Basada en el libro infantil "The Leaf Men and the Brave Good Bugs" (Los Hombres Hoja y los Valientes y Buenos Insectos) escrito por el novelista William Joyce, la nueva propuesta cinematográfica de animación de los Estudios Sky (los mismos responsables de la saga "La Era de Hielo" y "Río") nos traslada a un mundo fantástico que los seres humanos somos incapaces de reconocer a simple vista.

Ese "reino secreto" al que hace referencia el título de esta película está precisamente en el bosque, donde pequeñas civilizaciones que viven en árboles y arbustos son las encargadas de cuidar el mundo natural y mantenerlo con vida. Claro que también existen fuerzas del mal que desean destruirlo.

Dentro de este contexto, Chris Wedge ("La Era de Hielo", "Robots") dirige una historia encantadora y entretenida en la que la protagonista principal es Mary Katherine, una joven adolescente de 17 años (en la voz de talentosa y versátil Amanda Seyfried) que regresa a su hogar de la infancia para limar asperezas con su distante padre, el profesor Bomba (voz del comediante "SNL" Jason Sudeikis), un científico que está aislado del mundo tratando -de manera obsesiva- de encontrar evidencias que prueben que seres invisibles a nuestros ojos (pequeñas criaturas, insectos y valientes guerreros) viven en el bosque para protegerlo y, a su vez, protegernos a nosotros.

Incrédula y cansada de estas suposiciones, M.K, quien no recibe la suficiente atención de su padre, pierde la paciencia y decide marcharse. Pero sucede algo que la transporta mágicamente al mundo de los Hombres-Hoja, batallón elite de guerreros -dirigido por Ronin (voz de Colin Farrell)- que protege la biodiversidad de ese mundo escondido reinado por Tara (voz de la cantante Beyoncé).

A partir de ese momento, la joven muchacha se convierte en la pieza clave del destino de esa comunidad que se ve inmersa en una batalla en la que Mandrake (voz de Christoph Waltz), líder de los malvados Boggans, tiene por objetivo dominar el bello bosque y plagarlo de putrefacción. Pero también, al adquirir una nueva perspectiva, M.K. es la responsable del suyo propio para así regresar a su casa y reestablecer la relación con su padre.

La película, repleta de aventura y comedia -y con un claro mensaje ecologista que nos invita a razonar y cuidar la naturaleza- presenta un gran nivel de animación en tres dimensiones cuyo despliegue visual (las texturas y los colores) es realmente excelente.

El reparto de actores que prestan sus voces a estos adorables personajes se completa con Josh Hutcherson como Nod (el interés romántico de M.K.), los cantantes Steven Tyler y Pitbull como la sabia oruga Nim Galuu y el renacuajo Bufo, respectivamente; y los comediantes Aziz Ansari y Chris O'Dowd, quienes dan vida a Mub, una babosa y Grub, un caracol.

Tras el éxito que cosechó con "Slumdog Millonaire: Quién Quiere ser Millonario?" y "127 Horas", el director británico Danny Boyle ("Trainspotting") regresa a la pantalla grande con este confuso thriller ¿psicológico? protagonizado por James McAvoy, Vincent Cassel y Rosario Dawson y que está basado en la película para TV de 2001 creada por Joe Ahearne.

"En Trance", producción con la que el realizador -según sus propias palabras- vio la oportunidad de enmarcar dentro de un contexto moderno aspectos clásicos del cine negro (la traición, la incertidumbre moral, la tensión sexual y los escabrosos instintos que parecen merodear por debajo de la piel de todo ser humano), presenta la historia de un subastador de obras de arte llamado Simon (McAvoy) que hace equipo con una banda de criminales, liderada por Franck (Cassel), para robar una pintura de Goya valuada en millones de dólares.

La cuestión es que durante el atraco Simon sufre un fuerte golpe en la cabeza que lo hace olvidar dónde escondió la pintura. Cuando amenazas y torturas físicas fallan en un intento por hacer que diga la verdad (en realidad no está mintiendo), es obligado a asistir a sesiones con una terapeuta experta en hipnosis, la Dra. Elizabeth Lamb (Dawson), para que se sumerja en los rincones más oscuros de la psique del muchacho. Claro que la especialista, al conocer el valor de la obra, querrá obtener su parte.

A medida que avanza la trama, incoherente por cierto, se le va revelando al espectador que ninguno de estos tres protagonistas es quien parece ser. Pero además, todo sucede con tanta rapidez que es imposible para el espectador procesar lo que está sucediendo y seguirle el ritmo a una historia que, con cada giro, lo confunde más y más.

Si bien el estilo visual de Boyle está fuera de discusión, el problema reside en el desarrollo narrativo del film. Al igual que su premisa, la frontera entre la realidad y la sugestión hipnótica comienza a desdibujarse. Un rompecabezas mental que no llega a ningún lado y nos deja con más preguntas que respuestas.

Brian Klugman y Lee Sternthal debutan en la dirección cinematográfica con "Palabras Robadas", film que entreteje tres historias (una dentro de la otra) con un estilo narrativo que desde el comienzo atrapa a un espectador que se ve obligado a pensar gracias a su buena dosis de drama y misterio. El guión, también escrito por ambos realizadores, introduce al espectador en la vida de Rory Jensen (Bradley Cooper), un aspirante a escritor cuya primer obra literaria es contínuamente rechazada por distintas editoriales.

Tras finalmente lograr la publicación de su primer libro, el protagonista se convierte rápidamente en una estrella de las letras que parece tenerlo todo: una maravillosa vida, una esposa afectuosa (Dora, interpetada por Zoë Saldana) y el mundo a sus pies; todo gracias a sus palabras, esas a las que hace referencia el título original de esta película.

Pero esas palabras sin autoría, que hasta el momento no habían sido publicadas y que él se adjudica como propias debido a su poco talentosa pasión por la escritura, pertenecen a otro. Él las lee por primera vez en un manuscrito que encuentra en el compartimiento de un portafolio que su esposa le había comprado en una casa de antigüedades durante su luna de miel en Francia.

En la cumbre de su éxito, un misterioso anciano (papel a cargo de Jeremy Irons) localiza a Rory y se enfrenta a él afirmando ser el verdadero autor de la novela. Éste, le relata los hermosos aunque trágicos recuerdos que dieron origen al libro y que tienen que ver con su época de juventud en París, luego de servir en el ejército norteamericano durante la etapa final de la Segunda Guerra Mundial. Durante esos pasajes, el personaje de Irons es encarnado por Ben Barnes.

Al comprobar que otro hombre ha pagado caro el tesoro que contiene esas historias, Rory debe hacerle frente a cuestiones como la creatividad, la ambición y las elecciones morales que lo han llevado al éxito profesional.

Pero la vida del propio Rory es una ficción plasmada en el libro de un auténtico león literario llamado Clay Hammond (Dennis Quaid), quien se encuentra realizando una lectura ante un auditorio repleto de admiradores de su trabajo. Este hombre es persuadido por una hermosa y astuta estudiante (Olivia Wilde) para que hable del verdadero significado de su novela, pero no puede sino insinuar las conexiones entre la historia y su secreto pasado.

Por tercera vez, sin contar el cameo en los créditos finales de "Hulk - El Hombre Increíble" ni su participación en "The Avengers - Los Vengadores", Robert Downey Jr. se pone en la piel del exéntrico empresario Tony Stark y en la armadura de su alias, Iron Man, en esta última entrega (al menos por ahora) de la exitosa franquicia basada en el popular superhéroe de Marvel Comics creado por Stan Lee, Don Heck, Larry Lieber y Jack Kirby que hizo su primera aparición en 1963 en las páginas de "Tales of Suspense" (N°39) antes de debutar en su propio cómic en mayo de 1968 en "The Invincible Iron Man".

El actor que interpretó a este personaje por primera vez en 2008, se pone nuevamente bajo las órdenes del director Shane Black (ambos trabajaron juntos en el film "Entre Besos y Tiros"), realizador que toma la posta del actor Jon Favreau, quien había tenido a su cargo la dirección de las dos primeras entregas, además de interpretar a Happy Hogan, el chofer de Stark.

En esta producción, la primera exhibida en formato 3D, Tony se encuentra atravesando diversos ataques de ansiedad debido a los hechos que tuvieron lugar en "The Avengers: Los Vengadores" (que en esta nota no vamos a revelar), por lo que continúa luchando por equilibrar las demandas de su propia vida personal. Mientras su ex asistente y actual novia Pepper Potts (Gwyneth Paltrow) ha estado encargándose de la presidencia de Industrias Stark, el playboy ha dedicado su tiempo, gran parte del mismo sin dormir dado que tiene problemas para conciliar el sueño, a desarrollar una gran cantidad de nuevos trajes del "hombre de hierro" en el laboratorio ubicado en el sótano de su impresionante mansión de Malibú.

En medio de un contexto que presenta un tema actual como lo es la guerra contra el terrorismo en los Estados Unidos, Tony enfrenta no sólo a un villano, "El Mandarin" (interpretado por Sir Ben Kinglsey) sino a otro llamado Aldrich Killian (Guy Pierce), un científico que desprende cierto resentimiento hacia Tony debido a un hecho clave sucedido en 1999 y que la película se encarga de desarrollar.

Despojado de su casa (que ha sido increíblemente destruída) y dado casi por muerto, debe ingeniárselas para sobrevivir y valerse de su astucia e intuición para proteger a sus seres queridos. En su lucha, Stark descubre la respuesta a la pregunta que lo ha estado acosando en secreto: ¿el hombre hace al traje o el traje hace al hombre?

Si bien el guión, escrito por Drew Pearce junto al propio Black, evidencia ciertas libertades que se han tomado a la hora de desarrollar "El Mandarin" (quien más notará las diferencias no es el público en general sino el fanático del comic), y que podrían tomarse como un punto en contra, "Iron Man 3" es -en rasgos generales- una espectacular punto final para esta saga pero no para el personaje que seguirá apareciendo en las futuras entregas de "Los Vengadores". Muy entretenida, repleta de acción y con las infaltables situaciones de humor a las cuales nos tiene acostumbrados.

La actriz Halle Berry, quien recientemente visitó la Argentina para promocionar la película, es la protagonista de este thriller de acción en el que encarna a Jordan Turner, una veterana operadora de la división de comunicaciones del Departamento de Policía de Los Ángeles, encargada, entre muchos otros, de recibir las llamadas de emergencia del 911.

Ella tiene el tipo de trabajo que no es para los débiles de corazón y es específicamente lograr controlar la angustia de la gente con el fin de salvar sus vidas hasta que los especialistas se hacen cargo de la situación. Un día, el pedido de ayuda de una joven llamada Leah Templeton (Evie Thompson), quien reporta a un intruso dentro de su casa, termina trágicamente debido a un error en el protocolo, por lo que Jordan queda profundamente destrozada porque se siente responsable.

Por tal motivo, decide dar un paso al costado y dedicarse al entrenamiento y formación de nuevos operadores a los que les enseña las dificultades de su profesión. Pero claro, la historia de la película la conduce nuevamente a retomar el auricular.

Mientras realiza una ronda con su grupo de reclutas, debe tomar las riendas de una llamada de una adolescente, Casey Welson (Abigail Breslin), que ha sido secuestrada por un asesino serial (papel a cargo de Michael Eklund) y que se las ingenia para llamar al 911 desde el baúl del automóvil donde es encerrada y trasladada.

A lo largo de todo el procedimiento, la experta comienza a caer en la cuenta que está frente a un escenario demasiado familiar para ella y que cuenta con poco tiempo para salvar a esta víctima cuya única esperanza es una voz compasiva y constante al otro lado de un teléfono celular que utiliza todos los recursos posibles para encontrarla antes de que sea demasiado tarde.

Esta producción muy bien dirigida por el realizador Brad Anderson (conocido por su trabajo como director en los filmes "El Maquinista" y "Transsiberian" y de varios episodios de series como "The Killing", "Alcatraz", "Person of Interest" y "Fringe") comienza de una manera excepcional y se mantiene casi por completo con un ritmo tensionante que atrapa al espectador.

Sin embargo, el giro inverosímil del guión escrito por Richard D'Ovidio provoca un final forzado y decepcionante en el que se busca, fallidamente, destacar el heroísmo del personaje principal. No por ello podemos negar que el trabajo de la dupla protagónica Berry-Breslin es estupendo a la hora de transmitir la impotencia de la primera y la angustia de la segunda.

"Ganamos la guerra... pero perdimos el planeta", dice el protagonista en la introducción que le anticipa al espectador lo que ocurrió hace 60 años en esta notable propuesta de ciencia ficción ambientada en el 2077 y basada en la novela gráfica de 12 páginas creada en 2005 por el director de esta producción, el realizador Joseph Kosinski ("Tron: El Legado").

Y es que en ese tiempo, la Tierra fue invadida por una raza extraterrestre -a la que lo humanos llaman "carroñeros"- dejando a nuestra Luna destruída y a la mitad del planeta desvastado y con altos niveles de radiación que lo hicieron inhabitable.

Antes de unirse con el resto de los sobrevivientes que han sido evacuados hacia una colonia en Titán, una de las lunas de Saturno, Jack Harper (Tom Cruise), un técnico de mantenimiento y reparación de drones, y su compañera Victoria (la actriz británica Andrea Riseborough), deben completar las tareas que les fueron asignadas y que tienen que ver con la seguridad y limpieza.

Un sueño constante que lo remite a supuestos recuerdos de una vida antes de que la Tierra se destruyera, y la aparición de una mujer -Julia Rusakova (Olga Kurilenko)- a la que rescata tras el impacto de una nave no identificada, hacen que la existencia de Jack se desmorone por completo.

Claro que entre ellos hay una conexión que trasciende la lógica y allí reside la clave de esta historia que va desencadenando una serie de eventos que obligan al personaje de Cruise a cuestionarse todo lo que pensó que sabía. Además, el líder de un grupo de humanos rebeldes (interpretado por Morgan Freeman) aporta lo suyo para que se inquiete aún más con una realidad distinta a lo que le hicieron creer.

Aunque se reconocen elementos clásicos de otras películas del género ("El Planeta de los Simios", "2001: Odisea del Espacio" , "Star Wars", "Matrix" y hasta incluso "Wall-E" por nombrar sólo a algunas), "Oblivion - El Tiempo del Olvido" no deja de sorprender por su excelente estética visual y una historia atrapante.

Tras la realización de varios cortos cinematográficos, el uruguayo Fede Álvarez debuta como director de un largometraje. En este caso, una remake de la primera película que compone la saga original "Evil Dead" creada por Sam Raimi (director y guionista de aquella producción) junto con el productor Rob Tapert y el actor Bruce Campbell, protagonista de la que se convertiría, luego de su estreno en 1981, en una cinta de culto que renovó el género de terror de clase B.

Para esta muy buena nueva versión que captará a toda una nueva generación, Álvarez fue convocado por el trío de productores tras ver uno de sus trabajos que los dejó fascinados. Se trata del corto de suspenso "Ataque de Pánico!" (Panic Attack!, 2010), que describe en cinco minutos cómo unos robots gigantes atacan la ciudad de Montevideo. El video tuvo más de 7 millones de visitas en YouTube, lo cual captó la atención de la mismísima industria del cine.

La renovada historia de "Posesión Infernal", guionada por el propio Álvarez junto a Rodo Sayagues y Diablo Cody (ganadora de un Premio Oscar por "La Joven Vida de Juno"), mantiene parcialmente la premisa (el extremo derramamiento de sangre también), aporta nuevos elementos y por supuesto incluye guiños a la aclamada obra original.

Aquí, los cinco amigos no se reúnen en una remota cabaña ubicada en el bosque para parrandear sino para ayudar a desintoxicar a uno de ellos. Mia (Jane Levy, de la serie "Suburgatory") es una joven adicta a las drogas que decide pasar unos días allí para recuperarse, acompañada de su hermano mayor, David (Shiloh Fernandez, visto en "La Chica de la Capa Roja"), la novia de éste, Natalie (Elizabeth Blackmore), y sus amigos de la infancia Olivia (Jessica Lucas) y Eric (Lou Taylor Pucci).

Una vez instalados en la rústica casa, descubren un misterioso libro forrado con piel humana y escrito con sangre (quédense viendo los créditos finales porque una voz en off explica lo que significa "El Libro de los Muertos"). Sin ser conscientes de ello, tras leer un pasaje en voz alta, algo se libera y se apodera del cuerpo de Mia, quien comienza a mostrar síntomas típicos de la abstinencia mezclados con los de una violenta posesión diabólica... o bien como indica el título del film, infernal.

Qué oportuno... La chica intenta dominar sus propios demonios y termina siendo, literalmente, poseída. A partir de ese momento, y en medio de tanto horror y un poquito de humor, estos amigos luchan por sus propias vidas y por salvar la de la joven. La propuesta, que llega a las salas de cine de la Argentina un día antes de su estreno en los Estados Unidos, sin dudas dejará muy satisfechos a los fans de la saga sobre la que ya se baraja la posibilidad de una nueva entrega.

El británico Simon West ("Los Indestructibles 2") vuelve a dirigir a Nicolas Cage, con quien trabajó precisamente en su debut como director en 1997 con la película "Con Air: Riesgo en el Aire".

Ahora, ambos se reúnen en este film supuestamente de acción cuya historia poco creíble carece de la tensión que caracteriza a este tipo de producciones, y que, debido a las evidentes fallas del guión escrito por David Guggenheim ("Protegiendo al Enemigo") decae en lo más ridículo luego de la primera media hora de metraje.

La historia gira en torno a Will Montgomery (Cage), un experto ladrón que junto a su equipo de "trabajo" compuesto por Vincent (Josh Lucas), Riley (Malin Akerman) y Hoyt (M.C. Gainey), están por robar un banco y hacerse de un gran botín de 10 millones de dólares. Un altercado con el personaje a cargo de Lucas, sumado a que está siendo vigilado por el agente del FBI Tim Harlend (Danny Huston), hacen que las cosas salgan mal y el protagonista termine ocho años en la cárcel.

Tras cumplir su condena, decide dejar atrás su pasado como criminal y recuperar la relación con su hija Alison (Sami Gayle), de la que está totalmente distanciado. Sin embargo, tanto Vincent como el FBI están convencidos de que Will escondió el dinero del mencionado golpe antes de que lo sentenciaran a prisión.

A fin de hacerse con la parte que le corresponde y culpándolo por todo lo malo que le sucedió a partir de aquel momento, su antiguo cómplice secuestra a la joven y exige el botín como rescate. En medio de los festejos por el Mardi Gras (carnaval que se celebra en Nueva Orleans), Will, al mejor estilo Bryan Mills en "Búsqueda Implacable" (pero mucho, mucho peor), sólo dispone de 12 horas para entregar el dinero que en realidad no tiene y así salvar a su hija antes de que sea demasiado tarde.

Una mala dirección de actores y un libreto sin sentido, repleto de clichés y que además intenta añadirle un poco de humor inteligente que no resulta efectivo, "Contrarreloj" es una desastrosa producción que tranquilamente podría haber evitado su exhibición en cines y editarse directamente en DVD.

Basándose en el libro "Alfred Hitchcock and The Making of Psycho" del escritor Stephen Rebello, el poco conocido realizador británico Sacha Gervasi (quien fuera guionista de "La Terminal") dirige su segundo largometraje (el primero fue un documental sobre un grupo de heavy metal), con el cual el espectador conocerá un poco más de la particular personalidad de "el maestro del suspenso", interpretado magníficamente por Anthony Hopkings (la prótesis y el parecido es genial), y la relación con su esposa Alma Reville, papel a cargo de una Helen Mirren que -como nos tiene acostumbrados- se brinda de lleno en su papel.

La película, principalmente un drama biográfico repleto de ironías cómicas y sarcasmo, pone al descubierto su cautivadora y compleja historia de amor, que no siempre fue "de amor" sino una auténtica, dinámica, compleja, contradictoria, bella y dolorosa colaboración creativa, ya que ella, manteniéndose en un segundo plano, ha contribuido significativamente en los proyectos del director inglés que no siempre la valoró.

Si bien la excusa para abarcar la intimidad, la vida diaria y la enigmática mente de este ícono cinematográfico es el mismísimo rodaje del aterrador thriller "Psicosis" (Psycho), Hitchcock" se centra en la persona y no en los pormenores de dicha filmación, aunque por suerte somos testigos de algunas técnicas utilizadas por Alfred para lograr que Janet Leigh (Scarlett Johansson), Vera Miles (Jessica Biel) y Anthony Perkins (llama la atención el increíble parecido del actor James D’Arcy) lograran transmitir en pantalla lo que se requería para esas controversiales escenas -que terminaron convirtiéndose en clásicas- (la de la ducha es la más conocida) con las que el legendario director marcó un antes y un después dentro del género del terror psicológico.

Con una lograda recreación de aquella época, 1960, el film sigue paso a paso la turbulenta creación del clásico filme basado en la novela de Robert Bloch; el interés de Hitchcock en el asesino de la vida real Ed Gein (Michael Wincott); el casting del elenco; la obsesión por las mujeres rubias cuya belleza y poder frío y distante agraciaron e inquietaron sus filmes; y la lucha con los censores de Hollywood para lograr la exhibición de la película en la que, literalmente, invirtió todo.

A lo largo de su desarrollo, Gervasi incluye referencias y guiños sobre la carrera de Hitch, la serie televisiva "Alfred Hitckcock Presenta", la presencia de los pájaros (clara referencia a la que fuera su siguiente producción) y el mítico "good evening".

El reparto de esta entretenida propuesta se completa con Toni Collette como Peggy Robertson, la secretaria de Hitchcock, Danny Huston como Whitfield Cook, y Michael Stuhlbarg como el agente Lew Wasserman.

Tras cinco años sin dirigir, la última fue "Petróleo Sangriento" (2007), Paul Thomas Anderson ("Magnolia") regresa con esta nueva propuesta cinematográfica parcialmente basada en L. Ron Hubbard, fundador de la Iglesia de la Cienciología en la década de los '50. ¡Ojo! No es un drama biográfico.

Si bien los orígenes de esta secta (para algunos, una religión que ha cosechado miles de seguidores, entre ellos Tom Cruise, John Travolta y otras personalidades de Hollywood) no están directamente explícitos en el argumento, la película desarrolla a través del personaje interpretado por Philip Seymour Hoffman (nominado al Oscar por este papel), los primeros días de Hubbard como "Maestro" y la creación de esta nueva "filosofía".

Ambientada en los Estados Unidos luego de la Segunda Guerra Mundial, la historia de "The Master" (El Maestro en inglés) gira en torno a un veterano llamado Freddie Quell (Joaquin Phoenix), un ex-oficial marino incapaz de establecerse en la vida cotidiana de la sociedad de aquella época luego de la culminación del mencionado conflicto bélico.

Debido al estrés postraumático que padece, vagabundea por la vida sin rumbo fijo (y sin trabajo que le dure) en un estado de agresividad y ebriedad importantes, además de que evidencia problemas mentales (hereda de su madre el gen de la esquizofrenia) y una fuerte obsesión por el sexo.

Su "viaje" se torna impredecible cuando tropieza con un incipiente movimiento religioso/filosófico conocido como "La Causa" y con su carismático líder, Lancaster Dodd (Philip Seymour Hoffman), quien toma a Freddie bajo su tutela y lo ayuda a superar sus problemas. A partir de ese momento, este hombre trastornado se une a Dodd, su poderosa e influenciadora esposa Peggy (Amy Adams) y el resto de su familia en la tarea de propagar las enseñanzas del movimiento cuya premisa es la sanación a través de la exploración de las vidas pasadas mediante una especie de regresión bajo hipnosis a la que se someten los pacientes que creen en esta ideología.

El conflicto del film reside en que el personaje de Phoenix, una especie de experimento de Dodd para probar sus métodos, no logra superar sus adicciones por más que siga los pasos de "La Causa".

Con una estructura compleja, larga y con varias escenas lentas, algunas de ellas innecesarias y aburridas, Anderson (quien también escribió el guión) no sólo quiso mostrar sutilmente los comienzos de la Cienciología sino las condiciones en las que regresa un soldado después de una guerra. Además, explora la relación entre los personajes formidablemente intepretados por Phoenix, Seymour Hoffman y Amy Adams, todos nominados a un premio Oscar en las categorías mejor actor, actor de reparto y actriz de reparto, respectivamente.

Luego de su trabajo en "Haywire" (en la Argentina fue estrenada bajo el título "La Traición"), Channing Tatum vuelve a ponerse bajo las órdenes del director Steven Soderbergh en esta producción inspirada parcialmente en las experiencias del actor antes de dedicarse por completo a esta profesión dentro de la industria cinematográfica, ya que a los 18 años solía desempeñarse como stripper en Tampa, Florida.

Precisamente es en esta ciudad donde se toma lugar la trama de la película en la que el protagonista -y también productor ejecutivo- encarna a Mike Lane, un joven emprendedor de 30 y tantos años que pasa sus días tratando de reunir el dinero para establecer su propio negocio de diseño de muebles a medida y no convencionales.

¿Cómo lo hace? Si bien el trabajo principal es siendo el "Mágico Mike" al que hace referencia el título del film, es decir la estrella del club nocturno Xquisite (cuyo propietario es Dallas, el personaje interpretado por Matthew McConaughey), también tiene otro oficios, uno de ellos es como empleado en una obra en construcción.

