Al maestro con cariño …

Monsieur Lazhar llega a la vida de un grupo de niños que tienen entre once y doce años, después de enterarse que su maestra de grado se haya quitado la vida en el aula donde daba clases. No solo ingresa a su escuela, sino que alcanza los corazones de estos niños, que intentan explicar que fue lo que sucedió, algunos, en particular, con una madurez insólita de la que deberían aprender los adultos que los rodean. Pero eso no es todo. El tema de la muerte, en un contexto infantil, es solo la envoltura de este film fantástico que aborda el tema de la educación, la inmigración y la depresión - entre otros - desde diferentes puntos de vista.

Lazhar es interpretado por el prestigioso cómico argelino Mohamed Fellag, componiendo, con su delicadeza característica, a un personaje extraordinario: un hombre con un fuerte pasado que decide - mientras atraviesa el proceso de pedido de refugio en Canadá - enseñar a este grupo de niños que ha recibido un terrible golpe por parte de su maestra.

El film comienza directamente con este suceso, lo cuál mantiene la atención del espectador desde un principio. Cae la nieve en Montreal mientras Lazhar da las clases a su manera y va generando un vinculo con sus estudiantes, en especial con la pequeña Alice, quien no teme hablar del tema e ayuda al profesor a integrarse. Las actuaciones de los niños son justas y frescas, nada forzadas, con diálogos interesantes y maduros. Esto aporta a crear una atmósfera intimista impregnada en el film, el cual trascurre casi en su totalidad en el colegio.

Siempre es un desafío la adaptación de una obra teatral. En este caso Falardeau sale airoso y fue reconocido, ya que fue nominada como Mejor Película Extranjera en la última edición de los premios de la Academia.

La historia, parte de un argumento original simple y oscuro y va tomando diferentes matices gracias al sugestivo modo de relatar lo que sucede. Lazhar no solo subraya algunas falencias en el sistema educativo, como la de no abordar de forma más sincera el tema de la muerte, sino que también se permite reflejar el drama de los inmigrantes mostrando lo que deben transitar para poder residir en una Canadá, ya que decidió cerrar sus puertas a extranjeros.

Profesor Lazhar, propone un dialogo con un público activo, el cual puede lidiar con la fábula, la metáfora y un sin fin de emociones.

Con un elenco argentino-español inteligentemente articulado y una dosis de humor ácido, Una Pistola ... narra a traves de ocho personajes masculinos que rondan los 40 años, situaciones ordinarias pero que terminan siendo paradójicas, siempre subrayando la mirada del hombre sobre las mismas.

Se suceden una serie de encuentros deliciosos en los cuales los diálogos frescos y entretenidos mantienen un ritmo adecuado para este film coral que aborda diferentes tópicos, siempre girando en torno a el tema de las relaciones, los amigos, la sexualidad y la madurez...

El jardín trasero de Haneke.

Robelin se inspiro en una historia familiar para crear este entretenido film coral conformado por un grandioso elenco en todo sentido en donde cuenta la aventura de cinco amigos de avanzada edad que deciden irse a vivir todos juntos a modo de poder afrontar los diferentes situaciones – buenas y malas – que vivirán por el solo hecho de ser declarados “viejos” para la sociedad. Al igual que con Haneke, esta película está inspirada en una historia real y tiene a personas mayores como protagonistas, pero el film de Robelin va por un lado completamente opuesto, ya que se trata de una comedia dramática, donde predomina el humor simple y espontáneo, incluso cuando ambas películas comparten el hecho de tocar el tema de la vejez, el abandono por parte de los hijos y las enfermedades terminales...

Antes es la ópera prima como director y guionista de Daniel Gimelberg, cuenta dos momentos en la vida de Ignacio, uno transcurre durante el verano y otro, el más extenso, durante el invierno, el relato se parte debido a un suceso trágico al cual no se hará mención durante el transcurso de la película. Lo más llamativo del film es que gran parte del elenco es joven y fresco, con Nahuel Viale a la cabeza como protagonista, conjugado con un soundtrack intenso conformado por canciones de Spinetta, en su mayoría, con dos reversionadas por el mismo...

Del lat. Germanus: hermano

Germania es un film rodado íntegramente en Entre Ríos -ciudad natal del director- que cuenta una historia, en apariencia sencilla, pero que condensa varias cuestiones como el duelo, la muerte, la partida, la familia, el amor y los amigos. Todo esto dentro del contundente marco que encierra la colonia de los alemanes del Volga: los algunas veces llamados Volksdeutsche, que conservan el idioma, la cultura y las costumbres religiosas.

El film narra cómo cada miembro de una familia –cada una con sus tiempos- transitará su último día antes de partir obligado de la colonia a causa de la quiebra de una granja que se dedica principalmente a la cría de las gallinas -que están muriendo por causas desconocidas-.

La cámara se encargara de evidenciar, de forma nostálgica, cómo dos hermanos llamados Brenda y Lucas se despiden de una comunidad que les da la espalda. Los primeros planos mudos, los paisajes campestres junto con una panorámica eterna de las costumbres y ritos completan el background de los personajes, devastados al evidenciar el quiebre de una estructura.

La atmósfera asfixiante que va generando el film comienza a acercar a esa familia que vemos tan lejana: la madre, firme, entre valses, polcas y coros en alemán trata de sostener una partida angustiante. Entre tanto, Brenda intenta enfrentar a su amor criollo, que no parece estar en su misma sintonía, mientras sigue el paso de su hermano mayor, Lucas. Éste se muestra íntegro ante esta situación tan violenta que están padeciendo. Su personaje también es el encargado de mostrar de alguna manera los lazos entre lo ruso/alemán (algo que los atraviesa) con lo argentino, y, sin discusiones ni largos parlamentos, refleja la fragmentación dentro de una comunidad en la que los adolescentes escapan al dialecto y los mayores se aferran cada vez más a él.

Germania es un film que, dentro de su simpleza, sostiene diferentes tópicos interesantes siempre dentro de la misma atmósfera suave e intrigante.

El film fue estrenado en la Competencia Internacional del 14º Bafici, galardonada con el Premio Especial del Jurado y el Premio Feisal, además del Premio Especial del Jurado en el Fresh Film Festival de Praga. También fue seleccionada en el Festival de Hamburgo, el Festival Internacional de Chicago y el Festival de Gotteborg, entre otros.

Amour ya fue catalogada como “la película tierna de Michael Haneke”, que cuenta cómo la vida de una pareja de jubilados intelectuales –Anne y Georges– se ve movilizada luego de que ella sufre la parálisis de una parte de su cuerpo, acarreando con ello problemas mayores, fruto de la enfermedad y la vejez. ¿Por qué tierna? Porque son viejitos y porque se quieren mucho, pero eso es solo una parte de este film emotivo y visceral que enfrenta al público con algo tan tabú como la muerte digna, enmarcada en un relato que enfrenta a ésta con el amor, una y otra vez...

Insoportablemente Vivo

Paula de Luque intenta mostrar en formato de documental la historia del ex Presidente Néstor Kirchner, organizando el discurso en pos de un hombre que ya ha trascendido a la historia. De Luque se vale para esto de una sucesión de imágenes, videos, voces en off, fotos y material de archivo que se conjuga con una fuerte impronta poética propia de la directora. La pantalla se ve inundada de información acerca del ex mandatario fragmentando su retrato desde la mirada familiar, la cual magnifica la figura del hijo, padre y hermano. Las imágenes obtenidas en super ocho de su noviazgo y matrimonio con Cristina lo convierten en marido, contrastando siempre con su huella y estilo político. Los testimonios y hechos políticos son enlazados con postales patagónicas y una impactante banda sonora a cargo de Gustavo Santaolalla...

Enrique Liporace debuta como director con un film que cuenta la historia de Félix Cayetano Gómez -Awada-, un gestor completamente movilizado por el deseo de visitar a su hija en Paris -algo que la película revelará como una mentira de su hija- sin antes cumplir el sueño de muchos: formar un gremio y presentarlo en la CGT. Mientras tanto, vive un romance con la hermana del dueño de la pensión -en la que debe varios meses de alquiler-, se reúne con sus colegas y sueña con una cola muy particular. El film recorre en clave de grotesco esa etapa bisagra en la vida de Félix, que fue dado a luz en la fila de San Cayetano -una de las colas más místicas y especiales para la gente, ya sea para agradecer o para pedir, todos unidos por la fe-...

La primera curiosidad del film de María Verónica Ramírez es que contiene cuatro historias creadas por animación tradicional 2D, composición digital, fotomontaje, collage, stop-motion y stencil. Esta última técnica es utilizada para una secuencia de presentación y otras de intermedio entre los cortos. En ellos, aparece una pareja de tango en sus idas y vueltas, recorriendo Buenos Aires, al ritmo de una excelente pieza de música porteña.

Un día largo todo y me voy a vivir al campo….

Es muy probable que la frase que da título a esta nota haya salido alguna vez de nuestra boca. Si no es así, es posible que la hayamos oído, pronunciada por algún conocido alguna vez. Es un lugar común que asocia el clima rural a la armonía y la introspección. Sin embargo, El Campo pone en duda ese lugar común mientras nos relata una historia sobre la maternidad y la intimidad de una pareja...

Basándose en una historia real y tomando sus propias vivencias, Carnevale cuenta la difícil historia de Pilar, una chica autista de 26 años, y su entorno familiar. El tema principal pareciera ser la cuestión de un autismo jamás superado por la madre, pero el foco se va corriendo hacia la familia, ya desgastada por la dolencia, que se niega a bajar los brazos con sus altibajos y el dolor a cuestas...

Lugano Arde

En uno de los barrios más grandes y con mayor movilización se desarrolla este film, que narra una de las tantas experiencias ocurridas durante el imborrable diciembre de 2001: cuando las cacerolas sonaban, muchos observaban por tv lo que sucedía en las calles y todo volaba por los aires (incluso un presidente), mientras otros se organizaban o intentaban hacerlo...

Pueblo chico y nada más.

José Glusmán utiliza como estructura, el día en el que comienza semana santa, interesante fecha que concentra la pasión, la muerte y la resurrección de Jesucristo. Domingo de Ramos, se desarrolla en un pueblito, como cualquiera aclaran, que promete infierno pero se queda a mitad de camino, iniciando solo un fuego para luego perderse en una compleja trama que no amerita.

La historia se desata cuando un saturado subcomisario, interpretado por Goity, llega a una vieja casona para dar con el cuerpo sin vida de Doña Rosa, personaje principal otorgado nada más ni nada menos que a Gigia Rua, la cual realiza una idónea composición de acuerdo a lo acotado y torpe de su personaje. Mientras tanto, el relato sufre de flashbacks y flashfowards en exceso, lo cual en algunos casos se justifica y en otros resulta denso y hasta molesto, pues bien cumple a función de la novedad, en la forma del relato no lineal, pero rompe algunos lazos interesantes para el desarrollo.

A pesar de los puntilloso que pareciera el armado de los personajes, a los cuales se les adivina una dedicación, terminan difuminándose a medida que avanza el film. Y así el rol de Ramos, personaje a cargo de Dayub, parece no tener una conexión directa con el relato que el espectador debe ir reconstruyendo sin demasiados obstáculos. Todos los habitantes del pueblo son atrayentes, pero solo meras señales para el argumento, quedando vacíos. Así, se pierden actuaciones memorables como las de Pompeyo Audivert o Hector Bidonde.

El director de Cien Años de Perdón (2000) y la comedia Solos (2006) vuelve al ruedo con un policial negro demasiado concentrado en el final inesperado, haciendo que todo lo inexplicable y/o tomado de los cabellos se sepa excusar.

Se rescata que en este nuevo auge del cine argentino, se vuelva a pensar en el thriller y el policial, otorgándole una oportunidad a otro genero saliendo del drama y la comedia.

Santiago Giralt nos regala una nueva mirada del detrás de escena del mundo actoral y cinematográfico: la formula funcionó a la perfección con UPA , Una Pelicula Argentina (2006) de mismo director y aquí utiliza los mismos ingredientes pero acotándolos a una pareja de artistas en un fin de semana explosivo: ella, actriz full time a punto de estrenar Casa de Muñecas en el Teatro San Martin, con el papel principal, por supuesto...

Un nuevo acercamiento a la historia argentina, esta vez de la mano del director Juan Bautista Stagnaro, quien aprovechando esta oleada de revisión del pasado, se concentra en los pequeños grandes personajes perdidos dentro de los sucesos históricos que hacen a nuestra nación.
Fontana sucede durante el periodo en el cual, el Mayor Luis Jorge Fontana, luego de fundar la ciudad de Formosa, parte en expedición desde el territorio Chaco hasta Salta...

La actriz de larga trayectoria en telenovelas Paula Siero debuta como directora contando la historia de dos hermanas, una de las cuales padece una enfermedad terminal y quiere realizar un viaje antes que todo concluya: para ello deberán reunir el dinero en muy poco tiempo.

El comienzo trascurre en una introducción a los personajes de lo más silenciosa: por un lado las hermanas, Guadalupe Docampo (La tigra Chaco) interpreta a Laura la hermana menor que trabaja en la cocina de un bar/café venido a menos por muy poco dinero, Diana Lamas (Tatuado, Cielo Azul, Cielo Negro) es su hermana mayor que trata de disfrutar el día a día lo más que puede ya que es conocedora de su destino, pero no puede evitar transferir esa forma de vida, esa sensación a Laura, que viene a ser su amiga y madre gracias a su actitud contenedora y responsable, pero… ¿Quién la contiene a ella?: Entra en escena, borracho y aturdido, Martín a quien Laura conoce casi de casualidad: Flechazo sin más explicaciones: Facundo Arana interpreta a este hombre que parece perdido, un silencioso alcohólico que toca el acordeón en el subte por monedas que mal gasta en algún bar. Nunca más triste.

La relación entre hermanas pasa por diferentes etapas muy bien representadas, sin embargo, el nudo se va debilitando y es tal vez porque la participación de Mario Alarcón, Antonio Ugo y por sobre todo Mauricio Dayub ( el medico de cabecera de Adriana) podrían haberse aprovechado más, lo mismo con Graciela Stefani, quien tampoco se supo explotar.

