Aquellos Rojos de La Paternal

Para los fanáticos del fútbol, su equipo siempre es el de sus amores. Pero en el caso de la Asociación Atlética Argentinos Juniors, de la Paternal, todo parece ir más allá. Porque según coinciden la mayoría de los entrevistados, el club está arraigado y pertenece a la identidad de los vecinos. "Es un grande entre los chicos y un chico entre los grandes", dice a cámara uno de los hombres de la A.A.A.J.

El club se fundó el 23 de abril de 1940, luego de un amistoso entre Los mártires de Chicago y el Sol de la Victoria, como ambos eran simpatizantes de socialistas y anarquistas, decidieron que la camiseta se tiñera de color rojo y así quedó.

"Bichos criollos" está dedicado a los padres del director (Diego Lombardi) y el productor (Víctor Tujschinaider) pero también al barrio, en el que nadie se pierde un partido y todos juegan a la pelota.

LOS CEBOLLITAS

Argentinos supo ser el semillero de los "cebollitas", al que perteneció Maradona y es emocionante observar la mirada del "10" cuando ve en letras enormes su nombre, como identificación del estadio del que hoy, todos se sienten orgullosos y está ubicado en Juan A. García y Boyacá, en el barrio de La Paternal.

Es precisamente en el campo de juego en que la cámara de Lombardi entrevista Juan Pablo Sorín, Esteban Cambiasso, Chiche Sosa (marido de la actriz Marta González), Adrián Domenech, José Pekerman o Claudio Borghi.

Pero el documental no hubiera sido posible si el "10" no accedía a ser filmado en la cancha y luego de varios meses el director consiguió a ese hombre, que confiesa que en su niñez sus hermanas le juntaban las monedas para el viaje de Fiorito a Palermo o La Paternal, para ir al entrenamiento. Su descubridor, el ya fallecido Francisco Cornejo dice que apenas lo vio jugar se dijo: "Este pibe es distinto, que le voy a enseñar a un genio".

Cornejo fue quizás, el Pep Guardiola para Maradona, pero la diferencia es que el "10" se hizo en el campo de juego, no contó como Messi, con el "laboratorio" de preparación del Barcelona.

La voz del locutor Gabriel Schultz va guiando al espectador y contando la historia del club que tiene hoy su propio museo, su sede deportiva y se mueve al ritmo no sólo de sus vecinos, sino de los cientos y cientos de admiradores de la Argentina y el extranjero.

El documental de Diego Lombardi está estupendamente registrado: fotos de una y otra época, de un Maradona chico y quienes recuerdan esa época como clave en su formación. La emoción del barrio, de su comunidad, todo está registrado por la cámara y a través de las opiniones de unos y otros, se palpita a cada instante -de este filme que además es entretenido, divertido- la nostalgia de un pasado, que sembró un buen camino para el presente de Argentinos Juniors.

Buenas maneras a la francesa

Claire Denis (París, 1948) ha visitado más de una vez la Argentina. Estuvo en varias oportunidades en el Bafici, y de ella se vio una película original, "Bella tarea", que giraba en torno a la Legión Extranjera.

Para "35 rhums" Denis dice que se inspiró en un filme de Yasujiro Ozu y a la vez en la relación entre su abuelo y su madre. Su título hace referencia a que en las grandes ocasiones, su protagonista bebe treinta y cinco pequeños vasos de ron, uno detrás de otro.

Los personajes principales de la película, en su mayoría son de raza negra, con excepción de Grégoire Colin. Eso no es casual porque Denis, hija de un funcionario del gobierno francés, vivió varios años en Senegal, en Africa.

Lo que ella cuenta es en esencia la relación entre un padre viudo y su hija. Ambos viven en un bien tenido departamento de las afueras de París. El es conductor de trenes y la chica además de estudiar ciencias políticas, trabaja partime en una disquería.

MUNDO VECINAL

Pero además de Lionel (Alex Decas), el padre, y de Josephine (Mati Diop), la hija, el filme incluye a una vecina que maneja un taxi, vive sola y de algun modo quisiera estar junto al padre de la joven, a la que conoce desde niña y a Noé, un vecino. Al cuarteto se suma, René, un compañero de trabajo del padre, que terminará suicidándose.

La historia ofrece una mirada intensa, profunda, sobre lo que cada uno de estos personajes, de acuerdo a su cercanía, sienten uno por el otro, aunque nunca pierde de vista el eje padre-hija.

A la realizadora no le importa demasiado seguir la historia cronológicamente, lo que le interesa son las sensaciones a transmitir al espectador. Lo que comunica es la ternura, la complicidad entre los personajes y en un momento, señalar el esfuerzo que significa para un viudo decirle a su hija mayor, que lo quiere y admira: "No creas que necesito que me cuides. Quiero que pienses en vos".

Casi sobre el tramo final aparece el desapego -la hija se despide- y con esa nueva situación en la vida de todos los personajes surge un cambio, se diría que doloroso y silencioso a la vez, pero se lo acepta como parte del transcurrir de la vida.

La historia va captando situaciones, no tiene demasiados diálogos, pero devela a los personajes en momentos íntimos: uno llega y se quita los zapatos, se ducha y se dispone a comer, la otra sonríe y comparte la comida, en un silencio que a través de las miradas y los leves gestos deja imaginar que esas dos personas se admiran, se quieren, se comprenden.

Claire Denis hizo su película como si hubiera querido "acariciar al espectador con sus imágenes", pero a la vez muestra lo inevitable, las separaciones, el dolor, lo que ya no sucederá y todo lo hace con una fotografía y una cámara admirables. A esto hay que destacar las muy valiosas actuaciones de Alex Decas y Mati Diop, padre e hija y de los vecinos Nicole Dogué y Grégoire Colin.

El drama de una pareja joven

Ganadora del Oscar, a la mejor película extranjera, el relato que propone Asghar Farhadi escapa al común denominador del cine iraní. No es complaciente con las tradiciones de su país, tampoco las cuestiona, pero sí muestra que su gente intenta hacer un esfuerzo por adaptarse a los cánones de la vida moderna.

No obstante a pesar de la contemporaneidad que muestra el filme, la historia deja en claro que queda mucho camino por transitar, para que la visión que el hombre tiene de la mujer iraní, sea modificada.

Precisamente es el hombre el que permanece más aferrado a sus tradiciones y eso puede verse no solo en el comportamiento y el pensamiento que demuestra el marido, ante su mujer, cuando ella le solicita el divorcio.

También se observa en la aplicación de las leyes, las que a pesar de su necesidad de cierta objetividad frente a los hechos, no parece poder escapar a preceptos de la religión islámica.

"La separación" tiene por protagonistas a Nader y Simin, una pareja de unos treinta y pico, con una hija. El tiene el padre enfermo y la mujer que aspira a un mundo más libre y de mayores perspectivas de futuro para la hija de la pareja, intenta convencer a su marido para que emigren a otro país.

EXCUSA VALIDA

El hombre al que le cuesta dejar su lugar, pone una excusa válida, la de tener que cuidar a su padre enfermo de Alzheimer. Hay unas frases que intercambian el hombre y la mujer que resultan definitorias por su síntesis. Ella le dice "por qué te preocupas si él no te conoce"; "pero yo lo conozco a él", responde el hombre.

El conflicto llega al juez, al que le llama la atención la solicitud de divorcio de ella, en particular porque no tiene quejas de su marido. Nader no la maltrata, no le hace faltar nada. El resultado es la negación a la mujer para dejar Irán.

Simin decide mudarse a la casa de sus padres y Nader, el marido, queda al cuidado de su padre. Un hecho imprevisto, un accidente con el anciano, prácticamente provocado por la empleada que lo cuida, ubica a la pareja Nader-Simin, en un ángulo oscuro de la vida.

Con un ritmo sostenido, que no decae a lo largo de la película, diálogos directos, simples y una emocionalidad constante en sus protagonistas -Peyman Moadi y Leila Hatami-, los que le otorgan al filme la sensación de estar viendo un documental, permiten asomarse a la vida actual en Irán y a la lucha que llevan sus ciudadanos por insertarse en el mundo contemporáneo, más allá del respeto a las tradiciones.

El pincel que habla y tiene muchas cosas para recordar

El director Fernando Domínguez tiene una afinidad especial con la pintura de caballete, porque su cámara es capaz de extasiarse con las imágenes que pinta el artista plástico Nicolás Rubió.

"75 Habitantes..." refiere a un ciclo en particular de la vida de Rubió, quien durante la Guerra Civil Española, se refugió con su familia en Vieilles, un pueblito de la Auvernia francesa.

Nacido en Barcelona en 1928, Rubió luego de su infancia en Francia, se trasladó a la Argentina y acá vive desde hace muchísimos años.

En su taller, Rubió decidió dedicar parte de estos últimos años a pintar lo que vivió, escuchó y lo impresionó, durante su infancia en Vieilles.

Mientras pinta en su taller, cuenta anécdotas, recuerdos y a través de ellos, va definiendo las costumbres de una época en ese aislado pueblo de Francia.

RETRATO INTIMISTA

El director hace un retrato en extremo intimista del artista. Casi todo el tiempo, la cámara se detiene en la mano del pintor y las pinturas terminadas. Se incluyen unas pocas y viejas fotos del lugar que se retrata, pero a lo que apunta el documental es a dejar que la pintura hable por sí misma.

El que ve la película por momentos quisiera ver más fotografías de Vieilles y poder confrontarlas con la obra terminada, a veces ese fenómeno se produce y a veces no.

Lo cierto es que seguir las imágenes del artista desde que ubica su bastidor en el caballete, traza las primeras líneas a las que luego le añadirá el color del óleo, por momentos resulta algo monótono.

Es cierto que a veces se prefiere no conocer la "cocina" de los artistas, sino su resultado, en "75 habitantes..." coinciden los dos aspectos. No obstante al ver la película se tiene la sensación que el lugar adecuado de proyección del filme sería el de un museo, donde un público más afín al arte, podría establecer una mejor y más marcada empatía con Nicolás Rubió.

Entre la soledad y la culpa

El título de la película se refiere a una leyenda popular de los habitantes de la zona del Delta, que señala que quien contrae el "mal del sauce", pierde el sentido del tiempo, o la noción de presente y pasado.

Los lugareños dicen que el mal se contrae al sentarse debajo de un sauce, a orillas del río y eso es, en parte, lo que le sucede al protagonista de esta película, que intenta indagar en temas como la soledad, la incomunicación y lo que puede llegar a suceder en la cabeza de un hombre que se ve privado de su libertad.

El director Sebatián Sarquís, hijo del fallecido cineasta Nicolás Sarquís, eligió como protagonista a un hombre que fue secuestrado y a quien los delincuentes encierran en una casa del Delta profundo, con escasas posibilidades de poder escapar.

A LA ESPERA

Durante el tiempo en que los delincuentes tratan una cifra con la esposa para liberar del secuestrado, éste permanece en absoluto estado de aislamiento, comienza a confundir los tiempos y, a partir de eso, se suceden escenas en las que parece soñar con su hijo pequeño.

Luego la película da un giro en su narración y el espectador se entera que lo visto ha correspondido a un período de varios años atrás y que el presente del hombre alto, que parece inmerso en una continuada duda, es otro.

Sebastián Sarquís en su "opera prima" propone un ejercicio sobre la relación entre padre e hijo, la culpa y el aislamiento y enfrenta a su protagonista a un entorno árido y agreste, rodeado de un bosque y de un río, que no puede abandonar.

"El mal del sauce" contiene una historia laberíntica y por momentos asfixiante, que no llega a convencer por sus saltos narrativos y de continuidad en las imágenes, sembrando varios interrogantes que nunca terminan de aclararse. El filme tiene correctas actuaciones de Jean-Pierre Noher y Lihuel Iván Porcel.

Carismático maestro de teatro

Este documental está dedicado a Juan Uviedo, un santafecino, nacido en San Carlos Centro, que recorrió el mundo con sus provocadoras propuestas teatrales.

Uviedo fue uno de los precursores del teatro callejero, de agitación, que puso en práctica con varios militantes de izquierda, durante los años oscuros de la Argentina.

Hoy a sus ochenta y dos años, Uviedo vive en Sao Thomé das Letras, en el Estado de Minas Gerais, en Brasil.
Su lugar es la montaña, pero una vez por semana baja a San Pablo, dicta conferencias, o cursos de teatro y sorprende con sus propuestas en las que nunca falta el humor.

El filme surge a partir de la visita a su viejo maestro, por parte de algunos de los que fueron sus alumnos en los 70, hombres y mujeres con los que formó el Taller de Investigaciones Teatrales (TIT).

La visita le permite a Juan Uviedo hablar frente a la cámara y contar parte de lo que ha sido su vida.

LA FUNCION SOCIAL

El espectador se entera que Uviedo hizo teatro en Nueva York, con latinos, con los que preparó una historia del "Che" Guevara, que representó en las calles de la Gran Manzana. Poco después dirigió algunas obras en el mítico Café La Mamma y de Estados Unidos, se trasladó a París, luego anduvo por España y finalmente decidió radicarse en Brasil.

Para Uviedo el teatro cumple una función social, "es un arma para movilizar y provocar", dice y poco después cuenta como a raíz de la visita de varios niños del lugar a su casa, decidió crear con algunos de sus discípulos, un ambiente en el que los chicos de la zona, pudieran educarse con maestros rurales, jugar y también recibir un plato de comida.

"El provocador" es un documental que recorre varias décadas de la Argentina a través del teatro y habla de los comienzos de los grupos independientes. A la vez se devela que aprender a contar historias fue una fuente de gran motivación para muchos de los jóvenes que se dedicaban a la política durante la dictadura.

En Minas Gerais, a Juan Uviedo, además de teatrista lo consideran un chamán y él enrtrega sus innumerables historias siempre con un entusiasmo vital.

Con poco tiempo para salvar a la víctima de la sociedad

Al argumento de este "thriller", pareciera que fue ideado para convertirlo en una serie de televisión, pero finalmente terminó siendo una película.

"Doce horas" detalla el drama de una joven, una chica, que por las noches trabaja de camarera en un bar y vive con su hermana, en un caserón, cercano a un bosque en Portland, Oregón, Estados Unidos.

La chica, Jill, fue secuestrada un tiempo atrás y finalmente en un descuido del asesino logró escaparse. Ese hecho marcó su vida y más aún, cuando a lo largo del tiempo, se da cuenta que las denuncias ante la policía, e incluso el padecimiento que sufrió y contó a sus padres, no le sirvieron de nada, porque en apariencia nadie le cree, la consideran una joven con problemas psicológicos.

Lo cierto es que un día, cuando Jill regresa a su casa por la noche, descubre que su hermana desapareció sin dejar huellas.

LA DESAPARICION

El novio, los amigos del colegio al que concurre la chica no son de gran ayuda para Jill, nadie puede aportar datos y todos la miran con asombro, cuando ella les cuenta que posiblemente fue secuestrada por el mismo criminal que la raptó a ella.

Lo curioso es el papel que juega la policía, la que sin consultar a su departamento médico, califican a la muchacha de psicótica. Sólo un agente le promete ayudarla.

Ante tal indiferencia, Jill decide ir ella misma tras la pista del secuestrador y finalmente logra algunos datos importantes, que tal vez la lleven al encuentro con su hermana, si aún permanece viva.

Dirigida por el brasileño Heitor Dhalia, la película tiene un guión bastante débil en recursos narrativos y no resulta demasiado convincente en muchas de sus resoluciones, al intentar ilustrar un caso de estas características. No obstante el filme cuenta con una actriz como Amanda Seyfried que resulta convincente y atrapa al espectador, a partir de un continuo accionar individual, que en algunos aspectos y lejanamente recuerda el ritmo de "Corre, Lola, Corre". Acá como en aquella película, su protagonista tiene escasas horas para encontrar una solución.

Como una "abanderada" jujeña

Hace doce años que Milagro Sala creó la Organización Barrial Tupac Amaru en la provincia de Jujuy y los directores Magali Buj y Federico Palumbo, con este documental le brindaron su tributo a una obra que es modelo de autogestión, para mucha de la gente que vive en esa parte de la Argentina profunda, según lo destacan los mismos trabajadores entrevistados.

Sala, integró el sindicato de ATE y poco a poco fue levantando su voz, para que la gente de Jujuy tuviera su reconocimiento y pudiera vivir mejor. Con la ayuda de los mismos hombres y mujeres desempleados, puso en marcha primero "la copa de leche", que le daba un vaso de leche, o mate cocido con pan a los chicos de los barrios más carenciados y para muchos de esos niños, esa era su única comida.

Milagro hoy, mientras toma mate y habla frente a la cámara, se muestra orgullosa de su obra. "Muchas veces nos atacan, nos dicen violentos y nos hacen mala propaganda, pero lo nuestro es la reinversión de lo que recibimos en beneficio de la comunidad, en salud, vivienda, educación. Y todo lo hacemos a través de las distintas cooperativas".

LOS APOYOS

El documental se apoya en múltiples testimonios, entre ellos, de Adriana Varela, Tati Almeida, la presidenta Cristina Kirchner, Estela de Carlotto, trabajadores y trabajadoras del lugar y militantes, hasta de España, los que le agradecen a Milagro Sala su apoyo al movimiento de indignados.

La cámara muestra casas en plena etapa de construcción, propiedades terminadas, centros comunitarios, de recreación para los niños, hospitales y los que hablan a la cámara coinciden en señalar, que Milagro Sala "es la Evita de Jujuy".

Todos agradecen el reconocimiento a los pueblos originarios por parte del gobierno nacional, primero de Néstor Kirchner y en la actualidad de la Presidenta de la Nación.

El periodista Raúl Noro, compañero de vida de Milagro Sala, destaca su inspiración en Silo, el fundador del Partido Humanista, mientras pueden verse calles y edificios de Jujuy, con leyendas pintadas en sus paredes, que hablan de incentivar el trabajo y la defensa de los derechos de cada uno.

Una patética danza con lobos

Ottway mata a un lobo, se pone la punta del arma con la que lo mató en su boca, cierra los ojos y verbaliza como en silencio, las palabras: "vivir o morir en este día", mientras su cabeza se puebla de las imágenes de su ex mujer, a la que nunca más verá, aunque no queda claro si ella murió, o lo abandonó.

El es un francotirador, que en el terreno que circunda una inmensa refinería de petróleo, en Alaska, cuida que los lobos salvajes no ataquen a los que allí trabajan. Y poco después los acompaña en un trágico viaje en avión, en el que vivirán una de las experiencias más escalofriantes de sus vidas: la de intentar sobrevivir en medio de una tormenta de nieve y rodeado de lobos.

Este "Líder" es certero con su arma, conoce a esos animales salvajes y sabe que con ellos no se juega. Tampoco con los operarios de la refinería, muchos de ellos ex convictos, o marginales.

VIDA AMENAZADA

El filme basado en un cuento del coguionista Ian Mackenzie, habla de la supervivencia, de los miedos primarios que despiertan en el hombre, en situaciones en que ve amenazada su vida de manera irreversible.

"El líder" muestra una historia dolorosa, de una soledad visceral, existencial y de un vacío en el que no queda otra alternativa que luchar por la subsistencia, o dejarse morir.

El director Joe Carnahan construye un narración fílmica sin concesiones y sigue los pasos de esos hombres, como si se tratara de un documental. Su película recuerda la tragedia de los Andes, que vivieron el grupo de rugbierse uruguayos.

Con una exquisita fotografía, imágenes que provocan un cierto estado de paroxismo al observar esa "nada" que se refleja en el horizonte, mientras los ojos encendidos de los lobos aspiran a devorar a esos solitarios, la película tiene una excelente actuación de Liam Neeson, quien por este papel fue nominado al Oscar.

La unión en tiempos de crisis

A través de una historia de ficción, el director Ricardo Díaz Iacoponi, hace su propio homenaje a las "fábricas recuperadas", que en nuestro país, funcionan a través de cooperativas de trabajo.

"Industria Argentina..." es el drama de un operario de una pequeña fábrica de autopartes, casado, con una hija pequeña y otra en camino.

Ambientada en 2002, el filme va detallando lo que sucede con ese grupo de hombres ya maduros, en su mayoría, a los que el dueño del establecimiento, con la excusa de que no le pagan los proveedores, les retacea los sueldos a sus empleados, a los que les termina abonando a cuentagotas.

La crisis se agudiza con el despido de uno de ellos, hasta que la mayoría decide consultar a un abogado que les propone formar una cooperativa y hacerse cargo del lugar, ante el abandono del establecimiento por parte del dueño.

UN RECORRIDO

El filme sigue el recorrido típico de este tipo de temáticas, con los obreros en huelga en la vereda de la fábrica, la presión del dueño que termina engañándolos y el reclamo de la mujer del protagonista, para que su marido recapacite y busque otro trabajo.

A lo mencionado se suman las distintas características de cada uno de esos hombres. Está el soltero que encara al dueño y termina en la calle; el "buchón" que se cansa de las promesas incumplidas del empleador; la chica de la administración que conoce a cada proveedor y propone llamarlos y un joven, que un día pasea su perro por la puerta de la fábrica y descubre que adentro trabaja un grupo de gente contratada para reemplazar a los huelguistas.

Al final de la película se destaca que este año fue declarado Año Internacional de las Cooperativas, por la Asamblea General de las Naciones Unidas y esta historia propone un ejemplo, de ese modelo aplicado en nuestro país.

El filme es un drama simple, contado con buen ritmo narrativo y un sólido equipo actoral, en el que se destacan los meritorios protagónicos de Carlos Portaluppi, Cutuli, Daniel Valenzuela, Soledad Silveyra (en el papel de una "síndica" que está en contra de los trabajadores) y Aymará Rovera.

La venganza no conoce leyes

Esta es la primera de las películas dedicadas a Abraham Lincoln que se estrenarán esta temporada. Hay dos más, "Lincoln" de Steven Spielberg y "Abraham Lincoln: Cazador de vampiros", de Timur Bekmambetov.

¿Por qué la figura del presidente norteamericano despierta tanto interés en este momento?, no se los sabe con certeza. Lo cierto es que "El conspirador" de Robert Redford, se propone hacer un homenaje patriótico, al hombre que tras ser asesinado, su cadáver cruzó los Estados Unidos y fue despedido por más de un millón de personas.

El filme que propone Redford sólo toma indirectamente la figura del ex presidente. No hay un actor que lo personifique, porque él no aparece ante la cámara, sólo se ve a alguien de costado, sentado en un palco viendo una comedia en una sala de Washington, antes de recibir el único y certero disparo que dio en el blanco, mientras un actor grita desde escenario "Sic semper tyranniss! (así siempre a los tiranos).

LA CONSTITUCION

A Lincoln se lo asesinó el 15 de abril, de 1865 y de lo que se ocupa el filme de Redford, es del conspirador del asesinato y de tratar de considerar culpable a la madre de ese instigador a la que se termina llevando a la horca.

La película centra su atención en las pujas políticas, entre aliados, testigos "comprados", escasos opositores y un gobierno que busca la venganza aún "pisando" lo que dice la Constitución, con tal de calmar su angustia ante la pérdida y tener la sensación de que se hizo justicia.

"El conspirador" es la clásica historia de un juicio, en el que la acusada, la madre del conspirador prófugo, Mary Surratt (con una excelente interpretación de Robin Wright) y su abogado defensor Frederik Aiken, viven la frustración de saber que de entrada tienen al jurado en contra y que la decisión ya está tomada, sólo es una cuestión de formalidades.

CON PRECISION

Redford desde la dirección retrata ese "extraño" juicio, en el que un tribunal militar juzga a una civil, con la precisión de un artesano. Lo suyo tiene un único destino, hacer un homenaje a su patria, mostrar las injusticias o no, que a veces se cometen en determinadas épocas. "La ley no sirve de nada en tiempos de guerra", dice uno de los personajes.

La película resulta admirable en el seguimiento que hace desde que se produce el asesinato, hasta la posterior condena de la culpable y describe cada una de las aristas del entramado político a través de una narración, que se apoya en planos más bien cortos y mediante un equipo de actores de probado profesionalismo, como James McAvoy, Kevin Kline y Evan Rachel Wood.

Para la fiebre del petróleo nunca ha habido tratamiento

Ambientada en 1930, cuando los países árabes se dan cuenta que debajo de su suelo de arena volátil, yace un gran tesoro: llamado petróleo. El francés Jean-Jacques Annaud, con su filme permite una interesante mirada a un mundo arraigado en las tradiciones más ancestrales.

Annaud retrata el misterio que parece parte de la cultura árabe a través de la relación entre un emir y un sultán, aunque en verdad sus protagonistas son las nuevas generaciones, las que redescubren a través de sus mayores, el valor de la defensa de sus tierras, las dolorosas renuncias que a veces se deben hacer en medio de la guerra y en pos de la defensa de los pueblos y la conquista de territorios.

