Algo muy grave va a suceder en este pueblo

Thomas Vinterberg fue uno de los fundadores de DOGMA 95 que podría resumirse como un conjunto de directores que, como tenían ganas de autolimitarse y hacerse los distintos, escribió un montón de leyes sobre como tenía que ser un film para captar el realismo de forma casi mística, acto seguido hacer películas bajo esas normas y acto seguido escribir manuscritos explicando porque habían violado sus propias leyes. Esa idea no prosperó pero dejó algunos films muy interesantes (incluido uno argentino) y directores que siguieron su labor desprendidos de esa carga. El film fundador del movimiento fue La Celebración de Viterberg y a pesar de que entre aquella y La Cacería hay una distancia temporal y estilística importante tienen mucho en común.

El film desde el comienzo no intenta plantear ningún tipo de duda sobre la inocencia del protagonista y esa sabia decisión va a mantenernos en vilo durante todo el film. La razón es en realidad simple, como apuntaba Hitchcock el suspenso depende más de lo que sabe el espectador que de lo que desea saber. La narración va a mantenernos suspendidos entonces en la lógica maldita del film, la casualidad. Este factor (casi siempre mal utilizado) lo tiñe de un profundo pesimismo no sólo respecto a la sociedad actual sino hacia la naturaleza misma del hombre. El hombre que no cree en las casualidades es por definición una persona de pensamiento positivo. No es el caso de Vinterberg. Es por conocer la verdad que miramos con desconfianza cada nuevo factor que creemos puede implicar más al protagonista, la claridad de expresión del director y la estructura mecánica del guión aprovechan estos recursos y los explotan al máximo a pesar de trabajar con un argumento tan delicado que no permite errores. Habiendo cumplido estas reglas lo que necesitaba el film para terminar de ser efectivo era una buena actuación. El protagónico de Mads Mikkelsen parece ser la mejor de las decisiones ya que realiza un trabajo excelente. Brinda la actuación sutil y contenida que el film necesita para dar en el tono y generar contraste al mismo tiempo ya que el film es directo y crudo pero maneja en su iluminación, ambientación y cámara una frialdad que parece estar todo el tiempo a punto de estallar.

Vinterberg vuelve como en La Celebración sobre el fantasma del abuso, pero también vuelve sobre el patriarcado y sobre la hombría como construcción simbólica y ritualística. El film abre y cierra con un ritual de afirmación de la hombría, la lucha por mantener este valor va a llevar a que entre un momento y el otro nada vuelva a ser igual. Lo que hace hombre al hombre es la protección y esta, sea o no cierta la acusación, fue vulnerada.

En Algo muy Grave va a Suceder en este Pueblo de Gabriel García Márquez el motor de la falsa verdad era la superstición, en este film es la necesidad de validar un lugar social en peligro de extinción.

El film justifica los medios

"El cine no procede de la pintura, literatura, escultura, teatro, sino de la antigua magia popular. Es la manifestación contemporánea de la historia evolutiva de las sombras, el disfrute de las imágenes que se mueven, la creencia en la magia."
Jim Morrison, The Lords.

El cine de Louis Leterrier tiene pulso. Uno rápido y que siempre parece estar a punto de colapsar. El montaje y la cámara al igual que las coreografías de peleas que componen sus obras parecieran tener el ritmo más rápido que permite la lectura. Esta vez el director de El Transportador y Danny The Dog elige como excusa un argumento que combina dos tradiciones en principio más que atrayentes para el cinéfilo: La Magia y el Cine de Robos.

Las relaciones entre estos dos factores son tan evidentes como lo es su irreconciliable diferencia y es justamente esa uno de los errores que privó a Nada es lo que Parece (Now You See Me) de ser una joya memorable. En el Cine de Robos hay un momento crucial en donde el film expone al público "la revelación", o más precisamente, expone como se llevó adelante el atraco que por definición siempre parece imposible (o perfecto). Este tipo de revelación dentro de la magia es imperdonable. A pesar de este punto y de lo subrayadora que se pone la película en varios momentos Leterrier sigue manteniendo lo que son sus dos virtudes más destacables como realizador. Sabe entretener y elegir elenco. En cuanto a lo primero la cinta dosifica magníficamente los giros que estructuran el género haciendo que estos tres actos marcados por los tres shows de "Los Cuatro Jinetes" no dejen de atraer en ningún momento. En cuanto al segundo apartado el film nos presenta sobre todo dos duplas que en los momentos en que comparten escena derrochan química. Me refiero a un Jesse Eisenberg tan verborrágico que en más de una oportunidad se hizo imposible subtitular literalmente lo que decía y un Woody Harrelson que hace reír sólo con una mueca. Ambos repitiendo la fórmula de Zombieland que aún no pareciera estar agotada. Por otro lado, la gran dupla entre Morgan Freeman y Michael Caine en cuyos diálogos se percibe la maestría actoral que permite que cuando la discusión se caldea en vez de elevar la voz, la bajen cada vez más.

El film de Leterrier nos propone ampliar la barrera del verosímil (algo que si somos sinceros siempre hizo el director) para dejarnos fascinar. Al final, un antiguo carrusel servirá como invitación formal para no olvidar que al igual que el ilusionismo, ir al cine es dejar que nos engañen por algunos minutos para recibir a cambio un entretenimiento. En este sentido Nada es lo que Parece cumple con esta noble premisa.

Otro motivo para valorar aún más el film original

Masacre en Texas 3D es la séptima entrega del universo Leatherface. Muchos directores han pasado pero pocas fueron las ideas que intentaron aportar luego de la primera entrega y los estilos para hacerlo variaron dependiendo del contexto histórico de los respectivos estrenos. En este caso la novedad venía por el lado de que iba a tratarse de una secuela directa de aquella joya de 1974 dirigida por Tobe Hooper. Con esas esperanzas fui a ver el film. Inmediatamente después de una maravillosa secuencia de créditos comienzan los primeros problemas conceptuales de este apartado. ¿De dónde salieron tantas mujeres en la familia del querido Leatherface? ¿Se basaron realmente en el argumento del film original? Sigamos, el film recién empieza y todavía queda tiempo para explicaciones. La secuencia de la cacería me recuerda a Devil's Reject y me doy cuenta lo que hubiese sido sino la dirigía alguien de la talla de Rob Zombie. Luego de eso, una elipsis, calculo que habrán pasado unos 20 años de los incidentes del primer film. Puedo notarlo en la edad de la chica dark que seguramente es la descendiente del clan porque... es dark. ¿Pero que veo? Los protagonistas que estaban en esos incidentes parecen muy jóvenes. Ya va a haber tiempo de explicar. ¿Y eso? Podría jurar que es un iPhone. ¿Están usando celulares con cámara? ¿Si los hechos de la primera pasaron en 1974? Lo dice la voz off al comienzo de aquel film, ¿No habían pasado 20 años? ¿En el 94 había celulares con cámara en Estados Unidos? Pasemos a otro apartado, la coherencia espacio temporal no es el fuerte de esta película.

En Masacre en Texas 3D hay varias líneas argumentales o mejor dicho, el film cambia el rumbo varias veces al avanzar el relato. En un comienzo seguimos a Heather (Alexandra Daddario) en su descubrimiento acerca de su identidad. Ella descubre básicamente que es adoptada y que tiene una abuela, recientemente fallecida, que le dejó una casa como herencia. El camino hacia esa casa reelaborará entre otras, la secuencia de la Van. En la casa tarde o temprano van a encontrarse con Leatherface y se van a dar secuencias dignas de cualquier Survival. Ese es un punto muy positivo, se abandona el Tortureporn, ya más que agotado, para volver a la esencia del terror de supervivencia. En ese momento la película va a cometer el error de no terminar y cambia la trama haciendo un corte a 90 grados en la curva dramática de la protagonista principal. Prefiero no revelar este movimiento que más que giro es un derrape violento por como esta armada toda la secuencia en donde se desarrolla. Un bloque argumental con una ideología que todavía me resulta dudosa.

Para hacer una revisión completa tengo que hablar de otro de los factores de esta película, el 3D. En este aspecto las escenas que lo explotan me recordaron a Viernes 13 Parte 3 de 1982. El 3D no es nada nuevo (Hitchcock filmó en 3D), aunque es obvio que se mejoró ese precario sistema anáglifo con un sistema muchísimo más flexible y eficaz. Sin embargo el recuerdo de aquel film de otro gran Movie Maniac vino por la intensión más que por la técnica. En las escenas en donde se podía (o puede si la consiguen en dvd y se compran los anteojitos bicolor) disfrutar el efecto óptico en aquella película del 82 el director se limitaba a acercar a la cámara algún objeto filoso (y en un momento con un porro, una idea todavía no robada) como si se tratara de una madre acercándole un sonajero a un bebé para entretenerlo. Este film de 2013 hace lo mismo sólo que se limita a la motosierra. Creo que ya pasó ese boom infantil por el sistema y habría que llevarlo por otro lado si se quiere seguir respetando al espectador como tal.

Masacre en Texas 3D es un film que abre muchas subtramas, muchas de las cuales terminan en nada, que intenta innovar pero lo hace de manera equivocada. Con algunas referencias a la saga, algunas más inteligentes que otras, pero que a pesar de jactarse de ser una secuela directa del clásico de 1974 no tiene de aquel más que la secuencia inicial de títulos y la figura del "Cara de cuero".

Policial amargo

Rouge Amargo tiene mucho de policial ochentoso, de esos que en el apogeo del Vhs uno compraba o alquilaba y que de tanto en tanto daban sorpresas. Bueno, este film va por ese lado salvo que no da sorpresas.

Su estructura es simple y concreta, a los 10 minutos ya se nos presentó "la chica" y su desnudez (que en este caso es Emme), el antihéroe o personaje que está por la senda de la redención (en este caso Luciano Cáceres), el malo sin medias tintas (Cesar Vianco quien tiene el perfil perfecto del hombre rudo made in 80´s) y el conflicto. Guión Ok. Cuando el malo malo se encuentra por primera vez con el redimido se da el primer enfrentamiento coreografiado como aquel cine nos enseñó. Como es de prever el malo malo en realidad responde a otro que es aún peor que él ya que funciona con una maldad intelectual y no física, o sea, es el que da órdenes y además ocupa un lugar político. Habrá un enigma y habrá también un giro sorpresivo. Guión Ok Ok.

Esta simpleza podría haberse trabajado para tener suma claridad desde el comienzo y luego habiendo armado el universo del film explotar recursos argumentales o narrativos que empiecen a torcer ese esquema o aunque sea elevarlo a otros niveles. Eso no sucede. Si bien la película no aburre los lugares comunes se hacen cada vez más... comunes, entonces el submundo que se intenta construir; la corrupción, el narcotráfico, la prostitución, los bares de mala muerte, la política sucia, se desfigura quedando bocetos que no transmiten nada emocionalmente.

La decisión estilística consta de un montaje con gran cantidad de elipsis temporales, un manejo de cámara televisivo y una interesante banda sonora. En cuanto a los FX, es llamativo como tanto para los fogonazos, el rebote de las balas como para la sangre se usó un conocido programita de postproducción casi amateur. Este apartado no sólo le saca bastante verosimilitud sino que en más de una ocasión parece un chiste mal contado.

Rouge Amargo usa una estructura de manual a la hora de afrontar el género policial, eso de por sí no está mal, el problema es que en esa búsqueda se toma a sí misma demasiado en serio. Por este motivo la estructura maquetada se convierte en sucesión de clichés y se pierde el núcleo emocional de la historia.

Por favor... BASTA!

Finalmente lo que se preveía desde el trailer de esta Scary Movie 5 se confirmó. Lo que fue el peor trailer en lo que va del año anticipó lo que es el peor estreno en lo que va del año (y eso que competía en este galardón con ¿Y Dónde está el Fantasma?).

La fórmula de la saga Scary Movie se agotó hace rato, más precisamente luego de la primera, sin embargo, aún las anteriores contenían algo tan básico como una historia. Más allá de resultar divertidas o paupérrimas, con referencias paródicas logradas o vergonzosas, tenían un hilo conductor que de alguna manera cosía las escenas que hacían referencia a las películas elegidas. Acá la historia no aparece, todo parece un zapping entre parodia y parodia.

La cartilla de films usados en este caso deja ver el tiempo de pre-producción que tuvo el film sobretodo en cuanto a guión. Parodiar a Mamá (sería en este caso el argumento troncal si es que lo hay) siendo que se estrenó en Enero de este mismo año y hacer referencias a Posesión Infernal estrenada hace menos de dos meses en Estados Unidos da cuentas que hicieron el escrito en tres días e inmediatamente salieron a rodarla en digamos, cinco días más. Los resultados están a la vista, nada cierra por ningún lado. Si dentro de todo este sinsentido la película aunque sea resultara graciosa tal vez podría defenderla desde algún punto pero la realidad es que los gags hablan de un grado de subestimación intelectual hacia el espectador que resulta ofensivo. Es increíble que este film exista y por otro lado es difícil de comprender que se haya gastado dinero en realizarlo.

En este malogrado collage hay lugar para chistes sobre estereotipos que incluyen chistes sobre negros, chistes sobre latinos y chistes sobre lesbianas, todo con el grafismo más absoluto y el asesinato total y definitivo de la sutileza. También hay situaciones en cámara rápida y con fotogramas faltantes a lo Benny Hill. "Debe ser en cámara rápida, al público le gusta porque es divertido" sentenciaba Homero Simpson cuando editaba una película junto a Mel Gibson. Creo que se entiende hacia dónde va la referencia.

Decir que Scary Movie 5 es una película que debería haber ido directo a DVD sería una falta de respeto al formato hogareño de mi parte. Scary Movie 5 es un insulto al cine y como amo el cine pido a los responsables, por favor... Basta!

La demonización de la sexualidad

Para comenzar cabe aclarar que esta secuela de El Último Exorcismo (The Last Exorcism, 2010) tiene muy poco que ver con su predecesora. Más allá del paso del falso documental a la narrativa MRI los temas que abordaba la primera en cuanto a la exposición mediática de la fe y de la visión no ortodoxa acerca del exorcismo dan paso a una peculiar metáfora acerca del despertar sexual.

La historia de El Último Exorcismo Parte II se centra un tiempo después (indeterminado) de los hechos del primer film, Nell aparentemente escapa de la secta que la tenía cautiva y es enviada a un albergue para adolescentes problemáticos o con problemas (usted elija) en la ciudad. La llegada de Nell a la ciudad será el descubrimiento de sentimientos que creía superados. Ella se encuentra con los espectáculos que la ciudad tiene para brindar y al mismo tiempo va ingresando en un mundo de estímulos sensoriales que no comprende y que van a ser metaforizados con ese "demonio" que lleva adentro. Su primera estimulación va a ser auditiva, por medio de un auricular la música le va a hablar al oído, en ese contacto tendrá también su primer contacto con Gwen, su compañera con quién más tarde tendrá una escena que jugará con la idea del lesbianismo y en donde los labios de Nell van a ser pintados por primera vez. Luego de este acercamiento se va a despertar en Nell un deseo casi incontrolable por la estimulación táctil en una secuencia en donde va a tocar toda textura que se le cruce por el camino. Va a conocer a un joven que parece interesado en ella, va a recibir una nueva estimulación auditiva, esta vez mucho más concreta (escucha a una pareja en la habitación contigua teniendo relaciones), va a contemplarse repetidamente al espejo y va a acariciarse por las noches. Personajes van a tentarla para "liberarse" (palabras textuales) y se van a hacer menciones constantes a una necesidad de completitud del personaje. En todos estos casos la película busca explicar que estas acciones son parte de la influencia de Abalom, el demonio.

Todo resulta un mensaje tan obvio que no hay lugar a múltiples interpretaciones, El Último Exorcismo Parte II lo pone todo así, de una manera muy evidente, sin ningún matiz a la hora de elaborar el guión. Alcanza con reemplazar las referencias a dicho demonio con la palabra "sexualidad" de principio a fin y listo, tenemos un film con una moral de acero. Los buenos quieren que se contenga, los malos quieren que se libere.

Este lamentablemente no es el mayor de los defectos de esta secuela. La misma tiene uno de los montajes cinematográficos peores logrados que vi en mucho tiempo y les aseguro que no exagero. Por momentos parece que la selección de la cadencia y progresión de los planos fue elaborada de manera aleatoria por medio de algún tipo de automatización. Los errores son tan groseros que sinceramente no me permitieron evaluar otros aspectos técnicos como la fotografía, el sonido y siquiera la decisión del director respecto a los planos.

El mencionado escrito por su parte, además de lo ya planteado, alcanza por momentos niveles de incoherencia increíbles. Pareciera hecho a las apuradas rellenando los espacios existentes entre un golpe de efecto y otro. Se percibe cierta búsqueda de dar una vuelta distinta al relato pero fue llevada para lugares incorrectos.

En resumen El Último Exorcismo Parte II sólo sirve para valorar aún más la primera entrega que con sus aciertos y errores terminaba siendo en su totalidad un film con coherencia interna desde el comienzo hasta el final, este por su parte no cumple siquiera con ese requisito.

Un huésped indeseado

Un nuevo film basado en una novela de Stephenie Meyer llega a la gran pantalla. Si son fans de la Saga Crepúsculo esta película probablemente no va a ser de su agrado, lo interesante es que si odian la mencionada franquicia, la reacción será la misma. Aquello que los separó, el tiempo lo unirá.

La Huésped vuelve a girar (así como Crepúsculo) en torno a un tópico clásico del cine fantástico, esta vez el emblema de turno es el de "los usurpadores de cuerpos". Extraterrestres que se apropian del cuerpo de los humanos para crear "secretamente" una sociedad propia en reemplazo de la nuestra. Las variantes de este tópico dentro del cine son diversas siendo Invasion of the Body Snatchers de Don Siegel, su remake homónima de 1978 dirigida por Philip Kaufman y They Live de John Carpenter los más elevados exponentes en cuanto a las sub-lecturas que proporcionan. La diferencia entre esos films y este dirigido por Andrew Niccol (Gattaca, El Precio del Mañana) radica en que pareciera llegar a destiempo al relato. En primer lugar la invasión ya es casi total, no sabemos muy bien cómo comienza el accionar extraterrestre pero el texto en off nos indica que ya casi no queda humanos libres. La posibilidad de defensa por lo tanto parecería nula. El relato entonces no va a basarse en la lucha por mantener y/o recuperar el territorio sino por el contrario en una peculiar historia de amor que una vez más va a involucrar a adolescentes cachondos que juegan por un rato a ser grandes, Meyer en estado puro.

