Durante décadas, la humanidad intentó contactarse con vida más allá de nuestro planeta. Gracias a la tecnología, descubrimos que un sistema solar similar al nuestro, que incluye un planeta a exactamente a la misma distancia de su astro rey que la Tierra del Sol, está a un par de universos de distancia. Al enviar un mensaje a nuestros “hermanos” espaciales, lo que recibimos como respuesta es una invasión arrasadora. Cuatro naves acuatizan cerca de las costas hawaianas y los marines norteamericanos que se encuentran realizando maniobras de entrenamiento en la zona son nuestra única oportunidad para sobrevivir a la masacre alienígena.

Basada en el juego de Hasbro, el inicio de esta nueva saga únicamente pone en escenario marítimo su taquillero tanque predecesor: Transformers. Nada de profundidad en los personajes, ningún tipo de explicación al porqué de la invasión (sabemos que necesitan algo de nuestro planeta, pero jamás nos enteraremos qué), mucha figura reconocida por el nicho adolescente de series enfocadas al público teen, una participación ínfima de Liam Neeson y un intrascendente debut actoral de Rihanna es la propuesta del director Peter Berg, responsable de otras cintas de acción como “El Reino” o “Hancock”. Lo positivo es que los diálogos no abundan, las explosiones y combates son constantes y que los 130 minutos de película pasan casi volando. No será mucho, pero es mejor que nada.

Casados hace algunos días, Paige y Leo tienen un accidente automovilístico en una fría noche nevada de Chicago. Leo apenas sufre algunas lastimaduras menores, pero el traumatismo en el cráneo de Paige borra totalmente de su memoria los últimos años de su vida. Al desperar, no solamente desconoce al hombre que dice ser su marido, sino que sus últimos recuerdos la ubican como la hija consentida, perfecta, estudiante de derecho y comprometida con un hombre al que su familia consideraba como el candidato perfecto. Vislumbrando que se encuentra frente a una causa casi perdida, Leo decide no darse por vencido e intentará reconquistar a Paige a través de los lugares y las situaciones que los hicieron enamorarse por primera vez.

Inspirada en hechos reales (la pareja en la cuál se basó la historia aparece durante los créditos finales), Votos de amor tiene el sello de las lacrimógenas historias de amor empalagoso de Nicholas Sparks (cuya séptima adaptación al cine con “Cuando te encuentre” se estrenó hace pocos días), pero sin llegar a los límites poco aptos para diabéticos. La reconstrucción del choque es impactante y real, y a pesar de que Channing Tatum tiene la expresividad de un joven Stallone, la química con Rachel McAdams hace adorable el vínculo que se genera entre ambos. A pesar de ello, el resto de los personajes son ridículamente estereotipados: los padres de clase media alta son distantes y manipuladores, mientras que aquellos que acusan orígenes humildes sólo se dejan llevar por los sueños y los sentimientos. Un cuento rosa con muchos obstáculos y final feliz, ideal para las chcias que desean llorar un rato frente a la pantalla grande.

En el 2005, con la música rap de Eminem sonando por todos lados, Schmidt y Jenko se encuentran a punto de tener su baile de graduación, hito del secundario que ambos se perderán por distintas razones. Siete años más tarde, estos extremos opuestos en cuanto a popularidad escolar se reencuentran durante su entrenamiento para ingresar al departamento de policía. El aumento de la delincuencia juvenil y la invasión de los narcóticos en los colegios obligan a las autoridades a reestablecer un programa de comando especial encajonado desde hace algunas décadas. Ahora esta pareja trabajará de incógnito dentro de una escuela, haciéndose pasar por estudiantes para descubrir una red de tráfico de una nueva droga sintética. Sin embargo, los años que pasaron desde su graduación convirtieron al secundario en una experiencia totalmente diferente.
Channing Tatum, el nuevo galán musculoso carente de expresión facial, y el ascendente Jonah Hill (quien ya se encuentra elaborando el guión de la innecesaria secuela de esta historia), tienen probada química para esta buddy movie. Es lamentable que el mensaje principal de la película sea tan desastroso: los adolescentes actuales sólo pueden divertirse gracias al alcohol y las drogas, y eso se repite una y otra vez durante los casi 100 minutos de metraje. El cameo del protagonista original de la serie, Johnny Depp, y la referencia al poder de los losers gracias a “Glee”, son demasiado poco como para sustentar la cinta.

Loki (Tom Hiddleston), hermano de Thor, llega a la Tierra decidido a acabar con toda la humanidad en busca de la fuente de poder más asombrosa de todo el universo. Nick Fury (Samuel L. Jackson), director de la agencia SHIELD para mantener la paz mundial, decide poner en marcha la iniciativa “Los Vengadores”, un equipo que reúne a los principales superhéroes del planeta con el único fin de defendernos de las amenazas externas. Iron Man (Robert Downey Jr.), Hulk (Mark Ruffalo), Thor (Chris Hemsworth), Capitán América (Chris Evans), Hawkeye (Jeremy Renner) y la Viuda Negra (Scarlett Johansson) deberán aprender a convivir y a trabajar en conjunto para salvar nuestro planeta.

Largamente anticipada mediante las escenas ocultas tras los créditos finales de las películas independientes de cada uno de los héroes Marvel, esta primera aventura del equipo fantástico nos permite vislumbrar todo el potencial que la saga podrá tener en el futuro. Con una secuela ya confirmada para el año 2014 (luego de que se estrenen la tercera parte del hombre de hierro y las segundas entregas del forzudo escandinavo y el emblemático capitán de la segunda guerra mundial), todo en esta cinta de acción funciona a la perfección. Con un sólido cast en donde destacan Downey Jr., Evans y Johansson, una cuidada factura técnica y una dosis exacta de acción y comedia, aquella emblemática historieta publicada por primera vez en 1963 tiene su futuro asegurado dentro de la cultura pop del siglo veintiuno.

Carlos Gutiérrez trabaja en una fábrica durante el día y personifica a Elvis Presley en bares y shows privados durante la noche. A punto de alcanzar la edad que su ídolo tenía al momento de fallecer, se encuentra ante una difícil decisión: Elvis o su pequeña familia destrozada.

La contracara de este tipo de fanatismo que presenta el director Armando Bo es dolorosa: los imitadores extremos de las estrellas viven a la sombra de sus ídolos, configurando una vida vacía y patética para sí mismos. Incluso llega a ser desesperante la disociación de la realidad que sufre Carlos, enloqueciendo a su jefe, su ex esposa y a su introvertida hija Lisa Marie, con quien deberá construir una relación filial de la noche a la mañana. John McInerny es el corazón de esta cinta, responsable de conmovernos y hacernos sentir toda la pasión por Elvis que nace desde lo más profundo de su ser (la excelente elección del repertorio también debe ser destacada). Asimismo, Griselda Siciliani sorprende en un registro totalmente diferente al que nos tiene acostumbrados. El cambio le sienta a la perfección y demuestra sus condiciones para historias de veta dramática.

Aardman + Piratas = calidad asegurada. El estudio inglés especializado en stop motion (Pollitos en fuga, Wallace and Gromit) logró nuevamente una proeza cinematográfica de la más alta calidad de animación. Con años de trabajo de producción -cada semana se realizaban poco más de cuatro segundos de metraje-, esta nueva historia combina humor, personajes creados artesanalmente y una reversión de la historia de la corona británica. El Pirata Capitán (cuya barba habrá vuelto loco a más de un animador) es un desafortunado corsario que no logra hayar el botin digno que le permita ingresar al concurso de Pirata del Año. Soñando despierto y gracias a un error de su fiel perico, ahora deberá enfrentarse a sus acérrimos rivales Black Bellamy y Cutlass Liz. Para alzarse con el premio, Capitán y su improbable tripulación de perdedores viajarán desde la Isla Sangrienta hasta Londres, donde conocerán a un perturbado Charles Darwin y deberán enfrentar el aberrante odio que la Reina Victoria siente por los dueños de los mares.

En la década del sesenta, el escritor Paul Kemp (nuevamente en la piel de Johnny Depp homenajeando a Hunter S.Thompson) se radica en San Juan de Puerto Rico para trabajar como reportero. Sus constantes cambios de humor y su alcoholismo son los ingredientes perfectos que lo llevan a trabar amistad con personajes locales, drogas alucinógenas y litros de ron. Cuando caiga rendido a los pies de una bella mujer, descubrirá que en realidad se trata de la esposa de un colega, y allí el cálido clima caribeño comenzará a enrarecerse.

Esta interminable especie de precuela de “Pánico y locura en Las Vegas” es estrenada en nuestro país con una inexplicable traducción de su título al español. Si hay alguien que dista de un seductor clásico, ese es Kemp. A pesar de reiterar uno de sus roles más desenfrenados, aquí Depp no es convincente, se lo nota contenido, en un intento por no repetir la fórmula alocada del filme de 1998. Incluso la composición freak de Giovanni Ribisi logra opacarlo en las escenas que comparten.

Un grupo de trabajadores de una refinería ubicada en un inhóspito rincón de Alaska sufre un accidente aéreo que los deja al borde de la muerte. Ocho de ellos logran sobrevivir a la tragedia y a partir de allí comienzan una desesperada carrera por volver a la civilización. Con pocas horas antes de perecer congelados o devorados por los voraces lobos de la zona, a medida que sus fuerzas flaquean el grupo se va reduciendo y cuando sólo quedan dos de ellos con vida, la premisa de la supervivencia de la especie más fuerte se hace salvajemente real.

Liam Neeson, como el líder espontáneo de este grupo de hombres decididos a luchar por su vida, compone un personaje similar al de sus últimos filmes, los cuales lo convirtieron inesperadamente en un héroe de acción. A pesar de su compromiso, la historia no presenta demasiadas novedades (por momentos parece una cruza entre Lost y Viven), la presencia casi constante de las salvajes manadas es algo reiterativa y, además, aborda ciertos lugares comunes como la agónica muerte de un compañero en los tramos iniciales del relato, la impotencia frente a los ataques de animales mucho más fuertes que nosotros y la lucha interna por no perder la cordura.

En los albores del siglo XX, un tratamiento experimental (“la cura a través de la palabra”) ayudaba a exorcizar los traumas mediante la exposición oral de los mismos. En 1904 el psiquiatra Carl Jung (el cada vez más solicitado Michael Fassbender) y su mentor Sigmund Freud (Viggo Mortensen detrás de algunas necesarias prótesis) mantenían una tensa relación que se nutría de intensos intercambios de parecer con respecto a la salud mental de Sabina Spielrein (impactante interpretación de Keira Knightley, el verdadero eje de la historia), una paciente casi histérica que se excitaba al recordar los abusos sexuales que había sufrido por parte de su padre durante su adolescencia. Este trío explosivo, ambicioso y perturbado es el encargado de cimentar las bases de la psicología moderna, aunque cierto melodrama quite algo de rigor a la reconstrucción de la relación más importante del mundo del psicoanálisis.

Nominada al Oscar en el rubro mejor guión original, la cinta escrita y dirigida por J.C. Chandor se basa en los sucesos reales que tuvieron lugar en el año 2008 y que llevaron al colapso mundial de los mercados financieros.
Con un elenco multiestelar, este thriller empesarial se mete de lleno dentro de una ficticia firma de Wall Street en las veinticuatro horas previas al estallido de la crisis económica global. El primer indicio se filtra gracias a un analista del departamento de gestión de riesgos. La situación es terminal, los peces gordos se devorarán entre ellos, aplastarán a los eslabones más débiles de la cadena de mando y las cabezas rodarán por montones.

En un mundo donde todo se mide en millones de dólares, tanto las ganancias como las pérdidas, la crueldad y voracidad de las organizaciones financieras no dudan en deshacerse de empleados valiosos cuando los mismos dejan de serles funcionales a sus propósitos. Dentro de las reconocidas figuras (Kevin Spacey, Paul Bettany, Demi Moore, Jeremy Irons, Stanley Tucci), Zachary Quinto también ofició de productor y se reservó uno de los personajes más interesantes del relato, el cual defiende con convicción. Este debut de Chandor no es perfecto, pero merece ser celebrado en vistas de su promisorio futuro.

Un pequeño festejo de cumpleaños trepa hasta los dos mil invitados: de allí al descontrol total sólo hay un paso, de allí a una revuelta y una anarquía adolescente sólo median litros de alcohol y cerebros vacíos. Una única intención: dejar de ser anónimos y convertirse en los populares de la escuela. La consecuencia: un barrio en ruinas. El mensaje que proponen los realizadores deja bastante que desear.
Con el recurso (en vías de saturación) de la cámara en mano y planos subjetivos, cualquier fiesta privada es más divertida que estos intrascendentes noventa minutos.
Hollywood sufre de una espantosa sequía de ideas y este hecho cada vez se nota con mayor asiduidad. Proyecto X se basa en el exagerado y sin sentido desborde hormonal adolescente, en el placer de la destrucción per se, sin medir consecuencias. Un derroche de recursos fílmicos y celuloide.

Lauren Scott (Reese Witherspoon), analista de productos en una publicación de defensa a los derechos del consumidor, sigue soltera y con el reloj biológico puesto en su contra. Su mejor amiga Trish (Chelsea Handler) decide hacerse cargo de la situación y postea los datos de Lauren en una web de citas virtuales. Allí conocerá a Tuck (Tom Hardy), un agente de la CIA recientemente separado y padre de un niño. Pero lo que nadie imagina es que FDR (Chris Pine), su mejor amigo y compañero en las misiones más arriesgadas a lo largo y ancho del mundo, también conocerá a Lauren por casualidad y se enamorará perdidamente de ella.
Juntos son la mejor arma con la que cuenta la central de inteligencia norteamericana, pero enfrentados luchando por el amor de la misma mujer llegarán a convertirse en el peor enemigo que hayan tenido.

Pine en su faceta demasiado canchera no llega a divertir ni por un segundo, convirtiendo a Hardy en la opción ideal para una deslucida Witherspoon y en la única sorpresa y novedad que presenta los cien minutos de “This means war”.
El realizador McG trata de recuperar algo del esteticismo y la fotografía de su saga de “Los ángeles de Charlie”, pero sólo logra traer de regreso las escenas de acción al borde del ridículo. Por los menos nos deja felices algunos segundos con un nuevo y extensísimo plano secuencia, peculiar detalle que al igual que el director Joe Wright maneja con coreografiada perfección.

Mientras aun está fresco el recuerdo de la Guerra Civil, el capitán John Carter se encuentra tras la pista de un inconmensurable tesoro dorado. Dentro de una cueva del lejano oeste norteamericano, un talismán lo transportará de modo inexplicable hasta Marte. Barsoom (como llaman los habitantes a su mundo) se encuentra al borde del colapso y Carter se verá involucrado en este conflicto que incluye enorme seres verdes con seis brazos, humanos y princesas en peligro. La paz y la supervivencia del planeta rojo se encuentran ahora en manos de un terrícola.

La combinación del espíritu western con la ciencia ficción ya nos había decepcionado en la reciente “Cowboys & Aliens”, y aquí –con la incorporación de la faceta gladiadora- vuelve a hacerlo. Los personajes son chatos, inexpresivos. Simpatizamos tan poco con ellos que no llega a interesarnos el éxito o fracaso de su descomunal misión. El guión desparrama parlamentos solemnes dichos con una afectación en desuso desde hace décadas. Incluso, que un matrimonio por conveniencia sea la solución a todos los problemas de un planeta, trasluce lo arcaico y naif de esta propuesta. Un dato: si bien el 3D maximiza la experiencia, resulta muy cansador usar los anteojos polarizados por más de dos horas.

Una discusión infantil termina con un niño hospitalizado por la perdida de dos dientes. Días después, los padres de victima y victimario, dos matrimonios respetables de la clase media neoyorkina, deciden reunirse civilizadamente para limar asperezas y resolver la situación como adultos. La tensa calma estalla en guerra campal gracias a un pequeño tecnicismo, y de allí en más las discusiones (entre ambas parejas, entre diversos sexos y en todas las combinaciones posibles) irán subiendo el tono hasta transformar ese elegante departamento en una exposición de todas las miserias humanas.

Basada en la obra teatral homónima, que en nuestro país fue dirigida por Javier Daulte y vista por más de cien mil personas, esta trasposición no tiene ni el dinamismo ni la vertiginosidad de su texto original, a pesar de que su autora (la francesa Jazmina Reza) haya sido la encargada de adaptar el guión junto a Roman Polanski.
Hay piezas teatrales que al sacarlas de su ambiente natural pierden fuerza, vigor, impacto y su verdadera razón de ser. ¿Por qué ver “teatro filmado” si efectivamente podemos ir a una sala a apreciar la historia tal y como fue concebida? Más allá del talento y los años de destacada trayectoria de cada uno de los cuatro actores protagónicos (Kate Winslet, Christoph Waltz, Jodie Foster y John C. Reilly), el resultado final dista bastante de la perfección. Sin embargo, uno no puede dejar de preguntarse cuál hubiera sido el resultado al verlos en vivo sobre un escenario.
Recomendación: sólo para aquellos que vayan a descubrir la historia por primera vez.

La graciosa y liberal Marley descubre que sufre de un cáncer de colon terminal. El doctor Julian Goldstein, encargado de comunicarle el diagnóstico, queda tan impresionado con el modo en el que Marley acepta su destino que decide acompañarla hasta el último minuto que le queda de vida.
“A little bit of heaven” está concebida a la medida de Kate Hudson pero carece de todo el humor del que ella puede hacer gala (aclaremos que en esencia el filme es una comedia dramática y no un melodrama lacrimógeno al 100%). Desde el minuto cero sabemos qué ocurrirá a lo largo de toda la cinta y esperamos que suceda lo inevitable: la enfermedad pondrá patas para arriba su mudo, la hará ver la vida con otros ojos y se enamorará de su médico.

Los pocos intentos de realizar escenas cómicas en el paraíso fracasan estrepitosamente y la participación de Whoopie Goldberg como el rostro de Dios es desastrosa. Hudson, por su lado, parece estancada en su carrera. ¿Cuándo volverá a interpretar roles como los de “Casi famosos” o “Cómo perder a un hombre en diez días”?
Intentar una comparación con la reciente “50/50” ni siquiera entra en discusión. Un abismo se interpone entre ambas propuestas.

Mecánico y doble de riesgo durante el día, un hombre solitario dedica sus noches a realizar recados especiales para delincuentes y organización de narcotráfico. Beneficiarse de sus excelentes habilidades detrás del volante tiene un alto precio y dos reglas básicas: él siempre trabaja de forma anónima y nunca dos veces para la misma persona. Hasta ahora, el equilibrio jamás había sufrido alteraciones, pero un robo no se ajustará a los planes y lo obligará a iniciar una sangrienta persecución para proteger a la mujer que ama.

Ryan Gosling, considerado por muchos como “el” actor de moda en Hollywood, nos brinda otra composición taciturna y escasa de matices, corriendo el riesgo de empezar a repetirse a si mismo. Por el contrario, Carey Mulligan tiene una versatilidad que cautiva y asombra: bien puede encarnar a una ingenua adolescente como a una madre soltera cuyo marido se encuentra en prisión. La frágil inglesa siempre convence y atrae a la audiencia.

Tras la muerte de su padre en el atentado al World Trade Center el 11 de septiembre de 2001, Oskar Schell descubrirá que aún tiene una misión que lo unirá con él más allá de la muerte. Fanáticos de la ciencia y la investigación, de los descubrimientos y de planes para develar los misterios ocultos en la Gran Manzana, Oskar y su padre recorrían la ciudad en busca de intrigas por resolver.
Atravesado por un profundo dolor y en un intento por recuperar la cámara fotográfica que solían utilizar juntos, Oskar hallará una pequeña llave dorada dentro de un sobre. Una sola palabra escrita en el papel lo hará embarcarse en la resolución de lo que cree será un gran secreto.

“Tan fuerte y tan cerca” está basada en la novela homónima centrada en un niño de once años en su proceso por reponerse de la inesperada muerte de su padre y en la aventura que esa llave representa, llevándolo a enfrentar y superar sus fobias sociales. Esta investigación es un modo de prolongar la despedida y comenzar a olvidar el dolor que la desaparición de su progenitor generó y que se traduce en una desgarradora autoflagelación física y sentimental. Desde la perspectiva de Oskar descubrimos lo aterradora que puede llegar a ser una gran ciudad: rascacielos, personas apuradas, transportes públicos rebosantes, ruido constante, multitudes… paralizaría a cualquiera que intente controlar su agorafobia.
La pequeña participación de Tom Hanks se suma a la de Sandra Bullock, cada vez más selectiva en sus roles, los cuales la alejan de aquellos personajes que cimentaron su carrera. Max Von Sydow, en una conmovedora composición, es el compañero ideal para acompañar al pequeño Thomas Horn es su camino a la verdad.

En clave de documental apócrifo, The devil inside parte del aterrador llamado telefónico a la central de emergencias del 911 que María Rossi realizara en 1989 tras haber asesinado a tres personas durante un rito de exorcismo. Desde esta premisa, veinte años después su hija Isabella contrata un pequeño equipo de filmación para retratar el reencuentro con su madre en un hospital psiquiátrico en Roma. Sin esperarlo, ciencia y religión se verán mezcladas e Isabella recurrirá a dos sacerdotes para interiorizarse acerca de los pormenores de las posesiones demoníacas.

El subgénero de found footage que tuvo su gran consagración con “El proyecto Blair Witch” fue tan implementado en los últimos tiempos que ya no siempre resulta efectivo. A pesar de contar con testimonios “reales” de científicos que aportan su mirada (incrédula o confiada) con respecto a los exorcismos, nada en esta cinta termina por convencer demasiado. Que parte de la maldición radique en cierto contagio demoníaco es aún menos convincente. Sin embargo, hay que reconocer que ciertos momentos provocan genuino terror y que a pesar del escaso presupuesto, las escenas de mayor impacto visual están resueltas correctamente.

Al igual que otro de los estrenos de esta semana (Con el diablo adentro), aquí también la acción será captada por las cámaras que tres estudiantes secundarios utilicen para retratar su extraño hallazgo. Durante una fiesta en medio de un bosque, encontrarán un túnel que los llevará hasta un prisma que les otorgará el poder de controlar objetos con la mente. Torpes en sus primeros minutos de superhéroes, la telequinesis irá cobrando cada vez mayor fuerza hasta volverse incontrolable. La ira hará que lo que comenzó como una sorprendente habilidad se convierta en una mortal maldición.

El concepto de cámara subjetiva se ve aquí demasiado forzado con respecto a propuestas similares del género fantástico (Cloverfield, podría ser un ejemplo) e incluso por momentos, y de manera inexplicable, se alterna con la lente objetiva, arruinando parte de la magia propuesta desde un inicio. Los primeros minutos tras obtener estos poderes (cuyo origen nadie se encarga de intentar explicar) son los más logrados de una película que sale perjudicada cuando decide ponerse en un rol solemne y aleccionador. La interminable persecución final parece imitarse a si misma una y otra vez casi hasta el cansancio.

Hollywoodland de la década del 20, era la Tierra Prometida para aquellos actores, músicos y bailarines que soñaban con convertirse en artistas de renombre internacional. La famosa estrella del cine mudo George Valentin se encuentra en medio de un matrimonio infeliz, una carrera ascendente y un enamoramiento con Peppy Miller, una extra que muy pronto se convertiría en la máxima figura de la industria cinematográfica. La llegada de las películas sonoras y su negativa a subirse al tren de la modernidad, harán que Valentin caiga en el ostracismo absoluto y que ya nadie recuerde su nombre.

Este homenaje a los inicios de la industria llega a las salas locales exactamente una semana después de que “La invención de Hugo Cabret”, otra celebración cinéfila, debutara con números por debajo de los esperados. Rodada en blanco y negro, sin diálogos (los intertítulos nos ponen de manifiesto las palabras que permanecerán silenciosas) y con la recreación de la época dorada de los orígenes del cine, “El artista” llega a la semana de los Oscars con diez candidaturas, merecidísimas todas ellas. La magnífica partitura de Ludovic Bource se adapta a los cambios que sufre el personaje del carismático Jean Dujardin, quien se gana a la platea de inmediato y a lo largo de toda la historia. Sumamente expresivo, al igual que la etérea Bérénice Bejo, sin decir una palabra logran recrear el ascenso y caída de un ícono de la pantalla grande.
El cine sonoro destruyó carreras, ridiculizó intérpretes y dejó a su paso decenas de actores que no pudieron adaptarse a los tiempos modernos. El cambio de paradigma de los realizadores y el refinamiento en los gustos del espectador hicieron que este arte evolucione de manera constante. “El artista” permite que varias generaciones que jamás vieron una cinta clásica descubran los primeros pasos de una maquinaria que en la actualidad sólo se conforma con improvisar las técnicas de las tres dimensiones.

Protagonizada por Jessica Alba, la nueva actriz fetiche del director Robert Rodríguez, esta cuarta entrega es un relanzamiento de la saga.
Marissa Cortez (Alba en su estado más puro de insipidez) acaba de casarse con Wilbur, un conductor de reality shows viudo y padre de los pequeños Rebeca y Cecil. Odiada por sus nuevos hijos y madre de un bebé recién nacido, Marissa deberá volver a entrar en servicio cuando la agencia secreta a la que pertenecía la requiera para una misión de alto riesgo.
Timekeeper ha adquirido la capacidad de controlar el tiempo y la duración de los días está siendo alterada. Con cada minuto que corre las horas se suceden a mayor velocidad y esta familia ensamblada deberá aprender a convivir para detener a los ladrones del tiempo.

La estética (detastada por muchos) que utiliza Rodríguez en sus filmes familiares vuelve a hacerse presente en esta ocasión, con un abuso del croma que reduce la cinematografía al regodeo del videojuego. La vara de ridiculez es elevada aún más, acaso si eso era difícil de creer, al punto que ni siquiera los niños pueden sentir empatía con estos personajes, odiosos casi todos ellos. Basta con decir que la pequeña participación de los mini espías de la trilogía original y el breve cameo de Danny Trejo son los únicos dos momentos que aportan aire fresco dentro de este deja vu.

