“Se Siente de Principio al Fin del Mundo”

Aparentemente, y sólo leyendo la sinopsis, es una más, pero no lo es.

Es ésta una película sustentada sobre todo en tres boyas: la natural actuación de los actores, la magnífica dirección de Paulita Siero y una atmósfera genialmente conseguida.

Es sobrecogedora la profundidad de un relato tan sugerente, desde el primer plano al ultimo me sentí atrapado por la historia, por el relato, por los sutiles movimientos de cámara, y por la transparencia de los personajes.

Pero nada huele a postizo, todo sigue el curso marcado sin atisbo alguno de artificio, sin hacernos dudar de los sentimientos plasmados por lo personajes, nada me hizo ruido mientras veía proyectar la peli.

La sabiduría del director presenta personajes cuya carnalidad fluye desnuda a través de las escenas, son personajes humanizados y tangibles.

Voy a desenmascarar mi pensamiento, respecto a Facundo Arana. El tipo tiene pinta, es entrador y como todos dicen una muy buena persona, ahora actuando yo tenía mis dudas o mis prejuicios, era un galancete de telenovelas, el cual en el film descubrimos a otro Arana, nos olvidamos del arquetipo que fue y pasamos a conocer un gran actor.

La desapercibida fotografía en las escenas y los contrastes lumínicos que se utilizan en determinados momentos, colaboran a intensificar la sensación de angustia que por momentos transmite el filme.

El toque de autenticidad apoyado en el naturalismo de los actores –constituyen la verdadera riqueza-

Una comedia brillante, tierna y divertida.

La comedia romántica ha sido monopolio casi exclusivo del cine americano, pero de pronto, con “Mi Primera Boda” nos llega un soplo de aire fresco y puro en forma de una elegante e innovadora comedia romántica, en clave de humor con cierta corrosiva acidez. Los preparativos de la boda y las relaciones de pareja se dan en el contexto de un delirante, heterogéneo y entrañable grupo de personajes que inundan la pantalla de simpatia y sin cordura.

Desde el inicio de títulos, la comedia tiene un brillo muy particular. Cabe destacar que fueron realizados por el dibujante Liniers, y nos van contando la historia de estos dos personajes principales, Natalia Oreiro como Eleonora, y Daniel Hendler como Adrian.

Ya desde la secuencia de títulos vamos viendo como nació este amor que termina en la primera boda, la espectacular fiesta que espera toda novia, la cual se ve empañada por desaciertos e inconvenientes por todos lados.

Desde las paginas de un imaginativo y prodigioso guión de Patricio Vega, (Musica en Espera) y dirigida con brillante eficacia por Ariel Winograd (Cara de Queso) el cual acierta de pleno en el planteamiento del film, Si leemos su entrevista en locoxelcine sabremos el por qué.

Brillante, tierna y provocativa, simpática y alocadamente atrevida, “Mi Primera Boda” es un film de desbordante sentido del humor, en la mejor tradición del nuevo cine de comedia argentino.

La película tiene dos brillantes actores principales, pero los mismos se encuentran rodeados por figuras secundarias de gran nivel en comedia.

Tenemos al personaje de un conmovedor Daniel Hendler, perfecto en la matizada interpretación que hace de un papel que requiere tacto, sensibilidad y una acertada modulación en el gesto y la expresión para no caer en la caricatura.

Por otra parte tenemos a una Oreiro, que además de lucir su bellísima figura y su carisma, tiene durante todo el transcurso del films matices muy notables, que dan vida a un personaje de magnética personalidad y aparente seguridad emocional, ella quiere su fiesta “perfecta” como toda novia.

Sublime y deslumbrante actuación de un elenco de carismáticos actores secundarios, a los que el soberbio guión del film otorga ese momento de gloria y de lucimiento de todos, sin excepción

Los amigos de Adrian (Daniel Hendler) dan un punto especial y funcionan de maravilla en la historia, cada uno con una personalidad diferente, que los hace únicos.

Todos los personajes tienen su momento y cada uno de ellos ofrece una visión única y particular de las cosas enriqueciendo con textos que explotan, y hallazgos actorales formidables.

En la película tiene el papel de malo Imanol Arias, un gusto del director, y un Martin Piroyansky desopilante e increíble, Alan Sabag demuestra tener una dotes de comediante destacado…. Ah y no se pierdan al DJ de la fiesta, “una perlita”.
Si reunimos el talentoso reparto de Mi Primera Boda con un guión sarcástico, original y divertido, nos encontramos con un film que ciertamente no huye de su condición de ser una comedia romántica, pero que se ríe de ella misma en las numerosas situaciones que nos presenta. Su humor es suave y sutil, pero es a la vez muy acertado. Con grandes dosis de un humor más ácido y auténtico, como las charlas del rabino y el cura, o los delirios del abuelo.

Tiene clase y lo más importante, es una película entretenida y alegre, con una idea central muy original al menos en el cine argentino.

Con esta comedia Ariel Winograd ha demostrado sobradamente ser un cineasta capaz de entretener con enorme sagacidad.

La historia de un eterno perdedor.

El mundo según Barney una gran película por muchos motivos. Al estupendo elenco interpretativo hay que sumar una historia humana que consigue tocar al espectador donde menos lo espera.

El mundo según Barney contiene situaciones y personajes ricos, en momentos la película tiene dificultad de encontrar el tono adecuado para contar una historia melodramática que en pantalla se inclina más por el drama que por la comedia. Por momentos nos brota sonrisa y por momentos tristeza, tiene una amalgama de momentos que contienen un bello equilibrio.

El humor engancha al espectador, la ironía y el sentimentalismo seducen a meterse dentro del film y los personajes.

Todo se va narrando durante décadas montado sobre el hilo del personaje y sus situaciones amorosas.

Con excelentes interpretaciones, un medido Dustin Hoffman, y un Paul Giamatti, que personifica a un bebedor y fumador compulsivo se destacan sobre los demás.

La película bucea en el mundo de los éxitos y los fracasos de este querible y por momentos repulsivo personaje. Matrimonios express, amores imposibles y el mundo de arte contra la televisión basura como telón de fondo.

La dirección del film es muy correcta y no se hace notar en ningún momento salvo con ciertos matices en la fotografía, que se utilizan sabiamente para marcar las distintas etapas en las que ocurre la historia.

Por momentos la película parece un poco dulzona, un poco idealista, pero esos detalles se superan con excelentes actuaciones y personajes perfectamente logrados.

El Mundo de Barney es una película sobre el amor, la amistad y la lealtad, el espectador conseguirá salir del cine y pegarse una buena reflexión.

Cine de amor independiente.

Un film sincero, fresco, conmovedor, sin artificios. Así se cuenta la historia en “Blue Valentine”

Es una película de amor, romántica, pero sin esa pegajosidad que de tanto en tanto nos tiene acostumbrado el cine del corazón, donde todo se corta con la misma tijera.

Acá vemos una historia cruda, contada con cuadros bien compuestos y naturalmente fotografiados. La cámara esta metida ahí, sin molestar y mostrando todo.

Dean (Ryan Gosling) y Cindy (Michelle Williams), los protagonistas de “Blue Valentine”, nos muestran que la vida en familia no es todo color de rosa, que ocurren cosas… discusiones, reconciliaciones, monotonía, cambios de opinión, gritos… todo el universo que los rodea no es perfecto.