Sobresale el trabajo de Docampo, representando a una mujer que se quedo detenida en el tiempo junto a su hermana al momento de saber que hay una fecha en la cual todo va a terminar: se mueve al ritmo de ella, quien no esta dispuesta a esperar sentada . Lamas no tomo por el camino fácil de la representación de la enferma que padece entre llantos y suplicas, si bien hay amor , odio , comprensión y enojo, lo sabe resolver muy bien para no caer en el lugar común.

El vínculo fraternal es el tema principal de un film cálido y moderado.

Basada en una historia real que relata la manera en la que un delfin hembra llamado “Winter” (“Invierno” en inglés), como explica una de las protagonistas en una linea confusa, es rescatada luego de caer en una trampa para cangrejos. Por la cual su cola permaneció demasiado tiempo sin circulación, cuestión que ocasionó la terrible decisión de ser amputada. El delfín utilizado en el film es el real, también se utiliza algún delfín mecánico y por supuesto a todo esto se suma animación (en parte para la seguridad del animal); lo secunda un niño que logra una conexión increíble con el mamífero acuático.

El film busca atraer la atención del público al presentar figuras como Morgan Freeman, el cantante Harry Connick Jr. y Ashley Judd. Sin embargo a pesar de las estrellas, el film calificado para toda la familia, es demasiado simple; puede resultar entretenido para los menores pero carece de guiño alguno para adultos. Los diálogos del pecoso Nathan Gamble son un suplicio y el espectador espera con ansias la aparición del Dr. McCarthy, especialista en prótesis , interpretado por Morgan Freeman, quien le brinda un poco de oxígeno al elenco.

No hay mucho más que pueda agregarse en esta repetición de fórmula sobre relación de un niño con problemas para expresar sus sentimientos luego de ser abandonado por su padre. Gracias al delfín, fortalece el vínculo con los adultos y crea nuevas amistades. Con reminiscencias al film Liberen a Willy (1993) del cual, Karen Janszen es también una de las guionistas.

Al film le resulta difícil escapar de la estricta moral estadounidense. Mientras que el relato nos muestra la rehabilitación final del mamífero, esta edulcorada situación contrasta con la de un campeón estatal de nado que sufre un accidente.

La dirección recae en Charles Martin Smith quien reutiliza la fórmula de generar un lazo entre un niño y un animal, cayendo en golpes bajos, estereotipos y lugares comunes; elementos que terminan conjugándose en esta olvidable experiencia.

When you're smilin' :The whole world smiles with you.

El segundo film de Ariel Winograd promete ser el regreso de la comedia nacional a la pantalla grande, se trata de una serie de situaciones que se dan en torno a la boda mixta de Adrian, judío no practicante y Leonora, católica no practicante. A su alrededor prevalece la familia típica de ambos y sus amigos a la espera del pináculo de una ceremonia que se retrasa cada vez mas poniendo en duda el amor y el compromiso del novio. El resultado es un film que entretiene sin caer en lo obvio ni en la utilización del chascarrillo escatológico o procaz con un grupo de actores envidiable que funciona a la perfección,.

De elenco variado, para todos los gustos, Mi primera Boda deja satisfecho a más de uno: a quien gusta de Daniel Hendler, quien no termina de explotar nunca su papel del eterno perteneciente a la cole, al cual nos tiene muy bien acostumbrados desde films como Esperando el Mesias (2000) , El Abrazo Partido (2004) , Derecho de Familia (2006) y Cara de Queso , Mi primer Ghetto ( 2006 ) esta última también de Winograd. Hendler se destaca por representar personajes que se esfuerzan demasiado por mantener la seriedad, derivando siempre en un antihéroe adorable, un ejemplo es su personaje de Ezequiel en el film de Szifrón El Fondo del Mar (2003) en el cual se empeña por seguir al amante de su novia lastimándose una y otra vez, jugando al detective. En Mi Primera Boda sucede algo parecido, durante gran parte del film, Adrian trata de patear más adelante la decepción que sufrirá en algún momento Leonora al encontrarse con él mismo como marido, entonces busca desesperadamente el pequeño y resbaladizo macguffin poniéndose en evidencia una y otra vez.

Su gran compañero de fórmula es su adolescente y bien intencionado primo, un papel que desarrolla con habilidad Martín Piroyansky, quien supo romper arquetipos en XXY (2007) con el dificil papel de Alvaro. Sin duda aquí, con tan solo dos líneas con cualquiera de los dos protagonistas , Martín logra desatar la carcajada . Se destaca de principio a fin.

Otro tipo de humor y de tiempos son los que maneja Natalia Oreiro, al principio cuesta seguirla, luego se va soltando y se puede identificar con un tipo de mujer que no acepta cambios ni nada que no haya sido supervisado por ella. Soledad Sylveira es su despreocupada madre, logrando escenas solidas junto a ella. Tambien está Muriel Santa Ana, es la amiga incondicional , actriz efectiva y que podría haber sido mejor aprovechada junto con la sensual y enigmática niña santa Maria Alche. Esta última se presenta de la mano de Imanol Arias, quien personifica el pasado de Leonora, su ex pareja, amante y profesor, cachondo y maldito, cumple su rol a la perfección destacándose una conversación con su actual joven pareja, en la cual da su punto de vista sobre los componentes de una boda. Quienes se pierden un poco en el camino son el grupete de amigos de Adrián: Sebastian De Caro, Clemente Cancela y Alan Sabbagh quienes van casi todos en la misma línea de humor, junto con el DJ Iair Said. Es el tipo de humor que queda un poco incompleto y que el público espera ver con mayor desarrollo.

Un párrafo aparte merece lo atinado de completar un elenco de una comedia argentina con dos Luthiers como Marcos Mundstock como el padre católico y Daniel Rabinovich como el rabino, ambos oficiaran la boda pero antes pasarán, para deleite del público, un tiempo juntos en el remis donde compartirán una serie de opiniones sobre la génesis y la religión.

Si bien con algunas secuencias incompletas, pero sin demasiada importancia, Mi Primera Boda logra contar una historia en la que subsisten un agradable variedad de personajes muy diferentes entre sí, que logra sincronizar a la perfección un guionista más televisivo que cinematográfico llamado Patricio Vega, quien si bien en algunas de las líneas o acciones del guión remiten a films estadounidenses, permite prevalecer la impronta argenta en el diálogo. Es también admirable un trabajo tan acertado en el uso del ritmo, teniendo un elenco tan vasto, distinto y delicado . Mi Primera Boda es el tipo de comedia nacional que estábamos esperando hace rato en carteleras, mantiene el fotograma del cine argentino caliente, otorgándole una nueva oportunidad a la comedia en nuestro país.

La nueva película de Marcos Carnevale es una comedia dramática que se basa en el desarrollo de dos historias de amor vividas por dos mujeres (muy diferentes) con el mismo hombre . Un film intenso para quienes disfrutan del dolor amoroso, que incluye la canción Paisaje, escrita e interpretada por el tano Franco Simone, inmortalizada por Gilda la reina de la canción tropical y ahora versionada por Vicentico.

El film arranca directamente con la muerte de quien será el hombre recordado durante todo el film por las protagonistas, una es su esposa Elena, una reconocida directora de clase alta autosuficiente , con proyectos y una vida tranquila. La otra es Adela , una treintañera confundida y un tanto depresiva , intensa e impulsiva: vivía un romance con el esposo de Elena. La muerte de este las enfrenta y fuerza a un duelo compartido.

Entre ellas están: Esther, interpretada por Rita Cortese , quien pone la cuota de simpatía, es la amiga y confidente de Elena, con el tabaco en las venas es quien hace repensar a la protagonista y ayuda a que el desarrollo de la trama sea menos violento y también Martín Bossi quien debuta cinematograficamente, el humorista e imitador profesional aporta buena parte de los aportes de comedia con su personaje Justina: mucama paraguaya y travesti semi rolinga que trabaja con cama adentro en la casa de Elena, papel que encarna sin dificultad alguna Graciela Borges. Juntos logran momentos de comicidad importantes, pero poco creíbles dentro de la historia, ya que el target social al que pertenece Elena no permitiría jamás a alguien de estas características cerca suyo. Igualmente Martin Bossi inventa un personaje bastante complejo, definido y honesto, que se disfruta .

El director de Elsa y Fred y Anita nos presenta un relato que parte de la muerte del adultero Augusto, al parecer se justifica porque tenía mucho amor para dar, ojo, era muy buena persona, no podía vivir sin Elena, pero tampoco sin Adela: Esta última es encarnada por Valeria Bertuccelli, quien trabaja a la par de la Borges, con escenas dramáticas bien desarrolladas pero poco verosímiles. Y es que el que dolor de Elena está acotado en demasía y el de Adela desborda llegando a niveles insoportables que tan bien sabe representar. Ambos llegan al mismo estadío durante el extenso clip de la canción romántica.

Se trata de una historia simple, sin demasiadas vueltas, con sorpresa previsible y mucho llanto interrumpido por la mirada cruda Esther y el léxico de Justina. Del hombre que extrañan sabemos poco y nada, que mantenía a una, engañaba a la otra, pero era encantador. Las dos conviven por un tiempo, chocan y siguen sufriendo. Viudas es un film sencillo, de elenco acotado y dependiendo del tipo de público puede llegar a aburrir o se puede dejar llevar por el dolor que provoca el amor.... aunque esta última con esfuerzo, ya que si bien tiene todo el potencial para desarrolar un buen argumento, se va perdiendo con situaciones que conducen a ninguna parte y al desaprovechar a una buena comediante como lo es Valeria Bertuccelli.

Marks Waters (Chicas Pesadas, Las Crónicas de Spiderwick, pero también director de Como si Fuera Cierto y Los Fantasmas de Mi Ex) vuelve con una comedia para toda la familia protagonizada por Jim Carrey y seis pingüinos dentro de un relato lineal, simple y muy predecible. Cumple con la función de entretener y tiene efectos visuales bien logrados ya que, si bien las aves no voladoras realizan una serie de movimientos imposibles por su condición, la evidente digitalización no es irritante sino ingeniosa. Pero sí, una vez más, se cumple la frase: tiene menos gracia que Jim Carrey doblado al español, algo que se debe soportar por tratarse de un film infantil.

Mr Popper´s Penguins es un texto infantil de 1938 que se da a leer en las primarias estadounidenses desde hace mucho tiempo; esto conmovió al productor John Davis (Alien Vs Predator, Norbit, Garfield) que decidió convertir la novela en un film con algunas variaciones: el personaje principal es Tom Popper, un vendedor innato de bienes raíces que quiere escalar posiciones en la firma para la cual trabaja arduamente, está divorciado y tiene dos hijos, una adolescente y un niño a los cuales parece haber defraudado en más de una ocasión. Pero el personaje de Carrey es muy lejano al de Mentiroso Mentiroso, ya que parece sedado y muy contenido con respecto a lo físico, sus payasadas y sus imitaciones; su gestualidad está casi ausente, es decir, un Jim Carrey totalmente desaprovechado.

Todo cambia el día que recibe una caja misteriosa que contiene un pingüino y luego cinco más, que son la herencia que le dejó su padre con quien tuvo una relación a distancia hasta casi comenzar la segunda infancia; el “Águila Calva”, como lo solía llamar, viajó por el mundo y estuvo ausente en momentos importantes. Ahora debe lidiar con los pingüinos que ayudaron a que su familia le de otra oportunidad y a que refuerce la relación padre-hijo.

El del Señor Popper resultó ser un papel muy codiciado por los humoristas taquilleros de Hollywood, según comenta el director, ya que al parecer estas aves marinas despiertan ternura y atracción; sin embargo, el papel para la talla de un actor como Steve Carell fue otorgado a Ace Ventura bajo los efectos del diazepam. Y es que la chispa en sí se concentra en los pingüinos (no son los de Madagascar), que son diferenciados vagamente por sus características, al mejor estilo los siete enanitos: uno es ruidoso, otro es tonton, otro se caracteriza por sus momentos escatológicos.

El reparto casi silenciado que acompaña al protagonista está conformado por Carla Guigino, Angela Lansbury (que cae una vez más en el papel de la anciana adinerada), Philip Baker Hall y Clark Gregg, este último con un papel importante que pierde fuerza a lo largo el film y se vuelve a activar sobre el final.

Los Pingüinos de Papá se presenta como un film familiar trampolín para la vuelta a la comedia de Jim Carrey que viene de tropezar con Los fantasmas de Scrooge (2009) y Número 23 (2007), pero que sabe sorprender con Una Pareja Dispareja (2010) o Lemony Snicket: Una serie de eventos desafortunados (2004). Mr Popper cumple con despertar alguna que otra sonrisa y despistar con los pingüinos digitales del gran vacío de contenido de la trama.

Oh La La!! es lo que el espectador suspira al ver las primeras imágenes del último film romántico – surrealista de Woody Allen, ya que es notoria la fascinación de este con la ciudad de París: las tomas no son solo de los sitios turísticos que nunca fallan, sino también de sus calles, sus entradas, sus veredas y la belleza que se desprende de ver la Ciudad Luz bajo la lluvia. El encanto parisino traspasa la pantalla y se instala en la sala.

La historia sitúa a Gill (Owen Wilson) y a Inéz (Rachel MacAdams) en su último viaje de solteros, acompañados por los padres de ella que gozan de una buena posición económica. En un almuerzo se topan con una pareja de conocidos; él es un turista afectado, un libro andante, todo lo sabe y de todo da una opinión que pareciera universal.... su mujer lo acompaña festejando sus monólogos. La pareja insiste en pasar tiempo con ellos durante la estadía.

Inéz representa a la turista que va de compras a París como si se tratase de un gran anticuario de extrañezas, visita algunos puntos típicos en compañía de la pareja -con quienes se siente cómoda e ilustrada, por decirlo de alguna manera- desacredita frente a ellos a Gill en cuanta oportunidad se le presenta y da por sentado un futuro junto a él casi sin análisis previo o algún tipo de reflexión.

Gill, en cambio, está en esa etapa en la que fantasea con quedarse a vivir allí y establecerse como novelista; piensa que la ciudad se entiende con él y que es allí donde la inspiración correrá por sus venas. Enamorado del adoquín que pisa, presto a repensar su actual relación y un poco quién es y qué quiere hacer de ahora en más.

