, lo que nació como una parodia de James Bond pierde en parte su sentido original, quedándose a medio camino entre lo uno y lo otro, entre la acción, que no es mucha, y la comedia, fallida por ser una mera repetición.

Rowan Atkinson cosechó una larga carrera como el alter ego de Mr. Bean, rol que emerge de forma innata en cada una de sus interpretaciones. El humor físico, las expresiones faciales, la torpeza acompañada de la suerte, el buen corazón, cada uno de los elementos de su gran personaje forma parte de aquellos papeles menores como el de Johnny English. Si a esto se suma una historia ya contada, se siente como ver la misma película ocho años más tarde.

Que el jefe desconfíe, que el bueno en verdad sea malo, que se pueda contar con la bella ayuda femenina y el compañero inseparable, son elementos repetidos que se pueden llegar a tolerar para una comedia de espías. Pero que la historia y las "escenas cómicas" sean las mismas da cuenta de una falta de originalidad que señala a las claras que este es el límite para la saga.

Osorio es una mala persona. Desde un primer momento queda en evidencia que no es un personaje de moral dudosa, sino que disfruta de hacer sufrir a los otros. El hogar lo padece, con un bebé recién nacido y su mujer que no se calla por un segundo, pero en el trabajo es rey. En el medio tiene un amorío con la mejor amiga de su esposa, con la que planea fugarse hacia otra vida. Esto, que es muy poco, le basta a Jaime Escallón Buraglia para hacer su primera película, la cual trata de rendir culto al absurdo pero parece que solo alcanza al ridículo.

Lo breve de una sinopsis en cuatro líneas plantea una idea de consistencia que en realidad El Jefe nunca tiene. Ya en la primera escena queda claro la ética del protagonista pero, en favor de unas risas que no llegan, se repiten situaciones que tienden a reforzar lo ya sabido. A raíz de esto es que el conflicto, la intención de huir junto a su amante, demora demasiado en presentarse. Esto permite que en tanto se desarrolle una inentendible trama de intriga, tan descuidada en su trato y rebuscada (que no es lo mismo que compleja) que es de esperar que, como efectivamente ocurre, no llegue a nada.

A esto se suma una gama de personajes que entran y salen de escena colaborando al desconcierto general. Mirta Busnelli, es uno de ellos, en un papel con dos inexplicables vueltas de tuerca amorosas con las que se la acaba por vincular al "Quemado", el gran enigma de la película, no por el misterio de su identidad sino por saber qué tiene que ver en la historia. El Jefe completa así un intento de grotesco muy fallido en el que lo más entretenido será ver las inserciones de estereotipos argentinos que justifiquen el apoyo del INCAA.

Violeta se fue a los cielos no es una simple película biográfica, sería injusto con la obra limitar su alto vuelo con una categoría que no le hace del todo justicia. Lejos está de una entrada audiovisual de Wikipedia o de un mero recorrido lineal por los pasajes más destacados de su vida. En todo caso es una caminata por un terreno rocoso, como el que atraviesa Violeta junto a su hijo, y como tal en ocasiones hace falta retroceder, avanzar a pasos más largos o rodear un obstáculo. Porque así es el tiempo en que Violeta se va a los cielos, un tiempo maleable en el que pasado, presente y futuro se encuentran, en que familiares fallecidos tiempo atrás comulgan con los amantes de hoy, en el que la niña pobre picada por la viruela convive con la más grande folclorista de la historia chilena.

Aquello, que es un importante logro del director Andrés Wood, se complementa con otros dos factores que hacen de Violeta el film que es, la muy buena interpretación de Francisca Gavilán y el tratamiento honesto que se hace de su personaje. Si bien en muchas oportunidades se peca de consciente a la hora de construir los diálogos, la historia es franca al mostrar a la artista, algo alejada del busto y sin pulir los acontecimientos. La frialdad ante la muerte de su hija Rosita Clara mientras ella se encuentra en Europa o los malos modos hacia su gran amor Gilbert, evidencian un planteo que no busca endiosarla, el óleo que se pinta de ella es sincero. Hacia el final hay detalles de peso en la vida de Violeta que son obviados y, si bien va en favor de la fluidez, su desenlace parece algo repentino.

Mitch y Dave eran amigos inseparables de niños y adolescentes, pero con el paso de los años, se han alejado. Dave es ahora un abogado exitoso, casado y con hijos. Mientras que Mitch disfruta al máximo de su soltería. Después de compartir una tremenda borrachera, sus mundos se vuelven del revés cuando se despiertan en el cuerpo del otro.