"El príncipe del desierto" tiene dos vertientes que se terminan fusionando en un todo: la relación entre la herencia familiar y la guerra, el engaño y la traición que es capaz de despertar la ambición por el dinero, que se recibe de manera casi inesperada, simplemente, porque a un estadounidense se le ocurrió investigar ese suelo repleto de oro negro.

TIERRA HUERFANA

Pero si bien el punto de partida es el trato de paz que en principio hacen el emir y el sultán, los protagonistas y el acto que siembra la discordia entre ambos, es la posible boda por conveniencia de la hija de uno, con el hijo del otro.

En medio de esa alianza política preparada por el astuto emir Nesib, se encuentra un conflicto que surgirá de manera inevitable, es que el petróleo está ubicado precisamente en una tierra huérfana que no pertenece a ninguno de los dos, pero que ambos tendrán que luchar si la quieren obtener para provecho propio.

"El príncipe del desierto" tiene una armónica y equilibrada narración que incluye acción, romance, negocios sucios y escenas rodadas en el desierto, que le aportan un magnetismo especial a una película poblada de ropajes blancos y de colores claros, que funcionan como cuadros cinético, por momentos para deleite del público.

Antonio Banderas se mueve de manera algo especial en su papel, al que le aportó un tono a veces paródico o de engañoso dramatismo, a su lado los dos jóvenes protagonistas Tahar Rahim y Freida Pinto, despiertan entusiasmo y también un particular lirismo en sus papeles de víctimas de la ambición de sus mayores.

Unas ansiedades confrontadas

El título de la película refiere al viejo barrio de "Reus", en Montevideo, en el que según se dice, la comunidad judía que emigró a ese lugar del Río de la Plata, abrió sus primeros negocios, sus templos y fueron formando sus familias.

En ese barrio en el que muchos son comerciantes, como ocurre en zonas periféricas de cualquier gran ciudad, conviven también grupos de delincuentes, que sobreviven a partir de pequeños robos.

Don Elías, uno de los protagonistas de esta crónica de costumbres, tuvo en algún momento como empleado al Tano, pero éste le hizo una mala jugada y fue a parar a la cárcel.

En el presente el Tano está en libertad, pero recluído en un lugar clandestino, lejos de su mujer y su pequeño hijo a los que ama. A la familia la cuidan los delincuentes que hace los trabajos sucios que encarga el Tano.

La convivencia entre delincuentes y los comerciantes es de un cierto "aguante" mutuo, pero todo se complica cuando una nueva generación sigue los pasos de la banda del Tano y entonces despierta entre ambos grupos, un enfrentamiento por defender el territorio.

FALENCIA OFICIAL

"Reus" es una película que muestra lo de siempre, cuando las instituciones oficiales fallan, la gente busca hacer justicia por mano propia. Eso es lo que sucede entre don Elías, que lidera a los comerciantes del barrio y la banda del Tano.

El filme cuya dirección y guión comparten Eduardo Piñero, Pablo Fernández y Alejandro Pi, por momentos se vuelve bastante obvio en su planteo, en su desenlace en cierto modo previsible, pero contempla algunos aspectos a tomar en cuenta.

Uno de ellos es cómo los directores confrontan una y otra familia. La de la comunidad judía con sus tradiciones que se mantienen de una generación a otra y la de los delincuentes, que a su manera también intentan preservar el valor de los afectos y el lugar que cada integrante ocupa dentro del grupo.

Con una estética que por momentos remite a la década de 1950, un tono costumbrista en su enfocar ese barrio de viejas edificaciones, de comidas familiares, de aspectos que hacen a la religión que se profesa, "Reus", es un filme en cierto modo original, a pesar de sus falencias, que encierra una identidad tan propia como bien definida en su idiosincracia rioplatense.

Esa frustración tan cotidiana

Con el estilo de las viejas comedias italianas, que en distintas épocas protagonizaron Alberto Sordi, Ugo Tognazzi, o Vittorio Gassman, "La sal de la vida" es una cálida y humorística historia sobre un cincuentón, jubilado, con esposa, hija y una madre posesiva.

Gianni Gregorio, en el triple papel de director, coguionista y actor, del que se vio no hace mucho "Un feriado particular", propone un relato ambientado en un barrio romano, que bien podría ser el Trastevere, en el que todos, en apariencia se conocen.

En ese colorido lugar de calles de veredas estrechas, coinciden amigos, vecinos y familiares y entre ellos Gianni, que así se llama el protagonista, lleva su rutina de "amo" de casa, con una paciencia asombrosa.

El hombre tiene que lidiar con su mujer, su hija adolescente, cuyo novio se instaló en la casa y su madre, que si bien vive en un viejo caserón y es una adicta al póker, lo reclama por cualquier tontería, como si él fuera su sirviente.

ENTRE AMIGOS

Pero como sucede en estos casos, siempre están los amigos que aconsejan al protagonista y en este caso es un abogado, que decide presentarle chicas, para que Gianni se reencuentre con el placer de un amor olvidado y salga de una buena vez de la asfixiante monotonía de reclamos y de pasear perros de la vecina.

"La sal de la vida" tiene una serie de personajes arquetípicos que sostienen una historia costumbrista, que se apoya en situaciones cotidianas.

Entre esos personajes se ubica la mencionada madre, que parece encaminar el destino de su hijo hacia una constante frustración; una amiga que es cantante lírica y se acaba de separar; la joven y seductora empleada de la madre, el yerno joven que ya no busca empleo porque dice que no lo hay y una vieja amiga, que parece entender al flamante jubilado y con la que él comparte algunos románticos encuentros.
Conmovedora, tierna y con un particular encanto que se desprende de sus personajes, el filme de Gianni Gregorio se disfruta a partir del carisma de sus magníficos actores, entre ellos el mismo director y la anciana Valeria Di Franciscis Bendoni como la madre.

Con la voz de los ancestros

El filme de Simón Franco es ante todo el retrato de un hombre de la Patagonia, el músico y luchador por los derechos de los pueblos indígenas Oscar Payaguala, el que ha trascendido las fronteras de nuestro país con su canto.

Descendiente de tehuelches, Payaguala se presta a mostrar lo que sucede con un hombre apacible, que vive en su rancho, con sus ovejas y su caballo, en un desolado valle del sur de la Argentina, cuando se lo engaña en su propia fe.

En ese lugar, él dice están enterrados sus ancestros, por eso con escopeta en mano defiende esas tierras de los extranjeros.

La apacible vida de Payaguala se desliza acompañado por su guitarra o trabajando en su rancho, a veces va hasta el pueblo y canta en una hostería de turistas. Escucharlo interpretar en su lengua resulta una suerte de milagro de la naturaleza, conmueve con su timbre vocal, consonidos que parecen provenir de otros mundos.

LA OTRA MIRADA

Ambientada en la década de 1990, cuando el ex presidente Carlos Saúl Menem, prometía que se iba a tener la posibilidad de viajar a la "estratósfera", el filme sigue los pasos de lo que ocurre con un hombre a quien el Estado un día le hace llegar un aparato de televisión y un teléfono satelital, que consiguen cabiar su mirada del mundo.

Pero el "dulce" para ese hombre de la Argentina profunda, dura poco, el plan modernizador del gobierno termina y la vida continuará como siempre para el trovador que no se arredra ante circunstancias adversas y sigue en su lucha diaria.

La película permite un acercamiento a una vida íntimamente ligada a la naturaleza y a sus severos preceptos éticos, es lo que muestra este guión en el que Oscar Payaguala es el admirado protagonista. A él se une Nicolás Saavedra, un magnífico actor chileno. Con algo de documental, la narración de Simón Franco es calma y certera en el mensaje que busca transmitir.

El ritual de espantar alienígenas

Pioneros de la comedia de ciencia ficción, Hernán Sáez y Pablo Parés, cierran su trilogía llamada "Plaga Zombie", con este filme tan desopilante, como sorprendente en su intención de parodiar el género con sólidos recursos creativos y de certero impacto en el espectador.

Si se busca algo novedoso en el cine fantástico, esta es la película ideal, porque logra ubicar al espectador en una clave de suspenso, que poco después termina transformándose en situaciones tan absurdas, como de un humor ingenuo y contundente.

La primera "Plaga Zombie" se vió en 1997, después llegó "Plaga Zombie: Zona Mutante" y ahora "Revolución tóxica", en la que sus tres superhéroes : Bill Johnson, Max Giggs y el forzudo John West, tendrán que agudizar su ingenio para exterminar una plaga de zombies, que provenientes de un plato volador y amenazan con exterminar a los humanos, a partir de la expansión de un extraño virus.

LA NAVE MADRE

Los tres protagonistas creen que si logran atraer a la nave madre, con un Zombie de Troya, cuyo interior está lleno de explosivos, conseguirán salvar a la humanidad. Pero en el trayecto de poner en práctica su misión, tendrán que lidiar hasta con un torpe agente del FBI y esquivar varios atentados terroristas, en los que la sangre terminará salpicando hasta el más desprevenido.

Esta "Revolución tóxica" tiene una muy bien elaborada artillería de efectos, desde la versión local de un extraño plato volador, hasta esos ridículos zombies, que manchados de pintura de los más diversos colores, en particular el verde, consiguen hacer reír y asustar al que los ve.

Con algunos hilarantes números musicales, resoluciones de guión que ponen en primero plano las torpezas de sus protagonistas, sumado a gags, en los que el "gore", de brazos, piernas y otros miembros esparcidos por el aire, parecen más bien una fiesta estudiantil, que un temible ritual de zombies, la película sorprende por su acertada estética trash y las estupendas actuaciones de Pablo Parés, Hernán Sáez y Sebastián Berta Muñiz, junto a equipo de entusiastas colaboradores.

El triste legado de un médico

Un médico alemán de espíritu aventurero, piensa que su profesión será más válida si ayuda a los enfermos de países del Tercer Mundo.

Por ese motivo el doctor Ebbo Velten eligió Africa, en la que la conocida "enfermedad del sueño" hace estragos entre muchos de sus habitantes.

Con su mujer y su hija -a las que no les causa mucha satisfacción vivir alejadas del "mundo civilizado"-, el médico ocupa una casa confortable en una zona de playas y bosques, pero también cerca de enfermos de toda índole.

El médico atiende en el hospital local, pero a diferencia de lo que podría pensarse, el filme no sigue la travesía de este hombre en su lucha para combatir las enfermedades. La historia, además de centrarse en ese aspecto, lo muestra lidiando con los burócratas del gobierno, que quieren seguir solicitando subsidios exorbitantes a Europa, para acrecentar su propio patrimonio, cuando en verdad se podían reducir los costos.

HECHOS REALES

"El mal del sueño" es un filme si se quiere más bien lento. Su estilo narrativo la acerca al documental, pero es un producto de ficción, que seguramente debe estar inspirado en hechos reales.

El título de esta coproducción con varios países de Europa, alude a dos aspectos diferentes. Uno de ellos refiere al "mal del sueño", que el médico, con sus métodos ha logrado combatir en gran medida. ¿De qué trata la enfermedad?. Es un parásito que se transmite a los humanos por una mosca tsetsé. Sus síntomas son fiebre, dolores en las articulaciones, picazón y en su etapa más terminal, altera no solo el sueño, invade el sistema nervioso central y puede llegar a ser letal.

DOS ASPECTOS

El otro aspecto, es al "mal del sueño", que provoca vivir en un país, en el que a sus habitantes más pobres, solo les queda resignarse frente a la corrupción política y social, el abuso, la esclavitud y el sometimiento.

Si bien al ver esta historia se podría pensar que trata sobre la lucha por la vida de seres humanos indefensos, que lleva a cabo un médico, a poco de ir evolucionando el guión, lo que se ve es un cierto estado de resignación que adquiere el facultativo (buena actuación de Pierre Bokma), cuando se siente impotente de luchar, incluso, contra la vagancia y hasta cierta violencia, de aquellos que aspiran a recibir todo regalado.

"El mal del sueño" tiene una valiosa actuación de Jean-Christophe Folly y es un filme triste, doloroso que se muestra como un intenso drama humano, que puede llevar a un "luchador" hacia su propia e insospechada muerte.

Tratando de vivir "de arriba"

Hace varias temporadas atrás, "El vagoneta" se conoció en internet, en formato de una serie de varios capítulos, despertando un inusitado interés entre los que navegan por la web. Según sus realizadores esta historia sobre cuatro amigos de barrio, que viven una serie de dificultades cotidianas respecto de la familia, los hijos, los amigos, llegó a convocar en su página web, dos millones de visitantes.

"El vagoneta" respeta su estética original de la web -capítulos y escenas cortas, con diálogos por momentos ingeniosos y pintorescos personajes- y la traslada al formato cinematográfico.

La de "El vagoneta" es una historia típicamente porteña. Está ambientada en el barrio de Saavedra y sigue a cuatro amigos, uno de ellos casado, otro separado y dos solteros que no tienen demasiada suerte con las chicas.

IDEA DE CARTEL

Los cuatro se reúnen para contarse sus conflictos familiares, o de pareja, sus dificultades con el dinero que no alcanza. En una de esas cotidianas confesiones de hombres, uno de ellos propone la brillante idea de poner un cartel gigante en la terraza de su casa y con el dinero que aporte el auspiciante por el alquiler de ese espacio aéreo, vivir sin trabajar.

El cartel de una película taquillera titulada "Un tanque", los motiva para querer convencer al productor de que les alquile el espacio. Pero al principio solo llegan hasta el secretario, el que termina invitándolos a viajar al Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, para terminar de firmar papeles y finalmente colocar el cartel promocionando el filme.

Un complicado viaje a "la Feliz", la visita al Auditorium, la espera del productor en la puerta del Gran Hotel Hermitage, un encuentro en un yate con Guillermo Francella, que los interioriza sobre cómo se maneja el mundo del cine, da como resultado una serie de humorísticas situaciones, que se apoyan en la ingenuidad de esos cuatro muchachos de barrio, muy bien actuados por Juan d"Andre, Nicolás Abeles, Juan Manuel Alari y Marcos Roberto Ferrante.

"El vagoneta" es una comedia costumbrista, que por momentos pierde ritmo en su narración, o repite una y otra vez situaciones similares.

Luchas obreras y sindicatos

Una parte importante de la historia argentina, la que hace referencia a las luchas obreras en la década de 1970, es retratada por el trío de directores Violeta Bruck, Gabi Jaime y Javier Gabino, a través de una mirada dramática, épica, que a la vez invita a observar paralelos entre el pasado y el presente.

Bruck, Jaime y Gabino no solo incluyen en su documental testimonios de distintos líderes obreros, se preocuparon por darle a su película matices audiovisuales que escapan a muchos filmes de características similares.

CON ANIMACION

Entre ellos se destaca la inclusión de interesantes dibujos animados (creados por Matías Otamendi) para hacer más didáctico, lo que detallan algunos líderes sindicales, al referirse a la explotación de los trabajadores, en muchas de las fábricas del interior del país.

En "Memoria para reincidentes" hay momentos intensos, vibrantes y en los directores hubo una clara preocupación por abrir una amplia paleta de imágenes, en las que coinciden desde la llegada de Juan Domingo Perón a Ezeiza (en junio de 1973), hasta el clásico discurso del ex presidente, cuando acompañado de López Rega y su mujer, Isabel Martínez, echó a la agrupación Montoneros de la Plaza de Mayo (1º de mayo de 1974), en defensa de las corrientes de sindicatos más tradicionales.

El filme hace hincapié a través de los testimonios, de las diferentes corrientes de defensa del trabajador, desde clasistas, a agrupaciones ligadas a la izquierda.

FRISO HISTORICO

El amplio friso histórico que abarca la película parte de 1969, con imágenes del Cordobazo, hasta 1976 y se detiene en cuatro historias, separadas geográficamente por su clima político y social.

Importantes testimonios aportaron Francisco Páez y Gregorio Flores (los que fallecieron poco después del rodaje), que representaban a los obreros de Fiat Concord, en 1971. A ellos se suman otros relatos que dan cuenta de lo que sucedía en las fábricas de la zona norte del gran Buenos Aires (Astarsa, Del Carlo, Lozadur, Matarazzo), bajo el gobierno de Perón y la experiencia de Villa Constitución, en Santa Fé, huelga que fue declarada como un complot contra su gobierno, por Isabel Perón, en 1974.

Inseparables, más allá de la vida

Del argentino Gaspar Noé, radicado desde hace años en Francia, llega este nuevo filme, tan desolador e inquietante como sus anteriores "Solo contra todos" (1991) y la más comercial "Irreversible" (2002).

En "Entrar al vacío" Noé se centra en la vida de dos hermanos, que van a probar suerte a Tokio. No se sabe si huyen de algo. Quizás lo hacen por la simple curiosidad de saber cómo es vivir dentro de una cultura distinta.
El vende droga y ella trabaja como stripper en un local nocturno. El afecto que une a los dos jóvenes roza el incesto y el muchacho Oscar (Nathaniel Brown), le prometió a Linda (Paz de la Huerta), su hermana, que nunca se iba a separar de ella, aunque estuviese muerto. Más tarde se verá que la promesa logra cumplirse.

LOS CONSEJOS

Mientras el chico es real, su hermana le aconseja que deje de frecuentar a un amigo mayor que él, porque éste lo va a terminar convirtiendo en un drogadicto. Oscar no es de aceptar consejos y así termina muerto en el baño sucio de un extraño local.

A partir de ese momento, el joven se transforma en un espíritu omnipresente que acompaña y observa a Linda desde cierto más allá. Ese aspecto es ilustrado mediante tomas cinematográficas en las que la cámara se ubica en ángulos de visión tan diversos como atractivos.

La historia por momentos va y viene entre el pasado y el presente y algunas imágenes muestran lo que fue la vida de Linda y Oscar en su infancia, con padres bastante especiales, a los que el chico espía mientras tienen sexo.

LAS IMAGENES

"Entrar al vacío" es una película que desconcierta. Por momentos parece perder su ritmo narrativo, para destacar solo extraños juegos lumínicos, o cinéticos, en los que tanto los objetos como los personajes se deforman, se deconstruyen y se vuelven a armar. Esas imágenes le indican al espectador, que eso es lo que está viendo Oscar, el joven protagonista de origen estadounidense.

Si bien los personajes principales son dos, puede decirse que la misma ciudad de Tokio, se impone como un tercer protagonista con su estética llena de carteles multicolores, luces de neón y espacios no demasiado amplios.

"Entrar al vacío" incluye como en filmes anteriores de Noé, escenas de sexo, drogas, marginalidad y muertes.
Lo curioso es que a pesar de esa extraña sensación de destrucción, de hacer sentir al espectador que es testigo del infierno de dos jóvenes, resulta una película cautivante, que ejerce una hipnótica fascinación por su manera de encuadrar las escenas y de "espiar" a sus personajes, en medio de un entorno por momentos asfixiante.

Los chicos se dan una fiesta

Director de videos de música pop y dance, el inglés Nima Nourizadeh, hijo de padres hindúes, se animó a su opera prima con "Proyecto X". Su filme es ideal para el segmento adolescente, que sólo busca pasar un buen momento, observando lo que son capaces de hacer tres chicos de su misma edad, cuando los padres de uno de ellos se ausentan por un fin de semana.

Para "Proyecto X", el director eligió una estética de "cámara en mano", con narrración fragmentada y una serie de situaciones que parecen ir a la deriva de una historia sin mayores pretensiones.

Es que el filme no intenta ser ni moralista, ni aleccionador, solo muestra lo que le sucede a un chico algo tímido de diecisiete años, cuando deja que un audaz amigo le organice su fiesta de cumpleaños y otro registre cada uno de sus pasos con una cámara.

EL PROTAGONISTA

"Poder sin límites" que se vió hace algunas semanas atrás, también la protagonizaban tres jóvenes y se sostenía a través de una estética similar, con la diferencia que se ubicaba en el terreno de la ciencia ficción y no en el género de comedia.

Thomas (cuyo actor se llama Thomas Mann, igual que el escritor) es un muchacho algo introvertido, todo lo contrario de Costa, que es arremetedor, no retrocede ante nada y sabe cómo convocar chicas y chicos a una reunión y convertir el agasajo en una megafiesta. Aunque lo que no sabe el muchacho, lógicamente, es lo que puede llegar a suceder, cuando cientos de jóvenes invaden todos los rincones de una casa, consumen drogas, bailan y beben sin control.

Lo interesante de observar de "Proyecto X", es cómo un segmento juvenil de los Estados Unidos, se deja arrastrar a una especie de infierno, con incendio de casas, incluído.

El filme da cuenta, con estilo "nervioso", de lo que son capaces de hacer algunos "nerds" y jóvenes "cool" cuando están solos. Cómo es su relación con los vecinos, los padres, la policía y de qué manera defienden sus derechos.

La película está contada con un lenguaje bastante anárquico y con tres protagonistas jóvenes: Thomas Mann, Oliver Cooper y Jonathan Daniel Brown, que son para tener en cuenta en el futuro.

La cosmopolita Buenos Aires

Desde las diez de la mañana hasta el amanecer del otro día, en la city porteña suceden innumerables cosas. En ella están los que ahullan ‘cambio, cambio!’, hasta la señora que grita ‘a los bebitos argentinos morochos y rubios’ y exhibe unos mini muñecos que mueven su cabeza.

Pero más allá está la peluquería de un legendario hombre del céntrico barrio porteño, por la que desfilaron grandes figuras, lo que le permite al director Sebastián Martínez hacer un paralelo entre el presente y el pasado de un zona emblemática de Buenos Aires.

CALLE DE LOS CINES

‘Centro’ es un documental que tiene ritmo propio, el que le otorga la misma gente que va y viene sin parar con destinos anónimos, el de los manequíes inmutables en las vidrieras en liquidación, o el stencil en una pared que recuerda la desaparición de Julio López.

Pero si se gira por Lavalle se levantan algunos cines que languidecen, como intentando recordar que esa fue la calle de la pantalla grande, en una época floreciente de la Argentina. Ahora muchos de ellos son el recinto de cultos evangelistas y la cámara de Martínez sigue, registra, desnuda, hace una toma sin que el enfocado se dé
cuenta. La policía apresa a un ladrón al que la gente apostrofa y el hombre devuelve el insulto diciendo que es padre de dos hijos.

Sebastián Martínez hizo un buen trabajo de indagación para darle al espectador una mirada amplia de lo que es el centro porteño hoy, entre casas de cambio, los que ofrecen una parrillada económica en plena Florida y mujeres maduras, y hombres que les van a la par, que intentan aprender a bailar tango.

El director también se detiene en dar cuenta de la nueva inmigración argentina, con aportes de Bolivia, Paraguay y Brasil, todo parece caber en este filme, igual que en la Argentina de hoy.

La madrugada exhibe otro mundo, el de los restos de comida, el de la gente que duerme en la calle, o el de alguna chica que espera un cliente en una esquina.

De Sebastián Martínez se conoció previamente ‘París Marsella’. ‘Centro’ es una road-movie porteña, tan
fascinante, como sorprendente.

La amistad en tiempos difíciles

En "Caballo de guerra" Steven Spielberg cuenta la historia de iniciación, de un caballo y de su joven dueño, que construyen, podría decirse, un lazo de dependencia mutua, que resulta inalterable a lo largo del tiempo.

Las primeras escenas del filme, muestran a un hombre de campo que ha tomado de más, que compra un potrillo en una subasta y paga por él una cifra abultada para su presupuesto. Sus vecinos le dicien que el animal es poco dócil y que resultará inservible para arar el campo.

Albert, el hijo del hombre de campo, logra entrenar a Joey y a partir de eso la empatía entre el muchacho y el caballo se vuelve férrea.

TRISTE DESPEDIDA

Pero es una época de conflito y para incorporarse a la que sería la Primera Guerra Mundial el Ejército británico necesitaba caballos que demostraran fuerza y coraje, y Joey tiene esas cualidades.

Así entre lágrimas de despedida de Albert, Joey pasa a manos de soldados ingleses que irán a la guerra, por lo que el animal, más tarde, ya en tierra alemana estará predestinado a vivir una odisea épica cuando su joven amigo vaya a buscarlo.

Con "Caballo de guerra" Spielberg destaca el valor de la amistad, la lealtad, los afectos y la unión familiar.
Su película refleja lo que pocas han hecho: demostrar que los animales a veces suelen comportarse "humanamente" y que su sensibilidad encierra un instinto fraterno poco conocido.

VISION AMPLIA

La historia está contada desde diversos ángulos, tanto desde el lado del adolescente que entrenó a Joey, como desde el mismo animal, mientras en medio de los dos se desarrolla la guerra.

Pero la película no tiene acento bélico, ni tampoco partidista, sólo pretende contar las peripecias por las que atraviesa un caballo cuando en la guerra se peleaba todavía con sable y se necesitaban animales de carga para arrastrar el pesado armamento, por lo que muchas veces ellos morían.

A través de una narración clásica, de gran efecto dramático, Steven Spielberg consigue hacer de su filme un inteligente retrato sobre la amistad en tiempos difíciles.

Con una exquisita fotografía -además de la belleza de los animales elegidos-, se destacan las actuaciones del joven Jeremy Irvine, como Albert y Emily Watson, en el papel de la madre.

