Para bien o para mal las películas de Gaspar Noé son inolvidables. Pasó con “Irreversible” y ahora ocurre con “Enter the void”.

Oscar y Linda son dos hermanos huérfanos que sobreviven en Tokio como pueden: él es un yonki convertido en dealer y ella trabaja como striper. Tras uno de sus "viajes de ácido" el chico sale a la calle y muere de un balazo policial. Desde hace algunos días estaba leyendo “El libro tibetano de los muertos”. Tras la muerte, el espíritu, alma o lo que sea de Oscar deambulará por las alturas de una Tokio psicodélica, como siguiendo las páginas del libro que estaba leyendo.

A partir de una narrativa cinematográfica tan espectacular como original, Noé creó en este filme no sólo un lenguaje visual fuera de lo común sino una experiencia mística controvertida y osada. Es decir, esta vez no sólo se trata de fetichismo y cine presuntuoso; Noé se puso sensible además de provocador, explorando el mundo espiritual, la muerte, las pérdidas, además de los viajes alucinógenos —del plano terrenal al “vacío”, del color intenso a la nada— que, al mismo tiempo, pueden ser vistos como viajes astrales, una especie de periplo desde la muerte a otro tipo de vida.

La narración —vemos todo lo que sucede a través de los ojos del protagonista durante algo más de dos horas y media de película, movimiento de párpados incluido— puede resultar desagradable a más de un espectador pero "Enter the void" es ciento por ciento cine, de eso no caben dudas.

Una como las de antes

Más a medida del Spielberg de “ET” que del director de “Buscando al soldado Ryan”. A pesar de que “Caballo de guerra”, como “Buscando....”, transcurre en gran parte de su metraje en el campo de batalla. En “Buscando...” Spielberg se pone sangriento y cruel como pocos; en “Caballo...” es elegante y enternecedor y, a pesar de que la I Guerra Mundial fue una carnicería, no muestra una gota de sangre. “Caballo...” es una película como las de antes. Rememora los nobles sentimientos al estilo de John Ford o Frank Capra, tipos que confiaban en la inocencia del espectador. Hoy el público ya no es tan inocente. Por lo cual, la fuerza emotiva del filme es su punto más alto y también el mayor estorbo. La escena del caballo cruzando enajenado las trincheras quedará como una de las mejores del cine.

Una maravillosa excusa

¿Se trata de las aventuras de Hugo, un niño huérfano en el París de los años 30, o de un homenaje a George Méliès, el pionero del cine fantástico? En el inicio, el filme se centra en la historia del chico, su relación con el padre muerto, con una máquina que busca reparar; luego, de su vida marginal en la torre del reloj de la estación de trenes y su vínculo con el misterioso dueño de una juguetería. La historia asoma entre romántica y emocionante. Pero luego se vuelve evidente que a Scorsese no le interesa tanto Hugo como Méliès, y la historia del pobre chico aparece como un mero pretexto para narrar en 3D y con la tecnología más avanzada la historia del director de los primeros tiempos del cine. Desde el aspecto de vista técnico, el filme es sobresaliente.

Tres antiguos miembros de las fuerzas militares especiales son contratados por un malvado jeque árabe para matar a los tres miembros del SAS (Servicio Especial Aéreo británico) responsables de la muerte de tres de sus hijos durante una serie de disturbios en el pañis árabe de Omán diez años atrás. Dos de ellos aceptan por dinero, mientras que el tercero lo hace para salvar la vida de un amigo. Nunca sabrá el espectador si Jason Statham puede hacer otra cosa en cine que no sea mostrar sus músculos, dar puñetazos, manejar peligrosamente autos o disparar cientos de balas por película, ya que nunca le ofrecieron otra cosa. Dicho esto, a “Asesinos de élite” le sobran minutos y también un actor —Robert De Niro—. Llevar pororó y gaseosa, así quizá la función resulte soportable.

Se trata de uno de esos filmes que se destacan por su contundencia y no por su originalidad, con un tema tan desagradable como importante. Encima, basado en un hecho real. Kathryn Bolkovac es una policía de Nebraska que sirvió en las fuerzas de pacificación en la posguerra de Bosnia, a cargo del adiestramiento de las fuerzas de seguridad locales. Pronto se entera de oscuras prácticas que salpican a altos funcionarios de las Naciones Unidas y que tienen que ver no sólo con un caso de tráfico sexual sino también la historia de un grupo de jovencitas reducido a un estado de esclavitud lacerante que avergüenza a la especie humana. Una gran actuación de Rachel Weisz y un minúsculo rol de la sensual Monica Bellucci, Lejos del morbo, un relato duro que no decae en ningún momento.

