El Discurso del Rey

Carlos es un tipo cuarentón que piensa que él es Elvis, en su reencarnación canora perfecta: "Algunos nacen con un don, como yo...!" -explica a su pequeña hija-, y si, a no dudarlo... canta excepcionalmente, y destacable es el protagonista seleccionado (John Mclnerny), quién lo hace naturalmente sin ningún tipo de doblaje de voz, y esto es el acierto 1 del filme.

El guión va por el lado de un personaje que en su diario vivir imita en carbónico perfecto al "Rey" Presley, -alguien puede comer en la Argentina: sandwiches de mantequilla de maní con rodajas de banana..??-, pero su supervivencia mundana detenta oscuros fragmentos como la relación con su ex mujer y su hija niña que es conflictiva, aguantar un trabajo rutinario y pesado de soldador, relacionarse con placeres pasajeros como alguna que otra puta, y aceptar ser figura en un submundo de imitadores que maneja una agencia de dobles, y eso si: cantar en cualquier sitio, y a veces en los peores. Todo cabe en esta historia, donde estamos ante otro hombre que está solo y espera, un cambio quizás...un algo distinto.

El nieto del gran Armando Bó, e hijo del "ex-superangente" criollo de la pantalla: Víctor, viene bien con esta propuesta, alberga posibilidades de estar ante una promesa interesante del cine autóctono, y tiene además de talento su posibilidad ampliada -aqui por ejemplo hay dinero de coproducción americana y participación activa en el proyecto de Alejandro González Iñárritu, para quién el director trabajó como guionista en "Biutiful"-, ya que ha logrado un filme conmovedor y magníficamente trazado, sin dudas.

En Compañía de los Lobos

Hay varios títulos enmarcados dentro del denominado "Cine de supervivencia" que atesoran los cinéfilos, algunos como "Ocho a la deriva", "Isla en el cielo", "Arenas del Kalahari", "El Vuelo del Fénix", "La presa desnuda" -"La prueba del León" en Argentina-, "Deliverance, la violencia está en nosotros", "Viven!", "Naúfrago" etc, ahora súmese esta otra que muestra el accidente aéreo de un grupo de trabajadores de una lejana refinería, y la peculiaridad de que apenas sobrevivan un puñado, inmersos en una tierra hóstil e inhóspita de la fría Alaska y con el agregado del acoso pertubador de manadas de salvajes lobos.
Al frente del grupo que componen tipos indisciplinados, rebeldes y ex-convictos, se halla de repente como referente otro tipo solitario que trabaja como encargado de aniquilar a los (también) lobos que merodean ferozmente el sitio de trabajo, y que ahora deberá enfrentar
la situación del "salvese quien pueda", esta vez sin arma alguna y apelando tan solo al ingenio.

El director Joe Carnahan ofrece un fuerte ejemplo de narrativa visual que mantendrá al espectador con los pelos de punta y al filo de la butaca, nada relajado por cierto. Bien filmada y fotografiada, aunque de a ratos se muestre como un thriller existencialista, la propuesta funciona sin dudas y entretiene.

El León del Desierto

Uno vé "El Príncipe del desierto" -mejor su título original: "Black gold"- y si se es cinéfilo parece sumergirse en la cápsula del tiempo, es un volver al disfrute de las grandes aventuras en amplios espacios, sin recurrir a los hoy tan utilizados efectos especiales.
Nosotros vemos 100 guerreros cabalgando bajo el implacable sol y sin dudas lo son en verdad, aquí no hay dibujo que valga, ese mérito del director Jean-Jacques Annaud ("La guerra del fuego", "En nombre de la rosa", "El Oso", "El amante", "Siete años en el tibet",etc) le otorga un algo especial que lo convierte en plato de alto paladar para aquellos que aún hoy buscan en el cine los grandes relatos descendientes del mentado folletín que intercalaba la acción con el romance en ambientes exóticos, y que dió grandes clásicos del cine.

Aquí aparece el enfrentamiento entre dos tribus y como acuerdo de paz supondrán que nadie toque el llamado "Cinturón amarillo", pero un día algún perdido buscador yanqui hallará en ese sitio una veta de "Oro negro", y así el capitalismo productivo volverá millonario a un pueblo y el otro hará carne de dignidad sin aceptar el potentoso líquido elemento. Obvio, llegarán asi los enfrentamientos, pero clave de la historia es que los hijos de uno de los jeques -que perdió la primera batalla- dió como entrega de rehenes sueltos a sus dos pequeños hijos, ellos se harán grandes y para suerte o desgracia del guión, se verán entre dos fuegos.

Cuando algún crítico aplaude la banalidad y la estupidez fílmica de "Los juegos del hambre", que deberían decir de esta aventura servida en bandeja, y entretenida ciento por ciento...?
En el elenco actoral sobresale con nota alta, la presencia del estupendo Mark Strong como el jeque abatido y que dado a su vencedor sus hijos, su antagonista es Antonio Banderas, quién no desentona en su rol, aunque juegue al árabe con tonos de voz similares al del "Gato con botas".

Quién te cuida del guardia...?

El policía de pueblo Gerry Boyle, adicto a la cerveza negra y a las prostitutas, capaz de ser un grosero completo y jodido con sus acompañantes de servicio, saldrá de su rutinaria labor ante la desaparición de un reciente colega y por otro lado de hallarse pronto inserto en medio de un conflicto, ya que su habitat se ha convertido en un espacio importante para un red de narcos.
Ergo la llegada al lugar de un agente de FBI que tiene asignado el caso, no le provocará menos problemas, y encima como su nuevo "buddy" es un hombre de color, Boyle (tan prejuicioso como incorrecto) explicará a flor de labios: «soy irlandés, el racismo es parte de mi identidad».

Diálogos ingeniosos, un humor negro y corrosivo, buena fotografía, una banda musical sorprendente y un alto oficio actoral tanto de Brendan Gleeson (Boyle) como de un magnífico Don Cheadle (el agente que juega de visitante) son los plus de esta comedia con ingredientes de acción y crimen -por momentos nos recuerdan a las algo más light pero jocosas clases B del cine inglés del personaje de Agatha Christie: Miss Marple, con aquella disfrutable actriz ancianita llamada Margaret Rutherford-, en el reparto de "El Guardia" aparecen también: la estupenda actriz irlandesa Fionnula Flanagan -aquella de "El Divino Ned", y "Los Otros"- y brevemente: Mark Strong, un carismático y múltiple actor visto en un mes en "El Topo", "John Carter, entre dos mundos" y "El Príncipe del desierto", nada menos.

Se trata de un solvente filme de calidad cinematográfica, sin dudas.

Chicos matando Chicos

Si voy a contar que me pareció entretenida, bien hecha..y no lo vamos a negar, y si también critiquemos que el final se extiende sin mucha fuerza, pero el tema es que a esta peli le sobran algunos malos ejemplos, basta el básico que significa la supervivencia de los chicos que deben aniquilar sin prejuicios y pensando en frío a sus rivales que son otros jóvenes sorteados a la bartola. No hay opciones: a correr y hacer correr la sangre, o sea hay un claro basamento de una sociedad perniciosa y fascista, que dominante sostiene estos juegos de atracción popular, embuída de signos muy similares a los nazis (estandartes y demás...). Las clases sociales también están divididas en pobres infelices humildes -de donde salen los competidores-, y otros con cultura cool al "Lady Gagá" style...!!

Suerte de reality-show, semejante a un burdo "Gran Hermano" inescrupuloso y vil (los pibes elegidos para participar de la maratón asesina parecen escapados de un campo de concentración), la peli toma cosas de la sociedad actual y en eso es sincera, a poco nos falta salir a la calle con casco, escudo y armados hasta los dientes, por el maltrato reinante, la inseguridad, etc, pero sabemos que ese no es el camino.
Hemos conocido en el pasado filmes de supervivencia a consta de sangre: "Rollerball", "Carrera conra la muerte" y siguen los ejemplos, o sea tampoco hay acá nada novedoso en materia guión cinematográfico.

Jennifer Lawrence sigue desarrollando su buen papel de "Lazos de sangre" (chica sufridísima en extremo ) y lo hace repetitivo, hay una gran cantidad de actores en el reparto algo desaprovechados: Woody Harrelson, Donald Sutherland, Sntaley Tucci, Toby Jones, etc.
Ahora ante el éxito de esta producción parece existirán al menos dos secuelas, de esa si que no nos salvamos!!!

Matrimonios y algo más

Roman Polanski tomó la obra teatral "Un dios salvaje" de Yasmina Reza, exitosa en todo el mundo -incluída Argentina-, para volcar su versión en el cine. Se sabe que trasladar una pieza de tal índole a la pantalla grande puede ser algo riesgoso, complicado y pretencioso, máxime cuando los roles importantes y únicos están solo a cargo de 4 actores, por ello hace recordar a ese "tout de force" actoral llamado "Quien le teme a Virginia Woolf?" (1966, Mike Nichols), aunque este era muchísmo más denso, asfixiante y crudo, otro ejemplo de traslado de 4 actores como base ha sido "Closer" de Nichols too.

Cuando un chico golpea a otro en el parque y le saca un diente, los padres de ambos se convocan para establecer un diálogo, un amable departir en busca de un compresión del hecho. Será reunirse para superar el conflicto, algo esperable de personas sociables, de gente burguesa y hasta comprensiva, pero no...lo amable del inicio puede transformarse en un caótico "toma y daca", donde aflorarán miserias, hipocresía, una doble moral discursiva, y hasta reproches mutuos para las internas de cada pareja. Como en la vida misma, por supuesto el humor rodea muchas de las circustancias agrias.

El guión compartido entre el director de "El bebé de Rosemary" y la autora teatral que salta así al espacio fílmico, está correcto. La complejidad de mantener en vilo al ocasional espectador con tan solo 4 actores en un mismo decorado, un realizador con el oficio de R. P. lo puede sostener bien hasta el final de esos 80 minutos de metraje.
Las actuaciones son superadores de la propuesta cinematográfica en si, Jodie Foster es tan irritable que alguno puede tener ganas de sacudirle desde la platea con algo, Kate Winslet está medida, menos desbordada que su compañera actriz, John C. Reilly hace un trabajo meritorio en ese esposo vendedor de electrodomésticos, y Christoph Waltz es un cínico abogado -labor memorable-, que tambien colgado de tanto celular, y manteniendo esas charlas telefónicas tan molestas puede provocar nuestra antipatía.

La Aventura supermillonaria

Edgar Rice Burroughs(1875–1950) fue un prolífico escritor de género fantástico célebre por sus series de historias ambientadas en Marte, de Pellucidar -que tienen lugar en el centro de la Tierra- y, en especial, por la creación del mundialmente famoso Tarzán.
Entre sus celebridades de personajes es indudable que el más popular fué este último, vertido miles de veces en filmes y series de tv, pero también "La princesa de Marte", en la cual se basa esta nueva propuesta de la productora Disney. Aquí el héroe John Carter que es militar en la Guerra de Secesión y que huye de una horda de apaches se esconde en una extraña caverna y por un hecho fortuito se vé trasladado de una a Marte.
Allí lo aguarda una fantástica aventura con criaturas llamativas -el encuentro primero entre éste y ellas es formidable-, son habitantes rarisimos de 4 metros de altura y con un idioma que luego de (otro) hecho le será entendible. Pronto se hallará con una princesa y en el medio de un batalla entre pueblos marcianos.

El genuino sabor de la aventura a lo grande -tipo saga "Star wars", donde indudablemente abrevó George Lucas y unos cuantos más- se hace presente y pese a uno que otro reparo que no la determinan como fuera de lo común en su propuesta, es lo suficientemente disfrutable como para engancharse en la historieta con buenos efectos especiales y maravillosa fotografía entre otros valores fílmicos.
Cuanta boludez en 3D y mega promoción de otras pelis actuales caen en un bodrio impresionante, aquí en cambio si uno quiere disfrutar cual niño que cree en la posibilidad de un guión lleno de géneros entremezclados -del western a lo épico, de la CF a la más absoluta fantasía-, la oferta puede superar a lo esperable.

Andrew Stanton, director de "Buscando a Nemo " y "Wall-E", se las ingenia para montar esta aventura demasiado costosa (250 palitos verdes, y algunos aseguran más sumando tema promoción) que seguramente no recaudará la inversión, razón por la cual está verde la continuación de la saga, lo cual sería un lástima pero el cine tampoco es perfecto en conjunción industria-números.

La película sorpresa

Uno es ya un cinéfilo obsecuente que tan solo pretende ser sorprendido con buenos relatos, recuperación de la alegría de observar filmes, sintiendo el espacio oscuro de la sala como religioso y espiritual -aunque no tanto-. Toparse con "Drive" es similar a lo acontecido años atrás con "No country for old men" de los Hnos. Coen., es simplemente rescatar la maravillosa experiencia del pleno disfrute de un género magistral como el cine "Noir" -el pollicial oscuro-, pero no solo esa fría formalidad fílmica sino que aquí también estamos frente a una suerte de western moderno -de hecho hay un remedo de "Hombre sin nombre" al estilo Eastwood en el protagonista- que quizás algún engañoso trailer haya hecho creer al público pochoclero que se trataba de un ejemplo cercano a la serie de "Rapidos y furiosos" y nada más lejos.

El director danés Nicolas Winding Refn muestra genialmente un interesante juego de climas cinematográficos, con un solitario conductor que gana su sustento siempre al servicio del volante -actos delictivos incluídos- hasta que se vé envuelto en un hallazgo amoroso, y allí el guión pasa a estado "romance", pero como esto es cine bien narrado en un segundo se puede pasar al estado "híperviolento", y aquí el gran ejemplo es la estupenda escena de las tres personas en el ascensor.

Audiovisualmente el filme marca alto, siendo su presentación un verdadero muestrario del porqué, hay planos que lo dicen todo, una iluminación acertada, hay personajes variopintos que poseen una rica descripción que los hace imprescindibles. Ryan Gosling está perfecto
(a Clint E. también le sacaban mano cuando era impenetrable en sus añejos westerns), Carey Mulligan es tan actriz que solo precisa mostrar pequeñas muecas en sus estados animosos, los gangsters de Albert Brooks y Ron Perlman son insuperables, y así todos.
"Drive" supo apoyarse en referentes necesarios del cine: todo se arrima con nostalgia a Michael Mann, o Scorsese de "Taxi driver", a Kitano, y hasta el polical francés de Jean Pierre Melville en "El Samurai", en lo personal me retrotrajo a esa obra de mi niñez como fué "Vanishing point" (Carrera contra el destino) que mostraba la sensación de libertad del hombre y su máquina, a costo del acoso violento. Nada produce más placer al cinéfilo que estar ante una joya del cine que será de culto.

Una de (verdaderos) Espías:

John Le Carré es un exitoso y archiconocido autor de novelas sobre espías, luego de vender durante décadas, algunos de sus textos llegaron al cine: "El espía que volvió del frío", "El espejo de los espías", "Llamada para el muerto", "El sastre de Panamá", "La Casa Rusia", "El jardinero fiel" etc, "El topo" (Tinker, Tailor, Soldier, Spy), fué adaptada por la BBC en 1979, con Alec Guinness, y se pasó en Argentina en la antigua ATC en varios capítulos, ahora llega finalmente a la pantalla grande.

Tomas Alfredson -director a tomar muy en cuenta- narra la historia con todas las madejas enredadas que pueda uno imaginarse acerca de una misión que fracasa en Hungría y que desencadena irregularidades en un cúpula de mando de los servicios secretos británicos.
El veterano agente Smiley (soberbio, medido, genial Gary Oldman que fué candidateado al Oscar hace semanas por esta labor) debe encargarse de averiguar quién es el "infiltrado" que está pateando para los servicios rusos. Nada facíl será la tarea, y así irá encajando las piezas de un gigantesco rompecabezas, al cual el espectador no deberá perder ni distraerse un segundo, ya que la historia va y vuelve y así.

Lo curioso es que el realizador plantea la trama como si uno viera una de aquellas pelis del género de espionaje hechas por los años 60 o 70, con muchas trabas y hasta cierta lentitud, con cero efecto especial o dinámica visual de ritmo clipero. Vale aclarar que el filme solo gustará a quienes prefieren observar un guión complejo pero sustancioso en enigmas y misterios por resolver.
Hay traiciones, mentiras, pasadas de factura entre los hombres grises que integran la galería de duchos hombres de doble vida, y hay para reforzarlo un sólido reparto de actores británicos que son una maravilla de maravillas: Colin Firth, Ciarán Hinds, Toby Jones, John Hurt, Mark Strong, Benedict Cumberbatch, Simon McBurney, es decir todos honrosos intérpretes que dan calidad a la propuesta.

Con suficientes méritos artísticos que van de una fotografía, estupenda tanto como la dirección de arte, banda sonora, etc estamos ante una producción digna de recomendarse, pero no a todo el mundo.

El Amor al cine

Filme que ha generado controversias de crítica y público pero que de ningún modo puede ser ninguneado o merecedor de rótulos como bodrio, no...el filme tiene el maravilloso don de que salgas de la sala con cierta felicidad en el corazón, y eso es tangible, se vé al encenderse las luces, como ocurre con que "Caballo de guerra" de Spielberg haga también llorar a todos sus espectadores. No olvidemos que está correcto que el cine nos produzca cosas o modifique al espectador, aunque coma pochoclo durante la proyección.

Con "El Artista" pasa mucho de ello. Sin pensar en que uno va a ver un guión enmarañado de situaciones inesperadas, nada de eso, se trata de un argumento simplote, donde un personaje: George Valentin, estrella del cine mudo vé truncada su carrera por la inoportuna llegada del cine sonoro, al mismo tiempo aparece Peppy Miller, figura de actriz que conquistará al público y se transformará en lo que Valentin fué, así sus vidas se entrelazarán mágicamente.
De hecho estamos ante un homenaje absoluto al séptimo arte, y de otra declaración de amor al cine, algo que reviste influencias del inmenso clásico fílmico "Cantando bajo la lluvia" de Stanley Donen, o "Sunset boulevard" de Billy Wilder, y hay también mucha situación "chaplinesca", y la permanente concomitancia del protagonista con el inolvidable astro del cine mudo: Douglas Fairbanks. El hilo de la trama ofrece dos romances o la consideración de dos amores: el de Valentin y Peppy, y por otro lado el del director francés Michel Hazanavicius al cine, cosa que aparece lograda sin dudas.

Jean Dujardin es el actor acorde a la historia e insuperable en su labor protagónico, junto al perro Uggie que se hurta parte del relato, la argentina Berenice Bejo es una simpática y enamorada Peppy, aparecen actores notables como el gran John Goodman en el rol de un productor y James Cromwell en el fiel chofer. Una artística impecable, un tratado de imagen idem, también una iluminación en B y N que destaca y refina la propuesta, sumándole una necesaria banda musical de Ludovic Bource, que a su vez incluye fragmentos de Bernard Herrmann pertenecientes a "Vértigo" de Alfred Hitchcock.

Paraíso Hawaiano

A Matt King (George Clooney) las cosas no le han salido bien ultimamente, su esposa tuvo un accidente en el mar y está en coma, así que debe hacerse cargo de sus hijas sin saber mucho al respecto, una de 17 "toda-rebeldía" y una de 10 -que se las trae-, encima asoma el fantasma de la desconfianza con la posibilidad que su mujer estaba en plena infidelidad, y finalmente debe por su trabajo, vender unas tierras vírgenes hawaianas que han pertenecido por generaciones a su gran familia de primos y parientes.

El director Alexander Payne es un dignísimo buceador de los personajes naturalistas ante situaciones, y sino recordar ese jubilado de Jack Nicholson en "Las confesiones del Sr. Schmidt" (2002) que hallaba varias encrucijadas en su vida, y además todas al mismo tiempo, o los dos amigos de "Entre Copas" (2004) -quizás su mejor filme-, que debatían y escanciaban vinos en medio de ambiciones fallidas y su juventud marchita. En "Los Descendientes" vemos al protagonista replantearse su vida, y con un panorama ante él de desiciones significativas a tomar.

Con momentos de humor, y el telón de fondo de un espectacular Hawaii en destacada fotografía, con actuaciones de relevancia: Clooney va para el Oscar seguro, pero las dos que van de hijas son maravillosas actrices, suma el abuelo insoportable de Robert Foster y un reaparecido Beau Bridges como un primo, y finalmente un filme muy bueno, disfrutable, recomendable de ver. Payne aún sigue garpando, diría un amigo.

Verne otra vez

Si hay algo filmable son las eternas novelas del gran Julio Verne, las mismas que en libros leíamos imaginando mil aventuras asombrosas y de placer infantil o adolescente sin fín. Ahora llega esta nueva y remozada adaptación vía Hollywood que tiene el plus de integrar algo de otras similares fantasías literarias como "Los viajes de Gulliver" de Jonathan Swift y "La isla del tesoro" de Robert L. Stevenson, más el desarrollo visual del 3D y efectos especiales de última generación, lo cual redondea la propuesta.

El chico Sean Anderson (Josh Hutchernson) recibe una señal de auxilio de su extraviado abuelo que se ha perdido en busca de misterios hace varios años (nada menos que Michael Caine en simpático rol) e irá en su búsqueda a la isla del título que está por la Polinesia, pero se le adhieren: su tutor (un ajustado y cómodo al papel: Dwayne Johnson) más una chica atractiva (la Ex-"High School Musical": Vanessa Hudgens) y su padre (Luis Guzmán que viene a llevar la parte cómica del relato).
El equipo mencionado recibirá sorpresas tanto con la fauna y flora del lugar paradisíaco como las fuertes situaciones climáticas que los acosarán, logrando un relato entretenido y hecho con profesionalidad y rigor, eso no cabe dudas. Quizás con menos magia e ingenio que aquella memorable "La Isla Misteriosa" de Cy Endfield (1961)que presentaba efectos del no menos grandioso Ray Harryhausen, pero claro los tiempos cambian y esta será de la preferencia de los niñitos de hoy.

La dama oxidada

La señora Thatcher que parece tan naba y deshabrida de joven, llega con sus ambiciones a ser sobresaliente y única mujer en la bancada del parlamento británico con los años. Su fuerte conservadurismo, tan recalcitrante como discutido en su país traerá conflictos notorios como huelgas (se enfrenta a los sindicatos, provoca el cierre de minas, etc) y entra tantas malas hierbas el detallecito de la guerra de las Islas Malvinas con nuestro país, a propósito en un momento sostiene "Quienes se creen esa banda de asesinos y fascistas que gobierna Argentina..???" en opinión de la Junta miliatr que nos gobernara.
Pero el hilo del argumento en el filme de Phyllida Law -que quizás sea error de haber ubicado a esta directora (la misma del musical "Mamma Mía!")- va por el lado de la Mrs. Thatcher posterior, la de los últimos años, que ya es presa de su desvaríos, sus enfermedades y una decrepitud galopante, que entre otras cosas la hace creer en su locura que aún es la Primer Ministra o mantener continuas charlas con su marido muerto hace años. Acotemos que como una jugada de burlón humor el fantasma del esposo es mucho más vital que ella con vida.

La actuación de Meryl Streep es de la calidad interpretativa más alta, más calificada, ya no reviste sorpresa. Todo lo hace bien.
No existen palabras para marcar su talento y capacidad a la hora de meterse en la piel de cualquier personaje por más difícil que sea.
Ella es el filme, si hay que verla es para aplaudirla a ella, pero el guión deja gusto a poco, faltó algo más, quizás como dijimos una dirección más polenta.

El Humor Anárquico

La dupla exitosa Diego Capusotto-Pedro Saborido son genuinos en lo suyo, han fabricado un estilo de humor definido, mordaz, crítico, y este traslado de la pantalla de TV al cine y para colmo en 3D no ha hecho más que ampliar -pero no superar- a lo visto anteriormente, cosa que público y súper fanáticos no salgan defraudados y por supuesto que esto no ocurre, ya que apoyándose en la tecnología actual el citado dueto dispara munición gruesa sobre la sociedad actual y argentina, siempre desde el lado del disparate, y si bien ahora no aparece la Pizzería "Los Hijos de Puta", conoceremos el Complejo cinematográfico de la misma razón social por ejemplo entre otras tantas cosas, como la explicación acerca de en que consiste el 3D.

