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Imagen del crítico Mauro Jacobo
Mauro Jacobo
  • Cantidad de críticas: 461
  • Promedio: 60%
  • Críticas favorables: 322/461 (70%)
  • Críticas desfavorables: 139/461 (30%)
  • Diferencia absoluta: 11%
  • El sorprendente Hombre Araña 2
    Bastante menos sorprendente...

    Debo decir que este nuevo proyecto de reboot del héroe arácnido me viene decepcionando BASTANTE. La primera película de la nueva franquicia no era una maravilla ni cambiaba demasiado con respecto a lo que pudimos ver en la saga de Sam Raimi, pero tenía al menos más frescura y proponía un buen porvenir, en cambio esta segunda parte se estanca totalmente y transmite la sensación de que hacia adelante no habrá mucha más evolución que seguir metiendo y metiendo una gran cantidad de villanos bobos y más explosiones.
    Ver algunas películas de superhéroes de gran calidad como "The Dark Knight", "Watchmen" o "The Avengers" te hacen dar cuenta de lo flojas que pueden ser otras de este sub género, más allá de la mirada bonachona y nostálgica que le solemos dar por nuestro ñoño interior que quería que el resultado fuera genial.
    La primera impresión que me dio la película cuando comencé a verla ya fue floja, pero a medida que iba avanzando el metraje e iban apareciendo las contrapartes que debían enfrentarse al Hombre Araña me fui desilusionando cada vez más. En su afán de gestar el comienzo de los "6 Siniestros", el director Marc Webb se olvidó de la trama central de este film y se enredó demasiado tratando de unir todas las historias e ir presentando los nuevos villanos (a la velocidad de la luz y muy torpemente). El personaje de Harry Osborn-Green Goblin (Dane DeHaan) aparece de la nada como un viejo amigo de Peter Parker y se propone una interacción de amistad entre ambos que no llegamos a comprar en ningún momento del film. Nunca me llega a convencer de que son grandes amigos y que enfrentarse en batalla les generará un conflicto emocional, lo cual luego nos quieren hacer creer como parte del nudo de la trama. Luego tenemos a Electro (Jamie Foxx)... el que sería el villano principal del film. Su personaje es por momentos demasiado exagerado e infantil, caricaturizando de cierta manera al original, aunque a mi gusto es el que mejor sale parado. Por último está Rhino (Paul Giamatti) que casi no aparece y cuyo rol es demasiado pobre y clicheroso. El acento de inglés-ruso que le hicieron imitar a Giamatti es sencillamente estúpido y da vergüenza ajena.
    Hay algunos momentos de tensión buenos pero son muy pocos. A su vez, los acontecimientos sucedidos dan a entender que la tercera parte será bastante más oscura que esta, pero como dije anteriormente, esto no garantiza que sea mejor a lo ya visto. Creo que lo mismo que le sucedió a Raimi con la tercera parte de su saga, que se volvió demasiado infantil, le está sucediendo a Webb y debería tratar de no cometer el mismo error.
    "El sorprendente Hombre Araña 2" no es un pésimo entretenimiento, pero no es la superación que esperábamos de este reboot. Sólo para los super fanáticos de las aventuras del arácnido.
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  • El crítico
    El crítico
    Cinélico
    La comedia romántica que se ríe de la comedia romántica

    "El Crítico" es un film de coproducción argentina-española que explora la ironía de trabajar criticando cine y a la vez verse inmerso en la vida real dentro de un género que el crítico suele detestar casi por naturaleza, la comedia romántica.
    Lo irónico del guión está bien planteado, es algo un tanto pretencioso, pero la premisa es interesante. El problema surge cuando los guionistas no se deciden por tratar la cuestión central con total ironía o tirarse para el lado comercial y ofrecer otra comedia romántica más pero con un poco más de cabeza. A mi forma de verlo, termina siendo esto último, un producto que con algunos toques más de acidez y cerebro que la media nos termina ofreciendo la típica comedia romántica de contrapartes opuestas que por milagros de la vida se terminan uniendo y viviendo una aventura de amor azucarada. Sí, ya se que me van a decir que el final no es el típico de este género, pero no es más que el resultado lógico y predecible de hacia donde debía confluir la peripecia. Con esto no diga que sea una mala película, en absoluto, pero sí creo que le faltó jugarse un poco más.
    Viéndola como exponente de la comedia romántica argentina, es un buen entretenimiento, inteligente y original, aunque su dinámica, un tanto sosa, no la deja llegar a lo más alto del podio cinéfilo. Hay algunos gags que funcionan y otros no tanto, al igual que los personajes secundarios, como por ejemplo el amigo crítico de nuestro protagonista que está muy bien en su rol y por otro lado el joven cineasta en busca de venganza que no llega a cubrir las expectativas de villano. Los protagonistas, Dolores Fonzi como Sofía y Rafael Spregelburd como el crítico gruñón Víctor Tellez, hacen un buen trabajo interpretativo, carismático y convincente, aunque nunca llegan a ser tan divertidos como uno esperaría.
    En conclusión diría que es un entretenimiento bueno, con algunos lugares menos comunes que la media de comedias románticas pero que no llega a decidirse si quiere ser un producto comercial o algo menos mainstream.
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  • Osos
    Osos
    Cinélico
    La belleza de la bestias

    "Osos" es un nuevo documental/film de la división Disneynature de la factoría Disney. Anteriormente nos ofrecieron otros productos similares a este como "Chimpancés", "Felinos de África" y "Océanos". Como dije anteriormente en las críticas de estos trabajos, lo que pone Disneynature en pantalla es sencillamente fabuloso a nivel visual, con tomas realmente increíbles de la vida salvaje, situaciones que no son fáciles de captar y algunas escenas que son dignas de guardar en la mente por mucho tiempo, pero el gran problema de estos trabajos viene por el lado de querer humanizar la vida salvaje, hacer de cuenta que una osa adulta que pare a dos oseznos en su hábitat natural es una madre de los suburbios con sentimientos y preocupaciones de crianza... Entiendo la razón marketinera de fondo, es lo que vende, pero sería poco fiel a mi persona si no remarcara lo absurdo que me resulta la dinámica. A esto hay que sumarle la edición que se hace de ciertas situaciones salvajes, que de ser expuestas tal y como se producen, irían en contra del aura "felices forever" de la marca. De nuevo, entiendo que está pensado para los niños en su mayoría y para los amantes de la belleza de los animales que toleran esto, pero hay algo que sencillamente no está bien de humanizar a una bestia de 400 kg que de tenerte en frente en la desolada Alaska no razonaría como un par.
    Sacando este tema, que se podría decir no es demasiado grave, los 77 minutos que dura "Osos" se hacen amenos, nos muestra en full hd y con algunas tomas fantásticas como viven estos animales, las amenazas que deben superar día a día, su forma de alimentación y sus comportamientos más instintivos.
    Si sos de los que pueden evitar irritarse por la humanización de animales salvajes seguramente puedas disfrutar de la propuesta, pero si te parece muy absurdo que un narrador te diga lo que supuestamente está sintiendo el oso en su corazón puede que te resulte un tanto moco. Voto por hacer un poco de oídos sordos a la infantilería y enfocarse en lo hermoso de la vida salvaje, después de todo, prefiero ver en pantalla un oso con sentimientos que vampiros teen histeriqueando por los siglos de los siglos.
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  • Divergente
    Divergente
    Cinélico
    Comienzo decente

    Les confieso cineliqueros que comencé a ver esta película con miles de prejuicios y pensando que estaba por fumarme la próxima "Crepúsculo" solo con la diferencia de que le habían puesto algunos elementos de "Los Juegos del Hambre" y, para mi sorpresa (positivamente), no fue así.
    No entiendo por qué la crítica le dio con un caño a esta adaptación que hizo el director Neil Burger ("Sin Límites", "El Ilusionista") de la novela juvenil llamada "Divergente". No llega a ser tan carismática como "Harry Potter" o "Los Juegos del Hambre" pero es muy superior a por ejemplo "Cazadores de Sombras", "Criaturas Hermosas" o a la mismísima franquicia de "Crepúsculo".
    La trama nos presenta un mundo post apocalíptico en el que la comunidades que viven "civilizadamente" se dividen en castas. Está Erudición, que son los más inteligentes, Cordialidad, donde viven los pacifistas y son quienes trabajan las tierras, Osadía, los policías y miembros más valientes de la comunidad, Verdad, donde están aquellos que están a favor de la sinceridad siempre y que ocupan posiciones dentro de la Justicia, y por último Abnegación, que son aquellas personas más desinteresadas y que están al mando de la política. Todo parece perfecto y ordenado, quizás mucho más de lo que realmente se encuentra en realidad. Cada miembro de las distintas castas cuando llegan a los 16 años pueden elegir quedarse en la comunidad en la que nacieron o elegir una nueva, pero una vez realizada la elección, deben cumplirla y no tienen vuelta atrás, de lo contrario se convierten en los "sin facción".
    La historia tiene influencias variadas, como algunas de "Harry Potter" con el tema de las facciones que en la obra de J.K. Rowling vendrían a ser las distintas casas de Hogwarts, de "Los Juegos del Hambre", como el hecho de que la protagonista está destinada a llevar a adelante la rebelión contra el sistema aparentemente perfecto que en realidad esconde grandes injusticias, y hasta influencias de "Starship Troopers" como por ejemplo la dinámica entre hombres y mujeres en la facción de Osadía. Esto no es malo, para nada, pero corre con la desventaja de no haber sido precursora en cuestiones claves de la aventura teen de acción. Lo que sí tiene como sello propio es la frescura de poder ofrecer un buen juego entre lo precavido de una peli teenager y lo más jugado de una historia adulta. Hay momentos empapados de adolescencia pero también hay otros bien adultos donde se puede disfrutar de la tensión generada en pantalla. Los protagonistas en general están bien, sobre todo Shailene Woodley ("Los Descendientes") que hace notar su carisma.
    En general diría que es un buen comienzo, decente, con una buena recaudación de taquilla que dobló su presupuesto sólo en los Estados Unidos. Es entretenida y está muy bien realizada en términos audiovisuales aunque debe pulir algunas cuestiones infantiles en lo que a personalidad de los personajes se refiere. Recomendable.
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  • Las novias de mis amigos
    Misma fórmula con cara más sofisticada

    "That awkward moment" es una nueva comedia romántica teen dirigida por el debutante en largometrajes, Tom Gormican.
    La película se centra en las relaciones amorosas de tres mejores amigos con personalidades distintas que pasan de ser los copados de la noche y el levante a soldados del amor y las relaciones serias. La premisa ya de por sí no es de lo más original y está claramente apuntada al público femenino por debajo de los 20 años que se preocupa más por disfrutar de la presencia física de sus ídolos en pantalla que por la historia. El casting también fue claramente concebido para atraer a ese target específico; el mismo incluye al trío de moda por estos días, Zac Efron ("High School Musical", "17 otra vez"), Miles Teller ("The Spectacular Now", "Divergente") y Michael B. Jordan ("Poder sin límites", "Fruitvale Station").
    Si bien la comedia es prolija y no hay mayores inconvenientes interpretativos, la trama es tan predecible y básica que pierde nivel a medida que va avanzando el metraje. Es prácticamente la misma fórmula trillada de siempre con algunos toques de contemporaneidad. En esta línea, el humor es una combinación de nueva comedia americana (más zafada, guarra) y comedia clásica de films románticos, y si bien conviven ambas armónicamente, no llegan a ofrecer un combo que realmente satisfaga al espectador promedio.
    Es una lástima que algunos actores famosos se autoencasillan en roles que les quedan cómodos, como por ejemplo Zac Efron, que si bien no es un genio de la actuación se defiende bien en pantalla, tiene carisma y madera humorística. Los otros dos actores al menos incursionan un poco más en el plano independiente y seleccionan roles más variados.
    Lo más interesante si se quiere viene del lado de las contrapartes femeninas, sobre todo Imogen Poots ("28 Weeks Later") y McKenzie Davis ("Breathe In") que demuestran tener carisma y se salen un poco del rol de minita esperando el príncipe azul, aunque por momentos la trama misma las lleva a ponerse en la situación nuevamente.
    En conclusión, la propuesta es bastante básica e infantil, con algún que otro momento realmente divertido y un final cantado desde el trailer. Las seguidoras más acérrimas del musculoso Efron seguro estarán conformes, pero el espectador que va buscando una comedia romántica distinta y de calidad se decepcionará con seguridad.
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  • Noé
    Noé
    Cinélico
    Épicamente Indeciso

    "Noé" es una película extraña, que quiso combinar el cine mainstream con el independiente y no lo logró, al menos no de una buena manera. Este último film del director Darren Aronofsky ("El cisne negro", "Requiem para un sueño") aborda la historia del personaje bíblico Noé de una forma libre, bastante libre, mostrándonos los grandes desafíos que debió sortear para llevar a cabo la tarea que le encomendó Dios. Entre estos desafíos podemos encontrar problemas familiares relacionados con la envidia, el deber y la adolescencia de los hijos, otro obstáculo que se le presenta tiene que ver con un grupo de nómades que lo enfrenta para poder entrar en el arca y por supuesto, el desafío más grande tiene que ver con los dilemas morales a los que se ve expuesto para cumplir con la profecía del creador del mundo. Hasta ahí el cóctel se presenta muy atractivo pero a la vez complejo, teniendo que mezclar cuestiones filosóficas y religiosas con la acción y aventura de un film pensado como blockbuster hollywoodense. Acá es donde le pifia don Aronofsky. Desde la complejidad de las interrelaciones familiares y los dilemas morales se plantea una trama densa y profunda en contenido, con diálogos complicados que pueden resultar aburridos para el espectador más comercial que decidió ir a verla al cine por la espectacularidad de su trailer y se esperaba algo más cercano a "Robin Hood" que a "Pi". Por otro lado, los efectos visuales son muy dispares, con momentos realmente épicos como la inundación del mundo y otros bastante berretas como los que muestran el Edén y los que dan vida a los gigantes de piedra. El proyecto quiere abarcar tantos temas distintos que se queda a mitad de camino con la mayoría, sobre todo con el principal, el religioso. Algunos críticos lo alaban por su interpretación de la historia de Noé, pero la verdad es que yo no vi que se jugara para nada en su exposición. Por momentos se ponía muy creativo y hasta desafiante con lo que se cree de la historia del personaje y en otros momentos volvía a ser bastante conservador y correcto, como queriendo equilibrar la cuestión.
    Trascendió durante su promoción a nivel mundial que Aronofsky no estaba para nada contento con la edición final del estudio y algunas imposiciones que le hicieron respecto del film. Admiro bastante al director y me gustaría pensar que el pobre resultado haya sido producto de la intervención de gente que sabe más de números que de cine. Ojalá así sea y se redima con su próximo proyecto. Amén.
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  • Capitán América y el soldado del invierno
    El crecimiento del Capi

    Grata sorpresa esta secuela del "Capitán América", y digo sorpresa porque la primera a cargo del director Joe Johnston ("Jumanji", "Jurassic Park 3") había sido muy buena, sobre todo teniendo en cuenta que debía sortear el obstáculo, no menor, de adaptar a la gran pantalla un personaje bastante polémico por la exacerbación del patriotismo estadounidense en su persona y la falta de vigencia de su función como héroe en el mundo actual. El cambio de director no parecía auspicioso y todo indicaba que la secuela no iba a ser de lo mejor, pero finalmente resultó un éxito aún mayor que el que nos ofreció Johnston en 2011.
    En esta ocasión encontramos al primer vengador adaptándose a la vida del siglo XXI y descansando de los hechos de destrucción que tuvieron lugar en la película de "Los Vengadores". Su descanso no dura demasiado ya que descubre una gran conspiración para destruir el mundo que llega hasta las raíces del mismísimo S.H.I.E.L.D.
    La trama propuesta es bien interesante y retoma el hilo de la primera parte sin dejar de lado los hechos sucedidos recientemente. A esta altura no es un secreto que vuelve el personaje de Bucky Barnes (Sebastian Stan) convertido en el Soldado del Invierno para ser la contra parte más fuerte del héroe, pero el villano no está solo, sino que es parte de un Hydra que se ha extendido y crecido mucho más a través de los años.
    El tono del film es más oscuro, más adulto, pero sin perder el aura de humor Marvel que se viene exhibiendo en sus productos cinematográficos. Los personajes han evolucionado, la trama se ha complicado y por ende el entretenimiento ha crecido.
    Muy buenos son los trabajos de sus protagonistas, Chris Evans, Scarlett Johansson y Samuel L. Jackson, sobre todo Scarlett que ilumina con su carisma todas las escenas de las que forma parte. También es buena la participación de Robert Redford y el nuevo héroe Anthony Mackie como Falcon. Quizás el menos agraciado sea Sebastian Stan, que si bien no hace un mal trabajo se destaca menos, quizás limitado por la naturaleza de su personaje.
    Para concluir, diría que Marvel de a poco va puliendo sus productos y los buenos resultados se van notando. Se van tomando más en serio la trama y hacen que cada nuevo capítulo sea más épico en lo visual sin caer en lo grotesco o exagerado. Si te gustó la primera entrega tenés 2:15 hs aseguradas de entretenimiento.
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  • El gran hotel Budapest
    Los cuentos de Wes

    Vuelve Wes Anderson con un relato humorístico de esos que tantos nos gustan, tiernos, bizarros y con estética de cuento de hadas.
    En esta ocasión nos lleva para Europa del Este y nos presenta la historia de Gustav H. (Ralph Fiennes), el legendario conserje del Gran Hotel Budapest. El film comienza con tiempos modernos, un tiempo en el que ya no existen ni la opulencia ni la magia que alguna vez tuvo el hotel más exclusivo de Europa. A partir de una entrevista improvisada, se desata la narración de la historia, una historia de aventuras, de amistad y de evocación a tiempos que ya no volverán.
    Como sabemos los que seguimos la filmografía de Wes, el director es un gran nostálgico y una mente creativa sin fin, que puede hacer que el apogeo y el descenso de algo tan común como un hotel, pase a convertirse en un cuento fantástico excelente. Su estética colorida y cercana a la animación se combina con un humor bizarro y por momentos bien negro que permiten disfrutar del juego entre adultez y niñez que propone. Casi todos sus films tienen una gran carga de inocencia y niñez que se combina con la crítica filosa y el humor ácido para dar lugar a un cóctel increíblemente eficaz.
    Otro gran atractivo y sello característico del director es juntar a un gran número de estrellas del cine, sobre todo si ya han trabajado anteriormente con él. En esta producción podemos encontrar nombres como Willem Dafoe, Adrien Brody, Jude Law, Bill Murray, Saoirse Ronan,Tilda Swinton, Tom Wilkinson, Lèa Seydoux, Edward Norton, Jeff Goldblum, Harvey Keitel y más. La incorporación en uno de los roles protagónicos del desconocido Tony Revolori fue un golaso de media cancha ya que su buena interpretación, junto a su carisma, hacen que el film tome vuelo.
    Lo mismo que dije con la crítica de "El reino bajo la luna" lo repito acá. Sus trabajos no son para todo el mundo, se necesita tener una gimnasia cinéfila que vaya más allá del mainstream hollywoodense, ya que su forma de hacer cine no es convencional y eso puede afectar la apreciación de muchos espectadores que no gustarán de su humor ni de su forma de ver el mundo. A quien escribe le encanta y la verdad es que lo recomiendo mucho. Particularmente "The Grand Budapest Hotel" no es tan genial como "El reino bajo la luna" o "Los excéntricos Tenebaums", pero es muy buen cine y vale la pena verlo.
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  • Balada de un hombre común
    Adicto al fracaso

    Extraña película este último trabajo de los hermanos Coen, no por su temática y dinámica, sino por la profundidad que le imprimieron a esta historia, la de Llewyn Davis, un cantautor de folk que nunca puede despegar del todo artísticamente y que nunca podrá ser exitoso por la esencia lamentable de su ser.
    La historia de un "looser" bien contada es algo muy lindo de ver y los Coen ponen todo su talento al servicio de esta empresa. Valiéndose de su ya conocida pericia cinematográfica, ofrecen al espectador un rato de cine sincero, disparatado (a su manera, claro) y melancólico, creando un cóctel que resulta atractivo y hasta por momentos adictivo.
    Nuestro anti héroe, Llewyn Davis, es un compositor y cantante de folk venido a menos desde que su antiguo compañero de dupla muriera de forma trágica. Actualmente se encuentra sin dinero, sin un lugar donde vivir y con una "mala suerte" de esas que parecen salidas de una pesadilla kafkiana. La trama explora la pateticidad de una persona que ha llegado prácticamente al límite del abismo, que ha tocado fondo y que se encuentra atrapado en un círculo vicioso. De esta manera los Coen exponen una cara bien amarga del negocio de la música y lo que esto produce muchas veces en los artistas que no llegan al estrellato.
    De las mejores cosas del film podemos resaltar en primer lugar la musicalización de T Bone Burnett, bella y extremadamente melancólica. Por otro lado, el trabajo de fotografía es muy bueno también, logrando transmitir el estado de ánimo de los protagonistas a través de escenografías depresivas. Otra cuestión que logra identificar al espectador con el protagonista es la inclusión de diálogos y situaciones bien enredadas que combinan muy bien humor y tragedia. Para ir finalizando debo resaltar también las interpretaciones, en primer lugar de su protagonista principal Oscar Isaac ("Drive", "Sucker Punch") y luego de los secundarios que cumplen con creces su labor y logran sumarle locura al guión. Entre los más destacables se pueden nombrar a Carey Mulligan ("Drive", "An Education") y John Goodman ("El gran Lebowski", "Argo").
    Como conclusión les diría que "Inside Llewyn Davis" es una muy buena película, que tiene una dinámica gris y que se toma su tiempo, algo que a muchos espectadores puede parecerle un tanto denso, pero que vale la pena ver.
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  • Ella
    Ella
    Cinélico
    El amor en tiempos 3.0

    Pequeña gran película que sorprendió a más de uno, sobre todo a aquellos espectadores no familiarizados con los trabajos de su gran director y escritor, Spike Jonze ("Adaptation", "Where the wild things are", "Being John Malkovich").
    Como acostumbra Jonze, nos ofrece una visión melancólica de temas actuales pero extraños si los relacionamos entre ellos; las relaciones personales y la soledad que crece a medida que dependemos cada vez más de la tecnología. El director nos plantea un futuro, no muy lejano, en el que la vida de las personas se ha vuelto aún más individualista, fría y cómoda que en la actualidad, una vida en la que las relaciones interpersonales presenciales se van extinguiendo dando paso a las relaciones a distancia y virtuales. Más aún, redobla su apuesta y lo que claramente es una crítica a la sociedad y su abuso de la tecnología, por momentos toma matices filosóficos y románticos e introduce la idea de la evolución del amor como lo conocemos, un estado tan elevado que su comprensión resulta aún muy difícil para los seres humanos.
    El film es un tanto pretencioso, es verdad, pero maneja su complejidad de manera muy natural y con una cercanía al espectador verdaderamente maravillosa, como pocos films de este estilo pueden hacerlo. Lo hace sentir identificado, lo atrapa y logra una empatía gigante para con sus personajes, siendo uno de estos nada más que ¡una voz de sistema operativo de PC!. Gran parte de esta cercanía radica en la labor de sus intérpretes, un excelente Joaquin Phoenix ("Gladiador", "Walk the line") como el protagonista principal de "Her", Theodore, la encantadora y sexy voz de Scarlett Johansson ("Los Vengadores", "Lost in Translation"), y actuaciones secundarias muy bien aprovechadas como las de Amy Adams ("Enchanted", "El Ganador") y Rooney Mara ("The girl with the dragon tattoo", "Side Effects").
    El cine de Jonze no es común, no sigue los estándares habituales de Hollywood y su dinámica de guión es detallista, sin prisa y profunda. Es por esto que sus trabajos no son del agrado de la mayoría de los espectadores y a algunos incluso, pueden parecerles hasta un tanto densos. La mayoría está acostumbrada a un cine más estructurado y básico, mientras que la minoría, con un poco más de entrenamiento cinéfilo, gusta de estos desafíos que se salen del molde y lo ponen en posición de procesar no sólo la trama, sino otros elementos como la cinematografía y la estética.
    Particularmente la recomiendo muchísimo a cualquier tipo de espectador ya que tanto su temática como su forma de narración pueden, por más que no sean del agrado total de la persona, movilizar reflexiones importantes y exhibir una forma hermosa de hacer cine que escasea por estos días.
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  • Need for speed
    La versión aburrida de Rápidos y Furiosos

    Hace mucho que no veía una peli tan ridícula y aburrida como ''Need for Speed''... Cuando uno va a al cine a ver un film pochoclero como este, sobre todo si trata de picadas y fierreros, no espera encontrarse con un gran guión ni una historia filosófica sobre la velocidad y los autos, pero sí espera mínimamente un trama decente que enganche y justifique tanta nafta y motores rugiendo. Acá no hay nada con cerebro. La trama está 100% repleta de clichés, los protagonistas no logran empatía con el espectador, el villano es pésimo y la resolución es tan previsible como básica.
    Sí, está Aaron Paul que es un buen actor y super de moda debido al éxito de ''Breaking Bad'', pero debo decir que su participación en esta peli es bastante deslucida y no pega con su perfil. Tratar de convertir a Aaron Paul en un héroe de acción es un tanto raro... no va con su personalidad en pantalla. El resto del reparto, le pone ganas, pero nada más. No tienen mucho carisma y sus roles se ven mucho más secundarios de lo que realmente son. Eso no es bueno.
    Para que se den una idea, tenemos por un lado a nuestro héroe, un renegado que alguna vez fue un groso, quebrado económicamente, sin la chica que ama porque se le fue con su archi enemigo. Él, humilde, trabaja en un taller y corre carreras clandestinas por la noche para pagar las deudas. Esto sucede hasta que recibe una oferta de negocio; adivinen de quien! Sí, sí, su némesis es quien le ofrece hacer las pases y ganarse unos mangos. Qué sucede luego? Oh, sorpresa, su enemigo lo traiciona y lo incrimina para que vaya a la cárcel. Esta cuestión es tan previsible como estúpida, trillada y poco original. Luego, nuestro héroe en busca de venganza, lo va a buscar cuando recupera su libertad y ahí se desata el duelo de picadas. Esto ya lo hemos visto, muchas veces.
    La dinámica del film es bastante extraña también. Se le imprimió una onda demasiado seria y aburrida, que por momentos se vuelve artificial y cansa. Quiere ser más ondeada que la saga ''Rápidos y Furiosos'' pero falla de manera épica. Por otro lado el humor no llega a divertir realmente, con excepción de uno o dos gags a cargo de los secundarios.
    En conclusión, creo que más allá de que puede haber buenas intenciones, el resultado es bastante malo. No recomendable.
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  • 300: El nacimiento de un imperio
    La secuela-precuela paralela

    Una grata sorpresa es este nuevo film del director Noam Murro ("Smart People"), una película que a priori fue bastante cascoteada y de la cual se decía que era totalmente innecesaria. Bueno... ¿cuántas películas épicas y de acción son "necesarias"? La verdad que el género lo que busca generalmente es ofrecer mucho entretenimiento dotado de un gran despliegue técnico y de producción respaldado por una buena historia de fondo que complete el combo. "300, el nacimiento de un imperio" no es "Gladiador", pero si de aspectos técnicos hablamos, no hay nada que envidiarle a otras grandes producciones de esta envergadura. Si a esto le sumamos una historia épica delirante que si bien no tiene rigor histórico, es atractiva y logra mantener enganchado al espectador durante los .
    La estética dark, violenta y fiel a las formas comiqueras es algo que realmente se debe resaltar. Logra captar aún más que su antecesora la esencia de la viñeta y da vida tridimensional al comic de Frank Miller. La carga de acción, sangre, acrobacias y golpes es mucha y esto es, en gran parte, el atractivo de la franquicia.
    Por el lado del guión y las interpretaciones, se puede percibir claramente que no hay una intención de recrear los hechos históricos, sino que el objetivo va por la senda de ofrecer un relato delirante y moderno que atraiga al espectador. No es la historia más profunda del año, pero es de necio tildarla de basura por no seguir un hilo histórico. Un buen recurso que utilizaron fue el de presentar la trama como un acontecimiento anterior, paralelo y posterior a lo que sucedió en "300". En lo que a interpretaciones se refiere, sus protagonistas han estado muy correctos, destacándose la presencia de Eva Green ("Los Soñadores", "Casino Royale"), no porque haya brindado una actuación shakesperiana sino porque su carisma es grande y el personaje al que dio vida es fuerte, femenino y despiadado, algo que no estamos muy acostumbrados a ver en el cine de acción.
    En conclusión, es un gran entretenimiento que sigue la línea de la película se Zack Snyder y que no pretende ser una lección académica de mitología. El que disfrutó "300" no se va a decepcionar con "300, el nacimiento de un imperio". Recomendable.
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  • Non-Stop: Sin escalas
    Encasillando el talento

    Viene muy bien el áspero de Liam Neeson con sus roles de macho duro del género de acción, pero debo decir que en esta nueva película del catalán Jaume Collet-Serra no me terminó de volar la peluca. Liam está como siempre, muy profesional y creíble, pero su personaje me dejó un gustito a deja vú... agente federal con problemas de alcohol y familiares, que alguna vez fue un groso en la fuerza de seguridad y ahora está venido a menos... ya lo hemos visto a esto, sin ir más lejos con su personaje más famoso en el género, Bryan Mills, de la saga "Búsqueda Implacable". Hasta su nombre acá en "Non-Stop" es Bill Marks... Bryan Mills, Bill Marks... ¿entienden a qué me refiero?
    No me quejo porque sí, sino porque no me gustaría ver a un talento tan grande encasillado en un personaje que se repita todo el tiempo. Acá en "Non-Stop" justamente hay un buen manejo del suspenso, las vueltas de tuercas y lindas escenas de acción, pero también hay varios clichés que indicarían una estrategia para encasillar al actor.
    Lo mejor de todo es claramente la presencia que tiene Neeson en pantalla, la calidad interpretativa que le imprime a las escenas. Otra cuestión que mantiene interesado y un tanto estresado (como corresponde en estos films) al espectador es la forma en que se van dando las cosas y cómo todo lo que está saliendo mal, puede salir aún peor. Hay algunos elementos originales que hacen la odisea más vertiginosa.
    Lo no tan bueno tiene que ver un poco con la resolución que se hace del nudo, un tanto tirada de los pelos. Parece que se les fue ocurriendo un montón de cosas originales para hacer entre medio, pero al momento de hacer cerrar toda la historia, se les complicó un poco y se fueron por un camino un tanto fácil, haciendo incluso que algunos personajes perdieran relevancia en la trama. Cuando todo termina y uno se pone a analizar lo que vio, se da cuenta de que hubo personajes cuya importancia se vuelve casi obsoleta sobre el final y eso no está bueno.
    En conclusión, es una buena película de acción, que no se destaca lo suficiente pero que entretiene bastante. Espero que Neeson no se conforme sólo con estos roles y explote más su talento en otro tipo de film.
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  • Operación monumento
    Se esfuerza demasiado...

    Desde el trailer toda parecía indicar otra genialidad del director/actor/productor/guionista George Clooney, pero las apariencias en este caso engañan y bastante...
    Esta nueva película tiene premisas muy buenas, como por ejemplo traer a la pantalla una temática poco explotada como la recuperación y conservación de grandes obras de arte durante la segunda guerra mundial. También cuenta con un cast de lo más talentoso y carismático que incluye nombres como Matt Damon, Bill Murray, Cate Blanchett, John Goodman, Bob Balaban, Jean Dujardin y Hugh Bonneville. Por otro lado, se nota una inteligencia creativa alta y una puesta en escena muy profesional. Entonces, ¿cuál es el problema de esta producción? La respuesta es sencilla: No se arriesga lo necesario y se esfuerza demasiado por quedar bien con Dios y con el Diablo. Clooney es un tipo que conoce muy bien la industria, sabe quienes son los que mueven los hilos y tienen peso dentro de ella. Muchos de estos sujetos, lamentablemente son snobs que viven en un mundo bastante apartado del de los espectadores y que se han quedado con una concepción de lo que es el cine un tanto vieja.
    La trama que plantea el director juega con los géneros comedia, drama y bélico, pero la verdad es que se queda bastante tibio en los tres. Predomina la comedia, pero así y todo no consigue que el público se enganche. El humor es demasiado sutil por momentos y no logra sacar más que una tímida mueca en la comisura de los labios. La parte dramática tiene un lugar menor pero es la que logra mejor su cometido en el poco tiempo que tiene en pantalla. Lo bélico, está pintado al óleo directamente, con una puesta muy grande para lo poco que transmite cada uno de esos momentos. Uno no llega a creerse nunca que eso es fue terreno de batalla, no se respira la guerra, no llega a involucrar al espectador con la empresa que tienen estos hombres de los monumentos. Como dije anteriormente, no se juega por ninguno de los géneros y no logra transmitir sensaciones reales.
    No diría que es una mala película, pero sí que no es una película memorable o trascendente. Hay que ser muy correcto, muy medido, muy sutil para disfrutar de este producto. El maestro Clooney no se la jugó y terminó enganchando a algunos críticos más no al espectador que es, en definitiva, quien lleva realmente la batuta en el cine.
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  • Una familia numerosa
    Los hijos de Vince Vaughn

    Es raro... no se si les pasa a ustedes también, pero cada vez que veo una comedia de Vince Vaughn pienso: Hay algo que no está bien... pero estoy entretenido y me estoy divirtiendo... ¿estaré bien? Sus películas suelen ser bizarras y a la vez un tanto trilladas, pero así y todo se las arregla para salir más o menos bien parado.
    En esta ocasión con "Delivery Man" o "Una familia numerosa", como se la tituló en Argentina, nos entrega una de sus películas más edulcoradas, con algunos golpes bajos que no llegan a ser del todo groseros pero que se nota fueron pensados para ablandar el descreimiento del espectador, que ya lo tiene bastante encasillado en su personaje habitual de polaco-americano bruto pero de buen corazón. Acá interpreta el mismo rol, pero con un toque más fuerte de sensibilidad para llegar a un público más amplio.
    ¿De qué se trata la peli? Cuenta la historia de un polaco-americano desastroso pero de buen corazón que en su juventud, para ganar dinero, donó muchísimo esperma a una compañía que hizo uso y abuso del mismo para también ganar más dinero. Por ello, nuestro personaje irresponsable pero carismático, llamado David Wozniak (Vince Vaughn), se encuentra con la poco probable noticia de que es padre biológico de más de 500 chicos nacidos entre 1991 y 1994. Por supuesto, por más de que su excéntrico abogado Brett (Chris Pratt) le aconseja no relacionarse con los chicos, el protagonista decide conocer a uno de ellos, luego a otro y a otro hasta que se convierte en un vicio que no puede dejar. Esto le trae consecuencias en su vida normal y lo convierte en una persona distinta a la que era hasta el momento. De hecho, la noticia afecta bastante la turbulenta relación que mantiene con su novia Emma (Cobie Smulders).
    Como podrán leer, se trata de un trama que roza casi el drama y de hecho presenta entre sus gags de humor varios momentos lacrimógenos que hacen de este film una montaña rusa de risas y nudos en la garganta. No es de lo más inteligente, pero se deja ver y uno no sale de la sala pensando que le robaron el dinero.
    Lo mejor tiene que ver con las interpretaciones de un hilarante Chris Pratt en rol de abogado y amigo del protagonista, una refrescante Cobie Smulders que le da otro aire a la gran pantalla y hasta la pequeña labor de varios jóvenes actores que hacen de sus hijos. Lo peor es que se hacen demasiados chistes sobre el tema del conflicto de identidad que tienen los jóvenes por no haber conocido a su padre biológico y eso por momentos toma tintes de mal gusto. La otra cuestión no tan buena, es la falta de expresividad del protagonista, Vince Vaughn. Está muy encasillado en un estilo de personaje, muy similar a lo que le sucede a Adam Sandler con sus roles. Creo que debería despedirse por un rato del polaco bonachón y buscar alguna vuelta de tuerca que lo haga más versátil.
    Un peli que sin todas las luces, entretiene y se deja ver sin tener luego el remordimiento de sentir que estuvimos perdiendo el tiempo.
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  • Dallas Buyers Club: El club de los desahuciados
    La virtud de hacer las cosas bien

    Pequeña gran película que sorprendió a más de uno que no le daba ni dos mangos (al menos al principio de su promoción), incluido quien escribe. El film "Dallas Buyers Club" se metió en lo más destacado del año gracias a dos virtudes fundamentales que la convierten en un "must" de la biblioteca cinéfila: En primer lugar podemos hacer alusión a las excelentes interpretaciones de sus máximos protagonistas, un Matthew McConaughey mucho más maduro y profesional que se perfila como posible nueva luminaria de la industria cinematográfica y un Jared Leto que nos regala un personaje tan querible como interesante. Ambos tuvieron transformaciones físicas extremas para cumplir con sus roles y eso siempre es un plus que impacta al espectador y da credibilidad al personaje.
    La historia en sí es muy interesante, trayendo a la luz los manejos turbios de las grandes corporaciones farmacéuticas, las carencias del sistema de salud estadounidense y la conversión de un cowboy primitivo en una persona con alma y bondad, pero los elementos más fuertes del film son sin dudas los impuestos por el director Jean-Marc Vallée. La dinámica, la crudeza y la emoción que se le imprimió a cada escena, hace que la trama cobre vida y eso engrandece la historia. En esta película encontraremos personajes de lo más bajo de la sociedad, personas que uno consideraría "indeseables", el desecho de la sociedad, los marginados, pero el director se encarga meticulosamente de mostrarnos su humanidad, esa que tenemos todos y nos hace iguales. Eso es un golazo en términos de identificación personaje-espectador. La sensación de verse reflejado en alguien muy distinto a uno es fuerte y produce un efecto muy positivo.
    "Dallas Buyers Club" es la película que debería haber ganado el Oscar 2014 a "Mejor Película". Ya está, lo dije. Sobre la última semana tomó más fuerza como candidata, pero la decisión estaba prácticamente tomada de antemano. De todas maneras, 3 premios Oscars no es algo que despreciar. Ojalá no se convierta es ese tipo de film excelente que pasa al olvido por no haber tenido el reconocimiento debido. Super recomendable.
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  • Pompeii, la furia del volcán
    Efectividad con pocas pretenciones

    Para comenzar debemos situarnos un poco en la filmografía y el estilo de su director, el ya conocido Paul W.S. Anderson. Referente del cine de acción por películas como las entregas 1, 4, 5 (y próximamente 6) de "Resident Evil" y la pequeña franquicia de "Death Race", no es un director pretencioso con aires de artista de alto vuelo. Por el contrario, sus productos son bien honestos y ofrecen lo que anuncian: Mucha acción acompañada de efectos audiovisuales de alta calidad con un hilo conductor al menos aceptable. Te puede gustar más o menos el estilo de film que hace, pero es innegable que el tipo se ha hecho un lugar entre los directores importantes del cine de acción mainstream y que varios de sus productos han tenido buena respuesta del público en general en las taquillas mundiales.
    En esta ocasión combina una historia de amor con el mundo de los gladiadores y el desastre natural que destruyó la ciudad de Pompeya. Lo bueno es que no profundizó tanto en la historia amorosa, aunque por momentos hace ruido el hecho de que los protagonistas Kit Harington y Emily Browning se "enamoran" en tres miradas y pocos minutos de metraje. Como dije, por suerte no se enmarañó mucho en esta cuestión y le dio más importancia al protagonista masculino y su duelo con el villano Corvus, interpretado por el gran Kiefer Sutherland. Lo malo tiene que ver con el estado de confort que posee el director en materia de guión. Sabe que con una trama mas o menos aceptable puede lograr su cometido y no se preocupa mucho por ir más allá. Por eso es que no es pretencioso, pero tampoco será recordado como un "grande" de la dirección por sus grandes aportes al género... El tipo se conforma con hacer una buena campaña y no le importa mucho ser el campeón de la historia.
    Las referencias bien directas a "Gladiador", "Spartacus" y otros títulos famosos del género, dejan entrever justamente este tema, la limitada imaginación del director para poner algo totalmente nuevo en pantalla.
    Por otro lado, la peli ofrece efectos de alta calidad, mucho vértigo, acción ilimitada, camaradería entre esclavos y un volcán arrollador que no perdona a nadie, una combinación que resulta al menos atractiva para el público que se acerca a ver una épica de acción. La estética cuidada de Anderson se hace presente y le da algunos toques más crudos de los que podría esperarse de un film de aventuras común.
    No es una cosa de locos, pero cumple, entretiene y deleita visualmente.
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  • Philomena
    Philomena
    Cinélico
    El don del perdón

    "Philomena" fue otra de las películas que logró varias candidaturas para los premios Oscar 2014 aunque finalmente no se quedó con ninguna estatuilla. Su nominación como Mejor Película del Año fue un tanto sorpresiva y para algunos (me incluyo) un tanto injusta. "Philomena" es un muy buen film del director inglés Stephen Frears ("La reina", "Alta fidelidad"), pero creo que hubo otras películas del 2013 que la superan y merecían estar en su lugar. Algunas de ellas son "Antes de la medianoche" de Richard Linklater, "Mud" de Jeff Nichols y "Balada de un hombre común" de los hermanos Coen.
    En esta película de Frears, se toma un tema polémico como fue la venta de niños por una orden que formaba parte de la iglesia católica en Irlanda y cómo una mujer, con la ayuda de un periodista bien particular, logra luego de muchos años saber qué fue de la vida de su hijo.
    El ritmo del film es bien británico aunque con un toque de liviandad que la hace más "mainstream" que la mayoría de sus pares.
    La principal fortaleza está en la interpretación de su dupla protagonista, con una Judi Dench ("Casino Royale", "Notes on a Scandal") fantástica y muy convincente y un Steve Coogan ("Tropic Thunder", "Alan Partridge") que se pone más serio y pasa a jugar en las grandes ligas, ganándose un lugarcito en lo más alto de la creme inglesa.
    Lo más flojo se podría decir que tiene que ver con la frialdad del abordaje, sin muchos momentos que realmente hagan sentir al espectador lo que sus protagonistas están viviendo. He leído que muchos críticos hacen alusión a la emotividad a la que supuestamente apela la película, pero yo no sentí esto y de hecho la percibí un tanto distante con el público, como muy ensimismada en su arrogancia.
    Es un film que se disfruta y que está filmado con mucho profesionalismo, que pone en pantalla un tema polémico y sabe conjugarlo en clave de drama y también de comedia. No creo que sea un producto fundamental, pero entretiene y hace reflexionar sobre algunas cuestiones de la vida, cuestiones importantes como el perdón a los otros y hacia uno mismo.
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  • RoboCop
    RoboCop
    Cinélico
    ¡Dejen a Verhoeven en paz!

    Otra remake que decepciona y van... A esta altura del partido, los cinéfilos deberíamos darnos cuenta que rehacer un clásico de la gran pantalla en el contexto comercial actual de Hollywood, es prácticamente un suicidio artístico, que seguramente reportará buenos números a los dueños de los estudios y productoras por la manipulación de un ícono del séptimo arte, pero que al espectador que va a encontrarse con su héroe de la infancia, le significará una rotura de corazón, de esas que dejan marca. Y es culpa nuestra, en gran parte, porque nos dejamos engañar y vamos con los ojos cerrados a ver la nueva versión de algo que nos encantó en el pasado sabiendo que difícilmente llegue a superarse.
    Una excepción a la regla fue por ejemplo la remake de "Dredd" dirigida por Pete Travis. Fue fabulosa y superó ampliamente a su predecesora en cuanto a calidad interpretativa, guión y aspectos técnicos, pero en la taquilla se hundió más rápido que el Titanic tras chocar con el iceberg. Esto no fue culpa de los productores, sino de nosotros los espectadores que cada vez queremos más productos lights y poco trascendentes.
    Con este nuevo "Robocop" sucede algo muy similar a lo que pasó con la nueva versión de "El vengador del futuro", también de Verhoeven, que fue reciclada por Len Wiseman en 2012. Los aspectos técnicos están mejorados, tanto lo visual como el sonido, pero se la limita tanto en el sentido artístico que termina siendo otro paquetito más, estándar y aburrido, de esos que nos suele entregar cada año Hollywood para seguir llenando las arcas de unos pocos. La "Robocop" original no era para menores de edad, no trataba de "entretener" en la línea de lo que la Motion Picture Association of America considera que es apropiado para jóvenes mayores de 13 años, por el contrario, era un producto revolucionario y transgresor para su época. En esta nueva versión, lo que la hacía distinta, lo que la daba una personalidad distinguida, lo que la hacía entretenida, fue reprimido y se cambió la dinámica por una de manual, sin creatividad ni corazón.
    Hay algunas cuestiones rescatables, como por ejemplo las visuales. La participación de dos grandes como Gary Oldman y Michael Keaton también ayudaron a que el film no fuera un desastre. Lo demás es sólo relleno, incluso la interpretación del protagonista Joel Kinnaman que no logra conectar con el espectador.
    Otro clásico que ve manchado su prestigio por la ambición de algunos empresarios más interesados en la creación de expectativas falsas que en la producción de un buen entretenimiento.
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  • La gran aventura Lego
    Menos grande de lo que me imaginaba

    Bueno, con respecto a esta película me siento un tanto descolocado, como si no hubiera visto lo mismo que millones de personas aseguran fue muy divertido y una experiencia muy original... Sí, los protagonistas son figuras Lego animadas, pero esta cuestión no me hace verla como un producto totalmente innovador y copado como leí que lo calificaron por ahí. Innovador y atrevido fue "Team América: World Police", que usó íntegramente muñecos para su producción y se animó a un humor delirante. Acá estuvo todo muy calculado y correcto. Además, los legos eran animados... así cualquiera, diría un amigo.
    Con el tema del humor también me quedé un tanto dubitativo, sobre todo si les tocó como a mí tener que verla obligatoriamente doblada al latino, sin el audio original con el que se podía disfrutar de voces muy reconocidas como Liam Neeson, Chris Pratt, Morgan Freeman o Will Arnett. Hay algunos gags que divierten, pero ya de ahí resaltar este elemento como el pilar más poderoso de la producción, me parece un tanto exagerado.
    Para comenzar voy a decir que la animación fue fabulosa, muy colorida y de una calidad que permitió resaltar el atractivo de este tipo de juguete, pero a esta altura del partido quedarse sólo con la calidad de la animación sería un poco básico. En este sentido, el guión me pareció sólo OK, sin muchas cuestiones nuevas como se había promocionado previamente. Sí, aparecen Batman, la Mujer Maravilla y hasta Gandalf convertidos en muñequitos armados con legos, pero este tipo de pastiche en el cine no es novedoso. Por momentos me resultaba un tanto cansador ver tantas referencias a otras películas famosas.
    La trama del film se centra en Emmet, un muñeco ordinario que nunca sobresalió en nada, pero que por cuestiones del destino se ve envuelto en una aventura para salvar el mundo que lo excede. Es el elegido para derrotar al villano más malvado, el Sr. Negocios, quien busca a través del arma más poderosa, el pegamento, arruinar el mundo Lego. Entre medio, el protagonista se encuentra con una heroína llamada Estilo Libre, novia del caballero de la noche, Batman. Junto a ellos, emprende una peligrosa misión para salvar el mundo Lego y cumplir con la loca profecía de Vitrubius.
    Creo que a los más chicos les puede resultar divertida por el tipo de animación, pero no mucho por el humor que está claramente dirigido a un público más adulto. A estos últimos, la melancolía y el recuerdo de los queridos rastris pueden mantenerlos interesados y entretenidos, pero sinceramente creo que se ha exagerado en cuanto a los elogios desmesurados que recibió este trabajo. Se deja ver y está bien para pasar el rato, no más que eso.
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  • Agosto
    Agosto
    Cinélico
    La familia sea unida... o no

    "August: Osage County" fue una de las películas de las que se habló mucho, primero como candidata fuerte para aparecer en la terna de Mejor Película de los Oscars 2014 y luego como una de las ignoradas por la misma Academia. Los "premios" que finalmente se llevó fueron las nominaciones de Meryl Streep y Julia Roberts por sus roles protagonista y de reparto respectivamente.
    En mi opinión, que hayan estado nominadas como Mejor Película "American Hustle" (David O. Russell) y "Philomena" (Stephen Frears) en lugar de "Agosto" (John Wells) que quedó afuera, fue un tanto injusto. Se dejaron llevar por comentarios de la prensa y algunos críticos que ensalzaron de más a la película de David O. Russell, director a quien respeto mucho y cuyas películas me han encantado con excepción de esta última, claro.
    "Agosto" es la adaptación al cine de una premiada obra de Broadway escrita por Tracy Letts, quien de alguna manera hace una autobiografía de su familia en las tierras de Oklahoma, USA. Se ve que no la pasaban muy bien los Letts, ya que los personajes que creó son tan deprimentes y disfuncionales como fascinantes. Padre alcohólico y depresivo, madre adicta a las pastillas y con grandes problemas de ira, grupo de hermanas averiadas emocionalmente por una crianza demasiado disfuncional. El ensamble de actores que logra Wells es de mucho renombre, pero a diferencia de otros trabajos donde la presencia de muchas estrellas no aseguraba la calidad y la cohesión de las interpretaciones, en este film todos encajaron como partes de un relojito suizo. Excelentes labores de Streep, Roberts, Cooper, McGregor y Nicholson (Julianne, no Jack) por nombrar algunos. Entre todos logran diálogos muy interesantes y cargados de tensión y drama que mantienen sorprendido al público durante casi todo el metraje. Estos elementos conforman el plato fuerte que ofrece un producto entretenido, que mantiene interesado al espectador y que vale la pena ver.
    La historia es deprimente, por momentos desesperanzadora y puede llegar a bajonear un poco, pero si superás esta cuestión la vas a disfrutar mucho.
    Hay algunas vueltas de tuerca en la obra de Letts que agrandan el escándalo familiar y suman tristeza al relato. No busco desalentar con estos comentarios, sino que pretendo alertar sobre el tipo de film que estarán yendo a ver para que no tengan la idea errónea de que es una comedia/drama light con la Streep y la Roberts. Es una película mucho más compleja y trascendente. Muy recomendable.
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  • La leyenda de Hércules
    Una farsa épica

    Pareciera ser que las mitologías griegas están hechizadas, embrujadas, engualichadas para que cada intento por llevarlas al cine en la nueva era resulte un fiasco. Recientemente tenemos las flojas "Clash of the Titans", "Wrath of the Titans" y la safable pero poco trascendente "Inmortales". Ahora para peor fama se suma "La leyenda de Hércules", un trabajo muy berreta del director finlandés Renny Harlin, cuya carrera ha sido bastante turbulenta, con éxitos y fracasos. Fue el responsable de películas malas como "The Covenant" y "Driven" pero también nos entregó trabajos entretenidos como "Die Hard 2" y "Cliffhanger". Esta aventura del fortachón mitológico, se podría contar entre lo más bajo de su filmografía.
    Para empezar, Kellan Lutz como protagonista... No digo que sea pésimo actor, pero definitivamente le falta un golpe de horno o el director debió estar más encima de su interpretación para que no fuera tan poco creíble e inexpresiva. Esa cara de niño arriba del cuerpo de un gladiador no le jugó para nada a favor, de hecho me parece que se cometió un error parecido al de "10.000 A.C." (de Roland Emmerich) cuando se pusieron en pantalla a cavernícolas de ojos claros y rastas... Kellan Lutz debería dejar su pose de niño lindo y empezar a verse más real si quiere sobrevivir como protagonista del género de acción.
    Por otro lado, se notó una falta muy grande de ideas originales. Había escenas claramente robadas de "300" que encima no eran de buena de calidad. Los planos en cámara lenta de parte de algunas peleas y la batalla contra el ejército de Anfitrión son algunos ejemplos del hurto descarado.
    En cuanto a la historia, no era mala, pero fue llevada a la gran pantalla con tanta desprolijidad que se opacó todo, la historia de amor, su relación conflictiva con Zeus (que prácticamente no existió) y la transformación en héroe. Para que se den una idea, hay algunas escenas románticas de Kellan Lutz con Gaia Weiss que parecen sacadas de "Crepúsculo".
    Por último voy a despotricar contra los aspectos técnicos y de producción. Mucho uso de CGI de baja calidad, como por ejemplo en la escena que pelea con el león de Nemea... la bestia parece una mezcla de perro chow chow, con Aslan de Las Crónicas de Narnia y un osito cariñoso... un horror. Locaciones pobres plagadas de artilugios digitales que lejos de complementarlas dejaban en evidencia el abuso de efectos. Edición un tanto pobre y un diseño de vestuario y maquillaje que se notó estaba corto de presupuesto. No se la recomiendo a nadie.
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  • 12 años de esclavitud
    La polémica y la gloria

    La película de la polémica, criticada y muy combatida por un gran grupo de espectadores y críticos en la última entrega de Oscars.
    Sinceramente, no entiendo a los detractores más duros que hablan de una "película más" y un trabajo cinematográfico "aburrido" que no merecía el máximo galardón del cine... pareciera que hubieran visto otra película cuyo nombre no es "12 years a slave".
    Si era el film que debía o no ganar el Oscar se puede discutir, pero ya acusar a este magnífico trabajo de Steve McQueen de ser una película del montón, es blasfemia.
    Para empezar, es verdad que hay ya varios trabajos en cine sobre la esclavitud y el racismo en USA, pero no son muchos los que han expuesto el tema con la seriedad, el arte y la crudeza con la que se abordó en este caso. La película es un clásico instantáneo, de esos que quedan como obligatorios para tener en la videoteca de todo cinéfilo de ley.
    Más allá de la temática, cuenta con una producción impecable, tanto fotográfica como artística, con algunos planos secuencia dignos de ser guardados en la cajita mental de las joyas cinéfilas.
    Otra cuestión muy positiva tiene que ver con las interpretaciones, sobre todo del triángulo Chiwetel Ejiofor, Lupita Nyong'o y Michael Fassbender. Ofrecen actuaciones muy talentosas, creíbles y logran conectar al espectador con sus personajes, algo muy importante para la dinámica del film.
    En cuanto a la violencia expuesta en la película, esa que tantas críticas le valió, debo decir que leí muchos comentarios señalando como despreciables las escenas de violencia física, cuando en realidad la violencia que más me impactó fue la espiritual e intelectual que sufrían los protagonistas. Hay violencia física, sí, pero a esta altura de la historia del cine criticar esto me parece medio básico. Si hablamos de artimañas creadas para darle un golpe bajo al espectador, creo que deberíamos analizar las que juegan con el intelecto y las emociones, y a partir de ahí hacer un crítica personal de la cuestión, pero ya salir a decir que la película es una canallada por la violencia física expuesta, es un tanto pobre y cómodo. Creo que hay escenas de humillación espiritual de los protagonistas que en su mayoría no me parecieron bajas y creo estuvieron muy bien manejadas, aunque sería un necio si no acepto que hay una en particular que sí apela al gancho de izquierda en el estómago del espectador, pero les aseguro que no tiene que ver con la violencia física. Me la reservo para no spoilear. Repito, se puede poner en tela de juicio la calidad de algunos recursos utilizados por el director Steve McQueen para contar la historia y debatir al respecto, pero tildarla de película intrascendente, es querer poco el cine. La super recomiendo.
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  • El sueño de Walt
    Detrás de Mary Poppins

    La idea de contar el trasfondo de como se filmó aquella mítica película de Disney, "Mary Poppins", de por sí resultaba interesante, pero si a esto le sumamos un duelo interpretativo entre dos genios como Tom Hanks (Walt Disney) y Emma Thompson (P.L. Travers), el combo se vuelve completamente atractivo.
    Es verdad que cuando hay mucha expectativa detrás de un producto la desilusión suele ser más dura, pero en este caso, el director John Lee Hancock ("The blind side", "The Rookie") no decepciona y nos permite disfrutar de una historia bien fresca, realista y conmovedora.
    Para que se den una idea, la trama se centra sobre la ardua puja que hubo durante muchos años entre la autora de la novela "Mary Poppins", P.L. Travers, y el legendario magnate del entretenimiento Walt Disney, para llevar a la gran pantalla la historia de la nana voladora. En tono de comedia y con algunos buenos toques de dramatismo, Hancock devela de a poco los acontecimientos que llevaron a Travers a escribir la novela y a convertirse en una persona un tanto amargada. Algunos de estos acontecimientos muestran un trasfondo mucho menos mágico y más duro de la realidad que vivió la familia "Banks", que inspiraría la novela, y el por qué del celoso cuidado que ejercía la escritora sobre su personaje ficticio. Otra cuestión que devela es el poder y el carisma con el que contaba el señor Disney para conseguir lo que quería.
    En un juego de secuencias "actuales" y flashbacks se pasea al espectador por una montaña rusa de emociones que combina de manera muy armónica la historia del pasado de Travers y la batalla con Disney por los derechos de la historia.
    La película está muy bien contada, con algunos momentos realmente especiales entre Hanks y Thompson y entre Thompson y el actor secundario (en este caso) Paul Giamatti. Repasar canciones de la "Mary Poppins" que terminó haciendo Disney, momentos memorables y hasta alguna que otra escena puntual del film original, harán que el público se vaya queriendo desempolvar el VHS o DVD de la videoteca para disfrutarla nuevamente.
    Una película que ofrece al espectador el detrás de escena de una película insignia de la factoría Disney y devuelve a la vida a dos personajes peculiares que se baten a un duelo interpretativo muy entretenido. Un film bastante recomendable.
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  • Yo, Frankestein
    El estigma Van Helsing

    Bueno... los muchachos de siempre se pensaron que replicando una fórmula que les salió medianamente bien en el pasado les iba a dar buenos resultados con poco esfuerzo... se equivocaron. Los productores de la saga "Underworld" tuvieron la poco brillante idea de traer a la vida al clásico monstruo creado por el Dr. Frankenstein para que combata las fuerzas del mal con un buzo hip hopero y peinado de yupie neoyorquino. Sí, lo de la vampira Selene en "Underworld" salió bastante mejor, pero es innegable que a esa franquicia le pusieron mucha más cabeza y producción que a esta.
    En "Yo, Frankenstein" abunda la intrascendencia, la falta de dimensión en la historia y la narración tirada de los pelos. Me recuerda bastante a la infantil "Van Helsing", aunque cuando hablamos de berreteadas, la película Sommers y Hugh Jackman se lleva todos los honores.
    Para empezar, vamos a ser buenos y digamos que la idea no era del todo mala. Si bien Frankenstein es un personaje que se ha adaptado en cine hasta el hartazgo, la vuelta de tuerca moderna que le habían dado a los vampiros en "Underworld" podría haber funcionado en "Yo, Frankenstein", si le hubieran puesto un poco de ganas al guión, claro. La historia desde el principio es pésima. Nos muestra al clásico personaje de manera muy dura y fría para luego convertirlo en el paladín de la justicia y los buenos valores... O una u otra cosa.
    Los aliados/contrincantes de Frankenstein son por momentos demasiado aburridos, con poco más que ofrecer que una buena transformación por CGI de forma humana a gárgola. De actuación... se quedan muy cortos la mayoría, hasta Mirando Otto ("El Señor de los Anillos: El Retorno del Rey") que tiene una participación precaria y no explota su talento. Lo de Aaron Eckhart... generalmente lo banco a full, pero acá aparece con poco carisma y en un rol que no le sienta bien.
    La trama repite lo mismo de siempre. El Bien representado por seres celestiales que se esconden del ojo público vs. un Mal representado por personajes en posiciones de poder en grandes corporaciones, a lo "Constantine". Tanto de un lado como del otro, salvo cuando se convierten a sus aspectos monstruosos reales, resultan chatos y fallan en la conexión con el espectador. Lo único que se podría resaltar son los efectos visuales que están bien hechos en general, aunque hay algunas escenas (sobre todo al principio) donde se ven algunos baches.
    Otro tiro por la culata del sub género de fantasía de vampiros, licántropos y monstruos varios. Esperemos que si deciden armar una secuela, mejoren todo al 100%.
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  • Escándalo americano
    ¿La colada de los Oscars?

    "American Hustle" fue en un principio, antes de estrenarse comercialmente, una de las favoritas para los Oscars 2014. La película hacía una interpretación libre de la operación Abscam, que puso tras las rejas a muchos políticos norteamericanos por corrupción y fue un verdadero escándalo allá en los años 70s, estaba dirigida por el nuevo director mimado de Hollywood, David O. Russell, que estuvo a la cabeza de títulos muy importantes como "Silver Lining Playbook", "The Fighter" y "Three Kings", y contaba en su reparto con un quinteto irresistible de protagonistas. Todo perfilaba de 10, pero cuando la gente acudió a las salas las opiniones se dividieron bastante.
    Por mi lado, creo que es un buen film, pero lejos está de lo que Russell había logrado con "The Fighter" y "Silver Lining...".
    Para comenzar diré que el director neoyorquino cedió a varios caprichos que seguramente se le ocurrieron mientras armaba el guión junto a Eric Warren Singer. Hay momentos que no suman a la trama, entre ellos las escenas de baile que parecen estar colocadas sólo para llamar la atención, o por ejemplo algunos diálogos bizarros que nada tienen que ver con la trama principal. Es como si en esta película se hubiera olvidado un poco del elemento que conecta al espectador promedio con los protagonistas. En el nivel artístico de la puesta hay cierta teatralidad e ironía que la hacen más cercana a un público habituado a los films más difíciles y pesaditos que al público con los pies más en la Tierra. No es casualidad que a la mayoría de los críticos les haya gustado mucho y al público en general no tanto. En sus anteriores trabajos había logrado mechar muy bien las dos llegadas, pero aquí definitivamente se fue por el camino de los premios y los elogios especializados.
    Las interpretaciones de sus protagonistas están muy bien, pero no estoy seguro de que sean merecedoras de nominaciones. Quizás la más sobresaliente y que puede justificar la nominación es Amy Adams con su Sidney Prosser, pero los demás están correctos y profesionales, tienen mucho carisma, pero hubo actuaciones más destacadas de otros artistas en otros films.
    La trama por momentos camina a paso redoblado pero en otros se cae la dinámica un poco y se vuelve una tanto tediosa. Por supuesto habrá espectadores a los que les encantará y otros que directamente dirán que no es buena. Yo creo que es buen producto que hay que ver con ojo crítico, sin fanatismos exacerbados ni tampoco defenestrándola sólo porque no tiene a narración estándar hollywoodense. Algo que sí me queda claro es que he visto a Russell dirigir películas espectaculares, y ésta no es una de ellas.
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  • Familia peligrosa
    Peligro de aburrimiento

    La nueva película del francés Luc Besson es bastante mediocre y cae en los lugares comunes de muchas otras comedias negras como esta. Sí, tiene algunos elementos "Besson" que la diferencia, pero no son suficientes para entregar un buen producto de este género. Cuando uno mira los 90s y se encuentra con títulos como "León, el profesional", "El quinto elemento" o "Juana de Arco", no puede hacer la vista gorda ante una falla como esta.
    Para empezar los personajes son bastante chatos, sin mucho desarrollo y eso se nota en la poca conexión que establecen con el espectador. A De Niro lo entendemos un poco pero nos fastidia también que haga de mafioso o áspero una vez más, ese rol ya representa un cliché en su carrera. A Michelle... bueno, nos contentamos sólo con verla en la pantalla. Su personaje tiene un poquito más de dimensión que el de los hijos, y acá está el mayor problema. Los personajes de los hijos, Belle (Dianna Agron) y Warren (John D'Leo) son bastante chatos y no despiertan el más mínimo interés. De hecho Belle, protagoniza un amorío bastante infantil y cursi que no va con el tono de la película. Cuando se desata el peligro de la trama, estamos más preocupados por los padres que por los hijos. Al cuarteto familiar se le suma Stansfield, el personaje de Tommy Lee Jones que también, una vez más, se pone en la piel del oficial de policía parco pero de buen corazón que ya hemos visto durante su carrera.
    Con respecto al humor... por momentos funciona y por momentos se vuelve insulso. Sin dudas lo mejor es el humor causado con los actos de violencia de sus protagonistas, pero en cuanto a los diálogos, la escritura deja mucho que desear.
    Por último los villanos que eligieron para acechar a la familia son de lo más aburrido que he visto en el último tiempo. No tienen casi nada de peso en pantalla y mucho menos carisma para realmente transmitir la sensación de peligro que deberían proyectar a la audiencia.
    Un peli muy irregular que por momentos quiere dejar asomar al Besson de los 90s que amábamos, pero que automáticamente se esconde detrás de cada gag clicheroso, de cada diálogo mal escrito y de la intrascendencia de una historia que nunca logra la conexión entre sus protagonistas y el público. Poco recomendable.
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  • El juego de Ender
    El niño evolución

    "Ender's Game" es la adaptación de la primera novela de la saga juvenil de Orson Scott Card. Mucho se habló de este proyecto en la previa, bien y mal. A muchos les gustaba que el nuevo niño estrella de Hollywood, Asa Butterfield, fuera el protagonista del film y muchos fans se contentaron de que la historia llegue a la gran pantalla. Luego hubo críticas por el hecho de que el director fuera Gabin Hood ("X-Men: Orígenes") y porque algunos grupos LGBT se quejaron de que la obra de Card tenía mensajes homofóbicos. Sobre esto último, sinceramente no noté ninguno, al menos en la película.
    Una cuestión a aclarar, es que mucha gente a la que no le gustó en absoluto, no tenía idea de qué estaban yendo a ver al cine. Leí comentarios como "demasiado fantasiosa" y "un final malísimo". "Ender's Game" es una obra de fantasía, de ciencia ficción, por lo que renegar sobre esto es ridículo. Por otro lado, deben saber que esta película es la primera parte de una saga, es decir, el final abierto es de esperarse.
    Ya si pasamos al análisis de la película en sí, se puede encontrar tanto cosas buenas como algunas no tan buenas. Por ejemplo entre las cuestiones negativas, podemos resaltar la falta de expresión de Asa como protagonista. Si bien se nota que el pibe es talentoso, acá se lo ve un tanto frío, como si fuera un niño robot en algunas escenas. Otra cuestión que puede irritar al espectador es el estiramiento de algunas escenas que no son relevantes. La parte del entrenamiento de Ender se vuelve un tanto lenta cuando en realidad su ascenso en la escuela militar es bastante veloz. Aquí hubo claramente un manejo irregular de la dinámica del film. Como última cuestión negativa, comento que me sentí intrigado por saber más del trasfondo que contiene la trama pero Hood estuvo un tanto mezquino con esto. El director va directamente a los bifes y no sabemos bien nunca como fue que comenzó esta guerra o por qué hay ciertas reglas de la sociedad que se nos presentan sin explicación alguna.
    Como elementos positivos, resalto en primer lugar el logro técnico, tanto visual como sonoro. La efectos están muy bien realizados y eso siempre es importante en un producto de sci-fi. Otra cuestión que me resultó interesante fue el tratamiento adulto que se le dio a ciertas escenas. Está claro que la saga va dirigida a un público más bien púber, pero a su vez incorpora algunas cuestiones psicológicas, políticas y sociales que elevan su importancia y la hacen un poco más madura. La historia en sí es bastante interesante, recuerda un poco a "Starship Troopers" de Verhoeven, pero con menos ironía. Ciertas cuestiones de la moral se ponen en tela de juicio y eso siempre es un ingrediente atractivo.
    En general me pareció una película disfrutable, que podría haber sido mejor sin dudas, pero que sirve como puntapié para comenzar una nueva franquicia y hacer los ajustes necesarios para que la segunda entrega sea más atrapante.
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  • Entre sus manos
    Amándome

    "Don Jon" marca el debut detrás de cámaras del nuevo niño mimado de Hollywood, Joseph Gordon-Levitt. Debo decir que encontré su primera película bastante divertida, fresca y con chispa aunque con algunas cosas que no me cerraron del todo.
    En primer lugar debemos aclarar que la película es una comedia romántica, ni más ni menos. Tiene algunos toques que van un poco más allá de la típica peli de romance y estos la hacen más interesante, pero su esencia es esa. Cuando hablo de "algunos toques más", me refiero a la relación íntima entre el protagonista Jon y su pornografía y el protagonista Jon con él mismo. Este ingrediente resulta interesante, le sube el tono a la propuesta y se anima a abordar el tema de la intimidad sexual. Otra cuestión que aborda es la ridícula relación con su familia y la Iglesia a la que asiste regularmente, lugar en el cual limpia su conciencia católica como si metiera una remera sucia al lavarropas. Acá hago un pequeño parate para criticar la visión de Joseph. No se si realmente en USA es tan marcado el tema de los descendientes de italianos que son católicos, pero la verdad es que me parece un estereotipo de los más básicos, como si el católico promedio del país del norte fuera siempre de clase trabajadora, medio bruto e inmigrante. Not cool. Además de esto, se le hace una crítica a la institución, cuestión que ya hemos visto hasta el hartazgo y que se exagera demasiado.
    Volviendo a los aspectos positivos, otro gran pilar de la propuesta lo aporta el trío protagonista. Gordon-Levitt está más carismático que nunca, Scarlett Johansson calienta la pantalla al máximo con su sensual Bárbara y Julianne Moore, como siempre, le imprime nivel a los films en los que participa. Los tres hacen un trabajo interpretativo muy bueno. Hubiera preferido que Gordon-Levitt no caricaturizara tanto a su personaje y que no se basara en los descerebrados de Jersey Shore para darle una personalidad, pero de todas formas sale airoso y ofrece un producto de buen nivel que se deja ver amigablemente y entretiene. Hay incluso unos pequeños cameos con grandes estrellas que también van a gustarle al espectador.
    Como debut está más que bien, pero Joseph tiene que pensar que en su próximo trabajo detrás de cámara se le va a exigir más. Una comedia romántica de buen ritmo, humor y con algún que otro mensaje bueno para reflexionar.
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  • Caminando con dinosaurios
    Bruteza documental

    Cuando recién comienza la película y uno ve que el disparador de la historia es una especie de cuervo parlante (que no mueve el pico) que le cuenta a un adolescente la importancia que tenían los dinosaurios, nos damos cuenta de que algo anda mal... pero muy mal. Primero, esta secuencia además de ser inverosímil y tratar de estúpido al espectador, deja en claro lo berreta que será lo que estamos por ver. ¿Para qué ponen en pantalla dinosaurios parlantes si ni siquiera se van a preocupar por ponerle un poco de huevo al movimiento de sus mandíbulas y hacer que parezca que realmente están hablando? En segundo lugar, tenemos la recreación visual de estos animales prehistóricos... Vi una promoción del film que decía "...dinosaurios únicos más reales de los que jamás se han visto"... ¿Y los de Jurassic Park?? Esos eran realistas y estaban muy bien diseñados. Los que propone "Walking with dinosaurs" son caricaturescos y toscos, casi tan berretas como los que usa Discovery para sus mini documentales sobre la vida prehistórica (sin ofender a Don DIscovery).
    La trama es demasiado infantil y ni siquiera logra buenos momentos para los más chicos. Cualquier niño de más de 6 años bostezaría de aburrimiento varias veces durante el metraje. Los menores a esa edad puede que se diviertan un poco más, pero todos sabemos que cualquier animación colorida los deja satisfechos.
    En ningún momento se decide por ser un documental educativo sobre los dinosaurios o una historia infantil básica para que lo niños pasen el tiempo. Es como una mezcla bruta de ambas cosas que no deriva en otra cuestión que en pasar a ser parte de una inmensidad de productos infantiles mediocres. La dinámica del film no es buena y por momentos hay secuencias que resultan verdaderamente extrañas y sin sentido. Mejor lleven sus chicos a ver la oscarizada "Frozen" u otra animación de mayor calidad que esta. No recomendable.
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  • 47 Ronin: La leyenda del samurai
    Me quedo con Tom Cruise...

    Otra peli más de esas que me encantaría que me gusten, pero finalmente terminan siendo una gran decepción. Me hace acordar bastante a "Furia de Titanes", una historia verdaderamente espectacular que daba para hacer un film excepcional y que terminó siendo una bazofia. Con "47 Ronin" pasa algo muy parecido. Una historia clásica, llena de magia y misterio, acción y fantasía, honor y tradición, que podría haber sido una película increíble... ¿En qué falló? En 1er lugar se nota que tuvieron problemas para cerrar el producto y hacer una buena edición. Al personaje de Rick Genest (el tipo de los posters lleno de tatuajes por todo su cuerpo) nos lo muestran aproximadamente unos 30 segundos... Esa es toda su participación en la película. Claramente hubo un recorte ahí que no sabemos a qué se debió. El soldado gigante de la armadura fue otro gol en contra. Pareciera que fuera a tener un poco más de protagonismo y termina siendo un personaje muy accesorio que no nos despierta el más mínimo interés. Otra cuestión que no convenció fue la labor de Rinko Kikuchi ("Pacific Rim") como la poderosa bruja del clan contrario al de los héroes. Si bien tiene un protagonismo bastante alto, nunca nos llega a convencer del todo con su rol y no nos da esa sensación de maldad que debería transmitirnos cada vez que aparece en pantalla. Le faltó un poco más de sopa villanesca. Lo mismo me pasó con Tadanobu Asano, el otro villano del film que no llegó a conectar en ningún momento conmigo.
    Visualmente es fabulosa, con efectos muy logrados y la puesta de un mundo mágico de artes marciales que recuerda a grandes películas de fantasía ochentosas y noventosas, pero como lo hemos dicho siempre, sólo con esto no alcanza, debe haber una historia bien contada, que nos atraiga, que nos interese, que nos mantenga hipnotizados en nuestras butacas. Acá esto no sucede. No entendemos porque Kai (Keanu Reeves) se comporta por momentos como un asesino endemoniado y en otros parece un corderito desamparado de la montaña. No sabemos de donde vienen los villanos y cuales son sus motivaciones, poco sabemos de los demonios que criaron al protagonista desde niño y para nada atrae el rol de Cary-Hiroyuki Tagawa como el Shogun Tsunayoshi, amo de todos los clanes.
    En conclusión, "47 Ronin" es otro film de alto presupuesto que se olvidó de prestarle atención a la trama, al corazón de la propuesta. El hiper fanático de la fantasía y los efectos visuales puede llegar a pasar un momento safable, pero el que busca un poco de profundidad y una historia interesante que realmente transporte a ese mundo místico de las artes marciales, va a la decepción asegurada. No recomendable.
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  • Frozen, una aventura congelada
    Se asoma el Disney clásico

    "Frozen" marca una vuelta de Disney al cine más clásico que lo hizo famoso, pero sin perder los aspectos nuevos que lo mantienen vigente en el mundo de hoy. Momentos musicales pegadizos, una historia fastuosa de princesas y príncipes y toda la magia que a uno lo maravillaba de niño. La esencia de la historia está puesta en su dinámica clásica de princesa acechada por un gran peligro, pero con algunos ingredientes que la hacen mucho más interesante. Por ejemplo, en esta historia la princesa no es sólo una, sino que son dos. Cada una con su carisma particular, ofrecen protagonistas con marcadas características que permitirán a los espectadores identificarse con una o con otra. Una de ellas es torpe, vigorosa y aniñada, mientras que la otra es más adulta, controlada y tiene más responsabilidades en su espalda. Por otro lado, ninguna de las dos princesas se pone en el rol de doncella en apuros sino que, por el contrario, ambas demuestran ser fuertes heroínas. Acompañan también en la aventura, un leñador solitario, un príncipe inteligente y encantador y hasta un muñeco de nieve parlante que se roba varias escenas con sus ocurrencias tan inocentes como divertidas.
    Algo a lo que aún no me acostumbro es a la parte musical, y cuando digo musical me refiero a diálogos cantados de la vieja escuela, como los que podríamos encontrar en "La Bella Durmiente" o "Blancanieves". No soy muy fan de esta dinámica y no creo que llegue a serlo alguna vez. Si sos de los míos, puede que esto te irrite en algunos momentos. Otra cuestión que tampoco me copó tanto fue la resolución de algunos conflictos que parecían arreglarse como por arte de magia, con dos palabras de por medio. Acá creo que se les fue un poco de mambo el tema de los nudos narrativos y cuando tuvieron que hacer engranar todo, lo resolvieron como pudieron.
    Concluyendo diría que "Frozen" es una muy buena historia que Disney nos presenta mixando su personalidad clásica con algunos aspectos más modernos como el empowerment de la mujer y el humor más irónico. Tiene varios momentos musicales bien construidos, pero si sos de los que no les tienen mucha paciencia, puede que te agotes. De todas maneras es más que una buena opción para disfrutar animación de calidad para chicos y grandes.
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  • Actividad paranormal: Los marcados
    Arte cero, plata mucha

    Otra más y van... A ver, pasemos en limpio. La primera entrega impactó, la segunda decepcionó un poco, la tercera repuntó a un nivel medio, la versión 0 (japonesa) directamente fue una basura y la cuarta terminó de rebalsar el vaso de la paciencia. Ahora nos traen OTRA entrega más con la única diferencia de que los protagonistas son latinos y le metieron un ingrediente más a la historia. Estos dos cambios a los que hago alusión, ¿son suficientes para armar otra película más de esta débil franquicia? Si lo vemos desde el punto de vista del cine como expresión artística, claramente esta producción es innecesaria, básica y no aporta nada al género de terror, de hecho solo lo sigue desprestigiando. Ahora, si lo vemos desde el punto de vista de los negocios, es un producto redondo que no se va a acabar en tanto y cuanto haya espectadores que pagan para verla en el cine. Es algo que no comprendo en términos de gusto, pero evidentemente hay gente que podría ver 5, 10, 20 entregas de lo mismo mientras tenga alguna vuelta de tuerca simple que refresque lo que vienen viendo hace años. Sólo en USA, la taquilla sextuplicó el presupuesto que usaron para filmarla, que fue sólo de 5 millones de dólares. Imagínense a nivel mundial... un negocio magnífico.
    Pasando a la crítica propiamente dicha, no hay mucho para agregar a lo que vengo diciendo de sus predecesoras. Situaciones ridículas donde el uso de la cámara en mano es inverosímil, como por ejemplo durante una explosión o al ser asaltado por una bruja enardecida. Por otro lado, los artefactos que se utilizan para aterrorizar están gastados y son poco originales. Golpes de sonido, imágenes que aparecen de repente, gritos... lo mismo de siempre. Incluso hay un robo descarado a la película "Chronicle" con el tema de los super poderes del protagonista. El humor se puede decir que mejoró un poco, pero no logra salvar a esta producción del desastre.
    Otro exponente más de la decadencia del fake documentary, que artísticamente no vale nada, pero monetariamente sigue siendo una gallinita de huevos de oro. No recomendable.
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  • El lobo de Wall Street
    Capitalismo Mother F#ck$r

    La dupla Scorsese - Di Caprio se vuelve a juntar para ofrecernos un cóctel de locuras y buen cine en "The Wolf of Wall Street". Cuando los que ya la habían ido a ver me decían lo salvaje y bizarra que era la película, no podía hacerme una idea bien acabada sobre lo que significaba, hasta que me senté los 180 minutos que dura el metraje y me entregué a la locura hipnótica del capitalismo en su expresión más bruta y descarada... ¡Qué experiencia por Dios! Este nuevo trabajo de Scorsese está dotado de escenas y diálogos que son clásicos instantáneos, que van a quedar dando vuelta en mi cabeza por mucho tiempo.
    Para resaltar en primer lugar, está la mirada cruda pero a la vez fantástica de un personaje insignia (aunque a los estadounidenses no le guste) del sueño americano. El joven talentoso con ideales y ganas de cambiar el mundo que rápidamente es tragado por la vorágine de una selva construida de billetes y vicios es sencillamente genial. El éxito de Jordan Belfort (Leonardo Di Caprio) es directamente proporcional al nivel de paranoia, drogadicción y corrupción que alcanza su persona en el mundo de los negocios, una concepción muy noventosa del capitalismo pero no menos cierta por esto. Scorsese exhibe durante 3 horas un aguijón que primero te seduce, luego te divierte y cuando estás en el máximo estado de disfrute te pica bien fuerte para que no olvides la crítica que hay detrás de toda esta parafernalia.
    Las interpretaciones son excelentes, tanto de Jonah Hill como de su protagonista máximo, Leonardo Di Caprio. ¡Teléfono para La Academia! Ya es hora muchachos...
    Di Caprio ofrece un Belfort tan excéntrico como seductor, un genio loco de la guita que te puede maravillar por 3 horas y más incluso. Soy del tipo de persona a la que más de 2:15 horas de película suele parecerle tedioso e incluso "El lobo..." podría haberse resuelto en menos tiempo, pero lo que ofrece en la pantalla grande es tan fantástico y crudo que podría haberlo visto por un par de horas más.
    Para aquellos que estén dudando sobre si ir a verla al cine, les digo que no se van a arrepentir. Es una película super divertida, pero a la vez filosa, que critica de manera implacable el sueño americano basado en el capitalismo feroz. Muy recomendada.
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  • La vida de Adele
    La intensidad del amor

    ¡Qué difícil me resultó ponerle la nota final a esta película! Este último trabajo del director tunecino Abdellatif Kechiche es un magnífico ejercicio cinematográfico que tiene muchísimos puntos fuertes e interesantes a resaltar, pero también tiene algunos más débiles, que en mi opinión no lo dejan llegar a un "Excelente" directo.
    Para comenzar, los voy a situar un poco en la trama del film. "La vie d'Adèle" se centra en la vida de una adolescente francesa que pasa por la fase de descubrimiento sexual, luego por el descubrimiento del amor y finalmente por el descubrimiento de ella misma. Cuando hablo de descubrimiento sexual hago alusión a la orientación sexual, que en este caso se inclina hacia la homosexualidad. Kechiche no escatima en exponer explícitamente la práctica sexual gay entre sus protagonistas, por lo que si sos del tipo de espectador que se espanta con estas cuestiones, seguramente de entrada te choque y quizás te haga sentir incómodo/a. Sí, hay sexo entre mujeres y es bastante explícito. Si ya has superado esta cuestión en el cine, vas a poder disfrutar de otros elementos mucho más profundos que hacen a la calidad de esta película y vas a haber dado un gran paso hacia el siglo XXI.
    Para empezar con la crítica, voy a largar con lo que no me pereció tan positivo. Creo que Kechiche dio rienda suelta a algunos caprichos personales que no sumaron tanto al resultado final. Uno de ellos fue extender el metraje por 3 horas... no era necesario. Con 2 horas, 2 y 15 minutos a lo sumo, bastaba y sobraba. Por otro lado, minimizó algunas cuestiones del contexto en el que está inmersa la historia principal dándole por momentos un toque de historia de hadas que salía de la realidad diaria. Toca algunas cuestiones políticas y sociales como las marchas estudiantiles, la interacción familiar y las diferencias socio económicas, pero las toca muy por arriba, sin comprometerse demasiado con ellas. En este aspecto, creo que perdió un poco de fuerza su relato y lo desconectó un poco de la realidad.
    Pasando ya a lo positivo, es importante resaltar primero el ritmo de la narración y los planos que logra Kechiche. Las sensaciones y emociones que logra transmitir a partir de las miradas, los movimientos corporales y los primeros planos faciales, son realmente excelentes. La vocación con la que se encargó de filmar a la joven Adèle Exarchopoulos hace prácticamente imposible que no nos enamoremos de ella, tanto mujeres como hombres. El trabajo sobre Léa Seydoux también es muy bueno, pero se nota que le puso especial empeño al personaje de Adèle. Por otro lado, la labor de ambas protagonistas, Exarchopoulos y Seydoux, es sencillamente magnífica, entregándose al 100% en sus roles. Creo que su química en pantalla fue espléndida, tanto que por momentos te dejaba atontado.
    Finalmente, otra cuestión muy relevante, es que Kechiche tomó una historia de amor gay y la puso en pantalla sin tapujos, dotándola de una hermosura visual inigualable. Que estas historias lleguen a un público más mainstream es un gran avance para la igualdad de género.
    "La vie d'Adèle" es un film que se va a convertir en un clásico, por lo importante de su temática y por lo bien desarrollada que está su historia, sobe todo a nivel cinematográfico. Una peli fuerte que sirve para encontrarse con la vida misma.
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  • La increíble vida de Walter Mitty
    La profundidad de la vida a través de una mirada no tan profunda

    "The secret life of Walter Mitty" es una de esas películas que proyectan mucho brillo, tanto que por momentos encandila al espectador con un montón de elementos que están asociados al motor principal, pero que no representan el corazón mismo del producto. Para que se entienda mejor, Ben Stiller viene a ofrecernos un film de muy buenas intenciones, que propone encontrarle a la vida un significado profundo, que vaya más allá de los paradigmas y rutinas que nos dominan todos los días. También nos ofrece fantasía y locaciones espectaculares de la mano de un equipo de producción bien copado y profesional que nos lleva a dar una vueltita por el mundo. Hay momentos realmente divertidos como la parodia a la película "El extraño caso de Benjamin Button" y otros momentos emocionantes como la bajada en street board por las montañas de Islandia. Entonces, ¿dónde está el problema del film? ¿Por qué no es un "Excelente"? El inconveniente llega cuando uno termina de ver la película y analiza detenidamente lo que acaba de ver. Cuando lo pensás en más detalle, te das cuenta que acabás de ver una historia que trata de transmitir un mensaje profundo acerca de la vida a través de una mirada un tanto superficial y banal de la misma. ¿Se entiende la contradicción? Ben Stiller trabaja sobre la importancia de las pequeñas cosas que hacen grande la vida a partir del uso de artefactos que no son pequeños ni simples. Para empezar, nuestro protagonista Walter trabaja en un departamento rutinario de una empresa que no es ni más ni menos que la prestigiosa revista Life, a través de la cual puede acceder a viajes por todo el mundo. No descubre que puede tomar las riendas de su vida y cambiar la realidad en la que vive sino hasta que viaja por 2 o 3 locaciones exóticas, que en la película son filmadas con gran pericia. Tampoco se ve expuesto a las situaciones cotidianas de la vida para descubrir su importancia, sino que tiene que pasar por erupción de volcanes, fronteras peligrosas y vuelos en helicóptero con pilotos borrachos. Vendría a ser como la mirada a la vida común y corriente de una persona a través de los ojos de otra persona que no es común ni corriente. Ben Stiller no es un tipo común y corriente y su vida no es la vida que llevamos día a día la mayoría de los mortales. El espectador entonces, que está más cerca del individuo común y corriente, sólo podrá ver la película como si fuera un lindo comercial que promociona la idea de viajar por el mundo como forma de crecer y alimentar el corazón. Es por esto que "La increíble vida de Walter Mitty" no llega a cerrarme en su elemento más importante.
    Si dejamos esta cuestión central de lado, se puede pasar un momento muy agradable con locaciones espectaculares resaltadas por una fotografía excelente, un actor que sabe muy bien como divertir al público y una banda de sonido hecha en el cielo.
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  • Último viaje a Las Vegas
    El desliz de algún dinosaurio hollywoodense

    Uff... ¿Vieron cuándo todo sale mal? bueno, "Last Vegas" es peor. Es increíble como artistas de altísima calidad se prestan para este tipo de películas patéticas, sin sentido, que no aportan nada al cine ni al arte en general. Robert De Niro, protagonista de films como "Casino", "Taxi Driver" y "Good Fellas", Michael Douglas, protagonista de "Un día de furia" y "The Game", Morgan Freeman, actor principal de "Driving Miss Daisy" y "Cadena Perpetua", y finalmente Kevin Kline, galardonado por "A fish called Wanda"... No me cabe en la cabeza la posibilidad de que no se hayan dado cuenta cuando leían los guiones, que estaban frente a un verdadero fiasco, una historia tan artificial como el photoshop que le aplicaron al poster promocional. Seguro que debe haber algún favor de por medio, un compromiso comercial con el estudio o simplemente es un forma de llegar a un mercado muy particular, uno con pocas ganas de vivir cine en serio... Bueno, la cuestión es que el director Jon Turteltaub ("National Treasure", "El aprendiz de brujo") disneysificó un producto que debería haber ido por un lado totalmente distinto. Disculpeme Jon, pero si va a filmar una película de veteranos que se descontrolan en Las Vegas, lo ideal es que ponga en pantalla algo de descontrol o al menos le sugiera al espectador que va a hacerlo. En "Last Vegas", desde el minuto 3 ya sabemos que no va a pasar nada alocado, por lo que el viaje a la ciudad del pecado prácticamente pierde su sentido. El elemento de tensión entre el grupo de amigos es realmente débil y se termina solucionando de manera poco inteligente e improvisada.
    Si tenemos que hacer alusión al humor, directamente parece como si se hubiera juntado un grupo de 6 dinosaurios hollywoodenses de no menos de 60 años y se hubieran puesto a escribir las escenas tomando te frío en un condominio de Florida... Son muy pocas la veces que algún diálogo saca una tímida sonrisa, pudiendo rescatar un poco el rol de Kevin Kline. De Niro, Freeman y Douglas directamente parecen como si nunca hubieran hecho alguna comedia en su vida.
    Sin dar muchas vueltas más, este rejunte de grandes nombres del cine al servicio de una historia pésima, no hace más que confirmar que hay ciertos productores y escritores de la meca del entretenimiento que ya están para el retiro. No recomendable ni para un domingo a la siesta.
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  • Un lugar para el amor
    Un peli chica que vale la pena

    El director debutante, Josh Boone, viene a demostrarnos que todavía se pueden hacer películas sobre el amor y las segundas oportunidades sin caer en la cursilería y la berreteada poco inteligente.
    "Stuck in love" es un drama/comedia romántica que lamentablemente tuvo poca promoción comercial y que fue poco tenida en cuenta por los espectadores, al menos en Argentina. Uno ve el cartel promocional y ya se imagina que tipo de producto puede llegar a ser, de hecho hay muchas otras películas con este formato y presentación comercial que sirven de referencia para armarse una idea en la cabeza, una idea que no siempre es acertada. En este caso la apariencia engaña para mal, ya que "Stuck in love" es en realidad un entretenimiento de buena calidad que merecía más atención de la que obtuvo.
    Para empezar podemos decir que la temática es difícil. Hoy en día resulta muy complicado armar buenas historias románticas que además aborden aspectos de la vida como el perdón, las relaciones familiares y las segundas oportunidades. De manera muy inteligente, Boone logra diagramar secuencias interesantes que exponen las interacciones familiares con mucha naturalidad pero a la vez las dota de elementos que las hacen realmente irresistibles. Todos los personajes son interesantes, los padres interpretados por Greg Kinnear y Jennifer Connelly, los hijos, Lily Collins y Nat Wolff, hasta los secundarios como Kristen Bell, Logan Lerman y Liana Liberato. Se destacan las actuaciones de Kinnear, Nat Wolff y Lily Collins.
    Otro gol del film fue tener diálogos picantes y realistas, charlas en las que un padre puede hablar abiertamente de la droga, el sexo o incluso del amor con sus hijos. Los personajes son bastante puros y bajados a tierra, permitiendo que el espectador se pueda relacionar con ellos y vivir más de cerca las experiencias.
    Lo único que podría refutar y que no la dejaría llegar a la máxima nota es que por momentos cae en algunos lugares comunes del género y no llega a explotar al máximo sus posibilidades de involucrarnos en una montaña rusa de emociones. Más allá de estas carencias, la película ofrece momentos y diálogos realmente buenos que valen la pena ser disfrutados. Muy recomendable.
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  • En el camino
    En el camino
    Cinélico
    La ruta del tedio

    "On the Road" es una película rara, de esas que podrían haber sido mucho más trascendentes e interesantes de lo que realmente terminaron siendo. La primera sensación que me dio cuando la terminé de ver fue de fatiga. Se supone que el largo desarrollo de los pensamientos y sensaciones de los personajes debían resultar atrapantes, pero en realidad me produjeron un poco de sueño y tedio. Admito que no leí la novela de Jack Kerouac, pero supongo que la interacción personaje - lector debe haber sido mucho más cercana en la lectura de lo que fue en la gran pantalla, de otra manera el libro habría resultado un fracaso de ventas. En la película, con el único que podemos conectarnos realmente es con el personaje que interpreta Garrett Hedlund, Dean Moriarty, que resulta carismático, atrapante, seductor y complejo. Los demás están bastante pintados al óleo, sobretodo Sam Riley como Sal Paradise, personaje que debía ser el más importante del film y conectar más con el público. Lo de Kristen Stewart tampoco me pareció muy bueno, de hecho lo único que hizo fue poner valientemente su cuerpo para escenas de alto voltaje sexual. En cuestiones de interpretación... quedó media floja e inexpresiva.
    La historia es buena, polémica, alocada, pero lamentablemente se le dio un tratamiento narrativo que en lugar de resaltar estos pilares, los empañó. El ritmo es tan lineal y parco que cuando se producen los momentos de máxima tensión y sensaciones, encuentran al espectador tan atontado que no llega a reaccionar al golpe. Cae varios minutos después de acabada la secuencia.
    No la recomiendo. Quizás los espectadores más fanáticos de Kristen se encuentren tentados a verla sólo por ella, pero su participación no es muy estelar. Si se decidieran a verla por un actor, háganlo por Garrett Hedlund que la verdad se come a sus colegas en pantalla y demuestra que está para producciones de más alto vuelo.
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  • La esencia del amor
    Cantando para crecer

    "Song for Marion" es otra peli que lamentablemente fue directo a DVD, al menos en la ciudad de Córdoba, Argentina. Digo lamentablemente porque es un film de esos que de vez en cuando caen bien, que calientan el corazón y que recargan de pilas positivas al espectador. ¿No abusa de elementos lacrimógenos para engatuzar al espectador? Por momentos sí, pero se los perdonamos por ser totalmente auto consciente de ello, por ponerle humor británico del bueno y por el mensaje que quiere transmitir al público sentado en la sala.
    En varias ocasiones me habrán leído despotricando sobre el uso de golpes bajos en algunos films para lograr empatía con el espectador, y este trabajo del director Paul Andrew Williams ("London to Brighton", "The Cottage") por momentos los utiliza (de ahí la nota no tan alta), pero lo hace de forma muy medida y con un propósito loable, demostrar que la vida es muy valiosa y por eso hay que vivirla a pleno, en este caso, a través del poder sanador de la música (otro buen propósito). Ya se, es un poco trillado, pero también efectivo, sobre todo si se mezcla con buenas dosis de humor y se mechan bien los momentos divertidos con los emocionales.
    Como es común en este tipo de películas, la calidad de las interpretaciones y la relevancia de sus artistas es un factor fundamental para no caer en la misma bolsa que otros trabajos lacrimógenos. Sin dudas las actuaciones de dos genios como Vanessa Redgrave ("A month by the lake", "Mission Imposible") y Terence Stamp ("Billy Budd", "Superman II") le subieron algunos puntos a la producción, sobre todo por sus capacidades de conectar con el público y transmitir sus sentimientos en pantalla, lo de plenitud y los de tristeza. Por su parte Gemma Arterton ("Byzantium", "Furia de Titanes") hace un buen trabajo como profesora de canto, pero lo verdaderos pilares de la historia son la pareja protagonista, Vanessa y Terence. Cuando se cantan el uno al otro en algunas partes del film... es realmente para disfrutar y dejar a las emociones correr libres por el cuerpo.
    Una peli para entretenerse sin prejuicios, que te hará pasar un buen rato y que te dejará una sensación positiva de la vida, al menos en el corto plazo. No es original, ni super inteligente, pero sabe lo que quiere lograr y lo hace.
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  • Jackass: el abuelo sinvergüenza
    Anti cine

    Muy divertidas las cámaras ocultas, pero eso no es cine. Tomar una historia recontra mil trillada de relación familiar y usarla de forma patética para darle sentido a una secuencia de cámaras ocultas no constituyen lo que para mí significa hacer cine, una película. En este sentido prefería "Jackass", que iba directamente a los bifes y no se andaba tratando de posicionar como algo que no es.
    Seguramente tiene un público que la irá a ver y se matará de la risa en su butaca, de hecho en varios momentos yo mismo tiré varias carcajadas, pero la verdad es que como producto cinematográfico es básico, malo y poco original. Si estás buscando reírte con un humor bien físico y norteamericano, seguro las pasarás bárbaro y dirás que es una muy buena comedia, pero tenés que entender que lo que acabás de ver es una secuencia de cámaras ocultas, varias de ellas de dudosa verosimilitud, que se ríen de y con la gente, por lo que poco tiene de producto cinematográfico. Poco y nada tiene de film, ya que el guión es prácticamente nulo y la cinematografía y el arte brillan por su ausencia.
    Si medimos qué tan divertida es la propuesta, podemos decir que tiene algunos momentos delirantes y bastante divertidos, pero tampoco son muchos. Diría que lo mejor pasa cuando el abuelo sinvergüenza se mete en un local de strippers masculinos y cuando se pone cachondo con las mujeres que pasan por la calle.
    La verdad que no hay mucho más por decir. Johnny Knoxville sigue lucrando con sus personajes refritados de Jackass y mientras haya un público dispuesto a pagar la no poco cara entrada de una cine para verlos, lo seguirá haciendo. ¿Alguien lo puede culpar? Creo que no.
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  • El Hobbit: La desolación de Smaug
    Una buena peli de aventuras...