La saga de catástrofes "predestinadas" regresó con la película número 5, pero tras el primer cuarto de hora uno se pregunta si a esta película ya la había visto. En este caso, una vez más, un joven cocinero tiene una visión de su muerte al derrumbarse un puente colgante en obras de remodelación. Y el lema es el de siempre: no importa cuánto corras, no importa dónde te escondas, no puedes engañar a la muerte. Una película que ya tiene su legión de fans desparramados por todo el mundo y que, como era de esperar, repite aciertos y vicios típicos de la franquicia. Precisamente las situaciones predecibles, las mismas que le permitieron sobrevivir todos estos años y convertirla en un subgénero en el cine de terror. Sólo cabe esperar un "Destino final 6".

La nueva "balada" bizarra de Alex de la Iglesia parece decir que el amor, a veces, puede detonar una locura aún mayor que la propia guerra. O mejor: una víctima de la guerra puede desatar una sangrienta carnicería tomando como excusa una historia desgraciada de amor. El filme arranca en 1937 con el payaso tonto reclutado a la fuerza por los milicianos en plena Guerra Civil y su hijo viéndolo todo desde atrás de sus anteojos. En los 70, el hijo, siguiendo el camino paterno, entra a un circo como el payaso triste y así arranca una historia compartida entre dos payasos apocalípticos, enfrentados por el ambiguo amor de una bailarina. Una mezcla de novela gótica, comic de humor negro y gore. Una arriesgada propuesta no apta para todo público y con 20 minutos finales donde el lado más salvaje hace explotar a todo por el aire.

Hollywood exprimió hasta dejar seco el caso de “matrimonio con pequeños hijos se muda a caserón antiguo y empiezan a pasar cosas raras”. Una verdad de Perogrullo. Otra: en los tiempos que corren asustar es una tarea harto difícil para el cine. Espantarse en una sala de cine es casi algo inaudito. Por todo esto “No le temas a la oscuridad”, la película producida por Guillermo del Toro, a pesar de tener un comienzo a puro terror gótico y a contar con un desarrollo más que aceptable de la intriga, la historia pierde convicción y cae en un pozo que rebalsa de efectos especiales pero que no llegan a meter miedo. El osado final levanta el puntaje de este filme que cuenta la historia de cuando Sally Hurst, una niña retraída, se traslada a Rhode Island para vivir con su padre y su nueva novia, en una mansión del siglo XIX que están reformando.

Combinación perfecta

El "nuevo" César está más cerca de King Kong que de los monos civilizados de la saga de "El planeta...", lo cual tiene cierta lógica ya que se trata de la precuela de la historia, es decir, como bien indica su título en español, "El planeta de los simios (r)evolución", es la primera revolución de los primates en la sociedad humana moderna, la evolución de los monos. Claro que las precuelas, por principio, no deberían existir. ¿Qué derecho tienen de contarnos el origen? ¿Por qué acabar con el misterio de cómo se volvieron inteligentes los simios y llegaron a esclavizar a los humanos? El filme de Wyatt da esa respuestas y, olvidándonos de lo anteriormente escrito, es una gran película: la combinación perfecta de efectos especiales, calidad de guión, trepidante ritmo, gran pulso emotivo y un mensaje ecologista y pacifista. ¡Si hasta dan ganas de tener un amigo como César!

La nueva película del director de “El maquinista” narra la historia de cuatro personajes que, tras un extraño incidente que hace desaparecer a toda la población de una ciudad, se refugian en el mismo bar, el único lugar seguro que queda. El cuarteto trata de escapar de un ente tan abstracto como la oscuridad misma que se ha apoderado de la ciudad. Aquí, parece ser que la ausencia de luz el enemigo principal. Una película apocalíptica, con el misterio instalado en el origen mismo de esa extraña oscuridad y el suspenso derivado de si los personajes lograrán escapar de esa pesadilla. Lo destacable es la atmósfera de suspenso y lo reprochable que esa intensidad se vea menguada con el correr de la narración. Un intento en desmarcarse de la reiterativa y ya tradicional línea apocalíptica-adolescente de algunas películas.

