Dos amigos con alma de niños

“Cracks de nácar” tiene varios aditamentos que la hacen interesante: no es un documental sobre fútbol de botones, no es una historia en donde estos dos amigos estén guionados y no es una película que se centre en la amistad como eje principal. Sin embargo, Cracks habla de todo eso y mucho más, hasta sus directores nos trampean y el espectador se queda con una intriga.

Rómulo Berruti y Alfredo Serra son dos veteranos periodistas que se conocieron hace más de 50 años mientras estudiaban periodismo en el Institutto Grafotécnico. Ya para ese entonces, además de estudiar se reunían para jugar al fútbol de botones.

En Cracks de botones se aprecia una trastienda muy familiar, donde el whisky es otro de los protagonistas que extienden esa velada de dos amigos con alma de niños que hasta son capaces de pelearse o de enojarse por una jugada.

En “Cracks de nácar” Rómulo demuestra su histrionismo periodístico-actoral espontáneo y Serra acompaña con su naturalidad cómplice.

Hasta por momentos parece una comedia delirante en donde Mara, esposa de Serra y la artesana que se ocupa de reparar y de hacer la comida con que se coronará el final del partido, les sigue el tren a estos dos amigos que son como hermanos.

Daniel Casabé y Edgardo Dieleke, sus realizadores, tenían muy claro lo que querían y se nota, quizás los que no tenían en claro hacia dónde iba esta peli eran sus protagonistas que pensaban que era un ejercicio solamente. Chapeau para estos jóvenes que no sólo hicieron una película original sino que homenajearon la amistad de amigos con mayúsculas y códigos, como los de antes.

Si el talentoso Manuel García Ferré hubiese dirigido sólo, como lo ha hecho siempre, la suerte de esta película hubiese sido otra. Atrás han quedado “Las aventuras de Hijitus” (1973), “Mil intentos y un invento” (1972), “Petete y Trapito” (1975), “Ico el caballito valiente” (1981), “Corazón, las alegrías de Pantriste” (2000), “Manuelita” (1999), entre otras.

Con esto no quiero desmerecer a Néstor Montalbano, quien ha demostrado su talento en “Soy tu aventura” (2003) y “Peter Capusotto y sus 3 dimensiones” (2011). Pero creo que la química de unir a un especialista de la animación infantil con un especialista en cine bizarro destinado a adolescentes, no funcionó. Tampoco es interesante mezclar los maravillosos personajes de Ferré con Soledad, Carlitos Balá, el Chaqueño Palavecino, Diego Capussotto y otros personajes de la televisión.

Aquí se intenta hacer un recorrido por distintos paisajes y locaciones donde intervienen con sus maldades la terrible Cachavacha, el profesor Neurus y los carismáticos Pucho y Serrucho, todos queridos personajes creados por Manuel García Ferré que ya forman parte de nuestro rico acervo nacional.

Este cronista, que se ha criado viendo las películas y leyendo las historietas de Larguirucho, lamenta que en ningún momento le haya causado ternura o remembranzas ver nuevamente en acción a esos personajes. Tampoco se entiende a qué público está destinado el film. Para la gran mayoría de los chicos de hoy Larguirucho no es un personaje familiar, en cambio sí lo es para los que tienen más de 30 años. Otro tanto ocurre con Balá.

Entonces la conclusión que nos queda es que pensaron que los padres de esos chicos de 5 a 10 años que podrían ver la película son esos cuarentones que se criaron con Larguirucho y Balá. Pero esto no es motivo de salvación de nadie. Intento fallido donde ni García Ferré ni sus personajes tienen la culpa.

Una de las pocas opciones interesantes y creíbles de producción nacional

Pablo Trapero nos brinda aquí una historia real, cargada de marginalidad y de violencia. Pocas veces el cine argentino logra hacer creíble una historia de villeros marginales que viven sobre el límite.

Esta es la historia de Gerónimo, un hombre de 45 años, devastado por un suceso trágico. Julián íntimo amigo de él, viaja para rescatarlo y le ofrece integrarse en su proyecto en una villa de emergencia. Ambos son sacerdotes de la Iglesia Católica que decidieron dedicar su vida a los más pobres: Julián en la Argentina y Gerónimo en los países del Tercer Mundo. A partir del encuentro, ambos se dedicaran a trabajar en la Villa Virgen, un enorme asentamiento en el conurbano bonaerense. Gerónimo comenzará a replantearse si la Iglesia es el mejor lugar para ayudar, mientras Julián buscará mejoras a través de la política. En la vida de estos dos hombres aparecerá una abogada atea, dos formas de defender las convicciones, la construcción de un hospital público y un intento de asesinato. Villa es, claro, un relato sobre la amistad y la fé.

Con dosis de violencia y excelente fotografía la historia se desarrolla en un edificio que iba a ser un complejo habitacional y terminó a la buena de Dios, por eso le dicen lo denominan como un “elefante blanco”. Allí hay una villa de emergencia y se debate esta historia real que no es ficción, ocurre y seguirá ocurriendo mientras no se ponga coto a la desocupación y al narcotráfico.

Ricardo Darín está correcto cubriendo a Julián, que emula una especie de padre Mujica. De hecho, la producción está dedicada a Mujica, quien se ocupaba de hacer justicia social en las villas y entre los necesitados.

Teniendo en cuenta que cuesta encontrar películas argentinas interesantes y creíbles, “Elefante blanco” es una de las mejores opciones para ver en estos tiempos que nadie regala una entrada al cine.

Que el cine argentino pretenda contar una historia sobre el autismo es más que auspicioso, ya que se trata de una temática que casi no se aborda, y lamentablemente hay muchas personas que lo sufren.

Pero que ese tema se termine convirtiendo en una especie de culebrón, y la historia haga agua por los cuatro costados resulta penoso y lamentable.

Sobreactuada por momentos y con serios desconocimientos sobre el autismo (ver al pie la nota complementaria), “El Pozo” termina cayendo en lugares comunes, denotamdo una vez más que a los guionistas algo les está pasando a la hora de contar una historia.

En definitiva “El Pozo” tiene como base a Pilar (Ana Fontán), autista desde los 4 años, en el momento de la narración ella tiene 26 años, a Franco, el padre (Eduardo Blanco), quien sostiene la conveniencia de su internación en un estableciminto apropiado para su adecuada atención, y Estela, la madre, (Patricia Palmer), quien se niega a que ello se concrete, situación que genera un distanciamiento en la pareja que aparentaba ser feliz. Mientras ello sucede Alejo (Túpac Larriera), el hijo menor, debe enfrentar problemas con las autoridades de la escuela y con sus amigos. Al sufrir ataques cada vez más frecuentes la situación de Pilar torna imposible la convivencia y la vida se transforma en un caos.

Este conflicto que se desata en esta familia explotará de una manera muy convencional, hasta se lo llega a adivinar, lo que provoca en el espectador un desencantamiento para una historia y un tema que prometía.

Lamentablemente “El Pozo” no llega a construir una idea más aproximada de lo que en realidad es el autismo.

Si nos dejamos llevar por la previa de este estreno lo habremos visto a Diego Torres en toda clase de programas hablando y defendiendo a capa y espada algo que, cuando uno se sienta en la butaca, no lo encuentra. El humor brilla por su ausencia, y si lo encontramos nos hacen recordar a aquellos gags del cine argentino de los ‘40, el policial salpicado con la comedia que termina por no ser ni chicha ni limonada.

Las actuaciones de Julieta Zylberberg y Laura Conforte son correctas, en tanto la de Diego Torres en su regreso al cine se ve algo forzada. La fotografía, la puesta, y la escenografía es lo mejor de la producción. En una palabra, técnicamente luce impecable, pero no basta cuando el guión es muy flojo y la historia, situaciones y acción muy previsibles. La escena del borracho que se pone a cantar, y termina en el suelo donde recibe unos puntapiés que le aplica Sol (Julieta Zylberberg), no causan risa (al menos para éste cronista).

El guión tampoco es ni por asomo original, si tomamos en cuenta que trata de la historia de Martín y Sol, una joven pareja de músicos que realiza shows para turistas, que a duras penas llega a pagar el alquiler de su departamento. Pero además del amor, ambos comparten una inclinación, la de inventar historias sobre sus vecinos interpretando los sonidos que escuchan en el edificio. Una afición que los dejará convencidos que en el piso de arriba se cometió un asesinato. Así, los dos protagonistas se convertirán en insólitos investigadores, para terminar por estar complicados en toda clase de enredos y equívocos, en medio de una propuesta que intenta homenajear en clave de comedia al género del policial negro.

Alejandro Montiel, su realizador, que procede del cine independiente con “Chapadmalal” (2009) y “Las hermanas L” (2008), en este salto al comercial no logra superar ciertos clishés del cine independiente que en el comercial hay que resolver de otra manera.

Quizás la historia hubiese sido diferente si el proyecto hubiera sido un pretexto para escuchar las canciones de Diego Torres. Las fanáticas apenas encontrarán dos temas de Diego.

Un consejo: si quieren verlo cantar no vayan, porque acá encontrarán otra cosa, un Diego muy atado a un guión híbrido. Es más, el reportaje del que fue objeto en el programa televisivo “Tiene la palabra”, o ciertas apreciaciones que tuvo en la conferencia de prensa, resultaron más graciosas y simpáticas que lo visto en “Extraños en la noche”.

Es una lástima, porque Torres tiene ángel y carisma, que con un buen libro y adecuado humor podría llegar revelarse como un respetable comediante.

A medida que transcurren los minutos, y pasan el centimetrajes, uno se pregunta por qué le habrán puesto como título “La carrera del animal”. Filmada en blanco y negro, con mucha parsimonia va transcurriendo esta historia que se propone un punto de partida arriesgado: registrar por un lado del cierre de una fábrica, y en este hecho el lado familiar-empresarial, opuesto al de los trabajadores que suele mostrar el cine, pero que también incluye sentimientos complejos y desorientadamente humanos.

El cese de actividades de la empresa produce en este caso una crisis para tres personas: El dueño de la fábrica, y padre de familia, personaje que se mantiene en las sombras marcando desde allí el destino de los otros dos protagonistas. Valentín, el más joven, quien lleva una vida humilde y alejada de los avatares de la empresa familiar; y Cándido, su hermano mayor, que en apariencia parece mejor preparado para jugar el juego de poder y violencia que presumen los negocios, incluso si ello implica dañar a su propia familia.

Esta producción en lo estético trae reminiscencias de aquél cine argentino que se filmaba en los ’60: planos largos, cerrados, silencios, recorridos de cámara y nada más. Inquietante en su manera elíptica de dar información, al punto de homologar el diálogo y el silencio, con una fotografía en blanco y negro determinante, la opera prima de Nicolás Grosso centra su potencia en construir un relato donde la narración y la forma no le temen a la experimentación, al punto de convertirlas en motores nucleares de la realización

Su director quizás intentó rendirle un homenaje a Manuel Antín, Rodolfo Kuhn y a la novelle vague, pero no se nota. Aburrida en su manera de contar esta historia “La carrera del animal” es otro título más para decir, a fines del 2012, que se estrenaron más de cien filmes argentinos. Y en la práctica esto no sirve.

Esta producción fue galardonada como mejor película nacional en la edición del BAFICI 2011.

He aquí un ejemplo de cómo se puede hacer un documental digno, entretenido y por sobre todas las cosas muy bien contado.

“Moacir” es una sorpresa que nos reconforta. Retoma una historia de vida que el realizador ya había mostrado parcialmente en su “Fortalezas”, su ópera prima en 2010. Allí se lo veía a Moacir internado en el neuropsiquiátrico Borda, donde pasó parte de sus 30 años en la Argentina.

Tomás Lipgot cautivado por esa historia se le ocurrió encarar un proyecto cuyo protagonista fuera éste curioso personaje, quien a fuerza de querer superarse hoy ya no está interno más en el Borda y vive en una modesta pensión.

Moacir dos Santos, gracias al “poder curativo de la música”, fue beneficiado con el alta a sus 65 años y ha grabado un disco donde registra aquellas canciones de carnaval que él creía perdidas. Gracias a Sergio Pángaro, como co-equipier, se va contando una historia humana que es ejemplo de cómo se puede salir adelante cuando hay ganas de superarse.

A muchos quizás Moacir les resulte demasiado agrandado y engreído por considerarse un artista hecho y derecho, pero a medida que transcurren la proyección uno se va encariñando con éste ser maravilloso que lleva el carnaval en la sangre. Verlo a Moacir elegantemente vestido, con sus pelucas en las grabaciones o presentaciones, es aprender a quererlo.

Un film muy simpático que trae aliento fresco y original al cine argentino.

Para deleite de los seguidores de Capusotto

En primer lugar hay que aclarar que lo que se va a ver durante 93 minutos no es una película sino un programa especial de televisión en 3 D. Peter Capusotto es un reflejo de lo que sucede semana a semana en su programa de televisión y termina siendo un deleite para los seguidores.

Quizás los que no están acostumbrados a ver sus programas no se enganchen demasiado con la idea de este especial en pantalla grande. Violencia Rivas, Mike Vainilla, Pomelo son sólo algunos de los personajes que aparecen representados en pequeños scketchs, lo que convierte a este entretenimiento en algo muy ameno. Enumerar los delirios daría para mucho. Aspectos sobresalientes de la tecnología se lucen con Bombita Rodriguez y su baile con Perón. Otro tanto ocurre con la bajada de línea a los profetas. La gastada a los cumbieros, el diálogo entre San Cayetano y la Vírgen María, y los consejos de Violencia Rivas son apenas algunos pasajes de este especial en pantalla grande que van a disfrutar chicos y grandes.

Un aspecto para destacar es que los efectos en 3 D están muy bien logrados, y se explota al máximo los recursos de deliriums tremens que suelen tener ciertos personajes creados por Capusotto y Saborido.

Para recomendar sobre todo para los fanáticos.

Nota: Los que no son seguidores del programa, o no están familiarizados con nombres de rockeros o tecnologías de última generación, pueden quedar fuera de esta fiesta. Dos ejemplos: cuando un personaje asemeja ser Kurt Kobain (líder de Nirvana) y Manu Chao (ex-líder de Mano Negra).

El Puma Goity y Mauricio Dayub son los protagonistas de este olvidable “Domingo de Ramos” que se estrena esta semana. Dos actores con gran trayectoria en el teatro, que tiran por la borda con su participación en esta producción aquellos trabajos que los han consagrado.

El regreso de Gigí Rúa, aquella bella actriz de las telenovelas y las publicidades de los ‘70, da nostalgia. Ni hablar de los actores secundarios que hacen recordar al peor cine blanco de los años ‘40.

El film es un thriller pueblerino que propone un relato estilísticamente complejo de una historia sencilla, con una buena dosis de humor y suspenso, a partir de un guión escrito por Daniel López y el mismo Glusman.

Un crimen, sospechosos, malos entendidos y dos vecinas chismosas son los elementos en los cuales gira el guión y los metrajes eternos. Con pocos exteriores y con un Pompeyo Audivert (excelente actor teatral) que se presta para hacer con la pala una masacre final son los aditamentos de este nuevo intento fallido de nuestra cinematografía.

“Domingo de Ramos” hasta padece una mala dirección de actores, que aparecen sobreactuados. Ni siquiera la podemos catalogar de película bizarra Clase B, porque cae en desajustes de todo calibre. Incluso por momentos parece tomarle el pelo al espectador (cuando Mauricio Dayub repone un loro de juguete). Y otro de los tantos problemas que presenta es la continuidad, tanto narrativa como en la progresión de los personajes.

Cuando uno ve “Agua y sal” se pregunta qué quiso contar su director, Alejo Taube. Y eso es muy grave, que no se entienda lo que se propuso decir.

Si el cine argentino dejase de ser “pretencioso y engrupido” y volviese a contar historias simples y desarrollar contenidos claros, quizás la historia cambiaría y se llenarían las salas.

