La huelga

Radu Mihaileanu nos presenta en este film una fábula sobre el lugar de la mujer en la sociedad musulmana. Una premisa que en un principio resulta simple, las mujeres realizarán una huelga de sexo hasta que los hombres se dignen a traer agua de la fuente, una tarea que hasta ese momento estaban obligadas a realizar ellas. Esta premisa en un contexto cultural tan fuerte se llena de aristas y derivaciones hasta alcanzar un retrato completo de esa sociedad. Política, educación, religión, sexualidad, amor, todo es tocado y trastocado a raíz de la huelga de éstas mujeres.

La película presenta una fotografía y un sonido impecables. Por momentos roza el musical y el director hace uso de esto para dar mediante las letras de las canciones cantadas por las mujeres una visión de ese mundo y la postura de la mujer ante ese mundo. Las aguas se dividen sin embargo, poco a poco algunas mujeres se hacen combativas, otras, resultan más machistas y reaccionarias que los hombres y todo esto transitando por el drama y la comedia de buena calidad.

El guión de La Fuente de las Mujeres no tiene fisuras, la película se desarrolla inteligentemente, se ramifica por momentos recurriendo a algún que otro micro-relato que sin embargo tiene mucho que ver con el agua, con las mujeres y con el amor porque en este universo todo parece relacionarse con éstos tres ejes que la película analiza al máximo desde las acciones y no desde las palabras, en este sentido no sólo es de destacar el trabajo de su director si no el de todos los actores, protagonistas y secundarios que realizan un excelente trabajo.

La Fuente de las Mujeres es una película interesante que sobre todo relata una historia interesante, con más de realidad que de fábula, que pudo haber caído en un ritmo lento y analítico transformándose en sociología fílmica pero que por el manejo del humor y el drama de la mano de un muy buen director se convierte en un film muy recomendable a pesar de tener algunos minutos de más.

Nuevos Aires

A decir verdad el trailer de El Último Elvis me había comprado desde el primer momento en que lo vi y para continuar sentía una inquietud bastante importante por ver que tipo de cine nos iba a plantear el Armando Bo Jr., siendo hijo de Victor y nieto de Armando, con todo este bagaje llegue al cine a ver su ópera prima y debo decir que me alegra enormemente el resultado final de su obra.

¿Porque siento alegría? Preguntará el lector, porque hay un nuevo cineasta argentino que promete y mucho.

El Último Elvis retrata la vida de Carlos (o Elvis como se hace llamar) un imitador del rey del rock´n roll que se encuentra en un punto culmine de su vida. Carlos (John Mc Inerny, catalogado como el mejor imitador latinoamericano de Elvis) camina todo el tiempo en el terreno de la decadencia y está siempre al filo del abismo del patetismo y ahí es donde radica la grandeza con que Bo lleva el relato porque desde el argumento y desde la puesta de cámaras el director no juzga en ningún momento al personaje y eso se transmite directamente al público, en El Último Elvis no hay nada en lo puramente narrativo que nos haga juzgarlo y si el espectador termina haciéndolo es por proyectar sobre esa realidad y ese personaje algún sentimiento profundo, latente.

Armando Bo crea una cámara fisgona y al mismo tiempo una "cámara moral", una cámara que se debate todo el tiempo entre mostrar y no mostrar, entre juzgar y no juzgar las acciones personales de Carlos, una cámara que se esconde, que se acerca silenciosa, que deja de lado los encuadres académicos en pos de la construcción del retrato de este hombre que sufre la mayor pena que una persona puede sufrir, Carlos está encerrado en una vida que no es su vida, y ahí hay una esposa, Priscilla (Griselda Siciliani) y una hija llamada Lisa Marie (Margarita López). A pesar de alimentar su mundo interior y sus deseos con sus nombres ellas dos no pertenecen a su mundo, él las desconoce, se desconoce y lucha entre este don de tener "SU voz" como el afirma y no poder tener "SU vida", esta lucha se aclara más cuando Elvis sube al escenario, ahí en ese que es su reino la "cámara moral" desaparece y se transforma en plano secuencia que gira alrededor del ídolo como atraído por su propia órbita, en ese momento, nada más existe, sólo él y su enorme pasión, pasión que John Mc Inerny transmite como nadie.