Es difícil aceptar que Owen Wilson sea el protagonista de esta historia, más que nada porque se lo suele asociar a otro tipo de films, como Zoolander, Noche en el Museo o Marley y Yo, entre otras; rescatando excepciones como Los Excéntricos Tenenbaum, el actor y guionista se amolda a la dirección del film, y el espectador no puede imaginar a otro en su lugar. ¿Quién a media noche en Paris sube a un auto de época y viaja en el tiempo (en un film dirigido por Woody Allen)? Él, aunque cueste creerlo: se encuentra en la noche parisina de los años veinte con varias de las figuras que admira e idolatra, caminando por la ciudad: Zelda Fitzgerald, Gertrude Stein, Ernest Hemingway. En medio de esto conoce a una especie de Kiki de Montparnasse, musa inspiradora de Picasso y otros vanguardistas de la época, pero más acotada. Noche a noche la cita se da en esta dimensión idealizada por él, aburrida para ella.

Y es por eso que cuando se agota el recurso, la segunda vuelta de turca es la belle époque, con Toulouse-Lautrec y Degas, y con repetición de la fórmula inicial: durante parte de estas idas y vueltas Will entiende que algo debe cambiar.

Aunque con un final un tanto precipitado, ya que todo se da de una manera demasiado redonda, el ritmo no se ve alterado por estos “viajes al pasado” y la historia no tiene inconvenientes ni momentos incoherentes, todo encaja perfectamente y los protagonistas se dejan llevar. El film es divertido y original, de mirada efectiva y sensación agradable: Woody Allen sale airoso de una cinta dedicada a los enamorados de un periodo, apasionados por la historia del arte y melancólicos (como siempre).

La historia es poseedora de una interesante estructura: dos perspectivas diferentes de un hecho trágico, un accidente o un homicidio: el efecto de esto sobre el entorno y una forma de enfrentar una cruel realidad tajante y frontal; Aguas Turbulentas es una historia triste sobre lo que provoca la muerte de un hijo, el estar involucrado en esa experiencia, el perdón divino y el terrenal, la reinserción en la sociedad luego de cumplir una condena y la verdad.

Jan Thomas es presentado durante su ultimo día en una prisión de Oslo, se trata de un joven desgarbado que se retira tras cumplir su condena sin grandes esperanzas, una carta de recomendación y la dirección de una iglesia donde se presenta y seduce como organista. Durante las dos primeras partes del film a Thomas (el primer nombre lo deja de lado como si esto apartara el pasado de su nuevo camino) se le van presentando oportunidades que sabe aprovechar para poder reconstruir de a poco una vida normal. Los recuerdos sin embargo lo asechan cuando se involucra sentimentalmente con Anna, ya que su pequeño hijo Jens paraliza a el organista, su imagen casi fantasmal evoca al niño del que fue acusado de quitarle la vida.

Es una interpretación silenciosa la de Pai Hagen Sverre, quien ofrece una doble personalidad: la de un joven que supo tener un pasado rebelde, se lo penó por ello y cumplió la condena, a su vez no hace un mea culpa ni por asomo, genera esto una terrible violencia en el espectador ya que cuando se lo enfrenta opta por callar.

En el momento en que Agnes , la madre del niño , aparece en pantalla es cuando el film cambia la óptica de los hechos, otorgándole un ritmo más acelerado que acompaña el sentir de una madre en apariencia resuelta (luego de mucho trabajo) con respecto a la desaparición de su hijo, cuando casi por casualidad encuentra a Jan en la iglesia. Se obsesiona con el, se obsesiona con la idea de su hijo, busca respuestas y se pierde en el dolor infinito. Agnes es encarnada maravillosamente por Trine Dyrholm, una maestra, una esposa con dos hijas adoptadas y un marido que la ama eternamente.

Es ella quien logra dar vuelta la nueva situación de Jan, quien durante gran parte del film parece estar haciendo las cosas bien, no hizo lo más importante para seguir: enfrentar un hecho del cual fue participe activo y culpable. La intensidad de Agnes traspasa las barreras; se la ve intentando lidiar con lo cotidiano sin poder desprenderse de ese niño el cual le fue arrebatado...

La trilogía de Erik Poppe comienza con Schpaaa (1998) film que cuenta la historia de un grupo de adolescentes maltratados que se involucran en una banda vinculada al narcotráfico, continúa con el film Hawaii, Oslo (2004) historia coral que trascurre durante el día más caluroso del año en Oslo y culmina con

Aguas Turbulentas, una historia que cuenta con la intensidad de la música que puede producir un órgano tubular de iglesia y la complejidad del choque de dos perspectivas desesperadamente diferentes.

Me Quema…

El trailer de Cruzadas es un excelente reflejo de como está compuesta esta historia, una seguidilla de humoradas (sí, esa es la palabra) sin conexión alguna con el relato y demasiados momentos musicales que terminan por desfigurar lo poco que fue construyendo el espectador para poder seguir frente a la pantalla.

Moria Casán interpreta a Juana, hija reconocida del magnate fundador de Mega -News (una pobre intención de reflejar al grupo Clarin) que conoce en el funeral del mismo a su hermanastra Camila Lamonica (encarnada por Nacha Guevara) quien se dará a conocer y con ello sus intenciones de formar parte o tener una fracción del mega holding mediático. La trama es simple, casi fugaz: siempre exprimiendo al máximo el lugar común, contando con un elenco diverso y peligroso; podría haber resultado un film disparatado y grotesco, distinto pero entretenido. Cruzadas se mezcla, se revuelve, se embarulla y al final se complica al ir descomponiendo el género a lo largo del film.

A pesar de su efímero argumento, el film no logra y no se queda a medio camino sino que desabarranca a toda velocidad, parte de esto se debe a un desordenado principio, en el cual se presentan los personajes principales muy superficialmente: Juana (M. Casán) es una empresaria sin escrúpulos con dos lacayos que la siguen a donde vaya: el Dr. Cano, con un irreconocible Willy Lemos con bigotes y Alejandra Majluf como la escribana Suarez, completan su círculo intimo.

Lamonica (N. Guevara) es cantante y dueña de la bailanta más grande al oeste de La Matanza, su personaje es atractivo y totalmente explotable, sin embargo se apaga al primer dialogo con su hija Mecha ( revelación fallida: Chachi Telesco ) y Alcides , una especie de confidente y socio que encarna Claudio Rissi, tal vez uno de los menos forzados a la hora de actuar. El mundo de Moria se reduce a la sala de juntas, el mínimo interior de un yate y un pasillo para visitar a sus hijo discapacitado con el que mantiene una relación peculiar. Aspera es la que mantiene con su padre, un avejentado Enrique Pinti, de vulgaridad desvergonzada y discorde en casi todos los diálogos.

Telesco nos regala un ensayo de cumbia, un tango y un clip entero del tema “Me Quema!” , tal vez demasiado. Las actuaciones especiales son las de Hernan Caire y Pablo Lescano que están incluidos para el clásico gag del NN , por un lado, Tomas Fonzi como un guiño a Paco por el otro y la firma de que el film avanza con total desatino: un buen actor como lo es Carlos Belloso desperdiciado en una escena de desnudo posterior. Rafecas apuesta a un repertorio de personajes caricaturescos pero sin conexión alguna, sin lograr que funcione una idea a la que le falta una relectura o terminar de “jugarse” por lo que se quiere transmitir y trabajar las fusiones interesantes (Casan – Guevara ). A no ser que sea una parodia errada de atmósfera popular o una bizarra fantasía del director.

Oskar Santos debuta con este largometraje dramático en el cual cuenta la historia de Diego, un medico clínico, que se reconoce frío y distante con sus pacientes, cuya característica principal es que todos padecen enfermedades dolorosas y terminales. Del mismo modo se maneja con su familia; no tiene conexión emocional ni con su esposa o con su hija adolescente. Un día llega a la guardia una paciente que ha ingerido una gran cantidad de pastillas y está embarazada... la pareja enfrenta al médico quien recibe un disparo que le cambiará la vida...

Un drama de hospital con un elemento fantástico que no se sustenta por si mismo ya que los personajes giran alrededor de este don mal explicado que adquiere Diego. El espectador requiere de una trama que haga honor al sentido de la palabra; un tejido donde las historias sean fuertes para poder sostenerse en el tiempo, y así entrecruzar este “algo” tan extraordinario que esconde la realidad, y vende el eslogan.

Aquí E. Noriega (Diego) da el gusto a quiénes dicen que solo se trata de una cara bonita; victima de un personaje que va perdiendo el rumbo a medida que avanza el film hasta convertirse en uno digno de telenovela: Al mejor estilo ER emergencias, el clínico va conectándose con su paciente más dolido y se va dando cuenta lo importante que es la familia. Supo lucirse en El Espinazo del Diablo bajo la excelente dirección de Guillermo del Toro, conjugando armoniosamente lo fantástico, el suspenso y el drama.

Mientras el protagonista trata de entender el don que le fue otorgado, son cuatro las mujeres que lo van complementando: una es su casi ex mujer, super comprensiva hasta el hartazgo, interpretada por Cristina Plazas (conocida por su rol de Marina en la serie Los Hombres de Paco , Tv Española). La segunda mujer que aparece en su vida es la enigmática Sara, quien trata de dar una explicación coherente al fenómeno, sin éxitos, la encarna Angie Cepeda (Sammy y Yo), luego entra en escena casi a los empujones Isabel, a quien debemos entender, sin preguntarnos demasiado, por flashbacks pobres, quien la personifica es Belén Rueda ( El Orfanato) y por ultimo la joven actriz Cara Lago ( El Club de los Suicidas) es la adolescente rebelde Ainhoa.

Daniel Sanchez Arévalo (AzulOscuroCasiNegro y Gordos) ganador del premio Goya en varias ocasiones, es el guionista de este film, el cual tiene como uno de sus productores a Amenabar, quien nos supo atrapar como director con cintas como Tesis (1996) , Abre los Ojos(1997) y Mar Adentro (2004, ganadora del Oscar) y quien piensa que esta es “una historia que estimula”.... “una película sobre el dolor”

Ni una cosa ni la otra; la historia no llega al nudo cuando comienza a desarmarse, no alcanza para el drama y lo sobrenatural se le escapa de las manos.

Veintiocho años atrás tropas israelíes invadían una República del Líbano devastada por una guerra civil que atravesaba por su segunda fase: periodo marcado por las matanzas entre comunidades religiosas destruyendo y dividiendo a su capital Beirut en dos: la oriental musulmana y la occidental cristiana.

En este contexto se encontraba Shmulik Maoz en el año 1982, más precisamente, dentro de un tanque israelí en una misión en la ex suiza del cercano oriente. Son sus vivencias dentro del blindado junto con tres jóvenes soldados lo que relata Libano, una catarsis que hace a un film bélico diferente en el cual un acercamiento a la mirada de un hombre obligado a ser artillero, sacude y emociona más que cualquier mega explosión hollywodense.

Casi la totalidad del film esta rodada dentro del tanque, donde comen, duermen, hacen sus necesidades y están a la espera constante de ordenes de avanzar o tirar: primero como advertencia, después a matar. Assi es el comandante quien potencia la atmósfera abrasadora y asfixiante tratando de mantener la calma, intentando naturalizar el hecho de que están cada vez más cerca del combate y de hacer eso que es lógico en toda guerra: matar o morir... solo que sera uno de los primeros en quebrar definitivamente.

El ojo del tirador Shmuel es nuestra visión fuera del tanque, donde apunta se dirige nuestra mirada y donde apunta se le hace imposible disparar cuando se le ordena: está preso de un colapso por la tensión emocional que permite ubicar al resto de sus compañeros en un plano que se venia tratando de ignorar: el hecho de que ha tan temprana edad sean participes de un exterminio a un pueblo de este estado que limita al norte de su país.

Quien hace el papel de rebelde es Herzl, el cargador, quien confronta al comandante en casi todas las ordenes, cuestionando las jerarquías y es más notable el enjuiciamiento silencioso al que somete con las miradas que le dedica a Shmulik , de un rango más alto , quien esta al mando de todo el operativo y es la unica conexión, ademas de la mira, con el exterior. Es excelentemente interpretado por Yoav Donat , ya que su voz a través del transmisor tiene la misma intensidad que su presencia. El cuarto hombre que conforma el elenco dentro del tanque es Michael Moshonov encarnado a Yigal, el conductor.

Libano nace de un proyecto que se propuso Maoz: el de contar una historia bélica de forma diferente, ya que en la escaleta reemplaza las acciones por emociones, sensaciones y olores que parten de un diario el cual le costo redactar ya que implicó volver a sentir el estrés de supervivencia que es lo que finalmente queda en la retina del espectador: propone suplantar la seguidilla de hazañas bélicas donde están los buenos y los malos por experimentar, tratando de trasmitir a través de imágenes y musicalizacion, el estar dentro de un tanque de guerra: la Guerra del Líbano que abarca lo territorial, lo económico, lo político y por sobre todo lo religioso que es la parte más compleja .

El argumento no esta servido, sino que se va padeciendo junto a los actores derivando en un film diferente y polémico que vale la pena experimentar.

Ganador del León de Oro en el Festival Internacional de Cine de Venecia, año 2009.

Danny Boyle esperó casi cuatro años para filmar esta historia real, que se podría resumir en tres lineas ya que cuenta los cinco días de Aron Ralston, atrapado 100 metros bajo la superficie del desierto, luego de un accidente realizando senderismo, en el accidentado Blue John Canyon, Estado de Utha.

James Franco (Pineapple Express, Milk, El Hombre Araña) interpreta a este montañista extremo, quien se reta en cada salida, enfrentando cualquier condición ambiental, desafiando a la naturaleza y disfrutando de ello al máximo. Es una actuación destacable, ya que su co - protagonista es una piedra, la famosa piedra en el camino, la piedra que admiró toda su vida, y que tal vez represente esa fascinación por la valentía, ese gusto por las emociones fuertes, convirtiendo a la piedra en otro personaje: su rival, que lo enjuicia, lo atrapa y se convierte en parte de la acción aunque inmovil.

La tensión, durante el relato, (que puede resultar predecible), está desde principio a fin, bordeando el dramón en si: el film se sostiene por la estética marcada de Danny Boye (Trainspotting, La Playa, Slumdog millionaire - ¿Quién quiere ser millonario? ) el cuidadoso clip del principio, el dialogo mínimo y necesario, y después una roca se desprende, cae y con ella la historia de vida: el elogio a la fortaleza física va cediendo, el espíritu aventurero se va desgastando y el protagonista mide dolorosamente las consecuencias de sus actos, su actitud antisocial llegando a tocar a la familia,el análisis minucioso de cada paso antes del hecho.

