La última película del director estadounidense Steven Soderbergh nos sumerge en el mundo del miedo, gracias a la paranoia. Enfocándose en el miedo generalizado y el caos que provoca una enfermedad que comienza como un caso aislado y termina siendo una pandemia. el realizador de Traffic nos propone una película conflictuada por demasiadas historias corales. Otro caso de, quien mucho abarca, poco aprieta.


Parece que el fin de la humanidad se está convirtiendo en uno de los temas más trillados de los últimos años; el apocalipsis se avecina y siempre de distintas formas: calentamiento global, meteoritos, inundaciones bíblicas y, ahora, una enfermedad de contacto directo que se esparce a la velocidad de la luz. Empieza en China y se expande por el mundo en semanas, estimando que a lo largo de algunos meses el 1% de la población morirá bajo los efectos de este virus desconocido.

Gran elenco, demasiados grandes actores con pocos momentos para lucirse, ese es el más básico de los problemas de Contagio. Al tener en la pantalla seis protagónicos con casi seis historias distintas, el foco de la película corre riesgos y tropieza. Las historias oscilan entre una familia destrozada por el virus donde el único que no murió parece ser el único inmune en el mundo; una doctora enviada a estudiar la enfermedad en Chicago, otra doctora enviada a China con el mismo fin, el responsable del Centro de Control de Enfermedades de USA y, por último, un blogger periodista ecologista que se manifiesta en contra de los laboratorios y la forma en que lucran con las enfermedades masivas.

El problema principal de la película reside en como por querer contar tantas historias a la vez, el espectador termina sin cerrar ninguna, sumergiéndose en más dudas que certezas. Solo dos historias tienen finales concluyentes, las demás no tienen eso y además tampoco permiten dilucidar aspectos básicos sobre el cómo, cuándo y dónde.

Contagio es, al fin de cuentas, una película que genero más expectativa de la que puede satisfacer.

La compañía de Apatow nos trae nuevamente una comedia, esta vez enfocada en un punto de vista femenino. La caótica preparación de una boda teniendo como protagonista a la dama de honor. Con algunas reminiscencias de The Hangover, conocemos a un grupo de mujeres que buscan más llamar la atención de la novia que del resto de los invitados.
El papel de la mujer en el cine ya no es lo que era, ya no se casan a los veinte ni tienen hijos antes de los treinta. Ya no, y Damas en Guerra se encarga claramente de marcarnos los nuevos parámetros de la vida de pareja. Hay que casarse después de los treinta y, seriamente se replantea la idea de la felicidad de la mano de los hijos propios. A medida que crece la expectativa de vida también se aleja la edad del compromiso, casi de la mano se mueven.
Entonces, tenemos la historia de Lillian y su mejor amiga Annie, se conocen desde la primaria y conservan su amistad cual relación de hermanas. Cuando a Lillian le proponen casamiento Annie es la primera en saberlo, y también pasa a convertirse en la dama de honor; encargada de organizar la despedida de soltera y los detalles del casamiento como el vestido de la novia, invitaciones y demasiados etcéteras.
El problema llega de la mano de otra de las amigas de Lilliam, la perfecta Helen, quien no tiene nada mejor en qué invertir el tiempo y decide competir con todo su poder económico para organizar un casamiento exorbitante, ridículo, exagerado y presuntuoso por demás. Annie, hace todo lo posible porque las cosas salgan como ellas las planeo, pero Helen siempre logra ir un paso más allá y anticiparse al problema siendo ella la solución.
La película roza por momentos el humor escatológico, cae en algunos lugares comunes y ciertas escenas son demasiado largas. Más allá de eso tiene momentos muy efectivos como la escena de la borrachera en el avión o los primeros momentos de la protagonista con su fuckbuddy, interpretado por John Hamm en un papel que lo saca un poco de esa seriedad estereotipada que lo rodea.

Mi primera recomendación sobre esta película es para los fanáticos de las historias de amor meloso, romántico, irreal y hasta bochornoso; absténganse de ir a verla porque se van a decepcionar. Segunda recomendación, si por casualidad usted está en un mal momento amoroso, ni se acerquen a comprar las entradas, esta película va a terminar de destrozarles la psiquis. Dicho esto, el que quiera ir al cine a ver esta muy buena película, téngalo en cuenta y sea objetivo.

Todos sabemos que la vida no es color de rosas, las relaciones de pareja son complejas y muchas veces inestables, dista bastante de lo que nos plantean las películas de Disney sobre princesas y sapos y galantes caballeros. Por eso, que el cine nos recuerde la realidad que habitamos es un hermoso soplo de aire fresco.

Blue Valentine, es una historia de amor con todas las letras, una pareja que se conoce, se ama y se desenamora, como pasa en la vida real. La historia está contada en un momento de crisis fuerte de una joven pareja, habituada a la rutina y a la cotidianeidad, desde ese punto en el tiempo tenemos constantemente flashback por parte de los protagonistas hacia su pasado mejor. Y casi como en un rompecabezas las piezas van encastrando hasta que el espectador termina de cerrar el cuadro.

La segunda película del director americano Derek Cianfrance, que también fue en parte escrita por él, tiene como protagonistas a Michelle Williams y Ryan Gosling, quienes le dan vida a Cindy y Dean. Ellos se conocieron de casualidad siendo jóvenes, ambos vienen de familias muy humildes y su relación fue lo que los empujo mutuamente a mejorar. Pero, mientras que Cindy se desarrolla cada vez más en su carrera, Dean no hace más que estancarse y vivir en la banalidad de sus vidas.

Lo que comienza como una pareja que atravesó todos los males para poder estar juntos, termina como dos personas resignadas que ya no se toleran. Ver la debacle de una relación de tantos años siempre es triste pero a la vez necesario, es una realidad y es correcto que el cine nos la muestre. Blue Valentine es más que una historia de amor, es una historia descarnada y real.

Es difícil no reírse de lo mismo que nos reímos hace dos años. Sabiendo esto, los productores de ¿Qué pasó ayer?, no dudaron ni un segundo en utilizar la misma fórmula para esta secuela que la utilizada para el film original.

La película es igual, no estoy exagerando, es literalmente igual a su antecesora, cambian algunos animales, varían un poquito los encuentros sexuales y las locuras. Pero hasta el comienzo es el mismo. La misma llamada telefónica que escuchamos en la película original; las mismas caras de los mismos personajes, etc, etc. No voy a decir que no causa gracia porque estaría mintiendo, pero convengamos que no tiene el mismo efecto.

La primera película de esta saga tenía algo que las demás películas de comedia de ese año no tuvieron; el efecto sorpresa y lo inverosímil; sabemos que es imposible tener un tigre escondido en el baño, por eso es en parte tan gracioso cuando lo vemos, es poco creíble pero está bien tratado. Ahora, dos años después, ya fuimos sorprendidos por lo insospechado y esperamos algo más que una banal copia de una película exitosa. Digamos que los productores no tuvieron que pensar mucho para conseguir triunfar nuevamente.

¿Qué pasó ayer? II es graciosa, divertida y dinámica; pero no esperemos mucho más, es un humor básico y burdo, escatológico e irreal. Hasta es mejor verla en la tele de casa, que en una sala de cine abarrotada de ruido de pochoclos y olor a nachos.

Incendies es una película canadiense que deja al espectador con un nudo en la garganta, es de ese tipo de films que pasan horas y horas y uno aún sigue pensando en ella y replanteándose situaciones y momentos; desconocemos como reaccionar ante semejante historia.

Denis Villeneuve nos retrata la historia de la familia Marwan en dos tiempos paralelos. Por un lado los gemelos Jeanne y Simón, quien luego de haber fallecido su madre deciden recurrir al escribano para develar el testamento; allí descubren que poseen un hermano desconocido y un padre que creían muertos. Por otro lado, a medida que ellos investigan la vida de Nawal Marwan, la conocemos a ella en su país de origen, Líbano y en sus momentos de juventud, el film recrea las situaciones que van descubriendo sus hijos.

Con una forma particular de narrar, el director logra que el espectador se mantenga en vilo durante las más de dos horas que dura el film. Es atrapante en parte, gracias a los recovecos por los que se va metiendo el autor, escenas insospechadas tanto para el espectador como para los propios protagonistas.

Incendies es un thriller, es un drama, es una historia de amor y desamor, de guerra y de paz, es una tragedia griega que rememora a Sófocles. La historia de Nawal es dura y no tiene medias tintas. Una mujer que se arriesgo para defender sus valores e ideales, sin importar consecuencias. En una época en que la situación de Oriente era de por sí complicada, la mujer se consideraba un ser sumamente inferior y Nawal nos demuestra otra cara de la misma moneda. La guerra y sus crímenes, las luchas de una mujer y luego de una familia.