    Sorpresa, sorpresa... "El Hobbit: The Desolation of Smaug" no es de lo mejorcito del año, de hecho está muy bien como extensión cinéfila del deseo ñoño de una legión de fans, entre los que me incluyo, pero no es fantástica, maravillosa, como muchos esperábamos.
    Lo mejor de la película está en las escenas de Smaug con Bilbo, en sus diálogos pícaros y en la secuencia del escape de los enanos río abajo en barriles de vino que es realmente acrobática y divertida. Lo peor, tiene que ver con estirar y estirar una historia que se puede resolver en 2 películas tranquilamente. Es raro, pero como fan de la tierra media y sus historias, de cierta manera agradezco a Jackson por seguir ofreciéndonos más aventuras y minutos de pantalla para nuestros héroes y villanos favoritos, pero a la vez me está invadiendo una sensación de cansancio, no porque me fatiguen los personajes o sus historias, sino porque en pos de lograr más beneficios económicos los estudios cinematográficos alargan y quitan contundencia a una trama casi sagrada de la literatura. Ya lo expliqué en la crítica de "Los Juegos del Hambre: En Llamas", entiendo como funciona el negocio, pero no puedo evitar sentirme fatigado por el porcionado de historias que no dan para tanto estiramiento.
    Si uno analiza parte por parte a "La Desolación..." va a encontrar que todo es muy correcto, los efectos visuales fantásticos, los escenarios muy bien construidos, los personajes cumplen sus roles de manera convincente, pero hay una falta de sensaciones que viene dada en primer lugar por el estiramiento innecesario, pero además hay que partir de la base de que la historia de "El Hobbit" es menos épica que la trilogía de "El Señor de los Anillos". Querer emular aquel gran éxito trayendo personajes que no aparecen en "El Hobbit" como Légolas o inventar nuevos como Tauriel, no ha surtido el efecto deseado.
    Para no darle muchas vueltas al tema; esta nueva entrega de aventuras hobbiteanas está pensada para fanáticos absolutos de la historia de Tolkien, esos que tienen a la trilogía de "El Señor de los Anillos" dentro de su top ten de películas preferidas y le perdonan la falta de sopa en el carisma a esta nueva adaptación. Los que se encuentren por primera vez con este tipo de cine, lo verán, lo disfrutarán un poco, pero no se convertirá en una de sus pelis favoritas, les parecerá sólo una buena película de aventuras fantásticas.
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  • Paranoia
    Paranoia
    Cinélico
    La carrera tecnológica

    Otra de esas pelis que son elegidas, por alguna razón no muy objetiva, para ser destrozada por la crítica. Quizás haya sido la mala promoción y la poca recaudación que tuvo el film lo que facilitó el odio de los críticos, o quizás se ensañaron con una pareja protagonista no tan carismática... la verdad es que no entiendo porque tanta mala crítica a una película que si bien no es de las más sobresalientes del género "thriller", tampoco es un bodrio como afirman algunos. ¿Realmente se esperaban la nueva "Wall Street" cuándo vieron su trailer y la promo? Desde un principio se notaba que la trama nos iba a pasear por lugares bastante comunes y de hecho la premisa en sí no era muy original. Más allá de esto, creo que el director se las arregla para mantener entretenido al espectador, con actores de peso fuerte como Gary Oldman o Harrison Ford y los más fresquitos, Liam Hemsworth y Amber Heard. La labor de los veteranos es de hecho bastante buena y definitivamente le suben el nivel a la propuesta. Lo de Hemsworth y Heard, sin ser excepcional, es correcto y no ofrecen malas actuaciones, quizás un poco frías, pero no malas.
    Para los que aún piensan en darle una oportunidad, les cuento que la trama gira en torno a Adam (Liam Hemsworth), un joven talentoso y ambicioso que para escalar en la gran corporación tecnológica en la que trabaja deberá realizar algunos trabajos sucios para sus jefes. A su vez, se verá atrapado en una feroz batalla de egos entre los CEO que presiden la empresa donde trabajaba anteriormente (Oldman) y la que trabaja actualmente (Ford). Es casi inevitable hacer una comparación con lo que uno puede llegar a imaginarse que fue la tensa relación entre los genios de la tecnología, Bill Gates y Steve Jobs, obviamente con varios toques de exageración para darle el carácter de thriller. Un film de engaños y espejismos que mantienen interesado al espectador.
    Sin ser un producto de excelencia, el director australiano Robert Luketic saca adelante una historia poco original pero que tiene algunos condimentos que disimulan esto último. La especia más poderosa es sin dudas, la presencia de pesos pesados llenos de talento como Oldman y Ford.
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  • Machete kills
    Machete kills
    Cinélico
    El sangriento mundo de Robertito

    "Machete Kills" es un producto que debe evaluarse como lo que es, un entretenimiento bizarro y divertido que reverencia a los filmes clase B de los años 60s y 70s. Si viste la primera entrega sabés muy bien de qué va la segunda, sabés que va a ser más exagerada y lunática que su antecesora. Si no te gusta este sub género del cine, seguramente te encuentres con que este film te resulta una reverenda basura, pero en parte sabrás que es culpa tuya por no haberte informado debidamente antes de ir a verla.
    Hay un gran problema con la gente que va al cine esperando ver algo totalmente distinto de lo que realmente se ofrecía. Puntualmente recuerdo de personas que volvieron horrorizadas luego de ver "El árbol de la vida" con Brad Pitt... Pensaron que estaban yendo a ver una especie de "Leyenda de pasión" o "La gran estafa" y se encontraron con el imaginativo complejo de Terrence Malick... La reacción apresurada fue "¡Qué mala película!", cuando en realidad muchos no la entendieron o simplemente estaban programados para ver otra cosa. Con todas las salvedades del caso, con "Machete Kills" sucede algo parecido.
    Puede que la locura del director Robert Rodriguez no haya estado en su punto más alto o que la creatividad no haya alcanzado su mejor nivel, pero no se le puede discutir que ha sido consistente con el concepto que ofreció en el comienzo de la saga y que tiene un sentido del entretenimiento bien afilado. Por otra parte, el desfile de estrellas interpretando personajes exageradísimos e hilarantes fue un buen condimento, aportándole más color y variedad al menú. Lo de Mel Gibson es bastante bueno y divierte mucho como villano excéntrico.
    Dentro de lo no tan positivo, tenemos la dinámica que se le imprimió a la narración. Hubo tanta carne tirada al asador en los primeros 30 minutos, que los 75 minutos siguientes se aletargan bastante y se vuelven por momentos repetitivos. Las vueltas de tuerca de las vueltas de tuerca terminan agotando un poco y hacia el final uno sólo quiere ver qué tan disparatada termina toda la peripecia.
    Concluyendo, es una peli para ver con muchas ganas de divertirse, revivir el cine clase B y bañarse con la sangre bizarra de Robert. En un mes te olvidarás de que la viste seguramente, pero en el momento te va a sacar más de una carcajada nerviosa.
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  • Kon-Tiki - Un viaje fantástico
    Aventura tibia

    Otra semi decepción épica de verano... No porque la película sea mala, lejos de eso, sino porque su relevancia no llega a ser transcendental, ni espectacular como prometían las promociones y los galardones que exhibía el producto.
    "Kon Tiki" trata sobre una aventura interesante, que proponía ver en formato cinematográfico la hazaña de un noruego loco (Thor Heyerdahl) que para afirmar una creencia "científica", decidió hacer un viaje desde Callao en Perú hasta la Polinesia en una balsa de madera construida a la vieja usanza, como hicieron los aborígenes de la época. Hasta acá todo iba bárbaro, incluso es una producción de alto presupuesto con buenos efectos visuales y sonoros, algo fundamental para un producto de este tipo.
    El problema de "Kon Tiki" es la falta de empatía de sus personajes con los espectadores. De algunos de ellos sólo sabemos el nombre (con suerte) y no mucho más, lo que nos impide sentir algún tipo de cercanía más copada. Es como que al final de cuentas no nos importa mucho que suceda con ellos individualmente, sólo queremos ver llegar el navío a su destino y cuantas criaturas marítimas nos ofrezca la producción. Por otro lado, sentí que le faltó drama, riesgo, suspenso, cuestiones que seguramente deben haber aflorado en muchas ocasiones durante la travesía, pero acá sólo se perciben con tibieza y timidez. Tiene un tratamiento medio frío y lineal de su guión, por momentos hasta de tintes inocentes e infantiles. Creo que a muchos nos hubiera encantado encontrarnos con una trama más jugada, que permitiera reír y sufrir como si estuviéramos ahí viviendo todo, pero en cambio nos encontramos con una peli de aventuras bastante correcta que no se animó a ir más allá de lo evidente.
    Creo que al espectador más ávido de experiencias y sensaciones, le va a pasar algo parecido a lo que yo viví, no le va a parecer la gran cosa pero la disfrutará, mientras que el amante incondicional del género aventura se va a dar por satisfecho con algunos momentos de tensión auspiciados por tiburones blancos hambrientos y un tiburón ballena muy logrado a nivel efectos especiales.
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  • Este es el fin
    Apocalipsis bizarro que divierte

    Esta bizarra comedia de Seth Rogen pasó sin mucha pirotecnia por los cines argentinos, pero la verdad es que es una propuesta muy divertida si estás dispuesto a sumarte a la onda fumanchera del cast.
    Los diálogos, las referencias a otras películas, a la religión y a la amistad entre otros temas, son realmente hilarantes y parecen concebidas en una noche de excesos y muchas sustancias ilegales. El guión es realmente absurdo pero en el buen sentido, sin pretender ser más de lo que verdaderamente es, un producto de humor muy bizarro que se ríe de todo y de todos. No es humor inteligente, ni irónico, pero ya lo sabíamos desde que vimos el trailer promocional.
    Para que se ubiquen un poco sobre qué trata este film, cada uno de los actores se interpreta a sí mismo con un gran toque de caricaturización para darle gracia a la trama y elevar el grado de bizarreada. Todo transcurre en Los Ángeles, donde Jay Baruchel llega a visitar a su gran amigo de años, Seth Rogen. Después de un día de fumata, jugar a los video juegos y relajarse, Seth propone ir a una fiesta que se está dando en la casa de James Franco. Muy a pesar de Jay, que sólo quería relajarse con su mejor amigo, parten hacia la fiesta. Cuando llegan se encuentran con muchas otras celebridades que reafirman la idea de Jay de que la gente de Los Ángeles es superficial y falsa. Algunos de los que desfilan por la fiesta son Rhianna, Paul Rudd, Emma Watson y Michael Cera ("Juno") como nunca lo viste en tu vida. Entrada la noche se comienzan a suceder una serie de macabros eventos que derivan en lo que podría ser el apocalipsis bíblico. A partir de este momento, la peli nos sumerge en un estado de constante carcajada, consecuencia de las desopilantes situaciones que se suceden en la pantalla.
    ¿Hay que estar fumado/a para poder disfrutarla? No, no es necesario, pero sepan que todo lo que se ve en pantalla parece salido de un mal viaje marihuanero con toques de humor negro. Igualmente, se debe ser un poco cholulo y estar informado acerca de las vidas y personalidades de sus protagonistas, de lo contrario hay muchos chistes que pasarán desapercibidos. Esta es una de las mayores fortalezas de la película, pero también se constituye como una gran debilidad si no sos muy asiduo a las comedias de sus protagonistas.
    En conclusión, es un producto divertido y bizarro cuyo objetivo no es convertirse en la mejor comedia de la historia, sino que es muy autoconciente de los efectos que puede generar y se conforma con ello. Para largar carcajadas fáciles.
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  • La sospecha
    La sospecha
    Cinélico
    Seguridades morales en jaque

    Tremendo thriller este nuevo trabajo del talentoso director canadiense Denis Villeneuve ("Incendies", "Polytechnique"), que con una escritura realmente interesante de Aaron Guzikowski ("Contrabando"), logra entregar un producto de alta calidad y realmente entretenido para el cinéfilo en busca de delicatessen cinematográficas.
    La trama se centra en los dilemas morales, esos que se tornan tan frágiles cuando nos vemos acorralados por la desesperación y el peligro, ya sea de sufrimiento o de muerte. En esta ocasión particular, estos dilemas se materializan en un padre cuya hija es secuestrada junto a una amiguita vecina un día que parecía normal y sin preocupaciones a la vista. Nadie sabe cuál puede haber sido la razón del secuestro, nadie las puede encontrar (ni la policía que hace todo su esfuerzo), el tiempo pasa y el fantasma del asesinato comienza a volver locos a sus padres. Una pista que parece ser fuerte y la policía ha ignorado lleva al padre de la niña, interpretado por Hugh Jackman, a comenzar una investigación paralela que no seguirá los pasos de la ley y pondrá al espectador en una posición que le exigirá tomar partido y replantearse sus seguridades morales. La contraparte, un policía personificado por Jake Gyllenhaal, deberá seguir los pasos no sólo del secuestrador, sino también del iracundo padre que ha desatado su ira.
    Todo en esta película está muy bien aceitado, desde el guión que hace acordar a grandes thrillers como "Pecados Capitales" (aunque no está a su altura), pasando por la dinámica que, sin prisa pero sin pausa, nos lleva al clímax necesario para disfrutar un film que dura más de 3 horas, hasta las interpretaciones que están fantásticas, sobre todo las de Hugh Jackman y Paul Dano. El cast en conjunto eleva el nivel del entretenimiento y lo vuelve muy creíble, siendo esto un mérito compartido con el director que hace un trabajo formidable.
    En resumen, una película de muy buena calidad que mantiene al público al borde de la butaca durante casi todo el metraje, que pone en jaque las seguridades que uno cree tener y que presenta la realidad macabra de algunos seres humanos golpeados por la vida. Muy recomendable.
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  • El quinto poder
    Juliancito el hacker loco

    "The fifth estate" es una de esas películas épicas sobre un hecho real que no supo encontrarle la vuelta para atraer al espectador y mantenerlo interesado en lo que tiene para ofrecer. Y es que mientras la miraba en la gran pantalla me iba dando cuenta de qué tan poco me interesaba este tema de Wikileaks y la vida de Julian Assange... ¿Realmente daba para armar un film sobre este acontecimiento? O al menos, ¿era necesario armar un producción cinematográfica sobre un hecho tan reciente?
    La figura de Assange no es tan atractiva como se nos intentó vender durante el conflicto de las filtraciones de archivos secretos de las naciones, de hecho, hay mucha gente en el mundo que todavía no tiene idea de quien es. Para darnos una idea, el australiano Assange es un hacker groso y medio loco que encontró la forma de acceder a información secreta de los estados y el poder político y empresarial. A partir del robo y publicación sin filtro de esta información compuesta por más de 250.000 escuchas, videos y documentos clasificados, es que salta a la "fama", una fama tan efímera como la de un ganador del certamen de Gran Hermano. Esta cuestión creo que pudo ser bastante responsable del fiasco de taquilla que significó su estreno. La gente, teniendo un trailer interesante y las fuertes promociones que se hicieron, no se motivó para ir a disfrutarla en cine, de hecho prefirió otras opciones de cartelera. Para que se den una idea, en su primera semana recaudó menos que las horrorosas "Movie 43" y "Escape Plan".
    Personalmente la encontré un tanto aburrida, con tanta solemnidad densa que terminaba por cansar en vez de generar sensaciones de estrés, ansiedad y empatía con los personajes como debería hacer un buen drama. Creo que tenía muy buenos recursos que fueron desaprovechados, como por ejemplo la presencia de actores grosos como Benedict Cumberbatch y Daniel Brühl. Su interpretaciones están bastante bien, pero lamentablemente no fueron acompañadas por un buen guión. Nunca nos muestran bien como funciona Wikileaks, no se sabe mucho del pasado del protagonista, los secundarios aparecen y desaparecen en pantalla sin generar mayores sensaciones, los hechos que generaron escándalos sólo se muestran en pequeños flshbacks. El director Bill Condon ("Saga Crepúsculo: Amanecer 1 y 2", "Dreamgirls", "Gods and Monsters"), una vez más le pifia con un producto que podría haber sido muchísimo mejor de lo que finalmente fue. Me gustaría que vuelva el Bill de "Gods..." y se vaya esta nueva versión crepusculera.
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  • Diana
    Diana
    Cinélico
    La peli que quedó chica

    Lamentablemente el nuevo trabajo del director alemán Oliver Hirschbiegel ("La Caída", "El Experimento", "Invasión") resultó en una película desabrida que le quedó demasiada chica para la figura de una mujer tan popular y enigmática como fue Diana Spencer.
    En primer lugar, al relato le falta corazón, o al menos eso se percibe. La narración se torna pesada y plana, sumiendo al espectador en un estado de aburrimiento atroz. Es duro decir esto, porque personalmente me gustan bastante los trabajos de Hirschbiegel y mi imagen de Lady D era mucho más poderosa de lo que pude ver en esta cinta. Acá la muestran media tontona, inmadura, superficial, nada que ver con lo que uno puede imaginarse que era en su vida privada. Por momentos parecía necesitada, como caliente con el doctor con el que supuestamente tuvo un affair secreto, enamoradiza en el mal sentido... no me gustó.
    En segundo lugar, Naomi Watts es una actriz que suelo bancar a muerte, pero acá no hace un buen trabajo. Sí, se aprendió algunos gestos característicos de Diana, pero nunca uno se llega a creer que está frente a la princesa revivida. En todo momento vemos a una actriz tratando de convencernos que es el personaje, cuando esto en realidad debería darse de manera más natural.
    Por último, nos presentan una historia de amor secreta entre la figura principal y el médico Hasnat Khan, algo que nunca se validó del todo y que le quita fiabilidad a lo que estamos viendo. Más allá de esto, que siendo verdadero o no podría haber funcionado con otro tratamiento narrativo, el amorío se plantea de manera infantil, casi adolescente e insufrible, asemejando por momentos la dinámica a un drama teen de poca monta.
    Creo que los verdaderos seguidores de Diana Spencer no quedarán satisfechos con esta puesta, como tampoco lo estarán los amantes de buenas historias. Quizás los incondicionales de los culebrones de amor se la banquen, pero en general, no es un buen producto.
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  • En llamas
    En llamas
    Cinélico
    En zona de transición

    ¡Volvieron los juegos mortales más esperados del año! Volvieron y no defraudaron, aunque cuando uno se pone a pensar que aún faltan 2 partes más, es decir, 2 años más (con suerte) para concluir la historia, la ansiedad invade el cuerpo y es imposible no sentir un poco de frustración. Entiendo perfectamente la veta del negocio, pero todo el mundo sabe que sacar 2 excelentes películas del último libro, "Sinsajo", es casi imposible. Esto me preocupa un poco, ya que en esta 2da entrega se comenzó a evidenciar este estiramiento comercial cuyo único fin es abarrotar los bolsillos de algunos pocos con billetes verdes. No estoy en contra de esto, pero sí de sacrificar la integridad de una historia en pos de ganar más dinero. He dicho.
    Con respecto a la película en sí, el director Francis Lawrence ("Constantine", "Soy Leyenda", "Agua para elefantes") hace un buen trabajo puliendo aspectos de trama, visuales y de interpretación. Esta vez se le presta un poco más de atención al drama y no tanto al juego en sí, lo cual es bueno y marca una pequeña evolución con respecto a la primera, pero en sí la fórmula se mantuvo intacta.
    A la primera entrega le puse de nota un "Excelente", sobre todo porque con tanta saga pop mediocre, "Los Juegos del Hambre" se había configurado como un producto que no insultaba la inteligencia del espectador y lo mantenía enganchado al 100% con una historia que iba mucho más allá de una amorío adolescente entre protagonistas. Su dinamismo y temática hacía que fuera un verdadero disfrute cinematográfico. En el caso de esta secuela, se sigue la línea pero puliendo algunos aspectos que naturalmente podían mejorar, como es el caso de la parte visual y sonora de las secuencias como la carga dramática que va adquiriendo el relato. ¿Por qué entonces le bajo la nota a "Muy Buena"? Porque en los últimos 10 minutos te das cuenta que todo lo que estuviste viendo durante los otros 130 minutos que dura el film podría haber sido más groso, más dramático, más épico, más inteligente. Uno se percata de que el director estiró el chicle para cumplir con los productores y que a último momento hace un real despliegue de sus capacidades para enganchar al público y tenerlo como loco hasta la próxima entrega. La última parte de esta secuela da cuenta de que Francis Lawrence podría haber superado ampliamente a la entrega original de Gary Ross si no hubiera dilatado tanto el momento culmine de la trama, pero en vez de hacer esto, se lo reserva para seguir estirando el chicle.
    Por el lado de las interpretaciones, Jennifer Lawrence (Katniss) está fantástica como siempre, adquieren más relevancia los personajes de Josh Hutcherson (Peeta), Liam Hemsworth (Gale) y Donald Sutherland (Snow), y se suman algunas nuevas caras con un buen trabajo en pantalla como es el caso de Jena Malone (Johanna), Sam Clafin (Finnick) y Philip Seymour Hoffman (Plutarch).
    En conclusión, la película cumple con las expectativas, mantiene involucrado al espectador y mejora algunos aspectos con respecto a su antecesora, pero también revela el objetivo comercial detrás del estiramiento eterno que están haciendo con la obra cinematográfica. Da la sensación de que puede ser mejor y que se está reservando sus platos fuertes para las dos última entregas.
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  • El abogado del crimen
    El experimento de Ridley

    El nuevo trabajo del realizador Ridley Scott ("Alien", "Gladiador", "Blade Runner"), no fue muy bien recibido, ni por la crítica ni por los espectadores. ¿Cuál fue el problema? En mayor parte lo que no gustó fue su narración complicada y demasiado ostentosa. La cohesión de la trama no tiene formato clásico, de hecho es bastante compleja y se centra en la importancia de los diálogos y no en la conexión de las secuencias. Los personajes están cubiertos por bizarros velos narrativos que no permiten conocer en profundidad quienes son, velos que dificultan la conexión con el público y que le dan un tratamiento demasiado frío a cada uno. La película tiene escritura del afamado Cormac McCarthy, responsable de novelas como "No country for old men", que también se convirtió en película ganadora del Oscar, y "La Carretera" de la cual salió también otro film que protagonizó Viggo Mortensen. McCarthy es un tipo muy respetado y alabado por algunas personas y a su vez es bastante criticado y menospreciado por otras. Sus novelas y guiones no son comunes y presentan una línea de narración que puede gustar mucho o ser odiada con fuerza. Con el film de Scott pasa lo mismo; algunos dirán que es fabuloso y que pone sobre el tapete dilemas morales de la vida interesantes para analizar, mientras que otros sólo se aburrirán y pensarán que al pobre Ridley le pegó el viejazo. Personalmente, no la disfruté mucho y por momentos me aburrí. De todas maneras, le reconozco la iniciativa de tratar de hacer algo diferente y me doy cuenta de que el hecho de que no me haya gustado a mi no quiere decir que sea del todo mala. Hay baches de narración y algunas secuencias varias innecesarias fruto del capricho del director, pero fuera de esto los demás elementos de la cinta son tan experimentales que sería muy soberbio de mi parte tildarlos rápidamente de malos.
    Aconsejaría que los espectadores que estén más adecuados al cine mainstream, de narración clásica, directamente eviten esta propuesta. Si son de los que están abiertos a un cine no tradicional, un tanto más pretencioso, pueden ir y sacar conclusiones por sí mismos, pero no les puedo asegurar que les vaya a gustar.
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  • Thor: Un mundo oscuro
    Marvel Evolution

    Bastante se habló sobre los supuestos problemas de producción de esta esperada secuela de Marvel. Se decía que hubo problemas de filmación, para lograr las escenas requeridas y sobre todo con la historia que se había guionado. Bueno, para tantos inconvenientes de producción, debo decir que el resultado hizo valer completamente el esfuerzo y los dolores de cabeza que se puedan haber generado. "Thor: The Dark World" es mejor que su primera entrega, más madura, más pulida y más consciente de lo que el espectador desea del producto. La primera película de esta franquicia dirigida por Kenneth Branagh marcaba un buen inicio, pero todo estaba programado como en período de prueba. No se sabía bien aún el interés que generaría en los espectadores y tampoco estaban conscientes de los puntos más fuertes del menú, en cambio esta secuela de Alan Taylor, conocido por estar al frente de capítulos para series importantes como "Game of Thrones", "Los Soprano" o "Mad Men", corrió con la ventaja de saber que al fan le gustaron mucho los toques cómicos de "Los Vengadores", que Loki es más popular que el mismísimo Thor y que había mucha hambre de dramatismo, cuestión que tomó una altura relevante en esta batalla entre la luz y la oscuridad.
    En general tiene algunos aspectos bien interesantes, como por ejemplo el trabajo conjunto entre héroe (Thor) y villano (Loki) para derrotar a una fuerza maligna mayor. El humor constante y pícaro combinado con situaciones dramáticas, también jugaron un rol fundamental para pasear al espectador por una montaña rusa de emociones. Y hablando de rusos, la pequeña pero relevante participación de Rene Russo como Frigga fue refrescante y muy disfrutable. Por el lado de las interpretaciones, todos estuvieron muy bien destacándose las labores de Christopher Eccleston como el villano Malekit y Tom Hiddleston en su rol habitual de Loki.
    Marvel sabe bien lo que hace, comercialmente y con respecto a la calidad de sus trabajos, a excepción de la discutible "Iron Man 3" que me parece se fue de mambo y se terminó centrando en las secuencias de acción. Peli sobrevalorada si las hay. "Thor: The Dark World" es muy equilibrada, tiene grandes efectos visuales y de sonido, las secuencias de batallas son épicas y la trama es realmente interesante.
    Concluyendo, esta secuela de las aventuras del dios del trueno pisa fuerte y puede llegarle tanto al fan empedernido de las super hero movies como al público no tan asiduo a los comics y las pelis de superhéroes. La evolución en los productos de Marvel toma la punta con este film.
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  • Cuestión de tiempo
    Maldito Richard Curtis

    Maldito Richard Curtis... Así voy a empezar este crítica. Es increíble la facilidad que tiene este hombre para crear buenas historias que garantizan la humedad visual, y por eso lo maldigo, ya que soy de los que se jactan de no caer mucho en la emotividad cinéfila. Con "Cuestión de tiempo" y su anterior trabajo, "Love Actually", perdí la batalla por K.O. Es verdad que por momentos se vuelve un poco cursi de más, y pega con un garrote para producir la catarata lagrimal, pero lo hace sin tapujos, sin querer esconder el golpe, mostrando siempre la mano con la que va a pegar. ¿A qué me refiero? Cuando uno va al cine a ver un producto de Curtis, sabe a lo que se está exponiendo y él nunca engaña con lo que muestra en pantalla. Sus historias son originales, divertidas y tienen un tinte romántico pegajoso y desprejuiciado del cual está orgulloso.
    En esta ocasión nos presenta una historia de fantasía en la que Tim (Domhnall Gleeson), un joven inglés medio nerd, cuando cumple sus 21 años puede comenzar a viajar en el tiempo como es la costumbre de todos los hombres de la familia. A partir de esta habilidad, nuestro protagonista tratará de encontrar al amor de su vida, cuestión que eventualmente logra. El nudo de la trama viene por el lado del uso de esta habilidad, que si bien lo ayudará a sortear varios obstáculos que pone la vida, su aplicación no será tan simple y satisfactoria como aparentaba a primera vista.
    La película está planteada con mucho humor británico, del bueno, inteligente e irónico, presenta una idea que si bien se ha utilizado muchísimo, tiene un tratamiento bien creativo y bajado a tierra, sin máquinas futuristas ni efectos pirotécnicos. Es una película sobre el amor, la fraternidad y el aprender a vivir la vida. Si no es esto lo que estás buscando, mejor ni te gastes en ir a verla. Ahora, si sos de los que están abiertos a todo tipo de experiencias y no tienen problemas en emocionarse con una relación padre-hijo, hermano-hermana o entre amantes, Curtis te va a sorprender y te va a hacer pasar un buen rato. Para mí, las películas de este director son un buen ejemplo de que se puede hacer comedia romántica con inteligencia, humor del bueno y sin caer en lo clichés típicos del género. Recomendable!
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  • The Iceman
    The Iceman
    Cinélico
    Padre, esposo, mercenario

    "The Iceman" es un drama biográfico basado en la vida real de Richard Kuklinski, un frío asesino a sueldo que mantenía una doble vida, por un lado como brazo ejecutor de la mafia y por otro como un ejemplar padre de familia que supuestamente trabajaba en el mercado de acciones. Lo interesante de esta historia está justamente en esta dualidad, ciudadano común - asesino a sueldo, un tipo que con todos sus problemas formó una familia, la quiso, le dio todo lo que un padre podría darle a su esposa e hijos, pero por otro lado mataba a sangre fría a cuanto tipo le señalara el mafioso Roy Demeo, interpretado por Ray Liotta.
    Una de las grandes virtudes del film tiene que ver con su protagonista; el ascendente Michael Shannon compone a un personaje bien atormentado, conflictuado por su doble personalidad pero a la vez tan frío que el título de la película no podría haber sido mejor. Su actuación es creíble y logra que el espectador se pueda conectar con un personaje tan difícil como un tipo inexpresivo, frío y de pocas palabras. Winona Ryder, casi desaparecida de la gran pantalla actualmente, también hace un buen papel como la esposa inocente de Kuklinski, y también se puede ver a un irreconocible Chris Evans dando vida a un personaje bien alejado de los que suele interpretar habitualmente.
    Con respecto a lo no tan interesante de este producto, podemos señalar el clima aletargado que le imprimió el director Ariel Vromen. Si bien el trabajo sobre los personajes es fabuloso y se buscó darle realismo al relato con respecto a los hechos que verdaderamente tuvieron lugar, le faltó un toque más de dinamismo, no en el sentido hollywoodense bruto, sino en el avance de las secuencias y en las sensaciones que produce el trabajo. Me percaté de que había momentos donde se suponía que el pavor o el asombro invadieran mi cerebro, pero en lugar de esto los asimilaba con la misma frialdad que exponía su personaje principal. En este sentido creo que a Vromen se le fue un poco la mano con el frío que proyectaba desde la pantalla y debió darle alguna vuelta de tuerca más a la relación trama - espectador. De todas maneras es un film disfrutable, de buena calidad interpretativa y de un realismo bien trabajado. A los que son muy impacientes en cuanto al ritmo de una película, tengan cuidado ya que no es lo más dinámico que van a ver en sus vidas.
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  • Un camino hacia mí
    La hermosura de la ñoñez

    Los productores de films como "Juno", "Little Miss Sunshine" y "Los Descendientes" vuelven a la carga con una historia lindísima, de esas que arman un nudo en la garganta, pero no por tristes sino por esperanzadoras y humanas.
    ¡Qué linda es la ñoñez pura e inocente! Qué bueno ver como estos seres sensibles, incomprendidos, que no van con la corriente del mundo normal, se elevan por encima del desprecio y el aislamiento que plantean algunos que creen tenerla muy clara y saber de qué se trata la vida. Los escritores y directores Nat Faxon y Jim Rash, también actores en la película, componen una historia que sin ser de lo más original, logra conectar con el espectador y lo involucra con los pesares y alegrías que viven sus personajes, y eso como todos sabemos es fundamental. Es en este tipo de films donde uno puede notar el oficio de ciertas personas ligadas con esto tan espectacular llamado séptimo arte. El cast que lleva adelante la trama está encabezado por 2 caras conocidas para los productores, Steve Carell (“Vírgen a los 40”) y Toni Collette (“Sexto Sentido”), ambos muy talentosos que también participaron de otra cinta magistral como fue “Little Miss Sunshine”. Completan el elenco el siempre efectivo Sam Rockwell (“Milagros Inesperados”), Liam James (“2012”) en su primer protagónico, Allison Janney (“Juno”) y AnnaSophia Robb (“Soul Surfer”) entre otros.
    La película tiene ese tono de comedia dramática que acaricia y golpea durante todo el metraje, mostrándose simple y sincera, muy autoconciente de sus fortalezas y debilidades. Por momentos es un poco vulgar, porque sus personajes lo son, y eso es realmente efectivo para lograr el efecto deseado. A la crítica snob que aplaude una canallada como “Amour” seguro le parecerá que es simplona y ordinaria, pero los que vivimos en el mundo real podremos disfrutar de sensaciones tan cercanas como sanadoras.
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  • Rush - Pasión y gloria
    La cruda competitividad deportiva

    "Rush" es una interesante película sobre la gran rivalidad que tuvieron durante sus carreras profesionales los pilotos de fórmula 1, Niki Lauda (Daniel Brühl) y James Hunt (Chris Hemsworth). Repasa la batalla entre un freak obsesivo de la disciplina (Lauda) y un talento nato con aires de playboy (Hunt) al que parecía no costarle ni medio esfuerzo ser un ganador. Entre esas dos personalidades extremas, tuvo lugar una de la relaciones más interesantes y volátiles que se hayan producido en el mundo automovilístico.
    El director Ron Howard ("Forrest Gump", "El código Da Vinci", "Una mente brillante"), repasa tanto sus momentos de gloria como sus momentos de desgracia y miseria, centrando la trama en una especie de drama-comedia que funciona con elegancia y mantiene interesado al público en algo que a priori podría haber resultado poco atractivo. Todos sabemos que el automovilismo y puntualmente la fórmula 1, son disciplinas que tienen un número de seguidores bastante escueto, pero Howard se las arregla para llegar hasta al espectador que menos sabe del tema. El mundo de la fórmula 1 vuelve con un buen exponente a la gran pantalla y nos dice que puede ser una experiencia fabulosa de disfrutar.
    La vida de los personajes, sus sueños, sus obsesiones, sus vicios, sus deseos de fama y reconocimiento están mixados con gran pericia por parte del director, que además logra sacar una muy buena interpretación de su cast, sobre todo de Brühl.
    No concuerdo con algunos comentarios que leí que aseguran que "Rush" es una de las 10 mejores películas del año, no es para tanto. Está muy bien realizada, con secuencias dramáticas y de acción en la pista que son realmente fabulosas, pero más allá de lo interesante en la interacción de estos dos personajes, no es una película de gran trascendencia.
    Una buena opción para disfrutar de un film sobre el automovilismo y la rivalidad deportiva, diferente a lo que se viene viendo en la gran pantalla en el último tiempo, refrescante e interesante.
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  • Carrie
    Carrie
    Cinélico
    Lo innecesario

    Muchos se preguntaban, ¿cuál es la necesidad de hacer otra remake de "Carrie"? La respuesta era simple, para ganar más platita. Ok, pero ¿no debería ser extremadamente buena la remake para lograr el objetivo y no quedar mal parados? Exactamente, eso es justo lo que NO logró este intento de la Metro-Goldwyn-Meyer en asociación con Screen Gems y la directora Kimberly Peirce ("Boys don't cry").
    Para empezar, ya hubo otras remakes o intentos de secuela que fueron bastantes paupérrimos. Esto desgasta mucho al público, ya que cuando se entera que habrá otro intento más en tan poco tiempo, se mal predispone y percata del objetivo netamente comercial que hay de fondo.
    ¿Es esta la peor versión de todas? No, pero aún así es una repetición de eventos que hemos visto hasta el hartazgo y sin mucho que aportar a lo que ya se vio antes. Tiene algunas pequeñas vueltas de tuerca que resultan una brisa de aire fresco, pero no alcanzan para que este nuevo film se convierta en algo trascendente que merezca la pena recomendar. Chlöe Moretz es convincente como Carrie, pero ni ahí logra superar a Sissy Spacek de la original. Su interpretación se perfila por el lado del terror liviano, adolescente, mientras que la actuación de Sissy resultó en su momento mucho más perturbadora. En el caso de Julianne Moore como la madre de Carrie en esta nueva versión, sí se logró un excelente resultado que está a la par de la original o incluso mejor. Personalmente me pasó que Julianne me aterrorizó mucho más que Chlöe en su momento culmine de la película, y eso no puede estar bien.
    Resumiendo, hay un trabajo de producción bueno pero sin muchos momentos grosos a excepción de los choques en cámara lenta. Las actuaciones son buenas pero no logran superar en su conjunto al terror que inspiró el cast original en 1976. La historia es repetitiva y sin mucha adaptación a los tiempos actuales, de hecho se siguió explotando los ahora clichés típicos de la fiesta de graduación con su rey y reina, el bullyng de los populares a los ñoños y el desamor de la chica poco popular con el más codiciado del colegio. Sólo para aquellas personas que son fanáticas del cine de terror teen y se conforman con ver un poco de desamor y sangre en la gran pantalla en un marco de producción aceptable.
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  • Los elegidos
    Los elegidos
    Cinélico
    Terror indie efectivo

    "Dark Skies" es una respetable película de terror de bajo presupuesto y mucha vocación de cine, que lamentablemente pasó sin mucha pirotecnia por los cines argentinos, algo que suele suceder a menudo si la distribución no cuenta con una buena inyección de verdes por detrás.
    Si bien trata el tema de la abducción de humanos por parte de los extraterrestres, algo que hemos visto muchas veces en pantalla, se las arregla para mantener al espectador tensionado durante casi todo el metraje y cae pocas veces en lo burdo.
    En esta ocasión, el director Scott Stewart levanta el promedio luego de los dos bodrios de ángeles y demonios que filmó con Paul Bettany, "Legion" y "Priest". Y bueno, dicen que cuando uno tiene menos herramientas se pone más creativo y enfoca mejor su trabajo. Aplica un buen uso del suspenso y la anticipación de los momentos claves, lo que sube el nivel de la producción y la hace parecer más cara de lo que realmente fue. Por su lado los intérpretes hacen una buena labor, sobretodo Josh Hamilton (Daniel Barret) y el adolescente Dakota Goyo (Jesse Barret) que ya vimos en títulos como "Real Steel" con Hugh Jackman.
    No es un exitaso del género del terror pero entretiene mucho más que la media de prospectos que lo representan. Tiene elementos de las típicas películas de terror pero está manejada de una manera que sobrepasa al cliché y se deja ver con atención. Sugerir la maldad de los visitantes de otro planeta con pequeños recursos artesanales de la vieja escuela como lesiones corporales, hipnotismo y un poco de violencia de género no estuvo mal, aunque se podría haber innovado un poquito más para salir de lo estándar.
    Redondeando, es un film de aura indie que se las arregla, más allá de su poco presupuesto, para mantener una calidad aceptable y entretener al espectador que va buscando un poco de tensión al cine.
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  • Adoro la fama
    Adoro la fama
    Cinélico
    Caer en lo que uno critica

    "The bling ring" es una peli que había generado expectativa, por un lado por el hecho de que la dirigía Sofía Coppola, directora de películas como "Las Vírgenes Suicidas" y "Perdidos en Tokyo"; y por otro lado por la temática que iba a abordar: Hecho real en el que chicos ricos con problemas de autoestima y una obsesión enfermiza por las celebridades y los artículos de moda se pasan del límite moral entrando a casa de sus vecinos estrellas del cine y la TV para robarles sus pertenencias, no por necesidad, sino por fetiche.
    Todo parecía indicar una película más que interesante, pero el resultado final fue lamentablemente bastante chato y fofo. Si bien las secuencias están muy bien filmadas y el mundo de tentaciones materiales que nos presenta Coppola es hipnótico, la dinámica de la trama se va por el inodoro cuando se quiere pasar de rosca con la mirada "indie" de los hechos. Nos presenta directamente y sin ningún tipo de anestesia a 5 adolescentes irritantes, caprichosos y poco queribles, con los que supuestamente debíamos involucrarnos para que tenga sentido lo que se está viviendo en pantalla. La verdad es que nunca llegué a conectar con ninguno de ellos, quizás estuve un poco cerca con el personaje de Marc, pero ni así hubo manera. Al no conectar se producen algunas sensaciones poco placenteras como el letargo y la indiferencia hacia lo que estamos viendo. La verdad es que me daba lo mismo que pasaba con cada uno de los personajes, sólo quería que llegara el nudo final para terminar con la cuestión y ver como terminaba todo con estos mocosos. Estoy seguro que esto no es lo que busca vivir una persona cuando decide ir al cine a disfrutar de un film.
    La frivolidad con la que aborda todo el tema la directora, da cuenta de la crítica poco sincera que hace sobre Hollywood y el celebrity life style del cual forma parte, o al menos deja al descubierto que no llega a ponerse en la piel del espectador promedio que lejos está de ese tipo de vida, el que seguramente verá la trama como algo poco impactante y de poca trascendencia. Quizás en USA donde este tipo de obsesión es más potente podría funcionar un poco mejor, pero por estos pagos latinoamericanos de seguro no logrará tener el efecto que Coppola esperaba.
    En resumen, un peli sobre adolescentes para adolescentes que quieren pasarla bien un rato viendo a su actriz favorita, Emma Watson, en un rol distinto del que nos tiene acostumbrados. Un trabajo de intención inicial positiva que lamentablemente termina cayendo en la boludez hollywoodense que intenta criticar.
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  • Kick-Ass 2
    Kick-Ass 2
    Cinélico
    Con trastabilleos, pero sale airosa

    "Kick-Ass 2" fue una película que encontró miles de problemas de distribución en Argentina, de hecho se estrenó en muy pocas salas. Además de esto, varios críticos especializados le dieron con un caño porque decían que este entrega era muy repetitiva con respecto a lo que vimos en la primera y encima Jim Carrey, arrepentido de haber participado en una producción tan violenta como esta, salió a hacer una especie de contra publicidad. Más allá de todas estas piedras en el camino, los fans son quienes deciden o no el éxito de un producto como este, y la verdad es que en este sentido logró una amplia aceptación entre sus seguidores y cumplió con las expectativas de casi todos.
    Personalmente debo decir que disfruté mucho la "Kick-Ass" original pero nunca me consideré un fanático empedernido, por lo que mis expectativas con respecto a esta secuela no eran demasiado altas. Con una mirada un tanto más objetiva que la que pueden tener sus amantes incondicionales, opino que este trabajo del director Jeff Wadlow es muy entretenido y respeta el concepto trabajado originalmente. Tiene inconsistencias de guión, eso sí, con algunas escenas de relleno y diálogos un tanto sonsos, pero más allá de esto logra salir airosa del desafío e incluso abre el universo Kickassero para desarrollar toda una franquicia exitosa, con spin off y demás yerbas que se utilizan para expandir una saga atractiva como esta. El trío Moretz, Johnson y Mintz-Plasse vuelve intacto, con sus personalidades bien marcadas y el carisma que los caracteriza. La mayor parte del humor está a cargo del villano, Mintz-Plasse, quien hace un buen trabajo como motor de la bizarreada y el descontrol. La adición de nuevos personajes como Night Bitch, Dr. Gravity, Mother Russia y el Coronel Stars and Stripes es un acierto, más allá de que Carrey no piense lo mismo.
    Hay varias escenas de violencia hardcore a cargo de Hit Girl (Moretz) y la asperísima Mother Russia (Olga Kurkulina), que le suben la tensión a la historia y les dan a sus fans lo que buscaban, super héroes adolescentes, con problemáticas adolescentes y una conciencia claramente políticamente incorrecta, pero que a todos nos ha invadido durante la juventud 8sigo siendo joven, aclaro, ja).
    En resumen, un producto que encontrará buena recepción entre sus seguidores, que entretiene y piensa mucho en lo que el fan estaba esperando. Si la distribución no hubiera tenido tantos problemas, seguramente no le habría ido tan mal en ciertos sectores especializados de crítica. No es una cosa de locos y pierde un poco el efecto sorpresa de la primera, pero más allá de esto es un buen producto de aventuras y acción adolescente.
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  • Apuesta máxima
    Más que máxima, viene sin fuerza

    El nombe "Apuesta máxima" es una ironía si tenemos en cuenta que el director Brad Furman ("The Lincoln Lawyer") se fue por un camino demasiado seguro, tanto que cayó en casi todos los clichés de las películas sobre estafas y traiciones. Más bien la re nombraría "Apuesta débil" o "Apuesta con miedo".
    Visualmente la película está bastante bien, mostrando el lujo de la mafia de las apuestas y los excesos, a su vez nos sumerge en el mundo de los juegos por dinero online, puntualmente juegos online de póker, lo que podría haber resultado mucho más atractivo de lo que realmente fue. Los actores están bien también en sus respectivos roles, entonces, ¿cuál fue el problema de esta producción? En primer lugar le faltó más vuelo al guión, ya que la historia terminó siendo absolutamente predecible y digna de un fim de TV de Hallmark Channel. Es el eterno problema de guión de siempre. Me cuesta creer que los escritores o directores cometan siempre el mismo pecado. Sospecho que es una cuestión más de los estudios, que normalmente piensan que hacer películas es aplicar una misma fórmula hasta el hartazgo exprimiendo el jugo de la naranja de oro hasta que los números no cumplan con las expectativas.
    Hay traiciones, momentos de tensión y figuras de moda en Hollywood como Justin Timberlake y Ben Affleck, pero así y todo la propuesta resulta soporífera y hace soltar un par de bostezos durante el metraje. No se logra la interacción adecuada con el espectador y termina pasando que nos importa poco como finalice la cuestión.
    Diría que es una peli sólo para fanáticos de los thrillers en serie, de esos donde mientras haya una buena puesta, locaciones atractivas y una mínima de nudos y tensiones se acepta como producto entretenido. A mi me pareció que se quedó bastante corta.
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  • Riddick
    Riddick
    Cinélico
    Redondeando la trilogía con altura

    A esta en primer lugar le voy a dar crédito por haber sido una remada increíble del dolape Vin Diesel. Nadie quería ponerle la guita para hacer la peli o le ponían miles de condiciones, asique Diesel decidió mejor financiarla de su bolsillo y hacerse cargo del éxito o fracaso del producto. Con un presupuesto de $38 millones de dólares y una recaudación mundial de más del doble, el pelado se le puede reír un rato a sus detractores y decirles "In your face!".
    Pasando puntualmente al film, es un buen entretenimiento de aventuras y acción que de cierta manera vuelve a las raíces centrándose en la historia de supervivencia de Riddick en un planeta hostil, muy hostil. Mercenarios despiadados se suman a las amenazas monstruosas que habitan el planeta donde fue desterrado nuestro héroe tras ser engañado por los necrotratantes. Recordemos que en la última entrega, "Las crónicas de Riddick", el furiano quedaba al frente del ejército necrotratante tras tomar el trono por la fuerza y de cierta manera, por accidente. En esta tercera entrega de la saga poco veremos sobre estos personajes oscuros, que aparecen sólo al principio como recurso introductorio a lo que está por sufrir el protagonista.
    En un balance general el producto es atractivo, entretiene y le da la sensación al espectador de estar viviendo la aventura con el furiano. En mi opinión, esto es suficiente como para catalogarla al menos como pasable. Si a esto le sumamos un buen trabajo de efectos visuales, un guión aceptable, actores ásperos recibiendo trompadas de Diesel y una relación de amistad entre el Hombre y el mejor amigo del Hombre (una especie de doberman hiena), el paquete cierra bien y se configura como una buena opción para los que gustan de las ciencia ficción y las pelis en clave de aventura. A los que no les gusta este tipo género en particular, no van a disfrutarla, no porque sea mala, sino porque se ajusta bastante al tipo de producto que uno catalogaría como sci-fi y fantasía. Los fans de la franquicia seguro se sentirán satisfechos y sedientos de más aventuras de Riddick en el futuro.
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  • Capitán Phillips
    Las dos caras de un mundo

    Historia dramática con tintes de denuncia social centrada en un ataque de piratas africanos a un barco de carga con contenedores estadounidense. Típica película a la que no solemos darle mucha bolilla por estos pagos, ¿pero saben qué?, no deberían perdérsela por nada en el mundo, sobretodo por lo excelentemente bien que está planteada, con un uso magistral del drama y el suspenso, y por los últimos 10 minutos que son sublimes, en particular la actuación de Tom Hanks que realmente deja con la boca abierta y el corazón roto. Otro para destacar es el actor somalí Barkhad Abdi, que debuta en la gran pantalla con una fuerza y carisma increíble.
    Este nuevo trabajo del director Paul Greengrass ("The Bourne Ultimatum", "The Bourne Supremacy", "United 93") está basado en un hecho muy real, el secuestro en 2009 del navío de carga de contenedores MV Maersk Alabama por un grupo de piratas somalíes, que con perseverancia y desesperación lograron algo impensado para un monstruo de la seguridad militar como es Estados Unidos. La trama hace hincapié en dos pilares fundamentales, por un lado la historia de supervivencia del capitán Phillips, interpretado magistralmente por Tom Hanks, que deberá usar todo su ingenio y experiencia para tratar de sacar sana y salva a su tripulación y lograr que el robo se reduzca al mínimo posible, mientras que por otro lado Greengrass se mete con los escandalosos problemas sociales que se viven en los países pobres de África y las diferencias económicas abismales entre una superpotencia dotada de cómodos recursos monetarios y poderío militar en comparación con una nación sometida a mafias étnicas y pobreza brutal. Durante todo el film pareciera preguntarle al espectador ¿qué hacés para cambiar esta realidad?, si sabés que estas cuestiones pasan todos los días, ¿quién realmente se preocupa por las condiciones en las que viven otros seres humanos como nosotros obligados a subsistir bajo regímenes dictatoriales que los usan y descartan como papel higiénico? El mensaje es sombrío y duro, pero muy real. Finalmente remata su trabajo con 10 minutos finales tan impactantes como emocionantes.
    La película maneja muy bien la mezcla dramática y de suspenso, brindando momentos de tanta tensión que si uno mira hacia sus costados en la sala de cine, puede percibir el nerviosismo de sus vecinos dibujado en su cara de sufrimiento.
    Un verdadero entretenimiento cinematográfico que NO te dejará contento ni rebosante luego de haberlo vivido, pero seguramente te hará preguntarte cuestiones que poca veces reflexionamos por la comodidad en la vivimos habitualmente. Aplausos para don Greengrass y para el capo de Hanks que se merece una nominación a los próximos Oscars, sólo por los 5 minutos finales del film que le alcanzan y sobran para entrar en la terna.
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  • Gravedad
    Gravedad
    Cinélico
    Vértigo que succiona

    ¡Cuánta expectativa que se había formado en torno a este estreno del director mexicano Alfonso Cuarón! Debo decir que la película no defrauda, en absoluto, es puro entretenimiento vertiginoso durante los fabulosos 90 minutos. También creo que hay que sincerarse y decir que hubo un trabajo de promoción espectacular en torno a su lanzamiento, lo que provocó que se engrandeciera aún más la propuesta, que es buenísima, un 9 diría, pero de seguro no es la mejor película del año como se anduvo diciendo por las redes sociales y algunos medios digitales. Se me ocurre "Before Midnight", "Jagten" o "Capitán Phillips" por nombrar algunas que, a mi criterio, han sido mejores trabajos que "Gravity", y aún falta un largo camino de estrenos grandes que se están guardando para la temporada Oscars 2014. No me mal interpreten, el trabajo del trío Cuarón-Bullock-Clooney es asombroso, increíblemente entretenido y muy bien ejecutado, pero creo que al igual que con "Argo" de Ben Affleck el año pasado, se ha creado un amor desmesurado e incondicional por este título. Dicho esto, creo que como película de ciencia ficción, es una de las producciones más impactantes y mejor realizadas de los últimos 10 años junto a las Star Trek de J.J. Abrams. El manejo de los planos que utilizó Cuarón y el suspenso/terror que le imprimió a la dinámica de la película, fue sencillamente espectacular. Recordemos que el film se sostiene con solo los eventos desafortunados que viven 3 astronautas en el espacio y las interpretaciones de los ya consagrados George Clooney y Sandra Bullock, eso es todo. No es fácil crear un entretenimiento fuerte a partir de estos pocos recursos, pero el director de la también alabada "Children of Men" (2006), lo logra y sale más que victorioso en el proceso. La nominaciones varias para los Oscars 2014 están casi aseguradas, sobre todo en las ternas de "Mejor Actriz Principal", "Mejor Director", "Mejor Guión" y hasta "Mejor Película".
    Una cuestión con la que sigo sin habituarme es el maldito 3D que tenemos en la Argentina... quizás no tanto por el formato en sí, sino por lo flojos que son los soportes que permiten ver este tipo de trabajos cinematográficos. Los lentes 3D son de lo más incómodos y poco prácticos instrumentos que se crearon en el último tiempo. He dicho.
    Volviendo a la peli, es super recomendable, como para ver algo distinto de lo que se viene ofreciendo habitualmente desde Hollywood, con momentos realmente angustiantes y desesperantes, con algunas secuencias espaciales que parecen succionar al espectador hacia dentro de la pantalla y hacerle vivir el vértigo de los protagonistas. ¡A no perdérsela!
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  • Elysium
    Elysium
    Cinélico
    La lucha de clases

    "Elysium" es el esperado retorno del director de aquella joya cinematográfica del 2009 llamada "District 9", película que hacía una clara denuncia social sobre cómo nos tratamos entre los seres humanos y como tratamos a otros seres vivos, las reglas que nos imponemos como sociedad para separar a los más privilegiados de los más vulnerables a nivel social y económico. Con una idea muy original, Neill Blomkamp plasmaba esta historia de guetos extraterrestres siendo sometidos a los caprichos raciales de la raza humana. Con "Elysium" presenta un concepto muy parecido, sin extraterrestres, pero sí planteando un escenario post apocalíptico en donde la brecha que separa a ricos de pobres llega a niveles obscenos, tanto que éstos últimos han sido relegados a sobrevivir en la Tierra sin ninguna comodidad y en un ambiente contaminado, mientras que los millonarios disfrutan de enormes propiedades lujosas y artefactos que curan desde manchas en la piel hasta una leucemia, en una enorme facilidad ubicada a miles de kilómetros del planeta.
    Nuestro (anti) héroe, interpretado por Matt Damon, se verá envuelto accidentalmente en una revolución para acabar con la miseria del pueblo que vive sometido por personas despiadadas y poderosas como Delacourt, Jodie Foster, que utilizan todos sus recursos para mantener a salvo el estilo de vida de los privilegiados.
    De cierta manera, Blomkamp logra emular aquella denuncia social que le dio el salto a la fama, pero en esta entrega pierde potencia en el golpe. El tipo tiene un imaginario increíble y su talento es innegable, pero se pierde un poco en el campo de la ciencia ficción y la acción descuidando el del drama, que considero debería haber sido el género troncal de la historia. Escenas frías de muerte, muy bien creadas, pero con un impacto acolchonado por el hielo que decidió imprimirle el director a las secuencias. Por supuesto que no estoy pidiendo golpes bajos o recursos lacrimógenos clichés, pero creo que Blomkamp debió pensar un poco más en como se vería involucrado el espectador con los personajes que puso en pantalla. Por último Kruger, uno de los villanos interpretado por Sharlto Copley ("District 9"), le imprimió carisma al equipo de malvados, pero también se le fue un poco la mano con el tema del acento y los modismos sudafricanos para expresarse. Se entendía que quería dejar en claro su nacionalidad, pero aún así por momentos se volvía forzado.
    Un entretenimiento muy bien elaborado, que lamentablemente se terminó yendo hacia los géneros secundarios en vez de ahondar en el drama troncal. Los amantes de las ciencia ficción la recibirán con los brazos abiertos y la disfrutarán.
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  • La noche de la expiación
    Mundo salvaje

    "The Purge" es una película bastante más provocativa de lo que se aprecia a simple vista. Sí, plantea un mundo ridículo y violento, pero ¿nos pusimos a pensar que tan ridículos y violentos podemos llegar a ser en la vida real? Creo que acá está el punto fuerte de este trabajo del director James DeMonaco, más conocido en el mundo del cine por sus labores como escritor en “Asalto al distrito 13” y “El Mediador”. El planteo puede gustar más o menos, pero indefectiblemente es un concepto original, que no se ve todos los días en el cine, sobre todo en el género del terror que tiene muchas fórmulas agotadas, como por ejemplo las posesiones y los espíritus malignos. En "The Purge" se supo captar bien la creciente turbulencia que estamos viviendo en el mundo actual, con hechos violentos cada vez más comunes en las comunidades, y a eso se le agregó un toque de humor negro. Tiene algunas locuras que también se agradecen, bizarras y hasta cómicas, un tanto parecidas a las que presentó esa joyita llamada “The Cabin in the Woods” (salvando las diferencias, por supuesto). Pero no todo es color de rosa con esta película. Más allá del nuevo concepto atractivo, muchas de las secuencias de terror terminan cayendo en los lugares comunes de la mayoría de los trabajos de este tipo. Hachazos, cuchillos varios y apariciones sigilosas detrás de puertas y ventanas seguidas de un fuerte golpe de sonido para hacer saltar a los más vulnerables en sus butacas. Otra cuestión también un tanto floja tuvo que ver con los villanos del film, que están poco desarrollados y en muchos casos nos termina dando igual si mueren o desaparecen de la pantallas como por arte de magia. Por su parte, la familia compuesta por los actores Ethan Hawke (papá Sandin), Lena Headey (mamá Sandin), Max Burkholder (Charlie Sandin) y Adelaide Kane (Zoey Sandin) están muy bien en sus roles, sobre todo los adultos que ya tienen una larga experiencia en cine y TV. Ethan se sigue consolidando en el género del terror y el suspenso, mientras que Lena acrecienta su perfil de chica dura de la gran pantalla.
    La trama por momentos atrapa pero pierde fuerza cuando se incluyen algunas vueltas de tuerca demasiado concentradas en lo visual, en vez de apuntar a aterrorizar mentalmente al espectador, algo mucho más efectivo por estos tiempos.
    Una buena opción de terror que sin ser fabulosa, entretiene y hasta deja reflexionando (un poquito) sobre nuestro comportamiento como seres humanos.
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  • Dragon Ball Z: La batalla de los Dioses
    Reviviendo el animé

    Mucho se peleó para que llegara a la pantalla grande argentina este estreno basado en la icónica serie animada de Akira Toriyama, "Dragon Ball Z", y se logró. La verdad es que fue una muy buena iniciativa por parte de los fans, sobre todo para abrirle a los ojos a los distribuidores que estaban descreídos de este producto. Más allá de esto, creo que la película fue un tanto irregular, con mucha base en la comedia típica de la serie “Dragon Ball” y no tanto en la seriedad y las batallas de “Dragon Ball Z”. Por supuesto que los fanáticos más acérrimos estaban más contentos que nene con juguete nuevo, volvían a ver sus ídolos nuevamente en animación clásica de alta definición, el Kame Hame Ha de Gokú, un nuevo contrincante poderosísimo (Bills), las fusiones entre sayayines y otras cosas típicas de la serie, pero si nos ponemos un poco más críticos vamos a poder ver algunas falencias que le bajaron categoría a la historia. En primer lugar, la pelea se hace esperar demasiado, pero no con el suspenso y el drama de la serie Z, sino con agregados cómicos que funcionaban de a momentos. En mi opinión esto le sacó tensión a los momentos importantes, porque cuando llegaban, ya estábamos con la onda de animación cómica y hasta con un poco de tedio e impaciencia por la falta de batallas. La otra cuestión es la carga infantil que se le imprimió a la propuesta, nuevamente más cercana a Dragon Ball que a la serie Z. No quiero spoilear, pero hubo varias cuestiones que terminaban en situaciones amistosas cuando lo que queríamos ver era el despliegue de poder super sayayin. Creo que al director Masahido Hosoda se le fue la mano con el humor.
    Para resaltar, la sola posibilidad de ver nuevamente con vida a nuestros héroes viviendo nuevas aventuras, alguna que otra sorpresa y una batalla final clásica con todo el power que caracterizó a la serie Z. La animación está muy bien lograda y el hecho de haber conseguido las voces originales del doblaje latino fue sencillamente genial.
    Una peli que los fans más fieles festejarán más allá de sus evidentes debilidades, pero que seguramente no encontrará nuevos adeptos entre el público adulto que creció con el animé.
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  • Wakolda
    Wakolda
    Cinélico
    Conviviendo con la muerte

    La película argentina preseleccionada para competir por un lugar en la terna de Mejor Película Extranjera en los próximos Oscars, generó cierta división entre los críticos y el público que pudo disfrutarla. Están los que no gustaron del film por el personaje nefasto que trae a la vida y por el tratamiento cinematográfico que se le dio a ese personaje (adaptado) para calar con la trama. Después están los que la alabaron por la sobriedad de la puesta, las buenas interpretaciones y el buen manejo del suspenso que presentó. Como todos sabemos, el gusto cinéfilo es muy diverso y no siempre vamos a estar de acuerdo en cuanto al contenido de la trama y el género, pero hay cuestiones que van más allá de esto, como por ejemplo los aspectos cinematográficos que hacen a un producto fílmico de calidad. En este apartado creo que Lucía Puenzo tiene un gran oficio para hacer cine, un ojo muy talentoso para la elaboración de escenas y le imprime una dosis fuerte de internacionalización a sus trabajos. No es el tipo de directora que se enfoca en lo cotidiano, en lo popular, en lo mainstream; se anima a mucho más a pesar de que no siempre saque algo maravilloso de la galera, por eso me gusta y le doy gracias.
    Puntualmente sobre "Wakolda", creo que es algo intermedio entre la irregular "El niño pez" y la excelente "XXY". La temática de "Wakolda" es interesantísima, nos presenta a una familia del sur argentino a principios de la década del '60 que sin saberlo estuvo conviviendo con uno de los criminales de guerra nazi más buscado de todos los tiempos, el mismísimo Josef Mengele, el "ángel de la muerte", responsable de la muerte de miles de personas sometidas a sus experimentos genéticos. Por ahí venimos de 10, el tema es que Puenzo optó por una dinámica más convencional para contar la historia, sin ese sello volador de cerebro que utilizó en "XXY", que obligaba al espectador a pensar y repensar sus paradigmas. Con "El niño pez" también planteaba de alguna manera ese ejercicio aunque de una manera más irregular, pero con "Wakolda" sentí que se fue por una senda más segura, menos arriesgada y por lo tanto, menos espectacular finalmente. Sí, estuvo el tema de la manipulación genética que es super interesante, pero no se desarrolló en todo el esplendor que podría haberse hecho. Lo mismo con las relaciones entre los distintos familiares con el doctor, se me quedaron un poco cortas.
    En conclusión, creo que es una buena película, para disfrutar de un producto argentino bien hecho, aunque no creo que sea maravillosa.
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  • R.I.P.D. Policía del más allá
    Comedia policial que no divierte

    "R.I.P.D." es una nueva adaptación al cine de un comic no muy popular y que mucha gente desconocía. Esto no es malo, pero sí representaba un riesgo grande de recaudación, sobretodo para un presupuesto de producción de 130 millones de dólares.
    Resulta que la idea de por sí no era del todo original, ya que se podían evidenciar varias similitudes con "Los Cazafantasmas" o "Men in Black", historias que claramente influenciaron en la escritura de Peter M. Lenkov, autor del comic en 2001. Más allá de esto, las vueltas de tuerca del Rest In Peace Department (RIPD), los actores seleccionados para dar vida a los protagonistas y el presupuesto destinado a su producción, parecían que iban a dar como resultado una buena comedia policial/fantástica que iba a modernizar de alguna manera la visión de "Men in Black"... bueno, esto no sucedió.
    El primer error garrafal de la propuesta fue pifiar en el humor que se utilizó. Los momentos de risas fueron tenues y contados con una sola mano, no hubo ninguna secuencia de gags realmente divertidos. Jeff Bridges (Roy) tuvo un protagonismo desteñido y Ryan Reynolds (Nick) no resultó tan divertido como se pudo ver en otros de sus trabajos cómicos. Por otro lado, el personaje de Mary-Louise Parker (Proctor) me pareció bizarro y débil, con copias claras de la personalidad de su personaje en la saga "Red". El único que me gustó como estuvo fue Kevin Bacon (Hayes), que con cada película que pasa, va fortaleciendo cada vez más su rol de villano en la gran pantalla. El segundo error, tuvo que ver con el eterno problema de decisión de géneros, ¿policial de acción o comedia policial?. Son pocos los que pueden combinar exitosamente estos géneros y lamentablemente Robert Shwentke, director de este trabajo, más allá de haberlo hecho bien con "Red", no estuvo a la altura del desafío.
    Para los fans de la fantasía y los buenos efectos, hay varios momentos de explosiones, muchos villanos delirantes bien diseñados y persecuciones automovilísticas varias que aseguran acción. Para los que no se conformen sólo con los aspectos técnicos, dejará un sabor amargo, de esos que nos dicen que podría haber sido una experiencia cinematográfica mucho más valiosa de lo que terminó siendo. No la recomiendo.
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  • Percy Jackson y el Mar de los Monstruos
    Limpiando las manchas de su predecesora

    Bueno, acá tenemos un ejemplo claro de saga infanto juvenil irregular que la crítica especializada ama destrozar cada vez que puede. Es verdad que "Percy Jackson y el ladrón del rayo" fue bastante floja, con una exhibición pobre de efectos visuales y un guión que parecía sacado de algún programa matinal de Disney Channel, pero decir que esta secuela del director Thor Freudenthal es aún más floja que la primera, es simplemente necedad y amor puro a pegarle exageradamente a un trabajo que no nos gusta, sólo porque a nosotros no nos gusta.
    Debo admitir que prácticamente odie la primera peli dirigida por Chris Colombus, el director que se hizo cargo de las dos primeras entregas de la franquicia de Harry Potter. Más allá de que filmó "Percy Jackson y el ladrón del rayo" en 2010, parecía que se había quedado con los efectos visuales del 2001 cuando estuvo a cargo de "Harry Potter y la piedra filosofal"... fue bastante pobre. A su vez esperaba el nuevo gran proyecto del director de "Gremlins", "The Goonies" y las primeras pelis de Harry Potter... la expectativa fue grande y la caída estrepitosa. Con este antecedente fue que llegué a la sala a ver esta secuela, con pocas ganas y un descreimiento total de que fueran a mejor el producto, pero a decir verdad, me llevé una sorpresa cuando me encontré a mi mismo disfrutando la aventura de estos jóvenes semi dioses. Tampoco es que estuve super copado durante los 106 minutos de metraje, pero sí pude percibir un cambio importante en la forma de encarar la historia y un pulido sobre varios aspectos que habían fallado en la primera entrega. En primer lugar, se cuidaron mucho más los efectos visuales y sonoros, parte fundamental de un film de fantasía plagado de monstruos y seres mitológicos. Para resaltar, el muy buen manejo de este aspecto técnico en la lucha final de los muchachos contra el dios Cronos. En segundo lugar, la personalidad de los personajes fue más interesante que en "..el ladrón del rayo", aunque todavía se podían notar ciertos rasgos infantiles que deben desaparecer si piensan hacer una tercera entrega. Para resaltar acá, la incorporación de Douglas Smith como el medio hermano de Percy, Tyson, que trajo un poco de frescura al trío original.
    Como cuestiones negativas, se puede decir que aún hay algunas fisuras de guión, que los personajes no evolucionaron tanto con respecto a la primera película y que el aura infantil que rodea la historia cansa un poco, pero no estoy de acuerdo con los que aseguran que el producto es pésimo o inferior a su predecesora. El film se deja ver y por momentos entretiene mucho. Ojalá la tercera entrega (si es que deciden hacerla) llegue con más sorpresas y se comprometan con el crecimiento personal de los protagonistas como sucedió con la franquicia de Harry Potter.
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  • El hombre de los puños de hierro
    Homenaje de envoltorio engañoso

    Sin mucha pena ni gloria pasó este estreno por los cines argentinos; un trabajo del hip hopero/actor/director RZA, que además es un conocido fanático del cine de artes marciales oriental. Su ópera prima, "The man with the iron fists", es un homenaje a ese cine clásico en el que se nota la influencia de películas como "Las 36 cámaras de Shaolin", "Kung fu contra los siete vampiros de oro" y "El tigre y el dragón". Si a esta locura de artes marciales le sumamos una estética impregnada por el sello de Tarantino, tenemos un producto tan atractivo como turbulento, que podría haber sido mucho más trascendente de lo que terminó siendo en realidad. El poster promocional, el trailer, los personajes y los actores involucrados en la producción generaron en primera instancia mucha expectativa, pero luego con varios retrasos en su estreno y el filtrado de copias piratas de buena calidad en internet, se fue apagando la emoción. Creo que en parte estas cuestiones influyeron en el poco éxito que tuvo a nivel mundial, pero también es verdad que la trama que debía sostener a la película fue muy despareja, con algunos baches evidentes en el guión y un manejo de las situaciones un tanto confusa. Se nos presentaron personajes super atractivos pero incompletos, como cuando uno ve un producto cuyo envoltorio es hipnótico, pero en cuanto lo abrimos nos damos cuenta de que el contenido era menos interesante. Lo mismo me pasó con los protagonistas de esta película. Un Blacksmith (RZA) poco carismático fuera de su rol de hombre con puños de hierro, un X-Blade (Rick Yune) con poca historia que ensalzara su importancia en la trama, una Madam Blosson (Lucy Liu) con motivaciones confusas... El único que me gustó bastante como personaje fue Jack Knife (Russell Crowe), pero creo que aún así se podría haber explotado mucho mejor.
    Es una película de buenas intenciones, con algunas secuencias de acción muy bien realizadas y personajes potencialmente espectaculares que se quedaron un poco en el camino. Nuevamente, se presentó otro caso de atención excesiva en los detalles estéticos dejando de lado el pulido de los aspectos de guión. No obstante, aguanta. Se deja ver y transporta por hora y media al espectador a un mundo de clanes despiadados, traiciones, técnicas de combate mágicas y fantasía mística. Una opción para tomársela como lo que es, una peli de clase B que con mucho amor y poco presupuesto que le hace un homenaje al cine de artes marciales clásico.
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  • Aviones
    Aviones
    Cinélico
    Insistiendo en algo flojo

    No se sabe bien porqué la gente de Disney aún insiste con la franquicia "Cars", esta vez convertidos en "Aviones". Sí, tuvieron mucho éxito con la 1ra entrega y más allá de las duras críticas que recibieron con la secuela, se pudieron llevar unos cuántos dólares al bolsillo; pero ya seguir insistiendo con un producto que se cae a pedazos es poco inteligente. De hecho leí por ahí que supuestamente "Aviones" sería la primera de 3 entregas... No creo que se concrete finalmente. No me malinterpreten, Disney y Pixar (que esta vez no se animó a poner el nombre en los créditos) tienen productos que por lo general están por encima de la media, pero con el dinero y talento que están invirtiendo en este producto, podrían crear algo mucho más innovador y fresco, a los "Rompe Ralph".
    La trama es bastante básica con excepción de la historia de Skipper, el ex crack del aire devenido en mentor del deslucido protagonista, Dusty. Toda la historia se centra en los sueños y dificultades de un avión que, más allá de que fue creado para ser fumigador, aspira y desea con todo su corazón ser un corredor del aire y ganar la competencia mundial de vuelo. Por supuesto aparecen los personajes clichés de siempre, el amigo gracioso y fiel, el villano que piensa que nuestro protagonista es inferior y la chica difícil con quien termina teniendo una especie de amorío... un romance a lo Disney, ¿no? También se hace un paseo por distintos destinos turísticos del mundo como India o Hong Kong, siguiendo la línea de la saga "Cars". Si bien los aspectos visuales son fabulosos y se nota la mano encubierta de Pixar sobre los efectos de animación y el uso de colores, la trama no da mucha tela para cortar y termina por aburrir a los espectadores, incluso a los más chicos que deberían representar a un público más accesible.
    ¿Es una peli entretenida? Más o menos. ¿Ofrece el paquete Pixar de calidad de animación? Sí, lo ofrece. ¿Hay otras opciones mejores en cartelera para los más chicos? En algunas salas todavía están proyectando "Metegol" o "Percy Jackson y el mar de los monstruos" que son propuestas mucho más divertidas.
    Sólo para fanáticos empedernidos de la saga "Cars" o las animaciones símil Pixar.
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  • El ataque
    El ataque
    Cinélico
    Menos que Olympus has fallen

    "White House Down" es la revancha del director Roland Emmerich, que finalmente pudo destrozar la Casa Blanca estadounidense área por área. Recordemos una secuencia famosa en su película "Día de la Independencia" en la que sus aliens explotaban el Capitolio y la Casa Blanca como si fueran estructuras hechas de cartas. Bueno, parece que se quedó con las ganas de ahondar en la destrucción de los emblemas de poder norteamericanos y se le ocurrió hacer este trabajo, que dicho sea de paso, tuvo una competencia que le ganó de mano con el timing, la también fallida "Olympus has fallen" de Antoine Fuqua. En mi crítica sobre esta última, hice referencia a que el director Antoine Fuqua parecía poseído por Roland Emmerich por el nivel de pirotecnia y patriotismo light que le había puesto a la producción y que esperaba que se produjera la situación inversa con "White House Down"... bueno, esperé en vano. Este nuevo trabajo de Emmerich es muuuy "Emmerich noventoso", con despliegues enormes de armamento bélico y muchas explosiones para tapar la debilidad de un guión sonso y repetitivo. Como dije antes, ya fueron las pelis de acción centradas en salvar al presidente de los Estados Unidos a través de un veterano o rebelde agente del FBI, Servicio Secreto y demás entidades de protección. Los efectos visuales y sonoros son muy buenos, lo sabemos, usted Emmerich es un genio de la pirotecnia, pero queremos otra cosa, que su cine evolucione, que nos de algo de calidad e innovador como lo hizo con "Anonymous" sobre la figura de William Shakespeare.
    Las comparaciones son odiosas, lo sé, pero si tuviera que elegir entre "Olympus has fallen" o "White House Down", claramente me quedo con la primera, que le gana en guión, crudeza de las secuencias de acción e interpretaciones de los protagonistas, y eso que tampoco en una joyita. Jamie Foxx es un tipo talentoso, pero como presidente de los Estados Unidos, su interpretación fue tragicómica. El perfil que le imprimieron fue erróneo, parecía un rapero-nerd a cargo del país más poderoso del mundo...muy inverosímil. Si la intención era meterle un poco más de humor al rol, el resultado no fue efectivo. Con Channing Tatum aún tengo dudas... no estoy seguro de sus habilidades interpretativas. Es como que le falta profesionalismo, carisma... no impresiona.
    Para ir cerrando: a los fans acérrimos de las películas de acción ligeras y buenos efectos explosivos, les va a gustar bastante. La historia de fondo no es del todo ridícula y para un espectador poco exigente enfocado en la acción, basta y sobra. Para el que va buscando algo innovador, distinto, con una historia que combine efectivamente guión y acción, se va a encontrar con uno de esos productos que ya ha visto seguramente más de 10 veces.
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  • Declaración de vida
    La película de la vida misma

    "La guerre est declaree" es una propuesta francesa distinta e innovadora, que nos cuenta la historia de una pareja que debió hacerle frente a la desgracia de tener un hijo de tan sólo 18 meses con un tumor en el cerebro. No, esto no es lo innovador; lo realmente distinto es que el film fue protagonizado por la pareja real que debió transitar la enfermedad de su hijo, la directora/actriz Valérie Donzelli y el actor Jérémie Elkaïm, transmitiendo en primera persona la explosión de sensaciones que debieron vivir ante una situación como esta. Alegría, amor, impotencia, desesperación, esperanza y euforia, entre otras emociones, tiñeron el metraje de tonalidades de la vida misma que dieron al espectador una experiencia cinematográfica interesante y difícil de repetir.
    Lo mejor de la película es que se trata de una puesta honesta, sin golpes bajos ni toques magnánimos de superproducción, por el contrario, Donzelli se encarga de presentar la historia con un criterio muy austero pero eficaz. Así mismo, la sofisticación y el buen manejo de la edición y musicalización hicieron que el ritmo escape a las clásicas secuencias aletargadas del cine francés, manteniendo la personalidad cinéfila parisina pero entregando a su vez una versión más moderna de la misma, con ediciones más frenéticas de las secuencias y con una combinación de música clásica y electro que marcaba la dinámica.
    Lo no tan bueno del film, a mi criterio, tuvo que ver con parte de esta modernización aplicada por la directora, que si bien marcaba un ritmo más llevadero de la película, por momentos se volvía un tanto "pop" de más, haciendo algunas autorreferencias personales sobre la sexualidad y la escena under parisina, que no estaban para nada mal, pero que poco tenían que ver con la historia central. Por momentos también se juega con el musical (no se preocupen, es sólo una breve escena) y se utilizan algunos artefactos "cool" del cine para darle un aire más artístico. ¿Aportaron finalmente coolness al film? Sí, ¿también le aportó frivolidad? También. En mi opinión, bajarle un poco el tono al recurso frívolo habría producido un efecto más positivo en el espectador, sobre todo en aquel que estaba más enganchado con la historia de superación de la enfermedad del niño y no tanto en la historia de amor entre Romeo y Julieta, sí, también se pusieron esos nombres para el film.
    Como cierre, diría que es un buen entretenimiento, innovador y sincero, que estará más cerca de gustar a los habitués del cine independiente y francés, que a los amantes del drama mainstream.
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  • ¿Quién *&$%! son los Miller?
    Parodiando a la familia estadounidense

    Hace bastante que no me topaba con una comedia tan simpática como esta. Es verdad que no es la gran cosa, ni la comedia más sagaz del género, pero tiene un muy buen trabajo sobre los personajes que llegan a ser por momentos muy divertidos y sobre todo, permiten al espectador sentirse identificado con ellos, elegir favoritos, tomar parte, y eso es muy importante para el éxito de una película.
    La trama se centra en David (Jason Sudeikis), un pequeño distribuidor de marihuana que en una pelea callejera pierde el dinero de unas ventas y le queda debiendo al zar de la droga Brad Gurdlinger (Ed Helms), un mafioso muy particular, un tanto ñoño pero malo y tramposo como pocos. Para no ser asesinado por los matones de Brad, David deberá cruzar a México, reunirse con un narco muy peligroso y traer un pequeño cargamento de marihuana, pero para poder hacerlo sin ser descubierto en la frontera debe armarse una coartada, en este caso, contratar 3 cómplices y hacerse pasar por la típica familia hillbilly norteamericana que anda de vacaciones por el país de los tacos y los mariachis. Los cómplices son una stripper interpretada por Jennifer Aniston, amigándose luego de varios fiascos con el género de la comedia, Emma Roberts como una joven muy problemática y rebelde que se escapó de su hogar y Will Poulter como un adolescente virgen, ingenuo y de buen corazón que sólo quiere tener una verdadera familia. Este último actor, Will Poulter, es de lo más divertido de la película, con momentos realmente bizarros y graciosos que seguramente te sacan una carcajada espontánea.
    La trama y el nudo de la misma no es una obra de arte, hay que decirlo, presenta muchos clichés, situaciones de tensión resueltas con desenlaces inverosímiles y algunos gags sobre los mexicanos que pueden ser ofensivos, pero más allá de esto el director Rawson Marshall Thurber ("Dodgeball") se las arregla para divertir a lo grande parodiando el tráfico de drogas, a la "gran familia estadounidense" y a la sexualidad de las personas.
    En resumen, una comedia simpática, bastante divertida y que no abusa de este nuevo subgénero de la comedia llamada "nueva comedia americana". Se combinan de manera muy efectiva el humor clásico americano con este nuevo humor más zafado e hilarante que sobrevuela los temas tabús de la sociedad. Recomendable para parar la mente un ratito y dejarse llevar por la locura de los Miller.
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  • Amenaza roja
    Amenaza roja
    Cinélico
    American Bullshit

    Cuando leí las reseñas de otros colegas pensé: "Uf... otra peli que cobra duro sólo por ser una remake de un producto bélico..." No podía estar más equivocado. Bien defenestrado está este film berreta de inteligencia cero y un sentido del patriotismo estúpido. Aclaro que no estoy en contra del patriotismo, ni el de Estados Unidos, ni de ningún otro país, ya que de hecho la definición misma nos indica que se trata del amor que siente un individuo por su tierra natal, los valores y la cultura que lo ligan emocionalmente, cuestiones que me parecen muy buenas y valorables. En "Amanecer Rojo" el patriotismo es tomado a lo bruto y se confunde amor por la patria, por cowboys adolescentes cumpliendo su fantasía de jugar al Call of Duty real. Patriotismo no implica cagarse a tiros para defender la nación, pero bueno, está demostrado que para muchos norteamericanos significa exactamente eso.
    Del vamos la premisa era bastante absurda, tanto en la versión original de 1984 como en esta remake fallida. Que un grupo de gente de pueblo que nunca tocó un arma le haga frente a la invasión de un ejército, como el norcoreano en este caso, es completamente absurdo. Acá los protagonistas pasan de ser porristas y jugadores de fútbol americano a expertos en armas y tácticas de combate. En una escena podemos encontrar a los adolescentes gritando prisioneros de los invasores y a la siguiente están agujereando cuerpos como si estuvieran poseídos por Schwarzenegger y el pelado Statham juntos. La trama es realmente burda, inverosímil y no aporta nada bueno al género de acción.
    Los baches de guión son evidentes y se nota que hubo un esfuerzo poco efectivo por tratar de tapar esas falencias incrementando la cantidad de tiros y explosiones. Sabemos que hay un segmento de espectadores que se dejan seducir por la pirotecnia pura sin mucha historia que la respalde, pero como se puede ver en los resultados de taquilla, no es lo suficientemente grande (por suerte) para convertir al film en un éxito incomprensible como ha pasado con otros trabajos pésimos.
    La verdad es que no es recomendable en ningún sentido, ni por el lado de la acción, ni por su trama. Un fiasco.
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  • Las crónicas del miedo 2
    Se van afilando los cortos

    ¿Me estaré volviendo más bueno?... me preguntaba luego de ver "V/H/S 2" y en realidad me di cuenta de que no debía quitarle mérito al trabajo de los directores, que a diferencia de la entrega anterior, hicieron un trabajo mucho más parejo, interesante y de mayor calidad fílmica.
    La cantidad de cortos se redujeron a 4, un poco más extensos pero con un trabajo más profundo en su trama y en los detalles de filmación, con un uso de cámara en mano más creativo y convulsionado.
    Para comenzar, debo resaltar que los climas generados por este segundo trabajo son mucho más efectivos que el primero, creando ansiedad, miedo y horror en un espectador que no se esperaba esta mejora en el producto. Hay algunas secuencias que verdaderamente sacan un WTF! de la mente de cualquier persona que esté viendo el film. Más bizarra y menos descerebrada que su predecesora logra mantener interesado al público, incluso con momentos de humor negro.
    Si debo poner en la balanza los cortos individuales, diría que el corto troncal que atraviesa toda la película es lejos el más flojo y aburrido de todos. Al igual que en "V/H/S", la trama que justifica el visado de los cortos que se encuentran en la misteriosa casa es bastante estúpida. En este caso, dos investigadores andan tras los rastros de un joven estudiante que ha desaparecido de su casa. Para encontrarlo, se meten en una casa que aparentemente está deshabitada y encuentran la colección de videos... el desenlace es similar al de la primera. El 1er corto del director Adam Wingard ("You´re next", "V/H/S - Tape 56") llamado "Phase I Clinical Trials" y el 4to corto de Jason Eisener ("Hobo with a shot gun") con el nombre "Slumber Party Alien Abduction" son los que siguirían en el nivel de calidad. Con ejecuciones desparejas, logran interesar pero dan la sensación de estar incompletos y un poco traídos de los pelos, aunque las ideas de base para cada uno fueron fabulosas. El problema principal que tuvieron es que se quedaron cortos con el clima de terror y los momentos cumbre no llegaban a desesperar al espectador. Por su parte, el 2do y 3er cortos son muy buenos, sobre todo el tercero que te vuela la cabeza y te deja con las dos manos en la cara pensando "¡¿Qué carajo acaba de pasar?!". El 2do mini film llamado "A ride in the park" fue creado por Gregg Hale y Eduardo Sánchez, director y productor respectivamente del éxito noventoso "Blair Witch Project", mientras que el 3er corto llamado "Safe Haven" estuvo bajo el mando de Gareth Evans ("The Raid") y Timo Tjahjanto. No quiero spoilear, pero para que se den una idea verán aliens, espíritus malignos, sectas y zombies.
    Una peli para disfrutar sin muchos prejuicios ni pretensiones, dejando que el juego los lleve hacia un mundo de gente muy loca y terrorífica. No es el mejor trabajo de terror del año, pero se nota que han mejorado el producto y que la fórmula, si se sigue afilando, puede dar a luz a más entregas y atraer una cantidad mayor de espectadores.
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  • Cazadores de sombras: Ciudad de hueso
    Amor berreta

    No me sorprendí demasiado cuando vi este trabajo y pude identificar claramente esa vibra "Twilight" que la recorría por todas partes. Protagonistas cursis y con actitudes precoces, como de quinceañeras el día de su fiesta, con menos sex appeal que Napoleon Dynamite.
    ¿Será posible que los productores en Hollywood realmente piensen que hacer una copia descarada sólo mejorando los aspectos técnicos los llevaría al éxito? Por si no se dieron cuenta, "Twilight" tuvo una ventaja que nunca podrán superar; fue pionera. Hay una frase del marketing acuñada por Al Ries que se aplica muy bien a esta situación y es la que reza "es mejor ser el primero que ser el mejor". Muchachos, nunca podrán ser Twilight. En todo caso deberían chequear como han hecho personas exitosas del cine para ser competitivos en un rubro de moda, como por ejemplo el de los superhéroes, pero así todo no superarán al pionero.
    No se trata sólo de cambiar el contexto del amorío insufrible de los adolescentes, se trata de mejorarlo, aportando elementos nuevos que hagan evolucionar al producto. En "The Mortal Instruments" no se respetó en absoluto este mecanismo, sino que se cambió el escenario a uno más oscuro, cool y plagado de mayores efectos visuales, pero sin trabajar sobre la trama y las sensaciones que debía transmitir la película. Algunos serán engañados, sobretodo las fans más acérrimas del amor cursi, pero la mayoría se dará cuenta de que es sólo una copia más de otro producto que desde su inicio era bastante malo.
    El comienzo de la historia es dinámico, con el tinte adolescente característico de estas tramas pero sugiriendo que no va a caer en los mismos terrenos que "Twilight" o "Criaturas Hermosas". El problema surge por supuesto, cuando empieza a conocerse la pareja protagonista integrada por Lily Collins y Jamie Campbel Bower, y comienza naturalmente el histeriqueo. Lily se podría decir que estuvo safable, pero el pibe este Jamie... Le faltó mucha polenta para ser el galán duro que pretendieron mostrar, le faltó tamaño y actitud. Es como poner a Justin Biever de Gladiador...
    Otra cuestión que se vio muy extraña, fueron los momentos románticos entre puñetes y estacasos. El timing no fue bueno y hacía que las secuencias de amor se vieran más falsas que billete de $300. Lo mismo que la música... totalmente exagerada, cursi y solemne, pasando de melodías clásicas a electrónicas del más allá con una transición totalmente amateur.
    En fin, otro fracaso más del subgénero "romance adolescente fantástico", que últimamente sólo viene confirmando que este tipo de historias deberían permanecer en libros, al menos hasta que a algún tipo con más de dos dedos de frente le encuentre la vuelta de tuerca. Con todo el elemento fantástico que tenía, podría haber sido un gol de media cancha, pero en vez de lograr esto, sólo nos ofrecieron otra historia predecible e infantil.
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  • Causas y consecuencias
    Thriller de corto plazo

    "The company you keep" es otro thriller interesante hasta ahí, que gusta, por momentos atrapa, pero que a los pocos días de haberlo visto, prácticamente olvidamos que alguna vez lo disfrutamos. Es una cuestión rara esta, porque si se analiza objetivamente se puede ver que el film es bueno, la historia está bien contada, tienen grandes actores que hacen un muy buen trabajo interpretativo y trata una temática no muy conocida por estos pagos, lo que podría resultar interesante. Entonces, ¿dónde está el problema?Quizás el tema va por el lado de la falta de picante, de sensaciones más fuertes que hagan al espectador meterse más en la trama, de momentos memorables de tensión, drama o acción.
    Básicamente la película trata sobre la persecución de Nick Sloan (Robert Redford), un ex activista del grupo radical The Weather Underground que estaba en contra de la guerra en Vietnam y prácticamente todo lo que representaban las instituciones políticas de los años sesentas y mediados de los setentas en Estados Unidos. El grupo en el que militaba en muchas ocasiones optaba por combatir la violencia con más violencia, y como consecuencia de estos actos en una incursión del grupo radical, terminó muriendo un inocente guardia de seguridad de un banco. El crimen nunca se pudo esclarecer hasta que, a raíz de la entrega voluntaria de una de las personas que participó del hecho, se desata una fuerte persecución del FBI apoyada en la información obtenida por un joven periodista interpretado por Shia LaBeouf. Luego este mismo periodista se dará cuenta de que no todo es lo que parece.
    La cantidad y calidad de los personajes fue tan variada que el efecto producido por la suma de las partes no fue uniforme y de hecho relegó a roles super secundarios a talentosos intérpretes como Susan Sarandon, Chris Cooper y Anna Kendrick. Es decir, hubo tantos personajes desplegados en tan poco tiempo y cantidad de situaciones, que la sensación que dejó en el espectador fue de poca potencia. Recordemos ese viejo dicho que dice, "el que mucho abarca, poco aprieta".
    A su vez, creo que la falta de involucramiento también se relacionó con una falta de exposición más profunda de las características personales de sus protagonistas, pudiendo acceder solamente a aspectos superficiales de comportamiento social de cada uno de ellos, sin ahondar demasiado en sus vidas privadas y en las emociones vividas. Por momentos el film se tornaba tan frío que producía desconexiones con los espectadores.
    Creo que es una buena opción si sos fanático de los thrillers y las grandes estrellas de Hollywood. No es una peli que te va a quedar dando vueltas en la cabeza, pero seguramente en el momento la puedas disfrutar bastante.
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  • Star Trek 2: en la oscuridad
    ¡Larga vida a Abrams!