Alegría y dolor, sorpresa y epifanía: reflexión y humor: todo acompañado por la melodía atrapante a cargo de A. R Rahman (ganador del Oscar Mejor Banda sonora , 2008) se encierran en 127 hs, un film nominado al Oscar 2011 en 6 categorías: mejor actor, mejor película, mejor guión adaptado, mejor canción, mejor banda sonora y mejor montaje.

Una de acción con Liam Neeson …

Luego de Busqueda Implacable (2008) pasando por Chloe ( 2009) y Furia de Titanes (2010) entre otras,: Liam Neeson vuelve con toda la fuerza que solo parece que puede dar un film de acción rodado en Alemania.

Dirgida por el español Jaume Collet-Serra, un ambiguo director de films como el thriller de terror La Casa de Cera, allá por el año 2005, remake de la original El Misterio del Museo de Cera (1939), (film más recordado porque formaba parte de su elenco Paris Hilton, que por otra cosa) y La Huerfana (2009), hoy apuesta por esta historia que presenta una trama aparentemente complicada pero que por el final resulta bastante soft dentro del género, pero si el espectador llega a la sala ávido de choques, persecuciones, corridas y alguna que otra pelea : no se va a decepcionar ya que están muy bien logradas y las secuencias de acción mantienen el interés durante gran parte del film, aunque la historia es bastante pobre y primitiva: El doctor Martin Harris (Neeson) llega a la fría ciudad de Berlin junto con su esposa para dar una presentación en un importante congreso , pero sufre un accidente luego del cual pierde el conocimiento y con ello su identidad.

Sin papeles, desorientado y sin ese reconocimiento al que se había acostumbrado, intenta recuperar poco a poco su pasado. Solitario durante gran parte del film, ya que su esposa (January Jones) , no lo reconoce porque que es otro ahora quien ocupa su lugar, interpretado por Aidan Quinn, quien le hace dudar acerca de si mismo y mirar más a su alrededor.

En paralelo a la explosión hollywodense, las participaciones de Diane Kruger (Troya) como la bella inmigrante ilegal y Bruno Ganz (Las Alas del Deseo, La Caida) como el viejo ex espia de la Stasi brindan momentos interesantes, Ganz especialmente, que permiten un respiro y distraen de algunos aspectos algo dudosos.

Si bien Neeson ya desmostró que el cine de super acción también es un campo en el cual puede manejarse, quien redacta se pone un tanto nostálgica y lo extraña en papeles como el del Doctor Jerry Lovell en Una Mujer Llamada Nell (1994).

El film esta inspirado en parte del libro Hard Sell: The Evolution of a Viagra Salesman de Jamie Reidy , quien relata sus comienzos en la gigante biofarmaceutica Pfizer como representante de ventas, aquí conocido como visitador médico, que toma contacto con el doctor para dejarle muestras y convencerlo de recetar determinada marca . Revela parte de sus técnicas, delata lo que son capaces de ofrecer los grandes laboratorios para que su medicamento se posicione y hasta ahí muestra el film, que se convierte rápidamente en una historia de amor que involucra una joven con el mal de Parkinson, perdiendo el hilo de la critica social con tono de comedia para convertirse en un film romántico.

Jake Gyllenhaal (Secreto en la Montaña, El Príncipe de Persia) es Randall, un mujeriego que dentro de la familia todavía no consigue un empleo estable y siente algo de presión al respecto. Es así como pasa por un entrenamiento en Pfizer. Esta primera parte del film consigue que el espectador se enganche con la historia de este don juan, que parece que se las sabe todas, no tiene compromisos y se adapta a los métodos de la empresa. Hasta que conoce a la tan afectada como hermosa Maggie, interpretada por Anne Hathaway ( El Diablo Viste a la Moda , Guerra de Novias) quien lo cautivará con lo poco que muestra de ella, padece de E P y se cierra constantemente a la relación.

Es entonces como la idea demostrar el mundo competitivo en el que vale todo con tal de posicionar una droga, va decayendo para dar lugar a la historia de amor. El parece no tener idea sobre este tipo de dolencia y menos de como llevar la relación, momento que se contamina con el descubrimiento de la vitamina V (Viagra), un dato que no es menor, y que se filtra en a historia cuando ya es demasiado tarde: el video clip sensiblero inundo la pantalla luego de deleitar al espectador en varias ocasiones con el cuerpo desnudo de A . Hathaway.

Mas romántica que comedia, sin llegar al melodrama, con mucho cuidado se aborda el tema de una de las enfermedades progresivas degenerativas mas conocidas, después del Alzheimer : el paladio. Es escasa la profundidad que tiene la pareja del protagonico: Maggie de quien lo poco que se sabe es lo que J Randall logra sacarle con tirabuzón, la conocemos como camarera y fotógrafa amateur, dos actividades dolorosas para quien padece parkinson y que demuestran el poco cuidado en el armado de la historia de un rol principal en contraposición con el del visitador medico estrella.

Edward Zwick, quien supo dirigir allá por el año 1994 la romántica Leyendas de Pasión, hoy abre un abanico de posibilidades en este film que refleja parte del problema de EEUU con los grandes laboratorios y su competencia feroz, sin llegar a ser denuncia y parte de la realidad de quien padece parkinson, sin llegar al drama en si.

Jack Black protagoniza esta versión de la famosa novela de Jonathan Swift (1667 – 1745), escritor anglosajón caracterizado por el sarcasmo y critica a la sociedad tanto en sus prosas como en los textos poéticos y políticos. Publicada originariamente como “Viajes a Varios Lugares Remotos del Planeta” (1726), siempre se la consideró un clásico de la literatura infantil, por ser de ligera lectura y muy imaginativa, cuando la realidad es que luego de innumerables traducciones y adaptaciones se fue transformado en un cuento para niños, ya que lo que hacia Swift era una dura critica contra la corte inglesa, su arrogancia y sus modos; un análisis de la sociedad ácida un poco cruel... En ella un aventurero llega a tierras extrañas. Las más conocidas, son las de Liliput, habitada por personas más pequeñas que un dedal, Brogdingnagg habitada por gigantes y un país donde viven caballos pensantes en contraposición con los Yahoos, seres decadentes e irracionales.

Los Viajes de Rob Letterman (Monstruos Vs Aliens y El Espanta Tiburones) se reduce a una comedia fantástica (con varios bien logrados efectos visuales) y no contiene ni una pizca del ácido ataque a estadistas y políticos. Sí, algo de reflexión sobre la sociedad (mensajes directos hacia el protagonista como “no hay personas pequeñas, sino pequeñas personas, jugate por lo que querés, valora lo que tenes” etc).

Este Gulliver no es médico sino un estancado encargado de correo de oficinas el cual sufre el no poder invitar a salir a Darcy, una atractiva periodista interpretada por Amanda Peet. Pero un día toma coraje y se acerca, pero no lo logra. En cambio, se ofrece como colaborador en la sección viajes del periódico, es así como se embarca por tres dias en el océano atlántico adentrándose a la enigmatica zona del Triangulo de las Bermudas, donde una salvaje tormenta lo hace viajar a Liliput, donde comenzará una nueva vida.

Alli J. Black luce su enormidad, va consumiendo todo su artillería gestual ya recurriendo a lo escatologico.

No hay nada extraordinario en Liliput: una mini Inglaterra del siglo XVIII, donde la princesa Mary (la bella Emily Blunt) es cortejada por el cuadrado General Eduard ( Chris O ´Down ) quien se ve amenazado por la bestia y no por Oratio (un desaprovechado Jason Segel) que intenta conquistarla aconsejado por Gulliver.

Los Viajes... fueron llevados a la pantalla grande, desde Gulliver Mickey (1934) hasta la maravillosa versión rusa El Nuevo Gulliver (1935) de Alexander Ptushko film que combina stopmotion, animación, marionetas y una lectura contemporánea a la Unión Soviética, sobre el marxismo y el capitalismo.

Japón también le rindió homenaje a Swift con Gulliver´s Travels Beyond the Moon o Gulliver del Espacio

(1965) el simpático cartoon de Kuroda... y como olvidar la lucha con el lagarto en tierra de gigantes,con el héroe interpretado por Jack Sher en The Three Worlds of Gulliver o Los Viajes de Gulliver (1960) . En 1977 llega el híbrido live action - animación: Gulliver´s Travels de la mano de Peter Hunt, un clásico del video club.

Y este año llega Jack Black haciendo lo que puede, un director que parte de una obra rica e inolvidable para hacer de ella, una historia simple, sin compromiso alguno, partiendo de un lugar maravilloso para terminar en un no-lugar.

El film rebautizado con titulo de telenovela venezolana cuenta la historia de tres personas, la principal es la que protagoniza Matt Damon como George, un psíquico devenido en obrero por elección, Marie, una famosa periodista francesa y los gemelos británicos Marcus y Jason que lidian con una madre adicta. En común tienen un lazo que los une con la muerte.

Con un comienzo prometedor el film atrapa y conmueve hasta cierto punto, luego cae en picada concentrando el argumento en la historia de amor, dejando cada vez más de lado el misterio que surge de la pregunta: ¿Hay vida después de la muerte?.

Inicia al mejor estilo hollywoodense para luego adoptar una estética europea que no termina de cerrar, se disfruta la historia londinense y se sobreentiende la del estadounidense, pero es la parisina la que va quedando atrás adoptando otro ritmo y finalmente desembocando donde se predice pero con menos ímpetu que en el comienzo.

Es subestimar un poco al espectador que por cada cambio de historia, para que este se ubique, se incluya en el cuadro la torre Eiffel o la de los Ingleses: esto llega a incomodar.

El vaquero más famoso se arriesga con un film que refleja por momentos el mundo de los médiums: Un tema que si no se trata cuidadosamente podría resultar por demás trillado, Más Allá … bordea el limite.

Partiendo del aeropuerto se presentan los personajes: el joven escritor Ariel ( Lucas Crespi ) que cada vez que un amigo anuncia su partida al exterior ensayan una suerte de fiesta ludica en su honor, este se deslumbra con la bonita y enigmatica Mercedes ( Sabrina Garciarena ) recien llegada de Barcelona.

Juan ( Damián Canduci ) llega de España en busca de una mujer, en cambio se encuentra con la frontal Micaela ( Verónica Pelaccini ).

Se supone que todo transcurre en la Argentina año 2002, plena crisis, pero el acento no esta puesto ahi, sino en los encuentros y desencuentros, los problemas que acarrea el enamorarse y los tiempos del amor.

Con un buen ritmo al principio, va decayendo y perdiendose el interes por lo reiterativo de los dialogos y los primero planos a media luz . Se destaca la introducción a los personajes utilizando el tablero del TEG, prometiendo un film interesante y diferente.Se trata de una comedia romantica bien lograda a modo de rompecabezas. La poca profundidad de los personajes hace dificil que el espectador se sienta totalmente identificado o se encariñe demasiado. Se rescata Juan, el cual se encuentra con un amigo del barrio (el siempre efectivo Carlos Kaspar).

Amor en Tránsito es el primer largometraje de Lucas Blanco que nos trae estos relatos de amor entrecruzados enmarcados en la duda del irse o quedarse en el pais.

Hay un nuevo heroe y es mexicano: se lo llama Machete, lucha contra la migra y esta sediento de venganza.

De un falso trailer saltó a una película real: proveniente del mismo universo que Planet Terror y A Prueba de Muerte ( GrindHouse 2007 ) quien supo ser Cuchillo en Depredadores (2010) es el protagonista del nuevo film de Robert Rodriguez compartiendo pantalla con Steven Segal, Robert De Niro, Jeff Fahey, Don Johnson, Cheech Marin, Michelle Rodriguez, Jessica Alba y Lindsay Lohan. Estas últimas, tal vez, la apuesta más arriesgada. Machete convence dejándose llevar por el formato, que parte de la parodia, rayando el camp, para luego pasar al homenaje.

Lo ayudan a planificar su venganza y descubrir el cerebro de todo el macabro plan, la agente de inmigracion Sartana (J Alba) y la vendedora de tacos Luz/Shé (M. Rodriguez) Aquí las chicas pasan a un segundo plano, sin perder fuertemente el protagonismo, pero a diferencia de A Prueba de Muerte, sin un estilo Russ Mayer marcado ( Faster Pussycats Kill , Kill!, 1965) y con menos autos.

Machete tiene su encanto caracteristico de Rodriguez y Tarantino, combinando la nota politica con la estetica sexplotation de los setenta, en un proyecto que luego de varios años reaparece en la pantalla grande desechando la idea de la salida directa a DVD, tal vez por el elenco fuerte, destacando a Robert De Niro, en el papel del senador xenoóobo en ex tierras mexicanas, S. Segal, como el narcotraficante con códigos y por supuesto con mucho esfuerzo: Danny Trejo, el afilado Machete que no tendrá papeles, pero si el coraje para confrontar las leyes de inmigracion de los Estados Unidos y lo que deben afrontar los mexicanos que residen alli.

Hay poda de miembros, mucha sangre, cuchillos, navajas, armas de grueso calibre; estan las mellizas (infaltables) Avellan, algún que otro coche, desnudos, tiros y la promesa del retorno de este superheroe mejicanote.

Ojalá te Hubiera Conocido Antes

Drama que parte de la idea del premiado director Silvio Soldini de contar la historia de dos amantes inspirado en un relato real y siguiendo muy de cerca a los protagonistas que a medida que avanza el film van pasando los diferentes estadios: deseo, enamoramiento, bronca, etc siempre expuesto de una manera franca y frontal.

Anna, la hermosa Alba Rohrwacher, es una mujer que convive con su pareja y trabaja, tiene una hermana que da a luz al comenzar el film y esto hace que se pregunte que tanto le gustaría formar una familia. Movilizada por esto (o tal vez no) se topa con Domenico, un correcto Pier Francesco Favino, con el que con solo volver a encontrarse se da cuenta que este genera en ella una pasión desenfrenada.