Tomando un explicación vacua acerca de que significa el entretenimiento, y con el referente hilo conductor en los distintos sketches está la desenfrenada Violencia Rivas que provoca reacción en la platea como -en menor aparición- clásicos personajes como Jesús De Laferrere, Pomelo o el muy festejado Micky Vainilla que arma una delirante "Arca de Noé", para alejarse de lo que critica. Dueños de una visión nihilista y anárquica, actor y guionista-director se sirven de recursos animados y actuados que bien se dejan llevar en la pantalla grande, y por consiguiente el resultado final está allí en el espectador. Nada nuevo pero que divierte, divierte.

Secreto en el Archivo

El viejo Clint Eastwood es imperecedero, sabe hacer buen cine como pocos, y aunque quizás sus más recientes filmes como "Invictus" y "Más allá de la vida" sean los menos buenos, aquí parece retomar esa fibra de cineasta abarcativo e ingenioso.

J. Edgar Hoover fué durante casi 50 años un férreo custodio de los controles de seguridad americanos como líder del FBI, mucho antes de que estos mostraran al mundo que eran capaces también de ir por "Megaupload" y destruirlo. Logró infiltrarse donde nadie podía y armarse un archivo con secretos de todo tipo, conociendo y quizás deplorando a más de un presidente democrático -su odio a los Kennedy resalta en el guión-, por otro lado sus propios secretos también aparecen al haber sido un homosexual de closet y un pusilánime sumiso a su madre en la intimidad del hogar.

La calidad de interpretación de Di Caprio en el rol protagónico es
excepcional, nadie mejor que él para convencernos de la figura discutida de tan jodido humano, Eastwood sabe sacar lo mejor de él como actor, como también hacer que la trama vaya y vuelva en épocas todo el tiempo. A veces las biografías en el cine caen en bolsa agujereada y otras salen a la superficie airosamente como en este caso, logrando un filme altamente recomendable a la hora de hablar de los vericuetos del poder político y sus extremos.
Son remarcables las actuaciones de Judi Dench como la madre, Naomi Watts dice mucho con sus gestos silenciosos y miradas, interpretando a la fiel secretaria de Hoover y cualquiera de los roles de los actores de reparto está notable. Sin dudas un filme importante y necesario.

Y donde está Crónica TV...?

Un tipo arriba de una alta cornisa amenazando arrojarse al vacío llama la atención de los transeúntes allí abajo, provoca reacción tanto en la policía como en los medios televisivos, toda la movilización incluye a su vez a una mediadora psicóloga, que intenta persuadir al supuesto suicida que en verdad está intentando una distracción colectiva, ya que allí cerca se está produciendo un importante robo de diamantes.

Si uno entra a ver esta peli intentando lógicas pensantes, que no vaya, ya que se trata de una propuesta de entretenimiento puro y por ello intenta sorprendernos con impensables salidas todo el tiempo, las cuales tienen su atractivo por cierto y la adrenalina acorde al caso. Sam Worthington es el protagonista correcto y solo eso, Elizabeth Banks es la bellísima mediadora, Ed Harris está excesivamente payasesco con su villano exagerado, el chico Jamie Bell que se hizo famoso como "Billy Elliot" muestra que ha crecido, Edward Burns conoció buenas épocas para ser ahora un actor casi complementario, Kyra Sedgwicki es buena actriz y acá está como de paso en su movilera de TV, y está la sorpresa de la hermosísima latina Génesis Rodríguez -hija del famoso "Puma" José Luis Rodríguez-La gente que disfruta el cine de entretenimiento bien hecho y standart, la va pasar muy bien con esta peli pochoclera 100 por ciento. Por cierto si su guión es muy fantasioso poco importa en este caso. Y donde está Crónica TV...?? :

Un tipo arriba de una alta cornisa amenazando arrojarse al vacío llama la atención de los transeúntes allí abajo, provoca reacción tanto en la policía como en los medios televisivos, toda la movilización incluye a su vez a una mediadora psicóloga, que intenta persuadir al supuesto suicida que en verdad está intentando una distracción colectiva, ya que allí cerca se está produciendo un importante robo de diamantes.

Si uno entra a ver esta peli intentando lógicas pensantes, que no vaya, ya que se trata de una propuesta de entretenimiento puro y por ello intenta sorprendernos con impensables salidas todo el tiempo, las cuales tienen su atractivo por cierto y la adrenalina acorde al caso. Sam Worthington es el protagonista correcto y solo eso, Elizabeth Banks es la bellísima mediadora, Ed Harris está excesivamente payasesco con su villano exagerado, el chico Jamie Bell que se hizo famoso como "Billy Elliot" muestra que ha crecido, Edward Burns conoció buenas épocas para ser ahora un actor casi complementario, Kyra Sedgwicki es buena actriz y acá está como de paso en su movilera de TV, y está la sorpresa de la hermosísima latina Génesis Rodríguez -hija del famoso "Puma" José Luis Rodríguez-La gente que disfruta el cine de entretenimiento bien hecho y standart, la va pasar muy bien con esta peli pochoclera 100 por ciento. Por cierto si su guión es muy fantasioso poco importa en este caso.

La extraña pareja

David Fincher es un director favorito nuestro, "Seven", "Benjamín Button", "La red social" y sobre todo ese mayúsculo "Zodíaco" (2007) entre otros títulos componen una filmo interesante, notable, ahora al hacerse cargo de la versión "Mainstream" de la novela de la trilogía "Milennium" del danés Stieg Larsson, extrapola fílmicamente aquella danesa del 2009: "Los hombres que no amaban a las mujeres", para otorgarnos su adaptación, sin caer en una mera "remake" a la yanqui, es decir ofrece una mucho más que interesante peli.

Un periodista, a quien le han ofrecido armar un puzzle nada fácil: se trata de hallar el paradero de una sobrina muy querida de un magnate que hace 45 años desapareció, y que según parece podría hasta haber sido asesinada por algún miembro de su familia importante y reconocida, que parece tomada de un drama shakesperiano, aunque por ratos se asemeje también a un juego intrigante en el mejor estilo Agatha Christie, recubiertos por el paisaje (real) del invierno danés.
Así el tipo (Daniel Craig que sigue intentando despegarse de su imagen Bond) es ayudado por la chica dark que nunca mira a los ojos y es una pinturita de "hácker": Lisbeth (Rooney Mara camino a su consagración, ya que si bien quizás no gane su oscar a mejor actriz, hace inolvidable su papel), y juntos y hasta algo revueltos -por no decir involucrados- intentarán desmarañar una telaraña de misterios, yendo tras la huella de algún asesino de mujeres.

Con una impresionante secuencia de títulos con la "Canción del inmigrante" por Led Zeppelin, hay que decir además que la música juega rol destacado en la trama y hasta se permite en un momento cruel de jugar con el fondo de "Orinoco flew" de Enya, con una carga dura, retorcida y no apta para espectadores sensibles, buena fotografía y magnífico montaje, con actores en el reparto de relevancia: Christopher Plummer, el gran dramaturgo inglés Steven Berkoff, Stellan Skarsgård, la bellísima ex mujer en la vida real de Sean Penn: Robin Wright, Joely Richardson -hija de la inolvidable Vanessa Redgrave- y la veterana y siempre eficaz: Geraldine James, se confirma una propuesta genuinamente buena, con extendida duración pero siempre manteniendo en vilo al espectador. Bravo Fincher, bravo!.

La Política del culo sucio

George Clooney como director tuvo puntos a favor, el mejor: "Buenas noches y buena suerte" (2005), su debut fué con una mediocre y olvidable "Confesiones de una mente peligrosa" (2002) y entre medio realizó "Jugando sucio" (2008) que solo se editó en Argentina en DVD y que tampoco es gran cosa.
Ahora vuelve a la palestra realizadora con este thriller político que intenta mostrar los correveidiles y miserias y demases que suelen ocultarse tras las campañas e internas de un candidato (el propio Clooney) y un asistente joven que se halla en plena carrera a la cúspide como armador y jefe de prensa (el ascendente actor Ryan Gosling), claro que nadie imaginará como se presenta la complicación que podrá disparar todo al diablo, y perjudicar la imagen del candidato. En el plantel de asesores y contendientes especulativos hay hartos ejemplos del chanterío que casi siempre se mueve a espaldas de los propulsores de algún partido, aquí se reparten en los rostros de actores notables como Phillip Seymour Hoffman y Paul Giamatti, y hay una breve pero simpática Marisa Tomei como una inquieta periodista.

Es indudable que Clooney se vé motivado por el fenómeno político y sus aristas, su clara idea lo ubica en las antípodas del partido Republicano -se permite algún chiste al respecto-, pero no intenta modificar nada, solo muestra, ejemplifica algo de lo mucho que siempre esconde la política, y que sabemos de su "Culo sucio" que casi nunca sale a trasluz. Se sabe que ningún partido político, ninguno...orina agua bendita.

Servidumbre Humana

Situada en los años 60, la joven "Skeeter" (una Emma Stone que ya es un increible sorpresa en la actuación y un bombón de mujer) decide abrirse un poco de una sociedad inundada de vacuas mujeres, tan histéricas como (lo peor) racistas, y lo cumple a través de una propuesta literaria que sin dudas traerá conflictos de infierno chico en esa población acomodada y sureña (donde los negros jamás puede acceder a un baño usado por los blancos, por ejemplo). Así intenta volcar en un libro las vivencias de un grupo de mujeres negras que trabajan extenuadamente y bajo presiones sirviendo a esas blancas mujeres vestidas a la moda como tan insoportables, para ello recurre primeramente a Aibileen (Una magnífica Viola Davis, de quién ya habíamos resaltado su calidad interpretativa en su papel de "La Duda") y Minny (Ocatvia Spencer, no la olviden es magistral actriz).

Que las historias que aquí se cruzan terminan siendo sorprendentes y bien llevadas en un guión emotivo y no carente dramatismo como de momentos de cierto humor. Hay personajes notables como la madre (Amada Sissy Spacek) que pelea con su hija inaguantable (Una Bryce Dallas Howard estupenda), o la vecina onda "Marilyn" (la grandísima
Jessica Chastain, que vimos recientemente como esposa de Brad Pitt en "El árbol de la Vida") que también aporta sus rollos.
Sin dejar de mencionar a Allison Janney (la madre de Skeeter), o esa veteranísima de Cicely Tyson como la vieja criada Cosntantine, lo dicho, un elenco actoral insuperable, buenísimo, para dar marco a un historia tan disfrutable como recomendable.

Que hablar y mostrar las miserias humanas también tiene sus cualidades, los espectadores veremos gente reconocible en nuestras vida más que seguro.

La recuperación de la alegría

Los Muppets son extraordinarios, sus eternos e inolvidables shows de la TV, donde aparecian de invitados semanalmente los más grandes -pero los de verdad- los convirtieron en íconos, en preciable material de adoración y el hecho de su regreso "con gloria" como dijo alguien hace afortunadamente que tengamos ante nosotros, uno de los mejores filmes de este 2012.
Ante tanta comedia boba, carente de gracia, huevadas repetitivas, hallar una gema fílmica llena de gags efectivos, diálogos inteligentes, chistes que disfrutaran más los grandes que los chicos, no es poco.

Con una historia sencilla que trae un nuevo "muppet" llamado Walter, quien vive con su hermano humano Gary (Jason Segel, actor y uno de los guionistas de la peli)y la prometida de este (la siempre eficaz y estupenda Amy Adams), quienes durante un viaje a Hollywood descubren que un petrolero quiere arrasar con el viejo teatro de los históricos personajes que dan título al filme, asi que se las ingeniarán para convocar a Kermit (antes por obra y gracia de un doblaje añejo a quién conocimos como "René") y este irá en busca de toda la pandilla creada por Jim Henson, para salvar el lugar. Es decir como dice alguien estos muñecos dan la mejor cosa a la gente: alegría...!
No hay dudas que ver esta desopilante comedia siendo tanto niño como adulto nos depara felicidad infinita.

Espíritu aventurero

La introducción de un personaje clásico del cómic mundial como Tintin en el cine fue con los antecedentes de "Tintin et le mysteré de la toisón dór" (1961) y "Tintin y las naranjas azukles (1964), ambas de producción francesa con actores, en tanto que después serian las animaciones: "Tintin en el templo del sol" (1969) y "Tintin y el lago de los tiburones" (1972), en los años 90 se estrenó una serie animada por la cadena HBO que superó todo lo anterior visto, y ahora se conjugaron: Spielberg director y Peter Jackson como productor.

En esta ocasión se aunaron tres historietas combinándolas para desarrollo de un largo, que respecto a su animación da sobradas muestras de una notable, magnífica realización.A todo se le suma un guión perfecto, de vorágine total, de disfrute pleno, siendo el resultado final: un filme excelente, tan disfrutable como entretenido. Méritos de alta calificación cinematográfica, que desde el vamos arranca con una secuencia de títulos impresionante, muy a la manera de "Atrapame si puedes" también de Spielberg.
Es eso: el arte del montaje y de la narración fílmica a full, un juego de video game que festejamos, celebramos, como pocas veces se vé hoy en el cine. Al decir del especialista Fernando Martín Peña esto es "Alegría sin fin..!!".

Imparable

Genuino cine de súper acción que trae de vuelta a Tom Cruise - también productor - en la piel del agente Ethan Hunt, qué va al mejor estilo James Bond y aún sumándole peripecias y desafíos que hacen quedar al "Hombre Araña" casi casi como un porotito de soja.

Brad Bird, anterior director de las animaciones "Los Increibles" y "Ratatouille" (ambas Pixar) toma el timón de esta aventura imparable, que a causa de un ataque terrorista que vuela al Kremlin, inicia una rápida carrera cargada de adrenalina, emociones y peligros constantes, como siempre estas situaciones semejan a una montaña rusa descontrolada, que arranca en Budapest, y continúa por escenarios reales de Moscú, Dubai y Bombay. Cruise no está solo en el equipo agregan meritorias, eficaces participaciones: el ingenio de Simón Pegg -visto hace poco en la inteligente comedia "Paul"-, la belleza superlativa de Paula Patton, y un Jeremy Renner que jamás pasa desapercibido como actor en sus roles.

Esta nueva "Misión" supera quizás en mucho a sus anteriores antecesoras, su intensidad de aventuras -algo similar visto en la excelente "Las aventuras de Tintin" de Spielberg, esta misma semana- es un muestrario de montaje, fotografía y edición formidable.
Entretenimiento puro, sin escalas, el verdadero y genuino cine de distracción en su mejor ejemplo. A disfrutarla.

El camino de los sueños

Como definir una película como interesante, disfrutable, simple para muchos espectadores -o sea "pochocleros" abstenerse en estos casos-, que es casi mágica, de pocas palabras, y que lo que se habla o dialoga, es lo necesario. Para qué más? para qué música? Si ese viaje posee un ruido característico que nos hace pensar que nosotros estamos acompañando por la solitaria ruta a esos tres personajes: el parco camionero, y la joven mujer que viaja con su bebita de 5 meses a un lejano Buenos Aires. Que partieron desde Paraguay, con un acoplado lleno de troncos de acacias por transportar pero de pronto por un encargue este solitario hombre rutero deberá levantar a la madre y su hija.
Viaje que en definitiva conduce a un destino emotivo o incierto, se sabe. Algún crítico porteño como Quintín ha defenestrado en parte este filme debut de Pablo Giorgelli y lo ha hecho de manera egocéntrica y jorobada, para una película que es significativamente sensible y no "sensiblera" como pueden catalogarlos trasnochados especialistas, que creen remitirse aquél cine argentino -que si lo era como un "tic" agotador- de Muiño o Sandrini. Nada más lejos.
"Las Acacias" es una propuesta simple, mínima, nada del otro mundo, tampoco superadora de nada, salvo que en su economía de diálogos y situaciones, nos muestra su valor cinematográfico y por ende auspicioso para este nuevo realizador nacional. De lo mejor ofrecido este 2011 por la industria vernácula.

Suspenso al pesto

En los años 70 hubo una oleada de títulos que conformaron un género de alto voltaje en suspenso e intriga, cuando no en buenos ejemplos del thriller y hasta los derivados más explícitos como el "giallo". Que director italiano no los hizo..? Por esa tradición es ahora que el debutante realizador Giuseppe Capotondi nos ofrece este filme de crimen y misterio, eso si: nada descabellado ni para tirar cuetes, pero si sobriamente hecho, entretenido, y de factura impecable.

Todo se va dando con una serie de situaciones que atraviesa una camarera eslovena (la muy bella Kseniya Rappoport), el guión hará ir y venir la cosa para atrapar al espectador, como si se tratará de un juego de cajas rusas, con algo siempre guardado adentro -hay aquí en ejemplo una misteriosa foto tomada en Puerto Madero en Buenos Aires-, y asi se sumarán otros personajes que irán dando forma al relato cuyo traducible título original es "La hora doble" - y ya se verá el porqué-, bienvenido el género y más el procedente de la industria cinematográfica peninsular, un cine que siempre nos ha dejado títulos calificados y relevantes.

La mujer inmensa

Es curioso filmar una biografía en vida, aunque a veces suele ocurrir, bienvenida esta que toma la particular historia de Estela de Carlotto, y su realizador Nicolás Gil Lavedra la hace funcional, con verdadero respeto y sin caer en golpes bajos o esteretipos.
La figura significativa de una mujer que salió a pelear la vida por la desaparición de su hija secuestrada primero y la recuperación de su nieto nacido en cautiverio después, qué demostró junto a muchas otras abuelas que podía ser posible la recuperación de la identidad de niños apropiados en tiempos de la dictadura argentina.

Este filme es honesto y por ello consigue mostrar parte de la historia vivida con una recreación de época correcta, con un guión bien armado por Jorge Maestro y María Laura Gargarella, una eficaz labor actoral tanto de Susú Pecoraro -de notable peso y aproximación perfecta- como de Alejandro Awada que encarna a su marido Guido Carlotto -con economía de palabras, dando un increible capolavoro-, y hay una escena con Carlos Portaluppi que emocionará a la platea en general, y que no rebelaremos aqui.

Merecido filme, casi de obligatoria visión para todo aquél que le importe el pasado nacional como el futuro, porque la lucha sigue, siempre, esa mujer inmensa nos enseña, nos da un ejemplo infinito.

Como quien se desangra

Violeta Parra es uno de lo nombres máximos del arte latinoamericano, poeta, cantora, recopiladora, artesana, pintora, pero sobre todo una mujer de vida desagarradora, el director Andrés Wood nos introduce en el mundo planteado del personaje, para ir de a poco armando un rompecabezas de secretos, frustraciones y alegrías.

Hacía falta un filme sobre "la Parra", y Wood lo concreta con cierto aletargo en algunas escenas pero conduciendo un filme honesto, bien hecho y sobre todo de fuerza, ya que la actriz protagónica (Francisca Gavilán) es una talentosa insuperable, y hasta canta ella como Violeta, su escena brindando un recital en la Embajada chilena de París, entonando "Volver a los 17" es de antología realmente, como otras escenas: de niñita con su padre que canta en los bares, o cuando recorre las minas chilenas llevando su arte en una vieja furgoneta familiar, y ese paisaje ventoso, casi hostil de telón de fondo, completando una narración asimétrica, y para nada cronológica.

"La canción es un pájaro sin plan de vuelo, que jamás volará en línea recta" nos dice ella, dejando observar porqué aún es un ícono del arte popular, o como nos sucede que nada es igual o simple cuando oimos su "Que he sacado con quererte", o "Casamiento de negros" (que no se oyen aqui, y por citar dos temas bellos) o fundamentalmente ese himno llamado "Gracias a la vida", todo legado mayúsculo de una artista completa y controvertida, visceral y tremenda, que vivió como sostenía aquel final de "Don Segundo Sombra"....."Como quién se desangra..".

Una de Virus

Steven Soderbergh dirige esta historia de pandemia y crisis sanitaria, no lo hace ni con estridencias o barullo marketinero de escenas tremendas sino con austera pretensión de entregar un guión que atrae por ratos, y otros no tanto.
Desde iniciada la trama -con Gwyneth Paltrow en un aeropuerto de Hong Kong con rasgos de haber contraido algún virus enfermizo- y hasta bien entrada la historia, este realizador muestra un atractivo filme de inmejorable edición -el montaje es bueno-, pero luego todo se aletarga un poco con demasiado discurso y búsqueda nerviosa de lo que produjo la cosa.
Hay en el medio, un periodista rebelde bloguero que denuncia (Jude Law), un médico responsable y ético (Laurence Fishburne), el marido del personaje de la primera enferma (Matt Damon), otra especialista (Kate Winslet), una médica más que viaja adonde parece está el origen de todo (Marion Cotillard) en la parte que quizás parece más descolgada de la historia, y tambien en breves roles actores de la valía de Elliot Gould o John Hawkes, sin dejar de mencionar a esa estupenda actriz -va de Dra. también- llamada Jennifer Ehle, que parece un calco total de Meryl Strepp en lo físico y rostro, y que es quién más se juega en el relato como "Conejito de indias" de la ansiada vacuna.

Sin las dosis elementales de espectacularidad ni de escenas tensionantes, Soderbergh contruye un filme que al espectador por momentos sorprenderá un tanto con las dudas del mundo sobre el cual estamos parados y a expensas de cualquier situacion límite, nadie dejará de relacionar todo esto con la pasada Gripe porcina del año 2009.

El Amor en los tiempos de la Incomunicación

Vivir es un arte difícil, hallar el amor genuino otro tanto, encima de ser habitante de gran urbe con fobias, estados de ánimos cambiantes, abrumados por el trabajo e inmersos en cierta soledad social, bueno es cosa corriente hoy día, y eso es lo que rodea a los personajes protagónicos de este filme -basado en un primer corto- del director Gustavo Taretto.
Martín (Javier Drolas) asoma solamente por los mundos virtuales de la red, vive en su monoambiente y tiene por compañía un perrito heredado de su ex, en cambio Mariana( una sólida Pilar Löpez de Ayala, actriz española en ascendente carrera), vive en un dpto tan desordenado como lo está su cabeza. Y ya sabe uno como sutil espectador de esta comedia romántica y con mucho humor, con una notable puesta fotográfica, que algo ocurrirá para que ellos se conozcan. Pero lo destacable de esta propuesta fílmica es que lo rico del guión será precisamente esto, que ambos irán a través del relato y de las cuatro estaciones del año, vinculándose o transcurriendo con otra gente y/o personajes secundarios, para ensalzar la historia, que observa claras influencias del cine de Woody Allen -de hecho en un momento aparecen escenas de "Manhattan", que uno de los personajes ve en su DVD-, en unos curiosos secundarios
están Carla Peterson, Adrian Navarro, Rafael Ferro, Inés Efron y hasta un inexplicable cameo de Jorge Lanata.
El resultado del amor aquí es el muy buen, casi óptimo que surge de un realizador personal e inquieto por narrar esas historias que nos gustan ver en esto áridos tiempos de la incomunicación que nos rodea.

Las Circustancias del Amor

Pierre tiene un hijo que abandonó a su esposa con dos críos, y no tiene mejor idea que llevar a su nuera junto a sus pequeñas nietas a una alejada cabaña, ubicada en un inmejorable paisaje de montañas y campiña francesa. Allí entre pesadumbres y quiebres de la joven mujer, Pierre entre copas de vino y un fuego abrigado de leños, narrará a la chica una increíble historia de amor, que según él asegura fué el verdadero idilio de su vida.

La directora y tambien actriz Zabou Breitman -que aqui no actúa- ofrece una historia quizás ya vista antes (todos tenemos y/ o sufrimos una pasión así en la vida, ya sea para suerte o para desgracia), y rodea la narración yendo de París a Hong Kong -donde nace el romance-, de una atmófera intimista, precisa, con planos de ojos, cuerpos y manos que se dicen cosas, y certifica una propuesta por momentos conmovedora, melancólica, sobre las circustancias a veces profundas otras egoístas o cobardes que subyacen bajo las ruinas del amor perdido.

El protagonista Daniel Auteuil confirma que es un actor mayúsculo, genial, que muchas veces con tan solo gestos define una escena, sin recurrir a la palabra, y la hermosa actriz canadiense Marie-Josée Croze está estupenda en el rol de Mathilde, ese amor perdido, sanguíneo, y desestabilizante. Quienes gusten de un cine distinto hallarán aqui una película recomendable.