La historia sucede en un pequeño pueblo de Ohio, en 1979. Seis chicos quieren rodar con su cámara una película de zombies. Cuando se encuentran rodando en una vieja estación de trenes un camión choca violentamente contra una locomotora y el largo convoy descarrila ocasionando un espectacular siniestro.La cuestión es que en el accidente descarrila también un vagón de la Fuerza Aérea, del que escapa una extraña criatura de procedencia desconocida. Inevitable comparar "Súper 8" con "E.T", tanto porque se trata de las aventuras donde un grupo de niños se topa con un peculiar visitante y también porque, como Spielberg, a través de los ojos de los chicos protagonistas captura el genuino sentido de la maravilla y la imaginación de lo desconocido, así como la inocencia infantil. Un regreso encantador a los tiempos inocentes.

Un mundo melancólico

Jorge vive con sus padres y trabaja en una cinemateca de Montevideo desde hace 25 años. Desempeña tareas técnicas, de programación, y conduce un ciclo radial sobre cine. La cinemateca está en una situación cada vez más crítica y Jorge, que nunca trabajó fuera del cine, se queda sin empleo, por lo que tiene que cambiar su forma de vivir. Una narración gris, melancólica y sencilla. Un pequeño cuento de cine a través del cine, sobre un ámbito, el de los cine clubes, que vertiginosamente ha ido perdiendo terreno en los últimos años. También, es un homenaje a ese mundo, sus hacedores y sus espectadores. Sorprendente protagónico de Jorge Jellinek, un crítico de cine uruguayo, y la inclusión de la canción "Los caballos perdidos" de Leo Masliah junto a la secuencia de los fotogramas de los jinetes. Una producción pequeña y en blanco y negro. Un filme para cinéfilos.

2011: odisea en el tren

Un hombre despierta en un tren. Según su memoria, debería estar combatiendo en Afganistán para el ejército estadounidense. Pero no. Está sentado en el tren, y frente suyo se encuentra una bella joven quien asegura conocerlo. El tren está entrando a Chicago. Enseguida, el tren explota en medio de una bola de fuego y el mismo hombre despierta en una gélida cápsula. Desde una pantalla una mujer intenta hacerle entender quién es él y por qué no ha muerto con la explosión, qué está haciendo allí, cuál es su misión. El escenario de "8 minutos antes de morir" es acotado: el interior de un tren y de una cápsula espacial o algo así y pocos exteriores. Parece inspirada en las series futuristas de los 80 basadas en relatos de Asimov o Philip Dick. Lo mismo la película logra seducir y atrapar, a partir de la trama, de la creíble actuación de Gyllenhaal y desde la dirección del desconocido Ducan Jones, hijo de David Bowie.

Sencilla y universal

No hay historia más universal que la de dos personas que cruzan sus caminos de forma inesperada pero que termina siendo definitiva. De esto se trata "Mis tardes ...", además de ser un relato sencillo y delicioso. Germain deambula por el parque cada día y cuenta las palomas. En uno de sus paseos conocerá a Margueritte, también asidua observadora de las aves. La película centra la atención en contar con naturalidad el descubrimiento mutuo del hombre tosco y bruto y la adorable anciana sin detenerse en detalles de sus personalidades y vidas, lo cual le da agilidad al relato pero, al mismo tiempo, envuelve a las escenas de un tono caricaturesco. Al final el dolor refleja una puerta entreabierta a la felicidad, que en el fondo es lo que propone el veterano director con esta simple historia.

Una pareja con química

La historia de "Una esposa..." es bastante simple y predecible: un hombre madura desea conquistar a una mujer mucho más joven que él, y para despertar su interés, contrata a su asistente, una madre soltera y a sus hijos para que finjan ser su familia, a fin de demostrarle a la chica que su amor por ella es tal que está a punto de divorciarse de su mujer, pero al final, termina enamorándose de la asistente. De todos modos, el filme se hace llevadera por algunos buenos gags y la gran química de la dupla protagónica, por lo cual los seguidores de este comediante no se van a sentir defraudados. Una gran sorpresa fue la de ver a Nicole Kidman y al músico Dave Mathews haciendo de un matrimonio bastante careta. Como valor añadido cabe apuntar que la película dura casi dos horas, algo más que la mayoría de estas comedias, y resulta entretenida hasta el final.