El final como resolución del conflicto es otro elemento a destacar, algún que otro critico no lo entendió por lo que pude ver, tal vez se fueron antes, tal vez olvidaron que el primer fotograma de una película y el último son esenciales para entender cualquier film, de todas maneras esto Armando Bo lo tiene claro y eso es lo importante, que el realizador lo tenga claro, por eso el último fotograma de El Último Elvis es fundamental para entender los últimos 10 minutos, para comprender que pasó o no pasó en Graceland (que dicho sea de paso se recreó de manera sublime desde el arte).

El Último Elvis además de ser una gran película es una promesa, un lugar donde poner fichas en el futuro, esperemos que todo esto que generó no haga agua y que Armando Bo siga por este camino, su camino.

Cambio de hábito

La saga REC compuesta de la primer y segunda parte fue una propuesta diferente respecto a lo que el terror venia dando, esas dos peliculas junto a las que proporciona el nuevo cine francés de terror fueron el pilar de este género en esta nueva era.

Esta tercera parte, esta vez sin la presencia de Jaume Balagueró en la codirección, comienza firme en el estilo que consagró a sus antecesoras pero rapidamente deja el estilo de falso documental para tomar un estilo más "académico". Este abandono del estilo no pasa desapercibido, el director Paco Plaza decidió darle a este acto una potencia simbólica deteniéndose en esa cámara de video rota cuya luz de "Rec" muere lentamente. De ésta forma muere la saga y comienza una película que nada tiene que ver con las anteriores.

[REC] 3 Génesis deja el terror y el suspenso para sumergirse en el humor negro y los guiños hacia otras películas del género como la enorme saga Evil Dead de Sam Rainmi son moneda corriente. El problema de este volantazo es que uno tiene una idea del mundo que se nos va a mostrar al ver REC, entonces los primeros chistes, al no estar bien llevados tampoco, se convierten en desaciertos. Poco a poco uno se va metiendo en la propuesta, se deja llevar por el gore exagerado, por los guiños, por el humor y los disfruta pero siempre con un cierto resquemor.

Es muy interesante que se le halla dado un vuelco al estilo y que se halla ahondado en el humor pero hay que tener mucha muñeca para hacer un cambio así en la tercer parte de una saga que no sigue ese color y Paco Plaza en algunos momentos no logra esa muñeca por la simple razón de no comprometerse del todo con ese tono tampoco, entonces lo que queda es algo tibio y que lamentablemente no llega a comprenderse del todo.

Una vuelta al cine épico

El director Jean-Jacques Annaud (Enemigo al Acecho, El Nombre de la Rosa) vuelve al cine de la mano de un film épico que remite desde su fotografía, puesta de cámara e incluso desde la estructura narrativa a las producciones de este estilo en el cine hollywoodense de los años 50 y 60.

La película transita por diversidad de temáticas, algunas más logradas que otras, que surgen principalmente del camino que transitará Auda (Tahar Rahim) para convertirse en el referente de la unificación de los pueblos, en ese sentido funciona como una precuela del film Lawrence de Arabia de 1962 en donde Auda era representado por el gran Anthony Quinn.

En El Príncipe del Desierto se transita por situaciones que resultan demasiado predecibles pero éstas situaciones están contadas y mostradas de manera coherente lo que salva a la película del bochorno total. Las escenas de acción están muy bien dirigidas, el montaje resulta eficaz y junto con la fotografía y la dirección de arte crean un producto coherente y sin fisuras. La actuación de Mark Strong resalta por sobre las demás que por momentos entran en baches interpretativos bastante curiosos, por otro lado los toques de humor de la pelicula sobre todo de la mano de Antonio Banderas no resultan funcionales al film y terminan despegando al espectador del mundo en el que se intenta sumergirlo.

