La dirección de Tamae ha transitado por trabajos grupales como el de Upa!, aquí se vuelca de lleno a un film de acción, de mafias, con orientales y rusos, drogas, caños y un barrio marginal, el de Pompeya.

Se hacen presentes influencias de los chicos “T” (Tarantino y To) en el compendio de escenas y diálogos dignos de sus conocidos proyectos. El metraje es extenso, se hace visible una falta de acotar situaciones pero el resultado sin embargo es más que positivo, en gran parte a la reivindicación de un género, a la inclusión de un elemento fantástico y el excelente trabajo actoral que es uno de los pilares del film, tanto así como el destacable trabajo de cámara y fotografía.

Un alma en pena.

Gracias a los hermanos Dardenne, al fin, a cuatro días de iniciado el festival contamos con un film digno de representar a una Selección Oficial, aunque nos encontremos a la espera de otros ejemplos, Le Gamin Au Velo (The Kid with a Bike), representa uno de los mejores films de los Dardenne, implora una búsqueda sobre personajes naturales, conflictivos, cual habrían ya hecho con El Hijo o El Niño, Le Gamin..

Con un empalagoso cast compuesto por Kenneth Branagh en el rol de Laurence Olivier, Judi Dench y Julia Ormond como Vivian Leigh, Michelle Williams demuestra que su composición, alejada de caricaturesca imagen que se tiene de Marilyn...

Kaurismaki concibe un film completamente racional y objetivo sobre uno de los grandes problemas en Europa actualmente: la inmigración. Tema que es de frecuente planteo, al que no se le encuentra una solución y genera los mas fervientes odios de razas, etnias y religiones, acrecentamiento del margen entre pobreza y riqueza, y entre medio la costumbre y más importante vinculo que presenta este tema que es el ser humano, en un siglo donde la tecnología avanza de manera exponencial y socialmente no podemos solucionar problemáticas de vivienda, trabajo y economía...

Segundo largometraje del director Steve McQueen (Hunger), nuevamente colaborando con protagónico del creciente Michael Fassbender, quien tan sólo dos días atrás presentó y brindó conferencia por el film en el que interpreta a Carl Yung (A Dangerous Method de David Cronenberg)...

Con arena en mis ojos…

El veterano francés Jean-Jacques Annaud ­­-en cuya primera etapa de filmografía pueden encontrarse gemas como El Nombre de la Rosa, basada en la novela de Umberto Eco, El Oso, y la extremadamente sensual El Amante- incursionó, con el correr del tiempo, en otro tipo de relatos de carácter épico (emulando a David Lean quizás), y así logró altibajos entre la olvidable y aburrida Siete Años en el Tibet (filmada en Argentina), en contraste con la bien lograda Enemigo al Acecho. Annaud no estrenaba un film en nuestro país desde hacía 11 años.

El suplicio de una madre.

¿Qué ocurre cuando un niño nace “distinto”? Sin discapacidades sino con un comportamiento que, a vista de otros, médicos, profesores, es completamente normal pero en la cotidianeidad frente a sus vínculos más cercanos es el extremo opuesto, especialmente para Eva, su madre (Tilda Swinton), quien pasa gran parte de sus días con este...

Con el incentivo de recrear la imagen de Sigmund Freud (Vigo Mortensen), la historia se centra en la relación que éste desde un rol secundario brinda una tutoría sobre el psiquiatra suizo Carl Yung (Michael Fassbender) tras la publicación de su libro “Estudio sobre la asociación de palabras”, manuscrito sobre el cual hubo una vinculación directa entre ambos a modo de devolución. Se recrea la tan comentada coversación de trece horas ininterrumpidas que ambos tuvieron por las diferencias que ambos acarreaban...

Basada en la obra de Yasmina Reza “God of Carnage”, ganadora del premio Tony hace 2 años atrás, el film peca de ser uno más de los ejemplos en que dos expresiones como son el cine y el teatro a veces no pueden separarse al realizar una adaptación. En su concepción cinematográfica, Carnage posee todos los elementos de una puesta en escena teatral, aunque trasladada a un reducido espacio, casi con cámara inmóvil y actuaciones cuyos matices también se ven vinculados a esta modalidad artística, es difícil escapar de la comparación. Pero, Carnage se luce desmedidamente en su temática, el punzante y agil guión permite dar paso a actuaciones soberbias de los cuatro y únicos protagonistas del film (Jodie Foster, John C. Reilly, Kate Winslet, Christoph Waltz). Por más que el film transcurre en Nueva York (otro elemento como para haber sido elegido como film de apertura para esta gala), fue filmado en Francia por la imposibilidad del director como anteriormente destaqué debido a la imposición judicial de público conocimiento...

Sebastian Martínez ubica en Centro al espectador como base fundamental del relato. Este documental muestra imágenes del día a día del centro porteño (sin entrevistas ni voces en off “didacticas”)...

Ryan Gosling se está convirtiendo al igual que Sean Penn en el actor habitué de Cannes, el año pasado presentando Blue Valentine y ahora con Drive, un film de acción retro que bien podría vincularse al cine de Walter Hill de los 70’s y 80’s, con abruptas escenas que salpican sangre como en las carnales de Cronenberg y apelando a los mejores films de persecusiones automovilísticas tras atracos bancarios. Vienen a mi mente ejemplos como Point Blank de John Boorman, su remake Payback, Asalto al Camión Blindado de Bruce Beresford o uno de los mejores films que vi en mi vida: The Stuntman de Richard Rush...

Varios son los films que aparentemente se dedicaron a homenajear a la gran Invasión de Hugo Santiago, Castro fue uno de esos ejemplos y La Carrera del Animal pretende seguir los mismos pasos. A un joven lo persiguen entre...

Valioso documental cordobés casi en su totalidad filmado sobre un carro de cartoneros . Mostrar la pobreza extrema es una experiencia que hemos revivido en cuantiosos films documentales, diagnosticar a una sociedad desde sus falencias como radiografía de lo que puede no verse en la superficie sirve y nos enriquece, nos ayuda a comprender, tomar conciencia, debatir…

Francia invade Hollywood. Quizás la sorpresa del festival…

Filmar un proyecto mudo en blanco y negro hoy en día constituye un gran riesgo, considerando que el mercado tiende a la digitalización de salas, tecnologías 3D, efectos visuales utilizados hasta el 90% de la duración de un film. The Artist viene a romper con estas premisas y demostrar que el cine clásico es siempre vigente, siempre y cuando contemos con una interesante historia (demasiado educativa en este caso), un guión confeccionado y un elenco maravilloso...

Moviendo el pie desde la butaca.

Existen films en los que no debería plantearse ni la remota posibilidad de rehacerlos. ¿Cómo reavivar el clásico retro de los 80s? ¿Podría funcionar una revitalización en la actualidad? ¿Qué cambios deberían afrontarse o sugerirse? ¿Footloose necesitaba una remake?. Por supuesto que no.

¿Scorsese llevando al cine una historia infantil?

Si. El alguna vez considerado realizador de “films violentos”, catálogo que también se le ha puesto a DePalma, Walter Hill y tantos otros, por el calibre violento de algunos de sus trabajos, pero quien con el correr de los años, no ha dejado duda que como realizador bien podría aventurarse en cualquier género dentro del que desee incursionar.

Funeral en Hawaii…
George Clooney es un actor que parece verse atraído por dos tipos de roles en sus proyectos: comedias sarcásticas que lo empujan hacia el borde del absurdo y el extremo de señor seductor, adulto y bien serio (en este encasillamiento entra la opción de asesino, político, consultor, etc.). Con Los Descendientes Clooney abre el abanico nuevamente a otro tipo de interpretación y se interna en su costado sereno, dramático, con la suficiente cuota de sarcasmo que Alexander Payne bien sabe imprimir en todos sus films...

Clooney se postula a Presidente…

El hombre ha mutado desde ser un doctor de una sala de guardia hospitalaria, vertirse a la cultura pop matando vampiros luciendo un tatuaje que emergía por su cuello, a convertirse en el nuevo suspiro de señoras mayores en comedias románticas, fracasar al disfrazarse del caballero oscuro y hasta dedicarse a la tarea de dirección con dos primeros trabajos ejemplares: Confesiones de una Mente Peligrosa, Buenas Noches y Buena Suerte...

Primera experiencia tras las cámaras de Daniel Hendler.

Norberto es un hombre que no encaja en muchos preestablecidos que la sociedad impone, su pareja lo maltrata, no funciona en el ámbito sentimental ni siquiera en su trabajo donde lo pasan por encima sin darse cuenta, no tiene carácter, deja pasar, cede, íntimo amigo de Mr. Celofán.

Existen films que ocasionan comportamientos diversos en el espectador, están aquellos que pueden generar discordia, hartazgo (este es uno de esos casos) y a su vez, permitir la instancia de llegar a la posición de decir “basta, me retiro de esta sala”. En otros casos, hay espectadores que prefieren quedarse atornillados a sus butacas y realizar otras actividades, la visión del film pasa a un plano secundario...

Los nuevos tiempos siempre serán mejores…

Un nuevo móvil para la carrera del Oscar de este año ha surgido y se llama El Juego de la Fortuna. En este Brad Pitt interpreta a un manager deportivo de un grupo de baseball que se encuentra en el preciso momento de hacer cambios en su plantel. Para ello, como en todo equipo de cualquier tipo de deporte (y mas aún en la actualidad), se barajan cambios de figuras, rescinciones de contratos, transacciones secretas entre otros equipos y jugadores, hasta que a causa de una singular acción desata una nueva forma de plantear la elección de un plantel...

Semi-secuela de Happiness, regresan al guion los personajes originales pero, interpretados por otros actores. El dilema de Bill, el padre pedófilo en su retorno luego de haber cumplido condena, las hermanas Trish y Joy, y Allen, el protagónico que llevó a la cima a Phillip Seymour Hoffman como un adulto que hace llamadas por teléfono perversas...

Partiendo de una familia comprendida por una pareja conformado por una italiana y un mexicano, muy distintos en carácter, quehaceres, obligaciones y forma de vida, ella vive en la ciudad, moderna y él es muy bohemio, pasando gran parte de su tiempo en altamar, viviendo de la pesca. El fruto de su amor, es un niño, que hoy tiene cinco años, quien viaja para permanecer con su padre por el cabo de unas semanas.

Las intancias que viven juntos, tres generaciones, abuelo-padre-hijo, son excepcionales, el género se entrecruza entre la ficción y el documental sin darnos cuenta, los paradisíacos lugares mostrados como así la falta de lujos, tener lo necesario y trabajar conjuntamente vinculandose, socializando y conociendose en un clan familiar abierto, invitan a repreguntarse la forma de vida individual del individuo.

El mayor logro del film es la apuesta a la sensitividad, y la importante transmisión hereditaria, el cuidado de un hijo, cuyo viaje termina a medida que nos vamos acercando al final de ésta magnifica experiencia.

Pedro Gonzalez-Rubio nos invitó a desconectarnos de las andanzas cotidianas de la ciudad, a observar que hay un tipo de vida mejor. Con valores, amor y responsabilidad, en una de las tantas variantes de conformación de una familia que puedan existir.

Si transportásemos la premise del film a nuestra región, uno ni siquiera se preguntaría cómo hace una mujer para poder trabajar y de pasar llevar una familia adelante.

La única preocupación de Kate (Sarah Jessica Parker), incluyendo las leyendas en el poster publicitario del film adelantan temas simplistas como pueden ser un corte de cabello, un lunch, tintorería, dejar a los niños en el colegio, pagar las cuentas, chequear los emails, concertar una reunión, tomar café…

Sabemos que en Argentina es difícil hacer cine de género y más aun si es independiente y de bajos recursos, ni mencionar el encontrar una boca de exhibición que no sea lejana al anual Bars y posteriores proyecciones en salas alternativas. Sin embargo ha aparecido un movimiento que gracias a producciones de Farsa, Paura y otros han contado con una calidad cinematográfica descomunal frente a sus productos, advirtiendo que no es necesario encontrarse con un subsidio, ciertos proyectos inclusive remando en contra de la corriente pueden concretarse y encima tienen un alto número de espectadores cautivos...

La naturaleza siempre encuentra un camino…

George Miller, el director australiano de la apocalíptica saga de Mad Max, que bien supo jugar con la satirización en Las Brujas de Eastwick y volcarse a un film sobre una enfermedad terminal de un menor de edad con Un Milagro para Lorenzo, llegó a un punto de su carrera donde se avocó hacia un público infantil en sus realizaciones, sin dejar de lado sus vigorosas protestas sobre el descuido del medio ambiente, el maltrato hacia animales logrando la negrísima continuación de Babe, el Chancito Valiente, ubicada en una escala muy superior a ésta original...

La danza de los vampiros y la fortuna.

Un producto como el de la saga Crepúsculo no podía quedar atrás en la idea de subdividir su última entrega en dos partes. Al igual que lo hicieran en la saga de Harry Potter y con la suerte de poder vislumbrar los resultados de la otra franquicia de antemano, la máquina de hacer dinero no podía detenerse, menos aun corriendo con ventaja...

La historia de una abuela que convive con su nieto, éste junto a un grupo de amigosha cometido una violación de una menor que culminó en un suicidio. Los padres del resto del grupo conocen la situación y deciden realizar un arreglo económico con la madre de la víctima. Ella, sin dinero tambien cuida de un mayor cuadripléjico e inicia un taller de escritura, básicamente de poesía.
Su vida maltratada, con complicaciones de salud, obligaciones y sentido de culpa por la acción del menor, ocasiona que la mujer derive en una lucha por poder retrotraer lo acahecido y buscarle un nuevo sentido a su vida...

Otra historia de Cenicienta...

Ale (Camila Sosa Villada), una travesti cartonera que destaca tener que prostituirse cada tanto, vive en pareja y está avocada a la defensa con otras travestis amigas unidas de un lugar propio, habitan una villa miseria y están a punto de ser desalojadas. Cartoneando encuentra un diario íntimo que la lleva a conocer a Julia (Maite Lanata), una niña cuya madre (Mia) acaba de perecer y de quien su padre, sumergido en la angustia dedica gran parte de su tiempo a alcoholizarse...

Hay algo por demás interesante en la filmografía del director Luis Ortega (Caja Negra, Monobloc) y es la constante búsqueda por encontrar un estilo como propio. Ya habiendo incursionado en distintos géneros dentro de los cuales encontramos su mejor trabajo hasta el día de hoy con Los Santos Sucios, film donde exploraba territorios y circunstancias de personajes individualmente pedidos a través de una mirada apocalíptica y surreal; hoy este, se vuelca a un texto de Yukio Mishima, específicamente la novela “Muerte en el Estío”...

Almodovar clásico vs. Almodovar contemporáneo.

Es el sabor que me dejó la presentación de su último film, una mezcla de elementos bien marcados del cine que solía realizar en sus comienzos, repleto de situaciones relacionadas al sexo, contenido de colores vibrantes, la sátira, conducir escenas al extremo y lo perverso. Si a esto le sumamos su fascinación por los géneros, sobre todo el thriller como es en este caso, la admiración por el suspenso y el film noir, bien podríamos aseverar que su cine se encuentra en el mejor estado, con una imponente estructura narrativa por sobre todas las cosas.

Almodovar se ha convertido en un director adulto, sus obras ya no tienden a buscar un efecto de polemizar, pero en La Piel que Habito, una trama que va creciendo vertiginosamente, impensable y de esas en que no se puede contar ni el mínimo detalle al lector de una reseña por la posibilidad de arruinar el factor sorpresa, logra un efecto impactante: dejar boquiabierto al espectador.

Basada en la novela “Mygale” de Thierry Jonquet y protagonizada por Antonio Banderas (ex actor fetiche de Almodovar con quien no trabaja hace 20 años), componiendo a Robert Ledgard, un detallista cirujano plástico que busca venganza sobre quien abusara sexualmente de su hija. La trama del film es negrísima, inicia con el cirujano habitando una imponente mansión, de aquellas estructuras que contienen todos los elementos electrónicos de avanzada a mano que uno pueda imaginarse y una fiel ama de llaves a su disposición interpretada por Marisa Paredes. El film es movilizado a partir de alternación con flashbacks constantes, sin melodías armoniosas, el score remite a la genialidad de Bernard Herrman debido a la inclusión de puntillosos violines para marcar la psicótica experiencia.

Elena Anaya, quien ya ha trabajado con Almodovar en Hable con Ella, habita la piel de Vera, una mujer que convive recluída en una habitación de la mansión, vigilada, detenida, observada.

Almodovar logra generar climas extremos y las sensaciones más diversas, desde la empatía hasta la melancolía y el temor, propone jugar con el género del thriller, uno de sus favoritos y sobre el que mejor ha sabido afianzarse, con todos los elementos que en su trayectoria bien ha sabido utilizar, su sello característico está a la vista. Un film que fluye constantemente y genera suspenso como pocos.

Con el gancho de la frase “el film donde quieren secuestrar a la Mona Jiménez”, De Caravana viene teniendo un trayecto desde su estreno en el 25º Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, y un boca a boca de los cuales se perfila a lograr un éxito cinematográfico cuando se prevéa su estreno comercial. El film presenta demasiadas satisfacciones al espectador, tanto en rubros técnicos, elección de tomas, puesta, casting, y solidez de guión atípica, un pastiche de colores en una ciudad cordobesa dividida entre dos clases sociales extremadamente marcadas. Siempre presente, el cuartetazo, de la mano de la Mona, donde Juan Cruz (Francisco Colja), un fotógrafo con el encargo de cubrir uno de los recitales del cuartetero, encuentra fascinación y atracción hacia una cordobesa de distinta y marcada clase social, dos mundos completamente diferentes.

Lo apabullante de la propuesta de Rosendo Ruiz es el poner en manifiesto desde un guión de recorrida por distintos ámbitos como es el narcotráfico, la violencia de seres marginales, la ostentación del ricachón y discriminación latente, el tema principal, que radica en el enamorarse de una persona completamente distinta a uno, una suma que no tiene un resultado certero, compartir gustos musicales, profesiones, etc se hacen de lado cuando las únicas vinculaciones de peso radican en la atracción y los valores. Es así como se conforma una pareja de antología para el cine nacional, en esta propuesta cordobense, atípica, quizás por el tampoco tener tanto material de esta provincia como para poder realizar comparaciones.

Los personajes secundarios suman y mucho a la propuesta, desde el ex novio de la protagonista, un delincuente vehemente, cruel, violento hasta un travesti consolador, tal vez el más humano de todos, barajando así los estereotipos como también el del narcotraficante simplón y gracioso, pero de una notable humildad.

De Caravana constituye una de las mejores producciones de sello nacional que podemos ver en estos últimos tiempos. Una ópera prima a cuyo director deseamos en muy poco tiempo poder ver algo más de su ingeniosa maquinaria visual y auditiva.

Es sabido que Gus Van Sant realiza dos proyectos anuales bien marcados, un estreno comercial que últimamente está vinculado a historias reales (Elephant, Last Days, Milk) y otra indie, arty. Restless es la obra artie del año y una decepción también. Personalmente llegué a una altura de cansancio al tener que ver films donde no fluyen sus relatos, donde el peso de experiencia transita lo visual, la elección de un buen score y transitar por diálogos superfluos, cool, de tinte independiente...

La película equivocada.
Leyendo material publicitario del film, alcanzo a ojear las palabras “coraje, venganza y pasión”, sinceramente deben referirse a las aptitudes que deberá tener el espectador luego de sentarse a ver otro de los considerados peores films del año.
Un drama épico que abarca casi 100 años de historia argentina, con tinte melodramático televisivo y una escueta noción de traslado de una novela (de Dalmiro Saenz) al cine...

Controversia de por medio, el film épico del director de Días de Gloria y London River saca a relucir temas actualmente candentes, hace mas de 132 años al ser Algeria colonizada por Francia, las heridas de la privación de derechos y maltrato a argelinos derivó en movimientos revolucionarios, masacres, persecuciones.
Aquí Bouchareb indica a partir de tres hermanos muy distintos, uno involucrado políticamente con el movimiento, otro es insertado en la milicia y el tercero es simplemente un entrenador de boxeo, las vidas de los tres se entrelazan con el correr de los años en determinadas situaciones...

Un planeta se acerca a la Tierra, va a dar un giro transitando por la orbita terrestre y luego seguir su marcado trayecto, el margen de error sobre los cálculos de trayectoria son menores, no obstante la tensión crece y una subtrama apenas vinculada con este acontecimiento abarca más de las ¾ partes de este tedioso film: un casamiento.

El film está claramente divido en dos partes, los nombres de las protagonistas: Justine y Claire.

Una fiesta donde las conductas humanas de todos los integrantes de una familia sobrepasan la cordialidad. Kirsten Dunst, una actriz que cuida demasiado las elecciones en su carrera cinematográfica, interpreta a Justine, la mujer demandante, no certera sobre su decisión de casarse, de bajos ingresos frente a la nueva pareja (Kiefer Sutherland) de su suegra Claire (Charlotte Gainsbourg), quien gasta desproporcionadas cantidades de dinero para producir una fiesta de casamiento a todo glamour. Su padre biológico, interpretado por John Hurt ni se habla con su ex esposa (Charlotte Rampling), quien festeja brindando una de las mejores escenas del film, un discurso pre casorio excepcional.

Justine es melancólica, casi depresiva. No se acerca a su nuevo y flamante esposo, lo esquiva, reacciona de una manera muy tranquila ante el posible evento que está por suceder. Por el contrario, Claire, es lo opuesto, una mujer preocupada por su hijo, que piensa que correr por buscar refugio pueda salvarlos de la inminente tragedia a punto de suceder. Los animos, los comportamientos son diversos y Von Trier puntillosamente los exhibe con las cuidadas secuencias filmadas a más de 24 fotogramas por segundo, música incidental por detrás y una historia chata con un trasfondo de impacto esperable de un film de Roland Emmerich.

Integrando la selección de Un Certain Regard llega un nuevo exponente del cine de moda actual, rumano, con méritos. Una senda que iniciaron La Noche del Sr.Lazarescu y Bucarest 12:08, mencionada en el largo.

Paul mantiene una tarde de sexo, al cabo de escasos minutos nos damos cuenta que Raluca no es más que su amante. El lleva diez años de casado, tiene una hija y conoce a su amante hace seis años, ya que es la odontóloga de su pequeña hija.

El amor, el sexo, las relaciones, las decisiones…

Paul es un hombre que actúa racionalmente sin importar las consecuencias, lo impulsa el deseo, no quiere herir ni pasar un minuto más de su vida fingiendo. Una eventualidad complica el panorama cuando Adriana (Mirela Oprisor), su esposa, acompaña al clan familiar a la clínica odontológica.

Es ejemplar ver la labor de Oprisor dentro del rol de mujer engañada, capta la atención como en Network lo fuera Beatrice Straight, da lugar a desarrollar una interpretación poderosa.

Apertura de la sección Un Certain Regard, Manoel de Olivera, un respetado director de tan sólo 101 años, vincula la metafísica con un relato romántico. Un hombre solicita la asistencia de un fotógrafo para un trabajo particular, ante su ausencia la labor deriva en Isaac, un jóven fotógrafo, tímido y considerado “extraño”. El trabajo: tomar fotos de una bella mujer que al estar a poco tiempo de casarse, fallece.

La cámara de fotos como elemento fantástico capta algo más que una simple imagen, Angélica cobra vida en ellas y esto derrumba física y psicológicamente a Isaac, quien se enamora de ella. Determinados sucesos extraños lo persiguen, el entorno nota esos cambios en las actitudes del jóven fotógrafo de religión judía, envuelto en el encargo de la sesión a cargo de la católica madre de la difunta.

Oliveira nos brinda nuevamente una grata experiencia cinematográfica luego del hermoso segmento de Chacun Son Cinéma y Belle Toujours, de cuidada fotografía y un trabajo digno de Ricardo Trepa en el rol de Isaac.

Bertrand Tavernier es uno los más legendarios realizadores de la retaguardia francesa. Entre sus últimos trabajos se destacan Todo Comienza Hoy (1999), ganadora en el Festival de Berlín de premio FIPRESCI, y En la Tormenta Eléctrica, un thriller bastante subvalorado, pero interesante que sucedía en Florida y protagonizado por Tommy Lee Jones y John Goodman.

Esta vez, Tavernier se mete en el mundo de Madame de La Fayette, una de las más importantes novelistas románticas del Siglo XVI, que recientemente fue llevada al cine por Christophe Honoré (La Belle Personne, 2008), Andrzej Zulawsky (La Fidelidad, 2000) y el gran Manoel de Oliveira (La Carta, 1999).

Se trata de un relato de época con un gran trabajo en materia de vestuario, maquillaje y ambientación. Una gran producción francesa perteneciente a Studio Canal, cuyo mayor atractivo es la reconstrucción histórica.

La princesa es una jóven y hermosa mujer, de esas tantas que han sido obligadas a contraer matrimonio con conveniencia social, política y hereditaria. Ella es demasiado hermosa, conoce el amor gracias a un pariente, eje sobre el cual el film ronda en sus extensos minutos. Él no es el único y alli yacen los odios, venganzas, duelos. Los celos de su esposo irradian la rabia y decisiones de alejamientos y muertes encomendadas.

Tavernier logra, con el aporte de su habitual guionista, el octogenario Jean Cosmos, un muy aceptable film, destinado a grandes audiencias. El elenco es encabezado por la bella y prometedora Melanie Thierry, el veterano Lambert Wilson (Corazones) y el galán Gaspard Ulliel (que recientemente se puso la máscara de Hannibal Lecter).

Nadie sabía de qué iría este film, apenas algunas escenas se habían colado por la red; un drama de época, la extraña aparición de un dinosaurio, ¿nuevamente la presencia de la naturaleza como en otros films de Malick?. El gran interrogante pudo ser revelado.

Si, como es costumbre, la naturaleza está presente en film, no tan vital como en La Delgada Linea Roja o Días de Gloria (film cuya partitura de Ennio Morricone casualmente es el leitmotiv de Cannes previamente proyectado antes de cada film). La cámara de Malick se hace presente, con idas y venidas vertiginosas, una steadycam que va y viene constantemente, fluyendo entre personajes, situaciones, como muchas veces se destaca, consigue convetirse en un personaje más de importancia narrativa frente a la obra. Brad Pitt, Sean Penn, si, actores de esa talla. ¿Qué mas?.

The Tree of Life es de esas experiencias cinematográficas que no terminan de cerrar con una solo visión, uno de esos films a los que se necesita estar muy atento, inmerso, como ocurriese con Imperio de Lynch, una mínima desconección te deja fuera del fillm como para nunca poder volver a el, al menos en esta visión. La majestuosidad de escenas de Malick es característica, el film nos hace preguntarnos en varias ocasiones acerca de diversos temas, lograr un entendimiento y volver a repreguntarnos sobre el por que de la conducta humana. Pero esta vez, Malick va un poco más allá de las situaciones domésticas, un ámbito marcado y determinado, una estructura lineal, o un simple traslado cinematográfico de una novela cualquiera sea, el camino es dirigido hacia lugares no tan transitados en cine, al menos desde esta perspectiva sensorial, de análisis y concientización. Meternos con posibles situaciones paranormales, hablar del mas allá e inclusive la metafísica no es tara sencilla. Gran parte del encanto del film radica en que al igual que en 2001: Odisea en el Espacio de Kubrick, ambas comparten diseños del mismo realizador.

La temática del éxito mediático se ve reflejada en el documental argentino de la directora Andrea Yannino Soi Cumbio, recientemente exhibido en el pasado BAFICI. El film abarca la instancia en que Cumbio, una niña flogger se vió envuelta en un fenómeno que bien pudo llevar adelante teniendo en cuenta su temprana edad, una instancia que generó millones de visitas via internet, entrevistas para gráfica, tv, publicidades de prestigiosas marcas de calzado deportivo y hasta traspasar continentes. La popular sobre-exposición es aquí enfocada sobre la cotideaneidad, la mirada de sus padres, el alrededor conformado por amigos, su entonces novia y seguidores.

Cumbio se convirtió en un fenómeno, y lo que aquí se evidencia es que desde el humilde lugar en que se vió situada, muchos aprovecharon la mediática situación para valerse de shows que convocaban a toda una generación que se veía reflejada en ella, que consumía los mismos productos como es la vestimenta, corte de cabello, gustos musicales y tecnología digital, virtual y telefónica. Soi Cumbio, nos muesta bien de cerca el panorama de la demonización de los medios, la fascinación de personas humildes por entrar en lo que para la televisión es la fama, y el reconocimiento inmediato, una movida cultural flash.

Cumbio es Agustina Viveo, apodada asi por su gusto sobre el género musical, su página de internet alcanzó picos de millones de seguidores, quienes atentos a los movimientos de la adolescente acuden a toda convocatoria realizada con el simple objetivo de romper la barrera digital y conocerse personalmente, toarse fotografías, firmar autógrafos y convertirse así en un ídolo o referente juvenil. En cierta manera representante de una juventud no escuchada por los mayores, especialmente los padres, su devenir en comunicadora de una parte de la sociedad lo vió involucrada en recorridos por el interior de nuestro país, convocando a charlas y debates como así a tortuosas operaciones de lugares bailables para convocar público gracias a su presencia y como denuncia ésta en el documental, volver a su casa con tan solo cien pesos. Cumbio, por momentos, sólo apreciables en este delicado documental muestra su faceta interna, la de ser hija. Alli la cámara observadora de Andrea Yanino no urga, sólo documenta rostros, gestos, conversaciones que terminan por mostrar las flaquezas de Cumbio, como toda persona frente a un fenómeno que la sobrepasa. La fama es hermosa si se la sabe manejar, pero esta, escapa de sus manos. Un gesto de cariño hacia su madre, sólo llega ante un escrito en su sitio de internet, no con un abrazo ni un beso. Cumbio siente, cuida a su novia, la cela y distingue claramente al responder a periodistas sobre su intimidad, sexualidad y definición. En cierta manera, y teniendo su edad, le tapa la boca a mas de uno.

Soi Cumbio es un documento valorable a la hora de querer entender qué es un blog, un fotolog, una web site, cómo son administradas, qué generan del otro lado, quienes las consumen, y el poder de esta no ya tan novedad que revolucionó la era digital tras el advenimiento de internet. Las nuevas formas de colectividades a través de distintos caminos y maneras de establecer el vínculo.

Ver más allá de un casamiento...

¿Por qué tenemos la costumbre de ver un film y asimilarlo a otro? ¿A movimientos vanguardistas? ¿Vincular al trabajo de otros directores? ¿Son tan evidentes las semejanzas con otros? ¿Remake, homenaje e influencias?

Leo críticas del último film de Ariel Winograd, a quien respeto mucho como realizador y cuyo cine me gusta mucho, su manera de encarar la comedia sobre todo enfocada en las diversas religiones y desde ese lugar de satirizar las creencias, pero concluyo la lectura y me retrotraigo, convirtiéndome en un bicho bolita repreguntándome sobre mi visión del film.

Wino vino a jugar con el libre albedrío como ha hecho con Cara de Queso, un film coral con un cast enorme, una de sus características principales y tratar la comedia a través de distintos personajes en grandes cantidades, ¡qué mejor! Actores de la talla de Federico Luppi, Mercedes Morán, Carlos Kaspar, María Vaner, Juan Manuel Tenutta, Daniel Hendler, y la nueva generación hoy ya reconocida, conformada por Martín Piroyansky, Nahuel Perez Biscayart y Julieta Zylberberg complementaron el cast. Con una ponzoñosa mirada sobre las familias que habitan un country mayoritariamente conformado por una comunidad de creencia judía, allí saltaban a la luz la mítica popular sobre las idishe mamma, los casamientos religiosos por conveniencia, la corrupción y ocultamiento de un hecho atroz. Cara de Queso, 5 años atrás, marcó un llamado de atención sobre el cine de Winograd, lo introdujo como director en el circuito cinematográfico para, desde allí, avanzar o estancarse como sucede con muchos ópera primistas.

Mi Primera Boda concreta que alguien haya acudido a ese llamado, Axel Kuschevatsky, como ya lo hiciera desde la cuota de Telefé, canal para el que brinda su tiempo como Jefe de Desarrollo y Producción de Cine, con films como Fase 7 (eximio film de género), Sin Retorno y el proyecto póstumo al ser acreedor del Oscar al Mejor Film Extranjero con El Secreto de Sus Ojos. También ha flaqueado con otros proyectos como Las Viudas de los Jueves, éxito de taquilla pero film fallido si los hay. Algo indica que Axel acierta sobre qué proyecto apoyar, dónde invertir y en quién colocar el peso de la dirección, conoce cuál es la falta que existe en la cartelera porteña y desecha volcarse a un cine que no sea el de género; aborrece los films realizados para festivales, le gusta lo masivo. Ahora, esto siempre conlleva un riesgo.

Pero…a qué voy con todo esto sino a querer demostrar qué ocurre cuando a la salida de una función encuentro voces que comparan estos films con El Secreto… con trabajos de Orson Welles como El Tercer Hombre, con el mejor cine clásico de Wilder, films de Grant, Tracy y Hepburn (Katherine), ¿existen estas influencias o sólo algunos las ven? Patricio Vega, guionista que se distinguió en Música en Espera, casualmente otro proyecto que en cierta forma consagró para cierta logia de cinematográfica el trabajo de Natalia Oreiro, marcando un punto de quiebre, acaparó quizá este nuevo proyecto con elementos de la screwball comedy norteamericana; el caer en el cliché de la pérdida de la alianza en plena celebración de un casamiento es uno de los mejores ejemplos y de allí llegar a disparatadas situaciones para suplir esa pérdida o encontrar el anillo perdido. Sí, esta instancia es secundaria y permite ligar la subtrama “principal” del film sobre la importancia de contraer matrimonio, cuáles serían los pilares de tal decisión y cómo abolir todas las dudas habituales ante tamaño acontecimiento.

Dos personas muy distintas, ella (Natalia Oreiro), puntillosa, estudiosa, ordenada, planificadora y él (Daniel Hendler), un desfachatado, ingeniero, son secundados por una troupe de secundarios numerosa al igual que sucediera en Cara de Queso: Imanol Arias (según la producción no fue el caso de elección en cast para poder comercializar el film en otro continente); Martin Piroyansky, con la labor más destacada del film; Muriel Santa Ana como la mejor amiga de la novia; Marcos Munstock y Daniel Rabinovich (Les Luthiers) que paralelamente lindan con la trama principal brindando conversaciones muy graciosas sobre las diferencias entre la religión católica y judía (un rabino y un cura, no menos para realizar una ceremonia bipartita); Gabriela Acher y Soledad Silveyra como las suegras; Clemente Calceta Gino Renni y Sebastián De Caro, como los tres personajes desaprovechados a lo largo del film.

Existe un desnivel actoral entre Hendler y Oreiro. La estructura está planteada en cierto momento como para contar la historia à lo Cuando Harry Conoció a Sally (¡comedia romántica si las hay!). La primera hora del film es graciosa: nos encariñamos con los personajes instantáneamente y con la acertada incorporación de la animación de Liniers en los títulos iniciales; en pocos minutos tenemos un resumen de los comportamientos que preveremos de los dos personajes principales. Natalia nunca lució más hermosa en cine, ha crecido exponencialmente pero en el film se la nota un tanto rígida, como no terminando de desligarse del pasado televisivo del que tanto ansía despegarse. En Miss Tacuarembó lo había logrado, no obstante, como actriz, creo está viviendo su mejor momento. En cambio Hendler sigue haciendo de Hendler, y esto no está para nada mal, es un actor que impuso ya su sello, funciona y aquí lo logra nuevamente. Sí vale destacar que sería genial verlo vinculado a otro tipo de proyectos; ya en la dirección ha demostrado una faceta nueva e importante gracias a Norberto Apenas Tarde.

Un pequeño detalle que me hizo ruido en la primera visión es la utilización ingenieril sobre un circuito de agua de la mansión sobre la cual se realiza el casamiento. Si bien el personaje de Hendler es ingeniero e intenta demostrar conocimiento sobre su profesión, hay una falla de conocimientos en el guión. En una sala de mantenimiento jamás encontraríamos un plano general hidráulico de una instalación, menos aún en un caserón rural, menos aún conseguiríamos que un anillo de bodas de vueltas por los diversos tramos de cañería sin encontrarse con filtros que obstaculicen que otros materiales terminen siendo arrastrados hacia una canilla.

Ante la costumbre de realizar comparaciones, muchas he escuchado sobre la genial La Fiesta Inolvidable de Blake Edwards, con Peter Sellers. Aquí estamos lejos de esa opción, poco disparate y descontrol ocurre, ¿por qué De Caro no destroza esa torta, se agarran todos a piñas y rompen todo lo que estaría a su alcance? Eso sí hubiese sido una linda fiesta. Quizá por ser la Primera, esperemos la Segunda…

El útimo film de Alex de la Iglesia, presentado por Claudio Minghetti con una introducción valiosa, resultó ser un film cargado de controversia, de aquellos que de realizar una rápida apreciación a minutos de verla sería desacertado, de hecho muchos colegas a la salida de la sala continuaban procesando el calibre de material que el film presenta.

La historia va de un grupo circense vinculado a acontecimientos políticos acaecidos en España, referenciales a la época dictatorial de Franco, de enfrentamientos armados, terrorismo de Estado y una faceta histórica que por más que hayan pasado contadas décadas producen controversia y heridas no cerradas, el tono del film es grotesxo. A partir de la metáfora, de la Iglesia entrevera que en el mundo casi todos somos payasos o bien podríamos serlo, en todo contexto social, político y humano podríamos ser representados por una de éstas figuras aquí presentadas con tristeza o alegría, con vínculo de mordaces situaciones, violencia por doquier, seres sombríos, activistas, pesimistas, en fin, una amalgama de personajes referenciales.

Cargada de violencia, sin llegar al extremos que representó en su carrera el film Perdita Durango, de la Iglesia se atreve a ir más allá sobre el apartado de convicciones standares. Santiago Segura realiza una participación como el Payaso Tonto, a quien su hijo ve tenér que enlistarse para combatir, ser apresado y morir, acto disparador de la psicología del personaje principal, el de un payaso que no atrae, no hace reir y no encaja entre sus pares. El submundo circense es presentado como una sociedad en su conjunto.

Por su lado, la caracterización de Antonio de la Torre es apabullante, personaje a quien le encomiendan un importante peso de violencia verbal, física y sexual. Entre los personajes secundarios se destacan Sancho Gracia quien había participado con el director en 800 Balas y Carolina Bang como el eje de atracción entre dos personajes opuestos.

Don Candelario Gerónimo representa uno de los tantos íconos de la comunidad indígena de Quilmes, vivió toda su vida en la Quebrada de Chañares ubicada en la provincia de Tucumán, desde allí su relato enternecedor, colmado de referencias a su infancia como citar la precariedad de tener que abandonar la educación primaria a causa de falta de vestimenta y necesidad de trabajar con tan sólo siete años de edad, detalles que marcan el comienzo de un documental certero, muy honesto y cuidado, donde se hace sentir a flor de piel la gran deuda que nuestro país y los reiterados gobiernos han contraído para con estas comunidades.

En el lapso de rememoración, Candelario, desde la terraza de su hogar invita a recrear las problemáticas han sufrido como comunidad y contemporáneamente padecen, el miedo a la eventual pérdida de identidad como una de las mayores preocupaciones, todos los jóvenes migran, pocos vuelven y aquellos que lo hacen acarrean con una visión distinta a la heredada generacionalmente. El sentido de pérdida es enorme sumado a factores físicos y climatológicos como es la falta de agua en el lugar que no permite realizar una actividad de subsistencia vital como es el trabajo con rebaños de cabras y llamas, riego y cultivo.

Dentro del despliegue del documento obtenido por el director Nicolás Di Giusto, tras un trabajo que llevó al menos siete años en ser recolectado y confeccionado, instalado junto a su hermano Emiliano Di Giusto en la comarca de Don Candelario, lugar a partir del cual entablaron la odisea de captar las vivencias diarias desde la particular preparación de un teñido textil con una madera de algarrobo hasta la fabricación del adobe como material para la construcción, dar lugar a la conmemoración de la Pachamama, el tributo hacia la tierra madre donde se implanta la ofrenda de bebida, alimento, coca y hasta humo de cigarrillo para la existencia de nubes, en agradecimiento a todo lo que la tierra nos provée; incluído el cortejo de “la señalada” donde se juntan a cabras macho y hembra, adosándoles colorido con telas y una pequeña marca o corte en sus orejas, la celebración se ejerce como comparación a un casamiento, provisto de cómicas palabras y menciones relacionadas a cuestiones matrimoniales, entre festejos y ejecución de instrumentos, una velada traspasada entre generaciones.

El documental también se detiene en varios sucesos de gran importancia para demostrar el compromiso y organización que comenzó a establecer esta comunidad como es el corte de rutas, la construcción de una cañería conectora para poder distribuir agua a lugares desabastecidos y permitir el riego y cultivo, hasta la toma del denominado Fuerte Viejo, un lugar declarado como patrimonio de estas comunidades, arraigado por gobiernos que lo privatizaron por el lapso de 10 años y retirando parte de su historia con objetos a ser exhibidos en museos, un saqueo legal. Organizados, en tierras comunitarias de su propiedad, en las que vivieron por generaciones, se plantea el punto de quiebre, la retroalimentación con la ciudad para poder ser reconocidos legamente (no permitir una privatización por 10 años mas) y la existencia de nuevas generaciones que tras la descripción a voz de una de las integrantes, enarbola simplificando una de las mayores cuestiones vinculadas a este relato, el traspaso de abuelos, padres e hijos, generacional, de las tradiciones y no permitir la pérdida.

