La película de Tarsem Singh exhibe una batalla épica que, a pesar de presentar algunos estereotipos del género, logra diferenciarse gracias al aditamento de los dioses griegos.

La película protagonizada por Henry Cavill en el rol de Teseo (y que será el nuevo Superman en Man of Steel, una cara con la que nos vamos a familiarizar) y Mickey Rourke como el sanguinario rey Hiperión, retoma el sendero de las batallas épicas, alineada también a la moda de luchadores romanos que vienen mostrando sus músculos y su resistencia física en la pantalla chica con la serie Spartacus.
El film, que es de los mismos productores de 300, plantea el brutal avance del ejército de Hiperión por Grecia destruyendo todo lo que se topa a fuerza de armas y sangre. Los pueblos son masacrados y los que sobreviven esclavizados y sometidos a sus designios. Y así llegará hasta la aldea de Teseo, donde el protagonista padecerá su sed de violencia.

¿Pero qué quiere Hiperión? La película gira en torno a una batalla sucedida hace miles de años atrás, entre una comunidad de dioses, donde los ganadores fueron al Olimpo y los perdedores, Los Titanes, fueron encerrados para siempre en las profundidades del Monte Tártaro.

Hiperión, que ha sido vejado en su fe, pretende desatar a los Titanes y causar el caos del mundo como lo conocemos, para lo que emprende la salvaje búsqueda de un arco mitológico, la única arma capaz de abrir las compuertas de una nueva batalla entre dioses. Y es en este punto que el film se diferencia de otros del género, y logra proponer un nuevo abanico de interpretaciones.

Por supuesto Teseo no estará solo, sino que será acompañado por un grupo de ex prisioneros y una sensual sacerdotisa (Freida Pinto), que lo guiará en su búsqueda del mismo arco para dar fin al conflicto y evitar una guerra divina. Pero previamente, Teseo deberá recuperar su fortaleza y creer en sí mismo para detener a Hiperión.
Hay muchas líneas para interpretar en el film, como la caída de la figura de los dioses en la edad moderna; o el logro de un objetivo en base a la resiliencia que poseen los seres humanos. También el director de La Celda representa de modo implícito a veces y explícito otros, varios actos de la mitología griega, como la salida de Teseo del laberinto o la conocida pelea con el minotauro. Y en la representación de estos mitos se encuentra lo más interesante de la película. En especial con la incorporación de (algunos de) los dioses del Olimpo, con Zeus y Athena como personajes centrales, a los que los rodea un halo especial bien logrado desde los efectos especiales, y cuyas apariciones en la pantalla son de las más esperadas.

Pero es una película de peleas. Y logra el destaque en ese aspecto. Se nota el entrenamiento físico de Cavill, que se desenvuelve con mucho ritmo en cada uno de los enfrentamientos que lidera, tanto individuales como grupales (no tanto así Rourke que permanece más estático), y están muy bien logradas todas las escenas de golpes y duelos.

La realización del film es impecable, cuenta con un gran trabajo técnico gracias al multitudinario equipo de producción que acompañó a Singh, y en especial hay que destacar la dirección de arte a cargo de Jean Kazemirchuk, una excelente fotografía y un acabado vestuario de Eiko Ishioka (que también estuvo en La celda y en Drácula), no sólo con los trajes de los guerreros sino también con los cascos de los dioses y los sombreros de las sacerdotisas que merecen un destaque particular.

No obstante, hay elementos demasiado americanizados de estos mitos griegos. Empezando por los actores, con Cavill a la cabeza y otro ejemplo es el caso del personaje de Athena (Isabel Lucas), la única diosa femenina de la película, donde se plantea el típico ideal de belleza norteamericano (ambos rubios de ojos azules cuales modelos de catálogo) y un guión con muchas frases estereotipadas durante gran parte de la película, especialmente en los momentos álgidos de la trama, acompañado de mucha sangre, que por momentos roza lo gore.

De todas maneras, la película de Tarsem Singh logra entretener visualmente con el 3D y la acción, y consigue adaptar una lucha épica con mitos griegos de modo aceptable.

Publicado en Leedor el 26-01-2012

Los Muppets están de regreso. Buena noticia, ya que el clásico creado por Jim Henson y Frank Oz hacia fines de los ´60 producía humor y contenidos para los más chicos con una base no sólo de entretenimiento sino también educativa.