Solo basta una escena, la primera para ser más específicos, para ver qué clase de película será The Change-Up. Es de madrugada y un Dave dormido trata de limpiar y alimentar a los gemelos. Antes de que él pueda atinar a algo, veremos a uno de los niños cual poseso apaleándose la cabeza contra la cuna y, unos segundos después, el cruce de frontera de lo escatológico: un disparo de diarrea hacia la boca abierta de Jason Bateman. Pero la secuencia no concluye y el padre sigue su recorrida por la casa, dando cuenta de que lo anterior fue un traspié y él sabe exactamente lo que hace, hasta quedar sentado en un sillón con ambos bebés enganchados a sendas mamaderas. Y así se conducirá el film, que hace unos años se llamaba Freaky Friday, sabiendo que la posibilidad de algo mejor está a unos escasos metros de sus protagonistas, pero siempre dándole prioridad al chiste burdo, fácil y efectista.

Hay en el film de David Dobkin (Wedding Crashers) ciertas líneas que habilitan algunas risas, muchas de las cuales provienen de las posibilidades que ofrece la presencia de Leslie Mann, el personaje con el conflicto más grande, el que atraviesa la mayor cantidad de estados emocionales y al que se descuida un poco al momento de la resolución. Ryan Reynolds por otro lado tiende a repetirse y, si bien es simpático, funciona mejor cerca de Bateman, un gran actor al que la comedia, aún en sus formas más pobres, le sienta muy bien.

Jon Lucas y Scott Moore, guionistas de The Hangover, son los autores de esta, una película que en cierto sentido se parece a la otra. Dave es un hombre maduro con una vida armada pero que se arroja de cabeza ante la oportunidad de tener unos días de libertad. En la primera, no obstante, no hay reproches ni culpas por aquella vuelta a la juventud, cosa que sí hay a montones en esta, que todo el tiempo insinúa pero jamás concreta. Pocas veces un título en español es tan apropiado, porque Si fueras yo nunca pasa del “y si”, y cuando asoma un poco la cabeza, los mismos personajes se encargan de contenerse.

Hay algo engañoso en la campaña de marketing de Killer Elite, porque el film que uno encuentra en la pantalla no es el que uno esperaba ver. En los trailers que se difundieron hubo un gran empeño, algo que sólo se puede apreciar una vez vista la película, en pintar una suerte de duelo entre tres agentes de operaciones especiales y nada más. Los eventos, como bien señala la placa inaugural, transcurren en 1980, algo que no se manifestaba de ninguna forma en la previa. Por otro lado Robert De Niro tiene un rol sustancialmente menor al que aparentaba y, para crear una sensación de gran protagonismo que no es tal, básicamente se utilizaron todas sus escenas en los avances, avances que no contenían un solo fotograma de Dominic Purcell quien, a decir verdad, es uno de los tres personajes con mayor cantidad de líneas y tiempo en pantalla. Es que, a pesar de que la década del 2000 ha sido olvidable por sus papeles, el actor sigue siendo garantía de "prestigio" para una realización.

La Asesinos de Elite que se promete se toma un largo tiempo en hacerse presente. Jason Statham, el último gran héroe de acción, es Danny, un mercenario que se retira en la primera escena y vuelve al ruedo en la segunda para rescatar a su mentor. Para salvarlo tiene que matar a quienes asesinaron a los hijos del jeque árabe que secuestró a su amigo, con la modalidad del Arthur Bishop de The Mechanic: que parezca un accidente. Planificar, poner en marcha, ejecutar, el film de Gary McKendry, quizás por respetar el "basado en una historia real" se pasa de lineal y repetitivo. Killer Elite produce la sensación de un videojuego en ese sentido, con misiones que se deben sortear en la mejor forma posible y, sólo si la anterior es superada de manera adecuada, se puede pasar a la siguiente.

Es, a pesar de lo arriba mencionado, una película disfrutable dentro del género, sostenida con buenas dosis de acción, logradas interpretaciones de sus protagonistas (incluyendo a Dominic Purcell, que se roba cada una de sus escenas con sus espesos mostachos) y una producción que sigue al equipo por todo el mundo (con el apreciable tipeo de la ciudad y el país). Tiene además ese encanto que comparte con todas las películas que muestran las calles inglesas de los '80, con construcciones bajas, mucho ladrillo y algunos skinheads al estilo This is England.

Killer Elite no es una película original ni un hallazgo, de hecho muchos elementos pueden ser rastreados en otras producciones. Hay incluso ciertas escenas manejadas con torpeza (lo del neumático desinflado de la novia de la primera víctima, por ejemplo) y otras, como los flashbacks recurrentes de Danny, que parecen de manual. Es, no obstante, un buen entretenimiento que no se hace pesado, a pesar de que en ciertos pasajes de sus casi dos horas de duración gira mucho en círculos. Por último es otra oportunidad de ver a Clive Owen como un agente internacional, un tipo de papel que le sienta bien, y a Robert De Niro con un mejor rostro, como ocurría con Limitless, lejos de las erecciones de Los Pequeños Fockers.