De las mechas

Una agradable sorpresa y significativa esta comedia americana situada un tanto más lejos y por ello más politicamente incorrecta que la serie "Sex and the city", quizás por que mentora es esa estupenda Kristen Wiig, tan protagonista de la historia como adecuada guionista, surgida del fabuloso ciclo de tv: "Saturday night live".
Su Annie está siempre al borde de un ataque de nervios por segura y mordaz competencia en el rubro "Dama de honor" de la boda de su amiga Lillian, pero el objeto de sus desavenencias es Helen (la bella Rose Byrne), que conforma algo en extremo de mina insufrible, melosa y a la vez jorobada, este enfrentamiento feroz en clave de hilarante comicidad, que incluye a Kristen con sobrados conocimientos del "slasptick" -ver su genial aparición al inicio del filme cuando debe saltar una puerta incaccesible-, y algunos meritorios gags que parecen recordar al antiguo Keaton y al más contemporáneo Jackie Chan.
Quizás le pateé en contra a la peli, su algo extensa duración, pero no quita tener y mostrar también un elenco integrado por las talentosas: Maya Rudolph y Melissa McCarthy -más comediantes de SNL-, en una trama donde los tipos ni aportan ni son tan necesarios o importantes. "Damas de honor" constituye la mejor y más reciente prueba que las mujeres son una raza aparte, tan divertidas como feroces y/o crueles.

El amor es un revolución eterna

Si había una historia soñada por muchos argentinos era aquella del general Perón y Eva Duarte, eso pareció entender Paula de Luque quién concretó su filme con rigurosidad y sin caer en ninguna cosa que suponga hacer un filme "para llevar agua a un molino determinado", que aquí sería el oficial. Esta directora narra una relación difícil, tempestiva, controvertida, polémica, con la de la actriz mediocre -que Eva lo era- y el líder más carismático y notable que tuvo nuestro país el pasado siglo.
La austera realización -sin pomposas o costosas aristas de superproducción- surge como un muestrario objetivo y honesto, a diferencia de aquella "Ay Juancito!" de Héctor Olivera, apósito del cine de la vereda contraria, y sino recordar: "No habrá más penas ni olvidos" (1983).
"Juan y Eva" no es la gran película, pero si un notable ejemplo de verosimilitud y seriedad, sus protagonistas están más que bien: Osmar NÚñez es un Perón estupendo con su carismática retórica y amabilidad, en tanto Julieta Díaz una Evita significativa, que pela agallas y cría su terrible resentimiento en distintas partes de la historia. Pero el amor es más fuerte que todo eso y los personajes se encargan de sentirlo y nosotros de apreciarlo en este filme digno
y muy recomendable en su totalidad.

El Alien que fuma

Dentro del vapuleado género de comedia americana, aquí Greg Mottola -director de las muy interesantes y oxigenantes: "Súper Cool (2007) y "Adventureland, Un verano memorable" (2009)-, supone una historia por demás de simpática, divertida y fumona -en el amplio sentido de la palabra, ya que este Alien llamado Paul fasea como un murciélago entre otras cosas-, así ofrece la historia de dos turistas ingleses fans de los cómics y los eventos que esta fanatización ofrece.
Por casualidad se les cruzará en el camino, este extraterrestre que según parece hace décadas ha sido capturado por el gobierno de EEUU, y que huye para regresar finalmente a su planeta.

Lo hilarante en esta propuesta es sin dudas la personalidad de Paul, su picardía, su vestimenta "cool" de shores y ojotas, o su curiosa adaptación a los cambios de una sociedad terrestre, pero también el guión exacerba el tema de la amistad, como aquella del "E.T" de Spielberg: los valores solidarios en medio de una sociedad armamentista y hostil-. Llena de guiños cinéfilos, una película con más del género "road-movie" que de Ciencia Ficción, con sus acumulativos cómicos y una buena dupla actoral de Simón Pegg y Nick Frost como esos dos "british" admiradores de la contracultura "freak" que protegen a Paul, y suma plus de la estupenda Kristen Wiig -la protagonista de "Damas en Guerra"- como una fanática religiosa tuerta.

La Duda

Ser elegido Papa no es nada fácil, y menos si se tiene un estado angustiante, depresivo, casi fóbico, donde por ejemplo no da pié para enfrentarse a una multitud en los balcones de Piazza San Pietro, o simplemente hacerse cargo de la máxima responsabilidad católica del pontificado. Es así que deciden llamar a un psiquiatra -ateo para mas datos- como solución terapeútica para superar la crisis. Y un profesional en medio del Vaticano, es algo así como un goy en una sinagoga.
Nanni Moretti, notable, inteligente, como director construye una pieza reflexiva, llena de humor absurdo, no exenta de cierto cinismo, con ese Papa lleno de dudas, que alguna vez soñó ser un actor teatral, que siente que no conoce tanto el mundo de la calle que habitan los seres comunes, y que al mostrarse tan vulnerable, muestra a su vez rasgos de esta sociedad actual.
Nanni aparece tambien interpretando a un desbordante terapeuta, que en los momentos grupales junto al conjunto de cardenales que aguarda, halla algunos de los mejores momentos del filme, que obviamente no es para nada anticlerical, de hecho no establece crítica hacia la iglesia, sino que narra las vicisitudes de la fé, que es otra cosa.

Michel Piccoli es el Papa, sabio actor, veteranísimo, de los únicos privilegiados de haber actuado bajo batuta de realizadores tales como: Buñuel, Jean-Luc Godard, Alfred Hitchcock, Alain Resnais, Louis Malle, Marco Ferreri, Costa-Gavras, Clouzot, Agnes Varda, Chabrol, etc etc , que demás está decir está en las cumbres de la actuación/composición del personaje protagonista de la trama.
Quizás "Habemus Papa" no sea un filme extraordinario, pero si elogiable, recomendable, aplaudible y entrañable, o acaso se pueden explicar las bellas escenas donde se oye la voz de nuestra recordada Mercedes Sosa cantando "Cambia, todo cambia"...???.

Empastillado

Eddie es un tipo comunardo que sufre un bloqueo personal que no le permite progresar en su carrera de escritor, hasta que un día se le aparece un ex-cuñado que le obsequia una pastilla para sentirse mejor y recuperar las ganas. Se trata de un nuevo y desconocido medicamento que revolucionaría todo al hacerse público: NZT es su nombre.Pero se sabe que a veces las consecuencias pueden ser graves y definitivas, de allí que nuestro protagonista empieze a creerse un superdotado de inteligencia artificial, capaz de concertar una vida de triunfos en los altos negocios económicos,a la vez que irá intentando esquivar una serie de acosos brutales y temerá por su vida.
Bradley Cooper, exitosa figura del actual cine americano carga con la mochila de un personaje peculiar, y consigue una actuación aceptable, que por ratos se muestra exagerada, pero bueno..si el tipo anda empastillado....
De Niro con su piloto automático de confección de personaje fuerte, que se las sabe todas, está correctamente "De Niro" como siempre sucede, en tanto el director Neil Burguer da oficio de llevar una historia simple, entretenida, a vértigo de cine-clip, que no permite más que engancharse con esta trama que entremezcla thriller con algo de minúscula "ciencia ficción".
El "Clonazepán" y el "Rivotril" se sabe que se pueden comvertir en vicio peligroso, pero esta es más tremenda.

¡Qué día de casamiento!

El director Ariel Winograd ya había llamado la atención con su ópera prima: "Cara de Queso" (2006), mostrando un sentido del humor autorreferencial encomiable, ahora la emprende con esta comedia tan bien filmada como actuada, optando por un eje de popular conocimiento: las fiestas de casamiento, otro ítem al cual el cine nacional no le ha escatimado ejemplos que van de la remota y añeja "El casamiento de Chichilo" a "Qué noche de casamiento!", aquella de Víttori de 1969, aunque ya era "remake" de la de 1953 con el desopilante Francisco Charmiello.
Aquí Adrián y Leonora -que interpretan los actores uruguayos de origen: Oreiro y Hendler-, van a celebrar su boda en una bellisíma estancia con una fiesta a todo trapo, pero las circustancias harán que la cosa se complique y reine el caos. Jugosas situaciones de humor, por momentos de estupendo color negro van delineando ese maquillaje superficial que se sabe, recubre una y otra vez nuestras relaciones familiares y amistosas, cuando se supone un festejo inolvidable que acabará siendo otra cosa.
Hay un dicho que se sucede reiteradamente ante el surgir de algún problema de los novios, y es "Necesitás plata..???", que dicen sucesivamente padres y abuelo de los contrayentes, como si el uso del dinero fuese el único motivante de la sociedad que nos toca transitar. Y así se muestran esas miserias personales, por abajo del sutil chiste, remarcable por su contundencia, además cuantos de nosotros no hemos experimentado esos casorios patéticos (borracheras generalizadas, peleas varias, conflictos imprevistos, etc).
Una Oreiro estupenda, bellamente fotografiada -no en vano es la figura que es-, con unos momentos antológicos, a su lado un Daniel Hendler notable como siempre desde su simpleza de personaje, y los demás que sobresalen como el primo acelerado de Sebastián Piroyansky, los sacerdotes que van a oficiar en conjunto la boda: los "luthiers" Rabinovich y Mundstock qué están impagables, Muriel Santa Ana magnífica como siempre en la mejor amiga de la novia, y el español Imanol Arias con presencia soberbia que otorga al filme más calidad. En resumen reivindica la genuina, señera comedia criolla, un cine de género local que ha sido en algún momento bastardeado.
Lejos, lejos esta peli está por sobre cualquier título de sobre bodas yanqui, y a no dudarlo la calidad bien entendida, en esta ocasión si empieza por casa.

Las Posibilidades del Cine

La conjunción entre la historieta fantástica, el cine clase B -por la mezcla de géneros- pero con mayor presupuesto y estética costosa, la mano productora de Spielberg -al igual que en la reciente "Súper 8"- y su fascinación interminable por el fenómeno ovni, la cosa agreste del western salvajón y la fluidez del entretenimiento puro dan como resultante a esta propuesta.

Daniel Craig es un recién llegado a un sitio donde hay cosas que le resultan familiares y otras no tanto (su enigmático personaje se asemeja y recuerda al de Clint Eastwood en la trilogía de Sergio Leone), se enfrentará primero y será complice después del viejo Gral. capanga que interpreta Harrison Ford -casi un Indiana Jones jubilado-, y en el medio: la grandeza del paisajístico far-west, los increíbles ojos de Olivia Wilde, bandidos y apaches, otros personajes pintorescos, la codicia del oro, y claro....los Aliens del título.
Solventado por cuatro guionistas, Jon Favreau -director de "Iron Man"- lleva adelante el goce de la aventura plena que solo aceptarán aquellos que gustan de pasarla bien con este tipo de productos que aunque parezcan inverosímiles se adaptan correctamente a la corriente digna de los buenisimos efectos especiales y la estética del mejor cómic.

Llegando los monos

Basada en la novela del francés Pierre Boulle, en 1968 se conoció una magnífica peli llamada "El Planeta de los Simios", este clásico aún insuperable tiene uno de los mejores y más notables finales, y se ubica en el Olimpo cinéfilo, luego por el éxito se transformó en una saga: "Bajo el Planeta..." (1970), "Escape del planeta..." (1971), "Conquista del Planeta..." (1972) -la más violenta y después de la primera, la más relevante- y "La batalla del planeta..." (1973), más dos series de TV: una de 1974 y otra animada titulada "Return to the Planet..." en 1975/76, y hace exactos 10 años Tim Burton hizo una relectura aceptable de la saga.

Ahora para volver a esta historia, sin dudas había que oxigenar la idea básica de la novela original y versionarla con una flamante precuela que sostuviera el atractivo de mostrar o imaginar como habia empezado todo. El director inglés Rupert Wyatt se descuelga con una propuesta por demás de original, la cual curiosamente pone a la altura de la primera, o sea desde el vamos califica alto con la renovada mirada a esta monada en grupo que comanda un "chimp" de nombre shakespereano: César, y qué como aquél emperador romano será todo un líder ante su organizado piquete de gorilas fuertes y orangutanes inteligentes. También en roles actorales están James Franco como el investigador científico, la belleza "made-in-India" de Freida Pinto y la participacion de un actor de lujo: John Lithgow en el padre del primero que criará, domesticará y será ayudado en su cura del Mal de Alzheimer que padece por el evolutivo simio protagonista.
Con escenas realmente sorprendentes y bien hechas, el filme logra cautivar y desespereza al espectador de tanta chantada con falso rótulo "Ciencia ficción" vista últimamente, unos aproximados 40 minutos finales que no cesan de brindar vertiginosa atracción, y consagra a esta peli como uno de los platos fuertes del año. Que se venga la segundaaaa...Rupert!

Una Declaración de amor al Cine

Con "Encuentros cercanos del Tercer tipo" y luego "E.T", Spielberg narró con cierto encanto y suprema dedicación, todo rebosante de un estraordinario amor al cine, esas historias que mezclaban en exacta medida: ciencia ficción y fantasía, es decir una propuesta que terminaba siendo superlativa. En los años 80, se estrenaron pequeñas joyitas fílmicas como "Los Goonies" de Richard Donner,o "Los exploradores" de Joe Dante, donde la fábula fílmica estaba al orden de un inmejorable entretenimiento y una forma encuadrada en el cine del disfrute, algo que no es poco.
J.J. Abrams (uno de los creadores de "Lost") conduce una historia aquí con mucho de aquel entrañable cine, y que al ser producida por Spielberg da una resultante acorde.

Una pandilla de chicos al borde la adolescencia, intenta filmar una peli casera en "súper 8 mm", y en una de sus locaciones, presenciarán un hecho que los transformará y que los embarcará en una aventura cargada de adrenalina y persecuciones, a partir del espectacular choque de un tren carguero -una de las escenas más logradas y vertiginosas-, donde se asomarán al descubrimiento de extraños materiales que una fuerza militar transporta de incógnito.
Con una estupenda fotografía, efectos especiales, la sobresaliente presencia de la hermanita más chica -se llevan 4 años- de Dakota: Elle Fanning, con reminiscencias de "Cloverfield" -de la cual Abrams fué productor- y hasta de "Sector 9", este filme resalta como uno de los mejores estrenados en este 2011, y es una maravillosa declaración de amor hacia el cine por parte de sus realizadores.
Aplausos, por favor!

Siempre tendremos París

Woody Allen con casi una cincuentena de pelis hechas, puede bordear el filo de lo imposiblemente original, del "más de lo mismo", de hecho sus últimos filmes no han sido nada más que correctos, con diálogos algunos más sabrosos que otros pero nada de aquél maestro de "Annie Hall" o "Hannah y sus hermanas", por elegir dos obras notables de su filmo.
Sin embargo, con esta peli muestra que aún siempre se puede llegar a a dar más y de lo bueno. Este Allen es el de la magia cinematográfica, ese que puede ofrecer un comedia melanco, nostalgiosa, que nos llegue directo al corazón, y redoblar la apuesta con ácida crítica a la superficialidad actual -el ejemplo son los mediocres padres del personaje de Rachel McAdams-, por ello se nutre con un guión aderezado de sabor francés.
En "La Rosa púrpura de El Cairo" nos maravilló con aquél traslado de personajes fuera de la pantalla, ahora hace que un escritor americano (obvio: alter-ego-Woody), que medio ha perdido el rumbo con una novia materialista e insoportable, vea transformada su visita a París en un increible viaje en el tiempo, donde saltará a través de una circustancia a los años 20 y allí se codeará con intelectuales y artistas como Dalí, Buñuel, Los Fitzgerald, Hemingway, Picasso, Dalí, Buñuel, Cole Porter, etc pero hasta habrá una sorpresa más que aquí no revelaremos.

Rubro actuaciones: Owen Wilson como el protagonista está más que bien, parece mentira que alguna vez estuvo cercano a convertirse en el típico comediante yanqui pelotudo de desabridas pelis, y que haya zafado por suerte. Marion Cotillard es la actriz bella y sensual que encastra perfecta en la heroína del cuento, Michael Sheen está magnífico como el pedante sabelotodo, Rachel McAdams es una novia tilinga innmejorable, en sus pequeñas participaciones destacan su belleza plus: Carla Bruni y Léa Seydoux, y divertidisimo el Dalí a cargo de Adrien Brody, y destaquemos como curioso que Pablo Picasso está encarnado por el actor argentino residente en Francia: Marcial Di Fonzo Bó.
París, París, siempre París, y sus rincones y su historia y sus cafés, y el arte, y su lluvia, y sus puentes, y la Eiffel, y las callejuelas y arrabales, y el violín jazzero de Grapelli acompañando,
y hasta el "Let’s do it" por Cole Porter, en fin...gracias al cine y a Woody, siempre tendremos París!

Juramento de Venganza

Alguna vez el gran Borges sugirió que el Western era el más genuino género fílmico, y tenía obvia razón, se vé que él había visto varios, acaso no hay cierta concomitancia con sus personajes de avería como Rosendo Juárez, a quién en otra época y otro lugar le ocurre lo mismo que al cowboy de Clint Eastwood en "Los Imperdonables"..?. Igual pasa con el prepotente y bárbaro gaucho Aballay, que luego de un asalto y deguello de su parte, le sucede un clik como para abandonar su existencia de reo, vago y mal habido.
Y el salvaje, alejado de esos males, termina por tomar una identidad de ribetes legendarios. Pero claro en el medio hay alguien que no ha olvidado sus crímenes, y que crece masticando su obsesiva venganza, la de dar muerte a cada uno de aquellos ladinos gauchos que mataron a su padre frente a él siendo un niño, de una forma tan artera.

El odio se agiganta con el tiempo y asi ya hecho un hombre vuelve el personaje de Nazareno Casero a buscar su reivindicación a punta de cuchillo...pero las cosas se irán complicando más con la inserción en su vida de una mujer por la cual se siente atraído.

Fernando Spiner, luego de sus recordados trabajos como la muy notable miniserie de 4 capítulos: "Bajamar, la costa del silencio" (1995) y los largos para el cine: "La Sonámbula" (1998) y "Adiós Querida Luna" (2005), vuelve a mostrar su manejo en el poco transitado cine de género nacional -al que muy pocos se le animan-, con este "Locro-western" de maravillosa factura técnica, con paisajes increiblemente bellos de Tucumán, interpretaciones elogiosas de Pablo Cedrón -notable máscara como Aballay y hasta con una deslumbrante manera de cabalgar- (qué actor carajo!!!), una actriz sugerente y de rara belleza: Moro Anghileri, y sobre todo un villanísimo como el de Claudio Vissi -de hoy en más queda para la historia del cine criollo como el más marcado malo de la pantalla autóctona-, Ziembroski que siempre es un hallazgo, y un Medido y austerito Casero como el eje de la venganza.
Acá hay cine respirando por 4 costados, hay una mezcla acorde que va del gauchito Gil al Moreira de Favio, imágenes que retrotraen al Fregonese y Demare de "Pampa Bárbara", y hasta una similitud con el cangaceiro de Glauber Rocha (aquél simbólico "Antonio das Mortes"). Si hasta el grito de "Aballayyyyyyy!!! que pega Vissi añora nostalgias de aquél otro "Chirinooooooo!!" del Moreira del 73.
Spiner suma pericia y talentosidad, escenifica como si hubiese bebido del euro-western de Sergio Leone, de Sollima y Corbucci, sin olvidar a los gigantes de Sam Peckinpah, Anthony Mann, Delmer Daves o Henry Hathaway y sobre todo: John Ford, con ese inicio de diligencia a cielo abierto, donde aparece el propio Spiner disparando por una de las ventanillas del transporte.
"Aballay" ya es un objeto de culto para los desaforados cinéfilos y la posteridad, no caben dudas. Nosotros agradecidos.

Querida, voy a buscar al responsable y vuelvo:

Un capitán despierta en un tren, y desconoce todo, en donde está, porqué está allí, y con quien está. Casi como un capítulo de la memorable "Twilight zone" (Dimension desconocida), todo el tiempo me hizo recordar el capítulo inicial de esta famosa serie de tv, titulado: "Where is Everybody?" con Earl Holliman.
Bien, aquí tambien no se sabe porque esta persona, ni tan siquiera se vé reflejado en un espejo -tiene la cara de otro, como así su identidad cambiada-, pero cuando sucede un atentado al tren, allí si será transportado a extraño y misterioso sitio donde recibirá órdenes e irá desmadejando el ovillo de la trama argumental.

Nosotros espectadores también claro, pero el tipo deberá revivir una y otra vez, esos 8 minutos con el fin de identificar al terrorista que causó tamaño atentado, asi este thriller intrigante por momentos nos recuerda también a aquella comedia "Hechizo de tiempo" con Bill Murray -en lo de reiterar situaciones para averiguar el porqué de las cosas-, o a aquél bodrio infernal que fué "Deja Vú" de Tony Scott, ya que como en este último querrá no provocar el desastre, y por desentrañar la cosa se involucrará en lo personal con la belleza plus que es Michelle Monaghan -la pasajera que lo acompaña y parece conocerlo-, el filme de director Duncan Jones es atendible y entretenido, como para estar al filo de la butaca, aunque hay que reconocer que a veces se torna confuso con el tema de la supervivencia cerebral, y el sentido del experimento al cual es expuesto el protagonista, que bien conduce Jake Gyllenhaal, y que muy bien acompaña el resto, sobre todo la linda Vera Farmiga como la mujer militar que le exige su misión.

Crónica de una Fuga anunciada

El cine de presidio y cárceles tiene una maravillosa colección de títulos en su historia, es un género por sobre todo entretenido y lleno de intriga, los recuerdos abarcan desde "La fuerza bruta" (1947) a la desgraciadamente no estrenada en Argentina: "Celda 211" (2009), ganadora de incontables premios Goya y uno de los mayores éxitos del cine español. Claro no se pueden olvidar entre tantos, la no tan antigua y nacional: "La Fuga" (2001) de Mignona y por supuesto en cuadro de honor, uno de los mejores filmes que uno haya visto: "El Boquete" (Le Trou, 1960, Jacques Becker). Esta nueva propuesta de "El túnel.." ingresa con menores valores en la lista, pero igualmente es digna de atención, en el debut del director Nacho Garassino.
Basada en caso real acaecido en 1991, cuando 7 presos huyeron del penal de Devoto a través de un túnel por abajo del muro, y luego meses después el principal personaje organizador del escape, reúne a un periodista para narrarle lo sucedido con lujo de detalles.
Así el relato se irá desgranando y todo pasará por cierta promesa hecha allí abajo, en lo profundo, cuando en la construcción del túnel citado, los evadidos se hallaron con una fosa común con despojos óseos, sin saber bien a quien pertenecieron.

Con un protagonista meritorio en su actuación: Raúl Taibo, y una galería de personajes ricos en su perfil -algo notable es haber convocado a actores buenos y desconocidos pero de máscara acorde a los roles actorales-, el filme mantiene un sólido relato, es prolijo, y obtiene buenas calificaciones para ingresar en el rubro "cine de género", tan desacostumbrado por estos lares minado de propuestas que traen los rollos propios de un director que a nadie interesan y suelen mantener infinita distancia con el público, o en el extremo opuesto se contratan figuras para terminar en un desastre comercial ("Cruzadas" de Rafecas).

Nota: Cuando finalize, no salgan de la sala, hay sorpresa entre los créditos finales, ya que aparece uno de los cabecillas de la historia verídica, aclarando conceptos.

Pintura Costumbrista

Un pueblo chico, casi insignificante, metido en las sierras cordobesas se vé de pronto revolucionado por dos hechos a saber, la llegada de la democracia -transcurre en 1983- y por el misterioso crimen de un posible candidato a intendente, que es el hermano del almacenero local, quién jurará vengarlo y así avivará el pequeño fuego de las iniciativas en un sitio donde todo se sabe y conoce, puesto que habitan 500 personas.
El filme del debutante Sergio Teubal se basa en el cuento "El dedo de Baldomero", y como costumbrista propuesta semeja a aquellos títulos de comedias un tanto irónicas de los años 40 que solían verse en nuestro cine argentino.Comedia negra sería el género más apto para clasificarla, con algunos momentos que recuerdan a un western rural, y hasta cierto homenaje a la maravillosa e inolvidable "Bienvenido Mr. Marshall" de García Berlanga (la escena de los preparativos para el paso de los turistas y el omnibus que pasa sin detenerse).
Fabián Vena confecciona su personaje sobriamente - el dueño del "Casi Todo" -ramos generales-, y su antagonista es Gabriel Goity como el juez local con pretenciones de hacer carrera política a cualquier costo. Tampoco desentonan Mariana Briski y Roly Serrano.
La música es relevante, por momentos recuerda a los filmes de Kusturica (otro homenaje...?), la fotografía de Christian Cottet es correcta y lo muy remarcable es que es una peli que se oye bien, y allí estamos cada vez logrando más en los rubros técnicos.
Simple cuento de pago chico pero que divierte por ratos y se deja ver muy agradablemente.