Incendies está basada en la obra de teatro de Wajdi Mouawad; y bien podría ser una historia verídica; es una película verosímil, y considerando lo que está pasando en el mundo actual, quizás hasta sea demasiado naif.

Que alegría volver al clásico Woody Allen, el judío amante de Manhattan, ácido como nunca, con chistes bien pensados que son simples y efectivos. Abandono el viejo continente y volvió a Nueva York de la mano de Larry David, uno de los creadores de Seinfield, quien tiene el papel protagónico y lo sabe llevar como lo ha hecho el propio Allen años atrás.

Whatever Works es el título original de esta comedia que trata la vida de Boris Yellnikoff; un genio en mecánica cuántica que casi fue nominado al premio Nobel, el mismo se describe como malhumorado, prejuicioso, escéptico e hipocondriaco entre tantas otras cosas. Un día por casualidad se topa con Melody, una jovencita sureña que huyo de su casa en Eden porque no estaba de acuerdo con la forma de vida familiar. Boris decide hospedar a Melody hasta que ella consiga trabajo y pueda costearse un alquiler.

Era necesario este viejo nuevo Woody Allen después de tanta comedia romántica de enredo y asesinato que vimos; era completamente indispensable para sus seguidores volver a escuchar esos diálogos brillantes e inteligentes, esos gags que terminan siendo frases de cabecera.

Larry David es sin duda el mejor cómico que puede tomar la posta que dejo Allen al no protagonizar esta película; David es el nuevo Allen, y encarna ese papel maravillosamente. Boris Yellnikoff nos hace reír con teorías ilógicas, bastardeando a toda mente inferior que ose molestarlo.

La película tiene una particularidad que la hace increíble, el protagonista está convencido de que lo están filmando y le habla a los espectadores, le cuenta su vida, su pasado y hasta saca conclusiones con nosotros e incluso nos juzga. Esta pequeña genialidad hace que uno se encariñe con Boris, con sus defectos y con su gran inteligencia y rapidez mental. Bravo por Woody Allen, su cine volvió con la frescura que conocimos en Manhattan y Annie Hall, sin duda la mejor película dirigida y escrita por el de los últimos diez años.

El feminismo ya no es lo que era en los años setenta; época en la que se ve ambientada la última película de François Ozon, que protagoniza la siempre bella Catherine Deneuve junto a Gérard Depardieu. Con un aire cercano a 8 mujeres, Ozon nos presenta en clave de comedia el nacimiento de la mujer independiente.

Suzanne está casada hace más de 30 años con Robert Pujol, si bien ambos poseen una compañía que se dedica a la fabricación de paraguas, él se encarga de manejarla mientras ella se dedica a los mínimos quehaceres domésticos y a escribir sus poemas. Es madre de dos hijos ya adultos, muy distintos entre sí.

Los empleados de la empresa familiar no están muy contentos con el manejo que viene llevando Robert, por lo que deciden llevar a cabo una huelga y tomarlo a él como rehén. Para poder resolver la situación Suzanne toma las riendas de la fábrica para sacarla del mal paso y luego decide llevar las riendas de la misma; siendo esta acción muy positiva tanto para la familia como para la imagen de la empresa.

La película se centra en el paso de una ama de llaves a directora de una empresa; es una comedia muy naif y de otra época totalmente; si bien tanto Deneuve como Depardieu merecen la entrada del cine no hay mucho más que valga la pena. El film es llevadero pero sin grandes momentos y pasará al olvido sin pena ni gloria.

Basado en un libro de Michael Connelly llega a la pantalla grande otra película de abogados que pelean en un courtroom como si fuera un ring de boxeo. El galante Matthew McConaughey es el protagonista de este thriller jurídico. ¿Podrá con esta actuación demostrarnos que no es solo un actor solo apto para público femenino?

Quince años atrás se estrenaba en el país Tiempo de Matar, una película de abogados en el que el protagonista también era McConaughey en ese entonces junto a Samuel Jackson, también basada una novela, en este caso de John Grisham. Desde ese tiempo a esta parte, McConaughey hizo uso y abuso de su belleza y fue protagonista de cuanta chick flick estuviera en cartel; películas ligeras, con poco argumento y melosas, muy melosas.
Este año se nos presenta con Culpable o Inocente, toma por las astas a un abogado nada estereotipado; Mick Haller vive en Los Ángeles y pasa todo el día dentro de su Lincoln al cual denomina “oficina”, es sagaz, divertido, rápido y tiene lo que nosotros llamaríamos viveza criolla. Haller no pierde un solo caso al cual le pueda sacar rédito y es así que se topa con Louis Roulet, un nene de mamá con mucho dinero que es inculpado por un delito que el alega no haber cometido.
Es en ese momento cuando Heller se ve en un compromiso consigo mismo, creer o no creer en su cliente, confiar o no hacerlo; con ese punto de partida se abren las apuestas de los espectadores.
McConaughey junto a un reparto impecable que incluye al brillante William H. Macy y a Marisa Tomei, logra un personaje descontracturado, convirtiendo lo que podría haber sido una película monótona y estereotipada, en un thriller entretenido, ágil y con un final inesperado.

Zinos tiene dos cosas importantes en su vida; la primera es su restaurante, un antro espectral llamado Soul Kitchen y la segunda es su novia, una muchacha de clase alta llamada Nadine. Zinos vive para su restaurante, y cuando su novia le anuncia su partida a Tokio por trabajo el se encuentra entre la espada y la pared. No sabe que hacer con su negocio, si bien su novia lo necesitaba; el tenía que trabajar.

Ante este panorama gris aparecen tres personas que definen el futuro de Zinos; el primer personaje es un ex compañero de primaria que le quiere comprar el terreno donde esta su restaurante y para eso decide mandarle un comité de higiene del gobierno que le pone un plazo incoherente para un monton de obras que debe realizar si quiere mantener abierto el negocio; fruto de ello y para ganar más dinero y clientes decide contratar a un chef de un restaurante de autor; este es el segundo personaje que entra en juego. Ante toda una mar de problemas y con su relación amorosa pendiendo de un hilo, Zinos decide dejarle la fonda a su hermano para que este la dirija mientras el viaja a Oriente, he aquí el tercero en cuestión.

De esa base surgen las más curiosas variaciones; los cruces más insospechados se producen, dejando al espectador atónito. La primera parte de la película pasa sin pena ni gloria, pero desde la mitad hasta el final, se vuelve muy graciosa y llevadera. Es un film ligero pero llevado a cabo con sencillez, sin necesidad de recurrir a chistes obvios, escatologicos o sexuales; de esos que estamos demasiado acostumbrados a ver en el cine.

La cuarta entrega del antihéroe español creado por Santiago Segura viene en tres dimensiones, este condimento se suma a lo habitual de Torrente, chistes chabacanos, mujeres desnudas y lugares comunes.

En esta última secuela (que no será la última de la saga), después de caer en una trampa, Torrente se encuentra cara a cara con la cárcel; es allí donde transcurre la mayor parte del film. Vemos las andanzas y las mil un maneras con que Torrente pretende escapar de allí, apadrinado por su tío Gregorio, quién lo cuida de los demás presos; recordemos que Torrente es un ex policía. La trama es sencilla, casi sin argumento, pues lo que interesa al publico de Torrente son los chistes guarros y las ridiculeces del protagonista.

El recurso del 3D esta bastante desaprovechado, son pocas las situaciones en las que esta bien utilizado; la película en 2D hubiese sido exactamente igual. Lo que llama la atención y abunda sobremanera son los cameos, desde la pornostar española María Lapiedra hasta el Pipita Higuain, pasando por un sin fin de personajes casi desconocidos para el publico argentino, muchas figuras españolas, desde cantantes hasta jugadores de fútbol. Realmente una exageración de figuras, cabe recordar que a veces menos es más.

El film es demasiado burdo, y mientras que en la primera película Torrente era una novedad, a esta altura se ha transformado en un cliché andante. Cayendo en todas las banalidades posibles y repitiendo el mismo chiste, una y otra vez. Claro esta que quién va a ver este film espera eso; para los amantes de este personaje tan particular, Torrente 4 es sin duda la favorita de la saga.

