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Imagen del crítico Fernando Alvarez
Fernando Alvarez
  • Cantidad de críticas: 639
  • Promedio: 60%
  • Críticas favorables: 483/639 (76%)
  • Críticas desfavorables: 156/639 (24%)
  • Diferencia absoluta: 10%
  • Placer y martirio
    Dos extraños amantes

    El realizador José Celestino Campusano se aleja de los escenarios de sus anteriores trabajos y plasma una historia de sometimiento entre un personaje de clase alta y una mujer que quiere salir de la rutina de su matrimonio.

    El director José Celestino Campusano se aleja de los climas que acuñó en sus anteriores películas y retrata los conflictos e insatisfacciones de una mujer de clase media alta que quiere escapar de la rutina de un matrimonio inexistente.

    El creador de Vil Romance, Vikingo y El Perro Molina siempre tiene la astucia narrativa para atrapar al público con sus relatos de seres marginales y violentos, pintando acá a personajes que se mueven en clases acomodadas y desfilan por escenarios más fastuosos, como los de Puerto Madero.

    Atrás quedó el conurbano bonaerense, y la película comienza con una fiesta al lado del río, donde Delfina -Natacha Méndez-, una diseñadora casada y con una hija adolescente, conoce a un empresario argentino de origen árabe, Kamil -Rodolfo Ávalos-, que siempre está acompañado por su chofer y guardaespaldas.

    A partir de ese encuentro su vida cambia radicalmente, porque empezará a formar parte de la agenda del misterioso hombre de negocios y de los huecos que éste tiene -cuando no viaja por el exterior- para encontrarse con ella y mantener encuentros sexuales. "Es la vida que uno elige" le dice él a la diseñadora que decide pasar unos dias con Kamil en Valdivia para dar un vuelco a su vida.

    A la relación problemática con su hija adolescente y con un marido del que se siente completamente alejada, se suma además el conflicto con un cliente importante en su empresa.

    Campusano hecha una mirada cruel sobre el poder del dinero y de las mujeres desesperadas por hombres -las fiestas con strippers- a los que sólo alquilan.

    Si bien Placer y Martirio no es el trabajo más logrado en lo que hace a diálogos y actuaciones, la fluidez de las escenas y el clima opresivo que se cierne sobre la protagonista, entre acaloradas escenas sexuales y charlas con amigas, encaminan al espectador a una asfixiante relación de "tiempo compartido".
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  • Cercana obsesión
    Una atracción fatal

    Con el protagónico de Jennifer López llega este thriller convencional y previsible sobre una profesora de literatura acosada por un vecino obsesionado con ella. Escaso suspenso y personajes poco creíbles.

    Que Jennifer López es rápida para los números no es ninguna novedad, ya que aquí oficia como productora y también protagonista de un thriller del estilo -aunque está a años luz- de Atracción fatal, donde el affaire sexual se transforma en obsesión y luego en locura. Aunque la idea fue vista en varias oportunidades, aquí podría haber funcionado con la dirección de Rob Cohen -Corazón de dragón, Triple X-, pero el desarrollo de una historia previsible y poco creíble, a excepción de algunas escenas, arruinan el resto.

    Cercana obsesión, una traducción poco feliz del original The boy nex door, parte de un planteo sencillo: Claire -López-, una profesora de literatura madura se siente atraída por Noah -Ryan Guzmán, el de Step Up4-, un vecino joven que se muda frente a su casa para cuidar a un pariente en silla de ruedas. Mirada va, mirada viene y el encuentro sexual entre ambos no tarda en concretarse, con algunas escenas que muestran sus cuerpos en acción. El problema es que ella está por separarse, tiene un hijo adolescente y con el correr de los días su vida se tornará una pesadilla cuando Noah se infiltre en su vida familiar.

    El mayor inconveniente es que nada de lo que se cuenta resulta creíble y el suspenso es tartamudo. La única escena que vale la pena es la del colegio, cuando la protagonista encuentra el aula donde dicta clases repleta de fotografías íntimas con su vecino. Si uno espera que ocurra algo en la escena del automóvil, la predicción se concretará a la brevedad.

    La presencia de una directora ingenua, un marido arrepentido que intenta reconquistar a su hijo adolescente, a quien Noah tiene entre sus manos y una forzada secuencia final desarrollada en un granero tampoco contribuyen para que el film llegue a buen puerto. Mejor dejarla pasar o, simplemente, cerrar la ventana.
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  • Escribiendo de amor
    En busca de una nueva oportunidad

    Un guionista que conoció el éxito quince años atrás acepta un trabajo como profesor de escritura mientras intenta encontrar un nuevo rumbo en su vida. Tanta cátedra sobre los recursos del guión, acá no dieron muchos resultados.

    Del mismo director de Letra y música y ¿Y dónde están los Morgan?, Marc Lawrence, llega otra comedia romántica protagonizada por Hugh Grant, rostro emblemático del género, en esta historia que bucea en la vida de Keith Michaels, un guionista que llegó a ganar un Oscar quince años atrás, y ahora, al borde de los cincuenta, está separado y todavía es recordado por ese éxito.

    Incapaz de que sus ideas resulten tentadoras para la industria del cine, acepta un trabajo como profesor de escritura en una población alejada de Los Angeles. Allí conoce a Holly -Marisa Tomei, ¡grandecita para este tipo de papeles!-, una madre soltera que lucha con dos trabajos para poder obtener el título universitario. A pesar de que Holly tiene un novio nuevo y de que Keith no es capaz de mantener su romance en secreto, los dos se sienten identificados por su necesidad de una segunda oportunidad.

    Escribiendo de amor carece de grandes gags y situaciones graciosas, y el poco interés que despiertan algunas escenas se le deben a su protagonista, un autor que está reescribiendo los nuevos capítulos de sus días. En la trama aparecen una alumna seductora que lo lleva a la cama; la encantadora Holly; el director del instituto -J. K. Simmons, el profesor de Whiplash- y las lágrimas cotidianas que le provocan sus mujeres, y un nerd que se transforma en un ingenioso guionista de la clase.

    La película no ofrece más sorpresas que la de un cálido romance otoñal que enfrenta obstáculos. Quizás los seguidores del género salgan conformes después de ver la película, pero lo cierto es que tanta cátedra sobre los recursos del guión, aca no dieron muchos resultados.
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  • Lugares oscuros
    Lugares oscuros
    Todo lo ve
    El pasado que vuelve a modo de rompecabezas

    El thriller cuenta con una magnética actuación de Charlize Theron, una mujer que revisa el pasado para investigar los crímenes de su madre y sus dos hermanas.

    Despojado de los grandes artilugios a los que nos tiene acostumbrados el cine hollywoodense, Lugares oscuros es un bienvenido trhriller que, sin música, logra atrapar al espectador gracias a la magnética composición de Charlize Theron, en el rol de Libby Day, una mujer de aspecto varonil que sobrevivió-junto a su hermano- a la matanza de su familia en un pueblo rural cuando apenas tenía siete años.

    Veinticinco años más tarde, Libby vive gracias a donaciones e intenta olvidar lo sucedido hasta que recibe el llamado de Kill Club, una sociedad secreta liderada por Lyle -Nicholas Hoult - y empecinada en resolver crímenes famosos, y es empujada para descubrir la verdad sobre los asesinatos de su madre y sus dos hermanas.

    Basada en la novela de Gillian Flynn, autora de Perdida, la película va desenredando con más pausa que prisa un complejo ovillo en el que aparece una larga lista de sospechosos, fundamentalmente su hermano Ben -Corey Stoll-, encerrado por los crímenes de la familia, además de los personajes que tuvieron algo que ver con aquella noche terrorífica.

    El guión, adaptado por el director francés Gilles Paquet-Brenner, ofrece mucho material para que el espectador vaya sacando sus propias conclusiones a medida que avanza el relato cimentado en una familia problemática y con la irrupción del satanismo, en medio de una narración que alterna pasado y presente para echar luz sobre el horror que enfrentó la protagonista.

    El film combina el drama, el suspenso y el terror a partir de la obsesión del personaje central por develar el misterio y llegar a la verdad para exorcizar sus propios fantasmas. De ritmo lento pero siempre intensa en lo que narra, Lugares oscuros puede resultar incómoda, pero su visión diabólica encuentra los mejores momentos gracias a la eficacia de su elenco. En ese sentido, el personaje de Diondra -una impecable Chloë Grace Moretz-, la novia de Ben, tiene mucho peso en la historia que ocurrió en el pasado y que tiene eco en un presente en el que las piezas comienzan a acomodarse. Lo mismo ocurre con Patty, la madre de Libby, rol a cargo de Christina Hendricks -de la serie Mad Men-.

    Las emociones, los errores, los pactos siniestros y el tema del falso culpable como si se tratara de una película de Alfred Hitchcock aparecen en esta película alimentada por atmósferas y climas, salpicada con un blanco y negro tan manchado como la historia que cuenta.
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  • La dama de oro
    La dama de oro
    Todo lo ve
    Emocionante operación para restituír lo que es propio

    Helen Mirren encarna a la descendiente de una familia vienesa embarcada en la lucha por recuperar una valiosa obra de arte robada por los nazis. Ryan Reynolds se suma como el abogado en esta historia real que mantiene la intriga y la emoción.

    El tema de las obras de arte robadas en tiempos de guerra dio origen a Operación Monumento, la película que en su momento pasó sin pena ni gloria y protagonizó George Clooney, y ahora el tema es abordado nuevamente pero de manera biográfica por el realizador Simon Curtis, el mismo que filmó Mi semana con Marilyn.

    La actriz ideal para encarnar a María Altmann, la descendiente de la familia vienesa Bloch-Bauer, no es otra que la siempre convincente Helen Mirren, una judía que mantiene su negocio de ropa femenina en Estados Unidos y huyó de Viena durante la ocupación nazi en la Segunda Guerra Mundial.

    El abogado Randy Schoenberg - Ryan Reynolds, que bien le sientan los papeles de este tipo - trabaja para un poderoso buffet de abogados con el enigmático Charles Dance a la cabeza. Mientras mantiene en alto el nombre de su abuelo, el célebre compositor, se dispone a ayudar a María, a quien los nazis le robaron el "Retrato de Adele" del pintor Gustav Klimt, que pertenecía a su familia.

    El relato, basado en una historia real, está narrado entre un presente ambientado en 1998 en Los Angeles y un pasado al que la protagonista vuelve para mostrarle al espectador las persecuciones que sufrió el pueblo judío en manos de los nazis, las injusticias a las que los sometieron y al robo de la obra de arte que se mantuvo colgada en las paredes del Museo Belvedere de la capital austríaca hasta 2006.

    El film expone con astucia historias que se entrelazan y que impulsan un presente en el que entran en juego una despiadada lucha entre abogados especialistas en temas de expropiaciones ilegítimas, una jueza y el arribo del sonante caso a la mismísima Corte Suprema.

    A los buenos trabajos de la dupla protagónica, se suma el personaje de Daniel Brul, que colabora para que todo llegue a buen puerto. La anciana que extraña a su familia y tiene una vida sin sobresaltos asume el extenso camino, lleno de obstáculos, para que aquello que considera suyo sea restituído en una contienda judicial que podría haber llegado a convertirse en una suerte de guerra diplomática entre países.

    La dama de oro pinta una época a la vez que mantiene la intriga de un pasado que vuelve con fuerza para modificar el presente, emocionando al espectador.
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  • La noche del demonio 3
    Otra tibia vuelta por el más allá

    Sin la dirección de James Wan, la historia se centra en una adolescente atormentada por una diabólica presencia y en la médium -de las versiones anteriores- que quiere ayudarla. Una precuela que empieza mejor de lo que termina.

    El terror sigue buscando formas para sorprender al espectador. En el caso de la saga La noche del demonio, los recursos se repiten para hacer de las películas un fructífero negocio en boleterías.

    Esta precuela -situada antes de la persecusión de la familia Lambert- revela cómo Elise Rainier -Lin Shaye - usa sus dones -"auqnue estoy un poco vieja para esto"- para contactarse con los muertos. En este tercer eslabón, su misión consiste en ayudar a Quinn Brenner -Stefanie Scott-, una adolescente acosada por un entidad sobrenatural, a conectarse con su madre muerta.

    Las mejores escenas tienen lugar al comienzo cuando la protagonista -postrada en la cama luego de ser atropellada por un auto- queda a merced de una figura que se aparece en la habitación, alertando a su padre -Dermot Mulroney- y generando un clima de desprotección y presencias sobrenaturales. Hasta ahí la película tenía material para cortar pero luego comienza a burlarse de sí misma, lo que quita seriedad al asunto y pierde el clima inquietante que tenía al comienzo.

    Las dos versiones anteriores tenían el sello en la dirección de James Wan, el mismo de El juego del miedo y Silencio de muerte, quien ahora deja su turno al debutante Leigh Whannell -guionista de las tres primeras partes de Saw-, quien también repite su papel de Specs en esta trilogía, uno de los dos ayudantes a quien la médium Elise decide incorporar a sus tareas.

    Todo se resume a una serie de sobresaltos -algunos logrados - pero la historia queda bastante desangelada con tanto fantasma que reaparece entre tules, máscaras de oxígeno y una silla de ruedas. Además ¿qué pasa con el hermano menor de la protagonista?, ¿Y con su vecino Héctor?: estos personajes desaparecen sin razón en medio de sesiones espiritistas, pasillos con humo, Elise con un farol que la guía hacia el "más alla" -en Poltergeist una cuerda era la que unía ambos mundos- y una vecina que muere misteriosamente. El final ingenuo y tierno poco encaja con un relato que promete seguir las desventuras de la espiritista y su equipo de "cazafantasmas".
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  • Intensa-Mente
    Intensa-Mente
    Todo lo ve
    ¿Que tenés en la cabeza?

    Un imaginativo paseo por la mente de una adolescente que se muda con sus padres a San Francisco y empieza una nueva vida. Sus emociones cobran vida y chocan entre sí desde el centro de operaciones de su cabeza.

    La jovencita Riley es la que impulsa este nuevo relato de Disney Pixar que ofrece un inusual y original paseo por la mente humana. Guiada por sus emociones -Alegría, Miedo, Enojo, Desagrado y Tristeza, que operan en Cuarteles Generales y desde un centro de control de su cabeza-, Riley empieza una nueva vida junto a sus padres en la ciudad de San Francisco. Un mundo desconocido que se abre bajo sus pies y promete sorpresas.

    Intensa Mente es una apuesta arriesgada desde lo temático que plantea dos mundos: el real, tangible y cotidiano; y uno más profundo, una suerte de fábrica de emociones que se ponen de acuerdo - o no- para gobernar las vidas de las cabezas que habitan.

    A lo largo de la historia, cobran protagonismo Alegría y Tristeza, quienes no hacen las cosas demasiado bien aunque sus intenciones valen, y ambos se pierden en una psiquis llena de laberintos para devolverle el verdadero sentido de la felicidad a Riley.

    De este modo, el relato se sumerge en el subconsciente, donde Riley asegura que "aquí vienen los que traen problemas"; una zona dedicada al olvido, una suerte de limbo donde todo se desdibuja, y la zona del pensamiento abstracto, que convierte a los personajes en divertidos dibujos de dos dimensiones. Claro que en su extenso peregrinaje lleno de obstáculos también aparecen "el amigo imaginario" y los miedos más profundos, representados acá en la figura de un gigantesco y temible payaso.

    El nuevo film de animación trabaja en los dos niveles antes mencionados y mantiene una estética diferenciada para cada mundo que muestra. Esto trae un colorido mundo emocional -más artificial que el de la vida- que resulta divertido para los niños e inteligente para el público adulto que siempre espera un guiño más. Tampoco falta la oportuna inclusión del "cine dentro del cine" como una gran factoría de ilusiones, que es apenas un granito en la inmensidad de la cabeza de Riley.

    El director Pete Docter, el mismo de Monsters INC y Up: Una aventura de altura, confirma nuevamente su capacidad para trasladar al público a un universo en el que todo se pone en juego para lograr el equilibrio psíquico de la joven protagonista.

    En erupción

    Antes de la proyección de Intensa Mente se puede ver el cortometraje de James Ford Murphy, Lava, una historia de amor en la que la música de estilo hawaiano es protagonista y se desarrolla durante millones de años.

    El viejo volcán Uku, que entró en erupción hace mucho tiempo queda ahora cuasi sumergido por las aguas del Océano. Solo y olvidado, entre el amor que se profesan parejas de delfines, tortugas y ballenas, aguarda que le envíen a alguien con quien compartir sus días. Un trabajo sencillo, cálido y musical que pone el acento en el diseño de los fondos, los paisajes y en los volcanes, los protagonistas del encuentro.
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  • Beatles
    Beatles
    Todo lo ve
    Cuatro adolescentes de Oslo

    Un grupo de chicos sueña con formar su propia banda musical durante los años sesenta y con el trasfondo del furor de Los Beatles, en esta sencilla historia sobre la amistad, el amor y la libertad.

    "Siempre tuvimos modelos a seguir" afirma la película del danés Peter Flinth, Beatles, una historia sobre la amistad, el amor y la libertad a partir de un grupo de chicos que rompió el molde -o al menos lo intentó- en Oslo, Noruega, durante los años sesenta, en una época de constantes cambios y en la que Los Beatles encendían una fiebre a nivel mundial.

    El film está narrado a partir del punto de vista de Kim -Louis Williams-, el joven parecido a Paul McCartney que no era bueno en ninguna actividad y se enamora perdidamente de Nina en el cine que proyecta Zorba, el griego. El grupo de amigos lo integran Ola -Halvor Tangen Schultz-, el baterista al estilo Ringo y el más débil; Seb -Håvard Jackwitz-, cuyo padre marinero le trae los vinilos de Los Beatles; y Gunnar -Ole Nicolai Myrvold Jørgensen -, que tiene un sótano donde todos se reúnen para escuchar La Banda del Sargento Pepper, mientras fuman y sueñan con formar su propia banda, The Snafus.

    La película no tiene intenciones de mostrar la formación de una banda, sino que utiliza esto como excusa para contar la vida de chicos que están asomando a la juventud, bajo una educación severa y con ansias de cambiar el mundo a través de la música. El realizador pone el acento en la descripción y confrontación de las diferentes personalidades de los protagonistas y sus pasos por el amor, la decadencia de la familia y el despertar sexual -Gunnar debuta con una madura que lo seduce-, en medio de persecuciones por robar logos de los autos del barrio.

    El revuelo social y la época de protestas drásticas se ve reflejada en el personaje del hermano mayor de Gunnar, mientras la lucha de clases se cristaliza en el mundo aristocrático al que irrumpe Kim luego de conocer a la chica que le despierta suspiros en el colegio. Las fiestas con alcohol, el rumor de la separación de Los Beatles que se desparrama con la intensidad de una noticia de actualidad y la actuación del grupo en público sirve como marco de este relato sobre "tres chicos de Oslo" que siguieron con pasión a "cuatro tipos de Liverpool".
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  • La Salada
    La Salada
    Todo lo ve
    Un retrato sobre la inmigración y la soledad

    El director argentino de origen taiwanés Martín Hsu cuenta tres historias de inmigrantes ambientadas en la famosa feria del sur del conurbano. Un retrato preciso sobre la soledad y la falta de oportunidades.

    Una mirada desahuciada sobre la inmigración dispara tres relatos que tienen denominadores en común: el desarraigo, la soledad y la búsqueda de oportunidades laborales para subsistir en un medio que a los personajes no les es propio. Ambientada en la famosa feria de La Salada, ubicada en el sur del conurbano bonaerense, la película del cineasta argentino de origen taiwanés Martín Hsu, se presentó con éxito en la última edición del BAFICI y cuenta con premios en La Habana y de Cine en Construcción en San Sebastián.

    A lo largo del relato se percibe un constante choque de culturas entre Oriente y Occidente, y los desesperados intentos por conservar costumbres en un medio que exige adaptarse rápidamente. De este modo desfilan un padre y su hija coreana que se preparan para un casamiento arreglado; un joven boliviano que acaba de llegar al país en busca de trabajo y un vendedor taiwanés de películas truchas -Ignacio Huang, el mismo de Un cuento chino- cuyo único contacto con su madre es un acotado llamado telefónico mientras busca una compañera para paliar sus extensas noches de insomnio y soledad.

    Cada uno de ellos se topa con otros personajes a lo largo de la historia que, en mayor o menor medida, los transforma y les permite cambiar sus existencias. En el primer segmento se plasma la idea de la "conveniencia" que asegura un futuro económico alentador. La joven protagonista sigue el mandato paterno pero también encuentra su noche "agitada" con otro candidato occidental que no es el "elegido" para brindarle la felicidad.

    En el segundo fragmento la posibilidad de subsistencia se abre ante el mundo gastronómico con la presencia de un "tío" de negocios "non sanctos". Por su parte, el último transmite angustia al espectador con el taiwanés capaz de teñirse el pelo para poder conquistar almas solitarias. Ahí aparece fugazmente el personaje a cargo de Mimí Ardú para brindarle contención. La cámara de Hsu recorta el constante movimiento y cambio de una feria en expansión y elige planos cortos para mostrar a estos personajes y sus peculiares historias.
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  • Abzurdah
    Abzurdah
    Todo lo ve
    Chat, amor, obsesión y trastornos

    Lo que empieza con un thriller se encamina hacia el manual de autoayuda en esta película destinada al público adolescente que aborda el tema de la anorexia y cuenta con un buen trabajo de Eugenia Suárez.

    El exitoso libro escrito por Cielo Latini en 2006 se transforma en una película con formato de thriller que adquiere innegable actualidad por los temas que aborda: la incomunicación familiar, pasando por el uso de la tecnología y los trastornos alimenticios que enfrenta Cielo, el personaje encarnado por Eugenia Súarez.

    Cielo es una adolescente rebelde de clase acomodada que conoce por chat a un joven mayor que ella -Esteban Lamothe- y se enamora perdidamente hasta el punto de convertirse en una verdadera obsesión como resultado de una relación no correspondida. Lo que comienza con un relato de suspenso va mutando a una historia de locura que desencadena en anorexia, bulimia y autoflagelo.

    La realizadora Daniela Goggi se rodeó de un grupo de profesionales para llevar adelante un producto que resultara creíble en su tratamiento médico aunque no se entiende la escena del psicólogo que le ofrece alternativas a una paciente que no puede decidir por sí misma.

    Al ritmo veloz, la voz en off y el aire juvenil impresos desde el comienzo donde la tecnología está al servicio de la búsqueda y contacto para abrirse a un nuevo mundo, se suma la barrera infranqueable entre la joven de mal carácter y sus padres, que tiene mucho peso dentro del film. Gloria Carrá y Rafael Spregelburd interpretan con acierto al matrimonio que le brinda todo y al mismo tiempo no entrega nada a su atormentada hija, alcanzando los mejores momentos.

    Abzurdah es una historia de amor no correspondido donde la opción de dejar de comer se vuelve la ilusión de una vida "perfecta". La actriz principal se sometió a una dieta estricta para perder peso, supervisada por un equipo de nutricionistas y preparadores físicos, y se oscureció el pelo. El resultado es convincente y justamente ahí reside el éxito de su personaje. La película recurre a algunos golpes bajos y quizás resulten exagerados algunos comportamientos como la escena en la que Cielo hace el amor en el estacionamiento o las diferentes formas en la que se castiga.
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  • Jessabelle
    Jessabelle
    Todo lo ve
    Terror sin sobresaltos en VHS

    Un película que juega con una joven en silla de ruedas, asaltada por pesadillas y atrapada en una vieja casona. El terror es fallido y resulta tan viejo como el VHS.

    Luego de sufrir un accidente de auto en el que muere su novio, la joven Jessie -Sarah Snook, la actriz de Sleeping Beauty- queda en silla de ruedas y se instala en la casa de su madre para transitar una recuperaciòn que le llevará algunos meses. Con el escenario de fondo de los pantanos de Louisiana y la compañía de un joven y de una enfermera, la protagonista descubrirá un misterio que gira en torno a su nacimiento y una presencia sobrenatural que se mece junto a su cama.

    Kevin Greutert, el realizador de las últimas dos entregas de la saga de El juego del miedo, quiere inquietar al espectador con las escasas armas que le ofrece el guión de Robert Ben Garant, y una historia relacionada con el pasado de la familia, desarrollada entre tapes grabados en VHS, cartas de tarot y secretos que encierran los afroamericanos del sur estadounidense.

    En ese sentido, la película tiene algunos puntos de contacto con La llave maestra, pero se pierde en su intento por construír una atmósfera pesadillesca con sobresaltos poco felices que alteran la vida del personaje central desde el comienzo. No hay nada nuevo bajo las pantanosas aguas que rodean la casa y el producto falla como exponente del género.

    El tema del encierro, una joven imposibilitada para moverse, las apariencias engañosas y un ser sobrenatural que se acerca sobre su víctima ya lo vimos en La llamada y en otras producciones orientales de terror. Esos eran elementos suficientes como para armar un film entretenido y perturbador. Sin embargo, el resultado está lejos de generar expectativas para los seguidores de este tipo de películas. Fantasmas vengativos, vudú y un desenlace que se adivina a los pocos minutos, mientras la luz del televisor parpadea y el terror no aparece.
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  • Terremoto: La falla de San Andrés
    El héroe, la familia y las grietas

    El cine catástrofe arremete con un producto que concentra lo mejor y lo peor del género. Un piloto de rescate -Dwayne Johnson- intenta salvar a su hija y recomponer la familia en medio de temblores y destrucción total.

    No hacía falta tanto desastre para lograr la recomposición de una familia en esta nueva muestra de cine catástrofe, género que tuvo su esplendor en la década del setenta con títulos emblemáticos como Terremoto, La aventura del Poseidón, Aeropuerto e Infierno en la Torre.

    El film de Brad Peyton -Director tambíen de Viaje 2: La isla misteriosa- sigue los intentos de Ray -Dwayne Johnson- un piloto de rescate que, helicóptero y avión mediante, atraviesa California junto a su ex-esposa Emma -Carla Gugino- para salvar a su hija Blake -Alexandra Daddario-, que quedó atrapada en un estacionamiento.

    Terremoto: La falla de San Andrés concentra lo mejor y lo peor del cine mainstream al que Hollywood nos tiene acostumbrados. Desde el aspecto visual resultan sorprendentes las escenas de destrucción de edificios, el dique donde comienza el desastre y sus repliques en San Francisco. En la misma película el espectador se encontrará con temblores, un tsunami, inundaciones y rescate en las alturas. Todo por el mismo precio.

    El guión de Carlton Cuse -Bates Motel- presenta estereotipos: el millonario Daniel Riddick -Ioan Gruffudd-, la nueva adquisición amorosa de Emma, y constructor de edificios que tampoco se salvan del caos; el dolor de Ray y Emma por la pérdida de una hija en un accidente y la bandera norteamericana que flamea a pesar del horror que se desparrama sin pausas.

    Esta película tuvo una versión filmada en 1974 que contó con el efecto de sonido Sensurround que daba la sensación de temblores y vibraciones en un desaparecido cine de la calle Lavalle. Actualmente el recurso del 3D no aporta demasiado, a excepción de algunos objetos que vuelan hacia cámara. El costado científico lo aporta la presencia de un siempre eficaz Paul Giamatti que anuncia el horror que se avecina.

    Con algunas simiitudes vistas en El día después de mañana -Dennis Quaid salía en busca de su hijo Jake Gyllenhall- y Riesgo Total, en su escena del comienzo, la pelìcula ofrece momentos de adrenalina y recuerda a los planteos apocalípticos de los trabajos de Roland Emmerich. Entre grietas familiares y la tierra que devora lo que encuentra en su camino, dos hermanos londinenses también cobran protagonismo durante su estadía en San Francisco.
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  • Pasaje de vida
    Pasaje de vida
    Todo lo ve
    Un logrado thriller sobre el pasado y la recomposición familiar

    El thriller político de Diego Corsini revisa el pasado nefasto de la Argentina mientras reorganiza un presente caótico en esta historia familiar que juega con la intriga, la violencia y la búsqueda de la identidad.

    El cine argentino ha buceado por su pasado nefasto en varias oportunidades para revalorizar el presente democrático o para intentar comprender el accionar de personas en función de movimientos políticos o de luchas por sus ideales. El film de Diego Corsini -Solos en la ciudad- es un thriller político pero también es un intento de recomposición familiar a través de una historia que alterna presente y pasado, y toca varias cuerdas: la intriga, la violencia y la emoción en su último tramo.

    Pasaje de vida parte de una buena idea y funciona a manera de un rompecabezas cuyas piezas el espectador deberá ir ordenando con el correr de los minutos. Mario -Javier Godino- intenta sobrellevar en su casa la segunda embolia que sufre su padre Miguel -Miguel Angel Solá- cuando encuentra un libro que relata el pasado de éste como Montonero en la Argentina. De ese modo, se abren las páginas de una historia pasada -y pesada- que repercute en un presente incierto y en la que aparece Diana -Carla Quevedo- como pìeza clave del conflicto.

    El film, que cuenta con una lograda reconstrucción de época, acerca el pasado de Miguel -encarnado en su juventud con convicción por Chino Darín- y su lucha como Montonero contra la injusticia laboral de las empresas, antes del golpe militar en 1976. Y ese combate personal lo llevó adelante de la mano de su compañero Pacho -Marco Antonio Caponi- en medio de una ola de violencia en la que las personas desaparecían en un abrir y cerrar de ojos.

    La búsqueda de la identidad mueve el andamiaje de la película que concentra desesperación, amor por la familia y presencias peligrosas y tangibles que se mueven desde las sombras. En ese sentido, Diego Alonso juega correctamente con su rol de villano y traidor junto a Carolina Barbosa, Alejandro Awada, Andrea Frigerio, como la madre de Diana, y la española Charo López en un papel que no adelantaremos para no develar las idas y vueltas que presenta la trama.

    A la sólida factura técnica se suma la elección de un elenco sin fisuras que responde a los requerimientos del guión y un manejo de la intriga y el suspenso que retratan una época sin olvidarse del entretenimiento.
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  • Mil veces buenas noches
    Fotografías del horror

    Juliette Binoche es una fotógrafa de guerra que se codea con la muerte y cuya vida familiar peligra por el delicado y arriesgado trabajo que realiza a diario. Un film del director noruego Erik Poppe.

    Si algo tiene Mil veces buenas noches es la veracidad y el realismo de sus imágenes, y no es de extrañar, ya que el director noruego Erik Poppe fue fotógrafo de guerra antes de dedicarse a contar historias en la pantalla grande. En ese sentido, el film funciona como una prolongación suya a través del personaje de Rebecca -una siempre cautivante Juliette Binoche-, la mujer que registra el horror.

    Desde el comienzo, la crueldad dice presente a través del lente que espìa un "entierro" y sigue a una joven que lleva explosivos y se inmola en un atentado terrorista en Kabul. Su tarea consiste en acercarse lo más posible a los verdaderos protagonistas, a los hechos atroces que se cometen. Los trabajos de Rebecca son reconocidos a nivel mundial mientras el film explora los límites entre la profesión y la vocación.

    Todo esto ocurre mientras su marido Marcus -Nikolaj Coster-Waldau- y sus hijas la esperan en su casa de Irlanda. Cada misión es una amenaza para todos y la estabilidad de los vínculos familiares peligra por el arriesgado trabajo que Rebecca realiza a diario.

    El relato de Poppe escoge los silencios, desde el inquietante inicio, y los escasos diálogos para mostrar el espanto de la guerra y de zonas en constante peligro. Mientras su reputación crece, también la tensión en el hogar se hace sentir.

    El director recurre a "oasis" que echan un manto de piedad en la historia, desde globos de papel que se elevan hasta las situaciones oníricas de Rebecca flotando en el agua, como también la escena junto a su marido en el mar. Todo sirve como remanso para curar las viejas heridas pero el inminente traslado de Rebecca a una aldea en Africa y la decisión de llevarse a su hija adolescente desatan el caos.

    Esta es la historia de una mujer que cruza los límites y de las consecuencias que debe pagar por ello, contada con acertado pulso por el realizador.
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  • Tomorrowland
    Tomorrowland
    Todo lo ve
    Un viaje mágico y rápido como un parpadeo

    La película del sello Disney permite el ingreso a un mundo paralelo y enigmático que trae sorpresas y amenazas. Pasado, presente y futuro son abordados con imaginación visual, nostalgia y referencias a títulos de ciencia-ficción.

    Desde el comienzo se percibe que Tomorrowland es un producto arriesgado que, si bien juega con la pirotecnia visual, encierra un trasfondo lúcido y cuestionador sobre el mundo que habitamos.

    El director Brad Bird, el mismo de Los increíbles y Misión Imposible: Protocolo Fantasma, es un especialista en el terreno de la acción y su pulso se nota en este relato que combina ciencia-ficción y persecuciones con la nostalgia de épocas pasadas. Como una suerte de parpadeo constante que traslada a los personajes de un escenario a otro, el film tampoco deja de lado el humor y las referencias a Star Wars, Blade Runner e incluso Stargate.

    Frank Walker -Thomas Robinson-, un niño que participa en un congreso de inventos en la década del sesenta, ingresa a un mundo extraño y fascinante gracias a la invitación secreta de Athena -Raffey Cassidy-. Años más tarde, el mismo Frank -George Clooney- vive recluído y cansado pero en su camino irrumpe Casey -Britt Robertson-, una adolescente con curiosidad científica, y ambos se se embarcan en la peligrosa misión para revelar los secretos del lugar enigmático al que remite el título.

    Perseguidos sin descanso por una serie de robots-animatronics y por personajes enfundados en negro que remiten al universo de The Matrix, la película se guarda sorpresas bajo la manga y no es conveniente brindar más detalles que puedan alterar el vértigo que propone la historia, una suerte de montaña rusa de parque de diversiones, con vueltas impensadas y riesgo en las alturas.

    El film no está apuntado a chicos de corta edad porque se perderán en las idas y vueltas de la narración, pero el público adulto agradecerá una historia interesante que atrapa desde su inicio y permite el acceso, pin mediante, a un mundo que se erige un poco más allá de la imaginación.
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  • Motivación cero
    Burocracia y lucha de poderes en el ejército

    La comedia israelí muestra la vida de un grupo de mujeres que trabajan en la oficina de Recursos Humanos del ejército. Dos amigas tienen la difícil misión de mantener su relación en un mundo dominado por la competencia y los hombres.

    Ambientada en una base militar ubicada en pleno desierto, la ópera prima de Talya Lavie acierta en la creación de climas que genera la lucha de un grupo de mujeres en un medio hostil y dominado por los hombres.

    En tono de comedia filosa que nunca deja de lado su mirada crítica, Motivación Cero cuenta la historia de las chicas que llegan al lugar: Zohar -Dana Ivgy-, la joven que enfrenta la hipocresía del ámbito militar y prefiere sumergirse en los juegos de la computadora antes que en el trabajo; Daffi -Nelly Tagar-, la amiga que sufre en carne propia el ingreso a las fuerzas mientras sueña con un posible traslado a Tel Aviv, y Rama -Shani Klein-, la jefa ignorada por un entorno, que quiere escalar posiciones.

    El film nunca deja de lado su costado humorístico al plasmar las situaciones que enfrentan las protagonistas, pero un hecho trágico también tiñe de sangre el relato. Al enfrentamiento bélico que está latente en el exterior se suma una guerra sin cuartel que explota en el ámbito de una oficina destartalada, repleta de papeles. Allí se pone en juego la relación amistosa que utilizará estrategias varias y elementos de oficina como si se tratase de armas.

    Estructurada en tres capítulos que van desde la presentación de personajes hasta el entrenamiento, la película mantiene su ritmo -hecho inusual en un film israelí-, gags efectivos -la visita de las mujeres en el pabellón de los hombres- y un tono "fantasmal" que juega con el tema de la venganza para dejar bien parada a la mujer.

    Motivación Cero explora las guerras internas con buenos recursos, sabe utilizar la música para acentuar y sensibilizar algunos pasajes relacionados con la nostalgia y la soledad, además de contar con intérpretes que hacen creíbles a sus criaturas. La misión más difícil es mantenerse unidas.
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  • Mad Max: Furia en el camino
    Un futuro caótico trae acción acrobática y furiosa

    La remake del film clásico de los años ochenta, encuentra al director George Miller en plena forma para la acción y a Tom Hardy como el antihéroe que intenta sobrevivir en un mundo enloquecido. Pocas palabras y diferencias con respecto a la versión original.

    En los años ochenta Mel Gibson se convirtió en un héroe solitario que emprendía venganza contra los forajidos que asesinaban a su familia en Mad Max, la película australiana que se transformó en una trilogía de la mano de su creador, el director George Miller.

    La nueva versión ambientada en un futuro post-apocalíptico encuentra a Max -Tom Hardy- escapando de un ejército de seguidores del tirano, Inmortal Joe -Hugh Keays-Byrne- y, en su ruta, se encuentra con Furiosa -Charlize Theron-, la mujer que intenta cruzar el desierto y lleva a un grupo de cautivas conocido como "las cinco novias".

    Con este esquema argumental, la película de Miller elige el camino directo a la acción, con pocas palabras y sin explicaciones mediante, colocando a los personajes en el ojo de la tormenta: un pueblo que sufre la falta de agua y un tirano que administra el poder -y el poco combustible - a su conveniencia mientras promete llevar a sus fieles a "la tierra sagrada".

    Mad Max: Furia en el camino muestra a un antihéroe enloquecido por las fantasmales apariciones de su pequeña hija en un presente que lo tiene encadenado y a merced de un grupo de malvivientes sanguinarios que lo persiguen sin descanso a lo largo del desierto. A diferencia del film original, en éste las mujeres son combativas y ocupan un lugar preponderante mientras el protagonista las necesita para sobrevivir y lograr su objetivo.

    En esta remake nunca se ve la muerte de la hija de Max -sólo aparece a modo de flashback-, y la cámara frenética se posa sobre vehículos que marchan a toda velocidad, armados con desechos y partes de otros, al igual que el villano que se lanza tras los tules de sus novias y de la futura madre de su hijo.

    Entre cadenas, acción acrobática que parece salida del Cirque Du Soleil, con un ejército balanceándose sobre sus presas, y hasta un guitarrista del infierno que tiene su propio escenario montado en uno de los camiones y desparramando música como una estrella de rock, la trama expone su lado más salvaje

    El mundo ha enloquecido, con seres serviles y cromados que siguen a su amo hasta las últimas consecuencias: una suerte de Frankenstein que, a pesar de la máscara, deja al descubierto su monstruosidad. El mayor atractivo en este tipo de producciones reside en los grandes escenarios, las tormentas de arena y el diseño de los vehículos preparados para su carrera de la muerte.

    Hardy se las ingenia para parecer un duro con las escasas líneas que le han tocado en suerte, mientras que Charlize Theron es una mujer de armas tomar, al frente del volante, y con todas las de ganar, entre explosiones, una tribu femenina de nómades y una cámara orgullosa que se ubica en los ángulos más estratégicos para potenciar la violencia.

    Los espectadores nostálgicos quizás extrañen los tiempos de narración que tenía la versión original, pero los nuevos descubrirán a este policía de la ruta, envuelto con estética de comic, y en medio de un mundo que se ha caído a pedazos.
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  • El secreto de Adaline
    Amada inmortal

    Un bienvenido drama romántico con toques fantásticos es el que impulsa Blake Lively como una mujer que nace en 1908 y queda joven para siempre luego de sufrir un accidente. También trabaja Harrison Ford.

    La sola idea de la inmortalidad suena, a priori, tentadora y atrapante, pero también tiene un costado oscuro que altera los vínculos y las relaciones en este bienvenido drama romántico con toques fantásticos.

    La actriz Blake Lively asume su primer protagónico en cine luego de aparecer en Salvajes, de Oliver Stone, y encarna a Adaline, que nace en 1908 y queda exactamente igual con el paso del tiempo luego de sufrir un accidente automovilístico.

    Ella está condenada y debe asumir falsas identidades y cambios de domicilio a lo largo de los años para no ser considerada un "extraño fenómeno" de la ciencia. La compañía de su hija -Ellen Burstyn en el papel de una anciana- y la aparición de Ellis -Michiel Huisman-, el hombre de su vida, pueden sacarla de esa existencia de escapes permanentes, pero al conocer al Sr.Jones -Harrison Ford-, el padre de su novio, las cosas cambian para siempre.

    La película atrapa gracias a la elección del elenco, a una historia que fluye y emociona en la que su protagonista va atravesando diferentes momentos históricos, y que agrega además una "narración en off" que brinda datos científicos a un hecho que no parece destinado a los simples mortales, convirtiendo a Adaline en una mujer que sufre, ama y ve como el resto envejece sin remedio.

    Harrison Ford, el respetado hombre de ciencia, y Kathy Baker, su esposa, se sacan chispas luego de la llegada de la prometida de su hijo y encuentran los mejores momentos en la película dirigida con buenos recursos por Lee Toland Krieger -The Vicious Kind-.

    Las tomas cenitales y vertiginosas, los cambios de vestuario acordes a las épocas, la inversión del paso del tiempo, la familia alterada por el pasado y los detalles que develan un misterio se acentúan gracias a la encantadora actuación de Lively, una amada inmortal, un pequeño punto en el cosmos.
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  • Donde se esconde el diablo
    El Anticristo vive en una aldea y usa pollera

    El terror se instala en una comunidad amish en la que cinco jovencitas a punto de cumplir dieciocho años arrastran una maldición entre los lugareños. Las vidas de todos corren peligro y las muertes se suceden sin suspenso ni impacto.

    Los habitantes de una aldea anclada en el tiempo y alejada de las costumbres de la vida moderna esconden secretos y una maldición que se arrastra desde hace dieciocho años. Donde se esconde el diablo es la película del danés de Christian E. Christiansen que muestra una posible posesión satánica en La Nueva Belén, la comunidad amish liderada por un oscuro y siniestro pastor -Colm Meaney-, el mismo escenario que alguna vez impactó con Testigo en peligro.

    La trama se centra en seis niñas que nacen al mismo tiempo e instalan una maldición que hace peligrar las vidas de los lugareños. A punto de cumplir dieciocho años, las cinco jovencitas -una muere en manos de su madre- van desapareciendo porque una figura diabólica comienza a cazarlas. El Mal se quiere instalar nuevamente en la Tierra pero sin el suspenso ni las muertes impactantes que tuvieron clásicos como La Profecía o El Exorcista.

    A pesar del interesante planteo, el film no esconde su intención sobre el choque de culturas -el chico lindo, hijo del sheriff, salva a la protagonista de morir ahogada- pero el tono deliberadamente ingenuo le quita credibilidad a muchas de las escenas, acercando a la atormentada Mary -Alycia Debnam Carey- y a su familia al estilo de vida de los recordados Ingalls -el padre encarnado por Rufus Sewell, la estricta madre adoptiva y una hija que pide permiso hasta para ir al baño-.

    El resto traerá a un sheriff que investiga las muertes y a chicas de vestidos largos perseguidas sin descanso por un asesino que viste de negro y lleva una daga en sus manos. El suspenso se mantiene a medias y para sumar maldad se cargan abusos sobre el pastor y la comunidad que castiga los pecados mientras va cavando sus propias tumbas.

    Las apariencas engañosas y los poderes desatados la acercan a productos ochentosos ya conocidos por el público pero sin llegar a inquietar al espectador.
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  • Showroom
    Showroom
    Todo lo ve
    El sueño del techo propio

    Un vendedor intenta cumplir el sueño ajeno mientras su destino y el de su familia parecen no encontrar su rumbo. La lucha por la subsistencia es la que enciende este relato apoyado en las actuaciones.

    El film de Fernando Molnar, protagonizado por Diego Peretti y escrito por el realizador junto a Sergio Bizzio y Lucía Puenzo, se presentó en la última edición del Festival de Cine de Pinamar y ahora tiene su estreno comercial.

    Diego -Peretti- perdió su empleo como coordinador de eventos, debe dinero de su alquiler y se ve obligado a ocupar una casa familiar en el Tigre -en condiciones infrahumanas y en la que deja a su familia- mientras viaja a diario a la Capital para atender un Showroom, bajo las órdenes de su tío -Roberto Catarineu-. Allí vende departamentos y "cumple" con el sueño ajeno mientras su destino y el de su familia parecen no encontrar su rumbo.

    A partir de una mirada actual sobre las dificultades laborales y la lucha por la subsistencia, esta comedia concentra momentos dramáticos pero, a la vez, es un drama con situaciones cómicas que impulsa una historia que no ofrece demasiadas sorpresas, más allá que la de mostrar a un personaje haciendo lo imposible por mejorar su calidad de vida en un medio que no le brinda posibilidades.

    En el elenco se destaca Andrea Garrote, como la mujer del protagonista, y Peretti que expone una máscara fría, amarga y observadora a lo largo de una trama en la que dicen presente los contrastes permanentes.
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  • Casa vampiro
    Casa vampiro
    Todo lo ve
    Desenfado y sangre en una vuelta de tuerca al género

    Una comedia con dientes afilados y formato de "falso documental" alcanza para salpicar ingenio, diversión y referencias a las criaturas de la noche que entregó el cine en infinidad de oportunidades.

    Después de la invasión de criaturas de la noche que azotaron la pantalla con estilos y propuestas pensadas para públicos diversos, llega este "falso documental" que recupera las esperanzas: los vampiros regresan con energías renovadas y un tono bizarro que contagia al espectador.

    Casa Vampiro -What We Do in the Shadows- es una comedia de los realizadores neozolandeses Jemaine Clement y Taika Waititi -Flight of the Conchords- que encuentra su mayor atractivo en la vertiginosa puesta en escena que convierte a la casa del título en un tren fantasma que depara sorpresas a cada instante.

    En el lugar conviven cinco vampiros -Jamaine Clement, Taika Waititi, Jonathan Brugh, Ben Fransham y Cori Gonzalez-Macuer- que protagonizan un documental rodado que muestra su vida cotidiana, sus salidas nocturnas en busca de presas y la ayuda de un ser humano.

    El film resulta interesante desde su planteo de "familia normal" y con los estereotipos de personajes conocidos; desde el vampiro clásico y más romántico hasta la presencia de uno de 8.000 años que permanece encerrado en un placard y remite al clásico Nosferatu. Todos parecen salidos de una fiesta de disfraces pero son reales y caminan entre los simples mortales.

    Lo antiguo en lucha permanente con lo moderno, los baños de sangre que ostentan varias escenas y el efectivo humor hacen de la película una experiencia distinta para los seguidores clásicos del género y para aquellos espectadores que descubren un relato plagado de guiños que no ocultan sus festivos aires de blooper.

    El ingenio y los efectos visuales también ayudan para potenciar las andanzas de estos seres nocturnos que duermen colgados, tejen, juegan al billar, cometen algún exceso y hasta se dan el lujo de observanr la realidad desde otro ángulo.
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  • Los Vengadores 2: Era de Ultron
    El mundo vuela en pedazos

    La secuela de los superhéroes unidos para combatir a un enemigo en busca de un cuerpo trae espectacularidad, nuevos personajes, humor y una escena extra entre los créditos finales.

    Un comienzo vertiginoso muestra desde los primeros segundos a los superhéroes luchando en un bosque y desplegando cada uno sus habilidades en esta esperada secuela de los personajes de Marvel. Tony Stark -Robert Downey, Jr.- intenta reiniciar un programa para mantener la paz pero las cosas salen mal y esta energía liberada en busca de un cuerpo se transforma en un enemigo impensado y poderoso, Ultrón -con voz de James Spader- que quiere dominar la Tierra.

    Con este esquema, Avengers: Era de Ultrón reúne a Iron Man -Downey. Jr.-, Capitán América -Chris Evans-, Thor -Chris Hemsworth-, Hulk -Mark Ruffalo-, Viuda Negra -Scarlet Johansson- y Ojo de Aguila -Jeremy Renner, a quienes se suman personajes nuevos: dos hermanos -Elizabeth Olsen y Aaron Taylor-Johnson- que arrastran conflictos del pasado y ostentan enormes poderes, formando un nuevo blanco de batalla.

    Desde la búsqueda de un metal extraño en Oriente, mentes dominadas y hasta un poder desparramado capaz de hacer volar a la Tierra en pedazos, la trama juega con sus secuencias espectaculares -ya sea en el aire, a bordo de un camión o de un tren- pero nunca deja de lado el humor y las frases que sirven de remate para cada una de las apariciones de los superhéroes. También el martillo de Thor se convierte en el centro de una escena muy divertida y este personaje trae todo un confuso pasado mitológico a un presente transformado por constantes cambios.

    Para delicia de sus fans, el film tiene obivamente una escena agregada entre los créditos y un nuevo cameo de Stan Lee en una fiesta donde lo llevan en andas. Todos los personajes tienen su lucimiento, dejan al descubierto nuevas facetas y aterrizan en una casa de campo donde la mujer de Clint/Ojo de Aguila, espera el retorno de su esposo.

    Esta continuación abre un nuevo panorama de peligros reservados para la próxima entrega, vuela a muchos metros de altura con hazañas similares a las de Superman y entrega a un grupo de reclutados que serán parte de la agencia SHIELD. No es poco para el nuevo eslabón de los salvadores del Universo, entre escudos, rugidos y muchos golpes.
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  • Big Eyes
    Big Eyes
    Todo lo ve
    Tim Burton y la sorpresa ante el engaño

    Tim Burton regresa sin el clima fantástico de sus otras películas y cuenta una historia de amor y engaño en el mundo del arte. Buenas actuaciones de Amy Adams y Christoph Waltz pero resulta poco para un realizador de culto.

    Sin el clima fantástico y lúgubre que llevan impregnados sus relatos, el director Tim Burton abre sus ojos hacia otras direcciones al contar la historia de un fraude ocurrido en el mundo del arte, donde el talento y la visión sobre el negocio se van tornando confusos.

    En los años cincuenta y sesenta, el matrimonio integrado por Margaret -Amy Adams- y Walter Keane -Christoph Waltz- alcanzó un éxito enorme con cuadros que retrataban a niños con grandes ojos y plasmaban desesperanza, soledad y tristeza. Sin embargo, la realidad fue otra: la verdadera autora era Margaret y los trabajos los firmaba su marido.

    Big Eyes explora la relación entre ambos, desde el momento en el que todo parece marchar sobre rieles hasta que el amor explota por los aires cuando sale a la luz el escàndalo y Margaret descubre el engaño de su esposo. La película va pintando los momentos claves y se apoya en la eficacia de la dupla de intérpretes: Amy Adams en un rol introvertido debido a su acto creativo en soledad y Christoph Waltz más exagerado y artífice del arte del engaño.

    Después de la visión de la película, el público se preguntará si realmente se trata de un film de Burton o, simplemente, una película hecha por encargo. Lo cierto es que lejos de ser una catástrofe tampoco ofrece una pintura o retrato de vidas que emocionen.

    La escena con Margaret en el supermercado observando a mujeres de ojos grandes, como fiel reflejo del éxito que tuvieron las láminas que se vendían a sólo un dólar más que las pinturas originales, es el único momento en el que Burton se asoma a lo pesadillesco parea regresar rápidamente al clima cotidiano, reconocible y donde la luz borra automáticamente cualquier sombra que pudiera aparecer en la pantalla.

    La trama se pasea desde el arte kitsch y el negocio del arte hasta la confianza y la entrega plena de la protagonista ante la llegada de un marido tan seductor como hábil en los negocios, como la escena en la que ella lo descubre ante un grupo de mujeres hablando de las pinturas como si fuesen propias.

    Sin árboles retorcidos ni presencias monstruosas, la película cuenta con un guion de Scott Alexander y Larry Karaszewski, responsables también de Ed Wood, en la que Burton plasma un relato liviano y de ojos sin emoción. Quizás resulta poco para un director de culto.
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  • El reino de los monos
    El cuidado de la cría entre comida y peligros

    La película de Mark Linfield, también responsable de "Chimpancés", arma una historia que mezcla el documental y la ficción a partir de la narración en off de Tina Fey.

    Este es el sexto largometraje de Disneynature, el sello lanzado en 2008, que realiza documentales que capturan a criaturas de la vida salvaje a través de las mirada que le imprimen diferentes directores. El Reino de los monos ubica sus cámaras en unas ruinas de las selvas del sur de Asia para contar las aventuras de la madre primeriza Maya, una mona que protege a su cría de los peligros de la naturaleza y en una alocada carrera que también incluye la búsqueda desesperada de comida.

    Como en todos los productos del sello, El Reino de los monos no es la excepción y tiene en cuenta al público menudo al que apunta, evitando detalles escabrosos y tejiendo una historia siempre ingenua con un final feliz. En ese sentido, la potencia y belleza que ofrece cada una de las tomas sirven luego para hilvanar un relato que funciona a partir de la "narración en off" , en este caso a cargo de la actriz Tina Fey.

    A lo largo de ochenta minutos, la película de Mark Linfield -responsable también de Chimpancés y La Tierra- arma una aventura que gira en torno a los tópicos como el sentido de pertenencia; el abandono obligado del hogar; el regreso del macho alfa luego de su "exilio"; el enfrentamiento entre grupos para ocupar el Castillo de Roca y la huída a la ciudad, donde los monos se transforman en verdaderas máquinas de devorar todo lo que encuentran a su paso.

    El contacto con esos "extraños seres" conocidos como humanos o con un perro que disfruta del intercambio y del juego con los simios son algunos de los simpáticos momentos que entrega el film. También como atractivo se muestran durante los créditos la proeza de los realizadores para posar sus cámaras en lugares peligrosos y en situaciones donde la in-segurdad y las inclemencias del tiempo harían su propia película. Una experiencia válida para sumergirse en un mundo desconocido y en sus pequeñas grandes criaturas.
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  • Mis días felices
    La pasión en tiempos de ocio

    Una sensible mirada al mundo de una dentista madura y casada que mantiene un affaire con un hombre más joven que ella. Fanny Ardant es la mujer con tiempo libre que arrastra el dolor de una pérdida del pasado.

    Caroline parece tenerlo todo: es una dentista retirada y con mucho tiempo libre, tiene un buen marido, dos hijas y nietos, pero algo rompe la rutina de su tranquila existencia cuando se lanza a una aventura extramatrimonial.

    Mis días felices -Les Beaux Jours- formó parte de la programación del ciclo Les Avant Premiéres y, aunque llega con dos años de retraso, resulta bienvenida por la sensibilidad con la que la directora Marion Vernoux plasma en imágenes el mundo de una mujer madura y su relación con el sexo y la familia.

    Fanny Ardant, vista en Nathalie X y 8 mujeres, es la protagonista que recibe de parte de sus dos hijas un vale para los cursos que ofrece un club de jubilados y en los que no termina de sentirse cómoda hasta que conoce a Julien -Laurent Lafitte-, su profesor de computación mucho más joven que ella. Las miradas encienden un juego de seducción, un paseo por el muelle y luego citas a escondidas que la sacan de su días de rutina aplastante.

    La realizadora narra una historia dinámica que se apoya en el explosivo affaire que mantienen Caroline y Julien, pero además cómo sobrelleva la situación en el ámbito familiar, en su relación diaria con un marido distante, dos hijas que ponen toda su energía en sus pequeños y una amiga que falleció luego de una enfermedad.

    En ese sentido, Caroline construye su mundo en silencio, está rodeada de afectos pero está sola y no es casual que decida disfrutar de su cuerpo sin tapujos. El film se desarrolla en un ámbito cercano al mar y en locaciones portuarias que ilustran el deambular de la protagonista devenida en una adolescente con hormonas en ebullición que hasta llega a planificar un viaje con su reciente conquista...
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  • Terror en el bosque
    El mismo recurso pero con menos suerte

    El director Eduardo Sánchez, uno de los realizadores de "El proyecto Blair Witch", pone en marcha los mismos recursos que le dieron éxito para sembrar el terror a partir de la leyenda de Pie Grande.

    Quince años después de El proyecto Blair Witch, su co-director Eduardo Sánchez regresa al género de terror realizado con "la cámara en mano" que va registrando las acciones de los personajes, un recurso utilizado hasta el cansancio en producciones de los últimos años.

    La multiplicidad de "puntos de vista" que se registran en primera persona es el puntapié de Terror en el bosque, un relato sobre un grupo de amigos que llega a una cabaña alejada en medio del bosque para pasar un fin de semana de diversión -¿alguna vez escucharon tan osada idea en una película de terror?- y en pleno contacto con la naturaleza. Los escenarios similares a los de El proyecto... ya se transforman en una presencia inquietante a partir del uso diurno y nocturno que les da el director, pero la amenaza que vive oculta en ellos, nunca genera situaciones de miedo o angustia extrema.

    El grupo atrapado en un lugar aislado que se protege de una criatura que arroja objetos y quiere entrar nos remite a La noche de los muertos vivientes o incluso a Martes 13 pero nunca se logra el clima claustrofóbico ni se transmite con la violencia que necesitam este tipo de realizaciones.

    El film, que juega con la incomodidad a lo desconocido, redescubre la leyenda de Pie Grande -recuérdese lo amistoso que parecía en Pie Grande y los Henderson-, un ser peludo y feroz que cruza los bosques con la rapidez de una flecha y tras los pasos de sus víctimas, que han arruinado su apacible vida entre los árboles.

    Sin personajes interesantes, con una sola escena destacable -los protagonistas atrapados en la casa rodante- y con situaciones vistas en infinidad de oportunidades, Terror en el bosque pierde puntos o, quizás, haya llegado demasiado tarde a la pantalla. No faltará quienes la disfruten, pero los seguidores del género pedirán más y descubrirán los mismos recursos con menor resultado.
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  • El desierto
    El desierto
    Todo lo ve
    ¿Y dónde está el terror?

    La película argentina juega con el encierro de tres personajes en un bunker de una ciudad destruída por un ataque zombie, pero el clima de desesperación y el suspenso nunca aparecen.

    La idea de encerrar a un grupo de personas en un bunker y experimentar con los vínculos que se tejen entre ellos y con el ambiente caótico que se gesta en el exterior es la que impulsa a El desierto, la película de terror del cineasta Christoph Behl, un alemán residente en Argentina desde hace años que además acredita documentales.

    Un mundo apocalíptico de un futuro cercano y un departamento convertido en fortaleza, entre nylons y ventanas reforzadas, es el que habitan Ana -Victoria Almeida-, Axel -Lautaro Delgado- y Jonatan -William Prociuk- , tres jóvenes que formaron parte de un triàngulo amoroso y ahora subsisten a duras penas mientras intentan prevenir un ataque zombie que está fagocitando la cuidad.

    El trío en cuestión se somete a un modo de supervivencia que también está ligado a la autodestrucción: Ana quiere más aire y sigue ligada a Jonathan, mientras se siente relegado y va completando su cuerpo con tatuajes de moscas a medida que pasa el tiempo, como si se tratase de un nuevo monstruo que habita en su interior.

    Lo que alguna vez fue ya no lo es para ninguno de los tres y menos cuando después de una "expedición" al exterior -pocas tomas que muestran un afuera diurno y con fondos desdibujados- traen a un "invitado", Pitágoras -Lucas Lagré-, un zombie de mirada perdida, al que encadenan y contemplan con estupor.

    La película intenta preguntarse quiénes son en verdad los monstruos y quiénes los prisioneros en este universo que parece caerse a pedazos y del que sólo llegan disparos y gritos pidiendo ayuda. Una pena que no se hayan aprovechado los diálogos para transmitir inquietud o un clima claustrofóbico que genere suspenso y miedo a partir de la llegada del nuevo invitado. El terror nunca aparece entre videos filmados, olores nauseabundos y un zombie que, a su manera, también pide ayuda.
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  • Tuya
    Tuya
    Todo lo ve
    Un ama de casa dispuesta a todo

    Basada en la novela de Claudia Piñeyro, la película ofrece intriga, suspenso y secretos con Andrea Pietra en el papel de un ama de casa que comienza a investigar a su marido.

    El tema de la mujer común y de vida ordinaria devenida en una investigadora dispara esta historia, basada en la novela de Claudia Piñeyro, que lleva la firma de Edgardo González Amer, realizador que acredita El infinito sin estrellas y Familia para armar.

    Manteniendo el tono policial de las novelas de la autora de La viuda de los jueves y Betibú, el director adapta y plasma un relato que nunca pierde el ritmo ni el suspenso a pesar de deslizar algunos diálogos forzados en donde quizás el silencio hubiese tenido más peso dramático. La narración está marcada por la "voz en off" de la protagonista, que también expone un pasado doloroso.

    Inés -Andrea Pietra-, una esposa de buena posición, ve tambalear su seguridad cuando descubre una carta de amor y una infidelidad de su marido Ernesto -Jorge Marrale-. Sin embargo, las cosas empeoran cuando se convierte en testigo de un asesinato: su esposo mata a su amante -Ana Celentano-.

    En Tuya, el convulsionado mundo de los adultos también deja de lado los conflictos de la hija adolescente -Malena Sánchez- que arrastra su propio drama en soledad y el eje de las sospechas se va corriendo con el correr de los minutos. La aparición de la sobrina de la víctima -Juana Viale- suma dudas en un policial donde se borran rastros, se buscan pistas y todos se mantienen alerta.

    En el personaje de Pietra -un merecido protagónico- descansa todo el clima tramposo y de misterio que propone el relato: la mujer que niega la realidad y está dispuesta a todo para salvar a su familia en medio de una trama que presenta giros y vueltas de tuerca sobre el desenlace. El juego de la investigación está servido.
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  • The Gunman: El objetivo
    Un relato de acción contado al ritmo de una corrida de toros

    Sean Penn reaparece como un francotirador que ahora trabaja en ayuda humanitaria, debe limpiar su nombre y es perseguido en una trama que acumula acción y romance. Por su parte, a Javier Bardem se lo ve poco y desdibujado en la película.

    Sin una trama que sea innovadora y con el pulso narrativo que le imprime el director Pierre Morel, el mismo de la exitosa Búsqueda implacable, la película encabezada por Sean Penn entrega un típico producto de acción ambientado en Africa y Europa como escenarios de una persecución que parece no tener fin.

    Jim Terrier -Penn- , un francotirador mercenario contratado por una corporación minera multinacional, asesina al Ministro de Minería de la República Democrática del Congo y desata el caos. Ocho años después -¿era necesario esperar tanto?- un grupo de mercenarios intenta eliminarlo mientras Terrier trabaja para un pueblo con la ayuda de una ONG.

    El relato es la típica historia del hombre que desea recuperar a la mujer que ama -"Hice cosas malas"-, escapar de sus perseguidores y limpiar su nombre. Está claro que Penn no es Liam Neeson ni Sylvester Stallone -aunque físicamente se está pareciendo a éste último- porque sus películas no están ligadas a los típicos héroes de acción, pero se las ingenia como para mantener el interés de una trama un tanto forzada pero que no carece de intriga y de buenos momentos -como la escena de la llegada de un grupo de asesinos a la casa o las peleas con forajidos y secuaces de temer-.

    En ese sentido, The Gunman: El Objetivo acierta en sus escenas de tiroteos, escapes y romance en medio de un clima humanitario anti-corporaciones y con la mujer que alguna vez amó -Jasmine Trinca- y que ahora cae en las manos del personaje que tiene a su cargo Javier Bardem, en una aparición desdibujada y episódica.

    Como en toda película de género, al villano -Mark Rylance- muy del estilo de los personajes ochentosos se suman el agente que investiga -Idris Elba- las extrañas conspiraciones que tiñen de negro el pasado y presente del héroe maduro y el amigo -Ray Winstone - que ofrece refugio cuando las papas queman. Mientras tanto, una persecución feroz sigue su marcha al ritmo de la adrenalina que marca una corrida de toros sobre el desenlace. Y un oleeee para el hombre que arrastra la culpa del pasado.
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  • La Cenicienta
    La Cenicienta
    Todo lo ve
    La Cenicienta renace con el hechizo de un clásico

    "La Cenicienta" regresa con personajes al borde de las lágrimas, un sólido elenco encabezado por Lily James y toda la magia del relato clásico. El director Kenneth Branagh no se aparta de las situaciones conocidas por el público.

    Con personajes siempre al borde de las lágrimas, ausencias paternas y maternas como para no perder el rumbo lacrimógeno de las historias clásicas que marcaron a generaciones y sin olvidarse de la magia, La Cenicienta nuevamente cobra vida con actores de carne y hueso, siguiendo el exitoso camino que dejó Maléfica y que continuará con La Bella y la Bestia.

    Bajo la galera de Kenneth Branagh -Thor- la película se asegura un regreso fiel al relato infantil sin despegarse de las situaciones que todos conocen y esperan de una superproducción de estas características: la espectacularidad de los escenarios, la cuota obligada de hechizo, el vestuario multicolor y la dosis melancólicas que tan buenos réditos deja en boleterías.

    La intención del director no es crear una atmósfera sombría o estremecedora -a pesar de la presencia del gato Lucifer-, sino una película que mantiene su tono deliberadamente ingenuo sobre todo en las escenas desarrolladas en el bosque durante la cacería o desde el mismo personaje central, Ella -una acertadísima Lily James, vista en Furia de Titanes 2-, la joven de enorme corazón, capaz de hablar con ratones y patos, y cuyo padre -un rico comerciante- se vuelve a casar tras la trágica muerte de su madre.

    Ella está dispuesta a recibir a su nueva madrastra Lady Tremaine -Cate Blanchett como una sofisticada dama impulsada por la envidia y la maldad- y a sus hijas Anastasia y Griselda en su hogar familiar, pero pronto queda a merced de la mujer que sólo busca el bienestar económico cuando el padre de Ella también muere. Obligada a realizar las tareas serviles de la casa -y apodada como La Cenicienta- la heroína aún tiene oportunidad de conocer el amor del príncipe -Richard Madden- en el baile real gracias a la ayuda de su Hada Madrina -Helena Bonham Carter en una breve aparición-.

    La película funciona por su ritmo sostenido, sus logradas escenas ambientadas en el ático y en salones reales, y por reflotar los temas del amor incondicional versus los matrimonios arreglados. La cámara circular de Branagh involucra a los espectadores en la coreografía y la esperada escena del zapato de cristal aparece luego salpicada con oportunos toques de humor.

    Al film, de gran diseño de producción, se suma un elenco sólido en el que también sobresalen los roles secundarios de Derek Jacobi, como el Rey; Stellan Skarsgård, como el Gran Duke y Ben Chaplin, en el rol del padre de Ella. Todos construyen el universo de una historia que vuelve para quedarse con el corazón del público.

    Fiel a un estilo

    A la espera de la ansiada secuela de Frozen, antes de la proyección de La Cenicienta, se incluye el corto Frozen Fever donde los personajes se reúnen para festejar el cumpleaños de Ana. Elsa tiene un gran resfrío y estornuda a unos diminutos personajes, generando gags en varios tramos del corto. Sin embargo, todo parece seguir adelante: Kristoff, Olaf y el reno ayudan a decorar el patio al aire libre y una gran torta. Los personajes aplaudidos por el pùblico vuelven y dejan con ganas de ver más que apenas una simpática anécdota animada.
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  • Insurgente
    Insurgente
    Todo lo ve
    Un mundo apocalíptico y atomizado como la protagonista

    La trama, que transcurre en medio de una sociedad en la que la población ha quedado dividida en cinco facciones diferenciadas, crece en intensidad, acción y en inspiración visual.

    Ambientada en un futuro en el que la población está dividida en facciones de acuerdo a las personalidades de sus habitantes, la segunda parte de la saga Divergente, Insurgente, crece en interés e intensidad dramática gracias a la presencia de Shailene Woodley -la actriz de Bajo la misma estrella- como Tris, la joven que no parece encajar en ninguna de las cinco facciones, y es perseguida por el poder tirano que representa Jeanine -Kate Winslet-.

    Atormentada por pesadillas y por intentar comprender el asesinato de sus padres -y un secreto que ellos protegieron con su vida- Tris lidera un grupo de rebeldes que enfrenta al sistema junto a Four -Theo James- y atraviesa la ciudad tratando de encontrar aliados en las facciones Cordialidad, Honestidad, Abnegación y Osadía, así como la rebelde y empobrecida masa de los Sin Facción, dirigidos por Evelyn -Naomi Watts-.

    Lo interesante de esta segunda parte es que explota la acción más que el film anterior y presenta dos partes bien diferenciadas: la primera con un vertiginoso escape por el bosque y con personajes tratando de incorporarse -a su manera- a Cordialidad, mientras que la segunda juega más con los desafíos, la aparición de un mundo “virtual”, algunos toques de humor y sorpresas relacionadas con la traición y la ambición del poder.

    A nivel visual el director de RED, Robert Schwentke, logra escenas de buen impacto en los espectadores con un despliegue que muestra a una Chicago atomizada y despedazada como la misma Tris, el alma del film que logra inmediata empatía con la platea. Otro personaje femenino en la saga juvenil escrita por Verónica Roth que promete explotar en su tercer eslabón.
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  • Lo mejor de mi
    Lo mejor de mi
    Todo lo ve
    Sólo quiero decirte que te amo

    "Lo mejor de mí" es otra novela de Nicholas Sparks llevada al cine y resulta ideal para los amantes de las lágrimas con su historia de violencia familar, lucha de clases y un amor que perdura en el tiempo.

    Un relato del autor Nicholas Sparks -Diario de una pasión- es trasladado a la pantalla grande y su realizador, Michael Hoffman, no le teme a los conflictos del corazón salidos de un manual o una telenovela y se permite jugar hasta el límite con el amor que perdura en el tiempo.

    Amanda Collier -Michelle Monaghan- y Dawson Cole -James Mardsen- se conocen desde que eran estudiantes y se enamoraron perdidamente pero sus caminos tomaron rumbos diferentes por diversos motivos. Veinticinco años más tarde, Amanda viene de una terrible pérdida familiar y Dawson se está recuperado de una caída que podría haberle costado la vida. Ellos se reencuentran para cumplir con el testamento del viejo Tuck -Gerald McRaney-, un anciano parco de enorme corazón que tuvo mucho que ver con sus años de juventud.

    Lo mejor de mí tiene buenos intérpretes que juegan su historia de amor desde el tiempo de juventud -Liana Liberato y Luke Bracey dando vida a los mismos personajes vienticinco años atrás- alternando pasado y un presente repleto de obstáculos. Ella ya tiene una famiia armada, pero una relación inexistente con su actual marido mientras que Dawson arrastra el enfrentamiento con un padre violento que lo maltrataba.

    Si a todo esto se le suma el tema de la lucha de clases de la pareja que vivía idílicamente en Carolina, la contemplación de las estrellas desde lo alto de un tanque de agua, los baños en el lago y las caminatas con fondos desdibujados, nos encontramos ante un típico producto romántico que juega con la confusión en el tramo final para despistar al espectador y tampoco se ahorra lágrimas en todo su desarrollo.

    Entre la ayuda que ambos reciben desde "el más allá" y el camino violento encendido por la familia de Dawson, la pareja aún tiene posibilidades ciertas de replantearse la posibilidad de reanudar una historia de amor iniciada tanto tiempo atrás. Los seguidores del autor seguramente se conmoverán al máximo.
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  • Focus: maestros de la estafa
    Cómo aprender el arte del engaño

    "Focus: Maestros de la Estafa" fue rodada parcialmente en Buenos Aires y encuentra sus mejores momentos en la simpatía de Will Smith, en escenarios reconocibles y en su elenco.

    La dupla de realizadores estadounidenses que ya había trabajado junta en Una Pareja Despareja -2009- y Loco y Estúpido Amor -2011-, Glenn Ficarra y John Requa, vuelve a la carga con esta película que se introduce en el mundo de la estafa, en ambientes lujosos y en una reconocible Buenos Aires en varias de sus escenas.

    Focus: Maestros de la Estafa tiene el móvil del dinero como disparador y principal atractivo de un relato que se inclina más hacia la comedia romántica que a los momentos de acción. Quien realmente sostiene todo el andamiaje es Will Smith en el rol de Nicky, un estafador con experiencia que se reencuentra en Buenos Aires con la novata colega Jess -la australiana Margot Robbie, vista en El Lobo de Wall Street-. Ambos están trabajando por separado pero enfocan un mismo objetivo: el multimillonario dueño de una escudería de autos de carrera -Rodrigo Santoro-. En un mundo frío dominado por los negocios y el arte del engaño, la palabra amor puede cambiar las reglas del juego.

    Si hay algo que el film ostenta es su cuidado trabajo de fotografía, que resalta los lujosos ámbitos donde se desarrolla la acción, y los escenarios reales de Caminito, San Telmo, Palermo, Recoleta y Barracas. La astucia de la trama descansa además en el peso que tiene la información que manejan los personajes para hacer lo que hacen y salir airosos en sus objetivos.

    Entre automóviles de lujo, chips valiosos, matones bien armados y un agudo poder de observación, Nicky y Jess se verán involucrados en un caso que se complica más de lo debido y que hace peligrar sus vidas.

    Si la película cumple con las expectativas es por la simpatía de su protagonista, la presencia de un buen intérprete como el brasileño Rodrigo Santoro -aquí pelilargo y perverso-, y la cuota de sensualidad que irradia Margot Robbie.

    Por la parte argentina, Juan Minujín es el barman que juega una breve y simpática escena con Nicky.
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  • Autómata
    Autómata
    Todo lo ve
    Un futuro con inteligencia artificial y ferocidad humana.

    "Autómata" se toma sus tiempos para reflexionar sobre la humanidad y la tecnología bajo el formato de la ciencia-ficción pero con una estructura policial.

    En un futuro en el que las civilizaciones están diezmadas y reducidas, los sobrevivientes de los cataclismos dependen de androides -el Pilgrim 7000- creados por la corporación ROC y la pobreza se respira en todos lados, la película del español Gabe Ibáñez resulta al menos interesante en su planteo sobre la humanidad, el paso del tiempo y el uso de la tecnología.

    Si bien se trata de una película de ciencia-ficción aprovecha los resortes del policial para desarrollar una trama en la que la inteligencia artificial aparece enfrentada a la bestialidad humana. Se le puede criticar su letargo en escenas en las que no se prioriza la acción y donde el mundo futurista aparece salpicado por lluvias intensas, imágenes holográficas y nylon.

    El film describe la odisea de Jacq Vaucan -Antonio Banderas-, el agente de seguros de una compañía robótica que investiga la alteración de piezas, el extraño comportamiento y la violación de los protocolos que llevan adelante las máquinas. Algo huele mal en el futuro.

    Con ecos del clásico del género, Blade Runner, y también de El hombre Bicentenario, la película desarrolla extensas -y por momentos reiterativas- escenas en el desierto donde el protagonista -que espera su primer hijo- escapa del sistema al que pertenece y es arrastrado por el desierto por Cleo y tres robots, iniciando una lucha solitaria al descubrir lo que podría tener consecuencias nefastas para el futuro de la humanidad.

    La historia incluye a un agente violento -Dylan McDermott- que se lanza tras los pasos de Vaucan; a una científica encarnada por una irreconocible Melanie Griffith y a un grupo de secuaces que cobran dimensión en los minutos finales, a los que les falta espectacularidad y le sobran palabras.

    En primer plano aparecen las frases inteligentes de Cleo, sus movimientos lentos -excepto cuando tiene que ensamblar piezas- y su facilidad para aprender a bailar. Autómata fue realizada en España, un país donde no se realizan películas de estas características y cuenta con la producción del mismo Banderas.
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  • Pistas para volver a casa
    Dos hermanos en plena búsqueda del tesoro

    "Pistas para volver a casa" es una bienvenida mezcla de road-movie, comedia y película de aventuras que impulsa a dos hermanos a intentar la reconstrucción de su pasado familiar. Acierta la dupla protagónica integrada por Erika Rivas y Juan Minujìn.

    Después de Desmadre, Jazmín Stuart apuesta a este batido de comedia, road-movie y aventura que tiene el mérito de entretener con buenos recursos.

    El tema de la reconstrucción familiar es el que impulsa la historia protagonizada por dos hermanos casi cuarentones, Dinah -Erika Rivas- y Pascual -Juan Minujín-, que arrastran el peso de una madre abandónica -Beatriz Spelzini- y salen en ayuda de un padre -Hugo Arana- que ha tenido un accidente, y se encuentra internado en un hospital de Entre Ríos sin recordar dónde dejó un bolso repleto de dinero.

    Ambos hermanos emprenden la travesía a bordo de un destartalado Renault 12 -Dinah maneja- y dejan atrás a una Buenos Aires convulsionada: ella trabaja en una lavandería y combate la soledad con sus cigarrillos mientras él intenta criar a sus pequeños hijos con la "ayuda" de su vecina madura. Tanto Dinah como Pascual están unidos por los recuerdos de una infancia difícil, en la que la visión de E.T. los hizo mirar las estrellas y creer en una criatura salvadora.

    Todo resulta un periplo intenso, con momentos graciosos -los diálogos entre los protagonistas o la visita a la disco-, otros en los que el peligro dice presente -Dinah con el auto que no arranca, a merced de la oscuridad y los ruidos de la ruta- y el drama que asoma como para recomponer el hueco que dejó en ambos una madre que vive recluída en una pequeña comunidad.

    Erika Rivas da con el tono adecuado a su personaje casi masculino con aires de mujer autosuficiente que todo lo puede y que también se desmorona con facilidad. Juan Minujín recrimina, pelea y también necesita acercarse a quien parece no conocer. El resultado es un viaje al que vale la pena subirse porque dosifica en exactas dosis las risas, lágrimas y la locura de un padre que parece vivir en una nebulosa.

    Pistas para volver a casa es un relato sobre dos hermanos intentando completar la misión de un padre que necesita recuperar a quien perdió en este bienvenido y segundo largometraje de la realizadora.
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  • Alma salvaje
    Alma salvaje
    Todo lo ve
    Introspección a mitad de camino

    Resulta exagerada la nominación de Reese Whitherspoon al premio Oscar como "mejor actriz" por el papel de una joven que emprende un extenso viaje de mil millas para olvidarse de su pasado.

    Esta película del realizador Jean-Marc Vallée, el mismo que el año pasado deleitó y danzó al ritmo de los Oscar con El Club de los Desahuciados y que significó el Oscar para Matthew McConaughey, sigue las instancias de un viaje de rendención como ocurrió años antes con El camino y otros tantos títulos, una experiencia arriesgada y liberadora para quienes deciden emprender la travesía.

    Reese Whitherspoon pone su cuerpo y alma -pero no alcanza- para dar vida a Cheryl , quien decide iniciar sola una caminata a través de un paraje famoso de 1000 millas.

    Con escaso conocimiento de los peligros de la naturaleza, su carpa como refugio y un sobrepeso en su mochila que se convertirá en su principal enemigo, la protagonista afronta un desafío personal con una cámara que no se despega de su camino.

    El film recurre al flashback para ir reconstruyendo y comprendiendo el pasado de Cheryl: su poco agraciada mirada sobre la vida, las relaciones con los hombres y la presencia de una madre -Laura Dern- que sin dudas ha marcado su oscilante presente. Dern también está nominada como "actriz de reparto" por su papel y parece la única capaz de mantener el escaso interés que despierta un relato carente de verdadero nervio u obstáculos.

    En su peregrinaje, Cheryl se encuentra con otros mochileros, comparte experiencias, se deshace de objetos pesados, pero sigue llevando en su mochila el dolor de un pasado que arrastra muertes y autodestrucción. Que lástima que la película no resulte ni tan salvaje ni tan espiritual como indica su título, solo plantea una introspección que queda a mitad del camino.
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  • La mirada del amor
    El recuerdo de los buenos tiempos

    Annette Bening y Ed Harris impulsan esta historia de amor y de pérdida en la que Robin Williams hace uno de sus últimos trabajos. Un romance maduro que juega con los límites del deseo, la locura y la fantasía.

    ¿Cómo es posible seguir adelante cuando se pierde a un ser querido? La respuesta tampoco parece tenerla Nikki Lostrom -Annette Bening-, una mujer que enviudó hace cinco años y que encuentra ahora a un desconocido, un profesor de arte y pintura cuyo parecido físico con su esposo es extraordinario.

    Ahí es cuando entra a jugar la habilidad del director Arie Posin -responsable de Kidnapped: Historia de un secuestro- con una historia de amor crepuscular que se mueve entre los límites del deseo, la locura y el enamoramiento. ¿Es realmente este hombre idéntico a su marido o ella sola lo ve así?.

    La mirada del amor es un drama romántico protagonizado por actores maduros, con Ed Harris en el doble rol de Garret y Tom, los únicos hombres que parecen modificar la existencia de Mikki, quien vive obsesivamente cada día para rememorar y recrear las situaciones vividas antes con su marido.

    Las otras presencias fuertes del relato son Robin Williams, en uno de sus últimos trabajos, como el vecino que llega a nadar plácidamente en la piscina de su amiga mientras afronta la soledad y calla sus verdaderos sentimientos; y la de Summer -Jess Weixle-, la hija de Nikki que la visita de vez en cuando.

    La película, que alterna pasado, presente y tiene un marcado clima lacrimógeno salvado en muchos tramos por la presencia de los actores en cuestión, tampoco disimula la similitud con Vértigo, de Alfred Hitchcock, pero -salvando las distancias obviamente- abordando el tema del doble e inclinando la balanza hacia el lado de los vínculos alterados ante la ausencia de un esposo desaparecido en trágicas circunstancias.

    Largas caminatas por el museo, el descubrimiento de la pintura, la cena alterada en un restaurante japonés y la reacción de Summer cuando conoce la nueva relación de su madre son los mejores momentos de este film sobre la obsesión y la necesidad de mantener el recuerdo de los buenos tiempos. Confusa como la mente de su personaje femenino al comienzo, la película entra en el terreno de las emociones desbordadas y toma al agua como un medio trágico pero también transformador.
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  • El patrón: radiografía de un crimen
    Esclavitud y sumisión en un relato con suspenso

    Al gran trabajo de Joaquín Furriel en el papel de un carnicero humillado por su jefe, se suma una trama basada en hechos reales que acumula tensión, denuncia e intriga tribunalicia.

    Se trata de la primera ficción encarada por Sebastián Schindel luego de los documentales Mundo Alas, Rerum Novarum y El Rascacielos Latino, en donde el tono de denuncia de un hecho real ocurrido treinta años atrás se va transformando en un relato que acumula tensión e intriga tribunalicia.

    El Patrón, radiografía de un crimen está basada en el libro de Elías Neuman que describe el caso de un trabajador explotado y esclavizado por un siniestro empresario de la carne. Hermógenes -Joaquín Furriel- es un peón de campo llegado de Santiago del Estero a Buenos Aires para trabajar y progresar, pero se topa con el dueño -Luis Ziembrowski- de una cadena de carnicerías que lo somete y obliga a vender carne en mal estado.

    Con la ayuda de su esposa -Mónica Lairana-, Hermógenes soporta la violencia verbal, el maltrato y vive en condiciones infrahumanas gracias al corazón "benefactor" de su jefe y a los consejos "non-sanctos" de otro carnicero -Germán Da Silva- del que va aprendiendo el lado oscuro del oficio.

    La película combina pasado y presente con un desenlace que se va adivinando al promediar la historia pero que no le quita interés al relato por la acumulación de situaciones indignantes, el bien dosificado manejo de la información y el suspenso tribunalicio que se adueña de la trama cuando entra en acción el abogado defensor -Guillermo Pfening- del protagonista, el único capaz de salvar a Hermógenes de la cadena perpetua.

    Joaquín Furriel se carga -a modo de una res- la película al hombro y compone de manera sorprendente a su hombre humillado, desde lo físico con su renguera pronunciada y su acento casi incomprensible, logrando el trabajo más elocuente de toda su carrera. El personaje está por delante del intérprete y sostiene la película sin el menor problema. También hay que destacar la presencia de una siempre convincente Mónica Lairana y de un realizador que -como la historia que desarrolla- escoge pocos cortes en su montaje final.

    Un expediente que es revisado con premura, la ética como motora del caso judicial y el crimen que asoma en el momento menos pensado y de manera casi quirúrgica, constituyen el corazón de esta bienvenida, créible y oportuna producción nacional. Después de ver la película el espectador seguramente dudará en comer un plato de carne por lo menos durante una semana.
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  • Kingsman, el servicio secreto
    Humor burlón para un nuevo pichón de 007

    Una agencia de espías super secreta prueba, entrena y recluta a un joven inexperto en esta historia que conjuga humor burlón, referencias a personajes populares del género y un clima vertiginoso para sus escenas de acción.

    Basada en un aclamado cómic de Mark Millar y Dave Gibbons, la nueva película dirigida por Matthew Vaughn -el mismo realizador de Kick Ass y X-Men: Primera Generación- muestra la compleja estructura de una agencia de espías super secreta que busca reclutar a un joven inexperto que deberá, finalmente, desbaratar los planes del villano de turno.

    A priori, cualquiera afirmaría que se trata de la nueva aventura de un pichón de 007, pero la película se guarda sorpresas bajo la manga y una burla constante al género de espionaje que la hace sumamente atractiva.

    Eggsy Unwin-Taron Egerton, sale airoso de un duro entrenamiento al que se somete junto a otro grupo de jóvenes para formar parte de la agencia y seguir los pasos de su mentor Harry Hart -Colin Firth-, un veterano agente con paraguas antibalas y de la vieja escuela, que debe investigar la desaparición de celebridades y desenmascarar al millonario y filántropo Valentine -Samuel L. Jackson-, un extravagante personaje con problemas en la pronunciación, miedo a la sangre y mal vestido que tiene planes de purificación mundial.

    Con ritmo vertiginoso y un aire de estudiantina combinado con acción, la película esconde -al igual que la sastrería en la ficción- una sucesión de escenas bien logradas y con oportunos toques de humor que hacen referencia a James Bond, Jason Bourne y hasta el mismísimo Super Agente 86.

    El tono elegido -y también exagerado en muchos tramos- desemboca en un bienvenido relato en el que no falta ningún tipo de atractivos desde lo visual con sus transiciones y recursos de pantalla dividida. Una de las claves del film descansa en el ajustado elenco: un atildado Colin Firth siempre resulta convincente, incluso en las escenas de acción; el distinguido Michael Caine aporta lo suyo y Taron Egerton es la correcta elección para el chico de barrio -con problemas de violencia familiar- devenido en espía.

    Como en toda película del género tampoco falta la colección de armas secretas -zapatos con navajas y lapiceras con veneno- para combatir al enemigo, quien aparece acompañado en esta ocasión por una diabólica mujer con las piernas muy afiladas.

    Entre la pirotecnia visual del desenlace y un prólogo que transcurre en medio de montañas nevadas de Argentina, la lucha del Bien contra el Mal queda nuevamente expuesta en este recomendable producto pensado para aquellos que disfrutan los desafíos de los agentes secretos que pueblan la pantalla.
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  • El código enigma
    Las dos caras de un genio en tiempos de espionaje

    Un relato atravesado por la intriga, con una historia de amor y un genio presionado para terminar en tiempo y forma una máquina que descifra los códigos secretos de los nazis en la Segunda Guerra Mundial. Benedict Cumberbatch logra una magnífica composición de Alan Turing, el pionero de la informática.

    Un Hollywood revisionista es el que caracteriza actualmente el panorama cinematográfico con películas que están en danza para los Premios Oscar. Así como La teoría del todo bucea en la vida y relación entre Stephen Hawking y su esposa, El código Enigma -con ocho nominaciones a la codiciada estatuilla- sigue la vida del pionero de la informática, Alan Turing -en una magnífica composición de Benedict Cumberbatch, de la serie Sherlock-, quien descifró los códigos de la máquina alemana Enigma durante la Segunda Guerra Mundial para localizar y neutralizar al enemigo.

    La acción del film comienza en 1952 cuando las autoridades británicas entran en la casa del matemático, analista y héroe de guerra para investigar un robo y terminan arrestándolo por el delito de homosexualidad. Lo interesante de la propuesta es cómo combina la vida del personaje con el espionaje y una historia de amor que se asoma de manera solapada. Turing crea una proto-computadora para descubrir los mensajes escriptados de las líneas enemigas, mientras pelea su propia batalla de sentimientos contra un entorno dominado por la ignorancia y los prejuicios.

    En escena aparece la bella Joan -Keira Knightley-, la única mujer en un mundo dominado por la razón de académicos, lingüistas y campeones de ajedrez que acompañan la odisea del protagonista. El director noruego Morten Tyldum construye un film emocionante - la adolescencia del niño prodigio acosado en clase y su reclutamiento por una sección de élite del ejército británico- que está atravesado por el espionaje para contar los días de un genio presionado para terminar su tarea a pesar de que los financistas no confían demasiado en su invento.

    De este modo, resulta conmovedora la escena en la que Turing no puede ayudar al hermano de su compañero que se encuentra en un barco bajo la mira nazi o el juego de miradas que se establece entre el hombre errático y la mujer que lo desea a toda costa. Un epílogo de posguerra y un perdón tardío cierran esta historia que seguramente sensibilizará al público y merece cosechar varias estatuillas en la próxima entrega de premios.
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  • La teoría del todo
    Un drama envolvente con grandes trabajos actorales

    La película del director británico James Marsh -ganó un Oscar por su documental Man on Wire en el 2009- narra una historia de amor y superación personal que aspira al Oscar de la Academia de Hollywood en cinco rubros, incluyendo mejor película, mejor actor y mejor actriz. Y no es casual que no figure el rubro dirección, ya que el principal atractivo descansa en las actuaciones.

    Este drama familiar está basado en la primera novela de Jane Hawking, Travelling to Infinity - My liffe with Stephen. La biopic no se centra en el trabajo del físico Stephen Hawking, sino en su relación marital y familiar.

    La acción comienza en 1963 cuando Stephen es un joven emprendedor en la famosa Universidad de Cambridge y está decidido a encontrar una explicación sencilla sobre el origen del universo.

    Su preparación de su tesis, la relación con su compañero de cuarto -Harry Lloyd-, la admiración mutua con su profesor -David Thewlis- y el mundo que cambia cuando se enamora de Jane Wilde, una alumna de la Facultad de Arte de Cambridge. Sin embargo, poco después se le diagnostica un trastorno de la neurona motora que ataca sus piernas, brazos, y que se entremezcla con una esclerosis lateral.

    El deterioro físico, el amor por su incansable Jane y la necesidad de mantener intacto el núcleo familiar con la llegada de tres hijos, se convierten en una verdadera odisea para ambos cuando el genio astrofísico y cosmólogo queda postrado en una silla de ruedas debido a la esclerosis lateral amiotrófica, también conocida como la enfermedad de Lou Gehrig.

    Sería erróneo afirmar que la película no emociona o no tiene golpes bajos, pero toda prodcción que aborda el tema de enfermedades siempre es cuestionada en este punto.

    Al aceptable armado formal -en la secuencia final donde se muestra en reversa la vida de Hawking hasta su origen- se suma el meticuloso trabajo físico y emocional de Eddie Redmayne -Mi vida con Marilyn, Los Miserables-, cuyo personaje logra traspasar la pantalla.

    Por su parte, Felicity Jones es la mujer que está a su lado en todo momento, mirando, amando en silencio y sufriendo cuando un tercero aparece y ofrece ayuda al núcleo familiar. Ahí los límites de los sentimientos se borronean mientras la película juega con su sentido circular y envolvente. Y a pesar de todo, el mismo Hawking afirma en una conferencia que "Mientras haya vida hay esperanza".
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  • Inquebrantable
    Inquebrantable
    Todo lo ve
    El perdón antes que la venganza

    Angelina Jolie se coloca detrás de cámara y cuenta la vida de Louis Zamperini, el atleta que participó de los Juegos Olímpicos en 1936 y luchó contra los japoneses en la Segunda guerra Mundial.