Mi pasado me condena

La dupla Cohn-Duprat fué responsable de aquél hito televisivo de finales de los años 90: "Televisión abierta", después volcados al cine dieron: "Yo presidente" -meritorio doc-, "El Artista" -de buenos comentarios- y la muy exitosa y calificada: "El Hombre de al lado" (2010), ahora arremeten con una comedia negra, cercana al más oscuro cinismo, una genuina propuesta corrosiva que mezcla cierto dramatismo con elementos fantásticos, sumado todo a la presencia del extraordinario Alberto Leiseca -autor del cuento original y con su presencia de narrador-, siendo este es un verdadero hallazgo.

La trama arranca en el desierto marroquí siglos atrás para trasladarse luego de un hecho imprevisible a la actualidad en una parrilla de Olavarría -prov de Bs As-, donde el aburrimiento y cierto ostracismo acosa a sus habitantes y sitio en el cual al azar, un extraño individuo (Eusebio Poncela, magnífico como siempre) concretará un pacto con un mediocre hombre (Emilio Disi, contenido, y estupendamente ubicado en un rol que le calza notablemente). A este individuo que suma todas las imperfecciones básicas: es ventajero, púsilánime, jodido, un ser gris y perdedor, un prototipo del más lamentable ejemplo del argentino medio que le echa las culpas al resto de su espantosa existencia, y que siempre quiere sacar partido de todo. A él precisamente le ofrece un millón de dólares para que viaje al pasado de su vida pero con sus actuales ideas y frustadas experiencias, asi primero buscará el perdón de su madre muerta, intentará dar aviso a las autoridades del atentado a las Torres Gemelas, plagiará "Imagine" de John Lennon (como un joven de los ’70 que encarna Darío Lopilato), etc.
Pero este viaje en el tiempo traerá sus cosas y así como ofrecerá momentos de ácido humor también el manejo elogioso de la crueldad humana (cuando de niño observa la muerte accidental de su padre).
Quizás por ser una peli distinta, y tan nihilista, que acomete mostrando nuestras miserias humanas, no haya sido aceptada por el público como "Un cuento chino", que si bien es buena es menos importante en su propuesta a ésta. Es destacable como se imponen los directores una mirada social y política tan certera.
En definitiva a nadie le puede atraer que muestren lo "soruyo" que a veces somos.

La Sospecha

La vuelta al hogar de Luis, profesor universitario, de una clínica neuropsiquíatrica donde estuvo internado por una reacción psicótica violenta traerá más que un desorden cotidiano a Beatriz su mujer, quién se ubica como en aquella gema Hitchockiana: "Suspicion" (La Sospecha, 1941), filme noir donde Joan Fontaine no dejaba de pensar que su marido Cary Grant le servía leche envenenada, claro que aquí se produce todo al surgir la desaparición de la pequeña mascota de la casa: el gato "Donatello", parece increíble pero después de 25 años de casados, la pareja ahora ha caido en situaciones de locura al borde de una terrible desconfianza, y así ocurrirán momentos de incertidumbre, aflorando un filme interesante, bien narrado, fotografiado de primera, con una pantalla en Cinemascope, una ordenada y significativa música de Nicolás Sorín -hijo del director- todo lo cual deviene en un filme notable, de lo bueno del realizador Carlos Sorín, el mismo de las geniales "La película del Rey" e "Historias mínimas".

Ofrecer una pelicula original hoy día es difícil, sin embargo no imposible, este director borda un historia chica pero solvente, de genuina auspiciosidad, con una actuación superlativa de Beatriz Spelzini -la esposa-, y un Luis Luque mostrando su eficiencia, la trama brinda suspenso, intriga, rasgos de buen thriller, y sorprende tal cual el año pasado lo logró "El hombre de al lado", y eso en tiempos que una cartelera oferta además títulos como "Un cuento chino", "Revolución", y "Los Marziano" no es poco, y que aún supere en espectadores a ese bodrio inclasificable llamado "Cruzadas" más todavía, bien por Sorín, y bien por el cine nacional entonces.

Plumíferos

El último guacamayo azul macho que queda es Blu, quien habita en la fría Minnesota junto a su dueña desde hace 15 años, cuando esta sepa que depende de su mascota querida viajar a Brasil para conocer a la última hembra azul y prolongar la especie lo hará, en este país y en Río de Janeiro precisamente se toparán con los traficantes de especies animales, pero hay otro tema preponderante y es que Blu deberá hallar su lado salvaje, y aprender a volar como lo que es.

El director Carlos Saldanha -"La era del hielo"- conocé bien el paño, no solo de la animación actual sino que al ser carioca de origen, nadie podía reflejar mejor que él, la fastuosidad y demás postales de la impresionante Río. Así magnificamente se aprecia con un nivel marcado de colores -que así lo requerian-, cada escenografía acompañante de las situaciones surgidas de un guión alocado y ágil, el baile de las aves al inicio, el vuelo sobre las alas deltas por sobre la Bahia de Guanabara, las favelas, o el carnaval con sus escolas do sambas y luces son mucho de lo bueno que posee esta animada aventura que indudablemente entretiene todo el tiempo y sigue sumando los porotos que le aporta hoy día este género al cine todo. Resaltábamos hace unas semanas atrás el maravilloso ejemplo de "Rango", hace un par de meses la exitosa "Enredados" y sobre finales del 2010: "Megamente", todos ejemplos de calibre.
En este caso están los protagonistas: Blu y su atractiva Jewell, la pareja protagónica de humanos está, los malos y villanos también, y menos que menos que faltasen los típícos compinches y amigos de turno. Es decir nada falla a la receta.

Otro atractivo es la música, cuyo productor es Sergio Mendes, y que reune a Will i Am -de Black Eyed Peas-, Bebel Gilberto, Taio Cruz, Ester Dean, Carlinhos Brown, entre otros.

La Gran Gesta

Tomar la historia grande de la patria tiene sus cosas, el nóvel director Leandro Ipiña se metió en un brete grosso y sin embargo ha sido honesto, mal que les pese a unos cuantos opinólogos y criticos chapuceros que les deleita un cine nacional aburrido y mentiroso, como el de alguna directora agrandada por la crítica.

El cine es una herramienta maravillosa, aleccionadora, definitivamente necesaria para traer a las nuevas generaciones la figura de próceres argentos, saludable de todo punto de vista, cosa que por ejemplo un crítico como Diego Battle sostiene que esta peli es "timorata y conservadora", o que San Martín está cerca del "modelo Billiken", nada más lejos que eso. Este filme se empeña
en volcar un hombre de carne y hueso, por momentos histérico (acaso estar en su lugar era una acción relajada...? ), y controvertido por suerte.
Las buenas intenciones están, como también las tenía en su época aquél discursivo ejemplo de Torre Nilsson en la exitosa "El santo de la espada", y vale recordar que el director tenía por entonces a su alrededor presenciando la filmación a incómodos militares y gente del Instituto Sanmartiano "vigilando" que el gral. no apareciera rascándose la nariz, o fuera de su impoluto bronce.
Pese a todo aquella peli tambien debe ser rescatada, y respetada, son pocas las ocasiones del cine nacional en brindar argumentos de personajes históricos.
Una reconstrucción adecuada, una meritorioa producción, sobrias actuaciones -empezando con Rodrigo de La Serna que está magnífico-, buena cantidad de efectos, tomando una ficticia historia de un supuesto participante de la gesta de los Andes que se desempeñaba como su amanuense y secretario personal cuando era un niño, que es el disparador del relato épico.
Hay buenos momentos tales como la observación de San Martin del cruce sobre la cordillera que nos remonta a los cuadros clásicos, el destacar que su ejército estaba más integrado por negros que soldados blancos -algo que la historia siempre trató de no hacer figurar en los manuales escolares-, y escenas de la contienda con el ejército realista que realzan esta producción que hasta asemeja a géneros de intriga fílmica o hasta al propio western. La música de Sebastián Escofet es notoria, y si dudas algunos altibajos tiene el filme pero son aceptables.

Ahora que los agoreros y detractores que nunca faltan -terrible mal nacional- insistan con que es cine "Kirchnerista", o porque no se habla de San Martín como masón, etc etc son parte de las reglas de juego de los que no saben que miércoles prefieren, y que no hay cine que les venga bien.

Regalo del Cielo

Sebastián Borestein, hijo del recordado Tato Bores había debutado en la dirección cinematográfica con "La suerte está echada" (2005), aquella comedia sobre la incertidumbre de los denominados "mufas", pero antes había producido, dirigido y guionado un memorable ejercicico televisivo de unitarios: "Tiempo final", ahora arremete con un fantasiosa historia donde Ricardo Darín es un simple, metódico, consecuente, repetitivo, y obsesivo personaje común, un ferretero a quién por algunas razones personales, la vida parece pasarle sin ningún sentido por encima.

La vida te da sorpresas decía la canción, y eso ocurre con este tipo a quien por timoneada del destino le caerá en su vida un joven de origen chino con una increible historia detrás, el guión claro, sumará como en un abako oriental las situaciones de esta pareja que ni tan siquiera puede entenderse por la diferencia de idiomas.

Si bien la historia es simple, el filme defiende lo suyo entregando una muy buena actuación de Darín, y esto logra algo que hacia mucho tiempo no se daba en el cine nacional, que el público decida ir al cine a ver "una de...", es decir como en épocas pasadas cuando se elegía "una de Sandrini, o una de Niní Marshall...", cosa que no sucedía tan a menudo, y ahora con cierta eficacia actoral lograda por el actor (basicamente "El secreto de sus ojos" que vió todo el mundo), hace que el público concurra a las salas masivamente, de hecho esta peli esta en los primeros lugares en cantidad de público desde hace un par de semanas en su estreno.

Sin dudas, Darín es un fenómeno actual y provechoso, quizás ocurra lo mismo con Francella en su inminente "Los Marziano" de Ana Katz, pero tampoco hay que olvidar que los films tienen una buenisima calidad, en el caso de "Un cuento...". hay unos muy buenos efectos especiales, cuidados, resaltantes, y que en buena hora, hay que competir con mucha de la basura impresentable que se estrena semanalmente, pero la victoria es nuestra esta peli pasó por arriba a bodrios como "Cacería de Brujas" o "Sucker punch", afortunadamente.

Viva Rango!!!

Rango es un camaleón que sueña con ser héroe, y que limita sus acciones a interpretaciones casi shakespereanas en su mundo de pecera casera. Por vicisitudes se extraviará en el desierto, y allí iniciará un periplo donde de un reptil chanta, oportunista, mentiroso, irá de a poco convirtiéndose en el héroe que alguna vez soñó. Su insertación en un pueblo de maravillas, habitado por otros animales chicos de curiosas mañas, casi un retrato animado de aquellos westerns spaghettis de los 70, donde la principal preocupación y valorización pasa por un solo estado y líquido: el agua que escasea por algun razón misteriosa.

Con humor y guiños para público adulto, decididamente no es recomendable para niñitos que podrán asustarse con algunas situaciones violentas aunque simpáticas, con un guión que asemeja más a un filme para jóvenes y adultos con actores, el director Gore Verbinski ha eslabonado una historia visualmente perfecta, de un prodigio artístico insuperable, y que afortunadamente sale de los cánones repetidos en numerosos largos de animación, por ello la narración es original, y abunda en situaciones que nos son propias en las relaciones humanas.
Este original filme es de Industrial Light & Magic, la empresa de efectos especiales de George Lucas, que de plano sale a competir en un negocio liderado por Pixar y DreamWorks Animación.
Hay perlitas muy cinéfilas: aparece el "Espítitu del Oeste" que no es otro que aquel personaje de Clint Eastwood en las pelis de Sergio Leone, o que el malvado "Víbora Jake" tenga las formas y hasta el bigotito de Lee Van Cleef, hay unos narradores divertidisimos que son cuatro lechuzas que tocan sus instrumentos y mandan fruta al protagonista, o al inicio un armandillo o mulita -término argentino- que es una suerte de Don Quijote consejero, habla en castizo idioma y su sombrero semeja a la bacía del cabballero andante, quizás porque Rango deberá buscar su destino fortuito.
Bienvenido como filme renovador, como muestra del arte en animación y en formas, como ejemplo de combinar el cine de entretenimiento y admiración. Viva Rango ! y viva el cine!!

Cuarentena a la criolla

Terminé de ver esta peli con una sonrisa, y un gusto de haberme divertido bastante, si bien todo apunta a una fantasía de CF, básicamente se trata de una comedia negra que reviste cierta concomitancia con aquella maravilla de "La Comunidad" de Alex de la Iglesia. Ante una epidemia -muy similar a la gripe A del invierno 2009-, se instala la cuarentena en un edificio moderno pero de pocos inquilinos, donde cohabitan Coco y su mujer que está embarazada (Hendler impasible y una Jazmín Stuart estupenda), un anciano intrigante (Luppi increíble), un inestable y paranoico vecino que se las sabe todas ante la situación(un Yayo Guridi que se lleva todas las palmas), un par de tipos con familia pero que son la representación de una población fascista, oportunista y reaccionaria, y unos chinos que se harán ver casi nada.

Asi estamos, entre alarmas, desequilibrios varios, gags, estados de ánimo, acumulación de alimentos -la secuencia de la compra al inicio de la peli en el Carrefour es excepcional-, la conexión con el mundo exterior es prácticamente nula, y allí en el edificio sucede todo como en "Rec", también el director Nicolás Goldbart ha puesto de música de fondo una muy parecida a las propias de John Carpenter -sin dudas otro homenaje-, y los títulos del filme al principio son muy locos, ya que resaltan el espíritu del argentino medio ante las crisis o conflictos sociales: llenar las alacenas.

Uno dice al fin una nuestra de género que valga la pena, no en vano la publicación más importante del mundo del cine, la americana Variety, sostuvo que este filme es “groundbreaking”, lo que literalmente significa “innovador” o “revolucionario”.
Situaciones absurdas, cómicas, terribles, que no son más que una muestra tan notable como letal del proceder criollo ante situaciones impensadas, casi una radiografía perfecta de nuestro entorno.

Hágalo usted mismo

Basada en una historia verídica, tal es asi que este personaje estuvo hace unos pocos años atrás escalando en nuestro país(La Rioja), el director Danny Boyle que nos gusta, salvo en "¿Quieres ser millonario? (Slumdog millonaire, 2009), muestra su efectismo y buena narración para ofrecer un digna peli, que ya de por si es un desafío total, casi mostrando el mayor tiempo del metraje a un actor en un situación límite -similar a "Enterrado" que vimos no hace tanto-, y logra enfocar una historia que cala hondamente en el espectador.

Aaron Ralston es un inquieto chico, que practica montañismo y deporte de aventuras, que un fin de semana se traslada a un desértico cañón -aqui entra jugar la grandeza y dimensionalidad del paisaje, coprotagonista indudable del filme-, y padecerá un accidente
que lo mantendrá en vilo, en una delgadísima cuerda floja al borde de
la supervivencia. Entre padecimientos, desesperación, ciertas apariciones de mente -no confundir con "demente"-, verá que el destino o vaya a saber quien nos suele pasar pesadas facturas de vida. La aventura en solitario será un compendio genuino del
ser humano en medio de una situación límite.
No de costado se hace referencia al egoísmo o terquedad social y nosotros veremos el porqué, a través del razonamiento y búsqueda en si mismo de Aaron que ahora es una figurita recortada en el inmenso y descomunal paisaje. El laburo notable del actor James Franco es de primera, creible y absoluto todo el tiempo de una acertada y no extensa o aburrida duracion. Dinámica y entretenida, nos tendrá aferrados a la butaca con su marcado suspenso.

Así en la vida como en el ring

El cine siempre ha dado muestras cabales de lo maravilloso que le encastran las historias de boxeadores, relatos de vida, frustraciones, de genuinos "loosers", a las pruebas me remito: "El campeón", "Requien para un luchador", la primera "Rocky", "Ciudad dorada" de John Huston, las argentinas: "Nosotros los monos" -un excepcional largo documental olvidado de los años 70- y "Gatica" de Favio, la reciente "El luchador" con Mickey Rourke de Darren Aronofsky, y siguen los títulos.

Aqui estamos en presencia de un filme contundente disparado a través de la historia verídica de dos hermanos: uno devenido en leyenda y arruinado por su adicción al crack y el menor como un campeón en carrera, que peleará no solo arriba del cuadrilátero sino con los fantasmas de su hermano casi irrecuperable, una familia opresiva con una madre sofocante y siete hermanas insoportables, un pueblo exigente, y el amor de una chica que no se queda atrás en sus influencias sobre el boxeador. Pelear contra duros contrincantes, y hacerlo contra las vicisitudes cotidianas a veces es casi lo mismo.

Drama real que respira buen cine, que da choque con unas buenisimas tomas de los combates que el director David O. Russell ofrece con estética de los cotejos de HBO en la TV, tambien se va mostrando la filmación de un documental que hace esta compañia sobre el hermano mayor no como la leyenda que es en su pueblo sino como una muestra de la ferocidad del adictivo crack.
Rubro actuaciones: las palmas mayores son para Christian Bale como el perdedor hermano -por ello acaba de ganar su Oscar-, Mark Wahlberg muestra que además de productor de la peli es muy bueno y sobrio en el papel del activo boxeador, la madre que hace Melissa Leo es de un carácter formidable -tambien hace horas se acreditó su Oscar-, y Amy Adams, sigue y sigue mostrando sus dotes merecedoras de elogios, que van tanto en comedias como "Encantada" a soberbia dramática en "La duda".
Muy buena realmente, aunque en la taquilla no le haya ido tambien como tanto bodrio acumulado de pretensiones estúpidas.

Horizontes de Grandeza

Sin duda alguna los Coen bros. son unos fenómenos, saben filmar, dirigir excepcionalmente actores, siempre con una factura artística de primera, bien fotografiadas sus pelis etc, y cuando les llega la oportunidad de revisar un clásico literario del oeste americano como "True grit", siguen mostrando sus uñas de guitarreros y arman un filme extraordinario, donde sus aptitudes creativas siguen mostrándose a full.
Hacer una "remake" que ya protagonizó y hasta ganó su único Oscar, John Wayne en 1969, y que estaba dirigida por el master Henry Hathaway por alli era peligroso, pero los tipos optaron por buscarle la vuelta a la historia de como Mattie Ross -chica de 14 años que va en busca de vengar la muerte injusta de su padre por un empleado ruin-, junto al increíble sheriff tuerto, borracho, despiadado, bocón, de muy mal talante llamado "Rooster" (Gallo) Cogburn y a quienes se les unirá un peculiar "Ranger" texano llamado LaBoeuf, que conformará con los dos dichos un terceto formidable, para vivir una aventura emocionante.

En la peli anterior hay que ver que toda la carne estaba puesta sobre el asador para destaque de Wayne, y aqui la cosa va por resaltar muy especialmente el personaje de la chica, encarnado por la debutante y buenisima actriz juvenil que ojalá llegue a una carrera notable porque tiene talento y fibra absoluta para hacerlo (Hailee Stenfield), y allí es donde se complementa por mucha obra y gracia de los Coen con el "Rooster" de Jeff Bridges quién multiplica y redobla la apuesta de su antecesor con una maestría única, además los hnos. realizadores y el actor ya son piezas de una misma maquinaria de funcionamiento excepcional ("El gran Lebowsky").
Matt Damon también eleva más y más el personaje que antes le había tocado en suerte al insípido y no actor -era un cantante, aún lo es- llamado Glenn Campbell, Damon sigue demostrando su capacidad ante las cámaras, no se quedan atrás: Josh Brolin -otro que nunca para de filmar y filmar- como el malo de la película y el resto son buenisimos actores secundarios, paisajes de realze, música de Carter Burwell -nadie olvida con los Coen, aquella banda sonora magnífica de "Simplemente sangre"-, y toda la grandiosidad de un género nada fácil pero genuino y clásico.
Para los fanáticos del western, este filme no es una "remake" con todas las letras de aquella otra, sino una nueva, superior y necesaria visión de un historia apasionante encuadrada en la funcional modalidad del mejor espéctaculo cinematográfico.

Allen estandarizado

No se puede intentar que a aquellos directores que seguimos, respetamos, degustamos, le salgan todas sus películas en un mismo nivel de realizacion, y que sea imperdonable que se repitan, o nos den sus temas recurrentes. Nadie por ejemplo puede comparar al mismo Chaplin "El Gran dictador" con el ya anciano director de "Una condesa de Hong Kong", ni el Hitchcock de "Vértigo" con el de "Trama macabra", o más cercano en el tiempo, el viejo Clnt de "Los puentes de Madison" con el de su reciente "Más allá de la vida".

Woody Allen sigue ofreciendo sus miradas sobre el alma humana, sobre lo difícil del relacionarse, con los rollos de las pasiones, con el eje cínico en el cual giramos las personas. El neoyorkino ha sido un hábil recolector de personajes variopintos, un especialista en ubicar cobertura de humor por sobre la hipocresía social, y en esta nueva peli no se queda atrás, ofrece algo de todo eso.

Tomando dos matrimonios, que en varios puntos se cruzan, intenta reflejar lo ya conocido en su filmo, quizás sin la misma eficacia de "Annie Hall, dos extraños amantes" o "Hannah y sus hermanas" -dos de sus mayúsculos títulos- o de los aún varios escalones abajo.
Pero lo hace sobriamente, reciclándose en menor medida, con apuntes
desopilantes, y agudísima crítica a los entornos. Situaciones de comedia donde no faltan el sexo, la vejez y los desatinos.
Notables trabajos actorales de Hopkins, Gemma Jones -la esposa madura de éste-, Josh Brolin, Naomi Watts, y las bellezas de Lucy Punch -la prostituta que cautiva al maduro Alfie- y una increible Freida Pinto -esa exótica presencia descubierta en "Quieres ser millonario?-, con todo este "packaging" arremete Don Woody.
No defraudará en definitiva a muchos, y seguimos también esperando un filme anterior a este: "Whatever works", que aseguran se estrenará en Mayo próximo, y que al no tener a nadie conocido en su reparto se retrasó considerablemente por orden y gracia de los distribuidores de cine.

El Drama Rural

Esta es una película nada fácil, si bien su historia en si es bastante original como lo es su hechura yanqui, poco común es hoy día que el cine de allá arriba vea la pelusa dentro de su propio ombligo. Es como descubrir que podemos pasar de invitados a conocer el patio de atrás, la construcción de los fondos.
Casi una peli independiente lejanísima de lo glam de hollywood, que cuenta como una chica de 17 años -Jennifer Lawrence- que siendo la responsable de su hogar en crisis (madre postrada y enferma, hermanitos chicos a quien cuidar, granja venida a menos y el hambre que arrecia), enfrentará la búsqueda su padre ex-convicto que adicto a las drogas, y envuelto en oscuros negocios, ha puesto como fianza su casa y tierras, y sino se presenta: se perderán. Allí es momento de la cruda realidad que empezará a desandar la chica, tropezándose con no pocos problemas.
Absolutamente un drama rural, y no es habitual estos temas mostrados desde la vida del interior de USA, concretamente Missouri y su paisaje hosco, pero también salvajemente bello, con personajes enigmáticos y algo misteriosos que enmarcan la trama argumental en un
casi "filme-noir", bien hecho, contundente, y bellamente fotografiado, la actuación de John Hawkes es formidable como un duro tío de la protagonista.
Un filme noble, crudo, realista y recomendable si dudas.

Sudando espero

Con buena promoción llega este filme de género argento, y según cuenta la leyenda, en donde los productores asociados a último momento aportaron más dinero para promoción que tarasca pusieron el director y cia. para realizarla. El director Adrián García Bogliano ya venía de hacer otras pelis anteriores que solo se conocieron minimamente y nunca llegaron a las salas.
Con una trama bastante increíble que vincula a dos viejos torturadores que pertenecieron al "Lópezreguismo", y militaron en la Triple A, robándose 25 cajas de Dinamita en los años 70, y que ahora en una casona vieja de La Plata aterran y torturan a jóvenes mujeres con oscurísimas intenciones -las cuales nunca se sabe bien que razón existe, igual no deja de ser algo tan bizarro y tirado de los pelos que le otorga cierta encanto a la cosa-, ahí llega entonces una pareja con sí otras intenciones de hallar a una chica desaparecida, y se hallarán con lo espeluznante y lo aterrador.

