Por quien aún doblan las campanas

Allá por los tormentosos años setenta, el padre Mujica fue asesinado por un grupo comando de las fuerzas de la Triple A que intentaron poner fin a su apostolado por los pobres y su eterna lucha por los desamparados. Paradójicamente, a la vez que su cuerpo moría una nueva forma de definir el sacerdocio y la vocación eclesiástica nacía, dando definitivos trazos a los que serían llamados Sacerdotes del Tercer Mundo.

La figura del Padre Mujica y su labor no violenta por los pobres lo llevó a ser considerado casi un santo entre la gente que diariamente se beneficiaba por su continua labor, particularmente en la Villa de Retiro que extraoficialmente lleva su nombre. Signo de los tiempos, su asesinato continúa hoy impune y su ámbito de voluntariado se muestra agigantado tanto en sus proporciones como en su problemática.

Pablo Trapero a través de su Elefante Blanco nos permite sumergirnos en ese mundo de marginalidad, clientelismo político y precariedad de una manera que se asemeja por momentos al documental dado su marcado realismo visual en la construcción de los espacios marginales.

El prestigio logrado en la promisoria carrera de Trapero le ha permitido contar con los medios económicos para solventar su apuesta estética y así lograr un retrato fiel de la marginalidad, como pocos directores logran en el cine argentino contemporáneo y que coloca a su obra en un importante lugar en el mercado cinematográfico latino y quizás mundial.

Bajo la omnipresente mirada e inspiración del Padre Mujica, la obra de Trapero nos cuenta la historia del Padre Nicolás (Jeremie Renier) un cura belga, quien tras sobrevivir a una masacre ocurrida en el Amazonas encuentra refugio en la obra llevada a cabo por el padre Julián (Ricardo Darín) en la Villa de Lugano. Signo de la idiosincrasia argentina y elocuente metáfora de ladrillos y desidia, el Elefante Blanco fue un proyecto hospitalario originado en el año 1937 con la proyección de ser el mayor centro asistencial de Latinoamérica, de la mano del proyecto matriz propulsado por Alfredo Palacios.

El emprendimiento fue detenido y retomado luego por el gobierno de Juan Domingo Perón, quedando nuevamente inconcluso con el derrocamiento de la Revolución Libertadora. El abandono del proyecto hizo que el lugar sea actualmente habitado por más de trescientas familias y allí es donde el Padre Julián trata de llevar sus labores de evangelización y voluntariado en medio del más inhóspito de los ambientes.

Junto con ambos padres, cientos de voluntarios día a día tratan de lograr una mejora en la precaria vida de los habitantes, acción en la que se ve comprometida también la asistente social personificada por Martina Guzmán. Los tres protagonistas principales deberán luchar con la burocracia, el clientelismo, las redes de narcotráfico y la constante sensación -que los abruma- de sentir que todo esfuerzo es en vano, en la medida en que la sociedad entera les da la espalda ignorando esta terrible realidad tan lindera en lo físico a las grandes urbes, como distante en sus modos de vida.

Las subtramas que trasuntan el relato son muy diversas: desde la no intervención del Estado, la vocación, las pulsiones humanas básicas, la desazón, el desánimo, el ser nacional, la falta de expectativas, tal vez demasiados frentes abiertos al mismo tiempo. Pero estos múltiples frentes no son antojadizos, dado que el film no nos proporciona respuesta alguna sobre la resolución de dichos conflictos, sino que los presenta frente a nosotros para que como espectadores y miembros activos de ese engranaje social nos cuestionemos nuestro propio accionar sobre esa realidad tan urgente como postergada.

Sin lugar a dudas, la excelente dirección, el guión y las actuaciones hacen de Elefante Blanco uno de los mejores films del año, con una visión honesta de la marginalidad y no un ejercicio burgués de limpieza de conciencia. Pablo Trapero nos ha puesto de frente con aquel discurso que no queremos ver y aquel Elefante Blanco es una metáfora de esa sociedad argentina de grandes anhelos y tristes realidades que somos: una estructura nacida para grandes fines pero abandonada en su construcción social.

Basada en la novela homónima de Nicholas Sparks, el film es una adaptación algo mas simplificada de la misma dado que en la novela original uno de los elementos importantes del relato es la travesía del protagonista en búsqueda de su musa salvadora, elemento que no está tan presente en su adaptación cinematográfica a cargo del director Scott Hicks (director Claroscuro y Sin Reservas, entre otras).

La historia se centra en Logan (Zac Efron) un marine que en medio de una operación en la guerra de Iraq encuentra una foto de una joven sonriente en cuyo reverso figura un mensaje alentador , a partir de entonces el sentirá que su angel de la guarda es esta bella joven a quien siente que debe conocer.

Al volver a su hogar junto a su familia la inserción en la rutina se le hace imposible, por lo que emprenderá la tarea de encontrar a la joven de la foto. Luego de varias averiguaciones se dirigirá hacia Carolina del Norte y empezará a trabajar en el pensionado canino que ella tiene, sin contarle su verdadera historia.

Conocerá también la historia de su hermano (quien fuera el desafortunado dueño de la foto) y poco a poco nacerá la atracción entre ambos, o por lo menos debería nacer dado que la pareja de Taylor Schilling y Zac Efron tienen menos química que la existente entre el actor y la foto al mirarla.

Así las cosas el romance se ve frustrado por un ex marido abusivo con el cual la protagonista tiene un hijo (nacido de sus malas artes anticonceptivas juveniles), pero tampoco llegará el conflicto a plantearse porque la personalidad de Logan es tan pacifica que hace recordar a un Kung Fu (tanto por la caminata como por la soledad y el activismo no violento).

El film posee todos los elementos de la comedia romántica clásica, pero la combinación de los mismos es la que no termina de convencer en una historia que no conmueve ni teniendo de por medio perros, guerra, amor y niños.

Cuando el final feliz es un triste presente

La ópera prima de Hernán Belón comienza su relato en el exacto momento en que las historias mainstream terminan: una pareja feliz de dos jóvenes bellos, sanos y sexualmente activos, se instalan en una casa en las afueras con su hija para comenzar una nueva vida.

Pero en lugar de partir de presupuestos instalados en la sociedad, los confronta: ¿La maternidad es un estado ideal en la pareja y en la mujer? ¿Con ella llega la sapiencia suficiente para encaminar una nueva vida?

La trama nos sitúa frente a Elisa (Dolores Fonzi) y Santiago (Leonardo Sbaraglia), una joven pareja que decide irse a vivir al campo junto a su pequeña hija de menos de dos años. No obstante, desde el desembarco en la casa en una cerrada noche de tiniebla, Elisa ya se siente descolocada y temerosa, mientras que su marido Santiago tiene toda la pulsión que le da el entusiasmo por la nueva empresa familiar.

La luz del día siguiente no hace más que aumentar las reservas de Elisa sobre el nuevo hogar; todo le parece sucio, vejado e inhóspito a sus planes familiares y pese a la buena voluntad la conexión con el nuevo ámbito le resulta impensable. Así, el campo va convirtiéndose en un personaje más del relato que cumple la función de desestabilizar la endeble situación emocional de Elisa y ponerla de frente a su incompetencia para llevar adelante el proyecto que tan fervientemente encara su marido.