La caída del imperio norteamericano.

A apenas días de registro de las contínuas caídas de la bolsa de Wall Street llega a cartelera un film que simplifica gran parte de la situación económica en la que se encuentra sumergida Norteamérica actualmente, desde el singular, crítico y vehemente enfoque sobre quienes más lo sufren, las clases sociales denominadas “media” y descendientes, a causa de la actual recesión. Como segundo tópico, otra problemática: la educacional.

El film reitera de manera minuciosa adentrarse en la premisa de que ha cambiado el “american way of life”, indica que para ser un simple repositor de góndolas de supermercado, hoy en día, es imprescindible como requisito básico tener un título universitario, sin tomar en cuenta el desempeño laboral y la antigüedad. Es aquí donde Tom Hanks, con su segundo film en el sillón de director -el primero fue Eso que tú Haces! (That Thing You Do), que data de 1996 cuando seguía a quien fuera su mentor en dirección Jonathan Demme, tras la filmación de Philadephia- decide juntarse con tres mujeres que han pasado por su vida: por un lado con la actriz Julia Roberts, con quien ya compartió cartel en la subvalorada y oscarizable Juego de Poder (Charlie Wilson’s War), hacía tiempo que querían trabajar juntos y los proyectos de ambos no coincidían, por lo visto quisieron reencontrarse; en materia de escritura junto a la actriz y guionista Nia Vardalos de Mi Gran Casamiento Griego, a quien Hanks tiene un profundo afecto, ya le ha producido dos films y más íntimamente, compartiendo escenas junto a su actual esposa y actriz Rita Wilson, con quien se conocieron en la filmación de Voluntarios, reincidieron en el fiasco La Hoguera de las Vanidades, y también en la simpática Sintonía de Amor.

Hanks interpreta a Larry, aquel empleado bonachón que queda fuera del sistema, por su edad y falta de título universitario, la cosmopolita cadena comercial donde trabaja decide dejarlo ir y junto con esa ida, acarrea también su sueño de progreso, acto que sirve para la toma de conciencia sobre el sistema excluyente en el que vive la sociedad en conjunto, este se moviliza volviendo retomar sus estudios y es donde conoce a Mercedes (Julia Roberts), una profesora muy particular, vaga y aburrida de lo que tengan para ofrecerle sus alumnos, en una inusual clase de oratoria. Larry representa un hombre promedio norteamericano que debe cambiar su modo de vida, replantearse cómo seguirá adelante, con menos pertenencias materiales, a tomar conciencia y sin darse cuenta disfrutar de algo que hacía tiempo, inclusive en estos peores momentos financieros le es tan claramente enfrentado. La vida sigue adelante.

Con un tono noventoso, música de fondo de Electric Light Orchestra, Larry Crowne es presentado como un film sencillo, sin representar desafío cinematográfico alguno. Sirve como planteo fehaciente de una problemática bien actual. El trabajo de Julia Roberts está muy cuidado, aunque cueste creerlo apenas visualizaremos su patentada sonrisa, Hanks tampoco hará muecas ni sobreactuaciones, a mi parecer, el futuro Sandrini norteamericano. Gran parte del atractivo de la propuesta recae en los simpáticos trabajos de secundarios como es el de George Takei como un profesor de Economía muy particular, Cedric The Entertainer y Tarahi P.Henson como los vecinos que revenden cualquier objeto imaginable.

Larry Crowne no es un film que vaya a quedar en la memoria colectiva cinéfila ni mucho menos, pero, al menos es una de las propuestas más interesantes de la cartelera actual, debido a la sinceridad, enfoque y singularidad de esta obra capraesca.

El profe.

Continuando con temáticas sobre géneros sexuales, Marco Berger puntillosamente dirige su segundo largo, luego de los favorables resultados alcanzados con el film Plan B. El foco sobre las diferencias sexuales y la atracción hacia personas del mismo sexo está puesto en la búsqueda e iniciación. Su anterior proyecto se encontraba vinculado más al descubrimiento casual que como un juego terminó definiendo a dos personas. Ausente narra sobre cómo un joven estudiante, durante las tardes en la pileta del colegio, vigilado y protegido por sus profesores, encuentra una salida atípica y quebranta reglas para lograr con un cometido.

Implícitamente inicia un juego, maniquéa y ejecuta un plan que da comienzo al indicar una molestia física, específicamente en un ojo, para captar la atención de uno de los profesores de la institución. Este, se hace cargo de la situación, llevando al joven a una revisación, al regresar, por fortuitas razones, el profesor debe hacerse cargo una situación planteada y brindarle hospedaje al estudiante en su departamente, incumpliendo una regla escolar y dando lugar a un sugestivo vuelco punzante, colmado de tensión y suspenso.

La simbiosis generada en el segundo personaje, el profesor, es magistral, producto de lo sugestivo, dando lugar a un duelo entre dos, el ausente en lista nunca más presente en la mente del otro.

América estará a salvo por un largo tiempo.

A tan sólo semanas de ver otra de Marvel, Thor de Kenneth Branagh –film con el que me llevé una gran desilusión-, mis expectativas hacia la última antecesora al gran espectáculo que se anuncia para el mes de mayo del 2012 (Los Vengadores), eran bajas. El film es Capitán América: El Primer Vengador y narra acerca de los comienzos de un superhéroe extraído de un comic al igual que los otros integrantes del grupo que ya han pasado por su traslado cinematográfico (Iron Man, El Increíble Hulk, Thor, Hawkeye, Viuda Negra). El Capitán ya había tenido una pobre versión en fílmico que data de 1990, fue estrenada en Argentina sin penas ni gloria, aunque meritoria por los escasos efectos especiales y ausencia de CGI como en esta nueva.

Films como Spider-Man, abrieron la brecha para que toda esta parafernalia acción de revitalizar el traspaso cinematográfico de super héroes de acción inclusive permita que se conviertan en éxitos de taquillas, mientras que unas enfocaron su visión estrictamente en la historia original y guión, siempre libradas a dejar un final abierto para las ansiadas secuelas, la fórmula se repitió con altibajos, problemas de caché implícitos que dejaron fuera de proyecto a más de un actor; donde una tras otra fueron abriendo camino para la llegada de esta última experiencia ambientada en la 2da Guerra Mundial en la que trazos de film serial de aventuras como Indiana Jones conviven con Rocketeer o Hellboy…tampoco es casual que un director como Joe Johnston se haya subido a este proyecto, quien fuera justamente el realizador de “aventuras de miniaturas en un patio” como fuera Querida, Encogí a los Niños, “aventuras de Indiana Jr.” para la tv, “aventuras a partir de un juego de mesa” con Jumanji, “aventuras prehistóricas” con Jurassic Park 3 y Rocketeer, su primer gran film de super héroes, demasiado subvalorado para su época y hoy quizás considerado levemente de culto. Con Capitán América, Johnston incursiona en su primer experiencia de utilización del 3D, y lo hace con creces, un efecto que permite la clara visualización de distintas capas generado a partir de un escudo que nos es lanzado hacia la platea y para el cual más de uno generará un movimiento como para esquivarlo.

En El Primer Vengador, Chris Evans (Celular: La Llamada Final, Los 4 Fantásticos) interpreta a Steve Rogers, un joven que físicamente no es aceptado por el ejército estadounidense para enlistarse en sus filas, por más mérito, vueltas y trampas que éste genere. Es allí cuando capta la atención del Dr. Abraham Erskine (Stanley Tucci) quien ve en él, algo que sobrepasa la condición física y está fuertemente relacionado a su humanidad, condición necesaria para poder darle el pase de entrada engañoso a su tan apreciado anhelo; Steve se convierte en un integrante del ejército aunque no pase casi ninguno de los desafíos que le son provistos, su destino yace en constituir el “conejillo de indias” para un experimento que en el pasado no brindó los resultados esperados, convertir a un hombre en “super-hombre”, con esto queriendo significar una mayor masa muscular, magnificar funcionamiento de tejidos y órganos; el cambio no sólo se ve marcado en su actitud sino que tambien en la de  sus pares y quienes lo utilizan para la campaña de compra de bonos de guerra, el hombre pasa a un segundo plano casi convirtiéndose en un animador como James Cagney en Yankee Doodle Dandy. Su némesis o alter ego es Red Skull (Hugo Weaving), un coronel nazi con aires de grandeza, a quien el mismo experimento magnificó pero por sobre todas sus características previas, prevaleciendo su maldad. Un plan hitleriano de conquistar al mundo se pone en marcha.

En el plano actoral, el film cuenta con un secundario de Tommy Lee Jones, tan significatico como el de Toby Jones y el de la correcta Hayley Atwell vista en Regreso a la Mansión Brideshead; apenas una aparición de Samuel L.Jackson en el rol de Nick Fury, el esperable cameo al que nos tiene acostumbrados Stan Lee y los pongo en aviso de quedarse hasta el final de los títulos finales para apreciar un ínfimo avance de lo que será Los Vengadores.

El Primer Vengador es de esos films a los que uno asiste desconfiado, creyendo que se va a encontrar con uno más de los interminables enfrentamientos entre el bien y el mal, pero, en este caso, gracias a un excelente trabajo realizado en erguir personajes a partir de un relato y efectos visuales vitales a la historia, logran que el Capitán América no sólo se consolide como uno de los más sólidos personajes a ser incluidos en Los Vengadores, sino como uno de los mas atrayentes.

Secuelas garantizadas por doquier, ¡qué suerte para los norteamericanos!.

Con reminiscencias a Antes del Atardecer de Linklater y Summertime de Lean, la “copia certificada” del titulo original, se refiere a la novela que el escritor James Miller, interpretado por William Shimmel acaba de presentar. Un libro que no tuvo éxito en su lugar de orígen. Juliette Binoche interpreta a una mujer que ha asistido a la presentación y demostró interés en conocer a James. Esa mañana, salen a recorrer por las pocas horas que tiene James para coger un viaje, entre ellos, Toscana.

Caminando por las calles descubrimos personajes que se van adhiriendo a la historia que están viviendo los principales, ir a tomar un café o encontrarse con una pareja que apenas acaba de contraer matrimonio. El entorno influye sobre cada una de las conversaciones que mantendrán a lo largo del film, cada uno expone su opinión, muchas discrepancias salta a la luz.

Al ser confundidos de ser un matrimonio, la trama rota con un vuelco de amplio interés. James comienza a jugar a un rol que no le pertenece y ella tambien.

Copie Conforme tiene muchos ingredientes que nos gustan ver en cine, ejecutados por una director cuya cámara acompaña al elenco hasta en los mínimos gestos.

Link a la web oficial del festival, conferencia de prensa Abbas Kiarostami y Juliette Binoche:

http://www.festival-cannes.com/en/mediaPlayer/10614.html

Saladillo for import.

Conozcamos a Julio Midú. Un prometedor realizador de la ciudad bonaerense de Saladillo quien junto a Fabio Junco sostiene la Fundación y el Festival Nacional de Cine con Vecinos (que ya va por su 8º edición este año), dirigieron alrededor de una veintena de films, entre ellas Crisálidas y El Ultimo Mandado, cine artesanal que cuenta con la peculiaridad de incluir a los vecinos en los distintos rubros que abarca la realización de una producción cinematográfica tornando la experiencia hacia un perfil comunitario, casi sin dinero y utilizando actores no profesionales, hace doce años que trabajan juntos luego de realizar sus estudios y egresar de la Enerc.

Hermanitos…es un producto plenamente enfocado al público familiar que concurre a las salas de cine específicamente en las vacaciones invernales, destinado a los más pequeños la trama es sobrexplicada con matices extremadamente marcados, delineando quienes son los buenos y malos en esta historia por nombrarles un ejemplo. Diego Topa y Mariana “Muni” Seligman, conductores de programas en Disney Channel, interpretan a Pato y Pirucha, dos encargados en un establecimiento que alberga a niños huérfanos del que se demuestra que sin importar el origen de uno se puede triunfar en la vida (si esto implica convertirse en un empresario exitoso…) como es el caso del interpretado por Gabriel Corrado. Tambien hay lugar para una copia de Cruella de Vil a cargo de la lookeada actriz Norma Pons, quizás el rol mas destacable, gracioso y satirizado, (nemesis de Corrado), una mujer que no la ha pasado nada bien en un hogar y actualmente muy adinerada, cuenta con el afán de hacer cerrar la institución que casualmente se encuentra debido a problemas económicos a punto de ser cerrada. Pato anhela formar parte de un grupo musical para adolescentes llamado “Pandilla de Sol” a quienes con entusiasmo todas las tardes se detiene a ver en el hogar junto a los más chicos. El grupo casualmente de gira por Ushuaia accede al pedido de los más chicos de brindar un recital a beneficio.

El film cuenta con momentos musicales variados, canciones atractivas, coreografías un tanto insulsas, un vestuario por demás rococó –es increíble la decisión de mostrar a niños huérfanos vestidos cual se hubieran salida de compras de un shopping, con sus coloridas prendas- y con una palpable buena intención. En rubros técnicos es agradable la mezcla de sonido, como cinematográficamente un tanto despareja entre planos muy bien escogidos frente a otros que perfilan al film hacia un formato televisivo.

Gracias a actuaciones como la de Norma Pons y Diego Topa, quien se muestra muy cómodo y carismático en escena, algunos desaciertos del film quedan tapados debajo de una alfombra.

No más Harry Potter

Desde mi experiencia personal debo destacar que durante todos estos años padecí la saga de Harry Potter casi en su totalidad. Como cinéfilo empedernido, de esos que a veces no utilizan un filtro a la hora de seleccionar qué ir a ver y muchas veces dejan de lado valiosas propuestas por la falta de tiempo, la errónea elección muchas veces se hace bien visible. Es así como tuve que (empleando un término bastante utilizado en la actualidad, que bien sirve para expresar lo que siento de esta saga) “fumármela”.

Pero he aquí la diferenciación y mea culpa. Dentro de los ocho films que conformaron la saga únicamente dos de ellos, a mi parecer, contaron con características atrayentes, sinceras y dignas de una saga que pecó de sobrexplicación, banalidad en la construcción de personajes, irrisoria en las peculiares andanzas de los personajes en la búsqueda constante de un nuevo y mágico elemento en cada una de sus entregas. Una ha sido la magnífica, dirigida por Alfonso Cuarón, Harry Potter y el Prisionero de Azkaban; luego, y para mi sorpresa, Harry Potter y las Reliquias de la Muerte, Parte 2.

Existe otro factor muy interesante a tener en cuenta y digno de analizar, implícito en el hecho de que esta saga ha crecido a la par de toda una generación de menores cuando el producto inicial tenía un tinte mayoritariamente infantil, cual cuento de hadas. Esto, con las diversas secuelas y años, generó un cambio tácito en la reestructuración del enfoque de la saga, que cada vez fue tornándose más negra en el sentido de adquirir personajes cuyas problemáticas incluían temas más adultos hasta llegar a un final de edición ágil donde ya, luego de 7 secuelas, muchos de ellos son bien reconocidos por el espectador promedio en matices, rasgos y comportamientos, cuestión que suma un plus en la experiencia de no tener que emplear tiempo del film para desarrollar las vidas de cada uno de los integrantes de la saga.

Harry (al igual que todos los espectadores) sabe que en su destino se encuentra el ineludible encuentro con Voldemort, algo esperable desde la primer entrega, un fantástico duelo de magia entre dos seres opuestos, unidos por una situación que, luego de siete films previos, terminó por esclarecerse. Y es aquí donde se encuentra uno de los mayores atractivos de esta propuesta: todo lo que en las anteriores se alargaba tanto como un chicle Jirafa (perdonen, hoy me salió el vejete, ¿existen todavía?) en esta segunda parte de una sexta secuela fluye con mayor naturalidad, con una edición de relojito en comparación con las largas y tediosas explicaciones de las anteriores. Incluso hay lugar para varios encuentros que parecieran parodias, una escena à la Matrix, donde con fondo blanco en su totalidad vemos a Harry y al viejo Dumbledore que debaten sobre la vida y la muerte -sólo faltó la elección de la pastillita de color- y otra escena en la que pareciera haber competencia por mostrar el trabajo de abdominales entre Harry y Ron, cual los Crepúsculo boys.

En Hogwarts, una escuela destruida a cargo del profesor Severus Snape, quien habría matado al legendario Dumbledore y tomado su cargo, se plantea un clima de rebeldía ante la llegada de Potter y compinches. Se dedican extensos minutos a una guerra entre magos y un ataque a la inmensa institución, que no aportan grandes emociones bélicas como se han visto en Corazón Valiente, Cruzadas, la trilogía de El Señor de los Anillos y tantas otras.

El trabajo actoral es algo que en toda la saga ha sido un placer; saber que un producto comercial cuenta con un cast de lujo no siempre viene emparentado con un resultado que los deje a todos los actores bien parados y, a veces, nos hace preguntarnos si la participación se debió a un abultado caché, la inercia actoral de seguir trabajando o un desafío ante tal magnánima producción.

Algo a destacar de la saga, que se repitiera particularmente en Azkaban, es la dirección artística: pareciera que no hay límites en términos de producción, el permitir concretar diseños, estructuras, escenografías. Es grandioso cuando esto sucede en el cine, que en el diseño, los grupos de artistas y mentes pensantes de acorde y en relación a una obra literaria tengan libertades que puedan materializarse y hacerse visibles hasta el más mínimo detalle en la puesta, siempre y cuando sea vital a la obra y no se malgasten estos recursos innecesariamente.

Harry terminó, al fin, de la mejor de las maneras, dejando satisfechos a adeptos y a no adeptos también. Para celebrar la saga y en honor a lo que nos estaba sucediendo, con el staff de A SALA LLENA nos fuimos a almorzar y a discutir el film al restaurant chino cuyo nombre hacía alusión al estado en que quedamos: “Todos Contentos”.

¿Y el amor por el cine donde está?

Caso ficticio, la importante Cinemateca Uruguaya con sus miles de adeptos y por problemas inherentes a cuestiones técnicas y mantenimiento de equipos proyectores, deudas atrasadas de alquiler del espacio, se ve ante una prominente disminución de afiliados, cancelación de auspiciantes y un camino directo a la extinción.

Los programadores, presentadores, interiorizados, casi parte del mobiliario por años, no ven solución y tantos años de vivencias cinéfilas frente a una pantalla hoy los ve despojados, como aquel pichón que vuela del nido, pero a tardía edad, originando un comienzo o despertar de una nueva vida, la externa y social.

El actor principal (no profesional), conjuga una interpretación que involucra nostalgia y ruptura frente a los cambios abruptos. Inclusive baila por escaleras una coreografía cual un Fred Astaire limitado, vuelca sus aptitudes de oratoria al inmiscuirse en un aula y hacerse pasar por profesor.

Filmada en blanco y negro, formato 1.33:1, qué mas puede pedírsele a una producción tan pequeña y que derrama tanto amor cinéfilo a la platea; una sala de proyección, una mención a El Ciudadano y la manera de ver cine, un programa radial, una presentación frente al público, el corte de entradas, un musical…

Junto a Amateur, La Vida Util es otro de los ejemplos presentados en este festival que asumen una posición de reencontrarse con un amor perdido, quizás abandonarlo por un tiempo y reemplazarlo por otro, al menos por un pequeño lapso de tiempo.

Todo tiempo pasado fue mejor…

Es la frase que transmite alegóricamente el film cuyo desarrollo en París se limita nuevamente (como es habitual en la filmografía de Allen) a acceder a un elemento fantástico a partir del cual suscitan los repetidos conflictos de pareja planteados a lo largo de su carrera. Es asi como Gil (Owen Wilson), un escritor que se encuentra de vacaciones junto a su novia (Rachel Mc Adams) y suegros, de “colados” en Paris, brindando los detalles finales a su última novela que trata acerca de una tienda que vende antigüedades; he de allí que Gil declara su fascinación por el pasado, la época del 20’ en Francia, o época de oro, donde artistas plástico, escritores, directores de cine renovaron el mundo del arte con sus visiones. Es así como tras una noche de cateo de vinos el elemento fantástico cual una némesis de la Cenicienta, gana un encanto a las doce de la noche: el transporte a ese década tan deseada.

Allen ya incursionó en esta materia con La Rosa Púrpura del Cairo (transporte a partir de una pantalla de cine) y con el plan turístico en una de sus últimas (Vicky Cristina Barcelona) donde se limitaba a mostrarnos cual un guía turístico el territorio español, aquí repite la experiencia con cada uno de los recovecos de la ciudad parisina, sus calles, Versailles, la torre, los cafés, etc.. Owen Wilson, lo más destacado del film gracias a su fluidez actoral también repite a quien otro sino a Allen, en un rol similar a los que éste solía interpretar, balbuceando, tartamudeando y generando todo tipo de encuentros y situaciones repletas de histeria, comicidad y conflicto. Los roles de los suegros dan el pie para poder rematar (como también es costumbre de Allen) los gags, el uso de un padre que no quiere a tal persona como candidato de su hija no es nada nuevo. Quedan olvidadas, pequeñas participaciones de Carla Bruni y Michael Sheen, frente a cada uno de los artistas que rondaban por Paris en la época favorita del escritor, personalidades como Cole Porter, Buñuel, Dalí, Picasso, Man Ray, T.S. Elliot…destacándose Adrien Brody como un insistente y apenas gracioso Dalí.

Allen no encuentra quien lo reemplace en materia actoral en cine, puede seguir buscando, llevar y filmar su cine en el viejo continente, aunque estaría bueno que ya sea la hora de reinventarse y viajar a otras latides, Latinoamérica podría ser una buena excusa.

Tras la presentada en el Bafici 2009, The Pleasure Of Being Robbed, los hermanos Safdie dan un gran paso adelante con la exquisita y frenética historia de un padre tan desordenado, irresponsable y querible, un marginado de la sociedad estadounidense, divorciado y con dos pequeños y adorables niños. Su trabajo no le brinda lujos económicos, es proyectorista de un cine, su jóven novia es aún mas irresponsable que èl.

A su cuidado quedan sus niños por un plazo de una semana aproximada donde, el padre, al igual que en films como Kramer Vs. Kramer, Author, Author! o inclusive la olvidable Big Daddy, hace lo imposible por demostrar cuan buen padre es, los resultados son inversos, cuanto mayor es su esfuerzo, mayores son los inconvenientes que desata y origina. Con un cameo genial de Abel Ferrara, el film que remite a films de Cassavetes por su dinámica y estilo, y bien podría convertirse en el puntapiè inicial para que los hermanos sean tomados en cuenta para proyectos mayores. Con Go Get Some…han demostrado estar a la altura de grandes directores.

Ronnie Bronstein logra una de las mejores interpretaciones vistas en el festival.

Yo no me llamo Che, me llamo Carlos...

Las primeras imágenes del telefilm presentado el año pasado fuera de competencia integrando la selección oficial en el 63º Festival de Cannes, nos destacan la siguiente mención:

“Este film es el resultado de investigación histórica y periodística debido a las controversiales superficies grises en la vida de Carlos, este film debe ser visto como una ficción trazando dos décadas en la vida de un notorio terrorista.”

Hecho que nos pone a prueba para poder entender cómo a veces puede tornarse un guión en una especie de trabajo de recolección y reconstrucción histórica, con incertidumbre mediante y tener que encontrar las claves para poder satisfacer un relato cinematográfico. La tarea, encomendada al director francés Olivier Assayas, quien usualmente diverge entre géneros, jamás había abordado en sus obras a un personaje de no ficción.

Premiere Partie: 101 minutos

El telefilm comienza en las calles de Beirut, tras el asesinato de un líder político defensor del Frente Popular de Liberación de Palestina. Illich Ramirez Sanchez fue entrenado en Jordania en 1970, tres años después es llamado por el Frente para llevar a cabo una misión, para la cual deberá rebautizarse, su nuevo nombre: Carlos.

En París, Carlos conoce a André, quien le indica que deberá trabajar desde Londres, ciudad a la que se dirige. Llegan momentos donde las palabras no bastan y es necesaria la acción. Enfrentar el capitalismo con la guerrilla y no en Latinoamérica, el origen de la derecha radica en otras partes del mundo. Lograr la gloria, el aplauso, movilizado por la arrogancia, esa sería la gloria verdadera según sus palabras y donde encontraría su satisfacción. Se plantea la idea de que cada bala corresponderá a una idea.

Tras un atraco en la embajada de Francia a cargo de la armada roja japonesa, la activación de una célula alemana que culmina con un intento atentado en el aeropuerto, Carlos siente que las armas son la extensión de su cuerpo, y ve como cada energico plan que propone va concretándose. Su otra debilidad siempre presente, las mujeres.

Un tiroteo descomunal en su hogar sirve de brecha para unir la culminación del capítulo y dejar al espectador ansioso, con un clima acertado, sombrío y digno de una comparación a la escena del infierno en el bar donde Al Pacino pasa de ser un hijo a convertirse en un mafioso (El Padrino).

Deuxième Partie: 107 minutos

Transcurre 1975 en Viena, y viajando en tranvía, Carlos ya presenta un nuevo look, con boina, anteojos, demostrando rebeldía y violencia inclusive en su postura. Los planes cada vez involucran mayores riesgos, y es asi que tiene a lugar el secuestro de un avión tomando rehenes y pidiendo la cifra de 20 millones de dólares, situación que lo obliga a volar a Bagdad y permitir la tardía liberación de estos.

A continuación se narra su estadía en Berlin 1976 / 1978, donde el terrorista mas temido alterna entre mujeres y nuevos proyectos en su haber.

Troisième Partie: 118 minutos

El sexo y los celos llegan a la vida de Carlos, su vinculo se extiende al reclutar a una de sus parejas. Llega la etapa donde se agudizan las relaciones con Moscu y transcurre una fiesta que sirve como nexo a bombardeos en mansalva.

En 1985, sale de prisión su pareja, una de las pocas que tuvieron que cumplir condena durante este período, pasando a una etapa donde son frecuentes los pasaportes aduterados e inclusive el hecho de la caída del muro de Berlin, representan en Carlos un nuevo cambio, la militancia adquiriere distintas formas, el deber conformar alianzas y establecer responsabilidades dentro de las organizaciones. El eje se traslada ejerciendo un cambio de la guerra tras la caída del socialismo.

Assayas presenta archivos de atentados, comunicados del gobierno asegurando la protección de la población y el material de declaración de persona no grata a la embajada de Siria en París, a quien se atribuyen parte de los atentados. El material de archivo es descomunal.

El proyecto surgió bajo la financiación de empresas como Canal+ con el formato de drama televisivo, dividido en tres partes, siguiendo la figura de Carlos, un terrorista internacional, abarcando dos décadas de su vida. Carlos es una superproducción no habitual donde se destaca la reconstrucción de época y rubros como el diseño artístico, vestuario y fotografía. De carácter épico, con rezagos de films como Blow, la reciente Che, El Padrino y trabajos de violencia callejera de Scorsese en relación a la utilización de una banda sonora siempre presente en el transcurso del metraje.

Edgar Ramirez es un actor venezolano que maneja tres idiomas, imprescindible, cuya actuación va creciendo exponencialmente al igual que la violencia y el personaje que interpreta a medida que los cargos que le son encominados y experiencia se acrecentan.

Carlos “El Chacal”, el hombre que hizo temblar al mundo, ¿Quién puede cuestionarlo acaso?.

Mi reino por un castor.

La depresión es un trastorno del estado del ánimo, ocasionada a partir de diversas causas y generadora de vastos síntomas como pueden ser decaimiento, tristeza, disminución en la capacidad para disfrutar y en la actividad laboral, entre otros tantos como el insomnio e inclusive llegar a tener intenciones suicidas.

Walter (Mel Gibson) es un deprimido padre de familia, una bien disfuncional como se las ve comúnmente hoy en día, de esas con escasa comunicación entre padres e hijos; su esposa es quien ante el cuadro de su par que notoriamente afecta al clan familiar se aisla y busca quehaceres como la de un soft para construir montañas rusas virtuales y así anularse del tema; su hijo mayor tiene como hobbie pegar ayudamemorias en “post it” sobre una de las paredes de su cuarto para recordar cada mueca o latiguillo característico de su padre y así evitar mimetizarse; el hijo menor apenas percibe todos estos problemas pero nota la ausencia paterna.

Luego de dos años de insistir con terapias psicológicas y utilizar fármacos, Walter es echado de su hogar, la situación se convirtió insostenible y comprende que debe hacerlo por el bien de su familia, desganado, sin ánimo, sale a hacer las compras diarias en un supermercado y dentro de un contenedor de basura encuentra un gastado títere de peluche, un castor, elemento que terapéuticamente comienza a utilizar como parte de un auto-tratamiento.

Una vez que Walter colocó el títere en su mano, este toma vida, habla por el, y representa todo aquello que quiere expresar y construir, una especie de puente que transita por arriba del problema mayor esquivándolo, convirtiéndose de tal manera en su único sustento para volver a conectarse con sus pares, su familia, su trabajo.

Jodie Foster, con una carrera actoral con más de 70 films iniciada en su infancia, logra con éste su tercer film bajo la dirección. Abarcando siempre temáticas familiares y sociales, como hiciera con Mentes que Brillan, su ópera prima acerca de un niño prodigio y Feriado de Familia, sobre una reunión familiar ante el festejo del Día de Acción de Gracias. La Doble Vida de Walter constituye al momento su film más profundo y visceral, desalentador en casi su totalidad por el tono que lleva implícito al acompañar el trastorno que vive el personaje principal, quien crea empatía. En esta une fuerzas junto a su Gibson, co-protagonista en Maverick de Richard Donner, a quien muchos adjudican tal incorporación al elenco como un gesto de amistad entre ambos, ante el mal rato que estuviera transitando el actor debido a inconvenientes personales que tuvieron cabida en medios que se hicieron eco mundialmente sobre sus declaraciones / sucesos de índole homofóbica y violenta. Gibson logra una gran y talentosa actuación al igual que sus pares, se reivindica de decisiones actorales vagas que tomó en los últimos años luego dedicarse a la dirección.

La profundidad del guión de Kylle Killen es de utilidad para demostrar cómo gracias a un objeto inanimado alguien bajo un trastorno tan común puede salir a flote de los más profundos abismos en los que pueda encontrarse, el objeto o elemento es una excusa, una herramienta de la que se vale el protagonista que en este caso identifica claramente el problema, pero individualmente no puede resolver.

¿Quién dice que es fácil?. No sólo es uno de los guiones de Solarz que tuvieron traspaso a fílmico, sino el interrogante que se le podría formular a este realizador devenido en director con éste, su debut.

Juntos…presenta en sus minutos iniciales el indiscutible sello de Solarz al momento de recrear situaciones tragicómicas vinculadas a las relaciones de parejas, tal como hiciera con ¿Quién Dice…y Un Novio para mi Mujer. Una desopilante escena con un sofá en plena vereda, producto de una discusión conyugal que define la estructura inicial del film y la eventual desestructura, tanto a nivel argumental como postura del director. Peto Menahem interpreta a Gross, un guionista al igual que Solarz, quizás un guiño a El Ladrón de Orquídeas, cuya realidad y ficción se entrelazan constantemente. El acaba de ser abandonado por su novia (Malena Solda) con quien convive, a partir de este quiebre accede a los pedidos de esta para hacerla volver como empezar terapia, cambios que no puede concretar debida a la maquinaria mente que lo acosa con la escritura de un guión. Infantilmente, Gross inicia una nueva relación, enfermiza con una “dumb blonde” (Florencia Peña), por momentos para tratar de olvidar a la anterior y en otros como para querer demostrar su ¿avance? ante el posible regreso de su ex. La relación se vuelve caótica y es donde el film comienza a transitar un camino de obsesión à la Vertigo. Algunas decisiones de guión no lograron un por convencerme, es más, hasta disgustaron, una escena en particular de poca sutileza y violencia hacia el sexo femenino y un vocabulario no “políticamente correcto” utilizado en menores.

Menajen realiza una composición interesante, cual un personaje woodiano. Mirta Busnelli en el rol de su madre, estereotipada recuerda a Soledad Silveyra de Las Hermanas L.

Algo que deja en claro el film es que debería plantearse vitalmente en un casting cinematográfico, la participación de actrices con cirujías faciales, hecho por el cual se desdibuja la gesticulación en las interpretaciones y como espectadores perdemos tiempo en registrar éstos cambios atroces de rostros, como el tiempo invertido en la visión de este olvidable film.

Nikita meets Lola.

Cada vez que asistimos a ver un film en el ámbito cinéfilo y querer comentar, trasladar a nuestros pares la impresión que nos ha dado esa función en particular, muchas veces caemos en el mundillo de comparar y, es así como a medida que en pleno proceso de digestión o (in)digestión del film avistamos características, usos de cámara, planos, historias, tramas, personajes, vestimentas, maquillaje y todo elemento involucrado en un film que nos haga recordar a otro. Con esto no quiero inducir a que consista una característica negativa ni mucho menos, muchas veces, esta impronta inclusive puede constituir un homenaje, una referencia, un guiño a un mentor, que en muchos casos nos genera revisionar el original, descubrir a un maestro cinematográfico o hasta destacar una mejora y mejor visión frente a ese pequeño…”robo”.

Hanna es un nombre femenino, al igual que Lola, no tan así con Nikita que es unisex al igual que René o Boris, Bourne y Kimble ya eran apellidos y Neo, bueno, vaya uno a saber desde cuando ha sido utilizado como un nombre sino a partir de ese film donde las personas podían esquivar balas y contar con el reflejo suficiente como para poder esquivar un puñetazo o varios. Hanna mantiene una relación con estos nombres aquí barajados y es: la violencia. Ella ha sido criada lejos de la civilización, en un lugar remoto, con la característica de poder sobrevivir por sí misma, esto significa poder cazar y alimentarse, pelear, en fin, instruida por un ser de quien en principio poco conocemos pero algo sospechamos. Un buen día, Hanna verbaliza sentirse preparada y es allí cuando su tutor le indica que cuando lo desée no tiene mas que apretar el botón de un equipo localizador, todo su entrenamiento tuvo el único motivo de estar lista para poder enfrentar este momento, del cual le es destacado una tal Marissa Wiegler vendrá por ella y esa situación terminará con la muerte de una de las dos.

Por todos sus aspectos técnicos y estética bien podría constituir un film de la filmografía de Tom Tykwer, sin embargo sorpresivamente ha sido dirigido por Joe Wright, quien con sus dos grandes films Orgullo y Prejuicio, y Expiación, Deseo y Pecado, ambos de época, de tinte romántico y siempre centrados en personajes principales femeninos como es este caso tambien, divergen notoriamente del clasicismo y temáticas, en cuanto aquí abunda la violencia, las persecuciones vertiginosas de agentes, el juego del gato y el ratón, todos buscando a Hanna. Saoirse Ronan interpreta a esta niña de rostro angelical, la misma que en Expiación…inventaba una historia que traia consecuencias devastadoras por generaciones, con gran destreza desempeándose en escenas de acción demandantes y Eric Bana en un rol que al menos gracias a su physique du rol, personalidad y aspecto para interpretar a este personaje, padre de Hanna. Para completar el trío de personajes, Cate Blanchett interpreta a la fría Marissa Wiegler, una agente a quien se le ha escapado algo de una misión y hará lo imposible por recuperarlo, aunque eso involucre correr sin siquiera mudar de calzado y quitarse los tacos altos.

Si, hay una escena memorable y transcurre en los pasillos de una estación de subte, involucra a Eric Bana y a un grupo de agentes que lo persigue, un plano-secuencia en un espacio reducido, cuyo travelling está ligado a la coreografía de golpe, algo que Wright intentó en Expiación…a gran escala y al menos en mi apreciación personal quedó completamente fuera de la acción motora del film, es usual que se utilice esta técnica cinematográfica en situaciones que no lo ameriten, no vitales a la narración. Favorablemente este no ha sido el caso.

Para mi desilusión, y no por culpa del film, sino de la sala a la que asistí, la mezcla de sonido estaba ausente, sólo pudiendo distinguir un sonido apagado de bajos y sólo vibrante en canal central. Todo efecto sonoro y canales traseros tampoco aparecieron en toda la proyección, en un film que por su contenido de escenas de acción, tiroteos varios y tensión bien deberían estar presentes, inclusive considerando la excelente banda sonora de Chemical Brothers, quienes se suman a la reciente experiencia de Daft Punk en musicalizar Tron: El Legado o grupos como Air en la recientemente apreciable El Viaje a la Luna (1902) de Georges Méliès.

De idas y venidas.

Regresar a un lugar puede ocasionar problemas, más aun cuando se ha partido inesperadamente dejando un manojo de ellos originados en el pasado. Alvaro vuelve a su lugar natal por el fallecimiento de su padre, un hombre que no movió un dedo por contactarlo, ni siquiera en sus peores momentos de enfermedad en estos diez años para no ser visto en tal estado; su legado consistió únicamente en la grabación sonora de un cassette con dos firmes insistencias: que vaya a ver a su hermano, quien no estaría pasando un buen momento y reencontrarse con su hija.

En la fría región catalana, donde parece que nada sucede y reina la calma, un confuso accidente automovilístico en la ruta da pie a Alvaro para realizar una investigación personal ante una posible demanda que lo puede poner en el lugar de acusado. La visita a su hermano e hija no demoran, todos jugando como piezas de ajedrez con el afán de hacer mención a que “pueblo pequeño, infierno grande”.

Retornos, tiene estructura de thriller, en sus escasos 88 minutos de duración intenta adentrarse en temas como es la prostitución local en pequeños pueblos españoles donde se sostiene el machismo y ciertas costumbres partidarias de un sector quedado en el tiempo. Que un personaje irrumpa, en una corta estadía, investigue y descubra en tiempo record una red de ilegalidades tampoco suena creible, más aun cuando lo involucran subtramas que sobrepasan el eje inicial y pretenden cerrar a partir de otros temas mayores. Si bien el film transita un camino que deja al espectador absorbido por la trama, a medida que se va deshilvanando y quizás por las poco creíbles actuaciones y lloriqueos a los que se acude, no genera más que la sensación de estar viendo una fallida versión de Los Hombres que no Amaban a las Mujeres a la gallega.

Secuelas agotadas, seguimos con precuelas...

Esta es una fórmula recurrente en la actualidad, ya hace varios años que cuando un film exitoso comienza a engendrar secuelas y el producto se desgasta se busca la vuelta de volver a las bases con dos posibles ideas: 1) Realizar una remake del original. 2) Realizar una precuela, siempre y cuando esto sea posible argumentalmente.

Gracias a la conjunción Donner / Singer, la saga del comic X-Men brindó una fresca revitalización sobre aquellos superhéroes de acción que no habían encontrado hasta el momento su salida cinematográfica; la respuesta del público en interesarse por este tipo de propuestas permitieron que superhéroes como Daredevil, Hulk, Watchmen, Iron Man lo logren. Abierta esta brecha gracias a Spider-Man también, ya los héroes como Superman habían quedado un poco en el olvido, resurgieron igualmente con la puja de Singer entre dejar la franquicia de X-Men por una nueva del encapotado. La saga de Batman jamás vió misfortuna, salvo por la segunda incursión de Joel Schumacher que hizo temblar a los chairmans de Warner, por suerte Christopher Nolan no sólo reinventó esta saga sino que le dio un aire fresco y garantizó por el momento unas cuantas secuelas más.

Con X-Men y su trilogía que no daba pie a secuelas, comenzó una nueva etapa, la de contar la historia de origen de cada personaje, surgió el olvidable producto X-Men Origins: Wolverine y ahora continuando con Magneto, el proyecto spin off que debería denominarse X-Men Origins: Magneto, curiosamente tomó otra rienda pluralista y abarcar así con su título al resto de los mutantes X-Men: Primera Generación, aunque la columna vertebral del film es la historia de cómo Eric Lensherr se convierte en Magneto.

El film inicia al igual que la primer entrega de la saga, con Eric de pequeño torciendo con su poder las barras metálicas de un portón, en pleno auge del nazismo donde se ve confinado por un experto en genética que toma conocimiento de su don, con el afán de adquirir genéticamente las mismas cualidades. Es así como Eric, ante una fortuita e irrecuperable pérdida, matan a su madre frente a sus ojos por no haber podido utilizar sus poderes como le habría sido solicitado. Esto genera en el una fuerza motora que años después despierta tras el conocimiento del paradero del asesino, búsqueda que lo lleva a nuestra región, la Argentina que alberga nazis en una desacertada Villa Gesell con ¡¿montañas?!.

Paralelamente se narra la historia de origen de Xavier, el mutante que dirigiera y se convirtiera en el prócer de la escuela de X-Men, con su facilidad para poder ingresar en las mentes y un equipo que le permite rastrear a los demás mutantes sobre la faz de la Tierra. La incorporación de miembros que van conformando un grupo y mostrándose unos a otros sus distintos dones tampoco es novedoso, sí limitado, son pocos, se bautizan con sobrenombres y realizan actos demasiado infantiles en comparación como la violencia y tono que tenía el primer film de la saga. Esto es algo que se ha hecho notar demasiado, el cambio radical de postura, la infantilidad de diálogos, se extirpó la crueldad de los personajes iniciales, todo vestigio de fluidos como lo es la sangre, todo indica que el motivo no es otro más que comercial, debido al reiterado cuidado que estos proyectos tienen para no ser clasificados del tal manera que no puedan concurrir menores a las salas y esto quite una abundante porción de asistentes a las salas de proyección.