    Con una visión clásica del relato bélico, Angelina Jolie se coloca detrás de cámara -antes lo hizo en In the Land of Blood and Honey -2011- para contar la vida de Louis Zamperini, el atleta que participó de los Juegos Olímpicos en 1936 y se alistó en el Ejército para luchar contra los japoneses en la Segunda Guerra Mundial. Y, en ese sentido, el homenaje fílmico coincidió con la muerte del verdadero protagonista ocurrida el año pasado.

    La odisea de Zamperini, bien encarnado en la ficción por Jack O'Connell, comienza con el personaje en plena batalla y al frente del bombardero que se estrelló en el Pacífico y lo dejó varado en medio del océano junto a dos compañeros durante más de cincuenta días.

    La directora recurre al flashback para alternar los orígenes del personaje en una familia humilde italiana, su crianza en la calle y su aplaudida victoria deportiva. Zamperini fue rescatado del mar, capturado luego por los japoneses y sometido a brutales palizas en manos del capitán Watanabe -Takamasa Ishihara- en un campo de concentración en Tokyo. A pesar de su extrema experiencia, Louis mostró una fortaleza pocas veces vista en una batalla personal contra el enemigo y dentro de un contexto general de horror.

    A la primer parte que transcurre en el océano, donde los tres sobrevivientes están sin comida, sufriendo las inclemencias del tiempo y el acecho de tiburones, se pasa a un segundo tramo ambientado en el campo enemigo. La cámara de Jolie no ahorra escenas de maltrato ni violencia para mostrar la monstruosidad de la guerra. Todo lo que se cuenta en Inquebrantable ya lo hemos presenciado en algún relato similar.

    A la esperada respuesta de venganza por parte del personaje central aparece el perdón y una vida que el mismo Zamperini prometió dedicar a Dios si salía vivo de esa tremenda experiencia. Las escenas aéreas están logradas gracias a la ayuda del CGI, pero Jolie estira la intriga más de lo necesario en un relato que excede las dos horas y no disimula su planteamiento maniqueo.

    El film llega a un desenlace en el que se muestra al verdadero Zamperini en este retrato crudo sobre lo que dejó la Segunda Guerra Mundial y contado ahora bajo el prisma de una actriz popular.
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  • El desafío
    El desafío
    Todo lo ve
    Nublado paseo adolescente por el Delta

    Dos amigos de la infancia están unidos por un pasado trágico mientras intentan mantener a flote un parador en el Delta. Los gags y la intriga nunca aparecen y el romance resulta poco creíble.

    Pensada para el mercado adolescente, y en especial destinada a jovencitas que suspiran por ver a sus ídolos televisivos, esta película atraviesa situaciones clásicas de la comedia romántica con una historia alimentada además por personajes estereotipados que no encajan con el tono general que intentan darle a la propuesta.

    En El Desafío dos amigos de la infancia, Juan -Nico Riera- y Hernán -Gastón Soffritti- están unidos por un pasado trágico mientras intentan mantener a flote el parador Delta Beach. El desembarco del programa de televisión que da título al film puede transformar sus vidas para siempre. Mientras Hernán lucha por conseguir un contrato para preservar el lugar y el trabajo, Juan quiere probar su talento como cantante pero sin desatender a los hermanos menores que están bajo su tutela.

    Al clima crispado que rodea a los amigos en plena época de cambio -Darío Lopilato parece salido de Bañeros...- se suma la llegada de Julieta -Rocío Igarzabal-, la novata productora del ciclo que es maltratada por el conductor Willy -Diego Ramos jugando hasta la exasperación-.

    El resto no es difícil adivinarlo en este producto que aprovecha las tomas aéreas para explotar los escenarios naturales de El Tigre y los fundidos encadenados para las escenas de viajes en bote y besos apasionados. Sin embargo, la intriga y la adrenalina nunca aparecen y todo lo que se ve en el parador resulta poco creíble.

    Por su parte, Germán Trippel -ex-Mambrú- tiene una participación como uno de los aspirantes del reality de la pantalla chica por el que también desfilan magos y humoristas con ansias de mostrar sus dones.

    Todos luchan con gags que no causan gracia en una insípida historia de amor que termina enfrentando a Juan y Hernán. Eso sí, los repetidos cambios de remera de Nico Riera harán las delicias de las adolecentes en esta fallida película sobre la superación de los obstáculos y el poder de los sueños.
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  • Búsqueda implacable 3
    Un fugitivo en el ojo de la tormenta

    En la tercera entrega el personaje encarnado por Liam Neeson se convierte en el principal sospechoso de la muerte de su esposa, actúa en equipo y es perseguido por el detective jugado con eficacia por Forest Whitaker.

    El cine de acción ubica a Liam Neeson como un referente maduro del género después del suceso mundial de Búsqueda implacable -2008-, la película de Pierre Morel que crispó los nervios del espectador a partir de una historia sencilla y efectiva. Luego llegó Búsqueda Implacable 2 -2012-, de Olivier Megaton, que resultó entretenida pero bajó un escalón con respecto a la anterior y con la venganza como principal motor del argumento.

    Ahora es el turno de Búsqueda Implacable 3 -con un slogan publicitario que indica que esto termina aquí- que viene de la mano del mismo realizador de la segunda y nuevamente con el guión de Luc Besson y Robert Mark Kamen. En esta oportunidad, el espectador espera ver que le ocurrirá al enérgico Bryan Mills -Neeson- después de las corridas y secuestros sufridos en las otras entregas.

    La historia se dispara hacia otros costados para ganar en interés y, para que el andamiaje funcione nuevamente, se apoya en el reordenamiento del ámbito familiar: Mills le compra un oso de peluche a su crecida hija Kim -Maggie Grace-, quien le traerá un secreto; existe la posibilidad de un reencuentro amoroso con su ex esposa Lenore -Famke Janssen- y, como si fuera poco, aparece en escena Stuart -Dougray Scott - la actual pareja de ella.

    El tema del falso culpable, al igual que en los filmes de Alfred Hitchcock o en El fugitivo, domina la trama cuando Mills -a quien se lo ve más cansado y con baja de azúcar- se convierte en el principal sospechoso de la muerte de Lenore y se ve obligado a escapar del Inspector Dotzler -Forest Whitaker- y de un ejército de policías. Sólo tiene dos días para demostrar su inocencia en este vertiginoso relato de acción que se desarrolla en su ámbito y con su propio equipo -a diferencia de los dos anteriores- que combina con pericia las escenas de persecuciones en la autopista y los enfrentamientos con enemigos rusos que parecen estar de moda en las últimas producciones del género.

    A la forzada escena del ascensor o la vuelta de tuerca final, se suma Forest Whitaker -jugando con su bandita elástica y alerta para seguir los pasos del sospechoso en cuestión- que potencia la pantalla con su sola presencia. En tanto, la acción se pasea cómodamente entre autos veloces, cámaras de seguridad, guardias y una banda de peligrosos villanos armados hasta los dientes. Y Mills está nuevamente en el ojo de la tormenta. ¿Volverá?...
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  • La dama de negro 2
    Sólo demasiada oscuridad

    El film viene, al igual que su antecesor, de la mano de Hammer, la mítica productora de títulos relacionados con el género de terror en décadas pasadas que ahora intenta reflotar climas góticos alimentados por presencias fantasmagóricas.

    Luego de la primera parte que protagonizó Daniel Radcliffe llega esta continuación que ambienta la acciòn en tiempos de guerra y dispara el terror sobrenatural.

    Un grupo de ocho niños evacuados de Londres durante la Segunda Guerra Mundial son llevados por la directora Jean Hogg -Helen McCrory- y la joven maestra Eve Parkins -Phoebe Fox- a un pueblo rural donde se encuentra la lúgubre mansión Eel Marsh, casi en ruinas.

    La dama de negro 2: El ángel de la muerte viene, al igual que su antecesora, de la mano de Hammer, la mítica productora de títulos relacionados con al género de terror en décadas pasadas y ahora en un intento por reflotar climas góticos alimentados por presencias fantasmagóricas.

    A los efectivos sobresaltos y el misterio desplegado en el film original se suma ahora una vuelta de tuerca con la presencia de chicos, uno que no habla por razones que ya se sabrán y que se relaciona con el más allá, mientras otros van muriendo de manera misteriosa.

    Quizás lo que más molesta del relato es la oscuridad que domina la pantalla en varios tramos gracias a una copia digital lavada y ausente de contrastes, y que dificulta la visión de los detalles que intentan asustar al espectador. Hay escenas en las que hay que hacer un esfuerzo para ver un poco más.

    El tema fue visto en varias ocasiones y no despierta sorpresa alguna a lo largo de la historia -incluso el camino empantanado explota los mismos recursos- que se torna pesadillesca en el peor de los sentidos y trae a esta dama de negro que jura venganza.

    Una mano sobre el hombro de la enfermera que revisa debajo de la cama o el supuesto aeropuerto construído para despistar al enemigo son sólo eslabones de una aburrida cadena de situaciones que nunca explotan y de una entidad malévola que durante décadas mantuvo su secreto.
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  • Los pingüinos de Madagascar
    Pequeños agentes enfundados en blanco y negro

    Sin entregar una historia novedosa, el relato mantiene el ritmo y rinde homenaje a las películas de espionaje con personajes que intentan evitar la destrucción del mundo.

    Luego de Madagascar -2005- y sus dos secuelas, DreamWorks Animation decidió hacer una película con los Pingüinos Skipper, Kowalski, Capo y Rico, personajes que también tienen su propia serie en Nickelodeon. De actores de reparto a estrellas consagradas.

    El film de animación rinde homenaje a las películas de espionaje y, desde el comienzo, ofrece una aventura vertiginosa que no descansa a lo largo de noventa minutos.

    Como una suerte de pequeños agentes Bond, la acción se desarrolla en diferentes rincones del planeta, entre persecuciones por canales de Venecia, explosiones, naves de última tecnología y un enemigo, el Dr. Octavio, que tiene intenciones de destruír el mundo.

    Para evitarlo, los pequeños protagonistas, enfundados en su frac blanco y negro, deberán unir fuerzas con la organización de espionaje Ráfaga Polar, liderada por Agente Clasificado -con voz local de Jay Mammon- y sus aliados.

    Sin entregar una historia novedosa, el relato mantiene el ritmo, las tomas aéreas y el combate con un pulpo que arrastra no sólo sus tentáculos sino conflictos de ego desde la niñez.

    El resto es puro color -resulta ingeniosa la escena en la que los protagonistas se camuflan con la senda peatonal-, efectivos gags -los comentarios inoportunos- y las caídas libres que parecen no tener ni límites.
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  • Francotirador
    Francotirador
    Todo lo ve
    Un soldado con alma de cowboy

    Luego de la escasa repercusión de "Jersey Boys", el director Clint Eastwood coloca su mira en una historia reciente que tiene que ver con el horror de la guerra, el ataque a las Torres Gemelas y la invasión de las tropas norteamericanas a Irak entre 2003 y 2011.

    Para contar su historia, el cineasta afina aún más la puntería y muestra el accionar de Chris Kyle -en la ficción encarnado por el ascendente Bradley Cooper-, un marine del grupo de operaciones especiales que tiene como misión proteger a sus compañeros.

    Francotirador combina con astucia el accionar bélico, el drama familiar y la paranoia como tema central de lo que ha dejado un enfrentamiento de estas características. Su cámara muestra a un Chris niño en una tarde de caza, la crianza junto a su hermano, la relación con un padre estricto, pasando por su ingreso al ejército y el posterior entrenamiento como soldado hasta el momento exacto en el que debe guiarse por su instinto de francotirador y dispararles a una mujer y a un niño que ponen en peligro a los suyos.

    El film, que va y viene en el tiempo, está estructurado en cuatro misiones en las que el protagonista, su hermano y un grupo de soldados persiguen sin descanso a El Carnicero, un perverso asesino que podría acercarlos al líder terrorista de las Torres Gemelas. Sin embargo, la trama coloca en sus caminos varios obstáculos.

    En medio de un clima de peligro constante, con buena utilización del suspenso y de una cámara que acompaña a los héroes por corredores, casas y pasillos, el relato se apoya en la presencia de Cooper, un francotirador con corazón de cowboy, en un rol tan fuerte como débil -cuando habla por teléfono con su esposa, rol a cargo de Sienna Miller- que lo encuentra en un permanente dilema: regresar con los suyos o seguir peleando hasta el final.

    Chris acredita la mayor cantidad de bajas pero también salva incontables vidas en el campo de batalla y, a medida que se extienden sus hazañas, su apodo lo lleva a la categoría de leyenda.

    Este caso real plasmado en la pantalla grande se encamina hacia un final abrupto ambientado en el 2013. Durante los créditos se conoce la verdadera imagen de Chris Kyle.
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  • El séptimo hijo
    Con el siniestro poder de la magia negra

    Otra guerra contra la oscuridad está por desatarse en esta película de aventuras y de tono fantástico dirigida por el ruso Sergei Bodrov, un realizador que imprime vértigo y recuerda a las superproducciones que animaron las tardes de matineé de varias generaciones.

    El maestro Gregory (Jeff Bridges), una suerte de mago guerrero y último sobreviviente de su especie, encerró a la poderosa bruja Malkin (Julianne Moore), pero ésta escapa y jura venganza. Ahora el anciano debe reclutar y entrenar a Tom Ward (Ben Barnes), el séptimo hijo de una pareja de granjeros para encontrar al temible ser sobrenatural que amenaza con desaparramar la magia negra y sembrar el caos.

    Al ritmo vertiginoso que tienen las persecuciones (como la de un monstruo gigantesco que arremete contra los protagonistas) se suma el estilo visual de un realizador que tiene marcadas influencias del cine de género (el tema de las posesiones y la luna llena dicen presente) y sabe también explotar los recursos del tan vapuleado formato 3D.

    De este modo, se acercan a la pantalla las fauces amenazantes de dragones y criaturas varias, en medio de un relato que pone en primer plano el eterno combate entre el Bien y El Mal a través de oscuras transformaciones y sin dejar de lado la obligada historia de amor y traición.

    El elenco encabezado por Bridges, como el pelilargo anciano que sufre golpes y caídas de todo tipo, y Moore (antes coincidieron en El Gran Lebowski) en su papel de villana por motivos que aquí no se adelantarán, salen airosos de su experiencia en el cine de género.

    En el solvente rubro técnico hay que destacar la participación de Steven Knight (Promesas del Este) en el guión, Dante Ferretti en el diseño de producción y los logrados efectos de John Dykstra (La guerra de las galaxias). No será El señor de los anillos pero el entretenimiento está servido en una bandeja que trae dragones, guerreros, espadas y un oso poco amigable.
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  • 13 pecados
    13 pecados
    Todo lo ve
    Por la plata baila el mono

    El hombre presionado que encuentra una salida arriesgada para salir de su propio infierno impulsa este relato de Daniel Stamm (El último exorcismo), que es una remake de la sádica película tailandesa 13 Game Sayawng (2006).

    Una misteriosa llamada telefónica puede cambiar la vida de Elliot Brindle (Mark Webber) cuando acepta participar de un juego peligroso en el que debe superar trece tareas que se irán complicando cada vez más. Con este esquema del protagonista acechado y constantemente vigilado, 13 Pecados coquetea con el terror sin llegar a ser del género y transita el thriller con elementos gore.

    Brindle tiene motivos para aceptar la propuesta: acaba de perder su trabajo, afronta deudas, su novia (Rutina Wesley) está embarazada y, como si fuese poco, tiene un panorama familiar desolador con un padre enfermo (Tom Bower) y un hermano con retraso mental (Devon Graye). La tentación es grande pero implica también sellar un pacto con el diablo.

    Los obstáculos que se presentan ante al protagonista -algunos funcionan mejor que otros- pueden ir desde hacer llorar a una niña hasta arrastrar un cadáver en pleno día a una cafetería en esta historia en la que no falta un detective (Ron Perlman, de Hellboy) que sigue los pasos de los participantes de este juego perverso que deja su rastro de sangre.

    La tensión y la intriga que se genera al comienzo va perdiendo fuerza con el correr de los minutos cuando entran en juego situaciones que fuerzan la trama hasta lo inverosímil (la escena de los motociclistas resulta exagerada y parece salida de El juego del miedo) y lo que era previsible se confirma.

    Aún así Mark Webber se pone la película al hombro y saca su costado más violento a medida que las pruebas son superadas y sigue las indicaciones de una exasperante voz en el teléfono.
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  • Corazones de hierro
    Con el enemigo en la mira

    Otra película bélica que se instala en el ojo de la tormenta pero sin exaltar los valores del patriotismo desmedido, sino los lazos de camaradería que tiene un grupo de soldados que se lanza en una misión suicida contra el enemigo nazi.

    Desde la serie Combate que protagonizó Vic Morrow, pasando por Doce del patíbulo o Bastardos sin gloria, los tratamientos y enfoques sobre la guerra fueron disímiles y con diversos resultados.

    Ahora es el turno de un interesante realizador como David Ayer (Reyes de la calle, En la mira, Sabotage) que pone el acento en el espanto de un incomprensible enfrentamiento bélico y en las consecuencias que tienen las decisiones que toma el aguerrido sargento Wardaddy (Brad Pitt) que está al frente de un tanque Sherman cuando corren los últimos días de la Segunda Guerra Mundial en abril de 1945, y junto a su tripulación, se convierte en un insecto frente a un numeroso y despiadado enemigo.

    El cineasta desarrolla el conflicto con precisión narrativa y con la intención de generar un clima claustrofóbico dentro del tanque que se mueve con la torpeza de un monstruo de hierro y pone en la mira a su oponente.

    Un soldado religioso (Shia LaBeouf), otro mexicano (Michael Peña), el más joven e inexperto (Logan Lerman) y el típico sureño (Jon Bernthal, de la serie The Walking Dead) provienen de diferentes lugares pero parecen estar marcados por el mismo destino de violencia, retratada sin piedad en las escenas de acción.

    En ese sentido, la película cobra más fuerza sobre la segunda mitad, cuando los protagonistas -siguiendo la decisión de su líder carismático- entran en una zona de peligro inminente y aguardan a un gigantesco enemigo que se acerca desprevenido. El film encuentra en Shia LaBeouf (Transformers) y Logan Lerman (ya crecido desde Percy Jackson y el ladrón del rayo) a los intérpretes ideales para explotar a sus heroicos personajes.
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  • Papeles en el viento
    Entre la pasión y la amistad

    El director Juan Taratuto, un especialista en exitosas comedias que hablan sobre los vínculos de pareja (No sos vos, soy yo y Un Novio para mi Mujer) elige ahora una historia que apuesta al tono nostálgico. Cuatro amigos entrañables intentan sobreponerse a la pérdida de El Mono (Diego Torres), quien aparece a lo largo de la película a través del recuerdo de quienes lo rodean.

    Para su círculo íntimo, Fernando (Diego Peretti), Mauricio (Pablo Echarri) y El Ruso (Pablo Rago) la tarea no será sencilla: deben recuperar una inversión realizada por el difunto en la compra de Pittilanga, un delantero de un club de Santiago del Estero cuya carrera quedó trunca y, como si fuese poco, asegurarle un futuro a Guadalupe, la hija de nueve años que ha quedado sin su padre.

    Papeles en el viento, basado en la novela de Eduardo Sacheri (El secreto de sus ojos), navega entre el clima de comedia (enredos y situaciones costumbristas), sortea los golpes bajos cuando puede, y aborda además el tema de la muerte. Los protagonistas (un profesor, un abogado ambicioso y un comerciante) harán lo imposible para cumplir sus objetivos en este relato que tiene al fútbol como excusa ideal para hablar de fracasos y del triunfo de la amistad.

    La trama incluye un reparto interesante en el que sobresale Pablo Rago con un rol diferente a los realizados hasta el momento, tanto en su composición como en su apariencia física, y bien secundado por Peretti, Echarri y Torres. Cabe mencionar la eficaz participación de Daniel Rabinovich (del grupo Les Luthiers) en un personaje que no tiene desperdicio (y con problemas de pronunciación).

    El comienzo desarrollado a bordo de un automóvil, la presencia en el cementerio y la firma de un jugoso contrato que despliega una serie de sorpresivas estrategias, son algunos de los acertados momentos que tiene la propuesta. El director de peliculas exitosas sumado al escritor aplaudido y a un elencio destacado hace que la pasión mueva los recuerdos y papelitos a los que se refiere el título del film.
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  • Sin control
    Sin control
    Todo lo ve
    Una venganza ultraviolenta

    Siguiendo la tendencia de películas de acción de los años setenta como El Vengador Anónimo o la más reciente El justiciero, que protagonizó Denzel Washington, Sin Control encuentra a Keanu Reeves en la piel de John Wick, un peligroso ex mafioso que se ve obligado a volver al ruedo cuando destruyen todo lo que tiene.

    La ópera prima de Chad Stahelski (junto al director no acreditado David Leitch) no se destacará seguramente por sus diálogos pero sí por el clima vertiginoso que termina involucrando al espectador.

    En Sin control ocurre algo similar a lo visto en Búsqueda implacable: un hombre empujado a volver, por motivos diversos, al ojo de la tormenta. La trama tiene como intención generar una catarata de adrenalina en el público y lo consigue gracias a su impactante y ultraviolenta sucesión se escenas en las que Wick dispara contra aquellos que destruyeron su vida (la secuencia de la disco resulta exagerada pero eficaz), le robaron su auto de colección y lo más preciado que tenía luego de la muerte de su esposa.

    Entre los actores aparece Alfie Allen como un villano torpe, Michael Nyqvist, un padre poderoso y exasperante; Willem Dafoe en el rol de un viejo compañero que aparece en el momento oportuno y un siempre convincente John Leguizamo (visto en Chef: la receta de la felicidad).

    Con disparos por doquier y enemigos rusos que el relato coloca en primer plano, el film muestra también como cambian a lo largo de los años los grupos antagonistas en las nuevas producciones made ine Hollywood. Y la acción sigue.
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  • Una noche en el museo 3 - El secreto de la tumba
    Tercera y última parte de la comedia de tono fantástico impulsada por Ben Stiller en el papel del guardia de seguridad del museo que conoce el secreto que se esconde detrás de esas paredes. En esta ocasión, una maldición se desparrama y el protagonista debe viajar al Museo Británico de Londres para lidiar con un faraón que pondrá al mundo en peligro.

    Una noche en el museo 3 tiene al comienzo el espíritu de Indiana Jones, cuando un niño hace un terrible descubrimiento, para pasar luego a una trama que nunca se olvida del entretenimiento y parte de una nueva amenaza. La eficacia del relato, apuntado a un público familiar, reside en el doble rol que ocupa Stiller, acá visto también como un hombre prehistórico, y en la sucesión de gags y efectos que pueblan la pantalla.

    Resultan saludables las participaciones de Ben Kingsley como el Faraón, pasando por el destacado papel del desaparecido Robin Williams y de Ricky Gervais como el director, hasta los cameos de Dick Van Dyke, Mickey Rooney y del australiano Hugh Jackman haciendo de sí mismo cuando es interrumpido por Lancelot (Dan Stevens) en plena representación teatral.

    Como por arte de magia, los esqueletos de los dinosaurios cobran vida y regresan los personajes más conocidos y otros nuevos en una aventura eficaz que no deja de lado su fin didáctico (la ciudad de Pompeya arrasada por la lava). De este modo, desfilan Atila, el Huno (Patrick Gallagher); la indígena Sacajawea (Mizuo Peck), el clan prehistórico, el presidente Roosevelt (Williams) y los diminutos Octavio (Steve Coogan) y Jedediah (Owen Wilson).

    Al ritmo impreso por Shawn Levy se suma la siempre convincente actuación de Stiller que sabe jugar el juego mejor que nadie y despierta empatía inmediata con el público menudo. Cierra la historia y concluye el círculo de las criaturas que están destinadas a ser observados una y otra vez detrás de las vitrinas del museo.
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  • Ouija
    Ouija
    Todo lo ve
    Con la tabla entre las manos

    Con la producción de Michael Bay y la compañía de juguetes Hasbro (dueña del juego de mesa en el que se basa la historia), el director Stiles White debuta en el género de terror luego de su paso por el cine como encargado de efectos especiales y guionista de Cuenta Regresiva (2009) y Posesión Satánica (2012).

    Ouija explota los recursos ya conocidos de relatos como Witchboard (1986) y el famoso´juego de la copa`tal como se lo conoce por estas latitudes para despertar el miedo más profundo: el contacto con entidades del Más Allá. El film acierta en la construcciòn de atmósferas pero peca de ingenuo a la hora de concretar las muertes que se van sucediendo a lo largo de la trama.

    La joven Debbie (Shelley Hennig) muere en extrañas circunstancias (escucha ruidos y siente presencias pero deambula como si nada por la casa con las luces apagadas) y su mejor amiga Laine (Olivia Cooke), su novio Pete (Douglas Smith) y su hermana (Ana Coto) y otros persinajes deciden usar el tablero para invocarl a Debbie y despedirse de ella para siempre.Sin embargo, el espíritu con el que hacen contacto no es quien realmente dice ser.

    Más allá de lo inquietante que resulta una historia sobrenatural de fantasmas que claman por venganza o guían a los vivos para que se resuelva el misterio (al igual que en Ecos Mortales), la pelicula no ofrece nada nuevo, impactante ni sobrecogedor. A esto se suman clichés del género como las apariciones sorpresivas, la anciana recluida en un centro psiquiátrico que ayuda a la protagonista y una latina que predice el peligro que se avecina.

    Entre un funeral y un señalador enloquecido que construye respuestas, Stiles White invoca espíritus sin demasiada inspiraciòn y de una manera que hemos visto unas cuantas veces.
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  • El Hobbit: La batalla de los cinco ejércitos
    La lucha final

    Para los amantes de los libros esta tercera parte es, quizas, un cierre innecesario, pero para los productores es el paso final y obligado de una serie de películas que han dejado fortunas en las boleterías.

    Llega el último eslabón de la épica fantástica imaginada y plasmada con acierto por Peter Jackson luego de la trilogía de El Señor de los Anillos. Ya en el comienzo se ve al temible dragón Smaug destruyendo una aldea y sembrando el terror en una trama que juega con varias puntas y una terrible guerra que obliga a los enanos, elfos y humanos a decidir si luchar juntos o ver como son destruídos.

    Mientras el Rey Thorin (Richard Armitage) se debate entre el Bien, el Mal y un tesoro de oro, Bard (Luke Evans ) protege -arco y flecha mediante- a su familia de varios peligros ante una invasión orca que se prepara para expandir sus fuerzas.

    Y en medio de tanta acción, Bilbo (Martin Freeman), junto con Gandalf y el ejército de enanos (acá con menos protagonismo que en el film anterior) , deberá usar el anillo robado para volver a la Comarca y vivir tranquilamente.

    El Hobbit: La Batalla de los Cinco Ejércitos es un vertiginoso espectáculo que no decae a lo largo de sus 144 minutos, entregando secuencias de acción bien resueltas como la invasión Orca en todas sus formas y los enfrentamientos cuerpo a cuerpo, al mejor estilo 300.

    Y lo interesante de la propuesta es que además de monstruos de todo tipo, aves enfurecidas y una pelea en pleno hielo, nunca descuida la adrenalina: un puente de piedra queda suspendido sobre un precipicio y comienza a destruírse bajo los pies de un ágil Legolas.

    Jackson restaura el orden de un mundo que se mueve por sus ambiciones desmedidas y deja la sangre de lado para arribar a un desenlace nostálgico donde la emoción del personaje central se adueña de la platea.

    En el elenco aparecen nuevamente Ian McKellen, Cate Blanchett, Hugo Weaving y Christopher Lee, rostros reconocibles de esta nueva entrega inspirada en el best-seller de J.R.R. Tolkien.
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  • Regreso del infierno
    Terror rutinario y poco efectivo

    Continuación de El Pacto, la pelìcula de terror estrenada en julio de este año, que intenta nuevamente sorprender al espectador con una historia que combina investigaciòn policial, crímenes y un asesino que viene del màs allà.

    La vida de June (Camilla Luddington), una joven que acepta limpiar escenas de crímenes, se ve alterada por pesadillas sobre las víctimas de Judas, el asesino serial del film anterior. Acà aparece un perverso imitador del criminal, dibujos que se conectan con la realidad y la protagonista anterior, Annie (Caity Lotz), en una trama que une los caminos de un agente del FBI (Patrick Fischler) y de un policìa novato dispuestos a todo. June intentará resolver el misterio que viene con aires fantasmales.

    Entre decapitaciones y cuchillos, y bajo el extraño y poco oportuno título local Regreso al infierno, el film se debate entre el policial sin nervio y el terror sin recursos efectivos que, a estas alturas de los acontecimientos, pueda al menos movilizar al público màs desprevenido.

    Con un comienzo prometedor -lo mismo ocurrió en El Pacto- el desarrollo de la historia se limita a jugar con una figura fantasmagórica que se mueve entre las sombras. Pero el mayor error es mostrar al asesino Judas en varias ocasiones. Esta pelìcula se apoya en la creación de climas alimentados por apariencias engañosas pero todo se vuelve rutinario. La escena final abre un capítulo que vaya a saber uno que título tendrá.
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  • El aprendiz
    El aprendiz
    Todo lo ve
    Un Brosnan afilado

    Pierce Brosnan regresa al cine que mejor le sienta luego de encarnar al agente secreto 007 en esta película que combina acción, intriga y a una larga fila de villanos. Todo aparece enhebrado por la mano segura del australiano Roger Donaldson (quien en los años ochenta filmó Sin Salida, junto a Kevin Costner) que, con astucia, imprime vértigo a una trama que bien podría haber protagonizado el agente Bourne.

    Peter Devereaux (Brosnan) es un ex agente de la CIA peligroso y entrenado que tiene como misión proteger a la testigo Alice Fournier (Olga Kurylenko), que podría exponer la verdad detrás de décadas de conspiración y terminar con la carrera de un aspirante a candidato presidencial. El aprendiz también coloca al protagonista en el ojo de la tormenta: se convierte en el blanco de su antiguo protegido, David Mason (Luke Bracey).

    Con un guión de Michael Finch y Karl Gajdusek, basada en la novela There are no spies, de Bill Granger, de la serie November man, la película construye el eterno juego del gato y el ratón en un mundo de espionaje internacional. Sin un argumento complicado, con logradas escenas de acción y una testigo que sabe más de lo que cuenta -además es madre de la única hija de Peter- el film incursiona también en crímenes de guerras durante el conflicto checheno, violaciones y una villana que parece salida de una película de Luc Besson.

    Todo eso le alcanza a Donaldson para construir una atmósfera de peligro constante, que sucumbe ante la sucesión de falsos finales para llegar al esperado enfrentamiento del desenlace, con un Brosnan aún afilado para los requisitos del género.
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  • Amores locos
    Amores locos
    Todo lo ve
    Un romance de otro tiempo

    El film retrata una historia de amor que se mueve entre el deseo y la locura. Julia (Irene Visedo, la actriz de El Espinazo del diablo) es una cuidadora del Museo del Prado que está convencida que aparece en una pintura flamenca, junto a un hombre (Eduard Fernández, visto en Alatriste y La piel que habito) que asegura es su amante.

    Con este interesante planteo el director Beda Docampo Feijoó construye un relato rico en detalles que parece pertenecer a otra época. El film transcurre en dos tiempos diferentes y el protagonista, un prestigioso psiquiatra, comienza a tratar Julia, la mujer que supo amarlo cuatro siglos antes.

    Con el marco escenográfico de Brujas, la película se mueve entre diálogos que por momentos resultan excesivos y no dejan fluír la imágen por sí sola, que tiene peso propio. Una mujer y un hombre, un pasado que golpea fuerte en el presente, el enfrentamiento entre la fe y la razón y algún secreto que será revelado sobre el desenlace, forman parte de esta propuesta que no deja de ser interesante en manos del cineasta de El mundo contra mí y Buenos Aires me mata, inclinado siempre por las historias dramáticas. Amores locos llega con un retraso de cuatro años, quizás como reflotando un romance de antaño.
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  • Éxodo: Dioses y Reyes
    Las siete plagas según Scott

    Después de conocer Noé, de Darren Aronofsky, el director Ridley Scott se anima con otro relato bíblico y le imprime una visión violenta y apocalíptica a partir de una maldición que se extiende como una plaga. En ese sentido, la relacion con otra de sus grandes películas, Alien, el octavo pasajero, no parece tan lejana,

    Éxodo: Dioses y Reyes, cuenta la historia de Moisés (Christian Bale), un hebreo rescatado de las aguas que vivió como un príncipe hasta que descubrió la verdad sobre su origen y sacrificó todo por su pueblo al comandar una rebelión contra el faraón Ramsés (Joel Edgerton).

    La película expone con la violencia de Gladiador el enfrentamientos de cuádrigas en pleno campo de combate, la feroz lucha contra Ramsés y la proliferación de las Siete Plagas de Egipto seguidas por la liberación de los 600.000 esclavos en una épica huida.

    Con estos elementos Scott se las ingenia para entregar un relato que combina acción, aventuras y cine catástrofe del mejor cuño en una historia que condena al hombre que se creyó un Dios. El film acumula secuencias espectaculares y sangrientas, no se ahorra truculencias y exhibe a un elenco sin fisuras: desde el protagónico de Bale, escondido detrás de una espesa barba; el villano encarnado por Edgerton y la participación de John Turtutto y Sigourney Weaver.
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  • Chef: La receta de la felicidad
    Un plato bien servido

    Jon Favreau (responsable de las dos primeras entregas de Iron Man) es el guionista, realizador y protagonista de esta comedia hábilmente condimentada con conflictos laborales, familiares y un viaje transformador que tiene a la cocina como verdadera estrella.

    Carl Casper es un chef que pierde su trabajo en un restaurante luego de su enfrentamiento con el crítico gastronómico on line Ramsey Michel (Oliver Platt) que destruye uno de sus platos. A partir de ese instante, Carl emprende un proyecto propio de venta de comida rápida a bordo de un camión que recorre desde Miami hasta Las Vegas mientras acumula seguidores y dólares.

    En su kilométrico periplo culinario lo acompaña su mejor compañero (John Leguizamo) y su hijo (Emjay Anthony) con el que aprenderá a fortalecer los vínculos mientras intenta recuperar a su esposa (Sofía Vergara).

    La película tienta al público con sabrosos platos desde el comienzo y se acomoda a los tiempos que corren con el uso de las redes sociales y los intentos del protagonista por reorganizar su vida. Con la participación de Dustin Hoffman y breves papeles a cargo de Robert Downey Jr. y Scarlett Johansson, el film apuesta a una receta sencilla y previsible que mantiene el apetito abierto durante casi dos horas.

    El duelo verbal entre Carl y Ramsey no tiene desperdicio en esta historia que se mueve al ritmo de la música cubana, entre sandwiches ricos en grasas, una ex en buena posición económica (gracias al nuevo marido), el amigo que nunca falla (un Leguizamo siempre convincente en roles secundarios) y el hijo que aprende a recuperar el tiempo perdido. Un plato bien servido y cocinado en la medida justa.
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  • Línea de fuego
    Línea de fuego
    Todo lo ve
    La chispa que provoca el infierno

    Otra pelìcula protagonizada por Jason Statham, el mismo de la saga de El transportador. Figura clave dentro del cine de acción de los últimos años, el film explota una vez más la destreza física del actor para los momentos de lucha y la tensión que propone la trama.

    Un ambiente rural, refugio ideal para un ex-agente de la DEA, viudo y con una hija de diez años por criar, se convierte en el ojo de la tormenta cuando un problema menor generado entre los padres de hijos que se pelean en el colegio deriva en una feroz venganza manejada para terminar con la vida del ahora apacible protagonista. El pasado que vuelve...

    Línea de Fuego es un relato convencional que sigue los clichés del género sin importarle demasiado los tópicos comunes de la historia, pero enfocando el peligro que se avecina con ritmo seguro, clima bucólico alterado y un elenco que cumple con las expectativas. Desde James Franco en el rol del villano junto a un ejército de secuaces que incluyen a una reaparecida Winona Ryder y hasta Kate Bosworth como la hermana del matón de turno.

    Sin ser la película del año, el guión de Sylvester Stallone -sobre la novela de Chuck Logan- acumula golpes, una misión del pasado que trae sus inconvenientes, llamados desde la cárcel y recursos al mejorl estilo Mc Gyver para el lucimiento del intérprete de Los indestructibles.
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  • Patrick
    Patrick
    Todo lo ve
    Sueño eterno y telekinesis

    Remake del film australiano homónimo que dirigió Richard Franklin en 1978 aprovechando la fiebre de películas como Carrie y La Furia. La nueva Patrick comienza con un clima intrigante y de misterio de la mano del realizador Mark Hartley, quien ambienta la acción en una remota clínica privada que alberga a pacientes en coma.

    Allí se encuentra Patrick (Jackson Gallagher), un muchacho que permanece en ese estado (ya se sabrá por qué!), sometido a los experimentos del neurólogo Roger (Charles Dance, de Games of Thrones) y bajo la estricta mirada de su hija Matron (Rachel Griffiths). Sin embargo, la nueva enfermera Kathy (Sharni Vinson, la acriz de Cacería Macabra) establece un vínculo particular con Patrick, quien se comunica a través de sus poderes psíquicos, y se desata el caos.

    Patrick se nutre de la atmósfera gótica de los clásicos del género y se notan las influencias de directores como Brian De Palma y Darío Argento en lo que hace a los macabros planos detalle o la atmósfera que comienza a respirarse en el lugar. Pero con el correr de los minutos todo se torna poco eficaz, previsible y hasta las muertes lucen antiguas. Los acordes musicales del experimentado Pino Donaggio -colaborador de De Palma- sólo sirven para potenciar los climax en determinadas escenas.

    Con los ojos abiertos y el cuerpo inmóvil, Patrick escupe, mueve objetos, ataca a los personajes que se acercan a Kathy, habla a través de una computadora (en la orginal lo hacía con una máquna de escribir) y hasta se excita ante los estímulos de la joven que lo limpia y cuida.

    Los flashbacks reiterativos no hacen más que tratar de explicar lo que ya se entiende y los buenos deberes del cineasta caen al precipicio en la última media hora de esta revisión de un exitoso material. Telekinesis, crímenes, reflejos fantasmales y el poder de la mente en primer plano.
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  • El examen
    El examen
    Todo lo ve
    Sólo ochenta minutos

    "Un último obstáculo los separa de su meta" le dice un supervisor a los ocho candidatos que compiten entre sí para obtener un puesto en una misteriosa compañía. Encerrados juntos en una habitación sin ventanas, con la presencia de un guardia y una cámara que los observa, los postulantes tienen ochenta minutos para responder una pregunta que tienen en una hoja en blanco y reglas que deberán seguir si no quieren ser descalificados.

    El exámen llega con cinco años de retraso y juega con la idea del encierro y la locura que se desata por ganar el trabajo ante la presencia de un supervisor que les da órdenes precisas. La película inglesa de Stuart Hazeldine resulta más inquietante al comienzo (se presentan los ocho nombres de los participantes alternados con primerísimos primeros planos) que durante su desarrollo, donde el tic tac del reloj, hace que los conflictos estallen cuando se descubre que la empresa en cuestión ha descubierto el remedio contra una pandemia que afecta a la humanidad.

    Sin sangre y con algo de violencia, la película es imaginativa pero también confusa por la cantidad de datos que va tirando conforme avanza la trama, lo que quita suspenso cuando cada participante es eliminado. Como una suerte de peones inmersos en un juego que los supera -y controla- los personajes se mueven entre el desconcierto, la búsqueda de una respuesta que no se ve bajo la luz del recinto y algunos "flashbacks" en blanco y negro que reafirman los conceptos y explican lo que vimos al principio del fillm.
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  • Sinsajo - Parte 1
    Una película Sin Climas

    En Hollywood los finales se estiran más de lo conveniente y un claro ejemplo es el estreno de esta película dividida en dos partes y basada en el tercer libro de la trilogía literaria de ciencia-ficción escrito por Suzanne Collins.

    Los Juegos del Hambre: Sinsajo (Parte1) tiene a Katniss Everdeen (Jennifer Lawrence) como figura central del proceso que viene gestando una rebelión contra el gobierno. La protagonista debe adaptarse a su nueva vida después de que los rebeldes del Distrito 13 la rescatan de la Arena sobre el final de la 75 edición de los Juegos. Y uno de los detalles más siniestros dela trama es que Peeta Mellark (Josh Hutcherson) no tiene la misma suerte y es capturado por el Capitolio, que lo somete a terribles torturas psicológicas.

    La vida ya no será fácil como ella había imaginado y menos si la presidenta del Distrito 13 (Julianne Moore) desea convertirla en un símbolo de la revolución, en un Sinsajo para mostrar al resto de los distritos.

    La mano segura que Francis Lawrence había mostrado en el eslabón anterior -y más alto- de la saga aca evidencia un temblor que hace que la historia sea prácticamente mínima sin momentos de verdadera emoción y, mucho menos, de gran despliegue. Es más, la secuencia de la invasión con un grupo especializado que ingresa en las líneas enemigas carece del clima que el relato necesita. El rostro en primer plano de Katniss lorando una y otra vez y enfrentando, a través de una pantalla, al presidente Snow (Donald Sutherland) tampoco ofrece demasiado entusiasmo.

    En la tercera entrega aparece el malogrado Phillip Seymour Hoffman, se incorpora a un siempre convincente Woody Harrelson y se amplía el personaje de Gale (Liam Hemsworth), quien pelea codo a codo con Katniss en contra del Capitolio.
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  • 2/11 Día de los muertos
    Misterio en el bosque

    Hay realizadores que desde hace años insisten con el cine de género en la Argentina y Ezio Massa es un claro ejemplo que ha transitado por el policial y la acción en Más alla del límite y Cacería y por la violencia en Villa. Ahora es el turno de 2/11 Día de los Muertos, la película de terror que cuenta además con un guión del crítico cinematográfico Sebastián Tabany.

    Al igual que en La niebla, de Carpenter, un anciano cuenta una historia de fantasmas a un grupo de niños asustados, hecho que va construyendo el universo tenebroso de esta propuesta nacional. Elías (Nicolás Alberti) sale desnudo y ensangrentado del bosque a la ruta en visperas del Dia de los Muertos. Es hermano de Santiago (Juan Gil Navarro), un miembro de la policia local de quien está distanciado y se suma el hecho de que una misma mujer, Mecha (Agustina Lecouna), es el objeto del deseo de ambos.

    Tres amigos desaparecieron de manera misteriosa y la policía toma cartas en el asunto mientras un clima de extraños fenómenos, leyendas y presencias que vigilan desde las sombras se convierten en una amenaza inminente.

    Entre el suspenso creciente y las aristas psicológicas alteradas que muestran los personajes, Massa pone el acento en algunos momentos de acción, otros de suspenso y terror sobre el desenlace, que por momentos deja ganas de ver un poco más.

    Exhibida en la edición del año pasado del Festival Buenos Aires Rojo Sangre, la pelìcula mantiene el interés entre relámpagos, rostros ensagrentados, una larga lista de sospechosos y un pueblo que encierra varios misterios. El film se guarda, con armas en mano, algunas referencias al cine fantástico de los años ochenta e invita a liberar adrenalina gracias a los buenos rubros técnicos y al parejo trabajo del elenco. Lo sinestro dice presente una vez más.
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  • Antes de despertar
    Un nuevo día comienza para Christine todo el tiempo. No tiene recuerdos del marido que está en la cama y ni siquiera es capaz de retener los hechos ocurridos veinticuatro horas atrás. Luego de un accidente automovilístico en el que perdió la memoia, el presente se ve incierto y le depara varias sorpresas.

    Con ese esquema, el director Rowan Joffe (hijo de Roland, el que filmó La misión) transita por un thriller psicológico basado en la novela de Steve J. Watsonm en el que todos los elementos que entran en juego se perciben como engañosos.

    Casi todo el film descansa en Nicole Kidman y Colin Firth, dos intérpretes de sólido oficio, y se apoya en una tercera pata: el neruólogo encarnado por Mark Strong (Sherlock Hoklmes) que atiende a Christine. Una historia oscura, perturbadora y confusa que no siempre da en el blanco a pesar de jugar con la intriga a lo largo de una hora y media.

    Al salir de Antes de despertar, el espectador se empezará a hacerse preguntas sobre la trama y por qué las cosas suceden de la manera en que lo hacen. Y ahí es cuando se descubre que la historia pierde sentido, y, como consecuencia, el andamiaje se derrumba como la misma realidad que percibe Christine antes de irse a dormir (según la traducción del título original).

    La película atrapa al personaje central en una realidad confusa, le devuelve el reflejo de una juventud perdida y una cámara de video que registra los sucesos diarios. Mientras tanto, un secreto guardado en el armario aprovecha la amnesia de la protagonista. La violencia está por asomar.
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  • Caminando entre tumbas
    Nuevamente Liam Neeson regresa con un personaje hecho a su medida: Matt Scudder, un ex-policía de la ciudad de Nueva York de los años 90 que trabaja como detective privado sin licencia y es convocado por un traficante (Dan Stevens) para atrapar a los hombres que secuestraron y asesinaron a su esposa.

    Basada en la exitosa serie de novelas de misterio de Lawrence Block, la película coloca al personaje en el ojo de la tormenta (con menor suerte que en Búsqueda implacable) cuando acepta a regañadientes la misión que lo conducirá a una serie de extraños secuestros seguidos de muerte.

    Con un tono oscuro, Scott Frank (The Lookout) cruza a Scudder con personajes extraños que están conectados con el caso, una pareja sádica que estudia cuidadosamente a sus víctimas, un empleado del cementerio que sabe más de lo que dice y un joven de la calle al que alecciona y acepta como ayudante.

    Con escenas similares a las de la reciente El justiciero (Scudder en el bar como centro de operaciones), el relato juega con el límite borroso entre el Bien y el Mal: el protagonista arrastra un conflicto del pasado y es un ex-alcohólico en recuperación que combate su adicción mientras acepta algunos "regalos" que le permiten seguir viviendo.

    El film dispara la acción al comienzo y luego atraviesa una zona oscura en la que la intriga se disipa y el suspenso desaparece, para retomar en el tramo final una atmósfera más cercana al terror que le rinde homenaje al título del film.
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  • Asi en la tierra, como en el infierno
    El descenso

    Siguiendo la tendencia de los últimos años en materia de terror, donde el género es concebido a partir del recurso de la cámara en mano, la nueva película del director de Cuarentena y La reunión del diablo, John Erick Dowdle, no se propone innovar desde lo estético pero logra transmitir la atmósfera claustrofóbica que promete desde el principìo.

    Así en la tierra como en el infierno no es más que un terrorífico descenso a los infiernos, una suerte de tren fantasma ambientado en las catacumbas de París donde queda encerrado un grupo de jóvenes. Un lugar donde deambulan almas perdidas que han tendio un final trágico y es ahí cuando el film explota el costado de los terrores más profundos sufridos por cada uno de los infortunados jóvenes que contratan a un guía ¿experto? para encontrar una cámara secreta primero y la salida después.

    Cada rincón se hace irrespirable y más estrecho junto a un laberinto de huesos y otros obstáculos que se presentan en esta misión suicida. Con ecos de El descenso, la película juega con extrañas presencias que se deslizan en la oscuridad a través de una cámara nerviosa que, por momentos, marea y resta climax a un film que busca el simple sobresalto y se apoya en sonidos ensordecedores.

    La protagonista, Scarlett (Perdita Weeks) es una exploradora con experiencia y sin límites, capaz de descifrar jeroglíficos y anunciar el desastre que se avecina. A los diálogos forzados en los momentos de mayor tensión y peligro, se suman una piedra sanadora y el pasado que ataca sin piedad a sus víctimas. Nada nuevo bajo la tierra, pero al menos entrega una hora y media a puro nervio.
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  • Torrente 5: Operación Eurovegas
    Fuera de la ley

    La quinta entrega del popular personaje encarnado por Santiago Segura está ambientada en Madrid de 2018. Torrente es expulsado de la ley y enviado a la cárcel, y la película comienza cuando éste abandona la prisión y tiene una nueva misión entre manos: el robo de un casino.

    Torrente 5: Operación Eurovegas continúa con el estilo desfachatado y grosero que tanto éxito le dio a la saga española, agregando a figuras en cameos especiales (el torero Jesulín de Ubrique, Falete; Ricardo Darín e Imanol Arias, entre otros), pero lo más atrapante del nuevo eslabón es el equipo que forma Torrente en una graciosa alusión al Ocean`s Eleven, de Clooney.

    Junto a una banda de inútiles, llevará adelante el robo y contará la ayuda de uno de los jefes de seguridad del lugar. Como si fuese poco, Torrente deberá quedar bien con un alterado jefe (nada menos que Alec Baldwin, hablando en español e inglés) que parece salido de una película de James Bond.

    El film dosifica en exactas cuotas la violencia verbal que viene cargada con todo lo que uno pueda imaginarse, los gags de torpeza física y la acción (el despliegue de producción en la escena final del aeropuerto resulta más que generoso) que encienden los personajes en una trama que se mueve entre engaños, golpes, estafas y una final de futbol que nos involucra. Dentro de la locura generalizada que tiene la historia aparece una anciana que se las trae, la siempre eficaz Chus Lampreave, rostro reconocible del cine de Almodóvar.

    Torrente sigue burlándose de sí mismo y de los films del género. Ese mecanismo que resulta reiterativo también se ve eficaz y se pone en marcha para arrancar la risa del espectador.
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  • Los Boxtrolls
    Los Boxtrolls
    Todo lo ve
    Bajo las alcantarillas

    De los creadores de Coraline y la puerta secreta llega esta aventura realizada con la técnica de cuadro por cuadro y con una inspirada mirada sobre los temores que dominan a los habitantes de Puentequeso.

    Los realizadores Graham Annable y Antthony Stacchi muestran a una ciudad amenazada por extrañas y misteriosas criaturas conocidas como Boxtrolls, que se esconden bajo las alcantarillas. Cuando cae la noche, salen a la superficie y Eggs, un niño criado por ellos, intentará volver a vivir en el mundo civilizado no sin encontrar varios problemas.

    Los Boxtrolls tarda en alcanzar ritmo y un tono adecuado, y cuando lo hace cautiva a un público más adulto que infantil a través de una historia que pone en permanente choque dos mundos antagónicos. El ansiado universo de la degustación de quesos, un gobernador millonario y su hija solitaria y un niño desaparecido hace tiempo, desfilan en la pantalla mientras Hurtado (lejos el mejor personaje) se transforma en un despiadado cazador de los Boxtrolls.

    Una atmósfera pesadillesca deja lugar a una serie de divertidos sucesos, malosentendidos y reencuentros para demostrar -al mejor estilo Monsters Inc.- que las apariencias engañan.

    El trabajo artesanal que requiere el stop motion se percibe en el movimiento frenético de los personajes, y también colaboran la dirección de arte (el mundo subterráneo) y los climas que se generan a lo largo de la película. Despues de los créditos, hay una escena sorpresa que amerita quedarse unos minutos más en la sala.
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  • Pelo malo
    Pelo malo
    Todo lo ve
    El rechazo y la incompresión

    El film venezolano dirigido por Mariana Rondón (resultó ganador de la Concha de Oro en San Sebastián 2013) se caracteriza por un lenguaje simple que capta una realidad desoladora en Caracas.

    La cámara registra la odisea que enfrentan una madre joven y viuda (Samantha Castillo) y Junior (Samuel Lange Zambrano), su hijo de 9 años, en una sociedad que no les brinda demasiadas oportunidades: el dinero no alcanza, ella limpia casas y Junior la ayuda como puede.

    Dueño de una cabellera indomable (al igual que la personalidad que va forjando para sobrevivir en un mundo hostil) y llena de rulos, Junior sueña con un ser un artista famoso mientras intenta plancharse el pelo para la foto escolar. A pesar de las burlas por el cabello, su manera de ser o la forma de vestir que lo convierten en un blanco fácil, los intentos por encontrar su propio camino no se ven opacados.

    En el film el tema del rechazo (madre preocupada por otras cuestiones que se irrita por todo lo que hace Junior) aparece desde el comienzo y se mantiene intacto hasta el desenlace a través de personajes que no transmiten calidez sino sufrimiento. Con los elementos mínimos la directora logra una historia cotidiana, como cualquier otra, donde la tristeza y la incomprensión son las protagonistas.
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  • Refugiado
    Refugiado
    Todo lo ve
    La violencia de género desde una mirada infantil

    La nueva película del director Diego Lerman (el mismo de La mirada invisible) cuenta con los protagónicos de Julieta Díaz y Sebastián Ezequiel Molinaro en los roles de Laura, una mujer que sufre la violencia de género, y Matías, su hijo de siete años.

    Refugiado está narrada desde la perspectiva del niño -de ahí su título- que, en su desesperado escape junto a su mamá para alejarse del marido, pasa las noches en un hogar para mujeres maltratadas, un albergue transitorio de mala muerte y hasta una casa retirada en el Delta, en lo que parece un vertiginoso y angustiante periplo que no tiene fin.

    El film se mueve cómodamente entre el registro dramático y el suspenso con una cámara que sigue de cerca a los personajes y juega con la posible aparición del esposo violento en ámbitos desconocidos. En ese sentido, la escena en la que Matías conoce a una nena del establecimiento que atraviesa una situación similar, adquiere una dimensión fantasmagórica frente a lo no cotidiano (como el ámbito de las duchas).

    El clima intenso se mantiene durante toda la fuga (Laura regresa a su hogar en busca de elementos y dinero mientras su marido Fabián se acerca) y en eso tienen mucho que ver los dos actores principales, casi los únicos que se verán a o largo del film.

    La trama también se reserva el tema del reencuentro y la posibilidad de construír un nuevo hogar cueste lo que cueste.
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  • Un amor en tiempo de selfies
    Entre risas y lágrimas

    Una historia de amor, atravesada por la tecnología y en tiempos de redes sociales, es la elegida por Martín Bossi para su primer protagónico en cine. El imitador, de una versatilidad ya demostrada en la pantalla chica y en el teatro, asume un papel que le exige una mayor entrega.

    Juan es un comediante del under que da clases de stand up hasta que descubre a una de sus alumnas, Guadalupe (María Zamarbide), una atractiva ejecutiva y representante de uno de los buscadores de internet más importantes a nivel mundial. Los mundos del bohemio de San Telmo y el de la joven que se siente una perdedora en el terreno de la comicidad, se juntan en esta historia que navega de manera imprecisa entre la comedia costumbrista (los amigos de Juan parecen salidos de un circo) y el drama exagerado que pasa de las risas a las lágrimas con extrema facilidad.

    Da la sensación de que varias manos se pusieron a trabajar en Un amor en los tiempos de selfies (figuran los directores Emilio Tamer, responsable del espectáculo de Bossi, y Federico Finkielstain, de No te enamores de mì) sin encontrar un mismo rumbo ni el tono adecuado. El film acumula situaciones sin gracia- y poco probables- y suma los cameos de Graciela Borges, Carlitos Balá, Ari Paluch y de los productores televisivos Chato Prada y Federico Hoppe. ¿Hacía falta tanto?.

    La pareja que entra en crisis y se transforma en el negocio mediático del momento se desarrolla entre discusiones y reacciones absurdas que se dan en medio de un clima que debería ser más festivo y menos dramático. La escena de los mensajes que sobrevuelan la ciudad es la más lograda dentro de un relato que se encamina hacia una suerte de limbo.
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  • Annabelle
    Annabelle
    Todo lo ve
    Un relato escalofriante

    Aunque se trata de un spin-off de la exitosa El conjuro, de James Wan, la película que nos ocupa se puede disfrutar de manera independiente gracias a su escalofriante atmósfera de terror, la misma que tenían los clásicos de cuarenta años atrás.

    Annabelle encuentra el terror en una muñéca vintage que llega al hogar de un matrimonio para sembrar el espanto y desatar una ola de extraños acontecimientos. Alejada de los clichés de títulos como Chucky y explorando los miedos infantiles, el relato se adueña del espectador desde el comienzo y juega permanentemente con un universo cotidiano transformado en una verdadera pesadilla.

    Las vidas de Mia (Annabelle Wallis) y John (Ward horton), la pareja feliz que espera un bebé y disfruta del hogar y de los buenos vecinos, cambia para siempre cuando los miembros de una secta satánica invanden su casa.

    El director de fotografía de El Conjuro y La noche del demonio 2, John R. Leonetti, se coloca detrás de cámara para contar esta escalofriante historia que juega correctamente con los climas de cada una de las escenas: Mia en la oscuridad de la baulera; la muñeca contemplando todo desde la repisa de la habitación; puertas que se abren y cierran; una máquina de coser que funciona sola por las noches y presencias fantasmagóricas que deambulan por la casa, son algunas de las sorpresas que el film tiene preparadas para el espectador. Sólo algunas.

    Como si se tratara de La profecia y con un universo que excede a la muñeca del título, también aparecen en la trama un sacerdote (Tony Amendola) y una mujer (la siempre convincente Alfre Woodard) que entiende lo que está ocurriendo. Un relato de presupuesto modesto que se mueve entre demonios y rituales, con la mención del matrimonio Warren, el mismo que estudió casos extraños y aparentemente inexplicables en los años setenta.
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  • El dador de recuerdos
    Ciencia ficción de la vieja escuela

    Nuevamente la ciencia-ficción pisa el universo cinematográfico y se basa en la exitosa novela homónima de Lois Lowry, bajo la batuta de Philip Noyce, quien en otros tiempos eligió la acción y la intriga polìtica en Juego de patriotas.

    Acá el futuro encuentra a una sociedad dócil que vive tranquila y manejada por gente adulta que borró los recuerdos de la humanidad. El joven Jonás (Brenton Thwaites, de Maléfica), es elegido para recibir las memorias, sentimientos y se convierte en el nuevo eslabón que se opone a un sistema del que comienza a sospechar.

    Con ecos de Fuga en el siglo XXI y con el recurso visual que mezcla blanco y negro con color para mostrar los cambios de un mundo manejado según las conveniencias, la pelìcula de Noyce está concebida a la antigua, despojada de efectos digitales, pero sin el nervio narrativo (salvo en el tramo final) o la atmósfera que tuvieron otros trabajos del realizador.

    Entre experimentos y maniobras oscuras, el joven héroe inicia un camino lleno de obstáculos con un bebé en brazos que pone esperanza en un horizonte que aún vislumbra varios peligros. En ese contexto, asoma una Meryl Streep de cabellos largos y grises, como la jefa de la sociedad, mientras que Jeff Bridges encarna al Dador de recuerdos. Ni siquiera la presencia de estos intérpretes equilibra la balanza en una trama que combina frases de manual de autoayuda, con humanismo y heroìsmo.
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  • El juez
    El juez
    Todo lo ve
    La vuelta al hogar

    El exitoso Robert Downey Jr. regresa a la pantalla grande con este trabajo que podría significarle una nominación al Oscar. Alejado del millonario Tony Stark, su personaje es Hank Palmer, un abogado exitoso que hace lo imposible por ganar juicios y sacar el mejor rédito de su profesión. Sin embargo, su caso más complicado está por llegar: su padre, el juez del pueblo (Robert Duvall), de quien mantiene distancia, es el sospechoso de un asesinato.

    Con esta premisa, el director David Dobkin (Los rompebodas y Si fueras yo) elige un film de corte tribunalicio para mostrar las asperezas de una familia que evidentemente conoció un pasado mejor. La repentina noticia de la muerte de su madre trae a Hank al pueblo de su infancia, donde se reencuentra con un hermano -con problemas- (Jeremy Strong) que registró los momentos del clan en una Super 8, y con otro mayor (Vincent D´onofrio) que ha construído su propia familia. El eslabón perdido es un padre enfermo, pero con un carácter que parece no apaciguarse con el paso de los años, y al que deberá defender a capa y espada para evitar que sea condenado.

    A los buenos momentos de suspenso tribunalicio (con flashblacks incluídos) se suman los chispeantes diálogos entre Duvall y Downey Jr. en un verdadero duelo de actores, y sin olvidar las siempre medida actuación de Billy Bon Thornton en el rol del abogado de la víctima. La escena del lago seguramente quedará en las retinas de los espectadores por mucho tiempo.
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  • Magia a la luz de la luna
    Abracadabra según Allen

    El amor, a veces, es una cuestión mágica. Otro año y una nueva película de Woody Allen - la número 44- cuyo comienzo está ambientado en Berlín de la década del ´20, con un exitoso mago "oriental" que hace desaparecer a un elefante del escenario.

    Magia a la luz de la luna explora nuevamente las relaciones amorosas narrando la historia de Stanley Crawford (Colin Firth, de El discurso del Rey), quien se esconde detrás del ilusionista de grandes bigotes y trenza, y por pedido de su amigo Howard (un estupendo Simon McBurney) viaja a la residencia de los Catledge en la Costa Azul con el objetivo de desenmascarar a Sophie (Emma Stone, de El sorprendente hombre araña), la medium de la que todos hablan, y que fue contratada para "contactar" a un marido muerto.

    El mayor encanto de la comedia romántica del cineasta neoyorquino son los paisajes capturados como grandes pinturas por el director de fotografía Darius Khondji, el vestuario y los personajes secundarios que empujan el relato aún cuando la pareja protagónica, Firth-Stone no tenga siempre la química necesaria.

    Un amor casi imposible, deseos cruzados, tías que toman el te, gags que dan en el blanco gracias a la verborragia del protagonista (alter ego del realizador, arrogante y escéptico de los sucesos paranormales) y una relación que se va construyendo como por arte de magia. No es la mejor película de Allen pero tampoco desencanta.
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  • Drácula
    Drácula
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    Colmillos afilados

    Un relato que combina aventura y terror para mostrar el origen del personaje clásico inventado por Bram Stoker, Drácula, quien reaparece en la pantalla como Vlad, el Príncipe de Rumania que necesita más fuerzas para enfrentar al imperio turco.

    Drácula: la historia jamás contada encuentra en Luke Evans (Nadie Vive) al intérprete ideal que deambula entre la oscuridad propia de "la criatura de la noche" y el guerrero que debe proteger a su mujer y a su niño de la violencia de la época. En ese sentido, la visión que le imprime el debutante Gary Shore al relato tiene momentos de tensión: el encuentro entre Vlad y un vampiro legendario (Charles Dance) que se esconde en una cueva y le ofrece un pacto que lo condena; espectacularidad en las batallas (parecen salidas de 300) y sentidos agudos que le dan al protagonista capacidades diferentes a las de los mortales. Todo esto se da en un marco de acción y lucha de poderes pero el film tampoco descuida el costado romántico de Vlad.

    La película, que navega entre precipicios, murciélagos, nubarrones que tapan la luz solar y monedas de plata como amenaza constante para Vlad, cumple con lo que promete y, en su tramo final, imprime una vuelta de tuerca que le sienta bien y se abrirá hacia nuevos rumbos. Drácula: La historia jamás contada está también protagonizada por Sarah Gadon, Dominic Cooper en el papel del villano de turno y Zach McGowan.
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  • Alexander y un día terrible, horrible, malo... ¡Muy malo!
    La película con título kilométrico, basada en el exitoso libro homónimo infantil publicado en 1972, escrito por Judith Viorst e ilustrado por Ray Cruz, tiene el mérito de narrar una historia tan cotidiana como reconocible desde el punto de vista de un niño de once años.

    Alexander (Ed Oxenbould), comienza el día con el pie izquiero y todo lo inimaginable se convierte en una verdadera pesadilla, pero pronto descubirá que los integrantes de su familia, su padre (Steve Carell), su madre (Jennifer Garner), su hermano (Dylan Minnette) y su hermana (Kerris Dorsey) también se verán envueltos en el peor día de sus vidas.

    Dirigida por el ganador de un premio Independent Spirit, Miguel Arteta (The Good Girl, Cedar Rapids, Youth in Revolt) sobre un guión de Rob Lieber, esta comedia familiar está impulsada por un clima de locura generalizada que no está lejos de cualquier mortal que tenga la responsabilidad de un hogar y afronte la crianza de cuatro hijos de muy distintas edades.

    En ese sentido, desfilan por el relato un padre desocupado que tiene una esperada entrevista laboral; una madre -la verdadera proveedora de la casa- que corre para llegar a tiempo con la impresión de un libro infantil y cuya labor está en riesgo; un chico adolescente frente al romance obligado del colegio y una hermana "afinada" con deseos de convertirse en la estrella de un musical. Todo esto y más forma parte de esta recomendable propuesta que se mantiene por el ritmo imparable, la efectividad de los gags y las buenas actuaciones de Steve Carell (un hombre experimentado en el género) y de Jennifer Garner.
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  • Perdida
    Perdida
    Todo lo ve
    Búsqueda desesperada

    Una película seductora y perversa que viene de la mano de un director inusual como David Fincher, quien no siempre quiere agradar al público. El creador de Pecados Capitales, El club de la pelea y La red social, entre otras, dispara este thriller adaptado del best-seller de Gillian Flynn y encabezado por Ben Affleck y Rosamund Pike, vista en Orgullo y prejuicio y Furia de titanes 2.

    Amy (Pike) y Nick (Affleck) se disponen a celebrar su quinto aniversario de casados. Sin embargo, ella desaparece misteriosamente y él se convierte en el principal sospechoso de un caso que cobra notoriedad en North Carthage, a orillas del río Mississippi. La investigación policial comienza a apuntar a un Nick desempleado que ha extendido una póliza de seguro de vida de su esposa desaparecida y que encuentra refugio del revuelo exterior en su hermana, con la que comparte un bar del pueblo.

    Perdida alterna pasado y presente de los personajes, mostrando muchas facetas ocultas mientras se acumulan datos, personas y pistas que cambian el rumbo de los acontecimientos en en una trama que se toma sus tiempos pero que nunca deja indiferente al espectador.

    La historia trae a una detective (Km Dickens) y su asistente que revisan meticulosamente la casa de Nick en busca de rastros; a los padres desesperados de Amy; a una periodista sin escrúpulos y a un abogado (Tyler Perry) que quiere dar vuelta el caso. En ese sentido, el film desmenuza con precisión quirúrgica la relación enfermiza de un matrimonio, el engaño, la infidelidad y el poder de los medios de comunicación como formador de opiniones.

    El mayor mérito reside en la actuación de Rosemund Pike y en la relación que tiene el personaje de Affleck con las mujeres que lo rodean en este trabajo de Fincher que ya está en la mira para la próxima edición de los Premios Oscar.
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  • Delirium
    Delirium
    Todo lo ve
    Darín, el salvador

    Tres chicos sin demasiada suerte intentan cambiar sus vidas cuando deciden realizar una pelìcula que tenga como protagonista nada menos que a Ricardo Darín. Delirium, producto bizarro y menos divertido de lo que se pensaba, sigue la rutina de Federico en el kiosco para el que trabaja y los intentos de convencer a sus amigos para hacer la película con la estrella.

    El film de Carlos Kaimakamian Carrau se sostiene al principio por un malentendido (Darín confunde a Sebastián con el hijo de un amigo y acepta trabajar para ellos en la película para la escuela de cine); la mirada autoreferencial y delirante que parte de un "imposible", y se vuelve en contra con el correr de los minutos.

    En ese sentido, Delirium echa una mirada burlona con la reunión entre el trío (papeles a cargo de Miguel Di Lemme, Ramiro Achain y Emiliano Carrazzone) y su estrella en el bar; la llegada al Instituto de Cine como si fuese una película de suspenso; los problemas que atraviesan con Darín durante el rodaje y un hecho que cambia el rumbo de los acontecimientos y cobra estado pùblico.

    En realidad se esperaba más por la expectativa que generó el trailer y por la presencia del actor de El secreto de sus ojos en esta pelìcula que incluye cameos de Catalina Dlugi, Sergio Lapegüe, Germán Paoloski, Guillermo Andino, Mónica Gutierrez, Facundo Pastor y Susana Giménez, entre otros, y se guarda una sorpresa para la escena final.
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  • Necrofobia
    Necrofobia
    Todo lo ve
    Mente siniestra

    Una pelìcula nacional de terror es un acontecimiento si viene de la mano de Daniel De La Vega, un especialista en el género (desde el aplaudido corto La última cena pasando por La muerte conoce tu nombre y Jennifer`s Shadow, realizadas para el exterior) que ahora explora el tema de la locura, la doble personalidad y hasta la triple identidad en un producto inusual para el mercado.

    Dante (Luis Machín) es un sastre sacudido por la muerte de su hermano gemelo. Ese es el punto de partida que el realizador utiliza para jugar con los personajes de manera desmesurada (la esposa, el psiquiatra, el policìa) y sumergir al protagonista en un descenso a los infiernos, donde se dan la mano la locura, las apariencias engañosas y un clima enrarecido que avecina el peligro.

    Necrofobia aprovecha el 3D para explotar la profundidad de campo en ambientes tenebrosos (el cementerio, la cripta o el lugar de trabajo plagado de maniquíes tapados) y con tópicos que parecen salidos de una película de Argento o Fulci, además de la inclusión de tijeras, sombrero y amputaciones.

    El film tiene sus méritos pero confunde con su estructura circular (todo parece ocurrir una y otra vez) y una trama que quiere parecer más complicada de lo que en verdad es, con presencias fantasmagóricas que habitan los rincones de la mente. Quizás no resulte el mejor trabajo del creador de Hermanos de sangre, pero sus mayores aciertos pasan por las atmósferas, los rubros técnicos bien resueltos y la presencia de Luis Machín, sobre quien descansa todo el andamiaje.
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  • En el tornado
    En el tornado
    Todo lo ve
    El cine catástrofe vuelve a golpear con las fuerzas desatadas de la naturaleza en esta producción que no cuenta con grandes nombres (como ocurría en los años 70 con películas como Infierno en la Torre o Terremoto) y pone el acento en grandes tornados que se desplazan y multiplican amenazando a la ciudad de Silverton.

    Antes de arremeter con secuencias de destrozos y de gran despliegue, el director Steve Quale (Destino final 5) recurre a la estética del falso documental con cámaras que van registrando el accionar por parte de un grupo de profesionales que se mueve en un acorazado preparado para estos fénomenos (un aventurero y una madre alejada de su hija); dos desprevenidos que parecen salidos de una película de JackAss; y un padre viudo, vicerector del colegio de la comunidad, que tiene a su cargo a dos hijos adolescentes. La trama hará que los caminos de estos tres grupos de unan para enfrentar a las fuerzas de la naturaleza.

    Algunos momentos forzados (los chicos atrapados dejando un mensaje de despedida a sus padres) hacen que la tensión se disipe y el espectador espere una una aparición del tornado, el verdadero protagonista de la película. Las secuencias del los alumnos escondiéndose en el colegio, el chofer al que sólo le importa filmar el tornado lo más cerca posible o la impactante secuencia final con todos atrapados en un acueducto y en el “ojo de la tormenta”, suman nervios, espectacularidad y tensión. Nada nuevo, pero con la garra suficiente como para envolver al público durante casi una hora y media.

    En el elenco aparecen el padre encarnado por Richard Armitage (Thorin en la saga El Hobbit) y Sarah Wayne Callies (de la serie The Walking Dead).
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  • Maze Runner - Correr o morir
    Adolescentes sin salida

    Basada en el primer libro de una exitosa saga escrita por James Dashner, la historia muestra a adolescentes y niños que luchan por sobrevivir en una aldea que han construído y que los mantiene presos en un mundo que también les deparará sorpresas.

    Maze Runner: Correr o Morir comienza con Thomas (Dylan O`Brien, de Aprendices fuera de línea), un joven enviado a una comunidad de varones en la que despierta sin recordar su nombre. Ninguno de ellos sabe de dónde viene ni tiene noción del mundo exterior. Para escapar de esa comunidad que han organziado con esmero, también deben atravesar los paredones de un laberinto gigante que puede tener la respuesta a sus grandes interrogantes.

    La historia tiene su costado atractivo y espectacular, sin dejar de lado el tema de una juventud librada al azar y desconcertada ante una sociedad que muestra cambios constantes. El director Wes Ball focaliza además en los focos de poder que se generan dentro de la misma comunidad y lo mal que tratan a Thomas cuando descubren que puede ser el causante de todas sus desgracias.

    El espectador se encontrará con un film de aventuras que tiene sus mejores momentos cuando se traspasan los accesos de un laberinto que va cambiando de forma todas las noches y esconde a los Penitentes, criaturas mortíferas que se deslizan por los pasadizos llenos de musgo y lianas colgantes, y que persiguen a los valientes sin descanso.

    Las pesadillas sobre una misteriosa organización llamada CRUEL; la llegada de Teresa (Kaya Scodelario), la misteriosa muchacha que rápidamente conecta con Thomas (aunque a diferencia del libro no lo hace telepáticamente); jóvenes "transformados" por las picaduras de los Penitentes y un rebelde como Gally (Will Poulter, de Quíenes son los Miller?), conforman el unviverso de este bienvenido producto pensado para adolescentes que combina aventura, acción, ciencia-ficción y terror en dosis justas como para mantener en vilo al espectador durante casi dos horas. Allí están Thomas, Newt, Chuck o Alby, los chicos que se animan al cambio, y también los que esperan respuestas que nunca llegan luego de tres años.

    El film tiene todo como para convertirse en una saga cinematográfica repleta de más obstáculos y desafíos como los que imponen los límites del Laberinto.
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  • Las insoladas
    Las insoladas
    Todo lo ve
    Las chicas sólo quieren divertirse

    Una terraza en pleno verano en la ciudad de Buenos Aires es el escenario elegido por el director Gustavo Taretto para desarrollar su segundo largometraje luego de la aplaudida "Medianeras".

    En Las insoladas, seis amigas de personalidades contrastantes (Luisana Lopilato, Violeta Urtizberea. Marina Belati, Elisa Carricajo, Carla Peterson y Maricel Alvarez) van sumándose a esta actividad femenina por excelencia: broncearse. Y, como si fuera poco, lucir espléndidas para el concurso de salsa que otorga un premio de cinco mil dólares. Ellas también hablan de hombres y sueñan con un viaje a Cuba. Acá las chicas quieren divertirse, rotan de posición como lagartos al sol y esconden recelos y anhelos.

    Ambientada a mediados de los años 90, en tiempos donde los cassettes se rebobinaban con una lapicera, las protagonistas siguen con su eterno ritual que sirve como excusa para pintar sus días con diferentes tonalidades. Y lo hacen a través de gags que parecen escritos especialmente para ser dichos por cada unas de las actrices.

    El film (que intenta una pintura de época con una clase media lejana a la felicidad) está dividido por la hora y la temperatura de una extensa jornada de un sábado 30 de diciembre. Bronceadores, bikinis, confesiones íntimas (la escena de Urtizberea relatando su experiencia cercana al mundo de las peliculas porno) y charlas sobre los beneficios de las terapias alternativas ponen sobre la lona mitos, frivolidades y verdades del universo femenino.
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  • Sin City 2: Una mujer para matar o morir
    El crimen en más blanco & negro & color

    Luego del rotundo fracaso que tuvo en los Estados Unidos, llega la segunda parte del film de Robert Rodriguez y Frank Miller que sumerge al espectador en la "ciudad del pecado" bajo la misma estética que combina el blanco & negro con los estallidos de color.

    Sin City: Una mujer para matar o morir es otra incursión de Rodríguez en el mundo del delito, construído con el espíritu de las viñetas del comic de Miller que tan bien ambos plasman en imágenes. En ese sentido, la película presenta varias historias: Dwight McCarthy (Josh Brolin en reemplazo de Clive Owen) es llamado por su antigua amante Ava Lord (Eva Green), quien le pide ayuda para escapar de un marido abusivo, el millonario Damien Lord; un joven (se incluye a Joseph Gordon-Levitt) que se juega su vida en una partida de poker con el senador corrupto (nuevamente encarnado por Powers Boothe), quien a su vez, desea vengar a su hijo....y los relatos continúan.

    El espectador espera la acción constante en una entrega que no brilla por la originalidad pero que juega con los personajes y los climas ded manera eficaz, entre strippers armadas hasta los dientes, persecuciones automovilísticas, decapitaciones y samurais al estilo Kill Bill.

    Al excelente reparto integrado por Mickey Rourke (personaje que no duda en apretar el gatillo con su rostro deformado), Jessica Alba, Bruce Willis (que parece seguir en la atmósfera de Sexto Sentido) y Rosario Dawson, se unen Ray Liotta, Stacey Keach y Christopher Lloyd (el científico de Volver al futuro) como el "médico" capaz de extraer balas del cuerpo a cambio de un buen par de zapatos.
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  • Hércules
    Hércules
    Todo lo ve
    Las proezas de un héroe

    Luego de la fallida película de Renny Harlin, 'La leyenda de Hércules', estrenada en febrero en nuestro país, llega una nueva mirada sobre el héroe mitológico protagonizado ahora por Dwayne Johnson.

    La nueva aventura del hijo de Zeus lo encuentra atormentado por pesadillas (ya se sabrá el motivo) y con un nombre que se ha desplegado a modo de leyenda tras cumplir con varias hazañas que parecían imposibles. Hércules, acompañado por un equipo de seis luchadores (entre ellos una experta en arco y flecha), llega a Tracia y se convierte en un mercenario contratado para entrenar al ejército liderado por Lord Cotys (John Hurt) en una trama impulsada por la traición y la ambición de poder.

    Brett Ratner, responsable de Una pareja Explosiva, Dragón Rojo y X-Men: La Batalla final, pone el acento en las escenas de lucha cuerpo a cuerpo, en la organización militar con defensa de escudos que lleva adelante el personaje central y en un desenlace que concentra mayor despliegue. El realizador tampoco deja de lado el tono fantástico cuando el héroe es amenazado por criaturas monstruosas.

    La acción se mantiene a lo largo de una hora y media, pero nada tiene que envidiar a Conan, que contó con Arnold Schwarzenegger y hasta una misma versión de Hércules, con Lou Ferrigno. El fornido Dwayne Johnson va desde El Rey Escorpión y Viaje 2: La isla misteriosa hasta la saga de Rápidos y furiosos con una única expresión y músculos hiperdesarrollados, en medio de batallas sangrientas.
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  • Un viaje de diez metros
    Una cuestión de sabores

    Con el sello del director sueco Lasse Hallstrom, llega esta comedia romántica que a partir del arte culinario pone en boca del espectador una historia sobre el exilio, el choque de culturas y el amor.

    Con la producción de Steven Spielberg y Oprah Winfrey, la película sigue a una familia de la India que llega a una aldea parisina y abre un restaurante: La maison Mumbai. Sin embargo, el caos se desata porque a metros se levanta un resto clásico regentado por Madame Mallory (Helen Mirren). Los recién llegados, el padre (Om Puri) y Hassan Kadam (Manish Dayal) a la cabeza, tendrán que superar varios obstáculos cuando ambas culturas se integran y cambian el curso de los acontecimientos.

    Un viaje de diez metros tiene el denominador común de los trabajos del creador de Las reglas de la vida y Siempre a su lado: un cuidadoso desarrollo de la historia y personajes que movilizan y emocionan. El choque de usos y costumbres aparece condimentado -en la medida justa- con toques románticos que no empalagan el relato escrito por Steven Knight, sobre la novela de "The Hundred-Foot Journey".

    Entre fuegos artificiales y cambios de iluminación en la fachada del restaurante, están los platos con sabores desconocidos -las verdaderas estrellas- que encienden los paladares de los comensales. Se destaca, como siempre, una intérprete de lujo como Helen Mirren, bien acompañada por el joven cocinero encarnado por Manish Dayal.
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  • El ardor
    El ardor
    Todo lo ve
    Cuando la sangre brota

    Un argumento que parece trillado es el elegido por Pablo Fendrik para su tercera película ambientada en la selva y con el mexicano Gael García Bernal como protagonista y productor.

    El actor de Amores Perros y Diarios de motocicleta es Kai, una suerte de jaguar humano que emerge de la naturaleza y llega a una plantación de tabaco donde viven un padre (Germán Da Silva) y su hija (Alice Braga, la brasileña vista en Depredadores y Elysium). Su precisión y agilidad encienden cuando un grupo de forajidos (entre ellos Claudio Tolcachir, Jorge Sesán, Julián Tello e Iván Steinhardt) irrumpe para apoderarse de las tierras y empieza su masacre.

    El ardor, un western selvático que funciona casi sin diálogos, va intensificando el clima de inminente peligro que enfrentan tanto Kai (que le brinda un tono entre ecologista y místico a la historia) como la joven secuestrada por los malvados de turno.

    El realizador Pablo Fendrik (El asaltante y La sangre brota) no narra con demasiada prisa y va concentrando las dosis de violencia en un desenlace que parece salido de una vieja película del oeste. Entre machetazos, armas y una motosierra que coloca a los enemigos en un lugar de amenaza constante, la película encuentra en el marco escenográfico natural el espacio ideal para desarrollar su mezcla de acción y aventuras. La construcción de planos y miradas alteran, junto al sonido de los disparos, la paz del lugar.
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  • Nuestro video prohibido
    Una larga publicidad de Apple

    La presencia de Cameron Diaz junto a Jason Segel (uno de los actores de comedia más destacados de la televisión) bajo la dirección de Jake Kasdan repitiendo la fórmula de Malas enseñanzas (Bad Teacher), en una comedia que gira en torno al desgaste de la pasión y el sexo en una pareja producido por la convivencia y los hijos, sumado a los problemas de internet propios de nuestro actual mundo tecnológico, prometía entretenimiento y taquilla asegurada.

    Una pareja que tras diez años de matrimonio y con dos hijos ha perdido la intensa chispa sexual, decide reavivar la llama de la pasión grabando un video porno casero con su nuevo iPad. Pero los nuevos atributos del dispositivo y las tendencias tecnologías actuales aran que por error dicho video acabe en manos de varios de sus familiares, amigos y conocidos.

    A pesar de estos interesantes disparadores, quien roba protagonismo y pasa a ser el verdadero eje del relato es Apple (intenten contar la cantidad de “casuales” primeros planos y veces que se mencionan sus productos).
    No solo que los iPad inician, desarrollan y finalizan la historia, sino que cuenta con un gran número de situaciones forzadas únicamente para apreciar las virtudes de ese dispositivo.

    Considerando que es una comedia, Nuestro video prohibido podría haber explotado más sus disparadores temáticos, como la propagación viral de una grabación porno doméstica, los finos límites de la privacidad y una generación que a los 40 años debe lidiar con una realidad tecnológica en la que niños de 12 años los pasan por arriba.
    Sin embargo, la película se vuelve predecible, con diálogos insulsos, con pocas situaciones de enredo típicas del género y encima completamente inverosímiles (nadie puede creer que los servidores de una compañía completamente de internet estén todos juntos y a pasitos de donde viven los protagonistas, mucho menos que el dueño de YouPorn este allí por la noche y ante un siniestro se apiade justo de la familia), volviéndose protagonista absoluto Apple y como sus productos signan la vida de los ciudadanos (desde un iPad hasta el Flash Pen Drive).

    La belleza y oficio para la comedia de Cameron Díaz no alcanzan para una película que tras una apariencia transgresora desaprovecha material y termina siendo más bien conservadora y políticamente correcta, con algún que otro momento divertido y donde la anécdota más destacada fue el desnudo de Cameron que deja ver zonas poco vistas del cuerpo de esta actriz de 42 años (si realmente es ella).
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  • Los indestructibles 3
    Equipo nuevo y viejo enemigo

    Sin la dirección de Sylvester Stallone, vuelve el equipo de mercenarios con más estrellas y con una misión que los lleva a descubrir los orígenes de su formación. Sin Bruce Willis, el film reúne una vez más a Jason Statham, Arnold Schwarzenegger, Dolph Lundgren, Randy Couture, Jet Li, a los que se suman Wesley Snipes, Antonio Banderas, Harrison Ford, Mel Gibson, Kelsey Grammer y Kellan Lutz (Crepúsculo), entre otros.

    El choque entre lo nuevo y lo que queda de la "vieja escuela" impulsa el relato dirigido por Patrick Hughes, rodado en Bulgaria, que enfrenta a Barney (Stallone) con su propio equipo cuando decide formar una unidad con sangre nueva, rapidez y equipos de alta tecnología (¿Qué llevas en tu muñeca, una computadora?) para salir tras los pasos de un peligroso traficante de armas (Gibson) al que se creía muerto.

    El guión de Creighton Rothenberger y Katrin Benedikt (La caída de la Casa Blanca) juega con la acción espectacular (la secuencia del edificio sobre el desenlace), los diálogos chistosos que no se detienen sólo en bromas sobre la edad, sino en situaciones que afrontan los personajes en la vida real (Wesley Snipes liberado de prisión tras su evasión impositiva) y en un verborrágico Antonio Banderas que posa para la cámara, baila y enloquece a todo el grupo con sus relatos.

    Aunque sigue siendo efectiva en sus escenas de gran despligue, el film ya muestra algunos síntomas de cansancio y queda un escalón por debajo de sus antecesoras. Una vez más, las estrellas disparan, se suben a un tanque de guerra y corren en medio de una serie de explosiones para mantener vivo el género.
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  • Relatos salvajes
    Cómo encender la furia

    Un más que bienvenido regreso del director Damián Szifrón a la pantalla grande con seis historias que se nutren de varios géneros para embarcar al público en un vuelo sin escalas que tiene como destino la violencia.

    Relatos salvajes funciona como una "olla a presión" a punto de estallar y lo hace a través de historias que no están conectadas entre sí, con personajes muy disímiles y que reaccionan antes situaciones extremas. Como un eficaz cóctel, la película da en el blanco y crea climas exasperantes que van del humor negro y las acciones imprevistas hasta la furia desatada.

    Luego de una presentación que identifica a cada uno de los nombres de los actores con diferentes animales, el espectador se embarca primero en un avión y durante un vuelo en el que todo se descontrola cuando un pasajero (Darío Grandinetti) entabla una conversación casual con una desconocida. El cuento, que precede a los títulos, desborda humor y hechos inesperados.

    El segundo relato, alimentado por un clima de suspenso y terror, invita a un restaurante de ruta en el que una moza (Julieta Zylberberg) y su cocinera (Rita Cortese) reciben como único comensal a un candidato a intendente (César Bordón) durante una noche tormentosa.

    La ruta salteña funciona como el escenario ideal para que un automovilista (Leonardo Sbaraglia) sufra un altercado con otro sin imaginar las consecuencias del vertiginoso encuentro. En el cuarto eslabón, un ingeniero experto en demoliciones (Ricardo Darín) intenta recomponer su situación familiar mientras lidia con una grúa que le lleva el auto, para pasar luego al trágico hecho que cambia para siempre la tranquila vida de un matrimonio acomodado (Oscar Martínez y María Onetto) que inicia una oscura negociación para salvarse. Y para el postre, encontramos a una novia (Erika Rivas) que sufre el desencanto de su vida en medio de su fiesta de casamiento, empujando a los invitados hacia la catástrofe.

    Relatos salvajes funciona desde el primer minuto hasta el hipnótico desenlace por la solidez de sus fragmentos, las logradas actuaciones (se destaca también Osmar Nuñez en su rol de abogado) y el ritmo que nunca decae. A lo largo de casi dos horas, el público se sentirá identificado ante las injusticias, las luchas de clases y la burocracia que se adueñan del relato y encienden un clima enloquecedor potenciado por la música de Gustavo Santaoalla.
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  • Tortugas ninja
    Tortugas ninja
    Todo lo ve
    Personajes que aún están en forma

    El cuarteto de populares tortugas mutantes nacidas en la historieta en los años ochenta vuelve a la pantalla grande con un relato que las coloca a la altura de los últimos superhéroes debido a la mano ágil de Jonathan Liebesman (Furia de titanes 2, Invasión del mundo: Batalla: Los Ángeles) que las muestra en plena forma.

    La ciudad de Nueva York es amenazada ahora ante la liberación de una toxina y los protagonistas, junto a la reportera April (Megan Fox) -que arrastra un pasado oscuro- y su camarógrafo (Will Arnett, de Saturday Night Live) se unen en una aventura para enfrentar al malvado Shredder (William Fichtner, de Prison Break) y a la pandilla del Pie.

    Dejando atrás las alcantarillas y mostrando su costado adolescente a lo largo del film, Raphael (Alan Ritchson), Donatello (Jeremy Howard), Leonardo (Pete Ploszek) y Michelangelo (Noel Fisher) se lucen en una película que funciona por los gags y las espectaculares secuencias de acción.

    En ese sentido, el realizador deja lo mejor para el final: la caída de un camión por la ladera de una montaña nevada hasta el borde un precipio está muy bien resuelta y transmite vértigo y adrenalina, al igual que el enfrentamiento entre los héroes y Shredder en la azotea de un edificio. Eso sí, después de varias caídas, golpes y peleas, April siempre luce con su pelo ordenado y el maquillaje impactante.

    Estas tortugas cumplen con lo que prometían y, despúes de una exitosa apertura el último fin de semana en los Estados Unidos, anuncian su regreso para el 2016.
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  • Líbranos del mal
    Las puertas del infierno

    El director Scott Derrickson muestra el mundo amenazado de un policía del Bronx y examina los orígenes del Mal a lo largo de un relato que juega con las posesiones y los exorcismos.

    Líbranos del mal, la nueva creación del director de El exorcismo de Emily Rose y Sinister, comienza con tres soldados que luchan en la guerra de Iraq, entran a una cueva y se topan con algo inesperado y maligno. A partir de allí la acción pasa a la actualidad en Nueva York, con el policía Ralph Sarchie (Eric Bana), quien vigila de cerca el Bronx e investiga un extraño caso de sucesos paranormales ocurridos en un zoológico.

    Con la ayuda del sacerdote jesuita Mendoza (Edgar Ramírez, de Furia de Titanes), Ralph irá ordenando las piezas de un caso que amenaza su vida y la de su familia cuando inesperadamente se abren los portales del mismísimo infierno.

    El film, que combina policial y terror, acumula escenas impactantes, sobresaltos, personas poseídas que deambulan en la jaula de los leones, una niña -hija del protagonista- amenazada por sonidos y presencias extrañas, rostros deformados y un exorcismo realizado en una comisaría, en medio de diálogos que ponen de manifiesto el enfrentamiento entre la razón y la fe.

    Los mejores momentos los alcanza cuando juega con los miedos infantiles y une las piezas del rompecabezas que explora el trillado tema de los exorcismos. Aún con sus desniveles, la experiencia resulta, al menos, inquietante en la creación de climas y la recomposición de la familia. En el elenco sobresale el venezolano Edgar Ramírez, que se carga la cruz y la pelìcula al hombro, y deja a Eric Bana en un segundo plano. A echar al demonio se ha dicho!.
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  • Guardianes de la galaxia
    Un quinteto peculiar

    Otra aventura de Marvel asoma a la pantalla con este peculiar quinteto de protagonistas que arrastra un pasado oscuro mientras lucha contra las fuerzas del Mal para devolver la paz a la galaxia. El director James Gunn (quien viene de la comedia con Super y uno de los segmentos de Proyecto 43) no parecía el indicado para trasladar el universo de los superhéroes en una aventura vertiginosa, pero el resultado es más que disfrutable.