El Príncipe del Desierto es una buena película épica a la que quizás le faltó guión y compromiso con ciertos temas que se dejan pasar por alto y que resultan aún más interesantes que la trama principal, sobre todo la "invasión cultural" de Occidente sobre Oriente y como eso polariza las ideas de Amar (Mark Strong) y Nesib (Antonio Banderas) es planteada de una manera demasiado simpática y casi argumentando que es algo natural y que estar en contra de eso resulta ir en contra de la evolución del ser humano, ser arcaico, éste y otros planteos dejan algunas dudas en el mensaje, algún sabor extraño que invita a la reflexión.

Hace algunos años asistí por primera vez al BARS (Buenos Aires Rojo Sangre) el festival de cine de terror y fantástico. Ese día me entregaron en la puerta un flyer como los que normalmente se entregan para ir a ver bandas, el flyer anunciaba "La primer película de zombies hecha en Argentina", el nombre Plaga Zombie quedó dándome vueltas en la cabeza hasta que tiempo después vi la película. El viernes 30 se estrenó Plaga Zombie: Zona Mutante. Revolución Tóxica y puedo decir que ésta tercer entrega de la saga resume todo el espíritu del cine de FARSA y la evolución de ese espíritu a lo largo de 15 años de profesión.

Revolución Tóxica muestra al médico Bill Johnson (Pablo Parés), el luchador John West (Berta Muñíz) y el científico Max Giggs (Hernán Sáez) tratando de detener la invasión alienígena ésta vez con un plan concreto, ellos ya no son los mismos, ya no van de acá para allá tratando de sobrevivir, matando zombies y escapándose del FBI que desea eliminarlos, ellos encontraron su verdadera identidad, son héroes y desean demostrarlo. Ésta búsqueda de la identidad, tan presente en Revolución Mutante refleja la misma búsqueda de FARSA desde el estreno de la primer Plaga Zombie hasta hoy en donde se encuentran consolidados como una de las productoras más creativas a nivel audiovisual.

Plaga Zombie: Revolución Tóxica mejora por lejos a sus predecesoras, la técnica de Pablo Parés y Hernán Sáez evolucionó muchísimo y eso se nota en cada puesta de cámara, la narración continúa siendo tan fluida como en la primera y eso es bastante complejo de lograr teniendo en cuenta que ésta presenta más historia e incluso aparecen conflictos internos en los personajes, la manera en que están hiladas las situaciones es genial. Plaga Zombie: Revolución Tóxica nos brinda mucho más humor, peleas muy bien coreografiadas y mucha más sangre, además de un musical y algunas escenas que quedarán impregnadas en la retina de todo cinéfilo amante de la temática zombie.

En estos años FARSA cambió la perspectiva del cine en Argentina, ahora hay muchísimos realizadores que se animan a hacer películas de forma independiente y sobre todo películas de género, algo que en nuestro país no abunda y que de la mano de unos chicos de 15 años empezó a cambiar. Hoy 15 años después hay festivales y realizadores que se encargan de cubrir esa demanda, aunque las cadenas comerciales no estén dispuestas a "arriesgarse" éste cine sigue creciendo y tomando nuevos rumbos.

Cronenberg nos presenta a su mentor

Muchos se mostraron sorprendidos al enterarse que David Cronenberg iba a contar en su proxima película la historia entre la relación de Sigmund Freud (Viggo Mortensen) y Carl Jung (Michael Fassbender) pero recorriendo la filmografía de Cronenberg me pregunto ¿Que otro director mas que él retrato en la última época tan exquisitamente la psicología humana?.