Primera Generación es un film bastante monótono, algún cameo y posterior comicidad en un diálogo revitalizan la narración, cuyos últimos minutos, grandielocuentes y repletos de efectos visuales terminan por brindarle mayor notoriedad al olvidable producto que en las otras ¾ partes se había convertido. Se torna inimaginable creer que Matthew Vaughn, director de una de las sopresas cinematográficas del 2010 (Kick Ass), haya concebido otra de superhéroes, tan desabrida en comparación con su anterior proyecto.

PD: ¿por qué esta copia se veía y escuchaba tan mal en su función de prensa?

Dos amigas se encuentran, una casualmente ha perdido recientemente a su padre, dueño de un aserradero y debe concretar el cierre del establecimiento indemnizando a los trabajadores, la otra es una actriz que recíen empieza a buscar trabajos, supuestamente “de novia”. Dentro del marco vacacional conocen a un grupo de amigos, chicos sencillos que las invitan a pasar algunos momentos de diversión, zambullirse en aguas, alguna fiesta.

Un conversación sobre el capot de un auto marca una de las logradas escenas del film que con el transurso de metraje va reconstruyéndose. Alguna pelea entre amigas, celos, acompañan la acción tras un arbolado sector donde entre conversaciones pueriles, ambas terminan consolidando su amistad frente a las discrepancias, diferencias y sentimiento.

Lo que Más Quiero es un film que no llega a destino, induce a afrontar un desafío del que se desconoce su objetivo como propuesta, la liviandad de los diálogos invita a olvidar los elaborados planos-secuencia de una experiencia que pretende ser rohmeriana.

Una de las sorpresas del Festival.

Interpretada por Ryan Gosling y Michelle Williams, un drama adulto donde ambos entablan una relación a partir de situaciones extremas. Ella es una joven que vive con sus padres, no ha conocido el amor y la versión que tiene sobre la convivencia marital de ellos es justamente lo que no desearía para su futuro. En proceso de estar culminando su relación con un violento jóven con quien Cyndi ha tenido un descuido sexual, conoce a Dean, un chico bohemio sin muchas pretensiones que realiza trabajos de mudanzas y deciden formar una familia.

El film es elíptico, mostrándonos escenas del matrimonio actual y los pormenores de cuando se conocieron.

Con una velocidad muy marcada, y las actuaciones de la pareja cuya química es inalterable son los grandes pilares sobre los cuales el film se sostiene.

El cine nacional que todos queremos ver.

Ya hace un tiempo, la productora Aeroplano Cine viene manteniendo en escala ascendente propuestas con un perfil muy marcado, ¿existe realmente algo así como el Nuevo Cine Nacional, aquel del que nos cansamos de leer en revistas especializadas?. Los ejemplos de las producciones de Sebastián Aloy demuestran una y otra vez que se puede hacer un cine clásico, moderno, ágil, con una velocidad cinematográfica y real acelerada, no sólo mérito de la producción y dirección sino del pilar fundamental de un proyecto: el guión.

El film basado en la novela de Assardourian, “El Dedo de Baldomero” transcurre en el pueblo rural de Cerro Colorado, donde el hermano del almacenero, interpretados por Martin Seefeld y Fabián Vena respectivamente, generan ante un suceso que involucra al primero un cambio radical entre los habitantes. Un dedo termina estableciéndose como el personaje principal del film, un elemento que revoluciona al tranquilo pueblo, se toma como factor de decisión ante cualquier duda, consulta que se le plantée. Una historia pequeña, divertida, sin reparos ni muchos elementos criticables en su haber, un film que consideramos puede funcionar muy bien en espectadores argentinos por el sello e identificación al que nos puede trasladar su visión.

Jack Sparrow y la ultima cruzada.

Si bien los tres films anteriores de la saga no han sido de mi agrado y teniendo una idea de con que podríamos encontrarnos, Piratas 4 con salvedades sació mis expectativas. Esta presenta al entrañable pirata nuevamente haciendo de las suyas, a la búsqueda de algún tesoro, encontrar un nuevo o viejo contrincante como Barba Negra y el pirata interpretado por Geoffrey Rush (siempre correcto), como también llenar un hueco sentimental con la verborrágica sangre española de Penélope Cruz. Lo destacable de esta entrega es que a diferencia de las otras tiene un marcado y acotado guión, en esta no se torna confusa la misión del protagonista, consiste simplemente en realizar determinada búsqueda y listo, asunto cerrado. Aunque pueda parecer increíble, el objeto de deseo esta vez es el Santo Grial, sí señores, aquel del que ya Indiana Jones se había encargado de buscar, encontrar y tomar con sus manos para salvar a su padre Henry Jones (Sean Connery). Lamentablemente Hollywood se encuentra escaso de ideas y trasladó exactamente el mismo contexto a la película de piratas, incluyendo las nuevas tecnologías digitales, 3D poco agresivo, cansador e injustificable salvo para vender algún ticket mas en las boleterías.

Esta vez la dirección recayó sobre Rob Marshall, quien aunque cueste creer logra un producto con mayor fluidez, menor duración y sin la tan espectacularidad en batallas y efectos que contaban las anteriores. Johnny hace su papel de taquito, aquel que pareciera ha llenado de monedas de oro su tan preciado cofre o cachet.

Al igual que Indiana, Sparrow pareciera va a convertirse en inmortal, a esperar Piratas 5, 6, 7…

Doug Liman revierte su mal paso hollywoodense luego de la olvidable Jumper.

Fair Game se basa en sucesos ocurridos en Estados Unidos con la agente Valerie Plame (Naomi Watts) de la CIA cuyo caso tuvo resonancia en los medios al mismo tiempo que se iniciaba la invasión a Irak por la causa de posible existencia de armas nucleares, el caso adquirió notoriedad cuando su esposo Joseph Wilson (Sean Penn) escribió un artículo que denunciaba al gobierno estadounidense de haber manipulado no sólo al Departamento de Inteligencia sino a los medios. Si bien aquí la historia es verídica, el film tiene reminiscencias con El Intérprete por la tensión dramática y tinte político. Penn y Watts están apenas correctos en sus roles. Presentada en Competencia Oficial.

A esta altura, Fatih Akin, es un director consagrado apenas con dos films importantes, quien ya tiene la posibilidad de dirigir lo que se le plazca.

Con Soul Kitchen, lejos de sus proyectos anteriores, deseó jugar con otro género, la comedia.

La historia es sencilla, un restaurant de comidas rapidas al servicio del publico trabajador de la zona, está a punto de cerrar, perseguido por el fisco y salubridad, Zinos no tiene otra alternativa que dar un vuelvo a su negocio. Su novia, una ricachona que debe viajar por trabajo insiste en que deje todo y la acompañe, pero Zinos, fiel a sus excusas, quiere valerse por sí mismo, desacelerando su relación, e invirtiendo su poco dinero y tiempo en generar cambios.

Cuando todo corria sobre rieles, llega de visita su hermano, recien salido de prision, debiendo demostrar que trabaja en su tiempo fuera de la libertad condicional que le fuese brindada. El hermano, es un bueno para atraer problemas a lo que se suma un chef de elaboración de calidad quien dá el golpe final a la busqueda de Zinos.

El cambio es rotundo, la cocina de Soul Kitchen (nombre del restaurant) ha cambiado por completo, las comidas, los clientes, el ambiente…

Con un soundtrack apabullante, el film entra en un clima de comedia y marginalidad tal que se logra una agil movilidad en el relato devenido en una experiencia “cool”.

No ha sido lo mejor de Akin hasta el momento, pero sí un cambio radical.

Santiago Loza continúa su carrera de director de cine y teatro, reinventándose con cada uno de sus films. Notoriamente generó proyectos de cine con una gran inspiración teatral, luego trabajos experimentales de cuestionable resultado y a partir de allí incursionó en el documental. Los Labios es un co-proyecto junto a Ivan Fund, destacado en cámara. En el film, vincula la narración de una historia lineal junto con gran parte documental.

El viaje de tres mujeres empleadas para realizar tareas de censo, ayuda médica y abastecimiento a un municipio muy precario de la Provincia de Santa Fe.

Cómplices en sus tareas, pero de muy distinto carácter, cada una conlleva sus propias intenciones, edad y mal pasar, de tres maneras completamente distintas. Un lugar precario donde los momentos gratos escasean, la triste realidad de nuestras tierras en las que conviven la pobreza, la desnutrición, enfermedades y falta de trabajo esencial para el desarrollo humano y cultural.

El trabajo de las mujeres no es sencillo, la ayuda que no llega y aquella que sí lo hace, no siempre de la mejor manera como es el caso de la recepción de medicamentos vencidos, los relatos documentados de aguda crudeza brindan un nexo con la ficción.

Un ejemplar trabajo, presentado en exquisito HD.

Luego de Construcción de una Ciudad, Néstor Frenkel retoma la localidad de Victoria para partir de uno de los habitantes entrevistados que evidentemente merecía un film para el solo: un amante, aficionado y realizador amateur del formato Super 8mm.

A partir de filmaciones familiares como en muchos casos era utilizado el formato, Frenkel inicia su relato, concibiendo un pastiche de géneros, recreaciones y análisis de la nueva tecnología que llegaba a nuestro país, es así que el compilado de metraje encontrado sirve para demostrar rarezas, simbolismos de una generación, actitudes propias de los argentinos y un sinfín de experimentos que permitía el chiche nuevo.

Jacques Tourneur filmó en Victoria y el amateur a quien se dedica este film es un ferviente apasionado de ese film, un western “The Way of the Gaucho” estelarizado por Gene Tieney. En éste, una toma del gaucho y su cabalgata a paso lento hacia un árbol, el mismo que el amateur hoy en día quiere que sea reconocido, mantenido y declarado de interés cultural, juntando firmas. El amateur es multifacético, no sólo ha filmado decenas de metrajes sino que se dedica a la filatería, colección etiquetas de vinos, monedas, es instructor de una agrupación de boy scouts, posee un programa radial de cine, emprendió muestras de films en 8mm y agenda en su ordenador una amplia recolección de cada film visto, archivos con filmografías de actores, directores, géneros, fallecidos donde hasta Néstor Frenkel está incluido. Una fuente de inagotable de investigación.

Frenkel alude a la comicidad, tal cual lo hiciera con Construcción… y Llinás con Balnearios para llegar a su cometido. La visión de Amateur tiene implícita otra muestra de amor al cine, es distribuida por la pequeña VideoFlims, un emprendimiento de verdadero cine independiente, ejemplificando que el BAFICI se mantega vivo con propuestas como las que en sus comienzos nacían a partir de un espacio nuevo que daba permiso a producciónes como esta.

Amateur es puro amor, pura cinefilia, puro encanto, una lección de vida…

¿Un film no político?

Es aceptable argumentar que alguien quiera contar una historia con diversos enfoques, priorizando detalles secundarios a la acción principal, atando cabos sueltos, imaginando situaciones que puedan o no haber sucedido ante la real falta de información, plantear un tema central a partir de su entorno, pero, si hay algo que en Secuestro y Muerte escasea y es la falta de compromiso con un tema tan delicado y controversial. De dudosa intención, confunde la idea de querer realizar un film sobre el secuestro y muerte de Aramburu (Enrique Piñeyro) mientras su nombre no es mencionado, ni siquiera el de sus secuestradores o del movimiento guerrillero involucrado. El film admite como veraz los dos acontecimientos que bien conocidos son, el secuestro y el eventual asesinato, tal como el título del film infiere. Comienzo y fin.

El film inicia con el secuestro del general, gobernante de facto de la dictadura militar que tuvo lugar en nuestro país tras el derrocamiento al general Perón, y su traslado a una casa quinta a cargo de cuatro integrantes del movimiento guerrillero Montoneros, quienes encapsulan al film entre las conversaciones imaginarias mantenidas durante la estadía e interrogatorio a modo de “juicio popular” como sería definido por la entidad, confirmando acusaciones puntuales que, una vez brindadas culminarían con el castigo propuesto.

Filippelli intenta mostrar un pantallazo de las tensiones del panorama político de la Republica Argentina en la decada del 70, sin entrar en debates de ideologías, sino en simples diálogos mantenidos entre los captores durante su estadía en el lugar, cual si fuera una reunión de amigos, conversaciones supérfluas, no hay debate político, ninguno quiere explayar su posición, esa tarea queda abastecida por el escaso y seco interrogatorio.

¿Cómo plantear un film no político sobre un tema indefectiblemente político?

El tren ha sido un medio de locomoción altamente utilizado en la industria cinematográfica para contar historias, uno de los objetos del cine en muchos casos es el “trasladarnos”, a aventuras, a lugares ignotos o inclusive a recorrer, transitar y alcanzar a una realidad.

Un tren muy particular, hace 30 años que realiza un recorrido ininterrumpidamente. Tres de sus vagones albergan un centro médico ambulante por lo cual se le brinda el nombre de “Tren Hospital de Niños”, donde médicos profesionales de varias especialidades sostienen una experiencia de vida conmovedora. Un viaje al norte argentino, específicamente a Pampa Blanca, Jujuy, cuyos índices de pobreza son elevados y se carece de asistencia médica.

El género documental, sabio captador de reflejos de una sociedad, una vez más se pone en manifiesto para mostrarnos acontecimientos alejados, naturales, cotidianos, de personas que no son habitualmente contempladas por la sociedad, olvidadas. Carecen de las mínimas herramientas de mejora de vida, en un mundo actualmente inmerso en la “alta tecnología”. A partir de singulares consultas médicas (algo reminiscente a la ficcionada y excelente Los Labios, de estreno en cartelera la semana entrante), podemos conocer las mayores causas que afectan a esta población, como la desnutrición infantil, el mal de chagas, la desinformación y falta de educación sanitaria. La ausencia del Estado en estas regiones se hace visible también, el afán de los médicos por saciar las dificultades no alcanzan cuando una ayuda de quien debería tomar cartas en el asunto no lo hace.

Pochat, capta con su cámara cual invisible la tarea de asimilarse a distintas situaciones, algo poco frecuente y que muchos realizadores de documental carecen, no se pregunta con intención ni sensacionalismo. El film brinda como resultado un valioso aporte de observación, que desemboca en un acto de reflexión para con el espectador.

Con una partitura musical de Sergio de la Puente digna de mencionar, que acompaña enérgicamente al relato, poniendo énfasis en el paisaje sin intentar agudizar en los momentos más difíciles de digerir.

Besos en la frente.

¿Puede un hombre enamorarse de una mujer digamos, 50 años mayor?. ¿Aunque ese amor quizás sea platónico, u admiración, o se trate sólo de cariño?.

Germain (Gérard Depardieu) es un cincuentón un tanto analfabeto, tiene sobrepeso, trabaja de changas, con novia que lo ama y quiere formar una familia a su lado, una madre soltera que lo crió digamos que no de la mejor manera y actualmente debe hacerse cargo de esta, frecuenta un bar donde se encuentra con amigos diariamente como para pasar el rato y dar el parte diario de lo que ocurre en su pueblo. Un día, en su afán de pasar una tarde tranquilo – como suele hacer – Germain conoce a Marqueritte (con doble “t”) en un banco de plaza dándole de comer a unas palomas que el señor ya tiene bien identificadas con nombres propios. ¡Qué mejor imagen, estar dándole de comer a unas palomas en una plaza como para demostrar la etapa de la vida en que está Margueritte!.

Ella es una mujer instruída, con una alta devoción por la lectura, casi una pasión; reside en un hogar para ancianos costoso y para pesar está quedándose ciega.

El encariñamiento surgido por la dupla es recíproco, el intercambia flores de su jardín, un bastón para el andar a cambio de un regalo más que interesante de la señora: un diccionario.

Germain encuentra en ella esa alma materna que en su madre biológica no encontró, ni hablar del cariño y atención que la anciana le presta tarde tras tarde.

Jean Becker, es un director de 78 años, con este film demuestra agilidad y ternura constante en un relato del que al menos logró desestereotipar a quien venía autointerpretandose a sí mismo en diversos filmes: Gérard Depardieu. Inclusive es meritorio que el actor, de quien instantáneamente percibimos que está fuera de peso -esto no es un efecto especial-, mismo se jacte de ello y lo vuelque como parte de su actuación. Gìsele Casadesus es una actriz con 97 años solamente, por demás lúcida y muy fresca en su rol.

El film que funcionó muy bien en el ciclo de Les Avant-Premières, exhibido por la tarde, hora del té en un shopping particular, las Galerías Pacífico y con un promedio de edad de espectadores apenas menor al de la actriz protagónica, podría resumirse como una mezcla de otros dos filmes: Forrest Gump + Conduciendo a Miss Daisy. Nostálgico, sin golpes bajos y un derroche de ternura.

Apitchatpong en su mejor momento.

No sorprendería que sea quien se alce con el galardón al mejor film, luego de ejemplares films como Tropical Malady y Syndromes of the Century.

El tío Boonmee es una persona que padece una enfermedad renal, decide pasar sus últimos días alejado de la ciudad a un lugar más campestre, fantásticamente aparecen a cenar a su mesa varios invitados inesperados, entre ellos el fantasma de su mujer y una combinación de animal de bosque con ojos encendidos, reencarnación de su hijo, todos ellos con algo que decir, crear un ambiente fraternal y dialogar. Este le indica que hay muchos de ellos esperando, visitando, observando a los vivos, escuchan los diálogos, las plegarias y cada vez que un vivo los menciona.

El film es de lectura compleja, tono espiritual al que ya nos tiene acostumbrados Apichatpong, una fascinación para los sentidos.

Film y sello autoral que, autoproclamándose haber sido descubierto por los programadores del BAFICI 2010, integró la Sección Oficial Internacional. El largo filmado con una rica textura en blanco y negro, constituye uno de esos films notoriamente “independientes” a los que nos solía presentar el festival a realizarse su nueva edición en escasas próximas semanas. Desde sus inicios, la programación estaba vinculada a proyectos como éste, desconocidos, desapercibidos, que no integraban secciones de otros festivales internacionales y era aquí, en este único festival que con los años fue consagrándose y convirtiéndose en uno, si no es el más, importante de nuestro país, en gran parte por la diversidad de autores, géneros y propuestas, diferenciados de otros festivales mucho más farandulescos y/o comerciales. Films como Bummer Summer revitalizan la esencia de lo que alguna vez significó el BAFICI.

La ópera prima del joven realizador Zach Weintraub, quien estuvo presente en la proyección del festival y también lo estará para las próximas exhibiciones comerciales en el cine Cosmos-Uba, construye aquí un film que retrata las andanzas de tres adolescentes, Isaac (Robinson), su hermano Ben, interpretado por el mismo Weintraub y Lila (McAlee), la ex novia de Ben, presentada aquí como el disparador del conflicto dentro del triángulo.

El film funciona con elementos marcados como una road movie, donde los tres partícipes de la travesía emprenden un viaje sin destino marcado, deambulando por lugares imprecisos por los que transitan, confunden, regresan y vuelven entrar en la desorientación y encontrarse perdidos. El relato no es lineal y se enfoca en la liviandad de matices con que cargan los personajes, podría aseverarse que se trata de un film definitivamente abocado a ellos, un film “de personajes”. Esa liviandad a la que refiero se vé claramente en el guión, donde uno de los pocos atractivos presentes radica en la intromisión de Ben en la ex pareja. Es muy visible la necesidad de pertenencia a un lugar prevista por los personajes, ligada a sus edades y vínculo.

La ópera prima de Weintraub es lejana al cine autoral de otros jóvenes directores.

Erase una vez un Spaguetti Western animado.

La cuota anual del género por excelencia de este año ya se encuentra completa con tan solo dos films, uno, la remake del western de Hathaway Temple de Acero, un homenaje directo al cine de John Ford dirigida por los hermanos Coen, dos, la animación de la cual aquí desarrollaremos, Rango, un spaguetti western donde la dirección realizó foco sobre el trabajo de Sergio Leone.

El pequeño camaleón de profesión actoral accidentalmente termina siendo parte de una comunidad, un pueblo que se está muriendo por la falta de agua, llamado Tierra, donde una gran cantidad de personajes secundarios estereotipados se lucen por su cohesión al personaje principal. El apodado Rango es presentado como la única opción a la necesidad del pueblo, un nuevo sheriff, alguien que busque la manera de encontrar agua para el moribundo territorio próximamente a convertirse en un pueblo fantasma, con una emigración acechante. No falta la presencia de un alcalde de turno, el banquero, las licorerías (en éste caso expenden jugo de cáctus), la pobrecita a ser despojada de sus tierras e interés sentimental del “a convertirse” en héroe.

Lo apabullante del film fuera de las excelente tomas logradas luego de haber visto mucho Leone por parte del equipo de producción y animación, añadiendo el asesoramiento de fotografía de Roger Deakins (casualmente DF de Temple de Acero), el hermoso y revitalizado score de Hanz Zimmer, sumado a las autoreferencias y homenajes a Erase una Vez en el Oeste, El Bueno, el Malo y el Feo, Por un Puñado de Dolares y A la Hora Señalada, hacen de Rango, un film que funciona como una enciclopedia cinematográfica del género, inclusive con un timing y edición moderna, funcionales a la vitalidad del guión. La animación está explotada al máximo sobre posibilidades y recursos, si bien no cuenta con ese condimento extra que suelen tener las producciones de Pixar, me atrevo a decir que Rango logra ser el ejemplo de animación más cercano a la convertida empresa de excelencia en animación. Rango es lo que Cars no pudo lograr ser. Mismas temáticas, el personaje perdido en un pueblo, una misión, ser el partícipe de la experiencia surgida a partir de un cambio. Lamentablemente no contamos con las voces originales, ya que la copia presentada en cartelera es la doblada al castellano. Extrañamente el film no fue concebido en 3D, detalle que espero no aleje a espectadores fascinados por la renovada tecnología.

Gore Verbinski, versátil director que nos trajo la sorpresiva comedia Un Ratoncito Difícil de Cazar, contratado para realizar la remake hollywoodense del film de terror La Llamada y consagrado con la mayor Disney al lograr trasladar la atracción mecánica del Parque Temático en fílmico con Piratas del Caribe junto a sus dos olvidables pero bien redituables secuelas, logra aquí llevarnos de lleno al oeste, al género que las nuevas generaciones desconocen y podrán descubrir e indagar al respecto, para aquellos que somos fanáticos del género, nada más que deleitarnos.

Llegando a las comparaciones habituales, si Toy Story 3 fue descripta como “cine puro”, Rango lo es aún mas, representa al mejor de los géneros concebidos por el cine, en una audaz puesta, divertida e interminablemente sorpresiva.

Soy de cuarta.

El mercado de films adolescentes se ve nuevamente expuesto con esta nueva propuesta, es el caso de Soy el Número Cuatro, una producción de Disney, al igual que los últimos productos que vinieron llegando del país del norte como la saga Crepúsculo, encontramos acá otro relato sobreexplicado, a prueba de no permitir en el espectador tener la posibilidad de individualmente ligar las conexiones argumentales que se presentan.

Es así como, el numero cuatro, representa al cuarto ser de otra galaxia que vino a la Tierra a vaya uno a saber que…

Hay dos bandos, que por lo visto no tuvieron mejor idea que hacer lo mismo, llegar aquí, pelearse eternamente, unos buscar el dominio del mundo y otros esconderse por años, hasta que, al ser descubiertos, pelear y seguir haciéndolo. En fin, una vida de constantes mudanzas, cambio de identidades, donde llegado un punto nace un amor.

Alex Pettyfer interpreta a John, el jóven número cuatro, quien al perecer su antecesor, su pierna comienza a adquirir temperatura en uno de sus tatuajes o marcas. Este episodio indica que él sería el próximo en correr con la misma suerte. Es allí donde el personaje toma conocimiento en tiempo record de quien verdaderamente es, realiza una especie de entrenamiento y luego se dedica a huir durante el resto de trayecto y enfrentarse a quienes venían buscándolo por todo el planeta. Tampoco se escapa de una subtrama colegial, donde tiene lugar la clásica historia del fuerte y el débil, y la chica que empieza a prestar atención hacia el que defiende al estudioso.

De D.J.Caruso, director de aquella burla a Ventana Indiscreta de Hitchcock denominada Paranoia y la excecrable Control Total (Eagle Eye), no había mucho mejor resultado que esperar.

No me atrevería a indagar sobre la verosimilitud del relato, no es necesario, luego del plomazo que resultaron al menos para mí estas casi dos horas de duración.

Dentro de los rubros técnicos, los efectos especiales tampoco tienen mucho de especial, tenemos inclusive a un monstruo referencial a un velociraptor, trasladado en una jaula que parece alquilada del parque jurásico. La música es la típica de bandas ignotas a integrar una compilación para adquirir algún tipo de notoriedad si es el caso que el film sea un éxito.

Misteriosamente tambien será exhibida en cine Imax, oportunidad para la cual pueden preparase para ver este despropósito y formato por iguales, de gran magnitud.

Un film poderoso.

¿Qué ocurre cuando a los cines llega uno de esos films con mucha repercusión favorable de la crítica extranjera, tanto murmullo, nominaciones y premios varios?

En cinéfilos y espectadores atentos a la cartelera, genera una movilización aún mayor hacia la expectativa que se pueda tener de la obra, en algunos casos, indagar sobre de qué va el film, ver cada trailer que las distribuidoras van lanzando a medida de saciar esta hambruna, en la actualidad, leer foros, noticias, críticas, notas, comparaciones.

El Cisne Negro no escapó a ninguna de estas premisas, a mi parecer constituye uno de esos films “poderosos” en los que la primera visión marca un quiebre en el espectador, las herramientas cinematográficas utilizadas por el director han funcionado de manera tal que repercutieron, generaron cambios, clickearon mentes. Inclusive a nuestra redacción nos ha brindado un incentivo extra para escribir y abarcar distintas ópticas del film.

Ahora, toda esa movilización previa que destaco, ¿sirvió para algo?. Indefectiblemente si.

Darren Aronofsky, director con trabajos si bien dispares en su haber, de violencia exacerbada, gráfica y oscuros relatos, hace dos años atrás logró la maravillosa El Luchador, film que hizo resurgir la emblemática carrera y performance actoral de Mickey Rourke. El Luchador tenía alma.

Luego de ese proyecto, Darren se involucró en otro del cual se desligó de la dirección y hoy, curiosamente, por esas cosas del destino se encuentra entre los mejores films del año 2010, tambien concursando por la famosa estatuilla dorada, El Ganador, otra historia de boxeo, real, dentro de la cual, culminó tomando el puesto de productor.

El Cisne…ha de ser infinitamente comparable con Las Zapatillas Rojas de Hans Christian Andersen, aquella obra maestra en Technicolor dirigida por Powell y Pressburger, film preferido de Martin Scorsese, restaurado y exhibido en Cannes hace dos años atrás, donde se imponía la premisa del “danzar por la vida”. Una bailarina de por medio, una compañía de ballet, un jefe, la puja entre la carrera y el amor, la perfección. Tambien contaba con el desempeño de un genio en materia de dirección de fotografía: Jack Cardiff, reconocido por ligar la luz pictórica al traspaso cinematográfico, según sus palabras “la misma cosa”, una pincelada o una filmación, la impresión sobre una tela o sobre un fotograma. Las Zapatillas…se excedía en colores, traspasaba ese umbral, El Cisne…por contrario, sólo se abstiene al blanco y negro, en vestuario, iluminación, decoración, en el mismo personaje, cisne blanco y cisne negro.

El Cisne…puede considerarse como una revisión macabra del otro título, ambas navegan por el género dramático, comparten un tono siniestro, pero El Cisne…va un poco más allá, indaga en otras cuestiones inherentes al estado de la bailarina, sus obsesiones, un entorno maternal digno y reminiscente a otro film, en éste caso de horror (Carrie), paranoia, y subsiguiente búsqueda de la perfección. Todo este agregado, no hace más que desbalancear el foco sobre el tema principal, los mejores momentos del metraje, su inicio y fin. En mi opinión, El Cisne…posee un gran problema en su guión y está relacionado a cada uno de los personajes secundarios, no hablo de Natalie Portman, quien logra su mejor rol hasta el momento, virginal, cínica, desprotegida, perfecta, sino hacia el resto, su madre interpretada por Barbara Hershey, sobre quien con menores recursos empleados su rol quedaba implicitamente identificable al personaje de una madre sobreprotectora. Lily (Mila Kunis), como la bailarina que provee la desesructuración de Nina (Portman) y Thomas (Vincent Cassell), el jefe del ensemble del ballet, roles que por el contrario al interpretado por Hershey, jamás llegan a una profundidad tal, a ser “realmente” malos, extremos como podrían haber sido, producto que sólo es entendible gracias al giro argumental que trancurre en la transformación de la bailarina. Y sin olvidarnos del pequeño papel de Winona Ryder, completamente innecesario respecto a cada una de sus limitadas apariciones que la involucran a este film.

Nina es la integrante del ballet elegida para encabezar una nueva versión de “El Lago de los Cisnes”, ballet cuya linea argumental atraviesa el acto de la transformación de una mujer convertida en un cisne blanco quien ante la pérdida de su amor a manos de otra mujer se convierte en un cisne negro, su opuesto.

Muy pocas veces me ocurre, tuve que ver nuevamente El Cisne Negro, inmediatamente, a razón que el impacto de su primera visión me dejó fuera de muchos elementos cinematográficos que en la segunda visión termino por considerar han estado muy mal utilizados en este film. Es allí donde hago hincapié en toda la parafernaria acción que generó el film previo al ser visto. A veces los resultados finales de nuestra visión difieren de nuestras previsiones, favorable o desfavorablemente el juego de la expectativa y la inducción, terminan cegándonos.

Un homenaje al género por excelencia y a Ford, el mejor exponente en materia de dirección de westerns hasta la fecha.

Extrañamente el más recordado western de John Ford, Más Corazón que Odio, comienza con las palabras “Hola Ethan”. Me encantaría poder interpretarlo como un guiño hacia el nombre de uno de los amados/odiados hermanos Coen, quienes con esta remake del clásico Temple de Acero, original al igual que Más Corazón…tambien fue protagonizado por el vaquero más conocido de todos los tiempos e institución norteamericana: John Wayne.

Si bien los Coen ya habían incursionado en materia de realizar remakes, lo hicieron con la bochornosa El Quinteto de la Muerte (The Ladykillers), queriendo renovar el clásico de Alexander Mackendrick protagonizado por gemas británicas como fueron los multifacéticos maestro y alumno en materia actoral, Alec Guinness y Peter Sellers respectivamente, con Temple de Acero, el resultado distó extremadamente de la anterior experiencia. Nos encontramos con algo que no sucede con frecuencia, uno de esos casos donde la remake “es” mejor que el original. Es más, si nos tornamos puntillosos, el original en gran parte poseía un gran potencial en materia de guión y elenco (John Wayne, Robert Duvall, Dennis Hopper), dos aspectos que siguen vigentes (Jeff Bridges, Matt Damon, Josh Brolin, Barry Pepper), pero en contraste, la actual, cuyas tomas, fotografía, score y edición, resultan infinitamente cercanas a un cine de mayor calidad. Temple de Acero nos acerca a ese cine en estado puro, casi extinto, aquel que sólo puedo vincular “recientemente” con el estreno de Petroleo Sangriento (gran homenaje a El Tesoro de Sierra Madre) de Paul Thomas Anderson, donde el terreno, la inmensidad de la tierra, el color en los cielos, sumados a la cuidada fotografía en relación al dramatismo involucrado en el guión eran tan funcionales como el relato mismo, un personaje más dentro del film.

Las discusiones sobre que todo tiempo anterior ha sido mejor, llegaron a un momento de mi vida que me cansaron, es una frase que se puede vincular a un sinfín de situaciones cotidianas, cinematográficamente hablando, la frase viene repicando en mi mente hace rato, no encuentro cine, pasión, satisfacción al entrar a una sala. Son muy pocos los ejemplos, muy pocos los momentos cinematográficos de una película entera que me movilicen. Es por ello que revisionar clásicos ha sido una de las tareas más placenteras a las que vengo abocándome en los últimos tiempos, y es allí donde encuentro mi refugio cinematográfico, entre obras un tanto olvidadas, actuaciones memorables y los mejores géneros jamás tan vigentes, entre ellos: el western.

Para hablar de westerns indudablemente debemos remitirnos a Ford, Hawks, Peckinpah, Hathaway, Mamoulian, Leone, Sturgess, Mann, Walsh, MacLaglen y Zinnemann.

Temple de Acero, en mi humilde opinión, constituye el film menos personal de los hermanos Coen y a su vez, uno de sus mejores. Bien podríamos barajar sobre la mesa cuantiosas hipótesis y ejemplos al respecto, el uso de la música, los paisajes, diálogos, pero en todas ellas, llegaríamos al punto de inflexión de la reconstrucción, ver a un jinete cabalgando hasta el cansancio, contemplando solamente su figura, la de su caballo, la del terreno, todas sombrías y oscuras, frente a un cielo anaranjado, corriendo de extremo izquierdo a derecho de la pantalla de formato wide 2:35:1, no es más que un ejemplo de puro cine, puro género, puro western.

Al igual que en la original, el personaje aquí interpretado por Hailee Steinfeld, es el de una niña cuyo padre ha sido asesinado, obstinada e insistente –teniendo en cuenta su temprana edad-, logra imponerse ante hombres mayores y buscar así a un mariscal, viejo, ciego de un ojo, alcohólico, duro y de antaño apodado Rooster (gallo) Cogburn (Jeff Bridges). La misión encomendada no será otra que la de vengar la muerte, encontrar al conocido asesino a cambio de una recompensa.

Dentro del cast de secundarios, hay una participación que se destaca frente al resto y es la de Barry Pepper, quien en escasos minutos, personifica a un despiadado ladrón, jefe de banda y con palabra.

La voz en off sirve como recuento de la historia, que en este caso no debe aceptar secuelas como lo fuera con la original, un duelo actoral entre Wayne y Hepburn, La Dama y el Vaquero, algo así como La Reina Africana en el oeste.

Un aguijón que inyecta diversión...

Para serles sincero, jamás leí acerca de El Avispón Verde, aquel personaje surgido en un formato radial para dar vida a un comic y serial cinematográfico, menos aún tengo recuerdo de haber visto capítulo alguno de la serie televisiva, medio por el cual es aún recordado. Mi memoria en este caso es precisamente auditiva, sólo asocio al enmascarado por el legendario leitmotiv musical, “El Vuelo del Moscardón”, aquel interludio de Korsakov utilizado en films como Claroscuro, sobre la vida de David Helfgott e inclusive Kill Bill, a modo de sus reiterados homenajes y visualmente sólo por los títulos iniciales donde el dibujo de un moscardón y siluetas psicodélicas cual el espiral de Vértigo se trasladaban y rotaban estáticas sobre la pantalla del televisor. Por lo tanto en ésta nota, no puedo más que darles mi parecer sobre la experiencia cinematográfica vivida al ver la obra dirigida por el francés Michel Gondry.

La historia se centra en Britt Reid, un ricachón, vago, hijo del dueño de un diario denominado “El Centinela”, quien debe hacerse cargo de los negocios familiares, específicamente de la jefatura en redacción de la compañia. Las reminiscencias entre Bruno Diaz y Britt Reid son notables, dos seres despreocupados, huérfanos, uno jóven y otro de adolescencia tardía, a quienes trágicos acontecimientos los empujan a tomar las riendas de sus antecesores. Ambos deciden combatir la violencia reinante en la ciudad adoptando una vestimenta y nombre de superhéroe, seguidos de un partenaire, con vehículos fascinantes a prueba de inimaginables obstáculos y repletos de ingeniosas armas incorporables. La gran diferencia que radica entre ambas propuestas es el enfoque, el producto cinematográfico de Batman ya ha sido encarado con diversas tonalidades, géneros fuera de la acción reinante (comicidad o solemnidad), historias aleccionadoras y con discursos que se acercaron al ridículo. El Avispón…como personaje, no está claramente a la altura de uno tan complejo como Batman, por su psicología, los entramados sociales y diversas interpretaciones que podemos darle tanto a él como a sus villanos. La propuesta aquí radica en plantear que dentro de un personaje que nace como un antihéroe puede tambien existir un héroe, el enfoque apunta claramente a la comicidad, no podría ser de otra manera mientras que esté involucrado en el guión Seth Rogen (el nuevo capo cómico surgido del mundo Apatow), quien colaboró en la escritura de Supercool, Drillbit Taylor y Pineapple Express, sus gags rozan lo grotesco, algo inusual en un film apto para audiencias de menores, gran cantidad de chistes con referencia a la homosexualidad planteada implícitamente entre amigos, una pelea memorable entre El Avispón y su acompañante Kato (Jay Chou) a las trompadas limpias, apenas por debajo de la recordada en Sobreviven de John Carpenter (al menos la mejor que recuerde encima por su extensa duración).

El Avispón…brinda un amplio despliegue de secundarios, a Christoph Waltz (el multipremiado Hans Landa de Bastardos sin Gloria) como Chudnofsky, un matón de antaño a quien los nuevos tiempos lo tienen preocupado por su imagen, planteado en uno de los mejores diálogos del film que tiene cabida en los minutos iniciales con un cameo de James Franco. Cameron Diaz, como la generadora de interferencias sentimentales entre el duo de heroes, con un rol pequeño, a medida, y del cual sale más que bien parada. Edward Furlong, alias John Connor en T2, a quien es siempre grato poder volver a ver en pantalla grande. Edward James Olmos, muy desaprovechado y Tom Wilkinson, con correctos escasos minutos de aparición.

Ahora, qué es lo que atrae de esta propuesta, si es burlona, para no ser tomada en serio, según lo que he leído una masacre del original…a mi parecer, no es más que el funcionamiento como un “gran divertimento cinematográfico”.

Gondry, un director versátil, de quien podría decirse siempre tuvo proyectos bien cuidados estética y visualmente, pero de los cuales a veces sus contenidos son pobres, habiendose convertido en un director reconocido gracias a Eterno Resplandor de una Mente sin Recuerdos. En el mundo de Gondry, la estética era un pilar fundamental, llevó a extremos situaciones hipotéticas de la psiquis humana en Human Nature, La Ciencia del Sueño y Eterno.., homenajeó al extinto formato de video hogareño en Rebobinados, y aquí se metió de lleno en algo inusual para su carrera, un nuevo desafío, llegar a grandes audiencias, con un enorme presupuesto y una edición que funciona como un relojito.

Algo indiferente que nos trae como extra el film, es la utilización de ahora hiper explotado 3D, nunca más innesario, desaprovechado, tecnología que sinceramente ya escapa de mi agrado, personalmente me genera molestia la acción de tener que utilizar anteojos, tener que movilizar mi rostro en distintas direcciones o el enfocar contínuamente.

Como en tantos otros de sus reconocidos films (Alice, La Rosa Púrpura del Cairo, La Maldición del Escorpión de Jade), un elemento fantástico: una vidente (reminiscente a Whoopi Goldberg en Ghost, La Sombra del Amor) interpretada por Pauline Collins (Shirley Valentine) presta su trabajo a conducir la vida de Helena (impecable Gemma Jones),

aconsejar según las energias prevalecientes en el ambiente. Helena acaba de ser abandonada por su esposo (Anthony Hopkins) en la etapa otoñal de sus vidas, su hija (Naomi Watts) convive con un médico (Josh Brolin) que no ejerce y se dedica a la escritura de un libro sin éxito.Sin dinero, son mantenidos por sus padres quienes, como es el caso de Helena se aparece de imprevista en la casa donde convive su hija a diario, emitiendo opiniones que no le atañen contra su yerno.

Una de las opciones laborales es entrar a trabajar como buscadora de artistas para una galeria de arte cuyo dueño es algo asi como un seductor nato (Antonio Banderas, en uno de los roles que mejor encajan en su carrera).

Woody plantea como es de costumbre en sus films, la experiencia de el hombre mayor que deja a su esposa luego de extensos años de matrimonio por una jóven y sexy musa, algo así como en Poderosa Afrodita. Hopkins realiza una labor alejada del transitado hombre serio con acento, intenta algo nuevo en su carrera, incursionar en comedia paralelamente al drama.

Las desopilantes situaciones incluidos gags no tienen desperdicio, son constantes.

En Argentina todavía esperamos el estreno de Whatever Works.

Link de la página oficial del Festival, conferencia de prensa de Woody Allen:

http://www.festival-cannes.com/en/mediaPlayer/10501.html

Basada en sucesos reales, A L’Origine relata la historia de un estafador que buscando nuevas presas logra por casualidad internarse en un plan de construcción de una autopista, haciendose pasar inadvertidamente como el representante de una empresa de construcción multinacional.

Un pueblo rural marginado de negocios anteriormente, no quiere volver a perder la oportunidad, por lo tanto ponen todo su empeño, trabajo y personal, aprontando tal magnifica construccion, un tramo de autopista que no va hacia ningun lado. El frade continúa inexplicablemente sin siquiera el asomo de la más mínima sospecha, Phillippe Muller (Francois Cluzet), asi apodado, revoluciona la región rural brindando esperanza de una forma de vida mejor, dignificando a la persona gracias al trabajo y siendo aceptado por la misma, algo que no habría lograda jamás en su desapercibida vida anterior.