Hace poco más de un año la revista Variety votó a Buenos Aires como una de las mejores locaciones del mundo para rodar una película, gracias a que se la puede hacer pasar como doble de cualquier otra ciudad. Al convivir distintos tipos de arquitectura, se dijo que la capital argentina fácilmente podía recrear a Roma, París o hasta Bombay. Respecto a esto Gustavo Taretto tiene una opinión formada. "Buenos aires crece descontrolada e imperfecta, es una ciudad superpoblada en un país desierto, una ciudad en la que se yerguen miles y miles y miles y miles de edificios sin ningún criterio". De esta forma abre Medianeras, con un gran monólogo para cada protagonista, en los cuales se tiende a equiparar la falta de unidad estética de la ciudad con las fallas personales de cada individuo.

El film tiene su origen en el 2004, con el multipremiado corto homónimo del director que por sus 28 minutos casi es un mediometraje. El debut cinematográfico de este consistió entonces en extender esta historia, que comenzó algunos años atrás y aún exigía mayor tiempo de pantalla. Al igual que la producción inicial, se trata de un trabajo original, divertido y ocurrente, que explora las fobias y las formas del amor en tiempos de actualizar estados online. Javier Drolas y la española Pilar López de Ayala ponen muy bien el cuerpo a Martín y Mariana, dos jóvenes que son ideales el uno para el otro, pero que lo desconocen ya que la enorme Buenos Aires conspira en su contra.

La película de Taretto funciona muy bien porque ya se partía de la base de un gran trabajo que había dejado muchas puertas abiertas sobre las cuales extender la historia. Sin que resulte repetitivo o molesto, el realizador permite que sus protagonistas entablen relaciones con otros que no existían en el corto. Con ello logra un mayor desarrollo y profundidad sobre sus personajes, especialmente en Mariana, generando así una mayor fluidez y un final menos arrebatado. Estos encuentros no obstante, tienden a resolverse en forma demasiado abrupta, contribuyendo a producir, para aquel que haya visto la versión original, una sensación de relleno que no se da en el resto del film.

Medianeras es una gran comedia disfrutable por cualquiera, escrita con inteligencia y llevada adelante con oficio. Es recomendable dejar que Martín y Mariana se busquen por primera vez ahora y no tratar de revisar el archivo para ver si se encontraron en el 2004. El viaje será más lindo si no se conoce el destino.

Antes de asistir a la proyección de Real Steel suponía que se trataría de una película descarada. Imaginaba que habría tomado lo peor de Transformers, le había agregado algunos escenarios white trash y se la habría arrojado así al ring, como un pedazo de carne metálica dispuesta a saciar el hambre del que busca una de robots peleando. Es que, hay que entender, la primera impresión es que se arrojó la toalla y ya no se buscó una excusa argumental para que los autómatas peleen, sino que sólo se hizo sonar una campana. Gigantes de Acero es, por el contrario, un film que encierra la violencia de un cross a la mandíbula, en forma más precisa, a la de Michael Bay y sus personajes. A la inversa de aquella, que oculta su objetivo principal con un argumento a medias, esta no esconde en ningún momento que quiere mostrar a los robots asi, y con menos culpa puede desarrollar una muy buena historia de redención y segundas oportunidades.

Charlie Kenton trata de salir adelante como puede en un mundo que lo dejó afuera muy joven. Tiene todas las cualidades de un timador, agradable, simpático y hasta querible, con nadie dispuesto a poner dos pesos a su nombre. El hijo con quien prácticamente no tuvo contacto en su vida llega a su puerta para pasar una temporada a su lado y encuentra en el boxeo una vía de formar un vínculo con un padre ausente que, sin que el niño lo sepa, lo vendió por unos miles de dólares. Tras una mala racha encuentran a Atom, un robot con un dispositivo de mímesis que tiene chapa de campeón.

Los combates que se desarrollan son de una pasión que hace largo tiempo no se ve en cine, de esos que se palpitan al borde de la butaca. A decir verdad, los gigantes de acero del título parecen tener venas en vez de cables y sangre corriendo por sus circuitos. Real Steel es un film cargado de emoción, el del retador menor que tiene un vistazo hacia la gloria, en una revisión moderna de lo que fue Rocky.

Baseball, básquet, carreras de caballos, John Gatins ha escrito guiones sólo de deportes, por lo cual parecía una elección lógica para tachar boxeo de la lista. Si bien el film tiene mucho servido por las excelentes secuencias de pelea, por momentos recurre a frases hechas y declaraciones solemnes ("¡Quiero que pelees por mi!"), que le restan fuerza y originalidad.