La unión hace la fuerza

La opera prima de la directora californiana Shana Feste llega a nuestro país con dos años de demora. En ella se nos platea el drama de los padres luego de la pérdida de un hijo; pero a diferencia de otras películas con la misma temática, aquí el tema queda estancado sobre una situación en particular.
Grace y Allen son un matrimonio desde más de dos décadas, como fruto de su relación nacieron dos hijos: Bennett y Ryan. Mientras que el primero es impecable en sus relaciones y académicamente, el segundo, deja mucho que desear, con mal carácter, malos modos y rozando a la adicción a algunas drogas. Por lo pronto una familia con problemas que pueden ser los propios.
Una noche, por un absurdo accidente automovilístico muere Bennett, el hijo pródigo. Él tenía una relación amorosa con Rose, una joven compañera del colegio, que en el momento del choque iba con él en el auto. Los padres de Bennett no encuentran consuelo a su tragedia, hasta que un día aparece por la puerta grande Rose, quién tiene una noticia más que importante, iban a ser abuelos. Rose estaba embarazada y el padre de la criatura, fallecido.
La película nos muestra las miserias del ser humano ante una muerte tan poco natural como es la de los hijos para los padres; la tristeza que rodea constantemente ese ambiente desde todos los puntos de vista, los padres, el hermano y la novia embarazada. En el desarrollo de la historia se van poniendo en juego otros aspectos de la familia que desconocíamos, y viejos problemas salen a la luz.
El problema del film es que toca una y otra vez el mismo tema, sumergiendo al espectador en una cotidianeidad casi fastidiosa, donde parece que nadie quiere seguir adelante. Excepto Rose, que por ese motivo parece ser la fuerza que mueve a la familia a progresar, y también a la película a activarse.

La nueva película del americano Mark Romanek abre fuego sobre un tema más que controvertido que cada día se hace más latente. La clonación humana con todas sus consecuencias.

La historia comienza como un flashback en la vida de Kathy; una joven de veintipico que rememora con anhelo su infancia en un internado junto a sus dos mejores amigos, Ruth y Tommy. Los recuerdos que ella narra se ven con melancolía y ella declara querer volver a esa etapa en la que todo era más simple.

Kathy está claramente enamorada de Tommy, y si bien esto parece reciproco, finalmente él establece una relación con Ruth desde la niñez que llega hasta la juventud. En medio de este triangulo amoroso particular esta el tema central de la película, que se le va develando al espectador lentamente, dejando que uno primero lo sospeche y luego se transforme en una certeza.

Si bien la película genero diversas opiniones, se puede generalizar en que abarca la ciencia ficción pero no como género, sino más bien porque no le queda otra opción. En un trasfondo surreal -por ahora-, el film es centra en el drama que viven estos tres chicos, y otros miles que no conocemos, al no tener poder de decisión sobre sus vidas; vidas que ya fueron predestinadas desde el momento de su gestación y vemos, su resignación sobre el tema, del cual no pueden escapar y el cual queda en segundo plano. La película no es sobre un acto de rebeldía, sino sobre una historia de tres personas en una sociedad ya establecida.

El hijo de Tato Bores vuelve a la comedia luego de haber dirigido Sin Memoria hace ya un año; en este caso acompañado por Ricardo Darín, quien da vida a Roberto, un veterano de Malvinas solitario, gruñón y con buenas intenciones a quien, un día como cualquier otro, le cae un chino del cielo.

La historia de Un cuento chino está basada en un hecho real; hace aproximadamente diez años una vaca cayó del cielo y hundió un barco en un lago de China; esa es la premisa del film, pero de ahí en adelante es pura y exclusiva imaginación del autor. El sobreviviente de ese barquito es Jun, un joven chino que aparece en Buenos Aires como por arte de magia y, luego de varias idas y vueltas, termina en la casa de Roberto.

Roberto, que trabaja en la ferretería que heredó de su padre, lucha día a día con problemas personales que arrastra desde la juventud; es casi un ermitaño al que le cuesta relacionarse con el mundo exterior. Tiene una enamorada que lo atosiga constantemente, con la que lleva una relación de amistad, y también un cliente en particular que saca lo peor de si. Parece padecer varios trastornos obsesivo-compulsivos, y es rutinario hasta la locura. Sin duda, su encuentro con Jun marca un antes y un después en su futuro y en su forma de ser.

La película, narrada en clave de comedia, se destaca en particular por Ricardo Darín, quien es capaz de convertir lo que toca en oro. Si bien el film es divertido y humorísticamente acertado, no sería lo mismo con otro actor; el público quiere a Darín y él, inevitablemente, se hace querer. Estamos ante una película de Darin, no de Sebastián Borenzstein.

Un cuento chino es, en definitiva, una buena película que transitará nuestra cartelera por varias semanas. Una historia sencilla que rescata los valores de una buena persona, una amistad, un romance cohibido y un ser humano superándose a si mismo.

Es de conocimiento popular el mito que dice que los hermanos gemelos o mellizos, pueden sentir cuando algo le pasa a su hermano. Se presenta en forma de angustia o sobresalto; una alerta que avisa que al otro le acaba de ocurrir algo. Si bien no esta cientificamente comprobado, son varias las personas que dicen haber sentido una sensación poco común cuando su hermano está en peligro.

Partiendo de esta premisa arranca Los ojos de Julia, una película española que se centra en la vida de ella luego de la muerte de su hermana gemela. En plena jornada laboral Julia se desvanece y al despertar sabe que algo le ha pasado a Sara; convencida de ello logra persuadir a su marido para que la lleve a ver a su hermana, este cumple con la tarea y al llegar al hogar de Sara la encuentran muerta; como si se hubiese suicidado. Julia, quien alega conocer bien a su hermana, esta convencida de que alguien la asesino y no va a parar hasta encontrar al culpable de su muerte. Ella emprende una investigación que comienza con una simple sospecha y termina desembocando en una gran verdad.

Sara y Julia, tenían algo en común más allá de su apariencia; ambas sufrían un tipo de ceguera progresiva que iba deteriorando lentamente su visión. Al momento de morir, Sara ya era completamente ciega, mientras que Julia solo había perdido un 20% de su vista. Esto no es un detalle menor, ya que según las fuentes policiales el suicidio es obra de la depresión que conlleva la ceguera.

Guillem Morales es el catalán que escribió y dirigió esta película, si bien es su segundo largometraje no parece para nada un inexperto. El suspenso esta muy bien logrado y, lo que llama la atención de una forma positiva son los planos sobre los sospechosos del crimen. Solo cerca del desenlace podemos conocer la cara, los gestos y la mirada de los implicados; con este gesto sencillo pone al espectador en un estado similar a la ceguera de la protagonista; sintiendo así la impotencia de querer ver más y no poder.

En los últimos tiempos no es lo común descubrir una película que refresque a la audiencia, que destaque entre el calor y la densidad del verano porteño; que tome lo mejor del cine que ya no está y augure un futuro donde el cine todavía no murió. Sin embargo, los 75 minutos que dura Un feriado particular se sienten como una bocanada de aire fresco, como un oasis en el centro del desierto europeo.

La historia se centra en Gianni, un hombre de clase media italiana que desde hace ya varios años se encuentra desempleado y se dedica a cuidar a su madre, una jubilada muy especial. Un día previo al concurrido feriado del 15 de agosto, el administrador del consorcio decide hacer un trato con él a cambio de que este le cuide a su madre el fin de semana largo. Como si esto fuera poco, al momento del administrador llevar a la madre, ya que esta le lleva también a la tía, y con el correr del film al pobre protagonista se le adhiere otra pobre jubilada.

Esa es la base con la que el film parte rumbo a la locura, Gianni entrega sus días a las cuatro señoras mayores que se dedica no solo a cuidar, sino también a alimentar y dormir. Con varios enredos en el medio y más de una aventura en pleno centro de la bella Roma. La película nos muestra personalidades sencillas, de gran corazón, gente simple y sincera, gente humilde en situaciones cotidianas; algo no muy habitual en el cine actual, donde en general tiene que haber un personaje exagerado y poco creíble para sacarle una risa al espectador.

Gianni Di Gregorio es el autor de esta película, su opera prima en la que cumple el rol de director, guionista y actor protagónico. Si bien es su primera obra como director, Di Gregorio se ha desarrollado desde la década del ’70 en el ambiente cinematográfico y eso se ve reflejado en el film. Si bien es una producción de hace ya 3 años, en su momento fue la ganadora a mejor película en el festival de Venecia, y la recaudación que tuvo en su país de origen fue más que llamativa.

Un feriado particular hace honor al neorrealismo italiano, actores no profesionales tematizando las condiciones económicas de la Italia posmoderna. Haciendo honor a sus raíces cinematográficas, deleitando al espectador con una comedia sencilla, aunque no por eso menos contundente.

Luego de ver a John Curran dirigir un romance melodramático y con sustento como fue El velo pintado, lo mínimo que esperábamos de su última película era un thriller con las mismas condiciones. Sobre todo teniendo en cuenta el perfecto reparto con el que contaba; De Niro y Norton son una dupla que prometen. Sin embargo el film se queda en la mediocridad.

La historia de La revelación se centra en la relación entre Stone Creeson, un convicto buscando la libertad condicional, y el oficial que puede otorgársela, Jack Mabry. En su búsqueda persistente de la libertad, Stone no tiene escrúpulos y decide usar a su mujer Lucetta como jugada fuerte; ella es en parte el cerebro de la operación y está decidida a hacer lo que sea necesario para ver a su marido lejos de la cárcel.