    Al sufriente mundo de personajes poco comunes que no encajan en el sistema se suma una mirada nostálgica en la que la musica cobra protagonismo dentro de la historia. El temerario Peter Quill (Chris Patt) se apodera de una misteriosa esfera codiciada por el villano Ronan (Lee Pace) y se une a un cuarteto de singulares criaturas: Rocket (con voz de Bradley Cooper), un mapache pistolero; Groot (voz de Vin Diesel), un humanoide con forma de árbol; la mortal Gamora (Zoe Saldana) y el gigantesco Drax el Destructor (Dave Bautista).

    Si algo tiene Guardianes de la Galaxia más allá de sus espectaculares secuencias de acción y enfrentamientos son los toques de humor,el espíritu de viejas películas del género, el drama (la relación de Peter Quill con su madre) y la sensibilidad impresa en las criaturas creadas digitalmente como Rocket y Groot, el árbol que con sus largos brazos protege al resto de sus compañeros.

    Con las participaciones en roles secundarios de Michael Rooker, Glenn Close y Benicio Del Toro como The Collector, la superproducción llega angelada por los anteriores éxitos de la compañìa y anuncia su regreso.
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  • 12 horas para sobrevivir
    Liberar nuevamente a la bestia

    El año pasado se conoció 'La noche de la expiación', una película protagonizada por Ethan Hawke en donde la criminalidad no existía debido a una ley que permitía una vez al año, y durante doce horas, cometer crímenes con total impunidad.

    Sin elenco conocido, llega la secuela titulada 12 horas para sobrevivir, en la que la acción y el suspenso se apoyan y desarrollan -a diferencia de la anterior- en espacios abiertos, en calles desiertas habitadas por personajes enmascarados que deambulan con armas, hachas y lanzallamas para atrapar a sus presas en esta "noche de purga" en la quedan suspendidos la asistencia social, los servicios de emergencia y el accionar policial.

    La noche vertiginosa une los caminos de una madre y su hija adolescente obligadas a abandonar su casa para ser ejecutadas; un justiciero solitario que recorre la ciudad a bordo de un auto blindado y una pareja que queda a la deriva cuando su auto se descompone minutos antes de la sirena que anuncia el caos generalizado.

    Con mejores situaciones de suspenso y con un logrado desarrollo del concepto aplicado en el film original, el director James DeMonaco sale mejor parado en este segundo eslabón sobre la violencia urbana que no parece tener fin en el año 2023, mientras alimenta la bestia escondida en almas perturbadas que son capaces de apretar el gatillo o tomar un bate para asesinar a sus indefensas víctimas.

    Con un eco de Los guerreros, de Walter Hill, la película mantiene el nerviosismo hasta el final, se permite algunos sobresaltos y muestra la perversidad que asoma también en círculos aburridos de tanta comodidad económica. En tanto, la clave consiste en escapar...
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  • El planeta de los simios: Confrontación
    La supervivencia de dos bandos

    La secuela del éxito de 2011, ambientada diez años después, comienza cuando un virus aniquila la vida de millones de humanos mientras que la creciente comunidad simia liderada por César se refugia en el bosque Muir. El director Matt Reeves (Cloverfield y Déjame entrar) plasma un relato sobre la supervivencia en tiempos caóticos.

    En el bando humano están Malcolm (Jason Clarke), un ex arquitecto que ha perdido a su esposa mientras cría a su hijo adolescente; su novia Ellie (Keri Russell), una enfermera, y Dreyfuss (Gary Oldman), el líder de la colonia humana que resiste en las ruinas del centro de San Francisco. El cruce con César (Andy Serkis) encenderá una ola de violencia que pone en jaque la confianza entre ambos bandos.

    El planeta de los simios: Confrontación coloca a los personajes al borde de una guerra y lo interesante de la trama descansa en la ola de traiciones y en los focos rebeldes que se generan también en el interior de cada uno de los grupos. Quizás menos grandilocuente que su antecesora, este nuevo eslabón de la saga que comenzó en 1968 administra muy bien los resortes de la acción y los momentos emotivos, resaltando los valores de la familia y la lealtad.

    Por su parte, el villano de la trama, Koba (Toby Kebbell), el chimpancé con cicatrices que fue carne de los experimentos realizados por humanos, está muy bien construído y dispara la historia hacia costados más violentos. A través de la técnica de captura de movimiento -que al igual que los simios de ficción evolucionó en los últimos años- las criaturas se ven más reales que nunca.

    Entre el mundo idílico y amenazado que los monos levantan afuera de la ciudad, los progresos que experimentan en el lenguaje y un nuevo orden que se instala en el poder, la película dejará más que satisfechos a los seguidores de la saga y a la espera de una tercera entrega.
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  • Socios por accidente
    Unidos por un código

    Este producto pensado para el público menudo juega con la típica "pareja despareja" que tantos buenos títulos ha dejado el cine norteamericano. En los papeles protagónicos aparecen dos figuras de mucha popularidad como José María Listorti (también productor del film) y Pedro Alfonso, unidos en una trama que acumula toques de humor, gags físicos y algo de acción.

    Algunas buenas ideas provienen de la dirección de la dupla que integran Fabián Forte (La Corporación) y Nicanor Loreti (Diablo), hacedores de productos de género, quienes aplican las fórmulas a una historia que, por momentos pierde ritmo y coherencia, pero entretiene con su cuota de ingenuidad.

    Un traductor (Listorti) de lengua rusa, que tiene bajo su cuidado a una hija adolescente y lidia telefónicamente con su ex mujer (Anita Martínez), es reclutado casi a la fuerza por un agente de Interpol (Alfonso), casualmente la actual pareja de su ex esposa. Entre los deseos de convertirse en un padre ejemplar y en plena competencia con el padrastro de su muchacha, la misión lo llevará por caminos peligrosos y hasta por tierras misioneras, escapando de la policía y del líder de una banda que quiere una clave que sólo él puede descifrar.

    Socios por accidente sigue la línea de producciones nacionales como la saga de Los Superagentes (más acción no le habría venido nada mal) y los aciertos pasan más por su factura técnica (se apoya en efectos de sonido y en unos cuantos tiroteos) que por una trama que se mueve entre la torpeza y los miedos de un padre que ha dejado sola a su hija mientras cumple con una misión que debe resolver por obligación. El personaje de Listorti, Matías, encuentra más lucimiento cuando afloran sus temores en situaciones extremas, mientras que Alfonso juega al experimentado y duro agente sin demasiados recursos. Y ahi están, unidos por un código en este film liviano que al menos busca otros caminos para capturar al público en las vacaciones invernales.
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  • Mi gran oportunidad
    El amor por la ópera

    Al igual que la famosa historia que transformó en una estrella a Susan Boyle, esta película inglesa habla de la increíble vida de Paul Potts, un tímido vendedor de celulares que tiene pasión por la ópera amateur y que, luego de sortear varios obstáculos, llega a presentarse en el Britain´s Got Talent, de Simon Cowell, también productor del film.

    Mi gran oportunidad (Once Chance) es el típico relato de superación personal y tiene varios puntos de contacto con Billy Elliot, donde también trabajaba Julie Walters, acá como la madre de Paul (James Corden), el muchacho obeso que sufre el bullying y la incomunicación con su padre en un ambiente de obreros metalúrgicos de la Gales de los años noventa.

    El film comienza y desarolla las situaciones de manera ágil, en tono de comedia (el encuentro del protagonista con su novia en la estación de tren) y con momentos que apuntan a la emoción, perdiendo un poco el rumbo sobre el final, pero no por eso deja de ser resultar efectiva gracias a las buenas actuaciones.

    Al ambiente hostil y la poca confianza que se tiene Paul con su canto, se suma una madre sobreprotectora, una novia que conoció a la distancia, un viaje a Venecia y una pandilla que lo hostiga desde la niñez. En ese entorno se mueve el personaje central, quien luego de presentarse en el certamen se convirtió en un fenómeno de YouTube.

    James Corden, visto en Los viajes de Gulliver y Los tres mosqueteros, consigue empatía con el espectador en odisea que no deja el romance de lado y utiliza el amor por la ópera como excusa para emprender un camino hacia los sueños. Y el director David Frankel (El diablo se viste a la moda) se despacha a su gusto entre góndolas, escenarios, comida rápida y Luciano Pavarotti (encarnado por Stanley Townsend).
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  • El tercero
    El tercero
    Todo lo ve
    Entre el chat y la cama

    La seducción, el deseo, el juego con la web cam, la exposición del cuerpo y el posible encuentro sexual con desconocidos es el motor del segundo largometraj del realizador cordobés Rodrigo Guerrero después de El invierno de los raros.

    Muy acorde a los tiempos que corren, donde las relaciones son fugaces y los encuentros se dan sin compromisos, Fede (Emiliano Dionisi) chatea durante los primeros minutos de la película para concretar sus fantasías con una pareja (Nicolás Armengol y Carlos Echevarría) de ocho años de convivencia. El departamento se convierte en el escenario donde transcurre la acciòn, contada en muy pocas tomas, con un clima casi teatral y de aparente improvisación en los diálogos. Allí los tres personajes cenan, seducen y encienden la sexualidad quizás como una manera de escapar a la rutina. En el transcurso de la noche, Fede vive una experiencia intensa y reveladora que le muestra una nueva forma de amar.

    El tercero no pretende contar una gran historia, sólo expone y no juzga las acciones de los personajes. La inocencia y la experimentación en un terreno que desconoce pone al joven en un juego que lo atrae y asusta, entre miradas y charlas que preparan el clima íntimo que los acerca.

    Sin un gran conflicto que explotar y sin llegar a las escenas de sexo explícito vistas en la reciente El desconocido del lago, el film muestra pero juega con el off mientras explora la noche afiebrada del trío en cuestión.
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  • Oculus
    Oculus
    Todo lo ve
    El espejo siniestro

    Una aproximación al terror que escapa a algunos de los convencionalismos del género es la que propone el director indpendiente Mike Flanagan, el mismo de Ausencia.

    Con un espejo maldito como elemento de unión entre el pasado y el presente, el realizador construye un relato que perturba e inquieta al plasmar la vida de dos hermanos que conocieron la tragedia familiar. Tim (Brenton Thwaites) tiene 21 y durante los últimos once años estuvo encerrado en un instituto psiquiátrico acusado de asesinar a su padre. El presente lo une con su hermana Kaylie (Karen Gillan, de la serie Dr Who), obsesionada con un espejo conocido como el Lassar, que originó la tragedia familiar y terminó con la vida de todos sus dueños desde 1754.

    Oculus desata una fuerza sobrenatural maligna y refleja las situaciones que afrontan los protagonistas de manera distorsionada, dando la información necesaria al espectador hasta el inquietante desenlace. Atípica en su narración , acumulando algunos sobresaltos y haciendo hincapié en los temores infantiles sobre un orden cotidiano alterado, la película tiene sus méritos en un año en el que el terror no ha brillando por su imaginación.

    En medio de alucinaciones (¿Kaylie come una manzana o una lamparita eléctrica?) y de un clima terrorífico al estilo de El resplandor, con dos chicos escapando de un padre enloquecido y madre poseída, la historia va reconstruyendo lo que pasó tiempo atrás a partir de un presente que tampoco parece demasiado alentador.

    En el elenco sobresale Annalise Basso, como la pequeña Kaylie, una niña que transmite la desesperación a cada instante, en este rompecabezas diabólico en el que los juegos de la mente también se guardan sus trucos. Hay que seguir de cerca los trabajos de Mike Flanagan: Somnia se anuncia para el año próximo.
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  • La invocación
    La invocación
    Todo lo ve
    La casa maldita

    Toda casa esconde una historia y también una tragedia. Ese es el punto de partida de este film de terror que sigue los pasos de una familia que se muda a un nuevo hogar y encuentra el horror.

    La invocación (Haunt) sigue el lineamiento de las típìcas películas del género a partir del relato en off de una mujer que sobrevivió a los asesinatos cometidos en esa casona años atrás. Evan, el hijo adolescente de los recién llegados, se une a una joven vecina y juntos comienzan a explorar una casa que encierra varios secretos y logran comunicarse con los "espìritus" que claman su venganza.

    Con esta estructura, la película juega con los sobresaltos, con un fantasma que deambulla por la casa y con los miedos infantiles, pero sólo logra algunos buenos momentos, perdiendo luego fuerza y dejando a la deriva a una historia que prometía más escalofríos.

    La acumulación de flashbacks para explicar lo sucedido (cuando se adivina a la media hora de proyección), la ausencia de un villano o criatura que realmente asuste al espectador (más alla de todos los fantasmas que desfilan por la pantalla) y una caja que registra voces del "más allá" son algunas de las piezas a las que el director recurre en este nuevo exponente del terror.

    Desde Ecos mortales hasta acá, mucho se ha filmado sobre el tema pero pocas han dado en el blanco. Al buen comienzo de La invocación le sigue un material que el público conoce de antemano y que aquí no logra demasiados sustos. Los buenos climas generados en el ático que habita el adolescente, la preocupación de una madre por la vecina de al lado y una presencia a la que se denomina "Ella", conforman el ténebre universo de otra casa madita.
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  • El pacto
    El pacto
    Todo lo ve
    Terror que iba por el buen camino

    Una presencia fantasmal que se mueve entre las sombras y un secreto familiar son las claves de la película de terror del debutante Nicholas McCarthy, quien se basó en el cortometraje homónimo que filmó en el 2011.

    Una joven (Caity Lotz) llega a la casa de su madre, recientemente fallecida, para pasar la noche allí junto a su hermana hasta el momento del funeral, pero ésta termina desapareciendo. Todo el comienzo de El Pacto es prometedor y el espectador siente una "presencia" que sigue a la protagonista (la escena en la que ella se comunica vía skype con su pequeña hija y la niña le pregunta: ¿quién está detrás tuyo?), creando una atmósfera de peligro inminente.

    Sin embargo, el buen comienzo narrado con una cámara que explora los recovecos de la casa, en medio de luces parpadeantes y fenómenos paranormales, la foto de una extraña mujer que aparece junto a su madre, y una protagonista que desea descubrir la verdad, pronto se convierte en un producto anodino con personajes poco atrapantes, y con una segunda historia que ocupa un lugar preponderante y quita tensión al relato. Los espíritus que se manifiestan para guiar a los personajes y llegar a resolver los misterio que encierra la trama dicen presente una vez más.

    Si bien El Pacto se apoya en la creación de climas a través de paneos violentos, cruces que se caen y un siniestro personaje que espía desde la oscuridad de una habitación, no alcanzan para espantar al público y todo se vuelve rutinario. Si hay algo para agradecerle a la película es que no exhiba el explotado recurso de la cámara en mano que registra los hechos o el tan de moda "archivo encontrado" al que nos tiene acostumbrados el género.
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  • Amapola
    Amapola
    Todo lo ve
    El teatro dentro del cine

    Inscripta en el realismo mágico, la película escrita y dirigida por Eugenio Zanetti atraviesa tres épocas claves en la historia argentina pero su historia trasciende las barreras del tiempo para hablar de la niñez, la adolescencia y del pasado perdido.

    Amapola, del ganador del Oscar por Restauración, tiene un inspirado clima de cuento de hadas, en el que los personajes juegan al "teatro dentro del cine" en el majestuoso hotel -que da título al film- enmarcado en El Tigre. El cineasta reunió a un elenco de actores nacionales e internacionales como Camilla Belle (vista en la segunda parte de Jurassic Park y en la remake de Cuando llama un extraño), Geraldine Chaplin y Francois Arnaud. Los padres de Amapola, el personaje central, están encarnados por Lito Cruz y Leonor Benedetto, a los que se suman Elena Roger, Nicolás Pauls, Luciano Cáceres, Nicolás Scarpino, Juan Acosta y Esmeralda Mitre.

    El gran hotel prepara las funciones de Sueño de una noche de Verano, de Shakespeare, en el marco de turbulentos hechos: la muerte de Eva en los 50, el golpe de estado del 66 y la Guerra de Malvinas en 1982. La joven Amapola es transportada al futuro para ver su propia decadencia y la de su familia en una travesía en la que deberá también encontrar a su verdadero amor.

    Amapola es una película que seduce desde sus imágenes (los atardeceres o el marco estético que envuelve a los integrandes del elenco de la obra Sueño de una noche...), y su atmósfera casi ingenua donde se fusiona la ficción con lo que ocurre en ese lugar casi idílico (donde también se comete un robo). La trama queda desdibujada, en medio de la mezcla de idiomas y nacionalidades, y devorada por la fotografía, la verdadera estrella del film.
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  • A million ways to die in the west
    Locuras en el Far-West

    Con el sello del director de "Ted", Seth McFarlane, llega esta parodia al western en la que la débil trama deja lugar a los gags más disparatados y anacrónicos con un elenco de primeras figuras.

    A Million Ways to Die in the West gira alrededor de Oveja Negra (MacFarlane), un granjero que es abadonado por su novia (Amanda Seyfried) y que termina enamorándose de una experta tiradora (Charlize Theron) y esposa del asesino Clinch (con un Liam Neeson en alusión directa a Eastwood) que llega al pueblo para sembrar el caos.

    Con las infaltables escenas de duelos y peleas de saloon, la película entrega personajes graciosos (el ingenuo Edward encarnado por Giovanni Ribisi y enamorado de su novia, la prostituta Zorra del Oeste) y situaciones que funcionan a manera de sketches, como el sueño fantástico del protagonista entre ovejas que levantan vuelo.

    La otra pata en la que descansa la película son los toques escatológicos (mejor no describirlos) y las escenas sangrientas que emulan a títulos clásicos del género. El film se permite además los cameos de una popular figura de una película de ciencia-ficción que también vistó el Lejano Oeste o la del actor que aparece después de los créditos. Tampoco falta la presencia de Wes Studi como el jefe indio.

    Con este marco, el creador de Padre de familia se divierte como un niño y sus balas dan el blanco cuando juega a la parodia desmesurada, sin filtros y con un humor directo que llega al espectador. El resto levanta polvareda entre cabalgatas, persecuciones, amores cruzados y hechizos indígenas.
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  • Maléfica
    Maléfica
    Todo lo ve
    Había una vez...otro cuento

    Con una atrapante vuelta de tuerca sobre la historia de La Bella Durmiente, la nueva película de Disney es un regreso al cuento clásico de hadas, habitado por criaturas angelicales y monstruosas en tierras fantásticas. El director Robert Stromberg, quien debuta en la`pantalla grande luego de una amplia carrera en el diseño de efectos visuales y en el departameno de arte de exitosas películas, imprime su visión mágica a partir de la interesante duallidad que presenta el personaje central.

    Maléfica (Angelina Jolie), una hada adolescente que vive tranquila en su tierra y alejada de los humanos, es traicionada (le roban el amor y le cortan las alas) y lanza una venganza contra el ahora Rey Stefan (Sharlto Copley) y una maldición contra Aurora, la hija recién nacida de los Reyes. Sin embargo, Maléfica descubre que Aurora, convertida en una jovencita (Elle Fanning), es la única clave para lograr la paz en el reino.

    Con influencias de Barbarella (1968), la película dirigida por Roger Vadim y protagonizada por Jane Fonda, el relato presenta a las simpáticas criaturas de El Páramo, el lugar idílico que luego conocerá las sombras. Por la pantalla desfilan además el cuervo que acompaña a Maléfica (Sam Reiley) y el trío de hadas que hacen más placentera la vida de Aurora cuando es criada en una casa de campo alejada de los peligros que se ciernen sobre el Castillo.

    Como en toda película fantástica no faltan los vuelos, los árboles retorcidos (muy del estilo que tan bien acuñó Tim Burton) que cobran vida y las raíces que forman una extensa muralla que divide los mundos tan opuestos que plantea la trama. A la eficacia de la narración que nunca decae -desde el prólogo con una Maléfica joven e ingenua preocupada por los seres de su tierra-, se suma al ambición desmedida de poder y la traición de Stefan, el único humano que pudo acercarse al ser alado devenido en la "malvada" del film.

    Los majestuosos escenarios (parecen salidos de El señor de los Anillos) equilibran el costado oscuro y luminoso de la historia, con la voz en off que afirma "Había una vez..." pero presentando una historia que nunca fue contada.

    El público femenino encontrará en Maléfica y Aurora, la historia de una transformación con el marco ideal que ofrece el cine de aventuras, repleto de enfrentamientos, peligros, hechizos, dragones, príncipes y personajes que mutan su forma con la rapidez de un truco de magia. Por su parte, Angelina Jolie impacta con su presencia alada (la escena de ella en las alturas es de extrema belleza), sus cuernos, su capa y su mirada fulminante que va del odio a la compasión.
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  • Aire libre
    Aire libre
    Todo lo ve
    Crisis de pareja

    Lucía (Celeste Cid) y Manuel (Leonardo Sbaraglia) están casados, tienen un hijo pequeño y quieren concretar un viejo sueño que los saque de la rutina: construír una casa con jardín en las afueras de la ciudad. Sin embargo, mientras se va "construyendo" esta nueva realidad también la pareja se derrumba.

    Con este punto de partida, el nuevo film de Anahí Berneri, quien antes filmó Un año sin amor, Encarnación y Por tu culpa, explora el tema de las relaciones en crisis y toma como rehén al hijo que los une. Si bien los protagonistas tienen la mente en el nuevo "hogar dulce hogar", también descuidan el vínculo que los une: Manuel se evade, va a la casa de sus padres y encuentra refugio en la familia de un obrero suyo que tuvo un accidente; mientras Lucía se instala en la casa de su madre (Fabiana Cantilo) y pierde el rumbo. Ambos exploran, a su manera, nuevos mundos y olvidan al niño que parece no tener su espacio en medio de una crisis que progresa a la par de cada ladrillo.

    Aire libre es un drama familiar y con escenas intensas (cuando los padres se olvidan al hijo en la nueva morada) pero resulta errante (los personajes cambian de casas, escenarios, y eso confunde al espectador) en medio de una historia que se apoya en las atuaciones de la dupla protagónica.

    Entre el vértigo de la ciudad, la velocidad de una moto y una violencia solapada que aflora ante la falta de deseo, Aire Libre es una reflexión generacional acerca del amor y la adultez, la fidelidad y la traición, pero sin los climas y la atmósfera dramática que Berneri consiguió en sus anteriores trabajos. La presencia de una pareja vecina (nuevamente Erica Rivas, vista en Por tu culpa) que espera un bebé funciona además como un espejo invertido de las paredes que Lucía y Manuel intentan, sin suerte, revocar.
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  • X-Men: Días del futuro pasado
    Un futuro apocalíptico inicia la acción de esta nueva entrega de los superhéroes dirigida por Bryan Singer, un realizador que enhebra las dos primeras películas y pasa directamente al enfrentamiento sin rodeos ni explicaciones innecesarias.

    X-Men: Días del futuro pasado, secuela de Primera Generación y de X-Men: La batalla final muestra a los personajes conocidos por los fans de la saga uniendo fuerzas frente a Trask Industries (con Peter Dinklage, de la serie Juego de Tronos a la cabeza), creadora de los “Centinelas”, las máquinas que gobiernan el futuro.

    El film juega con los viajes en el tiempo, ya que Wolverine (Hugh Jackman) es enviado a la década del 70 (con buena reconstrucción y detalles de época) para impedir la masacre que se avecina. En la trama también cobran protagonismo Mística (Jennifer Lawrence), Nicholas Hoult (Hank /La Bestia) y Ellen Page (Kitty) junto a Magneto adulto y joven (Ian McKeller y Michael Fassbender), Charles Xavier adulto y joven (Patrick Stewart y James McAvoy). Todos enfrentados consigo mismos.

    Con buenos recursos técnicos, la mano segura de Singer para mostrar un universo que conoce a la perfección y todo un entramado que dejará contentos a los seguidores en medio de una historia que presagia el asesinato de un senador, este nuevo eslabón esconde una escena final después de los créditos.
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  • No se aceptan devoluciones
    Un hombre y un biberón

    La comedia protagonizada y dirigida por Eugenio Derbez fue un éxito en México y también entre el público latino en los Estados Unidos el año pasado y el motivo es, sin dudas, el tema que aborda: la inmigración ilegal en el país del norte.

    Con una mezcla de registros que van de la comedia burda al drama familiar lacrimógeno, la historia sigue los pasos de Valentín (Derbez, un actor que viene de la televisión), un mujeriego incorregible e inmaduro que no perdona a cuanta mujer se cruza en su camino. Pero las cosas se complican cuando recibe a Julie (Jessica Lindsey), una norteamericana que asegura que la pequeña que tiene en brazos es fruto de una efímera relación que mantuvo con ella.

    No se aceptan devoluciones enfrenta a Valentín con sus miedos más íntimos (el comienzo muestra la relación conflictiva con su padre) y emprende un viaje alocado a Estados Unidos para devolver a la pequeña al seno materno. Con la beba a cuestas, haciendo dedo y ganándose la vida como doble de riesgo en el cine (quizás lo único divertido de la película), Valentín ve que su vida se transforma en la convivencia diaria con la niña.

    Material como para explotar una comedia de corte familiar había de sobra, pero el director elige el trazo grueso para pintar las situaciones (algunas escatológicas) y los personajes, y todo aparece salpicado por una música edulcorada. Los diálogos también se pierden en varias incoherencias con la intención de provocar la risa del espectador.

    Para rematarla, al golpe bajo y gratuito del final (forzado) se suma a la idea de la reunión familiar que "reacomoda" las piezas de una travesía tan kilométrica como indigesta.
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  • Muerte en Buenos Aires
    Los sospechosos hacen fila

    Con el apoyo de una gran campaña publicitaria que invita al espectador a descubrir al culpable de un asesinato, llega esta película de Natalia Meta (antes productora de Un amor y Las Acacias) ambientada en 1989, en una Buenos Aires sacudida por los cortes de luz.

    El inspector Chávez (el mexicano Demián Bichir, nominado al Oscar como "mejor actor" por Una vida mejor) queda a cargo de la investigación del crimen de Jaime Figueroa Alcorta (Martín Wullich), quien es encontrado muerto en su cama. A la escena llega -anticipadamente- el agente Gómez ("Chino" Darín), un atractivo policía que afronta su primer caso y se convierte en la "carnada" para atrapar al asesino.

    Con estos elementos, la realizadora tiene entre manos una historia situada en un selecto boliche gay, donde hace sus presentaciones musicales Kevin Carlos González (Carlos Casella), el cantante de Manila que era amante de la víctima.

    En Muerte en Buenos Aires todos hacen fila y se convierten en posibles sospechosos de una trama que explota la búsqueda de la identidad sexual, las inseguridades de los personajes (el hombre de familia salvado por el novato)y que sólo muestran la punta del iceberg que esconde una red de narcotraficantes, robos de pinturas y más.

    El film tiene el mérito de ser entretenido, visualmente atrapante e incluye una banda de sonido con temas populares de la década. Y a todo su andamiaje de apariencias engañosas, mundos de neón, miradas seductoras, cámaras ocultas y estampida de caballos en pleno centro financiero de la ciudad, se suman la policía sexy (Mónica Antonópulos), el comisario (Hugo Arana), el juez (Emilio Disi) y la hermana -de alta clase- de la víctima (Luisa Kuliok en una fugaz aparición).

    La trama se expande en varias direcciones y, aunque por momentos no logra cerrar cada una de las historias, propone un juego en el que confluyen la intriga, el suspenso y la pasión. Chino Darìn, en su primer protagónico, sale airoso, seduce y convence con su agente aniñado de La Boca que se debate entre su novia y sus desos más íntimos, en un micromundo violento que está por asomar.
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  • Silencio del más allá
    El efecto poltergeist

    Otro thriller sobrenatural que coloca al espectador frente a sucesos aparentemente inexplicables para la ciencia y articulados -una vez más- a partir del recurso del "material filmado encontrado" al estilo de El proyecto Blair Witch.

    De los mismos productores de Déjame entrar y La dama de negro, el film inglés cuenta con guión y dirección de John Pogue (Cuarentena 2: Terminal) y sigue la historia de un experimento poltergeist realizado en la década del setenta por el profesor Coupland (Jared Jarris, a quien veremos en la remake de Poltergeist el año próximo), quien reúne a sus estudiantes universitarios para investigar a Jane Harper (Olivia Cooke), una chica perturbada que ha canalizado toda su furia en una entidad conocida como Evey.

    Silencio del más alla acumula golpes de efecto (siempre potenciados por el sonido), cámaras que filman sucesos extraños y perturbadores, una joven aislada poseída por una extraña entidad, una casona que encierra un misterio y un pasado en "blanco y negro" que enfrenta a los personajes con un presente aterrador.

    El recurso ya fue utilizado en infinidad de producicones con mejor suerte. En la trama los sobresaltos y la locura a la que están sometidos los jóvenes transmiten un clima enrarecido que los pone a todos como sospechosos. El público encontrará una historia que ya fue contada -basada supuestamente en hechos reales- pero el lado débil es que las situaciones que se salen de control nunca llegan a generar climas o transmitir miedo.
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  • Mujeres al ataque
    Los ángeles de Carly

    La infidelidad y la construcción de vidas paralelas se convierten en el epicentro de esta comedia en la que la venganza se prepara con premeditación y llega de la mano del director Nick Cassavetes, el mismo de Diario de una pasión y La decisión más difícil.

    Alejado del clima dramático de sus anteriores realizaciones, el realizador de ¡Mujeres al ataque! propone un sinfín de situaciones confusas y enredos cuando Carly (Cameron Diaz) descubre que su nuevo novio Mark (el actor de Juego de Tronos, Nikolaj Coster-Waldau) tiene una esposa, Kate (Leslie Mann), a quien ella conoce de manera accidental. La relación improbable entre estas dos mujeres se potencia cuando aparece una tercera en discordia, Amber (Kate Upton) y unen fuerzas para destruír al playboy de buena vida.

    La trama pasa con rapidez del romance edulcorado a gags que resultan efectivos (Cameron Dìaz con sopapa en mano y un taco roto de su zapato) y encuentran sus mejores momentos en la actriz Leslie Mann (Bienvenido a los 40) con sus ataques de nervios o cambio de ánimo por la situación que atraviesa cuando se entera que es engañada.

    Entre cenas con panorámicas neoyorquinas, autos lujosos, cuentas bancarias sospechosas, y una amistad que se forma entre el trío de mujeres, la acción se traslada hasta las Bahamas, donde se llevará a cabo el plan perfecto.

    Estos "ángeles de Carly" encabezan un entretenido producto (al que le sobran algunos minutos) y accionan cuando sus mundos despechados se ven amenzados por la seducción y la mentira.
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  • Muppets 2: Los más buscados
    Los personajes que se ríen de sí mismos

    Estos famosos personajes traspasaron las fronteras del tiempo en épocas donde la animación digital es la que manda. Los muñecos regresan con otra aventura luego de su exitosa serie televisiva realizada en la década del setenta y de varios títulos filmados para la pantalla grande.

    Muppets 2: Los más buscados tiene el mérito de reírse de sí misma a partir de una historia que los traslada por una gira internacional por Berlín, Madrid, Dublín y Londres. En esta ocasión son manejados por el inescrupuloso agente Dominic (Ricky Gervais) que, junto a Cosntantine, el criminal más buscado de Europa (doble de la rana Kermit y fugado de una prisión de alta seguridad en Siberia), planfiica el robo de las joyas de la Corona británica.

    El film acumula varios cuadros musicales (los de la cárcel son graciosos y participan Danny Trejo y Ray Liotta) en clave de parodia, un romance entre Kermit y Peggy que se extiende desde hace años, un agente de Interpol y a la mismísima Tina Fey como Nadya, la malvada guardia de prisión.

    Con estos elementos, James Bobin elabora una pelicula disfrutable y con certeros gags (el crítico sobornado) que se mueve también al compás de los resortes de la intriga y del espionaje internacional, y cuenta con los cameos de Tony Bennett, Lady Gaga, Celine Dion (en un dúo vocal con Peggy), Christoph Waltz, Salma Hayek, Frank Langella, Miranda Richardson y la lista continúa.

    Para no desentonar con los tiempos que corren y para satisfacer a los públicos de todas las edades, el film es acompañado por un cortometraje de Monsters University. En definitiva, estos muñecos eternos siguen haciendo sus rutinas de siempre.
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  • Casi un gigolo
    Casi un gigolo
    Todo lo ve
    Sexo con precio

    El oficio más viejo del mundo practicado por hombres se vio plasmado varias veces en la pantalla grande: Perdidos en la noche, con Dustin Hoffman y Jon Voight; American Gigolo, con un entonces jovencito Richard Gere; y Amante a domicilio, con Ashton Kutcher.

    John Turturro (en su quinta película como realizador) escribió esta comedia pensando en Woody Allen como intérprete y ambienta la acción en pleno corazón de Nueva York, como también lo hubiese hecho el director de Manhattan.

    El resultado es una comedia que aporta una mirada refrescante de humor directo para explorar la búsqueda de la felicidad y el deseo a través del dinero y el sexo -en ese orden- a partir de la decisión que toman sus protagonistas ante una complicada situación económica.

    Fioravante (Turturro) se convierte en un Don Juan que atiende mujeres y ayuda también a su socio y amigo Murray (Allen), el cafishio de la historia que se encuentra en bancarrota. Parece que la sociedad da sus frutos mientras las citas se acumulan: desde una terapeuta encarnada por Sharon Stone (acá también con las piernas cruzadas) o una joven (Vanessa Paradis) con familia entregada con culpa a los brazos de Fioravante.

    Dólares, pasión y la posibilidad de concretar un trío amoroso también desfilan por una trama en la que se destacan Sofía Vergara y Liev Schreiber. Casi un gigolo es un bienvenido producto en el que ambos actores se mueven con soltura, en medio de eficaces gags, y que aborda la prostitución masculina para espanto de la comunidad en la que viven. El film incluye una toma en homenaje a American Gigolo, con un Fioravante enmarcado por piernas femeninas.
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  • 3 días para matar
    Sin salida

    Kevin Costner regresa al género de acción con esta película dirigida por Mc G que cuenta con un guión de Adi Hasak y del prolífico Luc Besson. Tres días para matar tiene una premisa interesante que es explotada al máximo: el tiempo expira para Ethan Renner, el veterano agente de la CIA obligado a alejarse de la institución por el diagnóstico de una enfermedad terminal.

    Este hombre que aprieta el gatillo y arrastra sus propios conflictos, decide intentar acercarse a Zooey (Hailee Steinfeld), su hija adolescente, a quien no ve desde hace años. Sin embargo, la infartante agente especial Vivian DeLay (Amber Heard) hace su aparición para ofrecerle una droga experimental que podría salvarlo a cambio de cumplir una última misión: eliminar a El Lobo ((Richard Sammel). un siniestro personaje que se mueve con impunidad para lograr sus negocios..

    Con una galería interesante de villanos (uno que prefiere decapitar a sus víctimas), arquetipos en el cine de Besson y ahora potenciados por Mc G, la historia tiene su cuota absurda pero resulta entretenida. Así como Renner es capaz de terminar con una legión de maleantes en la habitación de un hotel, también puede enseñarle a su hija a montar una bicicleta.

    Combinando el costado violento del personaje con el de "ingenuo padre de familia" azotado por un enfermedad que lo paraliza en momentos claves, el relato prosigue su marcha entre peleas y persecuciones sin dejar de lado los toques de humor.

    Costner, que reivindica a los maduros en pleno territorio de la acción como Neeson y Stallone, encarna a un antihéroe "sin salida" que corre peligro como en la lograda escena del subte, en medio de un clima de tensión que sostiene el aliento del espectador hasta el desenlace.
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  • Buscando al huemul
    Una historia de resistencia

    "En cuarenta años se va a extinguir" asegura el mapuche Ladislao parado en medio de un majestuoso paisaje del sur argentino mientras inicia la búsqueda del huemul, un ciervo autóctono del que sólo quedan dos mil ejemplares. Todos hablan de él pero casi nadie vio. Junto a su amigo, Ladislao se adentra en las montañas mientras afloran sus pensamientos y se resiste a desaparecer, al igual que el ejemplar que buscan.

    Entre falta de trabajo, fogones, huellas, paisajes nevados en Bariloche, y un marco escenográfico natural registrado con planos abiertos que muestran la pequeñez del hombre, la cámara de Juan Diego Kantor captura a manera de western la cabalgata de sus protagonistas en esta historia pequeña que habla sobre la resistencia. En definitiva, el huemul es sólo una excusa para deslizar otras historias y realizar la radiografía de un hombre en el sur argentino.
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  • Divergente
    Divergente
    Todo lo ve
    Un lugar en el mundo

    La película de acción está ambientada en un futuro post-apocalíptico y se basa en el best-seller de Verónica Roth, que continúa con los libros "Insurgente" y "Leal". Apuntada claramente a un público adolescente y próxima a convertirse en una nueva saga como Los juegos del hambre, Divergente se sitúa en Chicago, donde la sociedad está dividida en facciones según la personalidad de cada individuo: Verdad, Abnegación, Osadía, Cordialidad y Erudición.

    La adolescente Tris Prior (interpretada por Shailene Woodley, de Los descendientes) busca su lugar en este caótico mundo y su personalidad difiere de todo el resto, por lo tanto nunca encajará en ninguno de los grupos.

    La película sigue el entrenamiento al que es sometida cuando ingresa en "Osadía", las pruebas y desafíos (saltar desde un tren en marcha o directamente arrojarse al vacío sin saber lo que hay en el fondo) que tiene por delante, pero no se siente cómoda en esa facción hasta que descubre una conspiración que intenta eliminar a todos los "divergentes", aquellos que se oponen al sistema manejado por Kate Winslet. Para salvarse y salvar a aquellos que ama (madre incluída encarnada por Ashley Judd) tendrá que confiar en Cuatro (Theo James) y derrotar al enemigo.

    El director Neil Burger (El ilusionista, Sin límites) prioriza las panorámicas de una ciudad devastada que sólo permite a las personas ser a una "sola cosa" y no otra, cuando la joven heroína descubre que es una Divergente. La película no ofrece sorpresas y se vuelve tediosa en su primer tramo, ganando interés en los minutos finales cuando el complot se poner en marcha, entre enfrentamientos y persecuciones.

    No hay mucho más en este relato que "borra" las mentes de las personas y las somete a un juego que promete más andanzas de una heroína que, en lugar de arco y flecha, tiene arma y destreza para la lucha. Shailene Woodley es lo mejor de esta entrega y Winslet queda desdibujada como la villana de turno.
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  • Hijo de Dios
    Hijo de Dios
    Todo lo ve
    Una mirada más edulcorada

    Retratar la vida de Cristo no es tarea fácil si se tiene en cuenta que tantas películas abordaron el tema con mayor o menor suerte. Basta recordar el clásico Rey de Reyes (1969), que protagonizó Jeffrey Hunter, y que fue la cita obligada en Semana Santa con sus repeticiones en la pantalla chica; Jesús de Nazareth (1977), de Franco Zeffirelli con un Robert Powell que logró emocionar e identificar a Cristo con su rostro, y la polémica La pasión de Cristo (2004), dirigida por Mel Gibson y con Jim Caviezel en ese rol.

    Ahora es el turno de Hijo de Dios (Son of God), la visión de Christopher Spencer, quien viene de realizar la miniserie La Biblia y sigue al pie de la letra la historia conocida por el público. Sin alejarse de lo tópicos que requiere una producción de estas características (aunque no tiene gran despliegue y las panorámicas no se ven reales), la película comienza con referencias vertiginosas a Noé, Adán y Eva, Moisés y Abraham a partir del relato de Pedro (Darwin Shaw).

    El relato, basado en la miniserie La Biblia, cuenta con el actor portugués Diogo Morgado en el papel de Jesús y se desarrolla desde su origen humilde, sus enseñanzas y milagros hasta la persecucuón de Poncio Pilatos, la crucifixión y la resurrección final.

    Si se la compara con La pasión de Cristo, ésta ofrece una mirada más edulcorada y educativa pensada para captar a mayor cantidad de espectadores, pero el resultado no deja de ser tibio en varios de sus tramos. La aparición de Jesús sobre las aguas está lograda, como así también la escena de la multiplicación de los peces, pero los romanos no son creíbles, especialmente el Poncio Pilatos encarnado por Greg Hicks.
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  • El crítico
    El crítico
    Todo lo ve
    Así en la vida como en el cine

    "Estoy viviendo en un género que no me pertenece" asegura el crítico de cine Víctor Téllez (Rafael Spregelburd) cuando su vida da un giro impensado y no puede afrontar que lo que le ocurre es real, sorprendiendo también a su entorno.

    Sarcástico y cínico, Téllez trabaja como crítico desde hace más de veinte años y percibe el mundo como si él mismo fuera una cámara de cine en esta bienvenida película del director Hernán Guerschuny que apuesta a la comedia romántica desde otra óptica.

    Luego de ser abandonado por su esposa, Tellez encuentra a Sofía (Dolores Fonzi) y su punto de vista comienza a ser otro. De este modo, se verá impulsado a visitar nuevos ámbitos (el teatro under) y a una convivencia que lo sacará de su eje. Toda su concepción sobre el cine y las historias que se de desarrollan en la pantalla grande serán reformuladas y bajadas a una realidad diferente. Ahí es cuando la película se vuelve más divertida, ya que el protagonista se debate entre las críticas benevolentes que hace a películas mediocres, soporta la burla de sus colegas y compañeros en la mesa del café y hasta es capaz de llorar desconsoladamente en una función privada para la prensa.

    El crítico acierta en la creación de los climas y resulta funcional la "voz en francés" que lo atormenta a lo largo de la trama. El director del film, también periodista, conoce muy bien los entretelones del mundo periodístico y los retrata en lugares reconocibles para los integrantes del medio, sin dejar afuera a un público que festejará los gags de esta historia que se mueve entre la cámara lenta y los clichés de un romance que comienza. El juego del "cine dentro del cine" está nuevamente en marcha.

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  • El grito en la sangre
    Gauchos de cuchillo en mano

    Con algunos años de retraso desde su rodaje llega esta película de Fernando Musa que mantiene vivo el espíritu gauchesco y con aire de western que también supieron preservar producciones de otra época. Después de Fuga de cerebros y Chiche Bombón, Musa se basó en un libro de Horacio Guaraní para llevar a la pantalla una historia sobre la venganza.

    El grito en la sangre está ambientada en 1952 y sigue los pasos de Cali (Abel Ayala, el joven actor de El polaquito y El niño de barro), cuyo padre fue asesinado durante una carrera de caballos, y su feroz travesía para encontrar al responsable mientras conoce a Lucía (Florencia Otero), su primer amor, y recibe la ayuda de un viejo capataz de estancia (Horacio Guaraní) que lo adopta como un hijo.

    El personaje central busca restaurar el desorden impuesto a su vida mientras se transforma en un hombre que busca la paz para el alma de su padre. El realizador logra transmitir a lo largo de casi una hora y media el clima requerido en este tipo de relatos, en los que el paisaje también cobra protagonismo. Desde un cielo tormentoso, cabalgatas, peleas con cuchillo en mano, la cuota obligada de romance, la presencia de villanos y hasta un desenlace que se guarda una sorpresa.

    A la buena factura técnica (la imágen presenta un granulado en su primer tramo) se suman las intervenciones de Ulises Dumont, Carmen Valllejos, Luisa Calcumil (Gerónima) y Emilio Bardi, pero los aplausos se los lleva la pareja protagónica integrada por Ayala y Guaraní. El film tampoco disimula las influencias del cine popular que acuñó Leonardo Favio.
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  • Las novias de mis amigos
    Esperá sentado!

    El resbaladizo terreno amoroso ofrece otra visión sobre este trío de jóvenes que se ve amenazado cuando son abandonados y uno de ellos queda destrozado después de su ruptura sentimental. Entonces deciden sellar un pacto para mantener la soltería.

    Las novias de mis amigos, del director Tom Gormican, somete a sus personajes a todos los pesares cuando el "verdadero" amor llegue a sus vidas y tengan que quebrar el pacto. Con situaciones salidas de títulos como American Pie, otras de enredos y supuestamente chistosas, la película está pensada para las seguidoras de Zac Efron (17 otra vez, Cuando te encuentre) y ofrece algunos momentos divertidos que juegan con semidesnudos (salen del baño y se topan con toda la familia) y la necesaria cuota romántica que también llevan adelante Daniel (Miles Teller) y Mikey (Michael B. Jordan). Ellos están en un momento especial en sus vidas y el relato los captura en todas sus etapas: el enamoramiento, la decepción, el quiebre y las hormonas en plena ebullición como movilizadora de las acciones. Mientras tanto, el amor verdadero se hace esperar en el banco de una plaza.
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  • Noé
    Noé
    Todo lo ve
    Un waterworld bíblico

    Luego de las críticas de algunos sectores debido a las licencias bíblicas que se toma la película, llega la nueva creación de Darren Aronofsky, el realizador de Réquiem para un sueño y El Cisne Negro.

    Noé (Russel Crowe) es el devoto carpintero azotado por pesadillas premonitorias sobre el diluvio universal que debe construír una embarcación bajo los designios de Dios para salvar a su familia y a dos animales de cada especie del planeta.

    Este "volver a empezar" de Aronofsky navega entre las películas de gran presupuesto con sus ingredientes de cine de género y un tono ecologista que además mantiene el oscuro universo de un personaje celoso y cegado por la titánica misión que debe llevar adelante. Noé enfrenta a su cuñado (Ray Winstone, el villano de turno), no lo deja subir al arca que los llevará a la refundación de La Tierra, y hasta se convierte en una suerte de justiciero divino cuando decide la suerte de sus nietos.

    Noé tiene buenos momentos, pero también concentra secuencias que desconciertan y desentonan con el tono que el relato debía mantener desde el comienzo. Los "gigantes de piedra" que defienden al personaje central y su familia parecen salidos de El señor de los Anillos y ese costado fantástico no se abandona y resta interés y potencia a lo que vendrá después.

    Por otro lado, la estética psicodélica o el resumen de Adán y Eva, Caín y Abel, no terminan de convencer en esta película de gran presupesto que pelea constantemente con los caprichos de "cine de autor". Quizás no es el corte final que Aronofsky hubiese soñado pero es el que finalmente se estrena. En el medio del caos, la lluvia constante, el hambre, la corrupción y la visión ambientalista aparecen animales, serpientes que cambian su piel en alusión a la transformación, buenos efectos visuales y un 3D que no aporta demasiado.

    Lo mejor está en el elenco: Crowe, Connelly, Watson, Lerman, un clan con conflictos y luchas internas que se desatan dentro de la embarcación. Y Hopkins aporta lo suyo en su breve intervención de Matusalém.
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  • Nadie vive
    Nadie vive
    Todo lo ve
    Cacería macabra

    Reviviendo el estilo de películas slasher que triunfaron en los años ochenta y con su eterno juego del "gato y el ratón", el director japonés Ryûhei Kitamura (The Midnight Meat Train y Azumi) entrega un producto sangriento que comienza mejor de lo que termina.

    Nadie Vive, que llega con dos años de atraso, intenta saltear los clichés del género invirtiendo la fórmula y transformando a los victimarios en víctimas de un despiadado personaje que secuestra jovencitas. Al igual que en El juego de la muerte, aquellos que se mueven al margen de la ley encuentran a alguien peor que ellos. No hay que ser un genio para adivinar lo que ocurrirá en la película (el trailer tampoco ayuda demasiado) que tiene un inicio prometedor ambientado en un bosque lleno de trampas y luego se debilita por situaciones que rompen la atmósfera de tensión y privilegia los excesos y las tripas.

    Un grupo de criminales dedicados a robar casas, secuestra a una joven pareja y la lleva a una casa abandonada en un remoto paraje, sin imaginar que se encontrarán a merced de un experimentado asesino (Luke Evans, visto en El cuervo, es lo mejor del film), una mezcla entre Rambo y Jason, una máquina de matar con un pasado que la misma historia se encargará de revelar -no tan claramente- a través de flashbacks.

    El film echa mano a los mismos recursos de la reciente Cacería Macabra, pero con menos suerte, acumulando crímenes de la más diversa índole y colocando a Emma (Adelaide Clements, de Terror en Silent Hill2: La revelación), la mucha desaparecida y secuestrada en el centro de la acción. Que los villanos vayan perdiendo fuerza a medida que avanza la trama no siempre es saludable en este tipo de propuestas. Aún así los asesinatos están bien filmados y éste es el gancho para el espectador que busca el terror truculento.
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  • Capitán América y el soldado del invierno
    El superhéroe fugitivo

    La continuación del film de 2011 llega en esta aventura espectacular impulsada por Steve Rogers o El Capitán América, el célebre personaje del universo Marvel. Capitán América y el soldado del invierno pasa ahora de manos de Joe Johnston a la dupla integrada por Anthony y Joe Russo (Tres son multitud y la serie Community). Nuevamente la búsqueda de poder pone en marcha una trama en la que el superhéroe de turno -más violento que nuncar- se convierte en objetivo de una serie de persecuciones, intrigas y traiciones que amenaza al mundo entero.

    Rogers (Chris Evans) se une a Natasha Romanoff (la Viuda Negra encarnada por Scarlett Johansson) para enfrentar a un poderoso enemigo: El soldado del invierno. A diferencia de la entrega anterior (ambientada en la década del cuarenta, en plena Segunda Guerra Mundial y con la figura de Hitler como fondo), esta nueva aventura está plasmada en una moderna Washington D.C. con la agencia S.H.I.E.L.D. que corre peligro.

    Vuelve Samuel L. Jackson como Nick Fury (el argumento se guarda varias sorpresas), Peggy Carter (Hayley Atwell), Bucky Barnes (Sebastian Stan) y se suma al equipo un nuevo aliado, Falcon (Anthony Mackie), además de la presencia de Robert Redford como Alexander Pierce. Todos están inmersos en una vertiginosa realización que explota al máximo el recurso del 3D y recurre al flashback para reordenar el rompecabeza. Como es costumbre, se anuncia durante los créditos finales el tercer eslabón de este escudo mortífero que no deja enemigo en pie. En el medio, la mira de la acción hace foco en la organización del mal, HYDRA, en naves sofisticadas con armamento poderoso y en espectaculares persecuciones automovilísticas.
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  • El desconocido del lago
    Sexo sin tapujos

    Si hay algo que tiene la película francesa de Alain Guiraudie es que no da vueltas para mostrar la sexualidad. Algunos dirán que es provocativa y otros que sus escenas fuertes son gratuitas.

    El desconocido del lago juega con el sexo explícito sin rodeos (prejuiciosos abstenerse) y gira en torno a hombres que se reúnen a orillas de un lago de aguas turquesas de alguna región francesa para mantener encuentros sexuales ocasionales y pasar el día en ese lugar que, hasta la mitad de la película, parece paradisíaco.

    La acción va de la playa, visitada por hombres desnudos, hasta el enmarañado bosque que rodea el espejo de agua, donde los bañistas dan rienda suelta a sus deseos y sexualidad. Franck (Pierre Deladonchamps) es un joven que llega al lugar y mantiene conversaciones con Henri (Patrick d'Assumçao), un hombre maduro y solitario que concurre todos los días, aprovechando sus vacaciones. Sus encuentros quedan en palabras -pocas- hasta que en el camino de Franck se cruza Michel (Christophe Paou), un adonis con un costado oscuro y peligroso. El espectador descubrirá el por qué.

    El realizador logra un retrato naturalista, en el que el marco escenográfico cobra importancia como un personaje más dentro de la historia, y donde el sexo se vive sin culpas y con total libertad. Si bien resulta errático en su primer tramo, luego aparecen las aristas policiales cuando alguien se ahoga y llega un inspector para interrogar a sus visitantes. Ahí el film atrapa y seduce más que con sus tomas reiterativas de autos que llegan a la playa y de escenas que incluyen sexo oral, eyaculaciones, besos y masturbaciones.

    Un personaje "atrapado" por otro que lo "enreda" y que los encamina hacia la tragedia es uno de los recursos de esta película que explora un vínculo fuerte y sin límites. El estreno formó parte de la programación del reciente ciclo Les Avant Premieres.
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  • Inevitable
    Inevitable
    Todo lo ve
    Caminos cruzados

    La co-producción argentino española dirigida por Jorge Algora presenta a un grupo de personajes cuyas vidas se transforman por sus actos y lo hace a través de un relato que habla sobre el amor, el destino y las decisiones que podrían cambiar todo.

    El realizador de El niño de barro adaptó una obra de teatro escrita por Mario Diament, que instala la acción en el matrimonio de Fabián (Darío Grandinetti), un ejecutivo bancario, y Mariela (Carolina Peleritti), una psicóloga que tiene como paciente a una mujer marcada por el pasado (Mabel Rivera). Fabián entra en crisis luego de un hecho trágico y conoce a un famoso escritor ciego (Federico Luppi) en el banco de una plaza. A partir de ese encuentro y, siguiendo los consejos del anciano, se obsesiona con Alicia (Antonella Costa), una escultora que vive en La Boca y a la que ve como su amor inevitable.

    Entre los fríos espacios de una entidad bancaria en crisis y los -no menos distantes- de una cena familiar, la pelìcula se mueve entre el drama romántico, con toques algo ingenuos y las historias y relaciones que se irán descubriendo a lo largo de la película. Cuando el suspenso entra en juego (Fabián se disfraza y empieza a perseguir a su amada Alicia) el clima dramático se pierde y desorienta al espectador.

    Pese a estos titubeos, el drama romántico con tono agridulce sigue el amor en las distintas etapas de la vida y se sostiene por la presencia de un elenco sólido que da credibilidad a sus atormentadas criaturas. Todos sufren por aquello que no fue o lo que simplemente es, entre caminos cruzadosy un hombre de familia que empieza a transitar por otros carriles.
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  • El sobreviviente
    Cómo vivir la guerra en carne propia

    Basada en hechos reales, esta historia bélica cuenta los pormenores de la Operación Alas Rojas llevada a cabo en el 2005 y coloca al espectador en el centro de la acción, al punto de hacerle sentir la guerra en carne propia.

    La película de Peter Berg (Hancock y Battleship: Batalla Naval) sigue los pasos de cuatro miembros del equipo SEAl enviado a neutralizar a un líder talibán en una misión secreta en las montañas de Afganistán. Y hacia el lugar parten Marcus Luttrell (Mark Wahlberg), Michael Murphy (Taylor Kitsch), Danny Dietz (Emile Hirsch) y Matt Axelson (Ben Foster). Sin embargo, en su camino el grupo queda aislado y se ve obligado a tomar decisiones correctas en momentos de extrema violencia mientras está a merced de un enemigo implacable.

    El sobreviviente (Lone Survivor) es una película que crea climas de peligro constante a partir de las situaciones que enfrentan soldados incomunicados y, aunque se adivine el desenlace, el mérito pasa por las logradas escenas de acción y las decisiones éticas que deben tomar para seguir con vida.

    Sin dudas, el fuerte reside en los enfrentamientos (las balas, impactos y fracturas se ven y se sienten más realistas que nunca) y en la persecución constante que sufre el grupo reducido frente a una amenaza que se disemina y le cierra el camino a la supervivencia. Otra vez un relato bélico deja a los norteamericanos como los "salvadores del mundo", pero la trama da una vuelta interesante cuando el protagonista recibe una ayuda impensada.

    Sobre los creditos finales, se verán los rostros de los verdaderos protagonistas encarnados en la ficción por un solvente grupo de intérpretes, con Mark Wahlberg a la cabeza como el sufriente y heroico soldado.
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  • Ella
    Ella
    Todo lo ve
    El amor en extrema soledad

    Reciente ganadora del Oscar en la categoría de "guión original", la película de Spike Jonze resulta perturbadora porque está ambientada en un futuro tan cercano como posible.

    Ella (Her) sigue los rutinarios días de Theodore Twombly (Joaquin Phoenix), un hombre que vive escribiendo conmovedoras cartas para los demás. Luego de terminar una larga relación amorosa, se siente seducido por un nuevo y avanzado Sistema Operativo de Inteligencia Artificial. Ahí aparece la voz -y el alma- de Samantha (¡cómo no enamorarse de Scarlett Johansson!) y su vida cambia para siempre.

    El protagonista, una suerte de zombie emocional perdido en una jungla de cemento, entabla una relación con el sistema operativo y tiene como confidentes dentro de su entorno competitivo a su amiga (Amy Adams), a un compañero y a su ex esposa (Rooney Mara), quien no comprende la actual "relación" que mantiene su ex con una máquina.

    Spike Jonze, el director de ¿Quieres ser John Malkovich? y Donde viven los monstruos, muestra una vez más su astucia narrativa con un guión suyo que traduce en imágenes y coloca al personaje central en la más extrema soledad. A través de primerísimos primeros planos vemos a Theodore como un ser totalmente dependiente de una máquina -y no es el único en un mundo moderno, tecnológico e incomunicado- y con la necesidad de ser amado a cualquier precio.

    El relato incluye una cita con una extraña y la aparición de una "tercera en discordia" entre Samantha y Theodore, que sirve para explorar la perdurabilidad de los vínculos y los riesgos en la búsqueda del amor. El hombre ante un sistema que cobra vida, le hace el amor ("Puedo sentirte" le dice Samantha con fondo negro) y empieza a cuestionarlo todo, son sólo algunos de los buenos momentos que conectan al film con Simone, la película en la que Al Pacino daba vida a una "actriz" que nacía de una computadora.

    Her se apoya en la magnífica composición de Joaquin Phoenix (Los amantes, The Master), quien es capaz de expresar con una sola mueca la situación desesperante que atraviesa. Un planteo inteligente para una historia que emociona y lleva a la reflexión. Enter.
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  • La tercera orilla
    Heridas que no cierran

    Las relaciones familiares conflictivas son abordadas en el nuevo trabajo de Celina Murga, que contó esta vez con la producción de Martin Scorsese. La realizadora de Ana y los Otros, Una semana solos y Escuela Normal tiene una particular manera de narrar, donde no todo se cuenta ni todo se dice.

    Nicolás (Alián Devetac) es un adolescente que vive con su madre y sus hermanos menores en una pequeña ciudad de Entre Ríos. Su padre, Jorge (Daniel Veronese) es un respetado médico del lugar que sueña con que Nicolás sea su sucesor. Pero el chico sufre además por la doble vida que lleva su padre. Entre dos familias y ubicado en una suerte de "tercera orilla" a la que alude el título, el protagonista debe tomar una decisión para cambiar su futuro.

    Narrada desde el punto de vista del adolecente, el relato se limita a mostrar el mundo circundante del joven protagonista, callado y observador, pero atento al más mínimo detalle. En La tercera orilla no todo se hace explícito, sino que por el contrario, el clima elegido por la directora es dramático pero sin lágrimas, sólo de emociones contenidas.

    Resulta interesante la escena en la que el padre lleva a Nicolás a un cabaret o los silencios cuando ambos van juntos en la camioneta. Una película que seguramente no será del gusto de todos, pero que impone con sensibilidad su aire bucólico y donde el silencio lleva a un estallido final.
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  • 300: El nacimiento de un imperio
    Atenas, epicentro de la acción

    Después de 300, el film estrenado en 2006 de la mano de Zack Snyder, llega esta continuación dirigida por Noam Murro y la acción se manifiesta de la forma más violenta.

    La flota griega liderada por el popular general Tesmístocles (Sullivan Stapleton) debe enfrentar a Xerxes (Rodrigo Santoro), el hombre que cree ser un Dios, y a su malvada aliada Artemisia (Eva Green). Xerxes viene de su victoria sobre los 300 soldados de Leonidas y llega a Atenas para sembrar el caos y la destrucción.

    La pelìcula comienza con una imagen cenital del derrotado Leonidas (Gerard Butler en el film anterior) para dar paso a secuencias de acción constante que se mantienen a lo largo de todo el relato. Siguiendo la estética que acuñó Znyder, en 300: El nacimiento de un imperio tiene todo para atrapar al público y lo hace a través de una historia efectiva impulsada por personajes que luchan por su destino y la gloria.

    Desde el campo de batalla con sus continuas explosiones de sangre (con los recursos del acelere o ralenti de imagenes) hasta los combates marítimos desatados entre las flotas enemigas, el film va construyendo una atmósfera en la que la supervivencia ocupa el primer plano. Y tampoco deja de lado el costado fantástico ccn la inclusión de pesadillas que sorprenden al protagonista.

    Decapitaciones varias, ambiciones de poder, un pasado oscuro y un presente donde la venganza se hace presente hacen que las flechas den en el blanco en los momentos justos. Los fondos, creados digitalmente, también se transforman en personajes de esta historia que promete un tercer eslabón. Cambió el director y el protagonista, pero no la escencia.
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  • Academia de vampiros
    Con dientes de leche

    Película basada en la primera entrega de una serie de libros escritos por Richelle Mead que focaliza en una historia sobre la amistad y el amor pero en tono fantástico. Academia de vampiros intenta ocupar el espacio que dejaron vacante sagas como Crepúsculo, Harry Potter o incluso la más reciente Cazadores de Sombras: Ciudad de Hueso.

    En la historia, Rose Hathaway (Zoey Deutch) y Lissa Dragomir (Lucy Fry) son chicas de 17 años que asisten a una escuela para Moroi (vampiros mortales y pacíficos) y Dhampir (guardianes, mitad vampiros, mitad humanos, encargados de proteger a los Moroi). Rose se entrena para convertirse en una guardiana pero en su camino se enfrenta con los salvajes y amenazantes Strigoi, una raza de vampiros violentos y peligrosos.

    La acción tiene lugar en un instituto con menos magia y encanto que el de Hogwarts, plagado de ambiciones, traiciones, atracciones románticas que parecen imposibles y con un Gabriel Byrne en el rol de director y Olga Kurylenko como la rectora de la escuela de turno.

    Los Hermanos Mark y Daniel Waters llevan esta nueva saga a la pantalla grande (el primero como realizador y el segundo como guionista) pero los resultados tienen menos eficacia que en la pelìcula para adolescentes Chicas pesadas, que Mark filmó con Lindsay Lohan.

    Entre luchas entre tres clases de vampiros, la presencia de los mortìferos Strigoi, que buscan acabar con los Moroi y absorber su fortaleza, la película no escapa a los conflictos adolescentes pero con el agregado fantástico que se reduce a un par de enfrentamientos entre chupasangres y lobos creados digitalmente. Quizás el peor de los pecados en este tipo de relatos es que los dientes son de leche, y la intriga y la emoción sólo aparecen de a ratos. Todo ocurre frente a un espectador que -inevitablemente- va a comparar con productos de similares características. Aun así, el film deja un final abierto para su continuación.
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  • Non-Stop: Sin escalas
    Tensión en las alturas

    El suspenso llega de la mano del director catalán Jaume Collet-Serra, responsable de buenas películas de terror como La casa de cera y La huérfana o incluso de acción como Desconocido, donde también contó con el el irlandés Liam Neeson.

    Ahora es el turno de Non-Stop (Sin Escalas), en la que el actor ecarna a Bill Marks, un agente de seguridad en lineas aéreas que arrastra un trágico pasado familiar mientras se refugia en el alcohol y el tabaco (se encierra en el baño del avión para fumar).

    Durante un vuelo rutinario que va de Nueva York a Londres, el protagonista recibe unos mensajes de texto que le aseguran que un pasajero morirá cada veinte minutos sino se cumplen los pedidos de dinero de un misterioso personaje que está escondido entre los pasajeros.

    Con esa premisa, Collet-Serra aprovecha la tensión y crea un clima plagado de intrigas (Marks y el espectador comienzan a sospechar de todos los que viajan) donde cada minuto cuenta. Como compañera de viaje tiene a Jen Summers (Julianne Moore) y en la tripulación aparece la azafata (Michelle Dockery), la nueva empleada (Lupita Nyong'o, de 12 años de esclavitud) y una larga lista de sospechosos.

    El film tiene unos primeros cuarenta y cinco minutos de plena tensión, donde lo visual también juega un papel importante (los mensajes de texto se leen en español y en grandes sobreimpresiones que aparecen en pantalla) para acrentar la paranoia de los atentados terroristas en un juego turbulento que comienza mejor de lo que termina, pero no le resta interés al relato. Se esperaba más pero no defrauda.
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  • Una familia numerosa
    Donaciones con sorpresas

    La comedia protagonizada por Vince Vaughn es la remake de un film que ganó el galardón al "mejor guión" en los Genie Awards, el equivalente canadiense del Premio Oscar. Una familia numerosa (Devilvery Man en su buen título original) es un producto que, a priori, parece ser una comedia liviana más.

    David Wozniak (Vaughn, el actor de Los rompebodas) es un hombre frustrado sin demasiados compromisos cuyas donaciones anónimas a una clínica de fertilidad, realizadas veinte años atrás, le dieron...533 hijos. Lo que parece un disparate, encamina a David hacia un viaje que le cambiará la vida para siempre.

    Lo más atractivo de la película pasa por los giros que presenta la historia y por los toques melodramáticos que llevan al personaje central al autodescrubrimiento, aunque tampoco deja de lado algunos golpes bajos. El tema de los vínculos entre pares e hijos aparece en todo el relato y propone otras lecturas.

    Vauhgn, quien se mueve cómodo en el registro de la comicidad, está secundado por un correcto Chris Pratt (Ella, nominada a los premios Oscar) en el infeliz rol de "hombre de familia" que hace lo que puede mientras él enfrenta una nueva y apabullante realidad que lo podría llevar a un verdadero escándalo mediático.

    El "efecto multiplicador" que propone la trama resulta funcional, más allá que aborda el tema de la donación de forma exagerada. Al buen desempeño de los jóvenes actores que descubren a su nuevo "padre" se suma una historia original y entretenida.
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  • Dallas Buyers Club: El club de los desahuciados
    En busca de la salvación

    Inspirado en hechos reales, el relato nominado a los Premios Oscar en seis categorías, incluyendo el de "mejor film", aborda la expansión del SIDA en 1985. Dallas Buyers Club o El club de los desahuciados resulta shockeante por los personajes que trae a la pantalla, llevados adelante por actores capaces de transformarse en lo físico y espiritual.

    El electricista y cowboy de rodeo Ron (encarnado por un esquelético Matthew McConaughey) se encamina hacia la autodestrucción en una vorágine de alcohol, drogas y sexo. Cuando le diagnostican VIH y, luego de someterse al cóctel de la droga AZT y a los cuidados de su doctora Eve (Jennifer Garner), decide cruzar la frontera (se hace pasar por un sacerdote) y experimenta con otros medicamentos que termina contrabandeando y comercializando en los Estados Unidos.

    Así funda el famoso "club de los compradores" al que se refiere el título original, y en su arriesgado negocio no está solo, lo acompaña el transexual Rayon (Jared Leto en una magnífica composición), también portador de VIH, a quien termina aceptando y defendiendo de los ataques homofóbicos. Pero ahí comenzará su verdadera odisea contra las inspecciones y requisas del departamento federal de medicamentos.

    La pelicula habla sobre la desesperada búsqueda por encontrar un medicamento que salve vidas, actividad que realiza a espaldas de la medicina ortodoxa, y sobre los prejuicios y discriminación de una sociedad que hablaba de la "peste rosa". El director Jean-Marc Vallée coloca a este hombre adicto y con problemas de conducta en un mundo machista, explotando el conflicto dramático en todas sus posibilidades.

    El guión original de Craig Borten y Melisa Wallack también hace referencia al caso de Rock Hudson, el actor icónico de Hollywood que padeció la enfermedad, y traslada la acción hasta Japón, en una lucha de negocios que parece no tener fin. Matthew Mc Conaughey se lleva todos los aplausos por su composición del hombre que no acepta su "sentencia de muerte".
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  • La corporación
    La corporación
    Todo lo ve
    La vida feliz

    Un mundo seguro y placentero se puede desmoronar en cuestión de segundos en esta película nacional de Fabián Forte (Malditos Sean!) que muestra dos realidades contrapuestas y peligrosas.

    La vida le sonríe a Felipe Mentor (Osmar Nuñez), un empresario exitoso, casado con Luz (Moro Anghileri), una mujer más joven que él y capaz de cumplir sus sueños y fantasías. Pero no todo es color de rosa, porque Felipe firma un oscuro contrato con una firma que le posibilita su bienestar, pero que también le mostrará el lado opuesto de la moneda en una suerte de "realidad paralela comprada".

    La corporación se desarrolla de manera lenta pero efectiva en las situaciones que presenta, con buenas actuaciones y sólidos rubros técnicos. Un poco más de ritmo y suspenso no le hubiese venido mal. La temática que aborda resulta interesante a partir de los extraños personajes que acosan al protagonista y de la aparición de otra mujer que asegura ser Luz, una suerte de sustituta que parece salida de un programa de computadora.

    Un mundo donde las emociones quedan en segundo plano y lo esquemático es ejecutado a la perfección, como regla a seguir para mantener la felicidad aparente.
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  • Pompeii, la furia del volcán
    Acción y aventuras en plena erupción

    Combinando el espíritu de las películas clásicas de aventuras con la irrupción del cine catástrofe, la nueva creación del creador de la saga Resident Evil, Paul W.S. Anderson, se convierte en un buen entretenimiento ambientado en la antigua Roma y toma la erupción del volcán Vesuvio como disparadora de la acción.

    Milo (Kit Harington, visto en la serie The Games of thrones) es un joven que, luego de presenciar la masacre de su familia, es encerrado y utilizado como gladiador en las arenas del Coliseo. Milo luchará para conseguir su libertad, peleará por la mujer que ama (Emily Browning, de Sucker Punch) y se unirá a un esclavo negro para enfrentar al malvado Corvus (Kiefer Stutherland, con un look modernoso para la época), un corrupto emperador romano que somete al pueblo bajo su poder. En la película se lo escucha decir "Mátenlos" en más de una oportunidad.

    Pompeii hace gala de los efectos 3D cuando el volcán se enciende y las bolas de fuego y las cenizas vuelan hacia la cámara. Desde lo visual, el film propone gran despliegue (gracias a la creación de escenarios digitales) y los personajes combaten a pura espada para cambiar sus destinos sin imaginar que una catástrofe de proporciones épicas se acerca de manera silenciosa.

    Anderson cambia el ambiente futurista de Resident Evil y coloca a sus criaturas frente a peligros mayores que un ejército de zombies o temibles corporaciones. Si bien no entrega nada nuevo, el vértigo impreso en el relato hace que la acción y la aventura estén en plena erupción.
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  • RoboCop
    RoboCop
    Todo lo ve
    Buena remake pero menos violenta

    La primera pregunta que surge cuando uno termina de ver esta nueva versión del film que Paul Verhoeven filmó en 1987 con el protagónico de Peter Weller, es si tiene grandes diferencias con respecto a la original. Y sí, las tiene. En principio el rol de su compañera (Nancy Allen) ahora lo ocupa un hombre.

    Robocop modelo 2014 está dirigida por el brasilero José Padilha (Tropa de Élíte) y resulta más política, menos violenta y cuestiona la necesidad de colocar policías robots en las calles para enfrentar el crimen. El ejército estadounidense usa las creaciones de OmniCorp en los combates en Medio Oriente y un presentador de televisión (Samuel L. Jackson) hace un verdadero show mediático en Los Estados Unidos en favor de la empresa en cuestión.

    El film, ambientado en Detroit del año 2028, muestra al policía Alex Murphy (el sueco Joel Kinnaman, conocido por la serie The Killing) en pleno centro de la acción e investigando un caso peligroso de corrupción y traiciones cuando es herido de gravedad después de una explosión. OmniCorp, en manos de Raymond Sellars (papel a cargo del reaparecido Michael Keaton) encarga al científico Dennett Norton (Gary Oldman) la fabricación de un policía con la precisión de un robot y las emociones de un ser humano.

    Con escenas de acción logradas y construídas a modo de "videojuegos", imágenes virtuales que van cobrando forma y acompañan la transformación del personaje central, el film se enfoca en los enfrentamientos políticos que traen las negociaciones (¿cómo puede una máquina sentir lo que tiene que hacer en situaciones extremas?) y en la nueva "vida" de Alex que también altera la relación con su esposa (Abbie Cornish) y su pequeño hijo.

    El nuevo Robocop, que reaparece con armadura negra, despierta con sus emociones intactas pero encerrado en un cuerpo de hierro en el que se siente asfixiado. Y esto sirve nuevamente para disparar el eterno tema del científico y de su monstruosa creación, y de los límites de la tecnología.
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  • Philomena
    Philomena
    Todo lo ve
    Búsqueda incansable

    El director inglès Stephen Frears regresa con esta historia sobre un búsqueda de vida que tiene cuatro nominaciones para los Premios Oscar, incluída la de "mejor film". El realizador de Relaciones peligrosas y Alta Fidelidad basa su trabajo en la historia real de Philomena Lee (Judi Dench, famosa por su personaje de M en la saga Bond, y vista recientemente en El exótico Hotel Marigold, entre otros tantos), una enfermera irlandesa jubilada y de extracción obrera que se vio obligada a entregar a su hijo en adopción y durante cincuenta años dedicó su vida para encontrarlo.

    Philomena es una pelìcula contundente que emociona al espectador sin rodeos y muestra un presente desesperante como consecuencuia de un pasado atroz. La narración va y viene mostrando a una Philomena adolescente que quedó embarazada en un convento y presa de monjas que luego la separaron de su bebé, enbtregado en adopción a una familia de los Estados Unidos.

    El film es una travesía que cruza a la protagonista con Martin Sixsmith (el comediante británico Steve Coogan), un ex presentador de televisión en la BBC caído en desgracia y antiguo director de comunicaciones de Tony Blair, quien escuchó su historia y decide ayudarla en su doloroso proceso de búsqueda.

    Con una fuerte carga crítica sobre el horror que encerraba el convento, Frears construye un relato que se apoya en los eficaces diálogos que mantienen los dos personajes centrales a lo largo de su viaje, salpicado por momentos graciosos que oportunamente descomprimen el drama central alimentado por recuerdos y secretos bien guardados que salen a la luz.

    Las espléndidas interpretaciones de Dench y Coogan, sumadas a la envolvente banda sonora de Alexandre Desplat que acompaña y nunca exagera, hacen del film una experiencia tan perturbadora como emocionante que se mueve entre el amor, el sexo, la culpa y el pecado.
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  • La gran aventura Lego
    Un juego vertiginoso

    Desafiante la idea de trasladar a la pantalla grande el universo de los muñecos Lego que marcó a tantas generaciones. Los personajes cobran vida gracias a una trama ingeniosa (el juego dentro del juego), vértigo visual y humoradas constantes que dicen presente a lo largo de cien minutos.

    Los realizadores de Lluvia de Hamburguesas, Phil Lord y Christopher Miller, asumieron el riesgo de la estática y rigidez que tienen los juguetes y les insuflan expresiones dibujadas en los rostros (no olvidando que se trata de muñecos) en medio de una estética multicolor.

    Emmet es un obrero de la construcción que se convierte en "El elegido" de una misión que lo enfrenta con el villano de turno, que con pegamento mediante, intenta destruír la paz de la Tierra. Desfilan por la trama su compañera de aventuras, Estilo Salvaje (con voz de Elizabeth Banks en la versión original), una chica especialista en las artes marciales; además de Batman, Superman, La Mujer Maravilla y recordados personajes de La Guerra de las Galaxias.

    Un producto ideal para que los más chicos lo disfruten en 3D y con un final impulsado por actores que coloca en primer plano el "juego" entre padre (Will Ferrell) e hijo. El film deja abierta las puertas para una continuación.
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  • 12 años de esclavitud
    Horror y sumisión

    Llega una de las pelìculas más nominadas para la próxima entrega de los premios Oscar. En su tercer largometraje (luego de Hunger y Shame: sin reservas), Steve Mc Queen aborda el tema del racismo previo a la Guerra Civil.

    Salomon Northup (el nominado Chiwetel Ejiofor), un músico negro y libre que vive junto a su familia, es tentado para formar parte de un espectáculo itinerante con una buena paga. Lo que al prinicipio resulta atrapante se desmorona cuando es secuestrado y vendido como esclavo.

    A partir de ese momento, su vida será un infierno porque pasa de amo en amo como si se tratara de una mercancía. Desde Ford (Benedict Cumberbatch), el jefe más comprensivo aunque no pueda escapar del clima esclavista de la épóca, hasta Edwin Epps (Michael Fassbender), el más violento, que vive bajo la sombra de una esposa siniestra, y sospecha una inminente fuga de su esclavo.

    "No quiero sobrevivir. Quiero vivir", asegura Solomon y enfrenta la crueldad (el ayudante de su amo, encarnado por Paul Dano) con la cabeza baja mientras también se ve impulsado a azotar a su amiga Patsey (Lupita Nyong'o) en una de las escenas más crueles de la película. En el duodécimo año de su odisea, su encuentro con un abolicionista canadiense (Brad Pitt) abre la esperanza de un futuro mejor.

    La película (cargada de horror, sumisión, prejuicios y violencia) encuentra en su intérprete central, la capacidad de transmitir la angustia y el drama cotidiano con su sola mirada. Es lejos lo mejor de la propuesta.

    Desde la recordada miniserie Raíces, pasando por El Color Púrupura hasta la más reciente El mayordomo (injustamente olvidada en las nominaciones) mucho se ha filmado sobre el tema. El film emociona e incomoda y quizás resulten exageradas tantas posibilidades para acceder a la codicada estatuilla. El director coloca el dolor en primer plano y lo muestra de la manera más descarnada.
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  • Deshora
    Deshora
    Todo lo ve
    Seducción con aire bucólico

    La seducción y el deseo impulsan esta ópera prima de la directora salteña Barbara Sarasola-Day que cuenta la historia de un matrimonio cuya existencia se ve alterada ante la llegada de un tercero.

    Deshora encamina, lentamente, a sus personajes hacia la tragedia cuando Ernesto (Luis Ziembrowski) y Helena (María Ucedo), un matrimonio que atraviesa una crisis, recibe en su finca a Joaquín (Alejandro Buitrago), el primo desconocido que salió de un centro de rehabilitación y que puede oxigenarse en los campos de tabaco del noroeste argentino.

    Entre cacerías, miradas cruzadas y acercamientos, un triángulo amoroso comienza a gestarse y también a encender la mecha de la violencia. En el film todo es delicado y contado a la medida de las circunstancias que atraviesan los personajes: soledad, descuido y violencia solapada.

    La intimidad es vulnerada pero también la pareja ve una posibilidad de cambio ante la presencia de un joven que se baña desnudo en el lago y genera atracción en Helena. Un juego que tiene sus riesgos y se ve plasmado por una cámara que espía, se acerca y profundiza en los vínculos alterados.

    Al buen trabajo de la realizadora se suma la convicción de Ziembrowski como un hombre duro y de Ucedo, quien logra la fragilidad necesaria de la mujer que siempre espera, en esta coproducción entre Argentina, Colombia y Noruega. Por su parte, el actor colombiano Alejandro Buitrago aporta la cuota de seducciòn y su personaje se ve inmerso en un mundo que no le pertenece ante una rutina (ya establecida por la pareja) que irá descubriendo con el correr de los días.
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  • Agosto
    Agosto
    Todo lo ve
    Heridas que no cierran

    La adaptación cinematográfica de la exitosa obra de teatro que en nuestro país protagonizaron Norma Aleandro y Mercedes Morán, reúne a un grupo de eficaces actrices que pone en marcha los conflictos de una familia disfuncional.

    Agosto coloca en primer plano a los Weston, un clan separado por diversas circunstancias que ahora debe unirse nuevamente en su casona cuando el padre (Sam Shepard) desaparece. En medio de un calor insoportable, la matriarca Violet (Meryl Streep) recibe a su hija Bárbara (Julia Roberts), esposos, parejas e hijos para afrontar la crisis que se avecina. La misma que está escondida desde años y amenaza con aflorar.

    El director John Wells va enhebrando a sus personajes entre reproches, celos, maltratos y una crueldad que está a flor de piel y los pone a prueba a cada instante. Mientras Ivy (Julianne Nicholson) postergó su carrera y su vida; Karen (Juliette Lewis) dejó el hogar -con menos suerte- en busca de su lugar en el mundo. Los cruces entre Violet, adicta a las pastillas y siempre con las frases más provocadoras, y Bárbara, con su carga nuerótica, funcionan como un efecto catarata sobre el resto. Las mujeres tienen mucho que decir en esta película que cuenta con magníficas actuaciones y repercute con la misma intensidad en el reparto masculino en el que desfilan Ewan McGregor, Chris Cooper y Dermot Mulroney.

    La versión teatral que se conoció en Buenos Aires era más atrapante, provocadora y radiografiaba a los Weston a través de una escenografía que cortaba la casa y los mostraba en todos sus aspectos. En su film, John Wells (viene de la televisión con series como E.R. Emergenicas y Shameless) no escapa del clima teatral de la pieza de Tracy Letts, y se apoya más en los intérpretes para mostrar sus miserias.
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  • El sueño de Walt
    El mágico juego del cine dentro del cine

    El clásico de Disney, Mary Poppins (1964), sirve como disparador de este relato dramático que gira en torno a las figuras de Walt (Tom Hanks), el magnate de la empresa de animación, y de la escritora P.L Travers (Emma Thompson), y los desesperados intentos del productor por llevar su libro favorito a la pantalla grande.

    En 1961, Walt Disney echa mano a todos sus recursos posibles (prepara bocetos y alegres canciones compuestas por los talentosos hermanos Sherman) y lanza una estategia para convencer a la autora de transformar sus palabras en imágenes. Esa ardua tarea le llevó veinte años desde el momento que les prometió a sus hijas transformar su novela en una película. Walt, lentamente irá descubriendo el rompecabezas familiar que se esconde detrás de la autora de dura fachada que odiaba los dibujos animados.

    La pelìcula de John Lee Hancock (Un sueño posible) pone el acento en esta tensa relación a lo largo de dos horas en la que el pasado de la escritroa repercute en su presente y lo hace a través de logrados momentos que van construyendo, cuadro a cuadro, un intenso juego del “cine dentro del cine”.

    Es la primera vez que una película retrara al emblemático (y cuestionado) creador de innumerables personajes animados y encuentra en Hanks al actor ideal para personificarlo con una máscara que lo asemeja al verdadero. Por su parte, Thompson entrega una composición que atraviesa varios estados de ànimo. Sólo basta verla en la función de estreno de Mary Poppins para comprobarlo.

    El film combina la historia del pasado de la protagonista (en el que aparece Colin Farrel como su padre) con el mundo personal y profesional de Walt: su secretaria (Kathy Baker); los hermanos Sherman (interpretados por B.J. Novak y Jason Schwartzman) que ganaron el Oscar por la banda sonora y la canción original “Chim Chim-Cher-ee”, y Ralph, el papel a cargo de Paul Giamatti.

    Entre fragmentos de Mary Poppins, que protagonizaron Julie Andrews, Dick Van Dyke y David Tomlinson, el relato habla del poder de la imaginación, de las ausencias que marcan la niñez y de las dificultades para concretar los sueños. El padre de P.L. Travers era banquero y en él se inspiró para crear el personaje del patriarca de la historia, Mr. Banks: a quien se refiere el título, y que quizás ayude a la protagonista como lo hizo con la popular niñera de la ficción.
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  • Yo, Frankestein
    Yo, Frankestein
    Todo lo ve
    Un monstruo perdido en el tiempo

    Uno de los monstruos más visitados por el cine (después de Drácula) es Frankenstein, el personaje creado por Mary Shelley, la criatura que deambula despertando compasión y espanto entre la gente y marcando el triunfo del experimento de su creador, el Dr. Víctor Frankenstein. Una mirada sobre la vida después de la muerte.

    Yo, Frankenstein comienza con el resucitado, ahora rebautizado Adam (Aaron Eckhart, visto últimamente en El Ataque a la Casa Blanca) llevando el cadáver de su amo. Con este esquema, el realizador Stuart Beattie elabora, sobre una historia suya y de Kevin Grevioux basada en la novela gráfica, un universo oscuro habitado por górgolas y demonios, en el que Frankenstein está en medio de una feroz batalla por salvar a la humanidad.

    Alejada del espíritu del relato original y más cercana a la aventura y la acción urbana, la película podrìa haber elegido a cualquier personaje célebre de terror para impulsar una historia más atractiva. Enfrentamientos reiterativos entre lenguas de fuego, una cámara que propone vértigo visual gracias al 3D y la presencia de un villano escondido bajo una fachada humana (encarnado por Bill Nighy), conforman esta nueva aproximación al mundo de la criatura llena de cicatrices y ya nada temible.

    Una estética similar a la vista en Van Helsing: El cazador de monstruos (2004), pero trasladada a la pantalla con escaso suspenso y misterio y con un Frankenstein que queda perdido en el tiempo.
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  • Ajuste de cuentas
    Dos toros salvajes

    Después de trabajar juntos en Tierra de policías (1997), Sylvester Stallone y Robert De Niro se reúnen en esta película que cuenta la historia de dos boxeadores de Pittsburgh, eternos rivales debajo y arriba dle ring.

    Sharp (Stallone) y McDonnen (De Niro) arrastran conflictos del pasado desde que el primero anunció su retiro en la década del ochenta, truncando la carrera de ambos antes de su cuarto encuentro pugilístico. Ahora les llega una nueva oferta del promotor de boxeo Dante Slate Jr. (Kevin Hart, quien da los toques graciosos y resulta exasperarante) y encuentra a Sharp trabajando en una fábrica y a McDonnen administrando su propio bar.

    Ajuste de cuentas da una bienvenida vuelta de tuerca a los títulos que consagraron a los protagonistas de Rocky y Toro salvaje: exprime los chistes sobre el paso del tiempo y se introduce en los conflictivos vínculos familiares sin perder la gracia (como la escena en la que McDonnen debe cuidar a su nieto).

    El acierto, más allá de la esperada escena final (se desarrolla entre golpes filmados en cámara lenta), es la elección de Alan Arkin, entrenador de Sharp (recuerda al Burgess Meredith en Rocky) quien se mueve entre bromas y consejos, y de Kim Basinger (más hermosa que nunca) en el papel del viejo amor de Sharp, que a su vez tuvo un hijo con The Kid, encarnado por Jon Bernthal, de la serie The Walking Dead. El resto es disfrutarlos en acción y ver que todavía dan pelea. Hay también escenas agregadas después de los creditos finales.
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  • Código sombra: Jack Ryan
    Un héroe rehabilitado

    Basada en el personaje de Jack Ryan, creado por el exitoso autor Tom Clancy, la película es la cuarta adaptación llevada a la pantalla grande. Primero se conoció La caza al octubre rojo (1990) con Alec Baldwin; luego fue el turno de Juego de patriotas (1992) y Peligro inminente (1994), ambas protagonizadas por Harrison Ford y, finalmente, La suma de todos los miedos (2002), con Ben Affleck.

    Código Sombra: Jack Ryan, escrita por David Koepp, se enfoca en la juventud de Jack (Chris Pine, el actor de Star Trek). En la nueva historia vemos cómo el personaje sufre un accidente de helicóptero, atraviesa una dura rehabilitación e inicia su relación con Cathy (Keira Knightley) para volver a la acción después de diez años. Desde que el héroe llega a Moscú impulsado por su mentor Thomas Harper (Kevin Costner) sufre un atentado en un lujoso hotel y se ve obligado a resolver el misterio que encierra un futuro complot terrorista financiero que planifica un ataque en pleno corazón de Wall Street. El villano del film es Viktor Cherevin, encarnado por Kenneth Branagh, también responsable de la dirección luego de su experiencia en producciones millonarias como Thor.

    El film está concebido con un montaje frenético y se pasea por diversos escenarios internacionales donde la intriga, la búsqueda de información y las cadenas de mandos dicen presente. El conflicto central se resuleve a las apuradas sobre el desenlace y continúa en la senda de películas que alimentan la paranoia de posibles ataques a los Estados Unidos.

    Ritmo sostenido, una esposa que espera a su hombre y persecuciones en moto, son algunas de las constantes del relato que también se permite jugar con los encuentros clandestinos (Jack va al cine y se ven fragmentos de Número equivocado) en medio de un panorama internacional que suma más peligros. Pine aporta convicción a su personaje y se ve respaldado por un buen elenco, aunque todavía se recuerda a Harrison Ford, en ese mismo papel, corriendo para proteger a su familia. Nada nuevo en el horizonte de la acción, pero contado de manera entretenida.
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  • Escándalo americano
    Engaño a la americana

    Un escándalo que sacudió a los Estados Unidos es llevado a la pantalla grande y ya tiene 10 nominaciones para la próxima entrega de los premios Oscar, incluyendo el de mejor película. Este dato podría no significar mucho en otros casos, pero en Escándalo Americano (American Hustle) cobra otra dimensión por tratatarse de una historia sólida que cuenta con excelentes intérpretes y un director aplaudido como David Russell, el mismo de El ganador y El lado luminoso de la vida.

    Ambientada en los años 70 y con la operación Abscam llevada adelante por el FBI, la trama muestra al estafador Irving (Christian Bale, quien engordó varios kilos desde Batman para lograr este papel) y a su amante birtánica Sydney (Amy Adams, más seductora que nunca) envueltos en una serie de estafas relacionadas a obras de arte y obligados a trabajar para Richie DiMaso (Bradley Cooper), un agente del FBI que busca su propio triunfo y reconocimiento. También hace su aparición la esposa de Irving, Rosalyn (encarnada por la explosiva Jennifer Lawrence, de Los juegos del hambre), un ama de casa aburrida de la rutina que abre la boca más de lo debido cuando todos son impulsados al mundo de la mafia, sobornos a políticos y engaños varios que son registrados por cámaras ocultas. Hasta Carmine Polito (Jeremy Renner), el padre de "familia" perfecto verá tambalear su propio mundo.

    Una operación encubierta al mejor estilo de Argo con una correctísima ambientación de época, narrada de manera visceral con idas y vueltas, un montaje frenético y una cámara que panea y entierra a los personajes en un torbellino de celos, engaños, seducción y apariencias engañosas.

    En ese sentido resulta muy eficaz la escena en la que el "equipo" intenta engañar junto a un "árabe"camuflado al capomafia encarnado brevemente por Robert De Niro o el comienzo con Irving pegándose mechones de pelo frente al espejo.

    La magistral banda sonora de Danny Elfman aporta el clima necesario y es más que oportuno escuchar el tema Live And Let Die!, cantado ferozmente por Rosalyn frente a su pequeño hijo en medio de un relato que impulsa su marcha con su cóctel de drama, suspenso, denuncia y humor.

    Escándalo americano es una historia de estafadores pero también una de amor con mujeres despechadas y hombres de conducta "non sancta", pero todos atravesados por una dualidad que los hace más atrapantes. El espectador encontrará que las dos horas y veinte se pasan volando.
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  • El juego de Ender
    El nuevo líder

    La adaptación cinematográfica de la primera entrega de la saga literaria ideada por Orson Scott Card, compuesta por cuatro libro, coloca a la Tierra en peligro luego de una invasión alienígena y las fuerzas militares internacionales están en alerta y se reorganizan. La misión es someter a un grupo de chicos a un duro entrenamiento para encontrar una nueva esperanza para la humanidad.