Desde su filmografía más clase B (que por cierto se extraña y mucho) hasta su reinvención como cineasta más clásico que coincide con su encuentro artístico con Viggo Mortensen, Cronenberg se muestra obsesionado con la dualidad que habita en el ser humano, esa dicotomía Hombre-Monstruo, Hombre-Máquina que termina en una personalidad que se diluye, la búsqueda de la identidad, la pulsión latente que generadora de violencia y/o sexo y el placer causado por éstas por nombrar sólo algunas temáticas muestran un gran interés del director por la psicología como tema recurrente en sus obras.

Un Método Peligroso es en Cronenberg lo que Kill Bill es en Tarantino, una mención de honor hacia los mentores de su cine pero en un tono que apunta más a lo biográfico que a lo estilístico y el momento específico que el director elige contarnos no resulta casual tampoco, lo que retrata Un Método Peligroso es la ruptura y divorcio de las ideas de Freud y Jung, es precisamente el momento a partir del cual Cronenberg decide hacer cine guiándose más por el segundo que por el primero y es por eso que el protagonista va a ser Carl Jung y la búsqueda de su propia identidad intelectual. La fuerza del relato recae en que las dos líneas de pensamiento son las que aún siguen dividiendo no sólo la psicología sino la postura de cualquier persona frente a sus problemas y es por esto que el resultado final del film lejos de caer en las garras del intelectualismo fílmico se convierte de la mano de Cronenberg en una película entretenida e interesante a los ojos de cualquier tipo de público.

Lo más destacable es su dirección, la manera en que la fotografía, la ambientación y el sonido refuerzan constantemente la temática, son muy llamativos los momentos en donde no existe banda sonora ni sonidos ambiente y el cambio en la paleta cromática que sigue la evolución de Jung hacia el encuentro de su propia teoría. Por otra parte las actuaciones son impecables destacando sobre todo la de Keira Knightley encarnando a Sabina Spielrein.

Lo criticable es quizás la forma de abordar ciertos momentos históricos y conceptos puramente psicoanalíticos sin ahondar demasiado en ellos razón por la cual el espectador no interiorizado en la historia de estas personalidades se va a perder algunos guiños interesantes.

Un Método Peligroso no fue anunciada como la bomba marketinera del año, sin embargo es una gran película de un director que se afianza cada vez más como uno de los más destacables de nuestro tiempo.

Conciencia medioambiental al estilo Dr. Seuss

El Lórax: En Busca de la Trúfula Perdida cuenta la historia de Ted, un niño que vive junto a su familia en una comunidad artificial y bajo un gobierno despótico, Ted emprende un viaje a buscar algo que los habitantes han olvidado y parecen no necesitar, un árbol real, ésta iniciativa sin embargo, no responde en principio a un carácter idealista sino a algo mucho más mundano, real, algo totalmente Dolinesco, conquistar a una chica, es que nuestro filosofo porteño, Alejandro Dolina, ya lo habia adelantado "Todo lo que un hombre puede hacer, sean proezas y hazañas o, simplemente, hechos destacables, lo hace por levantarse a una mina".

El Lorax es una película que apunta a la consciencia ecológica y pura y exclusivamente a eso, el humor en la película nunca llega a conectar, la acción está ausente y las canciones tampoco logran llegar a buen puerto, sin embargo el desarrollo de la historia es acertado y la narración, mostrando la historia de Ted y la de "El una vez...", beneficia bastante la evolución de la película. De ésta manera con un manejo soberbio de la animación (que remite bastante a Horton y el Mundo de los Quien), una paleta de colores maravillosa y un desarrollo profundo de la temática ecologista dado por la construcción de lo cotidiano en ese mundo distópico El Lorax logrará en el adulto la reflexión y en el niño la diversión que busca.