Si bien la primera escena de la película promete mucho, a medida que se entiende mejor el conflicto y se ve hacia dónde van los personajes el film cae totalmente. La película se torna repetitiva y densa, en un sinfín de vueltas que no dirigen a ningún lado nuevo; el final es predecible y no repunta la historia en ningún momento.

Claramente, hay momentos lucidos de juegos psicológicos entre De Niro y Norton que hasta nos ilusionan con creer que el film mejora, pero no. El guión de la película es completamente reprochable y lo único que nos muestra Curran es como desperdiciar dos grandes actores.

El lugar de la mujer en la familia ya no es lo que era. Ya no queremos cocinar, planchar, lavar y cuidar a los nenes; ahora buscamos ser profesionales en el trabajo y madres part time, que el hombre, al menos a veces, cocine y ponga el lavarropas. Esta es el claro lema de vida que nos muestra Natalie Portman en Amigos con derecho.

La película se centra en la relación de Emma con Adam; dos jóvenes adultos con distintas perspectivas de la vida. Mientras que la prioridad de ella es terminar su residencia como doctora y no involucrarse amorosamente en ninguna relación; él deja que las cosas sigan su curso y mientras trabaja como asistente en un canal de TV, busca con rabia enamorarse.

Adam y Emma se cruzan varias veces en la vida en circunstancias inusuales, y es recién en su último encuentro cuando los dos aceptan jugar el juego del touch and go, pero como siempre, el pobre hombre sufrido ve en la mujer imposible algo que lo hipnotiza, y ella no hace más que negarse a reconocer que comparten los sentimientos.

Si bien es una historia clásica de comedia romántica, es imposible no engancharse con los personajes y terminar deseando un final feliz; el guión es bueno y la película no aburre en ningún momento, aunque claro, tampoco es una genialidad ya que cae en todos los clichés del género, pero con estilo.

De un tiempo a esta parte, las películas de boxeo se convirtieron en subgénero cinematográfico; al menos tenemos una en cartelera por año. Pero a diferencia de muchas, en El Ganador, el drama familiar toma un lugar de importanci, que deja al boxeo en segundo plano.

La historia que nos presenta el director nominado al Oscar David Russell, se centra en la historia de dos medio hermanos; por un lado Dicky Eklund (Bale), un ex boxeador que fue famoso por una pelea en particular y que luego se perdió en el consumo de drogas; por otro lado, Micky Ward (Wahlberg), actualmente boxeador con poca suerte, mala reputación y que rara vez alguna pelea. En el medio de esta peculiar relación esta su madre, Alice, que actúa como representante de Micky, y también Charlene, su actual pareja.
La película, basada en hechos reales ocurridos hace poco más de diez años, más allá de enfocarse en las mil y un desgracias de la vida de un boxeador; nos transporta a una relación de hermanos conflictiva, a la vez que nos muestra las repercusiones que tiene un adicto en el ámbito familiar. Hay que sacarse el sombrero ante la representación de Christian Bale como adicto al crack, quien parece tener una gran facilidad para adelgazar 20 kilos y volver a subirlos (ya lo hizo en El Maquinista), su retrato es fiel a la realidad y sin duda conmovedor.
Sin golpes bajos y con total naturalidad, el director apele a un espectador inteligente que no tiene la necesidad de ver llantos y clichés para entender de qué va una buena historia.

En general las remakes no superan a la obra original, pero este no es el caso. Mientras que la película de Hathaway pasó en su época sin pena ni gloria, la de los Coen llego a la pantalla grande para quedarse, y hasta cuenta con varias nominaciones al Oscar. Quizás sea porque hace mucho que no se ven grandes westerns en pantalla, o quizás por ese toque tan particular que tienen todas las películas de los hermanos americanos.

Temple de Acero es la historia de Mattie Ross, una joven de 14 años que decide vengar la injusta muerte de su padre en un pueblo lejano al hogar; para ello precisa de un sheriff que la ayude en la búsqueda del asesino prófugo, y a falta de uno consigue dos; por un lado el Gallo Cogburn, un viejo borracho y sin un ojo, y por el otro a LaBoeuf, un ranger de Texas que quiere vengar un crimen cometido por el mismo malhechor en su ciudad. La pequeña Mattie se une a los dos hombres en una cacería por todo el patrimonio Indio en tierras americanas.

Jeff Bridges, galardonado con el Oscar el año pasado, vuelve a trabajar con los Coen después de su exitoso personaje en El Gran Lewobski, hace más de 10 años, y consigue hacer un trabajo brillante sobre el personaje principal, superando ampliamente a John Wayne. El papel parece hecho para él, aprovecha cada momento cumbre para realizar un chiste irónico o una burla consentida de la manera más acida posible.

Si bien esta película no es del tipo que estamos acostumbrados a ver de los Coen, no por eso es menos digna. Los que esperan ver ironía y humor negro lo van a encontrar aquí de esa forma tan particular que se ve también en sus otros films. Temple de Acero, es sin duda una película emotiva, que rescata valores del cine clásico que hoy en día ya no están presentes, el tan concurrido crimen y castigo vuelve a renacer de la mano de los hermanos más polémicos del cine actual.

El Discurso del Rey es una película correcta, es una buena película, pero demasiado correcta. Los planos indicados, el montaje en el momento justo, una historia basada en hechos reales y la actuación de profesionales más que eficientes. El cliché preferido de la academia, el que tiene todas las de ganar. Es sin duda la favorita de ellos, pero no la de los críticos y, creo, tampoco la del público.

La historia se centra en Bertie, hijo del rey de Inglaterra y segundo en sucesión al trono, nunca creyó tener la posibilidad de ser rey porque, además de lo antedicho, tiene un problema de dicción, es tartamudo; y no hay reyes tartamudos. Por problemas personales de su hermano mayor, Bertie no tiene más remedio que subir al trono en un momento crítico del país, la segunda guerra mundial se avecina y el pueblo necesita un líder. Con la ayuda de un profesional poco ortodoxo como Lionel Logue, Bertie pasará a ser Jorge VI, uno de los reyes más queridos por el pueblo británico.

Lo que vale la pena destacar de la película es, sin duda, la increíble actuación de Colin Firth que inevitablemente le merecerá el Oscar este año; recordemos que el año pasado estuvo nominado por su brillante actuación en Solo un hombre. Los coprotagonistas son muy buenos, pero no pueden superar ese personaje, además es sabido, a la Academia le encanta premiar a los actores que interpretan personajes con problemas físicos o mentales; lo vimos con Sean Penn en Mi nombre es Sam y antes con Daniel Day-Lewis en Mi pie izquierdo.

Una película con momentos emocionantes y una sórdida moraleja es, la preferida para el Oscar. No es una forma de menospreciar la película, sino de preparar al público para una historia tan buena como convencional.

Woody Allen nos trae una película por año, o al menos eso se impuse él como régimen y lo viene cumpliendo. A los 75 años, sigue siendo el autor de una película por año. El 2011 nos recibe con la esperada comedia Conocerás al hombre de tus sueños; luego de varias idas y vueltas el estreno, que en principio estaba programado para noviembre, se realizó esta semana.

El último film del cineasta de Brooklyn se centra en la familia de Alfie; su ex esposa Helena, quien sin saber cómo canalizar la pena del divorcio acude a una adivinadora y su hija Sally, en plena crisis matrimonial casada con Roy, un escritor frustrado, coquetea con su jefe Greg. Cada personaje busca nuevas formas de lidiar con crisis típicas de la sociedad contemporánea. Mientras Alfie se refugia en su nuevo amor, una ex prostituta que se gasta cada centavo que él ahorro; Helena toma las esperanzas que le da Cristal, su adivinadora psicóloga, y se encuentra convertida al ocultismo y siendo pretendida por un hombre que habla con su mujer desde el más allá.

Allen sigue siendo fiel a sus gags y sus diálogos agudos, aunque muchas veces termina en el chiste estereotipado y ya no tiene esas salidas propias de Manhattan o Annie Hall. La película en ningún momento genera un quiebre en los personajes, no tiene un cenit, sino que vemos el fluir común de un matrimonio en crisis y de un hombre llegando a los setenta. Si bien es una buena película, no está a la altura de grandes films del cineasta, preferimos ver menos Woody Allen y de mejor calidad.

La directora Debra Granik nos trae su segundo largometraje, la apuesta fuerte es sin duda la actriz Jennifer Lawrence, interpretando a una joven que lucha contra la sociedad para defender su familia.

Mucho se habla del estilo de vida americano, y las películas en general lo muestran como algo perfecto, casi sin problemas, en un ambiente idílico donde pocas veces falla algo. Estados Unidos parece la meca de las familias felices y de una calidad de vida inalcanzable. Sin embargo, en Lazos de Sangre, conocemos la otra cara de tanta simpatía, toda la hostilidad que parece no existir en el pueblo americano aparece en esta película, y al por mayor.