Pensar en Adam Sandler desdoblado alla Eddie Murphy no es un plan ni alentador ni original. Mas el resultado final no es todo lo desastroso que uno podría presumir. Aquí, Sandler encarna a Jack, un agente publicitario abocado a conseguir la estelaridad de Al Pacino para una campaña de capuchinos; y a Jill, su poco agraciada hermana gemela que llega de visita para el Día de Acción de Gracias.
Jill no es más que Sandler con peluca, senos falsos, vestidos extravagantes y un insoportable seseo que se advierte debería hacerla más “amistosa” para con la platea. La historia no presenta muchos más matices que la típica pelea entre hermanos, la aparición de un personaje latino que le pone humor (xenófobo) a cada una de sus intervenciones y un Pacino componiendo un alter ego al borde de la exaltación y la locura (tal vez de los pocos momentos realmente cómicos de la cinta). ¿El resto? Escatología, previsibilidad y Sandler en piloto automático.

Durante los días previos al estallido de la Primera Guerra Mundial, el caballo Joey es vendido a una humilde familia de agricultores ingleses. Albert, el hijo del matrimonio, decide entrenarlo y, cuando la necesidad apremia, utilizar al equino para labrar la tierra. Sin embargo, el advenimiento del conflicto armado hará que Joey pase a formar parte de las filas del ejército británico en la contienda contra Alemania. A lo largo de los años, Joey irá involucrándose con diversas personas y la guerra será vista desde su perspectiva, con la intención final de reencontrarse con su verdadero amo y fiel amigo, Albert.

El nuevo filme de Steven Spielberg (el segundo de este año tras el estreno de su versión de Tintín) está basado en el libro “War Horse”, un clásico de la literatura juvenil que luego fue adaptado en una versión teatral. En la transposición cinematográfica, el resultado podría haber sido muy distinto si el material hubiera ido a para a las manos de otro director, menos avezado y arriesgado que Spielberg. Toda una apuesta implica el hecho de tomar como figura rutilante y casi excluyente a un caballo a lo largo de más de 140 minutos de metraje. Si bien por momentos el relato parece perder su rumbo, de a poco el realizador nos va indicando el camino correcto hacia el tan ansiado y demorado final. La secuencia que tiene lugar en plena batalla, donde Joey queda atrapado entre los alambrados de las barricadas, es desgarradora y perfecta a la vez.

La muerte de su padre marcó la vida del pequeño Hubo Cabret. Acostumbrado a la vida alegre que ambos mantenían en la relojería familiar, las desagradables vueltas del destino quisieron que Hugo quedara a cargo de su alcohólico tío, responsable de los relojes de la terminal de trenes de París. En las interminables horas de soledad, acompañado únicamente por un robot empeñado en no funcionar, el joven huérfano intenta hallar las piezas necesarias para que su amigo de hojalata funcione y le demuestre que la magia existe, aún en los lugares más solitarios del planeta.

Martin Scorsese, ganador del Globo de Oro a la mejor dirección por este filme, debuta en el género familiar con una historia que es la celebración pura y máxima por el cine. El amor por el celuloide se cuela en cada uno de los fotogramas en tres dimensiones que conforman esta emotiva película que homenajea a uno de los grandes precursores del cine en general y de la ciencia ficción en particular. Basado en el best-seller de Brian Selzknick, en La Invención de Hugo Cabret Scorsese utiliza las nuevas tecnologías como casi nadie lo ha hecho. La manoseada técnica del 3D adquiere aquí una nueva definición al ser implementada en cada una de las secuencias para aumentar la profundidad de campo y permitir así que la audiencia esté inmersa en el set a lo largo de toda la historia.
Los grandes momentos del relato no serán revelados aquí, pero si hay algo certero es que nadie podrá salir indiferente (menos aún si se ama al cine) luego de ver esta magnífica propuesta.

El viudo abogado Arthur Kipps (Daniel Radcliffe, en su primer rol luego del final de la saga de Potter) es enviado a un perdido paraje inglés para redactar la última voluntad de una anciana clienta y acomodar los papeles que ella dejara al cuidado de su familia. Sin embargo, y tras la reticencia de varios vecinos a acompañarlo, descubre que la mansión está habitada por el espíritu en pena de una dama que viste únicamente de negro. ¿Por quién guarda luto esta alma atrapada entre el mundo de los vivos y el de los muertos? El pueblo es el origen de una maldición escalofriante y Kipps se verá obligado a resolver el misterio si quiere salir con vida de allí.

Dirigida por James Watkins (“Eden Lake”), esta producción forma parte de los intentos de la productora Hammer Films por volver a posicionarse dentro de la industria. Escrita por Jane Goldman (guionista de la despareja X-Men: Primera generación), La dama de negro le permite a Radcliffe encarnar un personaje adulto dentro de la densa atmósfera de este relato repleto de tragedias y muertes infantiles. La cuidada recreación de la época de la Inglaterra victoriana es el emplazamiento ideal para una historia donde las posesiones, la escritura autómata, las supersticiones y las leyendas folclóricas, toman carácter de auténticas manifestaciones de la vida más allá de la muerte.
El film es un claro ejemplo del terror psicólogico que sugestiona, atemoriza, sin necesidad de grandes baños de sangre. Todo radica en descubrir quién es esta mujer y por qué se empecina en no abandonar la mansión.

Una joven abogada española (Cristina Brondo) decide alquilar su departamento porteño para poder regresar a su país con algunos euros bajo el brazo. En una visita con los agentes inmobiliarios encargados de cerrar la transacción, Marga descubrirá que ellos no son lo que parecen ser y que ocultan un sangriento plan para esa tarde de eclipse total de sol.

Como parte de la nueva camada de producciones que intentan reverdecer el género del terror y el suspenso en nuestro país, “Penumbra” no consigue los mejores resultados. Desastrosas actuaciones secundarias se suman a una banda sonora que acentúa los rasgos clase B de esta propuesta. Una duda: el desacertado vestuario y la ridícula peluca que le tocó en suerte a Camila Bordonaba, ¿estuvo planeado adrede?

Sin la rigurosidad de una elaborada biopic y con el foco puesto en las dificultades que implica ser mujer en un ambiente históricamente dominado por los hombres, la cinta dirigida por Phyllida Lloyd muestra a Margaret Thatcher tratando de abrirse paso en el mundo de la política para convertirse en Primer Ministro de su país. Desde un presente marcado por los delirios, las remembranzas de un pasado poderoso y la inestabilidad emocional a flor de piel, el guión de Abi Morgan nos lleva a conocer a la joven dama, hija de un comerciante, que decide formarse para defender sus creencias y regir la vida social de sus conciudadanos.

La gran Meryl Streep, quien interpreta a Thatcher a lo largo de casi treinta años, es el gran bastión que salva a la película del desastre total. Es sabido que Lloyd no es una virtuosa directora (su debut con “Mamma Mia!” fue respaldado gracias a la alegría que la música de ABBA desparramaba por toda la pantalla) y aquí, sin todo el artificio de su filme anterior, este hecho queda en evidencia. Sumado a ello, una edición poco lograda que tiene sus peores momentos cuando trata de amalgamar imágenes de archivo con escenas rodadas especialmente para la película, terminan por restar calidad a la propuesta. Sólo Streep y su oscarizable tour de force merece la visión de la cinta y justifica esta calificación.

En Londres de 1690, la tripulación del galeón “El Esperanza” intentará hallar el botín más impresionante jamás buscado: el tesoro que cargaba en hundido barco Manila. Este grupo de piratas, entre los que se encuentra el experto en cartografía Selkirk, cruzará el Océano Atlántico y deberá atravesar el Cabo de Hornos para lograr parte de su misión. Pero el barco esconde un secreto y las ambiciones harán que una isla desierta sea el nuevo hogar de Selkirk.

Primer largometraje realizado en Uruguay mediante la técnica de stop motion, esta coproducción de la que también participaron Argentina y Chile, acierta en su doblaje neutro y libre de modismos pero pierde al momento de elegir su público meta. Aún rústica la implementación de la compleja técnica y con una notoria falta de fluidez en la transición de diversos fotogramas en varios pasajes de la historia, la ausencia de una buena banda sonora también atenta contra la concentración de la audiencia. Para cuando nuestro protagonista se convierte en náufrago ya hace rato que perdimos el interés en él.

Una curiosidad: que el barco acechado por los corsarios -en un claro intento por hacerlo naufragar- sea el Concordia es sólo una ironía del destino. La producción de esta película comenzó en 2009, años antes de que el capitán abandonara el crucero.

Sean Anderson vuelve a ser el centro de una aventura de proporciones inesperadas cuando recibe de parte de su abuelo una señal codificada desde una misteriosa isla en medio del Pacífico. Ayudado por Hank, el nuevo marido de su madre, Sean sigue las pistas que lo llevarán a descubrir la fuente de inspiración de Julio Verne, R.L. Stevenson y Swift: una misma isla que originó tres de las obras más importantes de la historia de la literatura.
Junto a un distraído piloto y su hija, Sean y Hank deberán llegar a la isla, rescatar al abuelo Anderson y volver a casa antes de que sea demasiado tarde.

Continuación indirecta del éxito de 2008 “Viaje al centro de la Tierra”, precursora en la vuelta que actualmente vive el cine en tres dimensiones, esta secuela se sostiene con peso propio y no requiere haber visto su sucesora para disfrutarla de igual modo. Si bien es cierto que la solidez del argumento tabalea en más de una oportunidad, el hecho de no haber adaptado un único libro sino tomar como fuente de creatividad tres volúmenes que comparten más de lo que aparentaban a simple vista, es todo un logro que puede llegar a colaborar para que una generación no muy adepta a la lectura regrese a ella. El carisma de Josh Hutcherson y Dwayne Johnson, potenciados por las divertidas participaciones de Luis Guzmán y Michael Caine, nos hacen olvidar la poca gracia y la intrascendencia que tiene Vanessa Hudgens a lo largo de toda la historia.

La esposa de Matt King sufre un accidente a bordo de una lancha en Waikiki y entra en un coma profundo del cual los médicos no tienen esperanza que despierte. Enfrentado a una realidad terrible, inesperada, que lo alejará de sus tareas empresariales, Matt deberá comenzar a relacionarse con sus dos hijas. Scottie, una conflictiva y agresiva nena de diez años, y Alexandra, adolescente rebelde enemistada con sus padres. Cuando los tres vuelven a convivir bajo el mismo techo, surgirán los conflictos que terminarán por unirlos.
Los King son dueños de parte de las últimas parcelas vírgenes de playa tropical de las islas, que fueron parte de un legado de la realeza hawaiana y de los pioneros de esas tierras. Mientras Matt debe decidir que hacer con ellas, Alexandra revela el secreto que tanto la distanció de su madre: antes del accidente había comenzado una relación extramatrimonial y pensaba pedirle el divorcio a su marido.

Alexander Payne es un experto realizador que narra como pocos los viajes emocionales por lo cuales sus personajes (hombres vacíos sentimentalmente que deben reconciliarse con el mundo y consigo mismos) deben atravesar para renacer de sus propias miserias. En esta oportunidad, las sutilezas de George Clooney (ganador del Golden Globe por este mismo papel con el cual aspira a su segundo Oscar) y la conmovedora actuación de Shailene Woodley, hacen de ese vinculo entre padre e hija una sociedad en apariencia frágil pero intensamente valiente para enfrentar lo que el futuro les depara. Sin la posibilidad de preguntar, cuestionar decisiones y obtener respuestas por parte de una esposa postrada, inconciente y a días de morir, Matt y Alexandra se unen en el dolor para reconstruir los últimos días de quien fuera la mujer de la casa. Una historia de amor y fidelidad que emociona en todo momento.

Nick Cassidy (Sam Worthington) bien podría pasar por un hombre de negocios, uno más de los tantos que ingresa por día al hotel Roosevelt de Nueva York.
En cambio, este ex policía devenido en fugitivo sube hasta su habitación, ordena servicio al cuarto y escribe una pequeña nota antes de pararse en el borde de la cornisa y comenzar a amenazar con saltar al vacío. Su único requerimiento es que la agente Lydia Spencer (Elizabeth Banks) sea la negociadora. A partir de allí, las verdaderas intenciones de Cassidy empiezan a surgir de a poco.

Man on a ledge es una bienvenida sorpresa. A priori todo indica que se trata de una historia más de acción sinsentido, pero cuando dejamos atrás el pasado de su protagonista y las persecuciones no del todo bien logradas, somos parte de un relato vertiginoso que no decae en ninguno de sus casi cien minutos. Constantemente nos sorprenden eventos que se encuentran sucediendo en paralelo, pequeñas dosis de humor y un plan tan bien pensado que para llegar a buen puerto debe funcionar como un mecanismo de relojería. Un solo error puede terminar con la vida de Cassidy. Dentro del elenco, que completan Ed Harris, Edward Burns y Jamie Bell, se destaca una nueva figura latina, Génesis Rodríguez, hija de “El Puma” Rodríguez y dueña de un estilo y carisma que la asemejan a la popular Sofía Vergara.

The Tower es el edificio residencial más lujoso ubicado frente al Central Park. Kovaks, el administrador del complejo, es el responsable de hacer cumplir todos los deseos y caprichos de los propietarios. Después de más de una década de estar al servicio de algunas de las personas más poderosas de la ciudad, Kovaks decide pedirle a Arthur Shaw, el magnate de Wall Street que vive en el Penthouse, que invierta los fondos de pensión de todos los empleados de la torre. Cuando Shaw es arrestado por estafas multimillonarias, los sueños de viajes exóticos y seguridad económica del staff del edificio quedan desechos. En ese momento, Kovaks decide tomar la solución en sus propias manos y robar los veinte millones de dólares que se encuentran escondidos en el departamento del inversionista. El FBI y un equipo para nada habiloso complicarán un poco las cosas.

Bajo la dirección de Brett Ratner (Una Pareja Explosiva, Dragón Rojo) y con el espíritu de Bernard Madoff dando vueltas en el aire, los personajes de esta historia justifican su decisión de tomar al edificio por asalto como una versión actual de Robin Hood, donde los “pobres” están avalados para robarle a los “ricos”. Chistes racistas y xenófobos mediante, esta cinta es un claro ejemplo de que un nutrido y talentoso elenco (Ben Stiller, Eddie Murphy, Téa Leoni, Alan Alda, Casey Affleck, Matthew Broderick) no son garantía de calidad cuando no hay una verdadera historia que contar.

Harriet Vanger, heredera del imperio familiar, desaparece una tarde de primavera sin dejar rastro alguno. Desde aquel día, su tío Henrik comienza una búsqueda con la intención de dar con su asesino y recuperar el cadáver de la joven. Sin embargo, cada año para su cumpleaños, el magnate sueco recibe una flor disecada, el mismo presente que Harriet solía hacerle en vida. ¿Por qué el homicida se empeña en torturar al anciano? ¿Cómo es posible que nadie recuerde algo de aquella tarde?
Cuarenta años después, el periodista Mikael Blomkvist, quien se encuentra enfrentando cargos por difamación, es contactado por Henrik para reabrir el caso.
Lisbeth Salander, una inestable hacker, se convertirá involuntariamente en su asistente y ambos comenzarán a desarmar una red de misoginia y antisemitismo que viene rondando esta isla escandinava desde hace varias generaciones.

Considerar a “La chica del dragón tatuado” una remake de “Los hombres que no amaban a las mujeres” es partir de una premisa errada. Lo cierto es que ambas producciones son reinterpretaciones del best-seller de Stieg Larsson y cada una se consolida mediante logros propios. En la versión de David Fincher sería redundante halagar sus cualidades como director, pero si cabe mencionar la simplificación que se hizo de la historia, haciéndola más permeable para un tipo de público que no accedería a ver la versión sueca. A pesar de ello, las escenas de violencia son de una crudeza terrible, lo que explica la calificación de apta para mayores de 18 años otorgada por el INCAA.
El guión de Steven Zaillian introdujo algunas pequeñas grandes modificaciones con respecto a su original literario pero, críticas mediante, estos cambios sirven para reducir las 665 páginas originales a un filme de casi 160 minutos. El correcto trabajo de Daniel Craig se ve reducido gracias a la avasallante presencia de Rooney Mara, poseída por el espíritu de Lisbeth, ese gran personaje contemporáneo que nos regaló Larsson en su trilogía Millennium.
Asimismo, la edición y la musicalización (a cargo de la misma dupla responsable de la partitura de “Red social”, Trent Reznor y Atticus Ross) son impecables.

En los preparativos para las elecciones primarias presidenciales del partido demócrata en Ohio, el secretario de prensa de la campaña del gobernador Mike Morris descubrirá parte del pasado de su candidato e involuntariamente se verá involucrado en un escándalo político que pone en riesgo las posibilidades de Morris de acceder a la Casa Blanca.

Dirigida y co-protagonizada por George Clooney (quien acaba de ser nominado al Oscar por el guión de esta cinta), la película es un curso acelerado sobre los verdaderos intereses que yacen debajo de los ensayados discursos políticos. Es también una lección sobre lo que muchas personas están dispuestas a ceder y tolerar por alcanzar venerados puestos de poder. “¿Quieres trabajar para un amigo o para el presidente?” y frente a esta disyuntiva el protagonista debe decidir de qué lado está su lealtad.

A pesar de sus muchos logros, Secretos de Estado pretende tomarse a sí mismo demasiado en serio: intenta construir una historia más compleja de la que en definitiva termina presentando. Afortunadamente allí se encuentra un sólido elenco para compensarlo. Desde los experimentados Philip Seymour Hoffman y Marisa Tomei hasta dos grandes promesas como Evan Rachel Wood y Ryan Gosling.

Walter es el fanático número uno de la serie “Los Muppets” y cuando su hermano Gary, acompañado por su novia Mary, deciden llevarlo a Los Ángeles a conocer los estudios de grabación, su sueño de estar al lado de sus héroes televisivos parece estar a la alcance de la mano. Pero en Hollywood no todo lo que reluce es oro, y Walter no tardará en descubrir el ostracismo en el que cayeron sus queridos personajes. Además, el magnate petrolero Tex Richman planea derribar el Teatro de los Muppets debido a la fortuna que yace debajo del mismo.
Si quiere volver a ver a sus ídolos en acción, Walter deberá convencer a la rana Kermit, Fozzie, Gonzo, Miss Piggy y al resto de los Muppets de organizar un teletón para recaudar los diez millones de dólares que cuesta la cancelación del contrato.
El camino a la redención de las estrellas televisivas es igual de duro, se trate de humanos o de muñecos de felpa.

Jason Segel (guionista y productor del filme) y Amy Adams son dos excelentes comediantes que se desenvuelven igual del cómodos en el humor físico, en los remates y en los pasos de comedia musical. Los nostálgicos encontrarán todo aquello que los enamoró de estos muñecos hace un par de décadas y los niños conocerán nuevos personajes y no serán subestimados: es un relato sólido que ofrece calidez y originalidad tanto en su forma como en su contenido.
En breves apariciones, varias figuras del mundo cinematográfico repiten algunos de sus roles más recordados o actúan una versión exagerada de si mismos, un guiño al mismo público adulto que ahora arrastrará a sus hijos a ver la versión 2011 de los Muppets.

Para tener en cuenta: antes de la proyección de la película hay una pequeña sorpresa relacionada con la saga de Toy Story. El corto es la primera aventura de los juguetes desde que están con Bonnie y el perjudicado será Buzz debido a una divertida historia de autoestima y obsequios descartables.

Skeeter (Emma Stone) decide narrar la vida de las criadas negras encargadas de la crianza de innumerables generaciones de niños blancos y depositarias de las peores bajezas en una época en donde la segregación racial era moneda corriente.
Tras la negativa por gran parte de las mujeres que administraban los hogares de la clase media más discriminadora, Aibileen (Viola Davis) y Minny (Octavia Spencer) se atreven a realizar lo que nadie imaginaba en la década del sesenta, denunciar encubiertamente a sus patronas. De esta alianza surgirá “The Help”, un libro que narra las desventuras de las empleadas en el sur de Estados Unidos y que enrostra de la manera más cruel y directa las desigualdades sociales.

La transposición de la novela “Criadas y Señoras” tiene más logros de los que se pueden prejuzgar si sólo la consideramos una historia moralizante y aleccionadora apuntada a mujeres de lágrima fácil. La genial musicalización sureña cuenta con el legendario Johnny Cash a la cabeza de un imperdible soundtrack country; la fotografía es bellísima y la composición cromática acorde a aquellos años nos traslada a la época de sufrimiento de toda la comunidad negra; el humor como mecanismo de defensa permite descomprimir la densa atmosfera que se genera con cada una de las maldades que realizan las “damas” de la sociedad (el té para curar el lesbianismo es sólo un ejemplo).

En medio del discurso de Skeeter se nos podrían colar los pensamientos cerrados y conservadores preguntándonos hasta dónde estamos autorizados a opinar de un época en la que no nos tocó vivir, sin embargo el guión se planta en la postura de aquellos años, sin juzgar desde el presente.

Esta segunda parte comienza justo en donde nos habíamos quedado hace algunos años. El detective Sherlock Holmes sabe que el Profesor Moriarty es el genio maligno escondido en las sombras de un plan que sembrará el terror a escala mundial. Tras un atentado, Holmes y el Doctor Watson –ahora ayudados por Mycroft Holmes- comienzan a rastrear las pistas que los llevarán hasta Sim, una mentalista gitana involucrada involuntariamente en los planes de Moriarty.
A horas del casamiento de Watson con Mary, y en una carrera contra el tiempo, el nuevo equipo viajará por Francia, Alemania, Inglaterra y Suiza para poner fin a una inminente guerra entre las potencias globales. Pero Moriarty siempre está un paso adelante y parece que esta vez Holmes, y su arte del camuflaje, no serán suficientes para detenerlo.

Guy Ritchie tiene un estilo y una estética personal tan impecable que incluso él mismo se regodea en ella hasta el cansancio. El problema es saber hasta dónde el público está dispuesto a ver los mismos recursos una y otra y otra vez. Hasta las escenas vertiginosas y la ralentización de la imagen tienen un punto de saturación.
La vuelta de Rachel McAdams en una breve participación y la incorporación de Noomi Rapace, en una caracterización que bien podría ser la versión femenina del capitán Jack Sparrow, son dos puntos a favor para esta secuela apenas correcta.

Dos diseñadores web norteamericanos que llegan hasta Moscú para vender su nuevo producto turístico cruzan medio mundo sólo para descubrir que fueron traicionados por uno de sus intermediarios. Destruido su sueño de convertirse en multimillonarios de la noche a la mañana, deciden aprovechar su estadía en Rusia para conocer algunos de los boliches más populares de la ciudad. Allí se cruzarán con dos compatriotas que organizaban sus vacaciones gracias a la aplicación para celulares que ellos mismos habían creado. En medio de la noche, un apagón generalizado es seguido por la caída de cientos de luces. Lo que en un principio parecía ser un fenómeno extraño, resulta en la invasión extraterrestre más agresiva que jamás se haya imaginado.

“La última noche de la humanidad”, título local para “The darkest hour” es otra cinta de alienígenas obsesionados con las riquezas de nuestro mundo. Al ser pura energía, son invisibles a nuestros ojos, por lo que el diseño de efectos visuales se enfocó en los aspectos del clásico cine catástrofe (ciudades en ruinas, puentes colapsados, explosiones varias) y no tanto en el look de los visitantes. Esta falta de atención es puesta de manifiesto en los pocos segundos en los cuales podemos llegar a vislumbrar a los aliens, quienes parecen salidos de un videojuego de segunda selección.

Especialmente en su segunda mitad, el relato carece de toda lógica y la cohesión desaparece por completo. Una secuencia íntegra demuestra la falta de continuidad y la necesidad de estirar el metraje en detrimento del (pobre) hilo narrativo que se veía desarrollando hasta ese momento. El sector masculino del elenco demuestra un oficio que deja en evidencia la falta de talento de las actrices elegidas para ser la carnada de estos extraterrestres hambrientos de energía eléctrica y humana.

En esta tercera entrega de las nuevas aventuras de Alvin y sus amigos, las vacaciones a bordo de un crucero de lujo no serán tan perfectas como se veían en los folletos de la agencia de viajes. Un barrilete y mucha mala suerte llevarán a las seis pequeñas ardillas hasta una isla aparentemente desierta. En plan de rescate, los seguirán Dave y su ex manager ahora devenido en mascota del crucero.
Un volcán a punto de erupcionar, una inestable naufraga con problemas psicológicos y un tesoro invaluable escondido en las entrañas de una cascada serán parte de estas vacaciones para nada distendidas.

Más allá de agotar la fórmula que consagró esta nueva etapa de Alvin hace ya un par de años, el gran defecto de “Alvin y las ardillas 3” es subestimar a su público y entregar poco más que un borrador de lo que la historia debería haber sido. Poco ingenio, menos humor y escasas sorpresas.
No obstante, Jason Lee está allí para enternecernos en su rol de “padre” de las ardillas y la selección musical, con la mayoría de los últimos hits pop que arrasaron en los rankings, es sencillamente ideal.

De acuerdo con la cita de Descartes que abre la película, el alma humana se ubica en el centro del cerebro, por lo que ahora –al poder precisar su ubicación- su extracción no será un procedimiento tan descabellado de realizar. Hasta esta clínica donde congelan las almas llega el actor Paul Giamatti agobiado por la composición de Tío Vanya que debe encarar en un escenario de Broadway.
Decidido a quitarse este peso de encima por algunas semanas, la empresa que desalma cuerpos pero que permite echar un pequeño vistazo a nuestro interior con unas gafas especiales, le promete una vida más lógica y sencilla al quitar del medio los sentimientos. La extracción del alma es ciento por ciento segura, efectiva y discreta. Sin embargo, recuperarla en un mundo donde el mercado negro y el tráfico de las mismas es moneda corriente, no será tan simple.