Es allí donde conoce a Adam alias "el Niño" (Alex Pettyfer), quien tras ser despedido, Mike -intuyendo las posibilidades del joven de 19 años- lo toma como su discípulo y lo inicia en las artes de bailar, animar fiestas, seducir chicas y hacer dinero fácil.

No pasa mucho tiempo para que el muchacho se vea atraído por el particular y excesivo estilo de vida de los bailarines (el staff de strippers se completa con los personajes a cargo de Matt Bomer, Joe Manganiello, Kevin Nash y Adam Rodriguez) usando drogas y teniendo encuentros sexuales con varias clientas y admiradoras.

A partir de ese momento, el conflicto dramático -y lamentablemente previsible- que debería haberse desarrollado en profundidad no llega a ningún lado, por lo que "Magic Mike" termina siendo, durante casi 2 horas, una sucesión de eventos sin demasiada relevancia intercalados con números coreografiados en el escenario de Xquisite. A pesar de ese aspecto negativo en el guión escrito por Reid Carolin, resulta entretenida, sólo por momentos. Sin dudas, ésto no es lo mejor de Soderbergh.

En lo que respecta a los desempeños actorales, Tatum se destaca al recrearse casi a sí mismo en su juventud, sobre todo en lo que tiene que ver con el baile (cosa que habíamos visto en "Step Up" pero no en esta clase de nivel sexual). Por su parte, Pettyfer está muy correcto y Matthew McConaughey es simplemente una versión propia de Matthew McConaughey con un papel menor en el que despliega su evidente gusto por mostrar su marcado físico. El reparto se completa con las presencias femeninas a cargo de la poco conocida Cody Horn como Brooke, la cautivante hermana de "el Niño", Olivia Munn como Joanna, con la que Mike comparte sólo una relación física.

Nada tiene sentido en esta innecesaria y desastrosa secuela en la que se no se "revela" absolutamente nada; sólo algún que otro detallito del misterio sobre el que se centraba la historia de la anterior película protagonizada en 2006 por Radha Mitchell, Sean Bean y Jodelle Ferland, basada en la exitosa franquicia de videojuegos estilo "survival horror" desarrollada por Konami.

Aquella dirigida por Christophe Gans y escrita por Roger Avary no resultó ser una maravilla pero, dentro de lo confuso de su argumento y su larga extensión (recuerdo que fueron unos laaaargos 125 minutos), conseguía envolvernos en una historia de misterio y de terror que tenía más sentido y coherencia que esta continuación que no hace más que confundir aún más al espectador que esperaba encontrarse con algo digno de ver, especialmente los gamers.

De aquel reparto sólo quedó Sean Bean, quien vuelve a interpretar a Christohper Da Silva. Luego de los sucesos desarrollados en "Silent Hill" (su esposa Rose y su hija adoptiva Sharon habían quedado atrapadas en el pueblo maldito que da nombre a los films) ahora lo vemos junto a su hija ya adolescente (en esta ocasión interpretada por Adelaide Clemens) intentando escapar de las peligrosas fuerzas que la joven no puede terminar de comprender, por lo que han estado mudándose de un lugar a otro y cambiando sus respectivas identidades.

Aquí la coherencia desaparece por completo debido a un guión defectuoso desde la primera palabra que plasmó Michael J. Basset, quien además es el director. A los 10 minutos y con un simple cameo de la actriz Radha Mitchell como para establecer un enlace entre ambas producciones, se nos "explica" que la niña (la clave de todo el asunto) es la única que pudo salir a través de una especie de portal que su madre encontró; aunque su regreso al "mundo real" le hizo perder la memoria. Desde ese momente el personaje de Bean es quien tuvo que protegerla y mantenerla alejada del mencionado lugar y del culto maligno que los ha estado atormentando durante años.

En la víspera de su cumpleaños número 18, Sharon/Heather es acosada por horribles pesadillas y espantosas visiones sobre Silent Hill que pronto la arrastran nuevamente a esa realidad demoníaca paralela o lo que fuese en busca de su padre desaparecido. Allí, ella descubre que no es quien cree ser. En definitica esa termina siendo la única revelación, la cual había sido develada en la película anterior.

Dentro de toda la ridiculez de la adaptación mezclada con la mitología propia del videojuego (cabeza de pirámide está presente), el co-protagonista de la película es Vincent (Kit Harington), un extraño estudiante que conoce la muchacha en su primer día de escuela. Todo indica que será una víctima más pero... no. A pesar de ello, se fuerza el interés romántico entre ambos. En lo que respecta al resto del reparto, las efímeras presencias de Carrie-Anne Moss y Malcolm McDowell no aportan ni aseguran el éxito en esta película literalmente de terror que no genera miedo alguno.
Dato Curioso

Los actores Sean Bean y Kit Harington volvieron a encontrarse en un set de filmación luego de su trabajo juntos en la primera temporada de la serie de HBO "Games of Thrones", donde Bean interpretó Eddard Stark, padre de Jon Snow, el personaje de Harington.

Luego de tantas postergaciones por parte de la distribuidora Walt Disney Pictures, finalmente se estrena en nuestras salas "La Extraña Vida de Timothy Green", un film cuyo argumento es raro, pero en el buen sentido, ya que posee un alto componente mágico y una estructura atemporal.

Escrita y dirigida por Peter Hodges ("Dan en la Vida Real"; "Fragmentos de Abril"), sobre una historia original de Ahmet Zappa, la película se desarrolla en Stanleyville, un pueblito ficticio en los Estados Unidos (la capital de los lápices del mundo), y nos relata la historia de un matrimonio felizmente casado y que no ve la hora de formar una familia.

Ellos son Jim (Joel Edgerton) y Cindy Green (Jennifer Garner), quienes -a lo largo de toda la película- se encuentran en la oficina de una agencia de adopción tratando de convencer a la asistente social (papel interpretado por Shohreh Aghdashloo) que ellos son dignos de ser padres adoptivos (ella no puede concebir). Los fundamentos de la pareja se basan en la experiencia vivida con Timothy (destacado desempeño de CJ Adams).

Nosotros, los espectadores, somos testigos de lo que los Green le van contando a la responsable de las adopciones y es que, tras recibir la noticia de que definitivamente no podían tener un bebé, se dieron por vencidos pero no sin antes imaginar cómo sería su supuesto hijo (honesto, con dones para el arte, especialmente el dibujo y la música, el que anotará el gol ganador en un partido de fútbol, etc). Una noche, esas cualidades, las plasmaron en diversos papeles y las colocaron en una caja de madera que enterraron en la pequeña huerta de vegetales de Cindy.

Tras una tormenta pasajera, un niño de 10 años se les aparece súbitamente en la puerta de su casa. Así, prácticamente de la nada, el matrimonio tiene un hijo con una curiosa característica que lo hace tan diferente como su llegada a este mundo: él, al igual que las plantas, tiene hojas en sus piernas. Nadie cuestiona nada sobre Timothy, quien impacta y cambia la vida de la dupla protagóica y las de todos los que los rodean: el padre de Jim (David Morse); la hermana de Cindy (Rosemarie DeWitt) y su jefa en el museo de los lápices (Dianne Wiest).

En esta especie de cuento de hadas (por momentos divertido y por momentos tierno y emotivo), el niño representa una metáfora y es quien les enseña a Jim y a Cindy a ser padres y amar como tales. Ellos son una familia inusual que emerge, planta -literalmente- la semilla de la esperanza hasta madurar como una unidad familiar mientras la historia se desarrolla.

Tom Hopper, ganador de un premio Oscar en 2011 por "El Discurso del Rey", dirige espléndidamente la adaptación cinematográfica del musical creado por el compositor Claude-Michel Schönberg y el libretista Alain Boublil para la puesta original francesa estrenada en Paris en 1980, la cual -años después- fue adaptada al idioma inglés por el productor teatral británico Cameron Mackintosh junto a Herbert Kretzmer.

A partir de ese momento, "Los Miserables" -basado en la novela del poeta y escritor francés Victor Hugo- ha causado sensación mundial, ya que ha sido visto por más de 60 millones de personas en 42 países (ha sido adaptado a otros 20 idiomas alrededor del planeta) y continúa rompiendo todos los records de taquilla desde su estreno en 1985 en el Barbican Centre de Londres.

Enmarcada en la Francia post-Revolución Francesa, esta producción nominada a 8 premios Oscar y que ya se ha alzado con otras tantas estatuillas durante la actual temporada de premios, nos cuenta la historia de un grupo de personas que sufren las consecuencias políticas, sociales y económicas de aquella crisis que los llevó a vivir en la más absoluta miseria.

El relato comienza en Toulon en 1815 donde conocemos al principal protagonista, Jean Valjean (Hugh Jackman), un prisionero -conocido como el convicto Nº 24601- al que le conceden la libertad condicional tras 19 años de ser sometido a trabajos forzosos por haber robado un pan.

Durante su búsqueda de trabajo honesto, alojamiento y comida descubre que, por culpa del papel que se le entrega al momento de su liberación y que lo acredita como ex-convicto, siempre será un marginado... hasta que conoce a un obispo (encarnado por Colm Wilkinson, actor que interpretó a Valjean en la puesta teatral londinense) que le muestra compasión.

Eventualmente Valjean, con una nueva identidad, inicia también una nueva vida que obviamente lo lleva a violar su libertal condicional, por lo que comienza a ser perseguido por un inspector de policía sin escrúpulos llamado Javert (Russell Crowe) que durante años se obsesiona con cazar al infractor.

Ocho años después, la trama se traslada a Montreuil donde Valjean, convertido en dueño de una fábrica, conoce a Fantine (Anne Hathaway), una humilde empleada que se ve forzada a prostituirse para poder mantener a su pequeña hija Cosette (interpretada por Isabelle Allen en su niñez y por Amanda Seyfried en su adolescencia), a quien dejó al cuidado de un matrimonio dueño de una posada, los Thénardier (Helena Bonham Carter y Sacha Baron Cohen). Valjean, sintiendo pena por esta madre enferma, le promete encontrar a la niña y hacerse cargo para que no le falte nada.

Ya en París en 1832, los pobres expresan su miseria en las calles de la ciudad, entre ellos un niño llamado Gavroche (Daniel Huttlestone, actor que interpretó este mismo papel en la puesta de Londres) junto a un grupo de estudiantes idealistas, liderados por Marius Pontmercy (Eddie Redmayne) y Enjolras (Aaron Tveit), que buscan el apoyo del pueblo para prepar la revolución y -las posteriores barricadas- en busca de un cambio político.

Para los que no están muy familiarizados, no vamos a revelar los giros de la historia que -a lo largo de 2 horas y media- nos conmueve con este relato social (de sueños rotos y amor no correspondido, sacrificio y redención) que es expresado 100 por ciento a través de la música (aquí no hay diálogo a diferencia de otras películas del género), con canciones como "Look Down", "I Dreamed a Dream" (una especie de himno de esta obra en la que Anne Hathaway despliega todo su talento al transmitir la degradación de su personaje), "Who Am I", "Bring Him Home", "Do You Hear the People Sing?", "A Heart Full of Love", "One Day More" y "On My Own".

Las interpretaciones de todo el elenco son excelentes. Comenzando por el multifacético actor australiano Hugh Jackman, quien tiene una vasta experiencia en musicales de Broadway, pasando por un Russell Crowe que nos sorprende con sus dotes para el canto (de hecho ha participado en la puesta del musical "Grease", es cantante, compositor y tiene una banda). A ellos les siguen Amanda Seyfried, quien tiene un musical en su haber tras participar en "Mamma Mía - La Película", y vuelve a deleitarnos con su dulce voz, y Anne Hathaway, sobre quien no me alcanzan las palabras para describir semejante desempeño, así como Samantha Barks como Éponine, quien también participó en la puesta teatral en Londres con este mismo papel.

Presentando una innovadora técnica en lo que respecta a un proyecto musical de esta envergadura, mediante la cual el director decidió que los actores cantaran en vivo en el set utilizando un auricular en sus oídos, a través del cual escuchaban la música en piano que más tarde sería reemplazada por una orquesta, "Los Miserables" es una experiencia visual con una lograda recreación de época, diseño de vestuario, maquillaje y efectos visuales y sin dudas, una propuesta para pocos (los amantes del género musical, salvo excepciones) que ha sido aclamada por muchos.

Bajo las órdenes del gran Steven Spielberg, el actor británico Daniel Day Lewis se pone en la piel de Abraham Lincoln en esta superproducción cinematografica nominada a 12 premios Oscar y que se centra en los últimos cuatro meses de vida y gobernación del décimo sexto presidente de los Estados Unidos.

Basada -en parte- en el libro "Team of Rivals: The Political Genius of Abraham Lincoln" de la autora ganadora del premio Pulitzer, Doris Kearns Goodwin, este drama biográfico brinda un análisis íntimo de los momentos más reveladores del líder estadounidense haciendo foco en sus efuerzos por conseguir que la Cámara de Representantes aprobara, en Enero de 1865, la 13ra. Enmienda a la Constitución que finalmente abolió la esclavitud.

Con la Guerra Civil (o de Secesión) como telón de fondo, el director de "E.T" retrata a un Lincoln calmo que empleó todas sus habilidades políticas y conocimiento de las leyes para lograr su objetivo.

A lo largo de las casi 3 horas de metraje, la película nos muestra el arduo trabajo de este genio político, visionario y narrador de historias que estaba determinado (entre medio de internas del partido republicano y luchas por conseguir unos cuantos votos demócratas), a dar por finalizado el conflicto bélico que dividió a una nación y cuyo origen fueron las disputas por la cuestión de la igualdad racial.

Durante ese mismo tiempo, Lincoln debió lidiar con conflictos familiares, por lo que el film también dedica varias secuencias a este plano. Su vida junto a su esposa Mary Todd (Sally Field), una mujer cuestionada por malgastar parte de la recaudación pública en la remodelación de una deteriorada Casa Blanca, estuvo marcada por la tragedia, ya que su segundo hijo Edward había fallecido a la edad de 4 años. Además, tuvo que enfrentarse a los deseos de su hijo Robert (papel a cargo de Joseph Gordon-Levitt) de enlistarse en el ejército y a las objeciones altamente emocionales de Mary a dichos planes.

A pesar que la película está muy pero bien lograda técnicamente (realmente los realizadores han logrado transportarnos excelentemente a esa época), el relato decae en varias ocasiones debido a su extensión y a sus diálogos políticos densos. En cuanto al desempeño actoral, Daniel Day Lewis nos brinda una genial interpretación con sabor a Oscar al darle vida a un estadista moral como pocos... o casi ninguno.

Robert Zemeckis ("Náufrago"), director que comenzó a ser reconocido por haber dirigido la trilogía "Volver al Futuro" y por alzarse con un premio Oscar por su labor como tal en "Forrest Gump", regresa al cine de acción en vivo tras una seguidilla de películas animadas entre las que se destacan "El Expreso Polar" (2004), "Beowulf, la leyenda" (2007) y "Los Fantasmas de Scrooge" (2009).

"El Vuelo", que definitivamente en el contexto general no representa lo mejor de este director, introduce al espectador en la historia del Capitán Whip Whitaker (Denzel Washington), un experimentado y más que arrogante piloto de una arolínea comercial que padece serios problemas de alcoholismo y drogadicción sobre los que, de ninguna manera, se hace cargo. Ya desde los primeros minutos, somos testigos de eso y de los problemas que ésto ha provocado en su entorno familiar, ya que está divorciado de su esposa y su hijo, a quien casi no ve, prácticamente lo odia.

La cuestión es que, a pesar de haberse emborrachado -y aspirado cocaína- la noche anterior, además de pasar la noche junto a su novia la azafata (papel a cargo de Nadine Velázquez), toma los mandos del vuelo cuyo trayecto le fue asignado, pero tras despegar y lograr atravesar una violenta turbulencia -que Whip sobrelleva de una manera chocante y poco convencional- consigue evitar, más adelante, que la aeronave se estrelle a causa de una serie de fallas mecánicas que surgen a 9000 pies de altura; yendo en picada y con una maniobra nunca antes vista... una que sólo él podría haber hecho.

Pero claro, gracias a sus habilidades se salvan 96 de las 102 vidas que iban en ese vuelo. Luego del accidente, Whip se convierte en un héroe, pero a medida que avanza la investigación sobre las causas del siniestro, llevada a cabo por la Junta Nacional de Seguridad del Transporte, surgen más dudas que respuestas.

Mientras tanto, al permanecer en tierra tras salir del hospital, se traslada a una cabaña familiar, es aconsejado por un abogado (Don Cheadle) que intenta ser lo más honesto posible y conoce a Nicole (Kelly Reilly), una joven en proceso de desintoxicación con la se involucra en una relación y que lo ayuda a luchar contra sus propios demonios.

Sin duda, la película promete, pero sólo al comienzo. Las secuencias de "el vuelo" que "milagrosamente" el protagonista logra aterrizar son las que más tensión generan y las más captan nuestra atención. A partir de ese momento, promediando la media hora de film, el relato (guionado por John Gatins) comienza a decaer y a tornarse tedioso. Igualmente, logra salvarse, por momentos, gracias a la destacada interpretación de Denzel Washington (nominado al Oscar como Mejor Actor Protagónico por este papel), quien se carga el peso de una historia laaaaaarga que bien podría haber concluído a los 45 minutos.

Y Tarantino lo hizo de nuevo. Con su particular estilo cinematográfico, el realizador de "Perros de la Calle", "Tiempos violentos", "Kill Bill Vol. 1 y 2" y "Bastardos Sin Gloria" nos fascina, una vez más, con una obra típica "tarantinezca" influenciada por el spaghetti western, género que lo ha inspirado durante su carrera como director. Pero a diferencia de aquellas obras predecesoras a las que sólo les añadía elementos característicos, la violencia y la técnica visual de Sergio Leone, aquí lo explota al 100 por ciento.

Aunque poco tiene que ver con la original, "Django sin Cadenas" es su primer película del Oeste, pero mantiene la estética creada por el italiano Sergio Corbucci, quién dirigió la "Django" de 1966 que protagonizó Franco Nero, el cual tiene una pequeña participación en este film.

La historia, cuyo telón de fondo es el tema de la esclavitud, se desarrolla en 1858, dos años antes de la Guerra Civil estadounidense y en algún lugar de Texas, donde un dentista alemán devenido en cazador de recompensas, el Dr. King Schultz (un impecable trabajo del austríaco Christoph Waltz) compra a Django (Jamie Foxx), un esclavo para que lo ayude a identificar a los hermanos Brittle con la promesa de liberarlo después de capturarlos vivos o muertos.

Pero tras lograr cazarlos, ambos siguen juntos en la tarea de capturar a los más buscados del Sur. Pero la principal razón es porque Shultz se siente responsable por el propio esclavo que liberó, por lo que le ofrece ayuda a Django cuando éste le menciona que tiene una esposa, Broomhilda (Kerry Washington), a la que tiene que encontrar y rescatar, ya que tiempo atrás fue vendida por un traficante de esclavos.

Su búsqueda los dirije a "Candyland", una plantación de algodón que pertenece a Calvin Candie (un Leonardo DiCaprio cada vez más y más consolidado como actor). Explorando los campos bajo falsas intenciones, el dúo de pistoleros levantan las sospechas de Stephen (Samuel L. Jackson), el esclavo/asistente de confianza del hogar de Candie.

La estructura de la película por supuesto que es similar a los trabajos previos de Tarantino (quien se da el gusto de ejercer como actor cerca del segmento final del film) pero a la vez se diferencia. Hay flashbacks (cuando Django se recuerda a él y a su esposa siendo sometidos por los blancos) pero no tantos. Hay humor, violencia extrema, diálogos inteligentes y filosos. Y obviamente hay sangre, mucha sangre que brota exageradamente y que es el elemento principal en todas sus películas.

En cuanto a lo estrictamente técnico, los close-up shots que abruptamente cierran el plano hacia los ojos de los personajes, están a la orden del día. Y la banda de sonido, como es habitual en los proyectos de Quentin, es otro personaje más. Las canciones originales, algunas compuestas especialmente para el film (las del argentino Luis Bacalov y del italiano Ennio Morricone nunca están ausentes), sumadas a una bonita fotografía típica de western, hacen de ésta una verdadera obra maestra.

Quien gusta de esta fórmula, va a disfrutar muchísimo de "Django sin Cadenas", excelente producción que ha sido cuestionada por el alto nivel de racismo y por la gran cantidad de menciones a la palabra "negro". A pesar de ello, se alzó con un Globo de Oro como mejor guión original y está nominada a cinco premios Oscar, incluyendo mejor película y mejor actor de reparto por la labor de Christoph Waltz, quien -recordemos- ya tiene una estatuilla en haber en el mismo rubro por su trabajo previo en "Bastardos Sin Gloria".

Tras diez años alejado de su carrera como actor para cumplir con su labor como gobernador de California (su último protagónico fue en 2003 en "Terminator 3: La Rebelión de las Máquinas"), Arnold Schwarzenegger regresa a la pantalla grande con "El Último Desafío", película con la que el director surcoreano Kim Jee-woon debuta en Hollywood.

Si bien había realizado pequeñísimas participaciones en "La Vuelta al Mundo en 80 días" (2004), y las dos entregas de "Los Indestructibles" (2010 y 2012), su gran retorno es en esta divertida comedia de acción en la que el actor de origen austríaco interpreta a Ray Owens, un veterano sheriff de la ciudad de Sommerton Junction, donde su día a día transcurre sin sobresaltos.

Pero la paz y la tranquilidad del pueblo se ven sacudidas cuando el lugar se convierte en el paso obligado de un narcotraficante llamado Gabriel Cortéz (intepretado por el actor español Eduardo Noriega), quien se fuga de un convoy del FBI que lo trasladaba de un tribunal desde Las Vegas, y cuyo objetivo es, con la ayuda de una banda de mercenarios liderados por Burrell (Peter Stormare), atravesar la frontera con México.

El criminal emprende su camino hacia la "libertad" en un Chevrolet Corvette especialmente equipado para alcanzar grandes velocidades y con una rehén a bordo, la agente Ellen Richards (papel encarnado por Génesis Rodríguez, la hija del cantante "el Puma"), quien pertenece al equipo de operativos del FBI a cargo de John Bannister (Forest Whitaker).

El asunto es que Owens se termina convirtiendo en el último recurso para atrapar a Cortez antes de que el violento fugitivo se deslice a través de la frontera para siempre, por lo que toma las riendas de la situación junto a su staff de inexpertos policías (Jaimie Alexander, Luis Guzmán y Zach Gilford), un coleccionista de armas (Johnny Knoxville) y un prisionero inofensivo que se encuentra en la comisaría local (Rodrigo Santoro).

Repleta de tiros, golpes de puño, explosiones, persecuciones y muchos chistes que hacen del film un relato ameno y entretenido (el guiño a "Conan, el Bárbaro" y la situación con la señora mayor que se hace de uno de los malhechores son las más sobresalientes), "El Último Desafío" marca un gran regreso para un Schwarzenegger que va por más, ya que tiene varios proyectos cinematográficos por delante, entre los que se destacan la reciente confirmación de una nueva entrega de "Terminator".

Continuando con la tendencia de adaptar los clásicos cuentos de hadas y darles un giro más oscuro y no tan infantil (así ocurrió con "La Chica de la Capa Roja" y "Blancanieves y El Cazador"), llega a nuestras salas la adaptación de "Hansel y Gretel", el relato creado por los hermanos Grimm que, de la mano del director noruego Tommy Wirkola y el guionista Dante Harper, nos los presentan de adultos y como cazadores de brujas.

El argumento de la película toma la premisa del relato (los niños, interpretados por Cedric Eich y Alea Sophia Boudodimos, son abandonados por sus padres en el medio del bosque, motivo por el cual se pierden y terminan entrando a una casita hecha de dulces) y plantea qué sucedió después de que los niños matan a la perversa bruja que los había raptado allí para engordarlos y comérselos.

De esta manera, esta producción transforma un antiguo cuento en una moderna narración épica de acción y aventura sin límites cuya historia se desarrolla 15 años después de esa experiencia que cambió las vidas de Hansel (Jeremy Renner) y Gretel (Gemma Arterton) para siempre... y que les dio un gusto por la sangre, ya que se han convertido en feroces y hábiles cazadores de recompensas dedicados a rastrear y eliminar brujas en cualquier oscuro bosque, plenamente decididos a impartir el justo castigo a estos seres con poderes sobrenaturales.

Cuando una cierta cantidad de niños comienzan a desaparecer en el poblado de Augsburg, lo cual está relacionado con un ritual que la Gran Bruja Muriel (Famke Janssen), la villana de turno, debe llevar a cabo bajo la Luna Sangrienta, los protagonistas, repletos de un arsenal de armas y artilugios, afrontan la búsqueda de los pequeños (muy a pesar del Sheriff Berringer, encarnado por Peter Stormare) a la vez que descubren el secreto de su propio pasado.

La revancha sabe mejor que un dulce. La película es super entretenida y su estética es muy parecida a la de "Van Helsing", en la que el personaje que interpretaba Hugh Jackman cazaba monstruos.