Esta nueva película dirigida por James Bobin para Disney, parte desde la introducción de un nuevo personaje muppet, Walter, fanático de la serie original, que irá de viaje a Los Ángeles invitado por su hermano Gary y la novia de éste, Mary (interpretados por Jason Segel y Amy Adams), donde tendrá la oportunidad de conocer el legendario estudio de los muppets, ya convertido en un museo.

Una vez allí, descubrirá que el lugar ha sido adquirido por el maléfico empresario Tex Richman (Chris Cooper) que planea demolerlo para sacar el petróleo que subyace en el predio. Pero hay una manera de evitarlo. Y para eso, Walter, Gary y Mary iniciarán una búsqueda de los muppets con el fin de reunirlos y que hagan un nuevo show. Pero no será tan fácil. Deberán convencer a cada uno, ya que muchos han cambiado su estilo de vida.

Primero irán tras la rana René (que en esta nueva versión tiene el nombre original del personaje en inglés, Kermit), que vive en la soledad de una mansión, Fozzie, que canta con una banda tributo en bares de mala muerte, Gonzo, que se convirtió en un exitoso empresario de la plomería, Animal, que está bajo tratamiento en un grupo de autoayuda para el control de la ira, y Miss Piggy, devenida en una prestigiosa editora de moda para la revista Vogue.

En este sentido hay guiños a El diablo viste a la moda, y también hay otros reservados al público adulto en muchos de los diálogos y actitudes de los muppets en este retorno. Las escenas de Miss Piggy constituyen las partes más divertidas de esta nueva película, donde también se deja entrever una crítica hacia Hollywood y a la industria televisiva estadounidense actual, (tanto de los productos como de los productores del medio) donde El Show de los Muppets parece ya no tener lugar.

Por otro lado, también hay algunos puntos, en especial en el guión en lo que respecta a la historia entre Gary y Mary que es bastante floja, y un doblaje al español que podría haber sido mejor, pero de todas maneras son todo el grupo de muppets los que se llevan las palmas, y los que a fin de cuentas salvan el film.

Jack Black, Selena Gómez, Whoopie Goldberg y James Carville son algunos de los múltiples invitados que hacen cameos y pequeñas participaciones en la película, para dar apoyo (a veces involuntario) a los muppets y ayudarlos a conseguir su objetivo.

Los más pequeños sin duda disfrutarán de los musicales que están desperdigados a lo largo de la cinta, siendo el más esperado (y el más logrado) la canción a dúo entre Miss Piggy y Kermit hacia el final, mientras que los más adultos podrán divertirse con los enredos de los muppets, las corridas a último momento y las críticas y diálogos de los muñecos más famosos de la pantalla.

Una película alegre, que recupera un humor más sencillo, más sano y más atemporal, que cuenta con los pasos de comedia clásicos de los Muppets, y saca risas en una atmósfera entretenida, donde podrán disfrutar de su histrionismo tanto grandes como chicos.

Publicado en Leedor el 11-01-2012

El film dirigido por Tate Taylor y basado en un libro de Kathryn Stockett es un drama coral ambientado en la década del ´60 sobre un grupo de mujeres separadas por clases sociales que a partir de un proyecto común cambiarán la historia de Missisippi. El film cuenta con cinco nominaciones para la próxima entrega de los Globo de Oro.

La historia protagonizada por Emma Stone (Skeeter), Viola Davis (Aibileen) y Octavia Spencer (Minny) sitúa la vida de un grupo de mujeres de la alta sociedad norteamericana y la relación con sus criadas, y refleja la manera en que eran humilladas las mujeres de la comunidad afroamericana en Estados Unidos -en particular en Missisippi, donde hubo múltiples crímenes contra los negros administrados por el Ku Klux Klan- en un momento en que Martin Luther King luchaba por los derechos civiles de la comunidad afro en Estados Unidos.

En la película, las mujeres blancas son en su mayoría amas de casa, pero que no se ocupan de sus hijos ni del hogar en sí, sino que se dedican a su apariencia, sus reuniones de salón y a la realización de proyectos pseudo-políticos de corriente higienista para mantener el control sobre la población negra.