Cold Souls es una historia totalmente fuera de lo común que seguramente dividirá las aguas de las opiniones. Mezcla de drama, ciencia ficción y metafísica, la insatisfacción de Paul bien podría haber surgido de la compleja y retorcida mente del guionista Charlie Kaufman. El gran Giamatti nos regala otra meticulosa composición, en esta oportunidad una versión neurótica e inconformista de sí mismo. La actriz rusa Dina Korzun, encargada de dar vida a una reclutadora y mula de almas, debe ser tenida en cuenta en sus futuros trabajos.

Ayudado por su equipo de operaciones, el agente especial de la Fuerza de Misión Imposible Ethan Hunt escapa de una prisión rusa justo en el momento que un ataque terrorista hace explotar gran parte del Kremlin. Acusado por este atentado, abandonado y desautorizado por su gobierno (quien inicia el protocolo fantasma), Ethan deberá encontrar a los verdaderos responsables de la masacre sin contar con el respaldo de la agencia secreta. Con algunas pocas armas, un reducido equipo de fieles colaboradores y mucha inteligencia, los únicos cuatro miembros del FMI que aún permanecen asignados a esta misión viajarán por medio mundo para evitar la guerra nuclear que se avecina.

Decidido a no dejar de sorprender con cada una de las misiones asignadas a su más taquillera criatura, el actor y productor Tom Cruise nos ofrece un producto de acción con mayúsculas. Hace tiempo que una cinta que combina complots internacionales, persecuciones por todo el globo y adrenalina en tomas aéreas vertiginosas no cautivaba al público del modo que esta cuarta entrega de la saga lo ha hecho en todas los mercados donde se estreno. La dirección de Brad Bird, responsable de “Los Increíbles” otra cinta del mismo género pero en clave animada, sumado a la música de Michael Giacchino, habitual colaborador de J.J.Abrams –quien vuelve a oficiar de productor- es una combinación explosiva para este cine de divertimento ideal para el caluroso verano argentino.
Un dato: si asisten a las funciones en la sala IMAX, además de apreciar la magnitud de la copia en 70mm podrán disfrutar de manera exclusiva ocho increíbles minutos de la próxima entrega de Batman: “El caballero de la noche asciende”.

Norberto tiene 35 años y lo acaban de echar de su trabajo, aunque el diga que dejó la empresa para probar cosas nuevas, agotado de la rutina. Está probando suerte como agente inmobiliario con el único, y al parecer poco fácil de alquilar, departamento de una pareja de ancianos que necesitan mudarse con urgencia.
Tímido y poco locuaz, su nuevo jefe le recomienda que se inscriba en algún curso de reafirmación personal. A partir de una obra de teatro que ve en el circuito off de Montevideo, Norberto se anota en un taller de teatro y allí comienza a descubrir una cara de su personalidad que hasta él mismo desconocía.

En esta ópera prima del actor Daniel Hendler (de estreno independiente, limitado y casi sin haber sido anunciado de manera oficial), el personaje central es una típica composición que el protagonista de “Derecho de familia” podría haber resuelto sin dificultad si no hubiese decidido ponerse detrás de cámaras. Otros pequeños datos, como la obra “La gaviota” de Chejov, le dan un color autorreferencial a la película, que si bien no será de aquellas que permanecerán en la memoria a lo largo de mucho tiempo, si establece el tono y el rumbo con el que Hendler podrá sorprendernos en un futuro. Además de la correcta labor de Fernando Amaral y la actuación de Eugenia Guerty hay pequeñas participaciones de Arturo Goetz y Ana Katz.

Inspirado en la historia, y en el best seller, del periodista Benjamin Mee, Cameron Crowe vuelve al cine con la titánica misión de mantener y reconstruir una familia tras la inesperada muerte de la madre de los niños y esposa del ahora hombre orquesta que trata de satisfacer todas las necesidades de los más disímiles flancos.
Con la intención de comenzar de cero y tratar de borrar el dolor del día a día, Benjamin decide vender la casa en la que se criaron sus dos hijos y adquirir, a un precio de remate, un zoológico casi en ruinas y hacerse cargo de parte del plantel estable del mismo. Con la doble responsabilidad de lograr que su pequeña familia se adapte al nuevo contexto y que los empleados puedan cobrar su sueldo regularmente todos los meses, Mee emprende la misión de reciclar el zoo y dejarlo a punto para las próximas vacaciones.

Aunque la tarea no será nada sencilla, allí se encuentra toda la convicción de Matt Damon para ponerse al hombre el protagónico casi excluyente de esta cinta, en la que Scarlett Johansson vuelve a recuperar parte del carisma extraviado en sus últimos trabajos y en donde Elle Fanning y la pequeña Maggie Elizabeth Jones terminan quedándose con los momentos más auténticos y emotivos.
Un filme ideal para cerrar una exitosa temporada cinematográfica en nuestro país.

Sara y sus amigos de la facultad deciden pasar algunos días en una cabaña a orillas de un lago en Louisiana. El plan parece perfecto: playa, surf, alcohol y adolescentes bronceados y semi desnudos. Cuando en medio del agua uno de ellos es atacado mortalmente por un tiburón, descubrirán que se encuentran inmersos en medio de una pesadilla que algunas mentes perversas han ideado para hacerlos sufrir hasta el último aliento de sus vidas.

¿Por dónde comenzar a enumerar los errores de una producción cuando son tantos? Que los personajes sean estereotipados y que ya sepamos como reaccionarán ante cada una de las “sorpresas” del guión no debería llamar tanto la atención. Que la falta de señal de celular sea una advertencia, el preludio de un complicado fin de semana bañado en sangre, es sólo un lugar común de tantos. Que se apele a la infaltable música electrónica que acompaña montajes veloces y de impacto, confirma la escasez de contenido en la narración. Que las tomas subacuáticas sean la mejor -y única- manera de graficar el avance de los animales voraces, es sólo falta de imaginación por parte del director. Que el 3D sea “el” valor agregado de una producción mediocre, es demasiado poco.

La película está basada en la historia real de Billy Beane, el director general del equipo de baseball Oakland A’s, quien ayudado por Peter Brand, un recién graduado de la facultad, decide reinventar el deporte y utilizar las estadísticas, los porcentajes y los análisis matemáticos para conformar el mejor equipo de la liga a pesar de ser uno de los clubes más pobres y con menos presupuesto de todo Estados Unidos. La idea de manejar a los A’s como a una empresa, con proyecciones, escalas de triunfos y anotaciones en el marcador, partidos a favor y en contra y basando la elección de sus jugadores en los resultados arrojados por estas fórmulas revolucionó al baseball de Norteamérica.

Oscarizable por donde se lo mire, “El juego de la fortuna” es un proyecto que cuenta con el gancho de estar inspirado en la vida de una persona real que aún se desempeña en el cargo que lo hizo famoso, quien a pesar de tener todas las perspectivas en su contra, logró imponerse, reinventarse y salir triunfando. En el rol central, un actor taquillero como Brad Pitt que compuso un personaje distinto, alejado del glamour hollywoodense.
Comercialmente puede que no llegue a funcionar en nuestro país, no demasiado proclive a historias deportivas y menos aún de disciplinas alejadas de nuestras costumbres. Ni siquiera la presencia de Pitt, o del sorprendente Jonah Hill, logrará convocar grandes números a las salas, pero si es de valorar que a pesar de ello la distribuidora decida estrenarla de cara a las posibles nominaciones por los Premios de la Academia.

A lo largo de una misma noche, la cinta sigue los reencuentros entre Joanna y Alex, un ex novio francés, y el marido de ella, Michael, y su estrecha relación laboral con Laura. Tentaciones actuales y amores del pasado se confunden, las decisiones de vida son puestas en duda y todos se enfrentan al mismo dilema: ¿hasta dónde hay que controlar el deseo y reprimir los impulsos con tal de seguir siéndole fiel a nuestra pareja?

El guión de Massy Tadjedin, quien también estuvo a cargo de la dirección, tienen pinceladas de otro filme complejo y sentimentalmente movilizador, “Closer, llevados por el deseo”. En estos cuatro personajes, los celos reflejan las incertidumbres a las que se enfrentan, la infelicidad por la que atraviesan y la posibilidad de terminar con años de incómoda estabilidad amorosa. Además, acierta en retratar la mecánica interna de una pareja consolidada en su superficie y resquebrajada en lo más profundo de su intimidad.
Keira Knightley es versátil, de eso no hay dudas, y sus cualidades como actriz hacen de sus complejas criaturas personas llenas de matices. También cabe destacar el camino que se encuentra recorriendo Eva Mendes, rechazando roles de bomba sexy y encarnando mujeres con mayores preocupaciones que resaltar un entallado escote.

Joy es una sufrida mujer, amada por el fantasma de un ex novio suicida y miembro de una disfuncional y compleja familia, repleta de sombras, temas tabúes y perversiones varias. Con el bar mitzvah de su sobrino a días de distancia, todos los parientes comienzan a llegar y será el momento de decidir perdonar o mantener la distancia que ya los separaba.

En esta secuela indirecta de “Felicidad”, los personajes hablan de manera directa, sin tapujos (la escena donde una madre habla sobre su excitación sexual con su hijo basta de ejemplo). La tensión se corta en el aire y la atmósfera, densa, puede arrancar alguna risa nerviosa mediante las sutilezas de un guión elaborado, ecléctico, que no teme retratar al máximo el patetismo de algunas de sus figuras protagónicas.
“La vida en tiempos difíciles” no es una cita convencional, es un drama con muchas aristas que compensa algunos defectos técnicos con un potente relato. Todo nos conduce a recomenzar la vida: volver a descubrir el amor, formar pareja de nuevo, reinsertarse en la sociedad, buscar el perdón de nuestros seres queridos… Desde el título original (Life during wartime) se hace referencia a la guerra, pero en este caso se refiere a un combate que está directamente relacionado con los tropiezos diarios a los que nos enfrentamos todas las personas.

En el último día de este 2011, un nutrido grupo de neoyorquinos interactuarán de manera imprevista y todos serán responsables de que el otro concluya lo mejor posible el año que se va. Desde la encargada de que la bola de luces del Times Square caiga apropiadamente (Hilary Swank) hasta un enfermo terminal cuidado por una triste enfermera (Robert de Niro y Halle Berry), pasando por una adolescente y su controladora madre (Abigail Breslin y Sarah Jessica Parker), la chef del catering (Katherine Heigl) de un empresario discográfico (Josh Duhamel) que tiene como máxima figura a un cantante (Jon Bon Jovi) al que su corista (Lea Michele) acaba de quedar encerrada en un ascensor con su depresivo vecino (Ashton Kutcher). Además, una cincuentona disconforme con su vida (Michele Pfeiffer) decide contar con la ayuda de un cadete (Zac Efron) para cumplir con algunas misiones de año nuevo, y dos parejas de futuros padres compiten por que su hijo sea el primer bebé nacido en el 2012.

En esta insulsa comedia dirigida por Garry Marshall, quien tiene un pequeñísimo cameo que podrán descubrir prestando atención, las (demasiadas) historias no fluyen entre sí, fragmentando el relato de manera negativa. Con poca comicidad y alguna emoción más genuina desde las vetas dramáticas que se despuntan por aquí y allá, “Año Nuevo” es un mal intento de replicar el éxito que la inglesa “Realmente Amor” consiguió ochos años atrás. Marshall continúa filmando como en la década del noventa, pero el público y el cine cambiaron: la acumulación de grandes nombres no asegura calidad, aunque sí grandes posibilidades de arrasar con la taquilla. Aquí el espectador se siente como en una red carpet, con infinidad de estrellas afianzadas y nuevas que se pasean por la pantalla no más de diez minutos seguidos. La interacción de muchos relatos simultáneos no es tarea sencilla y algunos guionistas demuestran no estar a la altura del desafío.

El forajido Gato con Botas regresa a su antiguo pueblo de San Ricardo tras los rumores que indican que allí se encuentran escondidas las habichuelas mágicas que permiten llegar a castillo celestial donde la gansa de los huevos de oro deposita su valiosa producción. En medio de su trabajo de espadachín, espía y ágil combatiente, Gato conoce a Kitty, una ladrona de guante blanco que anda detrás del mismo botín, y se reencuentra con un amigo de la infancia, el misterioso huevo Humpty Dumpty con quien compartió la niñez en el orfanato del lugar. Los tres conformarán un improbable equipo, pero ¿hasta donde se mantendrán la confianza, el honor, el amor y la amistad cuando la codicia entre en juego?

La primera spin-off de la saga Shrek no tiene ni una sola referencia a las películas que le dieron origen, algo realizado adrede según confesó el director Chris Miller en su paso por Buenos Aires hace algunas semanas. La dificultad de partir desde un punto conocido por el público de los cuatro filmes del ogro se resolvió a la perfección dejando atrás todo lo que ya conocíamos de Gato y llevándonos a sus orígenes, con varias incorporaciones y tomando de inspiración el cuento clásico de los frijoles mágicos. Los elementos del western que adopta el gato forajido, sumado a la ambientación española mejicana de las locaciones, van acordes a los talentos vocales de Antonio Baderas y Salma Hayek, quienes repitieron su trabajo de la versión original en las copias dobladas al español.
En el caso de “Gato con Botas” se nota claramente las diferencias que existen cuando una película es concebida directo en 3D, como lo fue aquí, a cuándo son agregados los efectos mediante la postproducción.

¿Cómo lo hace? es de aquellas adaptaciones cinematográficas que no hacen honor a la comicidad propuesta en su original literario. En la transposición, la película cuenta con los testimonios de amigos, empleados, colegas y familiares de Kate que, a modo de documental, intentan explicar cómo es que ella cumple con todos sus deberes laborales y maternales manteniendo siempre la elegancia y la perfección.
A su vez, Kate materializa interminables listas de quehaceres que la persiguen durante todo el día y mantiene tantos diálogos consigo misma que presenta más rasgos psicóticos que de ocupada profesional.
Por más que lo intente, Parker no puede quitarse de encima el fantasma de Carrie Bradshaw, algo que apenas había logrado en “La joya de la familia” algunas temporadas navideñas atrás.

En un futuro no demasiado alejado de nuestro presente, los niños nacen con un reloj digital grabado en su brazo. Este cronómetro fluorescente indica el bien más preciado con el que la humanidad cuenta: el tiempo. Hasta los veinticinco años, todos viven una existencia similar a la del siglo XXI, sin embargo, al llegar a la nueva mayoría de edad, comienza la cuenta regresiva: a partir de ese momento sólo les queda 365 días de vida. Cada trabajo que realicen, cada artículo que compren, cada viaje que hagan se abonará y cobrará en minutos, horas, días y años.
El obrero Will Salas (Justin Timberlake) tendrá la ¿desgracia? de recibir más de un siglo de parte de un anciano cansado de la vida eterna. A partir de allí, iniciará una carrera contra el tiempo, tratará de proteger a su familia, se enamorará de la hija de un millonario de los segundos (Amanda Seyfried) e intentará hacer una repartición más justa del tiempo que sólo unos pocos guardaban para si.

Una mujer casada, respetuosa y trabajadora. Un ama de casa típica decide escapar de su vida doméstica y durante toda una noche somos testigos de sus intentos por comenzar de nuevo. Sin embargo, esta crisis existencial sólo dura un par de horas y a la mañana siguiente vuelve a encontrarse en el mismo punto de partida.
Este film español le da mayor preponderancia a la forma que al contenido. No todos los espectadores están preparados para disfrutar del regodeo formal que hace el director: aquellos interesados en una historia profunda o en un cine de entretenimiento no apreciarán las intenciones del realizador en toda su expresión.

Todo comienza en un campo de desmonte paraguayo, donde varios árboles son talados para transportar su madera a Argentina. Rubén, el camionero hosco encargado de cubrir la ruta Asunción-Buenos Aires, deberá hacer una pequeña excepción a sus viajes habituales. En esta oportunidad, a pedido de su jefe, aprovechará a llevar consigo a Jacinta, una madre soltera que junto a su pequeña bebé Anahí, necesita llegar al conurbano bonaerense para instalarse con su familia.
Ninguno está demasiado interesado en la vida del otro, pero los miles de kilómetros que recorrerán harán que la primera impresión cambie y que cuando lleguen a destino, el viaje recién comience.

El multipremiado director Pablo Giorgelli, que acaba de regresar al país luego de cincuenta días de recorrer festivales internacionales acompañando a esta cinta, se toma su tiempo para presentar la historia e introducir a los personajes. Es esa misma quietud y tranquilidad de aquellos pueblos del interior por donde se desenvuelve la trama lo que puede atentar contra un espectador ávido de mayor acción. Giorgelli bien podría ser de la escuela de Carlos Sorin y sus historias mínimas: hay pocas palabras pero abundan los silencios y las miradas, aquellas que comunican más de lo que se puede expresar oralmente.
Repleta de pequeñísimos detalles que dan carnadura a los personajes, el haber hallado un bebé tan simpático y gestual fue un logro excepcional.

Más grandilocuente que la primera entrega, Happy Feet 2: El Pingüino incorpora varios personajes nuevos que ayudan a generar interés en la historia. Un ejemplo de ello son Will y Bill, los krill con ansias de grandeza que ocupan el lugar que la ardilla Scrat tiene en la saga de Ice Age.
En este caso, el guión tomó problemáticas (efectos del cambio climático en el hábitat de los animales de la Antártida) y modas actuales (desde canciones híper poperas hasta la cualidad de Sven como orador motivacional cercano a los pastores de las iglesias que pueblan la trasnoche televisiva) para crear moralejas con respecto a la familia y la superación personal.

Presentada doblada al español en versión tradicional y 3D, algunas de las canciones conservan el idioma original para poder disfrutar de los trabajos de Pink y Elijah Wod, entre otras voces en inglés. Dato importante: antes de la película se proyecta un corto de Tweety en versión animación digital y en clave musical. Imperdible.

Aunque es cierto que con el correr de la franquicia el clima perfecto que se había logrado en Crepúsculo se fue perdiendo, al trío protagónico se lo nota cada vez más cómodo en la piel de sus personajes. Ver reír a Kristen Stewart en más de una oportunidad refleja el clima distendido con el que arranca este cuarto filme, que encuentra en los graciosos discursos de familiares y amigos durante la fiesta uno de los pocos momentos relajados de una historia, que se irá tornando cada vez más oscura con el correr del metraje.

A pesar de la gran fidelidad con el material original (en la transposición, sin embargo, se redujo el nivel de sangre en ciertos momentos clave de la historia) hay que mencionar que en esta oportunidad el dúo Stewart-Pattinson brindó poca sensualidad y pasión y que al pobre Taylor Lautner le tocó ponerle la voz al pasaje más ridículo de la saga: una discusión telepática con otros lobos.

Lisa sale de hacerse unos estudios y cree reconocer en un extraño de la calle a Bruno, un amigo de su infancia en Victoria, Entre Ríos. Sus recuerdos viajan a un verano de los años 70, donde el trío que ambos conformaban junto a Lalo parecía indestructible. En el presente, treinta años después de aquellas calurosas tardes de río, los ahora desconocidos se reencuentran para saldar deudas pendientes.

La directora Paula Hernández acierta en recrear los momentos de este triángulo amoroso adolescente y consumar los deseos más profundos y reprimidos durante la adultez. Sin embargo, es difícil alcanzar el nivel de su destacada cinta “Herencia”. Con momentos desparejos, de los actores jóvenes el que se destaca por amplia ventaja es Agustín Pardella, es innegable el cuidado trabajo de fotografía a cargo de Guillermo Nieto y la frescura que aporta Elena Roger, una cara nueva para el cine nacional, que brinda aires de renovación a las protagonistas femeninas argentinas.

En medio de su entrenamiento secreto con la orden de “Las Hermanas de la Caperuza”, Roja es contactada por el detective Nicky Flippers para una nueva y urgente misión asignada a la Agencia Felices Por Siempre.
En una casa hecha de golosinas, una malvada bruja tiene secuestrados a dos niños, Hansel y Gretel. El escuadrón de rescate incluirá a la Abuela Ninja y al lobo, sin embargo, la verdad detrás del rapto no será tan sencilla de develar.

Esta secuela innecesaria no tiene absolutamente nada que ver con el filme original, aquel dónde se contaba la historia de Caperucita en clave policial. Aquí hay un claro intento por parodiar los cuentos infantiles alla Shrek con algunos condimentos de las regulares comedias de espías animales “Como perros y gatos”. Toda la estética está más cercana al videojuego de consola que al nivel que el cine de animación actual nos tiene acostumbrados. Incluso la historia es demasiado básica: toda la trama pasa por descubrir el ingrediente secreto de la trufa noruega selva negra divina, una receta trascendente custodiada por “La hermandad de las reposteras kung fu”.

Ocho años después de su última misión conocida y algunos menos desde que su trabajo como jefe de seguridad de un presidente africano terminara en tragedia, Johnny English vuelve a ponerse a las órdenes de MI7. Contra toda lógica y con la negativa del jefe de la organización, el agente de inteligencia perteneciente al Servicio Secreto de Su Majestad será el encargado de descubrir a los miembros de Vortex, un grupo de asesinos internacionales. Después de meses de entrenamiento en Oriente, English ha renacido convirtiéndose en un nuevo hombre y en un mejor agente… o no tanto.

Esta segunda parte del filme de 2003 es graciosa sin necesidad de chabacanerías ni insultos: un poco de humor inglés, incomodidad británica y gags físicos son suficientes. A pesar de ciertos desniveles y notorios baches en el guión -en toda comedia hay chistes que son más efectivos que otros-, una pequeña confusión de identidad provocará las carcajadas más constantes de toda la película. Gillian “Agente Scully” Anderson y Rosamund Pike no son aprovechadas en todo su potencial, pero allí está Rowan Atkinson para dejarnos a todos contentos.

En esta biografía de la cantante y artista plástica chilena Violeta Parra, el director Andrés Wood relata de forma poética el costado social, familiar y musical de Parra, sin involucrarse demasiado con la veta política de la historia.
Desde su dura infancia hasta su no más holgada adultez, todo lo retratado está basado en el libro escrito por Ángel Parra.
Con un relato fragmentado que requiere mucha atención por parte de espectador, descubrimos que el único legado material de su padre fue una guitarra vieja “repleta de cantos de pájaros” y que con ella aprendió a cantar mirando a sus mayores, no como se hace ahora con profesores que enseñan a vocalizar y colocar la voz.

Mujer fuerte, de temple duro y avasallante, la muerte de uno de sus hijos, la invitación del gobierno de Polonia para presentarse en un festival de la canción y sus dos años en Europa, nos permiten vislumbrar la personalidad de Parra. Su historia estuvo marcada por la muerte, hasta su suicidio a la edad de cincuenta años.

Con una cuidada factura técnica y una destacada dirección musical, la entrega en cuerpo y alma que hizo la actriz Francisca Gavilán al personaje (incluso interpreta las canciones ella misma sin necesidad de recurrir a un playback) marca el nivel de respeto y homenaje para con una representante de Chile a nivel mundial.

Es increíble que aún pretendan convencernos de que Juana Viale es buena actriz: no sólo es inexpresiva y monocorde sino que despliega frivolidad a mansalva. Su personaje recita ampulosos parlamentos con tan poca convicción que causan gracia. “La patria equivocada” atrasa cincuenta años la evolución del cine y se estanca en aquellos años donde la afectación era celebrada, en contraposición a la búsqueda de la naturalidad actual. El montaje rudimentario y la música arcaica tampoco son de mucha ayuda, sin tener presente los problemas de audio de origen y las varias desastrosas actuaciones secundarias.

A finales del siglo XIX, un grupo de soldados navega las aguas del noreste argentino. Exhaustos y frente a la disyuntiva de decidir qué camino tomar, Fontana sabe que de su opinión dependerá la vida de todos sus colegas. Decididos a descubrir las extensiones de un país en construcción y delimitar las fronteras que nos dividirán de nuestros vecinos, las vidas de este grupo de hombres narra la historia de algunos de los pioneros que nos conformaron como Nación.

Durante los fragmentos que retratan el paso de Fontana por Formosa, algo del clima de “La misión” flota en el aire y queda suspendido allí, en especial en las escenas con las aguas del Pilcomayo. El entendimiento del Mayor con la mujer aborigen tiene sutiles puntos de contacto con la relación maestro/aprendiz que se daba en ambos sentidos entre John Smith y Pocahontas.
Salvo algunos pequeños detalles, hay una cuidada construcción de la época, de los pueblos originarios y su aniquilación, de la conquista por parte del hombre blanco y de los colonos que ayudaron a poblar la Patagonia. Con solvencia, Guillermo Pfening interpreta al joven Fontana, quien se divide entre su obligación militar y su pasión naturalista. Hay grandes elipsis narrativas con respecto a la familia del militar, su relación con su esposa e hijas y cómo es el camino que lo lleva hasta convertirse en el rol a cargo de Jorge D’Elia, una pequeña historia dentro de la historia no del todo desarrollada ni fluida.

En Hong Kong, Beth (Gwyneth Paltrow) se encuentra a punto de embarcar rumbo a su hogar en Minneapolis. Antes de subir a su vuelo, hace una pequeña llamada telefónica en donde confiesa no sentirse del todo bien: tos, náuseas, síntomas típicos del jet lag. Pero estos indicios serán el comienzo de una pandemia que no conocerá de fronteras. Nos encontramos en el segundo día de la enfermedad más mortal de la era moderna.
Dos días después, Beth muere y su esposo (Matt Damon) es contactado por personal del Centro de Control y Prevención de Enfermedades norteamericano (Kate Winslet y Lawrence Fishburne) ya que hasta ahora ha sido la única persona en no infectarse habiendo estado expuesto al virus. Las muertes en Chicago, Londres, París, Tokio y Hong Kong ascienden a 26 millones y este virus biológico desconocido por la sociedad científica continúa mutando.
Mientras un blogger (Jude Law) declara que al público no se le está diciendo la verdad sobre lo que realmente está pasando, una empleada de la OMS (Marion Cotillard) viaja a Oriente para desentramar el origen de la plaga que amenaza con extinguirnos del planeta.