Cuando vemos el film estamos frente al nacimiento y a su vez a la decadencia de una relación.

La película está narrada con idas y vueltas en el tiempo, teniendo como eje la relación. La misma atraviesa buenos momentos, y otros que no son tan buenos. Esos cambios de tiempo, esas idas y vueltas, están planteados bajo el guión y la dirección de Derek Cianfrance con una exactitud, y un timming perfecto, entrando y saliendo de las escenas con total naturalidad.

Por momentos da la sensación que, atravesando la línea del presente al pasado, el film busca el punto donde se deterioro la relación, el momento en el que el desgaste, el agotamiento, y el vació interior provocan hasta a las parejas con más futuro una caída al abismo.

Las notables actuaciones nos demuestran que existe muchísimo trabajo y conocimientos entre los dos personajes principales y las miradas cómplices y la naturalidad en los gestos nos hacen vivir a pleno este film.

Dura y cruel búsqueda en el paraíso de la guerra.

El director elige una estructura y una forma de narrar la historia muy certera mostrándonos y a su vez ocultándonos inteligentemente el pasado dentro del presente en esta dramática obra.

Hay momentos con ritmos teatrales, los cuales sirven para tomar respiro y procesar lo que estamos viendo. Eso indica un excelente manejo de tiempos y espacios dentro del film.

Los hilos narrativos nos muestran la historia de una hija buscando a su hermano en una tierra avasallada por la guerra, y también los pasos de su madre, que antes de morir le deja como recado encontrarlo.

El escenario de la búsqueda es una pequeña porción entre Gaza, el Líbano e Israel, una porción de tierra bañada en sangre en un pasado y envuelta en fuego en el presente.

Odios y luchas fundamentalistas en nombre de dios son el tema principal en esta película cruel y realista, con escenas sorprendentes (como la de un micro en medio del desierto), y una fuerza vertiginosa y arrolladora en memorables actuaciones.

Esta película es una clase de cine en cuanto al lenguaje cinematográfico. Maneja el suspenso, impacta, sorprende y fascina por su trasfondo narrativo.

Al verla uno como espectador está obligado a pensar, a dejarse llevar inteligentemente por los hechos que suceden uno a uno, en un relato inquietante y emotivo.

Este juego entre el pasado y el presente, la búsqueda inquietante de la protagonista siguiendo los pasos de su madre, esta tan bien de guion y plasmada en la pantalla, por Denis Villeneuve, que nos transporta al interior de la cruel historia

¿Mujer florero?, ¿o mujer que algo esconde detrás de un florero?

Estamos frente a una comedia rica y divertida. François Ozon hizo una película a la medida de Catherine Deneuve. Ella canta, se divierte y se mueve en el set con comodidad.

Catherine interpreta a Suzanne, una mujer que al inicio del film es sumisa pero dentro de su sumisión deja escapar cierta sonrisa picara, algo que nos da a entender que hay cosas que no sabemos y que iremos descubriendo durante todo el desarrollo de trama.

Como verán hable solo de Catherine Deneuve, y es que ese es el problema de Mujeres al Poder. Todo está hecho para el lucimiento de la bella actriz. Ozon, el director, está embobado con ella y no puede ocultar su admiración en cada plano.

La película se ve setentosa desde la fotografía, las actuaciones y los encuadres, y si bien esta ambientada en esa década se podría haber contado de una forma un poco más moderna.

Tiene un sentido social, muestra la sociedad de los 70 en Francia con un patrón capitalista, duro, autoritario y mujeriego en manos de Fabrice Luchini, y un alcalde de izquierda interpretado por Gérard Depardieu.

Suzzane también tiene un hijo gay y una hija con ideas conservadoras como la de su padre. Este esteriotipo familiar podría bien llenar un cóctel pero se diluye cuando el director, posa la cámara sobre la siempre sonriente Deneuve.

Más historias vergonzosas de la política en los Estados Unidos.

Siempre me gustaron las películas de espías. Tramas secretas, y descubrir en medio del celuloide pequeños datos que nos lleven en busca de quién es quién dentro del argumento.

“Poder que Mata” es un film que esta en el medio de “Identidad Desconocida” caso Bourne, y el bodrio de Sr. Y Sra. Smith. Y al estar en el medio, coquetea con ambas.

La película se centra en el espionaje político en la era Bush, y en el cómo explicar al mundo si existen en realidad las armas de destrucción masivas en territorio de Saddam Hussein.

Complots, conspiraciones, secretos y paranoias en torno a una trama que, según reza la película, esta basada en hechos reales.

Tanto Naomi Watts como el impecable Sean Penn ayudan en un 100% al director a darle cierto realismo a las escenas, transmitiendo credibilidad a sus angustiados personajes

A Poder que Mata le falta algo del factor sorpresa. Ni los guionistas, ni su director Liman saben (o quieren) darle el suficiente aire dramático que la película podría tener. Da la impresión de que tienen mucha prisa por terminar y hacen un trabajo lineal y rutinario, sin profundizar en los matices que podrían haber atrapado el verdadero interés que esta historia encierra.

Amantes de los fierros y la acción, esta es su película...

Tengo vistas todas las entregas de la saga de Rápido y Furioso. Me gustó la primera, pero luego caímos en obras regulares que no contaban con los protagonistas estrella, pero cinco partes más tarde, llegamos a esta, en la que todos están reunidos

Me animo a decir que es la que mas me gustó, la cantidad de planos le dan vértigo y le dan vida a los personajes, impregnando adrenalina por todo el ambiente.

No busquemos en la peli situaciones lógicas, ni los diálogos de Pulp Fiction. Sólo analicemos la parte acción, con la que los amantes del genero no se verán decepcionados.

Hay situaciones que rozan con lo absurdo y tienenese típico cancherismo de repetir frases en situaciones de total peligro que terminan divirtiendo.

Dom Toretto (Vin Diesel) y Brian (Paul Walter), acompañados por la bella Mia (Jordana Brewster), se convierten en fugitivos del FBI, y escapan a Rio de Janeiro.

Allí elaboran un plan maestro para robarle dinero al mayor narcotraficante del país, para lo cual deben reunir a un equipo de expertos en diferentes categorías, formado por caras nuevas y conocidas de la franquicia. Una vez juntos, dejan todo y se unen al gran golpe, al estilo Ocean’s Eleven.

El que los persigue es nada más y nada menos que Dwayne “The Rock” Johnson, toda una figura a la hora de imponer autoridad, con voz firme y potente imparte órdenes, y su presencia realmente le suma adrenalina a la película.

Justin Lin es el director de las ultimas sagas de Rápido y Furioso y se luce con escenas de acción perfectas y espectaculares. Hay momentos en los cuales no sabemos dónde puso la cámara, logra hacer vibrar el proyector.

Rápido y Furioso 5 cumple todas las reglas del cine de acción. Tiene alguna que otra parte donde parece que cae, pero es para aprovechar, descansar, tomar aliento, poner quinta a fondo, y volvernos a subir esta adrenalínica montaña rusa.

Un cóctel de penosa comedia y malas actuaciones.