El Lorax está apuntada sobre todo a los niños más pequeños y no tanto a los pre-adolescentes como otras cintas de animación a las que estamos acostumbrados y que juegan con el famoso chiste "doble sentido", en El Lorax el doble sentido corre por el lado de la metafora entre los aspectos de ese mundo y el nuestro, un claro ejemplo es la venta de aire embotellado y en bidones, inmediatamente unido a nuestro consumo de agua bajo las mismas circunstancias a pesar de ambos ser elementos naturales.

El regreso de la psicodelia

Damas y caballeros, ajusten sus cinturones de seguridad y coloquen sus asientos en posición vertical, estamos a punto de despegar, el viaje va a ser largo y en algunos momentos tortuoso, Enter the Void llegó a los cines argentinos.

Gaspar Noé es un director que polariza a la audiencia, muy pocas de las personas que han visto Irreversible quedaron indiferentes ante esa obra, muchos la adoran y muchos la odian, lo que resulta claro es que no es un director al que se aborda fácilmente y no porque sus obras sean de un simbolismo laberíntico sino porque el cine de Noé busca desesperadamente desagradar e incomodar hasta que el espectador decida cerrar sus ojos aunque sea un momento para respirar, Noé posee una sinceridad brutal y tanta sinceridad por no ser común resulta demasiado shockeante, Enter the Void, película del 2009 que llega a nuestras salas, no es la excepción.

La película nos muestra la historia de Oscar, un adicto al DMT que vive en Tokio junto a su hermana Linda. Oscar toma cuanta droga puede y vive de la reventa de algunas de éstas drogas. Alex, amigo de Oscar, le presta El libro tibetano de los muertos, este libro explica detalles sobre el viaje que hace el alma al abandonar el cuerpo después de la muerte, Oscar se interesa en el tema pero días después de obtener el libro muere asesinado, éste podría ser el final de la película pero es el comienzo, lo que vamos a ver a lo largo de los 160 minutos que dura el film es la migración de esa alma que busca a través del pasado, el presente y el futuro algunas respuestas. Un lector distraído podría encontrar comparaciones con la premisa de Desde mi Cielo de Peter Jackson en donde una niña de 14 años asesinada ve desde el limbo como su familia continúa su vida, déjenme decirles que la filosofía sobre la vida después de la muerte en Desde mi Cielo no tiene nada que ver con la de Enter the Void, en ésta el más allá se vuelve pesadillesco con facilidad.

La película tiene una narrativa sublime y una gran maestría técnica, desde el comienzo del film Noé muestra una gran cámara subjetiva como en Lady in the Lake de Robert Montgomery pero redefine la experiencia mostrándonos lo que Oscar ve cuando consume DMT, luego, la cámara flota suavemente por sobre los personajes mostrándonos sus acciones, en ese punto la cámara toma el papel de esa alma que se limita a ver sin poder interceder y todo esto en una ciudad de Tokio sumamente psicodélica.

Sin dudas Enter the Void tiene una increíble potencia visual, la animación y la realidad están tan bien fusionadas dentro de su montaje frenético que resulta una experiencia totalmente estimulante, quizás el mayor fallo radica en la exagerada duración pero sobre todo por esta carga visual de movimientos continuos de cámara y colores extremadamente saturados que la acompaña que al repetirse resulta incomoda y hasta desesperante, en este aspecto deja la idea de que el director terminó abusándose de su propio viaje. Es una película totalmente recomendable para el que desee vivir en el cine una experiencia totalmente distinta pero requiere de parte del espectador cierto compromiso y paciencia.

Adolescencia tardía

El director McG nos trae otro de sus grandes deslices, ya lo había hecho con Los Ángeles de Charly y Los Ángeles de Charly: Al Límite y ahora volvió en grande para traernos ¡Esto es Guerra! una película que simplemente no tiene pies ni cabeza. Es claro que McG no sabe como manejar una película de acción, no sólo no sabe filmar escenas de acción si no que nunca logra justificar esas escenas.