    Uno de ellos es Ender (Asa Butterfield, visto en La invención de Hugo Cabret), el tercer hijo de una pareja que nace en un mundo monitoreado que limita a sólo dos el número de descendientes. Con este planteo, el guionista y realizador Gavin Hood (X-Men Orígenes: Wolverine y la maravillosa Mi nombre es Tsotsi) construye un atrapante relato de ciencia-ficción que sigue los pasos de Ender, el joven inteligente y sensible que dejó atrás su hogar (y a una hermana a la que necesita, interpretada por Abigail Breslin) y ahora gravita en una élite en la que se conjugan estrategias, enfrentamientos con compañeros y un duro entrenamiento a manera de "juego" con pistolas que congelan al adversario.

    En él se depositan las nuevas esperanzas del Coronel Graff (Harrison Ford) y la Mayor Anderson (Viola Davis) que buscan un nuevo líder que supere las legendarias hazañas del comandante de la Flota Internacional, Mazer (Ben Kingsley).

    La pelicula acierta en la creación de climas y la descripción de personajes, a la manera de Reto al destino pero en el espacio y también plantea una crítica al mundo de los video-games en el que el protagonista se ve obligado a tomar decisiones ("si eliges una de las dos opciones, siempre pierdes") y enfrenta a extraterrestres con forma de insectos comocidos como "Insectores".

    Entre casas que mantienen su aspecto como las actuales en un futuro amenazado, automóviles aerodinámicos, naves que son destruídas y toda la parafernalia visual que nunca se olvida de la carnadura de los personajes, el relato prosigue su marcha y seduce al público.

    El juego de Ender tiene un final abrupto (como en la reciente El Hobbit: La desolación de Smaug y Los juegos del hambre: En llamas) porque la historia continúa y lo mejor está por venir. En tanto, una "sorpresa" acompaña al pequeño héroe por las profundidades del espacio.
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  • Familia peligrosa
    El clan amenazado

    Con el estilo habitual del realizador Luc Besson, esta película mezcla comedia y acción en un poderoso cóctel en el que se ponen de manifiesto los violentos hábitos de una familia que busca su seguridad en remotos lugares del mundo.

    En Familia Peligrosa el jefe de la mafia Fred Manzoni (Robert De Niro), su esposa Maggie (Michelle Pfeiffer) y sus hijos Belle (Dianna Agron) y Warren (John D’Leo) se mudan del Bronx a un pequeño pueblo de Francia y se ven obligados a cambiar su identidad (la "Familia Blake") para estar a salvo. Sin embargo, no todo será sencillo: sus viejos contactos son enviados para localizarlos y saldar cuentas en ese pacífico escenario donde el clan se relaciona con nuevos vecinos y los hijos con nuevos compañeros de estudio.

    Basado en la novela de Tonino Benacquista “Malavita”, el film de Besson (un verdadero experto en el terreno de la acción con títulos como Nikita y El perfecto asesino) muestra a personajes que estallan ante la más mínima amenaza: Maggie es insultada en un supermercado y lo hace volar por los aires; Belle y Warren no se quedan atrás cuando son atacados en el colegio y Fred se queda en la casa redactando sus memorias en una vieja máquina de escribir.

    Con este panorama, Familia Peligrosa acierta más en su violento comienzo y en el enfrentamiento final que incluye a un despiadado ejército de asesinos profesionales que se lanza tras los Blake. En la trama aparece también un policía (Tommy Lee Jones) que no se despega de Fred, recuerdos del barrio y de un mundo mejor ("Daría cualquier cosa por volver a mi vida anterior" asegura el patriarca) y una eficaz referencia a Buenos Muchachos, la pelìcula que alguna vez protagonizó De Niro bajo la batuta de Scorsese, quien acá oficia de productor ejecutivo. Graciosa, violenta y mafiosa.
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  • El misterio de la felicidad
    El amor y la amistad

    La nueva pelìcula de Daniel Burman examina la amistad y al amor con un tono humorìstico y romántico que lo diferencia de sus anteriores realizaciones. Los personajes de esta historia se reacomodan ante una situación límite, siguen su marcha y cambian el rumbo de sus vidas.

    El misterio de la felicidad es una historia de amor, pero fundamentalmente del amor entre amigos, esa visiòn platónica que eleva al otro a un sitio casi idílico. Santiago (Guillermo Francella) y Eugenio (Fabián Arenillas) son socios de toda la vida en un negocio de electrodomésticos. Sus comportamientos y acciones son casi gemelas hasta que Eugenio...desaparece sin dejar rastro. Entonces Santiago se une a Laura (Inés Estévez, en un notable regreso a la actuaciòn y con un papel que le permite jugar con varios registros), la esposa de Eugenio para encontrarlo o...no.

    Con este planteo Bruman recorre la incertidumbre, los reproches y el presente de un negocio próspero que podría terminar ante la ausencia de uno de sus fundadores. Tanto Santiago como Laura van descubriendo el lado menos conocido del hombre en cuestión en una travesía que los llevará hasta Brasil, al mismo lugar en el que los amigos inseparables hacían de las suyas en sus años de juventud.

    Lo interesante del planteo, los cambios que sufren los protagonistas (Santiago no puede creer lo que ocurre y Laura atraviesa una montaña rusa de estamos de ánimo) y el deseo de no encontrarlo los encamina hacia un desenlace que deja puntos abiertos.

    Entre sesiones de masajes, charlas, cenas y caminatas por la plata , la pareja reflexiona sobre la sublimación del amor, mientras redescubren sus verdaderos sentimientos. Francella continùa con acierto la senda de personajes desafiantes que inició en Rudo y Cursi, siguió en El secretro de sus ojos, Atraco y Los Marziano. Burman demuestra una vez más su capacidad narrativa con un relato original, que puede no gustar a todo el mundo, pero resulta arriesgado por el tratamiento de su temática.
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  • 47 Ronin: La leyenda del samurai
    Un mestizo sin paz

    Una leyenda del Japòn feudal cobra vida en esta superproducciòn de artes marciales que recuerda a los 47 samurais que dejaron todo ante la traición. Según la película, sus tumbas son visitadas actualmente por miles de turistas.

    El film impone al comienzo su clima vertiginoso con la cacerìa de una criatura monstruosa tras las que se lanza Kai (Keanu Reeves), un mestizo rechazado y al que ahora los 47 samuráis quieren recuperar luego del asesinato de su amo. La venganza y la traiciòn funcionan como mòviles de la historia que si bien se inscribe dentro del género de las artes marciales, tambièn incluye su costado fantástico.

    En ese sentido, desfilan por la pantalla una bruja fantasmagórica con forma de Medusa que irá mutando su apariencia; luchadores gigantescos y combates cuerpo a cuerpo coreografiados al milìmetro.

    47 Ronin, dirigida por Carl Rinsch (The Gift), pone el acento en los escenarios recreados digitalmente, las luchas armadas con arco y flecha y la irrupción en un palacio para combatir al traidor de turno durante una representación teatral. Por su parte, Reeves vuelve al género que lo hizo famoso con su habitual inexpresividad y agita su espada sin paz en este relato de aventuras que cumple sus objetivos.
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  • Caminando con dinosaurios
    El cìrculo de la vida

    Una pelìcula que, a través del racconto, sumerge al público en la era prehistòrica y combina acción en vivo (fondos reales) con personajes generados por computadora.

    El diente de un dinosaurio abre las puertas de un pasado que vuelve de manera aleccionadora y con un tono documental que coloca sobre la pantalla longitudes, medidas y nombres científicos de cada una de las especies que alguna vez dominaron la Tierra.

    Luego de la muerte de su padre (al estilo de la recordada Bambi), el pequeño Patch debe sobrevivir como puede en un mundo que no le sonríe y se une a una joven dinosaurio de otra manada. Los elementos de la aventura están servidos: quebrar las reglas, inspeccionar bosques tenebrosos y poner a las especies en peligro para que la cadena alimenticia nunca se detenga.

    Aunque algunas ecscenas pueden asustar a los màs pequeños, el film aprovecha el 3D para potenciar los vuelos, la caida de los protagonitas en un rìo y los voraces ataques de los depredadores. Quizàs sobra el prólogo y el final impulsado por un tìo y dos sobrinos, encarnados por actores.
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  • Actividad paranormal: Los marcados
    Terror con cámara en mano

    Este estreno del "spin-off" o desprendimiento de la exitosa saga Actividad Paranormal está pensado para el mercado latino pero está hablado en inglés. El film presenta variantes con respecto a las anteriores que tan buenos resultados tuvieron en las boleterías de todo el mundo desde 2007.

    Actividad Paranormal: Los Marcados sigue los pasos de dos adolescentes que, cámara en mano, registran los extraños acontecimientos que se producen en uno de los departamentos del consorcio que habitan. El crimen de una anciana y el ingreso de los jóvenes en su hogar desatan extraños poderes en Jesse (Andrew Jacobs), quien comienza a experimentar desde levitación a fuerza extrema.

    El film sigue el espíritu del original de Oren Peli en cuanto a los recursos utilizados pero cambia acá con el uso de la "cámara en mano". En las realizaciones anteriores el punto de vista era fijo con dispositivos estratégicamente ubicados en diversos puntos para registrar la actividad paranormal.

    La aparición de un VHS con los nombres de Katie y Kristi o la casona habitada por brujas son los puntos de contacto con la saga original. El director y guionista Christopher Landon (responsable de los guiones de las tres últimas partes de la franquicia), no aprovecha el material original del film de Oren Peli y los recursos utilizados no alcanzan para crear una atmósfera inquietante. Extraños hilos que salen de los ojos, amigos y familiares que combaten fuerzas misteriosas, pesadillas y mordidas son las constantes que desfilan por la pantalla ala espera de una quinta parte que llegará en los últimos meses del año.
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  • La increíble vida de Walter Mitty
    En busca del material perdido

    El actor y director Ben Stiller toma las riendas de esta remake de un film protagonizado por Danny Kaye en 1947. Se trata de su quinta experiencia detrás de cámara luego de las recordadas Generación X, El insoportable, Zoolander y Una guerra de película.

    Walter Mitty es empleado de la revista Life y está a punto de perder su trabajo: la empresa fue vendida y la edición impresa pronto se convertirá en una digital. Lo interesante de la trama es que a Walter le llega un rollo de fotos de un excéntrico fotógrafo (Sean Penn) pero el negativo 25 (que ilustrará la tapa del último número) se pierde y el protagonista se lanza a una aventura que lo lleva hasta la desolada Groenlandia.

    Dicha aventura se potencia al ser Walter Mitty un soñador que escapa de su aburrida existencia viviendo una especie de vida paralela que lo transforma en un superhombre, capaz de resolver y hacer las cosas más extraordinarias, no sólo enfrentar a su despiadado jefe (Adam Scott), sino también rescatar a un perro de un edificio en llamas.

    Walter hará el viaje mundial más extraordinario de lo que jamás haya podido soñar en su vida para recuperar el fotograma y ganarse la compañera de trabajo (Kristen Wiig) que ama de manera secreta.

    La película se luce en lo visual, por los maravillosos paisajes y el acertado montaje, además de la envolvente banda sonora de Theodore Shapiro que permiten mantener el ritmo del relato y volverlo entretenido, aunque pierde el tono satírico de los anteriores trabajos de Ben Stiller.
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  • Frozen, una aventura congelada
    Espíritu clásico bajo cero

    LLega esta aventura de Disney de la mano del experimentado realizador Chris Buck (Tarzán) en co-dirección con Jennifer Lee (guionista de "Ralph El Demoledor"), la primera mujer en dirigir un film animado del sello.

    Frozen: Una aventura congelada, basada en el popular y sombrío cuento “La reina de las nieves” de Hans Christian Andersen, remite a los clásicos de la primera etapa de Disney con una historia que aparece atravesada por canciones en medio de aventuras, emoción, traiciones y hechizos bajo cero.

    La heroína Anna (Kristen Bell) se une al alpinista Kristoff (Jonathan Groff) y su fiel reno en una travesía llena de obstáculos para encontrar a la hermana de la protagonista, Elsa, que huyó a una fortaleza helada de soledad luego de haber sido coronada Reina y desatar sus poderes que prometen un "invierno eterno" para todos. La trama incluye también a un personaje entrañable como Olaf, un muñeco de nieve que se arma y desarma constantemente.

    Apuntada al público más pequeño, esta es una fábula alimentada por dos hermanas, la buena y la mala, que desean transformar sus destinos a veces confiando demasiado en quienes las rodean. La película tiene ocho canciones originales de Robert López (famoso en Broadway por The book of Mormon y Avenida Q) y su esposa, Kristen Anderson López, además del tema cantado por Violeta en los créditos para el mercado latino.

    Sin ser lo mejor de Disney, pero con la intención de retrotraerse a las viejas atmósferas musicales de los clásicos, la nueva producción entretiene con los poderes "descontrolados" de Elsa; la construcción de un puente helado que lleva a una mansión y la aparición de un amenazante y gigantesco monstruo de nieve.

    Antes de la proyección del film, el espectador se encontrará con una verdadera joyita: el cortometraje Get a Horse!, un eterno "juego del cine dentro del cine" que combina las viejas y nuevas técnicas de animación. La parte en blanco y negro presenta a Mickey Mouse, Minnie y otros personajes que luego salen de la pantalla y se los puede ver en colores. El corto está inspirado en la famosa La rosa púrpura del Cairo, de Woody Allen.
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  • Ritual sangriento
    La mesa está servida

    El director Jim Mickle toma las riendas de esta remake del film mexicano de 2010, "We are what we are", y logra inquietar al espectador más desprevenido. Ritual sangriento no es la típica película de terror a la que el público está acostumbrado, ya que está alejada de los clichés y alimentada por personajes oscuros que componen un clan nada convencional.

    El realizador, quien también filmó Stake Land, se focaliza en Los Parker, una familia que continúa y mantiene sus costumbres ancestrales a cualquier precio: comer carne humana. Luego de la pérdida de su esposa, Frank (Bill Sage), lleva adelante el hogar junto a sus dos hijas adolescentes, Rose (Julia Garner), Iris (Ambyr Childers) y el pequeño Rory (Jack Gore).

    Mezcla de thriller, pólicial y terror gore, el relato deja su tendal de pistas en un arroyo y numerosos asesinatos que un inspector (Laurent Rejto) comenzará a investigar en medio de una atmósfera de lluvia constante que le da un clima aún más sombrío al relato. El canibalismo dice presente en su forma más voraz en esta historia en la que las jóvenes hermanas son victimarias y víctimas de un ritual sangriento que deja un plato de comida caliente sobre la mesa.

    Chicas desaparecidas, un niño que mira de cerca el horror, una casa cerrada al mundo exterior, una enfermedad que comienza a adueñarse de los cuerpos y un sótano con sorpresas son algunas de las constantes que el film va cocinando a lo largo de los minutos para entregar su plato "al dente". También participa en la película una irreconocible Kelly McGillis, como la vecina de los Parker, la actriz que alguna vez vimos en Top Gun y Testigo en peligro.
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  • Último viaje a Las Vegas
    Mis amigos de siempre

    La ciudad del juego se convierte una vez más en el escenario de una comedia que reúne a un grupo de amigos que añora tiempos pasados y enfrenta un presente con dificultades.

    Último viaje a Las Vegas es la historia de siempre pero impulsada por cuatro grandes nombres del firmamento hollywoodense: Michael Douglas, Robert De Niro, Morgan Freeman y Kevin Kline. Ellos deciden olvidarse de su edad y reviven los mejores años cuando el soltero del grupo (Douglas) decide contraer matrimonio con una mujer mucho más joven que él en la ciudad del juego.

    La película de Jon Turteltaub (El aprendiz de brujo) va a lo seguro y no se arriesga demasiado al entregar un producto del estilo de ¿Qué pasó ayer?, pero menos episódico y con más moralina, alimentado por personajes que están alrededor de los setenta y que arrastran sus propias tristezas. Paddy (De Niro) es el viudo que a último momento, y a regañadientes, se suma a la aventura; Archie (Freeman) es el anciano que se escapa de su hogar con la excusa de un retiro espiritual de la iglesia y preocupa a su hijo; Sam (Kline) busca la manera de alejarse de su mujer para reactivar su matrimonio y, finalmente, Billy (Douglas) que vive como el eterno galán.

    Con guión de Dan Fogelman (Loco estúpido amor), el relato crece cuando entra en acción Mary Steenburgen, la amiga que enciende la pasión y los viejos "acuerdos" de un pasado que vuelve de manera diferente. Entre la búsqueda de un hotel donde hospedarse, dolores físicos, juegos, fiestas en una lujosa habitación y camas giratorias, el film acierta con algunos gags e impone además su mirada melancólica. Ni más ni menos.
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  • Jackass: el abuelo sinvergüenza
    Una jodita para Knoxville

    De la factoría MTV llega a la pantalla grande esta película que no es otra cosa que una serie de cámaras ocultas hilvanadas con un hilo argumental. Irving Zisman (personificado por Johnny Knoxville) tiene 86 años y un nieto de ocho, Billy (Jackson Nicholl), a quien debe trasladar a la otra punta de los Estados Unidos para entregárselo al padre motoquero. Con el cadáver de la esposa de Irving en el baúl, ambos inician un viaje que de aleccionador no tiene nada.

    Jackass: El Abuelo sinverguenza impone un estilo desenfadado, directo y escatológico, el "sello Knoxville" a lo largo de cámaras ocultas ubicadas estratégicamente para mostrar las reacciones de incautos que no hacen otra cosa que llevarse las manos a la boca. De este modo, abuelo y nieto se topan a lo largo de su travesía con strippers masculinos (el mismo Irving no dudará en mostrar sus encantos colgantes), un concurso de belleza para niñas (una parodia a Pequeña Miss Sunshine) en el que el mismo Billy se convierte en su principal atracción y hasta con un grupo de motociclistas rebeldes.

    Si bien la película ofrece algún que otro gag gracioso, tampoco se esmera por salir de su fórmula televisiva y mucho menos por ser discreta, mantieniéndose fiel a su característica principal: la grosería. La escena de la máquina de gaseosas de la que Irving queda literalmente "pegado" o la del bar contribuyen a la sorpresa y el espanto de quienes rodean a la dupla protagónica. Todo es irreverente (sexo y muerte) y no siempre resulta efectivo.
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  • Un lugar para el amor
    Retrato de familia

    "Un escritor es la suma de sus experiencias" le dice el padre encarnado por Greg Kinnear a su hijo en esta bienvenida película independiente norteamericana que pone el acentro en los vínculos familiares.

    Un aclamado escritor (Kinnear), Erica, su ex esposa (Jennifer Connelly) y sus hijos adolescentes Samantha (Lily Collins) y Rusty (Nat Wolf) experimentan las complejidades del amor en todas sus formas en un invierno en la playa. El film de Josh Boone explora las relaciones entre padres separados e hijos desorientados que también tienen su costado artístico. Samantha espera la publicación de su libro y Rusty escribe poemas de amor.

    Un lugar para el amor (Stuck in love) acierta en la descripción de los personajes y los mezcla en un batido de emociones que rápidamente llegan al espectador: padres que se reprochan si son felices con sus actuales parejas, jóvenes en ebullición, la llegada del primer amor, la competencia, los celos y los excesos. Todo aparece bien contado y plasmado por el joven realizador en tiempos navideños.

    En definitiva, la película tiene que ver con las nuevas oportunidades amorosas que buscan adultos y jóvenes, padres e hijos, y la escritura y la lectura aparecen como corazón del relato. "Es el libro más grande que vi en mi vida" dice la nueva novia de Rusty en referencia a It! de Stephen King.

    En el elenco se lucen los siempre ajustados Kinnear y Connelly y sorprenden tanto Lily Collins (la actriz de Espejito Espejito) y Logan Lerman (Percy Jackson) en el rol de su novio. Papeles complejos que atraviesan pérdidas.
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  • El Hobbit: La desolación de Smaug
    La gran aventura

    Esta segunda entrega de la trilogía cinematográfica basada en la obra de Tolkien, supera a la anterior estrenada el año pasado. En realidad, se trata de una kilométrica superproducción dividida en tres partes, pero ésta concentra más aventura y acción a través de secuencias espectaculares. Y, como si fuera poco, deja al espectador con ganas de ver más.

    El Hobbit: La desolación de Smaug sigue la vertiginosa aventura del personaje principal Bilbo Baggins (Martin Freeman) en su viaje con los trece enanos, liderados por Thorin (Richard Armitage), en su búsqueda épica para reclamar el reino enano perdido de Erebor. En el camino enfrentarán varios peligros y al dragón Smaug (Benedict Cumberbatch) que siembra terror entre los hombres.

    Peter Jackson no pierde tiempo en la narración, aprovecha todas las puntas argumentales del guión (el pescador perseguido que ayuda a los protagonistas y tiene a su familia amenazada) y coloca el acento en el gran despliegue pero sin olvidarse de la tensión que ofrece la trama y los móviles de los personajes, Aquí brillan la secuencias del ataque de las arañas gigantes: el escape de los enanos escondidos en barriles y arrastrados por la corriente del río; el feroz ejército se orcos que se lanzan tras sus los pasos para llegar a una llave que abrirá la puerta del reino prohibido y también peligroso.

    Todo está colocado en su medida justa y el resultado no da respiro a los fans de la saga, que percibirán las referencias a Los cazadores del arca perdida en el último tramo del film. Por su parte, regresan Orlando Bloom con su papel de Legolas, Cate Blanchett como Galadriel y hasta el mismo Peter Jackson se reserva una fugaz aparición en la primera escena.

    Grandes escenarios creados digtialmente, criaturas monstruosas y el eterno enfrentamiento entre el Bien y el Mal plasmado entre las luces y las sombras, alcanzan en la historia niveles insospechados cuando todos se lanzan tras el Anillo que sirve como disparador de las diferentes situaciones. Una excusa para encender la mecha de la gran aventura.
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  • A la deriva
    A la deriva
    Todo lo ve
    Mundo cotidiano y peligroso

    Ambientada en Misiones, la película de Fernando Pacheco está inscripta en el drama y juega con las aristas policiales. La intención del realizador es sumergir a los personajes en un mundo cotidiano y, a la vez, peligroso. Ramón (Daniel Valenzuela), el peón de un aserradero, es despedido de su trabajo y atraviesa una complicada situación económica. Aunque aparentemente no hay salida, encuentra una nueva "oportunidad" cuando es covencido por un pescador para trasladar una carga de marihuana desde Paraguay y, a través del río, que tiene como destinatario a Leiva (Juan Palomino), un narcotraficante de la zona. Sin embargo, las cosas no salen como estaban pensadas.

    A la deriva es una película chica con paisajes inmensos que muestran la pequeñez del hombre que lo habita y las ambiciones que los arrastran hacia la tragedia. Ramón va de trabajo en trabajo sin suerte, es capaz de hacerle el amor a su esposa de manera mecánica y también de entregarles presentes a ella y a su pequeño hijo. Detrás de la fachada de hombre común, él necesita buscar segundas oportunidades sin lastimar a los que ama (la protección a su madre y el compañerismo reinante con Antonio, encarnado por Julián Stefan).

    La trama va gestando un clima de amenaza permanente en sus escasos setenta minutos de metraje y atrapa al espectador con recursos simples y efectivos. Valenzuela logra un papel convincente mientras Palomino aparece como el "duro" y no duda en apretar el gatillo.
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  • Paranoia
    Paranoia
    Todo lo ve
    Débil espionaje corporativo

    Este thriller pone al descubierto un mundo de ambiciones desmedidas en el que se enfrentan los dos magnates tecnológicos más poderosos del planeta (Harrison Ford y Gary Oldman) y aparece en el medio a un joven prometedor (Liam Hemsworth, de Los juegos del hambre) que odia su trabajo y se convierte en un espía al infiltrarese en la empresa rival.

    Paranoia no rinde homenaje a su título y entrega una serie de situaciones vistas antes pero sin el nervio narrativo que le imprime el director Robert Luketic (Legalmente rubia, 21: Blackjack), quien vira el relato hacia un costado más adolescente e ingenuo.

    Las presencias de Oldman, Ford y Richard Dreyfuss como el padre del joven en cuestión y de la explosiva Amber Heard, no alcanzan para levantar la atmósfera de este film sobre espionaje corporativo que acumula un par de persecuciones, engaños y traiciones.

    Basada en la novela homónima escrita por Joseph Finder, la película examina además la vida del chico inexperto que descubre nuevas habilidades y queda atrapado en una telaraña mientras maneja un Porsche, se reencuentra con su padre y sale con la chica más hermosa. No mucho más que eso.
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  • Kon-Tiki - Un viaje fantástico
    Una aventura extraordinaria

    Una aventura espectacular es la que impulsa este film noruego sobre un soñador que logró lo que otros creían imposibe: viajar desde Perú hasta la Polinesia a bordo de una balsa en 1947.

    El noruego Thor Heyerdahl sostuvo la teoría que la Polinesia había sido poblada desde América del Sur y no desde Asia como sostenían los círculos científicos de la época. Para eso se embarcó en esta travesía por el Oceáno Pacífico tal cual la habían realizado los aborígenes peruanos miles de años atrás en homenaje al Dios Sol.

    Kon-Tiki: Un viaje fantástico tiene puntos de contacto con Una aventura extraordinaria, el film de Ang Lee que este año se llevó varios premios Oscar y con la nacional Expedición Atlantis. En todas aparecen los sueños, el desafío y los miedos como si fueran otros personajes de la historia.

    Thor (al principio del film es un chico que le teme al agua y de adulto abandona a su familia para cumplir su objetivo) es acompañado por cinco jóvenes y un loro a bordo de Kon-Tiki, enfrentando las inclemencias del tiempo, los peligros del mar y la incertidumbre de llegar a destino.

    El film, que también conoció una versión documental en la década del cincuenta, reúne los códigos de la aventura y los potencia a través de un plano secuencia que muestra a una embarcación minúscula en medio de la inmensidad del mar. La trama acumula varios obstáculos que también aparecen bien explotados por marineros que son más pesimistas y realistas que el propio Thor.

    El resultado es una película que atrapa desde el comienzo, que fusiona drama familiar y soledad, en medio de ballenas, tiburones y desconocidas criaturas marinas que iiluminan la noche como en la realización dde Lee. La filmación fue también una odisea: 59 días en 6 países distintos y con el mayor presupuesto para un film noruego realizado hasta la fecha.
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  • Machete kills
    Machete kills
    Todo lo ve
    Acción al servicio de la parodia

    Con un trailer al comienzo que adelanta "Machete Kills Again in...Space", llega esta segunda parte también dirigida por Robert Rodríguez y deja en claro que al realizador le gusta divertirse y rodearse de amigos. Rofríguez ya había utilizado este recurso en Planeta Terror, cuando se anunciaba Machete.

    Machete (Danny Trejo) es contratado ahora por el gobierno de los Estados Unidos (el Presidente está encarnado por Charlie Sheen) para liquidar a un excéntrico millonario (Mel Gibson) que se dedica a traficar con drogas y armamento. Su intención es extender una guerra por todo el planeta luego de lanzar un misil en suelo norteamericano.

    Machete Kills es una de esas realizaciones para no tomar en serio, con algunos gags efectivos (el anuncio de Leonardo Di Caprio y Justin Bieber en el elenco de la tercera) y mucha acción. En este segundo eslabón el film cuenta otra vez con la siempre guerrera Michelle Rodríguez y Jessica Alba, a las que se suman la colombiana Sofia Vergara con sus tetas-ametralladora y la participación especial de Lady Gaga, Antonio Banderas, Vanessa Hudgens y Alexa Vega, protagonista de su anterior saga Mini-espias.

    El resultado es una película ochentosa, plagada de gags, sangre, intestinos que se enredan con las hélices de un helicóptero y referencias explícitas a Star Wars, entre otras. Todo es posible de la mano de un cineasta que sabe parodiar y reírse de sí mismo, además de plasmar un relato disparatado. Si el espectador busca eso lo encontrará en medio de sables láser y armamento sofisticado al mejor estilo James Bond. Y con Trejo, un hombre de cara ruda, que ya es una marca registrada.
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  • Super Once: El juego final
    Fútbol y fantasía

    Después del estreno de Dragon Ball: La batalla de los dioses llega ahora la primera película basada en la serie de animación Inazuma Eleven, que se convirtió en un verdadero furor en Japón. El film, que se estrenó en el 2010 en ese país, lideró la taquilla durante seis semanas y está apuntado al público de corta edad.

    Super Once: El juego final tiene al fútbol como centro de la acción y la trama incluye además elementos fantásticos surgidos de un video juego creado para la consola portátil Nintendo DS. El éxito de los videos llegó a una colección de cómics y a una serie de animación.

    Los miembros del equipo de fútbol del Instituto Raimon, capitaneados por Mark Evans, sueñan con ganar el Torneo de Fútbol Frontera, pero antes deberán salir airosos de varios encuentros con los mejores equipos del país, entre ellos, la Royal Academy, que ya ha ganado el torneo en varias ocasiones. Los jugadores basan su entrenamiento en el cuaderno de supertécnicas del abuelo de Mark, portero del legendario equipo Inazuma Eleven.

    La película recurre a colores estridentes, pantalla dividida, canciones y a efectos que se ven en pleno campo de juego, desde una invasión de vigas de acero hasta tornados de fuego. Todo utilizado para captar la atención de un público de seis o siete años y con una trama sencilla. La animacíon tradicional está a años luz de las grandes propuestas norteamericanas del género, pero mantiene una estética que también la hace única.
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  • Omisión
    Omisión
    Todo lo ve
    Cielo, secretos e infierno

    Thriller nacional que juega con el secreto de las confesiones, los crímenes y un hecho del pasado que vuelve para modificar el presente. Esas son las piezas sobre las que se apoya Omisión, el film de Marcelo Paez Cubells que cruza los caminos de tres personajes.

    Santiago Murray (Gonzalo Heredia) es un sacerdote que regresa a Buenos Aires luego de una estadía de diez años en Europa para asistir a los que más lo necesitan bajo la supervisión de otro sacerdote (encarnado por Lorenzo Quinteros). Cuando recibe la confesión de un asesino su mundo cambia para siempre y el silencio que debe mantener también traerá nuevas víctimas.

    La historia también pivotea sobre Patricio Branca (Carlos Belloso), el psiquiatra que atraviesa una crisis, se confiesa luego de haber "limpiado" la sociedad y de Clara Aguirre (Eleonora Wexler), ex pareja del sacerdote y la fiscal asignada al caso de los asesinatos que se van sucediendo a lo largo de la película.

    A pesar de la máscara convincente que Carlos Belloso le da a su criatura y de la presencia de Gonzalo Heredia, el cura que navega entre el cielo y el infierno, el clima general no siempre da en el blanco. Los diálogos a veces sobran y la escena final demasiado apresurada y desarrollada bajo la lluvia no tiene el clima de misterio y locura que necesitaba el relato.

    Omisión tiene buenos rubros técnicos pero desaprovecha el suspenso y a Eleonora Wexler, en medio de una trama plagada de explicaciones, un matrimonio asesinado (el rol de la esposa a cargo de María Fernanda Callejón) y un joven del barrio pobre al que el sacerdote de buen corazón debe defender de otras amenazas.
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  • Una segunda oportunidad
    Masajes al alma

    Una bienvenida comedia romántica de la cineasta neoyorquina Nicole Holofcener (Amigos con Dinero) que indaga en las soledades de dos personas de mediana edad que intentan reconstruír sus vidas. Una segunda oportunidad es uno de los últimos trabajos del fallecido James Gandolfini, previo a Animal Rescue, anunciada para el año próximo.

    La trama une los caminos de Eva (Julia Louis-Dreyfuss, actriz de escaso cine y reconocida por series como Web Therapy y Veep), una masajista divorciada que carga su camilla, escucha y también soporta a sus pacientes en las distintas sesiones que hace a domicilio, y de Albert (Gandolfini), un divorciado entrado en kilos y empleado de la Biblioteca de la Televisión Americana.

    El filma acierta en la descripción de los personajes (la mujer que pronto conocerá la soledad ya que su hija deja el hogar para irse a estudiar a la universidad y la del hombre que atraviesa la misma situación) y en escenas en las que los diálogos resultan eficaces, directos y tampoco se olvidan del humor.

    El emotivo encuentro de los protagonistas en el frente de la casa o el acercamiento de Eva a una de sus clientas (Catherine Kenner), una reconocida autora de gustos refinados que traerá sorpresas en la trama, se convierten en los pilares de esta realización que también cuenta con Toni Collette (Sexto Sentido).

    Masajes, excesos de comida (quizás algo premonitorio en el malogrado Gandolfini), reuniones de amigos, parejas desparejas, hijas adolescentes en plena etapa de rebeldía y cruce de personajes, Todo por el mismo precio y contado con emoción.
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  • En llamas
    En llamas
    Todo lo ve
    Esta secuela encuentra a Katniss Everdeen (Jennifer Lawrence) y Peeta (Josh Hutcherson), como ganadores de la edición 74 de Los juegos del hambre y en un largo viaje en tren para presentarse en el tour de la victora durante doce horas en doce distritos. En su larga travesía, una rebelión se está gestando ante el sistema que impone el presidente Snow (Donald Sutherland) mientras se prepara una nueva presentación de esta cacería humana.

    Los juegos del hambre: En llamas es el segundo eslabón de la saga escrita por Suzanne Collins en la que se hacen referencias a la siguiente, Sinsajo, mientras sumerge a la protagonista en una tormentosa existencia ligada a las muertes ocurridas en el film original.

    El Capitolio tiene a todos bajo control y Panem cambiará para siempre en esta película dirigida por Francis Lawrence (Constantine) que pone el acento en la progresión de los personajes, en el tema de la exposición, la responsabilidad del poder y de los humanos como comejillos de indias.

    En ese sentido, la realización acierta en la pintura de los personajes, en la creación de climas y en la secuencias más impresionantes como el ataque de los simios y el avance de una neblina venenosa. En tanto, Katniss recurre al arco y las flechas (que nunca se agotan) para enfrentar al enemigo, uno más poderoso que los simples concursantes.

    Se agrega a esta secuela plagada de traicones, lealtades y amenazas Phillip Seymour Hoffman como la mano derecha de Snow; y repiten papeles Stanley Tucci como Caesar, el popular presentador del programa y Liam Hemsworth como Gale.

    Con ecos de Ben Hur y panorámicas que muestran el fervor del público por seguir los acontecimientos de los juegos, el film deja al espectador con ganas de más. Pero para eso, habrá que esperar un año.
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  • Thor: Un mundo oscuro
    Aventuras en universos paralelos

    El segundo eslabón de las aventuras de Thor, el Dios del Trueno, comienza con lo ocurrido en el final de Los Vengadores: Loki (Tom Hiddleston), su hermano, es encerrado en una prisión de alta seguridad.

    En medio de una trama alimentada por traiciones y ambiciones desmedidas, Thor: Un mundo oscuro enfrenta al superhéroe de Marvel (encarnado por el australiano Chris Hemsworth) con una antigua raza liderada por el vengativo Malekith (Christopher Eccleston) que desea sumergir al universo en la oscuridad. Loki es liberado y junto a Thor emprende un camino lleno de peligros al que se suma Jane Foster (Natalie Portman). y en medio de un elenco que repite a Anthony Hopkins como Odin, el Rey de Asgard; a Rene Russo en el rol de Frigga y al sueco Stellan Skarsgård, como el científico que coloca la cuota de humor necesaria al relato junto a sus dos ayudantes.

    Thor: Un mundo oscuro eleva la puntería con respecto a la original (dirigida por Kenneth Branagh) y ahora Alan Taylor (quie viene de dirigir episodios de la serie El juego de los tronos) construye un film en el que el delirio y los universos paralelos se dan la mano para dar rienda suelta a la acción y la aventura. En ese sentido, las criaturas invasoras (con poderosas naves) recuerdan a Depredador y sorprenden varias secuencias a nivel visual (como el funeral de Frigga o la llegada de los villanos a La Tierra).

    Todo aparece salpicadso por saludables cuotas de humor: en una escena se ve escudo del Capitán América y, en otra, Thor deja su poderoso martillo colgando de un perchero. La película tiene dos escenas agregadas después de los creditos: la primera disfrutable para los fans de Marvel, mientr
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  • El mayordomo
    El mayordomo
    Todo lo ve
    Patria, racismo y emoción

    "No hables, No escuches. Solo sirve", le dicen a Cecil Gaines (un extraordinario Forest Whitaker) en este drama épico que resultó una sorpresa en las boleterías de los Estados Unidos meses atrás.

    El mayordomo no disimula su intención pro-Obama y entrega las dosis exactas de emoción en el convulsionado mundo político de los Estados Unidos a lo largo de siete administraciones presidenciales. La historia comienza en 1926 (Cecil es un niño que presencia el aesinato de su padre en plena época racial) y recorre luego su crecimiento hasta convertirse en mayordomo de la Casa Blanca durante el desarrollo del movimiento por los derechos civiles.

    La película de Lee Daniels (Preciosa) acierta en la pintura de época y plasma en imágenes la formación de una familia (la esposa está encarnada por una convincente Oprah Winfrey) que supo acomodarse y también conoció la "traición" de uno de sus hijos (David Otelowo) cuando abandona el hogar y comienza la lucha por sus ideales.

    El relato coloca en primer plano la resistencia, el silencio, el dolor, el compañerismo (ahí dice presente Cuba Gooding Jr.) y la perseverancia del clan que pudo sobrevivir al horror. Al mejor estilo de El color púrpura y de la más reciente Historias Cruzadas, la película emociona y está atravesada por relaciones familiares alteradas en plena época de cambios.

    Un elenco de destacasa figuras tiene sus cameos: Mariah Carey, Lenny Kravitz, Robin Williams (Eisenhower), John Cusack (Richard Nixon), Liev Schreiber (Lyndon B. Johnson, James Mardsen (John F. Kennedy), Alan Rickman (Ronald Reagan), Jane Fonda (Nancy Reagan) y Vanessa Redgrave. Todo pensado para conmover al espectador a través del revisionismo histórico. Y lo logra.
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  • Sola contigo
    Sola contigo
    Todo lo ve
    Cuando llama un extraño

    La vida de María Teresa (la española Ariadna Gil) da un giro imprevisto cuando una orden judicial le impíde ver a sus hijas. Divorciada, con un buen trabajo en una empresa y alejada de su ex marido, la protagonista intenta salir adelante a pesar de su gran fragilidad. Sin embargo, las cosas empeoran cuando comienza a recibir llamadas que le aseguran que le quedan sólo cinco días de vida.

    El realizador Alberto Lecchi (antes había dirigido a Gil en Nueces para el amor) elabora un thriller que sumerge a los persnajes -y al público- en un laberinto que no parece tener salida. Aunque por momentos confusa, la película se alimenta de una amplia galería de sospechosos: el policía encarnado por Leonardo Sbaraglia; el seductor (Gonzalo Valenzuela) que enreda a María Teresa; un jefe de oficina (Antonio Birabent); una secretaria (Sabrina Garciarena) y un vecino metido (Hugo Astar).

    Con estos elementos, la historia deja en claro que el film reposa sobre los hombros de la protagonista, mientras el resto actúan como periféricos que siembran dudas y misterio con el correr de los minutos.

    Sola Contigo indaga en el universo femenino y no se aparta del registro del thriller con llamados telefónicos que impulsan a la víctima a recordar un pasado oscuro y tortuoso y a pedir perdón a las personas a las que hizo daño. Hay alguien que la conoce bien y parece estar siempre un paso adelante

    Esta coproducción argentino española acumula traiciones, personajes (como el del vecino) que queda colgado de la trama, violencia, suspenso y un final sorpresivo.
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  • Las brujas
    Las brujas
    Todo lo ve
    Aquelarre vertiginoso

    Un mix de géneros es el que nos trae nuevamente el director español Alex De la Iglesia luego de Balada triste de trompeta. Y aún queda por estrenar en Argentina La chispa de la vida.

    Las brujas pone el acento en la acción, el humor y en el terror sobrenatural al mejor estilo de Las brujas de Eastwick a partir del momento en que dos hombres desesperados (Hugo Silva y Mario Casas) y camuflados como Cristo y un soldado, respectivamente, asaltan un negocio de oro en pleno centro de Madrid.

    El escape los llevará luego a bordo de un taxi, con chofer, rehén e hijo incluído, hasta los bosques de un lugar que parece detenido en el tiempo: una Navarra mítica, tierra de aquelarres, donde se toparán con las maldiciones de tres brujas pertenecientes a tres generaciones diferentes (encarnadas por Carmen Maura, Terele Pavez y Carolina Bang). Y, como si fuera poco, dos policías les seguirán el rastro.

    El resultado es una travesía alocada atravesada por efectivas dosis de acción, persecuciones automovilísticas y humor para desencadenar luego en un terreno fantástico donde una secta toma al pequeño hijo del protagonista para realizar extraños rituales. De la Iglesia conoce el material que tiene entre manos para lograr un explosivo entretenimiento, aún cuando el robo y sus consecuenicas resulten más atrapantes y vertiginosas que el resto.

    En el film, se maquilla a protagonistas que esconden su obsesión por el dinero y por salir adelante como sea. En el reparto aparecen un irreconocible Santiago Segura (convertido en mujer) al igual que Carlos Areces (recientemente visto en Los amantes pasajeros) como integrantes del aquellare.

    La monstruosidad también dice presente en los minutos finales entre brujas que caminan por el techo, una joven y atractiva hechicera que se revela contra las costumbres de su familia y un vínculo, tan sorpresivo y pasional, que se verá sobre el final.
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  • Un paraíso para los malditos
    Un sereno asesino a sueldo

    Del director Alejandro Montiel (Las hermanas L, Extraños en la noche) llega este thriller que cuenta con un comienzo inquietante: Marcial (Joaquín Furriel), un hombre soilitario, consigue trabajo como sereno en una fábrica abandonada y, con el correr de los minutos, se conocerá su verdadero objetivo.

    En medio de un clima de inseguridad callejera y con la vista colocada en la "casa de al lado", el protagonista comete un crimen por encargo. A partir de ese momento, pasa a ocupar el lugar de la víctima, cuida a su padre postrado y con demencia senil (Alejandro Urdapilleta, siempre un buen intérprete) y se relaciona con Miriam (Maricel Alvarez), una madre soltera que también busca su lugar en el mundo. En ese universo oscuro, alimentado por las sombras y la violencia, el sereno intentará construír su propia familia, "el paraíso" al que refiere el título del film.

    La película parte de una buena idea, ostenta un clima de inminente peligro, pero la historia se desvanece cuando la "nueva familia" de Marcial ocupa parte del metraje y deja atrás al asesino de pocas palabras que vimos al inicio. La trama prometía más de lo que finalmente entrega, entre llamados telefónicos de un jefe misterioso, patoteros y asesinos. Una historia de amor y comprensión para un asesino taciturno y hermético que aparece en una trama a la que no le hubiese venido mal otra vuelta de tuerca.
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  • Escape imposible
    Encerrados e indestructibles

    Y sí. Están de vuelta. Sylvester Stallone y Arnold Schwarzenegger reaparecen juntos en una película de acción que no disimula los "toques ochentosos" que tan buenos resultados le dieron a ambos en las boleterías de todo el mundo años atrás.

    Después de compartir las dos partes de Los indestructibles, los astros se cargan la película al hombro en una imparable catarata de intriga, escapes y traiciones y con una cárcel gigantesca y enigmática como nuevo escenario para detonar la pólvora.

    Ray Breslin (Stallone) es la mayor autoridad en el mundo en materia de seguridad y se pone a prueba para poder escapar de prisiones de máxima seguridad que él conoce como anillo al dedo. Ahora Ray es encarcelado en una que él mismo diseñó, pero es traicionado y tiene que encontrar la manera de salir y averiguar quién lo puso tras las rejas. En su osada misión se topa con Emil Rottmayer (Schwarzenegger), otro recluso que lo ayudará a cumplir su objetivo.

    Peleas entre reclusos, sistemas de seguridad vulnerados; celdas de reclusión; inundaciones, un médico de la cárcel (Sam Neill) dispuesto a todo y un pulcro y perverso director (Jim Caviezel, el actor de La pasión de Cristo) que se sacude las manchas del traje con la misma facilidad que aprieta el gatillo, integran este relato que guarda su arsenal para las últimas escenas.

    Una cárcel de difícil localización; guardias que parecen salidos de un film futurista; y la ayuda -y las trampas- que vienen del exterior, son algunops de los artilugios usados por el director Mikael Håfström (1408) para construír un producto hecho a la medida de sus protagonistas.

    Con referencias a los íconos del cine de acción de décadas pasadas y con un plano detalle del ojo de Schwarzenegger que indica que se viene la acción, la película sigue su curso con intriga, tensión y una galería de villanos que funcionan a la perfección dentro de la trama.

    Aún se aguarda el estreno en Argentina de El ejecutor, la película de Walter Hill que tiene a Stallone como protagonista, mientras que Schwarzenegger tuvo su regreso solista y triunfal en El último desafío. Los músculos de ambos aún están en forma para entregar lo que el público espera de ellos.
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  • Carrie
    Carrie
    Todo lo ve
    Habilidades recargadas sin suspenso

    El film original, estrenado en 1976, fue el primero y una de las mejores adaptaciones que tuvo una novela de Stephen King a la pantalla grande y tuvo como realizador a Brian De Palma. La película catapultó a la por ese entonces desconocida Sissy Spacek al estrellato.

    Ahora llega la remake protagonizada por Chloe Grace Moretz (vista en Kick-Ass 2 y Sombras tenebrosas y Déjame entrar, entre otras) como la adolescente Carrie White, una chica que vive con su madre (Julianne Moore), una fanática religiosa, y que se convierte en el blanco de las burlas de sus compañeras de colegio. Tanta presión y humillación despiertan sus habilidades para la telekinesis y se enciende la venganza.

    La realizadora Kimberley Peirce (Los muchachos no lloran) no logra un producto que se acerque al nivel del film original a pesar de contar con dos buenas intérpretes en el elenco. Su trabajo sigue los pasos de la película anterior, le agrega los efectos devastadores de un video subido a Internet y sólo potencia algunas secuencias que tienen que ver con el despliegue visual. El resto se ve como una estudiantina lavada, atravesada por conflictos menores y con alumnos diabólicos dispuestos a todo para herir a la protagonista.

    En Carrie versión 2013, las habilidades para mover objetos y personas a distancia aparecen exacerbadas (hasta la levitación) pero sin el suspenso y los climas que generó De Palma. Los adolescentes y quienes no hayan visto el original, quizás la disfruten. Chloe Grace Moretz acierta más en los momentos de joven ingenua que en los raptos de ira y de lucha con su madre.

    NOTA: En el elenco de la película de 1976 asomaba John Travolta. En 1999 se hizo una secuela, Carrie 2: La ira, que pasó sin pena ni gloria por la cartelera y en 2002, la historia también se adaptó a la televisión sin suerte.
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  • El arte de la guerra
    Las patadas de un director de culto

    El realizador Wong Kar Wai (el mismo de Con ánimo de amar y My Blueberry Nights), regresa al cine luego de cinco años con una película de artes marciales que le sirve como excusa para repasar los cambios históricos y políticos en la China de 1936.

    El film gira en torno a Ip Man (Tony Leung), un maestro legendario de Wing Chun (uno de los estilos del kung-fu) y quien fuera maestro de Bruce Lee y, por otro lado, Gong Er (Zhang Ziyi), antagonista a quien el protagonista conoce durante una ceremonia en la que se busca a "un sucesor de las artes marciales". Ip Man se enfrenta con los grandes maestros del Sur y su arte deja lugar a la fascinación y al enamoramiento por Gong Er, pero los cambios sumergen al país en el caos y empujan a ambos a tomar decisiones difíciles.

    El arte de la Guerra, que llevó seis años de preparación y tres de rodaje y post-producción, es un verdadero ejercicio de estilo del cineasta, una película de género inmersa en épocas convulsionadas. Su cámara se posa cómodamente en los enfrentamientos cuerpo a cuerpo y en las luchas que tienen lugar en medio de una lluvia incesante. El recurso del ralenti para potenciar la acción y las cuidadas coreografías impulsan varios tramos del film.

    En ese sentido, el espectador se encontrará con un incesante lucha durante el período tumultuoso de la República luego de la caída de la última dinastía imperial, pero tambiénj con una historia de amor en la que los enfrentamientos de bandos dicen presente.
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  • Los elegidos
    Los elegidos
    Todo lo ve
    Contactos del cuarto tipo

    Desde hace años, los extraterrestres dejaron de ser pacíficos y quedaron atrás Encuentros cercanos del tercer tipo y E.T., para pasar luego a La guerra de los mundos y Skyline: La invasión por mencionar algunos ejemplos.

    De la mismos productores de Actividad Paranormal y La noche del demonio, llega Los elegidos (Dark Skies), un thriller psicológico sobre una familia amenazada por extrañas fuerzas que altera el orden cotidiano. Lacy (Keri Russell) y Daniel (Josh Hamilton) forman un matrimonio con dos hijos y atraviesan una seria crisis financiera. Las cosas empeoran cuando una extraña presencia alienígena visita el cuarto del hijo más pequeño y se pone en marcha un operativo (no podían faltar las cámaras de seguridad) para entender que és lo que está ocurriendo.

    La película de Scott Strewart (responsable de Priest y Legion de ángeles) tiene más suspenso que terror, pero acierta en la creación de los climas (la escena en la que Lacy entra a la cocina y encuentra innumerables objetos apilados al mejor estilo Poltergeist). Un niño con extraños comportamientos que habla con "el hombre de los sueños"; manchas rojizas que el padre tiene detrás la oreja; un adolescente que experimenta su pirmer beso y una invasión de aves que se estrellan en las ventanas del "hogar dulce hogar", conforman las piezas de este inquietante film.

    El relato aborda el tema de las abducciones (como lo hiciera Milla Jovovich en Contactos del cuarto tipo) y el mayor mériito es inquietar sin mostrar demasiado a la criatura hambrienta que abre la heladera durante la noche.
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  • Destino anunciado
    El infierno en medio de la tranquilidad

    El tema de la trata de blancas aparece reflejado en esta película nacional de suspenso cuya trama gira en torno a un chofer de micros de larga distancia (Luis Machín), próximo a jubilarse, y atormentado por pesadillas recurrentes.

    Destino anunciado, de Juan Dickinson, va construyendo con el correr de los minutos una historia que juega con el mundo de un hombre común y corriente, que sigue las reglas de su exigente trabajo, y cuya vida da un vuelco significativo en una carrera que podría enfrentarlo con la muerte.

    La película va mostrando a lo largo de su desarrollo un sueño que no deja en paz al protagonista hasta el final y cuando una muchacha desaparece de manera misteriosa, le da la posibilidad de enmendar sus errores del pasado.

    Si bien el flashback resulta confuso en su resolución con la historia, Destino anunciado tiene buenos rubros técnicos, una atmósfera que se va transformando y pone en peligro al personaje central (el escape en medio de los festejos del pueblo). Luis Machín, Manuel Vicente y Celeste Gerez aportan solvencia actoral en esta realización que recuerda a La mosca en la ceniza, de Gabriela David, que también abordaba el tema de la esclavitud sexual.

    En tanto, la pantalla se puebla de apariencias engañosas y traiciones en medio de la tranquilidad del pueblo. Pueblo chico, infierno grande.
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  • Capitán Phillips
    Terror a bordo

    Con el sello del director Paul Greengrass, llega esta historia real sobre Richard Phillips, el capitán de un buque de carga secuestrado por cuatro piratas somalíes en el año 2009. El film une los talentos de Tom Hanks (dos veces ganador del Oscar por Philadelphia y Forrest Gump) como el heroico personaje y del creador de United 93 y la trilogía Bourne en el tímón de una narración que nunca decae en sus dos horas y cuarto.

    La piratería, las responsabilidades en la cadena de mando y la falta de oportunidades son los tópicos que disparan esta historia muy bien narrada que aleja a Phillips de su familia a bordo del buque mercante Maersk Alabama de bandera estadounidense y que fuera secuestrado en el Índico a unas cuatrocientas millas de Mogadiscio.

    La cámara nerviosa salta permanentemente de la pequeña embarcación tripulada por delincuentes violentos al gigantesco buque que transporta containers con comida y sucumbe ante una amenaza inminente. La película también muestrta el punto de vista de los piratas somalíes como eslabones de una larga y compleja red delictiva.

    La película explota el suspenso al máximo (la toma del barco, la tripulación escondida, el corte de electricidad en la embarcación) y coloca al personaje central como rehén de una agotadora red de negociaciones ante las fuerzas militares norteamericanas. Si el espectador busca emociones en altamar las encuentra, sin dudas, en este relato intenso y con un Tom Hanks que muestra su lado más frágil ante la posibilidad de la muerte.
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  • Gravedad
    Gravedad
    Todo lo ve
    Un gran espectáculo visual

    Encarar esta película de ciencia-ficción fue para el director mexicano Alfonso Cuarón una tarea titánica. Y no sólo por el tiempo que llevó, sino porque se trata de una apuesta arriesgada desde lo estético e impulsada por dos personajes.

    Gravedad, que ya suena como posible candidata a los Premios Oscar, es una historia de supervivencia y también de redención de un pasado trágico que arrastra la Dra. Ryan Stone (Sandra Bullock), una brillante ingeniera que está en su primer misión al espacio con el veterano astronauta Matt Kowalsky (George Clooney), embarcado en su última misión antes del retiro. Todo parece flotar tranquilamente allí arriba hasta que los astronautas quedan solos e incomunicados en la negrura del espacio.

    Nunca mejor aplicado el slogan publicitario de Alien para esta película: "En el espacio nadie te escucha gritar". Como una versión moderna de la Teniente Ripley que encarnó Sigourney Weaver, Stone también lucha contra sus monstruos internos. Cuarón invita al espectador a una aventura en la que se sentirá involucrado desde el comienzo con un plano secuencia que acompaña la los protagonistas flotando en medio del espacio. En ese sentido, el 3D está utilizado de manera impecable, ya que no sólo se limita a colocar objetos que parecen el alcance de la mano, sino que trabaja la profundidad de campo que da más realismo a la acción.

    En medio de una lluvia de restos de satélites, un cordón que une a Stone y Kowalsky, el oxígeno que se termina, espirales hacia el vacío y una estacíon cercana que podría ser su salvación, la película también guarda una sorpresa y juega con la visión subjetiva cuando ella pierde la orientación.

    Cuarón acredita títulos como Niños del hombre, Y tu mamá también y Harry Potter y el prisionero de Azkabán, pero con este último trabajo se consagra como un gran narrador, capaz de conquistar al público. El suspenso y las emociones también flotan.
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  • La noche del demonio 2
    Terror artesanal con buenos resultados

    Si hay alguien que tiene las ideas claras a la hora de filmar el terror es James Wan. La nueva creación del director de El Conjuro continua la historia de la Familia Lambert, quien ahora es perseguida por un misterioso secreto de la niñez que los deja conectados con el mundo de los espítritus.

    La noche del demonio 2 (Insidious Chapter 2) no disimula -ni quiere hacerlo- las influencias de títulos como Aqúi vive el horror, Poltergeist y El resplandor, para sumergir al espectador en una historia plagada de presencias fantasmales, demoníacas y en un universo paralelo en el que pasan cosas, aunque los mortales no puedan verlas.

    En esta segunda parte -la última sobre esta familia aunque se abre el abanico para un tercer capítulo- los Lambert dejan la casa y se mudan pero arrastran con ellos una extraña conexión con un universo paranormal. La trama se retrotrae veinticinco años para revelar los siniestros eventos que persiguen al clan y explorar entonces un sombrío inframundo y los miedos infantiles.

    Con elementos inquietantes como un cochecito de bebé, muñecas, un andador con luces que se dispara solo, puertas que se abren y cierran lentamente y una madre que perturba a su hijo, la película aprovecha los recursos que tiene a mano para elaborar un producto muy del estilo de los años 70 y 80 (al igual que en El conjuro): un terror más artesanal que digital que crea las atmósferas adecuadas para sobresaltar al público.

    Esta segunda parte es superior a la primera y explora la muerte de la medium del film anterior, que ahora desde "el más allá", intentará guiar a los padres (Patrick Wilson y Rose Byrne), la abuela (Barbara Hershey, quien alguna vez protagonizó también El ente), el hijo Dalton (Ty Simpinks) con percepciones "diferentes" y a un grupo de especialistas en fenómenos paranormales, para descubrir el siniestro caso que los llevará a la luz.
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  • 20.000 Besos
    20.000 Besos
    Todo lo ve
    Caer y levantarse, ésa es la cuestión

    Esta comedia romántica enciende el "juego del cine dentro del cine" a partir de una mirada descontracturada sobre los conflictos amorosos de un treintañero. Y sirve como la excusa ideal para dar rienda suelta a referencias sobre otras películas e íconos del star system. El director Sebastián De Caro (Recortadas) conoce bien de lo que habla y lo plasma en esta producción nacional que escapa a los clichés del género.

    20.000 besos puede gustar o no, pero sí construye un universo propio por el que desfilan personas comunes y corrientes en busca de su realización personal. Juan (Walter Cornas) está en crisis y decide separarse para poder recuperar lo que perdió: el reencuentro con sus amigos y su propio espacio. Sin imaginarlo, una compañera de trabajo sacudirá su estantería emocional. Caer, levantarse y ¿volver a caer? es la premisa que mueve al personaje del film.

    Un relato en el que el amor aparece enmarcado por las situaciones cotidianas que vive este grupo de amigos (entre ellos, Clemente Cancela, Alan Sabbagh, Alberto Rojas Apel y el "Goldstein" encarnado por Gastón Pauls) que sucumbe ante un altar levantado en honor a Rocky Balboa o atesorar muñecos -Star Wars presente- que marcaron su adolescencia.

    La historia está contada con desenfreno y de manera descontracturada (disfrutable el jefe de la oficina jugado por Eduardo Blanco). En tanto, la cámara está dispuesta a contar otra historia dentro de la película. O quizás sea la misma...
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  • Fenómenos paranormales 2
    Terror y "cine dentro del cine"

    La primera parte de esta película no pasó por los cines argentinos y saltó directo al DVD. Ahora es el turno de su continuación que tiene el recurso de la cámara en mano -a estas alturas verdaderamente cansador- como ya lo hicieran Actividad Paranormal, REC y El proyecto Blair Witch, títulos a los que también se menciona en este estreno.

    Fenómenos Paranormales 2 es un juego del "cine dentro del cine" que sigue los pasos de Alex Wright, un estudiante que investiga los acontecimientos ocurridos en el film anterior: el protagonista Sean Rogerson sigue vivo luego de su misteriosa desaparición y se encuentra en un instituto psiquiátrico. Alex y sus amigos deciden ir al lugar luego de recibir un video misterioso y se enfrentarán cara a cara con el terror.

    La película está estructurada de manera cíclica, en una historia en la que todo vuelve a pasar (incluso una tubería de aire acondicionado por la que intentan escapar los protagonistas los lleva al punto de inicio) y está poblada por presencias monstruosas y demoniacas que se esconden en los pasillos del lúgubre lugar a manera de un macabro tren fantasma.

    Tomando como elemento de partida que el film anterior era sólo una película y que tal vez ahora los hechos sean "reales", el guión de los Vicious Brothers mantienen todo el triempo la idea de la ficción fusionada con la realidad. Ese punto resulta interesante para esta segunda parte que cuenta con mayor presupuesto e intenta disparar el miedo hacia otros lugares del género.

    Hay sobresaltos, asesinatos sangrientos, una puerta que conecta con otro mundo y la necesidad del personaje central de armar una película "mortal". Si la intención es marearse con los registros de cámara en mano -además de otros dispositivos colocados en ascensores- el objetivo está cumplido. Muchas de las situaciones que se ven en pantalla ya fueron hechas pero los nervios igualmente están presentes.
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  • Chicas armadas y peligrosas
    Reconciliables diferencias

    Nuevamente desfila por la pantalla grande una pareja despareja, en este caso de mujeres policías, para dar rienda suelta y potenciar las situaciones de humor que presenta la trama.

    La rigurosa y metódica agente especial del FBI, Sarah Ashburn (Sandra Bullock) deberá hacer equipo con la malhumorada policía de Boston Shannon Mullins (Melissa McCarthy) y ambas se verán inmersas en un caso de narcotráfico. Con este esquema, Chicas armadas y peligrosas (The Heat) aprovecha el humor y los recursos de la acción pero le sobran varios minutos.

    Sin embargo, el director Paul Feig, el mismo de Damas en guerra, pone el énfasis en los métodos contrastantes que utilizan ambos personajes en una historia que también juega con las apariencias engañosas y las traiciones. La escena del bar, con las protagonistas borrachas, o el desfile de la impresentable familia de Mullins (el hermano corre peligro de muerte) alimentan esta comedia que fue un verdadero éxito de taquilla en los Estados Unidos y anuncia una segunda parte.

    Sandra Bullock está tan inexpresiva como siempre mientras que Melissa McCarthy tiene armas para jugar con el humor como lo viene demostrando en Damas en guerra y la reciente Ladrona de identidades.

    Estas chicas de "armas tomar" entregan un producto entretenido que no ahorra algún toque lacrimógeno, entre torturas, primeros auxilios y un policía albino para sellar sus "irreconciliables" diferencias.
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  • Dragon Ball Z: La batalla de los Dioses
    Después de diecisiete años, el legendario comic japónés vuelve a la pantalla grande en esta decimocuarta película de animación de la franquicia Dragon Ball.

    Un universo fantástico que sigue las aventuras de sus héroes y mantiene la estética que tantos seguidores cosechó. Para algunos, la concepción de animación puede resultar antigua y hasta ingenua, pero muchos festejarán esta animación 2D que preserva los colores estridentes y los movimientos (casi estáticos) de un producto que ya es marca registrada. Los 42 volúmenes del manga se adaptaron en dos series de anime: Dragon Ball y Dragon Ball Z, las cuales fueron transmitidas en Japón entre 1986 y 1996.

    Sin dejar de lado el humor y con una idea de familia y universo amenazados, esta nueva aventura trae a Bils, el Dios de la Destrucción que mantiene el balance del universo, despierta tras un largo sueño y sale en la búsqueda del guerrero que logró esta victoria: Goku. Ahora este miembro de la raza de guerreros Saiyan, junto a Vegeta y los Guerreros Z, intentarán detenerlo.

    Con personajes de naturaleza mixta, purasangres con poderes y expertos en combate, la película tiene los ingredientes que esperan los seguidores de la saga y retrotrae también a épocas en las que el dibujo artesanal todavía emocionaba y se elevaba -al igual que los personajes- a la categoría de arte. Masahiro Hosoda es el artesano que coloca alma, luchas y cuerpo a su nuevo trabajo.
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  • Caídos del mapa
    Esas blancas palomitas

    Llega a la pantalla grande este producto nacional pensado para el público preadolescente y basado en el primero de una saga literaria escrita por María Inés Falconi, que gira en torno a la amistad de cuatro chicos que cursan el séptimo grado.

    Caídos del mapa sigue los pasos de Federico (Felipe Corrado), Paula (Ailen Caffieri), Graciela (Sofía Calzetti) y Fabián (Tomás Carullo Lizzio, el intérprete infanfil que sobresale) quienes deciden ratearse en el lúgubre sótano de la escuela para salvarse de La Foca, la maestra de Geografía (Karina K). Pero Miriam (Brenda Marks Cobas), la olfa” del grado, los descubre y amenaza con delatarlos si no deciden integrarla al grupo.

    Con esta excusa, el film de los directores Nicolás Silbert y Leandro Mark pone el acento en las conflictivas relaciones de los chicos y las plasma a manera de comic, con ritmo y personajes exacerbados que intentan acentuar la cuota cómica. Sin dejar lado su estructura televisiva, la realización se introduce en el peligro y el misterio que supuestamente los espera (auqnue no es mucho y podría haberse explotado más) en las profundidades del colegio.

    Con cierto aire retro (el tocadiscos que encuentran en el sótano), el relato incluye al portero (Atilio Pozobón), a quien se muestra desde el comienzo con su manojo de llaves a cuestas; la directora (Tina Serrano) y a los padres de los protagonistas encarnados por Alejandro Paker, Eugenia Alonso (la madre sobreprotectora), Silvina Bosco y Marcelo Savignone.

    Aunque las intenciones son buenas, el resultado queda a mitad de camino entre un capítulo de Jacinta Pichimahuida y algún referente del cine norteamericano. La gracia y el misterio que prometía se diluye a mitad del metraje entre celos, bicicletas, anteojos que "desaparecen" y reproches familiares. Mientras tanto, suena el tema de la banda Miranda.
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  • Wakolda
    Wakolda
    Todo lo ve
    Crecer a la fuerza

    La nueva película de Lucía Puenzo sumerge al espectador en una historia ambientada en el sur argentino en el año 1959. Después de XXY y El niño pez, la realizadora hace foco en una realidad vinculada con las obsesiones por la pureza y la perfección de los alemanes.

    Un matrimonio argentino, Enzo (Diego Peretti) y Eva (Natalia Oreiro) poseen una hostería en Bariloche y reciben la visita de un médico aleman (Axel Brendemuhl) que trabaja en el perfeccionamiento de una hormona y se obsesiona con Lilith (Florencia Bado), una niña con problemas de crecimiento. La tranquilidad de la pareja y tambIén del inhóspito lugar, se ve alterada cuando descubran que dieron asilo al criminal Josef Mengele.

    Wakolda, basada en la novela de la propia cineasta, hace referencia a una "muñeca" (Enzo diseña prototipos) y a la siniestra la búsqueda desesperada de una raza perfecta. El film tiene puntos de contacto con sus anteriores trabajos (como el tema del despertar sexual y las obsesiones) y pone énfasis en la fascinación que sienta Eva por el recién llegado y la desconfianza que, desde el comienzo, se va adueñando del padre de familia.

    Con una cuidada reconstrucción de época y planos que muestran aquello que los personajes muchas veces no dicen, la película se desarrolla de manera lenta e incluye a personajes como la fotógrafa encarnada por Elena Roger. Todo es medido, prolijo y aparece enmarcado por la nieve que crea un clima de cierto misterio en el relato.

    Sobre el desenlace se concentran el pase de información, la persecución y la búsqueda internacional del criminal de guerra experimentado en medicina y clonación humana, refugiado -y bien recibido por la comunidad- en un lugar remoto.

    Natalia Oreiro (vista en Infancia clandestina) confirma su capacidad para abordar personajes dramáticos cuando está bien dirigida; el alemán Alex Brenmemul aporta seducción y frialdad a su monstruosa criatura y la pequeña Florencia Bado convence en cada una de sus apariciones con un personaje intenso y sufrido. Un film ideal para pasearse por festivales internacionales y que cuenta el horror del pasado a través de personajes que se ven obligados a crecer a la fuerza.
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  • R.I.P.D. Policía del más allá
    Los cazafantasmas

    Este cóctel de ciencia-ficción y acción juega con los cambios de identidades y trae a la mente del espectador títulos como Hombres de Negro y Cowboys vs. Aliens, entre otros. Con un tono ingenuo y monstruosas criaturas que amenazan la tranquilidad de las calles de la ciudad, R.I.P.D Policía del más allá cuenta la historia de la típica pareja despareja de policías (el experimentado y el inexperto, papeles a cargo de Jeff Bridges y Ryan Reynolds), dos agentes muertos que son enviados del "mas allá" por el Departamento de Policía con una misión: enfrentar a almas destructivas que quieren quedarse en la "pacífica" tierra.

    El film de Robert Schwentke sólo acierta cuando el humor dice presente, ya que los personajes usan cuerpos humanos para pasearse cómodamente en su misión terrenal: una chica rubia infartante en el caso de Bridges y un anciano oriental de la mano de Reynolds. El resto es una lucha sin cuartel a la manera de Los Cazafantasmas, con una banda de villanos liderados por el siempre eficaz Kevin Bacon.

    Con aires de western (el papel de Bridges es un sheriff) y con indisimulable predilección por el "mix de géneros", tal como el director mostrara en RED con mejores resultados, la película queda a mitad de camino entre los combates con muertos peligrosos (como en el comienzo) y el policial con un difícil caso por resolver. Todo con estética de comic. Sin embargo, lo mejor ocurre en la escena final, cuando los protagonistas...
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  • Dos armas letales
    Si algo funciona en este thriller es su irrefrenable catarata de gags y la química existente entre sus protagonistas. Bobby Trench (Denzel Washiington) y Marcus Stigman (Mark Wahlberg) son un agente de la DEA y un oficial de Inteligencia Naval que trabajan de manera encubierta y tienen que robar un banco. Pero como de acción se trata, tras sus pasos se lanzan miembros de la mafia y agentes de la CIA que reciben porcentajes del dinero "non sancto".

    Dos armas letales, de Baltasar Kormákur (Contrabando, también con Wahlberg), logra mantener el interés del espectador hasta el último minuto en medio de una trama que tiene ola de traiciones, dinero sucio, un traficante mexicano (Edward James Olmos) y un agente siniestro (Bill Paxton) que busca a la dupla protagónica. El relato aparece atravesado por el humor y la tensión (ninguno de los dos conoce la verdadera identidad de su compañero), a los que se suman correctas secuencias de acción a las que el realizador imprime un ritmo frenético.

    El dinero funciona, una vez más, como móvil de las ambiciones desmedidas de agentes corruptos. Basada en una novela gráfica publicada en el 2008, el film encuentra - y une- a estos dos personajes que se encuentran a ambos lados de la ley: un policía que no vive según los códigos de honor y a un tirador que fue declarado desertor. Ambos se ven impulsados para obtener el dinero que pertenece a una peligrosa organización criminal y caen en sus garras. Y hasta son colgados ante un toro feroz. Dos armas letales sigue los pasos de los relatos clásicos de acción y agrega una refrescante catarata de chistes que el público disfrutará en medio de tanto peligro.
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  • Sólo para dos
    Sólo para dos
    Todo lo ve
    Más tormenta que días de playa

    Esta co-producción argentino-española, dirigida por el madrileño Roberto Santiago, se inscribe dentro de la comedia de enredos a partir de una serie de equívocos y engaños que proponen los personajes.

    Sólo para dos está ambientada en un lujoso resort de Isla Margarita que regentean Valentina (Martina Gusmán) y Gonzalo (Santi Millán), un matrimonio que en su décimo aniversario de casados está atravesando una profunda crisis. La trama incluye además a Tania (María Nela Sinisterra), una infartante mulata que le hace perder la cabeza al protagonista y a un nuevo contingente de turistas entre el que se encuenta un argentino (Nicolás Cabré) peleado con su mujer en plena luna de miel.

    Entre situaciones de alcoba, celos, romances en plena playa con la luz de la luna de fondo y una mezcla de acentos y culturas, el film intenta por todos los medios despertar la risa del espectador, pero sólo lo consigue en contadas ocasiones. En la película todo suena a algo ya muy visto -y con mejores resultados en anteriores ocasiones-, como por ejemplo, la escena de la "mujer" oculta en el placard de la habitación cuando regresa la esposa de Cabré. La historia amenaza con un clima de efervescencia caribeña que nunca llega.

    En ese sentido, el film recuerda a la también fallida comedia nacional Amor a mares, estrenada el año pasado y ambientada a bordo de un crucero. Los toques más melodramáticos o la llegada de la tormenta no hacen más que confirmar que los personajes quedan a la deriva en medio de una insulsa trama que nunca logra crecer en intensidad y, mucho menos, en situaciones hilarantes. Aún así Cabré se lleva los mejores momentos y sabe qué recursos utilizar para captar a su público. El resto, incluída una buena actriz como Martina Gusmán, juegan con un registro que no conduce a aguas ni tan cálidas ni tan cristalinas.
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  • Cacería macabra
    Terror, flechas y la chica de tus sueños

    Un grupo de personas atrapadas en un lugar aislado siempre sirve como excusa para realizar una película de terror y el director Adam Wingard (quien viene de realizar cortos en Las crónicas del miedo 1 y 2 y en El ABC de la muerte), no disimula las influencias que tuvo del cine de género de los años ochenta con psicokillers (acá también enmascarados) atormentando a los miembros de una familia.

    El matrimonio Davison planea un fin de semana para festejar un nuevo aniversario y convoca a sus hijos y a las parejas de éstos para compartir unas horas de felicidad. Sin embargo, la amenaza dice presente cuando extraños personajes con máscaras de animales comienzan a cazarlos uno a uno.

    Cacería macabra resulta más inquietante en su primera parte que en su desenlace, donde los excesos de sangre y las situaciones menos verosímiles transforman la atmósfera que se venía planteando desde el inicio. Sin embargo, el film acumula tensión, flechas con blanco certero y buenos recursos para inquietar al espectador. Y suma en su mira a una amplia galería de sospechosos. En el momento de la cena explota una discusión cruzada entre hermanos y todos los comensales comienzan a alterarse mas de lo debido. Quizás no fue una buena idea reunirse en torno a una mesa familiar, pero eso es mínimo si se lo compara con lo que ocurrirá despúes.

    En el elenco aparecen AJ Bowen como Crispian, el hijo mayor de los Davidson, y Sharni Vinson (Step Up 3-D) como Erin, la chica que sorprende a todo su entorno cuando el peligro se hace constante, una suerte de McGyver y Rambo que hace temer hasta los mismísimos cazadores.
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  • El hombre de los puños de hierro
    Sábados chinos de super acción

    Acción y aventura inspirada en los clásicos del kung fu y un relato épico de guerreros, asesinos y un héroe marginado en la China del siglo XIX.

    Con el nombre de Quentin Tarantino para apoyar su lanzamiento, esta película de artes marciales está claramente apuntada al público que supo disfrutar de los viejos films de kung fu que protagonizó Bruce Lee.

    El hombre con los puños de Hierro marca el debut como realizador del músico de hip hop RZA y cuenta con el guión de Eli Roth, un habitual colaborador de Tarantino que cobró vuelo propio a partir de Hostel. Como herederos del trono, ambos plasman sin demasiada suerte una película que navega entre los homenajes y los excesos de sangre.

    La historia está ambientada en la China del siglo XIX donde se libra una feroz batalla entre guerreros, asesinos y un herrero marginado, Blacksmith (RZA), que unen fuerzas para destruir al traidor de un clan. Blacksmith es obligado a fabricar armas pero cuando sus brazos son amputados se convierte en una verdadera máquina gracias a su energía ancestral. Y se lanza contra fuerzas despiadadas que intentan quedarse con el oro y el poder.

    La película pone el acento en los enfrentamientos cuerpo a cuerpo y nunca deja de lado el tono fantástico. El problema es que ni el relato ni los personajes llegan a lograr empatía con el público. Todos desfilan como marionetas coreografiadas y sólo la secuencia en la que se evoca a Operación Dragón, en medio de un laberinto de espejos, convence por los recursos utilizados. El enfrentamiento final entre el héroe al que hace referencia el título y el indestructible gigante Brass Body (Dave Bautista) parece salido de una película de sábados de super acción. La ambientación, los chorros de sangre y la casa de citas regenteada por Madam Blossom (Lucy Liu) no alcanzan para hacer de la película un verdadero festival tarantinesco.
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  • Séptimo
    Séptimo
    Todo lo ve
    Horas desesperadas

    Vuelve Ricardo Darín en otro thriller y en el papel de Sebastián, un abogado arrogante, recién divorciado (de Belén Rueda, la actriz española de El orfanato), con dos hijos pequeños y ocupado en un caso de gran repercusión mediática.

    Este es el comienzo de Séptimo, la película del español Patxi Amezcua que transforma la vida de un hombre ocupado y preocupado por los suyos cuando los pequeños hijos desaparecen luego de un juego habitual: ellos bajan por las escaleras desde el séptimo piso hasta la planta baja, mientras Sebastían lo hace por el ascensor.

    Ambientada en una Buenos Aires insegura, el film acentúa los momentos desesperantes que atraviesa el protagonista (por un lado es conciente del peligro que corren sus hijos y, por el otro, está presionado para llegar a una audiencia que podría dejarlo sin trabajo). Además como buen film de suspenso que se precie de tal, la galería de sospechosos dice presente: el portero (Luis Ziembrowsky), el policía del edificio (Osvaldo Santoro) y otros vecinos del consorcio. Sin respuestas y con el tic tac del reloj sobre la cabeza, Sebastián hara lo imposible parar recuperarlos.

    Séptimo no es la película del año, pero juega con sus dosis de misterio y apariencias engañosas que lleva adelante un sólido reparto bajo la batuta del director de 25 kilates. La tensión recorre la azotea del edificio, el frenético barullo de las calles porteñas y depara sorpresas.
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  • Aviones
    Aviones
    Todo lo ve
    Bajo vuelo

    La película de animación, que en un primer momento estuvo pensada para su lanzamiento en el mercado hogareño, llega a la pantalla grande como un desprendimiento del universo de la exitosa franquicia Cars.

    Apuntada a un público de corta edad, esta comedia de aventuras en 3D coloca en primer plano a Dusty, un avión fumigador que sueña con competir como corredor de alto vuelo, pero le teme a las alturas (Zambezia, también de animación y estrenada la semana pasada tocaba el mismo tema). De este modo, el protagonista es entrenado por un aviador naval que lo ayudará a enfrentar al campeón defensor del circuito de carreras.

    Lo que más llama la atención de esta película es el rubro de animación que dista de la calidad técnica apreciada en otras realizaciones de la factoría Disney Pixar y, sobre todo, la historia que resulta tediosa en varios de sus tramos. Un detalle alarmante si el film está dirigido a los chicos. Una trama sin demasiado vuelo, poco graciosa e impulsada por aviones parlantes a los que los personajes de Cars le ganan por varios cuerpos.

    Y, como si fuera poco, las referencias y comparaciones a Cars aparecen todo el tiempo: el paso por las diferentes ciudades y países en los que descansan los protagonistas (México se convierte una vez más en estereotipo) y la aparición de los tractores “vacas”. También están los infaltables y sabios consejos que un avión retirado le da a Dusty. Muy poco vuelo para ser de Disney y sin guiños para el público adulto.
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  • Las crónicas del miedo 2
    Solamente tripas y ritmo enloquecido

    Este relato de terror está estructurado por una historia central que se va intercalando entre los cuatro cortometrajes que conforman la secuela que llega apenas unos meses más tarde del estreno del film original.

    Las crónicas del miedo 2 (V/H/S/2) sigue con la moda de los films registrados con cámara en mano y con el ya famoso "archivo encontrado" para sumergir al espectador en el terror más descabellado, que no disimula influencias del cine italiano que acuñaron Darío Argento y Lucio Fulci desde los años setenta.

    Dos investigadores privados entran a la casa de un estudiante desaparecido para obtener información y encuentran una colección de videos hogareño que, a su vez, encienden otras historias. El resultado, como en toda película integrada por varios relatos, es desparejo. Sobresale la historia de un hombre al que le implantan un ojo con que puede "ver" más allá y se topa con extrañas presencias fantasmales. Después vendrán una historia de zombies con destripes varios pero carente de climas; y la de una secta liderada por un extraño personaje oriental que promete el paraíso a sus fieles, en una curiosa mezcla de posesiones, diablos y locura extrema. Y la última tiene a invasores que vienen del agua para atormentar a un grupo de adolescentes. Ninguna tiene sorpresa y todas se apoyan en un ritmo enloquecido dado por la cámara en mano que mejores resultados dio en la saga española REC o en otras tantas producciones recientes del género.

    Los segmentos están dirigidos por Simon Barrett, Jason Eisener, Gareth Evans, Gregg Hale, Eduardo Sanchez, Timo Tjahjanto y Adam Wingard.
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  • Amenaza roja
    Amenaza roja
    Todo lo ve
    Guerra, Patria y familia

    La película muestra la invasión de un grupo norcoreano a un pueblo de los Estados Unidos y se transforma en la nueva amenaza para la humanidad. El film es una remake de la película que John Milius dirigió en 1984 con Patrick Swayze, Charlie Sheen y C. Thomas Howell.

    Amenaza Roja combina sus aristas bélicas con patriotismo y familia, pero no deja de ser un rutinario relato de acción en el que dos hermanos, un marine (Chris Hemsworth, el actor de Thor) que participó en Irak y ahora regresa a su hogar, y un incauto adolescente (Josh Peck), que se ponen al frente de un grupo de chicos inexpertos para "mojarle" la oreja al enemigo. En su camino hacia la violencia conocerán entonces el valor de la unión, la traición y el peligro constante para defender su tierra.

    La película falla en el cambio brusco que atraviesan los personajes: chicos de pueblo que prefieren las salidas nocturnas y que, entrenamiento mediante, se convierten en combatientes que no dudan en apretar el gatillo. A eso se suma la moralina familiar que acompaña la acción (frases rimbombantes y un padre policía eliminado frentre a sus hijos) y un villano de cartón que intenta ser más malo de lo que parece.

    La secuencias de acción son correctas y al frente de las balas se coloca un elenco de jóvenes intérpretes como Josh Hutcherson, el mismo de Los juegos del hambre y Adrianne Palicki.

    El resto no ofrece sorpresas ni adrenalina. Lo mejor recae en la secuencia de la caída de soldados en paracaídas y las persecuciones automovilísticas. Y como de Hollywood se trata, los conocimientos, la experiencia y el liderazgo amenazan con una continuación.
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  • Declaración de vida
    Unidos por el amor y la enfermedad

    Demoledora en su temática pero con una visión esperanzadora, llega esta película francesa en la que una joven pareja debe superar la enfermedad de su pequeño hijo. Escrita, protagonizada y dirigida por Valérie Donzelli, Declaración de vida (La guerra está declarada en su título original) es una historia de amor que se ve alterada ante la llegada de una mala noticia y cómo esto repercute no sólo en la pareja sino también en el entorno familiar.

    Narrada con ritmo (las ecenas de desesperación que enfrenta la protagonista se ven en otro registro), atravesada por temas musicales y canciones e inspirada en hechos reales, la película comienza en una disco donde se conocen Romeo (Jéremie Elkaim) y Julieta (Valerie Donzelli) y los sucesos que deberán atravesar con la llegada de su hijo Adán. Entre noches de inmonio, aprendizaje, conductas extrañas de la criatura y consultas a profesionales de la medicina, el relato prosigue su marcha con un clima dramático que evita caer en golpes bajos a pesar del tema que aborda.

    Si el film logra potencia dramática es gracias al lenguaje utilizado, a los buenos recursos (las ecenas en el hospital no muestran más de lo que deben) y, fundamentalmente, a la credibilidad que se ve en la pareja central, que también lo es en la vida real. Su lucha segundo a segundo se percibe muy real. Padres, hijos y amigos aparecen aquí unidos por el dolor y la enfermedad.

    La película ganó en el Festival Internacional de Cine de Gijón como "Mejor Película", "Mejor Actriz" y "Mejor Actor" además de la semana de la crítica en el Festival de Cine de Cannes, y fue la candidata del país galo para la edición 2012 de los premios Oscar en la categoría de "mejor película extranjera".
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  • Zambezia
    Zambezia
    Todo lo ve
    La Tierra Prometida

    "Alguna vez tendrás que cuidarte solo" le dice el padre a Kai, un joven e inexperto halcón en esta producción animada ambientada en el corazón de África.

    Pensada para público menudo, con buenos rubros técnicos pero sin la espectacularidad esperada, Zambezia propone una aventura que se desarrolla entre ejercicios de vuelo y una fuga del protagonista (sin el consentimineto de su padre) hacia la ciudad de la aves a la que da título el film. En ese sentido, esta propuesta encuentra puntos de contacto con La Sirenita (cruzar fronteras a territorios prohibidos como motor de la trama) y también con El Rey León, entre tambores africanos, consejos familiares y traiciones.

    Para mantener a salvo Zambezia, el héroe se une al grupo de voladores de defensa “los Huracanes”para patrullar los cielos y enfrentar a Budzo, un lagarto con aires de venganza. Zambezia es una ciudad alegre, la "Tierra Prometida" preparada para turismo y con guía incuída, que sirve como refugio antes los huracanes que se avecinan.
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  • Drácula 3D
    Drácula 3D
    Todo lo ve
    Colmillos eran los de antes

    Luego de ver esta nueva versión de Drácula uno se pregunta si era necesario volver sobre el mito vampírico de esta forma y más teniendo en cuenta que el responsable es el italiano Darío Argento, un verdero especialista en el género de terror.

    El creador de El gato de las nueve colas, Suspiria, Trauma, Rojo profundo y Terror en la ópera, por citar sólo algunos ejemplos del giallo italiano, está lejos de aquellos trabajos que marcaron tendencia.

    Drácula 3D ambienta la acción Transilvania, en el año 1893, cuando el joven bibliotecario Jonathan Harker (Unax Ugalde) llega a Passo Borgo para trabajar para el Conde Drácula (Thomas Kretschmann) y descubre que este extraño personaje significa una verdadera amenaza para su mujer Mina (Marta Gastini) y todo el pueblo. En el elenco aparecen también Asia Argento, hija del realizador, en el papel de Lucy, y Rutger Hauer, como el eterno cazador de vampiros Van Helsing, cuya participación no supera los veinte minutos en todo el film.

    La película, filmada en 3D, intenta evocar el clima gótico de las viejas películas de la Hammer, pero deja un sabor amargo para aquellos fanáticos que alguna vez se sorprendieron con la "criatura de la noche" sedienta de sangre.

    Aquí los decorados lucen como cartón (los fondos con croma tampoco ayudan), las actuaciones son malas (en especial la del alemán Kretschmann) y el clima impreso en el relato tampoco es el ideal. Todo se ve tan artificial que atenta contra la misma intención evocativa Y lo que más llama la atención es que Argento, un maestro en el manejo de la cámara y en la construcción de climas, desperdicia aquí las posibilidades que le da la historia.

    Un elenco sin ganas, gritos más que alaridos y colmillos de leche en un film que ostenta exceso de efectos acorde a su estilo narrativo (ojos que saltan hacia el público y sangre flúo), transformaciones poco felices (el vampiro devenido en una langosta) y decapitaciones. Pero todo desparramado sin la efectividad de sus films anteriores.
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  • Corazón de león
    Sorpresa y media

    Una simpática comedia que gira en torno a un romance improbable en el que pesa la mirada de los "otros". Con esta excusa, el director Marcos Carnevale entrega en su séptima realización (después de Viudas) una historia que se mueve cómodamente gracias a los diálogos que impulsan los dos personajes antagónicos...o no tanto.

    Ivana Cornejo (Julieta Díaz), una exitosa abogada dedicada a litigios de familia que trabaja con su ex (Mauricio Dayub), recibe una llamada de alguien que encontró su celular. Entonces hace su aparición León Godoy (Guillermo Francella), un arquitecto divorciado de buena posición y con un hijo (un desenvuelto Nicolás Francella) quien se muestra avasallante con la infortunada mujer. Luego vendrá la seducción y la cita en un restaurante con el hombre "perfecto" si no fuese por un pequeño detalle: León mide un metro con treinta y cinco centímetros.

    Corazón de léon resulta divertida y logra capturar la atención del espectador a través del juego de tamaños que deja distantes a los personajes, pero va agregando emoción con el correr de los minutos cuando muestra la soledad que atraviesan Ivana y León. Ella sufre el maltrato permanente por parte de su marido y él siente las miradas prejuiciosas que giran en torno a su estatura. La trama incluye además a una madre preocupada (Nora Cárpena); la ex esposa de León (Claudia Fontán) y a una secretaria (una siempre eficaz Jorgelina Aruzzi) que habla más de lo que trabaja.

    Con buenos recursos, escenas efectivas que apelan a la emoción (el diálogo entre padre e hijo) y otras desarrolladas en las alturas (cuando los protagonistas se tiran en paracaídas), la película abre el juego y el público se va olvidando de la "diferencias" y se acerca a un juego romántico en el que todo es posible.

    Francella aporta la cuota de humor y ternura que León necesita. Su trabajo toca otras cuerdas dramáticas como lo hizo en Rudo y Cursi, Los Marziano, El secreto de sus ojos y Atraco!. Por su parte, Díaz, cumple con su rol de mujer en plena búsqueda de una segunda oportunidad.
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  • Los amantes pasajeros
    Una comedia con turbulencias

    La última creación de Pedro Almodóvar se aleja del mix de géneros que había plasmado en La piel que habito y se instala nuevamente en la comedia desenfadada impulsada por personajes que juegan con la sexualidad, las drogas y el alcohol.

    Los amantes pasajeros transcurre en un vuelo que se dirige de España a México y en una primera clase cuyos pasajeros y tripulantes dejan fluír sus eclécticas personalidades cuando una de las viajeras (Lola Dueñas) asegura que tiene videncias y que todos corren peligro de muerte a bordo.

    Así desfila un trio de azafatos gays (Javier Cámara, Carlos Areces, Raúl Arévalo) que duermen a los pasajeros; dos pilotos (Hugo Silva y Antonio de la Torre) que se las traen con sus comentarios y su festín de relaciones "cruzadas"; una estrella de décadas pasadas (Cecilia Roth) con información y videos de personalidades del espectáculo y un asesino a sueldo. Todos juntos y encerrados en un avión que ha perdido el tren de aterrizaje.

    Con estos elementos, el director de Mujeres al borde de un ataque de nervios tenia entre manos una comedia coral disparatada, pero sólo entrega algunos momentos que funcionan como sketches dentro de una historia que no avanza y deja un sabor amargo para sus seguidores.

    Con las participaciones fugaces de Antonio Banderas y Penélope Cruz como empleados del aeropuerto y algunas secuencias desarrolladas fuera del avión (los llamados telefónicos realizados a una mujer a punto de suicidarse), el resto se vuelve reiterativo y sin gracia. La película incluye además al trío de azafatos haciendo un playback del tema I´m so excited, de The Pointer Sisters, que dio título a la realización en su lanzamiento norteamericano.

    Todos los personajes hacen catarsis como pueden para escapar a la idea de la muerte en este vuelo que parece salido de un comic, pero que no puede disimular sus "turbulencias" a lo largo de la travesía. Poco para ser un film de Almodóvar.
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  • Los Pitufos 2
    Los Pitufos 2
    Todo lo ve
    Esta segunda parte continúa con la exitosa receta del film anterior: combina acción en vivo y animación digital que da vida a los populares personajes surgidos de la televisión.

    El film, ambientado en París, transita por la aventura cuando la famosa pandilla de Pitufos se lanza al rescate de Pitufina, que es secuestrada por Gargamel (Hank Azaria). El malvado desarrolla shows de magia que sorprende a todos en La Ciudad Luz y crea a Hackus y Vexy, dos criaturas traviesas mientras espera obtener la esencia mágica de los seres diminutos. Papá Pitufo, Tontín, Gruñón y Vanidoso tendrán que sortear varios obstáculos para cumplir su objetivo en un ámbito que desconocen y cuentan además con sus amigos humanos Patrick y Grace Winslow.

    En la película, que no ofrece sorpresas, todo se desarrolla sin magia ni emoción. El único que convence, además del mencionado Azaria, es Brendan Gleeson en el papel del padrastro, un actor de "peso" para un personaje que le queda chico. Los rubros técnicos son correctos, pero molesta cuando se nota que no hay fusión entre el mundo de actores y el de los personajes nacidos con la técnica de CGI. Se destaca la fotografía de una París invadida por lluvias de luces y por una vuelta al mundo que comienza a girar de manera enloquecida por las calles de la ciudad. Rutinaria y sin el encanto que merecían estos poderosos seres de color azul.
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  • Red 2
    Red 2
    Todo lo ve
    Humor, acción y pase de bandos

    La secuela del éxito de 2010, que llega con dirección de Dean Parisot y se basa en el cómic de DC, vuelve a reunir a los ex agentes de élite que deben localizar un desaparecido dispositivo nuclear que hace peligrar al mundo entero.