Inspirada seguramente por los recientes hechos relacionados con el virus H1N1 y la paranoia que el mismo generó, “Contagio” se involucra con las espantosas ramificaciones de la propagación de una enfermedad a escala global y con todos los interrogantes que surgen de allí en más. ¿Cómo se contiene una pandemia de esta envergadura? ¿Qué pasaría si nos enfrentáramos a una enfermedad sin tratamientos ni vacunas? ¿Hasta qué punto las compañías farmacéuticas son responsables de los virus que se propagan por el mundo?

La desesperación no conoce de sociedades del primer mundo: frente al caos somos todos iguales. La sensación de desolación y fragilidad ante un enemigo invisible es aterradora. El filme cuenta con escenas muy fuertes no recomendables para después de cenar: la descompensación, muerte y autopsia del personaje de Paltrow es una secuencia que sirve de ejemplo. El sello distintivo del director Steven Soderbergh, en la puesta en escena y en el montaje, hacen que celebremos cada uno de sus nuevos trabajos.

En su época de gentiles caballeros al servicio de Francia, los mosqueteros Athos, Aramis y Porthos robaron con la ayuda de Milady (Milla Jovovich) los diseños de una aeronave de alta seguridad diseñada por el maestro Leonardo Da Vinci. Traicionados por la damisela, quien se ofreció al mejor postor entregando los planos al lord inglés Buckingham (Orlando Bloom), los tres guerreros cayeron en la desgracia y en el olvido.
Tres años después, el adolescente D’Artagnan viaja a Paris para cumplir su sueño de convertirse en mosquetero y encuentra al trío sin una cusa justa por la cual pelear. Cuando descubren que el Cardenal Richelieu (Christoph Waltz) trama una conspiración para derrocar al rey Luis XIII, los cuatro protectores de la corona francesa se unirán bajo el espíritu del “todos para uno y uno para todos”.

Apenas inspirada en la obra de Alejandro Dumas, esta cinta dirigida por Paul W.S. Anderson tiene las dosis justas de aventura, humor, acción y romance. Pensada para todas las edades, las majestuosas locaciones y el lujoso vestuario impactarán a los adultos tanto como los combates harán lo propio con los niños. A pesar de ser una historia clásica, los guionistas la dotaron de detalles modernos: artefactos misteriosos, piezas de relojería que harían babear a cualquier investigador privado y barcos voladores. La utilización del 3D es más efectiva para aumentar la profundidad de campo que para el lucimiento de los objetos y los actores. La composición que Bloom realiza de Buckingham tiene tanto del capitán Jack Sparrow de Johnny Deep que podría considerarse un sutil homenaje.

Mitch y Dave se conocieron en la secundaria y desde allí han sido amigos. No son inseparables, pero siempre tratan de encontrar momentos para estar juntos y contarse como va la vida de cada uno. Opuestos totalmente, Dave es un abogado reconocido, esposo y padre, mientras que Mitch no tiene planeado dejar de lado ni su soltería ni su vagancia. Tras algunas copas de más, y en un claro intento por hacer feliz al otro, ambos desean tener la vida de su amigo. La mañana siguiente los encontrará con sus cuerpos intercambiados y con la necesidad de ponerse en los zapatos del otro para conservar la amistad.

A la manera de cientos de otras propuestas similares (“Un viernes de locos”, “Ella es Él” son las primeras que vienen a la cabeza) el cambio de identidad de dos personalidades con rasgos diferenciales tan marcados será el centro de todas las escenas cómicas. Con mayor éxito por el lado de Ryan Reynolds, quien aventaja por varios cuerpos a Jason Bateman, el protagonista de “Linterna verde” tiene un perfil de comediante natural, poco forzado, algo que le juega en contra a su compañero de elenco. Son infaltables las desagradables y las ya obvias bromas escatológicas que jamás suman nada a una historia que se vuelve un dejá vú constante.

Autor de “Operación masacre”, Rodolfo Walsh estaba obsesionado por la reconstrucción de la historia de Eva Duarte y es esta ansia de descubrir la verdad lo que llevó a que terminaran con su vida. Evita, figura ensalzada por los más humildes y desprotegidos, será una heroína para parte de la sociedad de la época y poco más que una mediocre actriz para otros. Su trascendencia más allá de la enfermedad también es incluida en los poco más de 70 minutos del filme.

Dirigida por María Seoane, la historiadora contó con las inmejorables colaboraciones del dibujante Francisco Solano López (fallecido en agosto último) y del músico Gustavo Santaolalla. Narrada en primera persona por el personaje basado en el periodista desaparecido Rodolfo Walsh, “Eva de la Argentina” es una recomendable alternativa para que los más chicos se acerquen a la historia política de nuestro país y conozcan a uno de los personajes emblemáticos del siglo pasado.
Cabe reconocer que muchas voces elegidas para el doblaje no concuerdan con las criaturas animadas y que la técnica estática del dibujo cut-out pierde en emoción con respecto al cine de animación más tradicional. La utilización de material gráfico, fílmico y auditivo de aquellos años es un hallazgo que compensa algunas falencias de la producción animada.

Esta tercera entrega de la saga no traiciona los principios que convirtieron a sus antecesoras en fenómenos de taquilla, no así de crítica. Adaptando su imagen a un típico vintage pero con el mismo espíritu entre documental y vouyerista, el filme busca el impacto de la audiencia de un modo mucho más evidente de lo que lo hacía el original. Los innumerables minutos muertos de relato y la repetición de lugares seguros ya no son efectivos. A pesar de ello, hay ciertas revelaciones que desvelan secretos de la saga: el amigo imaginario de Kristie podría llegar a ser el espíritu vengador del que hablaba el supuesto pacto de la abuela de las niñas con el diablo. En tono con esto, los últimos diez minutos de metraje son aterradores. Sin embargo, cabe preguntarse: ¿cómo pueden dos personas olvidar en su adultez estos días traumáticos de la infancia?

Los responsables de este filme tuvieron la audacia de dejar al público con ganas de muchas más canciones (en medio de los créditos finales hay un pequeño bonus) pero supieron adecuar el metraje para que las intervenciones del público y los testimonios de gente corriente no convirtiesen una hora y media de alegría y cuidadas escenas musicales en un tenebroso freak show. Glee – La Película 3D no sólo confirma el potencial de la serie sino que consagra aún más a su figura central: la genial Lea Michele.

“La razón de ser de esta gira fue salir y actuar frente a nuestros maravillosos fanáticos, que han apoyado nuestro programa desde el principio. Debido al limitado tiempo que teníamos para viajar durante nuestra pausa, sólo pudimos ir a muy pocas ciudades antes de que tuviéramos que volver al set”, contó el creador de Glee, Ryan Murphy en una reciente entrevista. “Sabíamos que no todos iban a tener la oportunidad de ir a uno de los conciertos. Por esa razón llevamos el concierto a los cines bajo la gloriosa experiencia que brinda la tercera dimensión”. Los gleeks, agradecidos.

Conformado por figuras conocidas de tiras televisivas, con Felipe Colombo y Sabrina Garciarena a la cabeza, el elenco de esta historia presenta grandes desniveles. Los dos personajes centrales son un poco cortos de palabras y repiten los mismos modismos decenas de veces, en especial durante el pequeño e irrisorio enojo inicial más propio de chicos que de adultos que se proponen pasar el resto de sus vidas juntos. Asimismo, se encuentran mal desarrollados e interpretados algunos de los personajes secundarios (en especial el del amigo “canchero” de Santiago), con excepción de Mauricio, un lacto ovo vegetariano fanático del deporte y de la vida sana, y aquellos que cayeron en manos de los experimentados Mario Pasik, Laura Azcurra y María Abadi.

La introducción al “natural” borra todo prejuicio que se pueda llegar a tener con respecto a la desnudez en el cine. Es una graficación perfecta de ese estrecho vínculo de confianza entre los amantes, una cercanía que sólo se consiguen con amor, pasión y tiempo. Es cierto que no será la primera ni la última vez que veamos un triángulo amoroso, pero hay algo en las historias románticas intrincadas que nos continúa atrayendo.
El poderoso comienzo se diluye con el correr de los minutos y por momentos el público es invadido por el mismo tedio que sufre Paul. Las extensísimas escenas en planos únicos revelan la extenuante concentración y entrega de los actores, todos en perfecto tono con los personajes que debían interpretar.

Isaac es fotógrafo y una noche es solicitado para un trabajo urgente y poco feliz: debe acudir en medio de una tormenta a la mansión de una acaudalada familia portuguesa para tomar un retrato de Angélica, una joven que falleció justo después de contraer matrimonio.
Bella como pocas mujeres con las que había tenido contacto cercano, Isaac es trastornado por la figura de esta dama frágil y aun fresca, a pesar de que su alma ya no habita en su cuerpo. A través de la lente de la cámara, Angélica parece recobrar la vida, sólo para él. Isaac se enamora perdidamente y, a partir de ese momento, ella lo atormentará hasta la locura.

La preciosa música incidental posee dulces acordes que enaltecen las imágenes del cine contemplativo que propone Manoel de Oliveira y, sobre todo, la belleza etérea de Pilar López de Ayala, que se condice perfectamente con ese espíritu joven que se niega a partir de este mundo terrenal. El director, un verdadero apasionada de su trabajo que a los 102 años continúa realizando cintas, nos entrega un poco de realismo mágico pero fracasa en el producto global.
La narración se toma tanto tiempo que llega a hacerse inaguantable la espera del comienzo de la acción: hay pequeños momentos en donde el relato debería haber crecido en emoción, pero eso nunca ocurre. La puesta es más teatral que cinematográfica, incluso las marcaciones actorales son estáticas y antinaturales.

La narración se desplaza constantemente desde el momento en que se cometió el crimen y las dos décadas en las que Kenny estuvo preso. El diseño de producción y las correctas actuaciones de todo el elenco tratan de resolver son soltura las flaquezas de un guión convencional que apenas raspa la superficie de una historia con mayor (desaprovechado) potencial dramático. Los recuerdos de las travesuras de la infancia de los hermanos apelan a un sentimentalismo tan básico que son contraproducentes a la agilidad de la narración. Además de los siempre convincentes Rockwell y Swank, hay pequeñas participaciones de Clea Du Vall, Juliette Lewis (casi irreconocible), la reciente ganadora del Oscar Melissa Leo y Minnie Driver, quien continúan en su camino por reinsertarse en el mundo del cine, trabajo que viene realizando de a poco pero con constancia.

Con una estética muy personal, el director Gustavo Taretto nos entrega un cuento freso, directo, espontáneo donde los personajes son de lo más empáticos para la audiencia. Es un pequeño gran film generacional que aquellos entre los veinte y treinta años sabrán disfrutar al máximo. Para los diseñadores y arquitectos, los bellos planos dedicados a importantes obras de la ciudad sumados a los relatos de su construcción, serán un plus adicional. Excelentes trabajos de Pilar López de Ayala y Javier Drolas, quienes contaron con las participaciones de Inés Efrón, Carla Peterson, Adrián Navarro y Rafael Ferro.

Haruka regresa a Tokyo en sillas de ruedas tras sufrir un accidente automovilístico en San Diego. Enyesada y con la movilidad reducida, la joven cuenta con la asistencia y el cuidado de su hermano Koichi, adicto a su videocámara, mientras su padre realiza un viaje de negocios a Singapur y los deja solos en la casa.
Desde el momento en que Haruka asegura ver que su silla de ruedas se mueve por sí sola, los dos hermanos empiezan a notar que suceden cosas extrañas en la casa: las puertas se abren y se cierran mientras se oyen pasos y ruidos inexplicables. Koichi decide registrar qué sucede cuando las luces se apagan.

Actividad Paranormal 0 es en los hechos un film de j-horror (poco) inspirado en la película de Oren Peli estrenado hace más de dos años. Respeta los mismos códigos de cámara en mano, narración subjetiva, muchas acciones desarrolladas fuera de campo, encuadres impensados en otro tipo de cine (casi cinco minutos de una ensaladera en primer plano lo dicen todo)… pero incluso intentar ser fiel a los lineamientos no siempre resulta acertado. La edición vertiginosa, los chirridos inaguantables que emanan de la actriz protagónica y los caserísimos efectos visuales no ayudan demasiado a un guión de por si previsible, aburrido y totalmente carente de ingenio. Ni que decir de las poco convincentes actuaciones: ambos actores se encuentran de modo constante al borde de la risa, lo que demuestra su descreimiento en el proyecto y el poco compromiso con la historia que se proponían contar.

Kevin James es un muy buen partenaire y su performance en “El guardián del zoológico” deja en claro que todavía no tiene el carisma y la importancia suficientes como para encabezar un reparto. Estrenada sólo con copias dobladas al español, el filme tiene pocas ideas nuevas: animales parlantes, hermosas chicas desalmadas que se enamoran del perdedor de turno, un loser sensible e ingenuo…
Además surge una incógnita, ¿por qué casi todos los animales tienen voces centroamericanas? Esto tampoco tiene explicación… ni importancia.

No vamos a ingresar en la polémica sexista que se pregunta si las mujeres pueden ser graciosas (que de hecho lo son), pero si es cierto que determinado estilo de humor o comediante puede ser efectivo en sketches de seis minutos los sábados por la noche en el legendario Saturday Night Live, pero no en una película de casi 120 minutos. Protagonista y guionista, Kristen Wiig se encargó de alinear un muestrario de varios estilos de mujer moderna: la soltera con el corazón roto, la futura esposa, la madre de adolescentes, la recién casada y la arpía femme fatale. Sin embargo, los chistes escatológicos están por completo fuera de lugar, restando más puntos de los que logró sumar.

No hay ponzoña más terrible que aquella que se esparce en medio de un grupo de amigas en donde no todas poseen el mismo nivel de intimidad, confianza y cariño. Pero de allí a que este grupo de competitivas damas de honor se comporte como adolescentes tardías, hay un abismo de diferencia. Sin dudas todas son buenas actrices y con la misma certeza se puede asegurar que necesitan estar acompañadas de figuras de mayor importancia para tener momentos destacados. “Damas en guerra” es una película íntegramente encabezada por actrices de reparto sin una protagonista de verdadero peso.

Basada en la historia real de Winter (durante los créditos finales se ven imágenes de archivo que grafican la recuperación real del animal y cómo este fue de ayuda para el tratamiento de niños que carecen de alguno de sus miembros) esta cinta apuntada al público familiar jamás cae en el melodrama clásico ni simplista. Es una puesta al día y una versión contemporánea de lo que “Liberen a Willy” significó para una generación de chicos allá por los años noventa. El sólido elenco -que incluye a Harry Connick Jr., Ashley Judd, Morgan Freeman y los pequeños Nathan Gamble y Cozi Zuehlsdorff-, jamás se sale de tono y logra entregar un relato sensible, tierno y con un sentido mensaje de autosuperación.

“Juan y Eva” pone en primer plano al hombre y a la mujer detrás del mito y la leyenda, busca el génesis de la historia de amor, el lado B de dos referentes políticos de resonancia internacional.
No es un panfleto político encubierto, como ha sucedido en otras oportunidades. No intenta convencernos de ninguna postura ideológica, solo pone de manifiesto un fragmento de la historia que puede ser apreciado más allá de nuestras elecciones personales en las urnas. La película compensa algunas pequeñas falencias con un elenco de lujo, con interpretaciones destacadas de ambas figuras centrales y de María Ucedo.

La histórica productora dedicada al cine de terror Hammer Films vuelve al ruedo con esta historia protagonizada por Hilary Swank (también productora ejecutiva de la cinta), Jeffrey Dean Morgan y una breve participación de Christopher Lee, cuya presencia ya no es lo tenebrosa que solía ser años atrás.
La endeble y remanida trama hubiera tenido visos más creíbles de haber contado con una actriz un tanto más joven que interpretara el papel de víctima acosada por su locador. Asimismo hay elipsis temporales inexplicables, notorios problemas de edición y una previsibilidad maravillosa.
Los 87 minutos de duración parecen estirarse más allá de lo tolerable: con una buena liposucción y algunos tijeretazos certeros “Invasión a la privacidad” podría haber sido un correcto mediometraje. Para psicópatas con problemas familiares que se dedican a espiar a mujeres desprevenidas alcanza y sobra con Norman Bates.

El matrimonio compuesto por dos genetistas, Elsa y Clive, se encuentra experimentando con ADN de diversos animales para crear un ser totalmente nuevo que genere encimas que permitan encontrar curas a distintas enfermedades, incluso algunas formas de cáncer. La incorporación del genoma humano dentro de la fórmula no es una cuestión aprobada oficialmente por la compañía que financia la investigación y para la cuál ambos trabajan. Por lo tanto, Clive y Elsa pasan de la dependencia absoluta a la autonomía en la toma de decisiones en un solo paso: experimentarán en secreto sin revelar detalles del progreso hasta obtener resultados certeros. Tras varios intentos infructuosos, logran dar con el descubrimiento de nanotecnología más relevante de las últimas décadas: Dren es una criatura semi humana, con cualidades desconocidas, un intelecto asombroso y un desarrollo celular rapidísimo. Cuando Dren comience a sentir emociones y se vuelva parte de un intrincado triángulo amoroso, la pareja de científicos deberá resolver qué hace con su creación mutante.

Con producción de Guillermo del Toro y la dirección de Vincenzo Natali (El Cubo), “Splice” es un proyecto fuera de lo común que muchos espectadores celebran que haya llegado a los cines locales (dos años después que en su recorrido internacional) para romper un poco con la homogeneidad de propuestas recientes.
La buena química –nunca mejor empleada la metáfora- que se da entre la pareja central conformada por Adrien Brody y Sarah Polley, y la peligrosamente seductora Dren (a cargo de Delphine Chaneac) es parte importante de la atracción que produce la película.
El miedo, la desesperación y el temor hacia lo desconocido es representado de modos menos obvios: no es necesario tener siempre a un asesino enmascarado acechándonos o alienígenas sedientos por destrozar nuestro planeta para sentirnos inquietos frente a aquello que desconocemos. Las consecuencias de jugar a ser Dios, las consideraciones morales y el poder de crear y destruir vida a nuestro antojo pueden ser igualmente atemorizantes.

No hay sancta sanctorum que mejor represente a la cultura nerd que el multitudinario encuentro anual del Comic Con que se celebra en San Diego. La convención más grande del mundo dedicada a la industria de los superhéroes, las historietas y la ciencia ficción reúne a miles de fanáticos de novelas gráficas, series y films de personajes fantásticos. Es aquí donde un par de freaks ingleses, fervientes admiradores de la vida más allá de las estrellas, llegan para iniciar el circuito de la autopista OVNI que culmina en Roosevelt, Nuevo México.
En medio de la noche y en una solitaria ruta del oeste norteamericano, este par de amigos conoce por accidente a Paul, un extraterrestre que hace sesenta años vive en nuestro planeta y ahora se encuentra huyendo de los servicios secretos que protegen el Área 51. Una verdadera aventura, fuera de las páginas de los comics, se les presenta y ellos no la dejarán pasar.

Los actores Simon Pegg y Nick Frost llevan toda la irreverencia y acidez de “Muertos de risa” y “Hot Fuzz” a un terreno fértil, plagado de iconografía a la cual parodiar y a la vez nutrirse de la misma para entregar un guión que sorprende a cada momento. Los homenajes a Steven Spielberg, gran propulsor de la cultura alienígena, son varios. El diseño computarizado de Paul es realista y se integra a la acción en vivo sin desentonar. Con el valioso aporte de Seth Rogen en el doblaje, Paul es un alien maleducado, fumador e intolerable que adquirió todas las mañas humanas en su larga estadía en nuestro planeta. Sin esfuerzo desliza frases imperdibles: “Esto es Estados Unidos, raptar a un cristiano es peor que ocultar a un fugitivo” o “No estoy en contra de la homosexualidad porque en mi planeta todos somos bisexuales” son sólo algunas de ellas.
Con el co-protagónico de Jason Bateman y los cameos de Jane Lynch, Sigourney Weaver y Blythe Danner, esta destacada iniciativa de la web cinesargentinos.com vuelve a apostar por un cine con el que las majors temen perder dinero. Iniciándose como una distribuidora de cuidadosa selección de títulos, muy pronto lanzarán la versión en 3D del éxito ochentoso “Top Gun”, tras la fervorosa repercusión que tuvo idéntico reestreno de Volver al Futuro en 2010.

Dirigida por Neil Burger, el mismo realizador de la muy recomendable “El ilusionista”, y basada en el libro “The dark fields” de Alan Glynn, el relato tiene su génesis con Morra al límite de la presión, parado al borde de la cornisa y dispuesto a caer más de veinte pisos y dejar sus entrañas desparramadas por la vereda. Enseguida, viajamos un par de semanas al pasado a través de un eterno e inquietante zoom-in que sirve de telón de fondo a los títulos de apertura. Este original guión adapta con sumo cuidado la versión literaria de la historia y Burger traduce las palabras en cuidados efectos visuales que describen la sobre estimulación sufrida por Morra. Bradley Cooper, quien aquí también oficia de productor, no será un gran intérprete pero en este caso se ajusta a las necesidades del relato con mucha solvencia. La banda sonora y la edición (dinámica, a veces perturbadora) también son elementos que apuntalan el producto final.

Amigos con beneficios (Friends with benefits) afortunadamente no es Amigos con derechos (No strings attached), la premisa inicial podrá llegar a ser la misma, demostrar la liviandad con que un hombre y una mujer pueden basar la amistad sólo en encuentros sexuales desprovistos de sentimientos, pero el desarrollo es bien distinto.
Aquí, Mila Kunis (la bailarina por la que Natalie Portman pierde la cabeza en El cisne negro y figura de la sitcom That 70's show) es una cazatalentos neoyorquina que acaba de ser abandonada por su novio en la puerta del cine que proyectaba un revival de “Mujer Bonita”. Con un poco de reclutadora de personal y otro tanto de relacionista pública, su trabajo consiste en encontrar los ejecutivos ideales para posiciones de alto rango en diversas empresas. Como parte de su rutina logra convencer al fundador de un popular blog angelino (Justin Timberlake en uno de sus mejores trabajos cinematográficos) para ocupar el cargo de editor de la revista GQ en las oficinas centrales de Nueva York. Ambos acaban de finalizar relaciones duraderas y descreen de todo aquello que las comedias románticas y el mecanismo hollywoodense intentan hacernos creer. Casi al pasar y sin pensarlo demasiado, ni siquiera midiendo las consecuencias que esto puede llegar a traer aparejado, deciden llevar su amistad un paso más allá y convertirse en amigos con ciertos beneficios. No hay obligaciones, caricias después del sexo, ni ataduras. Pero hasta los detractores más férreos del amor de novela pueden caer en sus redes.

Desde el minuto uno, esta revisación de las comedias románticas se propone romper con el esquema típico que inunda las pantallas cada temporada y, de paso, criticar al mismo género al cual pertenece. Hay clichés que sirven para parodiar los propios lugares comunes de las historias rosas, aunque en efecto el final de Amigos con beneficios roce y esté a punto de caer en uno también. Timberlake compone un personaje que le sienta a la perfección y se lo nota cómodo, relajado y confiado en que es capaz de transmitir convicción a través de este joven profesional que se debate entre su familia en Los Ángeles (Richard Jenkins como su padre tiene sus momentos de lucimiento) y su carrera en la Gran Manzana. Kunis, de una belleza exótica y magnética, vuelve a sus orígenes y pone en práctica su timing para la comedia. Tanto Patricia Clarkson como Woody Harrelson se llevan los aplausos en las pequeñas participaciones que tienen como la madre de ella y el colega de él, sin por ello opacar o desdibujar a los verdaderos centros de la historia.

Tom y Gerri (los magníficos Jim Broadbent y Ruth Sheen) son un matrimonio feliz y estable que se encuentra en medio del desamor que rige la vida de muchos de sus amigos y familiares. Geólogo y consultora médica, respectivamente, ambos mantienen vivo su amor y lo nutren de pequeños momentos de disfrute, como el cuidado de su huerta.
Escrita y dirigida por Mike Leigh, la historia se divide de acuerdo a las estaciones del año, épocas en las cuales Tom y Gerri reciben en su hogar a distintos compañeros de trabajo, parientes y conocidos. Para la mayoría del ellos el futuro es desalentador, las relaciones duraderas son esquivas y no encuentran demasiados motivos para enriquecer su futuro. Incluso el hijo de la pareja tiene dificultades para hallar a LA mujer de sus sueños.

Después del optimismo que desbordaba en su anterior filme “La felicidad trae suerte”, Leigh cambió el tono pero no sus intenciones: encuentra el humor en cosas diarias –como la descripción del hombre ideal para Mary, colega de Gerri-, es un excelente director actoral (la participación de Imelda Staunton es conmovedora) y logra plantear dilemas que trascienden la película. Cómo no preguntarse acerca de nuestra reacción frente a planear vacaciones en solitario, arrepentirnos por concluir relaciones prósperas en la juventud o sentir envidia frente a los logros obtenidos por quienes se supone son nuestros amigos…

“Cualquier semejanza con la realidad es puro conocimiento de la raza humana”. Así comienza este relato basado en la vida del escritor cuarentón Gunther Strobbe, quién rápidamente viaja en sus recuerdos a la época en que tenía trece años y sus días eran de todo menos tranquilos. Abandonado por su madre, Gunther vive en una pequeña casa junto a su abuela, su padre y sus tres tíos: una manada de toscos, brutos y feos que izan la bandera de la cofradía con un marcado sentido de la hermandad. La cerveza corre por litros y sirve como medio para divertirse, para olvidar, para conocerse y para desinhibirse. La llegada de la única mujer de la familia junto a su hija, es una brisa de aire nuevo. Sin embargo, la tensa relación que une a Gunther con su padre parece no encontrar solución mientras ambos vivan bajo el mismo techo y el hombre decida comenzar un programa de desintoxicación. La visita del servicio de protección infantil será el primer paso en el largo proceso de recuperación de los vínculos y la reconstrucción del amor entre ellos.