Nuestra protagonista es Melanie (Saoirse Ronan) que pese a que su cuerpo fue invadido opone desde el interior cierta resistencia que se traduce en una voz off que mostrará su lucha interior entre su parte humana y su doble extraterrestre que recibe el nombre de Wanda. Wanda es según los extraterrestres un "alma" débil ya que no puede controlar del todo la mente de su receptora (vale aclarar que también es bastante "humana" en sus formas y eso es sólo para ser funcional el relato). En esta instancia se hace visible el rumbo que Meyer desea darle al personaje. Una vez más la escritora toma el tema de la adolescencia y sus conflictos, una naturaleza que bordea la bipolaridad e impulsos que en más de una ocasión se contraponen. Este conflicto interno va a exteriorizarse cuando Melanie se reencuentre con su novio y Wanda se enamore de su amigo. Un cruce amoroso tan simpático como intrincado que fue desaprovechado por el director categóricamente por una narración audiovisual fría, distante, absolutamente deserotizada y lejana a cualquier tipo de intensidad dramática.

En La Huésped no pasa nada. El metraje transcurre y todo se hace tan monótono como el desierto en donde transcurre gran parte del film. La "maldad" de los invasores sólo se intuye por sus ropas excesivamente sobrias y uniformes y cierta forma de hablar mecanizada, elementos que pretenden juguetear con el fascismo. Sin embargo estos seres tienen "debilidades", no mienten, confían unos en otros, transformaron la tierra en un mundo sin hambre, erradicaron las enfermedades, abolieron el dinero, etc. El precio de todo eso es la libertad que han quitado a los hombres por supuesto, un curioso dilema. Los humanos por su parte se mantienen escondidos haciendo cultivo interior... de trigo. Lo único que moviliza al relato entonces son algunas situaciones cotidianas tan pequeñas que ni vale la pena nombrar y el conflicto interior Melanie/Wanda frente a la dupla de galanes. Lo que las cámaras dirigidas por Niccol no pueden o no saben expresar es entonces dicho en diálogos, en realidad, más que diálogos son un cúmulo de frases literarias hiladas entre dos personajes que terminan de arrancarle al relato cualquier esperanza de verosimilitud en las actuaciones.

De La Huésped pueden rescatarse tal vez algunas ideas o intensiones pero como totalidad su narrativa ausente de intensiones claras da como resultado un film aburrido y demasiado desapasionado.

Thriller psíquico

Cada vez son más y más variados los exponentes de este subgénero del Thriller en donde el suspenso e incluso en ocasiones las acciones transcurren en ese laberinto espinoso denominado psiquis. Este subgénero se aleja del denominado Thriller Psicológico convirtiendo la característica lucha intelectual que se encuentra en este último en un contenido más físico pero que transcurre en una dimensión no física y por ende en una dimensión cuyo escenario debe crearse técnicamente (fotografía, dirección de arte, montaje) casi como a un film fantástico. Danny Boyle recurrió a los escenarios mentales anteriormente siendo el uso en Transpotting, La Playa y 127 Horas los exponentes más delirantes y destacados en este aspecto. Sin embargo su particular sello estético y el uso del terreno psíquico nunca antes habían estado al servicio del Thriller hasta ahora con la realización de En Trance.

El robo de una millonaria obra de arte, un delincuente de alta gama (Vincent Cassel), el único hombre que sabe la ubicación del preciado botín y que ha perdido la memoria (James McAvoy) y una hipnotista que será la encargada de liberar ese y por ende otros recuerdos (Rosario Dawson) son el escenario dramático en el que va a fluir la obra. Boyle impone su particular visión estética de múltiples registros y montaje veloz de manera mucho más medida que en su anterior obra fílmica 127 Horas pero aun así sigue en su búsqueda de variantes que pongan en evidencia (crisis) el dispositivo. El film está estructurado de manera tal que aprovecha las hipótesis que el espectador va creando y las usa conscientemente para llevarlo hasta callejones sin salida. Hay mucho oculto y por revelar en En Trance y los detalles dejados arbitrariamente por el director en escena así como los cabos sueltos e incluso las partes que parecen no encajar se convierten a través de una narración muy bien construida en elementos que estimulan al espectador en su búsqueda por quitar el velo y descubrir las implicaciones que esconde el film.

Otro elemento interesante es la visión del sexo que propone aquí Danny Boyle (y que es coherente con su filmografía) en donde a pesar de mostrarse como un acto de una importancia trascendental para sus protagonistas tanto en unión física como en cimiento contenedor del aparato psíquico, el director no deja caerlo en la paquetería (léase 127 Horas) alejándolo lo más posible de la solemnidad de la estetización mediante la "no-revelación". Hacia el final la película revela la complejidad de sus personajes y de la trama, una complejidad mayor de la aparente y es ahí donde a fuerza de una saturación de giros argumentales el cineasta se desgasta. El film pareciera tener más finales de los necesarios por así decirlo.

En Trance no es lo mejor de Danny Boyle, sin embargo es un entretenimiento válido con muchas aristas interesantes y sobre todo, es fiel a la obra de su realizador.

Del terror y la melancolía

"La muerte es misericordiosa, ya que de ella no hay retorno; pero para aquel que regresa de las cámaras más profundas de la noche, extraviado y consciente, no vuelve a haber paz." Howard Phillips Lovecraft

Ausencia está en realidad más emparentada con su título original, Absentia. Más allá que se refiera al término "In Absentia" con el que se define a la salvedad burocrática de dar por muerta a una persona que lleva desaparecida algunos años, este emparentamiento se da por el clima tanto literario como nostálgico que presenta el film y que en ese carácter lo acerca a la lengua latina.

El film en cuestión a diferencia de muchos otros de similar procedencia no oculta en ningún momento su carácter de película independiente. El presupuesto es bajo y el director Mike Flanagan siendo consciente de esto no deja que se convierta en limitación. Algo tan obvio como tener consciencia de las limitaciones presupuestarias no lo resulta tanto en la mayoría de los films de terror en similar situación y (parecería a propósito) ahí es donde empiezan a aparecer malos efectos digitales que no sólo incluyen fantasmas, monstruos, demonios o lo que plantee el argumento de turno sino además explosiones y disparos hechos en Adobe After Effects y cualquier espectacularidad que puedan imaginarse. Flanagan (por suerte) va por otro lado. Por debajo de una premisa típica se transita la idea de la no aceptación de la realidad. Dos mujeres que a su manera no pueden dejar atrás su pasado, una lo hace de manera consciente atormentada por la culpa y la otra prefiere mentirse a sí misma. El hombre (un detective) cuyo esquema positivista no le permite aceptar la realidad.

Ausencia es una película pretenciosa, es verdad, sin embargo la pretensión no siempre es mala, de hecho, si este film no lo fuera seguiría los errores antes señalados en busca de un entretenimiento tan válido como fugaz. El terror no funciona aquí de forma convencional, el fuera de campo es enorme, quizás tan grande como el universo de H.P Lovecraft, incluso planteada la forma material de la entidad encargada de las desapariciones el film deja abierta la puerta para toda una cosmogonía de seres intraterrestres que desvelaron a la humanidad desde su origen. Aun así es importante recalcar que este terror es más bien una excusa para retratar un drama, es por eso que la cinta durante su metraje transita varios géneros con una organicidad que hace reflexionar sobre si existe o no una línea que los separe. Gran parte de este aspecto tienen que ver con la dirección y edición de Flanagan que podría catalogarse como correcta aunque a veces es demasiado formal (se evita meterse en problemas en estos aspectos) y en la fotografía que mantiene una melancolía abrasadora.

Las actuaciones son otro punto positivo del film (algo extraño en su clase ya que lo primero en donde se sienten los recortes presupuestarios suele ser en las actuaciones), no tanto así los diálogos que con su estética de no-ir-a-ningún-lado a veces resienten una trama que posiciona el terror en las tópicas aristas del olvido, la muerte y la vuelta del pasado no siempre con la efectividad que pretende.

En conclusión Ausencia es un film que funciona mejor dentro del suspenso, el terror psicológico y el drama. El espectador que busque sentir miedo, sobresaltarse o buscar un divertimento con amigos o pareja probablemente salga desilusionado. El que apunte a este film buscando ese plus que a veces otorga el cine independiente se va a encontrar con un film de tintes literarios que propone una nueva manera de concebir el terror.

Una de "esas" películas

Brad Anderson había construido a lo largo de su filmografía como director cierto estilo. Con un manejo de las cámaras y de los tiempos bastante cercano al Cine Indie y una demostrada capacidad para generar ambientes psicológicamente oscuros, cintas como El Maquinista (The Machinist), Session 9 y La Oscuridad (Vanishing on 7th Street) definitivamente tenían carácter. Todo ese carácter parece pedir a gritos salir a la superficie del fílmico en 911: Llamada Mortal pero lamentablemente eso nunca sucede.

Para hacer una justa recorrida por la hasta ahora corta trayectoria del cineasta habría que sumar a lo antes mencionado sus defectos. El gusto de Anderson por las secuencias estereotípicas la mayoría de las veces atenta con su propio trabajo por conseguir los climas de extrañeza y oscuridad que tiene su cine. Por otro lado sabe mantener al espectador pegado al argumento durante el metraje y esa capacidad se vuelve problema al llegar a los desenlaces, la última parte de sus obras suele tener dificultades para satisfacer las expectativas que sus relatos vienen generando.

911: Llamada Mortal protagonizada por Halle Berry tiene en balance más de sus errores que de sus aciertos. El film genera mucha tensión, eso es indiscutible. A pesar de estar parado sobre una estructura en la cuál el espectador sabe claramente lo que va a ir sucediendo la tensión está y eso se debe a la unión del trabajo acertado tanto en la dirección, en el montaje y en el plano actoral de parte de las figuras (algo que choca con las penosos trabajos de los actores menos pagos del film). Para que un film funcione, sin embargo, la tensión sola no alcanza y ahí es donde este empieza a caer en picada. El segundo tramo de la película en donde Jordan (Berry) aconseja y guía a una chica (Abigail Breslin) mientras que ella se encuentra secuestrada en el baúl de un auto conducido por el asesino (Michael Eklund) es el mejor tramo de la cinta. Mientras que el tridente formado por Asesino - Víctima - Heroína se mantiene con la capacidad de sus acciones limitadas físicamente (el asesino maneja por una autopista, la victima está encerrada en el baúl y Jordan sigue todo telefónicamente) la película genera no sólo la tensión ya mencionada sino además empatía, e inmediatamente después de eso, también termina consiguiendo una proyección del espectador hacia los buenos (porque es de "esas" películas) ya que comparte la misma imposibilidad. Ahora bien, en ese momento y en paralelo va desarrollándose la investigación de un oficial de policía (Morris Chestnut) y si bien esos respiros de tanto ritmo vertiginoso ayudan al guión a tomar aire, la realidad es que lo que sucede de ese lado del relato no interesa en lo más mínimo y peor aún, comienzan a verse los hilos de un guión demasiado forzado.

Para culminar la peor decisión del relato es detener la marcha y salir del camino. Ahí ya vemos delante de nuestros ojos el presagio de todo lo que va a pasar porque entendemos cómo espectadores que ese asesino ahora va a estar argumentalmente obligado a tener un motor psicológico para sus actos, porque si bien nunca se desarrolla su personalidad sabemos que pueden explicarla en 47 segundos porque está es una de "esas" películas. Además, estamos seguros que la heroína va a tener que seguir ayudando a la victima y que la única forma de hacerlo va a ser pasar a la acción física porque no hay que olvidarse que es una de "esas" películas. En fin. En el final tendremos a un asesino posicionado a un paso de Buffalo Joe de El Silencio de los Inocentes (The Silence of the Lambs) sólo que como durante todo el film fue un tipo demasiado temperamental no le creemos el tinte psicopático que se pretende. Una heroína que es presa de las absurdas casualidades del guión y una victima cuyo instinto de supervivencia quedó en el baúl en el cual venía (lo bueno de estos aspectos es que generan risa y si bien no es buscada siempre es bienvenida) completarán la partida.

La resolución es la de una de "esas" películas que últimamente juegan con la idea de la justicia por mano propia, o más concretamente, que plantean que la pena capital no es mala sino que lo malo es la burocracia que esta en el medio. El final, como todo el film, está tan carente de carácter que intenta copiar a una excelente película de Wes Craven pero de una manera tan tibia que se gana el puesto del peor final que he visto entre la temporada pasada y esta.

Situaciones sobre explicadas por el dialogo, abuso de las coincidencias y un tramo final que atenta contra la película misma son las cuestiones que hacen de este thriller tensionante por momentos y bien actuado una de "esas" películas.

Una remake a la altura

Debo reconocer que no soy un fanático de las remakes, y mucho menos de las remakes en el género del terror. La idea de hablar de La Masacre de Texas y que me nombren la producción de Michael Bay hace que mi vena yugular se hinche y mi piel se ponga de un tono rojizo vibrante. Es por eso que al escuchar hablar de la por entonces posibilidad de esta, me asuste un poco. Llegue al film original, The Evil Dead (1981), guiado por la tapa de un VHS en un videoclub que ya no existe pero que recuerdo con cariño. Las imágenes que contenía ese cassette eran como la cama de la amante más experimentada, tenían rasgaduras que no podían ocultar que había sido visitada por decenas antes que yo. Cuando el film comenzó entendí que lo que estaba viendo era completamente distinto a todo. El contenido de esa cinta marcó mi vida profundamente, a pesar de haber ingresado en el género del terror desde mi infancia nunca antes había visto semejante creatividad en una puesta en escena.

Llegue a ver Posesión Infernal con toda esta carga encima y además, hay que decirlo, con la carga de haber visto La Cabaña del Terror a principios de este año y teniendo en cuenta que después de semejante vuelco al género cualquier film sobre jóvenes en cabañas tiene las cosas complicadas. Ahora bien, debo decir que Posesión Infernal es la mejor remake de un clásico del género que haya visto y las razones son varias.

La presencia de Sam Raimi, Robert Tapert y Bruce Campbell en la producción particularmente no me aseguraba nada, ya había visto al mismo Romero fallando en este aspecto. Luego, la idea de convocar a Fede Alvarez después del suceso de su cortometraje Panic Attack! me sonaba más a marketing que a cualquier otra cosa. Sin embargo el film vence donde todos los otros (remakes) perecieron. Lo que en la mayoría de los directores se convierte en copia edulcorada para obtener un producto exageradamente teen es en Alvarez la esencia procesada, digerida y reformulada del producto original. Los cinco protagonistas David, Eric, Mia, Olivia y Natalie (cuyas iniciales juntas forman curiosamente la palabra DEMON) no son los anteriores. Ninguno de ellos pretende ser Ash, aunque el vestuario y las relaciones de parentesco podrían poner a David en ese lugar, queda claro en cuanto a personalidad que no lo es y que incluso ni siquiera es el protagonista. El crecimiento, madurez, o superación a base del sacrificio está presente al igual que en la obra original pero actualizado a una sociedad en la cual las disfuncionalidades familiares, la drogadicción y porque no, la demencia, están más presentes como conflicto colectivo. En ese marco Posesión Infernal funciona también como comparación sociológica entre épocas. Lo que antes era "vayamos a una cabaña a drogarnos" ahora es "vayamos a una cabaña a desintoxicarnos". Claro está, de todas maneras, que el film no pretende dar en este sentido juicios morales pero no puede negarse que los films y sobre todo los de género retratan los contextos en los que fueron realizados mejor que en cualquier otra representación y es por eso que vale la pena mencionarlo.

En cada plano se percibe una fuerza particular, eso que Raimi declaraba sobre elegir a un cineasta joven y primerizo finalmente no fue palabrería, el film avanza a base de gore y humor y en cada puesta de la cámara se nota la energía de un director al que le dieron una chance después de haberla buscado por años por todos los medios posibles. El delineamiento de la atmosfera deja paso rápidamente a una sucesión de escenas tan terroríficas como impresionantes, de esas que hacen que el espectador cruce las piernas para un lado y para el otro repetidamente imposibilitado para encontrar comodidad en la butaca. El film por momentos parece una torture porn pero eso que en ese subgénero es solamente desagrado gratuito acá se combina con el terror más clásico dando como resultado que tengamos tan poco oxigeno como los protagonistas en la última hora de la cinta. Resultan abrumadoramente realistas los efectos especiales y esto puede considerarse una postura frente a los fundamentalistas de la tecnología ya que ninguno de los mismos está realizado con CGI. Todos son artesanales, a la vieja usanza. La cámara y algunas transiciones recuerdan al Raimi de la primera etapa aunque Alvarez se muestra mucho más profesional que aquél y la fotografía en general, con grano grueso incluido y todo, mantiene la aspereza de la original.

Dentro del guión los guiños hacia la cinta de 1982 están en diálogos y detalles como si se tratara de las oscuras palabras del Necronomicon, sólo para iniciados. La historia a priori no aporta nada nuevo respecto a la original, sin embargo, es bastante más reveladora respecto a la psicología de los personajes y guarda un final en el que la idea de sacrificio y redención alcanzan un nivel superior. Hay que aclarar en este punto que la narrativa del film y el desarrollo del guión no son los puntos más fuertes del film que parece en todo momento evitar complicarse para ser funcional a la puesta.

Si Posesión Infernal fuera una canción sería definitivamente punk, es cruda, explícita, muy explícita, brutal y fresca, haciendo honor no sólo al hito del cual parte sino también a todo un estilo de cine de terror pasional que lamentablemente dejó de existir hace tiempo.