Mientras tanto, las empleadas que trabajan para ellas y se ocupan de la casa y de sus hijos, sufren la vergüenza y la humillación que les imparten muchas de estas mujeres, como por ejemplo la imposibilidad de usar el mismo baño que la familia para la que trabajan o de sentarse en la misma mesa, así como cualquier actividad que indicara una paridad de clases.

El film alterna el drama con algunos momentos de comedia en este retrato coral, en donde las mujeres blancas de la época aparecen de manera polarizada entre las que a fuerza de amenazas y poderío económico dominan a las mujeres negras (que no parecen gozar de ningún derecho y son encarceladas ante la primer acusación de una persona blanca), y otras mujeres más débiles, que a pesar de no concordar con la tiranía racista imperante, no tienen la valentía de cambiar las cosas. Y en el medio aparece Skeeter, una joven recién llegada de la universidad y con una conciencia social más amplia, acorde al momento social y político que atraviesa el país, que será la encargada de lograr que las criadas se junten con ella para escribir acerca de sus deseos y sus padecimientos.

En este contexto Skeeter será la única que tendrá el coraje de cuestionar a estas mujeres de la alta sociedad -y a las leyes vigentes en el país mismo- y con la ayuda de Aibileen y Minnie confeccionarán un libro desde el punto de vista de las criadas que pondrá al jet set del pueblo de cabeza al momento de su publicación.

El reparto se completa con las actuaciones de Sissy Spacek, Bryce Dallas Howard, Jessica Chastain, Ahna O'Reilly, y Allison Janney, entre otras figuras, y cuenta con las nominaciones a Mejor Película, Mejor Actriz Protagónica (Viola Davis), Mejor Actriz de Reparto (para ambas Octavia Spencer y Jessica Chastain) y Mejor Canción Original (The Living Proof, interpretada por Mary J. Blige) para los próximos Globos de Oro.

Una película llena de mensajes de esperanza y coraje, que incita a luchar por las ideas propias a pesar de todo, y que a la vez sirve de denuncia de una época de la historia de Estados Unidos donde la negritud fue castigada y diezmada a causa de un fascismo impulsado por la extrema derecha de ese país, y cuyo único resultado fueron innumerables abusos y crímenes, como bien reflejaba Billie Holliday en su tema Strange Fruit.

La ópera prima del realizador Gustavo Taretto, protagonizada por Javier Drolas y Pilar López de Ayala, es una comedia romántica efectiva sobre dos jóvenes que tienen todo en común, pero no se conocen, con la ciudad de Buenos Aires como escenario.

Martín y Mariana nunca se vieron, aunque viven en edificios enfrentados. Cada uno vive en su mundo, absorbidos por sus trabajos y por sus propias fobias. Él es diseñador web, uno de los primeros que empezó, y trabaja todo el día con su computadora. Martín hace todo por internet, desde las compras del supermercado hasta sexo por la web. Está empezando a salir a la calle con la excusa de pasear al perro de su ex pareja, que lo dejó a su cuidado antes de partir al exterior.

Mariana se recibió de arquitecta, pero hasta que pueda dedicarse a su profesión decora las vidrieras de un local de indumentaria femenina. "Pienso que si alguien se detiene a mirar la vidriera, en algún punto es como si se interesara en mí", confiesa en un relato íntimo a los espectadores, que verán como Martín camina por la calle y se detiene a ver la vitrina armada por la joven. Este será solo uno de los varios momentos en los que ambos se crucen sin mirarse.
Ellos parecen el uno para el otro, pero en una ciudad de más de tres millones de habitantes, encontrar lo que se busca parece algo difícil de lograr.

La película expone muchas temáticas actuales, como la falta de comunicación, las manías y temores adquiridos por desilusiones previas, el desarrollo de relaciones en la época de internet 2.0, y la posibilidad del encuentro con esa media naranja que cada uno tiene en algún lugar.

EL film cuenta con importantes figuras de reparto como Carla Peterson, Inés Efrón, Adrián Navarro y Rafael Ferro, que interpretan a distintos personajes que se encuentran en la misma situación: la búsqueda de un amor que mitigue la soledad desesperante en la que se ven inmersos.

Uno de los momentos más destacados es la abertura de un hueco en la medianera de cada uno de los monoambientes en que Mariana y Martín viven, que liberará las tensiones acumuladas y los acercará a encontrar lo que tanto están buscando.