Shawn Levy logra sortear la previsibilidad y el piloto automático con que se hacen estas películas, el no recurrir al falso 3D o al slow motion constante para estilizar secuencias de acción da la pauta, y acaba por ofrecer su mejor trabajo hasta la fecha. Son los ojos esperanzados de Dakota Goyo, el salto para lanzar un golpe de Charlie (en un slowmo bien usado), los movimientos humanos de Atom y sus bailes, como un Naseem Hamed robótico, los que hacen de Real Steel una película gigante que debe atesorarse, como una pieza útil en un mar de chatarra.

Mucho se ha volcado sobre este film antes de su estreno en nuestras pantallas. De amar u odiar dicen, como es el cine de Terrence Malick, aquel texano hermitaño con ahora cinco películas en una carrera de cuatro décadas. La Palma de Oro en Cannes 2011 y el Gran Premio Fipresci a la Mejor Película del año, por un lado, excentricidades a la hora de proyección en ciertos cines (cambio de entradas en caso de no entenderla a los 30 minutos o rollos invertidos que nadie nota) por el otro.

"¿Dónde estabas tú cuando yo fundaba la Tierra?". The Tree of Life sentencia su significado desde el comienzo con una cita bíblica del Libro de Job. Malick dijo "Presente" cuando Dios pasó lista, y para probar que no mentía llevó su cámara a la mismísima creación. Allí, a las raíces, cuando los dinosaurios andaban la Tierra (en una escena tanto hermosa como emotiva), cuando el mínimo acontecimiento cimentaba la posteridad. No se puede hacer más que deshacerse en elogios hacia la belleza natural en las imágenes del film, en ese viaje espiritual de perfecta música e inmensa fotografía(gran trabajo de Emmanuel Lubezki) con un terror claustrofóbico al más mínimo espacio cerrado.

Ese viaje tiene un destino en la triste madurez de Jack. Malick seguirá, no obstante, un trayecto alterno, el que se disfruta más, desde el origen de los tiempos hasta el presente, deteniéndose antes en la infancia de este adulto en los años '50. Si bien mantiene esa devoción encantadora hacia la naturaleza y los planos abiertos, es allí cuando el film pierde su potencia creadora e impacto visual, a manos de un relato cada vez más clásico en lo narrativo como inocente en su tratamiento. Aquel placer estético se encuentra así a un fiero oponente en el tedio histórico de una familia del Medio Oeste norteamericano, demasiado menor para ese fresco universal que Terrence Malick empezó a pintar hace 30 años.


Nota al pie: Malick, quien se toma lustros o décadas entre película y película, está trabajando actualmente en tres proyectos que podrían ver la luz en los próximos dos años. Como pasa con Werner Herzog y su incontinencia creativa, es bueno que este director norteamericano atraviese un proceso similar, el de dejar un legado, el del cine más grande que la vida.

El guardián del zoológico es una típica película de la factoría Happy Madison, productora de Adam Sandler especializada en llevar adelante proyectos que, a algunos años del estreno, alimentan la grilla matutina de los canales de cable. La compañía empezó a funcionar a fines de los noventa, tiempo después que las recordadas comedias del actor, y no tuvo participación en los mejores trabajos del humorista en la década siguiente, como Funny People o Punch Drunk Love. Es una empresa que parece más orientada a dar trabajo a los amigos, generalmente repite actores y directores, a raíz de lo cual todas las realizaciones acaban por verse similares.

Dr. Dolittle ya hizo su parte hace 13 años con el tema de los hombres que hablan con los animales. De hecho el éxito de la original justificó que se hicieran otras cuatro iguales. Nick Nolte, Sylvester Stallone, Cher, son algunos de los que prestan sus voces para los “divertidos” animales, algo que se hacía en su momento y actualmente se hace en todas las películas animadas. La voz del elefante precisamente es de Judd Apatow y eso es lo único que acerca a Zookeeper a una de las películas de este.

Y es que, como una clásica película de la productora arriba mencionada, es igual a las demás. Kevin James es simpático, pero en todas hace el mismo papel, sea secundario o protagonista es el gordo buenazo, al que le sigue faltando esa pizca de intento de viveza que tenía su Doug Hefferman de The King of Queens y que lo hacía tan desastrosamente divertido. Sin embargo, como es tan parecida al resto, bien podría haber estado protagonizada por Adam Sandler, David Spade o Rob Schneider, o dirigida por Dennis Dugan en vez de Frank Coraci y el resultado hubiera sido el mismo. Es entonces un producto poco original, repetitivo, predecible, sin gracia, que todo lo resuelve con un golpe a la cabeza o una caída y en ningún momento busca apartarse del molde con el que parecen hacer comedia. Si bien está Ken Jeong, un actor que en cualquier papel la rompe y a todo le suma uno o dos puntos, es un film demasiado infantil, pensado exclusivamente para los chicos.