Unos gemelos que se las traen

El estadounidense Adam Sandler está muy bien acompañado en esta nueva comedia en la que participan Al Pacino y Santiago Segura.

En "Jack y Jill", Sandler, que también es coguionista de esta nueva "travesura" fílmica, apeló a una fórmula que siempre produce un buen efecto, aprovechar el estado de confusión que surge a partir de que sus protagonistas son dos gemelos que él interpreta.

Jack es un reconocido ejecutivo de cuentas de una agencia de publicidad, que vive en Los Angeles con su mujer y sus hijos. En apariencia su vida sigue un cauce normal, aunque con algunas crisis económicas en la empresa en la que se desempeña.

Pero si ese es un tema de preocupación para Jack, más tarde éste pasara a un segundo plano, cuando llegue a su casa su hermana Jill, la que aún permanece soltera y vive con sus padres en la vieja casa familiar.

VISITA INESPERADA

Jack decide armarse de paciencia y pasar el Día de Acción de Gracias con su familia y su hermana. Los gemelos hace un tiempo que no se ven y si bien Jack tiene una determinada imagen de Jill, jamás iba a pensar que ambos iban a intervenir en tantos líos juntos.

Uno de ellos y quizás el más logrado es el encuentro entre Al Pacino, Jack y Jill, que termina siendo desopilante.
Ocurre que Jack debe contratar a Pacino para una publicidad, quien aunque utiliza su nombre, compone el personaje de un actor famoso, que padece cierta confusión mental.

Lo curioso es que cuando Jack se encuentra con Pacino, para convencerlo de que acepte hacer la publicidad, el actor de "El Padrino" también conoce a su gemela Jill y se enamora perdidamente de ella, lo que provoca una serie de situaciones equívocas y gags sin desperdicio.

"Jack y Jill" no tiene un guión demasiado elaborado, porque Sandler, como lo hace siempre se apoya en gags que a veces rozan lo escatológico, lo que siempre tiene efecto eficaz entre sus fans. En este filme la risa está asegurada por partida doble, porque Sandler además de ser Jack asume el papel de su gemela Jill.

La aventura es casi infinita

Con una muy buena fotografía, magníficos planos de cámara y gran estilo narrativo, el filme tiene además sorprendentes actuaciones de Asa Butterfield, como Hugo, Ben Kingsley (Mélies) y Sacha Baron Cohen, como el inspector de la estación.

El libro de Brian Selznick en el que está basada esta película, le resultó ideal a Martín Scorsese para incursionar por primera vez en el cine 3D.

La historia de ese niño huérfano, al que su padre -un restaurador de nivel museo-, le deja como herencia una muñeca mecánica, a la que el chico intenta hacer funcionar, porque cree encierra un secreto, le permitió al director de "El aviador" mostrar una historia trascendental sobre los orígenes del cine.

Con esta película, Scorsese que se permite redescubrir la figura de Georges Mélies, el pionero de la narración cinematográfica, que parece querer decirnos que más allá de los avances de la técnica y la tecnología, si la imaginación del director y guionista no tienen nada que decir los que hacen pierde su mayor significado: trasladar al espectador a otros mundos, invitarlo a vivir una aventura irreemplazable a través de imágenes animadas, de sonido y voces.

RARA HERENCIA

Hugo Cabret -quien parece extraido de "Los miserables" de Víctor Hugo o de alguno de los libros de Dickens-, luego de la muerte de su padre, es adoptado por un tío borracho, que al poco tiempo muere, pero le deja como herencia al niño el oficio de mantener en horario los relojes de la estación de Montparnasse, en el París de las décadas de 1920 y 1930. En ese lugar, en una tienda de juguetes, que Cabret entabla relación con Georges Mélies. A partir de ese encuentro vivirá una serie de aventuras que lo llevarán a enfrentarse a un divertido inspector de la estación en cuyo laberíntico techo el niño vive.

Asimismo se hará amigo de la hija adoptiva del bondadoso dueño de la juguetería; de un fanático coleccionista que le hará descubrir no sólo el secreto de su muñeca sino que lo iniciará en los orígenes del cine con las maquetas animadas de Mélies y con los primeros documentales de los hermanos Lumiere.

MUNDO INTERMINABLE

"La invención de Hugo Cabret" es como el acto de un ilusionista, en el que el espectador, a través de los ojos del niño va descubriendo un "mundo" infinito y abierto a riesgosas travesuras.

Esta nueva película de Scorsese es un homenaje a la familia, a los sueños de la niñez y permite el reencuentro con un realizador admirable por su capacidad narrativa y por como utiliza la técnica y la pone al servicio de una historia nada convencional.

Con una muy buena fotografía, magníficos planos de cámara y gran estilo narrativo, "La invención..." tiene además sorprendentes actuaciones de Asa Butterfield, como Hugo, Ben Kingsley (Mélies) y Sacha Baron Cohen, como el inspector de la estación.

Un colorido personaje urbano

El cineasta Tomás Lipgot tiene la cualidad de descubrir personajes que viven con intensidad y ejercen cierta fascinación en el espectador a través de lo que hacen, por muy distintas razones.

A Tomás Lipgot se le debe el documental "Ricardo Becher: recta final" sobre el fallecido cineasta Ricardo Becher ("El Gauchito Gil") y "Fortalezas".

Durante el rodaje de la última en la que hace un recorrido por cárceles y distintas instituciones, descubrió a Moacir, en el Hospital Borda.

Moacir es un hombre brasileño, de sesenta y ocho años, que se radicó en la Argentina, en 1984, siguiendo sus sueños de convertirse en músico y dar a difundir sus temas. Pero su enfermedad -sufrió de esquizofrenia paranoide- se lo impidió. Ahora recuperado vive en un hotel del barrio de Constitución y está en el proceso de grabar un disco.

En su filme Tomás Lipgot mezcla documental y ficción y es el mismo Moacir, el protagonista. A través de las distintas escenas el cineasta se encarga de mostrar el backstage de esa grabación, que en el entorno de la película, el conocido músico y actor Sergio Pangaro hace el papel de productor de la placa.

HERENCIAS

La cámara de Lipgot sigue los pasos del artista brasileño por las calles que camina todos los días en el barrio sur. Lo retrata en las grabaciones, en sus diálogos con los que se le cruzan a su paso, en las charlas con su productor (Sergio Pangaro) en la ficción y deja que su voz despierte cierta admiración en el que lo ve.
Moacir es un personaje de cierta originalidad, que usa peluca en sus actuaciones y viste de trajes de colores claros, los que le otorgan una imagen algo glamorosa, que parece coincidir con esos ritmos que trasladan al espectador, hasta las décadas del "40, o más atrás de la música tropical.

Moacir, protagonista y músico, le otorga una particular identidad a sus canciones que heredan elementos del samba, el bolero y de la música del carnaval.

Gracioso, divertido, seductor, Moacir, es un artista a redescubrir en este filme, en el que su director parece sentirse algo deslumbrado con la elección de un personaje tan típicamente urbano y de singular musicalidad.

Poder añejo y una dura vejez

Lo que impresiona es la reflexión del poder. Cómo nada permanece. Cómo hasta el más déspota y fuerte está condenado a envejecer y convertir la soberbia de algunos momentos, en el desamparo y la soledad del final.

Con el guión de la escritora Abi Morgan, "La dama de hierro" intenta adentrarse en la vida de Margaret Thatcher, Primera ministro del Reino Unido durante un período de once años (1979-1990). Su férrea política de privatizaciones, la intervención de los sindicatos, las críticas al presupuesto fiscal, una rígida política, desconfiando de una posible Unión Europea y la guerra de Malvinas, fueron acciones que hicieron surgir el nombre de "dama de hierro", por el que se la conoce.

El filme de Phyllida Lloyd toma a la que fuera primera dama, retirada, ya aquejada por enfermedades de la vejez, que, a través de flashbacks, evoca momentos de su vida.

EN EL PASADO

Así se asiste a momentos de su pasado como hija de un negociante que aquí se lo convierte en un simple almacenero, cuando la realidad habla de sus tareas de concejal, párroco metodista y dueño de dos almacenes. Se alude a su orgullo de haber logrado el título universitario de abogada (tuvo también un bachelor en química), su incorporación a la política ayudada por su esposo, y posteriormente las acciones que la llevaron a convertirse en la primera mujer que ostentó el título de Primera ministro de Gran Bretaña.

La película parece aprovechar el tono de la enfermedad mental de la protagonista para fragmentar información, no profundizar demasiado en los hechos de gobierno y subrayar, eso sí, ese pragmatismo y dogmatismo que llevaron a su gobierno de tintas gruesas, de diálogos casi imposibles y decisiones exasperadas (caso Malvinas al que ni las cuestión económica, ni cierta desmesura en las dimensiones de los contrincantes, algo así como David y Goliat, en terreno libre o los esfuerzos de Alexander Haig lograron torcer las pétreas decisiones de la Thatcher).

GANADORA SEGURA

Si la película no excede las líneas de una película tradicional, el brillo de una extraordinaria actriz puede hacer olvidar la trama y reservar la mirada para seguirla hipnóticamente en todos sus momentos. Porque eso pasa con Meryl Streep, segura ganadora del próximo Oscar. Su presencia opaca todo lo que se forma a su alrededor, hasta la notable labor de Jim Broadbent y las muy destacadas de Olivia Colman y Susan Brown.

Su rostro, su posición corporal de joven y vieja, su insipidez, esa falta de simpatía natural que tuvo la imagen de Thatcher, todo convence en esta increíble actuación. Ver la mirada vieja de una señorona en tren de demencia y continuar observándola cuando la mirada se rejuvenece en un segundo y parece reflexionar en lo peligroso de ese viaje mental, es un experiencia para el espectador que ame el cine.

Lo que impresiona es la reflexión del poder. Cómo nada permanece. Cómo hasta el más déspota y fuerte está condenado a envejecer y convertir la soberbia de algunos momentos, en el desamparo y la soledad del final.

Si algo faltó en este filme, es quizás grandeza. Pero sin embargo Phyllida Lloyd, la directora, tuvo que ver en la elección de actores y se dedicó a lograr los nejores momentos al declive de una personalidad que se niega a ser vencida.

George Clooney, galán y padre

La película a grandes rasgos es un melodrama, con paisajes por momentos tan bellos como exóticos, pero no hay un uso turístico de esas imágenes, sino que acompañan a los protagonistas en una serie de secuencias, que por momentos tocan el absurdo con un humor sutil, que se desprende del propio entorno cotidiano

La novela inspirada en su familia, de la escritora hawaiana Kaui Hart Hemmings, fue la elegida por George Clooney para volver delante de las cámaras.

En "Los descendientes", Clooney, es un padre de familia, al quien un accidente sufrido por su mujer logra modificar radicalmente su rutina de abogado, y de padre de dos hijas, una de diez años y otra de diecisiete.

La mujer de Matt King (Clooney) tuvo un choque trágico mientras iba en una lancha y los daños sufridos, según los médicos podrían ser irreversibles.

A partir de esto, King, que ha pasado la mayor parte de su vida detrás de su escritorio, ignorando, quizás, a su familia, se ve sometido a una serie de trámites y de responsabilidades que para él son nuevas y no sabe cómo resolver.

VIEJO SECRETO

Pero ese no será el único contratiempo que vivirá el protagonista. Lo que irá descubriendo a medida que pasan los días, hará que se enfrente a sus propias debilidades, sus temores más primarios y sus dudas. Y lo peor es que muchas de los problemas con los que no sabe cómo lidiar, tendrá que resolverlos sobre la marcha.
King igual que otros miembros de su familia tienen unos tatarabuelos que vivieron toda la vida en Hawai y son cruza entre la clase alta nativa y de los misioneros que llegaron a unas tierras de una belleza que hace enmudecer al que las ve.

"Los descendientes" es en apariencia la historia de una familia, o mejor dicho de un padre, con su mujer en el hospital y de dos hijas, pero la novela de Hemmings, toma como punto de partida ese hecho, para hacer un interesante despegue hacia los contornos que permiten observar cómo se mueve el poder en las islas y además pone en práctica aquello de "pueblo chico, infierno grande". Esto hará que más tarde el padre sea sorprendido por un secreto que lo hará trastabillar en sus decisiones más importantes.

MELODRAMA Y HUMOR

La película a grandes rasgos es un melodrama, con paisajes por momentos tan bellos como exóticos, pero no hay un uso turístico de esas imágenes, sino que acompañan a los protagonistas en una serie de secuencias, que por momentos tocan el absurdo con un humor sutil, que se desprende del propio entorno cotidiano.

El guión a cargo del mismo director logra transformar esta saga familiar, en una serie de interesantes circunstancias, que permitirán desnudar no solo la personalidad de los isleños en Hawai, sino que dejará ver cómo se van tejiendo los hilos del poder, los sesgos psicológicos de los personajes y el pesos de los legados familiares.

Un George Clooney más maduro, consigue una valiosa actuación junto a Shailene Woodly, en el papel de la hija.

En un puerto de Francia hay lugar para rehacer la vida

Esta es una historia de amor inusual, de dos seres solitarios, de sentimientos callados, que intentan rehacer sus vidas como pueden.

En "El amor de Tony", la directora Alix Delaporte eligió a una mujer y un hombre que se mueven en ciertos márgenes. Ella, Angle, se encuentra en libertad condicional, nunca se explica bien por qué fue a parar a la cárcel. El es Tony, un pescador, que tiene un pequeño barco y trabaja en un puerto de Normandía, junto a su madre y su hermano.

Tony, hace poco tiempo atrás, perdió a su padre que desapareció en el mar. Angle, en apariencia tiene una única preocupación, poder insertarse nuevamente en la sociedad y recuperar a su pequeño hijo, cuya tenencia está en manos de sus abuelos.

Ella tendrá que demostrar que tiene casa y marido y un hogar constituído para recuperar al niño y eso la llevara a concretar algo que en apariencia parece imposible: conquistar a un pescador bastante hosco, poco expresivo en sus sentimientos y que no se entrega así nomás a cualquier mujer.

EN LA BUSQUEDA

El filme es lento, pero no monótono, la directora se detiene en registrar la minuciosidad y la sutileza que pone en cada una de sus expresiones, el personaje de Angle, a cargo de una muy sensible Clotilde Hesme.

Por eso la cámara de Alix Delaporte sigue a Angle en situaciones de búsqueda constante, se la ve sufrir en silencio cuando es rechazada, cuando las autoridades del penal sospechan de lo que ella dice, o cuando la abogada le pregunta para qué la va a ver si todavía no sabe cuándo se va a casar, lo que le permitiría volver a tener a su hijo a su lado.

"El amor de Tony" devela la mirada de una directora que sabe muy bien como registrar desde el detalle de la ropa, hasta el costumbrismo típico de unas mujeres que se mueven a la par de los pescadores descargando pesados cajones de las embarcaciones y vendiendo luego el contenido en los mismos muelles.

En la película se destacan también las actuaciones de Grégory Gadebois, un actor que se dice pertenece a la Comédie Francaise; o en un pequeño pero muy simpático personaje, a la española Lola Dueñas.

Una venganza bien justificada

El filme parece una ironía a la crisis que vive actualmente la tierra del presidente Barack Obama. Por eso el tema que enfoca la película ha tocado a fondo a la sociedad norteamericana, lo que despierta un interés extra.

Ben Stiller y Eddie Murphy son dos comediantes de efecto seguro en la platea. Ellos saben muy bien que su misión es divertir y entretener. Y con esta fórmula como meta, protagonizan esta comedia, que resulta original al elegir como telón de fondo, lo que se esconde en una de las torres más lujosas de Nueva York, en la que habitan no pocos excéntricos millonarios.

"Robo en las alturas" parece una ironía a la crisis que vive actualmente la tierra del presidente Barack Obama. Por eso el tema que enfoca la película ha tocado a fondo a la sociedad norteamericana, lo que despierta un interés extra.

Aunque cabe aclarar que Brett Ratner, el director, dio todo para que el mecanismo de la comedia funcionara a la perfección, aunque si se la mira bien, lo que sucede tiene su cuota de tragedia.

A MAL TIEMPO...

Pero como se dice vulgarmente "al mal tiempo buena cara", acá todos se confabulan y demuestran lo que puede hacer un grupo de "indignados" para recuperar el dinero que un estafador disfrazado de elegante señor, les ha sustraído en plena cara.

La historia tiene un núcleo central interesante. Un financista millonario de Wall Street vive en una torre de Manhattan, que bien podría ser la Trump Tower. De ese edificio se encarga un gerente que sabe estar en todo y complacer a los extravagantes millonarios que lo ocupan. Entre estos se ubica Arthur Shaw, quien en apariencia es una persona amable, que todos aprecian, pero luego terminarán odiándolo.

Como el hombre conoce de finanzas, el gerente del consorcio y hasta el portero que todos los días le abre la puerta, le confían sus ahorros para descubrir más tarde que el hombre, como en un pase de magia, hizo desaparecer todo el dinero.

GERENTE Y LADRON

A partir de esa mala noticia interviene el FBI, hay un arresto domiciliario en la torre para el estafador y es llamado a escena un ladrón de vuelo corto, que es amigo de infancia del gerente... Porque los empleados y el gerente
tratarán de recuperar lo que puedan del dinero que les fue robado que podría estar en la torre. Desde entonces lo que pasa parece una versión modernizada de "Los desconocidos de siempre", la película de Mario Monicelli que diera fama a Mastroianni y Gassman.

Con buenos recursos narrativos, un ritmo que no declina y teniendo como fondo el famoso desfile neoyorquino del Día de Acción de Gracias, se suceden disparatadas secuencias que invitan a la diversión, junto a un equipo actoral de primer nivel. Porque además de Eddie Murphy y Ben Stiller, están Alan Alda, Casey Affleck, Matthew Broderick, Téa Leoni y hasta la famosa actriz de "Preciosa", Gabourey Sidibe, como una experta en abrir resistentes cajas de caudales.

Tom Cruise: otro hombre araña

Esta es la cuarta película de la saga del agente especial Ethan Hunt y tal vez, en la que el "justiciero solitario" asume mayores riesgos, debido a que un fallo en la misión anterior, hace que el presidente de la Nación, le quite su apoyo.

Pero éste es tan sólo un dato, que en lugar de convertir en pesimista a Hunt, le otorga un mayor vigor y adrenalina para continuar con la misión que se impuso, demostrar que él es el único capaz de proteger a su país, los Estados Unidos, de un posible y letal enfrentamiento entre dos potencias.

Cada una de las sagas de "Misión imposible..." contó con un director distinto. En este caso se eligió al director Brad Bird, que tiene entre sus créditos dos películas de animación: "Ratatouille" y "Los increíbles".

Pero esto en lugar de restarle capacidad a este profesional de renombre y provocarle cierto temor al tener que enfrentar una franquicia de ficción, con un actor de la talla de Tom Cruise, le produjo lo contrario.Bird demuestra que lo suyo es transmitir una enloquecida adrenalina al espectador, a través de una serie de secuencias de acción avasallantes, que no dan respiro al público, a la vez que por momentos, y no está mal, la estética la acerca a un típico video juego.

ISION FALLIDALo que ocurre con Ethan Hunt (Tom Cruise) en esta entrega, es que el hombre fue víctima de un engaño y falló en una misión que tuvo que llevar a cabo en el Kremlin, lo que provocó una explosión de tal magnitud en la Plaza Roja, de Moscú, que se pareció a un terremoto.Eso hizo que el agente quedará prácticamente despedido.

Pero eso no imposibilitó que Ethan quisiera averiguar lo qué paso. Si a esto se le suma que una traficante de diamantes sorprendió a un agente amigo suyo y lo mató, lo que el agente prepara para sus enemigos, promete ser letal.

El filme tiene los más diversos escenarios, va de Rusia, a los Estados Unidos y Dubai. En esas locaciones Brad Bird, desde la dirección, logró hacer que su cámara "volara por el aire" para captar, por ejemplo, a un Tom Cruise balanceándose en el vacío, en la cara externa de un edificio de Dubai de más de ciento treinta pisos.

O que uno de sus agentes, se arriesgue a obtener una pieza de un reactor a punto de convertirlo en cenizas.Esta nueva "Misión imposible" es ideal para los que admiran las películas de acción, de vértigo, y el funcionamiento de armas y trucos de alta sofisticación y tecnología, y lógicamente, para los que aman esta franquicia fílmica, que promete ya una quinta entrega.Buena fotografía y meritorias actuaciones de Tom Cruise, Jeremy Renner, Paula Patton y Simon Pegg, cierran este nuevo capítulo de "Misión imposible".

Deporte contra viento y marea

La actuación de Brad Pitt es admirable, tiene adrenalina, contagia entusiasmo y transmite el carisma de un buen manager deportivo. A su lado se desenvuelve un meritorio Jonah Hill, como el teórico en matemáticas.

Basado en la novela de un periodista de finanzas, el filme sigue los pasos de un ex jugador de béisbol que logra convertir un fracaso en un éxito.

Brad Pitt se mueve como pez en el agua en esta historia que hace al implacable mundo del deporte, el que parece no tener grises, sino solo blancos y negros: o se gana o se pierde, no hay más.

La película es típicamente estadounidense, en intentar traducir en imágenes ese viejo concepto de que se puede llegar a la cima, desde el lugar más ignorado.

Eso es lo que le ocurre a un equipo de pueblo, los Oakland A"s, cuando van perdiendo uno a uno sus mejores jugadores, los que emigran tentados por las grandes ofertas de clubes más importantes y de grandes ciudades.

El filme está basado en la historia real del ex jugador de béisbol Billy Beane, papel al que Pitt le pone sus entrañas.

Billy Beane llegó a un momento de su carrera que no rendía al nivel que su equipo requería y decidió retirarse a tiempo para emprender otra tarea, no menos competitiva, la de ser el gerente general del mismo club.

CAMINO A SEGUIR

Lo cierto es que como sucede siempre, cuando un perdedor intenta abrirse camino, al comienzo nadie le cree. Solo la tenacidad, la valentía y el convencimiento de que se está en el camino correcto puede llevar a un hombre al triunfo, como ocurre en este caso.

Billy Beane se pregunta qué hacer cuando su equipo pierde a los mejores jugadores y no sabe cómo reemplazarlos. Más aún cuando el club no tiene el dinero suficiente para contratar otras figuras en ascenso.

Frente a semejante desafío Beane decide tomar un atajo en el camino y para hacerlo contrata a un egresado en matemáticas de Harvard.

Un joven que no sabe nada de deporte, pero sí de teorías numéricas y si Beale le pone el cuerpo a las dificultades, el novato que ingresa al club para ayudarlo, pone su inteligencia al servicio de contratar a jugadores desechados por la mayoría, a los que elige por sus cualidades intrínsecas, más que por el lugar que deben ocupar en la cancha.

EL EXITO

El resultado no se hace esperar y las primeras planas de los diarios, como en sus mejores épocas comienzan a ocuparse de los Oakland. Pero a Billy Beane no le será nada fácil tener que lidiar con un caprichoso y arrogante jefe de campo y mucho menos con jugadores que fueron estrellas en un momento y en el presente deben adquirir una nueva cuota de confianza.

"El juego de la fortuna" tiene buenos puntos a destacar. Reúne algo de suspenso, pero escapa a los cánones de sólo ver festejar los logros de los jugadores en la cancha. Aunque hay muy buenas escenas de acción y vértigo en el césped, el director Bennett Miller prefirió mostrar la "cocina" de las negociaciones y dejar correr su cámara en mostrar los aciertos y reveses, de un gerente deportivo, que entre peleas, pérdidas y ansiedades se mantiene firme en sus convicciones.

La actuación de Brad Pitt es admirable, tiene adrenalina, contagia entusiasmo y transmite el carisma de un buen manager deportivo. A su lado se desenvuelve un meritorio Jonah Hill, como el teórico en matemáticas.

Una notable experiencia de vida

La película de González-Rubio hereda lo mejor del cine documental y antropológico y lo hace con recursos cinematográficos muy austeros y muy precisos.

La "opera prima" del cineasta belga Pedro González-Rubio habla de una experiencia intransferible, la de un padre y un hijo. El hombre le enseña al niño algunos de los secretos de la vida a través de la convivencia diaria con la naturaleza.

Se dice que en los primeros años de vida han cosas que dejan marcas para siempre y esta historia desde ese punto de vista es una apuesta inigualable al amor y a la vida humana.

En "Alamar" todo parece coincidir para que el espectador pueda creerse partícipe de una sensación única: que es posible sentirse uno más dentro de la inmensidad del universo. Como cuando se observa a los protagonistas viviendo en un lugar tan paradisíaco y agreste, como el Banco Chinchorro, en México, una zona en la que los corales, en el fondo del mar, resultan un espectáculo de belleza conmovedora.