Surrealismo siniestro

Si mezclamos el espíritu gótico de las producciones que resultaron de la unión entre Roger Corman y Vincent Price con la iluminación y colores predominantes en el cine de la Hammer Productions, le agregamos un uso de las aberraciones del lente y movimientos de cámara cercanos a The Evil Dead obtenemos La Memoria del Muerto, film nacional que se estrenó este Jueves.

Vencer la muerte. Tópico que desveló a la humanidad desde que existen sus registros y tema recurrente en el arte de todos los tiempos. Este deseo de superar aquello que es inherente a la vida misma contiene en sí un patetismo trágico. El film de Javier Diment tiene como atmósfera ese patetismo, pero también tiene otras cosas. Al comienzo del film y con recursos muy bien logrados se nos revela el carácter onírico que tendrá el film y la dificultad misma de lograr la meta propuesta ya que uno de los personajes morirá tres veces. Luego, en los créditos iniciales y mediante algunos diálogos conocemos a los personajes y sobre todo ingresamos mediante el tono actoral a un clima casi Lyncheano que nos permitirá sumergirnos en el film y sus particularidades.

La empresa imposible de evitar lo inevitable será llevada a cabo por una mujer que perdió a su esposo abruptamente y desea recuperarlo. Las cinco personas que más lo querían en vida serán víctimas de un ritual pactado por el difunto con anterioridad. El sacrificio de cinco idiotas sentimentales será el módico precio por volver a la vida a su esposo. En este film la muerte se vuelve tan tangible como en los films de terror gótico realizados por Vincent Price o por Narciso Ibañez Menta. Es una fuerza, es acecho en los personajes y opresión en el espectador. Otro protagonista es el pasado. Un pasado que se despierta por quien sabe qué tipo de magia y que vuelve corporizado para torturar la psiquis de sus víctimas y eliminarlas finalmente. Los miedos de cada personaje nos contarán más sobre ellos mismos que cualquier diálogo y eso hace fortalecer la historia y ganar en ritmo al mismo tiempo. Cabe mencionar como dato que en cuanto a estos fantasmas del pasado en el caso de cada personaje es lo femenino en diversas variables lo que afecta, lastima y causa temor. La Maternidad o La Madre, La Novia, La Hermana, La Abuela, La Hija, arquetipos que simbolizan niveles traumatizantes en el film.

Diment sabe perfectamente cómo inquietar al espectador, eso queda claro, pero además sabe luego de sacarlo de su lugar de seguridad cómo volver a mimarlo mediante el humor para que vuelva a pegarse al relato, cómo usar el gore para obtener diferentes efectos, cómo usar el sexo, cómo combinar estilos dentro del género sin morir en el intento y sobre todo cómo cerrar un relato ya que cuenta con un final brillante.

La Memoria del Muerto es un film perturbador, tiene imágenes que no pueden olvidarse fácilmente y eso tiene que ver con que se nos sumerge en un surrealismo desde los aspectos técnicos que deja la mente del espectador indefensa y por ende permeable. Una experiencia más que recomendable.

Un film diferente que terminó siendo igual al resto

El argentino Andrés Muschietti realizó en España en el 2008 un cortometraje llamado Mamá, el producto rodado en un plano secuencia (falseado digitalmente) condensaba en sus 3 minutos de duración un clima inquietante y ciertas incertidumbres que lo volvían bastante perturbador, al verlo Guillermo del Toro no dudó en convocar a Muschietti para convertirlo en un largometraje. Mamá conserva los climas del cortometraje original y desarrolla una historia diferente dentro del género, sin embargo, lo que pudo haberse convertido en uno de los mejores films dentro del género en estos últimos tiempos cae en lugares comunes que lo acercan a la media.

Mamá tiene un comienzo abrumador, una radio nos contextualiza en un momento que es comparado con los actos violentos ocurridos cuando estalló la crisis en 1929, se habla de actos violentos, asesinatos y suicidios. En ese contexto un hombre se lleva rápidamente a sus dos hijas de su casa, él acaba de matar a dos de sus socios y a su propia esposa. El escape se ve frustrado cuando su auto derrapa en el pavimento nevado y entra en un bosque en donde es detenido por un árbol. Allí encuentran una casilla, una vez adentro el hombre se va a ver desbordado por su propia consciencia y tratara de cometer un acto tan excesivo como desesperado. "Algo" va a detenerlo.

Esta introducción, seguida por los créditos iniciales van a dejar en claro que este no es un film más, algo que va a hacerse más sólido cuando notemos que la primera parte va a basarse en la evolución psicológica de esas niñas que tuvieron que criarse "solas" en ese bosque durante 5 años (una de ellas no tuvo oportunidad de aprender a hablar) y que deberán "civilizarse" para poder comenzar una nueva vida junto a su tío (Nikolaj Coster-Waldau) y su novia Annabel (Jessica Chastain). En este comienzan a establecerse interesantes relaciones sobre las figuras maternas del film. La evolución de las niñas de la que hablaba con anterioridad va a ser acompañada de una evolución en Annabel y su relación con ellas.

Hasta ahí la película es excelente y el tema en clave de "cuento de hadas" está tratado tan acertadamente que lo sobrenatural por momentos va a parecer una subtrama, el problema es justamente que después lo sobrenatural que hasta el momento estaba mostrado fuera de campo emerge, y lo hace de manera torpe. Todo lo que era interesante hasta el momento se ve opacado con las clásicas escenas que buscan sobresaltar mediante el sonido, circunstancias demasiado vistas e incluso actitudes incoherentes de parte de sus personajes. El film lamentablemente comienza a perder fuerza y todo este tramo se hace extraño ya que parece haberse entrado en otro código. Por suerte el tramo final vuelve a retomar las relaciones paterno-filiales del comienzo, el mismo clima y el mismo dramatismo levantando el film una vez más y dando un final brillante que lleva el sello de del Toro marcado a fuego.

Las aptitudes de Andrés Muschietti, que en los créditos figura como Andy, para la dirección son innegables y esta resulta ser una ópera prima bastante prometedora, sin embargo, por buscar esquematizarse e ir a lo seguro siendo efectista termina siendo un film más, de todas maneras pensando en cómo están las carteleras actuales en cuanto al género sigue sobresaliendo por su puesta en escena y el entretenimiento que ofrece. Si tengo que promediar debo decir que en general Mamá es un buen film, sin embargo, no deja de parecerme una enorme oportunidad desaprovechada.

La vida son cuatro días

Después de haberse estrenado en España hace casi tres años llega a nuestras carteleras Carne de Neón, un film rodado mitad en su país originario y mitad en el nuestro y cuyo elenco está también dividido entre españoles y argentinos.

Carne de Neón es un film de género hecho y derecho, tal vez es por eso que para muchos espectadores (críticos incluidos) esto va a ser una sentencia que lo ubique en el casillero de los films "que no te dejan nada después de verlos" sin embargo como en el buen cine de genero las reflexiones y la critica social están presentes en este nuevo trabajo de Paco Cabezas cuya narración avanza de manera arrasadora (algo que me recordó a Diablo) a fuerza de chistes ácidos y acción desenfrenada. Lo primero que salta a la vista en el film es la clara referencia de Guy Ritchie tanto en la estética del film como en la presentación meticulosa de cada uno de los actuantes, incluidos los menos importantes, que reflejan no tanto un conjunto de personalidades sino que representan las pinceladas de un paisaje que servirá de marco contenedor de las acciones. Esta referencia tal vez es la más calcada y menos procesada dentro del film, otras sin embargo como las no menos obvias alusiones al cine de Quentin Tarantino y Robert Rodriguez no coquetean con el "robo" si no que se encuentras incorporadas y re inventadas por Cabezas en los diferentes tipos de planos utilizados para las secuencias violentas y las cadencias utilizadas para narrar el breve apogeo del Club Hiroshima, con sus cuerpos desnudos en constante movimiento. Es que la dirección de Paco Cabezas resalta y se hace fuerte en esas secuencias que son de lo mejor del film por lo obsesiva organización de la puesta en escena (Paco Cabezas sabe que para filmar bien los desnudos no alcanza sólo con tener una mujer desnuda).

La decisión de rodar en lugares argentinos y españoles, halla sido o no una decisión deliberada, le da al film un aura que lo acerca a la fábula (suburbana) creando ambientes y situaciones que parecen pertenecer a un mundo que corre en paralelo respecto al que conocemos, cuya arquitectura dispar refuerza la idea de un orden que cuenta con sus propias normas y estas al igual que sus personajes-collage se rigen por el mandato de lo que se puede y no lo que se quiere. Las diferencias ideomáticas hacen que los gestos comuniquen más que las palabras y es por eso que las acciones toman ventaja en elocuencia frente a los diálogos, los personajes luchan en este mundo creado por ellos mismos frente a un destino que tiende a organizar las cosas naturalmente, que tiende a poner las cosas en su lugar, pero que se guía por un orden natural que es ajeno a los habitantes de estas calles y por ende se convierte en su enemigo. Así, frente a la corriente, avanzan personajes y relato, con una consciencia respecto a su entorno que rápidamente se contagia al espectador y se convierte en código interno.

La esclavitud sexual, lo marginal, las adicciones, el alzheimer y sobre el final con la historia de venganza de El Chino (Grandinetti), oponente físico en la historia, cuya base es la necesidad de la restitución de los cuerpos, una temática ya abordada por Paco Cabezas en "Aparecidos", film que mezclaba una historia de fantasmas con la dictadura militar ocurrida en nuestro país son algunos de tantos otros temas en los que la película se sumerge evitando inteligentemente los juicios de valor y poniendo el énfasis en el cine como modo de narrar acciones.

En conclusión Carne de Neón es una película que usa al entretenimiento como herramienta para expresar ideas (algo que parece simple pero no lo es) y un ritmo vertiginoso que verifica la frase de despedida de La Canija: "La vida son cuatro días".

Maquetas

La Extraña Vida de Timothy Green es la recuperación de un cine al que Disney estaba acostumbrado y que fue perdiendo terreno debido al avance de la animación, este "cuento de hadas" moderno dirigido y guionado por Peter Hedges transforma la narración clásica (esa que Disney supo explotar con bastante inteligencia en otras épocas) en un mero ejercicio de guión (o ejercicio de película).

El principal motor temático del film es el "ser padres" y a partir de esa línea deriva en una línea secundaria profundamente moralista de la temática "ser diferente está bueno", esta estructuración y esquematización no tiene que ver con un análisis caprichoso de quién les escribe si no que el film en sí está así de esquematizado. El punto de inicio del film es una entrevista que Cindy (Jennifer Garner) y Jim Green (Joel Edgerton) tienen con una mujer que será encargada de decidir si ambos están capacitados o no para adoptar un hijo, en el marco de esta entrevista ellos relatarán el extraño y poco creíble episodio de Timothy, esta situación es utilizada por el film para justificar uno de los guiones más maquetizados del último tiempo ya que en este marco se irá directamente a los puntos de giro y a los hechos frente a los cuales se ven las dotes previamente "diseñadas" del niño en cuestión. Sin intención de adelantar nada de la trama diré que "el suceso de las hojas" funciona también en el film como una metáfora relacionada a la manera en que afecta a un niño el vivir toda una vida (a raíz de las circunstancias que presencia) en poco tiempo, una idea discutible que parecería ir de la mano de la ideología de Cindy y su neurosis naif y no de la línea del relato pero es Disney y las ideas sobreprotectoras son su especialidad. La "casualidad" en el desarrollo de los diversos sucesos es otro de los puntos que sumados a un collage de estereotipos que juegan a ser personajes terminan logrando que el espectador no llegue nunca a adentrarse en el relato y por consiguiente no llega a emocionar (que pareciera ser el objetivo último del film).

A pesar de sus falencias La Extraña Vida de Timothy Green se deja ver y eso tiene que ver con que la "corrección" con que cuenta el film desde la dirección hace milagrosamente avanzar el relato y el clima logrado a través de ese otoño eterno en el que se desarrolla el film ayuda a crear cierta magia y nostalgia que refresca a todo lo demás.

En conclusión el film es víctima de la perfección inhumana de sus personajes, incluso en sus errores (no veía una venta de estilo de vida tan obscena desde "Stuart Little") y de un clasicismo exacerbado en cuanto al guión que la convierten en un film que parecería naif hasta para salir en el bloque televisivo Historias del Corazón de Telefe.

El caleidoscopio

Pocas veces me costó tanto escribir una crítica como en esta ocasión, las razones son varias, me gusta mucho el cine de Caetano en general, el argumento a priori me parecía interesante y me agrada la idea de que cada vez sean más las propuestas del cine nacional en cuanto a cine de género, todos estos factores me complican en realidad porque Mala defrauda y lo hace en grande.

Mala narra la historia de Rosario, una sicaria que se encarga de asesinar hombres que maltratan a sus parejas, esto por una nada módica suma de dinero. En este universo que al principio parece que va a adentrarse en la problemática de la violencia de género sin embargo todo roza lo bizarro.

Intentar descubrir qué quiso hacer el director de Un Oso Rojo en este film puede ser una tarea que necesite de un arduo análisis sobre su filmografía y sus influencias, esta tarea de todas formas resulta a esta altura irrelevante ya que lo que interesa es el film resultante, el peor de su carrera. Mala es un film desprolijo y torpe en varios de sus aspectos formales, el guión es un colador (perdón por la informalidad pero no hay manera más gráfica de explicarlo), los diálogos son de lo peor que he visto en cine, tiene grandes problemas de sonido (referentes sobre todo al doblaje), encuadres que exceden lo que puede considerarse desprolijo cinematográficamente hablando y cuenta con un montaje al que simplemente le falta coherencia. En este último punto es donde más se sienten las falencias ya que los malos "cortes" la dotan de un aire de inexperiencia en donde abundan errores en cosas tan básicas como hacer un corte en movimiento prolijo y un raccord de dirección que no nos haga perdernos en el espacio sin saber en qué lugar está el protagonista o hacia donde va. Que cada secuencia termine con un fundido a negro (situación de la cual el film esta sobredosificado) es un claro ejemplo de no saber cómo empalmar dos situaciones orgánicamente.

En cuanto a las actuaciones, las de Forencia Raggi (Rosario) y Ana Celentano son las que destacan, y justo en el extremo opuesto se encuentra Juana Viale quien brinda una actuación floja que pone en riesgo constante el verosímil del relato. Las otras Rosario, Brenda Gandini, María Duplaá y Liz Solari se desempeñan bien en sus respectivos personajes a pesar de que estos resulten bastante monodimensionales, esta condición de estereotipo está de todas formas justificada por la trama.

Todos estos puntos pueden esperarse de un cineasta que presenta su ópera prima (de todas formas no debería ser aceptable) pero sorprenden de un director de la talla de Adrián Caetano, el que aún en este film muestra conceptos muy interesantes que se utilizan para revelar niveles psicológicos y sociales con claridad, esa es otra de las razones que vuelven al film algo difícil de comprender ya que cuenta con escenas interesantes y muy bien logradas pero es en la unidad de las mismas, en el todo, en donde se pierde el sentido. El film podría ser una buena cinta explotation o un homenaje al cine B (está lleno de referencias hacia films de culto como Kill Bill, Christine, Psicosis y Carrie) , sin embargo desde el comienzo plantea una solemnidad que lo aleja de esta propuesta y lo deja en un lugar inclasificable, algo que también le juega en contra en cuanto a la idea sobre las mujeres que termina quedando plasmada.

Mala es una propuesta interesante que falló en sus aspectos formales, un confuso caleidoscopio que al igual que el usado por su protagonista representa la presencia de una ausencia, en este film se extraña a Adrián Caetano.

Pirotecnia Zero

Después de haberse hablado mucho al respecto llegó Zero Dark Thirty titulada en nuestras carteleras como La Noche más Oscura, último film de Kathryn Bigelow, nominado esta vez a cinco premios Oscar. El film continúa con la estética propuesta por la directora en Vivir al Límite y también con la hipótesis de aquella sobre la relación entre el hombre y la guerra.

Vivir al Límite coqueteaba con la idea de la adicción a la guerra, entendiéndose ésta como el agente que llena un "vacío angustioso" en la vida de un individuo, mostrando la desolación que implicaba el alejamiento del campo de batalla para James, su protagonista. Esta idea no es nada novedosa, ya Apocalypse Now la desarrollaba magníficamente y de manera no tan epidérmica como en ésta sin limitarse a desarrollar una única idea sino utilizándola como contexto para un relato que servía como metáfora para narrar (y criticar) la historia de la cultura occidental. En este sentido La Noche más Oscura toma esa adicción antes planteada por la directora y la convierte en obsesión ya que Maya, al contrario de James, no puede conseguir el efecto de liberación de concretar la tarea que asedia su mente. Si dejamos de lado las diferencias psicológicas entre ambos casos, no hay nada nuevo bajo el sol, Zero Dark Thirty utiliza las mismas estructuras y la misma estética (en cuanto a edición, puesta de cámara y sonido) que su predecesora con una diferencia contundente, en Vivir al Límite la narración tenía momentos en donde la directora inteligentemente le daba oxígeno al relato descomprimiéndolo por un lado y dándole realismo a la vez, sus personajes tenían pausas en el medio de los picos máximos de tensión y eso daba resultados muy positivos, La Noche más Oscura en cambio, y si se me permite la metáfora, está toda oxigenada, es el negativo de aquella otra si se quiere, acá los momentos de tensión son contados con los dedos y son logrados gracias a la dirección de Bigelow pero la historia no engancha tanto, y lo peor, por momentos parece no desear enganchar al realizar una narración tan fría, al privarnos de las emociones de los personajes o él personaje (Maya) y al no desarrollar ninguna subtrama atrayente que mantenga un ritmo variable.

Esta frialdad de la que hablo es en La Noche más Oscura una decisión, la forma en la que se estructura el relato, en base a secuencias con un fuerte subrayado temporal que le dan estética de crónica y por ende con elipsis temporales igualmente marcadas tienen sin duda el fin de dar cierta apariencia "objetiva", algo sumamente tonto pero que sin dudas se para frente al dispositivo fílmico de la misma vereda que se para la gente que cree que el documental también es objetivo. Lo que Bigelow decide mostrar y lo que no es propio de su visión, es por eso que narra el 11-S sólo con audio sobre una pantalla negra y muestra con detalles el atentado de Londres. Esta necesidad de objetivizar es en realidad una necesidad de no hacerse cargo, de intentar que la imagen hable sin que el director o el guionista detrás queden al descubierto pero, ¿con qué intenciones?, tal vez aún es muy temprano para realizar este tipo de revisiones.