Guerreras de Disney

Cinco Barbie con su vestimenta sexy eliminando nazis mutantes o pulverizando asquerosos orcos, es demasiado. La nueva película de Zack Snyder parece salida de la fantasía made in Disney aunque haya un prostíbulo de por medio, y fluctúa entre la narrativa visual del videogame y el videoclip. De todos modos, se trata de un imaginario demasiado limitado y previsible, como que una jovencita a la que llaman, oh casualidad, Babydoll, ingresa a una supuesta clínica psiquiátrica cuando ¿en realidad? es un prostíbulo y para intentar escapar de una lobotomía se une a otras cuatro chicas. Y cuando Babydoll baila ocurre algo mágico y entonces aparecen los spots con soundtracks, lo mejor del filme, con covers de los Pixies, Roxy Music, los Beatles y hasta de Jefferson Airplane en las voces de Bjork y Emily Browning, entre otros. ¡Volvé "Blade Runner!

Está escrito, Nicolas Cage pasará a mejor vida por su rol en "Morir en La Vegas". Es cierto, después hizo muchísimos papeles, aunque buenos muy pocos. Películas de acción, en su mayoría, algo flojas de guión aunque difíciles de imaginar sin su abrupta aparición. Algo de esto pasa en "Infierno..." donde el hombre, encima en 3D, dispara tiros a los espectadores y amenaza a los mismos desde el volante de sus temerarios Dodge Charger y Chevy Chevelle. Las caderas de Amber Heard también amenazan a las primeras filas. Un festival de fierros retorcidos, sangre y de brazos y piernas voladas por ametralladoras. Cage es John Milton, el hombre que ha perdido el paraíso y que regresa para vengar la muerte de su hija y recuperar a su bebé. Una película simpática.

La dudosa inseminación.

Kassie cumplió los 40 y sigue sin encontrar a su príncipe azul. Decide no esperar más y recurre a la inseminación artificial para tener un bebé. Siete años después vuelve a Nueva York y se reencuentra con su neurótico e inseguro mejor amigo, Wally, quien, curiosamente, comenzará a sentir una fuerte e inexplicable conexión con el hijo de Kassie, Sebastian, un niño con el que comparte algo más que sus múltiples manías y excentricidades. Claro que para llegar a esta instancia, los debutantes Gordon y Speck primero quieren hacer creer que se puede intercambiar alegremente el semen de un donante por el de otro en el mismo recipiente sin perder su efectividad. El buen trabajo de Jason Bateman no alcanza para redondear el filme. Quizá el enredo sea excesivo o el final, previsible. Pero hay algo que atenta contra esta comedia.

Veteranos en acción.

Una comedia de acción muy divertida. Una banda de agentes retirados de la CIA, más un ex KGB, más una empleada telefónica, perseguidos por el mismísimo vicepresidente de EEUU que, a través de la CIA, los quiere eliminar. El grupo, comandado por Frank Moses o RED (Retirado Extremadamente Peligroso), reúne a varios actores de renombre, algunos más veteranos que otros, que parecen divertirse de lo lindo en el filme: Bruce Willis, Morgan Freeman, John Malkovich, Helen Mirren y Brian Cox. En la historia, la CIA es mostrada como una cueva de asesinos a sueldo. RED fue uno de sus asesinos en el pasado y hoy jóvenes y vigorosos agentes lo quieren asesinar. Entre risas y tiros, el filme también da a entender que no siempre la sangre joven triunfa sobre las arrugas y la experiencia. Está dicho, el zorro pierde sólo el pelo.

El vertiginoso Facebook.

Start-ups se les llama a las empresas de jóvenes emprendedores que nacen en internet con escaso presupuesto y buscan financiación en inversores de capital de riesgo. Facebook fue una de las más exitosas compañías que se iniciaron así, y Mark Zuckerberg, su fundador, es el actual multimillonario más joven del mundo. Su historia, desde su idea original en Harvard tras una derrota sentimental hasta las dos demandas judiciales que tuvo que enfrentar es el leit motiv de “Red social”. Es un filme sobre la amistad, los negocios, las traiciones, el egocentrismo y, sobre todo, las prioridades de una casta de jóvenes entre genios y estúpidos. La película tiene un ritmo infernal, una excelente banda sonora y buenas actuaciones. Le juegan en contra que la puesta no llega a apasionar y que las orgías parecen fiestitas de párvulos de películas clase B.

La liberación de Steve.