    Si algo positivo se puede decir sobre J.J. Abrams es que este tipo verdaderamente conoce lo que el espectador va buscando al cine y tiene una visión fantástica sobre lo que significa entretener. Presenta productos de alta calidad y convence al público de haber visto algo trascendente, que posiblemente se convierta en un título de renombre en el séptimo arte. Y con una saga como Star Trek no es para menos, con una legión de Trekkies (fans) a nivel mundial que incluye entre sus filas a famosos como Tom Hanks, Seth McFarlane, Bill Gates y Quentin Tarantino.
    En esta ocasión, Abrams nos presenta un trama que gira en torno a Khan, un villano frío, inteligente y despiadado cuyos planes resultan misteriosos y desesperantes al mismo tiempo. El actor que da vida a este personaje es nada más y nada menos que Benedict Cumberbatch, gran actor que se encuentra en franco ascenso por estos días en Hollywood. La contraparte es la tripulación del Enterprise, cuyos personajes individuales se están formando una personalidad distintiva que ya habilita para ir seleccionando favoritos. Spock (Zachary Quinto), Kirk (Chris Pine), Uhura (Zoe Saldana), Scotty (Simon Pegg) y Bones (Karl Urban) entre otros, conforman un grupo bien variado cuya química en pantalla resulta ser fabulosa. Pine está cada vez mejor como el capitán Kirk, profundizando en las capas del personaje, y Pinto por su lado hace un trabajo formidable como Spock. Me gustó mucho el cameo de Leonard Nimoy y la incorporación del Peter Weller (Robocop).
    La historia, si bien presenta algunos baches menores, resulta interesante y con algunas vueltas de tuerca atractivas que mantienen al espectador atento durante las 2 horas 12 minutos que dura el film. Es uno de los pocos casos en los que un tiempo de duración tan extendido no resulta pesado y de cierta manera se justifica para redondear la trama. Quizás lo más flojo tuvo que ver con la incorporación de demasiados factores, lo que genera que se profundice menos sobre ellos. Ejemplos de estos son la historia de Khan, de la nueva tripulante Carol, los klingons y algunos aspectos más que no diremos para no spoilear. Abarcar un gran número de personajes y situaciones deriva en que no siempre se pueda lograr un tratamiento completo de ellos, aunque creo que Abrams logra salir airoso del tema reduciendo los baches al mínimo.
    Redondeando, creo que Abrams se supera a sí mismo y logra un entretenimiento absoluto de un producto que muchos ya conocemos como la palma de nuestra mano, y eso no es algo fácil de lograr. Ojalá pueda mantener esa visión y creatividad para los nuevos episodios de Star Wars. Muy recomendable.
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  • El conjuro
    El conjuro
    Cinélico
    Al fin uno que la tiene clara

    "El Conjuro" es una de las sorpresas más grandes de esta temporada y la verdad es que se merece el reconocimiento que se la ha hecho con tal. El director James Wan ("Saw", "Insidious") vuelve a aplicar su sello "old school" para ofrecernos una historia de terror que ya hemos visto muchas veces en pantalla, pero con la diferencia de que este tipo realmente sabe como presentarla, con la dosis justa de tensión, fantasía, drama y por supuesto, aspectos visuales y auditivos.
    Si nos ponemos a analizar la historia en detalle, no ofrece muchos aspectos nuevos; casas embrujadas, objetos diabólicos, posesiones, exorcismos, todas cuestiones que hemos visto hasta el asqueo en la gran pantalla. Entonces, ¿cuál es el secreto de Wan? El punto fuerte e inteligente de esta propuesta es la forma en que el director malayo decide contar la historia. Vuelve a la vieja escuela, sin formato documental con cámara en mano y sin ese gore tan de moda por estos días. Se enfoca más en el "cómo" contar la historia que en el "con qué" contar la historia. Presenta personajes atractivos, bien trabajados, con los que el espectador se puede identificar y vivir los miedos que los acechan conjuntamente. Se genera una tensión real, no queremos que estas entidades malignas maten a nuestros protagonistas y compartimos sus sensaciones, algo muy diferente a lo que producen películas como "Con el diablo adentro" o "Posesión satánica" en donde sólo queremos que el diablo se los lleve rápido para no tener que pagar una hora adicional de estacionamiento en el shopping.
    Los actores elegidos para el film están muy bien, sobre todo el trío conformado por Vera Farmiga (enorme), Patrick Wilson y Lili Taylor. Su profesionalismo y presencia aumenta la credibilidad de la trama y le otorga una seriedad que hace que el espectador perciba al producto como algo de calidad, que ha sido muy cuidado para brindar un entretenimiento como Dios manda. Por su parte los aspectos técnicos como el sonido y los efectos visuales, están prácticamente excelentes, sin exageración y con el uso justo.
    Quizás lo más débil tenga que ver con la falta de originalidad de la trama. Si bien Wan aplica su personalidad y hasta homenajea películas célebres del género, tiene al menos 10 títulos en los últimos 10 años que abordaron este tema.
    Muy recomendable para los amantes del cine de terror y para aquellos que le tienen un poco de simpatía también ya que pueden pasar a las filas de los primeros. Recomendación: No verla sólo/a.
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  • Los amantes pasajeros
    Aerolíneas Pedrito

    La polémica comedia del director español Pedro Almodóvar llega a nuestro país con una desprejuiciada y liviana historia que refleja la situación de los españoles por estos días. "Los amantes pasajeros" no causó polémica por el tono de su propuesta, sino porque muchos críticos consideraron que fue demasiada superficial, chata y con poca sustancia. En lo personal creo que es una exageración tildarla como una de las peores comedias de Pedro. Si bien es verdad que no es la mejor y que le imprimió un tono más coral, la película cumple con creces su objetivo y mantiene divertido e involucrado al espectador con el universo Almodóvar. Tiene su sello, es inconfundible, aborda los problemas sociales de la España actual a través de un grupo de bizarros personajes que exploran su sexualidad y te hacen reír desde el minuto uno. Una ex estrella erótica, un empresario corrupto, una virgen de más de 40 años, un mexicano misterioso, un galán de la televisión, una pareja de recién casados, dos pilotos de lo más irresponsables y tres azafatos fabulosos que te hacen soltar carcajadas a lo loco. Se debe dejar en claro que el producto es bien Almodóvar, con diálogos sexuales desprejuiciados, sexo, drogas, mucho kitsch y hasta un número musical, por lo que si nunca has simpatizado con sus trabajos anteriores probablemente tampoco simpatices con este. Para los que sí gustan de las ocurrencias de Pedro, se encontrarán con un producto mucho más light que sus anteriores, pero no por eso es malo. El guión no tiene la creatividad de "La piel que habito", ni la histeria de "Mujeres al borde de una ataque de nervios", pero aborda de cierta manera temas serios como la crisis económica española y las posturas de los distintos estratos ante esta, obviamente con su mirada retorcida y artística.
    Lo mejor de la propuesta son sus tres protagonistas, Javier Cámara, Raúl Arévalo y Carlos Areces, los azafatos desfachatados pero de buen corazón de la aerolínea Península. Ante una posible explosión del avión donde viajan decenas de pasajeros, deciden drogar a toda la clase turista para que no se alarmen y ofrecen entretenimiento a la clase business preparándoles un número musical, tragos típicos españoles mezclados con mescalina y hasta consejos de vida. Cuando el alcohol y las drogas hacen efecto se desata una seguidilla de situaciones absolutamente ridículas pero divertidísimas que incluyen sexo, llamadas telefónicas incómodas, sinceramientos emocionales y anécdotas de vida.
    Lo más flojo es la trascendencia del guión que es efímero y liviano, con algunas escenas irrelevantes que se nota fueron incluidas por puro capricho de Pedrito. En esta ocasión se enfocó más en ser gracioso y bizarro que en ofrecer una historia relevante, pero repito, no por eso pierde su encanto y deja de ser una buena comedia para disfrutar y desenchufarse de la realidad para viajar por el espacio Almodóvar.
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  • Los Pitufos 2
    Los Pitufos 2
    Cinélico
    No todos los mocos son verdes (reloaded)

    Bueno, la mayoría de las personas adultas que vimos la primera entrega de "Los Pitufos" sabíamos que esta secuela no iba a sorprender demasiado, más si volvía a ser dirigida por Raja Gosnell. Recordemos que este director es responsable de "Un chihuahua en Beverly Hills", "Mi pobre angelito 3" y las Scooby-Doo entre otros títulos, por lo que ya se dan una idea del tipo de cine que representa. Nuevamente Neil Patrick Harris participa de esta franquicia... la primera vez se lo perdoné porque justamente era el comienzo y quizás no sabía bien como iba a resultar el producto final, pero ya participar nuevamente... ¿Anda faltando laburo Neil? Igualmente con Hank Azaria que da vida a uno de los villanos más detestables de la gran pantalla, no porque Gárgamel sea un malo berreta, sino porque la caricaturización que hicieron de él es lamentable. Otro que no entiendo cómo se sumó es nada menos que Brendan Gleeson, sí, el gordo colorado de "Corazón Valiente", "Pandillas de Nueva York" y "Troya". Acá tiene un rol de padrastro pesado que se convierte en ganso en el medio de la película... ¿Un claro mensaje sobre la decisión que tomó?
    Para no ser tan malo con este film, puedo destacar nuevamente que los pitufos están bien hechos, con tecnología CGI de alta calidad y que la modernización de algunos de ellos resulta más fresca para los tiempos que transitamos. Seguramente los más chiquitos, digamos de 2 a 7 años, disfrutarán de verlos en la gran pantalla, pero no por mérito del director y los guionistas de esta franquicia, que por cierto fueron ¡5!, sino porque los pitufos son personajes atractivos en sí mismos. En todo caso el poco mérito de este proyecto cinematográfico se lo llevaría Peyo, el belga creador de los personajes en 1958.
    Insisto en que se comete un error al no tener en cuenta al público adulto que acompaña a sus hijos, hermanitos y sobrinos al cine. Una historia demasiado infantil se puede ver en casa, en el Discovery Kids o en Nick. Si yo veo en cartelera una película como "Los Pitufos 2" y digamos "Valiente" o "Turbo", llevo a mis nenes a ver uno de estos dos últimos títulos sin titubear y adiós a los duendecitos azules.
    Creo que la historia no da para más y esto quedó demostrado en la recaudación que obtuvo y en la opinión de quienes fueron a verla. Esperemos descansar de esta franquicia por muchísimos años hasta que a alguien en Hollywood se le ocurra una idea verdaderamente inteligente y original.
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  • Red 2
    Red 2
    Cinélico
    Se agotó la fórmula

    "Red 2" es la secuela del inesperado éxito de espías jubilados del 2012, "Red". En lo personal creo que el hecho de juntar a grandes y talentosas estrellas en un mismo equipo tiene su encanto, pero ya ha quedado demostrado que esto sólo le sube medio punto a una película y no la salva del desastre. Ejemplos claros son las recientes "Movie 43" y "New Year's Eve". Si bien la "Red" original era buena, tampoco fue una maravilla y no creo que ameritara una secuela, pero los muchachos de la producción vieron que podían exprimirle unos mangos más al producto y realizaron "Red 2". El director Dean Parisot ("Las locuras de Dick y Jane" y "Galaxy Quest") es un director bastante ligado a la TV, donde se ha hecho cargo de capítulos para series como "The Good Wife", "Modern Family" y "Monk". Desde 2005 que no dirigía un largometraje y si bien el resultado final no fue malo, tampoco llegó a entregar un film que se destaque y realmente entretenga. En esta película todo es está muy cuidado, quizás tanto que las escenas resultan un tanto artificiales. Lo mismo pasa con las caracterizaciones de los personajes, que por momentos llegan a ser demasiado acartonadas, como por ejemplo la femme fatale rusa Katja interpretada por Catherine Zeta-Jones o el mismísimo Bruce Willis como Frank Moses.
    Otra cuestión que no me copó demasiado fue el tipo de humor utilizado para el juego de comedia y acción. Es verdad que la combinación de violencia y gags humorísticos en la primera entrega tuvo bastante que ver con su éxito, pero acá resulta un tanto desgastada y hasta infantil, sobre todo el humor a cargo de Mary-Louise Parker y el pelado Bruce. Son pocos los chistes que realmente sacan una sonrisa al espectador y eso se notó en la recaudación que se quedó a la mitad de los que esperaba el estudio y sus productores.
    También le siguen dando rosca a la guerra fría, los superagentes secretos, las organizaciones de seguridad y espionaje internacionales y toda esa yerba que nos venimos fumando desde hace años. A esta altura de la vida, si se meten con el espionaje y los organismos de seguridad, temas gastados hasta el infinito, deben al menos buscarle un enfoque interesante como el que tuvo "Tinker, Taylor, Soldier, Spy" o las renovadas "Misión Imposible".
    Buenos actores, muchas locaciones, tiros y puñetes al por mayor, combinados con un humor mediocre, personajes infantiles y una trama chueca. El resultado es una peli mediocre que sólo le gustará a quienes sean incondicionales de la primera entrega y se diviertan con el solo hecho de ver a tantas estrellas juntas.
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  • Ladrona de identidades
    Estafando a los espectadores

    Otro intento fallido de la llamada "nueva comedia norteamericana". Otra vez se cae en el ridículo intentando, con poca gracia, hacer reír al público de la gordura de una persona o a través del humor escatológico que en varias ocasiones cruza la línea de lo divertido hacia lo simplemente asqueroso o ridículo.
    En esta ocasión el director Seth Gordon ("Horrible Boses") no logra sacarle el jugo a dos genios de la comedia como Jason Bateman ("Arrested Development", "Paul") y Melissa McCarthy ("Bridesmaids", "The Heat"), en gran parte culpa de un guión chato, tirado de los pelos e incoherente.
    La historia de entrada ya es bastante liviana y nos propone el viejo juego de la estafa a través del robo de identidad, en este caso personificada por Diana, el personaje de McCarthy. La contraparte es Sandy, un empresario cuya vida se ve complicada de mil maneras por el dinero que Diana está gastando en su nombre. Hasta ahí no es una genialidad pero podría haber resultado, el problema se presenta cuando ambos cruzan sus caminos y se le pretende imprimir a la película un juego fallido entre policial y comedia valiéndose de la situaciones más inverosímiles que se te puedan ocurrir. Se ve que los escritores se fueron por las ramas y en vez de proponer una historia consistente, se coparon creando secuencias alocadas donde todo depende del talento de los actores para hacer reír y no tanto de la sustancia de la historia. Saca algunas sonrisas, sí, pero cada 15 minutos te hace acordar que estás viendo un sub producto, algo medio pelo que se podría disfrutar un día de pocas opciones en DVD o Blu-ray. Individualmente McCarthy demuestra que es una comediante grosa y que su sola presencia puede levantarle algunos puntos a la propuesta, mientras que Bateman está desperdiciado en un rol que resulta por momentos irritante y desabrido.
    Para redondear, hay comedias mucho más divertidas que esta, incluso entre ese nuevo grupo de exponentes de la nueva comedia americana que sigue haciendo pasos erráticos. Paradójicamente, este último trabajo de Seth Gordon resulta casi una estafa para los espectadores.
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  • Wolverine: inmortal
    Flojardo el guepardo

    Una simple palabra para comenzar: Decepcionante. Es muy feo ver como algunos directores arruinan personajes e historias emblemáticas de la infancia. Ya hemos visto lo que un tipo como Michael Bay puede hacerle a personajes entrañables como son los Transformers... convertirlos en robots ñoños de propaganda armamentista de USA no es exactamente lo que imaginábamos cuando nos dijeron que por fin se concretaría una película en acción real sobre ellos. Dicho esto, y con todas las salvedades que vienen al caso ("Wolverine inmortal" es superior a Transformers aunque no es una joyita), esta nueva aventura del forzudo con garras no llega a levantar el fiasco de la original, "X-Men Origins", de hecho, diría que esa entrega anterior resultaba más interesante en cuanto al universo mutante y comiquero. En esta Wolverine de Mangold, el héroe anda vagando por el mundo entristecido por la muerte de su amada Jean Grey hasta que conoce a Mariko, la nieta de un viejo amigo a quien le salvó la vida cuando tuvo lugar el bombardeo nuclear a Hiroshima. En este sentido, el romance de Wolverine y Mariko sucede como por arte de magia y con una química casi nula. El film trata de mostrarnos a un Logan vulnerable, despojado de sus superpoderes y nuevamente enamorado, algo que habría funcionado mejor si no hubieran mechado de manera tan torpe los momentos claves en los que justamente es despojado de sus poderes y luego los recupera. Se colocaron varios personajes de relleno que supuestamente debían aportar distracción al espectador para que no descifre el nudo final, pero en vez de eso sólo consiguen aburrirlo. De hecho, el trailer final que sacaron antes del estreno, prácticamente devela el desenlace de la historia.
    Por otro lado, el manejo de los villanos fue muy flojo, presentando a una Viper deslucida, no por falta de carisma de Svetlana Khodchenkova, sino por lo desperdiciado que estuvo su personaje durante casi todo el metraje. Mangold se dedicó a mostrar más las piernas y la ropa que le seleccionaron, que alguna faceta interesante de su personalidad. El poder que detenta Viper está mostrado de manera amateur y con efectos débiles. Casi diría que la Poison Ivy de Schumacher en "Batman & Robin" estaba mejor, y eso es casi un sacrilegio. Una de las escenas finales con Viper pelada es de lo peor que he visto en los últimos años. El otro villano, Silver Samurai, también estuvo desperdiciado. Se podría decir que tiene una participación similar a la del Kraken en "Furia de Titanes"... es decir, fútil y que dura unos pocos minutos.
    En tiempos presentes donde podemos disfrutar de productos de este tipo copados como "Man of Steel", "The Dark Knight" (la trilogía) y "X-Men: First Class", resultaría poco criterioso darle una buena puntuación a "The Wolverine" sólo porque el personaje es atractivo, le tenemos afecto y tiene un despliegue de efectos visuales de la media para arriba. Sólo para incondicionales.
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  • Metegol
    Metegol
    Cinélico
    Un buen puntazo

    Se podría empezar esta crítica diciendo que Campanella se clavó un golazo de media cancha con este producto. "Metegol" es la primera producción animada de presupuesto importante que se realiza en Argentina y debo decir que cumplió muy bien con las expectativas que se tenía a priori e incluso creo que las sobrepasó.
    Juan José Campanella nos trae una historia universal teñida de cultura argentina, empapada por esa locura futbolística que caracteriza al criollo promedio. La historia se centra en un pueblo pequeño argentino sin especificación geográfica (bien ahí con la federalización) en donde a partir de un partido de metegol entre dos adolescentes, en lo que parece ser los años 80s, se dicta el futuro del mismo. Amadeo, un joven tímido que trabaja en un bar se bate a duelo metegolístico con Grosso, otro joven agrandado y caprichoso al que no le gusta perder. Amadeo resulta vencedor y se queda con toda la gloria, al menos por unos años hasta que ese adolescente insufrible llamado el Grosso retorna al pueblo, esta vez ya crecido, famoso y con muchísimo dinero, tanto que termina comprando el pueblo completo sólo para vengarse de Amadeo y tener un revancha futbolística, esta vez, sobre una cancha de verdad.
    La historia juega bastante con los eternos enfrentamientos entre el pibe ñoño y el pibe salame, el buen corazón y el egoísmo, el trabajo arduo y la plata fácil. De manera muy inteligente se plantean estas temáticas de tipo universal que hacen que el espectador se pueda sentir cercano e involucrado con la historia.
    Lo negativo del film tiene que ver con que por momentos la trama resulta demasiado infantil, dejando en evidencia que el público objetivo principal eran los niños. La personalidad de Grosso (Diego Ramos) ya de adulto es un tanto inverosímil y está demasiado caricaturizada, al igual que la personalidad de Amadeo (David Masajnik) que resulta débil e irritante. En muchas secuencias queda totalmente opacado por los muñequitos del metegol, que si bien son los personajes secundarios de la trama central, se roban la película desde que aparecen en pantalla. Y justamente en ellos está el plato fuerte de la propuesta, en estos muñequitos que personifican varias facetas de nuestro argentinismo, con sus cosas buenas y malas. Los más sobresalientes son el Beto (Fabián Gianola), el Capi (Pablo Rago) y el cordobés, que aunque aparece escuetamente, los pocos momentos en que dice algo la sala estalla en risas.
    Creo que "Metegol" pisa fuerte y viene a decirnos que en el cine nacional hay mucha madera de la buena, incluso para competirle a las grandes producciones hollywoodenses, aunque nunca logremos el trabajo de distribución y publicidad que tienen esos trabajos. Muy recomendable, sobre todo si la vas a ver con chicos o fanáticos del fútbol.
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  • El chef
    El chef
    Cinélico
    Cocinando un bodrio

    La comedia francesa "Comme un Chef" es el típico ejemplo de producto cinematográfico mal hecho, tirado de pelos, que se nota fue concebido para cumplir con compromisos comerciales.
    El director Daniel Cohen juntó a dos veteranos del cine francés que creía le iban a dar la fórmula del éxito, uno un poco más joven y de moda en los últimos años llamado Michaël Youn y por otro lado, al conocidísimo y talentoso Jean Reno, pero parece que se olvidó de la parte más importante, dirigir bien. Otro aspecto que brilló por su ausencia fue el guión, que resultó ser tremendamente superficial y poco original, ofreciendo al espectador una especie de historia televisiva de domingo en el horario de siesta.
    Jacky (Youn) es un chef inadaptado, obsesivo y detallista, que prefiere tener 2 personas desfrutando de un plato gourmet bien elaborado a tener un restaurante lleno de comensales sin cultura gastronómica. Su personalidad difícil, lo llevó a ser despedido de cuanto restaurante hubiere en París y terminó trabajando como pintor. Por una de esas casualidades sin sentido e improbable de la vida, se topa con Alexandre Lagarde (Reno), uno de los chefs más reconocidos de Francia y el mundo, que en el último tiempo ha visto en riesgo su status de maestro culinario al ser considerado un dinosaurio de la gastronomía. Para salir a flote y lograr conservar sus estrellas distintivas acumuladas a través de su fructífera carrera, Alxandre deberá encontrar un nuevo talento que aporte frescura y pasión a su cocina. Es aquí cuando se cruza con Jacky. A partir de que se conocen, se darán cuenta que son tan compatibles como incompatibles, un torbellino de cocina magistral pero con discusiones y diferencias disparatadas. Fin... Entre medio, Jacky tiene algunos problemas con su mujer embarazada, algo que no aporta absolutamente nada al film, nada al menos positivo. Digamos que se intentó aportarle algo de comedia romántica con esta parte, pero la verdad es que el resultado es soso y para nada interesante. Similar con Alexandre, se intenta presentar la complejidad de la relación que mantiene con su hija, una adolescente que lo adora pero está dolida por su poca dedicación como padre. También se aborda el tema por la superficie y con la sutileza del increíble Hulk, dando como resultado escenas infantiles y mal actuadas.
    Para concluir, debo decir que en general me gusta la comedia francesa, pero aquí se nota que hubo influencias externas que convirtieron a "El Chef" en un moco total. No recomendable, ni siquiera para los amantes más acérrimos de la cocina.
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  • Titanes del Pacífico
    2500 kilos de coolness

    Voy a comenzar esta crítica resaltando que la imaginación y visión del director Guillermo del Toro acerca de lo que significa la palabra "Entretenimiento" está muy aceitada y se nota que es un copado total. El tipo sabe cómo llevar adelante un tanque de este estilo y salir con elogios en el camino. Recordemos que del Toro ha dirigido trabajos como "El laberinto del fauno", "Hellboy" y la terrorífica "El espinazo del diablo". Su estética es siempre de muy buen gusto y plantea historias adultas, sin ese factor edulcorante que muchas veces exigen los estudios para llegar a audiencias más masivas.
    Dicho esto, paso a la review de "Pacific Rim". No hay antecedentes fílmicos sobre dar vida en una misma historia a robots gigantescos y aliens titánicos, de hecho tenemos algunos casos de monstruos gigantes (Godzilla, King Kong, Cloverfield, Jurassic Park) y robots (Transformers, Matrix Revolutions, La Guerra de los Mundos) por separado, pero no como héroes y villanos de un mismo film. Por esto hay que sacarse el sombrero con Guillermo y reconocer que aportó algo distinto a lo que venimos viendo.
    El metraje empieza ágil, con una introducción a la historia corta, concisa y contundente, sin detenerse demasiado en detalles que no hacen al objetivo principal. Luego comienza la acción, con robots extremadamente cools y de proporciones titánicas defendiendo a la gente de la invasión de aliens gigantes de otra dimensión que vienen a colonizar el planeta. La Ciencia Ficción se funde con la Aventura y la Acción para pasear al espectador por una montaña rusa de golpes, aparatos tecnológicos y búsqueda de soluciones a este gran problema, gigantesco problema. La trama se centra en dos personajes, Raleigh Becket, un soldado de elite que se ha enfrentado varias veces a estos monstruos comandando a Gipsy Danger junto a su hermano, y Mako Mori, una instructora del programa Jaeger que vivió la furia de la invasión en carne propia cuando era niña. Se irá repasando un poco la historia de cada uno y como sus caminos se terminan cruzando. Acá creo que le faltó un poco de desarrollo a del Toro, ya que si bien trabaja sobre los personajes, no llega a involucrar del todo al espectador con las situaciones que viven los héroes y menos aún, con lo que el futuro le depara al resto de las tripulaciones de los robots, los Cherno Alpha, Crimson Typhoon y Striker Eureka. Me hubiera gustado saber más de ellos y quizás recortar la parte de Hannibal Chau, que a pesar de que me encanta Ron Perlman, no aporta mucho y está de relleno en la historia. Lo mismo me pasó con los científicos locos que estudian los Kaijus, cuya cuota de comedia me agradó, pero por momentos resultaban demasiado caricaturizados. Por lo demás, "Titanes del Pacífico" es un tremendo blockbuster que entretiene y asombra al por mayor. para disfrutar en el cine o en Blu-ray.
    Para cerrar debo decir que no estoy de acuerdo con algunos detractores que la tildan de fracaso comercial sólo porque no le fue del todo bien con la recaudación en USA. Les recuerdo que el mundo es mucho más amplio y ya lleva más de 250 millones recaudados.
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  • César debe morir
    El arte sana

    "Cesare deve morire"es el galardonado trabajo de los hermanos Taviani ("Padre padrone", "La noche de San Lorenzo", "Kaos") que presenta a un grupo de presidiarios preparando de manera magistral la famosa obra shakespeariana, "Julio César". No es una representación de la cárcel hecha por actores, no no, es una película filmada con presos reales de La Rebibbia, una prisión de máxima seguridad ubicada en las afueras de Roma. En este aspecto inusual, los Taviani colocaron el factor principal de su trabajo y no se equivocaron. Impacta y moviliza ver los procesos emocionales por lo que pasan estos tipos para poder dar vida a la obra que se proponen llevar adelante. Realidad y ficción se mezclan de manera inversa a lo que estamos acostumbrados a ver, además de que se combina teatro con cine de una manera que resulta refrescante para la gran pantalla. El producto está potenciado doblemente, por un lado a través de la vivencia de una historia famosa de Shakespeare que trata poderosamente temas como el bien mayor, la traición y la amistad, y por otro la conducción profesional de los directores que hacen quedar en evidencia a más de un ladri que anda dando vuelta por Hollywood.
    El problema que yo percibí en este film es la dinámica, el ritmo que por momentos se ahoga entre tanto cine arte. Me gusta el cine arte, pero creo que debe encontrar un equilibrio con el entretenimiento. Que "César debe morir" esté filmada un 90% en blanco y negro y sólo un 10% en color me parece muy útil para transmitir las sensaciones que se viven en la historia, que se haga una analogía entre las duras vivencias de los presos y las emociones que genera la obra de Shakespeare es muy bueno también, al igual que ese mensaje tan cierto y contundente que redondea el metraje invitándonos a vivir más de cerca el arte. El inconveniente es que a veces este tipo de producto es concebido para un grupo reducido de espectadores, que está acostumbrado a este cine, y se deja atrás al público no tan educado en esta forma. NO estoy hablando de poner explosiones, minas en bolas o efectos audiovisuales, sino más bien me refiero a imprimir un ritmo más dinámico y sensorial, que movilice no sólo a través de la idea del film, sino a través del uso de técnicas cinematográficas de edición, ritmo narrativo y visuales que sean un poco más fáciles de digerir.
    Una peli recomendable, que hay que ver con predisposición y paciencia. Una peli que interpela y que, al igual que a los internos de La Rebibbia, nos sana a través del arte.
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  • Mi villano favorito 2
    Rise of the Minions

    "Despicable Me" fue una historia animada que sorprendió gratamente en 2010 por 2 factores fundamentales. El primer factor de éxito tuvo que ver con la vuelta de tuerca en la que el villano, que se supone debía ser doblegado al final del film, fue en realidad el héroe de la trama y se convirtió en padre soltero de 3 huérfanas más tiernas que colchón de peluche. El segundo factor tuvo que ver con la introducción de unas criaturitas increíblemente divertidas llamadas "minions", las cuales formaban parte del ejército personal de Gru, el villano-héroe. En esta secuela se respeta de manera muy inteligente la fórmula ganadora, sin el factor sorpresa de la primera es verdad, pero compensando esa falencia con una participación más activa de los minions, que a esta altura ya son casi personajes protagonistas, al menos los que tienen nombres como Kevin, Dave y Phill. Hay algunas secuencias que verdaderamente sacan una carcajada al espectador, sobre todo las que tienen a los minions como centro de la acción (atentos al número musical sobre el final). El personaje de Gru (Steve Carell) sigue siendo efectivo y aporta mucho al humor, igual que el Dr. Nefario (Russell Brand). Quizás las niñas se vieron un poco más relegadas en esta historia, algo que a algunos fans podría molestarles. Agnes, la niña más pequeña, fue la que se terminó llevando los mejores momentos en esta segunda entrega.
    En esta ocasión, nuestro villano favorito se mete en el mundo del espionaje para ayudar a una elite anti-villanos que se dedica a rastrear y apresar chicos malos. En la aventura conoce a la agente especial Lucy (Kristen Wiig), una obsesiva mujer con la compartirá algo más que la tarea de apresar al villano de turno, el cual se dispone a crear un ejército de criaturas salvajísimas y tenebrosas (?).
    Todo el disfrute pasa por relajarse, dejarse llevar por el humor físico de los personajes y aventurarse en una historia bien disparatada de héroes y villanos. También si sos de los que disfrutan de los chistes en su idioma original, vas a tener que armarte de paciencia ya que prácticamente ninguna sala, al menos en la ciudad de Córdoba, la está proyectando en inglés.
    Un entretenimiento de invierno que a criterio de quien escribe, es mucho más divertida y original que la reciente "Monsters University".
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  • Ritmo perfecto
    Nacidas de Glee

    "Ritmo perfecto" es la primera hija cinematográfica de la popular serie de televisión, "Glee". Después del enorme éxito obtenido por los adolescentes cantantes que deben lidiar con la madurez, las hormonas y el encontrar su lugar en el mundo, era de esperarse que se concibiera un producto pensado para la gran pantalla. Esta tarea fue puesta en manos del director Jason Moore, un tipo habitualmente ligado a programas televisivos juveniles como "Dawson's Creek" y "One Tree Hill", y por otro lado al teatro musical (fue nominado a un premio Tony en 2004 por el musical "Avenue Q"), por lo que la empresa no debió serle tan extraña. Se notó un gran trabajo musical y coreográfico que se fusionó con la comedia y el romance teen. El meollo de la cuestión acá pasa por el gusto personal del espectador. Particularmente no soy muy amigo de los musicales, suelen parecerme cursis, repetitivos e inadecuados para la gran pantalla, aunque de vez en cuando puedo llegar a pasarla bien con algún que otro producto de este género. En el caso de "Pitch Perfect" la combinación de música actual con un humor que por momentos se volvía desopilante me pareció fresco y natural, de una manera tan llevadera que permitía mantener cómodo hasta al espectador menos musical. El problema como siempre viene ligado con el contenido de la película, el guión. Acá se repite esa fórmula universitaria estadounidense que ya conocemos de memoria y que cada vez tiene menos encanto. La chica rebelde entra a la universidad donde conoce otros jóvenes de lo más extraños, algunos de los cuales se convertirán en sus amigos o parejas. Dentro de la fauna universitaria hay grupos de todo tipo, en el caso de esta cinta, nucleados dentro del mundo del canto a capella. La protagonista crece, madura y encuentra su lugar en el mundo. Eso es todo. ¿Un tanto liviano y parecido a lo que nos han venido mostrando sobre el mundo teen en lo últimos 30 años no? Bueno, lamentablemente este peli adolece de la misma liviandad. Los factores que la colocan un peldaño más arriba de lo mediocre y permite que quien suscribe le ponga 3 estrellitas, tuvieron que ver con el trabajo humorístico que se hizo, sobretodo la parte a cargo de la ascendente Rebel Wilson, y por otro lado la impronta que seguramente deben haber aportado su productora, Elizabeth Banks ("Virgen a los 40", "Los juegos del Hambre"), y la escritora, Kay Cannon ("30 Rock", "New Girl"). Cannon en esta ocasión no se la jugó mucho y se notó que su aporte más significativo fue por el lado de la comedia y no tanto por el contenido. El otro factor positivo fue la combinación de Anna Kendrick ("Up in the air") con la música, algo que no esperaba y que sorprendentemente me pareció ameno y divertido. La contraparte masculina, Skylar Astin ("21 & over") me parece infumable. He dicho.
    Para redondear, una peli que ofrece buenos y variados momentos musicales, con protagonistas frescas y actuales que le ponen un poco de comedia a un guión liviano y repetitivo que cae en lugares comunes del género. Dependerá mucho de la disposición del espectador a disfrutarla o a pasarla mal.
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  • Monsters University
    2da vuelta de los monstruos más divertidos de la gran pantalla, aunque esta vez, vuelven con un sello más adolescente y paradójicamente, más serio.
    Esta es una precuela que se estaba esperando desde hace ya un tiempo y la verdad es que no decepciona, aunque debo decir que le faltó un poco más de humor y corazón que la original. Recuerdo haber llorado de la risa con algunas situaciones disparatadas vividas por Mike, Sulley y Boo en "Monsters Inc.", y en esta 2da entrega me divertí bastante pero no con la intensidad de la 1ra. También recuerdo la ternura que despertaban, sobre todo el personaje de Boo, y acá no encontré ese tipo de sensaciones ni algún personaje que cubra ese vacío que dejó la niñita. Quizás la falta de sorpresa haya sido un factor importante en el resultado humorístico, ya que ahora sabíamos de antemano la historia y la personalidad de los protagonistas. Otra cuestión importante creo que tuvo que ver con la falta de sensaciones que despierten la emotividad. Me faltó la conexión y el involucramiento que había logrado con el trabajo de Docter, Silverman y Unkrich.
    El prácticamente novato en dirección, Dan Scanlon, hace un trabajo bastante completo del universo "monsters" adentrándose en los aspectos más tridimensionales de sus protagonistas, mostrándonos su transformación de jóvenes estudiantes poco experimentados a verdaderos asustadores de cepa, pero sentí que en general se tomó demasiado en serio la tarea y en el proceso perdió un poco de encanto. Por momentos uno se siente que está ante un producto distinto, que toma aspectos de la amistad, la madurez y la redención con demasiada profundidad perdiendo de foco lo que verdaderamente es atractivo de los monsters, la comedia física y la ternura.
    La gran estrella de este capítulo es sin dudas el histérico monstruito verde, Mike Wazowski, alrededor del cual gira toda la trama principal y es el que se carga la peli al hombro. Los personajes secundarios, como los integrantes de la fraternidad ñoña Oozma Kappa (los O.K.), juegan un papel importante en el humor de la propuesta pero ninguno llega a ser demasiado entrañable o se destaca por encima de los demás. Lo mismo sucede con el personaje de Randy, futuro villano, que en esta entrega parece haber estado exclusivamente de relleno.
    En general se puede decir que es una buena propuesta para disfrutar de las vacaciones de invierno, pero no llega al nivel de la 1ra entrega ni cerca. Quizás para los más chicos siga siendo fantástica, ya que la factura técnica es excelente y se incorporan muchos más monstruos coloridos a la historia, pero los más creciditos encontrarán que si bien el producto cubre sus expectativas, no las sobrepasa.
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  • Guerra Mundial Z
    Zombieland

    Debo decir que esta película me había generado una gran expectativa durante su promoción el año pasado, pero a medida que se iba acercando la fecha de estreno el interés se iba cayendo a paso firme. Quizás haya tenido que ver con que la publicidad que se le hacía no era de lo mejor (spots repetitivos y posters mal photoshopeados) y además se vio opacada por el lanzamiento de "Man of Steel", pero bueno, la cuestión es que llegué a la sala con cierta desconfianza y me fui convencido de haber pasado un buen rato de cine. El film te mantiene en estado de alerta durante todo el metraje, manejando de manera muy efectiva el suspenso y la combinación drama/thriller.
    Es buen ejemplo de una película de calidad sobre zombies, sin enfocarse demasiado en detalles sangrientos, sino más bien haciendo hincapié en las sensaciones que se quieren generar y en la trama de fondo. Resulta casi imposible no compararla con "The Walking Dead" y encontrar similitudes en la forma de encarar la historia, con un claro foco en el drama de los protagonistas y los desafíos que deben superar para sobrevivir, cuidando por supuesto los aspectos técnicos, pero sin quedarse sólo en la búsqueda del impacto visual y sonoro.
    Brad Pitt es ya un actor consagrado, que sabe elegir muy bien sus roles, cuya presencia y talento sube el nivel de las propuestas en las que participa. Si a esto le sumamos la labor del director Marc Forster ("Monster's Ball", "Finding Neverland" y "Cometas en el cielo" entre otros títulos) y el guión de Drew Goddard ("The cabin in the woods"), Damon Lindelof ("Lost", "Star Trek") y Matthew Carnahan ("State of play"), cabe esperar un entretenimiento de alto vuelo, serio y muy consiente de lo que el espectador quiere ver. Otra cuestión positiva que tiene "Guerra Mundial Z" es que está concebida para un público amplio y no sólo para los amantes del subgénero "zombie". Yo la llevé a mi novia que me miraba descreída sobre lo que estábamos por ver, pero salió bastante conforme. Aclaro que tiene un perfil totalmente anti-zombies y sin embargo la pasó bastante bien.
    Las secuencias de persecuciones y el desastre que avanzaba a paso firme durante todo el metraje producían bastante tensión y esto se podía ver en las caras y gestos del público que se mantenía al borde de la butaca. Quizás lo menos interesante fue dilatar algunos desenlaces con el claro objetivo de hacer secuelas, varias de ellas de hecho. Esto siempre deja un gustito amargo al final de la película ya que uno se retira con algunas cuestiones inconclusas.
    En un balance general, se puede decir que "World War Z" es un producto muy bueno, con la combinación justa de suspenso, drama y terror. Recomendable.
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  • El hombre de acero
    EL superhéroe revive

    ¡Por fin se dio! Superman tuvo el reboot que se merecía hace tiempo y abre el camino para mejorar considerablemente las adaptaciones cinematográficas de DC Comics que vienen con varios tropiezos en los últimos años, con la excepción de Batman, claro.
    El hombre de acero es uno de los superhéroes más famoso y querido del mundo comiquero, quizás el más importante de todos. Icono del siglo XX, ha formado parte fundamental de la infancia y adolescencia de millones de jóvenes (me incluyo) a lo largo y ancho del globo, por lo que, llevar su historia nuevamente a la gran pantalla no era ninguna tarea fácil y es lógico que encuentre un poco de resistencia en algunos sectores.
    La dupla conformada por Zack Snyder ("Watchmen", "300", "Dawn of the dead") y Christopher Nolan oficiando de productor/guionista (trilogía de "El Caballero de la Noche", "El Origen"), generó de antemano una expectativa tremenda, que por suerte fue colmada en la mayoría de los casos. Se nota bastante la mano de ambos talentos, por un lado esa visión humana y compleja que imprime Nolan a sus personajes, con todos sus defectos e inseguridades, sus valores y encrucijadas; y por otro, está toda la pericia técnica de un capo del entretenimiento como lo es Snyder. La combinación de ambos dio como resultado un producto que mueve, asombra, transmite sensaciones y hace sentir identificado al espectador con uno de sus héroes favorito. Confieso que me hubiera gustado ver un poco más de Nolan y menos de Snyder, no porque este último no me guste, sino porque considero que en la comparación de talentos, el cerebro de "El Caballero de la Noche" entiende mejor lo que una persona quiere vivir cuando acude a ver una película de este tipo, capta la esencia del séptimo arte y brinda entretenimiento puro. Me gustaría mucho que se arregle un enroque entre este dúo, tal y como acordaron Steven Spielberg y Peter Jackson con "Las aventuras de Tintín"... ¡Sería la gloria!
    Dos pilares fuertes a resaltar tienen que ver con el guión adaptado por David S. Goyer y Christopher Nolan, y por otro lado la factura técnica que realmente fue impecable (Michael Bay, tome nota). Más allá de que el personaje de Kal-El (Superman) es extraterrestre, ambos escritores supieron balancear ese origen alienígena con la crianza humana a la perfección, ofreciendo momentos profundos en los que debe luchar con su crisis de identidad. En este aspecto, tuvieron mucha relevancia los padres, Jonathan Kent y Jor-El, interpretados maravillosamente por Kevin Costner y Russell Crowe respectivamente. No debo dejar de mencionar la misma tridimensionalidad para el General Zod (Michael Shannon), contrapunto del héroe y protector del "bien mayor". El realismo de sentimientos que se imprimió a "Man of Steel" fue un gol de media cancha. El otro pilar de la propuesta está integrado por el conjunto de efectos visuales y el OST compuesto por el maestro Hans Zimmer. Podremos ver tipos volando, tirando rayos con los ojos, moviéndose a la velocidad de la luz, naves espaciales titánicas y todo con una naturalidad impresionante. Quizás aquí yo habría bajado un poco la pirotecnia, ya que más allá de estar fabulosamente armada, hay momentos en los que uno se puede llegar a sentir un poco aturdido. Sabemos que Snyder AMA la locura visual, y no está mal, pero creo que debería haberse auto censurado un poquito para esta primera entrega.
    En conclusión, "Man of Steel" es un inicio más que positivo y que supo encontrarle la vuelta a este personaje, que seguramente tendrá muchas cosas para mejorar, pero está claro que DC Comics empieza a pisar fuerte y se abre una nueva etapa en el mundillo cinematográfico de las "superhero movies".
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  • Nada es lo que parece
    Entretenimiento mágico

    Gran entretenimiento este último trabajo del director francés Louis Leterrier, que además de presentar una trama interesante sobre el mundo de la "magia", convierte a la película en una ilusión en sí misma. Recordemos que Leterrier ha tenido algunos altos y bajos durante su corta carrera, como por ejemplo "Danny the dog" y "El Transportador" en el plano de los altos y "Furia de titanes" y "El Transportador 2" en lo bajos. "Nada es lo que parece" se puede ubicar claramente entre lo mejorcito de su filmografía y marca su vuelta al entendimiento de lo que el espectador quiere ver cuando decide hacer una salida al cine.
    La crítica internacional no fue para nada benévola con este producto que fue acusado de ser nada más que una linda caja, con un buen diseño y muchos adornos que en su interior no guardaba más que un simple vacío. No concuerdo. Si bien la resolución final no tiene la profundidad de "El gran truco" de Christopher Nolan, es efectiva y definitivamente no deja la sensación de haber perdido el tiempo como leí por ahí. El desenlace no es de los más creativos que se han visto en los últimos tiempos, pero si hay algo que se puede resaltar de este film, es que tiene una manera muy inteligente de llevar al público en la dirección que desea proponiendo una narración super dinámica. Es el ejemplo claro de una puesta en escena ingeniosa, cuidando muy bien los aspectos técnicos, narrativos e interpretativos. Todo sucede con un ritmo muy aceitado, sin frenarse mucho en las historias particulares de los protagonistas y esto está bien, ya que el espíritu de la cinta se encuentra en la sinergia del equipo como un todo y no a través de sus individualidades. Todos los actores hacen un buen trabajo, destacándose la labor de aquellos que por su trayectoria ya tienen una presencia especial en pantalla, como por ejemplo Morgan Freeman, Woody Harrelson y Michael Caine. Por el lado de lo visual y sonoro no hay quejas de ningún tipo, tanto la fotografía como los efectos visuales están utilizados con mesura y elegancia. Es verdad que suceden algunos acontecimientos que nunca son explicados o se hacen trucos que bajo la etiqueta de "ilusión" pasan de inverosímiles a posibles en un pestañar de ojos, pero esto no es lo importante del planteamiento. Es como ver un truco de magia en la vida real, si uno está dispuesto a ver sólo donde estuvo el engaño de la ilusión, lo más seguro es que no lo disfrute, en cambio si se deja llevar por la "magia", seguramente se divierta y hasta sorprenda. La propuesta es pochoclera y no pretende en ningún momento ser un thriller a lo Nolan o una película que se toma demasiado en serio a sí misma. Es conciente de sus limitaciones y se divierte con ellas.
    Un thriller liviano, fresco, que logra su objetivo con creces y mantiene hipnotizado hasta el final.
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  • Un lugar donde refugiarse
    Basta de damiselas en apuros

    Otra historia con espíritu de telefilm llevada a la gran pantalla con adornos técnicos y fantásticos para hacernos creer que estamos viendo una historia de amor fabulosa. El director sueco Lasse Hallström ("¿A quién ama Gilbert Grape?", "The cider house rules", "Chocolat" y "Querido John") es un tipo con mucha experiencia en dirección, que ha entregado títulos recordados y premiados, pero en los últimos años se ve que le ha pintado más el cuento de amor pegajoso que las tramas profundas o interesantes. "Dear John" preparó el terreno, pero incluso al lado de aquel título, "Safe Haven" es bastante floja. Otra cuestión no menor a tener en cuenta es que la trama que aquí se expone es una adaptación de la obra literaria de Nicholas Sparks, autor de "The Notebook", "Noches de tormenta", "The lucky one" y la ya nombrada "Dear John", por lo que se podrán imaginar cuál es la intensidad del elemento "romance" y el perfil azucarado que tiene el producto. Debo admitir que soy un gran fan de las películas románticas (sí, ya se, no parece), pero sólo cuando están bien contadas y generan sensaciones fuertes y trascendentes que van más allá del "amor" de panfleto y lo meloso. El problema con este último trabajo de Hallström es que encaja muy bien con el perfil pegajoso, donde el romance interesante queda relegado para dar lugar a lo que pareciera ser una publicidad extendida de pinturas para el hogar. Hay una historia de fondo, por supuesto, pero es muy cliché y aburrida, no aporta nada nuevo, nada creativo. Tampoco logra ese efecto lacrimógeno que podría salvarla con las/os espectadoras/es más gustosos del lloriqueo cinematográfico, es como si se hubiera quedado a la mitad del camino entre querer ser una historia sentimental seria y ser una historia de golpes bajos que busca el llanto. En estos tiempos que vivimos, seguir planteando la premisa de la damisela en apuros que sólo puede ser salvada por el amor de un hombre ya no va, ya cansó, es parte de algo que queremos dejar atrás como sociedad. Es retroceder.
    Los actores hacen un trabajo correcto pero olvidable, ya que tanto el guión como la narración que usa el director no están a tono y no les permite sacar una interpretación creíble de los personajes que intervienen en el film.
    Un peli novelesca que tendrá su mayor porción de simpatías entre los espectadores adictos a las historias de amor, más allá de que esas historias sean o no interesantes.
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  • Después de la Tierra
    Aventura made in Shyamalan

    Bueno, no sé por qué tanto escándalo con este nuevo trabajo de M. Night Shyamalan. Es verdad que sigue lejos de su mejor momento con "Sexto Sentido", "El Protegido" y "Señales", pero tampoco este film está en el fondo del tarro como "El último maestro del aire" o "The Happening". Diría que es un producto que anda entre medio de "La Aldea" y "La dama en el agua", que resulta ser entretenido aunque presenta varios baches en la parte técnica y narrativa.
    Los primeros trabajos de Shyamalan fueron muy buenos y sorprendieron bastante en su momento, cuestión que de cierta manera le jugó en contra a largo plazo, ya que la expectativa que generaba con sus nuevos proyectos alcanzaba niveles desmedidos y si no llegaban a lo que se esperaba, eran masacrados por la crítica especializada. "Después de la Tierra" no fue la excepción y desde que se comenzó a promocionar en nuestro país, ya se hablaba mucho sobre el éxito que podría o no tener. La sinopsis y el trailer ya anunciaban lo que sería la película, por lo que no comprendo por qué tanto ensañamiento post estreno. Es una aventura en clave de ciencia ficción que nos pasea por los peligros de un planeta Tierra que ha sido reclamado por la naturaleza luego de que los seres humanos lo abandonaran hacen miles de años. Un comandante de una organización militar humana, viaja con su hijo en una misión de rutina para tratar de estrechar lazos que se veían débiles desde la muerte de un miembro de la familia. En el trayecto se topan con una lluvia de meteoritos que destruye su nave y ambos quedan varados sin comunicación en el planeta que antiguamente habitaron sus ancestros. A partir de acá, el hijo del comandante, Kitai (Jaden Smith), deberá tratar de establecer comunicación con la unidad de rescate atravesando los peligros que depara un planeta que ya no es apto para la vida humana y que ha sido dominado por las bestias y la vegetación.
    Personalmente, me pareció un trabajo interesante, que podría haber salido mucho mejor sin lugar a dudas, pero que en general terminó cumpliendo con su cometido. Hay momentos vertiginosos y de aventura pura, tiene cierta carga dramática por la complicada relación padre-hijo y los intérpretes no hacen un mal un trabajo. No entiendo por qué le dan con un caño a Jaden Smith, a mí me pareció que estuvo bastante aceptable.
    Los mayores problemas se presentaron por el lado de lo visual. El CGI utilizado era bastante flojo, con diseños poco creíbles de los animales que recordaban a los efectos visuales utilizados por Emmerich en "10,000 A.C.". La forma narrativa lenta de Shyamalan tampoco está funcionando muy bien en la dinámica del cine actual de aventura.
    Para ir cerrando, diría que se trata de una propuesta aceptable que logra entretener, sin mucho derroche de calidad técnica y con una dirección que llega a lo correcto. Seguramente la desfruten más los aficionados al género de la aventura que los fans de la ciencia ficción.
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  • ¿Qué pasó ayer? Parte 3
    Cierre un tanto amargo

    Se ve que el dicho "la tercera es la vencida" se cumplió para la franquicia humorística de Todd Phillips, "The Hangover". Lamentablemente, este 3er trabajo no es ni remotamente tan divertido como lo fue el 1ro, de hecho los viejos chistes ya no causan mucha gracia y los nuevos son poco efectivos y hasta violentos de más. Que Zach Galifianakis se orine en los pantalones por presenciar un asesinato no es divertido... Tampoco lo es que Mr. Chow tire frases trilladas mientras mata mafiosos. La diversión en las entregas anteriores pasaba por otro lado.
    Creo que Phillips quiso explorar nuevos senderos y probar los límites del gusto aceptable en la comedia, algo que personalmente aprecio y valoro, pero debo decir que el resultado al que se llegó finalmente no fue bueno. Si hubiera presentado la misma dinámica de su antecesora, me habría parecido peor y directamente le hubiera quitado una estrella más, pero como se arriesgó le doy un poco de crédito. Lo que verdaderamente divertía del Wolf Pack era esa dualidad entre las personalidades compuestas y hasta aburridas de cada personaje, y la locura que se desataba cuando se tomaban unos copetines de más y se drogaban por accidente. Phillips debería haberle buscado la vuelta para mantener esa esencia y ofrecer algo creativo sin modificarla tanto. En esta entrega la fiesta no existe, sino que se trata de una sucesión de situaciones que toman el género de acción con una clara intención de ridiculizarlo y producir el deseado efecto de "comedia de acción", algo que casi no se logró durante el metraje. Todo el humor se sostiene sobre los hombros de Alan (Galifianakis) y Chow (Ken Jeong), que a duras penas logran uno que otro gag interesante. Sólo puedo nombrar 3 escenas divertidas del film, la 1ra es cuando comienza y Alan circula en auto por la autopista con una jirafa que acaba de comprar, la 2da es cuando conoce a Cassie, interpretada por la grosa de Melissa McCarthy, y la 3ra escena es la que tiene lugar post créditos con la que nos daremos cuenta donde fue que le pifió el director. Los personajes de Bradley Cooper y Ed Helms estuvieron bastante flojos, como desganados, lo que lógicamente atentó contra la performance de la trama y la comedia. La intervención de John Goodman no tuvo mucha relevancia y bien podrían haber puesto a cualquier otro actor y hubiera sido lo mismo, es decir que se desaprovechó el carisma y la profesionalidad de un grande como él.
    Qué se yo... me queda un gusto amargo. La 2da entrega ya había sido bastante floja y le había perdonado ciertos pecados por el hecho de que mantenía la fórmula que nos hizo morir de risa en la 1ra, pero este cierre de la trilogía fue el más débil sin dudas. Hay ciertos productos que más allá de sus evidentes fallas, son complacientes con sus seguidores, pero acá eso no se dio. Creo que hasta los más fanáticos de "The Hangover" van a despotricar.
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  • Cristiada
    Cristiada
    Cinélico
    Irregularidad Épica

    "Cristiada" es una mega producción mexicana con más buenas intenciones que aciertos. El director debutante Dean Wright da vida a los acontecimientos sucedidos en México entre 1926 y 1929, en los cuales se enfrentaron el gobierno del momento contra los católicos más fervientes de la época en una batalla larga y sangrienta. El gobierno se sentía amenazado por el creciente poder de la Iglesia, y para no perder su hegemonía comenzó a perseguir, expulsar y matar cristianos. A priori es una historia difícil de recrear, demasiado épica y delicada como para andar cometiendo errores y salir impune de la situación. Cuando la película es tan heroica, los errores se pagan caros.Lamentablemente, creo que al director Wright le quedó grande el proyecto y se vio superado por sus propias ambiciones.
    El film tiene algunos momentos buenos como los primeros 20 minutos en los que actúa el gran Peter O'Toole y algún que otro despliegue de calidad del ya casi desaparecido Andy García. Lo demás se torna largo y por momentos muy forzado. 145 minutos es mucho aún para las producciones más emocionantes y dinámicas del mundo del cine, y a "Cristiada" le sobraron fácilmente unos 50 minutos. Hay escenas y personajes que son irrelevantes para la historia, un caso concreto, es la participación de Eva Longoria (Tulita) cuyo rol resultó totalmente intrascendente.
    Creo que suma algunos puntos a favor por el lado de las emociones, lo fuerte de ver en pantalla la convicción de personas que dieron su vida por la Fe, resulta atractivo, reconfortante y por momentos levanta el film, pero al realizar un análisis más global, me doy cuenta de que el producto total no logra involucrar al espectador y se torna muy irregular en la transmisión de sensaciones, que terminan siendo en su mayoría, aburridas. Como dije al principio, tiene buenas intenciones pero no supo encontrar la senda hacia la calidad y se quedó corta.
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  • Rápidos y furiosos 6
    Pisteando en lo de su Majestad

    Parece mentira, pero ya vamos por la 6ta entrega de los muchachos fierreros y siguen con un éxito increíble, cuestión que es en gran parte mérito de su director, el taiwanés Justin Lin. También parece mentira que la era Lin comenzó con la mediocre "Tokio Drift", pero he aquí el resultado de la perseverancia y la ganas de superarse. Incluso el director se da un gustito al final del metraje con una escena extra post créditos en la que, de cierta manera, toma revancha por como vapulearon su 1er trabajo con los rápidos y furiosos. Está bien, tuvieron algunos productos mediocres en el medio, pero son pocas las franquicias de largo plazo que se pueden jactar de tener una evolución tan auspiciosa tanto en lo técnico como lo económico.
    En esta ocasión, se sigue el camino de la 6ta entrega aumentando la apuesta en la acción, la estética y los enredos internacionales. Creo que quizás ya lo hayan leído por ahí, pero la primera secuencia de persecución automovilística por las calles rusas es simplemente excelente, poderosa y atractiva como pocas veces se han visto en un film de acción con persecuciones. Luego, toda la operación se muda a Londres, un lugar que a primera vista parecería raro para estos muchachos, pero que supieron manejar con todo el vértigo que los caracteriza. Por otro lado, el perfil a lo "James Bond" que se le imprimió al equipo villano le subió varios puntos a la propuesta, dándole cierto aire de adultez y una frialdad que recuerda a los malos de aquella otra exitosa saga. Acá resulta necesario resaltar la labor y el carisma de un cada vez más ascendente Luke Evans que logra componer a un villano interesante y sofisticado. Su equipo vendría a ser como el espejo maligno del equipo de Toretto, algo que resultó atrayente y de cierta manera divertido. Se destacaron también con su presencia, Dwayne Johnson (nunca pensé que diría esto), un divertido Tyrese Gibson, la chica mala Michelle Rodriguez y la increíble Gina Carano, esa lindísima luchadora de Muay Thai que tuvo su 1er protagónico en "Haywire" de Steven Soderbergh. El carisma de Carano es hipnótico... como si hubiera nacido para estar en la gran pantalla. Esperemos verla en muchas pelis más. A contramano de estos, los protagonistas Vin Diesel y Paul Walker cumplen bien sus roles, pero no logran la empatía que alcanzaron con sus trabajos pasados.
    Al igual que con la entrega anterior, se hace un mix de secuencias de acción infartantes, algunas muy bien planteadas y otras un tanto exageradas, pero sabemos bien donde nos estamos metiendo y qué estamos yendo a consumir. Hay nuevos autos, hay motos, un tanque de guerra, muchas armas y explosiones al por mayor. Hay algunos diálogos bastante básicos y poco naturales, pero en general la propuesta atrapa y complace a todos las fanáticos del género de acción y sobre todo, a los fans de la franquicia.
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  • El reino secreto
    Aventuras de antaño

    "Epic" de Blue Sky Studios, es un buen ejemplo de entretenimiento clásico, con claras referencias al cine de aventuras de antes y con marcadas influencias de "FernGully", "Querida encogí a los niños" o la mismísima "Willow" de Ron Howard (esa capu-capa de murciélago que usa el villano es inconfundible).
    El director neoyorquino, Chris Wedge ("La era de hielo", "Robots"), nos ofrece la adaptación de una obra ecologista del escritor de historias para niños, William Joyce. La película, más allá de su buen mensaje acerca del cuidado del ecosistema, goza de una calidad técnica y narrativa de gran profesionalidad, que entretiene tanto a chicos como grandes. Quizás lo que la tira un poco abajo, es la falta de originalidad en la trama y el involucramiento que se logra entre protagonistas animados y espectadores. Por alguna razón, las figuras principales no resultan tan atractivas individualmente como sí lo hacen como equipo; no producen ese carisma que hace que el público se cope con los personajes más importantes de la historia. Por ahí creo que faltó trabajar más los aspectos de personalidad de M.K. (Amanda Seyfried), Ronin (Colin Farrell) y Nod (Josh Hutcherson), el trío principal de la cinta que por momentos se pierde entre las batallas épicas y la cantidad de personajes involucrados. Con respecto a la trama, creo que fue evidente la falta de algún factor particular que la diferencie de otras propuestas animadas que hemos visto en la gran pantalla. La lógica que se utilizó fue bastante convencional con la excepción de la carga dramática que se le imprimió a algunas escenas, en las que por ejemplo, mueren personajes y el film se torna un poco más oscuro.
    "El reino secreto" en su conjunto general se sale con la suya y logra el objetivo de hacer pasar un buen rato cinematográfico al público inculcando valores de cuidado para con la naturaleza, cuestión en la que Joyce había hecho hincapié en su obra literaria. No es una animación super memorable, pero sí entretenida y con algunos momentos tan épicos como indica su nombre original.
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  • El gran Gatsby
    Fitzgerald by Luhrmann

    Si hay algo que el director australiano Baz Luhrmann maneja muy bien, es la adaptación de grandes historias de amor y agregarle toda su excentricidad visual para crear un producto inconfundiblemente de su autoría. Es un artista que se expresa a través de la trama y la dirección, pero con un foco bastante importante en los aspectos artísticos de la puesta. "The Great Gatsby" no es la excepción y se adapta la famosa historia de desencuentros amorosos de F. Scott Fitzgerald en una Nueva York de los años '20, con todo el glamour y la explosión de colores que se puede esperar de un tipo como Luhrmann.
    La historia de Fitzgerald de por sí tiene su atractivo, presentando una crítica a la sociedad del momento, que cegada por la propiedad material, los vicios y la posición social, podía condicionar y quebrantar hasta el amor más puro. Luhrmann toma la esencia del libro, pero termina entregando una crónica más liviana y hollywoodense, con menos matices dramáticos que le den profundidad. No es mala la propuesta, en absoluto, pero me hubiera gustado ver que la película evolucionara con más fuerza con el pasar del metraje, cosa que de cierta manera sucede, pero no con la locura y sensaciones que uno esperaría de un trabajo de Luhrmann. Por momentos se nota demasiado el enfoque en los aspectos técnicos que terminan siendo de mayor calidad que los narrativos.
    En el plano de las interpretaciones, creo que todos estuvieron muy bien, sobre todo su protagonista, Leonardo DiCaprio, que como siempre brinda una actuación creíble y profesional. El Gatsby de DiCaprio presentó algunas influencias de su rol como Howard Hughes en "El Aviador" de Martin Scorsese, con menos locura, pero sí con algunos gestos que ponían de manifiesto la personalidad obsesiva del personaje.
    Un buen entretenimiento que seguramente disfrutarán más los seguidores de Luhrmann que los lectores de la novela de Fitzgerald, pero que no deja de ser atractivo e interesante de ver.
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  • Scary Movie 5
    Scary Movie 5
    Cinélico
    La muerte de la parodia

    ¿Cuánto más se puede seguir con este fiasco? Lo más extraño de esta franquicia es que en vez de haber mejorado y pulido su humor, se ha vuelto cada vez más idiota y poco divertida. Ni siquiera tiene sentido como largometraje ya que, como leí en varios comentarios de los espectadores en los medios, presenta 1 o 2 sketches que pueden llegar a sacar una sonrisa. No hay una cohesión que le permita llamarse trama, es todo una farsa unida por hilos casi podridos, es un compendio de parodias fallidas que no funcionarían bien ni en TV por cable.
    Lo loco de todo esto es que todavía queda un grupo de espectadores fieles a la franquicia que hacen que los números al final de su proyección le cierren a los productores. Para "Scary Movie 5" se gastaron 20 millones de dólares y ya lleva recaudados 31 millones a nivel mundial, es decir, que si a este presupuesto le restamos gastos de publicidad y demás yerbas, todavía podrían llevarse al bolsillo unos 5 millones limpios... Incomprensible.
    Hay ciertos chistes mediocres que sólo podrían parecerles divertidos a un descerebrado cholulo que ame la vida privada de las estrellas de Hollywood en decadencia. La escena donde Charlie Sheen y Lindsay Lohan se ríen de sus patéticas vidas más que divertido es lastimoso, o ni siquiera... who cares? Es innecesaria.
    Todo lo demás es cliché, poco brillante y confirma lo que esa vocecita nos decía antes de entrar a la sala: "ya sabés que va a ser mala, malísima, vas a perder tiempo y dinero". Ojalá le den un respiro a este sub género de la comedia que en este momento, puedo afirmar, está en completo estado vegetativo y sin ideas. No se la recomendaría a nadie, ni siquiera a los que generalmente se ríen con esta estupidez. Mejor busquen experiencias nuevas de humor que en vez de seguir arruinándoles el cerebro se los recupere. Amén!
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  • Spring Breakers: viviendo al límite
    Not another teen movie

    ¡Qué sorpresa este film! Polémico, polémico, polémico. El director Harmony Korine divide las aguas cinéfilas con este nuevo trabajo, que muy lejos está de la comedia teen que muchos se deben estar imaginando que es. No es una comedia light sobre ex adolescentes Disney divirtiéndose en la playa, va mucho más allá de eso y es una fuerte crítica a la superficialidad del sueño americano. Korine utiliza una narración bizarra pero atractiva, que queda resonando en la mente y asquea al hacernos reflexionar sobre lo idiota que podemos ser en pos de la vida fácil y lo material. Frases que se repiten en off durante escenas que alternan entre la violencia de las pandillas y las fiestas descontroladas del spring break norteamericano, mucha piel, referencias a la cultura pop, crítica social y religiosa, tiroteos y más en este trabajo que te puede llegar a gustar o no, pero no te mantiene indiferente. En mi caso debo decir que me gustó, pero no llegó a encantarme. La temática del "american dream" es algo que me referencia mucho al "white trash" infumable, esa gente que piensa que la vida consiste en nadar en dólares y chuparle la sangre al planeta y las personas. Ver estas personalidades en la gran pantalla me divierte por un corto plazo, un ratito, y después ya sólo me producen indiferencia y fiaca. Entiendo que Korine hace justamente una referencia crítica a este espécimen de humano, un crítica que por momentos resulta interesante y dura de ver, pero como se trata de ese tipo de "personas", empiezo a perder interés. Es como ver un reproche sociológico a los idiotas de "Jersey Shore" o "Gran Hermano"... por un rato puede resultar interesante y hasta divertido, pero aceptémoslo, hacer un análisis sobre la vida superficial de un grupo de adolescentes descerebrados tiene un ciclo de vida bastante corto y podemos pecar nosotros mismos de caer en las redes de la estupidez y estar filosofando sobre cuestiones totalmente intrascendentes.
    Para resaltar, el manejo estético que se le imprimió a la propuesta, logrando claramente en el espectador la sensación de aturdimiento entre tantos cuerpos semi desnudos emborrachándose, drogándose y succionándole la vida al mundo. La creatividad es también un punto fuerte, animándose a las escenas más bizarras y divertidas que se pueden ver en lo que va del año. El trabajo interpretativo del cast, bastante profesional, pero nada de otro mundo.
    Una propuesta interesante, que la mayoría amará u odiará, que tiene muchos momentos de humor retorcido e irónico que debe ser entendido para entrar en el juego que se propone. Vale la pena verla para sacar conclusiones propias y rescatarse un poco ;).
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  • Ataque a la Casa Blanca
    ¿White House Down?

    "Ataque a la Casa Blanca" es un film de acción del realizador Antoine Fuqua, que en esta ocasión parece haber sido poseído por el Roland Emmerich de los '90 y nos brinda una historia un tanto chata pero con mucha pirotecnia y adrenalina fílmica. El Fuqua de "Día de entrenamiento" le cede bastante lugar al Fuqua de "Tirador" y las cosas se ponen violentas, bastante violentas. Se agradece la crudeza de ciertas secuencias y la acción que se imprime al film durante todo el metraje, pero con el tema de la trama se quedó un poco corto, hay que decirlo. El problema con este tipo de producciones es que ya podrían formar parte de un subgénero de acción de existencia tácita llamado "acción patriota", un subgénero que nos ha cansado bastante. A Hollywood le encanta poner en peligro a su presidente y demostrar, a través de una figura simbólica encarnada en héroe de acción, el poderío bélico de USA y el amor a su país, cosa que no estaría mal, pero el problema es que ya nos cansamos un poco... La historia del policía retirado, que vuelve para redimirse y salvar a su país de la amenaza extranjera es una figurita repetida, que se ha editado con ex agentes de la CIA, del FBI y hasta con guarda espaldas, como es el caso de este trabajo. Ya cansó muchachos... Encima todavía falta la versión de Emmerich donde también atacan la Casa Blanca y al presidente, posta, no estoy jodiendo. Se estrena en breve. Espero que haya un poco de karma y el Fuqua de "Día de entrenamiento" lo posea a Emmerich y se cierre este círculo cinematográfico.
    La peli empieza bastante bien, dinámica, con bastante acción, pero a medida que va pasando el tiempo cada vez se va poniendo un poco más inverosímil. Que el guardaespaldas retirado le indique qué hacer al equipo de seguridad nacional de una país como Estados Unidos es un tanto ridículo, al igual que la forma en que plantean la toma del "Olimpo". Es verdad que también a medida que avanza el metraje crecen los momentos de tiros, trompadas y quebraduras de huesos, que no nos engañemos, ocupa una porción bastante importante dentro de las razones por las que iríamos a ver un producto como este al cine. Estoy seguro que si se hubieran un sentado un rato más a pensar alguna vuelta de tuerca más inteligente, habrían conseguido mucho más éxito que el que cosecharon.
    En el cast con el que contaron, se destacan nombres como Morgan Freeman, Melissa Leo, Aaron Eckhart y el mismísimo Gerard Butler, pero da la sensación de que se los desperdició un poco.
    Una de acción con fórmulas repetidas que cubrirá las expectativas del espectador que la da mucha prioridad a los disparos, los golpes y las explosiones, pero que no se destaca entre toda la fauna del género de acción.
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  • El último exorcismo - Parte 2
    La tortura del nunca acabar

    Bueno... Si la 1ra no era ninguna joyita del género de Terror, esta 2da entrega es la confirmación de que nos están tomando por giles con las películas de exorcismos. Está gastado, gastadísimo, sin ideas nuevas, repetitivo, haciéndole daño al género. Es el tipo de ejemplo concreto donde se puede ver la ambición por exprimir algo hasta el punto de secarlo y matarlo completamente. Esta tendencia en el cine se está volviendo peligrosa y puede causar efectos dañinos que tarden décadas en recuperarse o directamente no recuperarse nunca más. Algo parecido está sucediendo con las parodias en el género de la Comedia. Entiendo que la fórmula todavía de dividendos, sobretodo si los presupuestos que se utilizan son mínimos y aprovechan el viento de cola que dejaron títulos pasados de mayor calidad, pero los productores en Hollywood deberían entender que este tipo de explotación, sin ningún tipo de precaución, puede terminar en el hundimiento definitivo de subgéneros que en alguna época fueron atractivos. Dejenló descansar, que vuelva renovado más adelante cuando alguien se ponga a escribir un guión creativo y no alguna estupidez para meter dos mangos más en el bolsillo.
    Para esta vuelta, los escritores se sitúan un par de meses después del fallido exorcismo de Nell (Ashley Bell). Todo parece mejorar de a poco hasta que la protagonista se enamora de un chico del pueblo en donde está viviendo, cuestión que pone ¿celosa? a la entidad maligna que la acecha y todo el proceso demoniaco vuelve a comenzar... Es decir, lo del "último exorcismo" era un mote meramente comercial.
    Acá se mezcla la cuestión de la posesión con el enamoramiento en una combinación bastante berreta, que no aporta nada nuevo y que por momentos resulta infantil. Hay momentos que claramente hacen referencia a "Carrie" de Stephen King, cuestión que no estaría mal, salvo por el hecho de que esas referencias resultan muy "teenagers" y toman lo peor de aquella historia, como el culebrón que tiene lugar entre los adolescentes.
    ¿Qué más decir? Otra producción que utiliza un subgénero que está en agonía total y que debería ser puesto a descansar por lo menos 10 años. No recomendable.
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  • En trance
    En trance
    Cinélico
    El laberinto Boyle

    "Trance" del director Danny Boyle ha sido un trabajo bastante criticado, que ha despertado simpatías y odios por igual. Me tiro hacia el lado de la simpatía y digo que esta última película de Boyle es bastante disfrutable, con vueltas de tuerca fieles a su estilo y con un cuidado técnico más que profesional. Recordemos que el director británico ha sido responsable de cintas famosas como "Trainspotting", "Slumdog Millionaire" y "127 horas", todos trabajos en los que está impreso su sello adrenalínico característico. "Trance" no es la excepción y de hecho demuestra que Danny ha ido afilando su ojo técnico.
    Es verdad que la historia comienza con un tipo de dinámica y que ésta, a medida que va avanzando el metraje, se vuelve cada vez más volátil e impredecible, presentando algunas situaciones que podrían tildarse de inverosímiles. Más allá de la chiflera creativa del escritor (John Hodge) y el director que por momentos se sale de los límites realistas, la trama de traiciones y el estilo que le imprimen, hacen que ciertos pecados como estos sean perdonados. La esencia del engaño, dentro de la trama y al espectador mismo, hace que el espectáculo valga la verborragia artística a la que nos vemos sometidos. La narración y la filmación frenética se hacen presentes durante todo el film, funcionando en el 70% del metraje y pasándose de vuelta en el 30% restante, lo que produce que por momentos nos perdamos entre tanto zigzagueo.
    James McAvoy demuestra una vez más que puede protagonizar cualquier blockbuster y hacerlo con gracia y carisma. Completan el reparto una Rosario Dawson y un Vincent Cassel que cumplen muy bien sus roles respectivos, aportando maldad y sexiness a esta propuesta.
    Creo que los espectadores que disfrutaron de las producciones anteriores de Boyle, no serán defraudados con esta producción y podrán sumar un título más que los confirme como fans de su estilo de filmación. No es de sus películas más memorables, pero eso no quita que sea un entretenimiento digno de ver y recomendar, sobretodo para discutir luego con amigos sobre como interpretaron el laberinto fílmico al que estuvimos sometidos.
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  • La huésped
    La huésped
    Cinélico
    Los triángulos de Meyer

    Aahh... Stephenie Meyer... (moviendo la cabeza hacia los lados y poniendo cara de constipación) Siempre apelando al gronchito cursi que tenemos dentro, ese que casi todos reconocemos pero lo escondemos bien en el fondo porque sabemos que es vergonzoso. Hay que reconocerle que supo identificar ese placer pecaminoso que tienen miles de mujeres y por qué no, cientos de varones, y hacerse millonaria explotándolo.
    En esta ocasión nos presenta un historia post apocalíptica en la que la humanidad ha sido dominada casi por completo por seres alienígenas, que ocupan nuestros cuerpos y ¿suprimen? el alma del humano. Estos alienígenas asesinos de especies (la Tierra es como el 7mo planeta conquistado), son en realidad también agentes del ¿bien y la bondad?, es decir que ocupan nuestros cuerpos con el objetivo de mejorarnos como especie... pero para ello nos matan... Bue... como verán de base la historia es bastante polémica y contradictoria. Yo creo que en realidad este contexto Sci-Fi mediocre que plantea Meyer es una mera excusa para reproducir esa fórmula romanticona tan efectiva que le está llenando los bolsillos, el triángulo amoroso adolescente. Sólo cambió el envoltorio, de vampiros y lobos a marcianos y rebeldes humanos, pero en esencia la trama central pasa por los amoríos juveniles y las decisiones basadas en la ebullición hormonal.
    A diferencia de "Crepúsculo", se ve que esta vez soltaron un poco más la billetera y se pudo contratar un cast de mayor categoría interpretativa, con nombres como Saoirse Ronan, Diane Kruger y William Hurt, pero aún así el producto es absolutamente mediocre y hasta por momentos irritante. No entiendo que le pasa a Andrew Niccol, un tipo que dirigió películas como "Lord of War" o "Gattaca" y que escribió el guión de esas dos pelis más el de "The Truman Show", ahora metido en proyectos descerebrados como este. ¿Es sabia la decisión de meterse en estos culebrones adolescentes? Ojalá Niccol vuelva a las raíces y se deje de joder con estos amoríos superficiales.
    Tiene los peores aspectos de Crepúsculo, sobre todo la amargura de esos personajes inexpresivos que dan ganas de tirarle con algo a la pantalla para ver si se despabilan un poco. Tiene momentos románticos bien pegajosos y como dice un amigo, extremadamente virgos, donde las hormonas parecen explotar por situaciones tan tontas como una caricia en el pelo. Sólo para los fans más fieles a la literatura "Meyer".
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  • Seis sesiones de sexo
    Conectarse en la intimidad

    "The Sessions" es una película maravillosa que celebra la vida y las relaciones interpersonales, el conectarse íntimamente con otro ser humano. Lamentablemente no llegará a estrenarse en Argentina vaya a saber uno por qué cuestiones, eso sí, para películas de adolescentes idiotas histeriqueándose o exorcismos varios, siempre hay salas de sobra. ¿Por qué será que nos atrae más ver por decimocuarta vez a una joven poseída y no una historia bien hecha sobre el amor, la redención y la vida misma?...
    Después de este pequeño lamento, paso de lleno a la reseña de este trabajo del director polaco Ben Lewin, un veterano del cine y la TV que no dirigía un largometraje desde 1994. Sus films anteriores son buenos, no la gran cosa, pero buenos. Se ve que el tiempo le vino muy bien a este señor y volvió con todo. "The Sessions" se basa en las memorias de Mark O'Brien, un periodista y poeta que padeció una enfermedad degenerativa de los músculos llamada poliomielitis desde su infancia. La trama se centra en Mark a sus 38 años, momento en el cual nuestro protagonista conoce el amor y el sexo por primera vez. Su condición física lo alejó siempre de las mujeres, no sólo por el rechazo que generaba, sino muchas veces por la propia estreches de sus pensamientos acrecentados por una gran sensación de inseguridad. Y no es para menos, Mark además de encontrarse cuadripléjico dependía gran parte de su tiempo de una cámara de ventilación negativa, pasándolo en criollo, una máquina para poder respirar.
    Criado católico, Mark busca consejo y asesoramiento en el padre Brendan para tomar la decisión de encarar una terapia sexual en la que podría al fin perder su virginidad. Esta situación contribuyó en gran parte a la condición de comedia que tiene el film, ofreciendo momentos realmente divertidos entre los dos personajes. Por otro lado, el humor se combina de manera muy natural con el otro gran pilar de la historia, el drama de descubrir las sensaciones del amor, las lindas y las feas.
    El trío de actores principales, un espléndido John Hawkes en el rol de Mark, Helen Hunt como la terapeuta sexual, en uno de los mejores papeles de su carrera actoral, y el genio de William H. Macy como el padre Brendan, conforman un equipo inmejorable que tomará al espectador por sorpresa y lo llevarán por un paseo emocional fuerte, sin golpes bajos ni cursilerías, pero sí apelando al corazón de cada uno.
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  • El nombre
    El nombre
    Cinélico
    La miseria y la amistad

    "Le Prénom" es la adaptación cinematográfica de la famosa obra de teatro francesa creada por Matthieu Delaporte y Alexandre de La Patellière. Para quienes no la conocen y puedan darse una idea de lo que estamos hablando, es una obra bastante parecida a "Le dieu du carnage" o "Un dios salvaje" (como se la conoció en Argentina), ya que básicamente muestra la interacción de un grupo de personas al que sus secretos y prejuicios individuales lo llevan a situaciones tan miserables como hilarantes.
    Todo empieza con una broma pesada que intenta llevar a cabo Vincent diciéndole a su cuñado y amigos, acérrimos intelectuales de izquierda, que le pondrá de nombre a su futuro hijo nada más y nada menos que el mismo del führer, Adolf o Adolphe como él dice al principio. A partir de acá, se desatan los diálogos más nerds, interesantes y espectacularmente divertidos que he visto en todo el año. La miseria humana y la amistad mezcladas en un mar de humor ácido, es una combinación muy pintoresca y entretenida, que deja ver su lado teatral, pero que a la vez se fusiona muy bien con el séptimo arte. Las actuaciones son muy creíbles, sobre todo cuando deben cambiar del drama a la comedia y viceversa. La personalidad del cine francés está muy presente, con sus conversaciones rápidas y ese humor afilado que por momentos corta con sólo acariciarlo. Los lazos de amistad utilizados como centro de la trama, configuran a esta producción como una propuesta bienintencionada en el plano general, aunque en el camino transite por el humor más malintencionado y ácido. El recurso utilizado al comienzo de la película, en el que podemos ver a un repartidor de pizza transitando las calles parisinas cuyos nombres van siendo explicados con humor negro, es sencillamente genial y predispone de la mejor manera para disfrutar lo que viene.
    Una comedia inteligente, mordaz y diferente a lo que estamos acostumbrados a ver en la gran pantalla. Si esperás ser sorprendido gratamente y disfrutás de las situaciones tragicómicas, "Le Prénom" será una buena opción para pasarla de diez.
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  • Palabras robadas
    Aceptarse

    ¿Por qué esas traducciones de títulos?... Como si fuéramos estúpidos y no tuviéramos la capacidad de deducir el significado del nombre de un film. La película se llama "The Words" y trata sobre cuestiones que van más allá del evidente robo de un escritor a otro. ¡Por favor, dejen de subestimar al espectador y de intentar simplificar títulos con subrayados estúpidos!
    Yendo al film concretamente, no entiendo por qué los críticos estadounidenses tiraron tan abajo este trabajo, que podrá ser un poco denso por momentos, pero de ninguna manera resulta común u ordinario como leí por ahí.
    La trama es del tipo de historia dentro de otra historia. Se centra en la vida de dos personajes, por un lado el personaje "real", Clay Hammond (Dennis Quaid), un famoso escritor que lanza un libro que cuenta la historia de otro escritor, el "ficticio" Rory Jansen (Bradley Cooper), que al no tener éxito con sus escritos, decide cometer plagio y publicar una obra fabulosa que encontró por error como si fuera propia. De repente gana mucho prestigio, premios y reconocimiento en el mundo artístico, pero como la mentira tiene patas cortas, la fantasía dura poco y aparece el verdadero escritor de la obra, interpretado maravillosamente por Jeremy Irons. El encuentro entre ambos, plagiador y plagiado, produce un ida y vuelta de sensaciones, frustraciones y recuerdos que a mí me resultó bastante placentero de ver en la gran pantalla. También la conexión entre el personaje "real" de Clay y Rory, el "ficticio", me pareció interesante y entretenida de ver. La película es dramática, quizás con un tratamiento por momentos superficial y redundante sobre la culpa y los dilemas morales, pero en general logra su cometido y resulta un trabajo serio que se puede disfrutar bastante, sobretodo si sos de esos espectadores a los que les gustan las historias con fuertes cargas de realidad.
    Los directores Brian Klugman y Lee Sternthal abordan un abanico de temáticas que identifican al espectador con los personajes, como por ejemplo el peso de las decisiones que tomamos, la aceptación de quienes somos, la delgada línea entre lo moral y lo inmoral, el destino y otros conceptos que están bien tratados y narrados. Una buena opción para disfrutar de un drama bien construido y con altas dosis de sensaciones reales.
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  • Iron Man 3
    Iron Man 3
    Cinélico
    Menos Rock, más Pop

    Lamento no compartir la emoción y exitación de varios críticos y fans de la franquicia con esta 3ra entrega. En serio que lo lamento porque a mi forma de verlo, Iron Man es uno de los héroes más atractivos y cool que tiene Marvel, pero la verdad es que esta última entrega no colmó del todo mis expectativas y me pareció una producción de superhéroes del montón.
    Para empezar creo que directamente perdió su aura rockera, esa que la hizo tan copada en 2008 y que ya se había visto disminuida con la 2da entrega en 2010. Tony Stark representa el estilo Rock & Roll, la irreverencia, la rebeldía, la incorrección política, sin embargo en esta última entrega se le imprimió un perfil más inocente y se notó la mano oculta de Disney. No me malinterpreten, me gustan los productos Disney por lo general, pero hay que separar los tantos cuando se trata de diferentes productos. Como diría aquella publicidad local de bebida espirituosa, "al pan, pan y al vino..." No es una buena estrategia que Disney suavice la oscuridad innata que tienen algunos cómics de Marvel sólo para mantenerse en la línea familiar que marca su camino comercial. Si a Iron Man se le quita el Rock y a los villanos la oscuridad, se corre el riesgo de caer en una fórmula de aventuras default que trasmita pocas sensaciones al espectador. Por ahí leí algunos intentos de comparación con la trilogía cinematográfica de Nolan sobre Batman... por favor, piensen bien antes de cometer semejante estupidez. Este Iron Man actual es un héroe para adolescentes más bien tirando a niños, a diferencia de la adultez que presentó la historia del caballero de la noche que claramente no tenía como target principal a los más chicos.
    Otra cuestión que me pareció un gran WTF fue lo que decidieron hacer con El Mandarín, villano histórico de Iron Man que en esta 3ra entrega aparece satirizado como consecuencia de una vuelta de tuerca caprichosa.
    Entre las cuestiones positivas de este film, están los aspectos técnicos que son increíbles, tanto visuales como de sonido, de eso no hay queja que valga. En una mínima escena en la que Tony se pone uno de sus trajes, demuestra toda la pericia profesional que Michael Bay no logra en su casi 3 horas de tortura Transformer.
    En general la trama se plantea interesante y titánica, con algunos aciertos como el potenciamiento de Pepper Potts y el hecho de mostrar a un héroe más vulnerable, y otros no tanto como por ejemplo la personalidad de los villanos.
    En general es una película que entretiene, que ofrece humor y grandes escenas de acción, pero eso no basta para estar a la altura de "Los Vengadores" o la mismísima "Iron Man" original que, según la humilde opinión de este fan del cine, sigue siendo la mejor de la franquicia sin lugar a dudas.
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  • Lazos perversos
    Se lleva en la sangre

    "Lazos perversos" o "Stoker" en su título original es un trabajo un tanto extraño, atractivo y oscuro, con varios toques bizarros desde la composición de los personajes hasta la narración misma. El director sur coreano Chan-wook Park, es nada más y nada menos que el responsable de la película de culto "Oldboy" (recomendable), cuya remake americana se estrenará dentro de poco bajo las órdenes de Spike Lee. Park es conocido por participar en el proceso de escritura de los films que dirige y sus historias siempre dan que hablar por la temática y la forma violentamente bella en que da vida a sus proyectos. Tuve la suerte de ver algunos de sus trabajos y este paso al cine americano ha sido bastante positivo, aunque creo que no alcanzó el nivel de otras producciones como la ya nombrada "Oldboy" o la fabulosa "Lady Vengeance", cierre de trilogía de venganza que encaró en 2003 a partir de su título más aclamado. En este caso, creo que la narración que seleccionó le jugó un poco en contra, con varios momentos de letargo que parecían no tener mucho sentido. Se entiende que su objetivo era pasear al espectador por situaciones de impotencia y acecho, pero con un poco más de ritmo hubiera salido más gratificado. Los momentos fuertes de "Stoker" fueron pocos, significativos, pero pocos en fin.
    La labor de los protagonistas es muy buena, sobre todo Mia Wasikowska ("Alicia en el país de las maravillas", "Jane Eyre") que parece haber sido poseída por una Rooney Mara del infierno. El villano a cargo de Matthew Goode ("Watchmen", "A single man") también es bastante convincente al igual que Nicole Kidman ("Los otros", "Moulin Rouge") como la madre errática, aunque esta última tuvo menos relevancia en la historia.
    La estética es muy cuidada y elegante, fiel al estilo de Park, presentando una combinación buenísima de paisajes sureños con secuencias oscuras de la mansión en la que vive la familia Stoker.
    Un peli recomendable para alejarse un poco del cine mainstream hollywoodense, ideal para aquellos espectadores que disfrutan de los relatos oscuros y no siempre quieren que el bueno salga vencedor.
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  • 21 La gran fiesta
    Si esto es la gran fiesta...