En la realización de Taube la narración sigue un lineamiento que no termina de exponer con meridiana claridad el relato y su propósito. Los intérpretes cumplen con su función, pero poco es lo que pueden aportar. Así, por ejemplo, Rafael Spregelburd es un excelente actor, empero su trabajo termina diluyéndose porque nunca se sabe, en definitiva, qué rol está jugando.

Parlamentos estirados gratuitamente y una cámara que se detiene en largos letargos hacen que el bostezo y el sueño no terminen de hacer de las suyas.

Según el realizador esta es la historia de Biguá, un trabajador portuario, que espera un hijo de su joven novia, y se embarca en una travesía por alta mar.

Javier tiene 40 años, una esposa a la que quiere, casa, trabajo, un buen pasar. De manera recurrente sueña con otra vida, con ser otro muy distinto.

Un día, ambas historia coinciden como en un sueño mágico y misterioso, sacudiendo los cimientos de sus destinos.

“Agua y sal” es otra de las películas nacionales ya estrenadas en el 2012 que pronto se olvidarán, aunque pareciera que no sería la peor, porque lamentablemente hay otras, cuyos estrenos se anticipan, que a priori se podría estimar le saldrán al ruedo en seria competencia.

Voy a comenzar el año diciendo lo que dije a la salida de la privada de este filme argentino que inaugura los estrenos nacionales del 2012: ¡Estoy desconcertado!!!! ¡Ya no entiendo más nada!!

Evidentemente a mis 45 años ya no estoy capacitado para entender un guión de mi cine argento. Me parece que me tengo que jubilarme y dedicarme a otra cosa. Como no lo entendí transcribo lo que dice la gacetilla, y luego daré mi conclusión.

"La seguridad es la obsesión de Patricio Podestá. Gran “capo” de la televisión, dueño de grandes ideas, que se transformaron en los mayores éxitos de la tele, es asediado por quienes lo acusan de haberle robado ideas. Patricio Podestá se siente perseguido tanto por “Ella”, la co-conductora del programa de chimentos, como por “Charlie Mad”, un personaje desquiciado que es como el “otro yo” del conductor. Buscando un refugio ante tantas amenazas, obsesiones y miedo, se entrega a una empresa de seguridad que le ofrece poner toda la tecnología del siglo 21 a su servicio, en un bunker superseguro. Pero no estará a salvo de sus fantasmas".

Hasta aquí la sinopsis de cómo se la vende a la mencionada producción vernácula.

Mi opinión: Cuando veía la proyección no podía creer que la dirigió Eduardo Spagnuolo, a quien respeto por haber hecho “Homero Manzi, un poeta en la tormenta”(2009), un interesante filme que rescata el pasado de ese grande del tango. Cuando veía a Carlos Belloso no entendía cómo estaba involucrado en este proyecto, y para rematarla Antonio Birabent co-protagonizando algo que intenta ser una parodia de cine clase B o un programa de culto al estilo “Cha-Cha-Cha”.

Conclusión: La idea no era mala, seguramente al leer el libro los actores también vieron que era muy buena, pero a la hora de filmar poco y nada queda de lo sugerido. Si lo que intentó el director es parodiar a esas producciones donde todo es cartón pintado, donde las puertas y paredes se rompen al estilo increíble hulck y vemos el telgopor y cartón, lo ha logrado.

Si la idea era pintar a un héroe y antihéroe a la vez, que se droga, toma vino y le gusta el sadismo como alguien caricaturesco, se logró. Y si la idea era que Birabent hiciese una maquieta de lo que es un periodista movilero en el 2012, también lo logró.

Lo lamentable es que no se logró llevar todo esto a buen puerto. “Un mundo seguro” hace agua por todos los costados. Es una lástima, porque el caudal humano con que cuenta entre primerísimos actores y director no lo merecen. Pero... a veces las apariencias engañan.

Cuando el cine entretiene captando el lado negro del pensamiento humano

Cuando una película logra provocar mediante la irreverencia, el humor negro y va como el salmón contra la corriente, de una u otra forma está cumpliendo con aquella definición que dice que el arte es provocar.

Quienes vemos mucho cine podemos avizorar desde la primera escena hacia dónde va a apuntar un filme.

Los primeros planos gestuales y muecas de Mark (Mark Doherty) que tiene un muy mal día nos introducen a esta historia en donde el humor ácido y la muerte son los principales condimentos. Mark es un esforzado actor que ha tenido que pasar por el vía crucis de otra inútil entrevista por un ínfimo papel en una película. Su sufrida novia está a punto de abandonarlo, su casero a punto de desalojarlo, sólo cuenta con su mejor amigo Pierce (Dylan Moran) y el proyecto conjunto de escribir una película que haga despegar su carrera y le permita mantenerse. La vida no es fácil pero las cosas se pondrán peor, mucho peor, luego alguien muere y todo se pondrá realmente muy mal.

A partir de aquí el espectador tomará partido por unos u otros.

Filmada con mucho ritmo, con gags que recuerdan a las producciones de los ingleses Monty Phyton, con muertes absurdas que provocan risa y un delirante estado de locura. “Cuatro muertos y ningún entierro” se ubica como una realización que abarca varios géneros: humor light, humor negro, humor ácido, grotesco, absurdo, comedia, etc. Es esto lo que hace que el espectador esté preparado para lo peor.

Sus protagonistas están encarnados por excelentes intérpretes que se ajustan a los requerimientos del director. Aquí no sólo importa la actuación y lo que se dice, las capacidades histriónicas de cada uno de ellos hacen de esta obra muy buen divertimento.

La realización de Ian Fitzgibbon se ubica como un entretenimiento no apto para cualquiera. Es más que nada un filme para cinéfilos que saben entender que el cine además de entretenimiento y dispersión puede ser una vía de escape para captar lo negro que hay en los pensamientos de los seres humanos.

¿Qué tiene de diferente esta producción argentina que pasó por los festivales de Asunción, Cannes, Toronto, San Sebastián, Biarritz, India, Corea, Londres, y además ganó 10 premios? Su realizador Pablo Giorgelli acompaña la peli y no se cansa de realizar entrevistas y guardar estatuitas en sus valijas. ¿Por qué será? Muy simple, “Las acacias” es una historia de vida lineal, cotidiana, casi aburrida, con silencios y, por sobre todas las cosas, con muchas sutilezas e imágenes que nos llevan a la reflexión de lo que en realidad son las relaciones humanas.

Rubén es un camionero solitario que hace varias décadas recorre las rutas del país, entre ellas el trayecto Asunción-Buenos Aires. Pero el viaje que está por iniciar, trasladando tronco de acacias en el citado recorrido, será diferente.

Esa mañana la partida sufre un atraso en espera de una persona que su patrón le encomendó llevara a la capital argentina. Jacinta llega a la cita una hora más tarde, y viene con alguien, su hija de ocho meses (Anahí). Para Rubén no es el mejor comienzo.

Con el correr de los kilómetros la relación entre Rubén, Jacinta y Anahí crecerá. Lentamente, cada uno irá intuyendo al otro. Ninguno cuenta demasiado sobre su vida. Ninguno tampoco pregunta demasiado. Es un viaje de pocas palabras, pero no silencioso. Cuando están por llegar a destino, ambos tienen el mismo deseo: que el viaje no termine.

Germán De Silvia compone a Rubén, ese camionero (no tan rústico) que se va encariñando con la inusual pasajera, encarnada por la actriz paraguaya no profesional Hebe Duarte, quien viene con su beba viaja al encuentro de un empleo que le encontró una prima en Buenos Aires. Rubén siente que como consecuencia de este viaje algo puede cambiar su vida para siempre... o no... Esa es la cuestión a revelar.

Obra cálida, con buena dirección de actores, que más allá de una serie de observaciones a ser formuladas, tanto en lo narrativo como en lo técnico, deja un saldo prometedor para la carrera de Pablo Girgelli.

El medido tratamiento narrativo y su calidad técnica destacan a esta ópera prima

Lo primero que surge como apreciación de esta obra es que no incurre en lo panfletario. Eso es muy atinado, porque los que piensan diferente no se van a sentir ofendidos.

Esta producción resume la historia de Estela de Carlotto y su marido. Aquí están ellos, sus hijos, su familia, sus amigos. Los afectos y desarraigos. El miedo y la lucha. Narra lo que nos pasó. Aquí no hay mentiras y, lo que es aún mejor, está presentado en forma muy medida.

La actuación de Susú Pecoraro como Estela, impacta. En su composición fueron respetaron los tiempos transcurridos en el relato y el maquillaje respectivo, cosa que muchas veces no es común en nuestras producciones. Otro tanto ocurre con Alejandro Awada, Fernán Mirás, Inés Efrón y Carlos Portaluppi.

“Verdades verdaderas. La vida de Estela” está muy bien contada. Es una historia de vida que no confunde. Al contrario, Nicolás Gil Lavedra en su debut cinematográfico cuidó todos los detalles y los puso al servicio de los demás técnicos. Digno de destacar es el tratamiento del sonido por parte de Alexis Stavropulos, quien supo ajustar los planos sonoros requeridos por las escenas, donde todos los diálogos, aun los más íntimos, se entienden plenamente, aspecto digno de ser puesto de relieve, pues una de las fallas técnicas más notorias en las actuales producciones nacionales es el muy deficiente tratamiento sonoro, lo que contribuye al alejamiento del espectador de nuestras realizaciones.

Estas cosas que aquí se destacan con tanta pasión tendrían que ser normales, pero eso no es lo que sucede con frecuencia en nuestra cinematografía. Por los aciertos puntualizados esta realización es una de las más destacadas del año.

Muchos son los motivos: En primer lugar, contribuye a recordarle a las nuevas generaciones que siempre hay que luchar y nunca dejarse avasallar; en segundo término, las actuaciones son impecables; finalmente, la parte técnica cumple al cien por ciento con su cometido, lo cual indica que nuestros cineastas disponen ,en este aspecto, del equipamiento apropiado, por lo tanto, las notorias deficiencias que en tal sentido se observan en nuestros productos audiovisuales con llegada al público se deben fundamentalmente a impericias de los responsables de activar el equipamiento

Paula Hernández hace unos años nos sorprendió con su excelente ópera prima “Herencia” (2001), en ella se contaba una interesante historia y se veía el comienzo de una gran carrera. En su segundo opus, “Familia Lugones” (2007), demostró que los documentales cuando se saben hacer no resultan para nada aburridos. Sin embargo, con “Lluvia” (2008) la historia no estaba a la altura de su debut y se diluía.

En su nueva realización, “Un amor”, hay una historia bien contada, bien actuada, pero también se va diluyendo a medida que avanzan los metrajes.

La historia transcurre durante unas vacaciones en un pueblo casi fantasma donde la calle principal, el río y un balneario, son los refugios de aquellos adolescentes setentistas. Lalo y Bruno son adolescentes. Dos adolescentes haciendo nada en medio de la nada, pero en una tarde húmeda, y sin pedir permiso, llega Lisa, arrasando con la monotonía del pueblo. Hasta ese momento, ni Lalo ni Bruno habían visto nada igual. Treinta años más tarde, lejos de esa inocencia engañosa, propia de la adolescencia, Lisa vuelve a irrumpir en esas dos vidas, ahora ya adultas, con la misma impronta que a los catorce, produciendo un temor nuevo e inmanejable, aunque teñido por la huella que el tiempo deja en cada uno de los seres vivos.

No obstante es una película para ver y disfrutar de las actuaciones de Elena Roger (es su debut en la pantalla grande), Diego Peretti y de Luis Ziembroski.

“Un amor” quizás sea para Paula Hernández un peldaño más que la lleve a estar entre las mejores directoras del cine argentino.

Para Rowan Atkinson debe ser muy difícil asumir un papel en donde su personaje no se llame Mr. Bean. Su cara, sin lugar a dudas, es la portación de ese Mr Bean que hemos conocido a través de la televisión y de varias producciones fílmicas.

“Johnny English recargado” es el regreso del espía más insólito del servicio secreto del Reino Unido.

En esta oportunidad deberá detener a un grupo de asesinos internacionales, antes de que eliminen a un líder mundial y abran la puerta al caos global.

El mejor espía del MI7 ha estado puliendo sus increíbles habilidades en una lejana región de Oriente. Pero cuando sus jefes se enteran de que alguien planea atentar contra la vida del primer ministro chino, no les queda más remedio que encontrar al poco ortodoxo agente. El mundo necesita de Johnny English. Hasta aquí la breve sinopsis de lo que se verá a lo largo de cien minutos.

“Johnny English recargado” tiene el humor que por momentos nos recuerda a esas producciones que veíamos en los años ‘70. Esta sátira, o parodia, según como cada cual le lea, en la cual se toma en solfa al agente 007, o a las series del Súper Agente 86, quizás despierten sonrisas en niños u adolescentes que no vivieron aquellos antecedentes.

No quedan dudas que Rowan Atkinson tiene oficio, y aquí está bastante controlado para no parecerse a Mr. Bean, aunque no puede evitar que su rostro nos recuerde todo el tiempo a aquel hombrecito torpe.

Con ritmo ágil, buenos paisajes y algunos gags inteligentes “Johnny English recargado” cumple con la misión de entretener a un público que busca pasar un momento de esparcimiento.

Y hubo un jueves que volvieron las películas épicas e históricas, así se podría titular esta crítica sobre “Fontana, la frontera interior”, una realización de Juan Bautista Stagnaro.

A diferencia de “La patria equivocada” (Carlos Galletini) que se estrena también hoy, Stagnaro sale airoso de esta historia nunca abordada por nuestro cine.

La historia comienza en 1880, cuando una partida de soldados exhaustos navega por el Pilcomayo. Un hombre a la cabeza del grupo duda qué camino tomar. Es el Coronel Fontana. De su decisión depende la vida de muchos hombres. Y él lo sabe muy bien. El territorio de un país no es algo que cae del cielo; que las fronteras que se dibujan en los mapas son producto, en algún momento de la historia, de la voluntad y la determinación de algunos pocos hombres. Fontana fue uno de esos hombres y ésta es la película que narra su historia.

Guillermo Pfeninig como Fontana luce seguro y medido. Quizás una de las falencias del filme es que cuando pasan los años prácticamente no envejece el personaje. Pero eso no es problema del actor. También se luce Jorge D'Elia como Fontana viejo.

Además de estas dos notables actuaciones hay que destacar las locaciones de exteriores y la fotografía. Teniendo en cuenta que el cine argentino hace rato que no presenta filmes de época, se puede decir que estamos preparados para afrontar esta oleada de cien épico e histórico.

Todo esto que comienza con motivo de la celebración del bicentenario es muy bueno. Que los cineastas argentinos se lancen a filmar películas históricas es muy interesante. Lo que hay que apuntar ahora es a escribir guiones y libros que lleguen a la gente y no aburran. Porque si hay algo que aleja al público de ver este tipo de cine es el lenguaje que se utiliza. Fontana...” sale airoso, pero es un caso aislado entre muchos que se están viendo.

Eva Perón no sólo vive en el corazón de todos, desde hace muchos años está viva gracias al teatro y al cine. En los últimos años muchos realizadores han llevado su vida a la pantalla grande, sin embargo a nadie se le había ocurrido hasta el momento contar la historia de Eva, la abanderada de los humildes, para el cine en dibujitos animados.

La realizadora de “Eva de la Argentina”, María Seoane, además de ser la actual directora de Radio Nacional, y de haber escrito varios libros sobre lo que pasó en la dictadura, nos regala esta belleza poética que la van a disfrutar desde los chicos hasta los grandes.

Narra desde la perspectiva del periodista Rodolfo Walsh la extraordinaria historia de Eva Perón. La obsesión de éste escritor y periodista por la presencia de Evita en la acontecimientos contemporáneos de nuestra historia es, al mismo tiempo, la reconstrucción de su propia vida y muerte y del destino de los argentinos. Considerada una santa para los humildes y un mito para el mundo, “Eva de la Argentina” narra la gesta de una heroína del siglo XX que se fue del mundo con la promesa de volver y ser millones.