Ree Dolly es una joven de 17 que vive en las montañas Ozark, al sur de Estados Unidos. Ree, se encarga de cuidar a su madre enferma y a sus dos hermanos menores, es el sustento de una familia que está en crisis en todos los aspectos. El padre de Ree se encuentra preso por narcotráfico y para salir bajo fianza decide poner en parte de pago la casa en la que vive su familia.

Con un comienzo dramático se desarrolla la historia y descubrimos la dureza a la que se enfrenta la protagonista para poder salvar a su familia de la ruina. Con un clima dramático muy marcado, grandes momentos de tensión y problemas que parecen nunca acabar.

La película muestra lo que nadie quiere mostrar, esto se acentúa gracias a la magistral actuación de Jennifer Lawrence y a la fotografía de Michael McDonough, quien nos retrata a la perfección la montañosa zona de Missouri, donde conocemos a otros personajes con los que la protagonista genera una relación clave.

Los códigos de convivencia en un pueblo donde nada se dice y todo se oculta es, sin duda, el mayor protagonista de la historia. Los silencios, los diálogos logrados solo con una mirada, son el acierto indiscutido de este film que retrata la dura historia de una joven que decide ser una verdadera heroína.

Cuando empieza el film conocemos a Karen, interpretado por Annette Bening, una mujer lánguida y solitaria, que solo cuenta con la compañía de su madre. El mal que aqueja a Karen desde su adolescencia es su maternidad perdida, un bebe que ella tuvo a los 16 años y que dio en adopción.

En paralelo se nos presenta Elizabeth (Naomi Watts), quien tiene el mínimo interés en ser madre y lleva una carrera laboral en la que se destaca. Liz, tiene dificultadas para establecerse en todos los aspectos de su vida, sus relaciones amorosas son conflictivas y le cuesta formar lazos con otras personas.

El último personaje en cuestión es Lucy, protagonista de un matrimonio en el que el mayor anhelo es concebir un hijo propio. Lamentablemente Lucy es estéril, y lucha con el sistema y contra la familia de su esposo, para poder conseguir adoptar.

Podemos ver a través de la película como estos tres personajes se buscan sin encontrarse, se rozan en la cotidianeidad de sus días, pero de alguna manera resulta imposible encontrar unirlos. La relación de la mujer con la maternidad se establece en este film como tema central, la madre que perdió un hijo convive con la madre que no puede tener un hijo propio junto a otra madre que tiene algo que nunca busco.

Una película conmovedora que lleva al espectador a emocionarse, a sentirse al menos una de estas tres mujeres, cuando no las tres en distintas etapas de su vida. Irónicamente es un hombre, quien nos hace sentir a gusto con los personajes femeninos.

Es clara la mano de Alejandro González Iñarritu, quien en este film oficia como productor ejecutivo, tal como vimos en Babel o en Amores Perros, de nuevo tres historias que se cruzan en algún punto de la vida. El colombiano Rodrigo García, es el autor de este film que nos lleva a recorrer una etapa en la vida que puede ser la más feliz, como las desdichada.

Film uruguayo basado en hechos reales ocurridos en tierra charrúa hace más de 50 años. Una joven y su padre toman un trabajo en una casa de campo y deciden pasar la noche allí. Ruidos, gritos, suspenso y sangre conviviendo durante 78 minutos en tiempo real.
Lamentablemente el cine uruguayo resulta, en la mayoría de los casos, limitado por la suerte que corre la película en cuestión al estrenarse en nuestro país. Suelen vivir a la sombra de los films argentinos y pocas veces pueden destacarse en géneros convencionales como el drama; ni hablar de géneros menos concurridos como el terror. Teniendo esto en cuenta, trataremos de entender cómo es que La Casa Muda ya tiene su remake yankee, la cual fue presentada en el Sundance Festival.
Laura y su papá se internan en pleno campo, alejados de la ruta y cualquier pueblo cercano. Una casa que ya desde un primer momento mete miedo es la protagonista del film, las ventanas tapiadas, sin luz, sin teléfono, abandonada por muchos años y a la que quieren poner nuevamente en el mercado. De eso se encarga Laura y su padre, de la refacción. Cuando llegan un día al atardecer el patrón es más que claro: "no suban a la primera planta, hay baldosas flojas". Y como en toda película de terror, basta que lo diga para que los personajes lo hagan.
Filmada en tiempo real, sin un corte, sin montaje, con una cámara en mano que se mueve a la par de la protagonista. La casa muda es la primera película de terror filmada enteramente con una cámara digital. Podemos afirmar que estos datos que parecen meramente técnicos influyen mucho a la hora de ver el film. El clima que se genera es casi claustrofóbico, por momentos la luz es escasa, el escenario es reducido y uno no puede más que sumergirse en una atmosfera que no le es habitual.
La película, sin duda, levantará polémica y en un futuro será considerada como un film de culto latinoamericano. Terror al por mayor, y un final inesperado, inevitablemente está predestinada a hacer sufrir al espectador.

Se estrenó la remake de una película del año 1978 que en su momento dio que hablar; demasiado visceral y violenta para su época, lo que la llevo a la censura. Pero ya pasaron más de 30 años desde ese momento, y estamos acostumbrados a ver sangre y tripas gracias a Hostel o a la saga de Saw, entonces, ¿podrá sorprendernos?
Dicen que cuando uno se encuentra a en una situación cercana a la muerte, o cuando ve que lastiman a un ser querido, surgen fuerzas sobrenaturales para defenderse; una fuerza desmedida irreal en relación a la persona que la ejerce. Esto mismo sucede en Escupiré sobre tu tumba.
Una joven escritora está preparando su nuevo libro y para ello necesita concentración, por lo que no tiene mejor idea que alquilar una cabaña en un pueblito desértico de Estados Unidos. A los pocos días de llegar es atacada por habitantes de la ciudad, quienes ingresan en su casa a la medianoche armados y con ganas de divertirse. Luego de una serie de desgracias de la mano de los muchachos, ella es dada por muerta. Luego, cuando parece que todo está en calma, ella regresa a vengarse.
Acá empieza el show; todo lo que queda de la película lo veremos en color sangre. Torturas de todo tipo son válidas para ejercer el sufrimiento a los culpables, lo que nos hace ver la nueva cara de la dulce escritora de novelas cursis. Después de todo, es una mujer enojada que quiere cobrarse lo que le pasó.
La película, si bien es entretenida y por momentos bizarra, deja muchos puntos ciegos y parte de una trama sin resolver; hay cosas que suceden sin explicación racional. Sin embargo, está bien para pasar el rato y, si sos fanático de las películas nombradas al comienzo será, sin duda, bienvenida.

Tornatore se dio el gusto de filmar una película con un costo de 25 millones de euros y un despliegue monstruoso. Al igual que en Cinema Paradiso, vuelve a retratar la infancia, la juventud y la adultez desde una óptica muy particular; donde son constantes los recuerdos de su propia vida en Baaría, donde residió hasta casi sus 30 años.

Giuseppe Tornatore es un cineasta del pasado. Sus películas cumplen también el lugar de memorias, de testamento. Es autobiográfico, lo vimos hace 20 años con Cinema Paradiso, y lo volvemos a ver ahora con su última película. Su infancia en Sicilia, su lugar de nacimiento, marca su filmografía de principio a fin; se nutre de su propia historia. Toma lo que necesita y después moldea como un artesano del guion y la cámara.

Guiseppe Tornatore es también un cineasta de la nostalgia. Anhela ese pasado que no va a volver y para satisfacerse lo recrea una y otra vez. Desde distintos puntos de vista, distintas partes de la misma historia; repitiéndose en su mente camino a un loop infinito.

Baaría es una película que separa personas como capítulos, y capítulos como historia de la bella Italia. Primero esta Cicco el padre de la familia Torrenuova en los años anteriores al comienzo de la Segunda Guerra Mundial, lo sucede Peppino, su hijo menor. Con Peppino se desarrolla la mayoría de la historia, desde el inicio de la guerra hasta los ’80, atravesando el periodo fascista con una particularidad; tanto Peppino como su padre y su hermano son comunistas, pero él en particular destaca dentro del partido y constantemente busca abrirse paso y salir adelante.

En paralelo a esto, vemos otra marca de Tornatore, una historia de amor entre Peppino y Mannina. Constantemente se cruzan en la pantalla la política, con el amor, la pobreza y la enfermedad; son parte de un todo en la vida del protagonista y también del director.

Esta película es un autorretrato, por momentos pesa su duración, lo que en una película de más de dos horas no sorprende. Sin embargo los colores, la calidez y la frescura que recrea Tornatore son algo que hace que valga la pena sentarse en la butaca.