    Bueno, parece que los muchachos se coparon con "Proyecto X" y "¿Qué pasó ayer?" y decidieron armar un mejunje de ambas para adolescentes con ansias de vivir la joda loca, aunque sea a través de 3 descerebrados con poco carisma. He aquí la primera gran diferencia con los 2 títulos a partir de los cuales nace "21 & Over". El Wolf Pack tiene a 3 grosos de la comedia, con experiencia y carisma al por mayor; el fresco trío de la fiesta adolescente (Proyecto X) que termina en desastre contó con 3 pibes nuevos en escena, pero que sabían como involucrar al público y hacerlo sentir identificado con lo que se vivía en pantalla. Por el contrario, los protagonistas de "21 & Over" son 3 salames nada simpáticos que llevan el cliché de pendejo gringo sin cerebro a la enésima potencia. Chistes escatológicos, físicos, fijación sexual, juegos para emborracharse, desnudos y un poco de violencia, todos los ingredientes de la nueva comedia norteamericana estuvieron presentes en esta propuesta, pero el problema principal pasó por otro lado, el problema fue la falta de actuación de los protagonistas y la historia de fondo que por momentos era ridícula. Quizás estos actores con una dirección más cuidada habrían sido menos lastimosos, pero la verdad es que no convencieron en absoluto y producían rechazo, sobre todo el asiático cuyo idea de ebriedad era poner cara de idiota y correr por toda la pantalla.
    Quizás se pueda resaltar algún que otro momento de amistad y camaradería entre el trío protagonista y uno o dos gags divertidos, lo demás se queda en el camino y da la sensación de que los productores y el director pasaron más tiempo pensando en donde iban a poner la cámara para obtener la mejor toma de un vómito en vez de darle un poco más de atractivo a la trama.
    Si sos de los que disfruta de situaciones ridículas más allá de algún tipo de trama interesante puede que disfrutes un poco este producto, ahora si lo que estás buscando es una experiencia a lo "Proyecto X" o "¿Qué pasó ayer?", seguramente te decepciones a lo grande.
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  • Tadeo, el explorador perdido
    Aventura en los valles sagrados

    Interesante es este primer trabajo en largo del director español Enrique Gato, que ya había creado dos cortos anteriormente acerca del simpático personaje que emula a Indiana Jones. En esta ocasión, nos trae una aventura en Latinoamérica, puntualmente en Perú, en donde Tadeo deberá defender los tesoros ancestrales de una ciudadela sagrada de las ambiciosas manos de una corporación caza tesoros (guiño, guiño, socialismo).
    La aventura planteada es muy atractiva, no por su originalidad y factura artística, pero sí por su locación, por la misión bien intencionada que debe llevar a cabo el protagonista y por la buena elección de personajes secundarios que acompañaron al protagonista.
    Perú es un destino muy de moda por estos momentos, es un país que respira misticismo y aventura, que ofrece belleza natural como pocas veces se puede apreciar en la vida. Situar un producto animado en Machu Picchu, el valle sagrado y Cusco, asegura una explosión de colores en la gran pantalla y el inmediato involucramiento para aquellas personas que hayan tenido la suerte de conocer estos paisajes y ruinas. Otro acierto fue el equipo que se conformó para acompañar a este albañil devenido en arqueólogo aventurero, un equipo formado por su fiel mascota, Jeff, la sexy profesora Sara, el alocado guía peruano y un loro mudo de pocas pulgas. La química entre todos ellos funciona muy bien y da lugar a momentos realmente divertidos, de un humor universal que va más allá de la comedia española.
    Por último, el espíritu del film es bien sano y útil para los tiempos en los que vivimos, un tiempo en el que los sueños se ven muchas veces relegados por las restricciones que nos auto asignamos o por las que nos impone la sociedad. En ese sentido, la aventura de Tadeo Jones cobra mayor importancia y hace que el espectador, sobre todo el niño, aprenda algunas buenas consignas para el futuro.
    Una buena aventura animada que apunta a un target más bien infantil, pero que no ignora por completo al adulto que muchas veces debe acompañar a los niños al cine brindándole algunos momentos que lo dejaran conforme. Más allá de que no tuvo mucho promoción en Argentina, es una buena opción para ver un producto distinto de lo que nos ofrece generalmente Pixar o DreamWorks.
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  • Oblivion: El tiempo del olvido
    Wake up Tom

    "Oblivion" del director Joseph Kosinski ("Tron Legacy") es una película de ciencia ficción bastante bien elaborada, con toques sociales interesantes y con una narración correcta que va conectando los cabos poco a poco. La historia se sitúa en un futuro no tan lejano en el que la Tierra ha sido invadida por extraterrestres y que, como resultado de la cruenta batalla entre humanos y marcianos, se encuentra ahora prácticamente inhabitable, ¿o no es así?. La trama juega bastante con algunas vueltas de tuerca y lleva de manera inteligente al espectador hacia una zona de espejismos donde nada es lo que parece. Ahí, en esa zona, Kosinski despliega su pericia y hace pasar un buen momento de ciencia ficción clásica.
    Quizás el problema más palpable de este film tuvo que ver con los personajes que en general fueron poco atractivos y de un carisma medio. Más allá de que la historia resultaba interesante, los personajes individualmente no produjeron un impacto fuerte en el público. Quizás la frialdad que propone la trama se extrapoló a la personalidad de los protagonistas y eso derivó en que ninguno sobresaliera demasiado. Es el típico problema en el que pensamos que si muere tal o cual protagonista no nos afectará mucho, y eso habla del nivel de involucramiento generado por el film, que en este caso creo que fue bastante bajo.
    Otra sensación que me surgió mientras veía la peli, era de sentirme ante algunos elementos muy palpables de Matrix, como por ejemplo la condición de elegido del personaje de Tom Cruise, la personalidad profética de Morgan Freeman muy a lo Morpheus, los drones y algunas otras similitudes más que no quiero contar para no spoilear. Se nota un clara influencia de la trilogía Matrix tanto en la trama como en algunas cuestiones estéticas, lo que no es malo por cierto, pero le quita un poco de originalidad.
    Creo que se abordó una trama compleja, que fue bien desarrollada a lo largo de metraje, pero en el cierre se notó bastante que les costó redondear la historia. En cuanto a lo técnico no tengo quejas, se nota que se hizo un buen trabajo visual y de edición.
    Más allá de los inconvenientes marcados, creo que en general "Oblivion" se ubica por encima de la media de productos de ciencia ficción y a muchos fans del género les va a gustar bastante.
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  • Ausencia
    Ausencia
    Cinélico
    Terror Indie

    "Ausencia" es un film de terror independiente, de esos que son raros de encontrar con tanta posesión y fake documentary dando vuelta. No es pochoclero, ni toca temas repetidos del terror, cuestión que me parece innovadora y que atraerá al espectador que está asqueado con lo que viene ofreciendo el género. ¡Ojo!, no es una película de terror estandard, no tiene grandes efectos, ni tiene el ritmo más dinámico que se puede ver en la gran pantalla, pero sí tiene mucha vocación. Si se dejan ir atrapando de a poco por los acontecimientos que se van sucediendo, podrán disfrutarla y vivir el terror psicológico que tiene para ofrecer. Si sos de los que esperan mucho despliegue visual más que la sugerencia de las situaciones terroríficas, vas muerto con esta propuesta.
    Para entender un poco de que se trata, vamos a decir que una joven vive tratando de superar la desaparición de su marido, que misteriosamente se ausentó de su hogar hace más de 7 años y nunca volvió. Ni las investigaciones policiales, ni los esfuerzos de su frustrada mujer pudieron determinar que fue del pobre tipo. Un buen día llega la hermana para ayudarla a mudarse y hacer el cierre final de los trámites administrativos necesarios para dar por muerto definitivamente al marido, pero una serie de eventos inesperados las llevarán a descubrir qué es lo que había pasado con el pobre el tipo, un destino tan angustiante que cualquiera preferiría morir a tener que pasar por semejante situación.
    Es muy inteligente como el director Mike Flanagan aborda el terror desde la angustia, logrando algunos buenos momentos cinematográficos con poco recursos y metiéndose de lleno en el mundillo de las desapariciones, claro que en este caso, las razones tienen que ver con cuestiones sobrenaturales.
    El punto más fuerte del film está en la tensión creada con la incertidumbre, no saber bien que es lo que le está pasando a esa pobre gente, o mejor dicho, imaginarse las cosas terribles que les están pasando, ya que el director deja varias sendas abiertas a la creatividad macabra del espectador. Lo más débil tiene que ver con el cast, ya que ninguno logra destacarse o sorprender con su actuación.
    "Absentia" es una peli chica y hay que verla con esos ojos. Una producción ultra independiente que se las arregló para colocarse por encima de la media en un género que viene manoseado y ultrajado por propuestas mediocres.
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  • 911 Llamada mortal
    Una bolsa de tensiones

    "The Call" es una de esas películas que llegan sin muchos platillos ni bombos, que uno espera sean un fiasco, pero la realidad demostró que este nuevo trabajo del director Brad Anderson ("Transsiberian", "El Maquinista", "Session 9", entre otras) es bastante entretenido y pasea al espectador por una montaña rusa de nervios, suspenso y tensión.
    El concepto es muy bueno; muestra el duro trabajo de las personas que deben lidiar todos los días con las llamadas de emergencia que tienen lugar en el 911, algo que resulta extremadamente estresante y dinámico para vivir en el cine.
    Puntualmente la trama se centra en el trabajo de Jordan Turner (Halle Berry), una habilidosa telefonista del 911 que un día, ante un descuido en una llamada de emergencia, contribuye sin quererlo a la muerte de una adolescente que estaba siendo acechada por un peligroso psicópata. A partir de ese día, pierde la confianza en su trabajo y se recluye al área de capacitación de novatos. Por esas cosas del destino, vuelve al ruedo sin saber que está a punto de enfrentarse con la razón de todos sus miedos.
    El film funciona en muchos niveles, con un ritmo dinámico e infartante que mantiene al público al borde de la butaca casi todo el metraje. Las interpretaciones son creíbles, el factor psicológico está usado con bastante criterio y la duración es propicia. El gran problema, y razón por la cual decidí bajarle algunos puntos a esta propuesta, tiene que ver con la resolución de la historia que se decidió implementar. El final es muy flojo y hasta inverosímil, como si cansados de todas las pilas que le pusieron al 80% de la película los hubiera llevado a escribir el final trasnochados y con pocas ganas. Sinceramente no se que sucedió con esto, si los productores presionaron para hacerlo de esta manera o sólo fue una mala decisión de los escritores y el director. Sacando este tema no menor, el film cumple muy bien con lo que promete y sorprenderá a más de uno.
    Un entretenimiento que demuestra que con talento se puede ofrecer un producto de calidad con bajo presupuesto, con la excepción del final, claro.
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  • Contrarreloj
    Contrarreloj
    Cinélico
    Las películas "nada" de Cage

    ¿Por qué Nicolas?, ¿por qué!? Es increíble como puede pasar una estrella del cine talentosa como Nicolas Cage, a participar de proyectos excelentes como "Adaptation", "Lord of War" o "Kick-Ass" a bazofias de baja calidad como "Cacería de Brujas", "El culto siniestro" o este último proyecto titulado "Contrarreloj". Algo parecido sucede con Simon West, director de la cinta, que en el pasado ha entregado algunos aciertos como "Con Air" o la reciente "Los Indestructibles 2", pero también fue artífice de las fallidas "Tomb Raider" y "Cuando un extraño llama".
    Lamentablemente para este proyecto se pusieron de acuerdo con el timing y en conjunto crearon una historia de acción irregular y por momentos ridícula.
    Will Montgomery es un ex ladrón profesional, que al salir de la cárcel debe lidiar con el secuestro de su hija de 15 años perpetrado por un antiguo colega criminal que lo culpa por un trabajo fallido y la amputación de su pierna derecha. Mientras el personaje de Cage debe conseguir el dinero en 12 horas para pagar el rescate, la brigada de policía más inútil del mundo le sigue los pasos. He aquí una de las situaciones más penosas del film. El detective (Danny Huston) que le sigue el rastro para supuestamente matar dos pájaros de un tiro (atrapar con las manos en la masa a ambos criminales), resulta ser de lo más ineficaz que se ha visto últimamente en este género. Siempre llega tarde, toma decisiones pésimas y por momentos tiene un rol de ¿amigo? del personaje de Cage. Otra cuestión que le baja puntos es el perfil que se diseñó para el villano de la historia, caricaturizándolo de una manera que le quitó credibilidad y maldad. Sólo parece un loco vagabundo que al que fortuitamente le salen muy bien las cosas, hasta el final claro.
    El secuestro y las escenas de violencia suceden en pleno desfile del Mardi Gras, donde inexplicablemente nadie se inmuta o al menos parecen no darse cuenta de lo que está sucediendo a su alrededor, aún cuando el acto es extremadamente sospechoso. Bueno, "Stolen" o "Contrarreloj" está plagada de este tipo de inconsistencias y parece una película hecha a los ponchasos para tratar de sacar unos manguitos de taquilla. Un producto default que será olvidado en menos de un mes. Una película "nada" más de Cage.
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  • Posesión infernal
    Un buen tributo

    La nueva "Evil Dead" by Fede Álvarez, es una remake que cumple, que no excede expectativas ni estremece hasta la huesos, pero la verdad es que cumple.
    Seguramente habrá detractores, amantes de la película original que fue dirigida por Sam Raimi en 1981, que sólo le bajaran puntos a esta nueva versión por el simple hecho de no ser justamente la de Sam Raimi de 1981. Seamos sinceros, hay mucho de tradicionalismo en el cine y una mística exagerada alrededor de los films de culto que se elevan a un nivel casi inalcanzable.
    Por otro lado, sí es verdad que la nueva versión del uruguayo Álvarez corre con la desventaja de no tener el factor sorpresa, el impacto que causó la entrega original por aquellos tiempos, y además llega en un momento de saturación de remakes (en breves se estrenará "Carrie" por ejemplo) e historias con temáticas de posesiones. Teniendo en cuenta los estrenos paupérrimos de los últimos 2 años en materia de posesión, "Evil Dead" 2013 es un producto por encima de la media.
    En esta ocasión, el horror se centra en un grupo de amigos que deciden hacer una intervención casera para ayudar a una amiga a limpiarse de su adicción a las drogas. El lugar elegido para la purga es una vieja cabaña que esconde secretos de posesiones, exorcismos y muertes atroces. Cuando uno de los jóvenes invoca sin saberlo a un demonio ancestral, se desata una ola de violencia y gore como hace mucho tiempo no veíamos en la gran pantalla. Desmembramientos, vómitos infernales y mucho agujereo de cuerpos es lo que ofrece "Posesión Infernal". En este trabajo la clave no es generar miedo sino producir horror, malestar físico y mucha impresión. Es un buen exponente gore, clase B, que no pretende ser otra cosa más que un sincero homenaje que entretenga tanto a espectadores ocasionales como a los fans de la cinta original.
    La promoción de su estreno fue exagerada, es verdad, no es la peli más aterradora que vas a ver en tu vida pero logra su cometido y produce algunas sensaciones de incomodidad y asqueo que recuerdan a la entrega de Raimi, aunque manteniendo sus toques contemporáneos. Algunos sobresaltos, varios amagues a taparse los ojos, buena producción visual y una historia, que a pesar de las diferencias con la peli original, mantiene interesado al público. Si eso no es un tributo aceptable, ¿qué es?.
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  • Jack el cazagigantes
    Aventura agridulce

    "Jack el cazagigantes" es la nueva producción del director Bryan Singer, responsable de muy buenas películas como "Los sospechosos de siempre", "X-Men", "X-Men 2" y "Valkyrie". Lamentablemente, también dirigió algunos fiascos como "Superman regresa" y "Public Access". Esta adaptación del cuento de Jack y las habichuelas mágicas se podría decir que se encuentra en un punto intermedio entre los logros y las pifiadas de Singer. Las expectativas que tenía eran demasiado altas para una versión cinematográfica de este tipo, pero aún así el gusto que me quedó fue bastante agridulce.
    Entre las cuestiones para resaltar está la valentía de crear un mundo de CGI con personajes protagonistas virtuales y salir airoso del tema. No es fácil lidiar con una producción tan grande, pero Singer es un tipo que ya tiene experiencia en el tema. Los gigantes están bien diseñados, haciendo un buen juego entre lo caricaturesco y los rasgos físicos humanos. Otra cuestión positiva tiene que ver con intentar rescatar el espíritu aventurero ochentoso, ese que nos hizo amar el cine con films como "Willow", "La aventura sin fin" o "Leyenda", aunque en el intento se quede un poco en el camino. Por último me parece justo decir que hay algunas escenas de batallas épicas muy bien realizadas, que entretienen y cumplen con lo que prometía el trailer promocional.
    En cuanto a los aspectos negativos, lo primero que no me convenció es la indecisión acerca de inclinarse más hacia la comedia o mantenerse en la senda de la seriedad. Se notaba por momentos algunas escenas que trataban de ser humorísticas, pero lo único que lograban era transmitir un infantilismo que no hacía reír sino dudar de la calidad de la narración. Otra cuestión no muy positiva tuvo que ver con la duración. Se debe tener mucho cuidado con este tema, ya que si la historia no es lo suficientemente rica y el "in crescendo" no está bien manejado, se cae en momentos muertos que no hacen otra cosa que bajarle categoría a lo que sí estaba bien hecho. En "Jack el cazagigantes" hubo varios momentos de este tipo, de relleno, como para dejar contento a los estudios de producción y estirar el chicle para justificar el presupuesto, que por cierto, fue demasiado elevado para el guión que armaron.
    Bryan Singer en un director que me gusta, que a mi manera de ver las cosas, entiende al espectador, pero con este producto creo que las cosas se le fueron un poco de foco. Me confieso ultra fan de la franquicia X-Men, por lo que espero fervientemente que su actual proyecto, "X-Men: Days of future past" esté más cerca del Singer de "X-Men 2" o "Los sospechosos..." y no tanto de este Jack que deja un gustito a poco.
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  • Proyecto 43
    Proyecto 43
    Cinélico
    Moco épico

    Otro ensamble épico de actores desperdiciado para poner en pantalla cortos humorísticos que le hacen oda a la nueva comedia norteamericana, que dicho sea de paso, es una de las peores cosas que le pasó al género en lo últimos 20 años. Chistes fáciles y descerebrados, bizarreadas que en vez de resultar graciosas sólo hacen sonrojar al espectador que siente vergüenza ajena de lo que está sucediendo en pantalla. La pregunta sería, ¿por qué?, ¿cuál es la necesidad?... ¿Será que los bodrios "Día de los enamorados" y "Año Nuevo" no alcanzaron a darles la lección que debían a los productores de Hollywood?
    Me vuelvo loco sólo de pensar lo que podría hacer un groso como Sydney Pollack o David O. Russell con un cast de tanto talento como el que participó en este proyecto. Algunos nombres son Emma Stone, Hugh Jackman, Kate Winslet, Halle Berry, Chloe Moretz, Naomi Watts, Richard Gere y la lista sigue.
    Es algo muy extraño, pero de vez en cuando, parece que todos deciden tirar la chancleta al aire y aceptan participar en este tipo de películas que sólo confirman que después del género del terror, el de la comedia está pasando por un momento no muy auspicioso, con algunas excepciones claro. En esta ocasión, lo que se hizo fue preparar distintos sketchs a la onda "Saturday Night Live" pero un poco más subidos de tono y con menos creatividad en la escritura. Como tenían que justificar de alguna manera la seguidilla de cortos, decidieron incorporar un hilo central que los una apelando a una historia bastante básica que presenta a dos nerds que están tratando de encontrar la película "más prohibida" en la web. En total son 14 cortos, sí, 14! que intentan deseperadamente hacer reír al público con sobreactuaciones y gags bastante patéticos. Algunos momentos logran sacar una carcajada al espectador, por lo cual considero que no es un desastre total, pero si sacamos una estadística rápida, se podría decir que el 30% de "Proyecto 43" vale la pena, algo así como 28 minutos de los 94 que dura el film. Si ese porcentaje te satisface y andás con ganas de sacarte el cerebro y hacer jueguitos futbolísticos con él durante 1 hora y media, quizás esta comedia te divierta y haga pasar un buen rato. Personalmente, creo que el humor escatológico, sexual y bizarro funciona mucho mejor fuera de la gran pantalla.
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  • G.I.Joe: el contraataque
    Otro error de Hasbro

    Bueno, ser benévolo con un producto de baja calidad en estos tiempos en los que el cine de super héroes nos ofrece trabajos tan completos e interesantes como Iron Man, Los Vengadores, Watchmen, Batman: El Caballero de la Noche y hasta el mismísimo Kick-Ass, sería una falta de respeto al espectador y tromarlo por tonto. Por desgracia, "G.I. Joe, el contraataque" es una película chata, de mucho envoltorio y poco contenido, de hecho, es inferior a la 1ra entrega que tampoco era la gran cosa pero al menos tenía un espíritu más aventurero.
    Se retrasaron casi un año más de lo previsto para estrenar este trabajo intentando limar algunos errores y ajustar detalles, pero ni así pudieron entregar un entretenimiento de calidad. No me quiero imaginar como era la versión anterior a los ajustes... Generalizar puede ser un poco odioso, pero un dato para tener en cuenta es que el director de esta entrega fue Jon M. Chu, el mismo de "Step Up 2" y "Never Say Never", documental sobre Justin Bieber.
    En una película de super héroes, en este caso un ícono de la infancia de muchas personas, se debe prestar especial atención en desarrollar un lazo que una a los personajes principales con el espectador, que lo haga vivir de alguna manera lo que vive el personaje, que le interese lo que pueda sucederle. En "G.I. Joe, el contraataque" nunca pasa eso. Si se muere uno u otro personaje resulta bastante irrelevante ya que nunca pudimos conectar con ellos. Piensen un poco como el niño que se enamoró de estos dibujos animados/juguetes, y se van a dar cuenta que lo que los atraía no era solamente el despliegue colorido de armas y batallas, sino que lo más importante era como elegíamos uno o dos personajes con los que nos identificábamos y nos copábamos. Tristemente, eso no sucedió en esta película. Acá los protagonistas son muy superficiales y tiran frases patéticas al aire.
    Hasbro, a mi forma de ver el cine, viene haciendo bastante agua con sus adaptaciones, que lejos de capturar el espíritu que nos había ligado a sus productos desde chicos se ha enfocado en una estrategia de marketing descerebrada. La saga "Transformers" o "Batalla Naval" son prueba feaciente de esto que digo.
    Sí, hay algunas escenas de acción bien realizadas y acrobacias imposibles especialmente preparadas para el disfrute del 3D, pero como digo siempre, una buena película es mucho más que despliegue técnico y explosiones hollywoodenses. Si lo que estás buscando es meramente el despliegue visual, puede que te vayas conforme a tu casa, pero de seguro no te vas a ir copado como cuando terminabas de ver un episodio en el Cablín o The Big Channel.
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  • Los Croods
    Los Croods
    Cinélico
    Las maravillas de la curiosidad

    Esta nueva aventura animada de DreamWorks Animation es un verdadero entretenimiento cinematográfico y educativo que pregona un mensaje bien concreto e interesante, vivir la vida de manera relevante, sin que nos pase por el costado como si fuéramos unos meros observadores de nuestra propia realidad. Es estos tiempos en los que uno vive atado a sus accesorios tecnológicos y en la comodidad del sedentarismo, resulta muy refrescante absorver historias como esta, sobre todo si sos un niño o joven que sabe muy bien de lo que estoy hablando.
    Por el lado de los aspectos técnicos, la verdad es que no hay nada para reprochar. Los productos de DreamWorks Animation ya nos tienen acostumbrados a un sello propio, con personalidad y que presenta una calidad gráfica envidiable. "Kung Fu Panda", "Madagascar" o "El Origen de los Guardianes" son una muestra clara del buen ojo de los directivos a la hora de crear historias originales y de calidad.
    Puntualmente "The Croods" es una muy divertida historia acerca de los descubrimientos que se hacen en el recorrido de la vida misma, si uno se anima a transitarla dinámicamente. Acá el villano no existe, sino que la dificultad es superar los miedos propios, algo que me pareció super interesante de ver.
    La protagonista Eep (voz de Emma Stone) es una joven de esas con ganas de descubrir y disfrutar la vida, pero su familia y sobre todo su padre Grug (Nicolas Cage), viven encerrados en su cueva/hogar con miedo al mundo exterior y lo que la curiosidad pueda provocar en su equilibrio habitual. En un día que parecía normal, un terremoto los obliga a salir de su refugio y descubrir que hay mucho más en el mundo de lo que se imaginaban o conocían, llevándolos a vivir sitruaciones fabulosas y coloridas. Los personajes son muy entretenidos, sobre todo el trío conformado por Eep (Stone), Grug (Cage) y la abuela Gran (Cloris Leachman) que por momentos se roba las escenas.
    Una de animación para chicos y grandes que se va saber hacer un lugar en esa biblioteca cinematográfica de aventuras infantiles que llevamos dentro nuestro.
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  • Efectos colaterales
    El Soderbergh que nos gusta

    Steven Soderbergh entrega la que dicen, será su última película, al menos por un largo tiempo. La buena noticia es que sabemos que Steven se tienta muy fácil y seguramente nos entregue alguna producción suya no más allá del año que viene.
    Debo decir que últimamente no me estaban gustando demasiado sus trabajos en cine, pero con "Efectos Colaterales" creo que retomó el rumbo de esas historias interesantes con vueltas de tuerca sórdidas que tanto caracterizaron a sus producciones más famosas. "Contagio", "La Traición", "Magic Mike", fueron films que estaban ok, que zafaban (menos "Magic Mike"), pero que no llegaban a involucrar o entretener realmente al espectador como sí lo hicieron "Traffic" o la trilogía de "La Gran Estafa". Con este último trabajo se reivindica y logra una tensión, un suspenso, un entretenimiento que hace mucho no lograba.
    Asistí a la avant premier con uno de esos amigos que no son muy asiduos al cine, que no se apasionan por una peli, es del tipo de espectador difícil al que hay que convencer con una muy buena historia, y "Efectos Colaterales" me di cuenta que lo pudo y lo envolvió en su dinámica de traiciones e intrigas. Parte de este mérito corresponde al guionista Scott Z. Burns, un tipo con mucho talento que tiene entre sus compromisos futuros nada más y nada menos que la tarea de guionar "Dawn of the planet of the apes", secuela de la exitosa película de Rupert Wyatt, "Rise of the planet of the apes", y escribir la trama de "The Man from U.N.C.L.E." de Guy Ritchie.
    La temática central acerca del mundo de los fármacos es de por sí interesante y siempre generó curiosidad en la opinión pública, pero si a esto le sumamos una dinámica de traiciones y ambiciones al por mayor, la propuesta se vuelve explosiva.
    El cuarteto de protagonistas fue un buen acierto, sobre todo los dos centrales interpretados por Rooney Mara y Jude Law. Lo de Mara es increíble, llena la pantalla con una presencia misteriosa que hipnotiza. Jude Law está muy profesional y creíble también en su rol de siquiatra en el ojo de la tormenta. Completan el cast, un Channing Tatum cada vez más versátil y una Catherine Zeta-Jones que desde 2012 está volviendo con fuerza a la gran pantalla.
    Soderbergh explora nuevamente en este trabajo la sordidez humana, hasta donde somos capaces de llegar por una vida de confort, a cuántos podemos aplastar para elevarnos. "Efectos Colaterales" es un muy buen thriller que mantendrá tensionado hasta el último momento, que con sus juegos de complots y traiciones logrará hacerle pasar al espectador 106 minutos de buen cine.
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  • ¿Y dónde está el fantasma?
    Tan lejos de Scary Movie

    ¡Qué dura es la época post Oscars! Es como si todas las productoras se pusieran de acuerdo para estrenar la basura cinematográfica entre Febrero y Marzo.
    ¿Qué se puede decir sobre esta nueva parodia de las películas de terror? Innecesaria, es un buen adjetivo. La trama está escrita por Rick Alvarez y Marlon Wayans. El primero ha sido siempre el productor de los bodrios de Wayans y es la primera vez que escribe para un largometraje, mientras que el segundo no ha hecho nada bueno desde que ideó "Scary Movie" con sus hermanos. ¿Se acuerdan que Marlon Wayans fue uno de los protagonistas principales de "Réquiem para un sueño" del genio de Darren Aronofsky? Qué lejos quedaron esos tiempos.
    En esta ocasión se hace una parodia centrada en la franquicia de "Actividad Paranormal" con algunos elementos de otras películas famosas del género del terror como "El último exorcismo" y "Con el diablo adentro". Creo que me reí 4 veces durante todo el film, y dos de esas risas me di cuenta que eran nerviosas, como de vergüenza ajena. ¿A quién no le gustan las parodias?, el tema es que tienen que estar bien hechas, con un buen trabajo humorístico y no simplemente plasmar la primera estupidez que se les cruza a los creadores mientras se están fumando el 5to porro de la noche. Una secuencia de pedorreo nocturno no es divertida, es básica y de mal gusto. Los chistes sobre la promiscuidad de los gays tampoco son divertidos. ¿Dónde quedaron las escenas hilarantes y creativas de la Scary Movie original? Es vez de mejorar este subgénero, se han ido encargando de sepultarlo cada vez más. Para colmo, en poco tiempo se estrenará la 5ta entrega de la franquicia también basada en "Actividad Paranormal"... eso sí, sin ninguna intervención de Marlon Wayans o su amigote Rick. ¿Tendrá alguna gracia ver otra parodia de lo mismo pero con gente distinta?, ¿es posible? Parece mentira pero los números acompañan a estos bodrios. Con un presupuesto más que austero de 2 millones de dólares, llevan ya recaudados más de 18 millones. Si se cumple el mismo nivel de recaudación para la última Scary Movie, estoy en condiciones de decir que tenemos lo que nos merecemos.
    En fin, "¿Y dónde está el fantasma?" es una peli para ir a ver borracho o fumado, ya que son las únicas maneras en las que nuestra mente puede estar tan vulnerable como para llegar a disfrutar de semejante moco.
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  • Parker
    Parker
    Cinélico
    Mismo rol, distinto escenario

    El pelado Statham parece que se quiere armar 3 o 4 franquicias con su ya clásico personaje de "tipo áspero con valores" y vivir cómodamente de eso sin tener que recurrir a otro tipo de roles en la gran pantalla. "Parker" es "El Transportador", es "El Mecánico", es Lee Christmas de "Los Indestructibles" y es Luke Wright de "Safe". No me malinterpreten, Statham ha logrado imponer un tipo de héroe de acción bastante atractivo y se ha abierto lugar en Hollywood a fuerza de su carisma y credibilidad como duro del cine, pero cuando los papeles se vuelven tan repetitivos y se satura con la misma dinámica de acción una y otra vez, el atractivo empieza a decaer. Mi plato de comida favorito puede ser milanesa con papas fritas, y seguramente podría disfrutar de ese menú varios días seguidos, semanas y hasta quizás meses, pero inevitablemente llega un momento en el que la milanesa pierde su gracia y las papas ya no están tan ricas como antes, a pesar de que están cocinadas como siempre. Con Statham en el cine está pasando algo parecido. Debería buscar personajes más variados y no hacer siempre de asesino con el corazón atormentado.
    Yendo puntualmente a la trama de este trabajo del director Taylor Hackford ("El abogado del diablo", "Ray"), se podría decir que se presenta una situación más realista que en la media de films de este tipo que andan dando vuelta, con un anti héroe más cercano al espectador. El problema está en que esa historia, por más realista que sea, queda chica y da la sensación de telefilm de sábado por la siesta. Es extraño, porque si uno piensa en Taylor Hackford se imagina algo mucho más elaborado y pomposo, con algunas vueltas de tuerca interesantes y creativas, pero en vez de eso, "Parker" parece una excusa para cumplir con algún contrato comercial y salir más o menos airoso de la cuestión. La trama es totalmente predecible y sigue una lógica tan lineal que sobre el final de la película uno se desespera al ver que no se produce ningún zigzag que le de algún valor agregado a la propuesta.
    Sí, el pelado hace su protagónico con mucha facilidad y demuestra que es uno de los referentes del género de acción actual, pero no sorprende con absolutamente nada ni nos brinda algo que trascienda el mero entretenimiento pasajero. Jennifer Lopez también demuestra que puede estar en la gran pantalla y entretener, pero su rol en "Parker" es menor y hasta engañoso. Cuando vemos el cartel promocional pensamos que será una chica dura que luchará a la par con Statham, pero la realidad está muy alejada de esa imagen.
    Un entretenimiento efímero para los fanatiquísimos del pelado Statham y los tiros fáciles.
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  • Mi novio es un zombie
    El amor todo lo puede

    "Warm bodies" es un propuesta adolescentísima, eso lo sabemos desde que vimos el 1er cartel promocional y el trailer, por lo tanto no deberíamos sorprendernos con el enfoque que se le dio y la forma narrativa que eligió el director Jonathan Levine para llevarla a cabo. La historia está basada en la novela homónima del escritor Isaac Marion que tuvo un nivel moderado de éxito, lo suficiente como para adaptarla al cine y ganarse unos manguitos extras.
    "Warm bodies" propone un mundo post apocalíptico dominado por zombies que acechan a los reducidos grupos humanos que viven en el mundo, aunque la novela y el film se centran en la ciudad de Seattle puntualmente. Los humanos viven en zonas seguras protegidas por enormes paredones, pero cada tanto deben salir hacia el peligro en busca de medicamentos y provisiones. En un de estas salidas, el grupo de exploración al que pertenecen Julie (Teresa Palmer) y Perry (Dave Franco) es atacado por un grupo de zombies hambrientos, ansiosos de cerebros, ya que al comerlos pueden obtener los recuerdos de la persona y sentirse, aunque sea por un rato, más humanos nuevamente. El protagonista llamado "R", al comerse el cerebro de Perry, comienza a experimentar sentimientos amorosos por Julie e inesperadamente a curarse a sí mismo. ¿Adolescente no? Bueno, eso es lo que ofrece este film, amor juvenil con empaque bizarro. Más allá de algunas contradicciones evidentes como hacer que los muertos vivos razonen, cuestión casi sacrílega en el universo zombie, se debe resaltar la pericia de Levine para fusionar dos géneros tan distintos como la comedia romántica y el terror, más puntualmente el terror zombie, y hacerlo funcionar como un producto cinematográfico entretenido. Sí creo que se la ha sobrevalorado un poco de más, comparándola con una moderna historia shakespeariana (?) o haciendo algunos análisis sociológicos de la trama, en los cuales estoy seguro que el escritor no profundizó en lo más mínimo cuando la concibió.
    Tiene algunos momentos bastante divertidos, hace uso de la cultura pop adolescente y no oculta su espíritu cursi y romanticón. Recomendable para personas de espíritu burbujeante a las cuales la premisa pudiera resultarles interesante. Si no te gustan los romances adolescentes, ni te gastes.
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  • En la mira
    En la mira
    Cinélico
    Ser poli en LA

    "End of Watch" es un producto que ofrece más de lo que uno se puede esperar. Buenas escenas de acción, momentos de mucha tensión y una alta dosis de adrenalina. El director David Ayer ("Street Kings", "Harsh Times") nos ofrece una especie de "Policías en acción" (reality acerca de operativos policiales) cinematográfico que mantiene entretenido el espectador los 109 minutos que dura la historia.
    Vamos a decir la verdad, esta película de acción con formato de reality no es una obra de arte del cine, pero consigue su objetivo con creces y está por encima de los clichés del género. Los formatos de falsos documentales o "cámara en mano" para contar historias ficticias con auras de realidad, forman parte de una dinámica que se está hundiendo tan rápido como logró subir (por suerte). En la fauna cinematográfica contemporánea podemos encontrar varios ejemplos bien chotos del uso de este tipo de filmación, sobre todo en el género del terror. "End of Watch" cae en algunas pocas telarañas de este formato, pero logra salir con bastante decoro. Mientras que en varias escenas el director logra imprimir vértigo y tensión con el uso desparejo de la cámara en movimiento, en otras confunde con los cambios que decidió incorporar. Por ejemplo, el film comienza con uno de los dos protagonistas, Jake Gyllenhaal en el rol del policía Brian Taylor, filmando en 1ra persona todo lo que va sucediendo en su trabajo, pero a medida que va avanzando la película, Ayer inexplicablemente pasa de la cámara en 1ra persona a un cámara en movimiento manejada por un 3ro no reconocible, como si hubiera una especie de narrador... Esta dinámica puede resultar bastante confusa y no estoy seguro de que aporte algo significativo a la producción. Lo mismo cuando la cámara en 1ra persona pasa a mano de un pandillero... en fin, no quiero enredarlos con esto, pero si quiero advertirles de que puede percibirse como improvisado o desparejo.
    Por otro lado, la trama es bastante interesante, no tanto en su composición sino en la forma en que está mostrada. Policías que se meten en problemas con grandes cárteles del narcotráfico o pandillas violentas no representan algo novedoso en el cine, pero la crudeza y el realismo con el que Ayer lo expone sí. La intensidad dramática, en parte mérito de los protagonistas Michael Peña y Jake Gyllenhaal, va creciendo a medida que avanza el metraje y el desenlance final, a pesar de algunos baches, es dinámico y deja esa sensación de haber disfrutado lo que nos mostraron.
    Una peli para aquellos que gustan de films de acción con dosis de realismo y se bancan la montaña rusa de tensiones y dramas. Disfrutable.
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  • Oz: el poderoso
    Espejismos

    En los tiempos cinematográficos en que vivimos, tenerle piedad a una película porque brinda buenos mensajes familiares y porque homenajea al cine clásico con algún artefacto técnico en una secuencia de 20 minutos, sería una falta de criterio y sinceridad para con los espectadores. "Oz, el poderoso", es un producto bastante básico que no le llega ni a los talones a "El mago de Oz" de 1939 de Victor Fleming, y no lo digo porque sea de esos que idolatran todo lo clásico sólo porque es clásico, sino que lo digo porque la falta de creatividad en el guión y la carencia de buen gusto se hicieron presentes en la mayor parte del film que dirige en esta ocasión Sam Raimi (trilogía de Spider-Man). La historia comienza bastante bien, interesando al espectador y preparándolo para perderse en el fantástico mundo de Oz, pero desde el momento en que el personaje protagónico, interpretado por James Franco, arriba al lugar y se encuentra con Theodora, la bruja del oeste interpretada por Mila Kunis, todo empieza a desmoronarse progresivamente. Muchos acontecimientos de importancia para la trama se suceden con una liviandad e inverosimilitud que desconectan al público con lo que está por suceder. Sí, es una película predecible, pero eso no quiere decir que no pueda ser inteligente en la forma de llegar a los desenlaces que ya sabemos van a suceder. En "Oz, el poderoso" se da una cuestión muy puntual que evidencia la falta de calidad narrativa, esto es, el hecho de que la película tiene una duración de 130 minutos que no son aprovechados para detallar los acontecimientos y darle credibilidad a los personajes, sino que se termina perdiendo el tiempo en secuencias de poca importancia y tiempos muertos cubiertos con efectos especiales que son tan engañosos como los espejismos. Por ejemplo, que la bruja del oeste se enamore perdidamente del mago recién llegado con la poca interacción que tienen en pantalla, es muy poco creíble. El paso al lado oscuro de la bruja por decepción amorosa, también es muy poco creíble. Gran parte de esto es culpa por supuesto del director y de los guionistas, pero también esta vez debo achacarle parte de la responsabilidad a la actriz Mila Kunis que interpreta el rol... Mila... te adoramos, pero en esta ocasión estuviste pésima y sobre actuada. El maquillaje no ayudó, pero la composición artificiosa del personaje fue lo peor. Las otras brujas en general estuvieron bien, sobre todo Michelle Williams que fue la que más me vendió el rol y me interesó seguir.
    Es una lástima, pero este nuevo producto de Disney sólo le agradará a los niños por el despliegue de color y personajes infantiles, y a los fanáticos de la fantasía que valoran una buena creación digital por encima de una historia con substancia. Para mí, una decepción que espero se corrija en la secuela, que ya fue anunciada por los estudios.
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  • Mamá
    Mamá
    Cinélico
    Madre es la que cria no la que engendra

    Cuando uno ve los bodrios que últimamente está dando el género del terror, inevitablemente piensa que las ideas se acabaron y que todo viene en picada, pero de vez en cuando aparecen títulos como "Mama" que renuevan las esperanzas y entretienen como pocas veces se puede lograr en la gran pantalla.
    El director argentino Andrés Muschietti, apadrinado por nada más y nada menos que Guillermo del Toro ("El laberinto del fauno", "El espinazo del diablo"), convierte en largometraje aquel corto de 3 minutos que tantos elogios le valió en el festival de cine fantástico de Sitges en 2008.
    La historia se centra en 2 niñas que luego de que sus padres murieran de forma trágica (especialmente dinámica e interesante esta parte), quedan abandonadas en una misteriosa cabaña en el bosque, en donde tendrán que convivir con una extraña presencia espectral que desempeña un rol maternal. Las niñas, que vivieron más de 5 años en estado semi salvaje, finalmente son encontradas por su tío (Nikolaj Coster-Waldau) y su novia (Jessica Chastain), quienes las llevan a vivir con ellos sin saber que una tercera presencia las acompaña. Por supuesto, todo irá de mal en peor cuando "mama" se sienta reemplazada y los celos desaten su ira.
    La combinación de guión y tensión es sencillamente espectacular. Más allá de algunos descuidos mínimos en la dinámica del film, el trabajo conjunto de Andrés Muschietti y su hermana Bárbara logra crear una historia atrapante de principio a fin. Los personajes son hipnóticos, desde Annabel, una rockera con poca simpatía por los niños, interpretada con mucho carisma por Jessica Chastain, hasta la más pequeña de las hermanas cuyo rol es perturbador y da el puntapié final para el desenlace.
    Los primeros 15 minutos son super dinámicos y abundan en tensión, lo que nos predispone muy bien para lo que va a seguir.
    "Mama" vuelve a las bases del género fantasmagórico y lo fusiona con personajes modernos logrando una propuesta distinta, que se aleja de la tendencia hacia los "fake documentaries" que se viene aguantando últimamente y que no tiene miedo de tomar decisiones de guión impactantes que le sumen valor agregado al film. ¡Una buena para el cine de terror!
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  • Hitchcock: el maestro del suspenso
    Detrás de Psicosis

    Sinceramente no sé porque tanto escándalo y malas críticas gratuitas para este trabajo del director debutante Sacha Gervasi. Leyendo otras reviews pude darme cuenta de que hay mucha gente que le está dando con una caño a este film de manera injusta diciendo que "no está a la altura de semejante figura del cine, del maestro de suspenso, de Sir Hitchcock", del dios del cine prácticamente. Tenemos una tendencia muy básica a idolatrar cosas o personas, tanto que llegamos a pensar que cualquier homenaje que se prepare no será nunca digno, que cualquier opinión que se emita no será adecuada, que la interpretación del personaje siempre será desastroso y estará lejos de la verdad... ¿por qué tan así? Alfred Hitchcock fue un enorme director de cine y creador de grandes títulos que quedarán en la historia, sí, pero de ahí a elevarlo a una especie de deidad de la cual somos todos indignos, me parece un poco demasiado. La película de Gervasi hace un homenaje sincero, con algunas fallas, pero que en un balance general tiene más aciertos que desaciertos.
    Las interpretaciones del cast completo están muy bien, sobre todo Helen Mirren como la mujer de Hitchcock, Alma Reville, que se roba las escenas en las que aparece. De aquí deriva uno de los problemas principales de la propuesta y que creo enojó a los fans más fervientes de Hitchcock. La película lleva el nombre del artista, se basa en su persona y en el período en el que estuvo filmando su más grande éxito, "Psicosis", pero varias escenas que son de las que provocan una experiencia cinéfila positiva en el espectador, fueron en realidad protagonizadas por su mujer. Esto le quitó un poco de protagonismo al Hitchcock interpretado por Anthony Hopkins y creó una sensación ambigua sobre el rumbo que quizo tomar el director del film. Hay algunas escenas en las que vemos la genialidad de Hitch cobrar vida, pero también hay bastantes escenas en las que lo único que parece importar es la caracterización y la imitación. El maquillaje para caracterizar al actor quizás fue un poco exagerado, pero tampoco para catalogarlo como uno de los peores del año como leí por ahí. Si se distraen demasiado con esos detalles, se estarán perdiendo otras cuestiones mucho más interesantes de la historia. El mejor tramo viene en los últimos 20 minutos de la película, cuando se termina de filmar "Psicosis" y se estrena el público.
    Creo que "Hitchcock" no es una peli para todo tipo de espectador, ya que parte de la conexión que se establezca, tendrá que ver con el conocimiento de su contribución al mundo del cine, y si no sabés mucho de su vida ni qué representa, puede que te decepciones un poco.
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  • Las edades del amor
    La calentura de los tanos

    Cuando leí que los críticos le daban con un caño a este trabajo del director toscano Giovanni Veronesi, pensé que seguramente se estaría exagerando el odio, pero la verdad es que coincido con la mayoría de los despotricos que hubo al respecto. "Las edades del amor", ¡3!, algo que obviaron seguramente para no espantar tanto al espectador de antemano, es tan mala que dan ganas de levantarse y pedir que nos devuelvan el valor de la entrada.
    Para entender un poco los pongo en contexto. "Las edades del amor" en realidad son tres cortos "románticos" unidos por la aparición de un cupido berreta que aparece entre cada entrega, como para justificar que se junten 3 historias muy dispares en una producción novelesca de poca monta. Supuestamente la película quiere mostrar tres etapas del amor, la juventud, la madurez y algo así como el amor en el último tramo de nuestras vidas, pero en realidad lo único que termina mostrando son situaciones inverosímiles que lo único que hacen es reivindicar la superficialidad de las relaciones amorosas de hoy en día. "Lo único que deseo en la vida es casarme con esta mujer" dice el protagonista de la 1ra historia y a los 10 minutos le está dando duro a una fulana de un pueblo donde le toca hacer un trabajo que le encomendaron desde su empresa. "Nunca le he sido infiel a mi esposa" dice el veterano conductor de la 2da historia mientras maulla, sí, ¡maulla! con otra fulana que tiene problemas psicológicos y órdenes de restricción en su contra por acoso. La historia final, en la que actúan De Niro y Bellucci, es la más pasable, aunque digamos la verdad, por más que estén estas dos estrellas de cine, tampoco es la historia más inteligente. Para poder disfrutar de algo medianamente bien realizado, hay que esperar dos tercios de metraje, y la tercera historia ni siquiera es un corto que pueda salvar la imagen irritable que dejaron los dos anteriores.
    Los personajes son totalmente efímeros, algunos hasta con caracterizaciones ofensivas. Se confunde lo que es amor con calentura sexual, o mejor dicho, se impone que el amor es calentura sexual. No me gustó, ¿se nota? Una pérdida de tiempo y dinero.
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  • The Master
    The Master
    Cinélico
    Anderson el complicado

    Para entender un poco esta película hay que necesariamente conocer un poco acerca de su director. Paul Thomas Anderson es un realizador y escritor californiano con un gran talento y una mirada original sobre como hacer cine. Algunos de sus trabajos más conocidos son "Petróleo Sangriento" que estuvo nominada a 8 premios de la Academia y "Magnolia", aquel maravilloso film en el que actuaba Tom Cruise y se exponían las miserias y bellezas de distintos personajes del San Fernando Valley en Los Ángeles, Estados Unidos. Si hay algo que no se puede negar de este director, es su mirada interesante y psicológica acerca de aspectos sociales y políticos de su país, nunca cayendo en lugares comunes del cine y siempre imprimiendo su sello narrativo. Dicho esto, debo decir que "The Master" me resultó muy complicada de querer y creo que es de los trabajos menos interesantes en su haber. En "Magnolia", "Petróleo Sangriento" y "Embriagado de amor" las temáticas, si bien estaban enfocadas en sucesos y personajes estadounidenses, eran de un tipo más universal y atractivas. Con este nuevo trabajo, la trama es tan lejana y particular de los Estados Unidos que el espectador que no pertenece a ese país y cultura es más bien un frío observador de lo que sucede en pantalla que alguien que puede ponerse en el lugar de los protagonistas. Los dos personajes principales son prueba de ello, Freddie Quell (Joaquin Phoenix) es un veterano con estrés post traumático producido por los horrores de la 2da guerra mundial, y por otro lado está Lancaster Dodd (Philip Seymour Hoffman) como un intelectual excéntrico que está en las puertas de la fundación de una nueva religión llamada "la causa" que basa sus métodos en la introspección temporal de las personas. Un poco lejano para estos pagos, ¿no?. La trama se balancea por la relaciones guía-aprendiz, doctor-enfermo, manipulador-manipulado que hacen a la esencia de la historia.
    Las actuaciones y la fotografía de la película son simplemente espectaculares, al igual que algunos diálogos entre los personajes de Phoenix y Seymour Hoffman, pero la dinámica narrativa es tan personal y poco convencional que por momentos agota. No se sabe muy bien hacia donde nos quiere guiar el director, ni donde terminamos luego de los 144 minutos que dura el film.
    Diría que "The Master" definitivamente no es para un público convencional, sino más bien está dirigida hacia los estudiosos del séptimo arte, esos que buscan experiencias distintas en el cine y que gustan de los trabajos de autor. Esta última cinta de Anderson es la más complicada de todas y la que menos empatía produce, asique cuidado a la hora de elegirla como opción.
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  • Broken City
    Broken City
    Cinélico
    Figurita repetida

    Parece mentira pero, ¡el señor que traduce el nombre las películas le dejó su título original a este trabajo! Le doy un punto a su favor y agradezco que no le haya puesto algún nombre con la palabra traición o corrupción, como a todos los policiales negros que vienen de las tierras hollywoodenses.
    "Broken City" es uno de esos trabajos policiales que ya hemos visto cien veces: policía honesto pero con pasado turbulento es contratado para hacer un trabajo cuyo objetivo en realidad no es lo que aparentaba. Luego de percatarse del engaño, el policía va en busca de las cabezas de aquellos que lo usaron para llevar a cabo sus maléficos planes. Algunos ejemplos recientes podrían ser "Tirador" y "Contrabando", en las que también el protagonista es Mark Wahlberg, "La Traición" de Steven Soderbergh, "Minority Report" de Steven Spielberg y muchas otras más. La traición en el cine es divertida, nos atrae, nos despierta la sed de venganza y justicia junto con el protagonista, y es por eso que la fórmula sigue dando productos de este tipo, pero es evidente que esa fórmula ya comienza a mostrar signos de agotamiento. Policías, agentes de la CIA y abogados son los más preferidos a la hora de ser seleccionados en la tramas para perpetrar los grandes engaños, cuestión que podría tratar renovarse para no cansar siempre con los mismos perfiles en los protagonistas. En "Broken City" basta con ver el poster promocional para darse cuenta quien es el manipulador y quien va a ser manipulado, no hay sorpresas. El mismo nivel de obviedad se presenta durante todo el metraje haciendo que el suspenso y el drama sean mucho más débiles de lo que seguro pensó el director originalmente. Los trabajos interpretativos son buenos, sí, pero eso no basta para hacer atrapante a la película que se termina pierdiendo en un mar de lugares comunes.
    Otro inconveniente que tiene este film, es el poco tiempo que se le dedica a los personajes. No sabemos mucho de la vida de ninguno de los protagonistas, sobre todo de la esposa del alcalde, interpretada por una Catherine Zeta-Jones que está bastante pintada al óleo. Paralelamente hay una pequeño culebrón con la novia del protagonista que nada tiene que ver con la trama y así hay algunas otras inconsistencias en la historia que hacen que "Broken City" sea un trabajo muy poco trascendente. En 1 mes ni nos vamos a acordar que estuvo en cartelera.
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  • Cirque du Soleil: Mundos lejanos
    Fantasía de selección

    "Mundos Lejanos" es una experiencia cinematográfica tan satisfactoria como ir a ver el concierto de Coldplay en 3D en una sala de cine, con full color y todo el sonido envolvente. No me malinterpreten, adoro Coldplay y adoro el Cirque du Soleil, pero hay que poner bien en claro lo que estamos pagando para ver. En el caso de esta propuesta concretamente, podemos valorar el hecho de que se haya incluido una trama conectora de las proezas circenses que tienen lugar en los 91 minutos de metraje, pero como se imaginarán, esa trama no es de lo más exquisita que se puede disfrutar en el séptimo arte. No hay que engañarse, estamos yendo para ver las acrobacias del circo en 3D, alta definición y cámaras lentas, cuestión que muchas personas ligadas a la industria pueden encontrar reprochable o poco cinéfilo si se quiere. Por mi parte, me parece bien que se pongan en cartelera este tipo de producciones, ya que permite a quien no puede acceder a un recital por el valor de su entrada o no puede ver un espectáculo porque sólo se lleva a cabo en determinados países, pueda de alguna manera vivir la experiencia artística.
    "Mundos Lejanos" es una selección de los mejores números que tiene el Cirque du Soleil en su variada agenda de espectáculos, con todo el despliegue de fantasía y color que lo caracterizan y esas acrobacias espectaculares que uno llega a pensar que sólo pueden ser realizadas por criaturas de otro planeta, cuestión que el circo utiliza y explota con mucha inteligencia.
    Algunos datos interesantes: El director Andrew Adamson también estuvo al frente de trabajos como "Shrek" y "Shrek 2" que fue nominada como mejor película animada en el 2005. El productor ejecutivo y padrino de esta producción es nada más y nada menos que James Cameron, el genio que hizo "Aliens", "Avatar" y "Terminator 2" entre otras. Como se imaginarán, si hay algo que ha sido meticulosamente cuidado es el tema de los aspectos técnicos de imagen y sonido. Todos los segmentos de los distintos mundos por los que pasan los protagonistas fueron filmados de hecho, durante los shows que la campañía tiene fijos en Las Vegas.
    Un espectáculo muy bien puesto y entretenido para aquellos que les pinte ver algo en la gran pantalla que no sea un largometraje. Recomendable, sobre todo si nunca viste un show completo de estos muchachos.
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  • Magic Mike
    Magic Mike
    Cinélico
    Strip con gusto a poco

    Este último trabajo del multifacético Steven Soderbergh es bastante básico, por no decir aburrido. Me desconcierta a veces... tiene algunas películas que se pueden disfrutar bastante como "Traffic", "La gran estafa" o "Erin Brockovich", y por otro lado dirigió otras intrascendentes como "La Traición" o peor aún, esta llamada "Magic Mike". Estuve repasando su filmografía en estos días y me di cuenta de que todos sus títulos me habían parecido al menos buenos, excepto este trabajo sobre strippers insulsos. El trailer con la musiquita de Rihanna de fondo ya nos estaba advirtiendo que se trataba de un film liviano para mostrar a los muchachos con los pectorales al aire, pero quise darle una oportunidad y pensé que al estar comandado por Soderbergh iba a haber algo interesante para ver, alguna vuelta de tuerca sobre la trama o una exploración atractiva del mundillo del striptease, pero no. Prácticamente la historia está basada en las experiencias juveniles del actor Channing Tatum en el pole dance masculino, sí chicas, el protagonista de la peli fue stripper cuando tenía unos 20 añitos. Como para que se hagan más la cabeza. A esa historia bastante default (niño lindo de clase trabajadora que financia sus sueños vendiendo su belleza física), el director decidió adicionarle una subtrama seudo dramática relacionada con el tráfico de drogas y la exclusión social, temas que podrían haber resultado interesantes para trabajar si no los hubiera tratado como relleno para las escenas en las que los muchachos no aparecen moviendo la pelvis al ritmo del beat. Las actuaciones no son muy resaltables más allá de que cumplen bien con su deber (a excepción de Matthew McConaughey que está bastante irritante), la parte de comedia no es tan divertida ni la parte dramática es tan angustiante y la trama central resulta tan amarga y previsible que ni todos los músculos juntos de los agraciados protagonistas podrán convencerl@s de que lo que está sucediendo en pantalla tiene algún tipo de trascendencia. Sólo recomendable para aquellas personas que quieren sacarse las ganas de ver a actores de moda mostrando sus dotes físicos y los cachetes de atrás, muchos cachetes de atrás.
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  • Terror en Silent Hill 2: La revelación
    Terror de morondanga

    La segunda entrega de esta saga de terror inspirada en los juegos de video llega con poca fuerza y casi nada interesante para ofrecer. El sueño que tiene la protagonista, quien por cierto es muy parecida a Michelle Williams, al principio de la película ya nos da una idea de como viene la mano. Efectos de segunda pensados para un 3D que no tiene ningún tipo de atractivo en este film y mucha bizarreada conectada por un hilo débil que parece puesto sólo para justificar la carnicería. ¿Hay una parte del sueño que hace referencia a la corporación Umbrella de "Resident Evil"? Me pareció que sí. Fijense los fans en la escena de la calesita en llamas.
    Es muy inverosímil por momentos, pasando de secuencias en las que la copia barata de Michelle Williams es atacada por los demonios de Silent Hill en un terror absoluto y a los 5 minutos está coqueteando con un pibe que también es nuevo en la ciudad. El tipo se da cuenta de que la chica está bastante chiflada y de que nada bueno le puede pasar estando a su lado, pero de todas maneras decide infringir la ley y meterse en Silent Hill junto con la piba como por arte de la hipnosis, ¿o en realidad esconde un secreto?... Todos es muy previsible y se pueden evidenciar muchas debilidades en el guión, que sinceramente parece escrito por un alumno de cine de 1er año con pocas luces. Las únicas escenas aceptables son en las que aparece el capo de Sean Bean (padre de la protagonista) que debe estar atado al estudio por aglun tipo de contrato para hacer estas bazofias.
    La 1ra Silent Hill no era una obra de arte del cine de terror pero tenía su encanto, te sorprendía y horrorizaba. Esta 2da parte es sólo una excusa para mostrar sistemáticamente los mismos terrores que en la 1ra, pero ahora sin el factor sorpresa y sin gracia alguna.
    Me puso un poco triste ver a la grosa de Carrie-Anne Moss en otro rol fallido... es una lástima, pero no logra levantar cabeza en el cine hace ya un par de años. Al menos en la TV con las series no le va tan mal.
    Una peli muy poco disfrutable, que ya no da miedo ni atrapa. Quizás los muy fans de la primera entrega queden un poco satisfechos con la fauna demoníaca, pero en mi opinión no justifica el precio de una entrada al cine.
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  • La extraña vida de Timothy Green
    Familia de folleto

    "La vida de Timothy Green" del director/escritor Peter Hedges es un film medio bobo, y no lo digo porque soy un insensible total o porque odio la felicidad, sino porque como propuesta cinematográfica es bastante básica y subestima al espectador. En general banco los productos de Disney, pero de vez en cuando se tiran algunas pelis "familiares" lacrimógenas de trama pobre y mucho contenido sentimentaloide que suman poco al cine y a la vida de las personas que asisten a verlas. Algunos ejemplos del cine choto de Disney son "Fin de curso", "Papás a la fuerza" o "Entrenando a papá" entre otros, títulos que prácticamente parecen ser destinados a un pequeño público de gustos absolutamente chatos por las tramas y que sólo quieren ir a llorar al cine o a ver sobre actuaciones de personajes clicherosos.
    La historia de entrada no era nada mala, de hecho podría haber sido bastante interesante, hasta un nuevo clásico de la firma diría, pero lamentablemente el bajo presupuesto se hizo notar y no le pusieron tanto amor como se le podría haber puesto al proyecto. La parte mágica era un elemento interesante que se terminó trabajando muy por debajo de los estándares Disney, casi como un telefilm.
    La peli trata sobre un matrimonio de pueblo que no puede tener hijos por métodos naturales y que, por supuesto, se encuentran muy frustrados por esta limitación. La noche misma del día en que les comunican la triste noticia, deciden anotar en unos papeles las características que tendría su hijo ideal y colocarlos todos en una caja que sería enterrada en el huerto que tiene la pareja en el jardín de su casa a modo de ejercicio terapéutico. Esa misma madrugada, aparece salido de la tierra misma un niño llamado Timothy, el niño de sus sueños pero ya medio crecidito, de unos 10 u 11 años aproximadamente. Timoteo Verde les hará aprender el oficio de ser padres a una Jennifer Garner y un Joel Edgerton que parecen haberse inspirado para componer a sus personajes en un folleto de venta de alcohol en gel... ñoños, anticuados y aburridos. No entiendo porque los perfiles tienen que ser la "soccer mom" y el padre que quiere darle a su hijo todo el amor que le negó el suyo. Es muy cliché y cuando se exageran los gestos, como sucede en este film, son hasta molestos.
    No se explica nada de donde viene Timothy, hay una mini relación de amigovios con una chica que dura poco tiempo y no despierta mucho interés y los personajes secundarios que podrían haberle dado un toque de más color al film, terminan siendo prácticamente parches a la falta de un guión inteligente.
    Sí, los últimos 5 minutos llorás casi inevitablemente, pero todos sabemos que eso no hace a una buena película. Recomendable sólo para las personas con ganas de moquear en el cine.
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  • Amour
    Amour
    Cinélico
    Manipulando por un premio

    Me costó bastante escribir esta crítica. Nunca me sentí tan manipulado y manoseado a nivel intelectual y emocional como me pasó con "Amour" de Michael Haneke. Un film que cuenta una historia cruel, mala leche y desde la perspectiva de un snobista que se preocupó más por mostrar el comportamiento superficial de la burguesía intelectualoide, que el supuesto tema del que trata la película.
    A todos nos gusta disfrutar de un poco de elegancia en el cine, nos gusta ver personajes refinados y atractivos, pero cuando la boludez elitista llega demasiado lejos, hay que estar atentos para no caer en sus garras. En "Amour" se nos propone la historia de dos profesores de música clásica (no podía ser de otra manera) de avanzada edad, Anne (Emmanuelle Riva) y Georges (Jean-Louis Trintignant), que están casados y trabajan juntos. Un día que parece ser común y corriente en la vida de este matrimonio, a la pobre Anne le da un ataque cerebro vascular que la deja con la mitad de su cuerpo paralizado. La trama se basa en cómo ambos deberán ir lidiando con el rápido deterioro físico que va sufriendo Anne y como esto pondrá a prueba su amor, sobre todo el de su marido que tiene la responsabilidad de cuidarla. Hasta la 1ra mitad el film es realmente interesante y disfrutable, con un buen trabajo de involucramiento del espectador y haciendo un avance sobre el drama bien cuidado pero con contundencia. Las interpretaciones de ambos actores es espléndida. Lamentablemente en la 2da parte Haneke saca lo peor de sí y nos sumerge en un infierno que nos deja revueltos y angustiados para todo el día, sólo con el objetivo de regodeo propio y para horrorizar al público con su manejo de las situaciones que debe vivir la pareja. El director alemán es conocido por sus trabajos oscuros y con toques de sadismo, pero al menos en las películas anteriores era sincero con la propuesta desde el inicio y no nos engatusaba para manosearnos después. En "Amour", Haneke teje una red peligrosa que nos va enredando mientras no nos damos cuenta, de hecho disfrutamos como nos vamos envolviendo en ella. Cuando estamos a punto caramelo, aparece con todo su veneno y nos lo inyecta de lleno en el corazón. Esos personajes con los que conectamos y que se mostraban de buen corazón, se tornan insoportablemente egoístas y banalizan de manera asquerosa el significado de la palabra amor. Un marido que no aguanta más el deterioro de su mujer porque lo icomoda, una hija prácticamente ausente que sólo aparece 2 o 3 veces para tirar algunas lágrimas de cocodrilo... Heneke, ¿querés saber que es realmente amor?, fijate en alguna pareja que se la banque en serio, en las buenas y en las malas, en la salud y en la enfermedad; conozco algunas. Llamarle amor a un viejo superficial que cansado de las dolencias de la mujer decide que la muerte es la solución más acertada es para cagones. (Atención SPOILER) La historia que le cuenta justamente el personaje de Georges a su mujer antes de asfixiarla con una almohada, grafica muy bien la cobardía del personaje y la mala interpretación que tiene usted de algo tan importante como el amor por otro ser humano (Fin SPOILER).
    Los aspectos técnicos son muy delicados y profesionales, la dirección de actores que lleva a cabo Haneke es formidable, pero es una lástima que tanto talento y profesionalismo se utilice con esta maldad y con el objetivo egoísta de cosechar premios. No la recomiendo.
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  • Hermosas criaturas
    Tediosas criaturas

    Justo cuando uno creía que la saga Crepúsculo representaba a lo más bajo del cine adolescente, aparece una basura como "Hermosas Criaturas". Es tan, pero tan mala que me hizo extrañar con todo mi amor a Bella, Edward y Jacob. Es tan, pero tan mala que me daba vergüenza ajena estar en ese momento en la sala y daba gracias a Dios de que sólo éramos 5 personas presentes sufriendo con esta nueva saga teen. ¿Por dónde empezar?... Bueno, primero que todo no entiendo sinceramente que hacían ahí algunas figuras como Viola Davis, Jeremy Irons y Emma Thompson. Los dos últimos han ganado Oscars por sus actuaciones y en el caso de Thompson, también por participar del guión de "Sensatez y Sentimiento". Davis fue nominada en 2009 por "La Duda" y en 2012 por "Historias Cruzadas". Les pegó el viejazo y están pasando por una crisis profesional o tienen agentes muy estúpidos que les aconsejaron no quedarse fuera de la "nueva" Crepúsculo (ni cerca está de serlo). De cualquier manera les tienen que haber puesto mucho dinero, sino no se entiende como aceptaron trabajar en una historia tan superficial y mal contada.
    Los protagonistas son el agua y el aceite. Alice Englert (Lena Duchaness) le aporta un poco de naturalidad, carisma y misterio a su rol, mientras que Alden Ehrenreich (Ethan Wade) directamente se dedica a irritar a todos los espectadores con su pésima actuación y un risita que da ganas de trompear la pantalla. Los que asistan a verla se darán cuenta de qué estoy hablando. No tienen química y son menos creíbles que Robert Patinson y Kristen Stewart antes de ser novios en la vida real.
    La trama de base no era tan mala, una joven bruja llamada Lena (Englert) se muda a un pueblito en el sur estadounidense para recluirse y esperar por su cumpleaños número 16, momento en el que las fuerzas oscuras la reclamarán para formar parte de sus líneas. Su tío Macon (Irons) cree que su verdadera naturaleza es permanecer en el equipo del bien y que su poder innato la llevará a romper un vieja maldición y podrá decidir su propio destino. El problema fue la manera tan torpe y desvergonzada que utilizó Richard LaGravenese para narrar la historia. Ediciones mal hechas, momentos realmente empalagosos, de esos en los que uno siente caer un balde de almíbar directamente en la traquea, personajes caricaturizados que no aportan absolutamente nada a la historia, como por ejemplo la ex novia del protagonista a la que le dieron hasta un poster individual de promoción! Inentendible. LaGravenese dirigió "Posdata Te Amo" y "Escritores de Libertad", dos películas bastante buenas y bastante bien realizadas, por lo que también me desconcierta el desastre en que derivó "Hermosas Criaturas". Creo que el enfoque teen de la novela junto a la exageración de la productora para convertirla en la próxima "Crepúsculo" deben haber tenido bastante que ver. Lo único bueno es Emmy Rossum que está más linda que nunca.
    En fin, no se la recomiendo a nadie que quiera disfrutar de buen cine o entretenerse.
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  • Duro de matar: un buen día para morir
    Pochoclos y metralletas

    ¡Volvió "Duro de Matar" con un Bruce Willis más 2.0 y se armó un despelote bárbaro! Sinceramente no entiendo las defenestraciones desmesuradas por parte de la crítica para con esta nueva entrega de las aventuras de John McClane. No es la mejor entrega de todas, estamos de acuerdo en eso, pero no me parece que haya sido irrespetuosa con el espíritu de la saga y tampoco considero que haya sido aburrida, de hecho tiene algunas secuencias de acción que realmente dejan sin oxígeno.
    Al pobre Bruce Willis lo han tratado hasta de marioneta de las inescrupulosas productoras hollywoodenses, una cuestión que resulta exagerada e ingenua.
    El combo ideal para un buen rato cinematográfico es trama + producción (incluidos aspectos técnicos), algo con lo que esta nueva entrega cumple en un 50% y 70% respectivamente. Teniendo en cuenta las últimas tramas casi inexistentes que se vienen proponiendo en un gran número de estrenos recientes, esta entrega a cargo del irlandés John Moore ("Tras líneas enemigas", "El vuelo del Fénix", "Max Payne") es un producto pochoclero no muy brillante, pero que en promedio logra entretener y divertir al espectador superando a otras alternativas del género. Digamos que es un 6, una calificación que roza la mediocridad pero que logra su cometido, pasa la prueba, está por encima de los productos berretas. Hay algo con lo que sí coincido con la crítica en general y es que se la ha quitado esa importante tridimensionalidad al personaje de McClane, se ha perdido un poco entre tanto artefacto visual, pero esto no es un problema de este film en particular, sino que ya en la 4ta entrega (Wiseman) se fue perdiendo. Refritar frases icónicas de la saga no basta para reconectarnos con el legendario personaje, el "yipi ka yei mother fucker" ya fue. Tiene que estar realmente presente McClane, con su personalidad arrolladora, y no sólo Bruce Willis tratando de acordarse como era el personaje que nos compró a todos en la década del '90. Otro inconveniente tuvo que ver con la elección de los villanos, que sin ser insatisfactorios, no llegaron ni cerca a tener la presencia de un Alan Rickman (Hans Gruber) o un Jeremy Irons (Simon Gruber). Los actores Sebastian Koch (Komarov) y Yuliya Sniger (Irina) componen a estos villanos contemporáneos sin mucho carisma, fríos y genéricos.
    Con el tiempo solemos ponernos melancólicos y quizás en un par de años digamos: "pero si no era tan mala...". Yo le doy un "zafa raspando" y recomiendo a los incansables del cine de acción. Vértigo, buenas persecuciones y tiros al por mayor, están asegurados.
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  • Mala
    Mala
    Cinélico
    Un thriller desgarbado

    Controversial es este nuevo trabajo del director Israel Adrián Caetano, responsable de grandes films como "Un oso rojo", "Pizza, birra, faso" y "Bolivia". La propuesta presenta varios problemas, entre los principales, la expectativa generada por tratarse de una trabajo con su firma, y por otro lado las improlijidades que son evidentes en la realización. Cuando hablamos de un film de Caetano se vienen determinadas imágenes a la cabeza, pensamos en un tipo de cine bien adulto y cuidado, tenemos ciertas expectativas que han sido moldeadas por experiencias pasadas con realizaciones anteriores. "Mala" no es nada parecido a algo que ya hayamos visto de este director, ni en la temática, ni en la dinámica y definitivamente tampoco en el cuidado interpretativo. La trama de base no me pareció para nada pobre, de hecho plantea una historia que ejercita la atención del espectador y lo obliga a estar atento, arma de doble filo si se tiene en cuenta que el estar más alerta agudiza el ojo clínico del público que no le perdonará la vida a una Juana Viale haciendo muecas artificiales y parloteando como si estuviera pensando palabra por palabra antes de decirlas. La realización no estuvo a la altura de la historia que se planteaba, una historia de desgracias, venganzas, con una vuelta de tuerca que presentaba 4 personajes en 1, con secuencias de acción de alto vuelo que no siempre estuvieron bien elaboradas. Se sintió muy desordenada, por momentos bizarra (en el mal sentido de la palabra), desprolija y con grandes diferencias interpretativas entre los protagonistas. Positiva Florencia Raggi, positivo Rafael Ferro, positiva Ana Calentano, maso Brenda Gandini, negativa Liz Solari, negativa María Dupláa y muy negativa Juana Viale.
    Hay una mezcla de conceptualización y estupidez bastante grosera en este último trabajo de Caetano, como si luego de haberse iluminado con una idea espectacular se hubiera recontra mil emborrachado para festejar y se hubiera ido derechito a hacer un casting en el que evidentemente no tuvo filtro para las contrataciones, y encima después con toda la resaca, se hubiera puesto a filmar la historia. Algunos destellos de su talento natural están presentes, pero es como si la resaca lo hubiera perjudicado durante el proceso de filmación. Aclaro que todo esto es solo un ejemplo para darle forma a sensaciones.
    En fin, un trabajo que no está a la altura de un realizador que nos ha dado en el pasado muchísimo más que actuaciones flojas en un thriller desgarbado.
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  • Los miserables
    El musical de la discordia

    La película de la discordia, con una legión de seguidores fanatizados y otra legión de detractores encolerizados, la merecedora o no merecedora de los premios cinematográficos que obtuvo, la redención de la obra de Víctor Hugo o la adaptación más irrespetuosa de todas y algunas polémicas más. La verdad que este musical a cargo del director Tom Hooper ("El discurso del rey") ha dado mucho de que hablar, algo que personalmente me cuesta comprender, sobre todo a aquellas personas que están atrincheradas de un lado del ring o del otro. No concuerdo con ninguna de esas dos campanas extremistas y paso a explicar el porqué. Es innegable que "Los Miserables" es una novela trascendental, con un abordaje sobre la naturaleza humana maravilloso, con muchas declaraciones políticas, religiosas y sociales fundamentales. Cada uno de los personajes creados por Víctor Hugo son sencillamente fantásticos, por lo tanto, es de fanático desmedido alabar a Tom Hooper como si la historia se le hubiera ocurrido a él. Gran parte del éxito de la trama viene dado por la excelencia de la novela misma. Pero entonces,¿hay mérito de Hooper? Por supuesto, no cualquiera puede adaptar un clásico como "Los Miserables", para esto hace falta talento y recursos, dos factores con los que contó el director inglés. La combinación de ambos lo llevó a varios aciertos, como por ejemplo la magnificencia de su puesta, ambiciosa y atractiva. La fórmula talento-dinero también le rindió frutos con la elección del cast, con figuras importantes como Hugh Jackman (Valjean), Anne Hathaway (Fantine), Russell Crowe (Javert), Amanda Seyfried (Cosette) y otras luminarias del Hollywood moderno que hicieron un trabajo comprometido, un poco exagerado en algunas secuencias, pero comprometido y con mucho espíritu. Lo último para resaltar creo que tiene que ver con la visión del director, la capacidad para contar una gran historia como esta y entretener a la mayoría de los espectadores. Ahora, también hay cosas criticables que van más allá del gusto personal. Si han leído mis críticas anteriores a musicales, sabrán que no soy un gran fanático de este género, pero sí trato de ser objetivo. El hecho de que el film fuera prácticamente un 95% cantado le jugó en contra. Se le podría haber dado algún respiro al espectador entre escena y escena. Algunos diálogos exigían una conversación normal y no declamaciones que terminaban sonando irritantes, sobre todo si los protagonistas no eran cantantes profesionales u superdotados, como el caso de Crowe o Jackman, que canta muy bien pero se le notaron algunas flaquezas. Otra cuestión negativa tuvo que ver con la duración del film y el uso de la cámara en algunas secuencias. 158 minutos, de los cuales aproximadamente 140 son cantados, es mucho... es agotador salvo que ames con toda tu alma a los musicales. Por otro lado, Hooper decidió utilizar la cámara en mano (o símil) para varios momentos de la cinta, cuestión que llegaba a cansar la mirada y a distraer bastante después de la primera hora y media. El drama y la tensión tienen que ser creados principalmente por la interacción de los personajes en la historia, no por el uso alborotado de la cámara.
    En un balance general, diría que Les Mis es un trabajo bueno, con algunos aciertos esenciales y también con algunos errores que se podrían haber pulido, pero nunca diría que se trata de una obra de arte esencial o un mamarracho como algunos enojados andan pregonando. Es un entretenimiento digno, para disfrutar de una historia relevante en formato musical.
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  • Lincoln
    Lincoln
    Cinélico
    Los diálogos de Spielberg

    Este último trabajo de Steven Spielberg que tantas expectativas había generado con respecto al Oscar 2013 y por su carácter biográfico sobre un personaje histórico tan importante como Abraham Lincoln, es un film interesante y bien elaborado, pero no creo que esté a la altura de trabajos anteriores como "La lista de Schindler", "Munich" o "Salvando al soldado Ryan".
    Imaginé que por la magnitud del proyecto, "Lincoln" iba a ser la nueva Schindler, con esa relevancia y genialidad cinematográfica, pero al verla en la gran pantalla de cierta manera me decepcioné al percatarme de la dinámica lenta y cuasi documental que decidió imprimirle Spielberg. Fue como si se hubiera contenido creativamente ante la responsabilidad de mostrar un pedazo de vida de este icono estadounidense y se hubiera limitado a reproducir momentos históricos con diálogos maravillosamente interpretados y nada más. El talento de Daniel Day-Lewis no es desconocido para nosotros, ya hemos visto su despliegue actoral en cintas como "Mi pie izquierdo", "Petróleo Sangriento", "Pandillas de Nueva York" y "En el nombre del padre" entre otras. Sabemos que sus caracterizaciones son prácticamente una garantía de éxito y que su forma de recitar monólogos es sencillamente genial. "Lincoln" es la interpretación de Daniel Day-Lewis, su talento, su presencia, su profesionalismo y no mucho más. Hay otros actores que hicieron muy bien su trabajo como Sally Field, Tommy Lee Jones y James Spader, pero la verdad es que lo único realmente impactante y espectacular de este film es la actuación de Day-Lewis. Lo demás es muy correcto, llega meramente a cumplir. Los aspectos técnicos son de calidad, como por ejemplo el tema vestuario, maquillaje, producción, cinematografía y musicalización, pero la magia de Steven y de la trama tuvieron una intervención demasiado tibia. La película es prácticamente un despliegue de diálogos y monólogos muy bien filmados, pero no es más que eso. En una entrevista reciente dijo que "Lincoln" era su trabajo más europeo... Steven, te queremos como sos vos, dinámico, generador de emociones y estadounidense judío. El cine europeo dejaselo a Haneke y a los hermanos Dardenne.
    Un biopic bien realizado que nos muestra uno de los momentos más relevantes de la vida de Abraham Lincoln a través de diálogos, muchos diálogos. Si estás con ganas y paciencia para escuchar interesantes conversaciones políticas y sociales, seguramente disfrutes bastante esta peli, si estabas esperando un film bien Spielberg, quizás te quedes con un gustito a poco.
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  • El vuelo
    El vuelo
    Cinélico
    Entretenimiento de alto vuelo

    "El Vuelo" de Robert Zemeckis es un drama atrapante de principio a fin, con ese toque de alta producción que siempre caracteriza a su trabajo, pero sin dejar que el despliegue pomposo lo desvíe del objetivo que tiene trazado. Leí algunos comentarios que la ponderaban como una de las producciones más desafiantes y reveladoras del año, cuestión con la que no coincido y considero un poco exagerada, pero sí podemos decir que se trata de un drama muy bien logrado y con algún toque de irreverencia en la personalidad de los protagonistas que forman parte de la historia, lo que hace a la propuesta más atrayente. Recordemos que Zemeckis ha dirigido películas fundamentales como "Forrest Gump", "Volver al Futuro" 1, 2 y 3 y "Contacto". También estuvo a cargo de otros trabajos muy populares como "Náufrago" y "La muerte le sienta bien", por lo que estamos al frente de un gran realizador, de vasta experiencia y un sentido del entretenimiento muy poderoso. En "Flight" se vuelca sobre una historia que se podría señalar como menor, sin tantas referencias a las máximas de la vida como lo hizo en "Forrest Gump" y más centrada en un relato específico, en el que observamos el descenso de una persona perdida por los vicios. Denzel Washington interpreta a un piloto de vuelos comerciales cuya vida ha sido condicionada por su adicción al alcohol y las drogas. Hasta el momento nunca había tenido algún problema grave provocado por sus adicciones, pero un día el avión que piloteaba falló y se produjo un accidente que terminó con la vida de 6 personas. La trama juega con las propuestas de que el accidente se haya producido por negligencia del piloto o que en realidad, nadie habría salido vivo si no fuera por las maniobras que llevó a cabo el mismo, más allá de que su estado para pilotear no era el óptimo.
    Hay 2 pilares fuertes que sostienen este film, en 1er lugar, el trabajo de los actores es buenísimo, creíble, bien compuesto y con mucho carisma, sobre todo su protagonista Denzel Washington, que sin perder esa característica pose de "soy un tipo muy cool", logra involucrar y generar sensaciones encontradas acerca de los desafíos que debe enfrentar en la trama. Las cortas pero interesantes intervenciones de John Goodman son muy disfrutables también.
    El 2do pilar tiene que ver con el formato narrativo que propone Zemeckis, manejando a la perfección los distintos momentos, generando tensión y angustia en la medida justa. La verdad es que los 138 minutos que dura el film se me pasaron bastante rápidos, consecuencia seguramente de la gran dinámica que le imprimió el director.
    Un drama de alto vuelo para disfrutar, que consolida la experiencia interpretativa de Denzel y reafirma el buen ojo de Zemeckis para entretener con calidad.
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  • La niña del sur salvaje
    La belleza marginal

    Que valioso que es para el mundo del cine cuando se logran crear trabajos como "La niña del sur salvaje", una película que mezcla la cruda realidad que enfrentan algunas personas en el día a día con las fantasías más estimulantes que se pueden ver en la gran pantalla. El director Benh Zeitlin hace un gran debut en largometrajes ofreciendo una historia de producción chica pero con un corazón enorme.
    Hablando con amigos y conocidos me di cuenta de que pocos tenían alguna información certera acerca de la temática del film, no sabían bien si se trataba de algún tipo de fábula fantástica (en cierta forma lo es) al estilo "El laberinto del fauno" o si se trataba de un drama de corte independiente con ritmo europeo. Esto habla un poco acerca de la pobre promoción comercial que suelen tener los films independientes en nuestro país. Bueno, siguiendo con la reseña, diría que "La niña del sur salvaje" es un ensayo personal y reflexivo que hacen los escritores, Lucy Alibar y el mismo Benh Zeitlin, acerca de los desafíos que nos impone la vida, el desafío de madurar, de enfrentar las adversidades y aprender a sobrevivir en un mundo bello pero hostil, todo esto desde la mirada de una niña de 6 años que vive en un asentamiento muy humilde en las afueras de Nueva Orleans, al sur de Estados Unidos. La pequeña actriz Quvenzhané Wallis es quien interpreta a Hushpuppy, protagonista de esta historia y gran motor de la propuesta de Zeitlin. El personaje ya de por sí es increíble, inspirador, renovador, pero al combinarlo con el carisma y la naturalidad de Wallis, cobra un nuevo sentido y maravilla al punto de generar risas por regocijo involuntarias. Hushpuppy actúa como pilar de la historia, sostén de un relato que innova y nos viene a decir que hay belleza en la marginalidad, una belleza salvaje que convive entre la humildad y la tragedia. La narración no es de lo más convencional y entremezcla los aspectos reales con los fantásticos, pero ¡ojo!, no tiene el nivel de fantasía de "El laberinto del fauno" por ejemplo, por lo que si estás esperando algo al estilo, con muchas intervenciones fantasiosas, quizás te decepciones. Aquí los aspectos de fantasía son más sutiles, más austeros, pero de todas maneras se las arregla para llevarte a un mundo hipnótico del cual resulta difícil no enamorarse.
    La fotografía del film y los primeros planos de esas caras salvajes, bien curtidas, bien del sur pantanoso estadounidense, son muy buenos. Quizás la historia no le parezca cosa del otro mundo a algunos espectadores, pero en lo técnico es realmente irreprochable.
    Una aventura en miniatura que vale la pena disfrutar, que bien puestas tiene sus 4 nominaciones a los Oscars 2013 y que te va a sumergir, aunque sea por un ratito, en un mundo marginal y atractivo plagado de bestias salvajes.
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  • Las crónicas del miedo
    La suma de todos los cortos no es un largo

    A ver... el señor que traduce los nombres de las películas es tan infame y molesto que ya tiene un personaje en las historietas de Liniers. "V/H/S" es un nombre copado, original, que tiene un sentido. Cambiarlo por "Las crónicas del miedo" es de lo menos creativo y básico que puede venir. Media pila!, no somos primates y podemos averiguar de que se trata el film sin que el título del mismo nos lo tenga que explicar de una manera tan poco feliz.
    Dicho esto, paso a la crítica de la película, o mejor dicho, de esta compilación de 6 cortos de terror que se filmaron para dar sentido a una historia central de no muchas luces. La trama central viene así: Unos pibes bastante idiotas se dedican a filmar videos porno caseros y otros videos al estilo Jackass, por lo cual reciben a cambio un pago. Un día les encargan que entren a la fuerza en una casa y se roben un video cassette (VHS). Una vez que están ya en la casa buscando el video, se encuentran con un hombre de edad que parece estar muerto y al frente de él un gran número de VHSs que deben chequear para encontrar el que a ellos le interesa. Acá se conecta con los demás cortos, que están filmados en los distintos cassettes que van probando. No vale la pena que explique en detalle las historias que esconde cada video, pero sepan que hay de todo, asesinos seriales, niños fantasmas, demonios y hasta una vampira.
    Algunas de las pequeñas y sangrientas historias me parecieron interesantes, sobre todo el 2do corto llamado "Amateur Night" (el de la vampira) que logra intrigar y se despacha con una violencia perturbadora. El problema de este corto es lo ruidoso que son los pibes... son del tipo boludo jodón que se la pasan gritando y chocando los 5. Uno tiene ganas de que mueran de la peor manera, y eso le quita un poco de terror que es sustituido por satisfacción. El 3er corto (Second Honeymoon) tiene un comienzo un poco lento, pero hacia el final va incrementando la tensión y termina de manera inesperada. El último corto en resaltar es el 5to (The sick thing that happened to Emily when she was younger), es bizarra, diferente, innovadora, y eso le suma puntos, aunque nos quedamos con ganas de saber más acerca de lo que está sucediendo. El 1er (Tape 46), 4to (Tuesday the 17th) y 6to (10/31/98) corto tienen planteos de base interesantes pero que terminan cayendo en la mediocridad absoluta a la que nos tiene acostumbrado este género. Jóvenes asesinados sangrientamente en un bosque, exorcismos y psicópatas al estilo "Saw"... más de lo mismo digamos.
    El balance final no alcanza para decir que uno realmente disfrutó de la experiencia. La filmación tipo documental con cámara en mano ya nos tiene bastante saturados, la historia central es bastante básica y en el conteo de cortos tenemos 3 buenos contra 3 bastante malos... Me gustaría ver en el futuro algún trabajo largo individual de los directores de los cortos 2, 3 y 5.
    Como siempre, los hiper fanáticos del terror la verán con ojos piadosos y seguramente la disfrutarán, mientras que los que están más cansados de este género podrán sacarle algún que otro momento bueno.
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  • Django sin cadenas
    Esclavo Rises

    "Django Unchained" es la última película de Quentin Tarantino que llega para decirnos nuevamente que la venganza es el placer de los dioses. Siguiendo lo que podría considerarse ya su estilo tradicional, el director norteamericano nos presenta una historia de vendetta y redención enmarcada en un período histórico teñido de violencia e injusticias sociales. Como ya lo hiciera con "Bastardos sin gloria" en 2009, elabora una historia ficticia a partir de hechos históricos que sí sucedieron, como la 2da guerra mundial en aquel film y ahora con la guerra de secesión en "Django...", y les imprime su estilo cómico-bizarro-violento.
    La trama de este último trabajo se centra en la historia de Django (Jamie Foxx), un esclavo negro que perdió a su esposa en una venta de personas. Por esas cosas del destino, la suerte lo lleva a conocer al Dr. Schultz (Christoph Waltz), un odontólogo devenido en caza recompensas que necesita de su ayuda para atrapar a los hermanos Brittle, unos tipos malísimos que fueron amos de Django en el pasado. Al agarrarle el gustito al trabajo de cazar blancos y matarlos por dinero, Django decide quedarse con el Dr. Schultz y elaborar un plan para rescatar a su amada Broomhilda (Kerry Washington) que se encuentra esclavizada en la plantación de Candyland, tierra de un sádico personaje llamado Calvin Candie (Leonardo DiCaprio).
    Como se imaginarán abundará la sangre, la venganza, la tensión y las situaciones bizarras, plagadas de diálogos que son realmente para memorizar. Los seguidores de Tarantino podrán encontrar algunas técnicas cinematográficas muy similares a las utilizadas en "Kill Bill" y "Bastardos sin gloria" como por ejemplo el acercamiento de planos, la música histriónica que acompaña los momentos de tensión, las secuencias de acción y la sutil caricaturización de los personajes. Debo decir que aquellas dos películas me parecieron superiores a este último trabajo del afamado director, lo que no quiere decir que sea aburrida o de baja calidad, pero no creo que se haya llegado a superar el entretenimiento, el timing y la trascendencia que se logró con aquellos. Quizás mi sensación tenga que ver con la repetición de su fórmula cinematográfica que no aporta muchas cuestiones nuevas a lo que viene mostrando desde hace casi 10 años.
    Un western bizarro que será del agrado de los tarantinistas y que quizás logre atraer a nuevos adeptos que irán a verlo debido a su popularidad creciente al estar nominado para los Oscars 2013. El resultado de su trabajo es bueno, pero espero que aporte algo más innovador en su próxima propuesta.
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  • La noche más oscura
    Las secuelas de Bin Laden

    "La noche más oscura" es un muy buen film de esa directora de hielo llamada Kathryn Bigelow. He leído sobre varios adjetivos que se están utilizando para tratar de entender el sello característico de Bigelow, términos como "ejecución profesional", "pulso frío", "narrativa seca", "mirada documental" y otros más que ayudan a comprender el estilo de esta cineasta que podrá ser muchas cosas menos común. La directora de "Zero Dark Thirty" propone un estilo visual y narrativo que el espectador puede considerar fabuloso o directamente aburrido, casi sin posiciones medias. Ya había sucedido anteriormente con su film ganador del Oscar 2010, "The Hurt Locker", con el cual se ganó seguidores y detractores por igual. Su forma de filmar abunda en estímulos, pero éstos están cuidados de tal manera que generan sentimientos y emociones al mínimo. Percibimos la tensión del momento, la angustia del protagonista, el drama humano que se vive, pero nunca sentimos que se nos está tratando de imponer un sentimiento, un golpe bajo que nos haga moquear, que se nos utilice como experimento para observar cuanto tardamos en largar la primera lágrima. El efecto Bigelow es muy sutil, nos involucra con la historia pero no nos obliga a zambullirnos en ella, eso lo deja librado a la inteligencia del espectador que decide libremente si sumergirse o no. Lo bueno de este método es que propone y no obliga, pero su desventaja es justamente que para poder disfrutar del producto hace falta decidir y reflexionar, las sensaciones no van a venir de prepo y nunca van ser exageradas o abrumadoras.
    Para el que no sabe mucho acerca de la temática de la película, "Zero Dark Thirty" se centra en el rastreo, caza y asesinato del terrorista Osama Bin Laden por parte del servicio secreto estadounidense, más precisamente, por parte de una agente obsesionada con él llamada Maya. De alguna manera esta agente interpretada muy bien por Jessica Chastain, personifica el estrés, la obsesión, la angustia, la locura y la persistencia que tubo el gobierno americano para encontrar y liquidar al personaje que logró hacer temblar su poderosa estructura. La trama estará plagada de intrigas y momentos de tensión que en mi opinión, fueron muy bien logrados. Es un film de calidad que merece reconocimiento cinematográfico más allá de que su temática pueda resultar polémica para algunos sectores. No es la próxima ganadora del Oscar, pero sí una buena propuesta para ver una adaptación seria e interesante sobre los hechos que llevaron a la muerte de Bin Laden.
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  • El lado luminoso de la vida
    ¡El amor es loco!

    Pocas veces en la historia del cine se logra entregar una comedia romántica verdaderamente trascendente y original, "El lado luminoso de la vida" forma parte de ese selecto grupo de películas relevantes.
    ¡Que acierto fue juntar al director/escritor David O. Russell ("El Ganador", "Tres Reyes") con la dupla Cooper-Lawrence! El guión es sencillamente genial y seguramente le dará batalla a las favoritas "Argo" y "Lincoln" en la categoría de "Mejor Guión Adaptado" en la próxima entrega de los Oscars. La novela del escritor Matthew Quick describe la historia de Pat (Bradley Cooper), un hombre joven con severos trastornos mentales que lucha contra su enfermedad y busca recuperar su antigua vida, reconciliarse con su ex mujer y volver al trabajo. Está muy concentrado en esa meta, pero su propia enfermedad y algunos acontecimientos que tendrán lugar en el camino le dificultarán la tarea que se ha propuesto. En el trayecto se cruzará con Tiffany (Jennifer Lawrence), una viuda prematura que quedó también media turuleca luego del deceso de su marido. Juntos se harán la vida imposible, se sanarán mutuamente, descubrirán el sentido de las segundas oportunidades y sumergirán al espectador en un mundo loco, loco, loco, del que será difícil escapar sin una gran sonrisa en la cara.
    A priori el guión no parece aportar nada muy nuevo, pero lo original e interesante se presenta en el tratamiento de ese guión y en las dinámicas que se proponen en el film. Los diálogos son hipnóticos, las interpretaciones son muy convincentes y el entorno familiar que rodea a la pareja protagonista está bastante trastornado también, lo que crea una cohesión disfuncional que funciona de maravilla. La edición es bastante vertiginosa, no pesada, pero logra trasmitir la locura de los protagonistas.
    Los géneros de comedia y drama se combinan de manera armoniosa, elegante, sin caer en la cursilería por el lado amoroso y sin ser ordinario en la parte humorística. "Silver Linings Playbook" es una comedia romántica que bien puestas tiene sus 8 nominaciones a los premios de la Academia. Ojalá logre superar los prejuicios del jurado para con este género en particular y pueda llevarse a casa varios premios. Su cast logró tener un representante en cada categoría interpretativa para los Oscars 2013, Cooper en protagonista masculino, Lawrence en protagonista femenina, De Niro como actor de reparto y Jacki Weaver como actriz de reparto. Ojalá alguno se lleve la estatuilla dorada porque la verdad están para hacerle frente a cualquiera de sus contrincantes.
    Una comedia imperdible que todo amante del buen cine debería tener en su videoteca, para disfrutar con pareja o amigos por igual. Aplausos para David O. Russell que desde el 2011 la viene rompiendo.
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  • Hansel y Gretel: Cazadores de brujas
    Mercenarios fallidos

    Es una lástima realmente, "Hansel & Gretel, cazadores de brujas" es un film que quería que me gustara, que me había interesado desde el lanzamiento de su 1er trailer y que esperaba me devolviera un poco a esas aventuras doradas de espíritu fantasioso como "Leyenda" o "Willow" con un toque de modernidad, o por lo menos a lo "Underworld" (la 1 y la 2, las otras son flojas)... estaba pidiendo demasiado. Este trabajo del noruego Tommy Wirkola es un mero producto comercial, diseñado específicamente para sacarle provecho al formato del 3D (cuestión que no logra) y atraer como polillas a la lámpara a esos espectadores que no se resisten al mix de fantasía, efectos especiales y aventuras. El problema de este tipo de espectador es que, como la polilla, no se da cuenta a tiempo de que esa luz es engañosa y está yendo hacia un final trágico, en este caso, la pérdida de tiempo y dinero en algo que no vale mucho la pena, sumado a la decepción de incorporar otro título mediocre a su biblioteca cinéfila mental. No es tanto lo que se pide señores, una mínima complejidad y profundidad en la historia, que involucre, que interese, que nos convenza de que no sólo hemos pagado una entrada al cine para ver flechas en cámara lenta y cuerpos descuartizados en CGI. Me la tiro de guionista y les digo, podrían haber creado alguna relación más interesante entre la gran bruja negra y la gran bruja blanca... con alguna retrospectiva que ilustrara esa relación problemática, un parentesco, algo! Nos plantean una rivalidad de la que no sabemos nada y esperan que nos involucremos con eso.. Hay otro personaje llamado Edward (un troll) que podría haber sido mucho más divertido y relevante, sin embargo le dan un rol pésimo y al último nos lo quieren imponer de héroe de acción... flojo!
    Parece extraño, pero capto una creciente audiencia consumidora de films sin contenido, cuyo único objetivo es desplegar habilidades en materia de efectos visuales y lucrar sólo con eso... La gran recaudación de la mayoría de los bodrios de terror que se estrenaron en 2012 en Argentina lo demuestra. "Hansel & Gretel" se suma a esta lista. Ok, está bien que es autoconciente de su trama ligera y humorística, y a la vez no pretende ser "LA" película del género como sí sucedió con algunos títulos del año pasado que se la tiraban de "estrenos del año" y eran un moco total, pero la realidad es que entretiene tibiamente, deja sensación de vació emocional y hace que uno rece para que dejen de arruinar cuentos clásicos de la literatura. Le doy sólo algunos créditos extras por el carisma de sus protagonistas, sobre todo Famke Janssen.
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  • Tres tipos duros
    Una peli fofa

    "Tres tipos duros" es una peli que se estrenó en un muy mal momento en Argentina, en plena temporada de tanques nominados a los próximos premios Oscars, por lo cual recibió poca atención durante su corto tiempo en cartelera. La propuesta de movida resultaba interesante, con tres actorasos ganadores de premios de la Academia como Al Pacino ("El Padrino", "Scarface"), Christopher Walken ("El francotirador", "Atrápame si puedes") y Alan Arkin ("Pequeña Miss Sunshine", "Argo"). El planteo nos presenta a tres criminales de la vieja escuela, retirados por su avanzada edad, que se juntan una noche más para formar equipo y recordar los viejos tiempos. En su último encuentro se reconciliarán con la vida que han llevado y hasta arreglarán algunos asuntos que tenían pendientes desde hace años. Hasta acá todo parece venir viento en popa, sobretodo con la trama y el trío interpretativo, pero el problema grande surge con la dinámica real que presenta el film. Hay algunas secuencias innecesarias que sólo fueron creadas para lucir la parte humorística de los protagonistas que no estuvo en su mejor timing, un hilo conductor que se corta en varios tramos y es atado con nudos desprolijos y una falta de carisma que le da un color gris desgastado a una película que podría haber sido mucho más interesante. Básicamente la trama se sostiene por el talento de sus protagonistas, dentro de los cuales, el gran Alan Arkin fue bastante desaprovechado. El actor/director Fisher Stevens no logra sacar el mejor brillo de sus recursos (que no eran pocos) y ofrece una comedia de acción mediocre, que deja una sensación en el espectador de haber visto algo incompleto, realizado a los ponchasos para cumplir con alguna productora impaciente. Es una lástima porque si se hubieran afinado algunos aspectos de la historia y se le hubiera dado una dinámica más movida, el resultado podría haber sido mucho más satisfactorio.
    Se podría de decir que es una pequeña caída en la carrera de Arkin, una de esos films mediocres que le gusta filmar a Walken de vez en cuando, pero al que no entiendo realmente es a Al Pacino... es como si se hubiera resignado a pasar sus últimos años en películas de poca monta. "Jack & Jill" con Adam Sandler (un desastre), "La dos caras de la ley", "The son of no one"... todos títulos para el olvido, con aspecto de film televisivo de relleno y que muy lejos están de las importantes producciones de las que participaba hace no más de 10 años. Ojalá repunte y se retire con alguna joyita más de esas que filmaba con Francis Ford Coppola.
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  • El último desafío
    El Western de Arnold

    ¡El gobernator ha vuelto! ¿Quién iba a pensar hace unos meses que esta nueva película con Arnold de protagonista iba a ser una buena idea? Yo no por cierto, pero me alegro de haberme equivocado. "El último desafío" es una de esas pelis salvajes, en las que los recursos no abundan y la cinematografía es un tanto rústica, pero tienen un corazón increíble y un sentido del entretenimiento envidiable. El director coreano Jee-woon Kim nos muestra al Arnold que nos maravillaba de niños, duro, invencible, huevero, y además le agrega un toque "siglo XXI" combinado con el Western más clásico.
    Parece que a estos héroes de acción les pinta la sangre a full a medida que se van poniendo más veteranos. Ya lo demostró Stallone con algunos de sus últimos trabajos, por ejemplo "Los Indestructibles" o "Rambo", en los que la sangre corría por la pantalla como creciente después de un monzón. Parece que a Schwarzenegger también le gustó la onda y en este último film se la pasa agujereando cuerpos con escopetas, ametralladoras y otras armas varias. "El último desafío" hace un buen mix de acción, violencia y comedia, entregando al espectador 107 minutos de entretenimiento vertiginoso. El planteo del director tiene forma de Western llevado al presente, con sheriff, duelos y pueblerinos que pasan sus días en el bar central, pero las armas son automáticas y los caballos son Camaros y Corvettes.
    Al que se estará preguntando, "¿realmente da para 4 estrellas este film o el crítico se volvió loco?", les digo que vale la pena. Por supuesto que debemos situarnos en el género y el tipo de propuesta que se nos hace. Sólo con ver el poster promocional sabemos a los que estamos yendo, de hecho la imagen ilustra bastante bien la idea del film. Es un típico caso de trama convencional y algunas situaciones fantasiosas, pero el manejo de los recursos y el carisma de su protagonista es lo que la vuelve tan entretenida. Se combina el cine de acción de la vieja escuela con el cine de acción a lo "Rápido y Furioso", con algunas escenas de persecución realmente interesantes y una dinámica bastante movida que no deja lugar al aburrimiento.
    La única queja que tengo para con este trabajo tiene que ver con la inclusión de Johnny Knoxville... Es como si se lo incluyera únicamente para llegar a un cierto grupo demográfico que lo idolatró cuando hacía "Jackass". Hay actores de reparto mucho más cómicos y con mucho más carisma.
    Lo demás es todo fuegos artificiales. Es media tosca, no tiene el nivel interpretativo más alto del mercado, pero sí tiene mucho sentido del entretenimiento y nos devuelve un poco a la infancia cuando veíamos a ese gigante de acento raro peleando contra los tipos más malos del planeta. Ojalá sus próximos trabajos sigan esta línea o mejoren.
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  • S.O.S: Familia en apuros
    ¿Y al espectador quien lo salva?