TRES GENERACIONES

Hasta ese lugar, para visitar al abuelo, van Natan de cinco años y su padre, un descendiente de mayas, que se enamoró de una italiana y juntos tuvieron ese pequeño. Este vivirá el tiempo que muestra el filme, con su padre y ya sobre el final, aparece en Italia con su madre.

¿Por qué se separaron estos padres? Porque el amor parece resultar muy efímero, cuanto se da entre culturas tan distintas y una vez pasado el rato de novedad, de descubrimiento del uno hacia el otro, eso que parecía para toda la vida, llega rápidamente a su fin.

Pero lo que intenta reflejar González-Rubio es una herencia de vida, la de un abuelo a su hijo y la de éste a su retoño. Tres generaciones de hombres que viven en una casucha de madera en mar abierto y casi desnudos salen todos los días a pescar para vivir. Cuando llueve es simple: el abuelo lee viejos libros y el padre y su hijo juegan.

TESORO UNICO

El pequeño Natan en esos primeros años de su vida junto a su padre, adquirirá un tesoro único, que nadie le podrá arrebatar. El hombre le enseña al pequeño a comunicarse con los animales (la escena de la pequeña garza blanca es un hallazgo cinematográfico, por su simpleza y su significado), a amar a la naturaleza y a no temerle a un mar, que es para disfrutar y convivir con él, como si fuera un miembro más de la familia.

"Alamar" parece un documental de National Geographic, tiene una fotografía del mismo director que resulta avasallante y exquisita por los escenarios elegidos y a la vez sus protagonistas actúan con tal naturalidad, que la cámara parece ausente en el rodaje.

La película de González-Rubio hereda lo mejor del cine documental y antropológico y lo hace con recursos cinematográficos muy austeros y muy precisos.

Una ácida y tierna comedia negra

El cineasta despliega toda su artillería de personajes que se parecen "nerds" o "freaks", en este filme que se lee como una aguda sátira a la sociedad estadounidense y en particular a la comunidad judía.

Los prejuicios del norteamericano de clase media es un tema recurrente en la filmografía del estadounidense Todd Solondz.

Como en "Felicidad", en este filme que se conoce ahora, aunque es de 2009, el tema de la pederastia vuelve a aparecer en el hogar de una familia de origen judío.

Solondz lo aborda en tono de una comedia tan corrosiva, como tierna y es capaz de hacer un ácido contrapunto entre la ingenuidad del hijo y la perversidad de la madre.

En "La vida en tiempos difíciles", un padre sale de la cárcel luego de cumplir una condena acusado de ser un pederasta; mientras sus hijos, uno universitario y dos más pequeños rehacen su vida junto a su madre y el nuevo novio que la mujer les presenta como si fuera el hombre de sus sueños.

UN PROVOCADOR

El director se vuelve un provocador furtivo a través de dos escenas que son jugadas de una manera muy simple, pero que alcanzan un intenso impacto en el espectador por su humor negro.

Una de ellas es cuando le madre (Allison Janney) intenta convencer al hijo, que se puede ser gay, a través del simple roce de la mano de un hombre, o de un informal apretón de manos. Por eso aconseja: "no dejes que te toquen".

Otro item es lo que vive el hijo al concluir la ceremonia de su Bar Mitzvah, cuando toma conciencia de algunas de las falsas creencias transmitidas por esa madre, que por momentos parece desenvolverse en la vida en un estado de constante alucinación.

El cineasta despliega toda su artillería de personajes que se parecen "nerds" o "freaks", en este filme que se lee como una aguda sátira a la sociedad estadounidense y en particular a la comunidad judía.

El equipo actoral resulta admirable y el absurdo de muchas de sus situaciones hacen que el público se pregunte si debe reír o ponerse serio, frente a lo que dicen y hacen estos insólitos personajes, imaginados por el director norteamericano.

Gran festejo en la Gran Manzana

Aunque el guión resulta algo obvio, el resultado es una historia agradable de ver y con estrellas de primera línea.

Luego de la exitosa "El día de los enamorados", a la guionista Katherine Fugate también le fue encargado el guión de "Año Nuevo", la que podría decirse es una secuela de aquella.

Porque en "Año Nuevo" coinciden varias historias, quizás demasiadas, que adquieren el tono justo de acuerdo a la edad de cada uno de sus protagonistas.

De este modo puede verse a Robert De Niro, en el papel de un reportero gráfico internado en un hospital público, a quien según sus medicos le quedan pocos minutos de vida; a una Michelle Pfeiffer que decide cansada de los reclamos inútiles de sus jefe, lo planta dando portazo y a Hilary Swank, entre tantos otros, que tiene a su cargo los preparativos de los festejos de la famosa convocatoria de la Bola de Año Nuevo de Time Square, que siempre para esa fecha puede verse en Nueva York y convoca a multitudes a un recital a cargo de una celebridad de la música.

El director Garry Marshall se preocupó muy bien porque cada uno tuviera una buena escena para su lucimiento y en ese intento de equilibrio algunas tienen mejor ritmo que otras, pueden ser más divertidas o dramáticas, pero todas logran su cuota de humor, de contratiempos que finalmente se solucionan.

FELIZ COINCIDENCIA

Entre estos últimos también se ubica la popular Sarah Jessica Parker, que se disgusta con su hija adolescente; o Jon Bon Jovi, a quien le tocará cerrar la noche del año viejo, junto a su banda, mientras espera reconciliarse con su novia, una bella rubia que tiene una empresa de catering.

A estos hay que sumar a Ashton Kutcher, casi desconocido y con barba, que se queda encerrado en un ascensor con una chica (la simpática Lea Michele) que debe hacerle los coros a Bon Jovi y no sabe si podrá llegar a la hora indicada al recital.

En la película todos coinciden finalmente de uno u otro modo, en el famoso concierto de Time Square con el que recibirán el nuevo año y allí en medio de multitudes de personas en una Nueva York muy colorida, cada uno estará dispuesto a pasarlo lo mejor posible, asumiendo errores propios y ajenos, enamorándose por primera vez o quizás recibiendo el primer beso en unas horas que prometen ser inolvidables.

Aunque el guión resulta algo obvio, el resultado es una historia agradable de ver y con estrellas de primera línea.

Un Robin Hood para el futuro

El tiempo siempre ha sido un factor de preocupación para el hombre. En la actualidad, no sólo porque implica el irreversible y temido envejecimiento, también porque no alcanzan las horas, a veces, para producir todo lo que se necesita para vivir.

Estos dos items son parte de "El precio del mañana", un thriller de ciencia ficción, de connotaciones ideológicas, que enfrenta a ricos y pobres, a partir de que unos y otros pertenecen a una sociedad, en la que el reloj biológico se detiene a los veinticinco años y sólo les queda un año de gracia, a los de menores recursos, para encontrar un trabajo que les permita ganar minutos, horas, para poder vivir un poco más.

Porque en esa sociedad, en la que Will Salas, su protagonista es una especie de Robin Hood del futuro, el tiempo equivale al dinero. Se es millonario si se dispone de un siglo de tiempo, almacenado en la caja fuerte de un banco.

El comienzo del filme aclara por qué Will Salas, se convierte en un justiciero. Ocurre que a su madre le quedan escasos minutos de vida en su reloj (el que como todos, lo lleva incrustado en uno de sus brazos) y llama a su hijo, para que la espere en la parada del micro que la trae de su trabajo.

SUBIR LAS TARIFAS

Pero como el micro subió de tarifa y la mujer no tiene cómo pagarla, corre por una calle y otra y cuando apenas le quedan pocos metros para alcanzar al chico, para que le traspase algo de tiempo, su reloj se detiene. Por lo que el muchacho se jura venganza y arremete contra los ricos.

Una de las escenas más interesantes de la película es cuando el muchacho, seguro de ser un buen jugador, apuesta su escaso tiempo de vida con un millonario en una partida de póker. A partir de ese momento todo se transforma. Lo que sigue es una serie de escenas de acción que vive el joven héroe de esta historia, al que a partir de la mitad del filme, se le une una muchacha que aburrida de ser millonaria, apuesta a vivir una aventura única.

Lo interesante para la mujer, es que en compañía del joven sentirá la adrenalina que corre por su cuerpo con tanta intensidad, que hasta percibe el vértigo de la muerte a la vuelta de una esquina, pero a la vez se anima a disparar un arma por primera vez.

"El precio del mañana" tiene una buena cuota de acción, aceptables actuaciones de Justin Timberlake (mejor músico que actor) y Amanda Seyfried, junto a Cillian Murphy, un guardián del tiempo, que perseguirá a la pareja hasta lograr un desenlace a la medida de esta aventura que por momentos se vuelve algo monótona.

Herencia de los mayores poetas

Si bien el filme de Fernando Pérez, se centra en la figura de Juan Carlos "Tata" Cedrón, puede decirse que el documental también cuenta tangencialmente, aspectos que hace a la Argentina. El Cuarteto Cedrón se fue de nuestro país durante la dictadura militar.

Invitados por Paco Ibañez, que los conoció en Buenos Aires y los llevó a tocar con él en Europa, el equipo liderado por "Tata" Cedrón, guitarrista, compositor y voz del grupo, tuvo tanto éxito en sus actuaciones, que finalmente y debido a los vientos en contra que se vivían en la Argentina, por aquellos años, consideraron que era mejor quedarse.

AYER Y HOY

En 2004 Cedrón regresa a Buenos Aires y del equipo original (dos de los músicos originales fallecieron) sólo quedó Miguel Praino. Actualmente el Cuarteto lo integran además de "Tata" y Praino, Roman Cedrón, en contrabajo y Miguel Angel López, en bandoneón.

Entre la década de 1970 y la actualidad, el director Fernando Pérez, va haciendo un recorrido que relatado por Cedrón, incluye y detalla, lo sucedido por aquellos años de exilio, la llegada de Juan Gelman a París, la muerte de Jorge Cedrón (padre de la conocida cineasta Lucía Cedrón), director de "Operación Masacre" y el asombro siempre vigente del cuarteto por no entender, a veces, la aceptación de esa música y esa poesía que hablaba de una Buenos Aires, vista por poetas como Raúl González Tuñón (autor de Juancito Caminador, que da título al filme), Gelman y tantos otros.

BUENOS AIRES-PARIS

Escenas que marcaron una época, la que incluso puede verse en la vestimenta, en los cortes de cabello y un sonido en el que el tango se fusiona con otros acordes típicos de la música de Buenos Aires, parecen ser el secreto que aún hoy sigue atrapando la atención de europeos y porteños.

Juan Carlos Cedrón es el guía que hilvana épocas, recorre las calles del barrio de La Boca, en el que vivió, la vieja edificación hoy cerrada del teatro que tenía con sus hermanos "El taller de Garibaldi"; o el lugar en el que estaba "Gotán", el café concert, de Paraná y Corrientes, que fundaron antes de irse a París y por cuyo escenario desfilaron desde Piazzolla, Alfredo Zitarrosa, Héctor Alterio, entre tantos otros.

La inmigración pasada y presente, formas de mirar la ciudad y los porteños, el Riachuelo como testigo de una época y una música que llega a ámbitos populares -como una verdulería de barrio y sus vecinos- y también a otros, entre ellos los universitarios, son hoy el testigo de una herencia musical con la que Juan Carlos "Tata" Cedrón, Miguel Praino, Román Cedrón y Miguel Angel López, aún hacen emocionar al público, ya sea en el barrio de San Telmo, o en París.

Una mujer entre viejos fantasmas

"Lo siniestro" deja a los personajes un poco a la deriva de las circunstancias y a pesar de la superficialidad en los diálogos, Paula Siero y Luis Ziembrowski logran convincentes actuaciones.

Una situación vivida en su infancia, hace que una mujer joven vuelva a enfrentarse a temibles fantasmas de su niñez.

El terror psicológico es parte de esta opera prima de Sergio Mazurek, en la que su punto de apoyo es la clásica historia de la casa embrujada, en la que se suceden una serie de hechos del pasado, que reviven en el presente de la protagonista, hasta hacerla perder cierto sentido de su realidad actual.

Claro que el presente de Clara, no es demasiado auspicioso. Tiene un marido que la maltrata, la obliga a tener relaciones aunque ella no quiera y sus celos enfermizos hacen que la muchacha se sienta constantemente perseguida.

Una abuela desaparecida, un abuelo que preanuncia su muerte y una serie de hechos inquietantes que se suceden en una vieja casa de campo, son parte de esta trama, a la que el director, a pesar de contar con un guión demasiado flojo en contenido, se preocupó por imprimirle una serie de climas que colaboran dentro de una historia, que carece de cierta claridad en sus resoluciones dramáticas.

"Lo siniestro" deja a los personajes un poco a la deriva de las circunstancias y a pesar de la superficialidad en los diálogos, Paula Siero y Luis Ziembrowski logran convincentes actuaciones.

Largo viaje hacia uno mismo

Película inteligente, necesaria, de una lúcida herencia latinoamericana, es la que propone el muy premiado Pablo Giorgelli, junto a sus tres excelentes actores: Germán de Silva, Hebe Duarte y la pequeña Nayra Calle Mamani.

Minimalista, austera y de una intensa emocionalidad es el filme de Pablo Giorgelli, en el que describe el viaje de Asunción-Paraguay a Buenos Aires, de un camionero y una madre soltera con un bebé.

"Las acacias" es una road-movie en la que las palabras no es lo esencial. Lo poco que un personaje le dice a otro es suficiente, para aclararle al espectador algo de esos protagonistas.

Lo demás es imagen pura, primeros planos, planos cortos, la mayoría realizados dentro de la cabina de un camión que transporta troncos de acacias a Buenos Aires.

El guión del mismo director y Salvador Roselli, parte de Asunción, Paraguay y sigue el trayecto de los dos protagonistas y la bebé. La ruta, las miradas, los gestos que expresan hastío, sueño, indiferencia, molestia ante la inevitable presencia de un desconocido, son parte del contenido de la historia.

LA IMAGEN CUENTA

Giorgelli y Roselli entendieron lo que pocos, que en cine es la imagen la que cuenta más que las muchas palabras inútiles que a veces se dicen, mientras los actores permanecen indiferentes.

En "Las acacias" son los cuerpos de los actores los que "hablan", los que expresan sutilmente sus emociones, su incomodidad o su necesidad del otro, ante la soledad que los invade individualmente.

Lo que cuenta el filme es una incipiente y posible historia de amor y cómo una bebé, con su silenciosa e infantil mirada, logra hacer que desaparezcan los gestos huraños, parcos de ese hombre acostumbrado a vivir en las rutas.

El final es revelador y le transmite al espectador la necesidad de que esa historia continúe, quizás en otra película, para saber cómo puede seguir ese encuentro inesperado entre Rubén, Jacinta, la joven paraguaya y la pequeña Anahí, de expresivos ojos oscuros.

Película inteligente, necesaria, de una lúcida herencia latinoamericana, es la que propone el muy premiado Pablo Giorgelli, junto a sus tres excelentes actores: Germán de Silva, Hebe Duarte y la pequeña Nayra Calle Mamani.

Semblanza de una mujer sola

El título de la película se refiere a Cabo Polonio, la playa uruguaya, a la que muchos de los que la han visitado consideran un lugar único, que parece haberlos conectado con algo tan inexplicable, que les resulta difícil transmitir.

Algo de eso debe haber, porque la protagonista de este documental, de nombre Natalia, vivió en Montevideo, según dice, se separó de su marido, con el que tuvo una hija, que murió a los pocos años.

A partir de ese momento esa playa uruguaya se convirtió en su lugar de contención.

Cabo Polonio se muestra en invierno, cuando el turismo ha mermado y solo unos pocos pobladores coinciden en esa playa, solitaria en algunos aspectos, pero que a la vez acerca a los pocos que allí viven y les permite compartir sus alegrías, sus dolores, sus deseos.

LOS HIPPIES

Por lo que decidieron mostrar los cineastas Daiana Rosenfeld y Aníbal Garisto, el clima tiene algo de la estética del hippismo, eso se observa en la ropa, en la precariedad de las casas, en el escuchar a un gurú y sus consejos de vida, en los músicos que se admiran.

A pesar de la aridez que exhibe Cabo Polonio, lugar en el que no hay luz eléctrica, ni agua potable, todos los que allí habitan, o a los que se los muestra en el documental, parecen haber encontrado el lugar ideal para sus vidas.
Lo valioso de este trabajo de Rosenfeld y Garisto es haber mostrado un "recorte" de una realidad, en la que varias personas pudieron encontrar una razón a sus vidas y sentirse, aparentemente cómodos y felices, con muy pocas cosas materiales.

Gente unida a su pueblo chico

La "opera prima" de Rodrigo Guerrero invita al espectador a sumergirse en un instante en la vida de seis personajes, cuyas existencias parecen suspendidas en el aire.

"El invierno de los raros" es un filme que habla de la existencia, de la identidad y ciertos pasajes que hacen a una raíz antropológica de un grupo de personajes.

Esta última lectura surge por la clara identificación de varios de ellos con el lugar, los que parecen pertenecer a ese pequeño pueblo y no a otro.

Ellos son seres adheridos a su tierra, a su suelo, si se quiere inhóspito, en el que aparentemente no pasa nada, pero sí invita a hombres y mujeres a bucear en su interior y desandar una serie de situaciones que a veces los ubican en un lugar no demasiado agradable de sus vidas.

Los seis hombres y mujeres de distintas edades que pueblan el filme, no saben qué quieren, o hacia dónde van, qué anhelan, o en todo caso eso no fue un tema de preocupación del director, también guionista de su obra.

TAN SOLO INSTANTES

La cámara de Guerrero tiene la misión de observar, de meterse en su cotidianidad para registrar tan solo instantes, a la vez que en algunos casos, la naturaleza, lo que ella brinda, sirve de incentivo a muchos de estos seres para desandar los ciclos de la vida, quizás como lo hacen los animales, tratando de imitarlos en su sencillez y en su crueldad.

Sólo una de estas criaturas imaginadas por el joven director, representa la síntesis de todos ellos. Se trata de una bailarina, desilusionada de su pareja, que decide partir, no se sabe hacia dónde.

Rodrigo Guerrero concreta su primer filme, con una madurez narrativa inusitada. Sabe elaborar climas, atmósferas. Sabe esperar a sus personajes en sus silencios, en sus ensimismamientos, en sus llantos. A la vez que concreta un nivel actoral homogéneo, en el que ninguno desentona.

Paula Lussi y Lautaro Delgado, la pareja joven, es la que más se destaca, por su exigencia interpretativa. Lussi, oriunda de Córdoba, es una actriz de una sutileza extraordinaria que con leves matices muestra en parte lo que le sucede. En tanto Lautaro Delgado es ese muchacho de campo, en una composición tan verosimil, conmovedora en sus silencios, que parece que él mismo hubiera pertenecido a ese lugar que el filme testimonia.

La desolación y el desamparo

Excelente es la actuación de Junghee Yun, una gran actriz coreana, que logra hacer de este melodrama un filme de intensa y admirable emocionalidad.

Miya es una mujer de algo más de sesenta años. Vive con su nieto, al que cuida y alimenta, pero prácticamente no tiene diálogo con él. El chico no habla, sólo ve televisión y parece despreciar esa casa y a su abuela, a la que ni siquiera mira. Sólo le habla para pedirle comida.

Ella tiene una hija, la madre del chico, que nunca los visita y con la que sólo habla por teléfono.
Miya casi no tiene diálogo con nadie y su vida resulta tan desoladora y tan carente de afectos, o de alguien que le dedique tan sólo un instante, que eso la obliga a querer hacer algo siempre postergado: aprender a escribir poesía.

Miya va a un taller y hace preguntas: ¿cómo se escribe una poesía? ¿cómo surge la inspiración? Su maestro le responde que el primer paso es la observación, pero eso también trae dolor, cómo el que le produce el tener que atender a un anciano hemipléjico al que ayuda a bañarse. Ese es su trabajo.

VIDA Y ARTE

"Poesía para el alma" es un filme que investiga en el lenguaje, en sus implicancias en la vida de todos los días, y paralelamente aborda el arte.

El lenguaje es un elemento esencial para alimentar la memoria. Por eso cuando a Miya se le diagnostica Alzheimer y su nieto comete un hecho delictivo en su colegio, el mundo parece derrumbarse ante ella.
A partir de ese momento su pequeña libreta y sus anotaciones, en la calle, en salidas por el campo, resultan una compañía invalorable.

Lee Chang-Dong, director y guionista utiliza la poesía para describir a una sociedad como la coreana, con sus propios códigos de aciertos y desaciertos. Pero si algo queda claro en el mensaje que intenta transmitir la película: una vez que se considera terminada la misión en la vida, es mejor despedirse en calma y silenciosamente.

Excelente es la actuación de Junghee Yun, una gran actriz coreana, que logra hacer de este melodrama un filme de intensa y admirable emocionalidad.

De conservadores y radicales

La película permite conocer a un muy interesante director Teodoro Ciampagna, mientras que junto a la solvencia de Luis Brandoni y Enrique Liporace, aparece un estupendo niño actor: Lucas Gamarra.

La sospecha de fraude electoral siempre formó parte de la historia argentina, de todas las épocas. En este caso se trata de lo ocurrido en la provincia de Córdoba, en 1935, cuando se enfrentaron conservadores y radicales y lo que quedó como saldo fueron varios muertos.

Sobre ese entretejido social, Teodoro Ciampagna, el director concreta un filme que se vuelve un testimonio de la Argentina y está inspirado en un hecho real ocurrido en la localidad de Plaza de Mercedes, en la que se rodó parte de esta muy bienvenida producción cordobesa, la segunda por estos días dada a conocer en nuestra ciudad, ya que la primera fue "De caravana" que se estrenó el pasado jueves.

"Hipólito" sigue los pasos de lo que ocurre alrededor de un niño que lleva ese nombre, él que es huérfano de padre y sólo sabe de él, según lo que le dice su madre, que tenía su mismo nombre y era radical.

CAUDILLO DE PUEBLO

El niño vive en la casa del caudillo radical del pueblo, un hombre que tiene una almacén de ramos generales, que se encarga de doctrinar a la gente del pueblo de la importancia del voto, aunque vivan amenazados por el ejército y los conservadores de la provincia.

En medio de esa puja de poderes, el niño y el hijo de un abogado radical que vive en Buenos Aires, tratan de ir abriendo sus propios caminos personales, los que a veces están lleno de obstáculos e incertidumbre, o en otros casos, el peligro es tal que sólo quedan librados a la buena de Dios.

La película permite conocer a un muy interesante director Teodoro Ciampagna, mientras que junto a la solvencia de Luis Brandoni y Enrique Liporace, aparece un estupendo niño actor: Lucas Gamarra.

Diálogo de pueblos americanos

La película, es un muy interesante legado para las nuevas generaciones y, está dedicada a la memoria de tres antropólogos que han trabajado en la defensa del hombre y la naturaleza, como Otto Arcella, Guillermo Magrassi y Rodolfo Kusch.

El documental de Darío Arcella propone un diálogo entre los pueblos, entre los descendientes de comunidades aborígenes americanas: la Argentina, Perú, Paraguay, Bolivia y lo hace entrevistando a varios de sus representantes que aún hoy intentan conservar sus costumbres ancestrales.

"Crónicas de la gran serpiente" habla de buenos y malos, sin claroscuros. Refiere a las crueldades provocadas por la colonización, desde la llegada de Colón a nuestros días y hace hincapié con pronunciados elementos poéticos, en mostrar la belleza de la Tierra, de la naturaleza con sus paisajes inhóspitos, solitarios, montañosos, o las rutas incaicas.

LA MEMORIA

El filme habla de la memoria fragmentada, del legado de los dioses de cada una de esas comunidades que se regían por ciertos signos que marca la naturaleza con sus ciclos y estaciones.

A través de escenas, de fragmentos de noticieros, de gráficos, de animación, de imágenes más actuales pueden verse a hombres y mujeres que habitan en, algunos casos, en pequeñas casas hechas de piedra, a artesanos, o cultivadores de la tierra y tejedoras.

Muchos de ellos aún practican ceremonias rituales y logran sobrevivir en un suelo que cada vez se vuelve más estéril ante la invasión de las actuales minas a cielo abierto, de los experimentos llevados a cabo en zonas que antes, resultaban un prodigio de árboles, o de ríos en los que sus peces se convertían en el alimento diario de muchas de las comunidades.

La película, es un muy interesante legado para las nuevas generaciones y, está dedicada a la memoria de tres antropólogos que han trabajado en la defensa del hombre y la naturaleza, como Otto Arcella, Guillermo Magrassi y Rodolfo Kusch.

Fans de Carlos "La Mona" Jiménez

Comedia de situaciones, de enredos, en los que el amor es uno de los ejes del relato, "De caravana" tiene un bien logrado lenguaje narrativo y un equipo de actores con miras a un futuro más que promisorio.

Es muy gratificante que del nuevo cine cordobés llegue "De caravana", porque permite acercarse a una historia con identidad claramente cordobesa, a través de personajes que se mueven dentro de una marginalidad periférica de la capital de la provincia, e incluye a músicos, travestis y vendedores de droga.