La interiorización de Muller es fenomenal, su involucración en una obra que se la va de las manos, una simple estafa que termina tomando un volumen inimaginable.

Cluzet interpreta a Muller, anteriormente visto en el protagónico del destacable thriller Ne Le Dis a Personne (Tell No One) cumple con un rol vertiginoso, de esos denominados “más grandes que la vida misma”.

Xavier Giannoli, presente en la sala, comentó acerca de la diferencia de duración del film, en su exhibición para esta Semana De Cine Europeo en comparación con la versión presentada en Cannes. Se indagó sobre su relación con el Muller autentico y las conversaciones que tuvieron estando este ultimo internado en una carcel, cumpliendo condena.

Luego de leer las críticas de dos colegas redactores de “A Sala Llena”, he encontrado en ellas un factor común en la redacción “Clint Eastwood está más cerca de acá que de allá”, su participación en la dirección de Más Allá de la Vida lo evidencia claramente. Otros hablan de la ausencia del “toque Eastwood”, personalmente no creo tal “toque” exista, Eastwood ha venido reinventándose en éste, el último tramo de su carrera como director.

El film comienza con una escena a gran escala, nada menos que un tsunami arrasa con una hermosa costa veraniega, derriva estructuras edilicias, posadas, arrastra vehículos, personas, una verdadera catástrofe. Dentro de las víctimas se encuentra Marie (Cécile De France), una periodista francesa que, de vacaciones junto a quien estuviera ligada sentimentalmente, el encargado del programa televisivo donde trabaja, Marie sale a buscar unos presentes para los hijos de éste, a segundos de avistar la gran mareada, queda inconsciente, ahogada, transita unos segundos en el más allá y resucita.

Uno bien podría considerar que por la espectacularidad de las imágenes estaríamos sumergiéndonos en una nueva odisea de Emmerich, pero apenas pasados unos escasos minutos, ese tsunami es infimo en tamaño comparativamente con el desarrollo de narración, estilos y profesional sentimentalismo arraigado a esta maravillosa historia, “el verdadero tsunami todavía está por venir”.

George (Matt Damon) es un persona con una virtud (aunque él la considere una desgracia), es un psíquico, cuyo mínimo roce de sus palmas con otro ser, genera visiones o lecturas, mensajes, recuerdos, vivencias, un perfecto puente de conexión entre los vivos y los muertos allegados.

Más Allá de la Vida, tiene todos los condimentos para ser vinculado a un film de género fantástico y es aquí donde al menos mi visión del film fue dirigida hacia otros encantos, otros temas que vinculan a los personajes principales, basta está decir que son tres, Marie, George y Marcus, un pequeño que pierde a su gemelo. Mas Allá…trata de la soledad, el duelo, la incertidumbre sobre lo inexplicable y cómo éstas tres instancias repercuten de distintas maneras sobre un diversos seres humanos.

La soledad, vinculada a la pérdida, cual un amor o un fallecimiento, en las etapas que ésta involucra, el insostenible dolor y angustia inicial, la búsqueda por salir a flote como sea, el querer buscar una explicación…

A Marie, el suceso le cambia la vida por completo, son diferentes sus necesidades, su óptica, su motor e incesante el cuestionamiento por querer entender o dilucidar qué hay en el más allá, ella lo ha experimentado, lo ha percibido, vivió la experiencia. Su soledad está vinculada al no entendimiento del resto, ya sus requisitos para conecer a alguien han cambiado.

Marcus, es quien más siente la perdida y anhela la vuelta de su hermano, algo que no ha de suceder, ansía el mínimo contacto, extraña, es hasta capaz de quitarse la vida para volver a estar con el. Como un extraño deambula por las calles en busca de una respuesta, en toda actividad estudiantil se encuentra disperso.

George, es quien se siente solo en gran parte por su aptitud, las mujeres lo han dejado por ello reiteradas veces, cuestión que ante su insatisfacción lo obligó a abandonar una actividad redituable relacionada con su don, ha de comprender al resto y sin ser egoista, no quiere ayudar más al prójimo por que entiende que primero debe ayudarse a sí mismo.

Los enfoques de Eastwood a partir de éstos tres personajes, donde también podríamos hacer mención de un cuarto, el de Melanie (Bryce Dallas Howard) (que sirve para entender el descreimiento de George), reflejan el excelente estado narrativo del director, quien no permite que relato caiga en golpes bajos y sensiblería aleccionadora. Vehículo por el cual el film termina o mejor dicho comienza a convertirse en una hermosa y esperanzadora historia de amor.

Italiani supertar…

La ciudad de Bagheria, dentro de Palermo, Sicilia, es donde nació Giuseppe Tornatore (54), director del film, quien vivió allí hasta sus 28 años de edad. Es por ello que, Baarìa, como se denomina a la ciudad en lunfardo, es donde este útlimo trabajo del director, con tinte autobiográfico tiene lugar.

Aquellas callesitas llenas de personajes agradables, rústicos, satirizados, mostrados como en otros films del director, buscando esta comicidad impuesta que liga acontecimientos del relato a partir de las actitudes de una sociedad reaccionaria.

De carácter epico (tres generaciones), Baarìa se centra principalmente en la vida de Peppino, un niño que supo captar desde su lugar, los acontecimientos característicos, comportamientos y actitudes de una sociedad en vigencia de una guerra mundial. El resurgimiento del partido socialista, las burlas al régimen del Ducce. Peppino encuentra en la vida su vocación en la política, tiene facilidad para arrastrar adeptos, tiene principios y éstos lo alejan de determinadas vivencias, conoce a Mannina, a quien sus padres quieren alejar de él.

Existen muchas cuestiones a tener en cuenta con éste nuevo film de Tornatore, considerando que es uno de los primeros donde aplica revivir escenas de la política italiana y mundial. No falta su constante costumbrismo a cuestiones sentimentales, alguna que otra referencia sexual, su nueva participación junto a Ennio Morricone, aunque dispar, y como destacaba previamente, la comicidad reinante.

Muchos temas abarcados, muchos personajes, muchas historias, un compendio que termina diluyéndose a medida que los extensos 150 minutos de duración corren.

Baarìa no es de lo mejor de Tornatore, podría entenderse como una conjunción entre su Cinema Paradiso (aunque bien lejos) y el Fabricante de Estrellas, algo así como lo que Tatí realizaba con su Sr.Hulot, a partir de un único personaje ir deambulando por todo un entorno, un pueblo, una ciudad, un país.

Sin objeciones uno de los mejores films presentados en el festival, con alta dosis de adrenalina surgida de los spins de DJ Ickarus, la movilidad de la gente en sus fiestas electrónicas y la movilizante historia a narrar casi al ritmo de sus melodias.

Ickarus es un DJ, artista nato, llega al instante de su vida en que no puede trasladar sus vivencias a su trabajo musical, la empresa discográfica que lo patrocina comienza a escuchar más de lo mismo al igual que su relación de pareja con Mathilde.

El excesivo consumo de todo tipo de drogas lleva a DJ Ickarus al punto donde el frenesí lo apabulla, lo deja tirado balbuceando frenéticamente en clubes y hoteles, su adicción repercute en su truncado nuevo disco que no puede ver la luz de lanzamiento ya que debe ser internado en un tratamiento en una clínica psiquiatrica.

Paul Kalkbrenner interpreta al DJ, encargado también de la banda sonora y con una excelente labor, 100% en el rol, quizás por similitudes en la vida real, pero, verborragico y enérgico como el film requiere.

Dentro del psiquiátrico, nos encontramos con una directora fría, demasiado alejada de sus internos, un rol que trae reminiscencias al de Louise Fletcher en Atrapado Sin Salida, interpretado por Corinna Harfouch, referente en el nuevo cine alemán, vista en varios films presentados en este festival como Whisky con Vodka y Hace un Año en Invierno.

Existen imposibilidades técnicas, de formato, comerciales, monetarias, de distribución, de exhibición, respectivas al género cinematográfico, no obstante una vez más, los “chicos”, a quienes ya deberíamos dejar de llamar así salvo como una calificación afectuosa que generan luego de ver sus anteriores propuestas y en mi caso particular apenas conocerlos, a partir de aquí los ahora denominados “profesionales” de Videoflims.

En esta ocasión el film a destacar es La Casa por la Ventana, una co-producción argentino- chilena de Juan Olivares y Esteban Rojas, éste úlitmo de origen chileno de quien ya podríamos garantizar estar argentinizado, perteneciente al grupo Farsa y a la distribuidora VideoFlims. Julio Saez Jr. interpretado por Walter Cornás (Plaga Zombie, Filmatrón, Kapanga: Todoterreno), otro ícono de Farsa, un actor versátil que ha pasado de componer roles como ridiculizaciones con gran cantidad de gesticulaciones a un tono más austero y calmo como al recientemente recibido arquitecto nerd que se encarga de concebir una fiesta de fin de año para sus amigos, estudiantes, colegas…

Su padre es un agiornado, le reclama cambiarse una remera de color rojo para que no lo confundan por las calles con un militante de izquierda, así la trama, sobriamente va hilvanando algo que todos vemos venir, una fiesta para la cual se esmeran de realizar todos los arreglos y preparativos cual si fuese una obra arquitectónica, todo perfecto, todo cordial, pero, aparece en acción el personaje del tío, ex estrella de rock, Lorenzo Sáez, el resultado es eminente, sale todo al revés, surge el descontrol y una de las más gratas sorpresas del film, un final a todo rock’n’roll.

El diseño de vestuario del film tanto así como los colores elegidos y ambientación son muy cuidados. En ellos se destaca la importancia de la funcionalidad de los mismos.

La Casa…tiene puntos en común con comedias de género ya consideradas clásicas o de culto de la década de los 80’s. Imposible no mencionar a John Hughes y sus films que siempre incluyen una fiesta en su metraje o al actual Wes Anderson.



La Casa por la Ventana, fue exhibida comercialmente en escasas salas, cineclubes, Festivales como el BARS, actualmente en Chile y las próximas semanas bajo una retrospectiva en el 25º Festival de Cine de Mar del Plata, los espacios que deberían exhibir éste tipo de cine que no tiene nada que envidiar a propuestas hollywoodenses o de distribución de las mayors actualmente se encuentran colmados de propuestas comerciales a las que la gente asiste principalmente por el bombardeo publicitario, la inclusión de “¿estrellas?” que convocan, quienes finalmente deberían, con políticas claras dejar lugar a la industria nacional, en éste caso particular a proyectos realizados a puro pulmón y profesionalidad, de los que ya muchos acompañana gracias a la movida engendrada por éstos grupos que subsisten por un canal alternativo.



La Casa por la Ventana será reestrenada el mes de Diciembre de 2010 en cartelera porteña.

Cuando dos personas se juntan a conversar, digamos en un café, es sabido que hay temas difíciles de tratar o de aquellos que mucha gente propone dejar de lado al realizar una reunión familiar para que la velada sea placentera. Temas como política, religión…uno puede escaparles, discernir, estar o no de acuerdo, inferir, criticar, volcar la propia opinión según sus vivencias, creencias, con menor o mayor razón, callar, asentir y el mirar hacia otro lado, no sirven más que para terminar de dar la razón a la otra postura.

Ahora, hay gente que al ocurrir un suceso como el que destaco, deciden tomar otra postura, levantarse de su asiento, postura erguida y retirarse. No por cobardía sino como un rechazo a los planteos que pueden estar realizándose.

Al momento de estar viendo El Día del Juicio Final, algo por el estilo pasó por mi comportamiento. Sentía que la butaca se había convertido en una cama de fakir, me dolían las rodillas, miraba hacia otro lado que no sea el de la pantalla con desprecio, creo no haber sido el único, he visto a otros hacer lo mismo.

“Impensable”, como sería el título original en inglés, es escribir un guión tan vehemente, que actores de la talla o ya podríamos considerar caducos como Samuel L.Jackson o Carrie-Anne Moss o el excelente entrevistador Frost al que habría puesto en escena Michael Sheen. ¿Cómo puede ser que hayan aceptado participar de tan inescruputoso film?.

El Día…fue vendida como “el film que no quieren ver dejar ver Estados Unidos”. El film trata sobre el posible caso que una personas, aquí un retirado de las fuerzas, Steven (Michael Sheen), norteamericano y profesante de religión islámica, decide colocar tres bombas nucleares en tres ciudades “x” de Estados Unidos y no desactivarlas si sus requerimientos no son cumplidos en determinado plazo.

Steven quiere ser vendido como un Hannibal Lecter después del 9/11, encerrado en una celda con interrogatorios un tal “H” (Samuel L.Jackson), un verdugo a quien el Estado llama sólo en casos de urgencia extrema como este, el hombre que gracias a sus métodos de tortura siempre ha logrado extraer lo que se proponía de sus víctimas. La agente Helen (Carrie-Anne Moss) no se más que un calquito de Clarice Starling. Algo indica que se ha tomado el guión del afamado film clase B ganador de cuantiosos premios, El Silencio de los Inocentes, conjunto a una idea frente a los sucesos de terrorismo de estado contemporáneos y plasmar ambos.

El resultado, en gran parte por las decisiones del director Gregor Jordan, equívocas como el mostrar miembros amputados en escena cuando la temática ronda principalmente por un cuestionamiento ético y moral, es determinante.

El Día del Juicio Final es de esos films que como los temas que planteábamos antes, deben hablarse, deben debatirse, en una fiesta, una reunión, donde sea, pero el mayor logro de ese debate sería “la forma”, aquella que éste film estuvo ausente y lamentablemente causaron en mí todas las ganas de levantarme e irme.

Fuera de los cines, la realidad se asemejaba a lo visto en pantalla, cuestionamientos (pacificar o reprimir) sobre asentamientos ilegales. El discernir, tomar una postura, a veces no tan simple, con intereses de más de un partido político, gobierno nacional o de la ciudad de turno, políticos que pelean y se contradicen como niños. La urgencia en actuar para luego no tener que remediar, cuatro muertes reales hasta el día.

En fin, a veces vemos en pantalla cosas “Impensables”, de aquellas que al retirarnos de la sala a los minutos olvidamos y descreemos que puedan ocurrir, la realidad al final se asemeja a lo “impensable”.

Lindo sería vivir en un lugar y momento donde estan cosas no ocurran mas, las torturas, la discriminación, la utilización de la pobreza con fines políticos, la ausencia de planes de vivienda. Ojalá algun día podamos salir de una sala y ver una peli como Cuando Harry Conoció A Sally… y las preocupaciones no sean otras que conseguir un buen helado en un día de calor como el de hoy.

Entretenida "psico-comedia", término descripto por el grupo de directores en la coferencia de prensa posterior a exhibición del film.

Las Hermanas L. (mención que al momento de estar filmandose el proyecto causó molestia en otras hermanas L.) conjuga con entrelazos las diversas relaciones entre familiares, amantes, profesores, alumnos, mayoritariamente con un factor común: el sexo.

Concebida a partir de la obra base Un Tranvía Llamado Deseo, las acotaciones a dramas en subtramas de índole familar-sexuales se hacen presentes a lo largo del film como un adulcorado drama de Tenesse Williams convertido en comedia, libremente por parte del grupo galardonado en BAFICI con su ópera prima UPA! (Una Película Argentina), de Santiago Giralt, pero sin Camila Toker ni Tamae Garateguy.

Willy Lemos interpreta a Cocó Legrand, un travesti padre de las hijas referentes al título, dos mujeres de las cuales una recién llegada de Europa debe pedir alojamiento a la otra, quien convive con su pareja.

Soledad Silveyra con una grotesca labor, alejada de trabajos de su filmografía, interpreta a una madre completamente absorbedora de su hijo. Preocupada por la orientación sexual del mismo, casi esquizofrénica y compulsiva, de carácter almodovariano.

Silvina Acosta, principal protagonista es quien brinda la entereza que el film necesita, sus tics de comedia se hacen ver a lo largo del metraje incesantemente.

Como otras producciones de El Pampero Cine, Ocio tambien transcurre en el barrio de Parque Patricios, esas calles de adoquines grises, tristes. Basada en la obra homónima de Fabián Casas, Andres es un adolescente que ha perdido a su madre, vive con su padre, un payaso que trabaja realizando shows.

Resalta el ambiente rockero donde Andrés es una gema màs, sus juntadas con amigos a pasear por la ciudad, tomar unas cervezas o fumar en una terraza del barrio, observando a lo lejos las plateas del estadio Tomas A.Duco. Sin mucho razonamiento, los muchachos se meten en problemas fácilmente por un acto menor, la falta de pago de una moto adquirida a una pandilla de barrio. Es ahí donde éstos personajes resultan inverosímiles. La relación padre-hijo sobresale ante la angustia y acordes de bajo que fuertemente retumban, como para volver al clima aun mas hostil, la pandilla no deja pasar de largo las deudas y la violencia toma mayor parte en la vida del adolescente.

Tan triste como la letra de un tango.

Helena es una cantante de tango, un día, dejan de amarla. Su carrera hasta ese momento estable, decae, su salud e intento de suicidio posterior sólo demuestran que su estado es similar al de las letras que en las noches canta en diversos escenarios de la ciudad.

Cambiar de habitat puede ser una solución, empezar de nuevo otra. Es así como Helena cambia radicalmente, migra tanto físicamente como en actitud.

Los tangos acompañan la acción en todo el metraje, las letras de abandono, tristeza, añorar, hacen de Helena una ejemplo viviente de lo que canta, viaja sola con su canción.

Eugenia Ramirez Miori interpreta a la cantante que migra de Buenos Aires a Francia, actriz y cantante de profesión, interpreta un amplio repertorio en las presentaciones o entre quehaceres domésticos títulos como “Yo no sé qué me Habrán Hecho tus Ojos”, “Alma en Pena”, “Quien Hubiera Dicho”, “La Ultima Curda” o “El Ultimo Café”.

El bahiense Diego Martinez Vignatti compone su tercer largo como director, presentado en el Festival de Locarno en la Competencia Oficial, ya había trabajado como director de fotografía para directores como Reygadas en Japón o Batalla en el Cielo.

La Cantante…es un film cuyo guión parece haber salido específicamente de una letra de tango, la vinculación es notoria, los temas similares, actuales. Se mantiene un quiebre entre lo que sería el pasado y futuro de la protagonista, un punto de quiebre.

El mayor atractivo que podría haber tenido el film se ve en cierta manera truncado por los límites vocales y de registro de la actriz principal, un relato plenamente vinculado a lo musical donde la letra es vigente tanto como el ambiente pero no la performance, que no termina de convencer al espectador sobre la grandeza de la cantante demostrada como tal en el relato.

La verdad siempre sale a flote.

A fines de la 2º Guerra Mundial, una mujer de la cual se desconoce su nombre en todo el relato es abusada por soldados rusos luego de la invasión en Berlin. Ella está casada con un oficial y es de las únicas mujeres que hablan el idioma ruso en una de las residencias ocupadas por un período de aproximados cuatro meses.

El extenso film dramático está basado en el libro escrito en 1945 por una de las víctimas de consecutivas violaciones, en aquel período este no pudo ver la luz debido a que se destacó que la sociedad alemana no estaba preparada para seguir conociendo atrocidades acaecidas durante la guerra sumadas a las experiencias atroces de amplio conocimiento durante el régimen nazi. El libro pudo editarse recíen llegado el fallecimiento de la autora, convirtiéndose en un best seller en Alemania.

Anonyma recorre lugares oscuros dentro de la residencia, el tema es por demás sensible tanto para una lectura como para en este caso la visión, el mostrar la experiencia de cómo un grupo de mujeres deciden sacar el mínimo provecho de una relacion sentimental con soldados enemigos a su nación por el simple hecho de no ser violadas sexualmente u obtener a cambio alimento diario. El film funciona como un ejercicio macabro de mostrarnos esta realidad, crudamente, con herramientas cinematográficas débiles (música incidental, un guión demostrando como buenos y malos a los soldados de ambos ejércitos), pero, al menos sirve para comprender que los acontecimientos han de hecho sucedido y a veces la escapatoria a un problema no es más que otra aberrante situación.

Con 131 minutos, el film no escapa de la controversia que puede generar, en él se vincula el precio que alguien tiene que pagar para sobrevivir ante un suceso límite, sin dar rienda a mucha reflexión, la decisión de dirección parece haber sido la de mostrar tal cual relata el texto biográfico, sin medias tintas ni sentimentalismos.

Tras presentar el año pasado una de las sorpresas en el Festival, Vil Romance,

ésta vez Campusano ahonda nuevamente sobre personajes dentro del conurbano bonaerense, una tribu de motociclistas apasionados en su submundo, con códigos caracteristicos, realidades inherentes a la convivencia, experiencias de vida, la relación con las drogas en menores. El personaje principal es “Vikingo”, una especie de rey del clan, un hombre a quien no debe confundirse por su aspecto, detrás de su coraza de “tipo rudo”, con sus tatuajes, cuero y artesanias yace un ser magnífico, digno de un lider, honesto, con valores, brutal.

Al mostrarnos este submundo real, aquí nadie duda que lo acontecido por màs que sea ficción pueda suceder, y es allí al igual que en sus otros trabajos donde Campusano gana al espectador, con su credibilidad. Sin importar que los interpretes sean no-actores, cuestión que se nota abruptamente por momentos, en particular las miradas a camara, capaz algo a tener en cuenta en sus futuros proyectos. A favor, la puesta en escena, fotografía y sonido, se ven notablemente mejorados en relación a su anterior realización.

Hasta “siempre”.

En la crítica de El Juego del Miedo VI que aquí linkeo:

http://www.asalallenaonline.com.ar/mas-estrenos/88-estrenos-del-51109/227-el-juego-del-miedo-vi.html

exactamente un año atrás hacía la misma pregunta que hago luego de salir del cine y ver la séptima entrega, ¿hasta cuándo continuará esta fórmula ya agotada?

Vuelvo a destacar algo que inferí en aquella crítica y es que si bien la original y la quinta entrega resultó atrayente, con una idea distinta y revitalizando la saga, ésta última de estreno en el día de hoy cuenta con los peores ingredientes que la saga supo tener. Ya las distintas torturas por conseguir sobrevivir no atraen, ya las idas y vueltas en las que “siempre” aparece un personaje involucrado a continuar la obra maléfica del villano justiciero y lleno de rencor, Jigsaw, cansaron.

Su mujer, el policía corrupto, el médico, los pobres del depto. policial que siguen “siempre” tardíamente los rastros para poder descubrir algo, “siempre” llegan tarde, “siempre” alguien los traiciona desde adentro.

En fin, un guión que si tomásemos una hoja de papel y escribiésemos éstas palabras sueltas, presentes en cada una de las secuelas de la saga, “siempre” estuvieron presentes.

Ya los juegos son absurdos, no demuestran nada que ya no hayamos visto con anterioridad y mejor.

Podríamos hablar del 3D añadido, pero tampoco es un elemento que añada algo, es de esos filmes que no son concebidos específicamente en 3D sino para captar una mayor audiencia, un nuevo atractivo que sinceramente siento está perdiéndose con la cantidad de estrenos mensuales que ofrecen innecesariamente el agregado de una dimensión.

Dentro del elenco vuelve Cary Elwes (aquel se ingresaba a la primer prueba del primer film) con una pequeña interpretación, tambien presente Sean Patrick Flannery (el jóven Indiana Jones).

Jigsaw, por favor no vuelvas.

Hasta “nunca”.

Vuelta a los 80’s.

Curiosamente tres estrenos de éste año se caracterizaron por volver a estructuras básicas de guiones, presencia de actores “estelares” que cargaban al hombro films de aventuras, ciencia ficción y acción, tomados como “divertimentos” en la década del 80. Como una suerte de lo que ocurre en Un Loco Viaje al Pasado pareciera que ésa década ha marcado la vida de muchos, se la extraña, es el caso de Depredadores, Los Indestructibles y ahora, Red.

Bruce Willis interpreta a Frank Moses, un ex - agente de inteligencia de quien, por lo visto, quieren deshacerse debido a alguna cuestión. Justo al desatarse ésta situación, conoce gracias a una charla telefónica a Sarah (Mary Louise Parker) con intención amorosa, quien colateralmente queda involucrada en las corridas y persecuciones varias que se generarán a partir de los primeros minutos de duración.

En el camino, Moses se reencuentra con sus co-equipers, ex CIA, un surtido vintage à la Brigada A, nunca falta un loco (John Malkovich), algún experto en armas (Helen Mirren) o un especialista en tácticas (Morgan Freeman). Así el equipo se completa, juntos intentarán delucidar el por qué a varios interrogantes y una vez más, tenemos un film de acción, con la misma linea argumental que cientos de films que ya hemos visto con anterioridad.

Lo disfrutable del ejercicio que constituye Red, es que muchas veces realmente sus gags son efectivos, dan justo en el blanco como para generar sátira, carcajadas varias y asombro por situaciones inusitadas, algo que tambien ocurría en Los Indestructibles. No soy muy agraciado con la frase de tanto uso “uno sabe de antemano lo que va a ver”, refiriéndose cuando vemos un film que tiene baches por todos lados pero al que no se le puede pedir mayor valor cinematográfico debido a que la persona que esboza esta frase considera que los involucrados, la historia, los personajes o actores no pueden entregar más que lo que tienen para ofrecer. Con Red, viví recordando ésta frase y sin bien, no tenía bien en claro qué estaba a punto de ver, a medida que fui zambuyéndome en las satirizaciones con las que cuenta el film, me senté a disfrutar sabiendo que en Red, cualquier cosa habría de suceder.

Es destacable considerar que el film cuenta con un reparto inigualable, al contrario con Los Indestructibles, aquí, éstas estrellas todavía son vigentes, quizas no en su apogéo pero tampoco en el olvido y siendo rescatadas. Actores de la talla de Richard Dreyfuss, Brian Cox, los jóvenes James Remar, Julian McMahon, la punzante Rebecca Pidgeon (fetiche y esposa de David Mamet), y una participación si bien pequeña, importante, de Ernest Borgnine.

Red está basada en la novela gráfica de DC Comics, de Warren Ellis y gráfica de Cully Hammer, las siglas que constituyen el título del film se vinculan a “Retired Extremely Dangerous” (Retirado Extremadamente Peligroso), cuestión que el largo deshace en materia de los actores incluídos en el reparto, “No Retirados, Extremadamente en Vigencia”.

Un film épico sobre acontecimientos actuales.

Red Social describe cómo, quiénes y qué consecuencias tuvo el lanzamiento de la plataforma Facebook, con una óptica similar a la de El Ciudadano, como en todo ascenso tambien existe una caída (én éste caso particular, la caída es parcial) sin olvidarnos de ejemplos como Juegos de Placer, entre tantos otros films.

Mark Zuckerberg (Jesse Eisenberg) es el actual y real, multimillonario más jóven del mundo, creador de la red anteriormente mencionada. Si nos deteniésemos a buscar algúna personalidad que haya estado ubicada en éste podio con anterioridad, indefectiblemente deberíamos hablar de Bill Gates, sus vidas están entrelazadas, distintas décadas, similares comportamientos. No por nada, el magnate de Microsoft tiene una pequeña participación en el film, interpretándose a sí mismo.

Mark es un talentoso nerd, de aquellos extremadamente inteligentes que junto a sus compañeros de cuarto, todos dedicados al desarrollo de distintas plataformas de programación, se considera excluido del resto, su anhelo es el de ser invitado a “clubes exclusivos” a los cuales por su condición e imagen no cuadra en los parámetros de los superficiales prestigios de inclusión. Su novia del momento lo deja y le destaca que no será un hombre que no pueda conseguir mujeres en su vida por su característica de “nerd” sino por su interminable competencia en convertirse en un cretino. Como premisa del film, vemos a esta pareja conversando en un bar, un diálogo de lo más mordaz y en cierta manera resumiendo gran parte de los mayores conflictos que veremos presentes en el film. Un muy buen ejercicio de presentación del personaje principal, Mark.

Dentro de la vida del magnate sus vinculos amistosos son los que generan sus mayores conflictos. Un juicio por plagio de idea, otro por una desvinculación de la firma…algunos por apenas conocidos y otro por su mejor amigo de facultad, con quien surgió la implementación a partir de un algoritmo compartido.

David Fincher (Pecados Capitales, La Habitación del Pánico, Zodíaco, El Curioso Caso de Benjamin Button), con una filmografía que ya lo cataloga como uno de los mejores directores de los tiempos que corren, aquí sin contar con elementos fantásticos ni tecnología de efectos, se interioriza de lleno en una historia, en un magnífico guión del incisivo Aaron Sorkin, quien trabajase a las órdenes de Rob Reiner en Cuestión de Honor y Mi Querido Presidente, puntapié que le sirvió para guionar la serie The West Wing.

Jesse Eisenberg (Historias de Familia, Supercool, Zombieland) acaparó la atención por sus excelentes interpretaciones y fisique du rol a partir Cosas de Hombres, de allí en adelante, los trabajos encomendados al actor, si bien bastante parecidos entre sí, con aspectos en común, no dejan de asombrar, su verborragia, acelerada dicción y sensación de bondad, hizo que éste sea considerado para el rol principal, dentro del cual no pasa desapercibido, ni tampoco se ve diferencia alguna del resto de sus trabajos debido a que el guión se ubica muy por arriba de toda interpretación posible en el film.

El cast se completa con Andrew Garfield como el co-creador de Facebook, personaje que conduce el relato hacia las aguas de la culminación de una amistad y a Justin Timberlake, interpretando al creador de Napster, otro programador con la experiencia que al dúo le falta para globalizar la red social.

Red Social es un film imponente, importante, de aquellos que no van a ser fácilmente olvidables sino por el contrario, espero, fomentarse como el éxito que comprendió Facebook en las vidas de todos aquellos que lo utilizamos.

Red Social lo merece.

Nada nuevo bajo el ala de George.

Con gran presencia, el americano no es otro que George Clooney, la estrella de porte, fachero, que moviliza la atracción de cuanta dama de abarcativo rango de edad y, a mí en particular por esos riquísimos Nespresso que publicita. Este, decidió vincularse a un nuevo proyecto que en fin, no es nada nuevo en su carrera, un film muy cuidado en estética, sobrio y con una pronta distante visión sobre un pueblo rural italiano.

Hablaré de El Americano, ya que me resulta tedioso el título que aquí se ha escogido para titular el largo (El Ocaso de un Asesino).

El Americano, no es más que un gran efecto licuadora entre dos títulos en los que casualmente George tambien ha estado involucrado: Michael Clayton y Amor Sin Escalas (otra elección horrorosa de traducción para Up in the Air).

Anton Corbijn, director de videoclips y ópera prima Control, primer film exhibido en Argentina con tecnología de transmisión desde un server en otro país, intenta recrear un western urbano, con la mención a Erase una Vez en el Oeste del rey del spaghetti Sergio Leone, pero las locaciones en Italia, específicamente Abruzo, carecen de la polvareda, ese sol que quema las pestañas de los cowboys, la ciudad es demasiado fría.

Este thriller está en gran parte muy alejado de poder integrarse dentro del género de acción, ya que ésta es escasa, la trama gira más en torno al misterio de quien está queriendo asesinar al Mr.Butterfly compuesto por Clooney, un asesino a sueldo casi retirado que a su vez reforma armas para otros con su mismo quehacer, misiones desconocidas, otros asesinos a sueldo con encargos de liquidarlo, pero siempre contando con la incógnita del por qué, a libre interpretación del espectador quien debe asimilar como plazca ciertos acontecimientos, el resultado en éste sentido es el de esos films que alejan, no integran, ni terminan lograr ser lo suficientemente atrayentes para el espectador.

Como para brindar un vuelco sentimental a la historia, Butterfly, por más que haya sido aconsejado de no generar amigos ni hablar con nadie, presenta un interés en una prostituta con quien establece una relación ambigua, fría y temperamental, la belleza es Violante Placido, quien brinda ese condimento extra como en los típicos films donde un extranjero termina enganchándose con la voluptuosa nativa de la ciudad foránea que le tocó visitar.

La fotografía del film es realmente algo a tener en consideración, de esos films donde uno destaca que “Italia nunca se vió tan bella”.

Inusual comedia, irreconocible de pertenecer a su origen alemán.

Una parodia sobre el rodaje de un film que tiene como protagonista a Otto, una estrella antigua de cine, irresistible para las mujeres, quien, luego de su apogeo tiene un grave problema de adicción alcohólica.

El conflicto se desata cuando el director decide contratar a un actor mucho mas joven para filmar escenas paralelas a las interpretadas por Otto. El joven no llega a la altura de la performance y cuenta con todo el rechazo del cast, falta de química. No obstante, los disparates que tienen a lugar va acercando a ambos actores a mantener una relación arbitraria.

La comedia tiene un aire de films dentro de films como solo Hollywood ha concretado al momento, me viene a la mente un recuerdo vago de State and Main de Mamet y tantas otras.

El resultado se plasma en lograr un film querible, sobre todo hacia el personaje de Otto, quien tras sus constantes caídas mantiene en pie su actitud y enfrenta a todo un sistema de producción.

Te amo Phillip Morris!!

Russell (Jim Carrey) es un policía, hombre de familia y de ley, casado con hijos, (gracias a) un accidente de tránsito que lo deja inconsciente, no sólo despierta del trance, sino que abre una nueva faceta en su vida, dejar de esconder secretos, vivir al límite y no respetar más las leyes, previa confesión del verdadero y principal manifiesto sobre su orientación sexual: “ser completamente gay”, según sus palabras.

Para Russell, ser gay es caro y para ello habrá que buscar una manera de generar el dinero necesario para afrontar semejante gasto. El uso de lámparas solares, costosos relojes, auto deportivo, sesiones de masajes, peluquería y manicura, clubes privados, vestimenta…la solución al problema: “estafar”, actividad dentro de la cual se convierte en un experto.

Su ex mujer (Leslie Mann) comienza a recibir numerosas sumas de dinero mensuales provenientes de los diversos fraudes generados por el padre de sus hijos, atracos a cajeros, falsificación de tarjetas de crédito, hasta una inusual y verdadera “gran estafa”.

Una Pareja Despareja oscila entre la comedia y el drama, pero es esencialmente una historia de amor verdadero entre dos hombres. Russell y Phillip.

Ellos se conocen dentro de una institución carcelaria, Russell cumpliendo condena por sus estafas y Phillip por un delito menor. La química es instantánea y Russell utilizará todo lo que tenga al alcance para permitirse los lujos que facilita el tener dinero al estar dentro de una prisión. Es así como en pocos días, R. y P. forman su nidito del amor nada menos que en una celda.

Dentro del elenco nos encontramos con una multifacética interpretación de Jim Carrey vinculando su excelente vertiente hacia el drama (El Show de Truman, Eterno Resplandor de una Mente sin Recuerdos) frente a algunas de las ya hastiantes muecas utilizadas en sus comedias, por suerte no son muchas. Ewan McGregor como el reciente nuevo interno dentro de la unidad carcelaria, logra con su excelente labor mantener el equilibrio faltante para que el film no se desbalancée en carácter de género. Su rol es implícito en el drama, riel sobre el cual el film tiene mayor recorrido y peso. Rodrido Santoro tiene una pequeña participación como uno de los primeros intereses amorosos de Russell.

El film está basado en la novela “I Love You Phillip Morris: A True Story of Life, Love and Prison Breaks”, escrita por el mismo Russell. Dos cuestiones a destacar, una es que el film no ha sido estrenado comercialmente en uno de sus países de origen (EE.UU.) y otro es que la producción ejecutiva recayó sobre Luc Besson, director que viene generando vuelcos en su carrera en materia de géneros. Se encuentran reminiscencias a otros films como Atrápame si Puedes,y la vida carcelaria en tono de comedia como en Un Romance Peligroso. Persiste la narración en off, la ironía y los juegos escénicos con constancia para demostrarnos una realidad cambiante desde diferentes puntos de vista.

El hito del film es en gran parte la “forma” en que es planteada la historia principal, conllevar un entorno de estafas, persecuciones y hasta un drama carcelario, para ser vinculados a una historia de amor no es poco. El trato de la homosexualidad con indiferencia, con una aceptación implícita, sin caer en banalidades, chistes fáciles o groserías.

El score del film a cargo de Nick Urata, ondulante entre melodías hawaianas y jazzeras, resulta atractivo y digno de ser revisionado.

Sólo falta decir que, Phillip tambien ama a Russell, por lo cual el film tambien podria haberse denominado:

Te amo Steven Russell…!!

Por qué nos has hecho de nuevo esto Oliver?

La idea original no es mala. En tiempos actuales donde es de conocimiento público que el sistema capitalista en Estados Unidos se derrumbó, teniendo el Gobierno estadounidense que hacerse cargo de los déficits de bancos privados y realizar un salvataje de subvenciones inaudito, la idea de revivir en un guión al personaje de Gordon Gekko (Michael Douglas), un economista de Wall Street que ha pasado 8 años de su vida encarcelado luego de una jugada de un novato que en el anterior film lo hundió originando una investigación sobre las malversaciones que el as del sistema financiero realizaba, no es tarea fácil. Allan Loeb se encargó de guionar tras su experiencia en las finanzas y acercó el proyecto a Stone, quien vió que el personaje de Gekko podría cobrar vida de nuevo.

Como nuevo novato entra el actor Shia La Beouf, muy mal casteado para este rol, poniéndose al hombro nuevamente otro film, él es el eje, argumentalmente, encima de haberse puesto de novio con la hija de Gekko (Carey Mulligan, nominada al Oscar por su notable actuación en Enseñanza de Vida) tambien resulta ser un dotado para trabajar en la Bolsa Bursatil. Completa el cast el inefable Frank Langella, el disfrutable Eli Wallach, Josh Brolin (quien ya ha trabajado con Stone en W., en el rol de George W. Bush Jr.) y un cameo de Charlie Sheen.

Wall Street 2, falla en querer agregarle un sentimiento extra al inescrupuloso Gekko, conseguir nuevamente que establezca consejos financieros en sus diálogos como fueron los antológicos de la anterior, aquí se nota forzado, Michael Douglas en su interpretación ha perdido parte de su hostilidad y vehemencia, su interpretación culmina reconstruyendo el original y recordado personaje.

Hay algo de Stone que me hace ruido hace rato y es el sentimiento de que algo en su actitud detrás de la cámara se ha perdido, exceptuando el film W.. Sus relatos ya no son lo envolventes, crudos y directos como solían serlo. El mostraba una realidad y no un cuento de hadas como éste.

El film fue presentado en HD, en la gran sala Lumiere, la cual posée una inmensa pantalla como las que solia haber en el centro de Buenos Aires, con una acústica aprovechable para los nuevos formatos de sonido con surrounds, un ejemplo de cómo poder ver un film apreciando elementos que en otras salas se pierden, no se valoran, no están presentes.

Documental sobre el recientemente fallecido artista plástico Gorriarena, quien junto a Felipe Noé constituye uno de los más importantes y relevantes ejemplos de arte argentino de las ultimas decadas.

Guarini parte desde los preparativos con ocasión de llevar a cabo una muestra en conmemoración que ha sido llevada a cabo en Buenos Aires durante el año 2009, de alli, su esposa, es mostrada naturalmente en su taller, donde recolecta y ordena las obras del artista para generar un inventariado.

Muchos, quienes serían considerados, artistas, criticos, alumnos dan su parecer sobre las técnicas y obra del artista.

Una conversación de Gorri con otros colegas en un restaurant, es revitalizada en el documental donde éste, habla de su conexión con la vida politica argentina, su nocion personal sobre el arte, sus consejos a artistas.

El film carece de un sentimiento de perdida, solamente reflejado en la mirada de su hijo, que, brinda ayuda en el taller y su ordenamiento. En el resto de las personas que pasan por el documental sobresalen la admiración por la obra y respeto por un hombre de humor particular.

¿Cuándo? ¿Dónde? ¿Por qué?

Algunos de los interrogantes que plantea el documental intimista sobre la desaparición de Marita Verón. Un caso que conmocionó a la sociedad argentina, abrió el debate y posterioriormente resultó en la aprobación de una Ley sobre la “trata de personas” gracias a la movilización de la incansable Susana Trimarco, su madre, quien no se detuvo en la búsqueda de su hija, secuestrada, drogada y mantenida según la información obtenida, en un círculo de trata de personas organizado con vinculaciones de orden policial, fiscales, políticos, en el interior de nuestro país.

La cámara atenta, implícita, divide al documental en fragmentos con intertítulos cuyos puntos en común se enfocan en cinco personas, Susana, Daniel (padre), Micaela (hija), el comisario que ayudase en la búsqueda y la misma Marita, cuya ausencia se siente “presente” en todo el relato del film.

El documental retrata algunas de las vivencias, recrea situaciones familiares, discusiones, planteos, y enérgicamente acompaña a Susana en descargos contra fiscales, policías, sin denunciar, una cámara atenta que por momentos en esa recreación no resulta convincente sino actuada, con recursos que bien podrían haberse volcado hacia la simple entrevista.

La angustia que ocasiona el film yace en los sucesos ya de amplio conocimiento, con el añadido de poder doblar la apuesta al mostrarnos desde el otro lado, otro dolor: el de su propia hija, una niña, denimada en el film como una “niña grande”, presente en cada una de las situaciones que involucraron la búsqueda de su madre, consciente, y dentro de lo más lastimoso que afronta el film al marcar el incierto futuro de ésta niña, producto de su falta.