¡Esto es Guerra! se vende a través del trailer como una película de acción con tonos romanticones pero en realidad es una comedia romántica con tres escenas de acción, pero el verdadero problema es que la lucha de éstos dos agentes de la CIA (Chris Pine y Tom Hardy) por conquistar a la chica (Reese Witherspoon) es en sí absurda, los planteos de los tres personajes, su enamoramiento, su pelea, todo se reduce a una conducta extremadamente adolescente, en esta película el amor no aparece en ningún momento y ni el guión ni las actuaciones ayudan a revertir esto, lo único que sabemos de Lauren (Witherspoon) es que es histérica toda la película y que tiene una amiga (Chelsea Handler) sobre la cual intenta recaer el humor de la película sin lograrlo y el dúo Foster (Pine) y Tuck (Hardy) juega durante toda la película con los aparatitos de la CIA como niños a los que se les regaló la llave de la juguetería. Incluso el villano de la película aparece sólo al comienzo y otra vez al final como para dar un cierre, la película sin lugar a dudas transcurre en el reino del "Porque sí" y nada la saca de ese lugar.

Probablemente ¡Esto es Guerra! será una de las películas más olvidables del año, otra joya del señor McG.

Los hijos del dios salvaje

Cuatro personas se encuentran en un departamento de New York, están allí por ser padres de dos niños que se vieron envueltos en una pelea. Su meta será llegar a un acuerdo justo tras la reunión y continuar teniendo un maravilloso sentido de la comunidad como cuatro buenos neoyorquinos. Si además les comento que la película está narrada en tiempo real y que además la acción siempre transcurre en ese departamento seguramente llegarán a la conclusión de que las chances de que no sea un bodrio son pocas, ahora voy a decirles un nombre y ahí todo va a cambiar porque a partir de ese nombre es donde va a surgir la magia... Roman Polansky.

Roman Polansky, que preparó este guion mientras cumplía arresto domiciliario en Suiza, transforma este argumento sencillo en un mar de sentimientos, porque claro está, las cosas van a salir mal, y las máscaras de los personajes van a ir cayéndose poco a poco por su propio peso. A partir del diálogo y sólo con éste como arma el director nos mantiene en vilo, esperando cuál va a ser la próxima reacción de estos cuatro personajes, de estos cuatro actores que a lo largo de los 80 minutos que dura el film, la descosen.

Nancy y Alan Cowan son los padres del niño agresor, del maníaco (como lo llama su padre) que con 11 años golpeo a otro con un palo en la cara en una disputa en un tranquilo parque. Nancy (Kate Winslet) es una agente de inversiones cuyo rodete está tan ajustado como su necesidad de agradar, Alan (Christoph Waltz) , su esposo, es abogado y en su sonrisa se encuentra todo el cinismo de la humanidad, cinismo del cual se siente orgulloso. En el bando contrario se encuentra Penelope (Jodie Foster) y Michael Longstreet (John C. Reilly) , padres de la "victima". Ella tiene un sentido de la moralidad que resulta inhumano, una conducta demasiado intachable y una mirada enjuiciadora, su esposo Michael es un eterno conciliador que en el fondo odia completamente su vida. Estos personajes van a luchar por 80 minutos sólo con el poder de su palabra, así como en 12 Hombres en Pugna de Sidney Lumet, Henry Fonda luchaba por obtener la verdad frente a otros once hombres de un jurado sólo con sus argumentos, así en Un Dios Salvaje y de manera mucho más viceral los personajes van a luchar por demostrar quién es mejor que el otro porque lo que los detiene cada vez que salen por la puerta y los obliga a entrar nuevamente no es una misteriosa fuerza surrealista como en Un Ángel Exterminador sino su propio Ego, su deseo de mostrarse más "evolucionado" y es aquí donde la película se transforma en un ensayo sobre la hipocresía en el ámbito de la adultez.