Hacía falta una película como esta para que Kristen Wiig tuviera su reconocimiento por fuera de la pantalla chica. Hace años que es parte de Saturday Night Live, aunque el éxito lejos del selecto grupo cómico nunca ha estado garantizado. Por más mínimo que sean sus papeles, Adventureland, Walk Hard: The Dewey Cox Story o Knocked Up para nombrar algunas de las películas en las que participó, siempre cumple aportando su cuota de talento, como una versión femenina de Bill Hader, a quien bien le vendría un protagónico. De a poco ha ido ganando más tiempo en cámara, Paul por ejemplo, pero Bridesmaids es la oportunidad que estaba esperando, por un lado para mostrarse como una guionista muy capaz, pero también como una gran comediante con posibilidades de encabezar un proyecto por su cuenta.

Y el film con el que lo hace es un clásico Apatow que, por primera vez, está protagonizado por mujeres. El abanderado de la bromantic comedy, a base de divertidas historias sobre la amistad entre hombres, abre las puertas para que surja un cine femenino diferente, disfrutable por cualquiera, sin caer en la previsibilidad de una chick flick.

Annie está en un mal momento de su vida. Su panadería fue a la quiebra gracias a la situación económica del país, no tiene novio, el hombre que frecuenta la hace sentir miserable y, por sobre todo, Lillian está a punto de casarse. Ella puede soportar esto en forma estoica, pero no tolera que la perfecta Helen trate de arrebatarle a su mejor amiga. En un sentido tiene eso que volaba por encima de Superbad, ese saber que la vida sigue y que el momento en que se encuentran no es el mismo de antes. Esa escalera mecánica que distanciaba a Seth y Evan para transportarlos a otra etapa en la que su amistad atravesaría su prueba más difícil, es lo que ve Annie en cada propuesta de la otra, un obstáculo más en una relación de años, una brecha que se agranda en forma inevitable.

Con esto pensado la película se desenvuelve sola. El único problema del film de Paul Feig es el mismo que afectó a otra gran película como es Funny People, una extensa duración que magnifica los tiempos muertos y resalta la falta de gracia de ciertos fragmentos. No obstante, con un buen grupo de actrices para acompañar, notable Melissa McCarthy, diálogos originales, situaciones desopilantes y una carga emocional que en más de una ocasión estalla, Bridesmaids se presenta como una de las mejores comedias de la temporada.

Hay muchas vidas a punto de comenzar en La Vida Nueva. Laura está embarazada de un hijo que no quiere tener, Juan, futuro padre, es testigo de una pelea entre jóvenes del pueblo y se ve obligado a tomar una difícil decisión. Además de la pareja está Sol, la estudiante de piano, quien puede obtener una beca que la saque del pueblo; Benetti, con la oportunidad de recuperar a su novia de la adolescencia y, atravesando a todos ellos, César, el joven herido que trata de arrebatarle a la muerte un tiempo más de vida. Para bien o para mal todos ellos están al borde de aquello que cambiará sus existencias y, a excepción del moribundo, está en sus manos que eso suceda. En cierto sentido el nuevo film de Santiago Palavecino llega a ese instante, pero allí se queda.

El trío de guionistas compuesto por Santiago Mitre, Alejandro Fadel y Martín Mauregui suman sus plumas a la del director para llevar adelante una película de muy buen desarrollo que, a la hora de la verdad, no termina de concretar. Conducen con pulso un film cargado de múltiples conflictos de peso, capaces por sí solos de sostener su propia historia. El amor, la ausencia del mismo, la culpa, el deseo, la música (muy buena, por cierto), son algunos de los temas que abordarán, con especial atención sobre el poder, aquel que seducía al Roque del antecedente más cercano de los escritores, la gran El Estudiante. Y aquí es el dinero el que otorga ese poder, aquel que permite tener en el bolsillo a todo un pueblo, aquel que lleva a un simple veterinario a olvidarse de sus principios y convertirse en cómplice en contra de aquello a lo que se oponía.

Alan Pauls, Martina Gusman y Germán Palacios son las caras de un juego de tres que no llega a constituirse como tal en forma plena. Ella como expresión de la crisis con una pareja que está a medias, porque Juan padece el distanciamiento de su mujer, pero a la vez hace lo propio alejándose emocionalmente luego de haberse traicionado. Y allí va y viene Benetti, el tercero en discordia, el músico exitoso, el que no quiere que la gente se harte de él y por eso desaparece tan rápido como llegó.