La postura del film sobre "el mal", es bastante interesante. Culturalmente siempre hubo dos concepciones del mal y por ende dos concepciones del enemigo como figura, una nos muestra que el mal es un ente totalitario encarnado por una misma figura que es la encargada de verbalizarlo, una visión bastante amistada con las religiones y que también fue, por ejemplo, una de las bases de la campaña de Bush que trasfirió toda la maldad a la figura de Bin Laden, dándole poder por un lado y deshumanizándolo por el otro. En la otra visión, en cambio, el enemigo (el "otro") tiene muchos rostros, en esta visión se fundó el cine de acción Hollywoodense otorgándole al enemigo diferentes nacionalidades. Lo que esta última visión hace, al ser claramente opuesta a la anterior, es darle mayor poder al héroe, al encargado de destruir al mal. En La Noche más Oscura su protagonista, Maya, parece ser la única (uno de los motivos pero no el único es la obsesión de la que ya hablamos) que está empecinada con Bin Laden, al resto no le importa su paradero, entonces, ambas visiones de la maldad chocan y resultaría interesante ver las motivaciones que forman cada uno de esos paradigmas sobre el enemigo pero la película no se detiene a desarrollarlos. De igual manera es interesante cierto juego entre los personajes y los monitores que pudieron haber sido un mecanismo interesante para explicar lo que significa una guerra en el tiempo de las telecomunicaciones pero tampoco, uno de los encargados de las torturas le dice a Maya "No está mal ver a través del monitor" mientras ella ve las quejas de un hombre al que acaban de golpear y eso es todo.

El uso de la cámara temblorosa es mucho más prolijo que en Vivir al Límite y eso hace que por momentos algunos planos junto a la excelente iluminación que maneja la película den encuadres muy bellos pero tampoco llega a tener la perfección fotográfica que por momentos logra el documental Armadillo que en cuanto a este tema sigue siendo uno de los mejores exponentes. El montaje sobre todo en la secuencia del asesinato de Bin Laden es muy bueno cumpliendo con una estética bastante propia del videojuego y que también da que pensar, sin embargo, el guión no tiene ni profundidad ni tensión, entonces el film se hace largo por momentos, no es una película de acción, pero tampoco es una película fuerte en la tensión mediante los diálogos como El Topo (la de Tomas Alfredson, no la de Jodorowsky) ni tampoco tiene un manejo interesante del fuera de campo y de los objetivos de los personajes como Argo, en fin, mucho de lo que pasa lo entendemos por nuestro conocimiento de los hechos por lo que no funciona como revisión histórica y hay una necesidad de mostrar la violencia de un lado y del otro como justificación, algo que en el film termina por sacarle peso al drama.

La Noche más Oscura es una buena película y eso es gracias a secuencias con una muy buena dirección y a por ejemplo la actuación de Jessica Chastain que tuvo un trabajo realmente difícil ya que tuvo que transmitir más que el guión mismo para llevar el film adelante; pero si como yo esperaban recibir guiados por la crítica estadounidense a algo así como "la película de la década", título que también le habían dado a Vivir al Límite, van a tener que guardar la pirotecnia porque este estreno viene algo sobrevalorado.

Los peligros del azúcar

El intento de Hollywood por "darle un giro" a los cuentos infantiles es algo que a esta altura ya está instaurado, por lo tanto, ya no resulta novedoso. Teniendo en cuenta esto último imagino que todo espectador que se aventura a ver Hansel and Gretel: Cazadores de Brujas tiene bien en claro a lo que se expone. Este tipo de relatos ya forman parte de un estilo (aún en gestación por supuesto) y este film en particular tiene elementos que se apoyan en lo hecho en estos films hasta ahora y otros elementos que se despegan de la media.

Hansel and Gretel: Cazadores de Brujas es un film que a pesar de venderse como adulto no deja de ser un film apuntado a adolescentes y tal vez más precisamente al adolescente que comienza a descubrir el cine gore y se jacta por eso. Nada hay en este film que recuerde por ejemplo a Hansel y Gretel de Pil-Sung Yim, ese film en mi opinión si proponía un nuevo giro, un giro oscuro realmente, Hansel and Gretel: Cazadores de Brujas, sin embargo, está lejos de esa oscuridad.

Lo primero que uno siente cuando ve las aventuras de estos cazadores es que tanto la costurera como el fabricante de armas son los mismos que vistieron y armaron al Van Helsing que protagonizó Hugh Jackman, ambos films tienen una especie de estética steampunk (bastante diluida por cierto) en cuanto al diseño de armas y vestuario de los protagonistas que en mi opinión, tiene como fin último tratar de borrar el marco histórico del relato para que la trama no haga aguas. Sus personajes (en este caso Jeremy Renner y Gemma Arterton) son pura pose al igual que lo eran los de Blancanieves y el Cazador y La Chica de la Capa Roja, las escenas de acción tienen las mismas coreografías y el mismo montaje rápido que la ya nombrada Van Helsing (apuntado a que no se entienda mucho qué pasa) y los villanos, en este caso las brujas y particularmente el personaje de Famke Janssen, están tan estereotipados que dan lástima por sobre cualquier otro sentimiento. Estos elementos deben estar en alguna especie de manual porque se repiten en cada uno de los films de este estilo. Esto se suma a una trama que no es sólo astronómicamente previsible sino que por momentos carece de sentido en cuanto a qué buscan los "buenos" y qué buscan los "malos".

Con todos estos elementos, sin embargo, Hansel and Gretel: Cazadores de Brujas sale por momentos mejor parada que sus predecesoras y esto se debe a que justamente esta película es más autoconsciente que las anteriores y usa el humor negro para burlarse de sí misma. En esos momentos en que la película se vuelve irónica es donde toma mayor fuerza, usa el 3D para tirar sangre y tripas a la cara del espectador, se burla de la propia historia de Hansel y su "enfermedad" derivada de su primer encuentro con una bruja y hasta coquetea arriesgadamente con la relación entre los dos hermanos.

Todos estos elementos del film pudieron haber llegado a un mejor puerto si la película se hubiese alejado del conformismo y hubiese abrazado la visión "Clase B" de Tommy Wirkola que venía de hacer Dead Snow, una de zombies-nazis, que por cierto no me agradó pero al menos se la notaba más genuina.

El Ave Fénix

Cinco amigos se van de reventón a una cabaña en el medio de la nada, una vez ahí habrá música, alcohol, drogas, bailes sexys y un sótano secreto, pero luego de incurrir en ese lugar comenzarán a ser asesinados uno por uno, así como la fórmula manda. Si sumamos esa premisa al título con el que entra este film en nuestras carteleras, La Cabaña del Terror, hasta acá hasta un chico de 12 años podría decir "esta ya la vi", sin embargo, esa cabaña no es como las decenas que ya vimos, esos cinco amigos tampoco y lo que los perseguirá, lo que buscará cazarlos sádicamente, tampoco.

The Cabin in the Woods (título original de la obra) es diferente a cualquier otra y eso no sólo tiene que ver con su original premisa sino con la manera en que ésta es utilizada para diegetizar el metalenguaje presente en el film. The Cabin in the Woods es una radiografía de las estructuras del cine de terror de los últimos 40 años, tanto en su organización formal como en los valores morales que este tipo de cine buscó transmitir. El film fusiona orgánicamente su función literal (dándonos una cinta de terror sumamente disfrutable) con su función simbólica y desprendiéndose de esta última una función critica (social). Se podría decir que Drew Goddard y Joss Whedon en este film destruyen el cine de terror mostrándonos los hilos de la marioneta al igual que el mago enmascarado al revelar como están hechos los "trucos", pero lo hacen por un profundo amor al género que se nota en cada plano, en cada diálogo y en cada referencia metalingüística. Esta destrucción lleva en sí su propia antítesis, una fuerte idea de construcción y reinvención, una revisión que propone entender las razones de la estructura de este tipo de cine de terror dentro de un contexto sociocultural y trazando un paralelo entre esa cultura y la actual para mostrar que los estereotipos de aquella época ya no aplican y que, fundamentalmente, los enemigos han cambiado. A partir de estos cambios La Cabaña del Terror propone destruir casi todo el cine de terror de estos últimos 40 años y empezar de cero, esta destrucción es literal en la película y es una de las escenas más potentes que vi en el último tiempo. El respeto de Goddard y Whedon por el género es tan grande que ponen a los grandes personajes del cine de terror al nivel de la mitología y ésto, para los amantes del género y del cine en sí, va a ser tal vez lo más valorable de la cinta ya que este film (sin importar el género al que pertenece) al incurrir en una clasificación mítica plantea al cine como un arte en cuanto a la capacidad simbólico-representativa de una generación, algo que la industrialización y sobre todo el mainstream a veces pone en duda.

La originalidad del film causa que uno no pueda terminar de encasillarlo dentro de un género especifico (si es que hay necesidad de encasillar) y esto se debe a que trabaja un concepto casi de mamushka en donde hay una línea argumental (de terror y gore) dentro de otra línea argumental (de comedia y suspenso) y estas dos hacia el final van a unirse y estar a su vez dentro de una tercera, algo logrado de manera perfecta gracias al guión y el montaje.

Es imposible ver La Cabaña del Terror sin pensar en el cine y en el cineasta, así como dijo el Maestro Hitchcock, como gran "titiritero de las emociones de la audiencia", esto sin embargo, como ya he planteado es completamente orgánico al relato ya que hay una figura (coorporativa) que va a representar a ese titiritero y victimas que representarán al espectador (todo espectador es una víctima dada su condición inmovilizante frente a lo que ve en una pantalla), todo esto acompañado de un trabajo de cámara que no se limita a imitar un estilo sino que procesa el concepto de las puestas de cámara del género, muy buenas actuaciones, terror (porque aunque intenten sacarle rédito es un film de terror), gore en dosis abundantes, buenas dosis de humor y un trabajo de edición maravilloso sobre todo en la utilización del montaje paralelo.

La Cabaña del Terror es una enorme bocanada de aire dentro de un género que tocó fondo en el 2012 por la poca creatividad de sus propuestas, pero una vez más, debido a su condición regenerativa y la capacidad de reinventarse ha renacido de entre las cenizas como el Ave Fénix.

Tibio, tibio...

Las películas ambientadas en la época de la denominada Gran Depresión siempre tienen una atmósfera interesante y esa atmósfera suele ser inspiradora visualmente por lo que suelen tener (la mayoría) una buena fotografía y un buen diseño de arte, si a eso le sumamos una historia de gángsters la cosa se va poniendo aún mejor y si a eso le sumamos un director con un éxito abajo del brazo como en este caso John Hillcoat (director de La Carretera) y un reparto integrado por Tom Hardy (Batman: El Caballero de la Noche Asciende), Shia LaBeouf (Transformers, Wall Street: El Dinero Nunca Duerme), Jessica Chastain (El Árbol de la Vida) y Mia Wasikowska (Alicia en el País de las Maravillas) acompañados de Gary Oldman y Guy Pearce parece que nada podría fallar, sin embargo, como en muchos otros ámbitos, en el cine rige una ley de hierro que indica que "los pingos se ven en la cancha".

Los Ilegales pese a tener todos los condimentos necesarios para ser una muy buena película se queda en el camino, falla. Así como una gran película lo es por la suma de sus partes y la relación firme que existe entre sus diferentes aspectos técnicos (guión, dirección, fotografía, sonido, arte, montaje) de igual manera funciona a la inversa como en este caso, así que las razones por las cuales este es un film fácilmente olvidable tienen que ver con una suma de malas decisiones.

El problema central que tiene Los Ilegales radica en que la estructura con la que el film es narrado no termina de definirse así como tampoco su focalización, por momentos vemos los hechos de la familia Boundurant objetivamente y a veces los vemos a través de la mirada de Jack Bondurant (Shia LaBeouf), este cambio es muy común en cine, sólo que normalmente son funcionales a una estructura que permite el cambio y lo hace orgánico, en este caso, la película parece interesarse en mostrarnos destellos de ciertos sucesos salteados de un personaje y de otro, aplicando elipsis sin ningún tipo de criterio y eso sumado a una puesta de cámara demasiado "correcta" hacen que el espectador nunca sienta afinidad, ni por su protagonista Jack Bondurant y su amorío, ni por su hermano mayor Forrest y su respectiva relación amorosa, ni por nadie en el film. Así mientras va pasando el tiempo del metraje nos encontramos con situaciones que sabemos que deberían afectarnos pero no lo hacen y esto sucede porque accedemos a esas situaciones de manera "craneal" pero no sentimental, como buenos espectadores sabemos como reaccionar ante ciertos hechos, lo sabemos por experiencia, pero cuando no se realiza un buen trabajo para generar en el espectador una proyección hacia los personajes (el cine es un juego de dobles proyecciones), la emoción se ausenta.

Los Ilegales no podría considerarse una mala película y si lo fuera, ese sería el menor de sus problemas, el verdadero inconveniente en el film es que "entrar" o no en él es totalmente azaroso y tendrá más que ver con cuestiones personales del espectador y su ánimo que con el film en sí y eso no es positivo, un director además de dirigir a los actores y a las cabezas de equipo debe dirigir al público hacia donde él desee. Todo espectador sabe que cada plano y cada situación son pensados y repensados muchísimas veces buscando siempre algún tipo de intensión, en este film parece que deliberadamente no se busca atraer al espectador, el relato por momentos parece un diario de viaje del cual arbitrariamente se seleccionaron páginas y eso termina siendo algo realmente contradictorio dentro de la estructura misma que intenta plantear la película ya que tampoco pretende mostrarnos "objetivamente" una porción de la historia de Estados Unidos.

Las actuaciones, al igual que todo lo demás, son "correctas" y hacen que el visionado resulte ligero a pesar de haber sido tanto personajes y actores, abandonados por el relato a su propia suerte. La actuación de Guy Pearce como el excéntrico Charlie Rakes es la más desenfrenada y arriesgada de todas pero lamentablemente dentro del contexto queda totalmente fuera de registro ya que al no mostrar una progresión dramática en su desenvolvimiento se vuelve totalmente inverosímil.

En definitiva, todo lo antes planteado resulta en una película tibia que se queda a la mitad entre el drama histórico y el film de gángsters y que no se esfuerza por hacer que el espectador se sienta involucrado sentimentalmente en ningún momento.

Cine de culto

Diablo es una comedia gore que narra los sucesos que transcurren en la casa de Marcos luego de que su primo Hugo lo visite y previo a lo que será un encuentro de reconciliación con su ex-novia. A partir de la llegada de su primo, Marcos recibirá muchas más visitas, todas ellas desafortunadas.

La película está llevada adelante magistralmente por Nicanor Loreti que demuestra en este, su primer film, tener una muy buena muñeca para manejar los desbordes, ya que Diablo en argumento y en estructura narrativa coquetea constantemente con el caos, pero siempre manejándolo a su beneficio, algo logrado de manera orgánica por un montaje veloz y vertiginoso que permite palpitar lo absurdo y violento de las situaciones de las que Marcos es victima. Este film, fiel a su estilo, sólo busca divertir, su argumento no presenta ninguna pretensión mayor que mantenerte en la butaca con una sonrisa constante y la incertidumbre de no saber qué tan profundo y oscuro es el lío en el que están metidos los personajes y para hacerlo se aferra a la cultura del VHS incluyendo secuencias que recuerdan a comedias nacionales de culto como Los Exterminators y contando con actores como Hugo Quiril (Kato, El Ninja Blanco) que refuerzan ese clima nostálgico.

Diablo es la punta de un iceberg, es una película que continua con una ya tradición de cine independiente Argentino llevado adelante por muchos realizadores que de la mano del video exploran la comedia gore. Farsa Producciones fue seguramente una de las encargadas de hacer explotar esta cultura y abrir muchas puertas pero no hace falta más que asistir a alguna de las emisiones del B.A.R.S (Buenos Aires Rojo Sangre) para darse cuenta que esto ya no es un fenómeno sino que es todo un género en el que muchos realizadores están trabajando hace tiempo, un género que a pesar de tener referencias de otros estilos tiene una identidad propia y bien marcada. No puede definirse a este tipo de cine como splatstick ya que la comedia en ellos transita por otros lugares, es más "argumental" que física, coinciden en el humor negro y la critica oculta a ciertos aspectos culturales y sociales pero sobre todo coinciden en pasajes que "citan" a otras obras fílmicas como homenaje (la mayoría de los realizadores de este género son cinéfilos asumidos) y como parodia no a la obra citada sino a la relación que surge del contraste de culturas de aquella y ésta que la trae, un claro ejemplo de esto en Diablo se da en una secuencia que parodia la balacera final en Scarface, sin dar demasiados detalles voy a decir que la búsqueda de Tony Montana y la de Huguito no distan demasiado, lo que dista son las personalidades de ambos y sobre todo su contexto social, es por eso que esa balacera tiene finales diferentes, una analogía similar puede hacerse entre la gloria del deportista campeón hollywoodense y Marcos, el Inca del Sinaí en cuanto a logros y situación social. La película recurre a relaciones simbólicas invertidas como una constante para la comedia como al revelarse que el diablo que le da nombre al film es un Robin Hood anarquista que tuvo una epifanía proletaria.

Ver una película como Diablo en un cine comercial y alejada del contexto de algún festival es realmente una alegría, es una manera de tomar consciencia de que el cine no tiene razón para caer en los clasicismos que lo obligan a vivir a las sombras de otro cine, estrenar Diablo comercialmente es blanquear una situación latente en el under Argentino, bravo por eso!