Comienzan a verse, él es casado y tiene dos hijos, algunos problemas financieros, se supone que bucea los miércoles por las noches y se lo reconoce como buen padre. Anna parece aburrida, no se anima a tomar la decisión de formar una familia con su actual pareja y es la que lleva las riendas en la relación secreta, es ella quien avanza a paso firme, propone y concreta: es así que comienza a distraerse en el trabajo, descuida a su pareja y siempre parece a punto de contar todo.

Es en el espacio entre los encuentros fogosos que el film transmite al espectador un sentir combinación de enamoramiento juvenil con acalorado amor, libre de escenas acarameladas y halagos huecos. Son ambos sinceros, entre ellos, hasta el final.

Soldini apuesta a una historia que podría decirse corriente, pero con una mirada más íntima, evidenciando muy en primer plano la pasión a cada momento.

Una divertida Claudia Lapacó nos sorprende con un papel de madre de clase media que se entera que su hija es lesbiana, se entera casi durante el fundido en negro de la pantalla al comienzo: no hay un secuencia de imágenes de ella espiando, o dándose por enterada de las señales, o haciendo en varias oportunidades preguntas sobre la vida privada de su hija: No.

La directora presenta el tema así, al plato: En la cocina Ruth, interpretada por una Virginia Innocenti de entre casa, recibe una pregunta directa a la que responde de la misma manera.

Su madre Estela lo comenta con su vecina/amiga y comienza un mini tour por el circuito gay cercano a su hogar. Ruth le comenta con dificultad a su pareja actual (excelente Claudia Cantero) que su madre post desmayo, ya esta conciente de que son más que amigas, esta la felicita por el paso dado.

Luego se dan una serie de situaciones en las cuales se ve envuelta Estela con el pretexto de conocer mejor a su hija, en medio esta su otra hija interpretada por Ana Katz, las idas y vueltas de la novia de Ruth y su atractiva asesora ( Mara Santucho).

El afiche no le hace justicia al film, hay que aclararlo, una serie de fotos en situaciones que nunca vemos a las pareja protagonista y en medio Claudia Lapaco recibiendo un baldazo de agua (se entiende) con la frase flotando “sorpresas te da la vida” . No es para nada eso: no hay gritos ni sobreactuaciones.

Se trata de un film costumbrista, pero directo y limpio: sin chiste fácil, con personajes queribles y sostenibles.

En Uruguay un empleado de seguridad de un supermercado se ha enamorado de una maestranza. A pesar de su enorme anatomía, se siente pequeño para enfrentarla y mientras toma el coraje suficiente se limita a observarla …. Primero a través de una pantalla, luego a pocos metros cuando para conocerla mejor, la sigue en su rutina diaria.

El argentino Adrian Biniez, actor, guionista, músico y director elige multiplicar las pantallas para contar este momento en la vida de Jara, el enorme pero tímido guardián que no deja de pensar en Julia, parte del personal de limpieza del supermercado con la que comparte la jornada laboral del turno noche. Pronto Biohazard, la tv en su casa y su sobrino dejaran de ser parte de su rutina, ya que la llegada de Julia lo cambiará por completo.

El hardcore se va destiñendo cuando se descubre siguiéndola, comprándole un regalo, ojeándola casi a diario. La trama es sencilla, los personajes escasos, lo justo: dos para contarla sin torpezas.

Casi como una balada, el film pasea junto a un personaje sensible y corpulento que se sabe brusco, algo impulsivo y que no puede reprimir la violencia del metal que lleva en la sangre y que lo hace único.
Gigante fue ganadora del Oso de Plata Gran Premio del Jurado, mejor Opera Prima, en el Festival de San Sebastián fue ganadora del Horizons Award, entre otros premios

Comedia romántica protagonizada por Katherine Heigl y Josh Duhamel que relata la historia de dos padrinos que deben convivir a la fuerza luego de que sus mejores amigos sufren un accidente dejándolos a cargo de su adorada bebe Sophie

Una fórmula conocida, dos que se detestan, en el fondo se quieren pero no lo saben que a la larga terminan juntos y durante el film el espectador sólo espera sorprenderse con alguna secuencia graciosa y tal vez algún video clip con música melosa.

Se desarrollará al ritmo de las estaciones, Holly (la bella Heigl nombrada Estrella Femenina del Año en la Convención Showest en Texas 2010) es una repostera exitosa que sueña con agrandar su negocio, Eric Messer (Transformers) se desempeña como técnico operador de juegos en un canal de deportes y espera su oportunidad para dirigir toda una transmisión. Ambos son buenos en sus trabajos y se conocen de la peor manera, en una cita a ciegas pactada por sus mejores amigos que no llega a buen puerto.

Sin embargo, el destino los une bajo el mismo techo para cuidar a la bebe de sus ahora ausentes amigos. No tenían planeado ser padres y sus proyectos comienzan a verse afectados por este cambio de vida.

Entonces, primero los veremos tratando de adaptarse a la vida que llevaban sus amados Peter y Alison, luego se darán por vencidos y tratarán de llevar a cabo su propio plan….

La pareja es efectiva pero es Heigl la que lleva adelante la trama, más que nada porque es una fanática de las comedias románticas además de conocer el terreno y tiene un aire sencillo del tipo look girl next door.

No hay personajes secundarios, se podría decir que son tres los protagonistas, no hay amigos ni parientes, y eso tal vez fue un tanto arriesgado, ya que por momentos la historia se torna algo densa.

La disfrutarán sin duda los amantes de films tales como Ligeramente Embarazada (2007) o Conviviendo con mi Ex (2006) ya que posee características de ambas.

No es completamente comedia, aunque se esforzaron, tampoco es un drama que deja escapar alguna lágrima: se sitúa en medio de ambas películas citadas.

Ambientada en Suecia del siglo XX el film cuenta la historia de la fotógrafa y madre de familia de lo más sufrida Maria Larsson, abuela del director.

La película esta narrada en voz en off por una de las hijas de María, quien cuenta las idas y vueltas de su madre y trata de describir que pasa en ese momento en la sociedad .

Cuando uno se casa es para siempre, son las palabras que le dedica el padre de la protagonista antes de morir, palabras que quedaran grabas en su subconsciente y aunque durante toda la película se reflejen actitudes adelantadas para su época, en el fondo no puede dejar a su marido alcohólico y violento, de quien soporta infidelidades y golpes.

Un momento de huelgas, hambre y guerra, duro para una familia numerosa, hace que María quiera desprenderse de una cámara fotográfica que gano en un rifa tiempo atrás, ese es el momento que descubre la fotografía y también comienza a vivir un amor platónico con el encantador señor Pedersen, dueño de la casa de fotos, quien la convence de no vender la cámara.

No hay mucho más que contar ya que en el film al querer abarcar más de un personaje, pero al mismo tiempo no querer convertirse en una historia coral, se pierden algunos hilos y muchos personajes que resultan interesantes quedan relegados.

Se destaca el papel de Persbrandt como Sigfrid, el cavernicola , quien no sabe como proceder ante la autonomía de su esposa. Van y vienen , pero cual novela rosa, lo que parece rutina o un simple no queda otra, muy común de la época, parece que en realidad es amor profundo.

Momentos que duran para siempre fue nominada al Globo de Oro como Mejor película Extranjera (2009).

De los productores de la ganadora El Secreto de sus Ojos llega la opera prima de Miguel Cohan que cuenta las diferentes historias que entrelaza un accidente de transito, donde una vida se apaga y el responsable huye sin dejar rastro. El padre de la victima , apoyado por los medios encuentra a el supuesto responsable, al que llega por una serie de eventos inflados por la opinión pública.

No hay retorno para el responsable, tampoco para quien es castigado injustamente, tampoco para el padre del dolor: no hay retorno de la muerte.

Con un maravilloso elenco equilibrado, la vuelta de la efectiva dupla Sbaraglia –Luppi , la calidez de Ana Celentano, lo atinado de elegir a Martin Slipak como uno de los personajes principales, ese ex adolescente de 22 años al que nada le importa, con rasgos similares a quien interpretó en la serie de TV Tratame Bien. Balancea un Machin que aporta a la tonalidad realista del film con su interpretación. Completan el elenco la encandilante española Bárbara Goenaga, la participación del entrañable Daniel Valenzulea y Arturo Goetz para que no sea un mero producto for export.

La historia es simple y es por eso que se intentará revelar lo menos posible en este texto crítico. La trama se forma de la ingeniosa relación que se va dando entre los personajes, dando como resultado la pregunta que da origen del film: ¿Cómo se hace para ocultar el hecho de matar y seguir adelante con la vida?

En el relato hay varios saltos de tiempo : se destaca como obviando situaciones extremas, que podrían resultar en secuencias trilladas, el espectador puede dar cuenta de lo que ocurrió: lo que le sucedió al personaje en ese periodo, con primeros planos en situaciones cotidianas sin golpes bajos como ser en la cárcel, en alguna marcha o algún quiebre sobreactuado en la familia. Se valora el respeto hacia el espectador: dejando que razone las redes que se forman sin recurrir al flashback explicativo, logrando un film que encuentra el punto medio entre el policial y el drama.

Se trata de un film basado en un texto infantil del mismo nombre realizado por el estudio de animación autor de Happy Feet , aquí se vuelve a tomar como personajes principales a un grupo de plumíferos: serian lechuzas y búhos que realizaran el camino del héroe para rescatar a su especie.

Soren es un pichón de lechuza al cual le interesan mucho los relatos gloriosos sobre "Los Guardianes de Ga´hoole": guerreros alados que luchan contra Los Puros y parecen invencibles. Kludd es su maquiavélico hermano que no cree en los relatos que el padre cuenta antes de ir a cazar.

Es al caer del árbol del bosque Tyto, cuando ambos son raptados por aliados de Los Puros y son llevados a trabajar como esclavos para alimentar y defender una fuerza oscura …

Allí Soren conoce a Glyfie, una lechuza enana, quien escapará junto a él para salvar al reino de los buhos, en el camino conocen a dos plumíferos más: una lechuza cavadora y un lechuzon musical. Juntos irán en busca de sus héroes aprendiendo a volar.

Película pensada exclusivamente para ser disfrutada en 3D, efecto sin el cual pierde sentido ya que muchas escenas parecen ser un wallpaper eterno y el espectador al no contar con este efecto capta más rápidamente las deficiencias del guión: la historia es bastante predecible y los diálogos parecen no haber sido una de las prioridades, cometiendo una vez más el típico error: subestimar y no equilibrar el excelente trabajo de animación con un guión que este a la altura.

El punto culmine es el típico videoclip del protagonista en su transformación rompiendo con la armonía hasta ese entonces: cortesía de David Hirschfelder que descoloca totalmente.

Pese a todo se destaca el tono, lo más maduro que se les permitió a los realizadores, con el que se trata la muerte: Los combates no son entre lechuzas, sino rapaces nocturnos, armados con garras metalicas, cuando un casco guerrero rueda en escena, sabemos que ese personaje no volverá.

En la apertura como un buen aperitivo para el adulto un corto que apela a la nostalgia: El Coyote y el Correcaminos

La película más cara en la historia del cine brasileño, confunde con su publicidad dando a pensar que veremos un documental sobre el actual presidente del Brasil, el hombre fuerte, el ex sindicalista, el político.

Es reducido el tiempo que el film le dedica a esto, porque se trata de Lula, si, pero del hijo, el hermano, el estudiante, el trabajador, el marido, el sindicalista… y hasta ahí. Comenzando en la tropical Pernambuco, donde Doña Lindú da a luz a su séptimo hijo varón, sigue el relato reflejando lo importante que fue en la vida de Lula la imagen de su madre: fuerte y valiente, ante la pobreza y un marido alcohólico y ausente.

Cansa un poco la estética tan cuidada, que si bien evidencia la pobreza de la zona, el esmero en la pulcritud y la simpleza da a pensar que podría tratarse de un unitario de TV: cosa que se pensó ya que debido a su éxito en Brasil, Globo proyectaría convertirla en una miniserie.

Lula ( Rui Ricardo Diaz ) se recibe de técnico, luego comienza a trabajar de tornero, se casa con Lourdes, quien embarazada de nueve meses muere en un hospital publico junto con su hijo. Entre esta situación y el conocer a su actual esposa, Marisa Leticia, es que se involucra con la unión sindical: parece una casualidad por lo superficial que se toca el tema de la politica en su vida, hasta cuando desaparece el hermano en manos de los militares, es muy sencilla la escena en la que lo resuelve.

Si bien se entiende y se logra la idea del film: reflejar la vida de Lula, el hombre de familia , su viaje, representando el viaje de muchos brasileros, no hay un equilibrio con su vida política, no armoniza con el Lula mandatario.

El film atrapa en un comienzo por el formato de falso documental, siempre efectivo a la hora de sugestionar, sobre un reverendo evangélico que tras veinticinco años de predicar y realizar trabajo de expulsión de entes malignos, decide que un equipo de rodaje filme el truco y la manipulación que ejerce.

Así que elige una carta al azar que lo conduce hasta la finca rural del devoto granjero Louis, quien presenta a su bondadosa e infantil hija Neil como la culpable de la muerte de gran parte de sus animales de granja porque esta posesa.

Es curioso lo que sucede con el film, que comienza exponiendo el extremismo religioso, quienes se aprovechan de ello y sus consecuencias, esto motiva y seduce al espectador adepto o no al cine de terror, pero lo empaña el decaimiento de la trama , cuando todo se vuelve muy previsible. Por otro lado la duda de que si se trata de una adolescente presa de un brote psicótico con un padre borderline y un hermano trastornado o si realmente esta dominada por un demonio maldito se sostiene muy a pesar de algunas situaciones que se van resolviendo de manera muy poco sustentable y hacen que el interés decaiga.

Los guionistas Gurland y Huck se inspiraron un famoso documental de los años ´70 : Marjoe, sobre un predicador que se confiesa, se elige como escenario la zona rural de Louisiana y se recurrió en todo momento a la improvisación para luego elegir las mejores escenas, siempre teniendo como regla no caer en el cliché ni en una versión desprolija de El Exorcista.

Se disfruta por la atinada elección del género semi mockumentary, que crea esa tensión e incertidumbre durante momentos, dosis de sangre reducidas y guiños de humor siempre desde un plano realista.

Leonardo es un diseñador reconocido por crear la silla que lleva su apellido, vive junto a su esposa e hija en la única casa que construye Le Corbusier en Latinoamérica, lugar visitado por educandos y profesores de arquitectura.