Sus historias son fuertes y así se las sigue, a la espera de algo que no ocurre. Todos al borde de esa vida nueva y ninguno capaz de tomarla. Juan víctima de una caída libre que le impide hablar aún si eso significa que todo lo que conoce se desmorone, Laura que posterga una decisión por décadas y sólo actúa cuando su presente se vuelve insostenible, y Benetti, que nunca fue capaz de llamar a su antigua novia y sólo vuelve cuando su sobrino está a las puertas de la muerte. Y allí está el film de Santiago Palavecino, a un paso de ser una gran película, pero sin decidirse a saltar.

A los actores de sagas como las de Crepúsculo o Harry Potter les cuesta salir del encasillamiento en el rol que los lleva a la fama mundial. Tanto Kristen Stewart como Robert Pattinson ya han intentado, con mayor o menor éxito, romper el cerco vampiro encabezando otras realizaciones que no requerían que se alejaran demasiado de sus papeles conocidos. El que faltaba era Taylor Lautner, quien busca pegar un salto a medias con Abduction, una película de acción muy light que trata de mantenerse cercana al público adolescente que sigue a su protagonista.

La joven estrella transpira Twilight por los poros, como si fuera una exigencia del contrato hacer nuevamente de Jacob. Un juego interesante que se puede poner en práctica en la previa a la proyección es tratar de medir el tiempo que tardará el joven actor en aparecer sin remera. La velocidad con que lo hace sorprende, de la misma forma que el notar que todavía gruñe como si el lobo estuviera a punto de aflorar. La identificación con un sector específico de la audiencia no se limita sólo a su personaje central, de hecho la amenaza del gran villano es eliminar uno a uno a todos los contactos que el otro tiene en Facebook.

Tras una década y media de mantener un promedio de una película cada dos años el director John Singleton se tomó una larga pausa. Four Brothers (2005) había sido su último trabajo, una buena película de acción centrada en la búsqueda de venganza de cuatro hombres criados como hermanos por una madre adoptiva recientemente asesinada. Si Abduction es una peor película en todo sentido es porque parece más ocupada en instalar una nueva franquicia joven a la que explotar. El guión del debutante Shawn Christensen toma ciertos elementos de Wanted y Bourne a los que agrega muchas hormonas, dando como resultado un film azucarado y carente de originalidad.

Hay no obstante ciertos elementos rescatables, sobre todo durante la primera parte. Fundamentalmente se dan con las intervenciones de Maria Bello y Jason Isaacs, este último boxeando a Lautner, al igual que Sigourney Weaver, Alfred Molina y Michael Nyqvist, todos como parte de una gran trama de secretos y mentiras que llama algo la atención hasta que se revela como un Wanted sin disparos curvos. Así la elección del joven Taylor como héroe de acción queda justificada, ya que se trata, sin llegar a los extremos de I Am Number Four, de otra película pensada para aprovechar la mina de oro que resultó ser el público adolescente.

Hilary Swank está en una etapa de cambio como en la que se encuentra Adrien Brody, tomando cierta distancia de los papeles dramáticos que la llevaron a la fama y pasando a géneros en los que no pisa del todo firme. Pareciera estar buscando desesperadamente demostrar que es una mujer, tomando roles más femeninos y apartándose de los papeles varoniles que ya le reportaron dos premios de la Academia.

En esta oportunidad se vuelca al “suspenso” en la ópera prima del finlandés Antti Jokinen. Y hablar de suspenso en este caso le queda grande a una película incapaz de manejar lo que genera. Hay unos buenos 30 minutos iniciales en los que se plantea el conflicto, sostenido por la actriz acompañada del carismático Jeffrey Dean Morgan y de un Christopher Lee que colabora en construir una atmósfera sombría. Súbitamente el director muestra sus cartas antes de la mitad del juego. Durante unos largos minutos sobreexplica la vuelta de tuerca, reviviendo cada una de las escenas desde la mirada del malo. A partir de ese punto el final no tiene propósito, y el film encuentra su lugar como un thriller predecible y repetitivo.

Johann corre en círculos en el patio de la prisión a la que está confinado por robo de bancos. Su recreo termina e, increíblemente, sigue corriendo en su celda, en una cinta andadora ubicada delante de sus múltiples pares de zapatillas deportivas. La de Johann es una historia real, la de un maratonista austríaco que por hobby asaltaba bancos. Y en silencio, corre. Como en la cárcel, una vez que empieza no se detiene y así da comienzo a un ejercicio fílmico (¿o físico?) en que la cámara sigue a la par sus interminables pasos.