La opresión de ese ambiente natural y cruento no hace otra cosa que acelerar la incipiente crisis de la pareja, tal vez devenida de la falta de adaptación de Elisa a su nueva faceta materna o quizás de una desorientación intima de la joven mujer a sus circunstancias. Parafraseando al genial Charly Garcia la frágil Elisa, interpretada magistralmente por Dolores Fonzi (es destacable la dirección de actores del film) no aprendió a vivir y la soledad del campo la pone frente a frente con esa realidad, obligándola a reconocerse en ella. A su lado, Santiago con toda la fuerza motora de sus sueños, personificados en esa casa abandonada en la que el ve un potencial hogar -metáfora tal vez del estado de Elisa- se sitúa como un observador del proceso que su esposa atraviesa sin demasiada posibilidad de interacción.

Entre ambos, se creará la incómoda distancia que se genera entre los ideales cuando son opuestos, más insalvable aún cuando la idea es tener un futuro juntos. Así quedará planteado el dilema: ¿ceder frente a las necesidades del otro es ignorar las propias pulsiones?

Un film interesante donde las actuaciones son la clave del relato y el ambiente nos condiciona a enfrentar cara a cara a nuestros propios demonios.

Último tango en Nueva York.

Hace muchos años, allá por los setenta, la industria se escandalizaba por las escenas de alto contenido erótico que poblaban el film Ultimo Tango en París, donde un joven Marlon Brando se unía a una apetecible Maria Schneider en un pequeño piso de París para prodigarse el más puro amor físico a fin de exorcizar las falencias emocionales de cada uno. Pues bien, en una línea similar de planteo pero llevada más al extremo aun, se estrena en nuestro país el film Shame: Sin reservas protagonizado por el reconocido actor y figura en ascenso Michael Fassbender , bajo la dirección de Steve McQueen.

Ambos, director y protagonista, ya habían trabajado en otro proyecto aun mas polémico aunque no tan difundido como fue el film Hunger, que trata sobre la huelga de hambre llevada a cabo por los militantes del grupo IRA durante los años ochenta en la cárcel de máxima seguridad de Maze en Irlanda del Norte. Allí las vejaciones sufridas por los presos escapan a la imaginación de la mente mas enferma. En ese marco la ferrea decisión de llevar adelante esta huelga de hambre , unida a la brutalidad de los métodos en la que se ve enmarcada nos sumerge en un mundo donde las ideas cobran una fuerza inusitada a través del cuerpo puesto al servicio de la lucha. De hecho, para la composición del rol, Michael Fassbender perdió mas de catorce kilos para poder interpretar el desgaste físico al cual se sometían los presos que tomaban la decisión de llevar adelante esta medida de fuerza.

Así pues esta claro que tanto para el director como para el interprete el cuerpo en si mismo es algo mas que un instrumento para la interpretación de un mensaje, sino un elemento más que conforma el relato cinematográfico. En este caso Brandon es un joven soltero que vive solo en un cómodo apartamento de Nueva York, con un buen trabajo y una vida social activa, responde al perfil de un hombre promedio de treinta y tantos de la Gran Manzana. Pero el posee un turbio secreto: una malsana relación con el sexo. Relaciones ocasionales, masturbación compulsiva, pornografía, sexo virtual forman parte de la única y verdadera satisfacción de sus días, tan efímera como intensa.

La llegada a su vida de su hermana (interpretada por la maravillosa Carey Mulligan) significará un quiebre en su alocada vida, y a la vez lo pondrá de frente con los fantasmas del pasado que acosaron a ambos , y a los cuales ella ha optado exorcizar a través de una actitud extrovertida y más social que su hermano.

La tensión se hará presente desde el arribo de ella a su casa , desde su invasión a sus habitos secretos, difícilmente confesables y desde la encarnación del pasado que vuelve para enfrentarse a Brandon. Nueva York es un personaje más que comparte con Brandon su carácter cosmopolita, su brillo, su actividad nocturna, y sin embargo se muestra en un faceta solitaria, casi como un terreno donde solo habitan las almas errantes.

Una de las escenas más emotivas y significativas del film tal vez sea la de Carey Mulligan cantando de la manera mas deliciosa y bucólica imaginable las estrofas de New York New York “Quiero despertarme en una ciudad que no duerme, Y encontrar que soy el rey de la colina, el primero de la pila¨. Tal vez el deseo más anhelado de Brandon sea lograr sentirse de esa manera, y aparentemente la ciudad que nunca duerme no le permite salir de sus mas terribles pesadillas.
Si aman el cine, no pueden dejar de verla.

Amanda Seyfried sigue perdida en el bosque

Parece que la belleza magnética en ciertos casos más que ser una bendición termina siendo una desgracia en la vida de quienes la poseen. Sino veamos el caso de Amanda Seyfried quien aún no nos permite recuperarnos de la soporífera Chica de la capa roja, especie de engendro entre el clásico cuento y una visión crepuscular de la vida (amores inconclusos, pasiones adolescentes, triviales conflictos.

Pues bien en este caso Amanda no necesita limpiarse el musgo de sus zapatos porque nuevamente le toca recorrer el bosque, esta vez no en búsqueda del lobo sino para encontrar a su hermana en el thriller psicológico (¿?) 12 horas plagado de todos los lugares comunes que una película mediocre requiere: chica traumada a la que nadie le cree, policía con experiencia descreído, policía novato cómplice, búsqueda desenfrenada, fin a los apurones.

La historia nos cuenta que Jill (Amanda Seyfried) ha sido secuestrada por un psicópata del cual logra escapar (no sin que esto quiebre su estabilidad emocional); un tiempo después su hermana desaparece de su hogar y ella sabe a ciencia cierta (movida por el instinto) que se trata del mismo asesino.

Con sus ojazos suplicantes Jill recorre las oficinas de policía sin respuesta alguna, salvo una tibia ayuda de un policía novato (interpretado por Wes Bentley); pero nada la detiene y entonces inicia la búsqueda de su hermana por sí sola, desenfrenadamente, hasta el final del film.

Ni la belleza de Amanda Seyfried ni las actuaciones de Wes Bentley y Jennifer Carpenter logran darle contenido a un guión plagado de lugares comunes que parece condenado a las tardes de cable de los sábados.

Nuevamente Amanda está perdida en el bosque y más vale que se oriente en la elección de su próximo proyecto o no saldrá nunca mas de ahí.

Existen realidades que nos resultan incomodas, dolientes y difíciles. Hacia esas realidades es difícil voltear la mirada y hacerles frente. El film El pozo de Rodolfo Carnevale, nos entrega justamente esa visión y nos ayuda a acercarnos a ese mundo casi inexplorado por el cine que es el autismo.

Si bien existen películas sobre el tema (Rain Man, Nell, Testigo en Peligro, Yo soy Sam, Su nombre es Sabine, etc.) siempre la mirada suele ser ligera , casi sin intentar adentrarse en este mundo que nos exige comprometernos con su realidad. Este pedregoso camino es el que recorre el director para narrarnos en primera persona como esta patología afecta el núcleo familiar del niño autista.