El film está realizado en un 95% en animación cut-out, con un 5% en imágenes de archivo, basándose en los diseños del maestro Solano López. Está narrado de una manera muy didáctica para que la entiendan todos, y ese objetivo ha sido logrado.

Si bien los dibujos son estáticos (si los comparamos con los que vemos en las animaciones que vienen de exterior), se presentan muy vistosos y entretienen.

“Eva de la Argentina” es una muy buena idea. Tiene varios valores por los que amerita ser vista: Dibujos de Eva y el peronismo, que en algunos casos conservan la impronta peronista del 40 y en otros son futuristas, buena música y, por sobre todas las cosas, impera el buen gusto. Quizás sea la película más panfletaria que se haya filmado hasta ahora. Pero eso no importa a esta altura, porque Eva es de todos.

Historia realimentada de violencias en un áspero mundo marginal

La marginalidad es un tema que siempre le ha preocupado al cine argentino. Producciones como “La tumbas” (1991) y “Crónica de un niño solo” (1964) son muestras de ese mundo para muchos alejado de la realidad. No obstante esta realización de Eduardo Pinto, en la doble condición de guionista y realizador, redobla el tema marginal desde la mirada del tercer milenio.

El filme, cargado de violencia y realidad, narra aspectos de la vida de Panceta, un traficante de armas que escudándose en su herrería fabrica artesanalmente caños dorados, un arma “tumbera” de gran popularidad en el conurbano bonaerense. Tina Serrano compone el personaje de La madre de Panceta con soltura, viviéndolo de lleno en la piel de esa progenitora que no sabe en qué anda su hijo. La historia se va a retroalimentar de violencia cuando Panceta se escapa por el Delta con una adolescente de 16 años, nieta de un hombre respetado en el vecindario. Huyendo por riachos y ríos de la zona deberá esconderse de la policía y resguardarse del tumbero más peligroso de la región, quien lo busca para aplicar la justicia a Panceta, según los códigos propios de un mundo marginal.

“Caño dorado” por momentos nos hace acordar a “Ciudad de Dios” (2002) por toda la carga de vejaciones y marginación que se va viendo. La música y el lenguaje lunfardo le dan credibilidad. En boca de los personajes se escuchan todo el tiempo los siguientes términos tumberos y lunfardos: gato, chabón, birra, faso, pedo, solo por citar algunos.

Eduardo Pinto, que ya antes había dirigido “Palermo Hollywood” (2004) se va al otro extremo de la realidad y de la vida. La estética que predomina todo el tiempo es el ambiente pesado, con muy buenas actuaciones de todo el elenco que durante los 103 minutos de metraje no nos dejan respirar de la tensión que contagia.

“Caño dorado” es una realización que durante todo su desarrollo bordea una realidad que no es ficción.

Párrafo aparte para la fotografía, las escenas de violaciones y los desnudos. Lo que se ve ocurre a diario en el país, aunque muchos cierren los ojos.

Sin lugar a dudas lo que más le preocupa a los 102 años a Manoel de Oliveira es el tema de la muerte. Este realizador portugués ya es un récord a esta altura de la historia del cine. Tal es así que al estrenarse esta película se encuentra filmando una nueva con Claudia Cardinale y prepara otra para el 2012.

Lo que se cuenta acá es la historia de Isaac, un fotógrafo con un misterioso pasado, que al llegar a un poblado vinícola de Portugal recibe un insólito encargo en mitad de la noche: realizar el último retrato de una joven que acaba de fallecer, Angélica.

“El extraño caso de Angélica” enlaza el tema de la muerte, encarnado por el personaje (Angélica) de Pilar López de Ayala (protagonista de “Medianeras”, estrenada también el 13 de octubre), en un relato sobre la obsesión por el sujeto amado. Isaac (Ricardo Trêpa) se enamora de la belleza de la joven Angélica, inspirado por una experiencia estética que le abre la puerta a una nueva dimensión.

La muerte que se encuentra presente a lo largo de casi todo el metraje adquiere ribetes de fábula y de poesía cuando se ve el cuerpo de la difunta volar como un hada.

Manoel de Oliveira ha cuidado la estética (fotografía impecable) y ha sabido entretener con esta historia que no empalaga ni asusta. Simplemente nos ofrece su preocupación por lo que hay en el más allá. Algo que seguramente nos preocupa a todos.

Lo primero que uno se pregunta cuando empieza a ver “Medianeras” es qué le vieron los franceses a esta película para que permanezca más de 15 semanas en cartel en los cines de París. La respuesta es que la historia que nos cuenta es universal.

Martín (Javier Drolas) y Mariana (Pilar López de Ayala) son dos seres que están hechos el uno para el otro, pero nunca lo van a saber. Son dos seres desangelados que están en esta gran ciudad todo el tiempo muy cerca (apenas los separa una medianera) y no lo saben.

Los primeros quince minutos de película son brillantes. Diálogos y observaciones a lo Woody Allen, comparaciones mordaces y ácidas que nos hacen ver el reflejo de lo que somos.

A pesar de las computadoras, el chateo, los twitter y los aparatos de comunicación, en el fondo, estos personajes están muy solos.

“Medianeras” tiene muy buenas actuaciones, si bien son participaciones chicas merecen destacarse las apariciones de Carla Peterson, Inés Efron, con su voz aniñada, y Rafael Ferro. Hay en cada uno de ellos un halo de ser mejores y una gran preocupación por tratar de relacionarse.

Se trata de una realización que no sólo tiene ficción, también plantea en el medio un documental que hace que se desvanezca la historia por momentos. Sin embargo, la excelente fotografía, la música, y esas buenas actuaciones logran una interesante historia.

Para muchos podrá ser una película histérica, irritante y abúlica. En el fondo refleja nuestro hábitat. El vivir rodeado de gente sin saber quien vive al lado

Este documental de Juan Dickinson intenta mostrar a esos seres desangelados que deambulan por la estación Constitución durante todo el día.

La cámara muestra todos los recovecos habidos y por haber. Por allí están los vendedores, maquinistas, funcionarios, oportunistas, linyeras y prostitutas.

Conociendo Constitución la película resulta demasiado edulcorada.

Aquí no se ve la violencia que sí sabemos hay en ese lugar, tampoco están retratados los chicos del paco y los robos violentos.

Un día en Constitución no refleja lo que quizás ocurra durante la noche y durante el día.
Su realizador propone más que nada ser imparcial y no jugarse mucho por lo que verdaderamente se vive.

La fotografía y las imágenes son de excelente calidad, pero el guión y lo que se quiso contar no refleja la realidad.

Quizás esta sea la película más peronista del cine argentino de los últimos tiempos, o de la historia del cine nacional, y no está nada mal que así sea. Paula De Luque su realizadora centró la historia en el amor de Juan Domingo Perón y Eva Duarte antes de ser Evita. Todo comienza con el famoso festival que se realiza en el Luna Park para las víctimas del terremoto de San Juan. Es ahí donde Perón conoce a Eva Duarte, una joven actriz de radioteatros, hasta ese momento una más del montón.

Perón viudo, joven, con gran porvenir en la política, muy buen mozo y seductor, conquista a esta actriz yendo a verla a la radio ante las miradas de envidia de las colegas de Eva. Aquí arranca esta historia de amor que llegará hasta el 17 de octubre de 1945. Todavía Eva no es Evita y hay en ella mucha admiración y respeto hacia Perón.

Osmar Nuñez personificando a Perón se destaca por algunos rasgos muy parecidos. Es de destacar que aquí no hay una imitación en la voz y eso hace que la película gane en credibilidad, de lo contrario se convertiría en una personificación bizarra. Otro tanto ocurre con esta Eva encarnada por Julieta Díaz. Una vez más esta actriz nos vuelve a sorprender con la caracterización de quien es una de las mujeres más fuertes de la historia argentina. Animar a Perón o Evita no es fácil para ningún intérprete. Se puede caer en el ridículo o en la caricaturización, y aquí los dos protagonistas salen airosos.

La fotografía, el vestuario y la dirección de cámaras son impecables. Se puede discutir y no estar de acuerdo con ciertas situaciones que se narran, pero no podemos negar que aquí lo que interesa es cómo comenzó este amor y esta historia política.

“Juan y Eva” es una realización cálida donde se destacan Alfredo Casero, Fernán Mirás y Karina K entre los integrantes de un gran elenco.

Que el cine argentino vuelva a incursionar en cómo nació el peronismo, y cómo nace el amor entre estas dos figuras de nuestra historia política argentina, es necesario. Las nuevas generaciones podrán ver qué fuerte ha sido este movimiento y porqué hoy después de tantos años se sigue escribiendo la historia.

Buena elección para ver, creer o no creer. Como dice la canción, si la historia la escriben los que ganan eso quiere decir que hay otra historia.

Y esto recién empieza. Muy pronto llegará a los cines “Néstor”, una película de Pablo Trapero, que mostrará la vida de quien fue otro de los hacedores de que los jóvenes vuelvan a creer en la política.

Agustina Vivero, alias Cumbio, fue, hace aproximadamente tres años, la abanderada de la cultura flogger. La cultura flogger integra lo que llamamos las tribus urbanas. Aquella etapa de Cumbio, seudónimo que se ganó por su gusto a la cumbia, es reflejada en su vida cotidiana. Vida para nada desconocida por parte de los fanáticos que la siguieron a través de los programas mediáticos, de los fotolog y los diferentes formatos de comunicación computarizada.

Se hace mucho hincapié en su sexualidad, como si fuese la única diferencia, y se la muestra a Cumbio junto a su familia.

Este documental de la realizadora Andrea Yannino humaniza la figura de Cumbio y la podemos conocer más a fondo. Sin lugar a dudas deja demostrado que la fama es puro cuento, y de qué manera todo lo que sube rápido baja con similar rapidez. Vemos las imágenes de Cumbio en los principales programas de TV y toda la fiebre que generó en sus seguidores, y hoy, a tan sólo dos o tres años, poco es lo que queda el personaje ya es historia. En la actualidad Agustina no es tan adolescente, lo mismo sus fans que hicieron cola para comprar su libro. Quizás esta producción sea el cierre de lo que fue Cumbio para la cultura flogger.

Dentro de unos años este documental va a resultar toda una curiosidad para las nuevas generaciones, tal como ocurre hoy cuando vemos el nacimiento de los hippies en la Argentina, o cuando observamos que ya no queda nada de esos punks que en la última dictadura militar se reunían en Cabildo y Juramento.

Cumbio crecerá, sus seguidores también, y todo esto se convertirá en recuerdo de juventud. Esa juventud que nunca se pierde y se lleva en un rincón del corazón.

Una realización para ver y analizar estos fenómenos que se dan de vez en cuando, y que con el paso de los años forman parte de las anécdotas de geriátricos.

Este interesante documental que dirigen Pablo D'Alo Abba y Cristian Harbaruk desnuda la otra cara de los políticos y los negociados que hay detrás. Narrada en off por la actriz Julieta Díaz, los 83 minutos nos hablan de una triste realidad que, por más que pase en Esquel, provincia de Chubut, ocurre en la Argentina, a lo que no podemos permanecer indiferentes.

En Esquel, Patagonia Argentina, una empresa canadiense obtiene los derechos para extraer oro y plata de una mina ubicada a 7 km de la ciudad, usando enormes cantidades de agua y cianuro. El emprendimiento minero parece ser la gran solución para el 50 % de la población que vive por debajo de los límites de la pobreza.

“Vienen por el oro, vienen por todo” narra la victoria épica de este pueblo patagónico que logró vencer al poder económico y político, impidiendo que se llevara a cabo un emprendimiento que hubiese favorecido el bolsillo de los políticos.

Como bien muestra la realización no sólo estaban en juego los intereses monetarios, pues la salud de la población era otro de los problemas graves que hubiesen provocado muchas muertes.

Las escenas de escrache al gobernador quien dice “me da pena por mi madre”, cuando le expresan en su cara “¡Hijo de puta!”, es tragicómica. Los pobladores desesperados no se amilanan ante los gobernantes y ejercen el derecho de gritar ¡NO!, en una nación democratica.

Una producción que no hace más que refirmarnos que la República Argentina no termina en la Avenida General Paz.

He aquí un filme que nos recuerda por momentos a la “Guerra de los Roses” (1989). Un terapeuta familiar (Juhani Helin), de 35 años, y la consultora empresarial Tuula Helin, de 34, deciden divorciarse de una manera civilizada y mudarse a casas separadas.

A partir de esta situación podremos ver como los celos de ambos harán estragos en la convivencia. Cuando Tuula invita a la casa a Marco, un amante ocasional, y Juhani se venga contratando a Nina, una prostituta que maneja su medio hermano y proxeneta Wolffi, para que se haga pasar por su novia, y de esta manera obligar a Tuula a dejar la casa. La caja de Pandora de su matrimonio se abre y deja salir las plagas de amor y odio.

Esta producción no plantea nada nuevo en lo temático ni en su entramado, pero por momentos genera buena dosis de humor negro y ácido.

Correctas actuaciones, buen ritmo durante casi todo el metraje, excepto en los últimos 40 minutos en donde se mezclan muchos conflictos y el realizador navega en un maremagnum con final previsible.

Es una lástima que una película que prometía ser diferente, a pesar de asemejarse a otras que plantean la separación y la convivencia bajo el mismo techo, termine de una manera previsible.

Comedia con toque de humor negro que destaca a un inteligente realizador

Seguramente el día que se escriba un libro sobre Ricardo Darín el volumen que hable de sus trabajos en el cine serán del grosor de una guía telefónica, hasta nos podríamos quedar cortos. 36 películas lleva filmadas desde que irrumpió en la pantalla grande con su intervención en “He nacido en la Ribera”, en 1972, y la magia sigue intacta, es más, creemos que a pesar del Oscar y de sus éxitos la próxima será la mejor película de Ricardo. Por ahora la próxima es ésta, “Un cuento chino”, tercer realización de otro talento que ya da que hablar y que, probablemente, podría competir por un Oscar, me estoy refiriendo a Sebastián Borensztein (“La suerte está echada”, 2005, “Sin memoria”, 2010).

“Un cuento chino” es la historia de Roberto, un hombre marcado por un duro revés que detuvo su vida hace más de dos décadas y desde entonces vive solitario, atrincherado en su mundo, hasta que un día una extraña jugada del destino logra despertarlo y traerlo de regreso. “Un cuento chino” es la historia de un argentino y un chino unidos por una vaca que cae del cielo. Este hecho fue noticia en la vida real recuerda Borensztein, “un día leí en un diario que una vaca cayó desde un avión sobre un barco pesquero japonés y lo hundió”, ese fue el punto de partida para este proyecto, “adopté la historia y la vaca cae sobre un sampán chino, velero tradicional oriental”

Huang Sheng, el actor chino, es un excelente partenaire que junto a Darín hacen una dupla perfecta animando un buen guión, con diálogos desopilantes y muy efectivos. La labor de Muriel Santa Ana no desentona y se integra cómodamente a esta dupla aportando una gran interpretación.

“Un cuento chino” tiene todo lo que hay que tener para convertirse no sólo en un entretenimiento genuino, sino que también abre perspectivas interesantes para el espectador, con su personal lectura, es invitado a reflexionar. En todo momento la solidaridad está presente, al igual que los buenos sentimientos.

Una impecable fotografía y una serie de tomas en el barrio chino del Bajo Belgrano hacen de “Un cuento chino” una producción familiera e inteligente.

El primer mérito de Sebastián Borensztein es que denota saber contar una historia. Como guionista, la desarrolla sobre la base de una cuidada estructura en su continuidad narrativa, perfil de los personajes, medida en la progresión del relato y ajustados cierres de los conflictos planteados. El segundo, lo encontramos en su condición realizador, donde se destaca como un fino estilista de la estética cinematográfica, pudiendo apreciarse una cuidada concepción de los encuadres, madura dirección de actores, apropiada empleo del tiempo y el ritmo expositivo, plasmados en escenas cortas y fluidas, ajustadas a las necesidades del relato.