Der Räuber es un thriller filmado con mucho pulso por su director Benjamin Heisenberg. Se trata de un film ágil en perpetuo movimiento, ligado a la suerte de un protagonista que no puede dejar de acelerar. No es convencional, Johann es un hombre silencioso, impasible, al parecer distanciado emocionalmente de todo. Pero corre, y en eso es el mejor. Y el director lo hace junto a él, no lo sigue desde atrás, corre a su lado. Esta velocidad constante da como resultado algunas secuencias sorprendentes, como los dos robos en un día, seguido de una larga persecución que se extiende hasta el final o el montaje de autos y música que indican que sigue en los asaltos. Todas tienen el punto en común del protagonista corriendo. Y este vínculo irrompible hombre/cámara falla entonces cuando se detiene, cuando lo relaciona con una mujer, cuando sus largos silencios apoltronan una historia que no dejaba de moverse.

Con precisión de relojero cada dos años Greg Mottola entrega una nueva gran película. No repite fórmulas, cambia, busca nuevos guionistas, da oportunidades a jóvenes actores y siempre cumple. En el 2007 buscó y logró risas con Superbad, film que potenció a un adolescente grupo de actores y a sus principiantes escritores Evan Goldberg y Seth Rogen. En el 2009 volvieron los ’80 con Adventureland, su mejor trabajo hasta el momento y lamentablemente el menos conocido. Con Paul juega a la ciencia ficción. Como niños en una dulcería, lleva al paraíso geek a sus siempre presentes nerds y los deja tocar todo. El resultado es una divertida y emotiva comedia cargada de personajes entrañables, como aquellas que suelen caer de otro cielo que es el de Apatow.

Y para el combinado sci-fi humorístico, nada mejor que aquellos que durante algunos años han mezclado sabores del otro lado del charco. Simon Pegg y Nick Frost han probado como dupla actoral, y como guionista el primero, la comedia de terror (Shaun of the dead), le han sumado acción (Hot Fuzz) y, en su primer guión co-escrito, juegan con Mottola a la ciencia ficción. Y como él, cambian. Pero al igual que el director mantienen un punto fundamental: el corazón. Sus personajes pueden insultar cada dos palabras, pueden hacer cosas ilegales, los puede perseguir la policía, pero nunca pierden sus valores, y en estas películas lo principal es la amistad. Paul es cómica, ocurrente, franca, emotiva. Puede que el género sea otro, pero en la práctica es lo mismo. El mismo cine de Mottola, el mismo ejemplo de felicidad.

Juan y Eva es la historia del origen y la consolidación del romance entre dos de las figuras políticas más importantes del siglo XX argentino. El título es claro, el enfoque está puesto en el hombre y la mujer detrás del mito, y el amor que se profesaron antes de convertirse en Perón y Evita. También es una película que se estrena a poco más de un mes de las elecciones presidenciales por lo que es, en ese sentido, susceptible a que se la mire de reojo como una realización de fines propagandísticos. Cabe aclarar que esa idea previa se desvanece de a poco mientras la proyección avanza y, si bien no es "apolítica" como definió su directora, sería injusto tildarla de electoralista.

El film se destaca por una gran representación de época que no necesita apelar al ornamento. Austero pero preciso, es evidente el fuerte trabajo de producción en el cuidado de los detalles. Son notables también las interpretaciones de sus protagonistas, en ambos roles de peso sobre los que se sostiene la historia. Sin importar el parecido físico, tanto Osmar Núñez como Julieta Díaz acaban identificados con dos papeles difíciles, de los que mucho se sabe y se ha visto, pero poco en el período representado.

Respecto al tema político, parece temeroso el calificar a la película de apartidaria por el hecho de transcurrir en una etapa que antecede a la antinomia peronismo-antiperonismo. Si bien desde un principio se tiene la pauta de que el costado que se muestra es el humano (la relación de Perón con María Cecilia, por ejemplo), se puede dudar de si verdaderamente está tan disociada de la actualidad. Hay respecto a esto una escena en particular (se puede ver un vistazo en el trailer que está más abajo), en que el embajador Spruille Braden (Alfredo Casero) encabeza la Marcha de la Constitución y la Libertad. Allí circula la multitud con los puños en alto, banderines norteamericanos y carteles en los que se lee "Unión Cívica Radical" y "Sociedad Rural Argentina", todo esto acompañado por una tétrica música de película de terror de fondo. Ejemplos como este desdibujan lo que es, en esencia, un film "apartidario".

Respecto a la historia de Juan y Eva, hay en el guión un trabajo opuesto al que se condujo respecto a la puesta en escena. De aquella se resaltaba la austeridad como punto a favor, algo que falta en el relato escrito por su directora Paula de Luque, sobre la novela homónima de su marido y actual Secretario de Cultura, Jorge Coscia, el cual se mantiene muy apegado a las citas. Meticulosa y respetuosa, el buen desarrollo de la historia de amor pierde fluidez a manos de la solemnidad y el discurso.