    ¡Uff!... no sé quien asesoró tan mal a semejante grupo de actores para participar de una basura cinematográfica como esta. "S.O.S. familia en apuros" es tan mala que el espectador termina asqueado de tanto dulzor artificial y odiando un poco más a este sub género tan poco feliz llamado comedia familiar. Es básicamente una mezcla bastante rústica de "Más barato por docena" (esa en la que Steve Martin tiene 12 hijos traviesos) con "La familia de mi novia" (con Ben Stiller y Robert De Niro), es una comedia en la que se juega con las interacciones familiares y las diferencias generacionales entre sus miembros. La trama presenta una familia tipo del siglo XXI que lleva una vida muy moderna, con muchos compromisos laborales, con tres hijos medio bobos que se la pasan haciendo actividades "indoor" y con una agenda educativa basada en la excelencia, la disciplina y la psicología infantil. El problema se suscita cuando al matrimonio le surge un viaje y no consiguen a nadie con quien dejar a sus hijos, nadie más que los padres de la mujer (Marisa Tomei) con quienes sostienen una relación bastante dificultosa por las diferencias en materia de personalidad y educación de los hijos. Los abuelos interpretados penosamente por Billy Crystal y Bette Midler, son dos veteranos flexibles, relajados, mientras que el matrimonio compuesto por Marisa Tomei y Tom Everett Scott es sofisticado, disciplinado y con un sentido del deber ser bastante importante. Toda la película se tratará de hacer humor con estas diferencias generacionales sin lograr el objetivo, aburriendo al público y hasta molestándolo. El guión es tan básico que hicieron parecer poco divertidos a dos comediantes legendarios como Crystal y Midler. La dinámica de "echemos moco y después nos reconciliemos con toda la cursilería a mano" es de lo más obvia y poco efectiva que he visto en un largo tiempo. Hay varias situaciones absurdas que no aportan nada al film, como por ejemplo una escena en el baño en la que Crystal acompaña a su nieto a hacer caca y termina cantando mientras un vagabundo baila con su cabeza al compás de la canción... para el olvido!
    Es obvio que hay un público para este tipo de producciones, sino no las seguirían haciendo, el tema es que no logro entender que le ven de interesante o divertido. La entrada al cine no es de lo más barato por estos días, asique si querés un consejo sabio, no la malgastes en esto.
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  • Fuerza antigangster
    Un pastiche que es un crimen

    "Fuerza Antigangster" es una de las grandes decepciones de la temporada. Realmente había pensado que con semejante cast y con el director de "Zombieland" a la cabeza, este film de género podía resultar algo bien interesante, pero en vez de eso me encontré con un producto muy irregular que no supo encontrar el camino adecuado.
    Para comenzar debo decir que el mix de situaciones dramáticas y humorísticas fue bastante convulsionado, artificial, poco coherente. En la secuencia en la que se debía demostrar la pericia y la potencia del escuadrón antigangster para ir anticipando al espectador lo que se viene, se optó por hacer que todo saliera pésimo y darle un toque de humor con frases prácticamente caricaturescas que no hicieron más que mal predisponer. Hay un uso de drama combinado con comedia que suele dar muy buenos resultados si es tratado con cuidado y se elaboran transiciones que den naturalidad al film, cosa que aquí no sucededió. La mezcla resultó forzada y le bajó algunos puntos a la propuesta. Se notó una gran indecisión acerca de la personalidad que se le quería imprimir a la historia, con algunos toques al estilo Gatsby, otros de "Sin City" y algunos de "Los Intocables", pero nunca logrando una fórmula que involucre al público con lo que está sucediendo en pantalla.
    Es una lástima que se haya desaprovechado un cast tan talentoso. Sean Penn compone un mafioso de manual para tontos, exagerado y poco interesante. Todos sabemos de las dotes interpretativas de Penn, por lo que gran parte de la responsabilidad recae sobre el director Ruben Fleischer que no supo sacarle lo mejor. Emma Stone aparece un par de veces, componiendo a un personaje sin mucha importancia para la trama, al igual que Nick Nolte. A Ryan Gosling, actor al que super banco, le dieron un rol acartonado, mediocre, al igual que a Giovanni Ribisi. Se podría decir que los mejorcitos son Josh Brolin y Robert Patrick, haciendo de sargento duro y pistolero rebelde respectivamente, pero en general los personajes eran bastante pobres.
    Hay algunas escenas dramáticas y de acción que logran despertar un poco durante el metraje, pero no alcanzan para lograr que la propuesta sea de calidad. La estética es atractiva, pero estamos hablando de un aspecto técnico menor que no forma parte del paquete principal. Quizás los fanáticos de los actores en su individualidad puedan disfrutar un poco más esta película. A mí me pareció que se quedó bastante en el camino de lo que podía haber sido un policial interesante.
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  • Jack Reacher - Bajo la mira
    Policial pochoclero

    Qué fenómeno tan curioso es el de "Jack Reacher, bajo la mira" que ha cosechado varios elogios entre la crítica especializada y de cierta manera ha logrado una especie de status precoz de película de culto en el género policial. A mí la verdad es que me gustó, hasta ahí, es entretenida y tiene algunos buenos momentos de tensión, pero realmente no creo que sea tan maravillosa como algunos afirman. Es verdad que la participación de Tom Cruise le suma alguna puntos, sobre todo luego de las últimas "Misión Imposible" en las que se destacó y demostró que es un héroe de acción con todas las letras, y también es cierto que el personaje tiene cierto atractivo setentoso que remite a policiales de antaño, pero más allá de estas cuestiones, no creo que haya muchas maravillas en la historia, además de que el juego comedia/suspenso me resultó bastante chocante y poco natural. Algo parecido me sucedió con la reciente "Fuerza Antigangster", en la que se combinaba de manera muy poco sutil escenas de dramatismo o tensión con humor de poca monta. En "Jack Reacher" el mix está mucho mejor manejado, pero aún así hay algunas frases del protagonista o del reparto que no quedan adecuadas con el momento de tensión y desvían la atención hacia un estado de WTF! (what the fuck!), ¿qué acaba de pasar acá?.
    Debo decir que el villano de Werner Herzog (gran director al que a veces le pinta aparecer en alguna peli como actor) me pareció desaprovechado, con pocos momentos en pantalla cuando en realidad era uno de los ingredientes más picantes. Lo de Rasamund Pike tampoco me gustó demasiado, me resultó muy exagerada en sus gestos y bastante forzada para llevar adelante los cambios de dinámica que proponía el director. Por su lado Cruise, Duvall y Jenkins me parece que estuvieron muy bien, pero los dos últimos con roles bastante secundarios.
    Es un policial con ciertos ingredientes atractivos como las buenas secuencias de acción, pero creo que si quieren establecer una franquicia que dure varias entregas, deberán pulir el tipo de dinámica que proponen y afilar un poco más los roles secundarios. Para disfrutar en pantalla grande y sin muchas pretensiones.
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  • Una aventura extraordinaria
    Una hazaña muy correcta

    "Una aventura extraordinaria" es realmente un milagro visual, una fiesta de colores y belleza natural como pocas veces se ha podido disfrutar en el cine. Los aspectos técnicos, tanto visuales como de sonido, son parte del plato fuerte de este nuevo trabajo del director Ang Lee. Por otro lado, la historia es bastante original, un joven indio que se ve forzado a naufragar aguas desconocidas junto a un tigre, una cebra, un orangután y una hiena, luego de que el barco donde viajaba con su familia y el zoológico propiedad de esta, se hundiera a causa de una fuerte tormenta (las secuencias del hundimiento del buque japonés son realmente increíb les).
    Hasta acá parece que todo es color de rosa, y en cierta forma lo es, pero los que íbamos esperando una historia un tanto más reveladora, más compleja y voladora de sesos, nos quedamos con un gustito medio amargo. Es innegable la destreza onírica de Ang Lee para crear películas fantásticas, "El Tigre y el Dragón" y "Hulk" lo certifican, pero en esta ocasión sostuvo una dinámica más conservadora concentrándose quizás demasiado en los aspectos técnicos y resolviendo el nudo narrativo de manera abrupta en los últimos 20 minutos del film. Coincido con algunos comentarios que afirman que hubiera sido más interesante no saber cuál sería la suerte final de Pi, la habría dotado de sensaciones más fuertes. También entiendo que Lee quiso respetar la novela de Yann Martel y esperó que el viaje, la aventura de Pi, fuera más trascendente que su suerte final. Aunque lo respeto, creo que esta cuestión le hizo perder un poco de fuerza.
    Los temas que se tocan en el film son bastante profundos, se trata sobre religión y se hace una declaración pública de que Dios es el mismo en todas las religiones con la particularidad de que se adapta a las culturas y circunstancias de los distintos pueblos. También se abordan otros temas profundos como el convertirse en adulto, superar la pérdida de seres queridos, lidiar con los temores, la esencia de la naturaleza y más.
    Un personaje menor, pero que dejará marca en el espectador es el del padre de Pi, con quien sostiene algunas conversaciones realmente interesantes.
    No me malinterpreten, "Una aventura extraordinaria" me gustó bastante, pero hubo algunos factores que no me coparon tanto como la narración conservadora, saber todo el tiempo cuál sería el final y las secuencias actuales en las que se muestra a Pi contándole sus aventuras a un escritor; cuestión que muchas veces cortaba la dinámica y la magia de los momentos.
    Une peli que seguramente se disfrutará más si no te habías armado la gran expectativa como le sucedió a quien suscribe. De gran belleza visual y para reflexionar acerca de algunas cuestiones existenciales de la vida.
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  • Mentiras mortales
    El dilema de lo moral

    "Arbitrage" es el nuevo thriller de Richard Gere ("El Chacal", "Primal Fear"), un actor ya consagrado en el género que en esta ocasión vuelve a ser una pieza muy importante para el éxito del film. El director Nicholas Jarecki debuta en largometrajes y nos entrega un thriller/drama que recuerda de cierta manera a "Wall Street", mostrando la cara menos divertida de los negocios corporativos y jugando en la delgada línea que divide lo moral de lo inmoral.
    La trama se centra en un importante hombre de negocios que en un golpe de mala suerte se ve envuelto en un crimen que no puede afrontar. Su empresa está próxima a cerrar un trato millonario con el cual podrá salir de la bancarrota, pero para ello, la imagen de su corporación y la suya misma deben reflejar competitividad y valores intachables, dos cuestiones que casualmente le complicarán mucho la vida.
    Completan el reparto de esta producción Susan Sarandon ("Dead Man Walking", "Quédate a mi lado"), Tim Roth ("El Increíble Hulk", "Reservoir Dogs") y la ascendente Brit Marling ("Otra Tierra"), cada uno brindando buenas interpretaciones que acompañaron en calidad a la de Gere.
    La mayor virtud de la historia es mantener al espectador al borde de la reflexión moral, ¿qué está bien y qué no?, ¿qué es aceptable en los negocios?, ¿dónde está la línea de lo ético y no ético?, ¿hasta dónde llegarías por mantener una imagen? Todas preguntas que el público indefectiblemente se irá haciendo a través del metraje y lo mantendrá conectado con la historia y el personaje principal. Por otro lado, si vamos a las cuestiones no tan fabulosas del film, el mayor inconveniente está en proponer un juego de mentiras y decepciones alrededor de los negocios que ya hemos visto antes en otras producciones de igual o mayor calidad. La narración es clásica y correcta, la tensión y el drama son correctos, el desenlace es previsible... Podríamos decir que es un trabajo bien logrado que ya hemos visto hasta el hartazgo, lo que no quita que la fórmula siga funcionando. A mí personalmente, me parece que el trabajo es disfrutable pero poco trascendente, poco original, no me ofrece ninguna experiencia innovadora. Recomedable para aquellos seguidores empedernidos de los thrillers corporativos y políticos.
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  • Ralph: el demoledor
    El villano más heroico

    "Wreck it Ralph" es el nuevo caballo de batalla de Disney para competir en la próxima entrega de los Oscars 2013, en la que se batirá a duelo con otra propuesta fuerte de los estudios, la exitosa "Valiente".
    La trama es innovadora, ya que plantea una historia que gira en torno a la vida de Ralph, un villano de video game que en la "vida real" es un tipo bonachón, simpático, torpe pero bien intencionado. Luego de asistir a una terapia grupal a la que acuden la mayoría de los villanos de los video games para descargar sus frustraciones, decide cambiar el rumbo de su vida y conseguir aunque sea por una única vez, la aceptación de los demás personajes que cegados por el sistema sólo pueden ver en él a una persona indeseable y destructiva. Para ello, escapará hacia otras consolas con el objetivo de ganarse una medalla que le otorgue la gloria, aunque por supuesto, no todo será tan fácil como se lo imagina. En el camino vivirá algunas aventuras que lo harán abrir los ojos y darse cuenta que el verdadero heroísmo no está en la gloria personal, sino en el sacrificio por los demás.
    Los actores John C. Reilly (Ralph), Sarah Silverman (Vanellope), Jane Lynch (Calhoun) y Jack McBrayer (Felix) aportaron sus voces a los personajes principales, dotando de un sello característico a este producto de animación que, sin perder el aura Disney, se animó a utilizar un humor más adulto que de costumbre. Todos los comediantes nombrados tienen un background de comedia ácida, cuestión que adrede o no, se puede evidenciar en el film. Lo de Silverman es bastante bueno, componiendo a una Vanellope precoz, desafiante y tierna a la vez.
    Por otro lado, es notable que no se haya apelado al romance como parte de la trama, sino que se apuesta a una relación de amistad disfuncional entre la pareja protagónica, en la que más allá de las diferencias de edad, físicas y de personalidad, se logra una química muy buena que mantiene al público entretenido.
    Si me preguntan a mí, diría que "Valiente" de Pixar/Disney es un producto superior a "Ralph, el demoledor" tanto en sustancia como en calidad técnica, pero aún así esta última es una buena opción para las vacaciones de verano.
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  • Lo imposible
    Lo imposible
    Cinélico
    Imposible es no emocionarte

    "Lo Imposible" del prominente director español Juan Antonio Bayona, es simplemente un entretenimiento completísimo, de esos que combinan a la perfección los planos, los efectos visuales, la trama, la tensión, el dramatismo y las interpretaciones.
    El film está basado en los hechos reales que tuvieron lugar en 2004 cuando se produjo un tsunami en el sudeste asiático que le quitó la vida a miles de personas, tantos locales como extranjeros que se encontraban vacacionando. La trama se centra en la terrible odisea que debió vivir la familia española de apellido Belón tras el tsunami, basándose en la historia contada por la propia María Belón (interpretada por Naomi Watts en el film). Una curiosidad es que para esta producción se decidió convertir a la familia en británica y el apellido devino en Bennett, cuestión que responde por supuesto a intereses de taquilla.
    ¿Por dónde empezar? El comienzo es realmente excelente, proporcionando el tiempo necesario para conectar con los protagonistas y generar una empatía que suscite un interés genuino en lo que está a punto de sucederles. También se produce cierta expectativa hasta el momento de llegada del acontecimiento trágico, una expectativa que finalmente es satisfecha con gran talento. La secuencia del tsunami es muy realista, es tan espectacular y dramática que verdaderamente dan ganas de llorar de desesperación. Varias escenas durante la catástrofe y post tsunami son totalmente desgarradoras, el director no ahorra en horrores y nos muestra que la realidad puede ser mucho más fuerte que la ficción que estamos acostumbrados a ver en un film de terror, pero a la vez combina esta tragedia con momentos que iluminan el corazón y que demuestran la fuerza del espíritu humano si usa para el bien. Logró que me llevara un par de veces las manos a la cabeza, hacia la boca y que riera emocionado, lo que me demostró estar totalmente involucrado con la angustia y la alegría que se estaba viviendo en pantalla. Por eso le doy gracias al señor Bayona y su equipo, también por algunos planos logrados que realmente son estremecedores y mantienen al borde de la butaca.
    Otro gran acierto para resaltar tiene que ver con las interpretaciones, destacándose las de Naomi Watts, Ewan McGregor y la de Tom Holland poniéndose en el rol de hijo mayor de la pareja. El pibe está increíble, se roba la película y emociona. Eso también es en parte mérito de Bayona, que allá por 2007 supo manejar con mucha pericia a un grupo de niños fantasmas bien terroríficos en la recordada "El Orfanato".
    No hay golpes bajos pero si muchos sentimientos a flor de piel, es claramente lacrimógena pero sin ánimos de manipular al público. Es simplemente super recomedable.
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  • Cloud Atlas: La red invisible
    Pequeñas grandes decisiones

    El nuevo trabajo de los hermanos Wachowski fue tan ambicioso y pretencioso, que terminó por entregar un serie de grandes aciertos mezclados, de manera poco eficiente, con una cantidad de desaciertos que terminan por mitigar la importancia que tiene el film.
    Para que nos ubiquemos un poco acerca de que trata "El Atlas de la Nubes": Hay una serie de historias entrecruzadas que tienen lugar en diferentes momentos temporales, algunos a principio del siglo XIX, pasando por los '70 y hasta en el año 2.400 inclusive. El cast protagónico (Tom Hanks, Halle Berry, Jim Broadbent, Hugo Weaving, Susan Sarandon, Jim Sturgess, etc.) irá interpretando a estos personajes de distintas épocas, pasando por héroes de acción a villanos, e incluso hasta tendrán algunos roles menores dependiendo de la historia que se desarrolle. Los eventos se van a ir entralazando de manera sutil (por momentos no tanto) al mejor estilo "Babel" para dar significado a la producción. Puntualmente, hace alusión al poder de las decisiones y los acontecimientos, por mas chicos que puedan parecer en su época, y cómo estos tienen el poder de cambiar el mundo y la historia.
    El problema de esta película está básicamente en esa unión de acontecimientos que pensaron los Wachowski, ya que se presentan algunas historias maravillosas, trágicas y heróicas que encajan perfectamente con el hilo conductor del film, pero también le dieron lugar a otras historias que por más interesantes que pudieran resultar, poco tenían que ver con el objetivo del film. Por supuesto que esto hizo que la cinta se extendiera mucho más de lo que podría haber durado, cansando un poco al público que a las 2 horas de metraje ya quería resoluciones. 172 minutos es muchísimo! "El Atlas de las Nubes" podría haber sido mucho más eficiente eliminando algunas historias menores y acortando su duración en por lo menos 40 minutos.
    Se nota la estética de los Wachowski, y realmente hay algunas historias para atesorar, pero el desenlace final se presenta medio tirado de los pelos cuando se comienzan a atar los cabos y a darle forma global a los acontecimientos.
    Creo que lo seguidores fieles a estos 2 directores van a estar satisfechos con el trabajo, aunque no maravillados. Para el público restante, la satisfacción variará tanto como afinidad consigan con cada pequeña historia particular.
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  • La cabaña del terror
    Cóctel de horrores

    ¡Aplausos para una de terror que por fin se animó a pensar en algo distinto que no sean posesiones y/o fantasmas! "La cabaña del terror" es todo, menos lo evidente.
    5 jóvenes libidinosos se van a veranear a una cabaña perdida en un bosque de ensueño. Al llegar, comenzarán a sucederse una serie de eventos trágicos que tienen su inicio en una invocación involuntaria de una familia zombie de principios del siglo XX. Uno a uno irán perdiendo la vida de las maneras más sangrientas posibles... hasta acá uno piensa: "Es basura, la típica trama idiota de todos los bodrios del terror..." Pues no. Lo interesante del film se encuentra en la trama paralela que se va desarrollando con un tono de comedia ácido, que mezclado con el horror que deben vivir los protagonistas, creará un cóctel refrescante que te volará la cabeza. ¿De qué se trata la trama paralela? Un grupo de científicos no sólo está monitoreando todos los padecimientos de estos jóvenes, sino que además controlan la cabaña e influyen en sus decisiones a través de artilugios avanzados como feromonas, inhibidores de conducta y más. "Un experimento tétrico del gobierno o algún otro organismo" quizás pienses... ni ahí! Las vueltas de tuercas son tan locas, audaces y divertidas que nunca podrás adivinar el final hasta los últimos 15 minutos de película que son realmente increíbles.
    El director debutante Drew Goddard, junto a Joss Whedon ("Los Vengadores") que esta vez participó como escritor, logró combinar humor y terror de una manera magistral como no se veía desde la 1ra "Scream". Un trabajo que se ríe de sí mismo sin prejuicios y se anima a llevar la creatividad más allá de los límites normales para entregarnos una de las mejores pelis estrenadas en lo que va de 2013 en Argentina. Lo negativo del film termina siendo quizás el uso desprolijo de efectos visuales no tan bien logrados en algunas escenas y un desenlace final que deja con ganas de ahondar más en la cuestión. Estoy seguro que con el éxito de crítica y taquilla, los muchachos del west norteamericano no tardarán en anunciar una secuela o precuela que se detenga más en la trama paralela. Ojalá logren usar la imaginación, la astucia y el cerebro como lo hicieron para este trabajo.
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  • Marley
    Marley
    Cinélico
    Guerrero del Amor

    "Marley" es el que dicen, será el documental definitivo y más importante sobre la vida de ese artista increíble que fue Bob Marley. ¡Ojalá así sea! El trabajo del prolífero director escocés Kevin Mcdonald ("El último rey de Escocia", "Los secretos del poder") es completo, emotivo sin ser cursi y muestra varias facetas de la persona que estaba detrás del ídolo.
    Creo que tanto a los fans más fieles de Bob como a los espectadores ocasionales, curiosos por saber algo más sobre la vida del astro, les va a encantar este documental y se van a llevar algunos datos históricos de esos que pocos sabían hasta el momento. El metraje comienza con los orígenes del rey del reggae, desde su ascendencia inglesa/jamaiquina, pasando por la dura vida en los barrios pobres de Jamaica, los comienzos musicales, la fama, los excesos, la familia y los eventos que llevaron a su prematura muerte. Sin duda, el material fílmico y fotográfico que aportó su entorno más cercano, es de gran valor y forma parte de uno de los atractivos más fuertes de este documental. Se podrá disfrutar de entrevistas a personajes legendarios como Jimmy Cliff, Bunny Wailer y Rita Marley entre otros, y también se podrá conocer a otro entorno no tan difundido de Bob que aportará algunas anécdotas y rasgos de su personalidad que sorprenderán y maravillarán. En un momento del documental, se entrevista a una antigua amante jamaiquina que no duda en decir en cámara que Bob era muy egoísta con las mujeres, haciendo alusión claro a sus infidelidades, pero termina la nota riendo y diciendo que por más egoísta que era, ella era consiente de que no había forma de resistirsele. Este tipo de situaciones son las que hacen atractivo a un film documental, mostrando que el ídolo no era perfecto ni un santo, pero sí fue un ser humano que pudo trascender sus errores para convertirse en una leyenda mundial.
    Quizás lo más flojo tenga que ver con algunos manejos de edición, pero nada muy crítico que le baje muchos puntos a la propuesta. 144 minutos pueden resultar agotadores para cierta parte del público, pero que va, ¿cuántas veces más se podrá disfrutar con calidad de los detalles acerca de la vida de Bob?
    Un documental que más allá de que está centrado en un figura que de por sí sola es magnífica, sabe entretener y mantener interesado al espectador, tomando no sólo los aspectos más positivos de la leyenda, sino todos aquellos que lo hicieron una persona con aciertos y errores que supo dejar su huella en su paso por este mundo.
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  • Fausto
    Fausto
    Cinélico
    Compleja visión de un clásico

    El "Fausto" de Sokúrov fue una película que cosechó muchos elogios entre la crítica especializada e incluso ganó el León de Oro en el Festival de Venecia en 2011, pero debo decir que a mí personalmente me costó mucho seguirla y mantenerme conectado con ella.
    La historia es conocida: Intelectual atormentado que hace pacto con un ayudante del diablo (Mefostófiles) por lujuria y poder, sólo que en este film el director imprime su singular personalidad y hace una interpretación compleja, poética y bastante diferente de la historia original, aunque mantiene la esencia por supuesto.
    El cine de Sokúrov no es apto para todo público, es lisérgico y tiene un ritmo que no escatima en frenarse en diálogos eternos, es un tipo de cine que el espectador promedio puede admirar o directamente aborrecer hasta el punto de levantarse de la sala y retirarse. El problema con las películas de autor como esta, es que estamos frente a personalidades del séptimo arte que tienen una visión filosófica profunda acerca de lo que están filmando, cuestión que muchas veces deriva en que no se tenga para nada en cuenta al espectador que concurre a la sala de cine y sólo se busque la satisfacción personal del director que está llevando a cabo el film. Es verdad que Alexandr Sokúrov es un gran talento del cine, trabajos como "El Arca Rusa" y "Madre e Hijo" lo certifican, pero también es verdad que no todos sus trabajos alcanzan a producir una experiencia espectacular. "Fausto" creo que es un claro ejemplo de buen cine que no llega a maravillar, que tiene una dirección de arte excelente, un uso de cámara envidiable y actuaciones buenas, pero aún así, peca en pretensiones y se auto posiciona en un grupo de films que sólo pueden ser disfrutados por un puñado de eruditos cinematográficos que idolatran ese género tan difuso llamado "cine arte".
    Si te sentás con paciencia y predisposición para entrar en el complejo mundo Sokúrov, la vas a disfrutar un poco, sino puede llegar a representar 140 minutos de tortura alemana.
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  • Tengo ganas de ti
    Novelas teens a la gran pantalla

    Hace mucho que no veía una peli romántica tan cursi, mal lograda y absurda como "Tengo ganas de ti"... es prácticamente como agarrar una de esas series teens descerebradas de la cadena MTV ("Último Año", "Niñas Mal") y convertirla en un largometraje que se hace apenas soportable por la belleza de los protagonistas. Suena hueco, sí, pero es lo único que se me ocurre resaltar como atractivo para esta propuesta, el flaco que tiene una facha increíble y la flaca que es la fantasía salvaje de todos los adolescentes, por lo demás, este trabajo hace agua por todos lados, desde las actuaciones que son paupérrimas hasta la edición, muy amateur y confusa.
    Hache es un joven que estuvo viviendo un tiempo fuera de su Barcelona natal para alejarse de la tragedia que sacudió su vida, hasta que un buen día decide volver para enfrentar el pasado. En su vuelta conoce a una chica rebelde, parecida a él, con la que empieza un amorío pasional en el que se muestra mucha piel, algo que justifica mínimamente la entrada. El pasado no tarda en aparecer y lo pone en la disyuntiva de tener que elegir si quedarse con su nuevo amor rebelde o con su viejo amor conservador. Recordemos que "Tengo ganas de ti" es en realidad la secuela de otra película llamada "Tres metros sobre el cielo" que fue estrenada en 2010 (por Argentina creo que ni pasó), y donde también se contaban las andanzas del joven español con otra chica, la que ahora sería su viejo amor. Ambas películas están basadas en las novelas adolescentes de Federico Moccia que llevan los mismos nombres.
    Se nota que con el éxito comercial de la 1ra entrega quisieron aprovechar el fenómeno y exprimirle todo el dinero que podían a la historia, pero no le pusieron un mínimo esfuerzo de guión, edición o interpretativo. Hay algunos errores realmente groseros, con situaciones inverosímiles como dejar una moto tirada en una estación de gasolina, irse en un auto con una chica y al otro día aparecer con la misma moto que por arte de magia vuelve a estar en poder del protagonista. Hay algunos secundarios que no hacen más que rellenar la pantalla sin ninguna relevancia, tragedias minimizadas y mucho culebrón de miércoles por la siesta.
    Sólo para aquellos fans de los formatos teens que privilegian la visual por sobre el contenido del trabajo. Un fiasco.
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  • Los ilegales
    Los ilegales
    Cinélico
    Sobreviviendo en los '20s

    "Lawless" o "Los Ilegales" es un western bien logrado al cual le faltó un poco más de sopa para pasar a la categoría más alta del séptimo arte. El director John Hillcoat ensambla un reparto de talentosos artistas que sin dudas, suben el nivel del film y le otorgan un carácter más interesante del que realmente propone la historia. ¡Shia amigo, qué bien te sientan estos roles y no el frenetismo estúpido de un personaje detestable como el protagonista de las "Transformers"! Lo de Guy Pearce ("Memento", "The Hurt Locker"), Gary Oldman ("Bram´s Stoker Drácula", "El Topo"), Jessica Chastain ("Historias Cruzadas", "El Árbol de la Vida") y Tom Hardy ("Batman: El Caballero de la Noche Asciende", "El Origen") es bastante bueno también, sobre todo los personajes más complejos como el villano sádico de Pearce y el hermano enigmático compuesto por Hardy.
    La trama se centra en la época de la gran depresión estadounidense, cuando la ley seca impuesta en el país creó una batalla campal por manejar el contrabando de alcohol en los distintos estados. 3 hermanos interpretados por Tom Hardy, Shia LaBeouf y Jason Clarke, conforman el trío legendario del pueblo que deberá defenderse de las garras corruptas de policías y gángsters ambiciosos.
    La violencia cruda y realista, las interpretaciones y los momentos de tensión, son los puntos más fuertes del film, que sin llegar a maravillar, entretiene y se conforma como una propuesta más que aceptable del género. Los aspectos más flacos se encuentran en la narración que cuenta con algunos vacíos que entorpecen la dinámica y algunos cabos sueltos que no son desarrollados nunca en la historia y dejan al espectador con dudas acerca de las características de los personajes.
    Un buena propuesta para los amantes de las películas de época, con buenas escenas de acción, algunos momentos oscuros y un despliegue de actores de 1ra línea. Creo que se podría haber enriquecido la historia e involucrar más al espectador trabajando con mayor profundidad los aspectos de cada personaje, algo que en "Los Ilegales" de John Hillcoat se logra a medias. Creo que podrá gustarte mucho o poco, pero nunca disgustarte.
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  • El romance del siglo
    Ensalzar por deporte

    "El romance del siglo" de Madonna, es una película que generó discusiones acerca de las dotes directivas de la cantante, además de que se centra en el no tan famoso amorío que mantuvo Eduardo VIII, un personaje importante de la realeza inglesa, con una mujer americana divorciada 2 veces.
    ¿Por dónde empezar? Vamos por lo obvio. No me gustó. Si hay algo que me molesta, es que se utilice una historia de la cual no se conocen detalles históricos reales con el simple interés de generar dinero sin preocuparse por las cuestiones fácticas. Ya lo dije anteriormente en mi crítica a la "Dama de Hierro". Resulta muy molesto tomar la figura de un personaje al cual se lo puede considerar como por lo menos polémico e inventarle una historia donde se lo pinte como buena persona, humanitario y muchas otras cualidades más que seguro no tenía. Un tipo mujeriego de esa cosa tan extraña e inexplicablemente vigente llamada Monarquía, acusado de simpatizar con el nazismo, y una mujer adúltera, también acusada de mantener relaciones amistosas con nazis, que juntos se dedicaron a vivir como celebridades sociales con el dinero de los contribuyentes, que aún inexplicablemente, se siguen preocupando por lo que opina la reina o si la mujer del príncipe Guillermo usa Prada o Gucci. ¿Un poco duro? Quizás, pero si la historia de Wallis y Eduardo es el romance del siglo, yo soy Mahatma Gandhi y estoy por salir de gira a predicar la paz por el espacio exterior.
    La chica material se centró muchísimo en resaltar una historia de amor que en realidad, no le interesa a casi nadie. La historia contemporánea que protagoniza paralelamente Abbie Cornish, es mucho más atrapante que la de Wallis y Eduardo.
    En cuanto a los aspectos técnicos, debo decir que la fotografía es buena y hay algunos planos interesantes, pero sin ser malo, dudo que hayan sido producto del talento cinematográfico de la reina del pop.
    Quizás sea una buena opción para los románticos empedernidos, de esos que aman encontrar historias de amor donde sea, pero a los que van buscando algo que vaya un poco más allá del romance de estos dos personajes, no se encontraran con una historia fluida y atrapante.
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  • La delicadeza
    La delicadeza
    Cinélico
    Amor a la europea

    "La Delicadeza" es una comedia romántica francesa que aborda la temática de las segundas oportunidades y la superación cuando la tragedia cubre con su manto lo que uno podría denominar una relación amorosa ideal. La película da vida a la novela del escritor David Foenkinos, que en esta ocasión también cumple la función de director junto a su hermana Stéphane.
    Para comenzar quisiera hacer hincapié en la cuestión de que la trama no trata sobre algo que no hayamos visto ya en el cine, ya que películas como "P.S. I love you" de LaGravenese y "Diario de una Pasión" de Casssvetes, también han abordado este tema con bastante éxito. El sello distintivo está en la impronta inconfundiblemente europea, con esas narraciones que fluyen con naturalidad y que dejan bien en claro que a ellas nadie las corre. Los momentos suelen ser más detallistas y lentos que en el cine americano, algo que a muchos espectadores podrá resultarle pesado. A mí particularmente, la narración europea y la puntualmente francesa no suele molestarme si la historia es interesante y me involucra. En el caso de "La Delicadeza", la situación amorosa de Nathalie (Audrey Tautou) nos mete en un sube y baja que asciende y desciende de manera irregular, algunas veces con brusquedad y otras con una suavidad reconfortante. Gran parte del equilibrio y suavidad lo aporta el coprotagonista Markus, un carismático François Damiens ("Los Rompecorazones") que se roba el film y opaca de cierta manera la presencia de Audrey Tautou ("Amélie", "El Código Da Vinci").
    Como dije anteriormente, debe haber 2 cuestiones para que la película europea me gane totalmente, una de ellas es la relevancia de la historia, cuestión que esta comedia romántica logra en gran parte, mientras que la segunda cuestión tiene que ver con el involucramiento que genera. Aquí es donde esta cinta no me convenció del todo. Veo la trama, me resulta interesante, creo que maneja cuestiones de profundidad, pero más allá de esto me siento un poco ajeno, no logro conectar del todo con los personajes. Aquí es donde cobra mucha importancia la intervención de François Damiens, que haciendo un muy buen trabajo cómico e interpretativo logra relajarme y hacerme sentir más cercano a lo que están viviendo los personajes. La decisión de incorporarlo fue muy acertada, ya que creo que sin su presencia, este film habría bajado algunos puntos por la falta de involucramiento que se produce entre espectador y protagonistas.
    Sin más, una historia de amor con momentos divertidos y algunos dramáticos que está bien elaborada aunque por momentos no logra conectar del todo lo que sucede en pantalla con las sensaciones del público. Una de amor para los seguidores del cine europeo.
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  • El Hobbit: Un viaje inesperado
    Las maravillas de la Tierra Media

    Bueno, debo aceptar que soy un entusiasta seguidor de las películas basadas en la obra de Tolkien, además de que el género de Aventura es uno de los que más disfruto, por lo cual no dudé ni 1 minuto en salir corriendo a la sala más cercana y gracias a Dios, me fui bastante satisfecho. Seguramente habrá amantes y detractores como en todas las grandes obras, porque afortunadamente, somos todos muy distintos en gustos y eso hace que el cine tenga que laburar mucho para cubrir a todos ellos.
    Debo decir que disfruté mucho "El Hobbit", sobre todo porque pude volver a sumergirme en ese mundo maravilloso de Tolkien llamado "Tierra Media", en la que me reencontré con elfos, orcos, enanos, hobbits, magos, bestias y todos esos protagonistas que hacen de esta obra la que es. Tiene la mejestuosidad de la trilogía de "El Señor de los Anillos", eso no cambió en absoluto y por eso le doy gracias a Peter Jackson. Si se tiene en cuenta la historia de Tolkien, no hay mucho que reprochar, sobre todo si la obra literaria en sí, ya funcionaba bastante bien.
    Lo menos espectacular de la película se presenta, según mi criterio, por dos cuestiones particulares. La 1ra tiene que ver con la duración del film, que fue de 169 minutos, un período de tiempo que podría cansar a los espectadores menos fanáticos. La obra literaria de "El Hobbit" es un libro corto, con una historia buena pero no tan extensa. Entiendo que Jackson quiera alargar los metrajes trabajando con más detalle las situaciones que se presentan en la historia, pero todos los que tenemos dos dedos frente también sabemos que este alargue responde a una cuestión económica. Dividir "El Hobbit" en 3 partes es como querer hacer una trilogía del cuento de "Risitos de Oro y los 3 Osos"... Repito, los más fanáticos seguro estarán contentos de permanecer más tiempo en la Tierra Media, pero es verdad también que a esta 1ra entrega le sobran fácilmente 30 minutos de metraje. La otra cuestión no tan positiva tiene que ver con la carga humorísitca que se le imprimió a la producción. Por supuesto que está bueno que nos divirtamos con las situaciones de los personajes, pero si comparamos con "El Señor de los Anillos", esta nueva peli le imprime humor a escenas y personajes que eran más serios en aquella trilogía. Se podría decir incluso, que se apuntó a un público más tirando a la niñez que al público adulto que se enamoró con las 3 pelis de "El Señor de los Anillos". Conociendo un poco el método de Jackson, creo que el drama va a ir incrementándose a medida que avancen las 2 entregas que quedan.
    Más allá de estas cuestiones, es innegable que la película entretiene muchísimo, posee una calidad técnica impecable y corre con la ventaja de tener millones de seguidores por el mundo que han vivido aventuras increíbles y se han emocionado gracias al trabajo de 2 talentosos como son Tolkien y Jackson.
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  • Mátalos suavemente
    El arte y el gángster

    "Mátalos Suavemente" es una película de gángsters que generó opiniones encontradas tanto entre la crítica especializada como entre los espectadores. Este último trabajo del director Andrew Dominik ("Chopper", "El Asesinato de Jesse James") puede ser muchas cosas, menos convencional. Sí, trata el tema de los enriedos criminales que se dan en la mafia organizada norteamericana, algo que hemos visto muchas veces tanto en cine como en TV, pero el enfoque y la narración que decide hacer el director, a mi forma de verlo, le dieron un aura que la diferencia de las demás propuestas del género. Por ahí leí que la gente se quejaba de los diálogos excesivamente largos cuestión que, contrariamente a lo que todos decían, creo fue uno de los mejores aciertos del film. Los diálogos que mantienen los personajes sobre las cuestiones del crimen son verdaderamente entretenidos.
    Quizás el error está en lo que el espectador esperaba de esta propuesta. Muchas veces los esfuerzos de promoción confunden al público y los trabajos anteriores de los actores protagonistas también. Algo muy similar sucedió con "El Árbol de la Vida", película con la que pude constatar que muchas personas se acercaron al cine porque pensaron que era una historia dramática/romántica con Brad Pitt... imaginen la decepción de esas personas a los 15 minutos de metraje. Con este producto pude constatar algo parecido, mucha gente se imaginaba un film convencional de acción con Pitt como centro de la historia, y en realidad ni Brad es el centro, ni la historia está narrada de manera convencional.
    El problema de "Mátalos Suavemente" creo que está en la dinámica que se le aplicó a las secuencias, que por momentos resultan confunsas, como tiradas de los pelos. Entiendo el objetivo de querer imprimirle un poco de conceptualización y arte a la cinta, pero a veces se pasa de rosca y termina por alejar al espectador de lo que está sucediendo en pantalla. Es como que no pasan muchas cosas en el film, pero las pocas que sí tienen lugar resultan bien aletargadas. Es el tinte que Dominik le imprime intencionalmente, pero por momentos se le va la mano y molesta al espectador.
    Volviendo a lo positivo, tiene un reparto de actores con mucho talento, sobre todo Brad Pitt que demuestra una vez más que es uno de los mejores actores activos. Lo de Ray Liotta es muy bueno también y hace notar su experiencia en más de 90 trabajos para cine y TV.
    Redondeando, es un film que se debe ir a ver con la mente abierta, sabiendo reconocer el trabajo de los actores más allá de que la narración resulte de nuestro gusto o no. Los fans de las pelis sobre el crimen organizado creo que se van a sentir a cómodos y la disfrutarán.
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  • 7 días en La Habana
    Instantánea de un lugar enigmático

    Benicio del Toro, Julio Medem y Elia Suleiman, NO, Trapero y Juan Carlos Tabío, BUENO, Gaspar Noé y Laurent Cantet, UN GRAN SÍ.
    "7 días en la Habana" es un film colectivo en el que 7 cineastas conocidos (menos Benicio que es más conocido como actor) brindan su mirada acerca de aquella enigmática capital cubana. Cada director se acapara 1 día en la Habana y cuenta una historia particular imprimiendo su sello característico.
    Comenzando con los mejores, el francés Laurent Cantet ("La Clase", "L'emploi du temps") y el argentino Gaspar Noé ("Irreversible", "Enter the Void"), logran desarrollar una mirada más comprometida e interesante acerca de los cubanos. Un ritual brujo para curar el lesbianismo de una adolescente y la celebración de una festividad para la virgen cubierta de simbolismos. Proponen cine inteligente y que mueve los sentidos, con una fotografía distinta y un uso de la simbología que llega a transmitir las sensaciones que viven los personajes. Dos miradas muy distintas, pero que logran el objetivo con creces.
    Por otra parte, el también argentino Pablo Trapero ("Elefante Blanco", "Carancho") y el cubano Juan Carlos Tabío ("Lista de Espera", "Fresa y Chocolate"), ofrecen historias entretenidas pero que no lograron resaltar sus dotes cinematográficas. Son pequeños momentos que no logran involucrar demasiado al espectador, ni lo sorprenden. Las historias no son malas, pero tampoco llegan a ofrecer cortos realmente orginales como Cantet y Noé.
    Por último, lo más flojito según mi criterio, fueron la ¿comedia? de Benicio del Toro, el melodrama de Medem y la mudita de Suleiman. Lo de del Toro me quedó con mucho gusto a poco... dasgarbada, sin un sentido relevante. Es la mirada del norteamericano menos sofisticado que piensa que La Habana son sólo prostitutas, cigarros y playas. Lo de Medem es en cierta manera un entretenimiento culposo, como esos culebrones de la tarde con historias amorosas en dónde el galán viene a salvar a la dama de la miseria, le ofrece el oro y el moro, pero ella lo rechaza por amor y se queda en su relación actual luchándola. A los más románticos, quizás les pueda llegar a gustar. Por último, lo del cineasta israelí Elia Suleiman, debo decir que me aburrió bastante. Entiendo el sentido del letargo que le imprime a su historia para transmitir las sensaciones del protagonista, pero aún así creo que desentonó con el ritmo que traían los demás cortos y terminó haciéndome bostezar.
    Más allá de que no todas las historias resultaron de mi agrado, "7 días en la Habana" es una propuesta interesante para zambullirse en una cultura controversial y admirada por muchos, además de que permite disfrutar de diferentes tipos de narración y pericia cinematográfica.
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  • Despedida de soltera
    Aspirando de más

    "Despedida de soltera" se suma a la lista de ejemplos desastrosos que demuestran que la nueva comedia norteamericana APESTA. ¿Desde cuándo ser políticamente incorrecto es ser cocainómano y descerebrado? ¡Wow!, Que sofisticadas, modernas y divertidas son las protagonistas... Una de ellas es bulímica, una bruja que trata mal a todo el mundo y que a pesar de tener todo lo bueno que alguien podría pedir para su vida es super infeliz (Regan = Kirsten Dunst). La otra es totalmente idiota, no tiene capacidad para razonar absolutamente nada, es un poco suicida y por supuesto, es más trola que las arañas (Katie = Isla Fisher). La 3ra integrante de este grupo, es adicta a todos los vicios, cigarrillos, drogas, alcohol, no le importa absolutamente nada en la vida y claro está, es la más trola de las 3 (Jenna = Lizzy Caplan). Por último completa la que se casa, una gordita simpática y divertida que casi no tiene participación en la historia (Becky = Rebel Wilson). ¡Ah!, me olvidaba, las 3 primeras son adictas a la cocaína y se la pasan toda la peli aspirando y quemándose las neuronas para decir y hacer estupideces.
    Sí, tiene algunos pocos momentos irreverentes que sacan una carcajada, pero esos pocos momentos no logran superar el malestar que causan los personajes que intervienen en la historia. Son todos detestables, pertubadores y sobreactuados. Realmente no entiendo que quiso mostrar la directora Leslye Headland... es como si se hubiera pegado un par de líneas de la blanca y se puso a flashear con las películas "¿Qué pasó ayer?" y "Damas en Guerra". Quizás pensó que meter en la licuadora esas 2 pelis e imprimirle más droga al asunto resultaría en un trabajo maravilloso... bueno, no lo logró ni cerca. Es una verdadera lástima haber desperdiciado un reparto de talentosas comediantes, que aquí se ven reducidas a trolas descerebradas.
    Sin más, no la recomiendo, excepto que seas de esas personas que cuando ven una peli apagan el cerebro y sólo quieren ver situaciones ridículas en pantalla.
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  • Siete psicópatas
    Demencialmente divertida

    "Siete Psicópatas" es una comedia distinta, con humor negro exquisito y situaciones tan absurdas como divertidas. El director y escritor de "Escondidos en Brujas", Martin McDonagh, vuelve con todo y nos entrega 110 minutos de humor alocado e inteligente, ensamblando un cast magnífico compuesto por nombres como Sam Rockwell (un genio en esta peli), Colin Farrell, Christopher Walken y Woody Harrelson. Más allá del talento para la comedia del elenco, uno de los pilares más fuertes de este trabajo tiene que ver con la narración que impone McDonagh, contando la historia de una manera que atrapa desde el comienzo y predispone al público a recibir una gran cantidad de bizarreadas ácidas que sacarán una carcajada a más de uno.
    La trama gira en torno a un escritor frustrado (Farrell) que se encuentra en proceso de escribir una novela llamada "7 psicópatas"; para ello recibirá la ayuda de su alocado amigo secuestrador de perros (Rockwell) y del secuaz de este (Walken), un polaco sesentón que también tiene una historia tan turbia como hilarante en su pasado. En el proceso se toparán con una serie de personajes con las psicopatías más simpáticamente violentas que se han visto en los últimos años en el cine. Se combinan momentos de cruda violencia con humor bien negro creando un juego de sorpresa y comedia que, en mi opinión, funciona muy bien. Quizás en algunos tramos se vuelve un poco exagerado forzando algunas situaciones de humor, pero el logro final es mucho más grande que los desaciertos de la peli. Otra cuestión que no me agradó del todo es la confusión que crea el cartel promocional del film, en el que deliberadamente se señala a los supuestos psicópatas, cuando en realidad la trama nos termina demostrando que hay algunos locos con más protagonismo que algunos de esos personajes del cartel.
    En general es una comedia distinta que realmente vale la pena disfrutar, sobretodo si sos del tipo de espectador que la pasa bárbaro con el humor ácido y las desgracias ajenas. McDonagh afirma un estilo de comedia que te puede gustar o no, pero es innegable que se destaca por su originalidad y propone algo distinto de lo que venimos viendo últimamente en el género.
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  • Las ventajas de ser invisible
    Los nuevos pibes

    "Las ventajas de ser invisible" es una película basada en la popular novela de Stephen Chbosky que lleva el mismo nombre, y que es básicamente una oda a la nueva juventud hipster - nerd - non hater, que se está arraigando con fuerza en los adolescentes de hoy en día. Trata algunos temas relevantes e interesantes para el espectador, pero tampoco es una obra maestra del cine como algunos se han encargado de difundir. Sí, va a pegar muchísimo en la cartelera, en 1er lugar porque incluye adolescentes tratando de encontrar su lugar en el mundo y enfrentando problemas reales como el bullying, la discriminación por preferencias sexuales, los abusos, las hormonas, los retos de madurar, el amor, y algunas temáticas más que la llenan de contenidos entretenidos y que harán sentir identificados a muchos jóvenes, y en 2do lugar, por el trío protagonista que es muy talentoso, sobre todo Ezra Miller (Patrick), que ya nos había maravillado con su personaje en "Tenemos que hablar de Kevin". No olvidemos a Emma Watson, heroína contemporánea del séptimo arte y la moda, surgida de la aplicada Hermione de "Harry Potter", y a Logan Lerman, el nene simpaticón de "Percy Jackson y el ladrón del rayo" y "Los Tres Mosqueteros" que aquí cumple muy bien con su rol de adolescente conflictuado.
    El problema creo yo, pasa por retratar algunos clichés que hemos visto mil veces en el cine, como los jugadores de fútbol americano abusadores, el joven que quiere ser escritor, y por supuesto, los protagonistas son lindos, todos lindos. ¿Realmente todos los jugadores de fútbol americano son tan imbéciles?, ¿todo chico/a sensible e inteligente en USA sólo piensa en ser escritor/a?... Aquí está el punto débil de este relato, que teniendo la oportunidad y los recursos para crear algo más trascendente y sincero, se termina yendo por lo seguro, cuestión que en gran parte es culpa de la novela. Tiene algunos momentos geniales, la mayoría a cargo de Miller, otros normales y algunos verdaderamente irrelevantes y pegajosos que perecen sacados del diario íntimo de una quinceañera.
    Es buena, se disfruta y muestra una faceta de los adolescentes que va creciendo con cada día que pasa. Quizás el problema tenga que ver con la cultura estadounidense que está llena de clichés clásicos, o al menos es lo que nos muestran. Si este film hubiera sido filmado en Latinoamérica o Europa, cuidando de no caer en los lugares comunes del cine mainstream, me habría arriesgado a decir que es una producción que marcará una generación. Lamentablemente, este exponente se quedó un poco corto.
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  • Juegos de muerte
    Desmembramientos sin sentido

    Lo 1ro que voy a decir es: ¿realmente es necesario hacer esas traducciones tan paupérrimas del título original de la película? Me recuerda al "señor que traduce los nombres de la películas" de Liniers. ¿Por qué todo tiene que ser traducido sin respetar el nombre verdadero y con referencias obvias que subestiman al espectador? "Muerte en la Montaña", "Al filo de la muerte", "Muerte bajo cero", "Muertos de risa", "Juegos de muerte"... No somos idiotas, repito, no somos idiotas! No necesitamos que alguien sin imaginación nos ponga un título "pegadizo" para elegir una peli a la hora de ir al cine.
    Bueno, luego de despotricar, procedo con la crítica. Si yo te pregunto, ¿de qué pensás que trata el film? Seguramente me dirás que trata sobre un loco rematado que secuestra y descuartiza personas para elaborar una colección bizarra de extremidades y cuerpos mutilados. Bueno, diste en el clavo. Con sólo ver el poster promocional, ya sabes el 80% de lo que sucede en la película.
    Lo más flojo del film tiene que ver por supuesto, con la trama. No estoy pidiendo un drama psicológico, ni historias profundas de enredos, sólo pido que al menos tenga coherencia y verosimilitud. Las situaciones ridículas abundan. No sabemos nada del asesino, no sabemos nada de la protagonista femenina, no sabemos nada de otros 4 o 5 personajes que aparecen en el film y son obviamente masacrados por el loco rematado. Cuando los corta a cada uno en pedacitos no nos interesa en absoluto, porque no sabemos ni quienes son y no hemos llegado a conectar en ningún mínimo nivel. Sólo interesa la muerte más sangrienta y nada más. Formas retorcidas y por momentos ingeniosas de mostrar como descuartizar un cuerpo. Para eso, hagan un compilado de las muertes más brutales y horripilantes del mundo, y lo venden como un film. Quizás hasta recaudarían más dinero.
    Sabemos que este tipo de trabajos tienen un público fiel, sobre todo en Argentina donde inexplicablemente se disfruta mucho y llegan a ser de las películas que más recaudan en el año. Aquí a lo único que se le puso empeño es a mostrar asesinatos crueles en 1er plano, punto. Si disfrutás de ver muerte sin sentido ni explicación alguna, seguramente estarás a gusto con este trabajo. Si buscás un poquito de coherencia y trama, ni te gastes en comprar una entrada para esto.
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  • Dulce de leche
    La fresca adolescencia

    "Dulce de Leche" es un atractivo film del director Mariano Galperin ("Futuro Perfecto"), que cuenta la historia amorosa de dos adolescentes precoces en un pueblo pintoresco de la Argentina. Este trabajo de Galperin es por sobre todas las cosas, fresco, jovial y entretenido, un trío de factores que le valdrá la simpatía del público espectador que tenga la oportunidad de verla.
    No hay nada extraño en esta historia, 2 amigos viven diariamente la quietud de su pueblo, dando vueltas por el río, andando en skate, haciendo cosas de amigos, hasta que un día conocen a Anita, una linda chica que llegará para cambiar sus vidas para siempre, sobre todo la de Luis, uno de estos dos jóvenes amigos. Este tipo de interacción amorosa recuerda mucho a otra producción nacional, "Un amor", una excelente película estrenada en 2011 que presentaba una dinámica muy similar, pero con la diferencia de que la historia tiene lugar entre adultos.
    El guión creo que es consistente, con pocos baches y además tiene un ritmo bastante amigable, lo que hace involucrar un poco más al público. Quizás el punto más flaco esté en el tema de la innovación, ya que la trama no nos trae nada que no hayamos visto ya en la gran pantalla. Los aspectos técnicos particulares de la cinta como esos primeros planos muy bien logrados y el cool soundtrack son buenos pero no alcanzan para ubicarla por encima de otros trabajos del mismo estilo que han tenido mayor repercución.
    Algo que se puede resaltar es el interés que generan estas historias en las que los protagonistas son adolescentes, por su frescura, rebeldía y por su inocencia, pero por sobre todas las cosas, porque nos remiten a historias propias de la adolescencia.
    Une peli que seguramente pasará sin mucho ruido por algunas salas de nuestro país como suele suceder con el cine independiente nacional. Si disfrutan de las historias juveniles y bien confeccionadas, recomiendo este trabajo de Mariano Galperín, que más allá de que no nos sorprende con algo nuevo, sabe como contar una historia cotidiana y hacerla interesante.
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  • El origen de los guardianes
    Los Vengadores, de las festividades

    Aplaudo esta iniciativa de DreamWorks Animations por su valentía y por el buen gusto que tuvieron para elaborar este entretenimiento para grandes y chicos. ¡Cuánta falta hacen este tipo de trabajos que estimulen la inocencia y el niño que todos llevamos dentro, haciendo un uso inteligente de la trama y los aspectos técnicos! El director Peter Ramsey se despacha con un mundo fantástico que llega a lograr momentos realmente espectaculares, algunos oscuros y hasta crueles, y por otro lado, da vida a escenarios plagados de criaturas de fantasía que llenan los sentidos (se nota el sello Guillermo del Toro). Ramsey viene de trabajar en el departamento de arte para cintas como "Minority Report", "Inteligencia Artificial" y "El Club de la Pelea" entre otras, por lo que se imaginarán que el tipo tiene alguito de manejo creativo.
    Es verdad que se mete en el universo de los superhéroes y que el film tiene algunas similitudes evidentes con "Los Vengadores", pero eso lejos de pesar como debilidad le dio un aire más contemporáneo y canchero, permitiendo disfrutar a estas leyendas de los cuentos de hadas de una manera diferente a la que está acostumbrada a mostrarnos Hollywood. El Conejo de Pascuas es un áspero guerrero con el sello de rudeza de Hugh Jackman, actor que le da voz en el film, Papá Noel es también un viejo copado a cargo del equipo de guardianes y muy lejos está de ser ese gordito fofo medio irritable que nos mostraban antes. Sigue siendo bonachón, pero mucho más cool cuando su voz es aportada por Alec Baldwin. Y así podríamos repasar cada protagonista uno por uno, pero creo que ya van entendiendo la idea.
    Es media cursi en algunos momentos, sí, pero en el resultado final de la ejercitación de la inocencia infantil del espectador, resulta muy poderosa. Despierta sentimientos agradables y festivos hasta el más arisco de la sala, combinando de manera exitosa el contenido dirigido a los niños con los elementos pensados para el adulto que acompaña a esos niños.
    Recomiendo mucho esta propuesta, por su historia original mezclada con una aventura de superhéroes, por su magnificencia visual y por su sentido de la inocencia infantil.
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  • Curvas de la vida
    La felicidad en lo simple

    "Curvas de la vida" es una de esas películas que se destacan más por sus interpretaciones que por su trama principal. La historia no es nada del otro mundo, pero tiene ese carisma poderoso que se produce como resultado de las personalidades que habitan la pantalla. Clint Eastwood hace de viejo gruñón con buen corazón, un rol que se sabe de taquito y que le sienta especialmente bien en esta etapa de su vida. Amy Adams es ya una actriz consagrada de la gran pantalla aún con sus pocos años en el estrellato, basta con recordar algunos títulos como "El ganador", "La Duda", "Encantada" o la reciente "The Master". En esta ocasión ilumina la pantalla cada vez que interviene y le aporta frescura componiendo una dupla disfuncional con Eastwood. Completan John Goodman, pasando un gran momento laboral, y Justin Timberlake que debo decir, aún me incomoda con su tono de voz aunque va mejorando con su actuación.
    La historia trata acerca de las vueltas de la vida, como muy obviamente indica su título latino. Relación disfuncional entre padre e hija, la búsqueda de la felicidad en las cosas simples, un poco de amor clásico con situaciones romanticonas, todo forma parte de este film, que si bien logra entretener bastante, no está destinado a ocupar un lugar de importancia en la biblioteca cinéfila mental de los espectadores.
    "Curvas de la vida" también tiene otra particularidad que a los espectadores latinos y sobre todo, argentinos, no les copará tanto... la temática del Béisbol. Es un deporte del cual casi no tenemos historia y que muchas veces ni siquiera entendemos. Si se puede superar esta temática y la cuestión de ver un drama acerca de las relaciones familiares con un toque de romance entre medio, cuestión que hemos visto muchas veces ya, se podrá pasar un buen rato en compañía de talentosos del séptimo arte cuyas estrellas están en la flor de su luminosidad.
    Para aquellos que disfrutan de historias realistas y cotidianas, que potenciadas por buenas interpretaciones, logran hacer sentir identificado al público con algunas de las situaciones que se viven en pantalla.
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  • Amanecer - Parte 2
    El final de los vampiros romanticones

    La tan esperada "Amanecer, parte 2" cierra la saga fiel a su estilo y culmina la historia de amor vampírico de una manera muy previsible, pero contundente.
    Tanto los fanáticos de los libros como seguidores de la saga cinematográfica quedarán conformes y contentos con la conclusión, aunque sospecho, que como todo final, habrá varios que se quedarán con las ganas de haber visto algo más impresionante, más dramático y emotivo. No soy un gran seguidor de la franquicia, pero he logrado (como expliqué en la crítica de "Amanecer: parte 1") ponerme en el lugar de los fans y entender que es lo que los atrae con tanta intensidad.
    Vamos con lo positivo. La transformación de Bella en vampira termina con el tironeo constante que había entre la pareja protagonista (y con el tercero en discordia), y da fin a la decisión de convertirse o no en una chupasangre, algo que ya se había tornado un tanto pesado.
    Otra cuestión positiva e interesante fue incorporar aliados de familias vampiras de todo el mundo, algo que le dio más frescura a la pantalla y sirvió para hacer más épica la batalla contra los Volturi, aunque creo que se desaprovechó la oportunidad de darle un poco más de protagonismo a personajes que eran mucho más cool y modernos que el trío principal. 3ra cuestión atractiva, fue el trabajo que se realizó sobre los momentos románticos de Edward y Bella, sobre todo hacia el final, redondeando la historia amorosa con la mirada puesta en los fans más entusiastas.
    Lo negativo. ¿Puede ser más melosa y cursi la interacción entre los protagonistas? Ya sé que es una característica fuerte de la trama, pero hay momentos en que uno realmente piensa que se va a quedar pegado a la pantalla de tanta melosidad. ¿Cuál es la necesidad de usar frases como "sos la razón por la cual pelear" o "pensé que estaríamos juntos toda la eternidad"? Si le podaran aunque sea un poco tanta dulzura, podrían haber logrado el mismo efecto y además atraer al público no tan asiduo al amor novelesco. Otra cuestión que no me satisfizo, tiene que ver con los efectos visuales... con tanto presupuesto se podrían haber jugado un poco más y ofrecer mutilaciones y poderes que se vieran más realistas. El efecto visual de la bebé Renesmee en su 1ra escena, más que despertar ternura, da miedo... como una Chucky en potencia. La batalla final es de las más épicas y brutales que he visto, pero quedó un poco empañada por el uso torpe del CGI. Por último, la vuelta de tuerca que se da sobre el final de la película es como uno imagina que debe ser este tipo de film, aunque habría sido mucho más interesante seguir el juego del desastre.
    Un cierre digno para una historia, que según mi criterio, podría haber sido menos puber y un poco más madura, buscando una calidad creciente en la puesta técnica e interpretativa, cuestión que termina logrando a medias. Es por esto último, que la saga Crepúsculo siempre será recordada más como un fenómeno literario inexplicablemente exitoso y no tanto como una franquicia cinematográfica de calidad.
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  • Bel Ami, historia de un seductor
    Tan pálida como la piel de Pattinson

    "Bel Ami" es una película débil que intenta maravillarnos con la historia de ascenso social de un vago seductor encarnado por el sobrevalorado galán Robert Pattinson. ¿Estuve muy duro? Bueno... es la verdad. Para que una historia tan simple despierte interés, hipnotice, realmente entretenga, debe tener algún tipo de factor diferenciador que la distinga de otras historias comunes, y no sólo eso, sino que debe destacarse en la ejecución de los aspectos técnicos e interpretativos. En esta cinta, no hay ningún factor fuerte, no hay un drama realmente complejo, no se percibe el trauma de los protagonistas en el juego de usar y ser usado, no conocemos ni llegamos a conectar con los personajes. Es una lástima porque la mayoría de las obras del escritor Guy de Maupassant han sido exitosas no sólo en la literatura, sino también en el cine, ejemplos de esto son "Masculino-Femenino" de Jean-Luc Godard o "El Placer" de Max Ophüls. Seguramente el escritor debió transmitir muchas más sensaciones en su novela que lo que se logró transmitir con esta adaptación cinematográfica, que por momentos aburre demasiado y se torna molesta. El rol seductor de Pattinson en esta película resulta menos creíble que Adam Sandler haciendo de héroe de acción. Creo que en lo interpretativo ha mejorado bastante, sobre todo desde su 1er protagónico en "Crepúsculo" que fue insufrible, pero en cuestiones de seducción, este rey de la palidez ha demostrado que levanta más por su aspecto físico que por su actitud seductora. Le faltó pasión, soltura, calidez, gesticulación... sólo parece estar en este film como movida comercial por el éxito que adquirió por su participación en la saga vampira y no por sus verdaderas dotes seductoras e interpretativas. Pero bueno, no todo es culpa del pobre Pattinson. La dinámica y la carga emocional con la que se filmó esta historia son bastante insípidas también. Suceden varios acontecimientos que debían suscitar sensaciones fuertes en el espectador, pero finalmente lo que terminó produciendo eran bostezos y miradas de reloj. El trío protagónico de mujeres también estuvo desaprovechado, ya que aún contando con nombres como Kristin Scott Thomas, Christina Ricci y Uma Thurman, no se pudo disfrutar de sus intervenciones, salvo en muy brevísismas ocasiones.
    Sin más, no es una peli que aconsejo ver salvo que seas una/un incondicional del joven Robert, que para aplacar un poco más las ganas, ni siquiera se muestra demasiado en situaciones calientes con las protagonistas.
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  • Cosmopolis
    Cosmopolis
    Cinélico
    Excentricidades infumables

    Quiero aclarar que suelo disfrutar los filmes de David Cronenberg, pero con "Cosmopolis" me parece que el esnobismo y la pretención cruzó la barrera de lo aceptable. Sabemos que Cronenberg no es un tipo convencional, que utiliza mucho la psicología en sus trabajos y que gusta de situaciones bizarras cargadas de diálogos filosos. En esta última película de su autoría es muy palpable su sello característico, aunque creo que en esta ocasión se pasó de rosca y se despachó con un ensayo bastante conceptual acerca del horror del capitalismo y los caprichos del poder.
    Pattinson (que demuestra que puede actuar) es un joven empresario asquerosamente millonario y excéntrico que decide cruzar en su limusina la ciudad de Nueva York en medio de violentas protestas sociales tan sólo para realizarse un corte de cabello. En el camino, se irá cruzando con los seres más insufribles y densos, personajes con los que uno no querría encontrarse en ningún momento de su vida real. Estos personajes en su encuentro con Pattinson, filosofan acerca del capitalismo, el poder, el sexo, la existencia, la muerte y demás yerbas que aportan a la crítica social que tiene el film. Vale aclarar, que la historia está basada en la novela del escritor Don DeLillo, por lo que la culpa de su densidad es compartida. Sinceramente no leí la novela, pero sospecho que en la imaginación de cada lector la historia debe tener un hilo conductor más integrado que el que decidió poner en pantalla el maestro Cronenberg.
    Algunos fragmentos de diálogos, la crudeza de la puesta, la sexualidad y los aspectos psicológicos de sus personajes son el fuerte de este director canadiense; todas cuestiones que se pueden encontrar en este proyecto pero empañadas por la conceptualización excesiva. Como he escuchado por ahí, es una película para su grupo de seguidores y para algunos profesionales del séptimo arte que aprecian las tramas no convencionales y las excentricidades creativas. Para el público promedio, será una gran pesadilla psicológica que lo dejará agotado y muerto del aburrimiento. Maestro Conenberg... lo prefiero un poco menos conceptual, como en "Un Método Peligroso", "La Mosca" o "Promesas del este".
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  • Otros silencios
    El drama de la redención

    "Otros silencios" es un drama dirigido por el director y escritor argentino Santiago Amigorena ("Algunos días en Septiembre"). Cuenta una historia de venganza que ya hemos visto en otras ocasiones en la gran pantalla, pero le imprime un toque personal de aspereza y carga emocional que logra mantener atento al espectador, aún con las dificultades que presenta la trama en su narración.
    Lo mejor del film es su protagonista Marie-Josée Croze, una especie de Vera Farmiga ("Amor sin escalas") con rasgos más fríos y sufridos. Su interpretación de madre y esposa desconsolada con sed de venganza es fabulosa, de las más genuinas que he visto en el último tiempo en este tipo de historias, logrando transmitir la desolación y vacío que experimenta su personaje. Elegir a Marie-Josée para el rol fue uno de los aciertos de Amigorena, que en esta ocasión, se despachó con una cantidad de decisiones buenas y malas de manera equilibrada. La banda sonora y las locaciones completan el pack de fortalezas de este trabajo, que nos pasea por la puna norteña con un soundtrack de Yves Desrosiers.
    Los problemas del film, vienen por el lado del descuido en los detalles y algunas situaciones inverosímiles como por ejemplo, gente del barrio La Boca (Buenos Aires) o La Quiaca entendiendo y hablando inglés fluido. Es una situación que a cualquier argentino descolocará y le hará perder credibilidad en la historia, cosa que quizás no suceda con el público extranjero. La poca información acerca de la vida de los personajes secundarios que van apareciendo en el film quita conexión y limita el nivel de involucramiento que puede tener el espectador con cada uno de ellos. Hay varios mafiosos y una joven enigmática de La Quiaca, entre otros, de los que nos habría gustado tener más información, conocer más de sus vidas, pero el director decide centrarse en el personaje principal y su sed de venganza limitando, en mi opinión, lo que podría haber sido una historia con muchos más matices.
    Un drama sobre la redención y la superación que atrapa, pero que podría haber sido mucho más contundente si limaba algunos detalles.
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  • Y ahora adónde vamos?
    La historia sin fin

    "¿Y ahora adónde vamos?" es una película polémica de la directora libanesa Nadine Labaki. Polémica por la temática que aborda, las tensiones entre musulmanes y cristianos en un pueblo del Líbano, pero por sobre todo, es polémica por la combinación de géneros que decidió elaborar para contar la historia. Comedia, Drama y Musical se entremezclan en un raro cóctel que cosechará amantes y detractores por montones. A simple vista, el mix de géneros no parece tan extraño, hemos visto trabajos del estilo como "La familia Savage" o la mismísima "Caramel" dirigida también por Labaki. El tema es que aquí la convivencia de los géneros se torna violenta, con cambios abruptos que pasan de una escena con humor a lo "Bridget Jones" a momentos de tensión y suma tristeza dignos de un film de Aronofsky, y de repente aparece una coreo cantada al estilo "8 Mujeres". El efecto positivo o negativo dependerá de cada una de las personas que tengan la oportunidad de verla. Personalmente creo que la cohesión ha sido un poco torpe y forzada, pero no por eso deja de ser una buena peli con algo importante para decir.
    La trama se centra es un grupo de mujeres que se esfuerzan constantemente, a veces teniendo que sufrir mucho, para mantener la paz entre los hombres musulmanes y cristianos que habitan el pueblo. Tratan de proteger a sus esposos, hijos, nietos, hermanos, de la locura religiosa que los lleva a estar en constante batalla, una batalla que termina tomando de rehenes muchas veces a los más jóvenes, quienes sufren las consecuencias de una guerra que parece ser la historia sin fin.
    Me resultó muy interesante, sobre todo porque la directora pone en pantalla la visión de las mujeres que deben lidiar día a día con este conflicto, como lo viven ellas. La cinta tiene algunos momentos realmente magistrales, algunos de comedia bien afilada y otros de drama desgarrador que pasean al espectador por una montaña rusa de sensaciones. El problema es que la montaña rusa no es para todos, algunos la disfrutan muchísimo, mientras que otros terminan mareados y con nauseas, sobre todo si los cambios de pendiente son tan abruptos como en "¿Y ahora adónde vamos?".
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  • Frankenweenie
    Frankenweenie
    Cinélico
    El poder de dos

    Este nuevo trabajo de Tim Burton para Disney demuestra lo mejor de ambos estilos, con la creatividad bizarra y los personajes terroríficos pero a la vez adorables de Burton, y por otro lado, esas historias trascendentes que suele crear Disney para seguir acrecentando la felicidad de los más chicos y por que no, de los adultos también. A diferencia de "Alicia en el país de las maravillas", en "Frankenweenie" se logra dotar de alma y encanto a todos los personajes que aparecen en escena.
    En esta ocasión, Burton elabora un homenaje, melancólico pero a la vez lleno de energía al cine de terror gótico centrándose por supuesto, en esa historia tan magnífica de Mary Shelley llamada "Frankenstein".
    La amada mascota de un extraño niño llamado Víctor muere en un accidente de tránsito dejando a su pobre dueño sumido en la tristeza. A partir de algunas ideas locas surgidas de un trabajo para la feria de ciencias del colegio, Víctor logra revivir a su difunto perro Sparky al que trata de mantener en secreto, cuestión que no dura mucho tiempo. Edgar, otro extraño niño compañero de colegio de Víctor, cuenta el secreto a los demás niños que, celosos del descubrimiento, roban sus notas y practican el mismo experimento con otros animales muertos obteniendo resultados catastróficos y a la vez bizarramente divertidos.
    El detalle que se puso en las características físicas de cada nueva mascota/monstruo es buenísimo, un homenaje lindísimo a las clásicas criaturas del cine de terror de los años 50 y 60.
    Si hay algo bueno que tiene Disney, es que no tiene miedo de coquetear con situaciones de desgracia y muerte en sus trabajos, dos cuestiones que con un tratamiento desprolijo, podrían tener consecuencias negativas en su audiencia infantil. En "Frankenweenie" se hace notar la experiencia del gigante del entretenimiento para contarnos una historia que combina la comedia, el terror y el drama como pocos trabajos cinematográficos pudieron y podrán hacerlo.
    Sencillamente, una de las mejores propuestas infantiles del año que seguramente dará pelea en la categoría animada de la próxima entrega de los premios Oscar. Un film que trata temas trascendentes y emotivos con una gracia encantadora y el sello inconfundible de dos grandes del cine, Burton y Disney.
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  • Operación Skyfall
    Una joyita en la saga

    El 007 vuelve más maduro que nunca, aunque con algunos toques de renovación que pone contento al espectador que no se cansa de sus operaciones secretas y querrá verlo por mucho tiempo más en la gran pantalla.
    La otra vez había una trivia en una red social muy conocida donde se preguntaba a los fans de la saga ¿cuál era el mejor James Bond de todos los que han dado vida a esta histórica franquicia? La respuesta fue contundente, Daniel Craig. Creo que su elección como el mejor Bond puede ser discutible, pero sin dudas está en el Top 2 de intérpretes. Con Craig volvió la frialdad, el anti heroísmo, la personalidad más recia y no tanto ese perfil "Larry Crowne" que le había dado Brosnan. Este nuevo Bond está adaptado a estos tiempos, es más profundo, pero no pierda los sellos característicos que lo distinguen de otros super agentes del cine.
    En esta ocasión, un ex agente del MI6 vuelve a escena para atormentar y vengarse de M, personaje interpretado por la siempre bien recibida Judi Dench. Un aspecto muy positivo y a la vez un poco bizarro, tiene que ver con la personalidad que se le imprimió al villano, un Javier Bardem fabuloso que se paseó entre los traumas de la traición seudo maternal, la indefinición sexual y la genialidad informática.
    La película presentará los ingredientes clásicos, chicas Bond infartantes, equipamiento de última tecnología, redes de engaños al por mayor, y por supuesto, tiros y trompadas, muchas trompadas! También, habrá algunas sorpresas e introducciones que dejará contento a más de uno.
    No es menor mencionar que el director de este trabajo fue nada más y nada menos que Sam Mendes, responsable de la ganadora del Oscar "Belleza Americana", "Camino a la perdición" y "Revolutionary Road" entre otras. Se nota el toque dramático que aporta Mendes, pero sin perder la línea que se viene trazando con el Bond de Craig.
    Creo que no es la mejor película de toda la franquicia como anduve esuchando por ahí, pero si se puede considerar que es un muy recomendable exponente de lo que significa la saga Bond y lo que representa un buen entretenimiento de acción y espionaje.
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  • Locos por los votos
    Habilidades individuales

    "The Campaing" o "Locos por los votos" es la nueva comedia del realizador Jay Roach, responsable de otros trabajos como "La familia de mi novia" 1 y 2, y la franquicia de "Austin Powers" entre otros. Como podrán apreciar el tipo tiene experiencia en comedias, y a su vez, posee otra característica en particular que lo hace destacarse, ir cambiando el tipo de humor que pone en pantalla de trabajo en trabajo, es decir, no sigue una línea definida como por ejemplo lo hacen Todd Phillips ("¿Qué pasó ayer?" 1 y 2, "Proyecto X", "Todo un parto") o David Zucker ("La pistola desnuda" 1 y 2, "Scary Movie" 3 y 4), sino que va alternando en la forma de construir la comedia. Personalmente disfruté muchísimo del humor utilizado en "La familia de mi novia", hasta llorar de la risa incluso, pero por ejemplo con "Austin Powers" me aburrí como nunca. En "Locos por los votos" el director combina una línea de humor subida de tono con los sellos característicos de sus protagonistas, como ser la pateticidad, la bizarreada y el amaneramiento de Zach Galifianakis, y el "Trash Talking" junto con la comedia física de Will Ferrell. Dejar que estas estrellas de la comedia sean libres y hagan sus gracias emblemáticas es una jugada inteligente, potenciando el talento de ambos y haciendo que las habilidades individuales de cada uno rindan sus frutos. El problema surge cuando esto no va bien acompañado con una historia atractiva, que además de hacer reír al espectador con las payasadas de los personajes, logre mantenerlo interesado con lo que sucede detrás de la comedia. Creo que Roach debería haber sido más cuidadoso con el trasfondo del film, plantear junto a los escritores una trama más consistente y no tan tirada de los pelos. Se nota que hay poco contenido, sobretodo para una película que está satirizando y de alguna manera criticando, algo tan importante como la política en el país más poderoso del mundo. La película parece ser algo más cercano a sesiones de improvisación de 2 habilidosos del humor unidas frágilmente por una línea narrativa construida con hilo barato. "Locos por los votos" es divertida y hasta presenta algunos momentos realmente hilarantes, pero teniendo en cuenta la materia prima y la experiencia del director, podría haber sido magistral y trascendental, ubicándose en el podio de las grande comedias, cuestión que sospecho, no llegará a suceder.
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  • Histeria - La historia del deseo
    Vibrando sin potencia

    "Hysteria" es una suerte de comedia romántica elegante que utiliza como trasfondo la historia de la invención del vibrador (sí, el artefacto sexual) para captar un poco más la atención del espectador, cuestión que en cierta forma logra, pero no es todo lo burbujeante que uno podría esperarse de una trama de este tipo. Su mayor logro y a la vez defecto, es la sobriedad y elegancia que tuvo la directora Tanya Wexler para tratar un tema que podría haber resultado delicado al momento de poner en pantalla. El tratamiento que se hace del tema es muy cuidado y de buen gusto, pero a la vez se mantiene en la senda segura y no arriesga nada para convertirse en una historia trascendente.
    Los actores son correctos, la ambientación es correcta, la trama es correcta, todo es correcto... ¿Entonces donde falla? Hay 2 grandes problemas que hacen que este film no sea un buen producto. En 1er lugar está el tema, no menor, del carisma. Salvo el personaje de Maggie Gyllenhaal, todos los demás protagonistas de la historia son insulsos, poco interesantes, aburridos. Están bien interpretados por figuras de talento como Jonathan Pryce, Hugh Dancy, Felicity Jones y Rupert Everett (una alegría verlo de nuevo en cine), pero el problema es que las personalidades de esos personajes que deben interpretar son chatas e irrelevantes. El 2do problema es que la parte amorosa de los protagonistas le hace sombra al tema de la invención del vibrador, algo que podría haber resultado mucho más interesante y divertido si se le prestaba la atención necesaria. Aquí creo que se equivocan los productores y la directora al optar por el camino más convencional, planteando una trama romántica en donde la cuestión del vibrador pasa a ser un artefacto secundario.
    Los momentos de comedia son apenas tibios, causando ese tipo de sonrisa débil que tiene lugar cuando uno tiene el gesto por amabilidad. Una peli que algunos podrán disfrutar, pero que a la mayoría le resultará efímera y desabrida, sobre todo para una temática que podría haber producido mucho más momentos cómicos y atractivos.
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  • Sinister
    Sinister
    Cinélico
    La fórmula "Insidious"

    Hace mucho tiempo que una película de terror clásico no lograba asustarme y ponerme tenso como sí lo hizo este trabajo del director Scott Derrickson. El año pasado una buena sorpresa había sido el film "La noche del demonio" ("Insidious"), que volviendo un poco a la raíces del terror más clásico, logró buenos resultados de audiencia y de crítica. Con este nuevo trabajo de los productores Jason Blum y Brian Kavanaugh-Jones en conjunto con Derrickson, creo que se logró superar a aquella buena película de 2011, e incluso confirmar que el género del "Terror" no está muerto, simplemente está infectado por la presencia de un sinfín de directores y guionistas maderones que tienen puesto el foco únicamente en la moneda chica que van a facturar y no en los estándares de calidad de sus productos, cuestión que al final del proceso, les daría mayores ganancias y un buen renombre. Posee secuencias de filmación tipo "caseras" que realmente son escalofriantes y hacen quedar a las pesadas escenas de "Con el diablo adentro" como un juego de niños. Los violentos tapes que encuentra el protagonista en su ático realmente no tienen desperdicio y hace que uno tenga el desea morboso de que siga encontrando más videos horrorosos con los que inmolarnos.
    La trama no es de lo más original, hay que decirlo, pero es innegable que las sensaciones que genera en el espectador son genuinas y duraderas. Demonios, casas engualichadas, asesinatos misteriosos, son todas cuestiones que ya hemos visto varias veces en la gran pantalla, pero aquí se confirma que si hay un buen trabajo de cast, coherencia y un poco de imaginación para armar la historia, además de un trabajo de montaje impecable, se puede lograr un film interesante y de calidad.
    La mezcla de buenas interpretaciones con una edición de sonido magistral, es el plato fuerte de "Sinister". El gran Ethan Hawke hace un trabajo espectacular transmitiendo la desesperación in crescendo que va experimentando su personaje.
    El final no es el punto más alto del film y pareciera que les costó un poco cerrarlo, pero aún así, "Sinister" seduce y aterroriza con mucha gracia.
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  • ParaNorman
    ParaNorman
    Cinélico
    Aventuras que no subestiman

    "ParaNorman" es un extraño trabajo de animación que logra aterrorizar y divertir por igual sin subestimar a su público principal, los niños. Trata temas que uno podría catalogar como "adultos", como por ejemplo la vida después de la muerte, las consecuencias de tomar malas decisiones y la redención entre otros, cuestiones que a priori uno podría pensar que resultan muy densas para los niños, pero extrañamente el tratamiento de estas temáticas y la forma que eligieron los directores para abordarlas, resultó de lo más interesante y atractivo de la propuesta.
    Los directores Sam Fell ("Los que el agua se llevó") y Chris Butler (debutante) supieron combinar sus habilidades y experiencias para elaborar una aventura de animación, que deja un buen mensaje y hasta moraleja, pero que en ningún momento resulta boba o cursi. Butler por su lado estuvo ligado a la película de Tim Burton, "El cadáver de la novia" como storyboard artist, y Fell por otro, armó una buena experiencia en el campo del stop motion. Ambas influencias y talentos están claramente impregnados en este trabajo, que tranquilamente podría haber sido un exponente de la mejor colección animada del Sr. Burton.
    El niño freak se pone la salvación de su pueblo al hombro y enseña en el camino, que más allá de las malas decisiones y las dificultades que pone la vida delante nuestro, nunca está justificado hacer el mal, siempre hay tiempo para arrepentirse y nunca está de más tratar de arreglar lo desecho. No recuerdo muchos productos de este tipo que toquen temáticas tan profundas y que se la juegue a la hora de narrar y componer la historia como lo hizo "ParaNorman", algo que aplaudo por la valentía y la fidelidad que se tuvo a la forma de hacer cine de los realizadores. Con tantas animaciones de buena calidad pero que siguen siempre un hilo conductor inocentón y hasta en ocasiones sistemático, un film como este representa una brisa de aire fresco que nunca viene mal para refinar el gusto cinéfilo. Para disfrutarla con chicos y grandes.
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  • Argo
    Argo
    Cinélico
    Consolidando el talento

    Con cada película nueva que dirige, Ben Affleck se va convirtiendo en un activo cada vez más valioso para la industria del cine. Su triplete de trabajos como director incluye, además de este film, a 2 muy buenas películas como son "Gone, baby gone" y "The Town", cintas de tipo thriller/policial que demostraron la calidad y el ojo de Affleck para estar detrás de cámaras. Se nota que el tipo disfruta muchísimo planificar cada detalle de sus trabajos, desde la duración hasta aquellas pequeñas imágenes sugerentes que enriquecen los productos audiovisuales y le dan realismo.
    En "Argo" vuelve a jugar con la combinación de los géneros thriller y policial, algo que se está convirtiendo ya en su sello característico con el agregado de experimentar un poco en el campo del espionaje. La trama se basa en una misión de rescate desclasificada por el ex presidente Bill Clinton en 1997, que contaba como la CIA junto con la ayuda de artistas de Hollywood, planearon y ejecutaron el rescate de 6 ciudadanos estadounidenses que estuvieron más de 1 año escondiéndose en la embajada de Canadá en Irán tras una revuelta violenta que tuvo como resultado el secuestro y asesinato de muchos extranjeros occidentales en ese país. ¿La excusa para sacar a los captivos sin que los iraníes se percaten?, la filmación de una película ficticia de ciencia ficción para la que debieron realizar promoción comercial, viajar a la locación (Irán) e incluso, contratar a artistas del celuloide para inventar un guión.
    La historia es distinta y tuvo la suerte de caer en las manos de este minucioso del séptimo arte, que tomándose su tiempo, no dejó nada al azar y elaboró un policial de esos que valen la pena ver varias veces.
    Quizás el trailer no le hace justicia y confunda a más de uno que asistirá a la sala creyendo que está por ver una especie de "Ocean's Eleven" con el carilindo de Ben... no es precisamente un producto que lleve ese ritmo y tampoco tiene el tinte comercial de aquel trabajo. Aquí el cometido es atrapar al espectador con los procesos y sensaciones más realistas que pueden haber experimentado los verdaderos protagonistas de la historia, algo que según mi criterio se logra con creces sin caer en el aburrimiento y manteniendo tensionado el público, algo que todo buen thriller policial debería cumplir.
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  • Un reino bajo la luna
    Amor Lunático

    ¡Aplausos para Wes Anderson que lo hizo de nuevo! La capacidad que tiene este tipo para crear mundos mágicos de situaciones comunes de la vida es increíble y le hace muy bien a la industria del cine. Sus trabajos no son para todo el mundo, y no lo digo en un sentido snobista, sino que el cine que elabora no es convencional, no es mainstream, y eso puede afectar la apreciación de muchos espectadores que no gustarán de su humor ni de su forma de ver el mundo. A mi personalmente me parece fantástico, un cine que en la imaginación y la simpleza transmite historias mínimas con auras de fantasías aventureras.
    Aquí en "Moonrise Kingdom", se cuenta la historia de 2 niños enamorados que deberán buscar una manera de estar juntos a pesar de las negativas de sus padres, cuestión que logran al menos por un rato produciendo consecuencias en la vida de los personajes que los rodean, un guía scout menospreciado, el infeliz policía del pueblo, un matrimonio en ruinas y más. A simple vista no parece una historia muy rebuscada, ni excéntrica, pero créanme, este trabajo es muchas cosas menos ordinario. Las personalidades caricaturizadas que tanto prestigio le han valido a Anderson, vuelven con fuerza y conforman un grupo de personajes tan raros como adorables, todos individualmente y en su conjunto. Los diálogos son breves pero contundentes, y están muy bien respaldados por la comunicación gestual que en este trabajo, cumple una tarea importantísima.
    Un film para disfrutar de la visión fantástica e interesante que plantea Wes Anderson sobre las situaciones cotidianas de la vida. "Moonrise Kingdom" es un cóctel cinematográfico de sabor extraño, al que si le agarramos el gustito, nos hará disfrutar de todos sus ingredientes con una explosión de sensaciones en mente y alma.
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  • Actividad paranormal 4
    ¿Producción en serie del Terror?

    Lamentablemente, no cumplió con las expectativas que se habían generado luego de la exitosa 3ra entrega y creo incluso, que es la peor de toda la franquicia.
    Es verdad que no soy un seguidor entusiasta de la saga, pero cualquier amante del terror de calidad estaría de acuerdo conmigo en decir que la historia de Actividad Paranormal, ¡no da para más! Una trama muy pobre cuyo único logro fue conectar estos nuevos eventos paranormales con la protagonista de la 1ra entrega, algo que remite a tiempos cinematográficos mejores... no mucho más... Prácticamente no sucede nada de nada hasta el minuto 60 de la película, aburriendo al espectador y haciéndolo caer en la cuenta de que volvió a tirar dinero a la basura. Literalmente hay momentos de captación en cámara por parte de los videoaficionados que protagonizan el film, que no muestran nada más que un destello de luz o una sombra borrosa que se mueve sutilmente... Si nos quieren asustar con esas huevadas en el año 2012, no me queda otra cosa que pensar que nos están tomando el pelo. Lo dije anteriormente en la review que hice sobre la cinta "Con el diablo adentro" y lo vuelvo a repetir: ¿Hasta cuándo vamos a consumir esta bobada? Parece mentira, pero cuando uno revisa el top 5 de films con más espectadores en Octubre según el sitio especializado Ultracine, "Actividad Paranormal 4" se ubica 1ra cómoda, dejando mucho más abajo al tanque "Búsqueda Implacable 2" y a "Sinister", otra historia de terror que supera ampliamente en calidad cinematográfica a esta bazofia que cada vez se aleja más del arte y se va convirtiendo en un producto perecedero que se produce en masa y sistemáticamente (es la 3ra entrega en el 3er año consecutivo) con el único objetivo de recaudar guita hasta que los números den en rojo y recién ahí, dejar de castigarnos con estas pobres producciones. Considero que el cine debería ser más meticuloso y cuidadoso con el arte que aplica a sus historias que una empresa de producción masiva o en serie... ¿Estamos llegando a la era de la producción en masa de films? ¿Secuelas interminables de estreno anual que sobreviven mientras los dividendos estén en verde? Espero por el bien de todos, que NO.
    Los protagonistas de "Actividad Paranormal 4" son insulsos, sobre todo el personaje principal, una adolescente estándar que nota algo raro en su vecinito, Robbie, o mejor dicho Hunter. Hay objetos que se mueven solos, sobresaltos de sonido y personas poseídas... igual que en todas las entregas anteriores con la diferencia de que en ésta, el miedo y la tensión brillan por su ausencia.
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  • Dredd
    Dredd
    Cinélico
    Cuando una remake tiene sentido

    Una de las sorpresas más gratas del 2012 que lamentablemente no recibió la atención que merecía por parte de los espectadores, quizás por falta de promoción efectiva o simplemente prejuicio hacia esta historia que ya hace varios años, fue llevada a cabo vergonzosamente por el director Danny Cannon y protagonizada por Sylvester Stallone.
    Al que está leyendo esta crítica y forma parte del grupo que no la fue a ver porque esperaba que fuera igual o más mala que la versión de 1995, les digo que este trabajo del director Pete Travis ("Vantage Point") no tiene absolutamente nada que ver con aquel fiasco y presenta a este famoso antihéroe como lo queríamos ver, cool, frío y brutal.
    Los primeros 10 minutos marcan el estilo y el ritmo de la película, que a medida que va avanzando se convierte en un entretenimiento cada vez mejor. El juez Dredd despliega su personaje a pleno y no está empañado por la personalidad del actor que lo interpreta, en este caso, el actor Karl Urban al que casi ni se le ve la cara detrás del casco que lleva durante todo el film. Es difícil lograr un personaje atractivo que no se identifique con su intérprete, que no tenga una buena carga de talentos y mañas del actor que la da vida, pero sorprendentemente "Dredd" lo logra y el personaje trasciende al actor, algo que sin dudas es una muestra del ojo calificado del director para hacer renacer a este duro de los cómics.
    Comercialmente no le fue muy bien, cuestión que espero no ponga en peligro una continuación de este producto de acción y ciencia ficción que por lo menos a mí, me sorprendió y me entretuvo como pocas lo han logrado este año.
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  • Looper: asesinos del futuro
    Creatividad! Te damos gracias

    Original e inteligente film del director y escritor Rian Johnson. Una de las propuestas más originales de los últimos años en materia de ciencia ficción y acción, algo que muchos espectadores, entre los que me incluyo, agradecemos fervorosamente.
    Creo que la historia es bastante compleja y rica como para intentar hacer una sinopsis corta, por lo que voy a optar por resaltar las bondades de la peli sin entrar en detalles sobre el tema que trata. En 1er lugar, me parece fantástico que la creatividad haya retornado nuevamente en los estudios hollywoodenses, ya que la ciencia ficción es uno de los géneros que venían medios chocados últimamente, no tanto como el género del Terror, pero sí se estaba notando una tendencia creciente a hacer remakes (bastante mediocres) de historias que hemos visto hasta el hartazgo en los '90 y la falta de ideas originales se hacía cada vez más evidente. Aquí la trama nos sumerge en un futuro decadente en el que conviven asesinos a sueldo, ciudadanos frívolos a los que sólo les interesa drogarse y pasarla bien en la gran ciudad, personas con mutaciones psíquicas y algún que otro ser humano con un poco de dignidad y sentido de comunidad. Quizás, uno a simple vista lee estas características del film y puede pensar que hay una especie de rejunte de otras historias exitosas de ciencia ficción, cuestión que en parte es cierta, pero lo que hace realmente interesante a "Looper", es el talento que tuvo su director y escritor para narrar una historia de revelaciones y redenciones contextualizada en un escenario totalmente innovador y atractivo, que además, tiene una estética muy cuidada e hipnótica.
    En 2do lugar, quiero resaltar la labor de Joseph Gordon-Levitt, ese flaquito de pelos largos que actuaba en "3rd Rock from the Sun" que ahora la está rompiendo en la gran pantalla, participando y formando parte fundamental de los repartos de peso en películas como "El Caballero de la Noche Asciende", "50/50" y "El Origen".
    Lo de Willis es bueno también, pero el viejo ya tiene sus mañas y se nota que los perfiles de sus personajes tienden a ser bastante similares y repetitivos. Completan Emily Blunt, Paul Dano, Piper Perabo y Jeff Daniels ("Tonto y Retonto") en interpretaciones que resultan frescas y creíbles.
    Por ahí leí que es "la nueva Matrix"... me parece un poco exagerado pero entiendo porque han hecho esa comparación, y es en gran parte por el carácter innovador, la estética y la acción que por momentos deja sin aliento. Es una peli que recomendaría.
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  • Luces rojas
    Luces rojas
    Cinélico
    Expectativas... malditas expectativas

    Un poco de decepción es lo que se siente cuando uno termina de ver el film y se retira de la sala, sobre todo por las expectativas que se habían generado en torno a este nuevo trabajo del prometedor director español Rodrigo Cortés, el mismo que se hizo cargo de la exitosa "Enterrado". El reparto que compone la historia también suscitaba mucha ansiedad, las superestrellas Robert De Niro y Sigourney Weaver junto a uno de los jóvenes actores más talentosos de los últimos tiempos como es Cillian Murphy, esto sumado a una trama sobrenatural interesante y pocas veces vista en la gran pantalla. El problema fue justamente esa expectativa gigante que se creó para una producción que, sin ser mala, no era todo lo fabulosa que se venía prometiendo en la promoción del film. Esperar mucho de alguien o algo, a veces produce este tipo de decepciones, sobretodo cuando el producto en cuestión no está a la altura de las circunstancias como es el caso de "Luces Rojas". Rodrigo Cortés se equivocó en querer ser original emulando a un controvertido como es M. Night Shyamalan... esta vez la vuelta de tuerca no produjo el efecto que seguramente el director se imaginó en su cabeza y el final de la historia termina siendo una copia media chabacana de alguna conclusión Syamalanama (me salió con rima y todo).
    El trabajo de todos los actores es muy bueno, sobre todo el del protagonista Cillian Murphy y el de Sigourney Weaver, pero más allá del talento interpretativo y del buen ojo de Cortés para crear tensión y clima, la película se va cayendo de a poco a medida que avanza el metraje, en gran parte, por la falta de resolución de una trama que estaba bien encaminada pero que no supo cerrar con la sorpresa y el impacto deseado, y por otro lado algunos problemas estructurales que no se solucionaron de la mejor manera. El espectador llega medio agotado al final.
    Creo que las aguas van a estar divididas... habrá gente que disfrute bastante este thriller sobrenatural y otros que no saldrán del todo convencidos de la sala... yo soy de estos últimos.
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  • Hotel Transylvania
    Diversión con monstruos míticos

    "Hotel Transylvania" es una de las gratas sorpresas del año en materia de animación, y que aún con poca promoción (al menos en Argentina), logró llevar a las salas a un buen número de espectadores que en su mayoría quedaron encantados.
    La historia de esta comedia es simple: El conde Drácula ha construido un hotel de lujo para todos los monstruos que han sido rechazados y perseguidos por la sociedad humana durante siglos, algunos de ellos son Frankestein y su familia, el hombre lobo, la momia, el yeti y otros monstruos célebres. En este caso, los fenómenos sobrenaturales son personajes bondadosos, divertidos y muy familiares, cuestión que se ve bien remarcada en la trama del film. El único problema que tienen es el rechazo que los humanos le han cargado durante toda la vida, cuestión que los hizo alejarse de la sociedad y vivir escondidos con temor al encuentro directo con las personas normales, sobre todo el conde quien sufrió un tragedia familiar que lo dejó viudo y por la cual tuvo que hacerse cargo él solo de su hija Mavis, una vampira curiosa que muere por conocer el mundo exterior. Los problemas, y por ende la diversión, surgen con la visita imprevista de un muchacho humano, un mochilero adolescente loco que les enseñará que no todos las personas son malvadas y destructivas.
    La historia tiene esa buena vuelta tuerca en la que se invierten los roles, y son estos monstruos míticos los que tiene miedo de una sociedad humana que rechaza antes de escuchar y comprender al diferente. En lo personal, creo que el mensaje es muy bueno y actual, pero sobre todo, educa de un manera divertida. Estamos en tiempos en los que poder acercarse al diferente con comprensión y sin sacar juicios injustos, se está volviendo una actitud en extinsión, por lo cuál esta comedia logra mayor importancia.
    Otra cuestión, es la notable intención de dirigir el producto a una platea más joven y menos amplia que en otros entretenimientos de animación actuales, y no está mal, de hecho el mensaje que quiere transmitir llegará mejor a esas personitas más receptivas y comprensivas que son los niños. Vale la aclaración también para advertir a los seguidores más adultos del género animación, ya que se encontrarán con una peli con menos recursos para divertirlos a ellos y una alta carga de inocencia infantil.
    Una buena opción para llevar a los chicos y porque no, hacerse niño uno un rato para disfrutar de una comedia original, bien realizada y por sobre todo, sana y divertida.
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  • Búsqueda implacable 2
    Venganza con gusto a poco

    Si "Búsqueda Implacable" era un 10 en entretenimiento y suspenso, esta segunda entrega vendría a ser un 6. Hay elementos muy importantes que hicieron al éxito de la 1ra entrega que aquí han sido dejados de lado y que fueron reemplazados, de manera muy poco inteligente, por algunos artefactos comunes de los trabajos promedio del género. Director, hágase cargo!
    No me malinterpreten... como dijo un amigo mío, hay cuestiones esenciales de la 1ra producción que se siguieron trabajando muy bien en esta secuela, como por ejemplo, los momentos de tensión, llegando en algunas ocasiones a poner al espectador al borde de la butaca. Otro elemento que se respetó, fue la acción y dinámica de la "Búsqueda Implacable" original, con un Liam Neeson asperísimo que ya se consolidó como un exponente del género a quien se debe tomar bien en serio.
    El problema de esta segunda entrega se da a partir de la sustitución de 2 elementos fundamentales de la trama original, que a mi criterio, le bajaron varios puntos a esta peli. Uno de estos elementos es la historia de trasfondo, algo que en el 1er film atrapaba, involucraba al público y lo hacía indignar a la par del protagonista. La hija de Neeson era secuestrada por una red de criminales para ser vendida como esclava sexual a algún ricachón excéntrico que quisiera pagar una tonelada de guita para divertirse con jóvenes vírgenes... era genial! Nos mostraba un submundo tan repugnante como hipnótico. En esta secuela desaparece este tipo de trama y se sustituye por el rótulo "venganza"... Lo único que quieren todos los villanos aquí es vengarse, sobretodo el padre de un infeliz asesinado por Liam que se muestra triste y compungido por la muerte de su querido hijito... un tipo que secuestraba, drogaba y vendía mujeres como muñecas inflables... como que la onda del padre no pega mucho con la que curtía el hijo. La venganza como centro de la trama resulta vacía, pobre, básica, además de que hemos visto mil películas sobre este tema.
    Finalmente, el otro problema son la evidente restricción que se le aplicó a la cinta para que resulte más adecuada a un público masivo, léase, hacerla PG-13 (apta para mayores de 13 años) y no Restricted. Esto es un moco, porque la contundencia y la violencia cruda que había en la 1ra entrega, no se aplicó a esta secuela. Nos gustaba que Liam disparara a la cabeza de algún criminal en el momento menos pensado, sin mucha palabrería y con frialdad extrema... En "Búsqueda Implacable 2", la sangre se reduce bastante y se dicen algunas frases cursis y artificiales entre tiroteo y tiroteo. Hija y ex esposa están más inútiles que nunca... ¿no habría sido un golazo que el personaje de Liam hubiera entrenado a su hija en estos años como precaución hacia un nuevo secuestro? ¿Qué tan groso habría resultado ver a una Maggie Grace más guerrera y menos llorona? Sólo algunos pensamientos en voz alta.
    Una peli que se disfruta, pero lejos está del impacto y calidad que tuvo la 1ra entrega. Ya está confirmada una 3ra parte, que esperemos levante vuelo y haga quedar finalmente bien parada a la trilogía.
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  • La casa de al lado
    Un globo inflado con nada

    Otra decepción más en el plano del terror y ya van... la verdad es que la mayoría de los seguidores de Jennifer Lawrence (me incluyo) esperaban otra cosa, una de terror salvadora que venga a echar un poco de luz en la cloaca oscura y olorosa en la que se ha convertido el género del terror en estos últimos 3 años. El trailer prometía, el cast tenía todo, pero como en la mayoría de los casos, los que fallan son la trama y la narración. El film tiene un comienzo alentador, demostrando los hechos violentos que tuvieron lugar en la famosa casa donde se cometieron lo crímenes, y de a poco también, la narración nos va involucrando con el personaje de Jennifer, Elissa. La historia se comienza a complicar cuando, tanto madre como hija, se percatan de que en la casa del final de la calle aún sigue viviendo gente y no está vacía como les habían dicho cuando les vendieron la nueva propiedad. En una noche de salida por el pueblo, Elissa conoce a Ryan, hijo del matrimonio asesinado y único sobreviviente de aquella catástrofe familiar. Aquí, cuando la trama debería empezar a tomar vuelo y agarrar ritmo, es cuando en realidad se empieza a desinflar el globo y todo comienza a ir cuesta abajo. Por momentos parece un melodrama teenager con algunos toques de suspenso forzado, como por ejemplo, una escena donde Ryan, el chico odiado y discriminado sin razón por los demás jóvenes del pueblo, es atacado por lo tipos populares que sin otra razón aparente que la estupidez, comienzan a romper con palos su camioneta... ¿les suena?, podría nombrar al menos 10 films para adolescentes donde los estereotipados chicos populares se la agarran con el auto del pobre flaco maltratado... Hollywood, ese estereotipo ya fue!! A ver si se ponen las pilas y empiezan a elaborar personajes más inteligentes y atractivos.
    Todo se vuelve predecible, sabemos quienes van a morir y quien es el malo de la película. Finalmente concluye con una escena bastante pobre en la que se trata de remarcar y justificar el accionar del villano. Cuando se recurre a este mecanismo, es casi siempre un indicador de la carencia de la trama, y "La casa de al lado" no fue la excepción. La pobre Jennifer Lawrence la remó con mucho esfuerzo, razón por la cual la cinta se torna digerible por momentos. Una entrega más en el género del terror que no logra destacarse y acrecienta su mala reputación.
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  • Resident Evil 5: La venganza
    Apocalipsis Rock & Roll

    Si se concreta el proyecto de "Los Indestructibles" versión femenina y no la convocan a Milla, voy a estar increíblemente decepcionado. ¡Qué áspera que es esta mujer y que bien le queda el rol de asesina profesional! "Resident Evil 5, la venganza" no es la película de ciencia ficción más inteligente o madura del séptimo arte, pero es innegable que entretiene. La saga Resident Evil es fantasía apocalíptica, es estética, es belleza visual, es rock & roll, y desde esos conceptos esenciales, no decepciona. Sí creo que Paul W.S. Anderson debería plantearse seriamente la idea de pasarle la posta del guión a otro escritor que le de un aire nuevo a la saga, manteniendo sus ideas concepto, pero haciendo una renovación necesaria en la forma de contar la historia. Gran parte del éxito de este quinteto de películas se debe a la elección de Milla Jovovich como protagonista principal, acompañada por la mente alocada y valiente del director Paul W.S. Anderson, pero estaremos todos de acuerdo en que la trama no es el pilar más fuerte de este fenómeno cinematográfico. Si logran pulir este aspecto, creo que podría haber Resident Evil para rato y esparcirse como un virus cinematográfico hipnótico para el cual no habría cura, tal como lo pretende la corporación Umbrella en la historia.
    Los puntos más débiles, además de la trama, tienen que ver con la sobrecarga de elementos, como por ejemplo traer del pasado a personajes emblemáticos de la saga, como Jill Valentine (Sienna Guillory) o Rain (Michelle Rodriguez), que aquí no tienen otro protagonismo más que ser clones de pelea de Umbrella. Con esto se debe tener mucho cuidado... llenar la pantalla engañosamente con roles protagónicos que finalmente serán accesorios, puede enojar mucho al fan. Un ejemplo de sinergia bien lograda, es la reciente "Los Vengadores", que logró hacer de todos esos egocéntricos superhéroes, un equipo bien cohesionado. Otro punto débil son las autorreferencias a entregas pasadas, con frases trilladas de la Red Queen y alguno que otro momento cursi que no va con la onda de Resident Evil.
    A los seguidores les va a gustar, pero se quedarán con ganas de que el próximo proyecto se ponga un poco más serio y dramático.
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  • Cacería implacable
    Esto es Thriller!