Esta peli a dias de haberse estrenado generó ya odios y amores, es decir no convence a tirios ni a troyanos, y pasa que a sus espectadores les cuesta aceptar algo de este género hecho en casa, pero la verdad es que ante tanta y tanta cantidad de bosta foránea, la propuesta es más que digna: divierte y entretiene, y aunque sea por ratos descabellada: hay cosas que no cierran como esa horda de mujeres zombies subterráneas, o como el chico protagonista no puede facilmente acabar con dos sexagenarios malvados que tienen sus contras, ya que uno es discapacitado y de una lo podría dejar sin efecto, etc, hay que considerar que está bien filmada, iluminada, que hay calidad en su factura de presentación, o sea si se dejan de lado los convencionalismos: relájate y disfruta como seguramente no decía Confucio.
En lo actoral, Facundo Espinoza parece por momentos repetir el rol de pelotudo que le tocó en la fallida y (aún) más horrorosa "Esperando la carroza 2", la brasilera Marina Glezer sigue siendo un rostro muy de cine, Omar Musa como el viejo malo tuerto es un genuino homenaje a Nathán Pinzón sin dudas y Camilita Velasco tiene lo necesario para este tipo de cine: un cuerpo increíble.
Demoslé crédito a un cine local de género, y que los detractores se vayan a buscar pelos en la sopa a otra sala donde pasen boludeces.

Espanto yoruga

Esta peli costó 6000 dólares, fué rodada en cuatro días, con una cámara de fotos digital prestada, y dos focos como toda iluminación, es decir casi una proeza fílmica de este joven director uruguayo llamado Guillermo Hernández. A partir de la llegada de dos personas: Laura y su padre Wilson a una apartada casona rural con el fin de reacondicionarla, comienzan a surgir situaciones de corte espeluznante, en ese sitio asfixiante surge como principal invitado el espanto. Con unos primeros minutos de verdadero suspenso, de ajustada narración fílmica, nos vamos introduciendo en una propuesta de miedo y sobresalto que derivará en un pesado y desencadenante horror.
A mérito estos chicos orientales han confeccionado una filmación en extenso plano secuencia, algo que muy poca gente se animó a hacer en el séptimo arte, salvo ejemplos más contundentes como "La Soga" de Hitchcock, o similar a "El Arca Rusa" de Alexander Sokurov. Esto claramente muestra cierta originalidad buscada por los mentores de "La Casa muda". Además una peli del género con corta duración de 80 minutos y con tan pocos personajes, se la juega sin dudas, como ese final inesperado que surgirá después de los títulos finales, es decir no salgan de la sala y aguantensé que allí se define la cosa.
Por ahora le firmamos un cheque al portador a estos gurises.

Suspenso sobre Rieles.

Tony Scott filma a ritmo de vertiginoso clip, fué director de varios éxitos y quizás su mejor ejemplo sea "Hombre en llamas", además aquí vuelve con su estrella favorita: Denzel W..Esta vez su cine prediseñado para entretener y enganchar al público va por rieles, la historia basada en sucesos veridicos en el año 2002, que aquí suma más adrenalina y se hace claro ejemplo de aquél setentoso cine catástrofe, presenta un largo tren que por error se suelta y queda sin control provocando incidentes, choques, y todo al límite de la posible catástrofe que intentan evitar sus protagonistas, que van en otra máquina para intentar parar a la descontrolada.
Estos hacen buena dupla, y obvio cada personaje va con su propia historia personal: Denzel conflicto con hijas adolescentes y Chris Pine - el carilindo- enamorado y medio bajoneado porque su mujer lo ha abandonado.
El thriller funciona indudablemente porque Scott sabe su oficio y la eficacia de este buen entretenido filme de suspenso radica en que la trama va tan rápida como la locomotora y sus vagones, así nunca tienen morosidad ni lentitud, verla en una sala es mejor claro. "Imparable" no da respiro, y asegura efectivisimo pasatiempo veraniego.

La Extraña del Pelo largo

Clásico cuento de hadas que ha sido ajustado a la tipología de guión renovado que los Estudios Disney han venido poniendo en práctica en los últimos años, y precisamente el pasado 2010 tuvieron una excelente perfomance con "La princesa y el sapo".
Un bandido encantador que huyendo conoce a Rapunzel, esa chica escondida por quien la raptara de bebé y que habita en una alta torre en la espesura del bosque, claro que el muchacho las tiene todas a favor y se convertirá en la salida de la adolescente de su habitat, ella porta su larga y extensa cabellera rubia como el oro -y que tiene su porqué-, el pacto de huir juntos pronto se convierte en una aventura llena de entretenimiento que deleitará al público sin dudas.
Cada personaje tiene lo suyo, obvio recae en su totalidad en la pareja principal pero a estos hay que agregarles: los maravillosos co-protagónicos de un caballo increible y un camaleón mascota de Rapunzel.

Por alli no están demasiado logradas las canciones, que además de melosas, en la traducción al castellano no se entienden demasiado y son híbridas, pero por otro lado los gags y la rapidez de la narración la ensalzan. Todo un tema es la duración de 100 minutos, es extensa, demasiado, poco recomendable para un largo animado, si la misma podría tranquilamente sintetizarse, pero sin dudas hay una pretenciosidad de productores.
"Enredados" es opción segura para el disfrute familiero, de este verano.

Un Paso al más allá.

Deliveradamente, la mayoría de la crítica farragosa y la pseudo "yo-las-entiendo-todas-porque-sé-mirar-cine", no se han puesto de acuerdo sobre esta última peli del viejo Clint, quién de haber entregado joyas superlativas como "Los puentes de Madison", "Río místico" o "Gran Torino", ahora integra su filmo con esta producción hecha casi por encargo, que si bien no puede encuadrarse dentro de lo mejor, tampoco es para el cajón de lo pésimo. Nunca, jamás, el ex-cowboy sin nombre de los viejos westerns-spaghetti ha entregado un bodrio. Con tan solo apreciar su marcación actoral -jamás un actor suyo está mal-, se sabe nada suyo es tan terrible.

El tema es un ir y venir del género "new age", el cual tiene un mayúsculo ejemplo de cine-asqueroso en aquella "Más allá de los sueños" (What dreams may come, 1998) que protagonizaba Robin Williams, y esa sí era un pésimo ejemplo tan burdo como mediocre. Aqui Eastwood toma tres historias en simultáneo con un psíquico, que ya no desea trabajar de ello (Matt Damon correcto actoralmente) en USA, un chico en Inglaterra, cuyo hermano gemelo ha muerto en un accidente y el de una periodista francesa exitosa que sobrevive a un Tsunami en el Océano Indico, asi estos personajes van por más respuestas de vida, e intentarán conexión con los dramas vivivos.

Un punto en contra es su excesiva duración, sin dudas con menos metraje el filme ganaba, con algunos plus como apariciones de figuras importantes: Marthe Keller, la actriz suiza en una intervención especial, y el shakespereano y recordado actor de la miniserie british "Yo Claudio", el sr. Derek Jacoby haciendo aquí de él mismo. No es de lo mejor de nuestro venerable actor/director de 80 años, y tiene mucho más de su productor Steven Spielberg. Esto último es indudable.

Ascensor para el cadalso.

Con la producción e idea original de M.Night Shyamalan se estrena esta peli del género sobrenatural, más que de terror.
A partir de una incursión de varios personajes en el ascensor de un alto rascacielos y el quedar varados a expensas de una serie de situaciones conflictivas y determinantes, las cuales hacen suponer que aquí hay un convidado de piedra de famoso nombre: el mal.
Los personajes variopintos son una galería de estereotipos: la histérica, la vieja insufrible, el guardían violento, un flaco misterioso, y un genuino bobo que vende colchones. Una pinturita vea.

A favor tiene un aceptable suspenso que la hace llevadera para los interesados y no más que eso, algo así como un mejorado capítulo de serie de tv del pasado del citado género, como "Twilight zone" o "The outer limits", con una buena y destacable fotografía de Tak Fujimoto, quien destacó en "El silencio de los inocentes", "Sexto sentido" y "Señales". Seguro que cuando la pasen en cable, no la van a dejar de ver.

Una Mente Brillante

DreamWorks es un estudio que evidentemente sigue haciendo las cosas bien, su producto supremo fué "Shrek" (2001), de ahi en más tuvos otras buenas como pequeñas pifiadas, este 2010 mostró "Como entrenar a tu Dragón" -producto meritorio aseguran los que la vieron--, y ahora sobre final del año se despachan con esta otra aventura animada que constituye un genuina sorpresa, y que por ejemplo tiene a Ben Stiller como productor asociado y a Guillermo del Toro como consultor creativo.

La inteligencia de Megamente lo hace parecer un genio absoluto del mal, sin embargo le ocurrirán situaciones que lo trasnformarán en un figura que desde ya tendrá en todos nosotros espectadores, su máxima adherencia.Hablamos de uno de los mejores personajes brindados por el cine animado de los útimos años lejos, lejos.
Si bien todo gira a su alrededor, están en la trama personajes complementarios como la reportera audaz que la juega tambien de figurita romántica, su antagonista héroe "Metro Man" -un pagado de si mismo notable-, un pescadito mascota que lo acompaña desde su nacimiento y es genial, y hasta un nerd torpe que nuestro personaje por necesidad de enfrentamiento crea (se pregunta...Cómo voy a ser un lider del mal sino no tengo un contrincante súper héroe ..?), pero donde resulta que la cosa o "creación" como mito "frankesteineano" se le rebela en contra.
Con elástico humor, infinidad de gags verbales y visuales, una banda de sonido donde resuenan: AD/DC, Michael Jackson, entre otros, el director Tom McGrath pone toda la carne a la parrilla en este mega-entretenimiento, que tiene en su simpático, increíble personaje, su punto más alto, de más esta decir que se vendrá con seguridad otra segunda parte, porque este genio azulado se la merece.

Juramento de Venganza

Tarantino y Robert Rodriguez idearon rescatar un cine de género sumamente bastardeado en sus tiempos, o sea el llamado cine "Clase B" que a veces nivelaba hacia abajo, casi convirtiéndose en clase "Z". Aquél que era hecho por directores de oficio que sin muchas ideas se copiaban así mismos con historias bastante traidas de los pelos, y qué enciman filmaban productos uno tras otro cual máquinas choriceras. Precisamente esa veneración denominada "Grindhouse", fué un combo que acometió con dos delirios muy divertidos llamados "Planeta Terror" y "A prueba de muerte" hace un par de años, allí se incluía un falso trailer llamado "Machete", tanto gustó que terminó en esta peli que hoy comentamos.

Este prototipo de Rambo azteca es un agente federal que es traicionado y asi abandonado a su suerte, y que se erigirá en la venganza móvil propiamente dicha. Le bastará su machetito filoso, el cual manejará como los dioses(de la venganza), porqué si, el tipo pega y da en el centro tan velozmente que parece la mismísma reencarnación de la antigua Diosa "Kali", aquella que poseia tantos brazos como sables afilados.
El casi setentón Danny Trejo, siempre actor de reparto, y recién ahora rasguñando la fama es "Machete", de un carisma incomparable para ofrecer este torpe y despiadado sujeto.
A su alrededor hay un mafioso rey de la droga: Torrez (el reaparecido con entretejido capilar incluído: Steven Seagal), una agente de la ley que lo ayudará (sexy y bellisíma Jessica Alba), un memorable senador corrupto llamado McLaughlin (Robert De Niro al filo de una perfomance súper-exageradamente-sobreactuada), una reivindicadora social (Michelle Rodriguez), un particular curita hermano (Cheech Marin), y April (Lindsay Lohan notable) una chica de la alta sociedad con predilección por las armas. Imperdibles también Jeff Fahey como un gangster embaucador, y Don Jonhson -el ex "Miami VIce"- como un sherif muy facho.

Al igual que no se le pueden pedir peras al olmo, tampoco se le puede pedir al guión que sea verosímil, la trama se ajusta a un divertimento pleno, a una corrida de pura adrenalina y para ver con sonrisa incluída, el que no entienda esto, que se abstenga de verla.
Esto es cine de súper acción, de máxima pureza entretenida y alto poder festivo. La gansada habitual la dan en la sala de al lado.

Algo habrán hecho

Alejandro Amenábar vuelve a la carga, de un thriller como "Tesis" (1996), o pasar un drama biográfico: "Mar adentro" (2004) a su maravillosa y mejor obra: "Los otros"(2001), este realizador siempre supo armar historias sólidas desde un guión, y ahora remarca una narración ardua en tema producción y de altísimo costo (75 palitos verdes).
Hipatía (una notable Rachel Weisz) es filósofa, astrónoma, venerada maestra por sus discípulos -tanto que hay tres locos por ella-, en el Siglo IV, cuando Egipto -Logradísima recreación de Alejandría mostrando sus maravillas del mundo como el Faro y la Biblioteca- se hallaba bajo el Imperio Romano, y las revueltas y conflictos religiosos estaban a la orden del día.
Precisamente esa intolerancia, ese fanatismo desquiciado que lleva a enfrentar a los seres humanos entre ellos por un Dios que quizás sea el mismo, sigue tantisimos siglos después en absoluta vigencia, ergo especificando que mucho no evolucionamos. Así es que la mujer en una época de hombres, donde no había cabida para las hembras, menos ser pensante, formada, de ideas propias, y sugerir por ejemplo a un cristiano: "Tú no puedes cuestionar tu fé, yo debo hacerlo”, está mostrando sus claros principios. Su actitud parece semejarse a Galileo Galilei, que en otra época y tiempo pasó por su cuestionamiento.
Dentro de una estrucutura de excelencia cinematográfica, buenos efectos, decorados relevantes, vestuario, correctas actuaciones siempre creíbles, y una estupenda fotografía, el filme se hace merecedor de elogio y ser destacado en cuadrito de honor entre lo mejor estrenado este año, sin dudas.

Retrato de Familia

Comedia melodramática llamada en verdad "El primer día del resto de tu vida", que refleja a instancia de doce años distintas vicisitudes originadas en una familia francesa que integran: un padre taxista y fumador, una madre que busca recuperar algo de su supuesto tiempo perdido, un hijo mayor médico que choca con su progenitor, un segundo hijo varón abocado a la música y la menor de todas, una hija que parece arrastar algunos hechos detonadores en el ese ámbito co-sanguíneo.
Remi Bezacon, director inquieto consigue mostrar un genuino prisma familiar con situaciones que nos sugieren propias, cosas simples que constituyen las raíces de un seno arraigado en todas nuestras particulares vidas, hayan sido o no volcadas como aquí en un puntilloso y destacable guión fílmico. Cada integrante tenga la edad que tenga va en busca de cosas, sueños a veces y otras tantas la libertad. Un buen ejemplo en la trama es la aparición del abuelo -padre del padre- que no es más que un espejo humano de lo que suponen las por momentos álguidas relaciones entre padres-hijos.

Con algún apunte de humor cotidiano, con ratos de compartir cosas y otros difíciles, pero típicos en una convivencia familiar, el filme va a buen puerto, ayudado por una excelente actuación del reparto actoral, música y fotografía, climas y objetivos, todo determinando una buen opción cinematográfica que puede hasta llegar a momentos de marcada emoción. Es la vida que pasa sobre una pantalla de cine. Es un claro exponente del mejor cine, casi imprescindible de disfrutar.

Tras los pasos del viejo Clint

Vigoroso thriller, de narración magnífica y unas increibles actuaciones es esta segunda oportunidad tras las cámaras de Ben Affleck, actor de dudoso manejo actoral anterior pero definitivamente dueño de una carga notable como realizador y co-guionista.
Si nos sorprendió con ese excelente drama llamado "Desapareció un noche" hace un par de años, ahora nos demuestra su buena intencionalidad de contar historias por su cuenta, y la paradoja es que está tras la huella de Clint Eastwood, recordemos que varias décadas atrás todos decian -criticos incluídos- de la madera actoral que solia parecer el director de "Los puentes de Madison" y "Gran Torino", sin embargo el viejo Clint los mandó al diablo mismo descolgándose con un deshecho de buenisimos filmes, dirigidos maravillosamente y actoralmente marcados. Es decir se repite: Affleck y Eastwood son como buenos vinos, envejecen y para mejor.

En esta historia se muestra al actor/director como jefe de una banda de atracadores de bancos, sus decisiones, sus choques y hasta cuela una mini historia pasional con significados atrás. Todo ocurre en un sitio como Charlestown (Boston), un barrio bravo por asi decirlo, donde hay inmigrantes irlandeses lo que es a Nueva York con los inmigantes mafiosos italianos "alla Scorsese".
Affleck no inventa nada, no descubre pólvora alguna, narra con presición una entretenidísima historia de crímenes y pasiones, al igual que Kubrick en "Casta de malditos" o Huston en "Mientras la ciudad duerme" por citar dos ejemplos clásicos y perennes de la historia del cine.
Además de ritmo sostenido, gran fotografía, B.A. camina su papel de la mejor manera, haciendo un personaje creible todo el tiempo, Rebecca Hall que ya nos había enamorado en "Vicky Cristina Barcelona" brilla, Jeremy Brenner -el gran actor de "Vivir al límite"- es de lo mejor, y el agente del FBI a cargo de Jon Hamm es soberbio, o sea un relato de primera, que por momentos hace que uno dude porque nos están cayendo tan bien estos tipos recios, duros, que no tenemos ganas de que sean atrapados por la poli, será por aquella maldita frase de Brecht: "Quién es más inmoral, el que funda un banco o él que lo roba..?".

Baby You're a Rich Man:

David Fincher es uno de los mejores directores actuales del cine americano, desde "Seven" (Pecados Capitales, 1995) mostró una capacidad de narración fílmica más que interesante, "The Game" (Al filo de la muerte, 1997) me pareció notable, "Zodíaco" (2007) una genialidad y un poco menos "El curioso caso de Benjamín Button" (2008), aunque efectiva.
Ahora fué por más, descolgándose con la genuina historia de la creación de la red social "Facebook"(no autorizada), a través de la pasión de un nerd obsecuente, resentido, socialmente deplorable, admitible todo en un mundo ilustrado de frialdad, hipocresía y soledad, para alguien que crea una manera de sociabilizar y adquirir amistades, es decir el colmo de la paradoja. Harvard no escapa a eso cuenta Fincher y el guión magistral de Aaron Sokin, que a la vez se basa en el libro "The Accidental Billionaires" de Ben Mezrich -otro egresado de Harvard-.

El filme va y viene mostrando como crece y se sobredimensiona el panorama de la web, como se irá revolucionando lo comunicacional, a la vez como nacen los juicios multimillonarios, y las manipulaciones humanas, como el sentirse despechado y rechazado por otros nos transforma, cosa que la pasa a Mark Zuckerberg, el chico creador. Los personajes tienen lo suyo, muestran todo el tiempo algo de la enfermiza sociedad en la cual nos desenvolvemos, y como cuanto más creemos que comunicados estamos, más distanciados lo somos del semejante.
Aquí el que no corre vuela, o aún son más rápidos (diría Luis Juez: "Juegan a la mancha con los aviones!"-), Zuckerberg es el billonario más joven de la historia pero a su vez el más solo (buen trabajo de Jesse Eisenberg), Sean Parker, el creador de Napster es lo más jodido y avergonzante (un Justin Timberlake estupendo), el único que se salva un poco es Eduardo Saverin, el co-fundador y joven financista de "Facebook" (muy buena actuación de Andrew Garfield) a quién acuestan de una manera increíble.
El sentido de narración del filme hace que su visión no sea para cualquiera, y menos sino le interesa el tema. Como peli es notable y más que elogiosa, muestra las reservas morales en parte de una sociedad enferma, sus egos y rencores, la falta de escrúpulos, la traición, falta de ética, y siguen las firmas.
Shakespeare y Dostoyevski hablaron mucho mucho antes de todo esto también. Les parece poco?

Asignaturas pendientes

"En las despedidas nacen los encuentros" es la frase que promociona este filme nacional que es el debut en el largo de la guionista y productora -rosarina de origen- Alejandra Marino, precisamente esa frase anticipa algo de la historia dramática, que tambien tiene sus momentos de humor, acerca de que va la cosa.
Franzie -o Francisca- ha estado demasiado sola y conoce a un fracasado escritor, de quien requiere servicios, pero no los que uno puede esperar que sean, no "sexuales" sino de acompañante etc., para ella está próxima su muerte, y la vida "quiere retruco" amistoso.
El tema es que no se trata de un chico joven con toda la onda, sino un cincuentón, obeso, con un perpetuo estado de hambre (una verdadera máquina de tragar sandwiches en fiestas ajenas) y que a su vez aguarda la llegada de su primer hijo con su mujer joven y enamorada. O sea, cada personaje rico en detalles costumbristas, como esa madre hecha en tallo increíble por la gran Norma Pons -de hecho será la próxima China Zorilla de los años por venir-, que recorre el paisaje puntano con su perro "Pastor alemán", y en el andar de su locura, tiene sus lúcidos momentos para ir cerrando cosas de la vida. Su monólogo en la iglesia es notable.

Mimí Ardú -siempre recordada cinéfilamente por "El Bonaerense" de Trapero- es la actriz ideal para Franzie, con algunos planos sugerentes donde evidencia su talentosidad y Liporace cubre su rol en su mejor participacion en el cine nacional.
Un filme que no propone más de lo que ofrece, una historia sencilla, que recuerda esos melodramas ingleses tipo "Venus" (2007), de acertada trasparencia y honestidad, pero aqui con natural sabor argentino.

En retirada

Ya se sabe que a los clásicos personajes de los asesinos profesionales dentro del cine se los suele mostrar como fríos, calculadores y desconfiados hasta de su propia sombra, acaso quizás uno de los mejores ejemplos haya sido sin dudas "Ultimos días de la víctima" (1982), sobre novela de José Pablo Feinmann y dirección de Adolfo Aristarian con un antológico Federico Luppi.
En esta peli, Clooney compone a ese killer que decidido un día después de un atentado, desea colgar los botines y retirarse del laburo. Craso error, se sabe que a la patronal no le conviene, ergo el tipo se refugiará en la campiña italiana, para decirlo en criollo: "desensillando hasta que aclare..", donde se relacionará con una prostituta joven con quien empezarán a pasarle cosas.

Por su guión subyace toda una historia de redenciones, es decir que algunos de los pocos personajes que aparecen en la peli, ya que es tan discreta como económica (no hay explosiones, demasiadas muertes, ni muchos extras), y si demasiados planos con Clooney observando, desconfiando etc , deciamos que los peronajes buscan redimirse, como por ejemplo: el cura amigo, la chica prostituta, y obvio nuestro protagonista que de una se vé quiere abandonar todo y emprender la retirada profesional.
No es de las propuestas que más pueda disfrutar un público comunardo que solo vea pelis cargadas de persecuciones, balaceras a full, corridas sin parar, no, se trata de un thriller relajado, lento de a ratos, con un sobrio Clooney, una postal italiana de primera belleza y (otra) serie de beldades femeninas que aparecen: Violante Plácido y Thekla Reuten dan prueba de ello. Y no mucho más, asi que se equivocaron chicos, las pochocleras están en la sala siguiente...!

Atrapado sin salida

Paul es un camionero que despierta golpeado y encerrado dentro de un cajón en algún lugar de Irak, ante su horrorosa sorpresa entrará en un estado alterado de ansias y pánico. Víctima de una suerte de secuestro mortal, peleará contra su desesperación y movimientos limitados, con tan solo un encendedor Zippo y un teléfono celular iniciará una claustrofóbica carrera contra el tiempo, así nosotros espectadores iremos contagiándonos de la terrible incertidumbre que sobrevuela la historia fílmica, la cual atípicamente redondea todo en ese pequeño espacio durante la proyección del metraje.

Con algún que otro momento irónico como por ejemplo cuando se conecta con dependencias oficiales en su país, o la insistencia de llamados personales a su mujer en EEUU, los cuales se verán o sin respuesta o será agobiado por preguntas como su número de documento etc, risibles pero jorobadas situaciones donde uno vé la cotidianidad de la burocracia o el imaginarse en situación grave y no poder hallar respuesta inmediata. Todo es asfixiante, como un dramático eje eterno que parece nunca lograr otra cosa que la desesperanza.
Bien narrada, con excepcional laburo actoral de su único actor: Ryan Reynolds, "Buried" es un ejemplo de ingenioso guión, de aceitado film intrigante, algo que Hitchock en otro tiempo supo concretar en la pantalla, con sus momentos sorpresivos, y logrando que el espectador sienta en parte esa sofocación y deseé que termine de una vez tamaña trampa mortal. Se puede hablar hasta de un prodigio de entretenimiento a full, aunque uno también haya oido por estos dias algunas críticas no favorables. El tema es que pretende el público, adonde cada uno puede llevar su instancia de sorpresividad..?.
El final para algunos puede ser inesperado o absurdo, pero no deja de ser una de las mejores pelis que hemos disfrutado en este 2010.