La historia personal del director fue el móvil y el norte para que esta mirada resulte franca y creibledado que su hermano padece esta patología. Su estreno viene precedido por el reconocimiento obtenido en el Festival Internacional de Cine y Video Independiente de New York donde gano seis premios (mejor película en lengua extranjera, mejor director, mejor actriz, mejor actor, mejor música y el premio del público)

El film nos narra la historia de Pilar (una soberbia Ana Fontán) una joven de veinticuatro años cuyo cuadro ha sido diagnosticado hace veinte. Junto a ella tenemos personificados en su familia las diversas reacciones que la sociedad manifiesta frente a su realidad : su madre (Patricia Palmer) amorosa y comprensiva la cuida con un esmero y desgaste notable, su padre (Eduardo Blanco) tal vez menos tolerante plantea la necesidad de una internación , su hermano menor (Tupac Larriera) ve limitada su vida social frente a los recurrentes ataques de Pilar.

Luego de mucho dialogo se decide la internación de Pilar en un instituto dedicado al tratamiento de su patología donde Pilar empezará a tener contacto con otros jóvenes que comparten con ella ese mundo onírico y distante . Los conflictos propios de su madre , hermano y padre saldrán a la luz acallados por los años de cuidado a Pilar y a su vez ella trabará una relación con otro joven del instituto, encarnado magistralmente por Ezequiel Rodríguez.

El amor fraternal, los vínculos, la mirada de la sociedad, el desamparo, la esperanza y por sobre todo los sueños (particularmente los que Pilar vivencia cada vez que cae en el pozo que le da el titulo al film) atraviesan medularmente el relato de Carnevale. Sin concesiones ni generando empatía con sus personajes, mostrando la vida en su carácter mas crudo y real el film es un vivo retrato de como impacta este tipo de patologías en una familia con el paso de los años y tal vez en esto resida su mayor acierto.

La jubilación de Hunter Thompson y el periodismo Gonzo.

Aun resuenan en nuestras retinas las imágenes de la onírica biopic de Hunter Thompson, creador del periodismo gonzo, interpretada por Johnny Depp en Pánico y Locura en Las Vegas. La clara aceptación que tuvo el film que se ha convertido en una historia de culto para muchos en materia de excesos , drogas e inspiración sintética , tal vez haya sido el motor para Diario de un seductor.

Inicialmente debemos hacer una aclaración para ser honestos a nuestros lectores: el titulo elegido para la comercialización poco tiene que ver con la trama de la historia. Si bien es claro que nuestro protagonista es un seductor para las mujeres, poco tiene esta historia de seducción pero claramente este era una interesante veta para atraer al publico femenino.

Dicho esto pasemos a la historia Kemp (Johnny Depp) llega a Puerto Rico dispuesto a hacer gala de su profesión de cronista a toda costa. Ambientes cerrados, resacosos y sucios serán el marco donde deberá moverse el periodista conviviendo incluso hasta con gallinas en su cuarto rentado.

Allí deberá mantenerse sobrio (lo cual para el es una tarea titánica) y tratar de buscar donde están las noticias interesantes , para entregarlas a un diario que se encuentra cerca del cierre por problemas económicos. Kemp se topa con sendos periodistas amigos de los excesos como él, una magnate corrupto (Aaron Eckhart) en pareja con la clásica mujer prohibida y deseable (Amber Heard) .

La tibieza de la apuesta en contraposición con la obra de Terry Gilliam acaba jugándole en contra en lugar de ser el motor impulsor para ver el film, y el personaje termina siendo un ente que pulula entre el exceso y el encuentro con la verdadera vocación.

Si desean conocer mas sobre el padre del periodismo gonzo caracterizado por la intervención del cronista en los hechos que relata junto con un malsano consumo de sustancias pueden disfrutar del documental The Life and Work of Dr. Hunter S. Thompson para así entender a uno de los periodistas mas extremos que brindó una mirada subjetiva e intervencionista a las crónicas de su tiempo.

Hunter se suicidó en el año 2005 y así lo despide un amigo Ralph Steadman en el documental que les recomendamos:

Has estado amenazando hacer eso durante años Nunca fuiste razonable y sabías,a pesar de tu espíritu vagabundo, que no eras invencible. Los que llegaron a ser una amenazaa tu EE. UU siguen floreciendo. Para ti, era la victoria o el final de juego. Sólo quería que te quedaras para capturar la belleza de esa imagen de mal absoluto.Pero nos dejas con un plano, viejo amigo. Discútelo con los dioses. Avísanos qué pasa. Ralph.

Mientras tanto Diario de un seductor termina siendo una tibia película que no le hace justicia a la grandeza y extremismo de su creador Hunter Thompson.

La eterna edad del pavo

Que los noventa están regresando es un hecho; cientos de remakes cinematográficas, sumadas a reuniones de bandas legendarias de aquel entonces son una viva prueba de que los jóvenes de esa década somos hoy los adultos que tenemos el poder de decidir y de consumir tanto cine como música. Y la nostalgia es sabido que es uno de los motores del consumo, cuando la misma está bien encaminada.

American Reunion es un emergente de esa nostalgia materializada en esos mismos adolescentes que en los noventa pugnaban por perder su virginidad y hoy deben adaptarse a su nueva realidad.

Oz (Chris Klein) es conductor afamado de un canal deportivo; Kevin (Thomas Ian Nicholas), un arquitecto reconocido que vive establecido en pareja; Finch (Eddie Thomas) mantiene el misterio sobre su situación actual y Stifler (Seann William Scott) continúa anclado en una adolescencia irresoluta. Jim (Jason Biggs) y Michelle (Alyson Hannigan) encarnaron el sueño americano de casarse con el amor de la preparatoria y formar un hogar con un niño, pero sin embargo la crianza de su hijo ha minado la intimidad de la pareja.

En tiempos de reencuentros, claramente propiciados por las redes sociales, todos se dan cita en East Great Falls para rememorar viejos tiempos.

Y tal vez aquí sea donde las aguas se dividan entre los espectadores: para aquellos que desean ver una evolución en el planteo de los conflictos y temáticas relacionadas con el mundo adulto la frustración será el resultado. El sexo prohibido ya no es con la noviecita de la preparatoria sino con una bella vecinita a quien Jim cuidaba y quien hoy es una auténtica bomba sexual. Las bromas escatológicas seguirán estando a la orden del día y la complicidad entre amigos seguirá siendo la constante que rija sus relaciones.

Aquellos que consideren que la adolescencia es sólo un estado de ánimo, totalmente independiente de la edad de quien la vive, tal vez sepan ver en las situaciones vividas por los ya adultos una revancha poética al implacable paso del tiempo.

Es sólo cuestión de decidirse a vivir en la eterna edad del pavo, o simplemente darnos un recreo en nuestra vida de adultos para sentirnos jóvenes, livianos y sin responsabilidades.

La última palabra está en el espectador: el film dentro de su paradigma y con sus códigos funciona, pero si esos parámetros no se comparten no es más que la triste historia de un grupo de treinteañeros tratando de negar lo visible; es decir, que ya están crecidos para ver en un pie el objeto de satisfacción de su pulsión sexual.

Una heroína en tiempos de feminismo.

Sabido es que los cuentos de hadas con el paso de los años han sabido aggionarse a los tiempos que corren incluyendo una princesa negra , príncipes más débiles y mujeres al mando de las situaciones.