    "Cacería Implacable" es un thriller noruego con mucho ángel, sofisticación, violencia fría y que es increíblemente entretenida. Tiene algunos elementos descuidados en la narración, pero es innegable que esta gente sabe plantear buenos entretenimientos.
    El director Morten Tyldum ("Buddy", "Varg Veum") se juntó con algunos de los productores de Millenium (la trilogía de películas suecas basada en las famosas novelas de Stieg Larsson) para darle vida a una historia impactante, que ya hemos visto en trabajos similares de otros directores y estrellas hollywoodenses, pero que no pudieron lograr ni el 50% del efecto hipnótico que produce en el espectador este film que realmente es una de las sorpresas gratas del año en materia de estrenos en nuestro país.
    El protagonista se come la peli... Roger Brown es un millonario rubio cara de nada con todos los problemas habidos y por haber, que en sus momentos libres, se dedica al robo de carísimas obras de arte. Tiene poco o nada de moral, es absolutamente inseguro, egoísta, obsesivo y un poco psicótico. Es el anti héroe por definición. Pierce Brosnan en "El caso Thomas Crown" es un nene de pecho al lado de este frío y excéntrico ladrón de arte. El nudo de la trama se produce cuando aparece en su vida Clas Greve, un inteligente empresario que trabajaba para la competencia y que ahora pretende ocupar un puesto en la corporación donde trabaja Roger. Con el correr del metraje se irán develando las verdaderas intenciones de Clas, y Roger se verá envuelto en un infierno en el que nunca se imaginó estar metido.
    Lo mejor es sin dudas, la tensión que se logra crear en el público, alternando escenas de frías interacciones entre los protagonistas con otras escenas de violencia extrema y vueltas de tuerca voladas que desacomodan el cerebro, pero de buena manera. Está cargada con un cierto realismo que la convierte en un producto mucho más impactante y aterrador que una peli típica del género llena de efectos especiales. Lo más flojo es quizás la falta de fluidez en la narración, que por momentos hace saltos temporales en la historia que no son conectados de la mejor manera. Por lo demás, un thriller bastante recomendable que vale la pena disfrutar en la gran pantalla antes de que la retiren prematuramente para poner en cartel alguna otra estupidez de exorcismos y casas embrujadas. Una joyita del film, el dogo argentino que aparece en algunas escenas de persecución... que lindo bicho!
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  • Buscando un amigo para el fin del mundo
    Un final más que aburrido

    Este es el típico caso en el que se intenta de una manera muy engañosa convencer al espectador de ir a ver al cine una historia que poco o nada tiene que ver con lo que se promociona en los trailers, los posters y los comentarios de los protagonistas. En "Buscando un amigo..." todo es chato y lento, con algunos momentos de levante, pero en general es bastante pesada. Steve Carell vuelve a un rol que no nos gusta, ese tipo inexpresivo y depresivo que no sabe que hacer con su vida.. ¿les suena "Dan, un tipo con suerte"? Una seudo comedia con un estilo muy parecido a aquel trabajo del astro cómico que pasó sin pena y sin gloria por las carteleras.
    Quisieron hacer algo un poco más experimental, lo entiendo, pero eso no es excusa para entregar un híbrido que no logra captar la empatía del espectador, ni como comedia, ni como historia romántica. Los momentos que se suponen deberían ser románticos carecen de toda química entre los protagonistas, quizás por la pobreza del guión o simplemente es que no hay piel entre Keira y Steve. Otra cuestión que no convence tiene que ver con las personalidades de los protagonistas, ya que resultan aburridas, poco interesantes y hasta detestables. Uno se queda esperando con ansias que venga el fin del mundo y los extermine a los 2 lo más rápido posible.
    Lo más atractivo de la película está, en mi opinión, en las formas bizarras de lidiar con el exterminio de la humanidad que se manifiestan en las personas que van apareciendo en la historia, demostrando de alguna manera lo miserable que puede ser el Hombre cuando está desesperado y deja de lado sus valores, todo esto tratado con humor por supuesto. Lamentablemente esto representa el 20% del film, centrándose el otro 80% en la evolución de la relación amorosa de los protagonistas, algo que termina resultando la historia de amor más aburrida del año.
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  • La casa del miedo
    Remake sin sorpresas

    "La casa del miedo" es la versión norteamericana de un film uruguayo de terror ("La Casa Muda") que mezclaba lo fantasmagórico con acontecimientos de la vida real, donde no todo era lo que parecía a simple vista, logrando un entretenimiento austero pero efectivo. Sin ser una historia de lo más original, lograba introducir algunas vueltas de tuerca a la trama para posicionarse como un film respetable de la industria latinoamericana de cine. Esta nueva versión de los directores Chris Kentis y Laura Lau ("Mar Abierto"), tiene uno que otro momento bueno, mérito 100% de su protagonista, la joven Elizabeth Olsen, pero en la sumatoria de elementos termina cayendo en el mismo pozo del olvido y desilusiones que la mayoría de las cintas de terror de este último tiempo.
    En 1er lugar, es una remake de un film que ya hemos visto antes, sin sorpresas nuevas que agreguen valor real a esta nueva producción, y en el caso de que no la hayas visto todavía, presenta un tipo de subgénero del terror que resulta conocido por otros trabajos anteriores que gozaban de mayor calidad. Si les llegara a nombrar la peli a la que se asemeja la trama, les haría un spoiler gigante y no es la idea arruinarles la experiencia.
    Otra cuestión que le jugó en contra es la forma de hilar los acontecimientos que van sucediendo sin caer por momentos en situaciones ridículas, en las que se evidencia claramente una falta de cuidado para con los detalles. Algunos personajes de reparto totalmente intrascendentes, clichés clásicos del género y varias situaciones absurdas forman parte del paquete de descuidos que le bajó puntos a esta producción.
    Quizás los adictos al género que aún no hayan visto la versión uruguaya la encuentren aceptable y se contenten con algunas vueltas tuercas de la trama, pero si sos de los que ya la vieron y estás esperando que te sorprendan con algo original, no creo que esta sea una buena opción. Lo vuelvo a repetir, mejor andá a ver el film español "Mientras Duermes" que te va a aterrorizar mucho más.
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  • ¿Qué voy a hacer con mi marido?
    Para renovarse nunca es tarde

    "Hope Springs" o "¿Qué voy a hacer con mi marido?", es una nueva comedia del director de "El diablo viste a la moda" y "Marley y yo", David Frankel. Aquí se arriesga un poco más y se mete en los problemas matrimoniales de una pareja ya entrada en edad, ahondando en la falta de comunicación, la rutina y las carencias sexuales, consecuencias de una extensa y repetitiva vida conyugal.
    Los protagonistas son los ya consagrados Meryl Streep y Tommy Lee Jones, acompañados por Steve Carell en el rol de terapeuta de pareja.
    La película tiene sus altos y sus bajos, promediando un entretenimiento bastante aceptable que los hará reír y sentirse bien consigo mismos. Es una peli liviana, que no requiere de mucho esfuerzo, pero que se mete como ya lo han hecho algunos otros títulos este año, con las historias de la 3ra edad, con las vivencias y situaciones que deben afrontar las personas pasados los 60 pirulos. Quizás un film como "El exótico hotel Marigold" invita a una reflexión más profunda y emocional acerca de la vida en los comienzos de la vejez, en cambio "¿Qué voy a hacer con mi marido?" ofrece una mirada mucho más liviana y superficial acerca de esta temática, lo que no es negativo, pero sí se debe tener en claro qué es lo que estamos buscando al momento de la elección y con que nos vamos a encontrar en pantalla. Como comedia romántica funciona bien, entretiene, tiene un buen despliegue de interpretaciones y no hay mucho más allá de eso. El mensaje es simplemente no bajar los brazos y darse cuenta que nunca es tarde para renovarse.
    No es memorable y sospecho que no entrará en la lista de títulos célebres de la comedia romántica, pero para pasar el rato y divertirse con los inconvenientes y vicisitudes de dos veteranos simpáticos, vale la entrada al cine.
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  • Salvajes
    Salvajes
    Cinélico
    The Real Laguna Beach

    "Salvajes" es un buen y entretenido thriller de acción dirigido por Oliver Stone, en el cual se toma la historia de una novela moderna del escritor Don Winslow (que lleva el mismo título que el film) y se le aplica la buena narrativa y la experiencia del director. A título personal, debo decir que prefiero infinidad de veces al Stone épico y grandilocuente que nos ofreció trabajos como "Pelotón", "Wall Street" y "JFK". Esta nueva etapa artística un poco más simplona con títulos como "Las Torres Gemelas", "W" y "Wall Street 2" no me copa mucho... de hecho, pienso en ellos como entretenimientos pasajeros, intrascendentes, que no quedarán en la historia del cine como sí lo harán algunas de sus cintas de los '80s y los '90s.
    La trama tiene una especie de aura progre en la que se toman situaciones normales que ya hemos visto muchas veces en el cine, pero se le agregan algunos condimentos que la hacen un poco más vistosa, cuestión que en gran parte es mérito de Winslow, escritor de la novela. Por ejemplo, O (Blake Lively) es una fuertísima rubia de Laguna Beach que vive su relación amorosa en un trío consensuado con Chon (Taylor Kitsch) y Ben (Aaron Johnson), dos mejores amigos que se dedican al contrabando de marihuana de alta calidad, y en sus momentos libres, a la filantropía. Otra vuelta de rosca, es que el capo del narcotráfico mexicano y rival de estos jóvenes emprendedores es una mujer, Elena (Salma Hayek), una viuda despiadada que se hizo cargo del imperio mafioso de su esposo. Bueno... y así algunos condimentos más que la convierten en una propuesta atractiva, al menos para pasar el rato.
    La calidad de las actuaciones está un poco repartida, destacándose el trabajo de Benicio del Toro, Blake Lively y Demián Bichir, por otro lado, los protagonistas masculinos, Aaron Johnson y Taylor Kitsch, no fueron de lo mejorcito.
    Hay mucha acción con algunas escenas de decapitación incluidas, hay sexo con cuerpos sudorosos en 1er plano (Sí chicas, salen Taylor y Aaron en bolas), y algunas vueltas de tuerca que pueden impactar sobre el final.
    Una propuesta buena para ver en la gran pantalla, pero que no producirá ningún efecto a largo plazo como otras películas del director.
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  • La aparición
    La aparición
    Cinélico
    Cóctel vomitivo

    "La Aparición" es una película cuya premisa se puede decir que tenía buenas intenciones, pero terminó siendo un mezcla totalmente vomitiva y cutre de otros productos como "La Llamada", "El Grito" y "Pesadillas en la calle Elm". Se suma a la interminable lista de producciones aburridas y de mala calidad que nos han estado ofreciendo estos últimos 2 años desde Hollywood. El género del Terror está atravesando una crisis de creatividad enorme, se toma por estúpido al espectador y se le vuelve a mostrar con efectos visuales más espectaculares las mismas huevadas que nos vienen mostrando hace tiempo en films totalmente intrascendentes. Al fantasma de "El Grito" ya lo vimos... no nos asustó! La idea de que el terror se vuelve real si creemos en él, también lo vivimos en otras sagas, por ejemplo las 8 películas de Freddy Krueger. ¡Basta de robar! Siéntense aunque sea un par de horitas a pensar algo innovador y dejen de refritar historias mediocres.
    Sobre este trabajo no hay mucho para comentar... un grupo de estudiantes realiza un experimento con el que pretenden crear una entidad fantasmagórica invocando y creyendo en su existencia; lo logran. Acto seguido el espíritu los comienza a acechar y aterrorizar para hacer crecer su poder y atormentarlos por toda la eternidad. Para luchar contra el espectro, la pareja que está sufriendo las consecuencias del experimento, se contacta con un amigo especialista en lo paranormal (Tom Felton de Harry Potter) y las cosas lejos de mejorar se van tornando cada vez peores. Fin.
    Las actuaciones no son convincentes, los momentos que se suponen deben dar miedo resultan aburridos y nunca llegamos a identificar una pizca de originalidad en los 82 minutos que dura la cinta. No es recomendable ni para los fans más benévolos del género. Y pensar que yo creía que "Posesión Satánica" iba a ser lo peor del año...
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  • Ted
    Ted
    Cinélico
    Mundo McFarlane

    "Ted" marca el exitoso debut como director de largometrajes del alocado Seth McFarland, responsable de famosas series animadas como "Hombre de Familia" y "American Dad". Si alguna vez han visto capítulos de estas series, sabrán cómo es el humor irreverente y super ácido que le gusta hacer a McFarlane, usando chistes de tipo escatológicos, racistas y por supuesto, de tipo sexuales.
    Personalmente, tengo sentimientos encontrados en cuanto a este tipo de humor, ya que hay cuestiones que me hacen llorar de la risa y otras que directamente me caen mal, me parecen estúpidas... como que sobrepasan la línea entre lo zafado y lo realmente descerebrado. Por ejemplo, el humor que se hace con los clichés raciales y que tienen un toque de maldad suelen parecerme muy graciosos al igual que la comedia física relacionada al sexo. Los insultos y las malas palabras fuertes usadas en los momentos precisos, también son fundamentales para armar un buen producto irreverente. Ahora, el humor relacionado con personas hablando gansadas producto de estar muy drogados, me parece de lo más idiota y poco divertido que se puede pagar para ver en un cine. Esta es una tendencia cada vez más creciente en la comedia americana y la verdad es que no me hace reír ni un poco... Dos o más personas poniendo cara de chino en celo mientras dicen incoherencias no valen una entrada al cine en mi opinión. El boludón que tampoco quiere madurar a pesar de tener como 35 años, también me cae pesado y tedioso. En "Ted" hay una mezcla muy variada de este tipo de situaciones, algunas para reír muchísimo y otras para aburrirse bastante. De cualquier manera, este tipo de humor está claro que llegó para quedarse y tiene su buen número de seguidores, 400 millones de dólares en recaudación no pueden estar equivocados.
    Le doy algunos puntos extras por manejar muy bien una situación tan inverosímil como un oso de peluche calentón que cobra vida y hacer de eso un entretenimiento para millones, pero ¡ojo!, si no sos de los que disfrutan de las series animadas de McFarlane, quizás no disfrutes para nada esta película.
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  • El código del miedo
    A la medida de Statham

    "El código del miedo" es un producto que ya se puede decir, está particularmente pensado y hecho para el nuevo duro de las pantallas, el pelado Jason Statham. Dedo reconocer que bien ganado tiene su título de nuevo héroe de acción, aunque varios de sus trabajos no sean parte del tipo de cine que más disfruto.
    Este trabajo en particular es como "El Transportador" pero con algunos retoques más cools y menos hollywoodenses, con un poco de internacionalización (algo que siempre es bienvenido, al menos por mi parte) en el uso de los idiomas nativos de los personajes intervinientes en el film, en este caso rusos y chinos, y el agregado de violencia fuerte y bien coreografiada.
    La trama no es de lo más original... ya hemos visto esta historia varias veces: Una niña genio es perseguida por peligrosos mafiosos que buscan sacar provecho económico de sus habilidades analíticas y matemáticas, matando a todo aquel que intenta interferir con sus planes. Es un concepto muy parecido a de la película "Mercury Rising" de Bruce Willis, en la que debió proteger a un niño autista acosado por asesinos profesionales, para lo cual se trompeó y tiroteó con todo el mundo.
    El ritmo de la historia es bastante dinámico y con buenas secuencias de acción, lo que la hace disfrutable más allá de la poca originalidad de la trama. Por suerte "El código del miedo" utiliza algunos buenos recursos fílmicos para mantener interesado al espectador como por ejemplo la frialdad de los protagonistas para asesinar dándole un clima más tenso y menos "pop", los combates cuerpo a cuerpo mezcla de "vale todo" con el kung fu más clásico y por supuesto, un entramado de traiciones y canalladas que llegan a lo más alto de las instituciones que supuestamente están para protegernos (FBI, Policía, Gobierno).
    El problema sea quizás la sobre explotación del concepto del "uno contra todos", el anti héroe invencible que saldrá victorioso de todos sus encuentros con sólo algunas lastimaduras menores. Si no se le aplican algunas vueltas de tuerca e innova en la manera de presentar al protagonista, los Transportadores, los Bournes, los Mecánicos y demás cintas de acción, terminarán por contaminar el género como sucedió con las posesiones en el cine de terror.
    Con esta zafan, pero hay claras señales de agotamiento en lo fórmula de acción que se viene implementando. ¡A pensar historias creativas!.
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  • Mientras duermes
    ¿Ya te fijaste debajo de tu cama?

    "Mientras duermes" es unas de las grandes sorpresas del año en materia de estrenos en el género Terror/Suspenso, de producción española y dirigida por el catalán Jaume Balagueró, un tipo de larga experiencia en este tipo de producciones. Junto a Paco Plaza fueron los responsables de los éxitos [REC] y [REC]2, films que ya han pasado a la lista de grandes títulos del terror, una distinción muy difícil de conseguir por estos tiempos.
    En este trabajo nos presenta a César, un portero de edificio psicópata con todos los problemas que uno se pueda imaginar y una tendencia suicida atroz. El actor que la da vida a este personaje es el gran responsable de la buena calidad de la película, logrando transmitir al espectador ese juego de amor-odio que lo tensiona e involucra hasta los huesos con el loco en cuestión.
    El único motivo de César para seguir vivo es arruinarle la vida a otro ser humano, borrarle la sonrisa y vitalidad de la cara a alguien, en este caso, la pobre Clara interpretada por Marta Etura. Sin recurrir a artilugios espirituales, ni diabólicos como nos hemos estado fumando a lo largo de este año con otros exponentes del género, se logra crear momentos de nerviosismo y tensión estupendos, en los que resulta inevitable ir cambiando de bando, por un lado deseando que no lo descubran al protagonista mientras perpetra las atrocidades más viles, y por otro anhelando que la pobre Clara se salve de la demencia de su acosador. Otro elemento fundamental es el uso del suspenso de manera creciente a medida que va avanzando la cinta, comenzando con tibios momentos de estrés hasta llegar finalmente a escenas con mucha adrenalina y verdaderamente angustiantes.
    Tiene algunos errores de guión y una que otra torpeza, pero que va, es una de terror y suspenso como hace mucho no se veía en la gran pantalla. Aplausos para los españoles que la vienen rompiendo en este género.
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  • Posesión satánica
    Plaga de demonios

    ¿Hasta cuándo? Esa es la pregunta que me daba mil vueltas en la cabeza cada vez que me enteraba que iba a estrenarse otra película más sobre posesiones de espíritus malignos y por supuesto, exorcismos de lo más ridículos y diversos. La respuesta en realidad estaba a la vista... "Posesión Satánica" cuyo presupuesto fue $14.000.000 logró recaudar sólo en su 1er fin de semana de estreno en USA el monto de $17.732.480, y en Argentina, está 3ra en recaudación semanal... es decir, somos nosotros mismos (el público) los culpables de que el género del terror esté pasando por uno de sus momentos más mediocres a nivel mundial al consumir este tipo de producciones que no hacen otra cosa que explotar las posesiones diabólicas con total torpeza e impunidad, conviertiendo a este subgénero en una plaga contaminadora. Hay muchos temas que pueden resultar terroríficos, temas de actualidad, situaciones de la vida real que son mucho más espeluznantes que exorcismos de poca monta. ¿Quieren ver algo que realmente les de terror? Vayan a ver la película española "Mientras Duermes".
    A favor de este film puedo decir que tiene un poco más de producción y calidad que los trabajos que nos hemos estado fumando este último tiempo ("Con el diablo adentro", "Donde habita el diablo"), y por suerte tampoco se filmó con la modalidad de "cámara en mano". El reparto es bastante profesional en su desempeño pero no logra superar las carencias de guión y la saturación con respecto a este tipo de historias. Comienza muy bien, con intensidad, violencia y creando expectativa (falsa) en el espectador que llega a pensar: "Quizás esta valga un poco más la pena..." Pues no... A medida que va avanzando el film, la trama se va tornando cada vez más convencional y cae en las mismas zanjas que sus predecesoras, con la diferencia de que los exorcismos ahora son llevados a cabo por judíos ortodoxos. El final que se plantea es absolutamente bobo y predecible.
    Sólo recomendable para fanáticos de este subgénero que disfrutarán de las mejoras en la calidad fílmica. Para los que venimos medios saturados con los demonios invasores, ni se gasten porque es lo mismo de siempre con un poco más de producción.
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  • Vacaciones explosivas
    I'm back cabrón

    Mel Gibson vuelve a la acción en un film, que sin muchas pretensiones pomposas, logra entretener y pasear al espectador por una montaña rusa de tiros y sangre; además vuelve a colocar al actor en el rol de macho duro con buen sentido del humor que lo caracterizó en la década del '90.
    Resulta inevitable pensar que quizás Gibson se involucró en un proyecto de este estilo para alejarse un poco de las acusaciones por racismo que ha recibido en el último tiempo, ya que en "Get the Gringo" comparte protagonismo con un niño mexicano que le ayudará a sobrevivir en la cárcel de "El Pueblito", un lugar peligrosísimo en el que la ley de la selva se aplica en todo su rigor. Yo pienso... si esta es la manera de reivindicarse un poco por sus dichos desafortunados, ¡en buena hora Mel!, hay otro giles que ni se disculpan por su idiotez.
    "Vacaciones Explosivas" está lejos de la espectacularidad y el presupuesto de otros trabajos en los que participó como "El Patriota", "Edge of Darkness" o "Corazón Valiente", pero debo decir que este pequeño film no es para nada un paso en falso en la vuelta del astro a la gran pantalla. El que va esperando una peli épica y de gran producción, lo más seguro es que se decepcione un poco, pero si van con la predisposición de entretenerse con Mel volviendo a posicionarse como un duro de la acción y disfrutar de una historia de humor negro y enredos mafiosos, la van pasar bien y pensarán que el valor de la entrada no es del todo injustificada.
    El guión tiene algunas torpezas, por supuesto, estamos asistiendo a ver una cinta que utiliza muchos clichés acerca de los mexicanos, pero por otro lado tuvo la idea innovadora de mostrar como funcionaba una de las cárceles más nefastas del mundo ("El Pueblito" sí existió en realidad) exponiendo con crudeza y humor algunas de las locuras que sucedían ahí dentro.
    Una peli muy entretenida que los hará pasar un buen momento en compañía de un grande de la acción y la comedia que vuelve con ganas de adueñarse otra vez de la gran pantalla. No es un trabajo trascendental, pero como exponente del género de acción es más que respetable.
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  • El legado de Bourne
    Se debilita la fórmula

    Vuelve la saga Bourne con protagonista renovado, un poco más de acción y un poco menos de guión. Personalmente creo que Jeremy Renner es un muy buen actor al que le falta ese factor "X" para ser un protagonista con presencia... ya sé, es un poco injusto lo que digo, pero es la sensación que me da... Lo veo como un muy buen complemento de reparto, pero como héroe de acción es como si le faltara algo... quizás un poco más de pelis en su haber y en un tiempo me cierre la boca, quizás trabajar más un sello distintivo de su personalidad o la empatía con el espectador. Matt Damon tampoco era Mr. Carisma, pero supo encontrarle la vuelta a los roles de acción y estableció su propio sello distintivo.
    Más allá de que no me convenció del todo Jeremy, la historia de traiciones y proyectos ilegales de la CIA está necesitando más que una lavada de cara en cuanto al reparto, requiere de alguna vuelta de tuerca sobre su trama. La peli es entretenida y hay muy buenos momentos de acción, pero hacer una 4ta entrega con la misma dinámica que sus antecesoras empieza a agotarse.
    Otro proyecto fallido (el ex agente Aaron Cross) de un departamento secreto del Estado norteamericano que debe ser eliminado para no quedar pegados, gente poderosa y siniestra que manda a los agentes secretos más hábiles y entrenados para cazarlo, muchas persecuciones en locaciones exóticas del mundo... ¡Renovación urgente!
    La fórmula garpa (por el momento), presenta un buen cast que incluye nombres como Rachel Weisz ("El Jardinero Fiel", "La Fuente de la Vida"), Edward Norton ("America X", "El Ilusionista") y Albert Finney ("El Gran Pez") entre otros, tiene buenos momentos de vértigo, sobre todo en el combate cuerpo a cuerpo, y la persecución nos lleva por locaciones atractivas que le suben un par de puntos al film.
    Como para pasar un buen momento de acción y meterse en los enredos del mundo del espionaje, pero no es un producto que nos vaya a volar la cabeza ni mucho menos. Si no innovan en el guión, sospecho que la próxima entrega podría ser la de despedida.
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  • Cuando los chanchos vuelen
    ¿Qué es lo que nos separa?

    "Le Cochon de Gaza" es una comedia del circuito independiente que resulta increíblemente divertida y alocada con una clara crítica hacia el conflicto político-religioso que se vive en la franja de Gaza y a las prácticas religiosas que colocan las reglas de su credo por encima del bienestar de la sociedad. ¿Qué es lo que nos separa? ¿Tiene sentido enfrentarse de la manera en la que nos enfrentamos? ¿Cuál es la razón para seguir mateniendo tradiciones o creencias que nos dividen? Estas son algunas preguntas que quedan picando en la cabeza.
    El director Sylvain Estibal construye alrededor de una historia simple pero a la vez fantástica, un film que resulta incisivo, humorístico y por sobre todo útil para hacer ese ejercicio importante llamado reflexión. La narración se encargará de mostrar realidades indignantes de esta zona de conflicto pero siempre en la órbita del humor, negro, pero humor al fin.
    La trama es simple, Jafaar (espectacular Sasson Gabai) es un pescador de esos que nunca fueron tocados con la varita de la suerte, le va mal en su trabajo, su matrimonio pende de un hilo, vive en un zona de conflicto bélico, no tiene nada dinero y le debe a gente peligrosa, pero un día la fortuna queda atrapada en su red de pesca materializada de una manera muy particular... un chancho!, sí, un cerdo que parece provenir de alguna embarcación accidentada en el agua. Resulta que el chancho es un animal considerado impuro, tanto para la religión musulmana como para sus vecinos, los judíos, por lo cual Jafaar buscará la forma de sacarse rápido de encima a semejante bestia pecaminosa... ¿o no? Accidentalmente se topa con la oportunidad de generar ingresos utilizando al cerdo como macho reproductor y como se imaginarán, todo comienza a volverse delirante y bizarro. Deberá esconder su chanchito de dinero no sólo de los vecinos bocones, sino también de los soldados israelíes que patrullan la zona e incluso comparten parte de su vivienda.
    Entre la supuesta liviandad de la comedia se dejan ver varios elementos de protesta contra la rigidez religiosa, la violencia y los problemas ligados al poder territorial de palestinos e israelitas. Una peli con buenas intenciones que logra hacer que el espectador piense y se ría al mismo tiempo, se divierta pero medite acerca de cómo somos y bajo que costos mantenemos tradiciones y creencias que más que unirnos nos destruyen.
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  • Dos más dos
    Dos más dos
    Cinélico
    Dos más Dos: ¡Suspicacia!

    Después de mil vueltas, por fin pude ir a ver "Dos más Dos" y la verdad es que casi me pierdo la oportunidad de disfrutar esta película que, hay que decirlo, es la gran comedia argentina del año. Diego Kaplan ("Igualita a mí") logra mezclar nuestra argentinidad más pura de alma conservadora con una de las prácticas sexuales más tabú por estos tiempos (al menos en nuestro país), el swingerismo. Se hace un mix muy divertido e inteligente entre los valores más arraigados en nuestra sociedad conservadora y el comportamiento sexual libre, ofreciendo un tour que nos paseará por todas las reacciones que se nos pueden llegar a ocurrir si nuestra/o esposa/o nos quisiera convencer de participar en un encuentro sexual de este tipo.
    Por un lado están Emilia y Diego, interpretados por Julieta Díaz y Adrián Suar, una pareja de profesionales exitosa, conservadora y aparentemente feliz que la lucha día a día para llevar el matrimonio adelante y no caer en la rutina; por el otro están sus mejores amigos Betina y Richard, Carla Peterson y Juan Minujín, una pareja muy similar a la anterior con la diferencia de que más allá del tiempo que llevan juntos, han logrado mantener la llama de la pasión bien viva, ¡muy viva!, a través del intercambio sexual de parejas. Una noche de festejo entre los amigos, a Betina se le ocurre invitar a Emilia a unirse junto con Diego a las prácticas sexuales que realizan con frecuencia en fiestas privadas de gente "cool" y open-minded acerca del sexo, lo que despierta en Emi fantasías que tenía reprimidas en un mar de rutina. Entre los 3, tratarán de convencer a Diego de participar en las orgías, lo que desatará las situaciones más divertidas e hilarantes que se han visto en el último tiempo en nuestra industria nacional del cine.
    Es realmente para resaltar lo de Suar... ¡no puede haber estado tan divertido en esta película, te hace llorar de la risa por momentos! Si bien el elenco está muy bien en general, los momentos que protagoniza el "chueco" son imperdibles, demostrando que es uno de los mejores comediantes que tiene este país. Carla Peterson en su rol de swingera hot también es muy divertida y funciona super bien como extremo opuesto al personaje de Suar. Acuérdense de esta palabra: "Suspicacia", la van a amar cuando salgan del cine.
    No mucho más para agregar, simplemente recomendarla para pasar un rato de carcajadas enormes, reflexiones no muy densas acerca de nuestros valores y sentirse orgulloso de nuestro humor bien argentino.
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  • El molino y la cruz
    El cuadro que cobró vida

    "El Molino y la Cruz" es una película muy particular, inspirada en el cuadro "El camino al Calvario" del artista holandés Pieter Brueghel, tiene como objetivo mostrar el posible escenario de 12 de los personajes que figuran en la pintura (en la que hay más de 100 personajes). Es un ejercicio de creatividad, experimental, fuera de lo común que dejará encantados y disgustados a espectadores por igual. Lo menos fácil de digerir es la narración de este trabajo que prácticamente no tiene diálogos, a su vez, el hilo conductor hace zigzags caprichosos y provoca los sentidos de una manera que escapa a lo convencional, por lo cual el público menos paciente y dispuesto se sentirá ansioso y quizás un poco frustrado. Por el contrario, la persona deseosa de una experiencia artística diferente podrá disfrutar de la interpretación que hace el director Lech Majewski sobre la obra del pintor y se verá inmerso en la historia como si fuera parte fundamental de aquella pintura célebre del mundo artístico. "Una imagen dice más que mil palabras" es un dicho que se aplica con todo el rigor a esta cinta, desde los momentos más duros y brutales hasta los más divertidos y livianos donde hay baile.
    Por mi parte quisiera resaltar la producción y el amor evidente que se ha depositado sobre este film que tardó en completarse 4 años, un lapso de tiempo que requiere de mucha vocación cinematográfica para no volverse loco en el intento. El poster de este post reza: "Visually Ravishing", lo que quiere decir "Visualmente Espectacular", y realmente es así, el cuadro cobra vida a través del movimiento, pero también como consecuencia del uso de los colores y la combinación de la herramienta digital con un puesta escenográfica digna de las mejores obras teatrales mundiales.
    Repito, no vayan buscando una historia convencional con inicio-nudo-fin porque se van a pegar un embole gigante. Mejor vayan predispuestos a vivir una forma de arte cinematográfica distinta, que puede o no gustar, pero que definitivamente se merece el respeto de la audiencia.
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  • Los Indestructibles 2
    Los salvajes de siempre

    "The Expendables 2" es todo lo que el fan de la acción noventosa está esperando y más. Muy inteligente y despierto resultó ser el loco Stallone que parece haber puesto de moda un subgénero de la Acción que tiene su sello propio y empieza a pisar fuerte. Es exagerada, es absurda, está plagada de referencias a los clásicos, es.. divertidísima! Toda su exuberancia está pensada cuidadosamente, no se toma demasiado en serio a sí misma y no quiere ser algo que no es. En estos 3 pilares creo que se apoya el éxito de esta peli que reúne a las grandes leyendas de los tiros y las tompradas, figuras como Bruce Willis, Jason Statham, Jet Li, Chuck Norris, Jean-Claude Van Damme, Arnold Schwarzenegger, Dolph Lundgren, el mismísimo Sylvester Stallone y más. Los que se sienten atraídos hacia este tipo de entretenimiento quieren ver a sus ídolos de la adolescencia empuñando la ametralladora más salvaje y gigante que se pueda cargar mientras tiran algunas de sus frases más célebres, quieren verlos desplegar su destreza en la lucha cuerpo a cuerpo, quieren ver pedazos de villanos volando por la gran pantalla, quieren situaciones de tensión y adrenalina bien macha, y "Los Indestructibles 2" es un film que definitivamente no escatima en ninguna de estas cuestiones para satisfacer los deseos de sus seguidores. El director Simon West ("El Mecánico", "Tomb Raider", "Con Air") retoma bastante bien el camino que impuso Sylvester con la 1ra entrega y termina por consolidar la franquicia que parece tener para ofrecer varias misiones más, incluso con una entrega paralela de "Indestructibles" femeninas!
    Si no sos del tipo de espectador que gusta de la acción descontrolada y encuentra divertida la ironía de la trama, ni te gastes porque te va a parecer un moco gigante sin otro sentido más que poner en pantalla de vuelta a esos actores que te embolaba ver en películas como "Comando", "Duro de Matar", "Soldado Universal" o "Rambo".
    Si lo que estás buscando son trompadas, armas automáticas perforando cuerpos y ver a tus ídolos en acción, ni lo dudes, esta peli te va a entretener como en los viejos tiempos y te va a dejar con ganas de más. Estos viejitos se la bancan un fardo.
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  • La era del rock
    Esos pegadizos 80's

    "La Era del Rock" es un musical, una peli fresca, divertida, liviana, con algunas estrellas de peso en Hollywood (Tom Cruise, Catherine Zeta-Jones y Alec Baldwin entre otros) y no mucho más. Si vas con esa mentalidad a verla en la gran pantalla seguramente la disfrutes y te quedes con alguna que otra melodía ochentosa pegadiza dando vueltas en la cabeza.
    Como saben los que leen mis críticas regularmente no soy para nada fan de los musicales, o mejor dicho, de los musicales modernos... me producen una suerte de caries psicológicas, me agotan y empalagan hasta la desesperación. Sé que hay muchos por ahí que comparten mi fobia hacia el tratamiento moderno de este género, pero debo reconocer que de vez en cuando aparece algún trabajo que vence mi prejuicio, me hace entrar en la onda cantarina y termina enganchándome. Los grandes musicales de antes como "Singin' in the Rain", "Mary Poppins" y "West Side Story" son buenísimos, pero a mi criterio no ha habido nada similar en el cine moderno salvo ese trabajo magnífico de Rob Marshall en 2002 llamado "Chicago". ¡Ojo!, "La Era del Rock" no es un joya como aquellas producciones, pero sí logra sacarnos por momentos de esa sensación de estar nadando en una pileta de almíbar y despierta un poco de melancolía sobre esa típica fantasía ochentosa de convertirse en una gran estrella del rock mundial. Por momentos mezcla el rock y el pop con mucha astucia, pero también hay otros en los cae en las mismas mañas de sus pares endulzando demasiado la interpretación o no otorgando una pausa necesaria al espectador entre canción y canción para que pueda procesar si le gustó lo que acaba de experimentar.
    La pareja protagonista tiene talento musical (Julianne Hough y Diego Boneta), pero no alcanzaron el carisma necesario para sacar algo fabuloso de una producción que con varios huecos en la trama se planteaba como burbujeante. Se disfruta, tiene algunos momentos divertidos y una que otra versión pegadiza de clásicos inmortales de fines de los '80. Los grandes nombres de Hollywood estuvieron un poco desperdiciados y cumplen una función bastante accesoria en el film.
    Lo mejor, Mary J. Blige que con pocos minutos en pantalla hace notar su presencia con una voz increíble.
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  • La fuerza del amor
    El poder de la paz

    "The Lady" o "La fuerza del amor" (traducción cursi si las hay) es una biopic sobre la figura de Aung San Suu Kyi, una política birmana que representa la lucha moderna por la paz usando únicamente métodos pacíficos como lo hizo en su momento el gran Mahatma Gandhi. Lamentablemente no es tan conocida como lo fue el pensador indio, lo que seguramente derivará en que su historia sea menos tenida en cuenta y siga en el anonimato para mucha gente.
    La Señora, como suelen llamarla en su país, es una mujer que ha pasado más de 15 años privada de la libertad luchando por el cambio en la política birmana y los derechos humanos de sus compatriotas, teniendo que renunciar a su cómoda vida familiar en Inglaterra e incluso estar ausente durante la muerte de su esposo, el escritor Michael Aris que falleció en 1999 como consecuencia de un cáncer de próstata.
    Este es uno de esos casos en los que la realidad es mucho más interesante que la ficción, mucho más emotiva e inspiradora. El director francés Luc Besson logra captar maravillosamente la esencia de esta figura contemporánea, ofreciendo una puesta completísima sin olvidar que el espectador además de estar aprendiendo sobre la vida de Aung San Suu Kyi, está asistiendo a ver un entretenimiento cinematográfico.
    El comienzo del film es vigorizante, épico y atractivo, bien al estilo Besson, pero luego se calma y se dedica a construir una trama que a pesar de haber quedado un poco larga para mi gusto, narra con mucha pericia los momentos más importantes de la vida de Aung San. Tiene momentos de tensión fuerte, emotivos y hasta históricos, en los que se puede disfrutar de una Michelle Yeoh impecable en rol protagónico y un siempre creíble David Thewlis (Michael Aris).
    Una muy buena historia contada por un talentoso, que más allá de sus altibajos siempre puede sorprender como lo hizo en este caso. Si la peli no llega a salas comerciales y sos de los que disfrutan de un buen biopic, no dudes en alquilarla y aprender un poco más sobre una mujer que venció al miedo y la angustia para lograr un hito importantísimo en la historia política del mundo.
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  • El vengador del futuro
    Verhoeven te queremos

    Esta es la típica remake que siempre espero que me sorprenda y a la que voy a ver con expectativas altas, algo que me doy cuenta debo comenzar a regular para que la decepción no pegue tan fuerte. La verdad es que la versión original de 1990 de Paul Verhoeven ("Robocop", "Starship Troopers") marcó una parte importante en mi gusto cinéfilo hacia el cine de ciencia ficción. Recuerdo tener unos 10 u 11 años allá por 1994 cuando vi este film por 1ra vez presentado por la gran Jorgelina Lagos (NO Virginia Lago) en un canal local de Córdoba... me había fascinado, era algo muy original y futurista, Schwarzenegger viajaba a Marte y se unía a la resistencia, se trompeaba con todo lo que se le cruzaba en el camino incluyendo a su esposa que resultaba ser una asesina contratada para eliminarlo... era fabuloso. Lamentablemente para esta nueva versión se recortó gran parte del atractivo que presentaba la trama original y se dejaron algunos aspectos que al final de cuentas no sumaron lo que esperábamos. Estoy de acuerdo con los fans que se quejan del cambio de escenario de Marte a la Tierra y del hecho de haber suprimido a los personajes mutantes que llenaban de color la versión original... era de lo más copado del film!! Esa escena de la pesadilla de Arnold en la que cae fuera de la zona protegida del planeta rojo y se le empieza a inflar la cara como un globo a punto de explotar! Otro error garrafal fue incluir a un ejército de bots copiados de la película "Yo, robot"... ¿qué onda? nada tenían que hacer en esta remake, lo que único que aportaron fue frialdad y superficialidad a la historia. Colin Farrell le pone su personalidad a Quaid/Hauser y sale airoso, lo de Kate Beckinsale es bastante respetable también y la confirma como estrella de acción, pero lo de Jessica Biel como Melina se quedó bastante corto.
    Los efectos especiales son bárbaros y hay buenas secuencias de acción, pero se ratifica el hecho de que un excelente aspecto técnico no te arma un espectáculo verdaderamente interesante. Verhoeven planteaba dentro de su mundo de ciencia ficción aspectos políticos e ideológicos que te clavaban en la mente, en cambio Len Wiseman ("Inframundo") se concentró más en entregar una película estilizada y atractiva visualmente. Se olvidó que el "key" de la cuestión pasaba por la trama.
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  • Abraham Lincoln: Cazador de vampiros
    Colmillos y hachazos

    Sí, es una película que muestra al prócer norteamericano hachando vampiros a diestra y siniestra, pero es mucho más entretenida de lo que parece si uno se deja llevar. El director Timur Bekmambetov ("Guardianes de la noche", "Se Busca") se une con la productora de Tim Burton para dar vida a una historia bizarra, que mezcla el cine clase B con el mainstream, que debe ser vista como lo que representa, un entretenimiento experimental que combina el mundo fantástico y oscuro de Burton con la excentricidad de Bekmambetov. Por supuesto no estamos ante una obra maestra del cine fantástico de acción, pero si es mucho más pasable y atractiva que otras propuestas vampíricas varias como la saga Twilight o el Van Helsing de Stephen Sommers que realmente fue una basura. La trama tiene cierto grado de elaboración, por momentos seduce, interesa al espectador sin subestimarlo y siempre le deja en claro que está viendo al luchador más fervoroso de la abolición de la esclavitud manejar un hacha cual maestro kung fu para cortar vampiros en pedacitos. No intenta engañar, y eso es muy valorable.
    No es un entretenimiento para toda clase de público, estarán aquellos que sólo por el nombre de la propuesta decidan pasarla por alto, están los que aceptarán ir a verla y saldrán indignados y también están aquellos que sin mucha expectativa y con ganas de entretenerse un rato se llevarán un sorpresa agradable que los transportará a la dimensión bizarra de un pasado paralelo. Repito, no es una peli trascendente en lo absoluto, pero entretiene con buenos efectos, secuencias de peleas dinámicas, la estética burtoniana y una historia que safa decorosamente del ridículo al que muchos la condenaban. Lo estúpido no es ver la película, sino verla tratando de filosofar acerca de si es fidedigna a ciertas cuestiones históricas, el tratamiento que hace sobre la esclavitud, la guerra de secesión y demás yerbas... muchachos, el título lo dice todo, es para pasar un momento de cine clase B con el toque de dos locos talentosos del séptimo arte. Y sí, el protagonista es una mezcla perfecta entre los genes de Liam Neeson y Eric Bana.
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  • Atraco!
    Atraco!
    Cinélico
    Un robo que se fue por las ramas

    "¡Atraco!" es un coproducción argentina/española que cuenta la historia del intento de robo de las joyas de Eva Perón a una importante joyería española ubicada en plena Gran Vía en Madrid. El director catalán Eduard Cortés hace una adaptación libre de los hechos ocurridos en 1956 y compone un Thriller con algunas notas de comedia que logra entretener y sorprender por su producción, pero que no llega a generar la hipnosis y la tensión de otros grandes trabajos como "El Secreto de sus Ojos" o "Elefante Blanco". Fue bastante promocionada y anticipada por la participación de Guillermo Francella, que desde su interpretación como Sandobal en la película argentina ganadora del Oscar, no para de recoger elogios entre los espectadores, y aquí en "¡Atraco!" también cumple componiendo muy bien a un ex guardaespaldas de Evita a la cual ama e idolatra. La sorpresa interpretativa la da Nicolás Cabré, que debo admitir no es santo de mi devoción, pero en este film supo encontrar muy bien al personaje y ofrece momentos verdaderamente buenos y hasta divertidos. Fanego y Jordi Martínez completan muy bien el reparto elevando aún más la calidad interpretativa.
    La historia de "¡Atraco!" es interesante, los actores buenos y la producción es maravillosa... entonces, ¿cuál fue el inconveniente que no la dejó brillar en todo su esplendor? En mi opinión, hay varios espacios planos en el guión, la adaptación de Cortés no logra producir ese movimiento interno fuerte en el espectador que lo involucre, que lo atrape, sino que se va por las ramas y termina entrelazando muchos géneros juntos que no llegan a cerrar (Romance, Comedia, Drama, Thriller). Debería haberse jugado un poco más, hacer el policial bien negro o la sátira completa, apelar más de lleno a la emotividad o distanciarse con frío cálculo de director europeo, no querer abarcar tanto y mostrar un camino claro al público, pero por el contrario se lo termina recargando de situaciones que no surten el efecto deseado y dan la sensación de estar incompletas. Una buena peli que podría haber sido una gran peli.
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  • Amigos intocables
    El verdadero sabor del encuentro

    "Amigos Intocables" es una comedia/drama de esas que apelan con mucho empeño al plano sentimental, que tiene varios clichés y que no innova en la trama, es verdad, pero no se puede negar que la historia está muy bien contada y que tiene un atractivo difícil de encontrar en otros productos del género.
    Para empezar el juego que se plantea entre los momentos cómicos y los dramáticos está elaborado maravillosamente, aprovechando las diferencias extremas entre sus 2 protagonistas, pero no las diferencias raciales y socio económicas que critican tan fervorosamente los idiotas que hacen filosofía barata con una comedia de buenas intenciones, sino que me refiero a las distintas personalidades que funcionan como engranajes de un reloj suizo. Philippe, interpretado maravillosamente por Fraçois Cluzet, es un tipo que más allá de los inconvenientes que le deparó la vida (quedó cuadripléjico en un accidente y su familia no se quiere hacer cargo) tiene el espíritu dispuesto a seguir adelante, pero para eso, necesitará el empujoncito (o topetazo) de Driss, un buscavida de esos que cargan con todo el carisma natural que Dios le puede llegar a dar a una persona, carisma que también es mérito del actor que la da vida, Omar Sy. El mensaje es simple, las personas pueden encontrarse si están dispuestas, no importa de donde vengan ni que bienes tengan, lo importante es ver al otro y tener ganas de crecer como persona. Todas las críticas que hablan sobre una ofensa a la inteligencia del espectador que tan tonto y maleable es que se come un sapo de adoctrinamiento socio-político (porque uno es negro, pobre y tiene onda, mientras que el otro es blanco, rico y aburrido), no son más que quejas snobistas, mal intencionadas y que lejos están de querer salvaguardar la inteligencia del espectador, lo que les interesa es hacer sociología barata para parecer más inteligentes de lo que son buscando ofensas donde no las hay. Al que le quepa el poncho, que se lo ponga.
    Personalmente, "Amigos Intocables" me parece una comedia más que digna de ver, que sin ser lo mejor del género, logra que pasemos un rato muy disfrutable, emocionando con el ideal de encuentro y no utilizando golpes a la ingle para sacarle un par de lagrimitas al público (aunque las lagrimitas llegan igual). Buena trama, buenos actores, buenos momentos, buen cine.
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  • Terror en Chernobyl
    La misma nada

    "Chernobyl Diaries" es lamentablemente otro paso en falso para el género de Terror que últimamente viene haciendo agua a lo loco. La idea de utilizar un presupuesto bajo y gastar gran parte en la promoción del film debería estar asociada a una entrega que ofrezca algo distinto, que de cierta manera sorprenda gratamente al espectador... este no es el caso. El presupuesto bajo se nota y mucho, no por la falta de grandes efectos, sino por las pobres interpretaciones de sus protagonistas que deben haber costado bastante baratos.
    Un grupo de jóvenes, medio estúpidos por supuesto, están viajando por Europa y entre toda la joda que cargan y las ganas de vivir nuevas experiencias deciden contratar un tour medio clandestino para conocer Chernobyl, aquella ciudad de Ucrania que sufrió en 1986 el sobrecalentamiento de uno de sus reactores nucleares produciendo la muerte de 31 personas y la evacuación de todos sus habitantes. Bueno, en la vuelta de tuerca de esta historia de terror sobre lo sucedido en la vida real, se plantea un trama en la que los jóvenes se encuentran atrapados en la ciudad junto con el guía por un desperfecto del transporte en el que viajaban y comienzan a ser perseguidos y reducidos por personas mutantes que se quedaron viviendo en Chernobyl... Ok, no era la mejor trama del mundo, pero podría haber funcionado un poco mejor si se hubiera trabajado más sobre las motivaciones y características de estos habitantes mutantes y no tanto en la búsqueda del susto berreta con situaciones de gritos descontrolados y movimientos de cámara bruscos. En vez de conformar el elemento principal de terror del film, estos habitantes afectados por la radiación son un mero adorno, están pintados casi toda la peli.
    "Terror en Chenobyl" es mala e indefendible, no da miedo en ningún momento, no hay clima de tensión y los protagonistas tienen cero carisma, por lo cual nos da lo mismo si se los morfan los mutantes o se mueren de un tropiezo. No recomendable ni para los amantes del género.
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  • Batman: el caballero de la noche asciende
    La humanidad de los héroes

    Se me hizo muy difícil ser completamente imparcial para realizar esta crítica ya que soy un fan absoluto de la saga de Christopher Nolan, un director que a través de este y otros trabajos demostró ser un distinto, un visionario, un talentoso creador de mundos maravillosos. Mi cinéfilo interno quiere ponerle la mejor nota a esta última entrega, el cierre perfecto, pero siendo objetivo debo detenerme en algunas cuestiones que no llegaron a ser tan increíbles como en "El Caballero de la Noche". El cierre que le da Nolan a la trilogía es muy bueno, fiel a su estilo y no defrauda al seguidor, pero no llega a ser excelente, no logra volarle la cabeza al espectador. Como puntos más altos de este film voy a remarcar en 1er lugar la labor del cast completo destacándose la actuación del enorme Michael Caine (Alfred), un artista con una presencia hipnótica y que en esta 3ra entrega directamente se afana las escenas en las que participa aportando la mayor carga emotiva del film. Otro aspecto sumamente positivo es la elaboración de los personajes que hace Nolan, humanizando a cada uno de ellos, acercándolos al público de una manera muy profesional. Estamos viendo Batman, el héroe enmascarado de una ciudad totalmente ficticia luchando contra sicópatas amantes del caos disfrazados de payasos, mujeres gatos y guerreros de las sombras pero aún así, el director logra hacerlos creíbles, posibles, los hace conectar con el espectador sin imprimirles superpoderes extraordinarios, simplemente los humaniza. Finalmente, el personaje de Anne Hathaway, Selina Kyle (en ningún momento se la llama Gatúbela), resulta muy interesante para seguir desarrollando en posibles spin-off de la trilogía. Hay otro probable spin-off que es sorpresa!!
    Ahora la parte no tan buena... las comparaciones son odiosas pero es imposible no pensar en su predecesora "El Caballero de la Noche" que fue una verdadera joyita del cine. Siempre resulta difícil cerrar historias ricas como esta, sino pregúntenle a los hermanos Wachowski con la trilogía de Matrix. Terminar "Batman" significó un verdadero desafío que se superó pero sin la espectacularidad que esperábamos, sin llegar a crear la tensión, el drama y la locura que se logró con la 2da entrega. Los villanos no llegaron a transmitir esa sensación de que realmente no tenían nada que perder como sí lo hizo The Joker (Heath Ledger) e incluso, hay algunos aspectos un tanto novelescos que no creo hayan sido los más adecuados para presentar a estos que debían ser los malos más memorables de la saga.
    Me despido contento con los resultados y el talento de un tipo que sabe hacer muy buen cine, pero me queda ese gustito un tanto amargo de haberme querido volar la peluca con un cierre que finalmente fue correcto pero no magnánimo.
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  • El dictador
    El dictador
    Cinélico
    El hermano bobo de Borat

    Lamento no coincidir con muchos colegas, pero "El Dictador" me supo más a la fallida "Bruno" que a esa gran comedia ácida y original que fue "Borat". No hay dudas de la capacidad de Sacha Baron Cohen para la comedia, de hecho creo que es el exponente más auténtico y relevante de los últimos años, pero esta nueva entrega de humor políticamente incorrecto no le llega ni a las rodillas a lo que fueron en su momento las andanzas del conductor de TV kazajo llamado Borat. Lo bueno de esa 1ra colaboración entre Baron Cohen y el director Larry Charles era el despreocupado uso de la discriminación, la violencia de género, la religión y demás temas tabú para hacer humor ácido y crítico hacia la sociedad que componemos entre todos, seamos negros, blancos, musulmanes, cristianos, ateos, etc., pero no debemos olvidar que otro golazo de ese proyecto fue presentar el film con un formato de tipo documental, donde muchas de las situaciones parecían no estar esayadas y ser parte de la locura que sembraba el personaje, lo que le dio ese sello realmente bizarro y original. Con esta 3ra colaboración (la 2da fue "Bruno") se deja de lado el formato "documental" y se la filma como cualquier comedia default que podemos ver año tras año en la gran pantalla, siguiendo el perfil humorístico de Baron Cohen pero añadiéndole gags demasiado forzados y predecibles, seguramente introducidos por el aparato comercial de los estudios que producen la peli. Hay diálogos que son muy acartonados, algunos chistes muy pavos como el tema de las ejecuciones, el interrogatorio con John C. Reilly, los insultos del ministro chino y el desenlace es bastante pobre también. Tiene algunos buenos momentos que la colocaría por encima de "Bruno" pero se queda en el camino entregando una historia bastante mediocre. En el cine el efecto contagio es palpable, la risa se propaga rápidamente, pero si nos abstraemos un poco y pensamos si realmente es divertido lo que está sucediendo en pantalla nos daremos cuenta que hay mucho chiste fácil y no tanto ingenio en la construcción del humor.
    Sólo para aquellos que están buscando desconectarse un poco de la rutina diaria y tienen la carcajada dispuesta a dejarse seducir por algunos chistes viejos y de poca elaboración.
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  • Los tres chiflados
    Modernización fallida

    "Los tres chiflados" era en algún momento un esperado proyecto que había despertado expectativas por el hecho de que iba a ser dirigida por los hermanos Farrelly ("Tonto y re tonto", "Loco por Mary") y por supuesto, volver a ver a los entrañables Moe, Larry y Curly nuevamente en la pantalla. Con el pasar de los meses y la presentación del trailer oficial, el proyecto se fue cayendo cada vez más y llegó con poca fuerza a su estreno mundial... menos mal! porque si se hubiera mantenido la misma esperanza que al inicio, la decepción habría sido mucho más fuerte. Esta nueva película de los Farrelly está llena de buenas intenciones, con un respeto admirable sobre las características esenciales de los cómicos originales, pero la verdad de la milanesa es que no resultó como esperaban. Analizando y viendo algunos capítulos viejos de "Los tres chiflados" me percato de que sus aventuras resultan divertidas en el marco de la época en los que fueron filmados sus episodios, son interesantes como parte de la historia del humor norteamericano y cada uno de los actores se ganó, con el tiempo, el respeto y simpatía de los televidentes, por lo que resulta sumamente difícil tratar de lograr el mismo efecto en un trabajo de 92 minutos ambientados en nuestra época actual. No creo que sea un caso de esos en que los clásicos no deberían tocarse o actualizarse, sino que considero que más allá de las buenas intenciones, le erraron groso en el abordaje de la trama y en la forma de presentar el film. Quizás una puesta en blanco y negro, ambientada en aquella época y con un juego de emotividad-humor más fuerte hubiera sido mucho más efectiva, "El Artista" lo hizo y no le fue para nada mal.
    Los personajes tienen mucho que ver con la época en la que se crearon estos cortometrajes, los años '30, '40 y '50 donde tuvieron su gran esplendor (siguieron hasta los '70 pero ya no era lo mismo), por lo que verlos modernizados no surtió el mismo efecto y terminó aburriendo a la mayoría de los espectadores. Les diría que es una propuesta potable para aquellos incondicionales de "Los tres chiflados" y nada más... si están esperando una comedia a lo "Loco por Mary" van al suicidio seguro.
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  • Donde habita el diablo
    Y el cine basura

    El que suele leer mis críticas seguido sabrá que no soy un gran fan de las películas de terror, al menos no de las más contemporáneas donde todo es exorcismos y espíritus malditos filmados con cámara en mano simulando un hecho real o documental. Recordemos algunos títulos recientes: "Con el Diablo Adentro", una de las basuras más absurdas que ha dado el cine de terror en los últimos 15 años; "Actividad Paranormal 3", una leve mejora sobre un sub género que tuvo un rápido ascenso y que parece tendrá un descenso aún más rápido; "La Profecía del 11-11-11", una de las películas más berreta del 2011... y así. "El proyecto Blair Witch", uno de los 1ros trabajos de terror con modalidad de cámara en mano, fue reconocida porque fue innovadora, sorpresiva y trajo algo nuevo a la mesa cinematográfica, pero trabajos como "Donde habita el Diablo" y las anteriormente nombradas lo único que hacen es copiar una fórmula, juntan algunas ideas que han dado resultado en otros films y se piensan que son eso la van a pegar... no sean ridículos muchachos. Más aún, este trabajo fue estrenado en sólo un par de salas (en serio, no más de 2 o 4) en USA porque sabían que iba a ser un fracaso rotundo y a nosotros un poco más nos la presentan como la película de terror del año... ¡Basta de berreteadas! Es increíble que cintas como "La Chica del Dragón Tatuado" o "Tenemos que hablar de Kevin" duren 2 semanas en cartel mientras una basura como esta o "Con el Diablo Adentro" están entre las películas más vistas del año. Eso lamentablemente es culpa nuestra.
    No hay mucho para agregar... una familia se ve asediada por espíritus malignos que toman posesión de las cosas y las personas mientras son filmados por un grupo de investigadores paranormales que están más excitados con las apariciones espectrales que nene de 8 años en Disneyworld. Lastimosamente se pretende agregar un drama familiar como para "realzar" la trama que resulta intrascendente. Por supuesto hay aparición de fantasma que se quiere comer la mini cámara como en el final de todas las "Actividad Paranormal". No la recomiendo ni drogado.
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  • Soledad y Larguirucho
    Patriotismo y ¿minicuotas?

    Lamentablemente, "Soledad y Larguirucho" de García Ferré, es indefendible y representa ese fantasma de mala calidad que queremos erradicar del cine argentino. En este trabajo, por nostalgia e ingenuidad de parte de algunos, y aprovechamiento desfachatado de otros, se termina mezclando propaganda con cine dando como resultado una propuesta más que aburrida y berreta. Me duele un poco ver a una figura nacional (es más argentino que español) como García Ferré y a sus entrañables personajes envueltos en un producto que no tiene sentido, con una trama tan básica, que vende electrodomésticos y que por momentos se torna en una especie de "Alicia en el país de las berreteadas".
    Amo a mi país, pero no por eso voy a ser militonto de todo lo que se produzca en él sin hacer autocrítica... La animación es algo que nos cuesta y mucho. Larguirucho, Neurus, Cachavacha y cía son personajes clásicos, de una marcada personalidad, pero no por eso tienen que ser retrógrados, quedarse en el tiempo y entregar a sus seguidores una mala obra de teatro colegial.
    Le dejo algunos pocos puntos a favor por las canciones interpretadas por la Sole que son pegadizas para los niños y el hecho de que aparezcan nuevamente estas creaciones maravillosas de García Ferré que son más argentinas que el Tango.
    Lo demás son puras pifiadas, desde lo técnico que se deja ver en el trailer, hasta los cameos de personalidades reconocidas de nuestro país como El Chaqueño Palavecino, Peter Capussotto y Carlitos Balá que termina haciéndole propaganda a una casa de electrodomésticos, algo que también se puede ver en el trailer.
    No la recomiendo y espero que todas las críticas negativas que está recibiendo sirvan para que los productores se den cuenta que el espectador argentino no es tonto y exige un producto de calidad, ya sea de acá, de USA o el país que sea. Mejor alquilense "Ico, el caballito valiente" y disfruten del mejor García Ferré.
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  • Valiente
    Valiente
    Cinélico
    Girl Power Pixariano

    "Valiente" es lo nuevo de Pixar que se estrenó este mes de Julio en Argentina y cuenta la historia de Mérida, una princesa escocesa fuera de lo común que viene a reafirmar que el "Girl Power" llegó para quedarse.
    En este caso la dirección está conformada por un trío de nombres conocidos de la factoría Disney, pero que no tenía mucha experiencia en la conducción a excepción de Brenda Chapman que dirigió "El Príncipe de Egipto" en 1998. Debo decir que en mi opinión, han hecho un trabajo increíble, no sólo en lo meramente técnico sino en la narración y la forma en que se encaró esta historia que es emotiva y muy divertida. Sinceramente no entiendo muy bien los motivos de los detractores de este producto Pixar que hablan de bajada de línea, ideologías políticas y demás yerbas... Muchachos, es entretenimiento animado de calidad para chicos y grandes, con influencias personales lógicas de escritores y directores que son seres humanos habitantes de este planeta y que le han puesto lo mejor para divertir y emocionar al espectador. Amén!
    Lo mejor sin dudas tiene que ver con esa mística de la edad media, en la que humanos y seres mágicos conviven codo a codo, y para transmitir de la manera más vívida esa época ¿quién mejor que Pixar?. Los paisajes parecen reales, los colores utilizados conforman una paleta refrescante para la gran pantalla y el diseño de los personajes es maravilloso, sobre todo esa cabellera frondosa y colorada que decora la pantalla minuto a minuto. Otro aspecto positivo es la cantidad de humor que se le imprimió a la historia, algo que se pudo evidenciar claramente en las carcajadas de los espectadores presentes en la sala, tanto grandes como chicos.
    Los personajes secundarios son espectaculares, desde los hermanitos trillizos de Mérida que no paran de sembrar el caos en el reino, hasta los patriarcas de cada clan que ofrecen momentos "machos" de lo más cómicos.
    El uso del 3D es muy correcto aunque la película en realidad no ofrece escenas que exploten esta herramienta en todo su esplendor. Aclaro que no soy muy amigo del 3D, pero debo aceptar que hay algunos films donde se usa de manera cuidada y con mucha pericia, "Valiente" es uno de ellos.
    Una opción más que recomendable para estas vacaciones de invierno y pasar un momento familiar de risas y mundos fantásticos.
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  • Plan perfecto
    Plan perfecto
    Cinélico
    Sex and the Family and the City

    "Plan Perfecto" (como se llamó para Latinoamérica) es un comedia bien neoyorquina acerca de las relaciones y los cambios que inevitablemente se suscitan en la vida de pareja cuando llegan los hijos. Es una especie de "Sex and the City" (la serie, no la película) enfocada en la vida familiar y las relaciones sentimentales de los neoyorquinos. La multifacética directora, actriz y escritora Jennifer Westfeld combina de manera exquisita lo mejor de la comedia romántica con el humor más ácido y mordaz de la gran pantalla, adaptándose a la tendencia de la comedia fuerte y desprejuiciada pero sin caer en vulgaridades vomitivas como las que se están viendo últimamente.
    Con inteligencia y mucho sarcasmo se pone en pantalla la vida de 6 amigos, 2 parejas de casados con hijos y 2 solteros empedernidos que al darse cuenta que el reloj biológico no perdona el paso del tiempo, deciden concebir un hijo juntos pero sin involucrarse sentimentalmente ya que consideran que el matrimonio es una tortura innecesaria. Lo interesante pasa por la dinámica en la relación de la pareja protagonista que se conoce como si fueran hermanos y cuyo trato asemeja más a una amistad entre 2 chabones o una chica y su amigo gay que a una amistad entre hombre y mujer. Por supuesto los amigos que acompañan en roles secundarios tienen personalidades bastante peculiares y freakys que enriquecen el entramado de relaciones disfuncionales y aportan bastante humor del tipo Bizarro-SNL (Saturday Night Live) con estrellas como Kristen Wiig, Maya Rudolph y Jon Hamm. Sí, también aparece Megan Fox y está más buena que comer pollo con la mano.
    Es una lástima que no haya pasado por la cartelera cordobesa y llegue directamente en formato DVD, ya que si hay algo que escasea, son las buenas comedias.
    Una historia muy divertida con su toques románticos y diálogos bien afilados para pasar un momento de calidad y entretenimiento cinéfilo.
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  • El chico de la bicicleta
    La experiencia Dardenne

    "El Chico de la Bicicleta" es una historia cotidiana contada de una manera extraordinaria creando una relación personaje-espectador de lo más interactiva. Uno no puede no involucrarse con los protagonistas y pensar constantemente como reaccionaría ante las vivencias que van teniendo lugar en la pantalla, nos atrapa y nos pone en el lugar del niño abandonado por su familia, de la mujer que decide acogerlo, de su novio cansado con la situación de compartirla con un niño que no eligió para su vida y así con otros personajes más que van apareciendo.
    Quienes dirigen son nada más y nada menos que Jean-Pierre y Luc Dardenne, esos hermanos que han estado al frente de films como "La Promesa", "El niño", "Rosetta" o "El hijo", trabajos que han cosechado numerosos premios en cuanto festival internacional se celebró alrededor del globo.
    Su sello es entregar una experiencia de emociones fuertes sin recurrir al melodrama o los golpes bajos, produciendo una interacción más humana y genuina que la media de historias dramáticas que pululan en el mundo cinematográfico.
    En esta ocasión, la trama gira en torno a Cyril Catoul (Thomas Doret), un niño que ha sido abandonado por su padre Guy Catoul (Jérémie Renier, actor fetiche de los Dardenne y reciente aparición en la peli argentina "Elefante Blanco") en un colegio pupilo en el que no encaja. El nene no quiere creer que su propio padre lo ha abandonado y por supuesto esto le produce un gran conflicto interno que lo llevará a fugarse del colegio-hogar, por un lado para localizar a su padre y por otro para recuperar su adorada bicicleta que quedó en el departamento donde vivían. Durante la persecución, accidentalmente se topa con una peluquera de la cual se aferra literalmente para conseguir su cometido, situación que cambiará la vida de ambos para siempre.
    Un historia excelente para conocer más a fondo como somos las personas, con nuestras actitudes infinitamente esperanzadoras y nuestras oscuridades más lamentables sin caer en cursilerías o recursos exagerados. Una francesa para disfrutar y salirnos un poco del cine mainstream.
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  • El sorprendente Hombre Araña
    Lavadita de cara

    "The Amazing Spiderman" es un proyecto que desde su inicio no me convencía mucho ya que la trilogía anterior, con excepción de la 3ra entrega, había sido muy buena y muy reciente. Es como si empezáramos de vuelta "Matrix"... ¿qué sentido tiene? Creo que si esto se convierte en tendencia, el cine va ir perdiendo aún más su capacidad de generar nuevas y grandiosas historias, que sean originales y no remake de la remake.
    Dicho esto, la nueva versión del Hombre Araña vuelve con algunos aspectos más pulidos y actualizados, adaptando la personalidad de los protagonistas a un perfil más 2010 y no tan 2000, con un Peter Parker más ondeado y una coprotagonista menos vulnerable. En mi opinión, con un margen de 10 años entre la 1ra entrega de Raimi y esta nueva de Marc Webb, era un deber fundamental hacer evolucionar a los personajes y tornarlos más interesantes e intensos, cuestión que por suerte se terminó logrando. El tío Ben y la tía May son mucho más interesantes y tienen un protagonismo mayor, la enamorada Gwen Stacy no es una damisela en peligro sino que por el contrario, es parte esencial de la batalla contra el villano, Peter Parker es un nerd con un perfil menos ñoño y más tirado hacia lo geek (nerd con más onda).
    El problema tiene que ver con el guión... Hay acontecimientos que son exactamente iguales a la versión de Raimi, sin ningún tipo de modificación salvo efectos especiales nuevos como en la escena de la picadura de la araña, y por otro lado, más allá de la evolución de los personajes, el tipo de narración y desenlace del film es tan tradicional como el trabajo más standard de Hollywood. No termina aportando nada nuevo al cine, no elimina los clichés propios de una historia de superhéroes y termina ofreciendo una versión más estética de algo que ya hemos visto mil veces.
    El villano tampoco es lo que me imaginaba... alguien más oscuro y crudo que en las entregas anteriores. Al final de cuentas es el típico científico loco que conserva algo de humanidad dentro de su ser... igual que el Duende y Octopus de Raimi.
    Para superar realmente a la franquicia anterior, creo que deberían concentrarse en mejorar los aspectos de narración y no tanto las personalidades, éste último es el trabajo fácil y lógico luego de 10 años de ventaja... el desafío está en volarnos la cabeza con un Spiderman verdaderamente nuevo y original.
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  • La era de hielo 4
    Se va derritiendo el carisma

    "La Era del Hielo 4" se venía promocionando hace un tiempo con los ya clásicos spots de Scrat (la ardilla) creando una gran expectativa en la gente que finalmente no se llegó a cubrir del todo. La película es buena, divertida, con personajes nuevos, pero en esencia no se advierte una evolución, un crecimiento en los personajes principales que tanto nos hicieron reír y enternecer con la 1ra entrega. En mi humilde opinión, esta 4ta aventura es mejor que la 2da, pero inferior a la 1ra y 3ra, por lo que se podría decir que de cierta manera se ha estancado un poco. Las nuevas incorporaciones agregaron diversidad y frescura a la pantalla, pero también parece que desviaron la atención de los guionistas y el director que en esta ocasión nos ofrecen a un Sid, Manny y Diego más chatos y desabridos. El único que parece mantener su encanto y ofrecer cada vez mejores momentos en pantalla es la ardillita torpe que no habla, lo que demuestra una situación de alerta para las próximas entregas venideras.
    En esta ocasión, en medio de una pelea entre Manny y su hija adolescente se produce un gran desplazamiento tectónico que arrastra lejos de tierra firme al trío protagonista, que junto a la alocada abuela de Sid a bordo de un iceberg, navegarán sin rumbo por aguas desconocidas donde se toparán con rudos piratas que tratarán de acabar con ellos. La tripulación del iceberg pirata está liderada por un simio hábil e intimidante llamado Capitán Gutt cuya voz fue aportada por el ascendente Peter Dinklage. Se introduce un poco de "Piratas del Caribe", y no lo digo solo por la obviedad, sino que hay elementos característicos de aquella franquicia como las personalidades a bordo del barco/iceberg y hasta sirenas asesinas.
    Creo que sigue siendo una buena opción para disfrutar con los más chicos aunque por más odioso que sea, aconsejo ver mejor "Madagascar 3" mientras esté en cartelera y como 2da opción esta nueva "Era del Hielo". Para entretenerse un rato aunque ya demostrando algunos signos de agotamiento.
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  • Un amor imposible
    El desierto más frío que nunca

    "Salmon fishing in the Yemen" es un intento de comedia romántica dirigida por Lasse Hallstöm, que en este caso, le puso tanta pero tanta elegancia y seriedad a la trama que se pasó de rosca y terminó entregando una historia desabrida y superficial. Recordemos que el director estuvo al frente de películas como "¿A quien ama Gilbert Grape?" con Johnny Depp y el gran Leo Di Caprio en su rol más prometedor a los 18 años. También estuvo al frente de "Chocolate" (Juliette Binoche, Johnny Depp otra vez) y "Atando cabos" (Kevin Spacey, Julianne Moore, Cate Blanchett y Judi Dench) entre otras, por lo que estamos ante un tipo experimentado, con grandes títulos en su haber, por lo que considero que la exigencia debe ser mayor.
    Con este film hace agua y nos ofrece una historia de amor trillada, un triángulo amoroso que no funciona con las tensiones que debería suponer la mujer pretendida por 2 hombres, y que además, se narra con una frialdad absoluta que no permite simpatizar con casi nadie en la historia. Poco nos importa que terminará siendo de la vida de los protagonistas a los 60 segundos que tardamos en salir de la sala de cine, cuestión que demuestra la falta de espíritu y sensaciones de este producto.
    Es innegable que el entorno resultaba interesante, al menos desde la curiosidad... "¿cómo será esto de la pesca de salmón en un país desértico del mundo árabe?, ¿qué tan romántico será vivir una aventura con alguien bajo la luna llena del desierto?"... bueno, la verdad fue que la premisa resultó mucho más interesante que la realidad. Los actores están muy bien en sus roles, pero de comedia tiene poco y nada, o al menos no causó muchos momentos de risa simpaticona como los que debería producir un trabajo de este tipo. Yemen y sus paisajes resultan sumamente espectaculares, pero lejos de ser parte de la historia, se convierte en mera escenografía que da soporte a una trama chata que ya hemos visto muchas veces en el cine y que encima, flaquea en sensaciones y picante. Sólo para ver en un día de calor en el que la consigna sea bajar la temperatura y no subirla...
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  • Sombras tenebrosas
    Coloridamente Oscura

    "Sombras Tenebrosas" es la remake de una serie televisiva de fines de los '60 que vuelve totalmente renovada y con el sello inconfundible de Tim Burton. Lo mejor que tiene el director es la capacidad de envolver al público en una dimensión coloridamente oscura y presentar personajes totalmente freakys con los que resulta difícil no encariñarse. Basta con recordar algunos trabajos como "Batman", "Batman Vuelve", "El joven manos de tijera", "El Gran Pez", para poder identificar este distintivo del que estoy hablando. Su puesta es una explosión de colores y fantasías macabras que aniñan al espectador, que lo transporta a un mundo oscuro donde el humor es ácido y los personajes son siniestramente atractivos. Todo esto está presente en este nuevo trabajo del director, pero donde hace un poco de agua es en la adaptación de la serie original, con la que no logra cubrir del todo las expectativas del seguidor de "Dark Shadows", ni tampoco contenta al seguidor de Burton que está esperando la nueva "Gran Pez". Quizás su pecado (como muchos otros realizadores) es dedicarle demasiada atención a la elaboración del "mundo Burton" dejando un poco de lado el revisión y evolución de los guiones. Tal como sucedió con "Prometeo" de Ridley Scott (aunque en menor medida), uno se queda un poco confundido con algunos desenlaces y planteos en la historia, pero de cierta manera se los perdona por ser quien es.
    Confieso que no vi muchos capítulos de esta serie de culto de los '60, pero para lo que he visto, "Sombras Tenebrosas" by Burton cumple exitosamente con la tarea de renovar un producto que estaba lleno de polvo en algún cajón de magnate de Hollywood. No es la mejor adaptación, ni tiene el ángel de "El Gran Pez", pero es divertida, vistosa y ofrece 113 minutos de su genialidad creativa.
    Para los seguidores del excéntrico Tim que se entregan a su arte oscuro y disfrutan hasta el detalle más mínimo de la puesta, para volver un ratito a la infancia con mundos vampíricos y lobunos que no matan de empalagamiento como los precoces crepusculenses.
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  • La traición
    La traición
    Cinélico
    Bourne by Soderbergh

    "La Traición", como se tituló en nuestro país, es una peli de acción del reconocido director de cine Steven Soderbergh, que últimamente viene apuntando a un estilo minimalista con el cuál no estoy tan a gusto. Toma historias que ya han sido presentadas en la gran pantalla como es el ejemplo de su anterior producción "Contagio", y les imprime su sello narrativo para contarla de una manera particular, minimalista y fría. Es elegante en su puesta, eso no se puede negar, tiene un ojo profesional que lo destaca de entre tantos directores mediocres y lo coloca por encima de la media, pero podría ser mucho más interesante si propusiera algo distinto.
    "La Traición" es una película de espionaje con muchas similitudes a la saga Bourne protagonizada por Matt Damon, ya que su trama se centra en una super espía que es traicionada por sus empleadores que ahora la persiguen por todos lados para desaparecerla del mapa. Por supuesto, como es un espía prácticamente inmortal, los irá buscando uno por uno para vengarse y poner la casa en orden. ¿Te suena conocido?? Bueno, eso es lo que ofrece Soderbergh. Creo que al director se le ha subido un poco el éxito a la cabeza y se ha propuesto seguir cosechando prestigio sólo con darle su sello narrativo a historias que claramente no tienen mucho ingenio por detrás. Es como si dijera... "Tengo muchos amigos famosos que me cobran 2 mangos por participar en mis films, pongamos 3 o 4 figuras famosas más $30.000.000 de presupuesto y saquemos $45.000.000" Tan así de fría percibo la ecuación.
    Lo mejor de la propuesta es la heroína Gina Carano, luchadora profesional devenida en actriz, que sin tener mucha experiencia en la gran pantalla logra llenarla con su carismática presencia, como si fuera una estrella de acción que conociéramos desde hace muchísimo tiempo. Otro aspecto interesante es la presencia de grandes talentos como Michael Douglas, Michael Fassbender o Ewan McGregor, que con sólo pocos minutos en pantalla te suben 1 o 2 puntos el promedio general del film. Por último, las peleas son también realistas y muy atractivas a la vista, con buenas coreografías y golpes durísimos que despiertan la tensión. Lo demás es historia conocida y recontra gastada en el celuloide. Ojalá entregue algo más original con su nuevo trabajo "Magic Mike"
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  • Chimpancés
    Chimpancés
    Cinélico
    Naturaleza humanoide

    "Chimpancés" es el nuevo documental/película de la factoría Disney bajo el formato "Disneynature", que el año pasado nos entregó también a "Felinos de África". Desde el vamos se podrán imaginar que la fotografía, la captura de lo maravillosa que es la naturaleza y la emotividad están garantizadas. Este tipo de documentales son proyectos que tardan años en poder filmarse completos para brindar las vivencias e imágenes más fabulosas que uno puede ver en una pantalla, y eso sin dudas se puede ver reflejado en este producto.
    Si alguno recuerda mi crítica sobre "Felinos de África", la cuestión objetable de este tipo de trabajo tiene que ver con humanizar lo que no es humano, con confundir algunas nociones de lo que la naturaleza y los animales representan en realidad, que ciertamente no es una familia tipo humanizada de las que suele exponer Disney. ¿Cuánto hay de verdadero en la edición fílmica de un comportamiento animal convertido a humano? Ésa creo que es la gran pregunta. Por supuesto que valoro este tipo de iniciativas que pretenden ser educativas, esperanzadoras y con buenas intenciones, pero cuánto tiene de natural es lo que me hace ruido. Sabemos que el público objetivo está compuesto en un 90% por niños, pero eso no quiere decir que se deba subestimarlos. ¿Mostrar como un chimpancé se alimenta de otro animalito más pequeño? No es la idea, pero tampoco creo que sea lo mejor mostrar un animal salvaje y magnífico como el chimpancé expresando "sentimientos" de tipo humanos que son sólo ficción y parte de una puesta programada. No confundamos a los chicos, los animales son seres increíbles que deben ser admirados y respetados por ser eso, seres vivos espectaculares que hacen de este mundo un lugar más interesante y lindo. Por lo demás, la propuesta es muy buena y si dudas impresionará a chicos y grandes con la belleza de África y su cuna de vida natural.
    Recomendable siempre y cuando haya un pequeña explicación de lo que el niño está viendo en pantalla, que clarifique y realmente eduque.
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  • Prometeo
    Prometeo
    Cinélico
    El que mucho abarca...

    ¡Cómo me cuesta ponerle esta nota al maestro Scott! La verdad es que tenía una expectativa muy alta con respecto a su vuelta a la ciencia ficción pero me terminó quedando un gustito raro... Recordemos que el director inglés Ridley Scott nos ha entregado trabajos como "Blade Runner", "Alien", "Gladiador", "Gangster Americano" y "Thelma & Louise" entre otros títulos que engrandecen la historia del cine, por lo que la decepción suele ser siempre mayor.
    Repasando el film hay cuestiones que son fantásticas y componen la mayor parte del atractivo como por ejemplo el mundo futurista que elabora Scott, donde se combina de manera realista aspectos del presente con posibles avances futuros de la humanidad, donde el detalle cuidado y de alta calidad se evidencia hasta en el diseño de los cascos retro futuristas que utilizan los protagonistas. El mundo de los "Ingenieros" (ya se darán cuenta en la peli cuando lo vean) es absolutamente maravilloso, los efectos visuales y de sonido son increíbles y hasta los colores usados en pantalla son evidencia de un verdadero profesional del cine. Otro ingrediente que agrega valor es el cast de actores que dieron vida a los personajes, un cast que incluye nombres como la ganadora del Oscar Charlize Theron ("Snow White and the Hunstman", "Young Adult", "Monster"), las nuevas estrellas Michael Fassbender ("Shame", "X-Men: First Class") y Noomi Rapace (trilogía "Millenium"), Guy Pearce ("Memento", "El Discurso del Rey") y muchos más. Los mejores sin dudas fueron Noomi Rapace y Michael Fassbender.
    Vamos con lo negativo... Con respecto a la trama, creo que se quiso abarcar tantos aspectos como la creación de la humanidad, la ciencia, los marcianos, la ambición de las corporaciones, la evolución, la auto crítica como especie destructora y demás temas que en vez de agregar calidad, terminó quitándosela. "El que mucho abarca, poco aprieta" suele decir un dicho popular, y creo que se aplicó de ley a esta producción. Hay muchos huecos e incoherencias que confunden al espectador, lo cachetea de un lado y del otro durante todo el metraje para dejarlo con muchas dudas al final. Sí, se explica el origen del famoso "Alien" que tanto disfrutamos durante 2 décadas, pero el desenlace de la explicación termina siendo torpe. Hay gente que se traiciona pero termina junta, hay gente que con su pura presencia genera interés como es el caso de Charlize Theron y Guy Pearce que fueron desaprovechados con roles desabridos y de poca monta que se les asignaron, hay gente que se muere rápido y que debería haber tenido más protagonismo, hay gente que de repente saca un héroe desinteresado de la nada y se sacrifica por toda la misión... hay en conclusión, muchos huecos que no supieron sellarse con material de buena calidad.
    Es una película que tiene muy buen suspenso y una puesta impresionante, que entretendrá a los amantes de la ciencia ficción, pero para los que somos seguidores de Scott y de "Alien" supondrá un vuelta accidentada que esperemos sepa remendar en su próximo proyecto.
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  • Fuera de juego
    La peli de los cameos

    "Fuera de juego" es una nueva comedia con Diego Peretti que llegó bastante promocionada por la Warner Bros. Argentina, y que ya desde su trailer dejaba entrever algunas situaciones insípidas y poco entretenidas. Pues se cumplió lo que percibíamos, lo poco que prometía el trailer fue lo poco que terminó ofreciendo este film del director español David Marqués.
    La trama se centra en los conflictos que se producen entre 2 representantes de una gran promesa del fútbol que está por ser vendida al Real Madrid ("Chino" Darín, hijo de Ricardo). Uno de los representantes es el actor argentino Diego Peretti, un médico que vio frustrada su carrera como futbolista por culpa de su familia y que ahora asume la responsabilidad de ser manager de fútbol por dinero. El otro representante es un chanta español que era amigo de la familia del pibe y que quiere salvar su fracasada carrera con este pase futbolístico que parece prometer una salvación profesional.
    Lo demás es relleno y cameos para completar los huecos narrativos, tratando de otorgarle mayor complejidad a la trama cuando en realidad lo que produjo fue torpeza y previsibilidad. ¡Ojo! las participaciones de figuras del cine como Ricardo Darín y de los cracks Martín Palermo e Iker Casillas son divertidas y ofrecen una brisa de grandeza que se corta rápidamente cuando desaparecen de la pantalla.
    La interacción entre los protagonistas Peretti (argentino) y Tejero (español) es buena y por momentos divierte, pero definitivamente no alcanzó para brindar una comedia de calidad como uno esperaría de una coproducción española-argentina que encima estaba patrocinada por la Warner Bros.
    Lo del "chino" Darín fue bastante tranqui... se nota que le falta mucho coaching todavía y se notó su poca experiencia.
    Una película para ver en esos días en que uno anda de risa fácil, risueño, positivo, de lo contrario se pegará un embole tamaño Titanic y deseará nunca haber comprado la entrada, ya que en vez de despejarse y salir de mejor humor de la sala, terminará en un estado de aburrimiento total.
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  • El secreto de Albert Nobbs
    Frío ensayo feminista

    Una película que seguramente subestimará, que pensará no vale la pena ir a ver en el cine, que es mejor esperar a que salga en formato DVD (o Blue Ray).... si es de los que no tienen paciencia y necesitan una dinámica activa quizás tenga razón. "El secreto de Albert Nobbs" es una película interesante como proyecto experimental, es un ensayo elegante sobre la opresión, el machismo, la sexualidad, la sociedad del siglo XIX y algunos otros temas que siempre resultan atractivos de abordar. El tema es que el director colombiano Rodrigo García decide ofrecer una historia narrada con frialdad y cierto ritmo monótono que le crispará los nervios a más de uno. No es un film de ritmo turbulento, no ablanda, no apasiona, mantiene siempre su serenidad narrativa hasta el final del metraje dónde cachetea al espectador como diciéndole, "¿Esperabas algo que te mueva? ¡Tomá!, una escena fuerte para que te retires de la sala con un poco de furia que despierte la discusión post cine".
    No es una película para todo tipo de público, más bien gustará a aquellos que disfrutan de buenas actuaciones, secuencias bien elaboradas, humor sutil y temáticas para reflexionar al ritmo que avanza la cinta. Todas las interpretaciones protagónicas son fuertes y creíbles, sobre todo Glenn Close y Janet McTeer que bien merecidas tuvieron sus nominaciones a los premios Óscar de este año. La actuación agrega bastante calidad a una trama experimental que no fue concebida para el público que va al cine buscando una montaña rusa de efectos dramáticos sobre su persona, de hecho creo que si el cast hubiera incluido talentos un poco menos agraciados, la película habría recibido muchísima menos atención de la que terminó obteniendo.
    Para asistir a una puesta no convencional de temáticas controversiales tratadas con profesionalismo y seriedad, elevada por un grupo de actores y actrices que se comprometieron con los roles que les fueron asignados.
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  • Mi semana con Marilyn
    La mujer detrás de la blonda infartante

    "Mi semana con Marilyn" muestra a una de las máximas estrellas del cine en un estado de fragilidad emocional al que el espectador no podía llegar en esa época.. pues ahora podemos gracias al director Simon Curtis y las anécdotas escritas en los libros de Colin Clark, quien vivió en 1ra persona el efecto "Marilyn".
    En esta historia no se la retrata en uno de sus mejores momentos, de hecho se la muestra infeliz y con problemas de adicción a las pastillas y alcohol, pero también Curtis se la ingenió para hacernos presenciar un poco de esa esencia cautivadora y trascendente que tenía la actriz californiana.
    ¿Cuál es el sentido de la peli te preguntarás? El objetivo fue llevar al cine la radiografía de la persona detrás de la mega estrella, exponer con mucho talento sus mejores cualidades y sus más bajos defectos, presentarnos a la verdadera Marilyn Monroe. Si bien la película está centrada durante la época en que filmó "El Príncipe y la Corista", se puede ver de manera clara como vivió la estrella toda su vida batallando con sus demonios internos y tratando de no caer en la picadora de carne que suele representar muchas veces la fama mundial. También nos cuenta un poco de la historia de otros personajes famosos de aquella época como Sir Laurence Olivier, Vivian Leigh y por supuesto el mismo Clark, quien mantuvo un breve romance con la actriz que lo dejó marcado para toda la vida.
    Por otro lado la trama coquetea con la comedia romántica, un chico de 24 años adinerado y determinado a dedicarse al séptimo arte se encuentra con la mega estrella que cautiva a todo el planeta y se produce un mini romance que por supuesto, no está destinado a perdurar.
    Una película biográfica con mucho encanto y que nos muestra una partecita de la historia de una de las estrellas más carismáticas de la historia del cine. Para disfrutar sin mucha reflexión y atención sobre los nudos de la trama, dejándose seducir por la blonda debilidad que a tantos hombres puso a sus pies.
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  • El cuervo
    El cuervo
    Cinélico
    Poe, el investigador

    "El Cuervo" del director James McTeigue es una película de suspenso con impronta policial que recuerda de alguna manera a "Desde el Infierno" con Johnny Depp, con una estética parecida y la similitud del asesino serial que comete los homicidios más aterrorizantes. Tiene también el sello visual que pudimos apreciar en la espectacular "V de Vendetta", con ambientes góticos muy bien creados, efectos espectaculares y la impronta "cómic" que tanto le gusta a McTeigue. En conclusión, podemos decir que sus virtudes vienen por el lado de lo técnico, tanto visual como sonoro. El problema es que, como suele pasar con muchos otros proyectos de este tipo, se descuidó la coherencia de la trama y el "appealing" con el que debe contar una historia que involucre a un personaje tan famoso como el escritor de novelas policiales, Edgar Allan Poe. La premisa no es mala en absoluto, ya que incluir al personaje de Poe (interpretado por John Cusack) como parte de un equipo investigador para apresar a un fan psicópata que anda asesinando por las calles de Baltimore, resultaba excitante y hasta cierto punto, distinto de los que estamos acostumbrados a ver en la gran pantalla. Uno de los problemas más grandes fue justamente el villano del film... ¡el villano del film es importantísimo! y creo que en este caso no estuvo bien elaborado. Nunca llegamos a establecer un vínculo con el malo de la película, de hecho nos importa poco o nada su historia y su motivo para andar destrozando cuerpos por doquier. La atención se centra en Poe y su relación con el detective Fields y su enamorada, Emily Hamilton. Como todos sabemos con 50% de cosas buenas no llegamos a una producción memorable que fascine al espectador. Nos gustó... pero hasta ahí nomás. Podría haber sido mucho mejor, sobretodo con el potencial de un creativo como James McTeigue. El asesino terminará siendo alguien con poco carisma, que no logrará involucrar al público.
    Creo que es una buena opción para disfrutar de un policial negro con una estética fabulosa, que sin tener una trama de muy buena calidad logrará entretener y despejar la mente para pasar un buen rato. Me quedó un poquito de gusto a menos...
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  • Madagascar 3: Los fugitivos
    Afro Circus

    Llega la 3ra entrega de Madagascar con muchísimo humor y más aventuras, conformando ya no un cuarteto de protagonistas, sino un gran equipo de personajes disfuncionales que hacen girar la rueda cinematográfica con una suavidad casi perfecta. Lo que comenzó como las aventuras de Alex, Marty, Gloria y Melman fuera del Zoo de NY, evolucionó y sumó personalidades que son realmente fundamentales, sin las cuales, la rueda encontraría más resistencia en el camino por el que transita. ¿Alguien se imagina Madagascar sin los pingüinos? ¿o sin el bizarrísimo "Rey Julien"? En este sentido creo que los directores Tom McGrath y Eric Darnell han hecho un trabajo formidable en la búsqueda de la química correcta para seguir ofreciendo una franquicia tan exitosa y entretenida como esta, que de seguro tendrá un par de oportunidades más para acrecentar el éxito y las arcas de Dream Works.
    Como resalté al principio, el gran fuerte de esta 3ra entrega es el humor, que combina ternura y malicia de una forma magistral, creando una sonrisa ininterrumpida de 93 minutos tanto en los más chicos como en los más grandes que se animan a ir a verla. En esta ocasión, el grupo está intentando volver a casa (NY) pero como adivinarán, tendrán miles de problemas comiquísimos que se interpondrán con su objetivo, como por ejemplo andar como fugitivos por Roma, Londres y París con una loca agente de policía tratando de cazarlos. En el camino conocerán unos animales de circo que les cambiarán la concepción que tienen acerca de la vida.
    Lo mejor a mi criterio fueron los pingüinos lejos.... y después el rey Julien que realmente logró comprarme con su personalidad tan bizarra y carismática. Por supuesto los 4 protagonistas tienen lo suyo, pero sinceramente, el éxito no sería el mismo sin este grupo de secundarios locos.
    Concuerdo con algún comentario que leí en otro sitio que decía que es una de las pocas franquicias que realmente ha logrado ir evolucionando con el pasar de las secuelas y no al revés como suele suceder con la mayoría. Quizás un de los puntos más débiles de esta última peli tiene que ver con el guión, que sin ser malo es un poco más básico que los anteriores.
    Para disfrutar de 1 hora y media a pura risa y color con una banda de animales tan locos y simpáticos como lo fueron en su comienzo. Una franquicia que todavía tiene cuerda para rato.
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  • Blancanieves y el cazador
    La magia de la fantasía

    ¡Éste es el tipo de fábula que nos gusta ver en el cine!, con un enfoque más adulto, pensado, oscuro, con maravillosas escenas épicas que componen una aventura digna de recomendar. Que me disculpe Julia Roberts, pero nada puede hacer en la competencia de adaptaciones sobre la historia de Blancanieves... ya se que una es comedia y la otra es una épica de aventuras, pero a lo que me refiero es justamente a la efectividad de un formato y otro... A una buena épica no hay que con darle. ¡Ojo!, tiene sus puntos bajos, pero en el redondeo final ofrece un entretenimiento más que digno y nos devuelve a esas aventuras de antes, que tenían el combo justo de fantasía, acción y comedia.
    Tiene algunas influencias de esa gran película de fines de los '80 llamada "Willow", entrañable y fantástica como pocas. En su fotografía, sus paisajes y personajes hay un poco de "El Señor de los Anillos" y otro poco de "Harry Potter", entretenimientos aventureros de calidad si los hay. En contraste con la crítica que hago siempre sobre los directores que usan elementos de otros éxitos del género y pretenden filmar una historia increíble con sólo mezclarlos de manera obscena, "Blancanieves y el Cazador" del director debutante Rupert Sanders logra aprender de los "highlights" ajenos y los transforma para ofrecer una ficción original y por sobre todo, entretenida.
    No todo es color de rosa en esta crítica... también hay algunos aspectos que creo podrían afinarse para la 2da entrega que ya ha sido anunciada pero sin fecha concreta de estreno. La 1ra queja es para el cliché de los diálogos pre asesinato... ¿hay algo más molesto que el villano hablando estupideces durante varios minutos mientras el héroe gana tiempo para ser rescatado? Hay otras técnicas más inteligentes para crear el suspenso necesario y que el héroe (en este caso heroína) salga finalmente vencedor del combate. ¡La charla pre asesinato me exaspera!
    La otra queja tiene que ver lamentablemente con Kristen Stewart, una elección lógica si se tiene en cuenta la cantidad de adolescentes que la idolatran, pero que a la hora de la interpretación deja mucho que desear... Tiene menos expresión que una cara llena de botox. Charlize Theron en cambio, está espléndida.
    Por lo demás, totalmente recomendable. Para disfrutar de un mundo fantástico que transporta lejos de la realidad diaria, un mundo épico lleno de aventuras y batallas mágicas que devuelven la mente del espectador a la niñez.
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  • El puerto
    El puerto
    Cinélico
    Tender la mano

    "Le Havre" o "El Puerto" es la película que debería haberse llevado la Palma de Oro en 2011. Ya está, lo dije. "El árbol de la vida" de Terrence Malick fue muy buena película y la disfruté, pero en comparación con este trabajo de Aki Kaurismäki nada tenía que hacer. El director finlandés saca lo mejor de sí para entregar cine puro, toma un género tan difícil como el de la comedia/drama y lo combina con denuncia política, una práctica común en el séptimo arte con la diferencia de que acá la técnica cinematográfica es impecable. La atmósfera que logra crear es poderosísima, capta la miseria material y la riqueza espiritual de sus protagonistas con absoluta belleza, invita a querer ser mejor sin golpes bajos ni sentimentalismos, alimenta el corazón del cinéfilo que por estos tiempos simpatiza con la fatalidad (me incluyo entre ellos) y oscuridad de las tramas menos inocentes.
    Para el espectador menos predispuesto puede no llegar a ser todo lo magnífica que me pareció a mí, pero estoy seguro que podrán disfrutarla de todas maneras y no sentirse que están frente al capricho de un artista loco al que le pintó experimentar con el cine y volcar sus excentricidades más bizarras en 90 minutos de film.
    Para el que no tiene idea acerca de la trama le cuento que la historia se centra en Marcel Marx, un artista parisino exiliado que actualmente se gana la vida como lustra botas en la ciudad portuaria de Le Havre, y su accidental encuentro con un niño inmigrante del continente africano al cual debe ayudar para que llegue a Londres y se reencuentre con sus familiares. En el medio, habrá un misterioso detective que seguirá sus pasos de cerca y con el que se producirán los mejores momentos en pantalla.
    Un obra bienintencionada que se filma buscando la atemporalidad, tratando de transmitir que sin importar donde, en qué época, de qué clase social, o en qué situación nos haya puesto la vida, siempre se pude tender una mano al otro y hacer de este mundo un lugar más feliz para habitar.
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  • El exótico hotel Marigold
    Ser feliz después de los 60

    "El Exótico Hotel Marigold" abre sus puertas para el hospedaje de 7 artistas gigantes de la Gran Bretaña y por supuesto, nosotros los cinéfilos, contentos como perro con dos colas. El director John Madden logra ensamblar a un grupo espectacular de actores que ofrecen entretenimiento asegurado, muy buenas actuaciones y un carisma que rebalsa la gran pantalla, sobre todo Tom Wilkinson que sorprende con un rol al que no nos tiene acostumbrados, el de tipo sensible y factor de unión entre un grupo de veteranos mañosos que andan en busca de su lugar en el mundo. Su actuación es maravillosa y emotiva, agregando un plus a la historia que definitivamente subió el nivel del film. Otra que se lució muchísimo fue Judi Dench, con una presencia elegantísima en pantalla y una interpretación que exudaba un aura hipnótica. En realidad, todos estuvieron bárbaros, pero no quería dejar de remarcar la labor de estos 2 artistas que para mí se destacaron.
    Para los que no tienen idea de que trata la peli, la trama es simple: 7 personas entradas en edad que por diversas vueltas de la vida deciden realizar un viaje de redescubrimiento nada más y nada menos que a la India. A través de distintos medios, se enterarán de la existencia de un hotel "exótico" que promete hacerles pasar el mejor momento de sus vidas... al menos eso prometen las fotos. Cuando llegan al destino se encuentran con que el hotel no está ni cerca de las expectativas que tenían y que además deberán aprender a conocerse mucho más a sí mismos y a los demás huéspedes de este particular alojamiento.
    Los menos positivo de la cinta tiene que ver con algunos desenlaces torpemente encarados como por ejemplo, la repentina valentía de Sonny (Dev Patel) para defender a su amada ante su conservadora madre, la decisión final del matrimonio entre Jean y Douglas Ainslie, y alguna que otra cosilla más. Por momentos tiene una narración infantil y con algunos huecos, pero si nos dejamos llevar por la buena vibra de la historia la vamos a pasar 10 puntos.
    Lo mejor fue sin dudas el grupo de talentos reunido y las actuaciones que ofrecieron, seguido de una trama con temática universal acerca de las decisiones que tomamos en la vida y como éstas afectarán nuestro futuro.
    Muy recomendable para pasar un momento de alegría y emociones que dejarán un gustito que afirma que es muy lindo estar vivo.
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  • Hombres de negro 3
    Evolución retro

    "Men In Black 3" vuelve bastante renovada y con ganas de revivir con todo la franquicia de acción humorística que enamoró a muchos fans allá por 1997. Retorna con algunos aspectos muy pulidos y acertados, pero todavía sostiene algunas fallas de la 2da entrega que fue bastante mediocre. El mismísimo Will Smith acepta en una entrevista reciente que le pifiaron con la historia de "Men In Black 2" y en esta 3ra entrega quisieron mejorar mucho la trama y el humor. Lograron con la incorporación de Josh Brolin (joven Tommy Lee Jones) una brisa fresca de carisma y nivel en el reparto, tanto que ya hay rumores de que las próximas cintas podrían concentrarse en el joven K con más de Brolin como protagonista.
    Otro aspecto positivo tiene que ver con el viaje en el tiempo, precisamente a fines de los años '60 lo que renueva toda la puesta en escena de la película, las armas, los medios de movilidad, las oficinas de los Hombre de Negro, el vocabulario y otras cuestiones que incorporan novedad a la trama pero con un aire retro. Y es que para revivir al producto necesitaban darle un toque nuevo a todo el paquete, cosa que creo lograron en muchos aspectos, pero se olvidaron de otros importantes. Algo que me molestó y percibí de calidad mediocre al igual que la 2da entrega fue el villano escogido. Boris "The Animal" se queda al medio del camino entre el divertidísimo y siniestro "Edgar" (Insecto) de Vincent D'Onafrio en "Hombres de Negro" y la aburridísima "Serleena" de Lara Flynn Boyle en la secuela. Tiene algunos aspectos notorios de crueldad y buenos efectos visuales relacionados con sus transformaciones, pero al humor se lo dejó olvidado en casa. Quizás deberían apuntar un poco más alto con el casting y contratar a una celebrity más carismática para el rol. Otro aspecto flojito fue el tema del humor en general... por momentos convence con recursos físicos, pero en otros te mirás con el lado como diciendo..."¿quiso hacer un chiste es así de gil nomas?". Creo que las producciones de este tipo si quieren sobrevivir al paso del tiempo deberían reinventarse cada vez más, buscando nuevas herramientas para mantenerse en la onda. El chiste racista ya fue... ¡A ponerle pilas!! Es un buen retorno, pero hay cosas que pueden mejorar y mucho.
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  • Misión secreta
    ¿Gere se convierte en El Chacal...?

