Basada en el personaje de los cuentos infantiles creados por Jean-Jacques Sempé y Rene Goscinny, "Le Petit Nicolas" es una comedia tierna, simpática y divertida para toda la familia.
Nicolás, un nene de 7 años, tiene una vida feliz y cuando la maestra le pide que escriba una redacción sobre "qué quiero ser cuando sea grande?", no se le ocurre nada ya que él disfruta del momento. Pero todo cambia cuando malinterpreta una conversación de sus padres que lo lleva a pensar que pronto tendrá un hermanito.Como no está dispuesto a perder su lugar de "rey de la casa", Nicolás trama un plan para resolver el problema. Junto a su grupo de amigos del colegio (entre ellos, un gordito que come mucho, un niño rico y un buchón con anteojos), harán todo tipo de cosas para llamar la atención de los padres de Nicolás. Pero los padres están muy ocupados organizando una cena para impresionar al jefe de èl y lograr así un ascenso en el trabajo.
La historia está presentada desde la particular perspectiva de Nicolás y sus amigos.
Hay muchos gags divertidos, al mejor estilo "Amelíe", como la limpieza de la casa, el remedio que da fuerza, la visita a la casa de la nena y las clases de manejo. Y el final, donde Nicolás descubre qué quiere ser de grande, es genial.
El grupo de "actorcitos" que interpretan a Nicolás y sus compañeros están bárbaro, diferenciándose bien las distintas personalidades de cada uno. Los padres son interpretados por Valérie Lemercier ("L'invité") y Kad Merad ("Mes Stars et Moi", "Bienvenue chez les Ch'tis"), dos grandes actores de comedia.
Una comedia rápida y corta (apenas hora y veinte), con un humor sano que divierte tanto a grandes como a chicos.

La genial dupla de la serie "Spaced" y los films "Shaun of the Dead" y "Hot Fuzz", Simon Pegg y Nick Frost, vuelve a reunirse en esta delirante y divertida comedia de ciencia ficción que parodia este género de la misma forma que sus anteriores trabajos lo hicieron con el terror y el policial de acción.
Incursionando por primera vez en el cine norteamericano (esta vez sin su "tercera pata", el director/guionista Edgar Wright que fue reemplazado por Greg Mottola, director de "Superbad"), este dúo inglés presenta una película principalmente apuntada a los "geeks" o fanáticos de la ciencia ficción, quienes disfrutarán de las incontables referencias a clásicos del género como "E.T.", "X-Files", "Star Trek", "Star Wars", "Aliens" y "Close Encounters of the Third Kind".
Una "road movie" que mezcla comedia, ciencia ficción, romance y aventura, en donde dos fanáticos viajan de la Comic-Con a la famosa Área 51 y se encuentran en el camino con un alien ordinario y maleducado (todo lo opuesto al inolvidable E.T., un buen trabajo de efectos acompañado por la voz de Seth Rogen) que busca escapar de los "hombres de negro" que lo persiguen.
Si bien se estira un poco más de lo necesario, "Paul" tiene muchos gags y diálogos graciosos, un divertido elenco secundario (Kristen Wiig, Jason Bateman, Bill Hader, Joe Lo Truglio, Jane Lynch) y la incomparable química del dúo protagonista.

Vincenzo Natali se hizo conocido en el cine de ciencia ficción con su primer trabajo estrenado en 1997, "Cube", que se convirtió en un film de culto dentro del género.
En su nueva película, "Splice" (que significa empalmar o vincular), se repite el concepto de "proyecto científico que falla" o "científicos que van más allá de lo permitido" utilizado en films como el clásico "Frankenstein", o de otros más recientes como "The Fly" de Cronenberg o "Species" de Roger Donaldson.
Esta producción de bajo presupuesto, que fue estrenada con éxito en el Festival de Sundance, presenta a dos científicos que deciden combinar el ADN de distintas especies con el de un ser humano para crear un extraño nuevo ser.
El resultado de este experimento es Dren, una mezcla de anfibio y mujer, quien se comunica a través de sonidos (similares a los de un delfín) y sus movimientos se asemejan a los de un pájaro.
Esta pareja de científicos cuida de su nueva creación y la mantiene oculta en su laboratorio.
La temerosa criatura, la cual se desarrolla rápidamente, pronto comienza a volverse agresiva y deciden trasladarla a una granja donde podrán mantenerla fuera de peligro.
La primer parte del film es la más interesante, con la creación de Dren, sus primeros días (sobresale un buen trabajo de efectos) y los conflictos que genera en la pareja protagonista.
Una vez que crece y la trasladan a la granja, se comienza a recorrer el camino ya conocido en este tipo de propuestas.
En un thriller de ciencia ficción se busca crear tensión, suspenso y algún que otro susto, pero cuando el resultado obtenido es el opuesto (te causa gracia), no da una buena señal.
Aquí no existe ningún momento que genere el mínimo suspenso, sino varias escenas ridículas y contradictorias que no hacen más que sacar una sonrisa.
La científica se presenta como una mujer independiente que no quiere tener hijos con su pareja, pero cuando "nace" Dren, despiertan sus instintos maternales y se convierte en una exigente "mamá". Dren tiene un comportamiento incoherente, en un momento juega con muñecas como una niña y en otro, mata y come animales. Pero la más delirante es una escena entre el científico y Dren, que prefiero no adelantar.
El elenco es chico y casi todo se limita a sus tres protagonistas principales.
La actriz canadiense Sarah Polley ("The Secret Life of Words", "My Life without Me") interpreta a la científica Elsa Katz, en la mejor de las tres actuaciones.
Adrien Brody, quien continuará enfrentándose a seres raros en el próximo estreno "Predators", interpreta al científico Clive Nicoli.
Delphine Chanéac es Dren, una creación que mezcla el cuerpo de la actriz con efectos especiales logrando un buen resultado.
Una propuesta olvidable que no aporta nada nuevo al género de ciencia ficción.

A lo largo de cuatro episodios (marcados por las estaciones del año), este drama con toques de comedia del director Mike Leigh ("Secrets & Lies", "All or Nothing") describe un año en la vida de un grupo de personas de los suburbios de Inglaterra.
Una pareja mayor casada hace muchos años, su hijo soltero y una amiga carente de afecto son los principales protagonistas de esta historia cotidiana y realista que ofrece, a través de una serie de encuentros y reuniones, una mirada a estos personajes, sus conflictos personales y otros temas como el nacimiento, la muerte, la soledad, la depresión y el amor.
Nominado al Oscar a Mejor Guión Original por este trabajo, Mike Leigh continúa fiel a su estilo, pero lejos de su mejor cine.

Luego de un film más accesible y comercial como fue "Los Crímenes de Oxford", el director Álex de la Iglesia regresa a sus orígenes, al cine personal y grotesco que conocimos en sus primeras películas "Perdita Durango" y "El Día de la Bestia".
Un triángulo amoroso es el eje central de esta violenta (bordeando el gore), divertida, surrealista y oscura historia de amor y obsesión, marcada por el contexto social y político de la época, en la que dos payasos se disputan el amor de una trapecista.
Técnica y visualmente impecable, con un excelente trabajo de fotografía, edición, música, vestuario, maquillaje y efectos especiales (estos dos últimos, premiados con el Goya), acompañado por las buenas actuaciones de Carlos Areces (gran transformación de su personaje) y Antonio de la Torre, "Balada triste de trompeta" es otra interesante y sorprendente propuesta del delirante Álex de la Iglesia.

Este nuevo trabajo del director Ferzan Ozpetek ("La finestra di fronte") se desarrolla como una comedia dramática, con la homosexualidad como tema central, en donde un hijo intenta confesar a su familia su inclinación sexual.
Un variado elenco, encabezado por Riccardo Scamarcio ("Mio fratello è figlio unico", "Romanzo criminale"), compone el abanico de personajes de una gran familia italiana (un padre autoritario, una madre cariñosa, una tía alcohólica, una abuela piola) quienes junto a un grupo de amigos amanerados del hijo aportan algunos momentos simpáticos aislados pero no evitan que el film decaiga, haciéndose lento y extenso.
Con una temática que atrasa varios años y un final abierto que no convence, "Mine Vaganti" no propone nada nuevo ni interesante.

Galardonado con el Premio del Jurado en el último Festival de Cannes, el Premio César a Mejor Película, seleccionado para representar a Francia en la carrera por el Oscar y adorado por la crítica internacional, el nuevo trabajo de Xavier Beauvois ("Le petit lieutenant") no es un film para todos.
La historia real de un grupo de monjes cistercienses de origen francés en la Argelia de 1996 que deben decidir si abandonan su monasterio ante los violentos ataques de un grupo fundamentalista islámico en la zona, es un tema que seguramente muchos preferirán evitar, principalmente el público joven (entre el que todavía me incluyo).
Una película austera, minimalista, humana e intimista que sigue a estos monjes mientras meditan, reflexionan y debaten una decisión que afectará sus vidas. Un dilema en donde la fé, el miedo, el deber y el coraje juegan un rol importante.
Con un ritmo pausado, largos silencios, una hermosa fotografía y buenas actuaciones, el director Xavier Beauvois describe además la forma de vida y costumbres de estos hombres, permitiendo así complementar un limitado hecho real que se vuelve reiterativo y resulta difícil sostener a lo largo de dos horas.
Al igual que con la reciente (y también premiada en Cannes) "Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives", "Des hommes et des dieux" es un film difícil que llega demasiado inflado por la crítica.

Tras el reconocimiento recibido con su opera prima "Moon", el realizador Duncan Jones (hijo de David Bowie) no eligió como segundo trabajo un proyecto personal y profundo como aquel protagonizado por Sam Rockwell, sino un film de mayor presupuesto que solo se limitó a dirigir.
Continuando en el género de la ciencia ficción, Duncan presenta un thriller interesante, original y atrapante en donde un hombre, que forma parte de un avanzado programa militar, debe tomar el cuerpo de un pasajero en un tren a punto de explotar y repetir sus últimos 8 minutos de vida hasta lograr identificar al autor del atentado terrorista. En cada uno de estos viajes en el tiempo y espacio, irá descubriendo algo nuevo que le permitirá acercarse un poco más a la verdad, pero algunos conflictos personales interferirán con su misión.
Se podría comparar esta idea con la de aquella comedia de 1993 protagonizada por Bill Murray, "Groundhog Day", pero lo cierto es que este relato es muy diferente y apunta hacia otro lado.
Combinando suspenso, acción e intriga, acompañado por una intensa banda sonora, "Source Code" se destaca por un gran trabajo de dirección y edición que evita hacer repetitivo, aburrido o cansador una situación que se reitera una y otra vez.
Si bien no falta la típica cuota de patriotismo norteamericano, ni el final un tanto complaciente y emocional, "Source Code" es una propuesta muy entretenida y recomendable que (al igual que lo que propone su historia) vale la pena ver más de una vez.

Cuando hice mi comentario sobre el film "Letters to Juliet", resalté que en el cine actual de Hollywood no se encuentran películas románticas protagonizadas por personas mayores. Pareciera que las historias de amor sólo ocurren entre jóvenes.
Hay algunas excepciones, "Letters to Juliet", "The Notebook" y "Last Chance Harvey" son de las pocas estrenadas en los últimos años que incluyen una historia de amor (ya sea principal o secundaria) sobre gente adulta.
El guionista/director debutante Nicholas Fackler presenta un drama romántico (por momentos, comedia romántica) con espíritu navideño, en donde seguimos a dos personas mayores mientras se conocen y enamoran.
Robert es un anciano solitario, con una rutina aburrida que repite día tras día. Mary es su nueva vecina, una mujer que vive enfrente y se mete en la casa de él sin permiso. Sus vidas se cruzan, permitiendo que se conozcan y enamoren. Robert escucha los consejos amorosos del manager del supermercado donde trabaja y Mary recibe la atención de su hija.
"Lovely, Still" es una tierna y encantadora historia de amor, acompañada por las excelentes actuaciones de dos grandes actores ganadores del premio Oscar, Martin Landau y Ellen Burstyn, además de las participaciones secundarias de Adam Scott y Elizabeth Banks.
Siendo una historia que involucra a personas mayores, uno imagina que algo triste puede pasar, pero el tramo final revela un inesperado y emotivo giro (si luego uno repasa la película, seguramente descubrirá algunos indicios) que le da un buen cierre el relato.

Resulta difícil tratar ciertos temas en el cine sin caer en el melodrama o el golpe bajo.
En “Rabbit Hole”, el director John Cameron Mitchell asume este desafío al plantear un tema doloroso: ¿Cómo hace una pareja para continuar con su vida luego de la muerte de un hijo?
Basado en la obra ganadora del premio Pullitzer y del premio Tony a mejor pieza dramática en Broadway, el autor David Lindsay-Abaire realizó la adaptación de su exitoso trabajo de las tablas a la pantalla grande, presentando una historia dura acerca de una pareja quebrada que intenta salir adelante tras la muerte de su hijo de 4 años.
Con una detallada construcción de los personajes, tratando el tema con delicadeza y aplicándole cierta cuota de humor, se describen las diferentes emociones que atraviesan los padres y la manera en que cada uno elige lidiar con esta tragedia, transcurridos ocho meses desde el accidente.
Con su interpretación de Becca, Nicole Kidman logra su mejor labor dramática desde "The Hours" hacia acá. Una actuación imponente que le valió una nominación al premio Oscar, al Globo de Oro y al Independent Spirit Award en el rubro Mejor Actriz. Aaron Eckhart la acompaña interpretando a su marido, en un correcto trabajo que se ve opacado por la gran actuación de Kidman. Dentro de las participaciones secundarias se destacan la genial Dianne Wiest, como la madre de Becca, y el novato Miles Teller, como el joven Jason.
Con "Rabbit Hole", John Cameron Mitchell se aleja del estilo de dirección de sus anteriores films ("Hedwig and the Angry Inch", "Shortbus") y se anima a abordar un tema desgarrador obteniendo como resultado un relato profundo y conmovedor.

Estrenada originalmente como una miniserie de tres partes (330 minutos) en la televisión francesa, con su posterior paso por la pantalla grande en una versión resumida de 165 minutos, este nuevo trabajo del director Olivier Assayas ("L'heure d'été") construye un retrato del terrorista y mercenario Ilich Ramírez Sánchez, alias Carlos "El Chacal".
Hablada en ocho idiomas y abarcando más de dos décadas (comienzos de los 70 a mediados de los 90), una decena de países y una infinidad de personajes, este docudrama épico (que podría incluirse en la misma categoría de otras recientes producciones como "Che" de Steven Soderbergh y "Mesrine" de Jean-François Richet) describe el ascenso y caída del arrogante revolucionario venezolano que luchó a favor de la liberación palestina y en contra del imperialismo, convirtiéndose en una figura importante del terrorismo de los años 70.
Desde sus inicios en el Frente Popular para la Liberación Palestina, pasando por la formación de una red terrorista y su posterior etapa como mercenario, hasta su ocaso en la clandestinidad buscando asilo político, se realiza un análisis detallado de la vida de este carismático, mujeriego y egocéntrico líder terrorista. Entre los actos subversivos en los que estuvo involucrado, se destaca (en lo que representa el punto más alto de este relato y al que se le dedica gran parte del capítulo central) la toma de rehenes en la conferencia de la OPEP de 1976 en Austria, un suceso cargado de tensión que culminó con el secuestro en avión de los ministros de petróleo de diferentes países.
Combinando realidad y ficción (el verdadero Ilich Ramírez Sánchez se encargó de descalificar muchos de los hechos dramatizados en esta miniserie), con una excelente recreación de la época y una cantidad de material de archivo que aporta autenticidad a los acontecimientos relatados, "Carlos" se convierte en un atrapante, minucioso y extenso estudio del líder revolucionario, acompañado por la actuación de Édgar Ramírez (Ganador del Premio César y el Globo de Oro), quien con un perfecto dominio de idiomas (alemán, francés, inglés, español, ruso) y una asombrosa transformación física consigue una impresionante y convincente interpretación de "El Chacal".

En su debut como director, George Nolfi (guionista de "The Bourne Ultimatum" y "Ocean's Twelve") presenta un thriller romántico y de ciencia ficción basado en el texto de Philip K. Dick (autor de "Blade Runner", "Minority Report" y "Total Recall", entre muchos otros).
Una historia con algo de "Inception", "Matrix" y "Dark City", en donde un grupo de misteriosos hombres con la capacidad de alterar el destino de las personas intentará impedir que un político y una bailarina inicien una relación sentimental.
Partiendo de esta premisa, George Nolfi construye durante la primera hora un film interesante y entretenido, con su buena cuota de intriga y suspenso, que cambia el tono y pierde fuerza durante el tramo final con un vuelco romántico y torpe, que se sostiene sólo gracias a la buena química (eso que resulta difícil describir pero que se percibe cuando está presente) de su pareja protagonista y un correcto trabajo de dirección (sobresalen los planos secuenciales durante la persecución de las puertas).
"The Adjustment Bureau" es una buena película, pero podría haber sido mucho mejor.

El director Joe Wright ("Atonement", "Pride & Prejudice") cambia de registro e incursiona en el género de acción presentando un thriller con estilo visual moderno/experimental que parece haber sido influenciado por títulos como la saga "Bourne", "Run Lola Run", "Nikita" y los cuentos de los hermanos Grimm.
Con un gran trabajo de fotografía, montaje y una imponente banda sonora de los Chemical Brothers, "Hanna" está sostenida por un excelente elenco encabezado por Saoirse Ronan (quien mezcla inocencia e instinto asesino interpretando a una joven adolescente criada lejos de la civilización y entrenada para asesinar a la mujer responsable por la muerte de su madre), Cate Blanchett (como una malvada agente de inteligencia), Eric Bana (como el padre) y Tom Hollander (como un asesino).
Pero todos estos logros son opacados por un guión chato e inconsistente (que hace varios años viene dando vueltas en Hollywood), con una premisa que no se sostiene, personajes que no se resuelven, varias situaciones incoherentes (¿ese botón para ubicarlos?, ¿no sabe prender una llave de luz pero utiliza internet?, ¿usa el brazo como arco y flecha?) y un final abrupto.
En una película hay muchos factores que determinan si el producto final es recomendable o no: dirección, fotografía, actuaciones, banda de sonido y algunos otros valores de producción. Pero sin duda, el elemento principal es el guión. En "Hanna", este punto falla y termina arrastrando el gran trabajo conseguido en los otros rubros.

Este primer largometraje del director Pascal Chaumeil, que se convirtió en un gran éxito en su país, es una comedia romántica francesa con estilo norteamericano.
Si esta película se hubiera realizado en Hollywood, probablemente el protagónico hubiera caído en manos de Jennifer Aniston o Katherine Heigl, junto a alguno de los galanes de turno, y el resultado habría sido malo. De hecho, "L'arnacoeur" está destinada a una remake norteamericana y seguramente encontrarán la forma de arruinarla.
Sin embargo, y a pesar de no escapar a la típica fórmula de estas comedias, los franceses logran un producto comercial que funciona y entretiene.
¿Por qué a ellos les sale bien copiar un género que últimamente el cine norteamericano no logra acertar?
Quizás por tomar una historia previsible y acompañarla de muchas situaciones graciosas que permiten disfrutar el desarrollo de esta relación romántica con final cantado.
Alex es un rompe-relaciones, un joven que es contratado para seducir mujeres y romper futuros matrimonios. Algo así como el personaje de Gabriel Goity en "Un Novio para mi Mujer", pero más profesional. Junto a sus dos colaboradores (su hermana y el marido), estudian y diseñan el plan perfecto para romper compromisos matrimoniales.
Gracias a una divertida introducción, conocemos la forma en que Alex y sus colaboradores operan, recurriendo a todo tipo de mentiras para lograr su objetivo. Hacerse pasar por un corista gospel, un preso, un limpiavidrios o un chef japonés, todo vale con tal de cumplir un contrato.
Un padre adinerado y preocupado le propone un objetivo difícil: seducir a su hermosa hija, quien en diez días se casará con un galán millonario y simpático. Alex aceptará el desafío para poder saldar una deuda de dinero, pero su plan no funcionará según lo planeado.
No resulta difícil predecir quién acabará con quién, aunque lo original aquí está en cómo se llega a ese final. Los métodos de seducción que utiliza con ella son geniales, incluyendo fingir ser fan de la película "Dirty Dancing", con una demostración del clásico baile incluido.
Quizás otro punto importante que hace que esta comedia funcione es su elenco.
Romain Duris, conocido por los films de Cedric Klapisch ("L'auberge espagnole", "Les poupées russes", "París"), le aporta mucha simpatía a su personaje y consigue convencer en el rol de seductor a pesar de no ser carilindo. A su vez, logra buena química con la hermosa Vanessa Paradis, quien es más conocida por ser la mujer de Johnny Depp que por su filmografía.
Julie Ferrier y François Damiens interpretan a la hermana de Alex y el marido, respectivamente, y son los encargados de ofrecer los momentos más cómicos con sus continuos cambios de identidades.
Por último, ambientar el relato en las increíbles ciudades de Monte Carlo y París también ayuda.
"L'arnacoeur" es una comedia romántica que no evita caer en algunos clichés del género, pero logra compensarlo con otros muchos aciertos.

El director y co-guionista Derek Cianfrance trabajó más de diez años dándole forma a este profundo y duro retrato de pareja que examina dos momentos en un matrimonio: el comienzo y el final, el enamoramiento y la separación.
Un film que recibió una polémica calificación "NC-17" en los Estados Unidos (limitando sus posibilidades de distribución en el cine norteamericano) por una fuerte escena de sexo oral, que luego fue modificada a "R" gracias a una apelación presentada por los productores.
"Blue Valentine" es principalmente un duelo actoral entre Ryan Gosling y Michelle Williams, dos de los mejores actores surgidos en los últimos años. Ambos se lucen en sus roles y logran una química perfecta interpretando a un matrimonio en crisis. La forma en que construyen sus personajes, marcando un claro contraste entre las dos etapas que atraviesa la pareja, hace difícil pensar que no sean pareja en la vida real.
El director percibe esto y recurre a largas tomas que parecen improvisadas, dejando que estos dos talentosos actores totalmente inmersos en sus roles lleven adelante la historia de forma emotiva y auténtica.

Continuando el estilo de su anterior trabajo "8 Femmes", el director François Ozon adapta otra obra de teatro con estética setentosa (no sólo por la ambientación y vestuario, sino también por el tono, música y colores) que sigue los conflictos matrimoniales, infidelidades, relaciones padres-hijos y peleas de poder dentro de una familia rica.
Nominada a cuatro premios César (Mejor Actriz, Mejor Actriz Secundaria, Mejor Adaptación, Mejor Vestuario), "Potiche" es una comedia simpática, ligera, colorida, exagerada y teatral, que por momentos huele a viejo, en donde se luce una genial Catherine Deneuve (que vuelve a reunirse con el gran Gérard Depardieu).

Arranco aclarando que soy un gran admirador del genial Woody Allen. En su mejor época, ha escrito/dirigido excelentes films, tanto dramas ("Manhattan", "Hannah and her Sisters", "Crimes and Misdemeanors", "Husbands and Wives") como comedias ("Annie Hall", "The Purple Rose of Cairo", "Manhattan Murder Mistery"). Pero en los últimos quince años, su carrera ha sido muy despareja, con trabajos buenos ("Mighty Aphrodite", "Sweet and Lowdown", "Match Point", "Vicky Cristina Barcelona") y trabajos malos ("Anything Else", "Melinda and Melinda", "Scoop", "Cassandra`s Dream"), por lo que su nombre ya no es necesariamente sinónimo de una buena película. "Whatever Works" es sin duda uno de sus proyectos más flojos.
El primer problema es Larry David. David es el co-creador de "Seinfeld" y actualmente escribe/actúa en la excelente serie "Curb your Enthusiasm", en donde todas las escenas son improvisadas y no existe un guión que seguir. En este formato, no hay mejor que él. El tema es que Larry David no es actor y en esta película se nota mucho, sus diálogos son forzados y sus escenas mal actuadas. El personaje que le toca es el típico neurótico de las películas del director, que hasta algunos años atrás solía interpretar el propio Woody Allen. Queda claro que ya está viejo para seguir haciendo este papel, pero el reemplazo que eligió es un gran error. Evan Rachel Wood está bien, quizás un poco exagerada por momentos.
El otro problema es que es una comedia cero divertida. Los típicos diálogos de Allen no funcionan y el final redondito no me cerró. Encima ese tema de hablarle a la cámara, ¿para qué?
Le pongo Regular porque es Woody, sino sería Mala. Por suerte, tengo sus clásicos para seguir disfrutando.

"Fair Game" describe uno de los escándalos más importantes durante el Gobierno de George Bush, el detrás de escena de una mentira que justificó el inicio de la guerra con Irak.
Basado en los libros "Fair Game" y "The Politics of Truth", se detallan los hechos que rodearon la investigación que llevó a determinar la no existencia de armas de destrucción masiva en Irak, la decisión del Gobierno de Bush de ignorar estas conclusiones para iniciar la guerra y el posterior escándalo que se desató cuando la Casa Blanca eligió revelar la identidad de la agente de la CIA Valerie Plame como venganza por el artículo publicado en el New York Times por su marido, el diplomático Joseph Wilson, en donde denunciaba estos acontecimientos.
Un thriller político en la misma línea de "All the President's Men", "Three Days of the Condor" o, si buscamos algo más reciente, "Syriana", que dedica su primera mitad al desarrollo de la investigación y espionaje realizado para determinar si existían o no armas de destrucción masiva, y su segunda mitad al escándalo y los conflictos personales que debió enfrentar esta mujer una vez que su identidad quedó expuesta.
Con un estilo de dirección similar al de su anterior film "The Bourne Identity", el director Doug Liman crea un interesante y atrapante relato que realiza una fuerte crítica al Gobierno de Bush (utilizando constantemente material de archivo con discursos del ex-presidente norteamericano que chocan frente a los acontecimientos detallados), y en el que se destacan las actuaciones de Naomi Watts (con un gran parecido a la verdadera Valerie Plame) y Sean Penn (un firme opositor a Bush) interpretando al matrimonio protagonista de este vergonzoso hecho real.

Basado en el bestseller de Michael Connelly (segunda obra del autor adaptada a la pantalla grande, Clint Eastwood fue el encargado de la primera en la decepcionante "Blood Work"), "The Lincoln Lawyer" es un solido y entretenido thriller judicial, un subgénero medio olvidado que alcanzó su máximo esplendor en los años 90 con las variadas adaptaciones de la obra de John Grisham ("The Pelican Brief", "The Firm", "The Client", "A Time to Kill", "The Chamber", "The Rainmaker").
El (prácticamente desconocido) director Brad Furman ("The Take") ofrece una típico producto de este subgénero, con sus interrogantes y giros inesperados, planteado con buen pulso/ritmo y guiado por la convincente actuación de Matthew McConaughey (quien abandona las horribles comedias románticas para componer a un abogado con acento sureño, muy similar a su personaje en "A Time to Kill") junto a un envidiable elenco secundario compuesto por Marisa Tomei, Ryan Phillippe, William H. Macy, Josh Lucas, John Leguizamo, Michael Peña y Bryan Cranston.
Sobre el final tiene una vuelta de más, un par de escenas que podrían haberse evitado, aunque esto no afecta el buen resultado conseguido.

Gérard Depardieu entrega una simpática actuación como un tipo común, buenazo e ignorante que entabla una relación con una anciana que lo ayuda a descubrir la literatura en "La Tête en Friche", una tierna, emocionante y cotidiana comedia francesa sobre la amistad, que continúa la linea del anterior trabajo del director Jean Becker, "Dialogue avec mon jardinier".
Una película de actores con una historia muy sencilla, en donde Depardieu y la veterana actriz Gisèle Casadesus interpretan sus roles de forma creíble y natural. A ellos se les suma un colorido elenco secundario que aporta buenos momentos de comedia.

Adam Sandler no va a cambiar, el tipo va a morir con la suya. Como actor/productor continúa haciendo el mismo estilo de películas, sin prestar atención a las pésimas críticas que suele recibir. Sandler tiene un público que lo adora, sigue siendo un actor rentable y cualquier proyecto que lleve su nombre seguramente se convertirá en otro éxito comercial, a pesar de la opinión de los críticos.
Aquí vuelve a reunirse, por sexta vez, con el director Dennis Dugan ("Grown Ups", "You Don't Mess with the Zohan", "I Now Pronounce You Chuck & Larry", "Big Daddy", "Happy Gilmore") para presentar esta remake de "Cactus Flower", una divertida comedia de 1969 protagonizada por (nada menos que) Walter Matthau, Ingrid Bergman y Goldie Hawn.
La historia es parecida (un cirujano plástico finge estar casado para conquistar mujeres y evitar así un compromiso, pero cuando encuentra una mujer que realmente le interesa, deberá pedirle ayuda a su asistente para que se haga pasar por su esposa), aunque ha sido aggiornada al "formato sandler": un poco de humor vulgar, otro poco de sentimentalismo y alguna actriz hermosa que acompañe.
A diferencia de los últimos films surgidos de su productora Happy Madison ("Grown Ups", "You Don't Mess with the Zohan"), "Just Go with It" se acerca más a la comedia romántica que a la comedia ordinaria.
Adam Sandler ocupa el rol principal, interpretando el mismo personaje de todas sus comedias, un actor desganado que actúa con piloto automático. Como su asistente y falsa esposa, lo acompaña Jennifer Aniston en un papel bastante simpático, y como la novia, la despampanante Brooklyn Decker, una hermosa y debutante actriz que aporta más belleza que talento actoral. Además, aparece ¿Nicole Kidman?!! en una acotada participación secundaria. La pequeña Bailee Madison es la que más sonrisas saca, con sus caras y falsos acentos.
Filmada en los increíbles paisajes de Hawai, "Just Go with It" no deja de ser una comedia sencilla, liviana y previsible (a la que le sobran 20 minutos), pero al menos resulta lo más rescatable entre los últimos proyectos de Adam Sandler.

Esta es otra de las candidatas al Oscar en el rubro Mejor Película Extranjera, además de "Un Prophéte", "La Teta Asustada" y "The White Ribbon", que compitió (y perdió) contra "El Secreto de sus Ojos".
El debut como directores/guionistas de Scandar Copti y Yaron Shani presenta cinco historias separadas en capítulos que se entrecruzan al mejor estilo "Crash". El título del film se refiere al nombre del barrio donde arranca la primer historia.
Omar es un israelí que trata de evitar el asesinato de los integrantes de su familia, luego de que su tío hiere a un importante miembro de una banda y su familia se convierte en blanco de venganza. Malek es un palestino refugiado trabajando ilegalmente en Israel que quiere conseguir plata para una operación de su madre y termina involucrado en el tráfico de drogas. Dando es un policía judío en busca de su hermano desaparecido. Binj es un palestino que intenta mantener una relación con una chica judía.
Cada capítulo se enfoca en un personaje, el cual está relacionado con algunos participantes de las restantes historias. Cada uno de estos relatos van hacia adelante y atrás en el tiempo a través de "flashbacks" y "flash-forwards", debiendo uno estar atento al ida y vuelta para no confundirse. Igual algún dato seguro se escapa, resultando una película ideal para ver más de una vez.
Los directores eligieron mayoría de actores no profesionales y muchas de las escenas fueron improvisadas, logrando así darle más realismo a este film israelí.
Luego de ver las cinco candidatas a Mejor Película Extranjera, considero que el Oscar ganado por "El Secreto de sus Ojos" fue muy merecido.

Esta es otra de las candidatas al Oscar en el rubro Mejor Película Extranjera, además de "Un Prophéte", "La Teta Asustada" y "The White Ribbon", que compitió (y perdió) contra "El Secreto de sus Ojos".
El debut como directores/guionistas de Scandar Copti y Yaron Shani presenta cinco historias separadas en capítulos que se entrecruzan al mejor estilo "Crash". El título del film se refiere al nombre del barrio donde arranca la primer historia.
Omar es un israelí que trata de evitar el asesinato de los integrantes de su familia, luego de que su tío hiere a un importante miembro de una banda y su familia se convierte en blanco de venganza. Malek es un palestino refugiado trabajando ilegalmente en Israel que quiere conseguir plata para una operación de su madre y termina involucrado en el tráfico de drogas. Dando es un policía judío en busca de su hermano desaparecido. Binj es un palestino que intenta mantener una relación con una chica judía.
Cada capítulo se enfoca en un personaje, el cual está relacionado con algunos participantes de las restantes historias. Cada uno de estos relatos van hacia adelante y atrás en el tiempo a través de "flashbacks" y "flash-forwards", debiendo uno estar atento al ida y vuelta para no confundirse. Igual algún dato seguro se escapa, resultando una película ideal para ver más de una vez.
Los directores eligieron mayoría de actores no profesionales y muchas de las escenas fueron improvisadas, logrando así darle más realismo a este film israelí.
Luego de ver las cinco candidatas a Mejor Película Extranjera, considero que el Oscar ganado por "El Secreto de sus Ojos" fue muy merecido.

"L'uomo che verrà" es otro de los incontables films que ofrecen una mirada a uno de los tantos acontecimientos atroces ocurridos durante la Segunda Guerra Mundial y el dominio de los nazis.
En este caso, la historia se centra en la masacre de Marzabotto, donde soldados nazis ejecutaron a 770 personas (entre ellos, mujeres, ancianos y niños) de una pequeña comunidad ubicada cerca de Bologna, en Septiembre de 1944.
A través de los ojos de una niña de 8 años, se describe cómo sobrevivía esta comunidad rural atemorizada por la inminente invasión nazi. Durante la primera mitad, el relato se dedica a detallar la forma de vida y las costumbres de este grupo de personas, mientras que la segunda parte se enfoca en el trágico hecho que terminó con la vida de cientos de hombres y mujeres.
"L'uomo che verrà" es un film duro y depresivo que fue elegido como Mejor Película en los Premios David di Donatello 2010, superando a "Vincere", "Baaría", "La Prima Cosa Bella" y "Mine Vaganti". Luego de haber visto todas las candidatas, considero que "Vincere" es un trabajo muy superior a "L'uomo che verrà", el cual creo fue premiado principalmente por abordar un terrible acontecimiento en la historia de Italia.

Basada en el bestseller de Kazuo Ishiguro ("The Remains of the Day", "The White Countess"), esta adaptación que combina el drama romántico con la ciencia ficción sigue la historia de tres jóvenes que crecieron aislados en un internado, donde descubren que sus vidas han sido destinadas a cumplir un propósito secreto. Envueltos en un triángulo amoroso, pronto se verán resignados a su destino. Adelantar algo más quitaría fuerza e interés al relato.
El director Mark Romanek ("One Hour Photo") ofrece un largometraje muy bien filmado, acompañado por las buenas actuaciones de sus tres protagonistas principales (Carey Mulligan, Andrew Garfield y Keira Knightley), pero con un ritmo pausado y un tono demasiado melodramático, melancólico y depresivo.
Al igual que ocurrió con los críticos, "Never Let Me Go" (nominada a Mejor Película Independiente en los British Independent Film Awards) seguramente dividirá al público entre quienes la amen y la odien. Para mí, es un film muy bien realizado que no consiguió atraparme.

A esta altura, resulta difícil diferenciar las películas que protagoniza Jason Statham. Malas historias, mucha acción y el actor interpretando siempre al mismo tipo duro y recio, un personaje del que no puede/quiere correrse.
Una fórmula repetida que vuelve a aplicarse en esta adaptación del film de 1972 con el mismo nombre (dirigido por Michael Winner y protagonizado por Charles Bronson), presentando una pobre y previsible historia "clase B" de venganza.
Modernizada para captar al público joven que suele disfrutar de este cine, "The Mechanic" propone en poco menos de 90 minutos: varias secuencias de acción y asesinatos, un montaje ágil y frenético, una historia mal desarrollada y un desaprovechado Ben Foster ("The Messenger") en un rol secundario. Nada nuevo por aquí, más de lo mismo.

Producida y presentada por Alejandro Amenábar, la ópera prima de Oskar Santos (director del making off de "Mar Adentro") ofrece un relato que combina melodrama, ciencia ficción, suspenso y algunos toques de humor.
La historia de un médico que tras un enfrentamiento violento recibe un "poder sanador" que le permite ayudar a desconocidos pero que, a su vez, afecta a sus más cercanos.
Un trabajo que por momentos recuerda al film de M. Night Shyamalan "Unbreakable", con una primera parte interesante en donde se introduce este elemento sobrenatural, que luego se enreda en su desarrollo y no encuentra una forma original de resolverlo.
Con varios personajes secundarios (mal desarrollados) que sobran y actuaciones poco convincentes de Eduardo Noriega y Angie Cepeda, "El Mal Ajeno" intenta emular el cine de Amenábar pero no logra convencer en ninguno de los géneros que se propone.

La nueva comedia dramática del director Sebastián Borensztein ("La suerte está echada") presenta una historia sencilla, chiquita y simpática (creada a partir de un bizarro episodio real) sobre la relación entre un hombre solitario y un chino perdido en Buenos Aires.
Una historia que marca el contraste entre dos personas de diferentes culturas, rescata ciertos valores como la solidaridad y divierte con algunos momentos insólitos que parecen tomados de una película de Jean-Pierre Jeunet ("Delicatessen", "Amelie", "Micmacs à tire-larigot").
"Un Cuento Chino" se construye alrededor del personaje de Ricardo Darín, quien con su excelente interpretación de un hombre obsesivo y malhumorado consigue elevar el nivel de esta simpática y entretenida propuesta.

El nuevo trabajo de Neil Jordan ("The Crying Game", "The End of the Affair") nos cuenta la historia de Syracuse, un pescador que rescata a una mujer en sus redes. Esta misteriosa mujer llamada Ondine está asustada y no recuerda cómo llegó hasta allí. Syracuse le ofrece alojamiento y descubre que le trae suerte. Es que cuando ella canta con esa voz angelical, atrae a los peces. Annie, la hija del pescador que sufre insuficiencia renal, está convencida que Ondine es una "selike", una criatura mitológica irlandesa similar a una sirena. Pronto ellos comienzan a enamorarse, pero todo se complicará con la aparición de un misterioso hombre en el pueblo.
Inicialmente, el film se presenta como un drama romántico con un toque de fantasía, girando luego al género de suspenso cuando se comienza a descubrir quién es esta mujer. Además de un buen trabajo de dirección, sobresale la fotografía que resalta los paisajes irlandeses.
Colin Farrell entrega otra interesante actuación como el pescador ex-alcohólico, demostrando en sus últimos trabajos ("Crazy Heart", "In Bruges") que estamos frente a un gran actor. La desconocida Alicja Bachleda, pareja de Farrell en la vida real, también se destaca gracias a la buena química que mantiene con el actor. En el rol de la hija está Alison Barry, otra de esas pequeñas actrices para tener en cuenta. Stephen Rea, un clásico colaborador de Neil Jordan, interpreta al cura confidente.
"Ondine" tiene una buena combinación de cuento y thriller.