Además de incluir los aspectos típicos del cuento, los realizadores se tomaron la libertad de añadirle a la trama otras peculiaridades como que Hansel es diabético por haber comido demasiadas golosinas que la bruja le obligó a ingerir. En cuanto a la utilización de la tecnología 3D, podemos decir que se hace un buen uso de la misma y de manera justificada, ya que la sangre salta a través de la pantalla.

Inspirada en hechos reales, y a su vez basada en la novela homónima escrita por el periodista Paul Lieberman, "Fuerza Antigangster" llega a las salas de nuestro país una semana después de su estreno en los Estados Unidos (11 de Enero) y luego de que el film haya sido postergado hasta esta nueva fecha debido a la matanza sucedida en Denver en Julio de 2012 cuando un hombre entró a una función de "Batman: El Caballero de la Noche Asciende" y disparó contra los espectadores. La decisión del estudio Warner Bros. de atrasar su exhibición se debió a que una de las secuencias de éste película contenía un tiroteo en un cine (la cual fue suprimida), por lo que el elenco tuvo que volver a reunirse tiempo después para filmar una nueva escena que la reemplazó.

Dirigida por Ruben Fleischer ("Zombieland", "30 Minutos o Menos"), esta producción es una elegante nueva mirada sobre los eventos vinculados a los esfuerzos del Departamento de Policía de Los Ángeles durante la década del '40 por retomar la ciudad de las manos de uno de los jefes de la mafia más peligrosos de todos los tiempos: Mickey Cohen, interpretado formidablemente por Sean Penn.

El ex boxeador devenido en criminal llevaba las riendas de la ciudad, cosechando las ganancias ilícitas del tráfico de drogas, de armas, de prostitutas y de los centros de apuestas telefónicas de Chicago, lo cual hacía con la protección no sólo de sus propios matones, sino también de la policía, de los jueces y de funcionarios de alto mando que se vendían para mirar hacia otro lado.

Pero no todos eran corruptos. El film le presenta al espectador con recursos visuales realmente muy atractivos, cómo un honesto Jefe de la Policía (papel a cargo de un Nick Nolte cada vez con menos voz) le encarga al Sargento John O'Mara (un impecable Josh Brolin) la creación de un pequeño escuadrón secreto de agentes para tratar de detener a Cohen y destruir su imperio saboteando, uno a uno, todos sus negociados. Prácticamente comportándose como criminales para derrocar al mafioso en cuestión.

El grupo está liderado por el propio O'Mara y está conformado además por el sargento Jerry Wooters (Ryan Gosling) y los oficiales Coleman Harris (Anthony Mackie), Max Kennard (Robert Patrick), Navidad Ramírez (Michael Peña) y Conway Keeler (Giovanni Ribisi). Otro personaje clave en la película es Grace Faraday (encarnada por Emma Stone), una aspirante a actriz y "novia" del mafioso que se ve involucrada románticamente con el interpretado por Gosling. Esta dupla de jóvenes y talentosos actores vuelven a conformar pareja luego de "Loco y Estúpido Amor" (2011), así como también Penn y Brolin tras "Milk" (2008).

"Sin nombres. Sin placas. Sin piedad" resume el lema de esta película repleta de acción, tiroteos y violencia en la que estas personas de ley arriesgan todo y no por obtener reconocimiento sino por la vocación de servicio y por una ciudad mejor. Con buenas actuaciones, un excelente guión y una interesante banda sonora compuesta por Steve Jablonsky que mezcla sonidos de los años '40 con música moderna, la entretenida nueva producción de Fleischer (la primera que no es una comedia) combina, en su impecable recreación de época, la estética cinematográfica contemporánea con la de la glamorosa Edad de Oro de aquella Hollywoodland.

El realizador Nicholas Jarecki dirige su segunda producción cinematográfica (la primera fue el documental "The Outsider") sobre un guión original propio. "Mentiras Mortales" (cuyo título original -Arbitrage- responde a un término económico conocido como la Teoría del Arbitraje) es un thriller dramático que sitúa al espectador en el turbio y complicado mundo de las altas finanzas, signado por el poder, la ambición y la doble moral.

"Todos los eventos mundiales giran en torno a una palabra de seis letras: DINERO...", afirma el personaje central de esta historia, Robert Miller (interpretado Richard Gere), un adinerado magnate, especialista en inversiones, que a los 60 años se encuentra disfrutando de las mieles del éxito profesional así como de una privilegiada vida personal junto a su esposa Ellen (Susan Sarandon), quien dedica sus días a la filantropía, y su hija Brooke (Brit Marling), colega y heredera del negocio famliar.

Pero tras las apariencias, el empresario está con el agua hasta cuello, ya que -al borde de la quiebra- está desesperado por completar la venta de su vasto imperio, fusionándolo con otra compañía antes de que se descubran una serie de fraudes y manejos ilegales que van saliendo a la luz a medida que los secretos personales de Miller (mantiene un romance con una joven francesa encarnada por la actriz y modelo Laetitia Casta) amenazan con acabar con todo lo que ha logrado.

Para complicar aún más las cosas, un accidente fatal (sobre el que no vamos a adelantar nada pero que puede apreciarse en el avance del film) lo implica en un caso policial que, de salir a la luz pública, pondría en riesgo esa tan codiciada transacción, así que el protagonista se dispone a pedirle ayuda al hijo de un ex-empleado suyo (Nate Parker) y a mantener lo más que se pueda la fachada del "éxito". Claro que el detective Michael Bryer (a cargo de Tim Roth) capta su atención y se empeña en encarcelar a Miller a toda costa.

A pesar de no contar con demasiada experiencia como guionista y director, el film de Jarecki es un proyecto cuya complicada trama cumple al mantener la tensión hasta el mismísimo final. El tema es que hay que seguir con mucha atención los diálogos relacionados con la temática financiera, ya que por momentos pueden aburrir. Pero aquí lo más interesante es ver cómo el personaje de Gere trata de sostener y "equilibrar" no sólo su doble sino su triple vida como empresario, esposo y sospechoso. Está claro que la mentira tiene patas cortas.

"Si piensas que conoces la historia... piensa de nuevo" señala el lema de esta película de terror que traslada al espectador a un nivel totalmente diferente en lo que respecta a la típica trama desarrollada en infinidad de producciones de este género, especialmente en aquellas en las que una casa "embrujada" es la principal protagonista. Para nuestra sorpresa, la cabaña en el bosque a la que hace referencia el título original del film promete mucho más que eso.

Co-escrita y producida por Joss Whedon ("The Avengers: Los Vengadores"), la mente detrás de los éxitos televisivos "Buffy, La Cazavampiros", "Angel" y "Dollhouse", "La Cabaña del Terror" (cuyos primeros minutos son iguales a los de cualquier otra película de esta clase, y con los mismos personajes estereotipados) cuenta con la dirección del debutante Drew Goddard, quien ha sido guionista de algunos capítulos de estas mencionadas series, además del filme "Cloverfield: Monstruo".

La historia arranca con un grupo de cinco estudiantes universitarios (encarnados por Chris Hemsworth, Kristen Connolly, Anna Hutchinson, Fran Kranz y Jesse Williams) que deciden pasar un fin de semana de pura diversión en una aislada cabaña situada en las afueras de la ciudad, la cual -supuestamente- pertenece al primo de uno de ellos.

A medida que estos jóvenes comienzan a comportarse como uno espera (tenemos al atleta y su novia, la chica fácil; la virgen; el nerd y el que se pasa con la marihuana), un grupo de técnicos en una sala de control (papeles a cargo de Richard Jenkins, Bradley Whitford y Amy Acker) examinan y ocasionalmente hasta controlan cada movimiento que los aterrados estudiantes hacen, lo que nos lleva a pensar si lo que sucede tal vez sea parte de un reality show, pero... no lo vamos a decir para no arruinarles el argumento. Lo que sí podemos decir es que son atacados por horripilantes criaturas sobrenaturales en una noche interminable de terror y derramamiento de sangre.

La historia detrás de la participación de estos "titiriteros", como dice uno de los personajes, es sólo la punta del iceberg en una fantástica e increíble odisea que explota las convenciones del género del horror en un excitante y sangriento caos lleno de imaginación y humor astuto. Por fin una cinta que renueva y replantea un género que hace años, salvo algunos casos contados con los dedos de la mano, se había convertido en algo sumamente predecible.

Al elenco, compuesto por algunos actores amigos de Whedon (ciertos espectadores sabrán reconocerlos), se suman las pequeñísimas participaciones de la ya no tan pequeña actriz Jodelle Ferland ("Kingdom Hospital", "Terror en Silent Hill", "Caso 39") y Sigourney Weaver.

Aún sigo impactada tras ver este conmovedor y extraordinario film, principalmente por su nivel de realismo, que traspasa la pantalla como nunca antes vi en una producción del cine catástrofe. El director español Juan Antonio Bayona ("El Orfanato") es el responsable de este film (100% producción española) que recrea la tragedia del tsunami que el Domingo 26 de Diciembre de 2004 azotó toda la costa Oeste de Tailandia al producirse un terremoto submarino de grado 9 en el Océano Indico que se llevó consigo 230.000 vidas.

"Lo Imposible", cuyo título -según propias palabras del realizador- hace referencia a lo desconocido en general, a aquello en lo que te supera y cuesta enfrentarte, no es la típica película dentro de este género, aquella que nos muestra el proceso de espera a la llegada de un desastre natural, sino que se centra en la historia real de una familia de origen español (los Álvarez-Belón, pero aquí son norteamericanos) que se encontraba vacacionando en un complejo hotelero cuando no una sino varias olas que alcanzaban los 30 metros, los sacudió junto a miles de extraños, los arrastró violentamente, los lastimó y finalmente, los separó.

A partir de ese momento, y en medio de la desesperación por lo ocurrido, los miembros de esta familia, encarnados por Naomi Watts (nominada a un Globo de Oro por este papel y no me alcanzan las palabras para describir semejante desempeño actoral), Ewan McGregor, Tom Holland (nominado a un Critics' Choice Award como mejor actor joven), Oaklee Pendergast y Samuel Joslin, emprenden la búsqueda mutua.

La primera mitad de la película, tras presentarnos a los personajes y la posterior escena del tsunami (rodada en un plató acuático ubicado en Ciudad de la Luz, Alicante), está contada desde el punto de vista de María y su hijo mayor Lucas, mientras que la segunda mitad está centrada en su esposo Henry, y sus otros dos pequeños hijos.

Es a través de los ojos de todos ellos que el espectador ve la destrucción y el sufrimiento que hay a su alrededor, la bondad y también la maldad (por suerte en menor porcentaje) que generan este tipo de situaciones en la que el ser humano no significa nada cuando la naturaleza se impone ante nosotros; y finalmente también el sufrimiento y el dolor físico de las heridas (algunas de ellas en carne viva) que experimenta especialmente el personaje de Watts.

Un drama impactante que nos arranca las lágrimas pero no desde lo melodramático, brillantemente actuado y con increíbles aspectos técnicos (fotografía, efectos, planos) que hacen que la historia nos atrape aún más. Si hay algo sumamente poderoso es la furia de la naturaleza, pero como bien señala el lema de la película, no hay nada más poderoso que el espíritu humano.

Luego de "Ghosts... of the Civil Dead" (1988), "The Proposition" (2005) y "On The Road" (2009), el director John Hillcoat y el músico Nick Cave vuelven a trabajar juntos en este film ambientado en los difíciles momentos de la Gran Depresión y que combina los elementos típicos del western con las películas sobre gangsters.

La historia, escrita por el propio Cave (y co-musicalizada junto a Warren Ellis) se desarrolla en 1930 y está basada en la novela "The Wettest County in the World" en la cual el autor Matt Bondurant ficcionalizó algunos sucesos ocurridos en su propia familia, más específicamente sobre su abuelo Jack (aquí interpretado por Shia LaBeouf) y sus tíos abuelos Forrest (Tom Hardy) y Howard (Jason Clarke), quienes en aquella época habían levantado un próspero negocio local destilando Moonshine, una potente y popular variedad de alcohol ilegal por su alta graduación.

Claro que ante la prohibición impuesta por la Ley Seca y la escasez de empleos, surgen los mercados negros. Uno de ellos pertenece a estos tres hermanos que comienzan a contrabandear esta bebida en todo el Condado de Franklin, Virginia, lo cual se complica con la llegada del Agente Especial Rakes (papel a cargo del genial Guy Pierce), quien reclama un porcentaje de las ganancias.

La nueva "ley" es letal y corrupta, y pone a prueba todo lo que los Bondurant han construído y representan. Pero, mientras el resto del condado cede a la represión despiadada del villano de turno, los protagonistas no se permiten inclinarse ante nadie. Allí es cuando surge el conflicto de esta excelente producción que se enmarca dentro de un contexto intenso en el que el personaje del "ex-Transformers" LaBeouf, quien interpreta al menor de los hermanos (el más tímido y débil), va cobrando mucha más fuerza a medida que avanza el relato, tras cruzar su camino con un líder mafioso encarnado por Gary Oldman.

Si bien la película mayormente está signada por un alto porcentaje de violencia y brutalidad en medio del crimen y la corrupción, la parte romántica está a cargo en los papeles interpretados por las versátiles actrices Jessica Chastain ("El árbol de la vida", "Historias Cruzadas") y Mia Wasikowska ("Alicia en el País de las Maravillas", "Están Todos Bien", "Albert Nobbs").

Tras afirmar que su participación como actor en "Gran Torino" sería la última para dedicarse por completo a la dirección, Clint Eastwood retoma la profesión en este drama deportivo ambientado en el mundo del béisbol (un deporte no muy popular en nuestras tierras). Aquí encarna a Gus Lobel, uno de los mejores cazatalentos de esta disciplina que se niega a asumir que la avanzada edad se está comenzando a sentir, lo cual interfiere con su trabajo, especialmente porque está perdiendo la visión.

Sin embargo, este viejo cascarrabias muy similar al personaje de la cinta mencionada al comienzo de esta nota -quien puede diferenciar un golpe de bate tan sólo por cómo suena- se rehúsa a pensar en un posible retiro, pero todo indica que su carrera -haciendo referencia a la terminología propia de este deporte- está transitando las últimas entradas, ya que los que encabezan la dirección del equipo para el que recluta jugadores de las ligas menores (papeles a cargo de los actores Matthew Lillard y Robert Patrick), está comenzando a cuestionar su criterio. No así su jefe y amigo Pete (John Goodman), quien hace lo posible para ayudarlo.

En el que podría ser su último viaje para ver nuevos talentos, su hija Mickey (Amy Adams), quien forma parte de una importante firma de abogados a la espera de ser nombrada socia, posterga su ascenso laboral y arriesga su carrera para acompañar a su terco padre, quien no ha estado muy presente durante su niñez, ya que no se sentía preparado para ser un padre soltero después de la muerte de su esposa.

En Carolina del Norte, mientras todos ponen sus ojos en el fenómeno de bateo más famoso del país con posibilidades de ser reclutado, el arrogante Bo Gentry (Joe Massingill), ambos se ven obligados a pasar bastante tiempo juntos por primera vez en muchos años, poniendo en evidencia antiguas verdades acerca de su pasado y su presente que podrían cambiar su futuro.

Si bien la dirección de "Curvas de la Cida" estuvo a cargo del debutante Robert Lorenz, durante muchos años socio de producción de Eastwood y su compañía Malpaso Productions, la estructura y el desarrollo del film es muy similar al estilo que le imprime el actor de "Harry el Sucio" a sus propias cintas.

En lo que respecta al desempeño actoral, quien resalta es la talentosa Amy Adams cuyo personaje (una verdadera experta que lleva en la sangre el amor por el béisbol), es el que se redescubre a sí mismo y su relación con su progenitor, gracias a la ayuda de otro reclutador con un pasado como lanzador y con ansias de convertirse en locutor deportivo (encarnado por Justin Timberlake). Como bien dice el lema de la película "nunca es tarde para la última jugada".

La nueva propuesta cinematográfica de DreamWorks Animation SKG, estudio responsable de las exitosas sagas "Shrek" y "Kung Fu Panda", nos trae una maravillosa aventura basada en la serie de libros "Los Guardianes de la Niñez" (The Guardians of Childhood) del autor e ilustrador William Joyce.

Esta película dirigida por Peter Ramsey va más allá de las historias que conocemos sobre estas leyendas y presenta como héroes a Papá Noel (en la voz de Alec Baldwin), el Conejo de Pascua (Hugh Jackman), el Hada de los Dientes (Isla Fisher), Jack Frost (Chris Pine) y Sandman el Creador de Sueños, ya que tienen la misión de resguardar, con sus poderes, la inocencia e imaginación de los niños de cualquier edad.

Cuando el malvado Pitch (Jude Law), conocido en diferentes lugares como "El Coco", "El Cuco" o "El hombre de la Bolsa", quien representa el miedo y las pesadillas, amenaza con eliminar a estos guardianes y así robarle a los niños del planeta sus esperanzas y sueños, este grupo de luchadores -que son elegidos por el Hombre de la Luna- se reúne por orden de Norte para hacerle frente. Aquí, Santa Clause es presentado con sus rasgos físicos propios, pero con el adicional de que es ruso, tiene los brazos totalmente tatuados y es un experto en el manejo de las espadas.

Ante esta terrible situación que pone en peligro la creencia de los niños, necesitan la ayuda del joven Jack Frost (la personificación de la escarcha y del frío invierno), un solitario e inmaduro bromista que se convierte en un nuevo recluta que prefiere disfrutar un día de nieve antes que salvar al mundo. La línea argumental principal de este film animado y que se proyectará también en versión 3D, recae precisamente en este personaje, ya que desconoce todo acerca de sí mismo y nadie puede verlo porque, a diferencia de los guardianes, nadie cree en él.

Desde los lejanos rincones del Polo Norte o los techos de Shanghai hasta una pequeña ciudad en Nueva Inglaterra en la que un niño será la clave para que no se pierda la esperanza (Dakota Goyo), los protagonistas libran una batalla épica y global.

Excelente nivel de animación y una bonita composición musical a cargo del francés Alexandre Desplat. Entretenimiento puro de principio a fin. Sin dudas, una cinta repleta de magia y fantasía para disfrutar como anticipo de la época navideña. ¡A no perdérsela!

"La guerra tiene sus reglas y las luchas en el barro también. La política no tiene reglas". Esta frase del candidato presidencial Ross Perot en 1988 -incluída al comienzo de la película- resume lo que el espectador está por ver en esta divertida comedia de tono político dirigida por Jay Roach (Saga "Austin Powers", "La Familia de mi Novia") y protagonizada por los comediantes Will Ferrell y Zach Galifianakis, quien particularmente ha cobrado mucha mas notoriedad en la serie de películas "Qué Pasó Ayer?".

"Locos por los Votos" narra la historia de dos candidatos pertenecientes al distrito 14 de un pequeño pueblo de Carolina del Norte y lo que son capaces de hacer con tal de conseguir los votos necesarios para obtener el puesto en el Congreso por el que compiten. En un lado de la contienda está Cam Brandy (Ferrell), un político arrogante sin competencia alguna que, tras cometer un error que hace pública su indiscreción extra matrimonial antes de la próxima elección, pierde popularidad.

Por este motivo, un par de empresarios multimillonarios sin escrúpulos (interpretados por los geniales Dan Aykroyd y John Lithgow) planean imponer a un candidato rival al que puedan controlar para gozar de las influencias en el mencionado distrito y así tener el camino libre para hacer sus negociados. Su hombre resulta ser el ingenuo Marty Huggins (Galifianakis), director del centro turístico local.

Al principio, este personaje parece ser una opción inverosímil, pero con la ayuda de sus nuevos benefactores y un feroz asesor de campaña (papel a cargo de Dylan McDermott), se convierte rápidamente, y contrariamente a sus ideales, en un verdadero oponente. A medida de que se acerca el día de la elección (la trama transcurre faltando cuatro semanas para el sufragio), los dos rivales caen en lo más bajo dentro del juego sucio para degradarse mutuamente y así liderar las encuestas que lo lleven directamente al Capitolio.

Lamentablemente lo que sucede en el ámbito de las campañas políticas de nuestros días es cierto (especialmente en las norteamericanas), y aquí causa mucha risa y nos divierte porque el circo estereotipado que se genera alrededor, repleto de corrupción, mentiras y falsas promesas, es presentado de manera hilarante (las escenas del bebé y del perrito Uggie de "El Artista" son lo mejorcito) y es llevado al extremo más disparatado, políticamente incorrecto y trasgresor.

La tercera película de Ben Affleck como director (la que también protagoniza y co-produce junto a George Clooney) está basada en hechos reales. En este caso, en la operación encubierta cuyo nombre da título al film que recrea lo sucedido el 4 de noviembre de 1979, día en que la revolución iraní alcanzaba su punto límite.

Ante el descontento popular de la situación que se vivía en aquel momento, los militantes -enfurecidos porque Estados Unidos (liderado por el presidente Jimmy Carter) le había brindado asilo político al Emperador Sha Reza Pahlevi- invadieron la embajada de este país en Teherán tomando a 52 estadounidenses como rehenes.

Pero en medio del caos, seis diplomáticos estadounidenses (interpretados por los actores Tate Donovan, Clea DuVall, Scoot McNairy, Rory Cochrane, Christopher Denham y Kerry Bishé) lograron escaparse y se refugiaron clandestinamente en la casa del embajador canadiense (papel a cargo de Victor Garber), funcionario clave en el éxito de la misión de rescate que dejó de ser secreta tras desclasificarse en 1997 bajo la presidencia de Bill Clinton.

Concientes de que era cuestión de tiempo que los descubrieran y probablemente los mataran, el gobierno convoca al agente de la CIA Tony Mendez (Affleck), un especialista en "exfiltración" que tuvo la responsabilidad de extraerlos sanos y salvos de Teherán y llevarlos de regreso a suelo norteamericano.

Tras descartar todos los planes que surgieron (y que tenían más chances de fracaso que de éxito) al personaje encarnado por el actor nacido en Boston se le ocurre un arriesgado plan ("la mejor peor idea", expresan en uno de los diálogos del film) para sacarlos a salvo del país. El mismo consiste en armar una falsa productora de cine de origen canadiense y así organizar el falso rodaje de una película de ciencia ficción para hacer pasar a los seis trabajadores de la embajada por integrantes de un equipo de producción en busca de locaciones desérticas en Irán.

Claro que con la ayuda de un famoso maquillador llamado John Chambers (John Goodman) y un exitoso productor cinematográfico, Lester Siegel (Alan Arkin), Mendez pone en marcha esta locura que contó con la aprobación de los altos mandos y de su superior directo en la agencia de inteligencia, Jack O’Donnell (Bryan Cranston), y que la película explora con detalle sin centrarse demasiado en el trasfondo político de la época.

"Argo" combina formidablemente el balance entre el drama propio de la historia con el humor que recae principalmente en los personajes de Goodman y Arkin dentro del mundillo de Hollywood (es genial cómo se va armando esta farsa para que los iraníes no sospechen nada). Hay que reconocer que con cierta ligereza, las situaciones se integran de forma coherente, lo cual no opaca el realismo y los momentos de tensión.

Sin duda alguna, este film representa un pasito más en la carrera de Ben Affleck, y lo consolida más aún como director que como actor, ya que siempre es injustamente cuestionado por sus desempeños en las películas donde ha participado.

Está brillantemente dirigida sobre un guión de Chris Terrio, quien fue el responsable de concebir la historia basada en el libro "El Maestro del Disfraz", del propio Tony Méndez, y en un artículo posterior escrito por el periodista Joshuah Bearman. Ésto, sumado a las críticas positivas que ha estado recibiendo desde su estreno hace una semana en los Estados Unidos (el pasado viernes 12 de octubre), ya se baraja la posibilidad de que obtendrá varias y merecidas nominaciones al Oscar de 2013.

Creado por el escritor John Wagner y por el dibujante Carlos Ezquerra en 1977 para la revista de comics británica 2000AD, el juez Dredd llega nuevamente al cine. Tras una fallida, desastroza (comparándola con ésta a la distancia, claro) y diría hasta ridícula primera adaptación dirigida por Danny Cannon en 1995 (protagonizada por Sylvester Stallone, Armand Assante, Diane Lane y Rob Schneider), esta excelente versión a cargo del director Pete Travis ("Puntos de Vista", 2008) supera ampliamente a su predecesora.

El escritor Alex Garland (conocido por sus trabajos como guionista en "La Playa" -basada en su propia novela-, "Exterminio" y "Nunca me Abandones") desarrolló un libreto muy leal al concepto original del comic que, ambientado en un futuro no muy lejano, cuenta la historia de Dredd (interpretado magníficamente por Karl Urban), uno de los numerosos agentes de la ley que tiene la autoridad para actuar de juez, jurado y ejecutor y así imponer el orden dentro de una ciudad corrupta y signada por el caos, ya que los Estados Unidos se ha convertido en un páramo asolado por la radiación con una gran megalópolis que se extiende a lo largo de su costa este: Mega City One.

La película toma lugar precisamente en esta urbe totalmente rodeada de muros y con un look muy "cyberpunk" (similar al de "Blade Runner" o "El Vengador del Futuro") repleta de potenciales infractores y delincuentes; y en la que una nueva y potente droga que altera la realidad, llamada SLO-MO, está sumando cada vez más adictos.