    "The Double" es esa peli típica que uno engancha en el cable un lunes por la noche y cuando termina de verla dice: "che... es más o menos buena esta, me despejé un rato, ahora a dormir" y al otro día olvida por completo que la vio. El problema de ésta falta de trascendencia es que el director Michael Brandt propone algo que hemos visto hasta el hartazgo, espías rusos y norteamericanos en un complot de traiciones, nudos y recontra nudos. Es verdad que hay algunos films que han sobresalido en la temática como "Juego de Espías", "Misión Imposible" o "Red de Mentiras", pero la mayoría termina en el olvido o para rellenar la programación de algún canal del cable. Lamentablemente creo que este último destino le cabe a "Misión Secreta" ya que no supo aportar nada nuevo a un sub género que está más que gastado. Sí, hay una vuelta de tuerca sobre el último, pero es un recurso que se usó torpemente y que no fue los suficientemente poderoso como para levantar el desfile de clichés del mundo del espionaje cinematográfico. El agente con la banderota de USA en la puerta de su casa, el asesinato misterioso que hay que resolver, el nudo del nudo del complot y algunos planteos más en los que se nota la influencia de otras películas como "El Chacal" con el mismo Gere y Bruce Willis o inclusive "Salt" de Angelina Jolie. Siempre lo he dicho, pero lo reitero: Cuando uno puede identificar fácilmente este tipo de influencias es porque algo mal salió con el guión. La mezcla de buenas ideas de otros directores y guiones no asegura un buen producto de cine, tiene que tener además un factor extra de cohesión que haga funcionar la historia.
    En "Misión Secreta" hay algunos momentos que intentan lograr un buen nivel, pero se desvían en el camino y desembocan en un final desprolijo, ingenuo y poco creíble.
    Topher Grace es un actor de otro género, no de suspenso. Lo único que me sucede al verlo es acordarme de su personaje de Eric Forman en "That '70s show" y no poder tomarlo en serio cuando grita enfurecido o quiere actuar una escena dramática. Richard Gere por su lado, hace también un papel predecible para su perfil.
    En fin, sólo para aquellos que aman con toda el alma las películas de espionaje y los nudos de los contra nudos.
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  • Los padrinos de la boda
    Cuando se acaban las ideas

    "A few best men" es el claro ejemplo de que la frase "de los mismos productores de..." no es igual a "del director de...". No es lo mismo productores que directores, y en este caso se notó totalmente en el resultado. Basta con citar algún ejemplo como la flojita "Sanctum" que venía apadrinada por James Cameron pero la dirigía Alister Grierson. A la peli se la promocionó como la nueva "Muerte en un Funeral" pero ni cerca está de llegarle a los talones. La película de Frank Oz estrenada en 2007 fue un suceso disparatadamente encantador, divertido, histérico, que dejaba la sensación positiva de haber aprovechado el precio de la entrada al cine o el alquiler del DVD. Esta supuesta sucesora es una fiasco que no convence y que carece de personalidad propia. Si bien participó el mismo guionista de la recordada comedia británica, parece que el maestro esta vez se quedó sin inspiración y decidió hacer una mezcla de 2 pelis exitosas esperando que esto funcionara y nadie se diera cuenta... ¿adivinaste las pelis? Sí, un mix de "Muerte en un Funeral" y "¿Qué pasó ayer?", un mejunje en el cuál se advierten características groseras de estos films, como por ejemplo, que el velorio sea ahora un casamiento, que el tigre de Mike Tyson se convierta en carnero y sí... también aparecen cosas metidas en el culo de alguno de los protagonistas.
    Hay muchas situaciones ridículas, demasiadas, pero los momentos en los que realmente lograr sacar una sonrisa espontánea al espectador son poquísimos. Creo que gran parte del problema fue el cast que seleccionaron, empezando por un protagonista insulso y un Kris Marshall ("Love Actually") al que le queda grande el rol protagónico.
    No tiene nada nuevo, no es original, los chistes no son muy divertidos y por momentos se vuelve pesadísima. Sólo recomendada para aquellos que disfrutan del disparate puro y sin sentido.
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  • Elefante blanco
    El sacrificio de la vocación

    "Elefante Blanco" de Pablo Trapero es una película buenísima, que interpela, que revuelve todo dentro del espectador, que nos hace reflexionar, es un muy buen producto cinematográfico basado en la vida cotidiana de los curas villeros que trabajan en nuestro país. La gran frase "Sueño con morir por ellos, ayúdame a vivir para ellos" resume la lucha del Padre Julián, maravillosamente interpretado por Ricardo Darín. La idea es tan fuerte, tan inspiradora, que uno como argentino no puede no sentir tristeza por lo que sucede diariamente en nuestro país. La pobreza, la exclusión, la violencia, la drogadicción, la indiferencia, no son sensaciones... son lastimosas verdades de nuestra sociedad y es aquí donde Trapero hace su gran crítica... ¿hasta cuándo va a durar esto?. Otro reproche que se deja ver es hacia la institución de la Iglesia, un reproche encarnado en el personaje de Jeremie Renier, el padre Nicolás. En este punto creo que el director cae en el golpe casi sistemático del cine de pegarle al clero por el lado del celibato de los sacerdotes, algo que muchos no entienden y que discusión aparte, tiene su justificación que supuestamente es aceptada por los sacerdotes cuando emprenden su vocación. ¡Ojo! también ofrece muy claramente el verdadero mensaje de Amor del cristianismo, un amor que se hace carne en la piel del padre Julián que da su vida por los demás.
    Es un film fuerte, muy emotivo, que por momentos avergüenza al espectador y lo revuelve, cuestión que me parece absolutamente fabulosa como experiencia cinéfila. Para aquellos que están más cerca de la realidad social de los barrios carenciados de nuestro país, las escenas no impactarán tanto e inclusive podrán advertir ciertas exageraciones como mostrar que la villa "Ciudad Oculta", una de las más grandes de Buenos Aires, sólo es asistida por tres curas, una asistente social y un voluntario. Gracias a la buena voluntad de gente solidaria (sí, todavía quedan varios), la asistencia es mayor y más organizada. Es sólo un detalle, pero no quería dejarlo pasar.
    Una película para reflexionar, poner a flor de piel los sentimientos y disfrutar de buen cine hecho acá, en Argentina. La fotografía y la crudeza de ciertas escenas hace recordar a aquel par brasileño "Ciudad de Dios".
    Por último quiero resaltar una boludez pero que me encanta disfrutar siempre en el cine... Ricardo Darín, sos el mejor puteador de la historia del cine argentino.
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  • Battleship: Batalla naval
    La fórmula Transformer

    "Batalla Naval" es lo nuevo de Hasbro, famosa compañía de juguetes que parece empecinada en arruinar potenciales buenos productos para vender cajitas felices y promocionar el poderío militar norteamericano. Los productos garpan... de eso no hay dudas, sobretodo si tenemos en cuenta que las "Transformers" fueron películas gigantes de la taquilla con sólo buenos efectos especiales y dos protagonistas femeninas para el infarto. En este caso se apela a una dinámica parecida, con muchos efectos especiales, una morocha elegida como la mujer más sexy de 2011 por "Esquire" y una rubia debilidad con más curvas que la cordillera de los Andes. De trama original y entretenida ni hablar... y es que pensándolo bien, ¿qué tan interesante puede resultar un film sobre un juego de mesa? Más bien parece una excusa barata para poner en pantalla naves gigantes y marcianos, que como siempre, quieren exterminarnos y quedarse con nuestro increíble planeta tan preciado en la comunidad universal.
    Muchachos, ¡los marcianos ya cansaron!! Al menos si van a usarlos inventen algo nuevo, algo que no hayamos visto más de 100 veces en distintas películas.
    Como aspecto positivo, rescato que al menos "Battleship" utiliza un humor mucho más rescatable que el impresentable de Michael Bay (se nota que no me gusta ¿no?) en "Transformers", donde se encargó de pegarle la fama de descerebrado al pibito Shia LaBeouf. Por otra parte, también noté que se la encaró con un poco más de seriedad, contratando a buenos actores que hicieron un poco más tolerable la cinta. Estoy hablando por supuesto del gran Liam Neeson y de Alexander Skarsgard, que más allá de sus breves intervenciones, dejan su sello y suman un par de puntos a la propuesta. Taylor Kitsch es buena opción como anti héroe de acción, simplemente no ha seleccionado bien sus últimos proyectos.
    Una peli para los incondicionales de las invasiones extraterrestres y los efectos visuales zarpados. Quizás para verlas a Brooklyn y a Rihanna también vale la pena. En lo que respecta a mi experiencia, la pasé mucho mejor con un pedazo de papel borrador, dos lapiceras y un par de inadaptados que querían escaparse de Química.
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  • La separación
    La justicia no justa

    Después de muchas idas y vueltas por fin me pude sentar a hacer la crítica de este film iraní que merecidamente se llevó todos los elogios de la prensa e inclusive un Oscar. "La Separación" es una película dirigida por Asghar Farhadi, responsable también de la mundialmente premiada "Acerca de Elly", por lo que su nombre seguramente comenzará a asociarse con directores reconocidos de Irán como Abbas Kiarostami ("Copia Certificada", "El Sabor de las Cerezas") y Jafar Panahi ("Offside", "El Círculo").
    En esta ocasión ofrece una mirada crítica sobre lo que representa la "Justicia" y la "Moral", lo que es justo y lo que no, la esencia de lo correcto más allá de la ley jurídica y religiosa. También trata sobre las relaciones familiares, las clases sociales y el mix entre cultura tradicional y la modernidad entre otras cosas, enriqueciendo un guión que del vamos es increíblemente interesante y movilizador. Cada diálogo parece estar pensado y repensado muchas veces para lograr un efecto sincero en el espectador, con conversaciones cargadas de significados fuertes y gestos corporales que gritan a todo volumen la tensión que se está viviendo. La cinta dura 2 horas, pero no aburre en ningún momento debido al gran ritmo que impone el director y a las circunstancias que con tinte musulmán, exploran las relaciones humanas y la desesperación de vivir una realidad que nadie desea para su vida (divorcio, pobreza, culpa, enfermedad).
    Quizás su flaqueza está en algunos planteos situacionales (pocos) que quedan inconclusos y que al final se presentan como irrelevantes (no, no estoy hablando de la escena final), que parecen colocados para despistar sin mucha sutileza. Se las perdonamos ya que al final de cuentas no bajan mucho la calidad de la trama.
    El sello de la religiosidad musulmana y su cultura está presente en todo momento, produciendo asombro en el público occidental que con esta experiencia podrá aprender un poco más acerca de los dilemas de una cultura totalmente distinta a la nuestra, y a su vez, podrá sentirse identificado con problemas que trascienden las diferencias culturales como la falta de comunicación, la relación con los hijos, la corrupción, la miseria y los condicionamientos sociales y religiosos.
    Una obra interesantísima para disfrutar, tensionarse y reflexionar sobre los valores éticos y morales que rigen a las sociedades en la actualidad, ya sea en Irán, Argentina o Japón.
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  • El campo
    El campo
    Cinélico
    Donde la maleza crece libre

    "El Campo" es una película que a pesar de su eslogan "A veces hay que salir para volver a encontrarse", habla en realidad sobre el desencuentro con el otro, quizás encontrarse con el verdadero "yo", pero definitivamente sobre las diferencias con el otro como parte ¿complementaria? de la vida de una persona.
    Santiago (Leonardo Sbaraglia) y Elisa (Dolores Fonzi) se están mudando al campo con su hijita, él con muchas pilas y ganas de construir la vida perfecta que venden esos folletos de countries nuevos, mientras que ella se muestra media reacia, desconfiada y con reservas a comenzar una vida campestre. El problema no es el desacuerdo sobre vivir o no en el medio de la nada con chanchos e insectos que ofrecen una verdadera orquesta nocturna, sino que el nudo de la cuestión está en verse el uno al otro de manera obligada sin ruidos y distracciones citadinas que desvíen los pensamientos que se producen, tanto los buenos como especialmente los malos. En el campo la maleza crece libre, los mismo sucede con los aspectos inconclusos de esta pareja que comienza a tener que vivir realmente con el otro, descubriendo egoísmos, carencias, agendas propias y lados oscuros que muchas veces uno quiere enterrar en lo más profundo del ser.
    No es un film fácil de enganchar, pero si te dejás llevar vas a poder vivir un cine que transforma al espectador, al menos durante una hora y media, y lo mueve emocionalmente por las pobrezas humanas. Si te cerrás quizás pienses que se trata de dos forros de ciudad medio egoístas que no saben vivir como pareja funcional y probablemente te aburras bastante, ya que la fotografía, la edición de sonido y los planos están preparados para hacerte sentir la incomodidad y la alienación de la protagonista Elisa, que va volviéndose más paranoica con cada minuto que pasa.
    Una peli para explorar esos aspectos internos que muchas veces están anestesiados por el efecto "metrópolis", pero que cuando florecen golpean el ser al punto de no poder volver nunca más hacia atrás.
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  • Comando especial
    Policía Estudiantil

    "21 Jump Street" es la adaptación de una serie ochentosa que lanzó a la fama al conocidísimo Johnny Depp y que vuelve en formato de largometraje, con 2 nuevos protagonistas que creo se complementaron bastante bien durante su trabajo en este film. Jonah Hill demuestra que es una de las nuevas caras para tomar en serio en el mundo de la comedia aportando los mejores momentos de la película, mientras que Channing Tatum cumple como parte complementaria del dúo pero sin grandes momentos de talento humorístico.
    Para los que no conocen la historia, la policía crea un escuadrón de agentes con las características físicas necesarias para infiltrarlos en colegios secundarios y hasta universitarios con el fin de investigar los crímenes que tienen lugar entre los más jóvenes de la sociedad. Originalmente era un equipo de varias personas, pero para la adaptación cinematográfica se decide hacer foco en la pareja conformada por los dos actores del cartel. Otro gran cambio tiene que ver con el enfoque humorístico que se la dio a la película, un humor que está mucho más cerca de la bizarreada de "The Hangover" que del típico humor ochentoso, que se podría decir, era más sano y apelaba mucho menos a las situaciones ridículas. Personalmente no soy un gran fan de este nuevo tipo de comedia, más allá de que disfruté muchísimo la 1ra Hangover, sobre todo porque percibo que algunos imitadores del género cada vez van más lejos con el mal gusto, léase "Pase Libre", "Bad Teacher" y "Si fueras yo".
    Hay escenas realmente divertidas, pero como en estos otros casos nombrados, también hay otras de mal gusto e innecesarias para la dinámica de la trama. La parte policial y de acción también creo que podría afinarse un poco más, sobretodo si va a haber secuela como se viene comentando luego de su éxito comercial en USA.
    No es una de las mejores comedias que vas a ver en tu vida, pero combina de manera muy efectiva el humor bizarro con el género de acción, lo suficientemente bien como para entregar al menos una cinta más sobre las andanzas de los 21 Jump Street.
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  • Cuando te encuentre
    Publicitar al nene...

    "The Lucky One" o "Cuando te encuentre" (muuuy similares los títulos...) es según mi punto de vista, una de las peores películas de Scott Hicks, que sin ser un prodigio de la dirección, llegó a entregar films como la inolvidable "Shine", con la cuál el gran Geoffrey Rush se ganó un merecido premio Óscar.
    En esta ocasión cae en una historia boba, desgastada, cuyo público objetivo está ubicado mayormente al sur de los Estados Unidos, donde el Marine y el ejército norteamericano son idolatrados como dioses del Olimpo. En realidad reflexionando un poco, me di cuenta que el problema no es tanto filmar sobre alguna historia suscitada en la milicia estadounidense, de hecho Kathryn Bigelow entregó una muy buena "Vivir al límite", sino que lo insoportable es la sensiblería barata que se pretende activar de manera torpe en el espectador para que éste simpatice con el mayor poder militar del planeta, idea que de entrada, me eriza los pelos de todo el cuerpo.
    Por otro lado, la historia de amor planteada funciona a los ponchasos, alternando momentos de buena química con situaciones ridículas como el desenlace final en el que de repente hay gente que se ahoga y el Marine todo poderoso acude al rescate... nada que ver con la trama amorosa y representa 10 minutos totalmente innecesarios.
    Lo único bueno que puedo decir, es el entendimiento inteligente que tiene Hicks sobre las estrellas que pone a protagonizar el film. Zac Efron es el protagonista y Marine en cuestión que es explotado como el cliché comercial del producto, que viejo pero todavía efectivo, ofrece momentos varios del joven que ya está bastante crecidito (de músculos), sin remera, en boxers, teniendo sexo y hasta hay una situación de mano femenina en nalga masculina de 1er plano. ¡Las adolescentes seguidoras de Zac quedan extasiadas al menos por 2 semanas consecutivas!
    Un poquito de Blythe Danner para darle más jerarquía y seriedad, mezclado con otra pizca de Taylor Schilling para la escasa audiencia masculina en sala. Aún así, no logra entretener casi en ningún momento de sus 100 minutos de duración.
    Un propuesta chata que no aporta nada a la vida de nadie, que no entretiene y que parece ser una publicidad doble donde los productos promocionados son los Marines de USA y el nuevo look "macho sexy" del nene Zac Efron.
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  • La fuente de las mujeres
    La mujer dispone

    "La source des femmes" es la nueva película del director rumano Radu Mihaileanu, el mismo que estuvo a cargo en 2009 de ese gran film llamado "El Concierto". El tipo sabe en lo que es bueno, repite su fórmula de humor-drama-emoción para entregarnos un trabajo bueno, que interpela, que denuncia una dura realidad ambientada en medio oriente, locación escogida por supuesto, por la gran represión y la violencia de género que se produce contra las mujeres. En realidad es un comportamiento que está presente en muchas culturas a lo largo del globo, pero como todos sabemos, en las culturas musulmanas las limitaciones para el género femenino son de lo más variadas.
    La historia cuenta como un grupo de mujeres de un pueblo decide declararse en huelga sexual hasta que los hombres las tengan en mayor estima y respeto. Por supuesto, ésto generará una gran convulsión en una sociedad tan cerrada y conservadora como la musulmana donde la mujer es prácticamente una pertenencia. La temática es de interés internacional, ésto sumado a una buena dirección, hacen del film un producto disfrutable para un público más general y no tan del palo "independiente". ¡Ojo! quizás a algunos pueda resultarle larga (dura 135 minutos) y tediosa en algunas escenas, sobre todo en las que son cantadas... confieso que me exasperó un poco la parte de la puesta musical ya que no soy un gran admirador de los cánticos cinematográficos.
    Hay momentos duros, momentos emotivos y algunos diálogos divertidos, pero también hay algunos espacios de relleno que a mi criterio podrían haberse recortado tranquilamente.
    Una película para salirse un rato de la senda "mainstream" y disfrutar de una trama que denuncia con simpatía y efectividad un realidad penosa que deberíamos repensar como sociedad. El director es benevolente con el trato que da a este tema y por eso fue criticado por muchos, para mí acierta en amenizar el guión para llegar mejor a los distintos segmentos cinéfilos.
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  • Shame: sin reservas
    La mutilación afectiva

    "Shame" es un film que retrata la adicción de una persona golpeada por la vida y muestra como esa adicción, en este caso al sexo, lo condena a una vida de infelicidad total de la cual resulta muy difícil escapar. La parte sexual de la historia sólo agrega interés, incorpora una afección psicológica que ya se ha filmado en otras ocasiones, pero esta vez tiene el plus de ser abordada sin reservas como lo indica su título, de manera brutal y con una enorme seriedad. ¿Hay sexo explícito? Sí hay, pero no son escenas pornográficas al estilo canal Venus, sino que es sexo crudo y salvaje captado con gran elegancia. La cinta tiene clasificación "R", es decir está restringida para menores de 18 años, por lo que no entiendo el escándalo que armaron algunas distribuidoras en torno a su comercialización... ¡Ya somos grandes! Si personas adultas no podemos ver un pene en plano frontal o gente interpretando una secuencia de sexo crudo ¿a qué vamos a llegar? Dejémonos de joder. Es sexo, nada más que eso.
    Otro plus es que a cargo de la filmación está Steve McQueen, director de la aclamada "Hunger" y poseedor de un talento increíble para transmitir al espectador lo que está viviendo el protagonista. Mucho mérito tiene en esto también el actor Michael Fassbender, que se desnuda no sólo físicamente sino interpretativamente para entregarnos a un tipo arruinado por su obsesión, incapaz de mantener una relación afectiva verdadera con otra persona y que se encuentra sumergido un vacío de lujos que no le sirven para llegar convertirse en una persona completa.
    Otra dinámica del film tiene que ver con la relación conflictiva que mantiene con su hermana encarnada por Carey Mulligan, una mujer depresiva, necesitada del afecto de su único hermano, que ha intentado suicidarse en más de una ocasión.
    La historia es triste, es brutal y no transmite ningún mensaje esperanzador, pero aún así ofrece una experiencia cinematográfica fabulosa, con planos secuencia muy bien elaborados, una temática provocadora y con interpretaciones que no debieron ser ignoradas por los pasados premios Óscars. Si pretendes ir al cine a relajarte y salir contento, esta no es la peli indicada, si salís excitadísimo de la sala, quizás tengas el mismo problema que el protagonista (chiste) y si estás buscando una experiencia de buen cine, definitivamente te la recomiendo.
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  • El útimo Elvis
    La Ausencia Adictiva

    ¿Alguna vez quisiste ser otra persona? Que idea tan poderosa y magnífica para trabajar en el cine. Ya se ha hecho, con resultados muy buenos y muy malos también. Armando Bo (Jr.) tiene que estar orgulloso de debutar en largometrajes haciendo un trabajo tan emotivo y bien ejecutado, elaborando una trama simple pero llena de riquezas. ¿Quién nunca se visualizó cantando como Axl Rose, Madonna o Chris Martin de Coldplay? ¿Quién nunca fantaseó con recibir todo ese reconocimiento? ¿Quién nunca envidió, aunque sea un poco, la vida de otra persona? En el film, se encara la trama teniendo en cuenta esta idea pilar, pero además se trabaja sobre otro abanico de matices que incluye la interacción familiar, la tragedia, la pateticidad, el amor a la música y sobre todo el convertirse en un ánima ausente, todo con gran profesionalismo y con un ojo enfocado en lo que el público va a validar en el cine cuando disfrute la propuesta. Tiene la capacidad de dejar contento al espectador comercial y al que gusta más del cine independiente también.
    Yendo más al desarrollo de la peli, no se deben confundir los tantos. La historia de fondo, la importante, es la de Carlos Gutiérrez, un tipo que se ha obsesionado tanto con su ídolo que por momentos realmente cree que es él, un tipo que se ha perdido a sí mismo para poder convertirse en alguien que no es, que nunca va a poder ser y que va a significarle la infelicidad perpetua. Es una tragedia, con algunos toques cómicos por supuesto, con momentos de enseñanza y gran virtuosismo de su protagonista, que encarna a un personaje tan patético como querible, tan admirable como reprochable. El hecho de que sea Elvis no es lo más relevante, eso es un aspecto que enriquece al film, que ofrece entre otras cosas, momentos musicales buenísimos, sobre todo para un ignorante (como es el caso de quien escribe) que hasta el momento no tenía idea quien es este gran artista llamado John McInerny.
    Un muy buen producto "made in Argentina" que va a sorprender a más de uno y va a emocionar hasta las lágrimas a quien se deje tocar por este último Elvis.
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  • Los vengadores
    El sentido de la palabra Sinergia

    ¡Alucinante!, es lo 1ro que voy a decir para aquellos que piensan que no hay manera de hacer un blockbuster de calidad y menos de superhéroes. "Los Vengadores" es una de las películas más entretenidas que he visto en años, que tiene un secreto que en realidad es muy básico y sencillo: Combina de manera extraordinaria el buen humor con calidad de efectos y acción vertiginosa. Se apela al enorme poder de la risa y de la sorpresa. Cuando menos lo esperamos, el director Joss Whedon introduce algún comentario sarcástico de Iron Man, alguna brutada de Thor, alguna ñoñada del Capitán América y acto seguido, da vida a las secuencias de acción más espectaculares que se hayan visto en pantalla.
    Tiene momentos en que la sala completa se despanzurra a carcajadas, con chistes físicos y no físicos que hacen que uno enseguida vaya eligiendo a sus personajes favoritos. Hay una escena de Hulk con Loki que se ganó a todo el público presente con sólo 10 segundos en pantalla... cuando la vean van a entender de que les hablo.
    La trama no es la más original, aunque es bien entretenida, está bien elaborada y cierra el ensamble de todos los superhéroes. Las personalidades se complementan a la perfección, sobre todo en este 1er planteamiento de batalla de egos y búsqueda de posicionamiento de cada uno dentro del equipo de defensores de la Tierra.
    Por otro lado, se respetan las historias de cada uno de los protagonistas, se mantienen las características distintivas de cada héroe y nos introducen en la historia de los 2 personajes nuevos, Black Widow y Hawkeye. Los momentos de peleas y batallas son increíbles, muy vertiginosos y bien planteados. Se notó un trabajo bien cuidado y pensado en este aspecto para diferenciarse de lo que hemos visto hasta el momento en este tipo de género. Uno se involucra con lo que pasa, se maravilla como loco, y a la vez no se produce esa mala sensación de algunas películas de acción donde se piensa "¡qué ridículo!, eso es asquerosamente exagerado" (Michael Bay, tome nota), sino que uno piensa... Hay que tener talento para cubrir las expectativas del público mundial, entretener a los amantes del cómic y a los que no lo son también.
    En conclusión, recomiendo totalmente este film, sobre todo si sos "héroe adicto" ya que te vas a retirar extasiado del cine. Si no sos del palo comiquero pero querés pasar un momento muy entretenido que va más allá de la típica de superhéroes, también te la recomiendo a vos. ¡Bravo Marvel y aplausos al Sr. Whedon!
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  • Adultos jóvenes
    Crecer no siempre es madurar

    "Jóvenes Adultos" es una peli que pasó sin pena y sin gloria por algunas pocas carteleras, que a priori había generado bastante expectativa y que fue bien recibida por la crítica mundial más allá de que no tuvo mucho éxito comercial. En esta ocasión se juntó a una dupla poderosa compuesta por la escritora Diablo Cody y el director Jason Reitman, una pareja que ya había trabajado codo a codo en la aclamada "Juno". Además Reitman estuvo al frente de films como "Amor sin Escalas" (que me encantó) y "Gracias por fumar".
    Debo decir que esperaba más... la comedia es buena, no me malinterpreten, pero esperaba un producto que me sorprendiera y me dejara más sensaciones, que tuviera la relevancia de "Juno" por así decirlo. Para mí esta comedia fue más un despliegue de talentos individuales de la escritora y el director, y no un trabajo sinérgico con resultados asombrosos como la mayoría esperábamos. Se nota el lápiz punteagudo de Cody y la inteligencia freaky de Reitman, de hecho se concentraron tanto en sus sellos personales que no se detuvieron en la creación de sensaciones duraderas sino que establecieron una historia potencialmente interesante que finalmente termina ofreciéndonos algunos momentos memorables de incomodidad y nos saca una que otra carcajada durante su proyección.
    La trama gira alrededor de Mavis Gary, una ex chica popular de la secundaria que está afrontando un divorcio y que en un arranque de inmadurez y disconformidad con su vida vuelve a su pueblo natal decidida a reconquistar a su ex novio del colegio, aún si este está casado y esperando un hijo con su actual mujer. En el proceso se reencuentra con Matt, un ex compañero de secundaria nerd al que ni registraba en sus días de diva adolescente y que curiosamente, terminará involucrado no solamente en sus planes sino en su vida.
    "Young Adult" es uno de esos casos en los que todo se configuraba como un mix exitosísimo, con una actriz magnífica como Charlize Theron en un rol distinto del que estamos acostumbrados a verla, ácida, patética, maliciosa y egoísta, una antiheroína de las que suelen dejar marcas fuertes, pero en vez de eso nos quedó la marca de una cachedita suave y efímera.
    Es disfrutable y tiene una buena dosis de acidez, pero no está ni cerca de ser la comedia que esperábamos de esta dupla talentosa. Ojalá vuelvan con un trabajo más completo y divertido en el futuro.
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  • [REC] 3 Génesis
    Festival del gore

    "[REC 3] Génesis" es lo nuevo de la franquicia de zombies españoles que ha sabido ganarse su público a lo largo del planeta. En esta ocasión vuelve con una precuela confusa, en la que de alguna manera se cuenta el inicio del terror pero con elementos de las sátiras más ridículas que se pueden apreciar en el cine. Me tuve que poner al día con las entregas anteriores, y más allá de que no soy un aficionado a este tipo de género, la [REC] original me pareció un buen producto del subgénero "Horror", con calidad y buenos momentos de miedo. La 2da entrega fue un poco menos, había perdido el factor sorpresa, pero supo continuar de manera decente la historia introducida originalmente. Finalmente esta 3ra, parece haberse cansado de la franquicia e intenta suicidarse con la introducción de exageraciones grotescas y diálogos absolutamente disparatados que no hacen más que empañar los pocos buenos momentos del film.
    Aparece una abuela que putea peor que el Tano Pasman cuando River Plate se fue a la "B", la protagonista pasa de dulce y aterrada doncella a carnicera motosierrera al estilo "Masacre de Texas", hay un tipo que anda escapando de los zombies disfrazado de Bob Esponja (símil) y cosas de este tipo que a alguien que no está habituado al gore (subgénero de violencia cruda y mutilaciones varias) con toques de comedia le puede parece la peor pesadilla cinematográfica de su vida.
    Quizás entrando en la lógica del público que sigue este tipo de película se podría decir que es un exponente aceptable, aún así me sigue pareciendo que el cambio a la comedia bizarra no sentó bien a esta precuela. Si sigue por esta línea, creo con bastante seguridad que un producto más con este dinámica terminaría por sepultar la franquicia.
    Si no sos de los que disfruta ver litros de sangre desparramados por la pantalla y los zombies lejos de parecerte copados te resultan ridículos, ni te gastes en pagar una entrada para ver este film.
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  • Contrabando
    Contrabando
    Cinélico
    Acción vibrante sin sello distintivo

    "Contrabando" es una buena peli de acción que llega directamente en formato DVD por nuestros pagos argentinos. No es un producto excelso, pero quizás merecía un poco más de atención y no pasar directamente al videoclub (hoy en día léase, internet).
    En esta historia, Chris Farraday (Mark Wahlberg) es un ex genio de la piratería y el fraude que se ve forzado a volver al ruedo para saldar una deuda contraída por su inexperto cuñado con gente áspera de la delincuencia. El nuevo trabajo le demandará uno de los mayores esfuerzos de su carrera criminal para poder completar la misión como es debido, y por momentos todo parece marchar 10 puntos, pero como suele suceder en este tipo de films, todo se complica cuando la traición y la ambición se apoderan de la trama poniendo en peligro el bienestar de su esposa y sus pequeños hijos.
    Lo mejor de esta propuesta está en la ejecución, con muy buenos momentos de suspenso y acción que entretienen al espectador y lo mantiene alerta durante todo el metraje. El reparto de actores es bueno, agregan talento y jerarquía a la historia, sobre todo Wahlberg que demuestra una vez más que puede llevar adelante un protagónico digno y creíble. Giovanni Ribisi hace lo que mejor le sale, el rol de loco impredecible con quien nadie quiere tener que tratar.
    El punto más débil y que creo le valió el pase directo a las estanterías, va por el lado del aporte de esta película a los géneros del Thriller y la Acción, ambos bastante desgastados en los últimos años. Las estafas abundaron como locas en el último tiempo por Hollywood ("Ocean's Eleven" y sus secuelas, "La Estafa Maestra", "El Golpe Maestro" y muchas más), con buenos y malos exponentes. "Contrabando" es una peli más que puede ubicarse de la media para arriba, pero hoy en día eso no es suficiente para llevar al público a la sala de cine. Creo que le faltó algún factor distintivo, algo que deje una impresión duradera, algo que la haga resaltar de entre tantos productos similares. Mientras escribo esta crítica, trato de acordarme algún momento fabulosamente particular de la cinta que haya quedado dando vueltas en mi mente... no puedo encontrarlo. Se concentraron más en cuidar los aspectos técnicos, las trompadas bien filmadas, la lluvia de balas, la tensión del peligro inminente, pero en lo referido a destacar un sello trascendente, tanto el director como los productores, se quedaron sin ideas y ofrecieron algo que ya hemos visto en la gran pantalla.
    Para los fans de las historias de estafas y golpes maestros bien elaborados que deseen pasar un buen momento de entretenimiento aunque éste no dure mucho tiempo en la memoria cinéfila de cada uno.
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  • Piratas! Una loca aventura
    Diversión en Stop Motion

    "¡Piratas! Una loca aventura" es una película divertida, amable, que a priori no atrae demasiado, pero cuando uno se deja llevar por la historia lo envuelve y lo hace pasar un buen rato de entretenimiento.
    No creo que sea tan fabulosa como exclaman algunos, sino que es un producto que vale la pena ver en cine y que creo será del agrado de los más chicos, aunque no es de esas producciones que uno termina llevando para siempre dentro suyo, sino más bien una linda peli para disfrutar el momento y pasar hacia otra cosa a los 5 minutos de finalizado el metraje.
    La versión latina no la recomiendo, escuchar a personajes ingleses hablando en neutro no favorece mucho el espíritu del film, sino que por el contrario, hace que se pierda un componente importante de su atractivo. Ya sé... me quejo siempre de lo mismo, pero cada vez más soy defensor de los idiomas originales. Imagínense sino, a Ricardo Darín puteando pero doblado al mandarín... ¿como que se pierde la esencia no? Acá pasa lo mismo.
    En fin, la historia es divertida y moderna, el pirata Capitán y su tripulación quieren ganar a toda costa el premio del "Pirata del Año", sobre todo para demostrarle a los demás piratas adversarios que son un grupo de granujas temibles y no el centro de las cargadas generales cómo suele suceder habitualmente. Esto los llevará a vivir una aventura que tiene algunos momentos realmente buenos y divertidos, aunque me costó mantener el completo interés hasta el final. Quizás el abuso de parodias a situaciones actuales que obviamente serían absurdas para la época de los piratas de la era victoriana resultó ser un arma de doble filo.
    En conclusión, creo que es una película que sin ser una maravilla y estar un poco lejos de la frescura de "Pollitos en Fuga" se deja ver y entretiene al punto tal de justificar la entrada al cine para disfrutarla. Los más chicos estarán seguramente más entusiasmados que lo adultos, pero es una buena opción para ver algo distinto a la animación que nos tiene acostumbrados Pixar.
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  • Diario de un seductor
    Haciendo el ridículo por Puerto Rico

    "The Rum Diary" o "Diario de un Seductor" (título que no tiene nada que ver con la película) es el último trabajo de Johnny Depp en estrenarse en Argentina, un film insulso que promete mucho más de lo que realmente ofrece. No tuvo mucha promoción, pero lo poco que se comunicó fue inflado de una manera que el espectador esperaba otra cosa cuando asistiera a ver la película. ¿Diario de un seductor? La trama no tiene nada que ver con Depp desplegando su facha y encanto, sino que sólo incluye una o dos escenas en las que trata de levantarse a otra protagonista, la bellísima Amber Heard, que dicho sea de paso, es una de las pocas razones por las que uno podría pagar por este film. Lo demás, son payasadas pensadas para el actor, con gestos a lo Capitán Sparrow.
    Por otro lado, el trailer la vendía como una comedia con toques de acción, que a raíz de un buen trabajo de edición, terminaba convenciendo de que podría tratarse de un buen entretenimiento. Pues nada que ver... No es ni muy divertida, ni la acción logra comprometer al público con lo que está pasando en pantalla. Tiene algunos toques bizarros que pareciera quieren emular a otro trabajo del actor en una historia de Hunter S. Thompson, "Pánico y Locura en las Vegas", pero la verdad es que le faltó mucha sopa para llegar a ese nivel. Acá no hay un hilo consolidado, no hay una historia interesante y el resultado termina siendo Johnny Depp haciendo el ridículo por Puerto Rico acompañado de un grupo de buenos secundarios que están desaprovechados.
    Hay quienes dicen que en realidad la historia original escrita por Thompson es mala de por sí, y puede que sea verdad, pero considero que un buen cineasta debe tener la capacidad de volver algo insignificante en algo fabuloso. Este no fue el caso del director Bruce Robinson que dejó ver su falta de training tras las cámaras.
    Una cinta para los incondicionales de Johnny y los que quieren deleitarse con la presencia de Amber Heard, que informo, para pena de muchos o fantasía de otros, tiene pareja de su mismo sexo.
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  • American Pie: el reencuentro
    Melancólica Adolescencia

    ¡Vuelve la banda completa!, se encuentran luego de 10 años, algunos casados, otros son famosos, algunos con hijos y otros son gays, pero lo que realmente quedó intacto es el espíritu original de esta saga, que puede agradar o no, pero es indiscutible que dejó su marca en el género de las comedias para adolescentes.
    Lo mejor del film pasa por reunir al cast original, cuestión que a cualquier seguidor de las American le encenderá la melancolía y los buenos recuerdos, haciéndolo reír y extrañar la edad del pavo. Quizás le faltó un poco más de humor, o chistes más inteligentes, seguro, pero es innegable que la reunión puso contento a más de uno, sólo basta con chequear el puntaje que la gente le otorgó en IMDB más allá de las malas críticas. La intención del director fue buenísima, la ejecución en cambio buena, aceptable, que de seguro dejará conforme a los fans pero que dudo maraville como para revivir la historia como sucedió con las "Rápido y Furioso". Si nunca te gustó mucho esta franquicia, seguramente tampoco te agrade esta nueva entrega.
    Lo novedoso es el crecimiento de los personajes, que siguen manteniendo su personalidad intacta pero con un toque más maduro, más adulto. Va a haber sexo y situaciones disparatadas en torno a él, por supuesto, sino no sería una verdadera American, pero en esta ocasión el foco vuelve a estar en ese mensaje principal que siempre pregonó la saga original: la Amistad.
    Lo mejor como siempre siguen siendo el loco Stifler y el torpe de Jim, ambos son los personajes más entrañables y carismáticos de toda la saga.
    Por la parte negativa creo que se quedó corta con el humor y la degeneración de las 2 primeras entregas con la excepción de algunas pocas escenas. Hay algunos personajes que sólo vuelven unos minutos en pantalla para justificar el retorno completo de la banda, pero en realidad no tienen ninguna relevancia y era casi lo mismo incluirlos o no. Es un retorno disfrutable, que reivindica el espíritu original, pero que no tomó la fuerza suficiente como para seguir dándole rosca a la tuerca.
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  • El líder
    El líder
    Cinélico
    Neeson en el Infierno (Blanco)

    "The Grey" es una peli rara de encontrar, es de esas experiencias en las que el espectador va esperando una cosa y de repente se lleva una sorpresa, pero grata. Se combinan 2 géneros difíciles de conjugar como lo son el Drama y la Acción, ofreciendo un entretenimiento de calidad muy bien elaborado. Cuando comenzamos a verla pensamos que es un film donde el asperísimo de Liam Neeson se va a trompear salvajemente con los lobos y sus mismos compañeros de tragedia y nada más. En realidad parte de esto sucede, pero tiene lugar en un marco dramático acerca de la vida del protagonista, que interesa, que suma poema a la historia y le da un toque especial de adultez. Quizás hay momentos donde se pasa un poco de rosca, en los que se insiste demasiado con el conflicto existencial del protagonista, donde la poesía viene muy endulzada, pero no es algo tan molesto como para bajarle demasiada calidad a la narración.
    Los 1ros 20 minutos son excelentes, con acción, dinamismo, drama, suspenso. El accidente aéreo... Ahhh! que lindo ver accidentes aéreos en el cine. Son la pesadilla de todo viajero frecuente, pero a la vez es tan excitante ver la secuencia... cuando está bien hecha, claro está. Se pasa de momentos de camaradería y charlas de fogón a situaciones de ataque y batalla violenta contra los señores del territorio, los lobos. Aquí creo que sí hay una pifia, con el tema de los canes salvajes que representan el punto más atractivo y débil de la película. Está bueno ver animales salvajes interactuando con los protagonistas, dificultando su supervivencia, agregándole color a la trama, pero a su vez, creo que se exageró en la violencia e insistencia de los animales para cazar a los sobrevivientes que van cayendo uno a uno. El animal cinematográfico que asesina porque sí ya fue... es muy década del '90.
    Por otro lado, es muy acertado que Liam Neeson sea "El Líder" (no me agrada la traducción, hubiera preferido "Infierno Blanco"), ya que asegura 117 minutos de carisma, talento actoral y un tono de voz que debería patentar. Me confieso fan absoluto de Neeson. "El Líder" es una buena página más en su carrera, que merece ser vista y que satisface tanto el intelecto como las ansias salvajes de ver acción de la buena con toques de suspenso y drama.
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  • El príncipe del desierto
    El clásico que no será...

    "El príncipe del Desierto" es una película épica y de aventuras de las que le gusta filmar a Jean-Jacques Annaud, veterano del género y responsable de entregarnos algunos trabajos fabulosos como "Enemy at the Gates", "El Oso" y "El Nombre de la Rosa".
    En esta caso vuelve con una gran apuesta cuyo resultado no está siendo muy favorable, sobre todo en los resultados de taquilla. Quizás el problema haya sido la promoción o la poca difusión... En el plano de lo cinematográfico, creo que parte del problema está en la trama, que siendo en su esencia muy interesante, no toma el vuelo que debería tener una épica de este estilo. La enemistad entre las dos casas, el descubrimiento de petróleo en la tierras del rey menos honesto, el choque entre occidente y oriente, la historia de amor, todo es buenísimo y debería haber sido mejor manejado para realmente dejar una huella en el mundo del cine y pasar a ser un nuevo clásico de la gran pantalla, lamentablemente le faltó un poco más de fuerza. Hay grandes baches de narración y algunas escenas mal actuadas, el rol de Freida Pinto es pobre y Antonio Banderas como jeque árabe es menos creíble que un turco queriendo hacerse pasar por yanqui. Aún así, tiene encanto aventurero y de cine clásico, es de esas pelis para ver un domingo de aburrimiento, de esas que transportan a otro mundo donde la aventura es la moneda corriente y puede vencer la resaca más dura del fin de semana.
    Por momentos Annaud juega con el género de aventura pop y en otros se pone dramático, cuestión que también creo le jugó en contra. Debería haberse concentrado más en uno de los dos géneros. Es como que todo el mundo que tuvo la oportunidad de verla dice; "está buena... que se yo... es entretenida...", no noté a nadie copado y es la misma sensación que me produjo a mí. Como entretenimiento sirve, sobre todo para esos días en que extrañás las pelis épicas o estás con ganas de ver una de aventuras con buena fotografía y muchos gente en cámara antes de una buena batalla. Mark Strong en su papel del Sultán Amar está muy bien y definitivamente le suma unos puntos extras a la peli al igual que Tahar Rahim como el Príncipe Auda. Lo demás es aceptable y entretenido sin maravillar ni dejar una marca significativa en el género.
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  • Tenemos que hablar de Kevin
    La muerte en vida

    "We need to talk about Kevin" es una de las películas más aterradoras que vi en mi vida. La historia es tan siniestra que hace que cualquier bosta de exorcismos baratos que andan por la cartelera (sí, estoy hablando de vos "Con el Diablo Adentro") parezca una comedia de Ben Stiller.
    Lo 1ro que hay para resaltar es la narrativa de la historia, fabulosa, intrigante rompecabezas que va tejiendo una estructura que vuela los sesos y hace crecer escena a escena el nerviosismo y el horror. En este aspecto un aplauso para la directora Lynne Ramsay, que supo tomar una buena historia y agregarle un plus cinematográfico espléndido. Por otro lado, pero relacionado a la trama, tanto el libro como el guión adaptado juegan a la perfección con la idea de ¿La maldad de una persona, está influida por el comportamiento de los padres o puede ser que simplemente haya una maldad innata en ciertas personas? Este planteo lleva al espectador a estar muy atento a lo que sucede en ambas partes, como lidian los padres con el problema y como va evolucionando el comportamiento del hijo. Es una de las pocas películas que conjugan el drama y el terror de tal manera que se genera un combo poderoso y terrorífico. Kevin podría ser el nene que va al colegio con mi hermanito, con mis hijos, con mis sobrinos... quizás compartí el colegio con un Kevin que no llegó a explotar, quizás todavía pueda hacerlo.
    El pibe es un pendejo de mierda, intolerable, pero a su vez es una mente maestra, un genio seducido por la maldad que nos hipnotiza y nos atrae hacia la trampa, aún sabiendo que va asesinarnos.
    Por último, se habrán hartado de leerlo pero Tilda Swinton es sencillamente INCREÍBLE. Su trabajo interpretativo es el corazón de la película, y sin este componente, "Tenemos que hablar de Kevin" sería otro buen film de suspenso y nada más. El proceso de muerte en vida del personaje que compone es excelente. La escena cuando comienza a creer que su hijo puede cambiar es desgarradora.
    A los amantes del cine netamente comercial puede llegar a parecerles un poco lenta de más, pero si se dejan atrapar por su historia, van a entretenerse y horrorizarse en iguales proporciones, habiendo asistido a una experiencia que los dejará pensando.
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  • Extraños en la noche
    Super Zylberberg

    "Extraños en la Noche" marca la vuelta de Diego Torres al cine, o al menos así se estuvo promocionando por la prensa, en una comedia que resulta divertida y amena, mucho más de lo que se comentaba por los blogs cinéfilos de la web. Para algunos, que signifique la vuelta del cantante a la gran pantalla no es buen signo, por lo que no estoy seguro si fue la mejor estrategia. No es la comedia del año, pero debo decir que superó la expectativa de más de uno que la veía con muy poca Fe (yo entre ellos). Diego Torres hace un papel aceptable y puede ser considerado para más trabajos de este tipo con un poco más de training, pero la gran estrella del film es sin dudas Julieta Zylberberg, que demuestra que puede ser una comediante de calidad y que debe ser tenida en cuenta para futuros trabajos de este tipo. El plantel de secundarios acompaña muy bien y ciertamente le suma un par de puntos a la propuesta, sobre todo Betiana Blum que tiene una empatía especial con el público.
    La trama resulta interesante y disparatada, sobre todo la interacción de la pareja y la situación en la que deciden convertirse en una suerte de investigadores de crímenes con todo tipo de torpezas que funcionan bien en pantalla. En la variedad que ofrece la cinta se presentan algunos baches, pero no creo que sean determinantes para vetar el guión. El que es reacio al género comedia en el cine argentino, seguramente no encontrará en esta peli una motivación fuerte para asistir a verla en el cine y quizás lo mejor sea esperarla a que salga en DVD, pero para el entusiasta y creyente de un cine nacional cada vez con más matices, "Extraños en la Noche" puede ser una buena opción para escapar al cine norteamericano y reírse un poco en el trayecto. Creo que si nos animamos se puede pasar un buen momento y disfrutar de una buena comediante en ascenso como lo es Zylberberg.
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  • Espejito, espejito
    ¿Cuál es la peli más flojita?

    Voy a decir algo que seguro todos los que vieron la película están pensando... Sí, se le fue la mano a Tarsem Singh con el ancho de las cejas de Blancanieves y los vestidos que usa Julia Roberts como la bruja malvada hacen muy mal a la vista. Ya está, lo dije.
    Con respecto al film, debo decir que esta adaptación en clave de comedia me resultó insípida, cursi y como diría mi cuñadito: Default... algo que no sorprende, que sigue los pratones predeterminados del género.
    Comienza bien, haciendo una introducción a lo Hellboy 2 sobre la historia principal y cómo se llegó a la situación de envidia y maltrato hacia la tierna Blancanieves por parte de su malvada madrastra (sí, acá la bruja es la madrastra). Hay un muy buen despliegue de efectos y colores que dejan bien en claro el sello del director indio Tarsem Singh, un genio de lo visual que introduce al espectador a mundos fantásticos y totalmente atractivos. El problema es que su capacidad narrativa no es comparable ni un poco con su talento creativo. Se nota un cuidado casi obsesivo en el planteo visual, mientras que en la trama se presentan huecos y descuidos del novato más inexperto.
    Una experiencia que debería haber sido muy entretenida y divertida, terminó siendo un poco pesada y bizarra de más, falta de ángel cinematográfico. Hay diálogos y situaciones absurdas, que se suponen deberían haberme hecho reír, pero en vez de eso, me irritaban y me resultaban totalmente artificiales.
    A medida que iba avanzando la película, la trama se iba convirtiendo en algo cada vez más chato, con ciertos elementos que hacen honor a lo más berreta del cine, sobre todo hacia el final. Los enanos no me convencieron de nada, no me resultaron cómicos ni adorables y el príncipe es un estúpido de primera. Lo mejor de la cinta fue el gran Nathan Lane, que ni siquiera era un personaje importante. No la recomiendo salvo que tengas ganas de deleitar sólo la vista.
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  • Un método peligroso
    ¿Quién no está un poquito loco?

    "A Dangerous Method" es una película compleja, quizás una de las más complicadas del director David Cronenberg por el uso de tecnicismos propios de una disciplina que no maneja el público común y por el entramado de temas que va tocando a lo largo del metraje. Tiene su sello por todos lados, en los diálogos, en la frialdad y la personalidad frontal de los personajes, en la forma de filmar las interacciones, en la relación amor-odio que establece entre los personajes entre sí y entre los personajes y el espectador. Quizás el tema con este director es que es apto para un cierto tipo de público, que gusta del entretenimiento dramático, crudo, bizarro y profundo. Sus ritmos son ágiles, con foco en lo que quiere contar sin reparar en detalles narrativos que no aportan al objetivo puntual de su puesta. A su vez, juega con la escenas y nos entrega momentos estéticos, sutiles y cristalinos seguidos de otros donde la consigna es oscura y la incomodidad que produce dista de ser sutil. Hay siempre un factor violento en la filmación de este director, ya sea físico o intelectual.
    Se hace un acabado análisis de lo que sucede dentro de la cabeza de las personas, a nivel consciente e inconsciente, de como uno va descubriendo los impulsos más reprimidos y la batalla que se libra con la razón para dejarlos ser o no. Cronenberg trabaja los temas que más le interesan como la dualidad, el sexo, la transformación de la persona y la fría inteligencia de los personajes, pero esta vez, desde una óptica más descriptiva, nos cuenta con precisión casi histórica los 1ros pasos del psicoanálisis, y también nos sumerge en un momento particular de la vida de 3 personajes de la psicología que no acostumbramos ver caracterizados en la gran pantalla. Los actores Michael Fassbender, Keira Knightley y Viggo Mortensen hacen un trabajo estupendo como Carl Jung, Sabina Spielrein y Sigmund Freud respectivamente, sumando talento y elevando el nivel de la película. Vincent Cassel también aparece en un rol menor pero memorable, que con pocos minutos en pantalla logra dejar una impresión que gusta y bastante.
    "Un Método Peligroso" no es una propuesta pochoclera ni cerca, tampoco es ligera, por lo que hay que tener cuidado antes de ir a verla. Aconsejo, leer un poco sobre su director y los trabajos que ha hecho para entender por donde viene la onda.
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  • La suerte en tus manos
    Todo es reversible

    La suerte en tus manos es la nueva y más comercial comedia de Daniel Burman, director de algunos títulos como "Todas las azafatas van al cielo", "El abrazo partido" (muy recomendable) y "Dos Hermanos". En esta ocasión vuelve con una película de humor irónico, que mezcla acidez y suavidad en una justa media para ofrecer un entretenimiento, que sin ser de lo mejor de su carrera, logra el objetivo de hacerle pasar un buen momento al público que quiere ver una comedia de calidad "made in Argentina".
    La dupla Drexler/Bertuccelli funciona muy bien, aportando frescura por parte del 1ro y el talento cómico de la 2da. Como debutante de la actuación, se puede quedar tranquilo el cantautor uruguayo ya que compone un personaje más que interesante, con bastantes problemas personales y una manera tragicómica de ver la vida. ¿Le falta un poco más de expresión?, seguro, pero eso no quita la credibilidad de su rol.
    El cast secundario sigue la línea cuasi bizarra de la historia, con una fauna actoral que incluye a Norma Aleandro, Luis Brandoni, Gabriel Schultz, Silvina Bosco y Tomás Sala entre otros, que hacen un buen aporte a la dinámica y al espíritu del film.
    La trama tiene un poco de cine norteamericano sin perder las raíces argentinas, proponiendo protagonistas complejos que se pasean entre lo convencional y lo bizarro, pero aún así, termina cayendo varias veces en los típicos clichés del género.
    En la variedad exagerada de situaciones y personajes que se ven incluidos en la trama se evidencia un desorden que por momentos dificulta el ritmo narrativo. No me malinterpreten, incluso, la peli es buena, pero podría haber sido mucho mejor, más divertida y enfocada para pelearle el puesto a la recordada "Un novio para mi mujer".
    El fuerte lo tiene en el planteo de 2 personas con fracasos personales que se dan cuenta que todo puede revertirse, incluso sus vidas.
    Para los que disfrutan del nuevo cine argentino, la comedias románticas y buscan pasar un momento agradable lejos de los tanques hollywoodenses.
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  • Furia de titanes 2
    Mitología made in Hollywood

    "Wrath of the Titans" marca la vuelta de las aventuras de Perseo superando bastante a su entrega anterior, aunque debo decir que sigo percibiendo falta de carisma y profesionalismo en la trama. Tiene todo para triunfar, pero finalmente no enamora, no hipnotiza al espectador que seguramente va con una expectativa más alta de la que el film puede llenar.
    Vamos 1ro con lo bueno. La puesta es épica, ambiciosa, monumental, los efectos visuales son impresionantes y muy atractivos. Los monstruos mitológicos que van apareciendo como la Quimera, el Minotauro, los Cíclopes, los saldados Makhai y el titán Cronos están perfectamente elaborados, son feroces e inspiran respeto. Uno fantasea con verlos a todos juntos en una batalla épica entre el bien y el mal. En este sentido, se eleva la apuesta y podemos disfrutar de momentos de peleas más violentos y vertiginosos que en la 1ra entrega. Se incorpora a su vez, personajes más interesantes que reman para mejorar el guión aunque no lo logran del todo. Acá viene la parte no tan buena... muchachos, ¿tanto cuesta armar una historia como la gente? Por momentos la película parece ser una secuencia sin sentido de peleas contra monstruos maravillosos de la mitología griega y nada más, como si fuera el demo de un nuevo video juego para Play Station 3. ¿Y los personajes nuevos como Ares, Agenor, Efesto? Se les da una participación pobre y hasta ridícula en algunos casos (Efesto), por ejemplo Andrómeda, que parece tener un rol sólo porque está buena.
    Obvio que nos gusta ver esas peleas magníficas, pero por favor, conéctenlas con algo de drama, de mitología. Se olvidan de hacer los deberes y nos dicen que estamos viendo "Furia de TitaneS", en plural, cuando en realidad muestran a sólo 1 de ellos y del cuál no se cuenta casi nada de la historia. Sí, sí, Perseo tiene que ir a salvar a su padre que fue secuestrado y está en el inframundo preso para que Cronos puede absorber sus poderes y cobrar vida, pero con eso nos quedamos muy cortos. Parece una pequeña historieta excusa para justificar la realización de la cinta.
    A los que les gustó la 1ra de seguro disfrutarán mucho más esta secuela, a su vez, la franquicia podrá ganarse algunos adeptos nuevos que sean amantes de la ciencia ficción, los efectos especiales y las batallas. Para los que buscamos una combinación de trama y todo lo nombrado anteriormente, significará una mejora en el producto, pero no llegará a convencernos. A los productores, por favor tomen nota del equipo de escritores que trabaja con Christopher Nolan y con Zack Snyder.
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  • El Lórax: en busca de la trúfula perdida
    Ecología para los más chicos

    El Lórax es otro personaje del famoso escritor Dr. Seuss que llega a la pantalla grande con la dinámica y el espíritu con el que fue concebido: mensajes educativos, diversión y surrealismo. En este sentido respeta la obra original y ofrece un buen entretenimiento para los más chicos, aunque se agregan varias cuestiones que no estaban en el cuento. No es de esos filmes animados que son principalmente para niños pero que contienen varios ingredientes para atraer a los adultos que deben acompañar a esos niños en el cine, sino que su puesta es exclusivamente para los más chicos, cuestión que puede provocar el rezongue de más de uno. Aquí creo que le erraron un poco ya que seguramente los que conozcan bien quien es Dr. Seuss y sus historias sean personas de más de 30 años. No pude identificar momentos en los que se apuntara al público más adulto, aunque quizás el director y los productores hayan querido hacerlo en algunas escenas.
    La parte visual está muy bien lograda, con una mezcla de colores envidiable y un mundo, tanto en su faceta artificial como en la que aparecen las trúfulas, que logra manifestar a la perfección la visión del ya fallecido escritor norteamericano. El trabajo de voces incluye figuras como Danny DeVito, Ed Helms, Zac Efron, Taylor Swift y Betty White. Debo aclarar que no me gustó el trabajo de doblaje, por más esfuerzo que haya implicado hacer que el mismo DeVito pusiera la voz para la versión en castellano. Suena horrible, forzado y no respeta la dinámica del idioma original. Claro que entiendo que hace falta el doblaje para los más chicos, pero debería darse la oportunidad para que el espectador no tan niño pueda disfrutar de la versión original sin tener que bancarse traducciones malas y que lo embrutecen. A muchas salas de cine parece no importarle esta cuestión.
    Para concluir, la recomiendo para llevar a los más pequeños (de 5 a 11) que podrán aprender valores nobles como el cuidado del ambiente y la precaución para con las grandes corporaciones que no siempre están pensando en el bienestar de la sociedad. Para los más grandes... ¡Warning! NO es Shrek.
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  • El guardia
    El guardia
    Cinélico
    Humor para irlandeses

    Lamento no compartir el entusiasmo de la mayoría de la crítica, pero esta película me pareció más que una comedia distinta, una comedia aburrida y pasada de rosca, con un aire "independiente" de esos a los que se la va la mano en los matices bizarros. Aquí la ridiculez no entretiene, no arranca sonrisas, es sólo ridiculez.
    El personaje de Brendan Gleeson, el sargento Gerry Boyle, es sin dudas entrañable, entretenido y atractivo en una manera que genera culpa en el espectador por lo incorrecto. Es racista, putero, desalmado y frontal como toro ciego, pero esto sumado al lado humano y tierno que demuestra en algunas escenas, resulta irresistible. Sólo por Gerry le doy crédito a esta comedia con pretensiones snobistas.
    Lo demás fue totalmente ridículo, presentando situaciones sin sentido que se iban poniendo cada vez más estúpidas y bizarras a medida que avanzaba el metraje. La película duró unos 95 minutos que parecieron 150 minutos, en los que cada tanto se escuchaba alguna sonrisa vaga por la sala. Tiene algunos momentos divertidos, pero son muy pocos, además de que está plagada de humor regional que por estos pagos no entendemos ni a palos. Abundaron los chistes citando a personajes que supongo serán irlandeses o europeos, lo que provocaba mirarse la cara con el de al lado para ver si alguno sabía a quien se estaba refiriendo.
    Me dio la sensación de que podría haber sido una comedia mucho más divertida ya que se notaba una mano inteligente en los diálogos, pero creo que se pasaron de rosca par agradar en los festivales idólatras del cine bizarro.
    El ritmo es de tortuga, pero eso no fue lo que más me molestó, sino el constante esfuerzo por ridiculizar la trama queriendo convencer al espectador de estar frente una comedia "distinta", cuya traducción sería, una comedia con "clase". A mí me resultó aburrida y totalmente densa.
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  • Los juegos del hambre
    Enorme Pie Derecho

    ¡Aplausos largos y cascabeles! "The Hunger Games" tiene la combinación exacta de acción, suspenso, drama, política y personajes que hacen que sea una propuesta de verdadero disfrute cinematográfico. Tiene ese atractivo que pocas películas pueden lograr, que supera la expectativa que uno tiene sobre un producto hollywoodense (sin dejar de serlo) y por supuesto, la tiene a Jennifer Lawrence, actriz destinada a convertirse en una gran estrella de esas que dejan su marca indeleble. Ya lo adelanté el año pasado cuando aseguré que esta joven revelación iría adquiriendo cada vez más valor dentro del medio, ¡y vaya que lo está haciendo!
    Confieso que no leí ninguno de los libros, pero si estuve investigando acerca de ellos y la forma en que se decidió darles vida en la gran pantalla, por lo cuál puedo asegurar que es una adaptación que cumple con el contenido esencial de la obra literaria sin olvidarse de que debe entregar un film entretenido y fiel en vez de una transcripción gráfica de lo escrito. Para los que no tienen idea de que se trata, la historia se plantea en un escenario post apocalíptico en el que un país está dividido en 12 distritos controlados por el gran Capitolio, gobierno corrupto y de unos pocos. Para conmemorar la revuelta de los distritos, cada uno de ellos selecciona una mujer y un varón entre 12 y 18 años para competir a muerte contra los demás en los llamados "Juegos del Hambre", capricho de la sociedad snob que sacia su sed de morbo a partir de la televisación de esta sangrienta batalla. Cualquier similitud con la realidad...
    El ritmo y la dinámica son hipnóticos, al punto tal de que uno se olvida que el metraje se extiende por más de 2 horas y lo deja con ganas de ver más, de vivir y conocer mejor a estos personajes, que en algunos casos, les bastó con menos de 10 minutos en pantalla para dejarnos enganchados y querer saber mucho más acerca de ellos.
    Con mis disculpas a los fanáticos de "Twilight", pero ésta es un verdadera franquicia "Pop" de calidad, que no insulta la inteligencia del público y le plantea una historia adulta y entretenida que merece respeto y atención. Inicia su camino para convertirse en la Madonna del Pop y no una simple, cursi y ordinaria Miley Cyrus.
    Hay momentos de adrenalina total, momentos para reírse y otros para horrorizarse, para compenetrarse y sorprenderse, "Los Juegos del Hambre" me dejaron con la boca abierta. Bien merecido tiene su 3er puesto de mejor estreno de la historia del cine.
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  • Protegiendo al enemigo
    Fórmula Segura

    "Protegiendo al Enemigo" es una de esas películas de acción y espionaje bien elaboradas que salen cada año en el cine, bien filmada, con un cast interesante, con acción de la buena y realista, intrigas varias y suspenso que mantiene en vilo. Es una de cada 6 aproximadamente, que sin aportar algo innovador al género, termina siendo valiosa para la colección de thrillers de calidad de nuestra videoteca.
    En esta ocasión se conforma la dupla Reynolds/Washington que funciona de maravilla sumándole puntos a un producto que, por no presentar un guión brillante, los necesitaba. Ambos hacen un muy buen trabajo destacándose como siempre la interpretación de Denzel, un profesional increíble que a la hora de agregar personalidad a sus personajes lo hace con mucho talento, leyendo de cierta manera el deseo del público acerca de lo que quiere ver en ese rol. Expresivo, hipnótico, sinónimo de buena actuación, el hombre ha sabido ganarse su buena fama, lo que significa en casi todas las ocasiones, entretenimiento garantizado. Reynolds se sigue afirmando en su papel de nuevo héroe de acción, tomando un poco de Ethan Hawke en "Día de Entrenamiento" y otro poco de Matt Damon en la saga de Bourne.
    Como aclaración y advertencia, debo decir que si sos de esas personas que está siempre a la espera de algo que le vuele la cabeza porque ya está cansado de ver la misma dinámica de los films de espionaje, ¡Ojo!, puede que te parezca más de lo mismo con un toque de calidad visual e interpretativa y estarías absolutamente en lo cierto, el tema es dejarse llevar por la trama y tratar de pasar un buen momento de acción y suspenso con una historia conocida, pero bien contada.
    La recomiendo a los amantes del cine de espionaje y traiciones que seguramente se sentirán muy a gusto siendo confundidos por el gran Denzel. Para disfrutar de buenas peleas, tiros, complots e intrigas con una rica cervecita en la mano.
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  • El precio de la codicia
    Cold Street

    Lo 1ro que pensé cuando comencé a ver esta peli fue "Que bueno que Paul Bettany volvió a los filmes serios y se dejó de hinchar los huevos con ser caza vampiro y ángel de la Legión de la berreteada". Hablando en serio, este trabajo logró sacar interpretaciones de mucha calidad, cuestión que creo, conformó el pilar fundamental del producto elevándolo a un resultado de lo más eficaz. ¡Gran despliegue de talentos!
    "Margin Call" es un thriller impecable sobre el mundo financiero norteamericano, allí donde se mueve la economía global y donde suceden cuestiones tan impactantes como secretas, fuera del alcance de los ciudadanos normales a los que sólo nos llega con delay un "estamos en crisis financiera".
    El director J.C. Chandor dirige la historia con una frialdad muy calculada, en la que se refleja claramente lo que está sucediendo sin tanto subrayado ni perdiendo el tiempo en explicaciones largas. La carga dramática llega de manera natural, no por inducción obligada del director, sino por la manera de poner en pantalla los sucesos que van teniendo lugar. En realidad trata sobre un hecho financiero que a la media del público que asiste al cine podría parecerle de lo más irrelevante y aburrido, pero con mucha pericia termina convirtiéndolo en un thriller impactante que está a la altura de "Wall Street". Es como la hermana más seria y adulta de este último film de culto.
    Como dije antes las interpretaciones son el alma de la cinta, Kavin Spacey, Jeremy Irons, Stanley Tucci y Paul Bettany están super bien, conformando un equipo de gran talento para el deleite del espectador. Zachary Quinto, Demi Moore, Simon Baker y Penn Badgley también aportan lo suyo pero con menos trascendencia que los anteriormente nombrados.
    Una peli elegante, inteligente, fría y corrupta que garantiza un buen entretenimiento para los amantes de los dramas financieros y políticos.
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  • Proyecto X
    Proyecto X
    Cinélico
    La Caravana Mágica

    Si alguna vez fantaseaste con una joda descontrolada en la que sos el ídolo de la fiesta o estuviste en una parecida, "Proyecto X" definitivamente te va a encantar. Joda fuerte, mucho descontrol y situaciones tan bizarras como divertidas que te van a asegurar 90 minutos de entretenimiento puro y carcajadas varias. Eso sí, tenés que ir dispuesto a ver una peli que te ofrece locura adolescente, momentos divertidos y adrenalina fiestera, no mucho más. Si estás esperando una historia de amistad, que te deje algún mensaje de vida o te desafíe intelectualmente, vas muerto, incluso los personajes no son ni muy entrañables ni lo mejor de la película, salvo por el gordito que se pasa.
    El film está producido por Todd Phillips, el mismo tipo que dirigió las dos "The Hangover", "Todo un Parto", "Old School" y "Viaje Censurado", todas producciones alocadas en las que se puede identificar su sello característico: Situaciones comunes que se salen de control a un punto tal de provocar un humor tan bizarro como efectivo. Ése es el gran acierto de Phillips, que sin ser santo de mi devoción, logró sacarme varias sonrisas con este trabajo. Por otro lado el director Nima Nourizadeh cumple muy bien con su debut en las grandes ligas, cayendo en algunas mañas hollywoodenses típicas de estos flms como la publicidad descarada de productos, pero nada grave que valga la pena remarcar. Utiliza el método "cámara en mano" que parece haber vuelto para quedarse, y al igual que "Poder Sin Límites", su puesta es cuidada y de calidad. Es una propuesta en la que la forma de filmación resultó fundamental para darle ese espíritu de "verdadero", esa sensación de que la festichola loca que vemos en pantalla, está sucediendo realmente o sucedió en algún momento no muy lejano.
    Una película para revivir fantasías de "ídolo de la noche", dejarse llevar y meterse mentalmente en un caos total de cuerpos moviéndose al ritmo de la locura. La fantasía de todo Nerd hecha realidad.
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  • Ghost Rider: Espíritu de venganza
    Demonio venido a menos

    Ghost Rider (2007) fue un estreno polémico, que disgustó a varios y que a su vez, supo ganarse a un puñado de público que le fue fiel y al cual tiene cautivo. Por mi parte debo decir, que por más que no me sienta incluido en ese grupo, disfruté la 1ra entrega como un exponente distinto del Clase B en el mundo de los superhéroes. ¿Podría haber sido mejor?, seguramente, sobre todo si le daban la dirección a alguien como Guillermo del Toro y no a Mark Steven Johnson que venía de dirigir el fiasco "Daredevil". Aún así, logró captar la atención y recaudar un monto dinerario que permita continuar con la saga. Con el cambio de dirección, creo que tomaron una decisión equivocada y corren un serio riesgo de quedarse sin franquicia, sobre todo por cómo se le viene dando con un caño a esta 2da entrega que sin ser horrible, es de una calidad inferior a lo que fue la "Ghost Rider" original. Los villanos de la 1ra eran más atractivos y más tenebrosos, la historia romántica (accesoria) también resultaba más interesante con la participación de Eva Mendes. Quizás el recorte de presupuesto haya influido en la caída de esta nueva entrega, y lo lamento por eso porque creo que si se hubieran hecho las cosas bien se podría haber evolucionado y sacar la historia adelante, pero la realidad es que no convence, no seduce y por momentos aburre.
    La parte de efectos está muy bien, se nota que pusieron mucho empeño en lograr secuencias de acción de calidad, pero esto no alcanza para entretener y cubrir la expectativas de mejora que se tenía acerca de este producto. El trabajo en este aspecto puede llegar a salvar al motociclista del infierno del desastre total, entregando al menos un despliegue vistoso y colorido de efectos que atonten al seguidor de la saga y los convenza de pagar nuevamente una entrada para ver una futura "Ghost Rider 3", pero la paciencia tiene un límite muchachos, no jueguen demasiado con ella.
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  • ¡Esto es guerra!
    Esto es.. lo mismo de siempre

    Que flojas que vienen las comedias románticas en lo que va del año... Se podría decir que al menos esta es un poco más atractiva que los recientes fiascos "Amor por Siempre" y "Sólo por Dinero", pero aún así no le alcanza para entretener como es debido. Es una película que potencialmente tenía todo para ser de calidad, un cast muy bueno que incluye a la ganadora del Óscar Reese Witherspoon y a los nuevos galanes de Hollywood, Tom Hardy y Chris Pine. Por otro lado contó con el presupuesto y la mano del director McG que demostró en trabajos pasados como "Terminator: Salvation", que puede ofrecer entretenimiento del bueno. Algo salió mal en el proceso y se terminó poniendo en pantalla una comedia romántica que más allá de algunos destellos de humor y despliegue de escenas de acción, termina siendo lo mismo de siempre, sin innovaciones ni sorpresas que motiven al espectador a pensar que valió la pena la entrada al cine. Dos pibes, en este caso espías, se disputan el amor de una rubia linda y simpática que está indecisa acerca de cuál es el hombre indicado para ella. En el proceso, ambos usarán no sólo sus talentos como galanes, sino que también dispondrán de los recursos tecnológicos de su unidad para vigilar los movimientos del otro. Eso es todo. Lo "sorpresivo" se supone que es el final, que por supuesto no les contaré, pero adelanto que a mí no me movió un pelo. Quizás McG quiso acentuar que es un creativo del uso de efectos visuales y dispositivos tecnológicos para hacer films de todo tipo, pero en el plano de la trama y lo que debería ser el "core" de una película de este estilo, se queda corto y cae en la misma fosa que muchos otros ya han probado. No es malísima, pero no trae nada nuevo. Sólo para incondicionales del género y fans de los actores protagonistas.
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  • Enter the Void
    El Hongo de la Vida

    "Enter the Void" es lo último del director argentino radicado en Francia, Gaspar Noé. Película difícil de ver por el cruce de conceptos sobre lo que uno considera cine y lo que pone en pantalla el director. Una de la 1ras escenas es parecida a la del Big Bang de "El Árbol de la Vida" pero versión drogona y morbosa, cuestión que creo yo, describe en pocas imágenes lo que Noé está tratando de hacernos ver.
    Me encanta que me provoquen en el cine, que me hagan pensar, incluso sentirme incómodo si es necesario para ver un punto de vista distinto, pero esa provocación que busco debe ser desde lo intelectual y lo visual, ambas herramientas como disparadores de la mente. Noé se olvida de la cabeza y trata de horrorizar con lo visual, maravillosamente filmado, pero con una mala leche increíble que provoca mucho rechazo, no por lo fuerte, sino por el intento de menospreciar la inteligencia del espectador. Me hace acordar a aquel capítulo de Los Simpsons en el que Homero comienza a dedicarse al arte, habiendo creado accidentalmente una obra que en realidad era un asador mal armado. Llega una fulana snob y de repente lo convierte en el artista del momento por algo que en realidad es absolutamente torpe. Con "Enter the Void" parece suceder algo muy parecido, como mostrar una pareja haciendo el "perrito" mientras su hijo de 8 años observa pensando que es artístico, o filmar una escena de conversación entre 2 drogadictos como si fuera un ensayo filosófico fundamental sobre la vida. Para mí no es arte, es torpeza.
    Que el tipo es un prodigioso de la cámara no hay dudas, que provoca y se sale de la línea habitual del cine tampoco, pero a veces esto no basta para ser un buen cineasta. No me vengan con el tema de "Irreversible", sí, fue una muy buena película de Noé, pero eso no basta para ganarse el título de genio del cine, para eso hace falta constancia y muchos más éxitos de los que ha cosechado hasta el momento.
    La vida es una mierda total, una pesadilla, eso nos quiere inculcar Noé a lo largo de todo el metraje, cuestión bien incoherente viniendo de alguien que disfruta de ella como pocos privilegiados tienen la suerte.
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  • John Carter: entre dos mundos
    Gladiador en Marte

    John Carter es lo último de Disney en materia de live-action que debo decir, me dejó sensaciones encontradas, una mezcla de "me gustó" con "le faltó picante". Esperaba más, que me dejara boquiabierto, que me convenza de estar frente a una nueva saga épica de calidad, pero en vez de eso, se me plantearon bastantes dudas acerca de cómo adaptaron la obra de Edgar Rice Burroughs y los actores que seleccionaron para darle vida a la historia.
    Como cuestiones positivas resalto en 1er lugar la forma de presentar la visión del escritor, poniendo en pantalla un mundo marciano colorido, rico y diverso, con un muy buen trabajo en los aspectos visuales y por eso los aplaudo a Andrew Stanton (director de animaciones fundamentales como "Buscando a Nemo" y "Wall E") y a su equipo. La premisa también es atractiva y le da ese carácter "épico" que lleva sin dudas el sello Disney. En contraste a esto último, la elaboración del film en cuanto a sus diálogos, dinámica y picante narrativo es bastante pobre. No entiendo porque sucedió de esta manera ya que el proyecto contó con el trabajo grupal de muchos talentos del "script" y con el mismísimo Stanton, pero la realidad es que el resultado fue un híbrido medio confuso que se hace querer y odiar en magnitudes similares. Lo mejor es sin dudas el mundo virtual, los Taraks magníficamente elaborados y actuados por Willem Dafoe, Thomas Haden Church y Samantha Morton, mientras que la pareja protagónica de Taylor Kitsch y Lynn Collins resultó acortonada y poco carismática, sobre todo ella que a mi parecer, actuó horrible. Deberían haber invertido los roles y poner a los que actuaron de Taraks como actores principales y poner a los más novatos a hacer de marcianos.
    Creo que es un comienzo accidentado y mal condimentado que logra de alguna manera salir un airoso de un posible desastre cinematográfico. Si sos un incondicional del cine fantástico y las historias épicas seguramente la disfrutes más allá de sus evidentes carencias de guión e interpretación.
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  • Un dios salvaje
    Miseria que Divierte

    Carnage es una comedia distinta, psicológica y ácida, que seguramente amarán u odiarán. No es ni de cerca un producto liviano y bien intencionado, por el contrario, se ríe y utiliza la pateticidad humana para hacer humor, cuestión que puede resultar muy atractiva para algunos y muy tediosa para otros. En lo personal la encuentro totalmente fascinante e inteligente, provocando risas, claustrofobia, empatía, asombro y vergüenza ajena en un mismo paquete.
    El director Roman Polanski ("El Bebé de Rosemary", "Chinatown", "El Pianista") es el encargado de darle vida en la gran pantalla junto a un cast estelar que incluye a los talentosos Jodie Foster, Kate Winslet, John C. Reilly y Christoph Waltz.
    El film cuenta una historia universal simple, en la que dos matrimonios se reunen para discutir civilizadamente acerca de una pelea entre sus dos hijos. El encuentro comenzará de la manera más educada posible, pero poco a poco la situación se irá saliendo de control dejando en evidencia lo peor de cada uno al punto tal de que el espectador no podrá sentir otra cosa que incomodidad y lástima por los personajes. Si se dejan llevar, se van a reír muchísimo de las miserias humanas y los problemas de pareja.
    Creo que Polanski capta muy bien las sensaciones adecuadas para cada momento de la película, explotando las enormes capacidades del guión y la genial transformación de parejas adultas felices con mucho auto control a niños/adultos frustrados y amargados con mucho resentimiento. Los diálogos son sencillamente geniales, la atmósfera es por momentos irrespirable y todo esto es logrado en un set mínimo que simula el living de un departamento.
    Creo que no es un producto apto para todo los públicos, pero si gustan de las situaciones irreverentes con humor ácido y se dejan llevar por el barco de la pateticidad, la van a disfrutar como locos.
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  • Amor por siempre
    Gas Lacrimógeno

    A little bit of Heaven es un nuevo producto al estilo drama/comedia que no logra convencer en su historia central y deja una sensación de guión medio berreta que se quedó a mitad de camino. En cuanto a la pareja protagonista, no concuerdo con muchas críticas que le siguen dando con un mazo a Kate Hudson gratuitamente cuando creo que el tropiezo, al menos esta vez, es de Gael García Bernal, actor al que percibí perdido, desencajado, con poco carisma y lejos de su talento interpretativo. Entiendo que es una oportunidad de entrada a la mecánica protagonista de Hollywood, pero defender su participación en algo tan desabrido sería falso de mi parte.
    Algunos públicos más sensibles al combo amor/enfermedad terminal encontrarán atractiva la propuesta que busca la herramienta sentimentalista constantemente y combina risas con lágrimas. A mí ni me emocionó, ni me hizo reír mucho tampoco, quizás porque ya he visto este tipo de fórmula muchas veces en el cine y no me sorprende. El tema del cast fue acertado con la excepción de Bernal que no perteneció en ningún momento, aunque ni la presencia de talentosas figuras, ni la vuelta de la gran Whoopi Goldberg pudieron disimular la carencia de la trama. Hay algunas intervenciones individuales que son buenas como es el caso de Kathy Bates o Peter Dinklage, pero nada relevante como para subirle el puntaje a este "Amor por Siempre".
    Insisto en que hay espectadores que van al cine buscando un poco de romance y momentos lacrimógenos a los que podrá parecerles atractiva la película, para los demás será una pérdida de tiempo y dinero que dejará gusto a poco.
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  • Sólo por dinero
    Mal Paso

    "One for the Money" es la adaptación de uno de los best sellers norteamericanos de la escritora Janet Evanovich que mezcla comedia con acción y suspenso. La realidad es que no logra ni una, ni otra cosa. Hay algunos momentos divertidos, sí, pero son muy pocos y además están encarados con cierta subestima por el espectador. Ni hablar de la parte de acción y suspenso, que no llega nunca a su objetivo. En mi humilde opinión, la directora Julie Anne Robinson debería haberse decidido más claramente por algunos de los géneros, es decir, hacer una parodia bien divertida de la novela o ponerse un poquito más seria y encarar la lucha contra el crimen con más aplomo y algunos toques de humor como para cumplir con espíritu de la novela.
    La cuestión es que no lo logra, se queda a mitad de camino y termina pasando al cajón de las pelis mediocres que cuando llegan al cable uno la encuentra y se acuerda de haberla visto, pero no recuerda casi nada de la trama porque era demasiado boba como para ocupar lugar en el cerebro.
    Katherine Heigl pone un poco de su carisma que salva al producto del desastre total, demostrando que es buena protagonista incluso cuando lo demás no acompaña.
    Si este trabajo representa el lanzamiento de las novelas de Evanovich en cine, debo decir que ha sido torpe y con poco espíritu, perjudicando la percepción que el público va a tener cuando asista a ver la próxima historia.
    Recomendable sólo si fuiste hasta el cine y en la boletería te avisaron que están todas las funciones agotadas y únicamente podes elegir entre ésta opción y "Con el Diablo Adentro".
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  • Inframundo: El despertar
    Resident Underworld

    Vuelve Selene con una secuela de la saga "Underworld" que debo decir, fue un poco exagerada y estuvo a punto de no contar con mi gracia. Me confieso seguidor entusiasmado de la franquicia, pero creo que esta vez se le fue un poquito la mano con el gore y la historia.
    El Despertar retoma la trama de la 2da entrega (Evolución), mostrándonos como los vampiros y los lycans salieron a la luz pública e infectaron a los miembros de la sociedad humana. Para frenar este apocalipsis, las autoridades pusieron en marcha un exterminio llamado "La Purga" durante la cual Selene es apresada y congelada por más de 15 años junto a Michael en las instalaciones de Biocom. A partir de aquí, se construye una historia que inevitablemente tiene muchos aspectos en común con la franquicia de Milla Jovovich, "Resident Evil" (los que siguieron Resident van a entender bien lo que digo). En este sentido, debo decir que no me agrada mucho la idea de que se termine tomando esa senda... si quiero ver corporaciones diabólicas que experimentan genéticamente con los protagonistas voy a ver al cine "Resident Evil" y no "Underworld". De ésta última espero una dinámica más al estilo de su predecesora, con un guión un poco más dramático y no una copia vampírica de la saga zombie.
    En el plano de la acción está muy bien, se incrementaron notablemente las secuencias de pelea y violencia, cuestión que hará que los seguidores de la saga den el visto bueno, aunque creo que se les fue un poquito la mano con el morbo y descuartizamiento de cuerpos. Los efectos están impecables y comienzan a aparecer nuevos personajes que dan un poco de frescura al producto.
    En mi opinión es la más flojita de las 3 entregas que protagoniza Kate Beckinsale, aunque termina cumpliendo con su cometido. Los productores se encuentran en un momento de transición decisivo, del que pueden salir fortalecidos o directamente destruir la franquicia. Espero que se tomen las decisiones correctas y haya más Underworld de calidad creciente y no a la inversa.
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  • Drive
    Drive
    Cinélico
    Violencia Lírica

    Drive es una de las gratas sorpresas del 2011 a cargo del director danés Nicolas Winding Refn, que sin dudas nos entrega el mejor film de su carrera.
    No se equivoquen... no tiene nada que ver con el estilo de acción automovilística, ni es un producto "pop" del cine como creyeron algunos espectadores antes de ir a verla. Es una historia dramática que devuelve al spotlight los crímenes mafiosos y la violencia sin tapujos sin dejar de lado el drama que cubre la vida de su protagonista, en este caso el magnífico Ryan Gosling en el rol de Driver, un tipo con espectaculares habilidades al volante que trabaja como doble de acción para películas que incluyen escenas automovilísticas y a su vez, ejerce como chofer de escape de delincuentes. Es un tipo solitario, sombrío, dedicado 100% a su trabajo y todo parece marchar normalmente, hasta que se involucra con la familia de su vecina Irene. En una de esas vueltas locas que tiene la vida (amor), termina enfrentado con un grupo de tipos más malos que el mismísimo Padrino, los que desatan una ola de violencia fantástica que no veía desde "Los Infiltrados".
    Drive combina de manera muy atractiva e inteligente la miseria de sus personajes (todos son deprimentes) con ciertos aspectos que parecieran destinados a otro tipo de gente como la amistad, el amor, la lealtad y hasta la solidaridad. Hay escenas fantásticas y tiernas de amor, pero al momento siguiente a alguien le están reventando la cara a patadas y volándole la cabeza.
    Los personajes son raros pero increíblemente hipnóticos, muy bien elaborados en el guión y por supuesto, por la interpretación de los actores que participan del film.
    Tiene un ritmo que algunos les puede parecer lento, pero se compensa totalmente en la intensidad que demuestra cada situación de la historia, filmada por momentos, con un sello artístico muy creativo y particular. Las escenas de acción son pocas, pero contundentes y maravillosamente violentas.
    Una cinta muy recomendable teniendo en cuenta lo que se aclara al principio de la crítica, no es una película de acción vertiginosa plagada de efectos visuales, sino una experiencia innovadora de una historia dramática simple. A mí me compró totalmente.
    La banda sonora es buenísima!
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  • El topo
    El topo
    Cinélico
    Espías como Dios manda

    "Tinker, Tailor, Soldier, Spy" es un excelente thriller drama que da vida en la gran pantalla a la novela del escritor inglés John le Carré que lleva el mismo nombre. El director Tomas Alfredson elabora con mucha clase un film misterioso, elegante, oscuro y que mantiene intrigado al espectador hasta el minuto final. Recordemos que este director fue quien estuvo a cargo de la versión sueca de "Déjame Entrar", un trabajo magnífico muy difícil de encontrar en nuestro país por su baja promoción, salvo por su versión americana que está disponible en DVD.
    La película reune un reparto envidiable que incluye a Gary Oldman ("Bram Stocker's Dracula", "Harry Potter y el prisionero de Azkaban"), John Hurt ("V de Vendetta"), Mark Strong ("Sherlock Holmes"), Colin Firth ("El Discurso del Rey"), Toby Jones ("Historia de un Crimen") y Tom Hardy ("The Dark Knight Rises") entre otros. La inversión en talentos rinde sus frutos y elevan notablemente la jerarquía de una historia de espionaje, traiciones y crímenes que sin ofrecer nada increíblemente innovador para el género, logra cautivar y transportar al público a una red de mentiras y caretas que resulta muy entretenido desenmarañar. ¡Ojo!, es una peli europea hasta los huesos, es decir, tiene un ritmo más lento del que suele tener el cine americano, por lo que aconsejo tener esta cuestión bien clara antes de entrar a la sala. Quienes no sean simpatizantes del cine inglés pueden llegar a decepcionarse con el ritmo.
    Por otra parte, es una cinta que requiere de mucha atención del espectador debido a que las situaciones no son remarcadas y sobre explicadas como sucede en otros trabajos, sino que comunican de manera muy sutil. Un ejemplo claro es la revelación de la homosexualidad del personaje de Benedict Cumberbatch, que pasa casi desapercibida.
    Como conclusión, "El Topo" es una adaptación inteligente, que si uno se deja llevar y presta atención va a disfrutar seguramente. No hay grandes persecuciones, ni explosiones varias, ni efectos fantásticos, simplemente es una historia de espionaje bien centrada en la trama que pretende enganchar desde sus diálogos y su evolución en el descubrimiento de quien es el traidor de la organización.
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  • Con el diablo adentro
    Te Extraño Emily Rose!