Espejito espejito vendría a ser algo así como un revisionismo histórico de hadas y nos sumerge en un mundo donde las mujeres dejaron de esperar al príncipe y salieron decididamente a buscarlo . De la mano de su director Tarsem Singh (creador de realidades oscuras como The Cell o Inmortales ) nos adentramos en un reino donde la malvada reina (Julia Roberts en una gran interpretación) tiene prisionera a la bella hija de su difunto esposo, Blancanieves (en la rozagante piel de Lily Collins), sintiéndola como una seria amenaza a sus dotes estéticos ya en baja por la edad.

Pero la joven logrará escapar del castillo y así ver la pobreza en que la reina ha sumido al pueblo por sus suntuosas fiestas. También conocerá al Príncipe Encantado (Armie Hammer en una interpretación a la que le pone el pecho, literalmente). Pero la suerte en los cuentos de hadas siempre es esquiva a las princesas y juntamente con ella la reina también conocerá al sexy príncipe, eliminando a la amenaza de Blancanieves al mandarla a matar por su bufón del reino interpretado por el multifacético Nathan Lane.

Así Blancanieves será enviada al bosque donde conocerá a siete enanitos, que esta vez en lugar de ser trabajadores son algo así como una banda dedicada al robo de diligencias. Junto a los enanos Nieves aprenderá artes de la lucha cuerpo a cuerpo que utilizará luego para defender su reino y su pueblo agobiado por los excesos tributarios de la reina.

El film cumple, sin demasiado brillo, con los postulados del cuento de hadas, con especial mención al maravilloso vestuario de los personajes en manos de Eiko Ishioka (quien ya había trabajado con Singh en tres ocasiones mas), el cual terminó siendo su obra póstuma dado que la diseñadora falleció en enero de este año. Se realizaron más de cuatrocientos vestidos caracterizados por el cuidado diseño de sus telas como así también en los maravillosos tocados con temática de animales utilizados en la escena del baile real.

Sin la irreverencia de Encantada, Espejito Espejito es un film que entretiene sin deslumbrar pero no por ello deja de ser una buena opción para ver con los niños y en el caso de las mujeres admirar el maravillo vestuario que nos dejó la gran Eiko Ishioka.

Arenas movedizas cinematográficas.

El príncipe del desierto es un relato épico de la vieja usanza, donde poca participación tienen los efectos especiales ni las animaciones computadas el film fue realizado en Túnez y Qatar. Básicamente el film narra la historias de dos familias enfrentadas por su concepción de las tradiciones y del avance de las tecnologías.
Allí por los años treinta Nesib, Emir de Hobeika (interpretado por Antonio Banderas) es ganador en una batalla entre familias rivales, se impone una tregua, llevada a cabo a través de la adopción por parte del vencedor de dos de los hijos de su oponente Amar, el Sultán de Samaah (en la piel de Mark Strong).

Entre ambas familias acuerdan la paz en la zona límite de ambos reinados la cual no deberá ser explotada por ninguno de ellos. Menudo problema se plantea al llegar los petroleros norteamericanos y anunciarles que esa zona es plausible de explotación petrolífera y traerá con dicha actividad la riqueza y el progreso a sus habitantes devastados por los avances del cólera.

Nesib no duda en comenzar las excavaciones, desatando entonces la lucha con la concepción de las tradiciones y el progreso que sostiene Amar. Las negociaciones deberán iniciarse entonces incluyendo las mismas el matrimonio entre uno de los hijos de Amar el Príncipe Auda (en la piel del interprete de Un profeta Tahar Rahim) y la bella hija de Nessib la Princesa Leyla (encarnada por la bella Freida Pinto).

Más allá de este tibio intento por conciliar posiciones la guerra esta planteada y en las arenas del desierto se enfrentarán no solo hombres contra hombres, sino concepciones sobre la familia, las tradiciones, el progreso y en definitiva sobre la vida misma y los diversos elementos que la componen

El film tiene todos los ingredientes para ser una interesante aventura épica, sin embargo algo se queda a mitad de camino. Tal vez la interpretación realizada por Antonio Banderas que termina siendo más un pícaro Emir, con tonos burlones que un personaje mas enmarcado en su situación roba dramatismo a la situación. La atractiva Freida Pinto demuestra que a veces es necesario algo más que belleza para la composición de un personaje creíble. Estos despropósitos terminan desdibujando un producto que contaba con todos los ingredientes para ser una historia épica de importantes matices.

A su favor el film cuenta con una maravillosa fotografía lograda a través de sus increíbles escenarios naturales como así también las excelentes interpretaciones del creciente Mark Strong y Tahar Rahim. Las escenas de combate en las arenas desoladas nos muestran que en ciertas ocasiones no solo basta la tecnología sino el conocimiento del terreno y la astucia.

Una historia que se quedo a mitad de camino entre sus intenciones y el resultado, muriendo tal vez agobiada por el calor del desierto.

Un héroe biodegradable.

Este jueves llega a nuestras salas el esperado film El Lórax en busca de la Trúfula perdida, película basada en el cuento del mismo nombre de Dr. Seuss, un relato que nos sitúa en un futuro apocalíptico donde todo es artificial y artificioso.

Las calles de Thneed-Ville están llenas de color, los árboles son inflables y hasta el aire se vende envasado. La gente sin embargo vive en un estado de total alegría, tal vez una emoción tan falsa como los componentes del verde follaje. En este marco sin embargo aún subsisten las clásicas historias de amor adolescentes, donde las niñas objeto de deseo suelen poner a prueba la voluntad de sus pretendientes.

Es así como Ted Wiggins eternamente enamorado de su vecina Audrey escucha como ella suelta con total desparpajo la frase “le daría un beso a quien me consiguiera un árbol de verdad” .Y esta simple frase será el motor para que el joven con la complicidad de su abuela comience una incansable búsqueda de una semilla que logre que germine tanto el árbol, como el ansiado beso.

Así emprende un viaje iniciatico, alejándose de los límites de la ciudad (tanto físicos como filosóficos) e ingresando en un hostil y gris ambiente. En este mundo opacado y polucionado vive Once-ler un hombre quien posee la preciada semilla, pero que a cambio de su entrega le relatará al joven como el mundo natural fue destruido por la desmedida ambición de los habitantes primitivos.

Aquí la historia a través de un desdoblamiento nos llevará a los tiempos donde los colores y la vida silvestre eran de publico dominio y donde todo era de libre e irrestricto acceso. Allí el joven Once-ler , emprendedor como pocos , se adentró en los bosques nutridos de colores brindados por los árboles de Trúfulas y al verlos supo al instante que allí dormía una mina de oro .

Al intentar talar los árboles mágicamente se materializa en escena el héroe de nuestra historia, el Lórax , una especie de ser peludo y simpático que vela por la integridad del bosque. El gruñón ser convence a Once Ler que la devastación de los recursos no es el medio para lograr sus objetivos o por lo menos no es el medio con menor impacto ambiental para los seres que ahí habitan.

Sin embargo Once Ler movido por la ambición desmedida inicia una industrialización masiva de su producto, aniquilando el bosque de Trufulas y con ello la calidad de vida de sus habitantes

Así el mundo tal cual era conocido no existirá más y empezará la comercialización de los pocos recursos que quedan , hasta llegando al extremo de comercializarse el aire puro envasado

En las manos de Ted Wiggins ahora no estará solo la semilla de la Trúfula sino la posibilidad de revertir esta historia de desatención por la naturaleza y desinterés por el prójimo.