Con ellos, Rosendo Ruiz, el director, consigue un fresco poéticamente delirante de personajes arquetípicos de una ciudad grande.

"De caravana" ganó el premio del público, a la mejor película en el Festival de Cine de Mar del Plata y permite un acercamiento a personajes que a través de sus giros culturales, identifican claramente a la provincia mediterránea.

Un recital del cuartetero Carlos "La Mona" Jiménez posibilita el despegue de una serie de historias que se entrelazan y tienen un denominador común: el amor que despierta una chica, fans del músico, en un fotógrafo que se acerca por primera vez a ese universo de admiradores del artista cordobés.

EL FOTOGRAFO

No es casual, tal vez, que sea un fotógrafo el que con su lente registre a personajes que representan un cierto costumbrismo típico de esa provincia.

Las situaciones, la mayoría inmersas en un cierto humor, que se desprende de los mismos diálogos, muestran maneras de relacionarse, de comunicarse, de establecer una complicidad, que despiertan una marcada empatía con el espectador.

A partir de las imágenes captadas por el joven fotógrafo, que es víctima del robo de su cámara, en el primer encuentro con ese universo marginal, el espectador comienza a asomarse a un grupo de criaturas, de coloridas vestimentas, que se mueven en un pequeño entorno que los identifica, en los que el amor, el robo, las "transas" pasan a ser moneda corriente.

Hay en Rosendo Ruiz cierta mirada ingenua sobre sus personajes, no obstante eso le permite mostrar a una comunidad que se mueve con sus propios códigos.

Comedia de situaciones, de enredos, en los que el amor es uno de los ejes del relato, "De caravana" tiene un bien logrado lenguaje narrativo y un equipo de actores con miras a un futuro más que promisorio.

El bien y el mal, sin fronteras

El filme si bien se apoya en un cuento de Mishima, tiene la identidad de un curioso y original cineasta como Luis Ortega y ese es el mayor aval de este filme, en el que se destacan Julieta Ortega y Joaquín Furriel.

Hace varios años que Luis Ortega quería llevar al cine el cuento de Yukio Mishima "Muerte en el estío", finalmente lo logró.

"Verano maldito", igual que su filme anterior "Los santos sucios" se ubica dentro de una poética despojada, austera, en la que sus personajes parecen inmersos en un cierta enajenación que los lleva a crear un mundo con reglas propias.

Estas criaturas que tanto le atraen a Ortega, coguionista y director de uno u otro modo desafían y desdibujan contornos culturales, en pos de ser fieles a su libre albedrío.

Eso sucede en este filme, en el que Julieta Ortega concreta uno de sus papeles más comprometidos dentro de su carrera, a la que la actriz le pone el cuerpo sin prejuicios, dejándose someter a las postulados de una historia, que la ubican en el papel de una madre joven, cuya espiral de locura, la sumerge en una subrealidad en la que el bien y el mal ya no tienen fronteras.

CASA BLANCA

La historia se ubica durante un verano. En el interior de casa blanca cerca de la playa, se observa a una mujer que duerme mientras su cuerpo es bañado por el sol. Más adelante en la orilla del mar, un hombre observa el horizonte, unos niños corren cerca del agua y de pronto un vertiginoso giro provoca un accidente, los niños mueren y eso que parecía apacible se convierte en una pesadilla.

La mujer y su marido, ya no parecen entenderse ni comunicarse más a partir del accidente y cada uno termina escondiéndose en un mar de silencios, de caminatas, de situaciones que parecen extraídas de un estado de cierta alucinación. Ya nada es lo que parece y lo que sucede choca, pega, cuestiona al espectador.

Luis Ortega filma con una libertad narrativa, que entre una y otra película, parece ir despojándose de ciertos vicios estilísticos, para centrarse cada vez más en la adquisición de una narración propia, en el que las imágenes se apoderan de cada fotograma y ejercen un cierto magnetismo y fascinación en el espectador, que incentivan el interés por querer saber más de lo que se cuenta.

"Verano maldito" si bien se apoya en un cuento de Mishima, tiene la identidad de un curioso y original cineasta como Luis Ortega y ese es el mayor aval de este filme, en el que se destacan Julieta Ortega y Joaquín Furriel.

La oficina de personal es bastante complicada

El filme apunta a un gran público -tuvo un marcado éxito en Colombia- y tiene un humor bien elaborado, que surge de la misma composición de los personajes, de características de lo más diversas, pero efectivas.

Mientras a su mujer ni siquiera la mira, sólo la observa cuando le da órdenes, o lo obliga a cambiar el bebé, hijo de ambos, por las demás mujeres, Ricardo Osorio parece perder la racionalidad.

Ricardo Osorio, es el jefe de la oficina de recursos humanos de Rioplatense limitada, una fábrica de dulces y detergentes. El es el protagonista de esta comedia ligera, efectiva, con un humor zumbón, que llega del escaso cine colombiano que asoma por nuestras tierras.

NOVELA

"El jefe" está basada en la novela "Recursos humanos" de Antonio García Angel, un escritor que tiene en su haber una pasantía con Mario Vargas Llosa.

Desde ese aspecto su relato se apoya en un pronunciado cinismo que pone en práctica a través del tratamiento de lo que les sucede a los personajes, en ese entorno laboral, en el que Osorio, el jefe de personal, bien podría llevar el disfraz de un maquiavélico y tonto personaje.

El filme apunta a un gran público -tuvo un marcado éxito en Colombia- y tiene un humor bien elaborado, que surge de la misma composición de los personajes, de características de lo más diversas, pero efectivas.

En el papel de la secretaria de la dirección, se desempeña una siempre efectiva Mirta Busnelli, a su lado se ubica Carlos Hurtado, un comediante con muy buen oficio, que logra hacer de Osorio, un protagonista tan oscuro y perverso, como simpático.

Intenso drama épico e intimista

Con una excelente construcción de personajes y un eficiente equipo actoral (Sami Bouajila, Roschdy Zem, Jamel Debbouze y Chafia Boudraa), Bouchareb consigue valiosos logros narrativos.

El conflicto entre Francia y Bélgica, que había retratado Gillo Pontecorvo en "La batalla de Argelia" vuelve a recobrar un intenso vigor dramático con este filme de Rachid Bouchareb.

La dominación colonial, la militancia, la resistencia, el drama humano de una familia separada durante la Segunda Guerra Mundial, en la que cada hijo toma un rumbo distinto para volver a reunirse a partir de la mitad de la película, en una nueva vertiente tan íntima, como épica, son parte de este inteligente retrato que sobre la tierra de sus padres, concreta el director francés de familia argelina.

ARGELIA, 1945

"Tres hermanos, tres destinos" parte de un hecho no demasiado difundido. Se trata de la terrible matanza cometida por los franceses, en contra de la resistencia y el pueblo argelino, ocurrida en Sétif, en 1945, durante la Segunda Guerra Mundial.

Ese es el momento de despegue de esta historia familiar, en la que cada uno de los hermanos toma un rumbo distinto. El más chico se termina convirtiendo en un cafishio y mafioso después, el mayor milita en el ejército y el del medio se une a los grupos de la resistencia.

Varios años después, el menor de los hermanos y la madre viajan a Francia y se radican en una "villa miseria", en la que la mayoría de los argelinos que allí viven trabajan en fábricas. Pero el más joven del trio de hermanos argelinos no quiere ese destino para él y le pide a un mafioso del lugar que lo emplee junto a él. A partir de ese momento comienza una carrera, en la que igual que su empleador explota a mujeres en burdeles y se dedica a organizar torneos de boxeo.

FRENTE DE LIBERACION

Poco después a la villa llegan los dos hermanos restantes, uno de ellos luego de cumplir una condena carcelaria. A partir de ese momento la resistencia argelina vuelve a rearmarse, bajo la figura del Frente de Liberación Nacional (FLN).

Rachid Bouchareb gira su película sobre el costado argelino y lo hace convirtiendo esta coproducción entre varios países, en un fresco de gran relevancia histórica.

El director consigue equilibrar con buenos recursos dramáticos, la vida de los hermanos, su devenir hacia una madurez, que parece condenarlos a una lucha armada sin tregua.

Con una excelente construcción de personajes y un eficiente equipo actoral (Sami Bouajila, Roschdy Zem, Jamel Debbouze y Chafia Boudraa), Bouchareb consigue valiosos logros narrativos.

Las cámaras pueden registrar imágenes no muy agradables

Las circunstancias que van in crescendo terminan sacando a la luz extraños datos, que mejor no revelar. Con muy buenas dosis de suspenso y ubicando al espectador en el papel de un misterioso voyeurista, otro acierto del filme son las actuaciones que encierran la naturalidad de lo instántaneo e imprevisto.

Este tercer filme de la saga de "Actividad paranormal", es una precuela de la segunda película y a la vez plantea el origen de esta historia, que recrea la posibilidad de fenómenos paranormales, con elementos mínimos y manteniendo un nivel de suspenso bastante convincente.

Si en la segunda y la primera se vió a Katie ya adulta y encerrando una intensa dosis de misterio y sus posteriores desencadenantes, en la película actual el público va a poder conocer a la chica siendo niña, cuando es poseída por el demonio, o esa figura intangible que provoca curiosas reacciones a su alrededor.

"Actividad paranormal 3" muestra a una joven madre, junto a su nueva pareja, un muchacho que se dedica a filmar fiestas de casamiento y las hijas pequeñas de la mujer.

CAMARA INDISCRETA

El trabajar con la cámara en mano registrando lo que sucede a la gente en una fiesta, hace que el muchacho quiera trasladar ese hábito a su casa y se le ocurra ubicar una serie de cámaras por toda la casa.

Las cámaras ubicadas en cada cuarto registran las veinticuatro horas de la familia, hasta que una noche sucede algo inusual. Al revisar las imágenes captadas, se descubre que la más pequeña de las chicas, dialoga con alguien que no se ve. Cuando se la interroga dice que es Toby, un oso de peluche, que a pesar de que está ubicado "silencioso" en un rincón de la habitación, para la niña pareciera tener vida propia.

Más tarde se descubrirá que Toby quiere divertirse con la mayor de las niñas y comienza a producir un ritual de hechos insólitos asustando a todos.

Las circunstancias que van in crescendo terminan sacando a la luz extraños datos, que mejor no revelar.
Con muy buenas dosis de suspenso y ubicando al espectador en el papel de un misterioso voyeurista, otro acierto del filme son las actuaciones que encierran la naturalidad de lo instántaneo e imprevisto.

La necesidad de pensar un futuro

El filme tiene buenas y probadas actuaciones. Felipe Colombo y Sabrina Garciarena defienden sus papeles con honestidad y con el amplio bagaje de una extensa carrera que les ha dado una popularidad bien merecida.

Una pareja dispuesta a vivir el presente y asumir sus consecuencias, son los protagonistas de "Solos en la ciudad", una comedia pequeña que dirigió Diego Corsini y en la que exhibe algunos de clisés típicos de la pantalla en pequeño formato.

La crisis de pareja es lo que se impone en este filme, hecho de pequeñas escenas de a dos, o de a tres, en la que los diálogos la mayoría de las veces resultan demasiado poco atractivos y faltos de contenido, o demasiado pretenciosos.

JUSTIFICACIONES

"Solos en la ciudad" es una comedia liviana, en la que Santiago opina que lo suyo es el presente: dictar sus clases de historia y por ahora no casarse. No explica las razones de no querer dar el sí y esa es una de las explicaciones que le pide su novia.

La chica se llama Florencia, es una joven abogada, que trabaja en el estudio de su padre y es una mujer previsora. Ella imagina el futuro casados, con casa propia y un marido con un empleo con miras a evolucionar. Algo coherente para cualquier pareja, pero no para Sebastián, al que su actual y su ex novia lo acusan de ser medio chiquilín.

Como ocurre siempre, solo los amigos, o los padres son capaces de justificar el dolor de una posible separación y a ellos van a ver, cada uno por su lado, Sebastián y Florencia.

El filme tiene buenas y probadas actuaciones. Felipe Colombo y Sabrina Garciarena defienden sus papeles con honestidad y con el amplio bagaje de una extensa carrera que les ha dado una popularidad bien merecida.

Un infierno muy poco encantador

Eduardo Pinto hizo previamente "Palermo Hollywood", que filmó en esa zona de nuestra ciudad. Con "Caño dorado", cambió su escenario y se trasladó al conurbano bonaerense.

Los lugares elegidos parecen imponerle a Eduardo Pinto una estética hecha de urgencias, de una poética hecha de amor y de dolor.

El amor y el dolor coinciden en esta historia de jóvenes, de mayores que han ido elaborando para sus hijos un futuro que parece hecho de retazos del infierno.

Porque acá son los adultos, los que empujan a los jóvenes a delinquir, a la corrupción, al consumo de drogas.

PEQUEÑO ARSENAL

Su emergente es el Panceta, un pibe que desde que murió su padre, mantiene a su madre. Trabaja en una fábrica y para ganarse algunos extras, en el taller de herrería del fondo de su casa, guarda y fábrica un pequeño arsenal de armas tumberas, que vende a los pibes del barrio, "para que aprendan a defenderse", dice el Panceta. Pero los "pesados" del barrio no opinan lo mismo y tienen al Panceta en la mira, porque temen que ese pibe de gorrita, que anda en bicicleta les quite clientes y les arruine el negocio.

El Panceta parece inmune, o inocente a estos hechos. Aunque los conoce y sabe que es capaz de cualquier cosa para defender a su madre, pero el amor golpea a su puerta y lo hace de una manera imprevista, vertiginosa y esto le traerá impredecibles consecuencias.

"Caño dorado" se mueve en la cuerda floja de lo legal e ilegal y expone una serie de sentimientos primarios, un misticismo pagano y una poética cruda y sucia, a la que Eduardo Pinto y sus actores supieron aportarle un muy meritorio compromiso interpretativo.

ESTILO NARRATIVO

Pinto parece inspirarse de la "suciedad" de sus escenarios, por eso su estilo narrativo es nervioso, intenso, impactante. Su cámara en mano le da vigor y espontaneidad a unas bien elaboradas escenas cortas, pero de gran potencia dramática.

Lautaro Delgado carga sobre sus hombros un protagónico, al que le aporta una gran sabiduría actoral. El actor al que se vió en un admirable papel en "La vida es sueño", se deja llevar por la acción, el movimiento y su rostro es capaz de transmitir valor, amor y rebeldía con igual intensidad.

Camila Cruz resulta una muy gratificante revelación y Tina Serrano y Luis Campos aportan su siempre admirado oficio. La fotografía y la música son otros aliados de este filme que refleja una Argentina que sólo parece mirar un presente de corrupción.

Un marido, su mujer y su amante

Radu Muntean es un director con un original estilo naturalista, que le permite ir desarrollando una historia con una amplia y sólida gama de sutiles matices bien elaborados.

El rumano Radu Muntean escapa a las temáticas propias del cine de su país, que hemos conocido en la Argentina, que hablan de los conflictos sociales, o de las secuelas que dejó el gobierno de Nicolae Ceascescu y se acerca más a un cine europeo, de temáticas más universales.

El adulterio es el tema que atraviesa este filme, que se apoya en las valiosas actuaciones de sus tres protagonistas (Mimi Branescu, Mirela Oprisor y María Popistasu). Es bueno mencionar que sus dos actrices principales se hicieron acreedoras al premio a la mejor actriz en el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata.

"Aquel martes..." al que hace referencia el título de la película, resultará definitorio en la vida de la pareja que conforman Paul y Adriana.

Paul, es un ejecutivo que trabaja en un banco de Budapest, tiene un auto, una casa cómoda, en la que vive con su mujer, en apariencia de profesión abogada y su pequeña hija, a la que una joven dentista le está haciendo un tratamiento.

RUBIA Y MOROCHA

Todo parece deslizarse con calma en la vida de la familia. Paul no siempre está de buen humor, o mejor dicho casi siempre se muestra un poco a la defensiva. ¿Qué le ocurre a ese hombre, que en apariencia tiene mucho tiempo libre? Es que Paul no puede dejar de pensar en su amante, una joven rubia, con la que la pasa muy bien en el único ambiente en el que vive la muchacha.

Una rubia y otra morocha parece ser el ideal de muchos hombres y Paul no es la excepción, pero todo se complicará con el correr de los meses.

Si algo tiene de honesto Paul, es que no está dispuesto a engañar a su mujer, a la que lo unió un amor de años, que en el presente parece haberse evaporado. Pero el interrogante que se abre es qué ocurrirá si le dice la verdad.

Radu Muntean es un director con un original estilo naturalista, que le permite ir desarrollando una historia con una amplia y sólida gama de sutiles matices bien elaborados. La sensación es que el espectador espiara a esos personajes, hombres y mujeres comunes, lo que le otorga a la película un carácter de una pronunciada humanidad.

Conmovedor tributo a Pina Bausch

El legado artístico de Pina Bausch es retratado por Wenders, en imágenes interiores y exteriores, a través de un estilo fílmico que asombra por la captación de la totalidad de un universo interpretativo único.

Pina Bausch en la danza y Wim Wenders en el cine, son puntos referenciales de la Alemania contemporánea. Uno y otro se han animado a cruzarse de "vereda" porque el arte no tiene límites, ni género. Por eso a la bailarina alemana que falleció de improviso en 2009, dejando un vacío desolador, también se la vió en el papel de una princesa ciega, en "Y la nave va", de Federico Fellini.

Wenders no se ha a atrevido a la danza, aunque Pina si viviera, tal vez lo hubiera animado que lo hiciera. Pero Wenders lo hace con su cámara, la que en este filme y a través de la nueva tecnología 3D, parece ir mucho más allá, de lo logrado por James Cameron en "Avatar".

Claro que Wenders no es el Cameron que se hace notar diciendo "acá estoy". El director alemán prefirió demorar años en estudiar la técnica, para ponerse al servicio de este tributo que le hace a Pina Bausch, filmando cuatro de sus obras más emblemáticas y a esos bailarines que se formaron con la discípula de Kurt Joos y luego creó su propio estilo de trabajo, el que acá se muestra.

TIEMPO Y PROFUNDIDAD

Wenders consigue algo único, capta el tiempo, la profundidad, la dimensión y el detalle de las emociones más sutiles de esos intérpretes del Tanztheater creado por Bausch y lo hace a través del vértigo de esas coreografías, que parecen ser bailadas con las entrañas, porque la bailarina así lo exigía a sus artistas. "Pina no tenía límites" dice uno de los bailarines al hablar de la maestra, pero eso no debía entenderser como algo autoritario, lo suyo era ayudar al bailarín a encontrar su propia identidad interpretativa.

El filme recorre las instalaciones del Tanztheater de Wuppertal, usina creativa de Pina y sus artistas, su escenario y muestra cuatro obras señeras: "Café Müller" que trajo a Buenos Aires, en la década de 1980; la inigualable "Le sacre du printemps", con música de Stravinsky; "Vollmond" y "Kontakthof". A estas piezas se unen coreografías de varios de los intérpretes.

El legado artístico de Pina Bausch es retratado por Wenders, en imágenes interiores y exteriores, a través de un estilo fílmico que asombra por la captación de la totalidad de un universo interpretativo único.

Gente que define un país

Punto de llegada y de partida de cientos de miles de personas que diariamente llegan a la terminal de trenes, con los más variados fines, el documental de Juan Dickinson, sigue cada minuto del día, de lo que sucede en esa gigantesca babel de personas anónimas que marcan un ritmo incesante que sólo decae con las últimas horas de la noche.

"Un día en Constitución" es un filme que refleja una parte del tipo de gente que lo puebla y algunas de las características que definen a una micro-sociedad que se mueve en el marco de una clase media y baja.

La película esquiva de mostrar los trenes que van a los centros de veraneo, como Mar del Plata y se inclina por captar con su cámara los que vienen del conurbano bonaerense a trabajar a la ciudad.

OTROS ESPACIOS

Manifestaciones, bombos, los uniformados que hacen su ronda por los distintos espacios del edificio de la terminal, un violinista que duerme en uno de los pisos altos desocupados; o un improvisado gimnasio en los subsuelos son parte de este documental.

A través de los vendedores, de lo que se compra, se consume, o incluso del color de la vestimenta de los que transitan por Constitución, también puede definirse la procedencia de los que por el lugar pasan diariamente.
Datos como el mostrar el sutil devenir de una prostituta y sus clientes, o el cameraman que busca la noticia del día en la terminal, son parte de esta original película, en la que el director Juan Dickinson, hace latir el corazón de una ciudad, tomando como recorte una estación de trenes.

Cuando el amor logra imponerse

Es una historia romántica sobre el despertar a un amor desconocido, tórrido que surge en la madurez y quizás, por eso parece arrasar al protagonista con la intensidad de un torbellino.

Ocurre que Mathilde tiene una personalidad encantadoramente seductora y más aún si a una chica así, se la conoce en una ciudad tan exótica como Hong-Kong, en la que todo es distinto.

"La quise tanto" habla de los misterios del amor, como se lo ha hecho tantas veces y se seguirá haciendo. Pero lo distinto, quizás, de este filme, es que a través de las confesiones de un suegro a su nuera, puede percibirse la potencia que tiene la narración oral y las imágenes, cuando lo que se cuenta resulta verosímil y tiene el poder del convencimiento.

El filme está basado en una novela de Anna Gavalda, una periodista parisina de clase alta, que publicó su novela "Je L"aimais", en 2002 y transmite una serie de vivencias, que la directora Zabou Breitman, supo captar muy bien y con los recursos cinematográficos necesarios para conmover al público, quizás tanto como lo que ocurrió con el libro, traducido a veintiún países.

LEJOS DE LA CIUDAD

La historia es simple, el hijo de un hombre mayor abandona a su mujer, por otra y la nuera se refugia en la casa de campo de su suegro, con sus hijas.

Ese recluirse lejos de la ciudad invita a que por las noches, suegro y nuera dialoguen, compartan sus desdichas y de lo que el espectador es testigo, es de ese amor que irrumpe en vidas ajenas, con gran intensidad y quizás del mismo modo, hasta con cierto misterio, un día desaparece.

Hay dolor, hay lágrimas, hay desdichas en el que cuenta y en quien escucha, pero más allá de esas reacciones momentáneas, lo cierto es que a cada uno le queda el invalorable recuerdo de lo vivido y el de haber experimentado que en algunos momentos de la vida, se puede percibir algo cercano a la felicidad, a aquello que todos anhelamos.

Zabou Breitman sabe contar bien, elabora con acierto la intimidad de los enamorados y se deja conmover por una equipo actoral sobresaliente, en el que se destaca el siempre eficaz Daniel Auteuil, la bellísima Marie-Josée Croze y la abandonada por su marido Florence Loiret-Caille.

Los variados misterios del actor

Luego de haber hecho varios protagónicos en filmes de Anahí Berneri y Lucía Cedrón, entre otros cineastas, Juan Minujin se animó a su opera prima.

"Vaquero" tiene un precedente, el cortometraje multipremiado de Minujin, titulado "Guacho", en el que contaba las aventuras de lo que pasa por la cabeza de un actor respecto de su vida, sus colegas, la profesión.
Sobre el mundo del actor, lo que pasa por su cabeza y no lo dice, pero lo piensa, habla Juan Minujin en este filme esclarecedor, inteligente y original en su contenido y elaboración.

La historia no se propone ser demasiado profunda, ni tampoco se inclina por lo grandilocuente, todo lo contrario. Es una comedia, con un humor absurdo muy bien elaborado que sigue los pasos de su protagonista Julián Lamar, un actor del off, que aspira a ser reconocido, a conseguir el ansiado papel en una película, sin que se lo arrebate otro, por ser más seductor, o simplemente porque es la "cara" del momento, que cautiva a todos los productores.

La ilusión de ser otro, de hacer que su cabeza deje de pensar, de cuestionarse, de pelearse a través del pensamiento, con ese compañero de escenario, que no se sabe por qué es aplaudido, admirado por el público y hasta por su padre, cuando a él le roba situaciones con su histrionismo, o lo ignora, son algunas de las preguntas que se hace Julián Lamar, a lo largo del filme.

UN IDEAL

Para Julián Lamar, el haber elegido ser actor parece ser un tormento, sin embargo a pesar de que es joven, siente que no puede desprenderse de eso que eligió, porque la actuación, parece ser el ideal de su vida.

"Vaquero" desnuda el universo de los actores y lo hace con magníficos recursos dramáticos, como la escena en la que el "galán de moda" (estupendo Leonardo Sbaraglia), le arrebata el protagónico a Lamar y éste se resigna hasta ser humillado en el set, con tal de estar en esa película.

Minujin elabora un guión que tiene como premisa, entretener, comunicarse, divertirse y divertir al público, sin olvidar la ironía y para hacerlo se sumerge de lleno en un ritmo cinematográfico imparable, en el que incluye pixelados, imágenes desenfocadas, encuadres fuera de plano y la invalorable música de Diego Vainer. Unido a las eficaces actuaciones de Guillermo Arengo y Esmeralda Mitre.