Daniel es mostrado como un hombre que carece de la fuerza que tiene Susana, la falta de su hija lo desmoronó, vive al día, acompaña pero ya ha perdido la esperanza.

Susana Trimarco accede a ser filmada, ella siente que aunque el tiempo ya transcurrido debilite las chances, ha de encontrar a su hija con vida, acompañada por el grupo de directores quienes han logrado una labor muy responsable, pasiva por momentos, sin desafío. Susana marca un ejemplo para la sociedad, desde su humilde experiencia propia y ayuda mediante la fundación que organizase a combatir nuevos casos similares o en relación a la trata.

Documental sobre el hasta ahora desconocido Daniel Burmeister, un director de cine aficionado muy particular. Su labor consiste en viajar a lo largo del país, visitando pueblos y ciudades donde en muchos casos el desarrollo de prácticas culturales es escaso. La labor del cineasta consiste en proponer ante su llegada a los municipios, el proyecto de filmación de una historia, donde los participantes técnicos y actores no sean otros que los mismos habitantes del lugar. Es así como Daniel logra con sus rústicos elementos técnicos, prestados en muchos casos, con historias sencillas y graciosas, involucrar a personas que viven en un mismo territorio, a veces sin interacción alguna.

El pedido del cineasta a cada municipalidad consiste en que le brinden lugar de estadía y comida a cambio de su labor. Una vez culminado el proyecto, el film terminado se proyecta para todo el pueblo, unido como pocas veces para compartir un espectáculo cultural y de indentidad social.

Luego de la ovacionada en el pasado Festival de Cine de Mar Del Plata, El Artista, Gaston Duprat y Mariano Cohn vuelven a atacar contra el modernismo y el arte en una comedia efectista presentada en HD.

Leonardo (Rafael Spregelburg) es un diseñador exitoso de sillones para hogar y oficinas, él vive junto a su esposa snob y aburrida hija en una mansión de moderna arquitectura ubicada en La Plata, específicamente la Casa Curutchet, única construcción de Le Corbusier en Latinoamerica.

El conflicto surge cuando en la casa contigua, un nuevo vecino derriba parte de una medianera para construir una ventana, según sus propias palabras “para robar un poquito del sol que a su vecino le sobra”. El invasivo y a su vez manipulador inquilino (Daniel Araoz), inteligentemente y con un choque de culturas buscará todas las vueltas posibles para concretar su cometido, enfrentándose e iniciando una guerra de vecinos inigualable.

Se hace una explicita y reiterada critica al nuevo mundo del arte, critica que ya habian realizado en El Artista con mayor sutileza y efectividad. El Hombre de al Lado juega aun mas con la comicidad, por ir deconstruyendo al personaje compuesto por Daniel Araoz, quien sobresale en su labor.

Es frecuente ver en cartelera films que insisten en contratar a estrellas en picada de Hollywood, de aquellas cuyos últimos proyectos han sido fracasos y jamás han podido repuntar de ahí en adelante, estrellas que tal vez se hayan tomado un tiempo para abandonar momentáneamente su carrera y realizar una gran vuelta, u otros que simplemente terminaron eligiendo los proyectos que les llenen sus billeteras sin darle mucha importancia guiones, trabajos por amiguismo, una especie de continuidad como para poder seguir solventando sus costosos modos de vida.

Ahora, Michael Douglas ¿en cual de estos ejemplos encuadra? Creo que en ninguno.

Fuera de ser hijo de Kirk, otro gran actor legendario, Michael comenzó su carrera actoral a los 25 y con tan sólo 31 años produjo un film extraordinario, aquel que su padre habría interpretado en tablas, bajo la dirección de una de las personas cuyo porcentaje de excelencia respecto de sus films (no recuerdo tan alto con director alguno), Milos Forman, el film: Atrapado sin Salida.

Actoralmente, Michael fue apadrinado por otra leyenda hollywoodense, Karl Malden, con quien compartiera protagónico en la serie Las Calles de San Francisco. Eternamente agradecido, su carrera no pudo tomar otro rumbo más que el de crecer, como actor y productor (El Sindrome de China, Tras la Esmeralda Perdida y su continuación La Joya del Nilo, Starman, Línea Mortal y la próxima Wall Street2), su visión no era acotada.

A mediados de los 80’s, Michael se convirtió en un ícono actoral no sólo por sus cualidades sino que se impuso, como una moda, en materia de thrillers que lo tenían involucrado en roles que contaban con un no menor tenor sexual, Atracción Fatal, por esos años, asustó a aquellos hombres que engañaban a sus esposas. Por interpretar al codicioso Gordon Gekko de Wall Street, el actor se alzó con un Oscar. Junto a su amigo de por vida, el actor Danny DeVito, quien tuvo un rol en Atrapado sin Salida, incursionó en diversas aventuras/comedias, la más destacada, La Guerra de los Roses, segundo film dirigido por DeVito.

Con Bajos Instintos logró su momento cumbre como icono actoral-sexual, junto a Sharon Stone, se sacaron chispas. Y luego, llegó a otra cumbre, cual fuera su mejor trabajo actoral hasta el momento, un film que no funcionó comercialmente, pasó desapercibido y es de aquellos que dan lástima por el reconocimiento que debería haber tenido, Wonder Boys, quizas su título en inglés no ayudó, aquí se la tituló como Un Fin de Semana de Locos.

En El Hombre Solitario, Michael logra su segunda mejor actuación, vence los tapujos de ser presentado solamente como un “ganador”, por más que el film se detenga en el primer cuarto a mostrárnos su faceta de caballero sesentón, irresistible y convincente en el arte de conquistar mujeres, camino por el cual bien podría haber seguido transitando el film, los siguientes tres cuartos son aquellos donde radica toda la afinididad y agudeza que los directores (Koppelman y Levien) quisieron proveer. Ben (Michael Douglas) no es más que un perdedor, ha perdido su hilo de conección con la vida, con el crecimiento, las oportunidades han pasado por sus ojos, y éste, no decidió más que dejarlas pasar. Su “Gran Buffalo Blanco” como destacaban en la reciente estrenada Un Loco Viaje al Pasado (Hot Tube Time Machine), haciendo referencia a aquella mujer que valía la pena y se nos ha escapado, en ésta caso ha sido Nancy (Susan Sarandon). Su hija, a quien le pide no lo llame “papá” en público, menos aún a su nieto decirle “abuelo”, es quien le brinda sustento económico, moral hasta el cansancio. El punto de quiebre donde pesa más el desgaste que el cariño.

A su vez, en su carrera de ganador empedernido sin límites, emprende un viaje con motivo de realizar una recomendación universitaria para la hija de su actual y adinerada novia (Mary Louise Parker), allí conoce a Daniel (el creciente Jesse Eisenbeg), a quien como consejero de “levante”, fanfarronéa con sus tips y consejos.

A Ben se la va la vida, es un hombre solitario, todas aquellas personas a las que se acercó, su familia, amigos, le terminan dando la espalda. Es allí donde el film rota, decide desarrollar al “ganador” en su “pérdida”, tarea mucho más rica.

De Vito, su gran amigo, tambien en el film, interpreta a uno de los secundarios dentro de los cuales tambien se destacan Jenna Fischer, Imogen Poots y para tener en cuenta ya hace un tiempo, Olivia Thirlby (excelente en El Secreto y una participación destacada en un corto de New York, I Love You).

A Michael pronto pueden verlo en Wall Street 2: El Dinero Nunca Duerme, aquí pueden leer una crítica del film en su reciente exhibición en el Festival de Cannes, fuera de competencia.

El crecimiento de un cineasta.

Como cinéfilo siempre he encontrado/elegido distintos caminos en la elección de ver films a través de los años. Esas búsquedas las he visto relacionadas a las etapas mismas que uno vive a lo largo de su vida, los cambios de ánimo, la necesidad del momento. Los mapas de ayuda para empezar estos recorridos a veces se vincularon a ir conociendo el cine a través de las entregas de premios como lo ha sido en mi infancia, principalmente los Oscars, la llegada a mis manos de revistas especializadas en cine, video, las críticas de los diarios en sus dias jueves (de estrenos), secciones apartadas a espectáculos en revistas, los festivales de cine, hasta llegar a mi modo de autopiloto actual y más disfrutable hasta el momento, el seguir una filmografía de directores, en forma cronológica.

Estos distintos caminos y forma de recorrerlos a su vez, generan nuevos lazos, algo así como las actuales redes sociales, donde uno termina enterandose que un amigo es a su vez el amigo de la amiga de otro amigo, los seis grados de separación.

A qué quiero ir con esto?

En el camino de recorrer la filmografía de Diego Lerman, uno denota un crecimiento exponencial en materia cinematográfica, desde el filmar con escasos recursos y obtener resultados más que satisfactorios, así llegaron Tan de Repente al BAFICI 2002, seguida de Mientras Tanto y ahora La Mirada Invisible.

Tan de Repente abordaba un tema local como un despertar lésbico latente en la protagonista, una chica gordita de carácter pasivo, frente a otra completamente opuesta, marginal, autoritaria, rebelde, junto con una amante, y con un modo violento, terminan manteniendo una relación particular. Filmada en blanco y negro, poco convencional, Indie, bizarra.

Con el salto a La Mirada Invisible, Lerman crece, muestra habilidad, un trabajo sobre un estilo completamente diferente a sus anteriores incursiones cinematográficas. ¿Es aquí donde puede perfilarse como una nueva promesa en relación al cine argentino que nos representa?

La Mirada…va de una chica (excelente Julieta Zylberberg) que entra al Colegio Nacional Buenos Aires bajo la categoría de preceptora, el año es 1982, ya casi abandonando la dictadura militar, con Galtieri al mando del país, casi embarcándonos en la nefasta Guerra de Malvinas. Las esquelas de la época nefasta, se hacen ver en el cotidiano de la institución, jerarquizada y de renombre, con historia propia, lugar donde mismos próceres argentinos pisaron el establecimiento, un lugar donde hacer historia. Uno de los principales (Osmar Nuñez), es de aquellos a favor del régimen que quedaron al mando de la institución, los modales y conducta impuesta hacia el alumnado es característica de un orden militar, el tomar distancia, las reglamentaciones sobre el uniforme, el pedido de documentación frente a cualquier altercado o conducta sospechosa, denotan una modalidad que tanto internamente bajo las paredes que rodean la institución eran sostenidas en su exterior tambien.

María Teresa (Zylberberg) se destaca por estar viviendo reclusa de sus pasivas actitudes, ve a los hombres tomando una distancia de represión tal que su vida sexual es nula, mira, observa desde un lugar voyerista para saciar su interrogante y necesidad. No encaja con sus pares, va a una fiesta y es distante, pasa desapercibida.

La Mirada...está basada en la novela Ciencias Morales de Martín Kohan, y es de esos films cuya primer mirada deja al espectador analizando y repercutiendo por días, el poder digerir los acontecimientos visualizados. La experiencia de utilización de las miradas plasmadas con los fuera de campo son efectivas, una herramienta empleada minuciosamente.

El film fue presentado en la sección de la Quincena de Realizadores del reciente Festival de Cannes, representando a nuestro país.

Cuando el límiite entre la realidad y los sueños se interpone.

La nueva propuesta de Christopher Nolan, un director de filmografía impecable en su haber (Following, Memento, Insomnia, Batman Inicia, El Gran Truco, Batman: el Caballero de la Noche), lo consolida como uno de los directores clase A del momento, categoría dentro de la cual casi todo le es permitido, tiene el cast, dinero y elementos que se necesite. Sus proyectos no sólo dejan boquiabiertos tanto a crítica como espectadores alrededor del mundo, reinventándose con cada nuevo film, un par de éstos títulos de no tan larga data, ya bien podrían encontrarse entre los “clásicos” de todos los tiempos.

El Origen, aborda temas ya vistos en otras, uno no termina de discernir sobre si son meras casualidades, homenajes o una revitalización de determinados temas y puestas escénicas.

Encuentro puntos comunes con films como Matrix y Existenz principalmente, 2001: Odisea en el Espacio, El Ciudadano, El Vengador del Futuro, La Celda, La Quimera de Oro, el baile de Fred Astaire en Bodas Reales (Royal Wedding) y hasta las frias nieves de El Imperio Contraataca o Estación Polar Zebra.

La experiencia cinematográfica es inmensa, el uso del sonido agresivo hacia el espectador como en la nueva saga de Batman es algo a lo que Nolan acude para crear climas, la dirección artistica en minuciosamente atrayente, tras constituir un thriller psicológico, tambien podría repensarselo como un film de acción, gracias a los elementos de contraste con una misión que no faltan.

El Origen, funciona como las mismísimas figuras de mamushkas, un sueño dentro de otro. Leonardo Di Caprio extrañamente reitera una labor con similitudes a su reciente proyecto junto a Scorsese y sale ganando nuevamente. El cast se completa con actores que se han convertido en fetiches de Nolan, sean Cillian Murphy o Michael Caine. Eligió entre los mejores, actores que han tenido gran aceptación por sus últimos trabajos, a Ken Watanabe, Joseph Gordon-Levitt, Ellen Page, Marion Cotillard (evidentemente no sólo su actuación en La Vie en Rose lo sorpendió a Nolan sino tambien el tema célebre No me Arrepiento del gorrión Edith Piaf) y los reconocidos Pete Postlethwaite, Tom Berenger, Lukas Haas.

Di Caprio interpreta a Cobb, un hombre aferrado a sus sueños, a quien la vida le ha pegado en los huecos más profundos de su ser, tiene como misión enfrentar a sus demonios, no siempre visibles o como fruto de su imaginación. Junto a un equipo, la premisa en meterse dentro de los sueños de otros y así encontrar aquellas búsquedas que en la realidad no son efectivas (algo similar al conectarse a la matrix). Aquí hay arquitectos, proyecciones, un ¿lider?. Escapatorias a la realidad, construcción de regiones, sectores, lugares, un desdoble de la realidad. Las amenazas intrínsecas, difíciles de reconocimiento alguno, deben analizarse puntillosamente para poder identificarlas.

En El Orígen, Nolan comete un pecado, y es el de contar de más, hay una sobreexplicación subrayada que hace notar, no valorando la inteligencia del espectador, quizás por que se ha metido en temas que van complicándose contínuamente y en un momento debe él decir “basta”, “esto es a lo que apunto”, como para no desconcertar o enviar al espectador hacia una línea argumental equívoca.

Ya habían trabajado juntos en el drama Vanilla Sky de Cameron Crowe, remake de Abre los Ojos de Amenábar, en ésta lograron interponerse químicamente a la dupla principal del film. Ellos son Tom Cruise y Cameron Diaz, él interpreta a Roy, un agente secreto que por determinado motivo se encuentra en una especie de rebelión contra su Departamento, los integrantes del mismo, lo toman como si hubiese enloquecido (¿algo similar a lo que ocurriera tras la presencia de Cruise en el programa televisivo de Oprah?).

Cameron es June, una chica un poco cursi, fierrera que está a punto de tomar un avión para llegar al casamiento de una familiar. El encuentro no todavía explosivo pero si chocante, se da entre un golpe entre ambos a minutos de abordar cada uno su vuelo, de ahí en mas, Roy y June no pararán de chocarse nuevamente, ser perseguidos, atrapados y cuanta acción se les ocurra dentro de una misión de espionaje.

Lo atractivo de la propuesta constituída por Encuentro Explosivo yace en la dinámica de la puesta en escena, el timing es notable y la química entre Tom y Cameron es digna de comparación de una screwball comedy de las mejores parejas que haya presentado la silver screen. Cruise no abandona su arquetipo de hombre de las constantes muecas y cada movida de cabecera es digna de una propaganda publicitaria de shampúes. Cruise, ya convertido en un ícono cinematográfico a nivel mundial a mi entender está para producciones más atractivas que la comedia, donde no explota su fuerte.

James Mangold, un director que ha incursionado en diversos géneros como el policial, drama, la comedia romántica, suspenso y el western, con variados resultados, puede considerarse un director digno de poder llevar un proyecto a cabo. Sus mejores trabajos han sido Cop Land, Walk the Line (sobre la vida de Johnny Cash) y la remake de El Tren de las 3:10 a Yuma. Mangold casuamente no imprime su sello en ninguna de sus obras, uno puede verlas y ni considerar la posibilidad que hayan pasado por sus manos. La calidad se encuentra, pero no su sello.

Aviones, autos, motocicletas, los terrenos de persecución son diversos, las regiones tambien (Austria, Boston, Sevilla), el Festin de San Fermín con sus atractivos colores como pocas veces se ha visto.

Popurrí entre Charade, la saga Bond y Bourne. Encuentro…cuenta con notables interpretaciones secundarias a cargo de la excelente Viola Davis (The Architect, La Duda), Paul Dano, Jordi Mollá (el villano español del momento), Peter Sarsgaard.

¿Qué ocurre cuando los planes se derrumban?

Plan A: reconquistar a la convertida en reciente exnovia.

Problemática: la ex ya sale con otro chico y se la ve muy bien con el. Según una amiga en común, el chico ha tenido alguna experiencia sexual con alguien de su mismo sexo. Se desmorona el Plan A.

Sigamos con el Plan B.

Plan B: seducir al chico que actualmente sale con tu ex para alejarlo de la misma.

Con éste planteo de tan sólo 5 minutos iniciales, la premisa del film denotaría estar introduciéndonos a una vehemente comedia de intercambio de roles y orientaciones sexuales, amigos en común como en las mas frecuentes comedias románticas sirven de elementos de guión para aceitar los engranajes de una trama cada vez que ésta va improntando otros rumbos.

Es así como Bruno conoce a Pablo (Manuel Vignau, Lucas Ferraro). Uno muy rudo y de barrio, futbolero vistiendo la 10 de Kempes con el logo del mundial ’78, el otro más sumiso, más fachero, más sensible.

Las comparaciones al film de Ang Lee no son redundantes, y es Plan B quien se encarga de mostrar diferencias notorias, no tiene una intención secundaria u oculta, no juega con el facilismo abarcado sobre la temática sexual y sobre todas las cosas, tiene un ingrediente meramente faltante en Secretos de la Montaña, aquí surge una pasión, una atracción que en aquella, a mi entender, por más efecto de impacto musical, un esperado beso o relación sexual fugaz, no ameritaba semejante relación que duraría años por venir. La atracción inicial es visual, los intencionados avances de Bruno de a poco van despertando algo latente en Pablo, como dos amigos de niñez discuten sobre frivolidades vinculadas a la infancia, planteos Neverland (¿El País del Nunca Jamás o La Tierra sobre la cual nunca aterrizar?).

La trama llega a un exponente tal, que los planes se derrumban y el film se convierte en un tour de force minimalista sobre la relación de ambos, todo el alrededor a ellos, sus amigos e inclusive la ex, quedan en otro plano insignificante, ellos abarcan todo.

En éste momento es donde la dirección debe jugarse hacia un desenlace y he aquí el aspecto criticable del film en mi opinión, se optó por la linealidad, por subrayar la acahecido y cerrar argumentalmente todo.

Plan B sobrepasa eufemismos y quebranta prejuicios sobre la homosexualidad, es más, en ningun momento el film siquiera me hizo recordar que estábamos hablando de dos personas del mismo sexo, en cierta manera otro de los logros del film, romper con los canones de la diversidad. Dos personas, dos amigos, un amor.

Vignau y Ferraro establecen actuaciones convincentes.

Marco Berger, el director, un talento a considerar, ya había exhibido su corto El Reloj en Cannes y ya en éste se vislumbraba su fascinación por los planos de campo, algo que en su visión reutiliza en Plan B, en exceso tal vez, denotando una brecha cercana entre personajes y alejandose del resto, inclusive del medio.

El film acaba de ganar el primer premio en el pasado y útimo a realizarse Festival Diversa, exhibiéndose en Museo de Arte Latinoamericano Malba como “Film del Mes” los siguientes días y horarios:

Tropezándose otra vez con la misma piedra…

Las sagas.

Una vez más la maquinaria hollywoodense nos ofrece nuevos productos publicitarios como si vendieran un cosmético, crean gran expectativa, inundan los medios gráficos, visuales y carterlería. No lejano a otros productos que también han funcionado como podría encasillarse a la saga del mago con anteojos, las maldiciones de Sarumán y tantas otras. En carácter de espectador vuelvo a caer en la asistencia a éstos “denominados” y “vendidos” como eventos muy esperados, para después reprocharme una y otra vez el por qué he caído nuevamente en ésta trampa. No han sido muchas las experiencias de secuelas que han presentado algún aspecto realmente innovador o inclusive resultar superiores a sus antecesoras. Eclipse, en la lastimosa tarea de tener que compararla con sus dos anteriores entregas no es ni más ni menos, es igual, un desastre de película.

¿De qué va Eclipse?

Bella y Edward continúan su romance entre tirones para uno u otro lado. Ella quiere ser convertida en vampiro por que no encaja en el mundo “normal”, no se considera una adolescente “normal” y debido a ello, desea ser convertida una vez celebrada su graduación. Ahora Edward impone una condición por que él es un hombre como los de antes, casarse, y menos aún pensarlo, mantener relaciones sexuales antes de hacerlo. Su personaje debería vestir gomina y frac.

Mientras, el pobre Jacob, devenido hombre lobo, tiene todavía la corazonada de poseer al menos una chance con Bella. El está convencido de que ella lo aceptará luego de escuchar decenas de minutos avalando su posición de por qué él es mejor para ella, mejor que Edward.

Uno es frío, el otro caliente. Uno vivo, el otro muerto. En cada encuentro se cruzarán empujones y discursos de enfrentamiento, pero en fin, la que tiene la palabra final, no es más que Bella, quien a ésta altura ya no sabe qué hacer salvo colocarlos a ambos en una licuadora y extraer a su candidato ideal.

A diferencia de las anteriores entregas, aquí se contrató al director David Slade, con un trabajo notable como Hard Candy, film que sirvió para prestar atención sobre Ellen Page (Juno), y otro no estrenado en carteleras porteñas, 30 Days of Night, otra de vampiros en la nieve. No obstante el prometedor profesional, sea por encargo o qué, no logró desvincular al producto de sus anteriores en materia cinematográfica, no pudo desligarse cual lo hiciera Cuarón con la saga de Harry Potter, imponiendo una marca autoral, lo que permite evaluar hasta dónde éstos proyectos ya vienen ofrecidos con un “know how”, de manual o como quieran denominarlos.

Sin ir muy lejos, Luna Nueva, al menos habia ofrecia una más acogedora estética y un más sombrío aspecto sobre algunos personajes, una revelación argumental con Jacob, cuyos abdominales tal cual tabla de planchar continúan intactos y explotados al máximo para suspiro de las adolescentes que han de ir a ver el film.

Pattinson no es un galán a la altura de Kristen Stewart, ésta última ha demostrado en Adventureland estar para interpretar otros géneros más versátiles y adultos que éstas franquicias vacías, no obstante como en muchos casos de actores que consiguen éste tipo de roles vistos mundialmente por millones de personas, esperemos que no juegue en contra hacia la carrera de ésta prometedora actriz a quien noté por primera vez en La Habitación del Pánico de David Fincher.

Por mi parte, la saga de Crepúculo bien podría terminarse aquí, dejar de tener que volver a resucitar el movimiento de fans dentro de los dos próximos años para ver Breaking Down Parte 1 y Parte 2, otro nuevo invento de seccionar novelas a manera de extensión (Harry Potter incluído…).

Oliver Stone visita Latinoamérica.

A partir de entrevistas a distintos presidentes de la región, entre ellos principalmente Hugo Chávez (a quien el documental parece haber sido realizado a medida), Evo Morales, Lula Da Silva, Cristina Fernandez de Kirchner, Lugo, Correa y Raúl Castro, consolida demarcar una abarcativa idea de el denominado “movimiento bolivariano”, cambios y sentido de unidad entre líderes sudamericanos ante las históricas y contínuas intervenciones norteamericanas, financieras, políticas y abruptas campañas organizadas para derrocar gobiernos elegidos democráticamente, el uso de los medios de comunicación, la acción del FMI tomando a países de la región como conejillos de indias para los experimentos financieros de su autoría, las innecesarias guerras y asentamientos militares con el único e inobjetable objeto de adquirir recursos naturales (petroleo, gas, agua).

El documental abarca una postura de Stone como observador, al lado de los líderes, invitado de honor de Chávez a quien el film intenta elevar a la altura de referentes como Castro o el Che Guevara, caracterizado como un monstruo latinoamericano y dictador, según los programas televisivos con formato de noticieros como en CNN y Fox, destinados a norteamericanos que no se involucran, que desconocen y ciertamente éstas emisiones no hagan más que alejarlos aún mas de la realidad. Chávez es mostrado desde su ascenso al poder, visitando las calles, su lugar natal y hasta jugando como un niño montado en una bicicleta, pero, Stone tambien hace una mirada al costado sobre muchos temas. No interioriza.

Es cierto que el documental tiene un formato y duración donde hablar de cada presidencia y el proceso en que cada uno de éstos presidentes ha sido electo, sus políticas dentro de cada país dentro del cual están involucrados está ausente en el film. Si bien todos éstos presidentes tienen una visión en común, han generado evidentes avances en relación a la unidad de Latinoamérica como un bloque politico, sus métodos no son iguales, no todos ellos provienen de los mismos orígenes, uno militar, otro religioso, indígena, o como nuestra presidente actual tan errádicamente describe: “Los actuales gobernantes nunca hemos sido tan similares a los gobernados”.

Sin embargo Stone es consciente de lo que ha significado Latinoamerica para los Estados Unidos a través de los años, conoce las operaciones militares, politicas y financieras que disimuladas para los norteamericanos han actuado y han procurado volver a hacerlo. Las mentiras evidenciadas en el archivo de programas televisivos son contundentes.

Stone ha perdido algo a lo largo de su carrera cinematográfica, con Comandante, Looking for Fidel o Persona Non Grata, retrataba conflictos de Castro y Arafat, en largos subrayó la conspiración y asesinato de JFK, poniéndose en contra a gran parte de la sociedad Norteamérica a partir de ese gran film polemico y quizas uno de sus mejores, dejó de ser visto como el veterano que estuvo combatiendo en Vietnam mostrando la guerra que vió con sus propios ojos. Nixon y recientemente W., lo notaron interesado nuevamente sobre presidentes norteamericanos, sobre ésta última sin reparar al instante de jugarse con un guión liviano.

En breve llega Wall Street: Money Never Sleeps, recientemente presentada fuera de competencia en Cannes, otro film olvidable donde destruye al excelente personaje de Gekko interpretado por Michael Douglas.

Al Sur de la Frontera tuvo un estreno atípico en Argentina, las salas más importantes no han albergado al film, una conferencia en la UBA mediada por Jorge Lanata donde Stone cuidó sus comentarios.

El film es presentado por dos productoras locales y la participación del Centro Cultural Caras y Caretas.

Documental difícil de digerir.
Sin una estructura estrictamente establecida, el director organizó las grabaciones de lo que fué un ensayo y primeros bosquejos de lo que podría haberse convertido en un film biografico / documental sobre la fotógrafa Gabriela Liffschitz, quien dejara registrado estos encuentros antes de su muerte en el año 2004 debido a una mortal enfermedad.

El film no contó con el tiempo necesario de realización, el tomar una forma prolija debido a las imposibilidades conocidas (fue filmado durante el transcurso de su enfermedad), no obstante el resultado final del proyecto es satisfactorio, mostrar otra cara, directa, intensa, no profunda pero sí ilimitada sobre un ser humano padeciendo un cancer terminal, intentar vivir disfrutando sus ultimos dias, sin dejar saldos pendientes.
El malestar de la fotógrafa es evidenciado y molesta como espectador ver ese sufrimiento en pantalla del cual nos sentimos involucrados.
Me resultó un film duro, sin necesidad de tener en su momento que presentarse en concurso sobre una elección en un Festival de Cine, no creo que haya sido la intención del director ni de la artista. Gabriela publicó un libro de fotos antes de su muerte en el que muestra su cuerpo desnudo, luego de un extirpado de pecho, según sus propias palabras “mostrando la sexualidad desde un cuerpo no sano”.

Título relacionado al acto de Roy Scheider en All That Jazz de Bob Fosse.

Grupos feministas abstenerse.

La famosa serie creada a partir de la novela de Candace Bushnell contó con seis exitosas temporadas ininterrumpidas exhibidas en la señal de cable HBO.

La serie adoptaba un formato a partir de los relatos de Carrie Bradshaw (Sarah Jessica Parker), una columnista de un diario de New York, sus temas iban y venian relacionándose con las costumbres sexuales de los hombres y mujeres residentes en Manhattan, las problemáticas características de la mujer en una sociedad de consumo y machista, en el ámbito de trabajo, el capitalismo vinculado al lujo y la comercialización en costosas tiendas de vestimenta y aunque graciosamente tratado, una reivindicación sobre los derechos de la mujer, bandera en alza sobre pilares del feminismo y logros que la mujer a través de los años supo lograr para reivindicar socialmente su integridad y existencia como ser humano. La acompañan Charlotte, Samantha y Miranda, sus inefables tres amigas de juntada, de sus vivencias Carrie aporta a sus columnas, las inseguridades, embrollos y temores.

La serie llegó a su fin y como la franquicia permanecía latente, sus productos seguían comercializándose, las temporadas adoptaron diversos lanzamientos en el formato dvd, colecciones conformadas por temáticas y una edición definitiva con forma de diario personal. Sin tener en cuenta a las grandes marcas de moda como Dior, Gucci, Dolce & Gabbana, reflejadas publicitariamente. ¿Cómo dejar morir una franquicia que todavía vende? Sería una idea insana comercialmente…

Llegó un primer film, de larga duración, innecesario cinematográficamente. Gran éxito de taquilla mundialmente.

Ahora un segundo film, que si bien, apenas presenta mejoras en relación al primero en materia de edición y con un guión notablemente más sólido argumentalmente, no deja de destruir gran parte de los méritos erguidos en la serie.

Carrie, la columnista soltera que reflejaba las problemáticas femeninas de la última decada, ha tomado votos maritales con Mr.Big, acotando en el guión gran parte de lo que en la serie se extendió durante varios años. Resultado de esa cota, Carrie ya no es la misma, sus salidas son apenas reflejos de las de su soltería en conjunto de amigas. El ser un alma independiente laboral y personalmente, la aleja de su esposo, quien decide pasar al menos dos días de la semana alejado del matrimonio para poder realizar individualmente aquellas tareas tan simple como poder ver un film clásico en blanco y negro a altos decibeles sin recibir queja alguna de su mujer. Las demás, tambien están pasando por etapas difíciles. Miranda no termina de congeniar entre su familia y su trabajo, algo que repetitivamente hemos visto hasta el hartazgo en la serie, y lleva al cuestionamiento que su personaje es tan pequeño que no posee otro recurso más que éste a ser considerado. Charlotte continúa siendo tan naive como en sus comienzos, su única preocupación actual es sobre la relación con su sexy niñera contratada y saturarse con el trabajo que le lleva criar a sus hijos y bueno…Samantha, seguirá siendo Samantha por varias secuelas más, es el ingrediente que levantaba a la serie y los films con sus participaciones satirizadas sobre comentarios y experiencias propias de índole sexual.

Lo que molesta de ésta secuela son varios desaciertos.

Inicialmente, un enganche para el espectador, contar con la aparición on stage de Liza Minnelli, con una cirujía facial que la deja casi irreconocible, maquillada y vestida para aparentar ser su propia madre, Judy Garland. Liza es contratada para realizar una coreo en un casamiento gay, sector para el cual la franquicia de Sex and the City está muy vinculada.

Carrie y su grupo se trasladan a Abu Dahbi, un viaje reparador como en la primer entrega. La premisa allí es en gran parte burlarse de la cultura y religión de la región.

Penelope Cruz brinda una aparición innecesaria de escasos minutos.

En conclusión, Michael Patrick King vuelve a hacer uso de una fórmula ya desgastada. El crecimiento de las cuatro mujeres en los años de serie a nivel de los personajes aquí se ven relativamente manipulados, pequeños, groseros hacia otras culturas y orientaciones sexuales.

Partiendo de los coloridos festejos en Amsterdan de ruidosa gay parade, la directora debutante Kris Niklison vuelve a su país natal, a la incomparablemente tranquila residencia sita en Sauce Viejo, de y con su madre, Bela Jordán.

Allí el diálogo madre-hija, o cuasi monólogo Bela, abarca casi una vida íntegra, vivencias, recuerdos, en un film documental donde Kris, detrás de cámara, esboza comentarios para permitir el fluido de las conversaciones entre ella, su madre, una mujer que ayuda con las tareas diarias y un hombre que realiza changas.

Los bienvenidos relatos de una persona mayor, octogenaria, agil y graciosa, genera admiración la mujer que ha vivido lo suficiente y dichosa de ello, se presenta frente a cámara para relatar sus pérdidas y ganancias, las peripecias luego del fallecimiento de su esposo, dar lección sobre cómo seguir adelante tras sucesos varios en la vida, aconsejar.

El tono en los que Bela se explaya, en parte no han sido de mi agrado, hay indicios de soberbia, un trato hacia su criada de dudosa interpretación.

La cámara observadora de Kris da lugar a plantear la semejanza con la estructura de un film casero, hogareño, con utilización de la naturaleza como separador entre las conversaciones.

Debutar dirigiendo un guión de Kaufman.

El ahora director Charlie Kaufman, reconocido gracias a ejemplares guiones, proyectos llevados a cabo por los directores Spike Jonze, Michel Gondry y George Clooney, supo llegar al conocimiento público/cinéfilo con Quieres ser John Malkovich, un astuto guión, creativo, que involucraba un guiño de existencialismo lunático, entremezclando con la realidad, juegos que el guionista maneja como uno de aquellos cubos de ingenio donde debemos dar varias vueltas hasta conseguir que cada lado quede completamente de un solo color. El va armando y desarmando las tramas, tornándolas cada vez más tortuosas y absurdas, hasta conseguir un resultado final hilarante, lejano de una linea argumental que podamos advertir desde el inicio. Tal es el caso de dos siguientes participaciones junto a Gondry, Naturaleza Humana y la que lo consagrara públicamente, Eterno Resplandor de una Mente sin Recuerdos.

Kaufman sirvió sus guiones al debut de directores de largos como Jonze, un prometedor artista jóven que hasta el momento se había desarrollado como director de videoclips musicales de artistas y grupos como Beastie Boys, R.E.M., Bjork y Chemical Brothers. Gondry, sorpresivamente bajo la misma brecha. George Clooney, actor devenido en director, con un debut formidable, Confesiones de una Mente Peligrosa.

Más grande que la vida misma.

Todas las Vidas…es un proyecto de carácter epico, donde Kaufman no repara en gastos. Su visión sobre un hombre que consigue un dinero para avalar la concreción de una obra teatral cuyo guión va sobrescribiéndose con el tiempo, los personajes pasan de ser parte de la realidad a convertirse en personajes del guión. Entremezclando géneros, una tragicomedia, novias, vecinos, padres, no hay punto donde el espectador se detenga y recapacite sobre si lo que está viendo está siendo recreado o constituye parte de la vida de Caden Cotard (Philip Seymour Hoffman).

El film logra llegar a una sobredimensionada escala, la obra que ya lleva una duración aproximada de 12 años de ensayos, la construcción de una ciudad como escenografía, pasa a absorber las vidas de los involucrados, actores, escenografos, iluminadores, equipo técnico.

El cast de consagradas actrices, entre ellas la siempre bienvenida Hope Davis, Catherine Keener (surgida de films indies de los 90’), Samantha Morton, Emily Watson y la excelente en comedias, Dianne Wiest, brindan un sostén acompañando al depresivo Caden, confundiéndolo, actuando más como obstáculos en su pasado y presente, antes que musas inspiradoras.

Kaufman, con sus propios problemas de existencialismo, una vez mas recreados en pantalla, consigue desorientarnos una vez más. Ahora su labor se ha acrecentado, ya no está solamente involucrado en la escritura, sino detrás de cámara.

Un debut que ha de desconcertar y movilizar.

Esta franquicia contó con una muy buena decisión al ser planteada: contratar al director Jon Favreau.

Cansado de la variante de llevar comics a la pantalla grande, algo que es evidencialmente provechoso para una distribuidora en materia de dinero. Una “moda?” que cada tanto se instala nuevamente en las carteleras hasta agotarse las ideas, los personajes, o algun fracaso rotundo, es asi que vemos nuevamente franquicias y nuevas sagas a las ya archiconocidas historias de Batman, Superman…héroes de acción de todos los tiempos, para todos los gustos y edades, la diferencia principal, radica en el “¿cómo?” llevar estas historias y traducirlas en material cinematográfico. Más sangre, más oscuridad, con una estrella de la lista de actores calificados como “A”, mas violencia, más adultez, tramas lejanas de ser infantiles, críticas implícitas a la sociedad capitalista, resurgimiento del 3D, si, de todo esto hemos visto en las útimas sagas estrenadas en éstos últimos diez, veinte años…

La fórmula de Iron Man e Iron Man 2 radica en la comicidad, algo para lo que Favreau se especializa. Vital en consignar gags, que en gran parte logran emparchar baches de guión o revitalizar al film cada vez que empieza a decaer.

Tony Stark, el hijo fanfarrón de un multimillonario, empresario poseedor de una fábrica de armamento militar, es un potencial egocéntrico, tiene todo lo que quiere, excepto por un corazón enfermo, debilitado por el paladio que contamina su metabolismo día a día, un hombre que está mueriendo poco a poco.

La implementación de un actor de la talla de Robert Downey Jr. es otro de los logros, ya no es necesario tener actores que tengas sus bíceps como una tabla de lavar la ropa, se busca actuación, carisma y presencia, Downey Jr. tiene todo eso.

En Iron Man 2, contamos a su vez con un elenco multitudinario, el nuevo villano interpretado por el “vuelto a la fama” merecida, Mickey Rourke, como el ruso Ivan Vanko, hijo de uno de los científicos despedidos de la Stark Enterprise, ahora ayudado por un competidor en tecnologías armamentistas, Justin Hammer (Sam Rockwell). Por su parte, Don Cheadle recrea el rol del teniente Rhodey, anteriormente interpretado por Terrence Howard y una pequeña participación de importancia de Samuel L.Jackson como Nick Fury, empleador de los Vengadores. Vuelve Gwyneth Paltrow como Pepper Potts y la Viuda Negra (Scarlett Johansson), intereses del playboy millonario.

El uso de CGIs, nuevamente se encuentra nivelado con la acción, aquí no veremos exabruptos de la computación ni de la utilización de estos efectos.

Como para abrir nuevas puertas, ya propuestas en El Increíble Hulk, continuamos dejando al azar nuevos índices de la eventual conjunción de super heroes de Marvel, los denominados Vengadores (The Avengers), constituidos por Hulk, Iron Man, Capitán America, etc., con fecha de estreno para el 2012.

Documental autobiográfico de la artista/directora Agnes Varda que según sus palabras, presenta su “interior” reflejado en playas.

Como recuento de su vida, desde su infancia, estudios, obras, su relación junto al director fallecido Jacques Demy, el film desborda originalidad gracias a su magnífica puesta en escena – tomas con espejos a orillas del mar, paseos por su ciudad natal, recorridos por los lugares donde ocurrieron acontecimientos importantes de su vida - y la gran fuente de información de la que Varda con sus 80 años recuerda, afirma y aporta en material fotográfico y filmaciones caseras. Es notable como sus recuerdos se mantiene vigentes, sus acotaciones, remarques y conversaciones.
Al asimilar la información que Varda imprime en fílmico uno puede intuir que estamos en presencia de una artista nata, sin haber estudiado cine, sin ser cinéfila, su forma de expresarse en diversos ámbitos artísticos, mediante instalaciones, fotografìa, pintura, y cine.

Varda, no sólo limita el documental a sus trabajos sino revisa sus lazos familiares y conyugales también, es notoria la falta de Demy en su vida, una ida temprana con una desagradable enfermedad, el consuelo y apego a sus nietos. Cronológicamente la vemos altercando vivencias con actores como Noiret, Depardieu o Denueve. Su importancia y participación en el movimiento original de la Nouvelle Vague junto a Godard, Truffaut, Rivette, Rohmer, Chabrol o Melville.

Con reminiscencia a Toby, el Niño con Alas, aquel film español visto hasta el hartazgo en la Tv argentina de los 80s. Ricky trata sobre la concepción de un niño diferente. Concebido por una pareja de trabajadores, que se conocieron ante el eventual desempleo de la mujer, quien, con ya una niña da luz al pequeño Ricky, un hermoso bebé que comienza a despertar la atención de su madre ante comportamientos extraños en un menor. El film retoma una dirección hacia el género de thriller de suspenso, alternando hasta un drama. Los moretones aparecidos en la espalda del bebé, son interpretados como un abuso o violencia de parte del padre (Sergi López) quien desaparece de la trama y de la vida de la familia ante tal acusación. En esos meses, Ricky demuestra continuar con esas lastimaduras hasta que un dia evoluciona físicamente mostrándonos que el resultado de esos síntomas se debían al eventual crecimiento de “alas”.

Por momento el film remite también a E.T: El Extraterrestre, por la persecución de reporteros y medios por lograr las últimas noticias, la inexplicable acción de la madre, en un guión muy pobre y desconcertante con el cine que hemos sabido apreciar de Ozon. Hasta el momento, su obra más fallida.