Conocimos a Breck Eisner con su decepcionante película Sahara (la de Penélope Cruz y Matthew McConaughey coqueteando en la mitad del desierto). Ya pasaron cinco años desde ese olvidable estreno y el director va por más. Esta vez decide volver a la pantalla grande de la mano de un clásico de George Romero del año 1973, el cual llevó el mismo nombre que la actual producción. ¿Volverá a defraudarnos?

La película plantea desde el inicio que algo extraño está sucediéndole a los habitantes de un típico pueblito yankee, donde todos son felices y reina la paz y armonía. La gente empieza a mutar en seres con sed de sangre; sin motivo aparente, los pueblerinos son invadidos por las ganas de asesinar a sus vecinos. Ahí es donde aparece el sheriff del pueblo David Dutten, interpretado por Timothy Olyphant, con su compañero de aventuras, su mano derecha del poder, el policía Russell Clank. Ambos, con la incorporación de la mujer del sheriff Judy Dutten, quien es también la médica que detecta en un primer momento el comportamiento errático de la gente, juntos comienzan a averiguar cuál es el motivo que lleva a los demás a realizar tales actos violentos.
A partir de ese momento se desencadena en la sociedad una epidemia de casos, la cual es contrarrestada por las fuerzas militares del estado; en donde aparentemente, montan un operativo para separar a los infectados de los que no lo están, y vemos a los protagonistas tratar de escapar luchando a capa y espada con los militares, los infectados y todo lo que se cruce en su camino.
El film es entretenido, llevadero y muy dinámico; es una película extraordinariamente correcta, si bien no crea terror propiamente dicho, cuanta con muchos momentos de suspenso en los que la música potencia ese efecto. Si bien en la versión de 1973 había reclamos políticos, en esta la queja hacia la milicia es mínima, aunque hay cuestionamientos, estos pasan desapercibidos. Claramente supera al original en efectos especiales y actuaciones, pero sigue siendo una remake; una idea tomada y desarrollada hace 30 años por Romero, cuando era obviamente mucho más impactante que en la actualidad. Para nosotros no deja de ser otra remake, otra de infectados.

Ya pasaron más de 15 años desde que Jean Reno se convirtió en asesino a sueldo de la mano de Luc Besson, en la película en que descubríamos a una Natalie Portman minúscula y que ya pedía pista en la pantalla grande. Esta semana, de la mano de Richard Berry lo vemos venir de nuevo, arma en mano, aunque cambió la planta por una familia.
El actor marroquí interpreta en esta ocasión a Charly Mattei, un mafioso retirado hace ya varios años que con el fin de poder dedicarse a su familia le vende todo a un amigo suyo, también mafioso. La película centra la historia en Marsella, y ya desde los inicios, el film nos muestra a un mafioso con más reminiscencias a la familia Corleone que al glamour de la costa azul.
Charly Mattei lleva a su hijo menor a pasear, va a un estacionamiento subterráneo a dejar el auto y apenas se baja, ocho hombres encapuchados le disparan de forma automática. Luego sabremos que fueron 22 balas las que impactaron en su cuerpo y que, sorpresivamente, ninguna fue mortal. Ese es el inicio del film y de ahí en adelante, vemos a Mattei volver a lo que en su momento fue, un asesino, solo que esta vez con un fin muy concreto y real, proteger a su familia. Listo el panorama inicial, el protagonista comienza una vendetta a capa y espada contra el individuo que quiso asesinarlo y literalmente, no deja títere con cabeza.
Jean Reno le pone el cuerpo y el alma a este personaje que realmente existió, de una manera que solo él podría hacerlo. La película se basa en una historia real, y cuenta lo que le paso a Jacques Imbert en los años ’70, quien ha confesado sentirse más dolido por la traición que por las balas en sí.
Con momentos de extrema tensión, el actor y director Richard Berry, realiza un viaje a la etapa más triste y solitaria de la vida de un hombre, al momento en que decide tomar la decisión terminal de buscar venganza y nos muestra cómo lleva a cabo su casería; con balas, sangre y Jean Reno uno se asegura una película exitosa y en este caso particular, una buena película.

Lo primero que atrae al espectador a esta película es el apellido de la directora, Lynch. La hija del autor surrealista posmoderno David Lynch llega a esta parte del mundo con su segundo largometraje, realizado en el 2008, Surveillance, cuya traducción a nuestra lengua seria Vigilancia. La pregunta es: ¿Será digna heredera de la genialidad de papá?
Jennifer Lynch, nos cuenta la historia de dos agentes del FBI que llegan a un desolado pueblo americano para resolver una serie de crímenes ocurridos esa misma tarde en la carretera, y con ello descubrir la identidad de un grupo de asesinos seriales que van recorriendo la ruta y asesinando gente por mero gusto.
La investigación cuenta con tres testigos clave, una niña de 8 años, una joven drogadicta y un policía. Durante los interrogatorios cada cual contara su versión de los hechos, y la directora nos mostrará de una manera particular que no todos dicen la verdad.
Lo esencial de la película es la manera en que están narradas las historias de los testigos, planos largos sobre una carretera desértica, donde nada es lo que parece. Lynch comienza con escenas sumamente violentas e impactantes para el espectador no acostumbrado a la masacre, sin embargo, al desarrollarse, el film pierde ese impacto que podría llevar al espectador al asombro y cae en un final predecible.

Cuando uno escucha que una película está basada en una idea de M. Night Shyamalan, director de El Protegido y Sexto Sentido entre otras, lo que mínimamente espera es que sea algo retorcido, extraño, con un final no esperado y demás curiosidades propias del director hindú. Pero lamentablemente, La reunión del diablo, no cumple las expectativas.

Tenemos una película que se centra en dos historias paralelas; por un lado, dentro del ascensor, donde cinco personas quedan encerradas y es casi imposible sacarlas de allí, son personas que se llevan mal entre ellas, con caracteres complicados y demás perfiles típicos para pelea grupal. Por otro lado, en el afuera, tenemos a un policía que se encarga de coordinar con bomberos y guardias de seguridad, como sacar a los rehenes del diablo del minúsculo compartimiento donde se atoraron. Los del ascensor no se pueden comunicar con el afuera, aunque cuentan con una cámara de vigilancia en la que los policías ven lo que ocurre.

El argumento es muy pavo y se podría haber elaborado algo mucho más complejo considerando la idea inicial; la película decepciona, cae en los clichés clásicos del género, no llega a ser de terror y apenas roza el suspenso, es una hibridación sin gracia. Y para restarle puntos, tiene un happy ending, hubiera sido mejor si todo terminaba mal.

La película esta basada en el mítico personaje elaborado por el escritor americano, Robert Howard, quien también creo a “Conan El bárbaro” allá por la década del ’30. Dicho escritor fue uno de los creadores del subgénero “espada y brujería”, ya sabiendo esto de antemano uno sabe a que se expone.

No debe haber muchas cosas peores para un personaje que ser asociado automáticamente con otro personaje. Eso le pasa el pobre Solomon Kane quién a primera vista trae reminiscencias totales al querido Hugh Jackman en “Van Helsing”, con sombrero y pelos largos va por la Edad Media matando gentes y demonios.

La historia nos cuenta que Solomon Kane era un gran guerrero ingles que no tenia ni el menor escrúpulo en ir asesinando a sus enemigos y a cualquiera que se interpusiera en su camino, al ser individuo tan desinteresado por la vida humana y ya haberse cargado tantas muertes en sus espaldas, un día el Diablo envía un mensajero a decirle que su alma no le corresponde mas, se desquicio con tanta gente que ahora su alma paso a ser propiedad del Diablo.

El pobre Sr. Kane, logra escapar y promete nunca más matar a nadie con el mero fin de conservar su alma. En uno de esos momentos zen de Solomon el resulta golpeado hasta el hartazgo y ahí es donde aparece una modesta familia a salvarlo; familia que luego es atacada por el malo de la película y he aquí donde Kane se debate que hacer y se origina el conflicto del film.

La película que dirigió Michael Basset, quien estrenará el año próximo “Silent Hill 3D”, fue interpretada por el actor ingles James Purefoy quien tomo sin inconvenientes el papel de Kane, inclusive asumiendo riesgos al interpretar las escenas más complicadas sin problema de salir herido. Purefoy logra un héroe de gran clase que resuelve con facilidad (quizás demasiada) el conflicto de su ser o no ser espiritual; físicamente consigue un gran parecido al personaje que idea Howard, ya que parece haberse pasado un año entrenando.

Es un film divertido sobretodo si gustan de películas de época y peleas, el argumento es solido y esta bien sostenido durante todo el film, que para cerrar nos da un final con vuelta de tuerca.