Nicole Kassell es la directora que hace siete años atrás había realizado El Hombre del Bosque pelicula protagonizada por Kevin Bacon que nos mostraba la historia de un hombre que después de salir de la cárcel intentará reinsertarse en la sociedad luchando para no volver a reincidir, el delito del cual Walter (Bacon) había sido acusado era la pedofilia. En esta película Nicole Kassell se la jugaba en grande, se arriesgaba a mostrar el punto de vista de un pedófilo y le salía bien, llevaba adelante la pelicula de modo magistral. Ahora Nicole Kaseell vuelve con Amor por Siempre y esta película es todo lo opuesto a El Hombre del Bosque.

Amor por Siempre es una película tibia que no se decide entre ser una comedia romántica o una comedia dramática. Si estuviese llevada como una comedia romántica su argumento resultaría algo original ya que en este género las fórmulas son siempre las mismas y nunca se cambian y el padecimiento del cáncer de Marley (Kate Hudson) sería un cambio en esa estructura pero la realidad es que la relación entre ella y su médico Julian (Gael García Bernal) es de las relaciones con menos química que he visto en el cine, los momentos que la pareja comparten en pantalla, sus diálogos, sus escenas románticas (que no son muchas tampoco) resultan inverosímiles, Gael García Bernal ofrece una de las peores actuaciones de su carrera, el personaje de ese medico judío-mexicano reservado al que representa no se entiende y creo que el actor tampoco lo entendió y por eso se obtuvo semejante resultado.

Si lo tomamos como una comedia dramática nos va a pasar algo parecido, la película no resulta cómica ni dramática. Lo más positivo de la película es tal vez el hecho de que no cae en golpes bajos pero la película parece adoptar la misma postura que su protagonista Marley frente a la enfermedad, para hacer comedia sobre la muerte la persona debe tener una actitud fuerte y el humor casi siempre resulta en acidez asi como habiamos visto en la joya Antes de Partir, Marley (y la película) en cambio nos muestra una postura no cómica si no frívola, el tema siempre es evadido, en el "cielo" (con nubecitas estereotipadas y todo) está Whoopi Goldberg que hace de... Whoopi Goldberg y da consejos y deseos, esa es la postura de la película frente a la muerte.

En resumen Amor por Siempre es una película cuyo visionado no se sufre por tener un buen manejo de los tiempos y los climas pero cuyo guión es bastante desafortunado.

Que decir de esta cuarta entrega de la taquillera saga Inframundo, esta saga que en principio estaba concebida como una trilogía y cuya tercera parte fue una precuela nos presenta una cuarta parte ambientada en una especie de pseudo-futuro, en donde nos reencontramos con el mítico personaje de Selene (Kate Beckinsale) una vez más.

En principio el argumento de esta entrega resulta bastante atrayente, al comienzo y al ver como estaban planteadas las cosas, supuse que Selene se iba a enfrentar a una serie de dilemas respecto de su relación con la humanidad (que ahora tomó conocimiento de la existencia de estos seres y busca aniquilarlos) y con la extraña niña que entra en su vida pero a los pocos minutos la película se olvida de todos estos planteos y se centra en la acción y la violencia (mucha más que en las sagas anteriores) dando paso a una Selene a la que sólo le importa encontrar a Michael y absolutamente nada más, mostrándonos la construcción de personaje más chata de toda la saga. En Inframundo: El Despertar el guión prácticamente no existe, los personajes secundarios no aportan absolutamente nada al relato y los momentos que intentan ser profundos terminan siendo completamente incoherentes por la pobreza de los diálogos y la inexpresividad de las actuaciones.

Las escenas de acción están bien logradas en su mayoría y los efectos, punto en el cual se pudo haber mejorado algo, resultan mediocres, el manejo de cámara resulta muy bueno pero tal vez queda bastante contaminado por las secuencias de efectos especiales que en este caso restan, la fotografía por su parte mantiene la misma estética que en entregas anteriores pero la ambientación por momentos la acerca más a Resident Evil que a sus predecesoras.