Patrullando la ciudad junto a Cassandra Anderson (Olivia Thrilby), una juez novata dotada de grandes habilidades psíquicas a quien Dredd debe supervisar y evaluar, el protagonista, un hombre de pocas palabras y dedicado por entero a hacer cumplir la ley, se dispone a investigar un homicidio en un peligroso mega-rascacielos, un suburbio vertical de 200 pisos de altura controlado por la despiadada Ma-Ma (una genial composición de personaje de la actriz Lena Headley), líder del clan que trafica la mencionada sustancia que hace que el cerebro funcione al 1 por ciento de su velocidad normal.

Pero al intentar arrestar a uno de sus principales secuaces, la malvada de turno ordena cazar al par de jueces, quienes atrapados en una brutal e implacable lucha por la supervivencia, se verán obligados a impartir una justicia extrema dentro de un edificio sitiado.

Sin dudas, la película -una de las pocas que logra el uso justificado del 3D- presenta de maravilla la utilización de esta tecnologia, principalmente para mostrar los efectos de enlentecimiento que provoca el SLO-MO. Hiper violenta y explícita de principio a fin, "Dredd 3D" revindica a este personaje de la ciencia ficción que se merecía una adaptación que le hiciera justicia.

El realizador Genndy Tartakovsky, cuyo nombre se asocia con las exitosas series animadas "El Laboratorio de Dexter", "Las Chicas Superpoderosas", "Samurai Jack" y "Star Wars: Clone Wars", dirige su primer largometraje para Sony Pictures Animation, el estudio que trasladó al cine a "Los Pitufos".

Repleta de los clásicos y terroríficos monstruos surgidos de las famosas novelas de autores como Bram Stoker (Drácula) o Mary Shelley (Frankenstein), entre otros, la divertida "Hotel Transylvania" utiliza los elementos tétricos característicos de aquellos personajes para presentarlos de una manera simpática y -sobre todo- con los mismos sentimientos y problemas que tiene cualquier ser humano.

La historia se centra en la sobreprotectora relación que tiene el vampiro (en la voz de Adam Sandler) con su hija Mavis (Selena Gómez), quien se encuentra cumpliendo 118 años dentro del hotel que da nombre a la película; lugar que fue construído por el Conde Drácula para protegerla del mundo exterior plagado de humanos que quieren hacerles daño. A pesar de ello, la "joven adolescente" ansía conocerlo pero no puede debido a los impedimentos de su padre.

En ese resort de lujo donde los monstruos y sus familias pueden descansar, libres para ser lo que son sin que los humanos los molesten, se ha planeado un fin de semana especial para festejar el cumpleaños de Mavis. Para ello, se invita a algunos de los monstruos más famosos del mundo -Frankenstein (voz de Kevin James) y su esposa Eunice (voz de "La Niñera" Fran Drescher); el Hombre Invisible (voz de David Spade); la Momia (voz del cantante CeeLo Green); el Hombre Lobo (voz de Steve Buscemi), su esposa Wanda (voz de Molly Shannon) e hijos; y muchos más, entre los que se encuentra Pie Grande.

El verdadero problema para el chupasangre no es hospedar y agasajar a estos amigos, sino que un humano entra al hotel por primera vez. En este caso es un curioso joven explorador llamado Jonathan (voz de Andy Samberg), quien viaja con su mochila a través de Europa en su contínuo recorrido por el mundo. Claro que para que pase desapercibido, Drácula lo disfraza como el monstruo Johnnystein, un supuesto primo de Frankenstein. Pero el plan se tambalea cuando conoce a su hija y se enamoran.

Si bien se proyecta en 3D, lo novedoso de "Hotel Transylvania" no recae en esta característica técnica que aquí resulta innecesaria, sino en la propia animación, sus divertidas y dinámicas escenas y sus ingeniosos diálogos (el chiste sobre la representación de los vampiros en la Saga "Crepúsculo" también está presente). Una propuesta super entretenida para niños, pero también para adultos, quienes deben verla en su versión en idioma original para poder disfrutar de las voces de estos geniales actores de comedia, mayormente surgidos de "Saturday Night Live".

Por quinta vez (segunda en formato 3D), Milla Jovovich retoma el papel de la heroína Alice en esta nueva entrega de la exitosísima franquicia de terror, acción y ciencia ficción basada en el videojuego creado por Capcom que comenzó en 2002.

Nuevamente bajo las órdenes de su esposo, el realizador Paul W.S. Anderson (director de tres de las películas que conforman la saga y responsable de los guiones y de la producción de todas), la ex-modelo, actriz y cantante ucraniana vuelve a deleitarnos con este personaje que se desquita con todo -y contra todos- en el comienzo de la batalla final contra Umbrella, la más grande corporación responsable de los estragos que sigue causando el virus-T, cuya particularidad es que los infectados al morir se transforman en zombies.

Luego de todo lo sucedido en las anteriores entregas (suponemos que aquellos que irán a verla serán los fanáticos de las películas, gamers y/o espectadores comunes que lo harán con conocimiento previo de la historia), "Resident Evil: 5 La Venganza" comienza exactamente donde concluyó "Resident Evil 4: La Resurrección", con el enfrentamiento en la cubierta del misterioso barco Arcadia.

Previo al clásico racconto al que Alice nos tiene acostumbrados en cada film, el desarrollo de esta continuación nos la presenta capturada en uno de los laboratorios clandestinos que Umbrella posee en Kamchatka, en el extremo norte de Rusia. Allí, despierta y debe ingeniárselas para escapar de ese impenetrable centro de operaciones. Lo hace con ayuda de un equipo de comando de élite y peleando a través de los paisajes urbanos simulados de las ciudades de Tokio, Nueva York, Moscú y Washington, D.C.

Con el formato 3D, sumado a la técnica de ralentización hacia atrás utilizada al comienzo del film y a la cinemática de las escenas de acción y de los efectos especiales (que sin duda mejoran con cada entrega), "Resident Evil: 5 La Venganza" presenta una impecable experiencia visual.

En cuanto al elenco, marca la reaparición de Jill Valentine (Sienna Guillory), ahora controlada por Umbrella, y el ingenioso regreso de personajes que tuvieron destinos brutales en las películas anteriores, incluyendo a Rain Ocampo (la siempre "badass" Michelle Rodriguez), One (Colin Salmon) y Carlos Olivera (Oded Fehr). Claro que también se presentan nuevos como Ada Wong (Li Bingbing), Leon S. Kennedy (Johann Urb) y Barry Burton (Kevin Durand), quienes se suman a Luther West (Boris Kodjoe) y Albert Wesker (Shawn Roberts).

A prepararse para lo que viene, porque en medio de un futuro oscuro donde la humanidad está casi extinguida y repleta de zombies mientras Umbrella sigue experimentando con el propio virus-T, las clonaciones, las mutaciones, armas biológicas y demás, la secuencia final de esta producción señala que Alice, la clave de toda esta historia, volverá a patear traseros en una sexta película que desde ya esperamos ansiosamente.

Una semana después de su estreno en los Estados Unidos, llega a nuestras salas de cine este film de terror y suspenso protagonizado por la actriz Jennifer Lawrence, quien ahora es mucho más reconocida por el público debido a su estupendo papel en "Los Juegos del Hambre" y no por sus trabajos previos en los dramas independientes "Camino a La Redención" (2008) y "Lazos de Sangre" (2010), la cual le valió su primera nominación al Oscar como mejor actriz con tan sólo 20 años.

En "La Casa de al Lado", dirigida por el ex-DJ británico Mark Tonderai, Lawrence interpreta a Elissa, una adolescente proveniente de Chicago que se muda junto a su recientemente divorciada madre Sarah (Elisabeth Shue) a una nueva, hermosa y espaciosa casa ubicada en un pequeño y arbolado pueblo de Pennsylvania en busca de un nuevo comienzo para ambas.

La particularidad que presenta su nuevo hogar es que precisamente es una ganga debido a la proximidad que tiene con la casa que se encuentra al final de la calle (título original de la película) y en la que tuvo lugar un doble homicidio.

Cuatro años atrás, allí dentro sucedió un espeluznante incidente en el que una pequeña niña llamada Carrie Anne (Eva Link) asesinó a sus padres. Mientras los habitantes de la zona aseguran que la joven desapareció después de haber cometido ese brutal hecho (una leyenda urbana dice que vive en el bosque porque su cuerpo nunca se ha encontrado), las recién llegadas se acomodan a su nueva vida.

Contrario a los deseos de su madre, las cosas se complican cuando Elissa pronto se hace amiga (y algo más) del misterioso Ryan (Max Thieriot), el único sobreviviente de la masacre que originó su propia hermana y que extrañamente vive sólo en aquella casa donde se encuentra la escena del crimen.

Lejos de ser un film de terror (se asemeja más a un melodrama adolescente mezclado con algunos aspectos propios del thriller psicológico), esta producción escrita por David Loucka (el mismo responsable de la también flojísima y desastrosa "Detrás de las Paredes") sobre una historia de Jonathan Mostow, cuenta con una premisa bastante original (por lo menos no hay espíritus dando vuelta) pero muy mal desarrollada y desaprovechada hasta su mismísimo final, cuyo giro deja al espectador con más preguntas que respuestas.

En lo que respecta a las actuaciones, la natural Jennifer Lawrence hace lo posible ante un guión tan pobre, para expresar y transmitir algo de miedo y desplegar el talento al que nos tiene acostumbrados, aunque para ella, este proyecto definitivamente no aporta nada a su ascendente carrera.

Basada en la novela homónima escrita por Don Winslow, Oliver Stone dirige este thriller que sumerge al espectador en la particular historia de dos mejores amigos, y jóvenes emprendedores, llamados Chon (Taylor Kitsch, recientemente visto en "Batalla Naval") y Ben (Aaron Johnson de la genial "Kick-Ass"), quienes comparten un negocio pequeño, independiente y muy lucrativo: el cultivo de marihuana de la mejor calidad que se ha desarrollado hasta el momento y que sólo puede encontrarse en el sur de California.

Uno es un ex-miembro de la Marina de los EE.UU. (que tiene varios tours a Irak en su haber) y el otro, un botánico pacífico y caritativo que aspira a salvar el mundo y que hace beneficencia en pueblos africanos.

Ambos muchachos se llevan tan bien que además comparten un amor único y una relación poco ortodoxa y sexual con la joven y bella O (una Blake Lively que actúa siempre igual a su "Serena van der Woodsen" de "Gossip Girl"), personaje que, además de ser el hilo conductor de la narración y el que une toda la acción que se desarrolla en el film, se encarga de anticiparnos que las cosas se saldrán de control y de brindarnos detalles de los personajes a través de la voz en off.

Este despreocupado trío disfruta de una vida idílica, aunque ilegal, en Laguna Beach... hasta que el cartel mexicano de Baja California, liderado por la temida Elena "La Reina" Sánchez (gran desempeño de Salma Hayek), exige asociarse con ellos debido a que su legendaria hierba e innovador negocio capta su interés. Como Chon y Ben no aceptan, la novia que tienen en común es secuestrada, lo cual los obliga a aceptar el trato.

Aunque no cuentan con una gran organización como la de un cartel, este par de amigos tienen todo lo necesario para librar un plan para hacerle frente a "La Reina" (quien también tiene su propio talón de Aquiles) y sus secuaces -Lado (Benicio Del Toro), su brutal matón, y Alex (Demián Bichir), su inescrupuloso abogado- para así poder recuperar a su amada Ofelia, ya que el lazo que los une es irrompible.

Con la reacia ayuda de un corrupto agente de la DEA (encarnado por John Travolta) y un astuto contador denominado Spin (pequeña participación de Emile Hirsch), entre otros, comienza una serie de estratagemas cada vez más violentas y de situaciones extremas en una salvaje lucha de voluntades.

Co-escrita por el director de "Nacido el 4 de Julio" junto a Shane Salerno y al propio novelista, "Salvajes" cuenta con un argumento sólido en el que lo que verdaderamente importa no es el background de los personajes sino la acción y la interacción que se desencadena entre los mismos. Además, si hay algo que hay que destacar es el elenco coral y multiestelar que participa de esta producción en la que el cineasta incorpora elementos culturales muy mexicanos para ambientar cada escena (en su mayoría violentas) y darle más realismo, como la música de la serie de televisión "El Chavo del 8" y la imagen de la perturbante Santa Muerte.

En este film dirigido por Boaz Yakin ("Pequeñas Grandes Amigas"), Jason "el pelado" Statham vuelve a lucirse -y a deleitarnos- con lo que mejor sabe hacer: repartir patadas y todo tipo de golpes a través de espectaculares peleas coreografiadas.

En esta ocasión, el actor que en el pasado fue deportista profesional (perteneció al equipo británico de Natación con especialidad en saltos ornamentales) y que en la actualidad es un verdadero experto en artes marciales y kickboxing, encarna a Luke Wright, un luchador de segunda categoría en estas disciplinas (luego nos enteramos que también fue agente de policía) que cruza su camino con Mei (la debutante Catherine Chan), una niña china de 12 años que es perseguida por la tríadas de su país, la mafia rusa e incluso la policía de la ciudad de Nueva Jersey.

Él, que "arruinó" una pelea previamente arreglada, la mafia rusa decide ajusticiarlo para usarlo de ejemplo, matando a su esposa embarazada y amenazándolo con eliminar a cualquier persona con quien entable una relación. Obligado a deambular por las calles como un indigente, el protagonista se convierte en un fantasma al borde del suicidio.

Ella, es una prodigio de las matemáticas que es secuestrada de su casa en Nanjing por las Tríadas, para luego ser trasladada a los Estados Unidos de la mano del líder Han Jiao (James Hong). Allí, la pequeña es utilizada como "contadora" en sus chantajes y extorsiones. Sin computadoras, sin papeles, ella puede contabilizar todos los números en su cabeza, por lo que le dan la combinación que pertenece a una caja fuerte (de allí "Safe", el título original del film) para que lo memorice. Claro que esa valiosa información también le interesa a los rusos.

Entre secuestros y extorsiones, Mei logra escapar y es encontrada por Luke, quien se compromete a proteger a esta joven que no conoce, lo que lo lleva a enfrentarse con las mafias china y rusa, con policías corruptos y con el alcalde de la ciudad y su "asistente". Violentas situaciones que durante el transcurso de una noche lo llevarán a recorrer el bajo mundo de la ciudad para salvar la vida de Mei y redimir la suya propia.

A diferencia de los trabajos previos de Statham, lo que aquí menos importa es el guión, cuya historia resulta un poco floja. Lo que indudablemente sobresale, sobre todo para los que somos seguidores de Statham, son las increíbles escenas de acción a las que se ve inmerso su personaje.

Mel Gibson regresa a lo que mejor sabe hacer: interpretar a un héroe de acción (aunque en este caso, antihéroe). En este film realizado por su propia productora Icon, la misma con la que encaró sus proyectos como director ("La Pasión de Cristo" y "Apocalypto"), el actor de "Arma Mortal" se pone en la piel de un ladrón que -al principio del film- se encuentra escapando de las autoridades norteamericanas tras hacerse de unos cuantos millones de dólares que podrían darle unas más que agradables vacaciones.

Pero durante la persecución a alta velocidad con una patrulla fronteriza, y cargando un payaso malherido en el asiento de atrás, este personaje que el espectador conocerá sólo como "Conductor" -y más adelante como el "gringo" al que hace alusión el título de la película- termina literalmente incrustado en el famoso muro que delimita la frontera entre los Estados Unidos y México, país que lo recibe con oficiales corruptos que lo envían a "El pueblito", una inmunda prisión repleta de malhechores que viven con sus familias.

Una vez allí dentro, el protagonista pone en marcha un plan para recuperar el botín mientras conoce el extraño y peligroso mundo de esa especie de mini ciudad carcelaria donde entabla una relación con un niño de diez años (Kevin Hernandez) y su madre (Dolores Heredia), a quienes debe proteger del peligroso Javi (Daniel Giménez Cacho), el líder criminal que controla el lugar.

Dirigida por el debutante Adrian Grunberg, un realizador de padres argentinos, criado en España y radicado en México que ya había trabajado en producciones de Gibson como asistente, la irreverente y surrealista "Vacaciones Explosivas" desarrolla una trama sencilla (co-escrita entre Grunberg, Gibson y Stacy Perskie) pero atrapante y bien resuelta que cuenta con diálogos ingeniosos y muy pero muy ácidos.

El guionista, director y productor Tony Gilroy ("Duplicidad", "Michael Clayton"), quien ha sido el responsable de toda la narración de la saga "Bourne" (compuesta por "Identidad Desconocida", "La Supremacía de Bourne" y "Bourne: El Ultimátum"), asumió también la dirección en este nuevo capítulo -el cuarto- de la exitosa serie basada en las novelas del fallecido escritor Robert Ludlum y que narran la historia de un asesino que padece amnesia y que es perseguido por los mismos que lo entrenaron como tal mientras lucha por descubrir su verdadera identidad.

En "El Legado de Bourne", cuyo protagonista central está encarnado por el actor Jeremy Renner, el realizador amplía el universo creado por el propio novelista con una historia totalmente original que, si bien toma el título de una novela póstuma publicada en 2004 (y escrita por Eric Van Lustbader), no se basa en el argumento de la misma, ya que desarrolla una historia paralela a partir de los sucesos desencadenados en los capítulos anteriores y que estuvieron protagonizados por Matt Damon, quien se negó a regresar a la franquicia porque esta nueva entrega no iba a ser dirigida por su amigo Paul Greengrass y porque el guión que recibió no le gustó.

Claro que Damon sólo aparece en fotos, ya que la trama de este nuevo film transcurre casi en simultáneo a lo ocurrido en "Bourne: El Ultimátum" (2007), presentando a un nuevo personaje llamado Aaron Cross (Renner), un veterano de la guerra de Iraq y actual operativo de la CIA cuya vida está en peligro debido a que la existencia de Jason Bourne y del programa de inteligencia al que pertenecía, "Treadstone", se hicieron públicas.

Con la amenaza latente de dejar al descubierto "Outcome", otro de los programas clandestinos que tienen por objetivo crear espías con ciertas habilidades, con una alta resistencia al dolor y que son utilizados en misiones aisladas, de alto riesgo y a largo plazo, Eric Byer (Edward Norton), junto al Ministerio de Defensa, decide cerrarlo eliminando a todos los involucrado, entre los que se encuentran el propio Cross, los otros cinco agentes del mencionado programa y los científicos encargados de monitorearlos. Algo sale mal y Cross, junto a la Dra. Marta Shearing (Rachel Weisz), deben correr por sus vidas.

Esta vuelta de tuerca es, sin duda alguna, igual de entretenida y -lo más importante- con un guión sólido que sigue conectado con los puntos más importantes de toda la saga. Con grandes escenas de acción (la persecución por las calles de Manila es espectacular) y movimientos de cámara propios de los filmes predecesores, la ausencia de Matt Damon no se nota aunque se extraña. Pero como bien señala el lema del film... "nunca fue sólo uno".

Llega a nuestras salas de cine una nueva versión de "El Vengador del Futuro" (Total Recall), film de ciencia ficción de Paul Verhoeven, basado a su vez en el cuento corto "We Can Remember It For You Wholesale" (Podemos recordarlo por usted al por mayor), escrito en 1966 por Phillip K. Dick.

Los papeles que encarnaron en el año 1990 Arnold Schwarzenegger, Rachel Ticotin y Sharon Stone, aquí son interpretados por los actores Colin Farrell, Jessica Biel y Kate Beckinsale, quien particularmente vuelve a trabajar bajo la dirección de su esposo Len Wiseman, tal como lo hizo en "Inframundo" e "Inframundo: La Evolución".

No es una remake "per se", ya que mientras su predecesora sucedía en un futuro en el planeta Marte y sus oprimidos habitantes luchaban por el oxígeno, en esta producción de Wiseman ("Duro de Matar 4.0") la historia también es futurista -se desarrolla a fines del siglo 21- pero toma lugar en la Tierra, en los únicos dos territorios que quedaron habitables luego de una guerra química: la Federación Unida de Bretaña y La Colonia, que están conectadas por La Caída, un elevador gigante que pasa por el núcleo del planeta.

La primera es la más desarrollada y suprema, que planea una invasión para eliminar el terrorismo, justamente desahaciéndose del lugar donde viven los obreros como Douglas Quaid (Farrell), el protagonista, un hombre común que tiene una bella esposa (Beckinsale) a la que ama, pero que está cansado de la rutina, la desigualdad y de la frustrante vida que lleva, por lo que recurre a Rekall, una compañía especializada en implantar falsos recuerdos en la mente humana.

En este caso, los de una vida como súper espía. Algo sale mal y es justamente en el recinto donde surge el conflicto del film, ya que Quaid descubre por primera vez que no es quien creía ser, que tiene habilidades que desconocía y que su supuesta esposa es miembro de la policia federal, cuya misión es entregarlo a las autoridades.

A partir de ese momento, se convierte en un sujeto perseguido por el organismo controlado por el malvado de turno, el Canciller Cohaagen (Bryan Cranston), y compuesta en su mayoría por agentes robots parecidos a los clones de "Star Wars: Episodio II" que el propio Quaid ensambla diariamiente en su trabajo.

Sin poder determinar qué es real y qué es un recuerdo, la única persona en la que puede confiar es una luchadora rebelde (interpretada por Jessica Biel) que trabaja para el jefe de un movimiento de resistencia clandestino (papel a cargo de Bill Nighy).

Entre medio de espectaculares escenas de persecución en automóviles flotantes (la película es visualmente impecable y con un guión bastante sólido), el personaje de Colin Farell se encarga de que la frontera entre la fantasía y la realidad se diluya a medida que va descubriendo su verdadera identidad, su verdadero amor y su verdadero destino.

Tras su participación en "La Invención de Hugo Cabret", Sacha Baron Cohen vuelve al cine con el humor polémico y provocador que lo caracteriza. Al igual que en "Borat: El Segundo Mejor Reportero del Glorioso País Kazajistán viaja a América" (estrenada en 2006) y "Brüno" (editada en la Argentina para el video hogareño en 2009), el actor británico vuelve a las andadas al abordar conflictos culturales, religiosos y políticos del mundo actual... y arremetiendo especialmente contra la cuestionada política exterior de los Estados Unidos.

En "El Dictador", film en el que vuelve a trabajar bajo la dirección de Larry Charles (productor ejecutivo de las series "Mad About You", "Seinfeld" y "Curb Your Enthusiasm"), Cohen interpreta al Almirante General Haffaz Aladeen, un dictador que se asegura que la democracia nunca llegue a Wadiya, un país situado al norte de África y muy rico en petróleo.

Dado que las Naciones Unidas demanda que el líder supremo y amado opresor se presente en Nueva York en una reunión para exponer una explicación sobre los asuntos de su país, especialmente lo relacionado al desarrollo secreto de armas nucleares, Aladeen viaja junto a su Tío Tamir (Sir Ben Kinglsey), su confiable consejero -y también Director de la Policía Secreta, Jefe de Seguridad y Proxeneta de Mujeres- para resolver las inquietudes del organismo.

Una vez allí, él y su séquito no son recibidos cálidamente, ya que la ciudad está repleta de exiliados de Wadiya que anhelan ver a su país libre del despótico régimen de este dictador que termina siendo secuestrado y reemplazado por un doble que firmará por él el documento oficial que establecerá el inicio de la democracia.

A partir de ese momento, el protagonista deambula por las calles de Manhattan como un refugiado más del estado que él mismo tan "amorosamente" oprime, para tratar de recuperar el poder que le pertenece. Claro que en el medio de esta historia irreverente sobre los líderes de países dictatoriales, hay espacio para la fórmula de la comedia romántica, ya que cruza su camino con Zoey (Anna Faris), una joven activista ecológica a la que conoce en una manifestación en las afueras del edificio de las Naciones Unidas.

A diferencia de las películas anteriormente mencionadas, "El Dictador" representa lo mejorcito de las ácidas, críticas y bulgares propuestas de Baron Cohen, ya que aquí, el ingrediente extra es el desarrollo de una historia mucho más inteligente y una producción más cuidada. No les gustará a muchos pero los que eligen ver una de Sacha, saben lo que van a encontrar.

Entre 1934 y 1959, el trío cómico norteamericano compuesto originalmente por Moses Harry Horwitz (Moe), Louis Feinberg (Larry) y Jerome Lester Horwitz (Curly), repartieron piquetes de ojos, cachetadas y golpes de todo tipo a lo largo de 190 cortos cinematográficos para la empresa Columbia Pictures, en los que cultivaron una comicidad basada en la violencia física. Claro que cobraron mucha más notoriedad en todo el mundo en su paso por la televisión.

De la mano de los hermanos Peter y Bobby Farrelly, los mismos realizadores de "Tonto y Retonto", "Loco por Mary", "Amor Ciego", "La Mujer de mis Pesadillas" y "Pase Libre", Los Tres Chiflados llegan al cine con una versión moderna protagonizada por los conocidos Chris Diamantopoulos ("24"), Sean Hayes ("Will & Grace") y Will Sasso ("$#*! My Dad Says"), quienes se ponen en la piel de Moe, Larry y Curly, respectivamente, realizando un gran trabajo actoral interpretándolos, lo que nos lleva a decir... ¡son idénticos!