Es la tragicómica vida de un impostor nato. Alguien que, acostumbrado desde chico a sobrevivir con la mentira de su familia biológica y el ocultamiento de su homosexualidad, convierte el engaño en un modo de vida. Así, Steve (Carrey) se hace policía en su ciudad natal, se casa con una buena chica, tiene una hija y lleva una vida social plena. Todo hasta que descubre quién es su madre biológica. Aquí empieza la verdadera liberación de Steve. Su oficio de embaucador lo ayudará a tener la vida soñada, es decir, de ensueño gay. Carrey, que demostró más de una vez (“El mundo de Andy”, “El show de Truman”) que cuando tiene en manos un buen guión es mucho más que un tonto con una endemoniada flexibilidad facial, está excelente en “I Love You Phillip Morris”, que en aquí lleva el horrible título de “Una pareja despareja”.

Otro descenso sangriento.

Es la segunda vez que la ahora gran superviviente inicia un descenso a los infiernos a rescatar a un grupo de seres atrapados. Y, contra la regla de que segundas partes generalmente son un bodrio, “El descenso 2” es una secuela dignísima de un clásico moderno del cine de terror. Sarah sobrevivió. Es solicitada por el sheriff local para volver a la cueva acompañando a un equipo de rescate que intenta averiguar qué demonios (nunca más literal) sucedió bajo tierra. Y, se sabe, volver a descender a ese terrorífico y oscuro lugar pone los pelos de punta a cualquiera. Por eso la mujer se muestra tan confusa como agotada. Tal vez, la sorpresa ya no es lo más importante en este descenso, aunque la cuota de sangre, diversión y acción está asegurada.

La justicia en la picota.

El cine de Piñeiro, quizá por ser argentino, pasará más inadvertido que las películas de Michael Moore, pero causará una polémica similar. En "El rati...", y a partir de la llamada "Masacre de Pompeya" de 2005, donde un tal Fernando Carrera fue sentenciado a 30 años de prisión, Piñeyro denuncia la corrupción del sistema legal argentino, y esto implica no sólo a jueces y fiscales sino a la policía, los testigos y los medios de comunicación que suelen dar como hecho real a la versión que les cuenta la policía. Piñeyro no se muestra neutro; da la cara e ironiza desde un estudio y entrecruza material de archivo de los noticieros con las argumentaciones de fiscales y jueces, con el fin de demostrar la inocencia de Carrera. ¿Lo logra? Para saber la difícil respuesta hay que ir al cine y ver la película.

Un argumento trillado.

Spencer es un superagente secreto del gobierno que decide abandonar su trabajo cuando encuentra a la mujer de sus sueños y, entonces, se casa con ella. La felicidad dura poco, ya que han puesto precio a su cabeza. No sabe quién va tras él, pero sabe que puede ser cualquiera... hasta su más próximo vecino. Se trata de una de las tantas comedias de acción norteamericana que busca, una vez más, sacarle jugo al tema de maridos espías esposas que no saben nada de su doble vida. El filme llega con el buen precedente de estar dirigido por el director de "Legalmente rubia", pero, lamentablemente, el guión parece escrito por guionistas novatos y algo tontos. Por otro lado, afortunadamente todo sucede rapidísimo y la pareja protagónica rema el filme de la mejor manera. También es muy graciosa la aparición de los temibles asesinos.

Una comedia cálida, fresca y predecible.

La ironía y la franqueza sin rodeos de Erin (Drew Barrymore, toda una referente de la comedia romántica clásica) cautivan al recién declarado soltero Garrett (Justin Long) con un par de cervezas frías, una conversación trivial de bar y un buen desayuno a la mañana siguiente. Erin es una estudiante de periodismo con futuro y Garret trabaja en una compañía discográfica en Nueva York. "Amor a distancia" es la típica comedia romántica norteamericana, donde los personajes se enamoran, tienen que separarse y, al final, tienen que resolver... En fin, situaciones esperables y lugares comunes entre tantos aviones que suben y bajan en los aeropuertos y buena música pop. De todos modos, el filme logra entretener a base de secuencias donde se destaca el humor, sobre todo a partir de un par de personajes secundarios.

En camino al duelo final.

Irlanda del Norte, 1975. Alistar Little asesina a James Griffin. Lo mata para ganarse el respeto de sus superiores de la Fuerza Voluntaria de Ulster, un grupo paramilitar protestante en guerra con el IRA. Joe, el hermanito de James, ve cómo Alistar dispara, pero no hace nada para detenerlo,ganándose el odio y los reproches eternos de su mamá. Alistar y Joe quedan traumados: el primero por la mirada del nene, y el segundo por las quejas maternas. En 2005, los dos son contactados por un programa sensacionalista de TV para ponerlos cara a cara y se reconcilien. Pero Joe quiere sus 5 minutos de gloria. El director de "La caída", todo un especialista en dramas claustrofóbicos, ubicó su cámara y su espíritu como si se tratara de aquellos viejos western: un pasado doloroso, la soledad actual y, obviamente, el camino solitario de cada uno hasta el duelo final.