La historia de las invasiones extraterrestres es ya un mundo conocido y explotado por muchos en la era del cine Hollywoodense, esta vez los hermanos Strause nos presentan una nueva película donde los invasores huelen a tecnología y cerebro humano.
Jarrod y Elaine, dos jóvenes neoyorkinos, deciden realizar un viaje a Los Angeles para visitar a Terry, un amigo de la infancia del primero con un muy buen pasar económico. Los chicos llegan a L.A y se sumergen en un mundo nuevo de lujo, goce y buen vivir asistiendo a la fiesta de Terry. Cuando la fiesta concluye, los invasores aparecen junto con las ganas de sobrevivir de los protagonistas.
Los extraterrestres esta vez toman la forma de una luz azul que atrae a la gente instaurándose dentro del cuerpo de uno, luego los chupa hacia dentro de una nave gigante al estilo Día de la Independencia. Estos bichos toman esta vez forma de pulpos tecnológicos con luces azules que asoman de sus extremidades y se cuelan dentro de cada departamento buscando gente muy al estilo Minority Report.
La película esta protagonizada por actores de series americanas (Eric Balfour de 24 y Scottie Thompson de Trauma) y las interpretaciones no son muy dignas para la pantalla grande. Por suerte los Strause dejaron una vuelta de tuerca para el final. Entretenida si, pero recomendable para ver en casa, cae en la mayoría de los clichés del subgénero de extraterrestres.

Uno cree que al juntar a Jay Roach (el director de la trilogía Austin Powers y de las dosprimeras entregas de La familia de mi novia) con Steve Carell, Paul Rudd y Zach Galifianakis enuna remake de la película francesa The Dinner Game, alcanza y sobra para realizar un film quesupere al original, o que al menos nos haga doler la panza de la risa, pero no.

La película se centra en un grupo de compañeros de trabajo de puestos jerárquicos que,semanalmente, organizan una cena en la que cada uno debe llevar un “tonto” para que todosse rían de él; el ganador, es decir el más idiota, se lleva un trofeo. A ese juego es invitado Tim(Paul Rudd) que aspira a obtener un mejor puesto en la compañía, y decide llevar a Barry(Steve Carell) un hombre a quien conoció atropellándolo el día anterior. Barry es taxidermistay su “tontera” es embalsamar ratones y luego hacer maquetas con ellos; más allá de eseparticular don, Barry tiene la peculiaridad de destrozar todo lo que quiere arreglar, si bien se esfuerza porque las cosas salgan bien, el no hace más que empeorarlas.

El film es insostenible por varias razones, en primer lugar era innecesario realizar una remakede una película que nos muestra lo mejor de la comedia francesa, una comedia divertida y elegante sin caer en la vulgaridad, que es justamente lo contrario a lo que pasa en la versión americana. Por otro lado, el guion es pobre, los gags son poco divertidos y poco originales;la película cuenta con los mejores actores de la comedia americana del momento y no losexplota ni en una decima parte. Es aburrida y por sobretodo larga, dura alrededor de dos horas en las que el espectador a duras penas se puede reír. Chistes básicos, clichés y poco lucimiento actoral; además de caer en todas las obviedades que hasta un espectador no cinéfilo puede advertir. Ya sabemos porque no se estreno en los cines de nuestro país.

La vida de Ann-Eliane (Isabelle Huppert) cambia completamente un día que decide seguir a su marido y encontrarlo besándose con otra mujer. Acto seguido, se topa con un conocido del pasado llamado Georges (Jean-Hugues Anglade) a quien toma como amigo y único confidente de los actos que van a acontecer en su vida.

Ann decide en una semana abandonar todo, a su marido con el cual lleva más de una década conviviendo, a su trabajo en el cual se desempeña como una exitosa concertista de piano, su departamento en las afueras de Paris e inclusive su propia identidad.

Con el correr de la película vemos a Ann despojándose de su ropa, sus documentos, todo lo que la vincula con su vida pasada, con una persona que ya no es. Vemos el cambio de vida, de la gran ciudad a un pueblo minúsculo en la bella Italia.

La película, basada en una novela del francés Pascal Quignard, nos habla de la soledad, de ciertos momentos en la vida de una persona en que es necesario dejarlo todo y partir. Cuando Ann decide alejarse, encuentra su lugar en el mundo, donde es feliz con su nueva vida, ese lugar es el que da nombre al film, una casa en la cima de una montaña llamada “Villa Amalia”, ese es el momento determinante de la película, cuando ella descubre esa casa abandonada se da cuenta de que lo que ella quiere es eso, ahí quiere vivir y disfrutar.

Con la dirección del francés Benoît Jacquot, podemos disfrutar nuevamente a la maravillosa actriz Isabelle Huppert, quien es el motivo fundamental para ver esta película en pantalla grande. Si bien el film cuenta con buenos momentos, por momentos aburre al espectador por ser redundante y repetitiva con cuestiones como la rutina, la soledad y el desencanto.

Lo primero que recomiendo a los posibles espectadores de esta película es que antes de verla, se introduzcan en el mundo de Scott Pilgrim. Para ponerlos un poco en tema les aclaro lo básico, así no les pasa como a mí, que tuve que investigar después de ver el film.

Scott Pilgrim vs. El mundo es en realidad un comic del historietista canadiense Bryan Lee O’Malley que se desarrolla en seis tomos, el autor todo el tiempo hace alegatos al mundo “geek” (en castellano: nerd / cerebrito), para que lo tengan más claro, tiene un leve parecido a “The Big Bang Theory”. En fin, el comic se lanzó en el 2004 y creció sin cesar hasta el tomo final de este año. Al ser una de las sagas más vendidas de la última década era inminente su transposición al cine. Ahora que ya saben lo que hay que saber, paso a la crítica de la película.

El ya nombrado Scott Pilgrim (Michael Cera) es un bajista de una banda de rock llamada “Sex Bob-Omb” que formó con dos amigos más cuando estaba en la preparatoria, esta de novio con una china de 17 años, tiene una vida estable, normal para un chico de 23 años con una banda de rock que vive en la aburrida Toronto. El problema comienza cuando conoce a Ramona Flowers (Mary Elizabeth Winstead) una newyorkina que se muda a su ciudad para empezar de nuevo.

La trama de la película se centra en la relación de Scott con Ramona, mejor dicho en lo que tiene que hacer él si de verdad quiere algo con Ramona. Pelear a muerte con sus siete ex novios siniestros.

El film se podría establecer como una comedia romántica, aunque con varios momentos de acción y sin caer en clichés preestablecidos. Es un collage de videojuegos, cultura geek y comic, por periodos vemos las letras sobreimpresas en la pantalla con los mismos efectos que cuando veíamos Batman en la tele de chicos y en cambio, cuando el protagonista decide pelear el director nos lo plantea de la misma manera que lo vemos en un videojuego. Es evidente que el creador del comic estuvo metido en el screeenplay.

En lo que se refiere a estética la película es sumamente rica, los efectos visuales son divertidos y por momentos recuerda a la querida “Juno”. Si bien el film tuvo mucho éxito en los Estados Unidos, dudo que aquí tenga el mismo recibimiento, es claramente una película para otro tipo de cultura. Vale la pena verla, pero desde casa.

De la mano de Bruce Willis y Morgan Freeman nos llega la primera versión en cine del comic original de DC.

La última película que se estreno basada en un comic y está actualmente en cartel, lleva el nombre de RED -retirado extremadamente peligroso- ya a los quince minutos del inicio del film podemos entender el porque del apocope .

El film, es una transposición del comic de DC creado por Warren Ellis y Cully Hammer, arriba a la pantalla grande de la mano del director alemán Robert Schwentke, quien cambio abruptamente de género en relación a su anterior obra (Te amaré por siempre) y nos demuestra una vez más la gran capacidad de adaptación con la que cuenta. En esta última película tiene la posibilidad de dirigir a un elenco impecable: Bruce Willis, Morgan Freeman, Joe Malkovich, Helen Mirren y Mary Louise Parker.

En “RED” los guionistas Jon Hoeber y Erich Hoeber nos cuentan la historia de un grupo de agentes retirados de la CIA que son buscados por la misma agencia para ser eliminados. El motivo? Saben demasiados secretos que, bajo ningún concepto, pueden salir a la luz.

Al empezar el film conocemos al solitario Frank (Bruce Willis) quien lleva una vida rutinaria, cuya única emoción consiste en hablar por teléfono con Sarah (Mary- Louise Parker), una operadora del Servicio de Pensiones.

Una noche como cualquier otra, decenas de hombres armados se dirigen a su casa a matarlo sin ninguna razón evidente; Frank, logra evadirlos y termina matando a todos consiguiendo huir.

Con esa escena se desencadena la trama de la película, luego Frank recurre a sus viejos compañeros de equipo para terminar con los que están tratando de matarlos; todo esto con la pobre Sarah a cuestas, ya que cuando descubrieron su relación con Frank deciden ir a por ella.