Con este filme Juan Minujin vuelve a despertar la atención, en el triple papel de director-actor y coguionista y sus recursos como siempre resultan atrapantes y elaborados con la inteligencia de comunicar al otro, algo de esa profesión elegida, la de ser actor y ahora director.

Una situación Intransferible

Filme pequeño, de ciertos contrastes entre una cultura y otra que define a una América latina tan variada en su idiosincracia, como pintoresca, tiene en sus protagonistas: Carolina Riveros, Bernarda Pagés y Martina García, a las intérpretes ideales de esta colorida e ingenua historia.

La cineasta venezolana Alejandra Szeplaki concreta un filme original, que se apoya en el diseño plástico, la animación, el collage y la música, que identifica a países como la Argentina, Venezuela y Colombia.

En "Día naranja" sus protagonistas son tres mujeres de distintos países. Una es de Buenos Aires, la otra vive en Caracas y una tercera en Bogotá.

Las tres chicas tienen en común el dilema del embarazo. Cada una tiene un novio, o un chico con el que salió varias veces, tuvo relaciones y no saben si en verdad están enamoradas o no, pero lo cierto es que cada una tiene que hacerse un test de embarazo, debido a que su reloj biológico, les da su voz de alerta.

LOS NOVIOS

Claro que si bien ellas son las protagonistas, tangencialmente, Alejandra Szeplaki, la directora, también se encargó de mostrar actitudes, comportamientos y formas de pensar de "novios" argentinos, venezolanos, o colombianos. Lo que da como resultado que no siempre son las chicas las que quieren a los niños, ellos también son capaces de conmoverse ante una noticia que sienten les da una mayor unidad a la pareja.

Un aspecto curioso de este filme, contado a través de un lenguaje casi idílico, imaginativo por parte de la realizadora, es que en su mayor parte se encargó de que su guión ilustrara coloridamente -en objetos, recortes de papeles, vestidos, blusas, cuadros y ambientes- el estado que despierta en una mujer el saber, o pensar que está embarazada.

Filme pequeño, de ciertos contrastes entre una cultura y otra que define a una América latina tan variada en su idiosincracia, como pintoresca, tiene en sus protagonistas: Carolina Riveros, Bernarda Pagés y Martina García, a las intérpretes ideales de esta colorida e ingenua historia.

Adolescente busca a su padre

En lo que refiere al guión y su lenguaje narrativo, podría decirse que no escapa a las reglas convencionales del género. Hay buenos y malos, en el lío está metida la CIA, los datos se van revelando de a poco y las escenas de acción están correctamente filmadas, incluídas las explosiones.

El chico de "Crepúsculo", Taylor Lautner, es el protagonista de este thriller, en el que un adolescente intenta averiguar quienes son sus verdaderos padres.

Lautner, podría decirse tiene la cámara pegada a sus pies y su desempeñó es mucho mejor en las escenas de peleas cuerpo a cuerpo y de artes marciales, que en lo referido a la actuación.

Pero esto no es un obstáculo para dejarse llevar por esta historia, en la que un muchacho, debido a un trabajo práctico que le pidieron en el colegio al que concurre, descubre que su imagen figura en una página web de gente desaparecida.

La pregunta inmediata que le surge al joven es ¿quienes son esas personas que dicen ser sus padres? A partir de ese descubrimiento el muchacho lógicamente se inquieta y el filme despega a un frenético accionar, en el que Lautner, muy bien entrenado, se ve obligado a correr, saltar, subirse a un auto, a un tren, o incluso poner a prueba su lógica, para ir desenrollando el laberinto en el que se convirtió su vida.

BUENOS Y MALOS

Más tarde el muchacho irá atando datos que lo llevarán a averiguar la verdad de quienes son sus padres y qué ocurrió con ellos.

En "Identidad secreta", su tema, precisamente no es el de una apropiación, pero sucede algo similar. Ocurre que el muchacho fue dado en custodia a una pareja debido a ciertos conflictos que sufrían sus padres originales.

Pero en lugar de seguir contando la trama, lo mejor es ver este thriller con buena acción y un Taylor Lautner que hará suspirar a sus fans, que no son pocas.

En lo que refiere al guión y su lenguaje narrativo, podría decirse que no escapa a las reglas convencionales del género. Hay buenos y malos, en el lío está metida la CIA, los datos se van revelando de a poco y las escenas de acción están correctamente filmadas, incluídas las explosiones.

A lo mencionado se destaca que el papel de la psicóloga está a cargo de Sigourney Weaver, mientras que Taylor Lautner y su joven compañera Lily Collins, se complementan bien en sus papeles.

Existen afectos que curan

Winter, el protagonista de esta película, es un delfín, al que se puede visitar si se viaja al acuario marino de Clearwater, en Florida, Estados Unidos.

El delfín sufrió un accidente al quedar atrapado en una trampa para cangresos y debido a eso perdió su cola. Luego de un arduo cuidado y entrenamiento en un acuario, el mamífero terminó aceptando una cola ortopédica, con la que se mueve naturalmente en el agua y juega con los niños y adultos que se le acercan.

Esta es la base de este relato, al que los guionistas Karen Janszen y Noam Dromi le añadieron una serie de situaciones que vuelven más lacrimógena la historia.

Ocurre que "Winter, el delfin" es ese tipo de películas que emociona a niños y grandes, a partir de la observación de unos protagonistas que con paciencia y dedicación logran superar instancias muy dolorosas en sus vidas.
Sawyer, el niño que cuida a Winter -luego de hacerse amigo de la hija del biólogo que atiende el acuario-, perdió a su padre y cuando descubre la comunicación y el afecto que el delfin parece dedicarse, el chico siente que su vida encuentra una nueva razón de ser.

EL AGUA

A ésta se añade la difícil situación por la que atraviesa un familiar del chico, que luego de ser campeón de natación, ingresa al ejército y por un accidente se ve obligado a usar muletas.

Como si esos dos datos fueran pocos, el grupo de voluntarios y científicos que atienden el acuario, se ve obligado a asumir su cierre, debido a no poder continuar seguir manteniendo la institución. Pero son los niños, a los que justamente se les ocurre una solución inmediata que termina dando sus frutos.

La película tiene un buen desarrollo dramático, se apoya en emociones intensas, en estrechar los lazos entre niños, padres y abuelos y si bien es conmovedor ver a tantos niños y adultos a los que algunos les falta una pierna o un brazo y se acercan a Winter, como si fueran a la búsqueda de nuevas energías para su subsistencia, también es verdad que una mascota, o un animal a veces, y en especial los delfines tiene sus propios poderes curativos, según dicen los especialistas.

Este es un drama ideal para ver en familia y con niños de diez años en adelante y si algo tiene asegurada la película, es la de despertar emociones intensas. Además de las buenas actuaciones del pequeño Nathan Gamble, Kris Kristofferson y Harry Cormick jr.

La corrupción política

El director y guionista aborda el tema de la injusticia y el tejido social dañado a través de las corruptas gestiones llevadas a cabo por los distintos gobiernos locales.

Como en "Rita y Li", su filme anterior estrenado hace un par de semanas atrás, Francisco D"Intino vuelve a elegir un tema social para llevar al cine.

Si en la anterior trataba el tema de dos mujeres inmigrantes, explotadas por un policía corrupto, en "El fin de la espera", es un hombre de más de sesenta años, que se encarga de una granja-hogar para chicos de la calle.

Esta es la última película en la que actuó Ulises Dumont, él que falleció pocos meses después de terminado el rodaje, que se realizó en la provincia de Tucumán.

Jacinto, a cargo de Dumont, es la historia de un hombre que intenta creer en una justicia utópica. Una fundación primero le entrega las tierras para construir ese hogar para niños y luego se las quita, a la vez que es estafado por un funcionario público que le promete una suma de dinero y luego le entrega un mínimo de lo pautado.

El director y guionista aborda el tema de la injusticia y el tejido social dañado a través de las corruptas gestiones llevadas a cabo por los distintos gobiernos locales.

El director se apoya en los afectos y le otorga un final inesperado a este filme simple y directo, con una admirable actuación de Ulises Dumont.

La manipulación génetica

Splice es un thriller psicológico de ciencia ficción, con correctas actuaciones de Adrien Brody, Sarah Polley y Delphine Chanéac.

Del director Vincenzo Natali, oriundo de Michigan, aunque vive en Toronto, se conoció hace varios años atrás "El cubo", en el que en un marco escenográfico abstracto, se dedicó a mostrar el comportamiento humano, en un entorno de encierro y cierta claustrofobia.

En "Splice" Natali, que es coguionista, explora los alcances de la manipulación genética y la ética.
Sus protagonistas son una pareja de científicos, un hombre y una mujer, que viven inmersos en un laboratorio, en el que se dedican a crear híbridos monstruosos, para luego experimentar y extraerles ciertos elementos que permitan un avance en la medicina y en el tratamiento del cáncer, el Alzheimer y otras enfermedades terminales.

ADN HUMANO

De unos primeros híbridos horripilantes, que son expuestos ante un amplio auditorio, la pareja se apasiona en llevar adelante una experiencia, en la que ella compromete su propio adn, lo que da como resultado una criatura, que pareciera tener los dos sexos, alas, cuerpo femenino y una cola similar a las criaturas azuladas de "Avatar" de James Cameron.

Con este monstruo con el que comparten sus vidas en secreto, la pareja se dedica a estudiar su evolución, hasta que la criatura se le escapa de las manos, manifiesta comportamientos agresivos y todo parece complicarse.

El resultado es un filme con un suspenso inquietante, en el que se muestran los aspectos más sórdidos de la manipulación genética. Desde este punto de observación, resulta una película muy interesante de ver y observar en lo que podría llegar a derivar la genética, puesta en manos de profesionales que pierden los límites entre la ética, sus conflictos personales y el negocio que esconden los laboratorios.

"Splice" es un thriller psicológico de ciencia ficción, con correctas actuaciones de Adrien Brody, Sarah Polley y Delphine Chanéac.

Comedia negra y absurda

Sergio Bizzio tiene una filosa y exquisita ironía para tomar personajes reconocibles (como en la obra de teatro "La China" coescrita con Daniel Guebel) y someterlos a situaciones bizarras, o absurdas.

El novelista Sergio Bizzio, firma el guión de este filme (del que también es director), junto a Lucía Puenzo.
De Bizzio se había visto en 2001 su película "Animalada", la original historia de un hombre, padre de familia, que se enamoraba de una oveja.

En "No fumar..." si bien sus protagonistas son una pareja compuesta por una autora de libros infantiles y su marido masajista, la película incluye otras sub-historias, que ayudan a redondear una comedia negra e imprevisible.

El dejar de fumar, como bien se sabe, provoca los más diversos síntomas en quienes lo padecen y en la pareja elegida no es una excepción.

La dupla Bizzio-Puenzo logra a través de cada sub-trama despertar un punto de interés, en las que cada relato bien podría convertirse en un largometraje.

ASESINO "CEREAL"

Una de las más curiosas parejas del filme es la que conforman la ex actriz famosa a la que dan por muerta y el asesino "cereal", así se lo denomina, porque en cada uno de sus crímenes deja una caja de cereal de muestra. En este caso los papeles a cargo de una estupenda y convincente María Onetto y Luis Machín, le aportan su cuota de absurdo y originalidad.

Mientras que el matrimonio de Horacio Acosta y Mausi Martínez, se encaminan hacia un tono más disparatado pero de igual ironía, la que alcanza su momento cumbre, cuando la mujer pasa de ser una autora infantil, a guionista de videos porno.

Sergio Bizzio tiene una filosa y exquisita ironía para tomar personajes reconocibles (como en la obra de teatro "La China" coescrita con Daniel Guebel) y someterlos a situaciones bizarras, o absurdas.

Con "No fumar..." consigue un filme correcto, con un casting de actores de pronunciada trayectoria teatral y cinematográfica.

Una temática de estos días

La película es una adaptación de una novela del guionista Martin Prinz y en ella se conjugan dos aspectos muy interesantes: la necesidad de correr, escapar y la adrenalina que implica el desafío de robar un banco.
Poner en riesgo la vida, para cerciorarse de que está vivo, es lo que propone este protagonista parco en palabras, en gestos y con una mirada siempre hacia sí mismo.

Ese hombre que purgó la cárcel, corre sin parar y se anota en maratones, como todo deportista aspira al mayor trofeo, para una vez obtenido volver a empezar. Lo que se propone este Johann Rettenberger, que existió en la vida real, es no dejar nunca de correr y tampoco de robar bancos.

El correr para él quizás tenga el significado de buscar, o aspirar a encontrar algo que le falta. El robar a su vez lo ubica en una zona de peligro constante, la que más tarde se verá matizada con el encuentro de una mujer, de la que en apariencia se enamora, o por ahí sólo se trata de constatar su propia piel, con la de otra persona, también para saber que se existe, que se está vivo.

MATICES

"Sin escape" es un filme que abre muchísimos matices de interpretación en el aspecto psicológico, en lo social, pero en definitiva, lo interesante de esta historia es que desprende un cierto misterio, en el que el espectador tal vez se sienta identificado en alguno de sus aspectos.

Hay algo de lo que no se habla en este protagonista y hay una meta a cumplir, que tal vez para Johann tampoco está demasiado clara. Pero el ser testigo, como público, de esa búsqueda, invita a reflexionar sobre las conductas sociales, las que a veces convierten la existencia en algo arbitrariamente monótono.

Con un armónico equilibrio narrativo, es un brillante estudio sobre una parte del comportamiento humano, con un actor -Andreas Lust- tan inexpresivo, como admirable.

Misterios de un alunizaje

Esta es una docuficción sobre un hecho que puede haber ocurrido o no. Precisamente la intención de este thriller de ciencia ficción, tiene la función de sembrar la duda en el espectador, si realmente lo que está viendo fue real, o forma parte de la imaginación de los guionistas de esta película que dirigió el madrileño Gonzalo López-Gallego.

Con una narración cinematográfica que se apoya en el cine documental y de ciencia ficción "Apollo 18..." va detallando instante a instante, lo que ocurre cuando la Nasa decide convocar a tres astronautas para enviarlos en una nueva misión a la Luna.

El proyecto es absolutamente secreto y los hombres ni siquiera le podían revelar lo que iban a hacer a sus propias familias. Esta misión se llamó Apollo 18, de la que ni la NASA es capaz de definir si se realizó o no. O mejor dicho, más bien niegan el hecho.

EN EL VACIO

Lo cierto es que una vez realizado el alunizaje por los astronautas, éstos descubren una serie de hechos que comienzan despertar en ellos una misteriosa sensación de inseguridad. A pesar de tener mentalidad científica, los pilotos sufren de cierto pánico y más aún cuando descubren una nave soviética parecida a la norteamericana y más tarde manchas de sangre dentro y fuera de la cabina, por lo que presumen que sus colegas rusos están muertos.

¿Quién los mató? ¿Por qué murieron, o cuáles son las causas? es algo que los norteamericanos se disponen a investigar. Poco después una rara situación se produce dentro de la nave mientras descansan. Se escucha un ruido y más tarde una pequeña roca lunar aparece fuera de la bolsa hermética en la que se la había colocado.
Más tarde se escuchan ruidos afuera de la nave y lo que sigue es la exploración a un cráter lunar, que parece una cámara refrigerada, por el intenso frío que se encuentra en esa extraña cavidad y a continuación uno de los astronautas vive una particular sensación, según lo comenta, en la que cree que su cabeza está por estallar.

LA MISION

El hecho se dice ocurrió en 1973 y el director Gonzalo López Gallego, igual que su colega Rodrigo Cortés (también español), en "Enterrado", lo que se propone explorar, es la sensación de claustrofobia y de asfixia que percibe tanto el espectador, como los mismos protagonistas, al sentirse atrapado u observado por algo que no se sabe qué es.

Con planos cerrados y prácticamente en una sola locación, López Gallego se las ingenia para ir creando una espiral de suspenso y terror que va in crescendo, a la vez que mezcla imágenes de videos y tomas subjetivas que dan cuenta de lo que viven esos hombres, poco antes de un desenlace que aún hoy permanece en el misterio.
Un guión poco trabajado, repetitivo, con escenas a las que le falta un mayor desarrollo dramático, el director trabaja la idea de un "terror externo que acecha" y lo hace con recursos que terminan convirtiéndose, por momentos, en una insalvable sensación de monotonía.

Canciones que vencen el tiempo

El documental de Francisco D"Intino permite acercarse a la leyenda de los músicos de la cultura caicara, del litoral paulista, en Brasil.

La música a través de los siglos se ha utilizado como elemento de comunicación entre los pueblos. Una canción une, un ritmo invita a bailar, o despierta en el que la interpreta, como el que escucha, quizás iguales sensaciones de melancolía, de romanticismo, de rebeldía, o de comunión.

La cultura caicara que es a la que hace referencia el realizador cordobés en este documental, permite acercarse a un grupo de hombres de distintas generaciones, que han ido transmitiendo su saber a través de la narración oral, de las canciones.

Su origen proviene de la mixtura, surgida a partir del siglo XVI, entre la inmigración africana, portuguesa y las comunidades indígenas del país vecino, por eso la cultura caicara no sólo se remite a la música, es una forma de pensar la vida.

ISLA DE ILHABELA

Los mayores exponentes de esta cultura habitan en la isla de Ilhabela y se dedican a la pesca, la artesanía, la construcción de sus propias viviendas, su música, tocan instrumentos como el violín, o de percusión.
Una de esas leyendas de la música que aún sobrevive en sus familiares, es la obra del fallecido Felinho Camarao de Ilha, uno de los primeros creadores del samba caicara.

El documental de Francisco D"Intino permite redescubrir el canto ancestral de unos hombres, que han sabido preservar en parte su patrimonio cultural. Así lo indica la investigadora María Claudia Franca Nogueira, que fue compañera de vida del mencionado Camarao de Ilha, cuyas canciones continúan interpretando sus sobrinos y sus hijos.

"Caicaras, los hombres que cantan" permite un acercamiento visual y musical a una cara no tan turística, ni de tarjeta postal, que predomina en el país vecino.

Emotivo relato sobre la inmigración

Una historia de amistad y solidaridad, es la que propone el director y guionista Francisco D"Intino, en este filme que detalla las dificultades cotidianas que se ven obligadas a enfrentar dos mujeres solas.

Ellas son Rita y Li, la primera es una inmigrante paraguaya, que dejó a su hija de seis años y a su familia en su país natal y viajó a tentar suerte a la Argentina. La otra es de origen chino y tiene varios años de radicación y un pasado trágico, que remite al momento en que ella y su marido tenían un supermercado y durante la crisis de 2001, unos delincuentes les robaron el negocio y terminaron matando al hombre.

CAJAS MISTERIOSAS

Li que queda sola, es ayudada por un policía, dueño de un lavadero, que le da trabajo en ese negocio, a la vez que, igual que a la joven paraguaya, les retiene sus papeles, prometiéndoles que se encargará de conseguirles los documentos necesarios para que pueden moverse con libertad en la ciudad.

Si bien las mujeres perciben que algo no está bien en la historia del dueño del lavadero, que esconde varias cajas misteriosas en el fondo del local, más tarde todo se esclarecerá y terminarán viviendo una situación dolorosa, que modificará sus vidas.

Filmada en la provincia de Santa Fe, la película describe muy bien la relación con los vecinos, la amistad que va creciendo entre ambas mujeres y la dedicación a ese negocio, que consideran como propio.

EMOCIONES SUTILES

D"Intino se permite ahondar en emociones sutiles, que llegan al espectador, a través de silencios, de miradas, en los personajes, de relatarse una a la otra sus pequeñas historias de vida.

Si bien el director no profundiza en situaciones como la inseguridad, la corrupción, la explotación a la inmigración, sobrevuela esos temas y lo hace con líneas simples y precisas, a la vez que le impone al relato un final, si se quiere poético, pero no demasiado inverosimil.

Sin pretender ser una historia social, el filme transmite una poética de fraternidad, en la que se destacan con magníficos logros interpretativos, Julieta Ortega y Miki Kawashima. Junto a ellas, en buenas actuaciones, se ubican Antonio Birabent, Juan Manuel Tenuta y Juan Palomino.

Una familia presa del descontrol

Basada en una novela autobiográfica del escritor belga Dimitri Verhulst, "La vitalidad de los afectos" propone una historia tan irreverente, como desprovista de prejuicios morales, a la hora de evaluar el comportamiento de una familia.

Los Strobbe viven en un barrio de clase media baja, en una ciudad de Bélgica. La familia está compuesta por la madre jubilada y la única que aporta recursos económicos a esa casa, en la que habitan sus cuatro hijos. Uno de ellos separado, con un hijo adolescente. Ninguno de los hombres trabaja y viven sus días y noches, entre borracheras y apuestas inútiles al juego, que lo único que hace es endeudarlos.

LOS VECINOS

La anarquía parece reinar en la familia Strobbe, cuyo grupo a pesar de ser considerado por los vecinos como maleducados, sucios y vagos, se mantiene unido en el afecto y viste con orgullo ese apellido, que los define como un grupo de cuidado, para los que los conocen.

El observador de lo que ocurre en esa casa, es el adolescente Gunther. El muchacho ya desde la escuela primaria, siente el deseo de convertirse en escritor, pero sin duda el medio lo invita más a delinquir que al estudio.

La llegada de una asistente social a la casa termina modificando el entorno de Gunther y su familia y finalmente de lo que el espectador es testigo, es de que el muchacho decidió trasladar al papel lo vivido entre los suyos.

VIGOR DRAMATICO

En ese libro, al que primero las editoriales rechazan, se apoya esta historia filmada con sólidos recursos narrativos y un vigor dramático admirable.

"La vitalidad de los afectos" no pierde en ningún momento el concepto de unidad familiar, a pesar de las crisis, la dosis frecuente de violencia o el maltrato entre pares.

Emociones que se muestran crudamente, caracteres que se definen a través de un comportamiento humano bien estudiado por este joven cineasta representante de la "nouvelle vague" belga, son parte de este filme de un intenso atractivo dramático.

La película en síntesis detalla lo que ocurre cuando uno pasa de ser hijo a padre y cómo se vive esa experiencia y se la asimila simplemente a través del afecto, la dedicación y el respeto al otro.

Kenneth Vanbaeden y Koen De Graeve, hijo y padre en la ficción concretan una de las actuaciones más contundente de este fascinante friso familiar.

Producto al mejor estilo catástrofe

Ya hubo varias "Destino final", como su número impar lo atestigua, pero ésta es en 3D y punto, porque en realidad no aporta nada nuevo al tradicional tema de cómo esquivar la muerte y las distintas zancadillas que puede sortear una persona para escapar de la Señora (o Señor) Inevitable.

En este caso, como en la mayoría, hay un grupo de muchachos jóvenes que van de excursión y uno de ellos tiene la premonición de que cuando crucen el puente colgante van a caer al vacío. Como parece que Sam tiene un training especial en presagios, trata de salvar a su gente querida. Y lo logra.

El asunto es que Peter, el mismo Sam, su novia Molly y cualquier sobreviviente que se precie está metido en una suerte de video game, cuya premisa central es cómo hacer para escapar de la muerte, que tozuda, no puede permitir que los sobrevivientes de una catástrofe tengan sobrevida.

EL PUENTE

La película está correctamente realizada técnicamente, tiene un buen diseño de producción y la escena de la caída del puente es la mejor en cuanto a efectos especiales. Es interesante el uso del 3 D y también el filme tiene su cuota de humor. La escena del oftalmólogo y la chica del peluche parece haberse equivocado de película y generada en algún túnel del horror de Hoteles o de alguna Noche de Brujas número dieciocho.

Los actores son jóvenes, lindos y no muy expresivos (D"Agosto, Emma Bell) y la película se puede recomendar sólo a los que se interesen por este tipo de filmes, que no sean muy pretensiosos y a los seguidores de la saga que se dedican a imaginar cuáles van a ser los obstáculos que se le presentan a la muerte para impedir su misión. Criticamos su falta de originalidad, aunque al público adicto parece no haberle importado, del presupuesto original de cuarenta y cinco millones de dólares, ya llevan una ganancia de veinte millones, porque recaudó más de sesenta. Es un problema de adicciones.

Duro legado de la década del 90

El filme de Lorena Riposati se subtitula "abriendo los caminos de la resistencia y la dignidad" y la directora muestra distintas instancias que hacen a cómo se fue transformando esa sociedad después de los "90.

En los habitantes de General Mosconi, Salta, todavía resuenan las palabras del ex presidente de la Nación, Carlos Saúl Menem, cuando, en la década de 1990, se refirió a ese ""absurdo concepto de la soberanía"" (tal como lo muestra un fragmento de noticiero en el filme) y privatizó empresas como YPF, Segba, Entel, Aerolíneas y tantas otras.

Precisamente YPF era el pilar que sostenía a la sociedad de Mosconi, los que a partir de la explotación petrolera por parte de empresas privadas, comenzaron a vivir una crisis económica sin precedentes, que los llevó a vivir situaciones de represión extremas por parte de las autoridades oficiales.