Parece extraño que un reconocido realizador como Paul Harris (guionista de "Million Dollar Baby", "Casino Royale", "Flags of our Fathers" y ganador del Oscar por "Crash") haya elegido para su siguiente trabajo la adaptación de un thriller francés. Si bien el film en el que se basa, "Pour Elle", era un efectivo producto de suspenso, uno espera un proyecto original y no una remake de parte del director de "Crash".
Durante poco más de la primera mitad, Haggis se mantiene fiel a la versión original presentando la historia de un padre de familia (un siempre efectivo Russell Crowe) que diseña un plan para ayudar a escapar de la cárcel a su esposa (una fría Elizabeth Banks), acusada de un asesinato y condenada a prisión por un largo período. Entre visitas a la cárcel y el cuidado de su único hijo, este hombre construye, guiado por los consejos de un ex-convicto (una pequeña participación de Liam Neeson), un elaborado plan de escape que ofrece unos primeros 80 minutos con ritmo intenso y entretenido.
En la última parte, aparecen las diferencias entre ambas versiones. Una de estas diferencias es que en la original desde un principio conocíamos que esta mujer era inocente, lo que permitía simpatizar con los personajes y justificar sus acciones. Paul Haggis se guarda esta información hasta el final, dejando abierta la posibilidad de que ella sea culpable.
Otra diferencia importante es que "Pour Elle" apenas superaba los 90 minutos de duración, mientras que "The Next Three Days" supera tranquilamente las 2 horas. Gran parte de estos minutos de más son dedicados a la ejecución del plan, el cual, si bien logra generar tensión y suspenso, se torna extenso y desparejo por los cambios efectuados al nuevo guión.
Si deben optar entre "Pour Elle" y "The Next Three Days", recomiendo elegir la versión original de Fred Cavayé.

La única razón por la cual una película como "Sanctum" consigue un estreno masivo en la pantalla grande es James Cameron, quien fue productor ejecutivo y ayudó a promocionarla. Luego del éxito de "Avatar", queda claro que cualquier proyecto que tenga asociado su nombre y la sigla 3D atraerá público a las salas.
De no ser por esto, seguramente esta penosa producción habría sido editada directo a DVD o estrenada en algún canal de cable.
Supuestamente "inspirado en hechos reales", este trabajo del director Alister Grierson presenta una historia de aventuras y supervivencia acerca de un grupo de buzos atrapados en una cueva submarina.
Con el principal atractivo de haber sido filmada con la misma tecnología 3D utilizada en "Avatar" (supervisada por el propio Cameron), el film se apoya demasiado en este recurso y descuida todos los otros elementos necesarios para lograr una propuesta entretenida.
Un relato carente de suspenso, misterio, emoción o dramatismo, sumado a las desastrosas interpretaciones de un grupo de actores desconocidos (Richard Roxburgh de "Moulin Rouge" y Ioan Gruffudd de "Fantastic Four" son las únicas caras apenas conocidas), convierten a "Sanctum" en una deslucida película que no justifica el valor de su entrada por más 3D que tenga.

Cada tanto aparece en el cine una actriz que con su carisma y simpatía es capaz de llenar toda la pantalla. Ocurrió con Julia Roberts y Meg Ryan en las comedias de los años 90, y ahora sucede lo mismo con Rachel McAdams en "Morning Glory".
Este es el principal acierto en el nuevo trabajo del director Roger Michell ("Notting Hill"), donde una mala elección de actriz para este rol (digamos Jennifer Aniston o Katherine Heigl) seguramente hubiera arrojado un resultado muy diferente.
Escrita por Aline Brosh McKenna, guionista de "The Devil Wears Prada", ésta es una comedia ligera y divertida, muy en la linea de aquel film protagonizado por Meryl Streep y Anne Hathaway (quien también habría encajado perfecto en el papel interpretado por Rachel McAdams). Así como "The Devil..." mostraba el detrás de escena del mundo de la moda, "Morning Glory" lo hace con el mundo de la TV.
La historia se centra en los desafíos laborales que debe enfrentar una joven productora cuando asume el control de un programa matutino de noticias en decadencia, relegando a segundo plano el lado romántico que todas estas películas suelen tener, con la relación entre esta mujer y un productor (interpretado por Patrick Wilson).
Además de la encantadora Rachel McAdams, la película se nutre de un excelente elenco secundario conformado por Harrison Ford (como el desganado y malhumorado conductor del noticiero, su mejor actuación en años), Diane Keaton, Jeff Goldblum y John Pankow.
Evitando el humor ordinario y con un estilo que remite a las viejas comedias "screwball" de los años 30, "Morning Glory" logra convertirse en una propuesta simpática y previsible que no busca sorprender ni hacer pensar, sino que va a lo seguro y cumple el simple objetivo de entretener.

Lograr captar la atención del espectador durante 90 minutos con un relato que transcurre en su totalidad en un espacio único y reducido es un difícil desafío.
Con su ópera prima, el director Samuel Maoz asume este riesgo presentando un film de guerra que obtuvo el León de Oro en el Festival de Venecia.
Basado en su experiencia vivida durante el conflicto bélico del Líbano en 1982, el director cuenta la historia de un grupo de soldados encargado de manejar un tanque durante el primer día de guerra.
Todo el suceso se desarrolla en el interior del tanque, con una cámara que nunca abandona este pequeño escenario, salvo para la primera y última toma del film.
Un ambiente claustrofóbico y sucio que comparten estos cuatro soldados: el comandante, el conductor, el tirador y el cargador.
Wolfgang Petersen dirigió en 1981 "Das Boot", acerca de un grupo de soldados que convive dentro de un submarino durante la Segunda Guerra Mundial, una película que genera una sensación similar a la de "Lebanon".
Las transmisiones por radio y la limitada visión del periscopio nos permiten descubrir qué ocurre en el exterior del tanque, de la misma forma que lo viven sus protagonistas.
El director hace un buen uso de cámara, mostrando de distintas formas el interior del tanque con ese tono verde de fondo.
Lejos de hacer propaganda y exhibir héroes en vez de soldados (como suele ocurrir en el cine bélico norteamericano), aquí los protagonistas son cuatro jóvenes inexpertos que sufren y temen por sus vidas.
La relación entre estos hombres, sus miedos y experiencias, en este drama que ofrece una mirada más humana y real sobre la guerra.

"Le Concert" logra convertirse en un film divertido y, a su vez, emocionante.
Divertido en su primera parte, planteando con humor la reunión, la planificación y el viaje de este grupo de músicos judíos a París, donde diferentes propósitos personales interfieren con los ensayos.
Emocionante en su segunda parte, donde se construye el drama con la redención de su protagonista y un secreto con trasfondo político que oculta hace años.
Por último, se da lugar a la música con el Concerto de Tchaikovsky en un final conmovedor.
Nominado a 6 Premios César 2010 (incluyendo Mejor Película, Director y Guión) y ganador del merecido Premio a Mejor Música y Sonido, uno debe permitir ciertos aspectos poco creíbles del relato para poder apreciarla y disfrutarla.

El nuevo trabajo del director John Curran ("We Don't Live Here Anymore", "The Painted Veil") es un drama psicológico con trasfondo religioso/espiritual que no logra convertirse en un thriller como pretende.
La historia (un oficial de libertad condicional y marido conservador es manipulado por un preso y su seductora esposa con el objetivo de conseguir su libertad) tiene un desarrollo lento y repetitivo que no consigue atrapar al espectador en ningún momento.
Con una puesta en escena por momentos demasiado teatral, "Stone" se apoya en el duelo actoral que Edward Norton y Robert De Niro (ambos con buenas actuaciones) mantienen durante sus entrevistas, pero esto sólo no alcanza para transformarla en una propuesta interesante o recomendable.

"Biutiful" es el cuarto largometraje como director de Alejandro González Iñárritu ("Amores Perros", "21 Grams", "Babel") y el primero sin su habitual guionista Guillermo Arriaga, reemplazado aquí por los argentinos Armando Bo y Nicolás Giacobone. Este cambio se siente.
Abandonando la clásica estructura coral de sus anteriores trabajos, Iñárritu presenta una historia lineal acerca de un hombre sufrido, castigado y afectado por una enfermedad terminal, que atraviesa los últimos meses de su vida.
Ambientada en una sucia Barcelona fotografiada por el talentoso Rodrigo Pietro y musicalizada por el argentino Gustavo Santaolalla, "Biutiful" es la película más deprimente, miserable y cruda del director, cargada de golpes bajos, abordando duros temas como la muerte, el cáncer, la inmigración ilegal y el trabajo esclavo.
La impresionante interpretación de Javier Bardem (premiado con el Goya, en Cannes y nominado al Oscar) no consigue sostener este denso y extenso dramón.

Normalmente suelo evitar cualquier comedia que tenga como protagonista a Ashton Kutcher (actor insoportable si los hay), pero en este caso le di una oportunidad porque lo acompaña la hermosa Natalie Portman.
Se sabe que el género de la comedia romántica está totalmente agotado y resulta difícil innovar o, al menos, proponer algo remotamente original dentro del esquema "chico conoce chica y se enamoran", pero tampoco esperaba un resultado tan desastroso como éste.
Aquí se explora un tema similar al de la genial comedia "(500) Days of Summer" (o también al de la despareja "Love and Other Drugs"), describiendo la relación entre una mujer independiente que prefiere el sexo sin compromisos y un joven romántico y enamorado.
Dirigida por Ivan Reitman (responsable de divertidos trabajos como "Ghostbusters", "Kindergarten Cop" y "Dave"), esta es una comedia repetida, previsible y ordinaria, con una pareja incompatible que es introducida/desarrollada de manera espantosa (en su primer encuentro, ella lo invita a un funeral!!!!), y algunos actores destacados como Kevin Kline y Greta Gerwig (surgida del mumblecore) en roles secundarios lamentables.
No suelo dejar películas por la mitad, pero una hora de "No Strings Attached" fue más que suficiente.

Basado en el libro "Between a Rock and a hard Place" sobre la historia real de Aron Ralston, el nuevo trabajo del reciente ganador del Oscar Danny Boyle ("Slumdog Millionaire") presenta una atrapante aventura de supervivencia y coraje.
Con algo de "Into the Wild", este intenso largometraje se centra en un hombre y su deseo de sobrevivir. Un hombre atrapado en una montaña que debió subsistir durante 5 días y se vio obligado a tomar una terrible decisión.
Al igual que la reciente "Buried", este es otro desafiante relato que transcurre en un reducido espacio y con un único protagonista dotado de pocos elementos (videocámara, navaja, sogas).
El desarrollo nunca pierde fuerza gracias a la excelente interpretación de James Franco que consigue transmitir perfectamente lo que vive su personaje, un gran trabajo de dirección y fotografía compuesto por muchos primeros planos, y una buena banda de sonido. Además, el director elige abrir la historia, saliendo por momentos de este acotado escenario a través de los recuerdos y alucinaciones que sufre el protagonista.
Para quienes conozcan cómo termina este hecho real, sepan que ese momento final está muy bien tratado y cuidado, aunque no deja de ser impresionante.

Tras su exitosa incursión en el cine de acción con el film "Taken", llega este nuevo thriller de acción protagonizado por Liam Neeson que inevitablemente será comparado con ese reciente trabajo de Pierre Morel (basta con ver los posters de ambas producciones).
Esta coproducción entre varios países dirigida por Jaume Collet-Serra ("Orphan") es un interesante producto de intriga y suspenso con elementos de otros títulos como "Frantic", "North by Northwest" y la saga "Bourne".
Rodada en la imponente ciudad de Berlín, "Unknown" plantea la incógnita acerca de la identidad de su protagonista (¿quién es realmente? o ¿qué le han hecho?) logrando construir un relato atrapante y entretenido (hasta que se descubre el misterio, luego descarrila un poco sobre el final), acompañado por varias secuencias de acción (persecuciones de autos, peleas, tiros) y guiado por la actuación del siempre efectivo Liam Neeson, junto a un destacado elenco secundario conformado por los talentosos Bruno Ganz y Frank Langella, y las hermosas Diane Kruger y January Jones.

Las historias dramáticas de boxeo han sido tratadas en infinidad de films, desde "Body and Soul", pasando por "Rocky" y "Raging Bull", hasta "Million Dollar Baby". Con "The Fighter", el director David O. Russell ("Three Kings", "I Heart Huckabees") propone otra muestra de este subgénero en donde lo más interesante transcurre debajo del ring.
Basado en hechos reales sobre la vida de Micky Ward, el relato se enfoca en la etapa más dura de la carrera de este boxeador, detallando la conflictiva relación con su madre controladora y, especialmente, con su medio hermano Dicky Eklund, un ex-boxeador y entrenador adicto a las drogas.
Con estupendas actuaciones secundarias de un transformado Christian Bale (como el hermano adicto, firme candidato al Oscar por este papel), Amy Adams (como la novia, en un rol diferente a los que nos tiene acostumbrados) y Melissa Leo (como la madre), "The Fighter" es mucho más que una película de boxeo, es un drama familiar profundo e inspirador.

Al igual que en su último film "The Fighter", el director Darren Aronofsky vuelve a enfocarse en un personaje traumado que dedica su vida a una actividad deportiva/artística exigente. Mientras que en "The Fighter" se seguía la decadente carrera de Randy (interpretado por Mickey Rourke) en el agresivo mundo de la lucha libre, en "Black Swan" se sigue la ascendente carrera de Nina Sayers (interpretada por Natalie Portman) en el elegante mundo de la danza.
Nina Sayers es una joven y destacada bailarina que consigue el protagónico en la próxima obra de su compañía de danza, "El Lago de los Cisnes". En esta nueva versión del clásico de Chaikovski, Nina deberá interpretar un doble rol, el del angelical cisne blanco y el del oscuro cisne negro. Pero pronto se sentirá amenazada por Lily, una nueva bailarina que se une a la compañía, y esta rivalidad despertará un lado desconocido en su ser.
Este intenso y atrapante thriller psicológico hace un estudio de la transformación que atraviesa el personaje de Nina, una dedicada bailarina que busca alcanzar la perfección en lo que hace. La presión física y psicológica que sufre por parte de su madre y su profesor, sumado a la rivalidad con su nueva compañera, despiertan en la protagonista diferentes emociones que le descubren un lado oscuro y tenebroso.
Balanceando el melodrama, el suspenso, el terror y ciertos aspectos sobrenaturales con justa precisión, Aronofsky construye un relato cargado de tensión que mantiene algunos puntos en común con clásicos como "All about Eve" y "The Red Shoes".
Así como ocurrió en "Requiem for a Dream" con Ellen Burstyn y en "The Fighter" con Mickey Rourke, el director necesitaba en "Black Swan" una actriz que fuera capaz de transmitir de forma creíble los cambios que vive este personaje.
La hermosa Natalie Portman asume el papel más desafiante de su carrera y desaparece en el rol que interpreta. La actriz de "Closer" logra representar a la perfección las dos caras de su personaje, el cisne blanco y el cisne negro. Una impresionante actuación nominada al Globo de Oro, al Independent Spirit Award y al SAG Award, que seguramente recibirá también una merecida nominación (y posible premio, si Nicole Kidman y Jennifer Lawrence se lo permiten) al Oscar.
En los roles secundarios se destacan Vincent Cassel, como el exigente profesor de danza que manipula a sus alumnas, Winona Ryder, como la bailarina retirada, Barbara Hershey, como la madre controladora, y principalmente Mila Kunis (nominada como Mejor Actriz de Reparto al Globo de Oro y SAG Award), como la nueva alumna y rival de Nina.
Nominada a Mejor Película en los próximos Globos de Oro (y seguramente también lo será en los Premios Oscar), "Black Swan" es el mejor trabajo de Darren Aronofsky a la fecha y una de las primeras en mi top ten de este 2010.

Esta remake del film de 1978 producido por Roger Corman aprovecha la tecnología 3D y los efectos especiales actuales para hacer un homenaje al cine clase B de los años 70.
A "Piranha" le encajan perfectamente los mismos adjetivos con los que describí el último trabajo de Robert Rodriguez, "Machete": sangrienta, exagerada, sexual, violenta, absurda y desagradable.
El director Alexandre Aja ("High Tension", "The Hills have Eyes") presenta una película que se puede resumir en tres palabras: Pirañas, Sangre y Tetas.
Ni siquiera se preocuparon por crear una historia original, sino que le robaron un poco a "Jaws" (lugar de descanso cargado de turistas, sheriff descubre el problema y quiere cerrar el lago, nadie presta atención a la amenaza de las pirañas) y con eso alcanza y sobra.
Inclusive se homenajea a ese clásico de Spielberg desde la primer escena, con la participación de Richard Dreyfuss (quien aceptó trabajar a cambio de una donación a su fundación) interpretando a un personaje también llamado Matt (en "Jaws" era Matt Hooper, aquí Matt Boyd) que es devorado por estos peces.
Igualmente, descarto que a quienes elijan "Piranha" les interese encontrar un relato profundo. Estamos hablando de una propuesta que incluye escenas como la del ballet acuático, con la hermosa Kelly Brook y la porn star Riley Steele nadando desnudas, o la del concurso de remeras mojadas, a cargo de Eli Roth (otro director amante del gore).
El film dura el tiempo justo (hora y veinte) y mantiene una línea bastante correcta durante los primeros 50 minutos, para luego descarrilar en los últimos 30 minutos con un show de muertes asquerosas, cuerpos mutilados y mucha sangre.
La tecnología 3D (muy criticada por James Cameron, quien se refirió a esta producción como "un ejemplo de lo que no debe hacerse en 3D") se utiliza mucho, tirando pirañas, tetas, vómitos y órganos humanos a la cara del espectador. Los efectos especiales aplicados a las pirañas son buenos, aunque en algunos momentos (como la escena inicial) se distinguen claramente.
El elenco combina actores olvidados del cine (Ving Rhames, Elisabeth Shue, Christopher Lloyd), con actores de TV (Jerry O'Connell, Jessica Szohr, Steven R. McQueen, Paul Scheer) y muchas mujeres pechugonas. Nadie será reconocido por este trabajo, a pesar de la ocurrente campaña que armaron.
"Piranha" es una propuesta desmesurada y grotesca... pero también divertida.

Los hermanos Coen ya se habían acercado al western con su film "No Country for Old Men", en el que tomaban varios elementos de este género olvidado. Con "True Grit" se meten de lleno en el género de los pistoleros, presentando un western puro de corte clásico, fiel al estilo de viejos títulos del cine norteamericano de los años 40, 50 y 60.
Esta es nueva adaptación de la novela de Charles Portis que ya fue llevada a la pantalla grande en 1969 por Henry Hathaway con John Wayne como protagonista. Una clásica historia de venganza que no escapa a los clichés del género pero que está condimentada con los afilados diálogos que suelen ofrecer los hermanos Coen y la pálida fotografía de Roger Deakins.
John Wayne recibió su único premio Oscar por su interpretación del antihéroe borracho "Rooster" Cogburn. Jeff Bridges asume el difícil compromiso de revivir este personaje y no defrauda, entregando una actuación al nivel de la del legendario actor. La desconocida Hailee Steinfeld sorprende en el rol de Mattie Ross, la pequeña joven que busca justicia por la muerte de su padre. Matt Damon, Josh Brolin y Barry Pepper acompañan con participaciones secundarias.
"True Grit" es el mejor western realizado desde "Unforgiven" hacia acá y una imperdible propuesta para los amantes de los cowboys, los caballos y los tiros.

"The King's Speech" cuenta con todos los condimentos que buscan los integrantes de la Academia a la hora de premiar un film con el Oscar: es un drama de época, basado en un hecho histórico real e inspirador, con importantes valores de producción (vestuario, banda de sonido, dirección de arte) y un destacado elenco inglés. Tras recibir, hace pocos días, el PGA Award a Mejor Película (un premio que suele coincidir con el Oscar), se ha convertido en la principal candidata a la estatuilla dorada junto a "The Social Network".
Sin ahondar demasiado en el escenario político/social de la época, el director Tom Hooper ("The Damned United", "John Adams") describe el ascenso al trono del Duque de York como Jorge VI de Inglaterra, sus conflictos personales, inseguridades y miedos causados por un problema de tartamudez, y la cercana relación que entabla con el peculiar Lionel Logue, un profesor de métodos poco ortodoxos que lo ayuda a trabajar este impedimento y a preparar un inspirador discurso que luego pronunciaría al país a comienzos de la Segunda Guerra Mundial.
Con un guión que combina el drama con toques de humor, una lograda reconstrucción histórica, una hermosa fotografía y una acorde banda de sonido, "The King's Speech" se convierte en un emotivo y elegante film de época guiado por la impresionante actuación de Colin Firth (seguro ganador del Oscar) como el Rey Jorge VI.

Hasta ahora, venía postergando la posibilidad de ver "The Green Hornet" por una simple razón: Seth Rogen.
Este insoportable, sobrevalorado y limitado actor surgido de la factoría Judd Apatow es el principal responsable de esta fallida adaptación llevada a la pantalla grande del superhéroe enmascarado que nació en la radio y luego tuvo su serie en la TV de los años 60.
Como productor y co-guionista, Rogen intenta balancear la acción y la comedia creando una película que pretende (sin conseguirlo) acercarse a "Iron Man", presentando un guión cargado de gags poco graciosos y totalmente centrado en su irritante personaje del millonario narcisista devenido en superhéroe, no sabiendo aprovechar la elección de un talentoso y atípico director como Michel Gondry ("Eternal Sunshine of the Spotless Mind") para que aporte su particular sello a una producción pochoclera, ni tampoco logrando sacarle jugo a un desperdiciado elenco secundario conformado por Christoph Waltz (interpretando a un caricaturesco malvado, difícil creer que sea el mismo actor que ganó un Oscar por "Inglourious Basterds"), Cameron Díaz (como la asistente del millonario, un rol que no aporta nada) y Tom Wilkinson (como el padre, apenas aparece en un par de escenas).
Como actor, Seth Rogen vuelve a interpretar el mismo personaje infantil que viene haciendo en todas sus películas, esta vez aplicado al rol de un superhéroe sin atributos que no le encaja por más que haya adelgazado algunos kilos. Con muy poco, el taiwanés Jay Chou consigue opacarlo en el papel de su ayudante.
"The Green Hornet" es otra floja adaptación dentro del inagotable mundo de los superhéroes.

Ganador del Gran Premio del Jurado en el último Festival de Sundance, este segundo film independiente de la directora Debra Granik ("Down to the Bone") es un duro drama acerca de una joven de 17 años, Ree Dolly, que se ve forzada a madurar y cuidar de su familia. Cuando su padre, un traficante de drogas prófugo, no se presenta a un juicio, ellos corren el riesgo de que les confisquen la casa en la que viven. Ree deberá salir en su busca de su padre y enfrentar a los amenazantes habitantes de su comunidad, quienes no desean responder preguntas sobre el paradero de este hombre y prefieren mantener sus negocios turbios en secreto.
La directora logra captar con realismo las condiciones de vida en una comunidad marginada por la pobreza (y dedicada al negocio de la droga) en las montañas de Ozark, Missouri, filmando en esas locaciones y acompañando las actuaciones principales de actores profesionales con las de habitantes locales en roles secundarios. Entre las actuaciones principales, se destaca la impresionante Jennifer Lawrence (como Ree Dolly), una joven actriz prácticamente desconocida que aparece en cada una de las escenas y aporta autenticidad a su personaje. Una interpretación digna de una nominación al Oscar, que seguramente pondrá en el mapa a esta actriz de la misma forma que el rol de drogadicta en "Down to the Bone" lo hizo con Vera Farmiga. Otra labor destacada es la de John Hawkes, interpretando al tío drogadicto Teardrop.
Al igual que en "Frozen River" (otro duro drama ganador en Sundance 2008), se mantiene un clima tenso, dramático y depresivo durante todo el relato, siguiendo lo que debe enfrentar esta joven para descubrir el destino marcado de su padre.
"Winter's Bone" me gustó pero no me encantó. Quizás esperaba un mayor impacto basándome en la infinidad de excelentes críticas que recibió, las cuales en muchos casos me parecen exageradas.

Como cada año, llega una nueva película de Woody Allen, este genial director que a los 75 años continúa escribiendo y dirigiendo sus guiones sin descanso. Esta costumbre o necesidad del director de "Annie Hall" de entregar un film por año hace que no todos sus trabajos sean recomendables, siendo su obra (sobre todo en los últimos años) un tanto despareja.
A pesar de considerarme un gran admirador de este director newyorkino, debo reconocer que su época dorada ya pasó y no me parece justo analizar sus nuevos trabajos pensando en los viejos clásicos de su filmografía ya que siempre saldrá perdiendo en la comparación. A esta altura de su carrera, no se le puede exigir que vuelva a crear una obra maestra como "Annie Hall", "Manhattan", "Crimes and Misdemeanors" o "The Purple Rose of Cairo". Igualmente, cualquier nuevo trabajo de este oxidado y automático Woody Allen suele ser mejor que la mayoría de los estrenos actuales.
Aquí el director vuelve a explorar algunos de sus temas favoritos como el amor, la muerte, la infidelidad y el matrimonio, continuando el estilo de otros títulos como "Hannah and Her Sisters" y "Husbands and Wives" al presentar las historias entrecruzadas de dos parejas en crisis.
Acompañada por un (innecesario) relato en off que describe ciertos momentos y sentimientos de los personajes, una clásica banda de sonido al ritmo de jazz y un logrado trabajo de fotografía que resalta los hermosos paisajes de la ciudad de Londres, "You Will Meet a Tall Dark Stranger" transita la comedia y el drama ofreciendo un entretenido relato en donde no faltan los típicos diálogos y situaciones con ese toque genial y particular que sólo Allen nos puede brindar.
Desde el año 2006 (en "Scoop") hacia acá, Woody Allen ha preferido mantenerse detrás de cámara y no protagonizar sus films, dejando su lugar a reconocidos actores que resignan altos honorarios con tal de trabajar a sus órdenes. Aquí participa un destacado y variado elenco en el que se destacan Anthony Hopkins, Gemma Jones, Naomi Watts y Josh Brolin. Inclusive Antonio Banderas cumple un buen trabajo (algo que creía imposible).
En el tramo final, algunas de las diferentes historias quedan abiertas, dando la posibilidad al espectador de imaginar el mejor cierre para estos personajes.

Cambiando constantemente de tono, "Love and Other Drugs" deambula entre la comedia crítica, la comedia romántica y el melodrama sin encontrar nunca un rumbo claro.
Primero, realizando una crítica a la industria farmacéutica (basado en el libro de Jamie Reidy, un vendedor de Pfizer que ventiló algunos de los secretos de este mundo) al describir un negocio dominado por sobornos y arreglos. Luego, transformándose en una comedia romántica trillada con la relación entre el visitador médico y una chica independiente que no busca una relación seria y disfruta del sexo sin ataduras. Por último, intenta con el melodrama cuando la enfermedad que afecta a uno de los protagonistas se interpone en su relación.
El carisma, la simpatía y los (muchos) desnudos de los lindos Anne Hathaway y Jake Gyllenhaal no alcanzan para sostener esta mediocre, predecible y despareja comedia del director Edward Zwick ("Blood Diamond", "The Last Samurai", "Legends of the Fall").

Ésta es la increíble historia real de Paul, un impostor que diseñó una estafa tan grande e inconcebible que no supo cómo pararla a tiempo y se le terminó yendo de las manos. Una estafa que vale la pena detallar mas allá de la sinopsis.
Bajo el alias de Philippe Miller, este hombre se dedicaba a realizar pequeñas estafas vendiendo equipos de construcción que tomaba a préstamo. Así llegó a una pequeña comunidad afectada por la desocupación, donde alguna vez se inició un proyecto de construcción de un camino que fue abandonado tiempo después, dejando sin trabajo a muchas personas. Confundiendo a Miller por un representante de la empresa de construcción, los habitantes del pueblo tomaron su llegada como un indicio de que el proyecto abandonado se reactivaría y comenzaron a ofrecerle sobornos para el reinicio de la obra. Esto impulsó la creación de una compañía ficticia por parte de Miller y la posterior contratación de personal y puesta en marcha del proyecto sin autorización alguna. La esperanza y desesperación de los pueblerinos llevaron a que Miller se convirtiera en una admirada figura local. Él, guiado por su obsesión y codicia, consiguió que todo un pueblo le creyera.
Con esta impresionante historia verídica que combina drama y suspenso, resulta difícil no obtener como resultado una película atrapante. Pero el director Xavier Giannoli ("Quand j'étais chanteur") por momentos estira demasiado el relato y lo torna repetitivo, haciendo que los 135 minutos de duración se sientan. El corte presentado en el Festival de Cannes era aún más extenso (155 minutos), pero las críticas recibidas hicieron que luego se estrenara esta versión de 135 minutos, a la que aún así le sobran varios minutos.
Esta larga duración se sostiene gracias al excelente trabajo de François Cluzet (Nominado al Premio César a Mejor Actor) interpretando al estafador Philippe Miller, un hombre que delinea un ambicioso engaño sin medir las consecuencias. Lo acompañan en roles secundarios Emmanuelle Devos (Ganadora del Premio César a Mejor Actriz de Reparto), Soko (Nominada al Premio César a Actriz Prometedora) y el gran Gérard Depardieu.
Como dato interesante, el camino construido bajo la supervisión de Miller cumplió con todas las regulaciones requeridas, pero igualmente debió ser destruido.
Nominada a 11 Premios César (incluyendo Mejor Película, Mejor Guión y Mejor Director) y a la Palma de Oro en el Festival de Cannes, cuesta creer que una historia tan increíble haya sido real.

En su tercer largometraje como guionista y director, Rodrigo García continúa la linea de sus primeros trabajos ("Things You Can Tell Just by Looking at Her" , "Nine Lives"), ofreciendo historias centradas en personajes femeninos.
Luego de dirigir episodios de series de HBO ("Big Love", "In Treatment", "Six Feet Under", "Carnivalé") y la película "Passengers" (un encargo de estudio alejado de su cine de autor), el hijo de Gabriel García Marquez vuelve a presentar varias historias ambientadas en un mundo femenino, en donde los hombres ocupan un lugar secundario.
En este nuevo proyecto, el director Alejandro González Iñarrítu ("Amores Perros", "21 Grams", "Babel") colabora como productor, aportando su sello característico a la estructura narrativa, donde tres historias se entrecruzan y terminan relacionándose en algún punto.
Con un título que lo resume todo, "Mother and Child" explora la relación entre madre e hija, la maternidad y la adopción, haciendo una interpretación de los efectos positivos y negativos de esta decisión.
Karen es una mujer adulta que vive con culpa por haber dado en adopción a su bebé cuando era adolescente. Elizabeth es una abogada exitosa, independiente y sin ataduras emocionales, que nunca conoció a su madre. Lucy desea adoptar un bebé y debe enfrentarse a la madre que lo dará en adopción. El nexo entre estas tres mujeres es Joanne, una monja que maneja un centro de adopción.
El director realiza una detallada construcción de todos los personajes femeninos, relegando a segundo plano los roles masculinos, los cuales tienen poca relevancia en el desarrollo del relato.
Karen, interpretada por Annette Bening, y Elizabeth, interpretada por Naomi Watts, son los dos personajes mejor trabajados y ambas actrices consiguen muy buenas actuaciones.
Kerry Washington, como Lucy, completa el trío de actrices principales con una participación más acotada.
Samuel L. Jackson y Jimmy Smits interpretan a dos de los pocos personajes masculinos del film, el primero como el jefe de Elizabeth y el segundo como la pareja de Karen.
Hay también pequeños roles secundarios que aportan buenas actuaciones de Cherry Jones (Joanne), S. Epatha Merkerson (Ada), Shareeka Epps (Ray), David Morse (Tom) y Elpidia Carrillo (Sofía).
Las tres historias arrancan parejo, pero el relato de Lucy va perdiendo fuerza y desaparece a mitad de película, dándole más lugar a Karen y Elizabeth. Recién reaparece en el tramo final para enganchar con el cierre de las otras historias.
En este tramo final, se recurre a dos aspectos cuestionables para relacionar las tres historias: el azar y la alteración del tiempo transcurrido.
Igualmente, creo que estas maniobras del guión no opacan un logrado film.

Los productores que diagramaron este proyecto seguramente creyeron tener un éxito garantizado. Convocaron a dos de las "mega stars" más importantes del cine norteamericano actual, Johnny Depp y Angelina Jolie. Eligieron al valorado director alemán Florian Henckel von Donnersmarck, responsable de la premiada "Das Leben der Anderen". Adaptaron el guión del film francés "Anthony Zimmer", un thriller protagonizado por Sophie Marceau y Yvan Attal, y trasladaron el desarrollo a los hermosos paisajes de Venecia.
Sobre papel, todo hacía pensar que funcionaría. Sin embargo, el resultado final deja bastante que desear.
Quizás se podría responsabilizar a von Donnersmarck, quien tentado por la maquinaria hollywoodense acepta este mega proyecto como director y co-guionista, intentando construir un relato en la linea de clásicos como "Charade" o "To Catch a Thief " pero obteniendo finalmente un largometraje trabado, carente de intriga o suspenso, con pobres secuencias de acción y un humor forzado.
Quizás se podría responsabilizar a los productores, por haber elegido una adaptación de un thriller francés que ya de por sí no era tan atrapante o interesante como para merecer su remake norteamericana.
O quizás por haber seleccionado a Johnny Depp y Angelina Jolie, dos convocantes y carismáticas superestrellas que reunidas en la pantalla grande dan como una de las parejas más desparejas que he visto en mucho tiempo. Un Johnny Depp incómodo interpretando a un tipo común y una Angelina Jolie sexy y fría interpretando a una "femme fatale".
Lo cierto es que "The Tourist" termina siendo una propuesta ligera y olvidable en donde poco importa quién es el misterioso Alexander Pearce.

Esta película muestra el otro lado de la guerra, el trabajo de los oficiales encargados de notificar a las familias sobre la muerte de los soldados. Sin duda, uno de los peores trabajos que existen.
Dos soldados se encargan de informar a cada una de las familias siguiendo una regla clara: no fraternizar ni mantener ningún contacto físico con los familiares.
El primer film del director Oren Moverman, nominado para los Spirit Awards como Mejor Guión y Mejor Primer Película, explora un tema duro pero sin melodrama.
Hay 6 notificaciones a lo largo de la historia, con distintas reacciones por parte de los familiares. Estos oficiales manejan la situación con frialdad, evitando involucrarse sentimentalmente en el momento.
Pero la historia pasa por la relación entre estos dos oficiales, quienes empiezan a conocerse, y también la relación entre uno de ellos y una mujer a la que informan la muerte de su marido.
Ben Foster y Woody Harrelson (nominado al Globo de Oro como mejor actor secundario) logran excelentes actuaciones. Foster, como el Oficial que se ve afectado por su nuevo trabajo, y Harrelson, como el Oficial con experiencia, ex-alcohólico, frío e insensible.
Estas interpretaciones son el gancho de la película.

"Unstoppable" es la quinta colaboración entre el director Tony Scott y el actor Denzel Washington, luego de "Crimson Tide", "Man on Fire", "Deja Vu" y "The Taking of Pelham 123". Al igual que en este último título, aquí llevan adelante una historia que tiene como eje central a un tren.
La premisa es simple y efectiva: Un tren cargado de material tóxico pierde su maquinista y avanza fuera de control llevándose puesto todo lo que encuentra en su camino. Dos operarios deberán detenerlo en una carrera contra reloj. No hace falta saber nada más.
Inspirado en un incidente ocurrido en Ohio en 2001, el guionista Mark Bomback ("Live Free or Die Hard") dramatiza al máximo este hecho real, condimentándolo con un poco de "Runaway Train" y otro poco de "Speed". El resultado es un intenso y entretenido thriller que brinda 98 minutos cargados de acción y tensión.
Tony Scott sabe dirigir este tipo de material, al que le aporta su estilo dinámico y frenético caracterizado por mucho cambio de plano y una ágil edición. Las secuencias de acción están filmadas con gran realismo, sin depender de efectos visuales generados por computadora. A esto se le suma un excelente trabajo de efectos de sonido, ideal para disfrutar en el cine.
Denzel Washington y Chris Pine ("Star Trek") componen los dos personajes principales, dos tipos comunes convertidos en héroes. Washington aparece cómodo en cualquier rol y su sola presencia alcanza para llenar la pantalla. Aquí interpreta al veterano y experimentado maquinista de tren. Chris Pine cumple el rol del novato en su primer día de trabajo.
Cada uno de ellos arrastra sus problemas (el primero, viudo y con dos hijas que trabajan en Hooters, y el segundo, separado de su mujer y su hijo), pero poco importan una vez que se pone en marcha la acción.
"Unstoppable" parte de una idea conocida y consigue convertirse en una propuesta pochoclera que no da respiro. Adrenalina pura de principio a fin.

Sofia Coppola tuvo un comienzo prometedor como guionista/directora de sus primeros films "The Virgin Suicides" y "Lost in Translation", los cuales le permitieron sacarse de encima el peso de ser "la hija de" y afianzarse como un realizadora independiente con futuro. Luego llegó la pretenciosa "Marie Antoinette" que no logró demasiado reconocimiento, salvo por ciertos valores de producción como el vestuario (ganó un Oscar en esta categoría) y dirección de arte.
En su cuarto trabajo, retoma el estilo de "Lost in Translation" al presentar la historia de otra estrella de cine solitaria y perdida. Johnny es un actor famoso que lleva una vida superficial y rodeada de excesos... alcohol, pastillas, mujeres, éxito y dinero. Esta vida aislada y despreocupada cambiará cuando aparezca su hija de 11 años, con quien mantiene una relación distante.
Al igual que en "Lost in Translation", tenemos al "movie star" solitario (Stephen Dorff en lugar de Bill Murray), alojado en un hotel de una gran ciudad (Los Ángeles y Milán en vez de Tokio) y enfrentado a una relación que lo ayuda a cambiar (Elle Fanning en lugar de Scarlett Johansson).
Aquí se opta por un enfoque minimalista y chato que no ahonda en ninguno de los conflictos centrales (la soledad del protagonista y la relación padre-hija) y dedica minutos a largas tomas con poco diálogo que muestran a sus protagonistas en diferentes situaciones semi improvisadas (ferrari, pole dance, patinaje, maquillaje, guitar hero, helado, ping pong).
"Somewhere" tiene momentos logrados (que evidencian el talento de esta directora), tiene dos personajes interesantes y bien actuados (a cargo de Stephen Dorff y la hermana menor de Dakota Fanning, Elle), y tiene un gran trabajo de fotografía (a cargo de Harris Savides, habitual colaborador de Gus Van Sant). Pero considerando que Sofia Coppola recibió el Oscar a Mejor Guión Original por "Lost in Translation", esperaba un trabajo más profundo, no tan vacío.
"Somewhere" fue galardonada con el León de Oro en el último Festival de Venecia. Un premio polémico debido a que el jurado fue encabezado por la ex-pareja de la directora, Quentin Tarantino. Para muchos (me incluyo), un reconocimiento no merecido.