Sin conciencia de clase

Juegos de Muerte o The Collection es la secuela de The Collector o El Juego del Terror, una película del 2009 que había sido pensada originalmente como una precuela de El Juego del Miedo pero finalmente terminó adoptando autonomía. La razón de esa autonomía no es ningún secreto, haciendo una película similar a El Juego del Miedo sin que ambas se relacionen puede iniciarse una nueva saga y seguir facturando.

Hay un mito con respecto a este tipo de cine que hay que superar antes de empezar a analizar las razones por las cuales la película falla, "al que va a ver este tipo de películas no le importa el argumento", eso es falso, es una manera despectiva de referirse al género gore y es una forma cobarde de afirmar que el amante del cine gore no sabe de cine. El problema se presenta cuando esta afirmación en vez de venir del lado del critico de cine comienza a gestarse en la mente de un director o realizador. Cualquier película gore, splatter o torture porn funciona gracias a una premisa como mínimo interesante o un asesino con una historia potente, la primer Saw tenía una premisa interesante, Hostel también, cualquier festín fílmico de sangre y tripas debe descansar sobre una premisa o un personaje que atraiga de alguna manera, eso en Juegos de Muerte no pasa.

Yendo a lo concreto puede decirse que su director Marcus Dunstan, en este film en particular, demuestra un desconocimiento severo sobre el funcionamiento del género, para comenzar le da mayor importancia a la historia de la víctima que a la historia del asesino, eso es un error, si pretende con su película sólo mostrar formas intrincadas de matar (que tampoco es el caso) tiene la necesidad de poner al espectador del lado del malo, por eso en cualquier película de matanza las víctimas van y vienen pero Jigsaw sigue siendo el mismo, así como Jason siempre es Jason y demás. Recién hacia el final de la película y de una manera demasiado tonta intenta explicar las razones del trastornado, eso sí, se preocupa de dejar el final abierto, no sea cosa que se pierda la posibilidad de seguir lucrando.

El guión resulta fallido porque normalmente los escritores al menos conocen cosas de los personajes que muchas veces no están dentro del film pero que les funcionan como detonantes, algo simple que ayuda a la caracterización. En este film, esa brújula no existe, el modus operandi del asesino es tan variado que le saca todo tipo de sentido, es como una mezcla de asesinos de diferentes películas unidos, tiene una "colección" de cadáveres como si fuera una especie de museo posmoderno sádico, tiene un grupo de personas a las que les inyectó tanta cocaína que los convirtió en una especie de "zombis", tiene a una mujer elegida a la que mantiene maquillada como una niña, tiene una fosa llena de torsos y otras partes, a otros los tortura, a otros los mata rápidamente, acá el enmascarado parece tener todos los fetiches mórbidos del mundo y eso hace que sea incoherente con él mismo. En definitiva creo que ni los guionistas saben sobre la vida de su personaje.

El montaje en Juegos de Muerte es otro de sus grandes problemas, abusando del ritmo vertiginoso y de una cantidad enorme de planos no se toma el tiempo necesario ni siquiera para hacer entender el funcionamiento de los "aparatos" de muerte ni de disfrutar de la carnicería, todas las escenas de acción tienen un ritmo tan acelerado que toda la violencia explicita pierde sentido y extrañamente se le da mayor tiempo a secuencias que son tan inverosímiles que terminan dando risa (son varias, no hace falta enumerarlas).

En definitiva, el problema de Juegos de Muerte radica en que es una película clase B que no sabe que lo es, por lo que intenta ser otra cosa sin lograrlo.

Más clásica que el Béisbol

Curvas de la Vida representa la primer película en 19 años en la que Clint Eastwood no se dirige a sí mismo. Aún así, como seguidor de su cine creí que en esta película dirigida por Robert Lorenz (asistente de Eastwood en varios films) iba a flotar el espíritu eastwoodiano en las cámaras, debo decir que nunca me equivoque tanto.

Curvas de la Vida es una película que cuenta con uno de los guiones más trillados de los últimos tiempos, no aporta nada que no se halla visto en los cientos de films que hablan de la autosuperación y los otros cientos que hablan de recomponer relaciones filiales, esto enmarcado en el ámbito del Béisbol como metáfora de vida. Las confesiones de bar, las metáforas deportivas y el final feliz (que en esta no es uno sino una acumulación de varios). Aún así un guión puede ser salvado en ocasiones por una puesta en escena, por la mano de un director con suficiente visión para cambiar el enfoque, lamentablemente tampoco fue el caso, los recursos con los que cuenta Robert Lorenz como director todavía son bastante pobres, no encuentro ninguna intención estética en la decisión sobre donde poner una cámara en esta película, todo desborda de clasicismo, desde una subjetiva fuera de foco que nos muestra un problema en la visión hasta la música usada, todo parece sacado del manual de drama de quinto grado y en el medio de todo esto nada más ni nada menos que Clint Eastwood, Amy Adams, Justin Timberlake, Robert Patrick, Matthew Lillard y John Goodman, todos dando brillantes actuaciones y sacando la película para adelante a pesar de todo.

Curvas de la Vida es llevadera por su exceso mismo de corrección, la película no se arriesga en ninguna tomando todos los lugares comunes que puede pero tiene actores increibles y todos dando actuaciones destacadas dentro de sus propias carreras por lo que termina salvándose del desastre.

Una película que pudo haber sido algo grande y termino siendo un entretenimiento pasajero.

Una pistola y una radio

Este 28 de Diciembre se van a cumplir 117 años de la primera proyección cinematográfica comercial, de esa primera proyección de los hermanos Lumière hasta hoy el cine ha sido quizás el arte que más rápido ha cambiado en cuanto a lenguaje y formas. Dentro de esos 117 años, la leyenda del Agente 007 ya tiene una antigüedad de 50 años, o sea, desde el comienzo del cine hasta ahora hubo una saga de películas que hablaron sobre un personaje, James Bond, y que ocupan casi la mitad de la joven historia del cine. Este es un dato esclarecedor sobre la razón por la cual cada nueva entrega de las aventuras del 007 despierta tantos sentimientos en cada estreno.

Operación Skyfall es una película que tiene consciencia de todo esto, quizás es la más autoconsciente de toda la saga y por eso en esta Bond 23 se mantienen los guiños a la "Cultura Bond" (una impronta tan marcada y con tanto nivel de adaptación al paso del tiempo no puede denominarse de otra manera), guiños como los que ya mostraba Quantum of Solace sólo que estos guiños y chistes esta vez tienen sumado un factor que eleva las cosas a otro nivel, esta vez lo que aparece como conflicto es el pasado de Bond y la tensión entre ese pasado y su futuro, esto mediante Silva, el villano que interpreta Javier Bardem, que al igual que él fue en su momento el agente preferido de M.

Toda esta carga esta mantenida en un argumento simple, de los más simples de la saga, Silva, el ex Agente, quiere vengarse de M y para hacerlo no necesita de complots internacionales ni nada por el estilo. La interpretación de Bardem es perfecta, es una de los antagonistas más eficaces que he visto al lado de Bond y parte de esta eficacia tiene que ver con la dirección de Sam Mendes que decidió muy inteligentemente llevarlo todo al terreno de lo humano. Este Bond de Daniel Craig es sumamente verosímil en cuanto a interpretación, es una persona, tiene sentimientos, tiene dudas, sabe que sus aptitudes físicas ya no son las mismas y ve en Silva el reflejo de su futuro y la posibilidad del olvido de sus pares como paga de retiro, todo esto lleva a Operación Skyfall a un terreno al que ninguna otra Bond se animó a transitar, James Bond difícilmente pueda tener alguna vez el honorífico final que se merece.

Este film cuenta con escenas dirigidas magistralmente, la secuencia inicial seguida inmediatamente por la irrupción de la canción de Adele y los excelentes créditos iniciales a los que las Bond ya nos tienen acostumbrados te mantienen al borde del asiento, luego más adelante la pelea en Shangai que cuenta con una destreza fotográfica única son algunos de los más grandes logros del director en este film.

Operación Skyfall no es una película de James Bond más, Operación Skyfall es la celebración de un icono y de una idea, en el film termina prevaleciendo lo simple y lo clásico por sobre ciertos cambios inertes de la modernidad, acá lo moderno aparece como un retroceso hacia lo clásico, ya no hay lapiceras explosivas, el MI6 ha cambiado y con él cambio la realización técnica de los films de Bond, acá con un Sam Mendes que mantiene todo el tiempo la sobriedad de lo clásico en la cámara. Todo esto es una postura filosófica, una postura que lleva viva 50 años, después de todo que mejor manera de describir cual es la esencia de James Bond que la planteada por la propia película: "Una pistola y una radio".

Regreso del más allá

Tim Burton a regresado, no sabemos bien donde estuvo estos últimos años, tal vez allá estado en el "Más allá" compartiendo momentos con algunos de sus personajes, eso no es importante, lo importante es que en Frankenweenie él al igual que el dulce Sparky ha vuelto.

Así como es claro su regreso de ese sendero áspero que significó Alicia en el País de las Maravillas y Sombras Tenebrosas también es claro que al igual que el perro traído de nuevo a la vida por Victor él ya no es el mismo, puede vislumbrarse su escencia y su personalidad como puede reconocerse al can a través de sus costuras y cicatrices pero todos sabemos que el regreso definitivo no es tán automático y eficaz como un choque electrico, no, Burton está regresando con la actitud que George Romero nos enseño, con pasos lentos, algo toscos por momentos y repletos de acciones reflejo, así es esta vuelta de Tim Burton.

La película funciona, es divertida y alocada pero sólo esto alcanzaría si se tratase de otro director, cuando hablamos de Tim Burton, una de las mentes más ingeniosas que dió el cine en los últimos años uno espera una vuelta más. La película a diferencia de las anteriores dos que nombre es 100 % Tim Burton, la mano del director se nota en todo pero esa libertad que Burton hace tiempo que no tiene la usa para hacer un homenaje y por momentos tán sólo eso. La película realmente se disfruta, cada uno de estos homenajes al cine de monstruos principalmente a ese estilo fantástico que brindó la Universal funcionan a la perfección y resulta un ejercicio muy divertido encontrar esas películas a las que homenajea, lo malo es que por momentos sólo es eso, un ejercicio en donde el director aprovecha toda oportunidad para brindar un plano homenaje y el espectador usa su atención para captar los guiños, Frankenstein, Drácula, Godzilla, Vincent Price, La Momia, El Hombre Invisible, en este festín todos están invitados.

Lo más destacable es la comedia, ahí es donde está Burton, el de siempre, creando situaciones en donde uno ríe con cierta incomodidad, en donde después de la risa viene la reflexión, ese humor al que llaman "politicamente incorrecto" (que frase tan desagradable) es su sello y eso está presente todo el tiempo en esta película que por momentos parece muy oscura para el público infantil y muy simplista para el adulto, de todas maneras Burton desde el comienzo fue el único director que no subestimó al público infantil y la realidad es que el cine de monstruos y "su" cine divierten a los más chicos, un perro zombie ya no altera a nadie, todo es diversión. En el sentido de la comedia está película tiene un trabajo muy interesante con respecto a los diálogos, está repleta de frases celebres tan bien acompañadas desde la dirección que se van a convertir fácilmente en frases memorables, eso también es Tim Burton.

Por otra parte la calidad de la imagen y de la realización del stop-motion es sublime, en ese sentido, la técnica favorita de Burton no tiene techo.

Frankenweenie es una buena película y significa el regreso de Tim Burton como icono estético, sin embargo después de sus últimas obras va a tener que trabajar un poco más para volver a ocupar ese lugar que perdió.

El demonio del celuloide

Este año las buenas cintas de terror no abundaron, cuando parecía que el formato falso documental iba a hacer una retirada honorable por el bien del buen cine estuvo más presente que nunca y además con menos creatividad de la que tenía. Sin embargo sobre el final del año la cosa está cambiando y Sinister contribuye a ese cambio.

Para empezar tengo que decir que la película tiene algunas fallas que pudieron haberse evitado pero lo que pierde en algunos momentos en trama lo gana en puesta en escena, Scott Derrickson, director de El Exorcismo de Emily Rose y El Día que la Tierra se Detuvo entrega con este el mejor film de su carrera hasta el momento y eso tiene que ver con la manera en que maneja los recursos técnicos con los que cuenta. La película tiene momentos de terror muy bien logrados. Derrickson maneja mejor el terror de choque, el sobresalto, que los momentos de tensión psicológica, debido a que estos últimos los dilata demasiado y uno como espectador se aleja de la película, sin embargo, la estructura es sólida y distinta y eso atrapa nuevamente. Sinister transcurre casi enteramente en la casa en cuestión y temporalmente en un lapso muy corto de tiempo, la única escapada hacia un "otro lugar" es mediante cintas de Super 8, el diseño de esas cintas es otro de los puntos fuertes de la película.

La cinta opta por no contar demasiados detalles de nada, todo va surgiendo y entendiéndose a través de ciertos planos en algunos casos y en otros directamente deja que el espectador imagine lo que falta, esa tensión resulta muy interesante porque permite adentrarse en esa historia y planear hipótesis sobre el pasado de la misma manera que el protagonista y eso ayuda muchísimo a sobrepasar los momentos en donde la trama se pone recurrente.

Sinister es una película que funciona, es disfrutable, tiene actuaciones sólidas, varios sustos y momentos cómicos bien logrados también, en fin, dado como viene el año es más que suficiente.

La fábula de las sierras

Alguien despierta, sus ojos sin embargo aún parecen estar dentro de un sueño, un camino sinuoso, un paisaje áspero en el que la mano del hombre se ve en un alambrado en la parte inferior de la pantalla y el camino mismo, seguimos desde la distancia el transitar de ese auto que a su vez sigue las curvas del camino, sobre esa imagen, distante y estática y con letras rojas como la sangre se lee La Araña Vampiro. No hay mejor manera de sintetizar la historia que ese prologo.

El que recién despierta es Jerónimo y de él no vamos a saber mucho más que su nombre, el camino sinuoso será la síntesis del que el va a tener que transitar para volver a despertar, quizás volver a nacer, el paisaje áspero se convertirá en un protagonista más, una naturaleza que va a marearlo y oprimirlo hasta rendirse y darse cuenta que una gran parte de conquistar la naturaleza es rendirse ante ella, el titulo y sus letras rojas finalmente lo dotan de una remite tan fuertemente al cine fantástico clase B sólo ese detalle tiñe a todo de un halo fantástico.

La Araña Vampiro es una película en cuya trama, a simple vista simple, se esconden muchas más cosas que repercuten y "pican" al espectador por la manera en que Gabriel Medina decide contarla y sobre todo por la manera en que a veces decide no contar. Las elipsis y la extrema dosificación de la información hacen de la película una experiencia que no puede separarse de la que vive el protagonista, la misma desesperación de no saber (estamos tan acostumbrados a que el cine nos explique todo), la misma asfixia de un paisaje que parece imposible y la confusión entre realidad y fantasía. Hay algo sin embargo que nos separa del protagonista, él está en una situación en donde le es imposible ver las cosas con objetividad, esa posibilidad es sólo nuestra pero esa ventaja no va a durar mucho porque la película nos va a hacer una advertencia despojándonos por medio del protagonista de nuestro bien más preciado, el ojo. Accedemos a todo este contenido sin (aparentemente) nada y es justamente por ese despojo de información por el que Gabriel Medina puede contarnos esta fabula en donde existe una araña que puede ser el peligro y la salvación al mismo tiempo, en donde superar el miedo a la muerte implica cambiar el punto de vista.

Párrafo aparte para la actuación de Jorge Sesán en el papel de Ruiz y para la banda sonora que llena de psicodelia y oscuridad al paisaje.

Alice en el País de las Maravillas

La saga fílmica de Resident Evil es una adaptación extraña, argumentalmente no sigue demasiado al videojuego pero tampoco funciona como complemento del mismo, a pesar de esto funciona y la razón tal vez sea que a los fanáticos del videojuego sólo le bastan algunos guiños y los que nunca lo jugaron pueden seguir las películas sin problemas.
Lo que debe reconocerse a Resident Evil es que marca una impronta desde su estética ya sea por los colores, la iluminación o el manejo de cámara que remite al videojuego al igual que su estructura, en cada episodio de esta saga vemos a Alice y sus muchachos ante la necesidad de ir de un lugar a otro y en cada episodio existen diferentes niveles (con sus respectivas complicaciones) que traspasar para llegar a ese punto.
En este sentido Resident Evil 5: La Venganza no es la excepción.
En este último (hasta ahora) film Alice (Milla Jovovich) deberá escapar de Umbrella eliminando diversos enemigos antes de que todo sea destruido, el tópico máximo de los videojuegos de aventura en tercera persona. Basta con ver con que pocos diálogos se desarrolla la historia y el "nuevo" giro argumental para darnos cuenta que Resident Evil a esta altura funciona sola, la saga se volvió tan amplia y por momentos demencial que todo es verosímil y eso es uno de los mayores logros que pueda tener una saga, el haberse (a su modo) hecho tan sólida como para obtener tanta flexibilidad al mismo tiempo y lo que es mejor aún, es que Paul W.S. Anderson está totalmente consciente de esto y eso se nota en cada dialogo que no está, en cada plano que lo explica todo sin esfuerzos y en toda esa energía ahorrada para usarla de lleno en las coreografías, los efectos y la cámara como así también en la justa duración de la película que es lo que hace que todo esto se mantenga funcionando hasta el final sobre todo en esta que es tal vez la más desenfrenada hasta el momento.
En Resident Evil 5: La Venganza se recurre a personajes de las películas anteriores gracias al factor de la clonación ya planteado en los films anteriores y también se recurre a personajes del videojuego que aún no habían aparecido como León y Ada Wong aunque estos no están demasiado desarrollados.
Resident Evil 5: La Venganza es una película puramente visual que además esta vez tiene un mejor uso del 3D por lo que es ideal para ver en pantalla grande, sin pretensiones pero con un gigantesco balde de pochoclos.