Vacua aventura de los sucesores de Merlín.

Un enfrentamiento milenario entre sucesores del Mago Merlín que extiende sus poderes hasta el siglo XXI en plena Nueva York. Esta es la nueva propuesta del sello Disney, de los mismos creadores de “La leyenda del tesoro perdido”. Cage es un maestro de la magia _obviamente, sobreactuado_ en Manhattan que intenta defender a su ciudad del malvado Maxim Horvath (el gran Alfred Molina). Para poder lograr el objetivo, recluta a su protegido, un jovencito universitario (Jay Baruchel), una especie de Harry Potter, al menos en el intento en parecérsele. Las impactantes luchas cuerpo a cuerpo invaden la primera parte del filme, en medio de la pirotecnia cinematográfica. Efectos especiales, mucha acción y una narración sin dobles lecturas a pesar de ser como un círculo que nunca termina de cerrar, redondean una película tan entretenida como vacua.

La película "La carretera" es el extraño caso de un excelente filme, sobre todo porque supo hacer una adaptación fiel de la novela en que se inspiró. Es, también, una película que resulta pesada, cargada de pesadumbre, difícil de asimilar y, sobre todo, un canto a la dignidad humana sintetizado en el vínculo entre un hombre y su hijo recorriendo la carretera de un país (¿o planeta?) desvastado no sólo en términos geológicos sino también humanos.

Estas mismas sensaciones son disparadas sobre el lector por la novela del estadounidense Cormac McCarthy. Por esto, seguramente, la novela del autor de "En la frontera" y "Ciudades en la llanura" más que una fuente de inspiración fue para el director Hillcoat una joya literaria a traspasar al lenguaje del cine tomando el mayor de los recaudos a fin de que ni siquiera sufra un rayón en el intento.

Así, la película que uno se imagina mientras lee la novela de Cormac McCarthy será, casi con seguridad, la que verá en la pantalla grande. La atmósfera minimalista, el aire sucio, los bosques grises o gélidos, los suelos ásperos y la frialdad de los movimientos distanciada del melodrama pero, página a página y cuadro a cuadro, siempre al servicio de la historia: es decir de un futuro de pura incertidumbre ligado al presente sólo por el miedo y el deseo de llegar a, quizá, ninguna parte.
Los temores del padre en esta historia pueden ser los mismos miedos de nosotros como padres: el peligro y la muerte acecha al más pequeño. Y ese lazo tan fuerte que une al padre con el hijo en un contexto de situación límite –la más cruda supervivencia– hasta puede ser un duro cachetazo a los padres e hijos de hoy, inmersos, muchas veces, cada uno en su propio mundo virtual y egoísta.

"La carretera" trata de la odisea de un padre y un hijo (Viggo Mortensen y Kodi Smit-McPhee) vagabundos y sobrevivientes en una tierra devastada por un cataclismo, de cómo luchan por mantenerse vivos –anto frente al hambre como a las bandas de caníbales– o por retrasar la inevitable muerte, y también por llegar a la costa marítima del sur. Con un argumento parecido, cabe señalar, el cine produjo varios bodrios futuristas, con escenas desmedidas de acción y lacrimógenas.

Para quien no leyó la novela de Cormac McCarthy, la película le resultará también tan excelente como pesada, cargada de pesadumbre, difícil de asimilar y gris, muy gris, bajo las tristes melodías de Nick Cave.

Muy buenos trabajos del dúo protagónico y de Charlize Theron en los varios flashbacks con su contraste luminoso y colorido.

A pesar de su desarrollo algo confuso, donde los vericuetos de la trama a veces se cierran innecesariamente, esta comedia irónica de Vaughn merece ser vista mucho más que varias superproducciones que avanzaron sobre el mismo terreno. Lo que el espectador debe tener en cuenta desde el principio, si quiere ser cómplice de esta aventura, es que la mira desde donde observa esta colorida revisión de los mitos del cómic es, sobre todas las cosas, sarcástica. La ultra violencia de las escenas también tiene que ver con lo sarcástico del show. Así, el justiciero enmascarado, este superhéroe de la era digital llamado Kick Ass, puede llegar a satisfacer tanto a los internautas –sobre todo los generación youtube– como a los más desinformados, así como en la ficción cumple las expectativas de las capas medias neoyorquinas, esa misma gente que lo convertirá en un auténtico fenómeno popular en la ciudad. Claro que él no es el único superhéroe en Nueva York. Muy buenas actuaciones (hasta la de Nicolas Cage), siempre en beneficio de sus personajes, aunque sobresale Chloe Moretz, una niñita que va a dar mucho de qué hablar. Divertidísima película, violencia con mucho humor y emoción.