Ya desde la primer escena (un imponente tsunami que arrasa con todo un pueblo), se puede percibir que estamos frente a un film diferente del gran Clint Eastwood, incursionando en un género que hasta ahora no había trabajado, algo alejado del resto de su filmografía.
Lo que a primera vista parece ser un thriller sobrenatural/psicológico, con tres historias paralelas (que terminarán cruzándose en el final) sobre personas que han tenido contacto con la muerte, pronto se transforma en un denso melodrama con elementos sobrenaturales.
Sobre un guión de Peter Morgan ("Frost/Nixon", "The Queen"), Eastwood construye un relato emocional, tedioso y deprimente, con un desarrollo lento y una extensa duración, en donde se destaca la talentosa Cécile De France ("Haute Tension") por encima de un apagado Matt Damon.
"Hereafter" es un trabajo mediocre en la carrera del reconocido director de "Mystic River", "Million Dollar Baby" y "The Bridges of Madison County".

En 1988, Giuseppe Tornatore estrenó la obra maestra "Nuovo Cinema Paradiso", por la que recibió reconocimiento internacional y fue galardonado con el premio Oscar a Mejor Película Extranjera. El problema es que este reconocimiento le llegó muy temprano en su carrera ("Paradiso" fue su segundo largometraje) y todos sus siguientes trabajos han sido comparados con ese gran film. Por esto, ninguna de sus otras películas ha logrado un reconocimiento internacional similar (a pesar que "La sconosciuta" es tan buena como "Paradiso"), quedando siempre opacadas por el recuerdo de "Cinema Paradiso".
Esta nueva super-producción (una de las más caras del cine italiano), nominada al Globo de Oro a Mejor Película Extranjera y al León de Oro en Venecia, es un film épico de larga duración (150 minutos) que abarca tres generaciones a lo largo de más de 5o años. Según comentó el director, éste es un tributo al pueblo de Bagheria en Palermo (al que los habitantes llaman Baarìa), lugar donde Tornatore nació y creció.
La historia, que contiene algunos puntos autobiográficos, relata la vida de tres integrantes de una familia (Cicco, Peppino y Pietro; padre, hijo y nieto) a lo largo de varias décadas. Combinando el drama y la comedia, "Baarìa" se centra principalmente en la vida de Peppino, desde su niñez, pasando por la adolescencia, hasta llegar a su adultez. El director aprovecha este largo período para explorar temas como las costumbres del pueblo, los problemas sociales, la pobreza, la guerra, la política, el amor, la familia y los hijos.
Y es éste el principal problema de "Baarìa", Tornatore intenta reflejar demasiados temas alrededor de una familia y obtiene como resultado una película muy cargada y extensa. Algo similar a lo ocurrido con "Australia", el último trabajo de Baz Luhrmann, en donde el director realizó un film épico cargado de acontecimientos y se le fue la mano. Creo que aquí faltó un mejor trabajo de edición, recortando algo de material como para lograr una cinta más corta y llevadera. Al final, el que mucho abarca... poco aprieta.

Tras una fuerte y larga campaña de marketing impulsada por el estudio Disney, que arrancó en el Comic-Con de 2008 con la presentación de un primer avance (al que luego le siguieron imágenes, posters, trailers y más avances), finalmente llega esta remake/secuela de Tron, aquella película de 1982 que se destacó por ser una de las primeras en utilizar efectos visuales generados por computadora.
Suena raro pensar en una continuación 28 años después del estreno de la original, la cual no resultó exitosa y seguramente pocos recuerden o hayan visto. ¿No podrían haberla realizado antes?
Empecemos por lo bueno, "Tron: Legacy" ofrece una experiencia visual impactante y maravillosa.
El universo Tron es increíble por donde se lo mire: los escenarios, los trajes, las naves, las carreras de motos y las peleas con esos frisbees fueron creadas gracias a un gran trabajo de diseño y efectos visuales que representan el mayor acierto de esta megaproducción.
El film combina imágenes filmadas en 2D y en 3D, osea que quienes suelen disfrutar de esta nueva tecnología y no reniegan de ponerse esos incómodos anteojitos durante dos horas, esta es una película que justifica pagar la diferencia en el valor de la entrada.
En el aspecto visual, "Tron: Legacy" es lo mejor que se ha visto desde el estreno de "Avatar".
Otro punto fuerte es la banda de sonido a cargo de Daft Punk.
La elección de este dúo francés fue una decisión original y acertada, acompañando con su clásico ritmo electrónico a las imágenes. También se dan el gusto de participar en una escena, con sus característicos atuendos, musicalizando una pelea. Eso sí, en algunos momentos, la banda sonora suena demasiado parecida a la de "Inception".
Por el lado de las actuaciones, tenemos al genial Jeff Bridges quien repite su papel de Kevin Flynn. Además, se recurre a la misma tecnología utilizada en "The Curious Case of Benjamin Button" para rejuvenecer digitalmente al actor y que pueda así interpretar a Clu. En "Button", el rejuvenecimiento aplicado a Brad Pitt era sutil e imperceptible, pero aquí el efecto se utiliza mucho y se nota que aún le falta un poco de desarrollo para hacerlo creíble.
El prácticamente desconocido Garrett Hedlund consigue aquí su primer protagónico y hace un buen trabajo interpretando a Sam Flynn. La hermosa Olivia Wilde (de la serie "House") lo acompaña interpretando a Quorra. Mención aparte para Michael Sheen, con una pequeña participación camuflado detrás de un maquillaje con un look David Bowie de los años 70.
Así llegamos al punto más flojo: la historia.
Tomando algo de las sagas "Star Wars", "Batman" y "Matrix", se plantea un relato denso y, por momentos, confuso que cae en un bache profundo durante la parte central y maneja además varias referencias a la versión original que pocos captarán. Esto hace que la extensa duración de la cinta se sienta (con veinte/treinta minutos menos, el resultado hubiera sido mejor) y sólo logre sostenerse gracias a sus aciertos en el campo visual.

Este thriller francés presenta la clásica historia de venganza que se puede encontrar en cualquier policial clase B pero con dos grandes actores, en papeles enfrentados, que logran elevar el nivel de una propuesta que de lo contrario no despertaría mucho interés.
El mafioso retirado Charly Matteï es acribillado por ocho hombres en un estacionamiento. Increíblemente, logra sobrevivir a los 22 disparos recibidos y decide vengarse de los ocho hombres, además del jefe mafioso que encargó su muerte, anunciándoles que los eliminará uno a uno.
Como decía Michael Corleone, "Justo cuando pensé que estaba fuera, ellos me meten de nuevo".
De aquí en más, comienza la venganza y seguimos a Matteï mientras va asesinando violentamente a cada uno de estos hombres. No faltan tiros, peleas y persecuciones.
Para mantener tensión y suspenso durante el resto de la cinta, se plantea el interrogante acerca de la identidad de uno de los asesinos encapuchados. Además, aparece una mujer policía, con sus propios intereses, que quiere evitar que estos mafiosos se eliminen entre ellos y toma importancia cuando la familia de Matteï es involucrada en el conflicto.
Jean Reno interpreta al mafioso Charly Matteï, un asesino que me recordó a su personaje del film "Léon: The Professional" de Luc Besson.
Aquí J.Reno, al igual que con Léon, crea un personaje humano que, a pesar de ser un asesino, gana la simpatía del espectador.
Kad Merad compone al jefe mafioso Tony Zacchia en una excelente actuación dramática, alejada de los trabajos de comedia ("Le petit Nicolas", "Mes stars et moi", "Bienvenue chez les Ch'tis") a los que nos tiene acostumbrados.
Acción, Crimen y Suspenso a la francesa.

A pesar de contar con un buen elenco, el nuevo film de Gregor Jordan (director de la pésima "The Informers") fue enviado directo a dvd en países como Estados Unidos e Inglaterra.
Esto posiblemente se deba a que la historia gira alrededor de un atentado terrorista, un tema muy delicado en esos países en los últimos años y algo que el público prefiere evitar a la hora de distraerse frente a la pantalla grande.
Creo que la decisión fue acertada, ya que es una de las películas mas indignantes que ví en largo tiempo.
Un ciudadano norteamericano es arrestado tras anunciar, mediante un video, que tres bombas explotarán en distintas ciudades de los Estados Unidos.
Este hombre es trasladado hacia un lugar secreto, donde una agente del FBI y un misterioso interrogador intentarán obtener información acerca de la ubicación de las bombas.
Prácticamente todo el film se desarrolla dentro de este lugar secreto, donde se intenta plantear un debate sobre las torturas a terroristas, enfrentando dos personas con visiones distintas sobre el tema.
Por un lado, la agente del FBI que busca obtener la información de manera legal respetando los derechos del hombre, y por el otro, un interrogador que es capaz de utilizar cualquier método para obtenerla.
A medida que avanza la cinta, queda claro cual es la postura del director frente al tema.
Pero más allá de la opinión que uno pueda tener sobre este delicado punto, no creo que nadie disfrute ver cómo se tortura al hombre durante gran parte de la película y menos aún si se involucra a su familia, lo cual me parece desagradable e indignante.
Una cosa es ver algo así en la saga "Saw", o algún otro thriller sangriento donde uno va preparado para ese morbo, pero ésto pretende ser un film serio mezclando drama con suspenso.
Samuel L. Jackson interpreta al torturador, el mismo Jackson de siempre en un personaje que no entiendo por qué habrá aceptado.
Michael Sheen ("Frost/Nixon", "The Queen") interpreta al supuesto terrorista, con un rol limitado que sólo le permite mostrarse en un par de escenas.
Carrie-Anne Moss ("The Matrix") es la agente del FBI.
Mas allá si la historia es interesante o no, si tiene un buen final o no, luego de un par de escenas de mal gusto, quedé bloqueado.

Actualmente, asociar el nombre de M. Night Shyamalan a una película suele tener un efecto más negativo que positivo. En vez de atraer público, lo espanta.
El alguna vez prometedor director de "The Sixth Sense" y "Unbreakable" desilusionó a su público con una seguidilla de flojos trabajos ("Signs", "The Village", "Lady in the Water", "The Happening", "The Last Airbender") que terminaron generando desconfianza de cualquier nuevo proyecto en donde aparece su nombre.
"Devil" es el primer film perteneciente a "Night Chronicles", una serie de historias pensadas y producidas por el propio Shyamalan pero escritas y dirigidas por otros realizadores. Aquí los convocados para escribir el guión y dirigir fueron Brian Nelson ("Hard Candy") y John Erick Dowdle ("Quarantine"), respectivamente.
El resultado de esta colaboración es un thriller sobrenatural de corta duración (sólo 75 minutos) acerca de un grupo de personas que queda encerrada en un ascensor y uno a uno van siendo asesinados por el diablo, quien ha tomado el cuerpo de uno de ellos.
Sin demasiadas pretensiones, el principal desafío de esta consigna es descubrir quién es el diablo entre los protagonistas. Todos los personajes están interpretados por actores semi-desconocidos (de esos que solemos ver en otras películas en algún rol menor), pero a los pocos minutos de verles las caritas resulta fácil determinar quién es el que está poseído (al menos eso me ocurrió a mí).
Igualmente cumple su objetivo de entretener ya que no pierde tiempo y rápidamente se mete en el conflicto, no lo estira más de lo necesario, juega con el efecto claustrofóbico y utiliza correctamente viejos recursos (se apaga la luz, algo va a ocurrir) para generar tensión.
A pesar de querer venderla como una película de terror, aquí no hay grandes sustos ni nada impresionante como para calificarla dentro de ese género, sólo se ofrecen algunos momentos de suspenso típicos de un thriller convencional.

Tras un olvidable debut como directores en la desastrosa "Aliens vs Predator-Requiem", los hermanos Strause (responsables de los efectos visuales de films como "Avatar", "Iron Man 2" y "X-Men Origins: Wolverine", entre muchos otros) señalaron a los estudios de Hollywood como responsables por el fracaso de la cinta, argumentando que ellos no habían tenido control sobre la versión final estrenada. Para evitar que esto vuelva a ocurrir, decidieron financiar y producir su siguiente trabajo, "Skyline", manteniendo así el control total del producto final. ¿Cuál fue el resultado? Otra pésima producción que confirma que estos directores (quienes se hacen llamar "The Brothers Strause") deberían limitarse a los efectos visuales y olvidarse de dirigir.
Aquí se repite la (ya exprimida y agotada) premisa de una invasión alienigena que arrasa con el mundo y un grupo de personas que debe escapar para sobrevivir. Un concepto ya visto en miles de títulos como "Independence Day", "Cloverfield" y "War of the Worlds", que aquí se vuelve a explorar sin aportar nada nuevo u original.
A los pocos minutos de iniciado el film, tras una breve y pobre introducción de personajes, comienza la invasión y de ahí en más el desarrollo de la historia se limita a un único escenario: un edificio. Entre ataque y ataque, debemos soportar la aburrida interacción entre un grupo de personas atrapadas que no logran ponerse de acuerdo. El elenco está formado por actores y actrices de TV (Eric Balfour de "24", Donald Faison de "Scrubs", David Zayas de "Dexter") incapaces de generar simpatía en el espectador, importando poco si zafan o no de ser "chupados" por los aliens. Este rejunte de escenas sobreactuadas y diálogos espantosos sirve de excusa para lucir las secuencias de los ataques alienigenas, en donde se nota la experiencia de los directores trabajando con imágenes generadas por computadora (por más que en este aspecto ya nada sorprenda).
"Skyline" tiene mucho efecto visual y cero contenido. Parecía que los hermanos Strause no podían caer más bajo luego de "Aliens vs Predator-Requiem", pero sin duda lo consiguieron.
En este 2010 que ya está terminando, "Skyline" pelea por uno de los primeros puestos en mi lista de las peores películas del año.
Quienes deseen ver lo que se puede lograr con un presupuesto acotado en el género de la ciencia ficción, recomiendo otra propuesta reciente, a cargo del realizador Gareth Edwards, llamada "Monsters".

En 2007, Robert Rodriguez y Quentin Tarantino estrenaron "Grindhouse", un homenaje al cine clase B de los años 70 que incluía dos films realizados por estos directores ("Death Proof" y "Planet Terror") y una serie de falsos trailers que los unía. Uno de estos falsos trailers era "Machete", el cual Robert Rodriguez decidió convertir en película.
Dentro del contexto de "Grindhouse", el trailer de "Machete" proponía dos minutos bizarros y divertidos que acompañaban bien al resto del proyecto. La decisión de transformarlo en un largometraje de 105 minutos ya resulta demasiado.
Tras una exagerada primer escena, uno descubre que la única forma de soportar esta película es tomándola como una comedia sobre el género de acción, como una sátira a las películas clase B de los años 70. Al fin y al cabo, si el propio director nunca la toma en serio, tampoco debería hacerlo el público.
"Machete" es una propuesta desmesurada, desagradable, delirante, sangrienta, sexual y cargada de excesos.
Las escenas de acción son violentas y exageradas, donde la sangre corre a litros, las cabezas ruedan y los cuerpos se apilan.
Los diálogos son ridículos y las actuaciones forzadas, todo a cargo de un elenco mezclado y raro.
Machete es interpretado por Danny Trejo, el viejo actor de 66 años que ya no está para hacerse el justiciero y conquistar jóvenes mujeres.
Su enemigo es interpretado por Steven Seagal, otro gordo y viejo héroe de acción al que le cuesta moverse. El enfrentamiento final entre estos dos personajes es patético.
Las personajes femeninos están a cargo de Jessica Alba (como una agente), Michelle Rodriguez (como una revolucionaria) y Lindsay Lohan (como una niña rica adicta), consiguiendo tres actuaciones para el olvido.
Los únicos que parecen divertirse con sus personajes caricaturescos son Robert De Niro y Don Johnson, el primero como un senador corrupto y el segundo como un vigilante.
Todo esto envuelto en una historia de venganza absurda y racista.
El director Robert Rodriguez ya había demostrado su fascinación por este cine exagerado y grotesco con sus anteriores trabajos "Once Upon a Time in Mexico" y "Planet Terror", pero con "Machete" lo lleva al extremo.

"Le Diner de Cons" era aquella divertida comedia francesa de 1998 que en Argentina se conoció como "La Cena de los Tontos" y que tuvo una exitosa adaptación teatral en Buenos Aires protagonizada por Adrián Suar y Guillermo Francella.
Ese film escrito y dirigido por Francis Veber sufre ahora su innecesaria remake norteamericana, en donde se pierde toda la frescura y esencia de la original de la misma forma que ocurrió con otras adaptaciones norteamericanas de trabajos del realizador francés. Los guionistas David Guion y Michael Handelman ("The Ex") junto al director Jay Roach ("Austin Powers", "Meet the Fockers") se encargan de destrozar la versión francesa en esta adaptación, respetando muy poco de la estructura original y relegando al tramo final la famosa cena que da título a la película.
A pesar de contar con buenos actores de comedia como Steve Carell (el más destacado, interpretando al idiota principal), Paul Rudd, Zach Galifianakis y Jemaine Clement, "Dinner for Schmucks" ofrece escasos momentos graciosos, está cargada de personajes exagerados y sus tediosos 114 minutos de duración se hacen eternos. Cuando finalmente se llega a la famosa cena, ya no hay vuelta atrás y uno desea que esta desastrosa remake hubiese caído en manos de un buen editor que sepa cortar al menos 30 minutos de sobra para ahorrarnos algo de sufrimiento.

"Scott Pilgrim vs. the World" es una propuesta pensada únicamente para el público adolescente, resultando poco accesible para otro tipo de público.
El director Edgar Wright ("Shaun of the Dead", "Hot Fuzz") fue el encargado de resumir las seis novelas gráficas de Bryan Lee O'Malley en poco menos de dos horas, logrando crear un film con un estilo muy original en donde se destaca el aspecto visual moderno cargado de efectos de post-producción, el ritmo ágil y acelerado marcado por una rápida edición y una banda de sonido electrizante que acompañan un guión absurdo (y por momentos infantil) que combina mucha acción, humor y romance.
Scott Pilgrim es un joven que conoce y se enamora de una chica, Ramona Flowers, pero para conquistarla deberá enfrentar y vencer a sus 7 ex-novios. Bastante ridículo.
Edgar Wright merece reconocimiento por ofrecer algo distinto en el aspecto visual, con ese estilo "video game" que se ve plasmado en toda la cinta. Seguramente, quienes sean fanáticos de las consolas de juegos encontrarán cientos de referencias a video games como "Mortal Kombat" y tantos otros que yo no conozco. El logo inicial, la presentación de las peleas de artes marciales y los constantes gráficos en pantalla marcando situaciones convierten a esta película en lo más cercano a un video game que se pueda encontrar. Pero al igual que en "Speed Racer" de los hermanos Wachowski, luego de un rato, este estilo innovador se transforma en un recurso abrumador y agotador.
El numeroso y joven elenco está encabezado por Michael Cera, un actor que tiene la suerte de que lo sigan convocando para interpretar el único personaje que le sale: el adolescente tímido e inocente. Al principio caía simpático, pero ya se torna repetitivo.
En los roles secundarios hay varias participaciones destacadas: Kieran Culkin como el amigo gay, Anna Kendrick como la hermana de Scott, y Jason Schwartzman junto al futuro Capitán América Chris Evans y al ex-Superman Brandon Routh interpretando a tres de los ex-novios.
"Scott Pilgrim vs. the World" es la película ideal para los adolescentes amantes de los comics y los video juegos. Los que no pertenecen a esta generación, no creo que se enganchen.

Esta comedia dramática, producida por Jennifer Aniston, tuvo varios problemas de producción. Filmada hace más de un año, sufrió diferentes cortes de edición antes de llegar a la versión final estrenada, lo cual no suele ser un buen indicio.
La idea de una mujer que decide tener un hijo sola, ayudada por un donante de esperma, ya fue tratada este año en la desastrosa "The Back-Up Plan", con la otra Jennifer... Jennifer Lopez.
Aquí se vuelve a tocar el tema, pero con un resultado más positivo que el obtenido en aquella comedia. Y esto se debe a la presencia de Jason Bateman.
Bateman interpreta a Wally, un hombre neurótico e hipocondríaco que en una noche de borrachera intercambia, por el suyo, el esperma que su amiga Kassie (interpretada por Aniston) utilizará para quedar embarazada. Siete años después, conoce al niño y descubre que comparte muchos parecidos, recordando entonces lo que ocurrió aquella noche...
Desde la primer escena resulta fácil descubrir cómo se desenvolverá la historia (ni hablar si uno mira el trailer), siendo muy previsible y cargada de clichés.
Por el lado romántico, no hay nada para rescatar, con una Jennifer Aniston repitiendo una vez más su personaje calcado de todas las comedias que suele hacer y participando de un triángulo amoroso poco original junto a Wally y Roland, el donante de esperma (interpretado por Patrick Wilson).
Por suerte, Aniston, como productora, entendió que el film funciona mejor cuando ella no está en pantalla y supo darle más tiempo y espacio al personaje de Bateman y su relación con el pequeño Sebastian (interpretado por Thomas Robinson). Cada uno de los momentos que ellos comparten son simpáticos, tiernos y representan el punto más acertado de la comedia.
En las participaciones secundarias, se destaca Jeff Goldblum como el jefe/amigo de Wally, un personaje similar a aquel que hizo en "Nine Months" con Hugh Grant.
El final es demasiado apresurado y obvio, algo que se repite en este género.
Hay que agradecerle a Jason Bateman por su aporte, el cual rescata a esta comedia del montón.

Tras el éxito de la sobrevalorada "The Hangover", el director Todd Phillips entrega una nueva comedia que resulta una burda copia de la genial película de los años 80, "Planes, Trains & Automobiles". Repitiendo la misma estructura de esa divertida comedia creada por John Hughes, esta "road movie" enfrenta a dos personajes opuestos que deben atravesar parte de los Estados Unidos para llegar a casa.
A pesar de contar con un elenco atractivo encabezado por el versátil Robert Downey Jr. y el insoportable Zach Galifianakis, sumado a las pequeñas participaciones de Jamie Foxx, Juliette Lewis y Danny McBride, "Due Date" no consigue captar la esencia ni el humor de aquella inolvidable comedia y, al igual que "The Hangover", recurre a un sinfín de situaciones ordinarias, escatológicas, inverosímiles, penosas y ridículas para intentar robar un sonrisa.
Una comedia más que aplica una fórmula que viene funcionando bien en el cine comercial norteamericano, caracterizada por un humor que no disfruto ni me entretiene.

Este es el nuevo trabajo de Alejandro Amenábar, un director con una interesante filmografía que lo ha convertido en uno de los mejores de España, junto a Pedro Almodóvar. Sus anteriores largometrajes fueron "Tesis", "Abre Los Ojos", "The Others" y la ganadora del Oscar, "Mar Adentro".
Amenábar consiguió el mayor presupuesto del cine español (50 millones de Euros) para realizar este ambicioso proyecto que representa un cambio de género muy arriesgado para el director.
Rodada íntegramente en inglés, se exploran temas complejos como el origen del universo y los conflictos religiosos entre el cristianismo y el judaísmo durante el Imperio Romano. A esto se le suma un triángulo amoroso entre la filósofa Hipatia, interpretada por Rachel Weisz, un esclavo y un estudiante.
El film resulta muy poco accesible para el público en general, entre los que me incluyo. Los temas me parecen nada interesantes y las discusiones se tornan eternas y densas.
A los productores les costó encontrar un distribuidor en los Estados Unidos, supuestamente por las críticas al cristianismo que contiene. Lo cierto es que cuando el público elige ver una propuesta ambientada en esa época, prefiere "Gladiator" antes que una historia de este estilo.
Lo único que puedo rescatar es la excelente realización. La recreación de Alejandría con sus escenarios y vestuarios es impecable.
Amenábar se decidió por un proyecto audaz y el resultado no es el mejor.

Una mirada acerca de lo que viven las familias que inmigran a los Estados Unidos en busca de una mejor vida.
Mula y su hijo Fadi son de origen palestino y deciden probar suerte en Illionis, donde vive la hermana de Mula con su familia.
Además de los problemas de adaptación que sufre cualquier persona en un nuevo país, ellos deben lidiar con la discriminación, debido a los prejuicios de los norteamericanos para con los palestinos durante la guerra de Iraq.
La película refleja distintas situaciones como el estricto ingreso por la aduana, la imposibilidad de conseguir trabajo acorde a la experiencia laboral y la dificultad de adaptarse a un nuevo colegio.
Todo es visto a través de la visión optimista de la madre, Mula. Interpretada por Nisreen Faour, logra una muy buena actuación en uno de sus primeros trabajos como actriz.
Con algunos toques de humor, el film resulta una opcion linda y entretenida.

"RED", por "Retired and Extremely Dangerous", funciona como una comedia de acción que se beneficia de un excelente elenco compuesto por varios reconocidos actores a quienes no acostumbramos ver en este tipo de cine.
El guión escrito por Jon Hoeber y Erich Hoeber ("Whiteout"), basado en el cómic realizado por Warren Ellis y Cully Hammer, presenta una historia limitada de conspiraciones, asesinatos y venganza, que resulta bastante predecible y no requiere demasiada atención.
El director Robert Schwentke ("The Time Traveler's Wife", "Flightplan") combina bien la comedia y la acción, entregando un film entretenido y llevadero que se apoya en su elenco de veteranos actores, quienes parecen divertirse interpretando a estos ridículos personajes.
Bruce Willis hace de Bruce Willis, a esta altura de su carrera pareciera que al actor ya no le interesa interpretar diferentes roles, sino repetir una y otra vez el personaje recio que lo llevo al éxito.
Lo acompaña como su pareja Mary-Louise Parker ("Weeds"), con quien tiene buena química romántica (a pesar de los años de diferencia) y comparte divertidos momentos de comedia.
John Malkovich, como un agente retirado medio pirado y paranoico, y la dama Helen Mirren, como una asesina retirada, sorprenden con sus personajes secundarios participando de la acción y de la comedia. Malkovich se reserva las mejores frases y brilla en cada aparición, mientras que Miller (con metralladora en mano) no desentona en su primer rol de acción.
Lo de Morgan Freeman es más un cameo que una actuación secundaria, desaprovechado en pocas escenas que sirven como excusa para ponerlo en el poster.
El elenco sigue... Richard Dreyfuss, Brian Cox y hasta el viejo Ernest Borgnine, quien con 93 años continúa actuando.
(Casi) todos estos actores están del lado de los buenos, mientras que por el lado de los villanos el elenco es más flojo: Karl Urban ("The Bourne Supremacy"), Rebecca Pidgeon ("Heist") y Julian McHanon ("Nip Tuck").
Con las típicas escenas de acción exageradas, algunos diálogos graciosos y un elenco que la mantiene a flote, alcanza para cumplir su único objetivo: entretener.

A lo largo de un año, el director Thomas Balmes siguió a cuatro bebés de distintas partes del mundo desde su nacimiento hasta que dieron sus primeros pasos.
El resultado de este trabajo es "Babies", un hermoso film que refleja el primer año de vida de cuatro bebés criados en diferentes ámbitos sociales, económicos y culturales.
Bayar de Mongolia, Hattie de San Francisco, Mari de Tokio y Ponijao de Namibia son los cuatro protagonistas de este documental poco tradicional que no incluye narración, diálogos, testimonios, ni subtítulos.
Sólo se recurre a las imágenes filmadas con sonido ambiente, las cuales ocasionalmente son acompañadas por música. Algo así como videos caseros familiares, pero filmados en calidad HD.
El director clava la cámara y capta diferentes situaciones cotidianas de los bebés (jugando, comiendo, investigando, riendo, llorando, etc.), limitando la participación de los padres y dejando que ellos interactúen y descubran naturalmente el mundo que los rodea.
Así se logra capturar infinidad de momentos tiernos y dulces (de esos que uno dice: "Awwwww!!!!!"), por ej. cuando uno de los bebés no puede dominar un juego de encaje y se frustra, o cuando otro come una banana y no le gusta una parte fea.
Los momentos que comparten los hermanitos africanos son los más simpáticos.
Lo más interesante son las diferencias que se distinguen en la crianza de estos bebés, ya sea por cuestiones económicas o de costumbres.
En San Francisco y Tokio se ven dos familias con vida urbana, mientras que en Mongolia se ve una familia que vive en el campo y en Namibia, una familia que vive en una aldea.
En varios países, "Babies" se estrenó con fecha cercana al Día de la Madre, lo cual no resulta una casualidad.
Las madres (y quizás padres) son el público ideal para esta propuesta que seguro las emocionará. Las que ya hayan pasado por esa etapa recordarán muchas situaciones y las embarazadas podrán descubrir lo que les espera.

Tras un prometedor debut como director con el film "Gone Baby Gone", Ben Affleck presenta como segundo trabajo un policial de acción que remite a las producciones del género de los años 70, en donde predominaban los tiros y persecuciones de autos por sobre los efectos especiales.
Basándose nuevamente en una novela policial, Affleck escribió junto a Aaron Stockard (co-guionista de "Gone Baby Gone") este guión que combina drama, suspenso, acción y romance.
Cabe aclarar que la historia no es de lo más original, sobre todo para aquellos que recuerden "Heat", aquel policial de Michael Mann protagonizado por Robert De Niro y Al Pacino.
Si comparamos ambos largometrajes, son varios los puntos en común: el grupo profesional de ladrones de bancos, el líder inicia una relación con una mujer que desconoce su "trabajo", el integrante de la banda violento y descontrolado, la policía los conoce y sigue sus pasos desde el principio, el gran golpe seguido de un enfrentamiento entre los dos bandos, e inclusive en el final se encuentra una escena similar que ayuda a cerrar la historia. Affleck tiene un personaje parecido al de De Niro, Jeremy Renner al de Val Kilmer, Jon Hamm al de Al Pacino, Pete Postlethwaite al de Jon Voight y Rebecca Hall hace una combinación de los personajes de Amy Brenneman y Ashley Judd. Igualmente, el guión está bien trabajado y presenta varios personajes interesantes, algunos más desarrollados que otros.
Además de escribir y dirigir, Ben Affleck también se da el gusto de interpretar al personaje principal. Tras desaparecer por un tiempo, luego de una etapa de sobreexposición con su pareja de ese momento (Jennifer Lopez) y una serie de malas películas ("Man about Town", "Surviving Christmas", "Gigli") que terminaron afectando su carrera, Affleck vuelve al protagónico (ya había tenido buenas participaciones secundarias en "Hollywoodland" y "State of Play") interpretando al líder de la banda, Doug MacRay. Un hombre con conflictos personales que busca alejarse de su vida delictiva. El actor cumple una buena tarea, logrando que uno simpatice con su personaje.
Jeremy Renner ("The Hurt Locker") es quien realmente se luce en el rol de James Coughlin, la mano derecha de MacRay, un delincuente implacable, un James Cagney moderno. Rebecca Hall ("Vicky Cristina Barcelona") interpreta a la nueva pareja de Doug MacRay, una mujer dulce y frágil.
Jon Hamm ("Mad Men"), como un agente del FBI, Blake Lively ("Gossip Girl"), como una drogadicta, Chris Cooper, como el padre preso de McRay, y Pete Postlethwaite, como el jefe mafioso, completan un destacado elenco del que el director/actor supo rodearse y sacar muy buenas actuaciones.
Al igual que en "Gone Baby Gone", Affleck filmó en los barrios de Boston donde se desarrollan los hechos y utilizó residentes en papeles menores para darle más realismo al relato.
Las secuencias de acción de los tres robos, que incluyen una tremenda persecución de autos y muchos tiros, están muy bien filmadas y acompañadas de un impecable trabajo de edición.
Con "The Town", Ben Affleck demuestra que su logrado debut como director no fue una casualidad y se gana un lugar dentro del selecto grupo de actores/directores que incluye a Clint Eastwood, Robert Redford y Mel Gibson, entre otros.

Cuando el reconocido guionista Aaron Sorkin recibió un avance de pocas páginas del nuevo libro de Ben Mezrich ("The Accidental Billionaires: The Founding of Facebook: A Tale of Sex, Money, Genius and Betrayal ") sobre los inicios de Facebook y cómo Mark Zuckerberg llegó a convertirse en el multimillonario más joven del mundo, entendió que era una historia actual y moderna que debía contarse ahora y no en 5 o 10 años.
Basándose en documentos legales obtenidos, conversaciones con personas anónimas involucradas, el blog de Zuckerberg y otras fuentes de información, Sorkin escribió el guión de este film (mientras Mezrich escribía su libro) tomando las tres versiones de los hechos detallados en las audiencias preliminares de las dos demandas que enfrentó el creador de Facebook y presentando la versión que él consideró más se ajustaba a la verdad.
Alguien podrá decir que este trabajo llega en el momento justo para aprovechar el furor mundial de una red social con más de 500 millones de usuarios, pero lo cierto es que "The Social Network" es mucho más que una simple película sobre el surgimiento de un sitio web. Es un relato atrapante sobre la amistad, el éxito, el reconocimiento, el dinero, la envidia, la codicia, la lealtad y la traición entre un grupo de jóvenes brillantes.
Los productores Scott Rudin y Kevin Spacey le encargaron al director David Fincher transformar este excelente guión en un excelente drama. Al principio, sonaba extraño asociar al director de "Seven", "Fight Club", "Panic Room" y "Zodiac" con una película sobre Facebook, pero la elección no pudo ser más acertada.
Fincher presenta un relato dinámico y de corte clásico, perfectamente construido, con una estructura narrativa no lineal que salta en el tiempo entre las audiencias preliminares de las dos demandas recibidas por Zuckerberg y los comienzos de la red social en los dormitorios de Harvard. Un relato que puede ser disfrutado por distintas generaciones, sin importar si uno es seguidor o no de Facebook.
"The Social Network" describe a Mark Zuckerberg como un geek, un nerd, un genio, un joven despechado, arrogante y verborrágico que diseñó Facebook con el objetivo de poder acceder a los exclusivos clubes universitarios para conquistar mujeres. Con el apoyo económico de su mejor amigo, Eduardo Saverin, creó una red social exclusiva para Harvard que luego se extendería a otras universidades y finalmente explotaría en el mundo.
La respuesta del verdadero Zuckerberg no tardó en llegar. Este joven sobresaliente, una figura reservada y de bajo perfil, calificó el film como "pura ficción", destacando que creó Facebook porque le gusta "construir cosas" (no para acceder a clubes y mujeres) y que el único punto acertado en "The Social Network" es el vestuario, dado que todas las remeras que el personaje usa, él las tiene. Coincidiendo con el estreno en los Estados Unidos, Zuckerberg realizó una generosa donación de 100 millones de dólares a un proyecto de educación, quizás como un recurso para limpiar su imagen.
Si bien el largometraje es crítico con el joven creador, mostrándolo desinteresado por el dinero pero capaz de cualquier maniobra sucia con tal de conseguir el reconocimiento por su proyecto, también se encarga de señalarlo como el principal responsable del éxito de Facebook.
El encargado de interpretar a Mark Zuckerberg es Jesse Eisenberg. El actor de "Adventureland", "Zombieland" y "Solitary Man" tiene una apariencia física similar y le aporta al personaje esa característica de geek e introvertido que suele repetir en todas sus actuaciones. Aquí logra la mejor actuación de su carrera, disparando cada uno de sus filosos diálogos con precisión y frialdad.
El socio y único amigo de Zuckerberg, Eduardo Saverin (interpretado correctamente por el próximo Spider-Man, Andrew Garfield), se describe como un buen tipo que colabora con el algoritmo y el capital inicial, pero va quedando relegado a medida que Facebook crece.
Justin Timberlake sorprende en el rol de Sean Parker, el soberbio y egocéntrico creador de Napster que asesora a Zuckerberg en el manejo del negocio.
Acompañado de un impecable trabajo de efectos especiales, Armie Hammer interpreta a los mellizos Winklevoss, dos correctos chicos de Harvard que demandaron a Zuckerberg por robarles la idea.
Mas allá de todos los aciertos en los rubros actorales y dirección, lo más destacado aquí son los diálogos. Inteligentes y ácidos, son la especialidad del guionista de "The West Wing" y "A Few Good Men". Basta sólo con escuchar la respuesta del personaje de Jesse Eisenberg a la pregunta del abogado sobre si tiene su completa atención. Genial.
"The Social Network" encuentra en su cierre el mejor momento, resumiendo en una escena el verdadero significado del film.

Este drama francés, nominado al Premio César 2009 por Mejor Película, Mejor Director y Mejor Guión, muestra las vivencias de una familia a lo largo de varios años.
Entre 1988 y 2000, se presentan cinco episodios, cada uno de estos dedicado a los distintos integrantes de la familia.
En 1988, Albert, el mayor de los hermanos, abandona la casa de sus padres para irse a vivir solo y conoce a su futura esposa.
En 1993, Fleur, la hermana menor, cumple 16 años y quiere perder su virginidad, mientras atraviesa una etapa de rebeldía con sus padres.
En 1996, Ralph, el tercer hermano, no encuentra una vocación en su vida y decide aprender, de su abuelo, el oficio de sommelier. Además, participa en una competencia de air guitar, donde conoce a una mujer.
En 1998, la madre debe lidiar con el paso de los años, sus problemas de pareja y su conflictiva hija adolescente.
Por último, en el 2000, el padre intenta dejar de fumar por problemas de salud y busca recomponer la relación con su hijo mayor.
El director logra combinar perfectamente todas estas historias (el film fue galardonado con el Premio César a Mejor Edición), creando un retrato entretenido y, a su vez, emotivo.
Las actuaciones son otro punto fuerte.
Marc-André Grondin (Ralph) y Déborah François (Fleur) obtuvieron, por sus interpretaciones, el Premio César a Mejor Actor Prometedor y Mejor Actriz Prometedora, respectivamente, mientras que Jacques Gamblin (Padre) y Pio Marmaï (Albert) también fueron nominados como Mejor Actor y Mejor Actor Prometedor.
Un drama familiar tratado de forma original.

El principal error de "The American" es que es una película mal promocionada. Si uno se guía por el trailer y el poster, creerá que está frente a un thriller cargado de acción y suspenso. Nada mas lejos de esto.
Este es un film norteamericano con estilo europeo, principalmente el estilo del cine policial francés de los años 60. Narración pausada. Ritmo lento. Pocos diálogos. Largos silencios.
Aquí no se encuentran grandes escenas de acción ni de suspenso. Las pocas persecuciones que hay se resumen en el trailer y no es más que eso.
Es la historia de un asesino que se aloja en un pequeño pueblo de Italia, a la espera de las indicaciones de su último trabajo. Mientras sospecha que su vida corre peligro, entabla una relación con el cura local y con una prostituta.
Con un relato minimalista, gran parte de los 105 minutos de duración se dedican al tiempo muerto de este personaje: realizando actividad física, caminando, tomando café, trabajando con las armas...
Si uno elimina el tiempo que este asesino pasa en silencio "sin hacer nada", estamos frente a un corto de 30 minutos.
El punto más destacado es la dirección. Anton Corbijn es un reconocido fotógrafo, director de videos musicales y del film "Control" (sobre el cantante de Joy Division). El realizador aplica toda su estética visual para filmar hermosas escenas, con un muy buen trabajo de fotografía que distingue los espléndidos paisajes de Italia.
George Clooney cumple una buena actuación como un asesino frío y reservado al que no se le escapa ni una sonrisa.
"The American" es un film recomendable, principalmente para los amantes del cine europeo.