La película, que respeta el aspecto de los personajes, los efectos de sonido y las voces de los actores originales, recrea la premisa de aquellos cortos con una historia que se desarrolla en una línea narrativa más extensa y por demás divertida y sobre todo, con un humor sano que hoy en día es difícil de encontrar... claro, a pesar de las bofetadas y los piquetes de ojos (bien por los directores que al final de la misma optaron por explicarle a los espectadores más pequeños cómo hicieron los efectos de los pellizcos y las trompadas y por qué no deberían intentarlo en sus casas).

En cuanto a la trama, la misma cuenta la historia de estos tres ingenuos y tontos, quienes siendo tan sólo unos bebés fueron abandonados en la entrada de un orfanato a cargo de unas monjas interpretadas por Jane Lynch, Jennifer Hudson, Kate Upton y... ¡Larry David! Para quienes no lo sepan, este actor fue guionista de la exitosísima serie "Seinfeld" y protagonista de "Curb Your Enthusiasm".

Cuando el orfanato en el que pasaron su infancia (y también su adultez) corre peligro de cerrar sus puertas por motivos financieros, y habiendo dejado a las monjas golpeadas, adoloridas y confusas como consecuencia de sus travesuras a lo largo de su estadía en el lugar, el trío se pone en la difícil tarea de reunir 830.000 dólares en tan sólo treinta días para no perder el único hogar que han conocido.

En el medio de su misión, que los lleva a salir al mundo exterior, se ven involucrados en una extraña trama de asesinato (el personaje de Sofía Vergara les tiene una propuesta a cambio del dinero) y en el reality show "Jersey Shore", el "éxito" de la cadena MTV.

A lo largo de la hora y media de duración, "Los Tres Chiflados" (proyecto postergado por años), que presenta su argumento dividido en varios capítulos (con la clásica placa que daba inicio a los cortos) es un divertido y por sobre todo acertado homenaje a este grupo que durante 25 años le inyectó humor en blanco y negro a las generaciones pasadas.

Es lo mismo pero distinto, ya que existen varias líneas argumentales que giran alrededor de Peter Parker y su alterego como el superhéroe arácnido. Con un nuevo elenco, director y un enfoque jamás contado de la historia basada en el comic creado por Stan Lee y Steve Ditko, El Hombre Araña regresa, una vez más, a la gran pantalla... pero esta vez -además de las novedades- lo hace en formato 3D.

Este personaje, que allá por el año 2002 reflotó -en términos cinematográficos- las producciones basadas en superhéroes (especialmente de la Marvel Comics) y que había sido interpretado por Tobey Maguire en la trilogía que continuó en 2004 y que finalizó en 2007 (todas dirigidas por Sam Raimi) ahora es encarnado por el joven actor Andrew Garfield, conocido por sus trabajos en "Red Social" y "Nunca Me Abandones".

El argumento de este reincio de la franquicia -dirigido por Marc Webb ("500 Días con Ella")- desarrolla aspectos ya conocidos en la vida de Peter Parker con algunos otros que no han sido explorados en los filmes anteriores como por ejemplo las causas que lo llevan a vivir con sus tíos Ben (Martin Sheen) y May (Sally Field) desde muy pequeño. Además, esta producción aborda el interés del joven por la ciencia, lo cual heredó de su padre (interpretado por Campbell Scott).

Dentro de este contexto, la trama de "El Sorprendente Hombre Araña" se enfoca en el hecho de que el protagonista, este muchacho para nada popular en su escuela, descubre un misterioso portafolio que perteneció a su padre, por lo que comienza a investigar y comprender su desaparición y la de su mamá (Embeth Davidtz). Ésto, lo lleva directamente a OsCorp y al laboratorio del Dr. Curt Connors (Rhys Ifans), antiguo socio de su progenitor y el villano de turno, "El Lagarto".

En cuanto a la parte romántica de esta producción que combina el drama adolescente con escenas de humor muy bien logrados, el guión escrito por James Vanderbilt, Alvin Sargent y Steve Kloves, desarrolla la historia del primer amor de Parker, Gwen Stacy (en la piel de la actriz Emma Stone), su compañera de clase en la preparatoria.

A pesar de transitar un terreno conocido pero contado de otra manera (en definitiva, "Batman" también se "reinició" de la mano de Christopher Nolan y "Superman" hará lo propio junto al director Zack Snyder en "Man of Steel"), siempre da gusto, sobre todo para los nerds, reencontrarse en las salas de cine con esta clase de personajes.

En el verano de 1956, Marilyn Monroe (interpretada por Michelle Williams) llegó a Inglaterra por primera vez, lo que revolucionó todo Londres. De luna de miel con su marido, el célebre dramaturgo Arthur Miller (Dougray Scott), la estrella de Hollywood arribó a la capital británica para filmar "El Príncipe y la Corista" (The Prince and the Showgirl), película que la encontró compartiendo cartel con la leyenda del teatro Sir Lawrence Olivier (Kenneth Branagh), quien dirigió y además co-protagonizó el film.

Dentro de este contexto, y basada en las novelas autobiográficas "Mi Semana con Marilyn" (My Week With Marilyn) y "El Príncipe, la Corista y yo" (The Prince, The Showgirl and Me), ambas escritas por Colin Clark, esta producción dirigida por Simon Curtis relata precisamente la experiencia del autor británico en el set de filmación -montado en los clásicos Estudios Pinewood- de aquella producción en la que se desempeñó como uno de los asistentes del director.

Precisamente a través de los ojos de Clark (Eddie Redmayne), por aquel entonces un recién graduado de la Universidad de Oxford y aspirante a cineasta, es que se desarrolla la trama guionada por Adrian Hodges y que se enfoca en lo sucedido durante esa semana que el joven ingenuo de 23 años pudo compartir a solas con la emblemática Marilyn, la estrella más grande de la época dorada de Hollywood a la que todos, especialmente su séquito, adulaban y sobreprotegían pero que él supo apreciarla como realmente era detrás del personaje.

Mientras se lleva a cabo la filmación y Olivier (un estupendo trabajo de Branagh) lidia y atiende con las múltiples exigencias de la actriz al mismo tiempo que maneja las inseguridades de la rubia platinada a la hora de interpretar, Colin y Marilyn, entre escena y escena, se sienten atraídos mutuamente. Ella, le abre su mundo interior donde lucha con su fama, su belleza y su deseo de convertirse en una gran actriz. Por su parte él, aprovechando la ausencia de Miller por un viaje de negocios, le muestra algunos de los placeres de la vida británica.

"Mi Semana con Marilyn" no es una biografía del ícono sino un drama light que, manteniendo un buen ritmo, se centra en desarrollar un período concreto en la vida de Monroe que resulta ser una postal entretenida de lo sucedido esa semana. El director logra captar la esencia de la estrella, esa que a la hora de dejar de lado su personaje de sex-symbol, la muestra en la intimidad como una mujer vulnerable, infeliz, inocente, insegura, imperfecta y carente de cariño (vivió una infancia difícil sin padres) a la vez que remarca la falta de sus cualidades artísticas para la actuación.

Muy parecida físicamente en ciertos momentos más que otros, Michelle Williams, merecidamente nominada a un premio Oscar por este papel en la edición 2012 (al igual que Kenneth Branagh en el rubro masculino), nos brinda un destacado trabajo con su propia visión e interpretación de Marilyn, a quien logra caracterizar muy correctamente con gestos y miradas propias de la actriz.

El elenco se completa con pequeñas participaciones de Dominic Cooper, cuyo papel es el de Milton H. Greene, fotógrafo y socio de negocios de Monroe; Julia Ormond como Vivien Leigh, quien encarna a la actriz reconocida por su participación en "Lo Que el Viento se Llevó", además de ser la esposa de Olivier; Judi Dench como Sybil Thorndike y Emma Watson como Lucy, una asistente del departamento de vestuario.

Siguiendo la estética y la temática oscura de "La Chica de la Capa Roja" (Red Riding Hood, 2011), la industria cinematográfica ahora nos ofrece una nueva adaptación -distinta y con un giro más que interesante- de otro clásico cuento de hadas, en este caso "Blancanieves".

Dirigida por el británico Rupert Sanders (un premiado realizador de comerciales que debuta en el ámbito del cine con este film), "Blancanieves y el Cazador" contiene todos los conocidos elementos del relato creado por los hermanos Grimm (el espejo mágico, la manzana roja, la reina malvada y los siete enanos) a la vez que introduce en su trama algunos otros que reinventan tanto la historia como su protagonista.

En este caso, a una Blancanieves (interpretada por Kristen Stewart) mucho menos víctima y con más actitud decidida y rebelde que termina convirtiéndose en la líder de un ejército que lucha en una impresionante batalla para recuperar el trono que le pertenece -que es usurpado por la villana de turno- y así sanar una tierra devastada por la oscuridad y plagada de maldad.

Todo se origina cuando cuando su madre (Liberty Ross), muere como consecuencia de una enfermedad. Su padre, el Rey Magnus (Noah Huntley), combate su profunda tristeza y depresión contrayendo matrimonio con Ravenna (una excelentísima Charlize Theron), una mujer poderosa y con segundas intenciones.

En la misma noche de bodas, quien se convierte en la reina malvada mata al rey (el espectador conocerá los motivos por los cuales lo hace) y encierra a Blancanieves en la torre más alta del castillo. Ravenna, quien mantiene su belleza absorbiendo la juventud de las doncellas del reino, se reserva a la más bella de todas para el final.

Claro que no cuenta con que Blancanieves logra escapar, y en su huia termina en el bosque tenebroso, ese mismo al que el cazador (interpretado por Chris Hemsworth) es enviado a capturar a la muchacha. Pero, por el contrario, ambos se convierten en aliados, y en tierras alejadas y pobladas por gnomos, enanos y hadas, el dúo cruza su camino con los clásicos y diminutos personajes que aquí son interpretados por un grupo de destacados actores británicos: Ian McShane, Bob Hoskins, Ray Winstone, Nick Frost, Toby Jones, Eddie Marsan, Johnny Harris y Brian Gleeson. Ellos también forman parte de la odisea y brindan su ayuda.

Sin duda, esta película es muy lograda en todos sus aspectos, aunque el guión escrito por Evan Daugherty, John Lee Hancock y Hossein Amini pasó por alto un elemento esperado en este tipo de producciones: el romanticismo y un problemático triángulo amoroso; pero le damos crédito por jugarse a no desarrollarlo y darle prioridad a las vivencias de la protagonista.

En lo que respecta a lo técnico, cabe resaltar la dirección del propio Sanders, el diseño de producción, ambientación, vestuario, fotografía y estética; elementos acompañados por bonitos paisajes naturales.

Y en cuanto al elenco, que se completa con Sam Clafin como William, un joven duque, y Sam Spruell como Finn, el vengativo hermano de Ravenna, la joven, talentosa -y a veces tímida- Kristen Stewart (lamentablemente encasillada al personaje de Bella Swan de "La saga Crepúsculo") logra un correcto desempeño como Blancanieves, aunque es difícil no encontrar gestos propios de la actriz que se ven reflejados en los distintos roles que ha interpretado a lo largo de su carrera.

Luego de 10 años, Will Smith y Tommy Lee Jones vuelven a encarnar a los Agentes J y K -respectivamente- en esta tercera entrega de la saga "Hombres de Negro", la cual vuelve a ser dirigida por Barry Sonnenfeld (tal como lo hizo en las dos anteriores) y que por primera vez ha sido filmada para ser exhibida en formato 3D.

Basada en la serie de historietas creadas por Lowell Cunningham, publicadas por Malibu Comics, y producida nuevamente por la compañía Amblin Entertainment de Steven Spielberg, la trama de "Hombres de Negro 3", si bien se inicia en la actualidad, pega un salto en el tiempo y nos traslada al pasado.

Más precisamente al 15 de julio de 1969, año al que J (Smith) se ve obligado a "viajar" (o "literalmente "saltar") para salvar la vida de su intrigante y taciturno compañero K (Lee Jones) para corregir los eventos que lo conducen, a la versión joven de éste (interpretado por Josh Brolin), a una muerte segura.

Todo comienza cuando un alienígena llamado "Boris, el Animal" (a cargo del músico Jemaine Clement), que pertenece a una especie muy peligrosa que tiene por objetivo destruir planetas, escapa de una prisión lunar e invade la Tierra para vengarse de K, quien hace más de 40 años fue el responsable de arrancarle un brazo y encarcelarlo de por vida, por lo que el villano viaja al pasado y lo mata, produciendo que desapareza de la línea temporal del presente. Atentos los espectadores con el asunto de los saltos en el tiempo.

Tal es así que en la agencia secreta gubernamental que se dedica a monitorear la actividad extraterrestre en nuestro planeta, ahora dirigida por la Agente O (pequeña participación de la actriz británica Emma Thompson), recuerdan a K como un agente que falleció en el cumplimiento del deber cuatro décadas atrás; excepto J, quien es el único que lo recuerda y se pregunta qué le sucedió.

Con la vida de su mentor y el destino del planeta en peligro ante una invasión, J se transporta a ese día para evitar que Boris cumpla su cometido. Claro que además, el personaje de Will Smith aprovecha la ocasión para poder conocer los secretos de su compañero -aquellos que no tienen nada que ver con el universo- para así saber qué lo llevó a ser tan irritable y reservado.

A través de un buen ritmo y humor inteligente, la estructura narrativa de este entretenido film (supera ampliamente a su predecesora) profundiza la historia de estos dos personajes y la relación entre ambos y, lo más importante, el relato está por encima de lo que podría haber sido sólo una sucesión de chistes desparramados en medio de una seguidilla de efectos especiales funcionales sólo a las tres dimensiones.

Otro aspecto para destacar, en lo que respecta a las actuaciones, es la labor del actor Josh Brolin encarnando al Agente K de 1969. Él aporta una interpretación intuitiva y sutil como un joven K, ya que canaliza los ademanes y la personalidad que el propio Tommy Lee Jones le imprime al mencionado personaje.

El actor, escritor y productor Peter Berg ("Hancock", "El Reino", serie "Friday Night Lights") dirige esta superproducción inspirada en el clásico juego de combate naval de la marca Hasbro, responsable de haber llevado al cine las franquicias basadas en las figuras de acción "Transformers" y "G.I. Joe".

Y claro que la influencia de aquellos robots que se convierten en vehículos se nota en "Battleship: Batalla Naval", en varios aspectos. La película, que llega a nuestras salas de cine una semana antes que su estreno en los Estados Unidos, narra -sin demasiado argumento y a través de una sucesión de tensionantes secuencias de acción, destrucción y explosiones muy bien logradas gracias a los increíbles efectos especiales- la historia de un enfrentamiento al que hace referencia el título de la cinta.

El mismo se desarrolla en pleno océano Pacífico contra un enemigo superior: seres extraterrestres -que comandan unas naves que meten miedo- que llegan a nuestro planeta como producto de una respuesta a una serie de transmisiones interestelares que científicos de la NASA han estado enviando a su planeta. Lamentablemente, el guión escrito por Erich y Jon Hoeber no le proporciona al espectador más detalles de la amenazante "visita" de estos aliens.

El conflicto sucede mientras la Marina de los Estados Unidos se encuentra realizando ejercicios de práctica como parte de una convención internacional de oficiales y de una nueva edición de los juegos navales que se llevan a cabo en Hawaii, donde Estados Unidos tiene la base de Pearl Harbor.

Encerrados en un campo de fuerza liberado por estas naves extraterrestres, se libra esta batalla a gran escala que mezcla la estrategia bélica de los acorazados de guerra norteamericanos con la ciencia ficción. Claro que un segmento del metraje está dedicado a la estrategia tradicional del juego "Batalla Naval".

En cuanto a los protagonistas de carne y hueso, la poca línea argumental más allá de la invasión, se centra en Hopper, interpretado por Taylor Kitsch, quien viene de protagonizar un fracaso de la factoría Disney como "John Carter". Aquí, el actor conocido por su papel en la serie "Friday Night Lights", encarna a un joven sin rumbo, arrogante e individualista (en él, se centran los pocos momentos de humor) que se enlista en la Marina porque su hermano mayor Stone (Alexander Skarsgård) lo convence.

Enamorado de Sam (Brooklyn Decker), la hija del capitán de la flota (a cargo de Liam Neeson), en su camino por convertirse en héroe, no está sólo. Entre los que lo acompañan, se encuentran el Capitán japonés Yugi Nagata (Tadanobu Asano) y la cantante Rihana, quien en su pasable debut actoral en la gran pantalla, interpreta a la Teniente Raikes (Rihanna), una especialista en armas.

En esta especie de "Transformers" acuático todo se exagera. No sólo el gran despliegue de efectos visuales sino, además, la propaganda militar para unirse a la Marina y el sentimiento de patriotismo (el caso de los verdaderos veteranos que participan del film es un claro ejemplo). A pesar de ello, no hay que dejar de reconocer que el entretenimiento está a la orden del día y que "Battleship: Batalla Naval" tiene algo de originalidad a pesar de reconocer elementos ya vistos en la industria.

Inspirada en hechos reales, Michael Sucsy (la película para TV de HBO "Grey Gardens") dirige este drama romántico que, a diferencia de muchas producciones del género, no responde a una historia de amor repleta de los típicos clichés que los espectadores esperan encontrar.

En "Votos de Amor", protagonizada por Channing Tatum y Rachel McAdams, lo ocurrido a Kim Carpenter y su esposa Krickitt, un matrimonio residente de Nuevo México que decidió escribir una novela sobre su experiencia, sirve como punto de partida para desarrollar la historia de Leo y Paige, dos jovenes profundamente enamorados, casados y con satisfactorias vidas como artistas en Chicago (él es un músico dueño de un estudio de grabación y ella, una escultora) cuyo amor se pone a prueba.

Una noche, conduciendo de regreso a su casa tras disfrutar de una salida al cine, sufren un accidente de automóvil. Leo (Tatum) sobrevive intacto, pero Paige (McAdams) queda en coma producto de un trauma en la cabeza. Al desperar, experimenta una severa pérdida de memoria por lo que su esposo se convierte en un total extraño para ella, ya que 4 años previos al accidente desaparecen por completo, incluyendo el haberlo conocido.

A medida que avanza la trama (la cual incluye algunos flashbacks de los momentos más importantes de la pareja), él intenta desesperadamente volver a conquistar el amor de su esposa, quien -para peor- lo último que recuerda es estar comprometida con Jeremy (Scott Speedman), su ex-novio que aún la desea.

Mientras él se niega a darse por vencido para no perder al amor de su vida -y su única familia- tratando de reiniciar una relación con Paige como si se acabaran de conocer, ella se vuelve a reecontrar con sus padres (Jessica Lange y Sam Neill) y su hermana (Jessica McNamee), de quienes había estado separada años atrás, asunto que complica el accionar del protagonista.

Mediante voz en off, Leo narra lo que la premisa de la película tiene por objetivo transmitir; que la vida tiene momentos de impacto que pueden cambiar nuestra vida para siempre, que te definen. ¿Pero qué pasaría si un día no pudieramos recordar ninguno de ellos? ¿Puede un amor único volver a renacer?

Fiel a sus votos matrimoniales ("Prometo, sin importar los desafíos que puedan separarnos, que siempre encontraremos el camino para volver a estar juntos"), el personaje de Tatum acepta el desafío que estos interrogantes plantean. Veremos qué tiene preparado el destino para él.

Además de las buenas performances de la dupla protagónica -ambos participaron de otros dramas románticos pero basados en las novelas de Nicholas Sparks "Querido John" (Tatum) y "Diarios de una Pasión" (McAdams)-, el guión escrito por Abby Kohn, Marc Silverstein y Jason Katims está muy bien concebido.

Iron Man (Robert Downey Jr.), Thor (Chris Hemsworth), Capitán América (Chris Evans) y Hulk (ahora encarnado por Mark Ruffalo tras la decisión de Marvel de no contar con Edward Norton) se unen por primera vez en la gran pantalla. Tras haberlos visto en sus respectivas películas, las cuales fueron presentando a cada uno de estos personajes y abriendo el camino para este acontecimiento cinematográfico (el más esperado del año por muchos fanáticos de los comics), estos superhéroes ahora deben luchar todos juntos, al igual que en los comics creados por Stan Lee y Jack Kirby.

Y lo hacen en "Los Vengadores", esta super entretenida megaproducción dirigida por Joss Whedon (creador de las series "Buffy, la Caza Vampiros", "Angel", "Firefly" y "Dollhouse"), quien se cargó al hombro no sólo estar al frente de la filmación sino también la difícil tarea, como guionista, de tomar todos los elementos importantes de aquellos filmes y combinarlos para hallar un equilibrio en lo que respecta a la narración y al desarrollo de los personajes, sumado a lo que tiene que ver con la acción de una historia independiente estructurada de forma tal que el público pueda verla y comprenderla sin necesidad de haber visto ninguna de las películas predecesoras... aunque es preferible hacerlo.

En cuanto al argumento, sobre el que no se puede revelar mucho, podemos decir que al igual que en el primer ejemplar del comic editado en septiembre de 1963, Loki (destacada labor del británico Tom Hiddleston) es el detonante del conflicto que reúne a todos los Vengadores por primera vez para vencerlo, ya que este villano, luego de que su intento de derrocar el trono de su planeta Asgard se viera frustrado, desea vengarse no sólo de su hermano Thor (Hemsworth) sino contra la Tierra entera, amenazando la seguridad y supervivencia del planeta.

A pesar de que la Iniciativa Vengadores ha sido descartada tiempo atrás, Nick Fury (Samuel L. Jackson), el director de S.H.I.E.L.D. (la agencia para el mantenimiento de la paz mundial), con la ayuda del agente Coulson (Clark Gregg) y Maria Hill (Cobie Smulders) se ve obligado a reclutar a los poderosos superhéroes para cumplir esta misión de la que también participan los agentes Black Widow (Scarlett Johansson), personaje que apareció en "Iron Man 2", y Hawkeye (Jeremy Renner), quien hizo lo propio en "Thor". Claro que no es fácil lograr que todos trabajen en equipo.

El resultado es una propuesta formidable, repleta de escenas de acción que llegan a su punto máximo en una batalla final que se desarrolla en pleno Manhattan y con las dosis justas de humor que no opacan la tensión dramática del relato. Y lo mejor es que cada personaje, absolutamente todos, tienen su momento de protagonismo sin descuidar lo referente a la interacción entre ellos. Una JOYITA que no hay que dejar de ver, ya que se esperan más entregas, luego de "Iron Man 3" (actualmente en pre-producción), "Thor 2" y "Capitán América 2".

Escrito y dirigido por el realizador Bruce Robinson ("Jennifer 8"), este film que se desarrolla en tono de comedia, está basado en la novela "Los Diarios del Ron" de Hunter S. Thompson (título original de esta producción), el fallecido escritor estadounidense que fue creador e icono del periodismo "gonzo", un estilo que elimina, a través del relato en primera persona, la división entre sujeto y objeto y objetividad y subjetividad, ya que plantea un abordaje directo de la noticia, llegando hasta el punto de influir en ella, y convirtiendo al periodista en parte importante de la misma.

Johnny Depp, amigo y profundo admirador de Thompson y su carrera (de hecho es uno de los productores de esta adaptación que logró concretar para cumplir uno de los últimos deseos del novelista) lidera el elenco interpretando aquí a una especie de alter ego del propio autor, quien vivió en Puerto Rico durante los años '60.

Es en ese país caribeño y durante aquellos años donde se desarrolla el argumento de esta historia que gira en torno a un periodista alcohólico llamado Paul Kemp (Depp), quien proveniente de Nueva York llega a San Juan para trabajar en un periódico local a punto de cerrar. Allí, lejos de cumplir su objetivo de encontrar una noticia seria sobre la que escribir, su editor en jefe (interpretado por Richard Jenkins) lo contrata para la sección de horóscopos.

Mientras tanto, perfectamente adaptado a la rutina de la isla, que básicamente consiste en sumergirse en ron (y algo de alucinógenos), se hace amigo del fotógrafo del diario, Sala (Michael Rispoli), y conoce a Sanderson (Aaron Eckhart), un hombre de negocios implicado en sospechosos asuntos inmobiliarios con los que busca convertir a Puerto Rico en un paraíso del capitalismo al servicio de los más pudientes.

Una propuesta de este empresario lo dirige directamente a una encrucijada relacionada con su labor como comunicador; pero su otro problema -aparte del alcohol- también surge tras mostrar cierto interés en Chenault, la sexy novia de Sanderson, interpretada por la joven actriz Amber Heard.

El film, basado en las experiencias de Thompson, no tiene un rumbo definido sino que consiste en una sucesión de situaciones, algunas divertidas, otras completamente tediosas (la de los alucinógenos es una de ellas) que no profundizan demasiado ciertos aspectos de la trama que por momentos, parece perder su hilo conductor.

Tras más de una década (precisamente 11 años, a lo largo de los cuales se lanzaron cuatro películas directamente para el mercado de video hogareño), el elenco original de la saga "American Pie", luego de algunas ausencias en "American Pie: La Boda" (2003), vuelve a reunirse por completo en este cuarto film basado en los personajes concebidos por Adam Hertz.