Lo primero es la Familia

Verdadera sorpresa del cine independiente americano que deja la impresión que con guiones simples, para nada rebuscados se puede brindar un excelente ejemplo de buen cine.
El nudo se desata cuando dos hijos concebidos por inseminación artificial en su etapa adolescente deciden contactar y conocer a su padre donante, habrá que ver también que son hijos de una pareja de mujeres que están juntas hace 20 años y que la llegada del hombre traerá aparejadas algunas que otras consecuencias, movilizando el hasta el momento apacible hogar.
Estos conflictos pondrán al descubierto situaciones que van desde la hilaridad humorística al análisis de la complejidad humana.
Si bien la pedorrada de título otorgado al filme es "Mi familia" cuanto mejor es su original "Los chicos están bien", no?.
Se puede decir que por ejemplo el tema del lesbianismo de las protagonistas está tocado con discreción, casi tangencialmente, con absoluta naturalidad y que ambas protagonistas: Julianne Moore y Annette Bening están formidables, hasta con sus adorables arruguitas y tan naturales, Mark Ruffalo en el donante muestra su capacidad actoral tan sobria como sincera, y sobre todo: Mia Wasikowska - la Alicia de Tin Burton - ofrece una actuación que nos da que pensar que se viene un futura actriz mayúscula con el tiempo.
Curiosidad aparte despierta la escena que Ruffalo sostiene a la hija: "Deberías conocer Buenos Aires, es una de las mejores ciudades, de las más bellas del mundo!".
Si una peli excelente, con momentos de comedia de enredos y otros de punzante llegada al espectador, sin un ápice de duda estamos hablando de unos de los grandes estrenos del año.

Maldita Policía, maldita Justicia.

Enrique Piñeryo luego de su cine-denuncia: "Whisky Romeo Zulu" y "Fuerza Aérea Sociedad Anónima", la emprende ahora redoblando la apuesta y metiéndose en camisa de once varas...ahora fué por la corrupción policial y la irregular y mentirosa justicia local.

Tomando de punto de partida la denominada "Masacre de Pompeya", acaecida en 2005 donde se responsabiliza de todo a Fernando Ariel Carrera, quién purga su condena de 30 años de cárcel, y no por mero error, sino por algo que aún horroriza más: causa armada y manipulación de la causa judicial. Puffttt....de no creer o si..?
Acaso Piñeyro no pone algunos minutos en el doc con la imagen entrañable de Tato Bores explicando como funciona la justicia aquí,
o cuando es explícito al basarse en datos concretísimos recurriendo a un increíble archivo periodístico de la tevé nacional, y hace tambien parte de la condena a los medios. Hay un ejemplo cuando el propio Carrera dice en su entrevista en el penal: "A mi ya me condenó antes la prensa...entonces si yo leo en "Clarín" que soy el único responsable", a quién va a creerle la gente a mi o al diario..?? Al diario sin dudas!!".

Se sabe que ni la policia es tan honesta y que la justicia funciona muchas veces mal, por eso Piñeyro es mordaz e incomoda todo el tiempo con su doc, mete dedo y escarba, seguramente irritando a más de uno de los implicados en esto. Sin dudas sabe como hacerlo, algo pagado de sí mismo pero denunciante feroz, de rigurosa objetividad al mostrar data y pruebas al respecto. Un documental argentino tan necesario como objetivo, de imprescindible visión. Salvo que uno sea como el burro que no ve más allá de la zanahoria frente a su nariz.

El Encanto de cierto cine

Que puede deparar un filme que suma en escenas bellísimas, gatos, tabletas de chocolate, peces domésticos, libros y más libros, comida japonesa, el placer del té, los incontables dibujos en primer plano que realiza la pequeña protagonista y mezcla cada tanto los cotilleos y molestias de ser filmados de una familia burguesa e insufrible, también la de la chica de 11 años.
Paloma es una especie de monstruito inteligente, bello, pícaro, que ve pasar sus dias con desgano de ser parte de una familia acomodada donde sobresale la neurosís de cierta clase social, y que tiene muy claro que al cumplir 12 años se ha de suicidar. Por ello toma una olvidada cámara de video y comienza a registrar todo aquello que desea. Un mundo que pasa por una gran casa de departamentos parisinos, donde habita una casi insignificante mujer que trabaja allí de portera y que en el huir de su familia aburrida, la niña hallará refugio de compartir cosas.
Esta significativa sra. viuda que interpreta la gran Josiane Balasko, pasa su tiempo libre leyendo como para cubrir era falta de educación que detecta, Paloma es casi pronto una cómplice.

Pero a poco aparece un nuevo vecino, un tercer y notable personaje, el sr viudo japonés, incomparable ser amable que provoca en ambas un claro sentido de la vida en charlas y encuentros. La directora Mona Achache brinda una historia llena de significado humano, de pequeños momentos únicos y maravillosos, algo que cierto público agradecerá, un ida y vuelta de la vida, de la marcada soledad en la cual habitamos aun que a veces estemos muy acompañados. Un cine distinto, gratificante, tan conmovedor como necesario.

La Ventana Indiscreta

Hay una extraña pero buenisima mezcla de géneros y tonalidades en el argumento de esta peli nacional, hay ribetes de comedia negra con muchos momentos divertidos, por otro lado hay una fuerte carga psicológica en sus dos personajes que deriva en patologías fílmicas cercanas al "pyscho-thriller" y una dosis de intriga también.
A raíz de un conflicto casero entre vecinos, con una cuestionada pared medianera donde uno construye una ventana y el otro pretende tapar si o si, vamos viendo reflejados como son en verdad estos protagonistas de la trama argumental, y donde se entra en un juego en el cual no se sabe bien quien son los buenos y quienes los malos para derivar en un final que sorprende y llama la atención, cerrando una idea lograda en lo cinematográfico.
Y en el medio están ambos actores, bien sólidos en sus pintorescos personajes, tanto Aráoz como Spregelburd llegan cabeza cabeza al disco ganador, y nos entregan real credibilidad. Desde lo artístico, estupendamente filmada en la casa diseñada por el arquitecto francés Le Corbusier en La Plata -donde está realizada-, y tanto son inmejorables su sonido como su iluminación en lo técnico, lo cual muestra la capacidad del dueto de directores: Gastón Duprat-Mariano Cohn, los mismos del hit de tv "Televisión abierta" y de los filmes: "Yo presidente" y "El artista".
Este filme argentino es como abrir una ventana al espectador pero por la cual afloran rasgos típicos sociales como la tilinguería, el cinismo, los miedos, "el que dirán", como asi tambien otras miserias humanas, como la mentira, y ciertas actitudes viles y nefastas, pero no nos sorprenderán, ya que por desgracia nos son propias.

El Zorro nunca pierde las mañas

Hay una edad adulta donde las cosas empiezan a mostrar sus lados más difíciles y quizás inesperados, ya sea por los años vividos, enfermedad o lo que fuese, parte de esto le sucede a Ben, un cincuentón al filo de los 60 pirulos, que parece no aprender nunca, ni lo hará jamás. Que frustaciones y dolores de cabeza le traerá, queda descontado, ya que en un viaje de fin de semana tener un rápido "affaire" con la hija de su pareja actual de tan solo 18 años, lo está diciendo todo.
Además de incorregible seductor, creído de si mismo, pedantón incapaz que se ata a recordar sus supuestos años fáciles donde ganaba dinero y era un exitoso, todo no alcanza para reverdecer laureles, de pronto se halla sin nada de nada, y esto permite al personaje -tan bien llevado, casi insuperablemente, genuinamente, por una de las mejores perfomances actorales de Michael Douglas-, hacer entonces una observación severa del estado de las cosas, sus cosas. Por momentos recuerda en algo, a aquél filme italiano con Gassman: "Il sorpasso".
Alrededor de este pusilánime por ratos, por otros divertido y simpaticón, se dan cita una cantidad importante de personajes secundarios de valía: la ex-esposa (Susan Sarandon), el amigo de otros tiempos (Danny de Vito), una millonaria mujer conflictiva (Mary-Louise Parker), la chica hijastra (Imogen Poots), su verdadera hija (Jenna Fisher), un joven universitario que se atraerá tan rápido como asi desencantará de él (Jesse Eisenberg, el maravilloso chico de "Zombieland" ) y algunos otros, lo cual irá bordando puntillosamente un guión sin desperdicio, que tuvo entre otras cosas la producción del notable Steven Soderbergh.

Un muy buen filme, básicamente apoyado en la labor de Douglas - por momentos cuando camina o sonrie a cámara parece un calco de su eterno padre: Kirk -, de dos directores para tener en cuenta a futuro, para disfrutar de una serie de personajes y actores logradísimos que lo acompañan, y sobre todo una metáfora importante acerca de la vida de un hombre perdidamente solitario.

Severa Vigilancia

Basada en la novela de Martín Kohan: "Ciencias Morales", uno de los autores más estimulantes de la reciente literatura argentina, llega a la pantalla este filme de Diego Lerman, quien retrata una parte de la educación en tiempos de los últimos coletazos de la dictadura, con acción desarrollada en 1982.

Dentro de un gran colegio, la juventud estudiante es sometida a una inquisidora, rigurosa, mecánica vigilancia, algo ciertamente inolvidable para quienes habitábamos las aulas por entonces. En ese ámbito, está insertada laboralmente como preceptora, la muy insignificante y simplista -en lo cotidiano- María Teresa, que tiene 23 años pero aparenta más por su gris vestimenta (una excepcional actuación de Julieta Zylberberg), que aprovecha sus viajes en subte para limarse sus uñas, y que aborrece convivir con su tonta madre y una abuela, quienes la llaman "Marita".
Para ella eso es mucho, pero nada al desconocer lo que le espera al intimar con su jefe de celadores Biasutto (otra gran labor de Osmar Núñez), que es un declarado caza-subversivos como se rotula a si mismo, ejerze su cargo desde 1976, y sugiere a la chica permanecer en atenta vigilancia siempre, ser ese ojo invisible que puede detactar y delatar. La metafóra fílmica está dada, este personaje masculino representa lo peor.

La preceptora se oculta en el baño masculino intentando ver quien fuma a escondidas pero en su refugio descubre otras cosas, que no serán reveladas en esta mera crítica. Cine detallista, no apto para cualquiera, que habla muy claramente de nuestro pasado oscuro y siniestro, de las formas de lo degradante y de las aristas de la represión. Y a uno lo peor que le puede suceder es olvidar aquél pasado imperfecto. Un filme que vale algo más que la pena. Digamos necesario.

Asuntos pendientes

Lurgan, Irlanda del Norte, una guerra civil se ha ido gestando, con el IRA que apunta a legitimistas británicos y la Fuerza de Voluntarios legitimista del Ulster que exige la venganza contra Católicos que ellos consideran militantes republicanos, Alistair, un chico de 16 años es líder de un grupo y así con ese telón de fondo atrás asesinará despiadadamente a otro chico, frente a la mirada desconsolada de su hermano más pequeño.

Ahora 25 años después un programa de tv los convoca para que se conozcan y digan lo suyo ante las cámaras, situación creible ya que por el 2004, la tv argentina ofreció el programa "Asuntos pendientes", donde inutilmente sentaba frente a frente a la hermana de Alfredo Yabrán con la de José Luis Cabezas, o a Guillermo Coppola con el juez Bernasconi. Aqui, en esta ficción fílmica no se sabe bien que ocurrirá ya aquel chico testigo creció hundido por el resentimiento y el odio descarnado hacia el verdugo de su hermano y solo piensa en matar con sus propias manos al otro.
Pero en estos años mucha agua ha corrido bajo el puente y Alistair ha evidenciado en carne propia la interminable presencia del pequñeo observándolo y además de una sabe que nuca podra pedir perdón por tal acto. Entonces imaginará otra cosa y alli es donde objetiviza su aleccionador criterio de la existencia humana, este muy buen filme, más que nada de actuaciones, ya que tanto Liam Nesson (Alistair, el ejecutor) como James Nesbitt (el ya crecido Joe) están increiblemente magníficos, y aún más este último en su muy difícil creación de personaje, llevando casi todo el filme una intensísima carga de rencor y resentimiento en su rostro. Lo que se dice un filme imperdible si uno desea ver grandes actuaciones, esas dignas para cuadro de honor. Verdadero duelo interpretaivo y una consumada dirección de Oliver Hirschbiegel, el mismo que sumó puntos con "La caída" y restó notoriamente con su mediocre "Invasión". "Cinco minutos de gloria" es un vigoroso filme, duro y tensionante pero honesto.

Encuentros fumados del Tercer Tipo

Tremendamente delirante, con algunos gags muy buenos, rápidos, bien hecha en lo artístico, con buenos efectos, actuaciones acordes al desquiciado guión de Dreizik (que labura en la peli como un naturalista despótico) y por sobre todo reinvidación del género comedia en el cine nacional, tan vapuleado por engendros del tipo "Bañeros", o "Brigada explosiva". Capussoto es un fracasado músico, que labura en una agencia de remises y soporta un padre terrible ("Nene, en vez de músico hubieses sido Ginecólogo, hoy estaríamos llenos de minass..." le dice en una parte), que decide aceptar el ofrecimiento de un delirante primo (Luis Luque al borde como siempre en sus personajes), y así viaja a las sierras cordobesas donde alternan: una feria de artesanos de no creer, personajes absolutamente limados, y la posibilidad de contactar en un improbable "Cerro Pájaro" a unos visitantes extraterrestres que los llevarian con ellos.
La riqueza mayor de esta historia divertida son los marcados y disparatados inetgrantes del "Cast", aparecen desde músicos de antes reciclados en ellos mismos pero aumentando su potencia: Claudia Puyó, Miguel Zavaleta, Miguel Cantilo, otros personajes esporádicos de no creer: la titiritera de Lola Berthet, el hermitaño Magallanes y su perro "Culo", el ex luchador Julio César -ya heredado de "Todo por dos pesos"-, la policía de ALejandra Flechner, el paisano de Juan Carlos Mesa y por sobre todo la desopilante intervención del Dr. Antonio Cafiero que es uno de los momentos cumbres del relato.

y habrá más: como el Intendente "Bufarra", o el payador exagerado en la parroquia cantando, cosas que apenas salen y van en forma de gag verbal, veloz, como antes había hecho Nestor Montalbano en "Soy tu aventura", y clásicamente en "Todo por dos pesos" en la TV. Pero acotemos que la peli no es para cualquiera, a quienes les "divierte" Fort en Tinelli (pobre de ellos) no les cabe.
Este humor es diferente por ello contundente y efectivo, recurre a la marihuana y a la truchada, al Peronismo y a la ecología, y sobre todo a la incredulidad masiva, todos "Items" de nuestra actual y bienamada situación social.
Nuestro amigo y colaborador y ademas de excelente critico: Elbio Córdoba sostiene que se hace también una especie de tomadura de pelo al personaje de un jujeño, el cual denota cierta "fobia" a los pueblos originarios, no creemos que sea asi ya que este tipo de humor se presta para el juego delirante; de ser asi entonces habría que pensar que el guion se ríe de los fumados, de los fracasados, de los rockeros, de la policía, de los payadores, de los gay, etc etc no intentemos ver la maledicencia donde no cabe, al caso Tinelli es mucho más peligroso en su "Idiotización" del género humano.

Pommery Frappé

Stephen Frears es un director que por sobre todas las cosas posee un muy buen gusto para una puesta cinematográfica, y de esos que saben poner toda la carne a la parrilla, anteriormente en "The Queen" (La Reina, 2006 )habia jugado con una ficha valiosa: la interpretación de Helen Mirren, aquí hace casi igual jugando con la presencia de otra amada por la cámara: Michelle Pfeiffer, y reinicia con la actriz una relación fotogénica que venía de 1996 con "Relaciones peligrosas", otro notable ejemplo fílmico. Frears sabe sacar lo mejor de sus actores -"Alta fidelidad", 2000 puede comprobarlo-, y ahora en esta nueva emparenta con otras tambien pelis suyas anteriores de cierta bijouterie artística como "El secreto de Mary Reilly" (1996) o "Mr. Henderson presenta" (2005).

La relación en principio amistosa entre una madura prostituta de lujo en su casi retirada llamada Lea y el hijo de una ex compañera que solicitó su ayuda a esta para que lo encaminara a Cherí, su joven hijo de 25 años; y que termina siendo un amplio juego que irá de la pasíon al amor genuino, y al espinozo tema de la diferencia de edad, dentro de la "Belle epoque" donde los personajes parecen habitar en una lujosa bombonera, rodeados de Champagne Pommery y la música de violines zíngaros. Frears saca provecho de ello, basándose en una novela de Colette - que bien sabia sobre las partuzeras parisinas - y que el cine recogió en aquella moderada "Gigí" con Leslie Caron de la MGM por los años cincuenta.

Con cuidadísima estética, fotografía maravillosa, vestuarios increiblemente bellos, escenarios reales, con la iluminación paseando sobre los cuerpos semidesnudos en camas que uno desearía tener en su casa, y una estupenda banda musical de Alexandre Desplat, nos hallamos ante un filme que puede verse para disfrutarse desde la belleza visual con la cual es presentado, y siempre con unos planos y certera actuación de Michelle Peiffer, bien acompañada por Kathy Bates -siempre divertida-, y donde el chico protagonista que hace de Cherí es un modelo de belleza masculina.
Con la duración justa de metraje y un final que puede parecerle precipitado a muchos espectadores, el filme puede recomendarse con su inconfundible sello Frears.

Las Maravillas de la Vida

En el 2001, los franceses Jacques Perrin y Jacques Cluzaud estrenaron "Tocando el cielo" (Winged migration / Le peuple migrateur), un increible doc sobre el vuelo y la acciones migratorias de las aves por el mundo, y si esa vez nos deslumbraron, ahora redoblaron la apuesta con esta joya sinigual llamada "Océanos".

Hoy un documental que llevó 4 años hacerlo, era obvio que precisaba una narración nunca antes vista, es decir una magnífica odisea a través de los océanos del planeta, con imágenes infrecuentes, sencillamente espectaculares, lo cual hace que sea casi de obligada visión en las pantallas grandes de las salas cinematográficas, ya que fué realizada en "Cinemascope", lo cual realza y eleva su disfrute. Lejos a su vez de esos documentales acostumbrados de los canales de tevé específicos sobre naturaleza, con una fotografía sofisticada y acorde a las técnicas y cámaras de registro de hoy día, así conforma una sinfonía de tamaños, formas y colores, donde no hay casi palabras en off, ni datas, tan solo un marco musical adecuado y el descubrir por ejemplo de interminables cantidades de delfines que saltan y juegan en su travesía sobre un atardecer rojizo, o la dimensionalidad increíble de un gigantesco tiburón que pacificamente comparte nado con un buzo y ni que decir de los descubrimientos de un mundo oscuro y profundo en el suelo de los mares, adonde nunca antes llegó el ojo humano.

Ver este doc es acrecentar el placer por la vida, de una. Es paladear la estética del cine en su más depurada exploración, es ser partícipe de las maravillas que desconocidamente nos rodean. Por otra parte también el filme se hace difusor de un mensaje ecologista, mostrando la inconsciencia del ser humano que destruye y contamina los ríos que desembocan en los mares. Por eso funciona, en lo didáctico y en lo inherente.
Como data digamos que la version que la Cía Disney Nature ha presentado está reducida en minutos, algo así como 20, por lo cual habrá que intentar acceder -en algún momento- a la original francesa.

La Lealtad en cuatro patas camina con altivez.

Debo confesar que además de no poseer mascota alguna, no soy fan de aquellos filmes sobre animalitos buenos y divertidos, que desde la pantalla proponen alguna picardía, y generan complicidad hogareña de cine familiar, es más el año pasado uno terminaba embroncado de ver esa comedia tramposa llamada "Marley y yo", pero ahora luego de ver ésta puedo sostener que no todo es tan asi y que "Siempre a su lado", como aquí han titulado esta versión del filme nipón: "Hachiko monogatari" es muy distinta a lo anterior visto por estos ojos.

Basada en un caso verídico, acaecido en los años 20 en Japón, que también resguarda la historia una estatua del fiel Hachiko, perro que durante años fué a esperar a su amo dia tras día a la estación de trenes sin saber que este ya no volvería más. Richard Gere produjo ahora esta versión que se desarrolla en Rhode Island, donde es un profesor de música, casado con Joan Allen (comentario aparte: que le pasó a esta actriz con su cirugía..??? Cambió tanto que ya no parece la de antes!!), y llevan una vida feliz cuando a él se le cruza un cachorrito perdido en una estación, luego de idas y venidas, se convertirá en fiel mascota hasta que un día su amo no regrese del diario viaje en tren a su trabajo.

Con una perspectiva poco usual de ubicar la cámara como posiblemente nos observen los animales, con destacadas tomas y planos del can, sus gestos perrunos, su jadeo, y su forma de comunicarse con el dueño, el director Lasse Hallstron brinda una más que prolija y honesta apuesta, donde el animalito pasa a ser el protagonista, y Gere su secundario.
De manera simple la trama nos ofrece el sentido de la lealtad, el honor y el amor mutuo entre dos seres como pueden ser -o siempre lo son-, una mascota y su dueño, yendo más lejos y hablando también de la lealtad y la fidelidad, por ejemplo algo curioso pasa cuando el perro no acepta jamás jugar a la pelota ni aprender ninguna gracia, uds verán el porqué. Sin gansadas de comedia, sin personajes "malos", sin ninguna rebuscada línea, se propone una digna peli.
Hachiko -su nombre de origen oriental tiene su significado- hará que nosotros soltemos nuestras emociones, y veamos con beneplácito una propuesta cargada de genuino amor al prójimo animal.

La Caldera del Diablo

Hace muy poco tuve oportunidad de volver a ver "La patagonia rebelde", clásico autóctono dirigido por Héctor Olivera, un realizador en algún momento polémico, pero correcto profesional con títulos excelentes como éste citado, pero también con algunos pasos en falso por otras pelis olvidables. Ahora Olivera retomó a su avanzada edad por la buena senda: "El Mural" es un muy buen ejemplo de cine nacional.
Desde el vamos, al cine se le caen las babas por la historia fascinante del Imperio Botana y su diario "Crítica" -hay que recordar que fué uno de los más populares y leídos matutinos, que allá por los años 30 llegó a tirar 300 mil ejemplares por dia, que reite de "Clarín"-, su creador Natalio Botana, era algo así como su simil editor norteamericano: William Randolph Hearts, a quién Orson Welles reflejó en "El Ciudadano", era un sibarita, un innovador, un fastuoso hombre rodeado de la crema de su época, dueño de una increible estancia en Don Torcuato con 30 habitaciones, poseedor de Rolls Royce, amante de mujeres famosisimas como Josephine Baker, etc, casado con una mujer que aunque millonaria apañaba anarquistas, y tenía una relación tensionante con sus hijos, es decir todo este material daba para hacer una pelicula atrapante, y Olivera lo logra afortunadamente.
Botana en la trama recibe y cobija en su estancia al pintor mejicano David Alfaro Siqueiros, quién imposibilitado de plasmar un gran mural al aire libre donde reflejaría lo social y politico de ese tiempo, repudiado -por su confeso comunismo- por la sociedad porteña, decide aceptar la oferta de Botana de pintar un mural en su subsuelo de estancia, allí pernoctará junto a su pareja: Blanca Luz Brum, uruguaya, mujer de letras, y desprejuiciada en extremo que concretará encuentros amorosos (fugaces) como con Pablo Neruda, más ocasionales con el propio Botana y los muy tortuosos con el artista mejicano.
Pero el guión no va solo por la concreción de este pandemonio montaje que se llamaría "Ejercicio plástico", y donde Siqueiros tendría como ayudantes a otros pintores como Berni, Castagnino y Spilimbergo, sino que ahonda en ese abultado juego de pasiones entrecruzadas que se dan, incluso con escenas de erotismo de alto voltaje, y hasta una serie de trágicos sucesos como el suicidio del hijo adolescente mayor de Botana. Una verdadera "Caldera del diablo" de su época.
Los valores del filme están dados por una excelentísima fotografia e iluminación de Felix Monti, una dirección de arte de lujo de Emilio Basaldúa, y el montaje de Marcela Sáenz, las actuaciones son espléndidas en los casos de Luis Machín como un Botana antológico, el mejicano Bruno Bichir como Siqueiros, y Ana Celentano, ya una marca registrada en su talentosidad al servicio del cine criollo, aquí como la esposa: Salvadora. En tanto, Carla Peterson es la menos lograda, casi un esquemita de su Blanca Luz Brum.
También resalta la música de Eduardo Gamboa, que es muy marcada y acorde. En definitiva, un gran fresco de la historia argentina con sus pro y sus contras, con sus miserias y oropeles.