Este film debut del director argentino Adrián Biniez, galardonado en el Festival de Berlín y el Festival de San Sebastián, presenta una historia chiquita y sencilla de amor entre un guardia de seguridad y una empleada de limpieza de un Supermercado.
Jara es un grandote tímido, con cara de buen tipo, que siente un amor obsesivo por Julia. La mira, la sigue, la estudia, pero nunca se anima a acercarse.
"Gigante" es simplemente esto, una historia de amor de un solo lado en la que seguimos al protagonista mientras acompaña a Julia, sin que ella lo sepa, en sus actividades cotidianas (su trabajo, caminando, yendo al cine o a un locutorio) y esperamos que se anime a acercarse para transmitirle lo que siente.
Con un desarrollo pausado, largas tomas, pocos diálogos y muchos silencios, es un largometraje que podría caber en un corto.
Horacio Camandule carga todo el peso protagónico interpretando a Jara, mientras que Leonor Svarcas se limita a actuar sin palabras.
"Gigante" es un relato tierno al que hay que tenerle paciencia para poder disfrutarlo.

Un hombre atrapado en un ataúd bajo tierra durante 90 minutos.
Partir de un concepto tan limitado y lograr mantener la atención del espectador durante toda la cinta representa un gran desafío que merece doble reconocimiento. Una idea osada que deseaba ver cómo se ejecutaba y resolvía.
Quentin Tarantino ya había intentado algo similar en el doble capítulo “Grave Danger”, que escribió y dirigió para la serie “C.S.I.”, en donde uno de los investigadores es enterrado vivo y el resto de su equipo corre contrareloj para intentar rescatarlo.
La diferencia es que, en ese doble capítulo, Tarantino dividía la acción entre lo que vivía este hombre atrapado y la investigación que llevaba adelante su equipo. En “Buried”, la cámara del director español Rodrigo Cortés nunca abandona este reducido y oscuro espacio.
Valiéndose de pocos elementos (un teléfono celular, un encendedor, una linterna) y con un desarrollo prácticamente en tiempo real, Cortes consigue sostener la acción y aumentar la tensión a medida que corren los minutos, obteniendo como resultado un film atrapante e intenso que homenajea a Hitchcock desde sus títulos y posters.
Tras unos agobiantes primeros minutos a oscuras, conocemos al único protagonista, un camionero contratista enterrado en algún lugar de Irak que cuenta con un teléfono celular como único medio de comunicación con el exterior. La historia se construye a partir de las conversaciones telefónicas que este hombre mantiene con sus captores, su familia y diferentes empresas u organismos gubernamentales (a los cuales se critica fuertemente).
El director elige un camino acertado: evita los innecesarios flashbacks (que podrían haber alimentado el relato y servido como excusa para abandonar por momentos este escenario) y mantiene siempre el foco en su protagonista, logrando que nunca se corte el tenso clima que construye.
Con un excelente trabajo de fotografía y edición, se saca provecho de esos pocos elementos con los que cuenta el protagonista para iluminar el ambiente y se realizan constantes cambios de plano para captar todos los ángulos posibles de este claustrofóbico espacio.
Ryan Reynolds compone su personaje más interesante dentro de una (hasta acá) decepcionante carrera dominada por roles olvidables en comedias. El actor de “The Proposal” y futuro “Green Lantern” consigue transmitir los diferentes estados y sentimientos que atraviesa su personaje: miedo, sufrimiento, desesperación, resignación, rabia, esperanza y desolación.
“Buried” es un gran film de suspenso que, como dije al principio, merece doble reconocimiento por jugarse con una propuesta arriesgada como ésta.

La escritora/directora Nicole Holofcener ("Walking & Talking", "Lovely & Amazing", "Friends with Money") vuelve a combinar el drama y la comedia en su nuevo film, presentando los problemas de dos familias vecinas de clase media en New York (un matrimonio y su hija, una abuela y sus dos nietas), quienes deben enfrentarse a temas como la muerte, la infidelidad, la culpa y el egoísmo.
Con un buen desarrollo de personajes, logradas actuaciones de un elenco en el que se destaca Catherine Keener (en su cuarta colaboración con la directora) y una historia simple sobre situaciones cotidianas, "Please Give" es una película independiente bien escrita y dirigida, en donde se nota una influencia de los viejos films de Woody Allen.

Ovacionada en el último Festival de Sundance y adorada por la crítica, el nuevo film de la guionista y directora Lisa Cholodenko ("High Art", "Laurel Canyon") se perfila como una fuerte candidata para los próximos Premios Oscar.
Este drama familiar explora los conflictos que surgen en una familia compuesta por una pareja lesbiana y sus dos hijos adolescentes concebidos por inseminación artificial, cuando uno de ellos decide conocer a su padre biológico. La aparición de este hombre afectará la relación entre los distintos integrantes del grupo familiar.
Logrando balancear el drama y la comedia, la directora ofrece una mirada natural sobre una familia moderna con dos madres, donde aparecen los mismos problemas y situaciones que encontramos en cualquier familia tradicional.
Principalmente, esta es una película de actores, con una excelente elección del elenco principal y un guión que le da el tiempo y desarrollo necesario a cada uno de los personajes.
Annette Bening compone de forma brillante el personaje de una madre controladora. Este trabajo, sumado a su reciente participación en "Mother and Child", la ubica nuevamente en carrera hacia el merecido Oscar.
Julianne Moore la acompaña muy bien en el rol de su esposa y logra crear una buena química con ella.
A Mark Ruffalo le calza perfecto el papel de hombre canchero/seductor y construye un personaje querible.
Por el lado de los adolescentes, Mia Wasikowska ("Alice in Wonderland", "That Evening Sun") y Josh Hutcherson (aquel niño de "Little Manhattan") aprovechan algunas escenas que tienen para lucirse.
"The Kids Are All Right" es una película más que recomendable, pero creo que viene un poco inflada con tanta crítica excelente y esto puede desilusionar a quienes vayan a verla cargados de expectativas.

Un intenso thriller con un inteligente guión cargado de giros, misterios y revelaciones que demandan atención absoluta. Con una excelente actuación de François Cluzet (ganador del Premio César a Mejor Actor) en el papel de un hombre perseguido y un final atrapante e imposible de predecir, "Ne le dis à Personne" resulta una cita imperdible con el mejor cine francés.

23 años después del estreno de "Wall Street", aquel clásico film escrito y dirigido por Oliver Stone, llega esta segunda parte que aprovecha el escenario de la crisis global financiera del 2008 para retomar la historia de Gordon Gekko, el genial personaje interpretado por Michael Douglas que le valió un Oscar a Mejor Actor.
Considerando los decepcionantes últimos trabajos de Oliver Stone ("W", "World Trade Center", "Alexander"), pareciera que esta tardía continuación es un desesperado intento del director por recuperar algo del reconocimiento y prestigio que tenía en aquellos años 80.
Pretender que "Wall Street: Money Never Sleeps" mantenga el excelente nivel de la original es demasiado pedir, pero al menos es una digna secuela con varios aspectos para rescatar.
Stone vuelve a dirigir esta continuación (aunque en esta ocasión el guión no está a su cargo) y logra su mejor trabajo desde mediados de los años 90 para acá.
Además de una correcta dirección de actores, una excelente fotografía a cargo de Rodrigo Pietro y una buena banda de sonido que incluye varios temas de David Byrne, Stone emplea viejos recursos de edición (como la pantalla partida) para imprimirle ese estilo que tenía la primera. Incluso utiliza una tipografía similar en los títulos iniciales y hasta vuelve a hacer un cameo como ocurrió en la original.
La historia es entretenida y mantiene un buen ritmo durante los 133 minutos de duración. No es necesario haber visto la primer parte para engancharse, pero quienes la recuerden disfrutarán ciertos momentos nostálgicos como el reencuentro entre Gordon Gekko y Bud Fox (un cameo de Charlie Sheen), donde intercambian comentarios relacionados con la trama original.
El excelente elenco es encabezado por Michael Douglas, quien se vuelve a poner en la piel del ambicioso Gordon Gekko. Gran parte del film muestra a un Gekko distinto, ya sin el poder de antes, aconsejando al personaje de Shia LaBeouf y preocupado por resolver sus conflictos familiares. Recién en la última parte vemos un poco del viejo Gekko, con pelo engominado y bien empilchado, donde Douglas demuestra lo bien que se mantiene con los años.
Josh Brolin se destaca en el papel de villano, ocupando aquí el lugar que Douglas tuvo en la primera. Si bien no consigue alcanzar al Gekko de Douglas, es también una excelente interpretación.
Shia LaBeouf ha madurado desde "Transformers" y demuestra ser un buen actor cuando está marcado por un buen director de actores. Igualmente, su perfil da un poco joven para este papel, verlo tan elegante y manejando millonarias operaciones financieras a su edad resulta poco creíble. Cuando comparte una escena con Brolin y Douglas, parece un nene metido en una conversación de grandes. Creo que un actor con algunos años más hubiera encajado mejor.
El elenco se completa con las participaciones secundarias de Carey Mulligan, Frank Langella, Susan Sarandon y el viejo Eli Wallack.
El relato pierde fuerza en el final, donde hay una resolución demasiado sentimental con un Gekko que deja ver un lado humano impensado y alejado del personaje que conocimos.
Igual este cierre no empaña los muchos aciertos que la convierten en una película recomendable.

Aclaro que no es la típica comedia tonta de Jim Carrey, lo cual espantaría a muchos incluyéndome, sino que interpreta uno de sus personajes más interesantes junto a lo realizado en "Man on the Moon" y "The Truman Show".
Por uno de esos misterios de Hollywood, a pesar de contar con Carrey en el protagónico, esta producción francesa/norteamericana (Luc Besson es productor) aún no consiguió distribución en ese país. Quizás por ser un trabajo difícil de promocionar (comedia? drama? romance? crimen?) o, tal vez, por abordar el tema de una relación homosexual, lo cierto es que su estreno allí es un interrogante.
El film arranca con la frase "ésto realmente ocurrió", repitiendo segundos después "sí, realmente ocurrió", insistiendo así que estamos, aunque cueste creerlo, frente a una historia real y no el fruto de la imaginación de un buen guionista.
Escrita y dirigida por los guionistas de "Bad Santa", es una película que recorre distintos géneros (comedia, drama, romance, crimen), pero principalmente fue definida por sus directores como una historia de amor entre dos hombres.
Pero esta relación no es lo único interesante en la vida de Steven Russell, un hombre que cree que "ser gay es muy costoso", algo que lo lleva a cometer distintos fraudes que terminan arrastrándolo a la cárcel, donde conoce al gran amor de su vida, Phillip Morris.
Y este amor que Steven siente por Phillip, lo impulsa a diagramar fugas y nuevas estafas que hacen ver a Frank Abagnale Jr., el personaje de Leonardo DiCaprio en "Catch me if you Can", como un novato.
Empieza como una comedia (por momentos con un tono poco "correcto", al igual que "Bad Santa"), para luego transitar el drama, utilizándolo como propósito para sorprendernos con un inesperado giro que nos lleva a un increíble final.
Además de una gran actuación de Jim Carrey, Ewan McGregor compone bien a su pareja y compañero de celda.
Al no ser un admirador de Jim Carrey, me llevé doble sorpresa con esta entretenida historia real.

"Eat Pray Love" cuenta con todos los ingredientes necesarios para convertirse en una atractiva propuesta cinematográfica:

-Está basada en el exitosísimo libro del mismo nombre de la autora Elizabeth Gilbert.
-Protagonizada por Julia Roberts, una de las actrices más famosas y carismáticas, quien últimamente elige filmar sólo una película por año.
-Cuenta con un elenco secundario envidiable, entre ellos, Javier Bardem, Richard Jenkins y Billy Crudup.
-Fue filmada en hermosos lugares como Italia, India y Bali.
-Fue escrita/dirigida por Ryan Murphy, un realizador que si bien ha tenido un debut fallido en el cine con "Running with Scissors", ha sido el creador de las reconocidas series de TV "Nip/Tuck" y "Glee".
Sin embargo, el resultado final decepciona, presentando una película superficial y vacía que aburrirá principalmente a los hombres.
Acomodado en uno de esos mullidos sillones de la sala premium (la cual recomiendo), hice esfuerzo para no cerrar los ojos en algún pasaje del film.
Y esto viene de alguien que ha disfrutado anteriores estrenos "para mujeres" como "The Devil wears Prada", "Mamma Mia!", "Julie & Julia", "Sex & the City" y "Sex & the City 2". No, perdón, esa última No.
Aquí hay que armarse de mucha paciencia para seguir a esta mujer durante laaaaaaaargos 133 minutos en su viaje por el mundo, buscando "descubrirse a sí misma" o "descubrir el sentido de la vida".
En cada uno de los tres lugares que visita, cumple uno de los pasos que indica el título, haciendo que la historia resulte previsible y sin emoción alguna. En Italia, come. En India, reza. En Bali, se enamora.
Además de descubrir costumbres y estereotipos de cada lugar (¿los italianos sólo comen y se enojan?), ella va conociendo distintas personas que supuestamente la ayudan a "descubrirse".
Los personajes secundarios, ya sean ex-parejas o nuevas amistades, entran y salen de la historia sin un buen desarrollo, dependiendo sólo de las actuaciones para lograr algún momento recordable.
Richard Jenkins, con su personaje en India, y Javier Bardem, con el suyo en Bali, ofrecen los pocos fragmentos destacados del film.
Ni siquiera ayuda la belleza y frescura de Julia Roberts, quien se muestra forzada con su abanico de emociones. Escucharla decir frases melodramáticas espantosas como... "No necesito amarte para demostrar que me amo a mí misma", me causa gracia.
La excelente fotografía (aprovechando los hermosos paisajes de los sitios visitados) sumada a la buena banda de sonido, disimulan el flojo relato.
Al final, luego de saltar de un capítulo de viaje al otro sin continuidad, me queda la duda si realmente le sirvió para algo.
Imagino que el libro debe ser mejor. Habiendo vendido millones de ejemplares, asumo que algo bueno debe tener.

Una historia simple acerca de un amor prohibido entre un albañil y una maestra. Un hombre que se debate entre la atracción que siente por una nueva mujer y el amor que tiene por su familia.
Un film que sugiere más de lo que muestra, en donde sus protagonistas recurren a miradas y gestos, en vez de palabras, para transmitir sus emociones y sentimientos.
"Mademoiselle Chambon" es un melodrama melancólico y romántico con ritmo pausado, largos planos, pocas palabras y muchos silencios, algo característico de un cine francés que no suele seducir a todos por igual.

"Going the Distance" es una simpática comedia romántica que sobresale entre las recientemente estrenadas pero, a su vez, no esquiva la fórmula ya conocida de este género en el cine norteamericano.
Con un humor por momentos demasiado grotesco (en los Estados Unidos recibió la calificación "R") y una banda de sonido pegadiza, se exploran los conflictos que suelen aparecer en una relación a larga distancia.
Drew Barrymore aporta toda su simpatía y carisma, demostrando ser una de las que mejor se desenvuelve en este género, y es acompañada por su (ex?) pareja en la vida real, Justin Long, con quien obviamente tiene buena química.
Pero el punto más alto de esta comedia es el elenco secundario. Charlie Day, Jason Sudeikis, Christina Applegate y Jim Gaffigan rodean a la pareja principal logrando los momentos más divertidos del film. Principalmente Charlie Day, el genial actor de la serie "It´s Always Sunny in Philadelphia" quien interpreta al compañero de departamento y se luce en su primer rol importante en el cine. Cada una de sus apariciones te sacan una sonrisa y se merecía más tiempo en pantalla.
Quizás se le puede criticar que le falta un poco de ritmo, lo cual se podría haber solucionado sacándole algunos minutos, pero igualmente es una propuesta entretenida para ver en DVD.

Sin un éxito en la taquilla desde comienzos de la década del 90, Sylvester Stallone decidió recurrir a la nostalgia para intentar recuperar el lugar que ocupó en los años 80 como una de las figuras más importantes del cine de acción.
Volviendo a interpretar los dos personajes más reconocidos de su carrera, primero, en 2006 con Rocky Balboa y luego, en 2008 con Rambo, nos entregó un último capítulo en las historias de estos iconos que tanto disfrutamos a lo largo de los años.
El modesto éxito de estas nuevas entregas le permitieron a Stallone escribir y dirigir este nuevo proyecto, "The Expendables", en el que homenajea el cine de acción que lo hizo famoso.
Para esto, reunió a viejas figuras de los años 80 (Lundgren, Roberts, Rourke, Willis, Schwarzenegger) y algunas otras actuales (Statham, Li, Austin) quienes se combinan en una entretenida película de acción estilo ochentoso.
Sólo Stallone es capaz de juntar tantos nombres en un mismo film.
La idea original era contar también con otros tres referentes del cine de acción: Jean-Claude Van Damme, Chuck Norris y Steven Seagal, pero estos rechazaron la invitación, quizás para continuar haciendo lamentables películas editadas directo-a-dvd.
El guión, escrito por Stallone y Dave Callaham, presenta una historia simple, sin pretensiones ni vueltas, que sirve como base para plantear las secuencias de acción.
Stallone y sus amigos conforman un grupo de mercenarios que son contratados para derrocar a un malvado dictador en un país imaginario de Sudamérica.
Una vez más, se hace una lamentable representación de un país del Tercer Mundo, comandado por un dictador con un aire a Hugo Chávez y con supuestos habitantes sudamericanos que no saben hablar bien español.
Dejando de lado un guión cargado de clichés, lo que realmente importa es ver a todos estos "héroes de acción" haciendo lo que mejor saben. Y en esto, "The Expendables" no defrauda.
Stallone utiliza todo el catálogo (explosiones, persecuciones de autos, aviones, peleas, tiros y más explosiones) para crear una catarata de secuencias de acción que no dan respiro.
Pareciera que el viejo Sylvester pensó... "déjenme mostrarles cómo se hacía esto en mi época".
Estas impresionantes secuencias permiten que cada uno de los actores tenga su escena de acción, entregándoles un momento para destacarse, aunque luego el protagonismo en la historia no sea parejo.
Principalmente, ésta es una película de Stallone, quien con 64 años continúa demostrando ser un icono del género. Aquí interpreta al líder del grupo y es el que más tiempo en pantalla tiene.
Jason Statham es su mano derecha, acompañando como segundo protagonista.
Algunos momentos de humor aparecen gracias a la rivalidad constante que existe entre ellos.
Jet Li y Dolph Lundgren tienen roles acotados y únicamente se destacan durante un enfrentamiento entre ambos.
Mickey Rourke no participa de la acción, pero se luce en uno de sus momentos con un pequeño monólogo.
Eric Roberts tiene el papel más interesante, interpretando genialmente al corrupto James Munroe.
David Zayas (Angel Batista en "Dexter") cumple una floja actuación como el General Garza.
Otros como Terry Crews, Steve Austin y Randy Couture tienen pocas lineas y no aportan nada mas allá de la acción.
La esperada reunión entre los tres iconos (Stallone, Willis, Schwarzenegger) se limita a una pequeña escena en donde se cruzan algunos chistes y nada más. Igual es genial ver a estos tres grandes juntos en la pantalla grande, aunque sea sólo por pocos minutos.
Stallone tiene otra franquicia en manos. Considerando que nunca tuvo inconveniente en continuar sus personajes (10 films entre Rocky y Rambo lo confirman), no desaprovechará esta nueva oportunidad con varias "The Expendables" que pronto llegarán.

Originalmente "Salt" iba a ser protagonizada por Tom Cruise, pero el actor se bajó a último momento del proyecto y prefirió filmar "Knight and Day", otra película de acción estrenada recientemente que comparte un tema similar (agente secreto perseguido) pero con una cuota de humor.
Sin necesidad de modificar demasiado el guión, cambiaron el sexo del personaje y eligieron a Angelina Jolie como protagonista en reemplazo de Cruise.
Jolie parece disfrutar haciendo este cine de acción, a pesar de que sus participaciones en el género ("Wanted", "Mr. & Mrs. Smith", "Lara Croft") no han sido de lo más acertadas.
"Salt" es el típico producto pochoclero del verano norteamericano con una "movie star" como protagonista absoluta.
El film funciona como un repetido thriller de espionaje, en donde una agente de la CIA es acusada de ser una espía rusa y escapa para intentar demostrar su inocencia.
El guión (escrito por Kurt Wimmer, autor de "The Recruit" y "Law Abiding Citizen") parece viejo y desactualizado, explorando el tema de los rusos, la guerra fría y los agentes dobles como solíamos ver en películas de hace 20 o 30 años.
También se tomó un poco de los films de Jack Ryan (el director Phillip Noyce dirigió dos de estos, "Patriot Games" y "Clear and Present Danger"), otro poco de "Mission: Impossible III" y bastante de la saga "Bourne".
Dejando de lado esta trama repetida y una serie de flashbacks innecesarios que repasan la relación entre Evelyn Salt y su marido, se encuentra una película plagada de acción.
El director consigue inyectarle un ritmo intenso y constante desde el momento que se inicia la persecución hasta los créditos finales.
Las secuencias de acción se van volviendo más y más exageradas a medida que avanza la cinta, desde la primera en donde Salt parece MacGyver fabricando una bomba de la nada, seguida por la persecución con los camiones desafiando las leyes de gravedad, hasta el momento del ascensor donde se transforma en algo parecido a Spider-Man.
Todo aquí pasa por Angelina Jolie, quien prácticamente aparece en todas las escenas del largometraje.
Su personaje no la exige como actriz, sólo le permite mostrar sus habilidades en las escenas de acción. El único detalle es que se la vé demasiado flaca y cuesta creer que pueda fajar a varios hombres a la vez con ese cuerpito.
Con el protagonismo absoluto de Jolie, las participaciones secundarias de Liev Schreiber y Chiwetel Ejiofor no toman demasiada importancia hasta el final.
Con un final decepcionante que deja la puerta abierta para una segunda parte, pareciera que los productores sueñan con crear una trilogía similar a la de "Bourne". No creo que lo logren.

Hacía tiempo que no veía a Michael Douglas interpretar un personaje que me llamara la atención.
Douglas es un actor que siempre me gustó, sobre todo en su mejor época de los 80 y 90 con films como "Fatal Attraction", "Black Rain", "Falling Down", "The Game" y la mejor, "Wall Street" (pronto se estrenará una continuación con Douglas retomando el genial personaje de Gordon Gekko).
En los últimos diez años, su carrera estuvo marcada por flojos trabajos en films como "The In-Laws", "Ghosts of Girlfriends Past", "Beyond a Reasonable Doubt", "You, Me and Dupree" y "The Sentinel".
En este tiempo, sólo se destacaron sus actuaciones en "Wonder Boys" y "King of California", interpretando a dos hombres que atraviesan etapas difíciles en sus vidas, al igual que le ocurre a su personaje Ben Kalmen en "Solitary Man".
Ben Kalmen es un hombre divorciado, egoísta e irresponsable. Alguna vez exitoso, hoy está quebrado y desocupado. Es un seductor y mujeriego al que sólo le interesa conquistar chicas jóvenes. Ben no está pasando un buen momento, pero no tiene pensado cambiar.
A Michael Douglas le encaja perfecto este personaje y se luce en una actuación formidable de un hombre carismático y autodestructivo al que resulta difícil odiar.
El guión, escrito por uno de los guionistas de "Rounders" y "Ocean´s Thirteen", se destaca más por sus personajes y diálogos que por la historia que pretende contar.
Aquí lo interesante es Ben Kalmen y su relación con la gente que lo rodea.
Una novia adinerada (Mary-Louise Parker) a la que engaña con su hija adolescente, una hija casada (Jenna Fischer) que intenta que él cambie, una ex-esposa (Susan Sarandon) con la que mantiene una buena relación a pesar de haberle sido infiel, un estudiante (Jesse Eisenberg) que lo admira y escucha sus consejos sobre mujeres, y un amigo del colegio (Danny DeVito) con el que se reencuentra después de 30 años.
Los mejores momentos aparecen en las charlas entre Ben y estos personajes, los cuales están acompañados por buenas actuaciones secundarias.
Es una película que tiene eso, buenos momentos.
Estos, sumados a la interpretación de M.Douglas, alcanzan.

El film debut del guionista y director Derrick Borte parte de una idea muy original sobre una familia que parece sacada de "The Truman Show".
Kate, Steve, Jenn y Mick son los Jones, una amable grupo familiar que se muda a un selecto barrio de los Estados Unidos y rápidamente hace nuevas amistades.
Esta perfecta y adinerada familia siempre tiene lo último en moda, decoración y artículos para el hogar, ya sea electrodomésticos, electrónicos, ropa, comida o autos.
Pero los Jones no son lo que parece, en realidad son cuatro personas contratadas por una empresa de marketing para simular un exitoso estilo de vida y contagiar así el consumo entre los nuevos amigos y vecinos.
Cada uno de los integrantes de la flia. apunta a un target diferente: Kate a las amas de casa, Steve a los hombres de trabajo, y Jenn y Mick a los adolescentes.
Una genial estrategia de marketing, siempre y cuando los sentimientos de cada uno no se interpongan en sus objetivos laborales.
Este novedoso concepto plantea un análisis sobre la cultura de consumo norteamericana y esa necesidad de tener siempre lo último, mas allá si es necesario o no.
La película entretiene en la primer parte, en donde los encantadores Jones atraen a todos los que los rodean a consumir lo mismo que ellos tienen: un equipo de jogging, un celular, comida congelada, palos de golf, un televisor alta definición o lo que sea.
Pero cuando los integrantes de esta familia ficticia comienzan a mostrarse como realmente son y asoman los sentimientos, "The Joneses" pierde originalidad y recorre un camino sin sorpresas hasta un predecible final.
La hermosa Demi Moore, que está mejor ahora que hace 20 años, logra una buena actuación con destellos de aquella "movie star" de los años 90.
David Duchovny, que me empezó a caer bien gracias a su serie "Californication", pone su carisma en una buena interpretación.
Lástima que el director Derrick Borte no le encontró a la historia un cierre tan original como la consigna del film. Igual entretiene.

Esta es la vuelta del director Scott Hicks al cine australiano, lugar donde años atrás dirigió su mejor película, "Shine" con Geoffrey Rush.
En el último tiempo pasó por Hollywood, donde realizó flojos films como "No Reservations" y "Heart in Atlantis".
Aquí vuelve a dirigir un drama, a la par del gran trabajo que había logrado con "Shine".
Basado en la vida de Simon Carr, presenta la historia de un padre que debe asumir el cuidado de sus hijos tras la muerte de su esposa.
Arranca muy triste, mostrando la enfermedad y muerte de su segunda esposa a causa de un cáncer.
Pero luego, en vez de caer en un típico melodrama, muestra un lado más alentador y positivo, a través de los desafíos que debe asumir un padre inexperto al tener que cuidar un hijo de 6 años, a quien le cuesta asimilar la muerte de su madre. A esto se suma la llegada de su otro hijo, de un primer matrimonio, quien intenta reestablecer la relación con su padre ausente.
El papá elije criarlos sin reglas firmes, algo que no siempre da resultado.
Este desarrollo la convierte en una linda historia, con momentos de humor y emoción.
Ambientada en Australia, tiene una excelente fotografía que resalta el paisaje campestre que rodea la casa en la que viven.
Clive Owen obtiene una de sus mejores actuaciones, demostrando un talento versátil tanto para roles dramáticos como de acción. Su interpretación del padre viudo es excelente y la química que logra con los dos chicos hace que parezca una familia real.
Otra muy buena muestra del cine australiano.

El director Rachid Bouchareb, quien obtuvo una nominación al Oscar como Mejor Película Extranjera por su anterior trabajo "Indigenés", presenta esta pequeña película sobre dos personas que son afectadas indirectamente por los ataques terroristas ocurridos en Londres en el 2005.
Elisabeth, una mujer inglesa preocupada al no poder comunicarse con su hija tras los atentados, decide viajar a Londres en busca de su hija desaparecida, con quien no tiene una relación cercana.
Allí comienza a conocer detalles de su vida, enterándose que vivía en un barrio musulmán y estudiaba árabe.
Ousmane es un musulmán viviendo en Francia que también viaja a Londres en busca de su hijo desaparecido, a quien no ve hace años.
Estas dos personas se conocen, tras descubrir que sus hijos mantenían una relación amorosa, y juntos intentan averiguar el destino de ellos.
Con un ritmo lento pero interesante, el director se enfoca en la relación y búsqueda de estas dos personas, sin recurrir al morbo o golpes bajos relacionados con los atentados.
Como el destino de los jóvenes es incierto hasta momentos previos al final, esto da tiempo a un buen desarrollo de estos dos personajes.
Brenda Blethyn ("Secrets & Lies", "Saving Grace") y Sotigui Kouyaté logran muy buenas interpretaciones como los padres.
A pesar de abordar un tema denso, lo lleva por un buen camino y el resultado vale la pena.

Tras el éxito obtenido en 2008 con el film de Juan Taraturo, "Un Novio para mi Mujer", Adrián Suar vuelve a protagonizar otra comedia simple, sin pretensiones y con el único objetivo de entretener al público.
"Igualita a Mi" y las películas de Taraturo ("Un Novio para mi Mujer", "Quién dice que es fácil?" y "No sos vos, soy yo") son ejemplos de un estilo de comedia que funciona bien en los cines argentinos, pensadas para un público que busca distraerse un rato sin grandes exigencias.
Lo extraño es que, sabiendo que es una fórmula probada y exitosa, no se estrenen más de éstas por año, en vez de ese cine nacional de festivales que nadie ve.
Con esto no quiero decir que sea una gran película, lejos de eso.
Adrián Suar interpreta a Fredy, un playboy, un tipo de más de cuarenta al que le gusta la noche y las chicas jóvenes, con un look parecido a Jacobo Winograd.
A Suar le encaja perfecto este personaje y, por más que en algunos momentos luzca sobreactuado, la comedia es lo que mejor le sale.
Junto a él participan Florencia Bertotti (como la hija) y Claudia Fontán (como la peluquera), dos actrices carismáticas que siempre rinden.
A esto se le suma algún otro personaje secundario simpático como el hermano.
La primera mitad es la que mejor funciona, mostrando a un Fredy mujeriego y atorrante que no quiere saber nada con su nueva hija.
Los momentos divertidos están a cargo del personaje de Adrián Suar: la escena del gato, la visita al doctor, los movimientos en la pista de baile o las puteadas alcanzan para sacarte una sonrisa.
La segunda mitad se pone sentimental y lenta, con un Fredy que asume sus errores y madura, haciendo que decaiga bastante hasta llegar a un final previsible.
Es cierto que si esta misma película se estrenara con el sello de Hollywood, mi opinión hubiera sido peor, pero como es una producción nacional uno la mira diferente.
No se le puede exigir mucho, está bien, para esperarla que salga en DVD.

Basado en el film francés "Nathalie" con Gerard Depardieu y Emmanuelle Béart, el nuevo trabajo del director Atom Egoyan ("The Sweet Hereafter", "Felicia´s Journey") es un thriller erótico en la misma línea de "Fatal Attraction".
Catherine ve como su esposo seduce a cuanta mujer conoce y comienza a sospechar que le es infiel. Para comprobarlo contrata a Chloe, una prostituta a quien le encarga seducir a su marido y luego reportarle los detalles del encuentro. Pero una vez cumplido el encargo de Catherine, Chloe continúa acosando no solo a su marido, sino también a su hijo y a ella.
La película tiene un buen desarrollo y uno se engancha temiendo que algo pronto pasará.
La tensión sexual entre las dos protagonistas es constante, con algunas conversaciones al mejor estilo "Closer".
La historia lleva a una inesperada revelación que eleva aún más la tensión, pero todo este clima desaparece con los títulos finales donde uno se pregunta... Así termina?
Un desenlace muy abrupto que te deja desilusionado frente a una historia a la que podrían haberle encontrado un mejor cierre.
Julianne Moore y Amanda Seyfried son las verdaderas protagonistas, con un Liam Neeson relegado a un papel secundario.
Moore vuelve a tener un papel interesante para lucirse, algo que no pasaba desde el 2002 con "The Hours" y "Far from Heaven".
Amanda Seyfried, en carrera ascendente, se desenvuelve bien en su rol mas desafiante hasta la fecha.
Un buen thriller con un final desperdiciado.

"Vincere" tiene como uno de sus protagonistas al dictador italiano Benito Mussolini, pero el film no pretende ser un retrato del líder militar sino una historia de amor y traición, desconocida hasta hace poco tiempo.
Esta historia arranca a principios del 1900, en los años previos a la Primer Guerra Mundial, cuando un joven Mussolini, activista del partido socialista, conoce a Ida Dalser y ambos inician una fuerte relación pasional. Con el tiempo, Ida se enamora de él y queda embarazada, pero pronto descubre que el líder está casado.
Tras su vuelta de la Guerra, Mussolini cambia sus ideales políticos, crea el fascismo y comienza a ganar popularidad.
Temiendo que esta relación pueda perjudicar su ascenso al poder, el líder fascista decide despreciar a Ida Dalser, negándose a reconocer al hijo como propio, eliminando toda evidencia de la relación y ordenando su internación en un manicomio.
Así comienza la lucha de esta mujer por lograr que el líder reconozca el matrimonio entre ambos y la paternidad de su hijo Benito.
Esta primer parte del film sirve para dar un pincelazo sobre los comienzos del Duce en la política, pasando luego a una segunda parte más dramática donde todo el relato se centra en esta mujer y el personaje de Mussolini desaparece de la historia.
Hasta aquí, Giovanna Mezzogiorno como Ida Dalser y Filippo Timi como un joven Benito Mussolini (también interpreta a Benito Jr. de adulto) entregan dos actuaciones principales muy parejas.
El director elije aquí un camino acertado, reemplaza al actor por imágenes de archivo para mostrar al verdadero Mussolini en el poder, representando así a una figura inalcanzable que maneja el destino de esta mujer.
Además, este material de archivo (imágenes, audio, videos, noticieros y diarios) ayuda a reconstruir el clima político y social de la época.
Se vuelca entonces todo el peso dramático del relato sobre el personaje de Giovanna Mezzogiorno ("La finestra di fronte", "La bestia nel Cuore"), quien se luce en esta segunda parte con una actuación brillante.
El momento en que mira la película de Chaplin y la escena en donde es entrevistada por los doctores son excelentes muestras del talento de la actriz de "L'ultimo Bacio".
Mi única crítica a la película es el maquillaje. La historia abarca un período de tiempo muy largo y estos años parecen no pasar para el personaje de Giovanna Mezzogiorno. Este punto le quita realismo al film.
El trabajo de dirección, a cargo del veterano Marco Bellocchio ("L'ora di religione"), y fotografía es impecable, basta sólo con ver la hermosa escena en que Ida arroja las cartas a través de las rejas mientras nieva.
Una historia real, dramática y trágica, nominada a Mejor Película al Premio David di Donatello.

Intentando repetir el increíble éxito obtenido el año pasado por la comedia "The Hangover", en el 2010 se estrenó otra "comedia de amigos" que no tuvo la misma suerte.
El ridículo título lo dice todo, "Hot Tub Time Machine", en donde un grupo de amigos, pasando un fin de semana en un centro de ski, derraman una bebida sobre los controles de un jacuzzi y son transportados al año 1986.
Creo que no hace falta aclarar el nivel de esta comedia, que con apenas veinte minutos de iniciada ya era mi candidata a una de las peores del año.
Continuando con el estilo de la sobrevalorada "The Hangover", es una película cero graciosa y ordinaria, cargada de malos gags con referencias sexuales, vómito, semen y todo ese humor típico de la saga "American Pie".
Aquí se le suma el viaje a la década de los 80, con el que se intenta imitar (sin lograrlo) el humor del clásico "Back to the Future", haciendo referencias retro, burlando los peinados y moda de la época, y mencionando avances tecnológicos (e-mail, internet) que en esa época no existían. Incluso participa Crispin Glover (McFly) como un guiño a ese film.
A John Cusack, un actor con buenos títulos en los 80 como "The Sure Thing" y "Say Anything...", se lo ve incómodo en este fallido homenaje a esas películas.
Seguramente su participación está ligada a que el director Steve Pink fue co-productor y co-guionista junto a Cusack de los films "High Fidelity" y "Grosse Pointe Blank".
Rob Corddry interpreta a uno de sus amigos, gritando y sobreactuando siempre.
Chevy Chase, otro referente de los 80, interpreta con poca gracia al "arreglatutti".
Lo único que disfruté fueron los hits de los 80.

"Inception" se había convertido, para mí, en la película más esperada de este 2010.
Y esto se debe a Christopher Nolan, quien se ha transformado en uno de los directores más interesantes de la última década, creando films inteligentes y, a su vez, entretenidos.
Tras un prometedor debut en 1998 con el largometraje "Following", su carrera fue evolucionando con cada uno de sus trabajos: la original "Memento", la remake "Insomnia", el reinicio de Batman con "Batman Begins", la mágica "The Prestige" y la excelente continuación del encapuchado, "The Dark Knight".
Luego de esa exitosísima última entrega, Nolan tenía la posibilidad de hacer lo que quisiera en Hollywood. Por suerte, eligió continuar en el género que mejor trabaja: el thriller psicológico.
Este guión comenzó a gestarse hace 10 años, cuando a Nolan le surgió la idea de escribir una historia que explorara su fascinación por los sueños. Durante todo este tiempo, el guionista/director fue reescribiendo este guión hasta obtener una versión que lo convenciera filmar.
La frase que me venía, una y otra vez, a la cabeza mientras miraba "Inception" era "Que imaginación!!".
Un relato original, ambicioso, complejo e inteligente, en donde se presenta una estructura narrativa que no resulta tan enredada como sus primeros trabajos ("Following", "Memento"), pero que igualmente requiere absoluta atención del espectador.
Durante la primer parte, Nolan aporta información necesaria para entender el esquema del relato y durante la segunda parte, permite que uno piense, descubra y disfrute lo que va ocurriendo.
Una película que exige una segunda mirada para descubrir detalles que seguramente se escaparon frente a una historia tan intensa.
La ejecución de este magnífico guión es perfecta, con un trabajo de dirección, fotografía, edición y musicalización que resalta el talento del director y su equipo.
Los diferentes niveles de sueños, y cómo los acontecimientos ocurridos en cada uno afectan al siguiente, definen distintos niveles narrativos que permiten combinar suspenso, drama y escenas de acción fantásticas.
Nolan no es un amante de los efectos generados por computadora y prefiere, siempre que sea posible, el uso de efectos tradicionales. La combinación de ambos hace posible darle un realismo increíble a cada secuencia de acción.
Cada uno de estos momentos de acción tiene un propósito dentro de la historia y no se introducen de forma forzada para generar entretenimiento sin sentido.
Si bien puede establecerse una relación con "The Matrix" y otros films, lo cierto es que hoy en día todas las películas son influenciadas por otras y el mérito está en saber reinventar los recursos ya utilizados en otras propuestas cinematográficas.
Leonardo DiCaprio interpreta a Cobb, líder de este grupo de ladrones de secretos, un hombre atormentado con algún parecido a su personaje de "Shutter Island".
Marion Cotillard es Mal, su esposa, en una excelente interpretación de una mujer con distintos matices.
El grupo de ladrones lo completan el genial Joseph Gordon-Levitt (que se luce en un rol más físico), un sorprendente Tom Hardy ("Bronson") y Ellen Page.
Ken Watanabe, un resucitado Tom Berenger y los ya clásicos colaboradores Cillian Murphy y Michael Caine (con una pequeña participación) cierran el elenco.
Con tantos personajes, sólo se dedica tiempo al desarrollo de la relación entre Cobb y su mujer, que es el punto más fuerte del relato.
No siempre una gran idea se transforma en una gran historia o en una gran película, pero Christopher Nolan consigue transformar un excelente concepto en un impresionante guión y ejecutarlo de manera brillante obteniendo un resultado alucinante.