El joven y prometedor realizador argentino declaró que esta obra “no es una comedia, es una película emotiva, con algo de humor negro, pues el espectador llegará a divertirse con las dos tragedias que se encuentran”. Lo por él propuesto lo concretó en el producto final.

Todo ello nos revela a un cineasta inteligente, imaginativo, seguro y entretenido, todo lo cual, a la hora de ver el filme, se agradece y valora.

Para no perder la memoria

En su debut como realizador Pablo Yotich sale airoso al tratar un tema tan caro a nuestros sentimientos como son los desaparecidos de la última dictadura militar. Nacido en 1981, indaga en el año 1978.

Ernesto, motivado por el nacimiento de su primera hija, decide ir a vivir con su novia Paloma, sin saber que los militares los están buscando para detenerlos por orden de su hermano mayor. Es llevado a uno de los centros clandestinos más peligrosos de la Argentina. Una vez detenidos, Paloma muere dando a luz, mientras que Ernesto es torturado hasta su último día.

En el año 2010, Lucas, hermano cura de Ernesto y Felipe, cree reconocer a la hija de la joven pareja, Natalia. Tras contactarla, ella deberá decidir si acepta su verdadera identidad o la impuesta, con la cual aprendió a vivir durante 31 años.

Con actuaciones soberbias de Juan Palomino en la piel de un cura, Raúl Rizzo, Alejandro Fiore, Agustina Posse, Dalma Maradona, Adrián Yospe, y un gran elenco, se desarrolla esta historia que no debemos olvidar.

Sin lugar a dudas la participación de las Abuelas de Plaza de Mayo posibilita que la producción tenga todos los referentes históricos y testimonios homenajes a los 30.000 desaparecidos.

Para tener en cuenta: La película si bien tiene mucho dramatismo, su responsable fue muy cauto a la hora de filmar escenas de violencia, las que están muy bien resueltas y no caen en el golpe bajo y el efectivismo de otros filmes.

Aquí lo que está en juego es la identidad de esos bebés apropiados bajo la dictadura, y eso se plantea muy mucha claridad, sin exageraciones, con mucho respeto y, por sobre todas las cosas, con actuaciones muy medidas y muy bien logradas. La música de Víctor Heredia es otro de los aciertos.

“El abismo...todavía estamos” es una producción para que lo veamos todos. La verdadera historia argentina que en muchos casos no se encuentra en los manuales del secundario.

Como consejo fundamental la recomendaría para que la vean muy especialmente los jóvenes.

Para ir de entrada a los papeles podemos decir que es una producción regular que en todo momento intenta rendir homenajes a otras del género, y que termina cayendo en un montón de lugares comunes que hacen que el espectador termine adivinando cada una de las situaciones que van a ocurrir.

Julia (Belén Rueda) regresa a Bellevue con su marido para visitar a su hermana Sara, casi ciega por una enfermedad degenerativa de la que intentó operarse sin éxito. Al llegar descubren que Sara se ha suicidado y ninguno de los misteriosos vecinos se extraña por ello. Julia no sólo debe afrontar la pérdida de su hermana, sino también la pérdida de toda esperanza para detener su inminente ceguera, pues ella sufre la misma enfermedad y parece compartir su mismo destino.

Así con esta sinopsis transcurre “Los ojos de Julia”, que ha dirigido Guillem Morales, planteada como película de terror y de misterio que a nadie se asusta, y todo indica que más de una vez el espectador esbozará una sonrisa que ni siquiera es nerviosa.

Se pueden rescatar algunos climas que se quedan en intentos, y la música hace recordar a otras tantas que ya hemos escuchado. “Los ojos de Julia” tampoco aterrorizan, se parecen más a los de un gato que a los de un ser humano.

Su realizador quiso tirar toda la carne al asador y terminó empachando a troche y moche. Hasta, por momentos, parece una sátira de alguna vieja matiné de Sábados de Súper Acción, con la diferencia que aquellas estaban hechas en muchos casos a propósito, en ésta intenta ser seria y de género. Y sino que lo diga el padrino Guillermo del Toro.

Uno tiene la sensación que se filmó una película y luego se terminó armando otra. “Familia para armar” es un intento fallido del cine argentino que prometía y termina haciendo agua por los cuatro costados.

El segundo filme de Edgardo González Amer (“El infinito sin estrellas”, 2007) logra cansar al espectador. Es la típica realización que abre interrogantes y nunca empieza a desarrollarse nada.

Norma Aleandro es la madre en la vida real y en la ficción de Oscar Ferrigno (h), éste último protagonista del filme que no sabe cargar sobre sus espaldas este protagónico.

La historia (si es que hay una historia) transcurre en un hotel en Valeria del Mar, aparentemente fuera de temporada. La vida rutinaria de la familia se termina la noche en que Julia, la hija adolescente de Ernesto, llega desde Buenos Aires para reclamar amor paterno después de ocho años de distanciamiento. Ernesto y Julia esconden secretos trascendentes que no están dispuestos a develar y que entorpecen la relación.

Los planteamientos de las situaciones familiares nunca se desarrollan, ni tampoco se explican muchas de las cosas que rodean a la historia de esta familia apática, abúlica, y por momentos inexpresiva para hacer aflorar los sentimientos.

Norma Aleandro en un papel prácticamente secundario cumple con su rutina actoral, haciendo un calco de otros personajes o trabajos ya vistos. Valeria Lorca hace lo que puede, y a Oscar Ferrigno (h) le falta expresividad y convencimiento de lo que se está viviendo.

Incluso hay ciertas situaciones que intentan ser una bocanada de aire fresco y terminan cayendo en lo bizarro y ridículo. Como muestras se puede observar cuando Ernesto está haciendo el amor y lo sorprenden en pleno acto sexual, otro tanto ocurre cuando un huésped algo mayor entra saltando y cantando con jovencitas que se supone fueron para hacer una partusa.

En definitiva a esta familia hay que volver armarla y para eso hay que ser experto en rompecabezas. Rescatable el trabajo de los equipos técnicos que, empero, también sucumben en la desorientación general de la historia y su realización.

Una historia pequeña, sencilla, fresca y profundamente emotiva

Ferragosto es una festividad popular italiana celebrada cada 15 de agosto. De raíces antiquísimas, tiene lugar con motivo de festejar el fin de las labores agrícolas del año en ese país.

Sus antecedentes se remontan al Imperio Romano, en el período anterior a la existencia de la Iglesia Católica, y se realizaba en honor de la diosa Diana y el ciclo de la fertilidad y madurez.

Según la tradición católica es el día de la Asunción de la Virgen María al cielo.

El nombre de la fiesta actual deviene del original romano de Feriae Augusti

El realizador Gianni di Gregorio dirigió en 2008 una exitosa comedia sobre el tema, con el título “Pranzo di ferragosto”, la que se ha estrenado en Buenos como “Un feriado particular”.

Quizás lo que le falte a esta producción para lograr su excelencia es una mayor información, para los que la vean fuera del país de origen, respecto al ferragosto y su celebración.

La historia es pequeña, sencilla, lineal pero fresca y profundamente emotiva narrada en 75 minutos bien servidos, ricos en calidad fílmica, tratados con inteligencia y sensibilidad por Gianni Di Gregorio para ganar al espectador, objetivo que logra por la atmósfera que consigue y la muy buena dirección de intérpretes.

La historia gira centralmente sobre Gianni, quien vive con su anciana madre y acosado por algunas deudas, entre ellas con la administración del consorcio respecto de la vivienda que habitan En vísperas del ferragosto el administrador le propone que si cuida a su madre, también anciana, mientras él se toma vacaciones durante los días festivos, jornadas que, dicho sea de paso, suelen ser las más caluroso en Italia, quedará saldada la deuda que mantiene con la administración. Gianni con su simpleza y bonhomía terminará cuidando a las dos ancianas, a las que se sumará una tercera, madre del médico amigo (quien también le condonara lo que le adeuda a él), la que al llegar lo hace acompañada de sus amigas octogenarias.

Con ritmo ágil transcurre este relato localista que termina siendo una historia global. Lo que se ve aquí puede transcurrir tranquilamente en cualquier parte del mundo. Gianni Di Gregorio logra un trabajo compacto dirigiendo a un grupo de señoras mayores, sin experiencia actoral, moviéndose cómodamente también como actor personificando al paciente y comprensivo Gianni

Si bien es una historia filmada prácticamente en el interior de una casa, con algunos exteriores, atrapa por la simpleza. En cada personaje uno ve reflejado la vida misma.

“Un feriado particular” no cambiará la historia del cine, pero nos hará pensar respecto a que alguna vez, cuando seamos muy mayores, podemos llegar a ser considerado objeto o un estorbo para quien nos tenga a su cargo.

Para reflexionar, más allá de alguna sonrisa cómplice que podamos esbozar a medida que vemos el desarrollo de la narración.

He aquí una película que por momentos nos hace acordar al cine bizarro y de ciencia ficción que Emilio Vieyra supo filmar por los años 60 y 70.

El tema que se plantea aquí en “Fase 7” es la historia de Coco (Daniel Hendler), quien acaba de mudarse a su nueva casa, con Pipi (Jazmín Stuart), su esposa embarazada de siete meses, cuando su edificio es puesto bajo cuarentena por la aparición de un virus mortal.

Hasta aquí un planteo interesante pero nada novedoso. Muchos recordarán “La cigarra no es un bicho” (Daniel Tinayre, 1962) que planteaba el tema de la cuarentena en un albergue transitorio. Aquí los vecinos del edificio empiezan a hacer alianzas para sobrevivir. Uno de esos vecinos es Zanutto ( Federico Luppi), un viejo que vive con su perrita y termina siendo un ser temible. El otro vecino es Horacio (Yayo Guridi) que recurre a sus palabrotas y personajes que vemos por televisión.

“Fase 7” tiene buena fotografía, actuaciones correctas pero que no llaman la atención. Daniel Hendler y Jazmín Stuart repiten clishés de otros trabajos, Yayo insiste con su delirio que se ve desdibujado en una producción que pierde el rumbo y termina por aburrir. Federico Luppi está desconocido, cuesta creer que un actor de su tenor se haya prestado para este filme que no aporta nada nuevo a su carrera. Completan el elenco Abian Vainstein y Carlos Bermejo que componen otros vecinos que se ven atrapados por esta cuarentena y son, a su vez, los sobrevivientes de ese fin del mundo que ya es una realidad.

Delirio, gags, explosiones, recursos del cine de clase B, tomaduras de pelo, chivos de productos alimenticios en varias ocasiones en primer plano, sarcasmo, sangre, tiros y muerte son ingredientes que se ven a lo largo de los 96 minutos, pero no alcanzan para entretener y contar una historia.

En su ópera prima Nicolás Goldbart ratifica que es muy buen compaginador, que ya ha trabajado en esa condición en realizaciones de Pablo Trapero (“Mundo grúa”, 1999; “El bonaerense”, 2002; “Familia rodante”, 2004), y en “Fase 7” demuestra su oficio, pero con esto no alcanza. El problema de un mal guión termina convirtiendo a “Fase 7” en un cine inclasificable y difícil de digerir. Lo interesante de todo esto es que hemos sobrevivido para conocer un final que termina siendo previsible a medida que transcurren los metrajes.

¿Existe la amistad entre el hombre y la mujer? ¿Y si tienen sexo qué pasa? ¿Cómo se llama esa relación?

“Amigos con derechos” es una típica comedia de enredos en donde se plantean enamoramientos, por momentos hay felicidad pero, en el fondo, se huele que todo terminará como le gustan a nuestras tías y abuelas.

Natalie Portman, la ganadora del Oscar como mejor actriz por “El cisne negro”, es la protagonista de esta comedia floja, previsible y tonta. Cuesta creer por momentos que la heroína de esta realización acaba de haber sido galardonada con el máximo Oscar establecido para la mujer que cubra el personaje protagónico de una producción..

“Amigos con derechos” no cuenta nada nuevo, es la típica historia de amor que renace muchos años después. Emma (Natalie Portman) y Adam (Ashton Kutcher), en criollo un carilindo, se conocieron en la escuela secundaria y se reencuentran de adultos para reiniciar una amistad con ribetes de romance. Para colmo en el medio hay un padre que es un don Juan que sale con una ex novia de su hijo.

El resto es más de lo mismo, chicas y chicos muy lindos, fiestas modernas, amigos y amigas que dan consejos y esperan que en fondo los “amigos con derechos” sean felices y coman perdices.

Este filme no cambiará la historia del cine ni la manera de tener un acercamiento con un amigovio o amigovia. Es más, la falta de ideas en la narración y la carencia de diálogos graciosos del guión, sumado a un realizador cuya chatura profesional resulta olímpica, terminan por convertirla en una producción sin importancia.

Claro que desde ahora a uno le queda la curiosidad: por ver el próximo trabajo de Natalie Portman, ¿la mejor actriz del 2010?, con una historia interesante, un guión sólido y a las ordenes de un realizador que sepa dirigir actores.

Todos los años, el tranquilo municipio de Lake Victoria ve alterada su calma por la fiesta de la primavera, a la que acuden miles de jóvenes de todas partes para disfrutar del sol, el agua... y el alcohol. Pero este año, habrá otro motivo de preocupación aparte de las habituales resacas y las quejas de los vecinos: el terror está a punto de apoderarse del lago. Después de que un temblor subterráneo libere a cientos de pirañas prehistóricas, un dispar grupo de desconocidos deberá unirse para evitar acabar convertidos en la merienda de los nuevos y sanguinarios habitantes del lago.

Al tener como referencia esta sinopsis, podríamos decir ¡bienvenidos al paraíso! Cuando comienza “Pirana 3 D” nos presenta a chicas con muy bien de traseros y delanteras, muchachitos flacos y de calce perfecto, a lo que hay que agregarle música, tragos muy coloridos y muchas ganas de enfiestarse en un bacanal de sexo. Lo cierto es que todo esto se va a ver desdibujado y terminará en una carnicería en cuanto aparezcan las tan temidas pirañas. Al mejor estilo “Tiburón” (Steven Spielberg, 1975), o “Pirañas” (Joe Dante, producción de Roger Corman 1978) de la cual es una nueva versión corregida y aumentada en mutilaciones, sexo, humor negro y ácido al por mayor.

Con sólo ver a Richard Dreyfus en un bote pescando al principio de la historia y ver como es devorado por los horribles animalitos en la misma escena, basta para darse cuenta hacia adonde apunta. Otro tanto ocurre cuando las pirañas desbordan el lago y tiñen el agua de rojo. Ver como una de ellas mutila un pene y luego lo vomita, nos hace pensar que también hay pirañas gays y heterosexuales.

“Piraña 3 D” es una película de hora veinte que se deja ver a pesar de que todo lo que va a ocurrir es previsible. Con dosis de suspenso y mucha sangre transcurre este relato que no cambiará la historia del cine, pero que se inscribe dentro de la nueva moda llamada cine en 3 D.

Puede estimarse que “Piraña 3 D” es la primera de una seguidilla que seguramente continuará en los próximos años. De hecho, ya las pirañas bebés empiezan a crecer.

Es una producción sólo de interés para los fanáticos de este tratamiento del terror en su expresión cinematográfica.

Destacadas actuaciones en una historia densa muy bien realizada

Desde que el cine existe los boxeadores y luchadores han tenido presencia con sus historias en la pantalla grande, como “Rocky”(1976), pasando por “Toro Salvaje”(1980), “El campeón”(1931), “El luchador” (1949), temática que también fue considerada en la producción argentina, incluso en el periodo mudo (“El toro salvaje de las pampas”, y “La vuelta del toro salvaje”), para llegar a “Gatica, el mono”(1993), al cual se suma, entre otros títulos, “Diez segundos” (1948), “Su última pelea” (1949), “Luna Park” (1959), “Nosotros los monos” (1958), “Los golpes bajos” (1972) y “I love you...torito”(2001).