El film cuidadosamente narrado con vivaces cuadros musicales (de los cuales sobresale “ ¿Cuan malo puedo ser ?”) , no solo narra la historia con efectividad sino que apunta la concientización de los niños sobre las consecuencias de la falta de cuidado ecológico en nuestro actuar diario.

Casi con aires de viejo cuento de las abuelas con moraleja, no la hace especial ni el despliegue de recursos técnicos ni los actores que prestan sus voces al proyecto, sino que conmueve al público desde el lugar de ponernos de frente a las propias miserias del capitalismo salvaje.

Cuando el costo de la codicia no es otra cosa que el futuro de la nuevas generaciones , el dilema esta planteado y como dice Once-ler “a menos que ” hagamos algo al respecto nuestro destino está mas cerca de Thneed-Ville de lo que creemos.

Es hora de despertar conciencias y si El Lórax así lo hace habrá cumplido su cometido.

Cuidado con lo que deseas

El film que hoy reseñamos propone el reencuentro con un cine de acción al mejor estilo de los setenta, con furiosas persecuciones callejeras, tiroteos y peleas cuerpo a cuerpo que poco tienen que ver con trucos digitales.

Safe House o Protegiendo al Enemigo, nos narra la historia de Matt Wenston, un novato agente de la CIA apostado en una casa de seguridad en Ciudad del Cabo. Allí espera la llegada de algo de acción que le permita demostrar sus dotes para el cargo. Estas casas, valga la aclaración, suelen ser utilizadas para la detención de criminales o para interrogatorios con métodos no precisamente “legales“.

Simultáneamente, en la misma localidad africana uno de los hombres más buscados de la CIA, el disidente Tobin Frost (Denzel Washington), luego de una terrible persecución por las calles de la ciudad, se entrega voluntariamente en el consulado norteamericano.

La primera reacción de la central de la CIA en Estados Unidos, ante el desconcierto generado, es remitirlo a la casa de seguridad donde Wenston presta servicios. A partir de entonces al joven se le presentan no pocas ocasiones para poner a prueba su valía.

Tobin es un profesional con perfecto dominio del oficio (casi en simetría perfecta con quien lo interpreta en la cinta) y apenas si se inmuta con los diversos ataques que va sufriendo. El hombre carga consigo información clave, cuyo mayor peligro reside en que su carácter de vital no lo es sólo para la CIA sino también para otra gente que procura hacerse de la misma.

Entre ambos personajes se suscita una relación de extraños ribetes que mezcla dominio con camaradería, enmarcada entre tiros y muertes violentas filmados con impresionante realismo y feroz ritmo frenético.

Si bien el film no es innovador en cuanto a su trama, este elemento no va en desmedro de una delicada factura con cuidado de los detalles y los elementos que hacen a las características típicas del género. Y nos brinda un producto interesante con la magistral interpretación de uno de los actores más importantes de los últimos tiempos: Denzel Washington.

La suerte está con nosotros

Existe una orfandad literaria entre los adolescentes seguidores de Harry Potter y Crepúsculo ante el fin de la primera saga y el inminente desenlace de la segunda que llegará este año. Para llenar este nicho del mercado ha llegado Los juegos del Hambre, film que se estrena en el día de hoy en las salas porteñas.
Es imposible no hacer especial mención al fenómeno que se ha generado en torno a este film aún antes de su estreno y más exactamente en relación a la saga escrita por Suzanne Collins, que la ha convertido en un best sellers elegido por los mas jóvenes como objeto de culto.

La historia narrada en el libro nos cuenta sobre una nación denominada Panem, erigida sobre las ruinas de lo que una vez fuera Norteamérica. Una nación con marcadas diferencias entre la ciudad central (El Capitolio) y los restantes distritos que la componen y que se ubican en la periferia.

Allí, una vez al año, se celebran Los Juegos del Hambre, un reality en el cual cada distrito envía a un muchacho y a una joven de entre doce y dieciocho años a competir en una lucha a muerte de la que sólo sobrevivirá uno. Esa contienda es televisada en directo a toda la nación, brindando a cada distrito la posibilidad de monitorear la suerte de sus candidatos. La gloria estará del lado de los ganadores.

Pero antes de ingresar a las arenas de la competencia y como todo buen reality cada participante deberá presentarse en el show televisivo para generar empatía con el público y obtener de esa manera patrocinantes que en el desarrollo de la competencia les provean de medicamentos o alimentos.

El desarrollo cinematográfico de la primera entrega de esta saga nos presenta a Katniss Everdeen (Jennifer Lawrence) una adolescente del distrito doce, quien frente al sorteo anual de Los juegos del Hambre toma el lugar de su pequeña hermana para salvarla. Así, ella y Peeta (Josh Hutcherson), un joven panadero, son los elegidos del distrito. Juntos viajan al Capitolio, una ciudad que ya desde lo visual nos marca una impronta renacentista, cargada de colores y con un gusto estético exultante en las texturas (excelente labor de la encargada del vestuario Judiana Markovsky).

Una vez ya instalados en las opulentas instalaciones del Capitolio son entrenados para agradarle al público en su primera presentación en sociedad, frente al conductor del reality Caesar Flickerman (Stanley Tucci en una excelente interpretación). El entrenamiento para Katniss será arduo dado que la vida ruda de la adolescente la ha separado de conceptos tales como cortesía o buenos modales, elementos prescindibles en el trajinado devenir de la vida en el distrito doce.

La apuesta desde lo cinematográfico está focalizada en la grandilocuencia de las locaciones que forman parte del Capitolio, en franca y tremenda contraposición a los oscuros paisajes que reflejan la mísera realidad de los habitantes de los distritos. Las escenas de los desfiles previos a los juegos y las presentaciones de los participantes son de un despliegue visual pocas veces visto, puesto al servicio de retratar la opulencia mas obscena que habita donde reside el poder.

Juntamente al apartado visual se le suma un excelente elenco que -a diferencia de otros films dirigidos a un público adolescente- esta vez no se trata de ignotos intérpretes sino de actores de la talla de Donald Sutherland, Stanley Tucci, Jennifer Lawrence, Wes Bentley y hasta Lenny Kravitz (en un papel que él mismo confesó inspirarse en la figura de Tom Ford).

Lo siguiente ya es parte del juego, que no develaremos en esta reseña, pero les aseguramos que un mundo con lenguaje propio, códigos y aventuras, se abre paso entre nosotros.

Un mundo que los espera y sólo podemos desearles que la suerte siempre, siempre esté de vuestra parte.

Calavera que chilla

Bizarro es una palabra que en su origen significaba lúcido, elegante y espléndido. Sin embargo, el ambiente cinéfilo fue resignificando el término y a través de un galicismo lo fue incluyendo en nuestro idioma como sinónimo de raro, extravagante, insólito, fuera de lo común. Pues bien, si buscáramos una manera de describir a Ghost Rider: Espíritu de Venganza sin lugar a dudas la última acepción de bizarro sería la más correcta.

En esta nueva entrega de la saga (¿?) el motociclista fantasma se encuentra recluido en un viejo taller a la espera de poder lidiar con sus propios demonios y es entonces cuando una nueva oportunidad de exorcizarlos se presenta en su vida. Un joven niño junto a su madre deben ser escoltados hasta un antiguo monasterio para ser preservados de un oscuro secreto que los persigue desde el comienzo de la vida del infante, y este secreto será justamente el que los conecte con el motociclista fantasma.