Luego de escribir y actuar en la exitosa comedia independiente "My Big Fat Greek Wedding", Nia Vardalos no logró hacer otra buena película.
Intentó adaptar "My Big Fat..." a serie de tv con un resultado horrible y escribió/actuó en su siguiente película "Connie and Carla" que tampoco fue buena.
En esta tercer película como escritora, actriz y por primera vez directora, vuelve a la comedia romántica y su pareja es, al igual que en "Mi Big Fat...", John Corbett.
Empezando por lo bueno, Nia Vardalos es divina y hace muy buena pareja con John Colbett (Aidan de "Sex and the City").
Hasta ahí llego con lo bueno.
Una historia muy boba, ya a los 20 minutos de película se ve que no tiene sentido.
Cuál es la idea de esa estúpida regla de las 5 citas?
Dos personas se quieren, pero no estan juntos por una regla? Ridículo.
Genevieve es un personaje muy alegre, demasiado alegre, hasta exagerado.
Todo muy sobreactuado y con pésimos diálogos.
Segunda película de Nia Vardalos en este año y las dos muy malas.

Esta es otra comedia protagonizada y producida por Adam Sandler, para bien y para mal.
Por un lado, quienes suelen divertirse con sus comedias ("You Don´t Mess with the Zohan", "I Now Pronounce You Chuck & Larry", "Click", "Mr. Deeds", "Anger Management", "Little Nicky") seguramente irán a verla, sin preocuparse por las malas criticas que reciba, y se reirán un poco. A ellos les recomiendo evitar este comentario y sacar su entrada.
Por otro lado, para quienes no suelen disfrutar sus comedias (me uno a este grupo), esta es otra muestra de la decadencia de aquel buen comediante de "Happy Gilmore".
Las últimas películas producidas, protagonizadas y, en muchos casos, escritas por él, mezclan ese repetido humor ordinario con algún mensaje sentimentaloide que busca dar.
En "Grown Ups", Sandler reune a un grupo de comediantes y amigos, casi todos de su época en "Saturday Night Live" (Kevin James, Chris Rock, David Spade y Rob Schneider), quienes interpretan a un grupo de la infancia que vuelve a reunirse, 30 años después, durante un fin de semana en un hermoso lugar.
Aquí conocemos al exitoso agente, su fina mujer y sus 3 hijos malcriados; al marido dominado que se ocupa de las tareas de la casa, su mujer, suegra e hijos; al hombre sensible casado con una mujer mayor y sus sexys hijas; al padre de familia, su esposa sobreprotectora e hijo; y, por último, al soltero inmaduro.
Al igual que en la pésima "Couples Retreat", estos pocos días alejados de la rutina les servirán no sólo para reencontrarse y divertirse, sino también para solucionar todos sus problemas familiares y de pareja.
Pareciera que Sandler escribió este flojísimo guión como excusa para reunirse con estos viejos amigos y pasarla bien en un lindo lugar durante algunas semanas. De paso, filmaron esta mala comedia y se ganaron varios millones.
Sandler parece desganado y con poco interés por hacer reír.
Kevin James, que me divertía en la serie "King of Queens", sólo tiene algún momento de humor físico y recibe los típicos chistes sobre su gordura.
El resto de los comediantes (Chris Rock, David Spade y Rob Schneider) resultan insoportables.
Lo único para rescatar de las últimas películas de Sandler es que siempre elije alguna actriz hermosa... Kate Beckinsale, Jessica Biel, Emmanuelle Chriqui y ahora, Salma Hayek.
La sensación final es que los protagonistas se divirtieron más haciéndola que los espectadores viéndola.

En la primer escena del film se escucha un disparo, para luego situarnos seis meses antes donde, a través de un flashback, se muestran los acontecimientos que llevaron a ese trágico final.
Así conocemos a Suzanne, una mujer casada y con hijos, quien inicia un romance con un albañil y ex-convicto, a quien conoce mientras realiza un trabajo en su casa.
Cuando ella descubre estar enamorada, se lo confiesa a su marido, quien no puede aceptar la posibilidad de perderla.
El marido intentará impedir que su mujer acceda al dinero y bienes del matrimonio, buscando así que ella regrese con su familia.
Suzanne deberá conseguir dinero por sus medios para lograr salir adelante con su nueva pareja.
Este drama francés de corta duración (sólo una hora y veinte minutos) tiene un desarrollo atrapante y preciso, al que no le sobra una sola escena.
Lo único que podría criticar es que algunos aspectos de la historia pueden resultar poco creíbles, al ver como una mujer de clase media-alta es capaz de abandonar todo, inclusive a sus hijos, por un ex-convicto.
A pesar de ser una película francesa, los tres papeles principales están interpretados por una inglesa, un catalán y un iraní.
Kristin Scott Thomas ("The English Patient", "The Horse Whisperer", "Il y a longtemps que je t'aime", "Ne le dis à personne", una gran actriz en el cine francés como el inglés) se destaca por encima del resto con su interpretación de la mujer infiel.
Sus emociones y estados de ánimo frente a cada relación se evidencian claramente, por un lado, la pasión y amor por su nueva pareja, y por el otro, el desprecio por su marido.
A pesar de ser infiel y abandonar a su familia, K. S. Thomas logra construir un personaje querible y por el que uno se preocupa.
Es el marido por quien debiéramos sentir compasión, interpretado por Yvan Attal, pero la infidelidad saca lo peor de él y lo convierte en una hombre morboso, capaz de continuar su matrimonio de cualquier forma.
Sergi López ("El Laberinto del Fauno") como el amante, completa el triángulo amoroso.
Una gran historia de amor, pasión y tensión.

Tom Cruise no viene atravesando un buen momento en su carrera. Luego de su sobreexposición, hace algunos años, en el famoso sillón de Oprah y su apoyo incondicional a la Cienciología, este "movie star" perdió muchos seguidores y no logró volver a tener un éxito en la taquilla.
Tras recaudar mucho menos de lo esperado con la tercer entrega de "Mission: Impossible", probó con el drama político "Lions for Lambs" que resultó un fracaso y luego eligió el thriller "Valkyrie", acerca de un atentado a Hitler, que no funcionó debido a un final obvio y la decisión de interpretar a soldados alemanes hablando en inglés.
Su único acierto fue la pequeña participación en la comedia "Tropic Thunder" donde, escondido detrás de mucho maquillaje, interpretaba a Les Grossman, un ordinario productor de Hollywood.
En este momento de su carrera, su mejor elección fue tomarse a sí mismo en broma y protagonizar una película liviana que le permita recuperar su público.
Su nuevo trabajo iba a ser en el film "Salt" (de próximo estreno, con Angelina Jolie), pero se bajó del proyecto y optó por hacer "Knight and Day", en donde interpreta a un agente secreto prófugo, que lo muestra como una parodia de su personaje Ethan Hunt en "Mission: Impossible".
El guión del novato Patrick O´Neill, que también pasó por manos de otros guionistas, propone una historia simple y conocida de persecución, mezclando acción, comedia y romance.
Un agente prófugo de la CIA, poseedor de un valioso objeto que muchos desean, se cruza con una mujer en el aeropuerto. Pronto, ella se verá involucrada en sus problemas y deberán escapar juntos de quienes buscan eliminarlos.
El director James Mangold (que cuenta con una variada filmografía que incluye "3:10 to Yuma", "Walk the Line", "Identity", "Kate & Leopold" y "Copland") aprovecha la química y oficio de las dos estrellas de Hollywood para sacar adelante una película que sin ellos no existiría.
El carisma y simpatía de Tom Cruise y Cameron Diaz les alcanza para interpretar dos roles que no los exige como actores.
Paul Dano ("There Will Be Blood") y Viola Davis ("Doubt") aparecen deslucidos en roles secundarios.
La elección de los malos deja mucho que desear, con Peter Sarsgaard ("Orphan") y Jordi Mollà ("Blow") en un lugar que les queda grande.
Al igual que en las de James Bond, la persecución permite llevar a sus protagonistas por distintos lugares del mundo, una buena excusa para mostrar New York, el Caribe y Sevilla.
Tiene algunos momentos divertidos (el mejor, el escape con ella drogada) y varias buenas secuencias de acción que alcanzan para pasar un rato entretenido en el cine.

Dentro del cine francés suelo recomendar más el género de suspenso y comedia, dejando un poco de lado el drama, el cual no suelo disfrutar de la misma forma.
Al revisar las películas francesas que he visto en los últimos tiempos, compruebo que en estos dos géneros siempre las he calificado de buenas para arriba ("Pour Elle", "La Moustache", "Le Petit Nicolas", "Micmacs", "Mes Stars et Moi", "Le Premier Cercle", "Diamant 13"), mientras que en el caso de los dramas el resultado es mas desparejo ("Un Prophéte", "Welcome", "Il y a longtemps que je t'aime" valen la pena y "L'heure d'été", "Faubourg 36", entre otras, no tanto).
Quizás es porque el drama francés tiene otro ritmo y si la historia no es interesante, suelo terminar aburriéndome.
Esto es lo que me pasó con "Les Herbes Folles", el nuevo trabajo del director Alain Resnais quien con 87 años sigue filmando.
El nuevo film del reconocido director ha recibido excelentes críticas y fue galardonado con el Premio Especial del Jurado en el Festival de Cannes, pero no me parece justo elogiar su trabajo por el solo hecho de su trayectoria.
Adaptando por primera vez una novela, presenta la relación entre dos adultos que se conocen por un hecho casual. Cuando Georges Palet encuentra una billetera tirada en el estacionamiento de un centro comercial, decide contactar a la dueña, Marguerite Muir, y ambos comienzan a relacionarse.
Pero esta relación es un poco extraña, ambos se atraen y rechazan continuamente, además de que la esposa del hombre lo aprueba todo sin problema alguno.
Técnicamente es impecable (dirección, fotografía, música, etc.), pero la historia terminó resultándome bastante densa y hasta ridícula.
Seguramente seguirán apareciendo críticas que la elogien y habrá mucho público que la disfrute, pero a mí no me llegó.

Hace mas de veinte años, el director Stephen Frears dirigió la excelente película "Dangerous Liaisons" con Michelle Pfeiffer, John Malkovich y Glenn Close sobre un guión de Christopher Hampton.
Este año se estreno "Cheri" donde se vuelven a juntar el director, el guionista y una de las actrices (Michelle Pfeiffer) en otra película de "época".
Lamentablemente el resultado no esta ni cerca de lo que lograron con su anterior película.
Una historia de amor chata, bastante aburrida, con un final abrupto y exagerado.
M.Pfeiffer ha participado en muy pocas películas en los últimos años y aquí, a pesar de no tener un buen guión, tiene una muy buena actuación.
Por el otro lado, el actor Rupert Friend que tiene el papel de Cheri, es rarisimo, una mala elección.
Hay una buena recreación de la época, con muy lindos escenarios y vestuario.
Igual todo esto no alcanza si no hay un buena historia.

Cualquier película que tenga como punto central en su historia un tema religioso, seguramente generará polémica.
Uno de los últimos títulos que causó el enojo de la Iglesia fue "The DaVinci Code" y con "Camino" ha ocurrido algo similar en España con los grupos mas conservadores.
Este film está inspirado en los hechos reales vividos por Alexia Gonzalez-Barros (alexiagb.org), una niña española que falleció en 1985 de un tumor maligno y actualmente se encuentra en proceso de canonización por la madurez, entereza y tranquilidad con que llevó la enfermedad hasta sus últimos días.
A pesar que la historia se considera ficción, ya que se toma ciertas libertades en el relato con respecto a los hechos reales, el director recibió críticas de la familia de la niña debido a que consideran que se los muestra como fanáticos religiosos y también del Opus Dei, quienes creen que se da una errada visión de las creencias de sus miembros.
Este trabajo ganador del Goya a Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guión, Mejor Actriz, Mejor Actor de Reparto y Mejor Actriz Revelación, cuenta la historia de Camino, una niña con una grave enfermedad que descubre el amor en los últimos meses de su vida.
Camino es una niña que desea comenzar clases de teatro para poder participar de la obra Cenicienta y estar así cerca de Jesús, el niño del que está enamorada. Pero al mismo tiempo, le descubren un tumor maligno que rápidamente afecta su salud.
Su madre, una mujer muy conservadora, y su hermana, abocada a convertirse en monja, acompañan a Camino en la lucha con su enfermedad, siguiendo sus creencias religiosas.
Su padre, un hombre cariñoso, no comparte muchos valores religiosos con su mujer y lidia con la enfermedad de su hija a su manera.
Durante los meses de internación, miembros del Opus Dei creen ver en la joven niña una Santa, por la paz con que lleva la enfermedad.
De más está decir que es uno de los estrenos más tristes de los últimos tiempos, con la enfermedad de la niña como punto central, en donde resulta difícil encontrar un lado alentador o positivo. Con sólo ver el poster o trailer, uno ya puede imaginarse lo duro que es éste film.
Pero principalmente es una crítica a la manipulación y fanatismo religioso, apuntado al Opus Dei.
Mi principal crítica es que el aspecto religioso, mas allá de la opinión que uno pueda tener del tema, toma demasiada importancia en la historia y puede resultar abrumador.
Hay fuertes imágenes de las operaciones de la niña que creo, junto a alguna escena de sueños o pesadillas, se podrían haber evitado para acortar un poco los 143 minutos de larga duración.
Las actuaciones son un gran acierto en todos sus roles.
Nerea Camacho (Ganadora Goya Mejor Actriz Revelación) interpreta a Camino, una hermosa niña que nunca pierde la esperanza.
Carmen Elias interpreta a la ultra-religiosa y controladora madre (Ganadora Goya Mejor Actriz), Manuela Vellés a la sumisa hermana y Mariano Venancio al querido padre.
Una película deprimente y controvertida, donde cada uno podrá sacar sus propias conclusiones.

La versión original de "The Karate Kid" se estrenó en 1984 y para todos los chicos que pudimos disfrutarla en el cine se convirtió en un clásico film. Muchos salimos del cine a las patadas o haciendo la famosa pose del final.
Obviamente, el éxito de la primera trajo varias secuelas, una buena segunda parte y el resto malas.
En estos tiempos de remakes y poca originalidad en Hollywood, no es de extrañar que llegue esta adaptación (producida por Will Smith) con la que apuestan a un éxito seguro y posteriores continuaciones.
El arte marcial en este caso es el kung-fu, pero igualmente se respetó el título "The Karate Kid" como un homenaje al productor original que colaboró con esta nueva producción.
El escenario se traslada a China, donde se aprovecha para mostrar los hermosos paisajes y costumbres del país, algo lógico si consideramos que la película es una co-producción entre los Estados Unidos y ese país.
El promedio de edad de los chicos es mucho menor, aquí son todos pre-adolescentes, y naturalmente hay una visión más infantil y moderna (celulares, juegos electrónicos, etc.) del mundo en el que viven.
Pero la esencia de la historia es la misma, el chico que se adapta a un nuevo lugar, la chica de la que se enamora, el maestro que le enseña, los chicos malos y el torneo.
Se actualizan algunos otros detalles (en vez de pintar y pulir, acá se saca y pone la campera), pero se mantiene el espíritu.
Jackie Chan tiene el desafío más grande al tener que reemplazar a Pat Morita en el papel del Maestro. Morita se lució en su momento como Miyagi, creando un personaje inolvidable.
El personaje de Chan, Mr. Han, hace su aparición con un homenaje a la escena de la mosca de Miyagi.
El trabajo de Jackie Chan es lo mejor que le ví hacer en mucho tiempo, creando una moderna versión del hombre.
Jaden Smith, hijo de Will Smith, se va abriendo camino luego de su excelente trabajo en "The Pursuit of Happyness". Acá aporta simpatía y mucha habilidad física para lograr que sea creíble su aprendizaje del Kung Fu.
Quizás lo único para criticar es la duración, que con 140 minutos puede resultar demasiado para los más chicos.
Dudo que genere en los chicos actuales el impacto que produjo en el 84 pero, considerando los desastres que se hacen con las innecesarias remakes hoy en día, "The Karate Kid" versión 2010 es una muy aceptable adaptación.

En la década del 80, disfruté viendo los capítulos de muchas series yanquis de acción, entre ellas "MacGyver", "Chips", "El Auto Fantástico", "División Miami", "Muelle 56" y, obviamente, "Brigada A".
Con las reediciones de las temporadas en DVD y los canales de cable retro se pueden volver a ver todas estas series, aunque quienes lo hayan hecho habrán notado que éstas no resistieron el paso de los años y hoy parecen malísimas.
De a poco, todas estas clásicas series se irán adaptando al cine, considerando que en Hollywood ya no saben de donde sacar material para nuevas películas.
"Los Ángeles de Charlie", "Los Dukes de Hazzard" y "División Miami" son algunas de las que ya fueron adaptadas (con un flojo resultado) y ahora es el turno de "Brigada A", bajo la dirección de Joe Carnahan.
El cine de acción yanqui actual suele ser muy exagerado, repleto de escenas violentas con gran producción pero sin sentido.
Y lo bueno de la serie "Brigada A" era exactamente eso. Los Magníficos construían cosas ridículas que llevaban a escenas de acción imposibles y divertidas, en las que nunca había sangre ni moría nadie.
Sabiendo entonces cómo es el cine de acción actual y cómo fue la serie original, uno sabe qué esperar cuando entra al cine.
Joe Carnahan hizo su debut con un gran film llamado "Narc", para luego volcarse al típico cine de acción con "Smokin´ Aces". Con su tercer trabajo, "The A-Team", toma la esencia de la serie original para presentar una película con mucha acción, humor y, sorprendentemente, un buen guión.
El espíritu "light" que tenía la serie es lo único que no se respeta, ya que es mucho más violenta, pero el resto de los elementos dicen presente: los cuatro carismáticos personajes, la camioneta, la música, las conocidas frases y el origen del grupo.
La primer parte se dedica a la introducción de los personajes, la formación del grupo, cómo terminan encarcelados por "un crimen que no cometieron", e inclusive se explica por qué Baracus teme volar.
Luego pasa a una trama más previsible, en donde Los Magníficos deben recuperar unas planchas de impresión robadas mientras son perseguidos por la justicia, que si bien no resulta muy original, no deja de ser entretenida.
Las secuencias de acción son todo lo que uno imagina: increíbles, ridículas, exageradas, y lo más importante, divertidas. La del tanque, la del edificio, la del camión, la del barco, todas resultan imposibles. Pero es lo que uno seguro quiere ver.
Por el lado del casting, los cuatro personajes fueron muy bien elegidos.
Liam Neeson, como Hannibal, cumple bien su papel de líder reemplazando al recordado George Peppard.
Bradley Cooper, como Face, aporta facha, carisma y más acción que el original.
Quinton 'Rampage' Jackson tiene el mayor desafío de los cuatro, reemplazar a Mr.T como B.A. Baracus en un rol que quedó muy identificado con ese raro personaje. Igual logra despegarse y hacer su versión, aunque bastante más "blandito" que el original.
Sharlto Copley ("District 9"), como Murdock, es el que realmente se luce aprovechando la locura del personaje.
Jessica Biel, como Charisa Sosa, simplemente hermosa.
El único punto flojo son los villanos, que prefiero no adelantar.
Para quienes suelen quedarse hasta el final de los créditos, les espera una última escena con los dos actores originales de la serie que interpretaron a Face y Murdock.
Quienes busquen revivir el recuerdo de una de las mejores series de los 80, vayan tranquilos. Es pura diversión.

Es difícil encontrar algo para decir sobre una película en la que no pasa nada.
Basada en la novela de Cormac McCarthy, autor también de "No Country for Old Men" que adaptaron los hermanos Coen, es la historia de un padre e hijo tratando de sobrevivir en un mundo que ha sido destruido.
Por que fue destruido? Nunca se sabe.
Por que son de los pocos sobrevivientes que quedan? Nunca se sabe.
Hacia donde se dirigen y en busca de que? Nunca se sabe.
Viggo Mortensen interpreta al padre, quien encara un viaje con su hijo a través de ciudades destruidas y abandonadas, dirigiéndose al Sur. Su esposa, interpretada por Charlize Theron, supuestamente se suicida dejándolos solos.
Sucios y muertos de hambre, recorren kilómetros y kilómetros en busca de comida e intentan escapar de bandas caníbales que quieren asesinarlos.
Esto es la película, ellos caminado, caminando y caminando. Perdí la cuenta de cuantas fogatas hacen.
Los pocos momentos de tensión se dan cuando se cruzan con las bandas caníbales, pero fuera de esto es un film lento y sin ningún sobresalto. Osea, no estamos hablando de "Children of Men".
Esta dirigida por John Hillcoat, quien antes realizo "The Proposition" que tenia un ritmo similar a esta.
Visualmente es impecable. Todos los escenarios creados de las ciudades desiertas y destruidas son muy reales.
Hay participaciones pequeñas de Robert Duvall y Guy Pearce, a quienes cuesta reconocer debajo de tanta mugre.
Son de esos films que le sacas media hora y no se nota. Seguramente hubiera resultado mejor hacer eso.

Con la llegada de una nueva entrega de "Toy Story", volví a entusiasmarme con un film de Pixar como no me ocurría en mucho tiempo.
Siempre he disfrutado las creaciones con las cuales, año tras año, nos sorprende la gente de este maravilloso estudio, pero no considero que todas hayan sido excelentes o muy buenas.
No puedo dejar de destacar el altísimo nivel en todas sus producciones, logrando lo que ningún otro estudio jamás ha conseguido: estrenar 11 películas con éxito y reconocimento de la crítica.
Pero la decisión de realizar una nueva "Toy Story" seguramente significó un importante desafío, considerando que debían cerrar la trilogía manteniendo el excelente nivel de las dos anteriores entregas.
Hace unos años, cuando parecía que Pixar y Disney se separaban (una vez finalizado el contrato que los unía), Disney anunció que produciría "Toy Story 3" por su cuenta. Incluso se conoció la sinopsis, en la que Buzz era enviado a Taiwán para ser arreglado y el resto de los juguetes salía a su rescate.
Por suerte, Disney compró Pixar y lo primero que John Lasseter hizo al recuperar el control fue cancelar esta producción.
Lo bueno de Pixar, es que no se apuraron por sacar una nueva continuación, todo lo contrario a lo que hizo Dreamworks con las pésimas secuelas de "Shrek".
Esperaron que surgiera una buena idea para desarrollar, que 11 años después coincide perfecto con los tiempos en los cuales se desarrolla la historia, y recién ahí la hicieron.
"Toy Story 3" fue dirigida por Lee Unkrich, quien participó como co-director en varias de mis preferidas: "Toy Story 2", "Monsters Inc." y "Finding Nemo", aunque seguramente cualquiera de los directores de Pixar también hubiera logrado un gran trabajo.
Como era de esperar, el resultado es excelente.
"Toy Story 3" es una película tierna, dulce, emotiva y entretenida, que recupera la esencia de las primeras producciones del estudio, que para mí fueron las mejores.
Con respecto a la historia, creo que cuanto uno menos sepa, mejor. Sólo adelanto que se centra en el abandono que sufren los juguetes, algo lógico considerando que Andy ya es un adolescente.
Sin dudas, ésta es la más divertida desde "Finding Nemo", un punto fundamental que creo venía fallando en las últimas estrenadas.
Hay muchos gags graciosos, donde sobresalen el reseteo de Buzz y las dudas sobra la masculinidad de Ken.
Además, las "Toy Story" siempre contaron con la mejor variedad de personajes.
Si uno repasa los trabajos de Pixar a lo largo de los años, seguramente recordará uno o dos personajes por film (Mike Wazowski, Dory, Nemo, McQueen, Wall-E), pero al pensar en "Toy Story" se vienen seis o siete a la memoria. Woody, Buzz, Sr. y Sra. Cara de Papa, Rex, los marcianitos, el perro...
Encima se dan el lujo de presentar muchos personajes nuevos, todos geniales, donde se lucen Ken y el malvado Oso Cariñoso.
La experiencia 3D no es tan relevante cuando el producto es de tan buena calidad. Sí, es un agregado pintoresco, pero recomiendo verla de cualquier forma (3D, 2D, subtitulada o doblada) que nada afectará el resultado.
Incluye también la yapa del clásico corto animado previo, otra maravilla.
En síntesis, otra imperdible obra maestra, para ver una y otra vez.

Continuando con el estilo del film "Paris, je t´aime", los mismos productores convocaron 11 directores de distintas nacionalidades para que realicen esta colección de cortos románticos ambientados en la ciudad de New York.
Las reglas fueron: duración de 8 minutos, 2 días de filmación y 1 semana de edición.
Con la difícil limitación de tan pocos minutos para contar una historia, son pocos los cortos que logran entretener.
Aunque difícil de creer, la mejor historia es dirigida por Brett Ratner, en la que un chico (Anton Yelchin) invita a una chica al baile de promoción por recomendación del padre (James Caan), para luego descubrir que está en silla de ruedas.
Las otras dos interesantes son, la de Ethan Hawke intentando conquistar una mujer que conoce en la calle y la de los ancianos que pasean discutiendo.
El resto no vale la pena o algunas ni siquiera pueden llamarse historias. En "Paris, je t´aime" el resultado era mas parejo.
El grupo de directores de "Paris" es mas reconocido que los que lograron juntar para esta segunda parte. El elenco de actores es tan bueno como en la primera.
La próxima película de este estilo sera ambientada en Rio de Janeiro.

Este nuevo trabajo del director Gary Winick ("Bride Wars") presenta dos historias románticas, una protagonizada por jóvenes y otra por adultos.
La primera repite todos los clichés románticos (al principio se odian, ella está comprometida, luego se conocen y todo cambia), resulta muy previsible y cuenta con dos actuaciones masculinas desastrosas.
La segunda propone una historia de reencuentro entre dos personas adultas y tiene como protagonista a una pareja excelente.
Lamentablemente, "Letters to Juliet" le dedica más tiempo a los jóvenes y por ende, se desperdicia la mejor parte del relato.
Siempre me han atraído las películas románticas sobre relaciones maduras, protagonizadas por gente adulta, pero son pocas las que se encuentran.
En estos días, se estrena en los Estados Unidos el film "Lovely, Still" y sólo por el trailer ya parece mucho más interesante que cualquiera de las otras románticas juveniles que llegan.
Pero en Hollywood prefieren no salirse de la fórmula y continúan produciendo estas historias repetidas una y otra vez.
Como si "Letters to Juliet" no fuese lo suficientemente previsible, el trailer, que sólo debería ser un avance, resume en 2 minutos y medio la historia completa. Obviamente, quienes tengan intenciones de verla deberían limitarse a la sinopsis.
Sophie y su novio viajan a Verona, donde ella conoce a las "Secretarias de Julieta", un grupo de mujeres que responden las cartas que las turistas dejan pidiendo consejos debajo del famoso balcón de "Romeo y Julieta". Sophie responde una vieja carta escrita hace 50 años y esto atrae a la autora, quien decide regresar a Italia en busca de aquel gran amor perdido que describió en la carta. Acompañada de su ñieto y Sophie, emprende un viaje para encontrar a ese viejo amor.
La divina Amanda Seyfried ("Mamma Mia!", "Chloe") cumple bien su rol de chica romántica, pero está acompañada por dos actores que la deslucen.
Gael García Bernal interpreta a su prometido con un trabajo sobreactuado y el desconocido Christopher Egan está durísimo en el papel del nuevo amor.
Vanessa Redgrave aporta todo su talento y comparte nuevamente la pantalla con su marido, Franco Nero, con quien tiene una química perfecta.
Al igual que otros recientes films románticos filmados en Europa como "Leap Year", "When in Rome, " y "My Life in Ruins", se utilizan los hermosos paisajes (en este caso, Verona y Toscana) para intentar complementar las fallas de un flojo guión.

El segundo film de la directora So Yong Kim ("In Between Days", Ganadora del BAFICI 2007) cuenta una historia chiquita y simple, con un ritmo tranquilo, en la que no pasa mucho.
Pero recomiendo tener paciencia, dedicar apenas 89 minutos, para descubrir una película linda y tierna.
Aquí conocemos a Jin y Bin, dos hermanitas que deben aprender a cuidarse entre ellas cuando su madre las deja con una tía, una mujer indiferente que las ignora, para ir en busca del padre de las niñas.
Sintiéndose abandonadas y sin la posibilidad de ir al colegio, las dos nenas pasan el día solas, buscando la forma de entretenerse.
Ilusionadas con el regreso de su madre, quien prometió volver cuando llenen de monedas una alcancía, ellas se las ingenian para vender grillos y cambiar monedas grandes por más chicas, cumpliendo así más rápido el objetivo.
Pero su inocencia las lleva a una desilusión, cuando su madre no regresa y son enviadas a vivir con sus abuelos al campo.
La directora no se preocupa por presentar un trabajo con grandes giros argumentales, o detallar demasiado lo que le ocurre a los mayores, sino que prefiere dedicar ese tiempo a las dos pequeñas.
La cámara siempre las sigue a ellas, por momentos muy de cerca, mostrándonos su mundo como si fuera un documental.
Y éste es el principal mérito de So Yong Kim, sin necesidad de música y eligiendo actores no profesionales, logra un relato muy natural.
Mención aparte para el trabajo de las dos nenas, sobre todo la mayor, quienes logran excelentes interpretaciones, donde parece difícil creer que están actuando.
Si bien, a medida que se desarrolla la historia, pareciera que nos introducimos más y más en un film melancólico, el final nos deja un momento alentador.

El comic parece ser una fuente inagotable de material para el cine, con muchas películas de superhéroes programadas a estrenarse en los próximos meses/años.
"Kick-Ass", basado en el comic de Mark Millar y John Romita Jr., cuenta la historia de un adolescente común y corriente que decide comprar un disfraz por Internet, transformarse en un superhéroe (sin ningún poder) y salir a combatir la delincuencia.
A alguien le suena "Defendor"?
Así arranca, con la buena actuación de Aaron Johnson (quien viene de interpretar a John Lennon en "Nowhere Boy") durante una primera parte que parece una sátira a films de superhéroes como "Spider-Man", mezclado con momentos repetidos de películas adolescentes (el chico se hace pasar por gay para acercarse a la chica que le gusta).
Pero este tono de comedia cambia cuando se introduce en la historia a Big Daddy y Hit-Girl, un padre e hija que deciden imitar a Kick-Ass convirtiéndose en superhéroes, pero con la diferencia que cuentan con un conocimiento de armas y artes marciales que el pobre Kick-Ass no poseé.
Acá estamos frente a los dos personajes mas interesantes y mejores interpretados de la película.
Nicolas Cage es Damon Macready, un ex-policía fanático de las armas que busca venganza y decide convertirse en Big Daddy, una imitación del Batman de los años 60.
En su doble rol de padre y superhéroe, Cage logra otra excelente actuación. Ésta, junto a su anterior en "Bad Lieutenant. Port of Call-New Orleans", vuelve a mostrar el mejor lado del actor.
Chloe Moretz (la hermana en "500 Days of Summer") interpreta a la hija de 11 años y a Hit-Girl, una heroína super violenta y mal hablada, en un personaje fuerte que se roba todas las escenas y deja en segundo plano al principal Kick-Ass.
Éste es el punto que mas controversia causó entre los críticos tras su estreno, incluyendo a Roger Ebert quien la destruyó en su crítica. Una nena de 11 años utilizando este lenguaje ordinario y nivel de violencia, en el que mata sin el más mínimo remordimiento, es algo que no fue aceptado por muchos. Por mi parte, reconozco que es fuerte pero, habiendo visto avances, sabía qué me metía a ver.
El mafioso Frank D´Amico es interpretado por Mark Strong ("Sherlock Holmes"), el nuevo malo del cine.
Christopher Mintz-Plasse (McLovin de "Superbad") es Chris D´Amico y el superhéroe Red Mist.
El director Matthew Vaughn ("Layer Cake", "Stardust") crea una entretenida película, mezclando acción muy violenta y algo de comedia.
Hace un par de meses comenté la película "Defendor" (http://martinocine.blogspot.com/2010/03/defendor.html, creo que se estrena este mes directo en dvd), con una historia similar de un hombre sin poderes que intenta convertirse en un superhéroe y con una excelente actuación de Woody Harrelson.
Aunque "Kick-Ass" termina siendo una buena opción, recomiendo arrancar antes viendo "Defendor".

Jason Bourne va a la guerra.
El director y actor de "The Bourne Supremacy" y "The Bourne Ultimatum" vuelven a reunirse en este film bélico que bien podría confundirse por un nuevo capítulo de la saga Bourne.
Matt Damon interpreta a Roy Miller, aunque tranquilamente podría ser un alias de Jason Bourne sirviendo en el ejército.
A principios del 2003, recién iniciada la guerra en Irak, el oficial Roy Miller es asignado para buscar Armas de Destrucción Masiva en ese país. Pero en los lugares que le ordenan investigar no hay señales de ADM.
Miller comienza a cuestionar la veracidad de la información que recibe del Gobierno acerca de la ubicación de estas armas y pronto descubrirá una conspiración política planeada con el objetivo de justificar la guerra en Irak.
El guión escrito por Brian Helgeland ("L.A. Confidential", "Mystic River") presenta un relato de ficción atrapante, basado en un hecho real conocido: las mentiras impulsadas por el Gobierno de Bush acerca de la existencia de armas de destrucción masiva en Irak, que luego sirvieron como justificación para iniciar la guerra en ese país.
"Green Zone", a pesar de haberse promocionado como un estreno pochoclero, no tuvo éxito en los Estados Unidos debido a que el género bélico no atrae al público de ese país.
Además, representa una crítica al Ejército y Gobierno Norteamericano sobre su accionar en Irak, algo que a los ciudadanos no le gusta que le recuerden. Ellos prefieren la imagen de héroes que se muestra en "The Hurt Locker".
Paul Greengrass continúa con el característico estilo de dirección de sus dos trabajos anteriores (esa cámara en mano que sacude y una rápida edición), combinando además distintos géneros para lograr mucho más que un film de guerra.
Acción, suspenso, drama, no le falta nada.
Matt Damon ya ha demostrado que el traje de héroe de acción le calza perfecto. Si bien el oficial Roy Miller que interpreta aquí es igual a Jason Bourne, al menos se repite con un personaje ya probado que funciona perfecto.
Lo acompaña un buen elenco, Greg Kinnear ("Little Miss Sunshine") como "el hombre del gobierno", Brendan Gleeson ("In Bruges") como un funcionario de la CIA, Amy Ryan ("Gone Baby Gone") como una periodista y Jason Isaacs ("Harry Potter and the Order of the Phoenix") como el oficial Briggs.
Quien haya disfrutado las dos últimas "Bourne", sin duda también lo hará con "Green Zone".
Entretenida e imperdible, una excelente película, recomendada por alguien que no suele disfrutar el cine de guerra.

Reconozco haber visto y disfrutado (si, y que?), junto a mi mujer, todos los capítulos de esta famosa serie que causó furor entre finales de los años 90 y los primeros años del 2000.
Lo aclaro para que se entienda que el comentario sobre la película viene de alguien que ha seguido la serie a lo largo de seis temporadas, y no de uno que fue arrastrado por su mujer al cine para verla.
Una vez finalizadas las seis temporadas, que se emitieron entre 1998 y 2004, las historias de estas cuatro mujeres habían tenido un buen cierre, dejando conforme hasta a las más fanáticas.
Cuatro años después, aprovechando que el éxito de la serie se mantenía vigente, llegó la primer película que exploraba el único punto interesante que quedaba por tocar: El casamiento de Carrie y Big.
Este era el tema central de aquella primera entrega, donde las otras tres protagonistas acompañaban con conflictos menores. A pesar de una larga duración, resultó entretenida y un gran éxito.
Dos años después, llega una nueva y apurada entrega que confirma que ya no queda absolutamente nada nuevo por contar en la vida de estas mujeres.
Como siempre, el mundo frívolo y ostentoso en el que viven Carrie y sus amigas, donde se destaca la moda por encima de todo, sigue presente y hasta se atreven a mostrarlo de forma aún más exagerada (si es posible).
Pero quienes busquen ver algo más que cambios de vestuario, saldrán defraudados.
A esta altura, conformarse sólo con la nostalgia que produce ver nuevamente en la pantalla grande a estos cuatro personajes, no es suficiente.
Carrie lleva dos años casada con Big y ya tiene su primera crisis de pareja, Miranda decide renunciar a su trabajo para pasar más tiempo con su familia, Charlotte está agotada de la vida de madre y se siente amenazada por su sexy niñera, y Samantha sigue disfrutando de la vida de soltera pero acercándose a la menopausia.
Gracias a una oportunidad de trabajo de Samantha, las cuatro mujeres viajan gratis a Abu Dhabi, donde aprovechan para despejarse de sus problemas.
En este nuevo destino, donde aprovechan para burlarse de la cultura y religión, reaparece forzosamente Aidan (la otra pareja más recordada de Carrie) para intentar aportar un poco de drama sin lograrlo.
El resto de los maridos y amigos gay figuran sólo en una o dos escenas, sin dejar nada nuevo. Y hasta se suman algunos cameos sin sentido de Penelope Cruz, Liza Minelli y Miley Cyrus.
De más está decir que a las "chicas" se le notan los años y el "Sex" de "Sex and the City" que ya había quedado relegado en la primer parte, en esta continuación casi no existe.
Encima gran parte del film se desarrolla en Abu Dhani (algo que no era necesario), por lo que el "City" tampoco está muy presente, haciendo que se pierda el encanto de una ciudad como New York.
Seguramente, en un par de años llegará la tercer parte (con tal de seguir facturando), por más que quienes disfrutaron de esta excelente serie original coincidan que ya es tiempo de dejar a Carrie, Samantha, Miranda y Charlotte en paz.
Una continuación totalmente innecesaria.

Este film francés nos presenta a Stella, una niña de 11 años que vive en París, Francia.
Ella vive con sus padres, quienes son dueños de un bar de clase media. Allí pasa gran parte de su tiempo, rodeada de hombres adultos, jugando al poker y sin recibir una buena educación. Sus padres estan ocupados con sus problemas de pareja y no le prestan mucha atención.
Stella comienza las clases en un nuevo y exclusivo colegio de París, donde intenta adaptarse a las diferencias sociales marcadas por la enseñanza y sus nuevos compañeros. Así conoce a Gladys, una compañera que se irá convirtiendo en su mejor amiga.
A lo largo de un año escolar, ambientada en los años 70 (con una buena banda de sonido y vestuario), vemos los problemas de adaptación a su nuevo colegio, la relación con sus padres, su primer amor y sus amistades.
Todo se muestra desde su punto de vista, con un relato en off que describe como siente lo que le va pasando.
Un drama que tiene buenas actuaciones de Léora Barbara (Stella) y Mélissa Rodriguès (Gladys), con un ritmo interesante y llevadero.
Siguiendo con mi racha de películas francesas, ésta es otra para recomendar.