Nota: Crítica publicada con anterioridad en A SALA LLENA, con motivo de exhibición en el 24º Festival Internacional de Cine de Mar Del Plata y posterior Les Avant Premieres.

¿Qué esperar de un viaje de vacaciones con tu familia tras un intenso año de trabajo?

La cabeza de familia, Julian (Alejandro Fiore), es un padre estresado, a quien sus hijos púners cada día que transcurre se alejan aun más de la imagen parternal, inclusive su mujer se presenta algo tediosa por el comportamiento paranoico que el marido va acrecentando.

Julian sube al clan familiar al Peugeot y el viaje comienza.

El destino: Aguas Verdes, una pequeña y hermosa ciudad balnearia de la costa argentina.

El arribo: Conozco Aguas Verdes y debe de ser uno de los lugares más tranquilos por los cuales he transitado con un carro, ahora, tal es el estado de alteración de Julian que, al transitar en las primeras entrecalles de la via principal, choca su automovil.

Aguas Verdes, transita por varios géneros, comedia, drama y suspenso. Tiene elementos de Balnearios conjugados con La Mirada Indiscreta (Rear Window) y Pauline en la Playa.

El personaje de Julian minuto a minuto incrementa su obsesión, en gran parte hacia su hija, a quien sigilosamente observa - largavista de por medio - en numerosas ocasiones cercanamente a otro chico, Roberto, interpretado por Diego Cremonesi, con un rol similar, su perfil lo permite, al del tipo fanfarrón de Masacre ésta Noche, film de horror/suspenso galardonado en el pasado BARS, producción platense (Paura Flics), al igual que el director de ésta, Mariano de Rosa.

Roberto, se inserta en el clan, en el mundo de Julian de manera abrupta. No sólo es tedioso, machista y egocéntrico, sino que, encanta a las mujeres de su entorno. Dos maestras en vacaciones se hacen amigas, un pequeño apartado para las fantasías de Julian, quien las ve desvanecidas una vez que el chico entra en acción. Julian queda en segundo plano, no emite opinión, está ausente aunque físicamente se encuentre sentado cenando en la misma mesa.

Al estar en la playa, su hija se escapa a cada rato, con sus amigos o con Roberto. Su hijo no hace màs que jugar con un pescado que se va pudriendo secuencialmente al igual que la trama. Su esposa es distante, pero sólo con el.

Los cuestionamientos que como espectadores nos hacemos, son los mismos que el excelentemente interpretado por Fiore realiza. ¿Yo genero esto o mi familia está tan podrida como el pescado que terminaré tirando?.

Mariano de Rosa dirige sigilosamente éste film, con muy buenas intenciones y con conocimiento de lo que hace. Hay puestas de cámara interesantes, dando la sensación de un estudiante de cine que minuciosamente ha analizado otros films y querido transportar sensaciones encontradas a su propia obra.

El film recorrió diversos circuitos de festivales, destacándose en la Berlinale 2009.

Queda por cuestionarse, el por qué un film argentino como éste, importante por sus resultados, haya tenido tan baja difusión por medios, y escasas salas de exhibición. El film contiene elementos más que suficientes como para atraer al público amante de los thrillers franceses. Considerar que sea un ejemplo más de cine argentino que es ovacionado en el exterior e inentendiblemente en su país de origen le cerremos las puertas y bocas de exhibición, cuando en realidad deberíamos abrazarnos todos a ejemplos de cine hechos a pulmon, con bajos recursos e ideas eficientes.

Documental crudo sobre el hijo de Pablo Escobar, zar del narcotràfico colombiano que ha devenido en una de las mas grandes guerras de narcos que han sucumbido a una nacion, con resultado de muertes de lideres politicos y una persecución incesante dentro como fuera del pais.

El film no intenta colocar un manto sobre los errores de su padre, sino por lo contrario llegar al perdon de las familias destrozadas por su acción como asi una nacion. Hijo y esposa, han vivido en Buenos Aires, exiliados, cambiando sus nombres, el simple reingreso a Colombia significaria sus muertes.

Sebastian, sorpresivamente se presento en la sala para contestar preguntas sobre el documental que està ocasionando movimientos en Colombia frente a su futuro estreno el 10 de diciembre del corriente.

El film es sumamente duro, lo que vemos parece una historia cinematogràfica de gangsters, muertes y venganzas, con la diferencia que lo visto es real. Es meritorio el acercamiento a las familias, instancias del film que llevan a la reflexión, y preguntarnos si una generación subsiguiente puede permitir el perdon de los crímenes a cargo de sus padres. Un documental para tener en cuenta a la vez en nuestro pais, donde tambien tenemos instaurados un odio caracteristico por heridas que parecen no sanar jamas. Un ejemplo.

Existe una expresión en inglés, muy utilizada en términos de marketing, negocios y rondas de creativos que enuncia algo asi como “think out of the box” (“pensar por fuera de la caja”), traduciendo al castellano, “pensar de una manera creativa, nuevo enfoque, no convencional”. Si nos referimos a Richard Kelly, un director a quien podríamos encasillar con ésta frase, debido a que sus dos anteriores largos (no estrenados en carteleras porteñas), Donnie Darko y Las Horas Perdidas (Southland Tales) evidentemente consistieron obras novedosas, apartadas de una estructura tradicional, de múltiples lecturas. La primera, convertida ya en un film de culto, adquirió notoriedad luego de su lanzamiento en formatos hogareños y el famoso “boca a boca”. Su segundo largo, gran flop en la taquilla estadounidense ahondaba sobre temáticas armamentistas con gran ingenio, un cast de afamadas estrellas de cine, considerados por muchos como los peores actores de su generación. ¿Una broma del director?. Lo extraño es que el film es maravilloso, dentro de los mejores que he visto en varios años.

Su tercer largometraje, justamente tiene que ver con una caja.

El pensar por fuera de la misma ya no alcanza, hay que mirar por dentro de ella tambien. El argumento intenta develar qué podría ocurrir ante la posible visita de un extraño a nuestro hogar, dejándonos en la puerta de nuestra vivienda un regalo, una caja con un pulsador y una tarjeta personal, indicando que a “x” hora del día seremos visitados por el dueño del obsequio.

El planteo:

Si oprimes del pulsador, instantáneamente ocurrirán dos cosas.

1)Una persona que desconoces morirá.

2) Se te otorgará de inmediato la suma de 1.000.000 de dólares.

Por más inverosímil que esto pueda parecer es lo que le ocurre a la jóven familia Lewis, integrada por Norma (Cameron Diaz), Arthur (James Marsden) y su pequeño hijo. Actualmente, las finanzas del clan son escasas, Arthur, quien trabaja en un proyecto de construcción de una cámara para un futuro viaje a Marte es desvinculado de un factible ascenso laboral y su mujer, tiene un problema ortopédico de gravedad debido a un accidente ocurrido en su infancia que requiere de costoso tratamiento. De allí en mas, las dudas se acrecentan, la hora de decidir se acerca. ¿Qué hacer? Un millón resolvería los problemas económicos. Personas fallecen a diario y si esa persona fuese desconocida, ¿Cuál sería el efecto sobre nosotros?.

El misterio y suspenso engendrado por el film llega a lugares extremos, es agobiante. Con una estética que remite a films de Cronenberg como La Zona Muerta, al maestro Hitch o Kubrick y al elemento fantástico como en tantos otros films e historias de ciencia ficción u horror. La novela original pertenece a Richard Matheson, el mismo de Soy Leyenda.

Cameron Diaz, una actriz detestable salvo por su particular belleza, aquí demuestra finalmente que en el momento que debe dejar de “ser linda” es cuando mayor se luce, tanto su sobria actuación, con dialogos escasos y convincente actitud, reflejada por una envidiable dirección de actores en función del argumento principal, lejos del divismo. Por su parte, James Marsden también logra desvincularse de sus labores de estrella hollywoodense para dedicarse a una propuesta seria. Frank Langella, como el oferente de la caja, es simplemente perfecto, tiene el físico para el rol, es encargado de expresar los mejores diálogos, aquellos punzantes sobre la temerosa pareja.

El film falla al querer sobreexplicar y embarcarse en una temática que excede a la tan simple e interesante propuesta que se ve en la primera mitad de metraje. Luego de éste punto de quiebre, La Caja Mortal, deja de tener la importancia, credibilidad e interés que supo generar en el espectador. Una palabra muy utilizada para estos casos cinematográficamente hablando es la “pretención”, excesiva en éste caso.

El reto.

Reneé ha transitado por distintos tipos de comedias, dramáticas, musicales y las denominadas “screwball”, con versatilidad, logró cautivar a un público por su espontaneidad y dulzura, una “niña bien”, de aspecto siempre jovial, de hacer muecas y gestos ridiculizados, hasta llegar al pico de los relatos feministas con El Diario de Bridget Jones. Transitar por el género de terror parece haber sido su nueva ocurrencia, decisión aprobada por poca oferta laborar, por mantenerse en cartelera o vaya uno a saber por que. Reneé interpreta a una asistente social llamada Emily Jenkins, de vinculación a niños que sufren ejemplos de violencia familiar, es la encargada de mediar, de advertirlos y conciliar con padres e hijos mediante conversaciones esclarecedoras. Es soltera, no ha pasado por la experiencia de tener hijos propios y tiene un novio que la presiona con la idea de vivir juntos. Un dia, sobre su escritorio, reposaban 38 carpetas, 38 niños, sobre ellos uno nuevo se posó, el de una niña tímida, que ha bajado la calificación de notas escolares bruscamente. Advertencia para la cual, Emily pondrá atención frente a las señales recogidas.

La pequeña se encariña con la asistente, determinador sucesos y melosidad mediante, Emily acepta la tenencia de la menor y comienzan a convivir juntas.

El caso, no sólo invoca a films como El Exorcista, La Huérfana y Sexto Sentido. Existe violencia gráfica, recursos intencionados abruptamente para generar un salto en la audiencia, y hasta mas de una escena de sobreexplotación de efectos visuales, no creibles.

Emily era una experta en su trabajo hasta que conoció a la niña, al igual que los espectadores, estafada por otro de los casos en que todo lo que creíamos puede ser de otra manera, una invitación a desconfiar.

Dentro de los secundarios tenemos a Ian McShane, como un policia / detective amigo que está siempre dispuesto a recibir llamados a la madrugada y salir corriendo a asistir a Emily. Confesor por momentos, absurdo en sus conclusiones, es apenas, el único personaje presentado que genera la sensación de haberse insertado en su rol.

Dos mujeres rubias y el horror.

El resultado de la incursión de Renée (actriz ganadora de un Oscar) es olvidable, lastimosa, desentonada. Ahora, la otra rubia, más marginal, a mi pesar una muy mala actriz, sin embargo, consigue impactar, cambiar radicalmente su perfil y convertir placentera la visión de un film que si bien contiene muchas fallas funciona en gran parte debido a su tarea, pero esa es otra historia, esperen al estreno de La Caja Mortal.

Interrogantes del redactor al iniciar una crítica sobre el film a desarrollar, Dos Hermanos.

¿Iniciar la crítica mencionando a Daniel Burman, su director; Graciela Borges o Antonio Gasalla, protagonistas ambos, o hacer referencia al Nuevo Cine Nacional?

Debido a que el film engloba la interacción de los mencionados vitalmente, y su director es considerado como uno de los iniciadores del movimiento anteriormente destacado, mi interrogante se solucionará intentando no mencionar en ésta crítica absolutamente a ninguno de los que aquí he destacado, de ésta manera, restamos complicidades, comparaciones con trabajos previos, actuaciones “a medida” y un rol dramático con resabios apartados de un capo cómico.

Preferiblemente, como habría de ocurrirme mientras miraba el film, de gran nostalgia, parto el inicio de éste relato con mención a Elena Lucena, actriz con más de noventa años, interpreta roles duales, según mi parecer, los que crean los mejores momentos del film, como madre de los hermanos del título y tía de los mismos, utilizando la herramienta cinematográfica de constituir dos mujeres de rasgos similares, generan las disfunciones, excesos, remordimientos, avatares, carencias y eventuales comportamientos en sus ya crecidos hijos. Con poca duración en pantalla, sus roles son tan significativos que acompañan a las acciones concientemente de todo lo acahecido en el film, es por ellas que sus hijos son como son.



Hijo. retraído, abusado psicológicamente por su hermana, pintón de joven, defensor de valores familiares, atento y respetuoso de los mayores, decidió suplantar su vida de viajes y destrezas teatrales, por vivir a cuestas de su madre, atendiéndola aún cuando ésta no estaba enferma, vivir bajo la sombra de sus polleras, remembranzas a Edipo, obra de importancia en el film y destacada. Una persona cuya necesidad de vivir ha aparecido tardíamente, ha sido feliz esporádicamente según sus palabras, pero con duraciones mínimas.

Hija. Mentirosa, embustera, aristócrata, estafadora, relacionada laboralmente al ambito inmobiliario, se lleva el mundo por delante sin importar a quien deja o pisa en el camino, sin importar si éstos son cercanos, familiares, enemigos, amigos, para ella, todos son iguales. De exhuberante elegancia, confabuladora, elige sus negocios como presas de una cacería, carente de abilidades salvo para las trampas. La atención de su madre la delega a su hermano, a quien no puede ver ni dejar triunfar ya que no hay espacio para dos ganadores en la misma familia.

Hechas las menciones. Ahora el film.

Dos Hermanos es un largo que evoca a la nostalgia principalmente, la melancolía generada por la vejez, las personas que viven a través de otros sin darse cuenta que el tiempo pasa y rápido. Son numerosas las menciones al programa televisivo de almuerzos que realiza Mirtha Legrand, una diva, estrella de la época de oro del cine nacional, cuando contábamos con una industria cinematográfica importante en nuestro país. Muchas personas, al igual que los hermanos, en gran parte se enteran de lo que ocurre diariamente en su ambiente, país y sociedad, gracias a tan frívolas acotaciones realizadas en el programa de TV. Las palabras de Mirtha son sagradas. Un acontecimiento penoso para la diva recae en ellos como si ellos mismos lo vivieran y palparan.

El fallecimiento de la madre, deviene en la venta de la propiedad familiar, donde Marcos, su hijo, convivía. Una nueva propiedad, situada en Uruguay, por el simple hecho de que Susana, su hermana, habia señado como característico en ella, traslada a Marcos a una región desconocida para él, tranquila, donde gracias a empeñarse positivamente a hacer algo, conoce un taller de teatro donde estarían iniciando los preparativos para llevar Edipo Rey a las tablas (¡!).

Uno tras otro suceso, mejorar y desmejoran constantemente la relación entre hermanos, arbitrariamente similares y distintos a la vez, desconectados uno del otro, emprendiendo un largo y tardío inicio de reconocimiento entre ambos.

El film rota entre escenas como lo es su comienzo, al igual que en El Nido Vacío, con una vitalidad fenomenal, encuadrada en primeros planos de los involucrados, la discusión de Martinez en aquella es similar a la de una reunión de consorcios donde se esbozan los comportamientos de los protagonistas, con eficaz y mordaz efectividad. En contrapunto con esas escenas memorables, Dos Hermanos, rota constantemente entre géneros, quiere imponer señales de comedia abruptamente donde no hay lugar para las mismas, el planteo del film es muy triste, cerrado y sofocador como para dar lugar a aquellas fugaces reacciones del capo cómico. Si bien es algo menor, no queda claro, salvo por escenas donde vemos a la pareja tomar una embarcación, si estos residen en su pais natal o en su nueva propiedad en Villa Laura.

Los rubros técnicos son muy cuidados, asi como la personificación, vestimenta y maquillaje de la hermana. Contamos con una coreografía en titulos finales, innecesaria, escasa de climas, que, solamente es valor agregado y ayuda a considerar si es factible que el director tenga pendiente concretar a futuro un proyecto musical. Un director cuyos proyectos, por lo taquilleros que han logrado ser, los valores culturales, religiosos y temáticas que han abarcado, han tenido aval asegurado al momento de poder ser ideados.

El cine francés ha deleitado a la comunidad cinéfila mundial con comedias muy particulares a lo largo del tiempo, imposible de copiarlas, sus remakes jamás han logrado superarse.

El caso de La Gran Fiesta de Coco, reivindica que existen ciertos proyectos de cine francés, de género cómico, popular, vulgar y…de desastroso resultado.

Gad Elmaleh, quien habría impresionado con su labor en Mujer de Lujo junto a Audrey Tatou, con una interpretación sobria y cuidada, aquí, bajo el titulo de director, guionista y actor principal, nos convida un poco de su mal gusto, lo peor de Benigni o Francella en una comedia con tan pocos gags efectivos, tan poca ironía y vaguedad que no invita a una platea a sumergirse siquiera unos pocos minutos en tan incongruente relato.

Elmaleh es Coco, un empresario francés de origen judío que ha llegado a ser exitoso y multimillonario gracias a la invención de una bebida vigorizante de amplias ventas. Condecorado por altas gemas del gobierno francés, Coco, al enterarse con su médico de cardiología (Gérard Depardie, en uno de sus lastimosos y olvidables secundarios) que no tiene mucho tiempo de vida, decide organizar la más grande de todas las fiestas en honor a la celebración del bar mitzva de su hijo.

Coco es un extremado fanfarrón, se regozija de su riqueza, tiene colaboradores y empleados que lo adulan, lo admiran, una hermana tediosa que continúa tratándolo como a un niño, una esposa que ha dejado su carrera por la experiencia de salir todas las tardes a comprar zapatos, viste a la moda y todo en su hogar tiene un toque kitsch. Un adversario que hará la misma celebración para su hijo en el mismo dia escogido por Coco, plantea el único obstáculo frente a las ocurrencias del magnate.

Las vagas ideas de guión desmerecen por completo a un film del que hemos vistos muchos similares, pero graciosos y atractivos, Coco no tiene nada de ello, va hacia otro lado, continuando en la verborragia y alarde de lo que se tiene o puede tener, contratar a Madonna para hacer un show, Spielberg como camarografo de la fiesta, etc, algunos de los planteos. Excesos por doquier.

El film no logra adecuarse a un genero, por momentos ronda el drama con algunos aspectos familiares derivados de su relación como padre y marido, la desatención de su clan debido a la organización de una fiesta sin reparos de quien el sólo interés reside en Coco y de la cual no veremos nada por que no hemos sido invitados, ni siquiera como espectadores.

Distintas clases de cinefilia

Martin Scorsese es uno de los maestros directores de estos tiempos, no solo se ha involucrado en la enseñanza de cine en distintas modalidades (brinda clases y seminarios en prestigiosas escuelas), así como en la restauración y preservación de joyas del séptimo arte (hace mas de una década descripto en el articulo “Save the Reels”, periodo donde notó el deplorable estado irreparable de clásicos como Las Zapatillas Rojas, y en la actualidad con The Lovemaid presentada en el BAFICI 2009), a su vez, lejos de una mirada cinéfila, él se encarga de estudiar al cine, en si; estudiarlo y, amarlo, con igual devoción.

El primer director que llega a mi mente al querer emparentar alguno que sea tan apasionado o merezca mención sobre su amor al cine, seria Tarantino, una distinta especie de cinéfilo, mas avocado a los géneros, backstage, memorabilia y constantes homenajes a personajes y directores, en gran parte de su filmografía. Resucitador de olvidados talentos.

Scorsese y Tarantino, agradable seria poder encasillarlos como maestro y alumno en una clase de cine. Ya que estamos en la vereda de imaginar por que no la dupla educacional Jacques Torneur – Scorsese , Samuel L. Fuller – Scorsese o el mismísimo Hitchcock – Scorsese (cierto, esta dupla ya esta reservada a Truffaut, un digno aprendiz).

Hablando de duplas, también podemos mencionar las duplas director – actor. Scorsese ha tenido este especie de romance anteriormente con diversos actores en su carrera, comenzando por el joven Harvey Keitel, seguido por Robert De Niro y actualmente con Leonardo Di Caprio. Este último, si bien es un excelente actor y según dicen, se lleva de maravillas con el maestro, entendimiento a solo mirada, por su joven fisonomía, no ha llegado al momento de concretar un trabajo soberbio como los ha hecho con De Niro. Pandillas de Nueva York fue un film olvidable, El Aviador demostró la gran dote directorial. Trabajos realizados, de gran manera, con una impronta necesidad de adquirir un Oscar; lográndolo con la aceptable remake de Infernal Affairs, titulada Los Infiltrados.



Una isla, un detective, un manicomio

En el viaje por barca emprendido, se avista un pasajero un tanto descompuesto, mojando su cabellera, enfermo del mar, el oleaje, el movimiento. Junto a él, su co equiper, principiante delegado al acompañamiento del oficial. La misión: esclarecer la desaparición de una paciente internada en el instituto para insanos mentales, ubicado en una isla alejada, inhóspita, siniestra. Una manera de llegada y salida o escape, por medio de la embarcación.

En el film divisamos las ya aplicadas y conocidas tomas oblicuas, con movimientos bruscos pero armónicos que suele utilizar Scorsese, en los comienzos, y una vez adentrada la acción olvidadas completamente en el relato. He allí el quiebre donde Scorsese se embarca al igual que Di Caprio en una tarea absorbente, demandante, lunática, opresiva y con un acertado juego con la psiquis del espectador. En La Isla Siniestra o Shutter Island, nada es lo que parece.

Pasados misteriosos, internos que han sobrevivido a la 2da Guerra Mundial, con recuerdos hostiles, memorias de sucesos que han dejado marcas, brutales asesinatos, psicoanalistas con oscuro pasado y vinculaciones al nazismo, nuevas practicas de sanar.

El film también presenta ambigüedad entre los personajes principales. No todos los héroes son buenos ni todos los villanos tan malos, si es que los hay. Las melodías abrumadoras al internarse en la institución recuerdan a los mejores y más punzantes acordes de partituras de Herrmann, presentes en toda la duración.

Dentro del elenco contamos con el veterano Max Von Sidow, en un rol que no solo le queda pequeño; es presentado con el valor que merece este gran actor. Ben Kingsley es correcto, así como creo Mark Ruffalo, no presenta desafío alguno. Ciertos acontecimientos de la trama se dejan preveer.

Scorsese por momentos escapa al relato original, con sueños, pesadillas, recuerdos. He aquí donde creo el film hace agua, esas escenas, si bien magníficamente filmadas, ayudan a dar demasiada información que podría haber quedado latente para la personal digestión del espectador.

Cinefilia pura, amor y estudio por el cine, cada decenas de narrativas clásicas hollywoodenses al fin llega un film para poder apreciar y amigarse con el cine, que es otra materia completamente distinta a lo que suele llegar a nuestras carteleras.

El cine de Tim Burton se ha caracterizado en gran parte por demostrar un reflejo de los estados de ánimo del director, así como su pasión por el cine de oscuras historias, clásicos de terror y motivos circenses. Es notable su crecimiento a nivel profesional, el desarrollo de su talento latente en sus principios, y sus relaciones amorosas, al igual que sus oscuros momentos, son expuestos en cada fragmento de celuloide.

Desde sus comienzos, este efecto de espejo se reflejó en cortos como Vincent: su homenaje al gran maestro del terror Vincent Price, uno de sus referentes a quien eligió para interpretar al padre del mejor de todos los personajes que supo concebir dentro de sus films hasta el momento, Edward, el joven con manos de tijeras. Vincent era un niño solitario –al igual que Burton-, incomprendido, un genio en su propio mundo. Frankenweenie, constituyó un experimento macabro, filmado para Disney –motivo por el cual fue despedido también, y de la cual se espera un largometraje a futuro, actualmente en etapa de pre-producción–, la historia de un perro muy particular, muerto y resucitado con electrodos. Un Frankenstein canino que no entra en los standares de tal empresa destinada a un público infantil y familiar.

Su evidente talento no pasó desapercibido. Con La Gran Aventura de Pee Wee –distribuida por Warner–, Burton mostró su costado circense. Pee Wee Herman (el personaje de Paul Reubens que tuvo programa de TV propio), un grotesco presentador cómico amanerado, es “distinto” del resto; aquí es donde Burton comienza a evidenciar un tema recurrente en sus films: los "distintos" son aquellos que triunfan gracias a sus aptitudes, por más humillaciones que tengan a cuestas. Sic Burton.

En 1988, llega su gran éxito también para Warner, Beetlejuice, con un Michael Keaton en auge y una Winona Ryder apenas descubierta, una comedia negra sobre los recientemente fallecidos que deben aprender sobre su viaje a la otra vida. Sátira, donde sus diseños y dirección de arte comenzaron a tener aún más importancia y actos musicales de por medio. Convertido en una franquicia que ante el eventual boom de fanatismo Burton, terminó convirtiendo al personaje en una animación televisiva.

Con la llegada de Batman, Burton se dió a conocer a las grandes audiencias, un personaje popular, con una explosión de las características anteriormente mencionadas. Sin via libre en elección de cast por ultima vez.

Como siempre ocurre, ya habiendo entrado en la Power List, convertido en un director clase A, Burton tiene rienda libre a hacer lo que quiere con sus proyectos, tal fue el caso que logra su mejor y más personal film, El Joven Manos de Tijera, donde conoce a Johnny Depp, una conjunción inseparable hasta la actualidad, una dupla que supo afianzar con el actor al igual que con el musicalizador Danny Elfman, presente en la mayoría de sus proyectos, salvo tras una peleíta que quedó en el olvido.

Tras el éxito multimillonario de Batman, su secuela no podía hacerse esperar. Batman Vuelve no colmó las expectativas de la audiencia, un film tan sombrío que asustó a las cadenas de comidas rápidas de los arcos dorados a incorporar juguetes, figuras de los personajes principales en sus cajitas de comidas rápidas. Reacción que tuvo un peso inesperado sobre la decisión de llamarlo para una segunda secuela. Batman Regresa constituyó una secuela por excelencia, es el ejemplo marcado de cuando a una persona le brindan un cheque en blanco para gastar sin reparos.

En sus siguientes, Ed Wood, filmada en B&N, homenajeó al considerado peor director de cine de todos los tiempos y, ya con fama, consiguió relacionarse con una bella mujer, Lisa Marie, donde despierta una nueva costumbre, la de incorporar a sus parejas en roles de sus films. Marte Ataca! evidenció que, en un año dentro del cual se estrenó simultáneamente Día de la Independencia, extra terrestres, en éste caso marcianos bien coloridos, no compiten con nosotros, los humanos, en la efectividad de autodestruirnos.. La Leyenda del Hombre sin Cabeza, retomó su via hacia lo oscuro nuevamente.

En el 2001, conoce a Richard Zanuck, hijo del legendario mogul de la Fox, quien le propone trabajar sobre una remake innecesaria y quizás uno de sus peores films, El Planeta de los Simios. Allí conoce a la casteada Helena Bonham Carter. La relación entre productor-director continuó con El Gran Pez, una fábula donde se vislumbra una gran necesidad de Burton por contar una historia de padres e hijos, padre e hijo en éste caso, en referencia al reciente fallecimiento de su padre.

Con El Planeta de los Simios, Burton adquirió otra costumbre, la de hacer remakes. Tal fue el caso de Charlie y la Fábrica de Chocolates, nuevamente innecesaria.

El Cadáver de la Novia, fue su respuesta a Henry Selick, animador de stop motion con quien habría trabajado para relucir el ya convertido en clásico El Extraño Mundo de Jack. Yo también puedo lograrlo! La respuesta fue rotundamente negativa.

¿Por qué no incursionar en el musical? La respuesta: Sweeney Todd.

Y ahora, otra más…

(Nota: se hace mención a resoluciones del argumento)

Alicia en el País de las Maravillas.

El clásico de Lewis Carroll aplicando las nuevas tecnologías del 3D.

El film combina dos obras de Carroll, Alicia… y Alicia a través del Espejo, donde Alicia, deja de ser una simple niña, a punto de comprometerse con un Lord a quien cercanamente desprecia, su huída de la situación –un agasajo en una mansión victoriana- culmina introduciéndola en un arbolado lugar donde termina cayendo por un hueco. Decenas de metros bajo tierra, allí la aventura comienza.

Wonderland.

Aquí se encuentra con personajes de los más variados y exóticos, un posible sueño o producto de su imaginación, un gato que tiene la particularidad de poder esfumarse, dos hermanos gorditos gemelos sin muchas luces, una oruga demasiado sabia y el famoso sombrerero (Johnny Depp), un tipo al que todos tildan de loco.

Existe un duelo entre una Reina Roja (Helena Bonham Carter) y una Blanca (Anne Hathaway), hermanas enfrentadas, una muy cabezona y maldita, frente a otra con bondades y ansia por retornar a su trono, cual le fuera usurpado.

Explosiones de color por todos lados, los diseños habituales de films de Burton, autorreferenciales y autohomenajeándose. El uso de los efectos generados por ordenadores al día con la nuevas tecnologías y la utilización de un 3D que no termina de convencer, distinguimos fondos, lejanías y diversos planos, pero sin vinculación alguna del 3D a la historia, sin ser invasivo, sólo dos situaciones en las que algún objeto pueda sentirse con cercanía en la visión.

Si bien los diseños son hermosos, como en todo film de Burton, los siento repetitivos, desde su poster original vemos las tipografías que ya llevan su firma, excesos de colorido que en el film no se ven como tal, hay grandes espaciados, producto de algún wiz en animación. Esto sólo provoca en mi, añorar la época de los mate paintings, donde los estudios contrataban a artistas para generar decorados, recordar films de Terry Gilliam (no El Increíble Mundo del Doctor Parnassus), inclusive hasta Scorsese los ha utilizado en la recreación de épocas en films como La Edad de La Inocencia. Daban otra sensación, otra magnitud, un acercamiento a la realidad mucho más convincente y cinematográfica.

En Alicia…todo parece estar muy cuidado, tan cuidado que hasta los diálogos no se escapan de ser políticamente correctos, siento que Burton ha estado una de dos, o limitado por la Disney o simplemente se haya convertido en uno de los tantos directores que han perdido la magia y entusiasmo que solían tener.

No me conforma ver un film apenas correcto, que no intrigue, ni desate suspenso en un libro tan original y vasto como es el de Alicia…

Conformarnos con animales creados digitalmente, perfectos, cada uno por separado, casi sin interacción entre ellos mismos, brinda la sensación de ser un trabajo en que cada animador ha diseñado un personaje y en algun momento les han pedido incorporarlos a una escena determinada. Siquiera el sombrerero, con mayor protagónico que en la novela logra establecerse como un personaje convincente ni plasmado a las necesidades de Alicia en Wonderland, sirve simplemente como un guía.

Ida y Vuelta

La vuelta de Alicia a la sociedad, marca una resolución sufrible, editada con rapidez, cual si una niña pudiese en su travesía, haber madurado todos sus temas en escasos minutos, realiza una recorrida y esboza “en sus rostros” (familiares, madre, cuñado) todo lo que tiene para decir a cada uno de ellos con una suerte de revitalización personal.

Conclusión

Extraño.

Extraño al Burton desopilante y encolerizado de sus primeros y mejores trabajos, es sabido que una persona cuando pasa de una etapa a otra, esto involucra un cambio.

Ojalá llegue el momento en que un punto de quiebre vuelva a ocurrir en su carrera, esos momentos donde uno reflexiona y se juega, esté Disney, Warner o la productora que sea detrás de su proyecto.

Cansado

Cansado de las interpretaciones repetitivas de Johnny Depp, un gran actor que junto a Burton, considero ya no puede crecer más, ya han cumplido una etapa juntos, Depp tranzó y se convirtió en el pirata Sparrow, ha dejado de ser el actor rebelde de Hollywood. Salvo su labor en Sweeney Todd que ha presentado en cierto punto un nuevo reto o desafío en su carrera por tener que tratar con un musical, Wonka y el Sombrerero son apenas rezagos del talento que tiene latente.

El apodado Tetsuo Lumière, compone con esta continuación a TL1: Mi Reino por un Platillo Volador, un film constituido por un sin fin de recursos cinematograficos en una producción de muy bajo presupuesto pero con originalidad y dosis de disparatadas situaciones, escatològicas.

TL2 representa a ese “otro tipo” de cine que se realiza en Argentina, amateur, independiente, sin la posibilidad de llegar a un público en salas por el escaso compromiso de productoras en mostrar éste tipo de films, en formatos de video, que encuentran anualmente a su audiencia gracias a la existencia de Internet, festivales como el BARS y muestras alrededor del pais. En ésta ocasión presentada en el MALBA.

TL2 trata sobre el repetido y cansador ensaño de TL por conseguir filmar su primer película de ciencia ficción, para ello, desarrolla sus vivencias con un relato que las une gracias al documentado de uno de sus mejores amigos. Un triangulo amoroso, idas y venidas, TL utiliza recursos inimaginables a la hora de poder insertarlos en su film, incluyendo una filmación de una Monster Walk realizada oportunamente en Buenos Aires.

Es referencial su amor por los films mudos, Chaplin, Buster Keaton…

Una de las mas gratas sorpresas del Festival.

Actualización: Ganadora del Premio a Mejor Largometraje en Competencia Argentina 24ºFestival Internacional de Cine de Mar del Plata.

Su paso por Hollywood denotó placenteras experiencias frente a nuevos documentales que reivindicarían su naturaleza de viajar, explorar e interiorizarse en distintas culturas (Grizzly Man, Encounters at the End of the World), y una decepción frente al film Rescue Dawn, un drama bélico con un final inentendiblemente pro yankee, no estrenado en carteleras porteñas.

El hecho de que Nicolas Cage esté frente al proyecto como productor, hace cerrar más la idea, Cage necesita salir un poco de la gama de films para las que es llamado, poner su rostro frente a proyectos banales, fracasos. Con Un Maldito Policía en Nueva Orleans, Cage rompe esa brecha que lo limitaba actoralmente de esos fracasos, quizás hace una labor similar, mismas muecas, mismos gestos, pero, bajo un guión sólido, con un gran cineasta delante de cámaras.

Las diferencias entre éste y el film de Ferrara, son abismales, casi sin relación, salvo por tener en común a un detective policíaco muy particular, sacado de sus cabales, no respetando la ley, y utilizando el pequeño poder que le confiere ser un oficial, para provecho propio.

El film comienza con un Terence McDonagh (Nicolas Cage) que se preocupa por el prójimo, recientemente tras el paso del huracán Katrina, ensucia su cara camisa y vestimenta por sacar a un tipo atrapado en una celda llena agua, es consciente de sus actos, tiene valores.

Un acontecimiento que involucra una muerte, encamina a Terence hacia la investigación y búsqueda de un sospechoso, sus métodos no creo que sean aprobados por ninguna institución de Derechos Humanos, su conducta frente al desarrollo del film se va tornando a cada instante más acomplejada, sórdida y oscura. El film entrega momentos fascinantes, dignos de jolgorio entre la audiencia, a los conocedores del cine de Herzog se nos brindan pasajes metafóricos ridiculos y a la vez graciosos, por demasía.

Se afrontan subtramas que a la larga convergen con el resultado final del film, podremos dar un pantallazo a la corrupción policial, a la vida de juegos y apuestas, las maniobras de un jugador de Basquet, el poder de políticos y sus hijos descarriados, las prostitutas, las mafias, el tráfico de drogas, rehabilitaciones y enfermedades, delirios que Terence vivirá en escasas semanas, que lo vincularán a actos extremos, cayendo cada vez más en un pozo muy difícil de escapar.

Dentro del magnífico cast de secundarios, Eva Mendes, como una profesional que ama a Terence. Val Kilmer como su co detective, sin mucha participación ni importancia. Fairuza Balk en una pequeña pero lograda muestra de que continúa siendo una de las “¿chicas?” malas del cine. La genial Jennifer Coolidge, una actriz a quien sus años no le juegan en contra a la hora de querer bastardearse actoralmente y permitir reirse y desvalorarse de sí misma, cuestión que con los pocos proyectos en los que se la ha visto, sirvieron y han sido los necesarios como para acaparar la atención. Otras pequeñas de Brad Dourif, como un oficinista policial que toma apuestas y Vondie Curtis-Hall como el teniente en jefe de Terence. Tambien se incluye a Michael Shannon, Shawn Hatosy, o el veterano Tom Bower.

Atrayente film con abundante mezcla de géneros, deambulando por el musical, comedia, drama y documental.

La historia se centra en los integrantes de un grupo musical popular y sus presentaciones a lo largo de diferentes regiones de Portugal, particularmente en Arganil, padre, hija y sobrino. Recorridos zonales, con intermisiones musicales, apartados frente a un esquema de raro y falso documental. Por momentos la cámara se escapa de las historias que van fluyendo para mostrarnos los detrás de escena del equipo técnico involucrado en el rodaje del film, y sus derivados inconvenientes.

Herramienta utilizada en diversos films (La Rosa Púrpura del Cairo, El Ultimo Gran Heroe), con diferentes resultados, sin ir más lejos la anteriormente comedia romántica presentada en el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, V.O.S. de Cest Gay. Esa frontera entre ficción y realidad es constantemente eludida, hasta llegar a un desconcierto narrativo que con justa razón es lo que le brinda el mayor atractivo a ésta original propuesta.

Hay entrelazos amorosos y un muy eficiente duelo argumental entre personajes siempre con un trasfondo musical como conjunción. El rodaje del film peligra frente a la interacción entre los integrantes del film y técnicos encargados en la producción del mismo film que estamos viendo.

Miguel Gomes presenta una paleta de situaciones que se va reinventando con el correr de los minutos, puede desorientar hasta cuadrar en el film éstos géneros cinematográficos anteriormente descriptos, el resultado sin embargo es satisfactorio a una experiencia no habitual en parámetros del pobre cine actual. Su dirección asombra por cómo simples situaciones son reflejadas con complejidad y de manera armoniosa.

Ganadora del premio a Mejor Largometraje en la Competencia Internacional del 11ºBAFICI auspiciado por Hoyts Cines y la distribuidora Zeta Films cuyo premio consistió en la eventual distribución del film en salas argentinas.

El ex detective de homicidios Craven (Mel Gibson) y su única hija (Bojana Novakovic) tras años de no verse ni casi hablarse, distantes, se reencuentran. Luego de un inusual malestar en ella, salen al pórtico del hogar donde desde una camioneta la jóven es asesinada de un escopetazo, con poca visión nocturna al grito de: -¡Craven!.

De aquí en más, fuerzas policíacas y detectives de Boston quieren encargarse de una investigación de la cual su padre, experto en el tema, no ha de perderse. El inicia sin cautela, violentamente la búsqueda e interpretación, ante el incierto desconocimiento sobre a quién de ellos estaba dirigido tal ajuste de cuentas. El resultado, un nuevo thriller de suspenso involucrando a corporaciones multinacionales, la seguridad nacional de los Estados Unidos, la corrupción policíaca, temas siempre vigentes, siempre tenidos en cuenta a la hora de elegir algún villano de turno.

Mel Gibson afronta un reto menor en su carrera, mantenerse como un héroe de acción, violento luego de 8 años de ausencia delante de la cámara, con notable cambio en su tono de voz y rasgos faciales característicos de su edad. Una especie de reivindicación light a Revancha, Craven es perseguido, espiado, odiado, actúa violentamente a modo de venganza y por el mero motivo de esclarecer el crímen de su hija, poder entender, saber. Algunos indicios lo llevan a abrir una caja de Pandora, involucrarse aún más, usar todas sus herramientas, su fuerza y poder “policial” para amenazar, dar lección y hasta torturar.

Dos actores que ya han trabajado juntos en un excelente western no estrenado en la cartelera porteña, The Proposition, son parte del cast de secundarios.

Ray Winstone, un actor que desde su aparición en la genial Sexy Beast, no deja de ser llamado para secundar a grandes figuras, un apoyo a Jack Nicholson en Los Infiltrados, a Harrison Ford en Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal, y ahora junto a Gibson. En ésta ocasión su rol, le permite sentarse y esbozar un diálogo mientras disfruta de un puro, con seriedad característica, un “arreglador”, un hombre contratado para armar y desarmar sucesos de tal manera que terminen siendo vistos como a él le plazca. Tambien lo tenemos a Danny Huston (hijo del célebre director John Huston), en una mínima aparición, rol habitual.

Martin Campbell resucita ésta historia que ya había sido un proyecto en televisión, con formato de miniserie y dirigida por él mismo. Un director con altibajos, que si bien supo concretar dos films de la saga de James Bond y revitalizarla gracias a Casino Royale, tambien ha sabido aburrir con las grandielocuentes adaptaciones de El Zorro.

Michael Stuhlbarg, tambien visto en éste festival en el film Cold Souls, interpreta a Larry, sobriamente, el padre de familia, el “hombre serio” al que todos los pilares en los que habia creido y enarbolaba, han caído, de ocupación: profesor, irrisoriamente, segunda ocupación: ser de religión judía, quizás una de las tareas que mayor tiempo le reparan. Su esposa lo engaña, sus hijos son entes y un hermano habita su hogar, convive, todo el dia reposando en un sillón, como si esto fuera poco, un alumno intenta sobornarlo para que apruebe un examen, de lo contrario entablaria una demanda por la recepción del sobre con la coima.