“Es posible, Oliver, cambiar la historia”, dice sobre el cierre de “Al sur de la frontera” el presidente venezolano Hugo Chávez al director de la película, Oliver Stone, como si fuera el mejor actor latino de la Meca del cine del Norte.
Ese mismo Norte que apunta al sur del río Bravo, y esta vez en la apertura del documental, a pura mezcla de chauvinismo e ignorancia en la imagen y audio de una ¿periodista? de Fox News en pleno gobierno de George W. Bush, indignadísima con Chávez quien, supuestamente, había confesado su adicción al “cacao”. La cara de sus compañeros de piso enseguida muestran el equívoco: el oscuro objeto de descarrío del líder bolivariano no era el cacao sino la coca.
Así, durante los primeros quince minutos, Stone propone una cadena de ejemplos de la perorata mediática de su país contra los nuevos líderes de las democracias latinoamericanas que no están de acuerdo con la política neoliberal de su nación, apuntando, sobre todo, a Chávez y al presidente indígena de Bolivia, Evo Morales. Líderes demonizados por el gobierno de Bush y los medios de comunicación del país del Norte. Y, a la vez, rescatados por Stone, un director también del país del Norte, pero rebelde a los cánones de la Academia. Para ratificar esto solamente basta recordar títulos polémicos tales como “Nixon”, “Pelotón”, “JFK”, “Wall Street” o “Nacido el 4 de julio”.
También, “Al sur de la frontera” puede verse como la saga de sus dos documentales sobre Fidel Castro (“Comandante” de 2003, y “Looking for Fidel” de 2004) que continuará, según anunció en su periplo latinoamericano de presentación del filme, con una película sobre Evo Morales.
El objetivo inicial es presentar a los líderes del nuevo socialismo del siglo XXI en América latina y el segundo es denunciar a los medios masivos de comunicación de Estados Unidos.
Stone, como entrevistador e indagador en la vida y obra de estos nuevos fenómenos, aparece tan dócil como sumiso. Y en este sentido, el laureado director actúa como un espectador más, obnubilado frente a Chávez como Kusturica ante Maradona en su reciente documental.
Stone se dio el gusto de pasearse con sus nuevos héroes latinoamericanos pero, para el público de estas tierras, no pasa de eso: de un paseo rápido por las vidas de los presidentes del Sur que no aceptaron las fórmulas de recesión del FMI ni las recetas neoliberales de quienes los precedieron en el poder. Quizá sea una película destinada a informar al público norteamericano. Pero, ¿le interesará?

La historia es cautivante y la puesta sumamente sugestiva. El trasfondo, un mundo sin libertad y encerrado en una realidad decadente. Obviamente, se trata de un período entreguerras. Ambientada en Inglaterra, en los años previos a la Segunda Guerra Mundial,"Regreso a la mansión Brideshead" relata una historia de amores prohibidos, en donde el encuentro entre dos realidades formará un triángulo que terminará con la frescura e inocencia de sus protagonistas. Con un elenco de grandes actores como Emma Thompson, Matthew Goode ("Match Point"), Ben Whishaw ("El perfume), la película describe además la decadencia de la aristocracia católica inglesa de la época y su estilo de vida (léase, los prejuicios de clase y religión). En este escenario se debatirán los personajes como si fueran marionetas guiadas por una sociedad intolerante e hipócrita.

Una película que logra entretener del principio al fin, a pesar de no tener nada que ya no se haya visto en el cine. Hay una buena historia que será disfrutada por los seguidores de los policiales. Tres historias independientes, cuyos protagonistas se van cruzando, aunque los conflictos están bien delimitados. La película se centra más en el drama que la acción y se destacan las historias que protagonizan Ethan Hawke y Don Cheadle. La protagonizada por Gere se parece al tipíco cuento del policía conflictuado y acabado que busca la redención. Y todas las calles del distrito 75 y la zona de Junior Street, que difícilmente uno va a conocer como turista, es la otra parte de Brooklyn que no se ve en los folletos de las agencias de viaje. Y sólo a través del cine se puede ver desde aquí.