Retratos de la globalización

Hoy en día una película con focalizaciones múltiples o "coral" no resulta tan novedosa como hace algunos años atrás, sin embargo, este tipo de estructura sigue mostrando, esta vez en 360, que esta lejos de estar agotada en cuanto a recursos narrativos.
Fernando Meirelles (Ciudad de Dios, El Jardinero Fiel, Ceguera) sabe filmar, no hay dudas, su estilo parece sobre todo instintivo, sabe variar su sello dependiendo de lo que quiera contar y eso no abunda y es una de las cosas más destacables de su cine pero en cada película nueva que dirige este estilo intuitivo va convirtiéndose en experimental. No estoy diciendo que el suyo sea un "cine experimental" como genero sino que se basa como premisa en la experimentación, pareciera que se le ocurre una forma, una técnica, un estilo para demostrar/se que tiene talento y en base a eso toma la historia que mejor se adapte a este.

En 360 el director vuelve a trabajar con varios personajes para contar situaciones que giran alrededor de la orbita del sexo y la moral. Lo más logrado de este film es sin dudas la estructura narrativa que contiene a esas pequeñas historias junto al desenvolvimiento técnico con que están unidas desde el montaje y los movimientos de cámara, la suma de estos factores dotan a la película de una fluidez que permite que sea natural el hecho de ir de un país a otro, de un personaje a otro e incluso de un tono a otro (porque algunas situaciones tienen el tono de una comedia romántica mientras otras coquetean hasta con el suspenso psicológico). Cabe mencionar que estas situaciones que se muestran no tienen un desarrollo mucho más profundo que la situación en sí y que los personajes a los que se retratan no tienen demasiada complejidad psicológica pero en mi opinión esto se debe a que al director simplemente no le interesó llevar la película por ese lado, su retrato no es de personajes ni del sexo en la sociedad actual ni es una reflexión sobre las relaciones humanas, 360 es el retrato de una época, es un "pastiche" de situaciones sacadas de diferentes géneros (un rasgo bastante postmoderno) que conviven y están relacionadas más directamente de lo sospechado, en 360 no hay protagonistas, no hay objetivos claros, sólo un deambular en donde cada uno hace las cosas lo mejor posible, en este sentido y haciendo una comparación muy a grandes rasgos diría que la premisa del film está más cerca de las historias de la "Nouvelle Vague" que del modelo Hollywoodense.

En algunos casos lo que la cinta tiene de positivo también lo tiene de negativo, a veces simplifica demasiado y a veces deja de interesar, el transcurso de la película poco a poco va exigiendo un cambio de estrategia sobre todo hacia el final en donde esos micro relatos van siendo cada vez más forzados y la cámara, que hasta ese momento venía subordinando su estilo a los sentimientos de cada personaje, comienza a limitarse a hacer el encuadre correcto.

360 es globalmente una interesante película de un Fernando Meirelles que siempre sorprende y que si bien en este caso opta por salirse un poco de los modelos termina estando más de una vez al borde de la intrascendencia. Si esta intrascendencia es parte una visión sobre la sociedad o si es motivo de un guión frío lo dejo a criterio del espectador.

Terror Old School

Posesión Satánica o The Possession aparece en las carteleras para cortar con tanto falso documental que poco a poco va dejando sin vida a un género con mucha historia y que ha dado innumerables obras de arte y culto. Esta película dirigida por Ole Bornedal retoma la tradición del terror generado a través del suspenso, de la tensión in crescendo a raíz del desarrollo de la historia, esa tradición casi perdida en el terror actual que busca el sobresalto a través del sonido más que del sentido o en casos en donde los realizadores creen que hacer terror es regocijarse en carnicerías sin razón.

La película tiene una estética a través de la dirección y el montaje que nos sitúa en secuencias cortas (sobre todo al principio) separadas unas de otras por fundidos a negro, en este sentido recuerda tanto a El Exorcista como a El Resplandor aunque estas secuencias no están rotuladas como en esta última. Así, por medio de estas secuencias vamos metiéndonos en una historia que no resulta demasiado innovadora pero que está bien contada en donde abundan lentos travellings de avance que nos meten en el drama llevándonos una y otra vez de primeros planos abiertos a primerísimos primeros planos. Todo esto lejos de cansar cumple con su cometido de la misma manera que lo hacen los planos cenitales del vecindario en donde transcurre el relato y otro acierto son los encuadres desde la cámara cuya simetría calza perfectamente la atmósfera de la película. Tal vez uno de los problemas en estas secuencias del principio son ciertos saltos de continuidad en cosas en las que el espectador tiene la atención puesta como por ejemplo la caja (esencial) que está con el padre de la familia en un lugar y después aparece con la nena en otro (algo muy notorio porque la atención está puesta ahí). Estos problemas de continuidad en algunos momentos despegan un poco y en esta peli adentrarse en el relato y la atmósfera que propone es todo.

La mano del gran Sam Raimi que acá produce el film es más que notoria, sobre todo hacia el final donde la curva dramática llega al tope y todo ese desarrollo lento empieza a demandar que esa tensión explote, ahí la artesanía de Raimi (porque es claro que es su mano) hace que esa olla a presión explote con una secuencia final que a pesar de no ser muy innovadora rinde sus frutos. Un dato de color llamativo en la película es la actuación del cantante de reggae Matisyahu que se desenvuelve a la perfección encarnando a un exorcista judío que ayudará a la familia a enfrentarse a ese dybbuk que los acecha.

Cada vez queda más claro que el terror extrañaba a Sam Raimi, aunque sea como productor, que se despegó de los sustos al llevar adelante la saga Spider-Man pero que actualmente está volviéndose a enamorar de ese género que le trajo tantas satisfacciones.

Es preferible vivir en el recuerdo

Dicen que las comparaciones son odiosas, aún así en estos tiempos en donde las remake son moneda corriente este dicho pierde su valor. ¿Por qué hacer una remake si uno no quiere que comparen su película con otra? Más aún si se intenta sacar un poco más de porcentaje en taquilla utilizando antiguos éxitos.

El Vengador del Futuro en este sentido se convirtió en una víctima de su antecesora de 1990. La cuenta parecía sencilla, la versión de 1990 tenía un buen argumento, efectos especiales por doquier (en algunos casos de manera abusiva) y mucha mucha acción. Con este antecedente es simple proyectar que una nueva versión en el año 2012, manteniendo el argumento (al menos), mejorando efectos y con las posibilidades técnicas suficientes para darle mucha más acción que su versión anterior era un éxito asegurado (hablando de éxito con respecto a la calidad y no a la cantidad de entradas vendidas), la cuestión es que el cine no es matemático y al fin y al cabo los pingos se ven en la cancha y ahí en la cancha esta nueva versión pierde por goleada.

Comencemos por el principio, la película se ve genial, la calidad de los efectos especiales y los decorados junto a la atmósfera que generan resulta en una mezcla entre Blade Runner y Minority Report, realmente en cuanto a lo visual esta película es excelente. Ahora bien continuemos por el protagonista, Douglas Quaid, quien fue encarnado por Arnold Schwarzenegger (en una de las peores actuaciones de su carrera, cabe destacar) y en esta es interpretado por Colin Farrell. Personalmente creo que Farrell es mucho más actor que su antecesor, y le brinda al personaje de Quaid mucha más humanidad, pero sorprendentemente funciona mejor el Quaid de Schwarzenegger que el suyo y esto como la mayoría de los problemas en esta nueva versión radica en que la anterior no se tomaba en serio a sí misma, coqueteaba continuamente con el cine clase B y eso la liberaba para doblar el verosímil a su antojo sin molestar al espectador, es por eso que aquel Quaid protagonizado por Schwarzenegger que caminaba como robot y hablaba aún más mecanizado que Terminator T-800 le sentaba de maravillas. En esta El Vengador del Futuro todo parece ser serio y sobre todo solemne y es ahí en donde todo se desmorona ya que a la película le falta guión como para ser encarada de esta forma, todos los diálogos en donde se habla sobre el problema de la identidad, de la memoria y de la realidad (puntos fundamentales del argumento) se dan en momentos de completa irrelevancia.

El Vengador del Futuro pudo haber sido simplemente una cinta de super acción sin nada de profundidad y hubiese funcionado pero se queda en la mitad. Len Wiseman dirige las secuencias de acción de maravilla pero lamentablemente esas secuencias ya han sido vistas en más de una película, por el contrario en los momentos de diálogo y de construcción de los personajes, hace aguas. En El Vengador del Futuro aparecen casi todos los ingredientes de la versión original, incluso la prostituta de tres pechos, un icono del cine de ciencia ficción, aún así, lo que le falta es actitud para saber mezclar esos componentes y un poco de guión para que toda la película no parezca un gran video juego.

Lo positivo de este estreno es que no va a hacer falta una visita a Rekall para olvidarlo.

Entre dos mundos

¡Atraco! de Eduard Cortés es una película que se mueve continuamente entre polaridades, entre la historia y la leyenda, entre el humor y la tragedia y entre soldados del Peronismo y soldados del Franquismo. Estas polaridades resultan peligrosas y en ciertos momentos la forma de mezclarlas orgánicamente no termina de ser muy feliz, pero aún así resulta en una propuesta muy interesante.

Sin ánimo de adelantar demasiado diré que la historia gira en torno al supuesto robo de las joyas de Eva Perón, joyas que fueron empeñadas para financiar el asilo político de Perón que tenía sus cuentas intervenidas en ese momento, el problema surge cuando la esposa del general Franco se enamora de esas joyas que ve en Madrid y decide comprarlas, es así entonces que por honor a "La Señora" (como es llamada Eva en la película) se decide robar las joyas en un plan que supuestamente resultará muy simple. Basándose en un robo real sucedido en Madrid allá por el 55 se lo retoma desde la perspectiva de la leyenda imaginando qué hubiese motivado a estos dos tipos a cometer una locura semejante.

La dirección de Eduard Cortés en cuanto a lo técnico tiene momentos sublimes, pasajes que resultan casi poéticos y todo esto acompañado de una banda sonora para destacar por parte de Federico Jusid y una ambientación excelente de los años 50. Las actuaciones son otro punto a destacar, Guillermo Francella está en su mejor momento, el tipo se reinventó y llegó a un punto en el que está sólido en el papel que lo pongas, la dupla española formada por Óscar Jaenada y Jordi Martínez se destaca también al igual que la bella Amaia Salamanca aunque el que se lleva todos los laureles es Daniel Fanego que tiene acá sin dudas la mejor actuación de su carrera. Nicolás Cabré por su parte aporta un poco de su humor característico (para no decir el mismo de siempre), pero cuando la historia se torna más trágica no logra acompañar ese cambio de forma fluida.

En cuanto al guión es interesante la mirada sobre el Peronismo y sobre todo sobre la Lealtad en general ya sea de un bando o del otro, digo interesante porque sus autores no son argentinos, lo que les da la suficiente objetividad como para animarse a hacer una película que hable sobre el tema. Sin embargo el guión tiene algún que otro bache y varios giros que resultan forzados en su construcción y desarrollo.



¡Atraco! es una opción entretenida y con momentos para resaltar, una opción recomendable.

El gran desastre

Un guión sólido, una propuesta narrativa original, buenas actuaciones, buen manejo de cámara, estos son los componentes básicos para una buena película, curiosamente son todas las cosas que Terror en Chernobyl no tiene.

Lo primero que pensé cuando me enteré de la realización de esta película es en el mal gusto que constituía hacer una película de terror y más específicamente de "mutantes" basándose como premisa en el terrible desastre ocurrido en Chernobil, nunca vi una manera más grotesca de hacer leña del árbol caído, esto sin embargo, no es lo único grotesco de este estreno.

El argumento de esta película es de lo más simplón, un grupo de chicos sin nada mejor que hacer deciden ir a Pripyat, ciudad donde vivían los obreros que trabajaban en el reactor nuclear, una vez ahí obviamente van a encontrar ciertas cosas extrañas que los van a hacer decidir irse de ahí pero cuando se suben a la camioneta para querer irse... la camioneta no arranca obviamente y ahí empieza la verdadera travesía. TODO en esta película es tan obvio como su premisa, los personajes son totalmente unidimensionales, los actores que los interpretan... también, los "sustos" son en circunstancias tan clichés que los ves venir un minuto y medio antes de que sucedan, los efectos muy malos, la banda sonora, inexistente.

El director debutante Bradley Parker (trabajó anteriormente como supervisor de efectos en varias cintas incluyendo Déjame Entrar y como artista digital en Fight Club) no nos permite sentir empatía por ningún personaje, algo más que llamativo en una película de terror, así que nunca nos permite sentir ni miedo ni tensión ni desesperación junto a los personajes por lo que la película cae rápidamente.

Debo reconocer sin embargo que noté cierta intención de innovar en cuanto al manejo de cámara, esta película salió de la mente de Oren Peli (director de Actividad Paranormal) que acá trabaja como guionista y productor, sin embargo este no es un falso documental aunque comparte la misma estética que éstos y es ahí en donde se ve el interés por darle un poco de originalidad a esta película, constantemente la cámara es desprolija, se mueve mucho, nunca está estática, re encuadra constantemente y se posiciona la mayor parte del tiempo en lugares que nos mantienen alejados de la acción (un truco clásico en los falsos documentales) al mismo tiempo que tiene la soltura que no tienen las películas que dejan expuesto a un supuesto camarógrafo. Este aspecto me resultó interesante aunque particularmente en esta película no funciona, primero porque no funciona la película y segundo porque la técnica de la "desprolijidad" se pasa de rosca otorgándonos encuadres horribles que lucen sumamente amateurs (y en algunos casos ni siquiera).

Terror en Chernobyl representa sin dudas un tropezón en la largada de Bradley Parker como director y una de las películas más flojas del año.

Otra más y van...

Donde Habita el Diablo es otra película de terror que coquetea con la estética de falso documental. Ya para el estreno de Con El Diablo Adentro hice un análisis de cómo se desarrollaron históricamente este tipo de films y una posible explicación de su éxito. En este caso supuse que la imaginación de Rodrigo Cortés en el guión le aportaría algo más a esta marea de films que nos vienen invadiendo hace rato y la realidad es que lo hace pero los factores que cambia son poco como para refrescar un sub-género que no tiene ninguna intención más allá de la taquilla.

Los factores positivos que caben destacar en este film son ante todo el papel de los parapsicólogos. Estos están tan bien construidos como personajes desde el guión y la actuación que generan no sólo empatía sino que además sacan a la película de sus lugares comunes al mostrarlos como profesionales en el asunto, este profesionalismo los lleva obviamente a no sorprenderse de lo que sucede en el lugar a diferencia de esa nube de escepticismo que siempre ronda este tipo de películas y las sorpresas y miedos habituales de sus protagonistas pero además llevan la película al terreno de lo real deteniéndose en los detalles técnicos de los instrumentos que utilizan y sus capacidades analíticas provenientes del terreno de la psicología. En este sentido me recordó a algunos pasajes de la obra maestra El Ente (salvando las distancias).

Donde Habita el Diablo tiene buenas actuaciones y muy buenos momentos de tensión, el resto, lo de siempre, unas cintas en teoría encontradas que cuando las vemos tienen un montaje perfecto, una sospechosa suma de casualidades, una familia conflictuada, una casa y otro metraje que pone a prueba nuestra paciencia y mata poco a poco las esperanzas de que el terror vuelva a ser un género capaz de brindarnos obras maestras.

A Woody con Amor

En nombre del respeto que tengo por Woody Allen voy a olvidarme de toda su filmografía anterior, incluso de su última, la sumamente bella Medianoche en París. Ahora con esta liviandad en mi cuerpo que me otorga el haberme desecho de las imágenes más cómicas, delirantes e ingeniosas de la historia del cine voy a proseguir a hablar de A Roma con Amor.

A Roma con Amor es una película extraña, por momentos la elección de la ciudad en donde está rodada parece ser un capricho más que tener una intención narrativa, por momentos, las cuatro historias que se cuentan parecen ser tan caóticas como esa ciudad que crea el director. Digo esa ciudad que "crea" porque hay algo que siempre estuvo ahí, latente, algo que siempre supe pero que cuando vi A Roma con Amor apareció ante mí como las luces de un camión sin frenos hacia mi persona, esa revelación es nada más ni nada menos que esto: "El director es neoyorquino"... Ahora lector que acabo de ganarme su desconfianza, expongo la razón de este comentario tan estúpido, la forma en que Roma es mostrada es de las cosas más estereotípicas que vi, es como disponerse a hablar sobre una persona a la que nunca conocimos en nuestra vida más allá de algo que nos enteramos por un tercero, así es esta Roma, una Roma que se funde en una mirada que la desvaloriza.

Éstas cuatro historias antes mencionadas tienen sus momentos, cada una uno o dos momentos de esos históricos, de esos que los cinéfilos usamos para explicar algo o expresar una idea, el resto se disfruta, la inteligencia está ahí, se percibe, el humor ácido también, cierta neurosis, un amor destinado a fracasar, un malentendido enorme, una sátira sobre los medios, todo está ahí sólo que las historias no se entrelazan orgánicamente como tampoco resulta orgánico el humor border del que se tiñe el film en ocasiones. Las actuaciones son correctas, nada más, la dirección a veces correcta, a veces desenfrenada, a veces torpe.

En definitiva A Roma con Amor es una película que tiene algunas similitudes con el cine del gran Woody Allen, es divertida, diferente e ingeniosa.

El Gran Pez Dorado

David Lynch alguna vez escribió:

"Las ideas son como peces. Si quieres pescar pececitos, puedes permanecer en aguas poco profundas. Pero si quieres pescar un gran pez dorado, tienes que adentrarte en aguas más profundas. En las profundidades, los peces son más poderosos y puros. Son enormes y abstractos. Y muy bellos".

Después de ver Un Amor Imposible no encontré metáfora mejor para describir esta particular película.

La Pesca del Salmón en Yemen, como sería la traducción literal del titulo de este film de Lasse Hallströn es un pez disfrazado, un pez pequeño que parece nadar muy poco profundo pero que se zambulle en más de una ocasión en las profundidades para mostrar su verdadera naturaleza.