Este es el primer trabajo de Kevin Smith como director "contratado", a cargo de la dirección y edición, pero no del guión y producción.
El director de "Clerks", "Mallrats" y "Dogma" no aporta nada de su sello a esta floja comedia que podría haber sido dirigida sin diferencia por cualquiera de los muchos directores de "estudio".
Pensada como una típica película de acción/comedia de los años 80, con un dúo de policías como protagonistas al mejor estilo "Arma Mortal" o "48 Hs.", "Cop Out" no logra repetir la fórmula de estos clásicos, fallando en los dos géneros a los que apunta.
Por el lado de la acción hay poco y nada, con solo alguna persecución de autos y tiroteo, demostrando que Kevin Smith no tiene experiencia en este género.
Por el lado de la comedia tampoco engancha, con un flojo guión que remite a varias escenas y frases de viejas películas sin resultar divertido.
Solo la música es un buen homenaje a los clásicos de los 80.
El caso policial que investigan arranca con una tarjeta de béisbol robada, lo que los lleva hasta un ladrón, de ahí a un gangster mexicano y terminan encontrando a una chica secuestrada. A esto se le suman dos historias paralelas donde uno de los policías sospecha que su esposa le es infiel y otra con un par de detectives que investigan el caso de los mexicanos. Al final, es demasiado.
Los policías son Bruce Willis y Tracy Morgan, dos actores muy diferentes que dan una pareja rara.
Willis ya demostró ser bueno tanto para la comedia como la acción, pero acá está muy limitado por su flojo personaje y parece incómodo.
Tracy Morgan, salido de la serie "30 Rock", es exagerado y poco creíble como policía.
Una película que no es de acción, no es comedia, no sé que es..

A pesar de estar basado en un comic de DC Comics, "The Losers" es más parecido a un capítulo de la serie de los años 80 "Brigada A", donde un grupo de soldados (de una de esas "fuerzas especiales") es traicionado y decide vengarse.
Casualmente pronto se estrenará la película basada en esta serie, llamada "The A-Team", con Liam Neeson como Hannibal y Bradley Cooper como Faz.
El grupo élite esta compuesto por soldados con distintas habilidades (un líder o cerebro, un experto en tecnología, uno en armas, otro en vehículos) quienes, junto a una hermosa espía llamada Aisha, deciden buscar y vengar al malvado Max.
Pero en el fondo son buena gente y no les gusta matar por matar, algo que marcan en una de las primeras escenas.
Desde un principio queda claro que esta película no busca ser una producto serio del género, sino que apunta a entretener mezclando secuencias de acción ridículas, algunos momentos divertidos, una linda mujer y un malvado medio gracioso.
Las secuencias de acción están armadas de forma poco creíble y exagerada (al ver el tiroteo en medio de la ciudad sin policías o la escena del avión, se entenderá a qué me refiero), pensadas para un público desde los 13 años, donde no se ve sangre ni muertes.
Las escenas divertidas funcionan bien (a diferencia de otras películas de acción que resultan graciosas sin desearlo), principalmente gracias a Chris Evans ("Fantastic Four"), a quien pronto veremos interpretando a "Captain America".
Evans, a quien le toca el papel de geek, se lleva la mejor escena del film cuando debe infiltrarse en un edificio y lo hace cantando "Don´t Stop Believing" de Journey.
Zoe Saldana interpreta a a la dura y hermosa Aisha, en un rol de acción que le calza perfecto, luego del éxito en sus anteriores trabajos "Avatar" y "Star Trek".
Jeffrey Dean Morgan ("Watchmen") como el líder Clay, Columbus Short como Pooch, Idris Elba como Roque y Óscar Jaenada como Cougar completan el grupo de soldados.
Jason Patric interpreta a Max, un malvado caricaturesco que tiene momentos bizarros como el del paraguas.
Desesperados en Hollywood por crear una franquicia exitosa a partir de cualquiera de estos comics, el final queda abierto para una continuación, la cual dudo que llegue.

Ésta es la vuelta de Jennifer Lopez al cine y a las comedias románticas, luego de un descanso de 4 años tras tener mellizos.
Durante este tiempo su lugar ha sido ocupado por la otra Jennifer... Jennifer Aniston, con quien comparte varias características: las dos son lindas, simpáticas y hacen pésimas comedias.
Revisando algunos de los trabajos realizados por las dos Jennifer tenemos "Monster in Law", "Gigli", "Maid in Manhattan", "The Wedding Planner", "The Bounty Hunter", "Love Happens" y "The Break-Up ", lo que demuestra que entre ambas se han encargado de destruir este género.
La segunda película del estudio CBS films (la primera la comenté hace unos días, "Extraordinary Measures") tiene la dirección de Alan Poul, un director de series de TV en su primer trabajo en cine, y el guión de Kate Angelo, escritora de sitcoms de TV, dando como resultado una mezcla de película para TV con Sitcom.
También hace su debut en un papel protagónico el actor Alex O´Loughlin, quien pasó por dos series canceladas en ese canal, "Moonlight" y "Three Rivers".
Zoe, cansada de no encontrar pareja, decide hacer un tratamiento de inseminación artificial para quedar embarazada. Ese mismo día, conoce a Stan y comienzan a salir.
Le dirá que esta embarazada?
Terminarán juntos a pesar de esto?
No creo que sea difícil adivinarlo.
Una película predecible, con varios momentos ordinarios y nada de comedia.
Otra más y van...
Evitenla, háganme caso.

Antoine Fuqua dirigió hace algunos años el muy buen film "Training Day", que mostraba la relación entre un policía corrupto y un novato. Denzel Washington recibió un Oscar por su interpretación.
Las siguientes películas del director fueron muy flojas, entre ellas "Shooter", "Tears of the Sun" y "King Arthur".
"Brooklyn´s Finest" es el film que mas se acerca a "Training Day", volviendo a meterse en el cine policial con estas tres historias.
Eddie es un policía a punto de retirarse que esta cansado del trabajo y mantiene una relación con una prostituta.
Tango es un policía encubierto que busca salir y tener un trabajo tranquilo de escritorio, pero esta oportunidad se le da a cambio de entregar a un jefe de la droga con el que ha logrado una amistad.
Sal es un policía corrupto buscando robar plata de los narcotraficantes para poder mudarse y darle una mejor vida a su familia.
Estas tres historias ambientadas en Brooklyn son independientes, solo se cruzan los personajes en alguna que otra escena para darle continuidad, pero tienen su desenlace en un mismo lugar donde ocurre una escena de crimen.
El guión no es original, ya que repite la fórmula de muchos otros policiales, pero quienes suelen disfrutar este género igual se engancharán gracias a un buen elenco y a varias escenas de tiros muy bien filmadas.
Las actuaciones están bien, Richard Gere como el policía en retiro, Don Cheadle como el policía encubierto y Ethan Hawke como el policía corrupto.
Wesley Snipes reaparece en una película que no sea directo a dvd, interpretando al jefe de la droga.
Nada que no se haya visto, pero igual entretiene.

Basándose en una historia real ocurrida en Japón entre principios de 1920 y mediados de 1930, Richard Gere produce y protagoniza esta película sobre la relación entre un perro y su dueño.
Estos eventos son trasladados a un pueblo de New England en los años 90, donde un hombre encuentra un perro y, tras convencer a su esposa, lo adopta.
Ambos establecen un fuerte vinculo y el animal lo acompaña ida y vuelta a la estación del tren cada día. Tras la repentina muerte del hombre, el perro continua yendo a la estación a la espera de su dueño, por los próximos 9 años.
Esta actitud del animal inspiro artículos en diarios y una estatua en el lugar donde solía esperar a su dueño.
Todo lo que ocurre en el film se resume en estas lineas, con lo cual uno sabe que esperar.
El perro es el centro de la historia y todas sus escenas están bien logradas.
Pero como no es suficiente para toda una película, se dedica tiempo a la familia del hombre (esposa, hija y marido) con momentos de relleno que no aportan nada.
Las participaciones de Richard Gere, Joan Allen y Jason Alexander solo toman importancia cuando se relacionan con el animal.
El director Lasse Hallström ("What`s Eating Gilbert Grape", "The Cider House Rules") esta acostumbrado a este tipo de cine y hace un buen trabajo sin caer en el melodrama.
Se equivoca con un par de escenas que no encajan, primero poniendo una cámara-perro que muestra la mirada del animal en blanco/negro y luego cuando el perro percibe que algo malo le pasara a su dueño.
Una película que no da para cine, pero la agarras en "Hallmark" y seguro te emocionas.

Entre tantas adaptaciones que se han realizado en la pantalla grande del mítico Robin Hood, las dos que siempre recuerdo son "The Adventures of Robin Hood", de Michael Curtiz con Errol Flynn, y "Robin Hood: Prince of Thieves", de Kevin Reynolds con Kevin Costner.
La razón por la cual estas dos me quedaron es que tenían una buena combinación de aventura, acción, comedia y drama, pero lo más importante, eran películas entretenidas.
Cuando se anunció que Ridley Scott filmaría una nueva versión basada en este héroe, me pareció una unión perfecta.
El director de "Gladiator" volvía así al cine de aventuras luego de su último trabajo en el género realizado en 2005, "Kingdom of Heaven", y quién mejor que Ridley Scott para entregar un entretenido film de aventura, no?
Pero éste no es el Robin Hood que esperaba ver. No pretendía ver al clásico personaje con traje, malla y sombrero verde, pero tampoco algo depresivo.
La idea original de ubicarla como una precuela a la leyenda ya conocida es un acierto, pero es una historia interesante (un poco rebuscada) que por momentos se separa demasiado del personaje.
Si bien parte de la historia esta ambientada en Nottingham y muchos de los personajes conocidos están presentes (Marian, Sheriff, Pequeño John, etc.), no parece que fuera un film sobre Robin Hood.
Lo que uno más espera en este tipo de películas es mucha acción y aventura, pero aquí hay muy poco de eso.
Arranca con una batalla, pero luego debemos esperar casi dos horas (la gran batalla final) para volver a disfrutar de la acción. El bache entre ambas batallas, en donde aparece todo el desarrollo argumental, termina haciéndose demasiado largo.
Estas secuencias de acción están muy bien filmadas y no son sangrientas, aunque hubiera preferido a Robin Hood sólo con arco y flecha, no tanta espada. Más clásico.
En su quinta colaboración con el director, Russell Crowe interpreta a un frío Robin, quien junto a Cate Blanchett, como Marian, logran buenas actuaciones. Quizás están un poco grandecitos para estos roles, considerando que son los inicios de R. Hood.
Mark Strong interpreta nuevamente a uno de los villanos, al igual que en "Sherlock Holmes" y "Kick-Ass", pero lejos del gran trabajo logrado por Alan Rickman en la otra versión de Robin Hood.
Quienes me gustaron son los tres compañeros de Robin, interpretados por Kevin Durand, Scott Grimes y Alan Doyle.
Los últimos minutos del film son los mejores, dándole el pie al comienzo de la leyenda que todos conocemos y hasta dejando abierta la posibilidad de una continuación que no creo que llegue.
En mi opinión, comparándola con otras películas de aventura del director, "Robin Hood" está más cerca de "Kingdom of Heaven" que de "Gladiator", lo cual no es bueno.

La vuelta de Roman Polanski al cine de suspenso, luego de los dramas "The Pianist" y "Oliver Twist", demuestra que el viejo director europeo sabe manejar este género como pocos.
A pesar de sus problemas legales, por los cuales fue arrestado durante la post-producción de este film y no le permitieron asistir al estreno en Europa, el hombre logró terminar este gran thriller político y psicológico que remite al cine de espionaje de los años 50.
Sobre una novela de Robert Harris, autor también de "Enigma", la película nos muestra a un escritor fantasma que es contratado para escribir las memorias del ex-primer ministro inglés Adam Lang y así terminar el trabajo inconcluso de un anterior escritor, quien murió de forma sospechosa. Pero apenas comienza a trabajar, el ex-primer ministro es acusado por crímenes de guerra y el escritor entonces se interesa en descubrir si la misteriosa muerte esta ligada al escándalo político.
La historia presenta dos puntos comparables con acontecimientos reales:
El escándalo político se asemeja al vivido por Tony Blair en la época de Bush, y la imposibilidad del ex-ministro de salir de los Estados Unidos por miedo a ser arrestado es similar a lo que vivió el director en Europa durante todos estos años.
Polanski utiliza más el suspenso psicológico que el físico (solo hay una persecución de autos), a través de la paranoia que sufre el personaje principal a medida que avanza la investigación y se acerca a la verdad. Esto es gracias al uso de una banda sonora acorde que da la sensación de constante peligro.
El misterio esta bien llevado y al menos yo no deduje nada antes de tiempo que me quemara el final.
Quizás la última escena esta de más y creo que se podría haber evitado sin afectar el desenlace de la historia.
El elenco es variado y funciona perfecto, con Ewan McGregor como el escritor, Pierce Brosnan como el ex-primer ministro, Kim Cattrall como la asistente (en un papel distinto a Samantha de "Sex and the City"), Timothy Hutton como el abogado, un irreconocible pelado James Belushi como el agente, y en las dos mejores participaciones: Olivia Williams como la esposa del ex-primer ministro y Tom Wilkinson como Paul Emmett.
El mejor suspenso de la mano del director de "Chinatown" y "Rosemary´s Baby".

Quienes lean periódicamente este humilde blog notarán que no soy un seguidor del cine argentino.
Desde su inicio, si mal no recuerdo, sólo he comentado una producción nacional, "El Secreto de sus Ojos".
Ese excelente film lo disfruté en el cine, ya que sigo a Campanella desde sus inicios y considero que es uno de los pocos directores que te asegura un buen producto que justifica pagar la entrada.
El trabajo de otros pocos buenos directores (Burman, Caetano, Trapero) prefiero verlo una vez editado en DVD y el resto directamente no me interesa.
Seré prejuicioso, pero luego de muchas decepciones con el cine de nuestro país, quedé espantado.
Por el lado de los actores, a Ricardo Darín lo considero EL actor argentino y es el único que logra arrastrarme a un cine. Normalmente pienso, si está Darín...
El nuevo trabajo del director de "Mundo Grúa", "El Bonaerense" y "Leonera" presenta una historia de índole social, decadente y lamentable, pero, a su vez, una realidad cotidiana en nuestro país: El negocio que existe detrás de las indemnizaciones por accidentes de tránsito, que involucra a abogados buitres o "caranchos", médicos y policías corruptos.
Con este tema de trasfondo, ambientada en un barrio del Gran Buenos Aires y desarrollándose mayormente en horas de la noche, es una película acerca del amor, traición y corrupción, que funciona como un "film noir" criollo con varios aspectos clásicos de ese género que tuvo su esplendor en el cine norteamericano de los años 30 y 40.
Hay un gran trabajo de dirección, donde se destacan las escenas de accidentes de tránsito filmadas con una cámara que capta el momento del impacto desde el interior del vehículo.
A diferencia de sus anteriores trabajos, Trapero aquí eligió para el protagónico a un actor reconocido como Ricardo Darín, quien ofrece otra impecable actuación en un papel diferente a lo que nos tiene acostumbrados.
Martina Gusman no se queda atrás logrando otra buena interpretación, en su tercer colaboración con el director (y marido).
Para los papeles secundarios, continúa confiando en actores desconocidos o novatos, entre los que sobresalen el conductor de la ambulancia y el matón del estudio de abogados.
Lo único que me quedó dando vueltas es el final, que no me terminó de cerrar.
Pero este cine nacional me da entusiasmo para seguir viendo un poco más.

Este es el tercer film del director Pierre Morel, un viejo colaborador de Luc Besson, que sorprendió con sus anteriores buenos trabajos "Banlieue 13" (película que comente hace algunas semanas) y la exitosa "Taken" con Liam Neeson.
Acá continúa en el genero de acción, dirigiendo nuevamente una historia escrita por Besson.
Luc Besson se dedica a producir este cine de acción exagerado para muchos seguidores que disfrutan este estilo de entretenimiento.
Por mi parte, si voy a dedicar una hora y media para verla, me cuesta dejar de lado una mala historia y solo disfrutar las escenas de acción.
Se repite la vieja rutina de agente bueno/agente malo que deben trabajar juntos aunque no se llevan bien, pero luego se conocen y todo cambia. Ellos deben detener a un grupo terrorista con un infiltrado en el lugar menos pensado y no hay mucho mas que eso.
Pero como es corta (poco mas de hora y veinte), es suficiente historia para mostrar buenos momentos de acción que es el fuerte de este director, como ya se ha visto en sus anteriores trabajos.
La gran diferencia con su anterior película "Taken" es que allí tenía un protagonista como Liam Neeson que, además de buen actor, sorprendía en el rol de héroe de acción.
Acá tenemos a John Travolta con un look distinto (pelado y barba), haciendo otra de sus interpretaciones sobreactuadas y tirando varias frases ridículas, entre ellas una que hace referencia a su personaje de "Pulp Fiction".
Tampoco hace muchas de sus tomas de acción, en donde se distingue claramente el uso del doble de riesgo.
Su compañero es interpretado por Jonathan Rhys Meyers ("Match Point", "The Tudors"), imitando mal un acento norteamericano.
Una mas de estas en donde lo único que entretiene es la acción.

Este film francés fue ganador del Grand Prize en el Festival de Cannes, estuvo nominado como Mejor Película Extranjera en los Globos de Oro y quedo seleccionado entre las 5 candidatas para los próximos Oscar en el rubro Mejor Película Extranjera.
Malik es un convicto árabe-francés sentenciado a 6 años de prisión. A pesar de mantener un bajo perfil, el grupo de los Corsos lo obliga a asesinar a otro convicto, en una escena muy sangrienta. De aquí en mas, Malik consigue la protección de los Corsos y su líder, Cesar, quienes están enfrentados con el grupo de los árabes. Cuando Malik es autorizado a salidas diarias de la cárcel, no solo colabora con los Corsos dentro de la cárcel, sino también en el exterior manejando los intereses criminales del grupo. Pero Malik tiene sus propios negocios con la droga que le van dando poder dentro de la cárcel.
Al igual que en otras películas de prisión, se muestra la corrupción, los negocios y la pelea por el control de los bandos. Pero la película cuenta una historia distinta dentro de este subgénero, que puede resultar un tanto confusa con tanto nombre dando vuelta.
El film tiene una duración de dos horas y media, y se mantiene interesante aunque le sobran algunos minutos.
Jacques Audiard, director de "De battre mon coeur s'est arrêté" con Romain Duris y "Sur mes lèvres" con Vincent Cassel, realiza un buen trabajo de dirección mostrando este mundo entre rejas. Hay muchas buenas escenas, pero destaco la de Malik asesinando a otro convicto y la de Malik asesinando a unos hombres en las calles de París.
Tahar Rahim, en uno de sus primeros trabajos, interpreta a Malik El Djebena logrando una actuación muy convincente del joven convicto que va ganando poder.
No se si se merece tanto premio y reconocimiento, pero es otra buena muestra del cine francés.

Tras el sorpresivo éxito mundial de "Iron Man", tomando en cuenta que es uno de los personajes menos conocidos de Marvel, rápidamente se puso en producción la segunda parte que se estrena sólo dos años después.
Considerando que no hubo un guión terminado antes de comenzar a filmar esta continuación, el resultado es bueno aunque no tan entretenido como su primer parte.
Quienes vayan buscando una película de pura acción se van a desilusionar, ya que en esta nueva entrega la historia se enfoca más en el millonario Tony Stark que en el superhéroe Iron Man.
Obvio no faltan las buenas secuencias de acción, pero son sólo tres (una al principio, una a la mitad y otra al final) lo que resulta poco para un film pochoclero como éste.
Por el lado de la historia, hay demasiado tema metido en las dos horas de duración.
Tras haber revelado su identidad secreta al final de la primer parte, Tony Stark es presionado por el Gobierno (encabezado por un senador interpretado genialmente por Garry Shandling) para que entregue su novedosa tecnología al Ejército. A ésto se le suma un millonario rival que tiene sus propios intereses, una nueva asistente que oculta otra identidad, un inventor ruso que quiere venganza, un problema tecnológico que afecta la salud de Stark y algunos temas no resueltos con su fallecido padre.
Ésto hace que haya demasiados personajes dando vueltas (mas allá de contar con un gran elenco), algo similar a lo que pasó con "Spider Man 3".
Robert Downey Jr. vuelve a lucirse en el papel del millonario, aportando su carisma y talento, lo que permite hacer llevadera la historia cuando no lo encuentra disfrazado de hombre de hierro.
Gwyneth Paltrow tiene menos escenas que en la anterior y es una pena, por la buena química que tiene con Downey Jr.
Don Cheadle reemplaza a Terence Howard en el rol de Rhodey, a quien esta vez le toca participar en las escenas de acción.
Mickey Rourke mantiene su típico look para interpretar al malvado ruso Ivan Vanko.
Scarlett Johansson está de más, creo que sólo la incluyeron para presentar el personaje y poder meterla en futuros films de Marvel. Como asistente no aporta nada y como la Viuda Negra sólo tiene una escena de acción. Quizás interpretado por Emily Blunt, como se había pensado originalmente, hubiera sido más interesante.
Completan el elenco Sam Rockwell como el millonario rival y Samuel L. Jackson en una nueva aparición como Nick Fury.
El entretenimiento que más esperaba llegó en la ultima media hora con varias secuencias de acción que me hicieron salir del cine conforme con el resultado final.

Estamos frente a otra de esas comedias románticas que Hollywood nos tiene acostumbrados, donde resulta imposible encontrar algo nuevo o al menos algo que no hayamos visto muchas veces ("500 Days of Summer" es la única excepción en un largo tiempo).
La historia de una mujer que decide sorprender a su novio viajando a Dublín, Irlanda, para pedirle casamiento (impulsada por una ridícula tradición), pero gracias al mal tiempo termina en el pueblo de Dingle. Allí conoce a un malhumorado joven, a quien convence de llevarla hasta Dublín a cambio de dinero.
Juntos, estas dos personas (que se detestan) inician un viaje en el que les esperan varios problemas, lo que les dará tiempo para conocerse y ya se imaginan el resto...
Uno no encontrará nada original en esta típica historia de dos desconocidos en viaje (escrita por los mismos autores de la horrible "Surviving Christmas"), con situaciones predecibles y clichés por todos lados.
Como ejemplo, no falta el momento en el que ambos deben simular estar casados para conseguir una habitación, la cual obvio tiene una sola cama, y terminan viéndose obligados a besarse frente al resto de los huéspedes del alojamiento.
El director Anand Tucker ("Shopgirl", "Hilary and Jackie") al menos aprovecha los hermosos paisajes naturales de Irlanda para ambientar la travesía.
Pero lo que rescata al film de todas las otras comedias del estilo es la presencia de Amy Adams.
Adams tiene un gran encanto y simpatía, que permiten que se luzca inclusive en papeles como éste. Una excelente actriz que cumple en roles dramáticos ("Junebug", "Doubt") y comedia ("Julie & Julia", "Enchanted").
Su compañero es Matthew Goode ("Match Point", "Watchmen"), quien acompaña bien como el irlandés malhumorado, logrando buena química con ella.
Además hay pequeñas apariciones de John Lithgow (Arthur Mitchell en "Dexter") como el padre y Kaitlin Olsen ("It`s Always Sunny in Philadelphia") como la amiga.
Zafa por Amy Adams, pero si querés ver una buena de éstas, mirá "It Happened One Night".

Ésta es la primera producción para cine del estudio CBS films, ligado al exitoso canal de TV de los Estados Unidos, lo cual queda reflejado en el resultado con una película más para canal del cable que para la pantalla grande.
Con esto no digo que sea regular o mala, es una historia basada en hechos reales, inspiradora y hasta emocionante en algún punto, pero creo que se podría haber logrado algo más a partir de la historia original.
John Crowley es un exitoso hombre de negocios que decide, junto a su esposa, destinar su vida a encontrar una medicación que ayude a sus dos hijos a lidiar con una enfermedad neuromuscular llamada Pompe. Así encuentra a un renombrado Doctor con quien arma una empresa dedicada a la investigación y creación de una medicación para la enfermedad.
Si suena conocida es porque tiene algo de "Lorenzo`s Oil", aquel film con Nick Nolte y Susan Sarandon sobre unos padres que buscan una cura para la rara enfermedad de su hijo.
Aquí no se enfoca tanto en la investigación científica y la lucha de los padres, sino más en los problemas que deben enfrentar contra los ejecutivos de las grandes corporaciones, resaltando el contraste entre quienes buscan una solución a la enfermedad y quienes buscan un producto que sea exitoso comercialmente.
El punto más flojo es la elección del director y los actores principales.
Tom Vaughan, quien antes dirigió la comedia "What Happens in Vegas", le da un tono melodramático buscando la lágrima fácil.
Brendan Fraser interpreta al padre (poniendo cara de triste continuamente) y demuestra que está más para comedias infantiles como "George of the Jungle" o "Dudley Do-Right".
Harrison Ford continúa haciendo una película cada uno o dos años sin esmerarse mucho, lejos del exitoso actor que alguna vez fue.
A esperar que se estrene en Hallmark.

El realizador argentino Nicolás Entel consiguió que Sebastián Marroquín, hijo de Pablo Escobar Gaviria (líder del Cartel de Medellín), accediera por primera vez a dar su testimonio acerca de lo que significó crecer al lado del narcotraficante más importante de los años 80.
El documental presenta dos lineas narrativas. La primera (y más interesante) detalla la historia del zar de la droga desde la mirada de su hijo. Con una gran cantidad de material de archivo inédito (fotos, videos, grabaciones), sumado a los testimonios de María Isabel Santos (viuda de Escobar) y familiares de víctimas, se describe el ascenso y caída de este hombre: los comienzos, la fortuna, el ingreso a la política, los crímenes cometidos, la persecución, el paso a la clandestinidad y, finalmente, la muerte. La segunda linea narrativa muestra el acercamiento y encuentro entre Sebastián Marroquín (antes Juan Pablo Escobar) y los hijos de políticos asesinados por orden de su padre. Un intento de reconciliación meritorio que resulta un tanto forzado.
"Pecados de mi Padre" es un documento valioso sobre un personaje violento y ambicioso, contado por alguien que lo vivió y sufrió de cerca.

El reconocido diseñador Tom Ford (trabajó en Gucci e Yves Saint Laurent) hace su debut como realizador en cine, con este film sobre un profesor universitario deprimido tras la muerte de su pareja.
El único contacto de Ford con el cine había sido como encargado de vestuario de "Quantum of Solace", la última película de James Bond, pero en "A Single Man" se arriesgó no sólo a dirigir, sino también a co-escribir el guión y a co-producirlo.
Desde el inicio se nota que estamos frente a un hombre obsesionado con la estética y lo visual.
Cada detalle esta súper cuidado: la ambientación de los años 60, el vestuario, la música y la fotografía, creando un film impecable y visualmente hermoso.
El contraste entre los colores opácos y cálidos permite diferenciar las escenas actuales de los flashbacks.
La dirección de actores también es excelente, con cuatro personajes que se destacan.
Colin Firth se aleja de las comedias románticas para lograr el mejor papel de su carrera.
Su interpretación de George, un hombre que sufre la pérdida de un ser querido, le valió el Premio a Mejor Actor en Venecia y los BAFTA, además de una Nominación a los Premios Oscar, Globo de Oro y SAG entre otros.
Matthew Goode interpreta a la pareja fallecida, Julianne Moore a la amiga alcohólica y Nicholas Hoult (el ya crecido chico de "About a Boy") a un alumno.
La historia quizás es el punto mas flojo, un tanto lenta y melancólica.
Aún así el balance general es positivo, gracias a un gran trabajo de un prometedor nuevo director.

El propio director definió perfectamente su película: es "Love Actually" a la italiana.
El film inglés del director Richard Curtis tiene muchos puntos en común con esta comedia romántica italiana que recaudó más de 12 millones de euros y fue vista por más de 2 millones de espectadores en su País.
Fausto Brizzi dice que su película habla sobre "dejar y ser dejado", algo que según el director "se sufre desde adentro pero es muy divertido desde afuera".
Una buena forma de describir este film donde se mezclan varias historias ambientadas en Roma, París y Nueva Zelanda, y habladas en italiano, francés e inglés.
Con un estilo similar a otras comedias italianas como "Manuale d´amore" y "L´ultimo bacio", las historias de estas seis parejas (que a su vez se interconectan entre ellas) se desarrollan entre Navidad y el Día de San Valentín.
Filippo y Caterina son un matrimonio en medio de un divorcio, quienes luchan por "no" quedarse con la custodia de sus hijos.
Luca, también separándose de su mujer, decide irse a vivir con su hijo y así tratar de sentirse joven a pesar de sus 50 años.
Sergio, un divorciado mujeriego, debe hacerse cargo de sus dos hijas adolescentes tras la repentina muerte de su ex mujer.
Elisa esta a punto de casarse con Corrado, pero se encuentra con un viejo amor: el cura que los va a casar.
Giulia y Marc deben aprender a mantener una relación a distancia cuando ella es trasladada por trabajo a Nueva Zelanda.
Paolo debe lidiar con las amenazas del ex-novio de su actual pareja, un policía que busca reconquistarla como sea.
Acompañadas de una excelente banda de sonido, todas estas historias están bien balanceadas y tienen sus buenos momentos, destacándose las de Elisa-Corrado, Giulia-Marc y Paolo-Monique.
El conjunto de actuaciones es muy parejo, sobresaliendo en sus papeles Flavio Insinna como el Cura y Fabio De Luigi como el novio amenazado.
Habiendo visto hace pocos días "Valentine`s Day", ambas películas repiten el mismo formato con resultados muy distintos. La italiana cuenta con un muy buen guión acompañado de buenas actuaciones, mientras que la versión norteamericana se preocupa mas por mostrar actores famosos sin darle importancia al guión.
Una gran comedia que te saca una sonrisa de principio a fin.

Parte de esta historia es basada en hechos reales ocurridos en el ejercito de los Estados Unidos y cuesta creer que algo tan bizarro como esto pueda tener algo de cierto.
Grant Heslov, quien ya trabajo con Clooney en "Good Night and Good Luck", dirige esta sátira sobre la guerra con algunos momentos divertidos pero muy delirante.
Una película que tiene mucho de los hermanos Coen, sobre un grupo militar que entrena hombres para convertirlos en "Guerreros Jedi" osea, capacitados para utilizar poderes paranormales.
La trama tiene muchos puntos ridículos y llegando al final no encuentra una buena forma de cerrar la historia.
Tiene un buen elenco encabezado por George Clooney quien interpreta a Lyn Cassady, un soldado formado por este grupo especial quien cree contar con muchos poderes paranormales. Otro buena actuación del actor en un tono satírico.
Jeff Bridges interpreta al guru creador del programa militar, un personaje muy similar a "The Dude" en "The Big Lebowsky".
Ewan McGregor interpreta al periodista y Kevin Spacey a otro líder militar, volviendo a mostrar a estos actores en papeles interesantes.
El resultado es medio raro y a pesar de las buenas actuaciones, no me terminó de convencer.

En el cine de aventuras/acción pareciera que ya no es tan importante presentar una historia interesante acompañada de buenas secuencias de acción, sino más preocuparse por diseñar las escenas de acción primero y luego ver en que contexto se pueden presentar para que enganchen al público pochoclero que las disfruta.
Esta es una remake de un film de 1981 con el mismo nombre, del cual no se respeta tanto la historia original pero sí la época y escenario como una buena excusa para plantear la acción.
Mezclando mitología griega y un alto grado de fantasía, se presenta a Perseo quien, junto a un grupo de guerreros, recorre un largo camino buscando derrotar a Hades.
El director Louis Leterrier, quien dirigió otros trabajos de acción como "The Transporter" y la última "The Incredible Hulk", dedica poco al desarrollo de los personajes y prefiere enfocarse en la acción, haciendo que los momentos en donde no la hay se conviertan en baches eternos.
El uso de la tecnología actual en materia de efectos debería ser el principal logro en comparación a los antiguos efectos utilizados en la original pero, si bien hay secuencias bien logradas, en general las escenas de peleas son artificiales y poco creíbles.
El otro problema tecnológico es la utilización del 3D en el film.
Tras el éxito impresionante de "Avatar", los productores decidieron convertirla de 2D a 3D a solo 4 semanas de su estreno, pensando que el nuevo fenómeno 3D ayudaría en la venta de tickets.
A diferencia de "Avatar", en donde Cameron pensó el film en 3D mientras lo filmaba, aquí la conversión fue muy criticada y considerada como la peor muestra de esta nueva tecnología.
Sam Worthington continúa en camino a convertirse en el nuevo héroe de acción, luego de sus trabajos en "Terminator Salvation" y "Avatar", interpretando a Perseo.
Mads Mikkelsen ("Quantum of Solace") forma parte del grupo de guerreros bronceados que lo sigue.
En papeles secundarios hay dos actores reconocidos como Liam Neeson (Zeus) y Ralph Fiennes (Hades).
Quizás no soy el más indicado para comentar una película de aventuras ya que no suelo disfrutarlas, pero creo que ésta es solo para fanáticos del genero.

Hace años que todas las novelas del autor Nicholas Sparks se vienen adaptando al cine y la mejor fue "The Notebook", que funcionó porque fue una de las primeras en adaptarse y tenía una excelente pareja principal en Ryan Gosling y Rachel McAdams.
El problema con sus siguientes novelas fue que comenzó a repetirse con ciertos clichés que terminaron convirtiéndolas en melodramas parecidos y "Dear John" es una nueva prueba de esto.
El otro día leí un articulo que marcaba las similitudes entre tres de sus novelas ("The Notebook", "A Walk to Remember" y "Dear John") y la verdad es que el autor no tiene mucha imaginación o bien sabe que ésta formula va directo a cine.
Las tres parejas principales son blancas, la chica es rica y el chico es pobre, tienen un obstáculo que los separa (Padres, Estatus Social, Guerra) y algún personaje sufre una grave enfermedad (Alzheimer, Leucemia, Cáncer). Inclusive los posters tienen la misma onda.
Por más que suelo disfrutar un buen drama romántico, acá todo resulta muy previsible y por ende para el olvido.
John y Savannah se conocen y enamoran en solo dos semanas (montaje y musiquita mediante).
Pero John es un soldado y debe reincorporarse al ejército para ser enviado a la guerra. Así comienza un intercambio de cartas entre los tortolitos hasta su vuelta.
Cuando parece ser que triunfará el amor, ocurre el ataque terrorista del 11/9 y John decide continuar en el ejército. Acá no se pierde oportunidad para mostrar el espíritu patriota de los soldados norteamericanos.
En este tramo se enfoca demasiado tiempo en el personaje de John y se olvida de Savannah hasta el último acto, donde se cierra la historia con momentos tristes y previsibles.
El director Lasse Hallström es un especialista en dramas ("The Cider House Rules", "Chocolat", "The Shipping News") y sabe como filmar este tipo de historias. A pesar de no contar con un buen guión, arma bien las escenas románticas con esa típica musiquita.
La pareja principal esta interpretada por Channing Tatum (un actor poco expresivo y más del cine de acción) y Amanda Seyfried, quien parece perfilarse como la nueva revelación luego de su paso por la serie "Big Love" y el éxito de "Mamma Mia!".
El excelente Richard Jenkins y aquel pequeño Elliot de E.T., Henry Thomas, acompañan en roles secundarios.
Si viste una de éstas, ya viste todas.

Acostumbrado a ver muchas de estas películas románticas sin que ninguna me sorprenda o siquiera me guste (la única que rescato de este ultimo tiempo es "(500) Days of Summer"), ya arranco sin esperar absolutamente nada.
Este es un melodrama romántico con una pareja protagónica con cero química, interpretada por Aaron Eckhart y Jennifer Aniston.
La historia es poco original, hombre sufrido que perdió a su esposa y mujer que no encuentra el amor, pero así y todo la primer hora de película es aceptable.
Cuando llega el momento de cerrar la historia definitivamente se convierte en mala, con un final de novela muy sentimentaloide y repetido.
El personaje de Aaron Eckhart guarda una revelación que se ve venir 20 minutos antes y la aparición el suegro aporta un momento meloso como pocos.
A esto se le suma que la ultima escena "romántica" esta incluida en el trailer, redondeando un pésimo final.
Aaron Eckhart hace lo que puede en el papel del guru de auto-ayuda sufrido. Un actor que mezcla buenas interpretaciones en films como "The Dark Knight" o "Thank you for Smoking", con papeles románticos flojos como este o en "No Reservations".
Jennifer Aniston interpreta una vez mas a... Jennifer Aniston. Por mas linda que sea, es una actriz que siempre esta igual con su corte de pelo "friends" y los mismos tics.
Dan Fogler, como el representante y amigo de Burke, es el personaje mas simpático del film.
Una película floja con un final horrible.

Este es el tercer film del director Richard Kelly, su primer film "Donnie Darko", sobre un adolescente que tiene visiones de un conejo gigante, fue un éxito en el cine independiente.
Sus tres películas ("Donnie Darko", "Southland Tales", "The Box") han generado en el publico opiniones muy encontradas, algunos consideran que sus trabajos son excelentes y otros que son un desastre. Principalmente se debe a que sus guiones son raros y no es un cine para todos.
Basado en el corto "Button, Button" de Richard Matheson, que fue adaptado para un capitulo de la serie "Twilight Zone", "The Box" mantiene el mismo estilo de la serie por el tipo de historia, la ambientación y la música.
Arranca con una propuesta interesante, mas allá que el concepto de la caja es ridículo, en donde se le plantea a una pareja ganar un millón de dolares a cambio de condenar a muerte a un desconocido. El film "Indecent Proposal" proponía un tema similar, si uno dejaría que su mujer durmiera con otro hombre por un millón de dolares, aunque no tan dramático como este.
El primer acto muestra una buena película de suspenso pero, como es de esperar en un film de este director, luego se convierte en una película de ciencia ficción con mucha escena rara y sin sentido. Si bien se mantiene la historia, por momentos se dispara con escenas como la de la biblioteca que te descuelgan totalmente.
El momento en que los padres deben tomar una decisión que involucra el futuro de su hijo también es delirante.
Frank Langella interpreta al misterioso Arlington Steward, con un look "two faces", el personaje mas interesante de la película.
Como dije antes, no es un cine para todos.