Queridos cinéfilos, amantes del séptimo arte, nunca inicie una review de esta forma. No voy a decir nada sin que ustedes vean este trailer, y luego les invito a continuar leyendo mi crítica. No hagan trampas, vamos al adelanto…

¿Ya vieron el trailer? Bueno, ahí está lo más divertido de la película, si es que hay algo que les divirtió, o al menos les intrigo para verla. Y como cuido su bolsillo a la hora de que elijan un film, acá va mi breve crítica sobre esta “comedia”.

La película cuenta la historia de Ernesto Pérez Roble (interpretado por un Enrique Pinti hiper maquillado), y de la disputa de la herencia por parte de sus hijas, dos mujeres que no se conocían: Juana Pérez Roble (una exagerada Moría Casan, con todos los clichés y sobre modismos que ella tiene como “actriz”), y su hermana Camila Lamonica (Nacha Guevara).

La película por momentos aspira al humor inteligente estilo Almodóvar, pero difícilmente provoque una risa. Cae en lo absurdo y chabacano, pasa por situaciones tomadas de los pelos, penosas, y con musicales espantosos de bailanta.

Da la impresión que el director de Paco le erró en demasía con esta película. Diego Rafecas no es el mismo cineasta, o tomó el camino equivocado. Cruzadas sufre de falta de continuidad, una pésima dirección de actores, y con elecciones técnicas discutibles, como planos y contraplanos innecesarios que no llegan a contar ni a aportar nada.
Completa el plano actoral una excelente Alejandra Majluf, la actuación de Eduardo “Cabito” Massa Alcantara, y Carlos Belloso, quienes con oficio dan algo a la obra, también cabe destacar la participación de Claudio Rissi y Willy Lemos.

No voy a entender nunca ciertos planos injustificados, ni el humor que quizo explotar el director. Es lamentable que el cine nacional tenga credito para este tipo de piezas. Si bien el INCAA tiene que otorgar una cierta partida de crédito para películas “populares”, sería bueno ajustar un poco la puntería, ajustar un poco la mira y que no ande tan “Cruzada” la línea de tiro.

Más que un drama, ¡un dramón!, no se olviden los pañuelos descartables

Debut de Shana Feste como directora. Un debut potente, en el que Shana no escatima con los golpes bajos en busca de la lágrima del espectador, que termina atragantado hasta el último aliento. El guión también corrió por su cuenta, por lo tanto las escenas son manipuladas a su gusto, siempre derivando al golpe bajo trágico.

Con momentos ya transitados en varios films y situaciones trilladas de otros, este drama tiene un par de guiños que se dejan llevar.

Los personajes de Brosnan y Sarandon, por momentos, parecen disputarse el quién sufre más la pérdida del hijo, pero más allá de eso, ambos intérpretes manejan las situaciones con muchísimo oficio.

Al drama planteado en Prueba de Amor le falta equilibrio. Comienza sumergido en una tragedia y uno espera que en algún momento reflote, pero no es así queridos espectadores, el drama sigue y sigue, sin dar un segundo de respiro.

Por momentos nos sumergimos en la empatía y sentimos el dolor de los protagonistas, pero todo se pierde cuando el dolor es expuesto en un tan evidente primerísimo plano. Como consecuencia, el resultado es un drama muy mal trabajado.

A llorar, y llorar y salir con un nudo en la garganta.

Brillante epopeya del hito más grande de la historia argentina

Género olvidado, el de contar la historia de nuestros héroes. También un género difícil: hay que saber narrar y ser creíble, es una mezcla de documental de época con película épica y drama.

La historia del General San Martin cruzando la cordillera la aprendemos en los manuales de nuestra primaria, la volvemos a ver en historia del secundario, y todos los años recordamos la muerte del héroe de bronce. Por lo tanto conocemos tanto esa historia que al verla plasmada en una pantalla, inmediatamente comienzan las criticas, y nos preguntamos, ¿San Martín era así? ¿Hablaba español con acento criollo?

San Martin, muy bien logrado por Rodrigo de la Serna, muestra su carácter, humanidad y coraje. Pero por sobre todas las cosas el gran prócer de bronce nos muestra una faceta como comandante de tropa, jugando al ajedrez con sus soldados. Como hombre y padre de familia, mirando tiernamente a su hija, y pidiéndole perdón a su mujer. Vemos al personaje y nos encariñamos con él, mas allá del cariño y admiración que representa la figura de un señor actor de la Serna.

Recordamos a El Santo de la Espada, película de Leopoldo Torres Nilson, y para aquellos que vieron la interpretación de Alfredo Alcon como nuestro icono cinematográfico de San Martin, tan acartonado y solemne, podrán notar la diferencia actualizada del Padre de la Patria.

Revolución se filmó en escenarios naturales y las escenas de guerra lograron ser muy logradas y cuidadas, con una posproducción muy real a la hora de montar tomas con varios soldados caminando por la cordillera.

Por momentos la película cae en algunos tics y situaciones que contienen cierta obviedad, y algunos diálogos algo escasos dentro del contexto de una guerra, de todas formas dejan abiertas ciertas vetas para la interpretación del espectador.

El sonido y la fotografía son buenos y parejos, con calidez cuando el guion nos transporta al flashback y algo más azulada cuando estamos con el narrador un anciano llamado Manuel Corvalán, personaje de ficción que interpreta al secretario de San Martin en sus años mozos, el cual es entrevistado por un impaciente periodista en un asilo perdido de nuestro país, dejando entrever algo que sucede siempre en toda guerra: nuestros héroes, olvidados. Porque eso es Corvalan: un héroe olvidado.

Revolución, lejos de ser un manual del alumno o una enciclopedia dándonos una clase de historia, es una pieza cinematográfica, lucida, y brillante.

Un chino y una vaca caídos del cielo.

Señores cinéfilos y amantes del buen cine, recomiendo “Un Cuento Chino” porque nos otorga un guión perfecto, un protagónico (interpretado por Darín) muy bien logrado y unos personajes secundarios con contenido e historia desde el primer fotograma que se imprime.

“Un Cuento Chino”, me pareció literalmente maravillosa.

Si ustedes vienen leyendo mis críticas anteriores, sabrán que no soy de regalar puntaje, ni tampoco dar halagos por doquier. Es más, creo que tanto mi crítica como los comentarios que realizo cuando la peli no es de mi agrado son bastantes acidos e incluso agretas, pero cuido el bolsillo del que lo lee, ya que una salidita al cine está bastante costosa.

Como bien dije antes, el guión cierra por donde se lo mire, la historia es sencilla más allá de vacas caídas del cielo.

La extraña y fortuita convivencia de Darin con Huang, dos matices completamente distintos (un occidental que no habla una palabra de chino y un asiático sin la más mínima idea del español) pueden llegar a ser almas gemelas unidas por un extraño destino en común. Vacas que caen del cielo, la Embajada China, policía, tornillos y el chico del delivery son ingredientes en un cóctel que Borensztein supo mezclar.

El personaje de Darin está perfectamente logrado. El encierro que posee se nota en su mirada. El arte de su lugar de trabajo, dónde vive, dónde sale a tomar aire, su auto y sus colecciones muestran con detalles y reflejan la soledad que posee el personaje.

El chino Huang Sheng Huang, Muriel Santa Ana, Iván Romanelli y Vivian El Jaber completan este casting perfecto esta mezcla que convierte a Un Cuento Chino en una joyita del cine. Este cóctel muy bien escrito y dirigido por Sebastián Borensztein pasa a mi colección etiquetada como “muy buen cine”.