El aburrido Dr. Alfred Jones (Ewan McGregor) conoce a la emocional Harriet Chetwode-Talbot (Emily Blunt) gracias a la idea excéntrica de un jeque árabe que quiere introducir el Salmón en un ambiente tan hostil como es Yemen. De más está decir que ambos a pesar de tener personalidades tan poco compatibles como la idea de este jeque van a enamorarse, hasta acá una película clásica, un pez pequeño, un eje de romance de formula.

Lo que hace que la película se corra de lo ordinario es por ejemplo que hasta casi la primera hora el romance no se desarrolla (aunque obviamente se intuye), ¿Cómo se lleva adelante una hora de película romántica en donde no hay romance? Decenas son las respuestas posibles pero la que interesa ahora es la opción que toma Lasse Hallströn que utiliza toda la aparente simpleza y liviandad de la trama para desarrollar temas paralelos y dejar en clara su visión sobre la vida en Occidente.

Cuando Alfred Jones y Harriet llegan a Yemen sus personalidades tan estereotipadas comienzan poco a poco a desestructurarse, se convierten en personajes multidimensionales, se humanizan. Entonces sus "diferencias" que en realidad tienen que ver con lo cultural, comienzan a diluirse, esto no es una casualidad. Tampoco es una casualidad que al llegar, Fred le muestre a Harriet a unos musulmanes orando y le diga que en Occidente la gente ya no reza para concluir diciendo "Ahora los domingos vamos al Shopping", por supuesto Fred es un hombre de Ciencia y él mismo afirma que no cree en la fe, por eso él hace este planteo, según Hallströn él es lo suficientemente objetivo para realizar ese planteo. El tema de los manejos políticos por parte de los medios con la representación de una Kristin Scott Thomas que le aporta humor al asunto y un atentado al proyecto que no tiene importancia porque el portavoz del Primer Ministro ya consiguió "LA" foto son otros claros ejemplos de por donde viene la cosa.

Un Amor Imposible es una película entretenida y con interesantes ribetes argumentales que la sacan del casillero de la comedia romántica, una sorpresa.

Un loco, loco, loco mundo

En algún momento algo raro pasó en el mundo, los cuentos infantiles se dotaron de oscuridad y las leyendas terroríficas como los vampiros y los hombres lobo se transformaron en historias de amor dotadas de sensiblería adolescente. Blancanieves y el Cazador resume en su historia ambas corrientes.

En este loco mundo hay una reina que desea tener una hija tan blanca como la nieve, con labios tan rojos como la sangre y cabello negro como el ébano. El resultado de este pedido es una niñita colorada y pecosa. Obviamente esta niña es llamada Blancanieves a pesar de las distancias.

Blancanieves se convertirá en toda una guerrera y la pelicula se irá yendo más para el lado de El Señor de los Anillos que para la fábula. Este toque épico le sienta muy bien a la historia, sin embargo, las coreografías en las peleas le restan bastantes puntos.

En el mundo de Blancanieves hay Trolls, Hadas, Enanos (obviamente), un Cazador (uno de los personajes originales del cuento de los Grimm) y el hijo de un duque, entre estos dos últimos y ella, obviamente hay un triángulo amoroso al que cuesta seguirle el hilo y eso sobre todo tiene que ver con que a Kristen Stewart es necesario subtitularle la cara. Sé que a los fanáticos de la saga Crepúsculo no les agradará este comentario pero sólo tiene 5 gestos y los dosifica a lo largo de toda la película azarosamente como si fuese la versión moderna del experimento Kuleshov.

Algo que resulta muy bien logrado es la moraleja sobre la belleza interior ya que en ningún plano de la película Kristen Stewart es más bella que Charlize Theron, que por cierto en esta película demuestra su creciente flexibilidad y solidez en la actuación robándose el film a mano armada.

Lo mejor de la película es sin dudas la estética y el manejo de cámara que realiza Sanders. La atmósfera y la correcta elección de encuadres y movimientos dotan de expresión a ese mundo que la trama a veces abandona.

Blancanieves y el Cazador es una película entretenida que pudiera haber sido mucho más si la clasificación hubiese sido R en vez de PG-13, no por capricho mio sino porque en más de una escena la película requiere salir de esa oscuridad acartonada que se plantea.

La perlita: Presten atención en cómo de una secuencia a otra el color de los ojos de Blancanieves cambia como si fuera un hipocampo climático de esos que te venden en Mar del Plata, ¿Será este un super poder a desarrollar en una próxima entrega?

Fiesta a la australiana

Los Padrinos de la Boda reúne a Dean Craig, guionista de Muerte en un Funeral y al australiano Stephan Elliott (Las Aventuras de Priscilla, Reina del Desierto) en la dirección.

Lo primero a destacar es que esta comedia no tiene absolutamente nada que ver con la calidad que había logrado Muerte en un Funeral en cuanto a guión. Los Padrinos de la Boda es una película divertida pero que continúa con la seguidilla de comedias más hollywoodenses del estilo de ¿Qué Pasó Ayer? en donde la fórmula parece radicar en qué muestra la fiesta más loca, escatológica y llena de drogas del mercado. Dentro de este género Los Padrinos de la Boda funciona y divierte aunque a veces las situaciones resultan demasiado forzadas y predecibles.

Los aciertos de esta película son algunos recursos visuales interesantes que acompañados de la fotografía son funcionales al estilo de lo que pretende contarse, un buen ritmo que hace que la película no decaiga y sobre todo el contraste que surge de pensar en lo terriblemente aburrida e insulsa que iba a resultar esa fiesta sin la aparición de los tres amigos de David, el protagonista. Este contraste dado por la mecanización en los preparativos de la boda, las escenografías, los personajes y la música por parte de la banda que actúa durante la ceremonia estalla con las personalidades y los enredos en los que se meten los 3 amigos de David.

Sus fallas por otra parte están dadas por un guión hecho sin mucho esmero y un final que junta todos los clichés de las películas románticas y cómicas de los últimos años en sólo 5 minutos.

Los Padrinos de la Boda es una película que entretiene pero hay que tener en cuenta que está lejos del humor de Muerte en un Funeral y más cerca de las comedias "desmadradas" que dio Hollywood últimamente.

La huelga

Radu Mihaileanu nos presenta en este film una fábula sobre el lugar de la mujer en la sociedad musulmana. Una premisa que en un principio resulta simple, las mujeres realizarán una huelga de sexo hasta que los hombres se dignen a traer agua de la fuente, una tarea que hasta ese momento estaban obligadas a realizar ellas. Esta premisa en un contexto cultural tan fuerte se llena de aristas y derivaciones hasta alcanzar un retrato completo de esa sociedad. Política, educación, religión, sexualidad, amor, todo es tocado y trastocado a raíz de la huelga de éstas mujeres.

La película presenta una fotografía y un sonido impecables. Por momentos roza el musical y el director hace uso de esto para dar mediante las letras de las canciones cantadas por las mujeres una visión de ese mundo y la postura de la mujer ante ese mundo. Las aguas se dividen sin embargo, poco a poco algunas mujeres se hacen combativas, otras, resultan más machistas y reaccionarias que los hombres y todo esto transitando por el drama y la comedia de buena calidad.

El guión de La Fuente de las Mujeres no tiene fisuras, la película se desarrolla inteligentemente, se ramifica por momentos recurriendo a algún que otro micro-relato que sin embargo tiene mucho que ver con el agua, con las mujeres y con el amor porque en este universo todo parece relacionarse con éstos tres ejes que la película analiza al máximo desde las acciones y no desde las palabras, en este sentido no sólo es de destacar el trabajo de su director si no el de todos los actores, protagonistas y secundarios que realizan un excelente trabajo.

La Fuente de las Mujeres es una película interesante que sobre todo relata una historia interesante, con más de realidad que de fábula, que pudo haber caído en un ritmo lento y analítico transformándose en sociología fílmica pero que por el manejo del humor y el drama de la mano de un muy buen director se convierte en un film muy recomendable a pesar de tener algunos minutos de más.

Nuevos Aires

A decir verdad el trailer de El Último Elvis me había comprado desde el primer momento en que lo vi y para continuar sentía una inquietud bastante importante por ver que tipo de cine nos iba a plantear el Armando Bo Jr., siendo hijo de Victor y nieto de Armando, con todo este bagaje llegue al cine a ver su ópera prima y debo decir que me alegra enormemente el resultado final de su obra.

¿Porque siento alegría? Preguntará el lector, porque hay un nuevo cineasta argentino que promete y mucho.

El Último Elvis retrata la vida de Carlos (o Elvis como se hace llamar) un imitador del rey del rock´n roll que se encuentra en un punto culmine de su vida. Carlos (John Mc Inerny, catalogado como el mejor imitador latinoamericano de Elvis) camina todo el tiempo en el terreno de la decadencia y está siempre al filo del abismo del patetismo y ahí es donde radica la grandeza con que Bo lleva el relato porque desde el argumento y desde la puesta de cámaras el director no juzga en ningún momento al personaje y eso se transmite directamente al público, en El Último Elvis no hay nada en lo puramente narrativo que nos haga juzgarlo y si el espectador termina haciéndolo es por proyectar sobre esa realidad y ese personaje algún sentimiento profundo, latente.

Armando Bo crea una cámara fisgona y al mismo tiempo una "cámara moral", una cámara que se debate todo el tiempo entre mostrar y no mostrar, entre juzgar y no juzgar las acciones personales de Carlos, una cámara que se esconde, que se acerca silenciosa, que deja de lado los encuadres académicos en pos de la construcción del retrato de este hombre que sufre la mayor pena que una persona puede sufrir, Carlos está encerrado en una vida que no es su vida, y ahí hay una esposa, Priscilla (Griselda Siciliani) y una hija llamada Lisa Marie (Margarita López). A pesar de alimentar su mundo interior y sus deseos con sus nombres ellas dos no pertenecen a su mundo, él las desconoce, se desconoce y lucha entre este don de tener "SU voz" como el afirma y no poder tener "SU vida", esta lucha se aclara más cuando Elvis sube al escenario, ahí en ese que es su reino la "cámara moral" desaparece y se transforma en plano secuencia que gira alrededor del ídolo como atraído por su propia órbita, en ese momento, nada más existe, sólo él y su enorme pasión, pasión que John Mc Inerny transmite como nadie.

El final como resolución del conflicto es otro elemento a destacar, algún que otro critico no lo entendió por lo que pude ver, tal vez se fueron antes, tal vez olvidaron que el primer fotograma de una película y el último son esenciales para entender cualquier film, de todas maneras esto Armando Bo lo tiene claro y eso es lo importante, que el realizador lo tenga claro, por eso el último fotograma de El Último Elvis es fundamental para entender los últimos 10 minutos, para comprender que pasó o no pasó en Graceland (que dicho sea de paso se recreó de manera sublime desde el arte).

El Último Elvis además de ser una gran película es una promesa, un lugar donde poner fichas en el futuro, esperemos que todo esto que generó no haga agua y que Armando Bo siga por este camino, su camino.

Cambio de hábito

La saga REC compuesta de la primer y segunda parte fue una propuesta diferente respecto a lo que el terror venia dando, esas dos peliculas junto a las que proporciona el nuevo cine francés de terror fueron el pilar de este género en esta nueva era.

Esta tercera parte, esta vez sin la presencia de Jaume Balagueró en la codirección, comienza firme en el estilo que consagró a sus antecesoras pero rapidamente deja el estilo de falso documental para tomar un estilo más "académico". Este abandono del estilo no pasa desapercibido, el director Paco Plaza decidió darle a este acto una potencia simbólica deteniéndose en esa cámara de video rota cuya luz de "Rec" muere lentamente. De ésta forma muere la saga y comienza una película que nada tiene que ver con las anteriores.

[REC] 3 Génesis deja el terror y el suspenso para sumergirse en el humor negro y los guiños hacia otras películas del género como la enorme saga Evil Dead de Sam Rainmi son moneda corriente. El problema de este volantazo es que uno tiene una idea del mundo que se nos va a mostrar al ver REC, entonces los primeros chistes, al no estar bien llevados tampoco, se convierten en desaciertos. Poco a poco uno se va metiendo en la propuesta, se deja llevar por el gore exagerado, por los guiños, por el humor y los disfruta pero siempre con un cierto resquemor.

Es muy interesante que se le halla dado un vuelco al estilo y que se halla ahondado en el humor pero hay que tener mucha muñeca para hacer un cambio así en la tercer parte de una saga que no sigue ese color y Paco Plaza en algunos momentos no logra esa muñeca por la simple razón de no comprometerse del todo con ese tono tampoco, entonces lo que queda es algo tibio y que lamentablemente no llega a comprenderse del todo.

Una vuelta al cine épico

El director Jean-Jacques Annaud (Enemigo al Acecho, El Nombre de la Rosa) vuelve al cine de la mano de un film épico que remite desde su fotografía, puesta de cámara e incluso desde la estructura narrativa a las producciones de este estilo en el cine hollywoodense de los años 50 y 60.

La película transita por diversidad de temáticas, algunas más logradas que otras, que surgen principalmente del camino que transitará Auda (Tahar Rahim) para convertirse en el referente de la unificación de los pueblos, en ese sentido funciona como una precuela del film Lawrence de Arabia de 1962 en donde Auda era representado por el gran Anthony Quinn.

En El Príncipe del Desierto se transita por situaciones que resultan demasiado predecibles pero éstas situaciones están contadas y mostradas de manera coherente lo que salva a la película del bochorno total. Las escenas de acción están muy bien dirigidas, el montaje resulta eficaz y junto con la fotografía y la dirección de arte crean un producto coherente y sin fisuras. La actuación de Mark Strong resalta por sobre las demás que por momentos entran en baches interpretativos bastante curiosos, por otro lado los toques de humor de la pelicula sobre todo de la mano de Antonio Banderas no resultan funcionales al film y terminan despegando al espectador del mundo en el que se intenta sumergirlo.

El Príncipe del Desierto es una buena película épica a la que quizás le faltó guión y compromiso con ciertos temas que se dejan pasar por alto y que resultan aún más interesantes que la trama principal, sobre todo la "invasión cultural" de Occidente sobre Oriente y como eso polariza las ideas de Amar (Mark Strong) y Nesib (Antonio Banderas) es planteada de una manera demasiado simpática y casi argumentando que es algo natural y que estar en contra de eso resulta ir en contra de la evolución del ser humano, ser arcaico, éste y otros planteos dejan algunas dudas en el mensaje, algún sabor extraño que invita a la reflexión.

Hace algunos años asistí por primera vez al BARS (Buenos Aires Rojo Sangre) el festival de cine de terror y fantástico. Ese día me entregaron en la puerta un flyer como los que normalmente se entregan para ir a ver bandas, el flyer anunciaba "La primer película de zombies hecha en Argentina", el nombre Plaga Zombie quedó dándome vueltas en la cabeza hasta que tiempo después vi la película. El viernes 30 se estrenó Plaga Zombie: Zona Mutante. Revolución Tóxica y puedo decir que ésta tercer entrega de la saga resume todo el espíritu del cine de FARSA y la evolución de ese espíritu a lo largo de 15 años de profesión.

Revolución Tóxica muestra al médico Bill Johnson (Pablo Parés), el luchador John West (Berta Muñíz) y el científico Max Giggs (Hernán Sáez) tratando de detener la invasión alienígena ésta vez con un plan concreto, ellos ya no son los mismos, ya no van de acá para allá tratando de sobrevivir, matando zombies y escapándose del FBI que desea eliminarlos, ellos encontraron su verdadera identidad, son héroes y desean demostrarlo. Ésta búsqueda de la identidad, tan presente en Revolución Mutante refleja la misma búsqueda de FARSA desde el estreno de la primer Plaga Zombie hasta hoy en donde se encuentran consolidados como una de las productoras más creativas a nivel audiovisual.

Plaga Zombie: Revolución Tóxica mejora por lejos a sus predecesoras, la técnica de Pablo Parés y Hernán Sáez evolucionó muchísimo y eso se nota en cada puesta de cámara, la narración continúa siendo tan fluida como en la primera y eso es bastante complejo de lograr teniendo en cuenta que ésta presenta más historia e incluso aparecen conflictos internos en los personajes, la manera en que están hiladas las situaciones es genial. Plaga Zombie: Revolución Tóxica nos brinda mucho más humor, peleas muy bien coreografiadas y mucha más sangre, además de un musical y algunas escenas que quedarán impregnadas en la retina de todo cinéfilo amante de la temática zombie.

En estos años FARSA cambió la perspectiva del cine en Argentina, ahora hay muchísimos realizadores que se animan a hacer películas de forma independiente y sobre todo películas de género, algo que en nuestro país no abunda y que de la mano de unos chicos de 15 años empezó a cambiar. Hoy 15 años después hay festivales y realizadores que se encargan de cubrir esa demanda, aunque las cadenas comerciales no estén dispuestas a "arriesgarse" éste cine sigue creciendo y tomando nuevos rumbos.

Cronenberg nos presenta a su mentor

Muchos se mostraron sorprendidos al enterarse que David Cronenberg iba a contar en su proxima película la historia entre la relación de Sigmund Freud (Viggo Mortensen) y Carl Jung (Michael Fassbender) pero recorriendo la filmografía de Cronenberg me pregunto ¿Que otro director mas que él retrato en la última época tan exquisitamente la psicología humana?.

Desde su filmografía más clase B (que por cierto se extraña y mucho) hasta su reinvención como cineasta más clásico que coincide con su encuentro artístico con Viggo Mortensen, Cronenberg se muestra obsesionado con la dualidad que habita en el ser humano, esa dicotomía Hombre-Monstruo, Hombre-Máquina que termina en una personalidad que se diluye, la búsqueda de la identidad, la pulsión latente que generadora de violencia y/o sexo y el placer causado por éstas por nombrar sólo algunas temáticas muestran un gran interés del director por la psicología como tema recurrente en sus obras.