Los Desastres de la guerra

Hay un cuento breve y maravilloso de W. Somerset Maugham sobre un encuentro entre un hombre y la muerte sobre la espera de esta última con el desgraciado hombre en Samarra, cuento que sirve como disparador de parte de este filme, donde Brian De Plama utiliza para volver al ruedo cinematográfico con "Redacted" -aquí bautizada para su distribución como "Samarra"-, cierta estética actual. Es decir filmaciones que parezcan o son tomadas directamente de la cámara digital de uno de los soldados, similar a lo mostrado como hecho fílmico en ficciones como "Cloverfield" o "Rec", con otras reales y con mucho de imaginación, se presenta la narración de un ultraje y posterior asesinato en masa a un familia de iraquíes por parte de unos pocos soldados norteamericanos.

Imágenes duras, fragmentaciones belicistas, que se confunden entre el horror y la ilustración contundente de la guerra en Irak. De Palma juega o se sirve de mucho pareciendo de a ratos una forma copiada del "reallity" criollo: "Policías en acción" de la tv , o quizás plasmando cual un Goya contemporáneo un fresco de los desastres de la guerra. Muestrario de miserabilidad humana y paranoia infinita que no debe haber resultado del gusto ni beneplácito de sus connacionales yanquis. Son demasiados los que en su país simpatizan más con "Los boinas verdes" de John Wayne que con "Pelotón" de Oliver Stone. Uno de los protagonistas -todos actores absolutamente desconocidos- sostiene por allí: "Hay que disparar siempre sin tener dudas", o "Que quiere esta gente...? Les trajimos la democracia, le sacamos a Saddan Husein....", y deja en claro la idea del realizador de "Carlitos Way" o "Scarcafe", de cual es su postura ante el tema.
Elogiable aunque estremecedora, un filme distinto y polémico, de justa duración y desgraciadamente estrenado bastante tarde, lo cual le pateará en contra en tema respuesta de público. Después de verla como no recordar esos versos del genial José Larralde cuando dice:
"Y el ego que nunca vé nada porque siempre está ocupado/ deja que crezca el pecado, total la bosta está hecha/ va a tener buena cosecha quién clasifique finados...!".

El Amor en los tiempos de la desesperación.

El director Trapero se destacó en su ópera prima: "Mundo grúa" y sumó mucho con "El bonaerense" y "Leonera" (sin dudas: dos muy buenas pelis), asi mismo opino también que "Nacido y criado" fué terrible bodrio. Ahora retoma el trabajo con una historia (básicamente de amor desencontrado) con tintes de denuncia social y mostrando ese amargo pero real submundo de los accidentes de tránsito y el cobro de las pólizas.
Precisamente en ese ámbito se habrán de conocer el abogado Sosa( un correcto y notable Darín) y Luján, una joven médica (Martina Gusmán, ese inolvidable rostro y presencia de "Leonera"), para ambos será hallarse de repente en un espacio hasta el momento desconocido en lo personal, a Sosa -en sí víctima de un turbulento pasar- se le cambian los tantos por ella y ella se asomará a ese submundo citado. Pero la pasión abraza y ellos se dejarán llevar en medio de tantos accidentes y heridas por curar.
Antes de conocerse por su título actual: "Carancho", se titulaba "Las heridas", y de eso va este nuevo y meritorio paso del cine argentino actual, de heridas, de llagadas almas que vagan en su soledad y a expensas a veces de un espacio marginal, pero lo hacen en busca de afectos y amores verdaderos, eso tan difíciles de alcanzar.
Un filme crudo, realista, con buenas actuaciones, climas estupendos, y una superlativa fotografía de Julian Apezteguía, en tomas nocturnas de realze. Destaque y véase este filme que sin dudas estará dentro de lo mejor visto en este 2010.

El regreso de los Jedi.

Desahuciado periodista, víctima de infortunios amorosos decide olvidar a su ex y marcharse a cubrir la guerra en Irak, allí conocerá un espía militar "jedi", o sea integrante de un ejército denominado "de la nueva tierra", team que se basa en ejecutar sus armas de sabiduría y conocimiento psíquico en vez de las consabidas en su defensa ante el enemigo. Esto los lleva por ejemplo a dominar la mente de cabras como experimento.
A la temperatura guionística de un absoluto delirio, dentro de una línea muy loca comparable a la de los hermanos Coen, esta suerte de comedia negra y estudio sobre la paranoia de la guerra, con algo de crítica al militarismo intervencionista estadounidense es el debut como director de Grant Heslov, con Clooney como uno de los productores y actores protagónicos.
Quizás algo poco fluída en su punto de cocción máximo hace que el fime no sea tan logrado, aunque claro tiene sus gags y su humor, que para quien se divierte con mamarrachadas como "Tonto y retonto" o algun bodriazo de Eddie Murphy, no le causará ni la más mínima sonrisa, seamos conscientes que su visión despertará adeptos y admiradores y por otro lado: compulsivos rechazantes que odiarán este filme. Bodrio o genialidad..? esa es la cuestión.
Los roles actorales podrían haber sido más explotados, pero Clooney no está mal y a veces se asemeja a un dibujo animado saltando y huyendo, Ewan Mc Gregor es el periodista confundido que desenrollará la madeja, Kevin Spacey es un militar hijo de puta soberbio y las palmas se las lleva: Jeff Bridges como el creador de este programa militarista, que instrumenta conocimientos a travé de drogas, relajación, Tai Chi, y bailes, desde su total postura "hippona". Una banda de sonido con temas de Supergrass, Boston, Billy Idol etc acompañan las escenas.
Yo la disfruté bastante, con reservas pero la disfruté, la gran mayoría de uds tengo mis ciertas dudas.

Lugares Comunes

Hay pelis que uno se pregunta realmente porque llegan a las salas, aunque hayan tenido una buena producción (costosa a eso vamos) como este título filmado hace un par de años y que por un tiempo, sus productores no supieron que hacer, es obvio que de no estar Renée Zellweger como protagonista, la historia hubiese sido otra: estreno directo a DVD, cosa que por otro lado ocurrió en su país de origen.

Porque a la trabajadora social que encarna la actriz de Bridget Jones, le sucede que decide un día rescatar de los horrores domésticos que vé, a una niñita de aspecto angelical e inocentón, que de a poco dejará ver la hilacha de un caótico personaje, que bien podría ser comparable al Damian de "The omen" (La profecía), con rasgos similares a otras "enfants" terribles del cine que van desde "La mala semilla" (The bad seed, 1956) a la reciente y muy buena: "La huérfana" (Orphan, 2009), por citar dos antecedentes cinéfilos de peso.
Pero aquí solo hay una manipulación berreta de efectos y situaciones vistas hasta el cansancio, que pasan por los típicos recursos del "psycothriller-tramposo", el que los directores y/o productores imaginan..."y ahora acá, al público le hacemos creer estoo...y cuando aún no terminó de digerirlo...rápidamente le hacemos aparecer una invasión de moscas....o muchas sombras y ruidos de cerraduras...y alguna que otra extraña voz al teléfono...etc...!!".
Y está Renée en los planos sufriendo, llorando, allí está haciendo pucheros, y sus enojos -no se sabe si por el arrepentimiento de haber hecho esta peli o qué-, que rema y rema con destino a ningún sitio, salvo a un final de los denominados "colgados, o pinchados con alfileres", que no resisten ningún peso, y de hecho se caen de una.
Un día de un futuro lejano, en Hollywood se reunirán a tomar el té tres actrices mayores, y recordando sus carreras, tratarán de borrar de su memo, sus metidas de pata en pesados y abominables filmes del género: Juliane Moore en "Misteriosa obsesión" (2004), Hillary Swank por "Prueba de fé" (2007) y René Z. por ésta.

Los pecados de la Salchicha "Ser".

El cine hollywoodense se ensaña en seguir haciendo "remakes", o sea retomando guiones probados de filmes que en su momento llamaron la atención del gran público. Y por más que hoy exista alrededor de cualquier producción, una mayor y mucho más costosa capacidad de promoción, suele pasar que no sirve, algo y mucho de todo esto acontece con esta versión actual del exíto de 1980.
Claro aquella tenía atrás a Alan Parker, un director con talento, y sin llegar a ser una notable peli era al menos bien llevada a puerto con canciones pegadizas, o algunas coreos bastante llamativas para entonces. Hoy es distinto. Aquí no pasa nada de nada.

La idea de contar en 107 minutos el correr de 4 años con un grupo de alumnos supuestamente "dotados" de cierta capacidad en danza, canción y actuación, no es muy feliz que digamos. No se ahonda en los personajes, todo es light, todo se parece a las salchichas SER que no tienen gusto a nada y que son puro envase llamativo, todo llega ahi nomás y luego se esfuma sin mayor data, algo así como tirar escenas a la marchanta, y por peor sin coreos atractivas, o canciones que puedan ser minimamente llegaderas. de las actuaciones tampoco hay mucho por decir, hay una insoportable Kay Panabaker -esos engendros del merchandising propio del canal Disney-, y el resto de los chicos aprendices en el oficio de las artes no tienen ni ángel ni atracción, salvo que resaltan cierta histeria y mamarrachismo.

Al final de la peli original de los 80 -en el dia de la graduación- estaba ese tema inolvidable llamado:
"I Sing The Body Electric", y uno aún recuerda como también el cuadro del baile grupal callejero con el tema principal, ni por tapas ocurrirá con esta, ya que al salir de la sala o minutos antes para cuando lleguen los créditos finales, uno habrá dado por olvidado todo. El hecho que este filme haya tenido recaudaciones muy bajas y salga rapidamente de las carteleras es ya un claro ejemplo de como viene esta versión, donde tampoco están ni Angelo, ni Coco, Bruno, ni el maestro Shorofsky o el balarín negrito Leroy. Si quieren fama busquen aquella version original, que es tan solo un clásico pero que se deja ver mucho mejor que esta vacua y gélida actual.

Los hermanos sean unidos.

Daniel Burman tiene la capacidad de proponer historias simples, donde el estado de situación de sus personajes las conforman interesantes, eso ha pasado con "Esperando al mesías", "El abrazo partido", "Derecho de familia" y "El nido vacío", ergo este director sabe narrar situaciones y anécdotas que siempre nos son en mayor o menor medida casi excluyentemente propias.

Aquí estos dos hermanos que componen Antonio Gasalla y Graciela Borges, no hacen más que demostrar registros cotidianos, que hemos sufrido o espiado en gente cercana a nosotros. Quién no ha vivido esas relaciones amables por momentos y por otros patéticas..?
A partir de la muerte de la madre -que como se verá en el rol de Gasalla tuvo una gravitancia única-, la relacion entre este hombre de profesión orfebre y su hermana, personaje con ciertos lados oscuros, que nunca se sabe bien que intenciones jodidas tendrá, dedicándose a negocios inmobiliarios poco claros, a robar correspondencia de los vecinos, o colarse en cuanto agasajo pueda, robándose incluso parte del lunch y champagne, bueno entre ambos cobrará cierto desvío esta relación. Ella lo instala casi obligadamente en un pueblo costero uruguayo, donde él primero descubrirá un mundo nuevo de posibilidades entre las cuales se cuenta meterse de actor en un grupo de teatro local, todo trayendo hasta cierto posible distanciamiento familiar.
Los tires y aflojes de la pareja tienen la base sólida en las maravillosas actuaciones de ambos actores, Gasalla poco aprovechado en el cine realiza una labor estupenda llena de matices con gestos, miradas, risas, muecas de sobriedad y certifica que puede ser siempre algo más que "Mamá Cora", la Borges en su edad borda una increíble actuación, su rostro amado de siempre por la cámara, ahora en la madurez, no se queda atrás y da talentosidad.
Genuino duelo de titanes cuando en sus roles juegan escenas inolvidables como las del velatorio, o la de intentar oir a través de las paredes a sus vecinos, o cuando se cuelan en un agasajo en la Embajada de Brasil, o sacándose chispas en otro festejo familiar, y hasta la fascinación cholula -heredada de su madre- por la mitológica Mirta Legrand.

Si, nada tan simple y a la vez más traido de los pelos que estos dos hermanos en su relación, la cual el público podrá gozar a pleno como me sucedió a mi al verla. En definitiva, se habla de cierta soledad del alma humana, que a la postre parece dejar en ellos una puerta por abrir, por donde quizás surgan otras relaciones externas.
El cine de Burman es nada complejo, nada intelectualoide, ni mucho menos rebuscado, festejemos eso. Tenemos un director imprescindible.
Y que grandes actores!

Lo primero es la familia.

Frank es jubilado, enviudó hace unos meses, dedicó su vida al laburo, y quiere tan solo reunirse con sus cuatro hijos que ahora están diseminados por el país. Como es imposible en un primer momento reunirlos, entonces irá por ellos, esto se convertirá pues en un forma de intentar conocerlos mejor, y saber de ellos.

La primera gran mochila pesada que carga este filme, es ser remake de un notorio y calificado título de 1990: "Stanno tutti bene" de Giuseppe Tornatore, con actuación de Marcello Mastroianni. Esto claro que con varios cambios, y modificaciones respecto a aquella, igual subsiste la idea original de un padre intentando conocer un poco más a sus hijos, y que tenga que ver mucho con la desaparición física de la madre no escapa a la propuesta, "Todo tiene que ver con todo" decía Pancho Ibáñez en la tevé.

El director Kirk Jones -uno no olvida esa gema del "El divino Ned"-, hace una versión prolija, sin recurrir a muchos golpes bajos como podían esperarse, ya que esta peli tiene toda la carne sobre la parrilla para cachetear al sensible espectador, y abusar de él. Pero no sucede tanto ni tan poco. La suma de valores es aquí la actuación sobria de una maduro Robert De Niro, lejos de las mejores hechas para el cine en sus últimos años, ya que venía de tanto disparate y comedia berreta, donde exageraba y ponía distancia a aquellas inolvidables actuaciones suyas, e incluso hasta dirigió su farragosa y pesada "El buen pastor". Aquí está medido, sobrio, correcto, y muy bien acompañado por los hijos que componen: Sam Rockell, Drew Barrymore y la sorprendente Kate Beckinsale-por su nivel de perfomance, y ergo su espléndida belleza también-, algo destacable es que Paul McCartney compuso especialmente para esta peli su tema "I want to come home", el cual se puede oir sobre las escenas finales.
No es de igual calidad que aquella versión de casi 20 años atrás, tampoco es original, tiene sus defectos sensibleros, claro sin llegar a parecerse a una de Sandrini del viejo cine nacional.
El público mayor de 40 años podrá disfrutarla mejor, sin olvidarse de tener sus pañuelos descartables a mano.

El Libro Gordo de Eli

Hay muchas estéticas en esta nueva peli de los hermanos Hughes, bordeando una mistura con referencias al genuino género western, a las historietas apocalípticas, a filmes como la saga de Mad Max, a ejemplos literarios de la CF como "Soy leyenda" de Richard Matheson, y hasta un protagonista que parece un calco de aquél "hombre sin nombre" que interpretaba Clint Eastwood en la "trilogía del dólar" de Sergio Leone.
Este héroe solitario -Denzel Washington-, sagaz con su sable afiladísimo que ejecuta cual marcado samurai al enfrentar a sus atacantes, posee un libro del cual al estallar anteriormente una guerra caótica que casi terminó con la vida en el planeta, ha sido destruido en su totalidad pero....éste tiene el único ejemplar, el cual por otra parte será codiciado por aquellos que quieran ejercer dominación sobre los pocos y derrapados habitantes que han quedado con vida, como el villanísimo, cruel, despiadado Gary Oldman -con su interminable cara de déspota- que busca adueñarse de esa figurita difícil, entonces intentará desde seducirlo con su hijastra hasta aniquilarlo con tal de obtener su objetivo con páginas.
La consistencia de este drama apocalíptico, resiste sin demasiadas exigencias de un espectador que busque en ella entretenerse y pasarla bien -no más que eso- durante casi sus dos horas de duración. Y no le pidan peras al olmo. El olmo no las dá.
El cine prediseñado con origen en Hollywood parece ultimamente dedicarse a esto, y los ejemplos cunden desde la desastrosa "2012" a la retrasada "La Carretera". Y la posta de todo esto es que el verdadero apocalipsis se vive a diario, en la calle. No hay más que levantar la vista para apreciarlo, o tomarse un bondi cualunque. Pero claro, Hollywood nunca filmará eso, y además..a quién le importa??.

La imaginación según Gilliam

La influencia que ejercen los trabajos anteriores del director Terry Gilliam, si dudas aparecen todo el tiempo en la continuidad de su obra. Ofreciéndonos ahora esta producción donde hay concomitancia con la mayúscula "Brazil", o con "Las aventuras del Barón de Munchausen", "12 Monos", "El pescador de ilusiones" y muy especialmente al grupo cómico inglés al que perteneció durante años(Monty Phyton, y su "Monty Python's Flying Circus"), y por supuesto no olvidemos a ese algo olvidado filme: "Los aventureros del Tiempo" (Time Bandits, 1981), verdadero prodigio del cine de aventuras.

Ahora Gilliam la emprende con el Dr. Parnassus -un notabilísimo Christopher Plummer-, dueño de un circo ambulante, especie de show imaginarium, que lleva a cabo en su gran carromato-sorpresa junto a un asistente, su hija, y un enano (el mini-me de "Austin Powers"), pero el viejo ha hecho antiguamente un pacto con el diablo (nadie mejor para darle su máscara que Tom Waits), y éste se le aparecerá en contínuo para reclamarle el pago en prenda de su hija. La intervención de otro personaje extraño será la clave para el transcurrir, desenlace y final con el cual abrochará la fábula fílmica. Este personaje es actuado en póstuma aparición para la pantalla del recordado Heath Ledger, quién no pudo acabar este filme y sus partes debieron ser retomadas y completadas, a partir de un giro en el guión que hace que mágicamente se encargasen de proseguir su papel: Johnny Depp, Jude Law y Colin Farrel en breves intervenciones.
Si bien visualmente es magnífica, por algún colador narrativo se escapan puntas que podían haber redondeado mejor la peli. Surrealista, onírica, delirante, casi lisérgica es esta fantasía fílmica del imaginario y extravagante Dr. Gilliam, que a su vez muestra la calidad actoral de un malogrado -por esto de su muerte repentina- Ledger, a quién se le dedica el filme.

La sangre brota

Creer que una va a ver este nuevo filme y se va encontrar con algo similar a "Arma mortal" es erróneo. Este es un auténtico filme-noir, un regreso del cine al thriller bien narrado, crepuscular, y magificamente actuado que no descuida nada, donde Mel Gibson está muy bien en su padre vengador que va en busca de conocer la verdad acerca del asesinato despiadado de su hija, una ingeniera que descubrió cosas y no pudo callarlas.
Los climas que reúne este ejemplo del cine negro la redondean absolutamente. El papel que encarna Mel es más un padre afectado por una gran pérdida que el policía despiadado que tan solo se reconciliaría con la vida obteniendo su descarga emocional, al patearles la cabeza a los responsables.
Atrás de la personalidad de tipo apático, hay honestidad y conciencia, quizás algo de aquél honor que tan poco se refleja en la sociedad actual. El inevitable cruce entre la corrupción política y el reinado especulativo de las grandes empresas aflora y deja entrever claramente los necios procederes de un globalizado mundo contemporáneo.
Por eso habrá que escarbar ferozmente hasta el hueso, y saber que uno se la juega, enfrentarse a una inmensa corporación y a estamentos gubernamentales y saber cual es la única salida posible. Genuinamente el director Martin Campbell y el guionista Bustamante perfilan un filme logrado, con el telón de fondo de una adecuada Boston. Ray Winstone está estupendo como un socio misterioso, uno al verlo se imagina que esta era en principio un personaje para que lo encarnara Robert De Niro quien finalmente no llegó a un acuerdo con la producción.
Una vuelta al policial oscuro de los años 70, o 60 por ejemplo: "Point blank" de John Boorman -conocida aquí como "A quemarropa" (1967)-, no es la típica "pochoclera", es un densísimo drama con ribetes trágicos, al filo de una oscuridad que pretende y busca como drama moderno salir a la luz.

EL CIELO PUEDE ESPERAR

Peter -"El Sr. de los anillos"- Jackson, como productor el año pasado nos dió esa magna joya llamada "Sector 9", cine inteligente, creativo, entretenidísimo, relevante, y con actores desconocidos.
Aquí regresa como director con una peli muy pero muy ambiciosa, o sea cast importante de actores, muchisimos millones de dólares gastados en efectos especiales, publicidad , etc y quizás su resultado sea más bien magro en comparación al filme antes mencionado. No porqué el filme no posea atractivos, o sus virtudes como unas actuaciones brillantes de la adolescente actriz Saoirse Ronan o el maravilloso Stanley Tucci, más que nada. Las fallas de origen hay que buscarlas en otro lado.

Sinopsiando digamos que niña de 14 años es asesinada por un depravado vecino, y a partir de allí, desde un sitio encantador vea....de paisajes dignos de posters y Fowards que tanto dan cristianos como de la "new age", ese lugar paradisíaco que se supone es el estado intermedio entre el cielo y la tierra: el limbo. De allí espía, observa, comparte con nosotros espectadores lo que irá sucediendo, lo que pase con su casi destruída familia, y hasta los ribetes de una cacería al vecino homicida.
Precisamente una molestia anexa a la narración es la muy clásica opción del "relato en off" por parte de la víctima, en algún punto y en sus peores momentos, esta producción recuerda a aquella monstruosidad fílmica con Robin Williams llamada "Más allá de los sueños", por cierto de una insoportable incomodidad.

"Desde el cielo" no es un bodrio, tiene méritos como para ser un entretenimiento pasatista. En su tremendo envase de empaque, se la puede ver como discreta. Pero de Jackson quizás se podría esperar algo muy superior. En fin, el finado Víctor Sueyro tenía razón, otra vez el cielo puede esperar.

El Mundo ajeno y propio.

Este filme de Lee Daniels, realizador anteriormente de la controvertida y también dura "El hombre del bosque", muestra en primera persona las vivencias de Clarice Preciosa Jones, a quienes todos llaman "Preciosa", de 16 años, que carga con sus 150 kilos, es fea en extremo, casi analfabeta y es madre de dos hijos que le hizo en reiteradas violaciones su propio padre, quien bien previsto por el guión nunca se lo ve, salvo en un par de escenas donde su rostro nunca es mostrado. Agreguemos por el mismo precio que "Preciosa" vive atendiendo a su madre, quien la trata como esclava, la maltrata y golpea, y que la primera hija nació con sindrome de down y es apodada significativamente como "Mongui".
Del otro lado de la balanza está la cierta perseverancia de la protagonista en continuar educándose, aprendiendo, intentar relacionarse con el mundo, para que este no le sea tan ajeno y abominable. Su vida joven pero eslabonada de sinsabores no hace perder la calma a esta genuina piloto de tormentas cotidianas, a quien su madre todo el tiempo recordará que "debía haberla abortado", y que solo su vida vale para que ella pueda vivir mirando TV, sentada en su casa a oscuras, y cobrando el cheque de la seguridad social. Puf..lo que se dice mucho.

Sin embargo en medio de tanto eje doloroso, habrá una maestra que la ayudará, le dará su cariño y compresión (a cargo de la bellísima, y buenisima actriz: Paula Patton), lo cual no le hará bajar los brazos a esta aprendiz de sueños, que oníricamente se vé arreglada, vestida elegante y conquistando a todos como una "star" en algunos flashes que pasan por su imaginación. Hay una escena memorable de ella frente al espejo, donde el reflejo es el de una chica de su edad pero bonita, rubia y flaca.
Si bien alguna crítica le dió "palos", citando que es un filme lleno de golpes bajos al espectador, o demasiado efectista, hay que destacar que el filme es honesto y allí radica su valor, ni que decir de las actuaciones que brinda: sencillamante notables, la debutante Gabourey Sidibe está perfecta en su rol, pero la madre que encarna Mo´Nique, y que acaba de ganar su Oscar por ello es demoledora y de una fuerza suprema en su parte del monólogo explicando todo su proceder a la asistente social (otra increíble: nada menos que la sexy cantante Mariah Carey, aquí sobria en extremo e irreconocible como morocha), la maestra de Paula Patton es también de una marcado trabajo a destacar a pleno, y hay otros secundarios que surgen aceptablemente como el del enfermero carismático que interpreta Lenny Kravitz.