La sala casi llena de críticos (mas allá de lo que luego escriban) estallaba en carcajadas en varios momentos.

Cierro con unas palabras, extracto de una nota realizada a su director.

“No es una comedia. Es una película emotiva, con humor, con algo de humor negro, pues el espectador llegará a divertirse con las dos tragedias que se encuentran”.

Y mi consejo: ¡no se la pierdan!

En busca del rating basura, contado desde una comedia.

“Un Despertar Glorioso” es una comedia fresca, graciosa, simpática y liviana con un costado preocupante sobre el presente y el futuro de los programas. Nos muestra el verdadero mundo de la TV, y lo que es peor, de un noticiero que se viene a pique. Por eso comenzarán a hacer pavadas al aire para que el rating levante.

La atmosfera que se vive detrás del noticiero matutino es interesante: cómo se consigue una noticia, qué hace un productor ejecutivo, cómo elaboran las ideas y planifican las historias, y al mismo tiempo el glamour y la histeria de los egos que se enfrentan. Eso es la TV señores.

Tenemos un Harrison Ford como el conductor cascarrabias del noticiero, con su cara de perro al frente de las cámaras, con un perfil intelectual y un largo curriculum de premios periodísticos, coberturas de guerras, y notas a las mas grandes personalidades del mundo. El papel le sienta de maravillas: las caras, los gestos y las frases del viejo gruñón le dan simpatía al personaje.

Respecto a Diane Keaton, ella es la co-conductora del matutino diario, la parte “sonriente” del programa frente a las cámaras. Un papel creíble y simpático.

Rachel McAdams es la productora ejecutiva. Necesita trabajar y hacer carrera, habla sin parar, sufre de adicción al trabajo y vive completamente estresada. También transmite muy bien su personaje, aunque en ciertas oportunidades Se excede en su interpretación.

Es como comentaba al principio de la nota, el viejo cara de perro, la simpática torpe y la productora histérica llevándose el mundo por delante, que hacen de este cóctel de personajes una comedia divertida y pasatista donde cada tanto puede hacernos esbozar una sonrisa. Ojo, cada tanto…

El talento no se hereda en esta familia para armar.

Creo que el director apostó a un elenco familiar de entrada, puesto que en la vida real existe un vínculo entre los protagonistas de la película, pero como dice el encabezado de este comentario “el talento no se hereda”. Existe una diferencia muy marcada en las actuaciones, que no acompaño al flojo guión.

Por momentos Oscar Ferrigno no se sabe si está actuando o recitando una frase demasiado trillada, sin continuidad y bastante fuera de lugar. Modismos fuera de época y ritmo, y palabras sueltas que no dicen nada.

Actuar no es solo estudiar el guion y recitarlo al pie de la letra, también cuenta la interpretación, cómo uno siente ese papel, y parece ser que a Ferrigno el papel nunca le sentó.

La actuación de Norma Aleandro sobresale del resto, y cabe destacar a Malena Sanchez, que en su debut cinematográfico y con un director sin experiencia está muy bien en su papel de hija.

El enojo de Ferrignio (aunque al final de la película se sabe el motivo), está demasiado teatralizado, muy marcado, no se entiende su relación con el mundo.

Lo único que parece satisfacer a Ernesto es cenar y salir a pescar con su amigo, con el cual no llegamos a sentir que existe ese lazo que sostiene esta amistad rara que se limita a cenas y a la pesca.

Hay un piletero que está reparando una grieta en la pileta del hotel familiar, teléfonos que suenan con un Ferrigno que obviamente se niega a responder, caras y miradas vacías, sin tiempo y sin contarnos nada.

En el medio de la película una toma de Aleandro con un huésped del hotel que confiesa algo que tampoco suma, y sabemos que lo que no nos cuenta nada en una historia desconcierta.



Poco clima, una fotografía que en exteriores podría ser mucho mejor, y una primer película para un director que le falta fogueo.

En ciertas ocasiones el director, con sus puestas de cámara y encuadres, me hizo sobresaltar de la butaca, por lo tanto un punto para Guillem Morales. Pero a la hora de dirigir actores, los puntos van en su contra.

La película tiene baches por donde se la mire, la ceguera en el personaje de Belén Rueda (pronunciado escote) aparece y desaparece, no se sabe bien por qué, al igual que el malo que aparece y desaparece sin razón, forma ni motivo. Belén Rueda, en lugar de interpretar a una persona no vidente, parece un zombie, e irónicamente hace mejor de ciega cuando ve, pero quiere actuar que no ve frente al mal, ¿ se entendió?

La tensión en la peli se produce por la fuerte banda musical y la eficacia de los efectos sonoros.

Por momentos me pregunté el por qué los personajes hablaban de esa forma, algo así como que recitaban. No sé bien si el texto era muy trabado o no estaban bien dirigidos. Me inclino por ambas cosas.

Los Ojos de Julia es un film que se ve bien en cuanto a su atractiva fotografía, pero no satisface, las cosas no cierran.

Como en la mayoría de las películas de terror o suspenso, el público se pregunta por qué la protagonista se queda en ese lugar sola, pudiendo irse a un sitio seguro, pues en esta peli la protagonista tiene una desventaja, su ceguera, y además parece buscar el peligro metiéndose sola en una casa llena de ruidos y con una vecina medio tonta que también, como el malo, aparece y desaparece.

Lo bueno ya lo dije: los encuadres contrapicados, la fotografía, y agreguemos las locaciones. Por lo demás, todo brillará por su ausencia, incluso para los amantes del género. Eso sí: tiene un final digno de Secretaria Ejecutiva. pero más rococó.

Algunas personas dicen mentiras. Otras, las viven...

Seguramente el público correrá a los cines al ver el afiche oficial de la película y el encabezamiento actoral de De Niro, Norton y Jovovich. No corran tanto a verla. La película que “intenta” ser un triller psicológico, el cual debería movilizar los cimientos de ideales y valores morales de los protagonistas, pero se queda en el intento fallido de serlo, permaneciendo inmóvil.

La pelí hace agua por varias aristas, tiene descuidos de dirección, que se pierde reiterando travelling “injustificados” por detrás de la cabeza de De Niro, mostrando a Norton sin decir nada, absolutamente fuera de lugar y de situación dramática dentro de la escena.

La banda por momentos parece querer contarnos algo, la emisora radial que suena intenta ponernos reiteradamente en climas que caen en una obviedad absoluta. La película no permite al público llegar a una conclusión personal, sino que fuerza a una reflexión ya manipulada, ya digerida.

Desde el comienzo de la proyección algo me confundió, y me pregunte cómo el personaje de De Niro (un geniox en lo suyo) a punto de jubilarse, acostumbrado a tratar con pesados dentro de la cárcel, puede ser tan manipulado por el convicto Edward Norton?, algo me perdí, ¿qué frase le dijo que debilitó tanto al oficial de libertad condicional? Y sigo preguntándomelo…

Respecto a los actores; De Niro es De Niro, pero me cansó un poco que su personaje sea tan trillado. Es el viejo gruñón, cascarrabias y tosco. Por otro lado, Norton no logra mantener el acento de barrio bajo con el que inicia la película y, es más, en un comienzo parece demasiado actuado, demasiado forzado, poco creíble.