Por la cercanía en el tiempo de un estreno con el otro, es imposible no ver Friends with Benefits (Amigos con beneficios) y establecer comparaciones con No Strings Attached (Amigos con derechos), dado que como sus títulos demuestran prácticamente comparten argumento. Teniendo en cuenta que la segunda contaba con una dupla protagonista de mucho mayor peso y que su resultado aún así había sido malo, poco se podía esperar de esta nueva película. Un punto de partida para mirarla con otros ojos era la presencia de Will Gluck en la silla de director, sabiendo que su último trabajo, Easy A, resultó en una comedia muy lograda. Es en parte gracias a él y a sus guionistas que este segundo acercamiento del año al tema de los fuck buddies sea notablemente superior al primero.

No hay que menospreciar a este estreno aseverando que sólo es una buena comedia por comparación con una mala. Es una buena comedia porque funciona como tal. Los diálogos son ágiles, la pareja del título tiene mucha química y, como últimamente necesita cualquier film de este género, hay un buen grupo de personajes secundarios. La frescura de Mila Kunis es una constante en un papel bastante similar al de Forgetting Sarah Marshall, mientras que Justin Timberlake lo hace dentro de todo bien, salvando los momentos en que los realizadores buscan que sea Justin Timberlake y lo hacen volver a la época de 'N Sync. Por otro lado tanto los experimentados, como la desatada Patricia Clarkson, el avejentado Richard Jenkins y la loca de Woody Harrelson, hasta los novatos, el pequeño Nolan Gould (Luke de Modern Family), todos acompañan a un dúo que no sufre la necesidad de compañía dado que se sacan chispas frente a la cámara. Para cerrar con el tema actores hay que mencionar las simpáticas participaciones menores de Emma Stone, Jason Segel y Rashida Jones, estos últimos dos en el marco de una falsa comedia romántica que dan en televisión.

Tanto lo ya mencionado como ciertos detalles, como la relación de Dylan con su padre enfermo (lo cual en un primer momento parece descolgado pero con buenas actuaciones y guión se ajusta perfecto) o los momentos cómicos durante el sexo PG-13 made in Hollywood, son puntos favorables para una película que no arriesga demasiado e igual gana. Son aspectos que mejoran mucho una película que por lo general sigue un rumbo fijo hacia la habitual previsibilidad de género.

"Para ser un tipo con un coeficiente intelectual de cuatro dígitos, debo haber errado en algo", piensa Eddie Morra desde la cornisa de un rascacielos, al borde del suicidio. Desaliñado, con el pelo desprolijo y lejos del traje de la escena anterior es la siguiente imagen que ofrece, en la cresta de un bloqueo de escritor que lo ha vuelto un ser completamente improductivo. Su voz en off da a entender a las claras que él será quien tome la responsabilidad de la historia, con lo cual, más allá de que Robert De Niro esté presente en una de sus mejores películas de un tiempo a esta parte, es entera responsabilidad de Bradley Cooper llevarla adelante.

En los últimos años este actor norteamericano ha logrado dar el salto que implica pasar de secundario a estrella y, si bien ha encabezado proyectos, este es el primero que lo encuentra como absoluto protagonista. Ha formado parte de grandes ensambles románticos, de un equipo de acción (The A-Team) y en dos oportunidades de uno de los mejores tríos cómicos de la década (The Hangover), pero esta es su primera oportunidad de cargar con todo el peso de la producción en sus hombros.

Lo hace en un film que recuerda a John Doe, aquella serie del 2002 con Dominic Purcell cancelada luego del espectacular episodio final de la primera temporada. Si allí el personaje que parecía saber todo menos su nombre utilizaba sus dotes para ayudar a resolver crímenes, aquí Eddie Morra tiene un objetivo más humano: poder y dinero. Es que, partiendo de la base ficticia de una droga que permite utilizar el cerebro al 100%, la película envuelve a sus involucrados en una trama con los pies sobre la tierra. Y esto lleva a que sea mayor la carga sobre su protagonista, dado que no hay una contraparte definida, sino varias. Es la sencillez del razonamiento lo que conduce a que el film abra múltiples variantes fáciles de controlar, al girar todas en torno a la codicia. Todo aquel que toque la fuente de la sabiduría va a quererla, de forma tal que cualquiera es un potencial enemigo.

El guión de Leslie Dixon (The Thomas Crown Affair, Pay it forward), adaptación de The Dark Fields de Alan Glynn, es ágil y entretenido, cambiando rápidamente a la versión loser de su personaje central por uno cargado de confianza y carisma, con un brillo propio que se refleja en cámara. Su mayor inconveniente es que, de a ratos, deschava sus cartas permitiendo que el público tome conocimiento de sus intenciones, anticipándose a un sujeto que usa el máximo de sus capacidades cerebrales. Más allá de esto el director Neil Burger, al igual que en El Ilusionista, juega bien una mano ganadora y, aunque algo se pueda percibir, se guarda algún as bajo la manga hasta el final.