De los Hnos.Coen conocemos que ya han entregado numerosos y exitosos films, la crítica ha discrepado sobre las temáticas, resultados y hasta llegar a considerarlos una farsa en sentido cinematográfico. Sus films son dispares, sus guiones alocados, distantes de la linealidad y uno puede o no estar satisfecho con la experiencia que significa ver uno de sus films. Algo, creo, inobjetable es que han sabido sacudir a la opinión del mundo cinéfilo, se han diferenciado del resto, aun pudiendo considerar, haber creado un lenguaje propio en sus trabajos.

Un Hombre Serio los tiene esta vez mostrándonos un mundo intimista de un hombre por demás correcto, “normal” si es que existe una linea divisoria que limite lo correcto de lo que no lo está, las diferencias entre la honestidad, y todas aquellas imposiciones de la sociedad hacia sus integrantes. El tema principal del film es la fé, la fé enarbolada en este hombre y su alrededor, la creencia religiosa de origen judío que tiene a su familia arraigada a muchos valores y costumbrismos, una mirada sobre un mundo moderno donde ciertos pilares van cayendo. El no creer y el dejar de hacerlo.

Como es característico en films de los Hnos. Coen, vemos incesantes situaciones extremas, el apoyo del tercero en discordia hacia Larry, el hombre que ha sido engañado por su esposa, el desinterés general de las nuevas generaciones, el empleo del dinero para corromper inclusive en un ambito escolar.

Un Hombre Serio es un film adulto, distinto en su filmografía, en éste los Coen no tienen obstáculos al momento de criticar y evidenciar nocivamente una postura, sin crear controversia, sin el afán de querernos provocar inocentemente sino fehacientemente y con la adultez necesaria para dejarnos uno a uno concientizar, ver la otra cara, metiéndonos bien el dedo en la llaga.

¿Una piedra en el zapato? ¿Un fallido “no” tan fallido?

Es indiscutible que éste nuevo film del consagrado director Peter Jackson ha de crear controversias entre espectadores, detractores varios…

Desde mi punto de vista, me resultó grato contar con que un tema difícil, una muerte juvenil, desde otra óptica, una visión muy contraria al acercamiento hostil que padecimos tan sólo una semana atrás con Preciosa, otro film de temas difíciles de digerir y con tan poca delicadeza a cuestas. Desde Mi Cielo, está abarcada desde otro panorama, desde los ojos de la pequeña ya asesinada, inmersa entre medio de dos lugares, entre vivos y muertos, contándonos con voz en off su historia, su visión de los sucesos ocurridos previamente a su muerte, detallando el atroz acto y siguiendo a sus familiares y asesino, a la par, sin interacción, esclareciendo, interpretando, ansiando estar viva para cambiar y vivir los momentos que le fueron usurpados.

Esa magnífica herramienta, ya varias veces utilizadas en fílmico, de poder ver lo que hacen nuestros seres queridos mientras uno no está, vivo, muerto, presente, ausente, remite a ¡Què Bello es Vivir! de Capra, la vida y la muerte frente a una delgada línea, una que se quiere, no se debe, o a veces nos empujan y terminamos cruzándola. Susie (Saoirse Ronan) es la hija mayor de los tres niños Salmon, corre la décad de los 70’s, vestimenta característica, una madre (Rachel Weitz) que lee manuales DIY acerca de toda tarea doméstica imaginable, un padre bonachón (Mark Wahlberg) y una abuela (Susan Sarandon) frenética y alcohólica que llega a hogar en quiebra para “ordenar” y romper tabúes frente al dolor engendrado por la pérdida.

Lo grandielocuente de Desde Mi Cielo, es el lugar desde donde Susie Salmon registra su partida, su imaginación tal vez, un lugar conformado por parte de sus recuerdos, un collage de vivencias ilustradas, coloridas, paisajes que cambian, rotan, degeneran a medida que se los visita y recorre. El uso de efectos CGI aquí funcionan a medias, por momentos la utilización es excesiva, fluctuando eentre sectores, desvaneciendo el interés frente a largas tomas en duración.

Stanley Tucci completa el reparto en su macabro rol, sin lugar a spoiler ya que es presentado como tal desde el inicio del film, su transformación, mentalidad cual un engranaje, no deja lugar a dudas, con sentidos favorecidos, detallista, un asesino precavido y calculador.

Peter Jackson no ha sabido concretar una obra a la altura de sus otras, hay resabios de Criaturas Celestiales, su obsesión por la muerte, uno de sus temas favoritos. Y, una manera personal de contar una historia, a su manera, con fallas, fallidos, y quizás,…, una piedra en su zapato que no es más que el éxito que ha sabido acumular y difícilmente ayude a poder producir un film menor, de tono completamente lejano a otras de sus incursiones cinematográficas.

Preciosa, sí, Clareece Precious Jones, es preciosa.

Uno podría creer que tener a una adolescente negra, obesa de tan sólo 16 años de edad, analfabeta, maltratada física, psíquica y sexualmente, con una familia quebrada y disfuncional, con una hija con síndrome de down producto de una violación y un nuevo hijo a cuestas podría ser referencia al film Palyndromes de Todd Solondz, el controversial director, pero, creo que ni éste se animaría a tan cruel relato. Creía que con Slumdog Millionaire ya había visto algo similar pero...¿No es esto demasiado? Créanme que no, esto es sólo el comienzo.

Un film que aparenta demostrarnos una realidad cruda, involucrarnos, ser conscientes y hacernos sentir mal, muy mal, por lo que la esbelta niña afronta, su paso a convertirse en una mujer, su liberación frente a los maltratos, su educación.

Precious (Gabourey Sidibe) está realmente harta de ver lo que le está sucediendo, en parte cree lo que vive es normal, su ambiente lo justifica, ella es enamoradiza, nunca tuvo un novio pero siente al igual que todos nosotros, se mira en el espejo y ve una chica blanca, delgada, rubia, hermosa, odia inclusive sus rasgos raciales. Su madre (Mo’Nique) se mantiene gracias a ella, pensión mediante, constituye en gran parte el centro de los pesares de la niña.

El film abarca otros temas relacionados a los centros de contención sociales, de maternidad y escolares, completando el cast con una asistente social (Mariah Carey), un enfermero (Lenny Kravitz), una maestra especial (Paula Patton).

Preciosa es un film completamente absurdo y de mal gusto, toca temas profundos irresponsablemente, maniobrando al espectador ética y sentimentalmente. Golpes bajos por todos lados. No creo que ninguno de nosotros pueda permanecer intacto luego de ver tan desgarradora historia basada en una novela, ni siquiera real. Podríamos haber tenido un indicio de lo que estábamos a punto de ver conociendo que el film es coproducido por Oprah Winfrey, conocida conductora de programa televisivo norteamericano de tono amarillento quien ha sabido lograr roles cinematográficos en El Color Púrpura y Amada Hija (Beloved).

Ver que un film como éste, acapare la atención de galardones a comienzos de año, duele. Si bien el duelo actoral es intenso entre Sidibe y Mo’Nique, es innecesario.

¿Cómo un ser no ha de ser precioso internamente si tras toda ésta mochila de pesares a cargar todavía tiene fuerzas como para seguir adelante?

La compañía ahora perteneciente a una división de NBC, en su misión de continuar renovando films de la bóveda de monstruos legendarios de Universal, algo ya realizado con La Momia, un divertimento que permitió exitosas secuelas y la lamentable reunión de monstruos concretada con Val Helsing, culminó dando rienda a otro de ellos, bajo la tutela de Joe Johnston, un director que ha sabido entregar atrayentes y divertidos films de aventuras con gran utilización de efectos especiales, entre ellos Querida, Encogí a los Niños, The Rocketeer y Jumanji.

El Hombre Lobo, con grandes diferencias marcadas en guión frente al film protagonizado por Lon Chaney, narra la clásica historia del hombre que luego de la mordida de un animal extraño con semejanza a un lobo, procede a una transformación anatómica bestial que lo lleva entre otras cosas a matar. Esas diferencias mencionadas, cambian radicalmente la esencia del personaje conocido por todos, se ha buscado dar una nueva vuelta de tuerca innecesariamente, con al afán de producir algo “novedoso”, cambios que resultan forzados, teméticas sociales que no cierran, incluso, parece ser que, de ahora en más, las balas de plata poco afectan al monstruo salvo que sea disparada por una amada.

Benicio del Toro (Lawrence Talbot), fresco luego de su muy interesante personificación del Che Guevara, asimila rasgos con mucha similitud al interpretado por Chaney, en postura, movimientos y gestos, una a favor, así como el excelente trabajo de maquillaje, una vez más en manos de Rick Baker, el más destacado productor de personajes en materia de maquillaje, máscaras siliconadas, un innovador reconocido.

A Emily Blunt, una de las actrices del momento, le toca interpretar a la sentimentalmente ligada al monstruo, su talento es mal utilizado, en gran parte debido a deficiencias de guión que jamàs terminan por permitir consolidar una relación creíble con el interprete masculino. Por su parte, Hugo Weaving, en el rol de investigador es lo mejor que ofrece el film en calidad actoral, junto a una pequeña participación de Geraldine Chaplin como la gitana que baticina los acontecimientos a acaecer, elemento fantástico mediante y el actor, que últimamente realiza trabajos “de manual”, Anthony Hopkins como Talbot padre.

La fotografía y dirección artistica del film recuerdan a los lúgubres diseños de La Leyenda del Jinete sin Cabeza y From Hell, mientras que en materia musical, la partitura del repetitivo Danny Elfman parece tener similaridad de acordes de Bram Stocker’s Dracula y Enemigo al Acecho.

El Hombre Lobo, es un film bien intencionado, tiene momentos muy logrados frente a otros fallidos.

Vista en el Festival de Cine de Mar del Plata en 2008, tiempo en el que el film recién se acercaba a un proyecto cuasi finalizado, intermedio entre obras del talentoso director de cine y teatro, Santiago Loza, como Cuatro Mujeres Descalzas y Rosa Patria, galardonada en el BAFICI 2009. No obstante mostrado al público, éste mes podrá ser visto en el Museo de Arte Latinoamericano MALBA.

La cámara sigue constantemente las acciones de un personaje siniestro (Pablo Seijo) del cual sólo podemos constatar con la muy poca información que se nos brinda, él sólo camina y habla por un teléfono celular, que algo en la vida de éste hombre está sucediendo.

En la duración del largo se van dando indicios de hechos paralelos, del por qué de ese frenético trayecto transitado a marcha rápida por la ciudad, barrios, cambio de ropas y misteriosos llamados, localizados en la provincia de Entre Ríos, a cuestas del Río Paraná.

El film funciona como una especie de ejercicio visual y sonoro, si bien nos mantiene expectantes en todo momento, llega un momento en que el recurso se agota.

Como espectador no me sentí satisfecho con la experiencia, ni sentí mayor entusiasmo por querer ampliar mi conocimiento sobre la propuesta con la cual he tenido que finalizar por optar en el reconocimiento que se ha tratado de un ejercicio puesto en práctica del realizador.

Calido film que narra la historia de una familia de padres separados en plena Argentina en época de la dictadura mililtar, vista a través de los ojos del hijo menor de tan solo 8 años, quien debe amoldarse a vivir con su abuela Olga (Norma Aleandro) tras la muerte de su madre en un accidente.

Su padre (Fabio Aste), muy recto, y abuela, distantes de los sucesos, sin tomar partido, haciendo la “vista gorda” a un clima que se conocía pero se decidía no hacer nada al respecto, toman su tiempo en educar “a la antigua” a los dos hijos del truncado matrimonio. El padre, con dificultad en el cierre de las heridas sentimentales, inclusive el conocer que su ex mujer había empezado una relacion con un simpatizante de movimientos revolucionarios, vuelca gran parte de sus problemas sobre el niño.

Dentro del barrio, funciona un centro clandestino de detención. Andrés intercambia diálogos con uno de los responsables, manteniéndose una relación que comienza a ser advertida por su abuela.

Presentado en proyeccion de HD en el Festival de Cine de Mar Del Plata, el film logra sus mejores momentos cuando el niño, Andrés, inocencia mediante, se encarga de resolver situaciones dignas a su comportamiento y edad.

La puesta en escena del film es pobre, asi como ciertas personificaciones y lugares comunes, un padre muy severo o un agente muy estereotipado dentro del centro de detención.

El film es la opera prima del realizador Daniel Bustamante, se destacan las ejemplares actuaciones del niño Conrado Valenzuela, Fabio Aste y Celina Font, quien es sus escasos minutos logra captar ese amor materno hacia sus hijos que luego los movilizará a lo largo del film.

La educación.

Todos en nuestro sano juicio, inclusive al ser pequeños y afrontar con rechazo las a veces interminables horas de estudio, sabemos que, el estudiar apremia. Si quisieramos posicionarnos en la mirada de la sociedad, el tener un titulo a veces es confundido con inclusive ser una mejor persona. En ese “todos sabemos”, me incluyo e intuyo, que podemos discernir y distinguir que el educarnos nos dignifica, a nivel personal.

Con el paso del tiempo, las distintas épocas, se han caracterizado de establecer cánones dentro de los sistema educativos. Ya no es lo mismo estudiar en un determinado instituto frente a otro, mejores salidas laborales, mayor prestigio, en fin, cuestiones que se acercan en muchos casos a la frívola y moderna manera de enseñar.

Los sacrificios de familiares, padres en la mayoria de los casos, por obtener una educación que tal vez no hayan podido tener en sus vidas, siempre fue tarea encomendable, intentar brindarles a sus hijos la mejor educación posible, para que prosperen, mejoren, algo que ha de servirles en todas sus vidas.

Una educación.

Qué ocurre cuando el estudiante se enamora y decide dejar todo por ese amor?

Esto, dentro de otras premisas, es algo que plantea Enseñanza de Vida, el nuevo film de Lone Scherfig, directora del recomendable Dogma#12 Italiano para Principiantes.

Amabientada en 1960, Jenny (Carey Mulligan) es la adolescente estudiante, destacada entre sus pares, presionada por sus padres, con quienes convive, para lograr el ansiado ingreso a Oxford. Las horas de estudio no bastarán frente a la nueva experiencia en la que se ve envuelta Jenny, algo que los libros no le han enseñado ni por asomo: conocer a David.

David (Peter Sarsgaard) es un hombre ricachón, que desborda de simpatía, un dandi, que lleva a la adolescente a conocer con sus propios sentidos todo aquello que veia reflejado en libros de enseñanza, arte, música, pinturas, juntos visitan un museo, una subasta, una ópera, un viaje a Paris.

Se plantea el temino de cuánto tiempo hay que esperar para poder disfrutar de los placeres de la vida, vivirlos, no posponerlos, el tiempo es ahora.

Algunos personajes enarbolan los distintos estereotipos a seguir:

David representa lo que algunos padres desean para sus hijas mujeres, un hombre que les brinde tranquilidad económica, ¿para qué seguir estudiando?.

Su recta profesora Miss Stubbs (Olivia Williams) se encamina hacia el tipo de mujer culta de la cual su vida no ha sido mas que abarcada totalmente por el estudio, soltera, independiente, fiel a los valores morales.

La rectora, interpretada por Emma Thompson es la que finalmente le hace frente a Jenny, en uno de los mejores diálogos concebidos en el film.

Es muy interesante poder acceder al desarrollo que el film va concadenando, de un clásico drama escolar, el vinculo con otras temáticas y géneros va acrecentándose, teniendo siempre a Jenny como el eje de todo asunto.

Encontrè en Enseñanza de Vida, un hermoso film, pintorezco, narrativamente cálido al igual que el gran salto actoral que ha implicado para Carey Mulligan, una actriz que de ahora en más veremos hasta en la sopa.

No obstante discrepo con los diversos válidos planteos que hace el film a ciertas circunstancias, y que luego el mismo, dá completamente por aludidas y rechazadas, por otros argumentos. Cambios abruptos en la intención del film y visualmente desde el punto de vista de vestuario o carácter de la protagonista.

Un film que temina a las apuradas luego de haber disfrutado de casi su totalidad.

Retiscente a escribir sobre este estreno de la semana, sabiendo que otros pares habrian de escribir largo y conciso, con apreciaciones más que correctas sobre temas del film de los cuales hemos conversado una y otra vez desde haber visto Vivir al Límite en la función de Apertura del Festival de Cine de Mar del Plata del 2008 -si, ya casi dos años atrás-, surge en mí la necesidad de aportar mi experiencia antre la visión de un film que no será olvidado, que me alegra que haya despertado la atención de festivales internacionales y ahora, luego de su estreno en Estados Unidos, nominaciones y galardones por cuanta entrega de premios se recuerde.

Creo, la única protagonista del film, es, sin dudas, su directora: Kathryn Bigelow.

No es fácil en el medio, para una mujer, tras un mundo netamente machista, de donde los trabajos de dirección importantes y de costosas producciones recaen en directores hombres. Bigelow, con el correr de los años, se ha convertido en un ejemplo. Es difícil a primeras vistas, imaginar que sus trabajos hayan sido concretados por una mujer, no por desmerecer su sexo, sino las temáticas abordadas, dígase un film de terror con vampiros rurales, un thriller policial, una de surfers ladrones, e inclusive un drama bélico. Temas que, generalizando, no son exclusividad, pero, han sido desarrollados y se ven vinculados “generalmente” a directores y público masculino.

En mi experiencia con el film, puedo destacar la veracidad con la que Bigelow ha expuesto a sus actores, la actuación de Jeremy Renner es soberbia, y ambientación para brindarnos Vivir al Límite. Desde el comienzo del film estamos inmersos en la experiencia de un gendarme de comando desarmabombas, estamos en Irak, estamos en una guerra. Con cámara en mano excesiva para mi gusto. Es el ambiente donde el protagonista con sus recaudos, camina, observa, vive. No transcurre un segundo donde éste se detenga a teorizar acerca de lo que está haciendo, del contexto político, social, bandos, en definitiva, qué está haciendo allí. El es solo un soldado, un experto nato para su tarea.

Quizás con referirme a una “tarea” es lo que he sentido en cierta manera, lo que me ha generado Bigelow con el film, lo veo como una “tarea”, donde discrepo con mis pares y no veo profundización. Veo un film donde, magníficamente podriamos hacer una lectura sobre esta defenestrable invasión, ¿cuándo si no?.

Esa sensación que he reiterado de “no jugarse” es lo que me hace ruido, en lo personal. Viendo a Bigelow, con su entereza, en una conferencia de prensa, desdibujada, donde habló sobre el proyecto, sentí aún mas que mis dudas sobre el film quedaban confirmadas.

¿Por qué hacer un film mostrándonos un ambiente hostil y de actualidad, y no hacer un descargo, no pido la utilización de trazo grueso, al menos con una simple mención, escapando de ideologías pero no de compromiso. Aquí no hay malos ni buenos, enemigos ni heroes, esto no es un duelo, ni un western, es una realidad.

¿Por qué no dar un índice de lo innecesaria que es ésta guerra o invasión?

Por momentos, mi única respuesta a éste planteo, rondaba por la vinculación del film a cierto tipo de norteamericano, que esto juegue en contra hacia el film y no adquiera notoriedad, demostrado con la repercusión resultante en films como Redacted de Brian DePalma, más cercanamente a Che de Steven Soderbergh, o los documentales de Michael Moore. Hay gran parte del Estados Unidos que no quiere ver éste tipo de films, que les demuestre lo incorrecta que es su sociedad e indique objetivamente en qué se han equivocado, que resalte los errores.

Siento que a Bigelow le ha pesado esto, no querer ser encasillada, según sus propias palabras al ser interrogada en una rueda de prensa comentó que no era su función como directora tomar una posición ante el tema de la invasión norteamericana a Irak.

Personalmente, creo que con esa arma en las manos, en un mundo injusto como en el que vivimos y la auténtica crudeza que demuestra en el relato de Vivir al Límite, una gran oportunidad se perdió.

Invictus es un film que en las manos de otro director, no pasaría desapercibido, pero no contaría con el clamor que ha logrado éste. Un gran director frente al proyecto, Clint Eastwood, su nuevo gran amigo (Morgan Freeman) desde la colaboración de ambos en Los Imperdonables y Matt Damon, uno de los nuevos talentos en materia de actuación, estamos acostumbrados a verlo en varias producciones al año, todo director mayor, lo quiere para sus producciones.

La historia de Nelson Mandela, ha sido revisitada inoportunamente en otros films, de manera irresponsable, con formato de melodrama acentuando su pasado en prisión. Aquí, el transcurso del film comienza con la etapa del lider en que se convierte democráticamente en Presidente sudafricano por voluntad del país íntegro, sin importancia del color, o clase social. Madela incita al perdón, a dar la otra cara, sabiendo que se puede construir inclusive con aquellos que obraron mal, mientras se sumen a un cambio.

Ligar temas políticos al fanatismo por un deporte socialmente, no es algo que se nos escape, por sobre todas las cosas, a la sociedad argentina. Pensar que tuvimos un Campeonato Mundial de Futbol en plena dictadura, mostrando una cara hacia el resto del mundo tan distante como cínica. Un disparate de tal magnitud que mientras la mayoría de los argentinos nos vimos envueltos en un festejo mientras personas que querian cambiar nuestro país por uno mejor, estaban siendo torturadas y desencadenando en muertes.

Sudáfrica corrió una suerte similar, el apartheid cobró millares de muertes, discriminación y genocidios. Francois Pienaar (Matt Damon), fue el lider del equipo de rugby sudafricano en 1995, es en quien Mandela ligó gran responsabilidad y expresó su anhelo de ganar dicho campeonato mundial, por la importancia que podría generar en el país desunido, fundir odios y llegar a un punto del que, a partir de cambios en politicas no podria arribarse con tanta prontitud.

Es evidente que el viejo Clint, dato que ya hubiéramos advertido desde sus ultimos films, ha adquirido con su vejez, un importante foco sobre temas de importancia social, Clint ha dejado de callarse, sabe que cada una de sus nuevas obras puede llegar a ser su ultima, Clint con los años no ha hecho otra cosas más que mejorar, añejarse como un vino.

El placer de sus nuevos films radica en la doble interpretación de sus actos, no sólo se juega por demostrar lo mejor y peor de la sociedad norteamericana, si no que ya no tiene límite en este ejercicio. Poco le interesa ser políticamente correcto, inclusive con escapes en sus guiones hacia lugares tortuosos como hiciera con Río Místico.

Invictus, parte de una temática netamente política hasta convertirse en uno de los tantos dramas con desarrollo de un grupo de integrantes de un equipo deportivo, con una meta, llegar a una final. No obstante aquí, la finalidad y contexto es otro que el simple hecho deportivo, y es ese el detalle que magnifica a este relato.

El rol de Matt Damon puede haber sido interpretado por cualquier otro actor, no es un personaje de importancia, sí lo es, la impecable intepretación de Morgran Freeman, muy bien caracterizado, con algunos diálogos que subrayan con trazo grueso algunas cuestiones y màs de alguna falla en el guión.

Se impone una relación entre los custodios del presidente muy particular, una subtrama interesante, asi como otros olvidables encuentros entre presidente y capitan del equipo, apartados e inexplicables cambios en la forma de pensar de los integrantes del grupo de rugbiers de un momento para otro.

Es característico en Eastwood volver a juntarse con quienes ya ha trabajado en otros proyectos, la musicalización del film nuevamente está a la orden de su hijo Kyle, al igual que la fotografía radica en Tom Stern, quien minuciosamente, ha acompañado a este director desde el largo Blood Work hasta la actualidad, idem Joel Cox, editor desde un tiempo aún más largo.

Dos films, tan distantes, tan cercanos.

Adventureland y Zombieland, ambos se refieren a “tierras”, protagonizadas por el mismo actor, Jesse Eisenberg, transcurren gran parte dentro de un parque de divesiones, podrían ser catalogadas como comedias, tienen en común temas relativos a la pérdida de la virginidad, en ambas, el confiar en una mujer se torna peligroso.

Comenzando con una gráfica de titulos lineales siguiendo las estructuras de edificios, calles, postes, al igual que en Intriga Internacional, La Habitación del Pánico y otras, iniciaremos a conocer las reglas básicas que el protagonista principal posee a la hora de tener recaudos para no convertirse en alimento de zombies, hacia el final del film, rondando las 32.

#1 Cardio

#2 Tener cuidado en los baños

#3 Cinturones de seguridad

#4 Doble disparo

#5 No tener ataduras sentimentales

Y asi las siguientes…

Tierra de Zombies es un film crudo, demasiado sangriento y divertido. Se dirige al espectador en primera persona, contándonos un relato que escapa las osadías, aventuras, experiencias e inexperiencias del jóven protagonista masculino.

Columbus (Jesse Eisenberg) es un adolescente sin familia, nunca la tuvo y desconoce si quisiera tener una. Es tímido, no tiene experiencias con mujeres hasta llegado el día que una asustada e histérica toca a su puerta, denominada “406”, numero del departamento contiguo, a escasas horas, la única mujer a quien haya de abrazar se ha convertido en una zombie que no deja de atacarlo. Dentro de la barbarie que se ha desatado en los Estados Unidos, conoce a Tallahassee (Woody Harrelson), un tipo bruto, calzando botas, manejando camioneta y aniquilando a todo zombie que se cruce por su camino, tarea para la cual según sus palabras “ha nacido”.

El film se caracteriza por la gran agilidad a la hora de la edición, gracias a ello, tampoco se cae en el sentido hermetico de las típicas películas de zombies, los diálogos hacen hincapié en citas cinematográficas, se cuenta con una visita inesperada a una mansión de una estrella en Beverly Hills constituyendo la mayor y agradable sorpresa.

Ruben Fleischer reitera que se pueden conjugar géneros tan opuestos como es el gore de un film de zombies con una comedia, tarea que ya hemos visto realizada en Shaun Of The Dead, aquella zombie-comedia inglesa que tenia como escritor y protagonista a Simon Pegg.

Woody Harrelson se luce en su rol, nuevamente interpretando a un hombre sacado de sus cabales, secundado por la hermosa Emma Stone, vista en Supercool y Abigail “Pequeña Miss Sunshine” Breslin, ya crecidita, a la orden de tareas más adultas y con mayor requerimiento actoral.

Es difícil catalogar a un film como Nine, Una Vida de Pasión, una obra que ha dejado en mí más interrogantes que certezas.

¿Es un musical? ¿Un homenaje al director Federico Fellini? ¿Un relato semi-biogràfico? ¿Una libre inspiración del film 8 ½?

Luego de aceptar y sumergirme en la experiencia de ver Nine…, he quedado con la impresión de haber visto dos films contenidos en uno, con marcadas diferencias, resultado de una muy pobre conjunción entre lo que podríamos diferenciar como una narración musical y una cinematográfica. ¿Pueden plasmarse ambos tipos de relato?. Claramente si, muchos films musicales ya lo han logrado, sin ir màs lejos, el anterior de Rob Marshall: Chicago.

Tanto Nine como Chicago han sido obras musicales estrenadas en Broadway, exitosas ambas. Pero en Nine, algo no ha funcionado, quizás esa fusión.

Partimos de un director de cine italiano, denominado Guido Contini (Daniel Day Lewis), en un acto donde nos dan a conocer bajo un acto musical a un grupo de mujeres que entra de maduro, han de tener que ver algo con su vida, entre ellas, actrices de la talla de Sophia Loren, Judi Dench, Nicole Kidman, Penelope Cruz, Marion Cotillard, secundadas por Fergie, la cantante de Black Eyed Peas o Kate Hudson.

La agilidad que teníamos en Chicago, aquí se ve debilitada, donde los números musicales no son “en” función del film, si no, apartados videoclips, uno para cada protagonista femenina, algunos inclusive con estilo MTV, rondando lo ridiculo. El mensaje de “ser italiano” como si esto fuese una moda. El tema “Cinema Italiano”, el más desechable de todos, a cargo de Kate Hudson.

Contini pasa todo el tiempo queriendo concretar una nueva obra luego de sus ultimos dos flops cinematogràficos, intercalando entrevistas punzantes de las que sale aireoso, sus escapadas con amante, una vida glamorosa, que tanto Marcello Mastroiani ha demostrado bajo la dirección de Fellini en films como La Dolce Vita y 8 ½.

El problema de Contini, es que no comienza a rodar su film para el cual cuenta con una amplia producción y equipo de trabajo, al igual que en 8 ½, la experiencia se convierte en una pesadilla para el director - a quien en su momento Fellini se habría autoreflejado -, no hay rodaje por que no hay guión, ni una musa inspiradora como antes, no hay visión, bloqueo de autor.

El Guido Anselmi de 8 ½ es Mastroiani haciendo de Fellini, y ahora el Guido Contini de Nine es Daniel Day Lewis haciendo de Mastroiani y Fellini al mismo tiempo.

Federico Fellini ha sido uno de los mejores directores en la historia del cine mundial, surgiendo del movimiento neorealista, junto a Visconti y De Sica, si bien, un tipo de estilo, glamour, inadvertiblemente podría pasar por un mundo como es el de la publicación Vogue.

Pensar que el tipo era un mujeriego tampoco sería novedad, sus films transitan esos aspectos una y otra vez, los rotos tabúes, controversia, su admiración excesiva por las mujeres voluptuosas y lo banal. Ha sido un director de repercusión mundial, de desencuentros religiosos y contado a su lado como esposa a la gran actriz Giulietta Masina con quien habría colaborado, aquí caracterizada gracias a Marion Cotillard (La Mome – La Vie En Rose), ampliamente el rol femenino más consolidado dentro del film, reminiscente a tantos otros ya vistos, con emotiva frialdad, un rol que acapara miradas siempre, la esposa que banca a su adultero esposo, ver si no, los pocos minutos ejemplares de Beatrice Straight en Network.

Sophia Loren es la actriz más desaprovechada, sabiendo de su imponente figura, sin dialogos, utilizando únicamente su fina presencia con un abrir de brazos, como un fantasma, su madre, en recuerdos. Hay personajes que si luego de ver el film, recordamos sus participaciones bien podríamos decir que su presencia o ausencia dan lo mismo, no intervienen en el resultado final, sea Nicole Kidman, Kate Hudson o Fergie, en un rol cuasi cuadro por cuadro tomado de 8 1/2, rememorando a la infancia de Fellini.

Penelope Cruz, es agil, nuevamente como una femme fatale, amante, demasiado estereotipada.

¿Qué destacar de Nine?

El amor hacia el cine y el personaje de Fellini. Cada aspecto del film donde no nos encontramos con escapes musicales, son muy cuidados, con una fotografía, ambientacion y banda sonora reminiscente a los grandes trabajos de Nino Rota.

Eso es el “sentir italiano”, donde parte del film lo ha sabido captar, donde el multifacético Daniel Day Lewis ha sabido sumegirse, y de donde lastimosamente el director Marshall ha demostrado alejarse por momentos.

Nine es un film glamoroso, de ello no hay dudas, su calidad visual es ejemplar, tiene un elenco de estrellas inmejorable (mal utilizadas), tiene destellos de emotividad siempre que Lewis aparece en pantalla, su actuación es creible en su totalidad.

Se desentiende el objetivo del film.

Una nueva de vampiros.

Corre el año 2019, la Tierra no es lo que muchos esperábamos. Poblada con sólo un 5% de humanos, especie en extinción. Los vampiros se apoderaron de ella pero tienen un vital y enorme problema, su propia extinción, tambien se acaba el alimento: la sangre.

Varios intentos científicos buscan reemplazar dicho alimento por sangre sintética o algún otro derivado, los resultados no son satisfactorios (reminiscencias a True Blood, la serie de HBO).

Una multinacional plagada de científicos lucran a partir de humanos que crían con el único propósito de extraerles el preciado líquido que corre por sus venas, los recursos se acaban.

Charles Bromley (Sam Neill) director de la firma, era un humano padeciendo una enfermedad terminal, el convertirse en vampiro, lo salvó de la muerte inmediata, ahora tiene vida eterna, no le importa su raza sino las ganancias que su empresa genera.

Edward Dalton (Ethan Hawke) es otro vampiro, científico, que gasta todos sus esfuerzos en encontrar la cura, encima, el no alimentarse en pocos días, produce mutaciones en los vampiros, los vuelve agresivos, y fisicamente los deforma hasta convertirlos en mostruosos vampiros reminiscentes a murciélagos gigantes.

El caos reina.

Esta nueva propuesta a las ya tan variadas historias sobre vampiros, no ofrece nada original. Nada que ya no hayamos visto. Algunos la comparan a films como Gattaca, un film neofuturista sobre la evolución humana, los genes y clones, nunca más distante a mi parecer, salvo por compartir al mismo protagonista.

Otros sugieren compararla con Vampiros, del maestro John Carpenter, tampoco creo que sea el caso, sólo comparten un elementos de gore, mucha sangre por todos lados y un maquillaje grosero de los no vivos.

Ya que estamos de comparaciones, ¿por qué no hacerlo con Inframundo? Para mi opinión, la más cercana. Reminiscencias estéticas a Constantine –sin vampiros, por supuesto-, sumémosle algo de 28 Días Después, 28 Semanas Después, Tierra de los Muertos (zombies)y la que en Argentina fue directo a video, 30 Días de Noche.

Como en todo estallido social, los rebeldes, en éste caso, los pocos humanos que quedan, organizados, cuentan con un líder: Lionel “Elvis” Cormac (Willen Dafoe), un duro, con diálogos “cancheros”, oneliners que escupen a punta de arma, con gatillo preparado antes de disparar, su personaje, sólo se remite a ello.

El film logra mantener al espectador atento en sus 98 minutos de duración. Muchas escenas de acción, persecuciones con vehiculos, corridas varias, remiten a producciones de bajo presupuesto dignas de los años 80. Los hermanos Spierig convierten éste relato en una nueva e imaginable posible realidad, los vampiros son mayoría. Connotaciones y lecturas si deseamos, pueden realizarse varias, la discriminación sectorial a los “distintos”, vampiros que comienzan el proceso de mutación, la multinacional vista como emblema del brutal capitalismo, la conversión tanto ideológica como bien podría serlo religiosa. Muchos puntos a abarcar, sin terminar de conciliar una u otra óptica.

No hace mucho, pocas semanas atrás hemos podido ver en carteleras porteñas una continuación de saga y la grandiosa Criatura de la Noche (Let The Right One In), ésta última con sólo un vampiro de importancia en su trama y con un planteo tan distante como original.

La próxima semana, entre vampiros y zombies,dentro del género de terror/horror llega una más, Tierra de Zombies (Zombieland).

Amantes del género, nunca más contentos.

Amor sin Escalas es un film que nos lleva a la reflexión directa sobre fenómenos cinematográficos recurrentes, creencia en la llegada de un nuevo y prometedor cineasta, la herencia de talento, en fin, un compendio de interrogantes.

Jason Reitman ha dirigido hasta el momento dos films que han tenido gran repercusión en el mundo cinematográfico (Gracias por Fumar, La Joven Vida de Juno). La primera, independiente sobre la politica comercial de la industria tabacalera mundial, de bajo presupuesto, cínica y políticamente no correcta, logró notar el gran talento del director. La subsiguiente llegó de lleno con alma y espíritu al corazon de la cinefilia toda, instaurándose en uno de los mejores films en el año de su estreno, reconocimientos varios y la nominación a los tan ansiados premios de la Academia: Mejor Película. Nuevamete con una temática controversial, un embarazo en la adolescencia.

Con Amor sin Escalas, se plantea el siempre latente interrogante sobre Jason Reitman, el director. Luego del éxito de La Joven Vida de Juno, el entrar a una cadena de directores “requeridos”, con o sin proyectos propios, el tiempo llegó en que, Reitman aún mas, debe demostrar si su talento es verdadero, si filmó con la intención de generar lo que logró o si simplemente es un director de esos que pasan fugazmente por las marquesinas y luego destinan a ser olvidados.

Reitman es el hijo del reconocido cineasta Ivan Reitman, un director de comedias camp, algunas ya convertidas de culto, como Meatballs, la exitosa Los Cazafantasmas o, a mi parecer, su obra mayor: Presidente por un Día. Con Reitman Jr., tambien, se ve propuesto el caso de los hijos de cineastas que toman notoriedad gracias a sus padres, reivindican conocimientos adquiridos a modo de herencia, facilidades varias, una organización ya conformada. Con todas estas ventajas a cuestas, los resultados son arbitrarios, podemos encontrarnos con un farsante o un verdadero cineasta.

Amor sin Escalas, como ha sido su estilo, nuevamente toca temas controversiales, qué peor que meter el dedo en la llaga dentro de la sociedad estadounidense luego de la crisis mundial acahecida recientemente. George Clooney interpreta a Ryan Bingham, un señor cuya labor consiste en ser empleado por empresas (multinacionales en gran parte), para encargarse de notificar cara a cara a las personas que oportunamente serán despedidas de la empresa contratante, dar una última charla, contener, brindar una engañosa salida del sistema. Su trabajo consiste en viajar constantemente a lo largo de Estados Unidos, aprovechando cada oferta y promocion válida de compañías aereas, acumulación de millas, etc.

El personaje es rico en matices, Clooney, establecido en Hollywood como una nueva especie de Cary Grant, de quien conocemos sus aportes humanisticos, últimamente conjuga roles cinematográficos fiel a sus principios, con carisma, romance de por medio y crítica social, podríamos citar Buenas Noches y Buena Suerte, Syriana, Michael Clayton.

Lo secunda la hermosa Vera Farmiga, como un alter ego profesional a su altura. Y, Anna Kendrick en el rol de Natalie Keener, una jóven entusiasta que es adquirida por la empresa de despidos para facilitar y hacer instalar una nueva manera de trabajo en la empresa, un proyecto aun más alejado de la contención hacia el despedido. Este proyecto a emplear, no solo cambiará el establecido modo de vida de Ryan, si no, hara devenir sentimientos latentes en el, una coraza sellada y un crecimiento personal alejado de lo que el mismo tenia por sentado era el camino a seguir.

Amor sin Escalas, ha sido nombrada entre los mejores films del año, ha aparecido en toda nominacion imaginada y esto, para alguno, le brinda un mayor atractivo y expectativa a la hora de ver el film, de hecho, hay gente que a partir de estas nominaciones ya lleva consigo un referente que les permite perdonar absolutamente cualquier fallido en un film. Amor… no es un film original, menos aun, un film que vaya a cambiarnos nuestras vidas, es un film correcto, no escapa de la estanteria de films con moralejas, ni tampoco llega al lugar que La Joven Vida de Juno ha sabido ocupar. El éxito y rumoreo, radica en que es un film de critica sobre un tema candente, audaz y actual. La pérdida de trabajo gracias a un sistema que ha caído, y reivindica, saca a la luz situaciones intimistas que ocurren como consecuencia de tan grande colapso.

Reitman tiene tiempo todavía, demasiado, para pulir y concretar nuevos y mejores proyectos. El Oscar Buzz, ayuda a su acción, lo coloca en un lugar privilegiado que su padre lamentablemente no ha llegado a ocupar siquiera tardíamente. Caso comparable al de Coppola y Sofia, su hija, casi similar.

En un tiempo no muy lejano, un director inglés sorprendió al público en general con un genial film de atracos. Juegos, Trampas y Dos Armas Humeantes, sin innovar, contó con una frenética e imparable forma de edición, el disparar un arma comenzaría a vivirse desde el milisegundo en que se aprieta de un gatillo, seguido del movimiento interno del mecanismo del arma, hasta concretar el disparo, la salida del proyectil y trayecto hasta colisión, edición aplicada también a finitas situaciones dentro del film, un juego de cartas, una conversación, una pelea, etc.

Visto por los grandes estudios, sin pereza, Columbia Pictures a través de una subsidiaria, Screen Gems, lo contrata para una nueva producción de características similares; junto a un actor categorizado en la lista de majors y un cast ejemplar, logra Snatch: Cerdos y Diamantes, mismo resultado cinematográfico, potenciado a nivel de distribución.

Entre medio, su vida tomó un giro inesperado. Sin querer entrar en el rubro de chimentos, Ritchie se casó nada menos que con la reina del pop, la megaestrella-diva: Madonna. Es sabido que el hombre a veces se eclipsa al lado de una mujer, podríamos citar muchos dichos de índole machista y chascarrillos, pero como aquí no es nuestro objetivo, sólo consideraríamos que en esta conjunción, Guy Ritchie, el director, algo perdió. Su talento, quizás.

Incursionó nuevamente en cine compartiendo a su esposa como protagonista de la remake del film italiano Insólito Destino: el resultado fue nefasto.

Revolver, demostró que –con menores recursos– sus esfuerzos eran en vano. Ya la atención de su carrera residía (para el público promedio) en si su vida personal continuaba siendo tumultuosa al lado de la diva, siguieron los rumores de separaciones varias, hasta concretar el tan esperado divorcio.

Su come-back ha sido Rock’N Rolla, un retorno a medias, pero que sin dudas, supo llevarlo a un nivel tal, que logró imponerse para dirigir un proyecto tan grande como el que aquí nos ocuparemos.

Sherlock Holmes.

Un estreno muy esperado. Muchos nos preguntábamos qué podría ejecutar Ritchie con un personaje tan conocido (originario de Arthur Conan Doyle), ya que trasladarlo cinematográficamente no sería tarea fácil, ¿reutilizaría una tan agil edición para un personaje tan clásico?

Robert Downey Jr. (Holmes) se subió al proyecto en el protagónico y Jude Law (Watson), secundando enérgicamente.

El detective y su asistente conformaron un dúo con mucha interacción verbal, gracias a un guión lleno de clisés, apartados de comicidad y verborragia que se ejecutan de manera magistral, cada exacerbación verbal encaja en las respuestas de su contrincante en materia de diálogo. Un duelo entre actores y personajes.