Como podrá deducirse, el mundo del boxeo seduce, o al menos despierta el interés, a un gran sector del público.

En “El ganador”, más allá de narrar la historia de un boxeador desarrolla un drama basado en hechos reales. Inspirada en la historia de “Irish” Micky Ward (Mark Wahlberg), campeón de la Federación Mundial de Boxeo en la categoría Welter Junior, y a la relación que mantiene con su medio hermano mayor Dicky Eklund (Christian Bale), quien lo precedió como héroe del boxeo en su pueblo natal, para luego tirar por la borda su talento y todo lo conquistado con sus actitudes y conducta en la vida.

Con buena dosis de combates muy bien filmados, y mucha adrenalina por parte de los espectadores, transcurre esta entretenida producción de una familia que depende del accionar de un boxeador para sobrevivir.

La realización de David O. Russell no será favorita para ganar el Oscar, pero se encuentra entre las que podría considerarse entre las diez mejores películas que han abordaron el tema. Si bien esto quizá no quiera decir mucho logra sus objetivos y convence.

Lo importante es que se trata de una producción que por su enfoque no sólo interesa a los amantes del boxeo, sino también a quienes nunca se interesaron por este deporte, ello merced a los méritos artísticos que suma en su integridad.

Todos sabemos, por experiencias trazadas cinematográficamente, u otros medios, o por referencias personales, algo sobre el mundo del boxeo, y eso está muy bien reflejado en éste film. Los problemas con la droga, los amigos y familiares que quieren salvarse a toda costa sin importar la vida son parámetros que nos invitan a reflexionar.

Uno termina preguntándose si el boxeo es un deporte o un factor que deteriora de los seres humanos. Cuesta creer que todavía en pleno siglo XXI haya gente que se apasione y pague por ver a dos personas destruyéndose sobre un ring.

La historia esta bien estructurada en el guión, realizada con mano segura en lo audiovisual y en la dirección de actores. Son muy buenas las actuaciones de Mark Wahlberg y Christian Bale por lo convincente y conmovedor. La fotografía y el ritmo de esta historia hacen muy llevaderas las acciones. Todo lo apuntado califica a la obra como una realización que habla del mundo del boxeo con sus derivados.

No va a pasar desapercibida.

Conmovedora realización con labor consagratoria de Jennifer Lawrence

He aquí un digno ejemplo de cine independiente estadounidense que llega con 4 nominaciones.

La realización de Debra Granik narra la historia de Ree (Jennifer Lawrence), una chica de apenas 17 años que tiene que ocuparse de mantener un hogar disfuncional. Su madre es prácticamente autista, además tiene dos hermanos pequeños y, como si fuese poco, su padre es un narcotraficante que previo pago de una fianza ha salido de la cárcel, que la comunidad desprecia por soplón, siendo perseguido por quienes pagaron la fianza, informando a Ree, como cabeza de familia, que de no presentarse perderían la casa que él había dado como garantía.

El filme es un relato conmovedor de relaciones humanas prácticamente perdidas y muy difíciles de remontar a esta altura. Escenas crudas, violentas y dramáticas componen esta trama de 100 minutos.

El segundo largometraje de Debra Granik (“Down to the bone”, 2004) es llevado con mano segura y pensamiento claro, tanto en el planteo técnico como en la dirección de actores, trasmitiendo credibilidad a los personajes y a la inhóspita zona de Missouri donde impera el código de silencio cuya traición implica sentencia de muerte.

Digna de destacar es la actuación de Jennifer Lawrence (20 años, segundo largometraje, “Lejos de la tierra quemada” -2008-), toda una revelación como la adolescente que carga con autoridad toda la película sobre sus espaldas. Completan la plana mayor del elenco John Hawkes (componiendo al violento, áspero y sensible Teardrop), Isaiah Stone, Ashlee Thompson, Valerie Richards y Shelley Waggener conformando un plantel sólido en apoyo de la protagonista, completado con apropiada selección de habitantes de la zona de rodaje.

Todo lo que se ve en la trama es creíble, la denuncia ecologista, el thriller de suspenso y lo podrido que está la sociedad, en un ámbito y atmósfera ásperos, de pobreza lindante con la miseria, que en algún sentido puede traernos reminiscencias, por ejemplo, de “Viñas de Ira” (John Ford, 1940), de un país que Hollywood barre bajo la alfombra, que ignora olímpicamente.

Obras con éstas característica y de ese origen no es común que llegue a los cines de nuestro país. Quizá gracias a las nominaciones de los Oscar, máxime si logra alguno de ellos, pueda convertirse en un filme de visión masiva.

La presencia de “Lazos de sangre” en la cartelera evidencia que en los Estados Unidos también hay productores, guionistas y realizadores preocupados por temáticas y conflictos desestimados por la industria fílmica, como sustancial aporte de buen cine.

Es muy interesante que las nuevas generaciones de cineastas argentinos incursionen en el género del terror. A lo largo de nuestra historia local pocos lo han hecho. Adrián Garcia Bogliano es un realizador platense que ha logrado con “Sudor frío” superar muchas barreras que hasta el momento estaban cerradas. En primer lugar, la peli es distribuida por la Disney Pictures, y en segundo lugar, instala el cine clase B en las grandes líderes.

La trama comienza con pantallazos de viejos noticieros en donde la Triple A tortura, imágenes en blanco y negro de momentos setentistas y armados con el gran dilema de lo que vendrá.

Facundo Espinosa, Marina Gleizer, Camila Velazco y Omar Mora son los protagonistas de esta producción cargado de terror, sangre y violencia.

El relato transcurre en una casona tétrica donde dos viejos torturadores que viven del pasado mortifican a los jóvenes secuestrados en la actualidad

Con muchas dosis de suspenso, puertas que se abren y cierran solas, vejaciones y tormentos, transcurre esta historia que pondrá los pelos de punta a los desprevenidos espectadores.

Algunas desprolijidades en la narración hacen que por momentos el interés de la historia decaiga.

Para destacar, los efectos especiales y la música que acompaña como banda sonora. La inclusión del tema “Jugo de tomate· de Manal ha sido una muy buena elección.

No tan santos... entre la ficción y la realidad

Luis Ortega con apenas 30 años de edad ha dado muestras suficientes con su tercer largo de que es un director atípico. Es más, muchos suelen decir no parece hijo de Palito Ortega..

Su ópera prima, “Caja negra” (2001), nos sumergía en un submundo marginal pocas veces visto en el cine argentino, su segundo largo, “Monoblock” (2004), volvía a demostrar que algo diferente sería su camino en el mundo del cine. Y no nos equivocamos.

En “Los santos sucios” se supo rodear de un excelente actor como es Alejandro Urdapilleta y crea una atmósfera y un clima de fin de mundo pocas veces filmado.

¿Son sobrevivientes? ¿Son seres de otra galaxia que quedaron solos en el mundo? Estos pueden ser los interrogantes y las preguntas que nos planteamos al comenzar el filme.

Con escenarios apocalípticos, personajes extraños (un chico rengo), una muchacha que le dicen la Monito (Juncadella) que extasiada por el micromundo rompe lo destruido, son las bases con los que Luis Ortega (quien también actúa) plantea “Los santos sucios”.

Ficción, realidad, poco es lo que importa. Aquí hay una historia diferente que atrapa al espectador termina por meterlo en un mundo feo... pero que es real.

A Luis Ortega hay que destacarle muchas cosas: hace un cine diferente, no busca lo comercial y no le importa el que dirán. Y eso, en esta obra, se nota más que nunca.

Sus protagonistas no son ni carilindos ni galancitos. Son seres de carne y hueso que habitan su mundo. Un mundo que no parece tan ficticio.

Lucio viaja a la ciudad de Tandil por un trabajo. Al llegar la persona que debía esperarlo no está y le informa que recién lo verá en unos días.

En ese lapso entra en relación con Milena, quedándose en su casa como si fuera su novio de toda la vida.

Todo es misterioso en la trama. Se sabe que va a trabajar en una película porno y a partir de ahí no se entiende qué es lo que puede llegar a pasar.

El guión y la realización cometen muchos saltos narrativos que hacen que la historia pierda interés y consistencia.

Con elementos surrealistas y fantásticos se intenta contar una historia que se pierde en el camino.

En vez de opciones reales se tendría que haber llamado opciones irreales.

Los espectadores desprevenidos quizás piensen que se trata de una remake del cuento de Julio Cortázar que se filmó en 1962 y protagonizó Inda Ledesma y Sergio Renán. Sin embargo, este filme dirigido por Víctor Cruz, sobre un guión propio y de su pareja, también cineasta, Sandra Gugliotta, narra la historia de un amor despechado.

Gustavo (Alejo Mango) y Lola (Marita Ballesteros) son observados. Un misterioso hombre los persigue, registra con su cámara cada movimiento que realizan. Pronto descubrirán que El Perseguidor no sólo pone en peligro sus vidas, sino que amenaza con develar sus secretos más íntimos. Alejandro Lifschitz es el perseguidor.

Si bien la realización atrapa al principio con sus interrogantes, éstos se diluyen a medida que se desarrolla la historia.

Resulta un poco chocante y cansadora la cámara en mano, que termina por fastidiar y marear al espectador.

Los actores están bien en su rol, sobre todo Marita Ballesteros (la ex-mujer maravilla modelo 77).

Como dirían las señoras del barrio la peli se deja ver, aunque haya un par de desprolijidades.

Con aires ochentosos y muy almodovorianos llega esta comedia multiorgásmica que han dirigido Santiago Giralt, Eva Bär, Alejandro Montiel y Diego Schipani.

“Las hermanas L” -en un principio se llamaba “Las hermanas Legrand”-, nos hace acordar a ese cine post dictadura que pobló nuestras pantallas en los años 84-89.

La historia es la de dos hermanas que luego de un tiempo vuelven a convivir y protagonizan historias cruzadas de sexo, encuentros y desencuentros. Lo que llama la atención de esta comedia es que muchas escenas rondan el sexo casi explícito con condimentos que hacen acordar al cine picaresco de los 70.

Sofía Braier, Silvina Acosta son las hermanas L, Esteban Meloni uno de los pretendientes, Daniel Fanego es el padre bohemio, Elías Viñoles, otro de los muchachos que se la pasan haciendo el amor.

El aporte de Soledad Silveyra como Mabe,l que se gana la vida escribiendo literatura erótica y fumando marihuana, está muy sobreactuada y quedada en el tiempo, en tanto Willy Lemos como Coco L da vida a un travesti y nos hace acordar a aquellas primeras películas de Pedro Almodovar que escandalizaron a más de uno.

“Las hermanas L” por momentos divierte y por momentos es previsible, hasta se podría decir que atrasa un par de décadas. Las escenas osadas y subidas de tono a esta altura no escandalizan a nadie. Hay que destacar la fotografía y la música que funciona como vínculo para las escenas de sexo.

Queda como anécdota que Mirtha Legrand no dejó usar su apellido para el título de este filme que funciona como un homenaje a aquel cine del destape español que pobló nuestras carteleras porteñas. Incluso el afiche tiene una estética que nos recuerda que el arte envejece muy pronto.

Nicolás del Boca, padre de Andrea del Boca. es el director, Enrique Torres,

el cuñado de Andrea, el guionista, Annabella del Boca, hermana de Andrea y mujer de Enrique Torres, la productora y Andrea es la voz del teléfono que casi finalizando la historia se atreve a dar la cara. Podemos decir que “Un buen día” es una producción hecha en familia y punto.

Diálogos inverosímiles, edulcorados y hasta kitch son los que se escuchan en boca de Fabiana (Lucia Solá, cuyo mérito es ser la novia de Al Pacino), y Manuel (Aníbal Silveyra, quien en la Argentina se lo recuerda por haber hecho “El beso de la mujer araña”

Fabiana y Manuel son dos argentinos emigraron a Estados Unidos por motivos muy distintos. Ambos lograron rehacer sus vidas en la ciudad de Long Beach, California, sin embargo cuando se cruzan por accidente en una cafetería su origen argentino hace que entablen una relación que crece a medida que transcurre el día.

Analizando la hora y media de de narración se puede decir que es un gran intento fallido de nuestro cine nacional. De cine no hay nada y lo que hace Nicolás del Boca es seguir con la cámara a esta pareja por hermosas calles y parajes. La catarata de palabras y diálogos que no tienen gracia, y hasta ciertas declamaciones de radioteatro de la década del 40, hacen que “Un buen día” pase al olvido.

Cierre de la trilogía que con autenticidad revela la marginación vista por Campusano

Campusano vuelve a la carga con una nueva película que se ocupa de esas tribus urbanas de motoqueros que pululan por el Gran Buenos Aires. En sus anteriores trabajos “Vil Romance” (2009) y “Legión tribus urbanas” (2006), abordaba la problemática de los marginales del conurbano. En esta la atención se centra en el Vikingo, un ser marginal pero con códigos que se convierte en una especie de sheriff de estos tiempos.

Al igual que en sus anteriores realizaciones no son actores profesionales los que actúan. Los personajes son seres reales que viven en la marginación y entre las balaceras. Los ambientes sórdidos, los rateritos, los caños, la pobreza y las motos al estilo “Busco mi destino” (1969) están a la orden del día.

El cine de Campusano es crudo, real y hasta puede llegar a molestar. Su cine es aclamado en los festivales internacionales y hace unos días “Vikingo” ha sido muy aplaudida en Polonia.

El cine de Campu ya es internacional y sus historias marginales se han convertido en un referente para saber cómo es esa Buenos Aires del Conurbano. “Vikingo” cumple la premisa de entretener y de hacernos reflexionar a la vez. Aquí no están los rubios y los carilindos. Acá hay gente común con códigos y sin códigos que luchan por sobrevivir en esa jungla de cemento llamada Gran Buenos Aires.

“Vikingo” es un relato que expone un conflicto de facciones surgidas en la periferia de Buenos Aires Él es un respetado motociclista de vida licenciosa. El honor y el respeto son sus códigos, es como un guerrero que trata de equilibrar la balanza del bien y el mal.

La narración de la historia, la actitud violenta y de tensión que generan los protagonistas, y la manera de filmar de José Celestino Campusano hacen que “Vikingo” sea una película interesante.

Su realizador completa una trilogía que se inició con “Vil romance”, continuó con “Legión tribus urbanas” y concluye con “Vikingo”, un ser duro pero encantador.

“Bebés” es un filme que comienza siendo simpático, pero que termina aburriendo debido a las escenas reiterativas que se suceden a lo largo de los 79 minutos. Los bebés protagonistas son de la sabana de Namibia, de la estepa de Mongolia, hay otro de una ciudad japonesa y por último un bebé de San Francisco, California.

Lo que muestra el documental es lo mismo que ya habían hecho los hermanos Lumiére con sus cortos, sobre todo aquél en que le dan de comer al bebé en la boca. Han pasado 115 años y lo que se narra son situaciones de bebés visualizando muy bien cómo es un parto, los primeros contactos tocando todo lo que ven descubriendo su entorno, el gateo y los primeros pasos vacilantes sobre el planeta.

Si bien la producción es francesa no se muestran bebés europeos, ni latinoamericanos, lo que es una lástima porque si lo que se pretendía develar cómo se desarrollaban los bebés en distintas latitudes del mundo y cuáles son sus comportamientos, falta la otra parte. Queda como un trabajo bien concebido pero que quedó a mitad de camino.

“Bebés” es una realización inocente, por momentos bello, por momentos se torna hasta empalagosa.

Deseando a la mujer de mi amigo

¿Qué es el matrimonio? Es una pregunta que uno se puede hacer mientras ve “Secretos de matrimonio”. Aquí no hay un tercero en discordia, aquí son cuatro los que están afectados y muchos los interrogantes que se plantean a medida que va transcurriendo este filme sueco.