Escrita y dirigida por Jon Hurwitz y Hayden Schlossberg (los creadores de la saga "Harold & Kumar"), "American Pie: El Reencuentro" es una propuesta pura y exclusivamente dirigida al público que se divierte con el humor propio de esta franquicia que comenzó en el año 1999 y que nos ha ido contando la historia de cuatro amigos que estaban obsesionados con perder la virginidad antes de que finalizara su último año de secundaria.

Jim (Jason Biggs), Michelle (Alyson Hannigan), Oz (Chris Klein), Heather (Mena Suvari), Kevin (Thomas Ian Nicholas), Vicky (Tara Reid), Finch (Eddie Kaye Thomas) y Stifler (Seann William Scott) regresan a East Great Falls, ese pequeño pueblo de Michigan, para asistir a una reunión de graduados organizada por uno de los integrantes (en este caso el personaje a cargo de John Cho) del grupo de estudiantes que fantaseaba con tener sexo con las atractivas mamás de cualquiera de sus compañeros.

Por supuesto que algunas cosas han cambiado en la vida de estos personajes, pero en su mayoría, todo sigue igual. Durante ese fin de semana, tanto ellos como nosotros -los espectadores- descubriremos que a pesar de que ya están bastante crecidos, algunos de estos ejemplares aún no han madurado del todo, por lo que en el fondo siguen comportándose como adolescentes con hormonas incontrolables.

La trama del film, a lo largo de casi dos horas, gira en torno a los problemas de intimidad entre Jim y Michelle, quienes ahora padres, carecen de relaciones sexuales; Oz se ha convertido en un exitoso comentarista deportivo y ha cobrado notoriedad tras aparecer en un reality de baile; Kevin está felizmente casado pero siente que su vida es monótona; Finch es un misterio y Stifler sigue siendo él mismo. Por su parte, el ahora viudo papá de Jim (Eugene Levy), impulsado por su hijo, decide que es hora de volver a tener citas.

Como en los viejos tiempos, y a la espera de la tan ansiada reunión, Jim y sus amigos se ven involucrados en varias situaciones comprometedoras, en esta ocasión con la antigua vecina del personaje encarnado por Biggs, a quien solía cuidar como niñero y que ahora es una sensual joven de 18 años (Ali Corbin).

Con un elenco cuya química sigue intacta como el primer día, el film -que será bien recibido por algunos y por otros no tanto- presenta un panorama similar al de aquella primera película pero ahora desde un punto de vista nostálgico de la adolescencia que ya quedó atrás... aunque no lo parece.

El realizador francés Jean-Jacques Annaud ("El Nombre de la Rosa", "Siete Años en el Tibet", "Enemigo al Acecho") dirige esta superproducción de aventuras con trasfondo político. La historia que el propio Annaud se encargó de adaptar junto a Alain Godard (el guión estuvo a cargo de Menno Meyjes) está basada en la novela "South of the Heart: A Novel of Modern Arabia" (algo así como "Al Sur del Corazón: Una Novela sobre la Arabia Moderna"), del escritor suizo Hans Ruesch. La misma fue publicada en 1957.

La historia se desarrolla a principios del siglo XX justo cuando el descubrimiento de petróleo cambiaría para siempre las vidas de las tribus beduinas de la península arábiga y, por lo tanto, de nuestro mundo, ya que el conflicto que aborda la película sigue vigente en esa zona rica en "Oro Negro" (título original del film), por el que se originan luchas y guerras.

En el centro del relato están dos líderes enemigos, Nesib (Antonio Banderas), emir de Hobeika, y Amar (Mark Strong), sultán de Salmaah, quienes bajo el inclemente cielo del desierto sellan un pacto de paz. El acuerdo establece que ninguno de los dos reclamará el territorio neutral que existe entre ellos, un pedazo de arena sin dueño conocido como el "Cinturón Amarillo".

Los dos pequeños hijos del personaje encarnado por Strong -Saleeh (Akin Gazi) y Auda (Tahar Rahim), están incluidos en el trato, ya que éste los debe entregar a su contrincante como garantía de que no habrá más enfrentamientos entre ambos… hasta que aparece un texano (Corey Johnson) que encuentra petróleo justamente en esa zona neutral y que comienza a hacer negocios con Nesib.

En medio de esta nueva disputa territorial entre ambas tribus, los ya crecidos hermanos (uno guerrero, el otro un tímido bibliotecario) se ven obligados a tomar importantes decisiones que afectarán tanto a uno como al otro bando. La mayor responsabilidad recae en Auda, a quien se le encarga negociar la paz entre sus dos padres, el biológico y el que lo crió. A lo largo del film, este joven príncipe irá descubriendo su destino como líder.

En "El Príncipe del Desierto", su director decide dejar a un segundo plano algunas líneas argumentales secundarias para ahondar más en el viaje épico de quien termina siendo el verdadero protagonista del film, a cargo del actor francés Tahar Rahim (el mismo de "Un Profeta", la cinta ganadora del Oscar al mejor film extranjero en 2010). El joven logra transmitir de manera convincente la transformación de su personaje: de un inocente académico a un aguerrido guerrero.

No se puede decir lo mismo del español Antonio Banderas, cuyo papel como tirano árabe pasa por momentos convincentes y por otros que no lo son tanto. Su contraparte, Mark Strong, está muy correcto. Por su parte, la actriz Freida Pinto ("Slumdog Millonaire: Quién Quiere ser Millonario?, "El Planeta de los Simios (R)Evolución") interpreta, sin aportar demasiado a la trama, a la princesa Leyla, la hermosa hija de Nesib, y el interés romántico del personaje de Rahim, por lo que la clásica historia de amor no está ausente en este relato.

A lo largo de las dos entretenidas horas que dura, el film despliega -sin decaer en su ritmo- un escenario con asombrosos paisajes, espectaculares enfrentamientos y batallas que transcurren en un mar de arena.

La novela escrita por John Kerr y la obra teatral creada por Christopher Hampton, "The Talking Cure" (algo así como "La Palabra que Cura"), son el punto de partida de este nuevo film del realizador canadiense David Cronenberg, un drama biográfico con muchos elementos de ficción que nos introduce en la relación entre el Dr. Sigmund Freud (Viggo Mortensen) y su discípulo, el Dr. Carl Jung (Michael Fassbender) durante los primeros años del psicoanálisis.

Esta producción escrita por el propio Hampton, se desarrolla a principios del siglo XX en Zúrich y Viena, lugares que sirven de marco para narrar una oscura historia con trasfondo sexual e intelectual y cuyo conflicto surge cuando aparece Sabina Spielrein (Keira Knightley ofrece una actuación formidable), una joven rusa y muy culta, que ingresa al Hospital Psiquiátrico de la mencionada ciudad suiza.

Bajo un diagnóstico de histeria que puede llevar a episodios de violencia, Jung comienza a tratarla. Con ella, ensaya un tratamiento experimental inventado por Freud, el psicoanálisis o "curación por la palabra". Tras varias conversaciones, se revelan detalles de la infancia del personaje interpretado por Knightley e inquietantes y perversos elementos sexuales, pero también surge una relación amorosa entre ambos.

A medida que Jung y Freud traban amistad a través de un intercambio epistolar acerca de la condición de Sabina, su relación comienza a tornarse turbulenta, ya que la muchacha -además de ser un objeto de estudio relacionado con la sexualidad y los desórdenes emocionales- resulta ser una complicación, ya que tanto el padre del psicoanálisis (Freud) como el joven psiquiatra (Jung) comienzan a chocar en lo que concierne a lo estrictamente profesional (teorías y métodos revolucionarios para la época), y a las cuestiones éticas, ya que Jung traspasa la línea que separa al doctor del paciente.

Por su parte, la psicótica Sabina, quien más tarde se convertiría en una notable influencia en el mundo del psicoanálisis y en el pensamiento moderno como otra profesional de la rama médica, complica aún más el "intercambio" entre los dos profesionales, ya que lo intelectual comienza a mezclarse con la exploración de los propios deseos personales.

Al trío, se suma Otto Gross, papel a cargo de Vincent Cassel. La subtrama de este psiquiatra y psicoanalista libertino decidido a traspasar todos los límites parece insertada a la fuerza dentro de una historia con personajes interesantes (acompaña una buena recreación de época y vestuarios) pero que a la vez se torna pesada como la psicología misma y complicada como lo oscuro de la mente humana que tanto Freud como Jung quieren descifrar.

Esta película, que marca la tercera colaboración entre Cronenberg y Viggo Mortensen (tras "Una Historia Violenta" y "Promesas del Este"), se presenta a través de una forma bastante teatralizada que por momentos se torna cansadora y tediosa. A pesar de que tiene una duración promedio, la misma se larga. La historia daba para mucho más. Cronenberg no supo aprovecharla.

Llegó el momento tan esperado por muchos fanáticos de las novelas de Suzanne Collins, ya que -de manera simultánea- la adaptación cinematográfica de la primera parte de la fenomenal trilogía literaria escrita por esta autora norteamericana, compuesta por "Los Juegos del Hambre" (2008), "En Llamas" (2009) y "Sinsajo" (2010), se estrena en una gran cantidad de países (en la Argentina un día antes que en los Estados Unidos) cuyos espectadores se adentrarán en esta historia que se desarrolla en un futuro no muy lejano y en un mundo post-apocalíptico.

En ese futuro, y en las ruinas de lo que alguna vez fue Estados Unidos, se encuentra Panem, una nación desigual signada por la devastación, la esclavitud y la pobreza como consecuencia de la guerra, la cual ha dividido al territorio en 13 distritos -12 aún existen- controlados por el enriquecido y autoritario Capitolio, el centro de poder comandado por el perverso Presidente Snow (un correctísimo Donald Sutherland).

Cada año, como castigo a raíz de una rebelión pasada y una táctica de intimidación del actual gobierno, se llevan a cabo los juegos a los que hace mención tanto el título del libro como el del film. Se trata de una sangrienta competición que es transmitida por televisión y en la que una pareja de adolescentes de cada uno de los distritos (un chico y una chica de entre 12 y 18 años) debe luchar a muerte por su propia supervivencia, ya que sólo puede haber un ganador cuya condición le permitirá acceder a la riqueza y a la fama prometida por los gobernantes.

Algo similar a lo visto en películas como "The Running Man" o "La Isla de los Condenados", en este certamen, los 24 competidores son colocados en una especie de arena como en el que combatían los gladiadores. Aquí, el mismo resulta ser un inmenso bosque montado con cámaras ocultas y controlado por una serie de técnicos que, mediante computadoras, modifican las condiciones meteorológicas y hasta insertan o eliminan elementos para hacerlo "más interesante" para la audiencia.

La historia y su conflicto es contado a través de los ojos de la protagonista, Katniss Everdeen (Jennifer Lawrence), una joven de 16 años que decide ofrecerse como voluntaria (a los participantes se los conoce como "tributos") en reemplazo de su hermana menor (Willow Shields) quien ha salido sorteada para participar en la edición número 74 de este retorcido reality show con el que el Capitolio somete a los habitantes.

A lo largo de las 2 horas y 22 minutos que dura esta producción muy lograda, los espectadores somos testigos de la experiencia de esta joven decidida a sobrevivir a cualquier precio. Ella es una muchacha con talentos de cazadora, y su co-tributo Peeta Mellark (Josh Hutcherson), es un humilde panadero. Ambos representan al Distrito 12, un empobrecido pueblo minero.

A partir del momento de la elección, los dos son tomados bajo custodia, sometidos a glamorosas transformaciones y duros entrenamientos que los preparan para luchar contra los implacables "Tributos Profesionales", aquellos que se prepararon toda su vida para ésto y que provienen de los distritos más ricos. El proceso incluye los consejos de un mentor, Haymitch Abernathy (el siempre genial Woody Harrelson), antiguo vencedor de los Juegos al que le gusta beber en demasía. Es en este personaje en el que recaen los pocos momentos de humor dentro de una trama violenta y cruel y en la que también hay indicios de un triángulo amoroso.

En medio de alianzas entre los guerreros, Katniss debe tomar decisiones desafiantes como desgarradoras que pesan sobre su conciencia. Debe decidir entre supervivencia y humanidad, entre seguridad y confianza y entre vida y amor para superar a sus contrincantes, entre los que se encuentra su compañero, y así también desafiar al sistema que los condena.

El elenco liderado por la ascendente y talentosa Jennifer Lawrence, nominada a un premio Oscar en 2011 por su labor en el drama "Lazos de Sangre", se completa con logrados desempeños de Elizabeth Banks, Stanley Tucci, Lenny Kravitz, Toby Jones, Wes Bentley, Liam Hemsworth y una cantidad de jóvenes actores, algunos conocidos para la mayoría de nosotros quienes interpretan a los tributos, como Brooke Bundy, Amandla Stenberg, Dayo Okeniyi, Leven Rambin, Jack Quaid (hijo de Deniis Quaidy Meg Ryan), Latarsha Rose, Alexander Ludwig, Isabelle Fuhrman y Jacqueline Emerson, entre otros.

Si bien busca captar a un público adolescente al igual que "Harry Potter" y "Crepúsculo", propuestas que también han llamado la atención de muchos adultos pero cuya temática se desarrolla cual cuento de hadas, esta película dirigida notablemente por Gary Ross ("Alma de Héroes") y co-escrita por el realizador junto a Billy Ray y a la propia novelista Collins (también productora ejecutiva), tiene aspectos de situaciones que se remontan al pasado (los juegos de la antigua Roma son un claro ejemplo) y que también podemos identificar en la actualidad y, tal vez, dentro de muchos años, en un futuro posible, por lo que se presta para el análisis profundo, sobre nuestra sociedad actual, las guerras, las opresiones, el enfrentamiento entre iguales y sobre el entretenimiento a partir de las tragedias de otros.

Atrapa e interesa. Ahora, a esperar por las siguientes entregas... "Y que la suerte esté siempre de nuestro lado".

Chris Pine, Reese Whiterspoon y Tom Hardy protagonizan esta comedia de acción a cargo del realizador McG (director de filmes como "Los Ángeles de Charlie", "Somos Marshall" y "Terminator: La Salvación" y productor de las series "Nikita, "Supernatural" y "Chuck") en la que dos apuestos espías -ambos mejores amigos- se enamoran accidentalmente de la misma mujer e inician lo que el título de esta producción nos adelanta, una guerra campal para intentar conquistar a la muchacha.

Mientras se encuentran en plena misión para atrapar a un peligroso traficante internacional de armas (Til Schweiger) que busca vengarse de ellos por haber provocado la muerte de su hermano, FDR (Pine) y Tuck (Hardy) utilizan los recursos y el personal de la CIA para este asunto personal, el cual incluye momentos de espionaje y sabotaje mutuos, ya que su "pacto de caballeros" para preservar su amistad queda en segundo plano cuando se enamoran aún más de la mujer, por lo que deciden que ella sea la que elija en esta competencia por su amor.

En el medio, y sin estar al tanto de la situación que existe entre ambos pretendientes, está Lauren (la siempre encantadora Whiterspoon), una evaluadora superior de productos para una de las principales publicaciones dedicada a la defensa del consumidor.

Su conocimiento sobre hornos, sartenes y teléfonos celulares y su liderazgo en el plano profesional no le sirve de nada a la hora de conocer hombres, hasta que su mejor amiga Trish (la ácida comediante Chelsea Handler) toma el asunto en sus propias manos y la inscribe a un servicio de citas en línea donde conoce al personaje interpretado por Hardy y luego, pero de forma casual, al encarnado por Pine.

La historia de esta película producida por Will Smith (aclaremos que no es una comedia romántica. De hecho de romance no hay nada), ofrece momentos divertidos con una pizca de acción a gran escala. Si bien entretiene y le propone al espectador pasar un buen momento, no es de lo mejorcito en cuanto al desarrollo del guión escrito por Timothy Dowling y Simon Kinberg, aspecto que el trío que compone el elenco trata de solventar con sus simpáticas actuaciones.

En este thriller dirigido por el no muy conocido realizador danés Nicolas Winding Refn (trilogía "Pusher"), Ryan Gosling (hace poco tiempo visto en el film "Secretos de Estado") interpreta a un conductor solitario, un tanto indiferente y de pocas palabras, del que no se sabe nada de su pasado, sólo su presente, uno que incluye habilidades al volante que son evidentes.

Tal es así que este joven (tampoco se da a conocer su nombre) trabaja como doble de riesgo especializado en conducir a máxima velocidad en alguna que otra película de Hollywood; pero también, reparte su tiempo como mecánico en un taller y, cuando cae la noche, como "wheel man" en trabajitos sucios para los cuales tiene sus propias reglas: ser contratado de forma anónima (nunca dos veces por la misma persona), no participar ni involucrarse de los "asuntitos" para los que solicitan sus servicios y no estar disponible para ellos por más de cinco minutos.

A pesar de que su plan está bien concebido, un día algo sale mal, lo que lo lleva a estar en la mira de una persecución infernal porque el muchacho termina en el medio de un tremendo lío con la mafia de Los Ángeles.

Todo comienza cuando el protagonista, que entabla una relación con su vecina (Carey Mulligan) y con el pequeño hijo de ésta, decide involucrarse en el problema que el marido de la joven (Oscar Isaac) arrastra desde su estadía en prisión y que amenaza con la seguridad de esa familia.

Para proteger a Irene, la chica por la que siente amor (a su manera), y ante semejante situación en la que se ve inmerso, este conductor pasa de sentimientos como la apatía a la extrema venganza (asesinatos de por medio) para deshacerse de los hombres que están tras ellos.

Estupendamente dirigida -sobre todo narrada- y con un estética visual que combina lo retro con lo moderno (la música ochentosa que acompaña los silencios del protagonista y los momentos clave de la cinta es tremenda), "Drive" está basada en la novela homónima escrita por James Sallis (los fans de los videojuegos reconocerán por momentos la premisa de "Driver") y completa su reparto con Bryan Cranston, Albert Brooks, Christina Hendricks y Ron Perlman.

A pesar de las pocas palabras del personaje que Gosling interpreta a la perfección, los hechos hablan por sí solos en esta producción que -promediando el metraje- nos ofrece violencia (por momentos explícita) a través de recursos muy "a lo Tarantino", persecuciones a lo "Rápido y Furioso", una pizca de romance (breve y sutil) y momentos de acción muy bien rodados. Eso sí, no hagamos sacar de las casillas a este hombre -que sólo quiere conducir- porque vamos mal.

Selene está de regreso... y por lo tanto, también la actriz que la encarna. Tras su ausencia en la producción concebida como precuela, "Inframundo: La Rebelión de los Lycans" (Underworld: Rise of the Lycans), la británica Kate Beckinsale vuelve a encabezar el elenco en "Inframundo: El Despertar", la cuarta entrega de la exitosa saga creada por los actores Danny McBride y Kevin Grevioux junto al realizador Len Wiseman, esposo de Kate y director de los dos primeros films.

La franquicia "Inframundo" (Underworld), que comenzó a sumar fanáticos alrededor del mundo allá por el 2003, se centra en la lucha secreta entre los vampiros, los aristócratas sedientos de sangre, y los brutales licántropos, quienes viven ocultos planeando su venganza contra aquellos que alguna vez los esclavizaron.

Este nuevo film, ahora dirigido por los suecos Måns Mårlind y Björn Stein ("Shelter"), nos trae una impresionante nueva dimensión a la épica batalla entre estas dos razas, ya que es el primero de la franquicia en filmarse íntegramente en formato 3D.

Tras una breve introducción que repasa los principales hechos de la historia (ésto no significa que no se deban ver las anteriores películas para entender lo que está sucediendo), la trama de esta nueva producción sitúa al espectador seis meses después de los eventos sucedidos en la segunda parte, "Inframundo: la Evolución". Durante ese tiempo, la humaniad descubre la existencia de los mencionados clanes e inicia una sangrienta guerra para erradicarlos.

En medio de "La Purga" (con este nombre se conoce a "la limpieza"), la vampiresa guerrera es capturada y su amado Michael Corvin, el híbrido interpretado por Scott Speedman (actor aquí ausente), muere. Doce años después, despierta del estado de congelación criogénica para encontrarse cautiva en Antigen, un laboratorio sellado en una poderosa corporación biotecnológica dedicada a desarrollar una vacuna contra lo que los humanos llaman una epidemia.

Tras lograr escapar, la protagonista descubre la existencia de una niña (encarnada por India Eisley) a la que debe proteger durante esta nueva guerra que se desarrolla en un mundo totalmente nuevo para el personaje de Beckinsale, donde los humanos se suman a los supuestamente extintos licántropos (para peor surge uno genéticamente mejorado) como nuevos rivales. Para ello, cuenta con la ayuda de un joven vampiro (Theo James) y un detective (Michael Ealy), quienes se unen a ella en esta venganza.

¡Sí! Para el deleite de todos los fanáticos que conocen muy bien la mitología de la saga y que esperaban este regreso, especialmente los que conforman la platea masculina, Beckinsale -quien se vuelve a calzar el traje de cuero negro- ofrece (durante casi una hora y media que te deja con ganas de más) un verdadero festín de acción, entretenimiento y espectaculares peleas. Pero eso no es todo, la vampiresa va por más... y nosotros esperamos ansiosos su siguiente movida.

Del productor ejecutivo de la saga "Actividad Paranormal" (Steven Schneider) nos llega esta propuesta similar dirigida por el no muy conocido realizador William Brent Bell ("Sobreviviendo", título que se lanzó en 2006 directo a DVD), quien se puso al frente de un proyecto cuyo objetivo es asustar pero lamentablemente no logra su cometido.

Filmada íntegramente con cámara en mano, la película -una suerte de falso documental- se desarrolla a fines de 2009, casi 20 años después de un hecho que sacudió la vida de Isabella Rossi (interpretada por la actriz brasileña Fernanda Andrade).

El 30 de Octubre de 1989, cuando la joven tenía 8 años, su madre María (Suzan Crowley) confesó -en la llamada que ella misma realizó al 911- haber asesinado brutalmente a tres personas (dos curas y una monja) durante un exorcismo aparentemente llevado a cabo en su propia casa.

Tras el hecho, la Iglesia se involucró y trasladó a la mujer a Centrino, un Centro Psiquiátrico ubicado en Roma, donde donde la mujer se encuentra apartada para determinar si está mentalmente insana o si está poseída por un demonio.

En la mencionada capital italiana transcurre la historia que sigue a la protagonista durante su investigación, con la que busca conocer la verdad de lo ocurrido esa noche.

Durante su estadía, asiste a diversas clases en la Escuela de Exorcismos del Vaticano (entidad que no autoriza la grabación de este tipo de prácticas), donde conoce a dos jóvenes curas (Simon Quarterman y Evan Helmuth) que realizan exorcismos clandestinos con métodos no convencionales que combinan ciencia y religión.

Ella les pide ayuda para curar a su madre pero en el proceso, todos se enfrentan cara a cara con más de un demonio.

Siempre hay público para este tipo de producciones. La premisa, en sí, no es mala sino que está muy desaprovechada porque "Con el Diablo Adentro" falla en su principal aspecto, la trama, que resulta poco creíble.

En estos tiempos en los que la industria cinematográfica está signada por los avances tecnológicos, las tres dimensiones y los sorprendentes efectos especiales, hay que jugarse a filmar una película muda, y en blanco y negro. Y en este caso, el resultado es por demás favorable.

Esta cinta dirigida espléndidamente por el realizador francés Michel Hazanavicius, conocido por su serie de sátiras a las películas de espionaje ("OSS 117: El Cairo: Nido de Espías" y "OSS 117: Perdido en Río"), nos traslada hacia Hollywood de los años 20 con una historia que se desarrolla entre 1927 y 1932, lapso que marcó un antes y un después en la historia del séptimo arte a través de la llegada del sonido que irrumpía y ponía en peligro las carreras de muchos artistas, como bien señala el título del film.

Uno de ellos es George Valentin (gran labor del francés Jean Dujardin, actor fetiche del director galo), un famosísimo actor del cine mudo que hacia 1930 ve cómo este gran cambio, por el que apuesta fuertemente el estudio para el que trabaja, marca el fin de su estrellato, lo cual lo lleva prácticamente al olvido, ya que él se rehúsa a aceptarlo.

Crisis personal, económica y matrimonial de por medio (su esposa, a cargo de Penelope Ann Miller, decide pedirle el divorcio), comienza a entrar en una profunda depresión. Al mismo tiempo, el protagonista es testigo del rápido ascenso de Peppy Miller (logrado desempeño de la argentina Bérénice Béjo, esposa de Hazanavicius), una joven extra que se transforma en la figura cinematográfica del momento.

"El Artista", que cuenta cómo se entrelazan los destinos de ambos (lo cual propiciará el surgimiento del amor) es una obra maestra muy original, y por eso es que ha cosechado halagos y críticas muy positivas, además de encabezar las nominaciones en esta temporada de premiaciones que culminará con una nueva entrega de los Premios de la Academia, para los que aspira, nada más ni nada menos, que a diez estatuillas.

Con un argumento simple pero sólido, este film que también cuenta con la participación de John Goodman, James Cromwell, Malcolm McDowell y el talentoso y expresivo perrito Uggie (un Jack Russell Terrier), es un sentido, excelentemente logrado (desde lo técnico, lo visual, lo musical y lo actoral), entretenido y metafórico homenaje a aquella época del celuloide en la que, y con ésto voy a modificar la frase, un gesto valía más que mil palabras.