Víctor es su particular vecino, un cavernícola a los ojos del diseñador aburrido, que decide hacer una ventana para cachar unos rayitos de sol.

Víctor no es solo el hombre de al lado, es todo lo que Leonardo odia y teme: a raiz de la abertura que realiza en la medianera su vecino, el se redescubre como una persona mezquina y frívola que aparenta tener una vida plena y normal: perfectamente diseñada como sus proyectos, cuando en realidad se cae a pedazos.

Excelente es interpretación del cordobés Daniel Araoz, ex Áryentain, que compone un personaje equilibrado, fuerte y hasta querible por momentos. Contrasta con la familia boceto de Leonardo: una mujer perdida en el new age , su hija Lola, que no emite sonido alguno durante todo el film y por supuesto la mucama omnipresente.

Victor, por lo contrario, es chabacano y verborrágico, un espanto, como lo definen los amigos de la familia vecina.

Mariano Cohn y Gastón Duprat fueron merecedores por este film del premio a Mejor Película en el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata (2009) y premio Mejor Fotografía en el Festival Sundance este año.

Rodada la mayoría dentro de la famosa casa Curutchet, que con su simetría marca el ritmo del film, resultando un comedia un tanto incomoda o un drama con momentos de humor ácido, pero siempre dejando el espacio suficiente como para que el espectador interprete y reflexione.

Con una excelente actuación de Brenda Blethyn, quien encarna a una madre que vive en una hermosa isla británica solitaria del Canal de la Mancha que viaja a Londres el 7 de Julio del año 2005 al no recibir respuesta a las llamadas que le ha hecho a su hija ese mismo día.

Ousmane es musulmán, vive en Francia y viaja a Londres la misma fecha en busca de su hijo, para reconocerlo y volver junto a él al África.

La fecha que marca la película y es el escenario de todo suceso es día en que los transportes públicos de Londres sufrieron una serie de atentados durante una mañana en hora pico, provocando la muerte de 56 personas y un total de 700 heridos: o7.o7.o5

Son cuatro las explosiones que se fueron sucediendo, en el metro, en la estación de tren y también en un autobús de dos plantas, la ciudad entra en pánico, todo esto es lo que la señora Sommer ve por Tv y se preocupa llamando durante diferentes momentos del día a su hija Jane que vive en Londres, quien nunca le responderá ningún mensaje.

Ousmane es pacifico, habla solo francés y al llegar a la gran ciudad se contacta con miembros de la comunidad musulmana que lo irán guiando para encontrar a su hijo Alí, el cual vio por ultima vez cuando tenia 6 años.

Lo que une a estos personajes es la desesperación, la incertidumbre y la esperanza.

Cada uno a su manera va manejando la situación, Ousmane, con una tranquilidad que asombra, emprende la búsqueda casi desde cero, ya que no conoce el rostro de su hijo ya adulto y entiende que lo encontrara si dios quiere.

La señora Sommers descubre que Jane vive en una parte de la ciudad habitada en su mayoría por pakistaníes y musulmanes, va conociendo a su hija poco a poco, tiene su foto, conoce su rostro, sin embargo no sabe nada de ella, de su vida.

Un tema como es “Ataques Terroristas” ;“Atentados suicidas” ; “Alqaeda” derivan en 11 de septiembre, derivan en una suerte de películas que nos cansamos de ver por cable.

Este no es el caso.ya que director se concentra en las reacciones de cada personaje, sus miedos, muy parecidos pese a la diferencia cultural .

Rachid Bouchareb fue nominado en el 2006 por el film Indigénes (Days of Glory), una de las películas más vistas en Francia.

London River ganó el Oso de Plata al mejor Actor, Sotigui Kouyaté por su asombrosa actuación como Ousmane.

Mi mejor amiga te quiero

Se trata de un film de suspenso erótico basado en la francesa Nathalie X (2003) que cuenta la historia de como Catherine (la hermosa Julianne Moore) presa de la sospecha de que su apuesto esposo (Liam Nesson) la engaña con cuanta mujer se cruza, se ve tentada a contratar a la magnética Chloe (Amanda Seyfried) para que lo seduzca y así poder comprobar si su esposo le es infiel o no.

En una Toronto fría Catherine y Chloe se van haciendo intimas en este juego que parece ya no tener reglas: los sentimientos comienzan a involucrarse y la relación se va haciendo cada vez más estrecha. La pantalla se calienta con los desnudos de ambas mujeres y si bien no se llega al climax de El camino de los Sueños (David Lynch , 2001) , valga la diferencia, cumple como para catalogarse erotica.

La historia es por demás sencilla, la elección del reparto es atinada : siempre es un placer ver a Julianne Moore en escena, causando una sutil atracción. Se agradece que sobre el final no recurran al flashback explicativo, aunque lo que si fastidia es la manera “casual” en la cual se conocen las protagonistas: se supone que Catherine desde su lujoso consultorio observa a Chloe ir y venir suponiendo que es una call girl, luego se la topa llorando en el toilette de damas de un hotel, donde le ofrece papel para secar sus lágrimas... a la siguiente escena están en un bar conociéndose: ¿Cómo sucedió esto? ¿Cómo la localizo? ¿cuando la citó? …. Y así varias de las situaciones se ven algo forzadas.

El canadiense Atom Egoyan se propuso perturbar con este film que cuenta como una mujer que teme ser engañada muta ese sentimiento a fantasía y da el paso al convertirlo en realidad de la mano de una joven prostituta de la que nada sabemos. El resultado es un cosquilleo: al pasar menos de la mitad del film uno imagina el final sin dificultad. No estremece, tampoco emociona y sin llegar al ritmo de un thriller , Chloe es su film comercial para el público estadounidense que intenta posicionar nuevamente a la joven carilinda Amanda Seyfried, ex Mamma Mia!

Ninna nanna, ninna oh

Tizza Covi y Rainer Frimmel, creadores de la productora Vento Films, cuentan esta historia a través del formato en el cual se sienten más cómodos: el docudrama, dando como resultado un film premiado como la Mejor Película sobre Derechos de la Infancia en el último BAFICI. Ya que a pesar de que el relato es ficticio, reflejan el momento socioeconómico que se esta viviendo en Italia y que empuja al abandono de niños, involucrando no solo a los recién nacidos.

Patty adopta a la chiquita como si fuera una sobrina cercana, desde un primer momento se presenta como una tía y la familia la rodea de comodidad, obsequios y armonía.

Los diálogos son voluntarios y se van dando de tal manera que la historia fluye entre los protagonistas sin verse forzada.

La Pivellina narra sobre las infancias, en plural, porque el personaje de Tairo nos abre la puesta hacia el vivir de un adolescente que no supero la separación de sus padre cuando pequeño y que de alguna manera se ve muy en cercanía con la situación de la pequeñita.

Si bien trata también sobre el coraje y la humanidad en una comunidad frecuentemente marginada por prejuicios (los artistas circenses) no cae en el lugar común, a tal punto que se evita a toda costa mostrar esa frecuente imagen de postal de una Italia soleada e inmaculada.

En el festival Cannes 2009 recibió el premio “Label Europa Cinemas”.

Canción de Cuna Italiana.

Ninna nanna, ninna oh
Questo bimbo a chi lo dò ?
Se lo dò alla Befana,
Se lo tiene una settimana.
Se lo dò all'uomo nero,
Se lo tiene un anno intero.
Ninna nanna, ninna oh,
Questo bimbo me lo terrò!

Nina nana nina oh
Este niño ¿a quién lo doy?
Si lo doy a la Befana
Se lo guarda una semana.
Si lo doy al hombre negro
Se lo guarda un año entero,
Nina nana, nina oh
¡Este niño lo guardaré yo

La estrella estadounidense Miley Cyrus, conocida popularmente como Hannah Montana, interpreta a Ronni, una adolescente rebelde que debe pasar el verano en casa de su padre junto a su hermano menor. Ella esta muy resentida porque no acepta todavía el hecho de que sus padres se han divorciado y no hay vuelta atrás.

Greg Kinnear (Destellos de un Genio,2008 y Pequeña Miss Sunshine,2006) es el padre buenazo y comprensivo y Liam Hemsworth (novio de Cyrus en la vida real) es Will, el chico el cual conoce por accidente en su primer día de verano durante una de sus performance de niña atormentada, las cuales se tornan insoportables, ya que el espectador es testigo de como la estrella del canal del ratón se retuerce en pantalla para demostrar que es seria, creció y quiere despegar.

Will , él rubio y musculoso, le devuelve a Ronni la alegría, esa que solo el amor verdadero nos da: y que no se cansan en demostrarnos en escenas de ellos corriendo por la playa, caminando de la mano, nadando con los pececitos de colores, caminando de nuevo por la playa, subidos a un árbol donde graban sus nombres , etcetera… Y así la chica recupera las ganas de volver a tocar el piano, algo que había dejado de hacer , y que hace maravillosamente, desde que sus padres se separaron.

La historia no es nada original, hay mucho llanto, casi todo por parte de del hermano menor interpretado por Bobby Coleman , mucho lugar común y la idea de que si Cyrus se paraba encorvada y pesarosa frente a cámara y no cantaba durante todo el film , se la consideraría una actriz seria.

Error.

No todos quedan congelados en el mundo Disney, solo unos pocos elegidos pueden seguir con una carrera (J Timberlake, C. Aguilera) y este parece que no será el caso.

Al final se escucha el deforme dueto de la protagonista junto con David Bisbal, el cual estaba pensado para el ultimo disco de la cantante, pero se considero pertinente incluirlo en el film porque habla del amor, la unión, la familia y dios. Sin embargo la canción “When I Look at you” fue grabada individualmente lo mismo que el clip.

Comedia romántica, protagonizada por Amanda Seyfried (Mean Girls y Mamma Mia!), el australiano Christopher Egan (Resident Evil y Home and Away en TV) y Gael Garcia Bernal (Amores Perros, El Crimen del Padre Amaro y Babel , entre otras).

Sophie (Seyfied) colaboradora en un importante periódico de Nueva York, viaja de pre-luna de miel a Verona con Víctor (Garcia Bernal), un chef enamorado de su trabajo. Alli descubre el balcón de Julieta, donde mujeres de todo el mundo viajan a dejar cartas pidiendo consejos de amor y un grupo de mujeres se dedican a contestarlas en forma voluntaria.

Sophie se une a estas y contesta una antigua carta fechada de hace 50 años: Claire recibe la carta y viaja a Verona en busca de su viejo amor, pero no está sola: la acompaña su nieto Charlie (Egan) … el resto es previsible.

Una película del mismo director de 13 Going on 30 (Si tuviera 30, 2004) y la más reciente Bride Wars (Guerra de Novias, 2009), Gary Winick, quién hace de esta su película más simple y artificial: al igual que ese balcón en Verona, totalmente falso e ideado para turistas.

Un film obsesionado con el rostro de la protagonista, bellísima ella, pero carente de gracia alguna, recorriendo Italia al son de “Quando, quando, quando” o de o alguna canción pop romántica, topándose con cuanta visión anglosajona de lo que es ser un Italiano: siempre dispuesto a la conquista, que, oriundo de cualquier parte de Italia, habla inglés y es super sensible.

El elenco no funciona: un actor como Garcia Bernal aparece totalmente desaprovechado y eso que contaban con José Rivera el guionista de Diarios de Motocicleta (2004), totalmente ausente en esta película que denomina comedia ultraromántica.

Y tal vez ese sea el problema, que hoy en día se hace cada vez más difícil realizar una buena comedia romántica, como lo fueron Pretty in Pink (1986) o Admiradora Secreta (1985) , ya que no logran que ambos géneros que pretenden integrar, convivan.

La directora de In between days nos sorprende con un film bastante personal, donde cuenta las desventuras de dos pequeñas hermanas las cuales son abandonadas por su madre en casa de una tía quien al no poder hacerse cargo de ellas las lleva a casa de su abuelos. Inspirada en eventos de su infancia So Yong Kim trata de representar en el rostro limpio de Jin lo que ella sintió cuando su madre se divorció y la dejo en una granja de arroz junto a sus abuelos.

Podríamos decir que el film es su gran proyecto, el cual desarrollo y hasta soñó por más de cinco años.

Los resultados fueron el premio Murh a mejor película en el International Film Festival (2008) y el Premio Netpac a la directora en el Pusan International Film Festival (2008) entre otros.

Los senderos de la vida es un titulo horroroso por lo desatinado, tal vez al original no le encontraron relación pero es más acertado: Treeless Mountain .

La formula consiste en seguir día y noche a la pequeña Jin de 6 años , quien corre detrás de su bonita hermana Bin en busca de monedas que llenen la alcancía que representa la esperanza de la vuelta de su madre. Los primeros planos y el seguimiento en cada acción de las niñas tiene algo de documental y también es algo agotador, esto hace que se torne un tanto lenta. Sin embargo la sonrisa de Bin y la entereza de Jin valen la pena como para seguir la historia .

Recuerda muy vagamente a el film Jibeuro (Sang Woo y su abuela o Camino a Casa) pero no es tan lacrimosa sino que con una sencillez y una delicadeza únicas retrata un duro momento en la vida de una niña.

Marmaduke es un Gran Danes muy especial: vive con una familia tipo la cual por cuestiones laborales se muda de Texas a la soleada California y es el protagonista de esta comedia romántica adolescente estadounidense trasladada al mundo perruno.

Cuando el film logra arrancar media sonrisa es cuando el doblaje nos juega esa mala pasada : chido grita el gato Carlos , la otra adorable mascota de la familia y es que parte de la gracia es escuchar las voces de O Wilson , George Lopez y Fergie (?) que aquí se pierden .

Tom Dey, director de películas como Novia por Contrato (2006) y Shanghai Kid (2000) revive al perro que creo Brad Anderson para una tira cómica de periódico estadounidense y que tuvo cierta popularidad alla por el año `54.

En este film Marmaduke frecuenta el “Parque Ladridos” donde forma parte del grupo de los corrientes queriendo encajar con los Pedigrees, que vendrían a ser los populares, cuando se enamora de la novia del líder.

La combinación live action / animation esta muy bien lograda , el film esta orientado a un publico infantil no muy exigente: hay caídas, algún que otro numerito musical y un chiste escatologico que se repite, con cero guiño para el publico adulto.