Los conflictos que puede haber en cualquier matrimonio quedan al desnudo cuando la hipocresía, el poder, o los negociados están sobre la mesa, otro tanto ocurre con la crueldad que se verá reflejada en el tratamiento de estos seres humanos que estallan en un punto en común.

“Secretos de matrimonio” indaga en los problemas sentimentales de la gente que tiene más de 50 años de edad: Erland trabaja en una fábrica de papel de una pequeña ciudad industrial junto con su mejor amigo Sven-Erik. En su tiempo libre él, junto a su esposa Maj, dirigen una escuela de matrimonios la cuál forma parte del grupo de debate por la tarde en la iglesia local. En una fiesta Erland siente una fuerte atracción y comenzará una historia de amor junto a la nueva esposa de Sven-Erik, Karin. La solución racional de Erland es que los cuatro se sienten y discuten sobre la situación. Ellos deciden que Sven-Erik y Karin se muden junto a Erland y Maj, pero establecen 10 reglas para la nueva vida juntos. Experimento que los pondrá a prueba y amenaza con sumergirlos a todos en el profundo abismo.

“Secretos de matrimonio” es una realización adulta, para pensar, reflexionar y sentirse más contemplativo cuando se vuelve al hogar o cuando se desea a la mujer del mejor amigo.

El realizador Bebe Kamín (“Adiós Sui-Generis” -1976-, “Los chicos de la guerra” -1984-, entre otras), reaparece a través de este documental que refleja un momento de la restauración de un ícono musical de la cultura argentina y universal.

Trata sobre la convergencia de artesanos, arquitectos e ingenieros, directores de orquesta, cantantes de ópera y regisseurs. Obreros y artistas. Testimonios de profesionales, mediciones acústicas, frescos gigantes y piezas corales o de cámara componen una sinfonía audiovisual del Teatro Colón.

Sorprende que Bebe Kamín en el mayor de los silencios haya hecho este documental que termina siendo un intento fallido y parece más una propaganda oficial que un documental en general.

La salida de este filme también se produce en el mayor de los silencios puesto no ha habido privadas para la prensa, apenas unos DVD distribuidos entre algunos periodistas.

Quien escribe hubiese deseado que éste hubiese sido un documental para conocer un poco más el templo de la ópera. Lamentablemente se queda a mitad de camino.

Adrián Biniez es un realizador argentino que vive en el Uruguay, y en esta película cuenta la historia de Jara, un muchacho solitario que trabaja en la seguridad de un supermercado por las noches. Desde su monitor chequea las actividades del personal hasta que se enamora de la chica que hace la limpieza.

Éste voyeur a su vez es una persona tímida, violenta y de pocas palabras, que los fines de semana trabaja de patovica en un boliche de rock.

La relación enfermiza que se plantea a la hora en que su enamorada es echada del supermercado marca los límites de este filme lento, silencioso y por momentos reflexivo.

Horacio Camandule en la piel de Jara muestra solvencia y mucha seguridad, la dirección de actores es muy medida y genera ansiedad en el espectador, por su parte Leonor Svarcas /Julia) es una gran actriz, joven y bonita. Sin lugar a dudas, esta historia tiene todos los aditamentos para convertirse en un interesante filme uruguayo que se suma a “Whisky” y “El Baño del Papa” como clásicos de la cinematografía que se hace del otro lado del charco.

“Orquesta Roja” es una historia real. Sucedió y muchos compraron la noticia.

Todo empezó el 5 de abril de 2000, en Concordia, Entre Ríos. Dos importantes medios de comunicación transmiten en vivo y en directo, desde la ciudad más empobrecida del país, donde un grupo guerrillero se prepara para “entrar en guerra” contra el orden establecido. Detrás de un pasamontañas, el lider del “Comando Sabino Navarro” se atribuye flamantes atentados, y dice tener conexión con las FARC en Colombia y con los zapatistas en Chiapas.

La noticia es una bomba mediática y millones de personas siguen con preocupación las transmisiones. Sin embargo, para esa misma tarde, ya era público que todo había sido una puesta en escena de José María “Chelo” Lima, Carlos Sánchez y Patricia Rivero, militantes sociales y líderes piqueteros de la región.

Diez años después de la cárcel y la condena social, Nicolás Herzog los convence para que relaten, y hasta actúen, escenas de su propia historia. Sin embargo, “Orquesta roja” no es sólo esa película, sino un cruce entre su making of, cine dentro del cine, policial negro y documental, sobre el papel de los medios de comunicación (y el cine) en la construcción de esa ficción que llamamos realidad.

Nicolás Herzog, su realizador, en forma lenta va narrando esta historia que nos termina enseñando que no siempre hay creer a pie juntillas las noticias que nos trasmiten los medios de comunicación. Quizá la obra pierda un poco de ritmo en la primera media hora y hace que al espectador nada lo sorprenda hasta el final.

Para este cronista el filme plantea una moraleja muy interesante: la vida es una puesta en escena y en éste caso la noticia se convierte en un reality.

“Sarmiento, un acto inolvidable”, película sanjuanina estrenada en Cuyo en agosto de 2009 y ya vista por 30.000 espectadores, se estrenó en Buenos Aires, exhibiendo lo que su realizador Pepe de la Colina presentó como “una propuesta que busca hacer equilibrio entre las posiciones demasiado extremistas que genera la figura y la obra de Sarmiento”.

“Por ahí nosotros hemos idolatrado mucho a Sarmiento y los porteños lo denostan demasiado, así que en esta película intentamos balancear ambas miradas”, argumentó De la Colina.

El cineasta de 52 años que lleva tres décadas de actividad audiovisual, consideró que a la hora de encarar su demorada ópera prima “me pareció que había que hacer un Sarmiento distinto”.

Pepe indicó que para el filme que desata su trama a partir de un acto escolar por el aniversario de quien fuera presidente de la Nación entre 1868 y 1874, “tuve la idea de hacer un Sarmiento más humano y quizá más simple”.

De la Colina sostuvo que el disparador del filme “comenzó cuando me pregunté qué pasaría si Sarmiento estuviera mirando por la ventana un acto escolar en su homenaje”.

Para el realizador, que se inició en el cine como “meritorio del segundo ayudante” para el filme “Difunta Correa” (1975), de Hugo Reynaldo Mattar, el hecho de llevar a Sarmiento a la pantalla grande “era una deuda pendiente”.

“Salvo la película donde Enrique Muiño hizo de Sarmiento (por ‘Su mejor alumno‘, de Lucas Demare, de 1944) -apuntó-, el cine pasó por alto a este prócer y personaje”.

Con tono coloquial, admirativo y cariñoso, pero sin pasar por alto los cuestionamientos que completan la figura del sanjuanino nacido en 1811, que murió 77 años más tarde en Paraguay, la trama transcurre en el presente pero apela a escenas de época que muestran aspectos de la vida y de la acción de Sarmiento.

Para alcanzar este logrado prodigio, “Sarmiento, un acto inolvidable” necesitó de un equipo de trabajo de 450 integrantes entre personal técnico y actores.

En semejante grupo destacan las actuaciones de un elenco integrado por Boy Segovia, Viviana Moya, Katy Moya, Federica Mariconda, Antonio De Tommaso, Ricardo Sáenz, Manuel Cardozo, Mabel de Arrascaeta, Martín Graffigna Palomba, Willy Riveros, Rosita Molina y Gabriel Yudewitz.

La cuidada textura de la obra apela a la utilización del sistema Blu-Ray de alta definición que por primera vez se aplica en la Argentina, que brinda una calidad seis veces superior que un video común por el que en muchos países se ha sustituido el 35mm.

A pesar de todos estos avances tecnológico “Sarmiento, un acto inolvidable” se convierte en un acto olvidable. Otro intento fallido de nuestra historia llevada al cine.

Cuando los chicos hacen todo lo posible para que sus padres no se separen podría ser el nudo de esta producción, pero hay algo más a medida que pasan los minutos y la proyección nos interna en una deliciosa historia que termina sucumbiendo sobre los últimos 30 minutos.

Yuki es una niña de 9 años, quien se entera que sus padres se van a separar. Su padre es francés, su madre japonesa. Ambos han resuelto que Yuki se vaya a vivir con su madre a Japón. Yuki va a hacer lo imposible por llamar la atención y quedarse con su padre y Nina, su alma gemela. Juntas harán lo posible e imposible para llamar la atención a fin de logar que sus progenitores no se separen. Pero un bosque y un par de actitudes terminarán por desencadenar un final que se va desinflando hasta llegar a una resolución poco convincente.

Se trata de una historia dramática, narrada con ternura, desarrollada dentro de una sostenida atmósfera tensa, a la vez cálida, profundamente humana, en su tratamiento desde el guión hasta la realización. Técnicamente denota buen nivel, y el plantel interpretativo aporta trabajos muy equilibrados, destacándose las actuaciones de las dos niñas que asumen la responsabilidad de animar a las protagonistas, Noë Sampy (Yuki) y Arielle Moutel (Nina), por la credibilidad que transmiten por la espontaneidad que lograron merced al trabajo de muy buena dirección de los integrantes del elenco.

Relato humano narrado con sencillez y sensibilidad

Sofía Yussem cumple 100 años, y los festeja contando su vida. Podría ser la buena noticia de la semana en cualquier diario de provincia o en cualquier país chico. Sin embargo Hernán Belón realizó una película, y logró estrenarla en los cines.

Sofía es una señora a la que quieren todos. Tiene una hermana, de 95 años, con la que se pelea por minucias; tiene hijos que la miman, nietos y una gran familia donde no faltan los sobrinos y las amigas. También tiene dolores, como la desaparición de su hijo en los ‘70, la muerte de su esposo, el terremoto de San Juan del 44, donde perdió la vida uno de sus familiares más querido, etc, etc.

Todos esos dolores, angustias y los momentos felices con las que Sofía carga como todo ser humano que ha vivido mucho, están muy bien plasmadas en esta peli que es un canto a la vida.

Tampoco faltan sus achaques de salud, como se aprecia cuando está internada porque se rompió la cadera, apenas unas semanas antes de su cumpleaños.

Sofía es una niña grande muy mimada y querida que festeja su cumpleaños en compañía de una familia unida y hermosa. Como los Campanelli de ficción en nuestro pasado televisivo, pero en la vida real en el 2010.

Una hermosa historia de vida que es ejemplo de lucha y coraje para todos los que defendemos los derechos humanos, narrada con sencillez, casi de entrecasa, con buen criterio fílmico, sin alardes, pero con sensibilidad.

Conmovedor homenaje a los estudiantes víctimas del proceso militar

Una vez más el cine argentino se ocupa de los estudiantes secundarios y de la represión ejercida hacia ellos en los años ‘70.

“Flores de septiembre” es la historia de esos alumnos, muchos desaparecidos y evocados por los sobrevivientes. El documental hace pie en lo que le pasó a los alumnos del Colegio Nacional Carlos Pellegrini. Vidas de apenas 16 ó 19 años mutiladas o silenciadas por dictadores y torturadores.

Esta realización es un ejemplo de lo que nos pasó y una enseñanza para las nuevas generaciones las que, gracias a Dios, siguen luchando.

Ver los nombres de los estudiantes desaparecidos en la placa que hay en el patio del colegio es una evocación de esas víctimas de la dictadura, y de muchas otras anónimas sucedidas en la Argentina entre 1976 y 1982.

La bella poesía de Luis Alberto Spinetta y las imágenes nos hacen llorar cada vez que recordamos aquellas vidas segadas en siete años de totalitarismo.

La realización, más allá de todas las observaciones que se le pueda formular en cuanto a su tratamiento cinematográfico, sacude el recuerdo de la generación que afrontó aquellos años amargos, a la vez que sirve para llamar a la reflexión a cuantos tuvieron la fortuna de haber nacido con posterioridad a los años de plomo.

“Flores de septiembre” se integra a los títulos de una temática que duele a los argentinos, que hasta puede hacernos mal el verlos, pero que en el fondo debiéramos ver para no olvidar esa parte de nuestra historia reciente.

Imprescindible verla, sobre todo por la juventud inquieta, que en su natural rebeldía aspira generar un mundo más justo, más honesto y más humano.

Increíble comedia que se estrena en el mayor de los silencios, sin prensa y sin privadas, al menos este año.

“Campo Cerezo” es un delirio que se origina cuando la condesa rusa Ivana Malova hace su aparición en un pueblo de la Provincia de Buenos Aires, acompañada por un famoso modisto. Esta aparición se debe a una vidente. Y es a partir de aquí donde la narración entra en una historia bizarra. donde uno se pregunta cómo aceptaron trabajar y quedar en el celuloide para la posteridad actrices y actores como Marta Bianchi, Ana Yovino, Ana María Castel, Mónica Galán, Roly Serrano, Jorge Román, Jorge Nolasco y Nicolás Mateo, por citar a algunos. Para olvidar.

¿Cuál es el origen de la identidad del fútbol en Argentina, y qué elementos socioculturales la definen?

Con estos interrogantes su realizador Juan Pablo Roubió supo plasmar este documental en dónde se demuestra por qué el fútbol es una pasión. Lo dice cualquier hincha, uno se puede mudar, cambiar de auto, de mujer, pero de club de fútbol no. Y es verdad.

Aquí hay personajes muy interesantes, como un estadista fana de River que lleva la cuenta no sólo de los goles o partidos, también toma cuenta de cuántos aviones pasaron mientras se jugaba el partido, o datos del tiempo y cambios de temperatura durante el desarrollo del encuentro..

Las presencias de Martín Palermo, Diego Buonannote, Alejandro Fabbri, Víctor Hugo Morales, entre otros, jerarquiza esta propuesta que presenta también testimonios pintorescos como la de la Iglesia Maradoniana y los hinchas anónimos.

Escucharlos hablar de su equipo y mostrar cuáles son sus cábalas es uno de los platos fuertes de esta peli.

Algunos testimonios parecen dignos de Ripley, pero aunque usted no lo crea suceden.

Como muestra se puede citar el de ese hincha que muestra como recorta los jugadores y los mete en el freezer para que tengan un mal partido.

Creer o reventar esa es la cuestión.

“Argentina Fútbol Club” habla de la pasión que tienen los argentinos por ese amigo de todos llamado pelota.

Cámara en mano recorre pueblitos revindicando con amor el cine artesanal

Esta es la historia de un hombre bohemio que llega en su auto desvencijado a un pequeño pueblo con el propósito de filmar una película con los lugareños. Lo único que le pide al intendente es que le de alojamiento y comida. Del resto se ocupa él, para lo cual realiza trabajos de plomero, albañil, escultor y afinador de piano.

De esta manera, una vez que obtiene alojamiento y comida, él mismo se encarga de buscar a los actores y rodarla.

Todo lo hace de una manera artesanal. Sus películas son ficciones y el objetivo es terminarlas rápido, estrenarlas en el pueblo, cobrar 5 pesos la entrada y partir en busca de otro pueblo y otra película.

Se puede decir que este director de 67 años hace cine artesanal, y en ese estilo amateur aplica el Dogma 95.

Siempre con la cámara al hombro y con la precariedad de los lugares en que filma hace feliz a los lugareños que por un día son actores.

“El ambulante” es una realización muy interesante que muestra que cuando hay ganas se pueden hacer las cosas.

Aquí no nos vamos a poner a juzgar si es buen director o malo, lo que importa es que gracias a estas inquietudes este buen amigo hace feliz a mucha gente que se ve en pantalla grande como si fuese Darín.

En los años ‘70 cuando la televisión era en blanco y negro y las series invadían los horarios centrales “Las calles de San Francisco”, (serie iniciada en 1970 que cubrió cinco temporadas), que se emitía por Canal 13, era un programa muy visto. Esa serie fue la que catapultó a la fama a un joven muy buen mozo llamado Michael Douglas. Las mujeres de entonces decían que era el hijo de Kirk Douglas. Y así fue nomás. El mozo fue creciendo y ganando popularidad en series televisivas y en la pantalla grande.