Basada en la aclamada novela escrita por Michael Morpurgo, que posteriormente se convirtió en una obra teatral creada por Nick Stafford y que actualmente se presenta en el Teatro Nacional de Londres, esta épica aventura dirigida por Steven Spielberg nos presenta un conmovedor -algunos dirán melodramático- relato de amistad entre un joven muchacho y su caballo en tiempos de la Primera Guerra Mundial.

Ambientada en el contrastante entorno de la Inglaterra rural y la Europa en los inicios del mencionado conflicto bélico, "Caballo de Guerra" introduce al espectador en la relación que forja un adolescente sensible y tenaz llamado Albert (interpretado por Jeremy Irvine) con un caballo que llega a la pequeña granja donde vive luego de que su terco y distante padre (a cargo de Peter Mullan), lo adquiere a costa de todos los ahorros de la familia.

Joey, el equino que pertenece a una raza que no es apta para labrar campos, es entrenado por el joven para que logre lo imposible, y así poder salvar la casa y los terrenos que están muy cerca de perder debido a la mala elección de su padre, un hombre desesperanzado y entregado a la bebida.

En el proceso, Albert y Joey establecen un vínculo profundamente inquebrantable que más adelante se ve amenazado por la guerra, ya que el animal es vendido al ejército británico para que éste sea enviado a la línea de combate. Cuando ambos son apartados a la fuerza, el film sigue el fenomenal viaje del caballo a través de los campos de batalla, donde se ve obligado (con su propia vida en peligro, pero siempre con la esperanza de reencontrarse con su amigo) a arrastrar artillería pesada.

A medida que se adentra en la guerra, pese a los obstáculos que enfrenta, el potro se ve envuelto en los destinos de todos los personajes que conoce a su paso, ya que toca y cambia las vidas del Capitán Nicholls (Tom Hiddleston), miembro de la caballería británica; la de dos jóvenes soldados -y hermanos- alemanes (Robert Emms y David Kross) y hasta la de un granjero francés y su nieta (Niels Arestrup y Celine Buckens).

En tanto, Albert, destrozado e incapaz de olvidar a su gran amigo, también deja su hogar y marcha a los campos de batalla en Francia para encontrar a su caballo y traerlo de vuelta a casa.

Sin duda, este film que retrata lo triste de la guerra a través de la travesía y la odisea del animal, principal protagonista de la historia, es una gran producción del director de "E.T.", quien retrata la época de una manera sumamente creíble, producto de la notable dirección, la bonita fotografía, los espectaculares efectos especiales, la correcta ambientación, el gran vestuario y la excelente música compuesta por un grande como lo es John Williams, cuya partitura siempre está acorde a la narración que nos ofrece momentos intensos, tristes y emotivos, por lo cual recomiendo tener un pañuelo a mano.

En "Caballo de Guerra" todo es para destacar. Nominada a seis Premios Oscar (entre ellos para Mejor Película), la cinta nos brinda formidables trabajos de los intérpretes humanos (particularmente de los jóvenes Jeremy Irvine o Celine Buckens. No nos olvidemos de Peter Mullan, Tom Hiddleston, Benedict Cumberbatch, Niels Arestrup, y de una fantástica Emily Watson) como así también de los distintos caballos (se utilizó un gran número de animales con supervisión de la American Humane Association), quienes nos ofrecen un trabajo actoral que traspasa la pantalla, gracias a sus entrenadores.

Basada en la novela gráfica homónima escrita por el autor e ilustrador de libros para niños Brian Selzknick, la nueva película del genial Martin Scorsese (merecidamente nominada a once premios Oscar, entre las que se incluyen mejor película, mejor director y mejor guión adaptado), es un claro, sentido y emotivo homenaje a los inicios del cine y en especial al mago e ilusionista George Méliès, quien junto con los Hermanos Lumière, es uno de los pioneros de la cinematografía.

Esta producción, que se exhibirá en formatos 2D y 3D, transcurre en París de los años 30 y nos presenta la historia de Hugo (gran desempeño actoral de Asa Butterfield), un niño huérfano que vive oculto dentro de las paredes de una estación de tren de la mencionada capital francesa y que ante el desconocimiento de los demás, sobre todo del inspector del lugar (Sacha Baron Cohen), se dedica a darle mantenimiento a los relojes de la parada Montparnasse.

Merodeando por la estación, el pequeño busca y roba, además de comida para sobrevivir, engranajes y partes que le permitan reparar un "autómata", una abandonada figura impulsada por un mecanismo de relojería interno que fue recuperada de un museo por su fallecido padre (Jude Law), un relojero que deseaba poder arreglarla junto al joven protagonista de este mágico relato, quien conserva esta especie de robot como único recuerdo de su progenitor.

Un descuidado encuentro con un amargado reparador de juguetes (Ben Kinsley), dueño de una tienda dentro de la estación central de ferrocarriles, y con la nieta de éste, Isabelle (Chloë Grace Moretz), una niña amante de los libros, conducen a Hugo a resolver un misterio que lo llevará precisamente a encontrarse con los mismísimos orígenes del cine... y una llave en forma de corazón es la clave.

Ésta, la primera película familiar del realizador de "Taxi Driver" -y la primera con la que incursiona en la tecnología 3D- no sólo está dirigida a un público infantil que tenga una edad para comprender la historia desarrollada sino que es un producto hecho para todos los amantes del cine, ya que Scorsese recupera, en forma de fábula, aquellos inicios de la magia del séptimo arte que han sido olvidados por muchos.

Con una dirección artística increíble, una bonita fotografía, una música incidental preciosa a cargo de Howard Shore, actuaciones destacadas de todo el elenco (de los más grandes como Sir Ben Kinsley hasta los más pequeños como los talentosos Butterfield y Moretz) y un excelente guión de John Logan, "La Invención de Hugo Cabret" no hace otra cosa que regalarnos dos horas de magia y emoción. Al verla está la prueba del porqué de sus once aspiraciones al máximo galardón de la industria. Una joyita.

Alexander Payne ("Las Confesiones del Sr. Schimdt", "Entre Copas") dirige esta excelente comedia dramática basada en la novela homónima escrita por la hawaiana Kaui Hart Hemmings. El film, que se desarrolla en los bellos paisajes de las distintas islas que componen Hawaii, narra los sentimientos encontrados de su protagonista, Matt King (George Clooney), un hombre cuya esposa (Patricia Hastie) se ve involucrada en un accidente náutico que la deja en coma. Mientras ella se encuentra en esta situación, él se entera que lo engañaba con otro.

"Mis amigos creen que porque vivo en Hawaii, vivo en el paraíso. Como una vacación permanente, en la que todos estamos bebiendo y surfeando. ¿Están locos? Nuestras familias están igual de dañadas...". Con esta frase, el personaje (interpretado por un espléndido Clooney) contrapone y le presenta al espectador lo hermoso de vivir en semejante lugar con los problemas cotidianos que tenemos todos los seres humanos, vivamos donde vivamos.

En el medio de esta situación, este abogado que va a trabajar en camisas floreadas, debe pasar de ser un padre ausente a uno que debe hacerse cargo de sus dos hijas, con las que intenta torpemente reparar la relación: Scottie (Amara Miller), una precoz niña de 10 años, y Alexandra (Shailene Woodley), una joven rebelde de 17.

Mientras lidia con ambas, y con la condición irreversible de su mujer (él, sus hijas, su familia y amigos deben prepararse para decirle adiós), Matt también debe tomar una difícil decisión relacionada con la venta de unas tierras que pertenecieron a sus antepasados (aquí reside el título del film) y que forman de un fideicomiso que él controla en nombre de sus numerosos primos. Herencia de la unión entre la realeza hawaiana y los misioneros, los King son dueños de una parte de las últimas parcelas vírgenes de playa tropical de las islas, de un valor incalculable.

Cuando su hija mayor suelta la bomba de que su madre estaba en medio de un amorío al momento del accidente, Matt debe replantearse totalmente su vida, sin dejar de mencionar su legado, durante una semana de decisiones significantes. Acompañado por sus hijas, y el amigo de una de ellas (Nick Krause), se embarca en una caótica búsqueda por el amante de su esposa.

A lo largo del camino, en el que afronta encuentros divertidos, incómodos, problemáticos y trascendentales, nuestro protagonista se percata que finalmente está en camino en la reconstrucción de su vida y su familia.

Brillantemente dirigida, "Los Descendientes" explora la delgada línea que existe entre el duelo y el enojo del personaje formidablemente encarnado por Clooney en esta historia que se desarrolla en un lugar exótico y que está repleta de matices dramáticos, emotivos (no al punto de llorar) y cómicos.

Pero también, ésta -una de las grandes favoritas en esta temporada de premiaciones (se llevó un Globo de Oro a la mejor película y uno al mejor actor protagónico y aspira a cinco premios Oscar), cuenta con las destacadas y naturales actuaciones de Shailene Woodley (serie "Vida Secreta de una Adolescente Americana"), la debutante Amara Miller y Nick Krause.

El cuarto trabajo del actor George Clooney como director (los anteriores fueron "Confesiones de una Mente Peligrosa", en 2002; "Buenas noches, y buena suerte", en 2005; y "Jugando Sucio", en 2008) es un thriller político que sitúa al espectador en los días previos a las cruciales elecciones primarias presidenciales de Ohio programadas para "el Idus de Marzo", título original del film que se refiere al día 15 de ese mes en el que el gobernador Mike Morris (Clooney) espera vencer a su oponente, el senador Pullman (Michael Mantell), y convertirse en el candidato del partido demócrata.

En este contexto se desarrolla esta cinta cuya trama pone al descubierto algo que es común en el mundillo de la política y las campañas: los arreglos, los intereses, las conveniencias y los jueguitos sucios que se tejen para contar con una ventaja que favorezca a uno o a otro, cosa que pone en jaque los ideales de Stephen Meyers (Ryan Gosling), el talentoso secretario de prensa y asesor del personaje encarnado por Clooney, por el que el muchacho tiene una fuerte convicción de que va a marcar la diferencia en el país.

Un desinteresado encuentro que se torna desafortunado con el jefe de campaña del oponente (Paul Giamatti); la búsqueda del respaldo de un senador (Jeffrey Wright) que cuenta con más de 300 delegados dispuestos a poner su voto a quien le ofrezca un puesto en el gabinete (a lo cual Morris no está dispuesto a acceder); encuentros nocturnos con una pasante (Evan Rachel Wood) y un secreto que derrumba sus creencias, propician que Meyers se vea involucrado en una especie de venganza cuando es separado de la carrera presidencial de su candidato.

Escrita por el propio Clooney junto a Grant Heslov y Beau Willimon, basada en la obra teatral "Farragut North", "Secretos de Estado" cuenta con logradas actuaciones de todo su elenco, el cual se completa con Philip Seymour Hoffman como el jefe de campaña de Morris y Marisa Tomei como una periodista de la revista Time. A ellos se suman las pequeñas participaciones de Max Minghella, Jennifer Ehle y Gregory Itzin.

David Fincher ("Pecados Capitales", "El Curioso Caso de Benjamin Button", "Red Social") dirige la muy esperada versión norteamericana del film sueco "Los Hombres que no Amaban a las Mujeres" (Män som hatar kvinnor), producción que en la Argentina se estrenó en febrero de 2010 y que a su vez está basada en la exitosa trilogía literaria "Millennium", escrita por el fallecido Stieg Larsson.

"La Chica del Dragón Tatuado" nos introduce en los hechos que se desarrollan en la primera novela de la mencionada saga de suspenso y que, al igual que en el libro, suceden en Estocolmo, lugar que los realizadores decidieron mantener porque las raíces de la historia son totalmente suecas.

Allí, un periodista financiero llamado Mikael Blomkvist (Daniel Craig), dedicado a desenterrar la corrupción tanto política como empresarial, es acusado de difamación por un hombre poderoso tras la publicación de una investigación llevada a cabo para la exclusiva revista Millennium, de la cual es co-propietario junto a su socia -y a veces amante- Erika Berger (Robin Wright).

Tras la demanda con la que el empresario se defiende, y que prácticamente deja en banca rota tanto a Blomkvist como a la revista, el protagonista decide alejarse de Millenium. Es en ese momento que aparece en escena Henrik Vanger (Christopher Plummer), uno de los industriales más ricos de Suecia, quien lo contrata para investigar la desaparición de su amada sobrina Harriet, ya que el hombre sospecha que la asesinó un miembro de su enorme y complicada familia.

Durante su investigación, el personaje interpretado por Craig cruza su camino con Lisbeth Salander (Rooney Mara), una joven que posee habilidades como hacker e investigadora, por lo que se suma a la caza de este asesino.

La "chica del dragón tatuado" es una muchacha punk, fuerte, determinada y profundamente antisocial, pero a la vez una víctima vulnerable de la vida misma, ya que ha vivido bajo la tutela del Estado desde su infancia. Para peor, tras la muerte de su tutor, es asignada a otro guardián que no tiene buenas intenciones.

Con algunas escenas fuertes, a lo largo de 2 horas y 40 minutos (un poquito larga para mi gusto), esta producción que representa todo un desafío para Fincher (adaptar una novela no es fácil y menos ésta), le propone al espectador adentrarse en un laberinto que contiene asesinatos, corrupción, secretos familiares, perversidades y los demonios internos de dos inesperados aliados que buscan la verdad en un misterio que comenzó hace 40 años.

Más allá de los notables desempeños del elenco protagónico, tanto de Craig como de Plummer, vale la pena recalcar el sobresaliente y jugado trabajo de Rooney Mara (recientemente nominada a un Globo de Oro por este papel), la verdadera protagonista (y heroína por qué no) de esta historia que continuará (todo dependerá del éxito de la taquilla) en las respectivas adaptaciones de "La Chica que Jugó con Fuego" y "El Castillo de Aire que Estalló".

Otro thriller apocalíptico. Otra invasión alienígena. Dos temas muy recurrentes en el mundo del cine, pero aquí lo diferente e interesante es que los seres en cuestión no sólo son criaturas extrañas, sino que además se ocultan tras un escudo cargado de energía que los hace prácticamente invisibles al ojo humano.

El segundo film de Chris Gorak como director (el anterior fue "Terror en Los Ángeles", título que en la Argentina pasó directo a DVD hace algún tiempo), se desarrolla en Moscú, una de las tantas ciudades que ha reportado invasiones extraterrestres. Allí, cinco jóvenes que se encuentran en la mencionada capital rusa quedan varados y tienen que luchar por sobrevivir en el despertar de un devastador ataque.

Sean y Ben son dos amigos norteamericanos que se encuentran en el lugar para concretar un negocio que queda truncado por un empresario local -interpretado por el actor sueco Joel Kinnaman- que les roba la idea (una aplicación que crearon para dispositivos móviles).

Por el otro, Natalie y Anne son dos muchachas turistas (una estadounidense y una australiana) que se encuentran disfrutando de sus vacaciones. Todos se conocen en un club nocturno momentos antes de que el terror se apodere de la ciudad cuando se corta la luz y en las afueras se encuentran con un montón de luces que caen del cielo, algo similar a lo que sucede en la historieta argentina "El Eternauta" cuando unos copos de nieve que caen preceden un ataque de estas características en Buenos Aires.

Claro que no son para nada amigables, ya que tras el ataque inicial los protagonistas caen en la cuenta que estos seres energéticos -que revelan su presencia cuando están cerca de algún dispositivo que utiliza electricidad para funcionar- tienen por objetivo eliminar todo tipo de vida en el planeta y apoderarse de sus recursos minerales.

A pesar de que no desarrolla una gran historia, esta película producida por el realizador Timur Bekmambetov (responsable de la exitosa fantasía rusa "Guardianes de la Noche"/"Guardianes del Día" y del film "Se Busca") sí presenta una vuelta de tuerca en lo referente a ataques extraterrestres.

El elenco de "La Última Noche de la Humanidad" está compuesto por Emile Hirsch, a quien recordarán por sus protagónicos en "La Chica de Al Lado", "Los Amos del Dogtown" y "Meteoro"; el británico Max Minghella ("Palabras Mágicas", "Agora", "Red Social); Olivia Thirlby ("Juno") y la australiana Rachael Taylor ("Transformers", "Imágenes del Más Allá" y la recientemente cancelada nueva versión para la TV de la serie "Los Ángeles de Charlie".

Todos ellos están acompañados por un elenco de actores rusos (Dato Bakhtadze, Yuriy Kutsenko, Artur Smolyaninov, Pyotr Fyodorov y Nikolay Efremov) que interpretan a una especie de ejército de la resistencia que logra encontrar la manera de enfrentar a los invasores.

El realizador Tate Taylor dirige su tercer film, en este caso basado en "Criadas y Señoras" (The Help), la novela best-seller que escribió su amiga de la infancia Kathryn Stockett, la cual desarrolla el punto de vista de las mujeres afroamericanas dedicadas al servicio doméstico y a la crianza de los niños de las familias blancas durante la segregación y opresión racial que existía entre blancos y negros en territorios sureños de los Estados Unidos en la década del ’60, período en el que se llevaba a cabo el movimiento por los derechos civiles.

Tal como el libro, la cinta se desarrolla en aquella época en Jackson, Mississippi, donde crecieron juntos el director y la autora, respectivamente. Allí, "Historias Cruzadas" introduce al espectador en el proyecto literario ideado por Eugenia "Skeeter" Phelan (destacada labor de Emma Stone), una joven periodista que desea convertirse en escritora.

Al regresar a su casa tras graduarse de la universidad, ella descubre que su adorada empleada, quien prácticamente la crió, dejó su trabajo para volver a Chicago. Eso es lo que su sofocante madre (interpretada por Allison Janney) quiere que crea.

Debido a esta situación y ante la incomodidad que siente cuando está compartiendo reuniones sociales con sus maliciosas amigas (quienes, a diferencia de ella, están todas casadas y con hijos), el personaje de Stone decide escribir un libro que plasme las vivencias de las criadas de color, que son tratadas como especímenes y degradadas al extremo por los padres y madres de las familias que las contratan.

Bajo la premisa "¿Qué se siente dejar todos los días a tu hijo con otra persona para ir a criar a los hijos de una familia blanca?", la protagonista decide reclutar a varias de estas criadas para entrevistarlas. Aibileen (como siempre, una indiscutida Viola Davis), quien trabaja para una amiga de Skeeter (Bryce Dallas Howard) es la primera; luego se suma Minny (la genial Octavia Spencer) y más adelante muchas más que compartirán anécdotas "anónimas" que, una vez que se publique el libro, provocarán revuelo entre la población local.

Durante las casi dos horas y media que dura, "Historias Cruzadas", cuyo reparto se completa con Jessica Chastain, Sissy Spacek, Ahna O’Reilly, Ana Camp, Cicely Tyson, Chris Lowell y Mike Vogel, es un film que no se hace para nada pesado sino que por el contrario, a pesar de la temática que aborda (que ya ha sido vista en decenas de filmes), no se centra en desarrollar el contexto político de aquella época sino que su objetivo es mostrar las historias de estas mujeres que se atrevieron a romper las reglas. Por lo tanto, es entretenida, emotiva pero sin golpes bajos, y con algunos momentos de humor que hacen de ésta una cinta amena.

Tras una larga ausencia en la gran pantalla (no protagonizaban un film para cine desde 1999), Los Muppets están de regreso con esta excelente cinta que mantiene intacta la esencia de estos queridísimos personajes creados en 1964 por el fallecido titiritero y productor televisivo Jim Henson, y por los que el actor Jason Segel siempre ha sentido una gran admiración.

Tal es así que el actor de la serie "How I Met Your Mother" y "Cómo Sobrevivir a mi Ex", además de protagonizar esta producción dirigida por James Bobin ("Da Ali G Show"), ha sido uno de los encargados de desarrollar el proyecto que trajo nuevamente a la pandilla liderada por Kermit la Rana (o René, como se la conoce en América Latina; o Gustavo, nombre que adquirió en España), porque es uno de los productores ejecutivos junto a Nicholas Stoller y porque además, él co-escribió el libreto con quien fuera el guionista de "Los Viajes de Gulliver".

La historia, que contiene todos los elementos que aseguran el entretenimiento tanto para las generaciones que crecieron con estas marioneras como para aquellas que las conocerán por primera vez, nos introduce en las vidas de Walter, el fan número uno de Los Muppets, y su hermano Gary (Segel), quienes durante su infancia han crecido viendo "El Show de los Muppets" en la TV y que en la actualidad disfrutan viendo antiguos episodios.

Cuando el personaje de Segel decide llevar de vacaciones a su novia Mary (encarnada por la encantadora y talentosa Amy Adams) a Los Ángeles para además festejar su aniversario, Walter los acompaña para cumplir su sueño de conocer el viejo Muppet Studio. Pero allí, el trío descubre que un magnate llamado Tex Richman (Chris Cooper) planea arrasar con el lugar para perforar y extraer el petróleo hallado debajo.

Para evitar la destrucción, Gary, Walter y Mary se proponen reunir a la vieja pandilla para organizar un teletón que les permita recaudar los 10 millones de dólares necesarios para recuperar el teatro y cuya transmlsión en vivo depende de la aprobación de una ejecutiva de una cadena televisiva interpretada por Rashida Jones. Pero primero, la rana y compañía tienen que viajar bastante, ya que las vidas de todos lo que conformaban el grupo han tomado rumbos diferentes y en diversos lugares de los Estados Unidos y del mundo.

Por ejemplo, Fozzie (el Oso Figaredo) trabaja en un casino de Reno con una banda tributo llamada los Moopets (incluye aparición del músico Dave Grohl, ex-Nirvana, actual Foo Fighters). Por su parte, Miss Piggy es una editora de moda de talla grande de la revista Vogue Paris (ingenioso guiño a "El Diablo Viste a la Moda"); Animal se encuentra en una clínica de Santa Bárbara para aprender a controlar su ira, esa que descarga tocando la batería; y Gonzo es un magnate de la industria de la plomería.

En este contexto, la película -cuyo libreto articula la historia a la perfección- introduce personajes nuevos que se suman a los icónicos. Repleta del característico humor sano (difícil encontrarlo en estos tiempos), números musicales pegadizos y los infaltables cameos de estrellas invitadas, "Los Muppets" es un producto inteligentemente guionado, actuado, editado y musicalizado. Sin duda, un gran regreso. Esperamos más entregas.

Las caóticas pero adorables ardillitas cantantes Alvin (voz de Justin Long), Teodoro (voz de Matthew Gray Gubler) y Simon (voz de Jesse McCartney), regresan a la gran pantalla en esta tercera entrega basada en los exitosos personajes creados por Ross Bagdasarian y que han estado deleitando a las audiencias de todo el mundo durante más de 50 años con su singular voz de helio, producto de una técnica de grabación simple pero efectiva.

En esta oportunidad, el travieso trío se encuentra de vacaciones a bordo de un lujoso crucero con el que también se dirigen a los Premios Internacionales de la Música donde se presentarán junto a las Arditas Eleanor (Amy Poehler), Jeanette (Anna Faris) y Brittany (Christina Applegate), que aparecieron en la segunda parte de la franquicia.

Pese a haberle prometido a Dave (Jason Lee repite su papel como su "padre" y manager) comportarse como se debe, Alvin (que reclama un poco de independencia) no puede resistirse a causar estragos en la embarcación, ya que toma la cubierta como si fuera su patio de recreo personal.

Tanta irresponsabilidad por parte de Alvin que sus travesuras lo llevan a él, a Simón, a Teodoro y a sus contrapartes femeninas a naufragar en una isla remota. Una vez que todos tratan de encontrar una manera de regresar a casa, descubren accidentalmente que el nuevo territorio al que han llegado no está tan abandonado como parece.

Acompañada por una música ardillesca que incluye clásicos como "Vacation" (originalmente inmortalizada por The Go-Go’s) hasta éxitos actuales como "S.O.S." (hecha famosa por Rihanna) y "Bad Romance" de Lady Gaga, "Alvin y las Ardillas 3" -film que vuelve a combinar animación con acción en vivo- presenta una historia sencilla que no deja de ser entretenida... ¿qué más se le puede pedir?

Dirigida por el actor y escritor Mike Mitchell ("Shrek Para Siempre"), cuenta con la participación de David Cross, quien nuevamente encarna a una especie de villano, un ejecutivo de la industria discográfica que tiempo atrás quizo esclavizar a las ardillas para sacar provecho de su éxito.

Steven Spielberg y Peter Jackson, dos de los más grandes realizadores cinematográficos, y al mismo tiempo admiradores de las novelas gráficas escritas y dibujadas por Georges Remi (más conocido como Hergé) se unieron para desarrollar este proyecto animado que fusiona los dibujos y el universo creados por el artista belga con tecnología de punta (a cargo de WETA Digital) para crear una vivencia cinematográfica original que es presentada en un muy disfrutable formato 3D.

Y el resultado es por demás satisfactorio. Visualmente similar a "El Expreso Polar" o "Beowulf" de Robert Zemeckis, pero con una captura de movimiento de mucha mayor calidad, "Las Aventuras de TinTin: El Secreto del Unicornio" le propone al espectador vivir una experiencia entretenida y con un guión sólido que combina las historias de tres libros: "El Cangrejo de las Pinzas de Oro" (The Crab with the Golden Claws), "El Tesoro de Rackham el Rojo (Red Rackham's Treasure) y el que obviamente le da título al film.