Documental que cuenta que fue de los cines de barrio, como el Maipú, el San Martin de Avellaneda y el viejo Cine Colonial entre otros. Al ritmo de los recuerdos de tres pibes que trabajaron en ellos van surgiendo los relatos de la época de estos olvidados.

Pedro fue acomodador y nos cuenta desde su living como conoció a su esposa y muestra sus fotos, Damiano fue operador del cine Maipú y se emociona ante el hecho de volver a pisar donde realizaba el trabajo que ama.

José fue el último proyectista del inolvidable cine San Martín de Avellaneda, también fue representante gremial y referente de los trabajadores del rubro en zona sur, aunque el film no hace casi mención a esto.

Oscar sigue siendo un distribuidor de películas desde el año 62 y por ultimo esta Nelio, quien representa a los espectadores, con 79 años no cuenta como se veían estos cines, cuales eran las costumbres , que films o series apasionaban y como fueron decayendo.

Brunetto arma el documental a pura entrevista e imágenes antiguas de los cines, actualmente devenidos en Bingos, templos evangélicos y algún que otro restaurante asiático. No se menciona del todo la lucha por la recuperación de los mismos, si se indaga bastante sobre las diferencias entre las antiguas salas y las cadenas de cine que imperan actualmente como lo son Cinemark, Hoyts y Village.

Entre imágenes de zona sur, butacas desechas, proyectores, entradas y mani con chocolate se va relatando el auge y el ocaso de las salas, el film se queda a medio grito de Muerte a Pochoclin, ya que no profundiza en si en el tema, sino que lo va esquivando hábilmente.

El film trascurre en un pequeño pueblo alemán, no muy lejano a El Pueblo de los Malditos , en el cual suceden una serie de extraños e inexplicables sucesos producto de la sociedad represora , todo esto en vísperas de la Primera Guerra Mundial.

Rodada en blanco y negro, lo cual resalta su fotografía, Haneke va uniendo las historias de diferentes personajes: como lo son el maestro de escuela, quien relata en voz en off, el barón: preso de su imagen, el pastor de la iglesia: pesadilla de todo niño, el doctor viudo: la viva imagen de la perversión y los niños.... oh, los niños.

Todos tienen su porque para justificar sus actos, a todos les paso algo, a todos les va a pasar algo peor.

No es fácil sostener una misma posición durante toda la película, primero uno trata de armar un camino de acciones buscando la entrada, la mecha, el latigazo, la bofetada... también se busca a un salvador, ese personaje que cursa el camino del héroe, que no nos defraudará... pero no.

Es erróneo pensar que esta es la llave para entender el pensamiento, el accionar: el horror Nazi. El director de Funny Games hace más de 10 años que trabajaba en este proyecto y vuelve a caer en los mismos temas, la violencia y la culpabilidad.... pero aquí se pone el acento en la perversión de una manera inusual: como parte de la vida.

Nadie se salva, a todos les toca.

Das weisse Band es la cinta blanca sinónimo de pureza que el padre le coloca a su hijo recordandole que esta a prueba y debe llevarla atada a su brazo día y noche, hasta que vuelvan a confiar en el. El tiempo pasa lentamente, el maestro decide contar como se van sucediendo los hechos al ritmo de las estaciones, la mirada de los Deutsche Cuckoos por momentos es difícil de sostener, pero igualmente el relato atrapa.

Finalizo recordando que fue uno de los films nominados a mejor película extranjera para los premios Oscar 2010 y ganadora del Globo de Oro 2010 Mejor película extranjera, premio a la Mejor Fotografía otorgada por la Asociación Nacional de Críticos de EEUU entre otros premios.

Hace diez años que el director Fausto Brizzi trabaja para la TV y esto se refleja en su pelicula: Todos tenemos un … EX la cual podria ser una excelente tira diaria ya que el ritmo no decae y los personajes están bien construidos, casi a medida.

Sin embargo es una comedia europea for export , divertida y mirable, donde no quedan dudas de que el vero amore es italiano.

Seis parejas transitan el film, donde el tema principal es el Amor, la historia más prometedora es la de Elisa, quien esta a punto de casarse con Corrado y se encuentra con que quien los unirá en sagrado matrimonio es nada más y nada menos que su ex. Luego esta Loredana y el juez Luca (un simpatiquisimo Silvio Orlando) en crisis, también esta Sergio, quien se divorció hace años y luego de la repentina muerte de su ex esposa debe convivir con sus hijas adolescentes .

Pablo lleva una relación muy candente con Monique, quien tiene un ex bastante pesado, luego esta Marc y Julia, la parejita joven e hiper empalagosa, quienes viven en París y por cuestiones de trabajo se tienen que separar. Por ultimo , la menos atractiva de las parejas , Filippo y Caterina están en pleno proceso de divorcio y luchando por la no custodia de sus dos hijos.

Un guión que sigue una tónica similar a la de El Ultimo Beso (L'Ultimo Bacio) , donde las lineas son apasionadas y los personajes bastante impulsivos. Se utiliza, tal vez en exceso, el recurso video clip con alguna canción del tipo Aspen melosa para unir los momentos de las parejas , también se siente muy adaptable para una versión norteamericana (si se obvian los desnudos frontales de las ragazze ).

Todo divorcio empieza siempre con un matrimonio dice Don Lorenzo, el juez baila al ritmo de SexBomb y el psicólogo pirata que descubre que su ex ,de la cual se separo hace mucho, le seguía comprando regalos para navidad los cuales abre uno a uno entre lágrimas: puede resultar demasiado... sin embargo el mero gusto por la lengua italiana, las buenas actuaciones hacen de esta una historia coral que mantiene bastante entretenido al espectador .

Un grato film que cuenta los inconvenientes del artista Antonio Pujia, viejo en todos los sentidos, de armar una muestra luego de varios años de retirarse de la escena pero no del trabajo.

Antonio Pujia es un gran artista plástico algo ermitaño que trabaja en su taller cuando decide que tiene ganas de exponer nuevamente sus trabajos se pone manos a la obra en una serie de llamadas a contactos del ambiente, finalmente se comunican de una galería ofreciéndole espacio para una muestra, Antonio se llena de animo pero poco a poco se va dando cuenta que la organización es mala, no se devuelven las llamadas y las promesas se desvanecen.

Antonio termina suspendiendo todo y vuelve a su mundo, esta vez haciendo notar a su familia que algo pasa.

Lino Pujia nos cuenta como su familia siempre empujados por la madre que es el motor de la idea, se concentran en organizar una muestra , tal vez la ultima, tal vez la ante ultima, tal vez la penúltima, en fin, una muestra importante en este momento de su vida, en el transcurso se topan con las negativas una serie de inconvenientes, siempre dedicando gran parte de su tiempo y postergando sus trabajos reales. Retrata fielmente también el ámbito de las galerías de arte y los museos: el trato con el artista y a que tipo de arte apuntan.

El film cumple con el objetivo del director: La muestra trata de sostener un proyecto a través del amor, la ayuda y la comprensión, y también de la necesidad del artista de mostrar la obra, de mostrarse a uno mismo. : Más que nada porque es muy gracioso ver que el artista quiere mostrarse y mostrar su obra, que al fin de cuentas, como Antonio dice mostrar mi arte es mostrarme a mi, pero le es muy difícil mostrarse pidiendo ayuda, mostrarse con necesidad de ser visto.

Esta es la historia de Paco, el hijo de una senadora del Congreso de la Nación Argentina de carrera en ascenso, quien es acusado de volar una cocina urbana de cocaína. Es adicto a la droga que da nombre a la película y es internado en un centro de rehabilitación muy especial donde entre flashbacks y la ayuda de sus compañeros logrará salir adelante.

El director de Un Buda (2005) reunió a un elenco muy armonioso, donde tal vez se pierde el silencioso Tomas Fonzi que hace lo que puede con la poca profundidad que tiene el personaje que interpreta que no es nada más ni nada menos que el principal: Paco.

El film sorprende, aunque con una estética a la que nos acostumbramos últimamente, una banda sonora que vende, es la forma de relato coral que va tomando el film , más allá de que en algún momento puede pasar por un unitario o serie de TV de canal 2, la vieja América o con un poco más de profundidad de canal 7, la TV Pública.

Y es que poco a poco se convierte en un “Locas de Amor” pero con todos actores de primer nivel: Paco luego de ser encontrado inconsciente en el lugar del hecho debe ingresar, para no ir a la cárcel, a un prestigioso centro de rehabilitación donde Nina (Norma Aleandro) es la coordinadora de un grupo conformado por Juanjo (Luis Luque) , el Indio ( Juan Palomino) y Julian (Salo Pasik) es allí donde conoce a un grupo de drogadependientes lindos y locos de los cuales conoceremos parte de su pasado y como sobrellevan su presente, ellos son interpretados por la bella Leonora Balcarce, el Benjamin de Valientes: Guillermo Pfening , la callada Sofia Gala Castiglione, la irreconocible Romina Richi , Valeria Medina como la border y Roberto vallejos como su protegido, Lucrecia Blanco como la cheta fiestera y finalmente Sebastian Cantoni como el rockstar colgado.

Los únicos algo estereotipados, pero que igualmente pasan algo desapercibidos, son Esther Goris, como la madre política que no conoce a su hijo y Gabriel Corrado como Raul, su asesor que fuma un habano y toma café..

Todos ellos, junto con Claudio Rissi, conforman el grupo actoral que sostiene este film con una historia algo débil que no termina de definirse si es a modo de denuncia, algo light si era la idea, o si sólo es mostrar una realidad sin tomar partido.

La Canción de las Novias, cuenta una historia de amistad entre dos adolescentes: Myriam judia y Nour musulmana en un barrio pobre de Túnez en 1942 cuando es tomado por los nazis.

Más allá de que el relato trascurre con la toma de nazis el bombardeo: la guerra en sí como escenario, lo más violento en este film son las tradiciones y los impuestos en la familia de ambas jóvenes.

Myriam vive sola con su madre y le gustaría vivir el amor verdadero que su mejor amiga Nour experimenta con Khaled, mientras que Nour vive las penurias del mundo musulmán, al ser mujer no puede estudiar ni trabajar, solo abocarse a los trabajos del hogar, esperar que su prometido, elegido previamente por su familia, consiga un empleo para así poder casarse.

El amor que se tienen es infinito, y la historia es sobre el amor, el despertar sexual , la envidia, la identificación, el racismo, la guerra... todo excelentemente interpretado.

Las miradas que le dedica la actriz Lizzié Brocheré a su amiga y a el doctor con el cual quiere casarla su madre para evitar el ataque nazi son cautivantes, las escenas que involucran parte de las tradiciones judias o musulmanas son intensas y lejos de parecer a la ficticia Rochellle, Rochelle ( película de ficción cursi y erótica mencionada en la serie Seinfeld, la cual parodia a los films europeos ) las escenas de sexo explicito son dramáticas y se siente esa mirada sobre la adolescencia femenina dentro de la comunidad musulmana.

Karin Albou, directora de La Petite Jerusalem (2005), retrata de manera más intima y arriesgada la amistad entre estas dos mujercitas las cuales se comunican más con gestos y miradas que con palabras. Cuando las dos son victimas de la guerra y la discriminación es cuando más se unen dejando de lado las diferencias y consolándose en una historia de amor.

Esta es la historia de un hombre que.... Disculpas, para que se entienda mejor de que va la película y cual es la tónica, se pasa a relatar como en el trailer, con esa voz tan particular, doblada al español:

¿Que harías un día, si tu familia, es violentamente atacada y asesinada por dos delincuentes?

¿Que harías, si la justicia decide dejar libre a quien causo tanto daño? Un Hombre que lo pierde Todo, decide vengarse y derrumbar todo el sistema (…)

Básicamente Clyde (G Butler) es testigo del asesinato de su esposa e hija en manos de dos delincuentes, estos son atrapados y juzgados. El abogado Nick (Jamie Foxx) hace un acuerdo el cual da como resultado la pena de muerte para uno de los delincuentes y menos de diez años en prisión para el otro, que es el más sádico y autor de las muertes.

Entonces una placa anuncia que pasaron diez años luego de la decisión de la juez, con esto se justifica todo lo que pase durante el film a partir de ahí para que nada sea cuestionado por el espectador, porque paso mucho tiempo y el personaje principal armo todo tácitamente.

“El cerebro, Clyde” planifico la muerte de cada uno de los que integraron la decisión de dejar en libertad a el asesino, comenzando por este : hay torturas, explosiones, balas, más explosiones y frases rimbombantes como: “Voy a derrumbar todo el sistema sobre su cabeza”, “Matare a todos, sera de proporciones bíblicas” .

El mensaje podría ser reever el sistema judicial en estados unidos, la pena de muerte, etc.... pero al estilo de los productores de Sr y Sra Smith .

Hay un momento del film que el espectador decide si dejarse llevar por este loco, loco que todo lo ve y todo lo tiene preparado o ya empezar a imaginarse como seria la sátira fácilmente.

Màs cerca del titulo “El vengador” que de “Dias de Ira”, el film es digno de un domingo a la tarde por canal 11.

Esta es la historia de Andres, un niño de 8 años que en plena dictadura militar es testigo y entiende a su manera lo que transcurre a su alrededor.

Daniel Bustamante cuenta que hizo todo lo que el manual para realizar una opera prima dice no hacer: uno de los puntos es que una de las protagonistas es una actriz de renombre como Norma Aleandro, sin embargo , este film, pese a que la historia es sostenida por un niño, se sobrelleva satifactoriamente, los diálogos son consistentes y se siente un gran orgullo porque esta película sea argentina.

Compartiendo un poco la tónica de El secreto de Sus Ojos, este film también transcurre y toca el tema del proceso en la Argentina: La dictadura, no muy a fondo, sin golpes bajos, bastante light.

Andrés, no quiere dormir la siesta por que tiene los ojos muy abiertos, luego de la muerte accidental de su madre, debe vivir con su hermano junto con su abuela Olga, su tio Antonio y su padre, el cual descubre lo que para la familia es el resultado de la famosa frase “algo habrán hecho” (…)

Tal vez lo que se le puede llegar a criticar a el film es el no efecto que causará en una gran parte del publico, acostumbrado a lo obvio , el lugar común , ya que en ningún momento se muestra el centro clandestino que funciona en el barrio por dentro, o escenas de la madre militando, es que esta lejos de Garage Olimpo, pero cerca de ser una película para ver en familia y abrir el tema para explicar y debatir esta parte de la historia argentina que es oscura por lo que sucedió y no porque no se pueda ver lo que pasó durante la misma.