Además la cinta rinde homenaje a la Ciudad de Buenos Aires, a través de múltiples planos que exhiben su arquitectura, sus plazas, sus edificios y calles, y el caos imperante, todo con una impecable dirección de fotografía. También hay que resaltar el guión escrito por Taretto, que es una bocanada de aire fresco para el cine argentino actual, original y preciso, que entretiene a lo largo de la película.

Medianeras obtuvo el premio de público en la última edición del Festival de Cine Latinoamericano de Toulouse y en el Festival de Berlín.

Nominada al Globo de Oro como Mejor Película Extranjera y al Oscar en la categoría de Mejor Vestuario, la película dirigida por Luca Guadagnino y protagonizada por Tilda Swinton es un melodrama contemporáneo sobre una mujer que vive presa de los deseos de los demás, y que al liberarse causará una tragedia familiar.

Emma (Swinton) es una inmigrante rusa que se integró a la acomodada familia Recchi convirtiéndose en el corazón del hogar, complaciendo las expectativas de todos. Su matrimonio con el empresario textil Tancredi Recchi le ha dado tres hijos, pero a pesar del tiempo transcurrido, ella se siente confundida e intimidada hasta que conoce a Antonio, un chef amigo de su hijo Edoardo. A partir de ese momento, ambos desarrollarán un romance secreto que tendrá consecuencias imprevistas y cambiará para siempre la vida de toda la familia Recchi.

Distintos hechos harán reflexionar a Emma sobre su lugar en el mundo, como la recuperación de su identidad rusa de la mano de Antonio, la presión por ser la mujer perfecta, tratada como un objeto mas que como un sujeto, o la revelación de la sexualidad de su hija adolescente, que será la única que comprenderá el dilema de su madre hacia el final de la película.

La comida es un detonante dentro del film que sirve para detectar los cambios de giro en la historia y para prever lo que sucederá. A través de los platos que Antonio prepara y la pasión compartida por la cocina, Emma descubrirá el verdadero amor y se conectará con sus deseos de libertad, encerrados por años en un matrimonio en el que no fue amada, sino sólo admirada. Su marido la había "elegido" en Rusia por su belleza, casi como si fuera una obra de arte, como las que aparecen en el libro que Emma compra en San Remo antes de su primer encuentro amoroso. Ella partió de su patria con la ilusión de ser libre, pero descubre que pasó sus días encerrada dentro de la casa de la familia Recchi.

El film busca convertirse en una actualización de los melodramas del cine clásico, aunque queda lejos de las grandes obras del género de Douglas Sirk o Rainer Fassbinder. Además, tal vez falte un poco más de sangre en el romance entre Emma y Antonio.

Basada en una historia original de Guadagnino, la película fue coproducida por la misma Swinton, considerada por muchos como un ícono de la cinematografía actual, y presenta numerosas imágenes de la impresionante arquitectura de Milán. Las locaciones también incluyen las ciudades de Londres y San Remo, y los distritos italianos de Dolceaqua y Villa Necchi Campligio, recorridos en paralelo con los sucesos que desembocan en el derrumbe de esta familia de la alta burguesía italiana.

La versión de mi vida. Las partes del todo

Ganadora de un Globo de Oro al mejor actor de comedia y nominada entre otros, a los premios Oscar 2011 y al León de Oro en Venecia, la película marca el retorno a la gran pantalla de Richard J. Lewis luego de años dedicado a la televisión. El resultado es una historia interesante, que conmueve y logra entretener a lo largo del relato.

El film, adaptado de la última novela escrita por el canadiense Mordecai Richler, muestra la vida de Barney Panofsky (Paul Giamatti), un exitoso empresario y productor de filmes para adultos que aparentemente lleva una vida acomodada. Pero la publicación de un libro que lo involucra con la muerte de su amigo Boogie (Scott Speedman) muchos años atrás lo hará rememorar su pasado, en un intento por dilucidar lo que pasó, a la par de otras decisiones que marcaron su vida.

De esta manera, la película maneja un constante ir y venir entre 1974 y 2010, desde que el protagonista es un joven dubitativo con respecto a qué hacer con su vida, hasta convertirse gracias a su tío, en el hombre de negocios que es en la actualidad.