    El comienzo encuentra a Frank Moses (Bruce Willis, ya un ícono dentro del género a quien se ha visto recientemente en la última Duro de matar, Los indestructibles 2 y G.I. Joe: El contrataque), el agente retirado de operaciones encubiertas de la CIA, perseguido y acorralado por nuevos enemigos.

    Junto a Marvin (John Malkovich), quien se hace pasar por muerto y entrega las humoradas del film; Sarah (Mary-Louise Parker), Katja (Catherine Zeta-Jones) y Victoria (Helen Mirren), un eterna enamorada de armas tomar, el héroe y el equipo se lanzan tras Bailey (Anthony Hopkins), el hombre que se encuentra en una prisión rusa de máxima seguridad y sabe donde se encuentra la bomba que se disputan un ejército de asesinos, terroristas y oficiales del Gobierno enloquecidos por el poder.

    El film tiene efectivas escenas de acción, acumulación de villanos desde el inicio de la trama y una catarata de gags (Victoria se hace pasar por la Reina de Inglaterra en un psiquiátrico) que dan en el blanco. En esta ocasión, el cruce de personajes de un bando a otro y la ola de traiciones son una constante que domina la película ambientada en París, Londres y Moscú. Estos Retirados Extremadamente Peligrosos todavía tienen pólvora para rato.
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  • Vino para robar
    Vino para robar
    Todo lo ve
    El arte del engaño

    La producción nacional abrió el camino del cine de género hace aproximadamente dos años atrás con el estreno de varios títulos que, con mejor o peor suerte, intentaron captar la atención del espectador.

    Vino para robar es la nueva película del realizador Ariel Winograd, que antes transitó por la comedia en Cara de Queso y Mi primera boda. Ahora aborda una historia que si bien juega con el humor tampoco deja de lado el suspenso y el policial. En ese sentido, el film está muy bien construído desde los personajes que se van transformando a lo largo de una trama plagada de estafas, confusiones y enredos.

    Sebastián (Daniel Hendler) y Natalia (Valeria Bertuccelli) cruzan sus caminos en un museo mientras él planifica el robo de un máscara azteca de oro que luego irá a parar a manos de Natalia. Ambos, rivales declarados, tendrán que trabajar juntos en un atraco más complejo cuando son presionados por Basile (Juan Leyrado), un coleccionista que quiere una valiosa y única botella de Malbec de Burdeos de mediados del siglo XIX que se encuentra en la bóveda de un banco en Mendoza.

    Con esta estructura, el realizador tiene entre manos una película cargada de falsas apariencias (Natalia cambia de look para cada uno de sus engaños) que resulta divertida desde el comienzo. Mientras Sebastián es ayudado por un compañero especializado en logística y tecnología (Martín Piroyansky) en cada una de sus misiones, un policía (encarnado por Pablo Rago) se lanza tras la pareja protagónica.

    Vino para robar también tiene citas explícitas a Rififí y La gran estafa y logra atrapar al público con buenos recursos entre valijas de dinero, camuflajes, cajaa de seguridad, conductos de ventilación y confusiones que aparecen matizadas siempre por el humor. La presencia de Mario Alarcón como el padre de Natalia no tiene desperdicio y se reserva los mejores momentos. Todo sucede entre hoteles lujosos, viñedos y montañas, que sirven de marco ideal para este relato que supera la simple planificación de un robo y se anima a más. ¿Será el inicio de una saga?...
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  • Wolverine: inmortal
    Un samurai sin dueño

    "Los sueños que tienes te lastiman" le dicen a Logan en un momento del nuevo film solista que lo encuentra intentando dejar atrás un pasado tormentoso. El actor Hugh Jackman (visto recientemente en Los miserables) encarna una vez más al personaje icónico del universo de X-Men y se involucra en una nueva aventura.

    Wolverine Inmortal cuenta con la dirección de James Mangold, un realizador que maneja muy bien las secuencias de acción que presenta el relato (la que se desarrolla en el techo de un tren es espectacular) y además explora los conflictos personales que arrastra el superhéroe, quien ya no es tan inmortal como antes y siente en su cuerpo el impacto de balas y flechas que lo atraviesan.

    La historia, ambientada en Japón, cruza no de manera tan casual el camino de Logan y el de Yukio (Rila Fukushima), una joven experta en artes marciales con la capacidad de la videncia que marcarán un camino lleno de obstáculos que atraviesa una poderosa organización familiar cuando muere su líder.

    La trama se reserva además la presencia de la nieta Mariko (Tao Okamoto), quien está en constante riesgo; la mutante Viper (Svetlana Khodchenkova); la esposa de Logan (Famke Janssen) que reaparece en sueños y una amenazante banda de los Yakuza. Con estos personajes, el realizador focaliza el relato en una lucha sin cuartel que coloca en primer plano las peleas cuerpo a cuerpo, las persecuciones sinfín y, sobre el final, un despliegue tecnológico sostenido por un robot gigante.

    La lucha por vencer a la muerte, la inesperada vuelta de tuerca sobre el desenlace y las presiones que sufre Logan/Wolverine desde el comienzo de la historia, hacen de esta producción un buen entretenimiento. Después de los créditos hay una escena sorpresa que tiene lugar en un aeropuerto. Y las garras siguen afiladas...

    Como si fuera poco, se está filmando X-Men: Days of Future Past, la secuela directa de X-Men: Primera generación que cuenta con la dirección de Bryan Singer.
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  • Ladrona de identidades
    Estafa sin gracia

    Los conflictos surgidos de las parejas de opuestos siempre resultaron atractivos para explotar y rentables para muchas producciones cinematográficas. En Ladrona de identidades se juega al máximo con las contrastantes personalidades de la dupla protagónica. Sandy (Jason Bateman, el actor de Quiero matar a mi jefe) es un hombre de negocios que tiene un buen futuro y una familia que lo apoya, pero su vida cambia cuando Diana (Melissa McCarthy, la intérprete de Damas en Guerra), que vive en la otra punta de los Estados Unidos, toma su identidad, utiliza su tarjeta de crédito y le hace sus días realmente imposibles.

    Con este marco, la comedia tiene un comienzo atrapante que promete humor y enredos, pero la historia se va haciendo previsible con el correr de los minutos, poco graciosa y vira hacia el lado sentimental en su último tramo. Aprovechando el nombre ambiguo de Sandy, Diana no tiene frenos y se da la gran vida en Miami. Nada parece alcanzarle, desde un buen peinado hasta ostentosos vestuarios. Hasta que el verdadero Sandy dice basta y emprende una travesía para atraparla y ponerla al descubierto.

    La película de Seth Gordon, realizador que acredita en su carrera títulos como Navidad sin los suegros y Quiero matar a mi jefe, focaliza en el tema de la soledad y cómo ésta arrastra a la protagonista (de peso pesado en el rubro) hacia la estafa y la desesperación. Si bien no resulta graciosa, la trama se sumerge además en el terreno familiar, en las persecuciones y en la inserción de Diana en el ámbito íntimo de Sandy. Ahí es cuando quizás todo hace más ruido a pesar de la buena química que existe entre los protagonistas. Ambos conocen el timing de la comedia pero aquí las situacones hilarantes quedan en un segundo plano.
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  • Turbo
    Turbo
    Todo lo ve
    Molusco a máxima velocidad

    Si hay algo entrañable en esta producción animada son los personajes que dan en el blanco con sus ocurrencias. El film llega de la mano de los mismos realizadores de Madagascar, Kung Fu Panda y The Croods.

    Con tamaños antecedentes, Turbo se focaliza en las aventuras de un caracol obsesionado con las carreras y las altas velocidades (el comienzo frente a una pantalla de televisión confirma buenas ideas) mientras se dedica a recolectar y comer tomates de un jardín familiar. Con este inicio el director David Soren explora una comunidad diminuta en la que una podadora de césped, el triciclo de un niño o un trío de buitres se convierten en amenazas permanentes. Sin embargo, la suerte del pequeño y lento protagonista cambia cuando cae en el motor de un auto y adquiere superpoderes que deberá aprender a controlar para cumplir su sueño: participar en la carrera de Indianápolis 500.

    El óxido nitroso carga cada átomo de su cuerpo y altera su estructura molecular al punto de alcanzar grandes velocidades. Al ritmo de "We are the champions", de Queen, Turbo expone además una simpática galería de personajes secundarios: los mellizos que preparan tacos (lo mejor del film), junto a la mecánica y la anciana oriental que trabajan en un centro comercial que pocos visitan. Las luces y las mieles del éxito llegarán para todos en esta eficaz propuesta que se suma a la competitiva cartelera de estrenos en vacaciones de invierno. La animación pisa el acelerador a fondo.
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  • Metegol
    Metegol
    Todo lo ve
    Golazo de media cancha

    Sin lugar a dudas, significa un verdadero desafío llevar a la pantalla grande esta producción de gran calidad visual. Detrás está Juan José Campanella (ganador del Oscar por El secreto de sus ojos) en su incursión en el terreno de la animación con esta coproducción argentino-española que no es una historia sobre fútbol, sino que recurre al deporte más popular para hablar de temas como la amistad, la superación y el valor de la argentinidad, tal como lo retrata en varios momentos.

    Metegol es una comedia con toques fantásticos que comienza con una alusión a 2001, Odisea del espacio, con simios que descubren una calavera y la utilizan como pelota para pasar luego a un relato con estructura de "racconto". Realizado en 3D, con movimientos sumamente creíbles de los personajes y con vértigo visual (el estreno es en Argentina y luego tendrá un lanzamiento en 50 países), el film cuenta la historia de Amadeo (David Masajnik), un chico que trabaja en un bar a punto de desaparecer -al igual que todo el pueblo en el que vive- cuando el inescrupuloso Grosso (Diego Ramos), un joven convertido en el mejor futbolista del mundo, regresa para vengar la única derrota que sufrió ante Amadeo.

    Ahí la trama dispara a los personajes de plomo que cobran vida: Capi (Pablo Rago), al frente del equipo; Loco (Horacio Fontova), con sus divertidas reflexiones sobre la vida y Beto (Fabián Gianoila), que cuida de manera obsesiva su cabellera enrulada. Todos, junto a Laura, la adolescente del cuento, están dispuestos a ayudar al joven protagonista a salvar su mundo.

    Inspirada en un cuento de Fontanarrosa, la película mantiene un aire nostálgico, de barrio, totalmente reconocible por el espectador local y la trama acumula secuencias de acción imperdibles: los diminutos jugadores escapando de un grupo de ratas voraces en un basural; el peligro que vven en las alturas de un parque de diversiones o el enfrentamiento final en el campo (de batalla) de juego.

    Nada está librado al azar y todo aparece en su justo lugar y en su exacta medida. En ese sentido, también desfilan personajes secundarios como el manager (con voz de Coco Silly), aliado del antagonista de turno; una anciana que se incorpora al equipo de fútbol y se hace pasar por varón; el fornido dueño del bar; los jubilados; el borracho y muchos más.

    Con el marco de aventuras que propone la historia, la cuota de romance obligado y heredando el espíritu de los western, Campanella aprovecha al máximo el material que tiene entre manos, colocando en primer plano el choque entre lo "viejo" y lo "nuevo", la importancia del diálogo entre padres e hijos y la creencia como disparadora para que todo sea posible.

    Metegol es, en todo sentido, un gran entretenimiento y será tarea del públcio ídentificar luego de salir del cine a quiénes pertenecen las voces que dan vida a los personajes. Un golazo de media cancha!
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  • Titanes del Pacífico
    Gigantes de acero

    La nueva creación del mexicano Guillermo del Toro sorprende desde lo visual pero detrás de su poderosa artillería tiene buenas ideas aplicadas al mejor cine de entretenimiento. Después de Mimic, Blade II: Cazador de vampiros, El espinazo del diablo y El laberinto del Fauno, el cineasta de Titanes del Pacífico no disimila las influencias de películas japonesas de monstruos como Godzilla, de las series animadas Mazinger Z, y Robotech y de la más reciente Gigantes de acero.

    Lo interesante es cómo Del Toro potencia todo el material en una historia en la que se ponen en juego mucho más que las luchas entre los poderosos Jaegers, los robots manejados de manera sincronizada por humanos (conectados emocionalmente) para enfrentar a los monstruosos Kaijus.

    El mundo entero aparece amenazado -en un futuro no muy lejano- y utiliza sus recursos para construír inmensas moles de hierro y enormes paredones que ¿sirven? para proteger a la humanidad de otra amenaza. Al borde de la derrota, las fuerzas defensoras recurren a dos insólitos héroes: un ex piloto fracasado (Charlie Hunnam) y un aprendiz sin experiencia (Rinko Kikuchi), convocados para manejar un obsoleto Jaeger del pasado.

    Lo atrapante es que en la trama el hombre y las máquinas se unen para luchar contra un mal aún mayor y así desfilan el comandante Stacker (Idris Elba, el actor de Prometeo), dos científicos bastante particulares que aportan la cuota de humor necesaria en este film que cuenta con las participaciones de Ron Perlman (Hellboy) y el español Santiago Segura.

    A las impresionantes secuencias de acción (la invasión a las ciudades o los enfrentamientos en el oceáno) se suman personajes atractivos: el protagonista, un obrero de la construcción que perdió a su hermano en plena lucha y que ahora une fuerzas con la chica oriental que arrastra traumas familiares y miedos infantiles. Todo esto está respaldado por una parafernalia de efectos digitales que muestran alma hasta en los personajes metálicos. Esta atrapante visión hace que los Transformers parezcan simples juguetes a pila.
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  • El chef
    El chef
    Todo lo ve
    Una comedia poco condimentada

    Con la cocina como escenario de fondo, esta comedia francesa pone en choque permanente la innovación de los nuevos chefs con los platos tradicionales y el feroz negocio gastronómico que se oculta detrás de su fachada. Nunca mejor aplicado el refrán que asegura que "la comida entra por los ojos".

    Jacky Bonnot (Michaël Youn), es un aficionado de la alta cocina que sueña con trabajar en un gran restaurante, pero sus clientes parecen escaparle y no conserva sus trabajos a pesar de la apremiante situación económica que atraviesa con su pareja. Sin embargo, todo parece cambiar cuando conoce al chef estrella Alexandre (Jean Reno), quien está amenazado por el grupo económico que maneja sus locales de comida y que planea reemplazarlo a la brevedad por un moderno cocinero especializado en gastronomía molecular.

    Con este andamiaje argumental, El Chef, de Daniel Cohen, tenía todo para ser un gran comedia donde se ponen en juego las jerarquías, relaciones, rivalidades y ansias por la permanencia en un negocio hiper competitivo. Sin embargo, todo se limita a unos cuantos gags de dudosa efectividad (la dupla se hace pasar por un matrimonio en el restaurante de la competencia) a los que se agrega el cameo sin sentido -ni gracia- del actor español Santiago Segura, conocido por su papel en la saga Torrente.

    El juego de los contrastes, potenciando por la unión de los protagonistas para derrotar a un tercero, sólo se sostiene por la actuación de Michaël Youn, que parece una suerte de payado muy maquillado que se ríe de sus propias desgracias.El resto resulta tedioso y sin sorpresas para este relato gastronómico que pide a gritos un estilo de vodevil, salpicado con enredos y como frutilla del postre, un final con más fuerza.
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  • El llanero solitario
    Un western con estilo pirata

    Quizás el personaje, desde su paso por la radio y luego por la televisión en la serie realizada entre 1949 y 1957, no sea el más agraciado para los tiempos que corren, donde aparecen superhéroes armados con poderes y con la última tecnología. Ahora el director Gore Verbinski (responsable de las tres primeras partes de Piratas del Caribe y del western animado Rango) lleva a la pantalla grande las aventuras de John Reid (Armie Hammer) y su inseparable compañero Toro (Johnny Depp).

    El relato comienza en un parque de diversiones en la San Francisco de 1939 que sirve como disparador de la narración: un anciano Toro le cuenta a un niño los hechos ocurridos en Texas en 1869. Y a partir de allí llega la acción que propone El llanero solitario, una película del viejo oeste absolutamente apoyada en el personaje de Depp, que termina neutralizando y fagocitando al héroe principal. El actor hace gala de su estrafalaria apariencia muy al estilo de su ya consagrado Jack Sparrow, virando su indio hacia el humor en cada una de sus apariciones.

    Lo mejor de la propuesta pasa por las secuencias de acción (las últimas a bordo de un tren), el lucimiento de Silver, el caballo blanco, y la presencia del villano de turno con inclinaciones caníbales. La historia gira acá en torno al hombre de ley que (con un hermano asesinado) y salvado por un nativo y guerrero espiritual, se lanza tras los pasos del malvado Butch Cavendish (William Fitchner) y su pandilla de forajidos.

    Entre cargamentos de plata, una prostituta que dispara con su pierna, una cuñada y sobrino desprotegidos y políticos corruptos (ahí aparece el siempre convincente Tom Wilkinson), las aventuras se suceden en tono farsesco y ambientadas en paisajes desérticos. El film mantiene su ritmo, resulta entretenido -a pesar de su extensa duración- pero hay que reconocer que no siempre da en el blanco. El antifaz tapa la personalidad que debía mantener el verdadero protagonista.
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  • Ritmo perfecto
    Ritmo perfecto
    Todo lo ve
    Las chicas sólo quieren cantar

    Pensada para público adolescente y sin otras pretensiones que las de retratar las inquietudes artísticas de chicas y chicos que integran cofradías y se prueban en un concurso de canto a capella, Ritmo perfecto da en el blanco con sus gags y toques musicales.

    Siguiendo la moda de la serie Glee y rememorando viejo títulos como Amor sin barreras, con relaciones cruzadas entre ambos bandos, esta es una película de fórmula que toma prestados elementos de realizaciones clásicas y las aggiorna a los tiempos que corren.

    El tema de los sueños y la superación personal ante las presiones familiares y la explotación de las aptitudes artísticas para el canto forman el corazón de esta propuesta que ya anuncia una segunda parte. Beca (Anna Kendrick) se une al grupo de las Barden Bellas luego de perder en la última competencia interuniversitaria, pero enfrente tienen a los Treblemakers, el grupo de canto masculino que arrasa en todas sus presentaciones.

    La nueva comedia del director Jason Moore (creador de éxitos en Broadway como Shrek el Musical, Magnolias de Acero y Avenida Q y responsable de capítulos para las series Dawson’s Creek y Brothers and Sisters) llega a la pantalla grande con el ímpetu de una historia que combina música y personajes simpáticos como Amy (Rebel Wilson), la gordita del grupo o Lilly (Hana Mae Lee), una chica oriental que susurra en lugar de hablar. Entre vómitos, un escenario listo para el gran show y covers de temas populares, las chicas parece que sólo quieren divertirse.
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  • Guerra Mundial Z
    Apocalipsis zombie

    Otra película sobre epidemias que se esparcen por el mundo y una nueva vuelta de tuerca sobre el tema zombie es la que brinda el director Marc Forster, un realizador que parecía alejado de esta temática.

    Luego de Cambio de vida, Descubriendo el país del Nunca Jamás y Quantum of Solace, el film de Bond, el cineasta construye un relato más inclinado al suspenso que al terror gore a través de una historia de supervivencia. La vida de Gerry (Brad Pitt), un empleado de las Naciones Unidas cambia cuando se traslada en automóvil junto a su familia y un misterioso virus empieza a azotar a la raza humana. Para evitar que esto ocurra, viajará en una carrera contra el tiempo para encontrar la cura contra un mal que parece no detenerse.

    Rodada en diversas ciudades, la película no entrega nada que no haya sido visto, pero su acierto e impacto reside en el ritmo, en los sobresaltos (como en la secuencia del edificio con la familia escapando por las escaleras hasta llegar a un helicóptero) y en las secuencias que juegan con la espectacularidad: la del avión y las grandes urbes arrasadas por hordas de humanos convertidos en criaturas monstruosas.

    Si bien nunca se mostró tan bien como en Exterminio, de Danny Boyle, el brote de locura que se adueña de cada persona contagiada, los momentos en los que hibernan o el ingreso de Gerry a una planta plagada de zombies mantienen el interés y el clima inquietante hasta el desenlace.

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  • La pasión de Michelangelo
    El elegido

    La película chilena de Esteban Larraín es un retrato de la época oscura de su país, a partir del momento en el que Miguel Angel (Sebastián Ayala), un adolescente huérfano de 14 años, asegura que puede ver y hablar con la Virgen María. Este hecho rápidamente se transforma en un verdadero fenómeno social y la Iglesia decide envíar a un sacerdote jesuita (Patricio Contrearas) para investigar el caso.

    Ese es el punto de partida de La pasión de Michelangelo, un relato dramático narrado con aristas interesantes que siembran la duda en el espectador y juegan con la intriga cuando el cura (que atraviesa además su propia crisis de fe) trata de averiguar la verdad a manera de un detective con sotana.

    El relato despliega su cuestionamiento divino y las situaciones lideradas por Miguel Angel, ahora convertido en un verdadero líder al que siguen cientos de fieles y otros que desconfían más de la cuenta. Una congregación a la que asisten mujeres, hombres y niños (capaces de comer tierra si la Virgen así lo exige) y que tapan males aún mayores en un país sumido en la violencia militar.

    En ese sentido, la transformacóin del joven protagonista sirve como metáfora de un país en pleno cambio y lo hace con buenos recursos en un relato fluído que logra atrapar por la presencia de sus actores y por el clima general que impone la historia. Por momentos, recuerda a Marcelino pan y vino, una película española de la década del cincuenta que mostraba a un niño -criado por franciscanos- que hablaba con Dios. El final sembrará también desconcierto en el público y abrirá más interrogantes.
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  • Monsters University
    Unidos por el espanto

    Era de esperar el regreso de estos dos simpáticos personajes salidos de la factoría Disney Pixar en esta historia que desmitifica los miedos infantiles y culmina con el principio de lo que fuera el suceso de Monsters Inc.

    Bajo la dirección de Dan Scanlon, Monsters University sigue los pasos de Mike y Sully, que bien representan a cualquier adolescente norteamericano que atraviesa su etapa educativa, el enfrentamiento que tienen con otras cofradías de monstruos inadaptados y los obstáculos típicos de la edad bajo la severa mirada de la decana Hardscrabble (en la versión en inglés cuenta con la voz de Helen Mirren).

    Mike lleva toda la vida soñando en convertirse en Asustador, pero sus planes cambian cuando se cruza el popular Sulley, un asustador nato. El film construye con humor y efectivos gags la convivencia de estos compañeros de estudios en la popular universidad, entre la competencia y la posterior expulsión.

    La trama sirve como la excusa ideal para resaltar los valores de la amistad y el compañerismo a lo largo de (excesivos) ciento diez minutos de metraje, donde conviven desde las coloridas monstruosidades animadas (como Art o Terri y Terry), con el universo más lúgubre de los temores que los somete a pruebas permanentes.

    El resultado es una película bienvenida, celebrada por los pequeños y por aquellos adultos que puedan recordar también sus años de estudio. Una película con impecables rubros técnicos y un universo de seres que, en definitiva, se parecen mucho a los humanos.
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  • El hombre de acero
    Un relanzamiento con poderío visual

    Pasó mucho tiempo desde que Christopher Reeve se convirtió en el rostro emblemático del superhéroe nacido en las páginas de DC Comics para pasar luego a un relanzamiento sin suerte en Superman Regresa (2006) con Brandon Routh en el rol principal.

    Ahora es el turno de la versión de Zack Snyder, el mismo realizador que sorprendió con 300 y Watchmen, en este blockbuster hecho a la medida de las necesidades actuales de un mercado cada vez más exigente.

    Con guión de David S. Goyer y basado en una historia de Goyer y Christopher Nolan sobre los personajes creados por Jerry Siegel y Joe Shuster, El hombre de acero trae diferencias en el tratamiento con respecto a las versiones anteriores. En principio, Snyder elige un prólogo de veinte minutos ambientado en Krypton, donde nace el único ser por parto natural en mucho tiempo. En medio de un planeta devastado destinado a desaparecer, su padre Jor-El (Russell Crowe) lo envía a la Tierra, donde adoptará el nombre de Clark Kent gracias a sus padres terrenales Jonathan y Martha Kent (encarnados por Diane Lane y Kevin Costner). Y descubrirá que se trata de un chico especial que crece con poderes y no vendrá solo porque también enfrentará en la Tierra a dos sbrevivientes Kryptonianos, el villano General Zod (Michael Shannon) y Faora, socio del mal de Zod.

    La película, sexta adaptación de Superman realizada para la pantalla grande, combina invasiones extraterrestres a gran escala, potencia la paranoia de los norteamericanos ante los ataques sorpresivos en la ciudad de Nueva York y coloca al protagonista en medio de un enfrentamiento feroz a través de secuecias de acción que resultan contundentes y aceleradas a nivel visual. Cada golpe y pisada se siente en la platea.

    En ese sentido, el acierto del film está en no dar respiro al espectador con sus luchas cuerpo a cuerpo y con una historia que va y vuelve en el tlempo para mostrar al pequeño Clark Kent saliendo al rescate de un grupo de escolares cuyo micro cae al agua; un diálogo crepuscular con su padre; la llegada de un tornado y la aparición de la periodista Luisa Lane (Amy Adams), quien trabaja bajo las órdenes de Perry White (Laurence Fishburne), el jefe del diario The Daily Planet.

    El trabajo en los colores y las texturas sobre el pasado del héroe, la visión de Rayos X, la historia de amor planteada entre los protagonistas, las fugaces apariciones de Jor-El después de muerto (para justificar la participación de Crowe), las secuencias en la nieve o la gigantesca explosión de una base petrolera sobre el mar, son algunos de los momentos que se aprecian en esta nueva y moderna mirada sobre el superhéroe. El mismo que se crió en un ambiente bucólico y entre sábanas flameantes, y que ahora hace gala de su capa y vuelo con gran poderío visual.
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  • Hermanos de sangre
    Una pesadilla cotidiana

    Dentro del panorama nacional de los realizadores abocados al cine de género se encuentra Daniel de la Vega, quien en su momento sorprendió con varios cortometrajes (La últtima cena fue todo un hallazgo) y con las películas Death knows your name y Jennifer´s Shadow, que no fueron estrenadas en el país.

    En Hermanos de sangre, el cineasta se rodea de amigos (el guión pertenece a Nicanor Loreti, el mismo que filmó Diablo) y hasta del director Ezio Massa (de la reciente Villegas) quien hace un cameo. La excusa es llevar el tema de la amistad hasta límites extremos en una historia que combina comedia negra, terror, intriga y violencia.

    Matias Timm (Alejandro Parrilla) vive sus sueños como inalcanzables, pero su mejor amigo, Nicolás Galvagno (Sergio Boris), es quien le facilita las cosas y ejerce el crimen sin ningún tipo de remordimientos. La vida del protagonista, que vive con su tía (Carlos Perciavalle) y tiene una novia (Jimena Anganuzzi) que lo tortura psicológicamente, se convierte en una pesadilla cotidiana cuya única salvación es...su mejor amigo.

    Plagada de crímenes, tiroteos y persecución policial (con Juan Palomino a la cabeza), la película de De la Vega camina por un mix de géneros, aunque se lo nota más cómodo y eficaz en el terreno de la acción y de los toques humorísticos. Si Parrilla no convence con el tono dado al personaje o Perciavalle entrega una caricatura de sí mismo, el film exhibe otras armas: buenos rubros técnicos, ritmo desenfrenado y logrados efectos especiales que salvan esos desniveles.

    De la Vega es fiel al tipo de películas que lo vieron crecer y filma lo que le gusta, probando nuevos caminos para un cine nacional que requiere a gritos diversidad de estilos y géneros. Y acierta al mostrar ese micromundo de personajes atormentados que son capaces de hacer lo imposible para salvarse. Estos "hermanos" disparan y dan en el blanco entre oleadas de sangre, una disco plagada de extraños personajes y una fuga en patrullero.
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  • Después de la Tierra
    S.O.S. familia en apuros

    "El miedo no es real" desliza Cypher (Will Smith) en esta aventura apocalíptica enmarcada en bellos paisajes naturales cuando su hijo Kitai (Jaden Smith) corre peligro. Un papá moribundo y atrapado en una nave que se desplomó y su hijo están comunicados para sortear los obstáculos que les presenta este nuevo film del realizador hindú M. Night Shyamlan (Sexto Sentido).

    Una Tierra desconocida, el último refugio para la raza humana, es el lugar donde cae la nave del general, quien se encuentra agonizando, mientras su hijo atraviesa un terreno hostil plagado de peligros. Mezcla de Jurassic Park y Soy leyenda, la película tiene a estos dos personajes casi todo el tiempo en pantalla (el resto aparece a manera de flashbacks) y expone una trama en la que el hombre lucha por salvar los vínculos familiares a la vez que el adolescente escapa de sus miedos infantiles.

    Padre e hijo en la vida real, Will y Jaden Smith, quienes ya habían trabajado juntos en En busca de la felicidad, se ponen la película al hombro. El resultado es un film que apenas entretiene con su invasión de monos, aves, depredadores y una criatura alienígena monstruosa mientras las feroces inclemencias del tiempo hacen lo suyo y un veneno mortal corre rápidamente -más que la historia- por las venas del joven protagonista.

    Con toques metafísicos y algo melancólicos sobre el desenlace, Shyamalan muestra también la preservación de las especies y, sobre todo, la de un hijo que quieren ser un soldado como su padre. Los buenos rubros técnicos aportan lo suyo para mostrar que no hay mucho más Después de la Tierra.
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  • Nada es lo que parece
    La gran distracción

    El mundo de la magia y el ilusionismo siempre resulta fascinante para ser llevado a la pantalla. La película de Louis Leterrier, un experimentado realizador en el terreno de la acción, dice abracadabra en esta historia plagada de apariencias engañosas. Quizás demasiadas.

    Nada es lo que parece (Now you see me en el original) va moviendo su eje de distracción, al igual que lo hacen los personajes, para confundir al espectador y lo logra a través de escenas plasmadas con vértigo, acción y ritmo de show. Estructurada en tres grandes ilusiones, el relato captura el interés desde el comienzo, pero los excesivos datos que tira (al igual que los naipes lanzados como balas) y las vueltas de tuerca que acumula le juegan en contra.

    Un equipo del FBI liderado por Dylan (Mark Ruffalo) intenta capturar a los Cuatro Jinetes, un grupo formado por los mejores magos del mundo: un ilusionista (Jesse Eisenberg), una escapista (Isla Fisher); un mentalista (Woody Harrelson) y un experto en cartas (Dave Franco). Ellos se dedican a robar bancos mientras realizan sus presentaciones y reparten el dinero entre el público. A la cacería se suman una agente de Interpol (Mélanie Laurent) de quien Dylan desconfía, y Thaddeus (Morgan Freeman), un mago repudiado por otros por revelar sus trucos.

    La trampa está servida, las sospechas a la orden del día y muchas situaciones resultan forzadas a nivel argumental para ser verosímiles: lo que sucede en la autopista o en la bóveda del banco. Si bien son magos, tampoco hacen milagros. Sus móviles son el dinero y el arte del engaño a gran escala. Pero hay más.

    La película está construída como un castillo de naipes que puede derrumbarse en cualquier momento, como un espejo deformante que oculta otras cosas y con fugas vertiginosas (como la escapista que puede liberarse de un estanque lleno de pirañas). El guion de Ed Solomon y Boaz Yakin no se aparta tampoco de lo fantástico, complejiza algunos tramos y da innumerables vueltas argumentales como la calesita de la escena final. Sin embargo, los personajes siguen adelante con su plan en un film entretenido que tiene escondidos varios conejos bajo la galera.
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  • ¿Qué pasó ayer? Parte 3
    Un viaje reparador

    El elenco de las dos primeras comedias se vuelve a unir en esta tercera entrega de la exitosa saga que retoma algunos personajes de los films anteriores y, de manera circular, vuelve a la ciudad donde todo comenzó: Las Vegas.

    ¿Qué pasó ayer? Parte III, anunciada como el capítulo final, agrega además del humor sus cuotas de acción e intriga que la hacen más interesante para el público. Acá no hay bodas ni despedidas de solteros y la trama se inicia con el escape del prisionero Chow (Ken Heong) de una cárcel de Bangkok. Después de la muerte de su padre, el inestable Alan (Zach Galifianakis) es convencido por sus amigos Phil (Bradley Cooper) y Stu (Ed Helms) para ser llevado a un instituto donde pueda recuperarse. En el camino son secuestrados por un millonario (John Goodman) que reclama unos lingotes de oro que le fueron robados. Esto unirá los caminos del inseparable trío y del ex convicto Chow, que está mas loco que una cabra.

    Con esta estructura, la nueva película del director Todd Phillips se muestra menos episódica que sus antecesoras, y ofrece más ritmo en una historia que viene cargada de traiciones, escapes, el secuestro del cuñado de Alan y mansiones que esconden un cuantioso botín.

    Entre Tijuana y la ciudad mundial del juego, el film también se permite un romance y peligro en las alturas del hotel Caesar bajo una mirada reparadora sobre la amistad y la "infancia" eterna que atraviesa Alan.
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  • Rápidos y furiosos 6
    Subiendo la apuesta

    Poderosa como su antecesora, llega la sexta parte de la saga que dio un giro inesperado y sorprendente en la película anterior filmada en Río de Janeiro. Ahora el taiwanés Justin Lin sube la apuesta con una historia que se pasea de manera vertiginosa por España, Moscú y Londres.

    Hobbs (Dwayne Johnson) vuelve a reclutar a Toretto, (Vin Diesel), O'Conner (Paul Walker) y a todo el equipo para que lo ayuden a derribar una banda liderada por el delincuente Owen Shaw (Luke Evans) que opera en las principales ciudades europeas. También sigue la pista de una organización de pilotos mercenarios, comandada por Letty (Michelle Rodriguez) a quien Toretto creía muerta y que perdió la memoria.

    La trama, plagada de traiciones, bombas, indultos y nuevos caminos familiares que emprenden los protagonistas, sirve como excusa perfecta para construír un relato que hace foco en las tomas veloces, los autos último modelo (algunos blindados) y los flahbacks -a veces innecesarios- de las entregas anteriores.

    El segundo tramo echa humo y pisa el acelerador con secuencias de acción imparables y muy bien filmadas que introducen al espectador en el ojo de la tormenta. La escena del tanque destrozando todo lo que encuentra en su camino y, la final, con autos persiguiendo a un gigantesco avión no dan respiro y se convierten en la marca registrada de este exitoso producto.

    Una escena agregada sobre el final, pegadita a una leyenda que advierte sobre los peligros de realizar las maniobras y piruetas automovilísticas que se ven en la pantalla, confirma la llegada de una séptima entrega que incluye sorpresa para los amantes del género. Para eso habrá que esperar hasta el 2015, pero mientras tanto Rápido y Furioso 6 tiene todos los ingredientes para no defraudar a sus seguidores y muestra el mismo nivel de la anterior. Explosiva y visualmente contundente.
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  • Rouge amargo
    Rouge amargo
    Todo lo ve
    Acción y corrupción política

    Algunas producciones nacionales siguen explorando el cine de género, hecho saludable que brinda variedad -más allá de los resultados- en los estrenos de los últimos años. Ahora el director Gustavo Cova (quien hizo dupla con Horacio Maldonado en Alguien te está mirando y que luego filmara Gaturro y Boogie el aceitoso) elige la acción y la intriga como móviles de una historia vertiginosa.

    Rouge amargo tiene influencias del cine de acción y del policial norteamericano y plasma a través de un montaje ágil las situaciones que enfrentan sus protagonistas, seres que buscan salvarse. El estreno llega en un momento oportuno en el que las denuncias periodísticas sobre corrupción están a la orden del día. En la trama políticos quedan involucrados al narcotráfico en un chip que tiene información y esto cruza los caminos de un ex presidiario (Luciano Cáceres) y de una prostituta (Emme) cuando un controvertido candidato a diputado es asesinado en un viejo hotel.

    Perseguidos por la policía (con Rubén Stella a la cabeza) y por un frío asesino, la trama avanza con la aparición de Rita (Gustavo Moro), una travesti que decide brindarle refugio a su amiga y un periodista (Nicolás Pauls) que quiere conseguir informacíon sobre la corrupta cúpula política.

    La película retoma el tópico del hombre inocente señalado como culpable y de la mujer desprotegida que quiere dejar el oficio más antiguo del mundo pero que se ven desbordados por las vueltas del destino. Entre flahbacks, algunos tiros en el mercado de Frutos de Tigre y persecuciones automovilísticas, se construye un relato entretenido que nunca pisa el freno. Y los intérpretes acompañan el clima del film, sobre todo el rol protagónico asignado a Gustavo Moro.
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  • Cuando yo te vuelva a ver
    Caminos cruzados

    La película de Rodolfo Durán pone el acento en el reencuentro de los viejos afectos y en las relaciones a lo largo del tiempo, con una realidad que ha cambiado pero con sentimientos que afloran en los momentos menos pensados.

    Cuando yo te vuelva a ver cruza los caminos de Margarita (Ana María Picchio), una docente jubilada que ahora tiene un microemprendimiento de catering para fiestas, y de Paco (Manuel Callau), quien regresa a la Argentina para apadrinar la boda de un amigo. Un amor de juventud que quedó trunco y merece un reencuentro.

    Este es el puntapié de un relato que combina presente y pasado y revela algunos secretos escondidos a lo largo de los años. Entre el aeropuerto y Balcarce, desfilan por la historia Ethel (Miriam Lanzoni), socia de Margarita y amiga de su hija Valeria (Malena Solda), una nieta y un amigo de Paco (Alejandro Awada).

    Una boda, cartas que no fueron respondidas, un cruce de personajes en el mismo lugar pero sin un encuentro concreto y un video de la fiesta forman los pilares de esta comedia dramática que avanza como el changuito que la protagonista empuja en el supermercado.

    La idea de recuperar tiempo perdido, el tono nostálgico impuesto a lo largo de la trama, los diálogos cotidianos -y nada rimbombantes- y la buena actuación de Ana María Picchio hacen que la película capture la atención y el corazón del espectador con buenos recursos. La actriz regresa al cine con un protagónico luego de veintisiete años (Chechechela, una chica de barrio) y coincide con su hija y su nieta en la vida real (Delfina Peña y Juana Dates), que forman parte del elenco.
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  • Pecados
    Pecados
    Todo lo ve
    Amor intenso en pueblo chico

    Una pareja de jóvenes enamorados tiene que sortear varios obstáculos para poder permanecer juntos en esta película de Diego Yaker que pone el acento en el clima apasionado y enciende la mecha de la famosa frase "pueblo chico, infierno grande".

    En Pecados, el realizador sigue el tópico de los relatos clásicos donde el amor casi imposible mueve a los personajes y ubica la acción en un pueblo donde prácticamente no hay adultos. Y ahí crecen Bepo (Mariano Reynaga) y Lourdes (la catalana Diana Gómez): él un chico criado en una casa polvorienta por su rígido abuelo (Pepe Soriano), un artesano que está perdiendo el pulso, y ella, una adolescente que ayuda a su padre (Carmelo Gómez) en el almacén del pueblo.Desde siempre, los jóvenes sienten una gran atracción y se desean, en silencio y por separado, pensando en un gran encuentro que los una para siempre. Pero nunca es fácil.

    Con una atmósfera apasionada que juega con el despertar sexual, el erotismo y un misterio que guardan secretamente los adultos (al igual que el que encierra la iglesia), la película transcurre de manera lenta y se encamina hacia un desenlace donde todo se resuelve sin estridencias.

    La cámara describe ámbitos bucólicos, entre arroyos y un pueblo desierto, registrando postales de un espacio que parece detenido en el tiempo pero donde las hormonas parecen sortear todas las dificultades. La actriz Diana Gómez, con su acento español (seguramente por necesidades de co-producción) sobresale por su frescura y se impone al joven desprotegido encarnado por Mariano Reynaga en esta película que combina tabúes, cultura y pecado.
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  • Scary Movie 5
    Scary Movie 5
    Todo lo ve
    Parodia con síntomas de cansancio

    La parodia a películas populares es nuevamente el móvil de esta quinta entrega de la saga que ya evidencia signos de cansancio y situaciones reiterativas, pero también un costado escatológico que divierte al público.

    Scary Movie 5 espía a realizaciones de terror como Actividad Paranormal (recientemente se vio ¿Y...dónde está el fantasma), Mamá y Posesión Infernal , además de otras producciones ajenas al género como El origen del planeta de los simios y El cisne Negro.

    Acá el descabellado argumento une las aristas de todas estos relatos para centrar su atención en la pareja formada por Dan (Simon Rex) y Jody (Ashley Tisdale) quienes perciben una extraña actividad en su casa luego de llevar a las hijas del hermano de Dan, que estuvieron abandonadas en el bosque. El fantasma de la madre de las pequeñas irá apareciendo paulatinamente y sembrará el terror en el hogar de la bailarina de danza clásica y del investigador de monos.

    Deshilvanada, construída a manera de sketches sin demasiada gracia (a excepción del comienzo en el que participan Charlie Sheen y Lindsay Lohan como ella misma, con referencia a sus continuos arrestos), la película no acierta en sus gags ni en sus referencias a fiestas al estilo Ted. La trama se desarrolla a los tropezones, y sin sorpresas, entre simios, vómitos, un fantasma que se desliza por la casa, bailarinas clásicas haciendo hip hop y niñas salvajes. No más que eso.
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  • El reino secreto
    Los Hombres de hoja

    Con el bosque como escenario de la acción, llega a las pantallas esta nueva película animada de los mismos creadores de La Era de Hielo y Río.

    Mary, una adolescente cuyo padre está obsesionado con la existencia de una raza de diminutos seres que viven en el bosque, es mágicamente transportada a este universo secreto en el que luchan los Hombres Hoja y las fuerzas de Mandrake, que planean oscuridad en el bosque.

    Luego de la muerte de la Reina Tara que le daba fuerza vital al bosque, la lucha por salvar el mundo se coloca en primer plano. Así desfilan Nod, el joven héroe de los Hombres Hoja y Ronin, el líder del ejército de guerreros que juraron proteger por siempre la vida del lugar.

    La película muestra una factura técnica impecable pero la segunda parte cobra más fuerza con los enfrentamientos entre los bandos del Bien y El Mal, los viajes vertiginosos entre ramas de árboles y los juegos entre escalas y tamaños diferentes.

    En ese sentido, El Reino secreto tiene mucho de Avatar y tampoco disimula influencias de Querida encogí a los niños cuando Mary enfrenta su propio mundo cotidiano como algo amenazante. Todo parece gigante (perro y roedores incluídos) en esta producción de animación que no muestra tanta complicidad para el espectador adulto.

    Temas como la comunicación entre un padre preocupado por otras cuestiones y una hija adolescente que le reclama atención (aún más cuando Mary se hace pequeña) está presente en una trama que contrasta dos mundos y que echa luz sobre una universo que corre peligro.
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  • El último exorcismo - Parte 2
    Otra vez el diablo en el cuerpo

    Esta secuela deja atrás el recurso del "falso documental" y de la cámara en mano para instalarse en una historia que retoma el espíritu de la original y cuenta nuevamente con la producción de Eli Roth (director de Hostel).

    Si en la película anterior todo giraba en torno a Nell, la adolescente poseída y el sacerdote que dejaba filmar su exorcismo, acá la trama sigue los pasos de la traumada adolescente (Ashley Bell) que intenta reconstruir una nueva vida y dejar atrás al poder maligno que utilizó su cuerpo y arrasó con su familia. El escenario ahora es un instituto para adolescentes en una zona apartada de Nueva Orleans donde Nell cree estar a salvo.

    Esta continuación cuenta con la dirección del canadiense Ed Gass-Donnelly (en reemplazo de Daniel Stamm) y en lugar de poner el foco en la figura retorcida de la poseída, escoge voces, cruces que se dibujan en las paredes, un video por Internet que ven sus compañeras y desnudan su pasado. En tanto, una presencia maligna se esconde bajo la máscara del carnaval de la ciudad, de un adolescente seductor o de una estatua viviente. Todo se torna amenazante para la protagonista, desde llamados telefónicos de aparatos que son desconectados o de una pareja que cree dormir tranquila (lo mejor del film) cuando alguien más respira bajo las sábanas.

    El Mal devenido en varias de sus formas no alcanza para sorprender y ni siquiera el cambio de registro con respecto a la versión original ayuda para crear suspenso (a pesar del incremento de sonido para sobresaltar) o generar incomodidad. Entre posesiones, espuma por la boca y un final al stilo Llamas de venganza, el relato seguramente seguirá los pasos de Nell en una tercera entrega.
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  • Ataque a la Casa Blanca
    La caída de los símbolos de poder

    Si hay algo claro en esta película, más allá de su intención política propagandística, es que se trata de un buen entretenimiento conducido por el mismo realizador de Día de entrenamiento y Tirador, el experimentado Antoine Fuqua.

    Como una suerte de John Mc Clane que está en el lugar equivocado en el momento menos oportuno, el agente del servicio de segurdiad Mike Banning (Gerard Butller en su doble rol de actor y productor) protege al Presidente de los Estados Unidos, Benjamin Asher (Aaron Eckhart) y a su familia, pero es relegado de su cargo por un hecho que ocurre al principio y no conviene adelantar.

    Obligado por las circunstancias, debe volver al ruedo cuando un grupo de terroristas coreanos toma la Casa Blanca (la escena del avión y de la masacre para ingresar a la famosa casa presidencial es impresionante a nivel visual) y se enciende una sangrienta negociación con el gobierno de los Estados Unidos.

    En una trama plagada de acción e intriga, repleta de traiciones, el realizador entrega un eficaz producto de acción donde el "falso culpable" (al igual que en Tirador) debe recuperar el cargo que le pertenece y es el único con vida que está en el lugar (lo conoce como la palma de su mano) mientras el Primer Mandatario y otros rehenes se encuentran aislados con los terroristas en el bunker presidencial.

    El juego del gato y el ratón, con un héroe enfrentando a hombres fuertemente armados, es el motor de la realización que también cuenta con Morgan Freeman como el Portavoz del Presidente.

    Afuera la batalla campal dejó cientos de víctimas sobre el césped de la Casa Blanca, y Banning debe además encontrar al hijo del Presidente, que está escondido en algún lugar del edificio. Atrás quedaron los tiempos de enemigos rusos y ahora los infiltrados que toman el poder son coreanos con muchas exigencias. Los símbolos del poder norteamericano caen una vez más como en otras tantas películas y el caos está servido.
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  • Pensé que iba a haber fiesta
    Un conflicto sin estallidos

    Una casa con pileta se convierte en el epicentro de una serie de situaciones emocionales que involucran a Lucía (Valeria Bertuccelli) y Ana (Elena Anaya) y su amistad se pone en juego.

    Pensé que iba a haber fiesta es la pelicula de Victoria Galardi (quien antes filmó la recomendable Cerro Bayo) que se ambienta en Año Nuevo e intenta hacer explotar un conflicto de relaciones entre las protagonistas. rodeando la historia de presencias familiares y parejas en crisis en plena cena.

    Lucía está separada de Ricky (Fernán Mirás) y tiene una hija de él pero está junto a su nueva pareja (Esteban Lamothe). Por su parte, Ana es una actriz española que llega al "hogar dulce hogar" para pasar unos días con su amiga y se cruza con Ricky. Y supuestamente estalla el ¿conflicto?...

    El film transcurre sin sorpresas, con personajes mirando las explosiones de fuegos artificiales en el cielo e imponiendo un clima en el que no pasa nada hasta los veinte minutos finales. Con buenas actuaciones de Bertuccelli (a quien siempre se ve creíble) y Anaya (La piel que habito, de Almodóvar) y solventes rubros técnicos, la película queda a mitad de camino debido a un guión simple que no ofrece mayores matices dramáticos y en el que prevalecen situaciones y diálogos que parecen improvisados.

    El enfrentamiento entre estas dos mujeres, ahora separadas por un hombre, prometía mucho más pólvora y aguas agitadas, pero se limita a concentrar su fuerza en los cruces de miradas y en una relación apasionada entre la actriz y el ex marido de su amiga. Eso es todo.
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  • Bomba
    Bomba
    Todo lo ve
    Tic tac tic tac

    La película de suspenso de Sergio Bizzio tiene ahora su estreno comercial luego de ser proyectada en la última edición del BAFICI.

    Director de Animalada y guionista de XXY, Bizzio vuelve a la carga con un producto independiente que se desarrolla casi en su totalidad en el interior de un taxi. Un chico santafesino (Alan Daicz) llega a Buenos Aires para asistir a la Feria del libro, donde se presentan sus historietas. Desorientado, toma un taxi y el chofer (Jorge Marrale) lo mantiene cautivo a bordo en una larga travesía por la ciudad y con una bomba a punto de estallar. Ambos son prisioneros de un destino incierto que impulsa la locura del conductor.

    Esta es la premisa de una realización que si bien tiene su clima inquietante sobre el comienzo, luego empieza a perder interés por la relación que desarrollan el "secuestrador" y su "presa" a través de diálogos que no consiguen generar misterio o intriga en el espectador.

    La acción abandona el interior del automóvil cuando los personajes recuerdan situaciones a manera de flashbacks: el joven mantiene una relación con la empleada de una estación de servicio y el chofer recuerda el momento en que su esposa le fue infiel. Vueltas y más vueltas del taxi alrededor de un centro de yoga y un final que otra vez elige el tono del comienzo pero se torna previsible.
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  • En trance
    En trance
    Todo lo ve
    Los disfraces de la mente

    El director inglés Danny Boyle regresa con un thriller que juega con los disfraces de la mente en un contexto habitado por criminales.

    Después de Tumba al ras de la tierra, Trainspotting, ¿Quién quiere ser millonario? y 127 horas, el cineasta parte de un comienzo atrapante donde el ritmo ajustado de las situaciones acompañan a personajes que buscan dar un golpe perfecto en una casa de subastas de obras de arte.

    Simon (James McAvoy) desea obtener un famoso cuadro con la ayuda de un grupo de delincuentes liderados por Franck (Vincent Cassel). Sin embargo, cuando éste recibe un golpe en la cabeza, pierde la memoria y no recuerda dónde dejó la pintura, desatando la ira por parte del grupo. Así será obligado a visitar a una experta en hipnosis (Rosario Dawson) para refrescar su memoria.

    Con esta idea inquietante, el film de Boyle logra una primera media hora intensa, entre golpes y persecuciones, pero luego se sumerge en un terreno más resbaladizo, en el que los vericuetos de la mente camuflan los hechos y las acciones de los protagonistas.

    Respaldado con un marco estético que evoca los pliegues de la psiquis humana y sus laberintos, En Trance pone en el centro de la acción al trío engañando al espectador con el correr de los minutos a través de un relato psicodélico y apasionado.

    El resultado es rebuscado y demasiado enhebrado como para sostener la intriga hasta los minutos finales, donde las apariencias son engañosas. Aunque no se puedan dar más detalles de la intrincada trama, podemos adelantar que los puntos de vista juegan un rol fundamental en la historia.

    En Trance tenía todos los elementos para ser un gran thriller pero lo forzado de las situaciones que se acumulan sobre el desenlace le juegan en contra. Aquí hay un joven que perdió la memoria, un ladrón que quiere recuperar su botín y una terapeuta que se relaciona con su cliente. El resto es un desfile de disparos, sangre y toques de erotismo. Quizás es poco para un realizador como Boyle.
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  • El gran simulador
    Abriendo el juego

    "Soy un experto en cartas, pero no soy mago. Ese es un término que confunde a la audiencia". Con estas palabras, el ilusionista René Lavand se define mejor que nadie en el documental que lo muestra con un presente activo (a pesar de su artrosis) y protegido en su fortaleza.

    El director Néstor Frenkel (Amateur, Vida en Marte) recorre pasado y presente del ilusionista argentino de fama mundial especializado en cartomagia, que realiza sus ilusiones con la única ayuda de su mano izquierda (la derecha la perdió a los nueve años en un accidente automovilístico). Lavand llegó a participar como invitado en El show de Ed Sullivan y Johnny Carson, llevando sus ilusiones a Venezuela, México y a varios programas de la televisión argentina.

    El gran simulador expone además su intimidad familiar junto a su esposa que busca material para el documental, la reunión con un amigo que le acerca relatos para sus presentaciones y un joven discípulo. Autodidacta, creador de su propia técnica, que le dio un estilo inconfundible, Lavand o Héctor Lavandera afirma que su laboratorio es el paño verde sobre el que se despliega su arte, sin olvidarse de la vida tranquila y el ámbito natural que lo rodea.

    El film acierta en la descripción de su personalidad ("Hay dos cosas que me molestan: una, que me pidan autógrafos. La otra, que no lo hagan"), utiliza material de archivo y escapa de los los típicos testimonios a cámara del género.

    La historia -que abre y cierra el relato- gira en torno a la búsqueda de su mano derecha en otro de los relatos que impulsan su trabajo y en medio de una película que se acerca de manera más que satisfactoria a la persona y al artista.
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  • Iron Man 3
    Iron Man 3
    Todo lo ve
    Más prototipos y una trama engañosa

    Con una trama que comienza en 1999, el tercer eslabón del superhéroe de Marvel, Iron Man, desembarca en la pantalla grande para entregar esta ¿última? aventura que pone en peligro el mundo personal de Tony Stark (Robert Downey, Jr.) y la estabilidad del poder político en los Estados Unidos.

    En Iron man 3, dirigida por Shane Black, quien acredita una extensa carrera como guionista más que como realizador (y con un papel nuevamente a cargo de Jon Favreau, responsable de los dos films anteriores) se da por muerto al millonario luego de un brutal ataque a su mansión. Con la ayuda de un niño, tendrá que luchar contra peligrosos enemigos, uno que conoció en el pasado (Guy Pearce), un experto en ingeniería genética, y otro, un terrorista internacional conocido como El Mandarín (Ben Kingsley) que maneja las comunicaciones, tiene el control y elimina a sus prisioneros sin dudarlo.

    La trama tiene en esta oportunidad matices más interesantes que los de las entregas anteriores (Tony Stark lucha como un héroe solitario en busca de su armadura,) una galería de personajes amenazantes con superpoderes y una vuelta de tuerca que seguramente sorprenderá al espectador.

    Esta superproducción acumula ataques terroristas (poco acordes al momento que vive Estados Unidos en la actualidad), el secuestro del Presidente, la presenca del comandante James Rhodes/War Machine (Don Cheadle) que pelea codo a codo con el protagonista y la aparición de más prototipos diseñados para las misiones peligrosas.

    Con todos los artilugios técnicos que uno pueda imaginarse, las situaciones se despliegan ante los ojos del espectador con suma eficacia y en vertiginosas escenas de acción. Y hasta se permite con humor alguna referencia a Los Vengadores.

    Iron Man 3 muestra además a la científica Maya Hansen (Rebecca Hall), una ex novia de Tony y a Gwyneth Paltrow, otra vez en su rol de Pepper Potts pero con más protagonismo que en las realizaciones anteriores. Las secuencias más atrapantes: el ataque a la casa del millonario; los tripulantes en plena caída libre luego de que el avión es secuestrado y un gran final en medio de grúas y containers con el Presidente casi crucificado colgando de cables. Y para los fanáticos: no se levanten de las butacas porque después de los creditos...
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  • Por un tiempo
    Por un tiempo
    Todo lo ve
    Entre padres e hijos

    ¿Cómo reorganizar la vida cuando una pareja que espera un bebé debe hacerse cargo de una hija adolescente fruto de una relación anterior del padre?. Esa es una de las preguntas que dispara esta película nacional que tiene a Gustavo Garzón en el rol de director.

    Por un tiempo es un drama intimista que recorre situaciones cotidianas y reconocibles sin otra intención que la de plasmar un relato auténtico, carente de artificios y creíble en las situaciones que presenta. En ese sentido, Garzón, responsable además del guión, muestra el desequilibrio familiar que se produce ante la noticia de la existencia de una hija adolescente que debe permanecer junto a su padre, por un tiempo como indica el título, debido a una grave enfermedad que atraviesa su madre.

    Esteban Lamothe (visto en El estudiante y Villegas) y Ana Katz (Los Marziano) integran la pareja que está en la dulce espera y que ve alterada su existencia: é es arquitecto y peligra la relación con su socio, mientras ella intenta reacomodarse a la nueva vida que comparten.

    Entre una chica con problemas en el colegio, visitas al médico, concurrencia al curso de preparto y reunión de amigos, Por un tiempo sale airosa en sus conflictos y, al igual que los personajes, va reacomodando las piezas de un presente incierto. El film espía las relaciones entre padres e hijos y permite los cameos de Patricio Contreras, Sebastián Wainraich, Maria Jose Gabin y Jorgelina Aruzzi.

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  • Palabras robadas
    Palabras que no se lleva el viento

    El relato, construído a manera de caja china en donde cada narración aparece dentro de otra y a la vez relacionadas con la historia principal, juega con las verdades y mentiras de un escritor exitoso.

    Palabras robadas (The words) marca el auspicioso debut en la dirección de los guionistas Brian Klugman y Lee Sternthal (Tron: El Legado) luego de su presentación en el Festival de Sundance donde tuvo su premiere mundial.

    Rory Jansen (Bradley Cooper) es un autor que no termina de sentar cabeza (le pide dinero prestado a su padre) y su obra es rechazada por las editoriales. Pero todo se da vuelta cuando se convierte en un escritor respetado tanto por el público como por la crítica especializada mientras afianza la relación con su esposa (Zoe Saldana, la actriz de Avatar lo mejor de la película). Sin embargo, las cosas cambian una vez más cuando un anciano (Jeremy Irons) comienza a seguirlo y se presenta como el verdadero autor del libro.

    La película aprovecha sus diferentes capas narrativas -tres en total- para sumergir al espectador en las páginas de libros cuyas palabras no se lleva el viento. El anciano plasmó sus recuerdos de juventud cuando estuvo destinado en París luego de la Segunda Guerra Mundial. Esa historia vertida en un manuscrito que Rory encuentra en un maletín hacen que lo instale en un lugar de prestigio. Pero el trabajo no es suyo.

    Todo este marco combina historias dramáticas, romances contrariados y desencuentros amorosos de personajes que buscan sobrevivir, viven también de los recuerdos del pasado y juegan con el tema de la propiedad intelectual. Todo queda dentro de un hilo conductor principal impulsado por otro escritor (Dennis Quaid) que cuenta la historia de un fracasado, el mismo Rory.

    Palabras robadas tiene varias líneas de interpretación y moviliza al espectador a completar las páginas de su propio libro, a través de personajes que enfrentan el alto precio de la fama.
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  • Lazos perversos
    Lazos perversos
    Todo lo ve
    Relaciones peligrosas

    En el mundo del cine todas las historias ya fueron contadas, pero el secreto reside en cómo narrarlas para provocar al espectador. Eso es lo que busca el director coreano Park Chan-wook (Old Boy) que hace su debut en el cine norteamericano.

    Lazos perversos (Stoker) es un thriller cuyas imágenes se completan un tiempo después de que el espectador abandona la sala. Con un punto de partida sobre el que volverá al final, el realizador instala las dudas a través de un juego visual rico en detalles y con transiciones (pasa de la cabellera de Kidman a unos pastizales de manera imperceptible) que deben su mérito al cuidadoso montaje.

    Después de la muerte de su padre, India (Mia Wasikowskam la adolescente de Alicia en el país de las maravillas) una adolescente conoce a su tío Charlie (Matthew Goode) del que poco se sabe y que llega al lugar para vivir con ella y su madre (Nicole Kidman). Y ahí comienza una historia que combina misterio, locura y un pasado oscuro en esta atractiva apuesta visual del cineasta que, a manera de rompecabezas, irá dando la información necesaria al público con el correr de los minutos.

    Lo interesante del cine de Park Chan-wook, el mismo que también jugó con la acción en Sympathy for Mr. Vengeance, es que le imprime al género un aire innovador y violento (escenas sangrientas no faltan) donde los detalles cobran una dimensión expresiva muy funcionales al relato.

    La presencia del tío cobra una faceta fantasmagórica desde la escena del cementerio para la retina de India, y adelantará el caos que viene a instalarse en la casona de una familia con perturbaciones. El espectador se encontrará con una madre que llora en silencio y pasa el límite, con su hija que coquetea con arañas y con un asesino preciso y perverso que tiene como arma un cinturón.

    Tanto la seducción como el erotismo los empujan hacia un desenlace violento como en el documental que se ve en un televisor, donde el cazador y su presa inician su juego de muerte.
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  • Tadeo, el explorador perdido
    Sin látigo pero con ideas

    Una verdadera sorpresa es la visión de esta película de animación española dirigida por Enrique Gato, que encuentra en el público infantil -y también adulto- un entretenimiento efectivo y sólido en sus rubros técnicos.

    Desarrollada luego de dos cortometrajes que tuvieron a Tadeo Jones como protagonista, la película instala el género de aventuras a gran escala más allá de su obvia referencia al personaje de la famosa saga de Spielberg. El albañil Tadeo sueña con ser un héroe, un arqueólogo como el que él admira en la televisión, pero su realidad es otra. Cuando se ve obligado a ocupar el lugar de otra persona, inicia una travesía al Perú que lo conducirá a las pistas de la ciudad perdida de Paititi. En su viaje lo acompañan su inseparable perro; una profesora; un vendedor peruano y un pájaro que se expresa a través de carteles. Todos lucharán contra una corporación de cazatesoros.

    Tadeo el explorador perdido en 3D acierta en el diseño de los personajes (en especial el líder de los villanos que parece salido de un film de Bond) y en los obstáculos que se les presentan a los protagonistas en una civilización rica en tesoros y peligros ocultos.

    Sin látigo, pero con sombrero y un anillo que perteneció a su padre, Tadeo no usa armas sino todo el ingenio que le permite su torpeza para llegar a la verdad y terminar con sus enemigos. La película exhibe una factura técnica deslumbrante que no tiene nada que envidiar a las producciones de la gran industria y el uso del 3D resulta eficaz porque potencia el vértigo de varias secuencias.

    Un hallazgo es la transición que muestra a Tadeo en un terreno de aventuras para luego descubrirlo como un simple obrero colgado de una grúa de la construcción. Plagada de acción y con algún chiste sobre Ricky Martin, la película es la excusa ideal para disfrutar en familia.
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  • 911 Llamada mortal
    El juego del "gato y el ratón" aparece acá potenciado con las comunicaciones telefónicas y los llamados al 911 de Emergencias, que pone en vilo a la protagonista y a las fuerzas policiales.

    911 Llamada mortal (The call en el original) es una película de suspenso con una tensión que nunca decae y que pone en juego una serie de recursos quizás ya vistos en títulos como Celular, pero que adquieren aquí peso dramático en la trama y en el clima asifixiante que propone la película.

    Una joven (Abigail Breslin, la actriz de Pequeña Miss Sunshine y Tierra de zombies) es secuestrada por un desconocido que la encierra en el bául de un auto (lo mismo ocurre en la recíen estrenada Contrarreloj) y quien recibe el llamado al 911 es Jordan (Halle Berry), una operadora con experiencia en el tema pero traumada por una experiencia anterior. Su misión consiste en tranquilizar a las víctimas y dar aviso a la policía pero este caso parece salirse de sus carriles.

    Con un planteo que atrapa al espectador (los llamados de cientos de personas desesperadas) y con ecos de El silencio de los inocentes, el relato crece en intensidad de la mano del realizador Brad Anderson (El maquinista) y coloca al espectador como partícipe de una investigación en la que cada minuto cuenta.

    Entre persecuciones automovilísticas en la autopista, conductores que advierte el peligro y una chica que está a punto de morir, Jordan hará lo imposible -comunicación telefónica mediante- para rastrear la llamada y el vehículo que lleva a la presa.

    Anderson cuenta con una actriz capaz de transmitir la angustia y la incertidumbre que causa este tipo de trabajos, al punto que la protagonista organiza grupos de alumnos para desarrollar esas tareas mientras es contenida por su novio policía (Morris Chestnut). Por su parte, es más que correcta la elección de Michael Eklund como el villano de turno que va sembrando el horror cuando se alteran sus planes.

    El film no pierde tiempo, va al grano, con una narración de ritmo sostenido, como los pulsos de la línea que mantiene en contacto a la "salvadora" y la "víctima" para llegar a un desenlace abrupto, violento y efectivo.

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  • Ausencia
    Ausencia
    Todo lo ve
    El túnel de la muerte

    La película independiente de Mike Flanagan ha tenido repercusión en circuitos no convencionales y se trata de una producción que va a contrapelo de Hollywood, en una propuesta de terror inusual que fusiona lo fantasmagórico y la paranoia.

    En Ausencia (Absentia) la incertidumbre es la que moviliza a los personajes: dos hermanas, Tricia (Courtney Bell) y Callie (Katie Parker) se reencuentran luego de la misteriosa desaparación del marido de la primera. Después de siete años, llega el momento de declararlo "muerto en ausencia".

    Ese es el planteo de este relato ambientado en un vecindario peligroso, donde hay un túnel que pasa por debajo de la autopista y en el que se producen misteriosas desapariciones de mascotas y personas.

    El realizador juega con el tema de la locura en una historia cíclica que cambia las perspectivas cuando Daniel, el esposo, reaparece en extrañas circunstancias. Pero ya no es el mismo. Un film de aristas fantásticas que no cae en el despliegue de efectos. Por el contrario, utiliza al túnel como pasaje a un inframundo, entre pesadillas y un detective que se acerca a la "viuda" para proseguir su investigación.

    El resultado es una película despojada de artificios donde se coloca el acento en la creación de los climas (las apariciones en el hogar) y en los dudosos comportamientos de las hermanas en cuestión, sobre todo una que tuvo un pasado con las drogas. El resto es misterioso tanto para las protagonistas como para el público que irá descubriendo un largo túnel con luz blanca en el fondo pero que también guarda sus sorpresas.
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  • Posesión infernal
    Volver a la carga con los éxitos de los ochenta significa muchas veces un riesgo para los productores. En esta ocasión, Sam Raimi, el director que asombró en los comienzos de su carrera con Diabólico (Evil Dead) y luego con la saga de El hombre araña, se convierte en el productor de la nueva versión comandada ahora por el uruguayo Fede Alvarez.

    En épocas de remakes, el film llega a nuestro país como Posesión infernal y agita un género que parecía dormido con esta potente y creativa visión del horror. Con buenos recursos y sin importarle el despilfarro de tripas y excesos, el film evidencia menos humor que el original pero se transforma en una aterradora pesadilla para los protagonistas y para el público más desprevenido.

    Después del corto Ataque de panico, donde extrañas máquinas amenazaban a la ciudad de Montevideo, Fede Alvarez demuestra que las puestas en escena elaboradas y las historias con pocos personajes son lo suyo. Posesión Infernal muestra a cinco jóvenes, entre ellos dos hermanos (Jane Levy y Shiloh Fernández, el de La chica de la capa roja) que comparten un pasado oscuro, que emprenden una travesía a una remota cabaña en el bosque para que ella abandone su adicción a las drogas. Sin embargo, cuando uno de los muchachos encuentra "El Libro de los Muertos" abre la puerta al mismísimo infierno.

    Como en El enigma del otro mundo, uno a uno serán poseídos por un demonio escondido que no perderá la oportunidad para sembrar el horror. Con algunos cambios con respecto al film original, pero manteniendo la cámara subjetiva -y acelerada- que recorre el bosque, la película asusta, inquieta y se gana un muy buen lugar dentro del terror gore.

    Entre un sótano donde ocurrieron extraños rituales, un prólogo con una vuelta de tuerca sorpresiva, cuchillos de todo tamaño y una motosierra, el relato hace gala además de su "falso final" para luego volver a la carga. No apta para almas y estómagos sensibles.
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  • Contrarreloj
    Contrarreloj
    Todo lo ve
    Si hay un actor todoterreno se llama Nicolas Cage, quien en los últimos años eligió el cine de acción para fortalecer una carrera más comercial en la pantalla grande. En esta ocasión, Cage encarna a Will Montgomery, un ladrón de bancos que luego de pasar ocho años tras las rejas, es buscado por sus antiguos compañeros de andanzas y por el agente del FBI (Danny Huston), porque creen que Will escondió el botín en algún sitio. Para recuperarlo, su rival Vincent (Josh Lucas) le secuestra a la hija (Sami Gayle).

    El realizador Simon West, quien ya había trabajado con Cage en Con Air, construye un relato ambientado en los carnavales de Nueva Orleans (lo mejor de la película es la secuencia en la que Will camina por los techos de los autos mientras la música de Mark Isham crece al ritmo de los enloquecidos pies de unos bailarines callejeros) donde las persecuciones están a la orden del día.

    Mezcla entre Búsqueda implacable y la reciente Parker, donde el héroe en cuestión es traicionado, esta realización de West acierta en las escenas de acción porque es un especialista en el género, pero no así en la elección del villano con pata de palo encarnado por Lucas, que es poco creíble en su accionar. Lo mismo ocurre con la relación establecida entre el agente del FBI y el protagonista que va cambiando y acerca a los personajes con el correr de los minutos sin dar demasiadas explicaciones.

    El resto se ve convencional y sin sorpresas para el espectador habituado a este tipo de relatos que recuerdan a algunos films de los 80, cuando el malo "resucitaba" en el momento esperado. En tanto, la adolescente raptada y mantenida oculta en el baúl de un taxi, aguarda el reencuentro con un padre que emprende su búsqueda implacable.

    Cajas fuertes violadas, lingotes de oro derretidos rápidamente y un pasado criminal son las constantes de un relato que elige un viejo parque de diversiones donde, a la manera de duelo final, se toparán cara a cara el héroe redimido y el antagonista que vuelve para vengarse.
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  • G.I.Joe: el contraataque
    Vértigo en las alturas

    Continuación de "G.I. Joe: El origen de Cobra" (2009), un relato de acción basado en los muñecos de Hasbro, que coloca al comando peleando con su enemigo mortal, pero agrega además una amenaza que proviene de algunos miembros del gobierno.

    Con esta estructura llega G.I. Joe: El contrataque que reúne a Dwayne Johnson, Channing Tatum y Adrianne Palicky, tres miembros de la fuerza que son dados por muertos en un feroz ataque y quedan abandonados en el desierto. El equipo entra en conflicto con Zartan, Storm Shadow y Firefly, todos al servicio del Comandante Cobra.

    Esta secuela es un cóctel de películas de ninjas, con enemigos de rostro cubierto, operaciones militares estratégicas e insectos mecánicos convertidos en armas letales, en medio de un guión que firman Rhett Reese y Paul Wernick, más elaborado que la historia del film original. Si bien el espectador no encontrará demasiadas sorpresas, la espectacularidad de la secuencia ambientada en las alturas de la montaña bien vale el precio de la entrada. El resto es entretenido pero rutinario, otro producto de acción plasmado con vértigo por el realizador de Step Up y el documental de Justin Bieber.

    En la película hace su aparición Bruce Willis como el General Joe Colton y repite Jonathan Pryce como el Presidente. También está el ex niño de Jurassic Park, Joseph Mazzello. Si buscan tiros, acá los encuentran...
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  • Proyecto 43
    Proyecto 43
    Todo lo ve
    Zarpada por donde se la mire

    A veces tanto delirio, situaciones escatológicas, racismo y otras (impensadas) no resisten el menor análisis en este tipo de parodias que el cine puso de moda y cuyo máximo responsable es Peter Farrelly.

    El realizador de Tonto y Retonto, Loco por Mary y la más reciente Los tres chiflados se reserva tres segmentos de los once que intercala esta película con diferentes realizadores (Brett Ratner dirigiendo Happy Birthday, el episodio de los enanos) y un elenco de estrellas hollywoodenses colocadas al servicio del disparate.

    Dos adolescentes buscan, computadora mediante, el Proyecto 43, lo que sirve a la historia para acumular relatos cortos concebidos a manera de "sketches" donde aparecen sin anestesia el sexo, las relaciones prohibidas, el incesto, el despertar sexual y hasta la zoofilia. Como en toda película coral e integrada por cortos, algunos resultan más efectivos que otros cuando forman parte de la misma "ensalada" visual.

    En ese sentido, los dos dirigidos por Farrelly resultan los más acertados: The Catch, el primero que protagonizan Hugh Jackman y Kate Winslet en un restaurante cuando ella descubre que su compañero tiene "testículos" en la garganta; como así también Truth or Dare, con Halle Berry y Stephen Merchant, como una pareja que se somete a las pruebas y retos más inesperados. Zarpada y sin otras intenciones que las de hacer "blanco seguro" en el espectador, Proyecto 43 no ahorra situaciones desagradables, superhéroes y hasta un gatito animado (el corto Beezel se ve después de los títulos) que se enamora de su dueño. Los adolescentes la recibirán a las mil maravillas. Público adulto y prejuicioso, abstenerse.

    Elenco: Emma Stone, Anna Faris, Hugh Jackman, Kristen Bell (Supergirl), Josh Duhamel, Elizabeth Banks, Uma Thurman (Luisa Lane), Bobby Cannavale (Superman), Leslie Bibb (La Mujer Maravilla), Kate Bosworth, Richard Gere, Gerard Butler, Kieran Culkin, Aasif Mandvi, Johnny Knoxville, Justin Long (Robin), Christopher Mintz-Plasse, Chloë Grace Moretz, Liev Schreiber, Tony Shalhoub, Naomi Watts y Seann William Scott, entre otros.
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  • Jack el cazagigantes
    Con pisada fuerte

    Había que ver al director Bryan Singer nadando en el terreno de la aventura luego de sus pasos por las dos partes de X-Men y de aquel maravilloso título que fue Los sospechosos de siempre.

    En Jack el cazagigantes el realizador echa mano a los recursos clásicos del género y le agrega su visión grandilocuente para esta adaptación del cuento de los Hermanos Grimm, "Jack y los frijoles mágicos".

    La paz entre los seres humanos y los gigantes termina cuando estas criaturas sanguinarias secuestran a una princesa (Eleanor Tomlinson) y un grupo de valientes encabezado por el joven granjero Jack (Nicholas Hoult, el mismo de Mi novio es un zombie) y el guerrero Elmont (Ewan McGregor) intentan rescatarla de un mundo oculto en las alturas.

    El film de Singer, un poco extenso en el prólogo, ambienta la acción en una Tierra habitada por seres codiciosos y traicioneros y en un reinado cuya futuro peligra. De este modo, la acción no tarda en llegar y no disimula el peso que alguna vez tuvieron Willow y los relatos de Gulliver. Las mejores secuencias están en la irrupción de los héroes en un mundo desconocido y amenazante, con ciertos ecos de King Kong, en un juego contrastante de tamaños y escalas.

    La película no está pensada para los más chicos, aunque Singer sabe cortar justo a tiempo (los monstruos se comen las cabezas de sus presas) para brindar un entretenimiento familiar. En ese sentido, el relato concentra sus mejores momentos sobre la segunda parte cuando hacen su aparición estos seres desagradables, de grandes fauces y pisadas fuertes, en medio de una trama que también tiene su costado romántico.

    El ataque al castillo, el regreso del villano con dos cabezas, la conexión de dos universos a través de semillas que crecen a pasos agigantados cuando entran en contacto con el agua y una corona que todos ansían, permite también que el clima de la película crezca cómodamente. Y el cineasta se da el gusto de trabajar con buenos intérpretes como Stanley Tucci e Ian Mc Shane como el rey.
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  • La memoria del muerto
    Un pacto siniestro

    Este estreno nacional inscripto dentro del género de terror llega de la mano de Valentín Javier Diment (recientemente participó en el guión de "Diablo") que se arriesga con un producto gore repleto de maldiciones, fantasmas y pasiones ocultas.

    La memoria del muerto, que paseó con éxito por varios festivales internacionales, no disimula la influencia de títulos como Diabólico, de Sam Raimi o La noche de los muertos vivientes, de George Romero, pero se alimenta también del cine italiano de terror de Lucio Fulci y Darío Argento.

    Alicia (Lola Berthet) convoca a los amigos de su difunto marido (Gabriel Goity) para leerles una carta dirigida a cada uno de ellos, sin imaginar que un extraño ritual los unirá en una verdadera pesadilla. Encerrados en una casa y sin poder escapar, los invitados vivirán las más aterradoras experiencias...si salen vivos.

    Con este esquema el director de Parapolicial Negro y El propietario elabora un producto con sobresaltos que seguramente será bien recibido por el público adolescentes y por la acumulación de apariencias fantasmales que atormentan a los protagonistas. Jimena Anganuzi, Rafael Ferro, Matías Marmorato (el amigo más cercano del difunto), Luis Ziembrowski (también visto en Lo siniestro) y Lorena Vega revivirán sus miedos más íntimos.

    Si bien el relato se resiente por momentos debido a la cantidad de elementos que entran en juego con cada una de las situaciones que espantan a los comensales, el giro que toma la historia sobre el final y la atmósfera claustrofóbica le brindan a la película un buen pasatiempo donde dice presente el "gore", el humor negro y las neblinas del horror.
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  • ¿Y dónde está el fantasma?
    ¿Y...dónde está la gracia?


    El terror es parodiado en esta nueva película de Marlon Wayans (creador de "Una película de miedo") que se soma ahora a la saga de "Actividad Paranormal" para combinar risa y sustos, una fórmula que ha dado buenos resultados pero no es éste el caso.

    Malcolm (Wayans) acepta que su novia Keisha (Essence Atkins) se mude con él a una casa en la que ocurren extraños fénomenos y decide grabar los sucesos con cámara de mano y con otros dispositivos colocados estretégicamente en diferentes rincones del hogar.

    La película intenta por todos los medios causar la risa del espectador y para eso pone en marcha una serie de recursos (reiterativos) que van desde lo escatológtico hasta lo sexual (swingers incluídos) para remontar el clima de una película concebida sólo por golpes de efecto y a manera de sketches sin gracia.

    Al descubrir que la novia es poseída por un espíritu maligno que mueve puertas y tira cacerolas, Malcolm pide ayuda al Padre Williams (CedrictheEntertainer), para exorcizar el demonio que habita en su novia. Algunos gags resultan efectivos como la violación de Malcolm en manos de un fantasma, una vida en pareja alterada por la misteriosa presencia del espiritu y otros personajes que deambulan por la trama, como la mucama latina que se da la gran vida mientras los dueños no están en casa. Quizás sean esos los momentos más logrados de un film que busca el efecto rápido sin otras intenciones que las de divertir. Sin embargo, siempre queda flotando el recuerdo de parodias ochentosas como ¿Y..dónde esta el piloto?, que resultaban más ingeniosas.
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  • Matrimonio
    Matrimonio
    Todo lo ve
    Pensamientos en voz alta

    La ópera prima de Carlos M. Jaureguialzo se sumerge en la historia de una pareja de más de veinte años de casados con el marco escenográfico de una Buenos Aires que acompaña las penurias, la rutina y los sinsabores de los protagonisas.

    Ambiciosa en su planteo -está libremente inspirada en Ulises, de James Joyce- el realizador expone los pensamientos íntimos de sus personajes a lo largo de un día a través del relato en off, y estructura el film en dos partes bien diferenciadas.

    De este modo, asoman Esteban (un monocorde Darío Grandinetti), su mundo interno, su postura frente al matrimonio y Molly (Cecilia Roth), la esposa que habla -computradora mediante -con su hija radicada en el exterior y siente los síntomas de una relación que parece terminada. Ahí es donde la película crece en intensidad, cayendo luego en una rutinaria mirada sobre lo que ha mantenido unida a la pareja a través de los años.

    Los personajes secundarios sólo aparecen para quebrar el desarrollo de una historia que no es otra cosa que eso, una travesía emocional, con paseos en subte, algunos toques de humor a cargo de Roth y una visita a la clínica cuando la hermana de Esteban tiene familia. El resto llega sin emoción de la mano de la dupla que actualmente también protagoniza Una relación pornográfica en los escenarios porteños.
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  • Mi novio es un zombie
    Más vivos que muertos

    Tomando como punto de partida el universo de las películas zombies, la nueva realización de Jonathan Levine demuestra que se puede hacer un producto para público adolescente con buenos ideas y recursos.

    Instalando el tema de los romances contrariados, en este caso, entre un "muerto vivo" y una humana, la película aprovecha todos los elementos que le brinda un guión que invierte la fórmula y relata la historia desde el punto de vista de los monstruos, dando una bocanada de aire fresco a fórmulas que parecían extinguidas.

    En ese sentido, Mi novia es un zombie está en un nivel superior al de producciones como Crepúsculo o la reciente Hermosas criaturas, y coloca en primer plano a personajes que se embarcan en relaciones que son imposibles.

    El realizador de 50/50 ambienta la acción en una ciudad dividida por una gran muralla y que está devastada por una invasión zombie, donde se encuentran los protagonistas: R (Nicholas Hoult), un "muerto vivo" que deambula en busca de sangre humana y Julie (Teresa Palmer, de El aprendiz de brujo), la hija de un militar (John Malkovich) que se ve ahora protegida por quien antes mató a su novio. Es novedosa la idea de dividir a los zombies entre "gente muerta que comienza a cambiar y sentir afecto" y los "esqueletos", seres oscuros que instalan el terror.

    Con una mirada piadosa hacia los "diferentes" y una historia que resulta integradora en todo sentido, la película combina hábilmente romance, comedia y terror, transformando una historia de monstruos en un relato de amor. Ente la narración en off de R, cuya mente está salpicada por "flashbacks" y el presente desconcertante de ella, se suceden los mejores momentos de un film que tiene todos los ingredientes (temas ochentosos incluídos) para atrapar al público.

    Basada en la novela homónima de Isaac Marion, el film enfoca con precisión el contraste de los protagonistas, los gags también dan en el blanco (R es maquillado para asemejar su aspecto al de un humano) y hasta se permite una burlona mirada a Romeo y Julieta con escena de balcón incluída.

    El resto es entretenimiento, algo de tripas, persecuciones y un estadio que se convierte en el campo de batalla de seres con cuerpo fríos y corazones calientes. Pero más vivos que muertos.
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  • Parker
    Parker
    Todo lo ve
    Traicionado y más golpeado que nunca

    La traición es el móvil de esta nueva película protagonizada por el nuevo ícono del cine de acción: Jason Statham.

    Protagonista de la saga El transportador y visto en la reciente Los indestructibles 2, el actor vuelve a la carga en este thriller de acción dirigido por Taylor Hackford (el de Reto al destino y El abogado del diablo) que lo coloca una vez más en el ojo de la tormenta.

    Parker, un audaz y meticuloso ladrón disfrazado de sacerdote, comete un atraco en un parque de diversiones junto a cuatro integrantes de su banda, pero cuando es traicionado, decide seguir sus pasos hasta Palm Beach. Con este esquema, el realizador entrega un producto con acción e intriga que brilla en los primeros minutos. La tensión del inicio se ve debilitada cuando aparece el personaje encarnado por Jennifer López, una agente inmobiliaria a punto de perder su casa, que se ver involucrada con Parker cuando éste llega a la ciudad camuflado como un texano millonario para ubicar a sus ex compañeros.

    Jason Statham aparece en este film más golpeado que nunca (costillas rotas y mano destruída) pero nada impide que siga su marcha con un único objetivo: un nuevo robo de los hombres que lo traicionaron y 50 millones de dólares en joyas.

    Luego de un cliché que quizás no era necesario (lo que ocurre en la escena del baño cuando el anihéroe es atacado por un asesino) pero con buen desenlace, el relato se equilibra y entrega lo que el espectador espera. Personajes oscuros, una pandilla de Chicago que se lanza contra el protagonista, mucha sangre derramada y un papel secundario reservado para un actor como Nick Nolte. Parker está listo para la acción.
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  • Villa
    Villa
    Todo lo ve
    Una olla a presión

    Apostando siempre a el cine de género, el realizador Ezio Massa se sumerge con este trabajo en una realidad palpable que se codea con la violencia y las consecuencias inesperadas que afrontan los personajes.

    En Villa, el director de Más allá del límite, Cacería y la inminente Día de los muertos, cuenta la historia de Freddy (Julio Zarza), Cuzquito (Jonathan Rodríguez) y Lupín (Fernando Roa), tres amigos que viven en la Villa 21 y sueñan con ver el partido de la selección argentina en un televisor a color. Cada uno recorrerá caminos diferentes ante una realidad que no les ofrece demasiadas oportunidades. Mientras Freddy consigue un arma y soporta humillaciones, Cuzquito ayuda a una señora mayor (Floria Bloise) a cargar con las bolsas del supermercado y Lupín ingresa a un local de electrodomésticos para tener un sitio preferencial ante el inminente partido.

    Ambientada en Argentina de 2002, la acción es registrada por una cámara en continuo movimiento que captura el convulsionado ambiente social de la villa, donde un sacerdote (Adrían Spinelli) intenta conducir a los chicos por el buen camino. Entre la denuncia y el relato enfocado en los caminos de los tres protagonistas, la película va preparando la "olla a presión" que estalla en los minutos finales.
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  • Oz: el poderoso
    Oz: el poderoso
    Todo lo ve
    Un viaje por tierras fantásticas

    Con un gran despliegue de producción y de creatividad llega la nueva aventura fantástica de Sam Raimi, que cuenta con el respaldo del sello Disney, apunta al público familiar y sirve quizás como precuela del clásico El mago de Oz.

    En Kansas, el mago de circo Oscar Diggs (James Franco), a quien el público le descubre sus trucos, y sueña ser como Houdini o Edison, es arrastrado por un tornado en un globo aerostático hacia la apasionante Tierra de Oz, donde enfrenta a tres brujas: Theodora (Mila Kunis), Evanora (Rachel Weisz) y Glinda (Michelle Williams) y se ve obligado a defender a los habitantes de la Ciudad Esmeralda.

    La trama transcurre años antes de que Dorothy llegue a Oz y se haga amiga del Hombre de Hojalata, que por cuestiones legales no se menciona en la película al igual que el Espantapájaros.

    Todo gira en torno a este ilusionista ambulante que es acompañado por un mono parlanchín y una muñeca de porcelana (lejos, el mejor personaje) en una fantástica aventura en tierras lejanas y desconocidas. Al vértigo impuesto por el director de la saga de El hombre araña y Arrástrame al infierno, se suma un formato de pantalla cuadrada en una película filmada en blanco y negro que, con el correr de los minutos, dejará al descubierto la galería policromática que ofrece un nuevo mundo habitado por criaturas extrañas y grandes cascadas. Y el 3D se suma para potenciar las imágenes de un mundo de ensueño, de árboles retorcidos que parecen salidos de una realización de Tim Burton y de una neblina que arrastra peligros y sorpresas.

    El héroe hará lo imposible para cambiar sus conductas y transformarse en un hombre querido por los inocentes habitantes de una ciudad amenazada. El resto es entretenimiento, persecuciones, sobresaltos, un sendero amarillo, hechizos y una bruja verde y desagradable, en medio de una atmósfera donde una vez más se enfrentan el Bien y El Mal.
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  • Broken City
    Broken City
    Todo lo ve
    El político vs. el detective

    "Tú me perteneces" le dice el Alcalde Mayor Hostetler (Russel Crowe) al detective Taggart (Mark Wahlberg), a quien contrata para investigar una infidelidad de su esposa (Catherine Zeta Jones). Eso es sólo parte de este thriller que combina ambiciones desmedidas y que coloca frente a frente a dos buenos intérpretes.

    Broken City muestra la punta del iceberg en medio de una trama que acumula asesinatos, mentiras, peleas por mantener el cargo político (el contrincante del alcalde es Jack Valliant encarnado por Barry Pepper) y oscuros manejos que se tejen a espaldas de los neoyorquinos. El relato muestra sobres con dinero y otro en la basura con información confidencial de una operación secreta que podría hacer peligrar la carrera del candidato.

    No es ésta una película de acción (si bien tiene una secuencia de persecuciones automovilístoca y otras con acción física) sino una historia que pone el acento en dos personajes que tienen un "as" bajo la manga para poder presionarse mutuamente. El resultado es bueno gracias a la composición de Crowe como el político de turno, de aspecto frío y calculador. Su presente con poder también condiciona el pasado del ex policía (una cinta grabada en VHS lo compromete) devenido en detective privado que aarastra las sombras del alcohol y también del crimen.

    El thriller sobre corrupción pólítica que mueve las fichas del gato y el ratón. Habrá que ver quién tiene más astucia para salir airoso del enfrentamiento.
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  • Cirque du Soleil: Mundos lejanos
    La emoción por el riesgo

    Esta película no es la simple filmación de alguna de las majestuosas presentaciones que ofrece el Cirque Du Soleil alrededor del mundo. Se trata de una mezcla de cine, teatro y documental, que juega con un mundo de fantasía a partir de una pequeña historia que hilvana grandes atracciones circenses.

    Cirque Du Soleil: Mundos Lejanos es el nuevo trabajo de Andrew Adamson, creador de éxitos como Shrek y Las Crónicas de Narnia, que contó con la supervisión de James Cameron para un mejor aprovechamiento del formato en 3 dimensiones.

    Una chica llega a un circo (obviamente muy primitivo comparado con el del título) que tiene una feria de atracciones y se enamora de uno de los acróbatas. Sin embargo, éste cae del trapecio durante su presentaciónn y es literalmente tragado por la arena del escenario junto a la joven que lo quiere ayudar. A partir de ese momento, ambos ingresan en universos mágicos en los que intentarán encontrarse.

    Prácticamente concebida sin diálogos, la película seguramente sorprenderá a aquellos que nunca vieron los espectáculos de la compañía circense más famosa y prestigiosa del mundo y tampoco deja afuera a los que pudieron verlos en vivo.

    Cirque Du Soleil: Mundos Lejanos eclipsa con sus majestuosos escenarios, con sus proezas en el aire, las piruetas en la cama elástica, los vuelos con cintas o las arriesgadas acrobacias realizadas en un barco que se mece como una hamaca, además del número coreográfico realizado en plano inclinado que resulta impactante.

    En medio de ese marco hipnótico, la muchacha aparece inmersa entre grupos antagonistas y rodeada por extrañas criaturas, capturadas por una cámara que transmite la emoción por el riesgo. Un cuidado y minucioso trabajo de edición al que se suma un homenaje a Los Beatltes con temas como "All you need is love".
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  • Villegas
    Villegas
    Todo lo ve
    Dos mundos opuestos

    La película nacional de Gonzalo Tobal, quien viene con amplia trayectoria en el cortometraje, pone en primer plano el encuentro de dos primos, totalmente opuestos, que viven en Buenos Aires y deben viajar a la localidad del título para asistir al entierro del abuelo.

    Villegas descansa en estos dos treintañeros (Esteban Lamothe y Esteban Bigliardi), el primero bien posicionado económicamente aunque no tan feliz ante su inminente casamiento, y el segundo, un bohemio dedicado a la música que también intenta encontrar su lugar en el mundo.

    El film propone entonces un viaje transformador y emocional hacia la tierra que los vio crecer y a una ciudad que los ha separado por sus estilos de vida diferentes. Es una suerte de "road movie" que los deja casi perdidos a mitad de camino, entre un clima de emociones contenidas que irán surgiendo con el correr de los minutos.