Esta coproducción entre Bélgica y Holanda, que sólo será proyectada en calidad DVD, retrata al detalle a una familia marginal poniendo el ojo en el absurdo que se esconde detrás de algunos momentos dramáticos, proporcionando un comic relief que no se ciñe a un único personaje. Tanto los momentos de prosperidad (aquel que coincide con el recital de Roy Orbison genera una sonrisa complice) como aquellos de vacas flacas contextualizan el tema central del filme: la decisión de hacerse cargo de los hijos, más allá de que ellos no hayan sido buscados y fueran concebidos por un descuido. La responsabilidad y el sentido de la paternidad es una cuestión generacional, trascendente, que atraviesa las diferentes épocas en las que se desarrolla el relato.

Los dibujos animados de Liniers nos introducen en la historia de amor de Leonora (Natalia Oreiro) y Adrián (Daniel Hendler) dos personalidades contrapuestas que se complementan y desean pasar el resto de sus días juntos. Como inicio de su vida en común deciden dar el gran paso y por eso amigos, familiares, ex parejas y demás muestrario bizarro son invitados a celebrar la boda en una lujosa y amplia estancia de la provincia. En camino se encuentran el sacerdote y el rabino encargados de celebrar esta unión mixta, una pequeña historia dentro de la historia que no tiene desperdicio. Un momento de duda, la pérdida de las alianzas y los planes para tratar de recuperarlas pondrán en jaque toda la celebración.

Todo se encuentra dispuesto para que este digno exponente de la comedia de enredos argentina sea un divertimento para público masivo de todas las edades. Desde los chistes elaborados, pasando por el humor físico, hasta un breve atisbo escatológico y un dúo dinámico como el que conforman Hendler y Oreiro. Él provoca risas con sólo estar inmerso en tamaña situación y tratando de escapar de sus acaparadores padres, ella tiene un probado timing para la comedia y la cámara (al igual que nosotros) la ama: pocas actrices fotografían tan bien como lo hace Oreiro, su presencia ilumina cada una de las escenas en las que participa.

Para su segundo largo Ariel Winograd contó con un extensísimo reparto (Gabriela Acher, Pepe Soriano, Imanol Arias, Soledad Silveyra, Gino Renni) para roles secundarios en este planteo coral que no siempre funciona de acuerdo a lo que tanto nombre reconocido prometía. Quienes más se lucen son la amiga lesbiana de la novia -a cargo de Muriel Santa Ana- y Martín Piroyansky, el perfecto primo sidekick con el que Hendler logra potenciarse. Existen sutiles puntos de contacto con “Muerte en un funeral”, entre otras historias que se centran en reuniones familiares multitudinarias, algún guiño a su ópera prima “Cara de queso” y una cuidada factura técnica donde se destacan la musicalización (la marcha nupcial rockera es perfecta) y los dos vestidos de novia lucidos por Leonora.
Dato importante: hay dos escenas adicionales, la primera en mitad de los créditos finales; la segunda, al término de los mismos. ¿Se vendrá “Mi segunda boda”?

Un retiro empresarial será la victima de la Muerte en esta oportunidad. Un grupo de empleados de una empresa papelera (que alberga disímiles rubros dentro de una misma planta) se encuentra a bordo de un micro cuando uno de ellos tiene una visión escalofriante: el puente en reparación por el que se encuentran atravesando se desmoronará y todos ellos morirán dolorosamente. Advertido por este sueño y en medio de la confusión, ayuda a escapar a su novia y sus amigos justo a tiempo para presenciar lo inevitable: toda la estructura colapsa provocando una catástrofe. Después de once años de entregas de “Destino Final” ya sabemos que a la muerte no le gusta ser engañada y volverá a cobrarse a cada una de sus víctimas, en el orden en que deberían haber perecido... pero de maneras aún más sádicas.

Poco importa la coherencia del relato, si es que aunque sea intentaron otorgarle algo de consistencia a los personajes o correlatividad a la historia: el plato fuerte son las muertes viscerales, aquellas que salpican a la platea en omnipresente 3D. Los noventa minutos transcurren por los carriles habituales, pero sin dudas esta quinta parte de la saga nacida en el año 2000 es la más sangrienta creada hasta el momento. Que la compañía donde todos los conejillos de indias desarrollan sus actividades se llame Presage es una nota al pie, una ironía de trazo grueso, pero el guionista se reservó un as bajo la manga, un regalo que todos los fanáticos de la serie descubrirán en el desenlace: el resurgimiento y la piedra fundacional de una nueva seguidilla de tortuosas historias.

En la ciudad de Madrid en 1937, una disparatada función de circo queda en medio del salvajismo del combate de la Guerra Civil. Los hombres están matándose mutuamente y en medio del caos y el ruido de los disparos, el Payaso Tonto (una breve participación de Santiago Segura) es reclutado contra su voluntad para formar parte de la milicia. Antes de morir deja una semilla de venganza germinando dentro del frágil cuerpo de Javier, su hijo.
Casi cuatro décadas después, durante el franquismo, Javier –que perdió toda capacidad de hacer reír a lo largo de su desafortunada vida- consigue trabajo como Payaso Triste, aquel que secunda y es humillado por el que hace divertir a los niños. Ambos payasos están fascinados con la trapecista, la mujer que será la perdición de ambos y que los llevará hasta el límite de la pasión y la violencia.

Alex de la Iglesia repasa dos épocas sombrías de la historia española reciente, llenándola de alegorías, un toque de fantasía y un ligero surrealismo que por momentos recuerda a pasajes de “El laberinto del fauno” de Guillermo del Toro (incluso el maquillaje elegido remite en cierta medida a los desagradables personajes de Rob Zombie en “Devil’s rejects”). Políticamente incorrecto y mordaz en sus observaciones, la sangre corre tanto como las ironías y las metáforas. Los payasos se encuentran dentro de un triangulo amoroso, violento y no correspondido que muestra las locuras que se pueden llegar a cometer en nombre de ese sentimiento, pero sutilmente el realizador homenajea a todos aquellos payasos que sí animaron los días de los niños durante décadas.
“Balada triste de trompeta” posee un cuidadoso trabajo de diseño de producción, musicalización y puesta en escena que se suman a la excelente fotografía, apagada y descolorida en un inicio, con tonos vivos y saturados más adelante. Todo aquí es tan excesivo y grandilocuente que podría considerarse presuntuoso, pero funciona de maravillas.

Esta prometedora comedia que parece salida del modelo creado y repetido (e imitado) por Judd Apatow tiene la mayor parte de sus logros en su primera mitad. Ingeniosa, de diálogos dinámicos y bromas sutiles apenas perceptibles, cuando decide apostar al humor físico y las persecuciones, pierde parte de la agilidad y de las intenciones primarias. En los roles hacia los que apuntan todos los dardos se encuentran un casi irreconocible Colin Farell, la muy sexy versión morocha de Jennifer Aniston y un desbordante Kevin Spacey. Del sufrido trío dinámico, tanto Jason Bateman como Jason Sudeikis (Saturday night live) están correctos y acordes a sus personajes, pero es Charlie Day (It’s always sunny in Philadelphia) quien se recorta del resto y termina siendo el gran sustento hilarante, aquel que provoca mayor cantidad de carcajadas.

La camaleónica Tilda Swinton, involucrada con este proyecto por más de once años, es el centro magnético alrededor del cual gira toda la película. A lo largo de su carrera lo único impertérrito es su blanquísimo rostro anguloso, de ojos expresivos y profundos: por lo demás, sus peinados, acentos y demostraciones de virtuosismo se renuevan constantemente. Es más, la pátina de tonos elegidos y el look retro del vestuario permiten situar el relato tanto en el pasado como en la actualidad, momento en que de hecho acontece la historia.
Aquí Swinton interpreta a Emma, una inmigrante rusa radicada en Italia y establecida como parte de una burguesa familia dedicada a la industria textil. Los buenos modales y la aparente clama apenas se resquebrajan cuando el patriarca anuncia sus intenciones de legal el mando de la fábrica en su hijo y su nieto… si hay codicia encubierta es casi imperceptible. El dinero y una buena posición en el status quo no asegura cordiales relaciones familiares ni compra pequeños momentos de felicidad: Emma está a punto de descubrir nuevas sensaciones de la mano de Antonio, futuro socio de su hijo en un exclusivo restaurante gourmet de las afueras de San Remo. Es así que la infidelidad, el deseo, los mandatos, la homosexualidad y el inconformismo irán apareciendo en la vida de esta mujer, decidida y frágil a la vez.

Esta comedia dramática se sostiene en gran parte gracias a la convicción de las dos actrices protagónicas quienes ponen todo su oficio al servicio de sortear los lugares comunes y un final por demás complaciente. Las mejores escenas de la veta cómica se desarrollan entre un dispar Martín Bossi (interpretando a Justina, una travesti paraguaya confidente y asistente fiel de Augusto a quien le sigue siendo leal aún después de fallecido) y la siempre eficaz Graciela Borges. La caracterización de Justina es entre paródica y bizarra. Cualquier semejanza con travestis mediáticos varios es pura coincidencia.

El excelente cover de “Paisaje” interpretado por Vicentico logra conmover y transmite en acordes los sentimientos de las dos protagonistas. Por el contrario, la música incidental subraya demasiado lo dicho por las imágenes. Para los buscadores de detalles curiosos, hay cameos de Daniel Burman (quien dirigió a Borges en “Dos hermanos”), Juan Cruz Bordeu –quien ofició de asistente creativo de la cinta- y hasta del propio Marcos Carnevale, director del filme.

Hay matrimonios que jamás deberían celebrarse, duelos que nunca deberían ser batidos y géneros que siempre deberían permanecer en estamentos estancos. La aleación de los metales más incompatibles podría llegar a ser todo un éxito en comparación con la unión de los cowboys con los aliens.
Dirigida por el actor/realizador Jon Favreau, la historia se sitúa en Absolution -un desértico pueblo de Arizona-, allá lejos y hace tiempo en el año 1873. Un fugitivo amnésico (Daniel Craig) despierta en medio de la nada con una única pertenencia: una extraña muñequera que parece soldada a la medida de su brazo. En medio de la confusión y una discusión con el poderoso terrateniente Dolarhy (Harrison Ford), Absolution es atacado por naves espaciales y depredadores extraterrestres que vienen en busca de seres humanos.
Con la ayuda de Doc (Sam Rockwell), una mujer enigmática (Olivia Wilde), el nieto del sheriff, algunos guerreros Apache y ciertos forajidos con los que se topan en el camino, el hombre sin recuerdos y el déspota malhumorado, deberán exterminar a los invasores y liberar a su pueblo.

Desde el momento en que se anunció la realización de este filme, otro de los intentos por reflotar el género western al precio que sea, más de uno se preguntó como resultaría la combinación de dos personajes clásicos de la gran pantalla. Descubrir que Harrison Ford desechó el guión en la página treinta y que debió ser convencido de aceptar este rol ya que era “lo que la gente quiere ver en la actualidad”, tal como lo confesó en una reciente entrevista, nos permite descubrir los entretelones de tamaño collage. Que el desenlace sea previsible y que las situaciones se reiteren cíclicamente tampoco ayuda demasiado. Si hay algo que confirma Cowboys & Aliens es que una sumatoria de grandes nombres detrás de cámaras (produjeron Ron Howard y Steven Spielberg, escribieron Alex Kurtzman, Roberto Orci y Damon Lindelof), no garantiza la efectividad de una película.

En un instante, la Séptima calle de Detroit queda sumida en una oscuridad total. Las pocas personas que no se desvanecieron si dejar rastro comparten un denominador común: en el momento del apagón, todos estaban en contacto con una fuente de luz, por mínima que ésta fuera. Con el llegar de la mañana unos pocos sobrevivientes descubrirán un panorama desolador: centenares de prendas de vestir despojadas de sus portadores alfombran las calles, la energía eléctrica ha dejado de existir, las sombras se compran de manera errática y los días son cada vez más cortos. Un bar será el refugio para un puñado de personas (Hayden Christensen, Thandie Newton, John Leguizamo y Jacob Latimore) que utilizarán el mismo como base de operaciones para descubrir qué es lo que se esconde en la oscuridad y de qué manera pueden detener el avance de la misma.

El novedoso planteo no alcanza para sostener la película más de quince minutos: los poco elaborados efectos visuales, los tradicionales flashbacks para contarnos que hacía cada uno de los protagonistas al momento del apagón y las actuaciones dispares hacen de “La Oscuridad” una historia de terror sobrenatural tan mal concebida que provoca más risas socarronas que saltos en la butaca.
El director Brad Anderson tiene tan poco manejo del clima y de las situaciones (es cierto que los guionistas brindaron una trama por demás endeble) que los personajes deben recitar en voz alta todos sus planes y dilemas morales en lugar de traducirlo en acciones.

Anton es un médico sueco que trabaja en zonas en situación de riesgo en el continente africano. Alterna su vida entre el campo de refugiados y su resquebrajada familia en Dinamarca. Son estos dos mundos contrapuestos, los de guerrillas armadas, enfrentamientos desalmados y muerte constante, y la aparente paz y tranquilidad de un país desarrollado, lo que lleva a Anton a replantearse los valores morales y las prioridades en la vida. En uno de sus períodos lejos de casa, su hijo mayor Elias (que sufre constantes ataques por parte de sus compañeros de colegio) se hace amigo de Christian, el chico nuevo del aula que acaba de regresar al país junto con su padre tras la dolorosa muerte de su madre en Londres.
Ambos, complementarios en un primer momento, tan distintos con el correr de los días, se verán envueltos en una peligrosa venganza que se salió de control y sus padres deberán enseñarles a enfrentar las consecuencias de sus actos.

Ganadora del Oscar al mejor filme de habla no inglesa en la última entrega de los premios de la Academia, la historia dirigida por la danesa Susanne Bier aborda a los matrimonios en crisis, las muertes trágicas, el bullying, la incomunicación y casi una decena de temas enmarcándolos en el violento contexto social que rige el orden mundial actual. Es cierto que son demasiadas aristas como para poder llegar a profundizar en cada una de ellas sin ser demasiado aleccionadora, pero el resultado global es digno de ser apreciado. La música compuesta por Johan Söderqvist recuerda a trabajos de The Chemical Brothers y Metronomy, y la fotografía cálida y de amplios contrastes le sientan bien tanto a la aridez africana como a la tensa calma de la ciudad. Por último, es sabido que el zoom dentro de una escena no siempre es el mejor recurso para direccionar nuestra atención: Bier desecha esta premisa y utiliza el recurso de manera repetida.

Hal Jordan (Ryan Reynolds) es un experimentado piloto aéreo que se gana la vida probando nuevos desarrollos creados especialmente para mejorar el equipamiento bélico de Estados Unidos. Tras una prueba que casi termina en desastre, una noche es abducido por una veloz luz verde que lo deposita a los pies de una nave intergaláctica: dentro de ella un guerrero del cuerpo de Linternas Verde le explica que su destino está en unirse a esta fuerza espacial para defender al universo de Parallax, una amorfa criatura que se alimenta del miedo de sus presas y que amenaza con destruir el balance perfecto entre planetas.
Hal es el primer humano en ser reclutado para esta misión y junto con la ayuda de su colega y compañera de entrenamiento Carol (Blake Lively, Gossip girl) deberá enfrentar sus propios temores para no desmoronarse frente a Parallax y ayudar a los otros 3600 linternas verde a salvar el universo.

Bajo las órdenes de Martin Campbell (Casino Royal), llega por primera vez a la pantalla grande este personaje surgido de las páginas de DC Comics y que jamás, salvo como parte del equipo de la Liga de la Justicia, había tenido la chance de estar en el centro de la escena. Reynolds y Lively están más preocupados por verse bien en pantalla y demostrar lo atractivos que son para sus respectivas plateas, que en componer personajes sólidos… algo que en definitiva no importa demasiado aquí. La acción es constante, salvo por una pequeña meseta en la cual no sabemos hacia dónde se dirigirá la historia, y hace honor a un personaje del que poco conocemos. Contar el surgimiento de un superhéroe desde su génesis no es tarea sencilla, y sin llegar a ser el mejor ejemplo de cómo se logra hacerlo, este debut protagónico de Linterna Verde tampoco decepciona del todo.

Proyectada en DVD en escasas salas porteñas, este filme documental de Andrés Di Tella cuanta la vida de Claudio Caldini, cuidador de una quinta de los suburbios de General Rodríguez, cineasta secreto que hace años experimentó con las posibilidades que el celuloide y el súper 8 ofrecían. Este recorrido, casi estático por momentos, aprovecha valioso material de archivo, como la película de 1976 en donde Marta Minujín es enterrada viva como parte de una de sus instalaciones artísticas. Los diez años que Caldini pasó sin trabajo ni hogar fijo son apenas esbozados, su presente lo describe apagado e insatisfecho.
“Hachazos” es demasiado informal y desprolija para pretender ser un documental que invite a descubrir a la persona detrás del personaje, el estilo es más adecuado para una emisión televisiva que para un eterno filme de 80 minutos.

La vida normal del aparentemente normal Barney Panofsky esconde más de lo esperado. Desde el siglo XXI, donde un anciano Barney se encuentra solo, con algunos problemas para ubicarse en el tiempo y con falta de memoria, viajamos hasta la Roma de 1974, donde toda esta historia tiene su comienzo. Contada desde el punto de vista del protagonista (la traducción del título original “Barney’s version” hace referencia a este concepto) la versión oficial indica que su vida se rigió por ser un tipo común, albergando a un insatisfecho crónico con todas sus decisiones tomadas, incluso sus tres matrimonios. La desesperación y el menosprecio son los motores de su vida hasta que conoce a la mujer ideal el mismo día en que él acababa de pasar por el altar con su prometida.

Basada en la premiada novela de Mordecai Richler, El Mundo según Barney fue nominada al Oscar a mejor maquillaje, ganó el premio del público en el festival de San Sebastián y le valió a Paul Giamatti el Globo de Oro al mejor actor en comedia (ironías aparte teniendo en cuenta que, en su mayor parte, el filme no pertenece a dicho género). Hay que mencionar que el personaje que le tocó en suerte a Rosamund Pike (la tercera esposa del indeciso hombre) tampoco es de sencillo abordaje, estando a la par de su coequiper masculino. Mucho menos convincente es la participación de Dustin Hoffman, quien parece esta estancándose en un estilo de personaje que le sale sin esfuerzo y que le requiere poco compromiso: el del padre canchero, casi desubicado, que brinda consejos liberales por doquier sin que ni siquiera alguien le haya pedido su opinión.

Todo era tranquilidad en Pitufolandia: la aldea se encontraba próspera, cada pequeño duende azul realizaba su tarea en armonía bajo el son de una pegajosa melodía, los preparativos finales para la esperada ceremonia de la luna azul avanzaba según lo previsto. Tampoco nadie previó que pitufo Tontín revelara el secreto de su ubicación al malvado Gárgamel y a su inteligente gato Azrael. Ahora, con la vida tal como la conocen puesta en riesgo, Papá Pitufo, Pitufina y los pitufos Filósofo, Valiente, Gruñón y Tontín –quienes fueron enviados a través de un portal mágico a la ciudad de Nueva York- deberán encontrar la manera de acabar con los planes de Gárgamel y volver a su aldea para reconstruirla.

Realizada por la división Sony Pictures Animation en asociación con Columbia Pictures, Los Pitufos está basada en la obra del artista belga Pierre “Peyo” Culliford, quien presentó por primera vez a estos personajes allá por 1958 en “Schtroumpfs”. Dueños imbatibles de una popularidad que trascendió las fronteras y los años, los personajes fueron el centro de historietas, libros, videojuegos (la versión para iPod es muy popular entre los más chicos), dos películas y la memorable serie creada por el dúo Hanna-Barbera. Sin contar los trescientos millones de muñecos vendidos a lo largo de estas décadas.

El gran acierto de esta versión dirigida por Raja Gosnell (Scooby-Doo) y escrita por J. David Stem y David N. Weiss, fue haber sacado a los pitufos de su ambiente natural y llevarlos a la Gran Manzana: esa ciudad tiene un magnetismo que contagia todo lo que toca. Con destacadas participaciones en televisión, la elección de las cuatro figuras “de carne y hueso” tampoco falló: Neil Patrick Harris (How I met your mother), Jayma Mays (Glee), Sofía Vergara (Modern family) y Hank Azaria (Los Simpsons, Friends) son los contrapuntos ideales de los pitufos en este filme pensado para los niños de hasta unos diez años… y para todos los melancólicos, también.

En el verano de 1979, en un pequeño poblado de Ohio, un grupo de chicos está decidido a terminar su propia y caserísima película de zombies. Con sus cámaras de Super 8, una caja llena de maquillaje y un plan de rodaje acotado por el inicio de las clases y las imposiciones de los padres, deciden rodar durante las noches. En una de las tantas escenas previstas, la de la estación de tren se ve recompensada con lo que a ellos les encanta llamar “valor de producción”: una extensa formación se aproxima y la misma será utilizada para enaltecer la acción dramática. Sin embargo, los chicos son testigos de una catástrofe y, tras salvarse de milagro, descubren que lo que presenciaron no fue exactamente un accidente. De allí en más, una carrera por descubrir la verdad y saber qué es lo que está produciendo extraños eventos en el pueblo se transformará en la aventura de sus vacaciones.

Desde su productora Bad Robot (quién no recuerda la vocecita de este personaje al final de cada uno de los episodios de “Lost”), el productor y director J.J. Abrams rescata lo mejor de “E.T”, “Los Goonies” y “Amigas para siempre” para regalarnos un relato plagado de homenajes a esos filmes que marcaron la infancia de varias generaciones. Descontando la excelencia de los efectos visuales creados por Industrial Light & Magic, la música de Michael Giacchino acompaña cada una de las desventuras de estos amigos, encarnados por Kyle Chandler, Joel Courtney, Gabriel Basso, Noah Emmerich y la actuación de quién se recorta por sobre el resto, Elle Fanning. A pesar de todos los logros alcanzados por Abrams, cabe destacar que una vez revelado el rostro de la criatura, se pierde algo de la magia creada, hecho similar a lo ocurrido en otra cinta del mismo productor, “Cloverfield”.

Un escritor inglés llega a la Toscana para presentar su nuevo libro referido al valor de las copias en el mundo el arte. Allí conoce (¿o se reencuentra?) con una galerista francesa que lo llevará a descubrir algunos de los puntos turísticos más importantes de la zona de Lucignano.
Esta co-producción francesa, italiana y belga dirigida por Abbas Kiarostami está basada en una anécdota del director que la propia Juliette Binoche (alma del filme) insistió para que la transformara en una historia fílmica.
A lo largo de las casi dos horas de metraje el realizador aprovecha a analizar el concepto de originalidad, hecho que se remonta a la época romana donde los comerciantes vendían réplicas de las obras egipcias. Las connotaciones de esa palabra hacen un paralelismo entre la reproducción del arte y la reproducción de la raza humana.

Los primeros cincuenta minutos de esta narración trilingüe (inglés, italiano y francés) recuerdan mucho el estilo impreso por Richard Linklater en su binomio “Antes del Amanecer/Atardecer”. Pero Kiarostami no se conforma con ello y decide hacer un viraje total del relato mediante una pequeña gran revelación, recurso que no mencionaremos aquí.
El director aborda diversos temas, como las relaciones conflictivas (“no se supone que seamos simples, somos seres complejos por naturaleza”, desliza por allí el personaje de Binoche), el verdadero sentido de la vida, el placer en oposición al deber, los sueños versus la realidad cotidiana, el arte como industria cultural (“no importa el objeto expuesto sino la percepción que tenemos del mismo”).
El dialogo que se da con la cantinera italiana es una mezcla de emociones tan dispar que lo convierten en uno de los highlights de esta historia.

Rechazo tras rechazo, Steve Rogers no está decidido a abandonar su sueño de formar parte del servicio militar para defender a su país en la Segunda Guerra Mundial. Pero el destino querrá que por casualidad un doctor decida darle la oportunidad de su vida al ofrecerlo como voluntario para un proyecto científico y bélico top secret. Fortalecido físicamente y con una resistencia más allá de lo normal, Rogers adquirirá la identidad de Capitán América para las galas de recaudación de fondos. Cuando uno de sus amigos es considerado perdido en batalla, Rogers se unirá a sus colegas en el frente para descubrir la verdad tras el avance de una rama descarriada del nazismo: Red Skull.

Capitán América: El primer vengador es el filme que necesitaba Chris Evans para alcanzar de una vez por todas su primer protagónico absoluto. Este combo de una historia atractiva, con un estilo old fashioned, sin ese elemento nacionalista extremo que podría haber acabado con su recorrido comercial, es más que recomendables para los seguidores del mundo Marvel y para los aficionados en general. Para ver un adelanto de lo que se vendrá en mayo de 2012 con la reunión de “Los vengadores” quédense hasta el final de los créditos.

A partir de la investigación de un equipo de documentalistas (aquellos que fueron el centro de “El diario de los muertos”), un grupo de soldados deciden viajar hasta una remota isla donde la amenaza mutante todavía no ha hecho estragos. Este último bastión de paz sobre la Tierra no es el paraíso prometido: incluso en medio de la muerte y de un enemigo común más poderoso, sediento de sangre e incontrolable, los hombres –dos familias irlandesas para ser más precisos- izan diferentes banderas con respecto al tratamiento que se debe dar a los zombies.
Unos no dudan en aniquilarlos con certeros tiros en la cabeza, los otros prefieren mantenerlos prisioneros, educarlos para que se alimenten de carne no humana y esperar que la ciencia finalmente encuentre un antídoto para su cura. El problema es que nadie parece estar dispuesto a ceder e su impertérrita postura.

Esta nueva entrega de la saga de George A. Romero, la sexta dirigida por el realizador, comienza precisamente seis días después de que los muertos empezaran a levantarse de sus tumbas. Sin la crítica al sistema ni las connotaciones sociales que lo convirtieron en un director de culto, los cuidados efectos visuales -donde casi no quedan rastros de las técnicas más bizarras de antaño- y una historia que no da respiro alcanzan para hacer de esta nueva secuela un filme entretenido y digno de su género.