Sus recuerdos lo llevarán a lo largo de dos continentes hacia los diversos conflictos y situaciones que ha atravesado, como sus tres matrimonios, la relación con sus amigos, que muchas veces lo lastiman o lo hacen sentir sapo de otro pozo, o el encuentro con el amor de su vida en el lugar menos esperado.

El problema es que cada vez que algo importante sucede, Barney se emborracha y pierde la noción de los hechos, por lo cual muchos de sus recuerdos son parciales, y le jugarán una mala pasada.

Hay una intención del director de retratar el amor de la pareja como el pilar fundamental en las relaciones humanas, no sólo desde la óptica del romanticismo sino también considerándolo como una pulseada de poder. Al mismo tiempo sobrevuelan en toda la película de modo implícito temas existenciales en tono de comedia o drama, alternativamente. La música acierta al ambientar varios de estos momentos, aportando un aire descontracturado que da equilibrio y continuidad a las escenas.

Cabe destacar el gran trabajo de maquillaje realizado por Adrien Morot, que recibió la nominación al Oscar en este rubro, al transformar con excelente precisión los rostros del todo el elenco a la par del paso de las décadas.

Giamatti se luce en el rol de Barney Panofsky, con sus debilidades y virtudes, sus arranques y su fragilidad. Toda la película se apoya en él, y ese mérito le permitió alzarse con el Globo de Oro como mejor actor protagónico, además de recibir menciones en otros festivales de cine europeos. El elenco se completa con las actuaciones de Rosamund Pike, Minnie Driver, Rachelle Lefevre, Bruce Greenwood y Dustin Hoffman, que interpreta a Izzy Panofsky, padre de Barney, en una breve pero destacada participación.

Una película recomendable que invita a la reflexión sobre la soledad, las decisiones de la vida y el significado del amor.

Anclados al vacío

La ópera prima de Misael Bustos reconstruye la vida de dos marineros de la ex-Unión Soviética que quedaron varados en Mar del Plata con la caída del régimen comunista. Con imágenes de archivo y testimonios de familiares y amigos desde Moscú, Bielorrusia y Letonia, el documental, producido por Luis Puenzo, explica el abandono hacia estas personas y las razones de su estadía obligada.

Luego de dejar sus hogares y viajar hacia la Argentina por trabajo a principios de los ´90, Viktor Yasinskiy y Anatoli Atankievich, junto a otro grupo de soviéticos, son dejados a su suerte en este lado del hemisferio luego del derrumbe del gobierno de Mijail Gorbachov. Al tiempo de vivir en Mar del Plata, Viktor y los demás reciben una oferta para volver a Rusia, pero sólo les brindarían el pasaje de regreso y un mínimo del salario por su trabajo en Argentina.

Viktor, que ya desde niño soñaba vestir un uniforme de marino o de militar, preferirá no correr el riesgo de regresar a su tierra con "la vergüenza" -como define- de no llevar dinero a su familia, y decidirá quedarse a vivir en la ciudad costera hasta cobrar el dinero que le corresponde.

Veinte años después y desde el otro continente, lo que queda de la familia rusa de Viktor, su hermano y su hija Lulia -a quien dejó a los tres años al cuidado de su madre- no entienden las causas por las que aún no ha vuelto.

El nombre del film retoma el clásico de la historia del cine El Acorazado Potemkin (1925) de Sergei Eisenstein - sobre la revolución social del país a modo de propaganda política para la revolución bolchevique- para reflejar la ruptura entre la época de esplendor de la Unión Soviética con su ocaso, al inicio de los ´90. Las consecuencias para Viktor y sus compatriotas será un vacío de todo tipo: legal, social, emocional e identitario.

En este sentido, la película también pone de manifiesto la problemática de la migración forzada, con los sentimientos de desarraigo, los engaños de los que son presa los extranjeros y el difícil proceso de adaptación respecto a situaciones de la vida cotidiana, como el idioma, las costumbres y la cultura del nuevo país.

Una película sobre la desilusión y el destierro en el contexto del fin de una época, que deja un sabor amargo y a la vez sirve de denuncia del desamparo del estado ruso a estos ex compatriotas, hoy argentinos naturalizados.

El film ha sido seleccionado para participar en la 5° Muestra de Cine Argentino en Leipzig que se realizará del 23 de septiembre al 2 de octubre de 2011.