Un Método Peligroso es en Cronenberg lo que Kill Bill es en Tarantino, una mención de honor hacia los mentores de su cine pero en un tono que apunta más a lo biográfico que a lo estilístico y el momento específico que el director elige contarnos no resulta casual tampoco, lo que retrata Un Método Peligroso es la ruptura y divorcio de las ideas de Freud y Jung, es precisamente el momento a partir del cual Cronenberg decide hacer cine guiándose más por el segundo que por el primero y es por eso que el protagonista va a ser Carl Jung y la búsqueda de su propia identidad intelectual. La fuerza del relato recae en que las dos líneas de pensamiento son las que aún siguen dividiendo no sólo la psicología sino la postura de cualquier persona frente a sus problemas y es por esto que el resultado final del film lejos de caer en las garras del intelectualismo fílmico se convierte de la mano de Cronenberg en una película entretenida e interesante a los ojos de cualquier tipo de público.

Lo más destacable es su dirección, la manera en que la fotografía, la ambientación y el sonido refuerzan constantemente la temática, son muy llamativos los momentos en donde no existe banda sonora ni sonidos ambiente y el cambio en la paleta cromática que sigue la evolución de Jung hacia el encuentro de su propia teoría. Por otra parte las actuaciones son impecables destacando sobre todo la de Keira Knightley encarnando a Sabina Spielrein.

Lo criticable es quizás la forma de abordar ciertos momentos históricos y conceptos puramente psicoanalíticos sin ahondar demasiado en ellos razón por la cual el espectador no interiorizado en la historia de estas personalidades se va a perder algunos guiños interesantes.

Un Método Peligroso no fue anunciada como la bomba marketinera del año, sin embargo es una gran película de un director que se afianza cada vez más como uno de los más destacables de nuestro tiempo.

Conciencia medioambiental al estilo Dr. Seuss

El Lórax: En Busca de la Trúfula Perdida cuenta la historia de Ted, un niño que vive junto a su familia en una comunidad artificial y bajo un gobierno despótico, Ted emprende un viaje a buscar algo que los habitantes han olvidado y parecen no necesitar, un árbol real, ésta iniciativa sin embargo, no responde en principio a un carácter idealista sino a algo mucho más mundano, real, algo totalmente Dolinesco, conquistar a una chica, es que nuestro filosofo porteño, Alejandro Dolina, ya lo habia adelantado "Todo lo que un hombre puede hacer, sean proezas y hazañas o, simplemente, hechos destacables, lo hace por levantarse a una mina".

El Lorax es una película que apunta a la consciencia ecológica y pura y exclusivamente a eso, el humor en la película nunca llega a conectar, la acción está ausente y las canciones tampoco logran llegar a buen puerto, sin embargo el desarrollo de la historia es acertado y la narración, mostrando la historia de Ted y la de "El una vez...", beneficia bastante la evolución de la película. De ésta manera con un manejo soberbio de la animación (que remite bastante a Horton y el Mundo de los Quien), una paleta de colores maravillosa y un desarrollo profundo de la temática ecologista dado por la construcción de lo cotidiano en ese mundo distópico El Lorax logrará en el adulto la reflexión y en el niño la diversión que busca.

El Lorax está apuntada sobre todo a los niños más pequeños y no tanto a los pre-adolescentes como otras cintas de animación a las que estamos acostumbrados y que juegan con el famoso chiste "doble sentido", en El Lorax el doble sentido corre por el lado de la metafora entre los aspectos de ese mundo y el nuestro, un claro ejemplo es la venta de aire embotellado y en bidones, inmediatamente unido a nuestro consumo de agua bajo las mismas circunstancias a pesar de ambos ser elementos naturales.

El regreso de la psicodelia

Damas y caballeros, ajusten sus cinturones de seguridad y coloquen sus asientos en posición vertical, estamos a punto de despegar, el viaje va a ser largo y en algunos momentos tortuoso, Enter the Void llegó a los cines argentinos.

Gaspar Noé es un director que polariza a la audiencia, muy pocas de las personas que han visto Irreversible quedaron indiferentes ante esa obra, muchos la adoran y muchos la odian, lo que resulta claro es que no es un director al que se aborda fácilmente y no porque sus obras sean de un simbolismo laberíntico sino porque el cine de Noé busca desesperadamente desagradar e incomodar hasta que el espectador decida cerrar sus ojos aunque sea un momento para respirar, Noé posee una sinceridad brutal y tanta sinceridad por no ser común resulta demasiado shockeante, Enter the Void, película del 2009 que llega a nuestras salas, no es la excepción.

La película nos muestra la historia de Oscar, un adicto al DMT que vive en Tokio junto a su hermana Linda. Oscar toma cuanta droga puede y vive de la reventa de algunas de éstas drogas. Alex, amigo de Oscar, le presta El libro tibetano de los muertos, este libro explica detalles sobre el viaje que hace el alma al abandonar el cuerpo después de la muerte, Oscar se interesa en el tema pero días después de obtener el libro muere asesinado, éste podría ser el final de la película pero es el comienzo, lo que vamos a ver a lo largo de los 160 minutos que dura el film es la migración de esa alma que busca a través del pasado, el presente y el futuro algunas respuestas. Un lector distraído podría encontrar comparaciones con la premisa de Desde mi Cielo de Peter Jackson en donde una niña de 14 años asesinada ve desde el limbo como su familia continúa su vida, déjenme decirles que la filosofía sobre la vida después de la muerte en Desde mi Cielo no tiene nada que ver con la de Enter the Void, en ésta el más allá se vuelve pesadillesco con facilidad.

La película tiene una narrativa sublime y una gran maestría técnica, desde el comienzo del film Noé muestra una gran cámara subjetiva como en Lady in the Lake de Robert Montgomery pero redefine la experiencia mostrándonos lo que Oscar ve cuando consume DMT, luego, la cámara flota suavemente por sobre los personajes mostrándonos sus acciones, en ese punto la cámara toma el papel de esa alma que se limita a ver sin poder interceder y todo esto en una ciudad de Tokio sumamente psicodélica.

Sin dudas Enter the Void tiene una increíble potencia visual, la animación y la realidad están tan bien fusionadas dentro de su montaje frenético que resulta una experiencia totalmente estimulante, quizás el mayor fallo radica en la exagerada duración pero sobre todo por esta carga visual de movimientos continuos de cámara y colores extremadamente saturados que la acompaña que al repetirse resulta incomoda y hasta desesperante, en este aspecto deja la idea de que el director terminó abusándose de su propio viaje. Es una película totalmente recomendable para el que desee vivir en el cine una experiencia totalmente distinta pero requiere de parte del espectador cierto compromiso y paciencia.

Adolescencia tardía

El director McG nos trae otro de sus grandes deslices, ya lo había hecho con Los Ángeles de Charly y Los Ángeles de Charly: Al Límite y ahora volvió en grande para traernos ¡Esto es Guerra! una película que simplemente no tiene pies ni cabeza. Es claro que McG no sabe como manejar una película de acción, no sólo no sabe filmar escenas de acción si no que nunca logra justificar esas escenas.

¡Esto es Guerra! se vende a través del trailer como una película de acción con tonos romanticones pero en realidad es una comedia romántica con tres escenas de acción, pero el verdadero problema es que la lucha de éstos dos agentes de la CIA (Chris Pine y Tom Hardy) por conquistar a la chica (Reese Witherspoon) es en sí absurda, los planteos de los tres personajes, su enamoramiento, su pelea, todo se reduce a una conducta extremadamente adolescente, en esta película el amor no aparece en ningún momento y ni el guión ni las actuaciones ayudan a revertir esto, lo único que sabemos de Lauren (Witherspoon) es que es histérica toda la película y que tiene una amiga (Chelsea Handler) sobre la cual intenta recaer el humor de la película sin lograrlo y el dúo Foster (Pine) y Tuck (Hardy) juega durante toda la película con los aparatitos de la CIA como niños a los que se les regaló la llave de la juguetería. Incluso el villano de la película aparece sólo al comienzo y otra vez al final como para dar un cierre, la película sin lugar a dudas transcurre en el reino del "Porque sí" y nada la saca de ese lugar.

Probablemente ¡Esto es Guerra! será una de las películas más olvidables del año, otra joya del señor McG.

Los hijos del dios salvaje

Cuatro personas se encuentran en un departamento de New York, están allí por ser padres de dos niños que se vieron envueltos en una pelea. Su meta será llegar a un acuerdo justo tras la reunión y continuar teniendo un maravilloso sentido de la comunidad como cuatro buenos neoyorquinos. Si además les comento que la película está narrada en tiempo real y que además la acción siempre transcurre en ese departamento seguramente llegarán a la conclusión de que las chances de que no sea un bodrio son pocas, ahora voy a decirles un nombre y ahí todo va a cambiar porque a partir de ese nombre es donde va a surgir la magia... Roman Polansky.

Roman Polansky, que preparó este guion mientras cumplía arresto domiciliario en Suiza, transforma este argumento sencillo en un mar de sentimientos, porque claro está, las cosas van a salir mal, y las máscaras de los personajes van a ir cayéndose poco a poco por su propio peso. A partir del diálogo y sólo con éste como arma el director nos mantiene en vilo, esperando cuál va a ser la próxima reacción de estos cuatro personajes, de estos cuatro actores que a lo largo de los 80 minutos que dura el film, la descosen.

Nancy y Alan Cowan son los padres del niño agresor, del maníaco (como lo llama su padre) que con 11 años golpeo a otro con un palo en la cara en una disputa en un tranquilo parque. Nancy (Kate Winslet) es una agente de inversiones cuyo rodete está tan ajustado como su necesidad de agradar, Alan (Christoph Waltz) , su esposo, es abogado y en su sonrisa se encuentra todo el cinismo de la humanidad, cinismo del cual se siente orgulloso. En el bando contrario se encuentra Penelope (Jodie Foster) y Michael Longstreet (John C. Reilly) , padres de la "victima". Ella tiene un sentido de la moralidad que resulta inhumano, una conducta demasiado intachable y una mirada enjuiciadora, su esposo Michael es un eterno conciliador que en el fondo odia completamente su vida. Estos personajes van a luchar por 80 minutos sólo con el poder de su palabra, así como en 12 Hombres en Pugna de Sidney Lumet, Henry Fonda luchaba por obtener la verdad frente a otros once hombres de un jurado sólo con sus argumentos, así en Un Dios Salvaje y de manera mucho más viceral los personajes van a luchar por demostrar quién es mejor que el otro porque lo que los detiene cada vez que salen por la puerta y los obliga a entrar nuevamente no es una misteriosa fuerza surrealista como en Un Ángel Exterminador sino su propio Ego, su deseo de mostrarse más "evolucionado" y es aquí donde la película se transforma en un ensayo sobre la hipocresía en el ámbito de la adultez.

Nicole Kassell es la directora que hace siete años atrás había realizado El Hombre del Bosque pelicula protagonizada por Kevin Bacon que nos mostraba la historia de un hombre que después de salir de la cárcel intentará reinsertarse en la sociedad luchando para no volver a reincidir, el delito del cual Walter (Bacon) había sido acusado era la pedofilia. En esta película Nicole Kassell se la jugaba en grande, se arriesgaba a mostrar el punto de vista de un pedófilo y le salía bien, llevaba adelante la pelicula de modo magistral. Ahora Nicole Kaseell vuelve con Amor por Siempre y esta película es todo lo opuesto a El Hombre del Bosque.

Amor por Siempre es una película tibia que no se decide entre ser una comedia romántica o una comedia dramática. Si estuviese llevada como una comedia romántica su argumento resultaría algo original ya que en este género las fórmulas son siempre las mismas y nunca se cambian y el padecimiento del cáncer de Marley (Kate Hudson) sería un cambio en esa estructura pero la realidad es que la relación entre ella y su médico Julian (Gael García Bernal) es de las relaciones con menos química que he visto en el cine, los momentos que la pareja comparten en pantalla, sus diálogos, sus escenas románticas (que no son muchas tampoco) resultan inverosímiles, Gael García Bernal ofrece una de las peores actuaciones de su carrera, el personaje de ese medico judío-mexicano reservado al que representa no se entiende y creo que el actor tampoco lo entendió y por eso se obtuvo semejante resultado.

Si lo tomamos como una comedia dramática nos va a pasar algo parecido, la película no resulta cómica ni dramática. Lo más positivo de la película es tal vez el hecho de que no cae en golpes bajos pero la película parece adoptar la misma postura que su protagonista Marley frente a la enfermedad, para hacer comedia sobre la muerte la persona debe tener una actitud fuerte y el humor casi siempre resulta en acidez asi como habiamos visto en la joya Antes de Partir, Marley (y la película) en cambio nos muestra una postura no cómica si no frívola, el tema siempre es evadido, en el "cielo" (con nubecitas estereotipadas y todo) está Whoopi Goldberg que hace de... Whoopi Goldberg y da consejos y deseos, esa es la postura de la película frente a la muerte.

En resumen Amor por Siempre es una película cuyo visionado no se sufre por tener un buen manejo de los tiempos y los climas pero cuyo guión es bastante desafortunado.

Que decir de esta cuarta entrega de la taquillera saga Inframundo, esta saga que en principio estaba concebida como una trilogía y cuya tercera parte fue una precuela nos presenta una cuarta parte ambientada en una especie de pseudo-futuro, en donde nos reencontramos con el mítico personaje de Selene (Kate Beckinsale) una vez más.

En principio el argumento de esta entrega resulta bastante atrayente, al comienzo y al ver como estaban planteadas las cosas, supuse que Selene se iba a enfrentar a una serie de dilemas respecto de su relación con la humanidad (que ahora tomó conocimiento de la existencia de estos seres y busca aniquilarlos) y con la extraña niña que entra en su vida pero a los pocos minutos la película se olvida de todos estos planteos y se centra en la acción y la violencia (mucha más que en las sagas anteriores) dando paso a una Selene a la que sólo le importa encontrar a Michael y absolutamente nada más, mostrándonos la construcción de personaje más chata de toda la saga. En Inframundo: El Despertar el guión prácticamente no existe, los personajes secundarios no aportan absolutamente nada al relato y los momentos que intentan ser profundos terminan siendo completamente incoherentes por la pobreza de los diálogos y la inexpresividad de las actuaciones.

Las escenas de acción están bien logradas en su mayoría y los efectos, punto en el cual se pudo haber mejorado algo, resultan mediocres, el manejo de cámara resulta muy bueno pero tal vez queda bastante contaminado por las secuencias de efectos especiales que en este caso restan, la fotografía por su parte mantiene la misma estética que en entregas anteriores pero la ambientación por momentos la acerca más a Resident Evil que a sus predecesoras.

El resultado final es una película en cuyos 88 minutos se ve un encadenamiento de escenas de acción y en el mejor de los casos ese encadenamiento está justificado. Lo único que nos deja Inframundo: El Despertar es la esperanza de que las próximas serán mejores, porque viendo los resultados de la taquilla seguramente va a haber muchas más.

Mentime que me gusta

Paramount Pictures encontró en Actividad Paranormal una saga con un éxito que los tomó por sorpresa, como era de esperarse, después del estreno de Actividad Paranormal 3, la productora busca volver a tener el mismo éxito repitiendo la formula. Con el Diablo Adentro es otro de los exponentes de este nuevo sub-genero, ¿como denominarlo? ¿"Falso documental", "terror pseudo-neo-realista"? No lo sé, lo que está claro es que todo esto comenzó en 1972 de la mano de The Legend of Boggy Creek, pelicula de Charles B. Pierce sobre la leyenda de Pie Grande, y fue continuada por la violentísima y super gore Holocausto Caníbal en 1979, y reinventado en 1999 por The Blair Witch Project pero ¿Por qué en estos últimos años este subgenero ocupa el 80% de las películas de terror que llegan a los cines? Vivimos en una cultura que poco a poco se volcó cada vez más al voyeurismo, tenemos programas de televisión que nos muestran múltiples crímenes sin ninguna censura a través de cámaras de seguridad, programas de entretenimiento que nos muestran a personas "no haciendo nada" a través de cientos de cámaras, se suben a internet millones de videos amateurs por día, todo es grabado y reproducido, la cámara es nuestro nuevo ojo, sentimos que es necesario fotografiar o grabar un video sobre un lugar para asegurarnos a nosotros mismos que realmente estuvimos ahi y el cine obviamente no podía pasar mucho tiempo sin dejar de lado este fenómeno. Si nos ponen un cartel en la pantalla que dice "Basado en una historia real" y eso está acompañado por una baja calidad de imagen, cámara en mano y abuso de los zooms nos lo creemos todo. Estamos tan acostumbrados a ver a través de las cámaras que al ver esta clase de películas, sobre todo en el genero del terror, nos sentimos realmente dentro de la historia, vemos a través de una cámara fija a una puerta durante minutos y minutos en Actividad Paranormal sin que nada pase, esperando y cuando algo pasa lo sentimos tan real como si nuestra propia cámara lo hubiese tomado y las estrategias de marketing para que esto ocurra van cada vez más lejos llegando al escandaloso caso de La Cuarta Fase para la cual se crearon no sólo biografías falsas en diferentes portales si no que además se cambiaron las estadísticas del gobierno de Alaska sobre las desapariciones para darle mayor magnetismo a la historia.

En el fondo el espectador sabe que si hay sólo un camarógrafo no puede haber 12 planos desde diferentes lugares tomando lo mismo en un montaje perfecto y sabe que si esas cintas comprometieran toda la estructura del Vaticano o la política de los Estados Unidos respecto al fenómeno OVNI no accederíamos con tanta facilidad a ella pero lo deja pasar porque desea que lo engañen, desea creérselo, no me malinterpreten, sé que el cine se trata de creérselo, a lo que apunto es que estas películas gastan más dinero en marketing que en realización y eso se ve en los resultados, simplemente, venden humo.

Con el Diablo Adentro es justamente eso, tiene momentos que generan mucha tensión porque son contrastados con minutos y minutos en donde pasa poco, como es de esperar en este tipo de películas no hay ninguna intención narrativa ni de composición en los planos, ni tampoco un lazo argumental lo suficientemente sólido que la sustente, la película resulta más atractiva que las últimas entregas de Actividad Paranormal por haber sido estructurada como documental por lo que no se hace tan tediosa en cuanto a planos fijos prolongados y tiene buenos efectos pero después de terminar de verla deja sabor a poco, en pocas palabras, es más de lo mismo en un sub-género que no ha aportado mucho después de la gran REC.