La bella Milla Jovovich soporta una carga dramática importante durante la película, tiene ese dejo de perversión, manipulación y manejo de su sexo que le cae muy bien al personaje.

Frances Conroy, mi actriz preferida en la serie televisiva Six Feet Under, está correcta. No nos deslumbra pero tampoco deja un vació en su personaje.

Por momentos parecía que la peli viraba hacia un lado, pero se mantenía estancada, inmóvil, no tenía desarrollo, no nos llevaba a ninguna parte.

Espere a verla cómodamente en su casa, y si aparece el sueño aprovéchelo.

Los ritmos del noviazgo son obvios y predecibles...

El tipo captura el corazón de la muchacha (o viceversa) y los ritmos de noviazgo son obvios y predecibles. La historia es tan familiar, hace unas semanas atrás vi. algo parecido en ”De Amor y Otras Adicciones”, pero con actores diferentes, un lugar diferente, incluso con la misma fantochada para vendernos un producto de actores lindos, bellos, simpáticos e intentando hacerse los graciosos.

“La química” es un término usado en la industria cinematográfica, pero resulta que entre Natalie Portman y Ashton Kutcher no existe tal química, solo se limitaron a leer el guión al pie de la letra, (mal escrito por cierto), y lo repiten hasta que salga la toma. Se nota demasiado la poca chispa entre los protagonistas, y las grandes limitaciones que tiene Kutcher frente a las cámaras.

Por momentos la peli intenta, digo bien, solo intenta, vislumbrar un dejo humorístico con ciertas risas ocasionales en la sala, pero la historia vuelve a caer en un planteo que gira y gira sin ningún sentido.

Me pareció ciertamente antigua en las tomas y planteos de cámara, o quisieron cuidar a la señorita Porman?, La lente la esquiva en las escenas donde tendría que mostrar mas su cuerpo.

Estados Unidos debe ser una nación demasiado chica, como para que la gente se encuentre y reencuentre en todos lados; los estudiantes universitarios tienen esas fiestas tan tantas fervientes, mojándose con cerveza y lanzando alaridos por doquier. Me parece patético que se siga con la vieja formula de estigmatizar los momentos con cosas demasiados obvias, y encuentros que no parecen casuales.

Mi recomendación si ud. tiene una pareja romántica, y quiere ver esta comedia, no gaste dinero en entradas, alquile el video y lo ve sentadito frente a su televisor.

Jóvenes alienigenas, entre nosotros...

“Soy el Numero 4” es una adaptación de la obra de ficción de James Frey y Jobie Hughes, ‘I Am Number Four’, la primera de una futura saga de ciencia-ficción que se compondrá de un total de seis tomos, y por la cual DreamWorks ha pagado una cifra de seis dígitos. Por lo tanto queridos amigos la peli tendrá su continuidad dentro de la gran pantalla, y de seguramente fans, al igual que la saga de Crepúsculo cambiando vampiros por extraterrestres.

Cuando se encendieron las luces de la sala me quedo el sabor de haber visto una larga jornada de tres capítulos de la serie televisiva Smallville, pues bien investigando en la red, “Soy el Numero 4” esta guionada por Alfred Gough y Miles Millar, guionistas de la serie del joven Superman la cual lleva varias temporadas en la pantalla chica. Qué bueno encontrar coincidencias, pero como esas hay muchas en dentro del film que los invito a descubrir.

John Smith (Alex Pettyfer) es un extraterrestre adolescente que intenta ocultar su verdadera identidad tras la apariencia de un estudiante de secundaria común y corriente, para escapar de unos asesinos despiadados venidos de otro planeta que quieren destruirlo. Cambiando constantemente de identidad, mudándose de una ciudad a otra bajo la supervisión de su guardián y mentor (Timothy Olyphant), John es siempre “el chico nuevo” del lugar, pero ahora la pequeña Ohio se ha convertido en su hogar, y John deberá enfrentarse a nuevos hechos inesperados que le cambiarán la vida: su primer amor (Dianna Agron), el descubrimiento de poderosas y nuevas habilidades, y una conexión especial con aquellos que comparten su destino.

Hay muchos hilos sueltos dentro de la trama, personajes que aparecen sin que se les avise donde deberían encontrarse, y frases descolgadas en medio de un poderoso ataque alienígena.

Respecto a las actuaciones, nada deslumbra mas de lo que nos puede dar, pero molesta mucho el mentor del muchachito protagonista, me refiero a Timothy Olyphant, el cual no se despeina peleando ni tampoco se le cae una mueca ante diferentes situaciones, para “él” todo es lo mismo.

Muchas marcas pusieron sus morlacos encubiertos dentro del film desde una linda muchacha que maneja un Ducatti y opera una HP, tirando frases de Red Bull, y Xbox.

Fui con mi hijo a verla, un adolescente al cual le gusto la peli, sin hilar demasiado si esto les sirve para pasar un domingo… esta entretenida.

Cruda, fuerte, realista… no da respiro.

Tras su elogiada presentación en los festivales de Sundance (ganó el Gran Premio del Jurado y el de mejor guión) y de Berlín, este segundo film de Granik se convirtió en una de las grandes sorpresas del cine independiente norteamericano 2010, además la peli esta nominada a 4 premios Oscar como: Mejor película, Mejor actor de reparto (John Hawkes), Mejor actriz (Jennifer Lawrence), y Mejor guión adaptado.

Por supuesto queridos lectores que todas estas nominaciones y la sala llena de colegas un viernes por la mañana para ver esta avant premiere, no influyen al momento en que critico y doy puntaje a la peli.

Pues bien “Lazos de Sangre” me pareció un films impecable, lleno de matices, con una actuación brillante de Jennifer Lawrence, desde el minuto cero de inicio hasta el fin de títulos. Jennifer Lawrence nos va metiendo de a poco en su personaje que va creciendo a medida que transcurre la película con su personaje de Ree Dolly, lo cual crea en el espectador una conexión inmediata dentro del film.

La directora se toma su tiempo para contarnos la historia eso se nota y nos va atrapando con un magnetismo que no decae, y sentimos que nos absorbe y atrapa en la frialdad del duro mundo en el que viven los protagonistas.

Pocas cosas se dicen dentro de la peli, y lo extraño es que el espectador sabe mucho eso, nos deja pensar y resulta satisfactoriamente inteligente para el que la mira

Un guión sólido y cerrado, una tensión constante lograda gracias a la muy buena fotografía, y actuación de los personajes, tanto principales como secundarios, acompañado con los sonidos naturales y una banda que secunda las escenas en forma natural, hacen de este film un acierto visual y narrativo.

Lazos de Sangre es un triller que desde el comienzo al fin nos cautiva y nos deja introducir en el mundo húmedo y oscuro, que sucede tanto en el escenario como dentro del núcleo familiar, y los habitantes de esta áspera comunidad rural.

Terror en 78 secuenciales minutos.