    La aparición de la empleada de una estación de servicio de la ruta que les sirve de guía a ambos y acelera el corazón de uno de ellos, un camino repleto de vacas y un reencuentro familiar en un ambiente bucólico de gran producción, apoyan esta trama que tarda en llegar al espectador, pero lo consigue en el tramo final gracias a la construcción de climas.

    "No se donde voy, pero estaré soñando" se escucha en la letra de una canción y es, quizás, la frase que sintetiza el espíritu de esta historia sencilla construída a partir de miradas, silencios y rubros técnicos impecables.
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  • Magic Mike
    Magic Mike
    Todo lo ve
    Un mundo de tentaciones

    El prolífico realizador Steven Soderbergh se asoma el mundo de los strippers masculinos en esta película que cuenta con el ascendente Channing Tatum a través de una historia inspirada en la vida real.

    Magic Mike muestra a sus personajes sin juzgarlos a partir del guión de Reid Carolin y, por momentos, esa postura de espiar desde afuera un mundo complejo tambíen le juega en contra porque no se profundiza en los conflictos más íntimos o en las situaciones a las que ellos se exponen.

    La trama es sencilla y sigue a Mike (Tatum), un joven que pasa del ambiente de la construcción durante día a estrella de un night club que maneja Dallas (un Matthew McConaughey manipulador que le calza como anillo al dedo). A ese mundo de tentaciones donde se maneja dinero fácil también es arrastrado The Kid (Alex Pettyfer), un muchacho inexperto que deberá aprender a menear las caderas y animarse al arte del desnudo frente a las mujeres que noche a noche llenan el local.

    La película es simple y quizás tenga sabor a poco viniendo de un realizador consagrado que entrega un relato donde se citan la seducción, las drogas y los problemas. Y tampoco deja afuera su costado romántico (en un submundo donde no hay tiempo para eso) cuando Mike se acerca a la hermana de The Kid,

    Channing Tatum es quizás el actor ideal para este papel y está bien acompañado por Alex Pettyfer, pero el resultado es un film tibio que prometía mucho más.
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  • Amour
    Amour
    Todo lo ve
    Amor eterno

    El siempre polémico realizador franco austríaco Michael Haneke hace un cine personal, que no hace concesiones con el público. De ahí el hecho que tenga tantos admiradores como detractores.

    En su nuevo trabajo, Amor, nominado al Oscar en el rubro de "mejor película", se aleja del clima de anteriores realizaciones como Funny Games o La cinta blanca y plasma una dura historia sobre la vejez, la enfermedad y el desmoronamiento corporal. Un tema que podría prestarse fácilmente para golpes bajos pero que gracias a la mano de Haneke se eleva a una realidad de tanta crueldad que logra movilizar al espectador.

    Para esa tarea cuenta con las labores impresionantes de la dupla protagónica integrada por Jean-Louis Trintignant y Emmanuelle Riva (nominada como "mejor actriz" para el Oscar) en los golpeados cuerpos de Georges y Anne, un matrimonio de musicos retirados que se niega a envejecer, que sigue su rutina diaria de charlas y desayunos como nadie. Todo hasta que ella comienza a manifestar una desconexión de la realidad que rápidamente la lleva a una parálisis.

    El director explora las reacciones, la nueva forma de vida que asume el esposo ante la enfermedad de su amada y cómo se acomodan los interminables minutos de una vida que hasta hace poco parecía al menos tranquila en la convivencia. Otra gran actriz, Isabelle Huppert, encarna a la la hija de ambos.

    Lo interesante de esta historia de amor llevada al extremo es cómo empieza (con el cadáver de la anciana encontrado por los bomberos) y áun más cómo termina, con una habilidad maestra del realizador para resolver la trama y con un hecho que sorprenderá al público. Intensa, dura y emocionante son los calificativos que le caben.
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  • Hermosas criaturas
    El humano y la hechicera

    Una nueva saga se pone en marcha con esta adaptación del primer título de una serie de cinco novelas tituladas "Hermosas Criaturas" y escritas por Kami García y Margaret Stohl.

    La película apunta claramente al público adolescente que deja vacante la recientemente finalizada saga Crepúsculo, con la historia de un romance contrariado que despierta los conflictos de la trama.

    En Hermosas Criaturas un chico llamado Ethan Wate (Alden Ehrenreich) se cruza con una nueva alumna del colegio, Lena Duchannes (Alice Englert), y siente un flechazo instantáneo. El único problema es que ella es una bruja y guarda un oscuro secreto que la convertirá en poco tiempo en un ser de luz o de oscuridad.

    Habitando una casona destartalada por fuera y de moderno diseño por dentro, en la que convive con su tío protector (Jeremy Irons), Lena se convierte en el blanco de los ataques de compañeras y de todo el pueblo luego de extraños sucesos ocurridos en el colegio.

    Dos protagonistas que crecieron sin madre y que están vinculados sentimentalmente más allá de su comprensión, y una familia de hechiceros superiores, conocidos como Los Casters, que quieren separarlos a toda costa, son los motores de esta película que combina romance, maldiciones de antaño y fantasía. Como si fuera poco, también dirá presente una prima bruja que hará de la suyas.

    La película explota el tema de las parejas desparejas y algunos tópicos del cine de terror (los vecinos instalados en una vieja casona que despiertan miedo en el pueblo) pero desaprovecha los climas de intriga y misterio, colocando en un primer plano el relato romántico. Lo que llama la atención de una producción de estas características es el diseño de efectos visuales antiguos para los tiempos que corren y un desenlace poco emocionante -que deja la puerta abierta para una continuación- en donde el enfrentamiento con la bruja mayor encarnada por Emma Thompson pierde fuerza y dramatismo. Un producto que cuenta con buenos intérpretes como Jeremy Irons, Viola Davis o Emmy Rossum, pero que no alcanza para impactar o emocionar al espectador. En ese sentido, parece que las fuerzas de la oscuridad lograron su cometido.
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  • La extraña vida de Timothy Green
    ¡Lo pedís, lo tenés!

    Un relato que lleva impreso el sello Disney e intenta recuperar un segmento perdido y quizás ahora ocupado por las películas de animación. El film está claramente apuntado a la familia y si bien puede tildarse de lacrimógeno también hay que reconocerle que tiene sus méritos al contar una historia en la que lo cotidiano se ve invadido por la fábula fantástica.

    Un matrimonio. encarnado por Jennifer Garner y Joel Edgerton, intenta sin éxito tener un bebé. El film comienza con el matrimonio en una casa de adopción y contando su increíble historia: ellos entierran sus deseos en el jardín y luego de una sorpresiva tormenta, aparece en sus vidas Timothy Green (un encantador CJ Adams), un niño como cualquiera si no fuera porque tiene hojas en sus piernas.

    El director Peter Hedges (guionista de ¿A quién ama Gilbert Grape? y realizador de Dani, un tipo de suerte) entrega este cóctel concebido entre el cuento de hadas, el drama familiar y la fantasía, y reflexiona sobre nuestras acciones y nuestro paso por la Tierra.

    El chico en cuestión, una suerte de "freak" protegido por sus inexpertos padres, guarda su secreto al resto del mundo cuando se relaciona con la familia de sus flamantes progenitores. El elenco incluye a los veteranos David Morse, M.Emmet Walsh y Diane Wiest, actores de peso para personajes secundarios que respaldan el buen desempeño de los protagonistas.

    Entre la familia de su tía, la presencia de una niña que conoce el secreto de Timothy y una atmósfera de intriga que va dejando lugar a la emoción, la película se carga de energía solar y logra transmitirla al espectador.
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  • Duro de matar: un buen día para morir
    Padre, hijo y nuevos desafíos

    Si todos vuelven a la acción, ¿por qué Bruce Willis no iba a hacerlo otra vez?. Y más si se trata del regreso del clásico personaje John Mc Clane, que tuvo su mejor momento en la película original de 1988 dirigida por John McTiernan.

    En Duro de matar: Un buen día para morir, quinto eslabón de la exitosa saga, las vacaciones del protagonista en Moscú se transforman en un nuevo infierno cuando se reencuentra con su hijo Jack (Jai Courtney), quien queda atrapado en medio de una fuga de prisión de un ruso. Padre, hijo y prisionero serán perseguidos sin descanso por un ejército de villanos.

    Lo bueno de la historia reside en los momentos de humor (McClane intenta hablar ruso con un taxista mientras éste le canta temas de Frank Sinatra) y en las secuencias de persecuciones en plena calle, con destrozos varios y el héroe en cuestión tratando de imponer sus métodos para volver a relacionarse con el hijo que desconoce.

    En ese sentido, el comienzo acumula despliegue y tensión bien resueltos por John Moore (Tras las líneas enemigas y la última versión de La profecía) que detrás de las relaciones familiares (también de los antagonistas) transita por una trama que mantiene el interés del espectador gracias al rtimo impreso en cada escena o la chispa de los diálogos. La trama esconde algunas vueltas de tuerca, varios villanos y un pasado que lleva la acción a Chernobyl.

    Aunque lejos de la eficacia del film original que tenía a un excelente Alan Rickman como el jefe de una banda de terroristas o del maquiavélico personaje encarnado en la tercera parte por Jeremy Irons, este regreso en tierras extranjeras entretiene con sus secretos de la mafia rusa, un villano danzarín y una hija (al igual que en Duro de matar 4.0) que reaparece y le aconseja a su padre no meterse en problemas. Todo es en vano. Mc Clane dice presente una vez más en el momento y el lugar menos indicados.
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  • Las crónicas del miedo
    Se trata de un nuevo tipo de terror contado desde la perspectiva de varios cineastas de género.

    El subgénero de películas de terror conocidas como "found footage", concebidas con "cámara en mano" y bajo presupuesto dieron buenos resultados en las boleterías de todo el mundo, desde El proyecto Blair Witch y la más actual saga de Actividad paranormal, por nombrar sólo algunos ejemplos que invadieron las salas en los últimos años.

    En Las crónicas del miedo (V/H/S) seis relatos cortos integran el largometraje dirigido por varios cineastas. Desde el comienzo uno tiene la sensación de haber visto esto antes, pero se presta al juego de esta nueva incursión en el género.

    El denominador común que impulsa estas historias es la acumulación de personajes extremadamente tontos o insoportables, comportándose como tales, hasta que les llega el turno de enfrentar lo desconocido o monstruoso.

    Al cansancio que producen en el espectador los diálogos y el vértigo de la cámara en mano, presentes en todos los cortos, se suman detalles macabros y tripas que no ayudan en nada para crear la atmósfera que requiere este tipo de relatos. Y las historias se van hilvanando a partir de la llegada de unos muchachos a una casona en la que encuentran un cadáver, televisores encendidos y viejas cintas VHS, que dan pie a cada uno de los cuentos que desfilan por la pantalla.

    De este modo se van articulando Amateur night, de David Bruckner, sobre una "fiesta" en una habitación de hotel que termina en un charco de sangre y colmillos; Second Honeymoon, de West Ti, quizas el más flojo de todos; Tuesday The 17th, de Glenn McQuaid, sobre un asesino que siembra el terror en el bosque, con algunos momentos interesantes desde lo visual que rápidamente se ven opacados por la resolución; The Sick thing that happened to Emily when she was younger, de Joe Swanberg, sobre una cámara de internet que registra presencias paranormales y el colectivo Radio Silence, sobre una casa embrujada donde un extraño rito se lleva a cabo en el altillo.

    Miradas diferentes plasmadas con estilo similares y donde la progresión que necesita cada historia es interrumpida por la que sigue. Según la promoción, cada extraño video es más inexplicable que el anterior. Son cinco (o seis si se cuenta uno que funciona como columna vertebral) relatos en uno pero el mayor problema de este extenso film de casi dos horas es que cansa, no sorprende y comete el peor de los pecados: no se puede adelantar.
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  • La culpa del cordero
    Foto de familia

    Una chacra de familia. Un espacio, donde Elena, la madre, no permite el uso de celulares ni de internet. Jorge, el padre que quiere comunicarle a sus cuatro hijos que se ha jubilado. Un matrimonio de más de treinta años que está frente a una serie de cambios. Este es el punto de partida de La culpa del cordero, una realización uruguaya de Gabriel Drak que espía con interesante clima el aparente orden familiar que se va desmoronando con el correr de los minutos.

    Con el cordero a la parrilla, los cuatro hijos llegan a la estancia para compartir con sus padres este día tan especial, pero ninguno imagina que se pondrán sobre la mesa secretos que no tienen marcha atrás.

    El film alcanza su pico de tensión a la hora de metraje donde convergen varios conflictos, infidelidades, encuentros sexuales y charlas sobre la crisis económica. Un almuerzo donde también se cocinan lentamente rivalidades, reproches y donde todos los comensales están de una u otra manera involucrados.

    El patriarca, cómodamente instalado a la mesa, comiendo como si nada pasara, se convierte en una suerte de inquisidor que irá sacando secretos a la luz ante la mirada atónita de su mujer. No se trata de un almuerzo más, es un retrato crepuscular sobre las relaciones. Una simple foto de familia.
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  • Django sin cadenas
    Un esclavo a caballo

    "Mi nombre es Django. La D no se pronuncia" es una de las frases que se escuchan en este film de Quentin Tarantino, un verdadero festín para cinéfilos que recuerden la época de los "spaguetti-western".

    En Django sin cadenas se dan cita la violencia extrema, la crudeza y el humor de la mano de un director que impone su sello en cada uno de sus trabajos, y hasta se permite aparecer como actor en los últimos minutos de la película.

    El relato comienza con títulos impresos en letras rojas y con el recurso violento del "zoom" en una trama ambientada en el Sur de los Estados Unidos, dos años antes de la Guerra Civil. Django (Jamie Foxx) es un esclavo liberado por el Dr. King Schultz (Christoph Waltz), un cazarecompensas alemán que recorre todo el Estado para eliminar a los Brittle, unos hermanos asesinos, y sólo Django puede conducirlo hasta su objetivo. Ambos emprenden una travesía: mientras Django afina su puntería busca además rescatar a Broomhilda (Kerry Washington), la esposa que perdió en el mercado de esclavos.

    El film aparece salpicado de "flashbacks" que presentan otra textura y muestran imágenes de la esposa de Django, que se aparece de manera casi fantasmal en varios tramos. Django sin cadenas no desperdicia el material que tiene entre manos y tampoco le teme a los diálogos extensos porque crea suspenso a casa paso. Uno de los mayores aciertos es la gran secuencia de acción de los minutois finales y la acumulación de villanos por doquier: Django y Schultz se encuentran con Calvin Candie (Leonardo DiCaprio), el dueño de Candyland, una plantación donde los esclavos son adiestrados por un entrenador para luchar entre ellos como deporte.

    Aunque la llegada de los protagonistas esconde sus verdaderas intenciones, Stephen (un magistral Samuel L. Jackson), el esclavo de confianza de Candie, también tendrá su participación de peso dentro de la trama.

    En el reparto asoman Don Johnson, en el papel de Big Daddy; y en roles menores que funcionan como homenaje, Franco Nero (Django en el film de 1966), Don Stroud como el sheriff y Tom Savini.

    Con el espíritu aventurero de los films de Sergio Corbucci (director de Django y de varios films de Adriano Celentano y de la dupla integrada por Terence Hill-Bud Spencer), el guiño explícito del cine de Lucio Fulci y la violencia extrema, Tarantino no se priva de nada y cuenta una historia de venganza y amor en un contexto dominado por la discriminación y las torturas. Párrafo aparte para el uso anacrónico de los temas musicales que acompañan y potencian las imágenes. Un productro imperdible, tan potente y feroz como las actuaciones de Jamie Foxx, el esclavo privilegiado, y de Christoph Waltz, como un mentiroso risueño que no duda en disparar su arma en el momento menos pensado.

    El film ganó recientemente dos Globos de Oro y está nominado para cinco premios Oscar, incluyendo el de "mejor película".
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  • Hansel y Gretel: Cazadores de brujas
    Aquelarre ultraviolento

    Sigue la tendencia de adaptar cuentos clásicos infantiles e imprimirles una vuelta de tuerca en su tratamiento. Ocurrió con Espejito, Espejito y luego con Blancanieves: la leyenda del cazador.

    Ahora es el turno de Hansel & Gretel: Cazadores de brujas, relato plagado de acción y buenos efectos potenciados con la tecnología 3D. que trae una visión mucho más oscura y violenta que la planteada por los Hermanos Grimm.

    Pasaron varios años luego de que sus padres fueran asesinados, y los hermanos Hansel (Jeremy Renner) y Gretel (Gemma Arterton) se convirtieron en un formidable equipo de caza que persigue y mata brujas alrededor del mundo. La villana de turno está encarnada por Famke Janssen, cuyo rostro maléfico va cambiando de acuerdo a las circunstancias.

    La película (no apta para chicos de corta edad) no ahorra truculencias pero su punto fuerte es que la acción no para a lo largo de sus 88 minutos. La trama incluye además algunos apuntes cómicos (Hansel se inyecta porque tiene mucho azúcar de tanto comer dulces) y otros más tiernos (Edward, el troll que se pasa de las fuerzas de la oscuridad al bando de Gretel) pero nunca abandona la atmósfera de pesadilla plasmada en los oscuros bosques.

    Acá el ejército de brujas monta ramas de árbol en lugar de escobas y se reúne en un aquelarre ultraviolento que deja la puerta abierta para una segunda parte. Entre secuestros de niños, quema de brujas, puertas construídas con dulces y un comienzo impactante, la película es una tentadora poción para el espectador que quiera acción vertiginosa.
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  • El último desafío
    El regreso de un "duro"

    Referente de las películas de acción que protagonizó desde la década del ochenta y luego de un paréntesis debido a su actividad en la política, el fornido Arnold Schwarzenegger vuelve a encabezar luego de su participación junto a Stallone en las dos partes de Los indestructibles.

    El último desafío marca el debut en Hollywood del surcoreano Kim Ji-woon (Los poseídos y I Saw the Devil), con este thriller plagado de acción que además de ser entretenido tiene el mérito de saber burlarse de sí mismo.

    Y ahí es donde Schwarzenegger, en el papel del sheriif Owens del pueblo Sommerton Junction, entra en acción cuando empieza a percibir a dos sujetos extraños en un bar y huele que el peligro se avecina. El film tiene un comienzo electrizante que sigue el escape de Cortéz (el español Eduardo Noriega, recordado por Tesis), el líder narco que a bordo de su poderoso Corvette inicia una fuga con una rehén (Génesis Rodríguez, la hija del Puma) hacia la frontera con México.

    A partir de ese momento, tanto los agentes del FBI (con un siempre convincente Forest Whitaker a la cabeza) como el improvisado grupo que arma Owens (Luis Guzmán, Rodrigo Santoro, Jaimi Alexander) esperarán ansiosos la llegada del villano de turno, aunque el relato también incluye al despiadado Burrell (Peter Stormare).

    Con este esquema, la acción aparece servida en bandeja y el humor también dice presente a través de "gags" relacionados con el paso de los años ("¿Cómo estás? le preguntan a Owens luego de atravesar una puerta de vidrio y él contesta: "viejo", o las gafas que utiliza para ver el orificio de entrada de una bala) y el tema de la inmigración ilegal.

    Rindiendo homenaje al nombre del pueblo, la "conjunción" de fuerzas y malvivientes no se hace esperar en este film con buenas secuencias de acción, persecuciones y un desenlace desarrollado en el puente que une ambas fronteras.

    El actor de Terminator vuelve más armado y seguro que nunca al género que lo vio nacer junto a un elenco dominado por latinoamericanos, y demuestra que todavía está en forma para librar batalla.
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  • Tres tipos duros
    Las mañas no se pierden

    Los códigos entre viejas amistades del mundo mafioso es uno de los motores de este film dirigido por Fisher Stevens que reúne a verdaderos monstruos de la actuación: Al Pacino, Christopher Walken y Alan Arkin.

    Val (Pacino) sale de la cárcel luego de cumplir una condena de veintiocho años, su mejor amigo Doc (Walken) está firme para recogerlo y ambos se unen con Hirsch (Arkin) para volver a las andadas. Las mañas están intactas a pesar de los achaques de la edad.

    Val sigue con sus adicciones, toma Viagra para rendir sexualmente con las prostitutas que visita, le pide dinero a Doc, y nada parece denerlo cuando tiene que forzar las cerraduras de negocios para robar o apoderarse de autos ajenos. Sin embargo, uno de ellos guarda un peligroso secreto a raíz del encargo de un antiguo jefe de la mafia.

    Tres tipos duros funciona porque tiene en su elenco a intérpretes de lujo que con su sola presencia justifican el precio de la entrada. Posiblemente no hubiese resultado con otras figuras. La trama crece al promediar el metraje y se sostiene por los momentos de humor, algunos (pocos) de violencia y una tensión permanente que se establece entre Val y Doc, con un arma que amenaza con disparar en cualquier instante.

    El vínculo que une a los personajes es muy fuerte más allá de que se trate de criminales que ya están en el ocaso de sus carreras y de sus vidas. La aparición de una chica violada, de una nieta recuperada por Doc y de un jefe que se hace escuchar por el teléfono, hacen de esta propuesta un entretenimiento válido y con un desenlace resuelto de manera original.
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  • S.O.S: Familia en apuros
    Abuelos en conflicto

    El regreso de la comedia familiar en manos de Billy Crystal y Bette Midler creaba expectativas desde el comienzo, pero luego de ver esta película uno se pregunta si era necesario realizarla.

    S.O.S Familia en apuros plantea una historia que gira en torno a dos abuelos, Artie (Crystal) y Diane (Midler) que son llamados por su única hija (Marisa Tomei) para ayudarla a cuidar a sus tres nietos mientras ella se va de viaje con su esposo.

    En las diferencias de crianza, la irrupción de la tecnología (con una casa inteligente) en el mundo de un abuelo, un comentarista deportivo que ha sido despedido de su trabajo, y en el acercamiento a tres criaturas que atraviesan diferentres edades, se basa este relato que comete el peor de los pecados: no resulta gracioso.

    A pesar del esfuerzo que demuestran sus intérpretes, entre los que se encuentra Marisa Tomei, o la divertida escena en la que Artie con la cara pintada se encuentra en medio de un concierto, la historia pierde en ritmo e interés.

    Sobre los minutos finales, el director Andy Fickman elige el camino lacrimógeno pero aquí ni las ocurrencias ni las frases de Artie para que los chicos se comporten como tales resultan eficaces. Quizás, el canguro imaginario que acompaña al hijo más pequeño hizo bien en ser invisible.
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  • Tesis sobre un homicidio
    La sospecha en primer plano

    Al terminar de ver la nueva película de Hernán Goldfrid uno, como espectador, se siente reconfortado porque se plasmó en la pantalla un inquietante juego de suspenso en el que las sospechas están presentes en todo el metraje.

    El director viene de hacer Música en espera una comedia que tambíen se inclinaba por la intriga y en Tesis sobre un homicidio, el cineasta sube la apuesta al concretar una película con una historia rica en detalles y que va dejando sus migas de pan para que el espectador pueda seguir las pistas.

    Ricardo Darín vuelve a la pantalla grande con el personaje de Roberto Bermúdez, un abogado de larga trayectoria, separado y retirado de la profesión, que ahora dedica sus días a la docencia con un Seminario sobre Derecho Penal. Entre sus selectos alumnos está Gonzalo (Alberto Amman), el hijo de un diplomático español que fuera su amigo. Pero cuando aparece el cadáver de una alumna en el estacionamiento de la facultad, las certezas y la obsesión del protagonista señalan como prinicipal sospechoso a su aprendiz.

    Con el espíritu de films como La verdad desnuda y con las herencia de realizadores como Brian De Palma, Golfrid puebla la trama de personajes que envuelven, seducen y conquistan, y abre el juego para que las sospechas abarquen a todos e incluso para que el público dude de lo que está viendo.

    Tesis sobre un homicidio envuelve su relato con una factura técnica envidiable, movimientos de cámara que sumergen al espectador en detalles (los tickets de la farmacia donde el supuesto criminal hizo las compras) que cobran fundamental importancia.

    Obsesionado con probar la culpabilidad del muchacho, Bermúdez inicia una cruzada personal para llegar a la verdad y en su camino se cruza con el personaje encarnado por Calu Rivero (quizás lo más flojo de la propuesta) y un amigo, interpretado con convicción por Arturo Puig. Ricardo Darín entrega un personaje creíble que navega entre sus sombras cuando intenta descubrir el "crimen perfecto", pero quien se roba la película es el actor español Alberto Amman (Celda 211), con un composición minuciosa que exaspera. Tan feroz como la presencia de la agrupación Fuerza Bruta en un tramo tenso del film. De estructura cíclica, Tesis sobre un homicidio cumple su objetivo aunque es posible que el público espere un desenlace contundente y más sorpresivo.
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  • Sammy 2: El gran escape
    Más peligros en el mar

    Segunda parte de la producción belga que tiene a la tortuga marina Sammy como protagonista en una película de animación con buena factura técnica y en el obligado formato 3D como corresponde a estas épocas.

    Si bien Sammy 2: El gran escape es inferior a la primera, logra entretener a los más chicos con una historia en la que Sammy y Ray son atrapadas por un barco de pescadores que los lleva a un espectacular acuario en Dubai mientra cuidan a dos pequeñas tortugas y los protegen de los peligros del mar.

    Con el objetivo didáctico de mostrar la despiadada naturaleza del hombre y de tono ecológico, esta aventura se resiente en algunos tramos a pesar del ritmo vertiginoso que le imprimen sus realizadores. Las secuencias de persecuciones están resueltas con buenos recursos visuales.

    En tanto, también desfilan por la pantalla Big D, el caballito de mar que maneja el lugar y planea junto a dos anguilas como secuaces, el gran escape del acuario, una vidriera siniestra de gente que contempla a las diferentes especies atrapadas.

    El film ofrece una pincelada multicolor y personajes como Jimbo, un pez gota de ojos saltones que siempre finge su muerte; Anabel, un pulpo; un tiburón martillo que golpea incesantemente el vidrio para liberarse, y una langosta, además de los protagonistas que harán lo imposible para sortear obstáculos, recuperar a su abuelo y salir vivos de su encierro.
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  • Fuerza antigangster
    Directo al grano

    Una eficaz película de gángsters, ambientada en Los Angeles de la década del cuarenta, cuando todavía posaba en las colinas el cartel de Hollywoodland. Sin embargo, detrás del brillo de la ciudad, se esconde el despiadado Mickey Cohen (Sean Penn), el rey de la mafia nacido en Brooklyn, que recibe dinero ilegal del negocio de las drogas, la prostitución y el juego.

    En Fuerza Antigángster el director Ruben Fleischer (Tierra de Zombies) no pierde tiempo y va directo a la acción con una historia sólida en la que los personajes se mueven por órdenes o por conveniencia. El jefe de la polícía Parker (Nick Nolte), le encarga al Sargento O´Mara (Josh Brolin) la misión de terminar con la actividad criminal de Cohen y para eso reúne a los miembros de una banda secreta de una fuerza especial de la policía. Lo que se dice un bloque compacto integrado por los actores Ryan Gosling (seducido por la "femme fatale" encarnada por Emma Stone y "mujer" del enemigo), Giovanni Ribisi (un experto en telecomunicaciones), Robert Patrick (donde pone el ojo pone la bala) y Anthony Mackie.

    El film entrega buenas dosis de sangre y acción como el ataque al cabaret (se eliminó una escena similar que tenía lugar en un cine), varias muertes y el esperado enfrentamiento boxístico final.

    Una ciudad plagada de carteles de neón, asfalto mojado, policías y políticos corruptos y micrófonos secretos, conviven en este relato que cuenta con una esmerada reconstrucción de época. Se lucen Sean Penn y Josh Brolin, o la impunidad versus el deber y el orden familiar reestablecido.
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  • Jack Reacher - Bajo la mira
    El fantasma

    Llega un thriller donde las sospechas están a la orden del día y, quién mejor, que Jack Reacher para desentrañar el misterio. Encarnado por un siempre juvenil Tom Cruise, el personaje central es una suerte de fantasma: no tiene pasado, ni cuentas bancarias, ni domicilio y tampoco celular. Y cuando reaparece hay que seguirle el rastro.

    Jack Reacher: Bajo la mira es un convincente relato de suspenso de Christopher McQuarrie (también dirigirá a Cruise en Misión Impósible 5) en el que las apariencias son engañosas y no todo lo que se ve es tal como sucedió.

    Un francotirador elimina a cinco personas y ahí hace su aparición la abogada defensora (Rosamund Pike) del culpable (que tiene como destino prisión perpetua o la muerte), y también hija del fiscal (Richard Jenikns), quien se verá envuelta en una laberinto de dudas y recibirá la ayuda de Jack Reacher, perseguidor y perseguido, para arribar a la verdad.

    El film acumula peleas, tiroteos, armas de todo tamaño y calibre y persecuciones automovilísticas, pero su fuerte reside en la buena trama que sostiene a personajes siniestros, a un villano encarnado por Werner Herzog y a un afilado Robert Duvall, ayudando al héroe en cuestión. El resto lo tendrá que adivinar el espectador, quien también estará en la mira de una historia repleta de giros (la acción del comienzo se mostrará en reiteradas ocasiones y desde otros puntos de vista) y traiciones.
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  • Una aventura extraordinaria
    El arca de Pi

    Del director Ang Lee llega esta fascinante película basada en el best-seller de Yann Martel (2001), que muestra la odisea de Pi (Suraj Sharma), un niño hindú cuya familia decide mudarse de la India a Canadá con su zoológico en los años setenta para lograr un futuro mejor. Sin embargo, la travesía en barco se convertirá en una pesadilla.

    El cineasta taiwanés de Secreto en la montaña y El Tigre y el Dragón narra a manera de "flashback" la historia que el protagonista adulto le cuenta a un escritor: su odisea de supervivencia en medio de un mar furioso luego de perder a su familia.

    En Una aventura extraordinaria la sorpresa se hace presente en una trama que esconde una segunda lectura y que torna más interesante la visión del náufrago en cuestión. Mezcla de fábula espiritual y religiosa con el cine de aventuras, la película hace gala de sus efectos en 3D que alcanzan momentos atrapantes.

    Ang Lee se las ingenia para mantener el bote a a flote y el interés del espectador a través de un film que tiene más de lo que aparenta. Ya se sabe del cuidado estético que imprime el realizador en sus trabajos, logrando paisajes de gran belleza a través de tomas cenitales en las que Pi y su endeble embarcación parecen insignificantes en la inmensidad y los peligros que le aguardan en el oceáno.

    Cada fotograma es un cuadro y su imaginación le permite jugar con elementos oníricos de gran impacto en la pantalla, además de la aparición de Gerard Depardieu como un cocinero inescrupuloso.

    La película hace foco en la relación y la lucha "territorial" que entablan Pi y el tigre Richard Parker a bordo del bote salvavidas, un combate por el espacio (con cadena animal alimenticia de por medio) que muestra momentos de humor. Una aventura extraordinaria es, antes que nada, un gran espectáculo visual, repleto de peligros, obstáculos y emoción. La elaboración personal ante las pérdidas cobra dimensión dramatica en los minutos finales.
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  • Malditos sean!
    Malditos sean!
    Todo lo ve
    Demasiados elementos en juego

    Los directores Demián Rugna y Fabián Forte, verdaderos especialistas del género de terror, se unen en esta película que está integrada por relatos ambientados en tres épocas distintas y conectados entre sí por un personaje que tiene contactos con fuerzas del más allá. Rugna escribió Lo siniestro y dirigió The last Gateway, mientras que Forte filmó La corporación, de próximo estreno.

    Malditos Sean! se traslada a una redada en 1979, cuando la policía encuentra a una pareja en una casa, sigue en 2003 con una extraña caja que podría salvar a un asesino y culmina en 1989, donde un grupo de adivinas leen la borra de café a sus clientes y se ven sorprendidas por una presencia demoníaca.

    El film es ambicioso en su planteo argumental y en las atmósferas que va creando con el correr de los minutos,pero el problema se percibe en la unión del material a través de un elemento en común y varios minutos de más que acredita el largometraje.

    Por momentos, Malditos sean! resulta confusa aunque hace gala de sus efectos (que los tiene y buenos) y de la presencia fantasmal de un niño que atormenta a su ejecutor. Esos son los mejores momentos del film que juega con elementos infantiles (la pelota) para crear miedo e indomodidad en el espectador.

    Locura, encierro, violencia, tiroteos, enanos de jardín y seres demoníacos forman parte de esta propuesta nacional que queda a mitad de camino porque demasiados elementos entran en juego. De todos modos, son realizadores para tener muy en cuenta por los trabajos que se vienen y por abordar un género que parece encontrar ahora su lugar en medio de tantas producciones norteamericanas.
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  • Lo imposible
    Lo imposible
    Todo lo ve
    La desesperación en imágenes

    Si hay algo que realmente impresiona en la película del español Juan Antonio Bayona es el realismo con el que el director plasmó en la pantalla grande las fuerzas incontrolables de la naturaleza a través del tsunami que azotó Tailandia en el 2004.

    Basada en hechos reales, Lo imposible es posible gracias a la pericia narrativa del cineasta que cuenta una historia familiar desgarradora e impactante con el marco catástrofe que imponen estos sucesos.

    Maria (Naomi Watts), una médica, y su esposo Henry (Ewan McGregor) llegan de vacaciones a Tailandia junto a sus tres hijos. En la mañana del 26 de diciembre, cuando la familia se relaja en la piscina, un rugido se eleva desde el centro de la Tierra. Lo inexplicable se torna amenazante y arrasa con todo lo que encuentra en su camino.

    La cámara de Bayona sumerge al espectador en la vorágine de aguas marrones que arrastran a la madre y a su hijo adolescente (Tom Holland en un impresionante debut en el cine luego de su protagónico en la versión teatral de Billy Elliot) en una lucha por la supervivencia, sin saber que ocurrió con el resto de la familia.

    Lo imposible recrea con los mejores recursos la tragedia a través de planos abiertos que sorprenden por el realismo de las imágenes y la contundencia de las actuaciones. Tanto Naomi Watts con su personaje de mujer destruída físicamente o Ewan McGregor, como el padre desconcertado que intenta unir las piezas de una familia separada por las circunstancias, tienen un gran impacto en el espectador.

    Luego de El Orfanato, que le abrió las puertas del mercado internacional, Bayona logra conmover con este drama familiar que se mueve entre la supervivencia, la pérdida y la angustia con imágenes difíciles de olvidar.
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  • El Hobbit: Un viaje inesperado
    Vértigo en la Tierra Media

    Ambientada en la Tierra Media, sesenta años antes de la acción de "El señor de los Anillos", la nueva aventura cinematográfica de Peter Jackson sigue los pasos (grandes) de Bilbo, quien acompañando a trece enanos comandados por el guerrero Thorin, emprende una travesía para recuperar el Reino Perdido.

    El Hobbit: Un viaje inesperado es, antes que nada, un gran espectáculo visual que continúa colocando a los personajes centrales en el ojo de la tormenta. En la película reaparece Gandalf (Ian Mc Kellen) y otros ya conocidos por el público. Aunque la primera hora puede tornarse morosa, lo que sigue entrega una catarata de aventuras y de acción imparables en la que dicen presente un sinfín de criaturas peligrosas, agazapadas en la oscuridad. Es el caso de Gollum, quien escondido en una cueva subterránea encuentra con Bilbo uno de los mejores momentos del film, con un anillo que tiene poderes únicos o también el enfrentamiento entre los Gigantes de Piedra, mientras los protagonistas están a punto de caer por un precipicio. Todo está jugado a lo grande y Jackson sabe hacerlo.

    La eterna lucha entre el Bien y el Mal alcanza en la historia límites insospechados entre orcos, mutantes, hechiceros y aves salvadoras. Queda la puerta abierta para la segunda entrega de la saga titulada El Hobbit: Historia de una Ida y de una Vuelta.

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  • Los ilegales
    Los ilegales
    Todo lo ve
    Una de gángsters con baño de sangre

    Una película de gángsters, con elementos de western, narrada con buen pulso por el australiano John Hillcoat (La carretera) quien sumerge a sus personajes en un verdadero baño de sangre, en plena época de La Ley Seca en el estado de Virginia.

    Los hermanos Bondurant levantan su propio imperio: el negocio de contrabando de alcohol. Su gran fortaleza tiene los días contados ante la llegada de un agente especial (Guy Pearce), un representante corrupto de la ley. El conflicto no tardará en estallar entre bandos opuestos y entre los mismos integrantes de la ley, colocando la lealtad y los valores familiares en la cornisa.

    Los hermanos son Forrest (el ascendente Tom Hardy, de Batman, el Caballero de la noche asciende), el líder y el más cerebral de los tres; Jack (Shia La Beouf, quien cobró popularidad gracias a la saga Transformers), en el rol de un joven de buen corazón y, finalmente, Howard (Jason Clarke).

    El relato (basado en el libro “The Wettest County in the World”, en el que el autor Matt Bondurant ficcionalizó sucesos ocurridos en su propia familia) focaliza la narración desde el personaje de Jack, quien vive la violencia como un hecho nuevo e imprevisto en su vida, aún intentando conquistar a su joven amada (Mia Wasikowska).

    Lo más interesante es que, si bien ninguno de los que desfilan por la historia es un santo, se enciende la mecha de un explosivo que no tardará en detonar. Y en el camino, quedarán los más débiles. Los ilegales aprovecha los resortes de la violencia a través de una trama que contrapone al grupo de "héroes" respetados y que mantienen sus propios códigos con un villano despiadado que no duda en mostrar su peor rostro o ejercer su poder. En la trama tambíen aparece un siempre convincente Gary Oldman, en medio de tiroteos, destilerías y mucha sangre derramada sobre calles polvorientas.
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  • El romance del siglo
    El amor versus la monarquía

    Con bastante retraso llega el segundo largometraje escrito y dirigido por Madonna, aprovechando el desembarco de la diva del pop en la Argentina para ofrecer sus dos conciertos en River.

    La película, que cuenta con un guión suyo junto a Alek Keshishian (realizador del documental A la cama con Madonna) recrea la historia del encuentro entre la divorciada norteamericana Wallis Simpson (Andrea Riseborough) y el rey Eduardo VIII (James D'Arcy), que decidió abdicar a la corona británica por el amor que le profesaba a esa mujer.

    El romance del siglo (W.E.) envuelve a los personajes en una atmósfera que no descuida nunca los climas dramáticos y violentos, mientras alterna con imágenes de archivo en blanco y negro y expone cierto tono de video clip. Un amor imposible que quiebra reglas es el tema ideal para que Madonna lo plasme en pantalla.

    El acierto de la película reside en las dos historias paralelas que plantea. Por un lado, el relato de un amor ocurrido hace más de seis décadas que alimentó el escándalo a nivel mundial y, por el otro, una visión moderna de una Wally (Abbie Cornish, la intérprete de Sucker Punch: Mundo surreal) que vive en Nueva York y está obsesionada con la figura de Wallis Simpson.

    El film es rico en contrastes, en anacronismos y enfrenta (en la escena final) a dos mujeres que quizás vivieron en la época equivocada. La Wallys actual es engañada y golpeada salvajemente por su marido y encuentra el apoyo en un agente de seguridad ruso que le abre un nuevo mundo.

    La mirada de Madonna resulta oportuna, envolvente (aunque a la película le sobran varios minutos) y polémica, pero es el mejor trabajo que ha dado para el cine a través de una cámara que se introduce lentamente en vidas ajenas y en otras realidades. No es la "película del siglo" pero impone su marco fastuoso y deja a la vista los pliegues de los simples mortales.
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  • La noche del chihuahua
    Luna llena tomada en solfa

    Guillermo Grillo, director de Fantasma de Buenos Aires, estrena su segundo largometraje La Noche del Chihuahua, que se proyectó en el marco del Festival Internacional de Cine de Mar del Palta. El lanzamiento comercial será el 7 de diciembre en la sala del Centro Cultural San Martín.

    La película fue realizada a través del “crowfunding”, un sistema de financiamiento colectivo por internet que buscó aportes económicos hasta poder alcanzar el presupuesto necesario hasta concretarse.

    La Noche del Chihuahua cuenta la historia de Juan (Benjamín Rojas), un fanático de los comics que acaba de conseguir un departamento en alquiler. Cuando está a punto de cocretar una cita amorosa con una chica dark, su mejor amigo comienza a comportarse de manera extraña y le hace una terrible confesión.

    La película, filmada en blanco y negro, transita cómodamente por la comedia bizarra y hereda además ingredientes del cine de terror como el mito del licántropo. En el deptartamento del muchacho se dan cita un hombre lobo, una vampira, un vecino misterioso y una ex novia. Todo y todos están puestos al servicio del entretenimiento y con un final que también deja una puerta abierta...

    Grillo disfruta de los fantasmas, de las presencias tenebrosas y atraviesa su cine de género con cierto espíritu ingenuo, concebido a manera de estudiantina, y tampoco se olvida del aire tanguero que mostró en su ópera prima. El elenco está integrado por Talo Silveyra, Josefina Silveyra, Iván Espeche e Inés Palombo. Aca, la comedia y el terror se dan la mano en una noche de luna llena.
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  • Diablo
    Diablo
    Todo lo ve
    ¡No abras la puerta!

    El film nacional de Nicanor Loreti incursiona en el cine de género con buenos resultados y entrega un cóctel de violencia y humor negro a partir del personaje central que ve alterada su realidad cuando suena el timbre su casa.

    Diablo hereda y explota los recursos de la acción a través de una trama sencilla que guarda sus sorpresas. Marcos Wainsberg (Juan Palomino) es un boxeador retirado después de matar a su rival en el ring. Mientras intenta recuperar a su novia, recibe un día la visita de su primo Huguito (Sergio Boris) y su vida se sumegirá entonces en un impensado espiral de violencia.

    El relato, que aparece salpicado por "flashbacks" en blanco y negro, ubica al antihéroe en la sala del mismísimo infierno en el que aparecerán un Diablo que entrega, a la manera de Robin Hood, narcodólares a los pobres; un poderoso magnate que está internado esperando el transplante de un hígado que ha sido robado; la hija ambiciosa del poderoso y un grupo parapolicial que trata de encontrarlo. Como si fuera poco, también estará Luis Ziembrowski como un policía fanático del "Inca del Sinaí" y Luis Aranosky que encarna a un lumpen apodado Café con leche. Todos se darán cita en la casa de Marcos en el momento menos pensado y los cadáveres y tiroteos serán parte de un día agitado.

    El realizador viene del periodismo (fue editor de la revista La Cosa) y también es el guionista del film de terror La memoria del muerto, proyectado en la última edición del Buenos Aires Rojo Sangre. En Diablo pone en funcionamiento todos los códigos del género y es indudable su admiración por Tarantino y por productos ochentosos como Cobra, con Stallone, casi personificado en uno de los villanos que irrumpen en su hogar. Y hasta incluye a Fabián Forte (director de la inminente Malditos Sean!, otra de género) como actor.

    Divertida y sangrienta, la película acierta en la creación de los climas, en la resolución de las escenas de acción y en la brutalidad del boxeasor que es detonado para volver a la violencia, ahora en un escenario alejado del cuadrilátero. Si tocan el timbre...mejor no abrir la puerta!.
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  • Una mujer sucede
    La mujer de mis sueños y pesadillas

    "Uno no termina nunca de conocer a quien tiene al lado" dispara uno de los abatidos hombres que se encuentran reunidos en torno al féretro de una desconocida. La ópera prima de Pablo Buca fue filmada en Bolívar y presentada en la última edición del Festival Pantalla Pinamar y en la edición 26 del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata.

    Una mujer sucede transcurre en una noche tormentosa que une a tres hombres (Eduardo Blanco, Alejandro Awada y Oscar Alegre) en el velatorio de una mujer (Viviana Saccone) a la que creen conocer. Con el correr de las horas, estos personajes irán revelando la identidad de la fallecida a través de historias personales en las que el drama dice presente.

    La película no escapa a su estructura teatral, pero recurre al "flashback" para presentar los relatos de cada uno de los personajes y sus vivencias con la mujer (Saccone encarna tres personajes, desde una seductora a una mujer madura con convicción) que cambió sus vidas para siempre.

    A través de buenos diálogos y una atmósfera que se permite algunos toques de humor negro (ellos juegan a las cartas sobre el cajón de la difunta), la trama evidencia también su costado misterioso y nostálgico. Los tres protagonistas tienen su lucimiento:

    Blanco es Fernández, un escritor que recuerda a Laura, la mujer que lo entrevistó tiempo atrás en una bilblioteca y con quien se involucró en un extraño juego sexual; Awada es Santos y cuenta su relación con Sofía, una ex-amante y esposa de su íntimo amigo y, finalmente, Alegre (en un primer y merecido rol protagónico) es Villalba, el empleado municipal que fue chofer y conocio a Rosita, una mujer a punto de quedarse ciega.

    Una recomendable propuesta con tres miradas diferentes y la mujer que alguna vez les perteneció pero que nunca volvieron a ver.
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  • Gricel. Un amor en tiempo de tango
    Un amor imposible e inspirador

    Documental musical que narra la historia de amor entre el letrista de tango José María Contursi y una muchacha de pueblo, Gricel.

    ¿Cuánto dura el amor?. Ësa es una de las preguntas que flotan en la historia plasmada por el director Jorge Leandro Colás, una mezcla de documental y ficción que explora la pasión del poeta y compositor José María Contursi por una muchacha llamada Gricel, la musa inspiradora de su obra.

    En 1935, Contursi era un letrista de tango en ascenso, casado y con una hija. Pese a la distancia, Contursi y Gricel mantuvieron un apasionado romance hasta que un día Contursi decidió dejarla ("Conformémonos con escribirnos"). Pero con el tiempo, él se obsesiona con el recuerdo de su amada y en cada uno de sus tangos (entre ellos “Gricel”), se deja ver el desengaño.

    La historia comienza con un cantante lírico que va recogiendo diferentes testimonios y desea montar una ópera que narra la historia de amor entre Gricel y Contursi, visitando los lugares en donde sucedieron los hechos. Dos personajes y una misma historia de amor ("Nos hizo daño resucitar las horas muertas") ambientada entre confiterías, charlas y cabaretes. La visión nostálgica de la película ayuda a reconstruír ese amor imposible e inspirador al ritmo del dos por cuatro. La laguna de la escena final es un testigo más de un amor trágico.
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  • Siete psicópatas
    Mi adorado Shih Tsu

    El eterno juego del "cine dentro del cine" es el que dispara el británico Martin McDonagh en su segunda película (antes había filmado la atrapante Escondidos en Brujas) y cuenta con un elenco de primeras figuras. También es cierto que la película empieza mejor de lo que termina al intentar unir las piezas desparramadas de todas las situaciones quie presenta.

    Sie7e Pscicópatas comienza con el cartel de Hollywood y un doble crimen. Un escritor (Colin Farrell) sufre un bloque creativo que le impide terminar un guión que lleva el título del film y que está centrado en la confabulación de dos amigos que secuestran perros para cobrar una recompensa. En su odisea lo acompañan Billy (Sam Rockwell), un actor desocupado y ladrón de medio pelo que está dispuesto a todo y Hans (Christopher Walken), un hombre religioso con un pasado violento. Cuando estos dos últimos raptan al Shih Tsu de un mafioso (Woody Harrelson) las cosas se complican más de lo debido.

    Realidad, ficción, sátira oscura con graves conflictos personales y pesadilla se entremezclan en una historia efectiva por momentos y, disparatada, por otros, que presenta a psicópatas con numeración que parecen salidos de una película de Tarantino si no fuera por el humor que tiene la trama. Las mujeres de esta parodia del cine de violencia de Hollywood no corren con la mejor de las suertes...o son víctimas o asesinas.

    Las participaciones de Harry Dean Stanton, un padre con sombrero que busca justicia por su hija muerta, y de Tom Waits, quien aguarda la vuelta de su mujer asesina, son algunas de las particularidades que presenta esta producción que resulta disfrutable con sus oleadas de sangre, adicciones, tiroteos y un desenlace en pleno desierto.
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  • Juegos de muerte
    Un museo diabólico

    La continuación de El juego del terror muestra a un asesino despiadado que prepara trampas para sus víctimas. Hace tres años se conoció El juego del terror (The Collector), de Marcos Dunstan y Patrick Melton, una película que exploraba el miedo (a partir del encierro) y no dejaba de lado ni el sadismo ni las trampas mortales. Los responsables fueron los guionistas de El juego del miedo IV, V y VI.

    Ahora es el turno de la secuela, retitulada Juegos de muerte (The Collection), que cuenta con más producción y mantiene el espíritu sangriento y macabro del film original. La historia comienza donde terminó el anterior: Arkin (Josh Stewart), el ladrón que había sido secuestrado, se recupera en el hospital. Allí es visitado por el padre de Elena, una de las víctimas del asesino serial. Arkin será chantajeado para formar parte de un grupo de mercenarios destinados a rescatar a la chica de las garras del despiadado asesino enmascarado.

    Recluído en su guarida Argento (en alusión al director italiano del cine de destripe), el villano de ojos diabólicos aguarda la llegada de los intrusos mientras encierra a sus presas en baúles. Como en una suerte de museo macabro o de tren fantasma, el criminal despliega todos sus juegos y trampas para lo incautos que se animen a entrar.

    Juegos de muerte resulta altamente inquietante, no ahorra escenas truculentas (algunas algo exageradas como la del comienzo, ambientada en una disco clandestina) y entrega una historia sin otras pretensiones que las de sacudir al espectador en su butaca. Estamos en presencia del nacimiento de una nueva saga, aggiornada desde su nuevo título, y que prácticamente utiliza los mismos elementos de El juego del miedo.

    El resultado, festejado por los seguidores de este tipo de producciones, es bueno si se tiene en cuenta que logra crear una atmósfera de locura y creciente suspenso. El resto muestra a víctimas gritando y escapando cuando no son descuartizadas. El falso final se guarda una vuelta de tuerca atrapante con eficaces recursos.
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  • Las chicas de la banda
    Cómo recuperar el tiempo perdido

    Luego de la muerte de su marido, Claire, de 70 años, decide reforzar la relación con su hijo Sid, un outsider músico de hip hop.

    "Uno nunca sabe lo que le depara el futuro" lanza Claire (Marilou Mermans), la mujer que perdió a su marido, sufrió un accidente automovilístico y que ahora se reencuentra con su hijo Sid (Jan van Looveren), un músico de hip hop.

    La comedia belga de Geoffrey Enthoven habla de la recuperación del tiempo perdido y lo hace a través de una trama rica en nostalgia, drama, música y humor. Claire quiere volver a brillar con su banda de la juventud y está dispuesta a todo con tal de lograrlo.

    Las chicas de la banda tiene el espíritu de Las chicas del Calendario, y sus protagonistas desean volver a ser lo que fueron: pisar nuevamente un escenario. "Debajo de esta piel envejecida sigo teniendo diecisiete años" asegura Claire ante la mirada de sus amigas. Claro que para volver al ruedo tendrán que hacerlo con la ayuda de Sid y también de su música estilo hip hop!. Ahí es cuando el relato aprovecha para contrastar lo "antiguo" y lo "moderno". situando a sus personajes en otra realidad.

    La película tiene convincentes actuaciones del trío femenino que completan Lea Couzin, como Magda, y Luy Tomsin, en el rol de Lutgard, las más dura e incrédula del grupo . Entre ensayos, visitas el médico y una rodilla que sigue molestando, Claire también soporta algunos reproches de su otro hijo, pero sigue su marcha hacia su objetivo final. Si bien la película cambia el rumbo en los minutos finales, derrocha fuerza e inspiración.
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  • El origen de los guardianes
    Entre el asombro y el miedo

    Con menos guiños para el público adulto y apuntada directamente a los niños, esta aventura épica del sello Dreamworks, que cuenta con la dirección de Peter Ramsey, navega entre el universo de las creencias populares y el reinado oscuro impuesto por el villano de turno.

    El héroe de la película, Jack Frost (con voz de Chris Pine en la versión original) pasa desapercibido entre los humanos y quiere averigurar su pasado para poder entender su presente. En su aventura para convertirse en "Guardián" une fuerzas con Norte, un fornido Santa Claus; El Conejo de Pascuas; El Hada de los Dientes y Sandman. Parece que los niños han perdido la credibilidad sobre estos personajes de la cultura popular y ahora su existencia -y la de los chicos de todo el mundo- se ve amenazada por Pitch (Alec Baldwin) y su oscuro reinado, una criatura que parece salida de Avatar.

    El origen de los guardianes impulsa a este equipo de héroes con habilidades muy particulares que habitan el Polo Norte, un mundo de ilusiones y fantasía y que, a su modo, intentan como una suerte de fantasmas, intervenir en las cuestiones mundanas.

    La película cuenta con excelentes rubros técnicos y acumula persecuciones, efectivos gags y viajes en trineo, además de un grupo de simpáticas hadas. Pero el acierto del relato pasa por pintar, al igual que en El expreso Polar, una infancia desprotegida y la pérdida de la capacidad de asombro e imaginación.

    Los realizadores (al igual que los personajes que evitan que se apaguen las luces que representan a cada uno de los niños del mundo), también mantienen encendida la mecha de la aventura.
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  • El ministro
    El ministro
    Todo lo ve
    La monstruosidad del poder

    Llega de Francia esta impactante película de Pierre Schoeller que examina el funcionamiento del poder en manos de hombres que ocupan cargos públicos. Después de Versailles, ésta es la segunda parte de una trilogía.

    Bertrand Saint-Jean (el formidable actor belga Olivier Gourmet, rostro reconocible de los films de los hermanos Dardenne, también productores de la película) encarna al Ministro de Transporte que despierta de una pesadilla erótica y debe afrontar una realidad más dura: un autobús cayó en un barranco y hay una docena de víctimas. De este modo, comienza su odisea en un mundo donde confluyen las luchas de poder, las privatizaciones y la crisis económica.

    "Soy el Ministro. Yo soy el transporte", afirma Bertrand mientras se mueve en un mundo donde la imágen y la corbata que lleva puesta pesa más que el accidente del que se enteró. Por su vida pasan el Secretario del Ministerio (un Michel Blanc de gran peso dramático en la trama) que cree en la función social de la política; la directora de comunicación (Zabou Breitman) y una esposa ("si me conocés no me amarías"). La oposición lo ve debilitado, algunos compañeros parecen jugarle en contra, pero él sigue su marcha ejerciendo su función contra viento y marea. Cueste lo que cueste.

    El Ministro es una realización vertiginosa (impresiona la escena del accidente) filmada con una cámara que nunca se detiene y se ve respaldada por una banda de sonido envolvente. El film tiene muchos méritos: un director que se preocupa por contar una historia de la mejor manera; actuaciones protagónicas y secundarias totalmente creíbles y funcionales al relato. El protagonista evidencia la monstruosidad del poder en todas sus formas y la pesadilla del inicio (una mujer fagocitada por un cocodrilo) funciona quizás como presagio de una realidad que se avecina y también se traga a los funcionarios de turno.
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  • Amor a mares
    Amor a mares
    Todo lo ve
    El naufragio de un género

    Con el escenario de un majestuoso crucero que parte de Buenos Aires y recorre distintas ciudades europeas, se construye esta película que a partir de los equívocos pretende despertar la risa del espectador.

    Amores a mares tenía todo para ser una comedia entretenida, alimentada por los cruces disparatados de personajes y las sorpresas a bordo, pero en su desarrollo peca de aburrida en su intento por emular comedias del estilo de Billy Wilder.

    Javier (Luciano Castro), un escritor de novelas que atraviesa un bloqueo creativo, es impulsado por su agente literario (Miguel Angel Rodríguez, que parece salido de La jaula de las locas) para embarcarse en el lujoso transatlántico y encontrar allí diversas historias que lo inspiren. Las cosas se complican más de lo debido durante la travesía, cuando Javier aparece en el camarote de Paloma (Luisa Kuliok) y se ve inmerso en engaños, romances y mentiras. En su camino aparecerá su compañero de viajes, Larry (Gabriel "Puma" Goity), un marido inescrupuloso (Nacho Gadano) y una mujer en problemas (Paula Morales).

    El director Ezequiel Crupnicoff recurre a gags reiterativos y estereotipados (la pareja gay del barco que mira a Larry, el personaje de M. A. Rodríguez o también Matesutti, encarnado por Pompeyo Audivert) que no causan gracia; diálogos poco felices en boca del personaje central, Javier, y situaciones que se estiran más de lo debido.

    Amor a mares no es El crucero del amor y los roles secundarios poco aportan a una trama que no se sostiene dentro un género que pide diversión a gritos y se reserva los momentos hilarantes (los errores de filmación) para los creditos finales.

    Si el objetivo era mostrar las bondades y servicios del barco (Capitán incluído y el baile de disfraces) la tarea está cumplida, pero al terminar la proyección uno siente que ha sido defraudado por una película que podría haberse mantenido a flote y que sólo es una sucesión de momentos poco felices.
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  • Ni un hombre más
    Guiso de iguanas, dinero y crimen

    Ambientada en plena selva misionera, esta comedia negra de Martín Salinas está plagada de enredos y situaciones imprevistas que deben sortear los personajes para salir airosos luego de un cometer un secuestro. El botín mueve todo el andamiaje.

    Ni un hombre más está estructurada a partir de la sorpresa y de la acumulación de gente que llega en el momento menos indicado al mismo lugar. Charly (Martín Piroyansky), el encargado de una hostería en la selva de Iguazú, recibe a Karla (Valeria Bertuccelli) y Ricky (Juan Minujín), una pareja que carga con un muerto y cien mil dólares en el baúl del auto.

    Las cosas no salen como estaban planificadas y tras otra muerte que aquí no adelantaremos, a la enloquecida trama se sumarán la ex de Ricky (Emme), un guardia del lugar (Luis Ziembrowski) y varios curiosos más. La tranquilidad del ámbito que nadie visitaba se transforma rápidamente en el escenario donde se dan cita una serie de confusiones, traiciones, cadáveres y un pasado que vuelve.

    Podría haber sido una película de terror si el humor no dijera presente y el realizador Martín Salinas (guionista de Gaby, a true Story, nominada al Oscar y El mar de Lucas) echa mano a un lenguaje fluído y buenos gags en esta historia de ambiciones desmedidas en las que todos quieren sacar tajada del botín sin importar los riesgos ("Me cargué dos muertos, no me cuesta nada algunos más", asegura Karla). Mientras lentamente se cocina un guiso de iguana, la hostería también funciona como una olla a presión en la que todo es posible.

    Valeria Bertuccelli reaparece en un rol verborrágico con convicción cuando es presionada por las circunstancias, mientras que Luis Ziembrowski contagia su dialecto, entre las peleas con su mujer para ir a un casamiento y un costado oscuro y macabro que aflora en el momento menos pensado.
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  • Cosmopolis
    Cosmopolis
    Todo lo ve
    Caprichos de un niño rico

    Después de ver la película del canadiense David Cronenberg cabe preguntarse ¿dónde quedó aquel cineasta que entregó títulos tan interesantes para la pantalla grande?.

    Desde La mosca, La zona muerta y Cuerpos invadidos hasta Una historia violenta o Promesas del Este, entre tantas otras, el realizador se movió entre el terror, la violencia y lo paranormal en productos que daban en el blanco. No es el caso de Cosmópolis.

    "Quiero atravesar la ciudad para cortarme el pelo" asegura Eric Packer (Robert Pattison, quien este mes también aparece en Bel Ami y Amanecer, Parte 2), un multimillonario cuyos caprichos son cumplidos al pie de la letra y se muestra obsesivo con continuos chequeos médicos.

    La película, tediosa y confusa, narra su viaje a través de una ciudad convulsionada por la visita del Presidente de la Nación: Manhattan está con el tráfico colapsado. En este día del 2000, Eric está a punto de perder todo porque que invirtió su dinero (y el de los accionistas que confiaron en él) en una operación arriesgada contra el yen japonés que sube enloquecidamente.

    La mayoría de las acciones transcurren dentro de la limousina, donde desfilan un empleado de informática; mujeres (Juliette Binoche y Samantha Morton); agentes de seguridad, y se asoman además militantes que usan ratas como elementos de protesta. La "seguridad" de su mundo parece derrumbarse. Una mirada crítica al Capitalismo de hoy pero con un tratamiento nada interesante.

    El film acumula estallidos de violencia (el ataque a un líder político en medio de un programa de televisión), algunas muertes, extensos diálogos que no se sabe bien a dónde conducen y un enfrentamiento final con Paul Giamatti. Con este esquema, Cronenberg entrega una película que si intenta explorar nuevos rumbos, sólo consigue bostezos en su lenta marcha hacia la nada.
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  • Operación Skyfall
    Un Bond "todoterreno"

    La película número 23 de James Bond cuenta con la dirección de Sam Mendes (Belleza americana) y sorprende por varios motivos: su sólido clima de espionaje y una trama que guarda sorpresas.

    En Operación Skyfall, la historia se mueve entre la desaparición del agente 007 (Daniel Craig) en una peligrosa misión en Turquía cuando intenta recuperar un listado secreto; sorpresivos ataques al MI6 y un archienemigo que se esconde detrás de computadoras. Como si fuera poco, Bond tendrá que demostrar su lealtad a M (Judi Dench) cuando el pasado vuelve para atraparlos.

    Con un comienzo explosivo a bordo de un tren en marcha, la nueva aventura de Bond sale airosa gracias a su atmósfera de constantes amenazas, ambientes fastuosos como el casino de Shangaii y un ejército al mando de Silva (Javier Bardem), el villano rubio de turno que esconde un terrible secreto. En el elenco también aparecen Naomie Harris, Marlohe Berenice, y Ralph Fiennes y Albert Finney en la secuencia final.

    En esta ocasión quizás se agradece una historia más simple y efectiva, sin tantos detalles que distraen al espectador y hace foco en la pérdida de algunas capacidades especiales del agente y en el móvil de la venganza que se pone en marcha en los 50 años que cumple Bond en la pantalla grande después del debut de El satánico Dr. No.

    A Daniel Craig, el Bond más violento y oscuro de toda la saga, el personaje le sigue dando sus frutos, entre tragos, bellas mujeres y un automóvil que preserva con cariño de tanta balacera. El siempre está listo para la acción: ya sea colgando de un ascensor, conduciendo una moto por las azoteas de Turquía o corriendo por las vías del metro londinense.

    Operación Skyfall cuenta con una presentación acorde a la serie, un video clip con la canción de Adele que retrotrae a otras realizaciones de la saga y presenta al agente con "licencia para matar" en un colorido collage que se mueve entre el fondo del mar y el rojo sangre del tiro al blanco.

    La película será muy bien recibida por sus seguidores y, sin poder adelantar demasiados detalles, imprime también cambios para las próximas aventuras. Todo un desafío. Pero como dice la canción "Mantén la respiración y cuenta hasta diez". Ësa es la clave.
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  • Frankenweenie
    Frankenweenie
    Todo lo ve
    Terror infantil de alto voltaje

    Inspirada en el clásico relato de terror Frankenstein, la nueva película de Tim Burton (de quien hace poco conocimos Sombras teneborsas) se coloca en un lugar preferencial dentro de las realizaciones del género.

    En Frankenweenie se dan cita la creatividad y el ingenio colocados al servicio de una historia que combina terror en clave infantil, el universo oscuro y tenebroso del cineasta y la ternura en primer plano. Todo mezclado en la justa medida para atrapar al espectador.

    El film, basado en su corto homónimo de 1984, está realizado en blanco y negro, y concebido con la técnica del "cuadro a cuadro" (al igual que El extraño mundo de Jack, que produjo Burton, y El cadáver de la novia), un trabajo artesanal en el que las marionetas van dando la sensación de cobrar vida cuando las imágenes son proyectadas en la pantalla. También dice presente lo último en materia digital para completar esta realización impecable desde los rubros técnicos.

    Frankenweenie gira en torno al pequeño Victor, un niño tímido y genial que realiza películas caseras que son miradas por sus padres (una suerte de alter ego de Burton) cuya vida cambia cuando su amado perro Sparky muere al ser atropellado por un auto. Victor, aplicará los conceptos de la física para "traer" a su mascota nuevamente a la vida, provocando el pánico en el pueblo.

    Con una mirada oscura pero menos macabra que la de Cementerio de animales, de Mary Lambert, Burton plasma en imágenes un universo cotidiano que se ve transformado por las nuevas situaciones que enfrentan los personajes y aprovecha para plagar el relato de referencias, homenajes (en el televisor se ve al Drácula de Christopher Lee) y también una vuelta, por qué no, a la atmósfera de la maravillosa película El joven manos de tijera.
    La idea de la vida después de la muerte es concretada entonces con los mejores recursos narrativos y a través de muñecos que también traspasan la pantalla gracias a una técnica y una historia que logra ponerles corazón.

    La galería de personajes que despliega la película no tiene desperdicio: desde el grupo de "amigos" que parecen salidos de ultratumba; Persephone, la perrita vecina devenida en una suerte de "novia" de Frankenstein (con ráfaga blanca en su copete); pasando por una niña bruja que presagia lo peor junto a su temible gato; el profesor Mr. Rzykruski (inspirado en Vincent Price y con voz de Martin Landau en la versión original); un vecino amenazante y dos padres sorprendidos antes el invento de su hijo.

    El elenco de voces lo completan por Winona Ryder (Elsa Van Helsing), Martin Short (Mr. Frankenstein), Catherine O´Hara (Mrs. Frankenstein) y Charlie Tahan (Victor Frankenstein).
    Frankenweenie encierra misterio, intriga, humor y terror gracias a la mano de un cineasta que creció mirando películas del género y que sabe divertirse cuando se coloca detrás de una cámara. La película (no está pensada para un público de corta edad) instala la idea de las pérdidas irreparables e impone la figura de un Sparky electrificado y otras criaturas que vuelven del más allá convertidas en monstruos. Una fascinación del director que encuentra aquí un film con muchos voltios, una muchedumbre exaltada para terminar con las criaturas y un molino que nos traslada inevitablemente a títulos clásicos. La única pregunta que queda dando vueltas es ¿era necesario el 3D?.
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  • Sinister
    Sinister
    Todo lo ve
    El juego del Super 8

    El escritor Ellison (Ethan Hawke), un especialista en novelas sobre crímenes célebres, viaja de condado en condado junto a su familia para vivir en el lugar de los hechos y poder investigar en profundidad cada uno de los casos.

    Sinister instala el terror sobrenatural con elementos que intentan alejarse de los clichés del género al menos en su inquietante primera parte. Luego la trama cae en situaciones vistas que no siempre resultan tan efectivas para asustar al espectador.

    El protagonista encuentra unas viejas películas Super 8 que registran asesinatos y en las que se ven cuatro cuerpos colgados de una familia que vivía donde acaba de mudarse el protagonista temporalmente con su esposa y sus dos hijos. ¿Quién filmó la película? ¿Dónde esta la niña desaparecida?.

    El director Scott Derrickson debutó en el género con El Exorcismo de Emily Rose en el año 2005 y antes había escrito los guiones de Leyenda Urbana: Final Cut y Hellraiser: Infierno. Su pulso narrativo juega con el "cine dentro del cine", la oscuridad de los ambientes de la casa, los ruidos extraños que inquietan al escritor y que vienen del altillo, un sheriff que le pisa los talones y muchas preguntas sobre un asesino serial que intenta responder un profesor (Vicent D´Onofrio) en las conversaciones que Ellison mantiene a través del chat.

    Sinister queda a mitad de camino entre la paranoia del personaje central y la presencia sobrenatural (los productores son los mismos responsables de la saga de Actividad Paranormal) que se manifiesta en varias formas y que aquí no adelantaremos. El final también es un cliché y abre la puerta para una posible continuación. Acá no hay cámaras de seguridad pero sí un viejo proyector que encierra el misterio.
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  • Masterplan
    Masterplan
    Todo lo ve
    La estafa "perfecta"

    La idea del "golpe perfecto" siempre estuvo presente en el cine. En esta comedia nacional de Diego y Pablo Levy no hay grupos comandos ni delincuentes peligrosos, pero sí alguien que se quiere ver beneficiado por una estafa realizada con una tarjeta de crédito.

    Mariano Cohen (Alan Sabbagh, visto en Mi primera Boda)) tiene todo fríamente calculado para conseguir lo que le falta antes de casarse con su novia (Paula Grinzpan) y la operación se pone en marcha cuando su cuñado (Pablo Levy) lo alienta para ejecutarla. Comprar sin pagar primero y denunciar después para que el dinero sea restituído.

    Masterplan acumula mentiras y una oleada de enredos cuando las cosas no salen como estaban planificadas. Mariano, atormentado con la idea de que alguien pueda descubrirlo, complica aún más el caso cuando se deshace de su adorado Siam Di Tella, y denuncia el robo.

    Con este esquema, los directores (que exhibieron el film en el BAFICI y acreditan el documental Novias-madrinas-15 años) realizan una comedia simple, sin otras pretensiones que las de entretener, con un humor directo y gags acertados. En la trama, la dupla de opuestos está construída a partir del "vivo" que la pasa bien y el otro que sufre las consecuencias.

    Mariano sufre por las llamadas de un inspector de la compañía de seguros (Campi), los reclamos de su novia y los maltratos de un perito de la policía (Carlos Portaluppi). Sin embargo, su única preocupación pasa por su flamante auto y la relación que entabla con quien ahora vive dentro de él, un hombre de la calle que, a pesar de su locura (o la de ambos), es el único que parece entenderlo.

    El relato pone en primer plano a un verdadero perdedor arrepentido de lo que hizo para "salvarse". La acción, sostenida por diálogos graciosos, se desarrolla entre restaurantes chinos y la familia judía de su novia. Mariano es el claro ejemplo de lo que nadie querría ser o hacer.
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  • El círculo
    El círculo
    Todo lo ve
    La vida es redonda

    "Me enamoré y me quedé en Suecia" asegura el doctor Henry Engler, un dirigente tupamaro, rehén de la dictadura militar uruguaya durante trece años y quien luego se transformara en un médico reconocido por su investigación sobre el mal de Alzheimer.

    El documental sigue los pasos del hombre que sufrió el encierro, a través de cartas y testimonios y material de archivo, en un recorrido que hace surgir el recuerdo nefasto del pasado. Su testimonio es valioso y su travesía por Uruguay lo reencuentra con sus raíces y compañeros.

    Lo interesante de la propuesta, además de aleccionar sobre el personaje central, es el conocimiento que despliega en forma didáctica sobre la enfermedad que estudia incansablemente: el Alzheimer. "El cerebro está limpiando permanentemente, pero cuando se acumula una sustancia, empiezan los problemas. Es un defecto que viene de la herencia familiar y, en otros casos, no. No se sabe bien el origen", explica Henry.

    En el 2004, Klunk, Engler, Nordberg y colaboradores publican el resultado final de su estudio sobre detección de la enfermedad de Alzheimer en Annals of Neurology, que tuvo una impresionante repercusión internacional.

    La historia de El Círculo, al igual que el cerebro humano, vuelve donde empezó para poder comprender el origen de muchas situaciones, pero no descuida el costado romántico (la relación con su mujer) y el valor de los amigos, "El miedo produce un dolor casi mortal. Son como voces internas de una agresividad enorme. Mi primer pensamiento era un círculo para poder detenerlos". Una historia que fusiona la política y la ciencia, entre el pasado que vuelve y un presente de mayor luminosidad.
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  • Histeria - La historia del deseo
    El aparatito de la felicidad

    Ambientada en la Inglaterra de finales del siglo XIX, la película juega con la idea del placer como pecado en una sociedad que veía como enfermedad lo que se conocía como la "histeria" femenina.

    El film (una coproducción entre Reino Unido, Francia, Luxemburgo y Alemania) cuenta los días del doctor Joseph Mortimer Granville (Hugh Dancy), un hombre de métodos renovadores para su época, que se convierte primero en el asistente de Dalrymple (Jonathan Pryce) y luego en el inventor del consolador eléctrico que "calmaba" a las pacientes que hacían largas filas para atenderse.

    Histeria es una comedia romántica de Tanya Wexler que coloca al protagonista en el medio de dos mujeres, las hijas de su jefe encarnadas por Maggie Gyllenhaal y Felicity Jones, cobrando estos personajes y las subtramas románticas más peso que la invención del aparatito que tanta felicidad desparramó desde sus inicios.

    La película coloca su mirada crítica a los prejuicios de la época a través de una serie de situaciones que resultan simpáticas, pero que se vuelven reiterativas. La idea de perfeccionar "su invento" (según las reacciones y los gritos de las mujeres que estaban dispuestas a abrir sus piernas) construye el espíritu de esta propuesta que se queda a mitad de camino entre la mirada ácida, el romance formal y prolijo de la época, y un invento que gira y se "mueve" más rápido que la historia que presenta.
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  • Las mujeres llegan tarde
    La salvación servida en bandeja

    Con formato de thriller la ópera prima de Marcela Balza expone temas como la desesperación, la codicia y el intento de salvación personal cuando las cosas se presentan imprevistamente.

    Y eso les ocurre a Regina (Marilún Marini) y Fernanda (Erica Rivas), las dueñas de un hotel de la provincia de Buenos Aires que conoció tiempos mejores y que ahora se encuentra en decadencia. Ellas, madre e hija, podrían quedar en la calle si se ejecuta la hipoteca. Cuando un misterioso húesped (Rafael Spregelburd) llega con una importante suma de dinero que viene de los casinos, la oportunidad para salir de la bancarrota está servida en bandeja y el crimen se presenta como una opción.

    Claro que como en toda película las cosas se complican porque una mujer, Gabriela (Andrea Pietra), viene a investigar el paradero del dinero y empuja a madre e hija hacia la tragedia.

    En la historia las mujeres tienen una fuerte presencia mientras que los roles masculinos quedan en un segundo plano (el conserje del hotel o las apariciones de Guillermo Pfening y Tato Pavlosky). En Las mujeres llegan tarde, que no escapa a una puesta por momentos teatral, la realizadora genera un drama familiar (con suspenso) que expone las relaciones entre madre e hija a través de situaciones extremas en las que se ven inmersas.

    Marilú Marini (Mentiras Piadosas) asume un personaje introspectivo pero que toma decisiones, mientras que Erica Rivas (Antes del estreno) escoge un registro exterior y explosivo. El desenlace, con su cuota de nostalgia y misterios de sangre, quizás resulte abrupto e inconcluso para el espectador, pero el trabajo se sostiene por una trama desarrollada entre el puerto y un hotel al que pocos visitan.
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  • El notificador
    El notificador
    Todo lo ve
    Tarea curiosa, travesía agitada

    Tarea curiosa si las hay la de "Notificador" del Poder Judicial: es la persona que entrega cédulas en numerosos domicilios de la ciudad para avisar sobre desalojos, demandas laborales y sucesiones.

    La película de Blas Eloy Martínez sigue los agitados pasos de Eloy (alter ego del realizador que se desempeñó en esta taera), un joven que ve alterada su vida monótona y rutinaria ante la llegada de Pablo (Ignacio Rogers) quien compartirá su zona de trabajo.

    Con este esquema, El Notificador se convierte en una buena aproximación a un mundo desconocido, donde Eloy (encarnado por Ignacio Toselli, el actor de Días de Vinilo) traza diariamente un mapa de las entregas que tiene que hacer. Cada lugar que visita le depara una sorpresa y en su camino se cruzan una mujer que dice tener videncias (Edda Díaz), una gitana (Mónica Cabrera) que le saca todo, un niño que lo extorsiona y hasta un difunto. Todo es posible en este microcosmos donde su misión debe cumplirse a toda costa.

    La vida de Eloy empieza a cambiar cuando entra a competir el recién llegado. No duerme bien, come peor, tartamudea y hasta su novia Malena (Guadalupe Docampo) le exige presencia y más atención.

    La película, contada con una cámara que nunca se despega de su protagonista. habla de la postergación personal ante las exigencias laborales y expone el frío lugar de trabajo donde Eloy desarrolla su tarea, y es presionado por su superior (Mario Alarcón).

    Cada cédula judicial que Eloy entrega cambia la vida de aquellos que la reciben pero la suya parece estar detenida en el tiempo. Quebrar ese mundo rígido que también le da seguridad constituye su mayor desafío. El desenlace se reserva una vuelta de tuerca.
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  • Luces rojas
    Luces rojas
    Todo lo ve
    Cuestión de fe

    El director español Rodrigo Cortés disfruta del cine de género y lo demostró con buenos recursos en la arriesgada apuesta de Enterrado. Ahora arremete con este thriller que juega con los poderes paranormales, el fraude y se rodea de figuras de primer nivel. Igualmente, los resultados de Luces Rojas distan mucho de su película anterior.

    La doctora Margaret Matheson (Sigourney Weaver) y su joven ayudante Tom Buckley (Cillian Murphy) estudian los más diversos fenómenos paranormales con la intención de demostrar que son falsos. Cuando el mentalista ciego Simon Silver (Robert De Niro) reaparece en escena para hacer otra demostración de sus poderes y seguir facturando, los investigadores se ponen en alerta y se lanzan, junto a una alumna (la ascendente Elizabeth Olsen, vista en La casa de al lado), tras sus pasos.

    Luces Rojas impone su trama de suspenso y el comienzo (durante una sesión espiritista) es lo mejor de la película, que con el correr de los minutos hasta se da el lujo de hacer "desaparecer" a uno de sus intérpretes centrales, al mejor estilo Alfred Hitchcock. El relato cae luego en una suerte de meseta de la que no puede salir, entre fenómenos inexplicables, un Robert De Niro (convicente en su papel) que se mueve, impune, con su séquito y un Cillian Murphy sobreactuadio en la mayoría de las escenas.

    El film prometía más de lo que entrega y deja algunos cabos sueltos que tampoco resuelve a través de una trama que se presentaba como atrapante. En el reparto aparece el argentino Leonardo Sbaraglia como un mentalista que cae preso y que antes trabajó con el cuestionado Simon.

    En la película dicee presente el choque entre la ciencia ortodoxa con sus escépticos profesionales y los poderes paranormales del que hacen gala estos personajes "dotados" que buscan su propia salvación. Las "luces rojas" no se ven tan intensas como al principio y parpadean a lo largo de un film que merecía un tratamiento menos disperso y más contundente desde el impacto.
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  • Looper: asesinos del futuro
    La lucha contra uno mismo

    Este film de acción y ciencia-ficción juega con los viajes en el tiempo y enfrenta al personaje central contra...él mismo. Un grupo de asesinos conocidos como "loopers" trabajan para organizaciones criminales, reciben los objetivos que son enviados en el tiempo y deben deshacerse de los cuerpos. Así de fácil o no tanto. Joe (Joseph Gordon- Levitt, el actor de Batman: El Caballero de la noche asciende) deja escapar a su presa, su otro yo pero con treinta años más (papel encarnado por Bruce Willis) y se desata el caos.

    Con esta premisa, el director Rian Johnson (Brick) alimenta una historia en la que dicen presente las persecuciones vertiginosas, la implacable mafia del futuro (con pilotos negros al mejor estilo Matrix) y una misión que consiste en eliminar a quién será el líder del Mal en el año 2072.

    Con elementos prestados de Terminator (Emily Blunt se llama Sara en homenaje a Sarah Connor) y un clima de tensión constante que se disputan los actores principales (es eficaz la transformación de Joe en Joe con más años), se suma la presencia de una madre que vive con su pequeño hijo en una granja y lo defiende de toda amenaza exterior.

    Como una suerte de rompecabezas (por momentos tantos elementos se tornan confusos) el espectador irá hilvanando, al igual que los personajes, este relato que se mueve entre una vida caótica y un futuro que se presenta sin esperanzas. Y donde las piezas aparecen demasiado dispersas y la telekinesis parece excesiva dentro del relato.

    Looper: Asesinos del futuro cumple su objetivo como producto de acción, con elementos futuristas y colocando en primer plano la eterna lucha del Bien y el Mal y, lo que es peor como visión de mal augurio: el combate con uno mismo.
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  • Los salvajes
    Los salvajes
    Todo lo ve
    El lado más primitivo

    Una sólida propuesta del cine independiente que lleva la firma de Alejandro Fadel y propone una mirada dolorosa que radiografía a seres marginales en estado de ebullición. La trama comienza con el escape de cinco jóvenes de un instituto de menores del interior argentino. Ellos, cuatro varones y una mujer, inician una travesía de cien kilómetros a través de las sierras cordobesas. El film muestra a estas ¿víctimas o victimarios? que se fugan de un infierno para meterse en otro, marcado por la incertidumbre y la violencia.

    Entre crímenes, robos, consumo de drogas, cacería y baños en el río, la película avanza con un clima de creciente suspenso y desnuda a estos jóvenes que sueñan con un futuro mejor ("Imaginate nosotros dos caminando por Buenos Aires") a pesar de su presente caótico y su lucha por la supervivencia.

    Mezcla de western, thriller y fabula mística, Los salvajes (encarnados por actores no profesionales) exponen su lado más visceral gracias al buen trabajo de su realizador.
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  • Hotel Transylvania
    Hotel libre de humanos!

    Con el sello de Sony Pictures Animation llega esta producción de animación en 3D que apuesta a la reunión de monstruos clásicos y otros en pantalla grande, reunidos bajo la dirección de Genndy Tartakovsky, responsable de Samurai Jack, El laboratorio de Dexter y Star Wars: El ataque de los clones.

    Hotel Transylvania es un lugar escondido del mundo de los humanos, que constituye una verdadera amenaza para Drácula (con voz de Adam Sandler), su hija adolescente Mavis (Selena Gómez) y los húespedes que llegan para festejar un nuevo cumpleaños de la niña vampiro. De este modo, desfilan Frankenstein (Kevin James), una pareja de hombres Lobo recién casados (Steve Buscemi y Molly Shannon), El hombre invisible, Eunice (Fran Drescher), El Jorobado, y otras extrañas criaturas.

    Entre aullidos, murciélagos, colmillos y un ejército de zombies (disfrazados como humanos en uno de los mejores momentos del film), la película focaliza en la relación entre padre e hija: Mavis aprende a volarr y se enamora (para desgracia de su padre) de un chico...humano.

    La película aprovecha ese contraste de costumbres para disparar sus gags y se apoya además en las almas inocentes de criaturas monstruosas (y también asustadizas) que se convierten en huéspedes del lugar.

    A los buenos rubros técnicos y al creativo diseño de personajes secundarios se suman horrores y humores varios en medio de una atmósfera que se mueve entre el clima sombrío y también festivo de este hotel libre de humanos! Al menos...hasta que promedia la película. El film se estrena en sus dos versiones, doblada y subtitulada.
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  • La araña vampiro
    Un viaje transformador

    Un joven con problemas (Martín Piroyansky, cara reconocible en el panorama del nuevo cine nacional) es llevado por su padre (Alejandro Awada) a una cabaña en medio de la montaña, pero las cosas se complican cuando el chico es picado por una araña venenosa.

    Con este inquietante comienzo, él va hacia una muerte segura salvo que una araña de la misma especie lo vuelva a picar. Y Ruiz (Jorge Sesán), un ermitaño alcohólico, parece el único capaz de salvarlo porque conoce como nadie el camino hacia la zona donde habitan las arañas.

    La araña vampiro, de Gabriel Medina (el mismo de Los Paranoicos), es un viaje iniciático, es una road movie, una película de aventuras y también de terror. Todo junto porque el cineasta juega con la conjunción de géneros para contar esta historia particular sobre la recomposición familiar (madre presente a través del teléfono) y la salvación personal.

    Extraña y difícil de clasificar, ya que quizás no sea del gusto popular, pero la película tiene sólidos rubros técnicos (prima la cámara en mano) y está construída con mínimos elementos. El film se torna tedioso y reiterativo en la caminata que emprenden los personajes a través de la montaña. Da la sensación de que pocas cosas más van a suceder en este verdadero trabajo de "autor" cuyo mérito consiste en contar una historia original. Y llega el desenlace: inesperado, efectivo y cíclico.
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  • Cornelia frente al espejo
    Un drama fantástico

    Con diálogos escritos por Silvina Ocampo (extraídos de su cuento), el director Daniel Rosenfeld inscribe su película dentro del drama-fantástico y ambienta la acción en una mansión habitada por extrañas presencias.

    Cornelia frente al espejo cuenta la historia de la joven del título (encarnada con buenos recursos expresivos por Eugenia Capizzano) quien llega a su casa paterna para suicidarse, pero su tarea no se concreta porque es interrumpida por una misteriosa niña, un ladrón (Rafael Spregelburd) y un amante (Lenardo Sbaraglia) con bigote postizo.

    Como en un juego constante de imágenes reflejadas o una trágica visión de Alicia, de Lewis Caroll, la protagonista atraviesa su existencia a través de los otros personajes que se hacen ¿presentes? en la trama.

    Excesivamente dialogada y plasmada en una puesta teatral, el film sólo llega a interesar por la presencia de su actriz principal y su juego con Sbaraglia, pero el clima hermético que se respira en el lugar y lo tediosa que se hace su visión, terminan envenenando el mismo cuento.

    La tercera película de Rosenfeld (Saluzzi -Ensayo para bandoneón y tres hermanos-, y La Quimera de los Héroes) evidencia una sólida factura técnica pero con eso solo no alcanza. Lejos de conmover o inquietar, el film aleja a sus propios fantasmas.
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  • La casa de al lado
    El vecinito de enfrente

    Una adolescente, encarnada por Jennifer Lawrence, se muda junto a su madre a un nuevo pueblo y descubre que su casa está frente a otra en la que tuvo lugar un doble asesinato.

    La casa de al lado transforma el lugar idílico en un escenario ideal para instalar la vulnerabilidad y el terror que afrontarán las protagonistas. El mecanismo de la trama va sembrando apariencias engañosas a medida que aparecen los personajes: adolescentes en celo, el sheriif del pueblo, la madre que trabaja en el hospital local y siempre está preocupada por su hija...

    El film logra un buen clima de suspenso durante su primera parte (en la que se muestran demasiados detalles) pero se convierte luego en un producto que echa mano a los chichés típícos del género. Una presencia misteriosa se mueve entre las sombras del bosque, una casa macabra mantiene su luz encendida durante las noches y un intercomunicador indica que alguien más está en la casona...

    Por momentos, la película intenta emular la atmósfera de Psicosis, y las cosas se complican demasiado cuando la joven se hace amiga del chico (Max Thieriot) que sobrevivió a la masacre. La trama distrae con elementos que no adelantaremos, pero el espectador menos entrenado también descubrirá el secreto al promediar la proyección.

    Sin dudas, Jennider Lawrence es la actriz joven del momento (Lazos de sangre, Los juegos del hambre) y se pone la película al hombro con comodidad, pero con eso solo no alcanza.
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  • Días de vinilo
    Días de vinilo
    Todo lo ve
    Redondita como un disco

    Llega esta bienvenida comedia nacional cuya eficacia descansa en las vivencias de un grupo de amigos que se alborota ante la noticia del casamiento de uno de ellos. El film propone una divertida historia de amistad, encuentros y desencuentros amorosos, junto a la pasión que profesa el particular cuarteto por el rock y los discos de vinilo.

    El film lleva el sello de Gabriel Nesci, responsable de la tira televisiva Todos contra Juan, y hereda recursos que le dieron buenos resultados en la pantalla chica: mucho humor, nostalgia por el tiempo pasado y como éste marca el presente en la vida de los protagonistas.

    De este modo, desfilan por la pantalla Damián (Gastón Pauls), un cineasta preocupado cuando la única copia de su guión cae en manos de Vera (Inés Efrón), una joven vendedora de cremas, mientras intenta convencer a Leonardo Sbaraglia (interpretándose a sí mismo en una participación muy festejada) para que se convierta en el actor de su película.

    Las cosas no le van mejor a Luciano (Fernán Mirás), un locutor radial que rompe su relación amorosa con Lila (Emilia Attias), una cantante pop que escribe un hit basado en las penurias de la relación. El tercero en cuestión es Facundo (Rafael Spregelburd), el empleado de un cementerio privado a punto de casarse (con Maricel Alvarez, la actriz de Biutiful) que vende parcelas (cuando puede), compone jingles publicitarios (cuando la inspiración lo toca) y en cuyo camino se cruza Lila. Marcelo (Ignacio Toselli), que alquila su departamento a turistas (preferentemente mujeres) y lidera una banda tributo a Los Beatles, es el cuarto del grupo.

    Todos estos elementos son los que aprovecha el realizador para sacar gracia de la desgracia ajena y música en un relato con el que seguramente el espectador logrará empatía inmediata. Una sucesión de equívocos donde la seducción y la torpeza se cruzan en los caminos de estos seres en plena búsqueda de su felicidad.

    La infancia, la caída de discos de vinilo sobre sus cabezas, los bloqueos creativos y emocionales, forman parte de algunas de las muchas sorpresas que depara el film. En el elenco se destacan un Fernán Mirás explosivo, una Maricel Alvarez cómoda en su rol de futura esposa y una Inés Efrón en un papel que se mueve entre la ingenuidad y la insistencia. En tanto, la película sigue girando y demuestra que es tan redondita como un disco.
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  • Maradona - Médico de la selva
    Una historia de vida

    "A mi me gusta la pobreza. La riqueza es para cualquier tonto" aseguró el médico rural Esteban Maradona en este documental que cuenta su historia y evoca su figura a través de la mirada de amigos, periodistas, vecinos y familiares.

    El profesional, definido como un "romántico" por sus allegados, falleció en 1995 y dejó enseñanzas y muchos recuerdos. Maradona recibió el Premio de "médico rural", se crió en el seno de una familia acomodada, fue perseguido en Resistencia, estuvo en la Guerra del Chaco Boreal y se radicó en un pequeño pueblo de Formosa durante más de cincuenta años. Allí ejerció su profesión, especialmente con aborígenes, para finalmente volver a convivir con su familia en Rosario, hasta su muerte.

    El documentalista Martín Serra logra combinar información, evocación y emoción a través de reportajes e imágenes de archivo que capturan la esencia del médico. "Fui un mal estudiante. Me tenía que trasladar leguas para atender a mis pacientes", afirma en uno de los momentos del film.

    Amante de la selva y gran observador de la naturaleza y de todo aquello que lo rodeaba, Maradona se ha convertido en una leyenda.
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  • Ruby, la chica de mis sueños
    La chica de mis pesadillas

    "Yo no escribí para vos. Yo te inventé" le dice el joven escritor Calvin Weir-Fields (Paul Dano) a Ruby, la chica de sus sueños (Zoe Kazan), un personaje nacido de su imaginación y de una vieja máquina de escribir.

    Luego de publicar su primera y exitosa novela, Calvin cae en un bloque creativo que lo paraliza frente a una página blanca, pero su frondosa imaginación lo lleva a crear a Ruby Sparks en esta comedia sobre la vida alborotada de un autor que nunca pensó que una de sus creaciones cobrara vida y dominara su existencia.

    Ruby, la chica de mis sueños propone una mirada interesante sobre el proceso creativo del personaje central y lo alimenta con situaciones cómicas y románticas, sin dejar de lado el costado más dramático: la soledad de Calvin, tratada en una extensa sesión de terapia (comandada por Elliot Gould, el actor de la recordada El socio del silencio).

    "Tenés una vida miserable" le dice Ruby a su inventor mientras pasa desde los comportamientos más hilarantes e inesperados hasta una dependencia total de su -ahora- novio. Mientras Calvin siga escribiendo, Ruby sigue viva.