Esta nueva entrega se muestra definitivamente volcada hacia el lado bizarro, con muchas más miradas cómplices a cámara y referencias a la estética del comic. Cuenta en su elenco con el inefable Nicolas Cage (quien poco a poco se ha ido convirtiendo en sinónimo de películas poco atractivas), junto con Idris Elba el ganador del Golden Globe y protagonista de la serie de la BBC Luther y un mínimo -aunque relevante- papel de Christopher Lambert que nos sirve para confirmar que al menos sigue vivo, a pesar de no ser este producto la más interesante muestra de vida.

Lo más rescatable del film es posiblemente aquello que lo condena: el liberarse de todo formalismo y terminantemente entregarse a una estética y planteo trash que sólo podrá cautivar a los amantes de este tipo de propuestas.

Las locaciones elegidas para el rodaje también son dignas de mención dado que el set de filmación fue realizado en las áridas tierras de Rumania, donde se erigen el monasterio que servirá de refugio a la atormentada alma de Johnny Blaze.

El film también nos brinda una más acabada referencia de las razones y el modo en que el joven amante de las motos vendió su alma al diablo, y además nos revela la historia de Zarathos, el espíritu que convive dentro de su cuerpo maldito.

Los efectos de animación aplicados al motociclista también se encuentran mejor desarrollados en esta entrega, logrando algo más de espíritu en un personaje que decae por la debilidad de un guión con poca profundidad y desarrollo.

Al salir de la función de prensa un crítico decía “si la venís a ver, calavera no chilla”, sabias palabras, un film de culto... sí, de culto satánico.

Un ángel exterminador neoyorquino

Cuan una emanación moderna de El Ángel Exterminador de Luis Buñuel, los protagonistas del último film de Roman Polanski, Kate Winslet, Christoph Waltz, Jodie Foster y John C. Reilly, jamás salen de la locación que los encuentra reunidos en la primera escena del film. Los hijos de ambas parejas se han trabado en lucha, resultado por el que uno de ellos ha perdido dos piezas dentales.

Los padres del agresor se acercan a pedir las disculpas del caso pero nada saldrá como ellos esperan. El matrimonio de Nancy (Winlset) y Alan (Waltz) son los padres del agresor. El es un exitoso abogado con poco tiempo para ejercer su rol parental, ella una eterna conciliadora que sólo busca llegar a un acuerdo luego de los eventos ocurridos. Por otra parte, los padres de la víctima del ataque, Penélope (Foster) y Michael (Reilly), son una pareja simpática, sobre todo el marido que tratará de obtener el arrepentimiento del agresor.

Así las cosas, aparece un quinto elemento que es definitorio en la trama y presente en todas las obras del director polaco: el encierro. Tal vez como una representación del propio ánimo del director que por sus delitos cometidos hace más de veinte años aún no puede pisar suelo norteamericano, la falta de libertad ambulatoria siempre se encuentra presente en sus obras. Quizás como una forma de exorcizar sus propios demonios personales a través del celuloide.

El hastío que genera el verse de frente con aquello que nos molesta en el otro termina operando como disparador para que nuestras propias falencias salgan a escena, de la manera más tosca e irrefrenable. Así, el buenazo de Michael comienza invitando una copa de whisky, mientras que el hiperquinético de Alan habla por teléfono con sus clientes y el alcohol empieza a desinhibir a los disertantes. Penélope, también movida por la incomodidad del momento y la aparente impostura burguesa de sus visitantes, empieza a hartarse de ellos, perdiendo poco a poco la compostura.

Todo empieza a caer como un castillo de naipes descontrolado y pronto la cortesía forzada dará paso a la sinceridad más fulminante de las formas corteses.

Los cuatro intérpretes del film nos brindan actuaciones impecables mucho más palpables, claro está, al momento de perder el control. Waltz en su papel de villano y hombre fuerte de negocios termina robándose el film, con la clara complicidad de Polanski. Foster nos brinda un maravilloso ejercicio de contención de las propias emociones que termina en un devastador y delicioso estallido de furia contenida. Reilly interpreta a un amable vendedor de productos para el hogar de una casa multimarca, tal vez por su propio oficio las buenas formas son parte de su dinámica de comunicación, pero el encierro jugará sus cartas. Kate Winlset interpreta a la mujer y madre fiel, siempre predispuesta al diálogo y pilar infaltable para el equilibrio familiar. Sin embargo, será el detonante de la debacle doméstica.

Un Dios Salvaje es la adaptación cinematográfica de la obra teatral de Yazmina Reza, que fuera interpretada hace poco tiempo en nuestro país por Gabriel Goity, Fernán Miras, Florencia Peña y Maria Onetto con gran éxito y maravillosas actuaciones. Es un film pequeño, con una historia mínima pero con enormes conclusiones sobre nuestra idiosincrasia; nuestro nivel de tolerancia y por sobre todo nuestro verdadero ser, muchas veces camuflado bajo el ropaje del buen ser social.

El diálogo suele ser el vehículo para la resolución de los conflictos para el hombre social, en este caso Polanski ha pisado el acelerador y su film más reciente Carnage es el resultado de esa carrera frenética.

El diagnostico de una enfermedad terminal suele ser el disparador para muchas personas de un replanteo personal sobre las relaciones que se han tenido en la vida y el cine ha sabido captar estos replanteos de las formas mas variadas.

Pudiendo hacerlo desde un lugar más lacrimógeno como lo fue allí en los años setenta a través de Love Story que nos narraba la valentía de una joven pareja al enfrentar la enfermedad terminal de uno de sus miembros. Otro film icónico de la década de los ochenta fue Todo por amor donde una joven Julia Roberts ayudaba a un rico moribundo a tener una ultima conexión verdadera con la vida, aun a riesgo de enamorarse perdidamente de él.

O de una forma al extremo romántica con el film Dulce Noviembre donde Charlize Theron prefería hundirse en el recuerdo antes que ser inmortalizada como una deteriorada enferma terminal. Un poco más cerca en el tiempo podríamos nombrar a la magistral cinta 50/50 donde se aborda el tema del cáncer con un fino equilibrio entre comedia negra y drama que solo los grandes malabaristas del cine pueden lograr sin perder el equilibrio del relato.

El film que hoy se estrena en las carteleras porteñas tiene un poco de drama y bastante de comedia rosa . Se trata del segundo film de Nicole Kassell, quien luego del fuerte film El leñador interpretada por Kevin Bacon (que trataba el tema de la reinserción social de un pedófilo) hoy nos entrega Amor por siempre.

El film interpretado por la pareja romántica compuesta por Kate Hudson y Gael García Bernal , nos narra la historia de Marley , una joven poco afecta a las relaciones serias, quien por un control descubre que esta enferma de cáncer de colon en estadio terminal. El encargado de informárselo será su doctor Julián ( Gael García Bernal ) y así entre ambos nacerá una complicidad teñida de destino trágico

Para matizar el difícil momento Marley tendrá esporádicos encuentros celestiales con Dios , interpretado por la inefable Whoopy Goldberg quien acercará a la protagonista a su destino de manera armoniosa y ayudándola a reconciliarse con sus afectos antes de la partida

Así el film nos traslada por el tratamiento de Marley y como cada uno de sus afectos la acompaña desde el lugar que cree mejor y con las armas que cree mas aptas , y en esto tal vez radique el principal acierto del film en demostrar la falibilidad de los seres frente a la difícil situación planteada.