Teniendo en cuanta que quien redacta la ultima película argentina que vio fue Matar a Videla, se señala que la historia en varias oportunidades perdía el equilibrio y se inclinaba hacia el “no jugarse” pero se rescata la visión original sin llegar al extremo del film Màs que un Hombre.

Ninja Assassin cuenta la historia de Raizo (Rain), uno de los asesinos más temibles del mundo. Fue recogido en las calles en la infancia, y transformado en un asesino adiestrado por el Clan Ozunu, una sociedad secreta cuya existencia est considerada una leyenda. Pero atormentado por la ejecución sin piedad de su amigo por el Clan, Raizo se escapa de ellos y desaparece. Ahora espera, preparandose para cobrar venganza.

Asesino Ninja es una película a la cual uno va con cierta expectativa, en este caso me costo mucho poder calificar el film ya que me decepciono muy al principio y después ya no hubo vuelta atrás.

Molesta que esté hablada en ingles, pero me propuse aceptarlo, no es la primera vez que me pasa, pero mientras avanzaba la acción me di cuenta que no era eso realmente lo que me molestaba sino lo que estaban diciendo: el lugar común ya había pasado, estamos bordeando un mal doblaje de Palmera Records, ese que uno escucha y por dentro dice, “seguro en ingles suena mejor o seguro dijo otra cosa”: pero no, no: acá lo dijo.

Un film sumamente comercial disfrazado de una buena/regular película asiática...

No hay mucho que contar, el cantante Bi (Rain) uno de los más exitosos en este momento en Corea, es el personaje principal: un huérfano sufridisimo que quiere vengar a su amiga muerta y ya que está, devolverle un par de golpes a su mentor , jefe del Clan Ozunu.

Cuando uno se empieza acomodar en la butaca surge la verborragia de los agentes de la Europol, Mika y su jefe Ryan, que te hace bajar de una manera abrupta.

Los enfrentamientos entre estos ninja superpoderosos son admirables, esto junto con algunos de los flashbacks a la niñez de Raizo, son los momentos que se rescatan , pero lamentablemente cuesta disfrutarlo ante un guion débil , ya que si bien se sabe que en este tipo de films la historia principal no siempre es algo muy rebuscado, en este caso el guión era por momentos muy difícil de sobrellevar.

No hay mucho más que relatar, si bien me gusta este tipo de películas, me queda la duda de saber que opinará un fan de películas de acción ninja, por el momento elegí redactar en primera persona por esta vez para acentuar mi disgusto.

A Matar a Videla le queda grande el titulo, es una idea bastante buena a la que le falta un mejor desarrollo, rehacer el guión y seleccionar un elenco serio.

Trata de contar la historia de un pibe, Corcho de Chiquititas nunca mejor apodado, que se despierta con la idea fija de suicidarse, deja su trabajo, deja a su linda novia , se reúne con sus viejos amigos y visita a su madre y a su hermana... tenemos que esforzarnos por pensar que el personaje principal la esta pasando muy mal, que su padre parece que abandono la familia y que por esa razón (?) él puede ver el sufrimiento de la gente... lo que les pasa por dentro y llega a ese punto.

La voz en off de Julian , ex Rebelde Way, es terrible como lo que dice: cuando finalmente se encuentra con Juan Leyrado, un sacerdote buenazo, y formula en voz alta lo que da titulo a la película no se puede contener la risa, ya que las expresiones y las lineas del actor parecen de uno de esos programas en los que el solía ser protagonista: Voy a matar a Videla, eso que escucho: me voy , pero el se viene conmigo.

El film se vende como “el debut cinematográfico de Emilia Attias” y por otro lado el director explica que realizar esta película fue una tarea difícil porque tiene un título fuerte y una temática que no es para todo público: ¿Por qué? No es por eso que se hace difícil de ver, sino por el grupo de actores principales y lo mal llevada que esta la idea que le falto bastante de maduración.

En un momento hay una sucesión de imágenes, tipo documental, pero no llega a serlo, más del tipo presentación Power Point sobre lo sucedido durante el periodo del golpe militar mezclado con las marchas del 24 de marzo por la memoria y justicia, donde encontrábamos a Julián como perdido en sus pensamientos y en el film mismo.

Matar a Videla quedara como una buena película para quienes son fans de alguno de sus componentes, Maria Fiorentino aparece muy poco y se esfuerza ante esta camada de modelos que piensan que para ser actores deben mirar la cámara serios y sin pestañear: al final ya comienza la estética de videoclip con una banda sonora que deja todo que desear .

Eloísa tiene 65 años, es viuda y ha dejado su vida en la ciudad para instalarse en Torres, un pueblo donde la pobreza y la necesidad están a la vista. Eloísa vive con tres perros y cuatro gatos, cultiva una huerta y tiene un amigo que la visita con frecuencia. Pero la tarea que le ocupa todas las horas del día es sostener un comedor donde se alimentan diariamente más de doscientos niños carenciados.

Inés tiene 36 años y trabaja de recepcionista en un Centro de Recuperación Capilar. Inés tiene un padre con quien no logra conectarse y una hermana felizmente casada, con tres hijitos perfectos. Inés está sola. Sin embargo, un día conoce a un atractivo arquitecto y se entusiasma por primera vez en mucho tiempo. Pero la noche de la cita, Inés está atada y amordazada por Juan, el joven vecino que acaba de iniciarla en una relación sadomasoquista.

El Padre de Inés, que vivió en una Argentina de esplendor, ahora es incapaz de comprender una realidad cada vez más revulsiva. En esa realidad se maneja naturalmente Haydée, la mujer que hace las tareas de su casa. Haydée cocina y limpia. Y se ocupa de el. Pero también le roba objetos de valor. El Padre de Inés conoce esta afición de Haydée. Pero prefiere callarse. Porque solo ella le queda en la vida.

En el pueblo de Eloísa viven también Beto, Tito y Omar; tres chicos de hogares humildes que ocasionalmente hacen trabajos en casas de la zona. Así conocen al Padre Luis, el cura del pueblo, quien les encargó un arreglo en el techo de la parroquia. El Padre Luis quedó conforme con ellos, pero más que nada, se encariñó con Omar, el más joven de los tres. Y ahora intenta desesperadamente retenerlo.

Eloísa casi no tiene tiempo para sí misma. Cuando por fin puede descansar un rato, una tormenta le recuerda que su casa necesita urgentes reparaciones. Entonces contrata a esos chicos que trabajaron en la parroquia. Eloísa les franquea la entrada; Omar y sus compañeros entran en su casa. Y en su vida.

Inés y Eloísa no se conocen. Cada una transita su propio camino. Pero una peligrosa trama se teje a su alrededor. Hasta ahora eran inocentes. Pero el rumbo de los acontecimientos les demuestra que nadie está completamente a salvo.

Interesante film de historias corales con personajes compuestos por rasgos que rayan lo estereotipado, pero que logra captar la atención del espectador tanto por las buenas actuaciones como por momentos de tensión bien logrados.

La directora del documental Tango, un giro extraño (2005), esta vez cuenta la historia de siete personas las cuales llevan una vida normal: Eloisa es una abuela cool que vive en un pueblito y ayuda a un comedor infantil, su nieto Juan es un niño rico con tristeza por la ausencia de padres en su hogar, después está esta Inés, la recepcionista aburrida quien tiene una difícil relación con su padre, al cual lo cuida la señora Haydèe que de vez en cuando se apropia de algún objeto de valor del viejo.¿Quien falta? El padre Luis, cura solitario que acosa a Omar, el chico pobre del pueblo que sufre por no poder comprarle las zapatillas de marca que le pidió su hermanito. Todo esto se supone en un escenario de crisis económica profunda, la cual se refleja poco y nada, pero debemos suponer.

Si bien hay escenas inquietantes,en el buen sentido, dos o tres, interesan y se llega pensar que las historias darán ese giro inesperado... se da a entender que el padre Luis viola a uno de los personajes y se recae mucho sobre las tomas sugerentes: esto llega a inquietar, en el mal sentido, ya que tal vez se podría haber explotado más la relación sado entre Inés y Juan, interpretado por el joven actor Nahuel Pérez Biscayart, que da excelente para su papel. También se destacan las actuaciones Ana Celentano, la recepcionista aburrida, y la de Stella Gallazzi, y su videoclip de impunidad total .

Es un film en el cual se sobreentiende que se refleja lo oculto de estos personajes, lo sombrío, lo secreto, pero no alcanza con eso, se trata de una estructura no lineal narrativa, y esto la hace interesante en varios aspectos, igualmente el film te deja con ganas de que pase algo más.

Agathe Villanova (Agnes Jaoui), una feminista militante que recientemente se ha metido en política, regresa durante 10 días a su pueblo natal en el sur de Francia para tomarse un breve descanso y, de paso, ayudar a su hermana Florence para acabar de gestionar los asuntos de su madre, fallecida un año atrás. Estando en el pueblo, Karim (Jamel Debbouze) y su amigo Michel Ronsard (Jean-Pierre Bacri) deciden realizar un documental sobre Agathe, en el marco de una serie de documentales cuya temática son las mujeres de cáracter.

Comedia muy bien lograda por la multifacetica Agnés Jaoui quien encarna a la feminista, entre comillas, Agathe: una mujer de apariencia fuerte a la cual nada se le puede reprochar, su hermana Florence, quien tiene la oportunidad de cambiar su vida, pero prefiere seguir en el papel de la pobre cita , Michel, un Jean -Pierre Bacri maestro de la incomodidad total, Karim ( jamel Debbouze, Lucien de Amelie ) quien se auto discrimina y su madre que la tiene más clara que todos.

Se me escapa algún que otro personaje que hacen de este film una historia de a ver quien sufre más acá, cuando a todos les cae la misma tormenta.

Se destaca la actuación y la historia de la hermana de Agathe, quien crea junto a ella momentos tensos , que luego aflojan con las escenas involucradas con Michel, este hombre que se las da de gran cineasta y no para de dar a conocer que es un animal.

La historia de amor entre Karim y su compañera de trabajo le da el toque romántico para contrastar con la relación que tiene con su madre Mimouna.

Si bien es el tipo de película que con si fuese argentina y con ese título esperaríamos lo peor.... como ya sucedió, es entretenida y recomendable, al principio algo lenta pero poco a poco se va encontrando el ritmo y el humor que no es negro, pero si algo gris tal como un día de lluvia.

Souléymane Solo es un taxista senegalés de 34 años. Un día es contratado por William, un setentañero a quien en dos semanas deberá llevar a Blowing Rock, el pico de una montaña rocosa. Pero Solo se hace amigo de este viejo testarudo e intentará hacerle cambiar de planes antes de que llegue el día.

A pesar de todo, Solo finalmente tendrá que llevar a William a la cumbre de la montaña. Allí, donde el viento es suficientemente fuerte como para empujar a un hombre al cielo, que es cuando el drama alcanzará su punto máximo.

Esta es la historia de un hombre vencido, el cual ya nada le interesa y piensa quitarse la vida el 20 de este mes: William y el taxista que se entera de su plan final e intenta revertir la situación, Souleymane, apodado Solo, un luchador que no se rinde y se prepara por más.

Gran parte de la película transcurre en el taxi conducido por Solo, un senegales luchador y sobre todo buen tipo, quien se percata de las costumbres de William, un setentañero lejos por demás de un abuelito simpaticòn, solitario y malhumorado.

Un film en el que se refleja parte de la lucha del extranjero, una filosofía de vida diferente, donde se sabe que todo es difícil pero en lo ultimo que se piensa es en rendirse: si bien Solo parece tener total control de su vida y querer tomar control de la de William también, es él quien corre tras el viejo tratando de que no se le escape hacia el fin.

La pareja es atinada, los momentos de tensión y drama se dan naturalmente : Los sueños y esperanzas del taxista se contrastan con la indiferencia de William que por momentos dan ganas que se adelante a su plan para no seguir soportando su maltrato hacia Solo.

Desde que el senegalés hace la pregunta, en una de las primeras escenas, ¿te vas a tirar de la montaña? El espectador comienza a contener la respiración por momentos, William no contesta, pero Solo sabe que sera su chófer hacia el pico de Blowing Rock.

Tom conoce a Summer en el ámbito laboral, la cual le hace pasar un veranito de aquellos al intentar juntos una no-relación.

Seria la típica película chica se enamora de chico , chico no corresponde, chica sufre: pero esta vez a la inversa. Tom se ilusiona, Tom se enamora completamente, Tom sufre. Summer no quiere una relación seria, Summer esta segura de ello, Summer pone fin a la relación y se repone fácilmente.

Lo diferencia al film de otras comedias románticas son los recursos de narrativa cinematográfica que se utilizan: La historia se mueve hacia atrás y hacia adelante saltando del día 1 al 414 y de este al 26 y así a través de la relación, también se utilizan algunas estéticas de videoclip, pantallas divididas y diferentes cambios de lenguajes visuales .

Por otra parte, la música es otro de los puntos que la hace atractiva, acompaña muy bien los momentos intensos y los sentimientos de Tom, junto con las secciones de karaoke, recurso ya utilizado, pero efectivo en este caso.

Igualmente llega a cansar el ojo la concentración en la pareja, ya que la intervención en la historia de personajes secundarios y de algún que otro familiar son mínimas y para acompañar algún momento de humor proporcionado por ella o él.

La idea de hacer una película de una canción pop o una película pop es buena y se entiende. La elección de la actriz Zooey Deschanel fue atinada para salir de la típica rubia neoyorquina. Su personaje tiene un dejo al que interpreto en Soltero en Casa, donde era la mejor amiga de la protagonista principal, una chica desinteresa y a la que es difícil de acceder si no utilizas las palabras correctas.

Gordon-Levitt es un Tom muy concentrado en su papel lejano al chistoso y enamorado Cameron que interpreto en 10 Cosas que Odio de Ti. Aunque le quedan mejor los papeles del tipo comedia, la pareja es viable y entretenida.

Si bien tal vez sea una de esas que pasen en VH1 o en Mtv cine pop, el film va más allá de un videoclip y entretiene bastante.