El desempleo, la desintegración familiar y la falta de recursos, obligó a que la gente se agrupara y creara la Unión de trabajadores desocupados de Mosconi (UTD), que se encarga no sólo de las cuestiones laborales, también de los problemas de vivienda, salud y educación.

ABRIENDO CAMINOS

El filme de Lorena Riposati se subtitula "abriendo los caminos de la resistencia y la dignidad" y la directora muestra distintas instancias que hacen a cómo se fue transformando esa sociedad después de los "90.


La realizadora construye la historia de Mosconi a partir de testimonios de sus habitantes, de animación que explican sobre la explotación del petróleo, la contaminación ambiental y muestra el diario trabajo de la gente y cómo se "reinventan" cotidiamente para poder subsistir.

"Mosconi" es un documento construido mediante un buen trabajo de investigación que permite seguir los pasos de un grupo social que resiste a la pobreza extrema, a partir de intentar defender las escasas fuentes de trabajo, haciendo artesanías, creando proyectos, que les aseguren la alimentación y la vivienda a la gente del lugar.

Ese país que sabemos ignorar

El protagonista deja perder su mirada sentado en la amplia terraza de su casa de piedra y sus testimonios ilustran claramente el sacrificio que implica la preservación de una cultura originaria, que sin querer parece ir desapareciendo con las nuevas generaciones, obligadas a emigrar en busca de mejores horizontes.

Candelario Gerónimo tiene setenta y ocho años y toda su vida vivió en la Quebrada de los Chañares, en la provincia de Tucumán.

Gerónimo es uno de los tantos seres anónimos que viven en contacto con la naturaleza, en su más primitiva expresión y forma parte de la Argentina ignorada.

El habitante de las grandes ciudades poco puede imaginarse de un hombre que siente orgullo por el lugar que nació y afirma ser descendiente de la cultura indígena de los Quilmes, los que fueron exterminados con el avance de la conquista de los territorios.

"La tierra es del que la cultiva" y este concepto que provoca tantos conflictos, es el mayor deseo de una comunidad que sobrevive alejada, en medio de quebradas, de vastas extensiones de sábanas de pasto verde intenso, zonas desérticas, con piedras, con las que se construyeron la mayoría de las precarias casas de la zona, en medio de arroyos de agua cristalina.

GRANDES EXTENSIONES

"Ceremonias de barro" descubre a este hombre, que educó a sus hijos, los que ya no viven en la casa familiar y dice ser hijo natural de una mujer que lo crió a él y a sus hermanos, los que iban a la escuela a pie, caminando entre ida y vuelta unos treinta kilómetros.

En esa zona de los Chañares, sus habitantes como el mismo Candelario viven de sus pequeños rebaños de cabras y llamas, del sembrar la tierra y del culto de rituales como el de La Pachamama y La señalada, la preservación de su cultura, las artesanías y el cuidado del agua, que por momentos escasea, debido a la minas a cielo abierto, que han contaminado grandes extensiones de terreno, matando a los animales y la flora del lugar.

El protagonista deja perder su mirada sentado en la amplia terraza de su casa de piedra y sus testimonios ilustran claramente el sacrificio que implica la preservación de una cultura originaria, que sin querer parece ir desapareciendo con las nuevas generaciones, obligadas a emigrar en busca de mejores horizontes.

Redescubrir el cine desde la vida

Es un filme confesional, sobre dos realizadores, que parecen fundirse, ensimismarse en silencios, en imágenes que transcurren lentas, "perezosas" y misteriosas para el que las observa, pero a la vez resultan fascinantes.

Un interesante contrapunto de ideas y sensaciones a transmitir al espectador, es lo que propone el documentalista Andrés Di Tella, en su retrato del cineasta experimental Claudio Caldini.

Figura del cine under de hace más de veinte años atrás, Caldini ha hecho a lo largo de su vida cortometrajes en super ocho sin apoyos, sin subsidios, sólo por el arte de dejar que la cámara refleje pensamientos, paisajes abstractos, o personas que al verlas hoy representan un documento insustituíble de la época. Porque a través de ellos, se refleja una forma de percibir la cultura, se observa la moda de hace décadas, los viejos peinados nuevos y se redescubre a una Marta Minujin (a la que Caldini filmó en una performance en la que intentaba enterrarse viva), que nunca perdió su dosis de rebeldía, aún durante la dictadura militar.

Caldini convirtió su vida también, según lo expone el filme de Di Tella, en un campo de experimentaciones. Se fue a la India, se perdió en alucinaciones propias de varias décadas atrás, en las que meditar era abstraerse por un largo rato de la realidad y luego regreso y se quedó sin casa y sin trabajo.

LA UTOPIA

En el momento en que lo redescubre Di Tella vive en una quinta, de la que es casero, en General Rodríguez. También dicta clases y muestra sus películas under, las que despiertan sensaciones raras para el que las ve hoy, por su tratamiento del celuloide, por sus figuras plásticas, por la necesidad del que las ve, de querer descubrir ese "más allá" intangible que es parte de la indescifrable vida de un artista.

"Hachazos" es un filme confesional, sobre dos realizadores, que parecen fundirse, ensimismarse en silencios, en imágenes que transcurren lentas, "perezosas" y misteriosas para el que las observa, pero a la vez resultan fascinantes.

Este filme convertido en un "biodrama" de Di Tella y Claudio Caldini, permite repensar en parte en lo que se ha convertido hoy el cine y cuánto ha ido perdiendo de la vieja utopía del arte de otra época, de ese sabor artesanal de contar con el tiempo y recursos para filmar lo que se quiere y no lo que imponen los otros.

Un político novato se postula para intendente

El filme responde al género de las nuevas comedias italianas, livianas con un muy buen diseño de producción, entretenidas y con actuaciones, en este caso muy logradas por Luca Argentero, Claudia Gerini y Filippo Nigro.

En un pueblo del norte de Italia, con una mayoría conservadora se viven los futuros comicios para elegir intendente.

Piero hace tiempo que viene militando como representante de la mayoría gay. El mismo está en pareja hace varios años y decide candidatearse para alzar su voz en nombre de una minoría.

En el lado opuesto, vale decir, en la oposición, parecen ser mayoría los candidatos más tradicionalistas, los que piensan en la familia, padre, madre, hijo. Y éstos están representandos por una joven rubia, linda y a la que le gusta discutir, lo que da como resultado que cuando los dos candidatos se reúnen parece que todo va a estallar.

Pero lo sorprendente para esa comunidad de gente que elige a sus candidatos por sus logros inmediatos y no por su trayectoria, vendrá después.

Lo curioso es que aconsejado por su pareja, el muchacho gay decide hacer una tregua e intentar comprender los por qué de los continuos enfrentamientos que se producen con esa mujer sola. El resultado es muy optimista, ambos unen sus fórmulas para conquistar a una misma comunidad.

VOTOS A LA URNA

El filme se apoya en la constante que lleva a cabo cualquier candidato en época de elecciones y con la intención de conseguir votos en las urnas. Se hacen obras apresuradas, se las promociona como si fuera un gran acontecimiento, o se las difunde una y otra vez, como si la comunidad sufriera de pérdida de memoria.

En ese transcurrir de las estadísticas electorales, el chico gay decide hacerles una confesión muy íntima a las madres de un jardín de infantes, que le reclaman mejoras edilicias y subsidios y termina conquistando a todas con su sinceridad y algunas lágrimas. Eso le permite algunos puntos más según las consultoras de turno.

"¿Diferente de quien? es una típica comedia de enredos, con equívocos entre uno y otro candidato que permite evolucione la historia y con algunas escenas de humor absurdo, que el equipo de jóvenes actores elegidos por el director, saben llevar a muy buen término en cada escena.

"¿Diferente...?" responde al género de las nuevas comedias italianas, livianas con un muy buen diseño de producción, entretenidas y con actuaciones, en este caso muy logradas por Luca Argentero, Claudia Gerini y Filippo Nigro.

Como un reflejo de la realidad

Marco Berger hizo previamente "Plan B". En aquella ya se mostró como un director inquieto en el lenguaje narrativo y la dirección de actores.

Berger es un artista inteligente y con un afán de búsqueda cinematográfica, que le permite estar siempre atento en cómo atrapar la atención del espectador. Esa es una virtud muy destacada. No todos los cineastas piensan en el público.

"Ausente" tiene el formato de un thriller de suspenso, que por momentos roza el terror. Esto surge a través de cómo va hilvanando las escenas, en un estilo seco, contundente y simple a la vez.

Acá se trata de una historia que ha sido muchas veces contada, pero siempre desde la visión de que es un adulto el que acosa a una chica. En "Ausente" ocurre al revés, un chico de dieciséis años se siente atraído sexualmente por su profesor de natación, e intenta encontrar las formas posibles de atraer al educando para sus fines.

ATRACCION Y RECHAZO

El resultado es imprevisible y sorprendente, porque en el desarrollo de la historia, el joven cineasta se permite jugar a "las escondidas" con los personajes y no siempre son los diálogos los que dan cuenta de una culpa, de un deseo, de un acto de seducción, o de una atracción que roza la obsesión.

Marco Berger emplea, en las escenas que así lo requieren, planos cerrados, planos detalle o la fragmentación de objetos o de cuerpos de personas y eso colabora en subrayar esa dosis de suspenso que le hacía falta a esta historia, para lograr atrapar la atención del espectador.

Igual que en "Plan B", el cineasta logra redescubrir aspectos tan íntimos, como inusitados de sus personajes y lo hace acentuando el misterio. Guía a sus actores con acierto, para que éstos logren mostrar aquellos sentimientos que a veces no alcanzan a expresarse por una cuestión de pudor, dudas, o temor a ser rechazados.

Con magníficas actuaciones de Javier De Pietro, Antonella Costa y Carlos Echavarría, el filme tiene una sugestiva música y fotografía que redondean los climas que la historia requería.

Una relación siempre conflictiva

Es un documental creativamente contado y recuerda de algún modo y salvando las distancias, a "Monólogos de la vagina", de Eve Ensler, en el que los testimonios adquieren otro vigor dramático y social.

Las primeras escenas de este magnífico documental del cineasta panameño Abner Benaim, muestra los primeros planos de varias mujeres que responden a un amplio y preciso cuestionario. Las preguntas son: ¿sabe cocinar? ¿planchar? ¿cocina lasagnas?. "Planchar no, cocinar sí", responde una de las entrevistadas.

"Empleadas y patrones" escapa en todo momento al lenguaje narrativo convencional, por momentos es trepitante y el mismo ritmo de las palabras y los modos de hablar de mexicanas, panameñas y colombianas le otorgan una musicalidad especial a cada instancia de este filme, que intenta ser entretenido, sin esquivar el aspecto social y hasta conflictivo de las relaciones.

LOS AFECTOS

El director Abner Benaim deja que sus entrevistadas y su cámara vayan contando lo que sucede adentro y afuera de la casa, qué ocurre con los afectos de esas mujeres que a veces se alejan de su hogar y sus hijos, para cuidar los caprichosos niños de otros. A veces alguna de estas mujeres se vuelven imprescindibles para los chicos de la casa, en ausencia de sus padres y lloran largamente cuando ellas se toman un día de descanso, o se van de la casa.

Pero unos y otros saben que esas relaciones son así. Desde el vamos en la mayoría de las empleadoras existe la desconfianza, el temor a que la empleada cuente secretos familiares y todas creen que esa mujer que se encarga de lo cotidiano, es una especie de "esclava" a la que se puede reclamar a cualquier hora.

IRONIA Y CRUELDAD

Benaim es implacable, divertido y a veces hasta irónicamente cruel en mostrar esas relaciones, las que describe a través de un sinfín de anécdotas, desde aquellas que hacen referencia a la religiones paganas, hasta las que muestran a niños convertidos en monstruos, que reclaman los servicios de la empleada, luego que ellos vaciaron varios cajones de juguetes de su habitación, con muñecos de todos los colores que vuelan por el aire.

"Empleadas y patrones" es un documental creativamente contado y recuerda de algún modo y salvando las distancias, a "Monólogos de la vagina", de Eve Ensler, en el que los testimonios adquieren otro vigor dramático y social.

La mixtura cultural centroamericana le otorga un sabor especial de acentos y costumbres a este filme muy interesante de ver.

Tournée existencial y poética

El iraní Abbas Kiarostami es un maestro en convertir las situaciones cotidianas de sus protagonistas, en una tournée existencial a la medida de las circunstancias que cuenta.

En este caso se trata de un hombre y una mujer, que debaten sobre el sentido de la vida, el arte y el amor, aunque detrás de esas reflexiones, subyace un inquietante desasosiego interior, al que Kiarostami tiñe de inusuales matices poéticos, inmersos en una melancolía, que mucho tiene que ver con el escenario elegido: La Toscana, italiana.

El filme plantea el reeencuentro entre un escritor cuyo libro refiere a las copias de las obras de arte y una galerista, coleccionista de obras de arte.

INDIVIDUALIDADES

Entre ambos hubo una relación amorosa que intenta reveerse, quizás reconstruirse, aunque ni uno ni otro parece querer renunciar a una individualidad no exenta de pasión.

"Copia certificada" encierra el sabor de una melancolía, a través de la que sus protagonistas, podría decirse, intenta recuperar, aprehender un pasado que ya no está. Quizás esos mismos postulados se refieran a la propia vida del cineasta, censurado en su patria, por este filme, el primero que decide rodar lejos de su país, Irán.
La historia muestra la llegada de ese hombre, que viaja a dictar una conferencia y a presentar ese libro, mientras en la platea y un poco tarde hace su presencia la mujer, acompañada de su hijo.

REENCUENTRO

Una discusión posterior entre madre e hijo, deja en claro que el reencuentro entre ella y el escritor despierta varias expectativas.

A través de ese relato, Kiarostami se cuestiona que es realidad y qué es ficción, o que hace que un original sea más valioso que una buena copia de una obra de arte. A veces una copia es más perfecta que el original, señala en algún momento el escritor y a partir de ese momento, surgen discusiones, sentimientos y reflexiones, que esconden más de lo que muestran entre sus protagonistas. No obstante esas situaciones permite disfrutar de una exquisita actriz como Juliete Binoche, dueña de una frescura interpretativa, tan espontánea como fascinante.

Más allá de las cualidades de Kiarostami para filmar, la película vale verla por esta actriz a la que no se disfruta con tanta frecuencia y a la que se recuerda por producciones como "El paciente inglés". La acompaña y muy bien el inglés William Shimell.

Como un legado de la Perestroika

Abandonados a su buena suerte, dos marineros (Viktor Yasinskiy y Anatoli Atankievich) oriundos de Bielorrusia, que trabajaban en un barco de la ex Unión Soviética, quedaron varados en la Argentina, con la llegada de la Perestroika a su país.

Mientras el primer ministro ruso Mijail Gorbachov sonreía ante los noticieros del mundo, esos dos hombres, junto a muchos otros, quedarían a la deriva, sin patria y librados a la buena suerte, en un puerto muy lejos de su tierra natal.

Ocurre que el pesquero Latar II, en el que navegaban pertenecía a una empresa mixta, con capitales bielorrusos. Al separarse la Unión Soviética de Bielorrusia la nave quedó anclada y sin apoyo económico, según lo dan a entender los testimonios en el filme.

En ese marco de situación el pesquero quedó varado en Mar del Plata y su tripulación entre rusos y argentinos, sin recibir sueldo alguno. Se llegó a tal situación que tuvieron que ir vendiendo las partes del barco para poder subsistir, aunque algunos no sobrevivieron al intento.

TESTIMONIOS DIRECTOS

El documental de Misael Bustos, es un documento único, bien contado, que hace referencia a los nuevos inmigrantes que pueblan la Argentina, en este caso no por decisión propia, sino obligados por las circunstancias.

Con escenas filmadas en Rusia, Buenos Aires y Mar del Plata, la película sigue distintos momentos de la vida de esos dos marineros, un electricista y un ayudante, hasta que logran rearmar una nueva familia en la Argentina.

Con un buen apoyo de documentos y testimonios de los mismos damnificados, el relato muestra la travesía existencial de esos dos hombres, los que como muchos otros, en Europa, con los cambios económicos y las crisis, se han quedado prácticamente sin patria que los ampare, ya que en sus documentos originales figura un país que ya no existe más. Mientras que en el recuerdo quedaron padres, familiares, esposas e hijos, a los que ya no se los ve.

Misael Bustos en su opera prima consigue una historia emocionante, épica y a la vez histórica, incluye fragmentos de noticieros, fotos y el testimonio directo de sus protagonistas, a los que parece perseguir un estado de soledad constante y la pérdida de un idioma para dar lugar a otro nuevo, que se habla con dificultades, aunque eso no impidió que hicieran el esfuerzo por comunicarse, en pos de reconstruir sus vidas.

A manera de ayuda solidaria

Los conocidos personajes de Disney Channel, Topa y Muni ampliaron sus horizontes no sólo al teatro, también a la pantalla grande.

"Hermanitos del Fin del mundo" es una historia de amistad y solidaridad, que tiene como centro un pequeño orfanato, ubicado en la ciudad de Ushuaia.

Con una estética que recuerda a las "chiquititas" de Cris Morena, el filme de Julio Midú y Fabio Junco, los creadores del "cine con vecinos", que se hicieron conocidos a partir de sus películas con los vecinos de Saladillo, concretan un sólido y buen producto de entretenimiento para los más pequeños.

La película se desliza cómodamente por situaciones en las que los niños, junto a Topa y Muni son el epicentro de la historia. A ellos se une una villana que provoca el conflicto, una señora millonaria, con un pasado de maltrato en ese mismo orfanato, varias décadas atrás, que sin haberse podido despegar de aquel recuerdo, quiere borrar de la tierra la institución.

HUMOR Y CANCIONES

Para eso, la mujer, una mala copia de la famosa Cruella De Vil de "101 Dálmatas", tiene por ladero a un hombre débil al que maltrata e intenta por todos los medios de comprar la casa en la que viven los niños.

Sin darse cuenta que los tiempos cambiaron y los chicos y quienes los cuidan tienen otros recursos para solicitar ayuda solidaria, la que encuentran en La Pandilla de Sol, a los que conocen por televisión y por sus canciones y ritmos pegadizos.

"Hermanitos..." es una historia que bien podría presentarse en capítulos televisivos, tiene escenas cortas, con humor, canciones, en las que la simpatía de Topa y Muni los convierte en líderes de los más pequeños. A ellos se suman el galán de la historia, en la figura de un empresario, un portero al que nada le cae bien, una directora que se preocupa por los niños y un equipo de maestras que ofrecen cariño y amistad a los más pequeños.

En síntesis una película bien realizada, con actuaciones homogéneas, buenos paisajes de Ushuaia y la simpatía a las que ya tienen acostumbrados a los más chicos: Topa (Diego Topa) y Muni (Muni Seligmann).

Amor y dolor adolescente

Es una historia que pone en primer plano las transformaciones que sufren dos familias, a raíz de distintas circunstancias, que se suceden en esa zona residencial en la que viven, cerca de Nueva York.

Los Bragg y los Bartlett, son vecinos. Se conocen, dos de sus hijos adolescentes van juntos a la escuela y los adultos llevan una relación correcta, que hará eclosión cuando a Charlie Bragg se le diagnostique una rara enfermedad que contagia, un animal, en apariencia tan inofensivo como el ciervo.

Las crisis afectivas que viven esas dos familias, no sólo tienen que ver con la enfermedad de Charlie, que despierta una cierta paranoia entre los dos núcleos sociales, también refieren al desencanto de los adultos, al amor en pareja que se termina, a las crisis económicas y los típicos cambios que se producen en la adolescencia.

RARA ENFERMEDAD

Por un lado están los Bragg. Con el padre, que debido a su enfermedad, que le afecta su sistema neurológico se ve imposibilitado de trabajar, su hija y su mujer, que mantiene la casa y finalmente termina engañándolo, obligada por el ahogo que le provocan las circunstancias.

En el otro ángulo se ubican los Bartlett, con un hijo adolescente, Scott, otro que viene de visita e integra las filas del ejército y el padre, un ambicioso empresario inmobiliario, que engaña a su mujer, con la esposa del vecino.

En ese marco de circunstancias, es Scott el testigo ideal de lo que sucede en esta zona de una periferia suburbana, de casas de dos plantas y la soledad suficiente, como para que ésta se convierte en caldo de cultivo de las más miserables calamidades humanas.

La violencia familiar, el maltrato, la incomunicación, la impotencia ante lo irreversible, aportan una interesante mirada dramática a estos grupos sociales, representativos de la sociedad estadounidense de la década de 1970.

En esta historia hay culpas, cobardías, engaños y lealtades, a las que el director supo transmitir a través de un equipo actoral, en el que se destacan Alec Baldwin, Timothy Hutton, Rory Culkin y Jill Hennessy.

Una profesora cuestionada

La comedia es un género en el que Cameron Díaz se mueve como pez en el agua y más aún si la historia exige que su protagonista además de ser simpática, sea sexy y atrevida al mismo tiempo.

Claro que en "Malas enseñanzas", la rubia no se muestra tan cordial como en otros relatos del mismo género. Su personaje es bastante antipático, pero en eso se sostiene el interés que despierta su Elizabeth entre los que la rodean y en el público.

Es que Elizabeth, la profesora de secundario, que hace la Diaz, es una mujer que solo piensa en ella misma y nadie más.

El comienzo de la película la encuentra en el momento en que decide abandonar la escuela en la que trabaja y llega a casa de su novio con el que vive, para recibir la terrible noticia de que éste, en compañía de su madre, le dice que todo se terminó.

El resultado es que la chica queda en la calle, ya que no tiene ni casa propia ni alquilada. Pero Elizabeth es una obsesiva: ella busca un hombre que la mantenga y en eso pondrá todo su empeño, no importa el precio que tenga que pagar, ni tampoco a quienes deba engañar.

BUENOS TRUCOS

En este caso algunos de los engañados con los trucos que pone en marcha la educadora, son los padres y los chicos mismos.

La llegada de un maestro suplente, cuya familia está en muy buena posición económica, hará que Elizabeth entre en competencia con una colega, con pechos más voluminosos que ella. Por lo que a continuación el interés de la profesora se encaminará a ver de qué manera consigue el dinero para una cirugía estética.

Comedia de enredos, con algo de escatológico, diálogos por momentos ingeniosos y chispeantes que harán reír a un público adolescente y a fans de la Cameron, que en esta historia se muestra bastante sexy, son parte de esta historia bien condimentada por los guionistas de la serie televisiva "The office".

"Malas enseñanzas" tiene un buen entramado de escenas efectistas que divierten y permiten el lucimiento no sólo de Cameron Díaz, también de una buena actriz como Phyllis Smith, de la serie mencionada y el cantante y actor Justin Timberlake, no demasiado bien aprovechado debido al personaje que le tocó en suerte.

Las imágenes recuperadas

El cineasta Andrés Nicolás Cuervo salda una cuenta pendiente con su padre: continuar un filme que él dejó inconcluso, cuando murió en un accidente de tren.

Roberto Cuervo, el padre de Andrés Nicolás, el realizador de este filme, se hizo amigo de Haroldo Conti y mientras uno estudiaba cine, el otro letras. De esa amistad consolidada en la década de 1970, quedaron una serie de imágenes grabadas, de testimonios, que dan cuenta de un importante momento de la literatura argentina, con Eduardo Galeano, Marta Lynch, Rodolfo Walsh, la revista Crisis.

Andrés Nicolás Cuervo ordena esas imágenes, le aporta testimonios de su madre filmados en el presente, le suma instantáneas actuales que aluden metafóricamente a un momento, a un hombre: Haroldo Conti, que fue secuestrado y desaparecido en 1976 y nunca más se supo de él.

RECUERDOS

"El retrato postergado" incluye muchas imágenes filmadas en blanco y negro, en 16 mm. o super 8, que permiten ver a Haroldo Conti, en su isla del Tigre, con Walsh, o en su Chacabuco natal, en la que casa en que vivió y se respira el clima que dio lugar a cuentos inolvidables "La balada del álamo Carolina", o la novela "Mascaró, el cazador americano".

"La vida es un borrador nunca completo" solía decir Haroldo Conti. El que también comentaba que todos sus escritos se inspiraban en su Chacabuco natal, o junto a sus padres, un hombre que vendía telas por los pueblos, acompañado por un adolescente Haroldo, que más tarde utilizaría esos recuerdos para describir en sus cuentos.

De ellos, de los personajes de Conti, Marta Lynch solía decir que demostraban ""una especie de piedad hacia el ser humano".

Precisamente la misma autora de "La alfombra roja" definía al escritor, que también fue guionista, titiritero, como un "creador de una escritura exquisita".

El documental permite un acercamiento cálido, profundamente emotivo a un Conti del que nunca más se supo de él, pero el filme tiene el valor de permitir recobrar su imagen, su pensamiento, su manera de entender la vida.