Los dos comediantes más reconocidos de la TV norteamericana, Steve Carell ("The Office") y Tina Fey ("30 Rock"), comparten su primer protagónico juntos en esta típica comedia de acción.
A pesar que los dos tienen una carrera cinematográfica despareja, el haberlos juntado representa el principal acierto de esta película, ya que ambos cuentan con mucho carisma y timing para la comedia.
Juntos interpretan a un matrimonio con hijos, atrapado en la rutina luego de varios años de casados.
Esta situación, con la que muchas parejas se identificarán, ofrece algunos de los pocos momentos divertidos gracias al trabajo de estos dos comediantes.
Igualmente creo que están desaprovechados, atados a una flojo guión que no les permite aportar mucho.
Por suerte, el director compacta todo en una hora y veinte minutos, mezclando comedia, algunas escenas de acción y la aparición de varios actores reconocidos en roles pequeños.
Shawn Levy, quien ya había reunido un elenco variado en las dos "Night at the Museum", consigue aquí las participaciones de Mark Wahlberg, Ray Liotta, Mark Ruffalo, James Franco y Mila Kunis entre otros.
Si bien supera el bajísimo nivel de otras recientes comedias, como por ej. "The Bounty Hunter" o "Did you hear about the Morgans?", mantiene ese clásico humor norteamericano que a mí no me entretiene.
Es más, los errores de filmación del final son los que más sonrisas me sacaron.

Tras haber comentado "Carancho" hace pocos días, en donde describí mis sentimientos por el cine nacional, decidí darle una oportunidad al nuevo trabajo de Daniel Burman, otro de los pocos directores argentinos que me permito ver.
Ninguno de sus anteriores trabajos ("El Nido Vacío", "Derecho de Familia", "El Abrazo Partido") me parecieron gran cosa, pero considerando el bajo nivel cinematográfico que solemos tener en nuestro país, Burman fácilmente se destaca.
Como ya he dicho anteriormente, este no es un cine por el que pagaría una entrada, por eso, sin prestar atención a las muy buenas críticas que recibió por parte de la prensa, esperé a verla en la comodidad de mi hogar.
En "Dos Hermanos", no fue únicamente el director el que me atrajo, sino la posibilidad de ver a Antonio Gasalla en un rol dramático, algo distinto y poco común.
Gasalla nunca tuvo una carrera interesante en el cine, más allá de su gran trabajo en la genial "Esperando a la Carroza", por eso seguramente este papel representó un desafío para el reconocido actor de comedia.
Junto a Graciela Borges interpretan a dos hermanos con una conflictiva relación de amor-odio, quienes se acercan tras la muerte de su madre.
Esta relación es el punto fuerte del relato y, gracias a sus interpretaciones, lo que mantiene a flote la película.
Las escenas más logradas son las que ambos comparten, entre ellas la del velorio, el coctel y el cumpleaños, donde se marca el contraste entre sus personalidades opuestas.
Resulta difícil definirla dentro de un sólo género, diría que es un drama con un poco de humor negro.
Una historia un tanto deprimente, con momentos densos que aburrirán a más de uno, que tiene como principal acierto la elección de estos dos actores para sus roles principales.
Graciela Borges, como una mujer manipuladora y ventajista, y Antonio Gasalla, como un hombre sensible y dominado, construyen dos personajes interesantes dentro de un relato que no ofrece mucho más.

A pesar de ir preparado para lo peor (gracias a miles de criticas que la mataron y los horribles trailers/posters que tiene), no dejo de sorprenderme como siguen estrenándose películas desastrosas como ésta.
Una pareja divorciada que se odia vuelve a encontrarse cuando ella se convierte en prófuga, al no concurrir a una cita con un juez, y él es el encargado de atraparla. No hace falta aclarar como termina...
A esto se le suma una historia de unos delincuentes que los persiguen, algo que podrían haber evitado y así ahorrarnos 15/20 minutos de sufrimiento.
El director Andy Tennant continua eligiendo estos pésimos guiones para seguir sumando malos films a su carrera, junto a otros como "Fool´s Gold", "Sweet Home Alabama" y "Fools Rush In".
Jennifer Aniston sigue repitiéndose en estos malos papeles, donde no logra demostrar nada como actriz, y lo peor es que aún tiene otras tantas por estrenar como ésta. Acá solo muestra lo bien que le queda un vestido ajustado.
Gerard Butler viene pasando entre malos trabajos de acción ("Gamer", "Law Abiding Citizen") y malos trabajos de comedia ("The Ugly Truth"), pero éste género es lo que peor hace.
Ojalá ambos cobren muchísima plata por aceptar roles así.
Con tantas como ésta que se estrenan es difícil elegir, pero "The Bounty Hunter" es el peor estreno del 2010.
Y si alguien me pregunta por qué sigo viendo este tipo de películas, mi respuesta es que lo hago para poder escribir mi comentario acá y prevenir que otros pierdan tiempo/plata en algo así.

Desde el estreno de "The Blair Witch Proyect" hace 10 años, Hollywood viene abusando de este recurso de "material encontrado" o "material de archivo" para atrapar publico, intentando darle mayor realismo a las historias de terror/suspenso que cuentan los films.
En el 2009 se estreno "Paranormal Activity" que utilizaba este método y, aunque uno sabia que no fue real, el resultado era muy impresionante.
"The Fourth Kind" tuvo la contra de estrenarse en el mismo tiempo que "Paranormal Activity", siendo opacada seguramente porque el publico se cansa de ver el recurso utilizado una y otra vez.
"The Fourth Kind" es mitad documental/mitad película, mezclando supuesto material de archivo con recreaciones filmadas por el director.
Ocurrido en Alaska, la psicóloga Abigail Tyler grabo sesiones donde sus pacientes relatan los supuestos contactos extraterrestres que tuvieron y los efectos sufridos por este fenómeno. También, el director Olatunde Osunsanmi entrevisto a Tyler, quien da su testimonio sobre lo ocurrido en el pueblo y la supuesta desaparición de su hija.
Todo este material se va mostrando en pantalla partida con el objetivo de darle mas realismo al film. De hecho, la película arranca con una introducción de la actriz Milla Jovovich aclarando que todo es verdad, lo que se repite al final con el testimonio del director y la actriz nuevamente.
Osea, se esfuerzan para hacerte creer que todo esta basado en hechos reales.
El mix entre el material de archivo, la entrevista a Tyler (que carita tiene esa mujer) y las recreaciones esta bien armado, y te saca un par de escalofríos.
Las actuaciones son bastante flojas, sobre todo la de Will Patton como el sheriff.
Esta claro que todo es mentira, pero si uno se permite creer un poco en el tema la va a disfrutar mas.

"Brothers" es la remake norteamericana de la película danesa "Brodre", sobre la cual escribí mi comentario hace un tiempo... http://martinocine.blogspot.com/2009/11/brdre.html
El director Jim Sheridan ("My Left Foot", "In the Name of the Father", "The Boxer") respeta la versión original a rajatabla y no la destruye como suele pasar con las remakes que se hacen en Estados Unidos.
La única razón para rehacerla es acceder al publico norteamericano, que no suele ver cine extranjero subtitulado.
Habiendo visto "Brodre" hace poco tiempo y considerando que la mayoría de las escenas se repiten tal cual son en la original, no me aporto nada nuevo. Muchos de los comentarios que hice sobre "Brodre", también se aplican a esta.
La versión original es superior principalmente por el elenco elegido.
En esta versión norteamericana los tres actores principales son muy jóvenes, lo que le quita realismo a la historia.
Natalie Portman, a pesar de tener una buena actuación, le faltan un par de años para interpretar a la madre de dos nenas. Jake Gyllenhaal tiene demasiada cara de bueno y blando para el rol del hermano ex-delincuente.
Tobey Maguire logra la actuación mas convincente de los tres, como el soldado trastornado tras volver de la guerra. Maguire es un buen actor, que le cuesta encontrar roles luego de quedar encasillado con las tres "Spiderman".
Considerando los desastres que suelen ser las adaptaciones norteamericanas del cine extranjero, esta versión es muy fiel a la original, aunque para ver una recomiendo la danesa.

El género Comedia Romántica esta desgastado y es muy difícil encontrar una película original, que se diferencie de las tantas que se hacen por año.
Todas repiten la misma formula y uno ya sabe que va a a pasar con solo ver el trailer.
Este film no había logrado aun estrenarse en los cines, a pesar de haber sido filmada hace un tiempo, lo cual da la pauta que no es gran cosa.
Una historia de amor entre una mujer y un chico bastante menor que ella, pero con todos los ingredientes repetidos de otras románticas.
Al principio, hay una escena bastante ordinaria de una cita entre C.Z. Jones y uno de los "Dukes de Hazzard" y parece que así va a ser toda la película, pero luego encara para el lado màs romántico y deja ese tipo de chistes.
Igualmente es más de lo mismo, utilizando viejos recursos como el montaje que avanza varios años, resultando todo muy previsible.
Catherine Zeta-Jones continua con su racha de malas películas ("Death Defying Acts", "No Reservations" y "The Legend of Zorro"), pero es una buena actriz y este papel le queda bien.
Justin Bartha aporta lo suyo con un personaje simpático.
Nada que no se haya visto.

Esta es la nueva película de los hermanos Hughes, su primer trabajo desde el estreno en 2001 de "From Hell" con Johnny Depp.
Ambientada en un Estados Unidos post-apocalíptico, es inevitable su comparación con "The Road", otra estrenada hace poco con la misma temática.
Pero "The Book of Eli" es un producto mas pochoclero que "The Road" y por ende mas entretenido.
La historia es muy básica, Eli es un hombre solitario que se dirige hacia el Oeste trasladando un libro sagrado. Cuando cruza un pequeño pueblo se encuentra con Carnegie, un malvado hombre que controla el suministro de agua y de esa forma controla al pueblo. Carnegie se entera que Eli lleva el libro y sale junto a su banda en busca de ese valioso objeto y de Solara, la hija de Carnegie que huyó con él.
Quien haya disfrutado films como "The Road Warrior" seguramente se enganchará con ésta.
Las escenas de acción están muy bien dirigidas y no faltan peleas, tiros y explosiones como en aquella película con Mel Gibson.
También es impecable el uso de efectos para la creación de ciudades destruidas como San Francisco.
Me sorprendió la vuelta de tuerca en el final, algo original mas allá que si luego uno repasa mentalmente lo visto hay cosas que no encajan.
El héroe y villano están interpretados por dos grandes actores como Denzel Washington y Gary Oldman.
Washington con poco diálogo se la banca bien como héroe de acción y Oldman es ideal para papel de malo.
Mila Kunis interpreta a la hija de Carnegie, una actriz muy chiquita para estos roles de acción.
Hay también pequeñas participaciones de Tom Waits y Malcolm McDowell.
Con todos los elementos de un western, pero moderno.

Luego de muchos años, Robert De Niro vuelve a brillar en un rol dramático interpretando a un padre exigente que intenta reencontrarse con sus hijos.
De Niro es uno de los mejores actores de la historia y a esta altura no necesita demostrar nada, pero en los últimos 15 años parecía estar cansado de su profesión, eligiendo papeles por el solo hecho de trabajar.
Sus películas en estos años fueron en su mayoría olvidables ("Righteous Kill", "Hide and Seek", "Meet the Fockers", "Godsend", "Showtime", por solo nombrar algunas de las ultimas), y si bien tuvo algunos trabajos rescatables ("Analyze This", "The Score", "15 Minutes", "Wag the Dog", "Heat"), ninguno de estos lo mostraban como en su mejor época entre 1970-1990.
El nuevo trabajo del director Kirk Jones ("Waking Ned Devine") es una remake del film italiano de 1990, "Stanno Tutti Bene", en donde De Niro interpreta el personaje que antes realizó Marcello Mastroianni.
De Niro es Frank Goode, un hombre viudo a quien le cuesta conectar con su familia tras la muerte de su esposa.
Cuando sus hijos cancelan a ultimo momento una esperada reunión familiar, Frank decide encarar un viaje y sorprender a cada uno de ellos.
Frank siempre ha sido exigente y a medida que va reencontrándose con sus tres hijos descubre que no se muestran como realmente son.
A pesar de no haber un gran desarrollo de personajes sobre los hijos, se nota que cada uno tiene sus problemas y los ocultan al padre.
Drew Barrymore, Kate Beckinsale y Sam Rockwell cumplen bien los roles de los hijos.
La primer hora y cuarto de película es muy buena, mostrando el viaje de Frank vía tren o colectivo por distintas ciudades, las situaciones que vive (sus charlas con desconocidos, las fotos que saca, el problema con su medicación) y los encuentros con sus tres hijos.
El director utiliza "flashbacks" cuando el padre recuerda momentos con sus hijos aun chicos. Esto lleva a una linda escena de un almuerzo familiar.
La ultima parte se pone mas sentimental, con algunos momentos tristes.
El film incluye un buen tema compuesto por Paul McCartney para cerrar una linda pelicula sobre relaciones familiares.

Todos los años se estrena en Estados Unidos al menos una de estas películas "para sentirse bien", basadas supuestamente en hechos reales y con alguna historia relacionada al deporte.
"Invincible" (2006), "Glory Road" (2006), "The Greatest Game Ever Played" (2005), "Miracle" (2004), "The Rookie" (2002) y "Remember the Titans" (2000) son algunos ejemplos de esto.
El problema es que los estudios de Hollywood agarran estas historias y las transforman en un producto inspirador repleto de clichés.
Todos los personajes están amoldados para caer bien, la familia rica perfecta que adopta al pibe humilde, tímido y buenito que da lastima.
A pesar de ser una película sobre un deportista, esta mas enfocada en el melodrama de su vida que en el deporte.
Hay muchas escenas poco reales o exageradas, como cuando leen cuentos en la librería, cuando tienen el choque, cuando el chico ataca a los amigos del barrio, cuando la madre se enfrenta con los dealers de droga, etc., etc.
Tampoco falta el nene menor de la familia, muy irritable y sobreactuado, que le enseña las reglas del deporte y participa de las negociaciones con las universidades. Demasiado.
Sandra Bullock esta recibiendo rumor de Oscar por esta interpretación de la mujer rica, perfecta y coqueta, si bien es una de sus mejores actuaciones no creo que sea para tanto.
La actuación de Quinton Aaron se limita a poner cara triste y practicamente no hablar en toda la película.
Seguramente la historia real es muy buena, pero está demasiado adaptada a Hollywood.

Aclaro de arranque que a pesar de ser una película de animación, no es para un publico infantil.
En Estados Unidos fue calificada prohibida para menores de 13 años, lo cual esta bien ya que chicos menores de esa edad se pueden pegar algunos sustos.
Evidentemente Tim Burton eligio producir este trabajo porque se sintió identificado, ya que el estilo de animación y arte de este film (oscuro y depresivo) es similar al de "Corpse Bride" que Burton dirigió.
Algo totalmente distinto a las películas de Pixar, pero igual de bueno.
El director Shane Acker, quien trabajo anteriormente en los efectos visuales de "LOTR: The Return of the King", baso este film en un corto con el mismo nombre que dirigió en el año 2005 y el cual fue nominado al Oscar.
El trabajo de animación y diseño/arte de los personajes y escenarios es impresionante.
Por un lado, están los simpáticos muñecos con esos ojos grandes muy expresivos y por el otro, las maquinas asesinas con forma de bichos. Todos estos rodeados de una ciudad destruida y oscura.
La historia es simple y corta (la película dura apenas hora y cuarto) , pero esta repleta de escenas de ciencia ficción y acción, las cuales me recordaron bastante a "Terminator Salvation".
Ideal para ver en un buen cine o home theater.

Esta es la tercer comedia del director Marc Lawrence, todas con Hugh Grant como protagonista y cada una peor que la anterior.
"Two Weeks Notice" fue la primera, no era una gran comedia pero tenia en Sandra Bullock y Hugh Grant una pareja con buena química y entretenida.
"Music and Lyrics" fue su segundo intento repitiendo al actor inglés pero junto a Drew Barrymore con un resultado regular.
Esta nueva es la peor de las tres, nuevamente con Hugh Grant y Sarah Jessica Parker formando un dúo con cero química.
La historia es previsible y repetida, donde una pareja de newyorkinos es enviada al oeste de los Estados Unidos para escapar de un asesino que busca eliminarlos. Allí se alojan en la casa de un típico matrimonio de la zona, sirviendo de excusa para mostrar las clásicas diferencias que existen entre ambas parejas y lo difícil que le resulta a esta gente de ciudad adaptarse a una vida rodeada de naturaleza.
Muchas situaciones resultan estereotipadas y ya vistas en muchas otras películas. Otras son simplemente lamentables, como cuando ambos se disfrazan de toro.
Hay muy pocos momentos divertidos y estos son gracias a los clásicos gestos de Hugh Grant.
H. Grant parece estar cómodo repitiendo este personaje en sus films, aunque se luce mas en las comedias inglesas ("Love Actually", "About a Boy", "Bridget Jones´s Diary", "Notting Hill", "Four Weddings and a Funeral") que en las norteamericanas.
A Sarah Jessica Parker le cuesta encontrar un lugar fuera de la exitosa "Sex and the City" y aquí no es la pareja ideal para acompañarlo.
A pesar de ser un ferviente seguidor de Hugh Grant, ni siquiera él puede hacer nada para salvar este bodrio.

Robert Duvall protagonizó en 1983 el film "Tender Mercies" sobre un alcohólico cantante de música country que conoce una mujer viuda con un hijo y lo inspiran a retomar su carrera.
Esta actuación le valió un Oscar a Duvall, quien ahora produjo esta película que comparte una historia similar.
El trabajo debut como guionista y director de Scott Cooper presenta a Bad Blake, un músico alcohólico en el ocaso de su carrera que intenta sobrevivir tocando en pequeños bares. Así conoce a Jean, una periodista con un hijo que le da un nuevo sentido a su vida.
La historia suena conocida no solo por "Tender Mercies", sino también por su parecido a "The Wrestler", aquel film de 2008 con Mickey Rourke sobre un luchador en decadencia con problemas de salud.
Pero estos puntos en común con otras películas no afectan a "Crazy Heart", que acompaña un interesante guión con actuaciones impresionantes.
Este film parecía ir directo a DVD o Cable cuando el Estudio Fox Searchlight compró los derechos de distribución y promocionó entre los críticos las actuaciones de los actores sabiendo que podían obtener reconocimiento.
Luego de venir arrasando con todos los premios al Mejor Actor y lograr una nominación para los próximos Oscar por esta actuación, seguramente Jeff Bridges recibirá su muy merecida estatuilla el 7 de Marzo.
Tras cinco nominaciones, Bridges debería finalmente ganar el Oscar por su imperdible interpretación de un músico alcohólico y fumador. Este es un papel que parece haber sido escrito para él.
Hay una muy buena banda de sonido compuesta por varias canciones country interpretadas por Jeff Bridges, que demuestran el talento de este actor también para la música y le dan mas realismo a su personaje.
Maggie Gyllenhaal interpreta a Jean, por la que consiguió una nominación como Actriz de Reparto al Oscar. A pesar de la diferencia de edad, la pareja con Bridges resulta muy creíble.
Robert Duvall interpreta al barman amigo y Colin Farrell sorprende con su acento sureño como Tommy Sweet, el músico superestrella.
Una película independiente que gracias a sus actuaciones logró sobresalir del resto.

Cualquier película de Scorsese me genera mucha expectativa, mas aún en este caso que es su primer trabajo luego de ganar el Oscar por "The Departed" y vuelve al género del thriller como en "Cape Fear".
Basada en la novela de Dennis Lehane, autor de "Mystic River" y "Gone Baby Gone", cuenta la historia de Teddy Daniels, un agente asignado a investigar la desaparición de una paciente en un hospital ubicado en una isla remota. Tras su llegada, Daniels comienza a sufrir constantes alucinaciones y pesadillas, causados por la reciente muerte de su esposa y sus recuerdos de la guerra.
El director logra un gran clima de suspenso durante todo el film, gracias a un excelente trabajo de dirección, edición y musicalización. El lugar remoto y los escenarios oscuros elegidos para desarrollar la historia también ayudan. Escenas como la del fósforo o la del faro generan mucha tensión.
Quizás la trama no alcanza para dos horas diez de película pero Scorsese la acompaña con buenas escenas que te mantienen enganchado, varias con referencia a clásicos como "The Shining" de Kubrick o "Vertigo" de Hitchcock.
El punto mas discutido y por el que recibió criticas dispares es el final.
Para muchos es un final ya visto o previsible, lo que hará que quienes lo anticipen quizás no justifiquen la espera de mas de dos horas y se lleven un sabor amargo.
Por mi parte, me pareció interesante ver como lo descubre el personaje de Leonardo DiCaprio y esto me mantuvo enganchado de principio a fin.
DiCaprio interpreta a Teddy Daniels en su cuarta participación junto al director. No es un gran actor pero sus mejores actuaciones las logra junto a Scorsese.
El elenco secundario es lo mas sobresaliente, con dos viejos actorazos como Ben Kingsley y Max von Sydow interpretando a los doctores a cargo del hospital, Mark Ruffalo como el agente compañero de Daniels y Michelle Williams como la esposa. Jackie Earle Haley se destaca interpretando a un paciente en una de las mejores escenas del film.
Ideal para ver en Cine.

Si bien comparte el mismo nombre que la película de Abel Ferrara de 1992, esta no es un remake ni una continuación, no tiene nada que ver con ese trabajo.
Al principio arranca con la investigación de un caso policial, pero con el pasar de los minutos va dejando el tema como algo secundario y se enfoca en el detective interpretado por Nicolas Cage.
La historia muestra su adicción a las drogas (causado por un dolor de espalda) y los manejos corruptos que utiliza para conseguirla, su relación amorosa con una prostituta (interpretada por la hermosa Eva Mendes) quien a su vez lo mete en problemas con un mafioso, su relación con su padre alcohólico y con su corredor de apuestas a quien le debe dinero.
Osea, la trama se dedica mas al personaje que a resolver los asesinatos que investiga.
Nicolas Cage es un actor que nunca me gusto, siempre me parece sobreactuado y su filmografía deja mucho que desear.
Pero aquí debo reconocer que tiene su mejor actuación desde "Leaving Las Vegas" (por la que gano el Oscar). Su interpretación del detective adicto y corrupto es muy buena, inclusive esa voz nasal que le da al personaje.
Val Kilmer hace de su compañero, un actor desmejorado en un papel chico lejos de los protagonicos que tenia en los 90.
Si tuviera que ponerle una calificación por los primeros 90 minutos de película diría que fue Buena/Muy Buena, pero en los últimos minutos todo se resuelve demasiado rápido hacia un final feliz con algunas escenas ridículas.
Werner Herzog, quien viene de dirigir la excelente "Rescue Dawn" en 2006, desperdicia un buen trabajo con un final muy flojo.

No se ni por donde empezar con lo mala que es.
Vince Vaughn y Jon Favreau escribieron este pésimo guión y lograron juntar a un buen elenco (seguro aceptaron con la excusa de pasar unos lindos días en Bora Bora) que esta totalmente desperdiciado.
Armaron un trailer mostrando ese elenco, el lugar, algún que otro momento gracioso (que encima no esta incluido en la película) y uno la ve pensando que va a entretenerse.
Una película que no tiene ni una escena graciosa, ni una!! No hay ni siquiera un buen dialogo o chiste. Cero graciosa.
Hay escenas que dan vergüenza como el duelo de guitar hero, espantoso.
Encima con una duración de casi 2 horas que la hace interminable.
Supuestamente quisieron mostrar problemas tipicos de pareja, pero esta muy mal escrita. Es obvio como terminarán todos, inclusive los divorciados.
Verlo a Jean Reno en un papel como este es penoso. El resto del elenco suele hacer este tipo de pésimas "comedias".
Lo único bueno es el lugar, filmado en Bora Bora, increíble.
La peor película de lo que vi en el 2010.

Tim Burton tiene una gran imaginación para crear mundos fantásticos en sus películas. Su trabajo en films como "Batman", "Big Fish" y "Charlie and the Chocolate Factory" demuestran por qué es uno de los mejores artistas visuales del cine.
Por esta razón, estaba entusiasmado por ver su visión de este clásico cuento y por ese lado no me defraudó.
El "País de las Maravillas" creado por Burton es increíble, tanto por sus oscuros paisajes como por la excelente recreación de sus habitantes.
Con una impecable combinación de efectos, maquillaje y vestuario, un gran elenco le da vida a estos clásicos personajes.
En su séptima colaboración con el director, Johnny Depp crea al simpático personaje El Sombrerero Loco con un look colorido y una nueva voz, distinto a lo que hizo con Jack Sparrow y Willy Wonka.
Anne Hathaway es la Reina Blanca, Crispin Glover (McFly de "Volver al Futuro") es Stayne y Matt Lucas es Tweedledee/Tweedledum.
Alicia es interpretada por Mia Wasikowska, una actriz desconocida y poco expresiva que no le aporta mucho al personaje.
Los animados también tienen voces conocidas, Alan Rickman es la Oruga, Michael Sheen es el Conejo y Stephen Fry es el Gato (el mejor de estos).
Pero hay una que sobresale del resto y es la Reina Roja interpretada por Helena Bonham Carter (otra vieja colaboradora de Burton). Esta malvada Reina con pequeño cuerpo y enorme cabeza se roba cada escena en la que aparece.
Esta re-imaginación del cuento de Lewis Carroll, escrito por Linda Woolverton (guionista de "Beauty and the Beast" y "The Lion King"), se aleja de la historia original para mostrar a una Alicia crecida que regresa al "Pais de las Maravillas" y ayuda a derrotar a la Reina Roja.
A pesar de estar basado en un cuento infantil, no creo que esta nueva versión sea para los mas chicos, quienes seguramente se pegarán algún susto y se aburrirán otro tanto. Recién a partir de los 10 años estimo que la disfrutarán.
A mí tampoco me entretuvo todo el tiempo, arrancó bien pero a la hora empecé a mirar el reloj porque se me hacia un poco lenta.
A pesar de los entretenidos personajes, la historia se va quedando y llegando al final hay una escena de acción mas para "The Lord of the Rings" que para este estilo de película.
Elegí la versión 2D ya que la opción era verla subtitulada así o apreciar el efecto 3D en castellano.
Seguramente el 3D le aporta algo más, pero preferí verla en inglés a bancarme los anteojos y escuchar a Johnny Depp hablar español.
Quizás sea por la alta expectativa de ver un nuevo trabajo del genial Tim Burton pero, mas allá del logro artístico, me pareció una de esas películas para olvidar rápido como "Sweeney Todd".

Este es un film, basado en hechos reales, sobre un fraude corporativo ocurrido en los años 90. Mark Whitacre, vicepresidente de ADM, trabajo como informante del FBI entregando pruebas sobre el arreglo de precios que la empresa realizaba con sus competidores.
En vez de enfocar la película en tono dramático como "The Insider", el director la relata en forma de comedia, aprovechando ciertas características que tiene la historia.
Whitacre comenzó a colaborar con el FBI para limpiar su conciencia pero, a medida que la investigación avanzaba, fue creyéndose que realmente era un superagente del FBI.
Luego de un par de años y tras muchas pruebas recolectadas sobre el caso de fraude, también se descubrió que Mark Whitacre ocultaba algunos secretos y no todo lo que decía era verdad. Las cosas no terminaron saliendo como Whitacre creía.
Mas allá de ser un importante ejecutivo, no parece el tipo mas lucido del mundo. Sus comentarios en off sobre su visión de distintos temas lo reflejan tal cual es. Estos son los momentos mas graciosos de la película.
Matt Damon logra una actuación muy convincente, con muchos kilos de mas y bigote. Viniendo de films de acción como la trilogía "Bourne", Damon aprovecha este cambio de genero para mostrar sus dotes de comediante.
Si bien esta ambientada en los años 90, el film tiene un look muy 70 gracias a la música, vestuario y escenarios.
Steven Soderbergh es un director con una carrera muy diversa, con films comerciales como la trilogía "Ocean`s" y "Erin Brockovich", y otros independientes como "Bubble", "The Girlfriend Experience" y "Full Frontal".
Este film esta mas cerca de "Erin Brockovich" que de cualquier otra.

Basado en el clásico cuento infantil de Maurice Sendak escrito en 1963, "Where the Wild Things Are" es un drama para toda la familia con una historia simple repleta de fantasía y aventura.
El cuento original se resumía en solo 14 lineas pero el director Spike Jonze (quien anteriormente dirigió "Adaptation") realizo un gran trabajo creando una película fantástica a partir de esas pocas lineas.
Un film que tuvo varios problemas de producción supuestamente por el tono original, que se dice era muy oscuro y podía asustar a los chicos. Pero si sufrió modificaciones valió la pena, porque el resultado es una de las películas mas tiernas que vi en mucho tiempo.
Y esto se debe principalmente a las bestias que viven en la isla que Max visita. Estos enormes muñecos son simpáticos, expresivos y dan ganas de abrazarlos fuerte. Todas sus expresiones reflejan perfectamente cada una de sus emociones, y la forma en que duermen, todos amontonados, no puede ser mas tierna.
Estas 7 bestias fueron diseñadas por Jim Henson Company (creadores de los Muppets), quienes lograron hacerlos muy reales, acompañado de algunos efectos especiales que permiten crear las expresiones faciales. Las voces están a cargo de actores reconocidos como Chris Cooper, Forest Whitaker, Paul Dano y principalmente James Gandolfini que le aporta mucho a su "bestia".
El papel de Max esta a cargo de Max Record, una gran revelación en una interpretación impresionante.
Un cuento infantil que no conocía (que ya comprare para leerle a mis hijos) se convierte en una película hermosa para toda la familia.

Esta es la vuelta al cine de Mel Gibson, en un rol protagónico luego de 7 años (el ultimo había sido en la pésima "Signs"), interpretando a un padre que busca venganza tras el asesinato de su hija.
Al menos esto es lo que uno espera luego de ver el trailer, donde se vende como un thriller de acción al mejor estilo "Taken" con Liam Neeson.
Gibson ya hizo buenos trabajos en este genero, como "Ransom" y "Payback", y volverlo a ver en un papel así me entusiasmaba.
Pero en vez de esto, me encontré con la investigación que encara el padre/detective Thomas Craven (Gibson) sobre la desconocida vida de su hija, que lo lleva a descubrir una conspiración empresarial y política que incluye la fabricación de armas nucleares.
Martin Campbell, director de buenas películas de acción como "The Mask of Zorro" y "Casino Royale", adaptó este film sobre una miniserie inglesa de la BBC estrenada en 1985 que también dirigió.
Nunca vi esta miniserie de seis horas, pero la trama aquí resumida en poco menos de dos horas resulta demasiado simple y con poco suspenso o misterio.
A los "malos" los conocemos temprano en la historia, lo que nos deja solo a la espera que el personaje de Gibson los descubra. Cuando finalmente lo hace, esto lleva a una última media hora para el olvido.
Igual tiene un par de buenas escenas de acción con el viejo Mel.
Mel Gibson ha tenido problemas en los últimos años por algunos comentarios racistas que hizo cuando lo arrestaron por conducir borracho. Esto lo llevó a enfocarse en proyectos como director ("The Passion of the Christ", "Apocalypto") que lo mantuvieron alejado de la actuación.
Su regreso como actor es bienvenido y aquí sostiene una película que sin su participación hubiera pasado desapercibida.
Ray Winstone lo acompaña en el papel de un agente libre que no termina de quedar claro para que lado tira.
Una película previsible que marca el retorno de un buen actor.

Me perdí algo? Eso fue lo primero que pensé cuando termine de ver la nueva película de los hermanos Coen.
Luego de leer muchas criticas donde la describen entre las mejores películas del año, me imaginaba otro buen trabajo como "No Country for Old Men".
Evidentemente, tras ganar el Oscar, los Coen tuvieron carta libre para hacer lo que quisieran y el resultado es un film muy personal y uno de los menos accesibles de su carrera.
La película arranca con una escena rarísima, que sirve de Prologo, la cual no me predispuso bien para lo que venia después.
Ambientada en una comunidad judía en los años 60, Larry Gopnik es un hombre de familia rodeado de problemas. Su mujer lo deja por su amigo, sus hijos se pelean constantemente, su hermano vive en su sofá y tiene inconvenientes en el trabajo.
Hasta acá la historia zafa, pero cuando Larry decide buscar ayuda y se reune con distintos rabinos a conversar, la cosa se ponen muy pesada.
Hay varias escenas raras que no encajan con el resto de la trama y el final es abrupto, algo a lo que los Coen nos tienen acostumbrados.
Esta protagonizada por actores desconocidos, donde sobresale Michael Stuhlbarg interpretando a Larry Gopnik, quien esta nominado al Globo de Oro como Mejor Actor.
Los hermanos Coen son amados por los críticos, quienes suelen alabar sus películas mas allá de lo raras que sean. Para mi es una de las mas flojas de su carrera, junto a "The Man who wasn´t there" y "Intolerable Cruelty".

El nuevo film de Terry Gilliam sera recordado por haber sido el ultimo trabajo de Heath Ledger antes de su muerte.
Tras su gran actuación como The Joker en "The Dark Knight" (por la que gano el Oscar tras su muerte), Ledger estaba en el mejor momento de su carrera.
Durante la filmación de esta película ocurrió su muerte, dejando un actuación inconclusa que el director igualmente decidió aprovechar.
En todos sus films, Gilliam emplea un alto grado de fantasía y delirio, logrando buenos trabajos ("Brazil", "The Fisher King") y otros no tan buenos ("Tideland", "The Brothers Grimm").
Aquí el Dr. Parnassus tiene un teatro ambulante en el que la gente puede experimentar un mundo de imaginación al atravezar un espejo mágico.
Teniendo suficiente material filmado de Ledger para una hora de película, el director supo resolver bien el tema, modificando el guión de forma que Tony cambie su apariencia física cada vez que ingresa a ese mundo de imaginación.
Johnny Depp, Jude Law y Colin Farrell asumen el personaje de Ledger en distintos momentos fantasiosos del film, manteniendo una apariencia similar a la que èl tenia.
Las actuaciones de los 4 actores son parejas y no desentonan en el mismo personaje.
Christopher Plummer como el Dr. Parnassus y Tom Waits como Mr. Nick están bárbaros en sus papeles.
Habria que ver como era la historia original y si el destino de Tony era el mismo pero, bajo estas circunstancias, la forma en que todo se resuelve esta muy bien.
Los trabajos de Terry Gilliam no se caracterizan por tener una estructura tradicional, lo que muchas veces resulta confuso y delirante. No es un cine para todos.
Todas las escenas del mundo imaginario son el clásico delirio de Gilliam.
Hay que darle merito al director por haber logrado terminar la película sin contar con su actor principal.

Tras el éxito de la trilogía "The Lord of the Rings" y el bodrio de "King Kong", Peter Jackson dirige un film, en el mismo estilo de su anterior trabajo "Heavenly Creatures", sobre una chica asesinada que mira todo desde el cielo.
La película mezcla varios géneros: el drama reflejado en la familia por la perdida de una hija, el suspenso en la mirada del vecino asesino y la fantasía sobre la experiencia que vive la hija tras ser asesinada.
Lo mas interesante ocurre cuando se enfoca en el asesino.
Stanley Tucci compone un excelente personaje como el extraño vecino, que le valió una nominación al Golden Globe y al Screen Actors Guild Award, y se roba todos los momentos que aparece.
Las escenas en la cueva con la chica y en su casa con la hermana de la víctima son excelentes muestras de suspenso.
No hay muestras de violencia (se estreno como "prohibida para menores de 13 años"), a pesar que la novela de Alice Sebold se dice describe en detalle el momento de la violación y asesinato.
El drama familiar es medio flojo, no hay un buen desarrollo de los personajes y sus historias parecen cortadas.
Mark Wahlberg interpreta al padre, pero no encaja en este tipo de papeles (en lo único que zafa es en las de acción). Sin dudas el resultado hubiera sido otro con Ryan Gosling, quien abandono el proyecto poco antes de iniciarse la filmación.
Susan Sarandon como la abuela y Rachel Weisz como la madre cumplen bien sus roles.
La parte mas densa son las escenas fantasiosas, en donde la chica asesinada "mira" desde el cielo. Similar al film "What Dreams May Come", es lo mas delirante de la historia.
Saoirse Ronan, quien ya me había sorprendido con su actuación en "Atonement", logra otra gran interpretación como la chica asesinada. Con solo 15 años tiene un gran futuro.
En síntesis, el resultado es bueno a pesar de algunos momentos desparejos.

Este tipo de películas no merece mucho análisis, es un thriller poco creíble y absurdo.
Un hombre sufre el asesinato de su familia y 10 años después trama un plan para asesinar a todos los que tuvieron que ver con el caso. Tras matar a uno de los asesinos, lo envían a prisión y desde allí ejecuta los ataques al resto de los involucrados en el caso.
Las muertes son tan agresivas y exageradas que el film parece una mezcla de "Death Wish" con "Saw".
La idea de la trama es descubrir como hace para asesinar a las distintas personas estando encarcelado en solitario y cuando finalmente se descubre es tan ridículo que da pena haber perdido 90 minutos para eso.
El director F. Gary Gray anteriormente dirigió buenos films en el genero como "The Negotiator" y "The Italian Job", pero este es un verdadero desastre.
No rescato nada, ni siquiera las actuaciones de Jamie Foxx y Gerard Butler.
Mala con ganas.

Este es el segundo film de Lee Daniels, un director que realizo este trabajo pensando que iba a ser editado directo a dvd, pero luego de presentarse en algunos festivales consiguió que Oprah Winfrey y Tyler Perry se asociaran como productores, lo que cambio el destino del film.
Tras obtener excelentes criticas, tuvo un estreno limitado con un promedio muy alto de espectadores, lo que permitio ampliar el número de salas y así convertirse en un éxito.
Esta es una de las historias mas tristes y duras que vi en mucho tiempo.
Precious es una adolescente pobre que fue violada por su padre (quedando dos veces embarazada) y vive con su madre abusadora, quien la culpa de haberle "robado" a su novio por no haberse resistido a los abusos del hombre.
La película termina con una dedicatoria a "todas las chicas como Precious", queriendo resaltar una situación que se repite en esta escala social norteamericana. Seguramente el apoyo de Winfrey y Perry llego con el objetivo de crear conciencia sobre esta realidad horrible que viven muchas mujeres.
El director trata el tema de forma real, sin melodrama ni exageraciones, con algunas escenas fuertes que impactan.
El principal merito de Lee Daniels son las actuaciones que obtiene del elenco elegido.
Hay varias elecciones arriesgadas para los papeles principales que previamente pueden parecer erradas.
Gabourey Sidibe interpreta a Precious, quien en su debut actoral sorprende con una gran actuación como una chica abusada que busca una mejor vida.
Mo´Nique es una comediante con una carrera actoral muy floja, que aquí se luce con un papel digno de una nominación al Oscar. Interpretando a la madre abusadora, crea un personaje odioso que se come cada una de las escenas que aparece. Su monólogo llegando al final es impresionante.
Todos los personajes secundarios también tienen sus buenos momentos: Paula Patton como la maestra, Lenny Kravitz como el enfermero y todas las alumnas que acompañan a Precious.
Pero el que mas me sorprendió es el de Mariah Carey, quien esta irreconocible como la asistente social que intenta ayudar a Precious.
Un drama durísimo y super recomendable.