Cuenta la historia de Laura (Florencia Colucci) y su padre Wilson (Gustavo Alonso) que se internan en una lejana casona de campo con el fin de reacondicionarla, ya que su dueño Néstor (Abel Tripaldi), muy pronto la pondrá a la venta. Ellos pasarán allí la noche, para comenzar los trabajos al día siguiente. Todo transcurre con normalidad hasta que Laura escucha un sonido que proviene de afuera y se intensifica en el piso superior de la casona. Wilson sube a inspeccionar mientras ella se queda sola abajo a la espera de su padre…, La casa muda centra su relato en los últimos setenta y ocho minutos, segundo por segundo, en los cuales Laura intentará salir con vida de una casa que encierra un oscuro secreto. Basada en una historia real ocurrida en un pequeño poblado del Uruguay

Contar que la película se realizo en Uruguay, y como reza en el inicio: “inspirada en hechos reales”, a un costo de U$s 6000.-, realizada en 4 días, con 4 actores, en una sola locución, y con una cámara de fotos (primer films de este genero técnicamente logrado de esta forma), puede ser una buena campaña de prensa para los cinéfilos curiosos (target en el que me incluyo), pero “La Casa Muda”, tiene algo atrapante, un terror en ciertos momentos muy bien logrado, con una trama simple, y un sonido efectista.

“Plano secuencia”: en términos cinematográficos se denomina a la secuencia filmada en continuidad, sin corte entre planos, en la que la cámara se desplaza de acuerdo a una meticulosa planificación, generando en el espectador la sensación real de compartir las vivencias junto al protagonista. La Casa Muda esta contada en sus 78 minutos en plano secuencia, perfilando el terror, en el manejo narrativo casi amateur, logrando que el espectador pierda el sentido de que existe una cámara contando la historia, puesto que no se anticipa a los hechos, no se adelanta a los movimientos y nunca llega tarde, la historia esta perfectamente contada, quizás con una vuelta mas de tuerca en el guión hubiese sido ideal.

Estamos ante una peli de terror con un flojo guión pero muy bien realizada, te hace saltar de la butaca como si fuera un tanque Hollywoodense donde los presupuestos son enormes, logrando el mismo o inferior resultado para el genero.

Cabe destacarse la actuación de la actriz principal, María Salazar, y una muy buena banda sonora.

Esta es la peli debut del uruguayo Gustavo Hernández es un logrado ejercicio de cine de escaso presupuesto, se presento en Cannes con muy buenos resultados

Sorpresas te da la vida

Los tiempos cambian y la relación de parejas del mismo sexo se pone viento en popa en la pantalla grande.

Con situaciones divertidas, otras hilarantes e incluso algunas un poco patéticas transcurre esta comedia costumbrista, con un resultado bastante decente dentro del género.

Podría haber sido una gran comedia si hubiera seguido la línea de descubrimiento estimulante, como en su primera media hora, unos minutos sobresalientes, con excelentes escenas. Sin embargo, comienza a haber reiteraciones y unos minutos algo estancados, donde algunos tópicos salen a la luz. Esto hace que se baje la intensidad de la historia.

Hay que destacar muy especialmente la actuación de la señora actriz Claudia Lapaco, en un papel muy creíble, y muy bien logrado, y a una Virginia Innocenti en una relación en la que parecía realmente su hija.

Creo que se tendría que haber trabajado mas los detalles. .. En rodaje se descuidaron, puede ser por la velocidad del mismo, ciertos diálogos y actuaciones de los personajes secundarios.

La fotografía y los cuadros aunque con algunos fuera de foco, fueron muy bien logrados.

La peli se deja ver, pero no deja algo arraigable ni en la memoria ni en el corazón

Poca Acción en una película de “acción”, con un buen trailer...

Vi “El Ocaso de un Asesino” sabiendo que la peli llegó a ser número uno de taquilla en los Estados Unidos, y me parece que allá vieron otra peli, o que un muy buen tráiler y un creativo afiche los engañó.

Por supuesto que como cinéfilo, a toda peli le veo el lado positivo, el lado creativo y que me deje algo, a ver como explico… “El Ocaso….”. La idea es buena, la trama y ciertas situaciones son buenas, el planteo de inicio de la peli es muy bueno pero va cayendo de a poco, no se sostiene y uno como espectador quiere que se sostenga, quiere que la trama se vaya enredando, pero comienza a ser muy predecible.

Por un lado el ritmo es lentísimo, y por lo tanto le quita acción a las escenas de acción.

Los diálogos son muy escasos. Quizás el director quiere contar la historia con personajes de pocas palabras, pero no se consigue y el espectador se queda con las ganas de que se actué ,de que se conozca más, y al reducir tanto las conversaciones la cosa sale muy poco natural.

El paisaje del bello pueblo italiano es impecable, muy buena fotografía y con planos impecables. George Clooney, actor y productor del film está correcto, tranquilo, con pocas marcaciones, creando un personaje solitario, atormentado, desconfiado, y reservado, se encuentra muy bien reflejado. Sus compañeros de elenco están algo estereotipados, bellísimas Irina Björklund y Violante Placido (tapa de Play Boy italiana… recién googleada).

Si el espectador está pensando en ver una película de acción, según el trailer está equivocado, a la peli le faltan unos minutos de disparos y explosiones que te hagan estremecer.

Totalmente pochoclera, pero con un 3D que hará que más de uno salte de la butaca.

Soy un admirador de la saga de Resident, me enganche desde la primer peli allá por el 2002, la cual me pareció una buena adaptación de lo que es el video juego.
Paul W.S. Anderson el director de esta cuarta parte fue el director de la primera lo que me hacia suponer volver a ver algo que me asombre.

El principio de la peli nos revela el inicio de la “plaga” en Japón con un bello y falso plano ralentizado para poder disfrutar de la tecnología en plena lluvia. Las gotas golpean paraguas y ayudan a recorrer los títulos de crédito mientras una japonesa gótica permanece parada en medio de un cruce de esquinas. Tras ese plano regresamos a la triste realidad apocalíptica del planeta tierra.

En Resident abunda el mismo condimento, personajes en situación de encierro, corte de cabezas, y zombies por doquier.

Para los que quieren disfrutar de la belleza de Milla, su marido y director de la peli Paul Anderson, no la dejo asomar ni un hombro, en el momento donde ella va a darse una ducha, apenas cuelga sus armas comienzan a aparecer zombies… dejando a Milla nuevamente a los tiros.

La peli realmente esta filmada en 3D, y eso se nota, el espectador recibe, sesos, balas, mampostería, sangre, y agua por montones, y les aseguro a los aficionados a la acción que tendrán un buen rato de satisfacción. El trabajo de rodar en 3D ha sido verdaderamente bueno, y no ofrece una imagen borrosa ni impide disfrutar de la acción

También se nota algo de abuso en las cámaras lentas y no se sabe bien si es un homenaje a Matrix, ya que en muchas partes existe una enorme similitud.

Resident Evil Afterlife comparada con las tres entregas anteriores, es la peor de las cuatro a nivel argumental, pero merece la pena verla en cine, solo por el magnífico 3D que nos presenta.
El final tan abierto deja claras las intenciones de la productora de perpetrar una quinta película.

El argumento de “Resident Evil: Ultratumba”, se limita a continuar los acontecimientos de “Extinción” y dejándonos abiertos todo tipo de cabos sueltos para una quinta entrega.

Mas allá de la belleza de Milla Jovovich y Ali Larter, la calidad interpretativa de los actores es malísima, tenemos al ya conocido Prision Brake, Wentworth Miller que parece que le sienta bien el personaje de estar en prisión pues en esta peli también arranca encerrado intentando escapar, y siempre con cara de póker.
“Resident Evil: Ultratumba” es un producto totalmente pochoclero pero con un 3D que hará que más de uno salte de la butaca.
Especial para quien guste de este tipo de acción.