Tal vez los toques de humor sean un poco forzados y sea algo discutible la química de la pareja principal, sin embargo como comedia liviana se deja ver sin demasiados picos emotivos ni carcajadas. No deslumbra, pero cumple con su cometido de entretener.

El instinto como móvil de las voces acalladas

Este jueves en medio de inmensos tanques de la industria cinematográfica se estrena el film La carrera del animal opera prima del director Nicolas Grosso que parece erigirse como un fiel estandarte del cine no comercial, del cine no producto.

Sabido es que el cine como tal no es tan sólo una manifestación artística del hombre, sino que también responde a los cánones de la producción en cadena, con una estructura de elaboración en masa que recuerda al fordismo donde los riesgos, tanto estéticos como narrativos, son vistos como una apuesta demasiado cara para la inserción del producto final en el mercado.

Es así como jueves tras jueves vemos inundadas las salas porteñas que nos sirven como una cadena de comida rápida un menú rápido, semi digerido y de simple, aunque dudoso, sabor. Siguiendo con las metáforas culinarias podríamos decir que La Carrera del Animal es un caso de cocina de autor que mezcla con maestría ingredientes de los cuales el público en general no se acostrumbra siquiera a probar. Y en esto tanto el cine como las artes culinarias nos enfrentan a un desafío: vencer la inercia de los sabores primarios y conocidos para animarnos a placeres mas gourmet que nos obligan a ser degustadores pensantes en lugar de simples consumidores de productos en serie.

La carrera del animal hizo su primera aparición en el Festival Bafici del 2011 (espacio más que propicio para la proliferación de proyectos estética y narrativamente arriesgados) y como tal en este marco fue la ganadora del premio mayor del año. Hoy nuestras carteleras comerciales la tienen como una de las propuestas a ofrecerse para el público cinéfilo.

¿Por qué decimos que se trata de un cine no tradicional? Narrativamente, el film trata sobre la idea de ausencia: la de un padre que no visita nunca las instalaciones de su empresa; unos hijos que sin verlo saben que deben suplir ese espacio vacante; unos empleados que frente a la acefalia se cuestionan la posibilidad de la autogestión. Sin embargo, este planteo no se brinda con una detallada reseña sobre los orígenes de las relaciones planteadas, sino que también el relato es ausente y no autosuficiente. Queda en manos de los espectadores el trabajo final de unir las piezas sutilmente delineadas por el director Nicolás Grosso (Ver entrevista).

Desde el punto de vista narrativo, tampoco se enmarca el relato en un ámbito temporal definido (aunque el desguace de las instalaciones fabriles hace suponer que estamos en presencia de la era post menemista), y este elemento es remarcado por el hecho de estar filmado el largometraje en blanco y negro, con un vestuario totalmente atemporal y pocas referencias que nos permitan situarnos en una línea definida de tiempo y espacio.

La carrera del animal nos ofrece así una historia bucólica con un ambiente opresivo y distante que nos dificulta el crear lazos de empatía con los protagonistas del relato y nos enmarca diferentes ausencias para que el espectador mismo se cuestione la propia definición de la no presencia: ¿Quienes están físicamente presentes, nos acompañan? ¿Quien no se muestra pero nos condiciona, está ausente? Todas estas cuestiones serán planteadas pero no resueltas en este promisorio debut de Nicolás Grosso, quien victorioso se alzó con el mayor reconocimiento del último BAFICI.

Un ejercicio para quitarnos de la pereza mental cinéfila del mercado. Cine Gourmet sólo apto para paladares curiosos.

¡Un exorcista a la derecha!

El género de exorcismos parece ser inagotable al momento de la aparición de nuevos títulos en las salas de cine, y este jueves llega a nuestro país una nueva entrega que trata está temática tan amada y temida a la vez.

En este caso el titulo del film es Con el diablo adentro (The Devil Inside), una película que utiliza el casi género cinematográfico de falso documental que permite generar empatía con un mínimo costo de producción (para los números que maneja la industria) y efectos especiales básicos.

De un tiempo a esta parte los falsos documentales han inundado nuestras salas con resultados disimiles aunque teniendo una incombatible relación costo-resultado. EL recurso de la cámara en mano y la supuesta inmediatez de las tomas abarató los costos de fotografía, iluminación y calidad cinematográfica. Si a esto se le suma una inteligente campaña de marketing el combo es perfecto.

La frase inicial del film ya nos prepara para lo que viene : “este film no ha sido aprobado por el vaticano”, como si algún film sobre la temática de los exorcismos alguna vez hubiera sido aprobado por la cúpula eclesiástica.

El film arranca contando la historia de María Rossi (Susan Crowley), una mujer que asesinó a tres religiosos durante la práctica de un exorcismo que evidentemente fue fallido. Veinte años después, su hija querrá desenmascarar el tema viajando hacia Roma donde su madre se encuentra internada.

Allí se cruzará con una escuela de exorcismos donde escuchará lo más variados testimonios sobre los mecanismos y las fallas de esta práctica y su obvia desaprobación por la facción más ortodoxa de la iglesia católica.

A partir de este momento ellá tratará infurctuosamente de conectarse con su madre y ayudada por un par de clérigos solidarios exorcizar al demonio (o los demonios ) que habita en el cuerpo de su madre.

El film sin embargo no lográ convencer al espectador y termina siendo fallido desde su línea narrativa , hasta en los supuestos golpes de efecto que busca . Definitivamente un largometraje que hace honor a su genero : de terror.

Hoy se estrena en Argentina El artista, uno de los más esperados del año por la gran cantidad de nominaciones que posee el mismo a los Oscar.

Tal vez el dato más extraño para el espectador medio es su propuesta estética, que se basa en la inclusión de dos elementos, que si bien no son nuevos, son poco usuales: está filmada en blanco y negro y es muda.

Antes de que salgan corriendo y dejen de leer esta reseña, permítannos que les contemos por qué vale la pena vencer los propios prejuicios y acercarse a un cine diferente.

Siempre las novedades crearon resistencia e incluso miedo en el público. Cuenta la leyenda que el primer film que se conoció comercialmente simplemente retrataba la llegada de un tren a una estación y mucha gente se corría o agachaba por la impresión de esa máquina que se dirigía directamente hacia ellos.

El cine, allá por la década del veinte, se organizaba en la base de lo que se llamó el Star System, es decir que cada compañía tenía sus actores fetiches que reforzaban un ideal determinado: acción, aventuras, etc. En este contexto el protagonista de la película, George Valentin (Jean Dujardin) es una carismática estrella del cine mudo en pleno apogeo. Pero su estrellato se ve amenazado por la llegada del sonido a las salas y su falta de adaptación a esta nueva forma de hacer cine.

Su reticencia a las nuevas tecnologías unida a la depresión de los años treinta sumergen al astro en el más solitario de los encierros. A su vez, en medio de su ocaso, una nueva estrella surge: Peppy Miller (Bèrènice Bejo), un símbolo de las eras venideras.

La resistencia de los estudios a seguir apostando al cine mudo y la ceguera frente a las nuevas apuestas hacen que el ascenso de Peppy sea tan vertiginoso como la caída de George.

Sin embargo la vivaz joven no deja de mirar y admirar a aquel hombre que con pocos gestos logra transmitir mas que lo que muchos hacen con palabras.