Después de incendiar una casa y ser detenida por la policía, Kristen es internada en un hospital psiquiátrico. Está completamente desorientada, sin saber cómo llegó a ese lugar y sin poder recordar nada de los días previos a su internación.
Rodeada de otras chicas con diversas patologías, sus cuatro nuevas compañeras de pabellón son tan problemáticas y poseen tan pocas respuestas a sus preguntas que Kristen decide descubrir por qué la tienen allí encerrada.
El hospicio está repleto de secretos, ruidos inexplicables, presencias sobrenaturales… Claramente, no están solas.
Desde el momento en que intentan escapar, una por una las chicas empiezan a desaparecer sin dejar rastro haciendo que los tiempos para que Kristen pueda ser libre se acorten.

John Carpenter se preocupó por ser fiel a la ambientación de la década del sesenta para entregar un thriller old fashioned, pero debería pensar en actualizar un poco su estilo de asustar: la platea actual no vibra ni salta de las butacas con los mismos recursos que lo hacian la generaciones anteriores al año 2000. El pobre desarrollo de los FX tampoco es de mucha ayuda. La única (y no del todo acertada) pieza en el camino por aggiornarse fue convocar a chicas con caras conocidas debido a sus roles en TV (Lyndsy Fonseca de “Nikita” tiene una gran presencia y un futuro artístico prometedor) o pequeñas participaciones en cine independiente (Mamie Gummer, hija de Meryl Strepp). Que el protagónico haya recaído sobre la deslucida Amber Heard es sólo por una cuestión estética.

Para evitar conocer detalles del final, mejor deje de leer acá. Si en un principio uno pretende destacar el intento de hacer una película de terror sin apelar a la remake clásica, toda originalidad de evapora cuando descubrimos que calcaron el desarrollo y la resolución de “Identidad”, aquel filme protagonizado hace algunos años por John Cusack.

El señor Popper (Jim Carrey) es un exitoso promotor de bienes raíces que se encarga de conseguir aquellos edificios supuestamente imposibles, los compra para su compañía y los rediseñan o construyen lujosas torres en su lugar.
Divorciado y con dos hijos, decidido a convertirse en socio en su empresa y con un cuidado extremo por su lujoso departamento en Park Avenue, la muerte de su padre, a quien no ve desde hace veinte años, traerá algunas sorpresas.
Como parte del legado familiar y en forma de herencia, Popper recibe una caja de madera proveniente desde la Antártica. Pero lo que en principio parece un animal disecado, es en realidad un pingüino vivo. En realidad no uno, seis pingüinos.
La intención de mandarlos al zoológico más cercano es inmediata, pero Popper descubre una nueva manera de acercarse a sus distantes hijos a través de la relación con estas poco convencionales mascotas. Será un familia mitad humana, mitad pingüino.

Enfocada al público infantil, este filme llega a nuestro país en copias dobladas al español, lo que ahorra a los padres el inconveniente de tener que explicarles a sus hijos “que es lo que están diciendo” los personajes. Para los chicos más grandes, puede que la historia funcione mejor en las partes de comedia física donde Carrey –al que hay que acostumbrarse a verlo con sus monigotadas una vez más- se destaca sin excepción. El sexteto de animalitos, conformado por escenas digitales y otras reales, atraparán a los niños desde la primera escena.

AudioComentario (ver link).

El secuestro y asesinato de los monjes cristianos en 1996 marcó el apogeo de la violencia y de las atrocidades que azotaban Argelia como resultado del enfrentamiento entre el gobierno y grupos extremistas decididos a derrocarlo.
Los ocho sacerdotes que residían, en perfecta armonía con la población musulmana, en un monasterio en las montañas del Magreb rechazan la ayuda del gobierno traducida en protección por parte del ejército.
La parsimonia y la quietud con la que el director francés Xavier Beauvois grafica el lento devenir del tiempo en los días previos al comienzo del peligro, contrasta notablemente con la sensación de abandono e indefensión que se palpa a partir de la decapitación de algunos conocidos de los religiosos, suceso que se de en el primer acto de la historia.

Frente a esta situación límite, y sabiendo que marcharse no es una opción, los monjes deberán decidir sus próximos pasos. ¿Entregarse a la voluntad de Dios, cualquiera que la misma sea? ¿Morir sin siquiera defenderse, a sabiendas de que sería un suicidio colectivo?
La desaparición de los religiosos afectó profundamente a la opinión pública internacional. La identidad de los asesinos y las circunstancias exactas de su muerte siguen siendo un misterio. Algunos documentos recientemente desclasificados quizá ayuden a despejar el misterio en los meses venideros.

Una maestra que odia despertarse temprano, que detesta corregir pilas interminables de exámenes. En fin, una maestra que haría cualquier cosa por dejar de tener que ir todos los días al colegio, fingir que la interesa la educación y que tolera a los mocosos de su aula. Elizabeth (Cameron Díaz) es cruel, grosera, maleducada, ventajera y no le queda más remedio que seguir asistiendo a su trabajo después de que su interesado casamiento con un niño bien de la high society quedara cancelado.
No hay más remedio que tratar de planificar tareas, llevarse bien con los compañeros de escuela, reportar adecuadamente al director o por lo menos fingir todo esto y dedicarse a enamorar a un nuevo docente, heredero de una inmensa fortuna (Justin Timberlake).

Políticamente incorrecta, “Bad teacher” presentó un inmenso desafío para Lucy Punch (Conocerás al hombre de tus sueños): ser la contrafigura cómica de Díaz, quien pierde los primeros rounds a manos de esta colorada, acreedora de los mejores gags de todo el filme. Por fortuna, Cameron recupera terreno antes de quedar en un completo segundo plano (como sucede con la participación de Jason Segel) y termina colaborando para brindar la historia con la que más reí en los últimos meses. Que una comedia contemporánea logre auténticas carcajadas, no es poca cosa.

Esta tercera entrega de la saga iniciada en 2007 por el trinomio compuesto por la juguetería Hasbro, el pochoclero director Michael Bay y el productor ejecutivo Steven Spielberg, parece alcanzar el límite de lo tolerable. Extensísima por donde se la mire (son eternos 154 minutos) y con menos coherencia que sus predecesoras, lo que ya es decir bastante, sólo el prólogo parece tener algún valor narrativo. El resto es pura fórmula marketinera. Frases aleccionadoras pretendidamente solemnes, alguna que otra sutil alegoría a la política bélica norteamericana y un desenlace que se hace rogar por más de cuarenta minutos. Transformers 3 es mucho, mucho (demasiado) ruido y poco cine.

Los adultos de treinta y pico actuando como adolescentes de secundarios jamás suelen ser divertidos: esta no es la excepción. Si a eso le sumamos lo exasperante del melodrama que compone Goodwin y de que Hudson acapara la atención por su personaje de celosa insoportable, una criatura despreciable en cada uno de sus “momentos” en pantalla, la cosa no parece ir mejor. Los (innecesarios) flashbacks colocados torpemente aquí y allá solo están para estirar la historia.

El laberinto es la adaptación de “Rabbit hole” la obra de David Lindsay-Abaire ganadora del Premio Pulizter en 2007, en este caso dirigida por John Cameron Mitchell, el mismo de la jugada “Hedwig and the angry intch” y el drama cuasi pornográfico “Shortbus”.
Nicole Kidman, en una senda que la hará volver a su exitosa y prometedora carrera pre-botox y con nominación al Oscar incluida, se compromete de tal modo con la historia de Becca que la atmósfera de profundo padecimiento, interno, intenso, se transmite de principio a fin. No hay un instante en que veamos a esa mujer poder quitarse el peso de la ausencia de su hijo. Incluso la conflictiva relación con su madre (Dianne Weist) se basa en la incomprensión que ambas presentan a la reacción de la otra frente a la muerte. Las mayores contradicciones pasan por el lado de Becca y no tanto por Howie (Aaron Eckhart), hombre decidido a tener otro bebé y recomenzar su vida.

La misma dupla que el año pasado llevó adelante “Legión de ángeles” decidió protagonizar y dirigir esta cinta en un intento de potenciar aún más esa experiencia que mezclaba asesinos, ítems religiosos y seres endemoniados.
Aquí, sin embargo, el (deficiente) uso del croma para las escenas de acción, una caracterización poco sorprendente de los vampiros no videntes y las insípidas historias de amor que se vislumbran, no ayudan demasiado. Poco es lo que la dupla Bettany-Q pueden hacer al respecto.

El prometedor comienzo (los primeros treinta minutos son de un atractivo impresionante) y la excelente química que existe entre el dúo protagónico (¿quién puede negarse al acento de Blunt?) auguraban un film a tener en cuenta. Con el correr del metraje, los cambios de rumbo, la solemnidad de ciertos pasajes, lo aún más inverosímil que se vuelve la historia (es ciencia ficción desde el comienzo, pero todo tiene un punto de inflexión) y las reiteradas complicaciones que debe enfrentar el personaje de Damon terminan por desperdiciar una de las premisas más originales que proponía la industria cinematográfica en este 2011.

Basado en un hecho real retratado por el escritor y periodista Ricardo Ragendorfer, quien en 1993 fue galardonado con el premio Príncipe de Asturias por esta investigación, el filme narra la fuga de siete presos de la cárcel de Villa Devoto.
En diciembre de 1991, Vulcano (Raúl Taibo) y sus compañeros finalmente concretan el túnel que los llevará fuera de los muros de la prisión. Durante la tarea de excavado, este grupo de hombres realizan un escalofriante hallazgo: un osario bajo los cimientos de la cárcel. ¿Se trata de desaparecidos de la última dictadura militar? ¿Presos políticos? ¿Delincuentes muertos y jamás encontrados tras la sangrienta represión del motín de 1977? Es tarea de Ricardo descubrir la verdad.

“El túnel de los huesos” presenta algunas contradicciones a la hora de evaluarla. El malogrado uso de entrecruzar las líneas temporales se hubiera solucionado simplificando la estructura: introducción y desenlace en el presente y el resto de la historia en el pasado. La correcta labora de Taibo lo aleja del galán de telenovela con el que cimentó su carrera, detalle a tener más que presente. Asimismo, la inquietante banda de sonido compuesta por Alejandro Iglesias Rossi e interpretada por la orquesta de instrumentos autóctonos y nuevas tecnologías de UNTREF, termina por sumirnos en el ambiente carcelario de la historia.

El director Joe Wright (encargado de la más reciente versión del clásico “Orgullo y Prejuicio” y de la excelente “Expiación, deseo y pecado”) es dueño de un estilo personal que ha marcado su producción hasta el momento, pero es innegable cierto aroma al cine de acción del francés Luc Besson en “Hanna”. La música electrónica, a cargo de The Chemical Brothers, para subrayar los momentos de adrenalina pura, bastaría como ejemplo. Sin embargo, Wright va más allá y además de la psicodélica escena del escape de la protagonista por los túneles que la conducen al desierto marroquí, nos vuelve a regalar un extensísimo y coreografiado plano secuencia. Ese pequeño gran detalle al que nos tiene malacostumbrados. La precisión y frialdad de Blanchett en su composición de Wiegler es simplemente atemorizante.

Alex y su hermana tienen un negocio que se dedica a romper relaciones amorosas en las cuales uno de sus integrantes se encuentra sufriendo. Siempre a pedido, siempre con un costo elevado, siempre satisfactoriamente. El nuevo trabajo no es la excepción: los ha contratado un millonario para boicotear el casamiento de su hija con su novio ingles, evento que tendrá lugar en menos de una semana.
El dream team de “rompeparejas” se topa con el dilema de sus carreras: separar a una pareja feliz y perfecta -quebrando todos los códigos que siempre los caracterizaron- o dar por finalizada su empresa.


La comicidad de Romain Duris (el recordado protagonista de “Piso compartido”) y el encanto de Vanessa Paradis (la en extremo delgada esposa de Johnny Depp), sumados a la breve participación de Andrew Lincoln (“The walking dead”) hacen funcionar esta comedia a la perfección.
El involuntario karaoke de Wham y George Michael en el auto no tiene desperdicio: Duris y Paradis conforman una interesante dupla que se potencia mutuamente con el correr de la película.

Recorriendo siete países, siete mercados de frutas y verduras, siete culturas totalmente diferentes, este documental co-dirigido por siete realizadores (Alejo Hoijman, Josué Méndez, Paola Vieyra, Jorge Coira, Carolina navas, Marcos Loayza, Alejandra Szeplaki) intenta mostrar siete miradas sobre la forma en que las personas construimos las ferias callejeras de comestibles y los personajes que surgen en dicho entorno.
En 103 minutos de duración, el único fragmento con contenido documental formal es aquel rodado en el mercado central de Caracas, Venezuela. Incluso el metraje dedicado a Galicia parece una parodia de sus pobladores, algo alejado del recorrido pluralista que propone el resto del filme.
Las cinco locaciones restantes (Lima, mesopotamia argentina, Bolivia, Río de Janeiro, Colombia), la mayoría retratadas con una pasividad al borde de lo tolerable, no terminan de erigirse como piezas claves para lo que intuimos se proponía este proyecto.

Esta vuelta a los orígenes de la popular serie basada en los comics de Marvel se propone dar respuesta a cómo se conformó el grupo conocido como X-Men, cómo Charles llegó a ser paralítico, quién fue el creador del neurotransmisor Cerebro, entre muchas otras incógnitas. Cabe destacar que es notoriamente más atractiva, poderosa y contundente la mirada sobre el origen de los personajes del futuro bando de los malos que de quienes se convertirán en los héroes de la saga.
Algunos personajes nuevos son novedosos y hasta sorprenden dos cameos que deleitarán a los seguidores de la historia, pero es justo decir que esta quinta entrega de la franquicia es la menos inspirada de todas.

Sólo buenos propósitos no alcanzan para construir un filme que pretende denunciar y poner en evidencia las falencias del deteriorado sistema neuropsiquiátrico del país. Las participaciones especiales de Manuel Callau y Fernán Mirás en los últimos quince minutos nos permiten vislumbrar lo que hubiera sido el producto final con actores experimentados en roles centrales.
Asimismo, la brecha de dos décadas que divide ambos tiempos del relato no consiguió los resultados estéticos adecuados.

Dos hermanos gemelos, Jeanne y Simon Marwan (Mélissa Désormeaux-Poulin y Maxim Gaudette) son citados por el notario de su madre Nawal (Lubna Azabal) para hacer la lectura del testamento y última voluntad de la mujer. Allí descubren que su padre –a quien creían muerto desde hace años- está en realidad vivo y que poseen un hermano mayor al cual su madre dio en adopción a los pocos segundos de haber dado a luz. La misión encomendada por su madre, es que ambos encuentren a sus familiares perdidos y les entreguen sendas cartas escritas por ella días antes de fallecer.
Jeanne decide viajar de inmediato a Oriente Medio para reencontrarse con el pasado de una familia de la que no sabe prácticamente nada mientras que Simon, enojado por los caprichos póstumos de una madre que siempre se mostró distante y poco afectuosa con ellos, tardará un poco más en decidirse a recorrer el país de sus antepasados siguiendo los pasos de la juventud de Nawal.


Esta adaptación de la obra teatral del libanés Wajdi Mouawad, es una historia profundamente dolorosa, llena de discusiones verbales y silenciosas… las contradicciones entre las dos maneras de ver el mundo que presentan estos hermanos, la displicencia de uno y el conmovedor interés del otro, colapsan de modo inevitable. Cada uno de ellos demuestra su pena de acuerdo a la relación que tuvieron con esa fría madre ya fallecida, aquella mujer carente de afecto que perdió gran parte de su humanidad en sus terribles años de juventud.


“Incendies” nos pone frente a un imprevisto, a una situación fuera de todo plan que se convierte en el punto de partida de un viaje iniciático con el objetivo último de desvelar secretos, piezas de un extenso rompecabezas que sobrevivió al paso de los años y a la mudanza entre continentes. Este encuentro desgarrador –por parte de Nawal- e intempestivo -los gemelos- con la muerte pone a los personajes de cara a una realidad confusa, ardua de aceptar y de efectos secundarios difíciles de medir. Las escenas de Nawal escapando de su violento país son de una crueldad extrema que retratan palmo a palmo los horrores de la intolerancia y la bajeza humana en su más cruenta y espantosa expresión.

Algunos años después de los sucesos de la primera parte, la pandilla se reúne nuevamente para la boda del dentista Stu. Él junto a su novia, y sus amigos Phil, Doug y Alan –quien se encontraba profundamente deprimido por no haber sido incluido dentro de la lista de invitados en una primera instancia- vuelan a Tailandia para encontrarse con la familia de la futura señora.
Aún fresca en la memoria, la resaca vivida en Las Vegas en el casamiento anterior hace que estos amigos decidan llevar la despedida de soltero de manera más tranquila y sin tantos excesos… pero lo inevitable vuelve a ocurrir.
Dos días antes del gran día, Doug despierta tranquilo en su habitación, pero Phil, Stu y Alan amanecen en los suburbios de Bangkok junto a un tailandés con sobredosis, un mono traficante y el dedo del hermano de la novia dentro de una fuente con agua. ¿Qué fue lo que ocurrió la noche anterior? ¿Cómo llegaron a esa situación? ¿Dónde se encuentra el joven cuñado de Stu? ¿Podrán resolver el misterio antes del horario fijado para la ceremonia?


La respuesta son cien minutos de genuina diversión. Si bien el factor sorpresa que hacia las veces de combustible en la primera entrega ya no está –el esquema de esta secuela está prácticamente calcado de aquel filme- los guionistas y el director supieron insuflarle a la historia la suficiente gracia, variedad de situaciones y humor para adultos (sin recurrir a desnudos a granel, escatología y humor físico) como para hacernos olvidar que se trata de una segunda parte.
La base fundamental de esta posible franquicia es su trío protagónico, cada uno de ellos invariablemente odioso en su individualidad pero de una comicidad irresistible al moverse en su conjunto.

Bellamente fotografiada por Christian Cottet y con una excelente, original y divertida banda sonora a cargo de Supercharango, “El Dedo” es el mejor ejemplo de hacia donde debería encararse la producción de filmes nacionales. Si bien por momentos el acento pueblerino de la Córdoba profunda se evapora de los personajes a cargo de Goity y Vena, el relato fantástico sobre este dedo “visionario”, sus sabios consejos y su posible candidatura política excede cualquier pequeño desliz actoral.

El rumor dice que Jack Sparrow se encuentra en Londres reclutando un grupo de piratas para emprender la aventura del descubrimiento de la mítica Fuente de la Juventud. Jack se encuentra en la capital inglesa, cuenta con dicho mapa, pero jamás a iniciado la búsqueda de una tripulación. Llevado frente a su majestad Jorge II, quien lo obliga a trabajar con el ahora devenido en corsario Barbossa, Jack decide emprender el camino hacia este tesoro por su cuenta. Hasta que se reencuentra con la bella Angélica, un posible ex amor y supuesta hija del legendario pirata Barba Negra, que lo obliga a abordar el Queen Anne’s Revenge donde le dará una pista del sino de su amado Perla Negra.
En la carrera por encontrar los poderosos cálices de Ponce de León se toparán con marineros zombis, perversas y sanguinarias sirenas, y un batallón español dispuesto a conquistar las aguas de la juventud eterna.


Este relanzamiento de la saga conserva pocos, poquísimos, elementos de la trilogía original, pero los justos como para no perder seguidores en el camino y sumar unos cuantos más. Con una simplificación casi extrema con respecto a las tramas de las dos secuelas anteriores, Navegando aguas misteriosas cuenta con las incorporaciones de Ian McShane, Penélope Cruz (¡cómo es posible que una misma intérprete sea tan dispar dependiendo del idioma en el que actúa!) y una nueva pareja joven integrada por un sacerdote y una sirena (Sam Claflin y Astrid Berges-Frisbey) con grandes posibilidades de desarrollos dramáticos en futuras continuaciones. Esta renovación de la fachada de la franquicia perdió algunos toques esenciales que tan bien sabía manipular su director anterior, Gore Verbinski, destreza de la que carece Rob Marshall (“Memorias de una geisha”, “Chicago”) a pesar de contar con la misma dupla autoral encargada de guionar los tres filmes anteriores.


Dependiendo de la taquilla y de las ganas de Johnny Depp de repetir su personaje por quinta vez, habrá piratas para rato: casi llegando al desenlace, Geoffrey Rush en la piel del desbordado Barbossa iza sus velas con dirección a Tortuga, escenario conocido por los seguidores de la saga. Además, después de los créditos, una pequeña escena nos muestra los planes de venganza que tiene en mente una de las incorporaciones de esta entrega.

Larry David (creador de las aclamadas series Seinfeld y Curb your enthusiasm) encarna de algún modo al alter ego de Woody Allen quien no bien arranca, además de quebrar la cuarta pared para dirigirse de modo directo a la audiencia, larga una sentencia de muerte: “la raza humana es una especie fallida”. Pesimista e irascible, este regreso a su cuidad natal –después de su paso por Europa que retomará con el estreno de “Midnight in Paris” y un futuro rodaje en Roma- le sentó de maravillas a Allen, quien aprovecha este retorno a la Gran Manzana para hacer un poco de turismo visitando los hot spots de la urbe.


En “Whatever Works” Larry David (en su primer protagónico de peso en cine tras su reconocida carrera televisiva) y Evan Rachel Word conforman una excelente pareja para enfrentar todos los duelos punzantes propuestos por Allen. La incorporación de Patricia Clarkson en la segunda mitad de la historia trae aires renovados a esta heterogénea convivencia de personalidades.

Basada en la historia real que relató la propia Plame en su libro “Fair Game: My life as a spy, my betrayal by the White House”, el director Doug Liman ("Identidad desconocida", primera entrega de la saga Bourne) comienza el relato en los primeros días que siguieron al atentado contra las Torres Gemelas, horas de incertidumbre, heridas abiertas y susceptibilidades a flor de piel.
Además de hacer una crítica feroz al gobierno de Bush y a los medios de comunicación que desinforman, el filme retrata la desintegración del matrimonio y como ambos deben hacer frente a la salvaje opinión pública y sus despiadadas consecuencias.


“Poder que mata” (conocida también como “Caza a la espía” en los circuitos de alquileres piratas), se fundamente en sucesos reales, pero como historia cinematográfica posee todos los elementos de un thriller de intriga internacional. Con la actual mediatización del supuesto asesinato de Ossama Ben Laden y la desconfianza hacia el manejo poco claro de las tácticas militares de norteamericana sobre el tapete, es el momento comercialmente ideal para estrenar esta película.

Ambientada en 1977, Suzanne (Catherine Deneuve) es la esposa sumisa de Robert Pujol, un adinerado empresario dueño de una fábrica de paraguas que administra con puño de hierro, cara de pocos amigos y malos tratos hacia sus empleados. De este mismo modo es como se relaciona con sus hijos, quienes no pueden concebir como su madre se deja tratar como una mujer-florero, un trofeo más en la colección de hazañas de su padre.
Cuando estalla una revuelta sindical, se decreta el paro de la empresa y Pujol es secuestrado, posteriormente liberado y luego internado, Suzanne asume el máximo cargo jerárquico, asiendo el poder total del negocio familiar y sorprendiendo a más de uno con su gestión. Todo se complicará cunado su marido intenté recuperar la posición que le fue tomada.


“Mujeres al poder” no será la comedia más inspirada de la filmografía de Francois Ozon pero sirve para demostrar su conocimiento y perdurable interés por el complejo universo femenino. Cabe aclarar que “potiche” (tal es el título original en francés de esta propuesta) es un adorno u objeto decorativo de poco valor sin un real uso práctico. La palabra también se utiliza como término despectivo para hablar de una mujer que vive a la sombra de su marido, que no parece tener su propia identidad.

Gnomeo y Julieta pertenecen a dos familias de duendes de jardín enemistadas desde hace años. Los rojos y los azules jamás se mezclan y cuando sus dueños no están a la vista, libran una batalla sin cuartel por obtener el triunfo en cuanto competencia en miniatura ellos se propongan. Durante la cacería de una bella flor, ambos adolescentes se conocen y, cuando descubren que perteneces a clanes opuestos, deciden continuar con su amor en secreto. ¿Vivirán felices o cumplirán con el destino preestablecido del trágico final de sus casi homónimos?

Dirigido por Kelly Asbury (“Shrek 2”) esta original adaptación para el público infantil del relato de William Shakespeare es una necesaria puesta al día del clásico de la narrativa mundial utilizando toda la variedad de estatuillas de jardín para la infinidad de personajes secundarios que acompañan a la pareja protagónica. Por más escalofriantes que puedan resultarnos esas impertérritas formas de cerámica en la vida real, aquí lucen tiernas, adorables y amistosas. Además, los clásicos y dos canciones nuevas de Elton John –acompañado por Lady Gaga en la inédita “Hello, Hello”- son un plus para los adultos que acompañen a sus hijos.
Ya lo dicen sus responsables en la introducción: “esta historia se ha contado varias veces, pero lo vamos a volver a hacer porque resulta divertido”. No se equivocaron.

La novela best-seller de Sara Gruen que dio origen a esta película fue publicada en el 2006 y se mantuvo durante doce semanas en la lista de los libros más vendidos del New York Times. Con motivo de ese suceso, la escritora comentó: “Agua para elefantes es acerca del amor en todas sus formas: entre hombres y mujeres, entre familias y entre gente y animales. Es acerca de las distintas formas en las que nos tratamos. En algunas ocasiones lo hacemos bien, en otras no”. Lamentablemente su transposición a la gran pantalla no resultó del todo efectiva.
Con una supremacía del esteticismo por el simple hecho de la majestuosidad visual (no porque fueran funcionales al relato, como en el caso de la extraordinaria serie “Carnivale”), una pareja central con poca química (aún menos deseo y escasa sensualidad en sus escenas conjuntas) y una previsibilidad constante en todas las acciones (quién puede dudar cómo comenzará, se desarrollara y concluirá esta historia de amor), “Agua para elefantes” es de esas adaptaciones cinematográficas que pueden resultan muy buenas o todo un fiasco. Sin caer en extremos, y viendo todos los esfuerzos y recursos puestos en su desarrollo, se puede asegurar que pequeños cambios hubieran hecho del filme una propuesta mucho mejor.