En pleno esplendor ochentoso Michael protagonizó películas como “Atracción fatal” (1987), “Wall Street” (1987), “La guerra de los Rose” (1989) y “Bajos instintos” (1992), por citar sólo algunas. En ambas el thriller sicológico (“Atracción....) y “Bajos...) era la vedette, y él se la pasaba seduciendo y enamorando. Pero los años han pasado y quizás el bueno de Michael Douglas no se dio cuenta que ya está en los 60 años y este hombre solitario puede ser algo premonitorio.

En la producción que nos ocupa pasa lo mismo que está viviendo Michael Douglas: envejece, está enfermo, le gusta el sexo y desea a todas. Todos esos aditamentos se le terminan viniendo en contra y se logra aburrir y cansar al espectador. Es más, hasta la película parece filmada en los años ‘80.

“El hombre solitario” sirve para ver a éste veterano actor que sigue filmando mucho. En unos días se lo podrá ver en la segunda parte de “Wall Street”.

Mientras tanto como diría Ripley créase o no, lo que plantea el filme lo está viviendo en carne propia el buenazo y carilindo Michel. Casualidades o impacto de prensa.

Modesta, sencilla, pero sincera mirada a una realidad que no se puede ocultar

Las paredes, algunas revocadas, otras con el ladrillo pelado, dan marco al llanto de una mujer gorda sentada en una esquina. Otra, una canosa, espera sola y angustiada en otro rincón. Un mudo hiperactivo pasa cargando cajas de leche que se reparten entre niños y madres. Todos aferran la leche a su cuerpo como un tesoro preciado.

El Chino atiende a un enfermo terminal en la cocina; luego, se pone la bata de médico, come un sándwich de milanesa, le regala un libro sobre la maternidad a un drogadicto-delincuente en recuperación y se dispone a la entrega de diplomas del curso de salud que él mismo inventó. Las mujeres del barrio reciben llorando de alegría sus diplomas de Agentes de Salud.

El Chino -así se lo menciona durante toda la película (nunca sabremos su nombre verdadero)- es uno de esos héroes anónimos de la Argentina profunda y desconocida. Es, sí, un médico, pero ante todo un luchador, un revolucionario, un "loco lindo", un idealista...

En este documental que Pepe Salvia, que rodó entre el 2000 y 2006, vemos cómo El Chino va ampliando una sala de primeros auxilios en Villa Elena, un barrio muy pobre de La Matanza. Con alguna ayuda privada, y un casi nulo aporte oficial, fue montando una red de contención social en un contexto dominado por la drogadicción, los robos, el desempleo o la desnutrición.

Allí donde el Estado está ausente, se dedica a atender a decenas de pacientes por día, a alimentar al barrio, a trabajar en la rehabilitación de los adictos y hasta a formar cientos de agentes sanitarios que recorren la zona para tratar de mitigar los efectos de la progresiva degradación de los vecinos.

Es un interesante documental, modesto, sencillo, bien estructurado, más allá de sus deficiencias, que nos recuerda cómo es la vida hoy por hoy para un gran segmento de los argentinos.

Como la vida misma Pepe Salvia es el mejor cronista de este tiempo en una realización que merecemos ver los argentinos para saber –o recordar- dónde estamos parados, y despertar –o reactivar- conciencia auténticamente humanitaria y social.

Lamentablemente no se encontrará entre los diez títulos más vistos el fin de semana, por su muy modesto lanzamiento, la reducida cantidad de salas en las cuales se exhibe, y los espectadores muy poco afectos a mirar, ver y reconocer una realidad que está a la vuelta de la esquina. Pepe Salvia cumple en reflejarla, ¡ojalá! adultos y adolescentes se sientan movidos a mirar y reflexionar sobre la realidad reflejada.

A Diego Lerman, realizador de “La mirada invisible”, lo hemos conocido por “Tan de repente” (2003), su ópera prima,y un poco más para aquí, en el 2006, con “Mientras tanto”. En sendas películas la mirada política no estaba tan presente como en este filme estrenado en el 2010.

“La mirada invisible” tiene muchos elementos que enganchan al espectador, pero que terminan diluyéndose a medida que transcurre el metraje. Es una lástima porque las imágenes y la reconstrucción de marzo de 1982 está muy bien ambientada, excepto en algún pasaje musical en donde suena “Lunes por la madrugada”, un tema de Los abuelos de la nada que se conoció un par de años después. En fin, un error histórico que para algunos no tendrá importancia pero para quien escribe sí.

En el elenco sobresale Julieta Zylberberg, la celadora, y Osmar Nuñez, muy buena actuación para un personaje siniestro y deplorable.

Contar qué pasaba entre el 30 de marzo del 82 y los primeros días de abril, comienzo de la guerra de Malvinas, es un poco la premisa de este producción que navega entre lo grotesco y lo bizarro a partir de la última media hora. Y volvemos a decir que es una lástima.

Las intenciones eran buenas, pero la historia previsible (a partir del acoso sexual en el baño) y la puñalada del dolor y la muerte no hacen más que esbozar una mueca de sonrisa a los que hemos vivido esos años de terror, lucha y represión.

Fresco disparate bizarro con rockeros autóctonos, platos voladores y otras yerbas

Néstor Montalbano ha encontrado la senda de los platos voladores y la comedia disparatada sin ninguna duda volviendo de la mano de Diego Capusotto y Luis Luque al cine. El realizador que comenzó su carrera cinematográfica dirigiendo “Cómplices” (1998) y luego con “Soy tu aventura” (2003), venerada comedia bizarra con Luis Aguilé, regresó con todo.

En primer lugar supo elegir elenco. A los mencionados Capusotto y Luque se suman: rockeros veteranos como Willy Quiroga, Ciro Fogliata, consagrados actores del under como Verónica Llinás, Alejandra Flechner y grandes figuras de la televisión y la radio como Víctor Hugo Morales y Juan Carlos Mesa, quien debuta en cine a sus 80 años personificando a un gaucho de antología. Si bien las estrellas de la peli son los platos voladores (se filmó en el Uritorco), también aparece por ahí el político octogenario, actualmente senador nacional, Antonio Cafiero en un paso de comedia de antología. Contar este delirio en donde también puede verse a Miguel Cantilo, Claudia Puyó, Miguel Zavaleta entre otros rockeros argentos es imposible.

Montalbano consigue hacernos reír durante gran parte de la proyección con ese humor absurdo, disparatado, ácido y delirante que hace mucho no se veía en el cine argentino.

“Pájaros volando” ya se inscribe dentro del cine bizarro, autóctono y peronista que supo tener chapa gracias a Capusotto y sus secuaces. “Pájaros volando” es un aire fresco dentro de nuestra pantalla vernácula que aporta inteligencia y entretenimiento, algo que hemos perdido en el cine nacional. Celebremos este delirio místico que habla de platos voladores y rock and roll con humor.

Advertencia para su director: Aquí está el camino y aquí están los protagonistas que pueden llegar a ser uno de los dúos más cómicos de este milenio.

Para empezar a hablar de esta cuarta película de Inés de Oliveira Cézar podríamos evocarla con aquella frase tanguera que dice: “Pretenciosa y engrupida”. Sin lugar a dudas, “El recuento de los daños” tiene todos los aditamentos necesarios para confundir al espectador y desconcertarlo.

Una mujer que acaba de enviudar cuando era joven estaba militando en política, sobrevive a la dictadura en cuyo cautiverio parió un hijo del cual separaron violentamente. La vida sigue su curso y en la actualidad enfrente crisis familiares, mientras esta al frente de un taller metalúrgico donde también hay problemas económicos.

Tal es el conflicto que sirve para conformar el nudo de esta historia que por querer abarcar tanto termina aburriendo y confundiendo aún más.

Es una lástima que la realizadora haya encarado un proyecto interesante estructurada sobre una historia endeble, con muchas lagunas narrativas que hacen tan difícil de seguir en su relato y comprender en su contenido. Su ópera prima “Cómo pasan las horas” (2004) hace casi una década prometía, ni que hablar de “Extranjera” (2007) estrenado el año pasado, su trabajo más interesante hasta ahora.

Sus protagonistas Eva Bianco y Santiago Gobernori se esfuerzan para hacer creíble una historia fallida como tal y como realización que deja como saldo aquel tanguero “pretenciosa y engrupida” hasta lo abúlico.

Por fin el cine argentino aborda un relato chiquito, adulto y valiente

“Por Tu Culpa” narra un drama intimista que transcurre en una sola noche haciendo foco en una madre en plena crisis de divorcio. Por un simple accidente doméstico de uno de los hijos del matrimonio termina siendo acusada de maltrato familiar. Domingo a la noche, Julieta está en casa con sus hijos, Valentín (8 años) y Teo (2 años). Los chicos se divierten jugando a la lucha libre en la cama matrimonial, mientras su madre intenta terminar una entrega laboral. Esa noche su padre no cumplió con el trato de encargarse de ellos, pero Julieta sí debe cumplir con su trabajo. Los límites parecen no existir para los chicos, pero tampoco para los adultos que intentan separarse. La hora del “buenas noches” se dilata y las contiendas en la cama se vuelven peligrosas. Ella no puede, ni sabe contenerlos y lo inevitable ocurre. Teo se ha lastimado. ¿Por una caída? ¿Por un golpe de su madre? Julieta busca asistencia para su hijo en una clínica privada. Pero la noche se transforma en pesadilla en donde todos la señalan culpable.

Por fin el cine argentino nos aborda un relato chiquito, adulto y valiente. “Por tu culpa” es la historia de una familia que está en plena crisis de divorcio. El padre, la madre y sus hijitos son seres desprotegidos y muy frágiles que en cualquier momento pueden lastimarse. No en vano en muchos aspectos y en muchos pasajes del filme la chiquita da lecciones a sus padres de cómo comportarse.

Un padre y una madre en crisis tienen muchas salidas, muchas veces dependen de un terapeuta o un psicólogo, en esta narración nada es lo que parece.

Muy buenas actuaciones, destacándose Erica Rivas por sobre los restantes intérpretes. Es ella la encargada de cargar con la mochila de las culpas como personaje y de la máxima responsabilidad actoral en su mejor trabajo cinematográfico

La realizadora Anahí Berneri demuestra una vez más su oficio. La historia de “Por tu culpa” es ficción, pero refleja una realidad que cada vez se proyecta con mayor fuerza y amplitud la vida familiar contemporánea, que a medida que pasa el tiempo más se va distanciando de en las familias de no hace tanto tiempo atrás.

Héctor Olivera en el año del Bicentenario decidió contar la historia del muralista Siqueiros. En los años treinta llega a Buenos Aires el ya por entonces prestigioso muralista mexicano David Alfaro Siqueiros. Aquí toma contacto con las más importantes figuras de la cultura y de la sociedad de la época, entre ellas Pablo Neruda, que se hallaba en el país, y conoce a Natalio Botana, fundador, propietario y director del diario “Crítica”. El muralista subyugado por el micromundo artístico y por las más hermosas mujeres que lo rodean acepta un gran desafío: hacer en la quinta Los Granados, de Botana, un gran mural que abarcaría todo el sótano de la finca. Con la colaboración de los pintores argentinos Lino Enea Spilimbergo, Antonio Berni y Juan Carlos Castagnino y el escenógrafo uruguayo Enrique Lázaro, el mural va tomando cuerpo mientras se tejen varios conflictos íntimos que, en torno de Siqueiros, conforman la contradictoria esposa de Botana, la poetisa Blanca Luz Brun y el propio Neruda, a los que se suman figuras tan importantes de esos años como la escritora Victoria Ocampo y el presidente Agustín P. Justo. Hasta aquí una breve sinopsis de la historia.

Si analizamos “El mural” se podrá apreciar que a Olivera no se le escapó ningún detalle de la época. Impecable la reconstrucción de los ambientes y los trajes y vestidos. La fotografía también se destaca, no en vano Félix Monti es el responsable. Quizás la parte más floja esté en el libro en donde la realización por momentos se centra demasiado en los conflictos de alcoba y en las relaciones sexuales. A muchos nos ha quedado las ganas de ver un filme que rescate otras situaciones y problemáticas históricas. Esto es lo que hace que “El mural” sea una buena producción. Con respecto a los actores sobresalen Luis Machín y Carla Peterson, otros personajes si no fuera porque los nombran nadie se da cuenta que son ellos. Para los que quieran saber un poco más de Siqueiros hay un documental excelente de Lorena Muñoz que se estrenó hace unos años y se llama “Los próximos pasados” (2006). Ver ambos filmes puede resultar un lindo ejercicio para creer o no.

Emotiva evocación del Cinema Paradiso criollo

“Cine, dioses y billetes” es nuestra Cinema Paradiso del cordón industrial de la ciudad de Buenos Aires.

El documental reseña el surgimiento en las décadas del ’30, ‘40 y ’50 del siglo XX de las salas cinematográficas, su apogeo, esplendor y decadencia, hasta desaparecer o transformarse en templos de pastores evangelistas, bingos, supermercados, salones de baile o galerías comerciales

El tratamiento de esta realización es muy tierna, impregnada de nostalgias latentes, tanto en la palabra como en la presencia de dos proyectoristas, u operadores cinematográficos, un acomodador, un combinador y un espectador quienes dan su testimonio, como en quienes fuimos testigos de muchos de los acontecimientos narrados, al tiempo de servir para que las nuevas generaciones tengan conocimiento que la Argentina tuvo su época gloriosa en materia de biógrafos, cinematógrafos, salas cinematográficas, o simplemente cines.

Los testigos convocados hacen hincapié, desde su ángulo de visión, en que el cine era un lugar de encuentro barrial, donde las familias veían tres películas y cubrían media jornada de un día de sus vidas; recuerdan que ir al cine era una ceremonia; que muchos adolescentes (y los que ya habían superado esa etapa) lo buscaban como un refugio para chapar con su novia (en el sentido que ello tenía por entonces), que frecuentemente terminaba en casorio.

Los testimonios de quienes fueron parte de esa época afloran y son reales. Particular significación adquiere la intervención de Damiano Berlingheri (66 años), un “tano” que arribo a la Reina del Plata por los años ’50 para afincarse definitivamente. Operador con 50 años de profesión, muy querido por el ambiente cinematográfico, especialmente por los críticos veteranos. Damiano sigue al pie del proyector actualmente en el microcine de Vigo (Ayacucho al 500), donde semana a semana nos recibe bonachonamente, con su habitual simpatía y cordialidad.

A la bonhomía y la pasión con que Damiano narra fluidamente a cámara recuerdos y anécdotas que atesora, suman su aporte, con igual tono y humor, sus colegas veteranos José Olguín (proyectorista, 79 años), Pedro Strelec (acomodador, 88 años), Oscar Usi (combinador*, 64 años) y Nelio Corneli (espectador, 79 años). dan vida a esta historia de pasiones y sentimientos encontrados.

“Cine, dioses y billetes” es el humano reflejo de pasiones y sentimientos traducidos en una realización modesta, adecuadamente resuelta, que con fidelidad refleja el pasado de nuestras salas de cine. La historia que refiere, con distintos matices, pero con la misma esencia, se debe repetir en muchos lugares de nuestro planeta, cuyo antecedente lo podemos en “Cinema Paradiso”(1988), la bella e inolvidable evocación del italiano Giuseppe Tornatore, que en 1989 ganó el Oscar a la mejor película en lengua no inglesa.

Que Pablo Trapero haya filmado una película en donde todo el tiempo esté el suspenso y los espectadores nos pongamos nerviosos no es ninguna novedad. Ya él había debutado hace más de una década con “Mundo Grúa” (1999) y dio muestras de oficio. En su última realización, “Leonera” (2008), adquirió madurez y se metió a denunciar lo que pasa en las cárceles.

Ahora de la mano de Ricardo Darín (a esta altura toda una garantía) y de Martina Guzmán (la misma protagonista de “Leonera” y mujer del director) esta trama policial que mantiene en vilo a la platea.