    Bue... este año largamos temprano con la huevada. Una entrega más del gastadísimo subgénero de terror "Exorcismo" para tirar aún más abajo lo que venían destruyendo películas como "Anneliese", "El Último Exorcismo" y "El Exorcista: El Comienzo" entre otras.
    Nada nuevo, nada interesante y por momentos totalmente rídiculo. Ya me imaginaba que resultaría un producto mediocre, pero no tan malo.
    ¡La chica poseída (siempre es una chica) se lo quiere voltear al sacerdote diciéndole cochinadas que supuestamente él quiere oír en su inconsciente y camina por las paredes!! Wow... que original... Ah, y no olvidemos que también se puede dislocar el brazo.
    No cómo hizo, pero logró enojarme más que al Tano Pasman cuando River Plate descendió. ¡Qué estafa!
    Otra cosa, ¿alguien me puede explicar qué carajo tiene que ver la monja con cara de poseída en los carteles promocionales con la trama de la película? Es sólo otro patético recurso para engañar al espectador y hacer quedar mal a la Iglesia, cuestión que también está gastadísima en el cine.
    La historia se centra en Isabella Rossi, hija de la infame María Rossi que asesinó a 3 personas del clero durante un exorcismo fallido. Para entender que fue lo que realmente sucedió con su madre, se dispone a filmar un documental sobre la historia y tratar de captar en cámara una práctica exorcista real, cuestión que por supuesto logra conseguir. En un ¿curso abierto para todo el público? sobre la materia conoce a 2 curas rebeldones que exorcizan por su propia cuenta banquineando la autoridad de la Iglesia, a la que basurean durante todo el film aunque se reconocen como miembros indispensables de la misma. Menos creíbles que Clint Eastwood haciendo de travesti. Cuándo logran practicarle el exorcismo a María Rossi, se desata el apocalipsis que supuestamente es el plato fuerte de la cinta y nos matará de miedo (nunca sucede).
    Ni siquiera hicieron bien los deberes y se mandan algunos bolazos como poner a un sacerdote diciendo que los bebés que mueren antes de ser bautizados van directo al infierno, cuestión que la Iglesia ha desmentido hasta el cansancio.
    Presenta diálogos aburridos y mal actuados que sacan hasta la más mínima sensación de tensión que se podía haber provocado en el público.
    Final predecible y estúpido que corona 83 minutos de basura cinematográfica.
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  • Poder sin límites
    Superhéroes sin Sermón

    "Poder sin Límites" es una propuesta conocida pero distinta, es decir, las historias de "cámara en mano" hace rato que vienen atacando la gran pantalla, desde su precursora más comercial "El Proyecto Blair Witch" pasando por un sin fin de películas de terror, hasta "Cloverfield", historia que en este formato presentaba efectos visuales espectaculares. En este caso, el director debutante Josh Trank nos ofrece una cinta de superhéroes (o anti héroes) "filmada por ellos mismos" al descubrir que han adquirido espectaculares poderes al ingresar a una cueva misteriosa en una noche de fiesta y borrachera.
    Lo original y atractivo de este trabajo tiene que ver con la cercanía que presentan los protagonistas con el espectador. Son 3 jóvenes como cualquier otros, medios boludones, terminando la secundaria, con sus problemas particulares y sin ninguna historia trágica o heroica que les haya hecho merecer sus poderes. Poco a poco irán descubriendo todas las cosas fantásticas que pueden hacer con sus nuevas adquisiciones atrayendo al público a una relación de complicidad que resulta divertida y vertiginosa. Como toda película debe tener un nudo, las cosas se irán saliendo de control cuando uno de ellos intente "solucionar" por mano propia los problemas que aquejan a su familia y él mismo, poniéndose en contra de sus propios amigos.
    ¡Ojo! no es una superproducción de Marvel o DC Comics, con aires de heroísmo y grandes efectos visuales, sino que es un producto con varios matices que lo colocan dentro del Drama, de la Ciencia Ficción, Acción, Terror e incluso Aventura. Hay despliegue de poderes en cámara, de buena calidad pero con alma casera, haciendo hincapié en el relato en 1ra persona y tratando de imprimir ese toque de "realismo" del formato Cámara en Mano.
    Creo que "Chronicle" es un muy buen entretenimiento, que se hace tomar en serio sin desplegar pretensiones innecesarias. Una historia distinta de superhéroes que no termina con la bandera de USA flameando detrás del protagonista ni nos quiere sermonear acerca de la vida, sino que su pasión es pasearnos por una montaña rusa de entretenimiento.
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  • Tan fuerte y tan cerca
    Tan forzado

    ¡Que decepción!, es lo 1ro que se me viene a la cabeza. Teniendo todo, un director como Stephen Daldry, responsable de "Billy Elliot" (película que amé), "Las Horas" y "El Lector", un cast soñado que incluyó a Tom Hanks, Sandra Bullock, Max von Sydow, un novato virtuoso como Thomas Horn y la valentía de ser la 1ra película que contara la historia de una familia que haya perdido un ser querido en los ataques del 11-S, no se pudo lograr un film decente, que involucre y que haga valer la entrada al cine.
    Sinceramente no comprendo como se quiso encarar el proyecto. Para comenzar el guión es acartonado y pobre, culpa que quizás deba caer sobre el libro en el cual está basado este trabajo, aunque no lo puedo asegurar ya que no lo leí. La cuestión es que todo el tiempo se lo está pinchando al espectador para que llore con recursos que resultan poco naturales y tediosos. A mí la verdad, no se me cayó más que varios bostezos a lo largo de los 129 minutos de duración. Aburrida a full, con algunas excepciones individuales en el plano interpretativo y algunas vueltas de rosca que son pasables.
    Por otro lado, hay un total desperdicio de los actores que forman parte de la historia. Tom Hanks y Sandra Bullock interpretan a 2 personas extremadamente desabridas y que aparecen muy poco en pantalla. Lo de Max von Sydow sube un poco el nivel, pero no logra salvarla del fiasco. El niño Thomas Horn es sin dudas un joven precoz, con infinito carisma, basta con ver las entrevistas que le hicieron como parte de la promoción del film para sorprenderse y deleitarse con su presencia. El problema es que su personaje en "Tan Fuerte, Tan Cerca" es totalmente infumable, pone los pelos de punta y provoca ganas de tirarle con balde lleno de pochoclo a la pantalla. Como dije antes, quizás por culpa del libro o se le fue la mano al maestro Daldry.
    Es por momentos confusa, pesada con los subrayados que se utilizan para darle el carácter lacrimógeno y sentimentalista al mango. Un film que no debería haber sido nominado al Oscar y que aún teniendo todas las herramientas no pudo lograr un relato de calidad. Maestro Daldry... lo lamento, pero su último trabajo es un moco.
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  • Jack y Jill
    Jack y Jill
    Cinélico
    Pesadilla por 2

    Woww... No se que les pasó por la cabeza a esta gente para poner en pantalla semejante basura. Lo lamento por Adam Sandler, que más allá de hacer generalmente películas mediocres, me cae bien y ha tenido una que otra producción que me ha hecho reír, pero en este caso, la estupidez fue demasiado lejos.
    Otra cuestión... ¿qué hacía Al Pacino en un film como este? No lo entiendo... 6 veces nominado al Óscar y ganador de uno... ¿Tanto afecto le tiene a Sandler?
    En fin, la comedia trata sobre 2 hermanos gemelos y su relación amor/odio desde que eran niños hasta la adultez. Jack (Adam Sandler) es un conocido publicista que está casado y tiene 2 hijos, uno de ellos es un niño indio adoptado, tierno y divertido, pero que aporta a los típicos chistes escatológicos del comediante que ya son viejos y carentes de buen gusto. Jill (Adam Sandler) es una solterona insoportable que se siente sola durante las fiestas y decide visitar a su hermano y su familia. A partir de allí se producirán una serie de eventos ¿divertidos? que incluirán a un Al Pacino calentón que anda desesperado por conquistar al Sandler femenino.
    La trama es estúpida de principio a fin, improvisada, con poco esfuerzo y con base en el talento individual de los comediantes que aparecen en escena. Esto no es lo peor, lo más irritante y nada divertido de la cinta es justamente el personaje de Jill, un Sandler con peluca que en ningún momento nos hace creer que sea otra persona que él mismo, que grita toda la película y trata de hacer humor físico que no le sienta para nada bien. Es lejos el peor trabajo del comediante y de su director personal Dennis Dugan, que terminan ofreciendo un film bizarro, no en el sentido de rareza o extravagancia, sino en la incomodidad que genera.
    Hay algunas apariciones divertidas de ex comediantes de SNL (Saturday Night Live) y uno que otro chiste cómico... lo demás es una pesadilla para el olvido.
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  • El Artista
    El Artista
    Cinélico
    Todo lo viejo vuelve a ser nuevo

    Snobistas y contra snobistas, amantes y detractores, la película del director francés Michel Hazanavicius ha despertado grandes amores (en su mayoría), pero también abrió la polémica sobre si se trata de una obra maestra del cine o es puro artificio en forma de homenaje que se ha puesto de moda. Creo, en mi humilde opinión, que "The Artist" es un muy buen producto cinematográfico, que homenajea al cine y eso está claro, que entretiene con una historia de amor muy bien planteada y que nos devuelve a una época distinta, romántica (en el sentido histórico) y glamorosa del celuloide. Eso creo que representa este film, un muy buen entretenimiento, inteligente, distinto para nuestros tiempos, que no es para todos los públicos y que tampoco pretendió ser, al menos en el inicio, una obra maestra. Si la comparamos con otras películas de la época muda del cine, es también un buen producto, pero nunca la ensalzaríamos de la manera en que se lo está haciendo en este momento. Algunos dicen que viene con el timing justo ya que la Academia busca recuperar las raíces del cine, otros han quedado anonadados por la extravaganza de ir al cine a ver una peli muda y que encima les haya gustado... yo creo que hay mucho de ese fenómeno extraño y contagioso que es enamorarse de lo que es "bien", lo que es "cine bueno", una forma del séptimo arte que vuelve para decirnos que todo tiempo pasado fue mejor. Para curarse de esto, recomiendo ver "Medianoche en París" de Woody Allen.
    Me gustó mucho "El Artista", la historia es atractiva, muy visual, por momentos divertida y por momentos muy dramática, pero la trama no aporta nada genial al presente del cine ni es una bestialidad de guión.
    Lo del actor Jean Dujardin es muy merecido y Bérénice Bejo no se queda atrás.
    No creo que sea una obra de arte ni que se merezca el Óscar, pero sí se merece definitivamente mi recomendación para pasar un momento distinto en el cine.
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  • Caballo de guerra
    El Amigo Fiel

    Aahhh... el eterno y nunca pasado de moda vínculo entre el Hombre y su mascota... encima si lo pone en pantalla Spielberg, tiene garantía de calidad y emotividad. De un gran trabajo técnico sumado a una historia que es interesante e inspiradora, nace esta aventura/drama que podría haber sido en mi opinión, más entretenida de lo que resultó finalmente.
    War Horse es el 2do trabajo que Steven Spielberg dirigió en 2011, 1ro se estrenó "Las Aventuras de Tintín" (gran película) y ahora este trabajo tan esperado por muchos, que debo decir, cumple con creces el objetivo de contar una historia inspiradora, de fortaleza y vínculos sanadores, pero que carece de ese factor que hipnotiza y fusiona al espectador con lo que sucede en pantalla. Es extraño, porque disfruté la película, pero me quedó esa sensación amarga de no haberme podido conectar con sus personajes, especialmente con el caballo que es la estrella del film.
    Tiene el sello de Spielberg sin dudas, pero quizás un sello que se desgastó un poco en el camino. Cuando me refiero al "sello" del director, estoy haciendo alusión a su visión experta acerca de las relaciones interpersonales, su increíble mano para contar historias emotivas, su genialidad técnica y su talento para entretener al espectador entre otras virtudes. Esta vez creo que se le complicó con el manejo del entretenimiento, el espectáculo, haciendo foco en los demás aspectos y dejando de lado esta parte importante de su sello. No sentí que estuviera ante una fantástica cinta de Spielberg, cuestión que sí me sucedió con Tintín.
    En fin, es un film emotivo con momentos cinematográficos fabulosos, mucho amor humano-equino e historias entrelazadas por la presencia de un animal amigo y fiel como lo es el caballo. La disfruté, pero no es lo mejor de Spielberg ni cerca.
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  • La invención de Hugo Cabret
    La Magia del Cine

    Hugo es la nueva obra maestra del afamado director Martin Scorsese, responsable de films como "Taxi Driver", "Casino", "Pandillas de Nueva York" y "Los Infiltrados". En esta ocasión deja bien en claro la versatilidad y la increíble calidad que puede mantener más allá del género que decida filmar, ya sea una historia violentísima, una biografía o una de aventuras.
    Todo en esta cinta es magnífico y pulido, desde la trama que resulta apta para todos los públicos sin insultar la inteligencia de nadie, los aspectos técnicos de efectos, sonido, vestuario y fotografía, las actuaciones impecables de todo el cast y ese "ángel" que nos convence de estar frente a un clásico del cine.
    Si me preguntan a mí, creo que el Oscar 2012 debería debatirse entre esta película y "Los Descendientes" de Alexander Payne, haciendo a un lado a la favorita "El Artista" que siendo muy buena película, creo es inferior a los dos títulos citados.
    Hugo cuenta la historia de un niño que queda sólo en este mundo, 1ro al morir su madre y luego la trágica muerte de su padre en un incendio. Hugo era extremadamente unido a su papá (Jude Law) y juntos estaban reconstruyendo un robot autómata que podía escribir por sus propios medios. Al fallecer su padre, el niño decide continuar con la tarea, robando si es necesario, para conseguir todas las piezas y dar vida a este amigo mecánico con el objetivo de no sentirse tan solo y triste. En el camino conocerá a un puestero de la estación de tren en la que vive y a su nieta, interpretados por Ben Kingsley y la ascendente Chloë Moretz respectivamente. A partir de ahí, comenzará una aventura que lo llevará a descubrir ciertos secretos que tratará de sacar a la luz con el fin de sanar las heridas de personajes olvidados y rescatar una partecita importante de la historia.
    Un film brillante, que divierte y enternece, que demuestra que la magia está en las cosas cotidianas de la vida si uno se decide a descubrirlas. Un trabajo que viene a decirnos que el cine es magnífico, que cumple un rol fundamental en la vida de las personas y que es el instrumento para dar vida a nuestros sueños. Un gran homenaje al séptimo arte que se merece sin dudas, mi recomendación.
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  • La dama de negro
    Espectro que cumple pero no maravilla

    The Woman in Black es la 1ra película de terror que llega a nuestras pantallas este 2012 y debo decir que es una historia respetable, que atrae y que por momentos produce un poco de miedo y tensión en el espectador, algo que es mucho decir para los últimos exponentes del género. El problema es que estamos ante un producto "bueno" y no "excelente", ya que la trama del fantasma que viene a atormentarnos con su arsenal de malicias, apariciones misteriosas y ansias asesinas está muy agotado. Habiendo tantas mentes creativas y talentosas en el mundo del cine, ¿A nadie se le ocurre una trama donde el factor de miedo sea algo o alguien no convencional del género?, digo... algo que no sea un fantasma con ganas de vengarse, una joven poseída, monstruos del infierno o asesinos con doble personalidad. Recuerdo un gran peli de terror en la que el hijo con discapacidades mentales debe hacerse cargo de su madre enferma por unos días mientras el padre está de viaje... para demostrarse a sí mismo que puede controlar su problema, deja de tomar la medicación y poco a poco va perdiendo la noción del tiempo, de espacio, el control mental, se olvida de su madre enferma y suceden las cosas más terroríficas que se puedan ver en pantalla. A eso me refiero... ¡quiero algo nuevo, innovador y que me sorprenda!
    Como la falta de originalidad es generalizada, no puede ensañarme con "La Dama de Negro", que dentro de todo ofrece el mismo terror de siempre pero bien ejecutado.
    La historia trata sobre un joven abogado viudo con un hijo que es enviado a un pueblo tenebroso para vender una propiedad. El problema es que en esa casa deberá convivir con un espectro terrorífico que lo asechará hasta el final.
    La ambientación, el clima de la escenas, lo colores, la escenografía y las actuaciones son buenas, cumpliendo con lo que el espectador mínimamente quiere ver en un film como este. Me cuesta todavía despegar a Daniel Radcliffe de Harry Potter... por momentos pensaba... "WTF! Harry Potter con un hijo!! Esto no es creíble".
    "La Dama de Negro" es terror clásico y poco original puesto en pantalla con buenos recursos técnicos que realzan su valor y que logra entretener sin ser fantástica.
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  • Los descendientes
    Muerte en Hawai

    Los Descendientes es lo nuevo del talentoso director y escritor Alexander Payne ("Las Locuras del Sr. Schmidt", "Entre Copas"), un drama familiar que pisa fuerte para los próximos Oscars.
    Debo confesar que me encantan las historias que crea Payne, esa combinación de drama y humor ácido que pasea al espectador por escenas de lo más convencionales y al instante lo sumerge en una dimensión desconocida de bizarreadas que resultan tremendamente atractivas. El hecho de que un film dramático tenga lugar en Hawai es genial.
    El ojo cinematográfico que posee el director y escritor está muy bien entrenado, sabe que resaltar para crear una gran historia a partir de una premisa simple.
    Los Descendientes profundiza sobre los dramas familiares, algo efectivo pero ya visto miles de veces en el cine, por lo que la clave pasa en el cómo retratar la interacción familiar. En este caso, un padre distante debe hacerse cargo de sus dos conflictivas hijas luego de que su esposa sufrieran un grave accidente que la dejó en coma irreversible. En la búsqueda de recomponer la relación, Clooney se enterará de que su entorno le ocultaba ciertas cuestiones que lo harán replantear su vida y sus decisiones. La película trata en unos de sus puntos fuertes sobre esta cuestión, las decisiones, como ciertos eventos pueden cambiar el punto de vista de una persona al punto tal de producir un cambio real en su forma de encarar la vida. Por otro lado, expone las interacciones familiares magníficamente, con la seriedad que merece, pero a su vez le imprime un poco de bizarreada a lo "Padre de Familia" (salvando las diferencias, claro está). Gran actuación de Clooney.
    Es profunda, dramática, inteligente, con humor ácido del bueno y momentos que hacen reflexionar y emocionar sin golpes bajos. Una muy buena opción para disfrutar cine del bueno.
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  • Viaje 2: La isla misteriosa
    Una Familiar Bien Construida

    Journey 2 o La Isla Misteriosa es la nueva y superior entrega acerca de las aventuras de Julio Verne llevadas a cabo por los actores adolescentes top del momento, Josh Hutcherson y Vanessa Hudgens.
    La historia viene dirigida por el novato de la gran pantalla, Brad Peyton, el mismo que dirigiera en 2010 la secuela de "Como Perros y Gatos" que fue repudiada fuertemente por toda la crítica. Esta vez parece haber encontrado el camino y se luce con una película de aventuras familiar como Dios manda.
    Viaje 2 es simple, Sean es un adolescente rebelde que está a la búsqueda de su aventurero abuelo que desapareció hace muchísimos años para encontrar una isla que nadie cree que exista. Debe lidiar con su nuevo padrastro y una mudanza que sólo logró incrementar su furia y rebeldía. Para ablandar las tensiones, el padrastro interpretado por Dwayne Johnson decide darle con el gusto y viajar a una isla cerca de Palau con él. Lo que no se imaginaba es que realmente encontraría una mundo de fantasía con elefantes diminutos y abejas gigantes donde el abuelo Alexander (Michael Caine) es el único ser humano sobreviviente. A partir de allí se verán envueltos en una cantidad considerable de aventuras que darán al espectador una buena dosis de acción y humor.
    Un gran acierto fue incluir momentos de buen humor entre las escenas de acción y peligro, combinando tensión y relajación para el disfrute familiar. Dwayne Johnson demuestra una vez más que posee versatilidad y es buen humorista.
    Creo que el producto es entretenido tanto para los más chicos como para los adultos, con muy buenos efectos y algunos chistes para que no se aburran los mayores.
    Es una cinta sin grandes pretensiones que logra ampliamente con su cometido. Uno de los pocos films familiares que logra ser fuerte en todos sus aspectos.
    Grata sorpresa para largar la temporada familiar 2012.
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  • La dama de hierro
    Golpes bajos y revoque fino

    a Dama de Hierro cuenta la historia de un personaje importantísimo del siglo XX, de la mismísima Margaret Thatcher, una mujer bastante respetada por la sociedad conservadora inglesa, a su vez, representa una figura repudiada por muchos y con bastante razón.
    El problema de este tipo de film es que es muy difícil retratar de manera objetiva y cruda la verdadera esencia del personaje histórico, cuestión que sí logra el viejo Clint Eastwood en su biopic sobre la figura de J. Edgar Hoover (muy recomendable), donde no se lo intenta mostrar como un santo o un pobre viejito tierno, sino como un ser humano, con toda su maldad, sus aciertos y sus errores, su HUMANIDAD que puede servir para entender su comportamiento y sus decisiones, pero no nos engañemos gente... ni Edgar Hoover, ni Margaret Thatcher, ni la reina de Inglaterra fueron o son personas queribles, tiernas y mucho menos santos. Es como si en 40 años hacemos un biopic sobre la figura de George W. Bush y nos enternecemos todos con los problemas familiares, su adicción a los drogas y la manera en que debió luchar contra el terrorismo... ¡no seamos ingenuos! Más allá del resentimiento histórico que tienen muchos argentinos por la guerra de Malvinas, la Thatcher no debería ser recordada como prócer de nada.
    A Meryl Streep deberían darle el Oscar por cargarse la película al hombro, que en algunos pocos momentos resulta interesante, mostrando los rasgos de carácter verdaderos de una mujer ambiciosa y con una personalidad de hierro como bien dice su título. Lo demás es un intento poco profesional para "enternecer" al público que espero, no deje insultar su inteligencia. Retratar a Thatcher como una viejita senil no va con lo que supuestamente vende la cinta, de hecho arroja por la borda lo más interesante de este trabajo biográfico que en términos técnicos no estaba tan mal.
    Repito, Meryl Streep demuestra una vez más porque es una de las mejores actrices de todos los tiempos, sin duda, pero la trama y la forma de exponer a la figura en cuestión dejó mucho que desear, incluyendo algunos golpes bajísimos para atontar al espectador, sobre todo hacia el final de la película. No la recomiendo salvo por Meryl.
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  • Al borde del abismo
    Piquete Extremo

    Man on a Ledge es un buen film, de esos que entretienen, que no son descerebrados, con buena acción y actuaciones decentes, pero le faltó ese factor "picante" que hace que una película sea realmente buena. De esta manera, el director Asger Leth, debutante en la gran pantalla, nos pasea por 100 minutos de suspenso y acción que tendrán un efecto positivo de corto plazo en la memoria, ya que a las 48 horas recordaremos poco de los detalles cinematográficos relevantes y sólo quedará el esqueleto de la historia central.
    ¡Ojo!, me gustó la cinta, pero me quedé con ganas de más trascendencia, con ganas de vivirla más, me quedó un poco desabrida.
    Comienza con muy buen ritmo, Sam Worthington entra a un hotel, pide una habitación, come y se sube a la cornisa de un edificio en Nueva York desde donde amenaza con suicidarse. Obviamente se produce un gran despliegue de policías, bomberos, prensa, público curioso y por supuesto, un mediador, en este caso una mediadora interpretada con mucha decencia por la cada vez más solicitada, Elizabeth Banks. A partir de que toma contacto con el personaje de Worthington, se comienza a desmarañar un historia oculta que complica la reputación de gente importante de Nueva York.
    La premisa es buena, juega con la inmediatez del tiempo presente, todo se da en tiempo real (supuestamente) y tiene algunos toques a lo "Misión Imposible" que son encarados con profesionalismo, sin aparentar demasiado pero entreteniendo al espectador.
    Un buena peli de suspenso y acción que lamentablemente no formará parte de lo más destacado del año, ni siquiera del mes, aunque podría haberlo logrado si se lo hubiera propuesto seriamente.
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  • J. Edgar
    J. Edgar
    Cinélico
    Hasta los más siniestros son humanos

    J Edgar es el último film del reconocido director Clint Eastwood que vuelve al cine con un personaje muy controversial, al que muchos odiaron con toda su vida, un tipo cuya crueldad sólo se equiparaba con su genialidad, un villano de la vida real al que podemos ver en su faceta más humana gracias al profesionalismo del viejo Clint.
    La película fue (según mi punto de vista) ignorada de manera injusta para la próxima entrega de premios Oscar que incluye en su lista de nominados trabajos como "El Árbol de la Vida", obra de Terrence Malick que sin ser para nada mala, no encaja en una competencia de cine comercial como esta. También se encuentra nominada "El Juego de la Fortuna", una cinta de buena calidad, pero que es a mi entender, inferior a J. Edgar... en fin... son esas injusticias típicas de los Oscars.
    La producción es un pantallaso de la vida pública y privada de J. Edgar Hoover, director por más de 48 años del FBI, personaje infame y temido por el acceso que tenía a información confidencial de presidentes, artistas, políticos y demás tanto de Estados Unidos como del mundo entero.
    El viejo Clint hace un juego inteligente en el que va exponiendo de manera cruzada situaciones de la vida pública de Hoover junto a situaciones de la vida privada que contrastan y develan al imperfectísimo hombre detrás de la figura pública. Racista, conservador, gay, ambicioso, compañero, hijo devoto, genio, loco... se pueden dilucidar todas estas características en el film, lo que equilibra su detestable imagen con un manto de humanidad que le arroja Eastwood. Es fabuloso ver todas las facetas de Hoover tratadas con profesionalismo infinito y objetividad.
    Todos los actores están super prolijos, pero lo de Leonardo DiCaprio es bestial. A la academia debería darle vergüenza haber cometido el error de ignorarlo.
    Lo mejor tiene que ver con la historia sentimental con su compañero Clyde Tolson (Armie Hammer), como naturalmente se va creando el vínculo amoroso y como esto le generaba internamente fuertes trastornos por la educación ultra conservadora que había recibido de su madre interpretada increíblemente por Judi Dench.
    Una película para disfrutar de la pericia del viejo Clint y darse cuenta que hasta los más villanos son seres humanos.
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  • Inmortales
    Inmortales
    Cinélico
    Entretenimiento Visual

    Inmortales es la nueva producción al estilo "300" a la que le han dado con un caño por todos lados... la verdad que a mí no me pareció mala, tampoco es una obra maestra épica, pero creo que se merecía un poco más de crédito.
    La película está dirigida por el nuevo chico "It" de las cámaras Tarsem Singh, responsable de "La Celda" en el año 2000, la única película buena que hizo Jennifer López en su carrera en el cine. También dirigió "El Sueño de Alexandría" en 2006 y este año estrenará "Blacanieves" en versión comedia con Julia Roberts y Lily Collins. Su dotes van por el lado de lo visual sin dudas, ya que con una imaginación envidiable crea escenarios, personajes y vestuarios increíbles, pocas veces vistos en la gran pantalla y con un sello original que lo distingue entre la camada de nuevos directores. El problema que debe solucionar es el como ensamblar toda esa creatividad en una buena historia, limada y cuidada en los detalles de narración, cuestión en la que evidentemente falla en Inmortales. No creo que la trama haya sido desastrosa, de hecho creo que es un producto superior a lo que fue la fallida "Furia de Titanes", pero está claro que no cubrió las expectativas de ser la sucesora de "300" y despertó la ira de más de un crítico de cine que la quiso hundir hasta el Hades.
    En la historia Theseus (Henry Cavill) debe aceptar su destino como líder de los ejércitos helénicos para frenar la cruenta conquista que viene llevando a cabo el rey Hyperion (Mickey Rourke) como venganza hacia los dioses del Olimpo. Entre medio hay una Oráculo (que está más buena que comer pollo con la mano) que puede ver el futuro y que intenta complicar la trama mostrando una visión en la que Theseus en vez de enfrentar a Hyperion, se muestra abrazado con él aceptando unirse a sus fuerzas.
    Con una trama precaria logra entretener de todas maneras al espectador, desplegando algunas batallas de muy buena acción, una explosión de colores y escenarios fantásticos que deleitan la vista. La labor de los actores es merecedora de una mención por haber remado la película con mucho pulmón y salir airosos de la situación, sin entregar un clásico del cine épico, pero que cumple con la premisa de entretenimiento vertiginoso pochoclero de verano.
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  • Robo en las alturas
    Pocas Nueces

    Supuestamente "Robo en la Alturas" iba a ser la gran comedia del verano con su estreno que ya lleva más de 1 mes y medio en cartelera (inexplicablemente para mí). No me pareció muy divertida en absoluto, de hecho me fastidió bastante el fallido intento de hacer una Misión Imposible con comediantes. A Ben Stiller y Eddie Murphy los voy a ver al cine para que me hagan reír, me diviertan con su talento vocal y físico, no para que intenten imitar a Tom Cruise con algunos chistes de por medio. Algunas escenas lograban entretener un poco, pero la dicha culminaba a la velocidad del rayo para sumergirme otra vez en una parodia de acción que me sacó varios bostezos.
    El film comienza bien, con ritmo, introduciendo una comedia que parece va a ser algo distinto, ¡y lo fue!, el tema es que fue "distinto malo" y no "distinto bueno" como había imaginado en mi cabeza. La trama no fue el problema, sino que le pifiaron en la definición del género y la composición de la historia, es decir, por momentos no sabía cuando era una película de acción y cuando era comedia, si estaba tratando de sorprenderme con lo vertiginoso de la escena o si en realidad quería hacerme reír con lo que estaba viendo. Eddie Murphy tiene apariciones sin sentido durante todo el film, que no me resultaron gratas en ningún momento y no me daban ni un poquito de gracia. Lo de Casey Affleck también fue bastante pobre y desordenado. No había casi nada de química entre los protagonistas y daba la sensación de haber varios actores que sólo figuran para justificar la entrada al cine, aunque para mí claramente no lograron que me quede con esa percepción.
    Un film pretencioso que terminó siendo insípido y poco entretenido, que no logró capturar mi empatía y que tiene uno de los peores desenlaces que he visto últimamente. No recomendable.
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  • La chica del dragón tatuado
    Combinación Perfecta de Cine y Literatura

    ¡Esto es entretenimiento del bueno! The Girl with the Dragon Tattoo es la adaptación que hizo el increíble director David Fincher del 1er libro de la trilogía Millenium de Stieg Larsson. La verdad que cuando se anunció que Fincher sería el encargado de hacer la remake norteamericana (hay una muy buena versión del cine danés) del 1er libro me quedé tranquilo y no esperaba menos de lo que ofreció en lo que promete ser una de las trilogías más famosas del cine.
    Recordemos que el director ha sido responsable de algunas joyas de la gran pantalla como "Red Social", "Pecados Capitales", "The Game" y "El Club de la Pelea", asique imagínense de quien estamos hablando. Para empezar tiene la carga justa de suspenso, drama y humor, combinación explosivamente efectiva si se sabe mezclar como lo hizo el maestro Fincher en este film.
    La puesta es espectacular tanto desde lo visual como en sus aspectos técnicos de edición, musicalización (nuevamente a cargo de los talentosos Trent Reznor y Atticus Ross), sonido y por supuesto en las interpretaciones.
    Los personajes son increíbles, sobre todo Lisbeth, que si bien la creación es mérito del escritor, Rooney Mara la interpreta maravillosamente. Lo de Christopher Plummer como Henrik Vanger es absolutamente espléndido. Los demás como Daniel Craig, Stellan Skarsgard, Robin Wright y Joely Richardson también hacen un trabajo profesional que suma mucho a la grandeza de esta película.
    La química entre Craig y Mara funciona muy bien, dándole dinamismo y naturalidad a las escenas que debieron compartir. Si se fijan bien, la interacción entre los personajes de ambos no se da hasta pasada la 1ra hora de película. Si hay algo importante en el cine es la química entre los protagonistas, ya que sin ella todo parece falso, acartonado y eso no atrae a nadie.
    Los momentos de tensión son extremadamente efectivos, desesperan y transportan al espectador a la situación horrible que se está viviendo. Literalmente dan ganas de taparse los ojos con las manos, en el buen sentido!
    Un trabajo excelentemente realizado, sofisticado, sexy, con mucho suspenso, drama e inteligencia. Gracias Larsson por esta buena novela y gracias Fincher por llevarla al cine con tanta perspicacia y pericia.
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  • Secretos de estado
    El Fin Justifica los Medios

    The Ides of March o Secretos de Estado es la última producción del ya consagrado, tanto por su labor como actor como por su trabajo como director, George Clooney, que una vez más nos regala un film interesante, no tanto por su temática, sino por la manera de encarar la historia, con dramatismo, oscuridad y suspenso, cuidando como él sabe de los aspectos técnicos y la cinematografía.
    El talento ya se dilucidaba en su 1ra película detrás de las cámaras "Confesiones de una Mente Peligrosa" que nos entregó a un Sam Rockwell formidable. También es digna de resaltar la película "Buenas Noches y Buena Suerte" que obtuvo 6 nominaciones para los premios Oscar. Se puede decir que Clooney está consolidando de muy buena manera su lugar entre los actores/directores que consiguen el éxito, muy al estilo Clint Eastwood.
    Como resalté anteriormente Secretos de Estado no es de esos films que son atractivos por su temática, de hecho la corrupción en la política estadounidense ya se ha filmado millones de veces, en producciones malas y buenas por igual. Lo interesante de esta cinta es el prolijo trabajo que se realiza con los actores y el clima de las escenas, empezando por un reparto soñado que incluye nombres de peso como el ascendente Ryan Gosling ("Diario de una Pasión", "Drive") y los galardonados Philip Seymour Hoffman ("Capote", "Antes que el Diablo sepa que Estás Muerto"), Marisa Tomei ("El Luchador"), Evan Rachel Wood ("El Luchador", "A los 13"), Paul Giamatti ("Entre Copas") y el mismo George Clooney ("La Gran Estafa", "Michael Clayton") ensamblando un cast de profesionalidad irrefutable.
    Las vueltas crudas y adultas que se le aplican a la trama agregan gran parte del entretenimiento, que sin ser lo mejor de Clooney como director, ni lo mejor que van a poder disfrutar en este período de películas que compiten para el Oscar, es una buena opción a la hora de elegir una película seria, adulta y atractiva para pasar el tiempo. Tiene buen suspenso, los personajes son elaborados con la crueldad de la vida real, en la que muchas personas ligadas a la política tienen más de una cara y donde el fin muchas veces justifica los medios. Definitivamente es una buena opción aunque no esté en el top 10 de recomendadas de la temporada.
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  • La última noche de la humanidad
    La Guerra Más Aburrida del Mundo

    Este año las malas películas comienzan a aparecer temprano inaugurando la categoría "Lo Peor del 2012" con The Darkest Hour, una producción que aborda la ¿inagotable? trama de alienigenas que atacan el planeta Tierra para quedarse con nuestros recursos y exterminarnos de la manera más cruenta posible.
    Para comenzar, debo decir que es muy poco original la forma en que decidieron que los marcianos exterminan a los seres humanos... ¿desintegrarlos en partículas? ... es un herramienta que usó con mucha más clase y drama el gran Steven Spielberg en "Guerra de los Mundos", y no es su mejor producción ni cerca.
    Que los atacantes del espacio sean invisibles y estén envueltos en una especie de camuflaje amarillo luminoso es bastante pedorro también.
    Creo que la premisa original quizás funcionaba mejor en la cabeza de sus creadores, pero a la hora de darle forma y ponerla en pantalla no supieron como generar las sensaciones de terror, suspenso y drama que debe tener un buen producto de la ciencia ficción. Los efectos son buenísimos y el hecho de que suceda en Moscú es muy pintoresco, pero eso no alcanza en absoluto para lograr buen entretenimiento.
    ¿Qué hace Emile Hirsch en este proyecto de 2da categoría? Es una cuestión que no se si algún día entenderé... capaz quería pasarse desesperadamente al cine de acción para competir con Shia LaBauf o se cansó de los films serios....
    Para resumir es otra historia pésima de invasión alienigena, que recién se pone más o menos emocionante en los últimos 15 minutos del metraje. Pasando de los efectos visuales y algunas muertes en orden sorpresivo, no hay nada para rescatar. ¿Los extraterrestres son una raza super avanzada que nos vienen a exterminar pero no son lo suficientemente vivos como para fijarse detrás de un auto o una mesa si hay algún cristiano escondido? Parece una tomada de pelo.
    El discurso de victoria de uno de los soldados rusos con los que se topan los protagonistas es de los peores de la historia del cine al igual que el decepcionante y horroroso final que tiene esta cinta. Definitivamente no la recomiendo.
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  • Los Muppets
    Los Muppets
    Cinélico
    Alegría Henson

    Los Muppets de Jim Henson vuelven con toda la fuerza de la mano del director James Bobin, un tipo que tiene basta experiencia en la conducción de proyectos televisivos, lo que seguramente facilitó su entendimiento sobre el universo de estos queridos títeres americanos.
    La producción contó con algunas ventajas claras como por ejemplo, el amor incondicional que tienen los fans de los Muppets, entre ellos el actor, escritor y productor Jason Segel ("Bad Teacher", "Mi Villano Favorito"), que más allá de sus dotes actorales (que pueden ser del gusto o no del público) se nota que puso pasión y mucho esfuerzo en el proyecto. La participación de Amy Adams ("Encantada", "La Duda") y Chris Copper ("Belleza Americana", "El Ladrón de Orquídeas") es un lujo que no se puede pasar por alto debido al talento de ambos artistas, que son tan versátiles que pueden cantar, ser villanos, hacer llorar o hacer reír con la misma efectividad y profesionalismo de siempre.
    Otra ventaja es la historia que arrastran estos títeres, que ya se han convertido en una insignia americana que es un clásico, que demuestra de manera muy clara el humor norteamericano en su mejor expresión. Dicho esto, la historia es divertida, con mensaje de buena vibra y con el infalible arte de satirizar las producciones de moda en Hollywood (Crepúsculo, Paul, El Diablo Viste a la Moda), pero definitivamente no es una obra maestra como he leído por ahí. El éxito se ha dado sobre todo por el aguante de su público, los actores que le dieron el sí y por un trabajo prolijo de dirección que representa un buen punto de partida para una posible franquicia.
    La película tiene mucho de musical, cuestión que a más de uno le quitará las ganas de ir a verla. ¡Ojo!, no es que el musical sea malo, sino que hay cuestiones de gustos que están bastante polarizadas como es el caso de este género, al que se puede amar u odiar con la misma intensidad, pero casi nunca en un punto medio.
    Es una cinta recomendable si eras fan del programa televisivo o si te gusta la comedia física, si no estás dentro de estas 2 categorías puede que te pegues un embole.
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  • Historias cruzadas
    Magníficas Mujeres

    The Help o Historias Cruzadas como lo indica su título latino es una gran, gran sorpresa de esas que alegran el corazón cinéfilo del habitué de la gran pantalla.
    La historia es simple y no es nueva, pero la manera en que está contada en este film es impecable y emotiva. Tiene ese "Ángel" de los grandes clásicos, donde todo encaja a la perfección más allá de sus imperfecciones, donde las interpretaciones del reparto son tan efectivas como emotivas, donde nacen las grandes estrellas de Hollywood.
    ¿De qué se trata la historia?, es sobre la situación de la gente de color en los años '60, en los que todavía eran marginados brutalmente por la alta sociedad del sur de los Estados Unidos. El relato se centra en el servicio doméstico y su relación diaria con el racismo ejercido por sus empleadoras, que por miedo, tradición e ignorancia las trataban como si fueran marionetas de su propiedad. Como apreciarán es un tema que se ha tratado muchas veces en el cine con distintos matices, algunos más cómicos, otros más dramáticos, pero lo que hace tan interesante a The Help es la combinación exacta de humor y drama, paseando al público por estadíos de alegría, y en el instante siguiente, le provoca un nudo en el pecho que asemeja una trompada de un boxeador peso pesado. También se mete con la violencia de género y el machismo predominante de la sociedad de ese tiempo sumándole un poco de picante a la peli.
    Otra cuestión contundente para el éxito de esta cinta son las interpretaciones de todas las actrices que conformaron el cast, desde una Jessica Chastain ("El Árbol de la Vida") que encarna con gran ternura a una ingenua sureña un poco vulgar pero de buen corazón y una Emma Stone ("Loco y Estúpido Amor") carismática y muy precisa cuya estrella está brillando cada vez más, hasta unas Viola Davis ("La Duda") y Octavia Spencer ("Siete Almas") que dan vida a dos grandes mujeres llamadas Aibileen Clark y Minny Jackson respectivamente. Bryce Dallas Howard ("La Aldea") también está fabulosa como la malvada Hilly Holbrook al igual que Sissy Spacek ("Carrie") como su divertida madre, completando un equipo soñado.
    Para cerrar, creo que es una excelente opción de verano, con una historia emotiva pero no sentimentalista, que divierte y hace reflexionar, que más allá de sus imperfecciones cinematográficas enamora al espectador. Una película para disfrutar de mujeres super talentosas recreando con gracia un poco de historia social.
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  • Sherlock Holmes: Juego de sombras
    Ritchie Rock & Roll

    Sherlock Holmes 2 marca la vuelta del investigador más famoso de la literatura consolidando la franquicia del famoso director, ex de Madonna, Guy Ritchie.
    La película es un claro ejemplo de una buena mezcla de aspectos técnicos, trama y el irrefutable carisma de Robert Downey Jr que tira para arriba cualquier producto que se centre en un antiheroe picarón y con toda la onda.
    El mecanismo de la historia no ha cambiado mucho, poniendo en pantalla al dúo dinámico conformado por Holmes y Watson (Downey Jr. y Law) que deben luchar contra las fuerzas del mal, esta vez encarnadas por el Dr. Moriarty (Jared Harris). La película tiene esa dinámica bizarra y compulsiva de Ritchie, que tiene un sello claro y lo identifica en todas sus producciones. Hay mucho Rock & Roll cinematográfico, situaciones cómicas y de buena acción, justamente lo que estaban esperando los fans de esta nueva franquicia. Los más conservadores ya se habrán enojado bastante con la 1ra entrega, asique mejor no entrar en ese juego. Si te gusta la visión que Ritchie tiene del cine vas a disfrutar muchísimo esta peli. Tiene acidez, ritmo convulsivo, esa mezcla de cuadros cinéfilos que tanto le gustan el director (cámaras lentas, cámaras rápidas), mucho carisma y acción de la buena.
    Creo que el mayor acierto fue convocar a Downey Jr como protagonista y a un segundo de gran calidad como es Jude Law. La dupla podría ir rumbo a convertirse en un clásico de la gran pantalla, de esos que son recordados muchos años después de la desaparición del producto franquiciado. Los actores de reparto como Jared Harris, Rachel McAdams y sobre todo Stephen Fry están magníficos completando una historia que es mucho más sólida y entretenida que su predecesora.
    Muy recomendable para estas vacaciones de verano que se viene bien cargado de grandes producciones. Si querés escapar a la orda de films dramáticos candidatos al Oscar, "Sherlock Holmes: Juego de Sombras" tiene muy buen ritmo y de seguro te mantendrá interesado durante todo su metraje.
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  • Las aventuras de Tintín
    Un Nuevo/Viejo Héroe

    Las Aventuras de Tintin es de esos proyectos que uno piensa: "Ojalá, por favor, que se lo den a un capo del cine, porque sino puede ser realmente desastroso...". Afortunadamente se hizo cargo nada más y nada menos que el gran Steven Spielberg, director que maravilló y acompañó a gente de mi generación (nací en el '84) durante todo su crecimiento con películas como "E.T.", "Indiana Jones y la última cruzada", "Jurassic Park", "La lista de Schindler" y muchos más títulos que enmarcan una de las carreras más exitosas en la historia del cine. Como si esto fuera poco, también participó en la producción Peter Jackson, otro gran talentoso que nos dejó esa trilogía que pasará a la historia grande del cine, "El Señor de los Anillos".
    Dicho esto, era de esperarse que la 1ra entrega (habrá varias más, espero) fuera de gran calidad tanto en lo visual, como en la trama, pero a decir verdad, quedé muy sorprendido porque terminó excediendo totalmente mis expectativas. La historia es interesantísima, te atrapa desde el principio y te mantiene en vilo durante los 100 minutos de duración. Por momentos me olvidaba que estaba ante un producto animado, más allá de lo caricaturesco de todos los personajes que formaban parte.
    Lo mejor de todo es que fue muy respetuoso con el espíritu de Tintin, tanto en el humor característico de los dibujitos que veía de chico, como con toda la aventura que significaba resolver los misterios que se le iban planteando. Creo que Tintin es una película que será disfrutada por los chicos en general, pero sobre todo, va dirigida a nosotros que crecimos con sus libros y sus dibujos animados, al niño interno que llevamos dentro y que dejamos salir cuando se presentan oportunidades como esta. Los niños de ahora disfrutarán más la cuestión del 3D, la animación y sus colores, pero los que seguimos a Tintin desde chicos, viviremos estas cuestiones como un plus a la intriga, el suspenso y la acción que conforman el alma de las historietas de este periodista juvenil animado.
    Aplausos para Spielberg, Jackson y Nickelodeon Movies, que tendrá compitiendo en los Oscars 2012 a 2 productos de su factoría, "La Aventuras de Tintin" y a "Rango", ésta última con serias posibilidades de ganar la categoría "Mejor Animación".
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  • 50/50
    50/50
    Cinélico
    El Amor Cura

    50/50 es una comedia que pasó fugazmente por la cartelera argentina y aún más rápido por la cordobesa. Es ese tipo de film muy poco promocionado que en realidad vale muchísimo la pena ver, por su temática, la forma de encarar la comedia y las actuaciones que son realmente divertidas y creíbles.
    El director Jonathan Levine (junto al escritor Will Reiser) cuenta la historia de Adam, un joven de 27 años que es diagnosticado con un extraño tipo de cáncer en etapa bastante avanzada y sobre como hará para lidiar junto a su familia, su novia y su mejor amigo con esta terrible situación, pasando por momentos super graciosos y por momentos muy dramáticos también.
    La grandeza de la película radica en mezclar algo tan feo como el cáncer con el género de la comedia y producir un entretenimiento que no sólo te hará pasar un muy buen rato, sino que además te hará reflexionar sobre este tipo de situación, que debo decir en un comentario no tan grato, que nos ha pasado a muchos o nos puede llegar a pasar.
    Otra cuestión muy buena pasa por los actores, sobre todo Joseph Gordon-Levitt (Adam) y Anna Kendrick (Katherine la terapeuta) que están increíbles. Seth Rogen cumple muy bien con su parte del amigo bruto pero de buen corazón y Anjélica Huston como la madre de Adam cumple con el mismo profesionalismo de siempre.
    50/50 es una historia de la vida real, de esas cotidianas que suceden todos los días, pero aquí está contada con buena vibra, con aire de film independiente pero con mucha luz y una idea bien clara sobre lo que se pretende mostrar con una comedia centrada en un enfermo de cáncer. Los diálogos son inteligentes, con mucho picante, además hay miles de cuestiones que se dicen en gestos faciales y corporales, y esta es una cuestión que no todos los directores saben explotar.
    Muy recomendable para pasar un buen rato de cine entretenido y bien hecho, que te hará reír muchísimo y te va a emocionar también.
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  • Misión Imposible 4: Protocolo Fantasma
    Acción Nuestra de Cada Día

    Protocolo Fantasma marca la 4ta entrega de Misión Imposible, esa historia de agentes secretos, complots y acción adrenalínica que nos regaló Brian De Palma en 1996 y que ya se ha convertido en un clásico de la gran pantalla. En esta oportunidad el film viene dirigido por Brad Bird, responsable de grandes animaciones como "Ratatouille" y "Los Increíbles", bajo la tutela de J.J. Abrams y el también productor Tom Cruise.
    Para comenzar debo decir que las secuencias de acción son espectaculares, dinámicas, con ritmo y de muy buena calidad. Tiene algunos elementos que sencillamente son hipnóticos como las herramientas tecnológicas que utilizan (la pantalla móvil que asemeja el fondo del pasillo de un espacio cerrado es una cosa de locos). Ahora... como secuela de la gran obra de Abrams en la 3ra entrega, no deberíamos esperar menos pericia en los momentos de acción, es decir, se puede considerar que la calidad es prácticamente un factor característico más que algo para resaltar. Quizás sí la mano creativa de J.J. que se nota en cada escena.
    Una cuestión refrescante es que el humor ha mejorado considerablemente, sobre todo el timing que se da en los momentos adecuados. Por lo demás no hay muchos cambios... es la misma ecuación de siempre. Detener a un villano, preferentemente de Europa del Este, que quiere destruir la civilización con bombas nucleares. Tiene algunos disparates y cuestiones ilógicas propias de este tipo de película, mucho más pulidas que en el trabajo de John Woo (2da Misión Imposible) pero inferiores a los de la 3ra entrega. Terminar luchando contra el sistema de estacionamiento no es de lo más lógico y emocionante que podrían haber mostrado. Faltó un poco más de drama y espionaje, cuestiones que en la 1 y 3 eran más elaboradas.
    En general Protocolo Fantasma es buena, entretiene y por momentos agita, pero a esta altura espero un poco más de innovación en la saga. Las nuevas incorporaciones están muy bien, sobre todo Simon Pegg como el "geek" de la tecnología.
    Un film para disfrutar en un día con mucho antojo de acción y revivir lo que significa Misión Imposible.
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  • Anónimo
    Anónimo
    Cinélico
    Emmerich se pone serio

    Anonymous es la 1ra producción "seria" del director Roland Emmerich que parece haberse hartado de los alienígenas y los cavernícolas de ojos claros para ponerse más dramático y demostrar un poco más de versatilidad cinematográfica. Recordemos que Emmerich es el responsable de la incansable "Día de la Independencia" (en la TV por aire es como si estuvieran obligados a transmitirla al menos una vez por mes) y algunas películas poco felices como "10.000 A.C.", "Godzilla", "El Día Después de Mañana" y "2012". No todo fue malo en la carrera del director alemán, también dio vida a buenas producciones como "El Patriota" y "Stargate". En esta ocasión nos trae un tipo de film al que no nos tiene acostumbrados y debo decir que me gusta el camino que está tomando.
    Sin ser una obra maestra para la posteridad, Anonymous cumple con el objetivo de plantear de forma convincente un punto de vista distinto acerca de la historia del famoso escritor inglés William Shakespeare. ¿No fue realmente él quien escribió maravillosas obras como "Otelo", "Hamlet", "Sueño de una noche de verano" y la famosísima "Romeo y Julieta"? Eso es lo que viene a plantear Emmerich en su faceta más seria y madura. ¿No respeta a rajatabla las versiones de los detractores históricos de Shakespeare? La verdad que respeta poco y se pone a inventar toda una red de traiciones, engaños y relaciones tormentosas que poco tienen que ver con el rigor histórico, pero así y todo, logra salir airoso con un film entretenido y que tiene algunos muy buenos momentos actorales de Vanessa Redgrave (Reina Elizabeth I), Rhys Ifans (Earl of Oxford) y Edward Hogg (Robert Cecil).
    Es una lástima que a nuestro país llegue sólo en formato de DVD, pero con una temporada tan fuerte de grandes estrenos de verano resulta difícil competir por un lugar en salas comerciales.
    Recomendable para aquellos que andan con ganas de ver un film de época que plantea una teoría interesante. A mí se me hizo un poco larga y con demasiados enrosques, aunque debo admitir que tiene sus momentos brillantes.
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  • Alvin y las ardillas 3
    Tres son multitud...

    Alvin y las Ardillas 3 es una gran alerta a la franquicia de estos roedores parlantes que quizás se deba tomar un largo descanso para volver al ruedo con algo un poco más innovador y entretenido.
    Es lo mismo de las 2 entregas anteriores... las ardillitas son tiernas, algunas son divertidas y se meten en problemas que están diseñados especialmente para demostrar los efectos visuales que son accionados.
    Toman elementos del personaje Buck de "La Era del Hielo 3", un poco de "Lost" satirizado y algo de "El Náufrago" para entregar este híbrido que no logra superar a sus 2 predecesoras. Por momentos (muy pocos) entretiene, pero apenas pasan 2 minutos de la escena uno recapacita y se da cuenta que está ante una producción de baja calidad, no en lo visual por supuesto, sino en lo que se refiere a la trama. Este año se han estrenado películas increíbles para los más chicos, con efectos visuales fabulosos, tramas realmente divertidas e interesantes, por lo que ya no basta con poner ardillas tiernas a bailar y decir gansadas... la competencia es mucha y de muy buena calidad como para salir impunes de esta puesta.
    Se convocó a varias estrellas de Hollywood que sólo aportan el nombre ya que en el efecto sonoro característico de las ardillitas se pierde la personalidad de cada una. No digo que le cambien las voces a los personajes, pero al menos que se aviven y dejen de gastar tanto dinero en actores y actrices que podrían ser reemplazados sin que nadie se de cuenta. El producto evidentemente funciona, los niños disfrutan ver al trío de ardillas haciendo de las suyas, pero usando el ojo crítico, no hay nada magnífico que pueda aportar este film y entre tanta oferta animada, Alvin 3 queda muy por detrás de su competencia. Sinceramente espero que este fracaso signifique el largo descanso de la franquicia.
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  • Un zoológico en casa
    La Aventura Sanadora

    Un Zoológico en Casa es la última producción del famoso director de cine Cameron Crowe, responsable de películas como "Almost Famous", "Jerry Maguire" y la reciente "Pearl Jam 20" (muy recomendable). En esta ocasión saca su lado más Spielberiano para ofrecernos un drama/comedia familiar que saca nuestro niño interno, recurso que maneja a la perfección el gran Spielberg. Así mismo, el director californiano deja impreso su sello en el ida y vuelta de las diversas situaciones del film, que muchas veces son dramáticas pero abordadas con humor y toques de ternura que alivianan la carga respetando la esencia de la cinta como entretenimiento familiar. Otro sello particular es la musicalización excelente que incluye en sus trabajos.
    La historia se centra en Benjamin Mee, personaje que en realidad existe y sobre el cual se basa la película. Luego de que su esposa muriera de cáncer, Mee decide renunciar a su trabajo como editor y dedicarse más a la relación con sus hijos que se encontraba un tanto desgastada. En su búsqueda de una nueva vida, decide invertir y comprar una propiedad que viene con una mochila particular... un zoológico con staff y todo. A partir de esto, el film trata sobre las dificultades de la interacción familiar luego de una pérdida importante, la sanación, las segundas oportunidades y la búsqueda de la felicidad, todas cuestiones totalmente convencionales en el cine, pero que en este caso adquieren una fuerza distinta debido en gran parte, al manejo de su director. Otro pilar importante de We Bought a Zoo pasa por las interpretaciones, en 1er lugar de un cada vez mejor Matt Damon, actor recontra versátil que ha venido trabajando sin parar en los últimos años. Thomas Haden Church aporta su gran talento para la comedia, mientras que la joven Elle Fanning llena la pantalla de frescura. Scarlett Johansson también cumple muy bien, pero no es lo mejor del film.
    Es un entretenimiento familiar liviano pero trabajado de manera estupenda. Es entretenida, emociona, hace reír y deja la sensación de haber disfrutado de 2 horas bien invertidas. Si no vamos al cine por eso, ¿para qué vamos?.
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  • Canciones de amor
    Poliamor a la Francesa

    Canciones de Amor o Les Chansons D'Amour es una película difícil de encasillar, que trata temas interesantísimos y ofrece la mirada acerca del amor de un director desafiante como es el francés Christophe Honoré.
    ¡Cuidado!, tiene mucho de musical, ya que los protagonistas interpretan 11 canciones distintas del compositor Alex Beaupain a lo largo de la cinta, por lo que si sos de los que no soportan los musicales... quizás esta película no sea una buena opción. Debo decir que soy casi archienemigo de los musicales... no sé por que... simplemente no me gustan, sin embargo Les Chansons me pareció muy soportable, elegante, entretenida y francesa hasta los huesos.
    La historia se centra en un trío amoroso compuesto por Ismael, Julie y Alice, 3 jóvenes que deciden comenzar un "Ménage à Trois" como parte de su experimentación sexual. Todo parece ir bien, naturalmente se comienzan a manifestar celos por parte los miembros del trío, pero nada muy grave para la relación. El problema surge cuando la tragedia se posa sobre uno de los protagonistas, golpeando fuertemente la armonía que se había alcanzado como trío amoroso, debiendo lidiar con sentimientos de amor, dolor, desgaste, pérdida y nuevos despertares sexuales (aquí entra un 4to protagonista que queda para la sorpresa del espectador). Honoré no repara en mostrar con notable cotidianeidad las relaciones poliamorosas, homosexuales y heterosexuales de los jóvenes que dan vida a este film, ofreciendo un ensayo personal acerca de los estándares del amor y las relaciones sentimentales en los tiempos que corren. La temática de la sexualidad está muy presente, pero la trama se centra sobre todo en los amores, como se construyen, como se destruyen y como se superan.
    Es por momentos una comedia, luego da lugar al drama, es musical pero no todo el tiempo, tiene mucho de homenaje a otras películas del cine francés (Los Paraguas de Cherburgo), nos muestra París pero con ojos locales y no los típicos lugares turísticos, es gris y habla del amor y la sexualidad, es simplemente una buena producción que no tiene una sola etiqueta sino varias para pasar por una verdadera experiencia cinematográfica. Puede gustar o no, pero uno no puede negar el talento.
    Un dato loco... la cinta es del 2007!! pero recién se estrenó este mes en Argentina sólo en las salas de Buenos Aires. Los del interior tendremos que alquilar el DVD.
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  • Terror en lo profundo 3D
    Tiburones Clase B

    Terror en lo Profundo (casi todo sucede a escasos metros de la superficie asique la traducción es absurda) es la nueva película de terror de David R. Ellis, conocido por dirigir "Destino Final 2", "Serpientes en el Avión" o "Destino Final 4" (la peor de la 5 que se estrenaron), por lo que deben imaginarse un poco como viene la cuestión.
    Ellis en sus trailers de promoción prometía casi exactamente lo que se terminó viendo... unos universitarios con cuerpos hot se van a la casa de campo de uno de ellos ubicada a las orillas de un lago de agua salada. Se ponen los trajes de baño, se toman unos copetines y salen a hacer surf con la lancha. Todo es risa y diversión hasta que un tiburón ataca al pibe que estaba surfeando y le arranca una parte del cuerpo... lo que sucede es que el lago en realidad, está infestado de tiburones de distintas razas que no se sabe como llegaron ahí... La lancha se rompe, las comunicaciones no funcionan y algún "twist" más, hacen que no pueden salir del lago y tengan que ingeniárselas para combatir a los bicharracos y salir vivos de esta pesadilla.
    La trama no es ninguna obra maestra y seamos sinceros... estás yendo al cine a ver a unos actores carilindos de 2da categoría ser atacados y comidos por tiburones... no esperes mucho más que eso mismo. Quizás podría haber utilizado sus recursos con mayor cuidado y seriedad, como por ejemplo algunos errores de historia ridículos que un niño de 8 años tranquilamente puede identificar. Hay decisiones estúpidas por parte de todos los protagonistas, a varios se los comen (o mordisquean) y hay bastante sangre. Los tiburones no se ven tanto como uno quisiera, lo que hace concluir que el presupuesto era bastante acotado y faltó un toque más de dramatismo o por el contrario, sentido del humor para hacer ese tipo de género terror/comedia que le ha funcionado a tantos otros.
    Es una de esas pelis para fans del 3D y las B-Movies, donde no importa tanto la trama sino el hecho de que tiene que haber sangre, exageración y actuaciones embarazosas. Para los demás, es una opción para un domingo a la siesta después de una resaca en el cable local.
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  • El juego de la fortuna
    Vencer las Frustraciones

    El Juego de la Fortuna o Moneyball es una película a tener en cuenta, no sólo porque es una de las que suena fuerte para la próxima entrega de los Oscars, sino porque es una muy buena historia que tiene como marco de desarrollo ese deporte tan extraño para nosotros que es el Baseball (sobre todo para los que estamos bien al sur). Entre tantas cosas que no me copan, los films sobre historias de Baseball están a la cabeza, pero esta vez debo admitir que me gustó bastante, sobre todo esa especie de radiografía que hace el director sobre como funciona realmente el mundo profesional de este deporte en particular. En los últimos años se han presentado algunas muy buenas películas que incluyen un pantallaso al mundo del deporte de competición ("El Luchador", "El Cisne Negro", "Millon Dolar Baby"), cuestión que junto a la historia principal se convierte en algo irresistible y revelador. Una buena trama inmersa en un marco deportivo bien elaborado.
    En Moneyball hay un desfile de pesos pesados como Brad Pitt, Philip Seymour Hoffman, Robin Wright y el ascendente Jonah Hill, pero a diferencia de algunas cintas bobas de este año llena de actores y actrices famosos desperdiciados, aquí cada uno tiene un rol conciso y muy bien trabajado. Las apariciones de Hoffman o Wright son pocas, pero son algunos minutos muy valiosos que le dan mucha presencia al film.
    ¡Ojo!, no es una peli sobre Baseball, sino que es parte importante de su trama, la historia en realidad está enfocada en el personaje que interpreta Pitt, Billy Beane, un ex jugador devenido en caza talentos que debe arreglárselas para ensamblar un equipo ganador con uno de los presupuestos más bajos de toda la liga profesional. Se suma al desarrollo también el equilibrio que debe mantener Beane entre sus problemas familiares, sus frustraciones y su trabajo.
    No es una película sobre algo raro, innovador, extravagante o fantástico, simplemente es la historia de un hombre con una vida interesante contada con mucha pericia cinematográfica y talento, todo eso gracias al director Bennet Miller ("The Cruise", "Capote"). Es divertida y es dramática en una combinación que mantiene atento y entretenido al espectador. Sin dudas, una buena opción de fin de año.
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  • Año nuevo
    Año nuevo
    Cinélico
    Toshiba, Times Square y actores desperdiciados

    Año Nuevo... ¿qué se puede decir?. Es una película sobre la nada, con algunos toques de esperanza y amor acartonado. Es increíble que se gaste tanto dinero en producciones como esta que más que arrancarle una sonrisa al espectador, le produce enojo por la pérdida de tiempo que significa ver esto.
    Garry Marshall fue director de "Mujer Bonita", es verdad, pero también dirigió una serie de productos chatos como "Día de los Enamorados", "Novia Fugitiva", "Diario de una Princesa", "Las Reglas de Georgia" y puedo contar más. Es conocido que Marshall tiene los medios para ensamblar repartos espectaculares que emboban como lo ha hecho con esta película y algunas otras. No se dejen engañar... la sensación de que un film con tanta gente talentosa no pueda ser malo es traicionera.
    La cinta muestra distintas historias que suceden ¿¿en dónde??... En Nueva York, obvioooooo. Algunas de esas historias se cruzan con otras, son todas color rosa y tratan sobre el amor. Auspicia el Año Nuevo la marca Toshiba (la guita que habrán puesto) que aparece más en el film que algunos personajes famosos de Hollywood. Otro gran protagonista es Times Square y su famoso conteo de fin de año, ceremonia que hemos visto en pantalla hasta un nivel vomitivo. ¡Ojo! no tengo nada en contra de la pobre ceremonia que debe ser muy divertida, pero la explotación de la misma para vender que Estados Unidos es el paraíso del amor y las oportunidades me tiene realmente cansado. Ni al americano promedio le gusta este tipo de film... basta con ver el puntaje que le dieron los lectores de IMDB (la mayoría son norteamericanos).
    ¿Hay algunas partes simpáticas? Por supuesto, pero no son mérito ni del director, ni de los productores, sino de la mera presencia individual de algunos grandes talentos como Michelle Pfeiffer, Robert De Niro y Abigail Breslin. Se podría decir que hay algunas individualidades que son atractivas, más allá de eso... la nada misma.
    Si querés ver un desfile de gente famosa haciendo papeles mediocres, muchas postales de la ciudad de Nueva York o te interesa ver que estrella de Hollywood se besa con quien al final de la historia, esta es tu peli. Si querés algo más interesante, estás en el horno y de seguro perderás tu tiempo. Mejor alquilate "Love Actually" (Realmente Amor) que presenta también varias historias distintas cercanas a las fiestas y que son muchísimo más inteligentes, divertidas y de buena calidad.
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  • El gato con botas
    La Leyenda Gatuna

    El Gato con Botas es la última producción de los estudios DreamWorks en estrenarse en nuestro país y nos trae la divertida historia de ese personaje entrañable que pegó tan bien al incorporarse a la saga de Shrek en su 2da entrega. Tiene ese aura de la saga del ogro verde en el que el humor utilizado tiene una chispa atractiva para el público adulto, aunque en el resultado final termina siendo un poco más infantil.
    La película nos muestra un Gato (voz de Antonio Banderas) forajido, solitario y mujeriego que anda por la vida en busca de problemas. Como es de esperarse, los encuentra. En el camino se vuelve a reunir con Humpty Dumpty (voz de Zach Galifianakis), un viejo amigo de la infancia con el que las cosas no habían terminado muy bien, y su nueva socia Kitty (Salma Hayek), una gata sexy que es tan linda como peligrosa. Juntos intentarán arrebatar a los forajidos Jack y Jill los famosos frijoles mágicos con los cuales podrán acceder a la gansa de los huevos de oro que se encuentra en el castillo del gigante y hacerse ricos.
    Como se puede ver, la trama está llena de clichés, por lo que en ese punto no hay mucho para resaltar o loar. Quizás sí está buena la cuestión de mezclar varios cuentos y personajes de fábulas famosas con algunos toques personales del director y el ejército de escritores que usaron para adaptar al gato con botas que originalmente escribió Charles Perrault. Más allá de una evidente carencia en el aspecto innovador del relato, la película es entretenida y demuestra madera para una posible franquicia basada en este gatito tierno con voz de macho áspero.
    Por momentos es muy divertida, utilizando un humor perspicaz que produce una buena carcajada sincera en el espectador (me hace bosta el gato de la cantina que agita y hace caras cuando hay alguna frase incómoda). También tiene buenas secuencias de acción western dándole un plus al producto.
    Como aspecto negativo debo decir que la percibí muy cargada, con adornos cinematográficos, escenas, personajes y vueltas al pasado del protagonista que creaban sensación de saturación y cansancio por momentos. Se quiso incorporar mucho en una historia que en realidad podría haber sido más sencilla y producir el mismo efecto o mejor incluso.
    La animación está impecable, pero este aspecto ya se está volviendo un factor base de la industria de la animación. Casi no recuerdo alguna peli animada de este tipo que haya sido de mala calidad visual.
    Una buena opción de vacaciones, aunque si tengo que elegir entre las animaciones que hay en cartelera, me quedo mejor con "Operación Regalo".
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  • Operación regalo
    Una cuestión de corazón y no de logística

    Operación Regalo es una animación acerca de la Navidad, un acontecimiento que estaremos todos de acuerdo, está más que explotado en el cine. Abundan, llenan la pantalla y sobran películas sobre la temática, que se establece más que como una oportunidad de hacer arte, como una palanca para llenar las arcas hollywoodenses. Dicho esto, Arthur Christmas (título original) se destaca entre tanto intento fallido de innovar acerca de la Navidad.
    En 1er lugar se nota un buen trabajo de guión, con una historia completa y atractiva, con personajes bien elaborados y concordancia con el escenario que plantea. En el film ser Santa Claus es una tradición que se pasa de generación en generación entre los Claus, un clan familiar bastante disfuncional, que en este trabajo resulta bien adaptado a las interacciones de una familia normal humanizando la puesta y creando un vínculo más cercano con el público. Otro aspecto interesante e innovador es la evolución a través del tiempo de la "operación regalo" (reparto de los regalos por el mundo) que se lleva a cabo cada Navidad, mixando en el nudo de la película los métodos anticuados de repartir los regalos a todos los niños del globo (el viejo trineo tirado por los renos) y los avanzados métodos tecnológicos que utiliza la nueva generación a cargo de la tarea (trineo con forma de nave espacial repleta de duendes que parecen sacados de una película de James Bond). En este contexto, encontramos a Arthur, que vendría a ser el hijo torpe pero de buen corazón del actual Santa Claus y la 2da opción como su sucesor. Como 1ra opción está Steve, el hermano mayor de Arthur y gran cerebro de la fastuosa operación tecnológica, que está más enfocado en cumplir tiempos y procesos que en hacer felices a los niños. Completan la familia el muy divertido abuelo Claus y el Sr. y la Sra. Claus.
    La animación es impecable y colorida, marcando una buena transición del estudio Aardman de los muñequitos de plastilina en stop motion de "Pollitos en Fuga" y "Wallace y Gromit" a la animación digital.
    Para cerrar, la historia es innovadora y divertida, la animación está muy bien lograda, los personajes son bien divertidos (quizás el menos divertido es justamente Arthur, pero se lo perdonamos) y dura unos gloriosos 97 minutos. Una buena opción para llevar a los chicos en estas épocas y pasarla bien uno mismo, ¿por qué no?.
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  • ¿Cómo lo hace?
    Malabarista Light

    ¿Cómo lo hace? o I don't know how she does it (eterno el título) es una nueva comedia romántica de la ya figurita repetida Sarah Jessica Parker... (Sarah, existen otros géneros... ¡Posta!). No es la comedia del año ni cerca, pero tampoco creo que sea tan desastrosa como se la viene criticando por todos los medios. ¿Es una historia poco innovadora? Totalmente, ¿plantea un tema un poco chato y machista? seguramente, ¿es divertida? por momentos sí y tiene unos personajes secundarios que hacen muy bien su trabajo (el personaje de la asistente Momo se roba las escenas donde aparece, todas!).
    La película trata sobre una esposa y madre de 2 niños que debe hacer malabares para organizarse entre su vida familiar y su trabajo como ejecutiva de cuentas en una importante empresa norteamericana. En la búsqueda de equilibrio, se topará con algunas tentaciones externas y algún que otro paradigma interno que hará peligrar su desordenada pero feliz vida familiar.
    Como verán la historia no es muy compleja que digamos, es poco picante y tiene ese aura maldito de "film familiar y esperanzador cercano a las fiestas que dice: festejemos, festejemos, que la linda que es la vida". En eso estoy de acuerdo con todos sus detractores. Por otro lado, tiene algunos momentos o mejor dicho gestos en los que se nota la buena mano del director Douglas McGrath. Para el ojo y el oído despierto, hay varias escenas en el film donde se dan algunos gestos, muecas, frases que son perspicaces y divertidas. Lo mejor de la cinta son sin dudas sus actores de reparto, la asistente Momo (Olivia Munn) y el esposo (Greg Kinnear). Pierce Brosnan también hace un buen papel como el empresario seductor. No son muchísimos los momentos divertidos, pero si los hay y me reí un par de veces, que es mucho más de lo que puedo decir de otros exponentes del género.
    Quizás lo peor de la película son los momentos en que la protagonista le habla a la cámara explicando todo lo que hizo, hace o va a hacer... resulta un poco pesado.
    Los desenlaces también carecen de fuerza y pasan bastante rápido sin despertar mucho en el público. No soy fan de este género, pero a mí no me pareció tan calamitosa. Le subo una estrella por Momo!
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  • El precio del mañana
    Capitarwinismo

    El Precio del Mañana es una de esas pelis que uno quiere, añora, desea que esté buena y le gane a esa sensación de... "seguro es un moco más". Lamentablemente es otro caso fallido de deseos no cumplidos y expectativas demasiado altas.
    La idea es muy buena, innovadora y hasta con un poco de denuncia social, una premisa que podría haber resultado mucho mejor que lo que rindió realmente. Creo que el 1er error viene de haber querido mostrar una versión teen de una historia que podría haber sido tan seria y buena como la de "El Origen" o dinámica y adulta como "8 Minutos antes de Morir". Finalmente se queda muy corta, con escenas que tienen chistes que no suman nada al momento de tensión, diálogos superfluos y descerebrados, situaciones absurdas que en vez de maravillar provocan un "what the fuck?" en la mente del espectador.
    No todas las escenas son malas, de hecho tiene algunas secuencias de acción bastante buenas, pero por otro lado, hay otras que claramente fueron concebidas para esa nueva generación teen que ama las situaciones amorosas empalagantes y cursis. Como muchas otras producciones empieza bárbaro, con ritmo, secuencias que sitúan al público es ese nuevo mundo futurista donde el tiempo es dinero, pero poco a poco se va derrumbando hasta llegar a una construcción mediocre de lo que realmente podría haber sido.
    El 2do error es Amanda Seyfried... Amanda, Amanda... Tiene menos carisma que una babosa de jardín. En esta película elabora un personaje parecido al de "La Chica de la Capa Roja", pesado, artificial y que parece haber tenido un derrame cerebral que la dejó un poco lenta para moverse por la vida. Lo de Justin Timberlake es bastante aceptable y le suma algunos puntos a la peli, aunque aclaro que no es santo de mi devoción, ya que creo que le falta un poco de training para protagonizar grandes producciones de acción todavía.
    El resultado final es una muy buena historia mal contada (o mal mostrada). Habrá momentos que nos engañen y pensemos... "Esto va a estar bueno"... lamentablemente no termina siendo así. Hay buenos efectos, alguna que otra escena de acción picante y una idea dando vuelta por el aire que atrae por su creatividad. Lo demás... es tiempo perdido.
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  • Fuera de la ley
    Asesinos SRL

    Fuera de la Ley es lo nuevo de Nicolas Cage y el director australiano Roger Donaldson, que en el pasado dirigió algunas películas conocidas como Dante's Peak (Pierce Brosnan, Linda Hamilton) y El Recluta (Al Pacino, Colin Farrell), productos que si bien no eran de la mejor calidad, lograron entretener a los espectadores. Con este último trabajo se vuelve a dar la misma situación, en la que se cumple con un buen entretenimiento, movido, con ritmo y acción, pero que por momentos resulta un poco absurdo y contradictorio.
    El trío protagonista está formado por el controversial Nicolas Cage que despierta halagos y críticas por igual, un Guy Pearce que cumple muy bien con su rol y la siempre linda January Jones, que aporta lo suyo demostrando versatilidad y un aire nuevo en la cintas de acción.
    La historia plantea una premisa que todo aquellos que hayan sufrido alguna injusticia en manos de criminales ya sean ladrones, violadores, abusadores, traficantes y demás basuras, se han imaginado en su cabeza varias veces... "¿y si me convierto en un super asesino a sangre fría y lo rastreo a este HDP para ajusticiarlo yo mismo?". Una idea realmente poderosa que permite desatar la furia asesina en la mente de las personas que desean vengarse de la injusticia que les tocó vivir, y es por eso que han habido varias producciones que trabajan la temática. "Fuera de la Ley" es otra más que se suma a la lista, pero con una vuelta de rosca que resulta interesante: Una sociedad clandestina formada en gran parte por ciudadanos comunes que están hartos, cansados de que se les abusen en la cara, comandados por un frío asesino quien alguna vez fuera también un ciudadano común. Esta cuestión creo que es la parte más atractiva del film, que si bien presenta algunas irregularidades en la trama como por ejemplo, la personalidad del personaje de Cage que va de tipo zonzo anti violencia a cuasi héroe de acción, se configura como una buena opción para despejar la cabeza y ponerse en la piel de un justiciero de justicieros.
    No es la gran película de acción del año, pero entretiene a buen ritmo, con momentos de tensión y acción que son respetables. Entre tantos mocos de Cage, esta se podría decir que está de la media para arriba.
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  • Happy Feet 2: El pingüino
    Antártida Simpaticona

    Happy Feet 2 es la última animación de los estudios Warner Bros, que debo decir, a pesar de que los pingüinos me caen gordos (no me maten... me pasa desde chiquito) y el film no está teniendo mucho éxito mundial, a mi me gustó. No es una cosa de locos, ni te va a cambiar la vida, pero si sos de los que disfrutan de las películas animadas o tenés hijos, sobrinos o hermanitos para llevar la vas a pasar bien. La calidad de la animación es buenísima y muy colorida, pintando la pantalla de azules y blancos que transportan al público a un ambiente helado lleno de animales interesantes y divertidos, anaranjados, grises, marrones, amarillos y verdes muy bien utilizados, por lo que en el aspecto técnico se merece un aplauso.
    La historia es quizás lo más flojito... El calentamiento global va avanzando y pone en peligro el hábitat no sólo de los pingüinos, sino de todos los animales que conviven en la Antártida. En uno de los desprendimientos de hielo toda la colonia de pingüinos emperadores (raza de Happy Feet) queda atrapada entre gigantes glaciares a la merced de los predadores y sin alimento, por lo que Mumble (Elijah Wood) y su hijo Erik deberán ingeniárselas para sacarlos de ahí utilizando la ayuda de sus amigos y de sus no tan amigos. Casi toda la historia principal gira en torno a esta situación, que no es la más original, ni la más copada, pero si es entretenida y hace pasar un buen rato, sobre todo a los más pequeños que aman a estos animales. La pequeña historia paralela de 2 personajes ínfimos del océano llamados Will y Bill, cuyas voces fueron prestadas por Brad Pitt y Matt Damon, es lejos una de la cuestiones más interesantes y divertidas de la película. Junto a ellos, se destacan los personajes de Ramón y Lovelace, cuyas voces corresponden al gran Robin Williams. Algo que no me gusta y lo digo siempre, es que la opción de ver el film en su idioma original es prácticamente nula, al menos en las salas de la ciudad de Córdoba, por lo que no podremos disfrutar del histrionismo y talento de los actores anteriormente nombrados.
    Para concluir, creo que más allá de algunas carencias en la trama que pueda tener Happy Feet 2, es un producto bueno y de calidad, que entretiene y transporta a un mundo de hielo animado que deja buenos mensajes y maravilla la vista. No es lo mejor que van a ver en animación en el cine, pero lejos está de ser una propuesta pobre como se la estuvo catalogando en la web.
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  • Amanecer - Parte 1
    Droga para Ellas

    Como diría mi amigo Peter Travers, Perdón Padre Todopoderoso del Séptimo Arte porque he pecado... Me gustó un poco Amanecer Parte 1...
    Creo que nunca voy a poder entender ese fanatismo intenso que produce esta saga en el interior de las mujeres (no todas, ojo), no por su premisa, que es de hecho el sueño de muchas de las mujeres del mundo, sino por el planteo de las películas, que en las 3 primeras entregas fue de lo más cursi, lento e irritante como pocas veces vi en el cine. En esta 4ta entrega (1ra parte) algo parece haber cambiado en el ritmo y sobre todo en el humor, que lo noté más despierto y con mucha más chispa que en las anteriores que parecían un tributo insoportable a lo más recóndito de la tristeza Emo. En ese sentido, le doy las gracias al director Bill Condon (Kinsey , Dreamgirls) que hizo mucho más llevadero este Amanecer.
    Con el tiempo pude ir aprendiendo que esperaban las fans de esta historia, qué querían ver, cómo lo querían ver, y la verdad es que la puesta está pensada minuto a minuto para dejarlas contentas a ellas. Realmente tiene un deseo verdadero de satisfacer y estremecer a sus seguidoras, que disfrutarán con cierta melancolía, como se va cerrando este triángulo amoroso entre Bella, Edward y Jacob.
    Stephenie Meyer sabe muuy bien con que sueñan las mujeres... Un pibe fachero, sensible, bueno y fiel que la ame infinitamente, disputándose su amor contra un morocho que está fuertísimo y que también la pretende desesperadamente. El 1er flaco tiene además una torta de guita, islas privadas y jets, mientras que el 2do le aporta el lado salvaje a la cuestión, los músculos y las hormonas se ponen como locas. Como frutillita del postre, está la cuestión del vampirismo y el licantropismo, que podrá convertirla en una vampiresa hot inmortal o en una loba voraz al mejor estilo Shakira. ¿Quién se puede resistir a eso?
    Como aspectos negativos, está la cuestión del morbo e histeria adolescente, que si bien en Amanecer Parte 1 no es tan densa como en la trilogía anterior, sigue estando presente con el drama... el dramón... el super drama que es la vida de Bella y Edward. Ambos son medio boludones, tórtolos eternos que no saben expresarse bien y que llegan a niveles tan empalagantes que desesperan, pero bueno... eso ya lo sabíamos de antemano.
    Para redondear, mucho más entretenida y con más ritmo que sus antecesoras, presentando escenas un poco más jugadas y con mayor tensión. Tiene además el plus de ir cerrando algunas situaciones de la historia, lo que la convierte en una propuesta interesante. Mucho mejor el sentido del humor. Los resultados están a la vista... 238 millones de dólares en su 1er fin de semana de estreno.
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  • Un amor
    Un amor
    Cinélico
    El efecto de las personas

    ¡Cuánto hace que esperaba un film como este! Este es cine argentino del bueno, del que anhelamos ver en nuestras pantallas. Una simple historia de amor adolescente y sus secuelas 30 años después, termina convirtiéndose en una experiencia absolutamente inspiradora, reflexiva y melancólica. La directora Paula Hernández le imprime un encanto fabuloso, de esos que sólo el buen ojo puede construir con tanta eficacia. No es un ensayo conceptual, ni una experiencia artística del más allá, simplemente es una historia menuda contada con mucha grandeza y entendimiento de lo que el público común va a disfrutar en el cine.
    "Un Amor" nos muestra una de esas particularidades que tiene la vida, que siempre resulta difícil de entender, la situación de que el amor no siempre responde a la razón, a lo lógico, que el pibe que tiene todas las de ganar porque supera ampliamente las capacidades del adversario no siempre es el que se queda con la chica y esto sucede por la sencilla verdad de que el amor es ciego, de que hay una cuestión "de piel" que es inmanejable y que más allá de los esfuerzos que uno pueda hacer para revertir la situación, la mayoría de las veces termina venciendo la ceguera emocional que tiene la pretendida (o el pretendido) sobre otra persona que no somos nosotros. En esta interacción radica lo mejor del film, que dividido en 2 segmentos temporales (uno cuando son adolescentes y otro cuando ya son adultos) nos sumerge en la nostalgia y la frescura de revivir los amores de verano, la importancia de la amistad y los pasos iniciales hacia la adultez en el primero, mientras que en el segundo segmento nos entrega grandes actuaciones, emociones y tristezas por el efecto que puede causar el paso de una persona por la vida de la otra, un paso que a veces se supera y a veces no.
    Algo más que me gustaría resaltar es lo bien que se impregna a la película con la cultura argentina, nuestras costumbres, nuestra esencia, nuestras creencias, con sus cosas buenas y sus cosas malas, logrando que el público se sienta identificado con todo lo que va sucediendo. ¡Muy recomendable!
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  • Reto de valientes
    Policía Cristiana

    Courageous o Reto de Valientes es un producto raro para nuestros pagos, ya que se trata de un film con marcada tendencia religiosa producida por 2 miembros activos de la Iglesia Bautista en Estados Unidos. Los hermanos Kendrick son pesos pesados en el país del norte, donde además de ser conocidos por sus productos fílmicos (con este van 4), son también reconocidos escritores de varios best sellers.
    ¿Tiene propaganda religiosa?, sí la tiene, de hecho va creciendo a medida que va avanzando la película, por lo que aquellos espectadores que no gustan de cintas con contenidos religiosos... ABSTENERSE.
    ¿Más allá del contenido religioso, es una buena película?, la verdad es que como producto cinematográfico me pareció bastante pobre, sobre todo la trama que se presentó como todo lo que uno puede esperar de una propaganda religiosa. Comienza muy bien, con una escena dinámica, picante, de acción y bastante bien filmada, lo que hace pensar que quizás sea un film cristiano con una visión innovadora para el cine, pero con el correr del metraje se va convirtiendo en un ensayo empalagoso y bastante cursi acerca de ser un buen ciudadano bautista. Que quede claro que no tengo nada en contra de los bautistas, simplemente me dedico a hacer la reseña de un producto que no logró llenar mis expectativas y me resultó un poco soso.
    La historia se centra en 4 oficiales de policía de un pueblo que deben lidiar con situaciones complejas que ponen a prueba su Fe. Como protectores de los ciudadanos deben equilibrar sus creencias con su trabajo y además tener el tiempo suficiente para dedicarle a sus familias. Todo es bastante idealista, con buena intención, pero ingenua al fin. La policía no hiere de muerte a nadie, todos hacen lo correcto y parecen ángeles caídos del cielo. La peli en general tiene este aura utópico.
    Los Kendrick producen estos films con la firme intención de atraer adeptos a su Fe y eso está más que bien, quizás un poco más de sutileza tendría un mejor efecto en los prospectos que acceden a ver algo como Courageous.
    Buena fotografía y algunos recursos de acción bien utilizados. Por otro lado, las actuaciones son medias flojas, la trama es chata y usan algunos golpes bajos para despertar el sentimentalismo, herramienta que tiene un doble filo y puede molestar al público que puede llegar a sentirse subestimado.
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  • La prima cosa bella
    Las Secuelas Familiares

    La Prima Cosa Bella es una de esos lindos films "de barrio", sobre la importancia de la familia y sus interacciones (muy trabajado en el cine italiano), sobre la vida misma tomada en un marco de tragicomedia. Su puesta es simple, sin pretensiones exageradas, contando con pericia la historia de muchas familias disfuncionales. Por supuesto tiene ese plus de suceder en un pueblito de Italia en los años '70, cuestión que le suma un aire de melancolía y belleza cultural.
    El director Paolo Virzi nos ofrece la historia de Bruno, un tipo amargado y medio depresivo que es obligado por su hermana a ir a visitar a su madre que está muriendo y a quien no ve hace tiempo. El motivo del alejamiento y las relaciones familiares son contadas en un juego de tiempos que van desde los '70 cuando él era un niño y debía sobrevivir a las locuras de sus padres, hasta la actualidad cuando ya es un hombre adulto al que le cuesta mucho ser feliz.
    Hay 2 aspectos muy atractivos en la película: El 1ro es la actuación de los niños... le dan al film un importante regalo que es la pureza, inocencia y ternura de expresar los pesares del crecimiento junto a una familia que está bastante loca (como la mayoría de las familias de todos). El 2do aspecto es el personaje de Anna (la madre) tanto en su juventud de madre bellísima, como cuando está muriendo ya de grande. La personalidad es tremendamente hipnótica, con esa dualidad de espíritu libre de buen corazón y ser humano descuidado, inocente, ingenuo, que no mide la consecuencia de sus actos.
    Quizás lo que le juega un poco en contra es la cuestión de contar una historia que se puede decir FUE universal. Creo que en lo tiempos que vivimos la interacción familiar ha cambiado mucho, no en la esencia de los conflictos madre-hijo, padre-hijo, madre-hija, etc., sino que el mayor cambio se da en la forma de afrontar esos conflictos familiares. Los espectadores de 25, 30 años para arriba podrán sentirse identificados, pero creo que las generaciones más nuevas no.
    De todas maneras es una película disfrutable con el sello característico italiano de la comedia trágica.
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  • Las nuevas aventuras de Caperucita Roja
    Excusa para el 3D

    Las Nuevas Aventuras de Caperucita Roja 3D (hasta el título es cansador) es la fallida vuelta del cuento de hadas convertido en policial que tanto gustó en 2005 y recaudó más de 100 millones de dólares. En esta ocasión parece haberse quedado sin power, ofreciendo una historia chata, que no atrae, que poco tiene que ver con ese humor adulto que nos ofreció en la 1ra entrega. Parece una mera excusa para vender el 3D sin darse cuenta que no sólo el formato es suficiente para convencer a alguien de pagar una entrada al cine.
    Por un lado creo que se perdió el factor sorpresa que hizo que su antecesora tuviera tanto éxito, ese factor que sorprendió con un humor ácido y vueltas de rosca policiales que uno no esperaba ver. La trama si bien no creo que se pueda considerar malísima, no es atractiva y por momentos se torna un poco densa, cosa que nunca debería suceder con una película de este estilo.
    La traducción... la bendita traducción... Yo no se ustedes, pero la verdad es que estoy mucho más habituado a que me parezca divertido un chiste en su idioma original y no en el neutro latino este que ponen como doblaje... no es mexicano, ni argentino, ni venezolano, ni nada... es una híbrido neutro que pierde su gracia y sentido en la traducción.
    Dirige Mike Disa, un tipo que ha pasado más tiempo en los departamentos de arte y animación que en la coordinación de una historia, cuestión que creo le pesó en este film. Cuando analizo parte por parte, me queda la sensación de que podría haber sido una película mucho más divertida, más ácida y menos ruidosa. La verdad es que me resultó totalmente ruidosa, me aturdió y me cansó bastante a pesar de que solo dura 88 minutos. La elección de Disa para llevar a cabo el proyecto claramente fue una mala decisión, basta con comparar las recaudaciones de la 1ra y esta 2da entrega. Vuelven a poner sus voces para los personajes Glenn Close (Abuelita), Patrick Warburton (Lobo) y David Ogden Stiers (Nicky Flippers). Se suman Hayden Pannetiere (Caperucita Roja) en reemplazo de Anne Hathaway, Joan Cusack (Verushka), Bill Hader (Hansel) y Amy Poehler (Gretel)... dato que en realidad poco importa ya que resulta más difícil encontrar la versión en idioma original que tratar de morderse el codo (no trates... no se puede, jeje).
    La verdad que resultó bastante decepcionante, con pocos momentos divertidos, con una historia poco atractiva y un final más que predecible.
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  • La profecía del 11-11-11
    Se abrió el Portal... del Cine Berreta

    11-11-11 es una película sobre otra fecha más (si si... otra más) que habla de la apertura de portales energéticos, el fin del mundo, profecías y demás cuestiones que ya están llegando a su estado de saturación total por la cantidad de huevadas que profesan y por supuesto, la falta de credibilidad ya que ¡oh sorpresa!, seguimos vivos y no se acabó el mundo.
    La idea del film se puede decir que no es mala... pero aprovechando todo el revuelo causado por esta fecha que ocurre cada 100 años, se podría haber construido algo de mejor calidad, ya que como digo, no es tan malo en su premisa, sino que falla estrepitosamente en su realización. Es una historia bastante pretenciosa para el talento que se dispuso para la puesta (el director y los actores), además de que se nota un bajo presupuesto y algunos errores fatales que la convierten en "cine berreta" como solían decir los pájaros presentadores de "Cine Z" en el I-Sat (¿Alguien se acuerda de los pajarracos esos? jaja).
    Algunos datos locos para los esotéricos: Los ataques al World Trade Center en USA fueron un 11 de Septiembre, mientras que el 1er avión en colisionar con una de las torres gemelas era el vuelo 111 y así mismo, la disposición de ambas torres formaba el número 11!!! También está la profecía de Malaquías que dice que cuando haya 112 Papas, vendrá el apocalipsis bíblico... Benedicto XVI es... el PAPA 111!!! jaja, y así hay miles de historias que involucran estos números, que pasaron sin pena ni gloria, como seguramente lo hará su versión cinematográfica.
    La película a medida que va avanzando se va tornando cada vez más ridícula. Un ejemplo claro de esto es hacer que el 90% de la historia suceda en Barcelona, donde todos parecen hablar y entender con mucha fluidez el inglés, cuestión que es imposible porque cualquiera que conozca a un catalán se dará cuenta que no sólo aborrecen el inglés, sino que les cuesta muchísimo aprenderlo y pronunciarlo debidamente. El director Darren Lynn Bousman (El Juego del Miedo 2, 3 y 4) no supo captar la esencia de Barcelona en absoluto... el espectador prácticamente ni se da cuenta de que todo sucede en aquella ciudad. Los demonios que acechan a los protagonistas son también de lo más chongo que se ha visto en el cine de terror últimamente.
    Lo actoral... bastante paupérrimo también... no podía evitar la desconcentración que me producía pensar que el protagonista Timothy Gibbs es una mezcla de George Clooney y Javier Bardem!! Los gestos que hacía eran muy parecidos a los del 1ro.
    Para cerrar, ¡¡no es recomendable en absoluto!! Quizás solo para aquellos incondicionales del cine apocalíptico. Una película digna de ingresar en el catálogo de Cine Z, Cine Berreta del I-Sat.
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  • Johnny English Recargado
    Diversión Descargada

    Jhonny English Recargado marca la vuelta del espía más disparatado del servicio de la reina, que en esta ocasión retorna con mejor producción y con algunos aspectos más pulidos en cuanto a acción y humor, pero que no le alcanzan para conformar una buena parodia del 007.
    Rowan Atkinson es lejos lo mejor del film, pero da la sensación de estar desperdiciado en una trama que no está bien elaborada y que no aporta nada interesante a la gran pantalla. La jefa que lo odia, la espía que está secretamente enamorada de él, el villano... no hay nada original o disparatado en ese sentido, y esto creo es el mayor pecado de la historia. Seamos sinceros... ¿cuántos piensan "Qué groso! Se estrena la nueva de Jhonny English... Hay que ir a verla!"? En el mundo no deben ser muchos.. y en Argentina menos. Creo que los productores (si logran salir bien parados de esta) tienen que reinventarse radicalmente ofreciendo algo que impacte, que explote lo mejor de Atkinson y deje de mostrar historias pedorras que están quemadas hasta las cenizas.
    Tiene algunos momentos muy divertidos que salvan la imagen del actor principal, pero eso no es suficiente para ofrecerle al espectador un entretenimiento de calidad que valga una entrada al cine.
    El director Oliver Parker es un tipo que ha dirigido películas tan disímiles como Othelo y Dorian Gray por el lado de las aceptables, mientras que por otro lado también ha sido el responsable de bazofias como St. Trinian's 1 y 2 (películas que uno nunca debe ver)... Jhonny English Recargado vendría a ubicarse en un punto medio de calidad entre los trabajos de Parker.
    Si son muy fanáticos de Rowan Atkinson o de las parodias, quizás disfruten de algunas escenas y en el redondeo final no sientan que perdieron 101 minutos de su vida... sino ni se gasten.
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  • La piel que habito
    Humanidad Bizarra

    La Piel que Habito es el flamante último trabajo del pervertido favorito del mundo, Pedro Almodóvar. Nos fascina, nos da asco, nos incomoda, nos complace, nos hace reír y nos hace pensar que el mundo se fue al carajo... Pedrito. Lo podés amar u odiar, pero si has visto al menos 2 películas de su autoría (recomiendo "Todo Sobre Mi Madre" y "Hable con Ella"), no te puede pasar desapercibido.
    En esta ocasión nos ofrece una historia provocadora, tan tétrica como absurda, que tiene tanto enredos y tragedias que la única forma de hacer una sinopsis sin develar algún secreto importante de la trama, es explicar lo que dice en todos lados... Un brillante cirujano plástico (Antonio Banderas), luego de perder a su esposa a causa de un accidente que le quemó casi todo su cuerpo, decide crear un tipo de piel que sea resistente a cualquier daño que se le pueda infligir, pero que a la vez, sea sensible a una caricia o tipo de contacto que no sea malicioso. Para llevar a cabo su plan, deberá probar sus experimento sobre un humano, en este caso, la misteriosa Vera (Elena Anaya). Si hasta ahí les pareció un poco bizarro, no tienen idea idea de lo que les espera.
    En el aspecto técnico, cada vez está mejor, creando planos interesantísimos y muy vistosos, de una siniestra belleza visual. El sexo, siempre presente en los films de Almodóvar, además de formar parte de su sello característico, es un pilar importante de la tra