La fiebre por la ciudad carioca parece estar recién comenzando: no sólo el filme animado “Río” lidera la taquilla nacional desde hace un mes, sino que una decena de propuestas que llegarán a los cines de aquí a dos años están siendo rodadas en esa urbe brasileña. En el caso de la quinta –y seguro, no última- entrega de la franquicia “Rápido y Furioso” todo comienza con una introducción de alto impacto, marca registrada de todas las películas de la serie. Con Paul Walker, Vin Diesel y la incorporación de Dwayne Jonson al reparto principal, la saga vuelve a demostrar que tienen un mecanismo tan probado, aceptado y aceitado que sus responsables saben cuándo es el momento ideal para introducir nuevos personajes, hacernos saltar de la butaca con impresionantes e improbables persecuciones y dejarnos con la contradictoria sensación de querer ver un poco más de estos fantásticos autos. Una curiosidad: no se vaya no bien termina la película, ya que una escena adicional presenta la posible continuación de la historia.

Han pasado diez años desde la última ola de crímenes que tuvieron a Sidney Prescott como protagonista. Esta década alejada de los diarios y noticieros les sirvieron para curar sus heridas, replantearse sus objetivos y escribir un libro catártico en donde relata su experiencia como una verdadera sobreviviente de la locura humana. Como parte de su gira promocional, Sidney deberá hacer una breve escala por Woodsboro, su ciudad natal, en donde se reencontrará con sus viejos amigos, el policía Dewey Riley y la periodista –ya ahora ama de casa- Gale Weathers. Sin embargo, ellos no serán los únicos deseosos de volver a verles: no bien ponga un pie en su barrio, un nuevo asesino enmascarado comenzará a cobrarse las vidas de la nueva generación de adolescentes del pueblo.

A pesar de no tener explícitos puntos de contacto, la visión de este filme me recordó el estreno de la producción inglesa “Una dama digna” (“Mrs. Palfrey al The Claremont”, 2005), una película cálida y emotiva, que vale la pena ser vista. Esta conexión entre ambas propuestas no es más que una inexplicable asociación libre.
En el caso de “Mis tardes con Margueritte” un cada vez más enorme Gérard Depardieu perece repetirse a sí mismo: todo el relato vuelve sobre los pasos de un simpático personaje –aunque inculto, humilde y bonachón- que es testigo, en estos breves encuentros con una letrada anciana, de un costado más positivo de la vida.

En un pueblo de leñadores, cazadores y de mujeres dedicadas a las tareas de la casa, Valerie es prometida al joven heredero de una familia de dinero dedicados a la herrería. En secreto, ella se encuentra enamorada de Meter, un leñador humilde que corresponde a los sentimientos de la chica. En el momento en que deciden huir y emprender una nueva vida juntos, el llamado de las temidas campanas comienza a sonar. El lobo ha matado de nuevo.
Este caserío perdido en medio de nevadas montañas sufre una maldición: un voraz hombre lobo asola a los pobladores, quienes para mantener seguras a sus familias ofrecen terneros y novillos para saciar su apetito. Sin embrago, esta vez, tras asesinar a una adolescente, el lobo solo reclama algo a cambio: Valerie.
Si la muchacha decide irse con él, todos vivirán tranquilos, sino continuará matando. La única oportunidad que tienen es usarla de carnada: en una de sus habituales visitas a la casa de su abuela Valerie deberá atravesar el bosque, engañar al lobo y luego aniquilarlo.

Levemente inspirado en el clásico relato infantil de Caperucita Roja, esta vuelta de tuerca extrema que propuso la directora Catherine Hardwicke (“A los trece”, “Crepúsculo”) cuenta con todos los elementos de aquella historia pero potenciados para lograr un thriller cargado de acción, sensualidad y suspenso. Que el famoso lobo ahora sea presentado como un licántropo es un gancho más que atractivo y si le sumamos la magnética presencia de Amanda “ojos enormes” Seyfried, toda la locura de Gary Oldman y una rockera banda sonora, el combo no es para nada despreciable.

Desde su productora Happy Madison, Adam Sandler construyó un filme ideal para él, rodeándose de colaboradores que pudieran serle funcionales a sus planes. El director Dennis Dugan es el mismo de la fallida “Son como niños” y el guión está levemente inspirado en el de “Flor de cactus” (no es en esencia una remake de aquella película con Goldie Hawn). A esto se suma la pequeña Bailee Madison que, con su colección de acentos, es tal vez quien tiene los pasajes más divertidos de esta propuesta y el trío de mujeres compuesto por Jennifer Aniston, Brooklyn Decker y Nicole Kidman (en breves apariciones), todas a favor del lucimiento del verdadero protagonista: Sandler.

Bennett y Rose sufren un accidente automovilístico. Tres meses después, embarazada de su difunto novio, ella decide mudarse a la casa de sus suegros. Allen y Grace no terminaron de asimilar la muerte de su hijo y, en mayor o menor medida, creen que la presencia de la adolescente en su hogar terminará por arruinar los endebles lazos familiares que aún se mantienen en pie. Sin embargo, la interacción de Rose con cada uno de ellos resultará ser justamente lo que necesitaban para volver a ser una familia unida.

Tras un impactante comienzo, “Prueba de amor” termina volcándose hacia la sumatoria de lugares comunes, paralelismos previsibles incluidos. Susan Sarandon aporta su corrección habitual, a pesar de lo exacerbada que se encuentra la veta dramática de la historia. El talento de Pierce Brosnan suele aflorar de vez en cuando y ésta no es una de esas ocasiones. A pesar de todo, la simpatía y frescura de Carey Mulligan -garantía de buenas actuaciones- es la perfecta y principal razón para ver este filme.

Hace años que los hermanos Marziano no se hablan. Hay cuestiones de dinero, falta de responsabilidad e incompatibilidad de personalidades. Juan (Guillermo Francella) sigue creyendo que sus cintas con los programas de radio que hizo durante toda la vida son piezas de un valor incalculable y ahora quiere digitalizar… ¡200 casetes! Por su parte, Luis (Arturo Puig) es protagonista de un acontecimiento poco común en su country: alguien se dedica a cavar pozos en la cancha de golf, provocando la caída de los vecinos.
En medio de ambos, Delfina (Rita Cortese) la única mujer de la familia Marziano que parece llevarse bien con sus heterogéneos hermanos y Nena (Mercedes Morán), esposa de Luis y viejo interés amoroso de Juan. Cuando este último comienza a sufrir una enfermedad que le imposibilita leer, es obligado por Delfina a volver a Buenos Aires a comenzar una seguidilla de consultas médicas.
Un asado, una tarde de pileta en el barrio cerrado y un cumpleaños serán los motivos para intentar reunir a los hombres Marziano.


El nuevo filme de Ana Katz ("Una novia errante") posee un timming y una historia tan entretenida que su proyección se siente natural, agradable, frente a tanta película comercial con duración inhumana. Todo en Los Marziano nos puede ser familiar de uno u otro modo: todas las familias son el centro de discusiones, malos entendidos, reconciliaciones y reuniones multitudinarias. La excelencia por parte del cuarteto protagónico, sumado a la pequeña participación de Daniel Hendler y Cristina Alberó, es el puntal de esta divertida propuesta agridulce.

Rick y Fred (Owen Wilson y Jason Sudeikis) son dos padres de familia que ahora viven su cuarta década entre recuerdos de juventud y deseos de algo más emocionante para su vida. Aman a sus esposas pero no pueden evitar imaginarse cómo sería su vida con cada una de las mujeres que se les cruza en el camino. Sus esposas (Jenna Fischer y Christina Applegate), a regañadientes, toman la decisión de darles un "pase libre": una semana de libertad para hacer lo que ellos quieran, sin preguntas posteriores. Rick y Fred descubrirán que sus expectativas acerca de la soltería no son nada parecidas a su realidad actual.

Los hermanos Farrelly (creadores de “Locos por Mary”) parecen haber quemado todos sus cartuchos de creatividad con aquella cinta que llevó a la popularidad a Ben Stiller. Nada en “Pase libre” funcionaría si se le quitara el humor básico, escatológico y previsible que desborda por todos lados. Salvo algunos pequeños momentos de auténtica gracia, este filme es un producto menor fácil de olvidar.

No se confunda y piense que lo que está a punto de ver es un drama romántico: la historia, por la cual efectivamente cruza un triángulo amoroso, es más dura de lo que se puede advertir a priori. Ningún spoiler se colará en estas líneas y por ello es aún más difícil brindar una sinopsis del mismo: lo cierto es que cualquier tipo de información de más arruinará los inesperados giros del guión. Con interpretaciones sólidas por parte del elenco protagónico (Carey Mulligan, Keira Knightley y Andrew Garfield), también se lucn las breves apariciones de Sally Hawkins y Charlotte Rampling. Basada en la novela de Kazuo Ishiguro, “Nunca me abandones” es un relato de una crudeza sentimental avasallante que trata como nunca se había hecho hasta ahora un tema espinoso del que poco se atreven a hablar.

Encerrada contra su voluntad en un hospital mental, Babydoll comienza a planear su escape no bien ingresa en este lúgubre hospicio que funciona como pantalla para tráfico de drogas y esclavizante prostitución. Decidida a luchar por su libertad, convence a otras cuatro internas para aunar fuerzas y poner en marcha un plan que le fue explicado en sueños. Rocket, Blondie, Amber y Sweet Pea serán el equipo que Babydoll necesita para encontrar los cinco elementos que serán su pase a la libertad: un mapa, fuego, un cuchillo, una llave y un elemento misterioso que le será revelado en el momento oportuno.
A través del poder de la música y de los mundos surreales que la misma despierta en las chicas, la fuerza grupal será la única salida que les queda.

Escrita y dirigida por Zack Snyder, quién en sus últimos trabajos siempre se dedicó a reversionar historias de otros autores (300, Watchmen y Ga’Hoole) el patchwork visual que propone en esta oportunidad está al borde de la exageración visual. Los mundos oníricos de las protagonistas son ampulosos, magnánimos, desaforados… un contrapunto extremo con respecto a la historia que se da en “el mundo real” del relato. Algo que genera que la coherencia y la solidez (si es que hay aunque sea un poco de ella) de la historia tambalee en más de una oportunidad. De clasificarla, deberíamos inventar una categoría intermedia entre el regular y el bueno, pero el riesgo de llevar a la pantalla una historia propia por primera vez en mucho tiempo inclinó la balanza a favor de Snyder.

Después de varias postergaciones finalmente se estrenó en nuestro país “Ondine”, la historia de Syracuse (Colin Farrell), un pescador que un día rescata con su red a una joven, hermosa y misteriosa mujer (Alicja Bachleda). Al contarle parte de esta historia a su pequeña hija, que sufre de insuficiencia renal, la niña comienza a investigar convencida de que la dama que provino del agua es en realidad una sirena que llegó para inundar sus vidas de amor y buena suerte. ¿Puede una sirena tomar completa forma humana para devolverle un poco de felicidad a este triste pescador solitario? ¿Puede un cuento de hadas convertirse en realidad?

En otra demostración de su talento, Colin Farrell despliega sus mejores armas, aquellas que sólo parecen salir a la luz cuanto más independiente es el proyecto y más alejado se encuentra de los convencionalismos de Hollywood. Las bellas melodías que acompañan el retrato de estos desolados parajes irlandeses también son un aporte a destacar.

En Papúa Nueva Guinea un grupo de espeleólogos y submarinistas se encuentra trabajando en una de las últimas cuervas inexploradas del planeta. En estas galerías subterráneas de cientos de kilómetros de extensión, se combina el trabajo con la emoción de ser los primeros hombres en descubrir los secretos que la tierra lleva escondiendo desde hace siglos. Sin embargo, la misión se complicará cuando una tormenta comienza a inundar los túneles, haciendo que el espacio para moverse sea cada vez menor.
El equipo deberá colaborar en su conjunto para poder escapar de esta tumba natural, pero no todos están dispuestos a sacrificarse por los otros.

Hay dos cuestiones que servirán como advertencia para un espectador desprevenido. 1) La leyenda de “inspirado en hechos reales” no siempre es un gancho efectivo. 2) Que el nombre de James Cameron -en su rol de productor- aparezca en el afiche del filme responde únicamente a la necesidad comercial de estrenar la película en todo el mundo. Ni siquiera relaciones esta propuesta con el suceso azul de Avatar.

En lo que parecía ser una lluvia de meteoritos fuera de lo común y totalmente desprevenida para la NASA, un grupo de marines son alertados por el Departamento de Defensa, el cual les revela que lo que está a punto de ocurrir es una invasión extraterrestre. Las ciudades más importantes del planeta, entre ellas Nueva York, Buenos Aires, Berlín y París, son destrozadas, pero Los Ángeles se convierte en la última resistencia del pueblo norteamericano.
Las armas humanas son incapaces de detener el poderío alienígena, y un grupo de combatientes deberá usar toda su inteligencia para encontrar el punto débil de los invasores y acabar con ellos.
Este film protagonizado por Aaron Eckhart y Michelle Rodríguez llega a nuestro país un día antes que a las salas de Estados Unidos, un hecho casi sin precedentes para su distribuidora Sony Pictures. La historia no tiene mucho más para ser contada aquí que lo dicho en el párrafo anterior, sin embargo cabe destacar que en este caso los realizadores privilegiaron un desarrollo de los efectos visuales por sobre cualquier tipo de peso dramático o relato sólido. Los casi 120 minutos que dura el filme también atentan contra su efectividad.

Desde que se conocieron en un campamento adolescente, Emma y Adam han tenido ganas de ver si podían llegar a empezar una relación. No lo hicieron ni a los 15 años, ni una década después cuando se cruzaron en el funeral del padre de ella, ni siquiera ahora que están a punto de cumplir la treintena. Con sus vidas más o menos encarriladas en sus profesiones (ella es una promesa de la medicina en el hospital donde trabaja y él aspira a convertirse en guionista de la serie teen de la cuál es asistente de producción) y un completo desorden amoroso (la novia de Adam lo dejó por el que hasta entonces era su suegro y Emma ni siquiera piensa en los hombres) deciden llegar a un acuerdo.
Para proteger su amistad mantendrán una relación libre, sin celos, recriminaciones, con canilla libre de sexo, salidas, ratos compartidos… pero nada de regalos cariñosos, planes a futuro o enamoramiento: sólo serán “amigos sexuales”, como a ellos le gusta definirlo. Pero después de tanta intimidad, ¿puede sobrevivir una amistad libre de amor?

Dirigida por Ivan Reitman, la nueva comedia romántica protagonizada por Natalie Portman y Ashton Kutcher (¿alguna vez se sacará el traje de él mismo como logró hacer para “El efecto mariposa”, su mejor filme hasta la fecha?) rebalsa de clichés, de diálogos supuestamente simpáticos que terminan siendo vacíos, de risas y caídas de ojos repetidas una y otra vez… en fin, de una falta casi total de gracia y divertimento. La conclusión que se puede sacar al ver esta película es que admirar el trabajo de la aquí deslucida Portman en “El cisne negro” es algo que no tiene desperdicio.

Basada en el caso real del guía de montaña Aron Ralston (James Franco), el nuevo filme de Danny Boyle retrata la tortura que debió enfrentar en soledad: tratar de soltarse después de que una piedra cayera sobre su brazo derecho dejándolo atrapado en el fondo de un desolado cañadón del estado de Utah. A lo largo de esos casi cinco días, las eternas 127 horas que pasa inmovilizado, recuerda la relación con sus amigos, su familia, su ex novia y dos excursionistas que conoció poco antes de quedar atrapado… Sin comida, sin agua suficiente y sin elementos de rescate apropiados, Aron utiliza su pequeña cámara de video como bitácora de sus últimos días con vida, hasta que su debilitada mente pone en primer plano una decisión extrema que amenaza con convertirse en su gran salvación.

El sorprendente trabajo de Franco como Ralston es la base del éxito de esta propuesta: sin él nada en estos noventa minutos de narración tendría sentido. Boyle tampoco escatima en detalles, ni siquiera los más cruentos, para mostrarnos el infierno físico y mental por el que atraviesa el personaje principal. La edición, inquita, dinámica, moderna y la siempre atractiva música del compositor indio A.R. Rahman componen un combo perfecto.

Una ficticia compañía de ballet de la ciudad de Nueva York se encuentra en pleno proceso de selección del staff encargado de llevar a cabo una nueva puesta, adaptada a los tiempos que corren y con mínimas variaciones coreográficas, del clásico “El lago de los cisnes”. Nina es una bailarina que dedica el ciento por ciento de su día a entrenarse y perfeccionarse, llegando al límite de lo tolerable. Con una madre sobreprotectora y abusiva (que otrora dejara su carrera profesional en la danza para criar a su hija), Nina es seleccionada para las audiciones que Thomas Leroy -el director de la obra- tomará en persona.

El rol protagónico requiere de una bailarina que pueda interpretar tanto al Cisne Blanco, con la inocencia y gracia que Nina desborda, y al Cisne Negro, la representación de la astucia y la sensualidad. Es aquí donde entrará Lily, su principal rival a la hora de definir quien de ellas dos será la nueva figura central de la compañía. El compromiso con el papel, el entrenamiento las exigencias para ser las dos caras de la misma moneda harán que Nina pronto pierda la conciencia entre lo que verdaderamente sucede a su alredor y lo que su mente comienza a crear.

Tras reposicionar a Mickey Rourke en el mundo hollywoodense, el director de “Réquiem para un sueño” y “La fuente de la vida” vuelve a entregarnos un relato plagado de contradicciones personales, de escenas perturbadoras mental y físicamente hablando (la metamorfosis de Natalie Portman en un cisne es maravillosa). El trío conformado por Portman (quien tiene todas las fichas puestas en la próxima entrega de los Oscars), el francés Vincent Cassel y la atractiva Mila Kunis es explosivo. Hasta el final uno no sabe, aunque intuye que nada bueno será de la partida, cómo se revelarán estos personajes.

En las inmediaciones del Lago Victoria, un área de excavación de restos de la era mesozoica se encuentra abandonado y fuera de la consideración de sus vecinos, hasta que un sismo libera cientos de pirañas prehistóricos famélicas de carne. Poco importa si es humana o no. Distintos grupos de personas (estudiantes celebrando el Spring break, un grupo de documentaristas, dos niños abandonados por su hermano mayor y un equipo televisivo de programas eróticos) deberán evitar ser comidos mientras la sheriff del pueblo y un neurótico científico –interpretado por Christopher Lloyd- intentan descubrir el modo de acabar con las pirañas.

Dirigida por Alexander Ajá, el mismo de la muy buena pieza de terror francés “Alta tensión” y de las remakes de “Despertar del diablo” y “Espejos siniestros”, el realizador resignó creatividad y su capacidad para crear climas opresivos y tensos con tal de subirse al tren de las tres dimensiones. Homogeneidad de planos, tomas subacuáticas que no difieren mucho unas de otras, personajes cuya única habilidad es correr directo hacia el centro del peligro y pirañas mutantes computarizadas al extremo hacen de este filme una pieza fácilmente olvidable.

Recién llegado a Berlín en compañía de su esposa y listo para ser parte de un simposio de novedades biotecnológicas, el Dr. Martin Harris (Liam Neeson) sufre un accidente automovilístico que lo deja en estado de coma durante cuatro días. Perturbado, cuando abre los ojos nuevamente descubre que nadie ha hecho la denuncia por su desaparición y que su mujer no está a su lado en el hospital.
A medida que recuerda retazos de información, los hechos previos al choque van tomando forma y sabe con certeza en qué hotel se encontraba hospedado.

Sin embargo, cuando informa de lo sucedido en la recepción del lujoso establecimiento, el equipo de seguridad le comunica que el Dr. Martin Harris no ha desaparecido y que se encuentra en perfectas condiciones de salud. Otro hombre ha adoptado su identidad y con la única y renuente ayuda de su taxista (Diane Kruger) se mete de lleno en este misterio que le hará cuestionarse su cordura y su verdadero propósito en la capital germana.

Poco inspiradas persecuciones automovilísticas, un deslucido Neeson y una historia plagada de interminables giros "supuestamente sorprendentes", terminan de conformar una historia de suspenso, terrorismo y acción a medio camino de cualquier lugar.

Inspirada en hechos reales, “The Rite” narra la historia de Michael Kovak, un estudiante de seminario enviado al Vaticano para ser parte de un curso que intenta develar los pormenores del rito del exorcismo, práctica que la iglesia intenta instaurar nuevamente. A pesar de sus propias dudas sobre la veracidad de estas prácticas, de la desconfianza que le genera el tema (asegura que en todos los casos la ayuda de un psicólogo es más importante que la de un sacerdote) y de su cada vez más decreciente vocación religiosa, Michael decide conocer al Padre Lucas (Anthony Hopkins). Este heterodoxo sacerdote realizó cientos de exorcismos y será su mentor en el arte de retirar el demonio de los débiles cuerpos humanos poseídos. Los sucesos que le mostrará el Padre Lucas harán que Michael vislumbre un fenómeno inexplicable e incontenible: el demonio es aún más violento y persistente cuando los que lo rodean no creen en su existencia.

Este nuevo largo del sueco Mikael Håfström encuentra en la interpretación de Anthony Hopkins uno de sus puntos más fuertes (los últimos treinta minutos son una versión exacerbada de todo el despliegue histriónico del que hizo gala en la composición del doctor Hannibal Lecter veinte años atrás). El escueto pero logrado uso de los efectos visuales también merece ser destacado. Sin embargo, todo en “El Rito” (que desde hace dos semanas, fecha de su estreno norteamericano, se encuentra al tope de la taquilla de ese país) parece que le faltara unos minutos más de cocción. No es por sus varios puntos de contacto con “El exorcista” o que por momentos tenga un planteo idéntico a la reciente e independiente “El último exorcismo”: a los amantes del terror “visual” les faltará escenas propias del género y a quienes se enganchen con el costado “serio” del relato los decepcionará su segunda mitad. Las casi dos horas de proyección también se hacen sentir.

Ree Dolly (una increíble actuación de Jennifer Lawrence) es una adolescente de 17 años que se propone encontrar a su padre, un convicto que puso el valor de su casa como fianza y luego desapareció sin dejar rastro. La responsabilidad sobre el futuro de su familia está sobre sus hombros, debiendo enfrentar el riesgo de llegar a perder su hogar y la relación con sus pequeños hermanos. Ree comienza una búsqueda sin tregua para desenmascarar mentiras, superar las evasivas de los vecinos y sobreponerse a las amenazas planteadas por su entorno para reconstruir la verdad sobre el paradero de su progenitor.

La apuesta independiente en la carrera por los Oscar de este año (cuenta con cuatro nominaciones a mejor filme, actriz, actor de reparto y guión adaptado) es un thriller dramático basado en la novela de Daniel Woodrell. La historia, de un clima marginal extremo, pone el foco en esta familia desmembrada y en el tesón de la hermana mayor por evitar el sufrimiento de los más pequeños, a los que en una cruda escena enseña a usar un rifle “para que puedan defenderse”. El inhóspito entorno que los rodeo, tanto geográfica como humanamente hablando, hacen de la misión de Ree un verdadero tour de force.
Imperdible el momento en que la protagonista intenta alistarse en el ejército como modo de salvar su familia.

Jaime es un buscavidas que aún no termina de decidirse por ninguna profesión. Después de haber abandonado sus estudios de medicina y rotar por decenas de empleos mediocres, termina siendo contratado como visitador médico de la farmacéutica Pfaizer. En uno de sus constantes asedios a los médicos, conoce a Maggie moza durante las mañanas y artista en las tardes, quien padece Mal de Parkinson. La mayoría de las relaciones van del amor al sexo, pero esta comienza al revés y terminará en una inesperada historia de amor para nada convencional.


Ambientada en los ahora lejanos años noventa y en el competitivo mundo de las grandes compañías farmacéuticas, esta adaptación del libro que relata el surgimiento del viagra y la comercialización de dicha pastillita azul, el filme no es sólo una comedia romántica. Es también una crítica al sistema médico norteamericano el cual, además de atención defectuosa en muchos de los servicios sanitarios, posee precios tan elevados para los medicamentos que obliga a los ciudadanos menos pudientes a viajar hasta Canadá para conseguir el mismo fármaco pero a valores más razonables.


La buena pareja que componen Anne Hathaway y Jake Gyllenhaal, con elevadas dosis de química y erotismo entre ambos, no alcanza para disimular los extensos 112 minutos de metraje. Por consiguiente, es demasiado notorio el cambio de tono entre la primera y la segunda mitad de la historia: toda la frescura, comicidad y sexualidad de los sesenta minutos iniciales se transforman en un inesperado drama que coloca a la enfermedad de Maggie y su inestabilidad emocional en el centro del relato. La calificación está dada en mayor medida por todo lo que la película se propuso y no tanto por sus resultados finales.

La escritora Jennifer Hills decide alquilar una cabaña perdida en el medio del bosque y a orillas de un lago para radicarse allí durante algunos meses para abocarse a la escritura de su nueva novela. Aislada, concentrada en el trabajo y provista de su ración justa de vino tinto y marihuana, no tuvo en cuenta que un grupo de inadaptados enemistados con todo aquel proveniente de la “gran ciudad” no iba a dejar pasar la oportunidad de hacerle la vida imposible. Violada y humillada hasta límites insospechados, logra escapar por casualidad, dejando a sus captores convencidos de que ella ha muerto. La venganza recién estaba a punto de comenzar.

Esta remake de “I spit on your grave” estrenada en 1978, considerada de culto por los fanáticos del gore y censurada –en su momento- en varios países debido a su crudeza extrema, no defraudará a los fanáticos de la cinta original. Si bien es cierto que el momento de “la venganza” se demora un poco, cuando Jennifer comienza a cobrarse una a una todas las vejaciones que le infringieron, no hay desperdicio. “Escupiré sobre tu tumba” es una digna representante de su género.