Aprovechando el espíritu romántico del Día de San Valentín, se estrenó esta comedia de historias entrecruzadas con un elenco de caras famosas y lindas.
Como han hecho para convencer semejante elenco de participar en esta película predecible y poco graciosa? No lo sé.
Ya no es un buen indicio si teniendo un grupo de mas de 15 "movie stars" (entre ellos Julia Roberts, Shirley McLaine, Jamie Foxx y Anne Hathaway) se elige a Ashton Kutcher como uno de los principales.
La comparación con "Love Actually" es inevitable, aunque el director Garry Marshall (quien desde "Pretty Woman" y "Frankie and Johnny" no hace una buena) no logra capturar ninguno de los aciertos de aquella muy buena comedia inglesa.
Aquí son pocas las historias o escenas (ya que algunas ni llegan a ser historias) rescatables, puntualmente dos, y lo son gracias a las buenas actuaciones de sus protagonistas.
La primera, la relación entre la operadora de una hot line (divina Anne Hathaway) y su compañero de trabajo (Topher Grace). Ambos pegan bien juntos y ella logra uno los pocos momentos divertidos con sus charlas sexuales.
La otra, la conversación entre un ejecutivo (Bradley Cooper) y su compañera de asiento (Julia Roberts) en un avión.
El resto son repetidas, mal escritas y desperdician un buen elenco.
A pesar de no contar con una buena historia, Jennifer Garner aporta su carisma y simpatía para sacarla adelante.
Luego solo quedan algún que otro buen momento de Jessica Biel, George Lopez y Hector Elizondo (un clásico en los films de Marshall).
Para no dejar afuera al público teen, hay una parejita formada por Taylor Lautner ("Twilight") y Taylor Swift (una famosa cantante country) que es horrible.
Con dos horas de duración se hace larga y lo mas entretenido es ver las caras famosas que van apareciendo.

Una nueva adaptación de El Hombre Lobo, quien ha aparecido en muchas versiones desde clásicos del Terror en los años 40 como "The Wolfman" y "Frankenstein meets the Wolfman", pasando por "An American Werewolf" en Londres y París, "Wolf" interpretado por Jack Nicholson, hasta películas recientes como "Van Helsing" o la saga "Twilight".
Dirigido finalmente por Joe Johnston ("Jurassic Park III", "Jumanji"), el film sufrió muchos problemas de producción causando cambios de director y editor, filmación de nuevas escenas, re-ediciones y cambios en la fecha de estreno.
Es una remake del clásico del año 1941, que toma la historia de esa versión para crear una película de suspenso (no terror) ambientada en un Londres oscuro de 1891.
Mi problema con estos personajes del Terror (ya sea Dracula, Vampiros, Frankenstein o el Hombre Lobo) es que me cuesta tomarlos en serio y engancharme con una historia de este estilo.
Las transformaciones del Hombre Lobo están muy bien realizadas, mostrando la cara, huesos y pies deformandose hasta convertirse en Lobo.
Pero el aspecto final del Lobo no me convenció y por momentos me recordaba a Michael J. Fox en "Muchacho Lobo". Esto sumado a como queda cuando vuelve a ser humano, algo similar al Increible Hulk con la ropa toda rota, son las cosas que me causan mas gracia que susto.
Es super sangrienta, con muertes terribles en donde ruedan cabezas y salen brazos volando.
Los ataques del Hombre Lobo, en el bosque y en la ciudad de Londres, están bien creados y filmados.
La historia tiene puntos muy flojos, entre ellos el tema del padre y la historia de amor. Esto lleva a una escena llegando al final, en la que se desata una batalla entre dos lobos, que es un disparate.
Benicio del Toro interpreta a Lawrence Talbot, un hombre que investiga la desaparición de su hermano y termina atacado por un Hombre Lobo que le causa este problemita de transformarse en Lobo los días de luna llena.
Anthony Hopkins es el padre de Lawrence, en una actuación repetida de Lord Ingles.
Emily Blunt tiene la mejor actuación, como la prometida del hermano de Lawrence.
Una nueva adaptación que creo no hacia falta.

El retrato de un grupo de soldados con uno de los trabajos mas riesgosos del mundo: desarmar bombas en medio de una guerra.
Cuando el nuevo sargento James se hace cargo de un grupo de soldados, estos subordinados se sorprenden al ver que su sargento no tiene miedo a la muerte.
Mientras ellos intentan controlar a su nuevo líder, la ciudad explota en caos, y el verdadero James se da a conocer.

Que me pareció?
El genero de Guerra (al igual que el de Terror) no es algo que me interese.
Para ver una película de este tipo tiene que venir muy recomendada y/o con excelentes criticas.
"The Hurt Locker" esta entre las mejores películas del 2009, lo cual me produjo intriga.
La película muestra un grupo de soldados que desarma bombas y la historia esta enfocada en el riesgo que viven quienes hacen este trabajo. No hay mucha mas trama que eso.
La directora (la misma de "Point Break") filma excelentes escenas de suspenso y tensión, aprovechando la riesgosa tarea que estos soldados tienen.
Jeremy Renner (un actor no muy conocido) tiene el papel de William James y es un gran candidato al Oscar de este año.
Hay otros excelentes actores como Guy Pearce, Ralph Fiennes y David Morse pero solo aparecen en una escena cada uno.
Creo que las criticas son un poco exageradas, no es la mejor película del año ni mucho menos, pero teniendo en cuenta que a los norteamericanos les encanta el cine que los muestra como héroes ( y acá alguna que otra frase o escena hay) es lógico que a ellos les haya parecido tan buena. Para mi esta bien, nada mas.

Nominada como Mejor Película Extranjera en los próximos Independent Spirit Awards, este es un drama romántico sobre la relación entre una joven de 16 años y un hombre de 35 años.
Ambientada en los años 60 en Inglaterra, la joven Jenny es una chica madura (en su ultimo año de colegio) que conoce a David, un hombre mayor que ella. A pesar de la diferencia de edad, el es educado y consigue la aprobacion de los padres de Jenny. David le presenta una pareja amiga a Jenny y juntos le hacen conocer cosas nuevas.
Desde el inicio uno percibe que David oculta algo y que la cosa no va terminar bien. La historia se desarrolla sin grandes sorpresas pero igual es interesante.
El guión fue escrito por Nick Hornby, guionista de "High Fidelity" y "About a Boy".
Los mas importante para destacar es el elenco, nominado para los próximos SAG Awards.
Carey Mulligan, en su primer papel protagonico, viene obteniendo nominaciones para los SAG, Golden Globes, los British Independent Film Awards y otros tantos por su interpretación. Una actriz poco conocida que se luce en el papel de la joven Jenny. Una firme candidata al Oscar.
Peter Sarsgaard saca perfecto el acento ingles para interpretar a David y hace querible a su personaje, a pesar de su historia con la menor. La otra buena actuación es la de Alfred Molina, como el padre exigente.
Pero la principal razón para verla es Carey Mulligan y es gracias a ella que la película es reconocida.

Siguiendo con la nueva tendencia en Hollywood de adaptar todos los musicales de Broadway al cine ("Hairspray", "Chicago", "The Producers"), ahora es el turno de "Nine", la obra de teatro inspirada en el film "8 1/2" de Fellini.
Cuenta la historia del director de cine Guido Contini, quien no consigue inspirarse en el guión y creación de su nueva película. El director de "Nine", Rob Marshall, debe haberse identificado mucho con este personaje ya que tampoco tuvo la mínima inspiración para adaptar este musical al cine.
Reconozco que no disfruto los musicales. Sacando clásicos como "Singin´ in the Rain", "High Society" o "An American in Paris" que son excelentes, cuando se estrena uno lo veo pero al momento de las canciones me duermo.
Rob Marshall dirigió el ganador del Oscar "Chicago" que, junto a "Moulin Rouge!", es de lo mejor realizado en este genero en el ultimo tiempo.
Pero este nuevo trabajo es muy flojo, con una historia pobre y muchas canciones aburridas.
Cada una de las actrices tiene su musical, algunas mejores que otras, pero la puesta es demasiado teatral y se utiliza casi siempre el mismo escenario, resultando repetitivo y denso. Estando en el cine dan ganas de poder apretar "fast forward" a cada rato.
El elenco es importante, con 6 ganadores del Oscar entre ellos.
Daniel Day-Lewis interpreta a Guido Contini, papel que en "8 1/2" hizo Mastroianni.
Day-Lewis es un excelente actor que cumple un gran trabajo, mientras no canta. Su aporte en los musicales es terrible, con poco baile y desafinado. Quizás haber elegido un actor con experiencia en canto y baile hubiera resultado mejor. Javier Bardem era el elegido originalmente (se bajo antes del inicio de filmación), aunque tampoco sé si era el indicado.
Entre las mujeres, Marion Cotillard es la mejor del grupo, con una buena actuación dramática y musical.
Penelope Cruz confirma que solo actúa bien en películas españolas, italianas o cualquiera que no hable ingles. Realmente su interpretación vale una candidatura al Oscar como Actriz de Reparto? No lo creo.
Nicole Kidman es de porcelana y parece haber perdido todo su encanto como actriz.
El resto del elenco se completa con Judi Dench, Kate Hudson y Sophia Loren.
Este es un buen ejemplo del por que no me gusta este genero.

El nuevo film de Clint Eastwood, quien practicamente todos los años saca una nueva película, se basa en una historia real que mezcla drama y deporte.
Durante los últimos años se han intentado realizar distintas películas sobre Nelson Mandela, pero por una u otra razón ninguna se concreto.
Eastwood eligió esta historia sobre el Campeonato Mundial de Rugby de 2005, que Mandela vio como una oportunidad para intentar acercar a su gente, en un país dominado por el racismo.
No es una biografía de este líder ni muestra el lado político de su gobierno, sino que solo se enfoca en el deseo de Mandela de lograr un acercamiento entre blancos y negros a través del deporte.
Si bien el resultado es bueno, al material original le falta fuerza para transformarse en una gran película. Con todo lo que ha vivido Mandela, es raro que esta historia haya sido la que finalmente se adapto al cine.
Morgan Freeman nació para hacer este papel y es difícil imaginarse a otro actor en el rol. Su interpretación es excelente, la forma de caminar, la sonrisa y el acento son algunos de los modos que logra imitar perfectamente.
Hubiera preferido que su actuación se aprovechara en un film sobre la vida de este hombre.
Matt Damon no se parece mucho al capitán del seleccionado de rugby, pero saca bien el acento y logra la apariencia física de un jugador de ese deporte.
Aqui hay mucha escena de rugby que puede resultar aburrido para quienes no conozcan el deporte.
Igual Clint Eastwood presenta una película interesante, no solo por la relación entre Mandela y Pienaar, sino también por como elije mostrar el acercamiento entre blancos y negros a través de la historia de los guardias de seguridad del Presidente.

Tras el inesperado éxito de la primer película sobre el dibujo animado "Alvin y las ardillas", que fue una de las que mas recaudó en el año de su estreno, rápidamente encaminaron esta secuela repitiendo la formula de la primera.
En esta nueva aventura, las ardillas comienzan el colegio y participan en un concurso donde deben enfrentarse a un trio de ardillas femeninas.
Jason Lee, quien interpreta a Dave, tiene una participación muy corta en esta nueva entrega, dejándole el puesto a Zachary Levi ("Chuck"). David Cross retoma su personaje del malo representante.
Se vuelve a repetir mucho de la primera, pero en vez de 3 ahora hay 6 ardillas para entretener a los mas chicos.
La animación sigue siendo impecable, diferenciando bien las ardillas masculinas de las femeninas a través de sus movimientos y expresiones.
Si mal no recuerdo, había mas números musicales en la original que en esta continuación. Acá las canciones quedan a cargo de las "chicas ardillas" con temas de Beyonce y Katy Perry.
Igualmente la película es entretenida y los mas chicos la pasan bien, al menos eso paso con mis hijos. Incluso yo me reí un par de veces.
Me sorprendió ver chicos de 12 años promedio, un publico que no creo sea el indicado para estos personajes.
Pero para chicos de 8 para abajo es un plan divertido.

Este es el tercer film del director Jason Reitman y consigue un record perfecto: 3 de 3.
Sus trabajos ("Thank you for Smoking", "Juno" y este ultimo) son todos muy buenos y siguen la misma linea: dramas con toques de comedia, buenos personajes e historias entretenidas.
En Estados Unidos comenzaron a compararlo con Billy Wilder y aunque esto sea una gran exageracion (nadie se acerca al gran Wilder!!!), el tipo tiene mucho merito por haber logrado 3 películas tan buenas.
"Up in the Air" figura entre las mejores películas de 2009 según la mayoría de las Asociaciones de Críticos de Estados Unidos y esta nominada a los Globos de Oro como Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guión y Mejores Actuaciones x 3.
Si bien no creo que sea la mejor del año, sin dudas hay que incluirla en la lista de las 1o mejores.
George Clooney interpreta a un ejecutivo contratado por empresas para que se ocupe de despedir a los empleados que le indiquen. Este es uno de los peores trabajos que hay, pero Ryan Bingham lo disfruta y lo hace con experiencia.
Bingham gusta viajar constantemente y conoce todos los secretos del viajero frecuente. Hay muy buenas escenas mostrando sus rutinas de viaje.
El film mezcla drama y comedia, cuando su trabajo es amenazado por una brillante joven que propone implementar un sistema de videoconferencia para realizar los despidos, lo que lleva a que Bingham deba viajar con ella para que se familiarice con el procedimiento. También tiene romance, cuando conoce a una viajera frecuente con las mismas características que el.
La película tiene excelentes diálogos (como la escena en que los 3 personajes principales hablan sobre las relaciones) y varios personajes secundarios atractivos que le aportan mucho.
Tampoco recurre el típico final feliz hollywoodense.
George Clooney tiene uno de los mejores papeles de su carrera junto al de "Michael Clayton" y "Siryana". El tipo es carismático, simpático y encaja perfecto.
Vera Farmiga esta empezando a conseguir papeles importantes y los aprovecha. Aquí interpreta a una mujer sin ataduras y es su mejor interpretación a la fecha.
Anna Kendrick, una desconocida para mi hasta acá, acompaña bárbaro con su actuación de la joven contracturada y metódica.
Como en todas las películas de Reitman, los personajes secundarios son tan interesantes como los principales. Jason Bateman como el jefe arrogante, J.K.Simmons y Zack Galifianakis como dos empleados que pierden el trabajo, y Melanie Lynskey ("Two and a Half Men") como una de las hermanas, son algunos de los que aportan buenos momentos.
Muy recomendable, tanto esta como los dos anteriores del director.

Esta es una adaptación mas moderna del clásico detective, que permite atrapar a un publico joven que hasta ahora no conocía al personaje, y es uno de los principales aciertos de la película.
El encargado de esta nueva versión es el director Guy Ritchie, una opción arriesgada considerando sus últimos trabajos. Ritchie tuvo un buen arranque dirigiendo films como "Lock, Stock..." y "Snatch", pero luego sus películas fueron muy flojas ("Swept Away", "Revolver", "Rocknrolla").
Aquí el director realiza un buen trabajo, creando una película de aventuras y acción bien filmada, con una muy buena ambientacion en una Londres oscura y sucia del 1890.
No se pierde tiempo introduciendo a los personajes y se mete directamente en la historia.
Holmes y Watson investigan el extraño caso de un asesino que vuelve de la muerte para seguir matando mujeres.
La trama no da pistas ni indicios que permitan al publico ir acompañando/descubriendo el caso, sino que hay que esperar hasta el ultimo momento para que Sherlock Holmes explique todo y lo resuelva por nosotros (al mejor estilo de la serie "Monk").
El otro acierto del film es la selección casi perfecta del elenco.
Robert Downey Jr. ha logrado un gran regreso, luego de sus problemas con drogas, y obtuvo el Golden Globe a Mejor Actor por su actuación. Entre "Iron Man" y "Sherlock Holmes" ya tiene aseguradas dos sagas para explotar. Aquí aporta todo su carisma para interpretar a un Sherlock medio reventado.
Jude Law acompaña perfecto en el papel de Dr. Watson y Mark Strong compone al asesino Lord Blackwood, un actor ideal para papeles de malo.
El único personaje que no encaja es el de Rachel McAdams, una actriz que me encanto en películas como "The Notebook", "The Lucky Ones" o "State of Play" pero que acá esta mal elegida para el papel de Irene Adler. No es creíble como la ex-pareja de Holmes y resulta innecesaria en la historia.
Habiendo recaudado ya mucha plata y con un final que deja abierta la puerta para una continuación, pronto se vendrá la segunda parte.

Esta es la vuelta de Disney a lo mejor de la animación tradicional, con esto me refiero a la época de "La Bella Durmiente", "La Cenicienta" y otras historias de Princesas, y lejos de las ultimas películas que se hicieron como "Atlantis", "Treasure Planet" y "Home of the Range".
John Lasseter, creador de Pixar, asumió el control del Departamento de Animación de Disney y decidió volver a hacer estos films.
Eligió a los veteranos Ron Clements y John Musker, directores de "La Sirenita" y "Aladdin", para que intenten recuperar la magia de esos viejos clásicos. Sin duda lo lograron.
Si al idea es estrenar una de Pixar y una de animación tradicional por año, siguiendo este nivel de calidad, los chicos lo van a agradecer.
Esta es la primer película protagonizada por una princesa negra. En este caso no es la típica princesa de Disney, sino una trabajadora de New Orleans que termina convirtiéndose en princesa.
La historia es original (creada a partir del clásico cuento) y ambientada en Louisiana de los años 20, con escenas muy coloridas y entretenidas.
Hay muy lindos números musicales, escritos por Randy Newman, al ritmo de jazz y gospel.
Esta el clásico príncipe, el malo de turno (esta vez un hechizero) y los simpáticos personajes secundarios... un cocodrilo que sueña con tocar la trompeta, una luciérnaga y una anciana negra.
Al igual que en los films de Pixar, casi todos los personajes tienen las voces de actores desconocidos, lo que evita perder atención a la trama intentando sacar de que actor famoso es esa u aquella voz.
Apuntada a todo el publico infantil, las nenas de 4 a 8 que atraviesan la etapa de princesas son las que mas disfrutaran la película. Mi hija de 5 años salio fascinada del cine, como cuando vio "Cenicienta" o "Blancanieves" por primera vez.
Seguramente se convertirá en otro clásico de Disney.

Las ultimas cuatro películas de la guionista/directora Nancy Meyers son comedias románticas del mismo estilo, osea que uno sabe que esperar.
Tras escribir algunos guiones de buenas comedias como "Baby Boom" y las dos partes de "Father of the Bride", dirigió la comedia "The Parent Trap" para luego enfocarse en el genero romántico con el resto de sus trabajos.
"What Women Want", "Something´s Gotta Give" y "It´s Complicated" cuentan historias románticas enfocadas en relaciones de gente "madura".
Si bien algunas son mejores ("What Women Want", "Something´s Gotta Give") que otras ("The Holiday"), todas tienen el merito de tener buenas parejas protagonicas como Jack Nicholson/Diane Keaton, Mel Gibson/Helen Hunt, Cameron Diaz/Jude Law y Kate Winslet/Jack Black. Una buena pareja es fundamental en este tipo de películas y ayuda a disimular un flojo guión.
Este también es el caso de "It´s Complicated", un film que se sostiene gracias a las interpretaciones de los cuatro actores principales. Otros actores en estos papeles no hubiera logrado el mismo resultado.
Mery Streep interpreta natural y perfectamente (como siempre) a una mujer divorciada que mantiene una relación con su ex-marido y con un arquitecto. Alec Baldwin y Steve Martin interpretan los roles masculinos del triángulo amoroso. Entre los tres logran entretener y sacarle provecho a un flojo guión. John Krasinski (de la serie "The Office") interpreta al novio de una de las hijas y consigue robarse varios momentos de la película.
Al igual que las anteriores, esta ambientada en una hermosa casa y acompañada de una buena banda de sonido.
Con una duración de dos horas, le sobran varios minutos con algunas escenas que se hacen demasiado largas.
Cumple el objetivo de entretener y uno sabe lo que va a ver en estas comedias, historias repetidas con algunos momentos divertidos y buenas actuaciones.

El trailer vende muy bien la película ya que muestra la primer parte que es la mas entretenida.
Durante la primer hora se dedica a contar la historia de Elliot y su familia, quienes tratan de sobrevivir en un pequeño pueblo administrando un Motel que se cae a pedazos.
Se presentan varios personajes simpáticos como los padres, un grupo de teatro que vive en el granero y algunos vecinos. La que mas se destaca es la madre judía interpretada por Imelda Staunton, quien anteriormente fue nominada al Oscar por "Vera Drake".
Elliot es presionado por el banco y junto a una comisión de vecinos intenta generar eventos que puedan atraer turistas al pueblo. Tras enterarse que un recital musical que iba a realizarse en un pueblo vecino no podrá hacerse, contacta a los productores para ofrecerles su pueblo y ellos llegan para conocer las instalaciones y negociar los permisos.
Hasta aquí esta bien llevado y tiene momentos divertidos, pero una vez que comienza la organización del evento la película cambia totalmente. Ya no hay una trama interesante que seguir y por momentos parece mas un documental. Cae en los típicos cliches de los 60 con la droga, sexo, gente desnuda, hippies, veterano de guerra, etc. que se torna aburrido.
Si bien la época esta muy bien recreada, no se muestran imágenes del recital ni tampoco se aprovecha la música para crear una buena banda de sonido.
El director Ang Lee tiene una filmografia diversa, con filmes muy buenos ("Brokeback Mountain", "Sense and Sensibility") y otros muy malos ("Hulk"). Este trabajo esta mas cerca de lo malo que de lo bueno.
Si la historia en la que se basa el film realmente ocurrió, es una gran idea para desarrollar una buena película. Lamentablemente aquí no se supo aprovechar ese material.

Finalmente tras 12 años, desde su ultimo film "Titanic", el director James Cameron estreno su esperado film "Avatar".
Según Cameron, la tecnología necesaria para los efectos especiales no estaba lo suficientemente desarrollada para crear la visión que él tenia.
Valió la pena tanto tiempo de espera? Sin dudas!!
En este caso hay que arrancar hablando de la tecnología.
Tras su trabajo en varios documentales 3D, Cameron diseño esta película para que sea vista en ese formato. Yo tuve la oportunidad de verla en IMAX 3D y la experiencia es increíble.
Los primeros trailers del film no le hacían justicia, ya que no se podía apreciar lo que el tipo hizo en una pequeña pantalla de PC o TV.
El 3D no es algo que me entusiasme, solo lo justifico en casos puntuales como este o alguna película de animación tipo Pixar. Hay mucho en 3D que no vale la pena y sigo prefiriendo el tradicional cine 2D para el resto de las películas. Pero en este caso es imprescindible.
Esta no es una película para ver en DVD en casa, se pierde muchisimo. Hay que verla en la pantalla mas grande que se pueda y bancarse los anteojitos (que son bastante molestos) para disfrutar del efecto 3D. Acá el director no lo usa para "tirar" cosas al publico, sino que le da profundidad y relieve a las imágenes.
El mundo de Pandora es algo impresionante: los paisajes, las bestias, las naves, los insectos y las expresiones faciales de los Avatar son algo nunca visto.
Sin dudas marca un antes y un después en los efectos especiales.
La historia es donde falla un poco. Tiene mucho de "Dances with Wolves" adaptado al espacio.
No faltan los malos diálogos o algún que otro personaje medio ridículo, pero esto es algo típico en sus films y uno se lo acepta.
La verdad es que podría haberle dedicado un poco mas de tiempo al guión en estos 12 años.
El otro punto es que dura 2 horas 40 minutos y tranquilamente le sobran 20/30 minutos.
Pero igualmente no decae nunca y es entretenida en todo momento. La ultima media hora de batalla te hace olvidar cualquier punto flojo de la historia.
Mucho de las actuaciones no se puede rescatar ya que gran parte del film esta enfocado en los Avatar, osea animación.
Sam Worthington apunta a convertirse en la nueva figura de acción, después de "Terminator Salvation", "Avatar" y la próxima "Clash of the Titans", el perfil le da.
Sigourney Weaver tiene el mejor papel como la Doctora a cargo de los Avatar.
Stephen Lang interpreta al Coronel a cargo de la Invasión, un personaje ridículo pero es el que mas resalta.
En síntesis, muy, muy entretenida. Una verdadera experiencia visual.

Por fin después de ver varias películas francesas pesadas y aburridas, encontré una que es todo lo contrario.
Una comedia corta con buen ritmo y entretenida.
Una historia original, bien contada y con dos excelentes actrices como Catherine Deneuve y Emmanuelle Beart.
No va a ganar ningún premio pero al menos se pasa un buen rato y en el cine francés eso ya es mucho.

Son muy pocas las oportunidades que le doy al cine de terror, un genero que no disfruto en lo más mínimo, y solo lo hago cuando me parece que la película ofrece algo distinto a lo acostumbrado.
En el caso de "Eden Lake", el enganche para mí vino por plantear una historia con un enfoque real como es la delincuencia juvenil.
Este es un problema social que existe en todas partes del mundo y el director/guionista James Watkins lo elige como trasfondo de su opera prima.
De arranque conocemos a Jenny y Steve, una pareja romántica con la que uno rápidamente se encariña y desea que nada malo le pase. Disfrutando de un fin de semana alejado en un lago rodeado de un bosque, la pareja se encuentra con un grupo de jóvenes maleducados que los molestan.
Uno se identifica con esta situación que puede ocurrirle a cualquiera y te hace pensar como reaccionarías en ese momento. Los enfrentas sabiendo que puede terminar mal o levantas tus cosas y te vas? Esto te involucra mas en la trama.
Steve decide enfrentarlos y de aquí en mas todo va de mal en peor.
Este es el punto interesante, aquí no hay un asesino serial con mascara, ni zombies, ni nada de eso, sino un grupo de adolescentes que llevan las cosas hasta el limite. Incluso no todos los chicos son descontrolados, algunos son arrastrados por un líder que los presiona y amenaza.
Al igual que en el clásico film "Deliverance", el escenario del bosque es ideal para crear tensión con la persecución de gato y ratón.
No siendo un experto en el género, me cuesta definir si es un film de terror o suspenso, aunque no faltan las escenas con mucha sangre.
Hay algún momento como el del fuego que resulta demasiado extremo, incluso para estos chicos.
Haber conseguido un buen elenco que brinde actuaciones convincentes no es algo que se vea muy seguido en el cine de terror.
Kelly Reilly ("Piso Compartido", "Las Muñecas Rusas") y Michael Fassbender ("Hunger", "Fish Tank", "Inglourious Basterds") interpretan a la pareja sufrida y perseguida por el grupo de jóvenes.
Los integrantes de la banda están muy creíbles, sobresaliendo la actuación de Jack O`Connell como el líder.
Con un final impactante, es una de las mejores del genero en mucho tiempo.

Esta pelicula de terror fue escrita y dirigida por Oren Peli, en el año 2007, con un presupuesto ridiculo de 15.000 dolares.
Filmada en solo 7 dias, eligio dos personas que hacen de si mismos y utilizo su propia casa como unico escenario.
Paramount Pictures compro este film con la idea de rehacerlo con un mayor presupuesto, pero finalmente decidio estrenarlo como fue originalmente realizado.
El Estudio organizo una funcion con publico y filmo con camaras ocultas infrarrojas las reacciones de la gente mientras miraban la pelicula. Este material luego fue transformado en un Trailer (verlo abajo), el cual se convirtio en furor en Internet.
Gracias a ese rumor que se genero, Paramount estreno el film en muy pocos cines, ubicados cerca de Campus de Colegios (solo en funcion trasnoche), apuntando a un publico adolescente.
La pelicula comenzo a tener muy buen "boca a boca" y el promedio por sala de espectadores supero todos los pronosticos.
Como el publico comenzo a reclamar que el film se estrenase en todo Estados Unidos, Paramount creo una pagina web en donde se comprometia a estrenarlo en todo el pais, siempre y cuando hubiera 1.000.000 de hits en la web solicitando dicho estreno.
En pocos dias se llego a este numero y el film finalmente se estreno en todo Estados Unidos, donde se convirtio en uno de los estrenos que mas recaudo en esas semanas.
Metiendome en la pelicula, aclaro que odio el cine de Terror.
No disfruto asustarme ni pasarla mal pero, considerando todo esto que comento, me dio mucha intriga ver esta pelicula.
A la hora de verla, preferi hacerlo de noche y con las luces apagadas para crear el "clima" y sin dudas recomiendo verla asi.
Arranca "agradeciendo a la familia de Micah y Katie y a la Policia por facilitar el material", lo que ya da indicio que no va a terminar bien.
Con el mismo estilo de "Blair Witch Project" o "Cloverfield", el film tiene formato "video casero" en donde se filma todo lo que pasa, ya sea interesante o no. Esto genera un clima muy real.
A pesar que casi toda la pelicula muestra solo a Micah y Katie, en ningun momento uno pierde interes gracias a las buenas actuaciones de ellos.
El clima tenso va aumentando de a poco, con escasos recursos y sin musica se van generando momentos de suspenso impresionantes.
No es un film que recurra al susto facil o desagradable, sino que va insinuando que algo pasa y utiliza cosas simples, ya sea un ruido, una puerta que se mueve o una sombra para crear suspenso.
Los efectos logrados son impecables y mas de una vez uno se pregunta "como hicieron eso?".
Las escenas nocturnas en el dormitorio, en donde la camara queda fija en un tripode filmando a la pareja mientras duerme, son las mas impresionantes. Cada noche que va pasando se sufre mas que la anterior y el solo saber que se acerca otra noche te pone "piel de gallina".
Supuestamente este film tuvo varias versiones o cortes a lo largo de estos años, pero no se me ocurre un mejor final que este.
Quizas sea que nunca veo cine de terror, pero me parecio realmente perturbadora.
Hoy no creo que duerma bien.

El director Roland Emmerich siempre encuentra una buena excusa para destruir todo.
En "Independence Day" con el ataque de los aliens, en "Godzilla" con el monstruo tipo dinosaurio, en "The Day after Tomorrow" con el cambio climático y en esta ocasión con el tema de los Mayas.
Sus películas mantienen un estilo similar y si uno paga la entrada sabe con lo que se va a encontrar.
El tipo es un adicto a los efectos especiales y sabe como diseñar excelentes escenas de catástrofe que destruyen ciudades completas. Con esto te llena casi toda una película.
A esto sumale un buen elenco de actores reconocidos, un guión malo con algunas historias ridículas de personajes que a nadie le importan (algunos investigadores o físicos, algún presidente y unas cuantas personas comunes) y el resultado es la típica película pochoclera que hace cada un par de años.
Lamentablemente no esta a la altura de lograr una combinación interesante de efectos y personajes, como los clásicos de cine catástrofe "The Poseidon Adventure" o "Towering Inferno", pero mas allá de todo, el publico las disfruta por lo que son.
El problema que se agrega en este film es su duración. Por mas que a uno le encanten esas escenas donde todo se cae a pedazos, no puede durar 158 minutos!!!!!
Sacale tranquilamente 50 minutos y no te afecta nada.
Si me baso solo en las escenas de efectos le pondría buena y si me fijo en el resto le pondría mala, así que elijo un punto medio.

Una película independiente muy chiquita que cuenta la amistad entre un taxista (Solo) y un pasajero (William) a partir que este ultimo le hace un pedido muy especial.
A pesar que nunca hablan entre ellos acerca del pedido de William, el tema siempre esta presente y un final abierto ayuda a que te quedes pensando.
Una historia original y profunda que se apoya sobre esos dos personajes quienes practicamente son los únicos que aparecen a lo largo del film.
Para que una película de este estilo funcione es fundamental que tenga buenas actuaciones, aquí los papeles están a cargo del veterano actor Red West y de un actor desconocido como Savane quienes lo hacen tan natural que realmente pareciera que son ellos.
Solo, el taxista es quien mas se luce ya que su personaje se carga toda la película y aparece en casi todas las escenas, ya sea con su nuevo amigo, con su esposa o su hija.
Esta es la tercer película de este director (Man Push Cart, Chop Shop) y todas mantienen la misma linea, demostrando que con muy poco se puede hacer una muy buena película.

Este film de animación fue realizado en España, dirigida por un par de directores españoles, sobre un guión de Joe Stillman (autor de "Shrek") y con voces de actores norteamericanos.
Una mezcla media rara con un resultado muy flojo.
La historia básicamente es una copia de E.T., de Steven Spielberg, pero invertida. Un astronauta llega a un planeta de marcianos, donde todos desean atraparlo salvo unos marcianitos que deciden ayudarlo.
Mas allá de esta idea repetida, no hay mucho mas. Un guión malísimo, cero divertido tanto para chicos como para grandes. Pasada la media hora se pone muy densa y a la hora había mas chicos dando vueltas por el cine que sentados.
El trabajo de animación es impecable y no tiene nada que envidiarle a los trabajos de Dreamworks o Pixar pero, considerando la cantidad de films de animación que se estrenan todos los años, con eso ya no alcanza.
Eviten hacerle pasar un rato aburrido a sus hijos.

"Two Lovers" es un drama romántico y melancólico, distinto a lo que normalmente se hace en el cine norteamericano, con un estilo mas cercano al cine europeo.
El director James Gray cuenta una historia triste, en el que un hombre debe elegir entre dos mujeres que conoce, con un buen desarrollo de personajes y un final poco feliz.
Este director eligio una vez mas a Joaquin Phoenix para el papel principal, al igual que lo hizo en "The Yard" y "We Own the Night", y evidentemente sabe como dirigirlo.
Phoenix interpreta a un hombre inseguro, bipolar, depresivo y suicida, en la que creo es la mejor actuación de su carrera (superior a su trabajo en "Walk the Line").
Gwyneth Paltrow también logra su mejor actuación (nunca me gusto su trabajo en "Shakespeare in Love" por el que gano el Oscar), como una mujer dulce y simpática pero con problemas sentimentales.
Ambos comparten los mejores momentos del film.
En los personajes secundarios, se destaca Isabella Rossellini como una madre sobreprotectora.
Joaquin Phoenix anuncio que este era su ultimo trabajo como actor, dado que piensa dedicarse a la música hip-hop. Este anuncio, junto con una entrevista muy bizarra que concedió a David Letterman durante la promoción de la película (ver acá... http://www.youtube.com/watch?v=R2Mzp_1ndR8&feature=fvst), terminó afectando al film, que logro poco éxito y un estreno muy limitado.
Igualmente no le quita merito al producto final, que resulta una buena opción por sus actuaciones y una historia depre pero interesante.

Por fin una comedia romántica distinta!!!
El film arranca con una voz en off advirtiendo que ésta es una "historia de chico conoce a chica" pero "no es una historia de amor".
Tom es un chico simple que se enamora de Summer, una chica que no cree en las relaciones. Summer se lo aclara desde el arranque y Tom acepta mantener una relación "sin títulos".
La historia muestra los 500 días de relación entre ellos, pero en forma desordenada. Continuamente avanzando y retrocediendo, del día 488 al 1 o vuelta al 290 y de ahí al 100 y pico, se va alternando entre los buenos y malos momentos de esta pareja.
Una forma muy original de contarla, acompañada con carteles indicativos que reflejan los distintos días y estados de animo de la relación. A esto se le suma el narrador que va describiendo distintos momentos.
El primer trabajo del director de videos musicales Marc Webbs esta acompañada también por una conocida banda de sonido.
La pareja esta formada por Joseph Gordon-Levitt y Zooey Deschanel, quienes tienen muy buena química y comparten lindas escenas románticas.
J. Gordon-Levitt viene haciendo buenos trabajos independientes además de este (como "Brick" y "The Lookout") y aquí interpreta bien al chico simple, sensible y romántico.
Zooey Deschanel esta divina como una chica ciclotímica y poco romántica.
A ellos se suman algunos divertidos personajes secundarios como la hermana menor de Tom (quien es su consejera sentimental) y sus dos mejores amigos.
Hay muchas escenas para destacar, pero me quedo con cuatro momentos imperdibles: la primera salida al centro de decoración, el musical de Tom tras su primera noche con Summer (con el hit de los ´80 "You Make my Dreams" de Hall & Oates), la fiesta con pantalla partida mostrando la expectativa y la realidad, y por ultimo un final distinto que cierra esta gran comedia romántica.
Ya tengo ganas de verla de nuevo.

Este film fue realizado en el 2007 pero recién se estreno en el 2009. Cuando se tarda tanto en estrenar una película es porque no viene bien. Luego de verla, se entiende por que la mantuvieron tanto tiempo guardada.
Ambientada en la Antártida, el escenario es original pero la historia es predecible y con poco suspenso. Esta basada en un comic que supuestamente es bueno, pero el guión esta repleto de malos diálogos y escenas ya vistas.
Aprovechan el clima de la Antártida para ambientar las escenas de "acción" en medio de tormentas de nieve y hay momentos de estas que son ridículos.
El asesino es un desastre, hay escenas filmadas como si el tipo fuera Jason de "Martes 13".
El director Dominic Sena ya dirigió dos malas películas como "Swordfish" y "Gone in Sixty Seconds" y con esta suma su tercera.
La única razón para verla es Kate Beckinsale. No es una buena actriz, pero es la mas linda de todas las actrices. Acá aparece tapada de pies a cabeza, salvo por la escena de la ducha que es la mejor parte de toda la película.
Es otro de esos flojos thrillers que van mejor directo a DVD.

He visto muchas películas francesas que me han gustado, entre ellas la mayoría en las que actúan Daniel Auteuil o Gerard Depardieu.
Pero ultimamente me pasa lo mismo que con el cine argentino, por cada diez que veo, rescato solo una con suerte.
Evidentemente estoy en la racha negativa, ya que las ultimas que vi no me intereso ninguna.
Esta película tiene una buena idea, pero después de una hora se me hizo eterna y perdí todo interés en la historia.
Gran parte de este cine esta apuntado a un target con el que no me identifico.
No vale la pena que critique, por el solo hecho de hablar mal.
Seguro a mucha gente le gustara esta película, pero no es el cine francés que disfruto.

El nuevo fenómeno 3D permite re-estrenar en el cine este clásico de la animación para que los mas chicos lo puedan disfrutar en la pantalla grande como lo hicimos nosotros hace mas de 10 años.
Mi idea no es hacer un comentario sobre la película, la cual ya todos conocen y es para mi el mejor trabajo de Pixar junto a "Toy Story" y "Finding Nemo".
Este re-estreno no solo se hace para apreciar estas dos maravillas en 3D, sino además como un anticipo de la tercer parte que se estrenara en pocos meses.
El tema no pasa por el efecto "cosas que se te vienen encima" ya que la versión de "Toy Story 2" es la misma de siempre, con lo cual no esperen nada nuevo por ese lado.
Aquí el 3D le aporta nitidez y relieve a las imágenes, junto a un imponente sonido, logrando mostrar a Woody, Buzz y el resto de los juguetes de una forma nunca vista.
A pesar de haberla visto muchas veces en DVD con mis hijos, hacerlo en el cine es una experiencia increíble que ellos no podían perderse.
Aprovechen estas dos semanas, antes que la bajen de cartel, para volver a ver esta excelente película que se disfruta igual a pesar de los años.