La trama gira en torno de Sosa y Luján. Él es un abogado que se mueve en la corrupción. Busca accidentes automovilísticos para encontrar clientes. Ella es una médica que vive socorriendo a las víctimas de los accidentes.

La corrupción y el amor se hacen presentes en dosis que aletargan por momentos este cuento real, en donde el cazador a la larga es cazado. Decir que es una ficción es no reconocer que de la muerte muchos se hacen millonarios.

“Pecados de mi padre” contiene dos narrativas. Por un lado, cuenta la historia de Pablo Escobar Gaviria (poderoso narcotraficante colombiano muerto en un enfrentamiento con la policía en 1993) desde el punto de vista de su único hijo varón, Sebastián Marroquín. Por el otro, los intentos de Sebastián por contactar a los hijos de las más prominentes víctimas de su padre.

El resultado termina por enseñarnos que entre sus hijos no hay un gran rencor. Sebastián Marroquín, hijo directo de Pablo Escobar cuenta de qué manera ha vivido en Buenos Aires, narra que por haber sido hijo de Pablo Escobar estuvo 45 días preso, y su madre, por haber sido la mujer estuvo más de 18 meses en prisión.

En el filme también están los testimonios de Rodrigo Lara, Juan Manuel Galán, Carlos Galán, Claudio Galán y Maria Isabel Santos. Ellos en definitiva son víctimas de una u otra manera de Pablo Escobar.

Uno de los momentos más emotivos es cuando Sebastián Marroquí se entrevista con los hijos de Galán, muertos por su padre. Lo interesante es la manera adulta que tienen de encarar la charla.

La dirección de Nicolás Entel se realza con los primeros planos y la narración que acompaña las imágenes. Quizás la voz en off le resta emotividad a un filme que vale la pena ver para entender un poco más la vida de este narcotraficante.

A veces pienso que este tipo de producciones la tendríamos que ignorar, y me siento culpable de difundir que se ha estrenado una nueva película (perdón) bodrio en donde el amor, el desamor y el thriller conviven en esta aburrida, por no decir pelotuda pelicula, procedente del país de Obama.

La trama es simple, y uno se la imagina desde que comienza hasta el final que se da a los 110 minutos, una barbaridad para no contar nada y repetir hasta el hartazgo chistes que no harían reír ni a los Hermanos Marx.

Milo (Gerard Buttler) es un ex-policía que ha sido echado de la fuerza por inútil, y ahora sobrevive dedicado a atrapar prófugos de la justicia, en realidad a fugados con deuda pendiente respecto con quien depositó la fianza para que gozar de libertad mientras se sustancia el juicio, tarea por la cual cobra la pertinente recompensa

Nicole (Jennifer Aniston), su ex-mujer, es una periodista de investigación, comete una infracción de tránsito y no se presenta ante el juez, por lo que es declarada prófuga y dispuesta su detención..A Milo se le presenta una excelente oportunidad para vengarse por la separación deteniéndola, llevándola a la justicia, y así cobrar la correspondiente recompensa .

Con estos ingredientes tan trillados, con chistes que no parecen serlo, y con carilindos y carilindas se desarrolla esta historia que pierde el rumbo y termina aburriendo.

Pensar que nos quejábamos de nuestras comedias de los ‘70 y ’80. Para los Estados Unidos el cine romántico y las comedias, con relatos y realizaciones como esta que me ocupa, están en total decadencia, para ello basta repasar las criticas de semanas anteriores respecto a títulos como “Amante accidental”, “Y... dónde están los Morgan”, para darse cuenta que lo que abunda son las estupideces. Lo único que le faltó a este film son las flatulencias.

Sin trascendencia, aburrida y le falta una vez más el respeto a lo que nosotros conocemos por cine..

Personajes familiares y conflictos cotidianos en una entretenida realización

Daniel Burman vuelve después de “El nido vacío” (2008) a contarnos una historia agri-dulce.

Este realizador de recordados filmes (“Un crisantemo estalla en cinco esquinas” (1999), “Todas las azafatas van al cielo” (2002), “El abrazo partido” (2004), “Derecho de familia (2006)”, entre otras) nos plantea la historia de dos hermanos.

Antonio Gasalla en un persdonaje diferente al que nos tiene acostumbrados y una estupenda e histriónica Graciela Borges componen a estos hermanos que van por la vida amándose y odiándose.

Todo ocurre a partir de la muerte de la madre. Su hermana quiere ocupar el lugar de su progenitora y mandar en la vida de su hermano que vivía, y eras dominado, con su madre.

A partir de aquí se suceden situaciones que de disparatadas no tienen nada. En esta producción de Burman todo es creíble.

Los exteriores en Uruguay, los gags con Mirtha Legrand (incorporada desde el aparato de televisión en sus almuerzos), y las situaciones tragicómicas que se suceden a partir de conflictos familiares, logran llevar adelante una muy entretenida realización que nos refleja la vida de muchos grupos familiares con detectables perfiles individuales.

Cualquiera que vea este filme va a sentirse identificado con alguna situación. Estos dos hermanos no son muy diferentes a los que pueden vivir en cualquier barrio de Buenos Aires

Inquietante mirada a un mundo en destrucción

Cuando en el año 1977 se estrenó “La guerra de las galaxias”, pocos creyeron que este tipo de cine con los años se iba a convertir en material de culto, los críticos de entonces no soñaban con que este cine tendría el esplendor que ha adquirido en las últimas décadas. En los 80 con la llegada de ET ocurrió otro tanto. Hoy ambas producciones son materias de estudio y de revisiones.

Con “Número 9” ocurrirá lo mismo. Esta realización que ha llegado a las carteleras porteñas nos habla de un mundo post-apocalíptico, en donde casi no existen los seres humanos y los que gobiernan son seres de trapo. “Número 9” no es una película para chicos, aunque seguramente se van a sentir cautivados por las animaciones y los seres no tan humanos que por momentos semejan ser muñecos de trapo.

La visión de un mundo en destrucción, la fotografía y la trama inquietante nos acercan a un futuro muy cercano. A pesar de ser cine, “Número 9” es una obra que va a pasar a la historia por seguir sosteniendo que el cine, además de contar muy bien una historia, como en este caso, es un entretenimiento puro.

Un detalle, los muñequitos se dejan querer. ¿Será el futuro o recuerdos solamente de un futuro no tan lejano?

¿Leonardo Di Caprio tiene todos los aditamentos que se necesitan para ser un galán de cine del tercer milenio? ¿Es lindo, carismático, buen mozo, buen actor y fotogénico? Muchas veces me lo he preguntado y no termino de contestarme. Sin embargo, las mujeres mueren por él desde que lo descubrieron en “Titanic” (1997) y salió vivo de la tragedia al seguir filmando y vendiendo entradas. En esta ocasión el amigo llega nuevamente a la pantalla grande de la mano de otro viejo conocido por todos nosotros don Martin Scorsese.

“La isla siniestra” comienza bien, hay intriga, aventura, suspenso, una música que crea ansiedad y hasta nos puede hacer poner los pelos de punta. Todos creemos que el carilindo es una cosa hasta que avanza la historia y comprobamos que el espectador ha sido burlado. Contar la trama no es de buen gusto. Decir qué es la “Isla es siniestra” sería mentirle al espectador; decir que Martín Scorsese filma mal es una mentira. La historia quizás se estira demasiado y esto hace que el clima se vaya diluyendo. “La isla siniestra” es una realización que no va a cambiar la historia del cine, pero que se deja ver. No es ni lo peor ni lo mejor que filmó Scorsese; tampoco es la consagración de Di Caprio. Lástima que ese suspenso y la intriga que aparecen en los primeros minutos se vaya esfumando y la historia termina adivinándose.

La historia de “Adopción” es la siguiente: Ricardo, que vive una relación homosexual con su pareja, adopta a Juan, un chico nacido en 1976. Si bien el niño se integra al nuevo hogar, continúa padeciendo los miedos del pasado. Ricardo cree conveniente que su hijo conozca sus raíces e inicia la búsqueda de su identidad descubriendo que la verdadera historia es diferente a la escrita en el legajo de Juan. Ésta irá apareciendo como la punta del iceberg en un mar helado. Hasta acá la sinopsis que se registra en la gacetilla de prensa.

Lo cierto es que en “Adopción” no se puede creer en nada. En primer lugar, es un “documental” en el cual abusa el material en súper 8 y se termina dudando hasta que punto es verídico lo que se ve. En muchos momentos parecería que esas imágenes son actuadas y pertenecen a una ficción que reconstruye una historia imaginada. En segundo lugar, los testimonios vertidos a cámara por parte del padre adoptivo y de su hijo parecen parlamentos aprendidos al pie de la letra. Esto hace que las situaciones más que naturales parezcan forzadas.

En los 80 minutos de proyección nada queda claro. Uno termina preguntando si la historia es real o es una ficción. Eso nunca queda en claro, sobre todo si en la gacetilla remitida al periodismo se lee lo siguiente: "opté por actores con experiencia teatral, desconocidos en el ambiente", expresado por el realizador.

Sin palabras...

Logrado reflejo, Duro y cruel, de la sociedad moderna

En “Preciosa” se plantean todos los problemas que a pesar de los años siguen vigentes. Una chica de 16 años es obesa, negra y, además, ha sido violada por su padre, de cuya relación nació una criatura discapacitada, cuando ella tenía 12 años. Su vida cotidiana es una historia de horror: está embarazada y en espera del segundo hijo de su padre, mientras es una esclava, física y psicológicamente, de su abusiva madre. En la escuela es el blanco de todas las bromas por su sobrepeso y carga con un secreto que la llena de vergüenza: no sabe leer ni escribir. El tema del SIDA también está planteado en este filme que compite en varios rubros por los premios Oscar.

Aunque muchos lo quieran negar “Preciosa” es la vida misma. Aquí se vuelve a plantear el tema de la discriminación, de los abusos sexuales y la humillación, entre otros problemas, de la sociedad contemporánea que afloran en la narración.

Es una historia que nos inquietante y conmovedora desde que comienzan a proyectarse los primeros fotogramas hasta que nos retiremos del cine.

Imágenes muy crudas y duras nos harán reflexionar. ¡Ojalá! que a muchos les sirva de lección.

“Preciosa” compite por el Oscar con, entre otras, “Avatar” y “Vivir al limite”, producciones muy distintas entre sí. Habrá que esperar el dictamen de los miembros de la Academia de Hollywood, pero más allá del resultado, plantea una historia y cuanta con una realización que nos tocará en el corazón, por lo menos a los sensibles.

Astro Boy en la década del 60 y 70 copaba las tardes de Canal 11, por entonces el canal de Leoncio.

Los que éramos chicos nos deleitábamos con las historias de este niño que volaba y su relación con el profesor Elefant.

Pasaron más de 40 años y Astro Boy sigue siendo un niño que vuela y conquista, ahora a través de la cinematografía.

A esta altura Astro Boy resulta un personaje demasiado viejo e ingenuo para las nuevas generaciones acostumbradas a los dibujos más destructivos.

Es quizás éste “Astro Boy” una ceremonia de nostalgia para quienes hemos vivido sus historias cuando éramos unos locos bajitos.

Fue tan importante y exitoso Astro Boy en nuestra televisión que hasta en 1976 se editó una historieta mensual que se vendía en los kioscos de diarios y revistas.

Para los chicos Astro Boy termina siendo el héroe que tenía papá y mamá cuando ellos ni siquiera eran un proyecto para este mundo.

Es una realización que se deja ver con mucha nostalgia.

Para los chicos de hace más de 40 años el personaje era un súper-héroe en blanco y negro. Hoy es sólo un chico grande que vuela en colores.

El debut sexual, el primer beso y los cambios corporales siempre ha sido un tema tocado por el cine. Incluso hace unos años “Cara de queso” fue un filme que si bien tenía sus falencias termina redondeando algo.

Aquí en esta producción de Uruguay, Argentina, México y España (falta algún país) la cosa atrasa y se nota. En primer lugar la dirección de actores no se hace presente, los chicos actúan sin rumbo y eso hace decaer lo que podría haber sido más que interesante.

Rafael Bregman de 13 años pierde la virginidad con una prostituta, pero lo que no logra es llegar al primer beso. El otro problema de éste adolescente son los granos, su inseguridad y la separación de los padres.

Aquí lo que no logra el director es modernizar esta historia que por momentos hace recordar la moralina de la ”Familia Falcón”.

Julián dice que es un hombre muerto y ha decidido suicidarse. Antes decide dejar a su novia Lucia (Emilia Attias), renuncia a su trabajo, busca en Internet comprar un arma y hasta se da el lujo de hablar con un sacerdote (Juan Leyrado) para comprobar si Dios existe o no.

Lo cierto es que a Videla se lo puede ver a través de viejas imágenes y curiosas tomas de archivo en donde Sábato y Borges comparten con el ex-dictador una reunión.

Lo demás es toda una historia que no es creíble. En primer lugar el supuesto asesino de Videla no vivió esa época y se deja llevar por lo que escuchó.

En otro orden de cosas la aparición sobre el final de Estela de Carlotto no aporta nada a algo que ha perdido el rumbo desde los primeros 5 minutos. Los actores hacen lo que pueden y es por culpa de un guión inconsistente y ambicioso.

A esta cena le falta gracia, diálogos más ingeniosos y por sobre todas las cosas un poco de humor. A ese humor llamémoslo sutil o corrosivo. Hubiese sido bueno disfrutar de una cena de amigos con situaciones más jugadas. La hora cuarenta no se hubiese hecho insoportable como ocurre.

Dany Boon está comprobado que es un buen comediante, el último año lo hemos visto en “Bienvenidos al país de la locura” y demostró que tiene oficio. Aquí está desaprovechado puesto que los diálogos no terminan de convencer.

Todo transcurre en una cena, que con el paso de los minutos comprobaremos que son varias y anuales.

Allí la dictadura de la apariencia, las penas asfixiadas y los códigos de los comensales dejan visualizar que detrás de esas máscaras se esconden otras cosas. Cosas que no terminan de explotar puesto que los conflictos quedan sin resolverse.

Boy Olmi, actor y productor de larga trayectoria en el medio artístico, debuta con esta ópera prima en el rol de director.

Difícil de definirla en algún género. “Sangre del Pacífico” por momentos parece un filme épico, en otros una película de aventuras para niños. Pero no es ni una cosa ni la otra.

Ambientada la acción frente al mar y con una destacada participación de China Zorrilla, cuenta con muy buena la fotografía y algunos atendibles efectos especiales. El resto navega en una dirección incierta de la cual no hay una salida coherente.

La gran falla de la peli de Olmi es que el guión pierde la dirección y eso hace que “Sangre del Pacífico” haga agua por todo el océano. Lástima, la intención es muy buena, pero no basta con las buenas intenciones.

Luis Cardei fue un cantor de tangos que la yugó de abajo hasta hacerse un lugar en el mundo del tango. Canturreaba en cantinas y bares de mala muerte hasta que de tanto insistir llegó a ser la gran figura del Club del Vino.

Su vida no fue fácil. De chico estuvo postrado hasta que consiguió salir de a poco, fue hemofílico y sufrió. Sufrió cuando dejó a su mujer y se fue detrás de María. Fue volvió y nos dejó.

“El torcán” muestra los avatares por los que pasó Luis Cardei hasta llegar a ser un cantor conocido. Quizás la figura de Cardei no fue muy popular para los que no están dentro del tango. Por eso esta realización sirve para mostrar que Cardei fue un cantor que supo brillar a pesar de no haber estado en televisión.

“Pino” Solanas en su película “La nube” lo tuvo como actor y cantor. Esa fue la única participación de Luisito.

Aquí, en esta peli de Arregui además de Osqui Guzmán (estupendo encarnando a Cardei), aparece Rodrigo de la Serna, y Alfredo Cardei el hijo del tanguero evocado .

Recomendable para los amantes del tango, y para quienes quieran conocer una historia de un torcán nacional.