    Bien actuada por la dupla protagónica y con roles secundarios de Annette Bening y Antonio Banderas, el film recuerda también a un título de los años ochenta, Sueños eléctricos.

    La amistad, el enamoramiento, el perro Scotty (en homenaje a Scott Fitzgerald) y un libro que se las trae son algunos de los pilares de esta historia que mezcla con acertados recursos realidad y ficción, a partir de la presencia de una "chica" que se mueve a contraluz y altera los días de su craedor.
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  • El cielo elegido
    De la fe al crimen

    La película del director Víctor González comienza como un relato dramático donde se cuestiona la fe del personaje central, un joven seminarista encarnado por Juan Minujín.

    El cielo elegido impulsa a sus tres personajes, hombres de fe que se mueven en la Iglesia, hacia límites insospechados y también peligrosos. Pablo se convierte en un instrumento de Claudio (Osvaldo Bonet), el cura anciano que le propone, a cambio de una recompensa, cometer un asesinato. Y también se enterará del secreto que guarda su superior Orbe (Osmar Nuñez). Demasiado para un hombre que profesa la fe católica y siente atracción por una chica (Jimena Anganuzzi) que frecuenta la parroquia. Pablo está entre la espada y la pared y luego de un crimen deberá escapar del lugar que supuestamente lo protege.

    El film combina varios elementos que no dan siempre en el blanco a partir de un tratamiento argumental que se codea con el drama y deja lugar al thriller más oscuro y sangriento. Pablo y Claudio (postrado en una silla de ruedas) persiguen a su superior por los pasillos del cementerio de la Chacarita para enterarse de un misterio.

    Con intenciones de provocar al espectador, la película pierde su rumbo y realmente no se entiende (¿por qué Pablo actúa como lo hace?) hacia dónde apunta. Demasiados elementos en juego, parlamentos más recitados que actuados que le quitan verosimiltud a la trama (a pesar de contar con buenos actores como Osmar Nuñez) y un desenlace que promete ser pomposo, en un pueblo alejado, con presencia de lugareños y un ovejero alemán amenazante. Como una suerte de encarnaciones del Mal, los personajes se mueven entre el camino de la fe y el crimen. Lástima que el espectador no lo encuentra y se siente perdido.
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  • Salvajes
    Salvajes
    Todo lo ve
    Ojo por ojo

    "La droga es mala, pero donde todo es malo, resulta buena", asegura Ofelia, uno de los personajes del nuevo film de Oliver Stone, que narra en off los acontecimientos que la llevaron junto a sus compañeros por una travesía de traiciones, venganzas y ola de violencia en torno al negocio del narcotráfico.

    Salvajes (Savages) instala su foco de atención en dos jóvenes de Laguna Beach, Ben (Aaron Johnson, el actor de Kick Ass), un budista pacífico y Chon (Taylor Kitsch, visto en John Carter), un ex miembro de las fuerzas especiales de la Marina estadounidense. Ellos montan un negocio lucrativo a partir del cultivo y la venta de droga. Inseparable, aparece Ofelia (Blake Lively), la joven que ama a los dos compañeros para sentirse plena. Pero las cosas se complican cuando un cartel mexicano, liderado por Elena (Salma Hayek) y su brutal matón (Benicio Del Toro) se instala en el lugar y quiere compartir el negocio con ellos. La aparición de un agente de la DEA (John Travolta) también complica las cosas cuando en materia de "negocios" se pone en jaque a todos los personajes.

    Basado en la novela homónima de Don Winslow. Oliver Stone entrega un poderoso film de acción e intriga con una interesante vuelta de tuerca final. La violencia se pone en marcha cuando Ofelia es secuestrada, y Ben y Chon deben rescatarla. Todo es válido para recuperar a la mujer que cual estrella fugaz cae en un cielo de tragedia.

    El método del "ojo por ojo" funciona en este relato como una suerte de espejo donde la dupla imita los pasos de sus enemigos. El relato contrasta las personalidades de los protagonistas unidos en esta odisea que, por momentos, recuerda a títulos como Carlito´s Way, de Brian de Palma. La película, que se mueve entre torturas y decapitaciones, mantiene la tensión y el clima enloquecido hasta el final. La presencia permanente de imágenes de San La Muerte presagia lo peor y el endemoniado villano de turno, compuesto por Benicio Del Toro, se lleva los aplausos.
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  • La aparición
    La aparición
    Todo lo ve
    Invocando espíritus

    Otra vez una casa se convierte en el escenario del horror y altera la vida de una joven pareja que se instala en el lugar. Kelly (Ashley Greene) y Ben (Sebastian Stan) comienzan a descubrir situaciones sobrenaturales que tienen como origen un experimento de parapsicología realizado en la universidad.

    Con ecos de Actividad Paranormal y Poltergeist, el film de Todd Lincoln muestra un ambiente cotidiano que se transforma rápidamete en un lugar sombrío y habitado por presencias desconocidas. Puertas que se abren solas, sonidos de pasos, rajaduras y un gran hongo que se forma en el techo, marcan el comienzo del horror.

    Si bien el comienzo tiene clima y sumerge al espectador en el misterio que propone la trama, el desarrollo y el desenlace pierden fuerza y no logran sorprender. Ashley Green (a quien próximamente veremos en Amanecer: Parte 2, el final de la saga Crepúsculo) no logra convencer con su papel y le falta reacción (como en la escena del perro) ante los hechos que se van desencadenando.

    El film propone un juego con cámaras de seguridad, concentración de energía, una presencia que se arrastra como la criatura de El Grito y sombras que se manifiestan y alimentan los temores más profundos de los protagonistas. Más allá de la casa "encantada" y los esfuerzos de un experto en el terrenoo sobrenatural (Tom Felton), la maldición los seguirá a donde vayan, ya sea un hotel o una simple carpa de camping. El resultado es flojo si se tienen en cuenta otros títulos del género que marcaron una época. No es éste el caso.
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  • ¿Qué voy a hacer con mi marido?
    Cómo mantener el fuego

    La rutina matrimonial y la incomunicación son los pilares de esta nueva comedia protagonizada por dos grandes figuras: Meryl Streep y Tommy Lee Jones, en los roles de Kay y Arnold, un matrimonio que lleva más de treinta años de casado.

    Diariamente, ellos siguen al pie de la letra los rituales del desayuno, las comidas, el dormir en cuartos separados en medio de una convivencia que se desarrolla sin sorpresas. Pero ella dice "basta" y propone un cambio para recuperar la pasión que ambos conocieron en las viejas épocas.

    ¿Qué voy a hacer con mi marido? (Hope Springs) es la nueva propuesta de David Frankel, el mismo realizador de El diablo se viste a la moda (en la que también trabajó Streep) y Marley y yo. El film tiene un mérito: trata con humor y melancolía un tema real con el que el público logrará una gran identificación. Y a partir de este andamiaje, el cineasta construye un relato en el que el agobio va dejando lugar al descubrimiento y la reconquista amorosa gracias a la ayuda de un experto en relaciones de pareja (un buen trabajo de Steve Carrell, en el que no existen desbordes).

    La trama saca a los personajes de la casa que los albergó y los instala en un lugar nuevo y desconocido: un hotel de poca monta en Hope Springs, donde se muestran tal cual son: él, un testaruro insufrible que no puede sonreír y que mide los gastos al extremo, y ella, un ama de casa que sufre la indiferencia de su marido y está determinada a lograr cambios. Las tareas para el hogar incluyen ahora caricias y ejercicios para despertar el interés sexual...

    La buena química entre los actores principales (se entienden con pocos gestos) se hilvana con diálogos chistosos que también logran conmover. El tono amargo y oscuro irá cambiando con el curso de los acontecimientos porque todo forma parte de esta aleccionadora radiografía de una pareja madura en crisis.
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  • ¡Vivan las antípodas!
    Curiosa forma de ver el mundo

    Con este curioso título, el documentalista Victor Kossakovsky se pone al hombro una coproducción ruso-argentina-alemana-holandesa y chilena. Las "Antípodas" son personas o lugares diametralmente opuestos en la Tierra y el cineasta hace su juego desde imágenes que apabullan.

    De este modo, une Entre Ríos con Shangai trazando una línea recta imaginaria que atraviesa el planeta. El film expone con gran belleza visual ocho antípodas con un registro que puede cambiar nuestra forma de ver el mundo. Argentina y China, España y Nueva Zelanda, Chile y Rusia, Botswana y Hawai son las antípodas que Kossakovsky plantea en este experimento visual único.

    A manera de espejos contrastantes, encuadres atípicos, la película va mostrando lugares inhóspitos, texturas (lava y la piel de un elefante), grande urbes con tomas invertidas que crean una extraña y fascinante sensación en el espectador. También golpea con las imágenes de la ballena muerta en la playa. Desde picos nevados hasta tranquilas aguas, todo es registrado por la lente de un director que piensa cómo espiar el otro lado del mundo. Sólo hay que dejarse llevar...

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  • La pelea de mi vida
    Un campeón en problemas

    Producto pensado para el público familiar a partir de una historia que combina los toques de acción con las dosis de emoción que requiere este tipo de propuestas. El film comienza en Medellín, Colombia, donde Alex (Mariano Martínez) un boxeador debe escapar de las garras de un marido enfurecido, para luego trasladarse a Buenos Aires. En la ciudad se reencuentra con quienes había abandonado años atrás: su entrenador (Emilio Disi), sus compañeros y también conoce a un hijo de ocho años - que vaya casualidad- está al cuidado de Bruno (Federico Amador), el actual campeón del mundo y rival del protagonista.

    Filmada en 3D, y a excepción del escape del inicio con sillas que vuelan hacia cámara, el uso de este formato se ve poco aprovechado incluso en las escenas que se desarrollan sobre el cuadrilátero. La trama contrasta dos mundos diferentes (el pobre y bueno vs. el rico y altivo) y coloca en primera plano la historia del niño que debe ser reconquistado por su padre biológico.

    Previsible. lacrimógena, ingenua y entretenida en su desarrollo, La pelea de mi vida sabe donde golpear al espectador en este amplio muestrario que incluye además las virtudes turísticas de Tigre.

    Mariano Martínez se convierte en el luchador arriba y abajo del ring en esta película armada para su lucimiento, bajo la batuta de Jorge Nisco, el mismo de Comodines y High School Musical: El Desafío.
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  • Posesión satánica
    ¡Hay alguien en mi cuerpo!

    Al fin una película de terror que no recurre al registro de la "camara en mano" y sigue los pasos del relato clásico, sin la necesidad de tantos efectos especiales. Lo justo y necesario.

    En ese sentido, Posesión Satánica (The Possession) es un logrado trabajo del realizador danés Ole Bornedal (Just Another Love Story, Líbranos del mal) que asusta con buenas armas y crea el clima adecuado para este tipo de realizaciones. Desde la producción, el nombre de Sam Raimi también hace lo suyo, considerando que hace años filmó Diabólico.

    Trasladar a la pantalla el tema de las posesiones diabólicas es, casi siempre, un arma de doble filo porque mucho se ha visto desde el clásico de William Friedkin, El exorcista, que lanzó a la fama a una por ese entonces desconocida Linda Blair. En esta película, supuestamente basada en sucesos reales, una niña ve cómo su mundo cotidiano deja lugar a una extraña criatura conocida como "Dibbuk".

    Un matrimonio recién separado (Jeffrey Dean Morgan y Kyra Sedgwick) reparte su tiempo entre sus dos hijas, la pequeña Em (Natasha Calis) y otra adolescente, pero lo que el padre ignora es que una extraña caja negra adquirida en una subasta cambiará la vida de la pequeña y las de todos.

    El tema del Mal liberado en la Tierra y personificado en una pequeña (al igual que en La profecía) se despliega con fluidez narrativa, sumergiendo al espectador en el misterio que encierra la caja. La misma va alterando los comportamientos (y la suerte) de sus propietarios.

    El comienzo impacta y deja lugar a una sucesión de escenas en las que el terror irrumpe y un espíritu maligno, escondido en el cuerpo de la niña, dice presente. Invasiones de insectos, rituales judíos, juegos constantes de luces y sombras, médicos especialistas y un desenlace en la morgue que pone los pelos de punta, son algunas de las sorpresas que encierra la "caja feliz".
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  • Elles
    Elles
    Todo lo ve
    El mundo íntimo femenino

    Si hay algo que no puede negarse es que la película de la realizadora polaca Malgoska Szumowska es altamente provocativa por el tema que aborda, aunque la forma de hacerlo no siempre resulta convincente.

    Elles retrata el mundo íntimo de Anne (Juliette Binoche), una periodista de la revista que da título al film, madre de dos hijos, que se ocupa como puede de ellos (uno menor, adicto a los videojuegos y otro adolescente, cercano al consumo de drogas) y de un marido ausente.

    Anne emprende una investigación para escribir un artículo sobre prostitución estudiantil, y a través de flashbacks aparecen sus entrevistas con dos chicas universitarias que ejercen el oficio más viejo del mundo, Alicja (Joanna Kulig ) y Charlotte (Anaïs Demoustier ), que pertenecen a clases sociales diferentes. Ese contacto despertará su mundo íntimo.

    Con este planteo, la realizadora tiene un buen material entre manos (ni que hablar de Binoche, una actriz de múltiples recursos) para explotar los deseos de la protagonista y de su entorno. Sin embargo, todo se reduce a una sucesión de escenas sexuales (fuertes) y mucho morbo que resultan inncesarias para comprender la humillación a la que se someten las chicas que financian sus estudios gracias al uso del cuerpo.

    Elles tiene buenas interpretaciones y muestra un panorama familiar donde reina la incomunicación y donde la comida también funciona como elemento de unión de piezas que funcionan por separado. Una mirada que habla sobre la búsqueda del deseo en sus diferentes formas y el descubrimiento de la autosatisfacción. Lástima que la excitación no siempre se traslada al público.
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  • El legado de Bourne
    Nuevo rostro para un agente perseguido

    Realizar una cuarta entrega de la saga de Jason Bourne sin su protagonista original, Matt Damon, y sin el realizador de las dos últimas, Paul Greengrass, significaba un desafío. Todo indica que la historia continuará ahora de la mano de Jeremy Renner, un nuevo agente, mezcla de Rambo y McGyver, quien se verá perseguido por ser parte de una feroz operación para conseguir al "hombre perfecto". Sin embargo, ningún cabo debería quedar suelto.

    Aaron Cross es la pieza de este complicado rompecabezas (Bourne en las entregas anteriores intentaba averiguar que había detrás del programa secreto de la CIA, Treadstone) que se mueve entre el consumo de drogas y pastillas. Aunque el film se toma su tiempo para explicar diversas situaciones, tampoco queda demasiado claro el pasado del protagonista.

    El relato cuenta con la dirección de Tony Gilroy (Michael Clayton; Duplicidad), quien expande el conflicto central imaginado por las novelas de Robert Ludlum. Acá Cross se unirá a una doctora (una siempre espléndida Rachel Weisz) para emprender un escape vertiginoso. La acción se traslada de Alaska a Filipinas con velocidad y en el bando antagónico (y muy poco confiable) se encuentran los personajes de Edward Norton (con un rol acotado), Stacy Keach, Oscar Isaac y los veteranos Joan Allen, David Strathairn y Scott Glenn, quienes retoman con pequeñas apariciones sus personajes.

    Sin superar a las tres entregas anteriores, la película acierta en los momentos en los que Cross se ve acorralado: la secuencia de los lobos en un clima helado o la extensa persecución final a bordo de una moto, se llevan los aplausos y crean tensión.

    La pérdida de la memoria que tenía Damon es reemplazada por una nueva droga que va dejando cadáveres por doquier y un inescrupuloso equipo que no duda en apretar el gatillo cuando las papas queman. Es entretenida, pero no es la mejor de la saga.
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  • Cuando los chanchos vuelen
    Disparatada mirada sobre la paz

    Una bienvenida comedia que parte de una premisa absurda y se va convirtiendo con el correr de los minutos en una sátira pólitica entretenida e inteligente.

    La acción de Cuando los chanchos vuelen se ambienta en la Franja de Gaza, zona de conflictos si los hay, donde el pescador palestino Jaafar hace lo imposible para sobrevivir. Ante la falta de trabajo y los reclamos constantes de su mujer que necesita dinero para el hogar, el mundo del protagonista cambia radicalmente cuando encuentra entre sus redes a un cerdo. Sí, a un chancho, animal prohibido para los judíos y los palestinos. Jaafar tiene la idea de venderlo pero su plan se transforma en una verdadera pesadilla cargada de situaciones disparatadas y obstáculos cuando se ve obligado a ocultar al animal.

    El film de Sylvain Estibal, una coproducción entre Bélgica, Francia y Alemania, logra una buena pintura de personajes y la despeseración es la que atraviesa el relato en medio de una trama que se mueve entre soldados, camuflajes, intentos por deshacerse de la presa y la necesidad por la supervivencia.

    Después del planteo inicial, el tono del film se pone más serio, aunque nunca deja de divertir, para instalar el tema de los enfrentamientos constantes, el comercio que se da entre las colonias enemigas y separadas por un alambrado, y "el servicio" especial del que Jafaar saca provecho para ofrecerlo a una joven de los campos rivales.

    Cuando los chanchos vuelen construye una sátira política en favor de la paz entre los pueblos y, paradójicamente, lo hace a partir de un animal prohibido para ambas culturas que finalmente sirve de vínculo para mitigar tantas peleas religiosas.

    El film tampoco se ahorra terroristas que le colocan a Jaafar un saco de explosivos, una casa alterada por la presencia del chancho (disfrazado de oveja) y soldados que matan el tiempo mirando (y sufiendo) telenovelas brasileñas que tienen éxito en un lugar de extrema pobreza.
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  • Los indestructibles 2
    Acción ochentosa e imparable

    "Vos regresaste muchas veces" le dice Bruce Willis a Arnold Schwarzenegger en esta secuela que ahora dirige Simon West y reúne a un elenco multiestelar. Difícilmente se vuelvan a juntar.

    Los indestructibles 2 echa mano a todos los recursos del género de acción para sorprender y mantener al espectador pegado a la butaca. Y lo consigue gracias a una catarata de acción imparable que tampoco deja de lado los toques humorísticos y las referencias a Rambo y Terminator.

    Concebida como un producto del género, como los que se hacían en las décadas del setenta y ochenta, el film se ve realista gracias a su arsenal pirotécnico (no digital, a excepción de los litros de sangre que saltan por doquier) y a su potente elenco, en el que faltaría sólo Steven Seagal. Pero él apareció en Machete, de Robert Rodríguez.

    Barney (Sylvester Stallone) recibe una nueva misión del misterioso Mr. Church (Willis) para encontrar una caja que tiene la ubicación de toneladas de plutonio que podrían cambiar el equilibrio de poder en el mundo. Pero algo sale mal y la venganza será el motor para que el grupo formado por Lee Christmas (Jason Statham), Gunnar (el gigantesco Dolph Lundgren), Toll (Randy Couture), Maggie (Yu Nan) y Hale (Terry Crews), persigan sin descando al villano de la historia encarnado por el astro belga de las artes marciales, Jean-Claude Van Damme.

    Los indestructibles 2 no descubre la pólvora pero sí logra trasladar al espectador al juego que propone la trama, con las apariciones de Chuck Norris (una suerte de salvador cuando las papas queman) y, con menor desempeño, Jet Li.

    Todo está listo para la acción y para los chistes que los personajes (o, mejor dicho, los actores) se lanzan entre ellos ("Somos piezas de museo") y que hacen referencia al paso de los años. El resto es puro entretenimiento y cada uno, sobre todo Stallone y Statham, tienen su lucimiento por separado. Rodada en escenarios naturales de Bulgaria, Rusia y Francia, la película cuenta con un cameo del tenista Novak Djokovic.

    La película sigue los clichés del género al pie de la letra (destrozos varios, armas de todo tipo, pueblos oprimidos liberados por los héroes en cuestión y villanos de temer) y deja en claro que las arrugas no quitan las viejas mañas.
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  • Abraham Lincoln: Cazador de vampiros
    Vampiros a caballo

    Aprovechando el nombre de Tim Burton desde la producción y con la dirección del ruso Timur Bekmambetov, la película aborda la figura del Presidente Abraham Lincoln en este combo de terror vampírico, fantasía y aventura.

    Como una suerte de Van Helsing, Abraham Lincoln (Benjamin Walker) arrastra desde niño el asesinato de su madre y, movilizado por la venganza, se lanza contra un ejército de vampiros que intenta adueñarse del país en tiempos de esclavitud.

    De joven inexperto se transforma, entrenamiento mediante con su compañero Henry Sturges (Dominic Cooper), en un ágil cazador con hacha en mano dispuesto a todo. Y forma un equipo con su amigo de la infancia Will Johnson (Anthony Mackie) para terminar con el villano de turno (Rufus Sewell).

    Entre combates en campos de batalla y un cargamento de "plata" que amenaza con terminar con las "criaturas de la noche", el director de Se Busca y Guardianes de la noche construye una película que no siempre convence por el recurso repetitivo de las luchas ralentadas al estilo Matrix y por el escaso suspenso que generan los malvados de la historia.

    Abraham Lincoln: Cazador de Vampiros sabe aprovechar el recurso del 3D en algunas escenas, pero peca de exagerada en la secuencia de la cabalgata y en el final, desarrollado a bordo de un tren, donde todo está llevado al límite y los efectos quitan realismo al desenlace.

    El resultado es un film que se aleja del espíritu lúgubre que le hubiese impreso Burton y todo se ve como un ingenuo desfile de colmillos, balas de plata, vampiros a caballo y piruetas que dejan abierta la puerta para una continuación.
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  • La fuerza del amor
    Entre la espada y la pared

    El director Luc Besson se destacó siempre en el género de acción (últimamente se lo ve más en su rol de productor) y con esta coproducción entre Francia y el Reino Unido hace foco en la activista de Birmania, Aung San Suu Kyi.

    La fuerza del amor (The Lady) aborda la faceta más íntima de esta mujer que luchó contra la tiranía de una dictadura, sufrió un eterno arresto domiciliario desde 1989 hasta el 2010 (justamente cuando se estaba rodando esta película), y recibió también el Premio Nobel de la Paz. Besson nunca se olvida del entretenimiento en esta historia de amor que combina política, intriga y drama familiar.

    Sobre ese trípode se sostiene esta realización de más de dos horas que puede pecar en algunos momentos de drama edulcorado, pero que pinta el universo de esta mujer que sufrió en carne propia la prohibición, la separación de su familia (el esposo y los dos hijos) y el exilio en su propio hogar a pesar del enorme apoyo popular con el que contó.

    Las convicciones, los ideales y el amor por los suyos la llevaron a estar entre la espada y la pared ("Si no esta lucha sería en vano") y siempre al borde de las agresiones de los militares, los verdaderos villanos del relato.

    La película cuenta con el protagónico de Michelle Yeoh (La Monia: La tumba del emperador Dragón) y David Thewlis (Caballo de guerra) en el rol de Michael Aris, su marido, un experto en temas tibetanos. Sus excelentes composiciones hacen creíbles las situaciones y transmiten el dolor que atraviesan sus personajes.

    Entre campos minados por los que caminan inocentes, la radio como vía de comunicación con el resto del mundo (cuando no le cortan la luz) y la envolvente banda sonora de Eric Serra (un habitual colaborador de Besson), la película es una biografía respetuosa que plantea un profundo dilema íntimo de una mujer que puso color a un país oscuro donde reina el terror.
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  • Amigos intocables
    Inseparables

    La fuerza de una buena historia sumada a la solidez de sus intérpretes centrales demuestran que no hace falta mucho más para conquistar al espectador. Amigos intocables (Intouchables) fue un éxito en Francia (convocó más de 19 millones de espectadores) y está basada en la historia real de Philippe Bozzo di Borgo, un millonario que quedó tetraplégico a raíz de un accidente.

    La película plasma la relación que se teje entre Philippe y Driss (Omar Sy), un joven negro de los suburbios de París que ingresa en un mundo desconocido cuando comienza a trabajar como su asistente y le devuelve las ganas de vivir.

    Con este esquema sencillo, los directores Eric Toledano y Olivier Nakache, quienes vienen trabajando juntos desde hace años y de quienes acá no se conocen sus películas, exploran una relación laboral que se va transformando en una amistosa cuando entran en juego los afectos y la contención.

    El rasgo más atrapante y emocionante del film es cómo se unen estos dos mundos antagónicos: el aristócrata que lo tiene todo menos la posibilidad de moverse por sí solo y el joven que también arrastra un complicado panorama familiar y laboral. La pregunta que se hace el relato es si realmente es sana esta relación tan cercana que, por momentos. priva a Driss de desarrollar su propia vida.

    El relato hace gala de sus climas que navegan entre el humor y el drama más intenso y despiadado, pero sin golpes bajos, arrastrando los conflictos de sus dos personajes al centro de la emoción. Támbién resulta funcional y envolvente el uso de la música que va llevando a los protagonistas de un lado a otro. Philippe ve girar el mundo desde su silla de ruedas a a partir de un gran trabajo de Francois Cluzet (con cierto parecido a Dustin Hoffman), mientras que Driss cobra vida gracias a la conmovedora interpretación de Omar Sy. Dos actores al servicio de dos criaturas inseparables que deben tomar distancia. La escena final, ya sobre los créditos, deja ver a los verdaderos protagonistas.
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  • Atraco!
    Atraco!
    Todo lo ve
    La punta del iceberg

    Esta producción de Argentina Sono Film y España aborda un caso policial ocurrido en la década del cincuenta para contar una historia en la que se mezclan el romance, la política y los toques de humor.

    Atraco!, coescrita por Marcelo Figueras, Piti Español y Eduard Cortés, cuenta con la dirección de éste último, y comienza con el robo de una joyería que planifican cuidadosamente dos hombres disfrazados de militares. La acción irá hacia atrás y situará a estos dos personajes (Guillermo Francella y Nicolás Cabré) que empiezan a trabajar para un General argentino (Daniel Fanego) radicado en Panamá, en una trama que esconde secretos, joyas de Eva Perón y una visita de la mujer de Franco a la joyería en cuestión.

    El relato se mueve al ritmo del mambo y cruza varios géneros acertando en la creación de climas y en la cuidada reconstrucción de época para narrar un asalto (arreglado) que no sale como estaba planificado y que sólo es la punta de un iceberg, de un mecanismo más complejo, en el que dirán presentes la política, la aparición de una enfermera enamoradiza y de otras relaciones por descubrirse.

    Atraco funciona cuando se pone en marcha la investigacíon policial que se lleva adelante sobre el caso que tiene un gran impacto en la sociedad de la época, pero también pierde el rumbo cuando entran en juego demasiados elementos.

    Los protagonistas, armados y uniformados que asaltan el negocio de la Gran Vía madrileña, colocan en primer plano a la "pareja despareja": un profesional que se desempeñó como guardaespaldas de Eva Perón y a un joven inexperto que acepta esta "propuesta" de trabajo, y que le sienta mejor que no hacer nada.

    Guillermo Francella sigue con el camino actoral que demostró en El secreto de sus ojos, con un personaje duro e inseguro que también se permite (sin desbordes) sus momentos de humor jugados con astucia a través de su mirada. Por su parte, Nicolás Cabré, arrastra las morisquetas de la televisión y, recién al final de la película, parece encontrar al personaje. El que realmente se lleva los aplausos es Daniel Fanego, un hombre de duras decisiones que se ve atrapado entre la espada, el asma y la pared, y es quien enciende la mecha de la historia.

    Una apuesta arriesgada desde el vamos y con una idea muy interesante que se explota al máximo desde lo policial cuando no se deja tentar por el ritmo del mambo.
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  • El silencio del puente
    La eterna búsqueda de justicia

    "El gran negocio está y no se lo toca". Quizás esta frase sintetiza la idea central del documental de Eduardo Schellemberg, que coloca al puente San Roque González de Santa Cruz (une Posadas con Encarnación, Paraguay) en el foco de una tormenta de denuncias e investigaciones.

    El lazo entre Argentina, Paraguay y Brasil, también se convirtió en un puesto de frontera represivo y corrupto. El silencio del Puente inicia una investigación rigurosa sobre lo que allí ocurre y lo estructura a partir de tres relatos: Aurora Lucena, la viuda de un gendarme que misteriosamente apareció muerto bajo el puente; Eduardo Peta, ex fiscal paraguayo que al enfrentar el contrabando fue destituido de su cargo y, finalmente, la de Ricardo de la Cruz Rodríguez, un abogado de Posadas que defiende a contrabandistas.

    El film coloca la lupa en el mal funcionamiento de las Instituciones de Estado en esa región de frontera, en el encubrimiento y en la criminalización de la pobreza a partir de tres miradas diferentes pero unidas por un mismo conflicto.

    Entre la investigación policial, la eterna búsqueda de justicia, caminatas al juzgado, la aplicación de la Ley en perjuicio de los que menos tienen y la impunidad, son los tópicos que dominan el documental que intenta echar luz sobre un tema complicado.

    La cámara espía los diferentes testimonios y procedimientos policiales, mientras el puente es testigo de la corrupción, del contrabando y de la impunidad. Las luchas contra las mafias sigue su curso.

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  • Batman: el caballero de la noche asciende
    ¿El último tic-tac?

    "No estás viviendo, estás esperando lo peor" le dice Alfred a Bruce Wayne en un tramo del nuevo film de Christopher Nolan, que sumerge al héroe del título en un exilio que dura ocho años. Impulsado por el desorden y los nuevos peligros que amenazan a Gótica, Batman se ve obligado a volver al ruedo.

    Batman: El Caballero de la noche asciende resume a lo largo de dos horas y cuarenta minutos una trama compleja en la que entran en juego muchos personajes e instala la paranoia de un gran atentado, resolviendo sobre los minutos finales demasiadas explicaciones.

    El film no deja nunca de ser un gran espectáculo, por el despliegue de sus escenas y por los climas oscuros que tiene la historia y que acentúan el estilo de un realizador ya consagrado.

    En este tercer eslabón, que se asegura es el último (al menos con el papel del héroe encapotado), se agrega Selina (Anne Hathaway), una hábil ladrona que se introduce en la mansión de Wayne y que, con el correr de los minutos, demostrará sus aptitudes (aunque no se explica demasiado el por qué) para la lucha. Aunque en la trama nunca se la llame Gatúbela, el personaje está en plena lucha, al igual que John Blake (Joseph Gordon-Levitt), el policía de buen corazón que sigue las órdenes del Comisionado James Gordon (Gary Oldman). Con algunos "mensajes" que se filtran en algunas de las imágenes (las del partido en el estadio), uno de los personajes comienza a tener más peso dentro del relato, aunque no conviene dar demasiados detalles al respecto.

    La amenaza llega de la mano del villano de turno, Bane (Tom Hardy), un violento enmascarado que da un golpe a la Bolsa de Comercio y se reserva un plan aún mayor para sembrar el terror.

    La película tiene sus secretos, sus vueltas de tuerca, traiciones y desfilan por la pantalla Marion Cotillard; el reaparecido Matthew Modine (el actor de Alas de Libertad, de Alan Parker) y, otra vez, Cillian Murphy como "El Espantapájaros".

    Los fanáticos de la saga estarán de parabienes con esta nueva entrega que se toma sus tiempos para plantear lo que luego se transforma en un verdadero campo de batalla, con personajes celebrados y aplaudidos por el público de las entregas anteriores (el Alfred de Michael Caine aparece en los momentos justos) y los nuevos que arrastran sus propios conflictos.

    Entre tanto enfrentamiento, alianzas, voladura de puentes, motos y aeronaves, Batman los mira a todos desde las alturas, otra vez con su capa flameante y con un tic-tac que avecina el peligro.
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  • El dictador
    El dictador
    Todo lo ve
    Una constante provocación

    Aquellos espectadores que hayan visto los trabajos de Sacha Baron Cohen saben que encontrarán un humor directo, provocativo y políticamente incorrecto. El actor no tiene términos medios. Después de Borat y Bruno (que en nuestro país salió en DVD), el intérprete regresa de la mano del realizador Larry Charles con El Dictador,

    Sacha Baron Cohen se mete esta vez en la piel del almirante Haffaz Aladeen, un líder absolutista opuesto a la cultura de Occidente, que hará lo imposible para que la democracia no llegue a su país, la República de Wadiya. Traicionado por los suyos en un viaje a los Estados Unidos (camello incluído por las calles de Manhattan) y reemplazado por un doble, el disparate está servido.

    Con ecos de El gran dictador, la película de Charles Chaplin que caricaturizaba a Hitler y toda la ideología nazi, este relato no ahorra chistes pesados para mostrar el accionar de este personaje siniestro que ostenta poder, molesta a sus interlocutores y manda a matar sin piedad a aquellos que piensan diferente.

    La película es más divertida al comienzo (va perdiendo fuerza con el correr de los minutos) pero logra una visión ácida y políticamente incorrecta sobre el mundo de las relaciones diplomáticas. El tema del "doble" como blanco de los atentados y el armamento nuclear también dicen presente en esta historia que incluye el cameo de la infartante Megan Fox, como una de las amantes del mandatario (entre las fotos de las personas que pasaron por su cama se ve a Arnold Schawarzenegger!) y de Edward Norton, en medio de un ajustado reparto integrado por Ben Kingsley y Anna Faris, como la mujer que cambia la vida del protagonista.

    Los toques escatológicos (la escena del parto y la masturbación) pueden incomodar al espectador, pero forman parte de un humor despiadado que se convirtió en un sello del actor. En Borat fue un viaje que servía como excusa para filmar un documental que mostraba los prejuicios de la sociedad norteamericana; en Bruno, la burla sobre el mundo de la moda. Y ahora es el turno de la política y sus líderes despóticos. Cabe recordar que Sacha Baron Cohen tuvo papeles secundarios en Sweeney Todd y en La invención de Hugo.
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  • Plan perfecto
    Plan perfecto
    Todo lo ve
    El amor es más fuerte

    Interesante y polémico el planteo que hace esta comedia que explora los sentimientos de treintañeros que están cerca de pasar la barrera de una nueva década con todo lo que ello implica.

    Plan Perfecto (Friends with Kids) hace foco en Jason y Julie (Adam Scott y Jennifer Westfeldt, también realizadora), dos amigos que ven cómo cambia la realidad de sus amigos más cercanos con la llegada de los hijos.

    Quizás la llegada de un niño también de nuevos aires a sus vidas pero ellos llevan adelante una relación sin compromisos que escapa a los dramáticos días que atraviesan sus allegados. El "plan perfecto" está en marcha, tienen un bebé, y ambos lo comparten mientras disfrutan con sus respectivas relaciones: él con una bailarina encarnada por la infartante Mega Fox, y ella, conoce a un recién divorciado, papel a cargo de Edwards Burns.

    El relato tiene gags y situaciones logradas que se apoyan básicamente en diálogos que transforman una situación dramática en una aguda y encantadora mirada sobre la pareja, las relaciones, el sexo, la fidelidad y la paternidad.

    Los protagonistas Adam Scott, quien viene de la serie Parks and Recreation, y Jennider Westfeldt (la serie 24) entregan dos interpretaciones ajustadas a sus personajes cambiantes y amoldados a una relación sin ataduras. Pero el amor es más fuerte.

    CALIFICACIÓN: BUENA
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  • Soledad y Larguirucho
    Aquellos buenos tiempos

    Las producciones animadas de Manuel García Ferré se caracterizaron siempre por el tono ingenuo y efectivo impulsado por personajes que marcaron a varias generaciones.

    Por ese motivo, resulta inexplicable la visión de Soledad y Larguirucho, película que combina acción en vivo (con dirección de Néstor Montalbano) y los dibujos de García Ferré, montados sobre fondos reales.

    El film funciona como una forzada guía turística que promociona diferentes escenarios de la provincia de San Luis insertos en medio de un guión inexistente y situaciones carentes de buenos gags.

    La cantante Soledad Pastorutti llega a la ciudad para brindar un concierto mientras que la bruja Cachavacha, El profesor Neurus y Pucho (Serrucho tambien!) elaboran un plan maquiavélico que altera la paz del lugar y la apacible vida de campo que lleva Larguirucho.

    La película está concebida como una sucesión de sketches de fallida resolución y permite el cameo de figuras como El Chaqueño Palavecino, Natalia Pastorutti, Carlitos Balá, Pablo Codevilla, Diego Capusotto y Gillermo Andino.

    En Soledad y Larguirucho falla la historia y las situaciones que se presentan con actores (Montalbano viene de los éxitos Soy tu aventura y Pájaros volando) mientras que los dibujos intentan mantener el espíritu de aquellos viejos tiempos. Atrás quedaron el tono nostálgico y artesanal de Petete y Trapito, Ico,el caballito valiente y Mil intentos y un invento.

    "Hablá ma´fuete que no te ecucho" es quizás la mejor frase que acuña el personaje central a lo largo de este olvidable cuento que contrasta bondad y alegría (Soledad y la casita de campo) con la lúgubre cabaña que habita la Bruja Cachavacha.
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  • Donde habita el diablo
    Aquí vive el horror

    Otra vez una película de género concebida con el registro de "cámara en mano" y "falso documental" que dio tan buenos réditos en las sagas Actividad Paranormal y REC y, por qué no afirmarlo, también cansó al espectador por el abuso de estos recursos narrativos.

    Como una suerte de Poltergeist made "in casa", el film español está escrito y producido por Rodrigo Cortés (Enterrado) quien delegó la dirección a Carles Torrens. Un grupo de investigación paranormal llega a un departamento, despliega su arsenal de cámaras y dispositivos para estudiar los extraños fenómenos que alteran la vida de una familia: un padre que ha perdido a su esposa en un accidente, su hija adolescente y su pequeño.

    Las cámaras se convierten en testigos de los sucesos paranormales que van desde llamados telefónicos y sombras hasta objetos que se mueven solos. Donde habita el diablo (Emergo) echa mano a impactos de sonido que se imponen a la fuerza de las imágenes. El espectador debe -y sabe que tiene que hacerlo-esperar para ver lo poco que sucede en esta historia que combina fantasmas, apariciones, levitación y posesión.

    Varios detectores de movimiento registran actividad para este espíritu errante que evidentemente no se ha elevado para seguir su camino, generando pánico entre los seis (que numerito) mortales que se encuentran entre cuatro paredes.

    Con ecos de Aquí vive el horror y la mencionada película de Tobe Hopper, el relato quiere conformar con poco y peca de ser aburrida con un largo monólogo del padre de familia intentando explicar la suerte que corrió su esposa. Los gritos y las contestaciones de su hija sólo lo inquietan a él, olvidando a un espectador que realmente quiere asustarse.
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  • El sorprendente Hombre Araña
    Regreso triunfal con onda verde

    Todo vuelve en materia cinematográfica y el superhéroe arácnido no es la excepción. Esta cuarta aventura cambia de protagonista (Andrew Garfield en lugar de Tobey Maguire) y también de director (afuera quedó Sam Raimi y ahora es Marc Webb), pero el espíritu del comic de Marvel está presente en cada fotograma.

    El sorprendente hombre araña hace honor a su título con una historia que comienza de cero, desarrolla correctamente los personajes centrales y hasta espera la hora de proyección para que haga su aparición triunfal el superhéroe en cuestión encarnado por el actor de La red social.

    Si la intención de Marc Webb (500 días con ella) fue dotar a sus criaturas de conflictos personales y familiares lo logra a partir del guión de James Vanderbilt (el mismo de la inminente Robocop), sin olvidarse del costado espectacular del relato.

    Peter Parker es abandonado de niño por sus padres, dos agentes secretos, quienes lo dejan en manos de sus tíos (Sally Field y Martin Sheen) y la película retrata su transformación de estudiante enamorado (esta vez de Emma Stone, la actriz de Tierra de zombies e Historias cruzadas) a superhéroe luego de ser mordido por una araña expuesta a la radiación. La trama incluye al ex.compañero de trabajo de su padre, el Dr. Curt Connors (Rhys Ifans), quien está experimentando con la metamorfosis de lagartos.

    La historia dispara telarañas hacia varias puntas y ofrece entretenimiento puro (la secuencia del puente colgante) que crece, al igual que los poderes del protagonista, en la segunda mitad del film.

    El tema de la doble identidad, el enfrentamiento con criminales de poca monta y el motor de la venganza se encienden en este regreso triunfal con un 3D que aporta algunas tomas de atrapante resolución en las alturas. La aparición de la criatura monstruosa (como en las películas japonesas a las que se refiere el jefe de policía interpretado por Denis Leary) amenaza con destruír la ciudad y continúa la onda de "El duente verde" de las realizaciones anteriores.
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  • Pompeya
    Pompeya
    Todo lo ve
    Un violento juego del "cine dentro del cine"

    El eterno juego del "cine dentro del cine" enciende la mecha de este violento producto que fusiona ficción y realidad a partir de la afiebrada imaginación de un guionista contratado por un director para contar una historia de gángsters.

    El escritor principiante (y "free-lance" según su definición) discute con el director para ver cuál es la mejor manera de mostrar a Dylan, el héroe de ficción de una Pompeya que se transforma en el epicentro del combate entre bandas rusas y coreanas,

    Con una cámara que no para de moverse (al igual que los personajes) y un montaje frenético, la directora Tamae Garateguy construye esta historia de climas lúgubres y violencia extrema. El espectador se encontrará con un producto que tiene acción, toques de humor, tortura y hasta una inagotable vuelta de tuerca que sorprende llegando al desenlace.

    Por la pantalla desfilan referencias a Perros de la calle y despiadados seres del bajo mundo: un hermano sordomudo; un amigo mujeriego y una "femme fatale", todos enredados en una vorágine de sexo, corrupción y muerte.

    Con algunos minutos de más y reiteraciones, el relato hace gala de una estética propia, desprojija, que crea la atmósfera necesaria para las diferentes situaciones que presenta. Pompeya no es otra cosa que un viaje al infierno y un auspicioso trabajo de la directora de Upa!.
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  • La era de hielo 4
    Diversión bajo cero

    Con el vertiginoso inicio de Scrat, la ardilla que persigue eternamente a la bellota, se enciende la mecha del cuarto capitulo de las aventuras protagonizadas por Manny, Sid y Diego, inmersos ahora en constantes cambios que se producen en la Tierra.

    La Era del Hielo 4 separa a Manny de su familia cuando queda a la deriva junto a sus amigos sobre un gran bloque de hielo. Con ellos tendrá que ver la manera de reencontrarse con los suyos en medio de un mundo que los pone en peligro. Este eslabón incluye a Shira, una bella tigresa que cumple las órdenes del tirano Capítán Tripa (en la versión original con voz de Peter Dinklage, el enano de Muerte en un funeral) y una tripulación que sucumbe bajo su poder y maldad.

    Los mayores aciertos de esta producción de animación en 3D pasan por los momentos en los que la Tierra comienza a desplazarse y pone en riesgo la vida de los personajes. El éxodo animal y la supervivencia en medio del mar son, sin dudas, las secuencias más logradas de esta nueva entrega. que también juega con la rebeldía adolescente de la hija de Manny (la cabellera del mamut sorprende por su gran realismo) y con sus acertados gags.

    Todo queda preparado para una quinta parte mientras el ingenio y la comicidad no se agoten. El film sube un escalón con respecto a la anterior, pero corre peligro de que su fórmula también se derrita como el hielo.

    Antes de La Era de Hielo 4 se proyecta Un día en la guardería, cortometraje animado protagonizado por Maggie Simpson, en su debut protagónico para la pantalla grande. Mientras los padres no están presentes, el lugar es dominado por la maldad de un chico que, martillo en mano, destroza mariposas.
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  • Sombras tenebrosas
    La maldición según Tim Burton

    Si hay algo que caracteriza al cine de Tim Burton es su atmósfera oscura y sus personajes que buscan, de alguna u otra manera, su inclusión en el mundo. Su último trabajo, Sombras tenebrosas, tiene muchos elementos de sus realizaciones anteriores, sobre todo de El joven manos de tijera, La leyenda del jinete sin cabeza y El cadáver de la novia.

    El film está basado en la serie de televisión norteamericana emitida entre 1966 y 1971 que tuvo al personaje Barnabás Collins, como eje de varias historias impulsadas por vampiros, hombres lobo, zombies, monstruos, brujas y hechiceros.

    Sombras tenebrosas no es lo mejor de Burton pero resulta una película entretenida que tiene un muy buen comienzo y un desenlace atrapante que deja la puerta abierta para una continuación. El humor del que hace gala el cineasta durante el desarrollo de la trama perjudica, quizás, el clima general de una historia que se fragmenta y dispersa.

    De todas maneras, Burton se las ingenia para mantener el interés hasta el final a través de una serie de curiosos personajes que forman una familia disfuncional, atravesados por un toque setentoso (con un tema de Los Carpenters).

    La acción comienza en 1752, cuando la familia Collins deja Liverpool y llega a América para construír su futuro en un pueblo de pescadores. La fortuna les dura poco porque son asesinados y su hijo, Barnabás (Johnny Depp) crece entre riquezas y un amor imposible. Pero comete un error: rompe el corazón de Angelique Bouchard (Eva Green), una bruja que lo maldice y entierra vivo.

    Dos siglos más tarde, Barnabas es liberado de su tumba y aparece en la mansión que supo habitar. sorprendiendo a los sucesores de los Collins, una familia (con Michelle Pfeiffer a la cabeza) muy parecida a Los locos Addams que esconde complicaciones y secretos.

    El hombre millonario devenido en una criatura de la noche sedienta de sangre encuentra en Sombras tenebrosas buenos momentos que tienen que ver con el choque de culturas: un vampiro que se topa con los progresos de la década del sententa y con una maldición que se extiende por los siglos de los siglos.

    El desenlace acumula enfrentamientos y recuerda a La muerte le sienta bien, de Robert Zemeckis, en medio de una atrmósfera multicolor que incluye a una psicóloga enamoradiza (Helena Bonham Carter); un capitán (el legendario Christopher Lee); un asistente monstruoso (Jackie Earle Haley, el último Freddy de Pesadilla en lo profunfo de la noche ) y una adolescente rebelde (Chloe Moretz, de Kick-Ass) que también tendrá su turno. Quizás demasiados elementos para una sola película que se mueve en varias direcciones, pero que termina como comienza, con el tono lúgubre que hace de Burton un sello propio, distintivo y potente desde lo visual.

    En tanto, Johnny Depp aparece pálido, juega al vampiro extravagante y se divierte con su personaje entre transfusiones de sangre y un amor fantasmal que reclama atención.
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  • La plegaria del vidente
    Olas sangrientas con muchas sospechas

    Un policial nacional con buena factura técnica que se articula a partir de una serie de asesinatos de prostitutas cometidos en la ciudad de Mar del Plata. El director Gonzalo Calzada (quien antes había filmado Luisa con Leonor Manso) sigue al pie de la letra los códigos del thriller, basándose en la novela de Carlos Balmaceda que, a su vez, se apoya en hechos reales que pusieron en jaque a la policía.

    En La plegaria del vidente entran en juego varias situaciones y personajes que se ven acorralados por las dudas y el misterio. El Vasco (Gustavo Garzón), un policía de pasado oscuro y presente incierto, comienza la investigación del caso junto a su compañero (Fabio Aste) y Riveros (Vando Villamil), un periodista de policiales. En la trama también aparecen una médica forense (Valentina Bassi) y Mauro (Juan Minujín), un ciego con videncias que vive aislado en una casona de la playa y presagia lo peor. Completan el elenco de este sombrío rompecabezas Guillermo Marcos, como el jefe de la policía; Victoria Carreras, en el rol de una prostituta que corre peligro; y Rodolfo Ranni, ícono del género nacional de los años ochenta con sus films El Desquite, En Retirada y La búsqueda.

    El relato hace gala de un montaje ágil, feroz por momentos, para mostrar la situación de desprotección de las víctimas luego de la aparición del primer cadáver del llamado "Loco de la Ruta".

    Si hay algo atrapante en el film es el foco de las sospechas que recaen sobre todos, ya que el Vasco no sólo enfrenta a un despiadado asesino serial, sino que también sufre las presiones de políticos y de su propio departamento para descifrar el misterio.

    Con una fotografía lúgubre que retrata los fantasmas personales del protagonista, un constante juego entre figura y fondo que sirve para desdibujar la identidad del criminal y cruerpos que hablan, el Vasco intentará desentrañar, junto al espectador, las pistas que lo conducirán a la identidad del villano de turno.

    Por momentos, la película abruma al espectador con muchos detalles y datos a partir de una trama que esconde varias vueltas de tuerca y cabos sueltos, pero el resultado es positivo y arriesgado (el espectador sabrá por qué) en este policial made in Argentina que genera incertidumbre, miedo y dolor. Las olas sangrientas vienen con fuerza y muchas sospechas.
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  • Un suceso felíz
    Antes y después del embarazo

    Una lograda comedia francesa que juega con una historia de amor desarrollada antes y después de la llegada de un bebé. Barbara (Louise Bourgoin) es una estudiante de filosofía y Nicolas (Pio Marmai) atiende un video club. En su primer encuentro él hace lo imposible para seducirla y hasta el ofrece títulos como Atrápame si puedes y Un hombre y una mujer.

    La trama, plagada de referencias explícitas a diversas películas, cuenta la intimidad de un encuentro entre estos dos jóvenes. Un situación de enamoramiento que podría ser perfectamente la que le ocurre a cualquiera y de la manera menos pensada.

    Un Suceso Feliz plasma sin solemnidades la relación de pareja y también cómo cambia todo ese mundo idílico cuando llega un bebé al hogar. La transformación del cuerpo de la mujer cuando queda embarazada y la falta de sexo durante la convivencia. Las situaciones están bien planteadas e impulsan este emocionante relato que incluye además el reencuentro de Bárbara con su madre (una siempre convincente Josiane Balasko) que no ve con buenos ojos la llegada del bébe, y con un padre que siempre estuvo ausente.

    Entre cochecitos de bebé, juegos en la Play, comidas y pesadillas en líquido amniótico, Un Suceso Feliz juega de manera íntima con las luces y sombras de una relación que atraviesa trodos los estados imaginados.
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  • Prometeo
    Prometeo
    Todo lo ve
    El comienzo del fin

    En 1979 el director Ridley Scott sorprendía con Alien, película que revolucionó el género de terror espacial y que tuvo tres secuelas e imitaciones. Treinta y tres años después, arremete con Prometeo, esta precuela (aunque él niegue el término) que recupera el universo creado en Alien e instala algunas vueltas de tuerca interesantes en la historia.

    Antes fue la nave Nostromo (o después según desde donde se mire) que llegaba a un planeta desconocido y encontraba una extraña forma de vida que iba aniquilando a toda la tripulación. En Prometeo, un equipo de exploradores descubre una pista sobre los orígenes de la humanidad en la Tierra, lo que los lleva a una travesía emocionante por los rincones más oscuros del universo.

    Las similitudes con Alien no son casuales y hay que aclarar que el personaje que encarna Noomi Rapace (de la saga Millennium), Elizabeth Shaw, no es el mismo que interpretó Sigourney Weaver en el film original y en sus sucesoras. Una mujer de ciencia que acá se ve vapuleada por su fe y creencias.

    La nueva historia también incluye a un robot (para rememorar los tiempos de Blade Runner y el replicante que hizo Ian Holm en el film de 1979) que todo lo sabe y va un paso adelante que el resto. El irlandés Michael Fassbender se roba la película y su personaje tiene mucho peso.

    El reparto se completa con Charlize Theron, como la enviada de la corporación Weyland que controla y saca tajada del descubrimiento; un irreconocible Guy Pearce; además de Kate Dickie, Logan Marshall-Green, Idris Elba (en el puesto de Yapeth Kotto), Sean Harris y Kate Dickie.

    Si hay algo que no se puede negar es que Scott sabe contar historias y hace que la nave llegue a buen puerto. Acá entrega un eficaz planteo (el comienzo con presencia extraterrestre) y una atmósfera envolvente desde su concepción visual que continúa los pasos del relato original.

    A la hora de proyeccción comienza quizás lo que el espectador espera y sólo en los minutos finales se muestra los orígenes de la criatura alienígena que tanto espantó al público.

    Temas como el origen de la humanidad y la eterna lucha entre ciencia y fe, están expuestas con tecnología de punta (las esferas rojas que trazan un mapa del lugar desconocido) que siempre está al servicio de la historia. Es cierto también que el 3D sólo se aprecia en algunas secuencias, pero está de moda, y es la primera de Scott en este formato.

    Si el espectador busca inspiración mitológica (Prometeo es el benefactor de la Humanidad), dosis de intriga, terror y una mesa quirúrgica que opera con la rapidez de un rayo láser, los encontrará en este realización que hace gala de un misterio que abre sus puertas (y estómagos) para una nueva entrega.
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  • Chimpancés
    Chimpancés
    Todo lo ve
    El planeta de los simios

    Nuevamente el género documental llega de la mano de Disneynature con esta producción rodada en Africa y destinada al público familiar. El film no tiene criaturas generadas por computadora ni animales amaestrados, simplemente se trata de grupo de realizadores que coloca su cámara en el momento exacto para captar la vida animal.

    El protagonista es Oscar, una cría de chimpancé que tiene una vida apacible hasta que queda en medio de un enfrentamiento entre familias de monos. Solo en un territorio hostil, Oscar debe sobrevivir. Cuando un simio enorme aparece y lo adopta, su vida cambiará para siempre.

    Los responsables son Alastair Fothergill (Felinos de África y La Tierra) y Mark Linfield (La Tierra), hábiles y arriesgados realizadores (en los créditos finales se ven sus proezas) que captan las maravillas de la naturaleza a través de bellísimas tomas aéreas y acercamientos a las criaturas que se encuentran en su ambiente. Luego vendrá el argumento porque el film es más un relato dramático que un documental.

    Su pericia narrativa transforma el material en una verdadera historia de amor y superación. Por momentos, el relato en off quiere dar espectacularidad a imágenes que hablan por sí solas, pero la propuesta es una verdadera monada.
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  • Fuera de juego
    Fuera de juego
    Todo lo ve
    Comedia ambientada en el competitivo mundo del fútbol en la que un joven deportista pasa a convertirse en el "botín" más disputado de las negociaciones.

    Fuera de Juego, una coproducción con España dirigida por Davis Marqués, deja al descubierto las contrataciones de figuras del mundo del fútbol a partir del momento en el que un ginecólogo (Diego Peretti) se hace pasar (por pedido de un tío infartado encarnado por Ricardo Darín) por un representate del nuevo valor Gustavo-César (Chino Darín) y debe viajar a España para una posible contratación del joven. Sin embargo, al llegar las cosas se complican porque también aparece en escena Javi (Fernando Tejero, lejos lo mejor del film), un pseudo representante y fabulador que parece más el típico "chanta argentino" que un español con ganas de hacer dinero y, hasta deja en un segundo plano a su mujer Ana (Carolina Peleritti). El ingreso al Real Madrid puede cambiar sus vidas para siempre.

    Con algunos gags que hacen gol, esta comedia está impulsada por la típica pareja-despareja de personajes que deben afrontar obstáculos de todo tipo (hasta se hacen pasar por paramédicos) para lograr su cometido.

    Fuera de Juego se desarrolla entre Argentina y España, en una trama que navega además entre mentiras, apariencias y frustraciones, El film cuenta con la participación de Martín Palermo. Iker Casillas y otras figuras del ámbito futbolístico. A pesar que le sobran varios minutos que la colocan en "offside", toca el silbato a tiempo.
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  • Acorralados
    Acorralados
    Todo lo ve
    Drama y suspenso poco creíbles

    "Nos van a devolver todo" dice uno de los ingenuos personajes de este relato situado en la época del corralito argentino. Un jubilado (Federico Luppi) necesita el dinero para poder aplicarse insulina, toma una granada y se encierra en un banco para reclamar lo que es suyo.

    Acorralados juega con una época caótica alternando algunas imágenes de archivo con personajes afectados por el desastre económico: una familia que necesita sus ahorros para poder operar a su pequeño hijo; un directivo del banco (Gabriel Corrado) presionado por una de sus empleadas y un matrimonio en crisis.

    Ni el modo de abordar el tema, ni la manera de hacer suspenso se tornan creíbles a lo largo del metraje a pesar de la presencia de Federico Luppi y de Gustavo Garzón, en el rol del jefe de policía. Entre el tono costumbrista (con una Esther Golris cercana a Esperando la carroza) y el espíritu de denuncia, el film acumula actuaciones y diálogos lavados, la trama avanza como puede. Tampoco resulta verosímil cómo los personajes quedan atrapados a merced del anciano dentro del banco (¿una puertita de hojalata que ni siquiera tiene candado impide que los manifestantes la rompan?).

    La música subraya los momentos de más emoción y le quita clima al desenlace de la historia basada en eventos reales. Esta película comenzó de la mano del director Juan Carlos Desanzo, pero luego recayó en Julio Bove.
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  • Mi semana con Marilyn
    La fragilidad de un "sex symbol"

    Una cita ideal para conocer el ajetreado rodaje de El Príncipe y la corista, la película que protagonizó Marilyn Monroe junto a Lawrence Olivier en Inglaterra en la década del cincuenta, donde el actor también ofició de realizador.

    Mi semana con Marilyn se convierte en la excusa para espiar el mundo íntimo y la fama del "sex symbol" de la pantalla grande que tantos suspiros sigue despertando cincuenta años más tarde.

    La película está construída a partir de la mirada de Colin Clark (Eddie Redmayne), un joven inexperto (y perseverante) que se convierte en el tercer asistente de dirección de Lawrence Olivier (Kenneth Branagh) durante la producción de la película. La llegada de la exitosa Marilyn Monroe (Michelle Williams) al set causa revolución y pone los pelos de punta de todo el equipo: sus llegadas tarde, su adicción a las pastillas y sus inseguridades como actriz. Sólo Colin parece entenderla, protegerla y termina enamorándose de ella. El film está basado en su novela y en la experiencia que tuvo durante los siete días de rodaje.

    El director Simon Curtis, quien viene de la televisión, logra una película redonda que conmueve y deja ver la faceta más frágil de una mujer que tuvo tres casamientos (llega a Inglaterra junto a Arthur Miller), una infancia ligada al abandono y un presente exitoso que no la hace feliz. Entre el glamour que encierra el número musical del comienzo y los avatares emocionales a lo que se expuso (y la expuso la industria del cine), se va conformando Mi semana con Marilyn, un mundo de celuloide en el que confluyen estrellas (y estrellados) y que también integran Julia Ormond, en el papel de Viven Leigh; Dougray Scott, como Arthur Miller; Judi Dench (una actriz de gran presencia) y Toby Jones.

    El relato cuenta con una impecable Michelle Williams (ganadora del Globo de Oro a la mejor actriz) que acierta con su tono ingenuo y vulnerable, mientras Kenneth Branagh aporta su impactante transformación, al igual que el buen desempeño que lleva sus hombros Eddie Redmayne, en rol de Colin. Todos contribuyen para que la mirada nostálgica del relato diga presente en la pantalla grande.
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  • El cuervo
    El cuervo
    Todo lo ve
    Universo oscuro y misterioso

    El oscuro mundo del escritor Edgar Allan Poe tuvo más de doscientas adaptaciones realizadas para el cine y la televisión debido al material atrapante de sus historias.

    El cuervo, del director James Mc Teigue (el mismo de V de Vendetta), plasma una atmósfera inquietante a partir del momento en el que un asesino serial va dejando cadáveres, muchos interrogantes y su sello, inspirado en las novelas del autor, encarnado aquí por John Cusack. Un joven detective de Baltimore (Luke Evans) se une a él para desentrañar el misterio y evitar la muerte de Emily Hamilton (Alice Eve), la novia del creador de "El corazón delator", que ha sido secuestrada y se encuentra en algún lugar remoto de la ciudad.

    La película concentra el clima de La leyenda del jinete sin cabeza y el accionar metódico y perverso de un criminal que está suelto, al mejor estilo de El silencio de los inocentes. Sin llegar al nivel de excelencia de estas dos producciones, el film atrapa al espectador con sus cuotas módicas de suspenso (desarrolladas en los túneles da la ciudad) y truculencias varias (cadáveres que esconden pistas). Al vértigo de las persecuciones que depara la trama (con tomas que parecen haber sido preparadas para el formato 3D) se suma la lista de sospechosos que incluye hasta al mismo escritor.

    El cuervo tiene su clima de misterio y envuelve en las brumas de la duda al público gracias al buen desempeño de notables actores como John Cusack, cuyo personaje navega entre la locura y el alcohol; y el siempre convincente Brendan Gleeson, en el rol del Coronel Charles Hamilton. El relato no tiene fantasmas, salvo los que habitan la mente afiebrada del desdichado personaje central, pero sí varios cuervos que traen señales de malos augurios.
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  • Madagascar 3: Los fugitivos
    Con espíritu circense

    Los animales de la selva son perseguidos más que nunca en esta nueva aventura que se pasea por diversos escenarios europeos. Alex, el león; Marty la cebra; Gloria, el hipopótamo y Melman, la jirafa, escapan de África y quieren volver al zoológico de Nueva York.

    Sin embargo, sus planes se alteran y quedan varados en Monte Carlo, en medio del vértigo de la ciudad y en una aventura que los une a un circo ambulante que perdió su brillo (y sus estrellas), y que pasa por Roma y luego llega a América, lo que constituye la última oportunidad para regresar a su hogar.

    El film, que lleva el sello de los mismos realizadores de las entregas anteriores, tiene un ritmo endemoniado que no da respiro al espectador. A diferencia de otras producciones de animación, Madagascar 3: Los fugitivos aprovecha al máximo los recursos del 3D, no sólo potenciando figuras que salen de la pantalla, sino también aprovechando el vértigo en las alturas.

    El nuevo pilar del relato es, sin dudas, la villana de turno, la Capitán Chantel DuBois, una policía cazadora de animales que hace que Cruella De Ville parezca un poroto. En este nuevo personaje y en la "troupe" del circo itinerante que forman el Tigre Zaragoza (en su rutina ya no puede pasar por el aro); Gía, el jaguar y Stefano, el lobo marino, se encuentran los momentos más disfrutables de este tercer eslabón cinematográfico que juega a recuperar el espíritu festivo y mágico del circo.

    Los gags que acumula la trama dan en el blanco, entre robos de diamantes y persecuciones policiales, trapecios y una osa que cautiva al público. ¿Qué más se puede pedir?.
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  • Blancanieves y el cazador
    Un inspirado y lúgubre cuento infantil

    La tendencia de reciclar cuentos clásicos es una apuesta arriesgada y los ejemplos más recientes fueron Alicia en el país de las maravillas, La chica de la capa roja y Epejito, Espejito, ésta última con una versión fastuosa pero poco atrapante.

    Blancanieves y el cazador marca el debut en la dirección de Rupert Sanders y el resultado es altamente gratificante. En primer lugar, el realizador conserva los elementos originales del cuento infantil pero agrega sus cuotas de fantasía, violencia y magia que lo hacen mucho más sombrío.

    El film amenaza con convertirse en una nueva trilogía y la historia se desarrolla en un clima de persecuciones constantes cuando el cazador del título (Chris Hemsworth, el actor de Thor) se convierte en el protector de Blancanieves (Kristen Stewart, la joven intérprete de Crepúsculo) mientras escapan del ejército de la Reina diabólica que la quiere ver muerta.

    Esta impactante aventura sobre la ambición, el poder y la traición incluye castillos, un bosque (realmente) tenebroso habitado por extrañas criaturas y, como no podía ser de otra manera, suma la troupe de enanos que viven en el bosque. Estos pequeños seres, impulsados por magníficos actores como Bob Hoskins, Ray Winstone, Nick Frost, Eddie Marsan, Toby Jones, Johnny Harris y Brian Gleeson, luchan a brazo partido para defender a la heroína y terminar así con el reinado de terror.

    Para que una película de estas características funcione se necesitan buenos personajes pero también un buen villano. En ese sentido, la actuación de Charlize Theron (que no tiene problema en "afearse" como en Monster) en el rol de la bruja Ravenna es excelente, cargada de matices, y a ella se agrega un hermano diabólico (Sam Spruell) que tampoco se queda atrás.

    Un placer encontrarse con el mejor espíritu de la aventura que alcanza en esta superproducción una lograda inspiración visual (por momentos similar a la de Burton) y da rienda suelta a las andanzas de caballeros, princesas y guerreros con espada en mano.
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  • Hombres de negro 3
    Volver al pasado

    Llega el nuevo eslabón de la saga inciada en 1997 con la dulpla integrada por Will Smith y Tommy Lee Jones y, otra vez, con la dirección de Barry Sonnenfeld.

    Hombres de Negro 3 recurre a su acostumbrada fórmula: una combinación de ciencia-ficción, humor e intriga, y agrega los viajes en el tiempo como elemento diisparador de la trama. Al agente K (Jones) lo reportan como fallecido y su compañero, el agente J (Smith) debe transportarse al año 1969 (donde conoce a K joven, personaje encarnado por Josh Brolin) para averiguar lo qué sucedió y para salvar al mundo de una nueva amenaza. El villano de turno es Boris, "El Animal" (el comediante Jemaine Clement, de Mi villano favorito), un ser monstruoso que escapa de la cárcel en los primeros minutos del film.

    Ese comienzo es lo mejor de Hombres de Negro 3, que vuelve potenciada por la envolvente música de Danny Elfman y por tomas vertiginosas, motos revolucionarias y un toque sesentoso que lleva a los protagonistas hasta Cabo Cañaveral, donde se produce el lanzamiento del primer Cohete a la Luna.

    El resto se resume a un desfile de criaturas extraterrestres en un restaurante chino y en la organización gubernamental que lucha contra seres alienígenos camuflados en el planeta Tierra. El desenlace en las alturas (y el toque melodramático) no ofrece nada nuevo para una tercera parte que merecía un broche de oro impactante. Volver al pasado no siempre es buena idea...
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  • El exótico hotel Marigold
    Un viaje transformador

    Un mundo diferente y posible es retratado en la nueva película de John Madden, el realizador de Shakespeare Apasionado, quien en boca de uno de los personajes asegura que el "fracaso se aproxima si no hay intentos".

    El exótico Hotel Marigold sintetiza esa idea y muestra a un grupo de jubilados que decide disfrutar su retiro en un hotel de Bangalore, una exótica población de la India, pero lo que encuentran es la sombra de lo que alguna vez fue un paraíso: un lugar derrumbado manejado por un joven heredero.

    El film cuenta con un elenco inglés de lujo: Judi Dench (rostro reconocible de los films de Bond) en el papel de una viuda; Maggie Smith (actualmente en la serie Dowtown Abbey), una rígida anciana en silla de ruedas; Tom Wilkinson, un juez soltero que revelará su secreta historia, y Bill Nighy y Penelope Wilson, que forman un matrimonio apacible pero en crisis.

    El relato coloca el choque de culturas en primer plano, pero también desliza los contrastes y diferencias sociales que existen en la misma India. Cada personaje irá descubriendo un mundo personal que tenía oculto y afronta un proceso de transformación. A estas historias se suma el conflicto amoroso que tiene el joven que maneja el hotel, una madre dominante y una novia fogosa que pertenece a otro ámbito social.

    La película, que habla sobre la vejez y las segundas oportunidades, se toma sus tiempos (casi dos horas) y queda claro que el mayor atractivo pasa por su reparto. El marco que le imprime Madden también es contrastante, entre exótico y sombrío.
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  • Una cita, una fiesta y un gato negro
    La suerte está echada

    El tema de la desgracia que arrastran algunas personas fue tratado por Sebastián Borensztein en La suerte está echada, en la que casualmente trabajaba Julieta Cardinali. Ahora es el turno de la realizadora Ana Halabe, quien plasma la rivalidad entre dos amigas a partir de la "mufa" que supuestamente transmite una de ellas.

    Una cita, una fiesta y un gato negro es una comedia que muestra el derrumbe personal y laboral que atraviesa Gabriela (Cardinali) cuando en su vida reaparece Felisa (Leonora Balcarce), una vieja compañera del secundario. Una buena idea que podría haber tomado el camino del thriller o del terror, pero que se encamina hacia la comicidad a partir de dos seres opuestos.

    A Gabriela le pasa de todo: se siente engañada por su marido (Fernán Mirás), a quien le revisa el chat; le vacían su cuenta bancaria y, como si fuera poco, asaltan la pinturería que maneja junto a su esposo.

    El film tenía un buen material entre manos para ser explotado de la manera más graciosa, pero todo se reduce a un sinfín de situaciones (muchas reiterativas, ya entendimos que la muchacha trae mala suerte) apenas simpáticas y a personajes como el que encarna Roberto Carnaghi, quien representa a la competencia de la protagonista, y aparece en un rol menor que, por esas cosas del montaje, se lleva el final de la película como si nada.

    A pesar de la buena dupla que conforman Cardinali y Balcarce, secundadas por Rita Cortese y Juan Manuel Tenuta, no alcanza para tapar los baches de un relato plagado de personajes que intenta, también, burlar a la mala suerte. ¿Será el gato negro?.
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  • Los padrinos de la boda
    Amigos impresentables

    Esta comedia australiana de Stephan Elliott reúne al escritor Dean Craig y a los mismos productores de Muerte en un funeral. Con este antecedente, el espectador seguramente cree que encontrará un film imperdible. No es el caso.

    El director de Las aventuras de Priscilla: La reina del desierto elige un casamiento como eje de la acción y el disparate. David (Xavier Samuel, de Crepúsculo) conoce durante las vacaciones a la chica de sus sueños (Laura Brent) y se prometen casamiento. David y sus tres amigos emprenden entonces un viaje desde Londres hasta Australia para llegar a la fastuosa fiesta como padrinos y conocer a los padres de la chica en cuestión.

    Los padrinos de la boda (A few best men) tiene un buen comienzo y un ritmo ágil a partir de sus barridos y transiciones, pero la historia se debilita con el correr de los minutos y funciona a manera de sketches. La película está concebida como una comedia de enredos, de las que abundan en el teatro vernáculo, donde las situaciones se complican más de lo debido y transforman la reunión en un verdadero descalabro.

    La trama va desde la torpeza de los amigos del protagonista (traumas varios y abandonos) hasta un bolso recogido por equivocación que pertenece a un dealer (que dirá presente en la fiesta) y una cabra campeona que se come la "mercancía. La mejor parte, o al menos, la más divertida, la tiene la madre de la novia, papel que lleva adelante una irreconocible Olivia Newton John. Otras situaciones escatológicas completan el marco de esta propuesta que podría haber sido realmente La fiesta inolvidable. El caos está servido.
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  • No te enamores de mí
    ¿Dónde estas amor de mi vida que no te puedo encontrar?

    Esta lograda comedia romántica está protagonizada por jóvenes treintañeros que buscan nuevos rumbos en sus relaciones. Tres historias de amor y desamor cuyos personajes se cruzan en un juego pasional.

    No te enamores de mí podría haberse titulado ¿Dónde estás amor de mi vida que no te puedo encontrar?, que años atrás filmó Subiela. El responsable de esta comedia coral ambientada en Palermo Hollywood es Federico Finkielstain, quien acierta con el tono dado a la historia.

    De este modo, desfilan por la pantalla Sergio (Pablo Rago), un hombre infelizmente casado con Paula (Violeta Urtizberea), una estudiante de psicología, y a la que engaña con Alejandra (Julieta Ortega), la mesera de un bar. Tampoco le va mejor a Sofía (Mercedes Oviedo, que abre el film con llanto desconsolado), la novia de Maxi (Tomás Fonzi) que se siente ignorada y cada vez más cerca del hermano de éste (Guillermo Pfening).

    Todos tienen un denominador común: ninguno está conforme con la persona que tiene al lado por motivos que se irán descubriendo con el correr de los minutos. La imposibilidad de un amor verdadero, la rutina, la comodidad económica y la falta de pasión. dicen presente a través de aristas dramáticas que resultan interesantes y reconocibles. Las mismas están revisadas desde las miradas de cada uno de los implicados, atrapados en un círculo vicioso del que es casi imposible salir. Y el abanico se abre hacia otras direcciones: Alejandra es seducida por un músico, compañero de trabajo; mientras Paula (la más ingenua de todas y la que lleva los toques de humor) transfiere sus miedos a su propia paciente, una adolescente conflcitiva (Ana Pauls) que la ayuda a resolver los problemas de intimidad con su marido. Lo que se dice un verdadero caos afectivo.

    No Te Enamores de Mí marca un promisorio debut y tiene un elenco sólido cuyos personajes resultan creíbles. Quizas con varios minutos de más para contar todas las historias, este film nacional se convierte en una opción recomendable y confirma a Julieta Ortega como una de las intérpretes más versátiles de su generación.
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  • 75 habitantes, 20 casas, 300 vacas
    Una mirada nostálgica

    "Dejamos nuestros tesoros, la patria, la familia y un jardín de fantasía. Terminó la guerra y pasamos la frontera hacia Francia", asegura el pintor Nicolás Rubió en este documental que no es otra cosa que un homenaje a sus recuerdos.

    Con tono nostálgico, el director Fernando Domínguez va contando la travesía y las vivencias del artista a través de sus pinturas que parecen cobrar vida y dan los climas necesarios para continuar la historia.

    75 habitantes, 20 casas, 300 vacas (se exhibe en el cine Gaumont y en Arteplex) pinta desde Argentina la vida en Vielles, un pueblito de Auvernia donde se refugió como niño exiliado de la Guerra Civil Española. Una manera de recordar sus años de infancia es revivirla a través de sus trabajos (más de 600 cuadros) y, a la distancia, como una suerte de viejos fantasmas que cobran vida una vez más.
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  • El campo
    El campo
    Todo lo ve
    Aires renovados, nuevos conflictos

    La idea de hacer un cambio en la vida suele tener sus complicaciones y eso es lo que les ocurre a los personajes encarnados por Leonardo Sbaraglia y Dolores Fonzi.

    Elisa (Fonzi) y Santiago (Sbaraglia), compran una casa en el campo y se establecen allí junto a su pequeña hija con el fin de pasar unos días rodeados por la naturaleza. Con este comienzo cualquier espectador podría pensar que está frente a una película de terror o suspenso, pero el director Hernán Belón mueve el timón de este drama psicológico que se toma sus tiempos para hacer estallar el conflicto central del relato.

    Mientras Santiago está entusiasmado con el "nuego hogar" (repara la casa, sale de caza), Elisa muestra su incomodidad frente a los nuevos cambios que tiene su vida. Esas diferencias, más la de un entorno amenazante, se convierten también en obstáculos para la joven pareja.

    El campo habla sobre las relaciones del matrimonio que se van tornando oscuras por diversos motivos y por la presencia de "extraños" (los vecinos) que disparan también el clima de desconfianza que sobrevuela la casona.

    Con un cuidado marco formal, Belón intenta correr el velo sobre los problemas de pareja en un ámbito que les es ajeno y que deja al descubierto lo peor de cada uno de ellos. Personas que vivían en armónía y que ahora presentan un punto de quiebre. Para su tarea contó con la buena dulpla actoral que conforman Sbaraglia (siempre convincente) y Fonzi (sorprende con su trabajo lleno de matices), además de la pequeña Matilda Manzano. Logrados trabajos actorales al servicio de una historia intimista.
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  • Cuando te encuentre
    El culebrón del soldado

    Aprovechando la presencia carismática y fotogénica de Zac Efron, la película del realizador Scott Hicks (el mismo que filmara la interesante Claroscuro) juega con un pequeño hecho que cambia la vida del protagonista.

    El popular actor de High School Musical y Casi 17, es Logan, un marine de los Estados Unidos que combate en Irak y encuentra la fotografía de una mujer a la que no conoce. A su regreso, está empecinado en encontrarla y llega, finalmente, a la granja donde vive Elizabeth (Taylor Schilling). La joven pasa sus días junto a su pequeño hijo y su madre (una siempre convincente Blythe Danner), mientras lidia con un ex que quiere recuperar a su familia.

    Cuando te encuentre no es un lecho de rosas para los personajes y mucho menos para el espectador. Todo se desarrolla de manera edulcorada: Logan y Elizabeth se enamoran (las escenas románticas muestran partes de sus anatomías entre grandes caricias) y luchan no sólo con el ex marido de ella que la amenaza con la tenencia del hijo, sino también con el trágico pasado familiar de la muchacha.

    A través de las convenciones del drama romántico, llevadas al extremo, la película de Hicks está cerca del culebrón, cosa que no estaría mal si resultara creíble en el planteo de sus situaciones (el héroe que aparece en los momentos de mayor tensión o el conflicto de los dos hombres peleando por una misma mujer) o las instancias finales con la "casita del bosque" que en la historia tiene otras implicancias y significados.

    El título original hace referencia al "afortunado" Logan en este film que abre y cierra con su relato en off una historia que se torna tan inexpresiva (Efron contribuye) como previsible.
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  • Ánima Buenos Aires
    Con aires de barrio

    María Victoria Ramírez es la directora de este largometraje de animación nacional integrado por cuatro historias que descubren, cada una a su manera, el espírtu de los barrios porteños.

    Ánima Buenos Aires pinta su propio mundo a partir de las mirada de artistas como Caloi, Carlos Nine, Florencia Faivre y Pablo Rodríguez Jáuregui, y recurre a la técnica de la animación en 2D, con dibujos y hasta acción en vivo en uno de sus relatos.

    A través de viñetas animadas por una pareja de bailarines que recorre los paredones y los frentes de las casas, se hilvanan los cortos a los largo de una hora y media. Queda claro que la película no quiere competir con otras costosas producciones del género. Todo lo contrario, ya que genera un lenguaje reconocible que anima el humor gráfico argentino. De este modo, el corto estrella del film es Mi Buenos Aires Herido (de Caloi y María Verónica Ramirez) que centra su narración en un bar, su dueño, los clientes y una pulposa mujer con la que todos sueñan. La mesa del bar, el tango, los amigos, las penurias, el malevo pegado al farol de la esquina y el policía, le sientan muy bien al relato que mezcla humor y magia.

    También da en el blanco Bu-Bu (de Carlos Nine), que cuenta con la participación de Horacio Fontova en la piel de un delincuente, abatido por la policía, que trae las imágenes de sus amigos del barrio y sus delitos en medio de prostitutas y caramelos. Todo en blanco ynegro,

    Los relatos que completan Ánima Buenos Aires son Meado por los perros (Pablo Faivre y Florencia Faivre), sobre un carnicero bastante particular que ve amenazado su negocio cuando un supermercado se instala cerca del barrio; y Claustrópolis (Pablo Rodríguez Jáuregui), impulsada por dos niños que se expresan a través de los grafittis y descubren el placer de la libertad y del juego en la ciudad.

    Una película pensada para adultos, que se mueve entre veredas, bares, tangos y farolitos porteños. Una paleta multicolor plasmada en viñetas que tienen ese "que se yo" tan cercano e incomparable.
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  • Los Vengadores
    Los Vengadores
    Todo lo ve
    La suma de las partes

    Cada personaje del universo Marvel tuvo su lucimiento en sus respectivas películas y creaba expectativas la llegada de Los Vengadores, donde la suma de las partes de estos "gigantes de acero" hace la fuerza.

    El film presenta a los más poderosos superhéroes del cómic publicado por primera vez en 1963: Iron Man (Robert Downey Jr.); Thor (Chris Hemsworth); Capitán América (Chris Evans); Hulk (Mark Ruffalo, después de Erik Bana y Edward Norton) y a otros que cobran protagonismo como Ojo de Halcón (Jeremy Renner) y Viuda Negra (Scarlett Johansson). Ellos unen sus fuerzas para combatir a Loki, el villano de turno que surgió de la película Thor, bajo la mirada tuerta de Nick Fury (Samuel L. Jackson), el director de la Agencia Internacional para la paz, más conocida como SHIELD.

    Si algo queda claro desde el comienzo es que el director Joss Whedon (Serenity) supera los resultados de cineastas como Kenneth Branagh y Jon Favreau en Thor y Iron Man, respectivamente.

    Cada personaje tiene su momento (y su estrellato) en esta megaproducción que carga con los conflictos personales de los superhéroes y deja lo mejor para la secuencia final con la invasión de extrañas criaturas que atacan la ciudad. El despliegue es eficaz y vertiginoso en su resolución visual.

    Stark/Iron Man hace gala del humor en varios tramos del film y el doctor Banner lidia con su furia cuando se transforma en Hulk. El monstruo verde (más chico que en la última versión) tiene dos gags imperdibles y de golpe efectivo en la platea. El resto es pura explosión a lo largo de dos horas y media, en un universo que abre la puerta a la llegada del Mal.

    La trama se permite también un coqueteo final de Stark con su secretaria Pepper Potts (Gwyneth Paltrow) y presenta un agregado después de los créditos finales. La única pregunta que queda flotando es si el uso del 3D era necesario. Lo bueno está en la pantalla y sólo hay que disfrutarlo.
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  • La fuente de las mujeres
    Inteligente mirada sobre la condición femenina

    La última película del aclamado director rumano Radu Mihaileanu ofrece, una vez más, una mirada personal y de denuncia a través de un cine profundo que nunca deja de lado su costado visceral y entretenido.

    Así lo demostró en Ser digno de ser y en La ceremonia, sus trabajos anteriores, cuyas historias giraban en torno a personajes relegados u olvidados. En La fuente de las mujeres se repiten sus tópicos en una trama ambientada en un pequeño pueblo del Norte de Africa, cuyas mujeres siguen la tradición de ir a buscar agua a las montañas.

    Sin embargo, ellas sufren en carne propia esa dura travesía y, Leila, una joven casada, propone una huelga a sus compañeras: se niegan a mantener relaciones sexuales con sus maridos hasta que ellos hagan ese duro trabajo.

    Otro destacado film en la carrera del realizador que muestra la situación de la mujer en circunstancias sociales y familiares poco favorables, el aislamiento y la búsqueda de un progreso que nunca llega por diversas cuestiones (no tienen agua potable, ni electricidad pero hablan por celular).

    Esta co-producción entre Bélgica, Francia e Italia no deja de ser una fábula que contrasta la cultura autóctona con los avances del mundo occidental (Coca Cola dice presente) en una historia impulsada por mujeres humilladas que colocan los cánticos como señal de denuncia contra las injusticias que las aquejan.

    Por la pantalla también desfilan relatos de amor y desamor, cartas que van y vienen, y un periodista que está en el ojo de la tormenta. Sometimiento y sumisión versus rebeldía e imposición son los pilares en los que se apoya esta realización que se mueve entre Alá, tules, apariencias engañosas (sobre el desenlace) y cantos de salvación. Y el sólido elenco hace que el agua llegue a buen puerto.
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  • [REC] 3 Génesis
    Una fiesta empañada por el horror

    No hay dos sin tres. La película REC 3: Génesis no se trata de una precuela y se despega de las dos realizaciones anteriores: cambia el escenario (el edificio) y su estilo narrativo.

    Durante los primeros quince minutos, el espectador asiste al casamiento y a la fiesta de Koldo (Diego Martín) y Clara (Leticia Dolera), una pareja encantadora que disfruta del enlace junto a sus familiares y amigos. El primer tramo del film está contado a través de las cámaras de un invitado y de un profesional contratado para registrar el evento (y que aprovecha para demostrrar los alances de su "steady cam"). No pasarán demasiados minutos para que la fiesta se tiña de rojo y el terror se apodere de los protagonistas.Rec 3

    A partir de ahí, REC 3: Génesis hace gala de un estilo más depurado del realizador español Paco Plaza (responsable de la primera y segunda parte junto a Jaume Balagueró). El film mezcla el terror gore con referencias bíblicas y citas explícitas al cine de Lucio Fulci o Darío Argento e incorpora humor y elementos del cine de aventuras. Los personajes están atrapados en el gigantesco salón de la fiestas y cualquier semejanza con La noche de los muertos vivientes no es casualidad.

    La novia frágil (devenida en una suerte de Uma Thurman en Kill Bill) junto a su flamante marido dejan de ser tiernos anfitriones para convertirse en verdaderos guerreros (medievales) que luchan contra una plaga de monstruosas criaturas.

    La oportuna utilización de la banda sonora, los escapes que emprenden los personajes (divididos en grupos) y el gran despilfarro de vísceras y sangre, hacen que el espectador sea partícipe de la "fiesta".
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  • El pozo
    El pozo
    Todo lo ve
    Un mundo de silencios

    Basada en hechos reales, la película aborda un tema delicado como el Autismo y lo hace a través del cambio que sufren las relaciones y los vínculos familiares cuando una persona del hogar padece este síndrome.

    Con una mirada realista, el director Rodolfo Carnevale narra los avatares que enfrenta un matrimonio (Eduardo Blanco y Patricia Palmer) que vive junto a su pequeño (Túpac Larriera) y Pilar (Ana Fontán), su hija de 26 años que sufre esta discapacidad.

    La trama se mueve entre el ámbito cotidiano alterado por estas circunstancias y el mundo interno de Pilar, plasmado con tono fantástico e idílico al que sólo ella tiene acceso. Los personajes atraviesan crisis de toda índole: la pareja entra en un paréntesis afectivo y las conductas de Pilar también repercuten en su hermano menor. El complicado panorama los lleva a plantearse un dilema: cuidar a Pilar en la casa o internarla, una solución viable pero no compartida por su madre.

    El Pozo radiografía con sumo cuidado las múltiples facetas que presentan los personajes centrales y agrega otros, pertenecientes a otros ámbitos: el compañero (Ezequiel Rodríguez) de Pilar que también sufre otra discapacidad; su madre (Adriana Aizemberg); la psicóloga (Dora Baret) y la directora del Instituto (Norma Pons).

    Bajo una dirección adecuada, la creación de climas dramáticos impactantes y una correcta dirección de actores (Ana Fontán y Ezequiel Rodríguez muestran un gran lucimiento y se llevan los aplausos), El Pozo explora este rompecabezas familiar cuyas piezas irán tomando forma a partir de un mundo de silencios y de búsqueda de respuestas que no siempre aparecen. El mismo mundo cuya realidad muchos desconocemos. El amor en todas sus formas dice presente en esta película que también se permite una fuga y algún toque de humor para descomprimir la tensión de la trama.
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  • American Pie: el reencuentro
    Más años y las mismas mañas

    Y sí. El equipo está de vuelta. Esta es la cuarta entrega (hay dos más pero con otro elenco) de la comedia que despertó el fervor adolescente en los noventa. Después de doce años, el elenco original regresa y los conflictos, las bromas pesadas y los enredos continúan para animar esta película que no es otra cosa que una estudiantina que mantiene sus mañas.

    En ese sentido, American Pie: El reencuentro, que firman los directores Jon Hurwitz y Hayden Schlossberg (Harold & Kumar 2: Dos Tontos en Fuga) tiene un inicio efectivo que encuentra a Jim (Jason Biggs) y Michelle (Alyson Hannigan) casados, con un bebé y sin actividad sexual debido a las obligaciones cotidianas.

    Todos los personajes tomaron caminos distintos e irán reapareciendo en East Great Falls para participar en la reunión del Instituto: Oz (Chris Klein) ahora es el conductor de un programa deportivo; Kevin (Thomas Ian Nicholas) se convirtió en arquitecto; Finch (Eddie Kay Thomas), es el más misterioso de todos, y Stifler (Sean William Scott), que sigue siendo un niño con ganas de divertirse.

    Todos (y todo) está puesto en la trama para lograr la carcajada fácil, el gag certero (la nena de al lado creció y se transformó en una vecina explosiva) y el costado escatológico que nunca se deja de lado (no entraremos en detalles).

    Al elenco juvenil también se lo reúne con las chicas sexies de antaño (Mena Suvari, Tara Reid) y padres en conflicto: Eugene Levy, el papá de Jim, ha enviudado y tiene diálogos más que divertidos o Jennifer Coolidge, la madre de Stifler, que tiene su "peso" en la trama.

    Relaciones de pareja, sexo, amigos y conflictos actuales son los que marcan la tendencia de esta comedia light y entretenida que también se alimenta argumentalmente del film original. La estudiantina siempre da buenos réditos en boleterías (Porky´s en los años ochenta tuvo lo suyo) y, en la ficción, los personajes prometen volver. Los años pasan, pero las mañas quedan.
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  • Reus
    Reus
    Todo lo ve
    Un policial uruguayo con buenas intenciones

    El cine realizado en Uruguay (que también entregó La casa muda) apuesta ahora al género policial con esta película que cosechó cincuenta mil personas en su país.

    Reus es el nombre de un barrio de Montevideo, en el que conviven trabajadores y comerciantes judíos que deben soportar el acoso y los robos continuos por parte de la familia del Tano (Camilo Parodi), una pandilla que se mueve entre la pasta base y la impunidad. Un gran golpe se está gestando para derrotar a Don Elías, un viejo y poderoso empresario de la zona que envió al tano tras las rejas.

    Los directores Eduardo Piñero, Pablo Fernández y Alejandro Pi heredan la estética de Pizza, birra, faso para contar esta historia que habla sobre los códigos, la "familia" (en el término amplio de la palabra) y el negocio. No siempre dan en el blanco con las situaciones que se presentan (extensos diálogos y escenas que se extienden más de lo debido entre los antagonistas) y dejan lo mejor para los cinco minutos finales.´

    Esta es una película de contrastes que concentra demasiados personajes secundarios a cargo de actores que, en su mayoría, no son profesionales. El ataque al negocio o la visita de Don Elías al comisario corrupto no tienen ni la intriga ni la adrenalina que requiere este tipo de relatos. Un film con buenas intenciones que radiografía con violencia una porción de la realidad pero al que le faltan varios cartuchos para lograr un sólido policial.
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  • Espejito, espejito
    Un cuento congelado

    Basada en el popular cuento de hadas Blancanieves, de los hermanos Grimm, la nueva película del realizador hindú Tarsem Singh (La Celda y la reciente Inmortales) juega con los personajes clásicos aunque le falta la inspiración visual que evidencian sus anteriores trabajos.

    Con el foco puesto en la dirección de arte, en los escenarios recreados digitalmente (el castillo y el lugar donde se encuentra el espejito del título) y en el vestuario multicolor, esta versión cambia algunos aspectos de la historia original: la heroína no prueba la manzana envenenada y los enanitos en cuestión no son tan bondadosos.

    La Princesa (Lily Collins), cuyo padre ha desaparecido misteriosamente en el bosque, enfrentará a la malvada Bruja del Reino (Julia Roberts) que intenta eliminarla. Con la ayuda de los siete enanos, Blancanieves deberá devolver la paz al pueblo, entre hechizos, zancos y fiestas aristocráticas.

    La película entretiene al público menudo, pero con el material que el director tenía entre manos se podría haber filmado una versión más inspirada y con personajes que quedaran en el recuerdo. A Lilly Collins le falta carisma para su personaje, mientras que Julia Roberts está lejos de ser la villnana del cuento. En tanto, sí tiene lucimiento Nathan Lane en el papel del subordinado de la Reina.

    Las escenas desarrolladas en el bosque con la presencia de una extraña criatura a la que todos le temen o los momentos de humor (que sí los tiene), son algunas de las pocas sorpresas que entrega este relato mágico que se va enfriando como la nieve que cubre el Reinado.
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  • Extraños en la noche
    Músicos y detectives

    Película nacional que marca el salto del director Alejandro Montiel del cine independiente a una producción pensada para el gran público luego de sus anteriores trabajos: Chapadmalal y Las hermanas L.