Si bien la peli tienen sus reservas para admitir sus espectadores, -abstenerse consumidores de boludeces o comedietas fáciles- requiere una lectura profunda de una realidad que no solo puede tener sitio en Harlem sino en cualquier barrio alejado del centro en ciudades como Rosario, Buenos Aires o Córdoba. La dureza de lo ajeno y propio a la vez de nuestra sociedad cabe en nosotros.

Salí de ver este filme como hacía tiempo no me sucedía. Más que conforme, contento de haberlo disfrutado y con ganas de volver a entrar a la sala para verlo nuevamente, pero era la última función del lunes noche. Igual en los próximos dias volveré a disfrutarlo.
A mi entender estamos ante una peli física, tremenda, de la directora Kathryn Bigelow, a quien no le satisface narrar comedias rosas o apurados cuentitos "sanvalentinescos".Pero si el cine de pura adrenalina. Por eso filma poco y bueno.
La directora elije contar las acciones y circustancias bélicas de un grupo reducido de soldados en el ojo de la tormenta, es decir en el corazón de Bagdag.El más desarrollado e importante será el "desactivador" de bombas no detonadas, lo cual traslada al espectador más desprevenido en auténtica emoción irrespirable.
Bigelow no hace crítica, ni arroja data de querer entender porqué el ser humano va a la guerra, solo muestra con inquisidor ojo de la lente -por momentos-, sus situaciones cual si se tratara de una trasmisión en vivo de Tevé o noticiero.

Con momentos geniales como cuando están disparando a lo loco sin divisar bien al enemigo en pleno desierto, escena comparable a aquella maravilla cinematográfica de John Ford: "The lost patrol", donde sucedía algo similar en un contexto muy parecido.
O el desarme de los detonadores, la respiración del protagonista, la visión de lo externo que tiene en esos momentos álguidos, es también parte inmejorable de la trama. Hay una caja de efectos personales con cosas que asegura el protagonista (estupendo Jeremy Renner), lo podian haber matado y por eso las guardó: alli hay detonadores viejos, y hasta un anillo de bodas que nunca entregó.
Si hablamos de cine de género, aceptemos que es un excelente filme bélico, si de drama se trata, también lo es. De final impecable, y sostenido ritmo como para que el espectador disfrute el marco amplio, gigantesco y generoso de una pantalla de cine en una sala a oscuras, dimensionando como si uno estuviese "viviendo" esos momentos en pleno Irak.
He aquí uno de los grandes filmes del 2010, sin duda alguna.

N de R: Agradesco a mi sobrino Emanuel que me tiró data referida al título original que quizas sea algo difícil de traducir....
"La expresión "the hurt locker", es parte de la jerga militar de los desplazados a Irak y aparece ya en los artículos del guionista del film, quien, junto con sus compañeros, se refería con esta frase al lugar donde ocurren las explosiones. "To put s.o. in the hurt locker" significa "causarle mucho dolor".

Matando Zombies a garrotazos:

"Todo empezó con una hamburguesa contaminada hace unos años atrás y derivó en esto..!", explica Columbus, uno de los dos personajes del dúo dinámico mata-zombies que integran con Tallahassee, especie de cowboy, arrogante, y amante de las golosinas "Twinkies".
Estos absolutos cruzados intentan sobrevivir en una USA atestada de zombies, uniéndoseles luego dos hermanas muy peculiares, quienes también conforman un llamativa pareja. Son apenas la poca gente que no ha sido contaminada, y que sus cuerpos no han sido trasnformados.
El filme del debutante Ruben Fleischer desde sus títulos es original y en extremo divertido, porque si hay que sobra, y se remarca aqui es la aboluta diversión y entretenimiento que ofrece la peli en su acertada duración de metraje. Verla es un disfrute, algo así como recorrer una gran parque de diversiones, donde la forma y manera de deshacerse de los zombies se convierte en una vorágine total, y sitio de diversión que es donde también se desarrolla la parte del final.

A su vez, dentro del filme hay una gran cantidad de guiños a otras pelis, pequeños homenajes, está Bill Murray en una participación especial tan pero tan divertida, donde se toma el pelo a si mismo en su supuesta mansión de Hollywood. Lo "explatter" o "gore" de otros filmes del género, aqui es disparate, farsa, acertada burla, efectivo uso de la "comedia-de-horrores" casi granguiñolesca. Anoche en la sala 1 del Complejo Monumental experimenté estar jugando con la mejor Play Station, la más grande del mundo quizás, y completando mi satisfación de cinéfilo en esta suerte de western-apocalíptico, con el cual uno tiene la seguridad del disfrute, de la diversión, esa misma que suelta Woody Harrelson montado en los juegos del parque de diversiones y bajando a su paso decenas de zombies.
El casting es ideal, los 4 protagonistas están impagables, inmejorables, Jesse Eisemberg es el anti-héroe ideal que nunca olvida su enumeración de reglas para enfrentar zombies, Emma Stone es la chica hermosa y a la vez inteligentísima (cualidad digna de atención mayúscula), Abigail Breslin -la misma protagonista de "Pequeña Miss Sunshine"- es su hermanita menor que tambien sobresale todo el tiempo, y que decir de Harrelson, el tipo ideal que merece 10 millones de Oscars a la actuación en su fenomenal personaje, especialmente en su desesperada búsqueda de golosinas o cuando descarga tensiones y se relaja garroteando autos en la calles desiertas. Lo dicho una total, absoluta joyita del cine que además está excelentemente fotografiada, además de actuada.
Si alguien preguntara cúal es la bendita fórmula de la diversión en el cine y a pantalla grande, no caben dudas aqui hay un notable ejemplo. De los mejores e imperdibles.

Siempre los poderes de estado han aprovechado el tema del deporte como ejemplo, o como sinónimo de demagogia, sabemos de los mundiales de fútbol en nuestro país, o como a veces pasa por la necesaria distracción oportunista etc., en este caso Clint Eastwood toma a un líder político como Nelson Mandela, que apostando a la unidad de su país tratará de unir a los suyos quienes habian quedado divididos gracias al desgraciado y avergonzante apartheid. Sabe que un buena opción será ganar la Copa Mundial de Rugby, así irá por ello.

La fuerza de este film del director y actor de "Gran Torino", radica en la figura inmensa -desde lo cinematográfico- del presidente Mandela, estupendamente interpretado por Morgan Freeman, y esto no es nada fácil, recordemos dos recientes : la correcta de Josh Brolin en "W" de Oliver Stone, y la extraordinaria composición de Nixon por Frank Langella en "Frost/Nixon". Sin dudas el mayor hallazgo del fime es esta figura, que después de años de estar prisionero, al salir no buscó venganza ni revanchas, sino se convirtió en ejemplo de apóstol de la paz buscando limar asperezas entre su pueblo sudafricano. Cosa álguida y casi imposible.

Para la carrera de Eastwood, se sabrá que este título no es notable ni muy relevante en su filmo, si correcto, su solvencia está en la narración, por momentos aletargada pero contando con buenisima fotografía, música, obvio nadie actuando desentona, y hasta allí nomás. A esta altura será natural que el viejo Clint no filmará jamás un bodrio, su mano artística opera con la firmeza de un cirujano ejemplar, y lo hace de idéntica manera a como lo reflexiona Mandela cuando sostiene aquello de "Yo soy el dueño de mi destino, yo soy el capitán de mi alma".

"Up in the air" no tiene nada que ver con el vergonzoso título que le impusieron los distribuidores de material cinematográfico por estos lares: "Amor sin escalas", es decir otro claro ejemplo del denominado "título-mentira" para intentar que un filme engañe al público, creyéndose este que se trata de una comedia light, ligera, donde todos tropiezan y finalmente triunfa el amor. En esta peli de Jason Reitman, no pasa nada de eso, sin embargo es un modelo de cine inteligente y renovador.
A este mismo director anteriormente le debíamos : "Gracias por fumar" y "Juno", precisamente esta fué un verdadero deshecho de cine con mirada inteligente. En esta nueva, Reitman cuenta con un actor taquillero como George Clooney, ideal para componer ese "pseudo-galán-de-aeropuertos" que vive más arriba de los aviones que en su casa, y que atraviesa el país con un trabajo tan atroz como repugnante: despedir "cara a cara" personal de empresas. O sea aquello que no se atreven a hacer los empleadores o gerentes, se contratan los servicios de una empresa donde llega un desconocido a decirles que a partir de mañana quedan cesantes.
Entre idas y venidas, más cierta meta de Ryan (Clooney) de sumar millaje y lograr algo que han hecho muy pocos, se le cruzarán dos mujeres tan disímiles como peculiares. Una viajera incesante con quién Ryan podrá imaginar un compromiso afectivo (justo él que abomina de las no-libertades personales) encarnada por la bellisíma Vera Farmiga, y luego una muy joven compañera de trabajo: Anna Kendrick, que muestra esa cosa de advenediza y eficiente empleada, que desarrollará esto de los fatales despidos pero a través de otra metodología.

Apenas si roza un contenido romántico, aunque sea comedia por momentos divertida por sus comentarios ácidos, y con intenciones absolutas de mostrar una realidad pesimista como la originada estos últimos meses con la crisis económica mundial.
El filme es la antítesis de lo tan y tan y tan visto en los últimos años, esto de refritos, ideas trilladas, repetición de gags, humores, y cuanta pelotudez ande dando vuelta para intentar llevar gente a las salas, de hecho esta no puede ser apreciada por el mismo público que va a divertirse con "Papás a la fuerza" a la sala de al lado, en la mía tuve la suerte de hallarme con una bocanada fresca de cine, que habla de cierta necedad humana, no tan simple pero elogiable. Se sabe: nadie es perfecto, menos que menos el cine.

A cierto cine de género como este, se lo ha bastardeado, se lo ha estupidizado tanto o peor se lo ha bajado a "light", claro ejemplos son esa exitosa muestra de "Crepúsculo" y "Luna nueva". Pero uno sabe que los vampiros deben ser más malos que aquellos que agreden a sus madres. Con "Daybreakers" sucede esto, si bien es una historieta de horror y algo "gore", no deja de proponerse divertida y correcta en lo suyo.

Los Hermanos Spierig han creado un filme digno en lo que va de propuesta de género, ambientada en un futuro 2019, una plaga ha transformado a la población mundial en vampiros, y como que para subsistir necesitan de los pocos humanos no-convertidos que quedan.
Estos vampiros que salvo por sus colmillitos y ojos lucen normales cazan humanos y los crian en granjas. El tema nudo del relato es sin duda la supervivencia. Un investigador científico (Extraordinario Ethan Hawke) busca sustitutos para la sangre humana pero luego aparecen ante él una mujer y un caza-vampiros aventurero que se las trae (genial Willem Dafoe), y asi este vampiro mutará en ex-vampiro héroe.
Podría uno sugerir que los vampiros son un eje globalizador o genuino sinónimo de las grandes corporaciones mundiales que -precisamente- viven de chupar la sangre de una gran parte de la población, pero bueno...esas son cosas a pensar por cada uno.
Que el filme es divertido y entretenido lo es sin dudas, y además el plus está en las actuaciones del elenco a quien se anexa Sam Neill en un rol villanístico muy bueno. Cada vampiro es responsable de su propio destino, y máxime si son tan buenos de disfrutar como aquí.

Equivocado aquél que se crea que estará frente a la genuidad o forma clásica del célebre personaje literario de Conan Doyle, deberá ver las viejas versiones con Basil Rathbone o Peter Cushing, ya que este "Sherlock Homes" pasa por otro margen, está versionado libremente y es bastante más histérico y nervioso que cualquier versión mejorada del peculiar detective. Aclaremos que el director Guy Ritchie tampoco -o los productores- descubrieron la pólvora. Ya lo habia hecho en 1970 el gran Billy Wilder con "La vida privada de Sherlock Holmes", una obra fílmica descollante, melancólica desmitificación y absoluta rareza fílmica que combinaba misoginia y delirio.

Los méritos que posee esta nueva versión no son pocos, si bien la historia de investigaciones y enfrentamientos con el villano de turno: Blackwood, no es nada del otro mundo si los son las maneras narrativas del director, casi en ritmo clipero, con efectos visuales de caparazón estética llamativa y por sobre todo la interpretación formidable de Downey Jr. como un Holmes mezcla de Indiana Jones, Bond y Closeau. A quién le va tanto un combate feroz a puño limpio como manejar un asombroso intelecto. Alguien podrá criticar que este es un Holmes con bastante humor negro, pero porqué no ser esa una original idea de versionar al más famoso detective de todos los tiempos....?.
Jude Law está impecable, y es el mejor Watson que uno pueda imaginar, sus escenas con Sherlock donde se manipulan, discuten o se correspoden, son de lo mejor.
Las bellas figuras y sensualidades de Rachel McAdams y Kelly Reilly -vista hace un par de semanas en "Eden Lake"- no desentonan y Mark Strong tiene la máscara adecuada del malévolo Blackwood.
Una ambientación marcada, vestuario, escenografía, más soberbia iluminación y la muy excelente música de Hans Zimmer, dan realze a este muy buen entretenimiento fílmico, ideal para degustar en climatizada sala veraniega. Es obvio que no es una peli para ver en una PC o en un reproductor de DVD. Elemental, mi querido Watson.

Una verdadera sorpresa constituye la llegada este nuevo largo animado, que en la Disney decidieron producir con mucho tiempo de anticipación, sumando a la dupla Clements-Musker que antiguamente habían dado "Aladdin" y "Hércules", y que aquí redoblan la apuesta volviendo a las fuentes de una animación ágil, divertida, y brillantemente narrada.

Tiana no es una princesa ni ahí, solo es una laburadora que junta propinas y trabajos con la idea de poner su propio restaurant con números vivos y así prolongar los no concretados sueños de su padre.
Asegura que no tiene ni tiempo para mirar chicos, una situación peculiar hará que se encuentre en plena noche de "Mardi-Grass" -ese carnaval tan típico del sur norteamericano- con un principe sapo que desea volver a ser humano y asi por una confusión la historia pegará un giro inesperado alejándolos de la maravillosa Nueva Orleans y enfrentando peligros varios en los pantanos de Louisiana.

El tema es que no se trata de una animación más, sino de una muestra de valores artísticos que comandó Mr. Lasseter como productor-hombre-Disney, a quien entre otras cosas se le debe la talentosidad de "Toy Story". "La princesa y el sapo" suma a favor, hay referencias de clásicos genuinos: el personaje del Cocodrilo jazzero es una mezcla del Rey Louie y Baloo de "El libro de la selva" o tienen en algún punto reminiscencias de "Los Aristogatos", o un permanente homenaje a la cuna del jazz negro -hay notables números musicales que nunca aburren y son muy divertidos como el del villano con juegos de sombras y cierta resaltación "lisérgica" que a su vez remite a los muy recordados de "los elefantes rosas" de "Dumbo", o pasajes de "Alicia en el país de las maravillas".

Los coloridos son notables, como la música del maestro Randy Newman, y basicamente al filme se lo describe como una verdadera comedia de situaciones, con sus enredos bien marcados, determinando un producto de los mejores vistos en los últimos tiempos, no distante de los productos de esa prima "cool" llamada PIXAR.
Obviamente tambíen parece politicamente correcta en plena era Obama, pero no hay que pensar eso y solo ir a disfrutarla en pantalla grande. Vale la pena.

La pareja de enamorados que decide pasar un fin de semana en plena naturaleza (Lago Edén) ni remotamente imagina lo que les sucederá, al sentirse molestados por una pandilla de adolescentes motivados y regenteados por un igual pero absolutamente psicópata que determinará practicamente jugar al gato y ratón con estos dos que tan solo pretendian estar juntos y pasarla joya.
La trama argumental muestra tanta crueldad, padecimientos y tormentos que seguramente cualquier espectador no advertido podrá pasar un rato angustiante ante la visión del filme, que excede por ratos su carga tortuosa y fuertemente violenta, resultando chocante. Pero respecto a lo que propone como cine deja bien asentada la locura colectiva y paranoia diaria a la cual estamos expuestos casi todos y que puede encontrarnos en la ciudad tanto como en un aparentemente tranquilo y agreste paisaje natural.
Existen anteriores ejemplos desde bizarradas clase z como aquella italiana "Autostop rosso sangue" ("Corrupción se escribe con sangre", 1978, Pasquale Festa Campanile) a notables y excelentes como "Deliverance"("La violencia está en nosotros", 1972, John Boorman), que con historias similares han perturbado al espectador desde la pantalla.
En lo actoral, la protagonista Kelly Reilly es tan hermosa como acertada en su rol, y los integrantes de la gavilla cruel tienen su presencia ajustada. No es tarea fácil verla, ya que movilizará y molestará al espectador en su butaca pero también uno puede sostener aquello de que se trata tan solo de un filme, aunque a duras cuentas sobresupone que la violencia está instalada absolutamente en nuestra sociedad, y eso desafortunadamente no es un filme que empieza y termina.

Ay Dios, Roland Emmerich volvió a la carga con sus marketineros mega-proyectos fílmicos, que con sobreabundante promoción logran que el público acuda al cine ver sus mamotretos, sus bodriazos increibles y con el cine brillando por su ausencia.
Aquí tomó con olfato comercial un asunto como el calentamiento de la tierra para someternos a los pobres espectadores a un pasticho intragable como fué por ejemplo su anterior "10.000 AC".
Puro efecto digital que no asombra como uno puede llegar a esperar, porque se hace todo el tiempo mentiroso, poco creible, el héroe repentino (héroe porque quiere salvar a su familia) que interpreta John Cusack -que más bajo no pudo haber caido en su carrera-, corre sin parar salvándose por un pelo, lo cual isnta a que la gente en la sala se ría a carcajadas, y además durante todo el filme su corbata luce perfectamente ajustada pese a los estallidos, explosiones, lluvia de fuego volcánico, maremotos, terremotos, caidas, saltos, etc etc.
Por ratos parece un película financiada por evangelistas, porque tiene un argumento que rebasa, y asquea en su contenido del pro-americanismo (del norte) de la era "Reagan": conservador, deleznable y moralista a ultranza. Sus modelitos a escala de "Arca de Noé" saturan, no se puede mentir tanto, el fastidio de los efectos digitales cansa a la vista, y a los sentidos, por eso la pregunta es "Hasta cuando Emmerich, abusarás de nuestra paciencia....??"-
ahhh....y su final semicopiado de la joyita de los años 50 de CF : "Cuando los mundos chocan", nos sugiere ver cuanto encanto y fantasía naif había en aquellas pequeñas gemas del cine.

Clásico navideño por antonomasia: "A christmas carol" de Charles Dickens sigue funcionando a la hora de llevarlo a la pantalla, ya hemos dicho que existen muchas versiones, desde una donde el avaro Scrooge es Rico Mac Pato, y Mickey su empleado, hasta una con los Muppets donde el viejo miserable es Michael Caine, y el mismo sempiterno relato ha tenido tantas pero tantas versiones animadas, musicales, extrañas etc sin olvidar aquella británica "Scrooge" (1970, Ronald Neame, con un estupendo Albert Finney. Tampoco escapa de fuente de inspiración de la maravillosa "Qué bello es vivir! de Frank Capra con similitud de ideas.
Ahora con modernísima digitalización, animación en renovado 3D, surge esta de Robert Zemeckis -de quien no hay que olvidar su saga de "Volver al futuro", "Forrest Gump", "Naúfrago", y otras-, hasta que un día descubrió que le gustaba más hacer animaciones que historias con actores de carne y hueso, y arremetió con "El expreso polar" y "Beowulf", ahora optó por retomar la trillada historia del avaro Scrogge que es de lo peor, quizás el tipo más egoísta de la literatura universal, pero dándole el carisma y la voz original de Jim Carrey. Y como se sabe será visitado por tres espíritus: de la navidad del pasado, de la navidad presente y de la navidad futura.

Lo mejor de esta propuesta son los buenos aciertos de la digitalizacion , y se disfruta viéndola en 3D, pero el filme hay que decirlo, es lento, entra en estado de aburritis, está como puesto por ratos en pausa, y si a favor que genera bastante misterio, lo cual no es nada aconsejable de ver con los más niños de la casa, se van a asustar. La peli tiene los mismo pecados originales que poseía "Beowulf", cierta pretenciosidad que la vuelve de a ratos bucólica, lenta, pesada. También pasa con las animaciones, los personajes secundarios no están tan bien hechos, o sea son marcadas las diferencias y son llamativas las apoyaturas de caras reconocibles de actores en personajes, como Bob Hoskins, Colin Firth y Gary Oldman. La verdad que para quienes gustan de los relatos oscuros, les va a encantar, pero todo en medida justa y nada más que eso.

El amor duele. Es verdad. No es tan solo el título de un exitoso tema musical de los años 70. El amor duele y sofoca a veces, y nos lleva a impensables acciones en pos de no vernos heridos por ello.
Y además nunca aprendemos. Algo así es lo que le pasa a Leonard quién intenta suicidarse por un amor no correspondido, y además sufre transtornos bipolares, y por ello debe instalarse a vivir con sus padres. O sea venimos mal desde el vamos.

Pero como la vida al decir de aquél otro "frikie" cinematográfico llamado Forrest Gump: "Es una caja de sorpresas", a Leonard se le cruzan casi al mismo tiempo dos mujeres: Sandra (hija de flia. amiga, encantadora, etc) y por otro: Michelle (atractiva, exótica, conflictuada, etc), lo cual tornará dificultoso el desarrollo de la historia para que Leonard opcione -guión fílmico, muy bien llevado por cierto por el realizador James Gray-, pero se sabe solo los musulmanes permiten tener acceso a dos mujeres al mismo tiempo.

Hay que decir que este filme es una sorpresa ya que no solo tiene valores en su haber, como actuaciones meritorias: Joaquín Phoenix está excepcional, creible, notable como Leonard; Vinessa Shaw que ha laburado con Woody Allen tiene esa impronta de mina sensible, bella, ideal en su papel de Sandra, y Gwyneth Paltrow muestra que no es tan híbrida como solía parecer, aquí el cine es generoso y la revaloriza en su Michelle, un párrafo aparte para la madre que hace Isabella Rossellini que es mayúscula, con sus gestos y miradas silenciosas. Esta actriz ya es casi la reencarnación viva de su inolvidable madre: Ingrid Bergman -la de "Casablanca"-.

No se queda atrás con una magnífica fotografía de una invernal Brooklyn en tonos grisáceos, ni una increible banda musical que incluye desde Dizzy Gillespie a "Una furtiva lágrima" de la ópera "Elixir de amor" de Donizetti, y más que nada este melodrama no acepta un final por allá que el público esperaba -o si....?-.
En esencia esta peli es regocijante porque se acerca tanto y mucho a la realidad de las circustancias amorosas, a los afectos de pareja, o sea un tema mucho más álguido y peligroso que vivir mil estallidos o zafar de explosiones en una cinta de mucha acción. Se habla del alma humana. Casi nada. Je.

Este filme marca el debut como realizador de Guillermo Arriaga, guionista y colaborador del director Alejandro González Iñárritu, juntos escribieron "Amores Perros", "21 gramos" y "Babel".
Dentro de una misma línea fílmica, o sea esto de historias que se cruzan pero finalmente en un punto se encuentran, cosa que por otro lado podría suponerse muy borgeana, Arriaga ofrece una serie de personajes algo y/o bastante sufridos, vaqueteados y signados por un pasado llamativo o un presente pesimista.Pero todo puede determinar un futuro distinto y hasta menos pesado.
Por un lado, la mujer (Charlize Theron, estupenda, de gran perfomance actoral) que enmascara su desenfrenada vida sexual, intentando ocultar un pasado hiriente, por otro la niña que vive con su padre aviador y soporta el accidente que a este le ocurre, razón que traerá consigo verdades desde algún lugar del tiempo, y finalmente los adolescentes que se unen cuando descubren que sus padres fueron amantes apasionados.
Un melodrama de aquellos constituye este ópera prima, con todos los elementos que depara la existencia del alma humana. Por momentos con cierta quietud, por otros con una aceleración dura de los hechos, pero sin dudas correcta, bien fotografiada y logicamente muy bien actuada por un elenco actoral homogéneo, donde sobresalen la Theron, una reaparecida Kim Basinger en curioso rol y la joven Jennifer Lawrence como la hija de esta última.
Recomendable para quienes deseen apreciar un cine de hondo contenido dramático, conmovedor y profundo para soltar la lágrima.