El resultado final es una película en cuyos 88 minutos se ve un encadenamiento de escenas de acción y en el mejor de los casos ese encadenamiento está justificado. Lo único que nos deja Inframundo: El Despertar es la esperanza de que las próximas serán mejores, porque viendo los resultados de la taquilla seguramente va a haber muchas más.

Mentime que me gusta

Paramount Pictures encontró en Actividad Paranormal una saga con un éxito que los tomó por sorpresa, como era de esperarse, después del estreno de Actividad Paranormal 3, la productora busca volver a tener el mismo éxito repitiendo la formula. Con el Diablo Adentro es otro de los exponentes de este nuevo sub-genero, ¿como denominarlo? ¿"Falso documental", "terror pseudo-neo-realista"? No lo sé, lo que está claro es que todo esto comenzó en 1972 de la mano de The Legend of Boggy Creek, pelicula de Charles B. Pierce sobre la leyenda de Pie Grande, y fue continuada por la violentísima y super gore Holocausto Caníbal en 1979, y reinventado en 1999 por The Blair Witch Project pero ¿Por qué en estos últimos años este subgenero ocupa el 80% de las películas de terror que llegan a los cines? Vivimos en una cultura que poco a poco se volcó cada vez más al voyeurismo, tenemos programas de televisión que nos muestran múltiples crímenes sin ninguna censura a través de cámaras de seguridad, programas de entretenimiento que nos muestran a personas "no haciendo nada" a través de cientos de cámaras, se suben a internet millones de videos amateurs por día, todo es grabado y reproducido, la cámara es nuestro nuevo ojo, sentimos que es necesario fotografiar o grabar un video sobre un lugar para asegurarnos a nosotros mismos que realmente estuvimos ahi y el cine obviamente no podía pasar mucho tiempo sin dejar de lado este fenómeno. Si nos ponen un cartel en la pantalla que dice "Basado en una historia real" y eso está acompañado por una baja calidad de imagen, cámara en mano y abuso de los zooms nos lo creemos todo. Estamos tan acostumbrados a ver a través de las cámaras que al ver esta clase de películas, sobre todo en el genero del terror, nos sentimos realmente dentro de la historia, vemos a través de una cámara fija a una puerta durante minutos y minutos en Actividad Paranormal sin que nada pase, esperando y cuando algo pasa lo sentimos tan real como si nuestra propia cámara lo hubiese tomado y las estrategias de marketing para que esto ocurra van cada vez más lejos llegando al escandaloso caso de La Cuarta Fase para la cual se crearon no sólo biografías falsas en diferentes portales si no que además se cambiaron las estadísticas del gobierno de Alaska sobre las desapariciones para darle mayor magnetismo a la historia.

En el fondo el espectador sabe que si hay sólo un camarógrafo no puede haber 12 planos desde diferentes lugares tomando lo mismo en un montaje perfecto y sabe que si esas cintas comprometieran toda la estructura del Vaticano o la política de los Estados Unidos respecto al fenómeno OVNI no accederíamos con tanta facilidad a ella pero lo deja pasar porque desea que lo engañen, desea creérselo, no me malinterpreten, sé que el cine se trata de creérselo, a lo que apunto es que estas películas gastan más dinero en marketing que en realización y eso se ve en los resultados, simplemente, venden humo.

Con el Diablo Adentro es justamente eso, tiene momentos que generan mucha tensión porque son contrastados con minutos y minutos en donde pasa poco, como es de esperar en este tipo de películas no hay ninguna intención narrativa ni de composición en los planos, ni tampoco un lazo argumental lo suficientemente sólido que la sustente, la película resulta más atractiva que las últimas entregas de Actividad Paranormal por haber sido estructurada como documental por lo que no se hace tan tediosa en cuanto a planos fijos prolongados y tiene buenos efectos pero después de terminar de verla deja sabor a poco, en pocas palabras, es más de lo mismo en un sub-género que no ha aportado mucho después de la gran REC.