    El escenario de un consorcio donde ocurren situaciones extrañas fue llevado al cine en varias oportunidades y con diferentes tratamientos: desde Horizontal/Vertical y la reciente Penumbra, en el ámbito local hasta La comunidad y REC.

    En Extraños en la noche, el cineasta escoge el camino de la comedia salpicada con momentos de intriga y de sospechas que recaen sobre los personajes. La trama gira en torno a Martín (Diego Torres en su regreso al cine luego de El juego de Arcibel) y Sol (Julieta Zylberberg, la actriz de La mirada invisible), una pareja de músicos que atraviesa una crisis económica. Ambos ocupan un gran departamento pero se ven obligados a tocar y cantar en fiestas de hotel para subsistir. A este panorama de cambios se suman extraños ruidos y la sospecha de que alguien fue asesinado en el piso de arriba.

    Con este marco que se mueve entre la humorada, el policial y el suspenso, el relato va acumulando personajes como el portero, el político (Ludovico Di Santo), la tierna anciana de la puerta de al lado y una seductora vecina. Todos están en la mira, y otros, fuera de peligro: los padres de ella (Daniel Ravinovich y Betiana Blum) y un extravagante productor musical (Fabián Vena) que los puede sacar del pozo.

    La película se apoya en la química generada entre los protagonistas (que no siempre funciona) devenidos en torpes detectives y en la confirmación de sus miedos más profundos. El film es ameno, tiene una sólida factura técnica y aunque el desenlace (resuelto a través de flashbacks) es quizás previsible, el resultado es favorable.

    Con la mira puesta en tacones (acá cercanos), cabarets y apariencias engañosas para el espectador, Extraños en la noche acierta en la elección de su atmósfera entre ingenua y tenebrosa. Y hasta se permite un tema de Diego Torres.
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  • El príncipe del desierto
    Un clásico film de aventuras

    Este relato de aventuras y acción, atravesado por una historia de amor, fue concebido con una estructura clásica por el director Jean-Jacques Annaud, el mismo que dio títulos como La guerra del fuego, El amante y El nombre de la rosa, entre otros.

    Cineasta refinado si los hay, Annaud apuesta más a la tradición familiar que conduce el relato que a la acción gratuita. La historia está ambientada en los años 30, en los Emiratos Árabes, durante el boom del petróleo. En medio del desierto se libra una feroz batalla y el ganador, Nesib (Antonio Banderas), emir de Hobeika, llega a un acuerdo de paz con Amar (Mark Strong), sultán de Salmaah, por el que ninguno podrá reclamar el territorio denominado la "Franja Amarilla". Como garantía del mismo, Nesib adopta a los dos hijos pequeños de Amar, Saleeh (Akin Gazi) y Auda (Tahar Rahim).

    La trama sigue a Auda y Saleeh, convertidos en jóvenes: el primero sueña con escapar de las manos de Nesib y regresar con su padre; mientras que Auda siente atracción por los libros y por la Princesa Leyla (Freida Pinto), hija de Nesid. La llegada del petróleo, las ambiciones y su decisión cambiarán los acontecimientos.

    Rodada en Qatar y Túnez, El príncipe del desierto es una producción de gran despliegue artesanal, en su concepción visual, en sus escenarios, en la dirección artística y en la cantidad de extras que participan. En ese sentido, el film prescinde de todo artificio digital para aportar realismo. Este cuento, desarrollado entre arenas y camellos, presenta conflictos familiares (hijos adoptados que quieren cambiar su destino y el de su gente); misterio (la princesa que espía desde su reclusión y sigue los mandatos de su padre); contraste cultural (la riqueza y el poder versus la postergación de los pueblos) y obstáculos que se les presentan a los protagonistas (la falta de agua y la ansiada llegada al mar).

    El reparto se muestra sólido con Tahar Rahim a la cabeza, quien encarna al joven que desatiende los mandatos, se lanza a la aventura, se reencuentra con su hermano y hasta se enamora. Por su parte, Antonio Banderas entrega un Nesib medido, casi en un segundo plano, pero con una presencia que convence.
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  • Furia de titanes 2
    El infierno de los Dioses

    Superando a la película original estrenada hace dos años, esta secuela de aventuras continúa con su caos en el Olimpo e introduce a los personajes en una lucha constante por evitar El fin del Universo.

    Perseo (Sam Worthington, el actor de Avatar) pasa sus días en una aldea de pescadores junto a su pequeño hijo de diez años, pero la llegada de su padre, Zeus (Liam Neeson), le vaticina que la tranquilidad no durará mucho tiempo.

    Con este comienzo, Furia de Titanes 2 (Wrath of the Titans 2) inicia una vertiginosa travesía que lleva al protagonista hasta las puertas del mismo infierno cuando su padre es traicionado por su otro hijo, en complicidad con Hades (Ralph Fiennes), el Dios del Inframundo.

    Como salida de una trama de Shakespeare, con odios, traiciones y ambiciones familiares, la película incluye en esta continuación luchas con cíclopes, criaturas peligrosas con dos cabezas y un diablo de temer. También despliega sus alas Pegasus, el caballo alado que le permite a Perseo surcar los cielos y resurge el temor de los habitantes de Argos al Kraken, la gigantesca criatura que los amenaza. Todos son condimentos de una película que bien podría haber animado las tardes de Sábados de Super acción, con su adecuado tono fantástico.

    La tecnología 3D es utilizada para potenciar la caída de piedras y cabezas de serpientes en primer plano en este relato que juega con la mitología griega y acierta en ritmo y despliegue visual. Si se la compara con su antecesora (remake del film de los años ochenta), Furia de Titanes 2 sube un escalón y coloca a tres generaciones en medio del peligro.

    El film cuenta con dirección de Jonathan Liebesman (Invasión del mundo: Batalla: Los Ángeles) y el guión lleva la firma del debutante Dan Mazeau, junto a David Johnson (La Huérfana) y Steven Knight (Promesas del Este). Un trío preparado, al igual que sus protagonistas, para sortear y abrir el portón que los conduce a la aventura.
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  • Los juegos del hambre
    Una chica en llamas

    En una época plagada de realities en los que los participantes se someten a las exigencias más duras y en los que los límites parecen desdibujados (o simplemente no existen), llega esta película basada en el best-seller de Suzanne Collins.

    Si en La muerte en vivo, los jugadores se sometían a la "ruleta rusa" y estaban montados en una escenografía giratoria que emulaba el tambor de un revólver, en Los juegos del hambre, la supervivencia va más allá y funciona como móvil de la historia.

    La trama nos traslada a un futuro en el que la población ha quedado presa como en un campo de concentración y bajo el poder tiránico del Capitolio. El juego al que se refiere el título coloca en el ojo de la tormenta a Katniss Everdeen (Jennifer Lawrence, la joven actriz nominada al Oscar por Lazos de sangre), una adolescente de 16 años.

    La Nación obliga a cada uno de sus doce distritos a enviar a adolescentes para competir en un violento juego televisivo que culmina sólo con un ganador vivo. La protagonista, armada con arco y flecha, se ve envuelta en una ola de violencia que la enfrenta con otros jóvenes de su misma condición y utiliza su fuerza y su instinto junto a Peeta (Josh Hutcherson, el actor de Viaje 2; La isla misteriosa), el chico que alguna vez le dio un trozo de pan en épocas de hambruna.

    El film de Gary Ross (al que le sobran varios minutos) construye un futuro apocalíptico con atmósfera de desesperanza y sigue -casi- al sigue al pie de la letra el libro original. Su trabajo acierta más en la primera parte: seres sometidos por personajes que parecen salidos de un comic, como el conductor del programa (encarnado por Stanley Tucci); un payesesco y cínico personaje que mueve los hilos del show (Wes Bentley) y un villano en la cima del poder (Donald Sutherland). Se destaca Woody Harrelson y el relato se muestra atrapante en la selección y los preparativos para el gran show.

    Después vendrá la acción (aunque no tanta) ambientada en los bosques, con corridas, escapes de los aerodeslizadores y peleas cuerpo a cuerpo.

    El director Gary Ross (Amor a colores y Seabiscuit) narra con cámara nerviosa y muchos cortes que alimentan el clima de confusión y locura que viven sus jóvenes protagonistas.

    El film es una crítica política con formato de juego futurista (pantallas gigantes en las que el pueblo sigue todas las instancias), pero básicamente es un producto del marketing pensado y armado para el público adolescente. El mismo que este año vseguirá la finalización de la saga Crepúsculo.

    Este es el primer eslabón de una saga que continuará con En llamas y Sinsajo. En tanto, la chica en llamas se pone la película al hombro, tensa la cuerda del arco y dispara con un seguro centro en las boleterías de todo el mundo.
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  • El vagoneta en el mundo del cine
    De la web al cine con imaginación

    El film de Maxi Gutiérrez, presentado con buena respuesta del público en la última edición de Pantalla Pinamar, es la primera web serie (la vieron 2 millones de personas) que encuentra su formato cinematográfico.

    Respetando los personajes principales de los episodios originales, El Vagoneta en el mundo del cine pega el gran salto gracias a su creatividad en el momento de jugar con el humor costumbrista y el delirio como puntales fundamentales de la historia.

    El film sigue las aventuras de Matías, Walter, Rama y Ponce (Nicolás Abeles, recordado por Cenizas del paraíso), un grupo de amigos del barrio de Saavedra que deciden instalar un cartel publicitario en la terraza de uno de ellos para poder "vivir sin trabajar". A partir de ese momento, inician un periplo agotador para poder colocar la publicidad de "un tanque" (en obvia alusión a las grandes producciones norteamericanas) en una aventura que los llevará hasta el Festival de Cine de Mar del Plata. Claro que las cosas no salen como estaban planificadas y cada uno de ellos irá mostrando sus conflictos, miedos y miserias a lo largo de la trama.

    Contada con ritmo (a través de paneos furiosos) y colocando las pesadillas de sus personajes en primer plano, el film juega permanentemente con los valores de la amistad de estos treintañeros que se encuentran, quizas, ante distintas necesidades e instancias de sus vidas. Así surgirán fobias, bloqueos, engaños y sueños.

    El film, apoyado a partir del disparate costumbrista y los diálogos chispeantes (con frases reiterativas), logra su cometido gracias a recursos bien utilizados y a una galería de simpáticos personajes inmersos en situaciones insólitas. Hay cameos sorpresa de varias figuras (Silvina Luna, el "Puma" Goity, Gastón Pauls y otros que no conviene revelar) en este producto que busca su mercado en la pantalla grande mientras espía las relaciones afectivas y el mundo del "cine dentro del cine".

    Una opción refrescante que sigue el desconcierto y la desorientación que atraviesan los jóvenes en la actualidad. Quizás, más de uno se sienta identificado con ellos.
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  • ¡Esto es guerra!
    El mismo objeto del deseo

    La receta que suma una pareja despareja, más toques de acción y humor, casi siempre, ha dado buenos resultados en las boleterías. Ahora llega este producto que cuenta con la batuta de Mc G (Los Angeles de Charlie,Terminator Salvation)) y del que se esperaba más.

    Dos amigos, los agentes federales Foster (Chris Pine) y Tuck (Tom Hardy), inseparables desde la infancia, acaban de realizar una misión peligrosa que dejó seis muertos y son derivados a un trabajo de oficina. Pero el verdadero conflicto del film se dispara cuando los protagonistas se enamoran perdidamente de Lauren (Reese Witherspoon) quien está tratando de afianzar su costado afectivo.

    El comienzo de ¡Esto es guerra! entrega buenas dosis de acción en las alturas de un edificio, pero con el correr de los minutos la tensión que prometía la trama se va desvaneciendo y aflora la rivalidad entre ellos por conquistar a una misma mujer.

    En ese sentido, la balanza se inclina más hacia la comedia romántica, ambientada en lujosos escenarios y con escenas de persecuciones bien logradas. El estilo de video clip que acunó el cineasta dice presente a lo largo de la película y aparece potenciado por una envolvente banda sonora. El resto descansa en el trío protagónico: Pine (Imparable), quien se impone a través de la seducción; Hardy (El origen), el más duro, y con gran futuro dentro del cine; y Whitherspoon, quien no necesita demasiada presentación porque se mueve cómoda en el género.

    Con acumulación de falsos finales, la dupla en cuestión se recrimina por sus amores cruzados mientras viaja en avión y está a punto de dar su salto al vacío.
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  • El precio de la codicia
    Atrapantre relato sobre la crisis finaciera

    Si algo llama la atención en este sólido relato de J.C. Chandor es la inquietante historia (nominada al Oscar por su "guión origina" en la última entrega de los Premios Oscar), ambientada en el arriesgado mundo de las finanzas.

    Lejos de ser tediosa, la trama se convierte en un verdadero hallazgo (hasta los personajes piden "simplificar las cuestiones técnicas" para entender lo que sucede) que pone en jaque a un grupo de empleados de un banco de inversión durante las veinticuatro horas previas a la crisis financiera de 2008.

    Todo parece marchar sobre rieles en un mundo frío dominado por los números y las decisiones rápidas hasta que un jefe (un impecable Stanley Tucci) es separado de sus funciones. Antes de partir deja a Peter Sullivan (Zachary Quinto, el Spock de Star Trek), un analista principiante, información que podría probar la cáída de la empresa, hecho que genera el caos en las diferentes cadenas de mando y de los empleados que podrían ir directo a la calle en cuestión de horas.

    El precio de la codicia (Margin Call) echa luz sobre las consecuencias de la fragilidad laboral, la soledad, el trabajo en grupo y lo prescindible que resultamos como empleados o piezas de un "extenso rompecabezas".

    Entre ejecutivos que responden a una cadena interminable de superiores, desfilan por la pantalla actores de renombre en roles realmente destacados: Kevin Spacey, un hombre que hace más de treinta años que pertenece a la empresa y cuya vida personal tambalea debido a su perra enferma; Jeremy Irons, quien representa a la "cima" del poder y de las decisiones; Penn Badgley, como otro de los principiantes; Demi Moore, una inescrupulosa mujer de negocios, y Paul Bettany. Todos impecables en los roles que les tocaron en suerte.

    Un relato convincente en sus diálogos, en la creación de sus climas, en la mención de cifras millonarias y en la fragilidad de las personas que sucumben en momentos decisivos.
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  • Dormir al sol
    Dormir al sol
    Todo lo ve
    Un mundo pesadillesco

    Una curiosa película nacional que habla sobre la imposibilidad de amar y los cambios de identidades a través de elementos fantásticos que birinda la novela homónima de Adolfo Bioy Casares.

    Dormir al sol puede desconcertar al espectador desprevenido pero tiene a su favor una atmósfera de locura y de apariencias engañosas que confunden a los personajes y hasta al mismo público. Ambientada en los años 50 y en un barrio que no tiene esquinas (ni escapatoria para quienes lo habitan), la película sigue los pasos de Lucio Bordenave (Luis Machín), un ex bancario devenido en relojero. Todo transcurre tranquilamente hasta que su esposa Diana (Esther Goris) es internada en un instituto de salud mental dirigido por un inquietante profesional (Carlos Belloso).

    El director Alejandro Chomski (Hoy y mañana;A beautiful life) comienza su narración con la toma subjetiva de un perro y presenta a personajes que se mueven en un ámbito cotidiano que se va enrareciendo con el correr de los minutos. En el elenco sobresalen Luis Machín y Esther Goris, la pareja en cuestión, dejando en un segundo plano a la hermana de Diana (Florencia Peña); al abuelo (Alfonso Pícaro, quien acompañara al Negro Olmedo en el sketch de Alvarez) y a nietos y vecinos cuyas vidas transcurren sin sobresaltos.

    Lo racional va desapareciendo a medida que se explican una serie de experimentos sobre el "lavado de cebrero" y el espectador se sumergirá en una realidad irreal o una realidad tangible. Todo eso es Dormir al sol, un film distinto, provocativo, que llega con dos años de retraso y no le teme al ridículo o a su arriesgada estructura cíclica en la que la locura también dice presente. La fantasía golpea a la puerta de una casa de barrio.
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  • John Carter: entre dos mundos
    El soldado que viajó al espacio

    "Si creen que en Marte no hay vida, se equivocan" es una de las frases que lanza el narrador de este peculiar relato de aventuras que mezcla diferentes épocas y géneros para transportar al espectador al planeta Barsoom.

    Con innegables influencias de Avatar, Conan y La guerra de las galaxias, la trama (muy descabellada) transporta a John Carter (Taylor Kitsch), un soldado de caballería, desde Virginia hasta el planeta Marte, donde se verá inmerso en una cruel batalla por el poder librada entre sus habitantes, Tars Tarkas, y la Princesa Dejah Thoris. Sólo una boda (con el enemigo claro) parece poner tregua al enfrentamiento que incluye naves espaciales, extrañas criaturas y hombres con poderes de dioses.

    John Carter: entre dos mundos descoloca en su primera parte por la cantidad de elementos que entran en juego: la historia de Edgar Rice Burroughs, el autor de Tarzán, que deja un diario íntimo a su sobrino (Daryl Sabara, el ex niño de la saga Mini Espías) antes de morir. Entre el western y el tono fantástico, la historia se estructura a partir del flashback y explora además el tema del "doble" (el protagonista se va desde el lejano oeste a otro planeta) y de los poderes adquiridos por el personaje central para cumplir una misión en la Tierra.

    En su segundo tramo, el director Andrew Stanton (quien viene de la animación con Buscando a Nemo y Wall-E) hace gala de su imaginación y explota al máximo el nivel visual lo que le ofrece la trama. Grandes escenarios creados digitalmente, luchas con espadas, criaturas con cuatro brazos y gigantescos "monos" blancos que salen a matar en una suerte de circo romano. La acción y la construcción de un nuevo héroe está servida en universos paralelos.
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  • Sólo por dinero
    Katherine Heigl da un paso en falso

    La actriz Katherine Heigl da un paso en falso con esta propuesta que pone en evidencia la línea descendente que inició la comedia norteamericana en los últimos tiempos. Y así regresa la encantadora intérprete de la serie Grey´s Anatomy y de La cruda verdad y Bajo el mismo techo, en una película insulsa que no ostenta siquiera un buen gag a lo largo de su metraje.

    Sólo por dinero (One for the money) impulsa a Stephanie (Heigl en el rol de una mujer divorciada que vive con su hámster, tiene pocos dólares en el bolsillo y cuyo auto es embargado) a relacionarse con su primo para conseguir trabajo en el negocio de garantes de fianzas. Y su misión será perseguir al ex policía y sospechoso de asesinato Joe Morelli (Jason O'Mara), quien la dejó plantada en el secundario.

    El argumento esquemático coquetea con el policial (y algunos cadáveres en el camino), pero transcurre sin gloria y muestra el esfuerzo de los intérpretes por creerse lo que están haciendo. Ni la presencia de John Leguizamo ni de Debbie Reynolds en el personaje de la abuela, logran acaparar la atención.

    La trama peca de aburrida, todo se ve deslucido y la protagonista queda mal parada, cuando supo brillar en trabajos anteriores. Y si, lo debe haber hecho...Sólo por dinero.
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  • Drive
    Drive
    Todo lo ve
    Negocios riesgosos

    "Hay cien mil calles en la ciudad de Los Angeles. Sólo dame cinco minutos" es la frase que dispara el conductor (Ryan Gosling), un joven que se desempeña como doble de riesgo en películas de acción.

    Frío, de pocas palabras y con un escarbadientes en los labios, él aguarda detrás del volante mientras un grupo de ladrones comete un ílícito y huye con ellos. Como una suerte de "transportador", este hombre no usa armas y sólo espera cinco minutos en cada operación. Shannon (Bryan Cranston) es su mentor y el hombre que consigue sus "trabajos sucios", pero las cosas se complican más de lo debido cuando aparece en escena Irene (Carey Mulligan), una joven separada (su marido sale de la cárcel) y su pequeño hijo.

    Driver es una película que mantiene el interés hasta el engañoso desenlace pero no acumula grandes dosis de acción, propias de este tipo de realizaciones. Todo lo contrario, sólo hay estallidos de violencia y una calma que parece dominar el accionar del protagonista.

    Inmerso en un negocio riesgoso que lo deja a merced de un grupo de forajidos (Ron Perlman) y con una maletín lleno de dinero, el personaje central será perseguido sin descanso. Entre corridas automovilísticas, una atmnósfera opresiva que se transmite hasta los minutos finales y una envolvente utilización de la música de Cliff Martínez, la película pone primera y gira el volante a tiempo para entregar un correcto thriller que se mueve entre la ambición y charcos de sangre.
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  • Tan fuerte y tan cerca
    Emocionante búsqueda post tragedia

    Nominada para 2 premios Oscar de la Academia de Hollywood, la película del realizador Stephen Daldry coloca en primer plano las relaciones entre padres e hijos con el trasfondo de los atentados a las Torres Gemelas.

    Tan fuerte y tan cerca es un emocionante relato que recurre al flashback para reconstruír fragmentos (momentos claves) en la de la vida del pequeño Oskar Schell (Thomas Horn), cuyo padre (Tom Hanks) muere el 11 de septiembre de 2001 y cuya misión consistirá en encontrar una cerradura que coincida con la llave que éste le dejó.

    En su incansable periplo, y con una madre ausente (Sandra Bullock), el protagonista se cruzará con distintos personajes en la ciudad de Nueva York; contará con la ayuda de una abuela protectora y de un inquilino que no habla pero que dice mucho (un excelente Max von Sydow, nominado al Oscar, y recordado por su papel del padre Merrin en El exorcista).

    Todo sirve como excusa para que el director de Billy Elliot, Las horas y El lector explore las marcas que deja una tragedia y recomponga un panorama familiar que, desde el comienzo, se percibe enrarecido. Daldry sabe cómo contarlo y pone al niño Thomas Horn en un papel protagónico exigente que lo impulsa a buscar respuestas gracias a su inteligencia y sensibillidad extremas. Si el relato funciona es gracias a su impecable trabajo.

    Se la puede tildar de lacrimógena, pero el resultado es altamente favorable teniendo en cuenta las subtramas que alimentan la película y por el armado que el cineasta supo imprimirle.
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  • Con el diablo adentro
    Cruces invertidas, terror nulo

    Con el estilo del "falso documental" narrado con cámara en mano, recurso visto últimamente en muchas producciones del género, llega este film que bucea en el tema de las posesiones demoníacas.

    Con el diablo adentro, del director William Brent Bell (había realizado Stay Alive) intenta sorprender con una realizaciión que sigue los pasos de Rec, Cloverfield , la saga Actividad paranormal o la más reciente El último exorcismo. Es decir, cine despojado de casi todo artificio que pone el acento en el punto de vista de una cámara de video que registra diversas situaciones. El resultado es pobre y, salvo en el comienzo, no genera suspenso o miedo en el espectador.

    La trama gira en torno a Isabella Rossi (la brasilera Fernanda Andrade), una joven que investiga junto a dos sacerdotes, expertos en exorcismos, el extraño caso de su madre, María Rossi (Suzan Crowley), supuestamente poseída por demonios y acusada de cometer tres asesinatos veinte años atrás.

    Con un estilo de noticiero y un camarógrafo que acompaña a Isabel hasta el psiquiátrico donde se encuentra su mamá, en Italia, la trama intenta develar si se trata de una enferma mental o si realmente está poseída.

    Un batido de ciencia y fe que se mueve entre voces distorsionadas, levitaciones, contorsiones de los cuerpos y no mucho más que no haya sido visto con eficacia en El Exorcista. Con un planteo formal clásico, quizás, el resultado hubiese sido otro.

    La frase "Muchos han sido poseídos por uno, sólo una ha sido poseída por muchos" suena tentadora, pero a la hora de la verdad el público nunca enfrenta El Mal.
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  • El Artista
    El Artista
    Todo lo ve
    El eterno amor por el cine

    Luego de ver esta coproducción entre Estados Unidos, Francia y Bélgica, se entiende por qué tuvo tanto reconocimiento a nivel internacional y está nominada a 10 premios Oscar de la Academia de Hollywood.

    El film del francés Michel Hazanavicius (quien actualmente está preparando Les infidéles), de visión imprescindible para cualquiera que ame el cine, reencuentra al espectador con una época pasada, olvidada, una transición que llevó al séptimo arte a un vuelco trascendental.

    Ambientada en el Hollywood de 1927, donde ya se percibía el nacimiento del "star system" y la pasión por el séptimo arte, la trama muestra a un actor arrogante, George Valentin (un espléndido Jean Dujardin), una verdadera estrella de cine que no se cansa de su narcisimo, posa frente a los flashes de la prensa y cumple con los pedidos de sus seguidores. Sin embargo, el arribo del cine sonoro hace tambalear su mundo de popularidad, fama y reconocimientos.

    Como una suerte de rueda, la película plasma su caída y el rápido ascenso de Peppy Miller (Berénice Béjo), una actriz que comenzó su carrera como extra al lado del galán y que va ganando terreno en un medio altamente competitivo.

    Sus mundos se cruzan en este relato mudo que hace gala de su magnífico blanco y negro, y atraviesa con creatividad los cambios que tuvo el cine (la escena en la que el protagonista comienza a escuchar sonidos) pero no deja nunca de contar una historia de amor, con momentos de acción y con la presencia de grandes actores en roles secundarios.

    En ese sentido, desfilan por la pantalla un director exigente (John Goodman), un chofer que no deja detalle librado al azar (el rostro impenetrable de James Cromwell, el mismo de Babe); la esposa de Valentin, encarnada por Penelope Ann Miller, y un extra que aguarda su turno, nada menos que Malcolm Mc Dowell, el inolvidable actor de La naranja mecánica.

    Todo resucita como por arte de magia en El Artista: la orquesta que toca en vivo y acompaña las imágenes en la gran pantalla; los movimientos de los grandes estudios; un perro que casi roba protagonismo a Valentin (y le salva su vida), y las sombras de un éxito que se fue.

    A través de música que resalta los momentos claves, efectos de sonidos limitados y muy bien seleccionados y una ausencia total de diálogo (a excepción de una escena final), la película también evoca con emoción la llegada de los musicales y deja, en primer plano, el eterno amor por el cine.
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  • Mini espías 4 y los ladrones del tiempo
    El tiempo desaparece

    La cuarta entrega de la saga de espionaje familiar lleva otra vez el sello de su creador, Robert Rodriguez, un realizador que apuesta al cine de género y al gran despliegue de efectos digitales.

    Mini espías 4 y los ladrones del tiempo da protagonismo a Marissa Cortez Wilson (Jessica Alba), agente secreta retirada que está a punto de dar a luz y debe lidiar con su marido periodista y sus dos hijastros (Rowan Blancahrd y Mason Cook). Pero esto no es todo, también deberá hacer frente, junto a su familia, al temible villano Timekeeper (Jeremy Piven) que amenaza con robarse el tiempo y así apoderarse del planeta.

    En este cuarto eslabón reaparecen los chicos (ya crecidos) de las tres entregas anteriores (Alexa Vega y Daryl Sabara), el cameo de un segundo de Danny Trejo (actor fetiche del director y protagonista de Machete) y Ricky Gervais (The Office) quien presta su voz al perro-robot Argonauta.

    Con este esquema que se mueve entre la acción y la maquinaria más disparatada, Rodríguez entrega la más floja película de la saga, con personajes que parecen salidos de una historieta (el malvado de turno) y preocupado más por los efectos que por la intriga de una trama que sólo acumula artilugios visuales.

    La película puede ser disfrutada por chicos de más de 6 años aunque el público adulto extrañará la efectividad que tuvo el film original. ¿Y Antonio Banderas donde está?....
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  • La invención de Hugo Cabret
    El cine dentro del cine

    El nuevo film de Martin Scorsese, nominado a 11 premios Oscar de la Academia de Hollywood, entre ellos el de "mejor película" y "mejor director", no es otra cosa que el eterno juego del "cine dentro del cine".

    Al igual que en Cinema Paradiso, Hugo es un aceitado mecanismo de relojería filmado en 3D donde los recursos del formato están aprovechados al máximo. Sólo basta con sumergirse en la secuencia inicial que comienza con la vista panorámica de la París de los años 30 y termina en los ojos del protagonista, Hugo, encarnado con emoción por el niño Asa Butterfield (el mismo de El niño de piyama a rayas).

    Hugo es un huérfano, ladrón, que hace de la estación su bunker y se ocupa de los relojes del lugar. Nadie tiene acceso a los laberínticos pasadizos que se encuentran detrás de las paredes: ni el torpe inspector (Sacha Baron Cohen) escoltado por su doberman, ni tampoco está a salvo el juguetero que aguarda ser asaltado por el intrépido personaje. Pero las cosas cambian cuando Hugo es descubierto por una excéntrica chica (Chloe Moretz, la revelación de Kick-Ass) junto a quien vivirá una increíble aventura.

    La película hace gala de sus excelentes rubros técnicos (la dirección de producción de Dante Ferretti, la fotografía rica en claroscuros de Robert Richardson o la impactante música con aires parisinos de Howard Shore) para contar una historia que fusiona la aventura, el drama y la magia que surge al relatar a través de imágenes.

    Ese es el punto fuerte de Hugo y Scorsese se lanza sin red en un relato que atrapa, seduce y emociona a través de la situaciones que presenta. El homenaje al séptimo arte dice presente con el personaje de George Meliés (Ben Kingsley), el realizador de Viaje a la Luna y sus inacabables trucos de magia aplicados al cine; la sorpresa de los espectadores ante La llegada del tren, de los hermanos Lumiére, o la comicidad de Buster Keaton, colgando de un gran reloj, e incluso una referencia a Vértigo, de Alfred Hitchcock.

    Basada en la novela infantil de Brian Selznick, la película recurre a imágenes de archivo, en blanco y negro y también coloreadas, a la sucesión de figuras fijas que dan la idea de "movimiento" y permite el lucimiento de grandes actores en roles secundarios: Christopher Lee y Richard Griffiths, quienes pasean sus contrastantes figuras por la estación de tren y...un cameo del mismísimo Scorsese como un fotógrafo.

    Todo está colocado al servicio de la evocación y de la nostalgia en esta trama cuyas piezas se irán uniendo con el correr de los minutos. Entre mecanismos de relojería, un robot y una llave que abre secretos, Scorsese también tiene acceso al corazón del público.
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  • Penumbra
    Penumbra
    Todo lo ve
    Oscuros clientes

    Película nacional de suspenso concebida por Ramiro y Adrián García Bogliano, los realizadores de la ciudad de La Plata que triunfan en el exterior con sus films de género.

    Luego del estreno comercial de Sudor Frío el año pasado, arremeten con Penumbra, un relato claustrofóbico que evidencia una narración depurada y un clima de agobio que se respira hasta los últimos minutos.

    Penumbra cuenta la historia de Marga (Cristina Brondo, quien antes trabajó bajo las órdenes de Darío Argento), una española que muestra su departamento en Buenos Aires a posibles inquilinos. Pero se da cuenta (un poco tarde) de que se trata de "clientes" peligrosos.

    El espectador ya intuye de antemano que algo va a salir mal, pero lo interesante es que no sabe de qué manera. El relato crea tensión y no deja de lado el humor a través de personajes que parecen salidos de una secta.

    El film de los Bogliano se convierte entonces en un envolvente e inquietante juego que echa mano a recursos vistos en títulos como La comunidad e incluso El bebé de Rosemary. El resultado es altamente favorable, está alimentado por presencias sospechosas y el costado fantástico dice poresente sobre el desenlace.

    Los cameos de Arnaldo André y Gustavo Garzón se suman al elenco integrado por Sebastián "Berta" Muñiz, Camila Bordonaba, Mirella Pascual y Victoria Witemburg. No es éste un film de terror en estado puro, ya que la balanza se inclina más hacia la creación de clmas y la locura que impulsa a los personajes. Por las dudas, si tocan timbre, pregunte antes de abrir.
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  • Viaje 2: La isla misteriosa
    Aventura que apunta a los clásicos

    Una aventura espectacular promete esta secuela ambientada en una isla que tiene extrañas formas de vida, montañas de oro, mortíferos volcanes y más de un secreto.

    Sin Brendan Fraser en el papel del tío que jugo cuatro años atrás en Viaje al centro de la Tierra, llega esta secuela de aventuras ahora protagonizada por el gigantesco Dwayne Johnson, más conocido como La Roca.

    Viaje 2: La isla misteriosa propone una mirada a los relatos del género (se viene Viaje a la luna) a partir de tres libros clásicos de Jonathan Swift, Stevenson y Verne que hacen referencia a una isla, que en la ficción, está en algún lugar del Pacífico.

    Contrastando el mundo moderno con la precariedad de la isla que da título al film, la historia no es otra cosa que una variante sobre la reconstrucción de una familia: un padrastro (Johnson) que intenta acercarse al hijo adolescente (Josh Hutcherson) y un abuelo (Michael Caine) que envía mensajes codificados desde algún lugar remoto.

    Esa isla que conocerán gracias a un piloto inexperto (Luis Guzmán, quien ofrece los toques de humor) y su hija adolescente (Vanessa Hudgens, la de High School Musical) que también harán lo imposible por permanecer juntos.

    El film hace gala del 3D, de los buenos efectos visuales y de los escenarios recreados digitalmente (el volcán en erupción y la ciudad de la Atlántida) cuando los protagonistas qudan varados en la isla y se ven diminutos ante lagartos, abejas y pájaros. Al igual que en Querida encogí a los niños, la película juega con las escalas y hasta se permite la búsqueda del Nautilus, la nave que el Capitán Nemo ha dejado abandonada en algún rincón del peligroso lugar.

    Con buenos momentos (aunque la primera es superior) el realizador Brad Peyton (Como perros y gatos 2) pone el acento en los escapes, travesías por cuevas y en algunos sobresaltos para los más pequeños. El segundo eslabón de la saga apuesta al universo de Julio Verne y combina acertadamente varios elementos, a manera de un tornado, para conquistar al público infantil.
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  • Los descendientes
    Padre en emergencia

    Nominado a cinco premios Oscar de la Academia de Hollywood, entre ellos, en el rubro de "mejor película", el nuevo trabajo de Alexander Payne construye una historia de recomposición familliar y de secretos que salen a la luz en los peores momentos.

    Los descendientes se establece en el drama y hasta se permite momentos de humor que siguen el estilo del realizador de Entre copas y Las confesiones del Sr Schmidt.

    George Clooney (nominado al Oscar) logra un trabajo conmovedor en el papel de Matt King, un padre de familia que debe hacerse cargo de sus hijas mientras su mujer permanece en estado de coma por un accidente ocurrido en el mar. Su rol le permite desarrollar dolor, sorpresa y torpeza.

    Sin problemas económicos y dueño de unas tierras heredadas en Hawaii, Matt intenta atar los cabos de un pasado que golpea en el momento menos indicado y lidiar con la crianza de Scottie (Amara Miller), su hija de diez años, y la adolescente Alexandra (Shailene Woodley) de quien estuvo distanciado. Un viaje junto a ellas (y con el amigo impertinente de la más grande) lo encaminará hacia la verdad, la toma de decisiones y el reencuentro familiar.

    La galería de personajes incluye a primos interesados que reaparecen por cuestiones económicas cuando se ponen en venta las tierras de los antepasados del clan; un agente de bienes raíces que dispara la trama hacia terrenos más comprometidos; amigos que saben más de lo que hablan y un suegro duro que le recrimina por el actual estado de la esposa de Matt.

    El relato, ambientado en escenografías naturales de impresionante belleza, está atravesado por una banda de sonido hawaiana que transmite los ecos de una tragedia y de una herencia familiar incalculable.

    Los descendientes hacen lo imposible por sobrevivir en un mar de conflictos y si salen airosos es por la solvencia del elenco juvenil y la presencia de Beau Bridges.
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  • La dama de hierro
    Gran lucimiento de Streep

    "Puedes rebobinar el pasado, pero no puedes cambiarlo" le dice Denis (un siempre destacado Jim Broadbent) a su mujer, Margaret Thatcher (Meryl Streep) en esta biopic que gira en torno a la vida de la ex-Primer Ministro Británica.

    Si algo queda claro desde el comienzo en La dama de Hierro es la carga emocional que Streep le imprime a su personaje, bajo la dirección de Phyllida Lloyd, con quien antes había trabajo en el musical Mamma Mía.

    El relato acierta en la forma de acercarse a esta dura mujer, amada y odiada, que trabajó en un almacén junto a sus padres cuando era niña y que ya se perfilaba como una líder con deseos de plasmar cambios. La película va y viene constantemente en el tiempo para mostrar además la faceta intima del personaje: la relación con su marido y con su hija.

    El caos social y político en el que se vio inmersa (atentados y olas de violencia) es reflejado en la mirada y las decisiones de una mujer que no dudó en llegar tampoco al conflicto bélico con Argentina por las Malvinas.

    En ese sentido, el film aborda este tema con imparcialidad y no se muestra ni piadoso ni aplaude la decisión de Thatcher (se destaca la escena en la que escribe cartas a los familiares de las víctimas inglesas) mientras alterna imágenes de archivo (nunca se ve a la verdadera Thatcher) con la dramatización que impulsa el relato.

    Streep encarna a la ex Primer Ministro Británica en un trabajo sublime: su mirada, su manera de caminar encorvada y su acento. El maquillaje resulta también impresionante y potencia su actuación (nominada en el rubro "mejor actriz" para la próxima edición del Oscar).

    No se trata de una biopic del estilo hollywoodense y, por momentos, puede resultar fría o idílica (el esposo muerto que se encamina hacia la luz) en exceso, pero una mujer delante y otra detrás de cámara le colocan la dosis justa de sensibilidad que la historia necesita.
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  • J. Edgar
    J. Edgar
    Todo lo ve
    El lado secreto del FBI

    El director Clint Eastwood aborda la vida pública y privada de uno de los directores más polémicos del FBI. J. Edgar, que se mantuvo a lo largo de ocho presidencias luego de fundar el organismo en 1924.

    El film va y viene en el tiempo (el segundo tramo resulta más interesante que el comienzo) y Eastwood echa mano a investigaciones, extorsiones y chantajes para situar la actividad del personaje principal, mientras propone un recorrido por gran parte de la historia norteamericana.

    Lo más interesante de J. Edgar reposa en la relación que el personaje mantuvo con su asistente Clyde (Armie Hammes), subdirector del FBI, compañero, confidente y algo más; la convivencia con su madre (Judi Dench) y la confianza depositada en su secretaria (Naomi Watts). El cineasta recurre a detalles y frases que pintan el universo íntimo del conflictivo líder del FBI. Y también hace referencia a un caso legal que termina con la pena de muerte (el secuestro de un bebé) y al pedido de más recursos y herramientras para poder manejar el organismo.

    Eastwood no desaprovecha la oportunidad que le da el guión de Dustin Lance Black (Milk) para meterse en el mundo del cine, donde desfilan fragmentos de films de James Cagney y hasta la recreación de la niña prodigio, Shirley Temple.

    En medio de un mundo que se muve por decisiones políticas, chantajes e información reservada, también el espectador accede el micromundo de un hombre (o dos) para espiar el peso de una educación materna severa que culmina en sentimientos reprimidos.

    Si bien no es la mejor película de Eastwood, queda claro que es un excelente director de actores: Leonardo Di Caprio (olvidado injustamente en las nominaciones para el Oscar) deja asomar la emoción a través de espesas capas de maquillaje y Armie Hammer lo acompaña con solvencia, silencio y convicción.
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  • Inmortales
    Inmortales
    Todo lo ve
    En busca del arco perdido

    Relato de aventuras que sorprende desde lo visual (son los mismos productores de 300) y juega con la mitología griega a través de luchas sangrientas y de alto impacto.

    Inmortales asegura que los Dioses del Olimpo no deben influenciar ni entrometerse en las luchas de los hombres. Pero aquí ocurre lo contrario. Teseo (Henry Cavill, quien será el nuevo Superman) es un esclavo (y la promesa de los Dioses para guiar a su pueblo) que jura vengar el aesesinato de su madre en manos del perverso Rey Hyperión (Mickey Rourke), quien junto a su ejército siembra el horror y el caos en su conquista por el mundo y se lanza detrás del arco mágico de Epiro.

    El relato se mueve entre las visiones de una pitonisa (Freida Pinto, de El planeta de lo simios) que involucran al protagonista y escenarios creados digitalmente que se ven potenciados por el uso del 3D. Inmortales es contundente desde lo visual (el uso de la cámara lenta, la sangre en primer plano, la impresionante dirección de arte) y también presenta una galería de personajes funcionales a la trama.

    Superando a su rival Furia de Titanes, y con la dirección del hindú Tarsem Singh (La celda), la película construye un mundo milenario y le agrega el toque fantástico para impulsar su imaginería visual: el cielo habitado por Dioses estilizados y con vestuario propio de un megashow en contraste con una tierra caótica (la aldea) en la que los hombres intentan sobrevivir.

    El film tiene la rapidez y certeza de una flecha y, cuando lo necesita, recurre a la fuerza (como el martillo, las armas o los tormentos utilizados por los villanos) para construír un héroe que quedará inmortalizado en una estatua.
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  • El amor de Tony
    El amor de Tony
    Todo lo ve
    Dos mundos en uno

    Un relato intimista es el que plasma la realizadora francesa Alix Delaporte para hablar de las segundas oportunidades y de la recomposición de dos vidas que terminan siendo una.

    El amor de Tony (Angéle et Tony) está ambientada en un pequeño puerto pesquero en Normandía. Angéle (Clotilde Hesme, con un rostro que se come la cámara) es una joven que acaba de salir de la cárcel y cuyo único objetivo es lograr la tenencia de su pequeño hijo Yohan, quien vive con sus abuelos paternos.

    Por otro lado, Tony (Grégory Gadebois) es un pescador que vive con su madre. Y, como en toda historia de amor que se precie de tal, sus mundos chocarán para seguir adelante.

    El film se toma sus tiempos y concentra el interés en su segundo tramo, con personajes que se mueven entre la necesidad de formar una familia, y un marco de huelgas pesqueras que los pone en jaque.

    La directora desplaza la atención desde una relación que, a priori, parece improbable, hasta la irrupción de Angéle en la vida de la madre de Tony, una mujer que no ve con buenos ojos su llegada y desconfía.

    A través de pequeñas postales (los paseos en bicicleta o la imagen final) y la de un barco que se posa en las tranquilas aguas del mar para descomprimir la tensión de la trama, El amor de Tony echa una mirada personal y busca la resignificación del amor a partir de los pliegues emocionales que tienen los protagonistas. Que no son pocos.
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  • La última noche de la humanidad
    Invasión con poca electricidad

    Una invasión aliénigena tiene como escenario a la ciudad de Moscú y a un grupo de jóvenes sobrevivientes.

    El tema de las invasiones alienígenas fueron y son moneda constante en el cine. Lejos han quedado las épocas de extraterrestres bondadosos y comprensivos, dejando lugar a criaturas que vienen a conquistar el planeta Tierra.

    En La última noche de la humanidad, el planteo resulta interesante aunque va perdiendo interés y utiliza los mismos recursos a lo largo de todo su metraje. Extrañas formas de energía descienden a la ciudad de Moscú y la convierte en un lugar desierto. Los protagonistas, dos amigos norteamericanos (uno de ellos es Emile Hirsch, el actor de Meteoro), viajan al lugar por motivos laborales, son traicionados y se verán sorprendidos además por esta invasión extraterrestre.

    Atrapados, luchando codo a codo con el hombre que les robó un proyecto, y en medio de un marco apocalíptico (sorprenden los escenarios naturales sin gente), los chicos deben luchar por su supervivencia, Y se sumarán otros con mayor o menor suerte.

    Si la primera media hora del film resulta atrapante, lo que sigue es un rutinario relato que propone escapes, personajes escondiéndose de las fuerzas siniestras que los amenazan y que los aniquilan. Aquí los humanos se desintegran como les ocurría a los "invasores" en la vieja serie de televisión.

    El director Chris Gorak tiene en sus manos todo el despliegue para sorpender al espectador, pero sólo pone el acento (trabajó en la dirección de arte de El club de la pelea y Sentencia Previa) en los escenarios y se olvida de la tensión y del suspenso. Lo que se dice una invasión sin demasiada electricidad.
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  • Agua y sal
    Agua y sal
    Todo lo ve
    La aspiración de ser otro

    Un hombre aspira tener otra vida en este relato que fusiona dos historias: la de un marinero y otro que busca ser padre.

    Se perciben las buenas intenciones de este relato que fusiona dos historias, pero que peca de desparejo a la hora de trasladarlas a la pantalla grande.

    El tema del hombre que aspira tener "otra vida" y los deseos de formar una familia son los móviles de Agua y Sal, que cuenta dos historias -ambas protagonizadas por Rafael Spregelburd, el mismo actor de El hombre de al lado - que se irán juntando cerca del cierre de la película.

    Un hombre de buen pasar económico pasea por el puerto de Mar del Plata con su bella mujer (una correcta Mía Maestro) y se saca fotos, mientras la cámara se detiene en un pescador apodado “Biguá”, un hombre que conoce el mar como la palma de su mano y que se ha enamorado perdidamente de una adolescente (Paloma Contreras) que espera un hijo suyo.

    Agua y Sal juega con las dos historias, ofrece datos interesantes en la pintura de personajes (la familia de la chica, el duro trabajo a bordo de un barco) en la primera parte, pero decae en interés y emoción en su segundo tramo.

    La búsqueda de una familia, los sueños a distancia y la necesidad de un hijo que no llega son reflejados a partir de dos mundos opuestos y contrastantes, como lo indica el título del film.
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  • Las aventuras de Tintín
    Aventuras, misterio con espíritu de comic

    Vertiginosa y abrumadora son las palabras que definen la nueva película dirigida por Steven Spielberg, producida por Peter Jackson y basada en la serie de historietas creadas por Georges Remi (Hergé).

    Concebida con la técnica de "captura de movimiento" (al igual que El expreso Polar o Beowulf), Las aventuras de Tintín: El secreto de Unicornio sigue los pasos del joven periodista de jopo firme y fuertes convicciones (Jamie Bell, el actor de Billy Elliot), cuyo mundo cambia radicalmente cuando compra la maqueta de un barco en una feria de antiguedades. El juguete esconde algo misteroso en su mástil.

    Sin saberlo, y advertido por extraños personajes, el jovencito comenzará a ser perseguido sin descanso y, entre sus fieles aliados, se encuentran su perrito Milú; la pareja de detectives Hernández y Fernández (Simon Pegg y Nick Frost, la dupla de Arma Fatal y Paul) y el Capítán Haddock (Andy Serkis).

    El film de Spielberg respira el aire clásico de aventuras, y suma misterio e intriga a una trama plagada de peligros. Como en una vieja película de piratas con villano incluído (Daniel Craig) y transiciones creativas y muy bien resueltas (del mar al desierto), la acción dice presente en toda la historia y no deja de lado el tono de la historieta.

    Todo en uno y por el mismo precio. Los rubros técnicos sorprenden por su calidad, desde los movimientos, las texturas y la iluminación realista hasta las acciones secundarias ricas en detalles.

    Un viejo tesoro, un anciano que roba billeteras, un pasado tenebroso y una secuencia impactante con grúas en el puerto, constituyen los eslabones de esta aventura espectacular atravesada y potenciada tambien por la envolvente banda musical de John Williams. El "dream team" soñado deja la puerta abierta para una segunda parte.

    NOTA: El guión del film está basado en cuatro de las historias del cómic: "El cangrejo de las pinzas de oro", "La estrella misteriosa" y el díptico" El secreto del unicornio" y "El tesoro de Rackham el Rojo".
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  • Alvin y las ardillas 3
    Ardillas náufragas

    Los personajes aplaudidos por el público infantil vuelven por tercera vez en este relato que combina acción en vivo y animación, además de los números musicales que los hicieron famosos.

    Alvin, sus compañeros y las Chipettes se embarcan en un lujoso crucero para participar de un Festival Musical, pero las cosas no salen como se esperaban y terminan como náufragos en una isla abandonada.

    Con este esquema, Alvin y las ardillas 3 repite la fórmula de las dos anteriores (un representante que las quiere y necesita y a quien le complican permanentemente la vida) y agrega un tono de aventura con referencias a Náufrago, de Robert Zemeckis.

    Una picadura que cambia el comportamiento de uno de los personajes, un tesoro oculto en la isla y la presencia de una joven que ha quedado varada desde hace años en el remoto paraje, son algunos de los condimentos que entrega este tercer eslabón. Los más chicos seguramente la disfrutarán y pasarán noventa minutos entre pasos de salsa, volcanes en erupción y rostros angelicales. No mucho más que eso y una correcta amalgama entre actores y animación.
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  • Un zoológico en casa
    Rugidos y lágrimas

    El director Cameron Crowe logra un relato emotivo de gran impacto que habla sobre los vínculos familiares, el amor a los animales y las ausencias que marcan la vida de los personajes.

    Basada en las memorias de Benjamin Mee, Un zoológico en casa recorre la vida de un aventurero y redactor (Matt Damon) que intenta sobrellevar la pérdida de su eposa, mientras convive con su pequeña hija, su hijo adolescente y mantiene un estrecho vínculo con su hermano (Thomas Haden Church). Benjamin se gasta todos sus ahorros al comprar una propiedad que tiene un ruinoso zoológico con más de doscientos animales.

    Aunque la ficción se ambienta en el Rosemoor Wildlife de Los Angeles, el verdadero zoológico, el Dartmoore Zoological Park, se encuentra en Londres.

    El ciclo de la vida y de la muerte queda plasmado con convicción por el realizador de Jerry Maguire, Casi famosos y Todo sucede en ElizabethTown, que encontró el material adecuado y a los intérpretes ideales para emocionar al espectador.

    Al buen diseño de los personajes, como el hombre de familia en busca de la superación personal y familiar o la presencia de la directora del zoo, encarnada por Scarlett Johansson; se suman oportunos toques de humor a cargo del equipo que comanda el zoológico o el estricto funcionario que tiene que habilitar el lugar para su reapertura. Entre rugidos y lágrimas, cada pieza encuentra el tono adecuado en esta película pensada para la familia.
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  • La última mirada
    El escritor oculto

    Un buen drama nacional de Víctor Jorge Ruiz que se sumerge en el pasado nefasto de la Argentina y deviene en un relato de suspenso con venganzas en primer plano.

    Gonzalo (Eugenio Roig) es un escritor argentino, criado por sus tíos en España, que regresa al país para terminar una novela sobre sus padres y tomar venganza contra el asesino de éstos, un ex-comisario (Arturo Bonín) que vive cerca del lugar donde se hospeda.

    La trama lo cruza también con la hija de su enemigo (Victoria Almeida), de quien se enamora, mientras continúa con su investigación que tambíen pone en dudas el pasado de la joven y la relación con sus padres.

    La última mirada, que llega con dos años de retraso, es la imágen que conserva Gonzalo de su madre, lo único que lo ata a un presente desolador. El director de Flores amarillas en la ventana, construye una historia que va agregando detalles a cada minuto: las muestras de ADN; Katja Alemann, una médica que sufre los embates de su profesión en un mundo inhóspito; los animales que aparecen muertos a balazos y el inglés que comienza a sospechar del comisario. Todos los personajes que desfilan por la trama afrontan sus propias dudas.

    Un tema recurrente del cine nacional desde La historia oficial y La noche de los lápices hasta Garage Olimpo y La mirada invisible, es plasmado acá con intriga y galopa hacia un desenlace con envoltorio de thriller. La búsqueda de la identidad y el conflicto creativo del escritor sirven para contar una historia que desgraciadamente conocemos todos.
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  • Terror en lo profundo 3D
    El miedo está sólo en la superficie

    La paranoia nacida en el agua tuvo múltiples variantes en la pantalla grande, pero nadie se animó con la remake de Tiburón, de Spielberg. Sin embargo, derivados de todo tipo llegaron al cine, como este producto que lleva la firma del David R. Ellis.

    Realizador de Celular (su mejor película hasta el momento), Terror a bordo y Destino Final 3D, entre otras, el cineasta coloca una vez más al espectador en el ojo del peligro: un lago en la zona cercana al Golfo de Louisiana, plagado de diferentes clases de tiburones. La trama develará el por qué.

    Y como para no traicionar al género, un grupo de adolescentes viaja a una casa de fin se semana para encontrar una verdadera pesadilla en lugar de diversión. Con este sencillo esquema alimentado por chicas y chicos seductores (uno de ellos posa desnudo para pintores), Terror en lo profundo (Shark Night 3D) repite el esquema, pero aquí los verdaderos villanos no son los escualos.

    Con un comienzo que recuerda al film de Spielberg, el resto continúa con los protagonistas atrapados en una casa de fin de semana y pidiendo ayuda; motos de agua que aceleran a fondo; un sheriff más preocupado por tomar cerveza que por ayudarlos, y un novio del pasado que resurge de las profundidades para cambiar la suerte de los jóvenes ingenuos. En tanto, los tiburones hacen de las suyas y devoran todo lo que encuentra a su paso.

    Sólo una secuencia de fuerte impacto, que tiene que ver con la moto de agua, es la que se lleva los aplausos. En ese sentido, y con sus años a cuestas, Alerta en lo profundo, de Renny Harlin, lograba inquietar y sacudir al espectador. Acá todo es rutinario, con escaso clima de suspenso en una historia poco creíble. El verdadero miedo aparece sólo...en la superficie.
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  • Canciones de amor
    Acordes sobre la fragilidad de las relaciones

    Con cuatro años de retraso llega este relato atravesado por canciones que interpretan los actores. No es una comedia musical y ni siquiera pretende serlo. Se trata de un film sobre dos jóvenes parisinos que deciden quebrar los límites y experimentar con la fragilidad de las relaciones.

    Ismael (Louis Garrel, el mismo de Los soñadores) y Julie (Ludivine Sagnier, rostro de las películas de Francois Ozon), son novios e invitan a Alice (Clotilde Hesme) a vivir (y dormir) con ellos.

    La película de Christophe Honoré (Los bien amados es su más reciente creación) está estructurada en tres capítulos: La partida, La ausencia y El regreso. En la primera, la muerte golpea inesperadamente al protagonista y la tragedia queda plasmada en instantáneas fotográficas en blanco y negro.

    En La ausencia, el espectador se acerca a la angustia, a la llegada de un nuevo "amigo" de Ismael y ve cómo queda su vínculo con Alice, la tercera en discordia. Y el episodio final, propone un ordenamiento afectivo y existencial de los personajes.

    Las canciones que se escuchan fueron compuestas por el mismo director antes del rodaje de la película, y aparecen como aporte dramático de los intérpretes para que la acción continúe. No se trata de letras pegadizas, sino de diálogos musicalizados.

    Filmada en la calle y en interiores, este film resulta curioso y, a la vez, bienvenido por su formato original. Una historia de amor y desarmor bien actuada por un sólido elenco. Triángulo amoroso, conquista homosexual y convivencia con las ausencias, constituyen los ejes de la trama.
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  • El juego de la fortuna
    El campo de los sueños

    Las películas de corte deportivo no han tenido demasiada suerte en nuestro país. Ahora es el turno de este film protagonizado por Brad Pitt y basado en un hecho real.

    El actor de El árbol de la vida encarna a Billy Beane, un ex beisbolista y Gerente General de los Oakland Athletics, quien tuvo la difícil tarea de sacar adelante a un equipo de beisbol pobre en recursos y resultados. En su odisea se ve respaldado por Peter Brand (Jonah Hill, el actor de comedias como Superbad) quien a través de un software de análisis de datos y estadísticas, buscará a los jugadores más “baratos” y con buenos rendimientos, que pasan desapercibidos y que fueron echados a la banca en otros equipos.

    El juego de la fortuna es una película de más de dos horas que resulta agobiante si no fuera por el buen desempeño de Pitt; la convincente presencia (corta) de Phillip Seymour Hoffman, como el entrenador del equipo, y la de Jonah Hill, que es, lejos, lo mejor de la realización.

    Entre apuestas, negociados, pase de jugadores, el film no ofrece mucho más que eso y pasea al espectador por varias décadas, dejando el claro que el juego es el que manda y que por él, el protagonista se puede distraer de los requerimientos de una hija adolescente que al final le dedica una canción.

    El resto son números, negociaciones y un clima del que probablemente el espectador permanecerá ajeno, no porque no esté logrado, sino porque es un tema muy localista. El director Bennett Miller logró un contagioso romance en Capote, pero aquí ni el fervor ni la pasión por el deporte se transmite a la platea.
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  • El gato con botas
    De forajido a héroe seductor

    El popular personaje, que apareció desde la segunda entrega de la saga Shrek, tiene brillo propio y ahora su película, que cuenta con la dirección de Chris Miller (Shrek Tercero).

    Gato con Botas muestra la transformación del felino, de forajido a héroe, en esta aventura pensada para toda la familia y que lo sitúa antes de su encuentro con el Ogro verde. Entre su crianza en un orfanato, escapes y vuelos al mejor estilo Kung Fu Panda, el Gato con Botas (con la voz de Antonio Banderas) se encuentra al borde del precipicio: quiere robar unos frijoles mágicos que hacen crecer una planta que llega al castillo de los gigantes, y esconde un tesoro de huevos de oro.

    En su intento se topará con dos feroces guardianes, Jack y Jill; con Kitty Patitas Suaves (Salma Hayek), una gatita enmascarada, y con Humpty Dumpty. Lo más interesante del relato descansa en el ritmo impreso por el director, en los toques fantásticos instalados en una trama que tiene su espíritu de "western" y que tampoco deja de lado los números musicales con aire flamenco.

    Seductor, aventurero, fiel a su vaso de leche y con las Botas puestas, el personaje promete volver con más aventuras. Los rubros técnicos son impecables, como se acostumbra en este tipo de realizaciones, y ricos en detalles. Los momentos de humor (los gatitos que intentan atrapar luces reflejadas en la pared) y la secuencia final, sintetizan un gran poder de observación del mundo felino. El resto, es puro entretenimiento.
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  • La mala verdad
    La mala verdad
    Todo lo ve
    El lobo disfrazado de cordero

    En su segunda película como director, Miguel Angel Rocca aborda un tema difícil como el abuso infantil a través de una historia marcada por las sutilezas y los buenos climas que genera.

    La Mala Verdad comienza y termina de la misma manera: Bárbara (Ailén Guerrero), un niña de diez años de aspecto triste, entona una canción que sintetiza la idea central del relato. Su comportamiento en el colegio despierta la sospecha de su maestra (Jimena Latorre) y de Sara (Malena Solda), la psicopedagoga del instituto. Su madre (Analía Couceyro), su padre (Carlos Belloso) y Ernesto (Alberto De Mendoza), su abuelo, conforman un panorama familiar que se debate entre las obligaciones diarias en una librería y una convivencia "apacible". Pero Ernesto no es lo que parece.

    Con este esquema, la trama coloca a los vínculos en primer plano con la presencia de un "lobo disfrazado de cordero" en el seno familiar. Uno de sus méritos del film es el tratamiento que se le da al tema y su capacidad dramática para trasladarla al espectador. El orden cotidiano se trastoca lentamente y el horror profundo está más cerca de lo que uno supone.

    La Mala Verdad da en el blanco, resulta creíble (el encuentro de Sara con la mamá de Bárbara; los dibujos que hace la niña y que hablan por sí solos; la negación, la verguenza y el hecho de no poder gritar) y se ve respaldada por las buenas composiciones del elenco.

    Alberto De Mendoza vuelve al cine con un papel oscuro, siniestro y construído a partir de una fachada amable; Malena Solda (el cine debería tenerla más en cuenta) le brinda carnadura a su personaje al acercarse a la pequeña protagonista, y Analía Couceyro, quien propone un juego de miradas y silencios que la colocan en un standby emocional. El espectador se irá empapando de una "inocencia interrumpida" gracias a la presencia de la niña Ailén Guerrero.
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  • El precio del mañana
    El tiempo se cotiza

    El tiempo se cotiza y los personajes de esta película de ciencia-ficción comienzan una carrera desesperada por la supervivencia. El escritor y director Andrew Niccol (Simone) abre un planteo inquietante (más que la película que tiene entre manos) concebido con aires "retro".

    En un futuro no muy lejano (y con un ambiente muy similar al actual) el tiempo es literalmente dinero y la gente necesita controlarlo mediante relojes implantados en sus brazos, antes que la cuenta llegue a 0. Con la búsqueda de la eterna juventud ("Si nadie muere no entraríamos en el planeta"), todos intentan heredar, robar o recibir segundos, minutos y horas de supervivencia.

    En El precio del mañana (In Time), Will Salas (Justin Timberlake) ayuda a un joven que escapa y, sorpresivamente, se hace acreedor de cien años de vida. Por supuesto que esto es sólo un privilegio de los ricos y comenazará a escapar con la ayuda de la hija (Amanda Seyfried) de un poderoso para luchar contra un sistema corrupto.

    El film no es otra cosa que un relato de acción con un envoltorio de ciencia futurista, ambiciones desmedidas y villanos que se lanzan tras los pasos de los protagonistas. El actor Cillian Murphy (otra vez en el rol de malo como en Vuelo nocturno) hará lo imposible (y no es el único) para atraparlo.

    El film de Andrew Niccol entretiene con sus cuotas de acción y persecuciones automovilísticas (autos acorazados) y, si por momentos se torna reiterativo, se debe a los recursos de las "muertes". El deseo de salvar al ser amado (¿De qué sirve vivir para siempre si no están todos los que uno quiere?") antes de que el tiempo expire encuentra en la historia un móvil poderoso para retener a madre, amigo o amante.

    Justin Timberlake se sigue consolidando en el mundo del cine, luego de La red social y la comedia Amigos con derechos, y está acompañado por Amanda Seyfried, una actriz en ascenso a quien pronto veremos en Gone. Acá ostenta pelo rojizo, corte carré y muchas ganas de correr.
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  • Lo siniestro
    Lo siniestro
    Todo lo ve
    Terror nacional con un debut prometedor

    Ambientada en un pueblo cercano al mar, esta producción nacional de terror juega con las presencias fantasmales, el pasado que golpea en el presente y con los miedos infantiles. Se trata de la ópera prima de Sergio Mazurek.

    El director aparece rodeado por gente que conoce y viene del género de terror: Daniel De la Vega, en la cámara; Damián Rugna y Nicanor Loretti, en el guión; y Fabián Forte, en la asistencia de dirección. Lo siniestro encuentra su estreno comercial luego de títulos locales como Visitante de invierno y Sudor frío. Las realizaciones de este tipo van logrando lentamente su espacio en el mercado, y el film cumple con su fantasmagórica misión de inquietar (más que asustar) al espectador con los recursos del género.

    Clara (Paula Siero), una mujer que mantiene una relación conflictiva con su esposo (Carlos Echevarría) vuelve a la casa donde pasó su niñez ("Tengo la infancia completamente borrada"). Atormentada por pesadillas, el extraño comportamiento de los lugareños y el encuentro con su abuelo (al que creía muerto) complicarán su estadía. En su tenebrosa búsqueda la acompañará el encargo del destacamento (Luis Ziembrowski) del lugar.

    "El secreto está guardado en esta casa desde hace mucho tiempo. Esperando por vos" asegura uno de los personajes de este relato que empieza mejor de lo que termina pero que, aún con sus desniveles, atrapa hasta el final. Un debut prometedor, entre sótanos misteriosos, muertes y escalones que llevan al infierno.
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  • Fuera de la ley
    Fuera de la ley
    Todo lo ve
    Sin salida

    La vida de gente común que sorpresivamente aparece atrapada en un espiral de engaños, conspiraciones y violencia ha sido llevada a la pantalla grande en numerosas oportunidades. Ahora es el turno del australiano Roger Donaldson, el mismo director de Sin salida y Arenas Blancas.

    En Fuera de la ley se pone en juego y se altera el orden cotidiano de Will Gerard (Nicolas Cage), un profesor de secundaria de Nueva Orleans, casado con una brillante violonchelista (January Jones). Luego de un salvaje ataque sexual que sufre su esposa, Will acepta la propuesta de un hombre desconocido (Guy Pearce) para hacer justicia al instante.

    El riesgo y la necesidad de ver al responsable muerto lo harán conocer un mundo desconocido, una organización de "vigilancia" en la que no todo es lo que parece. El film elige el vértigo y la intriga antes que la acción para contar esta historia donde todo encaja como en un rompecabezas. Y donde las fichas son personas.

    El protagonista es perseguido por policías que lo creen culpable de un crimen que quedó registrado en una cámara de seguridad y con el correr de los minutos la cuestión se dará vuelta.

    Narrado con precisión, el relato tensa la cuerda del suspenso y lo hace con buenos recursos (las pistas que Will deberá seguir casi al borde de la locura o la persecución a un supuesto pedófilo) que colocan a personajes secundarios en el ojo de la sospecha.

    Fuera de la ley es un thriller convincente por las vueltas de tuerca que presenta y porque cuenta con un Nicolas Cage creíble, más sólido que en los últimos (y olvidables) trabajos que hizo para el cine. Acá es un hombre cuyo mundo parece sucumbir, entre apariencias engañosas, tiroteos y asesinatos.
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  • Las acacias
    Las acacias
    Todo lo ve
    Una ruta con sorpresas

    Después de haber participado en numerosos festivales y de recibir tres de los principales premios del apartado Semana de la Crítica en el Festival de Cannes, la ópera prima de Pablo Giorgelli llega a las salas argentinas.

    Las acacias es un relato conmovedor realizado con pocos elementos y con la emoción colocada en primer plano. En ese sentido, recuerda a Historias mínimas, el filme de Carlos Sorín. Acá la ruta se convierte en un inesperado lugar de encuentro entre seres solitarios.

    La trama es sencilla: un camionero tosco y de pocas palabras (Germán de Silva) recorre por cuestiones laborales la ruta que une Asunción del Paraguay con Buenos Aires. Sólo que esta vez tiene un encargo: llevar a una mujer paraguaya (Hebe Duarte) y su beba, a destino.

    El realizador Pablo Giorgelli entrega una película minimalista, construída con escasos diálogos, cruces de miradas y miles de kilómetros que se convierten en un verdadero desáfío para los protagonistas. El tiene una coraza, hace ocho años que no ve a su hijo y su mejor amigo es el camión en el que transporta troncos de acacias. Ella, con su hija a cuestas, es una mujer sola que busca nuevas oportunidades en la ciudad.

    Tensa y distante al comienzo, la travesía se verá enriquecida por detalles que harán que los tres se vayan encontrando en un mundo tan pequeño como prometedor. ¿Cómo hacer para que un relato de estas características interese al público?. La respuesta es sencilla: a veces menos es más. El realizador plasma en bellas imagenes la soledad, el dolor y la pérdida en la boca de personajes que ansían formar una familia. Cuando se cae el cascarón, las emociones y los sentimientos largamente postergados empiezan a girar como las ruedas del inmenso transporte. Y a gran velocidad.
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  • Amanecer - Parte 1
    Una Bella entre colmillos, pañales y aire carioca

    La saga Crepúsculo continúa y en esta nueva entrega aprovecha con buenos recursos las vueltas de tuerca que ofrece el relato. Rodada de manera conjunta con Amanecer (Parte 2), que se verá en noviembre del año próximo, el nuevo eslabón de la saga protagonizada por humanos, vampiros y hombres lobos encuentra a los personajes un paso adelante: han crecido, deciden dejar el hogar paterno y construír su propia familia.

    El director Bill Condon elabora un melodrama con toques fantásticos y cambia el eje de la acción. La boda de Bella (Kristen Stewart) y Edward Cullen (Robert Pattinson) está organizada, todos reciben invitaciones para la fiesta y el lugar elegido para la luna de miel es Río de Janeiro.

    La decisión (y el riesgo) de Bella de unirse al clan de los inmortales desata una ola de acontecimientos peligrosos cuando queda embarazada y se convierte en un "objeto de protección" de los Cullen y del enemigo de los vampiros, Jacob (Taylor Lautner), el amor de su juventud que se transforma en licántropo.

    Entre luchas sin cuartel que se tejen entre los clanes que quieren destruírla y aquellos que la protegen ser una "elegida", la película entretiene e imprime su aire romántico en el primer tramo para luego desatar la acción.

    Basado en la obra de Stephenie Meyer, y con guion de Melissa Rosenberg, el film juega con el tema del embarazo (la vida y la muerte) a través de imágenes que inquietan; un "flashback" que muestra el pasado de Edward como asesino de "hombres perversos" y la idea de la continuidad de la especie que aparece teñida de color sangre.

    Entre aguas calmas recortadas por la luz de la luna, Bill Condon acierta en la creación de atmósferas seductoras y pesadillas (las luchas de los lobos es reiterativa) y en la nueva "vida" que le espera a Bella. Amanecer (Parte 1) termina justo en el momento más atrapante y habrá que esperar un año para conocer el desenlace de un producto pensado para público adolescente que ha dejado 1.8 mil millones de dólares en las boleterías de todo el mundo. Acá los colmillos dejan lugar al encanto, al sexo, la sorpresa y al parto, como ocurría en El monstruo está vivo!.
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  • El invierno de los raros
    Confusas historias de vida

    Seis personas en busca del amor y en plena crisis aparecen inmersas en un pueblo que no les ofrece mayores posibilidades. Bajo la batuta del director Rodrigo Guerrero, la película cordobesa también agrega el frío como otro personaje más de la historia.

    Una bailarina que tendría, según su madre (Coni Vera), mayores opciones laborales en la ciudad de Buenos Aires; una joven y su relación con un chico de campo (Lautaro Delgado); una mamá alterada; un hombre (Luis Machín) que persigue a su "presa" sin saber bien por qué y una joven que siente que perdió su lugar, constituyen el motor de la trama. Los caminos de estas criaturas se cruzan en una historia que no siempre convence y resulta incompleta.

    Poco se sabe lo que les ocurre o lo que les pasó. Simplemente, están ahí y deambulan con su andar cansino. A la buena pintura del pueblo y de sus costumbres, se agregan diálogos forzados, muchos minutos de más y una banda sonora que distrae de la parsimonia del lugar. El invierno de los raros es un buen intento, pero queda a mitad de camino porque peca de pretenciosa.
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  • Un amor
    Un amor
    Todo lo ve
    Nostalgias de un pasado que dejó sus marcas

    Un notable relato plagado de nostalgia, emoción y romance es el que impulsa la realizadora Paula Hernández y, para lograr su objetivo, cuenta con intérpretes de primer nivel.

    Un amor es un viaje al pasado que tiene sus repercusiones treinta años después, en un presente incierto y dominado por soledades e inseguridades. Con este esquema, la película hace foco en las vidas de Lalo (Luis Ziembrowski) y Bruno (Diego Peretti). El primero trabaja en un taller mecánico reparando kartings y en el mismo pueblo que nunca abandonó. Bruno escribe guiones en la ciudad y pudo construír su familia. Y la tercera en cuestión es Lisa (Elena Roger), la mujer que vuelve al país para reunir los cabos sueltos de una adolescencia marcada por el romance y la pasión.

    Los tres vértices de este triángulo están signados por una vida rutinaria y sin demasiadas sorpresas, cuyas piezas se reordenarán a partir de un reencuentro que trae recuerdos de un despertar (sexual) que los marcó para siempre.

    Al igual que en Herencia y Lluvia (los anteriores filmes de Hernández), los personajes hacen lo que pueden para sobrellevar sus vidas. La película transmite una sólida atmósfera dramática como consecuencia del buen manejo de tonalidades que imprime la directora: lo que no se dice y está presente, las pausas, las miradas y la pintura de una época que pasó. Su trabajo fusiona pasado y presente con la misma fuerza con la que Lisa irrumpe en la trama hasta el desenlace.

    Además de los intérpretes antes mencionados, se destacan Agustín Pardella, como el Lalo adolescente; Alan Daicz, como Bruno a los catorce años y Denise Groesman como la lanzada Lisa. Por su parte, la actriz de Piaf, Elena Roger, hace un debut más que promisorio en la pantalla grande con un personaje que transfiere confusión en las vidas de estos tres adultos. ¿O todavía jovencitos inexpertos?.
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  • La profecía del 11-11-11
    El lobo disfrazado de cordero

    La nueva creación de Darren Lynn Bousman, responsable de las tres partes de la saga El juego del miedo, intenta abrir la puerta que permite el acceso de criaturas demoníacas.

    En ese sentido, La profecía del 11-11-11 se alimenta del clima oscuro de títulos como La profecía y Hellraiser, pero queda a mitad de camino al plasmar una historia que acumula diálogos, simbolismos, fe y escaso clima pesadillesco.

    Un escritor que ha perdido a su familia (Timothy Gibbs) se ve obligado a viajar a Barcelona para acompañar a su padre, el cura de una pequeña congregación, en sus últimos días y, a su hermano (Michael Landes), también sacerdote, que se encuentra postrado en una silla de ruedas.

    Una vieja mansión que registra presencias perturbadoras a través de monitores se convierte en el nuevo escenario del horror para el protagonista, quien además lucha contra sus demonios internos.

    El número 11 aparece como símbolo de amenaza y horror en su vida y deberá luchar para descubrir la verdad porque la nueva fecha se acerca y todos aquellos que lo rodean corren peligro.

    El film desaprovecha el clima opresivo del comienzo (sólo potenciado en las escenas finales) y se limita a mostrar el peregrinaje de una serie de personajes ambiguos: el ama de llaves, la compañera de terapia, el hermano postrado y un padre que, al borde la muerte, advierte el peligro que se avecina.

    El resto es rutinario y modesto en recursos: todo sucede entre presencias que se ocultan en las sombras, el hijo que reaparece cual fantasma, extrañas raíces que cruzan la casa y un libro oculto. Lejos de sorprender al espectador, el relato lo sumerge en una trama que juega con el "lobo disfrazado de cordero".
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  • La piel que habito
    Almodóvar regresa con la precisión de un cirujano

    El cineasta Pedro Almódovar arremete con sus obsesiones en una película diferente en su carrera y se reúne, después de veinte años, con Antonio Banderas.

    La piel que habito, una historia sobre la identidad, la transformación, la venganza y la espera, está narrada con la precisión de un cirujano y alimentada por varios géneros. En la trama dicen presente la ciencia-ficción, el drama, el policial y el terror, pero también las pasiones desenfrenadas que llevan el estilo de un narrador que salta en el tiempo para contar su historia de locura y encierro.

    La acción se ambienta en El Cigarral, una masión aislada (al mejor estilo Frankenstein) donde habitan el Dr. Ledgard (Banderas), un cirujando plástico, y su fiel ayudante Marilia (Marisa Paredes). Allí, incansable, el médico desarrolla una piel artificial con la que podría haber salvado a su esposa que sufrió graves quemaduras en un accidente automovilístico. Doce años después, consigue cultivarla en su propio laboratorio gracias a la terapia celular. Pero necesita a un "Conejillo de Indias", Vera (Elena Anaya) para probar su experimento.

    El film está atravesado por el suspenso y da rienda suelta a un juego perverso que se irá construyendo con el correr de los minutos. La piel que habito acierta en los climas (pobre el incauto que ingresa disfrazado en la mansión) y sorprende al espectador más experimentado por el vuelco que da la trama.

    Crimen y misterio se conjugan en un eterno juego entre "el cazador y su presa", como si se tratara de un film del italiano Darío Argento, en el que el bisturí y las pinzas están servidas en bandeja.

    El sólido elenco encabezado por el actor de La ley del deseo y Atame se completa con las convincentes actuaciones de Marisa Paredes (un rostro inevitable en films de Almodóvar), Elena Anaya, Jean Cornet y Susi Sánchez.
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  • Antes del estreno
    Actriz y director en crisis

    Inspirada libremente en Opening Night, de John Cassavetes, la nueva película del director Santiago Giralt explora la conflictiva relación entre una pareja con una hija durante un fin de semana en una casa de campo.

    Este es el comienzo de Antes del estreno, el film del creador de UPA! Una Película Argentina, Las Hermanas L y Toda la gente sola.

    Con una cámara que persigue sin descanso y desde atrás a sus personajes, la historia muestra a Juana Garner (Erica Rivas, una buena intérprete) y los días previos a su estreno como protagonista de una obra de teatro en el San Martín. Ella es alcohólica, confunde realidad y ficción y pasa letra todo el día. Su marido (Nahuel Mutti) es un director de cine en pleno bloqueo creativo. Y en el medio aparece una pequeña hija (Miranda de la Serna en una destacada labor) que es rehén de las inseguridades y tambaleo afectivo de sus padres.

    La película se limita a mostrar esos días turbulentos sin la existencia de un conflicto mayor que estalle. El director no cuenta mucho más que eso y al caos de la pareja se suma un matrimonio (el encarnado por Rodrigo de la Serna) con aires swinger, una periodista (Mónica Villa) y dos amigos, entre dosis de alcohol y drogas.

    Los anteriores trabajos de Giralt evidenciaban una búsqueda más interesante y atractiva de lo que plantea este film que lleva unos años en el arcón de los recuerdos. Se exhibirá en 4 salas: Espacio INCAA KM 0-Cine Gaumont, El Camarín de las Musas, Cine Soho (Honduras 4761) y Elefante (Soler 3964).
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  • La patria equivocada
    Esta película épica intenta reconstruír noventa años de historia argentina a través de las vivencias de sus personajes en una trama que fusiona confusamente amores y venganza. El director es Carlos Galettini, un hombre de vasta experiencia en el terreno cinematográfico (Ciudad del sol, Besos en la frente, Convivencia y la saga Extermineitors) que no encuentra aquí el rumbo de un relato que va y viene reiteradamente en el tiempo (con leyendas impresas en pantalla).

    La patria equivocada podría haber sido una buena película (está basada en el libro de Dalmiro Sáenz) con los elementos típicos de historia de acción desarrolladas en tiempos convulsionados. Sin embargo, se torna tediosa y poco creíble.

    Ambientada entre los años 1807 y 1898, la trama sigue los pasos de Clarita (Viale), que enamorada de Clorindo abandona un hogar de lujos y comodidades para acompañar los ideales de su marido. Viuda y embarazada, busca un nuevo destino para su hijo. Los descendientes de esta familia irán recorriendo la historia de la construcción de la Argentina. Y la tradición familiar continuará años más tarde con la nieta de la protagonista, Clara (también encarnada sin convicción por Viale) que cobrará venganza contra el teniente López (Adrián Navarro).

    Entre sucesos como el fusilamiento de los soldados patricios, la batalla de Curupayty en la Guerra de la Triple Alianza o la Conquista del Desierto, la película ofrece escenas de batallas, un desaprovechado "aire de western " y la espera como móvil para la venganza. Lástima que todo se ve teñido por diálogos recitados más que interpretados (a pesar de la correcta reconstrucción de época) en una historia sobre el coraje que cabalga marcha atrás.
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  • Violeta se fue a los cielos
    Una historia de canto y lucha

    Preseleccionada para representar a Chile por el premio Oscar, la película de Andrés Wood retrata a la artista Violeta Parra a partir del libro homónimo de su hijo, Ángel Parra.

    Violeta se fue a los cielos juega con los tiempos y muestra la carpa levantada en La Reina, donde Violeta vive con sus hijos y es visitada por personas que quieren escuchar su música, un arte tan personal como inclasificable que supo construír en base a trabajo, convicción y persistencia: "Escribe como quieras, usa las rimas que te salgan y prueba diversos instrumentos. Grita en vez de cantar".

    Entre pasado y presente, esta biografía atípica se convierte en una metáfora sobre las garras del poder. Violeta lucha por la supervivencia, perfecciona su arte, el canto y la guitarra, y hasta es humillada cuando en una fiesta la obligan a comer en la cocina. Pero también sufre por amor debido a una complicada relación con el músico suizo Gilbert Favré.

    El relato cautiva al espectador, lo introduce en un mundo de imágenes que se deberán ordenar hasta el trágico desenlace y emociona gracias a la magnífica composición de la actriz Francisca Gavilán. La intérprete transmite la mirada triste, la fragilidad, el aire combativo y la bronca retenida con total convicción.

    Violeta se fue a los cielos prescinde de contexto y referencias políticas pero acerca al público a "la voz de un pueblo" que en su momento no encontró ni oportunidades ni puertas abiertas.
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  • Los tres mosqueteros
    Espadachines en las alturas

    El clásico de aventuras de Alejandro Dumas, visitado por el cine en varias oportunidades, regresa con toques fantásticos y de la mano del cineasta Paul W.S. Anderson.

    El joven y arrogante D'Artagnan (Logan Lerman), entrenado para la lucha, se une a tres veteranos mosqueteros en este film que hace gala del espíritu de las viejas pelìculas de capa y espada (casi en desuso) y agrega un tono burlón sobre las ambiciones (y extravagancias) del poder en la corte del Rey Luis.

    Los protagonistas Athos, Aramis y Porthos enfrentan la conspiración del oscuro Cardenal Richelieu (Christoph Waltz, nunca en un personaje de bueno) y su doble espia Milady (Milla Jovovich, otra vez bajo las órdenes de su esposo, el creador de Resident Evil), quienes venden los diseños de una aeronave desarrollada por Da Vinci al inglés Buckingham (el verdadero villano del film, Orlando Bloom). El trío deberá recuperar, como si fuera poco, un valioso collar de diamantes que se encuentra en la impenetrable Torre de Londres y evita el caos.

    Los Tres Mosqueteros acierta en el ritmo (con sus enfrentamientos y peleas) y en el diseño de los personajes (el extravagante y amanerado rey). El resto incluye adrenalina; referencias a Indiana Jones cuando los personajes ingresan a la bóveda e imprime una estética renovadora con elementos anacrónicos para productos de este estilo: ralentado de imágenes; mecanismos propios de un film de Bond y embarcaciones que surcan los cielos y parecen salidas de un film de piratas.

    Las cadenas de mando, el compañerismo del grupo, las traiciones, las historias de amores imposibles y el escalafón de secuaces (uno con el ojo tapado) son incesantes y se ven además beneficiados por el uso del 3D, sobre todo en el desenlace. "Todos para uno y Uno para todos" deja abierta la puerta para la nueva aventura...
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  • Actividad paranormal 3
    El origen del miedo

    La película es la tercera (y debería) ser la última ultima entrega de la serie Actividad Paranormal, ya que cuenta el origen del miedo y el misterio que persigue a los personajes. La saga que comenzó en el 2009 funciona como precuela, lleva la acción hacia atrás, al año 1989, y muestra el horror que se esconde detrás de las hermanas Katie y Kristi.

    Actividad paranormal 3 (que no tiene nada que ver con la versión japonesa retitulada Actividad paranormal 0: El origen que actualmente está en los cines) repite la estructura de las anteriores y echa mano a los mismos recursos (aca la tecnología es el VHS) para asustar al público.

    En la historia, dos cámaras (una montada sobre un ventilador giratorio que permite un paneo permanente e interesante) graban todos los fenómenos que se registran en la habitación de las pequeñas y en el living de la casa a lo largo de 15 noches.

    Las víctimas en cuestión son las hermanas, ahora dos niñas desprotegidas que viven con su madre y la pareja de ésta, un aficionado del video que trabaja filmando casamientos.

    Sin demasiadas sorpresas, aunque con momentos escalofriantes que incluyen fantasmas con sábanas, puertas que se abren y cierran, un artefacto de luz que cae al piso, la película logra mantener la tensión explotando el tema de los miedos infantiles y los amigos imaginarios. Y no conviene dar más detalles de lo que se verá luego, cuando la familia aterrorizada deba mudarse (al mejor estilo Poltergeist) a la casa de la madre de la protagonista. Un tercer esbalón diabólico, retorcido, que juega con las luces y sombras de una saga que ha dejado millones de dólares en las boleterías de todo el mundo.
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  • Glee 3D
    Glee 3D
    Todo lo ve
    Recital por la inclusión

    La serie Glee que emite la señal Fox desde el 2009 se ha convertido en un verdadero fenómeno, al punto de que varias estrellas de la música ofrecieron sus temas para que los jóvenes intérpretes los recreen.

    Al igual que en Justin Bieber: Never say never, queda claro que la maquinaria se pone otra vez en marcha para mostrar "como se construyen nuevos ídolos de la música".

    En Glee 3D el tema de la inclusión es prioritario a lo largo de los ochenta minutos de metraje y el director Kevin Tancharoen (el mismo que llevó la serie Fama a la pantalla grande) se preocupa por remarcarlo. Altos, delgados, gordos, enanos, heteros o gays (como el testimonio de un chico que cuenta que se enamoró de su compañero de colegio) pueden formar parte del show y del éxito. Y se entiende aunque no hace falta aclararlo en todo momento.

    El documental despliega su arsenal de cámaras para mostrar lo que sucede en el recital: buenas voces, covers, temas populares y las infaltables coreografías que llevan adelante los integrantes de The Warblers.

    Este recital que sigue su marcha entre gritos, público de todas las edades y explosiones de humo blanco, será sólo disfrutado por los fans de la serie, que conocen y vida obra de los actores, pero de cine tiene sabor a poco....
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  • Don Gato y su pandilla
    Eternas estrellas animadas

    Los famosos personajes creados por Hanna-Barbera cobran vida una vez más en esta coproducción mexicano-argentina que llega de la mano del realizador Alberto Mar, responsable de la serie animada de El Chavo.

    Recordamos que Don Gato y su pandilla (Top Cat en el original) fue una serie animada integrada por 30 episodios en 1961 y emitida por la cadena ABC de los Estados Unidos.

    Respetando la estética y los personajes (con contorno negro en las figuras) que animaron las vidas de varias generaciones, la película goza (y no abusa) de los beneficios del 3D y ambienta su acción en Manhattan, en el callejón habitado por Don Gato y su pandilla de felinos holgazanes: Panza, Espanto, Demóstenes, Cucho y Benito, uno de los más recordados de la serie por sus comentarios inoportunos. Y, por supuesto, Matute, el policía de barrio que siempre está metido en problemas por hacer respetar la ley y, que ahora, quiere un tranquilo retiro.

    El film incluye la presencia del desagradable villano Buenrostro (Strictland), quien desea apoderarse de la ciudad gracias a la ayuda de robots programados para cumplir sus ambiciones.

    Entre marajás, adecuados toques de humor, persecuciones y una fuga de la cárcel, el relato hace gala de sus estrellas animadas sin traicionar el espíritu original de la serie y resulta recomendable para chicos de corta edad.
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  • Solos en la ciudad
    Del amor al reproche

    Después de una fiesta de casamiento, la pareja integrada por Santiago (Felipe Colombo), un profesor de historia y Florencia (Sabrina Garciarena), abogada con un futuro promisorio, decide ir a ver el amanecer a la Costanera. Y ahí estalla el conflicto de esta simpática comedia romántica de Diego Corsini que habla sobre las diferencias en la pareja y el aprendizaje que requiere toda situación amorosa.

    Solos en la ciudad muesta a Santiago y Florencia luego de una discusiión que los separa y los hace deambular por una ciudad que también les depara una galería de personajes que cambiarán sus vidas. Un amigo de la "noche porteña" que reaparece (Santiago Caamaño); un hombre obsesionado con la alimentación y la vida sana (Matías Scarvaci); una pareja que superó la crisis (Luciano Leyrado y Laura Azcurra), el padre de Florencia (Mario Paskik) que está preocupado por el futuro económico de su hija; además de una alumna y una ex que se agregan a esta acuarela urbana tan reconocible y, al mismo tiempo, peculiar.

    El realizador echa mano al recurso de la pantalla partida (en las conversaciones telefónicas) y a los díalogos (a veces extensos) que entablan los personajes como si se tratara de sketches concebidos de manera episódica. De todos modos, el interés de la trama no decae y pasea al espectador por diferentes escenarios de la ciudad de Buenos Aires.

    Una comedia urbana, amena y bien llevada por los actores principales que no tiene otra intención más que atrapar al público adolescente y jugar con la idea de que "con el amor sólo no alcanza".
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  • Pina
    Pina
    Todo lo ve
    Un viaje revelador y sensual

    Pina es un largometraje filmado en 3D que cuenta con la participación del elenco del Tanztheater Wuppertal Pina Bausch, representante del arte de la gran coreógrafa alemana fallecida en 2009. Pina es un homenaje de Wim Wenders (Las alas del deseo) para ella.

    El director juega con el "teatro dentro del cine" y transporta al espectador a un mundo de sensaciones a través de un trabajo que deslumbra por la belleza de sus imágenes.

    La acción transcurre en el escenario y sigue los pasos de los bailarines que emprenden su marcha a modo de recuerdo en Wuppertal, el lugar en donde Pina Bausch desarrolló su carrera y vivó por más de treinta años.

    La cámara de Wenders se deleita con cada paso, con cada movimiento y pone el acento en el testimonio de los bailarines, que recuerdan frases de la coreógrafa, cuya imágen aparece reiteradas veces en pantalla.

    Pina no es un film para cualquier espectador. El secreto es dejarse cautivar por cada uno de los fotogramas que están potenciados por la profundidad de campo que posibilita el 3D. Cada imágen cobran una dimensión dramática que está multiplicada y acentuada por los movimientos frenéticos del elenco.

    La variada nacionalidad de sus integrantes, las escenas realizadas en exteriores y los maravillosos fundidos con lo que ocurre en el interior del teatro convierten a Pina en una experiencia difícil de transmitir. También es cierto que cada espectador deberá correr el riesgo porque no es una película (como todo el cine de Wenders) pensada para multitudes.
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  • Medianeras
    Medianeras
    Todo lo ve
    ¿Dónde estás amor de mi vida que no te puedo encontrar?

    Una notable comedia romántica estrenada con éxito en varios países y construída con imaginación a través de buenos diálogos, dibujos y animación.

    El director es Gustavo Taretto (que hasta se permite un cameo en la escena del kiosco) y la trama responde a los interrogantes y dudas existenciales sobre las relaciones actuales en las grandes ciudades.

    Con un prólogo que muestra edificios de Buenos Aires (construídos a espaldas del Río de La Plata) y una ciudad que crece de manera despareja, se hace foco en criaturas que sobreviven como pueden. En ese marco, aparecen Martín (Javier Drogas), un diseñador gráfico bastante fóbico que vive con el perro de su ex, y Mariana (Pilar López de Ayala), una arquitecta que se dedica a decorar vidrieras. Ambos cargan con la mochila de relaciones que los frustraron, no se conocen y...viven en la misma cuadra!. Sus medianeras servirán para hacer el resto en un clima de neurosis, angustias y desencuentros.

    Medianeras es un claro ejemplo de cómo edificar una comedia romántica con los mejores recursos (la historia aparecen separada por las estaciones del año y con leyendas sobreimpresos en diferentes construcciones) y llegar a buen resultado.

    La incomunicación, el amor en los tiempos de Internet, el hecho de vivir en una "caja de zapatos" sin una ventana que comunique con el mundo exterior, impulsan a los personajes a buscar a sus "medias naranjas". Así desfilan una paseadora de perros (Inés Efrón), un médico (Jorge Lanata), un posible candidato (Rafael Ferro) para Mariana y otras criaturas que son eslabones de un sólido entramado (como los cables que cruzan la ciudad) en el que las relaciones interpersonales han perdido importancia. Todo se maneja desde la computadora.

    El humor y la metáfora (¿Dónde está Wally?) atraviesan este relato que radiografía a la perfección a seres solitarios fagocitados por la ciudad. Medianeras es una sorpresa gratificante en la cartelera cinematográfica por su efectividad a la hora de contar una historia y supera ampliamente el nivel de recientes produciones norteamericanas del género. Y le augura a su realizador un exitoso futuro cinematográfico.