Lemuel Gulliver (Jack Black) es el empleado más raso dentro de la estructura jerárquica de su empresa: reparte la correspondencia de gerentes, editores y redactores del periódico para el cual trabaja desde hace más de diez años. Malentendido mediante, es enviado a cubrir una nota de la sección turismo relacionada con el misterio del Triángulo de las Bermudas. La tormenta arrastra su pequeña lancha hasta un remolino gigante y, tras despertar de la conmoción, descubre que se encuentra siendo prisionero de los minúsculos habitantes de un tierra desconocida llamada Liliput. Tras demostrar su falta de agresión hacia los diminutos humanos, Gulliver es tomado como un héroe protector que los defenderá de todos los males que hay más allá de la “bruma” en la isla “de la que nadie ha retornado”. Pero el jefe del ejercito sospechará de la verdadera naturaleza del visitante y comenzará a indagar e el verdadero origen de Gulliver.

En versiones subtituladas, dobladas al español, en dos dimensiones y en salas especializadas en tecnología 3D, el film presentado por 20th Century Fox viene con ganas de seducir a un amplio rango de públicos, y no hay duda que cuenta con potencial para hacerlo. Una colega me dijo que existen dos tipos de películas infantiles: aquellas en las cuales los adultos nos entretenemos tanto como los niños, y otras en las que solo somos simples acompañantes. “Los viajes de Gulliver” forma parte de este segundo grupo.

Ali (Christina Aguilera) llega a Los Ángeles desde su pequeño pueblo carente de oportunidades para las generaciones jóvenes. A falta de trabajo y conciente de su enorme potencial como cantante, decide probar suerte en el Burlesque Lounge, un club de revista musical donde todas las noches las chicas deslumbran al público desde un pequeño escenario.
Administrado de mala manera por Tess (Cher), el lugar tiene serios problemas económicos de difícil resolución en el horizonte próximo. Sin embargo, Ali es contratada como camarera.
Tras varias semanas, y ante la necesidad de encontrar una corista suplente, Ali enfrenta un casting a cargo de la propia Tess y de su asistente artístico Sean (Stanley Tucci). Todos los artistas del lugar están convencidos que Burlesque Lounge vive para deslumbrar, fascinar y lograr que los sueños se hagan realidad, pero una sola persona, por más increíble que sea su voz, puede llegar a no ser suficiente para mantener el negocio a flote.

El debutante director Steven Antin tiene un estilo tan básico y poco arriesgado que hace que todos los “homenajes” a filmes como “Chicago”, “Moulin Rouge”, “Coyote Ugly”, “All that jazz” y el 80% de su estructura tomada de “El diablo viste a la moda” suenen más a copia deslucida que a verdadera admiración. Cher y Tucci poseen el oficio de siempre, la cantante Christina Aguilera hace su debut en cine sin demasiadas sorpresas (su excelencia musical ya es bien conocida fuera del celuloide) y a Kristen Bell se la nota más incómoda que nunca. Si bien los cuadros musicales reflotan gran parte del tedio que producen los fragmentos actorales, estas canciones (dos de ellas nominadas a sendos premios, entre ellos a un Globo de Oro) no hacen más ligera las dos horas de proyección. Una verdadera desilusión.

En dos habitaciones contiguas de un hotel francés se encuentran hospedados dos antagonistas por excelencia. Una es el refugio del asesino Ralph Milan, la otra, el lugar de descanso del fotógrafo suicida François Pignon. A cada uno lo aqueja algo distinto: Pignon tiene una gran pena de amor, Ralph debe asesinar a un hombre en la próxima hora.
Sin embargo, estos dos personajes no se encuentran separados por completo: entre ambas habitaciones media una puerta que las intercomunica. Abrirla se asemejará a destapar la Caja de Pandora. ¿Podrá Ralph llevar a cabo su cometido homicida sin ser descubierto? ¿François aguantará más de quince minutos sin tratar de suicidarse y recuperar el cariño de su esposa? Todo puede pasar cuando esa puerta que divide estos dos mundos se abra.

Esta floja comedia dirigida por Francis Veber (responsable de un ya clásico de la comedia francesa, “El Placard”) sólo despierta una o dos carcajadas con la inclusión de secuencias típicas de slap comedy. Lo mismo que podríamos haber visto si navegáramos entre los cientos de video caseros de YouTube.

Tras el suicidio de una persona que en sus últimos minutos sobre esta Tierra se aferró a un rosario, la policía de Filadelfia es llamada para investigar el caso. Quiere la casualidad –o tal vez no- que en el mismo edificio ocurra un suceso extraño. Un ascensor ha quedado atorado en el piso 21 sin presentar fallas electrónicas o mecánicas aparentes. Sus ocupantes, cinco personas diametralmente opuestas entre si, comienzan a experimentar la presión del encierro, sensación desagradable que va in creyendo cuando tras cada uno de los cortes de luz, uno de ellos aparece brutalmente asesinado. Uno de los guardias que controla las cámaras de seguridad, un mexicano religioso, supersticioso y bastante vulnerable recuerda una de las historias que le relataba su madre cuando él era pequeño. En aquel cuento, el diablo tomaba forma humana y reunían a personas de malas conductas para una última tortura antes de llevárselos consigo al otro mundo. ¿Será esto lo que está ocurriendo dentro del ascensor? ¿Uno de estos cinco personajes será el diablo corporizado?

Este film es la primera entrega de un proyecto aún más grande y ambicioso conocido como “The Night Chronicles” impulsado por el devaluado director M.Night Shyamalan que supo ser el creador de grandes éxitos como Sexto Sentido y Señales, que en esta oportunidad ocupa el rol de productor. El realizador propone crear una serie de films de temáticas que van del terror al suspenso pasando por los tintes sobrenaturales. En esta primera oportunidad, el ritmo y la tensión se mantienen a lo largo de los casi ochenta minutos que dura el film, que de haber prescindido del lado demoníaco, también podría haberse erigido como una historia de suspenso con malos de carne y hueso.

Llegado desde el espacio exterior, Megamente siempre quiso ser bueno, pero su entorno se lo impidió constantemente. Ya de adolescente no le quedó más opción que convertirse en el mejor villano de la ciudad, la Némesis perfecta para Metroman, el superhéroe que todos aman. Todos lo intentos por acabar con el hombre de la sonrisa perfecta fallaron, hasta hoy. Sin enemigo a quien vencer, Megamente cae en una profunda depresión y se da cuenta que su vida ya no tiene sentido. Ese es el momento en que un nuevo plan sale a la luz: es hora de crear un nuevo superhéroe con quien combatir. Pero una vez que descubra el monstruo que él mismo creó, ¿podrá derrotar a su propia creación? ¿Podrá el Genio Malvado cambiar de lado y volverse el héroe de su propia historia?


Esta nueva película de los estudios Dreamworks se estrenó a fines de 2010 con gran repercusión en todo el mundo. La historia, entretenida tanto para chicos como para adultos, está llena de buenas ideas y de algún que otro lugar común. Esta edición en DVD incluye algunos materiales extra: escena eliminada, comentarios de los realizadores, entrevistas con el elenco (Will Ferrell, Tina Fey, Jonah Hill y David Cross) y un especial de previews de videoclips, trailers y videojuegos de otros filmes de Dreamworks (Kung fu Panda, Madagascar, Shrek y Cómo entrenar a tu dragón).

Un ex federal es sometido a ver el asesinato de su esposa e hija después de que una redada fracasara. Con una actitud mortífera, increíbles habilidades con su machete y una capacidad para readaptarse a circunstancias adversas, Machete (Danny Trejo) se muda a Texas para comenzar una nueva vida.
Allí es contactado por Booth, el líder de una red de corrupción política que decide contratarlo para asesinar al senador del estado (Robert De Niro). Ante su negativa, Machete vuelve a convertirse en un blanco móvil y en plan de limpiar su nombre y el honor de su familia intenta dejar al descubierto la conspiración.
Para ayudarlo en su cruzada estarán Luz (Michelle Rodríguez), dueña de un trailer de tacos, Padre –el hermano cura de Machete- y la agente de migraciones Sartana (Jessica Alba).

Este nuevo filme del realizador Robert Rodríguez, que toma como eje central al personaje surgido brevemente en el proyecto doble Grindhouse (estrenado en Argentina en dos partes: “Planet Terror” y “A preba de muerte”) co-dirigido por Quentin Tarantino, no faltan las amputaciones en primerísimo primer plano, coreografiadas luchas, sangre a chorros y una estética que ya es marca registrada del director de “Érase una vez en México”. Danny Trejo es el actor ideal para caracterizar a este tipo rudo, de pocas palabras y de una comedida búsqueda de redención. Solo él puede decir la frase “Ellos se metieron con el mexicano equivocado” y realmente hacernos temblar. Por desgracia, todos los méritos de la primera mitad de la historia se diluyen en su segunda parte, reiterándose a si misma sin encontrar una forma directa de concluir el relato con el nivel con el que fue iniciado. Jessica Alba tampoco está a la altura de su contrafigura femenina, la ex lostie Michelle Rodríguez, de personalidad combativa, ruda y de armas tomar.

La estática y convencional dirección de Nicolás del Boca, más adecuada para un culebrón televisivo que para un film, no ayuda a suplir los diálogos ampulosos y difíciles de expresar con naturalidad escritos por Enrique Torres. Con una ausencia total de dirección de actores, un desenlace esotérico, una flojísima interpretación de Lucila Solá e incontrolables arrebatos de cólera/tristeza/alegría por parte de Silveyra, “Un buen día” es un producto menor, pobre, extraño y que debe esconder algún interés secundario que nosotros desconocemos.

¿Acaso falta explicar en qué consiste la propuesta de Johnny Knoxville y compañía? Ahora rodada en tres dimensiones (que desperdicio de celuloide) el público será testigo de escatológicos experimentos, muestras de “destreza” e imbecilidad extrema en un grupo de infradotados adultos.
El por qué de la trasposición del programa más doloroso de MTV al cine continúa siendo un misterio, aún hoy con esta tercera entrega. Qué lleva al público a pagar una sustanciosa entrada para ver aquellos que puede encontrar gratis en televisión es una incógnita a resolver.

Un cuarentón neurótico e inseguro (Jason Bateman) se entera que su mejor amiga (Jennifer Aniston) desea tener un hijo aunque sea por inseminación artificial. Angustiado por los avances en la vida de su compañera de salidas, y gracias a una alta dosis de alcohol, reemplaza el semen del donante por el suyo, forzado a vivir desde entonces con el secreto de que es el padre biológico del bebé.

Basada en el cuento “Baster” de Jeffrey Eugenides, los creadores de “The Switch” (tal es su nombre original) decidieron no andarse con rodeos y en menos de cinco minutos se enfocan en el quid de la cuestión: la necesidad del personaje de Aniston de convertirse en madre. ¡El problema es que todavía ni siquiera no presentaron de forma acertada a los personajes…! ¿Cómo sentir empatía con estos desconocidos metidos en una situación tan forzada como la que se presenta? He aquí una de las posibles explicaciones al fracaso mundial de esta cinta.

Colocando en el centro de la escena a una pareja de probada química como lo es el dúo Rudd-Carell (ya habían trabajado juntos en el exitosa “Virgen a los 40”), el filme que no pasó por las salas locales tiene su único gran problema en la extensa duración: suprimiendo media hora del metraje y llevándolo a unos más cómodos noventa minutos, no sólo se hubiese ganado en ritmo sino que las bromas, desperdigas por aquí y allá, hubieran estado más cercanas entre ellas, generando una sensación de comicidad más aceitada de la que termina teniendo el producto final. Las escuetas participaciones de Lucy Puch (“Conocerás al hombre de tus sueños”) merecen ser destacadas.

Antes de llegar al mercado hogareño, esta pequeña gema del cine actual estuvo a punto de ser estrenada comercialmente en las salas argentinas. Plagada de hallazgos visuales, sustentada por una historia divertida, entre un humor agudo y naif, “Scott Pilgrim vs. The World” gira entorno al veinteañero del título, un típico loser al que el actor Michael Cera le saca todo el provecho posible.
Perdidamente enamorado de una chica, deberá encontrar la manera de cortar su actual relación con una estudiante del secundario al tiempo que los temibles siete ex novios de su nuevo objeto del deseo vienen en busca de venganza.
Coreografiada como un enorme videojuego, el film va escalando en atractivo visual y argumental hasta llegar a un clímax que dejará a más de un geek llorando de satisfacción.

Peter (Robert Downey Jr.) está a punto de convertirse en padre primerizo: su esposa tiene fecha de cesárea programada para dentro de cuatro días. Mientras se encuentra abordando el avión que lo llevará a Los Ángeles conoce a Ethan (Zach Galifianakis, más de lo que ya vimos en “¿Qué pasó ayer?”), un aspirante a actor que desea instalarse en Hollywood.
Cuando ambos sean incluidos en una lista de personas inhabilitadas para subir a un avión, deberán improvisar un viaje en auto atravesando más de tres mil kilómetros.

El director Todd Phillips hico una prolija puesta en escena, pero los grandes contratiempos que presenta “Todo un Parto” se deben a su enclenque guión, deslucido, poco gracioso, con algún desagradable gag escatológico… Hay que reconocer que cuando las clavijas se ajustan somos testigos de momentos auténticamente cómicos y sentimientos genuinos cuando se apela al costado sentimental de los integrantes de esta improbable pareja de compinches.

Expandiendo el contexto en el que se había situado la película rodada en 2007 y que fue estrenada en nuestro país el año pasado, el director Tod Williams se centra en otra rama de la familia de Katie y Micah, protagonistas de la primera entrega. Dejando de lado la subjetividad de la cámara en mano única, esta secuela se vale de varias lentes, las cuales forman parte del sistema de seguridad de la familia Rey, integrada por Kristi (hermana de Katie), su marido Dan, su hijastra Ali y el recién nacido Hunter.

Cómo surge la presencia extrasensorial que acosará a los personajes, de qué manera el pasado de las hermanas ha tenido que ver con esta cuestión y como se insertan los hechos del film original en esta continuación son parte de los interrogantes que se irán develando a lo largo de los noventa minutos de historia. Con buen ritmo, a excepción de los primeros minutos en donde se muestra la “previa” al primer fenómeno paranormal, y una intensidad de no decae –muy por el contrario los tramos finales son cada vez más atragantes- “Actividad Paranormal 2” se conforma como un muestrario del terror psicológico actual y en un destacado ¿cierre? de uno de los sucesos de taquilla más sorpresivos de los últimos tiempos.

La película escrita por Aaron Sorkin explora el periodo en el que se inventó Facebook, uno de los fenómenos sociales más revolucionarios del siglo XXI. Extraída de múltiples fuentes, la historia abarca los orígenes en los pasillos de la Universidad de Harvard hasta las oficinas actuales en Silicon Valley. Todos se disputan parte de la creación de la red social más importante y convocante del mundo. Mark Zuckerberg (Jesse Eisenberg ya suena para los nominados al Oscar) es un brillante estudiante que concibió el sitio Web, Eduardo Saverin (Andrew Garfield, listo para encarar el desafío de protagonizar el relanzamiento de la saga del Hombre Araña) es su mejor amigo y quien aportó el dinero inicial para la naciente compañía, Sean Parker (Justin Timberlake) es el fundador de Napster y quien presentó Facebook a los inversores y los gemelos Winklevoss (doble rol de Armie Hammer) afirman que Zuckerberg robó su idea de intranet social de Harvard.
Cada uno de ellos tiene su verdad, su propia versión del nacimiento de Facebook.

Conducida con maestría por David Fincher, uno de los mejores directores actuales, las casi dos horas del relato no se resienten en ningún momento. Las declaraciones en los distintos y consecutivos juicios se intercalan con los fragmentos reales de aquellos días de 2003 en donde, por aquel entonces llamado TheFacebook, iba tomando forma. Lo que queda preguntarse es qué opinará el Zuckerberg real al verse retratado como inseguro, paranoico, dominable, cuasi autista, antisocial y cagador de amigos. El slogan del film parece no equivocarse: no se hacen 500 amigos sin ganarse algunos enemigos en el camino. Excelente banda sonora.

En este cuarto episodio de la saga de filmes basados en el popular videogame, el mundo continúa devastado por un virus que convierte a sus víctimas en zombies asesinos y Alice -la sobreviviente de los experimentos de la sustancia T- prosigue su búsqueda de humanos no infectados.
Con las esperanzas cada vez menores de encontrar un rincón del mundo sin contaminar, Alice termina atrapada en la ciudad de Los Ángeles, ahora consumida por el fuego e invadido por miles de no muertos.

Escrita, dirigida y producida por Paul W. S. Anderson, y con Milla Jovovich nuevamente a la cabeza del reparto, la banda sonora y los efectos visuales se llevan los pocos méritos de estos poco más de noventa minutos. Lo prometedor que se vislumbraba en la introducción poco a poco va dejando paso a las incongruencias más frecuentes del cine de acción. Más allá de esto, cabe destacar que “Resident Evil 4: La Resurrección” es la película que hasta ahora mejor ha sabido aprovechar los recursos que la tecnología 3D brinda a la nueva cinematografía.

Holly Berenson está en sus treinta, sigue soletera y administra su propio negocio de venta de tortas y delicatessen gourmet. Eric Messer tiene más o menos la misma edad, también sigue soltero y es el switch master de una cadena deportiva de televisión. El problema es que el factor matrimonio que a ella tanto le pesa a él ni siquiera lo mosquea: de ahí que la “cita a ciegas” organizada por una pareja de amigos fracase incluso antes de comenzar.
Lo único que compartirán estos polos opuestos será el amor que sienten por su ahijada Sophie. Cuando ellos dos se conviertan en lo único que la bebé tenga en el mundo, deberán aprender a convivir bajo el mismo techo si no quieren que Sophie termine en un orfanato.

A pesar de que el film respeta la estructura archiconocida de las comedias románticas, “Life as we know it” tiene momentos de autentica alegría y otros pasajes que no apelan al golpe bajo pero que son necesarios para la evolución de la historia. Es innegable que la química entre sus protagonistas Katherine Heigl (totalmente alejada de la serie Grey’s anatomy) y Josh Duhamel (protagonista de la reciente “Portadores” y marido de Fergie) es gran merecedora del disfrute que esta película produce, aunque el mismo se estire unos quince minutos más de lo necesario.

La aterrada Sarah, única sobreviviente del grupo de expedicionarias que se internó en las cuevas, se verá obligada a volver a la mina y enfrentarse de nuevo a sus demonios y, lo que es peor, a esas aterradoras criaturas que viven bajo la tierra. Esta secuela –que comienza segundos después del final de la primera parte- cuenta con la posibilidad de presentar lineamientos alternos en sus primeros minutos, como el trabajo de los equipos de rescate y el circo mediático que se forma alrededor del suceso sensacionalista.

El director de la primera entrega, Neil Marshall, cede ahora la batuta a su montajista, John Harris quien encuentra en los flashbacks una herramienta puramente comercial, más que argumental, permitiendo que espectadores ajenos al film original puedan seguir sin dificultad esta continuación.
Las secuencias bajo tierra son claustrofóbicas y el aditamento de las noticias actuales provenientes desde Chile lo hacen aún más escalofriante. Sin embargo, si el factor sorpresa ya no cuenta y lo sutil deja lugar a lo explícito, podemos concluir que “El descenso 2” es simplemente otra película de terror no apta para impresionables.

Después de haber cumplido una condena por fraude de valores, lavado de dinero y crimen organizado, Gordon Gekko (Michael Douglas) sale por las puertas de una correccional federal hecho un hombre cambiado. En el 2008, Jake Moore (Shia LaBeouf), un joven vendedor de propiedades está ganando millones de dólares en la compañía de su mentor: Keller Zabel Investments.
Winnie (Carey Mulligan), hija de Gekko y novia de Jake, apoya la determinación de su futuro marido de invertir en energía ecológica incentivada por un idealismo que no ve en los otros hombres que trabajan en Wall Street.
Sin embargo, una ola de rumores pone en jaque el trabajo de Jake: no tiene más remedio que acercarse a su suegro a espaldas de su mujer y descubrir la forma de salir a flote en el convulsionado mercado de valores de hace dos años.

Veintitrés años después del film original, el director Oliver Stone decidió poner al día su visión de la economía norteamericana. La trama –forzada en varios puntos y excesivamente extensa- hecha mano de recursos técnicos, visuales y estilísticos que no se encontraban disponibles allá por 1987, pero descuida la mordacidad que debería haber presentado. Con incontables guiños a los cinéfilos, esta segunda parte cuenta con las participaciones especiales de Susan Sarandon, Frank Langella, Elli Wallach y los cameos de Charlie Sheen (protagonista de la primera cinta) y del propio Stone.

Steven Russell (Jim Carrey) lleva una vida promedio, está felizmente casado con Debbie (Leslie Mann) y es miembro de la fuerza policíaca local. Todo esto hasta que sufre un severo accidente automovilístico que lo lleva a una epifanía suprema: reconocer ante el mundo que es gay. Cambiando sus costumbres por un estilo de vida extravagante, Steven opta por realizar engaños y fraudes para llegar a fin de mes… hasta que es enviado a la cárcel y conoce al amor de su vida: Phillip Morris (Ewan McGregor). Su devoción por liberarlo y construir una familia junto a él lo llevará a cometer una serie increíble de farsas.

Basada en un hecho real, esta flojísima producción del francés Luc Besson (quien no estuvo a cargo ni del guión ni de la dirección) tiene a Carrey como una parodia de sí mismo. Repite tics, muecas y exabruptos de sus peores películas. Ni siquiera la dupla que conforma con McGregor (¡qué hace Ewan acá!) es digna de destacar. Con graves problemas de incongruencias temporales en el relato, la pequeñez de sus realizadores se resume en el hecho de considerar la muerte por sida como el único factor dramático posible en una historia homosexual. El elenco se completa con el inexpresivo trabajo del brasileño Rodrigo Santoro y la forzada veta cómica de la mencionada Mann.

Esta historia dolorosa tiene como protagonista excluyente a Katie Jarvis, excelente actriz lookeada en un estilo demasiado similar al de la cantante Lily Allen (¿algún tipo de mensaje subliminal?). La historia pone su foco en la juventud a la deriva, en los padres que aún no han podido resolver que quieren hacer con sus vidas y por consiguiente en los desbordes que esta falta de contención produce en sus hijos.

Elizabeth Gilbert (Julia Roberts) es una mujer que tras un matrimonio frustrado y una revelación personal ante la falta de emoción, esperanza y proyectos decide viajar por el mundo para redescubrirse y encontrar su verdadero yo.
Sus planes son claros: disfrutar de un período en Roma para redescubrir el placer por la comida, pasar fin de año rezando y meditando en la India, y concluir su travesía en Bali, sin saber que allí además de hallar la paz interna y el equilibrio tal vez encuentre un nuevo amor.

Basada en una historia real, “Comer, rezar, amar” no es de las películas más inspiradas de Roberts. El problema dista bastante de ser mérito de la actriz: el guión es pretencioso, la dirección de Ryan Murphy se asemeja mucho a la de cualquiera de sus episodios de Glee (en donde los particulares movimientos de cámara siempre fueron bienvenidos) y la filosofía que trata de propagar se acerca más a un manual de autoayuda new age que a la realidad actual.
Sin dudas, lo más atractivo de la historia son los primeros sesenta minutos en Italia: dan ganas de instalarse en cualquier hotelito romano, disfrutar de toneladas de pasta y mares de vino tano.

Spencer Aimes (Ashton Kutcher) es un asesino a sueldo que decide abandonar su trabajo cuando se casa con la mujer de sus sueños (Katherine Heigl). Pero la felicidad dura poco porque alguien ha puesto precio a su cabeza y Spencer deberá confesar todo a su esposa para juntos averiguar quien es el misterioso personaje que quiere verlo muerto.

La poca química de la pareja central se suma al desconcierto de Heigl, quien está un par de revoluciones por encima del nivel recomendable. El film sólo gana algo de comicidad en la segunda mitad, cuando la cacería en pos de la recompensa se hace continua, generando momentos desopilantes.

Erin y Garrett se conocen en un bar, pasan la noche juntos y deciden ser “amigos” mientras dura la pasantía veraniega de ella en la ciudad. Tras seis semanas, Erin regresa a su San Francisco natal y la relación se convierte en un noviazgo a distancia. Pese a los kilómetros que los separan, a los votos en contra de amigos y familiares, y de algunas tentaciones inesperadas, la pareja ha encontrado algo parecido al amor y deciden aferrarse a ello… tal vez los sms, el sexo telefónico y el video chat puedan paliar la lejanía.

Desde el comienzo se percibe que el vínculo que une a Drew Barrymore con Justin Long trasciendo los sets de filmación y que esos pequeños chispazos de complicidad que se traslucen a cada momento de deben a su noviazgo en la vida real. Respetando la estructura de la comedia romántica clásica, pero haciendo lugar a un tema poco abordado hasta ahora y con algunos chistes no habituales de las historias rosas, “Going the distance” explota los mejor que tiene: sus cómicos protagonistas.

Es una pena que la distribuidora no apostara por un lanzamiento en cines de esta pieza del director Spike Jonze que cuenta con los talentos vocales de Catherine O’Hara, James Gandolfini, Forest Whitaker, Chris Cooper y Paul Dano, entre otros reconocidos actores. Estrenada directo en DVD y Blue Ray, “Dónde viven los monstruos” nos trae a Max, un sensible niño de nueve años que se escapa de su casa para navegar a través de los mares y convertirse en el rey de un maravilloso mundo repleto de increíbles monstruos gigantes. Pero ser rey es una tarea más difícil de lo que parecía.

Algo de la magnética dulzura de “El mundo mágico de Terabithia” se cuela por los poros de esta adaptación del clásico literario de Maurice Sendak. Su fracaso de taquilla habrá que buscarlo en la cadencia de la narración, la cual cansa a los más pequeños antes de tiempo, haciéndoseles prácticamente imposible aguantar hasta el final del relato.