El film constantemente nos lleva de la acción a la comedia y luego al romance, tiene al espectador agarrado a la butaca los 111 minutos que dura. Es constantemente entretenida y atrapante, uno nunca sabe que van a hacer los personajes o que dialogo incoherente van a entablar.

“RED” es sin duda, una de las mejores comedias del año, todo el tiempo acida e irónica, sin dejar de lado la acción. Recreando actores en situaciones inimaginables, o alguna vez alguien imagino a Helen Mirren, quien anteriormente había interpretado a la Reina Elizabeth II, con ametralladora en mano diciendo que le encanta matar gente?

La cuarta película de Lisa Cholodenko retrata como funciona la familia tipo, sino fuera por un detalle. Los hijos tienen dos madres.

Si bien este film no es una ópera prima de la directora, si lo es del cine. La primera película masiva que retrata como funciona una familia con padres del mismo sexo.

Al comienzo del film podemos ver una familia compuesta por dos hijos, una chica adolescente pasando su último verano en casa y un chico en plena pubertad con problemas típicos de la edad, el detalle, los padres, o debería decir las madres, una pareja de lesbianas que decidió tener hijos por medio de la inseminación artificial, ambos hijos son del mismo padre, es decir el mismo donante, pero cada uno fue concebido por una de las madres. Al parecer, los chicos adoptan esto con total naturalidad y en ningún momento la película denota algún tipo de discriminación hacia ellos por parte de sus amigos, conocidos, etc. directamente ese tema no se toca.

El tema central de la película se desarrolla cuando Laser (Josh Hutcherson) y Joni (Mia Wasikowska), los hijos de la pareja, deciden conocer a su padre a escondidas de sus madres. Lo que empieza como una simple curiosidad termina copando todos los ámbitos de la vida familiar, desde ese primer encuentro de los niños con Paul (Mark Ruffalo) en su restaurante de comida orgánica hasta la escena final, se ve en los chicos, especialmente en Laser, como la falta de figura paterna puede influenciar las decisiones o manera de comportarse de un adolescente.

Las madres del film son Jules y Nic, protagonizadas por Julianne Moore y Annette Bening respectivamente, si bien al momento del comienzo de la película podemos ver a una pareja entrando en crisis, este tema se termina de desarrollar con la irrupción, casi a la fuerza, de Paul.

En paralelo a esto, conocemos la vida del donante ya no tan anónimo, un soltero de buena vida que decide sin ninguna esperanza, conocer a lo que él sin querer queriendo concibió. La cotidianeidad de Paul se ve alterada al conocer a sus dos hijos biológicos y nuevas sensaciones se empiezan a despertar en el soltero codiciado.

La directora logra hacer una película cómica con varios momentos dramáticos sin caer en ningún cliché, el espectador logra en una misma escena reír y casi simultáneamente entristecer.

Vale aclarar que el mejor trabajo se encuentra en el elenco, descubrimos de nuevo a una Annette Bening que ya nos había deslumbrado en “Mi querido presidente” o en “Belleza americana”, tomando un papel novedoso, madre, esposa y lesbiana, la actriz logra hacer todo junto y todo a la perfección.

También volvemos a ver, pero esta vez desde otro ángulo, la dupla Moore / Ruffalo, quienes ya habían trabajado juntos en “Ceguera”, si bien ella está muy bien en su papel y más de una vez resulta muy graciosa, él no termina de desarrollarse, creo que Paul es un personaje que da para más.

Para introducir el tema en la gran audiencia, la directora opto por hacerlo de manera soft, es decir, no hay grandes escenas sexuales entre ellas y el tema se trata con delicadeza, se podría ver como un matrimonio normal con crisis de pareja incluida.

El director de El coleccionista de huesos, nos trae una película de acción con algo de suspenso, también protagonizada por Angelina Jolie pero sin una historia atrapante y por sobre todo sustentable.

El film comienza haciendo un breve recuento de los últimos dos años en la vida de una agente encubierta de la CIA, luego de eso nos ubica en la actualidad, donde conocemos a Evelyn Salt (Angelina Jolie), una rubia voluptuosa que se desarrolla profesionalmente en una petrolera, o al menos eso creemos. Un día como cualquier otro la Sra. Salt interroga a un desertor ruso, que después de varias idas y vueltas, la acusa a ella de ser una agente rusa encubierta con una misión muy particular: asesinar al presidente de Rusia.

De ahí en adelante la película es una cadena confusa de escapatorias irreales, diálogos escasos y movimientos tan veloces que uno en más de una oportunidad no sabe que es lo que está mirando. Vemos a Jolie hacer todo lo posible para que la acción no termine, saltar autos desde autopistas, elaborar armas con una mesa y productos de limpieza y demás ocurrencias que el escritor pudo tener.

La película fue demasiado comparada con la saga de Bourne (Identidad desconocida, La supremacía de Bourne y Bourne: el ultimátum) desde antes de su estreno, si bien tanto Salt como Bourne son dos agentes de distintas centrales de inteligencia que buscan venganza, los films no tienen nada más en común. Cuando vemos a Jason Bourne desde un principio entendemos su ira, sus enojos, nos identificamos con él, es un personaje mucho más elaborado y complejo y, quizás por ser hombre, es más creíble su papel de asesino letal. Pero ver a Evelyn Salt evadir con total impunidad a más de cientos de agentes de la CIA, el FBI y demás fuerzas estatales es irreal.

El film es entretenido en ciertos momentos y el espectador constantemente se siente intrigado por las acciones de Salt, por descubrir su verdadera identidad. Al finalizar la película uno tiene más dudas que certezas, lo que de pie seguramente a una segunda parte.

Pocos son los hombres que no se resienten luego de haber sido abandonados por una mujer. La historia de Bruno comienza como una del montón, Laura lo deja y se pone de novia con otro hombre, él claramente no quiere ser menos y arremete con un plan en el que decide hacerse amigo de Pablo, el nuevo novio de Laura, con el fin de enamorarlo y que termine dejando a Laura.

Plan B, escrita y dirigida por Marco Berger, se estreno en el BAFICI hace dos años atrás y desde ese momento cosecho críticas positivas. La opera prima de este director argentino recorre las relaciones humanas con elegancia y sin esquivar temas pesados; la amistad es sin duda el eje del film y todo es enfocado desde esa óptica. Nos muestra los distintos estadios de dos amigos en plena juventud que se juntan para pasarse horas y horas hablando y debatiendo. El espectador es puesto en stand by con planos de distintos paisajes de Buenos Aires, todos con el fin de generar una tensión sostenida en la historia; tensión que se crea primeramente por los sentimientos encontrados de Pablo y Bruno, sentimientos prohibidos e impensables para ellos, cada dialogo trae una nueva visión del conflicto.

La historia comienza con un enredo clásico, en el que un malentendido termina acarreando consecuencias inesperadas. Con un guión original que acompaña a la idea, se genera una película argentina que no se encasilla fácilmente y que toma distancia del tan famoso nuevo cine argentino, dando al espectador promedio una buena película.

Zombieland es a las películas de zombies lo que Scott Pilgrim a las películas basadas en comics. Ambas cuentan con protagonistas adolescentes que pelean por su vida, ellos tienen una chica deseada que es inaccesible y, a nivel estético, tienen efectos gráficos del mismo estilo, sobreimpresiones y escenas ralentizadas. Además salen del esquema preestablecido para sus respectivos géneros.

En un estado crítico universal, el mundo es tomado por zombis y los seres humanos no infectados son la minoría. El primer personaje que conocemos es Columbus (Jesse Eisenberg), el clásico antihéroe, quien nos presenta una serie de reglas de supervivencia, por si alguna vez a nosotros también nos toca enfrentar zombies; luego aparece de casualidad y con aire desenfadado Tallahassee (Woody Harrelson) y por último, como no podía faltar y para sacarnos del machismo en el que solo los hombres matan muertos vivos, llegan Wichita (Emma Stone) y Little Rock (Abigail Breslin). Entre los cuatro lucharan por sobrevivir y llegar, cada uno, a su supuesto lugar sin zombies, su refugio.

La película no es de terror, sino que se ubica mejor dentro de la comedia y se perfila como película de culto dentro de los próximos 10 años. Ya desde un primer momento se define como cómica y no sale de ese lugar, en gran parte se lo debemos a Woody Harrelson, quien se roba el protagonismo y es sin duda, el mejor actor que se podría haber elegido; es corajudo y enfrenta sin problemas a los malos, tiene un solo fin y aunque suene surrealista, todo lo hace por comerse un Twinkie.

El director del film, Ruben Fleischer, debuta en la pantalla grande con esta película, y hace un trabajo más que correcto. El guion es, junto con los actores, el gran acierto del film; diálogos concretos, gags eficaces y sobre todo la inclusión de Bill Murray es sin duda la cereza del postre. Si les gustan los zombies es sin duda, imperdible.