Polanski es un avezado constructor de atmósferas y el suspenso es el mismísimo aire que le da vida a sus películas. Desde aquel genial "El bebé de Rosmary". A veces, la atmósfera está acorde con la realidad de lo que se cuenta y de lo que se oculta y otras veces, los caminos se enriedan demasiado, tal cual ocurre en "La novena puerta", o a veces esa atmósfera es mucho más grande que el hecho que permanece oculto y está a punto de ver la luz. Tal como ocurre en el thriller político recién estrenado "El escritor oculto". Adam Lang, ex primer ministro británico, contrata a un escritor para que le ayude con sus memorias. El anterior escritor reclutado para dar forma a las memorias aparece muerto en la playa.La narración es amena, llenas de dobles lecturas y trampas lógicas, con un final rebuscado.

Con una narración bastante monocorde y pretenciosa, y una estética del cine argentino de los 60, acentuada por la fotografía en blanco y negro, "La hora de la siesta", que ganó como mejor filme latinoamericano en la última edición del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, se las arregla para contar con imaginación y pulso sensible las vivencias de una chica llamada Franca y su hermanito Guido durante las horas que procedieron a la muerte de su padre. Los chicos salen a pasear por el barrio, la plaza, la iglesia y por una casa vecina donde vivirán momentos realmente extraños. Mientras tanto, transcurre el velorio en una casa invadida de familiares. Está escrito, dirigir chicos no es nada fácil, y a la debutante Sofía Mora esta cuestión le quedó pendiente. También no aprobó en algunas cuestiones del guión que hacen que algunas situaciones se vuelvan grotescas.

Varias críticas de “Un hombre serio” señalan que los hermanos Coen deberían dejar de lado las comedias porque lo mejor que hacen es el cine negro y lo que mejor cuentan son las historias lúgubres. Obviamente, encuadran a “Un hombre serio” como una historia que busca arrancar una sonrisa, cuando en verdad se trata de una historia tan lúgubre como “Fargo”, y cuando arranca una sonrisa siempre es el resultado de una situación esperpéntica o de una mirada aguda e irónica.
Esta vez los Coen pusieron en el centro de la mira al judaísmo (otras veces solamente lo bordearon) y se despacharon a gusto sobre la religión de sus ancestros, casi como Woody Allen pero sin tanto humor. Es una radiografía sobre la sociedad judeoamericana actual. En realidad, de los años 60. Larry Gopnik (un estupendo Michael Stuhlbarg) es el hombre serio de la historia: padre y marido honrado, honorable profesor y un buen judío. También un tipo de poco carácter. De golpe su estabilidad emocional —y también económica— se ve amenazada por la infidelidad de su mujer, un alumno coreano extorsionador, un vecino que parece salido del Ku Klux Klan, un pariente desquiciado y hasta por una vecina que toma sol desnuda y fuma marihuana que intenta seducirlo. Larry, confundido, decide buscar una respuesta recurriendo a varios rabinos de su comunidad.
Cruel, ácida, aguda, siempre inquietante. Así es “Un hombre serio”. Y con un final estupendo.

¿Cómo explicar un filme de Terry Gilliam? O peor aún, ¿cómo calificarlo? Quizá valga decir que los delirios (llamémosle dialéctica fantasía/realidad) del director de “Brazil” nunca llegaron tan lejos como en “El imaginario mundo del Dr. Parnassus”. Encima, la muerte de Heath Ledger en medio del rodaje le agregó a la película un manto de oscura maldición secreta. Un manto similar al que cae sobre el Dr. Parnassus, que posee el don de guiar la imaginación de los otros, pero que, jugador empedernido, miles de años atrás hizo una apuesta con el Diablo (un gran Tom Waits), con la que se ganó la inmortalidad, a condición de entregarle a su hija al cumplir los 16 años. El Imaginarium de Parnassus es como un circo ambulante y medieval en pleno siglo XXI y entrar en él, queda claro, es entrar al mundo onírico de Gilliam.

Un barrio obrero en la zona norte de París en 1936. Un teatro endeudado obligado a cerrar. Y un puñado de personajes que quieren seguir adelante como sea y reabrir el lugar a partir de un hipotético éxito. Un melodrama de puro sabor francés, con retratos trazados desde la ternura y apelando a los buenos sentimientos del espectador. La historia funciona bien a pesar del tufillo sensiblero y nostálgico. Los números musicales y el tono cómico de algunas escenas impiden el aburrimiento y hay que destacar la recreación histórica de París.