Las escenas iniciales están a la orden de poder ambientarnos, sumergirnos en las cualidades de Holmes a la hora de la investigación, la lógica, su destreza para el boxeo, su aptitud para disfrazarse y hasta en conocimientos en química y farmacología. Todos estos aspectos como introducción no están insertados a libre albedrío. Holmes utilizará cada una de sus aptitudes para la resolucion de crímenes misterios y engaños, a veces a pedido de las ineficaces fuerzas policiales que lo convocan una y otra vez para dar pistas o solucionar algún crimen que se les escapa en materia de razonar acerca de los posibles causas.

Sumemos un villano de turno, a la orden del actor Mark Strong: podría decirse que es uno de los actores convertidos en “moda” gracias a interpretaciones muy destacables que ha sabido concretar, pero aquí, sin gran animosidad interpreta a Lord Blackwood, un sectario con planes de dominacion.

Por el lado femenino, Holmes tiene una contrincante, que ha sabido ser uno de sus tantos amoríos, a su altura en materia de resolver misterios, Irene Adler (Racherl Mc Adams).

Hacia los ¾ de duración, el film hace un “click” y a partir de ahí, todo lo que sucedía dejó de interesarme. Mi atención se perdió completamente en lo que hasta el momento constituía una interesante propuesta. El comienzo de la utilización de efectos de ordenador CGIs, persecuciones con Holmes a la altura de un héroe de acción –muy lejana a la tarea de un investigador–, terminaron por aguar la tan divertida experiencia que comencé a experimentar en la primera hora de metraje.

Ritchie se ha valido de casi toda herramienta cinematográfica con la que un director pueda tener a mano para contar una historia. Sherlock Holmes demostraría su “gran vuelta” a un circuito del cual se había alejado como anteriormente mencionamos. Si bien el film cuenta con muchos aspectos visuales y narrativos atrayentes, una dirección artística impecable, fotografía cuidada y ambientación, es en los secundarios actorales (Rachel Mc Adams, Mark Strong) donde el film no logra imponerse. ¿Será que los arquetipos conformados por Holmes y Watson son tan magníficos que dejan a todo lo que está a su alrededor, muy pequeño?

Con una interesante participación de Kelly Reilly, recientemente vista en cartelera porteña en Eden Lake.

Podría decirse finalmente que Sherlock Holmes es una película que pretende tener todo: un superhéroe, un villano, efectos, persecuciones. Pero peca de obviar el hecho de que se trata de un detective y no de un superhéroe, y que probablemente (y siguiendo la tradición literaria o a sus versiones precedentes, como por ejemplo, la de Billy Wilder) uno como espectador espera un film más intrigante y misterioso, con un personaje de porte más serio, y en esta versión terminamos encontrándonos con un Holmes más cercano a un héroe de acción que a la creación de Doyle.

El cine japonés a través de los años ha entregado innumerables obras de sabida excelencia, un país que, ya renovado, se ha caracterizado por abordar cinematográficamente temas relacionados a las costumbres, el honor, el legado cultural de la región y por sobre todos éstos, el respeto hacia sus ancestros y la emotividad.

En Final de Partida, con un vuelco de velocidad narrativa más cercana al cine de occidente, se advierte una conjunción de regiones, de nuevas y viejas costumbres, la visble pérdida de valores.

Daigo, es un celista, que por fin encuentra su lugar al ser elegido para ejecutar su instrumento en una compania, por problema ajenos, la banda se disuelve y ante la vergüenza ajena de haber perdido su trabajo, el no dar la cara ante su esposa, comienza una búsqueda laboral que confusamente lo lleva a aceptar una propuesta vinculada a las “partidas”. Daigo vincula el aviso a una guia de turismo, pero, el aviso mal redactado se refiere a una “partida” aun mas lejana. El aviso en cuestión es para el puesto de un “preparador de cuerpos” para una funeraria “distinta”.

El dueño del emprendimiento, el Sr.Sasaki, comenzó esta actividad luego de la muerte de su mujer, fielmente “prepara” los cuerpos para la partida final, entregando a sus seres queridos un acto o ritual, donde pueden dejarse de lado las diferencias, con respeto, honor y sabiduría, los cuerpos son presentados como en el momento vivido más bello, de lado quedan las diferencias, enojos y colera.

Dificil es decirle a su mujer, que uno ha encontrado su profesión y esté relacionada a un tema de morbo para algunos, de indiferencia social y mal visto hasta el punto de querer lucrar con un fallecido. Final de Partida, demuestra que el trabajo de ser funebrero puede ser honorable, ¿por que no?.

El film posee una duración extensa, nada menos que 130 minutos, por demás agiles, pero, analizando luego de ser vista, hay escenas que son repetitivas y podrian haber tenido un diferente corte debido a lo que añaden. Un clisé final, innecesario no perturba en lo más minimo la agradable visión de éste tan emotivo y agradable film.

Final de Partida ha sido acreedor del premio Oscar al mejor film extranjero en el año 2008, bien merecido, para un film que como anteriormente confirmamos, por su entrelazado y ritmo comparable a contemporáneos films japoneses como Shall We Dance? –de cierta manera con similitudes en la trama tambien- o temática de la serie Six Feet Under.

No dudo en próximos años ver una remake norteamericana de Final de Partida, una materia en la que Hollywood reincide frente a las escasas ideas reinantes.

Decir que Meryl Streep es una gran actriz no es novedad, su versatilidad es constante, ya casi no hay género dentro del cual se haya involucrado. Aquí nuevamente se lanza a la comedia con tinte romántico, género donde se ha lucido con anterioridad si recordamos She-Devil, o la aún mas negra La Muerte le Sienta Bien.

Junto a Nancy Meyers, una actual referente dentro de la dirección de comedias románticas desde una óptica femenina puntual, repite la formula que tan buenos logros ha dado: Alguien Tiene que Ceder, comedia que inclusive con sus errores se ha convertido en un film de amplio recuerdo dentro del espectador promedio, en gran parte por la dupla actoral elegida y la particular agilidad lograda en el relato. Con Enamorándome de mi Ex, las premisas vuelven a plantearse: mujer sexagenaria separada, no quiere saber nada de hombres, es independiente laboralmente, divorciada, ha hecho lo imposible para mantener a su familia conformada por cuatro hijos unida y tiene un clan de amigas cercanas (Rita Wilson, Mary Kay Place, Alexandra Wentworth) con quienes se junta en reuniones a debatir sobre sus experiencias o la falta de ellas, en materia sentimental.

Su ex esposo (Alec Baldwin) demostrará que los hombres a cierta edad nos convertimos en “viejos verdes”, necesitamos cambiar de mujer, esposa, pareja como si fuera un modelo de automóvil, unos cuantos años menores y como ya es sabido, hay cuestiones que han de quedar deconectados, colgados y hasta desconcertados por las diferencias de etapas, imposibilidades, desde la extrema ótica femenina, un hombre de estas características, enamorado o aunque no sea éste el caso, representa algo negativo.

El tema es que, la ex pareja, por ocasión que su hijo se recibe, han de verse y como bien dice el dicho, “donde hubo fuego…”, alcohol de por medio y más de una cuestión no cerrada, los ex esposos vuelven al ruedo en una relación doblemente ex matrimonial.

Los planteos del guión resultan comicos, abordan una temática actual y de vinculación estrictamente a problemas contemporáneos que sufren parejas divorciadas e hijos de esa sociedad.

El problema con Enamorándome de mi Ex, radica en la dirección, Nancy Meyers nuevamente demuestra que no encuentra un punto donde terminar sus films, tiene todo como para concretar un film triunfal, gran elenco, producción, un estudio mayor por detrás, pero las pequeñas decisiones que desde el sector de dirección se deben tomar, se debilitan ante convertir algo que inicialmente fluye de maravillas en algo complicado –al igual que el titulo en ingles-. Meyers se complica. De la nada el guión esboza una situación de increible falta de adultez, donde los padres sobre explican a sus hijos lo que vienen realizando.

Los hijos en el film, no aportan nada a nivel narrativo, están de adorno. Steve Martin, es utilizado como un chivo expiatorio a la relación de los principales, sin la comicidad que el gran conocido cómico ha sabido tener, en ésta simplemente “ya la perdió”.

Streep sale aireosa como siempre lo ha hecho, integra inclusive hasta el punto en que uno realmente siente que ella juega con sus roles, verla en situaciones políticamente incorrectas en tono de comedia, es lo mas grato que nos entrega el film. Un film que funciona perfectamente en sus primeros ¾ de duración.

Con el término “La Tigra” no nos referimos a un felino, asi ha sido nombrado un pueblo sito en el Chaco, de escasa extensión, lugar tranquilo donde la siesta es sagrada, la calle principal brilla por la soledad, un ejemplo de pueblo de aquellos en que los jóvenes migran hacia las grandes ciudades, para educarse, conseguir trabajo y desarrollarse en materias que en La Tigra no han de poder.

Esteban ha sido uno de esos adolescentes, ya adulto, vuelve a La Tigra con la misión de conversar con su padre, él tiene algo que decirle, algo de qué hablar. Este acontecimiento se pospone, su padre, un conductor de transporte de carga no ha de volver por un par de semanas, dentro de las cuales Esteban, a la espera, se interna nuevamente en el sitio que alguna vez fue su lugar, donde captó aquellos conocimientos que no son enseñados en instituciones cercanas ni lejanas, el lugar donde pasó su infancia, donde es reconocido por cada uno de sus vecinos.

En ésta vuelta, reencuentra a Vero, quizás en otros términos, su amiga de infancia, estudiante de medicina, quien por las tardes ayuda a su madre en las tareas de cocción de viandas. Vero al igual que Esteban, ha cambiado, sin embargo, conservan “algo” entre ellos, algo que se realimenta al reencontrarse.

El lugar constituye un protagonista más en el relato, con frescura y tranquilidad, los humildes integrantes natos de pueblo son captados con armoniosa naturalidad, el mate es el elemento que genera las “juntadas”, un elemento de grandeza al momento de vincular personas socialmente. Vero y Esteban, recorren el pueblo, recuerdan y generan situaciones que los retrotraen a la infancia en común. Una peña, un partido de futbol, un taller de arreglos varios, lugares y situaciones desde las que se delinea una historia sencilla.

Opera prima de Federico Godfrid y Juan Sasiaín, co-directores y guionistas del proyecto, egresados de la carrera Diseño de Imagen y Sonido en la UBA, impusieron su marca en el Festival de Cine Internacional de Mar del Plata al ser galardonados con el premio FIPRESCI, uno de los más importantes. Deambulando por la ciudad, casi pasando desapercibidos, la repercusión de su obra en espectadores, critica y jurado, resultó convertirse en una de las mayores sorpresas del festival. En el discurso de otorgamiento del galardón denotó un agradecimiento hacia la existencia de la universidad pública en Argentina, recibiendo una gran ovación del público presente, no es frecuente que se agradezca a una institución educativa estatal, de la cual gran cantidad de cineastas han surgido frente a otras escuelas de cine, en auge en Argentina.

El resultado es una experiencia de nuevos cineastas, humilde y de bajos costos, con una enorme integridad al momento de querer contar una historia, por más pequeña que ésta sea.

Han pasado numerosas secuelas y ahora remakes de la convertida franquicia de Halloween de John Carpenter, uno de los films del genero terror/horror denominados de “culto”, con un personaje “serial killer” ubicado entre los mas destacados de la historia del cine.

Ahora, en ésta continuación a la remake del propio Rob Zombie, músico devenido en director de cine, quien ha entregado obras como Mil Cuerpos y Violencia Diaólica, reivindicando su pasión por el género, con una narrativa audaz y a su vez provocadora. Con Halloween: El Comienzo, su tercer opus, logró dividir las aguas entre el público promedio y los mayores seguidores del guión de John Carpenter, uno de los mejores ejemplos de directores que ha sabido entregar el cine norteamericano en las ultimas dos decadas.

Halloween (la remake) revitalizó la saga, la reinventó, se notó una gran admiración sobre el trabajo de Carpenter y siguió una linea argumental sin caer en en tonos opacos, una historia que cierra perfectamente un círculo, con tintes metafísicos, interiorizándonos en la infancia del protagonista y en secuencias que incorporaron información vital a la narración. La saga revivió.

Halloween 2, en sus primeros minutos, parte del final de la anterior remake, abordando un tema místico, una especie de fábula y una vinculación aun mayor del personaje principal (y sí, ya es hora de nombrarlo: Michael Myers) con su madre. El film inicia con una sobredosis de gore imparable, persecusión en un hospital, al igual que continuación de la original de Carpenter, el drama es duro, cruel, demasiado fuerte para impresionables y uno de los aciertos de Zombie. Pasados los minutos iniciales, donde esperamos la trama avance sobre el riel en que comenzó a moverse, el film se detiene en argumentos que, al menos según mi apreciacion, despertaron inquietud hacia el mal camino que tomó Zombie para continuar esta nueva historia. No reniego de sus herramientas narrativas ni de su extrema violencia en escenas, sino su evidente desinterés hacia los personajes originarios, contrario a lo que había logrado (o aparentó lograr) en la primera parte. Loomis, aquel doctor en quien Myers se apiada, la única persona donde Myers ve alcanzar la redención, el confrontar y psicológicamente ser “¿controlado?”, en esta secuela se ha convertido en un hazmerreír televisivo: la historia de Myers fue llevada a un escrito, un libro que Loomis ha elaborado para su propia fama, ridiculizado a un nivel astronómico. Una decepción en este sentido. El único personaje del relato original que lograba tener vinculación fuera del salvajismo con Myers, aquí se ve disminuido, fuera del contexto original.

¿Es Halloween 2 una digna continuación? A esta pregunta debemos añadirle contra qué la comparamos, con la obra de Carpenter o con la remake de Zombie. En cualquiera de los dos casos, no logra conformar una historia con el peso e interes que han logrado captar las dos mencionadas. Halloween 2, es simplemente distinta, revierte en gran medida temas ya consolidados, vuelve a la historia del perseguido y el perseguidor, un asesino serial que no piensa, sólo eleva su machete, cuchilla o elemento que tenga al alcance de la mano y mata.

Tercer largometraje del cineasta argentino Ezequiel Acuña (Nadar Solo, Como un Avión Estrellado), filmada en B&N.
Volviendo a personajes de su corto Rocío, -que, puede apreciarse dentro de la sección de extras de la edición en formato dvd del film Nadar Solo, editada por AVH- dos amigos, Marcos y Martin, vuelven a encontrarse luego de 10 años de ausencia, compañeros de infancia y escolares, uno convertido en un consagrado guionista y el siguiente ya con hija, trabajando en el mercado de las golosinas.

El reencuentro se establece frente al pedido de Marcos de solicitar invadiendo arduamente el espacio de Martin, ser el corrector de guion de un proyecto de obra teatral, excusa que los volverá a juntar, redescubriéndose, deshilvanando interrogantes de la infancia y pormenores con un gran uso de comicidad. Un reencuentro atípico, con grandes diferencias que los delimitan, tales que con el desarrollo de algunos intercambios vuelve por momentos a unirlos como carne y uña.

Si hay algo que sobrepasa lo agradable que me resultó la experiencia de ver éste film, ha sido la evidencial gran aptitud de Acuña para dirigir actores y delinear personajes.

Marcos logra ser caracterizado con gran convicción hasta en menores aspectos y tics referentes de su personaje.
En el film abundan momentos de comicidad pertenecientes a un guión muy eficaz, con una muy buena elección de temas musicales que acentúan el recorrido de tan apreciable trayecto.

El largo contó con gran aceptación del público en el pasado BAFICI, aunque fuera de competencia.

Critica anteriormente publicada en www.cronicasdelbafici.blogspot.com

Debido a encontrarnos en plena temporada de premiaciones y nominaciones, llámese Globos de Oro, Asociaciones de Críticos de medios gráficos alrededor del mundo, Oscars, etc., ésta, constituirá una crítica realizada a partir de comparaciones entre el film a reseñar versus un film que viene perfilándose como una de las posibles ganadoras de este año. La razón: The Hurt Locker, perteneciendo a un género completamente distinto en comparación con Avatar, posee según mi criterio, una óptica demasiado contraria sobre un mismo tema, diferencias notables y semejanzas también.

Comencemos por sus directores, Kathryn Bigelow (The Hurt Locker) y James Cameron (Avatar), en la actualidad no solo comparten un gran momento como directores sino que el pasado los unió en el voto marital: Cameron, tres años mayor formalizó en su terceras nupcias con Bigelow. Ambos han demostrado devoción por films de acción en sus haberes, ciencia ficción y terror. Han compartido elección de actores para sus proyectos (Bill Paxton, Lance Henriksen, Jenette Goldstein). Bigelow dirigió una historia escrita, producida y editada por Cameron, un excelente film de ciencia ficción: Dias Extraños.

En relación a sus últimos films, The Hurt Locker constituye un drama bélico acerca de un soldado perteneciente a una brigada de desarme de explosivos asentada en Irak.

James Cameron, por su lado, en Avatar, presenta a un soldado inválido del ejército a quien también le ha tocado explorar un territorio desconocido con una misión, en este caso, un nuevo planeta.

En ambas reina una organización militar, destinada a la conquista, invasión a causa de un objeto material de valor, preciado, que, para las economías de sus países constituye una de las mayores fuentes de riqueza: petróleo y piedra.

Tanto el Sargento William James en THL como Jake Sully en Avatar, cumplen un doble rol, son héroes y antihéroes.

En ambos films se vislumbra la pérdida del costumbrismo social, la herencia de una cultura a partir de los invasores / conquistadores, más aun en Avatar, donde se hace conocer una bajada de línea, Cameron se juega en plantearnos temas inherentes al medio ambiente, la colonización, desde su punto de vista, en un género de ciencia ficción, juega y denuncia. Cuestión en la que Bigelow queda como aludida, no toma partida, no define su posición, algo que en la conferencia de prensa al presentar su film en el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, he estado presente al impetuosamente habérsele preguntado al respecto, su contestación: “A veces, no hay por qué tomar partidos.”. Bigelow solamente quiso mostrar una realidad y he aquí mi consternación con The Hurt Locker, siendo un film completamente duro y audaz, pierde gran parte de su valor al no poder definirse. ¿Acepta Bigelow, al no contestar, una posición política personal sobre la Guerra en Irak?

Explayándonos más sobe Avatar, Cameron crea sin dudas, un universo que impacta visualmente, no encuentro registro de una puesta de animación de tal belleza en la utilización de colores en el ambiente creado. Cameron juega, un relato con connotaciones a la historia de Pocahontas, la de un hombre que insertado en una sociedad y poniéndose en el lugar del otro, toma partido.

Avatar es un compendio de sus otros filmes, contiene marcados elementos de Terminator, Aliens, Abismo, Mentiras Verdaderas e inclusive Titanic, colores, maquinarias, transportes aeronáuticos, el score musical.

La experiencia es vertiginosa, la adrenalina fluye en las corridas por los arboles, la incesante y responsable liga con la naturaleza. La acción arrogante de la milicia frente a la investigación científica.

Dentro de los posibles lecturas del film, también podemos contemplar el anhelo del hombre por poder concretar algo de lo cual puede sentirse extremadamente alejado, por imposibilidades varias, vinculando al espiritu humano, donde no hace falta otra cosa que la comprensión y la utilización de la “mente”.

Con todas sus buenas intenciones, Avatar, no obstante, tiene grandes cuestiones a debatir. Argumentalmente abundan los exabruptos en el guión, estereotipos de personajes, momentos que son increíblemente desarrollados y otros que se dan maravillosamente con rapidez, en hechos muy similares. Alguna mención romántica y sensiblera demasiado forzada, como así, un increíble vuelco y contradictorio comportamiento animal dentro del nuevo planeta.

Dentro de la utilización del 3D, podemos aclarar que acompaña a la experiencia cinematográfica en carácter adicional, no es invasiva en absoluto, no fue creada con esa intención, solamente resalta particularidades estéticas, creando campos, que, luego de transcurridas decenas de minutos, olvidamos por completo su implementación.

Avatar no es un film que vaya a hacer historia, pero si, un logrado film de entretenimiento masivo, efectivo, donde brilla lo visual y las creaciones por ordenadores ya han llegado a un nivel de aceptación increíble gracias al detalle minucioso.

Kad Merad se convirtió instantáneamente, luego de Bienvenidos al País de la Locura, en uno de los nuevos capo cómicos franceses, tal fue su éxito y poder de convocatoria que ahora le toca codearse con un elenco de actrices de renombre como la diva Catherine Deneuve y Emmanuelle Beart.

El film gira alrededor de un empleado de limpieza, Robert, (Merald) que vive una doble vida, trabaja limpiando oficinas de un representante de actores, fanatizado con el cine, los guiones que lee en las tardes mientras debería estar realizando su labor, con su sector lleno de postres de actrices y films. Robert es un ser melancólico, tiene una hija de una mujer a la que ama, por la cual ha sido abandonado al ver su "no crecimiento".

Especialmente de Solange Duvivier (Deneuve) a quien acecha hace tiempo, ella y su asistente le tienen la entrada prohibida, desmerecen ante tantas molestias ocasionadas al escuchar el timbre de entrada pulsado por el pulgar de Robert.

Su fanatismo llega a un punto tal, que mediante un juego entre las fotos seleccionadas para el casting de un nuevo film, Robert deja planteada en la mesa del representante, su parecer. El casting se completa, su vision es aceptada, pero, dentro del anonimato, nadie sabe que ha sido él, el responsable de ese cambio.

Mis Estrellas y Yo, refleja con mucha sutileza y comicidad la relación entre tres actrices de edades diferentes, una diva, una actriz consagrada y una novata, con sus pesares personales, a la idea de que “no todo lo que brilla es oro”. Arman una venganza hacia su acechador que generará un efecto boomerang.

El resultado es una comedia con un acercamiento a producciones hollywoodenses, perdiendo en cierta forma el actractivo de la tradicional comedia francesa.

Existe una pequeña participación de Patrice Leconte, en un rol de dirección,

El store es exquisito salvo pequeñas inclusiones de temas musicales.

Allá por el 2007 Francis Ford Coppola, presentó un pequeño proyecto, austero, quizás queriendo navegar en nuevas aguas, estrenando un nuevo formato, HD (High Definition, Alta Definición). Las nuevas cámaras, dejando de lado el aroma caracteristico, el transporte, cuidados y posteriores dificultades que tiene el filmico, aquí no hace falta revelado, se lleva todo a un ordenador y a editar. En aquel momento se veia como irrupción, si sería este el formato que finalmente vendría a reemplazar al fílmico, Coppola lo implementó, jugó con el y le supo sacar provecho. Los costos son menores, la textura es distinta, pero…si se tiene una buena producción detrás, iluminación, arte, pequeños tips que un director de la talla de Coppola a esta altura tiene, los resultados son maravillosos.

Juventud Sin Juventud, plantea sobre cómo un tímido profesor (Tim Roth), luego de un accidente fortuito cambia geneticamente invierte su desarrollo fisico, algo asi como lo que ya hemos visto en El Curioso Caso de Benjamin Button, si. Pero aquí, sumergiéndose aun más en una historia de suspenso y romance. Dominic tiene un pasado, quizas quiera olcultarlo tras sus vendas, parecidos con El Paciente Ingles, tambien.

El profesor Stanciulescu tras la 2ºGuerra, devenido en medico (Bruno Ganz), repara sobre el milagro que la ciencia no puede explicar, perdona a Dominic, tomando el puesto de creador, para asi decidir sobre la futura vida de este hombre.

Juventud…tiene un score abrumador de Osvaldo Gulijov, se impone en todo el relato con la belleza de las imágenes. La dirección artistica sorprende asi como la fotografía, un film pequeño como antes destacaba aunque muy cuidado.

Volviendo a nuestros pagos, con el auge de las salas digitales, proyecciones HD, 3D, podemos decir que justamente una de las ventajas de éstas instalaciones es la exhibición de este nuevo formato, por que no hacen falta copias, latas, es un formato practico de ser exhibido.

Lamentablemente, las salas HD actuales son en su totalidad utilizadas para exhibir films en 3D, el auge del momento, sin dejar horarios disponibles para titulos como éste, que bien podrian ser exhibidos como tal. Algo que no ha propuesto la distribuidora? Sería un punto interesante a investigar.

Por lo tanto deberemos conformarnos con una proyección en DVD, un formato estándar de 480 lineas, frente a las 1080 posibles por el HD.

Sinceramente he llegado a una altura cinéfila donde poco me importa qué se ha gastado para hacer un film, los tiempos han cambiado y lo que vemos en pantalla ya no depende solamente de qué caché se ha dado al director, los contratos de actores, sobre todo los mas taquilleros son astronómicamente no proporcionales a lo que entregan en pantalla, el uso de CGI, etc. Esto no es una novedad, ya en la epoca de oro del cine norteamericano los estudios eran los que mandaban.

Hoy en dia, mucho ha cambiado en la industria cinematográfica, los estudios mayors como todos los conocen, han dejado de ser cunas de autores, son empresas, brindan productos tal cual una fábrica hace enlatados de conservas, tienen un costo y un beneficio, ya gran parte de la imaginaria artistica ha dado paso a la imagineria visual. Cuál fue el punto de quiebre? Muchos nombrarian Star Wars, el magaexito al que todos adjudican la muerte del cine, pero, el comienzo del fin ha llegado mucho antes.

Pareciera que estuviesemos hablando del estreno de 2012, pero no es asi. Perdonen si mi factura es pesimista pero, el estreno de Actividad Paranormal me ha dejado mal.

Actividad…demuestra algo que de Spielberg - si, justamente una de las personas que tienen que ver con el film – he escuchado varias veces, algo asi como una respuesta al interrogante de estudiantes de cine sobre qué hay que tener para realizar un film, su respuesta fue bien sencilla: “una camara”. Justamente es todo lo que vemos como recurso cinematográfico en Actividad…, una camara, una captadora de imàgenes en movimiento, una camara posada sobre una mesa en una habitación durante la mayor parte del transcurso del film. Su mision: captar sucesos paranormales que ocurren a una pareja en su nuevo hogar. Y, asi, pasan minutos, mas de una hora, en los que no nos involucramos, sino, vemos tal cual una camara de vigilancia en uno de nuestros hogares.

Si a una pareja le ocurren las cosas que pasan aquí, inmediatamente, bajo alguna logica, abandonarian ese hogar, sabemos que los guiones siempre desean realizar lo contrario a toda logica, sino no tendriamos suspenso, no tendriamos film, los actores jamàs hacen lo que el espectador espera que hagan en pantalla. La participación de un personaje externo, una especie de curador de hogares, exorcista, entra al hogar y teme, queda irresuelta su aparicion.

Actividad…me aburrió, en ningun momento me causó temor, miedo pero sí algo de suspenso.

El resultado es un film de poca novedad o avance cinematográfico, un film olvidable al menos para mi, del que seguro saldràn secuelas, parodias…

REC y El Proyecto Blair Witch ya han navegado esta aguas y no naufragado, alcàncenle un salvavidas a Actividad…, por favor.

Nuevamente Emmerich en una pulseada contra la destrucción de la Tierra. En esta, toma la predicción maya de la llegada del Apocalipsis en el año 2012, teoria avalada científicamente gracias a la aparicion de neutrinos gracias a la radiación emitida por el sol, quienes en demasía pueden generar una reaccion nuclear haciendo hervir las aguas a miles de kilómetros bajo tierra y asi, causar extremos cambios climaticos a la altura de tsunamis, terremotos, maremotos, traslado de campos magneticos, polos…

Nada que no hayamos visto ya, sino una mezcla de cine catástrofe, si queremos interiorizarnos podriamos abreviar como un collage de Volcano, Terremoto, La Aventura del Poseidon, Armageddon y las anteriores de Emmerich, Dia de la Independencia y El Día Despues del Mañana. En 2012, se toma por alto la religiosidad del evento crucial, otra vez, un departamento del Estado, arma una operación donde veremos el espiritu norteamericano de dar batalla a toda amenaza contra los EEUU, en esto caso contra todo el globo. Por momentos hubiese creido que el director se habia jugado en contra de lo que manifestaba en Dìa de la Independencia llevando al ridiculo ese “espiritu” en una escena donde el mismisimo Presidente de los EEUU se subia a un avion para combatir a la par de sus soldados, aquí, el inicio plantea un mea culpa que se diluye el terminar mostrando todo lo contrario, sino que encima lo potencia.

Chiwetel Ejiofor, quien trabajó en Redbelt, el excelente film de Mamet que no llegò a la cartelera porteña, compone al unico personaje destacable dentro de esta superproducción un geólogo que descubre maravillosamente todo que estaría por suceder, con similitudes al cientifico interpretado por Jeff Goldblum en Dia de…

Dentro del casting de estrellas venidas a menos en el constante ejemplo de sumarse a un proyecto multimillonario por el solo afan de recolectar unos cuantos dolares, encontramos a actores de talla como John Cusack, alguien que antiguamente no tranzaba con proyectos de esta magnitud, recuerdo haber escuchado de su boca en entrevistas su involucramiento con buenos guiones, de lo contrario no aceptaba propuestas, eran tiempos de City Hall, luego de ella, su mentalidad cambió. Igualmente podriamos mencionar a Thandie Newton y al mismisimo Woody Harrelson, actores que han perdido gran parte de mi respeto. 2012 solo se encarga de mezclarlos en una trama irrisoria para aportar un poco de dramatismo, alguna escena de llanto, emotividad forzada y personajes completamente estereotipados una y otra vez.

Uno de los grandes problemas con 2012, es que nos encontramos con un film de efectos y nada mas que eso, efectos que ni siquiera asombran ya, escenas que ya hemos visto copiadas inclusive en films del mismo director, reproducidas y hasta repetidas al menos en tres ocasiones dentro del mismo film, como por ejemplo una huida en avion despegando mientras las pistas se desquebrajan por un sismo. Están tambien aquellos que van a ver este tipo de films solamente por las escenas de efectos, destrucciones, etc, para quienes me atrevo a decir que son contadas, y no mas que aquellas vistas en el trailer.

Solo queda por decir que alguna vez hubo un director aleman, que entre sus brazos quizo brindar entretenimiento y lo logró con films menores hasta concretar Stargate, una novedosa propuesta que acercó en los 90’ un cine de entretenimiento familiar perdido a manos de Spielberg y otros, recreó una fantasia que sus nuevos y ostentosos films para las masas no han llegado a tener, espíritu ni osadia tal que, sin una historia por detrás por mas que volemos nuevamente la Casa Blanca, el Obelisco, el Pentagono, la Torre Eiffel, y demas, no valdrán màs que una entrada al aburrimiento.

Una espera justificada.

Quizás el estreno tardío de Criatura de la Noche (Let The Right One In) –exhibida en el BAFICI 2008- sirva como ejemplo para demostrar cómo hacer un buen film de vampiros frente a la comercial saga de Crepúsculo con el reciente estreno de Luna Nueva…pero, ¿para qué desperdiciar lineas en “vampiros edulcorados”?, sigamos con lo que tiene para mostrarnos nuestro nuevo amigo, Oskar.

Oskar es un niño, de esos que mantienen de “punto” en esa tremenda etapa de la infancia, por ser distinto? Quizas apenas…mantener distintos intereses, ser callado, reservado, no deberian ser cuestiones por las cuales el resto te haga sufrir tanto.

Por otro lado, hay otra personita que sufre y mucho, ella es Eli, vampira de 200 años en un cuerpo de adolescente. Vecina de Oskar, incomprendida, triste y apagada, convive con un señor mayor que por las noches sale a buscar su alimento, específicamente, sangre fresca. La historia transcurre en un invierno en Suecia, la ciudad cubierta de nieve, tan blanca como para permitir resaltar aun mas, ese color tan rojo que tiene el alimento liquido.

Eli y Oskar, obviamente se conocen, entablan conversaciones nocturnas, ambos esconden sus misterios y comienzan sin querer a profundizar en una relacion casi adulta donde el pesar de ambos es el pilar de la misma. Eli ve en Oskar un niño muy puro, sombrio por fuera pero de limpida alma. Puede compartir algo un niño con una vampiro adolescente? Criaturas de la Noche, ésta especie de fábula dirigida por Thomas Alfredson, más cercana al genero dramático que al de horror / terror, constituye a mi parecer una nueva manera de ahondar sobre la temàtica de vampiros de la cual ya hemos visto demasiado, estos relatos que nos mantienen adictos, donde hay cambios en el comportamiento de uno u otro vampiro, algunos hasta irrisorios y dignos de parodias, pero, en este caso, Eli compone a un vampiro podria decirse en un estado cuasi depresivo, es una perdedora, un fracaso, una vida venida a menos donde el solo conocer a este niño termina “alimentandose”.

Criatura…si debemos compararla con alguna otra obra de vampiros, a mi entender, creo que está muy cercana a El Ansia (The Hunger) de Tony Scott debido a la estetica, tiempos y ambiente opresivo, con rezagos de Near Dark de Bigelow. Es de esos films donde todo a nivel cinematogràfico ha funcionado como una melodia, fluyendo por diversos estados de animo hacia el espectador, mostrando originalidad sobre un genero abarcado cientos de veces, dando una nueva vuelta de tuerca.

Finalmente, hemos “dejado entrar” a la cartelera porteña un excelente film, del 2008, se escurrió entre otros tanques, esperando calladito como Oskar con su mochila en esas frias noches, a la espera que el “boca en boca” frente a las escasas 12 salas en las que se proyecta haga eco. Una experiencia digna de ser vista en cine, para aquellos que hace meses la han visto en reproducciones de dvd, blu rays y copias.

Una nueva saga hollywoodense llega a la pantalla, de esas que acaparan fanáticos alrededor del mundo leyendo las novelas, vistiendose de acorde al film en las premieres, chicas a los gritos con posters del protagonista masculino en mano, clubs de fans por doquier, merchandising, muñequitos, pulseritas, cds, una moda pasajera…

Nueva Luna es la primer continuación de Crepúsculo, en ella tenemos a la pareja inicial, una humana y un vampiro, un amor incontrolable que a la adolescente tiene completamente entregada a su amado, un hombre de cientos de años en un cuerpo flaquito, pálido y veinteañero. Ellos son Bella Swan y Edward Cullen.

En Crepúsculo habiamos visto un rezago de lo que una nueva camada de vampiros, familias de ellos, con un modo de vida particular, vivian entre los humanos, con codigos, devoción por la sangre aunque acordada convivencias con otros, los “hombres-lobo”. En Luna Nueva, se deja de lado el gran hincapié sobre la familia, para pasar a otro terreno, el de los “hombres-lobo”, gente también simpática, mas ruda y con sentido de unidad, enemistados con vampiros y teniendo que cumplir un acuerdo a rajatabla, acuerdo del que una delgada linea los separa y estàn a punto de quebrantar continuamente.

Frente a los obstáculos que los alejan, Bella y Edward se separan, por decision de Ed, es ahí donde entra el tercero en discordia, el “amigo” Taylor Lautner, quien ha cumplido su tarea a la hora de realizar ejercicios de abdominales para lucir en esta continuación. El adolescente cuyo cambio fisico todo el tiempo deambula entre si proteje o no a Bella de quien està enamorado sin correspondencia desde el film anterior.

Ahora resulta que tambien hay un clan de vampiros que pueden quitar la vida a sus pares, y un monton de novedades más.

Soy consciente que estoy escribiendo esta critica con hastio, por que sé que una vez mas me han tomado el pelo con una historia mal llevada a la pantalla, con situaciones imperdonables, inverosímiles, un galan de cuarta, dialogos impresentables, resoluciones sobrecomentadas de esas que no dejan lugar al espectador para resolverlas sino como alguna vez escuché a un par, decir que te las dan “ya masticadas” y a todo esto, lo que mas me enoja es que Nueva Luna me entretuvo.

Sólo queda decir que, la semana que viene se estrena tardíamente Criaturas de la Noche (Let The Right One In), un film de vampiros en serio, que atemoriza, presentado el año pasado en el BAFICI, sobre la historia de dos niños que tambien se enamoran, historias similares, pero ésta ultima sin la descomunal publicidad y copias que Nueva Luna cuenta. Esa es mi recomendación, no pierdan el tiempo en un film que a las escasa horas de haberlo visto, olvidaran.

Una vez al año sufrimos con la nueva entrega de la saga de El Juego del Miedo.

Seis años atràs, el original, resultó ser un producto que supo ser atrayente para las audiencias mundiales amantes y no amantes del cine gore, era novedosa la crueldad representada en el formato de juego por mostrar una trampa mortal de la cual difícil de escapar y con un tiempo limitado, dicho juego comenzó a despertar interés en espectadores, una franquicia que fue creciendo exponencialmente, mucho ingenio utilizado a la hora de componer nuevas trampas-torturas hacia los involucrados por razones inherentes a la historia, pero, en definitiva un recurso que terminó de agotarse hace rato.

Si bien algunos de estos episodios han sido de gore extremo, al que le han sido otorgados extensos minutos de duración, en lo personal habiendo visto otros ejemplos del género, con menor o mayor tenor de crueldad y horror gráfico, El Juego del Miedo, ya me agotó, en gran parte por lo recurrente, salvo el episodio anterior, su quinta parte, en la que se volvía de una manera al suspenso originario de la inicial, un mayor tenor policial, de investigación, con leves dosis de gore. Aquí, en la sexta parte, volvemos como un sube y baja a volver a desmejorar algo que sin ser de excelencia, notoriamente habia brindado una pasable anterior entrega.

El personaje de Jigsaw, a ésta altura ya convertido en un ícono de los films de horror, luego de sucesos previos, aquí aparece gracias a flashbacks que terminan de desenmarañar acontecimientos que no terminaban de cerrar en la saga, pero, como es sabido, siempre surge alguna nueva instancia como para dar comienzo a una nueva historia.

El gran protagonista de esta entrega es un director de una compania de seguros de vida, que ha formulado una ecuación para determinar si un individuo es rentable para ser aprobada su solicitud ante la firma y convertise en cliente. Planteando asi, un juego sobre quien decide quien debe continuar viviendo y quien no.

El film es llevadero, esto tambien es indiscutible, está bien editado y contiene gran cantidad de efectos sonoros que nos sumergiran aun mas en este sufrimiento.

Queda destacar que la saga seguirá su curso, ya convertida en un producto que ha sabido dar reditos, sólo queda preguntar hasta cuando se estirará esta historia ya agotada en recursos.

Años atrás en Argentina, tuvimos que encarar el no poder ver El Extraño Mundo de Jack en cines y esperar a ser lanzada en una edición en formato Vhs o dvd no anamorfica ( nacional o importada ).

Otra vez por su estilo musical, un film no seria estrenado en nuestra cartelera? Por qué los argentinos no ven musicales? Documentales? Films argentinos salvo excepciones. Por qué se concluyó que no encontraría público?

Mi respuesta a estos interrogantes radica en que creo que El Extraño…es otro de esos films que necesitan maduración en el consciente del público. Es animación con “stop motion”, algo no muy habitual para el espectador promedio, y encima cantada…!!!

El film logró imponerse con el tiempo hasta convertirse en los denominados “de culto”, quizas la leyenda en titulos de que Tim Burton haya tenido algo que ver, la escribió y produjo, cuando su nombre ya captaba un conocimiento masivo, había terminado de estrenar sus primeros rotundos exitos comerciales (Beetlejuice, Batman), amante del “stop motion”, demostrado en su corto Vincent, en honor a su idolo Vincent Price, con quien trabajara en El Joven Manos de Tijera.

El film fue dirigido por Henry Selick, quien 3 años luego del estreno de El Extraño…lanzó otro novedoso producto, James and the Giant Peach, seguidas de Monkey Bone y la actual Coraline 2D y 3D.

Como para no quedar fuera del “mundo Burton”, contó con un score musical que conjugó la cordialidad de la fiesta navideña con los tétricos y oscuros festejos de Halloween, por parte de Danny Elfman, quien aportó tambien su voz a los canticos del personaje principal de la historia: Jack.

Qué nos resulta tran atrayente de El Extraño…para que se haya convertido en el éxito que es, ahora con tecnología 3D a casi mas de 10 años de lanzada por primera vez podemos revisionarla año tras año y encima en carteleras? Ni hablar del merchandising que logró imponer.

El Extraño…es un excelente film, uno puede apenas imaginar el enorme trabajo que llevó el minucioso pasaje de la historia a celuloide, la exquisita dirección de arte, la preciosura de los personajes, y ese score que a diferencia de otros musicales, interactua con la historia a la perfección.

Jack es el dueño de Halloween en Halloweentown, lugar donde todo el año se piensa en la preparación del próximo festejo, al igual que en las Navidades. Jack ha sido conducido y vió de qué trata la Navidad y queriendo copiarla, todo le sale mal, no logra captar el espíritu, su naturaleza es otra, tétrica, lúgubre, tenebrosa. Para ello decide nada menos que secuestrar a Santa Claus y llevarlo a oscura ciudad para recrear la felicidad y armonía que no tiene.

El 3D exigido en ésta nueva producción ha sido realizado a partir del master original con la utilizacion de un software que simula el efecto tridimensional con resultados dispares, el film original no fue concebido de esta manera y se nota en su visión. No obstante es un lindo efecto que ha permitido la vuelta a pantalla de este film tan particular, asi que, bienvenida sea en éste formato, digital.