La trama nos introduce a un misterio en relación a una maqueta de un barco que el joven TinTin (en la voz del británico Jamie Bell) adquiere en una feria de antigüedades y que llama la atención de Ivan Ivanovitch Sakharine (Daniel Craig), un hombre que desea recuperar la pieza dado que la misma esconde uno de los tres pergaminos que contienen las claves para localizar un valioso tesoro vinculado a un perverso pirata llamado Red Rackham.

Intrigado por semejante hallazgo, el curioso e insaciable reportero, junto a su leal perro Milú, se ve inmerso en una investigación que, como no podía ser de otra manera, lo lleva a vivir increíbles aventuras por todo el mundo, desde las profundidades marinas hasta los desiertos del Norte de África, para hallar el lugar de reposo final de este misterioso navío llamado "El Unicornio".

Pero TinTin no estará sólo en su travesía, ya que contará con la ayuda del Capitán Haddock (Andy Serkis), un curtido marino con agua de mar en sus venas y una botella de whisky siempre cerca, que se convertirá en su compañero para hacerle frente a los peligros que se les presentan. A ellos se suman los torpes detectives Fernández y Hernández, interpretados por los comediantes ingleses Simon Pegg y Nick Frost, vistos recientemente en la comedia "Paul".

Manteniendo el estilo visual del universo concebido por Hergé, y mezclando espectaculares pasajes de acción con divertidísimas escenas de humor, Spielberg dirige magníficamente este film que deleitará tanto a aquel seguidor de la serie del intrépido reportero (el que no sea muy exigente por supuesto) como al que conoce al personaje por primera vez.

"Las Aventuras de TinTin: El Secreto del Unicornio" ya cuenta con una nominación a los premios Globos de Oro como Mejor Película Animada.

Alejados de los papeles en los que usualmente solemos verlos, Matt Damon y Scarlet Johansson encabezan el reparto de esta comedia familiar dirigida por Cameron Crowe (conocido por sus trabajos en las cintas "Jerry Maguire", "Casi Famosos", "Vanilla Sky" y "Todo Sucede en Elizabethtown") que se basa en las memorias del periodista británico Benajamin Mee, titulada "Nos Compramos un Zoológico: La Increíble Verdadera Historia de un Zoo en Bancarrota y de los 200 Animales Salvajes que Cambiaron a Una Familia Para Siempre".

Co-escrita por el propio Crowe junto a la guionista Aline Brosh McKenna ("El Diablo Visate a la Moda", "27 Bodas", "Cómo lo Hace?"), esta inspiradora película nos presenta la historia de un padre soltero (un versátil Damon), quien tras enviudar (su esposa se enferma y muere antes del inicio del film) decide que es el momento de un nuevo comienzo para él y sus dos hijos, Dylan (Colin Ford), de 14 años, y Rosie (Maggie Elizabeth Jones), de 7, quienes aún se encuentran atravesando el duelo de perder a su madre a tan temprana edad, cosa que parece difícil de superar.

Luego de renunciar a su trabajo en Los Ángeles, como columnista y escritor de aventuras, y con la esperanza de que un nuevo estilo de vida restauren su espíritu familiar, Benjamin adquiere una antigua casa rural de 7 hectáreas, ubicada en las afueras de la ciudad y que viene acompañada con un singular extra: está rodeada por un zoológico donde docenas de animales (entre ellos un depresivo oso Grizzly y un envejecido tigre de bengala) viven bajo el cuidado de Kelly Foster (Johansson) y su dedicado equipo (interpretado por Angus Macfadyen, Elle Fanning, Patrick Fugit y Carla Gallo).

Como el Rosemoor Wildlife Park corría peligro de desaparecer si alguien no lo compraba, y cerca de la mitad de los animales hubieran tenido que ser sacrificados, el protagonista se embarca en su propia aventura (ya no la está reportando como solía hacerlo) y comienza un arduo trabajo para sacar adelante el zoológico y reabrirlo al público a pesar de no contar con un gran presupuesto ni con conocimientos previos de cómo llevar adelante semejante negocio.

Al mismo tiempo que la cinta nos muestra todo el proceso por el que Benjamin, su familia y sus empleados atraviesan para devolverle a la propiedad el estado glorioso que alguna vez tuvo (todo depende de pasar una evaluación a cargo de un antipático inspector encarnado por el actor John Michael Higgins), desarrolla la transformadora experiencia que sana la relación entre este padre con su hijo mayor, quien -al principio- no está muy feliz con la mudanza, hecho por el cual lo confronta contínuamente.

La película, entretenida, divertida pero a la vez emotiva, esperanzadora y que nos infunde un profundo amor a la vida, tanto humana como animal (según propias palabras del director), cuenta con logradas actuaciones de la dupla protagónica, una bonita fotografía de Rodrigo Prieto ("21 Gramos", "Babel", "Secreto en la Montaña"), y desarrolla -de una manera muy acertada- su premisa: el poder de la familia para perseverar y sobreponerse a retos extraordinarios.

Con un guión carente de sentido, el realizador David R. Ellis, director de las cintas "Destino final 2", "Celular", "Terror a Bordo" y "El Destino Final 3D", se puso al frente de este thriller protagonizado por un elenco de actores carilindos, cuyos esbeltos cuerpos son conocidos por la mayoría de los espectadores jóvenes que están al tanto de los trabajos previos de cada uno de ellos, tanto en la televisión como en la gran pantalla.

Sara Paxton ("Superhéroes, La Película"), Dustin Milligan ("90210"), Joel David Moore ("Avatar"), Sinqua Walls ("Friday Night Lights"), Chris Zylka ("10 Cosas que Odio de Tí", la serie), Alyssa Diaz (The Nine Lives of Chloe King) y la cantante finalista de una de las ediciones del reality "American Idol", Katharine McPhee ("La Casa de las Conejitas"), interpretan a un grupo de amigos universitarios que deciden pasar un fin de semana a pura diversión en la lujosa casa familiar del personaje de Paxton, ubicado a la vera del Lago Crosby (Louisiana), en el Golfo de México.

Sin embargo, al poco tiempo las pequeñas vacaciones se convierten en una verdadera pesadilla cuando uno de ellos cae en ese lago de agua salada (mientras está practicando wakeboard) y aparece en la costa sin uno de sus brazos, arrancado por un tiburón.

En un lugar donde es imposible encontrar las diferentes especies de estas criaturas con las que los protagonistas se enfrentan, y con la sólida sospecha de que las mismas fueron colocadas a propósito, el resto del grupo (entre los que se encuentra un tímido estudiante de medicina) se dispone a conseguir ayuda médica lo más rápido posible para evitar la muerte del joven, cosa que no les será nada fácil, ya que la llegada de Sara y sus amigos al lugar atrae la atención de dos habitantes de la localidad, interpretados por Chris Carmack ("The O.C.") y Joshua Leonard ("Hung").

Sin nada de gore y con situaciones ridículas que causan más risa que miedo, sumado a un 3D que no aporta demasiado a la experiencia de ver este film, la historia de "Terror en lo Profundo" (concebida por Will Hayes y Jesse Studenberg) no atrapa en lo absoluto. Lo bien que hicieron los tiburones al comerse a algunos de los protagonistas.

El personaje del popular cuento europeo que apareció por primera vez en la segunda entrega de la saga "Shrek" (2004), por fin llega a la gran pantalla con su propia película. Y ésto, es algo que muchos -los que consideramos al Gato con Botas como "El" favorito de la franquicia del ogro verde- estábamos esperando porque el aventurero y pícaro felino definitivamente se lo merecía.

"Tal vez conocen mi nombre... pero no conocen mi leyenda", expresa el Gato en los avances de esta divertida y entretenida producción dirigida por Chris Miller ("Shrek Tercero") que nos traslada hacia los -hasta ahora desconocidos- orígenes de este misterioso forajido que lucha por la justicia y que es nuevamente encarnado por el actor malagueño Antonio Banderas, quien le presta su voz tanto en las versiones originales en inglés y en las dobladas al español latino, tal y como lo hizo cuando realizó los doblajes para "Shrek".

La trama, sin ninguna referencia a ese mundo del que surgió como personaje secundario, se desarrolla en un pueblo llamado San Ricardo, en el que Gato con Botas, quien alguna vez fue un héroe que se ganó semejante título (junto con su elegante sombrero, su espada, su capa y sus legendarias botas), ahora vive fuera de la ley (el espectador conocerá el motivo) tratando de redimirse para demostrar que no es el traidor que todo el pueblo considera que es.

Allí, es donde se reencuentra con su ex-mejor amigo Humpty Dumpty (voz de Zach Galifianakis/Pepe Toño Macias), un huevo cuyos sueños de la infancia se tornan en planes de venganza y riqueza. Esta especie de villano que tiene mucho que ver con la situación actual del protagonista, no duda en proponerle al suave y peludo gatito ir en búsqueda de unas semillas de frijoles mágicos que les permita robarse, de un castillo situado en las nubes, un mítico ganso que pone huevos de oro.

En su travesia no estarán sólos, ya que contarán con la ayuda de una bravucona, astuta y seductora gatita llamada Kitty Patitas Suaves (en la voz de la mexicana Salma Hayek en ambas versiones). Pero eso no es todo... son perseguidos por un dúo de forajidos, Jack (Billy Bob Thornton/Enrique Cervantes) y Jill (Amy Sedaris/Rosalba Sotelo), quienes también están tras el mismo objetivo.

Sin dudas, "Gato con Botas", repleta de acción, aventuras, persecuciones, ingeniosos gags, desafíos de bailes latinos y referencias al spaghetti western (sin mencionar la gran calidad de animación en 3D), es una excelente propuesta para toda la familia que, además de contar con una historia por demás dinámica y entretenida, cuenta con un adicional: la chispa, el corazón y la actitud que Banderas le brinda a este adorado personaje que, luego de 10 años interpretándolo, ya forma parte de su vida. Claro que al mismo tiempo le otorga una combinación de "El Mariachi" (personaje que el actor interpretó en los filmes "La Balada del Pistolero" y "Érase Una Vez en México", de Robert Rodriguez) y de "El Zorro", papel que también estuvo a cargo del español.

Basada en la novela debut de la escritora galesa Allison Pearson -una versión en un formato cuasi diario sobre los largos días y las insomnes noches de una esposa, madre y profesional londinense- "¿Cómo lo Hace?" nos presenta la historia de Kate Reddy (Sarah Jessica Parker), una mujer profesional y malabarista por excelencia cuya vida depende de una interminable lista de quehaceres pendientes.

"Un estudio reciente revela que mujeres con hijos pequeños no duermen bien de noche. Los investigadores no pueden explicar el porqué. Pudieron preguntarme a mí", afirma la protagonista que en vez de dormir, dedica ese preciado tiempo en elaborar en su cabeza la lista anteriormente mencionada.

Ella adora su trabajo. Es gerente de inversiones de la sede en Boston de una importante firma de Nueva York que trata de balancear su vida laboral, la cual le demanda gran parte de su tiempo, y la personal y familiar que comparte junto a su esposo Richard (interpretado por Greg Kinnear), un arquitecto desempleado a la espera de la adjudicación de un importante proyecto de diseño, con quien tiene dos hijos.

El asunto se complica cuando el personaje de Parker recibe un encargo que la obliga a viajar con frecuencia a la Gran Manzana (la aprobación de una propuesta para un nuevo fondo de inversión), mientras que su marido obtiene una oportunidad de trabajo única. El éxito profesional, sin embargo, debilita la unión entre ambos y propicia que en la vida de Kate aparezcan tentaciones, como lo es el caso de su nuevo colega Jack Abelhammer (Pierce Brosnan), cabeza de la firma en esa ciudad.

Dirigido por el actor Douglas McGrath ("Nicholas Nickleby"), quien se desempeñó como guionista de "Saturday Night Live" en el año 81, este film escrito por Aline Brosh McKenna, nominada al BAFTA por el libreto de "El Diablo Viste a la Moda", no aporta demasiado sobre un tema bastante común en la vida de las mujeres modernas y es cómo hacen para mantener equilibradas las diferentes áreas que componen su vida.

Cabe destacar aquí que el único objetivo de esta cinta es el completo lucimiento de su protagonista, lo cual no le importará demasiado a la platea femenina, compuesta en su mayoría por admiradoras de "Sex And The City", pero aquí con mucho menos glamour. El reparto se completa con Christina Hendricks, Kelsey Grammer, Seth Meyers, Olivia Munn, Jane Curtin y Jessica Szohr.

¡Hipocondríacos y paranoicos a abstenerse! Si hay gente que le tiene pánico a las cosas de todos los días (a ese contacto que en cuestión de segundos puede transmitirnos desde lo más leve hasta lo más grave), el nuevo film de Steven Soderbergh ("Erin Brockovich", "Tráfico", trilogía "La Gran Estafa"), lo aumenta. ¿Por qué? Porque el director elige resaltar el realismo de algo que puede sucedernos en cualquier momento y con dimensiones inimaginables, lo cual nos deja pensando en los asuntos relacionados con la higiene. Un claro ejemplo es lo sucedido con la reciente Gripe A (H1N1).

"Contagio", escrita por Scott Z. Burns ("Bourne: El Ultimátum", "El Desinformante"), sigue el rápido progreso de un virus que se encuentra en el aire, que es mutable y que mata en cuestión de días. La narración, se inicia en el día número 2 de lo que será rápidamente el estallido de una pandemia mundial y nos presenta a la "paciente cero", que resulta ser una ejecutiva de una empresa (interpretada por Gwyneth Paltrow) que regresa a su hogar en Minneapolis tras asistir a reuniones de negocios en Hong Kong.

Lo que aparenta ser sólo el cansancio normal del viaje (el famoso "jet-lag", síndrome de los husos horarios), o los síntomas de una gripe común y corriente, a los pocos días se transforma en algo fatal, por lo que su desconsolado esposo (encarnado por Matt Damon), ni los propios médicos, logran entender la causa. Horas después, el pequeño hijo de ambos, se contagia y repite la historia.

A medida que la epidemia crece en otras ciudades como Chicago, Londres, París, Tokio y obviamente Hong Kong (donde los números se multiplican con rapidez debido a la fácil propagación del mismo), los directivos, investigadores y médicos pertenecientes a los Centros de Control y Prevención de Enfermedades y a la Organización Mundial de la Salud, luchan junto con las autoridades del Departamento de Seguridad Nacional para encontrar una cura y controlar el pánico que se extiende más rápido que el propio virus.

Claro que al mismo tiempo, y mientras un bloguero y activista británico (a cargo de Jude Law) declara que al público no se le está diciendo la verdad sobre lo que realmente sucede y su posible cura, la gente común lucha por protegerse a sí misma y por sobrevivir en una sociedad en descomposición que refleja -como en toda catástrofe y a través del "sálvese quien pueda"- el caos, los saqueos, la violencia y lo peor del ser humano.

A medida que se presentan los hechos, la película también plantea, con tono dramático, el proceder de las autoridades del mundo, el estudio y análisis del virus, el proceso de creación de una posible vacuna y los intereses que se persiguen alrededor de la misma, por la que se generará un debate sobre quién la recibe primero.

Nadie es inmune al miedo dice el lema de "Contagio", película que sin duda nos provoca ese sentimiento porque esta ficción toca un tema real. Si bien no nos presenta nada nuevo en lo que respecta a la temática de las pandemias, el principal atractivo de este thriller de tono apocalíptico es la estructura de la narración (se destacan la edición y los aspectos técnicos), la cual desarrolla historias paralelas y diferentes perspectivas de lo que genera este virus mortal. Por supuesto que a ésto se suma el elenco de estrellas que forma parte del mismo.

A los ya mencionados Paltrow, Damon y Law, se suman Laurence Fishburne (como el director adjunto del CCE), Kate Winslet (como una oficial del Servicio de Inteligencia Epidémica del CCE), Marion Cotillard (como una epidemióloga de la OMS), Bryan Cranston (un militar que trabaja en el CCE) y Jennifer Ehle (como una científica a cargo de la investigación del virus).

¿Un consejito? Ni bien se retiren de la sala de cine, vayan directo a lavarse las manos, no tomen colectivos, pásense alcohol en gel y no toquen ni hablen con nadie.

La formula se repite pero los actores, las situaciones y la moraleja cambian. Al mejor estilo "Un Viernes de Locos" o "Este Cuerpo no es Mío", este film concebido por los escritores de "Qué Pasó Ayer?" (Jon Lucas y Scott Moore), y por el mismo director de "Los Rompebodas" (David Dobkin), nos presenta la historia de dos mejores amigos cuyas vidas se ponen patas para arriba cuando un día despiertan en el cuerpo del otro.

Dave (Jason Bateman) es un adicto a su trabajo como abogado a la espera de convertirse en socio de la prestigiosa firma para la que trabaja, está casado con Jamie (Leslie Mann) y es padre de tres niños; mientras que el inmaduro e irresponsable Mitch (Ryan Reynolds) es un soltero empedernido, mujeriego al extremo y aspirante a actor que sólo vive de empleos ocasionales.

Si bien han crecido juntos, a medida que han pasado los años, este par de amigos se ha ido distanciando poco a poco porque al personaje de Bateman le cuesta mucho trabajo mantener el tipo de amistad que lleva con el interpretado por Reynolds, ya que a éste sólo le interesa continuar disfrutando de la vida como si aún fueran unos niños.

Tras una noche de diversión (de esas que no se les dan muy seguido a causa de las responsabilidades de Dave), ambos -algo borrachos- se confiesan mutuamente que desean la vida del otro porque para Mitch, Dave lo tiene todo, y para Dave, tener la vida de Mitch, sin presiones ni obligaciones ni consecuencias, sería un sueño hecho realidad.

El pequeño detalle, y con ésto no revelo nada porque está incluído en el tráiler, es que la confesión y el posterior cambiazo sucede mientras están orinando en una fuente de un parque público que tiene una diosa mitológica sobre la que el espectador nunca sabrá cuál es su origen.

A partir de ese instante, más precisamente a la mañana siguiente, los protagonistas notan que hay algo raro y buscan una forma de regresar a sus propios cuerpos mientras lidian con las rutinas y los hábitos diarios del otro, tratando de no estropearlos. Claro que los enredos y las situaciones insólitas, están a la orden del día.

Divertida, pero sólo por momentos, y repleta de situaciones escatológicas y sexuales, "Si Fueras Yo", que cuenta con eficaces desempeños tanto de Bateman como de Reynolds en lo que respecta a este tipo de comedias, nos propone pasar un buen rato viendo cómo estos insatisfechos personajes logran descubrir que la vida del otro no era tan ideal como parecía.

El estreno de este film, que en los Estados Unidos fue el pasado 30 de Septiembre y que ahora llega a la Argentina, está dando que hablar... y mucho. Y es que su director, el irlandés Jim Sheridan ("Mi Pie Izquierdo", "En el Nombre del Padre", "Tierra de Sueños", "Hermanos"), no quedó muy conforme con el corte final de este thriller psicológico luego de la proyección que el estudio cinematográfico realizó antes del lanzamiento del film.

El reconocido realizador le ha solicitado a la Asociación de Directores de América (Directors Guild of America) que su nombre fuera quitado de esta producción porque no quedó como él quería. En medio de esta situación, la DGA le propuso filmar nuevas tomas pero aparentemente fue para peor, ya que Sheridan comenzó a improvisar y a alejarse cada vez más de lo que estipulaba el guión. Con lo cual, la compañía productora terminó haciéndose cargo de la edición sin la aprobación de uno de los responsables del proyecto.

¿Qué tan diferente hubiera quedado con el visto bueno de Sheridan? Eso no lo sabremos, pero suponemos que mucho mejor, dada su trayectoria. Lo que sabemos es que "Detrás de las Paredes" nos presenta la historia de Will Atenton (Daniel Graig), un prestigioso editor de libros (y futuro novelista) que decide renunciar a su absorbente trabajo en Manhattan para pasar tiempo completo junto a su esposa Libby (Rachel Weisz) y sus dos pequeñas hijas, Trish (Taylor Geare) y Dee Dee (Claire Geare), en su nuevo hogar ubicado en los pintorescos -y por sobre todo nevados- suburbios de Nueva Inglaterra.

A medida que se adaptan a su nueva vida en la casa que -parece- han adquirido recientemente con intención de renovarla para convertirla en la "casa de sus sueños" (título original del film), descubren el horrendo secreto que se esconde detrás de sus rústicas paredes. Allí, tiempo atrás, un hombre llamado Peter Ward asesinó a toda su familia (mujer y dos hijas) y sobrevivió.

A partir de ese momento, el personaje de Craig se obsesiona con averiguar quién cometió los asesinatos y por qué, ya que su familia corre peligro, dado que alguien (que en ningún momento se ve) anda deamubulando por las afueras de la casa y espiando a través de las ventanas.

Uno de las revelaciones de la historia, la cual no entiendo el porqué de su inclusión en el trailer (por favor no lo vean antes de asistir a la función de esta película) es interesante porque Will descubre una verdad sobre sí mismo. Para peor, la vecina de enfrente, interpretada por Naomi Watts (aporta su pequeña cuota de suspenso), no le dice demasiado.

Ahora bien. Eso tendría que haberse dado a conocer cerca del final. Pero el otro giro en la narración es medio confuso. Puede que el espectador que sepa del problema con Sheridan, vaya predispuesto a ver algo que tal vez no le guste, pero cabe resaltar que la premisa del guión es más que interesante, pero lamentablemente se nota que se han metido con la edición. El final... ¿habrá sido forzado? Ustedes sacarán sus propias conclusiones.

"Detrás de las Paredes", que tiene uno o dos momentos que asustan, no es un film de terror sino, como señalé al principio de esta nota, es un thriller psicológico que no cuenta con la mejor actuación del británico Daniel Craig, recientemente casado con su co-protagonista, Rachel Weisz, quien nos ofrece, junto a Naomi Watts, una correcta actuación.

A pocos días de cumplirse un año de su estreno en los Estados Unidos, llega a nuestras carteleras este emotivo e inspirador drama basado en la verdadera historia de una mujer que dedicó casi 20 años de su vida para liberar de la cárcel a su hermano. Ella nunca perdió la fe y afirmaba que fue condenado erróneamente a cadena perpetua por el crimen de una mujer que fue encontrada asesinada en su propia casa de Ayer, un pequeño pueblo rural ubicado en Massachusetts.

A pesar de las inconclusas pruebas y los dudosos testimonios que lo señalaban -a principios de los años '80- como el culpable, Betty Anne Waters (una indiscutida Hilary Swank) está convencida de su inocencia y decide luchar para demostrarlo y anular la sentencia con nuevas pruebas. ¿Cómo? Finalizando sus estudios secundarios y aplicando a la Facultad de Derecho para así convertirse en la abogada defensora de Kenneth Waters, papel a cargo de Sam Rockwell.

Pero en el camino, mientras se enfrenta a un sistema legal que no le gusta admitir sus errores, Betty sacrifica su propia vida y arriesga su matrimonio (afrontando un divorcio puesto que su esposo no soporta la obsesión de la protagonista), por lo que no le queda otra que encontrar el equilibrio entre su trabajo como mesera en un bar, su rol como madre soltera de dos hijos (Conor Donovan y Owen Campbell), y sus estudios.

En su lucha, cuenta con la ayuda de su amiga Abra Rice (Minnie Driver), quien estudia con ella abogacía, y de Barry Scheck (Peter Gallagher), líder de "Proyecto Inocencia", una asociación especializada en ese tipo de casos y que basa sus apelaciones en el análisis de ADN, avance científico y técnico que años después le permitió a esta hermana sumamente desesperada, reabrir el caso de su amado hermano Kenny.

Claro que el inconveniente que se les presenta es recuperar toda la evidencia que fue tenida en cuenta durante el juicio, y que aparentemente ha sido destruida por el paso de más de 10 años. La tensión y la complicación del caso, van en aumento como así también la intriga y la duda del espectador sobre la inocencia de Waters.

La película, inteligentemente dirigida por el actor Tony Goldwyn (conocido por su papel en "Ghost, la Sombra del Amor") nos invita a ser testigo de la lucha que atraviesa el personaje interpretado por una actriz de oficio como lo es Hilary Swank. La trama, abarca esos casi 20 años y explora, mediante flashbacks, el profundo vínculo que existe entre estos dos hermanos que se criaron en las más difíciles circunstancias por los descuidos de su irresponsable madre.

El elenco de esta producción que mantiene la incógnita hasta el final (uno espera el golpe bajo) se completa con Melissa Leo como Nancy Taylor, policía del pueblo que se empeña en encarcelar a Kenny; Juliette Lewis como Rosanna Perry, la ex-novia del convicto, Clea Duvall como Brenda Marsh, ex esposa y madre de la única hija de Kenny y Loren Dean como Rick Miller, el ex-marido de Betty.
Dato interesante

El título original de la película, aquí traducido "Justicia Final", es "Conviction", palabra que en inglés significa sentencia y/o convicción. Interesante el doble significado de esta palabra que aquí, lo resume todo.