Nuevos modelos de Familia llevados a la Pantalla

La película fue aplaudida en el Festival de Berlín, y muchos críticos dicen que se merece el premio de la Academia… Creo que yo vi otra película. No es más que una comedia familiar costumbrista con el nuevo ingrediente de la conformación del núcleo familiar de dos madres que tienen dos hijos adolescentes.

La idea de familia tipo compuesta por un hombre, una mujer y dos hijos ya ha dejado hace tiempo de ser el modelo tradicional gracias a que, poco a poco, van siendo aceptados otros estilos.
La directora y co-guionista Lisa Cholodenko se interesó por contar una historia divertida y emotiva, pero sin esta nueva conformación de familia, la película pasaría inmediatamente a ser un telefilm, y la veríamos un domingo por un canal de aire.

Al promediar la mitad del film el mal giro para crear un conflicto dentro de la misma es demasiado obvio, demasiado trillado, y a partir de ahí el descenso es en picada salvo pequeñas situaciones que por momento intentan levantar la historia.

Hay algo que no pude llegar a captar dentro de la relación de las protagonistas, parece que continuamente necesitan el apoyo de un hombre.

El primer encuentro sexual que muestra la peli entre Bening y Moore se nota aburrido, monótono y tapadísimo, en cambio cuando Moore tiene sexo con Ruffalo parece que el mundo estalla, desnudes incluida, cambio de posiciones y desenfreno.

La perla de la película se encuentra en el reparto, sin el caería en un profundo abismo, con actuaciones espectaculares de Annette Bening y Julianne Moore, y los jóvenes Mia Wasikowska -con momentos excelentes dentro de la película- y el hijo menor Josh Hutcherson,dan credibilidad a los diálogos, que por momentos intentan forzar la comicidad en las escenas.

En cambio la actuación de Mark Ruffalo carecía de matices, monótona en el diálogo y en las expresiones.

Un detalle que gustó durante la proyección en la sala, y que comentaba el público como si fuese un triunfo deportivo, es que durante un largo pasaje de la cinta los personajes hablan maravillas de Argentina y coinciden en que “Buenos Aires es la ciudad más bella del mundo”.

Un punto a favor de la película es el mensaje clarísimo de que las parejas gays viven las mismas experiencias, peleas, conflictos, lucha de poderes y aprendizajes cotidianos a la hora de criar chicos que las familias heterosexuales.

El mensaje esta muy bien elaborado y es lo mejor de la película.

“Sin Retorno” narra la historia de un hombre injustamente condenado por un crimen que no cometió.

Basada en un guión del propio Cohan, que triunfó en la convocatoria para operas primas del Instituto del Cine Argentino (INCAA), se filmó primero en Buenos Aires y luego en los estudios españoles Ciudad de la Luz, en Alicante.

Un joven muere atropellado en un accidente de tránsito. Matías Fustiniano (Martín Slipak), al volver de una fiesta en el coche de su madre, atropella a un joven ciclista. En estado de shock huye del lugar. Horas después, les miente a sus padres, inventa el robo del coche y hace la denuncia policial. Víctor Marchetti (Federico Luppi), el padre del joven atropellado, se niega a ser testigo pasivo de la muerte de su único hijo.

De esta manera comienza así una cruzada por los tribunales y por los medios de comunicación en busca de justicia, creyendo que lo único que le dará sentido a su vida es hallar al asesino de su hijo y mandarlo a la cárcel.

Una serie de acontecimientos fortuitos y una “justicia contaminada” por la opinión pública ponen al hombre equivocado en el banquillo de los acusados.

Con excelentes actuaciones de Sbaraglia y Luppi, coronadas con conmovedoras y muy realistas escenas de Martín Slipak y Luis Machin, y un Arturo Goetz que intimida…, al terminar de ver “Sin Retorno” se siente una opresión dentro del pecho y una sensación en la que cabria decirnos: “que fácil se encadenan los acontecimientos que pueden cambiar la vida en un abrir y cerrar de ojos.”

Respecto a su director Miguel Cohan, las pelis que hizo como asistente de Marcelo Piñeyro le han servido para poder manejar a este importante elenco. Me imagino su primer día en el set, dirigiendo a las figuras de Luppi o Sbaraglia, y la felicidad que debe de sentir, al ver su obra terminada.

Un buen coctel de triller policial: la opera prima del director, un magnifico elenco y un estupendo guión.

A cualquiera le puede pasar...

Un Hombre común, por Manipulación de una Causa Judicial, 30 años de prisión.

Enrique Piñeyro nos movilizó con denuncias, declaraciones, e investigaciones, en sus anteriores films “Whisky Romeo Zulu” y “Fuerza Aérea Sociedad Anónima”, ahora mucho mas modernizado e innovando nuevas técnicas en “El Rati Horror Show”.

El 25 de enero de 2005 Fernando Ariel Carrera, un joven comerciante de 30 años, sin antecedentes penales, casado y con tres hijos, se encontraba en su auto a pocos metros del Puente Alsina, esperando que el semáforo le diera luz verde para cruzar desde Pompeya a Lanús
Al mismo tiempo, efectivos de la Comisaría 34 buscaban a tres ladrones en un auto blanco –ese era el único dato que tenían que en la zona habían realizado dos robos. Al ver el Peugeot 205 blanco de Carrera, los policías, dispuestos a detenerlo, se dirigieron hacia él a bordo de un auto sin sirena ni insignia alguna que los identificara como de la Policía Federal.

Carrera pensó que se trataba de una banda de ladrones y así comenzó una frenética persecución que termino con tres personas atropelladas, un violento choque y Carrera con ocho disparos en su cuerpo.

Con pruebas policiales, documentos fotográficos y televisivos, cámaras ocultas, y recreación ficcional de los hechos, efectos especiales que nos muestran con alegres marionetas a los personajes involucrados en la causa, y un excelente despliegue tecnológico de animación, el film va descubriendo la corrupción policial, y complicidad de los jueces en este caso real de un hombre que fue condenado a 30 años de prisión por un crimen que, según la investigación del autor, no cometió.

Por momentos la gran presencia y “actuación” de Enrique Piñeyro nos distrae de la película, y parece sobrar dentro de la misma. Se produce una metralleta de información, que con la lentitud del narrador, hace que sea difícil seguir el hilo de la causa.

Por otro lado, el merito de “meter el pecho” a la denuncia y ver durante toda la película que Piñeyro no tiene pelos en la lengua, e investiga con nombre y apellido los hechos, desenmascarando a peces gordos de la laguna de la justicia, se merece el mayor de mis respetos. El tipo se animo a hablar y denunciar a un fuerte poder, y eso no es poca cosa en la Argentina.

Un simpático Gato para disfrutar en familia.

Gaturro, el famoso personaje creado por el humorista gráfico argentino Nik en 1993, llega a la pantalla grande en un largometraje animado, en formato 3D, realizado por la productora de animación argentina Ilusión Studios, responsables de Boogie el aceitoso (2009), en colaboración con la productora mexicana Anima Estudios y Toonz Animation India.