El escritor decía que "el amor verdadero está rodeado de tristeza" y algo de eso se transmite en esta película, que intenta y lo logra, una intensa comunicación con el espectador.

El amor a orillas del Sena

Sólo Woody Allen podía permitirse incluir en un mismo filme, a actores que representan una de las épocas de oro del arte internacional, como Degas, Toulouse Lautrec, Manray, Luis Buñuel, Cole Porter, Zelda y Scott Fitzgerald, Ernest Hemingway, o Gertrude Stein, sin obviar a Pablo Picasso, o a Dalí.

Lo curioso es que en este viaje por el pasado, el gran Woody no emplea efectos, ni tampoco ningún juego sofisticado de cámaras, para hacer que su protagonista (un guionista estadounidense, que trabaja en Hollywood y visita París, con su novia y los padres de ella) viaje en el tiempo, tanto a la década de 1920, como a la Belle Epoque, con el Moulin Rouge incluído y su artista paradigmático el genial Toulouse Lautrec.

AUTO ANTIGUO

Sólo un abrir y cerrar de puertas de un auto antiguo que recoge al protagonista en las escalinadas de una iglesia por las noches, le sirven de apoyo a Allen para que su "alter ego" viaje en el tiempo y de pronto se descubra tomando unas copas con los Fitzgerald, encantadores y de gran vida social; o toparse con un Hemingway, siempre dispuesto a pelear, después de unos tragos demás, o ver y escuchar a Cole Porter tocando sus melodías en piano, siempre muy bien rodeado.

Allen concreta un filme encantador, que lo podrán disfrutar mejor aquellos de una edad aproximada a la del cineasta, que cuenta con varias décadas en su haber, ya que la mayoría de los que en esta historia aparecen dejaron legados insustituíbles a través de sus obras literarias, plásticas o musicales.

"Medianoche en París" refiere a los paseos nocturnos de Gil, ese guionista inconformista, que busca su lugar en el mundo y no se atreve a mostrar su novela porque todavía la considera en construcción. Aunque más tarde el aval de Gertrude Stein lo hará recapacitar como para atreverse a algo impensado hasta ese momento.

LA OVEJA NEGRA

Gil es la "oveja negra" que acompaña a esa familia estadounidense, que se creen superiores y tienen demasiado poca simpatía por los franceses, mientras que el futuro yerno cree haber descubierto su lugar de inspiración a orillas del Sena, en los barcitos bohemios o simplemente caminando por las nocturnas calles parisinas.

El filme es chispeante, irónico, ingenuo y pequeño y podría leerse como una travesura típica de Allen, que apela al entretenimiento haciéndole recordar al espectador, que a fines del siglo XIX y principios del XX, hubo una serie de precursores, que en la actualidad no han podido ser reemplazados en cuánto a su lucidez e inteligencia creativas.

Clive Owen, como Gil, el guionista, consigue una interpretación de gran eficacia. Cómodo en su papel el actor, se desenvuelve con una informalidad muy bien estudiada. A su lado, el papel que desempeña Corey Stoll, como Hemingway no deja de ser un hallazgo, del mismo modo que Kate Bates hace de Gertrude Stein o Alison Pill, de una admirada Zelda Fitzgerald.

Un París idílico, fascinante que invita a viajar lo antes posible a esa ciudad soñada, es retratada por momentos por Allen, como si se tratara de una gigantesca tarjeta postal.

Para el amor no hay edad

Este drama romántico en el que como en un cuento de Navidad, se pone de manifiesto que el amor no tiene edad, es lo que propone el estadounidense Nicholas Fackler, en su opera prima.

El filme está ambientado en los días previos al 25 de diciembre y muestra, con pronunciados y repetitivos detalles, como es la cotidianidad de un anciano de unos ochenta años, que todos los días va rutinariamente a su trabajo, en un supermercado.

Robert vive solo y mientras prepara el árbol de Navidad en su casa, con un único regalo que él mismo se compró, piensa en que le gustaría, tal vez, tener una familia.

LA SOLEDAD

Pero esta cuestión de la familia y los por qué de la soledad de Robert no quedan muy claros al comienzo del metraje, para el espectador.

Sí despierta la atención, que un señor tan mayor trabaje en un supermercado y tenga tan buena relación con el Ceo de la empresa, al que casi considera un hijo. Pero ¿por qué nó?. La cuestión es que muchos de los interrogantes, no todos, que el público puede preguntarse serán respondidos en su momento por este relato que refiere a la ancianidad, a la despedida de la vida y a los instantes en que se percibe que algo está por terminarse definitivamente.

"El amor de Robert" si bien es un drama romántico, en su interior, y a su manera, quizás de un modo demasiado idílico y hasta pretendidamente poético, pone de manifiesto algo mucho más profundo, el problema de la pérdida de la memoria y los síntomas del mal de Alzheimer, que afectan en su mayoría a las personas muy mayores.

Con esta problemática de por medio el director Nicholas Fackler, que tenía veinticuatro años cuando rodó el filme, va construyendo una historia que apela a la familia, a la Navidad como una forma de unidad entre las personas y a que el amor cuando es verdadero nunca muere.

Claro que quizás en su construcción la película por momentos se muestre demasiado irreal, e ingenua en su forma de exhibir esa Navidad de tarjeta postal, con calles y árboles con nieve y casas de dos plantas iluminadas, como de tarjetas de Fin de Año.

También es posible que muchos de los que la vean encuentren que su narración peque hasta de un cierto didactismo cinematográfico, no obstante es una historia que conmueve gracias a sus dos extraordinarios intérpretes. Ellos son Ellen Burstyn y Martín Landau, el inolvidable personaje de Bela Lugosi, del filme "Ed Wood", de Tim Burton.

Matt Damon y la chica de sus sueños

Encontrar a una joven en un baño de hombres de un gran hotel internacional, no es algo de todos los días. Por eso David Norris, cuando mira a la muchacha a los ojos y la besa, cree que es la chica de sus sueños.
Pero así como los sueños son fugaces, a los pocos instantes la niña desaparece y ya no se sabe si se la volverá a ver alguna vez, o nunca.

Norris es el más joven de los candidatos a senadores del Congreso estadounidense y sobre él crecen las apuestas, pero cuando un medio sensacionalista descubre una foto de sus años de estudiante con los pantalones bajos, todo parece derrumbarse.

En en ese momento cuando a Norris se le aparecen "los agentes del destino", los que se encargarán de prevenirlo que lo suyo no es perseguir a una chica de la que cree estar enamorado, sino seguir aspirando a la carrera política, tal como lo quería su fallecido padre.

PODER SUPREMO

"Los agentes del destino" está basada en un relato del norteamericano Philip K. Dick, el mismo de "Blade Runner" y "El vengador del futuro" y si bien lo suyo es la ciencia ficción y jugar con el presente, el pasado y las premoniciones, en este caso se inclina por una saga romántica, apuntalada con la posibilidad de creer que existe un poder superior al humano, capaz de manejar nuestras vidas.

El filme dedica más tiempo a los aspectos de la búsqueda implacable de un hombre para encontrar a la chica de sus sueños, que al tema esencial que trata: el libre albedrío y la predestinación, no obstante es una historia que cierra y se sostiene mediante un preciso y ajustado mecanismo narrativo, apoyado en una estética que hace referencia a la década de 1950.

Un siempre eficaz Matt Damon, muy bien acompañado esta vez por Emily Blunt y la reaparición del legendario Terence Stamp, como el presidente de "los agentes del destino", cierran este filme que no defraudará, pero dejará con ganas de algo más.

Aventuras de un guionista de cine

Después de escribir los exitosos guiones de "Un novio para mi mujer", "¿Quién dice que es fácil? e "Historias mínimas", Pablo Solarz se animó a escribir y dirigir su primer largometraje.

En "Juntos para siempre" vuelve a dar un nuevo giro a los conflictos de pareja. Su protagonista es un obsesivo guionista de cine, el que le da más importancia a lo que pueden pensar los personajes de sus historias, que a su propia mujer.

El filme no sigue los mismos pasos emotivos y humorísticos que las anteriores películas de las que Solarz fue guionista. Para su opera prima, el escritor prefirió inclinarse por una comedia ácida, satírica que hace referencia a los vínculos de pareja, con una actitud si se quiere tan descarnada, como verosímil.

EL OPTIMISTA

Porque el joven guionista que protagoniza el filme, es un hombre que dice apostar siempre a la "buena onda", al optimismo, sin importarle que a su paso deje una estela de indiferencia ante los que lo rodean. No obstante esa indiferencia parece tener un costado seductor y hasta esencial, para los más cercanos, es el caso de su joven mujer y de su madre.

El punto límite a partir del que despega la historia, es cuando la pareja decide sacar el amplio sillón del living a la calle y tirarlo, porque en él, su mujer le confiesa que hizo el amor con su vecino.

"Lo tiramos y ya está, en qué pareja con varios años de estar juntos no sucede algo así", es la respuesta más o menos inmediata que se le ocurre decir al muchacho, a su asombrada y sollozante mujer.

Solarz apuesta a que un hombre así, tan egocéntrico, tan "engolosinado" consigo mismo, necesita a su lado, una mujer algo tonta, que lo acompañe dócilmente, más que una chica como de la que se acaba de separar, que aspira al menos a poder mantener un diálogo con su marido, algo que él siempre le niega.

"Vos tenés ideas brillantes a cada rato", o algo así, le dice su madre en un momento, cansada de que no la escuche.

LO INESPERADO

Pero lo inesperado para las mujeres que rodean al muchacho, es que cuando habla, es capaz de herir con sus palabras, como si él fuera el líder de una cruzada anti molestias emocionales ajenas.

Pablo Solarz se ha convertido con el tiempo en un muy agudo observador de los comportamientos humanos en estos tiempos de "fragmentación" y relaciones efímeras y desde ese costado escribe. Su mirada por momentos desconcierta, porque es tan original, como feroz, e impredecible. En eso radica su talento, su ingenio para los diálogos tan precisos, como inmersos en las acciones justas que sus personajes requieren.

La historia que Solarz incluye a modo de subtrama dentro del relato principal, es por demás elocuente en cuanto a convertir a la familia en una posible farsa grotesca.

Peto Menahen consigue otra sorprendente actuación en el papel de ese guionista que vive a través de sus personajes. A su lado se desempeña una siempre cómoda en la comedia Florencia Peña y Mirta Busnelli y Malena Solda, en un papel un poco más dramático.

Secretos de la genética

Hanna, la protagonista de este thriller con elementos de ciencia ficción, se parece a los personajes de los filmes de Luc Besson, como "Nikita", en el que las heroínas son valientes, aguerridas y capaces de luchar cuerpo a cuerpo como un hombre.

Ocurre que Hanna fue entrenada por su padre, un ex agente de la Cía, bajo una extricta disciplina militar, en unos bosques solitarios, en los que vive con la niña en una cabaña sin luz, mientras que en tiempos de alta nieve, utilizan pieles para vestirse.

En ese ambiente prácticamente primitivo, Hanna aprende a matar, a asesinar a sus víctimas, en este caso animales, con una certera cuchillada en el corazón. La chica parece anestesiada al dolor, tampoco concurre a ninguna escuela, es educada por su padre mediante la lectura de una enciclopedia y los cuentos ilustrados de los hermanos Grimm.

UN TRIO

El filme no intenta inscribirse en ningún género, pero el que más se le acerca es el de un thriller de espionaje con algo de ciencia ficción, que conviene no revelar.

Acá los personajes que se persiguen entre sí son: la niña, Hanna, su padre, el ex agente de la Cía y una colega de otra época del hombre, la que tiene un objetivo bien concreto: borrar de la Tierra al padre y a su hija. ¿Por qué?

La respuesta tiene alguna raíz en los experimentos llevados a cabo durante la Segunda Guerra Mundial, o la Guerra Fría.

Con estas cartas en la mano, el director inglés Joe Wright desarrolla un buen seguimiento de sus personajes, aunque por momentos el guión, lo haga variar de rumbo, o detenerse demasiado tiempo en escenas que no aportan a la evolución de la historia.

No obstante esto se disimula a través de un preciso y sólido entramado de escenas, que apelan al buen entretenimiento, con una fotografía de pronunciada plasticidad en lo referido a las persecuciones, o las escenas en el bosque en el que vive la niña y su padre.

MISTERIO

Con un acercamiento a las películas de James Bond, Wright desde la dirección también se interesó en incluir una cuota de extraño y muy sugestivo misterio, al personaje de la agente especial que hace la siempre eficaz Cate Blanchett.

Si la Blanchett demuestra oficio, su protagonista Saoirse Ronan le otorga a su papel un original e ingenuo encanto, con un buen equilibrio dramático, en las escenas de peleas y en las persecuciones.

Una atractiva banda sonora en la que se disfruta de los Chemical Brothers, cierran este filme de exquisita fotografía.

Un músico con un pasado oscuro

Este es un drama delicado, porque se trata de averiguar si es verdad o no que un joven organista asesinó a un niño, o esa muerte fue un accidente.

"Aguas turbulentas" es un filme áspero, contado en dos tiempos: presente y pasado. El primero alude a un organista que sale de la cárcel y se emplea como músico de una iglesia en Oslo, con la intención de rehacer su vida.

Por el otro lo que la película inserta a modo de raccontos, es el pasado que esconde ese hombre, por el que tuvo que purgar una condena detrás de las rejas.

La culpa o la inocencia en este caso no són fáciles de demostrar, porque sólo el acusado es testigo de lo que ocurrió con ese niño, al que encontró un día en un bosque a orillas de un lago, con un golpe en la cabeza.

VICTIMAS INOCENTES

El director Erik Poppe se toma su tiempo para ir desmenuzando la historia de ese joven de apariencia ingenua, que esconde algo oscuro, infranqueable para los que no lo conocen, hasta que todo termina saliendo a la luz.
Jan Thomas es muy buen músico y su brillante desempeño en la cárcel, hace que se lo ayude a aceptar un trabajo afuera.

Lo mismo ocurre en la iglesia en la que es empleado, en la que se lo admira por su arte. Aunque todo se complica cuando el muchacho se compromete afectivamente con una mujer sola, con un niño de unos seis o siete años.

Más tarde, cuando la madre del niño muerto, reconoce en el organista, al supuesto asesino de su hijo, todo se complica y más aún, cuando la mujer se propone hacer una recreación forzada de los hechos y prepara un misterioso ritual, en el que la víctima volverá a ser un inocente.

Erik Poppe consigue momentos de intenso dramatismo, a la vez que logra transformar las composiciones musicales, en un protagonista más de esta historia, que encuentra en Pal Hagen Valheim Sverre, una actuación minuciosa y a la vez convincente.

Los superhéroes en apuros

Esta nueva entrega de la saga de los superhéroes creados por Marvel, la factoría de historietas que dio a otros conocidos "amigos" como el Hombre araña, Los 4 fantásticos o el Capitán América, ofrece un interesante entramado de intriga, peligro y acción en dosis bien equilibradas de suspenso.

Claro que los X-Men en relación a los otros superhéroes son quizás los que ofrecen un mayor entramado de misterio, a la vez que el atractivo extra de la aparición de esas criaturas mutantes, capaces de contar con la imagen común de cualquier ser humano, pero con poderes que les permiten lanzar círculos mortales de fuego, convertir en hierros retorcidos grandes estructuras de metal, provocar un tornado de energías mortales, o leer el pensamiento de los otros.

PASADO TRAGICO

"X-Men: Primera generación" es una precuela, porque remite su historia a los orígenes, cuando dos de sus protagonistas los "enemistados" Profesor X y Magneto se conocieron, allá por los años "60 en la Universidad de Oxford y descubrieron sus superpoderes. Aunque el segundo carga en su mochila una tragedia que se remite a la Segunda Guerra Mundial, cuando un nazi -Sebastian Shaw- pone a prueba la manipulación genética practicada en el chico y lo obliga a demostrar el don particular que tiene de "doblar" metales, ante la amenaza de matar a su madre.

Para Erik Lehnsherr, al que más tarde se lo conocerá como Magneto, aquel momento dejó huellas indelebles en su vida e hizo que su ira y su odio hacia los humanos lo acompañara hasta su adultez.

La historia de estos "X-Men..." se apoya en tres vértices. Magneto y el Profesor X, los que juntos a otros mutantes intentan liquidar al temible Sebastian Shaw, aquel nazi que marcó la vida de Lehnsherr-Magneto.

LOS MISILES

Ambientada en la década de 1960, cuando el gobierno de Kennedy debe enfrentarse a la Unión Soviética por el asentamiento de misiles en Cuba, el filme ofrece un dato curioso: se indica que algunos de los nazis más buscados encontraron refugio en la Argentina y más precisamente en Villa Gesell, a la que la ignorancia de sus productores, llevaron a mostrarla en una zona que parece Bariloche, en lugar de las tranquilas playas de la costa atlántica.

Pero éste resulta un dato no tan importante, en relación a la manufactura que pone en marcha el filme, con un sólido entramado de intriga, contenido bélico construído de una manera muy cercana a la historieta y escenas que en sí mismas podrían ser el inicio de otra producción.

Entre ellas, puede mencionarse el encuentro lúdico entre los mutantes, mientras esperan a sus jefes; la invasión submarina y por tierra a Bahía de los Cochinos, en Cuba; el desvío de los misiles y un final que aclarará algunos de los misterios que encierran los "X-Men...".

La recuperación del color de los trajes originales similar a la historieta, el diseño que recrea la estética de los "60, la música que acompaña las escenas y las muy interesantes actuaciones de James McAvoy y Michael Fassbender, en los papeles del Profesor X y Magneto, cierran esta película que resulta un nuevo y gratificante reencuentro con los "X-Men...".

El poder de resistir

Es un thriller político-psicológico que muestra las secuelas que deja la guerra, en una mujer que logró resistir a la tortura, las violaciones y la humillación de grupos fundamentalistas.

Cuando ella muere dos de sus hijos, un joven y una chica, que son gemelos, reciben el testamento y dos sobres que, según se especifica, son para entregar al padre, al que creían muerto y a un hermano, que no sabían que existía.

A partir de ese momento comienza una extensa travesía de los jóvenes por ubicar a esos familiares a los que desconocen, a la vez que el filme va intercalando escenas que detallan lo que fue la vida Nawal, madre de los gemelos.

ELEMENTOS CLAVES

Basada en la pieza homónima del dramaturgo, actor y director libanés Wajdi Mouawad, radicado en Canadá, desde 1983, la historia se apoya en tres elementos claves: la resistencia de la mujer, que es apresada y torturada luego de haber asesinado a un líder cristiano; la memoria y el pasado que intentan aprehender los hijos, para descubrir los por qué de ciertos comportamientos de su madre y el accionar de grupos guerrilleros apostados en distintos lugares y enfrentados entre sí, aunque pertenezcan a una misma religión, llaménse cristiano, islámicos o judíos.

En síntesis de lo que el espectador es testigo, es de la travesía de vida de esa mujer, que primero tiene un hijo de un refugiado palestino, al que sus hermanos terminan asesinando; la huida de ella de la casa familiar en un pueblo con su hijo al que deja en un orfanato y nunca más sabe de él, hasta que la casualidad hace que lo descubra en un lugar inesperado y las violaciones de las que es víctima en una cárcel en medio de una contienda bélica en Medio Oriente.

"MAPA" GENETICO

El guión se divide en distintos segmentos narrativos y cada uno de ellos recibe un nombre, a veces refiere al de una ciudad o al de una persona y lentamente el espectador, junto a los hijos de la mujer, van reconstruyendo un pasado hecho de "fragmentos" de anécdotas, de testimonios, de deducciones.

"Incendies" es una película que conmociona, al observar hasta dónde es capaz de resistir al dolor un ser humano, a la vez que despierta polémica por las múltiples contradicciones, impensadas, en muchos casos, que es capaz de provocar la guerra.

Filmada entre Québec y Jordania, el director escapa, quizás, a cualquier definición política, o ponerse a favor de uno y otro grupo, en cambio lo que intentó dejar en claro es cómo los hijos son capaces de reconstruir un mapa "genético" que esconde innumerables misterios y claroscuros.

Con una narración fluída, un realismo visceral, e intenso, sin apelar al melodrama, la película describe quizás como ninguna otra, un drama de nuestro tiempo y refiere a la identidad perdida fruto de la guerra.

Lubna Azabal, en el papel de Nawal, la madre logra una actuación excelente, apoyada en sutiles matices interpretativos de gran exigencia emocional. En igual medida es el desempeño de Mélissa Désormeaux-Poulin y Maxim Gaudette, en los personajes de los gemelos Jeanne y Simon.

Un candidato confiable

En época de elecciones el cine propone cómo elegir al mejor candidato. Eso es lo que ocurre en "El dedo", la opera prima de Sergio Teubal, una suave sátira, bien contada, que cuenta lo que ocurrió en una ciudad de pocos habitantes del interior, cuando tuvieron que votar para designar al primer intendente del lugar.

La película basada en el libro "El dedo de Baldomero" de Alberto Assardourian, se inscribe en un clima de realismo mágico.

Ambientada en la década de 1980, tiene por protagonista, precisamente a "un dedo", el del mejor postulante a ocupar el cargo mencionado, que es asesinato a sangre fría, cuando se lo descubre teniendo sexo a orillas del río, con la mujer de uno de los hombres de esa ciudad de pocos habitantes.

El que se encargará de averiguar lo que ocurrió con el candidato, es su hermano, dueño del almacén, que promete vengar la muerte y para hacerlo, le corta un dedo al muerto y lo guarda en un frasco, que exhibe en su negocio.

COSTUMBRISTA

Entre los sospechosos se ubica el candidato contrario al muerto, un reconocido abogado que tiene arreglos con la policía y del que todos sospechan, sin embargo los resultados terminarán asombrando a todos.

El filme tiene personajes típicamente costumbristas, para los que "el dedo" en exibición en el almacén, se termina transformando en una especie de termómetro de lo que les sucede a todos en ese pueblo, a tal punto que es capaz de pronosticar el futuro.

En medio de ese clima algo disparatado, Teubal no pierde su brújula al ir desarrollando los rasgos de unos y otros, de tal manera que la historia se convierte en un ritual en el que como en "Fuenteovejuna", de Lope de Vega, es el pueblo el que decide.

Con acertadas pinceladas, el director logra guiar a cada uno de sus protagonistas permitiéndoles el lucimiento individual y coral al mismo tiempo.

Entre ellos se destacan Martin Seefeld, como el extraño candidato que esconde un secreto; Gabriel "Puma" Goity, que le aporta una oscuridad sólidamente corrosiva a su papel y Fabián Vena, el hermano que jura venganza, en un protagónico, al que el actor le aporta una convincente originalidad.

Desolación y supervivencia

Un pueblo en las montañas de Calabria es el escenario elegido por el director Michelangelo Frammartino para concretar su filme, en el que sumerge al espectador en una serie de imágenes que aluden a los ciclos de la vida, las estaciones del año y la muerte.

"Le quattro volte" es una película sin diálogos, sólo cuentan las imágenes, pero lo cierto es que no hace falta nada más. No es un documental, sino más bien un filme antropológico, que a través de lo que muestra exige que el espectador se predisponga a un nivel de observación distinto, a cómo lo hace habitualmente cuando va al cine.

TESTIGOS

Original, sorprendente e hipnótica, el público se convierte en un testigo privilegiado de algunos momentos que tienen lugar en ese pueblo de la Italia profunda.

Entre lo primero que se muestra, se ve a un grupo de hombres, que pareciera construyen una choza. Poco después el espectador se da cuenta que no es una vivienda, sino un círculo armado con troncos, cenizas y barro, del que se desprenden grandes nubes de humo, que se extienden a la zona de montañas, se presume que es un ritual para que llueva.

Poco después la cámara descubre a un anciano, un pastor que cuida su rebaño de cabras, junto a un perro y no para de toser.

Más tarde la lente sigue los pasos de ese hombre que vive rodeado del balido continuo de las cabras. Podría decirse que ese es el sonido más prominente que se escucha en ese pueblo, al que a veces llega un vehículo con dos hombres disfrazados de romanos y dispuestos a participar de una procesión.

EL NACIMIENTO

Mientras eso sucede una cabra deposita su cría en el suelo y Frammartino sigue los pasos de ese pequeño animal, al que lo espera su ocaso cuando se pierde del resto de la manada.

"Le quattro volte" refiere a los cambios de las estaciones, a los ciclos del nacimiento y la muerte y a algunos rituales que parecen detenidos en el tiempo y llevan a cabo los pocos habitantes de ese pueblo.

Amplias panorámicas por el lugar, entre la nieve y el verde intenso de la primavera, dan cuenta de un estado de desolación continuo, el que se ve reflejado en el paisaje, en los animales, en la gente.

Todo en esta película acontece como si fuera la primera y la última vez. En el medio, el cineasta, parece invitar al espectador a que reflexione sobre la naturaleza y sus ciclos de los que formamos parte, prácticamente sin darnos cuenta.