El film está narrado magistralmente, de manera tal que nos permite entender cómo en algún tiempo fue posible transmitir contenido sin necesidad de utilizar palabras , una cuidada fotografía y actuaciones soberbias completan el combo para las delicias de los mas cinéfilos.

Nuestro consejo : Aprendan de Valentin y entréguense a las nuevas experiencias, no sean reticentes a los desafíos que el séptimo arte les proponen. Como todo en la vida están los que no se animan y están los que bailan al ritmo de las nuevas músicas.

¿Quiénes quieren ser ustedes? ¡Pónganse sus zapatitos de charol lustrado y salgan a las pistas, una gran música los espera!

Verne y una aventura sin pausa

A mediados del 1800 existió un escritor que no sólo describió con maestría mundos paralelos, viajes alucinantes, paisajes, situaciones y personajes. Un hombre que no sólo supo demostrar sus dotes literarias en cada relato sino que logró la mixtura entre el relato fantástico y los conocimientos científicos más variados. Este hombre se llamaba Julio Verne y sus obras han inspirado y siguen inspirando a los autores y directores más influyentes de nuestra época.

Entre las páginas de sus relatos tenemos por ejemplo la exacta predicción de alguno de los inventos que luego modificarían el curso de la humanidad: el helicóptero (en su relato Robur, el conquistador), los submarinos y motores eléctricos (La isla misteriosa), viajes a la luna (De la tierra a la luna).

Muchos catalogan a este autor como uno de los precursores de la ciencia ficción. Sin embargo, su forma de encarar el trabajo era volcar en sus historias las posibles aplicaciones de sus vastos conocimientos científicos y a su vez lograr la divulgación de estos saberes entre la juventud. Algo así como una democratización de la sabiduría entre las nuevas generaciones.

El cine, desde sus albores, reconoció en Verne la inspiración motivadora de una de sus primeras expresiones: el cortometraje Viaje a la luna (1902) de Georges Méliès está basado en el relato homónimo del autor y es uno de los primeros registros conocidos junto con las obras realizadas por los hermanos Lumière. Incluso un film aún no estrenado en Argentina como lo es Hugo, de Scorsese, encuentra su eje narrativo en la influencia de Verne y su mundo fantástico en los trabajos primigenios del séptimo arte.

Para los más freaks y fanáticos de las series antológicas de los últimos tiempos, han corrido mares de tinta tratando de conectar ciertos aspectos puntuales del relato con pasajes de la serie Lost: en la primera entrega, un grupo de personas junto con un perro llegan a una isla misteriosa luego de un accidente aéreo. Tanto para el primero como para la creación de J.J. Abrams, la isla no aparece en los mapas de la época, donde existen extraños seres, como consecuencia de mutaciones genéticas de lo más bizarras. Para el caso de Lost fruto de experimentos; para el de La Isla misteriosa derivados de una fauna propia, creada por el autor.

Lo cierto es que la vigencia de este escritor, a más de un siglo de la publicación del libro de referencia, es indudable y este jueves llega a nuestras carteleras una nueva adaptación cinematográfica, Viaje 2: La isla misteriosa.

En esta oportunidad el grupo de aventureros ya no son prisioneros fugitivos sino personas comunes y corrientes: un simple padrastro y su rebelde hijastro. La historia se centra en las aventuras de Sean (Josh Hutcherson), un adolescente con graves problemas de relación con el nuevo marido de su madre (interpretado por Dwayne Johnson). En este contexto, un mensaje cifrado de su abuelo (el siempre glorioso Michael Caine) con supuestas coordenadas para la localización de una isla misteriosa lo enfrenta con una realidad insospechada: su padrastro posee conocimientos que pueden ayudarlo a llegar al ansiado destino.

Juntos se embarcarán hasta el Caribe donde abordarán un helicóptero piloteado por un lugareño (el siempre efectivo actor de comedias blancas Luis Gusmán) y su adorable hija adolescente (la estrella adolescente Vanessa Hudgens), pero al llegar al centro de un huracán serán enviados a una isla remota donde se verán ante las situaciones más impensadas como el descubrimiento de elefantes en miniatura; abejas gigantes usadas como aeroplanos; ciudades submarinas expuestas; volcanes con lava de oro y lagartijas gigantes, entre otras rarezas del lugar.

El film nos lleva de una travesía a otra a un ritmo incansable, casi tan frenético como el amor por las aventuras del adolescente, los recuerdos del anciano y las ansias de formar una familia del padrastro. Todo ello enmarcado en los maravillosos escenarios que sólo la mente de un genio como Julio Verne podría imaginar.

La única pregunta por responder es: ¿quieren aventura?, si la respuesta es sí, el cine los espera y después por qué no una buena jornada de lectura de un clásico verniano.

No tan elemental, no tan Watson.

Se conoce que es difícil reversionar a los clásicos y darles una impronta diferente, y los directores que así lo hacen saben que serán objeto de innumerables polémicas inconducentes. Pues bien, Guy Ritchie -con su segunda entrega sobre el investigador Sherlock Holmes- no estará exento de las misma.

Para los amantes del cine de este director, plagado de violencia y acción palpitante, es necesario decirles que no se sentirán defraudados en su búsqueda. En cambio para los más tradicionales que se identifican con el personaje adusto y meditabundo creado por Arthur Conan Doyle, tal vez se sientan indignados frente a este timador y peleador callejero magistralmente compuesto por Robert Downey Jr.

Hechas estas aclaraciones, que son la base de la polémica que estamos seguros vendrá luego del estreno, es hora de adentrarnos en la historia que nos ofrece este director de la mano del maravilloso duo compuesto por Downey Jr. y Jude Law.

El film está basado en el cuento El problema final con algunos aditamentos que el director ha tomado de otros relatos del Doyle. La acción transcurre en una convulsionada Europa que se ve azotada por diversos ataques terroristas que hacen peligrar la endeble estabilidad política europea del siglo XIX . Así las cosas, el marco para que la dupla de investigadores se lance a la aventura esta dado, sino fuera por un pequeñísimo detalle : Watson está a punto de casarse .

Si nuestro héroe Sherlock respetara los compromisos y los eventos sociales estaríamos en presencia de una aventura solitaria por su parte, pero bien sabemos que nada detiene al investigador cuando la adrenalina se apodera de él . De modo que hará lo imposible por embarcar al joven consorte en esta aventura por desentrañar el origen de los diversos atentados que sacuden a Europa y que suponen están ideados por la malévola mente de su némesis Moriarty (Jared Harris).

Sus investigaciones los llevarán a recorrer Europa en tren, con la compañía de una nueva socia, la gitana Sim, interpretada por Noomi Rapace . Una vez instalados en el viejo continente su misión será desentrañar los manejos turbios detrás de los reiterados atentados que sacuden la calma diaria, y claro que para ello se valdrán de deducciones y golpes de puño.

En definitiva, estamos en presencia de un film que será aceptado plenamente por el publico en general y sin lugar a dudas dividirá aguas entre la critica especializada, pero para los primeros tenemos buenas noticias : la tercera parte ya está confirmada . Para los especializados deberán acostumbrarse a la idea que Sherlock Holmes salió de la biblioteca y esta sumergido en peleas callejeras .

No tan elemental , no tan Watson, pero así son las cosas