Cuenta la historia de Gaturro, que sueña con conquistar a la bella Agatha, una gata caprichosa que rechaza su amor una y otra vez. Con la ayuda del destino, sus amigos del barrio y la pequeña hija de la familia, Gaturro triunfa en un casting que lo lleva a convertirse en estrella de televisión. Un Súper Héroe con todos los acosos fotográficos y de fans que viven las súper estrellas de la teve, con romances inventados por una revista del espectáculo, símil Paparazzi pero para gatos. Los enredos de la fama lo alejan de sus afectos y sobre todo del cariño de Agatha. Pero con la ayuda de sus fieles compañeros y de su representante, el talentoso ratón Rat Pit, bastante parecido a Brad, logrará descubrir el camino de vuelta a casa tratando de encontrar un final feliz para su historia de amor.

Mas allá de una pequeña historia, simpática… pero pequeña, “Gaturro “me sorprendió , realmente una peli para disfrutar junto a los más chicos.

Una obra de arte de la animación. Este pseudo critico sabe lo que cuesta en horas hombre, en capacidad, creatividad y de diseño, lograr la iluminación que poseen los personajes, los background bien de barrio de Buenos Aires, la muy buena interpretación de los actores que hicieron la voces, con un 3”D” que suma muchísimo, y un sonido impecable. La obra se encuentra a la altura de las grandes producciones de animación del exterior, con un toque argento que no se pueden perder.

Volvieron los chicos

Lacrimógeno – Melodrama

Si al terminarla película, la gran mayoría de los espectadores están con pañuelos de papel en la mano, y en muchos momentos es difícil tragar saliva, es señal de que algo conmovió mas allá del gusto de cada uno por el drama, algo se movilizo.

Pues bien eso es lo que el director Scott Hicks (Claroscuro- Nostalgia del Pasado) especialista en manejar el drama, con un estilo bastante realista, logra en “De Vuelta a la Vida”.

Joe Warr (Clive Owen), es un periodista de deportes ingles radicado en Australia, el cual al fallecer su esposa (Laura Fraser) de un terrible cáncer, queda a cargo de el hijo que tienen en común Artie (Nicholas McAnulty). El hombre se da cuenta que muy pocas cosas lo unen a su hijo ya que permanentemente se encontraba viajando en la cobertura de espectáculos deportivos. Sumado a la dura crianza de Artie aparece en escena su otro hijo Harry (George MacKay) fruto de su anterior matrimonio, el cual vivía con su madre en Inglaterra.

Toda esta mezcla de llanto, por la muerte, y risas por las pocas reglas que el padre pone en la vida de sus hijos, forman un coctel que por momentos semeja a una película televisiva, pero con la diferencia fundamental en las actuaciones, las cuales tienen mucha espontaneidad, y realismo.

Se resalta el trabajo que el director realizo durante el rodaje, en la relación de Owen con el niño McAnulty, la química lograda se nota en la peli.

La fotografía es discreta, y los paisajes que rodean el rancho donde viven la familia completa la historia.

Lleve a su novia, mujer o amante a ver esta peli, la comentaran los primeros 15 minutos al salir del cine,... una historia mas de vida.

Delirio guionado e inteligente, ágil y entretenido

Diego Capusotto es el único actor cómico que ha transformado el gag en un delirio inteligente y amable.

En este film que dirige Néstor Montalbano se hace un collage armonioso de incoherencias bien guionadas sobre la época de los hippies. Aquí la locación elegida es un pueblo en las Sierras de Córdoba donde vive una comunidad hippy con el rock, con presencias de OVNI en el Cerro Uritorco y con una suerte de “peronismo extraterrestre”, todo esto generado en un guión sustentable y orgánico escrito por Diego Capusotto.

Al film, frenético, dinámico, se le añadieron cameos de personalidades del mundo del espectáculo como Víctor Hugo Morales y otras del mundo de la política como Antonio Cafiero; también aparecen Miguel Cantilo, el Ruso Verea, Claudia Puyo, en medio de las excelentes actuaciones de Luis Luque, Verónica Llinás, Juan Carlos Mesa, y el resto del elenco.

En el caso de Diego Capusotto hay que resaltar su actuación, además de su creatividad, y el movimiento de su cuerpo, que en este film es necesario, a la perfección, o bien ese andar casi en puntas de pie por el suelo serrano con un gesto reflexivo y debilucho que lo hacen querible y más que risueño.

Entre otras bondades, Capusotto es un actor muy vinculado al rock y también compositor de temas por lo que el principal del film le pertenece: está titulado Pájaros Volando, con música de David Lebón, además del aporte de una banda integrada por músicos como Starc, Fogliatta, García y Urquiza.

Entre los extraterrestres que han venido a la tierra a llevarse a unos pocos elegidos- en una secuencia memorable donde un “suspendido plato volador” muestra el rostro de Perón mientras se escucha la Marcha Peronista- hay que destacar una narración audiovisual muy lograda, compacta, con muy buenas actuaciones y un excelente clima de delirio “guionado”. El rock y el hippismo de la mano de Diego Capusotto tienen su logro en esta película que va a gustar no solo a los seguidores del actor sino también a todos los que buscan una película nacional familiera pero no tonta, disfrutable y para reír. Nos encantó y redescubrimos a un notable Capusotto.

El escritor fantasma

Primera escena se abre la compuerta de un Ferry de donde a comienzan a salir automóviles, en una noche fría y lluviosa, este clima nos acompaña durante todo el húmedo film. Un flamante BMW queda inmóvil entre los bocinazos de los demas pasajeros. Corte a playa desierta y un cuerpo en la orilla arrastrado por las olas…

La vuelta de Román Polanski al cine de suspenso, demuestra que el gran director europeo sabe manejar este género a la perfección, generando atmósferas creíbles, la humedad y el frío del ambiente nos produce una grata sensación de incomodidad.

Cuando un escritor oculto profesional interpretado por Ewan McGregor acepta de manera reticente reescribir las memorias del antiguo primer ministro inglés, Adam Lang, (Pierce Brosnan), su agente asegura al escritor que se trata de la oportunidad de su vida ofreciéndole ¼ de millón de dólares por un mes de trabajo. Escena siguiente Ewan McGregor se encuentra en un vuelo cruzando el océano. Debe trasladarse a la mansión del Primer Ministro, situada en una isla en la zona costera de USA.

Al día siguiente de su llegada, un ex-secretario del gabinete británico acusa a Lang de haber entregado a la CIA a tres supuestos terroristas para que los torturen, acto que lo convierte en un criminal de guerra.

El escritor oculto descubrirá que el pasado del primer ministro puede ser mortal. Con problemas legales sobre su cabeza similares a las del personaje del Primer Ministro de su Film, no pudiendo regresar a Europa y refugiándose en los Estados Unidos, Polanski termino este Thriller con mezcla de suspenso psicológico con la calidad que lo caracteriza para sus pelis.

La banda sonora da un ambiente de constante peligro, en algunos momentos anticipándose a las escenas

El elenco es variado y funciona perfecto, con Ewan McGregor como el escritor, Pierce Brosnan como el ex-primer ministro, Kim Cattrall como la asistente, Timothy Hutton en un pequeño pero creíble papel como el abogado, James Belushi como el agente, Olivia Williams como la esposa del ex-primer ministro y Tom Wilkinson como Paul Emmett.

Suspenso del bueno con el director del “Bebe de Rosmarie”, y “Chinatown”